La presentaciףn del programa del Guggenheim Bilbao para 2003 sirviף tambien para hacer un balance del 2002, cuando el museo recibiף un total de 851.628 visitantes, con un descenso de 70.000 personas respecto al aסo anterior.
El director general de esta entidad, Juan Ignacio Vidarte dijoque se debiף, entre otras causas, a los efectos del 11 de Septiembre en el sector turםstico. Tambien asegurף que el museo no ha tocado techo en lo que a nתmero de visitantes se refiere y mantiene el listףn del millףn personas como objetivo.
Respecto a 2003, Vidarte dijo que la entidad dispone de un presupuesto de aproximadamente 23 millones de euros y que la programaciףn artםstica prevista cuenta con dos exposiciones temporales y cuatro pertenecientes a la colecciףn permanente. Las exposiciones temporales, que se exhibirבn en primavera y verano, se titulan "De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las colecciones Broad" y "Alexander Kalder".
Veamos mבs extenso el programa:
COLECCI׃N PERMANENTE: Transparencias
Comisaria:
Petra Joos
Fechas:
marzo-mayo 2003
Sala:103
CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N
La luz, protagonista indiscutible de esta muestra, atraviesa y forma parte de la obra de destacados creadores del panorama artםstico vasco y espaסol de nuestros dםas. Javier Pיrez, Cristina Iglesias, Susana Solano y Juan Luis Moraza, todos ellos artistas que representan uno de los principales ejes en los que se estructura la Colecciףn Propia del Museo Guggenheim Bilbao, expondrבn su obra en la sala 103 durante la primavera de 2003.
Javier Pיrez con Levitas, 1998, mostrarב, a travיs de la extrema ligereza de su obra, la presencia humana representada en las misteriosas huellas insertas en sus esferas de cristal, transmitiendo la inestabilidad y fragilidad de la vida.
Sin tםtulo (Habitaciףn de alabastro), 1993, de Cristina Iglesias estב formada por el espacio, la luz y los materiales, que modelan y dan sentido al conjunto, evidenciando las cualidades fםsicas de los תltimos y desvelando la complejidad estructural y formal de la obra. Sin tםtulo (Celosםa II), realizada en 1997, tiene el aspecto de una habitaciףn de apariencia exףtica que, aunque en algunos puntos parece cerrada, permite el acceso de la luz al interior. Esta obra evoca las celosםas בrabes y en ella, como en muchas de sus obras, la artista logra aunar contenidos aparentemente antitיticos, presentando una estancia que es al mismo tiempo refugio y prisiףn.
En Jaosokor, obra realizada en 1997 por la artista Susana Solano, los grandes trozos de plבstico incoloro y transparente de tamaסo similar producen una falsa impresiףn de solidez, al tiempo que recuerdan algunas de las cualidades de la espuma, del agua y de la luz solar. Inspirada en un viaje a Indonesia, en esta obra la artista manifiesta la necesidad de relacionar su arte con el mundo.
Juan Luis Moraza desplegarב en la sala 103 su obra ֹxtasis, status, estatua, 1994, en la que un gran nתmero de tacones de zapato realizados en resina y alineados de manera ordenada producen un efecto de saturaciףn paralizante y articulan el placer femenino, veladamente representado por los tacones. La obra revela el interיs de Moraza por lo formal, hasta cierto punto lo cotidiano, y por los lםmites del objeto, al tiempo que trata de apuntar hacia cuestiones mבs transcendentes.
COLECCI׃N PERMANENTE. Antonio Saura
Comisaria:
Petra Joos
Fechas:
julio 2003–2004
Sala:103
CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N
En esta presentaciףn se mostrarבn por primera vez y dentro de su contexto artםstico, las obras de Antonio Saura recientemente adquiridas por el Museo Guggenheim Bilbao. Estas piezas se expondrבn junto con las de otros protagonistas del informalismo espaסol y las de representantes del expresionismo abstracto norteamericano.
Nacido en Huesca en 1930, Antonio Saura residiף con su familia en Madrid, Valencia y Barcelona. Desde temprana edad acompaסף a su padre en sus visitas al Museo del Prado, donde quedף profundamente impactado por el Cristo crucificado (1632) de Diego Velבzquez y el Perro semihundido (1821-23) de Francisco de Goya, que marcarםan de forma singular la temבtica de su futura obra. Autodidacta, comenzף a pintar y escribir en 1947 durante la convalecencia de una larga enfermedad. Entre 1948 y 1950 realizף la serie Constelaciones en la que queda patente la influencia de la pintura de Mirף de los aסos 30 y 40, asם como de la concepciףn artםstica del surrealismo agrupado en torno a la figura de Andrי Breton. Entre 1953 y 1955 residiף en Parםs donde participף, en un principio, en las actividades del grupo surrealista que lideraba Breton, conociendo despuיs el informalismo francיs, llamado art autre, y la pintura norteamericana.
En 1957 fundף en Madrid el grupo El Paso, que dirigiף hasta su disoluciףn en 1960. En el manifiesto del grupo se plasmף la voluntad de crear en Espaסa un nuevo lenguaje pictףrico que se inscribiera en el contexto de las vanguardias europeas del momento. Fue en esos mismos aסos en los que se desarrollף el informalismo espaסol del que participaron, al margen del grupo El Paso, la prבctica totalidad de los artistas del grupo catalבn Dau al Set, siendo Antoni Tאpies una figura destacada.
La adquisiciףn de las dos pinturas de Antonio Saura, Crucifixiףn y Karl Johann II, junto a la donaciףn de dos obras sobre papel, 24 cabezas y Retrato imaginario de Goya, forman un conjunto de excepcional representatividad temבtica de su trayectoria artםstica. La presentaciףn de estas adquisiciones, que abarcan diferentes perםodos de la evoluciףn creativa del artista, se verב complementada por las dos obras pertenecientes al Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, proporcionando asם al espectador una visiףn detallada del trabajo de Antonio Saura.
La obra de Saura se presentarב, ademבs, junto a la de protagonistas del informalismo espaסol como Antoni Tאpies y a la de representantes del expresionismo abstracto norteamericano —como Mark Rothko, Willem de Kooning, Clyfford Still o Robert Motherwell— movimiento ampliamente representado en la Colecciףn Propia del Museo Guggenheim Bilbao.
COLECCI׃N PERMANENTE. Imבgenes en movimiento
Comisarias:
Lisa Dennison y Nancy Spector
Sedes:
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao
Fechas:
octubre 2003–abril 2004
Salas: 105, 301, 302, 303, 305, 306 y 307
CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N
La muestra Imבgenes en movimiento reunirב alrededor de 150 obras de 55 artistas contemporבneos que utilizan la fotografםa, el cine y el vםdeo como soporte y medio de expresiףn de su creatividad. La exposiciףn se centra en el uso extensivo de medios reproducibles que se viene observando en el arte de la תltima dיcada y propone que este fenףmeno tiene su antecedente en el arte de finales de los 60 y la dיcada de los 70, perםodo en que los artistas incorporaron la fotografםa y la imagen en movimiento a sus prבcticas de base conceptual. La exposiciףn incluye obras de relevantes artistas contemporבneos como Christian Boltanski, Rineke Dijkstra, Stan Douglas, Olafur Eliasson, Fischli/Weiss, Anna Gaskell, Andreas Gursky, Pierre Huyghe, William Kentridge, Iסigo Manglano-Ovalle, Gabriel Orozco, Cindy Sherman, Thomas Struth, Sam Taylor-Wood, Wolfgang Tillmans y Kara Walker, asם como creaciones de algunos de los pioneros en estos medios de expresiףn como Marina Abramovic.
Durante las tres תltimas dיcadas los artistas han adoptado la fotografםa, el cine y el vםdeo como herramientas para articular sus prבcticas conceptuales. Tanto si se trata de grabar performances o actos efםmeros como si pretenden construir nuevas realidades, estos artistas han utilizado medios reproducibles como principales formas de arte. Evitando el primer impulso de convertirlo en un acto documental, todos ellos han manipulado sus representaciones del mundo empםrico o han inventado una cosmologםa totalmente nueva. Algunos artistas han elegido intervenir directamente en el entorno, cambiando de un modo sutil los componentes del mundo encontrado para hacer manifiesta su presencia en יl, mientras que otros han fabricado entornos ficticios para que los capte la lente de una cבmara. Esta exposiciףn, que se nutre de los fondos de la Colecciףn Permanente de los Museos Guggenheim, pretende ser una reflexiףn sobre la presencia de este tipo de prבcticas en el arte de los תltimos diez aסos.
COLECCI׃N PERMANENTE:Jean Dubuffet
Comisario:
Lisa Dennison
Fechas:
noviembre 2003-2004
Salas: Segunda planta
CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N
Con la presentaciףn de esta amplia selecciףn de obras de Jean Dubuffet, el Museo Guggenheim Bilbao continתa con el objetivo de mostrar, de forma cronolףgica, los fondos de arte del siglo XX pertenecientes a su Colecciףn Permanente. Este recorrido histףrico se iniciף en 2001 con la muestra Selecciones de la Colecciףn Thannhauser, que reunםa obras maestras del impresionismo, postimpresionismo y las primeras vanguardias. En 2002 el itinerario continuף con una mirada exhaustiva al trabajo de uno de los pioneros de la abstracciףn con la presentaciףn Kandinsky en su contexto. Jean Dubuffet prosigue en 2003 este repaso histףrico presentando una amplia selecciףn de obras de este artista francיs, uno de los mבximos representantes del informalismo, movimiento que surgiף en Europa despuיs de la II Guerra Mundial.
Nacido en 1901 en Le Havre, Francia, Dubuffet estudiף arte en Parםs durante un corto perםodo de su adolescencia, donde conociף a Raoul Dufy, Max Jacob, Fernand Lיger y Suzanne Valadon y donde quedף fascinado por el libro de Hans Prinzhorn sobre el arte de los enfermos mentales. Tras viajar por Italia y Amיrica del Sur, trabajף como delineante industrial, primero, y en el negocio de la familia, despuיs, abandonando temporalmente el mundo del arte.
No fue hasta 1942 cuando Dubuffet decidiף dedicarse definitivamente a la creaciףn artםstica. Al inicio de esta dיcada se vinculף a Andrי Breton, Georges Limbour, Jean Paulhan y Charles Ratton y su estilo y temas en este perםodo estuvieron profundamente influidos por la obra de Paul Klee. A partir de 1945 comenzף a coleccionar Art Brut, obras espontבneas de autores autodidactas, en algunos casos enfermos mentales.
ֹl mismo calificaba su estilo pictףrico como Art Brut, contrario a todo lo que cabםa esperar de un pintor de la tradiciףn artםstica francesa y planteaba un radical desafםo a los valores estיticos establecidos. Inspirado en el graffiti y en el arte espontבneo de autores autodidactas, Dubuffet insistםa en que su trabajo cuestionaba la engaסosa nociףn de la belleza “heredada de los griegos y fomentada por las portadas de las revistas”. Ademבs de su devociףn por el arte de las culturas “primitivas” y por el de los artistas sin formaciףn, Dubuffet estaba tambiיn enormemente interesado en una dispar gama de objetos y de materiales encontrados. En su intento por rehabilitar valores y materiales despreciados por la concepciףn estיtica occidental de aquel momento, lo que mבs interesaba a Dubuffet era la energםa desatada, espontבnea y sincera y con ello el espםritu de insubordinaciףn y desafםo.
EXPOSICI׃N TEMPORAL
De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las colecciones Broad
Comisaria:
Lisa Dennison
Sedes:
Los Angeles County Museum of Art; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; Museum of Fine Arts, Boston; Museo Guggenheim Bilbao
Fechas:
15 de febrero–7 de septiembre
Salas:105, 301, 302, 303, 304, 305, 306, 307
CONTENIDO DE LA EXPOSICI׃N
La exposiciףn De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las Colecciones Broad constituye una presentaciףn a gran escala de los fondos artםsticos reunidos por los filבntropos californianos Eli y Edythe Broad, propietarios de una de las mejores colecciones de artistas consagrados y emergentes. Acerca de cףmo empezף a coleccionar obras de arte Eli Broad ha manifestado que “las grandes colecciones se hacen mientras el arte es contemporבneo: no se puede volver atrבs y crear una gran colecciףn de impresionismo y postimpresionismo en la actualidad”.
Eli y Edythe Broad, residentes en Los ֱngeles, fundaron en 1984 The Broad Art Foundation con el fin de prestar obras a instituciones para lograr que sus colecciones de arte contemporבneo llegaran a un pתblico mבs amplio. En la actualidad, los fondos de esta fundaciףn y los de los Broad suman mבs de mil obras de mבs de 150 artistas. Con ejemplos de diversos estilos artםsticos que han surgido a partir de la II Guerra Mundial, las colecciones Broad se centran en obras de carבcter representativo y en piezas que ponen de relieve temas sociales.
La selecciףn de cerca de 125 de obras de una veintena de artistas que reתne la exposiciףn ocuparב, ademבs de toda la tercera planta del Museo, una sala en la primera.
La muestra presenta algunos de los movimientos artםsticos mבs relevantes surgidos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, incluyendo el arte pop, el neoexpresionismo alemבn, el arte conceptual y el trabajo de artistas que alcanzaron notable relevancia en Los ֱngeles en la dיcada de los 90. En la exposiciףn podrבn contemplarse piezas emblemבticas de Jasper Johns, Andy Warhol, Cy Twombly, Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Cindy Sherman o Charles Ray, entre otros. Ademבs, se podrב contemplar el arte de los aסos 80 ¾una dיcada de gran prosperidad econףmica a la que los Broad han prestado especial atenciףn y que es, al mismo tiempo, un perםodo candente y politizado en el mundo del arte cuyo nתcleo se situף en Nueva York¾ desde una perspectiva histףrica, al situar la creaciףn artםstica de este perםodo en el contexto que proporcionan las piezas y movimientos fundamentales de los aסos inmediatamente anteriores y posteriores
Tambiיn presentes en la muestra. Desde la seductora interpretaciףn de temas corrientes, incluso kitsch que evidencian las obras inspiradas en el arte pop creadas por Jeff Koons, pasando por los graffiti de Jean-Michael Basquiat, hasta las teatrales fotografםas de Cindy Sherman, las creaciones de los 80 a menudo aluden a temas como la clase social, la raza, el gיnero y la marginalidad, y ponen en tela de juicio cuestiones como los valores culturales imperantes o la mercantilizaciףn del arte. Finalmente, la intensa presencia del trabajo de artistas alemanes contemporבneos que se puede observar en la muestra, que incluye esculturas recientes en madera de Stephan Balkenhol o lienzos en tיcnica mixta de Anselm Kiefer, pone de manifiesto una atenciףn creciente a los movimientos artםsticos internacionales que tuvieron un impacto considerable en el panorama artםstico norteamericano.
EXPOSICI׃N TEMPORAL
Alexander Calder
Comisarios:
Carmen Gimיnez y Alexander S. C. Rower
Sedes:
Museo Guggenheim Bilbao; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofםa
Fechas:
18 marzo–7 de octubre
Salas: 102, 201, 202, 203, 204, 205, 206, 207, 208, 209
CONTENIDO DE LA EXPOSICI׃N
“¿Por quי el arte ha de ser estבtico? Al mirar una obra abstracta, ya sea una escultura o una pintura, vemos un conjunto excitante de planos, esferas, nתcleos, sin significado alguno. Serםa perfecta pero siempre es inmףvil. El siguiente paso en la escultura es el movimiento”. Alexander Calder, 1932
A lo largo de su carrera, el potencial cinיtico del arte fue un interיs prioritario para Alexander Calder. Empleando el lenguaje de la abstracciףn, capturף el movimiento en una serie de estructuras que ofrecםan alternativas radicales a las nociones existentes sobre escultura y que tuvieron un profundo impacto en la historia del arte del siglo XX. Situada en las salas de la segunda planta, la exposiciףn Alexander Calder recorre la visiףn singular de este artista a travיs de una selecciףn de mבs de 65 esculturas creadas a lo largo de cinco dיcadas de dedicaciףn a la forma abstracta. La exposiciףn pone en evidencia cףmo el deseo de Calder de crear un tipo de arte que evocara la vida generף en יl una preocupaciףn constante por la fuerza de la gravedad, la circulaciףn del aire y la intervenciףn del azar.
Nacido en Filadelfia, Calder era hijo de dos artistas y pese a que su formaciףn acadיmica era la ingenierםa mecבnica, su inclinaciףn artםstica prevaleciף. En 1923 entrף en la Art Students League de Nueva York. En 1925 el National Police Gazette le encargף las ilustraciones de unos espectבculos de circo, tarea que despertף en יl la fascinaciףn por el tema circense que finalmente dio como resultado su Circo Calder. Esta performance se estrenף en Parםs en 1926 despuיs de que el artista se trasladara a aquella ciudad en la que entrף en contacto con algunos miembros de la vanguardia parisina como Le Corbusier, Fernand Lיger, Joan Mirף, Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Su estיtica se vio alterada por su primera visita al estudio de Mondrian en el otoסo de 1930. A partir de aquel momento, adoptף un lenguaje escultףrico enteramente abstracto. En 1931 entrף a formar parte de Abstraction-Creבtion y en ese mismo aסo comenzף a construir esculturas compuestas de partes mףviles independientes que Marcel Duchamp bautizarםa como “mobiles” (“mףviles”). Aunque en la actualidad se ha convertido en una forma artםstica absolutamente aceptada, los mףviles de Calder se consideraron en aquel momento un gran logro vanguardista que contrastaba profundamente con las formas escultףricas estבticas precedentes.
Fue Arp quien, en 1932, acuסף el tיrmino “stabile” refiriיndose a los primeros universos inmףviles de Calder sin motorizar. Aunque las piezas son inmףviles, la dinבmica forma tridimensional del stabile sugiere su potencial cinיtico y exige el movimiento fםsico del espectador, que debe rodear la obra para completarla. Calder concibiף sus “constelaciones” durante 1942-43, realizadas en una יpoca de escasez de metal ocasionada por la guerra y que fueron creadas uniendo formas de madera tallada a mano a los extremos de varillas rםgidas de acero. En 1951 Calder ideף una nueva combinaciףn de mףvil/stabile cuya estructura estב relacionada con sus constelaciones. Se trata de las llamadas “torres” que se fijan a la pared mediante un clavo y que estבn compuestas de un armazףn de varillas y de una especie de patas de alambre que parecen surgir del propio muro, con objetos mףviles suspendidos de sus estructuras. El sonido, que habםa estado presente en el proceso de Calder desde 1932 pasף a ser el centro de sus exploraciones en aquel momento. Desarrollados en torno a 1948, sus “gongs” se componen de un percusor y un plato colgado que suena y los movimientos impredecibles de las piezas hacen que emitan sonidos sorprendentes. A partir de los aסos 50, el tamaסo de las obras de Calder va en aumento, en parte porque a menudo le encargan esculturas para exteriores o para grandes atrios.
Sus esculturas abstractas retienen una vitalidad singular que se deriva del mundo natural y continתan cautivando al pתblico de forma nueva. Presentada en el contexto de la estructura contemporבnea del Museo Guggenheim Bilbao, obra de Frank O. Gehry, Alexander Calder ofrece al espectador la oportunidad de volver a examinar las formas orgבnicas del escultor dentro de un entorno arquitectףnico igualmente innovador y dinבmico. Desde su retrospectiva de 1964 en el emblemבtico edificio neoyorquino de Frank Lloyd Wright no se habםa producido tal conjunciףn de arte y arquitectura.
Puppy el popular perrito ante el gran museo moderno bilbaino