Archivo de noticias de 2018

Las islas de Tokio

22/03/2018, Con unos 40 millones de habitantes en su área metropolitana, Tokio es un territorio sumamente abigarrado… pero también tiene islas donde reinan la paz y la naturaleza.

Claudio Path, Guiarte.com. Tokio, 23/03/2018

La prefectura de Tokio se extiende más al sur del entramado urbano, en una cadena de pequeñas islas que se adentran en el Océano Pacífico, algunas tan alejadas como las Ogasawara, ubicadas a más de mil kilómetros hacia el sur.

Precisamente, las Ogasawara fueron incluidas en 2011 como Patrimonio Mundial de la UNESCO por su valores naturales. Este sitio cuenta con más de treinta islas que abarcan una superficie de 7.393 hectáreas.

Los variados paisajes insulares albergan una rica fauna, como el “zorro volador” de Bonin, un murciélago que se halla en grave peligro de extinción, y 195 especies de aves, muchas de las cuales también corren el riesgo de extinguirse. Posee una amplia lista de plantas endémicas y sus aguas albergan numerosas especies de peces, cetáceos y corales.

Turismo de Tokio propone como lugares de especial atractivo para descubrir el Tokio isleño otras dos islas más cercanas al territorio capitalino: Niijima y Shikinejima. Es una opción para disfrutar de la naturaleza, el senderismo e incluso la cultura.

Niijima y Shikinejima están situadas a unos 160 kilómetros al sur del centro de Tokio y se puede llegar allí bien por avión o mediante un ferry rápido desde el embarcadero de Takeshiba. Esta travesía dura unas dos horas y media. Las islas se encuentran comunicadas entre sí por el ferry Nishiki con un corto trayecto de 10 minutos.

Niijima y Shikinejima son una opción ideal para disfrutar al máximo de la naturaleza isleña y de actividades al aire libre, con excelentes rutas de senderismo que permiten disfrutar durante el camino de un paisaje espectacular enmarcado entre el mar, el bosque y los acantilados.

En Niijima, con 24 kilometros cuadrados de superficie habitan unas 3.000 personas. En la isla, el viajero puede optar por la “Ruta de trekking Ishiyama”, un camino de piedras blancas, llamadas piedras koga – un tipo de piedra pómez – típicas de la isla.

Estas islas han sido asoladas por terremotos en repetidas ocasiones. Se sabe que en el siglo XVIII Niijima y Shikinejima estaban unidas pero la naturaleza las ha separado. En la isla Shikinejima, de apenas cuatro kilometros cuadrados, el “Sendero bosque y volcán” y el mirador Kanbiki tenbodai son las grandes opciones. El sendero se caracteriza por la belleza de sus paisajes, especialmente en los meses de abril y mayo por la floración de las azaleas oshima, una de las especies más atractivas de la zona; además, desde el mirador Kanbiki tenbodai el viajero podrá contemplar una vista panorámica de Tokio.

Si opta por otro tipo de disfrute, más reposado, estas islas ofrecen sus onsen – aguas termales –, así como la oportunidad de adentrarse en el conocimiento de su historia con rutas especiales.

En Niijima, el viajero podrá relajarse en las reconocidas “Termas al aire libre Yunohama” con unas vistas únicas, o en la playa de Wadahama. Además puede descubrir la historia de esta isla que fue hasta hace siglo y medio una colonia penal, donde habitaron presos que elevaron el nivel cultural de la isla y mejoraron sus cultivos. Entre los lugares a visitar, el cementerio de los exiliados, el Templo Choeiji o el monumento de piedra con el poema waka que recitó Kazue Soma al dejar la isla después de ser indultado. Kazue Soma fue un represaliado que abrió allí una escuela primaria.

En la Isla Shikinejima, una opción especial es la visita nocturna a los Jinata Onsen aguas termales que se encuentran en el mar, abiertas las 24 horas del día, y cuya iluminación recrea un ambiente mágico.

Algo más al sur, y conectada por ferry con Niijima y Shikinejima está la isla de Kōzushima con el atractivo del monte Tenjō, que se yergue en medio de la isla y su magnífica vista sobre el Océano. Son famosas sus aguas azuladas y su gastronomía del pescado.

Aunque si el turista no tiene mucho tiempo y quiere ver otra isla más cercana, siempre le queda el recurso de visitar la isla artificial de Odaiba, situada en la bahía de Tokio que conecta con el corazón de la ciudad mediante el Puente Rainbow. Esta isla fue creada en 1853 para ubicar en ella baterías de defensa de la costa, pero en la actualidad es un lugar dedicado a actividades de comercio y ocio. No ofrece unas grandes opciones en materia de naturaleza, pero si una vista espectacular sobre la propia ciudad de Tokio.

Más millonarios: más negocio del arte

16/03/2018, En 2017 se registró el mayor número de millonarios en el mundo, y ese proceso de concentración de la riqueza está favoreciendo el negocio del arte, revela el informe The Art Market 2018

Artemio Artigas. Guiarte.com. Basilea, 14 de marzo de 2.018

Art Basel y UBS acaban de dar a conocer la segunda edición del Informe global del mercado del arte, dirigido por la economista Clare McAndrew, fundadora de Arts Economics. “The Art Market 2018” presenta los resultados de un análisis exhaustivo del negocio mundial del arte en 2017, en el que se revela que el mercado creció un 12 por ciento en valor.

Proceso de elitización del arte

Pero el impulso de ese crecimiento viene amparado por el alza del número de compradores de altísimo nivel económico. En 2017, el número de millonarios en todo el mundo alcanzó un máximo histórico de 36.1 millones. Ese crecimiento del número de personas adineradas fue del 7 por ciento, pero –otros dato clave- sus riquezas crecieron en un 10 por ciento. Es decir: mayor número de ricos y más riqueza poseída igual a mayor inversión en tesoros artísticos “caros”

Señala el informe que el mercado alcanzó la cifra de los 63.000 millones de ventas, superando años de declive. Estados Unidos conserva su posición como líder y por primera vez aparece en segundo lugar China, que supera por poco a Gran Bretaña.

En 2017, las ventas de marchantes artísticos aumentaron un 4 por ciento. Estos acaparan el 53 por ciento del mercado, mientras que las subastas públicas aumentaron un 27 por ciento, alcanzando el 47 por ciento de participación.

Es la obra cara, la que motiva el alza del negocio. Así en 2017 el montante del mismos ascendió un 12 por siendo, en un número de transacciones que sólo subió un 8 por ciento año en el año. Las ganancias fueron impulsadas por las ventas en el extremo superior del mercado.

Los tres mercados principales -Estados Unidos, China y Reino Unido- acapararon el 83 por ciento del mercado en 2017, lo que representa un 2 por ciento más que en 2016. Los Estados Unidos fueron otra vez el mercado más grande; con una participación estimada en el 42 por ciento. China adelantó el Reino Unido en 2017, con el 21 por ciento de las ventas totales y Reino Unido queda con el 20 por ciento.

Hay que anotar el crecimiento de Asia: Uniendo las ventas en China con otros mercados como Japón, Corea del Sur, India e Indonesia, las ventas asiáticas representaron un 23 por ciento de la participación global en 2017. Aunque esto todavía es significativamente menor que el volumen de los Estados Unidos (el 42 por ciento), y la UE (el 33 por ciento,) es evidente la fuerte alza de la riqueza en Asia, que se plasma en unos mercados locales cuya participación podría aumentar en el futuro cercano, según el informe.

En general se puede decir también que hay atonía en lo que se refiere a apertura de galerías, desde el año de 2009, que resultó nefasto por los cierres. La cifra de aperturas no ha levantado cabeza en la última década.

En subastas, está funcionando bien el arte y las antigüedades, especialmente con piezas de alto valor. Marcha bien el arte contemporáneo y de posguerra y muy bien el sector impresionista y postimpresionista. También evolucionó positivamente el mercado de antiguos maestros europeos, aunque en este caso por el alto precio pagado en subasta por la obra “Salvator mundi”, de Leonardo da Vinci, ha sido la clave. En septiembre pasado, un príncipe saudí pago por ella 450 millones de dólares (la obra más cara de la historia) en una subasta de la casa Christie`s en Nueva York

Otros aspectos a destacar son el buen funcionamiento de las ferias de arte cuyas ventas totales se estiman en 15,500 millones de dólares en 2017, un 17 por ciento más año con año; y el alza continua del mercado en Internet. El mercado de arte en línea alcanzó un nuevo máximo estimado de 5.400 millones, el 8 por ciento del valor de las ventas globales. Este marcado tiene mucha potencia. Crece un 10 por ciento anual en el 2017 y consolida un alza del 72 por ciento en los últimos cinco años.

El mercado de arte empleó directamente a aproximadamente 3 millones de personas en 2017, con aproximadamente 310.685 empresas que operan en el sector de arte, antigüedades y objetos de colección.

Historia de la "anciana" Wisdom

08/03/2018, Conocido por ser centro de una batalla de la Segunda Guerra Mundial, el atolón de Midway tiene algo más bello que mostrar: la maternidad de Wisdom, la hembra de albatros, madre a los 67 años de edad.

Artemio Artigas. Guiarte.com. Madrid, 08/03/2018

SeoBirdLife ha divulgado la historia de esta “anciana” madre que ha criado en su vida a más de 30 polluelos, algo significativo en una familia de aves marinas que ha ido disminuyendo en sus efectivos y que en la actualidad tiene varias de sus especies en peligro de extinción.

Por todo ello la productividad de Wisdom es considerada una proeza de la conservación entre estas aves marinas amenazadas. En estos momentos ella y su compañero, Akeakamai, se turnan para sacar adelante el polluelo y buscar alimento en el mar.

A principios de febrero, aproximadamente dos meses después de que Wisdom comenzara a incubar su huevo, la longeva hembra y su compañero Akeakamai dieron la bienvenida a su nuevo pollo en el Refugio Nacional de Vida Silvestre Midway Atoll, en el extremo norte del archipiélago de Hawái, un lugar especial para más de tres millones de aves marinas que regresan al atolón todos los años para descansar, aparearse, poner huevos y criar a sus polluelos.

Millones de aves marinas, incluyendo al albatros de Laysan, dependen de este atolón situado en un lugar remoto en el océano Pacífico. Y allí los responsables de su conservación trabajan para restaurar el hábitat que necesitan las aves, asegurando un futuro mejor.

Wisdom ha logrado criar allá al menos 30-36 polluelos de albatros a lo largo de su vida. Debido a que el albatros de Laysan no pone huevos cada año y cría solo un polluelo cuando lo hace, la contribución de un ave a la población mundial de albatros de Laysan es de gran importancia para la especie.

El albatros de Laysan (Phoebastria immutabilis) es una especie de albatros autóctona de Hawái. Recibe su nombre por su existencia en otra isla del archipiélago, la de Laysan.

Según relata el U.S. Fish & Wildlife Service, este albatros anidaba masivamente durante miles de años por todas las islas de Hawái. Sin embargo, los mamíferos no nativos llevados por el hombre, tales como cerdos, conejos, gatos y perros acabaron con estas magníficas aves marinas que anidan en el suelo. Era fácil acercarse al albatros debido a su instinto de permanecer en el nido a toda costa, lo que los hacía vulnerables a depredadores y humanos no nativos.

Hacia el cambio de siglo, el albatros fue masacrado; la albúmina de huevos se usó en la industria de desarrollo de películas. Como resultado, millones de albatros han muerto y han sobrevivido bajo presión constante. Afortunadamente, Theodore Roosevelt a designó a las Islas del Noroeste de Hawái como una de las primeras reservas de aves marinas protegidas a nivel federal.

Con todo, los albatros de Laysan apenas perduraron en algunas islas, entre ellas Midway, donde ahora está la mayor colonia. En medio del Pacífico, las aves del atolón de Midway sufrieron muchas bajas en el siglo XX por la actividad de las aeronaves y también por su caza para comercializar las plumas… Ahora pervive un elemento mortífero: la basura que hay en el mar. Muchas aves mueren por la ingestión de plásticos. Midway se halla en medio del gran remolino de basura del Pacífico Norte.

De todos modos, este albatros ha visto mejorar su situación en el siglo XXI, merded a las tareas de protección. Se ha recuperado su número e incluso ha establecido pequeñas colonias en territorios de México y Japón.

La historia de Wisdom se conoce por casualidad, cuando se produjo un avistamiento por el biólogo Chandler Robbins realizado el 2002. El mismo había anillado el ave el 10 de diciembre de 1956, 46 años antes.

En 1956, el atolón Midway Atoll era una bulliciosa estación aeronaval de los EE. UU. Donde habitaban cientos de personas. Hoy la zona es un Refugio Nacional de Vida Silvestre.

Según se ha comprobado, Wisdom ha estado utilizando el mismo sitio de anidación desde al menos 1956. Los albatros ponen un solo huevo que incuban a lo largo de dos meses. Después de que los pollitos eclosionan, pasarán otros cinco meses hasta que dejen estos el nido.

El mundo de Baselitz

27/02/2018, En Basilea se presenta una excelente ocasión para profundizar en el conocimiento de la obra de Georg Baselitz, merced a una importante muestra en la Fundación Beyeler y otra en el Kunstmuseum

Guiarte.com. Basilea, 27/02/2018

Desde el 21 de enero al 29 de mayo, la Fundación Beyeler dedica una gran exposición a Georg Baselitz, nacido en 1938 Deutschbaselitz, Sajonia (Alemania).

Con motivo del 80 aniversario del artista se plantea una retrospectiva que reúne algunas de las pinturas y esculturas más importantes realizadas por este en las últimas seis décadas, además de nuevos trabajos que son expuestos por primera vez.

La exposición retrospectiva muestra ochenta pinturas y una decena de esculturas, obras de este autor neoexpresionista, realizadas entre 1959 y 2017, cedidas por instituciones y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos. La muestra está organizada en colaboración con el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas de Washington, D.C.

En paralelo a la exposición de La Fundación Beyeler, cuyo centro está en Riehen, en las afueras de Basilea, el Kunstmuseum Basel exhibe obras de Georg Baselitz en papel. Un conjunto de cien hojas grandes impresas en color da una idea de sesenta años de intensa práctica de dibujo. La muestra del Kunstmuseum, está del 21 de enero al 29 de abril.

A mediados de la década de 1960 surgió el inicio de la deslumbrante carrera de Baselitz. Con pinturas que fueron un auténtico manifiesto renovador. Esa fase culminó en 1969 cuando empezó a invertir sus pinturas para eliminar toda referencia normativa. Frente a las obras invertidas, el espectador se enfrenta inmediatamente con el color y la forma sin estar atrapado en el contenido pictórico. Baselitz construye deconstruyendo. Le gusta tomar aspectos conocidos del arte y reformularlo. “Cualquier artista debe rescatar lo que murió y hacerlo vivo y actual”, dice.

Desde 1970, el Kunstmuseum Basel ha tenido una larga amistad con el artista. Dieter Koepplin, director del Kupferstichkabinett, organizó la primera exposición de dibujos de Baselitz que lanzó la carrera del artista cuando solo tenía 32 años. A raíz de esta muestra, 25 trabajos del artista entraron en la colección. En la década de 1980, la retrospectiva Georg Baselitz. Dibujos 1958-1983 enriqueció el fondo con nuevas obras de alto interés. Las adquisiciones fueron complementadas con generosas donaciones del artista.

Por otra parte, en referencia al programa de eventos sobre Baselitz, la Fundación Beyeler presenta varios eventos que profundizan en el conocimiento del artista.

El tema del autorretrato es “célebre” en el caso de Báselizt, porque en el inicio de su carrera elaboró uno notablemente polémico, en el que presentaba a un niño masturbándose. Eric Darragon, historiador del arte y profesor de la Sorbona, abordará este tema en su conferencia "El pintor y su autorretrato" el 7 de marzo. A través de ejemplos extraídos de la exposición actual, Darragon revelará los aspectos formales y las referencias que las obras mantienen entre sí. Para Baselitz, un autorretrato no es necesariamente sinónimo de autorretrato en sentido estricto y sus obras son la prueba de ello. En las últimas seis décadas de su trabajo, los autorretratos son una constante que se reinventa constantemente. Además, el desnudo ocupa asimismo un lugar central su creación artística de Baselitz.

El uno de marzo los amantes de la música contemporánea disfrutarán de un concierto de media hora en la Fundación Beyeler, seguido por una visita guiada a la exposición por los expertos del museo. En honor a Georg Baselitz, gran amante de la música contemporánea, el público escuchará fragmentos de obras de compositores como Wolfgang Rihm y Gordon Getty.

El 26 de marzo a las 18 horas, Christian Spies, profesor de historia y teoría del arte moderno y contemporáneo en la Universidad de Colonia, ilustra cómo en la pintura de Baselitz se detectan vínculos con la historia alemana de su tiempo. En tanto que el 17 de abril, Anselm Wagner, historiador de arte y profesor de teoría arquitectónica en la Universidad Técnica de Graz, Austria, realizará una conferencia sobre las primeras obras de Baselitz, sus representaciones de extremidades laceradas y personajes grotescos de los años 60 con los que provocó al público de Alemania Occidental y se involucró en el mundo del arte.

Pasión por los jardines

24/02/2018, El Metropolitan de Nueva York presenta una exposición en la que refleja la pasión occidental por los parques y jardines, impulsada desde Francia en el siglo XIX: “Parques públicos y jardines. De París a Provenza”

Guiarte.com. Nueva York, 24 de febrero de 2018

Del 12 de marzo al 29 de julio de 2018, el Met Fifth Avenue presenta esa trasformación, de honda huella en las tramas urbanas, a través de unas 150 obras de más de 70 artistas, que abarcan desde fines del siglo XVIII hasta principios del siglo XX, procedentes de siete departamentos curatoriales del museo y de préstamos de colecciones privadas

Esa transformación de los paisajes resultó sumamente visible merced a la reformulación de la pintura, que pasó de ser interior a “plenairista” y luminosa, especialmente merced al impulso del impresionismo.

“Parques públicos, jardines privados: París a Provenza” explora los desarrollos en el ámbito del jardín y la horticultura, en paralelo a los movimientos artísticos. A medida que los especímenes botánicos exóticos llegaban del exterior y los viveristas locales buscaban la hibridación, la disponibilidad y variedad de plantas y flores crecieron exponencialmente, al igual que el interés de la sociedad en ellas. La apertura de las antiguas propiedades reales y la transformación de París durante el Segundo Imperio en una ciudad de bulevares y parques arbolados introdujeron espacios verdes públicos para disfrutar como salones al aire libre. Fue un tiempo en el que los habitantes de los suburbios y las casas de campo se sintieron también incitados a cultivar sus propios jardines de flores.

Hacia 1860, el periodista francés Eugène Chapus podía escribir: "Una de las características más pronunciadas de nuestra sociedad parisina es que ... todos en la clase media quieren tener su pequeña casa con árboles, rosas y dalias, su jardín grande o pequeño, su parte rural de la buena vida".

El cambio de la importancia de los parques y jardines en la vida francesa durante este período está abundantemente ilustrado por pinturas, dibujos, fotografías, grabados, libros ilustrados y objetos en la colección Metropolitan de artistas que se extienden desde Camille Corot a Henri Matisse, algunos de los cuales practicaron las jardinería. Este tesoro de cuadros “verdes”, tiene un marco especial en un museo que echó sus raíces ante el Central Park de Nueva York, diseñado con el espíritu del público parisino del mismo periodo.

Programado por el Metropolitan para coincidir con el advenimiento de la primavera y el verano, Parques públicos, jardines privados: París a Provenza se organiza temáticamente en cinco galerías:

"Revolución en el jardín", traza el cambio decisivo que se produjo en el diseño del jardín en los años que rodearon a la Revolución Francesa de 1789, cuando el estilo formal desarrollado por Le Nôtre para los palacios del rey Luis XIV (1643-1715) en Versalles y las Tullerías dio paso a una estética más naturalista, a la manera de los parques ingleses. Una serie de obras ilumina la influencia de la emperatriz Josephine Bonaparte, primera esposa de Napoleón I (1800-1414), quien encendió la moda de la floricultura a principios del siglo XIX.

"Parques para el público” explora la apertura de enclaves reales a la población general después de la Revolución y la transformación radical de París bajo Napoleón III en una ciudad moderna de bulevares frondosos, parques y plazas. Esta gran iniciativa de renovación urbana será amplificada por un mapa digital que puntúa esta sección. La selección de obras, organizadas en grupos de dosieres, se centra en los parques de París y sus alrededores que cautivaron la atención de artistas y fotógrafos. Para ello se cuenta con obra de Camille Corot, Théodore, Monet, Camille Pissarro, Edouard Vuillard, Berthe Morisot, Auguste Renoir, Georges Seurat, etc.

"El renacimiento de la naturaleza floral", muestra un género que retornó junto con el auge de la floricultura. El desarrollo científico de la botánica y el crecimiento de la industria de viveros fomentó la hibridación, propagación y distribución de plantas cada vez más nuevas e inusuales. En una sala de vistosos ramos de flores, a menudo recogidos de los propios jardines de los artistas, hay peonías y rosas de Gustave Courbet, Edouard Manet y Henri Fantin-Latour; girasoles de Monet y Vincent van Gogh; lilas de Mary Cassatt y Henri Matisse; y una serie de naturalezas muertas con crisantemos de otra media docena de artistas. Los jarrones de cerámica y vidrio de los creadores más inventivos de la época trazan las principales tendencias en las artes decorativas.

Otras secciones son las de "Jardines privados" y "Retrato en el jardín". En ellas se ofrece una visión reveladora de los retiros del patio trasero donde los artistas cultivaban flores y amistades, buscaban refugio del desafíos de la vida urbana y establecían sus caballetes para avanzar en la pintura del paisaje aire libre, en un ámbito cotidiano y familiar.

El encanto de las malvas (un tono tradicional de los jardineros franceses) es capturado por Corot, Morisot y Monet, mientras que Cassatt, Morisot y Odilon Redon exploran la temática de las mujeres que realizan labores en zonas verdes. Monet, el artista-jardinero por excelencia, está representado de forma destacada en esta sección con lienzos que abarcan casi medio siglo de su carrera, culminando con obras pintadas en Giverny.

La presentación está enriquecida con diseños para decoración de interiores y jardines; materiales documentales como libros de horticultura, revistas y hasta una selección de regaderas francesas del siglo XIX y herramientas de jardín. Hasta el patio central dentro de la exposición se replantea para evocar un jardín de invierno francés y se amuebla con bancos de hierro verde que recuerdan asientos parisinos.

El gran laberinto subterráneo

21/02/2018, Un laberinto subterráneo inundado, de unos 347 kilómetros, ha sido detectado en México. En su interior hay importantes vestigios humanos y de fauna ya extinta.

Guiarte.com. Ciudad de México. 21/02/2018

Este Gran Acuífero integra a los sistema subterráneos denominados Sac Actún y de Dos Ojos que –según se ha descubierto- están conectados, lo cual ha abierto una nueva perspectiva del esta red de cavernas inundadas que corre bajo el suelo de Quintana Roo, México, y que se califica como la más grande del planeta. No se descarta que el conjunto de cavidades interconectadas tenga conexión con otros sistemas aledaños, con lo que podría alcanzar hasta un tamaño de mil kilómetros.

Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), no sólo asombra el tamaño de esta red, sino el hecho de que en su seno se hallan restos humanos y faunísticos de distintas épocas.

Estas informaciones fueron divulgadas por el arqueólogo Guillermo de Anda Alanís, director del Proyecto Gran Acuífero Maya (GAM), iniciativa de investigación multidisciplinaria que coordina el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en colaboración con la National Geographic Society.

En conferencia de prensa realizada en el Museo Nacional de Antropología, el doctor Roberto Junco, subdirector de Arqueología Subacuática del INAH, también anunció la intención de promover la declaración de este sistema subterráneo como Bien Mixto del listado de Patrimonio de la UNESCO, porque aúna un inmenso componente natural pero también cultural.

El trabajo interdisciplinario de investigación ha permitido confirmar que se está ante “el sitio arqueológico sumergido más importante del mundo”, en el cual se distribuyen contextos de los primeros pobladores del continente americano, de megafauna pleistocénica y más de un centenar asociados a la cultura maya.

Este sistema es como un enorme “pulpo” de piedra caliza y agua dulce, cuyos tentáculos podrían desplegarse hacia otros tres sistemas de cuevas subacuáticas de Tulum. A lo largo del mismo se han localizado 248 cenotes que sirven de entrada; y 198 contextos arqueológicos, de los que 138 parecen estar vinculados a la civilización maya y al menos dos, a restos óseos de individuos pre-cerámicos con una antigüedad mínima de 9,000 años.

El descubrimiento se ha conocido –según el doctor Anda- merced al trabajo de los buzos profesionales que conforman su equipo de exploración, concretamente a su director, Robert Schmittner, un alemán avecindado desde hace dos décadas en las playas de Quintana Roo, y quien ha persistido a lo largo de 14 años en descubrir los túneles y galerías del laberinto acuático, en inmersiones que pueden dilatar seis horas, a mínima visibilidad y en profundidades que van de los 20 a los 100 metros.

Robert Schmittner se hallaba sólo el pasado 10 de enero, cuando el leve sonido de una corriente lo alertó de la existencia de una conexión a otro sistema de cavidades.

“Cuando en 2004 empecé a explorar Sac Actun, quedé fascinado por su belleza rodeada de estalagmitas y estalactitas. Entonces sólo se conocían 17 kilómetros del sistema de cuevas inundadas. Ahora, después de buscar otras conexiones en eso que yo equiparo con un “collar de perlas”, alcanza 347 kilómetros”, dice Robert Schmittner.

En 2017, junto con los buzos Marty O Farrell, Jim Josiak y Sev Regehr, que conforman el equipo de exploración, Schmittner intentó buscar la conexión entre Sac Actun y Dos Ojos en otra zona donde había 15 cenotes vírgenes para la exploración; y a inicios de 2018 esa búsqueda se vio recompensada con la conexión entre ambos cenotes.

Según datos del Quintana Roo Speleological Survey, solo en el norte del estado se distribuyen 358 sistemas de cuevas sumergidas, lo que representan cerca de 1.400 km de pasajes inundados de agua dulce. Hasta ahora, el sistema Ox Bel Ha, al sur de Tulum, era el más largo de los conocidos, con 270 kilómetros.

Estos cientos de kilómetros de pasajes subterráneos se han convertido en verdaderos túneles del tiempo y resguardan, entre otras cosas, la historia remota y reciente de Quintana Roo.

A finales de la Era de Hielo, el nivel del agua estaba 100 metros debajo de la superficie actual. El deshielo provocó la subida del mismo e inundó las cavidades que originalmente se encontraban secas, es por ello que en su interior y bajo condiciones idóneas, se preservan restos de megafauna extinta del Pleistoceno.

El Proyecto Gran Acuífero Maya trabaja actualmente en la selección de cinco contextos que por su importancia o incluso su vulnerabilidad, deben ser documentados bajo una metodología que abarca la creación de modelos digitales, un detallado registro fotográfico susceptible y la obtención de muestras de algunos materiales, entre ellos óseos de individuos que se suponen precerámicos, para realizar pruebas arqueométricas.

Un par de sitios localizados en Sac Actun, en los que se observan fragmentos de restos óseos humanos que corresponderían a individuos con más de 9, 000 años de antigüedad, serán registrados este 2018. Se trata de un cráneo concrecionado y el esqueleto de individuo, al parecer completo, pero que se halla disperso.

A estos se sumará otro contexto relacionado con accesos en superficie donde se hallan modificaciones: muros, pasajes y altares, que fueron usados por los mayas, pero que podrían datar de épocas anteriores a su ocupación de la zona. También destaca un contexto funerario de origen maya, como lo atestigua la presencia de restos humanos y una ofrenda cerámica asociada.

Según el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH)En otra sección del sistema se encuentran fragmentos de un incensario tipo Chemul que al parecer posee la representación del dios maya del comercio, Ek Chuak, parte de una ofrenda vinculada con una estructura maya del periodo Posclásico, cuyas escalinatas circundan el espejo de agua, lo que refiere a un culto al cenote, y un patrón de asentamiento asociado al mismo.

La siguiente fase de este ambicioso proyecto comprende el análisis de la calidad del agua del sistema Sac Actun, así como el estudio de la biodiversidad que depende directamente de este acuífero, y por supuesto su adecuada conservación; además de dar continuidad al mapeo.

Fellini-Picasso: la amistad soñada

13/02/2018, Fellini y Picasso nunca se conocieron personalmente; aun así el Museo Picasso de Málaga presenta una atrevida muestra relativa a la “amistad” artística y personal entre ambos genios.

Guiarte.com. Málaga, 13/02/2018

El punto de arranque de la muestra es el mundo de Federico Fellini de quien se muestran dibujos, películas, fotografías y otros documentos; y frente a él, la obra de Pablo Picasso: pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica. El objetivo es poner las sensibilidades comunes de estos gigantes del siglo XX. El espectador puede comparar el resultado en el centro malagueño del 13 de febrero hasta el 13 de mayo de 2018.

Y es cierto que hay elementos comunes a ambos: el interés por la antigüedad clásica, los arquetipos femeninos o el circo. Pero aún hay más, hay una amistad soñada.

Una mañana de 1962, el célebre director italiano se levantó y describió un encuentro con Picasso en El libro de los sueños, cuadernos en los que -a modo de antología onírica- escribía y dibujaba sus ensoñaciones a petición de su psicoanalista, Ernst Bernhardt, discípulo de Carl Gustav Jung. Durante su juventud, Fellini se ganó la vida como ilustrador y caricaturista, y esa habilidad se muestra en el cuaderno, donde se aprecian perfectamente los personajes descritos en la cocina de la casa del pintor.

En este “archivo de lo soñado” de dos volúmenes, Federico Fellini fue completando, entre noviembre de 1960 y agosto de 1990, un extenso imaginario de personajes e imágenes, a veces semillero de escenas para sus famosas películas.

Pablo Picasso aparece representado en un primer sueño del 22 de enero de 1962. Fellini y su esposa, Giuletta Masina, visitan la casa del pintor y se reúnen en su cocina compartiendo una confortable escena de amistad. “Estábamos en una cocina, era claramente la cocina de su casa, una enorme cocina repleta de comida, de cuadros, de colores… Hablamos toda la noche”, escribió Fellini.

La amistad soñada continuó en otras ocasiones. Una amistad cercana, casi familiar Finalmente, en julio de 1980, Fellini describe su cuarta y última ensoñación, en la que asegura que éste vuelve a hablarle como un amigo y maestro: “Sueño con Picasso (un poco más desmejorado, consumido, pero todavía muy vital) que me habla sin parar”.

En la muestra se presentan elementos relativos a los dos protagonistas, abordando asuntos como la sexualidad, la exaltación de la vida, la exuberancia y la metamorfosis, a veces presentada de manera singular. Para la doctora en Historia del arte y comisaria de la muestra, Audrey Norcia, tanto Fellini como Picasso “han dejado una obra colosal y visionaria, por lo que el encuentro aquí propuesto no debe ser entendido como una comparación, sino como un diálogo”.

El recorrido comienza por ese Libro de los sueños para continuar por la vía Margutta de Roma, calle en la que ambos viven en distintos momentos de sus vidas que los acercan a la antigüedad clásica, tomando forma sobre imágenes de vestigios griegos y romanos habitados por personajes mitológicos. A continuación, a modo de reflexión sobre la poderosa presencia de las mujeres en la obra de ambos creadores, se inicia un viaje onírico en el que ellas son representadas como figuras divinas, terribles y sublimes, delicadamente sensuales o profundamente carnales, temperamentales o serenas. Tanto para Fellini como para Picasso, el circo es otro espacio de inspiración común y de interacción con la cultura popular, un universo irreverente en donde la sorpresa, el humor, la mentira y la transformación se personifican en acróbatas, arlequines y pulcinellas.

La muestra “Y Fellini soñó con Picasso” está coproducida con La cinémathèque française - en donde se exhibirá posteriormente. Cuenta con la colaboración de Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, Festival de Málaga, Comune di Rimini, y está patrocinada por CaixaBank.

Isaki Lacuesta, Emma Súarez y Curro González, son “actores” secundarios de esta exposición; pues para la misma se ha creado una sala de cine en donde se muestra un film de 22 minutos que el cineasta Isaki Lacuesta ha realizado insertando fragmentos de películas de Fellini. El guión de Lacuesta, cuya obra abarca tanto el documental como la ficción, está narrado con la voz en off de la actriz española Emma Suárez.

Camariñas… de mar y de encaje

13/02/2018, Camariñas (provincia de La Coruña) es un lugar ligado al mar, a una costa en la que antaño proliferaron los naufragios… pero es también un enclave famoso por las labores de encaje.

Guiarte.com. Camariñas(La Coruña) 13/02/2018

La bravura del mar se une a la belleza. Cabo Vilán, con su faro, ocupa el extremo occidental del municipio. Por esa zona –se dice- hubo un naufragio en la antigüedad del que se salvaron varios supervivientes; uno de ellos una mujer, una encajera, que creó escuela.

Hoy, la villa mantiene una plácida existencia, en un abrigo costero de la pequeña ría que lleva su nombre. Las actividades que nutren su economía son las pesqueras, la acuicultura, las industrias derivadas, el turismo, algo de agricultura … y el encaje de bolillos.

En la reciente edición de FITUR, esta localidad de la Costa da Morte también estuvo presente, para pregonar su orgullo “encajero”. El encaje de bolillos en Camariñas se ha convertido en el principal motor económico de la localidad y en un atractivo turístico que atrae cada año a más de 20.000 personas.

En el lugar hay un Museo del Encaje y una muestra, la Mostra de Encaixe, que es su gran evento artesano. Aparte de su gastronomía pequera, esta artesanía icónica ha hecho de Camariñas una localidad de prestigio internacional.

Puntillas, palillos, palillas, cuero, almohada, cartones, picadoras, hilos, cornas... el universo de elementos, objetos, prácticas y conocimientos alrededor del encaje forma parte del patrimonio material e inmaterial propio del lugar, quizá aún más que sus ecosistemas marinos y la biodiversidad de flora y fauna.

Según los responsables locales, de las casi 6.000 personas que integran el censo Camariñas, aproximadamente 2.000 mujeres de diferentes generaciones mantienen viva y expanden la tradición centenaria del encaje, lo que supone un 30% de la población aproximadamente. “En Camariñas, tenemos una artesanía única que es un orgullo para todos, incluidas las generaciones más jóvenes, que recogen el testigo de este oficio y reciben de sus abuelas y madres los valores del sacrificio y el esfuerzo, tan importantes para la profesión” explica Manuel Valeriano Alonso, alcalde de la población..

Desde el propio Ayuntamiento se apoya activamente el encaje y la formación de los jóvenes en este arte a través de la Escuela Municipal de Encaje, que comparte sede con el Museo del Encaixe, donde más de 50 palilleiras y palilleiros jóvenes aprenden a diario los secretos de esta disciplina, que ha dado rendimiento económico a Camariñas durante siglos.

El turismo generado en torno a esta artesanía converge todos los años en una cita muy especial para la localidad, la Mostra do Encaixe de Camariñas, un punto de encuentro que pretende convertirse en Fiesta de Interés Turístico Nacional.

Desde 1991 en Semana Santa, la cita “encajera” se ha consolidado como una gran Feria del encaje a nivel mundial: stands de venta, pasarelas de moda, desfiles de diseñadores, concursos, demostraciones en vivo… y una amplia delegación internacional que esta temporada alcanza su máximo histórico en cuanto a países invitados: Japón, Argentina, Alemania, Bélgica, Francia, Italia o Reino Unido, y un largo etcétera, hasta llegar a los 15 países, que estarán presentes en la Mostra do Encaixe 2018.

El Museo del Encaje, desde 1996, es la piedra angular de esta artesanía. A través de una exposición permanente, recupera, conserva y difunde la memoria histórica del municipio, siendo un testimonio excepcional de la supervivencia de las artes y oficios populares.

Pero camariñas también se ufana de su paisaje, inscrito en una peculiar ruta turística, O Camiño dos Faros, con senderos que enlazan Malpica (A Coruña) con Finisterre, bordeando la escarpada costa gallega y que tiene como protagonistas el mar y los paisajes.

Faros, playas, dunas, ríos, acantilados, bosques, estuarios, mares de granito, dólmenes, puestas de sol… una ruta de senderismo que ha incluido al Faro de cabo Vilán en su itinerario, uno de los más emblemáticos de toda Galicia. Este faro es el primero que fue electrificado en España (1896), situado en un espectacular enclave natural que le ha valido el título de Sitio Natural de Interés Nacional.

La electrificación del faro estuvo motivada precisamente por la peligrosidad de estos parajes. Una peligrosidad que permanece testificada en el cercano Cementerio de los Ingleses, cerca del cual, en el 10 de noviembre de 1890, el navío británico Serpent embarrancó. Murieron en la tragedia 172 de los 175 tripulantes.

Para conocer más:
https://www.guiarte.com/pueblos/camarinas-costa-da-morte.html
https://www.guiarte.com/costa-da-morte/

El Centenario de Murillo, en Londres

09/02/2018, Bartolomé Estaban Murillo (1618-1682) fue en su tiempo el pintor más conocido de los españoles en el resto del mundo. Ahora en Londres se presenta una exposición sobre él: “Murillo: The Self Portraits”

Claudio Path. Guiarte.com. Londres, 09/02/2018

El sevillano fue un extraordinario artista barroco cuya carrera estuvo condicionada por su clientela, que le encargó innumerables pedidos para los templos y conventos de España y América. Sus imágenes del Buen Pastor, la Inmaculada o la Sagrada Familia fueron ejemplos copiados e imitados por millares de autores de su tiempo hasta la actualidad.

Tal vez por la el abuso de la repetición de esa pintura religiosa, copiada por mil pintores y distribuida por todo el mundo en las estampas devocionales, ha mermado en el siglo XX la inmensa valoración de este pintor, que tiene además de sus excelentes obras de temática religiosa otras cautivadoras pinturas de género.

Con motivo del 400 aniversario de su nacimiento, la exposición londinense reúne los dos "autorretratos" conocidos del artista: uno de Murillo en la treintena de la Frick Collection, Nueva York (de alrededor de 1650-5) y el otro de la Colección de la National Gallery que muestra al pintor unos veinte años mayor.

El autorretrato de Murillo de la National Gallery fue una de las primeras pinturas del artista sevillano en ingresar al Reino Unido. Con el tiempo, en Gran Bretaña se acumuló una de las mayores colecciones de obras de Murillo en el mundo, formando parte del gusto emergente por el arte español durante el siglo XIX. Es conocida la frase del joven Benjamín Disraeli, quien escribió su admiración por Murillo en una carta a su hermano en 1830: “Dirígete a Sevilla y, por primera vez en tu vida, descubre lo que es un gran artista: ¡Murillo, Murillo, Murillo!".

La Reina Victoria fue otra admiradora de Murillo, y escribió en su diario privado, en 1836, que consideraba sus pinturas "bellas" y “Exquisitas". Se dice también que el autorretrato de Murillo inspiró el que se hizo William Hogarth.

En la exposición en la National Gallery -28 de febrero - 21 de mayo de 2018- se reúne por primera vez en más de trescientos años, los autorretratos conocidos del maestro español, junto con otro reducido elenco de obras. Entre estas, el primer retrato conocido de Murillo realizado a Juan Arias de Saavedra (1650) (Colección Duquesa de Cardona), que ha sido restaurado especialmente para la exposición y que se exhibirá en público por primera vez. La exposición también incluirá el retrato de Diego Ortiz de Zúñiga (ca. 1655) (colección privada) que recientemente ha sido atribuido como el original perdido por Murillo y redescubierto en Penrhyn Castle, Gales.

El primer autorretrato de Murillo, ahora en una colección de Nueva York, muestra al artista en sus 30 años. Su imagen está en un marco ovalado de piedra con los bordes astillados y maltratados por el tiempo, probablemente inspirado en las antiguas ruinas romanas en la Sevilla del siglo XVII. La cara de Murillo recibe la luz de izquierda a derecha, destacando el blanco del cuello rígido y la camisa expuesta con sus mangas cortadas a la moda. No hay evidencia de su profesión como pintor, aparte de la inscripción añadida después de la muerte del artista.

El autorretrato posterior (alrededor de 1670), muestra a Murillo aproximadamente veinte años mayor. En este momento era el pintor viviente más célebre de Sevilla. Realizado después de la muerte de su esposa (1663) y con rasgos notablemente maduros, el artista se muestra con las herramientas de su oficio: un dibujo de tiza roja, una brújula y una paleta de pintor entre los objetos dispuestos en una repisa. La elegante inscripción latina en la parte inferior se traduce como "Bartolomé Murillo retratándose a sí mismo para cumplir los deseos y oraciones de sus hijos" y deja en claro que este autorretrato estaba dedicado a sus hijos, cuatro de nueve todavía estaban vivos en esta fecha. El autorretrato es innovador en la forma en que el modelo interactúa con el espectador. La mano derecha se proyecta desde el marco de piedra traspasando los límites del tiempo hacia el espectador actual. Su apariencia deslumbrante y su representación altamente inventiva la distinguen como uno de los autorretratos más significativos del Siglo de Oro español.

“Murillo: los autorretratos” presenta una oportunidad para apreciar esta figura destacada del arte español del siglo XVII en una nueva luz. La muestra está organizada por The National Gallery, London y The Frick Collection, Nueva York

El catálogo presenta una colección de ensayos sobre los únicos dos autorretratos conocidos de Bartolomé Esteban Murillo, pintados con más de dos décadas de diferencia, y prácticamente desconocidos, eclipsados por las pinturas religiosas y de género. Ambas obras se investigan juntamente, con objeto de analizar las similitudes y diferencias, y mostrar los cambios en la técnica e influencias pictóricas.

Surge el CaixaForum Valencia

03/02/2018, CaixaForum Valencia ocupará el edifico Ágora, construcción monumental –hasta ahora vacía- diseñada por el arquitecto Santiago Calatrava.

Guiarte.com. Valencia, 03/02/2018

La Fundación Bancaria ”la Caixa” ha presentado esta semana el proyecto para dotar a Valencia de un moderno centro cultural CaixaForum, que será uno de los grandes puntos de atracción de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

El nuevo CaixaForum aspira a complementar la oferta cultural de la ciudad, con una amplia programación dirigida a todos los públicos.

Como ya ocurriera en Madrid y Barcelona, donde el Caixa Fórum se instaló en dos edificios valiosos pero sin uso, el centro se inserta en un espacio ya construido. El proyecto, obra del estudio Cloud 9 dirigido por el arquitecto Enric Ruiz-Geli, se caracteriza por potenciar el concepto original del edificio ágora con espacios abiertos y propicios para una amplia actividad cultural y de ocio

El inmenso “contenedor” albergará dos grandes salas de exposiciones situadas en la planta baja del nuevo espacio, un auditorio, aulas polivalentes, un espacio familiar y educativo, una librería y un restaurante.

Los trabajos de adecuación se desarrollarán hasta el 2020 y la Fundación Bancaria promoverá un amplio programa de exposiciones de arte, conferencias, conciertos y espectáculos, jornadas sociales, talleres educativos y familiares, y actividades dirigidas a personas mayores.

Las obras de construcción empezarán en el último trimestre de 2018, y su inversión se prevé que alcanzará los 18 millones de euros. Adicionalmente, se destinarán anualmente unos 5 millones de euros para mantenimiento, programación y funcionamiento del centro.

El optimismo fue la nota dominante de la presentación del proyecto: “Será el mejor CaixaForum de España”, anunció el titular del gobierno valenciano, Ximo Puig.

CaixaForum Valencia será el noveno centro cultural que integra esta red, junto con los de Madrid, Barcelona, Sevilla, Zaragoza, Palma, Girona, Tarragona y Lleida. Sin embargo, por la espectacularidad del edificio de Santiago Calatrava, nadie duda de que va a ser un centro especial.

Redescubriendo a Michel Sittow

30/01/2018, Del 28 de enero al 13 de mayo se presenta en la National Gallery of Art de Washington la primera muestra consagrada a Michel Sittow, considerado como el gran pintor del Renacimiento de Estonia.

Claudio Path. Guiarte.com. Washington, 29/01/2018

La vida de Michel Sittow (c. 1469-1525), conocido también como Maestro Michiel y Melchor Alemán, es muy asendereada. Nació en la actual Tallín, de padre flamenco y madre finlandesa, y su vida artística estuvo ligada a la corona española y a los Habsburgo y los Austrias.

Claes Sittow, el padre del artista, era pintor y fue el primer maestro de su hijo. Este también perfeccionó su arte al lado Hans Memling, en Brujas, y luego viajó a España donde se relacionó con los Reyes Católicos, que le nombraron pintor de cámara, y donde se relacionó con otro extraordinario artista al servicio de la misma corona, Juan de Flandes. Más tarde pasaría por diversos países, entre ellos su tierra natal, donde murió por una epidemia de peste, a finales de 1525.

En el centenario de la independencia de la República de Estonia de su potencia dominadora, Rusia, se presenta “Michel Sittow: el pintor estonio en las cortes de la Europa del Renacimiento”, ofreciendo una oportunidad excepcional para examinar las obras excepcionales y poco conocidas atribuidas a Sittow.

La exposición explora también la colaboración del artista con Juan de Flandes (1460-1519), su relación con sus contemporáneos holandeses y la influencia de Hans Memling (activo hacia 1465-1494).

Michel Sittow: el pintor estonio en las cortes de la Europa del Renacimiento es la primera exposición monográfica dedicada al artista. La misma incluye unas 20 pinturas de colecciones americanas y europeas, incluyendo 13 pinturas de Sittow, así como obras de Juan de Flandes, Hans Memling y Jan Gossaert que proporcionan un contexto para comprender los logros de Sittow.

Entre los trabajos más destacados están La Asunción de la Virgen (1500/1504, Galería Nacional de Arte, Washington) y La Ascensión de Cristo (1500/1504, colección privada), las dos únicas obras documentadas de forma segura por Sittow. Encargado por la reina Isabel de Castilla para hacer 47 paneles de un retablo dedicado a la vida de Cristo y la Virgen María, tras la muerte de Isabel(1504) 32 de estos paneles, incluidos estos dos y La tentación de Cristo (1500/1504, Galería Nacional de Arte, Washington) de Juan de Flandes, ingresaron en la colección de la Archiduquesa Margarita de Austria.

También se incluye el Retrato del rey danés Christian II (1514/1515, Statens Museum for Kunst, Copenhague), una de las pocas obras de Sittow que está firmemente fechada y en la que se confirma la identidad del modelo. Los rayos X revelan otro retrato debajo la pintura, posiblemente de Carlos V, emperador y rey de la corona de España, lo que mostraría la reutilización de paneles de Sittow.

Carlos V conoció a Sittow de joven en Flandes y mantuvo un gran apreció por el durante toda su vida. De hecho llevó varias obras suyas a su retiro final en el monasterio de Yuste.

La exposición también reúne dos paneles originalmente articulados para formar el díptico devocional: Madonna y niño (c.1515/1518, Staatliche Museen zu Berlin) y Retrato de Diego de Guevara (?) (Hacia 1515/1518, National Gallery of Art) , Washington). Otros trabajos destacados son Retrato de un hombre (c.1510, Mauritshuis, La Haya), así como un retrato vinculado a la corte Tudor en Inglaterra: Mary Rose Tudor (1496-1533), Hermana de Enrique VIII de Inglaterra (hacia 1514) , Kunsthistorisches Museum, Viena). Esta último retrato otros creen que es el de Catalina de Aragón.

La exposición está comisariada por John Oliver Hand, conservador de pinturas del Renacimiento del Norte, National Gallery of Art, Washington, y Greta Koppel, conservadora de arte holandés y flamenco, Museo de Arte de Estonia, Tallin.

Charles I: King and Collector

27/01/2018, En el año en que la Royal Academy of Arts londinense cumple 250 años de vida, presenta una exposición excepcional: Charles I: King and Collector (Carlos I, rey y coleccionista)

Claudio Path. Guiarte.com. Londres, 27/01/2018

Carlos I (1600 -1649) tuvo un reinado convulso plagado de luchas y rebeldías…un reinado caracterizado por la mala relación entre el monarca y el parlamento, y que finalizó con guerra civil y el ajusticiamiento del mandatario.

En su juventud el rey viajó a Madrid, interesado en emparentar con los Austrias, pero fue rechazada su pretensión por cuestiones religiosas. Entonces se emparentó con una princesa francesa y entró en guerra con España, una guerra que llevó a su país a la ruina y le causó un enfrentamiento con el Parlamento, al que acabó por disolver.

Pero de España, además de una negativa a sus pretensiones matrimoniales Carlos se llevó otra cosa: la admiración por las colecciones pictóricas de la Corte, una admiración que le transformó en el más extraordinario coleccionista de su tiempo.

El rey Carlos I amasó una de las colecciones de arte más extraordinarias mediante la adquisición de trabajos de algunos de los mejores artistas de aquellos tiempos como Rafael, Andrea del Sarto, Tiziano, Mantegna, Holbein, Velázquez, Durero, a las que se añadieron trabajos de sus contemporáneos Van Dyck y Rubens. El primero fue pintor del propio rey y el segundo, al que conoció como embajador de España, acabó también pintando para él.

La magnífica colección reunida se dispersó en buena parte tras la muerte de su dueño. Centenares de piezas fueron subastadas para hacer frente a la bancarrota del Estado. Algunas de las mejores están ahora en el Louvre y el Prado, otras han retornado al Reino Unido.

La Royal Academy of Arts presenta, desde el 27 de enero al 15 de abril, un acontecimiento artístico e Histórico al presentar prácticamente centenar y medio de obras elegidas de aquella legendaria colección de arte, y reunidas por primera vez desde el siglo XVII, para su admiración por los visitantes.

Charles I: King and Collector reúne desde esculturas clásicas hasta pinturas barrocas, y desde exquisitas miniaturas hasta tapices monumentales. La exhibición –según los organizadores- demuestra el valor de aquel legado increíble que apenas pudo estar junto unos pocos años en el Reino Unido hace casi 400 años

Guggenheim Bilbao 2018

26/01/2018, El Guggenheim bilbaíno afronta un nuevo ejercicio con un ambicioso programa, en el que destacan muestras sobre Giacometti, Chagall y la Colección Thannhauser.

Guiarte.com. Bilbao, 26/01/2018

En 2017 –el XX Aniversario del centro artístico- fueron 1.322.611 las personas que han visitado el Museo, lo que supone un incremento del 13 por ciento con respecto a 2016. Asimismo, se ha superado en 15.411 visitantes la cifra de 1998, el año más exitoso hasta la fecha. Se mantiene como en años anteriores el alto porcentaje de extranjeros (62 por ciento del total), procedentes fundamentalmente de Francia (16 por ciento), Gran Bretaña (7 por ciento), Alemania (5 por ciento), Estados Unidos (5 por ciento) e Italia (4 por ciento).

El programa para el 2018 es muy variado. Del 2 de febrero al 13 de mayo, 2018, se puede ver en el centro bilbaíno “Henri Michaux: el otro lado”. A través de más de 200 piezas, documentos y objetos del poeta y pintor de belga, la muestra proporciona una mirada panorámica en torno a tres grandes bloques temáticos: la figura humana, el alfabeto, y la psique alterada.

Del 16 de marzo al 10 de junio, 2018, Esther Ferrer presenta “Espacios entrelazados. En esta exposición, la artista multidisciplinar guipuzcoana incluirá casi exclusivamente proyectos inéditos, nunca realizados en un espacio expositivo.

Del 23 de marzo al 1 de julio, 2018, Michael Snow presenta Circuito cerrado. Snow (Toronto, 1929) es una de las figuras clave del cine experimental y de la videoinstalación.

Del 11 de mayo al 23 de septiembre de 2018, se presenta “Arte y China después de 1989: El teatro del mundo” con creaciones del audaz movimiento de arte contemporáneo nacido durante el período de mayor transformación de la historia de la China moderna. Organizada por el Solomon R. Guggenheim Museum, reúne obras de 71 artistas y grupos clave que han trabajado tanto en China como en el resto del mundo.

…Y una mirada al siempre poético Marc Chagall, del 1 de junio al 2 de septiembre. La exposición, surgió en el Kunstmuseum Basel, presenta una selección de obras del periodo de mayor evolución artística y personal para Marc Chagall, así como de gran convulsión política. Su núcleo lo constituye un conjunto de destacadas obras procedentes de los fondos del museo de Basilea, de la Im Obersteg Foundation y otras colecciones públicas y privadas.

También habrá un espacio para la artista portuguesa Joana Vasconcelos, con la muestra “Soy tu espejo”, del 29 de junio al 11 de noviembre. Vasconcelos está considerada como una de las artistas destacadas de la última década y trabaja con la escultura y la instalación para dar una visión del mundo directa a través de obras de significados abiertos.

Del 12 de julio al 21 de octubre se presenta la muestra de Diana Thater “Un mundo a la fuga”, una visión en torno a los grandes interrogantes de la cultura contemporánea. Esta pionera multimedia, norteamericana, manipula el color y la imagen, ayudada de las modernas tecnologías para acercarnos a la naturaleza, a la vida precaria de especies protegidas o a las economías ilícitas que amenazan su supervivencia.

Otra muestra notable, del 21 de septiembre al 24 de marzo de 2019 es la de “De Van Gogh a Picasso: el legado Thannhauser”, que reúne joyas del arte moderno de algunos de los artistas más innovadores de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Proveniente de la Colección Thannhauser de la Fundación Solomon R. Guggenheim, esta exposición contiene trabajos de pintores impresionistas, postimpresionistas y de los primeros maestros modernistas, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Pablo Picasso y Vincent van Gogh. Esta será la primera ocasión en la que una parte importante de la prestigiosa Colección Thannhauser se exhibe fuera de la ciudad de Nueva York desde que llegó al Guggenheim hace ya más de cincuenta años.

Otra gran cita, del 19 de octubre, 2018 al 24 de febrero de 2019 será la Retrospectiva de Alberto Giacometti, que reúne esculturas, pinturas y dibujos de toda la trayectoria de este artista. Es una exposición que inició itinerancia en mayo de 2017 en la Tate Modern de Londres. Cuenta con el apoyo y numerosos préstamos de la Fondation Giacometti de París, que posee excepcionales y amplios fondos de todas las etapas del artista suizo: desde el periodo cubista y surrealista hasta el corpus de obras realizadas entre los años 40 y el final de su vida.

Del 31 de octubre al 24 de febrero de 2019 se verá la obra de Javier Téllez “teatro de sombras”. El autor venezolano se sirve del género, teatral y proto-cinematográfico, de las “sombras chinescas” para escenificar historias de exilio y migración relatadas por aquellos que las han vivido.

Y para cierre del año, la muestra Architecture Effects, entre el 5 de diciembre y el 28 de abril de 2019, recurre a una mirada innovadora sobre las conexiones entre el arte y arquitectura en la era post-Internet. El origen de la exposición no es otro que el propio edificio del Museo, inaugurado en 1997 como primer y magistral ejemplo de una arquitectura desarrollada y hecha posible por medios informáticos

Arte en Viena para la tarde-noche

24/01/2018, Las horas tardías también son propicias en Viena para acercarse al arte y a los museos, algunos de los cuales presentan incluso ofertas gastronómicas, y hasta musicales.

El jueves es un buen día para los amantes de la Cultura en horas avanzadas. Ese día, varios museos de Viena están abiertos hasta las 21 horas: el Kunsthistorisches Museum Viena (Museo de Historia del Arte), el Museo Leopold, el Mumok – museo de arte moderno fundación Ludwig Viena y la Kunsthalle Wien (todos ellos en el MuseumsQuartier) También la Künstlerhaus (en su edificio provisional del distrito 5 debido a las obras de remodelación), la Biblioteca Nacional de Austria, el Museo de la Literatura, el Museo del Esperanto, el Museo del Globo Terráqueo, el Museo del Papiro así como el Museo de fotografía WestLicht. Igualmente están abiertos los jueves hasta las 20 horas el Dom Museum Wien y el MUSA Museo | Galería de Promoción | Artoteca.

También el viernes puede aprovecharse para visitar un museo a horas tardías. Hasta las 21 h. permanecen abiertos para los interesados en el arte los museos Albertina, Belvedere, Weltmuseum Wien, Belvedere 21 y Bank Austria Kunstforum.

El MAK – Museo Austríaco de Artes Aplicadas/Arte Contemporáneo puede ser visitado los martes hasta las 22 horas. La Albertina, el Belvedere 21 y el Naturhistorisches Museum Viena (Museo de Historia Natural) los miércoles hasta las 21 horas.

Todos los días hasta las 22 horas, la Casa de la Música, ubicada en el casco antiguo de Viena, permite realizar un viaje por el mundo de la música. También el Museo de las Ilusiones deja sus puertas abiertas todos los días hasta las 22 horas. para que se pueda gozar de los hologramas, estereogramas y otras ilusiones ópticas.

La Noche gourmet del Kunsthistorisches Museum Viena (Museo de Historia del Arte), tiene lugar todos los jueves de 18.30 a 22 horas y permite combinar los placeres artísticos con los gastronómicos en el restaurante situado bajo la bella cúpula del museo. Enfrente, en el Naturhistorisches Museum Viena (Museo de Historia Natural), se sirve una Cena gourmet todos los miércoles a partir de las 19 horas.

También el Belvedere incluye en su programación arte y gastronomía. La visita guiada por la exposición temporal o por las obras principales de la colección permanente se completa con platos adecuados. Y también una visita al Palacio de Schönbrunn puede ser combinada con cena. Según la elección, el paquete Una noche en Schönbrunn puede incluir la visita guiada por el palacio, la cena en el café-restaurante Residenz y un concierto.

Enlaces
Kunsthistorisches Museum Viena (Museo de Historia del Arte), Maria-Theresien-Platz, 1010 Viena, www.khm.at
• Museo Leopold, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.leopoldmuseum.org
• mumok – museo de arte moderno fundación ludwig viena, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.mumok.at
• Kunsthalle Wien, Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.kunsthallewien.at
• „Künstlerhaus 1050“, Stolberggasse 26 / 4ª planta, 1050 Viena, www.k-haus.at
• Biblioteca Nacional de Austria, Josefsplatz 1, 1010 Viena, www.onb.ac.at
• Museo de la Literatura de la Biblioteca Nacional de Austria, Johannesgasse 6, 1010 Viena, www.onb.ac.at/museen/literaturmuseum
• Museo del Esperanto, Palacio Mollard, Herrengasse 9, 1010 Viena, www.onb.ac.at
• Museo del Globo Terráqueo, Palacio Mollard, Herrengasse 9, 1010 Viena, www.onb.ac.at
• Museo del Papiro, Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Viena, www.onb.ac.at
• WestLicht – Escenario de la Fotografía, Westbahnstrasse 40, 1070 Viena, www.westlicht.com
• Dom Museum Wien, Stephansplatz 6, 1010 Viena, www.dommuseum.at
• MUSA Museo | Galería de Promoción | Artoteca, Felderstrasse 6-8, 1010 Viena, www.musa.at
• Bank Austria Kunstforum Wien, Freyung 8, 1010 Viena, www.kunstforumwien.at
• Albertina, Albertinaplatz 1, 1010 Viena, www.albertina.at
• Belvedere, Prinz-Eugen-Strasse 27 y Rennweg 6, 1030 Viena, www.belvedere.at
• Weltmuseum Wien, Palacio Imperial del Hofburg, Heldenplatz, 1010 Viena, www.weltmuseumwien.at
• Belvedere 21, Arsenalstrasse 1, 1030 Viena, www.belvedere21.at
• MAK – Museo Austríaco de Artes Aplicadas / Arte Contemporáneo, Stubenring 5, 1010 Viena, www.mak.at
• Naturhistorisches Museum Viena (Museo de Historia Natural), Maria-Theresien-Platz, 1010 Viena, www.nhm-wien.ac.at
• Casa de la Música. El Museo del Sonido, Seilerstätte 30, 1010 Viena, www.hdm.at
• Museo de las Ilusiones, Wallnerstrasse 4, 1010 Viena, https://museumderillusionen.at
• • Noche gourmet en el KHM, http://www.khm.at/entdecken/angebote/cafe-restaurant Cultura y gastronomía en el Museo de Historia Natural, http://www.food-affairs.at/kultur-kulinarium/kulinarium-im-museum
• Palacio de Schönbrunn: Una noche en Schönbrunn, www.imagevienna.com

El Quijote: sabor y arte

18/01/2018, “Cosas de la bucólica. La gastronomía en El Quijote” es el título de un libro recién editado, debido al escritor y periodista Tomás Alvarez e ilustrado por el artista Sendo, en el brillan los sabores y el arte.

Madrid. Guiarte.com. 17/01/2018

Amalia Pérez

Prologa la publicación el académico Luis María Ansón, en tanto que la maquetación ha sido diseñada por Lalo Fernández Mayo, quien ha sabido componer un volumen de acusada personalidad, en el que conjuga el texto, las modernas ilustraciones, la original tipografía, el tipo de papel y el diseño. Edita CSED.

El autor, Tomás Alvarez, destaca en el texto el inmenso bagaje cultural de Cervantes, cuya asendereada existencia le sirvió para acopiar una ingente información que vierte en el Quijote, “verdadero retablo de la vida del final del siglo XVI”.

Para Alvarez, se ha abusado de un enfoque parcial en el análisis gastronómico de la comida cervantina, centrado en La Mancha. “Me parece injusta y simplista – dice- la ecuación comida cervantina igual a comida manchega (…) porque productos, platos y refranes son marcadamente hispanos, comunes a la mayor parte del territorio peninsular. Incluso asoman a veces en las páginas cervantinas los ecos de sus experiencias culinarias en Argel o Italia”.

En el transcurso de la obra, el autor profundiza en los ágapes, productos, refranes y dichos relativos a la gastronomía de la obra cumbre de nuestras letras, pero también se refiere a otros aspectos geopolíticos y culinarios del final del siglo XVI, época en la que cambian tanto los hábitos del comer, por influencia de las relaciones entre las cortes europeas, como los productos, por la llegada de nuevos ingredientes desde América.

Unas ilustraciones cargadas de vigor

Y para apoyar el interés del libro, se añade una veintena de obras de Rosendo García Ramos, Sendo, un artista también asendereado, de aire quijotesco, cuya obra ha estado muy ligada al País Vasco, donde residió cierto tiempo, aunque también ha habitado en otros lugares de España y en Lisboa, donde fue catedrático de Diseño en el Instituto Español.

Tanto Sendo como Alvarez, ambos nacidos en 1948, han retornado en su madurez a tierra original, en León, donde continúan con su labor creativa.

En “Cosas de la bucólica. La Gastronomía del Quijote”, el ilustrador presenta unas obras cargadas de vigor, realizadas en un corto periodo de tiempo, en las que no falta la violencia de lo gestual, con la fuerza y modernidad neoexpresionista.

“La técnica que yo he empleado –declara Sendo- se puede denominar óleo-grabado o estampado en óleo. Con esta sólo se obtiene una única copia puesto que desaparece la mácula inicial. Consiste en la utilización de una plancha de cobre, zinc o metacrilato sobre la que se pinta el original, en mi caso con pincel y espátulas y teniendo en cuenta la composición a la inversa. El proceso tiene que ser inmediato para que la pintura no pierda frescor. El papel se emplea el mismo que para el grabado calcográfico, humedeciéndolo previamente”.

“La segunda parte –añade- es el proceso de estampado por medio de un tórculo, que al presionar, el papel absorbe el color, resultando un estampado a la prima que no permite retoques ni correcciones. El proceso es rápido e inmediato y de diseño directo”.

Las obras de Sendo se distribuyen para articular los distintos capítulos de este libro, que empieza con aspectos de la vida de Cervantes, para entrar seguidamente en el análisis gastronómico del Quijote, descubriendo ese binomio reflejado permanentemente en las andanzas del hidalgo y su escudero: el ascetismo y la gula.

Del caviar al “pan y cebolla”

Seguidamente, la obra aborda los yantares en distintos ámbitos: las comidas de la casa del hidalgo, las existencias de las alforjas, los alimentos de los pastores, peregrinos y bandoleros, las comidas de las ventas, en las casas humildes o señoriales y los palacios; para dedicar un capítulo especial a la Ínsula Barataria, “donde Cervantes describe el almuerzo más surrealista de los narrados en la literatura universal”, según afirma Tomás Alvarez.

En páginas posteriores se recuerdan los alimentos e instrumentos culinarios que van apareciendo en los capítulos de la novela, así como la fecunda cosecha de refranes y dichos referidos a las cosas de la bucólica. No falta una consideración final para los yantares del Quijote de Fernández de Avellaneda, un análisis que está absolutamente justificado, porque -según el autor- existe un auténtico "diálogo" entre ambas novelas.

Respecto al título, el autor destaca que ha querido recordar que en el Siglo de Oro era habitual hablar de las cosas de la bucólica como las cosas de la comida (de la boca) y que el propio Cervantes utiliza la palabra en este sentido.

Fitur 2018: optimismo

17/01/2018, En medio de un panorama de crecimiento mundial del turismo, Fitur abre sus puertas en Madrid, con un aumento del 13 por ciento en la participación internacional y un 3 por ciento en la española.

Guiarte.com. 17/01/2018

La Feria del Turismo se celebra en un momento de optimismo para el turismo del país. Con 82 millones de visitantes en 2017, España se ha convertido en el segundo destino turístico mundial, sobrepasando a EE.UU., tanto en gasto como en visitantes

Según fuentes de la Feria, el impacto económico que generará la Feria durante sus cinco jornadas de celebración será de 260 millones de euros, dinamizando los distintos sectores vinculados al turismo de la capital de España. Del 17 al 21 de enero, se expondrán las últimas propuestas, destinos y novedades del sector.

Unas 10.000 empresas participan en este evento en el que están casi todos los países. Es muy notable el aumento de la participación internacional que representa el 54% del total de la feria . Las regiones que experimentan mayor incremento de participación, son África, que aumenta, en más de un 21%; así como Asia Pacífico, y Europa, que crecen respectivamente por encima del 19%, y del 15%.

En esta edición participan por primera vez Siria, Santo Tomé y Príncipe, Bangladesh y Bosnia Herzegovina, y se incorpora a la oferta internacional la participación de Azerbaiyán, Bielorrusia, Bolivia, Ecuador, Guinea Ecuatorial, Letonia, Mauricio, Puerto Rico y Ucrania, países que ya habían participado a través de empresas de sus territorios y que ahora vuelven a FITUR con representación oficial.

En este encuentro –siempre animado y colorista- se prevé superar las cifras de afluencia registradas en 2017, edición que recibió la visita de 244.972 asistentes, incluidos 135.838 profesionales.

La India Socio de Fitur2018

Por tercer año consecutivo, FITUR brinda a un destino o empresa participante la oportunidad de integrarse en su estrategia de comunicación proporcionando la máxima proyección y difusión. Un programa que en esta ocasión convierte a la India en Socio FITUR otorgando a este país una posición de especial protagonismo en la feria.

De hecho, la India es el país asiático con mayor presencia en esta edición, y uno de los cinco primeros del conjunto de la Feria. Así, bajo el eslogan “Incredible India”, el Pabellón liderado por India Tourism Board, registra este año un incremento global de la participación del 35% con mayor presencia, tanto de empresas como de estados/regiones, así como de turoperadores que expondrán de forma individual en distintos stands.

Con el foco en la innovación como una de las claves de la transformación de la industria turística, FITUR 2018 se presenta como la edición más tecnológica. Otro de los puntos destacados se encuentra en el compromiso de FITUR por impulsar el turismo sostenible, desde el punto de vista medioambiental, social, y económico.

Además, en línea de una creciente de especialización, FITUR estrena este año la sección FITUR FESTIVALES que nace con el objetivo de generar nuevas redes turísticas e impulsar la promoción y desarrollo de este segmento de la industria turística de creciente potencial.

Para buena parte de la clase política española Fitur es también disculpa para unas jornadas de ocio en Madrid, amparadas por la promoción de las respectivas regiones o ciudades. Se acumulan los actos promocionales, de escasa trascendencia, de tal forma que en lugar de tener impacto exterior, tan sólo son recogidos por la prensa local invitada con este objeto.

Se lleva a Fitur material de todo tipo, a veces de escasa calidad, y que muchas veces apenas tiene interés. No ha ocurrido así este año con la nueva web que promociona la bella ciudad española de Santander, en la que se han hecho unas traducciones chapuceras, a base de traductor automático, con lo que la notable institución cultural Centro Botín, se presenta en inglés como “Centro de saqueo”. Una chapuza que ha provocado la hilaridad colectiva.

Turismo 2017. Auge espectacular

15/01/2018, Los resultados del turismo internacional en el 2017 han registrado un crecimiento absolutamente espectacular, según la OMT.

Guiarte.com, Madrid, 15/01/2018

Las llegadas de turistas internacionales (visitantes que pernoctan) registraron un aumento del 7 por ciento en 2017 hasta alcanzar un total de 1.322 millones, según el Barómetro OMT del Turismo Mundial. Las previsiones apuntan a que este fuerte impulso se mantendrá en 2018, con un ritmo de entre el 4 y el 5 por ciento.

Aún con datos provisionales, la cifra de turistas que visitan España –unos 82 millones- situarían a este país como segundo punto de llegada del mundo, detrás de Francia y por delante de Estados Unidos, que este año no ha tenido una evolución tan favorable.

La tasa de crecimiento mundial es muy superior a la tendencia sostenida y constante del 4 por ciento o más que se había registrado desde 2010 y representa el mejor resultado en los últimos años.

Liderada por los destinos del Mediterráneo, Europa obtuvo resultados extraordinarios para una región tan madura, registrando un 8 por ciento más de llegadas internacionales que en 2016. África consolidó su repunte de 2016 con un crecimiento del 8 por ciento. La región de Asia y el Pacífico registró un crecimiento del 6 por ciento, Oriente Medio del 5 por ciento y las Américas del 3 por ciento.

El año 2017 se caracterizó también por la firme recuperación de los destinos que sufrieron declives en años previos. Los resultados se debieron en parte a la recuperación económica y a la fuerte demanda de numerosos mercados emisores tradicionales y emergentes, así como, en particular, al repunte del gasto turístico en Brasil y la Federación de Rusia después de años de descensos.

«Los viajes internacionales siguen creciendo con fuerza, consolidando al sector turístico como un motor clave del desarrollo económico”, dijo el secretario general de la OMT, Zurab Pololikashvili. «Sin embargo, a la vez que seguimos creciendo, debemos estrechar la colaboración para asegurarnos de que ese crecimiento beneficie a todos los miembros de todas las comunidades receptoras y de que sea un crecimiento conforme con los Objetivos de Desarrollo Sostenible».

El crecimiento continuará en 2018

Las previsiones indican que este fuerte impulso actual se mantendrá en 2018, aunque a un ritmo más sostenible después de ocho años de expansión constante, tras la crisis económica y financiera de 2009.

La Organización anticipa que las llegadas de turistas internacionales en el mundo crecerán a una tasa ligeramente superior al 3,8 por ciento de crecimiento medio previsto por la OMT para el periodo 2010-2020 en su informe Tourism Towards 2030 (El turismo hacia 2030), una previsión a largo plazo. Se anticipa que Europa y las Américas crecerán entre el 3,5 por ciento y el 4,5 por ciento, Asía y el Pacífico entre el 5 por ciento y el 6 por ciento, África entre el 5 por ciento y el 7 por ciento y Oriente Medio entre el 4 por ciento y el 6 por ciento.

Por regiones de la OMT

Las llegadas de turistas internacionales en Europa alcanzaron los 671 millones en 2017, registrándose un notable crecimiento del 8 por ciento después de un 2016 comparativamente más débil. El crecimiento estuvo impulsado por los extraordinarios resultados de la Europa Meridional y Mediterránea (+13 por ciento).

La región de Asia y el Pacífico (+6 por ciento) contabilizó 324 millones de llegadas de turistas internacionales en 2017. Las llegadas a Asia Meridional crecieron un 10 por ciento, al Sureste Asiático un 8 por ciento y a Oceanía un 7 por ciento. Las llegadas al Noreste Asiático se incrementaron en un 3 por ciento.

Las Américas (+3 por ciento) recibieron 207 millones de llegadas de turistas internacionales en 2017, habiendo disfrutado de resultados positivos casi todos los destinos. Sudamérica (+7 por ciento) encabezó el crecimiento, seguida de Centroamérica y el Caribe (ambas +4 por ciento. En Norteamérica (+2 por ciento), los buenos resultados de México y Canadá contrastan con el descenso en los Estados Unidos, el mayor destino de la región.

A partir de los datos disponibles para África, se ha estimado el crecimiento en 2017 en un 8 por ciento. La región consolidó el repunte de 2016 y alcanzó un récord de 62 millones de llegadas internacionales. El Norte de África experimentó una clara recuperación, incrementándose las llegadas en un 13 por ciento, mientras que las llegadas al África Subsahariana crecieron un 5 por ciento.

Oriente Medio (+5 por ciento) recibió 58 millones de llegadas de turistas internacionales en 2017.

Henri Michaux, en el Guggenheim

13/01/2018, El Guggenheim Bilbao dedica una muestra a Henri Michaux (1899 -1984) un personaje inquieto, pintor y poeta; siempre difícil de clasificar

Guiarte.com. Bilbao. 13/01/2018

Michaux, de origen belga, abandonó sus estudios en bruselas, con apenas 20 años, para trabajar como fogonero en un navío de la marina mercante que le llevó a otro lado del Atlántico. A su vuelta, acabaría ubicandose en París donde entró en contacto con el surrealismo.

Su inquietud le llevó a recorrer el mundo; conoció numerosos lugares de Sudamérica y Oriente e incluso "viajó" a otras latitudes de la mente recurriendo a sustancias alucinógenas... escribió libros de de sus viajes reales e imagionarios, hizo poesía... y a partir de los años treinta dibujó y pintó innumerables obras.

Del 2 de febrero al 13 de mayo, el Guggenheim presenta una exposición relativa a este autor, a través de más de 200 piezas, documentos y objetos del artista.

Henri Michaux produjo febrilmente miles de obras sobre papel de las que hoy apenas alcanzamos a conocer la totalidad. Esta exposición, organizada en colaboración con los Archivos Michaux de París, abarca sesenta años de actividad creativa y da cuenta de las series y periodos más importantes de su trabajo. A través de las obras, documentos y objetos del artista, se presenta una mirada panorámica en torno a tres grandes bloques temáticos: la figura humana, el alfabeto, y la psique alterada.

La exposición subraya el interés de este artista por las ciencias, la musicología y la etnografía. Series fundamentales como los fondos negros, los frottages, los movimientos y los dibujos mescalínicos, están ampliamente representadas, incluyendo obras que nunca antes habían sido expuestas.

Michaux considerado como un personaje vinculado a la incipiente cultura psicodélica y la mística underground, tuvo durante su larga vida una gran influencia entre los artistas y escritores de su tiempo, siendo a la vez “poeta de poetas” y “pintor de pintores”, y fue celebrado por figuras de ambos campos como André Gide y Francis Bacon.

belleza y ecología en el extremo Sur Americano.

12/01/2018, La compañía Australis, que recorre el bellísimo extremo sur de América, anunciará en Fitur nuevos incentivos para el viaje del amante de la naturaleza y el ecosistema.

Guiarte.com. Madrid 12/01/2018

Desde la primera semana de enero inició su navegación por la zona el Ventus Australis, nuevo barco de esta compañía que lleva 27 años ininterrumpidos en la zona más austral de Patagonia y Tierra del Fuego. A esta novedad se suma el nuevo itinerario de cuatro noches desde Ushuaia (Argentina) a Punta Arenas (Chile) “reforzando el puente natural entre ambos países”, anunció el gerente para Europa y Asia de Australis, Frederic Guillemard.

La compañía, que estará presente el la Feria del Turismo de Madrid, Fitur, informa que el Ventus Australis es un barco diseñado especialmente para recorrer las aguas del Estrecho de Magallanes, Canal Beagle y Cabo de Hornos. Sus características y capacidad exclusiva para 210 pasajeros le permiten una gran maniobrabilidad, necesaria para navegar por los canales y fiordos más estrechos y por donde los grandes cruceros no podrían aventurarse.

"Es esta - dice Guillemard- una ruta especial que únicamente con los barcos de Australis se puede conocer; ya que ni por tierra ni por aire se puede acceder la zona"

El itinerario de Ushuaia a Punta Arenas pasa por Cabo de Hornos, la histórica Bahía Wulaia para luego continuar por el Canal Beagle visitando un laberinto de islas y glaciares haciendo parada en la isla Magdalena donde habitan más de 120.000 pingüinos. Luego se desembarca en Punta Arenas (Chile).

Guillemard también comentó que se ha continuado con los trabajos de rehabilitación de la Casa/museo y de los caminos en Bahía Wulaia, donde desembarcó en el siglo XIX la expedición de la que formaba parte Charles Darwin.

Asimismo, afirma que Australis está colaborando con la Fundación Cequa (Centro de Estudios del Cuaternario en Punta Arenas) en el desarrollo de estudios científicos para la conservación del medio ambiente. Y en este sentido, anunció que los viajeros pueden participar en la recolección de las muestras para Cequa, realizadas hasta ahora por los guías del crucero. Para ello, a los pasajeros que deseen participar en esta actividad de colaboración científica se les informará adecuadamente.

Taputapuatea, Patrimonio de la UNESCO

10/01/2018, En la isla de Raiatea (islas de Sociedad, Polinesia Francesa) está Taputapuatea un sitio incluído en el año 2017 como Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Artemio Artigas. Guiarte.com. París, 10/01/2018

Raiatea, a 200 kilometros al noroeste de Tahití, y casi a medio camino entre las costas de Australia y América del Sur, tiene algo más de 200 kilómetros cuadrados de superficie, y está rodeada por un largo arrecife coralino, que abraza también a la isla de Tahaa. Taputapuatea se halla en la parte oriental de la isla.

La UNESCO delimitó como Patrimonio Mundial un par de valles litorales boscosos, una porción de la laguna y del arrecife coralino de la isla, y una zona de mar abierto. El espacio abarca 2.124 ha., ampliadas a 3.363 ha. con la zona tampón

En medio del bello paisaje polinesio se halla el “marae” Taputapuatea. Un marae es un centro sagrado -de carácter social y religioso- típico en las sociedades precristianas polinesias. Habitualmente se trata de una superficie abierta, en la que se habilitan espacios -con construcciones de piedra o madera- para fines ceremoniales. En el “marae” Taputapuātea se observa un recinto formado por un rectángulo cubierto de piedra con una roca erguida en el centro.

Estos centros, están extendidos por toda la Polinesia, y representaban un punto de intersección entre el mundo de los vivos y el de los antepasados muertos. Allí se celebraban tambien los ritos fúnebres.

El marae Taputapuātea constituye -según la UNESCO- un testimonio excepcional de la civilización de la región, cuya antigüedad se remonta a unos mil años atrás, y tenía una cierta preeminencia sobre los centros ceremoniales restantes de las islas cercanas.

El marae Taputapuatea, está dedicado al dios Oro. La creciente importancia de este centro en la región se plasmó en una alianza política de gran parte de la Polinesia. La alianza se mantuvo mediante reuniones regulares en Taputapuatea, encuentros que fueron posibles merced a la tecnología de construcción de canoas estabilizadoras que facilitaron el tránsito por el Océano.

Ante Taputapuatea, el arrecife tiene un paso sagrado que permite el acceso a la laguna. Los barcos que llegaban de alta mar aguardaban aquí antes de ser ser conducidos por el paso y ser oficialmente recibidos en Taputapuatea. Las partes superiores de los valles tienen otros centros marae, terrazas agrícolas y restos arqueológicos de viviendas.

La vegetación consiste en una mezcla de especies, algunas endémicas de Raiatea, otras presentes en otras islas polinesias, y otras son especies alimenticias traídas por antiguos polinesios para cultivar allí. Todo ello -según la UNESCO- integra un paisaje cultural relicto, terrestre y marino, asociativo y excepcional.

Para la UNESCO Taputapuatea es un ejemplo sobresaliente de 1,000 años de civilización Maohi. Este conjunto refleja la organización social con los campesinos que viven en las tierras altas y guerreros, sacerdotes y reyes establecidos cerca del mar. También da testimonio de la competencia de este pueblo en términos de navegación en canoas cruzando largas distancias en el océano, ayudados de la observación de fenómenos naturales, y de la transformación de las islas recién ocupadas para cubrir las necesidades de su gente.

El enclave ofrece ejemplos prominentes de marae, los centros de culto, construidos por los Maohi entre los siglos XIV y XVIII. Y entre los que destacó el marae Taputapuatea eje de la alianza entre jefes y cuyas piedras se transportan a otras islas para fundar otros marae vinculados a este.

Para acceder a la isla de Raiatea hay servicios habituales tanto aéreos como náuticos desde Tahití

Los museos, cada vez más llenos

08/01/2018, La visita a los museos crece en todo el mundo, pese a las fluctuaciones derivadas a veces de conflictos y atentados terroristas.

Claudio Path. Guiarte.com. Madrid, 8/01/2018

Habitualmente, en las primeras semanas del año se van conociendo las visitas a los grandes centros expositivos, y este ejercicio está dando excelentes resultados, en consonancia -también- con el creciente flujo del turismo internacional.

Según datos difundidos por la agencia china Xinhua, el Museo del Palacio de la Ciudad Prohibida de Pekin, recibió 16.7 millones de visitantes en 2017. lo que situaría a este centro a la cabeza de los más visitados. La magnitud alcanzada es un 4,3 por ciento mayor que la del año anterior

El Museo del Palacio, en otro tiempo hogar de los emperadores de las dinastías Ming y Qing, alberga una gran colección imperial de obras de arte y prepara una ampliación de instalaciones para 2020. China está pisando fuerte tanto en su presencia en el exterior como en su poder de atracción del turismo internacional.

París recupera pulso cultural

En París, tras una sensible bajada de visitantes en el 2016 -debido al temor por el terrorismo- las instituciones culturales registraron excelentes cifras en 2017.

De enero a diciembre, el Museo del Louvre ha visto un fuerte aumento en la asistencia y recibió a 8.1 millones de visitantes (+ 10% en comparación con 2016). Este año destacó el éxito de la exposición "Vermeer y los maestros de la pintura de género".

De enero a diciembre de 2017, el Louvre ha visto crecer significativamente en número de visitantes extranjeros, con la asistencia de casi 5,6 millones en 2017. Los más habituales, los viajeros de Estados Unidos (1.2 millones) seguidos de los chinos (700,000 visitantes).

En el Museo d’Orsay, tras una bajada del 13 por ciento en 2016, la asistencia aumentó un 6 por ciento para alcanzar las 3,1 millones de personas. En el Centro Pompidou se alcanzaron 3,3 millones de visitas, con una pequeña alza sobre el año anterior. Las causas, el éxito que cosecharon las muestras de Magritte y David Hockney

En París también se ha destacado la exposición dedicada a la colección Shchukin, en la Fundación Vuitton. Más de 1,2 millones de personas la visitaron con lo que batió así un récord como exposición mas visitada.

En Ámsterdam el Museo Van Gogh informó que ha batido su récord visitantes, con la cifra de 2.26 millones en 2017, convirtiéndolo en el museo más visitado de los Países Bajos en este año. A destacar también allí el crecimiento de viajeros orientales. Por su parte, el Rijksmuseum registró un número de visitantes muy similar: 2,16 millones.

España

Por lo que se refiere a España, el Reina Sofía recibió 3.880.812 visitantes durante 2017 con un incremento de un 3,6% con respecto a 2016; el Prado registró en 2017 un total de 2.8 millones de visitas frente a los 3 millones del año anterior, con una caída del 6,9%. No es un mal dato, porque el anterior había alcanzado un récord histórico, en el que influyó la exitosa muestra relativa al Bosco, la más visitada de la historia del centro.

Las prestigiosas instituciones culturales de la Obra Social ”la Caixa” también han tenido grandes éxitos. En el conjunto de España, en 2017, su oferta cultural recibió la atención de 5,9 millones de visitantes, con un incremento del 13,7 % respecto a 2016.

La tendencia al alza también se acusó en los 16 museos de titularidad estatal dependientes del Ministerio de Cultura, que registraron en 2017 2,9 millones de visitas.

El búho de Harry Potter, declina

05/01/2018, Aunque la versión hispana de Harry Potter identifica a su mascota como lechuza blanca, la realidad es que se trata de un búho nival, un ave cada vez más rara.

Artemio Artigas. Guiarte.com, 5/01/2018

Este búho extiende su territorio por todo el norte del planeta, tanto Eurasia como América, y es conocido también como búho ártico o gran búho blanco. Pero los tiempos para la especie no son buenos y en este año que acaba de finalizar ha sido clasificado como Vulnerable en la revisión de la Lista Roja de Especies en Peligro que elabora la UICN.

BirdLife Internacional, advierte que es la primera vez que se incluye a este ave misteriosa y blanquecina en el ámbito de los animales de incierto futuro debido especialmente a los efectos del cambio climático.

Este ave mide unos 60 centímetros de longitud y hasta metro y medio de envergadura. Anida en el Ártico y es especialmente blanquecina, sobre todo el macho, ya que las hembras y los individuos más jóvenes presentan manchas negras en el abdomen.

Hasta hace poco, el número de individuos de la especie se estimaba en torno a los 200.000, pero las ultimas estimaciones lo acercan a los 30.000

Informa BirdLife que un trabajo reciente de Eugene Potapov, Richard Sale y otros investigadores sugiere que esta especie difícil de estudiar tiene una distribución más desigual de lo que se estimaba, concentrándose en siete aglomeraciones. Como resultado, las poblaciones estimadas anteriormente se han revisado hasta reducirlas a unas 14.000 parejas.

Además, los efectivos de la especie fluctúan en respuesta a la disponibilidad de presas, que durante la temporada de reproducción (verano) son casi exclusivamente los lemmings. Y las poblaciones de lemmings también han bajado por el cambio climático que altera sus espacios habituales, transformando la tundra en bosque, y por una mayor presión de los depredadores. En los años más difíciles se estima que el número de parejas de búho nival desciende hasta las 7.000.

Además, este gran búho también podría estar sufriendo altas tasas de disminución de la población por la captura ilegal, colisiones con líneas eléctricas, y otros aspectos relativos con la expansión delas actividades del hombre.

todas las amenazas empeoran sus previsiones de futuro. Así, el búho nival -archiconocido por su relación con Harry Potter- se enfrenta a un incierto futuro. "el dramático descenso de las estimaciones de su población es una fuente de preocupación. La especie debe ser ahora una alta prioridad para futuras investigaciones y para las acciones de conservación ", estima Andy Symes, responsable de Especies en BirdLife International.