Atractivos del Guggen para el 2006

Max Beckmann, Chillida, el arte africano y –sobre todo- el arte ruso, son propuestas artísticas que incrementarán la atracción permanente del Guggenheim de Bilbao en el año 2006.

El panorama expositivo del año incluye los siguientes grandes eventos:

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: ¡Rusia!

Comisarios: Thomas Krens, Valerie Hillings, Evgenia Petrova, Lidia Iovleva y Zelfira Tregulova

Sedes: Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 29 de marzo-3 de septiembre 2006

¡Rusia! es una muestra que incluye grandes obras maestras del arte ruso desde el siglo XIII hasta la actualidad así como pinturas y esculturas de Europa occidental de colecciones particulares y de las colecciones de la Rusia imperial desde el siglo XVIII hasta el XX que proceden, tanto de los museos más importantes del país —Museo Estatal de Arte Ruso, la Galería Estatal Tretiakov, el Museo Estatal del Ermitage y el Museo del Kremlin— como de museos regionales, coleccionistas particulares y algunos museos y colecciones fuera de Rusia.

Un significativo número de piezas se han expuesto en contadas ocasiones o nunca antes habían salido del país hasta esta exposición.

La muestra desvela, a lo largo de capítulos ordenados cronológicamente según los momentos más importantes de la historia del arte ruso, el coleccionismo en Rusia y la historia de aquel país. La primera sección está dedicada al arte religioso ortodoxo ruso y abarca desde el siglo XIII hasta el XVII, destacando notables ejemplos de artes decorativas del Museo del Kremlin, elaboradas esculturas de madera y objetos litúrgicos, una selección de algunos de los iconos más impresionantes representativos de los principales temas, incluidos unas tablas de los afamados artistas Andrei Rublev y Dionisii, y la reconstrucción de un iconostasio que reúne paneles que fueron separados en diferentes colecciones durante la era soviética.

La segunda sección introduce el siglo XVIII, un período en el que el arte de Europa occidental comienza a penetrar en Rusia y a ejercer una influencia en el arte ruso visible a través de las obras de las colecciones imperiales de los zares, de los artistas extranjeros que fueron a trabajar a Rusia y de los creadores rusos que viajaron al exterior. En muchos sentidos, esta época se convierte en la era del retrato.

La siguiente sección se dedica al siglo XIX, marcado por la diversificación del arte ruso, que abarca paisajes, escenas de género y cuadros de realismo crítico afines a los escritos de León Tolstoi y Fiodor Dostoievski. En esta sección se presentan no sólo las grandes obras maestras del período sino también una serie de piezas épicas y monumentales de estilo académico que han sido prestadas expresamente para la exposición en el Museo Guggenheim Bilbao.

El siguiente capítulo, centrado en la vanguardia de comienzos del siglo XX, ofrece un panorama de este complejo y radical momento de la historia del arte. En esta sección se presentan desde obras neoprimitivistas que fusionan fuentes diversas desde Picasso —cuya obra se había visto en Rusia en las colecciones de los comerciantes Serguei Shchukin e Iván Morozov—, hasta la tradición artística popular rusa; desde las pinturas abstractas más puras y reduccionistas hasta las obras figurativas de los años veinte que presentan el nuevo hombre y la nueva mujer de la era soviética.

Los años treinta y cuarenta atestiguan el auge y el dominio de la política oficial del Realismo Socialista en el arte. Los artistas, a quienes se les encomendó realizar obras realistas en forma y socialistas en contenido, produjeron grandes visiones que glorificaban el naciente sistema soviético. Las piezas que se exhiben en esta sección reflejan la escala grandiosa y el optimismo de los temas del momento.

Tras la muerte de Stalin en 1953, los artistas oficiales pudieron ampliar los parámetros del Realismo Socialista representando temas más personales y desde enfoques más diversos. Entre los sesenta y los ochenta, un cierto número de artistas también comenzó a trabajar fuera de la línea oficial en estilos que se salían de las fórmulas promulgadas por el estado. Ambos enfoques se muestran y contrastan dentro de una sección de la muestra dedicada al período que va desde finales de los años cincuenta hasta finales de los ochenta.

El último capítulo de la muestra presenta el arte contemporáneo experimental en diversos medios (pintura, escultura, instalación y vídeo) y multitud de temas. La pluralidad de esta sección refleja el hecho de que, a diferencia de los demás capítulos, éste aún se encuentra en pleno desarrollo.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: Homenaje a Chillida

Comisario: Kosme de Barañano

Sedes: Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 8 de abril-11 de junio 2006

El escultor Eduardo Chillida nació y murió en San Sebastián (1924–2002) y a lo largo de su vida recibió prácticamente todos los galardones y distinciones existentes: del premio de la Bienal de Venecia al Kandinsky, del Willhem Lehmbruck al Príncipe de Asturias, del Kaiserring alemán al Premio Imperial de Japón. Su primera exposición la realizó en París en 1950 y desde entonces se le han dedicado retrospectivas en lugares tan diversos como Houston, Berlín, Madrid, Caracas, Londres, Palermo o el propio Museo Guggenheim Bilbao.

Su obra está presente en más de veinte museos de todo el mundo; también frente al mar como en San Sebastián, en la montaña como en Japón o en ciudades como Washington, París, Lund, Munster, Madrid, Palma de Mallorca, Gernika o Berlín, y sobre ella han escrito arquitectos, matemáticos, filósofos como Martin Heidegger y Emile Cioran, o poetas como Octavio Paz.

A lo largo de su carrera y como muestra de amistad, de respeto y de elogio, Eduardo Chillida realizó múltiples homenajes a artistas diversos con los que tuvo algún tipo de vinculación como, por ejemplo, Alexander Calder, Georges Braque, Cy Twombly, Joan Miró y un largo etcétera y estas piezas son también ensayos de interpretación de la escultura o de la pintura de los otros. Su fallecimiento en 2002 puso de relieve el inmenso aprecio y respeto que los artistas de su edad o más jóvenes le profesan. Esta exposición, por tanto, es muestra de dicha afinidad y memoria visual hacia Eduardo Chillida y su obra.

Diversos artistas actuales, de Manolo Valdés a Anthony Caro, de Georg Baselitz a Sean Scully, expresan su homenaje en el marco de esta exposición de una forma semejante a la que Chillida realizaba con otros artistas. En su obra destaca la modulación de los espacios y la orquestación de lo no dicho, del vacío, que adquiere la categoría de signo, y su estilo se fundamenta en la simplicidad, en la eliminación de los excedentes retóricos de la imagen. Este homenaje no se basa en el discurso de las palabras sino en la sencillez de unas obras que hablan del escultor o lo rememoran en el lenguaje particular elegido por cada uno de los artistas de esta presentación.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: Max Beckmann: acuarelas y pasteles

Comisarios: Mayen Beckmann y Siegfried Gohr

Sedes: Schirn Kunsthalle Frankfurt, Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 27 de junio-24 de septiembre 2006

Max Beckmann es uno de los artistas más importantes del siglo XX y sin embargo, su obra sólo alcanzó su actual cota de notoriedad a partir de 1980. Las recientes retrospectivas de Nueva York, Zúrich y París han estimulado un enorme y renovado interés por su obra.

Además de por su variada obra pictórica, que incluye sus hoy famosos nueve trípticos, Beckmann se granjeó fama como artista gráfico. Especialmente sus ciclos Viaje por Berlín (Berliner Reise) y El infierno (Die Hölle) son considerados hoy día contribuciones artísticas esenciales para el análisis de la República de Weimar; la serie Día y sueño (Day and Dream), realizada posteriormente en América, reúne, como en un caleidoscopio, un universo de motivos de casi cinco décadas de creatividad.

A pesar de la fama que este artista ha alcanzado, aún quedaba pendiente un estudio en profundidad de Beckmann como pintor “sobre papel”. Los pasteles y acuarelas han estado dispersos, a menudo ocultos en colecciones o, al menos, no han estado presentes de forma concentrada como sus pinturas en San Luis o en la Neue Pinakothek de Múnich. Sólo a través del trabajo de su catálogo razonado se ha puesto en evidencia la importancia, en varios momentos de su trayectoria artística, de estas técnicas, a menudo caracterizadas como ligeras o efímeras.

Los pasteles de los años veinte preparan el terreno para una nueva consideración de la línea y el color; las grandes láminas de 1933 también muestran el brillante color logrado en el tríptico Partida ( Abfahrt). Tras su experiencia con los dibujos a pluma realizados para el Fausto II de Goethe que Beckmann realizó durante la guerra, aparecieron después de 1945 hojas con complejas combinaciones de pluma, acuarela, guache, carboncillo, etc.

Al mismo tiempo, sin embargo, Beckmann producía espontáneas piezas que proceden de impresiones visuales inmediatas como sus escenas en un café. Las obras en color sobre papel muestran a un Beckmann experimentando, relajándose o en atenta observación. Su maestría técnica es especialmente sorprendente en las obras sobre papel cuyo atractivo fundamental, sin embargo, radica en que el espectador es testigo de un fascinante diálogo del artista consigo mismo que cautiva incluso, o quizá especialmente, donde permanece enigmático.

Esta exposición ha sido organizada en colaboración con la Schirn Kunsthalle de Frankfurt.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: 100% Africa

Comisario: André Magnin

Sedes: Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 10 de octubre 2006-febrero 2007

Durante siglos, el dominio cultural y económico de occidente se basó en los recursos humanos y materiales procedentes de otros lugares del mundo. “Antes de 1989”, afirma Jean Pigozzi, “no tenía idea de que hubiera tal riqueza creativa en el arte contemporáneo africano”. A partir de esta premisa, el coleccionista Jean Pigozzi y André Magnin comisario de esta exposición, se dedicaron a crear la Colección de Arte Africano Contemporáneo (CAAC) destinada exclusivamente a reunir todas las formas de arte africano contemporáneo (pintura, escultura, fotografía, dibujo, instalación, vídeo, etc.). La Colección incluye a artistas autodidactas y a artistas formados, creadores que residen en áreas urbanas o en remotas zonas rurales con sus tradiciones locales que desarrollan y enriquecen.

100% Africa, es una exposición de arte africano contemporáneo de la Colección Jean Pigozzi que presenta a unos 30 artistas de una veintena de países sub-saharianos. No se trata de creadores notables por su origen sino por la singularidad y poder de sus obras, que suponen una valiosa contribución a la historia mundial de las artes. La muestra reúne una serie de obras fundamentales de la Colección Pigozzi, entre ellas, un número importante de piezas creadas en 2005 y otras especialmente encargadas para esta exposición. El diseño de la exposición correrá a cargo del prestigioso creador Ettore Sottsass.

El artista, Frédéric Bruly Bouabré considera la cultura como esencia de una civilización y uno de los elementos de atracción más poderosos que existen. Por su parte, Bodys Isek Kingelez, de la República Democrática del Congo, afirma que el arte es una forma de conocimiento que lleva hacia un futuro mejor para la colectividad. Por otro lado, el reconocido pintor Chéri Samba afirma: “Mi arte es parte integrante de mi entorno. Extrae su inspiración de la gente, trata de la gente y está dedicado a la gente. Cualquiera que sea su origen, un artista debe ser entendido en todo el mundo”.

Estas palabras atestiguan un poderoso sentimiento de solidaridad, una forma de afirmar que el arte en África tiende más hacia lo esencial y lo sagrado que hacia formas individuales de creatividad. Este arte, en toda su diversidad, pone de relieve valores como la solidaridad y la vida en comunidad, dotando a África de una dignidad ejemplar.