Barcelona, 7 de febrero de 2014
Hablar de Don Eddy es hablar de inicios, de nuevos conceptos y de vanguardia. Don Eddy (California, 1944) obtuvo el reconocimiento inicial como artista hiperrealista durante los años 60, convirtiéndose en máximo exponente de su generación y marcando toda una época.
En la década de los 60 una serie de artistas rompen y crean un nuevo concepto y, ayudados por la fotografía, empiezan a mostrar un arte mucho más actual, mas cotidiano, inmerso en el entorno, con el paisaje urbano estadounidense como protagonista. Escaparates, gasolineras, automóviles, tiendas... los artistas de esta generación tomarían como referentes los motivos de la cultura pop y el capitalismo postindustrial, y buscarían reflejar la riqueza y belleza de las cosas más simples.
En la década de los 80, Don Eddy orienta su trabajo hacia los objetos, con los que sugiere un paisaje, a través de los reflejos de una ventana o el agua, recursos muy presentes en su obra, y que funcionan como un símbolo poético de umbral hacia otra realidad.
La muestra del MEAM recoge ocho trípticos creados entre el 2005 y el 2011: Nostos I: There is no Road to Grace's House (2005), A River Called In Lumen Profero (2008), Last Few Tears (2008), Eon (2009), My Brother's Keeper (2009), Place Bandit IV (2009), Revelation Rain (2010) i Mono No Aware II (2011).
Objetivos y sentido, por Don Eddy
"En primer lugar, las imágenes de estos cuadros están sacadas de fotografías. Esto es algo obvio y común, pero no fue siempre así. Cuando empecé a utilizar la fotografía en 1967, era algo casi inaudito y muy polémico.
En segundo lugar, estos cuadros están pintados con un aerógrafo que tiene 55 años. De nuevo, el aerógrafo es bastante común hoy en día, pero ése no era el caso hace 45 años. De hecho, su uso, en aquellos tiempos, fue aún más polémico que el de la fotografía porque se asociaba de forma casi exclusiva al arte comercial.
En tercer lugar, los cuadros están pintados utilizando un complejo sistema de capas de pintura superpuestas. El sistema es casi completamente transparente y emplea entre 15 y 25 capas. Es prácticamente imposible notarlo si no sabes lo que estás buscando, pero resulta crucial para el resultado final. La técnica de pintura en capas era común en la historia del arte premoderno de la Europa Occidental. No es tan común en la pintura contemporánea, aunque tampoco sea desconocida.
Por último, cada pintura es la suma de varios paneles individuales, separados uno del otro normalmente por espacios de 2,54 cm. En el caso de los cuadros de la exposición, todos ellos son trípticos, un formato de trabajo habitual en la Edad Media, pero raramente utilizado en el arte contemporáneo como sistema organizativo.
Empecé a pintar polípticos en 1990. Cuando presenté mis trabajos, tengo que decir que fueron recibidos con una mezcla de asombro y resistencia. Con el paso del tiempo he percibido cierta aceptación a regañadientes del formato, aunque sin entenderlo del todo. Las preguntas persisten: ¿qué falta hacía? ¿Qué función cumple? ¿Qué significa? Aunque estuve reflexionando durante años antes de decidirme por esta técnica, que se ha convertido en el propósito central de mi trabajo.
¿cómo puede uno percibir la riqueza de la experiencia si está encerrada en «cosas» simples?, ¿cómo se puede transmitir en el contexto artístico? Esto crea una dificultad importante para el arte figurativo. Pone de relieve una debilidad sustancial cuando se representan cosas en una obra que consta de un solo lienzo o panel. ¿Cómo puedo llenar la imagen de un objeto común con la profundidad y riqueza de mi experiencia?
Al cabo de varios años de lucha se me ocurrió que la solución a este problema sería adoptar la forma de polípticos. El tema inevitable de una obra en forma de políptico no son las «cosas» sino las «relaciones». En este trabajo se genera una conversación entre imágenes que se parece más a nuestra experiencia que a nuestra percepción. No es necesariamente una conversación didáctica con un sentido preconcebido. Al contrario, el sentido se genera en el contexto de un entorno dinámico entre múltiples imágenes y el observador. Existencialmente el sentido no es previo al diálogo.
Como en la vida misma, el sentido se genera en el tiempo mediante la interacción activa con otras personas, lugares, cosas. Nuestro relato personal, nuestras historias personales, son nuestros relatos e historias sólo si miramos hacia atrás. En el presente, tenemos relaciones activas al tiempo que generamos nuestras experiencias y sentido. Esto es lo que mi trabajo actual se propone hacer."
Un maestro del Hiperrealismo americano
Don Eddy Últimos trabajos 2005-2011
Del 11 de febrero al 30 de marzo
Museu Europeu d`Art Modern
Barra de Ferro, 5
Barcelona
Nostos I: There is no Road to Grace’s House, 2005. Don Eddy.
Place Bandit IV, 2009. Don Eddy.
Eon, 2009. Don Eddy.
Revelation Rain, 2010. Don Eddy.
Mono No Aware II, 2011. Don Eddy.