Archivo de noticias de 2017

Jerusalén... y Semana Santa

22/03/2017, Aunque la Semana Santa se celebra en todo el mundo, Jerusalén es el lugar clave para revivir la Pasión de Cristo.

Guiarte.com. Jerusalén, 22/03/2017
Los hechos que rememoran las celebraciones cristianas sucedieron en esta ciudad, una de las más antiguas y sagradas del mundo, donde se acumulan vestigios de los tiempos y las culturas.

Turismo de Israel recuerda ahora algunas de las celebraciones más importantes que se celebran a partir del Domingo de Ramos, en esta ciudad sagrada de las principales religiones monoteístas.

La Semana Santa empieza el Domingo de Ramos (9 de abril) con la tradicional bendición y procesión de las palmas. Los líderes de la Iglesia de la comunidad cristiana como el Patriarca Latino, el Custodio de Tierra Santa y otros Obispos se unen a miles de peregrinos en su descenso del Monte de los Olivos, en una celebración que recrea la entrada de Jesús en Jerusalén.

El Jueves Santo (13 de abril) es el momento en que los fieles conmemoran la Última Cena y los momentos previos al apresamiento de Jesús. Los actos transcurren en la Iglesia del Santo Sepulcro, el Cenáculo y la iglesia del Cristo Redentor. Posteriormente se realizan lecturas en diferentes idiomas en la Basílica de la Agonía en Getsemaní, seguida de una procesión con velas hasta el Monte Sión.

El Viernes Santo (14 de abril), día de la crucifixión de Jesús, se inicia con una procesión a lo largo de la Vía Dolorosa, en que están marcadas nueve de las catorce estaciones del Via Crucis. Por la noche, a las 20:10, el entierro de Cristo se celebra en la basílica del Santo Sepulcro. Es un evento único en la Iglesia de Jerusalén, recreando la deposición del cuerpo de Cristo en la tumba.

Por cierto, cabe recordar que este año se ha procedido a restaurar la cúpula y el Edículo de la Tumba de Cristo, en la iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén, con lo que esta construcción ha recuperado su color original.

El Sábado Santo (15 de abril) se celebra a primera hora la Oración delante de la Tumba Sagrada. A las 18:00h tiene lugar una plegaria vespertina delante del Santo Sepulcro y a las 23:30 se celebra la Celebración Pontificia de la Liturgia de las Horas en el Altar de María Magdalena, presidida por el Custodio de Tierra Santa. Ese día, además, hay un desfile de bandas armenias con gaitas y tambores que caminan junto al Patriarca y sacerdotes en dirección al Santo Sepulcro.

También el sábado 15 de abril, tiene lugar en la iglesia del Santo Sepulcro el Milagro del Fuego Santo, cuyo primer registro data del año 1106, aunque se cree que la celebración se remonta a muchos años atrás. Se trata de la celebración más importante de la fe ortodoxa en Jerusalén, que considera que esta Luz simboliza para los cristianos orientales la luz de la Resurrección.

El duro viaje del pequeño correlimos

21/03/2017, Cada año, el correlimos cuchareta realiza un viaje de unos 10.000 kilómetros, desde el sur de Asia Oriental a Siberia. Es una prueba cada vez más difícil.

Artemio Artigas, Guiarte.com. 21/03/2017
El ave, cuyo elemento más singular es su pico espatulado, es de mediano tamaño y tonos marrón grisáceo y rojizo con partes blanquecinas. Habita en las cercanías del agua, utilizando su pico peculiar para remover las zonas de barro y arenas.

Una vez año cambia de hábitat para proceder a la nidificación. El duro viaje del correlimos cuchareta (Calidris pygmaea) se torna extenuante a medida que el desarrollo “engulle” los humedales intermareales del mar Amarillo por la expansión urbana y de cultivos. El ave, que hiberna en el sur de Asia, ha perdido muchas de estas áreas de reposo y cuando llega a las frías regiones norteñas, cercanas al Mar de Bering, apenas tiene fuerzas para buscar compañero y aparearse. En muchos casos, sólo se dedica a reponer su maltrecho cuerpo.

Según BirdLife, los humedales costeros de China constituyen algunos de los sitios migratorios, de paso y de invernada más importantes a lo largo de la ruta aérea de Asia Oriental y Australasia.

Desafortunadamente, el área está soportando una fuerte degradación.

UICN afirma que estos humedales del Mar Amarillo están amenazados por una amplia gama de presiones que causan su degradación y destrucción. Alrededor del 66 % de los mismos se han perdido en los últimos 50 años y las poblaciones de diversas especies de aves han disminuido drásticamente, pues esta zona es crucial en la ruta aérea de Asia Oriental. Este problema está avocando a algunas raras aves hacia la extinción.

Ciudades, y granjas ocupan los lodazales donde el correlimos descansaba antaño en su viaje de hasta 11.000 kilómetros y cuando el épico periplo llega a su final, el animal se halla tan debilitado que posterga su relación amorosa, incapaz producir huevos. Luego regresará hacia el sur, hacia Bangladesh, sin cría, sin una nueva generación.

La población mundial de la especie disminuyó de una estimación de 2.000 a 2.800 parejas reproductoras en la década de 1970 a un centenar de parejas en 2011. La especie ha sido declarada en “peligro crítico” por la Lista Roja de especies amenazadas de la UICN.

Diversas organizaciones defensoras del medio ambiente, junto con algunos Estados, están trabajando desde hace una década para defender a las especies, damnificadas por el “desarrollo” de Asia Oriental, entre ellas este correlimos. BirdLife ha iniciado una campaña con el objetivo no sólo de estabilizar las especies, sino de incrementar su población, asegurando la conservación de los sitios ecológicos clave en el Mar Amarillo y apoyando la conciencia de conservación.

Anglada-Camarasa en Sevilla

21/03/2017, El centro cultural CaixaForum Sevilla abre sus puertas y lo hace con una exposición dedicada al artista postimpresista Anglada-Camarasa.

Sevilla, 21 de marzo de 2017
Hasta el 20 de agosto de 2017 en CaixaForum Sevilla se presenta una gran retrospectiva dedicada a uno de los representantes más destacados del postimpresionismo de nuestro país, Hermen Anglada-Camarasa (Barcelona, 1871 - Port de Pollença, Mallorca, 1959).

La exposición "Anglada-Camarasa 1871-1956", compuesta por 94 obras de los fondos de la Colección "la Caixa", del Museo de Bellas Artes de Asturias, de la Fundación Barceló de Palma, de la colección particular de Josep Coll Vilanova de Valldemossa y de la Biblioteca de Cataluña en Barcelona, traza un recorrido completo a lo largo de todas las etapas de este artista de fama internacional.

Hermen Anglada-Camarasa protagonizó algunos de los momentos más importantes de la historia del arte de la primera mitad del siglo XX. En sus inicios cultivó un sólido realismo rural muy detallista, para, ya en París, desarrollar un luminoso posimpresionismo personal con fuerte impacto simbolista. Posteriormente se inspiró en el folclore valenciano, del que surgieron obras tan fundamentales como El ídolo (1910) o Novia valenciana (1911). Su colorismo rutilante le valió la admiración de Kandinsky, Meyerhold y Diaguilev. Tras la Primera Guerra Mundial, el artista se refugió en Mallorca, donde pinta paisajes manteniendo el colorismo. Sus últimos cuadros verdaderamente creativos fueron realizados durante la Guerra Civil Española, condicionados por la peculiar orografía de su posterior refugio en Montserrat.

El nuevo CaixaForum Sevilla
El nuevo centro cultural que la entidad ha construido en la capital andaluza es obra del arquitecto Guillermo Vázquez Consuegra. CaixaForum Sevilla pasa a ser el tercer CaixaForum más grande, tras los de Barcelona y Madrid.

7.500 metros cuadrados útiles destinados al conocimiento, con dos grandes salas de exposiciones, un auditorio, dos aulas polivalentes, una cafetería-restaurante y una tienda-librería.

Además de la exposición dedicada a Anglada-Camarasa, CaixaForum Sevilla presenta otra muestra, organizada exclusivamente para este centro a partir de los fondos de la Colección ”la Caixa”, que explora la representación humana y la identidad a través de las obras de reconocidos artistas internacionales contemporáneos.

Jia Aili, en el CAC Málaga

20/03/2017, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta hasta el próximo 18 de junio de 2017 la exposición Jia Aili, integrada por 28 pinturas de este artista innovador chino.

Guiarte.com. 20/03/2017
Jia Aili es uno de los pintores emergentes chinos y refleja en sus obras los cambios dramáticos producidos en la sociedad contemporánea, incorporando características contemporáneas con un estilo tradicional figurativo.

Las obras, inundadas de paisajes apocalípticos están desarrolladas mediante el uso de una paleta oscura -negros, grises y azules- provocado un profundo desasosiego, que nos habla de incertidumbre, soledad, innovaciones tecnológicas, conflictos y devastación.

La exposición invita al espectador a reflexionar sobre el papel del ser humano en el planeta, con una visión cargada de interrogantes y temor.

“La pintura es para mí la mejor manera de expresar lo que siento” afirma Jia Aili (1979), quien utiliza en su gran mayoría lienzos de gran tamaño, pues para él no hay mejor formato para mostrar la realidad, “un espejo de dimensiones colosales”.Para Fernando Francés, director del CAC Málaga y comisario de la muestra, las obras del artista chino transmiten belleza, sorpresa y perturbación.

El artista nació en 1979 y se graduó en la Academia de Bellas Artes de Lu Xun en 2006. Su pueblo, Dandong, está localizado en el corazón del Noreste de China, y pertenece a la provincia de Liaoning. Desde 1894, esta región, cercana al río Yalu, fue bombardeada en más de una ocasión. Jia Aili es muy sensible a la evolución de la sociedad y la historia, y explora el estado psicológico de sus contemporáneos.

El artista, en sus obras, simultanea la vida cotidiana mezclada con escenas de apariencia post-apocalíptica. Parte de elementos de la historia, cultura, ciencia, tecnología, enfermedades y guerras y utiliza imágenes metafóricas, fragmentos y símbolos de la época post-industrial abarcando diferentes momentos y lugares, en los que recurre a imágenes efectistas, máscaras antigás, ruinas industriales, cohetes...

Jia Aili, vive y trabaja en Pekín, China. Es licenciado en Lu Xun Academy of Fine Arts, departamento de Pintura al óleo. Ha realizado exposiciones individuales en Teatrino di Palazzo Grassi, Venecia, Italia; Singapore Art Museum (SAM), Singapur; Platform China, Hong Kong, China; DoART, Pekín, China, entre otros. Además, ha participado en exposiciones colectivas en Busan Museum of Art, Busan, Corea; Mori Art Museum, Tokio, Japón, PinchukArtCentre, Kiev, Ucrania; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seúl, Corea; Minsheng Art Museum, Shanghái, China; Haunch of Venison, Londres, Reino Unido; Collateral Events of the 54th International Art Exhibition, Venecia, Italia, y Arario Gallery, Nueva York, EE. UU, entre otros puntos.

Marcel Broodthaers en Düsserldorf

20/03/2017, El Reina Sofía y el MoMA inauguran en Düsserldorf la mayor retrospectiva dedicada al artista Marcel Broodthaers.

Düsserldorf (Alemania), 20 de marzo de 2017
"Marcel Broodthaers. Una retrospectiva" es la antológica más completa realizada hasta la fecha sobre el artista belga Marcel Broodthaers (Bélgica, 1924 – Alemania, 1976).

La muestra llega al Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf y presenta, hasta el próximo 11 de junio, en torno a 250 piezas y material documental, procedentes de instituciones como el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, la National Gallery de Washington, la National Gallery of Scotland, el MACBA de Barcelona, o el centro Georges Pompidou de París.

La producción de Broodthaers durante las décadas de los años 60 y 70, le convirtió en uno de los creadores más importantes del panorama internacional. Broodthaers comenzó su actividad dentro de las artes plásticas con una edad aproximada de cuarenta años, habiéndose dedicado anteriormente a la fotografía, literatura, poesía y crítica artística. La exposición subraya la compleja trayectoria de su carrera, que a pesar de su breve duración resultó enormemente influyente para las futuras generaciones de artistas.

Broodthaers cultivó diversas disciplinas como la escultura, pintura o el cine, además de realizar una serie de exposiciones concebidas como dispositivos de presentación de su propio trabajo. Descarado, innovador e irónico, el artista decidió hacer arte con una mentalidad surrealista, al estilo de Duchamp, René Magritte y Kurt Schwitters.

La basura, en el museo

17/03/2017, El Museo de las civilizaciones de Europa y del Mediterráneo, presenta Vies d´ordures. De l´économie des déchets (vidas de basura. La economía de los residuos).

Guiarte.com Marsella (Francia), 17 de marzo de 2017
En esta muestra del Museo Nacional francés localizado en Marsella, se examina la incidencia de la huella ecológica del hombre, especialmente en el ámbito del Mediterráneo, y para ello se recurre a múltiples aspectos, desde el estado del territorio a la recogida de desechos y la reutilización de los mismos...

En la presentación de la muestra se señala que la huella del ser humano en el planeta es invasiva. Más del 80 por ciento de la superficie terrestre está bajo la influencia humana directa. Esta presión genera sobreexplotación de recursos, cambios de los ecosistemas, aumento de la temperatura global, agotamiento de la capa de ozono, la acidificación, empobrecimiento del suelo y del subsuelo, etc. “Nuestras sociedades se transforman en empresas de residuos”.

El Mucem expone las formas en que nuestras sociedades producen, procesan, y transforman los restos. Para ello parte de un viaje por el Mediterráneo donde descubre el estado de los paisajes ocupados o no por el hombre, las tecnologías, los objetos reciclados con los que una parte de los seres humanos logran a menudo vivir... y sufrir.

Para este trabajo se ha recurrido a investigaciones etnográficas en Turquía Albania, Egipto, Italia, Túnez, Marruecos o en el sureste de Francia (Marsella y su metrópoli), lo que permite conocer y dar a conocer la gestión individual y colectiva de los residuos, la trasformación, los cambios paisajísticos y sociales.

Más de 450 objetos, documentos, instalaciones, películas, mapas y diagramas de las colecciones de Mucem y museos etnográficos como Quai Branly o el Museo Guatelli, en la región de Parma; contribuyen a enriquecer la recogida de elementos y datos llevada a cabo por el Mucem desde 2014.

Para Denis Chevallier, comisario general de la exposición, el Mucem eligió la cuestión de los residuos, para reflexionar sobre nuestro estilo de vida, nuestros patrones de consumo y producción. “Con esta exposición nos gustaría que el visitante llegara un poco más consciente a su comportamiento diario, y viese que sus acciones tienen consecuencias para el planeta y por lo tanto para todos nosotros”.

Gran parte de los fueron objetos recogidos para la exposición como parte de su campaña de investigación en la que encuestadores, camarógrafos y fotógrafos viajaron por ligares como Casablanca, Nápoles, Marsella, Tirana, Estambul, El Cairo o Túnez, de donde han recogido objetos, historias, fotos y grabaciones.

Para Chevallier, el museo es un lugar de fabricación del conocimiento, desvelando al propio ser humano su huella, aunque esto le haga “maldecir nuestro estilo de vida”.

Vies d’ordures. De l’économie des déchets
Mucem, Museo de las civilizaciones de Europa y del Mediterráneo
Del 22 de marzo al 14 de agosto de 2017

Crean el primer hotel pop-up

16/03/2017, Una torre de vigilancia playera de Tel Aviv se transforma en el primer hotel pop-up del mundo, como parte de una campaña encaminada a potenciar el atractivo turístico de la ciudad y de Israel.

Guiarte.com. Tel Aviv, 16/03/2017
El concepto pop-up, aplicado a tiendas, almacenes o restaurantes, es una forma alternativa de negocio caracterizada por la informalidad del establecimiento, la duración efímera del proyecto y su carácter creativo y sorprendente.

La torre de vigilancia, que se encuentra en la playa de Frishman, y su apertura como suite turística está enfocada a incitar al viaje con la imagen de una experiencia única. La torre se transformó en una suite frente al mar gracias al trabajo de Aline Langlieb, diseñadora líder de la colección urbana de "Brown Hotels", y del artista de graffiti Edgar Rafael. En su espacio se cuenta con comodidades y servicios, y se dispone de ducha, mayordomo personal y servicio de habitaciones.

El alcalde de Tel Aviv, Ron Huldai, anunció que el turismo en la ciudad ha sido y será creativo y revolucionario. “Esta torre es una oportunidad increíble para disfrutar de la ciudad y de nuestra playa (…) y los invitados del hotel compartirán sus impresiones de la ciudad con sus amigos de todo el mundo".

Amir Halevi, del ministerio de Turismo israelí, ha declarado que están trabajando en nuevos nichos de mercado y usando ideas muy creativas, algo clave en el mundo del marketing, y que la apertura del hotel forma parte la iniciativa Two Cities One Break que fomenta el turismo en Tel Aviv y Jerusalén.

Del 14 de marzo al 4 de abril, el hotel en la torre de vigilancia acogerá a prescriptores de opinión y a los ganadores del concurso internacional que se ha llevado a cabo en cooperación con hotels.com. A los participantes se les pidió que compartieran una foto de ellos mismos en su ciudad de origen con el equipo de playa que traerían a Tel Aviv y un letrero publicitario. Los primeros huéspedes son Sandra Lechner e Izabella Meczykowska de la web Beach Inspector. Los ganadores pasarán en Israel cuatro días de vacaciones, la primera noche disfrutarán la experiencia de la torre de vigilancia.

Viena: arte para otoño

16/03/2017, El amante del arte y de la buena pintura puede ir preparando la visita a Viena este otoño, donde se presentan muestras sobre Pieter Bruegel el Viejo, Rafael y Pedro Pablo Rubens.

Artemio Artigas. Guiarte.com. Viena, 16/03/2017
Por su arquitectura, historia, gastronomía y arte, Viena es una ciudad que cautiva al viajero. Uno de sus puntos museísticos clave es la Albertina, con una de las mayores colecciones gráficas del mundo, entre las que destacan los fondos de Alberto Durero.

Este centro también posee valiosos dibujos y grabados de Pieter Bruegel. Seis de los aproximadamente 60 dibujos hechos por la mano del pintor holandés están en poder del museo vienés, así como la totalidad de sus grabados. En otoño de 2017, la Albertina rastrea los orígenes artísticos del artista en una amplia exposición y examina su importancia como “pintor campesino“, renovador del arte paisajístico, crítico y satírico con la sociedad.

La Albertina presenta también en otoño de 2017 a otro gran maestro en una exposición: Rafael de Urbino.

Se trata de la primera muestra monográfica de la obra de Rafael en Austria, que incluye 170 dibujos y pinturas. Incluirá trabajos muy importantes del artista, de todas sus fases creativas, desde el período temprano en Umbría, pasando por los años de su estancia en Florencia hasta su época romana. El trabajo de este maestro del Alto Renacimiento es ilustrado mediante obras procedentes tanto de la colección propia de la Albertina como de otros famosos museos.

En otoño de 2017, el Kunsthistorisches Museum Viena dedicará también una suntuosa exposición a otro de los grandes maestros del arte. Pedro Pablo Rubens. “El poder de la transformación” es el título de la muestra que reúne las obras vienesas del pintor flamenco barroco con numerosas obras procedentes de otros países, creando un conjunto espectacular que incluye dibujos, bocetos al óleo, retablos y lienzos de gran tamaño.

Datos de las exposiciones:
Pieter Bruegel el Viejo, del Bruegel del 8 de agosto al 3 de diciembre de 2017. Albertina, Albertinaplatz 1, 1010 Viena. Página web, www.albertina.at

Rafael, del 29 de agosto al 7 de enero de 2018. Albertina, Albertinaplatz 1, 1010 Viena. Página web, www.albertina.at

Pedro Pablo Rubens. El poder de la transformación, del 17 de octubre al 21 de enero de 2018, Kunsthistorisches Museum Viena, Maria-Theresien-Platz, 1010 Viena. Página web: www.khm.at/rubens2017

Tierra de sueños

15/03/2017, Hasta el 28 de mayo de 2017 en CaixaForum Madrid se puede ver la exposición fotográfica "Tierra de sueños", de Cristina García Rodero.

Madrid, 15 de marzo de 2017
Tierra de sueños nos muestra la singularidad y asimetría del mundo rural de la India más desconocida, un escenario donde se confunden el pasado con el presente y lo natural con lo fantástico.

A través de las fotografías de gran formato realizadas por Cristina García Rodero, la exposición da voz a las mujeres de Anantapur (Andhra Pradesh), donde viven las comunidades más marginales y vulnerables del país, y pone de relieve la alegría y sufrimiento de quienes cubren con color los claroscuros de su cruda existencia.

Las 80 fotografías de Tierra de sueños reflejan la vida cotidiana de los habitantes de una de las zonas más pobres de la India, y difunden las acciones de cooperación internacional que allí desarrolla la Fundación Vicente Ferrer con la colaboración de la Obra Social “la Caixa”.

Durante un mes y medio Cristina García Rodero visitó hospitales, centros de acogida de mujeres maltratadas, talleres, escuelas y casas, para retratar a niños y niñas, personas con discapacidad y, muy especialmente, mujeres. Madres, campesinas, costureras, profesoras, enfermeras y estudiantes, que representan uno de los principales motores de la transformación de las comunidades de Anantapur.

Cristina García Rodero:
Nacida a Puertollano (Ciudad Real) en 1949, Cristina García Rodero se licenció en Bellas artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido la primera española que ha entrado a trabajar en la prestigiosa agencia fotoperiodística Magnum. Ha recibido galardones como el World Press Photo 1993, el Premio Nacional de Fotografía 1996, el Fotopres "la Caixa" 1997, el PhotoEspaña 2000 y la medalla de oro al Mérito de las Bellas Artes 2005.

Tierra de sueños. Cristina García Rodero
CaixaForum Madrid
Hasta el 28 de mayo de 2017

Isla Astola

14/03/2017, Con unos 6 kilómetros cuadrados de superficie, Astola es la mayor isla pakistaní ubicada a 25 kilómetros de la costa. La UICN trabaja por su protección.

Guiarte.com. Gland (Suiza). 14/03/2017
Se trata de un lugar deshabitado, donde las únicas construcciones del hombre son los restos de un antiguo templo hinduista, una pequeña mezquita y un faro que funciona con energía solar. En principio el lugar tendría atractivo para turistas que busquen la soledad, playas de fina arena, aguas claras y un paisaje con personalidad, pero no hay agua ni árboles.

Los pescadores ocupan la isla temporalmente. Pero la riqueza de estas aguas está descendiendo por la pesca masiva con navíos arrastreros. También han introducido los gatos para combatir la presencia de los roedores que les molestaban durante sus escalas en la isla. Ahora, los gatos silvestres representan una amenaza para los abundantes criaderos de aves.

Astola es un enclave muy interesante para la fauna, y la UICN ha propuesto que sea declarada Área Marítima Protegida (MPA) por el Gobierno de Pakistán. Esta propuesta fue presentada por un socio de la UICN, Indus Earth Trust, en el Congreso Mundial de la Naturaleza de la UICN celebrado en 2016 en Hawái. La moción fue apoyada por un gran número de Miembros de la UICN en el Congreso y posteriormente adoptada como Resolución 052.

Este espacio es ecológicamente importante. Las playas son un lugar de anidación para la tortuga verde (Chelonia mydas) en peligro de extinción y la tortuga carey (Eretmochelys imbracata). Además es residencia de gran variedad de aves acuáticas como corceles, gaviotas, charranes, Chorlitos… Tiene también valor por sus reptiles como la endémica víbora de Astola (Echis carinatus astolae). En el ámbito marino, destaca una variedad de corales que favorece un ecosistema propicio para una amplia gama de especies marinas.

UICN alerta del peligro de la sobreexplotación pesquera. También advierte que la isla tiene un buen potencial para promover el ecoturismo basado en la naturaleza y realizar investigaciones de conservación, pero que estas actividades deben regularse si se quieren conservar los recursos naturales y la austera belleza estética de Astola.

Por todo ello se demanda la creación de un Área Marítima Protegida que permitirá restringir la actividad humana con fines de conservación para proteger los recursos naturales o culturales. También señala que “teniendo en cuenta el hecho de que las comunidades locales dependen, al menos en parte, de los recursos marinos de la isla para su sustento, una alternativa podría ser que la isla sea declarada Reserva de la Biosfera, que tiene normas relativamente menos estrictas cuando se trata del uso de los recursos naturales dentro del área designada”.

En todo caso, reclama la participación conjunta de las comunidades locales y las partes interesadas en la protección, para conseguir beneficios a largo plazo.

Esplendores de la India

14/03/2017, En diversos puntos del Reino Unido se puede ver este año una rica colección de materiales que recuerdan el viaje del Príncipe de Gales por el subcontinente Indio en 1875.

Artemio Artigas. Guiarte.com. Londres, 14/03/2017
El Príncipe visitó durante un viaje de cuatro meses más de una veintena de ciudades de la India, Ceilán, Pakistán y Nepal, y se reunió con los principales mandatarios del territorio, en una visita encaminada a estrechar la relación entre los habitantes del subcontinente con la monarquía británica.

Desarrollado en colaboración con Cartwright Hall, de Bradford, y el New Walk Museum & Art Gallery, de Leicester, “Esplendores del Subcontinente: Viaje del Príncipe a la India”, cuenta la historia de esta gira a través de numerosos tesoros indios de la Royal Collection que fueron entregados al príncipe durante su visita.

A mediados del siglo XIX, la India estaba controlada militarmente y comercialmente por los británicos, pero las revueltas de 1857/1858 obligaron a estos últimos a modificar la estructura de poder. Desde entonces, el monarca británico pasaría a ser soberano del país, con una gran autonomía para los príncipes indios, a los que se aseguraron los derechos y territorios. Se garantizó asimismo el mantenimiento dela igualdad individual ante la ley, los derechos tradicionales y las religiones y costumbres.

En aquel marco histórico, la presencia de la familia real resultaba importante para consolidar la relación de la monarquía británica con los súbditos indios.

Aquel viaje a la India comenzó el 8 de noviembre de 1875 en Bombay, desde donde el Príncipe inició un recorrido de cuatro meses. Consejeros, amigos y miembros de la familia del mandatario lo acompañaron. Entre ellos estaban Guillermo Howard Russell, un periodista que registró el viaje en un diario, y Sydney Prior Hall, artista que capturó imágenes del viaje con acuarelas y dibujos.

Fue un recorrido variopinto en el que el ilustre viajero utilizó diversos medios, desde el barco al ferrocarril... y el elefante; una gira que se publicitó con informes semanales para la prensa en el Reino Unido, donde también se siguió el periplo principesco detalladamente.

El Príncipe de Gales celebró seis grandes recepciones en Bombay, Madrás, Calcuta, Delhi, Lahore y Agra, donde se reunió formalmente con los gobernantes indios, al estilo de las tradiciones locales tradicionales, que ayudaron a mejorar las relaciones entre los gobernantes indios y el Príncipe de Gales.

La exposición se inserta en el “Año de la Cultura 2017 del Reino Unido y la India” destinado a resaltar los lazos culturales entre los dos países, en el 70 aniversario de la Independencia de la India.

La gira rotará por: Cartwright Hall, en Bradford, del 11 de marzo al 18 de junio; el New Walk Museum and Art Gallery de Leicester, del 8 de julio al 29 de octubre, y la Galería de la Reina del Palacio de Holyrood, residencia real en Escocia, del 15 de diciembre de 2017 al 15 de abril de 2018.

Máscaras de Chiapas

10/03/2017, En el Museo Regional de Chiapas, en Tuxla Gutierrez, México, se presenta una interesante exposición dedicada al mundo de las máscaras y los ritos.

Guiarte.com. Tuxtla Gutierrez (México) 10/03/2017
La muestra "Máscaras y rostros de Chiapas: símbolos y tradiciones" recoge más de 40 piezas de notable valor, que permiten conocer la importancia de estos objetos durante los periodos prehispánico, virreinal y contemporáneo. Se articula en tres módulos: La máscara. El rostro y la deidad, que trata sobre la máscara prehispánica como un concepto universal de transformación del portador; La máscara. El rito y la fiesta, que se refiere a la importancia de este objeto ritual en el mundo mesoamericano y el surgido de la Conquista de México, y El arte y la máscara, que destaca el trabajo de producción de los objetos.

Según informa el del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Máscaras y rostros de Chiapas reúne piezas procedentes de diversos museos y colevcciones. Su montaje surgió a partis del éxito que tuvo hace dos años en las ciudades de México y de Mérida la exposición Máscaras mexicanas: simbolismos velados. La muestra actual recoge algunas piezas que formaron parte de aquella exhibición y se enriquece con otras más para explicar el uso de estos objetos culturales de tradición milenaria.

Fanny López Jiménez, directora del Museo Regional de Chiapas, señala que la máscara es un objeto de transformación que fue utilizada inicialmente con fines rituales y su uso era exclusivo de personajes importantes de la sociedad, sacerdotes o gobernantes. A diferencia de éstas, los rostros son retratos de personas que eran parte de la sociedad y generalmente se representaron en estelas, vasijas, decoraciones sobre muros, etcétera.

En la exposición se presentan máscaras y rostros que datan de alrededor del año 700 a.C., de la cultura mixe-zoque, algunas otras del periodo Clásico (300 d.C.- 950 d.C.) de la civilización maya, y piezas que se usan actualmente en festividades de la entidad.

La colección incluye 12 máscaras con espiga o mango (asa) pertenecientes a la etnia tzotzil, que fueron halladas en la entrada de la cueva Monte Virgen, en el paraje Emiliano Zapata, municipio de Chalchihuitán. Estas piezas, elaboradas con madera tallada de cupapé, simulaban una barrera de guardianes que provocaría temor a los extraños y así protegían la ofrenda ceremonial que había en su interior. Actualmente forman parte del acervo del Museo Regional de Chiapas, uno de los principales de México en su especialidad.

También se exhiben cuatro rostros mayas de estuco, procedentes del Museo de Sitio de la Toniná, que datan del periodo Clásico Tardío (600-900 d.C.); una máscara del candejo, confeccionada con piel de borrego y cuernos de venado amarrados con un lazo de ixtle, utilizada en la festividad de la Virgen de la Merced, que realiza la etnia tzotzil del 12 al 24 de septiembre en el municipio de Teopisca.

Asimismo, sobresalen las máscaras de monos y tigres (de madera tallada y policromada) usadas en las celebraciones del municipio de Ocozocoautla de Espinosa durante el carnaval zoque, estas festividades se realizan 40 días antes de la Semana Santa y con ellas da inicio la temporada de siembra. Los monos y los tigres son representaciones de persecución que simbolizan el día y la noche, respectivamente.

Otra piezas que predomina es la figurilla modelada policromada conocida como “el hombre-pájaro” u “hombre-ave”, la cual alude a un dignatario maya y fue localizada en un contexto funerario en la Tumba 1, Edificio 3 del grupo B de la Zona Arqueológica de Palenque, correspondiente al periodo Clásico (250-900 d.C.). Esta pieza se exhibe por primera vez en el Museo Regional de Chiapas.

La exposición pretende ser itinerante, durante 2017, por diversos museos del Estado. Hasta abril permanecerá abierta al público hasta abril próximo en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo Regional de Chiapas.

Pello Irazu. Panorama

10/03/2017, El Museo Guggenheim Bilbao presenta un análisis de treinta años de trayectoria de uno de los protagonistas de la renovación de la escultura vasca y española contemporánea.

Bilbao, 10 de marzo de 2017
La exposición del Guggenheim se trata de una visión multidireccional en donde el tiempo se pliega en el espacio ofreciendo una especie de paisaje de la obra de Pello Irazu, un artista que, a lo largo de tres décadas, ha desarrollado una sólida trayectoria en la que aborda todo tipo de formatos y técnicas, del apunte diminuto hasta el gran formato, empleando desde el lápiz y la acuarela hasta el papel pintado, la cinta adhesiva o impresiones.

El trabajo de Irazu aborda de manera los problemas que se suscitan en las múltiples relaciones entre nuestros cuerpos, los objetos, las imágenes y los espacios. Compuesta por más de un centenar de obras, la muestra se articula mediante un dispositivo diseñado por el artista, que, a través de algunos de los hitos y piezas más significativas de su carrera, crea un tipo de mirada simultánea en donde pasado y futuro acaban reencontrándose y reactualizándose, en un presente continuo.

Una reflexión en torno al lenguaje escultórico que alterna esculturas tridimensionales de pequeño tamaño, instalaciones colosales, e híbridos objetuales con fotografías, dibujos y pinturas murales, permitiendo al visitante descubrir diferentes formas de expresión plástica, como la figurativa, la geométrica, la documental o la gestual.

El recorrido comienza con los trabajos en soporte fotográfico de las primeras experiencias efímeras de Irazu de mediados de los años ochenta, que darán pie al desarrollo de su primera obra en acero.

En esta primera etapa establece parámetros que le acompañarán toda su trayectoria, como limitar el tamaño de la obra en relación con sus propias posibilidades físicas, o afrontar desde la heterodoxia su acercamiento al Minimalismo y a Oteiza.

Irazu crea en estos años obras de una intensa densidad material. Poco a poco va incorporando el color a través de gruesas de capas de pintura al óleo o mediante aplicaciones de aerosoles.

En esta primera etapa comienza a trabajar en soportes como el dibujo, aunque con las características del género escultórico. Sus dibujos y pinturas no se plantean como bocetos o diseños de esculturas a desarrollar, sino como obras independientes.

En 1989 realiza su primera pintura mural, trasladando cuestiones desarrolladas en el dibujo a situaciones más vinculadas al espacio real. Con sus intervenciones en el muro, Irazu va modificando la percepción del observador a lo largo del recorrido.

Tras una breve temporada en Londres, en 1989 Irazu se traslada a Nueva York y da comienzo a una etapa marcada por la idea de exterioridad. Esta década está representada por obras creadas con materiales industriales ligeros, como el contrachapado o el plástico.

En esta etapa, deconstruye objetos para reensamblarlos de forma discontinua, creando un efecto de extrañamiento sobre el significado de objetos y materiales cotidianos.

En los dibujos y pinturas de esta década, aplica colores básicos sobre papeles encontrados, pintados o impresos y añade nuevas capas a sus dibujos utilizando diversos materiales como la cinta adhesiva.

De regreso en Bilbao, en el año 2000, inicia una nueva etapa en la que sus obras cuestionan los signos que nos rodean mediante formas evocadoras para el espectador, alejadas de sus referentes, creando una sensación de familiaridad, ambigüedad y extrañeza. Irazu se apropia del espacio, combinando la pintura mural con materiales tridimensionales.

En las obras sobre papel las formas son simples y en ellas pueden adivinarse objetos cotidianos, como bolsas o rostros herederos de la historia del arte, a través de la superposición de distintos materiales y cuerpos transparentes.

Sus trabajos más recientes debaten la noción de la representación en escultura a través de procesos de reproducción, como el moldeado en escayola, la fundición en aluminio, bronce o acero, o la fotografía. Irazu crea piezas de aluminio fundido que visualmente se asemejan a otros materiales, como el cartón, y las ensambla con tornillos, dando lugar a equívocos entre el material real y el representado.

En un guiño al “eterno retorno”, la exposición concluye donde se inicia, con fotografías y esculturas metálicas que evocan a las que dan inicio a la exposición.

Los pilares de Europa. La edad media en el British Museum

09/03/2017, CaixaForum Barcelona propone una nueva lectura de este periodo de la historia, comprendido entre los años 400 y 1500 d. de C.

Barcelona, 9 de marzo de 2017
"Los pilares de Europa. La edad media en el British Museum" abre una ventana al mundo de la Edad Media y analiza el esplendor de la corte real, la relación entre Iglesia y Estado y los tesoros y la cultura material tanto de la élite dominante como de los menos adinerados.

Los términos "Edad Media" y "medieval" hacen referencia al periodo de la historia europea comprendido entre los años 400 y 1500 después de Cristo. Un periodo de mil años que fue desde la decadencia del Imperio romano en el siglo V hasta la Reforma protestante del XVI, y que estuvo caracterizado por grandes desequilibrios sociales, miseria y analfabetismo.

Sin embargo, la Edad Media también trajo consigo enormes cambios políticos, económicos, artísticos y culturales. Se edificaron catedrales y castillos, y la expansión urbana transformó el paisaje. A medida que aumentaba el poder de los gobernantes las fronteras iban quedando establecidas con más firmeza, poniendo los cimientos de las naciones estado modernas.

La Iglesia dominaba la vida de las personas y los reyes ejercían un rol espiritual y se les consideraba escogidos por Dios. La ceremonia de coronación, en la que eran ungidos con los santos óleos, era una manifestación de este designio divino.

Los gobernantes estaban rodeados de su corte, que constituía el centro de la administración del reino. Financiada por ricos mecenas, en ella florecía el arte y los nobles llevaban una vida llena de lujos, en clara contraposición del malestar de las clases bajas.

Por otra parte, la expansión de las rutas comerciales incrementó los contactos interculturales. Artesanos cualificados creaban objetos preciosos y de gran valor. Estos artesanos se organizaban en cofradías y gremios, establecidos para proteger el sector de la artesanía y regular la calidad de las mercancías.

Articulada en cinco ámbitos, la exposición de CaixaForum Barcelona trata temas como: la formación de Europa, el poder real, la vida en la corte, la Iglesia, la vida en las ciudades y el legado.

Los pilares de Europa. La edad media en el British Museum
Del viernes 10 de marzo al domingo 18 de junio de 2017
CaixaForum Barcelona

MIRALDA MADEINUSA

08/03/2017, La exposición del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona recupera la totalidad de los proyectos del artista Antoni Miralda relacionados con su estancia en Estados Unidos.

Barcelona, 8 de marzo de 2017
La exposición del MACBA presenta por primera vez la totalidad de los proyectos realizados por Antoni Miralda (Tarrasa, 1942) en Estados Unidos y recrea instalaciones y proyectos participativos en los que se percibe su apuesta por una obra que prima el espacio público y la convivencia, el carácter efímero, el espíritu crítico y poético, y también el humor, convirtiendo un acto tan universal como el comer en arte.

Miralda se traslada a Estados Unidos en 1971. Allí se encuentra con un país convulso, inmerso en la guerra de Vietnam y sacudido por movimientos políticos y sociales. El artista descubre también la cultura estadounidense, entonces en efervescencia creativa, y en la que se respiraba libertad y la sensación de que todo era posible. Adoptando la comida como su materia de trabajo, Miralda crea proyectos colectivos y sociales con los que indaga en las ceremonias y rituales y en sus simbolismos.

Realizada a partir del archivo personal del artista, MIRALDA MADEINUSA documenta de forma exhaustiva 15 proyectos realizados por Antoni Miralda durante su estancia en los Estados Unidos, que abarcan desde 1972 hasta finales de los años noventa. Para ello se han reconstruído las instalaciones más significativas y se muestra una amplia selección de materiales, en su mayoría inéditos, tales como esculturas, dibujos, fotografías, audiovisuales y bocetos, que permiten hacerse una idea de la complejidad de los proyectos y dimensionar la voluntad colectiva que caracteriza la metodología del artista.

MIRALDA MADEINUSA
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
Hasta el 9 de abril de 2017

Kandinsky y Rusia

07/03/2017, La exposición de la Colección del Museo Ruso, San Petersburgo / Málaga indaga en los años rusos del artista pionero y creador de la abstracción tal como la conocemos en nuestros días.

Málaga, 7 marzo de 2017
La obra de Kandinsky goza de gran popularidad, sin embargo, a menudo escapan a la atención del público detalles significativos que formaron la concepción artística del pintor.

"Nací en Moscú el 5 de diciembre de 1886. Hasta los treinta años soñé con llegar a ser pintor, pues amaba la pintura más que cualquier cosa. Me resultaba difícil sobreponerme a ese deseo. Pero el arte me parecía un lujo inaccesible para un ruso en aquella época, así que escogí especializarme en economía nacional en la universidad", escribió Kandinsky en la introducción autobiográfica a una exposición de sus obras de entre 1902 y 1912.

Esta especialización llevó a Kandinsky en 1889 a la provincia de Vólogda, al norte de Rusia, como parte de una expedición en la que investigó concienzudamente las condiciones de vida, sociales y económicas del pueblo ziriano. Kandinsky escribió varios artículos sobre este grupo étnico, del que le atrajeron su forma de vida y su arte.

En esa época las expediciones tenían la finalidad de estudiar regiones remotas, ricas en recursos minerales. Los pintores que participaban en esas exposiciones se encontraban con una naturaleza ignota y pueblos autóctonos cuya existencia y forma de vida desconocían. La sencillez de la naturaleza, del modo de vida y de las costumbres que Kandinsky conoció en el norte lo convencieron de que ese estilo de vida minimalista, propio de quien habitaba en regiones remotas de Rusia, no los privaba de las emociones y de los sentimientos inherentes al ser humano.

Kandinsky daba especial importancia al concepto ziriano de ort (espíritu, alma). Según Kandinsky, todas las personas tienen su propio ort, que viene con la persona cuando nace. Desde entonces, el tema del «alma» aparece recurrentemente en su correspondencia y en sus artículos. La convicción de Kandinsky de que, tanto en la vida como en el arte, el alma debe prevalecer sobre lo material, formó su concepción del mundo a finales de la década de 1880.

El tema del contenido interior se convirtió durante mucho tiempo en la base de sus reflexiones teóricas y de sus búsquedas prácticas de un nuevo lenguaje artístico. Una aspiración en total consonancia con la concepción del mundo de los artistas rusos y europeos, de los poetas y de los músicos de la época del simbolismo.

El alejamiento del naturalismo en favor de la presentación emocional del mundo hizo que los temas ligados a los milagros, a las visiones y a las metamorfosis adquirieran gran popularidad entre los pintores rusos a finales del siglo XIX y principios del siguiente y se asociaron tanto al simbolismo europeo como a las tradiciones del folclore nacional.

En el inicio de su actividad artística, Kandinsky rindió tributo a esa tendencia con cuadros de temática folclórica y de la historia antigua de Rusia. Ese interés por la vieja Rusia fue, sin duda, sólo un episodio en la biografía del artista. No obstante, dejó una huella importante en su obra, de modo que, posteriormente, de una manera u otra, volvería a los temas de leyendas y cuentos.

La muestra de la Colección del Museo Ruso, San Petersburgo / Málaga indaga, a través de 78 piezas, en los años rusos del artista pionero y creador de la abstracción tal como la conocemos en nuestros días, con obra de Kandinsky proveniente del Museo Ruso de San Petersburgo y de otras colecciones públicas y privadas de Rusia.

La exposición está acompañada por autores que compartieron un mismo espíritu y un mismo deseo de innovación partiendo siempre del sustrato cultural ruso, del que se muestran piezas de arte popular del siglo XIX e iconos de los siglos XVI, XVII y XIX que muestran cómo Kandinsky y su círculo se inspiraban en las viejas tradiciones rusas para asumirlas y después superarlas.

Del interés por las tradiciones atávicas de los primitivos habitantes de Rusia se pasará a las fórmulas expresionistas para terminar desarrollando una abstracción que tendrá como inspiración original justamente esas formas y colores de la Rusia eterna.

Interesado desde sus años jóvenes en la etnología, Kandinsky se pone en diálogo con los artistas que le precedieron y los que le siguieron en su investigación estética, así como también con el arte en el que encontró su inspiración, como puede ser el caso de los iconos de los siglos previos, el arte popular y los grabados, que unían composiciones ingenuas con un colorido sorprendente. De este modo, se proporciona una nueva perspectiva acerca de Kandinsky desde su contexto ruso.

Pinta la Revolución. Arte Moderno Mexicano, 1910 - 1950

07/03/2017, Una exposición del Museo del Palacio de Bellas Artes que narra la historia de los artistas cuyo trabajo se forjó gracias al imaginario de la Revolución que determinó las décadas subsecuentes a la reconstrucción nacional.

Ciudad de México, 7 de marzo de 2017
La Revolución de 1910 transformó México. El Presidente Porfirio Díaz fue destituido. Los próximos diez años se consumieron en una guerra civil, revuelta popular que devino en un nuevo régimen encabezado por caudillos revolucionarios. Dicho régimen promovió una revolución cultural nacionalista que intentó unificar a la ciudadanía.

La pintura mural llegó a ser vista como el arte de la Revolución debido a su carácter popular. El título de esta exposición proviene del encabezado de un artículo de la revista New Masses, en el que el novelista John Dos Passos reconoció en los jóvenes muralistas mexicanos un programa revolucionario y la incorporación del arte moderno con la política de las masas.

Durante la década de 1910, los artistas en México poseían tanto un espíritu cosmopolita como un sentido de pertenencia nacional. El gobierno de Díaz había impulsado los vínculos con Europa para definir a México como una nación moderna. Como parte de este proyecto, varios artistas fueron a estudiar a Madrid, Roma y París para implementar a su regreso los estilos más innovadores.

Sin embargo, para los artistas mexicanos, el modernismo no se trató solamente de ir acorde con el postimpresionismo internacional, el art nouveau o el cubismo. Los artistas estaban interesados en la creación de una estética con carácter mexicano, basada en la historia, las tradiciones y la identidad nacional. Así, las fuentes y los símbolos de la llamada mexicanidad fueron diversos. Uno de ellos fue el entorno natural del país, sus paisajes de valles y volcanes. Otra fuente provenía del legado de la cultura nacional, que incluía tanto el imaginario de las civilizaciones indígenas antes de la conquista española en 1519, como la visualización del México indígena que formó parte de la retórica del régimen posrevolucionario.

El contexto en el que trabajaban los artistas mexicanos cambió de manera radical en la década de 1920. El presidente Álvaro Obregón emprendió una cruzada para unir a los ciudadanos con el nuevo régimen revolucionario por medio de la educación pública y las artes, y conformando una red de artistas a quienes se encargó la creación de murales en edificios públicos. Esta generación de artistas contempló la pintura mural como un medio para representar la historia y los ideales revolucionarios.

Sin embargo, las propuestas artísticas de este periodo fueron diversas. Los artistas mexicanos comprendieron la lucha popular de otras maneras, ya fuera a través de una visión más utópica o mediante un acercamiento a la violencia descarnada de la guerra revolucionaria. Asimismo, se produjeron obras que hacían alusión al llamado “pueblo mexicano” y que buscaban representar de una forma más real sus tradiciones.

A finales de 1921, el joven poeta y abogado Manuel Maples Arce preparó un manifiesto de vanguardia en las calles de la Ciudad de México. Su proclamación anunciaba un salto hacia la ultramodernidad. Los artistas respondieron con composiciones dinámicas y vanguardistas que representaban a la industria moderna y la vida en la urbe.

En la misma década en la Ciudad de México, se reunió un grupo de jóvenes artistas y escritores, más tarde conocidos como los Contemporáneos, que se inspiraron en la vida moderna y estaban en sintonía con las tendencias pictóricas internacionales. Además, estaban a favor del arte como un fin en sí mismo que dejara de ser un instrumento político. Asimismo, plantearon un gran desafío para la cultura posrevolucionaria.

En las décadas de 1920 y 1930, México se convirtió en tema de gran interés por su fuente inagotable de historia y cultura antiguas y como origen de los procesos artísticos modernos. Los museos de Estados Unidos organizaron exposiciones significativas dedicadas al arte mexicano y tanto universidades como otras instituciones realizaron encargos de trabajos murales a los pintores mexicanos, elogiados por su conciencia social.

A mediados de la década de 1930, se vivió una renovación del arte político combativo con el nacimiento de varios grupos de artistas e intelectuales que respaldaban las iniciativas radicales del gobierno del presidente Lázaro Cárdenas como la cúspide de la reforma social revolucionaria. Estos grupos también apoyaron al Frente Popular internacional en su lucha contra el fascismo en Europa. Además, eventos internacionales como la guerra civil española y la segunda Guerra Mundial trajeron consigo una ola de artistas europeos exiliados a México. El efecto más notable lo ejercieron los miembros del movimiento surrealista internacional.

En los años siguientes a la Segunda Guerra Mundial, la tradición del arte polémico y político persistió en la obra de figuras como José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Se dio lugar a una pintura más poética y universal -ejemplificada por Rufino Tamayo- y en sintonía con las tendencias internacionales de desarrollo en el arte abstracto.

Pinta la Revolución. Arte Moderno Mexicano, 1910 - 1950
Hasta el 7 de mayo de 2017
Museo del Palacio de Bellas Artes
Eje central Lázaro Cárdenas esquina con avenida Juárez s/n
Ciudad de México

Paolo Gioli, maestro de la sugerencia

06/03/2017, El Instituto Italiano de Cultura presenta la exposición "Cuerpos evocados por la noche" del artista Paolo Gioli.

Madrid, 6 de marzo de 2017
La muestra, la primera en España de este fotógrafo y pintor italiano, podrá verse en el Instituto Italiano de Cultura (Palacio de Abrantes, Calle Mayor, 86) hasta el próximo 5 de mayo de 2017.

Paolo Gioli (Rovigo, 1942), es un artista reconocido a nivel internacional por sus investigaciones artísticas, fotográficas y de cine experimental, moldea las materialidades de la fotografía y da forma contemporánea a las raíces de nuestra cultura visual.

La exposición presenta al público 60 obras del autor, que trazan una retrospectiva que va desde sus primeros grandes dibujos de 1962-63 hasta los trabajos que a partir de los años setenta contaminan las técnicas de la fotografía, de la pintura y de la serigrafía.

Paolo Gioli estudió a comienzo de los 60 en la Escuela Libre del Desnudo en la Academia de Bellas Artes de Venecia, después se traslada a Nueva York donde conoce el New American Cinema. De vuelta en Italia, sigue investigando, utilizando técnicas como el agujero estenopeico, la foto finish y la Polaroid. Gioli realiza injertos y superposiciones de tradiciones aparentemente inconciliables, con soportes que van desde el papel a la seda y combinando medios como la fotografía, la pintura y la serigrafía.

Condenado por su canto

03/03/2017, Capturado por su bello canto, el bulbul cabeciamarillo (Pycnonotus zeylanicus) es un ave del sudeste asiático que ha desaparecido de muchos territorios que habitaba.

Artemio Artigas. Guiarte.com. 03/03/2017
No es un pájaro de gran atractivo colorista; con algo menos de 30 centímetros, tiene la cabeza de tono amarillo, con una franja negra, y su cuerpo lleva tonos que van del gris al verde oliva y el marrón. Pero su melodioso canto ha sido su condena. Su brillante gorjeo le ha hecho ser un apreciado pájaro cantor y las capturas ilegales le han llevado a la situación como “especie en Peligro”

La caza generalizada de pájaros cantores salvajes para satisfacer la demanda de los mercados de aves, está llevando a muchas especies endémicas hacia la extinción; el bulbul cabeciamarillo es uno de los mayores damnificados.

En países del Sudeste Asiático hay gran afición a tener pájaros cantores como mascotas, y esa afición podría llevar a silenciar a esta especie para siempre, según señala BirdLife.

En Indonesia –comenta la organización conservacionista- las calles están llenas de chirriantes jaulas, y los concursos de pájaros cantores son un gran negocio; pero a medida que las calles se llenan de cantos, los bosques caen en silencio.

"A través de gran parte del sudeste asiático, el bulbul ha sido atrapado implacablemente de la naturaleza para ser vendido más tarde en los mercados de aves de Java, Kalimantan, Sumatra y Malasia Peninsular", dice Yong Ding Li de la Universidad Nacional Australiana. "El pájaro se ha extinguido de Tailandia y la mayor parte de Indonesia donde solía encontrarse, incluyendo toda la isla de Java. Sus poblaciones también se han derrumbado en Malasia".

Cazado hasta la extinción en Tailandia y en grandes partes de Indonesia, el bulbul está en peligro de desaparecer para siempre. Sin embargo –señala BirdLife- hay un pequeño paraíso donde su presencia no es sólo estable, sino cada vez más fuerte: Singapur. El dato se revela en un estudio reciente dirigido por Ding Li, y publicado en la revista Bird Conservation International, que recopila datos de más de 15 años.

Asediado en todos los países del entorno, las poblaciones silvestres del ave han aumentado en Singapur durante ese período de tiempo, y el país es ahora algo un bastión de la especie; de hecho, el pequeño país podría ahora albergar más bulbuls cabeciamarillos que cualquier otro lugar del planeta.

Sin embargo, los aumentos no se registraron en la parte continental de Singapur, donde las poblaciones se mantuvieron estables, sino que se apoyan en los censos de la pequeña isla de Ubin, situada al noreste de la propia urbe de Singapur, una de las últimas áreas rurales que quedan en el país.

La isla Ubin tiene tan solo 10 kilómetros cuadrados y antaño era un gran centro de explotación de granito, pero las canteras cerraron y la zona quedó despoblada, con algunas explotaciones rurales y una naturaleza muy rica.

Se calcula que en Singapur hay ahora algo más de 200 ejemplares, tal vez un tercio de la población mundial de bulbul cabeciamarillo.

Julian Opie

03/03/2017, Fundación Bancaja presenta hasta el 25 de junio una selección de obras realizadas en los últimos quince años por el artista plástico británico.

Valencia, 3 de marzo de 2017
Reconocido internacionalmente por su estilo minimalista, Julian Opie trata de introducir en la mirada metropolitana una experiencia estética, además de reflexionar sobre cómo vemos las cosas y las representamos.

En su trabajo atrapa lo esencial gracias a una economía formal que da todo el protagonismo a la línea y el color. Los retratos y las figuras humanas protagonizan esta muestra. Opie comienza a mostrar retratos esquemáticos en 2000, momento en el que en su trabajo se vuelven decisivos el uso del ordenador y la tecnología. En ellos, aparecen personajes anónimos en escenarios públicos, donde cada comunidad se desarrolla con las singularidades culturales de cada territorio y el movimiento o actitud de sus gentes, buscando un lenguaje universal.

Para realizar sus retratos, Opie toma como punto de partida la pintura británica y holandesa de los siglos XVII y XVIII, las estampas japonesas y en concreto las obras de Hiroshige y Utamaro, y trabaja con materiales como acrílicos, vinilos sobre aluminio, tinta, madera, animaciones y videoinstalación.

La exposición de la Fundación Bancaja reúne una treintena de obras de gran formato procedentes de los fondos de la colección de Fundación Bancaja, de colecciones institucionales como la de Banco Santander, Carmen Thyssen Bornemisza Collection, Galería Xavier Fiol, Galería Mario Sequeira y Lisson Gallery, así como de colecciones privadas.

Julian Opie
Julian Opie (Londres, 1958) estudió en la Goldsmith’s School of Art, donde se graduó en 1983. Opie ha expuesto extensamente sus obras tanto en el Reino Unido como en el extranjero y sus creaciones forman parte de numerosos proyectos públicos en todo el mundo.

La obra de Opie se caracteriza por reflejar la vida moderna y la cultura popular. En su trabajo se encuentra una singular combinación de lo cotidiano y lo irreal. Con un aspecto sencillo y esquemático, Opie idealiza los objetos observados, y descubre al espectador la importancia de la contemplación como ejercicio visual y de la reflexión sobre la existencia del ser humano. Sus imágenes, como si de una radiografía de la vida urbana se tratasen, muestran la soledad del ser humano, incluso cuando se muestra en grupo, con gente escuchado música individualmente o aislada con sus teléfonos móviles.

En su obra, en un primer momento el objeto es dibujado a mano, posteriormente se escanea por ordenador para darle un aspecto mecánico, dislocando su perspectiva y escala iniciales. En sus trabajos más recientes, las personas se mueven y cobran vida. Todo es producto de un instante, de uno o dos segundos en los que esa persona será eternizada fotográficamente para posteriormente ser dibujada y proyectada con LED.

Julian Opie
Hasta el 25/06/2017
Fundación Bancaja. Centro Cultural Bancaja
Plaza de Tetuán, 23, Valencia

Shadi Ghadirian. Como todos los días

02/03/2017, La Fundación Municipal de las Artes de Valladolid y Contemporánea presentan por primera vez en España la obra de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian.

Valladolid, 2 de marzo de 2017
"Como todos los días", la primera exposición individual dedicada a la artista iraní Shadi Ghadirian en España, podrá visitarse en la Sala de Exposiciones San Benito de Valladolid hasta el 16 de abril de 2017.

La exposición, formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación, explora las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y mezcla tradición y modernidad a través de la captura de las contradicciones en la vida cotidiana.

Entre las fotografías exhibidas se puede contemplar la pieza de la chica en hijab en actitud gansta con el radio-cassette modelo de los años 80 que ha hecho que la artista sea mundialmente reconocida y admirada.

Nacida en 1974 en Teherán, en la República Islámica del Irán, Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura para crear su obra. Sus imágenes innovadoras que representan a las mujeres iraníes en marcado contraste con la forma en la que la mayoría de medios de comunicación occidentales las retrata han servido para que la fotógrafa se gane al público internacional.

Ghadirian representa a la mujer iraní en sutiles composiciones en las que ilumina con color zonas de un mundo que se nos podría antojar oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Sus instantáneas muestran un Irán de contrastes, interrogan el papel y el estatus de las mujeres en la sociedad y exploran temas como la censura, la religión, la modernidad, la realidad cotidiana o locura de la guerra. Con gran habilidad artística, Ghadirian envía un mensaje poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

La obra de Ghadirian se ha exhibido en Oriente Medio, Europa, EE. UU., Canadá y Rusia y forma parte de colecciones como las de los museos Británico y Victoria & Albert de Londres, el de Arte Moderno Centro Georges Pompidou de París, el LACMA de Los Ángeles, el Smithsonian de Washinton, el de Bellas Artes de Boston, el de Arte Moderno de Viena o el de Teherán.

Lockwood Kipling en el V&A

01/03/2017, El Victoria and Albert Museum de Londres rinde homenaje a la figura de Lockwood Kipling, un artista que sintió verdadera pasión por la artesanía india.

Londres, 1 de marzo de 2017
El renacimiento de las Artes y Oficios del siglo XIX en la India británica es un capítulo fascinante en la historia internacional del arte y el diseño, pero el papel de Lockwood Kipling y su impacto como artista, escritor, profesor y conservacionista ha recibido poca atención. "Lockwood Kipling: Arts and Crafts in the Punjab and London" es la primera gran exposición dedicada a la carrera y el legado internacional de John Lockwood Kipling (1837-1911), influyente figura que promovió a lo largo de toda su vida la artesanía experta frente a la creciente industrialización.

Lockwood Kipling fue un activista social que trabajó de manera incansable en la preservación de la artesanía india, un artesano cuyos paneles de terracota todavía se pueden ver en el exterior del Victoria and Albert Museum y un ilustrador excelente de libros, entre ellos los de su hijo, el escritor Rudyard Kipling.

La muestra nos descubre la historia de las colecciones del V&A a través de la vida de Kipling, que desempeñó un papel importante en la formación de la colección. Entre los más de 300 objetos destacan pinturas de la sección india de la Gran Exposición de 1851, diseños e ilustraciones para libros y muebles diseñados para residencias reales como Bagshot Park y Osborne.

La vida de John Lockwood Kipling cambió para siempre cuando éste contempló los tesoros indios en exhibición en el Crystal Palace de la Gran Exposición de 1851. Su pasión por la India haría que Kipling se convirtiera en un auténtico promotor de las artes y artesanías tradicionales de la India, donde se mudaría en 1865. Allí trabajaría como periodista independiente en la prensa británica e india y realizaría otros trabajos, como su serie de bocetos de artesanos y costumbres encargados por el gobierno británico.

La figura de Lockwood es poco conocida en Gran Bretaña, pero reverenciada en su hogar adoptivo, donde al mencionar su apellido no piensan en el Lockwood del libro de la Selva (su hijo), sino en el artista inglés que viajó por pueblos indígenas para hacer dibujos documentando a artesanos en sus talleres para preservar su forma de trabajar.

Los hijos de Lockwood nacieron en la India y crecieron allí, rodeados de obras de arte indio y en contacto con los artistas que su padre promovió. Cuando su hijo Rudyard se convirtió en uno de los autores más queridos de la Gran Bretaña victoriana y eduardiana, Lockwood creó muchas de las primeras ilustraciones de sus libros a través de un tortuoso proceso de tallarlas como esculturas de relieve y luego fotografiarlas. Varias de estas esculturas de arcilla originales se exponen ahora en el V&A.

Además, la muestra presenta pinturas, cerámicas, tallas, muebles y otros objetos, muchos de los cuales han languidecido en los fondos del museo británico durante décadas. En palabras del comisario de la muestra, Julius Bryant: "Estos objetos han sido rescatados para mostrarse en un contexto totalmente nuevo. Estamos abordando el imperio de frente, setenta años después de que terminara con la independencia de la India en 1947".

Lockwood Kipling: Arts and Crafts in the Punjab and London
Hasta el 2 de abril de 2017
Victoria and Albert Museum

10 eventos en Flandes

01/03/2017, Historia, arte, cultura, patrimonio y belleza forman parte del entorno de Flandes. Un marco único en el que disfrutar de actividades y eventos inolvidables.

Bruselas, 1 de marzo de 2017
Flandes siempre sorprende, da igual la época del año en la que viajes, siempre encontrarás interesantes eventos, ya sean de índole cultural, deportiva o gastronómica.

A continuación podrás descubrir una selección de todos los eventos que tendrán lugar en Flandes y Bruselas en este año 2017, pero esto no es más que una pequeña selección, para descubrir otros eventos de interés no dejes de visitar el Calendario de eventos 2017 donde encontrarás grandes ideas que te inspirarán a la hora de organizar tu viaje.

Museum Mayer van den Bergh//Contour Biennale 8, Malinas
La exposición Contour Biennale 8 reúne en la ciudad de Malinas a más de 20 artistas nacionales e internacionales expertos en imagen en movimiento, sonido, performance, dibujo, instalaciones y edición. Las obras participantes, que se extienden a través de los rincones históricos y culturales de Malinas, ponen de relieve el rol histórico de la ciudad como bastión legal de la Europa medieval.

Del 11 de marzo al 21 de mayo de 2017.

Bruegel. Unseen Masterpieces, Bruselas
Con motivo del 450 aniversario de la muerte de Bruegel en 2019, los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica y el Google Cultural Institute presentan un proyecto expositivo que ofrece la posibilidad de sumergirse completamente en las obras de Bruegel, estudiar cada detalle y tener acceso a conocimiento experto.

Desde el 16 de de marzo de 2016

Margiela. The Hermès Years, Bruselas
El MoMu, Museo de la Moda de Amberes alberga una colección única. El estilista belga y uno de los más influyentes diseñadores vanguardistas, Martin Margiela, exhibe por primera vez las colecciones que realizó para la maison de moda francesa Hermès entre los años 1997 y 2003.

Desde el 31 de marzo hasta el 27 de agosto de 2017

Tour de Flandes
El domingo 2 de abril de 2017 muchos valientes subirán a sus bicicletas e intentarán conquistar los famosos (e infames) adoquines y “muros”. Todo Flandes les estará animando. Pero eso no es todo. La víspera de la gran carrera millares de ciclo turistas seguirán las huellas de Tom Boonen y Fabian Cancellara y rodarán personalmente por el trazado del Tour de Flandes.

Tour de Gueuze, Brabante Flamenco
Durante los días 6 y 7 de mayo de 2017 todo gira en torno a la cerveza belga. Durante el Tour de Gueuze varias fábricas de cerveza de la provincia del Brabante Flamenco abren sus puertas al público y realizan paseos guiados y degustaciones de cervezas locales en un evento imprescindible para los amantes de la cerveza.

Ommegang, Bruselas
El Ommegang de Bruselas es una tradición anual que recrea la famosa celebración organizada en 1549 en la Grand Place en honor a Carlos V y su hijo Felipe II. Esta gran procesión folclórica es uno de los más importantes eventos en la historia y la cultura de Bruselas.

La cita tendrá lugar los días 5 y 7 de julio de 2017, en la Grand Place de Bruselas.

Inauguración del Museo de la Abadía del Parque, Lovaina
El 25 de octubre un nuevo museo abre sus puertas en Lovaina. El Museo de la Abadía del Parque, ubicado en los edificios renovados de la abadía, estará dedicado al arte y cultura religiosos. La exposición inaugural mostrará el arte y el patrimonio únicos de las abadías y monasterios de Flandes.

Pieter Pourbus y la familia Claeissens, Brujas
El Museo Groeninge de Brujas presenta en octubre una exposición dedicada a Pieter Pourbus y la familia Claeissens. La segunda mitad del S. XVI estuvo marcada en Brujas por la recesión económica. La lucha y la inventiva para salir adelante estaba a la orden del día, para el conjunto de la población, y para los artistas también. El tema de la exposición se basa en la creatividad en los tiempos difíciles y descubre obras de arte poco conocidas.

Desde el 13 de octubre de 2017.

Hello, Robot, Gante
“Desde la ciencia ficción hasta la realidad cotidiana: los robots han encontrado un lugar en nuestras vidas”. El Museo del Diseño de Gante presenta la exposición Hello, Robot, en la que instalaciones interactivas, prototipos de diseño, documentales en vídeo y wearables te llevan a través del mundo y las relaciones entre los humanos y las máquinas.

A partir del 27 de octubre de 2017.

December Dance, Brujas
En diciembre Brujas da la bienvenida a su festival anual de danza, que reúne año tras año lo mejor del panorama mundial de la danza. Coreógrafos nacionales e internacionales, artistas únicos e innovadores, jóvenes y futuros talentos muestran sus creaciones. Una actividad perfecta para incluir en tu escapada invernal a esta encantadora ciudad romántica.

Obras maestras del arte italiano de entreguerras

28/02/2017, La Sala Fundación MAPFRE Recoletos abre las puertas a la exposición "Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras".

Madrid, 28 de febrero de 2017
Tras la desolación de la Gran Guerra se hace responsable del desorden histórico, moral y cultural a la vanguardia más radical. En casi toda Europa se insta a la vuelta al orden, a la seguridad y la serenidad propios del clasicismo. La exposición "Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras" presenta a los artistas que hicieron de la vuelta al clasicismo su estandarte, y cuenta con préstamos de colecciones como la Pinacoteca di Brera, el Museo del Novecento de Milán, el Musée d’Art Moderne de la Ville de París, la National Gallery de Praga o el Museo Morandi, entre otros.

En la Italia de la primera y segunda década del siglo XX, un grupo de artistas se sumergió en algunos de los episodios memorables de su pasado histórico para desarrollar el tema de la belleza como eje central, unido a otras cualidades necesarias como el equilibrio, el sosiego y la eternidad.

En esa búsqueda de la belleza, los artistas retomaron la temática y la composición propios de la Antigüedad y del Renacimiento, e incluyeron en sus obras atmósferas misteriosas, así como la solemnidad del gesto y el idilio con la naturaleza. La idea era confortar el espíritu humano a través de la búsqueda de la belleza intemporal y el lenguaje de los valores sólidos.

Inspirándose en las épocas y en las temáticas más admiradas de la historia del arte italiano: la estatuaria grecorromana y los siglos XIV y XV. Giotto, Masaccio, Mantegna y della Francesca, pintores como De Chirico, Carrá, Morandi, Casorati, Donghi y otros coetáneos supieron extraer del clasicismo una figuración renovada e imaginativa con altas dosis de modernidad, haciendo de esa vuelta al orden, un bálsamo para atemperar la devastación sufrida y la ausencia de esperanza.

Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras
Hasta 04/06/2017
Sala Fundación MAPFRE Recoletos
Paseo de Recoletos 23, Madrid

Las "Galápagos" africanas

27/02/2017, Con apenas mil kilómetros cuadrados de superficie, Santo Tomé y Príncipe es un archipiélago con interesante riqueza ecológica y biodiversidad. Son las "Islas Galápagos africanas".

Guiarte.com. 27/02/2017
Ubicado en el golfo de Guinea, el país consta de dos islas habitadas –Santo Tomé y príncipe- y otras islas más pequeñas, situadas frente a la costa de Gabón y Guinea Ecuatorial, y posee un clima tropical; un territorio lleno de endemismos.

La distancia de Santo Tomé a la costa es de unos 300 kilómetros, y la de Príncipe unos 220. Entre ambas islas hay unos 200 kilómetros de distancia. Estas distancias hacen que diversas especies hayan llegado desde el continente a y luego evolucionen de forma independiente, con diferencias incluso entre las islas del archipiélago.

Un reportaje publicado por BirdLife International y la entidad británica Synchronicity Earth, firmado por Merlin Veron, señala que las islas poseen 28 especies de aves endémicas en las islas, lo que significa un mayor número de endemismos que las Islas Galápagos, pese a que estas ocupan una superficie ocho veces mayor.

Este es un mundo aún poco estudiado por lo que cada nueva expedición científica a las islas aporta nuevos descubrimiento en materia de fauna y flora.

Entre las aves raras, el concolor de Santo Tomé (Grosbeak Crithagra) un pinzón muy grande, de tamaño inusual, que sólo existe en la isla. Lo más curioso es que se avistó en el siglo XIX… y fue redescubierto en 1991, en el suroeste de la isla. Su población se estima en torno a 50 ejemplares… y se teme por su futuro, dado el avance de la transformación de la cobertura vegetal isleña.

Otras especies endémicas son el suimanga gigante (Dreptes thomensis); el tejedor gigante (Ploceus grandis); la oropéndola de Santo Tomé (Oriolus crassirostris), y el pequeño ibis de Santo Tomé (Bostrychia bocagei), una especie también en peligro crítico y restringida a los bosques primarios del Parque Natural de Obo, conocido mundialmente por su valor biológico y su variedad de biotopos.

Señala el reportaje que además de la avifauna endémica, las islas albergan también 1.230 especies de plantas descritas, aproximadamente el 15% de las cuales son endémicas, así como 19 especies de mariposas encontradas sólo en este archipiélago. Las islas incluso tienen 7 anfibios endémicos, algo realmente raro, considerando el hecho que estas islas volcánicas nunca estuvieron unidas al continente africano.

Cargado de valores naturales, este archipiélago tiene una serie de espacios destacados en las listas conservacionistas mundiales, tanto en las dos islas grandes como en otras pequeñas, como las Tinhosas que albergan a miles de aves marinas reproductoras.

Hoxe toca o Prado

27/02/2017, Tras su paso por el Museo del Prado, Mallorca, Girona y Donostia, la exposición "Hoy toca el Prado" llega a Vigo.

Vigo, 27 de febrero de 2017
La Pinacoteca Francisco Fernández del Riego centro expositivo de la colección de arte del Ayuntamiento de Vigo presenta, hasta el 14 de mayo, "Hoxe toca o Prado", una oportunidad única para hacer accesible a personas con algún tipo de discapacidad visual algunas de las obras más representativas de la colección del museo madrileño.

Esta iniciativa presenta seis imágenes en relieve correspondientes a diferentes estilos artísticos y géneros como la pintura religiosa, la mitología, la escena costumbrista, el retrato o la naturaleza muerta.

Además de obras en relieve que pueden ser recorridas y tocadas con las manos, este proyecto cuenta con paneles y cartelas en braille, audioguías de apoyo que proporcionan las indicaciones necesarias para hacer el recorrido táctil y gafas opacas para facilitar esta experiencia sensorial a todo tipo de público.

Entre los relieves destacan obras maestras como La fragua de Vulcano de Velázquez, El caballero de la mano en el pecho del Greco o El quitasol de Goya. Además, con motivo de la exposición, se ha realizado una reproducción en relieve de una de las obras más emblemáticas del Museo Municipal de Vigo “Quiñones de León”: Santa Cecilia, atribuida a Carlo Dolci.

Tras su paso por Vigo la exposición continuará su recorrido por otras ciudades de la geografía española como Valencia y Sevilla. 

Hoy toca el Prado
Pinacoteca Francisco Fernández del Riego
Hasta el 14 de mayo de 2017
Rua Abeleira Menéndez, 8. Vigo

Helena Almeida. Corpus

23/02/2017, El Instituto Valenciano de Arte Moderno presenta una exposición dedicada a la obra de la artista portuguesa Helena Almeida.

Nacida en 1934 en la ciudad de Lisboa, lugar en el que vivió y trabajó, la artista Helena Almeida exploró y cuestionó las formas de expresión tradicionales, especialmente la pintura, empujada por un deseo constante de superar los límites pictóricos.

La exposición "Helena Almeida. Corpus" es una revisión de la producción más destacada de la artista a lo largo de los últimos casi 50 años, con imágenes que van de finales de los años 60 hasta obras realizadas en 2012.

Almeida es una figura significativa del arte contemporáneo portugués, pero sobre todo es mucho más reconocida como una importante figura en la historia de los siglos XX-XXI, destacando como una de las grandes artistas de la performance y el arte conceptual.

A través de pintura, fotografía, video y dibujo, la exposición ponde de relieve la importancia del cuerpo en dos sentidos. Citando a la propia artista: "Mi cuerpo es mi trabajo, mi trabajo es mi cuerpo". En esencia, el cuerpo de la artista actúa como plataforma de trabajo.

Esta exposición, que podrá verse hasta el 18 de junio de 2017 en el IVAM, es una coproducción entre el IVAM, el Museo de Arte Contemporáneo Serralves, el Museo Jeu de Paume y el Museo Wiels.

Arte y cine. 120 años de intercambios

22/02/2017, La exposición de CaixaForum Barcelona muestra la inspiración que el cine ha supuesto para todas las artes visuales y viceversa.

Barcelona, 22 de febrero de 2017
Hasta el 26 de marzo de 2017 en CaixaForum Barcelona se presenta "Arte y cine. 120 años de intercambios", una exposición que muestra los vínculos del cine con el resto de las artes y sus influencias mutuas a través de una selección de obras procedentes de las colecciones de La Cinémathèque française, que se complementa con piezas cedidas por prestigiosas instituciones museísticas españolas y francesas.

En la década de 1930, con la llegada del cine sonoro, las películas mudas quedaron olvidadas. Los pioneros fundadores de las filmotecas tenían como referencia las grandes obras creadas en el ámbito de las bellas artes, de modo que tomaron el museo de arte como modelo. En 120 años, el cine se ha convertido en un arte en sí mismo y, como tal, son innumerables sus préstamos e improntas.

Además de mostrar el beneficio estético que todas las artes obtuvieron del cine, en especial como impulsor de las vanguardias, esta exposición se propone ilustrar su continua vitalidad durante la etapa más reciente, la más contemporánea, que abarca desde los años ochenta del siglo pasado hasta el momento actual, en el que las técnicas digitales han ampliado su capacidad de invención formal gracias a la creación virtual.

Arte y cine. 120 años de intercambios
Hasta el 26 de marzo de 2017
CaixaForum Barcelona

Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel

22/02/2017, Fundación Banco Santander presenta en su Sala de Arte una selección de obras de la Colección Isabel y Agustín Coppel, una de las más reconocidas de Latinoamérica.

Madrid, 22 de febrero de 2017
La exposición, que recoge más de 120 obras de 57 artistas como Jimmie Durham, Superflex, Abraham Cruzvillegas, Alighiero Boetti, Ulises Carrión, Hélio Oiticica, Gabriel Orozco, Mario García Torres, Leonor Antunes, Gary Hill, Pierre Huyghe, Wolfgang Tillmans, Marcel Broodthaers, Bruce Nauman o Cindy Sherman, parte de la idea de mestizaje para mostrar una lectura del arte contemporáneo internacional hecha desde México.

La muestra se organizada en cinco secciones distintas: Identidad, Territorio, Pedagogía, Comunidad y Economía, y presenta un concepto museográfico está inspirado en el movimiento. De esta manera, las paredes de la Sala de Arte Santander se giran formando ángulos de 45º para proponer una composición que cambia las perspectivas tradicionales y altera el ritmo, logrando que el visitante se mueva de otra manera por el espacio.

Isabel y Agustín Coppel iniciaron su colección de arte en la década de 1990 con una particular selección de arte moderno contemporáneo, tanto nacional como internacional, y con un énfasis importante en el campo de la fotografía.

Con el nuevo siglo y motivados por el interés de promover el arte contemporáneo y su acercamiento a un público cada vez más amplio, la colección incursionó en la esfera pública conformándose constituyéndose como Colección Isabel y Agustín Coppel (CIAC), y comprometiéndose con la investigación y difusión del arte contemporáneo a través de exposiciones, publicaciones y proyectos artísticos y de investigación.

Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel
Hasta el 11 de junio de 2017
Sala de Arte Santander
Ciudad Grupo Santander
Boadilla del Monte (Madrid)

Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild

21/02/2017, La Sala Alcalá 31 presenta una amplia selección de obras de la colección Hochschild, la única que se dedica casi en exclusiva a la producción artística moderna y contemporánea de Perú.

Madrid, 21 de febrero de 2017
“Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild” reúne obra de alrededor de cuarenta artistas y pretende ofrecer una visión representativa de las creaciones de los artistas peruanos contemporáneos. Una oportunidad inmejorable para comprender el arte de las últimas décadas de Perú, un país cuyo arte más contemporáneo es muy desconocido a nivel internacional.

La exposición se compone de obras realizadas sobre distintos soportes, desde pinturas, esculturas, dibujos y fotografías hasta videoproyecciones, instalaciones y proyectos multidisciplinarios, y presenta diferentes corrientes artísticas que van desde el surrealismo hasta la abstracción geométrica, pasando por el arte popular o el informalismo.

Entre los artistas presentados se encuentran figuras reconocidas internacionalmente como Milagros de la Torre, Martín Chambi, Fernando Bryce, Sandra Gamarra o Mario Testino, junto a nombres más desconocidos para el público como José Carlos Martinat, Maya Watanabe, Eduardo Moll o Giancarlo Scaglia.

Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild
Del 21 de febrero al 16 de abril de 2017
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31. Madrid

El reposo de la mariposa

21/02/2017, Cada invierno, la mariposa monarca acude a los bosques mexicanos para reposar. En esta campaña llegaron un 27 por ciento menos que hace un año.

Artemio Artigas. Guiarte.com. 21/02/2017
Esta especie emblemática de mariposa viaja durante el otoño más de 4.000 kilómetros para llegar desde los campos de Canadá y EE.UU. a México, donde pasa la estación invernal. Pero las hectáreas de bosque ocupadas por los lepidópteros iban en un descenso alarmante desde el pasado siglo, pasando de un máximo histórico de 18,15 en 1996 a 0,67 en el 2013, el mínimo histórico.

En el otoño de 2014 llegaron ya algunas mariposas más, y el área ocupada por ellas durante la invernada creció hasta una superficie de 1,13 hectáreas, Las aún mejoraron en el siguiente para llegar a 4,01 hectáreas… en este último otoño sólo ocuparon 2,91 hectáreas. La climatología ha sido especialmente dura y la recuperación se ha detenido.

La mariposa monarca hiberna principalmente en los bosques de las montañas de los estados de Michoacán y México. Según WWF, en la segunda mitad de diciembre de 2016 se contabilizó el resultado de la migración. Se registraron 13 colonias de mariposas (7 en el estado de Michoacán y 6 en el de México) que ocuparon 2.91 hectáreas de bosque. Un total de 8 colonias (2.22 ha) se ubicaron dentro de la Reserva de la Biosfera Mariposa Monarca y 5 colonias (0.69 ha) fuera de ella. Esta superficie representa una disminución de 27.43% con respecto a la superficie de la temporada 2015-2016.

Las mariposas monarca (Danaus plexippus) hibernan en los bosques de oyamel y pino de Michoacán y el Estado de México, pero los lepidópteros tienen un difícil futuro.

Las amenazas para la migración y la hibernación de la monarca incluyen:

  • La disminución de los sitios de reproducción por el uso de herbicidas y el cambio de uso del suelo en Estados Unidos
  • La pérdida y degradación de los bosques por tala clandestina en México
  • Las variaciones climáticas extremas en Canadá, Estados Unidos y México

WWF está colaborado con diversos organismos mexicanos para defender a esta especie cuya migración es una espectacular epopeya, tanto por el largo recorrido como por la fragilidad de la mariposa y la belleza de las concentraciones.

Según el conteo, la colonia más grande (1.17 ha, 40.21% del total) se ubicó́ en el Santuario de la Sierra Campanario (Ejido El Rosario, Michoacán) y la colonia más pequeña (0.02 ha) en el Santuario de Mil Cumbres (Ejido Río de Parras, Michoacán). Por quinto año consecutivo se observó una colonia (0.04 ha) en el Santuario Cerro Pelón (Bienes Comunales San Pablo Malacatepec, Estado de México) y por segundo año se observaron colonias en todos los santuarios conocidos fuera de la reserva.

Una joya hawaiana

20/02/2017, El iiwi es un fringílido que sólo habita en las Islas Hawái, caracterizado por su espectacular rojo fueguino, calificado en el nivel de “vulnerable” en la lista roja de la UICN.

Por Artemio Artigas
Se trata de un pájaro de pequeño tamaño, cuerpo rojo, alas negras y pico curvado, que se alimenta básicamente de néctar de flores y cuyo vuelo se asemeja al del colibrí.

Por su llamativo colorido, el iiwi resulta muy visible entre el verdor del paisaje, y se considera el ave típica de Hawái, aunque en su declive ha desaparecido ya de la isla Lanai.

Según publica la organización conservacionista BirdLife, las estimaciones de población de este pájaro ( Vestiaria coccinea o Drepanis coccinea) son de unos 350.000 individuos (hacia 1995) pero con evolución decreciente. Esa disminución parece haber sido más pronunciada en el oeste de Hawái.

Vinculado al folclore isleño, el iiwi está en declive por varios motivos. El más citado es la malaria aviar, introducida involuntariamente en la isla por los colonos llegados en el siglo XIX. Esta enfermedad que infecta a las aves en las regiones tropicales ha sido causa de desaparición total de algunas especies en las islas.

Además, también influye en el descenso de población del iiwi la modificación del hábitat isleño primitivo y la depredación de especies introducidas como las ratas o los gatos.

Su inconfundible plumaje rojo ardiente, fue usado antaño para decorar las túnicas usadas por la aristocracia así como los cascos de plumas.

La especie puebla los territorios no alterados, entre 300 y 2.900 metros, aunque su hábitat más común está a partir de los 1.000 metros, en las islas de Maui y de Hawái, donde la temperatura fresca impide la proliferación del mosquito que propaga la enfermedad a la que no son inmunes.

Hay temores de que la especie, calificada como vulneraba en 2008, sea afectada negativamente por el avance del cambio climático, porque la elevación de la temperatura aumentaría la presencia de la malaria en cotas más elevadas de este archipiélago.

Itinerarios XXIII, un recorrido por el arte

20/02/2017, Hasta el 16 de abril de 2017 la sala de exposiciones de la Fundación Botín en Santander acoge Itinerarios XXIII, una cita anual que cumple 23 años.

Santander, 20 de febrero de 2017
Esta propuesta funciona desde hace más de veinte años como termómetro del estado actual de las artes e instantánea de las tendencias predominantes a nivel nacional e internacional, ofreciendo una perspectiva del trabajo de una nueva generación de artistas, de lo que centra su pensamiento y su práctica, apreciándose en ellos una recurrencia hacia ciertas preocupaciones y metodologías.

Según el comisario de la muestra, Benjamin Weil, "Las obras de este año también albergan inquietudes muy concretas sobre la relación de la humanidad con la naturaleza". Weil señala que en la última década la actividad humana está poniendo continuamente a prueba el equilibrio del planeta, un tema que parece haber ganado importancia entre los artistas que exponen en Itinerarios XXIII.

En total son ocho los artistas participantes en la presente edición: Katinka Bock (Frankfurt, Alemania, 1976), Regina de Miguel (Málaga, 1977), Adrià Julià (Barcelona, 1974), Pedro Neves Marques (Lisboa, 1984), Levi Orta (La Habana, Cuba, 1984), Aleix Plademunt (Gerona, 1980), Letícia Ramos (Sto. Antonio da Patrulha, Brasil, 1976) y Oriol Vilanova (Manresa, 1980).

Los creadores utilizan para sus propuestas nuevos medios o herramientas y dispositivos construidos al efecto o bien tecnologías que han dejado de ser habituales, algo que les capacita para disociar sus imágenes del flujo imparable al que estamos sometidos hoy en día, promoviendo otra forma de observarlas y de estimular nuestra reflexión.

Itinerarios XXIII
Hasta el 16 de abril de 2017
Sala de exposiciones de la Fundación Botín
Marcelino Sanz de Sautuola, 3. Santander

El Prado recibe el Global Fine Art Award

20/02/2017, La muestra "El Bosco. La exposición del V centenario" del Museo del Prado recibe el Global Fine Art Award de 2016.

Madrid, 20 de febrero de 2017
El Museo Nacional del Prado ha sido galardonado con el Global Fine Arts Award 2016 por “El Bosco. La exposición del V centenario”, que alcanzó los 589.692 visitantes y que fue prorrogada dado el gran éxito e interés que suscitó.

La concesión de este galardón, concedido por un jurado integrado por más de 30 profesionales del sector en la categoría Renacimiento, Barroco, maestros antiguos y antológicas, y el Youniversal, coincidió con otro reconocimiento singular al esfuerzo realizado por el Prado durante el pasado año: la elección del Museo del Prado como la institución cultural española más valorada en 2016 por parte del Observatorio de la Cultura.

"El Bosco. La exposición del V centenario" conmemoró el V centenario del fallecimiento del Bosco con una selección de más de medio centenar de obras maestras como El jardín de las delicias, el Carro del Heno o la Adoración de los Magos, a las que se sumaron préstamos como el Tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa, el Cristo camino del Calvario de Patrimonio Nacional, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres y el dibujo del Hombre-árbol de la Albertina de Viena.

Art et Liberté

17/02/2017, El Museo Reina Sofía presenta la exposición Art et Liberté. Ruptura, guerra y surrealismo en Egipto (1938-1948).

Madrid, 17 de febrero de 2017
La muestra, que ya ha sido expuesta en el Pompidou de París, presenta por primera vez de manera monográfica la actividad del grupo Art et Liberté, un colectivo de artistas establecido en El Cairo durante la Segunda Guerra Mundial.

Integrada por un conjunto de 130 obras pictóricas, trabajos en papel, fotografías y documentales que datan desde finales de la década de 1920 hasta principios de los años 1950, la exposición se centra en las contribuciones de este grupo de artistas, que fue fundado en El Cairo en 1938 tras la publicación de su manifiesto ‘Larga Vida al Arte Degenerado’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Surrealismo ganó fuerza como un movimiento revolucionario inspirado en la libertad de las ideologías políticas. A través de una nueva definición del Surrealismo, el grupo Art et Liberté, fundado por Georges Henein, Ramses Younane, Kamel el-Telmisany y Fouad Kamel, buscó un lenguaje contemporáneo arraigado en las inquietudes artísticas y políticas locales como reflejo de su desafío a los regímenes autoritarios, Nacionalismo y Colonialismo.

Art et Liberté cultivó una práctica artística vernácula ligada al surrealismo y al debate artístico internacional. Sus miembros cuestionaron la entonces tendencia academicista y nacionalista del arte burgués en Egipto, al tiempo que trazaron intercambios artísticos con los movimientos surrealistas de París, Bruselas o Ciudad de México.

La exposición forma parte de la iniciativa Art reoriented, que propone una crítica a las clasificaciones historiográficas convencionales, interesándose especialmente por el carácter múltiple de la modernidad.

Tras su paso por el Reina Sofía, la muestra proseguirá su andadura por el Kunstsammlung K21 de Dusseldorf y la Tate Liverpool.

Art et Liberté. Ruptura, guerra y surrealismo en Egipto (1938-1948)
Hasta el 28 de mayo de 2017
Museo Reina Sofía C/ Santa Isabel 52, Madrid

Ur, Uruk y Eridu, en la UNESCO

16/02/2017, Entre las interesantes incorporaciones a la Lista del patrimonio Mundial de la UNESCO, en 2016, figuran los restos de Ur, Uruk y Eridu y cuatro zonas pantanosas del sur de Irak.

Artemio Artigas. Guiarte.com. París 16/02/2017
Este sitio Patrimonio Mundial es de carácter mixto (monumental y medioambiental) y diversas áreas situadas todas ellas en el sur del Irak, en el entorno de la confluencia del Tigris y el Éufrates.

En el aspecto urbano se señalan como Patrimonio de la UNESCO el “tell” de Eridu y las ruinas de las ciudades de Uruk y Ur, vestigios arqueológicos de asentamientos sumerios en la Baja Mesopotamia, que florecieron entre el tercer y cuarto milenios a.C. en el delta pantanoso formado por los ríos.

Por su parte, los humedales pantanosos (“ahwar”) de esta región del Iraq Meridional se destacan como únicos en su género, por su formación en uno de los mayores deltas interiores del mundo y por estar situados en un medio natural extremadamente árido y cálido.

Ur estaba a la orilla del Éufrates, cerca de su desembocadura, al norte de Eridu. Sus ruinas ya fueron detectadas en el siglo XIX y las investigaciones permitieron el hallazgo de tablillas que permitieron su identificación. En el siglo XX se reconstruyó allí parcialmente el zigurat de Ur-Nammu.

Eridu estaba ubicada al lado del mar, en la desembocadura del Tigris y Éufrates, a algo más de 20 kilómetros al sur de Ur. Ahora está a gran distancia de la costa por los sedimentos aportados por ambos ríos.

Uruk se halla más al norte de las dos anteriores. La ciudad estaba asentada en la ribera oriental del Éufrates. Tenía un gran tamaño y en la antigüedad se cree que era la mayor urbe del mundo. Es la patria de Gilgamesh, personaje mitológico y literario sumerio. Sus grandes restos empezaron a ser conocidos en el siglo XIX, y su nombre pudo ser origen de la actual denominación de Irak.

Los tres enclaves arqueológicos forman parte de los restos de asentamientos sumerios que se desarrollaron en el sur de Mesopotamia entre el cuarto y tercer milenio a. C. en lo que entonces era una zona de pequeños estados en el delta pantanoso de los ríos.

Las ciudades florecieron entre el cuarto y segundo milenio antes de Cristo y su prosperidad fue sostenida por la agricultura alrededor de los ríos, la pesca y el comercio en el entorno del golfo Pérsico.

Entre 2120-2000 a.C., surgió en estas urbes una arquitectura monumental, sobre todo zigurats. Los tres sitios tienen restos de estas estructuras religiosas y también abundantes tabletas cuneiformes que surgieron alrededor del mismo tiempo, utilizadas para documentar la vida económica y religiosa de la antigua Mesopotamia meridional.

En el momento en que estas ciudades estaban floreciendo, los ríos Tigris y Éufrates fluían a través de la llanura de Mesopotamia hasta un delta pantanoso en los bordes de Ur. Poco a poco, a lo largo de los siglos, los dos ríos se separaron y sus deltas se movieron hacia el sureste, con el resultado de que los antiguos pantanos se convirtieron en salinos y eventualmente se secaron, provocando la desaparición de las ciudades hacia 1700 a.C.

A medida que el litoral retrocedía, el área de los nuevos pantanos avanzó río abajo hacia el Golfo Pérsico. Cuatro áreas de estos nuevos pantanos han sido nominadas, principalmente por su valor natural, pero también por algunas evidencias arqueológicas emergentes. Los humedales se drenaron en su mayor parte en la década de 1990, obligando a las comunidades árabes que vivían allí a alejarse. Partes de áreas pantanosas están siendo reinundadas para recrear los pantanos y sus hábitats.

Miquel Navarro. Arqueologías imaginarias

16/02/2017, Del 17 de febrero al 21 de mayo, la Sala Kubo-kutxa de San Sebastián presenta las Arqueologías imaginarias del escultor Miquel Navarro.

San Sebastián, 16 de febrero de 2017
La exposición "Miquel Navarro. Arqueologías imaginarias" recorre el trabajo del escultor a través de piezas icónicas de su carrera. Piezas por lo general de gran tamaño, que se completan con cuadernos de trabajo y una serie de pequeñas esculturas realizadas con barro que nos remiten a lo académico y a la arqueología.

Miquel Navarro (29 de septiembre de 1945, Mislata), Premio Nacional de Artes Plásticas (1986), es uno de los máximos representantes de la llamada «nueva escultura española».

Sobre la exposición
Los recuerdos de infancia son determinantes a la hora de configurar la obra de este escultor. El contraste entre el ambiente rural y la ciudad de Valencia, son totalmente identificables en toda la trayectoria de Navarro.

Tras un periodo dedicado al dibujo y la figura humana, Miquel Navarro pronto llega a la escultura. Sus primeras obras las realiza en barro, material con referencias a su infancia, pero también un material que nos remite a nuestros orígenes.

En los 70 comienza a realizar sus conocidas Ciudades. Primero en barro, para introducir poco a poco distintos metales como el zinc, el hierro y el aluminio, , que nos acercan a la sociedad industrial moderna.

Sus ciudades están compuestas por cientos de unidades, que se extienden directamente sobre el suelo. Pieza a pieza, forman barrios, plazas, fábricas, carreteras, aeropuertos y automóviles, insectos, murallas... todo en volúmenes básicos o transformados, que se agrupan y conectan formando una obra unitaria.

Estas metafóricas ciudades deshabitadas no pretenden acogernos, son inhóspitas, llenas de símbolos y significados que nos obligan a reflexionar sobre la relación entre sus partes, sobre el poder, sobre la existencia. Sintetizan la ciudad real, pero que en definitiva no es real, aunque tampoco intenta proyectar utopía alguna.

En la esta exposición se presentan tres de sus ciudades: La Ciutat (1984-1985), Ciudad roja (1994-1995) y Entre muros (2000). Junto a ellas una pieza inédita, Placón, de 3,5 m de altura y aluminio macizo, con formas rotundamente planas, pero con uno de los laterales orgánico, sensual, una curva pared que humaniza sus formas, y que el artista asocia con un labio vulvar.

La exposición se completa con una serie de cuadernos de trabajo o cuadernos de viaje, soportes de reflexión que permiten el reflejo de un pensamiento directo, con el carácter de inmediatez que tiene el dibujo.

Finalmente, se presentan las «arqueologías», pequeñas figuritas realizadas con barroy con forma de ersonajes, torres, penes, vulvas, pirámides, zigurats, espirales... Muchas de estas figuras presentan amputaciones que nos remiten a un cierto sentido arqueológico, retornando de nuevo a la antigüedad clásica. Un juego con el que se pone de relieve el paso del tiempo, la mutilación, la pérdida como resultado de los avatares de la existencia o de la historia.

Miquel Navarro. Arqueologías imaginarias
Del 17 de febrero al 21 de mayo de 2017
Kubo-kutxa
Zurriola 1. Kursaal. Donostia/San Sebastián

Submarinismo en Las Bahamas

15/02/2017, Aguas verde turquesa, playas de arena blanca, comida sana, parques nacionales y actividades deportivas. Las Islas Bahamas tienen todo aquello que buscan los amantes de la buena vida.

Guiarte.com, 15 de febrero de 2017
Repartidas a lo largo de una superficie de 250.000 km2, esta agupación de 16 islas forma el archipiélago más grande de todo el Caribe. Un lugar de ensueño donde sólo el 6% de la superficie de sus playas son explotadas turísticamente. Cada isla tiene su propio encanto e identidad: Nassau-Paradise Island, Grand Bahama Island, Eleuthera-Harbour islnd, Cat Island, San Salvador, Long Island, Bimini, The Abacos, The Exumas, Inagua, Andros... Una sola vida no basta para descubrirlas.

Barcos hundidos, coloridos arrecifes, tiburones, delfines, tortugas, ballenas azules, barracudas... Las Islas Bahamas son el lugar ideal para realizar submarinismo.

Profesionalmente hablando, el buceo en las Bahamas tiene su origen en el año 1960, cuando se abrieron las puertas del primer centro de buceo en la isla de Andros, conocida como la isla de los agujeros azules. Desde entonces el Small Hope Bay Lodge es el lugar de encuentro de campeones y aventureros, ávidos de explorar las entrañas de estos vastos fondos misteriosos. En esa misma época, los buceadores ya escudriñaban las vertiginosas pendientes de la Tongue of the Ocean, una inmensa falla de 240 km de largo que desciende hasta los 2.000 m de profundidad, en la parte Este de la isla.

A fecha de hoy existen 23 centros de buceo –repartidos en 10 destinaciones– homologados todos ellos por la Bahamas Diving Association. Si bien las inmersiones de aventura son las más solicitadas, otras ofrecen el placer de descubrir algunos de los arrecifes y fauna más ricos del Caribe en familia, con amigos o en pareja.

La decisión más difícil es escoger en que isla realizar la actividad, una opción que se puede determinar en función del periodo del año en que viajemos. Podrás encontrar más información para organizar tu viaje en: www.bahamasturismo.es

El difícil futuro del buitre

13/02/2017, Los buitres pasan por un declive dramático en todo el mundo. Los datos del descenso de la población en las últimas décadas son alarmantes.

Guiarte.com 13/02/2017
En África, según la última evaluación de aves realizada por BirdLife International para la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN, seis de las 11 especies de buitres corren mayor riesgo de extinción.

En Asia el caso es aún más espectacular. El sur de Asia tuvo una vez millones de buitres, pero en la última década, el 99% de tres de las especies ha desaparecido. Como resultado de estas abruptas declinaciones, cuatro especies de buitres asiáticos -Gyps bengalensis (buitre dorsiblanco bengalí), Sarcogyps calvus (buitre cabecirrojo), Gyps tenuirostris (buitre picofino) y Gyps indicus (Buitre indio)- se consideran en peligro crítico, la más grave categoría que indica la posible desaparición de los cielos de Asia.

El principal factor impulsor del declive de los buitres está bien localizado. El uso del Diclofenaco, medicamento veterinario que se aplica a los bovinos. Esa droga resulta letal para los buitres, que han muerto en gran número cuando se alimentaron con los cadáveres envenenados de ganado dejados por los pastores.

Afortunadamente, en Asia, el uso del Diclofenaco está ya prohibido en la India, Nepal y Pakistán, y gracias a la introducción de iniciativas proteccionistas se han estabilizado las poblaciones en el subcontinente indio.

El caso de Tailandia
En Tailandia, donde aparentemente el Diclofenaco no es un problema especial para los buitres, la situación de los mismos es gravísima. Aunque todavía se pueden observar en invierno dos especies migratorias: el Aegypius monachus (buitre negro) y el Gyps himalayensis (buitre del Himalaya), otras tres especies están ahora extintas en Tailandia.

De las tres, el buitre cabecirrojo fue el más abundante en el país y se pudo encontrar hasta en el centro de Bangkok hasta finales de la década de 1960 y principios de 1970. En todo el país, los buitres se aprovecharon de los cadáveres hasta bien entrado el siglo XX. Las nuevas medidas sanitarias, la caza, el furtivismo y la destrucción del hábitat son asuntos graves para los buitres en esta parte del mundo.

Los buitres de cabeza roja fueron vistos por última vez en el Santuario de Vida Silvestre de Huay Kha Kaeng de Tailandia hace 25 años, coincidiendo con la aplicación de un nuevo método de caza de tigres consistente en el uso de pesticidas para envenenar el cadáver y obtener las pieles del tigre sin la huella de los agujeros de bala. Desde entonces no se han registrado avistamientos de buitres salvajes en el país. La caza y el envenenamiento dieron el golpe final.

Pero aún hay esperanza de que estas majestuosas aves puedan volver a volar sobre Tailandia una vez más.

En junio de 2016, la Organización del Parque Zoológico de Tailandia (ZPO) inició la discusión formal para establecer un programa de reintroducción de buitres de cabeza roja en el Santuario de Vida Silvestre Huay Kha Khaeng, conjuntamente con la Universidad Kasetsart (KU), el Departamento de Parques Nacionales Y Conservación de Plantas (DNP) y la Sociedad de Conservación de Aves de Tailandia (BCST). Se prevé reintroducir en la naturaleza buitres de esta especie procedentes de la cría en cautividad a partir de 2018.

La Organización del Parque Zoológico de Tailandia tiene experiencia en programas de reproducción y reintroducción en cautiverio, habiendo trabajado durante varias décadas en la reintroducción de mamíferos y especies avícolas, entre ellos el ciervo de Eld y una especie de grulla. Sin embargo, el caso del buitre de cabeza roja plantea un reto porque es muy difícil hacerle criar los polluelos en cautiverio.

Se ha elegido el Santuario de Vida Silvestre Huai Kha Khaeng, un sitio del patrimonio mundial de la UNESCO que se extiende por más de 600.000 hectáreas a lo largo de la frontera de Myanmar, como el lugar perfecto para reintroducir la especie debido a su rica biodiversidad.

Lyonel Feininger

10/02/2017, La Fundación Juan March presenta la primera retrospectiva en España de este artista, maestro de la Bauhaus y una de las figuras más peculiares de las vanguardias históricas.

Madrid, 10 de febrero de 2017
Feininger y su mundo son acogidos ahora en el marco de un programa expositivo que presenta figuras, épocas o aspectos insuficientemente explorados de la cultura moderna. La exposición de la Fundación Juan March reúne cerca de cuatrocientas obras a través de las cuales se plantea un recorrido por su obra articulado en torno a las diferentes técnicas que trabajó (dibujo, obra gráfica, pintura, fotografía y construcción de juguetes) y a los principales temas de su producción (la caricatura y los dibujos satíricos, lugares emblemáticos que le inspiraron como París, Deep, Halle, Gelmeroda o Manhattan y su fijación por los puentes, las torres, los paisajes marinos y la vida urbana).

Aunque Lyonel Feininger nació en Nueva York, sus padres, músicos de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación musical cuando tenía tan solo dieciséis años. Ese doble origen, americano y alemán, marcaría su vida y obra.

En Alemania, Feininger decidió dedicarse a su verdadera pasión: el dibujo y la ilustración. Tras recibir clases de dibujo en la Allgemeine Gewerbeschule de Hamburgo, se adentró en un género entonces incipiente, del que sería uno de sus primeros creadores: el tebeo. Sus viñetas se publicarían en revistas americanas y alemanas como Ulk, Lustige Blätter o el Chicago Sunday Tribune, para el que crearía The Kin-der-Kids [Los niños Kin-der] y Wee Willie Winkie's World [El mundo de Willie Winkie], sus historietas más relevantes.

Tras consolidar su carrera como ilustrador, Feininger dio un paso más con la intención de buscar un medio de expresión que le permitiera desplegar libremente su capacidad. De forma progresiva deja las tiras cómicas para volcarse en la pintura. En sus primeros cuadros mantiene todavía un vínculo con la caricatura, pero va poco a poco trabajando en una línea más abstracta, y abandonando prácticamente la figura y adoptando un lenguaje basado en las líneas rectas y los planos fragmentados de color.

En 1919 Walter Gropius lo invita a formar parte de la Bauhaus para que dirigiera el taller de grabado, donde desarrolla en profundidad la xilografía, técnica que le permitió ahondar en sus lienzos en el juego de los distintos planos.

Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado de "degenerado". En 1937, decidió regresar de nuevo a Estados Unidos, donde viviría hasta su muerte.

Lyonel Feininger (1871-1956)
17 febrero – 28 mayo 2017
Fundación Juan March
Castelló, 77 – MADRID

La Vaquita, en grave peligro

09/02/2017, El Comité Internacional para la Recuperación de la Vaquita (CIRVA) anunció la semana pasada que se estima que tan solo 30 vaquitas sobreviven.

México, 9 de febrero de 2017
Tras la extinción del delfín de río chino en 2006, el mundo está ahora a punto de perder la segunda especie de cetáceo debido a actividades humanas. La vaquita, la marsopa más pequeña que existe, está en un grave peligro, Según el CIRVA en 2017 la población de esta especie asciende a 30 individuos, un 50% menos que el año pasado. Una dramática disminución que hace de la Vaquita una especie en riesgo de inmediata estinción.

Endémica del Alto Golfo de California en México, la principal amenaza para esta pequeña marsopa es su captura en redes agalleras, donde queda atrapada y muere ahogada. La mayoría de estas redes son empleadas ilegalmente para pescar totoaba, un pez también al borde de la extinción, por culpa de su consumo como alimento de lujo en Asia.

WWF sostiene que la única manera de salvar de la extinción total a la Vaquita es la inmediata prohibición por parte del gobierno mexicano de todas las pesquerías dentro de su hábitat natural, así como asegurar una vigilancia total y efectiva para evitar la caza furtiva.

WWF recomienda además la prohibición definitiva del uso de redes agalleras, trabajando con las comunidades pesqueras para encontrar alternativas económicas adecuadas que garanticen una mejor calidad de vida para ellas y sus familias.

La ONG también hace un llamado al gobierno de los Estados Unidos para que éste tome medidas para detener los envíos ilegales de productos de totoaba a China.

¡Vivan los campos libres de España!

09/02/2017, Hasta el 23 abril en la Casa Encendida (Madrid), se presenta una exposición de Antonio Ballester Moreno.

Madrid, 9 de febrero de 2017
La exposición ¡Vivan los campos libres de España! de Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977), invita a la contemplación a través de treinta enormes lienzos y dos instalaciones en los que el artista retoma gran parte de su imaginería basada en la geometría, la cultura popular y la naturaleza.

La muestra parte de la idea de la contraposición entre la modernidad y lo rural de la España de finales de los años veinte y principios de los treinta, mostrando los efectos gráficos que producen los patrones naturales, los ciclos y las estaciones en nuestra psicología.

El lenguaje reducido y formal de Ballester Moreno se basa en la abstracción que recrea símbolos a partir de formas geométricas básicas. Lunas, soles, lluvia o estrellas representan un ciclo vital que recuerda, en sus trazos, a artistas de las primeras vanguardias como Paul Klee, Joan Miró o Josef Albers.

Concebida como una gran instalación, la exposición, que podrá verse hasta el próximo 23 de abril en la Casa Encendida, representa un periodo de la naturaleza a través del otoño, la lluvia, el sol y la luna. Elementos que remiten a las formas básicas geométricas y, a su vez, al contexto en el que surgieron las primeras vanguardias artísticas y sus antecedentes cronológicos como el primitivismo, el arte concreto, la abstracción, la figuración o el realismo.

Antonio Ballester, uno de los nombres más destacados de la pintura actual en España, recurre a materiales como el yute sin tratar o el barro, y a las formas austeras y sencillas, que ha ido depurando a lo largo de su carrera, en un camino hacia la simplificación de formas y colores.

El resultado es una cuidada selección de obras que conforman un hermoso paisaje natural y evidencian el personal estilo del artista, que remite a lo vernáculo.

El Renoir más íntimo llega a Bilbao

08/02/2017, Hasta el próximo 15 de mayo de 2017 se puede ver una exposición retrospectiva sobre el pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Bilbao, 8 de febrero de 2017
Renoir: intimidad reúne 64 obras procedentes del Musée Marmottan Monet y el Musée Picasso de París, el Art Institute de Chicago, la National Gallery de Londres, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York o el Museo Thyssen- Bornemisza de Madrid, entre otros.

La selección resalta un rasgo característico del estilo de Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 1841-Cagnes-sur-Mer, 1919), que se mantendrá a lo largo de toda su trayectoria: la importancia que concede a los valores táctiles de la pintura. Los lienzos de Renoir potencian los aspectos sensoriales relacionados con el tacto –por ejemplo, la piel o el cabello de sus modelos o la espesura de una zona ajardin–ada. Una particularidad que se percibe en los géneros que cultivó: retratos, desnudos, escenas de grupo, paisajes y naturalezas muertas.

La exposición incide además en otra característica que diferenciaba a Renoir de los pintores impresionistas: la constante búsqueda de empatía con el modelo y el espectador, representado escenas de una intimidad que no sólo adquiere carácter erótico sino también social, amistoso o familiar.

Introducción: intimidad
El nombre de Renoir evoca imágenes de diversión colectiva al aire libre, pero buena parte de su obra está centrada en escenas de ámbito privado: una figura caminando por un jardín, una mujer tocando el piano, dos muchachas leyendo... El comienzo de la muestra introduce al espectador en el mundo pictórico de Renoir con cuatro retratos femeninos realizados entre 1864 y 1872.

Impresionismo
Las pinturas de la década de 1870 recogen el espíritu más impresionista de Renoir, que muestra una sorprendente variedad de recursos estilísticos. Se incluyen en esta sección el florido paisaje de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza "Mujer con sombrilla en un jardín", plenamente impresionista, y un estudio preparatorio para el célebre "Le Moulin de la Galette". Esta sección presenta además retratos como los de Monet y su mujer, procedentes del Musée Marmottan Monet de París, o "Mujer al piano" del Art Institute of Chicago.

Retratos de encargo
La Tercera Exposición Impresionista en 1877 fue la última en la Renoir participó personalmente. A partir de entonces se distanció del grupo para iniciar una renovación de su estilo con referentes en la tradición clásica y añadiendo a sus composiciones una mayor preocupación por el dibujo, para lo que tomaría como referencia la pintura del siglo XVIII –de Fragonard, Watteau o Boucher–, el Renacimiento de –Miguel Ángel o Rafael– y, en el caso del tema de las bañistas, la obra de Tiziano o Rubens, y en la de otros artistas del siglo XX –como Bonnard, Matisse, Modigliani o Picasso–.

A lo largo de la siguiente década buscó reconocimiento en el retrato de encargo, especialmente de mujeres y niños, y se convirtió en uno de los pintores más solicitados de la sociedad parisina. Esta sección reúne algunos de los más célebres retratos pintados por Renoir a lo largo de tres décadas, entre ellos la serie dedicada a la familia Durand-Ruel y el que representa a la señora Thurneyssen y su hija. Dentro de esta sección se presentan también cuadros que, bajo el epígrafe Placeres cotidianos, están dedicados a mujeres –solas o en grupo, concentradas en actividades como la música o la lectura.

Paisajes del norte y del sur
Renoir fue sobre todo pintor de la figura humana, por lo que sus paisajes de pequeño formato fueron un campo de experimentación. En esta sección se reúnen vistas de Normandía y sus alrededores –como "Colinas alrededor de la bahía de Moulin Huet, Guernsey", del Metropolitan Museum of Art de Nueva York– y de la Costa Azul o Provenza –donde compartió motivos con su amigo Cézanne, como la icónica montaña Sainte-Victoire–, o las vistas de su propia finca de Les Collettes. También aparecen diversas localizaciones del sur de Italia, como la bahía de Salerno.

La familia y su entorno
Con el nacimiento de su hijo Pierre en 1885, los temas familiares y las escenas domésticas pasan a ocupar buena parte de la producción de Renoir. En esta sección encontramos imágenes de su mujer, de sus hijos en la infancia –y en la adolescencia. También aparecen otras mujeres del ámbito familiar como la niñera Gabrielle, que se convertiría en una de sus modelos favoritas.

Bañistas
El desnudo femenino es uno de los temas centrales en la pintura de Renoir desde los inicios de su trayectoria. Asociado a la tradición académica, este género no se prestaba a los intereses de los impresionistas. Renoir fue el primero en hacerlo, tal y como se aprecia en "Ninfa junto a un arroyo", de la National Gallery de Londres. Al alejarse del impresionismo en la década de 1880, el desnudo adquiriría aún mayor importancia. Sus figuras de pequeña cabeza y cuerpo grande, desproporcionadas y monumentales, emulan a Miguel Ángel, Tiziano o Rubens, y, suscitarían la admiración de Bonnard y Matisse, Modigliani y Picasso.

Obras maestras de Budapest

07/02/2017, Desde el 18 de febrero y hasta el 28 de mayo de 2017 el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la exposición "Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias".

Madrid, 7 de febrero de 2017
El Museo Thyssen-Bornemisza, organiza junto a Museo de Bellas Artes de Budapest y la Galería Nacional de Hungría una destacada muestra en la que se presenta una selección de pinturas, dibujos y esculturas procedentes de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría.

Una ocasión única que permite, por primera vez en España, ver reunidas noventa obras de escuelas como la italiana, alemana, flamenca o española, desde el siglo XV al XX, que incluyen grandes nombres de la historia del arte como Durero, Cranach, Leonardo da Vinci, Rafael, Rubens, Velázquez, Goya, Cézanne, Manet y Gauguin, además de interesantes ejemplos de artistas húngaros.

La exposición se realiza con motivo de la clausura por obras de renovación hasta marzo de 2018 del Museo de Bellas Artes de Budapest.

El recorrido se articula en torno a siete secciones:

El Renacimiento en el Norte, con pintura alemana del siglo XVI a partir de artistas como Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo y Hans Baldung Grien; el Renacimiento en el Sur, con ejemplos de Leonardo da Vinci, Lotto, Rafael y Bronzino; el Barroco en Flandes y Holanda, con obras de Peter Paul Rubens y Anton van Dyck; el Barroco en Italia y en España, con lienzos de Annibale Carracci, Alonso Cano y Velázquez; el siglo XVIII en Europa, con una excelente representación de la escuela veneciana de la mano de Sebastiano Ricci y Giambattista Tiepolo, magníficas piezas de maestros centroeuropeos poco conocidos en España, así como un excepcional conjunto de esculturas de Franz Xaver Messerschmidt; una sala dedicada a la nueva imagen de la mujer, con obras de Manet a Kokoschka, y, La modernidad: de Pissarro a Bortnyik, que presenta el arte internacional desde el siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial.

38 Picassos

06/02/2017, El Museo Picasso Málaga presenta una selección de las obras de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso Pablo Picasso que a lo largo de seis años han enriquecido la colección permanente del museo.

Málaga, 6 de febrero de 2017
Hasta el 26 de marzo de 2017 el Museo Picasso Málaga presenta una exposición en la que se muestran en conjunto y en solitario por primera vez las obras prestadas a la institución por la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, y que han ayudado a profundizar y a difundir la obra de Picasso complementando no solo la colección permanente sino también numerosas exposiciones temporales organizadas en los últimos seis años.

Realizadas entre 1903 y 1972 este conjunto de obras de Pablo Picasso abarca la casi totalidad de la trayectoria del malagueño, permitiendo al espectador constatar tanto la diversidad temática como la evolución del artista durante su dilatada y fecunda trayectoria.

38 Picassos
Museo Picasso Málaga
Hasta el 26 de marzo de 2017
Palacio de Buenavista C/ San Agustín, 8. Málaga

Exposiciones en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

03/02/2017, El Círculo de Bellas Artes de Madrid presenta en febrero dos nuevas exposiciones, una dedicada a Emerik Bernard y otra a Francis Bacon.

Madrid, 3 de febrero de 2017
Emerik Bernard. La contemporaneidad de una pintura
02.02.2017-02.04.2017

Emerik Bernard (Celje, 1937) es un artista plástico destacado del arte esloveno en la segunda mitad del siglo XX. Su pintura confluye con los principios del Alto Modernismo, al que se ha mantenido fiel hasta la fecha.

Sus creaciones pictóricas, de sólida composición, destacan por la organización del espacio según las leyes renacentistas de la perspectiva y mediante recursos geométricos.

El artista logra proyectar su obra hacia la realidad externa mediante manchas de colores que cubren la tela conforme a la lógica modernista, según la cual los distintos planos cromáticos subrayan la bidimensionalidad del cuadro.

Bernard concibe la pintura como la realización de la alegría de vivir. En cuanto a la temática de sus obras, se vislumbra un especial interés hacia la luz y el gusto por los paisajes de su país natal.

Bacon. La cuestión del dibujo
13.02.2017-21.05.2017

Durante mucho tiempo se ha pensado que Francis Bacon no realizaba dibujos. Sin embargo, desde su fallecimiento en 1992, se ha podido descubrir que Bacon no solo dibujó, sino que lo hizo de manera prolífica.

La exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid muestra una selección de dibujos, pasteles y collages que Cristiano Lovatelli Ravarino, recibió como regalo de Bacon entre 1977 y 1992, fechados y firmados personalmente por el pintor británico.

La muestra expone las obras en base a cuatro tipologías de dibujos bien diferenciadas y muy recurrentes en la obra de Bacon: papas, crucifixiones, retratos y figuras sentadas.

Los dibujos de la exposición, de gran calidad y ejecución técnica, pertenecen a la última época de la actividad artística de Francis Bacon y son creaciones realizadas sobre la marcha, con agilidad y precisión. En ellas se constata la influencia de su pintura más temprana en la propia técnica empleada: el nervioso carácter de las líneas, las deformaciones, la simplicidad de las composiciones y la atmósfera de las obras.

Por la costa noruega

02/02/2017, La compañía Hurtigruten propone para este verano disfrutar de la extraordinaria riqueza paisajística y cultural de Noruega, asistidos por guía de habla hispana.

Guiarte.com. 02/02/2017
Desde hace 123 años los barcos de Hurtigruten han surcado la costa abrupta de Noruega, bajo el sol de medianoche en verano y a través de la noche polar en invierno, manteniendo unidos los dos extremos del país.

En su temporada 2017, la compañía ofrece la posibilidad de experimentar dos itinerarios con guías en español. El primero de ellos, de 10 días/9 noches a bordo, desde Kirkenes a Bergen, para salidas el 16 de junio, el 6 de julio y el 3 de agosto, combina la navegación a bordo del Expreso del Litoral y un programa completo de actividades como la excursión a los fiordos de Aurland y Naeroy, la visita al punto más septentrional del continente o las relacionadas para descubrir la cultura sami.

Después de una visita guiada por la capital del país, Oslo, recorriendo algunas de sus atracciones turísticas se tomará un vuelo a Kirkenes, para comenzar el viaje, donde una de las principales paradas será la localidad de Honninsvag. Allí los pasajeros disfrutarán de la excursión al Cabo Norte, el punto más septentrional del continente europeo. Por la noche, el barco recalará en Tromsø, continuando el itinerario a través del estrecho de Raftsundet y el espectacular Trollfjord, - uno de los fiordos más bellos de Noruega- hasta llegar a Svolvaer, capital de las islas Lofoten.

Después de hacer noche en Bodø, se emprende la navegación cruzando el Círculo Ártico y continuará hasta Bergen, la segunda ciudad más importante de Noruega, para hacer una travesía por los fiordos de Naeroy (Patrimonio de la Humanidad) y Aurlands; y un bucólico recorrido ferroviario por el valle de Flåm.

Noruega Escénica
La “Noruega Escénica” es el segundo itinerario, que permitirá conocer a fondo la gastronomía, la cultura y el paisaje noruego. Después de una visita por los principales atractivos turísticos de Oslo, el grupo se trasladará a Trondheim y Kristiansund, para disfrutar de un recorrido por la Carretera Atlántica, un atrevido trazado que brindará bellas imágenes del país.

Luego se viaja a Ålesund, y conocerá paisajes de montañas y profundos fiordos, acudirá a los fiordos Geiranger (Patrimonio de la Humanidad) y Fjaerland, para llegar hasta Bergen.

Caballitos de mar

02/02/2017, Los caballitos de mar peligran. La contaminación y las redes de arrastre son algunas de las causas de su declive, según la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza.

Guiarte.com 02/02/2017
Los caballitos son criaturas marinas muy atractivas, de un aspecto que evoca la fantasía y los cuentos infantiles, aunque su nombre deriva de dos palabras griegas, una de las cuales –kampos- equivale a monstruo marino.

Los peces signátidos, que incluyen al caballito de mar y al pez pipa, tienen una característica especial: las hembras ponen sus huevos en el pecho del macho, y luego éste los fecunda e incuba, para luego dar a luz a las crías.

Casi el 15% de las especies de los caballitos de mar evaluados por IUCN se encuentran en la categoría “Casi Amenazados” en el Mediterráneo, lo que significa que si continúa la tendencia actual, pronto podrían estar amenazados con la extinción. Muchas de estas especies carecen de información suficiente para estimar su riesgo de desaparición. Por ello, se requiere mayor investigación para conocer su distribución, las tendencias de su población, las amenazas y las acciones de conservación concretas.

Según la IUCN, los caballitos de mar y los peces aguja están amenazados principalmente por la pérdida y degradación del hábitat causado por el desarrollo costero y el uso de artes de pesca destructivas, como las redes de arrastre y dragas. También quedan atrapados por la captura incidental en las pesquerías de arrastre y en ocasiones son retenidos y se destinan a la venta en acuarios, para medicinas tradicionales, y como amuletos.

En el Mediterráneo, el Hippocampus hippocampus y el Hippocampus guttulatus han experimentado un declive de 20-30% de sus poblaciones en las dos últimas décadas. Se encuentran protegidos a través de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) y el Anexo II del Protocolo sobre las Áreas Especialmente Protegidas y de Diversidad Biológica del Convenio de Barcelona. Además, algunos países mediterráneos, como Eslovenia, las protegen ya específicamente en su legislación.

Pero estas regulaciones no son suficientes para abordar temas como la captura incidental o los daños a los hábitats causados por el arrastre y los dragados.

Esta evaluación se ha llevado a cabo a través de la Iniciativa de la Lista Roja del Mediterráneo, coordinada por el Centro para la Cooperación del Mediterráneo de UICN con el apoyo de la Fundación MAVA, en colaboración con el Grupo de Especies de caballitos de mar, peces aguja y espinosos, y el Programa Global de Especies de UICN.

Vermeer, en el Louvre

01/02/2017, Los amantes de la pintura holandesa tienen una gran cita, del 22 de febrero al 22 de Mayo, en el Louvre: Vermeer et les maîtres de la peinture de genre.

Tomás Alvarez. Guiarte.com. París, 01/02/2017
La exposición ofrece una buena oportunidad para conocer más a fondo la obra de Johannes Vermeer y sus contemporáneos holandeses y está organizada por el Museo del Louvre, en colaboración con la National Gallery de Irlanda, de Dublín, y la National Gallery of Art, de Washington.

En esta muestra se reunirá, por primera vez desde 1966, doce de las pinturas del maestro de Delft -un tercio de toda su producción conocida- para proporcionar una visión de las fascinantes relaciones que el artista mantuvo con otros grandes pintores de la Edad de Oro holandesa.

Merced a los préstamos de importantes museos estadounidenses, británicos, alemanes y holandeses, los visitantes podrán ver a Vermeer bajo una nueva luz. Tradicionalmente se ha presentado a Vermeer como un artista que vivía aislado en su propio mundo inaccesible y silencioso. Esa ausencia de datos sobre su vida hizo que se acuñara una definición del mismo como "La Esfinge de Delft", sin embargo, la muestra explica que su temperamento artístico evolucionó a través de encuentros con otros artistas de su tiempo.

La expresión "La Esfinge de Delft" fue creada por el periodista y crítico de arte francés Théophile Thoré-Bürger y ha servido para promover una enigmática imagen del pintor, el genio solitario. Sin embargo, Johannes Vermeer (1632-1675) no alcanzó su nivel creativo en el aislamiento.

A través de las comparaciones con las obras de otros artistas de la Edad de Oro -entre ellos Gerrit Dou, Gérard ter Borch, Jan Steen, Pieter de Hooch y Gabriel Metsu - la exposición pone de manifiesto la pertenencia de Vermeer a una red de pintores que se especializan en la representación de la vida cotidiana y que se inspiran y admiran entre sí.

En el tramo final del siglo XVII se vio el apogeo del poder económico de la República Holandesa. Orgullosa de su posición social, la élite holandesa exigía un arte que reflejara su prestigio. Esta demanda llevó a la aparición de una "nueva ola" de pintura de género a principios de la década de 1650, con los artistas centrando su mirada en las representaciones idealizadas de los interiores de las mansiones y casas de una sociedad elegante.

La pintura holandesa mira hacia el interior, mientras que en el resto de Europa se sigue mirando hacia el poder y el mundo de la religión. En aquel tiempo, en Italia o España los mecenas eran el clero, la aristocracia o las monarquías. Pero en los Países Bajos existía una notable vida urbana, una burguesía que reclamaba cuadros para los domicilios de la clase media. En consecuencia, en España o Italia abundaban los temas religiosos, mitológicos e históricos, y en Holanda proliferaban las imágenes de la vida burguesa en formatos de menor tamaño, pero de una calidad excepcional, calidad que se puede atribuir en parte a la rivalidad profesional viva que existió entre ellos, derivada de su profundo conocimiento mutuo.

Comisarios de la exposición: Blaise Ducos, Departamento de Pinturas, Museo del Louvre, París; Adriaan E. Waiboer, Galería Nacional de Irlanda, Dublín; y Arthur K. Wheelock Jr., Galería Nacional de Arte, Washington.

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer (1632-1675) es el más conocido de todos los pintores de género holandeses y el segundo en fama sólo después de Rembrandt. Su obra es admirada sobre todo por su maestría en la representación de la realidad, la quietud y el misterio que emana de sus cuadros y la pureza geométrica de sus composiciones. La mayoría muestra una o dos figuras en una habitación iluminada desde la izquierda del espectador, enfrascadas en tareas domésticas o recreativas.

Estuvo alejado de los grandes centros culturales y residió siempre en la pequeña localidad de Delft, donde nació. De él se saben muy pocas cosas. Se sospecha que fue discípulo de Carel Fabritius; casado y con once hijos, en su primera época gustó hacer temas mitológicos y religiosos, luego se centró en esos famosos interiores, donde la luz entra por un lateral, inundando una escena cargada de serenidad.

Otros maestros holandeses de su tiempo
Gerrit Dou (1613-1675) fue alumno de Rembrandt y es el iniciador de un estilo de pintura de género que se caracteriza por su pequeño formato y por la representación minuciosa de los detalles y las texturas, estilo que tuvo mucha repercusión en artistas posteriores.

Gerard ter Borch (1617-1681), aparte de ser un gran retratista, se especializó en pintar escenas de género que muestran a personajes de la clase media dedicadas a actividades domésticas o a figuras de aspecto contemplativo vestidas con trajes elegantes en ricos interiores. Su obra tuvo mucha influencia en artistas como Pieter de Hooch y Gabriël Metsu y en su principal discípulo, Caspar Netscher (1639-1684).

Jan Steen (1626-1679) fue un pintor muy prolífico y de mucha personalidad, cuyas obras se distinguen fácilmente de las de sus contemporáneos tanto por la forma en que trata los temas como por la factura inusualmente abocetada de sus obras. La mayor parte de sus pinturas son escenas de género llenas de detalles humorísticos que suelen ilustrar proverbios y que contienen mensajes moralizantes.

Pieter de Hooch (1629-1684) se especializó en pintar escenas de género cuidadosamente ordenadas y pobladas por unas pocas figuras generalmente de cuerpo entero. Son características de su arte, su forma de tratar la luz, la geometría de sus composiciones y las vistas de interiores que incluyen varios espacios. Con él, así como con Vermeer, la representación de un interior o de un patio se convierte en algo tan importante como las figuras humanas que lo pueblan.

Gabriël Metsu (1629-1667) se formó como pintor en su Leiden natal y desarrolló la última fase de su carrera en Amsterdam. Sus cuadros de género, que constituyen la mayoría de su producción, recrean de forma sencilla y directa la vida de la burguesía holandesa del siglo XVII. El peculiar encanto de la pintura de Metsu emana no sólo de su forma de tratar los temas, sino también de la armonía de los colores y de la sensibilidad del artista hacia las calidades táctiles de la pintura.

Frans van Mieris (1635-1681) es el principal discípulo de Gerrit Dou y el vínculo entre el estilo miniaturista de este y las exquisitas y elegantes escenas de género de Vermeer y Ter Borch.

Nicolaes Maes (1634-1693) es una figura clave en la historia de la pintura de interiores por su forma de representar el espacio, cuya influencia alcanza a Vermeer y De Hooch. Se formó con Rembrandt en Ámsterdam, del que heredó el gusto por los efectos de trampatojo. En el contexto de esta exposición, la fase de su carrera que más nos interesa se desarrolla entre los años 1655 y 1658 aproximadamente, periodo en el que realizó unos cuarenta cuadros de género que suelen mostrar interiores domésticos y que contribuyeron a popularizar el espacio cúbico e ilusionista al que se dedicarían pocos años más tarde Vermeer y De Hooch.

Emanuel de Witte ( h. 1617-1692) es conocido sobre todo por sus cuadros de interiores de iglesias en los que predominan los fuertes contrastes entre zonas de luz y sombra. De Witte dedicó una única composición al tema del interior doméstico, Interior con una mujer al virginal de hacia 1665-1670, que sin embargo constituye uno de los ejemplos más característicos del género.

Goya en Israel

01/02/2017, El Israel Museum, en Jerusalén, acoge hasta el 18 de abril una exhibición de Francisco Goya (1746-1828) titulada Daydreams and Nightmares.

Guiarte.com. 01/02/2017
En la presentación de la muestra se indica que el maestro español, considerado uno de los padres del arte moderno, presenta en sus creaciones dos mundos el día y la noche. “Mientras que el día sirve como fondo para escenas alegres, la noche llama a monstruos que amenazan con engullir al mundo, hasta que el amanecer los rompe y destierra”.

La exposición pictórica cuenta con diez pinturas al óleo -entre ellas, el Parasol, Vuelo de brujas y el Maniquí de paja- del Museo del Prado de Madrid, todas expuestas por primera vez en Israel.

Cinco de las obras fueron realizadas como pinturas preparatorias para una serie de tapices para el palacio del benefactor de Goya, Carlos IV de España. También están expuestas series de grabados creados por Goya en diferentes etapas de su vida artística, como Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra y la Tauromaquia.

La exposición se enmarca en la celebración de treinta años de relaciones diplomáticas entre Israel y España, y es hasta la fecha la mayor colaboración habida entre el Museo de Israel y el del Prado. Comisario: Shlomit Steinberg.

Picasso románico

31/01/2017, El Museu Nacional d´Art de Catalunya propone un diálogo entre la obra del artista malagueño y las obras medievales de su colección.

Barcelona, 31 de enero de 2017
Picasso admiraba del arte románico su capacidad de explicar la realidad a través de un lenguaje repleto de signos y símbolos, sencillo a la vez que potente. Ahora, y hasta el 26 de febrero de 2017 el MNAC presenta "Picasso románico", una muestra que desvela el interés de Picasso por el arte románico y que permite captar las afinidades entre su obra y el arte de este período.

En 1906, en un momento decisivo de transformación de su estilo, Picasso se instala durante unos meses en el pueblo de Gósol, en los Pirineos. Casi treinta años más tarde, en 1934, visita las colecciones de arte románico del que hoy es el Museu Nacional d’Art de Catalunya. La exposición muestra un conjunto documental conservado en el archivo del Musée Picasso de París, repleto de imágenes románicas, postales del museo con motivos románicos que le enviaban sus amigos, correspondencia y diversos libros y revistas sobre el tema.

Sin olvidar que una de las características principales de la obra picassiana es precisamente su capacidad de transformar cualquier influencia en algo distinto y propio, que al mismo tiempo conserva y supera los modelos originales, la mirada de Picasso sobre el románico es una mirada de valoración artística, no es una mirada arqueológica ni le dispensa ese tratamiento. Picasso parece reconocer en el arte medieval la preexistencia de soluciones plásticas que también se aplican a problemáticas de la creación contemporánea.

Picasso románico gira en torno a tres ejes temáticos:

El primero explora los primeros contactos de Picasso con el románico y en especial se centra en las obras realizadas en Gósol entre 1906 y 1907. La talla de la Virgen con el Niño, que hoy forma parte de la colección del Museu Nacional, se encontraba entonces en la iglesia de Gósol. Picasso realiza ese viaje cuando su obra está experimentando un retorno a un cierto primitivismo, en reacción contra el anterior período rosa.

En 1934, su visita al museo un día antes de su marcha definitiva del país fue un aconte- cimiento ampliamente comentado por la prensa barcelonesa del momento. Ésta será la última estancia conocida del artista en España. El objetivo de la visita era conocer la sala en la que se iban a exponer las obras del artista propiedad del ayuntamiento de la ciudad. Este proyecto no se llegó a realizar. Picasso admiraba la fuerza, intensidad y seguridad de visión y ejecución con la que la mano del artista ignorado había expresado las ideas y los sentimientos que ocupaban su espíritu, y convenía sin vacilar que el Museo románico era único en el mundo e imprescindible para conocer el origen del arte occidental, así como una "lección inapreciable para los artistas modernos".

El segundo eje tiene que ver con el tema de la crucifixión, muy presente en el arte románico, y que a Picasso le preocupó especialmente entre 1930 y 1937. Resulta especialmente interesante relacionar las crucifixiones desarticuladas de Picasso con las crucifixiones articuladas del románico, en especial con el conjunto escultórico de los «descendimientos» que conserva el museo.

El tercer eje se refiere a una imagen también muy presente en la colección románica del museo: la calavera. La muerte es uno de los grandes temas transversales en la obra picassiana, que se expresa en su obra simbólicamente de diferentes maneras y con distintas técnicas. La presencia simbólica de la muerte en su obra se plantea en diferentes variantes: como evocación de la pérdida, como presentimiento de futuro o directamente como realidad vivida. Esta iconografía se reproducirá en la obra de Picasso desde sus inicios hasta los últimos autorretratos, en los que se muestra a sí mismo como una calavera.

Picasso románico
El Museu Nacional d´Art de Catalunya
Hasta el 26 de febrero de 2017

Carlos III. Majestad y ornato en los escenarios del rey ilustrado

30/01/2017, El Palacio Real y la Fundación Banco Santander presentan una muestra enmarcada dentro de los actos conmemorativos organizados con motivo del III Centenario del nacimiento de Carlos III.

Madrid, 30 de enero de 2017
El Palacio Real de Madrid presenta la exposición temporal "Carlos III. Majestad y Ornato en los Escenarios del Rey Ilustrado", con la que se conmemora del tercer centenario de este monarca y que permanecerá abierta hasta el 31 de marzo de 2017.

Soberano ilustrado y mecenas de las artes, el monarca constituye el referente más indiscutible en la fértil relación que han mantenido la Corona y la Cultura en España durante la Edad Moderna. Patrocinada por Fundación Banco Santander, esta exposición viene a ofrecer una revisión del arte que se realizaba en la corte durante su reinado. En ella, se pone de relieve la importancia que le dio el monarca a las artes decorativas en la ornamentación de los Sitios Reales, y que se ve reflejada en el desarrollo de las Reales Fábricas.

Estas obras artísticas estaban pensadas tanto para fines funcionales, como ornamentales y representativos, y su calidad y tono cosmopolita constituían toda una declaración de poder, expresando la majestad del rey y la monarquía. En sus palacios se expresaba esta alianza entre el poder y la ilustración mediante las pinturas de figuras como Giambattista Tiepolo, Anton Raphael Mengs y todos sus discípulos españoles, entre ellos el incipiente genio de Francisco de Goya, así como mediante artes decorativas tales como tapices, porcelanas, cristales o relojes.

Las obras ornamentales creadas para expresar la magnificencia de Carlos III constituyen uno de los tesoros culturales más deslumbrantes de nuestra Historia Moderna. Esta exposición recoge una selección de obras procedentes de instituciones tan prestigiosas como el Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza, el Metropolitan Museum, o el Palacio Real de Nápoles. Además, cuenta con la escultura de Juan Pascual de Mena Carlos III, de la Colección Banco Santander.

La exposición se estructura en las siguientes secciones:

Sitios Reales
Durante sus casi treinta años de reinado, Carlos III cambió sustancialmente el Palacio Real de Madrid y todos los Sitios Reales, de modo que su paso fue decisivo para todos ellos.

Carlos III, apasionado de la caza y la vida de campo, promovió que en estos se edificasen poblaciones donde quienes siguieran a la corte pudiesen encontrar acomodo.

Junto a espléndidos lienzos del veduttista italiano Antonio Joli, se expone por primera vez la Vista del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, recientemente adquirida para las Colecciones Reales del Patrimonio Nacional.

El Real Dormitorio de Carlos III
El dormitorio de Carlos III en el Palacio Real de Madrid constituía un gran conjunto decorativo neoclásico realizado entre 1762 y 1772. Su principal artífice fue el pintor Anton Raphael Mengs, que desarrolló un programa que equilibraba la pintura, de tema religioso, y los grutescos con los que la tapicería animaba y daba calor a las superficies.

Con esta ocasión se ha reunido la decoración íntegra de esta estancia, tanto de sus conjuntos pictóricos como de los suntuosos textiles que revestían el dormitorio real.

Los Tipos Populares de Lorenzo Tiepolo
Estas doce obras fueron realizadas por el menor de los hijos de Giambattista, utilizando la delicada técnica del pastel. Lorenzo Tiepolo supo reflejar con verismo una variedad de tipos populares del Madrid de la época: vendedores, militares, gente del pueblo llano... Este conjunto no ha sido expuesto completo desde 1946.

La Pintura mural
Los principales empeños decorativos de Carlos III estuvieron concentrados en el Palacio Real Nuevo de Madrid, en una ambiciosa campaña que pretendía cubrir con pintura al menos parte de tan notable conjunto de bóvedas, contribuyendo de este modo a realzar la imagen de la Majestad en la sede oficial de la Corona.

Durante el periodo carolino la actividad de los fresquistas se extendió a otros reales lugares como el Palacio Real de El Pardo, la Colegiata de La Granja de San Ildefonso o el Palacio Real de Aranjuez.

La exposición presenta dibujos, bocetos y estudios de pinturas murales de varios de estos frescos, como los de Corrado Giaquinto, Anton Raphael Mengs, Francisco Bayeu y Mariano Salvador Maella.

El Rey «de monte en monte»
Para escapar de la melancolía hereditaria, Carlos III estimó que el mejor remedio era «huir la ociosidad y estar siempre empleado, y en acción violenta en lo posible». Es decir, cazando.

La práctica de la caza contribuye a explicar que solo viviese en Madrid ocho semanas al año y el resto en el campo, donde «la libertad que gozaba era más conforme a su genio, pues podía salir fácilmente y sin séquito a caza por la mañana á los jardines».

Chinoisseries
La fascinación por las chinoisseries se plasmó en algunas decoraciones del reinado de Carlos III, en las que jugaban un papel esencial los «pequines», finos tejidos de seda pintados al temple con adornos vegetales y florales o con escenas chinescas.

Este tipo de telas servían para confeccionar tanto las colgaduras de verano para paredes, cortinas y camas de los dormitorios de las personas reales, como las de los gabinetes privados del propio monarca. Los elementos de porcelana china o japonesa podían completar la decoración de estas salas para crear un ámbito decorativo de carácter oriental.

La muestra presenta algunas piezas únicas por su rareza y calidad, no expuestas habitualmente por razones de conservación.

Reales Fábricas
La magnificencia de Carlos III se muestra en las producciones de sus Reales Fábricas, tanto en la de porcelana del Buen Retiro creada por él, como en las que fundó su padre y que alcanzaron su apogeo durante su reinado: la de tapices en Madrid, y la de cristales en San Ildefonso (Segovia).

La exposición presenta los tapices realizados para la "pieza de comer" de Carlos III en Palacio Real de El Pardo, cuyos cartones fueron realizados por Goya entre 1786 y 1788. Estos tapices nunca llegaron a instalarse de manera conjunta, pues a la muerte del soberano fueron trasladados a diversos emplazamientos.

Las porcelanas de la Real Fábrica de Su Majestad Católica
El Real Sitio del Buen Retiro fue el lugar escogido por el rey para establecer la Fábrica de porcelana que hizo trasladar desde Capodimonte en 1759. La continuidad entre la real manufactura creada por Carlos en su reino italiano y la producción temprana de la madrileña se manifiesta en el magnífico Gabinete de porcelana del Palacio de Aranjuez.

El Real laboratorio de piedras duras, inspirado directamente en los talleres florentinos del Gran Duque de Toscana, fue instalado en el edificio de la Fábrica de porcelana, en las cercanías de la actual fuente del Ángel caído, y fue destruido durante la guerra napoleónica.

Carlos III y los talleres reales
El retrato de Carlos III en toda su majestad realizado por Mengs y regalado por el monarca al rey de Dinamarca preside la sala en la que se despliegan las artes decorativas realizadas en los talleres reales españoles. Se trata de una de las obras cumbre indiscutible de la retratística regia, y se presenta ahora tras la magnífica restauración realizada con motivo de la exposición.

El diseñador veneciano Mattia Gasparini recibió el encargo de revestir con una ornamentación magnífica y unitaria la Cámara del soberano y sus inmediatos tres despachos, o «gabinetes de maderas de indias». El conjunto constituye una de las obras maestras del rococó europeo. Gasparini organizó y dirigió un taller de ebanistas alemanes y otro de bordadores, cuyas actividades se prolongaron durante el reinado de Carlos IV ya bajo las pautas estilísticas de Ferroni, quien empezó siendo broncista a las órdenes de Gasparini y acabó por sucederle como «adornista» en 1774.

La muerte del Rey
Carlos III muere el 14 de diciembre de 1788. Según la etiqueta de la Casa de Austria, se desmontó la decoración habitual del salón y se cubrieron las paredes con una de las tapicerías más emblemáticas de las Colecciones Reales, probablemente la de La conquista de Túnez por Carlos V. Se instaló un estrado alfombrado, sobre el que se situó un dosel y una cama imperial y, en los laterales, blandones de plata. Además, se montaron siete altares. La tradición exigía que la capilla fuera pública, permitiendo la entrada a todas las personas, sin distinción de clases ni sexo, que quisieran ver al difunto monarca.

Carlos III. Majestad y ornato en los escenarios del rey ilustrado
Hasta el 31 de marzo de 2017
Palacio Real de Madrid
C/ Bailén s/n

El ICECU publica nuevo libro

27/01/2017, El ICECU publica un nuevo libro, en este caso una colección de 20 relatos, bajo el título de La Raya. Ecos de Tras-os-Montes.

Centenario de Rodin en EE.UU.

27/01/2017, Sellos, monedas, películas, exposiciones… el escultor Rodin será uno de los protagonistas culturales de este año 2017, cuando se cumple el centenario de su muerte.

Guiarte.com. 27/01/2017
François-Auguste-René Rodin ( 1840-1917), fue un escultor con una obra clave de la escultura moderna, hoy considerado como uno de los "padres de la escultura moderna" y admirado en todo el mundo.

El impacto de la conmemoración del aniversario de la muerte de Rodin (17 de noviembre de 1917, en Meudon, Francia) tendrá mucho eco en la capital francesa, con muestras en el excelente Museo Rodin, y en el Grand Palais parisino, pero aún será más espectacular en Estados Unidos, donde una serie de grandes museos albergan parte excepcional de su obra.

Según recuerda en Metropolitam Museum neoyorquino, en su web, en 2017 los principales museos de arte de América del Norte están celebrando el centenario Rodin con exposiciones itinerantes, instalaciones permanentes y un sólido programa de actividades educativas. Estos programas públicos y exposiciones están aportando información nueva sobre el escultor francés

Exposición: Rodin: La Experiencia Humana
Portland Art Museum, del 16 de enero al 21 de abril de 2017
Instituto de las Artes de Flint, Flint, MI, del 6 mayo al 30 de julio de 2017
Museos Telfair, Savannah, GA, del 1 de septiembre al 7 de enero de 2018

Se trata de una exposición itinerante de 52 bronces del escultor francés que revolucionó el género. Esta selección de obras impresionantes demuestra la pasión particular de Rodin por el modelado de la forma humana. Los bronces incluyen importantes logros a lo largo de la carrera de Rodin. Se incluyen estudios de gran alcance para “Los burgueses de Calais”, así como las obras derivadas de su obra maestra La puerta del infierno. Otros trabajos expuestos tales como el torso monumental del “Caminante”, demuestran la admiración por Miguel Ángel en tanto que con el “Movimiento Danza D”, se habla de su interés en la comprensión del movimiento.

La exposición es especialmente rica en el retrato. Se incluyen representaciones de los escritores Víctor Hugo y Honoré de Balzac; del compositor Gustav Mahler; de uno de sus bailarines favoritos, Hanako; así como “el creador”, probablemente un autorretrato.

El beso
Museo Rodin, Filadelfia, Pensilvania 1 de febrero de 2017 a enero de 2019

El Museo Rodin presenta una nueva instalación centrada en el tema de apasionado abrazo. Reuniendo mármoles, bronces, yesos, y terracotas hechas por Rodin durante un período de 30 años, esta reinstalación incluye obras como “El Minotauro”, ”Soy hermoso”, “Primavera eterna”, y “Triunfante juventud”. Esto muestra la variedad de enfoques y significados que Rodin aportó con el fin de evocar la intensidad emocional.

En particular, se muestra la copia del Museo Rodin de “El beso”, un mármol encargado por Jules Mastbaum en 1926 para el museo, es símbolo del continuo atractivo de Rodin. Otras importantes esculturas de Rodin, como “El pensador” y “Monumento a Balzac”, se volverán a instalar el centro, cerrado hasta el 1 de febrero por la reinstalación. Este centro es uno de los lugares más famosos relativos a la obra del escultor francés. Se abrió al público en 1929 y ahora ha recuperado su esplendor original.

Rodin: Retratos de toda la vida
La Galería de Arte Pauly Friedman, Misericordia University, Dallas, PA, 9 de septiembre a 9 de diciembre de 2017

Las obras seleccionadas que aparecen en “Rodin: retratos de un curso de la vida” demuestran el profundo reconocimiento de Rodin para la forma natural de la figura humana. Rodin capturó la expresividad y la auténtica emoción de sus temas, en parte, mediante el uso de las texturas del bronce. Esta exposición ha sido organizada y hecha posible por la Fundación Iris y B. Gerald Cantor.

Auguste Rodin: La instalación Centenario
Legion of Honor, San Francisco, CA, 31 de enero de 28 de diciembre de 2017

Legion of Honor presenta una nueva instalación de sus trabajos, en una exposición programada para el centenario de la muerte del artista. Unas 50 esculturas en bronce, mármol, yeso, con participación de los museos de bellas arte de San Francisco, examinan la vida y obra del artista y su legado: Para ello se ha invitado a artistas internacionales para concebir instalaciones que crea un diálogo con el trabajo de Rodin:

Urs Fischer: 9 de abril al 22 de julio de 2017
Sarah Lucas: 15 julio hasta 24 septiembre 2017
Gustav Klimt y Auguste Rodin del 14 octubre 2017 a 28 enero 2018

Kiefer Rodin
Barnes Foundation, Filadelfia, PA 17 de noviembre de 2017 12 de febrero de 2018
En colaboración con el Museo Rodin de París, la Fundación Barnes presenta Kiefer Rodin. Esta exposición reúne obras de Anselm Kiefer (1945) que se crearon en respuesta a las esculturas y dibujos de Rodin. Con más de 100 obras, la exposición incluye varios de los grandes libros ilustrados de Kiefer realizados en homenaje a Rodin y el uso de materiales tales como yeso; pinturas de gran formato; y vitrinas llenas de objetos clasificados incluyendo moldes, plantas secas, piedras y trozos de tela; así como esculturas y dibujos de Rodin, algunos se muestran en los Estados Unidos por primera vez.

El contraste de la obra de Rodin con Kiefer hace hincapié en la modernidad de Rodin y su proximidad a la práctica contemporánea. La muestra se ve primero en el Museo Rodin de París (del 14 de marzo al 22 de de octubre de 2017) y luego viaja al Barnes al tiempo del centenario de la muerte de Rodin.

Rodin en el Met
El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Nueva York 5 de septiembre, 15 de 2017 y enero de 2018

El Met celebra sus conexiones históricas a Rodin través de una exposición de sus esculturas en la galería de esculturas Iris y B. Gerald Cantor.

Los cerca de 60 mármoles, bronces, yesos, y terracotas representan más de un siglo de adquisiciones y donaciones al museo. Incluidas están obras icónicas como “El pensador” y “La mano de Dios”, así como obras maestras como “La tempestad” que no han estado a la vista en décadas. Pinturas de la colección Met debidas a contemporáneos y amigos de Rodin, como Claude Monet y Pierre Puvis de Chavannes, complementan la exhibición de las esculturas.

La extraordinaria riqueza de la obra de Rodin del Met también se pone de relieve en una exposición “Rodin en el papel”, selección de dibujos, grabados, cartas y libros ilustrados de Rodin, así como fotografías de Edward Steichen sobre el maestro escultor y su arte.

Colecciones permanentes
El Museo de Arte de Cleveland, OH
Rodin: maestro de la escultura moderna
El Museo de Arte de Cleveland se cumple el centenario de la muerte de Auguste Rodin con una exhibición de obras de la colección permanente del museo.

Durante la Primera Guerra Mundial, en junio de 1916, mientras edificio original del museo estaba en construcción, se comenzó a negociar con Rodin para adquirir una serie de obras para la apertura del centro. Rodin acordó emitir una versión especial de su célebre “Edad de Bronce” para el museo. Otros moldes de tamaño natural también se adquirieron en este momento, incluyendo una versión monumental de “El pensador”. El museo adquiriría más de 30 obras que abarcan la carrera del artista, en una amplia variedad de materiales. Una presentación especial de Rodin estará a la vista a partir del 1 de septiembre de, de 2017.

J. Paul Getty Museum, Los Ángeles, CA

“Cristo y María Magdalena” es una escultura de mármol de un moribundo clavado en la roca y llorado por una mujer desnuda de rodillas ante de él. Rodin, alternativamente, titula la obra “Prometeo y la Oceanida” y “El genio y la piedad”, títulos que muestran la apertura de la composición a múltiples asociaciones bíblicas, mitológicas, y seculares.

La fuerza de este trabajo resulta del fuerte contraste entre las superficies muy pulidas de la carne desnuda y el mármol tosco circundante. Rodin admiraba las esculturas de Miguel Ángel y la influencia de ese artista puede verse no sólo en las partes inacabadas de la pieza, sino también en el cuerpo femenino drásticamente retorcido. Como era su práctica, esta escultura fue confiada primero al tallista de mármol de Rodin Victor Peter, un artista bien considerado, pero Rodin dirigió el proceso. A diferencia de la mayor parte de las obras de Rodin, esta escultura nunca fue fundida en bronce y sólo existe una otra versión de mármol.

“Cristo y María Magdalena” está a la vista en el oeste de Pabellón del Museo Getty junto al trabajo de pintores que fueron contemporáneos de Rodin.

Museo del condado de Los Ángeles de Arte (LACMA), CA
Sesenta y seis obras de Rodin representan una de las mayores concentraciones de cualquier artista en la colección del museo. Dos docenas de importantes obras en bronce, yeso, porcelana y están a la vista durante todo el año en el Jardín de Esculturas B. Gerald Cantor y en las galerías europeas.

Los puntos culminantes incluyen “La eterna primavera”, una de las composiciones más sensuales de Rodin, primero creada en torno a 1884; dos ejemplos de “El Minotauro y ninfa”, una de las pequeñas composiciones eróticas más populares de Rodin (c 1886.); unas figuras individuales de tamaño natural creadas para “Los burgueses de Calais”, etc.

El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY
La relación de la Met con Rodin comenzó en la primera década de la década de 1900 cuando el escultor estaba en la cúspide de su fama internacional. Benefactores del museo como Thomas fortuna Ryan animaron a la colaboración con el artista para formar una colección de su obra. Los mármoles fueron adquiridos directamente del taller de Rodin, Los bronces fueron enviados a petición del museo, y el escultor también donó modelos de yeso y terracota. Durante estos años, el museo también adquirió activamente arte gráfico de Rodin.

En 1912, El Met abrió una galería dedicada a las esculturas y dibujos de Rodin, la primera en el museo dedicada exclusivamente a la obra de un artista vivo. A finales del siglo 20, el núcleo histórico de la colección de Rodin del Met fue realzado por Iris y B. Gerald Cantor y las aportaciones de su Fundación de más de 30 esculturas, muchas de ellas ediciones póstumas autorizadas por el artista.

Museo de Bellas Artes, Boston, MA
El Museo de Boston jugó un papel importante en la recopilación de la obra de Rodin en América durante la vida del escultor. Adquirió su primera pieza en 1906 y la colección ha crecido hasta incluir 19 esculturas en mármol y bronce, 12 grabados y cuatro dibujos. Cuatro de las esculturas más destacadas de la colección están a la vista en las galerías, tres de las cuales ya estaban en el MFA en el momento de la muerte de Rodin en 1917.

Galería Nacional de Arte, Washington, DC
La Galería Nacional de Arte, Washington, tiene una de las mayores colecciones de obras en mármol, arcilla, yeso y bronce creadas por Rodin durante su vida, algunas de las 30 se encuentran actualmente en la vista.

El núcleo de la colección estaba formada por un regalo en 1942 a la Galería de Kate Simpson, quien decidió la entrega conjunta de colección de Rodin. Entre las entregas, “El pensador” (modelo 1880, lanzado 1901), “El beso” (modelo 1880-1887, fundido c. 1898/1902), y “Balzac” (modelo 1897). Otro elemento destacado de la colección de la Galería Rodin es el molde de yeso de la obra maestra reconocida por primera vez del artista, “La edad del bronce”. La más reciente adición a la colección es el mármol “Eva” (modelo c. 1881, tallado 1890/1891), adquirido en 2014 como parte de la colección Corcoran.

Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, MO

“El Pensador” de Rodin es una pieza central de escultura en el Museo Nelson-Atkins de Arte de Kansas City. El Nelson-Atkins tiene cuatro obras de Rodin, entre ellas dos dibujos, la pequeña figura de cera Estudio de un hombre sentado (posiblemente para "El marinero", y la escultura de “Adán”, un momento de la Creación del Antiguo testamento.

Norton Simon Museum, Pasadena, CA
El Museo Norton Simon es el hogar de 11 obras de Rodin, ocho de las cuales están a la vista permanente en el jardín de la entrada principal del museo. Estos trabajos incluyen esculturas de bronce icónicas como el “Monumento a Balzac” y “Los Burgueses de Calais”, así como “El pensador”. También en la colección, pero no en la exhibición permanente, hay tres de las obras de bronce pequeño y encantador de Rodin que representan bailarines en varias poses.

Generosa donación al Museo de Bellas Artes de Asturias

26/01/2017, Don Plácido Arango Arias dona 29 obras maestras de arte antiguo y moderno al Museo de Bellas Artes de Asturias.

Oviedo, 26 de enero de 2017
La donación de Plácido Arango Arias (Tampico, México, 1931) incluye obras vinculadas a la historia del arte español de los siglos XV al XX. Además, 18 de los 28 artistas incorporados permanecían inéditos en las colecciones de pintura del Museo. De este modo, la donación permite paliar lagunas existentes en las colecciones del Museo, a la vez que refuerza su valor de manera excepcional, dado el excelente estado de conservación y calidad de las obras donadas.

Entre los artistas hasta ahora no representados destacan Diego de la Cruz, Juan de Juanes, Juan Pantoja de la Cruz, Rodrigo de Villandrando, Juan van der Hamen, Jerónimo Jacinto Espinosa, Juan de Valdés Leal, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Rafael Canogar, Eduardo Arroyo y Darío Villalba.

Entre los ya representados, el Museo incorpora obras de pintores como Juan Correa de Vivar, Luis de Morales, Francisco de Zurbarán, Genaro Pérez Villaamil, Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Esteban Vicente y Pablo Palazuelo, entre otros.

La donación de Plácido Arango Arias está dedicada a la memoria de sus padres, Jerónimo Arango Díaz y María Luisa Arias Fernández, de origen asturiano. Con motivo de la misma tendrá lugar una exposición en el Museo entre la primavera y el otoño de 2017.

Esteban Lisa en el Museu Fundación Juan March de Palma

25/01/2017, Esta muestra de gabinete presenta 37 obras realizadas entre 1930 y 1968 por el artista argentino, pionero de la abstracción en Latinoamérica y España.

Palma, 25 de enero de 2017
"Esteban Lisa. El gabinete abstracto" se presenta en el Museu Fundación Juan March, en Palma, entre el 1 de febrero y el 20 de mayo de 2017. Esta exposición presenta a escala reducida el universo artístico del artista argentino y difunde su figura y su obra.

Una pequeña muestra de gabinete que presenta 37 obras realizadas entre 1930 y 1968 por Esteban Lisa (Hinojosa de San Vicente, Toledo, 1895-Buenos Aires, 1983), y que incluye obras sobre papel y cartón de pequeño formato y documentación diversa.

Considerado uno de los pioneros de la abstracción, Lisa fue, además de un artista relevante, un teórico y un pedagogo comprometido. Esteban Lisa nunca se molestó en exponer ni en vender su obra, por lo que su reconocimiento internacional fue póstumo.

Desde los años ochenta, la figura y la obra de Lisa han pasado del desconocimiento casi absoluto a una póstuma exposición pública gracias a la celebración de muestras individuales y también algunas colectivas que han explorado el fenómeno de las vanguardias y las corrientes abstractas latinoamericanas.

Esteban Lisa pintó principalmente óleos sobre papel y cartón, muchos de ellos a doble cara, especialmente en las décadas treinta y cuarenta del siglo pasado. Las pequeñas dimensiones de sus obras se han convertido en una de sus marcas, usando ese mismo formato durante toda su vida. Desde los pequeños paisajes y algunos bodegones figurativos de sus inicios, exploró tempranamente la representación mediante composiciones geométricas y evolucionó desde unas primeras abstracciones derivadas del cubismo hasta el lirismo expresionista.

Las obras seleccionadas muestran, con un criterio cronológico, la trayectoria de un artista que, en su búsqueda de la abstracción, puede ser considerado un solitario, pero al mismo tiempo también uno de los pioneros de esa tendencia en Latinoamérica junto a Joaquín Torres-García, Emilio Pettoruti o Juan del Prete.

Tras su paso por Palma, la exposición será presentada en el Museo de Arte Abstracto Español, en Cuenca (del 2 de junio al 3 de septiembre de 2017), y a continuación en el McMullen Museum of Art del Boston College, en Boston (del 15 de septiembre al 10 de diciembre de 2017).

Esteban Lisa: el gabinete abstracto
Museu Fundación Juan March de Palma
1 de febrero - 20 de mayo de 2017

La UNESCO denuncia daños en Palmyra

25/01/2017, La UNESCO ha condenado la destrucción de importantes restos de Palmyra, antigua ciudad ubicada en el desierto de Siria, donde perviven importantísimas ruinas que son Patrimonio Mundial.

Artemio Artigas. Guiarte.com. París, 25/01/2017
Palmyra, o Palmira, fue la capital de un imperio, bajo el reinado de la reina Zenobia, en el siglo III. Las luchas y un gran terremoto acabaron arruinándola. Sus grandiosas ruinas fueron inscritas como Patrimonio Mundial en 1980, por la UNESCO.

La Guerra de Siria ha sido dura con los restos de la gran ciudad. El Daesh la tuvo bajo su control y causó severos daños en la misma. En 2015, incluso, transformó el Teatro en el escenario de ejecuciones que fueron divulgadas, para espanto del mundo civilizado.

La UNESCO ha informado que imágenes satelitales publicadas por UNITAR-UNOSAT confirman la destrucción del tetrapylon de Palmyra y grandes partes del proscenio del teatro.

"Esta destrucción es un nuevo crimen de guerra y una pérdida inmensa para el pueblo sirio y para la humanidad", afirmó la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova. "Este golpe contra el patrimonio cultural, y los informes sobre ejecuciones masivas en el teatro, muestra que la limpieza cultural dirigida por extremistas violentos está buscando destruir vidas humanas y monumentos históricos para privar al pueblo sirio de su Pasado y su futuro. Esta es la razón por la cual la protección del patrimonio es inseparable de la protección de vidas humanas”, agregó Bokova.

El tetrapylon era un monumento que marcaba una intersección principal de la carretera a lo largo de la gran calle columnada de Palmyra. Fue un testimonio de la grandeza de la época alrededor del año 270 DC, durante la cual la reina Zenobia había alcanzado el apogeo de su poder, hasta que fue derrotada por los romanos.

El teatro de Palmyra, que data del siglo II d.C., está construido en el centro de una plaza porticada semicircular, al suroeste de la calle principal. Las imágenes de satélite muestran daños en su pared de proscenio previamente bien conservada, decorada con diez nichos curvos y nueve rectangulares colocados alternativamente, según las fuentes de la UNESCO.

La UNESCO ha reiterado su llamamiento a la comunidad internacional para que se mantenga unida en contra de la limpieza cultural y el borrado de los restos del pasado.

El caso de Palmyra es especialmente grave porque aúna la destrucción de los seres humanos y del patrimonio. La antigua ciudad, en un oasis en el desierto sirio, al noreste de Damasco, era un centro turístico mundial por sus monumentales ruinas de una gran urbe que fue uno de los centros culturales más importantes de la antigüedad.

Del siglo I al siglo II, el arte y la arquitectura de Palmyra, situada en el cruce de varias civilizaciones, fundieron técnicas greco-romanas con tradiciones locales e influencias persas. Palmyra estaba en la lista de Patrimonio Mundial en Peligro desde 2013, dada la situación bélica de la zona.

Monet, en la Fundación Beyeler

24/01/2017, Hasta el 28 de mayo, con motivo de su vigésimo aniversario, la Fundación Beyeler dedica una exposición a uno de los grandes artistas de la modernidad: Claude Monet.

Artemio Artigas. Guiarte.com. Basilea, 24/01/2017
La Fundación, con sede en Riehen, en las afueras de Basilea, Suiza, es una notable institución artística que reúne la colección de arte de Hildy y Ernst Beyeler. Se ubica en medio del campo, en un edificio singular obra de Renzo Piano, y alberga notabilísimas obras de arte de autores como Monet, Cézanne, van Gogh, Picasso, Giacometti, Warhol, Rothko, Pollock, Lichtenstein o Bacon. Este año, la institución celebra su 20 aniversario con exposiciones dedicadas a Claude Monet, Wolfgang Tillmans, Paul Klee y a la propia colección de Beyeler.

La exposición dedicada a Monet es una fiesta de luz y el color que ilumina la evolución artística del pintor francés en su fase de madurez impresionista que culmina con sus famosos nenúfares. En ella se muestran sus representaciones de paisajes mediterráneos, de la escarpada costa del Atlántico y el valle del Sena, y también el mundo urbano, con las catedrales y los puentes, donde crea atmosferas mágicas con la combinación de destellos y sombras.

Esta presentación se concentra en determinados aspectos de su trabajo y centrando su mirada creativa entre 1880 y principios del siglo XX, periodo de madurez en el que exploró el juego cambiante de luz y color, el paso de las horas del día y las estaciones.

El pintor Oscar-Claude Monet (1840 -1926) fue un pionero del Impresionismo que abrió a los amantes del arte la posibilidad de ver el mundo con nuevos ojos. En esta exposición se muestran sesenta y dos pinturas de los principales museos de Europa, Estados Unidos y Japón, incluyendo el Museo de Orsay de París, el Metropolitano de Nueva York, el de Arte Moderno de Nueva York, el Bellas Artes de Boston y la Tate de Londres. Se añaden, como atractivo excepcional, otras quince pinturas pertenecientes a colecciones individuales que se muy raramente se han presentado al público.

Después de la muerte de su esposa en 1879, Monet se involucró en una fase de reorientación. Tras su periodo pionero del impresionismo y gracias a su marchante, accedió a una cierta independencia económica y ello le permitió realizar diversos viajes. En ellos, pudo centrarse en la luz del Mediterráneo, y dar un nuevo impulso a su trabajo con un arte más personal, siempre caracterizado por su mirada especial.

La exposición revisa estas miradas, esas nuevas luminosidades, en distintos ambientes, el del sur, la costa atlántica, los prados, el aire de Londres… para centrarse finalmente en sus propios jardines de la época tardía, los reflejos de los estanques de lirios… su adorable jardín de Giverny, el lugar donde falleció…

Interesante también el análisis de la influencia inglesa, tanto por el conocimiento de la luz -mejor las luces- de Londres como por su admiración hacia la pintura de Turner.

En el catálogo de la exposición, donde se reproduce más de medio centenar de obras, se recuerda al filósofo fenomenólogo francés Maurice Merleau-Ponty , según el cual “La apariencia del mundo se sacudiría si pudiéramos percibir los espacios entre las cosas como cosas” para recordar que el tratamiento inusual de Monet de los reflejos y las sombras en sus pinturas le permitió desprenderse de las modalidades de la lógica representacional del objeto pictórico.

Expresionismo Abstracto

23/01/2017, El Museo Guggenheim Bilbao presenta una selección de obras de los artistas que protagonizaron un giro radical y una etapa de nuevo esplendor de la pintura en el Nueva York de la década de 1940.

Bilbao, 23 de enero de 2017
La muestra del Guggenheim Bilbao reúne más de 130 pinturas, dibujos, esculturas y fotografías procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, y arroja una nueva luz sobre el Expresionismo Abstracto, un fenómeno diverso, complejo y poliédrico protagonizado por grandes artistas como Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Robert Motherwell, David Smith o Clyfford Still.

Con la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo, un grupo de artistas rompieron las convenciones establecidas dando lugar a un movimiento que nace de una experiencia artística y vital común en el que, sin embargo, cada uno de ellos tenía su propio estilo. A diferencia de sus predecesores, el Cubismo y el Surrealismo, el Expresionismo Abstracto escapa de toda fórmula establecida y celebra la diversidad y la libertad individual.

Este movimiento se caracteriza por obras de escala colosal, espontáneas y expresivas, y en otras ocasiones más contemplativas, a través de grandes campos de color. Estas creaciones redefinieron la naturaleza de la pintura y aspiraban no solo a ser admiradas desde lejos sino también a ser disfrutadas como encuentros bidireccionales entre el artista y el observador.

La energía que emana de estas obras expresa el dinamismo de uno de los movimientos más influyentes del siglo XX. Adoptando la abstracción formal, los artistas desarrollaron una libertad expresiva sin antecedentes, recurriendo a fuentes como el arte primitivo, el Romanticismo alemán, el Surrealismo, el Cubismo, el Expresionismo y la influencia de grandes maestros, como El Bosco o Rembrandt.

Expresionismo Abstracto
Del 3 de febrero al 4 de junio, 2017
Museo Guggenheim Bilbao

Arte peruano en Zaragoza

23/01/2017, CaixaForum Zaragoza presenta hasta el 12 de febrero de 2017 la muestra "El arte mochica del antiguo Perú. Oro, mitos y rituales".

Zaragoza, 23 de enero de 2017
En el antiguo Perú, la civilización surgió miles de años antes de la existencia del Imperio inca. Los primeros trabajos arqueológicos, de principios del siglo xx, mostraron que los incas gobernaron el Perú únicamente durante los últimos 150 años de un desarrollo cultural que duró más de 10.000 años.

Los pobladores que llegaron al antiguo Perú se adaptaron y aprovecharon los recursos de las diversas regiones. En la costa norte, los recursos marinos permitieron a las comunidades que allí se asentaron contar con una fuente de alimentación. La confección temprana de redes incrementó la pesca, abundante, que otorgó a los pobladores costeños un recurso valioso para establecer un intercambio con sus vecinos de las alturas, algo indispensable para acceder a sus fuentes de agua y desarrollar obras hidráulicas para irrigar las áridas tierras de la costa y conformar los valles que hoy enverdecen la costa peruana convirtiéndose en sociedades agrícolas.

A lo largo de 3.000 años se desarrollaron en estas tierras las culturas cupisnique, mochica, lambayeque y chimú, culturas que mantuvieron relaciones con otras sociedades del centro (Lima, Chancay), del sur (Nazca, Chincha) y de las tierras altas (Recuay, Huari) del área central andina.

El arte mochica de la costa norte peruana constituye un arte muy desarrollado. Sus creadores mostraron un gran conocimiento de las narrativas cosmológicas y mitológicas que permitían explicar el mundo. Sus magníficas obras explican cómo esta sociedad plasmó sus historias, creencias, mitos y ritos en objetos, y cómo sus líderes expresaron su poder y ascendencia divina a través de la vestimenta, con los atributos de los animales sagrados.

La exposición presenta 100 obras maestras del arte precolombino peruano de la colección del Museo Larco de Lima. Finas vasijas de cerámica, joyas, elementos ceremoniales de metales preciosos, delicados textiles y objetos de uso ritual realizados en madera, piedra, concha o hueso, que muestran la destreza de los artistas del antiguo Perú.

La exposición del CaixaForum Zaragoza permite entender cómo concebían y organizaban el mundo las sociedades agrícolas del Perú precolombino, especialmente la cultura mochica, y el punto de sofisticación y complejidad de las culturas que florecieron en Perú siglos antes de la expansión de los incas.

150 años de Danubio Azul

20/01/2017, El Danubio Azul, el vals más famoso de Johann Strauss, el Rey del Vals, está de celebración: cumple ahora 150 años.

Claudio Path. Guiarte.com 20/01/2017
En febrero de 1867, en una Viena desmoralizada por la derrota bélica ante Prusia (1866), Straus estrenó un vals vivo y dinámico, que invitaba al movimiento y el optimismo, "El Danubio azul", hoy aquel vals es algo así como el himno extraoficial de Austria.

Johann Strauss hijo (1825 -1899) fue el gran compositor que transformó el vals de danza campesina en una música clásica para escuchar y bailar en los salones de las cortes europeas de su tiempo.

Hijo del compositor del mismo nombre, Johann Strauss I, y hermano de los también compositores Josef y Eduard, Johan II es mundialmente conocido como el “Rey del Vals” y es un símbolo vienés.

Turismo de Austria recuerda que Viena tiene al músico como uno de sus grandes atractivos. Y en este año de manera especial. En la capital austríaca se encuentra un museo dedicado exclusivamente a la vida y la obra de la familia Strauss. Inaugurado en la primavera de 2015, el Museo de la dinastía de Johann Strauss (en el distrito 9) presenta una rica colección de imágenes y documentos de todo el siglo XIX: desde el Congreso de Viena hasta la época de la construcción de la Ringstrasse. Diversos puntos de audición permiten escuchar con auriculares tanto obras conocidas como otras menos famosas de la producción de los miembros de la dinastía Strauss.

Del 16 de febrero y hasta fin de año, con motivo del 150 aniversario del Danubio Azul, el museo realiza además una exposición dedicada al contexto histórico que llevó a la composición del famoso vals.

Otra muestra, "El Danubio tan azul", de la Biblioteca de Viena, en el Ayuntamiento presenta, hasta el 12 de mayo, la historia y el impacto de esta singular composición.

El Vals del Danubio azul fue compuesto en la Praterstrasse 54, el domicilio de Johann Strauss hijo, en el año 1867. Aún hoy se puede visitar la vivienda del Rey del Vals y su familia. Además de muebles e instrumentos musicales originales se muestran objetos de la vida cotidiana propiedad del gran músico, así como retratos, fotografías y documentos que ilustran su vida y obra.

Johann Strauss era llamado familiarmente “Schani“ e integró una familia que conquistó el favor mundial con sus trabajos musicales. Entre sus cientos de obras algunas muy conocidas, como "El Murciélago". Su padre, famoso también por obras como la "Marcha Radetzky", mantuvo una fuerte rivalidad que dio mucho que hablar en la Viena de aquel tiempo.

En Viena hay también un monumento muy popular dedicado a a Johann Strauss hijo; está en el Stadtpark, muy cerca del Kursalon, y muestra a Strauss tocando el violín. La obra -el “Schani de oro”- fue inaugurada en 1921 y es en la actualidad uno de los monumentos más fotografiados de Viena. La tumba del Rey del vals se encuentra en el Cementerio Central de Viena, cerca de las de Beethoven, Schubert, Brahms y Johann Strauss padre.

Direcciones de interés
Museo de la familia de Johann Strauss, Müllnergasse 3, 1090 Viena. www.strauss-museum.at
Expo “El Danubio tan azul”, hasta 12.5.2017, Biblioteca de Viena en el Ayuntamiento, entrada por Felderstrasse, 1ª planta, Viena. www.wienbibliothek.at
Casa-museo de Johann Strauss, Praterstrasse 54, Viena. www.wienmuseum.at
Monumento a Johann Strauss, Stadtpark, Viena.
Casa de la música. El museo del sonido, Seilerstätte 30, Viena. www.hdm.at
Cementerio Central, Simmeringer Hauptstrasse 234, Viena. www.friedhoefewien.at

Balance del turismo mundial

18/01/2017, El turismo internacional mantiene un crecimiento sostenido del 4 por ciento en el numero de visitantes, según acaba de divulgar la Organización Mundial del Turismo.

Guiarte.com. Madrid, 18/01/2017
La demanda de turismo internacional siguió siendo fuerte en 2016 pese a las dificultades en algunas áreas, como el Cercano Oriente y Nosre de África. Según el último número del Barómetro OMT del Turismo Mundial, las llegadas de turistas internacionales aumentaron un 3,9 % hasta situarse en los 1.235 millones, alrededor de 46 millones de turistas más (visitantes que pernoctan) que el año anterior.

Las últimas décadas han registrado una secuencia de crecimiento ininterrumpido del sector turismo. El 2016 ha sido el séptimo año consecutivo de crecimiento sostenido tras la crisis económica y financiera mundial del 2009. Durante el año pasado, las llegadas de turistas internacionales superaron en 300 millones la cifra récord alcanzada en 2008, antes de la crisis. Los ingresos por turismo internacional han crecido a un ritmo similar en este periodo.

El sector es un potentísimo generador de actividad económica. El informe 2016 de la OMT afirmaba que los ingresos por turismo internacional obtenidos por los destinos de todo el mundo han pasado de 2.000 millones de dólares de los EE.UU. en 1950 a 104.000 millones en 1980, 495.000 millones en 2000 y 1.260.000 millones en 2015. Estados Unidos, Francia, España y China son actualmente las mayores potencias mundiales en la materia.

«En los últimos años, nuestro sector ha mostrado una fuerza y una resistencia extraordinarias pese a los innumerables retos a los que se ha enfrentado, en particular los relativos a la seguridad, según Secretario General de la OMT, Taleb Rifai.

Por regiones, la de Asia y el Pacífico (+8 %) ha liderado el crecimiento de las llegadas de turistas internacionales en 2016, impulsado por una fuerte demanda tanto de los mercados emisores intrarregionales como interregionales. África (+ 8%) ha experimentado un repunte muy significativo tras dos años menos prósperos.Europa (+2 %) ha arrojado resultados desiguales, y la demanda en Oriente Medio (-4 %) ha registrado algunos desplomes.

Optimistas para 2017
La última encuesta del Grupo de Expertos de la OMT muestra una firme confianza en 2017, puesto que una amplia mayoría de los alrededor de 300 encuestados (63 %) dicen esperar resultados «mejores» o «mucho mejores» que en 2016. La puntuación que el Grupo de Expertos ha asignado a 2017 es prácticamente la misma que obtuvo 2016, así que se espera que el crecimiento se mantenga a un ritmo parecido.

Resultados regionales en 2016
Los resultados en Europa han sido bastante desiguales, dado que ha habido una serie de destinos que se han visto afectados por cuestiones de seguridad. En 2016, las llegadas internacionales se situaron en los 620 millones, es decir, 12 millones más (+2 %) que en 2015. Europa del Norte (+6 %) y Europa Central (+4 %) registraron resultados sólidos, mientras que en Europa Meridional y Mediterránea las llegadas solo aumentaron un 1 % y en Europa Occidental la cifra se ha mantenido.

Asia y el Pacífico (+8 %) se ha situado a la cabeza del crecimiento de las regiones, tanto en términos relativos como absolutos, dado que en 2016 se han registrado 24 millones más de llegadas de turistas internacionales, que han alcanzado los 303 millones en total. Las cuatro subregiones también han experimentado un aumento de las llegadas, que en Oceanía ha sido del 10 %, en Asia Meridional, del 9 % y tanto en Asia del Nordeste como en Asia del Sudeste, del 8 %.

Las llegadas de turistas internacionales en las Américas(+4 %) se han incrementado en 8 millones hasta situarse en los 201, con lo que los buenos resultados de los últimos dos años se han consolidado. El crecimiento en América del Sur y Central (en ambas, del +6 %) fue algo mayor, mientras que en el Caribe y América del Norte se registró un aumento del 4 %.

Los datos disponibles sobre África apuntan a una subida del 8 % en 2016, que suma 4 millones y sitúa las llegadas internacionales en 58 millones tras dos difíciles años. África Subsahariana (+11 %) ha encabezado el crecimiento, mientras que el Norte de África (+3 %) ha empezado a recuperarse.

Oriente Medio ha recibido 54 millones de turistas internacionales en 2016. Las llegadas han disminuido en torno a un 4 %, con resultados desiguales en los distintos destinos de la región. Los resultados de África y Oriente Medio deben analizarse con precaución, puesto que se basan en los limitados datos disponibles.

FITUR y el Turismo Sostenible

17/01/2017, La Feria Internacional de Turismo refuerza su posición en una convocatoria en la que se pone de relieve la importancia de las prácticas ecológicas y sostenibles.

Madrid, 17 de enero de 2017
La 37ª edición de la Feria Internacional de Turismo, FITUR, se celebrará del 18 al 22 de enero de 2017, en Feria de Madrid IFEMA. Del 18 al 20 de enero, estará dedicada exclusivamente a profesionales, y el fin de semana abrirá sus puertas al público.

9.672 empresas presentarán sus novedades y atractivos en una plataforma que ve reforzada su oferta internacional y que se sitúa como el evento de referencia para el turismo de negocios en Madrid, al representar unos ingresos inducidos que podrían superar los 240 millones de euros. El incremento de expositores internacionales, cifrado en un 9%, unido a la mayor superficie ocupada, que rondará los 62.500 metros cuadrados, hacen prever un aumento de visitantes, que el año pasado sumaron 231.872 personas.

La Organización Mundial del Turismo reforzará su presencia en FITUR como gran referente mundial para el sector, sumando a sus actividades el acto central del arranque del Año Internacional del Turismo Sostenible para el Desarrollo y la entrega de sus Premios Internacionales a la Excelencia e Innovación.

El Año Internacional del Turismo Sostenible para el Desarrollo, declarado por la Organización de Naciones Unidas, ha marcado este año la filosofía de FITUR, que en esta 37ª edición pretende resaltar los esfuerzos que está realizando el sector turístico para contribuir con su actividad al desarrollo de un nuevo modelo de sostenibilidad turística en sus principales ejes económico, sociocultural y medioambiental.

Para este 2017 se estima que un tercio de los viajeros escogerán destinos más eco-friendly que en 2016; el 39% se muestra interesado en probar un eco-tour, y el 79% considera importante reservar un hotel que implemente prácticas ecológicas y sostenibles.

Esta nueva edición se celebra en un contexto de alentadores datos para la industria turística a nivel global, con más de 1.200 millones de turistas internacionales, en 2016, según la OMT. Para España, el turismo representa uno de sus principales sectores. Nuestro país recibió a más de 71,6 millones de turistas extranjeros de enero a noviembre de 2016, un 10,1% más que en igual periodo del año 2015, según la Encuesta de Movimientos Turísticos en Frontera, Frontur.

Formas de la memoria

17/01/2017, El Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá presenta en una exposición las adquisiciones más recientes de su colección de arte.

Bogotá, 17 de enero de 2017
La Colección de Arte del Banco de la República crece año tras año gracias a una política de coleccionismo institucional que pone especial énfasis en el arte colombiano, así como también el arte latinoamericano y de otras partes del mundo.

La exposición temporal "Formas de la memoria" responde al interés de la institución por presentar sus adquisiciones recientes, que abarcan desde los años ochenta hasta el presente.

La muestra indaga en el interés del arte contemporáneo por la memoria y sus variables (el paso del tiempo, la capacidad humana de recordar y olvidar...) y reúne obras que captan memorias a través de documentos, archivos y diversas fuentes de información. Todos estos elementos se convierten en herramientas maleables, que los artistas apropian para tratar temas que van desde lo personal y poético hasta las aproximaciones documentales y directas en torno al acto de recordar.

Cada una de las obras presenta, de alguna manera, cierto grado de hipermnesia. Las imágenes, sonidos y objetos funcionan como dispositivos que se activan con la presencia y la interacción de los visitantes, para develar recuerdos en común, señalar el inevitable paso del tiempo y, a veces, la importancia del olvido. Una experiencia visual que requiere la confrontación de la memoria personal y colectiva del público con las formas y los contenidos de cada pieza.

La exposición cuenta con obras de los artistas Francis Alÿs (Bélgica) Felipe Arturo (Colombia) María Teresa Cano (Colombia) Jesús Abad Colorado (Colombia) Nicolás Consuegra (Colombia) María Elvira Escallón (Colombia) Claudia Joskowicz (Bolivia) Humberto Junca (Colombia) Miller Lagos (Colombia) María Adelaida López (Colombia) Antoni Muntadas (España) Óscar Muñoz (Colombia) Ernesto Restrepo (Colombia) Miguel Ángel Rojas (Colombia) Doris Salcedo (Colombia) Rafael Urban (Brasil) y Raúl Zurita (Chile).

FORMAS DE LA MEMORIA COLECCIÓN DE ARTE DEL BANCO DE LA REPÚBLICA NUEVAS ADQUISICIONES Y OTRAS OBRAS EN CONTEXTO
Hasta el 12 de marzo de 2017
Museo de Arte del Banco de la República
Calle 11 # 4 - 21, La Candelaria. Bogotá. Colombia

La montaña sagrada de Khangchendzonga

16/01/2017, La montaña sagrada de Khangchendzonga, que se creía la más alta del mundo en el siglo XIX, entró a formar parte del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2016.

Artemio Artigas. Guiarte.com 16 de enero de 2017
En el estado indio de Sikkim, incrustado entre Tibet y Nepal, se halla un territorio montañoso, íntimamente ligado a las tradiciones budistas. En este espacio está el Parque Nacional de Khangchendzonga, que alberga una parte esencial del Himalaya, con un paisaje variado en el que se alternan montañas, lagos, glaciares, profundos valles y planicies.

El Monte Khangchendzonga es un elemento crucial del paisaje, un paisaje sagrado para las poblaciones de Sikkim, que tienen un respeto reverencial a numerosos lugares de esta naturaleza espectacular, espacios que forman parta de los relatos y de la mitología.

La montaña, de 8.586 metros de altura, forma parte de un espacio que también es Reserva de la Biosfera que lleva el mismo nombre. Hasta mediados del XIX se pensaba que era la cima más alta del mundo, luego se concretó que la mayor era el Everest. La cima sólo fue alcanzada en 1955.

La inclusión del Parque Nacional de Khangchendzonga en la lista de la UNESCO se debe a criterios de índole cultural y de valor natural.

En lo cultural, se valora el carácter sagrado del territorio, sostenido tanto por las tradiciones como por los textos antiguos. Esa sacralidad se ha incorporado a las tradiciones budistas y rituales indígenas. La UNESCO también ha destacado la interrelación entre territorio y cultura que se manifiesta también en otros ámbitos como el aprovechamiento de los recursos y el conocimiento de las propiedades curativas de la flora.

En el territorio hay unas 22 especies de plantas endémicas, raras y amenazadas, aunque lo más espectacular es la fauna, que incluye al leopardo de las nieves, especie en Peligro de Extinción. Este es el carnívoro de mayor tamaño del Himalaya, pero junto a él se pueden hallar otros notables animales, como el ciervo almizclero, la pantera nebulosa, el panda rojo y el oso tibetano.

También hay un elenco de aves de gran valor. Al menos medio millar de especies, de ellas más de un centenar de gran interés para la conservación, incluyendo siete especies amenazadas y de alcance restringido a nivel mundial.

Así me siento

16/01/2017, Hasta el 12 de febrero en el Museo de América se puede ver la exposición "Así me siento. Posturas, objetos y significados del descanso en América".

Madrid, 16 de enero de 2017
Esta exposición temporal reflexiona sobre el concepto del descanso y sobre cómo las posturas, que aparentemente tienen relación con la comodidad, responden sin embargo a una adaptación más cultural que física o biológica. A través del recorrido, el visitante va descubriendo cómo la forma de descansar o de sentarse tiene relación con otras consideraciones, como lo púdico, la cuestión del género o incluso el estatus.

Con un enfoque de carácter antropológico, la muestra presenta una gran variedad de piezas, desde figuras prehispánicas a cuadros coloniales, que muestran imágenes de hombres y mujeres, sentados, arrodillados o echados en distintas posiciones y utilizando diferentes tipos de muebles, como los reposacabezas de cerámica o los reclinatorios para apoyar la espalda. Destacan también otras piezas como los bancos de chamán, que servían para adquirir conocimientos en un plano espiritual.

La muestra cuenta con un componente interactivo, que pretende acercar el mueble al visitante, permitiendo probar cómo se sentaban los chamanes sobre un pequeño banco de madera a fin de entrar en comunicación con el mundo espiritual, o testar la comodidad de los reposacabezas o reposanucas, las almohadas de cerámica y madera prehispánicas, o descansar en una hamaca, un mueble de origen americano plenamente incorporado ya en la cultura occidental.

Así me siento. Posturas, objetos y significados del descanso en América
Museo de América

Un Thyssen nunca visto

10/01/2017, CaixaForum Barcelona celebra el 25 aniversario del Thyssen-Bornemisza con una gran selección de obras de la colección del museo madrileño.

Barcelona, 10 de enero de 2017
Con ocasión del 25 aniversario de la apertura del Museo, que se celebra en 2017, CaixaForum Barcelona presenta "Un Thyssen nunca visto", una selección de más de sesenta obras maestras del Museo Thyssen-Bornemisza, algunas de las cuales no habían salido antes del museo desde que la colección Thyssen-Bornemisza fue adquirida por el Estado español en 1993.

El relato de la exposición rompe las divisiones de escuelas nacionales y orden cronológico, para proponer un recorrido a través de cinco grandes géneros de la tradición artística occidental: la pintura religiosa, el retrato, los objetos, el paisaje y el descubrimiento de la ciudad.

Con obras de Fra Angelico, Bellini, Rubens, Pissarro, Marc Chagall, Rembrandt, Edward Hopper, Canaletto, Cézanne, Brueghel, el Greco, Picasso o José de Ribera, la muestra presenta un juego de analogías y contrastes entre artistas y obras que permite al espectador vivir una renovada experiencia artística.

El propósito de esta exposición es ofrecer en Barcelona un Thyssen que nunca se ha visto en Madrid. Las obras maestras son las que habitualmente pueden verse en las salas del Thyssen de Madrid, pero ahora instaladas en un orden inédito que permita una nueva lectura de la colección Thyssen.

Un Thyssen nunca visto
Hasta el 5 de febrero de 2017
CaixaForum Barcelona

Más de 3 millones de visitantes en el Prado

10/01/2017, El Museo del Prado cierra el año 2016 con más de 3 millones de visitantes en su sede, un 12,50% más que en 2015.

Madrid, 10 de enero de 2017
Las exposiciones temporales más visitadas han sido “El Bosco. La exposición del V Centenario”, con 589.692 visitantes, “Ingres”, con 402.690 y “Georges de La Tour” que superó las 163.750 visitas. Además, las exposiciones organizadas por el Prado fuera de su sede (tanto en otras ciudades españolas como extranjeras), han registrado más de 225.000 visitantes.

Cabe destacar el incremento, de un 17,45%, del público que accede de forma individual, mientras que en los accesos en visita de grupo han aumentado las visitas de grupo educativo con un 4,64 % respecto al año 2015, y de un 5,37% por encima del año pasado de las visitas de grupo debido al repunte del sector turístico en la ciudad de Madrid.

El prado ha abierto sus puertas en este año 363 días, con una media diaria de 8.357 visitantes. Los ingresos por entradas han sido de 20.501.000 euros superando en un 25,29% los ingresos del año anterior (16.363.000 euros). En cuanto a las principales procedencias, los visitantes más numerosos procedían de la Comunidad de Madrid (20,37%), Italia (7,97%), EE.UU. (7,69%) y Francia (6,13%).

Finalmente, la Fundación Amigos del Museo del Prado ha crecido en más de 5.000 miembros, con una cifra total de 34.118 amigos, un incremento del 17,32% respecto a 2015.

La esperanza del ibis eremita

09/01/2017, El ibis eremita, ave sagrada de los viejos egipcios, está en grave declive. El éxito de una colonia en el sur de España arroja cierta esperanza.

Artemio Artigas. Guiarte. 09/01/2017
El Ibis Eremita (Geronticus eremita) es un ave de un tamaño medio de 70 a 80 centímetros de altura, con un pico curvado de unos 13 centímetros de largo, cabeza calva y rosada y plumaje negro metalizado. Habita en colonias por zonas áridas o semiáridas de estepas, pastizales y campos de cultivo. Se alimenta principalmente de insectos y pequeños vertebrados, y nidifica en montañas, cortados y acantilados costeros.

Este ave gregaria pobló los territorios de Oriente, Centroeuropa y norte de África… pero fue desapareciendo poco a poco. Se documenta en libros de caza medievales de Europa y se dice que anidaba también en las torres de los castillos. Pero toda su abundancia al norte del Mediterráneo es ya lejana historia.

Según BirdLife, en el siglo XX había aún buenas colonias de ibis eremita en Turquía, Marruecos y Argelia, pero fueron declinando. La última colonia de Argelia desapareció a finales de los ochenta. En Marruecos había unas 38 colonias en 1940, 15 en 1975, pero el declive continuó. Las aves del Atlas desaparecieron también en la década de los ochenta.

Hay relativa abundancia de ibis en el Parque Nacional Souss Massa, en el Sur de Marruecos, junto a la ciudad de Agadir, una estrecha franja de terreno costero de unos 8 kilómetros en su parte más ancha y con cerca de 80 km de largo. El parque fue creado en 1991, debido, sobre todo, a la existencia en su interior de la última colonia silvestre de ibis eremita. Allí trabajan diversas organizaciones conservacionistas, entre ellas SeoBirdlife. De momento parece que la cifra de parejas reproductoras en el parque evoluciona al alza.

La gran colonia de Turquía, donde el ave estaba sacralizada (su vuelo migratorio marcaba la dirección a La Meca) se perdió en el siglo XX; ahora quedan apenas unas parejas en semilibertad.

Dado por extinguido hace 70 años en Siria, hace algo más de una década se descubrió una colonia pequeña en Palmira. Fue un momentáneo gozo para las comunidades conservacionistas. No se sabe con certeza que ha ocurrido con ella, al quedar la zona en medio de los conflictos, pero los datos apuntan a la desaparición.

El ibis eremita actualmente se clasifica como “especie en peligro crítico de extinción” según la UICN, después del declive rápido que se produjo en un solo siglo, con una pérdida del 98% de la población entre 1900 y 2002. Entre los factores de este fracaso, la persecución humana, especialmente por la caza; la pérdida de las estepas y zonas de agricultura no intensiva; el envenenamiento por pesticidas, los cables de electricidad de alta tensión…

Una población andaluza
Hay notorios intentos de reintroducción del ave en Austria y España. En el caso español se están consiguiendo ciertos éxitos. La colonia ubicada en la comarca de la Janda es ya la segunda más importante en todo el mundo tras la de Souss Massa, en Marruecos, donde anidan unas 120 parejas

Un total de 20 parejas de Ibis eremita han nidificado en 2016 en los núcleos que ocupa la especie en la provincia de Cádiz, uno en el tajo de la Barca de Vejer y otro en Conil de la Frontera, lo que supone un incremento de tres parejas respecto a 2015, según la Consejería de Medio Ambiente de Andalucía. Se ha comprobado también la existencia de un mínimo de 26 pollos “volados”, uno más que el máximo de 25 pollos de 2014, los cuales fueron anillados antes de abandonar el nido para tenerlos perfectamente identificados y poder controlarlos en el campo, una vez que dejan la zona de cría.

El programa Eremita lo inició la Junta de Andalucía en 2003, en colaboración con el Zoobotánico de Jerez y con el asesoramiento científico de la Estación Biológica de Doñana y del Grupo Internacional de Expertos en Ibis Eremita, para crear en la Comarca de la Janda una población estable y autosuficiente de esta especie, clasificada en España como extinta, aunque en proceso de ser reclasificada como En peligro gracias a su reintroducción.

Merced a este programa se ha logrado el mantenimiento de las colonias gaditanas, lo que supone un hito en la conservación de una de las aves más amenazadas del planeta, éxito que se consolida al ser ya la segunda colonia más importante en el mundo.

Fue en el 2008 cuando se logró por primera vez que una pareja de ibis anidaran libremente en un enclave de Andalucía y naciera un nuevo ejemplar de la especie. Entonces se dijo que era el primer ibis nacido libre en Europa en los últimos cinco siglos. Sea exacta o no la afirmación, lo que si es cierto es que en medio del declive general de la especie hay un cierto halo de esperanza.

Además del gozo de los defensores de la naturaleza, la presencia de las incipientes poblaciones andaluzas de ibis se ha convertido en un atractivo más para el turismo vinculado a la observación de aves y la naturaleza. Todos contentos.

Balance 2016 Museo Picasso Málaga

09/01/2017, Con 558.033 visitantes, el Museo Picasso Málaga vuelve a ser en 2016 el museo más visitado de Andalucía.

Málaga, 9 de enero de 2017
El MPM vuelve a registrar su mejor cifra de visitas desde que fuera inaugurado, consolidándose como el primer centro de arte del siglo XX en número de visitantes de Andalucía. 2016 ha sido el año con mayor número de visitas desde que el museo abriera sus puertas en 2003 y supone un incremento del 14 por ciento con respecto al año anterior. Este resultado obedece a factores como la internacionalización de los programas del Museo, el incremento de las colaboraciones con otras instituciones y a la excelente presentación y explicación de la obra de Pablo Picasso

Picasso, Pollock y Joaquín Torres-García
Junto a la obra de Picasso, a lo largo de 2016, fueron varias las exposiciones inauguradas en la institución: "Juego de ojos. Colección" (14 Mar. – 11 Sept. 2016), "Mural. Jackson Pollock. La energía hecha visible" (21 Abr. – 11 Sept. 2016) y "Joaquín Torres-García. Un moderno en la Arcadia" (11 Oct. 2016 – 5 Feb. 2017). Además, desde abril y hasta septiembre, la Kunsthalle Würth de Schwäbisch Hall programó la exposición "Picasso y Alemania", siendo la primera vez que una exposición de gran formato producida por el Museo Picasso Málaga se mostraba en este país.

Actividades educativas y culturales
Durante el pasado año participaron 29.602 personas en los programas de mediación entre los públicos y la obra de arte, de ellos 18.222 fueron escolares. Asimismo, destaca la labor realizada con el arte como herramienta de integración e inclusión social, en un proyecto de accesibilidad que ha atendido a 1.342 personas con diversidad funcional y miembros de colectivos en situación de vulnerabilidad social.

A lo largo del año, los espacios del Museo Picasso Málaga (salas de arte, auditorio, jardín, área de educación...) han sido escenario de conferencias, seminarios, proyecciones, charlas, mesas redondas, música de cámara, jazz, flamenco, poesía o cine. En total, 4.684 personas han participado en el programa cultural de la pinacoteca.

El Museo Picasso Málaga se renueva
Con el fin de renovar los espacios expositivos, desde el 9 de enero se actuará en las salas de la Colección permanente y en la optimización de la iluminación en sala. El resultado podrá versa a partir del mes de marzo, con una notable mejoría en la apreciación del detalle en la obra de Pablo Picasso.

A partir del 16 de enero, las salas temporales de la planta baja mostrarán una selección de treinta y ocho obras maestras de Pablo Picasso de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA). Además, hasta el 5 de febrero de 2017 se puede continuar visitando la exposición Joaquín Torres-García: un moderno en Arcadia.

El arca de Noé del Mekong

05/01/2017, La cuenca del Mekong sigue desvelando especies desconocidas. Ahora se han anunciado 163 nuevos inquilinos de esta inmensa “Arca de Noé”.

Artemio Artigas. Guiarte. 05/01/2017
El Mekong nace en el Himalaya, en la zona del Tíbet, y recorre casi 5.000 kilómetros hasta alcanzar el mar en el sur de Vietnam. Drena una cuenca de más de 800.000 kilómetros cuadrados, con territorios dispares en los que los científicos siguen hallando nuevos tesoros biológicos desconocidos.

WWF, World Wildlife Fund, acaba de publicar un informe titulado Species Oddity que documenta el trabajo de numerosos científicos, quienes –desde 2015- descubrieron 9 anfibios, 11 peces, 14 reptiles, 126 plantas y tres mamíferos en Camboya, Laos, Birmania, Tailandia y Vietnam.

Con las nuevas aportaciones a la ciencia, se eleva a 2.409 el total de nuevas especies de plantas, aves, mamíferos, reptiles, peces y anfibios descubiertas en la región desde que WWF comenzó en 1997 a recolectar información sobre nuevas especies.

"La región del Gran Mekong es un polo de atracción para los científicos de conservación de todo el mundo debido a la increíble diversidad de especies que se siguen descubriendo aquí", afirma Jimmy Borah, Director del Programa de Vida Silvestre de WWF-Gran Mekong. "Estos científicos saben que están en una carrera contra el tiempo para asegurar que estas especies recién descubiertas estén protegidas”.

Entre las especies más destacadas el informe destaca:

Una serpiente, Parafimbrios lao, con colores en su cabeza parecidos a los de un arcoíris. Fue encontrada entre empinados acantilados en el norte de Laos y, aunque originalmente se pensaba que habitaba en un solo lugar, desde entonces se ha descubierto un segundo sitio, aumentando sus posibilidades de supervivencia.

El dragón cornudo de árbol de Phuket, Acanthosaura phuketensis Tiene un temible conjunto de cuernos en su cabeza y espina dorsal y fue encontrado en una de las pocas áreas de bosque que aún quedan en la popular isla turística de Phuket. Está amenazada por la rápida pérdida de hábitat y su captura para el comercio de mascotas.

Una extraña especie de plátano descubierta en el norte de Tailandia, Musa nanensis. Está considerada como críticamente amenazada debido a la creciente deforestación y al hecho de que sólo se han viso unas cuantas plantas. Sin embargo, el reciente descubrimiento de otra pequeña población ha dado esperanza a los investigadores.

Una nueva especie de rana de Camboya y de Vietnam, Leptolalax isos. Tiene un nombre tan largo como su cuerpo. Con sólo 3 cm de longitud, este diminuto anfibio está amenazado por algunas causas importantes: la tala de bosque, la expansión agrícola y los proyectos hidroeléctricos.

Una salamandra descubierta en la provincia tailandesa de Chiang Rai, Tylototriton anguliceps. Cuenta con impresionantes marcas rojas y negras. Su piel porosa la hace especialmente sensible a los pesticidas, principal amenaza que enfrenta además de la deforestación de su hábitat.

Un gecko descubierto en las remotas montañas de Laos por un equipo de científicos que a menudo tenían que depender del agua que goteaba de las estalactitas dentro de las cuevas, el Gekko bonkowski. Se cree que el descubrimiento puede ser la clave para entender la evolución de los lagartos en la Cordillera de Annamite.

Una planta de las Montañas Chin del noroeste de Birmania que tiene dos cubiertas de pétalos (sépalos), que se asemejan a las orejas de un ratón. Descubierta en el Monte Victoria, Impatiens kingdon-wardii sirve como recordatorio de que la rica biodiversidad de Birmania necesita protección.

Un murciélago, Murina kontumensis, que se encuentra en el Altiplano Central de Vietnam, con pelaje grueso y lanudo en la cabeza y los antebrazos.

La región del Gran Mekong se encuentra bajo intensa presión, tanto por el desarrollo de minas, caminos y presas que amenazan la supervivencia de los paisajes naturales que hacen único a este lugar. La cacería para obtener carne de caza así como el multimillonario comercio ilegal ejercen aún más presión sobre la vida silvestre de la región, lo que significa que muchas especies podrían extinguirse antes de que sean descubiertas.

"Muchos coleccionistas están dispuestos a pagar miles de dólares por las especies más raras, únicas y más amenazadas, a menudo comprándolas en los mercados ilegales de vida silvestre de la región, especialmente en la región del Triángulo de Oro donde se encuentran China, Laos, Tailandia y Birmania" dijo Borah. "Para salvarlos, es esencial que mejoremos la aplicación de la ley contra la caza furtiva y se cierren los mercados ilegales de vida silvestre”,

Species Oddity es el octavo de una serie de informes que destacan los descubrimientos de nuevas especies en la región del Gran Mekong. La región es hogar de algunas de las especies silvestres más amenazadas del planeta, incluyendo al tigre, el saola, el elefante asiático, el delfín del río Irawadi y el bagre.

El MNCARS en 2017

04/01/2017, En 2017 se cumplen 80 años de la creación del Guernica de Pablo Picasso, con motivo de este aniversario el museo ha preparado un amplio programa de exposiciones y actividades.

Madrid, 4 de enero de 2017
Entre las 16 exposiciones temporales programadas para el año se encuentra "Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica", una muestra que servirá precisamente para celebrar el citado 80 aniversario, y los 25 años de la llegada del cuadro al Museo Reina Sofía procedente del MoMA de Nueva York.

En ella, se podrán contemplar cerca de 150 obras maestras del artista, procedentes de más de 30 instituciones de todo el mundo, entre las que figuran el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou de París, la Tate Modern de Londres, el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, o la Fundación Beyeler de Basilea.

Otras interesantes propuestas serán la exposición de Bruce Conner, uno de los artistas norteamericanos más importantes de la posguerra, o la del alemán Franz Erhard Walther, uno de los creadores más influyentes del siglo XX. La vanguardia centroeuropea también estará presente con dos de sus referentes claves, Katarzyna Kobro y Władysław Strzemiński.

El arte Latinoamericano estará presente en muestras como la dedicada a las figuras de Mario Pedrosa y Doris Salcedo. Habrá espacio para artistas españoles a través de la muestra dedicada a Esther Ferrer y, gracias al depósito que realizó la galerista Soledad Lorenzo, para nombres como Antoni Tàpies, Pablo Palazuelo, Luis Gordillo o Soledad Sevilla.

Se añade al calendario un rico programa de actividades que incluye el debate y el pensamiento, el cine, la música o las artes en vivo, y un programa educativo que prestará especial atención a los jóvenes.

Ennedi, el edén en el desierto

03/01/2017, Algunos de los parajes más sorprendentes de África se hallan en la región de Ennedi, en el nordeste de Chad, desde 2016 en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Artemio Artigas. Guiarte. 03/01/2017

Es un mundo lejano y sorprendente, cercano a las fronteras de Libia y Sudán. A la belleza del paisaje se unen los yacimientos con restos prehistóricos y una fauna y una flora sorprendentes. Este es el territorio de los cocodrilos del desierto.

El enorme cambio climático padecido por el Sahara durante los últimos 12.000 años ha dado como resultado un entorno de impresionante belleza, en el que aún se albergan especies vegetales y animales increíbles para una zona enclavada en el corazón del Sahara. Por ello se ha hablado de Ennedi como de un edén relíctico en medio de la aridez norteafricana.

El macizo de Ennedi está formado por arenisca. Con el tiempo, la erosión del agua y el viento esculpieron la meseta, formando gargantas y valles y creando paisajes espectaculares con arcos de piedra, picos y barrancos. Entre los arcos, uno de los más famosos es el de Aloba, con 120 metros de altura y cerca de 80 de ancho.

En los cañones más grandes, las aguas perpetuas desempeñan un papel capital en el ecosistema y tienen una importancia fundamental para la supervivencia de la fauna, la flora y la escasa población humana.

Las pocas lagunas o charcas (gueltas) y esa fauna relíctica nos recuerdan los tiempos en los que el Sahara era una región fértil en la que pastaban los rebaños de ganados, y en cuyos ríos había desde un abundante elenco de peces hasta hipopótamos.

De aquella fauna perviven en la guelta de Archei unos pocos cocodrilos del desierto (crocodylus suchus) una especie que habitó también en el Nilo y que aún se puede hallar en algún otro punto de África. También perviven orix, adax, babuinos, cigüeñas, sisones…

El bien inscrito en el Patrimonio de la UNESCO incluye una amplia zona en la parte occidental de la región de Ennedi y es de muy difícil acceso. No hay carreteras y apenas un pequeño poblado en el extremo occidental. Se llega con largos recorridos en vehículo todoterreno o caravanas.

En las superficies rocosas de las grutas, cañones y refugios hay millones de imágenes pintadas y grabadas que constituyen una de las mayores colecciones de arte rupestre del Sáhara. Los restos arqueológicos establecen un vínculo entre el pasado y el presente, testimoniando la presencia humana en la zona y su desarrollo cultural.

Estos sitios remotos y poco conocidos albergan pinturas y grabados que permiten conocer aspectos en la vida cotidiana y los valores culturales de los antepasados y de las grandes etapas de la historia humana y natural en el norte de África. Este arte rupestre también cuenta la historia del cambio climático en la región, al conservar representaciones de animales salvajes como jirafas, avestruces, elefantes, etc. realizadas durante un periodo de 7.000 años. También hay curiosas representaciones humanas con adornos geométricos.

Los yacimientos, poco estudiados por la lejanía y peligrosidad del territorio, también conservan otros restos arqueológicos: herramientas y útiles de cerámica o de piedra.

La mujer moderna en China

02/01/2017, Hasta el 14 de enero de 2017 en la Fundación Pons de Madrid se puede visitar una exposición fotográfica de la Asociación Nacional de Fotógrafos de China.

Madrid, 2 de enero de 2017
La Asociación Nacional de Fotógrafos de China presenta “La mujer moderna en China”, en la Fundación Pons del 4 al 14 de enero de 2017. La inauguración oficial es el día 9 de enero, a las 19.00 h. La muestra, compuesta de 40 fotografías en color, forma parte de la serie “The Beautiful China Photography Exhibition” que, antes de llegar a Madrid, se ha expuesto en una treintena de países.

La mujer china a través de la cámara
La mujer contribuye de manera fundamental a la modernización de la China contemporánea y al dinamismo de su vida social. Las imágenes de esta exposición presentan a mujeres muy conocidas en China, como Liu Yan, que en 2012 fue la primera astronauta china que salió al espacio exterior en la nave Shenzhou 9, o a la tenista Li Na, que ganó el torneo de Roland Garros en 2011, el Abierto de Australia en 2014 y el campeonato individual femenino del Grand Slam de Asia, siendo la número uno femenina de la clasificación del continente asiático.

La exposición retrata también a Fu Ying, primera embajadora de una etnia minoritaria de China, que se ha ganado los elogios en el sector diplomático gracias a su estilo moderno a la hora de enfocar las relaciones exteriores. Por otro lado, la exposición presenta a la mujer china en el mundo de la cultura. Como en la Ópera de Pekín, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco, fundada hace más de 200 años y considerada una de las máximas expresiones de la cultura de China. En ella los papeles femeninos (Dan) eran representados siempre por hombres pero, desde principios de siglo, comenzaron a ser interpretados por mujeres.

La exposición abarca el amplio abanico de la vida diaria de la mujer en China, y refleja otros aspectos de la sociedad china donde la mujer tiene un importante rol. Por ejemplo, en el sistema educativo, en el cual la mujer representa el 53% del profesorado de las escuelas primarias.

También hay lugar para retratar a las mujeres que van a recoger la pesca diaria que traen los pescadores tras su regreso del mar, o las mujeres que van de compra al mercado del pueblo vestidas con un elegante gipao, pasando por aquellas que realizan la ceremonia del té, un arte que se celebra desde hace miles de años, o las que viven en las estepas de Mongolia donde llevan una vida más tradicional basada en el cuidado del hogar y de la familia.

La mujer moderna en China
Del 4 al 14 de enero de 2017
Fundación Pons
C/ Serrano 138. Madrid

Espacio Miró

02/01/2017, La Fundación Mapfre presenta un espacio permanente dedicado a la obra de Joan Miró, uno de los artistas más importantes del siglo XX.

Madrid, 2 de enero de 2017
Adentrarse en el universo artístico de Miró significa descubrir la plasmación del color puro, hallar la lógica del símbolo y calibrar la difícil armonía entre lo constante y lo etéreo.

En sus más de seis décadas de trabajo incesante, y consagrado ya como maestro del arte del siglo XX, Miró siempre mantuvo su espíritu innovador. Para él su trabajo era la herramienta perfecta para cargar contra el conservadurismo y alcanzar el cambio social. Con la idea de un arte para uso y disfrute del pueblo, Miró realizó murales, cerámicas y esculturas para espacios públicos. Sus obras exhalan distintas influencias, como el esquematismo primitivo, la tradición popular, la caligrafía asiática o el grafiti urbano.

Miró hipnotiza y seduce con su mundo fantástico y personal, habitado por vibrantes manchas y colores primarios, con los que refleja con elocuencia el mundo tangible y material con mensajes llenos de poesía.

El nuevo Espacio Miró albergará de manera permanente más de sesenta obras en las salas del Paseo de Recoletos, 23, y pretende convertirse en un lugar de referencia para el estudio de la obra del artista catalán en Madrid.

La Colección, procedente de diferentes propietarios que han cedido las obras como depósito temporal, está compuesta por 65 obras de Joan Miró y con cuatro esculturas y un óleo de Alexander Calder, con el que el pintor catalán mantuvo una gran amistad y conexión artística.

Aunque en su mayoría se trata de obras de las últimas décadas, podemos encontrar pinturas de diferentes períodos. De esta manera se puede ver cómo Miró retoma continuamente los mismos temas, reinventándolos con nueva vitalidad. Esta selección nos presenta a un Miró entusiasta, divertido y en la plenitud de su oficio, que reflexiona con la libertad de su lenguaje sobre su propia pintura, el arte y el devenir del tiempo.

Cuatro Claves para visitar la muestra
Signos visuales. A mediados de los años veinte, Miró elaboró un innovador vocabulario plástico relacionado con la vanguardia surrealista. El artista creó un universo onírico de figuras representadas con pigmentos intensos, gruesos contornos negros y espacios ausentes.

Decisivo en la pintura americana del siglo XX. En el año 1941 se realizó la primera retrospectiva del artista en el Museum of Modern Art de Nueva York. Con este acontecimiento Miró se consolidó como maestro de la pintura moderna y su obra comenzó a influir en una generación de artistas tan relevantes como Rothko, Pollock, Gorky o Motherwell.

Asesinar la pintura. Su discurso testimoniaba la necesidad de quebrantar las técnicas pictóricas tradicionales a través del uso de materiales nuevos: tela, corcho, metal, fibras, cortezas, etc.

Alexander Calder. Joan Miró y el escultor estadounidense Alexander Calder se conocieron en París en diciembre de 1928. A partir de entonces iniciaron una amistad que les uniría de por vida. Al igual que Miró, el artista americano encontró interés en la abstracción. Ambos artistas colaborarían juntos en varias ocasiones.

Espacio Miró
Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos 23, Madrid