Archivo de noticias de 2016

Retrato de Felipe III

14/12/2016, El Museo del Prado presenta una obra inédita de Velázquez donada por William B. Jordan a American Friends, Retrato de Felipe III.

Madrid, 14 de diciembre de 2016
Retrato de Felipe III, recientemente atribuida a Velázquez, ha sido donada a la institución American Friends of the Prado Museum por William B. Jordan, conocido especialista del bodegón español.

Esta donación refuerza los lazos culturales entre Estados Unidos y España a través del Museo del Prado y su legado histórico artístico.

La obra será exhibida en el contexto de la colección permanente del Prado, y ayudará a contribuir a un conocimiento más rico y complejo de los comienzos de Velázquez como retratista real.

Este inédito Retrato de Felipe III, obra que exhaustivos estudios han confirmado como autógrafa de Velázquez, es un cuadro preparatorio para el rostro de Felipe III que el artista sevillano realizó para la composición La expulsión de los moriscos, fechada en 1627 y que se destruyó en el incendio del Real Alcázar de Madrid en 1734. La expulsión de los moriscos solo se conoce por descripciones escritas ya que no se conserva ninguna copia.

Retrato de Felipe III se trata de una pintura de extraordinaria calidad que permite arrojar luz sobre una de las obras capitales del comienzo de la etapa cortesana del pintor.

La obra fue adquirida por William B. Jordan en el mercado del arte londinense, donde figuraba como Retrato de don Rodrigo Calderón. Jordan procedió a su restauración y estudio, lo que le llevó a plantearse la posibilidad de que se tratase de una obra de Velázquez, en concreto, de un cuadro preparatorio del rostro de Felipe III.

Algunos de los datos que hacen pensar que esta obra se trate de un estudio de Felipe III para la composición de La expulsión de los moriscos son:

En la obra, la edad que aparenta Felipe III es cercana a los 40 años que tenía en 1609, cuando se produjo la expulsión de los moriscos. Desde el punto de vista estilístico, la pintura estaría fechada aproximadamente en 1623, cuando Velázquez llegó a la corte y difundió un nuevo estilo de retrato real que se ajusta al de esta obra. Felipe III se encuentra de perfil con la mirada elevada, un hecho que indica que la imagen fuera a formar parte de una escena de carácter narrativo.

Además, según las descripciones de la Expulsión de los moriscos, se sugiere que el retrato de Felipe III mostraría un gesto similar al de este retrato, y una dirección de la mirada parecida.

El Museo del Prado ha realizado un estudio técnico de la pintura y ha comparado la obra con otras obras de Velázquez, confirmando que el principal punto de referencia para entender la obra es, sin duda, el maestro sevillano y, específicamente, sus retratos realizados en la segunda parte de la década de 1620. 

El análisis del soporte, la radiografía y los rayos infrarrojos arrojan datos técnicos, como la tela, la preparación o la manera de construir la obra, similares a los que aparecen en cuadros de Velázquez fechados en torno a 1627. Por otro lado, la comparación con obras contemporáneas a La expulsión de los moriscos, muestra reveladoras similitudes de modelado y un manejo parecido de los recursos estilísticos.

Goya. Obra gráfica

13/12/2016, Hasta el 12 de febrero de 2017 en el Museo Lázaro Galdiano se puede ver una exposición en la que se pone de manifiesto la gran admiración de José Lázaro hacia Goya.

Madrid, 13 de diciembre de 2016
José Lázaro logró adquirir una extraordinaria colección de estampas que muestran la evolución de Goya desde sus primeros ensayos en el campo del grabado hasta las últimas litografías realizadas en Burdeos.

La exposición Goya. Obra gráfica muestra una parte de la valiosa colección de novecientas setenta y seis estampas de Goya reunida por Lázaro, una de las más valiosas colecciones de obra gráfica de Goya y la más completa e importante reunida por un coleccionista.

Las obras seleccionadas pertenecen a diferentes épocas de la trayectoria vital de Goya desde 1778, fecha de la primera entrega de las Pinturas de Velázquez, hasta 1825 con las famosas litografías de los Toros de Burdeos.

La muestra incluye dos series grabadas por Goya, Caprichos y Tauromaquia; estampas sueltas de las Pinturas de Velázquez, el Agarrotado, Desastres de la Guerra y Los prisioneros; las excepcionales pruebas de estado de los Disparates de El cantor ciego o del Viejo columpiándose, entre otras; y una selección de litografías.

Mención especial requiere la exhibición de las trece pruebas de estado de los Disparates fechadas entre 1815 y 1816. Las pruebas de estado están consideradas de gran valor por los investigadores y coleccionistas al ser únicas. De esta serie, José Lázaro logró adquirir uno de los dibujos preparatorios, el del Modo de volar, realizado en lápiz rojo.

A Belén pastores

13/12/2016, Con la llegada de la Navidad son muchos los belenes que pueden visitarse en lugares emblemáticos como el Palacio Real de Madrid o el Monasterio de Las Descalzas Reales.

Madrid, 13 de diciembre de 2016
Hasta el 8 de enero de 2017 se podrá visitar de forma gratuita el Belén Napolitano del Palacio Real de Madrid, que este año conmemora el tercer centenario del Rey Carlos III.

El Belén del Palacio Real de Madrid, en el Salón de Alabarderos, tiene su origen en el Belén del Príncipe iniciado por Carlos III para su hijo el Príncipe de Asturias, futuro Carlos IV, y fue aumentado por más de 200 figuras y casas napolitanas a principios del siglo XXI.

En los belenes napolitanos cada año se concebían las escenografías con un montaje diferente. Siguiendo esta tradición, importada por Carlos III a España, en este belén se han ido incorporando cada Navidad objetos inspirados en las Colecciones Reales, así como en las arquitecturas de los diferentes Reales Sitios.

El montaje de esta Navidad refleja el ambiente ilustrado del reinado de Carlos III, como homenaje a las celebraciones del III Centenario del nacimiento del monarca.

El Real Monasterio de La Encarnación presenta una composición formada por la Natividad y los pastores adorantes de barro policromado del escultor José Luis Mayo (s.XX), acompañados por los Reyes Magos, los pajes, y el grupo del Anuncio a los Pastores realizados en barro policromado de la escuela de Olot del siglo XX. Se disponen en un montaje popular con frontal y candeleros de bronce dorado del siglo XVIII, y adornos de flores y frutos secos.

Por su parte, el Monasterio de Las Descalzas Reales presenta un Belén popular compuesto por figuras de la escuela de Olot, realizadas en yeso y pasta de cartón-madera. Están datadas a mediados del siglo XX y representan personajes vestidos al estilo hebreo, tipología propia de los talleres olotinos desde finales del siglo XIX. El montaje recrea la antigua plazuela de las Descalzas.

Además, el Real Monasterio de Santa Isabel presenta también su Altar de la Inmaculada, con figuras de José Luis Mayo (s. XX) de palillo y de serie, y varias edificaciones para enmarcar el escenario. En el Altar de San Leandro se expone otro montaje tipo "presepio napolitano", contando con el misterio y las figuras napolitanas vestidas que integran los Reyes Magos, los pastores, y el pueblo de Nápoles. Es un conjunto del siglo XIX.

Museo del Oro de Nariño

12/12/2016, En Pasto (Nariño, Colombia) se reabrió el 9 de diciembre el Museo del Oro Nariño, después de una renovación global.

Guiarte.com. Bogotá, 10 de diciembre de 2016
El Museo del Oro del Banco de la República de Colombia cuya sede principal está en Bogotá, alberga una extraordinaria exposición de piezas de orfebrería y alfarería de culturas precolombinas, pero esa riqueza se complementa en otro grupo de museos regionales, uno de ellos el ubicado en Pasto, que lleva una treintena de años en funcionamiento.

La remodelación que ha sufrido este centro museístico durante el último año incluyó adecuaciones al edificio, la restauración de piezas arqueológicas y la elaboración de un nuevo guión museográfico.

La exposición presenta una mirada contemporánea sobre las sociedades prehispánicas de la región y entabla diálogos entre el pasado y el presente sobre importantes temas para la sociedad nariñense actual, como son: la diversidad cultural y lingüística, las relaciones con la naturaleza, con el territorio y la fauna, la economía, las tecnologías, las fiestas y los rituales.

Con 480 objetos arqueológicos de oro y otros metales, cerámica, piedra, madera y textil, el museo presenta y contrasta dos grandes regiones de ocupación humana prehispánica: la costa pacífica y la serranía. Presenta las características topográficas de ambas zonas así como de los pueblos que las habitaron, de su cosmovisión, de las relaciones que entablaron con la naturaleza y de su organización social, política y económica.

Se incluye, además, una mirada a la llegada a la región durante el periodo colonial de otras poblaciones indígenas, africanas y europeas, cuyos saberes se integraron con los locales y propiciaron la rica diversidad cultural que ha caracterizado a este territorio a lo largo de los siglos.

Tumaco (suroeste de Nariño) fue, según se desprende de las investigaciones arqueológicas, la primera región colombiana donde se produjeron objetos de orfebrería, fechados hacia el 500 a.C. El nuevo guion curatorial explica los procesos de las tecnologías metalúrgicas indígenas para trabajar el oro, la plata, el cobre y el platino, éste último un metal que solo los orfebres de Tumaco, entre todos los del mundo en la antigüedad, pudieron trabajar gracias a técnicas complejas que inventaron.

Se informa sobre el martillado, repujado, granulación, dorado, plateado y aleaciones que se desarrollaron tanto en la costa pacífica como en la serranía, así como las técnicas de minería artesanal que subsisten hoy entre comunidades afrocolombianas del municipio de Barbacoas. Sorprende el análisis de la geometría que caracteriza la iconografíaa de los vestigios arqueológicos de la altiplanicie de Nariño y Carchi.

El recorrido finaliza con ejemplos vivos de prácticas artesanales ancestrales que se han enriquecido con el encuentro de culturas, como el barniz de Pasto, la orfebrería barbacoana y la talla de máscaras de madera del alto Putumayo.

La intervención y ampliación del Museo del Oro Nariño ha estado a cargo del Departamento de Infraestructura del Banco de la República y de la Sección de Museología del Museo del Oro. Los diseños, realizados bajo criterios de sostenibilidad y versatilidad espacial y tecnológica, enriquecen la experiencia de los visitantes con elementos multisensoriales interactivos, como sonidos y videos. El guión científico del museo se potencializa con nuevos diseños e iluminación.

Las obras de renovación incluyeron la ampliación del área de exhibición del Museo, el acondicionamiento de espacios para la realización de talleres y exposiciones temporales, y la adecuación de una sala múltiple.

La renovación de este museo forma parte del proyecto de actualización de los Museos regionales del Banco de la República. En 2014 el Banco reabrió el Museo del Oro Tairona de Santa Marta y en 2015 el Museo Etnográfico de Leticia.

Txomin Badiola. Otro Family Plot

12/12/2016, El Museo Reina Sofía presenta una exposición antológica del artista vasco Txomin Badiola (Bilbao, 1957).

Madrid, 12 de diciembre de 2016
La muestra, que podrá verse en el Palacio de Velázquez hasta el 26 de febrero de 2017 presenta una amplia selección de su producción desde los años ochenta hasta la actualidad.

La muestra, que reúne obra fotográfica, dibujos, escultura e instalaciones multimedia, se centra en el problema de la forma en tanto modo particular de entender la creación artística como un proceso que incorpora su propia transgresión. Para el artista la forma del arte es siempre una “mala forma” que al tiempo que crea una visión niega un reconocimiento. El artista trabaja contra la cultura desmontando las condiciones de visibilidad e invisibilidad.

El proyecto, en el cual ha involucrado a otros siete artistas de su entorno más inmediato, permite tanto la simultaneidad como una cierta linealidad, desarrollando relaciones de diálogo y referencias cruzadas entre las obras expuestas.

La obra de Txomin Badiola ha sido objeto de muestras individuales y colectivas entre las que caben destacar PRIMER PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 días 8 horas al día en MUSAC, Léon, en 2010; La Forme Qui Pense en el Museé d'Art Moderne de Saint-Étienne, Francia, en 2007, y Malas Formas 1990-2002 en el MACBA, Barcelona, y el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 2002.

Henry Moore en Logroño

09/12/2016, Seis bronces monumentales del artista Henry Moore aproximan el arte a las personas fuera del marco habitual de museos y salas de exposiciones.

Logroño, 9 de diciembre de 2016
Esta muestra, organizada en colaboración con el Ayuntamiento de Logroño y la Henry Moore Foundation, presenta seis esculturas de bronce creadas por Henry Moore en la cúspide de su carrera, entre los años 1960 y 1982.

"Henry Moore. Arte en la calle" convierte la ciudad de Logroño en un museo a cielo abierto, y dota así de un nuevo sentido a la escultura monumental de Moore, que dialoga con el entorno, por afinidad o por contraste, y provoca un gran impacto en las personas que las descubren por primera vez.

Las seis esculturas representan los motivos principales de la obra de Moore: la fascinación por la figura reclinada y los temas sobre "madre e hijo"; la exploración de la relación entre la figura humana y el paisaje, tanto urbano como rural; la tensión entre lo natural y lo abstracto; y la transformación de los objetos naturales en formas escultóricas.

Henry Moore nació en el pequeño pueblo minero de Castleford (Yorkshire) el 30 de julio de 1898. Desde muy joven estuvo absolutamente decidido a convertirse en artista y expresó su firme deseo de presentarse a los exámenes para optar a una beca en la escuela de bellas artes de su localidad.

A los 18 años fue reclutado por el ejército durante la Primera Guerra Mundial. Al volver de la guerra solicitó una beca de ex combatiente para asistir a la Escuela de Bellas Artes de Leeds, y a finales del segundo año obtuvo otra beca para la Real Escuela de Bellas Artes de Londres.

En 1924, Moore fue nombrado profesor de escultura en la escuela londinense y empezó a moverse en el mundillo artístico de Londres. Su primer encargo, recibido en 1928, fue la realización de un relieve esculpido para la sede de transportes de Londres, en el edificio del metro de Saint James. Su primera exposición individual, compuesta por 42 esculturas y 51 dibujos, se celebró en la Galería Warren, también en 1928.

A principios de la década de los cuarenta, empezó a hacer dibujos de personas en los refugios antiaéreos del metro de Londres. Dichos dibujos, junto con los que posteriormente realizaría en las minas de carbón, son considerados como uno de sus mayores logros.

En 1946 realiza su primera exposición retrospectiva en el extranjero, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1972 presentó una exposición en Florencia, la mayor y más impresionante hasta la fecha.

En las décadas siguientes a la Segunda Guerra Mundial alcanza fama mundial con sus bronces monumentales, expuestos en espacios exteriores, cívicos y públicos de todo el mundo.

Henry Moore. Arte en la calle
Hasta el 23 de enero de 2017
Plaza del Mercado de Logroño

Mistaken Point, Patrimonio Mundial

07/12/2016, En el extremo sur de la península de Avalon, en la isla de Terranova, está Mistaken Point, un nombre que ha entrado en la lista del Patrimonio de la UNESCO en 2016.

Guiarte.com. París, 5 de diciembre de 2016
Mistaken Point es el paraíso de los amantes de los fósiles, pero no lo ha sido para los navegantes. Su nombre -mistaken point equivale a punto equivocado en español- responde a un error de diversos navegantes que en estas agitadas aguas, donde las nieblas no son infrecuentes, han confundido esta punta rocosa con el Cabo Race (unos kilómetros al nordeste) y giraron hacia el norte, pensando encontrar el mar abierto, para encontrarse directamente con las rocas.

La UNESCO señala que este sitio fosilífero se extiende a lo largo de una estrecha franja costera de 17 kilómetros de longitud formada por acantilados abruptos.

Esta franja se inicia en Daleys Point a un kilometro al sur de de Portugal Cove, para llegar a Shingle Head, a unos 4,5 kilometros al suroeste de Cape Race. La propiedad tiene un área de 146 hectáreas, con una estrecha zona tampón adicional de 74 hectáreas.

El noventa por ciento de esta franja costera es roca, salvo nueve playas de grava, interrumpidas por algunas corrientes relativamente menores.

Los acantilados datan del Periodo Ediacárico (unos 580 a 560 millones de años atrás). En ellos se pueden observar los conjuntos más antiguos de fósiles ensamblados de gran tamaño descubiertos hasta ahora, que ilustran un momento crucial de la historia de la vida en la Tierra: la aparición de organismos biológicamente complejos de grandes dimensiones, después de una fase de la evolución que duró tres mil millones de años y estuvo presidida por el predominio de los microbios.

El interés del Sitio se descubrió en los años sesenta del siglo pasado. Y la mayor parte del mismo ya estaba protegido por la legislación canadiense como reserva ecológica, por la Ley de Reservas Sustentables y Ecológicas. Que es muy estricta en la prevención de daños al espacio y sus recursos, permitiendo al mismo tiempo la investigación y las actividades educativas.

Según la documentación de la UNESCO, no hay evidencia reportada de la población de la zona por colonos aborígenes. Los primeros colonos de la misma datan de mediados del siglo XIX, dedicados a la pesca en pequeña escala, la caza y el pastoreo de praderas. Hoy, en general, el sur de la Península de Avalon, y en particular la zona de Portugal Cove South están con poca población, especialmente después del cierre de una pesquería de bacalao, en 1992.

El aislamiento relativo de Point Mistaken y el hecho de ser una región costera muy azotada por el viento han protegido este ámbito.

Tras el descubrimiento de los fósiles en 1967 se produjo un período de recogida de de estos que perduró unos 20 años. Se calcula que se eliminaron unos 200-250 fósiles que acabaron en colecciones de los museos, y en manos de particulares. Desde finales de los años ochenta se ha detenido esta práctica y los incidentes de robo o vandalismo son raros. El último intento principal conocido, en septiembre de 1998, se frustró por la intervención de residentes locales.

La principal amenaza potencial para la propiedad proviene de la violencia de los fenómenos naturales, particularmente la erosión por el violento oleaje y los derrumbes.

Es Baluard, colección permanente

05/12/2016, Es Baluard presenta una revisión de su colección permanente, formada por 124 piezas de 53 artistas fechadas entre los años 1872 y 2016.

Palma, 5 de diciembre de 2016
Con el objetivo de impulsar las obras de su colección, Es Baluard organiza la revisión expositiva de sus fondos a partir de una genealogía que vectoriza lecturas dogmáticas, alternativas y casos de estudio inéditos.

Esta nueva presentación de la colección permanente desarrolla un recorrido crítico por las prácticas artísticas locales, nacionales e internacionales que arranca en el academicismo decimonónico de proximidad respecto al paisaje natural de Mallorca y se expande en diferentes etapas y estilos para situarnos en algunos de los discursos de la contemporaneidad que analizan ese devenir entre la subversión del paisaje y la búsqueda del equilibrio estético y social.

El proyecto museográfico presenta obras de diferentes épocas con cierta continuidad cronológica. Sin embargo, este es un proyecto sobre el presente, que explora la historia del arte y sus lecturas, para mostrar nuevas metodologías de aproximación cuestionándo constantemente dichas lecturas.

La colección permanente presenta además una notable selección de obras recientemente incorporadas a los fondos del museo a partir de donaciones y depósitos de coleccionistas, artistas e instituciones, complementada con varios préstamos específicos para esta nueva lectura. Todas ellas corresponden a un periodo entre 1949 y 2016, destacando 16 relevantes piezas realizadas por Joan Miró.

Estas obras, expuestas en su conjunto, permiten la posibilidad de reabrir la historia a la participación de los feminismos, géneros y transgéneros, correlaciones entre actitudes que vehicularon lo inmaterial de lo conceptual y la performance o exploraron los intersticios del land art.

COLECCIÓN PERMANENTE
Es Baluard
01.12.2016 - 07.01.2018

Rauschenberg en la Tate Modern

02/12/2016, Del 1 de diciembre de 2016 al 2 de abril de 2017, la Tate Modern londinense presenta una gran muestra dedicada al estadounidense Robert Rauschenberg (1925-2008).

Guiarte.com. Londres, 02/11/2016
Es la primera gran exposición de su obra en el Reino Unido en las últimas décadas y la primera gran retrospectiva del artista desde su muerte en 2008. Con ello, la Tate Modern celebra su extraordinaria carrera, desarrollada a lo largo de seis décadas, reuniendo obra procedente de diversas colecciones internacionales

La exposición sobre este artista de Texas, está organizada en colaboración con el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En la muestra, la mayor sobre este artista en los últimos 20 años, se puede conocer la evolución del autor, desde su temprano compromiso con el arte Pop, hasta las obras de los albores del siglo XXI.

Rauschenberg abrió un nuevo sendero para el arte, moviéndose entre la pintura, la escultura, la fotografía, la impresión, la tecnología, el diseño y lo escénico; huyó de fronteras convencionales en el arte y en la vida. Fue el primer artista estadounidense que ganó el León de Oro por la pintura en la Bienal de Venecia en 1963, y siempre se caracterizó por la búsqueda de la innovación.

Cada capítulo de las seis décadas de la carrera artística de Rauschenberg está representado por importantes préstamos internacionales. Entre éstos se encuentra una selección de sus emblemáticos "Combines", trabajos híbridos entre pintura y escultura, entre los que figuran Monogram 1955-59, que viaja al Reino Unido por primera vez en más de medio siglo, y Bed 1955.

La exposición se inicia considerando los primeros experimentos de Rauschenberg en Black Mountain College, un centro de innovación a finales de los años 40 y principios de los 50, donde se embarcó en sus primeras colaboraciones con otros artistas y amigos: John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, David Tudor, Cy Twombly Y Susan Weil.

A partir de ahí se avanza cronológicamente, mostrando las experimentaciones de los sesenta o las obras de los setenta, cuando Rauschenberg trasladó su estudio Captiva, en la costa oeste de Florida y comenzó a viajar extensamente a través de Europa, las Américas y Asia, lo que influyó en su pensamiento y en los no convencionales.

Ese recorrido pasa hasta el Rauschenberg en del siglo XXI, cuando sigue estudiando la toma de imágenes con nuevos materiales, tintura y el uso de la tecnología digital.

Carlos III en el Museo Arqueológico Nacional

02/12/2016, El Museo Arqueológico Nacional y Acción Cultural Española (AC/E) presentan la muestra "Carlos III: proyección exterior y científica de un reinado Ilustrado".

Madrid, 2 de diciembre de 2016
Con motivo de la conmemoración del III Centenario del nacimiento de Carlos III (1716-1788) esta exposición, que podrá verse en el Museo Arqueológico Nacional hasta el 26 de marzo de 2017, analiza aspectos culturales, científicos y políticos del reinado del monarca, protagonista de uno de los grandes reinados de la historia de España.

Carlos III ocupa el trono español en el momento en que hacen entrada en España las ideas de la Ilustración. Durante casi 30 años ejecuta una profunda y meticulosa reforma de los territorios de la monarquía española. La muestra del MAN contribuye a poner en valor las cuestiones fundamentales de su trayectoria, mostrando especial interés en la política exterior y la aportación científico-cultural española, así como en el papel desempeñado por la Corona en la promoción del conocimiento.

Para profundizar en la historia de Carlos III, el MAN reúne más de un centenar de piezas procedentes de cuarenta instituciones nacionales e internacionales (EE.UU., Italia, México o Perú, entre otros), y que resultan muy significativas desde el punto de vista histórico-artístico y científico.

Obras de los grandes pintores del siglo XVIII que actuaron a modo de cronistas de esta época, como Jean Ranc, Jacopo Amigoni, Giuseppe Bonito, Anton Rafael Mengs y Francisco de Goya, compartirán espacio con importantes materiales arqueológicos mediterráneos y americanos, así como con muestras de la cartografía del periodo, instrumentos científicos, o documentos originales clave de la historia de la Europa del XVIII.

Dividida en cuatro áreas temáticas, la exposición se inicia con la presentación del rey en su entorno familiar, así como en su etapa italiana, hasta 1759. La llegada al trono español y las reformas emprendidas conforman la segunda sección de la muestra, analizando la forma en la que fueron establecidas las bases del Estado moderno y del periodo contemporáneo español. El recorrido continúa destacando la proyección del país y la presencia activa de España en los grandes acontecimientos bélicos de la época. Por último se analiza la actividad de patrocinio a la cultura y a las expediciones científicas, con hitos como la creación del Real Jardín Botánico de Madrid.

Carlos III. Proyección exterior y científica de un reinado ilustrado
16 de diciembre de 2016 - 26 de marzo de 2017
Museo Arqueológico Nacional

Las Fallas, Patrimonio Mundial Inmaterial

01/12/2016, Una veintena de manifestaciones ingresaron hasta ayer en la Lista representativa del patrimonio cultural inmaterial de la UNESCO, entre ellas las populares Fallas de Valencia.

Guiarte.com. París, 1/12/2016
Durante estos días se está reuniendo en Etiopía el Comité para la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial, responsable de la Lista representativa del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad, que se compone de expresiones que dan cuenta de la diversidad del patrimonio inmaterial y contribuyen a concienciar sobre su importancia.

Ya el día 29 de noviembre, el Comité para la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial inscribió elementos de Portugal, Uganda y Ucrania en la Lista. En el caso Portugal, se incluyó el procedimiento de fabricación de la cerámica negra de Bisalhães en tanto que de Uganda se eligió la danza y música con lira arqueada del pueblo madi, mientras que de Ucrania se añadieron los Cantos cosacos de la región de Dnipropetrovsk.

En la mañana del día 30 se añadieron al Patrimonio Mundial la celebración del Año Nuevo compartida por 12 países asiáticos, festividades de Bélgica y China, así como la rumba cubana.

Ese mismo día, por la tarde, se incluyeron once nuevas manifestaciones culturales, entre ellas las fallas, el merengue de la Republica Dominicana y los tres alfabetos distintos que todavía se siguen usando actualmente en Georgia: el mrgvlovani, el nuskhuri y el mkhedruli.

En el texto de la UNESCO, respecto a las fallas, se dice que esta fiesta tradicional anuncia la llegada de la primavera. Se caracteriza por la construcción e instalación de grandes grupos escultóricos de efigies caricaturescas (fallas), creados por artistas y artesanos locales que se inspiran en sucesos de la actualidad política y social.

Para simbolizar la purificación y renovación primaverales de la actividad social de las comunidades, las fallas se erigen en las plazas de la ciudad entre el 14 y el 19 de marzo y se les prende fuego este último día, que marca el fin de las festividades. Forman también parte de la fiesta múltiples desfiles callejeros de bandas de música, comidas al aire libre y quemas de castillos de fuegos artificiales. Transmitida en el seno de las familias, la práctica de esta festividad cultural refuerza la cohesión social y propicia la creatividad colectiva de las comunidades.

En Adís Abeba, el Comité para la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial continua sus reuniones hasta el 2 de diciembre.

Maestro Mateo en el Museo del Prado

01/12/2016, El Museo del Prado presenta una exposición dedicada al Maestro Mateo y su trabajo en la catedral de Santiago de Compostela.

Madrid, 1 de diciembre de 2016
El Museo del Prado, la Real Academia Gallega de Bellas Artes y la Fundación Catedral de Santiago presentan una excepcional selección de catorce piezas que fueron retiradas de la fachada occidental y el coro de la catedral de Santiago y que se conservan en el museo de la basílica jacobea y en distintas instituciones y colecciones particulares.

Esta exposición monográfica ofrece al visitante la oportunidad de conocer en profundidad un período dorado en la historia de la basílica, comprendido entre los años 1168 y 1211. Destacan las esculturas de David y Salomón, restauradas recientemente, y una Estatua-columna masculina descubierta el pasado mes de octubre en el interior de la torre sur de la catedral.

 La muestra reúne las nueve esculturas conocidas que se conservan de la desaparecida fachada exterior del Pórtico de la Gloria, así como otros elementos clave que también formaron parte de ella como un rosetón y dos dovelas.

Catorce piezas en total, algunas de las cuales vuelven a reunirse después de casi quinientos años, que presentan un relato nuevo y completo del trabajo del Maestro Mateo y su taller en la catedral compostelana durante más de cuatro décadas.

El Maestro Mateo acometió la conclusión de la basílica desde 1168 aproximadamente, en la exposición se puede ver el documento que concede al artista una pensión vitalicia por parte del rey Fernando II de León.

Durante cuarenta años, Mateo y su taller llevarían a cabo importantes obras en tres ámbitos destacados del templo: la “cripta”, el Pórtico de la Gloria y la desparecida fachada occidental.

La “cripta” fue construida para salvar el desnivel entre las naves de la iglesia y la plaza del Obradoiro y sirve de sustento al pórtico, con el que presenta claras semejanzas formales e iconográficas, introduciendo nuevas formas artísticas de influjos franceses, italianos, e islámicos.

Los dinteles del Pórtico de la Gloria, una de las obras cumbre del arte europeo en la transición de los siglos XII al XIII, fueron colocados el 1 de abril de 1188. La obra se encuentra actualmente en proceso de restauración para recuperar su policromía y solucionar los problemas de conservación.

El Maestro Mateo también construyó el coro pétreo que se instaló en los cuatro primeros tramos de la nave central de la iglesia y que fue reemplazado por otro de madera a comienzos del siglo XVII.

La OMT apoya al turismo egipcio

30/11/2016, La Organización Mundial del Turismo (OMT) intenta apoyar la reactivación del Turismo a Egipto, afectado por la inestabilidad de la región.

Guiarte.com. Madrid, 30/11/16
La OMT y el Consejo Mundial de Viajes y Turismo, WTTC, han demandado al Reino Unido levantar la actual prohibición a las compañías aéreas con sede en el Reino Unido de volar a Sharm el Sheikh, importante centro turístico en el extremo sur de la península de Sinai.

En una carta a la primera ministra, Theresa May, el presidente y consejero delegado del CMVT, David Scowsill, y el secretario general de la OMT, Taleb Rifai, subrayan la importancia de reanudar la actividad en esta zona costera de Egipto, puesto que las recomendaciones vigentes están teniendo efectos devastadores en la economía y en la estabilidad social del país. La prohibición de volar está vigente desde que un avión de la compañía aérea Metrojet, que cubría la ruta Sharm el Sheikh - San Petersburgo, se estrellara en el desierto del Sinaí, en octubre de 2015.

«Los viajes y el turismo son vitales para la economía y la paz social en Egipto, pues representaron un 11% del PIB y 2,6 millones de empleos en 2015. La disminución del número de visitantes ha provocado una gran destrucción de empleo. La principal preocupación del país es la desesperación que la falta de oportunidades laborales ha causado, especialmente entre los jóvenes, lo que los ha vuelto más vulnerables a la radicalización o a la huida en barcos de refugiados», manifestaron.

Según la OMT, las autoridades egipcias han tomado importantes medidas en materia de seguridad tanto en el aeropuerto como en sus inmediaciones. Estas mejoras están en conformidad con las normas de seguridad de los departamentos de Transportes del Reino Unido y otros países europeos.

Egipto pasa por un momento económico difícil. En el que se ha unido la instabilidad de la zona tras los movimientos de “primavera” del 2011 y otros factores como la bajada del comercio mundial, que hace que pase menos flujo por el Canal de Suez. El turismo va mal, la moneda se está depreciando de día a día y crece el malestar social por las dificultades.

De los casi 15 millones de turistas llegados en 2.010, se ha pasado a los 9 millones de viajeros en 2015… y lo peor es que el turismo internacional sigue sin interés por la mayoría de los países árabes, en los que no brilla la estabilidad social.

Bulgari y Roma

30/11/2016, Hasta el 26 de febrero de 2017 el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición sobre cómo ha inspirado el arte romano a los diseñadores de la firma italiana de joyería.

Madrid, 30 de noviembre de 2016
Desde su fundación, Bulgari ha incorporado ha sus creaciones los rasgos más característicos de la ciudad como hilo conductor, simbólico y artístico. El Coliseo, la plaza de San Pedro, la escalinata de la plaza de España, las fuentes de Piazza Navona o el Panteón han servido de inspiración para collares, pulseras, pendientes y broches realizados en oro o platino y piedras preciosas.

La muestra del Thyssen-Bornemisza pone de manifiesto esta estrecha vinculación a través de 149 piezas de joyería de la Colección Heritage de Bulgari y de prestamistas particulares, junto a 38 pinturas, dibujos, esculturas y fotografías de diversos artistas europeos como Canaletto, Gaspar van Wittel, Ippolito Caffi o Arthur John Strutt, que inmortalizaron la ciudad de Roma en su obra.

Bulgari y Roma propone un viaje por los más de 130 años de historia de la firma, desde los accesorios realizados artesanalmente por Sotirio Bulgari a finales del siglo XIX, pasando por las piezas de platino y diamantes de las décadas de 1920 y 1930, hasta llegar a las creaciones más actuales de la casa.

Descendiente de una familia griega de orfebres, Sotirio Bulgari viajó a Italia a finales del siglo XIX y abrió las puertas de su primera tienda en Roma en 1884. En 1905 inauguró la actual sede de la casa, en el número 10 de Via Condotti. Sus hijos Giorgio y Constantino se harían cargo del negocio tras su fallecimiento, en 1932. Dos años más tarde reinauguraron la tienda tras una gran reforma y cambiaron definitivamente el nombre a BVLGARI, con la tipografía de las inscripciones de la antigua Roma. Los dos hermanos optaron por alejarse de la escuela francesa de joyería, caracterizada por el uso del platino y los diamantes en diseños geométricos, y comenzaron a unir los diamantes con piedras preciosas de colores y de talla cabujón, toda una revolución en el diseño de joyas.

El período de posguerra favoreció la experimentación estilística de Bulgari, sobre todo en cuanto al uso del color, y en los años cincuenta comenzaron a introducirse combinaciones cromáticas sin precedente. Con el auge de la dolce vita romana, la firma se dio a conocer entre actrices y protagonistas de la jet set italiana e internacional. La década de 1970 significó la primera fase de la expansión internacional de la casa, con la apertura de tiendas en Nueva York, Ginebra, París y Montecarlo.

Bulgari y Roma
Hasta el 26 de febrero de 2017
Museo Thyssen-Bornemisza

Desierto de Lut, Patrimonio Mundial

29/11/2016, El Desierto de Lut es uno de los espacios más extraños del planeta. En 2016 fue incluido en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Guiarte.com 29/11/2016
Conocido por ser el ámbito con la temperatura más elevada (70,7 grados Celsius, según mediciones de la NASA), este desierto iraní ha sido considerado como territorio “abiótico”, es decir, sin vida, aunque en el informe enviado para su catalogación se citan algunos datos de flora y fauna.

Situado al sudeste de Irán, el nombre de desierto de Lut en persa (Dasht-e-Lut) significa desierto vacío. Es una zona subtropical en la que en primavera hay alguna lluvia, pero que resulta azotada entre junio y septiembre por vientos de gran fuerza que transportan sedimentos y provocan una erosión eólica de proporciones colosales.

En el sitio se pueden observar algunos de los más espectaculares relieves eólicos formados por crestas onduladas masivas (“yardangs”), así como vastos desiertos de piedra y un enorme campo de dunas, que constituyen en su conjunto un ejemplo excepcional de los procesos geológicos en curso de evolución. Las mayores dunas están en el sudeste y son de gran espectacularidad, alcanzando 300 metros de altura, una cota máxima entre las dunas de la Tierra.

El desierto se enclava en el cinturón árido que avanza desde la costa del Atlántico por la Península Arábiga hasta llegar a Mongolia. Se encuentra en el sureste de la República Islámica del Irán y a caballo entre las tres provincias iraníes de Kermān, Sistāno Balūchestān y Khorāsān-e Jonūbi. Es un área continental árida notable, de la cual se ha integrado como Patrimonio Mundial un espacio de 2.278.015 ha. rodeado por una zona de amortiguación de 1.794.134 ha., que varía en anchura entre 10 y 30 kilómetros.

Se trata de una tierra desnuda, prácticamente sin agua ni vegetación, en una cuenca interior rodeada de montañas. La topografía regional da lugar a que el área sea un punto para el drenaje interno, donde se recolectan y evaporan las aguas dejando una llanura de la sal (que en algún momento fue lago) a 117 m sobre el nivel del mar.

El río entrante más grande, el Rud-e Shur, drena una cuenca al norte de la zona designada. Es perenne, pero muy salino. De modo que cuando entra en la zona central sus orillas están desprovistas de vegetación ribereña y su canal permanece revestido con cristales de sal. El Fahraj es la mayor cuenca del río que drena desde el sur, con un flujo intermitente.

La región ha sido descrita en el pasado como un lugar de "sin vida". Sin embargo, el dossier de candidatura documenta la escasa flora y fauna conocida de la zona, incluyendo un interesante grupo de insectos adaptados a este ambiente extremo. La información suplementaria proporcionada por el Estado Parte confirma que no se ha llevado a cabo un estudio exhaustivo de la diversidad biológica en la región.

Dentro del área designada, sólo en el borde occidental se incluyen asentamientos humanos (28 pueblos) En la zona de amortiguamiento hay 15 pueblos y la ciudad de Shahdad con una población de casi 6.000 personas. La región tiene evidencias de vida humana desde hace 7000 años, sin embargo esto siempre ha ocurrido en la periferia del área, porque la aridez de la zona central la hizo inhabitable.

Arte y diseño en Viena 2017

28/11/2016, Viena comenzará en 2017 a celebrar el centenario del fallecimiento del expresionista Egon Schiele (1890 – 1918 ) uno de los grandes del arte moderno austríaco.

Guiarte.com. Viena, 28/11/2016
Egon Schiele será, junto con varios personajes de la dinastía de los Habsburgo, el centro de atención de algunas de las principales exposiciones que se presentarán en Viena durante la primera mitad de 2017.

Según informa Turismo de Austria, la oferta expositiva de la capital austríaca presenta numerosas alternativas:

Como inicio del año conmemorativo de Egon Schiele, la Albertina presenta una gran muestra con obras de su amplia colección. La exposición permitirá descubrir un panorama global único de la trayectoria de Schiele en cuanto a pintor y acuarelista y una introducción a su obra, cuyo tema central es la soledad existencial del hombre.

El Mumok tratará el tema de la vanguardia feminista de los años 70 en su muestra Woman. Más de 300 obras de arte de la “Colección Verbund“ ilustran la manera en que las artistas de ese tiempo crearon, por primera vez y de manera colectiva, una nueva y propia “imagen de la mujer”.

El Palacio de invierno, situado en el casco antiguo de Viena, muestra una exposición de Judith Clark y el psicoanalista Adam Phillips. “Frívolo – vulgar – atrevido. Fashion Redefined” cuenta con más de 120 objetos (desde el Renacimiento hasta el siglo XXI) obras procedentes tanto de colecciones de todo el mundo como de diseñadores y casas de moda tales como Christian Dior, Christian Lacroix, Louis Vuitton y Vivienne Westwood.

Dos exposiciones en la Antesala de audiencias de los Apartamentos imperiales del Palacio del Hofburgestán están dedicadas en 2017 a personajes de la familia Habsburgo.

El emperador Francisco II, abuelo del emperador Francisco José I, aparece en tres impresionantes pinturas murales de la antesala de audiencias, obra del famoso pintor Johann Peter Krafft de los años 1830. Partiendo de este ciclo, se presenta la figura del primer emperador austríaco y último emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. La segunda muestra trata la figura de la emperatriz Isabel (Sisi) en su papel de reina de Hungría. El amor de la esposa del emperador Francisco José por los magiares, sus numerosas estancias en Gödöllő y la gran veneración que recibía “Sisi” por parte del pueblo húngaro son los temas centrales de la exposición.

Otras exposiciones están dedicadas al tricentenario del nacimiento de otra famosa Hasburgo. “Tricentenario de María Teresa: estratega – madre – reformadora” es el título de una amplia exposición que se realiza en cuatro lugares diferentes. Las muestras del Museo del Carruaje y el Hofmobiliendepot - Museo del Mueble de Viena, así como las del Palacio de Hof y el Palacete de Niederweiden (ambos en la Baja Austria) retratan la figura de la principal monarca del despotismo ilustrado, que durante su reinado (1740-1780) impuso numerosas reformas. Madre de numerosos hijos, se convirtió en símbolo de la madre de la patria. También la Biblioteca Nacional de Austria celebra el aniversario de María Teresa con la exposición María Teresa. La mujer más poderosa de la familia Habsburgo.

El MAK – Museo austríaco de artes aplicadas / Arte contemporáneo centra su atención en el vidrio en tres exposiciones. El vidrio de los arquitectos. Viena 1900–1937 tematiza por primera vez la gran influencia que tuvieron los diseños de los jóvenes arquitectos de la Era Moderna vienesa en el desarrollo del vidrio artificial durante las tres primeras décadas del siglo XX. Se trata de una exposición de 370 objetos de vidrio, mayoritariamente de la colección del MAK. La exposición Vidrio de la época Biedermeier muestra los mejores objetos de la colección Biedermeier del MAK comparados con los mejores ejemplares de la colección de vidrio de Christian Kuhn. La muestra Lobmeyr – Posiciones contemporáneas ilustra la producción del famoso fabricante vienés en los últimos diez años y se centra en las cooperaciones realizadas con artistas y diseñadores, las reediciones y los artefactos de iluminación.

Descubren estructura en Chichén Itzá

28/11/2016, Un equipo multidisciplinar ha hallado una segunda subestructura en la Pirámide del Castillo o de Kukulcán, en Chichén Itzá, según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Guiarte.com. Ciudad de México, 28 de noviembre de 2016
Chichén Itzá es una ciudad prehispánica, uno de los centros más importantes de la civilización maya en la península del Yucatán, y forma parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, desde 1988.

Según la UNESCO, la fusión de las técnicas de construcción mayas con nuevos elementos procedentes del centro de México hacen de Chichén-Itzá uno de los ejemplos más importantes de la civilización maya-tolteca del Yucatán. Entre los edificios que han sobrevivido al paso del tiempo figuran el Templo de los Guerreros, el Castillo y el observatorio circular conocido por el nombre de El Caracol.

El hallazgo anunciado se halla en el interior de la pirámide de El Castillo conocida también como de Kukulkán. El nombre del Castillo le fue dado por los españoles que llegaron a la zona y que identificaron la construcción con una fortaleza, en tanto que el de Kukulkán lo debe a la divinidad maya a la que se rendía culto en el lugar.

Según el INAH, dentro de los trabajos de la segunda fase del proyecto denominado “Estudio de tomografía de resistividad eléctrica 3D en la pirámide de El Castillo, Chichén-Itzá, México”, especialistas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), ha confirmado la existencia de una segunda subestructura en dicho monumento, edificada entre los años 550 y 800 d.C., la etapa más temprana y menos conocida de este asentamiento maya.

Los investigadores René Chávez Segura, Gerardo Cifuentes Nava y Esteban Hernández Quintero, del Instituto de Geofísica (IGf), junto con Andrés Tejero Andrade, de la Facultad de Ingeniería (FI) de dicha casa de estudios, y la arqueóloga del INAH, Denisse Argote Espino, comentaron en una rueda de prensa que los exámenes geofísicos aplicados a la también llamada Pirámide de Kukulcán, confirman la presencia de un antiguo cenote bajo el templo, cuyo descubrimiento fue anunciado en agosto de 2015.

Los académicos de la UNAM indicaron que, al igual que en su anterior fase de trabajo, usaron una tecnología innovadora desarrollada por ellos mismos, que se vale de herramientas no invasivas de exploración geofísica somera, para colocar detectores eléctricos alrededor de la pirámide y transmitir corriente en aras de “iluminar” el interior del templo y obtener datos como la diferencia de potencial y la resistividad del subsuelo.

El análisis de los cambios en las propiedades físicas subterráneas, así como un examen en 2D desde una escalinata interna localizada arqueológicamente en 1931, les permitió trazar las dimensiones de una segunda subestructura en el costado sureste de la pirámide, que aproximadamente mediría 13 metros de alto, por 12 metros en dirección sur-norte y 18 en dirección este-oeste.

Al hablar acerca de la trascendencia de este hallazgo, la arqueóloga Denisse Argote aseveró que por medio de los nuevos datos, podrá conocerse más de la primera etapa monumental de Chichén Itzá, aquella cuando los “mayas puros”, es decir, sin contacto aún con civilizaciones extranjeras del actual centro de México, iniciaron la edificación de templos y edificios con alturas mayores a los cinco o diez metros de altura.

Al igual que otros sitios arqueológicos prehispánicos, la pirámide original y otras construcciones de la urbe, fueron cubiertas durante una segunda etapa habitacional, entre los años 800 y 1,000 d.C., y nuevamente por la tercera y actualmente visible etapa, desarrollada entre los años 1,050 y 1,300 d.C.

“Estas fases constructivas se deben a múltiples factores, desde la renovación en los grupos de poder hasta el deterioro natural de los edificios, sin embargo, los constructores se limitaban a rellenar y cubrir los templos antiguos ya que, justamente, se trataba de lugares sagrados que no podían destruirse pues eran necesarios para mantener el contacto con sus mundos espirituales”.

Según los estudiosos, la confirmación geofísica tanto del cenote como de la segunda subestructura, podría guiar a futuros trabajos de exploración arqueológica para ubicar el acceso al adoratorio primigenio de la zona. Una opción idónea para lograrlo, indicaron, sería estabilizar y usar el túnel abierto en 1931, con el fin de no exponer la pirámide a daño alguno.

Shennongjia de Hubei, Patrimonio Mundial

25/11/2016, En el listado de Patrimonio Mundial de la UNESCO entró en el año 2016 el sitio Shennongjia de Hubei (China) por sus valiosos tesoros naturales.

París, 25 de noviembre de 2016
Situado en la provincia de Hubei, en el centro-este de China, este sitio consta de dos zonas: Shennongding/Badong, al oeste, y Laojunshan, al este. Una carretera y un corredor de unos 10 kilómetros de ancho dividen las zonas, espacio también está incluido en la zona de amortiguamiento.

El sitio es el número 50 de los designados por la UNESCO en China y se encuentra entre los montes Daba y Wudang. Incluye un total de 318 ha. y una zona de amortiguación de 41,536 ha.

En ellas se encuentran los bosques primarios más vastos del centro del país, donde tienen su hábitat numerosas especies animales poco conocidos.

El sitio, que es uno de los tres grandes centros de diversidad biológica existentes en China, ocupa un puesto destacado en la historia de las investigaciones botánicas y ya atrajo la atención de expediciones internacionales de recolección de plantas en los siglos XIX y XX. De 1884 a 1889 se registraron más de 500 nuevas especies de la zona.

En la zona habitan muchas especies de animales significativos de la región. Se han registrado más de 600 especies de vertebrados, incluyendo 87 mamíferos, 389 aves, 46 peces, 51 reptiles y 36 especies de anfibios. También han sido identificadas 4.300 especies de insectos.

Entre las especies de animales figura la salamandra gigante china, el oso de collar y dos especies de leopardos, aunque el animal más emblemático es el langur chato dorado (Rhinopithecus roxellana), una especie que habita parte del año en espacios cubiertos de nieve.

Foster rehabilitará el Museo del Prado

25/11/2016, Los arquitectos Norman Foster y Carlos Rubio ganan el concurso de proyectos para la rehabilitación del Salón de Reinos.

Madrid, 25 de noviembre de 2016
El jurado del Concurso internacional para la rehabilitación arquitectónica y adecuación museística del Salón de Reinos de Buen Retiro ha comunicado, en un pleno del Real Patronato del Museo Nacional del Prado celebrado el pasado 24 de noviembre, el fallo del mencionado concurso.

La propuesta ganadora, presentada por el equipo integrado por Foster + Partners L.T.D. y Rubio Arquitectura S.L.P, rentabiliza al máximo el uso museístico en el edificio y crea un gran atrio de acceso en la fachada sur, de carácter semiabierto y en el que se recuperan los huecos y balconadas del Salón de Reinos. Sobre dicha fachada emerge la prolongación de un gran espacio expositivo, formando la cubierta del atrio y con una terraza orientada al eje Parque del Retiro – Paseo del Prado, a través de la calle Felipe IV.

El diseño seleccionado responde a las necesidades espaciales del museo, realzando los espacios históricos que forman el núcleo del edificio y consolidando la identidad del campus del Museo del Prado y revitalizando su conexión con la ciudad.

El jurado destaca como principales valores la gran calidad de la propuesta arquitectónica, que respeta y valora lo existente adecuándolo a las necesidades actuales; la inteligente satisfacción de los requerimientos museológicos; la acertada integración del edificio en su entorno; y el eficaz estudio de costes de la obra.

El Museo del Prado expondrá la propuesta ganadora y las presentadas por los otros siete equipos finalistas del concurso a partir del día 1 de diciembre.

Foster + Partners fue fundado en 1967 por Norman Foster (Mánchester, Reino Unido, 1935). Entre sus proyectos museísticos destacados se encuentran las intervenciones realizadas para el Carré d’Art (Nîmes, Francia, 1993), el Gran Patio y las Galerías Sainsbury del Museo Británico (Londres, Reino Unido, 2000), el Patio Robert y Alene Kogod de la Smithsonian Institution (Washington DC, Estados Unidos, 2007), el Museo de Bellas Artes de Boston (Boston, Estados Unidos, 2010), la Lenbachhaus (Múnich, Alemania, 2013) o el Museo Imperial de la Guerra (Londres, Reino Unido, 2014).

Arte en las alambradas

24/11/2016, El periodista y ensayista Francisco Agramunt acaba de publicar el libro “Arte en las alambradas. Artistas españoles en campos de concentración, exterminio y gulags”.

Artemio Artigas. Valencia 24/11/2016
A lo largo de las casi 700 páginas de este volumen, Agramunt, profundiza sobre un aspecto poco conocido y estudiado dentro de la historiografía artística del exilio republicano español, el de “la experiencia concentracionaria”. El autor –muy interesado en el mundo del exilio- está preparando en la actualidad otro ensayo específicamente dedicado al “Exilio artístico español en Francia”

A preguntas de guiarte.com, Agramunt manifestó que el tema del exilio artístico se le planteó tras escribir “Arte y represión en la Guerra Civil”, libro publicado conjuntamente por la Junta de Castilla y León y la Generalitat Valenciana, en el que dedicaba un capitulo al exilio artístico como resultado de la derrota republicana de 1939.

“Tenía –dice- mucho material y decidí escribir un nuevo libro centrándome en la presencia de los artistas republicanos en los campos de concentración franceses, en los de exterminio nazis y en los gulags soviéticos. Se trata de tirar del “ovillo” de la memoria histórica y recuperar una parte inédita y desconocida de la historiografía artística española del siglo XX. “Son muy pocos los autores e investigadores que han abordado esta parte olvidada de nuestra historia artística debido principalmente a la escasez de documentación, testimonios de los protagonistas y datos”.

Respecto a las dificultades de la obra – en la que se analizan los mundos de la fotografía y el arte en general- Agramunt afirma que el gran problema que ha tenido fue localizar testimonios, pues la mayor parte de los protagonistas murieron y el contacto con sus herederos y familiares fue difícil ya que muchos de ellos se exiliaron a diversos países europeos y latinoamericanos. “A pesar de ello he conseguido muchos datos de estos artistas y fotografías inéditas, algunas de las cuales ilustran el libro”.

Recuerda el autor que varios de los grandes maestros del arte español fueron emigrantes económicos y exiliados políticos cuya lista la encabezaría Francisco de Goya, y en la que estarían entre los contemporáneos, Picasso, Juan Gris, María Blanchard, Julio González, Luis Fernández, Joan Miró, Manolo Hugué, Josep Viladomat, Josep Rebull, Rafael Barradas, Ángel Ferrant, Francisco Bores, Manuel Ángeles Ortiz, Joaquín Peinado, Fernando Viñes, Ismael de la Serna, Alfonso Olivares, y un amplio etcétera. “Gracias a ellos se pudo conocer la realidad artística de un país cerrado a Europa, sobre todo en el periodo franquista. Su participación en la Escuela de Paris catapultó el nombre de España en todo el mundo y consolidó al país como potencia artística”.

Según Agramunt, “la mayor parte de los artistas exiliados republicanos que pasaron por los campos de concentración testimoniaron en algún momento de su vida artística su paso por los campos de concentración y exterminio, destacando los nombres de Josep Bartoli. Josep Aguilera, Antonio García Lamolla. Albert Santmarti, Ramón Mila, Pablo Vecino, José Antonio Ramón Parra, Manuel Camps, Francisco Bajen, Jaime Cañameras, Orlando Pelayo, Rodolf Jauria, Eduardo Muños Orts., Ángel López Obrero, Pedro Flores, Pedro Creixam, Inocencio Burgos, Antoni Clavés, Balbino Giner García, Gabriel García Maroto, Ángel Ferrant, Manuel Colmeiro, Luis García Gallo. Antonio Camarón, Pere Calder, Salvador Soria, Pau Roig, Pablo Salen, Luis Bagaria, Francisco Forcadell, Pio Fernández Cueto, José García Álvarez, Juan Estelles, María Luisa Fernández, Fernando Teixidor, Francisca Rubio, Luis Quintanilla, Mariano Otero, Juan Hurtado, Arturo Bladé, Juan Nuri, Francisco Boix, Antonio de Guezala, Rogelio Martin, Josep Escoda, Jaume Passarell, Fernando Rahola, Manuel Gallur, y un amplísimo etcétera”.

Respecto a su próxima obra sobre el exilio español en Francia, destaca que incluye un capítulo dedicado a la presencia de los artistas republicanos en los grupos de la resistencia francesa que combatieron la ocupación nazi y también aquellos que se incorporaron al maquis tratando de desalojar del poder a Franco en los años cuarenta y cincuenta.

Igualmente dedica otro apartado a los artistas republicanos incorporados en el ejército francés durante la II Guerra Mundial y a los que se integró en las filas de la Legión Extranjera y a las fuerzas regulares de la Francia Libre y finalmente a los que formaron parte de la Novena Compañía blindada del General Leclerc que liberó Paris en 1944.

En la introducción de la obra “Arte en las alambradas”, Agramunt destaca que “Para los creadores plásticos, confinados en estos siniestros lugares donde morían víctimas del hambre, enfermedades, palizas y trabajos forzados miles de seres humanos, no parecía el escenario propicio para elaborar obras de arte, y si lo hicieron se debió a un sentimiento de repulsa y rechazo encaminado a testimoniar las tendencias más destructivas y atávicas de la miseria humana”.

“Prosperó entre los artistas una necesidad de recrear como última opción que les quedaba las imágenes del terror como si se tratase de un acto final de rebeldía que les permitía devolverles la posibilidad de recuperar su dignidad, llevar a cabo una existencia plena, conseguir un germen de esperanza y liberarse de esa sensación de impúdico aburrimiento (…) Desde una perspectiva estética, la tradicional belleza dejó de ser una categoría al disociarse esquizofrénicamente de una realidad trágica, fea y escabrosa, hecha con zarpazos, sangre y muerte, que nos recordaba nuestra ruindad moral y el primitivismo atávico que nos retrotraía a los más primitivos instintos”.

"Los artistas –escribe Agramunt- consiguieron recrear de esta manera, a escala menor, pinturas, dibujos, grabados, esculturas, maquetas, fotografías y objetos artísticos cotidianos, verdaderas metáforas visuales elaboradas con materiales muy humildes y elementales, como papeles, cartones corrugados, troncos de árboles listones, piedras de granito, cantos rodados, planchas y alambres de hierro, trozos de lona y tela, de gran valor documental y prodigiosamente ejecutadas, sin apenas herramientas, que permitieron conocer los aspectos de la vida concentracionaria desde diversos ángulos. Afloraron obras personales hechas ajenas a las modas y a las exigencias normativas o academicistas, de gran contenido literario, y caracterizadas por un afán de esquematización, de síntesis y rigor, sin florituras, surgidas del abismo más desgarrado de la interioridad”.

El pez espada del Mediterráneo, al borde del colapso

24/11/2016, WWF pide que se ponga fin a tres décadas de sobrepesca y que se apruebe un plan de recuperación para evitar el colapso de esta especie, así como del atún rojo y el tiburón.

Vilamoura, Portugal, 24 de noviembre de 2016
WWF está seriamente preocupado por el futuro de especies clave como el pez espada del Mediterráneo, el atún rojo y varias clases de tiburones. La situación actual del pez espada es abrumadora, actualmente se captura el doble de lo que la comunidad científica recomienda y apenas queda un 30% de la población que había hace 30 años en el Mediterráneo. A esto se suman otros problemas, ya que cerca del 70% de las capturas de pez espada son juveniles y son varios los países de la UE que incumplen las normas de pesca, poniendo en grave riesgo la continuidad de la especie.

La organización insta al ICCAT, organismo responsable de la gestión de los atunes en el Atlántico y el Mediterráneo, al establecimiento de un plan de recuperación para esta pesquería, con iniciativas como un límite de capturas que permita que esta explotación se adapte a los niveles que recomiendan los científicos, o el control de una talla mínima a la hora de pescarlos acorde a la edad de madurez. WWF apuesta además por poner en marcha un sistema de seguimiento, control y trazabilidad para luchar contra la pesca ilegal y no declarada, y explorar el uso de anzuelos circulares para los palangres a la deriva con el fin de reducir las capturas no deseadas.

"El futuro del pez espada del Mediterráneo está seriamente amenazado, las capturas han disminuido casi un 50% en los últimos veinte años y se pescan demasiados juveniles antes de que se puedan reproducir y asegurar la supervivencia de la especie" apunta Giuseppe Di Carlo, Director de la Iniciativa Marítima Mediterránea de WWF.

Por otro lado, la organización también muestra preocupación por el destino de los tiburones. WWF recuerda que, aunque el estado de la tintorera y el marrajo dientuso no es preocupante, estas pesquerías carecen de límites de capturas y de un marco de gestión que garantice su sostenibilidad.

Por último, WWF también pide que se establezcan Reglas de Control de Capturas en las pesquerías de atunes tropicales.

Sorolla en París

24/11/2016, El Museo Sorolla recorre la historia del reconocimiento internacional de Sorolla, desde su primer viaje a París, hasta su consagración definitiva con su exposición en la Galería Georges Petit en 1906.

Madrid, 24 de noviembre de 2016

La muestra, que podrá verse hasta el 19 de marzo de 2017 en el Museo Sorolla de Madrid narra la historia del triunfo del pintor valenciano a través de las pinturas que marcan los hitos de su carrera internacional. De forma paralela, descubre su evolución, desde sus primeros trabajos de carácter social hasta la experimentación con la luz y el color en sus cuadros de temática marina.

Esta exposición presenta una mirada a Sorolla desde el prisma de los estilos artísticos que convivían en 1900, y que combinaban el naturalismo, la luminosidad del impresionismo y la instantaneidad de la vida moderna con la solidez compositiva y la elegancia de los viejos maestros.

Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los grandes nombres de la pintura española del siglo XX, creador de algunas de las imágenes más rotundas y brillantes de la España luminosa y mediterránea.

Desde los inicios de su carrera, Sorolla soñó con convertirse en un gran artista internacional. Con 23 años visita por primera vez París, quedando deslumbrado por su ambiente artístico y declarándose seguidor absoluto del naturalismo pictórico. Tras años de trabajo y preparación comienza a presentar sus obras en el Salon des Artistes Français de París, y en certámenes internacionales en Munich, Berlín o Viena y en la Bienal de Venecia.

Las obras que Sorolla presenta, en gran formato y de elaboradas composiciones herederas del estilo académico, cuentan a su vez con la presencia de las novedades estilísticas procedentes de los foros artísticos más modernos. Partiendo del naturalismo, Sorolla introduce nuevas perspectivas degasianas, inspiradas por la fotografía y la estampa japonesa. El pintor experimenta la instantaneidad y luminosidad del impresionismo, y su pincelada suelta, brillante y rica en matices se combina con la solidez compositiva de maestros como Velázquez.

Sorolla cobra importancia en los círculos internacionales con obras en las que el principal protagonista es el mar Mediterráneo. Sus obras relacionadas con el mundo del trabajo muestran una clara preferencia por las actividades de los marineros en las playas de Valencia. Con el tiempo su pintura se libera de la corporeidad de las figuras para plasmar la fluidez cambiante del mar y los efectos de la luz sobre el agua, alcanzando su cénit en la serie pintada en Jávea durante el verano de 1905, donde se encuentran algunas de las obras más importantes que configurarían su gran retrospectiva en la Galerie Georges Petit de París de 1906.

Sorolla fue un hombre muy familiar. Desde los inicios de su carrera disfrutó retratando a su mujer y a sus hijos en obras íntimas, que mostró fundamentalmente en sus exposiciones individuales en París, Alemania y Londres. Tras su triunfo en París pasa el verano en la localidad de Biarritz, donde realiza exquisitos retratos de su mujer y sus hijas en la playa, en los que muestra su dominio de la luz y el color. Estas obras, de tamaño mediano, derrochan la distinción cosmopolita que Sorolla había alcanzado en su arte.

Como artista español, Sorolla hereda un fervor reverencial por Velázquez, al que estudia desde su primer viaje a Madrid en 1881. En esos años, Velázquez ya había sido catapultado por los seguidores de Manet como el gran antecedente del arte moderno, y Sorolla aprende a mirar al maestro español bajo un nuevo prisma que renovaba el género del retrato.

En sus continuos viajes a París, se irá gestando el tránsito de Sorolla, desde sus retratos de interior, de sobria paleta velazqueña, hacia el gran pintor de retratos al aire libre en que se convertiría en su madurez.

En 1919, Sorolla presenta un conjunto de obras recientes en la que será su última exposición en París. Podrían entenderse como metáfora del camino recorrido por el artista desde sus grandes éxitos en París.

Sorolla en París
Hasta el 19 de marzo de 2017
Museo Sorolla

Ribera, Maestro del dibujo

23/11/2016, El Museo del Prado presenta una muestra cuyo objetivo es mostrar al público la variedad de dibujos de José de Ribera, su habilidad técnica y la extraordinaria originalidad de su temática.

Madrid, 23 de noviembre de 2016
El Museo del Prado presenta “Ribera. Maestro del dibujo”, una exposición monográfica dedicada a los diseños del Españoleto. La muestra, que podrá verse hasta el 19 de febrero de 2017, cuenta con obras de la talla de Aquiles entre las hijas de Licomedes del Teylers Museum en Haarlem, la Aparición de Cristo resucitado a su madre del Kent History and Library Center, o Hércules descansando de Malta.

La exposición ha sido organizada con motivo de la publicación del primer catálogo razonado completo de los dibujos del artista, que ofrece una visión completa de Ribera como dibujante y cataloga todos los diseños conocidos de su mano (unos 160).

Siguiendo un criterio cronológico y temático, esta exposición resalta la habilidad técnica y la originalidad del Españoleto en el uso de la pluma, la tinta y el lápiz, en 52 dibujos, 10 pinturas y 8 estampas.

Una ocasión única para contemplar importantes dibujos recientemente descubiertos que permiten afirmar la altísima calidad de su técnica, y de acercarse al interés del artista por la representación de cabezas y por la vida cotidiana de Nápoles con piezas como Niño con molinillo y hombre tirando de una carreta con un cuerpo, recientemente adquirido por el Prado.

José de Ribera nació en Xátiva (Valencia) en 1591. En 1606, con unos 15 años, llega a Roma en, donde se formaría como pintor combinando dos tendencias tan opuestas como el naturalismo caravaggista en su pintura y el clasicismo de corte académico en su dibujo. Posiblemente su aprendizaje se desarrolló en el ámbito académico romano, donde estudió tanto las esculturas antiguas como el arte renacentista, especialmente el de Rafael, así como las obras de los artistas coetáneos, Caravaggio, Guido Reni o el Cavaliere d’Arpino.

Ribera desarrollaría su actividad principalmente en la ciudad de Nápoles, estableciéndose en 1616 al servicio de los virreyes españoles. Allí permanecería hasta su muerte en 1652.

Ribera alcanza su madurez como artista en la década de 1620 y es en ese momento cuando queda patente su excepcional habilidad como dibujante, que queda patente en su alto nivel de acabado, su delicadeza y detallismo a la hora de usar técnicas como la sanguina. Combinando su formación en el clasicismo académico y su búsqueda del naturalismo, Ribera realiza dibujos de perfiles firmes y bien definidos, trazados con la punta de la sanguina muy afilada, y un modelado suave, en los que es fundamental el blanco del papel para sugerir luces y crear volúmenes.

A diferencia de Caravaggio y de los pintores de su estela, que no dibujaban sino que pintaban directamente en el lienzo, Ribera concedía al dibujo una gran importancia. Miembro de la Accademia di San Luca de Roma desde 1613, se había formado en el dibujo del natural. Esto ayuda a explicar la importancia de esta actividad dentro de su producción. Los biógrafos del artista lo describen como un dibujante empedernido, conociéndose hoy en día casi 160 dibujos de su mano fechados entre la primera mitad de la década de 1610 y el final de su vida.

De estos dibujos unos pocos son estudios preparatorios para pinturas o estampas, pero la mayoría son fruto de la observación y de su imaginación. El asunto principal de su obra gráfica es la figura humana. Aproximadamente la mitad de los dibujos son de tema religioso, aunque también trata asuntos mitológicos, cómo Aquiles entre las hijas de Licomedes, una de sus obras maestras. En este conjunto se encuentran también muchos dibujos de cabezas con diversos tipos de tocados. Estas cabezas son ejecutadas con todo tipo de técnicas: sanguina, lápiz negro, pluma, pincel con tinta gris o aguada roja. Pocas son diseños preparatorios para pinturas o estampas y varias presentan deformidades o rasgos muy exagerados, por lo que se han llegado a incluir dentro de la tradición leonardesca de cabezas grotescas en las que se exageran las protuberancias y anomalías.

Pero quizás lo más llamativo es el interés que el Españoleto muestra por la fealdad y la violencia, representadas en cabezas grotescas y escenas de tortura que representan hombres atados a árboles, ahorcamientos y decapitaciones. En sus representaciones de santos penitentes y mártires, sobre los que trabajó durante toda su carrera, Ribera solía optar por los momentos más dramáticos de sus penitencias o martirios, lo que le permitía centrar su atención en la tensión espiritual y el sufrimiento físico de los personajes. Su fascinación por la representación de tales suplicios hizo que durante los siglos XVIII y XIX fuese estigmatizado con la imagen de artista cruel y sádico.

En los años centrales de la década de 1630 Ribera se encontraba en la plenitud de su madurez artística. Sus dibujos aumentan en elegancia y delicadeza y las formas se vuelven casi abstractas, con trazos muy ligeros y nerviosos y entrecortados pero seguros, en ocasiones acompañados de una aguada sutil y transparente.

Los dibujos de los últimos años de vida de Ribera retoman algunos de sus temas predilectos, como el Martirio de san Bartolomé, el apóstol que fue desollado vivo, o la Adoración de los pastores. Ribera pintó un mínimo de seis Adoraciones entre 1629 y 1650 para importantes clientes como el rey de España o el virrey Medina de las Torres. En sus últimos años su estilo, que acusa una mano menos segura posiblemente a consecuencia de una enfermedad, evoluciona hacia líneas finas y trémulas y a un mayor uso de la aguada, menos sutil que en años anteriores, para animar la composición.

El Rijksmuseum y la cocina

23/11/2016, Fundado en 1800, el Rijksmuseum de Ámsterdam no sólo nos presenta la mayor colección de obras del Siglo de Oro holandés, sino que también nos habla del alimento del país.

Artemio Artigas. Ámsterdam 23/11/2016
El Siglo de Oro de la pintura holandesa (S.XVII) se caracteriza por una eclosión de autores que crean una pintura con gran personalidad. Son testigos de una sociedad rica, burguesa y alejada del catolicismo, donde el arte se alejó de la grandilocuencia barroca de los temas religiosos y se acercó hacia la historia y la vida privada. Hay una tradición de realismo que proviene de siglos anteriores, y que continúa en las imágenes de la vida campesina, los bodegones, paisajes y escenas de interior, entre las que destacan las obras de Vermeer, por ejemplo. En estos mundos pictóricos, la presencia de alimentos es habitual.

El Rijksmuseum, ahora, acaba de lanzar un libro de cocina basado en aquellos cuadros. Con cincuenta ingredientes típicos holandeses, desde patatas a algas marinas, se han creado 130 platos.

En el libro hay historias, recetas tradicionales e innovación. Cincuenta chefs y maestros pasteleros de todo el país se han inspirado en la pinacoteca para crear sus propios platos. Novecientas ilustraciones de la colección del Rijksmuseum proporcionan un marco colorido para esta aventura culinaria.

Desde el Rijksmuseum se pidió a Jonah Freud, escritor gastronómico y propietario de De Kookboekenhandel en Ámsterdam, que recopilara el libro de cocina del museo. Recogió platos originales y modernos basados en los cincuenta ingredientes que definen la cocina holandesa e invitó a cincuenta cocineros y pasteleros holandeses a crear sus propias recetas inspiradas en uno de los ingredientes.

Entre los contribuyentes a esta obra coral se incluyeron celebridades como Robert Kranenborg y Jonnie Boer, así como jóvenes, como los grandes chefs como Jim de Jong y Benny Blisto. Irma Boom fue quien diseñó el libro, impreso en un tipo de papel semejante al papel de hornear, de su propia invención.

Los objetos de la colección del Rijksmuseum, que atestiguan la rica historia culinaria de los Países Bajos, y el papel prominente de la comida y la bebida en el arte, son la base para las más de 900 ilustraciones. Desde frutas, productos lácteos y pescados en bodegones hasta cubertería, vajillas y cocinas… la historia de la cocina holandesa se extiende ante el lector, en una iniciativa encaminada a atraer la atención de las personas que aman la cocina y el arte.

20 años de la Fundación Beyeler

22/11/2016, En 2017, la Fundación Beyeler celebrará su 20 aniversario con exposiciones dedicadas a Claude Monet, Wolfgang Tillmans, Paul Klee y a la propia colección de Beyeler.

Guiarte.com. Basilea, 22/11/2016
La Fundación Beyeler, con sede en Riehen, en las afueras de Basilea, Suiza, es una notable institución artística que reúne la colección de arte de Hildy y Ernst Beyeler. Se halla en medio del campo, en un edificio singular obra de Renzo Piano, y alberga notabilísimas obras de arte de autores como Monet, Cézanne, van Gogh, Picasso, Giacometti, Warhol, Rothko, Pollock, Lichtenstein o Bacon.

El museo, que en 2017 acogerá gratis a los menores de 25 años, tiene en cartel aún la exposición "Kandinsky, Marc y Der Blaue Reiter", hasta el 22 de enero. Luego, a lo largo del 2017 -20 aniversario de la Fundación- se presentan importantes proyectos expositivos.

Obras maestras del arte moderno y contemporáneo se exhibirán con "Monet" (a partir del 22 de enero y hasta el 28 de mayo de 2017); luego le seguirá "Wolfgang Tillmans" (del 28 de mayo al 1 De octubre de 2017), y finalmente un exhaustivo examen a "Paul Klee" (del 1 octubre 2017 a 21 enero 2018).

Con motivo de la celebración de los 20 años, la Fundación Beyeler ofrece entre diciembre de 2016 y finales de enero un billete combinado para las tres exposiciones en el precio especial de 60 francos suizos.

Entre las directrices de trabajo de la Fundación para este aniversario estará la profundización de los contenidos digitales y el acercamiento al público joven, para consolidar su posición entre los grandes museos del mundo de habla germánica.

Monet
Del 22 de enero al 28 de mayo, la muestra dedicada a Claude Monet se anuncia como espectacular. Abarca desde los cuadros impresionistas hasta la obra más tardía: paisajes del Mediterráneo, la costa atlántica, el Sena, los prados floridos, sus lirios de agua, catedrales y puentes en la niebla. Una combinación de atmósferas mágicas.

La exposición de Monet presenta 50 obras maestras del pintor francés perteneciente a colecciones privadas y museos como el de Orsay de París; el Pola de Japón, el Metropolitan de Arte de Nueva York y el Art Institute de Chicago.

Fundación Beyeler: tres actos

En 2017, la Fundación Beyeler celebra su 20 aniversario ofreciendo tres exposiciones especiales de su colección permanente: una mirada hacia atrás, una mirada a la actualidad y otra hacia el futuro.

La primera presentación de la colección (5 de febrero al 7 de mayo de, 2017) es un homenaje a los fundadores Ernst y Hildy Beyeler, y está basada al punto de partida.

La segunda presentación (11 de junio hasta septiembre de 2017) muestra la colección en su estado actual. Con las nuevas adquisiciones de los últimos años.

La tercera presentación (15 de octubre 2017 al 1 de enero 2018) revelará las oportunidades de ampliación de la colección de la Fundación a través de préstamos a largo plazo concedidos por colecciones privadas estrechamente vinculados al museo y nuevas adquisiciones y donaciones.

Wolfgang Tillmans
Del 28 de mayo 28 hasta el 1 de octubre de 2017, se verá la gran exposición del verano dedicada al alemán Wolfgang Tillmans (1968), fotógrafo y artista conceptual, primer no británico en recibir el premio Turner.

La exposición gira en torno a varias imágenes -fotografías del taller, bodegones, retratos- realizadas en su estudio así como piezas musicales y videoinstalaciones. Tillmans se hizo conocido en los años 90 por sus actividades experimentadoras en las que trabaja con la fotografía, fotocopias, grabados, u otros métodos de reproducción.

Paul Klee
Del 1 de octubre al 21 de enero de 2018, se dedica una exposición al suizo Paul Klee. La retrospectiva incluye un centenar de obras del artista de todas las fases de su creación -desde 1913- y aporta valiosos préstamos de colecciones de renombre.

Con 20 obras, Paul Klee es, con Pablo Picasso, el artista más representado en la ColecciónBeyeler. El fundador del museo, Ernst Beyeler, ha sido un gran defensor de la obra de Klee. Beyeler se ha interesado especialmente por la obra tardía del autor suizo por “su la calidad del color y fuerza expresiva”.

Marta Minujín, Premio Velázquez

22/11/2016, La artista plástica argentina Marta Minujín ha obtenido hoy el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2016.

Guiarte.com. Madrid, 22/11/2016
Según informa el Ministerio de Cultura español, el jurado ha distinguido a la artista con el galardón “porque con su máxima creativa ‘todo es arte’ ha sido pionera en nuevos comportamientos artísticos y en el desbordamiento de los marcos institucionales del arte y de los medios. Su posición contracultural y el compromiso político en un momento particularmente difícil se mantienen en la coyuntura internacional actual. Su desacralización de los mitos populares y la activación de los lazos sociales le han convertido en una precursora de las prácticas efímeras y relacionales”

Este galardón lo concede cada año el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte español, desde 2002, para otorgar el reconocimiento institucional a un creador cuya obra sobresale con especial significación en el ámbito de las artes plásticas. Está dotado con 100.000 euros.

Biografía
Marta Minujín (Buenos Aires, Argentina, 1943) realizó sus estudios en las escuelas nacionales de Bellas Artes de su ciudad natal. Presentó su primera exposición individual en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes que le permitió instalarse en París. En 1964 fue invitada al Premio Nacional Di Tella, centro de referencia de los artistas de la época, donde expuso Eróticos en technicolor y Revuélquese y viva. En 1966 obtuvo la beca Guggenheim.

A comienzos de la década del 70, en un contexto de protestas civiles, Marta Minujín realiza en Nueva York, entre otras, dos importantes acciones: Kidnappening, una combinación ficcional de secuestro y happening, e Imago Flowing, que fusionaba ópera y happening.

En 1978 Minujín participa en la I Bienal Latinoamericana de Arte en el Parque Ibirapuera de Sao Paulo. Una obra paradigmática que refiere a la realidad latinoamericana es la que Marta Minujín realizó en 1985 con Andy Warhol una vez restaurada la democracia en Argentina: El pago de la deuda externa con mazorcas de maíz. Durante esta acción, que Minujín lleva a cabo en The Factory, la artista ‘paga’ simbólicamente a Warhol la deuda externa argentina con mazorcas de maíz.

Marta Minujín continúa trabajando como artista en su taller de Buenos Aires y su obra se encuentra en importantes instituciones como el Salomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, EE.UU.); en el hall Indonetian de Naciones Unidas (Nueva York, EE.UU.); Walker Art Center (Minneapolis, EE.UU); Museo de Arte Moderno (Medellín, Colombia); Museo de Arte de las Américas (Washington DC, EE.UU); Museo de Arte Moderno (Buenos Aires, Argentina), así como colecciones privadas en Francia, Italia, Brasil, Colombia, Argentina, EE.UU. y Canadá.

Cronología del Premio

2002 Ramón Gaya
2003 Antonio Tapies
2004 Pablo Palazuelo
2005 Juan Soriano
2006 Antonio López
2007 Luis Gordillo
2008 Cildo Meireles
2009 Antoni Muntadas
2010 Doris Salcedo
2011 Artur Barrio
2012 No se falló
2013 Jaume Plensa
2014 Esther Ferrer
2015 Isidoro Valcárcel
2016 Marta Minujín

Fotografían nuevo asentamiento yanomamo

21/11/2016, Survival International ha divulgado fotografías aéreas de un asentamiento amazónico de yanomamos, un poblado no detectado antes, en el que habitaría un centenar de habitantes.

Guiarte.com.- Londres, 21/11/16
Los yanomamos son una etnia que habita en remotos lugares de las zonas limítrofes de Venezuela y Brasil. Se calcula que existen unas pocas decenas de miles de individuos de esta cultura, que han sobrevivido hasta nuestros días por el aislamiento de sus territorios. Los contactos con los yanomamos han sido escasos hasta el siglo XX, pero en el tramo final se han vuelto problemáticos por los asesinatos llevados a cabo por gentes interesadas en explotar sus territorios.

El principal conflicto actual se produce con los garimpeiros, mineros que se infiltran en la selva y soportan condiciones durísimas para explotar el territorio en busca de oro o piedras preciosas. Esta invasión ha causado matanzas, y también daños graves en el medio ambiente no sólo por la explotación sino por el uso del mercurio para los procesos de amalgamar el oro.

El anuncio del hallazgo de un nuevo poblado fue hecho por Survival International, una organización surgida en 1969 en Londres y que lucha por la defensa de los derechos de los pueblos indígenas y tribales, así como por la defensa de su cultura, sus vidas y sus tierras. Según esta organización, la comunidad desconocida ahora localizada se encuentra en el norte de Brasil, cerca de la frontera con Venezuela.

Alrededor de 22.000 yanomamos viven en el lado brasileño de la frontera, y al menos tres grupos no mantienen contacto con foráneos. Estos indios son extremadamente vulnerables a la violencia y a las enfermedades que propagan los que llegan desde el exterior.

Añade Survival International que los pueblos indígenas aislados pueden prosperar. Sin embargo, la zona está actualmente invadida por unos 5.000 mineros de oro ilegales que disparan los temores de que algunas de las personas más vulnerables del planeta puedan ser aniquiladas.

La presencia de los garimpeiros ha propagado en la región enfermedades como la malaria y ha causado contaminación de las fuentes de alimento y agua de los yanomamos con el mercurio, provocando una grave crisis sanitaria.

El activista yanomamo Davi Kopenawa ha declarado que “El lugar donde los indígenas aislados viven, pescan, cazan y cultivan debe ser protegido. El mundo entero debe saber que ellos están ahí, en su selva, y las autoridades deben respetar su derecho a vivir ahí”.

Davi es presidente de la asociación Hutukara y ha sido denominado como “el dalái lama de la selva”. Respecto a los garimperios declaro que “son como termitas: siguen viniendo y no nos dejan en paz”.

Los encargados de proteger el territorio de los yanomamos son funcionarios del Gobierno brasileño. Pero actualmente afrontan severos recortes presupuestarios. Sin apoyo continuado, el equipo responsable de la región no podrá proteger el territorio yanomamo de los invasores. Esto dejaría a las tribus no contactadas expuestas al peligro de aniquilación.

Según Survival, los yanomamos conforman el pueblo indígena relativamente aislado más numeroso de América del Sur. Viven en las selvas y montañas del norte de Brasil y del sur de Venezuela. Se estima que su población total está en torno a las 35.000 personas. Hasta los años 90 se produjeron acciones de aniquilación de indios para aprovechar sus recursos, pero en 1992 se creó un “Territorio Indígena Yanomami”, tras una campaña por parte de Davi Kopenawa Yanomami, Survival International y la Comisión Pro-Yanomami (CCPY).

En la actualidad, FUNAI, el departamento de asuntos indígenas del Gobierno brasileño responsable de proteger territorios como este, afronta severos recortes presupuestarios y se teme que se supriman seis de los doce equipos especializados en indígenas aislados, entre ellos el encargado de proteger a los yanomamos.

En las fotografías distribuidas por Hutukara se ve el típico yano, una gran casa comunal que alberga a varias familias. Cada una de las secciones cuadradas del yano la habita una familia diferente, allí cuelgan sus hamacas, mantienen sus hogueras y almacenan comida.

Los yanomamos tienen un gran conocimiento botánico y usan unas 500 plantas para alimentos, medicinas y materiales de construcción de sus hogares. Se proveen por medio de la caza, la recolección y la pesca, pero también cultivan alimentos, como yuca (mandioca) o bananas, en grandes huertas que abren en la selva. Cuando esas huertas bajan de rendimiento, al cabo de pocos años de explotación, las abandonan y ubican su poblado en otro punto.

Survival International destaca que los indígenas aislados no son atrasados ni reliquias primitivas de un pasado remoto. Son nuestros contemporáneos y representan una parte esencial de la diversidad humana. Donde sus derechos se respetan, continúan prosperando. Su conocimiento es irremplazable y se ha desarrollado a lo largo de miles de años. Los pueblos indígenas aislados son los mejores guardianes de su medioambiente. Y las pruebas demuestran que los territorios indígenas constituyen la mejor barrera contra la deforestación.

Esta organización defensora de los indígenas también se opone a los intentos externos de contactarlos. El contacto siempre es mortal, y la decisión de iniciarlo les corresponde solo a ellos. Quienes entran en territorio de indígenas aislados les niegan esa posibilidad de decidir.

El director de Survival International, Stephen Corry, ha declarado que “Estas extraordinarias imágenes son otra prueba más de la existencia de aún más pueblos indígenas aislados. No son salvajes, sino sociedades complejas y contemporáneas cuyos derechos deben ser respetados. Está claro que son perfectamente capaces de vivir exitosamente sin necesidad alguna de las nociones de ‘progreso’ y ‘desarrollo’ externas. Todos los pueblos indígenas aislados se enfrentan a una catástrofe a menos que su tierra sea protegida. Estamos haciendo todo lo que podemos para garantizarles sus tierras y para que tengan la oportunidad de decidir su propio futuro”.

Las 100 fotos más influyentes de la historia

21/11/2016, La revista Time presenta "100 Photographs: The Most Influential Images of All Time", un proyecto que explora la historia a través de 100 imágenes que cambiaron el mundo.

Nueva York, 21 de noviembre de 2016
Este proyecto multimedia, en el que han colaborado durante tres años Comisarios artísticos, historiadores, editores y fotógrafos, reúne las 100 fotografías más influyentes de la historia según la conocida publicación.

Aunque la fotografía es un medio mucho más joven que la pintura (la primera foto se considera que fue tomada en el año 1826) los asombrosos avances tecnológicos desde entonces realizados han hecho que la fotografía se haya convertido en el medio más usado a la hora de captar la realidad.

Todo comenzó con lo que parecía una idea sencilla: reunir una lista de las 100 fotografías más influyentes jamás tomadas. Para ello se juntó un gran grupo de expertos en un proceso exhaustivo de tres años, que desenterró algunas historias increíbles que se cuentan en el portal dedicado a este gran proyecto.

No existe una fórmula que haga que una imagen sea influyente. Algunas imágenes han entrado en esta lista porque eran las primeras de su clase, otras porque formaron la manera que pensamos y cambiaron directamente la forma en que vivimos.

Destacan instantáneas como El hombre del tanque (la plaza de Tiananmen, Pekín) tomada el 5 de junio de 1989; la reconocida imagen en la que un marinero estadounidense y una enfermera se besan en medio de Times Square para celebrar el triunfo sobre Japón; o la caida de un hombre hacia la muerte desde el World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una fotografía que se han grabado ya en la retina de toda la humanidad.

Descubre aquí la selección: 100 Photographs: The Most Influential Images of All Time

Lujo alemán en la España de la Edad Moderna

18/11/2016, Hasta enero de 2017 en el Museo Nacional de Artes Decorativas se puede ver un exquisito conjunto de piezas de origen alemán que demuestran la alta calidad y el buen gusto de una época.

Madrid, 18 de noviembre de 2016
En el siglo XVI, la incorporación del Imperio a los circuitos europeos favoreció el interés por los productos de lujo, en cuya producción se habían especializado los talleres de localidades como Augsburgo, Núremberg, Colonia o Dresde. Orfebres, ebanistas, grabadores, vidrieros, relojeros y otros maestros altamente capacitados colmaron con sus obras el mercado de artículos de lujo e incrementaron el desarrollo comercial de estas ciudades del territorio de la actual Alemania.

Con la proliferación y rápida difusión de la estampa y los denominados libros de ornamentación (repertorios de motivos decorativos), los diseños de estos artistas se difundieron por Alemania y, posteriormente, por sus zonas de influencia geográfica y política.

Estos fantásticos trabajos artesanales de técnica sobresaliente tuvieron especial impacto en los intereses y gustos de una clientela noble y acaudalada.

La selección de piezas de esta exposición pone de manifiesto las relaciones comerciales y culturales que se establecieron entre Alemania y España durante la Edad Moderna, a través de objetos que brillaron con luz própia en entornos ricos y cortesanos. Obras en las que el magisterio de sus autores se detecta en el detenido empleo de diferentes recursos como la talla del cristal a rueda, la definición de los cincelados en la orfebrería, la aplicación de marquetería en los muebles o la exquisitez de la talla del marfil. Además, permite identificar motivos decorativos e iconográficos de la estética alemana de la Edad Moderna, como los roleos en perspectiva o rollwerk, los cueros recortados o las escenas de temática mitológica, cortesana, religiosa o de cacería.

Gran parte de las piezas expuestas se realizaron siguiendo los criterios estéticos del suntuoso Barroco alemán, caracterizado por su naturaleza ecléctica en la que se asimilan diferentes influencias, dando lugar a un lenguaje formal propio, caracterizado por el sentido de lo solemne y la complejidad decorativa. Por un lado, destaca su interpretación del clasicismo italiano respecto a las composiciones, diseños y variantes tipológicas más habituales; por otro lado, son notables también las influencias francesas y holandesas en lo referente a la iconografía y la decoración. A todo esto se añadieron recuerdos de tendencias anteriores como el Gótico Internacional, que quedaron cristalizados en algunas disciplinas y materiales.

La exposición se despliega en dos espacios, en la planta baja se plasma la importancia de la estampa como difusora de modelos, al tiempo que incide en las relaciones comerciales y culturales entre España y Alemania; mientras que en la planta 2 se destacan una selección de piezas de ajuar realizadas entre los siglos XVI y XVIII, de procedencia alemana o con influencias de su arte y que dejaron una profunda huella en las producciones de nuestro país.

Anne-Marie Schneider en el MNCARS

17/11/2016, El Museo Reina Sofía presenta la primera exposición de Anne-Marie Schneider en España.

Madrid, 17 de noviembre de 2016
El Museo Reina Sofía presenta la primera exposición que se organiza en España dedicada a Anne-Marie Schneider (Chauny, Francia, 1962). La muestra se centra en la evolución de la artista desde sus primeros dibujos minimalistas, de finales de la década de los 80, donde la línea y el trazo eran protagonistas, hasta la incorporación progresiva del color en los 90, cuando ambas formas se alternan hasta llegar a las composiciones más recientes.

Un recorrido a través de cerca de 250 obras que acercan al espectador el universo creativo de la artista francesa, en el que destaca una variada iconografía, tratada con una visión personal e íntima que enlaza la fantasía, las situaciones cotidianas y los objetos más banales. Las referencias a acontecimientos políticos y sociales de nuestro tiempo, tratadas con sátira y humor negro, son también una constante en su trabajo.

La línea es el enunciado elemental del imaginario de Anne-Marie Schneider. El trazo remite a la escritura gestual y da forma a un enigmático universo de personajes cuyos cuerpos a menudo se desarman en fragmentos, se prolongan en el espacio doméstico y se proyectan en el paisaje. La exposición presenta la evolución de su trabajo desde los dibujos iniciales marcados por la sobriedad lineal y anti-pictórica hasta en los que el color cobra protagonismo a finales de los noventa.

El color de las primeras experiencias sirve de relleno para la línea, pero pronto la artista empieza a diferenciar trazo y mancha para dar paso tanto a la policromía como al plano monocromo con los que amplía el repertorio temático.

En 1996 Schneider rompe con el universo íntimo que hasta esa fecha había poblado su obra. La artista traslada, de alguna manera, el dibujo y la gráfica a la pantalla, haciendo uso de la imagen en movimiento como herramienta de reproducción del mundo y del montaje como medio para registrar los movimientos de los seres y cosas que forman parte de la realidad.

Anne-Marie Schneider
Hasta el 20 de marzo de 2017
Museo Reina Sofía

Archipiélago de Revillagigedo

16/11/2016, En el Pacífico, frente a las costas de México, está el archipiélago de Revillagigedo, que pasó a formar parte del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2016.

París, 16 de noviembre de 2016
Situado en el Pacífico Oriental, al sur de la Baja California, y a unos 700 kilómetros de la costa, este sitio de la UNESCO está integrado por las islas de San Benedicto, Socorro y Clarión, el islote de Roca Partida y sus aguas adyacentes.

El archipiélago de Revillagigedo, deshabitado, se integra en el estado mexicano de Colima y recibe el nombre de uno de los virreyes de Nueva España. La superficie total del mismo es de 161 kilómetros cuadrados y la altura máxima es de 1130, en la isla del Socorro.

Se tuvo conocimiento de las islas desde la primera mitad del siglo XVI por las navegaciones españolas de Hernando de Grijalva.

Socorro, con 132 kilómetros cuadrados, es la isla más grande; Clarión, la más occidental, con 19; San Benedicto, con 6, y el islote de Roca Partida.

El paisaje isleño es impresionante con imponentes acantilados, costas y volcanes, algunos de ellos activos. El volcán más alto, de Socorro, se eleva a 1.050 m sobre el nivel del mar y es muy activo, con respiraderos hidrotermales que alcanzan la superficie para producir nubes de agua hirviendo. El Archipiélago fue declarado Área Protegida Natural y Reserva de la Biosfera Mexicana en 1994. La reserva también fue designada humedal Ramsar de importancia internacional en 2004.

La isla Socorro sigue siendo volcánicamente activa, con la actividad más reciente registrada en 1993. En isla San Benedicto, el volcán Bárcena estalló en 1948 y 1952, privando a la isla de flora y fauna. Roca Partida es la más pequeña de las islas y también la cresta de un estratovolcán submarino. Isla Clarión, la más occidental de las islas del grupo, fue formada por erupciones volcánicas durante el Mioceno y Eoceno. Todo esto otorga a estas islas un valor geológico especial.

Las cuatro islas –integrantes de una cadena montañosa submarina– constituyen un hábitat de vital importancia para diversas especies endémicas de flora y fauna, en particular aves marinas.

La ausencia de poblaciones humanas, salvo un establecimiento naval en la isla Socorro, ha facilitado la conservación relativamente buena de todo el ecosistema de estas “Galápagos” de México.

Las aguas circundantes albergan una concentración notable de especies pelágicas de gran tamaño: mantas gigantes, delfines, tiburones y cetáceos.

Metapintura. Un viaje a la idea del arte

15/11/2016, El Museo del Prado invita al espectador a realizar una mirada introspectiva sobre el arte a través de una selección de 137 obras de artistas como Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez, Zurbarán, Murillo o Goya.

Madrid, 15 de noviembre de 2016
137 pinturas, dibujos, estampas, libros, medallas, piezas de artes decorativas y esculturas de principios del siglo XVI y finales del siglo XIX, que permiten realizar un particular viaje a la idea del arte en la edad moderna y contemporánea a través de la obra de Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez, Zurbarán, Murillo o Goya, entre otros.

"Metapintura. Un viaje a la idea del arte" supone una reflexión sobre el propio arte y sobre los autores de esas obras, pero también sobre las leyes que rigen la creación artística.

El viaje comienza con los relatos mitológicos y religiosos sobre los orígenes de la actividad artística en los albores de la Edad Moderna y finaliza en 1819, con la creación del Museo del Prado, para celebrar el 197 aniversario de la institución, concebida como templo de las artes, y que supuso la entronización de éstas como material útil a la sociedad. Además, la exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento con un espacio dedicado al Quijote, hito universal de la literatura.

Durante los siglos XVI, XVII y XVIII no existía una concepción de la historia en términos nacionales sino un concepto mucho más amplio de la idea del arte, un lenguaje universal sin fronteras. Prueba de ello son las obras de pintores españoles, italianos y flamencos en las que se rinde tributo explícito a Tiziano y que pueden verse en la exposición. Por otro lado, los primeros escritos españoles modernos sobre historia del arte presentes en la muestra permiten entender cómo a finales del siglo XVIII nace una concepción moderna de la historia del arte ligada a la historia nacional.

El recorrido planteado se contextualiza en dos de los pilares más ligados al Prado: las Colecciones Reales y el arte español, términos inseparables ya que el desarrollo del arte español estuvo íntimamente condicionado por la existencia de las colecciones reales. El itinerario incluye pinturas, dibujos, estampas, libros, medallas, piezas de artes decorativas y esculturas.

137 obras divididas en 15 etapas que hablan de la relación entre el arte, el artista y la sociedad, y cada una de las cuales aborda un asunto específico: los poderes atribuidos a la imagen religiosa, el papel desempeñado por el cuadro dentro del cuadro, el intento de los artistas por romper el espacio pictórico y prorrogarlo hacia el del espectador, los orígenes y el funcionamiento de la idea de tradición artística, los retratos y autorretratos de artistas, los lugares de la creación o del coleccionismo artístico, el origen del concepto moderno de la historia del arte, la subjetividad que irrumpe en los autorretratos desde la Ilustración o la importancia que en el debate artístico moderno tuvieron los conceptos de amor, muerte y fama.

Metapintura. Un viaje a la idea del arte
Hasta el 19 de febrero de 2017
Museo del Prado

La Arcadia de Joaquín Torres-García

15/11/2016, El Museo Picasso Málaga presenta su primera exposición retrospectiva dedicada a un artista de la vanguardia latinoamericana.

Málaga, 15 de noviembre de 2016
Al igual que Picasso, Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874-1949) tuvo la valentía de experimentar constantemente, dejando tras de sí una inmensa producción artística. Ahora, el Museo Picasso Málaga rinde homenaje a este artista con una gran retrospectiva que abarca desde sus primeras obras en la Barcelona de finales del siglo XIX (donde llegó a ser uno de los pintores más reconocidos del Noucentisme), hasta sus últimas obras realizadas en Montevideo en los años 40.

Joaquín Torres-García fue uno de los artistas más complejos de la primera mitad del siglo XX. Su obra conjugó las teorías de las vanguardias europeas con las formas artísticas de las culturas precolombinas, dando lugar al denominado Universalismo constructivo. Torres-García se mantuvo fiel a una visión del tiempo como colisión de distintos periodos, en vez de una progresión lineal. También fue singular al mezclar la alta cultura con la artesanía o con la producción industrial. Fue asimismo gran pensador y pedagogo y difundió su teoría artística a través de escritos y conferencias.

1891-1933: Barcelona, Nueva York y París
Nacido en Montevideo en 1874, de madre uruguaya y de padre español, Joaquín Torres-García llega en 1891 a Cataluña, tierra natal de su padre, con 17 años de edad. Eran los años del despegue del Modernismo en Barcelona. En la ciudad condal, orientó su pintura hacia la inspiración neoclásica que cristalizó en lo que Eugeni d’Ors bautizó como Noucentisme, movimiento artístico que retomaba la tradición clásica y humanista de la cultura mediterránea, y que se caracterizana por expresar el anhelo de una Arcadia perdida.

En los primeros años del siglo XX colaboró con el arquitecto catalán Antoni Gaudí en la realización de vitrales para el templo de la Sagrada Familia. Según cuenta Torres-García en el libro Historia de mi vida, Gaudí no supo apreciarlo como artista aconsejándole que se dedicara a la docencia. En 1910 pintó los paneles del pabellón uruguayo de la Exposición Internacional de Bruselas. A partir de 1918 comenzó a experimentar la influencia de las vanguardias, llegando a ser considerado uno de los pintores más relevantes de la Barcelona de principios del siglo XX.

En 1920, a los cuarenta y seis años años de edad se mudó a Nueva York, donde comenzó a producir en serie unos juguetes de madera que había exploraban la noción de la estructura transformable. Aunque en Nueva York se relacionó con artistas de estilos modernos, expuso y vendió obra, los apuros económicos le hicieron regresar a Europa con su familia dos años más tarde.

En 1930 y con el crítico Michel Seuphor, Torres-García fundó en París el grupo y la revista Cercle et Carré, y organizó en la Galerie 23 una de las exposiciones de arte más importantes de la época. A este movimiento se sumaron los principales artistas abstractos y constructivistas: Piet Mondrian, Sophie Tauber-Arp, Fernand Léger, Jean Arp o Georges Vantongerloo, entre otros. Pero la abstracción geométrica pura resultó insatisfactoria para Torres-García quien ya estaba dando forma a su propia propuesta artística: el Universalismo constructivo, según el cual el arte se construye en base a una estructura colmada de signos y símbolos, reflejando así un orden universal.

1934-1943: Montevideo
Torres-García volvió a Montevideo en 1934, ciudad en donde residió hasta su muerte en 1949 y en la que se convirtió en una figura cultural y académica que dejó una influencia duradera en el arte latinoamericano.

Creó la Asociación de Arte Constructivo, en donde exploró el arte precolombino y subrayó las afinidades entre dicha tradición y el constructivismo de vanguardia, considerando en el mismo nivel estético, artístico y teórico las culturas indígenas americanas y las modernas culturas europeas. La asociación desembocó en el Taller Torres-García, un laboratorio para la creación con técnicas y materiales tradicionales y modernos. En ese espíritu creó una de las imágenes más emblemáticas del modernismo latinoamericano, un mapa invertido de América del Sur que proclama el Sur como su propio Norte. Los componentes del taller compartían la creencia de la visión transformadora del artista y su responsabilidad social.

La década final de la obra de Torres-García se caracteriza por un notable regreso al color y un renovado interés por las obras públicas monumentales. La muestra concluye con sus obras tardías, que cierran el círculo de su obra completa y resumen sus contribuciones a la modernidad.

Un orangután en las alturas

14/11/2016, La imagen es impactante. Un orangután escala el tronco liso de un altísimo árbol; abajo, el bosque lleno de verdor. Es la imagen del Wildlife Photographer of the Year, 2016.

Guiarte.com. Londres, 14/11/2016
El principal concurso mundial de fotografía de naturaleza, el Wildlife Photographer of the Year, está organizado por el Museo de Historia Natural de Londres. En él se premian aspectos como el arte fotográfico y la sensibilidad medioambiental. Los ganadores del año 2016 –la 52 edición– se presentaron en una exposición en el Museo de Historia Natural londinense, el pasado 21 de octubre. Ahora se muestran las mejores fotos en Madrid, hasta el 8 de enero, en el Colegio Oficial de Arquitectos (COAM).

La imagen ganadora del 2016 es del fotógrafo, biólogo y fotoperiodista estadounidense Tim Laman. El título de la misma “las vidas entrelazadas” y resalta la imagen del orangután sobre la selva de Borneo, un animal en peligro crítico. Los orangutanes salvajes enfrentan una crisis de pérdida de hábitat debido a la agricultura y la tala. Además, el aumento de la caza furtiva para el comercio ilegal de mascotas, hace que el futuro de la especie sea sombrío.

Han sido casi 50.000 los participantes en este concurso, pertenecientes a 95 países. La imagen de Tim, junto con una selección de las mejores, fue presentada en Londres, y se exhibe a continuación en lugares como España, Canadá, Estados Unidos, Alemania y Macao.

Tim pasó tres días trabajando para escalar el árbol de 30 metros de altura e instalar varias cámaras que podía disparar remotamente. Así capturó la cara del orangután desde arriba dentro de una perspectiva de gran angular sobre el bosque de abajo.

“Proteger su hábitat restante es crítico para que los orangutanes sobrevivan” ha declarado el vencedor del concurso.

Para Michael Dixon, director del Museo de Historia Natural de Londres, “las imágenes ganadoras tocan nuestros corazones, y nos desafían a pensar de manera diferente sobre el mundo natural".

Pero hay otra imagen llena de encanto, también premiada. Gideon Knight, de dieciséis años, ganó el título de Fotógrafo Joven de Vida Silvestre del Año por su imagen, “La luna y el cuervo”.

El muchacho disparó la cámara cerca de su casa de Londres. La imagen muestra un pájaro en las ramas de un árbol, recortadas sobre el cielo azul del anochecer, iluminado por una luna llena. "Parece casi sobrenatural, como algo que fuera de un cuento de hadas", explicó Gideon.

El auge de la fotografía puede contribuir al fomento de la defensa de los ecosistemas. Para WWF –la mayor organización conservacionista mundial- la fotografía es una herramienta fundamental para la sensibilización y defensa de la naturaleza, y por eso la organización apoya también a prestigiosa exposición.

Dentro de la exposición en Madrid, WWF ha preparado una selección de imágenes que ayudaron a mover conciencias o a lograr algunas de las mayores victorias de la organización, como la campaña en defensa del Parque Nacional de Virunga, con el objetivo de mostrar el papel vital de la fotografía de la naturaleza en la defensa del medio ambiente, denunciando las amenazas a nuestro entorno natural, y resaltando las grandes maravillas naturales que hay que defender.

Hijos del Océano

14/11/2016, El Museu Marítim de Barcelona presenta una exposición fotográfica dedicada a la pesca artesanal como forma de sustento.

Barcelona. 14 de noviembre de 2016
Según datos de la FAO, a mediados del siglo XX se pescaban 18 millones de toneladas de pescado por año, en la actualidad se pescan más de 100 millones. Las pesquerías mundiales se están enfrentando a una crisis sin precedentes.

La pesca moderna está dominada por buques pesqueros industrializados que están muy por encima de la capacidad de los océanos para restituir la cantidad de pescado capturada. Buques gigantescos que localizan el pescado, e incluso lo procesan, empaquetan y conservan a bordo gracias a sus sistemas de refrigeración. Contra esta tecnología avanzada el pescado no tiene escapatoria. El 90% de los grandes peces, como el bacalao o el atún, han sido prácticamente eliminados en un siglo.

Otro de los grandes inconvenientes de la pesca industrial es que no es selectiva. Aproximadamente el 25% de los peces capturados son tirados al mar. Los daños son gigantescos; 300.000 ballenas y delfines, otras tantas aves marinas y 40.000 tortugas mueren en las redes y anzuelos cada año. En treinta años, algunas especies han desaparecido en un 90% y no hay posibilidad de recuperación. Su hábitat ha sido destruido, igual que su ciclo reproductivo.

El proyecto fotográfico "Hijos del Océano" documenta la forma de vida de las comunidades de pescadores artesanales de todo el mundo. Comunidades que dependen casi exclusivamente del mar y que están sufriendo el agotamiento del mismo bien por la sobreexplotación y la contaminación.

Estas fotografías son un homenaje a todos esos pescadores artesanales que viven del mar y para el mar, lo aman y veneran y obtienen lo necesario para su supervivencia de él. Pero también son una llamada de atención acerca de la preservación de los ecosistemas marinos.

Las fotografías de Javier Teniente (Vigo, España, 1968) han sido publicadas en revistas y periódicos como El País Semanal, Geo, Interviú, Magazine de la Vanguardia, El Mundo, Tiempo, Planeta Humano, Gatopardo, Arte Fotográfico, etc.

Ha recibido importantes premios, entre los que se encuentran el Premio Internacional Luis Valtueña de Fotografía Humanitaria en dos ocasiones, 2003 (Irak) y 2005 (Tsunami en Sumatra), el premio Galicia de Comunicación en 2004, o la mención especial en los Ortega y Gasset de periodismo en el 2006 por su trabajo realizado en el sudeste asiático sobre la catástrofe provocada por el Tsunami.

Ha colaborado con Naciones Unidas, Médicos del Mundo, Médicos sin Fronteras, Acción contra el Hambre y otras organizaciones internacionales.

Hijos del Océano
Espai Mirador del Museu Marítim de Barcelona
Av. de les Drassanes, s/n, 08001 Barcelona

San Rafael, joya de Paraguay

11/11/2016, En el sudeste de Paraguay, está el espacio más rico en avifauna del país: San Rafael, donde BirdLife internacional y su socio local Guyra Paraguay intentan defender la zona de un futuro incierto.

Guiarte.com 11/11/2016
Según recuerda BirdLife, San Rafael contiene dos de los ecosistemas más amenazados del continente: el Bosque Atlántico del Alto Paraná y las praderas de Mesopotamia. Es un ámbito designado como el primer Área Importante de Aves y Biodiversidad (IBA) de Paraguay.

En este espacio, se hallan 13 aves amenazadas mundialmente y 18 clasificadas como casi amenazadas. En el área se han encontrado más especies de aves que en cualquier otra parte del Paraguay. Aproximadamente 430, es decir el 60% del total del país. La rica avifauna se complementa con 61 especies de mamíferos, 35 anfibios, 52 peces y 47 reptiles, entre ellos tres nuevos para la ciencia que fueron descubiertos en las praderas durante 2006.

Entre las aves, destacan 70 especies endémicas de los Bosques Atlánticos. Estas incluyen numerosas especies que propiciaron la clasificación de la zona como IBA. En particular cabe referirse a aves amenazadas a nivel mundial, como el carpintero cara canela, Hylatomus galeatusel; el pájaro campana, Procnias nudicollis, y el picochato chico, Platyrinchus leucoryphus, además de especies valiosas y raras como el macuco, Tinamus solitarius; el cárabo listado, Strix hylophila, y el carpintero cejigualdo, Piculus aurulentus.

Al principio, San Rafael atrajo la atención de los conservacionistas por su Bosque Atlántico. Pero a medida que los biólogos exploraban el sitio, descubrieron que sus praderas naturales también abundaban en aves poco abundantes. Las especies de espacios abiertos incluyen a representantes de los pastizales húmedos y secos, amenazados a nivel mundial. Entre ellos se encuentran el tordo amarillo, Xanthopsar flavus; la cachirla dorada, Anthus nattereri; el yetapaá chico, Alectrurus tricolor; el yetapá de collar, Alecturus risora, y el tachurí coludo, Culicivora caudacuta.

Según BirdLife, la conservación de las 70.000 ha de San Rafael es una larga y complicada historia. En 1992, el gobierno paraguayo llegó a la Cumbre de la Tierra de Río declarando a San Rafael un "Área Reservada para un Parque Nacional", pero hasta ahora tal proyecto está sin desarrollar y la zona sigue sin verdadera protección legal, falta de recursos para la conservación, y con la propiedad dispersa entre medio centenar de terratenientes.

Guyra Paraguay ha hecho de San Rafael una prioridad estratégica. Desde 2001, ha comprado y administrado 6,500 hectáreas de tierra y está tratando de defender el territorio de su degradación. El objetivo es por lo menos proteger un área importante para mantener la riqueza de su biodiversidad.

Clara Peeters en el Museo del Prado

10/11/2016, El Prado presenta su primera exposición dedicada a una mujer pintora: Clara Peeters, pionera en el campo de la naturaleza muerta y una de las escasas mujeres que pudo dedicarse profesionalmente a la pintura en Europa en la Edad Moderna.

Madrid, 10 de noviembre de 2016
Tras su paso por Amberes, el Prado presenta la muestra dedicada a Clara Peeters, pintora flamenca, contemporánea de Jan Brueghel el Viejo, Rubens, Snyders y Van Dyck

La exposición reúne las quince mejores obras, procedentes de diferentes instituciones y colecciones privadas, de la escasa producción conocida de Clara Peeters, cifrada en torno a unas cuarenta pinturas. Entre ellas se incluyen cuatro importantes cuadros que conserva el Prado y que convierten a la institución en una referencia internacional para el estudio de su obra.

Esta muestra supone el estudio más actualizado hasta la fecha sobre su vida y su obra, y sitúa a Clara Peeters en el contexto cultural y artístico de Amberes, poniendo el foco de atención en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna, cuando los prejuicios generalizados les cerraban muchos caminos.

La exposición está organizada por el Prado y el Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, la ciudad donde nació. Es esta la primera exposición que el Prado dedica a una mujer pintora. No es extraño este último dato, porque la mujer ha estado ausente de museos y academias de arte hasta época moderna.

La presencia de la mujer en el arte se reducía básicamente a ser modelos para el pintor o escultor… Solo algunas –generalmente de familias de artistas- alcanzaron a hacer obras de cierta difusión. Se cree que Clara Peeters sería uno de estos casos, similar al de otras grandes autoras como la pintora barroca Artemisia Gentileschi, de su misma época, o la española Luisa Ignacia Roldán, La Roldana, una extraordinaria escultora barroca, también del XVII.

Clara Peeters cultivó el género del bodegón con un estilo que insistía en la apariencia real de las cosas, revelando una mentalidad vanguardista, ya que, cuando comenzó a trabajar en el género, en la primera década del siglo XVII, solo unas cuantas obras de este tipo formaban parte de las colecciones de los Países Bajos Meridionales y el realismo ofrecía una alternativa al idealismo de la tradición renacentista.

Los bodegones, fechados entre 1611 y 1621, incluyen aves y pescados listos para ser cocinados, alimentos preparados y dispuestos sobre la mesa y vajillas y objetos de gran lujo, con una minuciosa descripción de las formas y las texturas. El elegante contraste entre objetos luminosos y fondos oscuros contribuyen a crear una impresión de sobriedad a los conjuntos.

Estas obras revelan los gustos de las clases más prósperas de los comienzos de la Edad Moderna, que disfrutaban de productos importados como dulces, vinos, frutas o pescado, alimento este último que Peeters convirtió en protagonista de alguna de sus composiciones (siendo la primera artista en hacerlo). Peeters también realizaría los primeros bodegones dedicados al tema de la caza, actividad asociada a la vida aristocrática y representaría además conchas, cuyo origen exótico y peculiar belleza las hacían muy valiosas.

También en sus pinturas aparecen otros muchos tipos de objetos como la porcelana, las copas y tazas de plata dorada, el vidrio soplado; y los contenedores de plata para la sal, que podrían asociarse a la riqueza, el buen gusto, la educación o la cultura.

Clara Peeters a menudo incluyó, en sus cuadros, autorretratos reflejados en las superficies de jarras y copas. Retratos apenas visibles, que aparecen en al menos ocho de sus obras, de las cuales, seis se pueden contemplar en esta exposición. Estos pequeños autorretratos, en los que se muestra con pinceles y paleta, reafirman su condición de mujer pintora y animan al espectador a reconocer su existencia.

Clara Peeters: La mujer artista en el siglo XVII
Clara Peeters nació alrededor de 1588-90. Once de sus obras conocidas están fechadas y las más tempranas son de 1607 y 1608. Su momento de mayor actividad fue alrededor de 1611-1612, pero se desconoce si pintó después de 1621.

Diversos testimonios permiten suponer que desarrolló su trabajo en Amberes, pues, aunque no aparece inscrita en el gremio de pintores de la ciudad, es citada en un documento como pintora de Amberes y al menos seis de los soportes que empleó para sus cuadros tienen marcas que indican que las tablas fueron preparadas para esa ciudad.

La amplia distribución de su obra en colecciones de Róterdam, Ámsterdam o Madrid sugiere que aspiraba a obtener beneficios de su obra y que trabajaba de forma altamente profesional exportando su arte a través de marchantes, aunque la costumbre y la ley no favorecían la integración de la mujer en el mundo profesional.

Clara Peeters formó parte del reducido número de mujeres que consiguieron salvar las limitaciones existentes y convertirse en pintoras. Pero con la dificultad del aprendizaje del dibujo anatómico a partir de modelos vivos, normalmente masculinos desnudos, a los que las mujeres no tenían acceso, limitaban su producción al género del bodegón o al retrato.

El arte de Clara Peeters
Hasta el 19 de febrero
Museo del Prado

Joyas del Thyssen, en Barcelona

10/11/2016, En las salas del CaixaForum Barcelona se presenta una extraordinaria selección de obras del museo Thyssen-Bornemisza, hasta el 5 de febrero de 2017.

Artemio Artigas. Barcelona, 10/11/2016
El Museo Thyssen-Bornemisza abrió en España su gran pinacoteca en 1992, en el Palacio de Villahermosa de Madrid, presentando una notabilísima colección de arte, un recorrido que va del siglo XIII hasta las postrimerías del XX. Y ahora celebra en Barcelona su 25 aniversario, en colaboración con la Obra Social "la Caixa", trasladando a Barcelona una selección de obras maestras, la mayor que nunca ha salido de las salas del centro en Madrid...

Los asistentes a la muestra pueden ver así 63 obras fundamentales de la colección Thyssen-Bornemisza, entre ellas de autores como Fra Angelico, Rafael, Memling, Rubens, Rembrandt, Canaletto, Pissarro, Cézanne, Kandinsky, Picasso, Chagall, Beckman o Hopper, una exposición irrepetible tanto por la calidad de las obras de arte como por la disposición de las mismas. Hasta ahora, el Museo las había organizado por escuelas nacionales y por siglos. Pero ahora se presentan confrontando analogías o temáticas.

De esta forma se puede ver a Fra Angelico junto al Greco y Marc Chagall; Hans Memling con Tiziano y Lucian Freud; Jan Brueghel con Gustave Courbet y Emil Nolde; y Canaletto con Camille Pissarro y Wassily Kandinsky, por ejemplo.

La colección Thyssen
La historia de la colección Thyssen-Bornemisza se remonta hasta el siglo XIX, con el interés que mostró por el arte August Thyssen (1842-1926), creador del imperio familiar e iniciador de la afición por el coleccionismo. Pero fue su hijo Heinrich, el primer barón Thyssen-Bornemisza (1875-1947), el verdadero iniciador de la colección con la adquisición de numerosas obras en pocos años. La primera gran muestra de la colección se realizó en 1930 en la Neue Pinakothek de Munich.

Tras la muerte de Heinrich en 1947, la colección Thyssen-Bornemisza parecía destinada a un final prematuro cuando sus herederos se repartieron las obras de arte. Pero el hijo menor, Hans Heinrich, asumió la misión de reconstruirla, iniciando esta tarea en 1961, con una obra de Nolde y centrando su tarea en el arte moderno y contemporáneo, incluyendo el arte más reciente de los Estados Unidos. Así se sumaron a la colección los grandes nombres de la primera vanguardia, desde el cubismo o el futurismo hasta el surrealismo y el pop art, pasando por las vanguardias rusas.

Entre 1959 y 1961 tuvieron lugar tres exposiciones en Róterdam, Essen y Londres. Luego la colección viajó a Estados Unidos, la Unión Soviética, Australia o Japón. En 1986, una selección de obras recaló en la Biblioteca Nacional de Madrid y el Palau de la Virreina en Barcelona. Esa parada resultó fundamental en la decisión del barón Thyssen de buscar un emplazamiento para la colección y decantarse finalmente por España.

Datos de la exposición “Un Thyssen nunca visto”. Del 4 de noviembre de 2016 al 5 de febrero de 2017. Lugar: CaixaForum Barcelona (av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8). Organización y producción: Exposición organizada por la Obra Social ”la Caixa” con la colaboración excepcional del Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Comisariado: Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza.

Max Beckmann en Nueva York

09/11/2016, El Metropolitan de Nueva York (The Met Quinta Avenida) presenta una emotiva muestra sobre el artista alemán Max Beckmann, muerto hace 65 años en la ciudad de los rascacielos.

Nueva York, 9 de noviembre de 2016
La muestra tiene sensibilidad especial porque este pintor exiliado de Alemania durante los crudos días del dominio hitleriano falleció cerca del museo, cuando se dirigía a este para ver una exposición de pintura en la que había un cuadro de su autoría.

Nacido en Leipzig en 1884, entró en la academia de artes de Weimar en 1900 y muy joven se estableció en París para retornar luego a Berlín. Sus primeros cuadros fueron impresionistas, pero las experiencias de la Primera Guerra Mundial (estuvo activo en ella como médico) viraron su pintura hacia el expresionismo.

Sufrió problemas con el nazismo. Fue expulsado de su puesto de profesor en Fráncfort, y acabo marchando a Ámsterdam en 1937. Diez años más tarde dejaría Europa para establecerse en Estados Unidos.

A finales de diciembre de 1950, Max Beckmann salió de su apartamento en el Upper West Side de Manhattan para ver su autorretrato en chaqueta azul (1950) en el Metropolitan, donde formaba parte de una exposición sobre la pintura americana contemporánea. Pero el artista, entonces con 66 años de edad, no acabaría bien el paseo. En la esquina de la calle 69 y Central Park West, sufrió un ataque al corazón y nunca llegó al museo. Aquella circunstancia conmovedora sirvió de inspiración para esta exposición.

La exposición Max Beckmann en Nueva York permanecerá en el Metropolitan hasta el 20 de febrero de 2017, para mostrar la conexión especial del artista con la ciudad neoyorquina. En ella se incluyen 14 obras creadas por Beckmann cuando vivía en la ciudad (1949 – 1950), así como otras 25, datadas anteriormente, pero vinculadas a Nueva York.

En la muestra se presentan algunas obras icónicas, incluyendo autorretratos, famosos interiores expresionistas, retratos de mujeres, paisajes y trípticos.

Un artista admirado… y despreciado
Durante la década de 1920, Max Beckmann (1884-1950) estaba en la cima de su carrera en Alemania. Su trabajo era adquirido por marchantes de arte de prestigio; enseñaba en la Escuela de Arte Städel de Frankfurt y se movía en un círculo de escritores, críticos, editores y coleccionistas influyentes. Pero el nazismo lo calificó como “artista degenerado” y lo expulsó de los museos alemanes. En aquella situación (1937) Beckmann dejó el país y emigró a Holanda, donde permaneció durante 10 años.

Más tarde, Beckmann aceptó un puesto de profesor temporal en Saint Louis, Missouri. A principios de septiembre de 1949 el pintor se trasladó a la ciudad de Nueva York, urbe a la que calificó como "un Berlín de antes de la guerra multiplicado por cien”, y comenzó a enseñar en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn.

La vida del alemán, en la ciudad neoyorkina le dio energía y propició que en esta época realizara imágenes magnificas cargadas de vigor.

Aunque Beckmann era nuevo en la ciudad, su obra no lo era. Antes de su llegada, se había conocido en Nueva York a través de los esfuerzos de dos comerciantes de arte de Berlín, J. B. Neumann y Curt Valentin. Merced a ellos entraron en la ciudad importantes pinturas de la artista datadas entre la década de 1920 y la de 1940, tanto en colecciones públicas como privadas.

Por Eugenio Carreño. Guiarte.com

Zuojiang Huashan, en la UNESCO

09/11/2016, El paisaje cultural de arte rupestre de Zuojiang Huashan, en el sur de China, entró a formar parte de la Lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en el 2016.

Guiarte.com / París, 9 de noviembre de 2016
Este es un territorio pintoresco, de atractivas montañas calizas en el que están los 38 conjuntos de arte rupestre que ilustran la vida y los ritos del pueblo luoyue, antepasados de los zhuang, etnia que conserva lengua propia, de la Región Autónoma Zhuang de Guangxi, en el sur de china, cerca de Vietnam.

El paisaje es el sitio número 49 de los calificados como Patrimonio Mundial en China. Se halla junto a la frontera sudoriental, por un territorio de farallones abruptos, terrenos kársticos, ríos y mesetas.

Hay discrepancias sobre el periodo en el que se hicieron las pinturas. Según informó la UNESCO, se realizaron entre el siglo V a.C. y el siglo II de nuestra era, aunque dataciones del carbono 14 situarían el origen de algunas en miles de años antes.

Las pinturas parietales de esos sitios muestran ceremonias que se consideran vinculadas a los rituales y la cultura de los tambores de bronce, antaño predominante en el sur de China meridional. Este paisaje cultural es hasta ahora el único testimonio que se posee de esa cultura.

El conjunto de pinturas del paisaje rupestre de Zuojiang Huashan se realizó en acantilados situados en la cuenca del río Zuo, especialmente en las orillas del rio Zuojiang. El área más imponente de las pinturas mide 170 metros de ancho y tiene cientos de imágenes de color rojo, en las que abundan las figuras humanas, junto con elementos de la cultura: cuchillos, espadas, tambores y embarcaciones.

La zona Patrimonio Mundial abarca 6,621.6 ha, con un entorno de protección de 12,149.01 ha.

Frederic Amat, la escena pintada

08/11/2016, Hasta el 27 de noviembre de 2016 se puede visitar en el Museo Thyssen Bornemisza la exposición Frederic Amat, la escena pintada.

Madrid, 8 de noviembre de 2016
El mundo del teatro llega este otoño al Museo Thyssen-Bornemisza con la exposición "Frederic Amat, la escena pintada", una muestra que se adentra en el proceso creativo del artista y escenógrafo barcelonés a través de una selección de más de cien dibujos, cuadernos de trabajo, storyboards, objetos y fotografías.

En ella se pueden contemplar algunas de sus colaboraciones más relevantes, como los montajes de El público de Federico García Lorca con el escenógrafo Fabià Puigserver, El testamento de María, de Colm Toibín o Iphigenia en Tracia, de José de Nebra, cuyo estreno en el Teatro de la Zarzuela coincide con las fechas de esta instalación.

La trayectoria teatral de Amat empieza a una temprana edad y comprende aspectos diversos del oficio tales como la escenografía, imágenes proyectadas, el vestuario, el diseño de objetos y carteles y otros materiales gráficos. Amat ha sido director de escena y ha ideado espectáculos multimedia que confirman una constante retroalimentación entre pintura y teatro.

La exposición se presenta como un paseo por el trabajo que permanece oculto entre bambalinas, en el que la pintura y las artes escénicas se relacionan para proporcionar una experiencia única al espectador.

Luz de Australia en el invierno de Londres

07/11/2016, La National Gallery londinense presentará, del 7 de diciembre al 26 de marzo de 2017, la muestra "Australia`s Impressionists".

Guiarte.com. Londres 7/11/2016
La exposición será un buen escape para dejar a un lado la oscura luz del invierno inglés, penetrando en los luminosos paisajes de los impresionistas australianos, una muestra que es la primera de su género que se plantea en el Reino Unido.

La exposición se basa en cuatro artistas impresionistas australianos: Tom Roberts, Arthur Streeton, Charles Conder y John Russell, y es una ocasión para comprobar cómo el impresionismo –muy vinculado con el de los contemporáneos europeos- buscó su propia identidad. 

Tom Roberts (1856 - 1931) tuvo la oportunidad de perfeccionar sus capacidades pictóricas en Europa, pero retornó a Australia donde fomentó el “plenairismo” y pintó famosos temas de temática “nacional” como el esquileo de los rebaños. También viajó a Europa en varias ocasiones Arthur Ernest Streeton (1867 – 1943) artista australiano, Oficial de Guerra en la Primera Guerra Mundial. En cambio, Charles Conder (1868 - 1909) nació en Inglaterra, pero marchó de mozalbete a Sídney, donde pintaría magníficos cuadros. Volvió a Europa, pero como los anteriores estuvo muy vinculado a la llamada Escuela de los impresionistas de aquel lejano territorio 

John Peter Russell (1858 - 1930) fue un australiano que marchó a Europa en sus últimos años de adolescencia. Es el más “europeo” de los pintores de Australia. Muy vinculado a las vanguardias que conoció en Francia, conoció a van Gogh, de quien hizo un famoso retrato, así como a Monet y Matisse, en quien influyó. Recurrió al plenairismo pero no dejó de experimentar e innovar con el uso del color.

La exposición se basa en obras cedidas por algunos de los principales museos y colecciones privadas de Australia, muchas de las cuales nunca se han visto en el Reino Unido. Está organizada por la National Gallery, en colaboración con la Art Gallery de Nueva Gales del Sur.

Los selfies del arte

07/11/2016, El Retrato del artista es una muestra que se presenta en la Queen´s Gallery del Buckingham Palace, con autorretratos de grandes pintores, desde el renacimiento a nuestros días.

Por Eugenio Carreño. Londres, 7/11/2016
La exposición está abierta del 4 de noviembre al 17 de abril. Es la primera dedicada a las imágenes de artistas de la Colección Real británica y en ella aparecen autorretratos de artistas de renombre mundial como Rembrandt, Rubens, Artemisia Gentileschi, Lucian Freud y David Hockney.

Además, también se presentan imágenes de artistas realizadas por amigos, parientes y alumnos. Entre esta últimas, la más famosa es sin duda la que el milanés Giovanni Francesco Melzi realizó a Leonardo da Vinci. Melzi tuvo una permanente relación con da Vinci, no sólo como discípulo sino “amigo íntimo”. También heredó gran parte de su obra y pertenencias.

La muestra sirve también para analizar la evolución del papel del artista en la sociedad y sus relaciones con el mecenas que encarga la obra.

El retrato del artista contiene unos 300 obras, incluyendo pinturas, dibujos, fotografías y elementos decorativos que se van desde el siglo XV al XXI; una selección que arranca de la época de Carlos I, monarca que fue uno de los mayores coleccionistas de arte de su tiempo, lo que le motivó bastantes críticas en un tiempo turbulento (acabó siendo decapitado).

De tiempos de este monarca, por ejemplo, figuran el autorretrato de Artemisia Gentileschi como Alegoría de la Pintura, o el de Peter Paul Rubens. De la época de George IV es un autorretrato de Rembrandt.

La inclusión de autorretratos en la colección real ha proseguido hasta la actualidad. Así, los de Lucian Freud y David Hockney fueron presentados por los artistas a la Reina en su nombramiento a la Orden del Mérito del Reino Unido.

Arte Brasileño y Modernidad

04/11/2016, A partir del 24 de noviembre, en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA, se presenta “Antropofagia y Modernidad. Arte brasileño en la Colección Fadel”.

Buenos Aires, 4 de noviembre de 2016
La Colección Fadel surgió en la década de 1960. Con más de 3.000 piezas, constituye una de las colecciones de arte brasileño más completas del mundo, en la que se atesoran obras que van desde el periodo colonial a la actualidad.

En la muestra de MALBA se presenta un conjunto de más de centenar y medio de obras pertenecientes a la colección de Sérgio y Hecilda Fadel, para ofrecer un panorama de los diferentes movimientos modernos ligados a la construcción cultural de Brasil hasta los inicios del arte contemporáneo.

En este conjunto se Incluyen pinturas, dibujos, esculturas y objetos de artistas como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Emiliano Di Cavalcanti, Víctor Brecheret, Maria Martins, Lygia Clark, Geraldo de Barros, Waldemar Cordeiro, Iván Serpa, Willys de Castro, Antonio Días, Rubens Gerchman, Hélio Oiticica y Anna Maria Maiolino, entre tantos otros.

Curada por Victoria Giraudo, la exposición busca mostrar el modo en que los artistas brasileños avanzaron hacia la modernidad, atendiendo a la evolución de las vanguardias internacionales pero desde la consciencia de las raíces y herencias culturales de Brasil.

Antropofagia y Modernidad se articula cronológicamente. Comienza con las primeras manifestaciones del modernismo originario en Brasil hasta la década de los años treinta; continúa con la búsqueda de las raíces autóctonas e inmigratorias; luego la modernización internacional y la abstracción concreta de los años cincuenta; y la ruptura de lo moderno, con el neoconcretismo, las nuevas figuraciones y conceptualismos, entre otras experiencias hacia lo contemporáneo.

Fundado en septiembre de 2001, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA, ha venido atendiendo ampliamente a los creadores brasileños. En estos quince años de existencia de la institución cultural se han hecho importantes exposiciones dedicadas a artistas brasileños como Lasar Segall, Tarsila do Amaral, Alfredo Volpi, Beatriz Milhazes, Adriana Varejão o Claudia Andujar. También se realizó un proyecto como El filo de la trama. Arte contemporáneo brasilero, pero hace muchos años que en Argentina no se realizaba una exposición tan exhaustiva sobre el arte moderno de Brasil.

Con esta exposición MALBA y el Museo Nacional de Arte de México, MUNAL, (donde la exhibición se presentó del 16 de junio al 28 de agosto de 2016) presentan un catálogo bilingüe (español e inglés) que reproduce una selección de las obras más importantes presentadas en la muestra e incluye textos de la curadora Victoria Giraudo y de Paulo Herkenhoff, director del Museo de Arte de Rio de Janeiro hasta este año.

Picasso y mucho más

02/11/2016, "Bajo el signo de Picasso" es una muestra que presenta una buena selección de la colección de arte de Abanca, con trabajos de autores clave de las vanguardias del siglo XX.

Por Pilar Sanabria

León, 2 de noviembre de 2016
La muestra, en el Museo de León y hasta el 13 de noviembre, reúne una cuarentena de obras, pertenecientes a las 1300 de la colección de arte de esta entidad financiera, y en esa selección se pueden ver excelentes trabajos de autores como Torres García, Oscar Domínguez, Miró, Max Ernst, Dalí, Kandinsky, Chagall o Julio González.

En realidad, “Bajo el signo de Picasso. Vanguardias e influencias”, es más pronto una exhibición de la gran colección de la vanguardia artística de la primera mitad del siglo XX recogida por la entidad financiera que una teoría de cuadros marcados por su relación con Pablo Ruiz Picasso como pudiera entenderse por el título de la exposición.

Para recordar el origen geográfico de la colección Abanca no falta, además, una pequeña selección de cuadros de autores galaicos como Seoane o Maruja Mallo.

El título de la muestra recurre a Picasso como uno de los artistas que representan la modernidad. No en vano, además, Picasso tiene vinculación clara con Galicia, pues residió un tiempo en La Coruña donde estudio en la Escuela de Artes y Oficios. En la Coruña están firmadas sus primeras obras. Con 13 años, el muchacho, hijo de un profesor de Bellas Artes, había expuesto allí sus pinturas por primera vez. 

Una buena parte de la cuarentena de obras están más bien unida por el estilo geometrizante o cubista. En la primera sala junto a los trabajos de Picasso, aparecen obras de Braque, Léger, Gris, Metzinger, María Blanchard, Torres García o una extraordinaria escultura de Julio González, la Cabeza-túnel, realizada hacia 1932.

En la segunda parte se encuentran trabajos de autores como Chirico, Kandinsky, Ernst, Marc Chagall y Dalí. También en esta sala se recurre a la escultura con otra obra mucho más reciente debida al valenciano Miquel Navarro, Cuña y nariz, trabajo de 2004, cuya su inclusión sugiere al espectador una especie de diálogo con la obra expuesta de Julio González, presentada en la sala anterior.

En conjunto, la exposición es un magnifico recorrido artístico en el que no faltan excelentes artistas latinoamericanos –Matta, Wifredo Lam y Torres García- y obras de notable valor, entre las que no cabe olvidar la de El Pintor y la modelo, de Pablo Picasso.

…Un recorrido en el que no sólo nos reencontramos con los grandes maestros, con la poesía de Chagall o la musicalidad de Kandinsky, sino con esos otros de notable interés pero que a veces se hallan oscurecidos por las estrellas de su tiempo, como son los casos de la santanderina María Blanchard o el canario Oscar Domínguez, artistas atrapados por la vorágine artística parisina de la primera mitad del siglo XX y que aparecen muy dignamente representados en la colección gallega.

Informe Planeta Vivo 2016

02/11/2016, Se presenta el nuevo Informe Planeta Vivo realizado por WWF. Un documento que pone de manifiesto la urgencia y necesidad de un cambio de rumbo.

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Madrid, 2 de noviembre de 2016
Según reflejan datos del recientemente presentado Informe Planeta Vivo, estamos sobrexplotando los recursos naturales del Planeta a un ritmo insostenible.

La comunidad científica viene advirtiendo desde hace décadas que el exagerado consumo de recursos naturales está llevando al límite a nuestro Planeta. Los impactos de la actividad humana son cada vez más visibles: la agricultura ocupa el 34% de la superficie de la Tierra y consume el 69% de las extracciones de agua dulce. Además, producimos mal y comemos peor. De hecho una tercera parte de los alimentos que se producen se acaban desechando.

A todo esto se suma que las emisiones de C02 crecen sin control y la temperatura global sigue aumentando.

Uno de los datos más alarmantes del informe es la velocidad a la que hemos perdido biodiversidad en los últimos cincuenta años. De seguir así, para el 2020 habrá desparecido un 67% de las poblaciones de peces, anfibios, aves, reptiles y mamíferos. 

[[cmsimg 17256]]

La pérdida de hábitats es, en gran medida, resultado de prácticas agrícolas insostenibles y de la explotación forestal, así como de la disminución de agua dulce.

La pérdida de biodiversidad es solo una de las señales de alarma de un planeta en peligro. La Huella Ecológica (que mide nuestra demanda de recursos naturales) indica que consumimos tanto como si tuviéramos 1,6 Tierras a nuestra disposición.

El Informe Planeta Vivo es una herramienta de referencia para conocer el impacto de la acción humana sobre la naturaleza que viene desarrollándose desde 1998. WWF propone con esta iniciativa soluciones que contribuyan a construir un futuro en el que vivamos en armonía con la naturaleza. Necesitamos actuar ya para reformar nuestros sistemas alimentario y energético, y cumplir con los compromisos mundiales para frenar el cambio climático, proteger la biodiversidad y fomentar el desarrollo sostenible.

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Philippe Halsman. ¡Sorpréndeme!

01/11/2016, Últimos días de la muestra dedicada al fotógrafo Philippe Halsman en CaixaForum Barcelona.

Barcelona, 1 de noviembre de 2016
El próximo 6 de noviembre cierra sus puertas en CaixaForum Barcelona la retrospectiva sobre el fotógrafo estadounidense, célebre por sus retratos de famosos, sus 101 portadas de la revista LIFE y su colaboración con Dalí. Posteriormente la muestra viajará a CaixaForum Madrid.

Philippe Halsman (Riga, Letonia, 1906 – Nueva York, Estados Unidos, 1979) siempre insistió en el potencial creativo todavía sin explorar de la imagen y se labró una carrera de más de cuatro décadas, primero en París, y luego en Estados Unidos, y que dejó decenas de imágenes icónicas en el imaginario popular.

La exposición de la Obra Social ”la Caixa”, la retrospectiva más completa que se ha realizado nunca del fotógrafo estadounidense, recoge algunos de sus retratos más célebres, junto a otras imágenes desconocidas, así como piezas que no se habían expuesto anteriormente (hojas de contacto, pruebas de impresión, fotomontajes originales) y que salen a la luz para presentar un recorrido en profundidad por el trabajo del artista y los formatos que utilizó: retratos, reportajes, fotografía de moda, desnudos... 

Reconstruyendo los procesos creativos del fotógrafo desde sus comienzos en París hasta su etapa neoyorquina, esta exposición abre una ventana al proceso creativo del fotógrafo y confirma su visión de la fotografía como medio expresivo.

La exposición se divide en cuatro secciones: la introducción está dedicada a sus años en París, pues su obra temprana ya presagiaba los intereses que desarrollaría a lo largo de su carrera. Las otras tres partes se corresponden con su periodo estadounidense y cada una de ellas presenta una característica de su obra: sus retratos de famosos, su interés por las puestas en escena y las colaboraciones con personajes célebres y sus proyectos personales, y por último, el impresionante repertorio de «ideas fotográficas» que desarrolló junto con Salvador Dalí a lo largo de más de tres décadas.

Philippe Halsman
En el París de la década de los treinta y, sobre todo, en Nueva York, a partir de 1940, Halsman se labró una carrera ejemplar. Fue un enérgico defensor de la fotografía durante toda su carrera. Cuando esta se vio amenazada por la llegada de los medios de comunicación de masas como la televisión, Halsman estuvo a la altura del reto, haciendo de la fotografía una fuerza a tener en cuenta.

Su dominio de la técnica le allanó el camino para dar a conocer las posibilidades creativas del medio fotográfico, que llevó al límite en su colaboración con Salvador Dalí.

La fotografía de Halsman, de carácter directo, destacaba por su perfección técnica, la particular atención por el detalle y por la búsqueda de la naturalidad en la expresión. Asimismo, encontramos en su obra una amplia diversidad nacida de su constante interés por la experimentación.

Halsman se especializó en hacer retratos desde sus inicios. Fotografió a muchos personajes famosos, especialmente del mundo de las artes. El fotógrafo supo sacar partido de dos negocios en rápida expansión: las revistas y la publicidad. Trabajó una amplia variedad de temas (moda, belleza, peluquería, objetos, crónica de espectáculos) y recibió encargos de las publicaciones de la época: Journal des Modes, Vogue, Harper’s Bazaar, Voilà, Le Monde Illustré, Vu, Visages du Monde y Le Journal. Asimismo, realizó fotografía promocional para campañas electorales, cubiertas de libros y carteles de películas.

Autodidacta, Halsman desarrolló una exhaustiva cultura visual, inspirado por las técnicas y estéticas de la época. En su estudio creaba efectos con iluminación eléctrica y encuadres ajustados. Halsman cultivó, asimismo, un rico y variado imaginario que bebía directamente del surrealismo.

En 1931, el editor Jacques Schiffrin inauguró la galería de La Pléiade, en París, donde se pudieron ver las fotografías de Philippe Halsman. Ubicada en el corazón del Barrio Latino, esta galería fue una de las primeras en organizar exposiciones fotográficas y se convirtió rápidamente en uno de los centros privados más importantes para la promoción de la fotografía contemporánea.

En la década de los cincuenta, Halsman desarrolló un nuevo punto de vista sobre el retrato psicológico: la jumpology, una herramienta psicológica que desinhibía a los modelos, a quienes, concentrados en el salto, «se les caía la máscara». En el curso del experimento, Halsman advirtió una enorme variedad de lenguajes corporales e interpretó esa gestualidad como una manifestación del carácter individual, revelado inconscientemente con el salto. A lo largo de diez años entraron a formar parte del catálogo cientos de figuras influyentes (políticos, magnates de la industria, científicos, etc.), así como artistas y profesionales del mundo del espectáculo (actores, cantantes, bailarines, etc.). La jumpology tocó a su fin en 1959 con la publicación del Philippe Halsman’s Jump Book, en el que aparecían más de 170 retratos de famosos saltando.

Durante casi cuarenta años, Philippe Halsman y Salvador Dalí se aprovecharon de sus respectivos talentos. Halsman se había convertido en uno de los fotógrafos más populares de los Estados Unidos y Dalí destacaba en el mundo del arte por el increíble éxito de ventas de sus obras. Philippe Halsman Archives conserva más de quinientas fotografías tomadas a lo largo de cuarenta y siete sesiones con Salvador Dalí, cuyo estudio revela una profunda comprensión de las posibilidades ofrecidas por la imagen fotográfica en el siglo XX. Las fotografías de Halsman y Dalí beben de la cultura visual en la que ambos crecieron, e incorporan arquetipos de la sociedad estadounidense, reflejando asimismo los vínculos entre arte y consumismo y entre fantasía y realidad.

Fin de partida. Duchamp, el ajedrez y las vanguardias

31/10/2016, La Fundació Joan Miró presenta Fin de partida. Duchamp, el ajedrez y las vanguardias, una exposición que relee la historia del arte moderno a partir de su relación con el ajedrez.

Barcelona, 31 de octubre de 2016
La muestra de la Fundació Joan Miró presenta el ajedrez como una constante contínua de las vanguardias que permite comprender desde una óptica innovadora y lúdica la historia del arte del siglo XX, hasta los inicios del arte conceptual.

Con cerca de ochenta piezas, que incluyen pinturas y esculturas de algunos de los artistas fundamentales del siglo XX, Fin de partida. Duchamp, el ajedrez y las vanguardias analiza la presencia de este juego en la vida y en la obra de algunos de los artistas fundamentales de la modernidad. La muestra se completa con documentos originales, como libros, carteles, fotografías y películas.

Entre las obras expuestas destacan La partida de ajedrez, de Marcel Duchamp, del Philadelphia Museum of Art, o el óleo Gran tablero de ajedrez, de Paul Klee, de la Kunsthaus de Zúrich, así como piezas procedentes del Centre Pompidou o el Museo de Israel y obras singulares de Kandinsky, Sonia Delaunay o Mercè Rodoreda.

La selección incluye, además, cuatro ready-mades de Duchamp, así como una docena de juegos de ajedrez históricos, algunos de ellos diseñados por destacados artistas de la vanguardia y los inicios del arte conceptual, como Calder, Ernst, Noguchi o Yoko Ono, entre otros. 

El jaque de las vanguardias
El ajedrez, que históricamente había constituido un pasatiempo intelectual propio de las clases altas, alcanza su mayor esplendor a comienzos del siglo XX, cuando se su práctica se extiende a todas las capas sociales para convertirse en la forma de juego más respetada tanto en el ámbito público como en el privado. En ese contexto cultural se forma Marcel Duchamp, artista central de la vanguardia, impulsor del traspaso de la plástica figurativa a la crítica de la representación que tanto influyó sobre los nuevos comportamientos artísticos de finales de los años sesenta.

Tal era su afición que, en 1923, Duchamp llegó a anunciar su retirada de la práctica artística convencional «para jugar al ajedrez», un ejercicio intelectual que, en último término, consideraba una forma de arte.

Tomando como marco la cronología vital del artista, Fin de partida. Duchamp, el ajedrez y las vanguardias plantea la hipótesis del ajedrez como fondo continuo de las vanguardias históricas. Sostienen el relato de la exposición una selección de casi ochenta piezas que abarcan un extenso período que va desde 1910 hasta 1972. 

La muestra se despliega en seis ámbitos:

Del ocio familiar al cuadro como idea parte del ajedrez como motivo en las pinturas de género doméstico del postimpresionismo para desembocar en la invención de los ready-mades de Marcel Duchamp, pasando por las reflexiones geométricas del cubismo y su utilización del tablero como elemento regulador en la composición del cuadro.

El ajedrez y el arte para el pueblo da cuenta de cómo, en el devenir utópico del constructivismo ruso, el ajedrez se convirtió en un elemento de educación y ocio para la clase obrera. Al mismo tiempo, en las enseñanzas de la Bauhaus, el juego adquirió un carácter renovado y abstracto.

El espacio psicoanalítico del tablero examina cómo, en manos de los surrealistas, el ajedrez se convierte en un escenario para la batalla de los géneros y un espacio de subversión de las propias leyes de su tablero-mundo.

El juego de la guerra la exposición explora de qué manera el ajedrez se transforma en un vehículo especialmente sofisticado para trabajar la psicología social en tiempos de guerra, y plantea cómo las migraciones derivadas de la guerra provocaron la extensión de la cultura ajedrecística en la vanguardia internacional. 

La imaginería del ajedrez es un homenaje a la exposición organizada por Julien Levy, Max Ernst y Marcel Duchamp en 1944 en Nueva York.

Finalmente, la sección El ajedrez en los inicios del arte conceptual nos muestra a Duchamp, poco antes de su muerte, en su última aparición pública en una performance ajedrecística con John Cage en 1968. Comienza una nueva historia, una nueva partida, que pasa por el arte pop y el Fluxus con la Guerra Fría como telón de fondo.

Fin de partida. Duchamp, el ajedrez y las vanguardias
29 de octubre de 2016 - 22 de enero de 2017

Un viaje a la Edad Media

28/10/2016, CaixaForum Madrid presenta, hasta febrero de 2017, una exposición que nos acerca a la poderosa civilización medieval europea: “Los pilares de Europa. La Edad Media en el British Museum”.

Madrid, 28 de octubre de 2016
La muestra intenta rebatir la creencia extendida de que la Edad Media fue un periodo de supersticiones, miedo, oscuridad e incultura, frecuentemente apoyada por tesis de historiadores.

Entre el esplendor de la civilización imperial romana y el Renacimiento no hubo sólo barbarie, sino siglos de cambios políticos, económicos y culturales, en los que se asentó el desarrollo de la economía y la cultura posterior.

Para explicar esta tesis, la muestra sobre “Los pilares de Europa” -surgida de un acuerdo firmado entre la Obra Social ”la Caixa” y el British Museum en 2015- presenta obras del período entre el 400 y el 1500 d. C. con las que abre una ventana al mundo de medieval a partir de los restos de la cultura material tanto de la élite dominante como otros grupos sociales. Broches, piezas de ajedrez o elementos religiosos nos hablan de creatividad y vigor artístico. 

La exposición incluye más de 244 objetos extraordinarios procedentes en su inmensa mayoría del British Museum, algunos de los cuales nunca habían sido exhibidos. Completan este conjunto otros 19 trabajos procedentes de préstamos de las colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Madrid, el Museu Nacional d’Art de Catalunya y el Museu Frederic Marès, piezas que vienen a enriquecer el conjunto expositivo desde la perspectiva de los reinos del mediodía europeo.

La exposición se divide en capítulos temáticos, para acercar al visitante a ámbitos como el poder real, el eclesiástico, la vida en la corte y la vida urbana. El último apartado está dedicado, a partir de un audiovisual, a examinar la herencia de la Edad Media hasta nuestro tiempo. Comisariado de la muestra: Michael Lewis y Naomi Speakman.

Tras su paso por CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36), la muestra podrá verse también en CaixaForum Barcelona y CaixaForum Zaragoza. 

Por Pilar Sanabria

El Mar de Ross, protegido

28/10/2016, Una gran noticia: acaba de acordarse el establecimiento de un área marina protegida de 1,55 millones de kilómetros cuadrados en el mar de Ross, en la Antártida.

Hobart, Australia, 28 de octubre de 2016
El pasado 17 de octubre, se abrió en Hobart, la capital de Tasmania, la 35 reunión de la Comisión para la Conservación de los Recursos Vivos Marinos Antárticos (CCRVMA), un encuentro de dos semanas con unos 250 científicos marinos, administradores de recursos y dirigentes gubernamentales encuadrados en 25 delegaciones internacionales, para estudiar medidas para la conservación y el manejo de los ecosistemas marinos del océano Austral.

Esta semana, y a propuesta conjunta de los Estados Unidos y de Nueva Zelanda, se estableció una amplia área -del tamaño conjunto de Francia, España y Alemania- en el mar de Ross, con protección especial contra las actividades humanas.

En esta nueva área marina protegida (AMP), y a partir de diciembre de 2017, algunas actividades serán limitadas o completamente prohibidas, con el fin de cumplir con los objetivos específicos de conservación, protección del hábitat, monitoreo de ecosistemas y la ordenación de la pesca.

El setenta y dos por ciento de la AMP será un espacio “sin capturas", donde se prohibe toda la pesca; mientras que en otras partes, se permitirá la pesca de peces y krill sólo con fines de investigación científica. 

Los conservacionistas han saludado con júbilo el nacimiento de la mayor área marina protegida del Planeta.

Según recuerda WWF, el Mar de Ross es uno de los últimos ecosistemas marinos prístinos que quedan en el mundo. Cabe destacar que es el hogar de un tercio de los pingüinos adelaida a escala mundial, una cuarta parte de los pingüinos emperador, un tercio de los petreles antárticos, junto a más de la mitad de las focas de Weddell del Pacífico Sur.

Así, se califica el acuerdo como un punto de inflexión para la protección de la Antártida. No obstante, WWF recuerda que el acuerdo del mar de Ross acabará en 35 años. Según las directrices de la Unión Internacional de la Conservación de la Naturaleza (UICN), las áreas marinas protegidas (AMP) deben ser permanentes. La primera organización conservacionista mundial anuncia además que seguirá trabajando para que el mar de Ross se convierta en una AMP con protección para siempre, y para que los miembros del CCRVMA declaren AMPs en la Antártica Oriental y el mar de Weddell.

Por Artemio Artigas

DIY. Diseño de autor para fabricar en casa

27/10/2016, CentroCentro presenta la exposición "Do it yourself. Diseño de autor para fabricar en casa", centrada en la tendencia "Hágalo usted mismo".

Madrid, 27 de octubre de 2016
D-Espacio, el área expositiva de CentroCentro dedicada al diseño contemporáneo, presenta una muestra que explora la corriente DIY en el diseño de autor contemporáneo. “Do It Yourself” (en castellano “Hágalo usted mismo”) es una tendencia que proporciona al consumidor lo necesario para que él mismo fabrique en casa un producto de diseño de autor, que puede ser fabricado de manera sencilla y con materiales estándar, por lo general de precio asequible.

En principio, esta tendencia debería tener consecuencias positivas para el medio ambiente y el bolsillo, pero lo fundamental es el significado, el mensaje que se desprende de estas pequeñas rebeldías contra los sistemas de producción en masa. 

La muestra presenta una treintena de ejemplos que van desde los primeros hitos que marcan el comienzo de esta corriente (el folleto Furniture to make yourself de Gerrit Rietveldt o la mesa de Enzo Mari), hasta una pequeña planta de reciclaje, pasando por diseños de sillas, estanterías, lámparas, juguetes, objetos decorativos, cocinas de exterior, casetas para perros o bicicletas. Además, se expone el libro de Thomas Bärnthaler, publicado por la editorial Phaidon, Hágalo usted mismo, con 50 diseños de productos y las instrucciones para construirlos en casa.

El fenómeno DIY no es nuevo, ya lo hizo el maestro Gerrit Rietveldt en su día, proporcionando un folleto para que otros ebanistas pudieran fabricar sus propios muebles a partir de simples planchas de madera. Más tarde, en 1974, Enzo Mari publicó su Autoprogettazione, un catálogo gratuito, con instrucciones para hacer el mobiliario de toda una casa con unas simples tablas de madera y unos clavos. Un verdadero manifiesto que cuestionaba el rol del diseñador y los fines mercantiles del diseño convertido en artículo de lujo.

En 1999, Tord Boontje presentó “Rough and Ready” en el ICA de Londres. Se trataba de una colección de pocas piezas que se podían realizar con materiales de reciclaje o fáciles de encontrar, y los dibujos e instrucciones para que cualquiera pudiera hacerlos. El diseñador animaba a los usuarios a personalizar el diseño y, de alguna manera, hacerlo suyo. 

Diez años después, en la feria de Milán, Piet Hein Eek presentó un proyecto de contenido social consistente en proporcionar los planos para realizar una de sus conocidas sillas. Su idea era una declaración de principios, pues se trataba de trabajar en la dirección opuesta en una sociedad en donde todo el mundo está obsesionado por el dinero. El diseñador reaccionaba así contra un mercado de piezas de diseño mediocre, que se venden a un precio desproporcionado por el hecho de ser únicas o de series limitadas. Max Lamb presentó poco después, en Tokio, su silla “DIY”, hecha enteramente de tablillas de idéntica medida que cualquiera puede copiar.

Desde entonces, muchos diseñadores que se han ido sumando a esta iniciativa poniendo alguno de sus diseños al alcance de todos, desde revistas, libros o en sus páginas web. Un gesto en pro de la democratización del diseño.

"Do it yourself. Diseño de autor para fabricar en casa"
CentroCentro
Hasta el 29 de enero de 2017

Picasso. Sculptures

26/10/2016, El BOZAR, Centre For Fine Arts, de Bruselas presenta una exposición dedicada a las esculturas de Picasso.

Bruselas, 26 de octubre de 2016
Considerado uno de los pintores más importantes del siglo XX, el artista español Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) también realizó esculturas a lo largo de su vida que resultaron tan innovadora como lo fueron sus pinturas. Aunque siempre será recordado por su pintura prolífica y original, la muestra del BOZAR revela la faceta de escultor de Picasso, el hombre detrás de algunas de las formas más radicales de la escultura moderna.

El BOZAR de Amberes reúne 80 esculturas de Picasso para realizar la primera retrospectiva dedicada a este tema en Bélgica. La exposición, elaborada en colaboración con el Museo Nacional de Picasso en París, se presenta de manera cronológica y temática y propone un diálogo entre las esculturas de Picasso, sus lienzos y una selección de objetos de arte de culturas no europeas que pertenecían a la colección personal del artista. 

"Picasso. Esculturas" ofrece al público un viaje excepcional a través del universo íntimo de Picasso y es una oportunidad para maravillarse con su aproximación estética desde una perspectiva completamente diferente.

La mayoría de las obras expuestas provienen de la colección del Museo Nacional de Picasso en París, y se completan con los préstamos de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte.

Una retrospectiva que proporciona una visión global de la obra escultórica de Picasso y su dimensión polifacética, así como la gran variedad de técnicas y materiales que combinó en su proceso creativo (clavos, manillares, grifos, tamices, horquillas, plats, piezas de ladrillo, arena, alambre, etc.) y que le llevaron a ampliar la definición de escultura.

Picasso. Sculptures
BOZAR Centre For Fine Arts
26.10.2016 - 05.03.2017
Rue Ravenstein 23, Bruselas

Fotografía checa en la Fundación Juan March

25/10/2016, El Museu Fundación Juan March, de Palma presenta la exposición: “Desde el centro de Europa. Fotografía checa, 1912-1974”, una historia de la fotografía artística de Chequia.

Palma, 25 de octubre de 2016
El Museu Fundación Juan March de Palma presenta más de un centenar de fotografías, además de unos cuarenta libros y revistas editados en la antigua Checoslovaquia, en los que se muestra una historia de más de sesenta años: la de la fotografía artística de la actual Chequia, uno de los países de la Mitteleuropa donde florecieron con especial intensidad tanto la vanguardia fotográfica de los años veinte y treinta como la fotografía del surrealismo y el informalismo.

Las piezas proceden de la Colección Dietmar Siegert (Múnich), cuyo fondo fotográfico permite contar esa historia, muy desconocida, combinando la visión de conjunto con la atención a la subjetividad de cada fotógrafo. El resultado es un fascinante y variado fresco en el que se combinan nombres reconocidos, como los de František Drtikol, Karel Teige o Josef Sudek, con brillantes desconocidos como Alois Nožička o Miroslav Hák, así como corrientes como el surrealismo, el constructivismo, la fotografía subjetiva y el informalismo, que en la antigua Checoslovaquia significó la alternativa expresionista y libre al “estilo” artístico oficial, el realismo socialista. 

La antigua Checoslovaquia fue un país a medio camino entre la Europa occidental y la oriental, a pesar de su forzada adscripción al bloque del Este durante la larga guerra fría. De la mano de Teige y de su revista ReD, el país conectó con los grupos de vanguardia de otros países europeos, como los futuristas, los surrealistas o los constructivistas, entre otros. Al igual que en el norte y el sur de Europa, las vanguardias históricas también cedieron su lugar en la antigua Checoslovaquia, tras la guerra y durante los años de posguerra, al informalismo.

Muchos de los trabajos fotográficos de los autores presentados acabaron ocupando la portada de revistas y publicaciones, un ámbito de la creación curiosamente menos vigilado por la censura comunista. Gran número de esas cubiertas, creadas por los mismos artistas que definieron la vanguardia, ponen de manifiesto el alto nivel del diseño gráfico checo de la época. La colaboración entre las distintas artes —poesía, fotografía, arquitectura, pintura o danza— dio lugar a piezas bibliográficas excepcionales, que permiten repasar la influencia de la vanguardia artística checa en el mundo editorial y que se convirtieron en una eficaz forma de difusión y expresión de la libertad de los artistas.

Desde el centro de Europa
Fotografía checa, 1912-1974
Del 26 de octubre de 2016 al 25 de febrero de 2017

Noviembre sabe a México

25/10/2016, Hasta el 27 de noviembre de 2016 el Museo de América presenta con motivo de la celebración del Día de Difuntos una nueva edición del Altar de Muertos.

Madrid, 25 de octubre de 2016
El Museo de América celebra una edición más el ciclo Noviembre sabe a México con su tradicional Altar de Muertos, que este año estará dedicado al actor, comediante, dramaturgo, escritor y guionista Roberto Gómez Bolaños, fallecido en 2014, y cuyos personajes, entre los que se encuentran el Chavo del Ocho, el Chapulín Colorado o la Chilindrina entre otros, le hicieron famoso en el medio televisivo mexicano.

EL ALTAR DE MUERTOS
Los “Altares de Muertos” responden al culto a los muertos en México que data por lo menos del año 1800 a. C., tradición netamente popular, cuya finalidad consiste en recordar a los familiares o amigos fallecidos. Antes de la llegada de los españoles, dicha celebración se realizaba en el mes de agosto y coincidía con el final del ciclo agrícola del maíz, calabaza, garbanzo y frijol, por lo que los productos cosechados de la tierra eran parte de la ofrenda.

Con la llegada de los españoles, cuya conquista se fundamentó en la evangelización, las deidades de la muerte consideradas idolátricas fueron destruidas, pero no el culto a los muertos que reunió los conceptos y prácticas de ambas culturas. 

El Día de Muertos en México es un momento de reunión familiar que fortalece la identidad y las relaciones interfamiliares y comunales. Es por esto, que esta celebración tiene una función social de suma importancia por su gran riqueza simbólica que se encuentra presente durante toda la celebración.

En la actualidad, entorno a la fotografía del ser querido (Situada en el lugar principal del altar), se colocan alrededor objetos que la persona disfrutaba en vida, tales como los alimentos que más le gustaban, sus cosas predilectas... pues el difunto podría volver ese día a la casa y hay que atenderlo bien. También se colocan algunas imágenes religiosas y otros objetos decorativos como las flores de "Tzempaxuchitl", calaveritas de azúcar, el Pan de Muerto y el incienso de olor penetrante que invade el aire y le da al conjunto un olor místico y misterioso. Por la noche, las velas y los cirios son encendidos en espera del ser querido que vendrá a visitarles.

El Altar de Muertos y Noviembre sabe a México
Museo de América
Del 30/10/2016 hasta el 27/11/2016

Las stecci, Patrimonio Mundial

24/10/2016, En la Edad Media, en numerosos puntos de Bosnia y Herzegovina, Croacia, Serbia y Montenegro se edificaron unas monumentales tumbas, las “stecci” (en singular stecak).

París, 24 de octubre de 2016
Se trata de una serie de construcciones funerarias que se erigieron entre los siglos XII y XV. Perviven unas 80.000, la mayoría dentro de las fronteras de Bosnia y Herzegovina, algunas de las cuales se han seleccionado para ser incluidas en 2016 como Patrimonio Mundial de la UNESCO.

El conjunto seleccionado para la lista de la UNESCO incluye 30 puntos, de los cuales hay 22 en Bosnia y Herzegovina, 3 en Montenegro; otros 3 en Serbia, y 2 en Croacia.

Estos monumentos funerarios característicos están dispuestos en filas, como la generalidad de los cementerios. En su mayoría están esculpidos en piedra caliza con una gran variedad de motivos ornamentales e inscripciones, que muestran no sólo la continuidad que se da en los motivos medievales europeos sino también la persistencia de tradiciones locales específicas más antiguas. 

La erección de las stećci pervivió en esta parte oriental del Adriático hasta que los territorios cayeron bajo la dominación otomana en el siglo XVI.

Este tipo de monumentos funerarios fue común en las distintas iglesias cristianes que existían en la región. Los motivos decorativos fueron varios, desde caballeros armados a campesinos, danzantes, animales, etc. También motivos florales y adornos astrales como la luna o las estrellas.

Los monumentos son de diverso tamaño y forma. A veces una losa ordinaria, otras un monolito, un pilar o un gran sarcófago. Muchos de estos se han dañado o perdido por la calidad de la piedra o por la acción humana. Buena parte de ellos perviven en un estado deficiente. La catalogación de este tipo de elementos como Patrimonio Mundial puede contribuir a su valoración y salvamento. 

Albert Oehlen en el Museo Guggenheim

24/10/2016, El Museo Guggenheim Bilbao presenta una declaración artística de uno de los pintores más controvertidos de la Alemania de posguerra.

Bilbao, 24 de octubre de 2016
La contemporaneidad pictórica de Albert Oehlen (Krefeld, Alemania, 1954) es una amalgama de métodos provenientes de la publicidad, la pincelada expresionista, el gesto surrealista y las imágenes generadas por ordenador. Con su trabajo Oehlen contribuye al recurrente debate suscitado en la segunda mitad del siglo XX sobre la muerte de la pintura, utilizando la pintura como medio de expresión.

Su pintura aboga por la libertad artística, algo que se pone de manifiesto en su manera de abordar el lienzo empleando nuevas técnicas que conservan el vocabulario del pasado generando la paradójica sensación de “algo nuevo pero familiar”. A Albert Oehlen no le importa el significado de sus obras, la interpretación de los espectadores o la complicidad del público; solo intenta experimentar y crear algo distinto cada vez que se enfrenta al lienzo en blanco.

Esta exposición, que pretende ser una declaración artística, está integrada por dos autorretratos y tres series. La primera de las series, abstracta, data de los años ochenta; la segunda se compone de obras realizadas por ordenador en los noventa, y la tercera, aún en curso, versa sobre el tema de los árboles. Las tres series poseen un núcleo común que las relaciona, provocando el intercambio de vínculos entre una serie y otra.

Autorretratos
Oehlen realiza a lo largo de su carrera una serie de autorretratos en los que plantea una reflexión sobre el significado del arte y la identidad del artista. En estos autorretratos Oehlen también critica la idea del pintor como una especie de dios, representándose como un artista sin control sobre su obra. Sus retratos son imágenes expresionistas realizadas con una gama de color centrada en marrones, ocres y grises, pintadas en un estilo directo. Una forma de expresionismo controlado y reflexivo, centrado en problemas esencialmente pictóricos, y ejecutados con una técnica voluntariamente antivirtuosa. 

Pinturas por ordenador
En 1992 Oehlen comienza a pintar cuadros diseñados por ordenador. Son imágenes pixeladas que hablan de un futuro inmediatamente obsoleto debido a la rápida evolución de la tecnología. Se trata de una nueva forma de abstracción que emplea programas digitales rudimentarios de dibujo, en los que el resultado surge del movimiento de la mano al manejar el ratón, manteniendo los gestos expresivos personales. Oehlen serigrafía después esos dibujos sobre el lienzo, agrandados y pixelados. Estos cuadros ya no son pintura pura, sino una mezcla de técnicas entre las que se encuentran la impresión computerizada, la serigrafía y el pincel, un método del que Oehlen fue unos de los pioneros abriendo camino a los pintores de la cultura digital.

Pinturas abstractas
Oehlen empieza a pintar cuadros abstractos en 1988. Las pinturas abstractas de Oehlen se sitúan en la frontera entre la figuración y la abstracción y son reconocibles por el empleo exaltado del color y por una personal gestualidad del pincel. Se trata de lienzos pintados al óleo en los que se observa una especie de despreocupación y ocultación de la habilidad técnica del artista, que muestra una espontaneidad perfectamente calculada por la que sus lienzos se niegan a someterse a un patrón convencional de belleza o norma establecida.

Árboles
Oehlen pinta sus primeros árboles en 1989. De la misma manera que Piet Mondrian había investigado la disolución de la forma figurativa a partir de un árbol, Oehlen utiliza este recurso como vehículo para desinflar sus obras metódicamente de contenido. Las desordenadas ramas de los árboles le dan pie para crear una obra sin saber dónde le van a llevar las pinceladas. Partiendo del centro, cada rama es una reacción hacia el elemento previo, por lo que no hay nada establecido de antemano, solamente los colores que va a utilizar. Las imágenes de esta serie presentan formas esquemáticas de color negro, con siluetas semejantes a los dibujos obtenidos por ordenador, aunque meticulosamente pintadas a mano con pincel y óleo. En estos cuadros monocromos intercala rectángulos de color magenta en fuerte contraste con el blanco del fondo y el negro de las formas.

Albert Oehlen: Detrás de la imagen
Hasta el 5 de febrero de 2017
Museo Guggenheim Bilbao

Renoir: intimidad

20/10/2016, El Museo Thyssen-Bornemisza dedica una muestra a la figura de Pierre-Auguste Renoir, uno de los padres del Impresionismo.

Madrid, 20 de octubre de 2017
El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva en España en torno a la figura del pintor impresionista. Un recorrido por 78 obras del artista francés, procedentes de museos y colecciones de todo el mundo como el Musée Marmottan Monet de París, el Art Institute de Chicago, el Museo Pushkin de Moscú, el J. Paul Getty de Los Ángeles, la National Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, y que tras su paso por Madrid se exhibirá en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre el 7 de febrero y el 15 de mayo de 2017.

Frente a la concepción habitual que reduce el impresionismo a la “pura visualidad”, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) se servía de las sugerencias táctiles de volumen, materia o texturas como vehículo para plasmar la intimidad en sus diversas formas –amistosa, familiar o erótica–, y cómo ese imaginario vincula obra y espectador con la sensualidad de la pincelada y la superficie pictórica.

Las sensaciones táctiles de los lienzos de Renoir pueden percibirse en las distintas etapas de su trayectoria y en una amplia variedad de géneros, tanto en escenas de grupo, retratos y desnudos como en naturalezas muertas y paisajes. El cineasta Jean Renoir escribió que su padre “miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician”. 

Tacto e intimidad
Mientras que en los retratos de grupo de Manet o Degas los protagonistas mantienen la distancia entre ellos y con el espectador, Renoir dota a sus figuras de una cercanía tangible. En sus escenas los personajes participan en un juego de alternancia entre el contacto visual y el físico, parejas de hermanos o de madres e hijos en las que uno de ellos mira al otro, en las que se acercan mediante el contacto de la mano, o en las que se establece una actividad común, como la lectura de un libro.

En el caso de los retratos individuales, Renoir ofrece al espectador algo semejante al contacto físico aproximándose todo lo posible. Ajusta el encuadre, suprime el entorno para concentrar la mirada en el rostro, y añade detalles que aluden a sensaciones palpables: las cabelleras con las que juegan y se enredan las manos, los perros en brazos de figuras femeninas, una labor de costura, unas madejas de lana o la espesura de un jardín.

La muestra está organizada siguiendo un recorrido temático, en torno a seis apartados: Impresionismo: lo público y lo privado; Retratos de encargo; Placeres cotidianos; Paisajes del norte y del sur; La familia y su entorno y Bañistas. 

La etapa impresionista, entre 1869 y 1880, reúne algunos de los iconos de la carrera de Renoir, como Después del almuerzo (1879) o Almuerzo en el restaurante Fournaise (El almuerzo de los remeros) (1869), un estudio del natural de Le Moulin de la Galette (1875-1876) y algunas de las obras que pintó en La Grenouillère, zona de ocio a las afueras de París donde trabaja con Monet, como Baños en el Sena (La Grenouillère) (1869). Una selección de retratos femeninos al aire libre o en interiores - Retrato de la mujer de Monet (1872-1874)- y de parejas -El paseo (1870)-, además de un paisaje impresionista, Mujer con sombrilla en un jardín (1875), completan esta sección.

A partir de 1881 la vía impresionista parece agotada y los miembros del grupo se distancian. Renoir vuelve la mirada a la tradición clásica, desde Rafael a Jean-Auguste Dominique Ingres. No abandona el lenguaje impresionista, pero añade a su pintura un énfasis mayor en el dibujo. A lo largo de toda la década siguiente adquiere una creciente reputación como retratista y se convierte en uno de los pintores más solicitados por la sociedad parisiense. La Sra.Thurneyssen y su hija (1910) o la serie dedicada a la familia Durand-Ruel, son ejemplos de esta faceta.

Entre las escenas de género, se encuentran retratos de mujeres jóvenes, solas o con otras mujeres, que se sitúan en un interior y en los que las protagonistas aparecen abstraídas en alguna actividad que las aísla del espectador. La maceta verde (1882) o Jóvenes leyendo (1891) nos permiten asomarnos a este espacio íntimo de placeres cotidianos. 

En la sala dedicada a los paisajes se incluyen vistas de la costa de Normandía y sus alrededores -Colinas alrededor de la bahía de Moulin Huet, Guernsey (1883)- y Provenza, donde comparte motivos pictóricos con su amigo Cézanne -La montaña de Sainte-Victoire (hacia 1888-1889)-, así como de distintas localizaciones del sur de Italia: La bahía de Salerno (Paisaje del sur) (1881).

La exposición continúa con una selección de escenas familiares y domésticas protagonizadas por sus hijos -Coco tomando su sopa (1905) o Jean como cazador (1910)-, su mujer Aline que, con motivo del nacimiento de su primer hijo Pierre, posa en Maternidad (1885) y Aline amamantando a su hijo (1915), así como otros miembros de su entorno más cercano como Gabrielle Renard, la niñera y pariente lejana de Aline, que se convierte en una de sus modelos favoritas -Niño con manzana o Gabrielle, Jean Renoir y una niña (hacia 1895-1896)- y Andrée Heuschling -El concierto (1918-1919)- quien se casará con su hijo Jean tras la muerte del pintor.

Uno de los motivos predilectos de Renoir son los desnudos. Un género que los impresionistas, a excepción de Degas, no trataron por considerarlo académico. El pintor llega a una de las cimas de su producción con las bañistas, una serie de desnudos al aire libre en los que reivindica una naturaleza atemporal que elude cualquier referencia a la vida moderna. Una visión marcada por la sensualidad de las modelos, la riqueza del colorido y la rotundidad de las formas.

Renoir: intimidad
Museo Thyssen-Bornemisza
Hasta el 22 de enero de 2017
Paseo del Prado, 8. Madrid

Pampulha, en la lista de la UNESCO

20/10/2016, Oscar Niemeyer (1907 –2012) conocido especialmente como "padre artístico" de Brasilia, dejó otro gran conjunto excepcional en Brasil, el de Pampulha.

París, 20 de octubre de 2016
En 2016, la UNESCO incluyó este conjunto en el listado del Patrimonio Mundial.

Niemeyer, seguidor de Le Corbusier y uno de los hombres más influyentes de la arquitectura mundial, desarrolló en la década de los años cuarenta el conjunto arquitectónico de Pampulha, un proyecto de ciudad-jardín realizado en Belo Horizonte una de las urbes más populosas de Brasil, capital del estado de Minas Gerais. 

Pampulha es el nombre de una laguna artificial ubicada en la ciudad para cuyo entorno Oscar Niemeyer proyectó un conjunto que hoy es el gran atractivo turístico de la urbe. Alberga elementos de carácter cultural y recreativo como un casino, una sala de baile, el Club de Yates y Golf y la iglesia de San Francisco de Asís.

Todos sus edificios fueron diseñados por el arquitecto Oscar Niemeyer, y para su embellecimiento se contó con la colaboración de artistas innovadores como Alfredo Ceschiatti, José Alves Pedrosa o August Zamoyski. Para el paisajismo se contó con Roberto Burle Marx. 

Niemeyer explotó en Pampulha las propiedades plásticas del hormigón y la fusión de diversas artes –arquitectura, escultura, pintura y paisajismo– dando lugar a la creación de construcciones de acusada personalidad y formas audaces que se integran en un conjunto armónico en el que se funde arte y naturaleza..

Según la UNESCO, el sitio constituye además un testimonio de la influencia del clima, el medio ambiente y las tradiciones del Brasil en los principios de la arquitectura moderna. 

La Colección Shchukin en París

20/10/2016, La Fundación Louis Vuitton presenta la muestra "Iconos del Arte Moderno. La Colección Shchukin".

París, 20 de octubre de 2016
Hasta el 20 de febrero de 2017 se puede visitar en la Fundación Louis Vuitton una exposición que rinde tributo a uno de los grandes patrones del arte de comienzos del siglo XX, Sergei Shchukin, el visionario coleccionista de arte moderno francés y ruso.

El importante industrial moscovita Serguei Shchukin comenzó a integrarse en el entorno artes parisinas a finales del siglo XIX, defendiendo los movimientos impresionistas, postimpresionistas y modernos. Shchukin forjó relaciones con los distribuidores de arte moderno Paul Durand-Ruel, Berthe Weill, Ambroise Vollard, Georges Bernheim y Daniel-Henry Kahnweiler, así como con artistas como Monet y Matisse. Estas amistades influenciarían la formación de su colección, que cuenta con grandes obras de arte que comprenden un período que va desde el año 1890 al 1914.

La exposición, que cuenta con la generosa contribución del Museo del Hermitage y del Museo Pushkin, presenta un conjunto significativo de 160 obras maestras de artistas impresionistas, postimpresionistas y modernos entre los que se encuentran nombres de la talla de Monet, Cézanne, Gauguin, Rousseau, Matisse, Picasso, Degas, Renoir, Toulouse-Lautrec o Van Gogh.

Esta exposición constituye uno de los eventos más destacados del año franco-ruso 2016-2017 del turismo cultural.

Icônes de l'art moderne, la collection Chtchoukine
Fondation Louis Vuitton
8, avenue Mahatma Gandhi, Paris VXI
Del 22 de octubre de 2016 al 20 de febrero de 2017

Buenas noticias para el pangolín

19/10/2016, El pangolín es uno de los animales más desconocidos del mundo y –a la vez- uno de los más expoliados. Su drama ha llamado la atención de los conservacionistas.

Johannesburgo, 19 de octubre de 2016
Tras divulgarse que apenas en 10 años los efectivos de esta especie se han reducido en un 80 por ciento en Asia, la comunidad defensora de la naturaleza ha presionado para su salvamento, y ahora, los pangolines acaban de obtener los más altos niveles de protección por la CITES (Convención sobre Comercio Internacional de Especies amenazadas de fauna y flora) que ha dictado la prohibición del comercio internacional de esta especie de oso hormiguero con escamas.

Se trata de una protección absolutamente necesaria. Desde 2014, las ocho especies de pangolines son clasificadas como amenazadas de extinción en la Lista Roja de la UICN de Especies Amenazadas. Las especies de China y de la Sonda aparecen ahora como en peligro crítico, los pangolines indios y filipinos como en peligro de extinción, y las cuatro especies africanas como vulnerable.

Los pangolines o manis, de la familia de los Manidae, son mamíferos que habitan en África y Asia, en zonas tropicales, caracterizados por su cobertura escamosa. Con un tamaño variable, de los 25 centímetros hasta el metro de longitud. Con su lengua larga y pegajosa, les encanta atrapar a las hormigas y termitas. Cuando sienten una amenaza se acurrucan sobre sí mismos y toman forma de bola cubierta de escamas. Esta defensa ha sido buena durante millones de años, hasta que el ser humano rompió el equilibrio con sus armas.

La UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, publicó recientemente que los pangolines son los mamíferos más explotados y comercializados del planeta. Este animal es un blanco sencillo para los cazadores furtivos. La especie está en gran peligro. Se calcula que más de un millón de pangolines han sido extraídos de su hábitat natural en la última década. 

Los pangolines padecen una presión asfixiante por dos motivos. El aprecio de su carne y el comercio de sus escamas. En China y Vietnam se paga cada vez más por la carne de pangolín; es un manjar que se incluye en los banquetes como alimento de lujo. En la medicina tradicional china, se cree que las escamas de pangolín sirven para tratar una amplia variedad de enfermedades incluyendo la psoriasis y la mala circulación. Los pangolines dan a luz a una sola cría al año. La especie no puede soportar este nivel de explotación por mucho tiempo.

Felizmente, ha habido iniciativas que están trabajan por el pangolín, tanto en Asia como en África.

La preocupación por el pangolín fue una de las grandes notas del Congreso Mundial de la Naturaleza (Hawai, 1-10 de septiembre), en la que se aprobó una moción instando a un mayor apoyo para su conservación de pangolines. Este entusiasmo se contagió a la 17 reunión de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies en Peligro (CITES - 17), que acordó la prohibición del comercio internacional de las ocho especies de pangolín.

Las propuestas de la CITES fueron aprobadas prácticamente por consenso. Entran en 90 días después de la reunión, lo que significa que a partir de principios de enero de 2017 los pangolines no podrán ser capturados en la naturaleza para fines comerciales.

¿Qué impacto tendrá esta medida?
Todo depende del férreo control de los Estados… Pero no cabe duda de que la prohibición del comercio es un instrumento legal sobre el que se puede asentar la recuperación de la especie.

Por Artemio Artigas

Tarjetas para visitar Palma de Mallorca

18/10/2016, La capital de las Islas Baleares, con su excelente oferta de ocio, arte y gastronomía, presenta al viajero ahora una buena oferta de tarjetas turísticas.

Palma de Mallorca, 18 de octubre de 2016
Los viajeros que llegan a esta ciudad, uno de los grandes destinos turísticos españoles, tienen disponibles tres tarjetas turísticas especializadas para atender la demanda de aquellos que tienen estancias de distinto tipo: desde las muy cortas, de los cruceristas, a las estancias familiares más prolongadas.

La oferta permite el acceso a los museos de Palma, sus monumentos y, en algunos casos, el transporte. Se comercializa la Palma Pass en tres versiones: la clásica, la exprés y la familiar.

La Palma Pass, el modelo clásico, que se lleva comercializando dos años, cuesta en la actualidad 33 Euros. funciona para una duración de tres días. Incluye la visita a los museos y monumentos de la ciudad, 10 viajes en transporte público más un billete de ida y vuelta al aeropuerto en la línea 1, descuentos en restaurantes, visitas guiadas, compras, etc. y un plano-guía con información sobre los servicios incluidos y los establecimientos participantes. Los visitantes que la adquieran pueden usarla durante 72 horas desde su activación.

La recientemente creada Palma Pass Express tiene un coste de 16 euros y se ha diseñado para los viajeros de cruceros. Incluye la visita a tres museos o monumentos. No incluye el transporte público.

Por último, para las familias se ha diseñado la Palma Pass Family. Por 92 Euros. Es para dos adultos y dos niños, con acceso a tres de los museos de Palma y entrada al Aquàrium, una de las atracciones preferidas de los más pequeños. Se puede utilizar durante una semana.

El objetivo perseguido con este abanico de tarjetas es fomentar las ventas turísticas y comerciales, y fomentar el valor de Palma como destino permanente para realizar una “escapada urbana”

Página web: Palma Pass

La infancia descubierta

18/10/2016, El Museo del Prado presenta la exposición La infancia descubierta. Retratos de niños en el Romanticismo español.

Madrid, 18 de octubre de 2016
El Museo del Prado reúne una selección de ocho obras, fechadas entre 1842 y 1855, elegidas entre los numerosos retratos infantiles del período isabelino que conserva la institución madrileña en sus colecciones.

La exposición "La infancia descubierta. Retratos de niños en el Romanticismo español", que podrá verse hasta el 15 de octubre de 2017, muestra al visitante un conjunto de retratos que refleja diferentes interpretaciones de la infancia, tema que, durante el Romanticismo, se convirtió en uno de los asuntos predilectos de los artistas.

La idea iniciada en la Ilustración acerca de la infancia como edad con valor en sí misma, y no solo como proyecto de futuro, alcanzó su máxima expresión con el Romanticismo, ya que encarnaba cualidades muy apreciadas como la inocencia, la proximidad a la naturaleza y la sensibilidad no contaminada. Razones por las cuales, las pinturas de niños se convirtieron en encargos frecuentes de la clientela burguesa.

Durante este período, los mejores retratos se realizaron en la corte madrileña. Vicente López en su retrato de Luisa de Prat y Gandiola reproduce aún el modelo clasicista representando a la niña como mujer a pequeña escala aunque la evocación de la naturaleza como lugar asociado a la niñez resulta moderna, lo mismo que en Rafael Tegeo. Sin embargo, en Niña sentada en un paisaje, se muestra más fiel a la condición infantil de la retratada.

Federico de Madrazo, alude a los modelos históricos de Velázquez en el retrato de Federico Flórez Márquez, y Luis Ferrant, recoge la tradición española del Siglo de Oro en Isabel Aragón Rey. Ambos adaptan este estilo con maestría a las fórmulas académicas del Romanticismo.

En el caso de Carlos Luis de Ribera y de Joaquín Espalter la representación de sus modelos se realiza al modo burgués europeo, en parques, el primero en Retrato de niña en un paisaje, y el segundo en Manuel y Matilde Álvarez Amorós.

Otro núcleo importante del Romanticismo español fue Sevilla, donde se formaron artistas como Antonio María Esquivel y Valeriano Domínguez Bécquer influenciados por la tradición de Murillo y sus atmósferas doradas, sobre las que podían destacar las calidades de sus rostros y manos infantiles, y el retrato británico y su predilección por las actitudes graciosas y fondos naturales.

Las joyas de Rapa

17/10/2016, Rapa y los islotes deshabitados cercanos Marotiri, en las Islas Australes de la Polinesia Francesa, son centros claves para las aves, y BirdLife está poniendo en marcha iniciativas para salvar su valor.

Cambrigde, Reino Unido, 17 de octubre de 2016
Prácticamente aisladas al resto del mundo y con menos de 500 habitantes, estas tierras son un territorio poco conocido, pero su ecosistema peligra por la llegada de animales antes ausentes, como los gatos o las cabras.

Según BirdLife, las islas –ubicadas en el Pacífico Sur, entre Australia y América- son claves para las aves de las Australes, por la biodiversidad y los endemismos.

Rapa y sus islotes son un territorio muy remoto, a casi 1.500 kilómetros de Tahití, la isla principal en la Polinesia Francesa. Este aislamiento junto con otras características geofísicas ha dado lugar a la evolución de una flora y fauna únicas. Como en otras islas del Pacífico oriental, no había mamíferos en Rapa y en cambio el lugar era un mundo de pájaros y una gran diversidad de plantas especializadas, invertebrados y moluscos terrestres. Para una isla relativamente pequeña (unos 40 kilometros cuadrados) los endemismos son muchos: 3 aves, 100 moluscos, el 31% de todas las plantas y 67 escarabajos que sólo se reproducen en Rapa. La isla está calificada como IBA (Área Importante para las Ave).

Sin embargo, casi la totalidad de la flora y la fauna se hallan muy amenazadas. Se cree que fue colonizada solo hacia el 1500 de forma permanente por los polinesios. La llegada europea sería también muy tardía. La roturación de tierra para la agricultura, los incendios no controlados y la introducción de especies invasoras siguen degradando los hábitats naturales.

Rapa y los islotes de Marotiri son las islas más importantes para las aves marinas en las Australes, no sólo por la mayor diversidad del archipiélago, sino también el mayor nivel de endemismos. La pardela Rapa (Puffinus myrtae newelli) parece estrechamente relacionada con la pardela de Newell en peligro de extinción que se reproduce en Hawái, la pardela de Rapa es pues una población muy lejana. La Grallaria Fregetta titan es una variante local del paíño de vientre blanco o petrel de tormenta, del que difiere por su tamaño y vocalización, lo que podría justificar su inclusión como una especie separada.

El raro Petrel Polinesio de las tormentas (Nesofretta fuliginosa) también está presente y, si bien no ha habido ningún estudio exhaustivo de las aves marinas Rapa durante más de 25 años, el número que entonces era peligrosamente bajo, puede haber disminuido por los efectos persistentes de roedores introducidos y los gatos salvajes, cabras, conejos, vacas y caballos.

La endémica paloma de la fruta de Rapa o Tilopo de Rapa, en peligro de extinción, (Ptilinopus huttoni) está restringida a unas diez áreas de bosque de muy pocas hectáreas de bosque que se aproximan a 10 hectáreas cada uno. Las poblaciones de cabras y ganados en general amenazan lo poco que queda del hábitat. Además, la existencia de gatos y roedores agravan la situación por su depredación. La degradación del hábitat afecta también a otros animales como los caracoles de tierra.

El valor de Rapa en el ámbito de la biodiversidad junto con la esperanza de que es posible su recuperación, han situado a la isla entre las prioridades de restauración de BirdLife, junto con el archipiélago de Marquesas. El programa ya está en marcha gracias a una generosa donación de la Fundación David y Lucile Packard.

En el programa de recuperación destaca la necesidad de proceder a la eliminación de los depredadores introducidos humanos y que han diezmado la naturaleza del Pacífico.

Windsor y los vestidos de la reina

13/10/2016, Los visitantes del castillo de Windsor pueden ver, hasta el 8 de enero de 2017, una gran colección de vestidos de la reina Isabel II.

Londres, 7 de octubre de 2016

Esta exposición forma parte de los eventos previstos en la conmemoración de su 90 aniversario.

El guardarropa de Isabel II, nacida en Londres el 21 de abril de 1926, alberga vestimentas, sombreros y joyas en las que se reflejan momentos muy dispares de su vida, desde disfraces de su época infantil a indumentaria lucida en las carreras de caballos o en las ceremonias oficiales.

Con estos elementos se han programado tres exhibiciones especiales que recorren cada una de las residencias oficiales de su Majestad durante 2016 y parte de 2017, adaptándose el contenido presentado, en buena medida, a cada uno de los lugares: el Palacio de Holyroodhouse en Edimburgo, el Buckingham Palace londinense y el castillo de Windsor. Las dos primeras ya se han presentado durante este estío, y ahora llega la de esta fortaleza de las cercanías de Londres.

En total, más de 150 trajes usados por la Reina se han presentado a través de los tres palacios, en los que se puede ver labores de diversos creadores de la alta costura británica

La exhibición se presenta bajo el título de "Un Reinado: 90 años de estilo a partir del guardarropa de la reina”, con lo que el visitante se acerca a un aspecto biográfico de la monarca a través de los ropajes que lució, desde los momentos de mayor solemnidad a los más desenfadados.

En el castillo de Windsor aparecen magníficos vestidos de noche y conjuntos elegantes exhibidos en los actos oficiales, en contrate con los disfraces usados por la joven princesa Elizabeth y ropas de teatro de los días de la Guerra Mundial.

Porque en esta fortaleza de origen medieval, el visitante podrá encontrarse especialmente con los momentos en los que Isabel y su hermana Margarita residían allí, en los años 40, alejadas de Londres, para preservarlas de los peligros de la II Guerra Mundial, cuando cayeron sobre la capital británica numeras bombas alemanas causando notable destrucción.

En Windsor las dos jóvenes conocieron el mundo de los disfraces e incluso participaron en obras de teatro. Eran los tiempos en los que las princesas contribuían así a recaudar fondos para una institución benéfica.

Windsor está muy directamente relacionado con la vida de la monarca británica. Esta suele pesar en este lugar muchos finales de semana, en un ambiente más relajado que el de la gran ciudad. Se dice que el palacio de Buckingham es su oficina y Windsor su hogar.

Nuria Palencia, en su Nautilus

06/10/2016, Nautilus es el título de una muestra pictórica que presenta Nuria Palencia en la Galería Cinabrio, hasta el 18 de octubre.

León, 6 de octubre de 2016
El conjunto de trabajos de esta artista, una veintena, integra una sorprendente serie que rompe con su creatividad precedente, caracterizada por una ácida reflexión sobre la dureza de la existencia; una reflexión en la que flotan conceptos como la incomprensión, la soledad, la violencia, la injusticia y las angustias derivadas de un mundo cargado de traumas.

El itinerario artístico de Nuria Palencia (León, 1972), que arrancó en el ámbito del grabado, no ha cesado de ampliarse, en un permanente afán por la experimentación, abordando incluso tareas tangenciales como el diseño de ropas.

Hasta ahora, la creatividad de esta leonesa, sea en proyectos editoriales o exposiciones (la última Hysteria, en la Fundación Vela Zanetti, 2015) ha fructificado en obras de tintes expresionistas en la que abunda en los desequilibrios y problemas de nuestro tiempo y también en el mundo de la mujer.

Pero en Nautilus asoma otra Nuria, menos obsesionada con los dramas e injusticias y más cercana a las armonías musicales del color, organizadas en torno a un pretexto literario, un homenaje a Julio Verne, un escritor avanzado de su tiempo cuyas creaciones literarias fascinan a la artista.

Como el autor de Nantes, Nuria emprende un viaje extraordinario a bordo del Nautilus, el mítico submarino del Capitán Nemo, para buscar seres existentes sólo en su imaginación y plasmarlos sobre madera, trabajando básicamente con agua y acrílicos. “No he utilizado ni una sola vez el pincel”, afirma la artista.

Las extrañas criaturas aparecen sobre un fondo acuoso, a veces mezcladas con elementos metálicos, recogidos por la autora en recorridos por viejas minas abandonadas, recordando así tanto a los seres abisales como a los fragmentos herrumbrosos de algún Nautilus varado sobre el fondo marino.

Contrariamente a las obras angustiadas de muestras anteriores, en “Nautilus” hay una cierta alegría en unas composiciones abstractas donde aparecen los ritmos del color. En el mundo submarino de Nuria, el color suena.

Curiosamente, Nuria elaboró este conjunto de obras en un momento de dificultades emocionales. Tal vez los habitantes de ese mundo acuático de los mares fueron capaces de diluir sus preocupaciones y hacer asomar una alegría a sus cuadros, sustituyendo la tensión y la protesta por poesía y musicalidad.

Hace dos siglos, Goethe ya hablaba de la influencia del color en los sentimientos. Hace un siglo, Kandinsky escribía que el alma era un piano de múltiples cuerdas, y que el artista las podía hacer vibrar mediante el uso del color.

...Y si Kandinsky encontró las armonías musicales de la abstracción a través su visión particular de los paisajes de los Prealpes, en las cercanías de Múnich, Nuria lo haría en León, a través de las páginas de Julio Verne.

Por Tomás Alvarez

Cubismo en el Museo de Bellas Artes de Asturias

05/10/2016, El Museo de Bellas Artes de Asturias presenta hasta el 8 de enero de 2017 la exposición "Colección Cubista de Telefónica".

Oviedo, 5 de octubre de 2016
El recientemente renovado Museo de Bellas Artes de Asturias presenta una exposición compuesta por 36 obras y articulada en tres ámbitos: la obra de Juan Gris (con diez piezas excepcionales del artista madrileño); la visión de los otros cubismos con la obra de artistas contemporáneos a Gris que trabajaron en París como Albert Gleizes, Jean Metzinger, Louis Marcoussis, André Lhote, Georges Valmier, María Blanchard y Auguste Herbin; y finalmente la expansión internacional del movimiento recogida en la presencia de artistas españoles y latinoamericanos como Manuel Ángeles Ortiz, Rafael Barradas, Xul Solar o Vicente Huidobro.

Completa la muestra una selección bibliográfica y documental relacionada con los distintos cubismos y el documental "Juan Gris. Cubismo y Modernidad".

El Cubismo fue más que una vanguardia, fue el movimiento artístico que inauguró la modernidad. Fundado en París a finales de la primera década del siglo XX por Braque y Picasso, los límites temporales del Cubismo se extienden más allá de los años 20, cuando otros artistas se incorporan al movimiento para redefinirlo. A través de un revolucionario modo de pintar, el cubismo cambió para siempre la forma de mirar la pintura: ahora el espectador debe recorrer planos, líneas y colores, dispuestos según un ritmo propio que obliga no sólo a una contemplación sensorial, sino también a un ejercicio intelectual de reconstrucción.

La Colección Cubista de Telefónica surgió con la intención de cubrir un vacío en las colecciones españolas sobre este movimiento detonante de las vanguardias. Esta fundamental selección de obras, formada en torno a la obra de Juan Gris, pone de relieve la diversidad de las propuestas y técnicas cubistas desarrolladas a lo largo del tiempo y propone una visión complementaria a la de la historiografía tradicional (con Braque y Picasso como creadores del movimiento), en la que se incluyen además diferentes propuestas de artistas europeos y latinoamericanos afines a este lenguaje.

Colección Cubista de Telefónica
Hasta el 8 de enero de 2017
Museo de Bellas Artes de Asturias

Nam Madol, Patrimonio de la UNESCO

05/10/2016, La isla de Ponapé – Pohnpei en lenguaje local- es un remoto lugar del Pacífico, perteneciente a la Federación de Micronesia, de apenas 110 kilómetros cuadrados. Allí están las ruinas de Nam Madol.

París, 5 de octubre de 2016
Nam Madol es un centro ceremonial construido antes de que los europeos navegaran por aquellas zonas. Y que en 2016 fue incluido en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

La isla se integraba en el archipiélago de las Islas Carolinas, descubiertas en 1526 por navegantes españoles, aunque no fue hasta 1595 cuando Pedro Fernández de Quirós, hizo una breve descripción de la misma. Pero los vestigios de Nam Madol apenas fueron divulgados, hasta que el siglo XX entraron en la leyenda de manos de escritores y ufólogos que no dudaron en atribuir las construcciones a civilizaciones míticas o incluso extraterrestres.

Ante la costa occidental de Ponapé, Nam Madol está integrado por un conjunto de 100 islotes creados artificialmente con columnas basálticas y bloques de coral.

En los islotes perviven los vestigios, en piedra de basalto, de palacios, templos, sepulturas y viviendas, que constituían el centro ceremonial de la dinastía Saudeleur y fueron construidos entre los siglos XIII y XVI, en un periodo de gran auge de la cultura de las sociedades isleñas del Pacífico.

Según señala la UNESCO, el tamaño colosal de las construcciones, así como la perfección técnica y la concentración de sus estructuras megalíticas, son un vivo testimonio de la complejidad de las prácticas religiosas y sociales de los pueblos insulares en ese periodo.

Pero el Sitio de la UNESCO tiene dificultades de futuro, por eso en el momento de su inscripción ya se colocó en el listado del Patrimonio en Peligro, debido a las amenazas que pesan sobre él, especialmente el enlodamiento de las vías navegables, que propicia el crecimiento incontrolado de manglares y fragiliza las construcciones, a la vez que el cambio climático facilita los efectos destructivos de las marejadas y el daño de la mampostería...

La arquitectura megalítica monumental de primer orden de Nam Madol se realizó con piedras de basalto provenientes de las canteras de otras partes de la isla. El tamaño, la gran concentración de estructuras y la técnica de las mismas dan testimonio de una autoridad poderosa y de las complejas prácticas sociales y religiosas de la sociedad, en un periodo en el que creció la explotación agraria y la población.

Las ruinas se conservan relativamente libres de elementos intrusivos, sin reconstrucciones de las partes originales. El cese total de su utilización residencial tuvo lugar en la década de 1820.

Ruta de los volcanes de La Palma

04/10/2016, La ruta de los volcanes de La Palma, uno de los paisajes más fascinantes de la Isla Bonita, vuelve a abrirse al público.

La Palma, 4 de octubre de 2016
Finalizados los trabajos de limpieza y acondicionamiento, la Ruta de los Volcanes vuelve a estar abierta al público y lista para su disfrute. Este espectacular trayecto, en el convergen vegetación, lava volcánica y mar, ha estado cerrado como consecuencia del incendio que afectó a la Isla Bonita en el pasado mes de agosto.

Situada entre las comarcas centro y sur de La Palma, la ruta, uno de los puntos de mayor interés turístico, se extiende durante 31 kilómetros y transcurre a través de los municipios de El Paso, Mazo y Fuencaliente, dentro del Parque Natural de Cumbre Vieja.

La Red de Senderos de La Palma califica la caminata como difícil y le da una valoración de tres sobre cuatro en cuanto a la inclinación. Este exigente recorrido se desarrolla entre volcanes y animales endémicos, como la graja y el cernícalo, y combina senderos, una pista forestal y asfalto, prologándose durante ocho horas y media. No obstante, muchos caminantes optan por realizar la ruta desde el Refugio del Pilar hasta Los Canarios, con un tiempo total que oscila entre la hora y media y las dos horas.

El París de Toulouse-Lautrec

04/10/2016, Hasta el 27 de noviembre se puede visitar en Museo del Palacio de Bellas Artes la exposición El París de Toulouse-Lautrec. Impresos y pósters del MOMA.

México D.F., 4 de octubre de 2016
Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) fue uno de los grabadores más talentosos e innovadores de finales del siglo XIX. Desde el momento en que apareció su primer cartel en las calles de París, en 1891, y hasta hoy día, Toulouse-Lautrec sigue siendo objeto de fascinación. Los barrios bohemios de París, las sórdidas tabernas de Montmartre y los cafés cantantes se convirtieron en su entorno e inspiraron su obra.

Lautrec se formó como pintor y, en 1891, se inició en la litografía a color. De inmediato, se convirtió en una obsesión: en la década anterior a su muerte creó más de 350 litografías, desde carteles e impresiones hasta ilustraciones para revistas, periódicos, programas de teatro, libros y partituras.

Rehuyendo del esnobismo de la así llamada alta cultura a favor del entretenimiento populista, Lautrec creó sus impresiones y carteles para mostrarlos en las calles, fuera de los cabarets y salones de baile. Sus composiciones reflejaban la velocidad e inmediatez con las cuales una imagen debía atrapar la atención del espectador en medio del bullicio de la vida urbana.

VIDA Y LITOGRAFÍA
Los padres de Lautrec, además de aristócratas, también eran primos hermanos y, probablemente, su unión fue un factor importante en los problemas de salud que el artista padecería constantemente. Siendo adolescente, se rompió ambas piernas y esto provocó que tuviera un periodo sin crecimiento de dos años. Mediría apenas un metro cincuenta y cuatro centímetros de alto y caminaría ayudado de un bastón el resto de su vida.

Lautrec se mudó a París para estudiar arte en su adolescencia. Por las noches exploraba Montmartre, un barrio decadente en la periferia de París, refugio de criminales, prostitutas, artistas y bohemios. Pronto se convirtió en un elemento habitual de la vida nocturna de Montmartre, la cual le daría su más grandiosa inspiración y lo llevaría a la cúspide de su fama.

A lo largo de su carrera como impresor, Lautrec trabajó casi exclusivamente con la litografía, un proceso que se basa en el principio de que el agua y el aceite no se mezclan. Se convirtió en un maestro de la técnica gracias a su trabajo con impresores en sus talleres. Este momento coincidió con el auge del grabado artístico en París estimulado por los avances tecnológicos, los cuales facilitaban la impresión en formatos más grandes y a color, y por una creciente red de editores, impresores, distribuidores y coleccionistas.

EL CAFÉ CANTANTE
La segunda mitad del siglo XIX fue testigo de un crecimiento insólito de la vida nocturna en París. Los géneros del entretenimiento se multiplicaron: había circos, teatros y salones de baile tanto para la clase obrera como para la élite social e intelectual. El más importante de estos nuevos tipos de entretenimiento era el café cantante, donde hombres y mujeres se podían reunir para fumar, comer, beber y escuchar música en vivo. En 1896 se contaban cerca de trescientos lugares de este tipo en París.

Lautrec encontró una inmensa libertad e inspiración en sus visitas nocturnas a los teatros, circos, óperas y cafés cantantes. Frecuentemente, hacía bocetos en las servilletas de su mesa, confiando los gestos de las intérpretes a su memoria. Dichas escenas se convirtieron en sus imágenes más célebres.

FEMMES, FILLES, ELLES
Las imágenes de mujeres componen la apabullante mayoría de obras de Lautrec. Su fascinación por ellas se extendía a empleadas, cortesanas, artistas y prostitutas. No obstante, sus relaciones personales con las mujeres, eran complejas y conflictivas. Fue un visitante frecuente de los burdeles de París, los cuales, en aquella época, eran un elemento habitual de la vida parisina y llegaban a estar regulados con visitas médicas semanales.

Aunque tenía un círculo de amigos hombres, Lautrec también tenía un grupito de amigas cercanas, muchas de las cuales eran artistas y, muchas de las cuales, eran lesbianas, entre las que se cuentan, Yvette Guilbert, May Milton, Mary Hamilton, Jane Avril, La Golosa y la payasa Cha-U-Kao.

EL PLACER DE PARÍS / CÍRCULOS CREATIVOS
Lautrec era un ávido viajante, pero su estudio, sus impresores y editores, su querida vida nocturna y sus musas estaban en París. Encontraba inspiración en la ciudad y pasaba muchas horas haciendo bocetos en la magnífica naturaleza cultivada, Bois de Boulogne, donde una variedad en constante cambio de la sociedad paseaba a pie, a caballo, en bicicleta, carruaje o automóvil. Cuando se encontraba ahí, visitaba la pista de hielo, el famoso hipódromo de Longchamp o el zoológico (los animales fueron uno de sus temas favoritos desde su infancia).

Lautrec también gozó de la escena culinaria de la ciudad. Era un sibarita y, al parecer, un magnífico cocinero. Cuando encontraba un bar o un restaurante que le gustaba, empezaba a cenar ahí todos los días.

A la par que Lautrec socializaba con las estrellas de los cafés cantantes, también era parte de un círculo de autores, editores, compositores y dramaturgos quienes le encargaban la promoción de su obra. Ilustró las partituras para las nuevas canciones que se presentarían en los cabarets y diseñó los programas de varías compañías de teatro. Colaboró con ilustraciones para la prensa popular, en la que se incluían revistas humorísticas, contenido erótico y publicaciones semanales.

Las colaboraciones literarias cultas parecían eludir a Lautrec: perdió un concurso para diseñar un cartel para una biografía de Napoleón y se frustró su deseo de ilustrar una nueva edición de la novela de Edmond de Goncourt, La fille Elisa, de 1877, cuando Goncourt rechazó sus dibujos. La única excepción fue su trabajo con La revue blanche, la primera revista artística y literaria parisina. Además de incluir ficción, ensayos y crítica de arte, la Revue encargaba a los artistas que crearan carteles y publicaban impresiones originales.

El París de Toulouse-Lautrec. Impresos y pósters del MOMA
Museo del Palacio de Bellas Artes
Eje central Lázaro Cárdenas esquina con avenida Juárez s/n. México D.F.
Hasta el 27 de noviembre de 2016

Un sueco en París

03/10/2016, El Louvre presenta, del 20 de octubre al próximo 16 de enero, una excelente colección adquirida en el siglo XVIII por un embajador sueco en la capital francesa, el conde Carl Gustaf Tessin.

París, 3 de octubre de 2016
Este aristócrata, de elegantes gustos y refinada cultura, ejerció como embajador de Suecia en París entre 1739 y 1742, un periodo en el que se dedicó a adquirir arte, y en el que acabó reuniendo una colección muy rica, con obras de Boucher, Durero, Rembrandt, etc. que ahora se conservan en el Nationalmuseum de Estocolmo.

Político y cortesano, artista, escritor e historiador, Carl Gustaf Tessin fue recibido en la corte parisina y contó con muchos amigos, entre ellos el coleccionista Pierre-Jean Mariette y el pintor François Boucher. Recorrió talleres y establecimientos, frecuentó subastas, y adquirió una excepcional colección, que revela tanto el gusto del comprador como la atmósfera artística que reinaba en París en la época. Una vez vuelto a Suecia, endeudado, el conde tuvo que vender su colección, a partir de 1749 y gran parte de la misma pasó a ser propiedad de la Corona sueca.

El homenaje que el Louvre hace a este sueco vecino de París en el siglo XVIII revela una valiosa colección a través de un centenar de obras, algunas de las cuales, como el triunfo de Venus (François Boucher) regresa por primera vez después de la compra del coleccionista. Será pues esta, una ocasión para experimentar el marcado del arte del París de mediados del siglo XVIII.

La selección de las obras presentadas en esta exposición sigue una trayectoria cronológica y temática, que muestra dibujos y pinturas de los artistas franceses más famosos ( Boucher, Oudry y Natoire...) y exteriones (Durero, Rembrandt, Carracci...), así como muebles y objetos de arte de moda.

Uno de los momentos más importantes en los que el conde Carl Gustaf Tessin acumuló su colección fue la subasta Crozat de 1741, durante la cual incorporó cuadros de primitivos italianos, flamencos y alemanes.

Alrededor de la exposición se han organizado diversas conferencias, sobre el coleccionista y las relaciones artísticas entre Francia y Suecia en el siglo XVIII.

Francis Bacon: de Picasso a Velázquez

29/09/2016, El Museo Guggenheim Bilbao dedica a Francis Bacon, uno de los artistas fundamentales del siglo XX, una interesante retrospectiva.

Bilbao, 29 de septiembre de 2016
La muestra recorre más de seis décadas de trabajo, mostrando una impresionante selección de sus pinturas junto a las de algunos de los maestros españoles y franceses que mayor influencia ejercieron sobre su pintura.

Con cerca de 80 obras esta muestra pone de manifiesto la relevancia que la tradición poseía para Bacon, que si bien Bacon encarna con su obra la modernidad y expresa la angustia propia del hombre de su época, también retomaba con su pintura el legado de los grandes maestros aportando los referentes de la cultura de su tiempo.

Transgresor con su vida y con su obra, Bacon situó al ser humano ante un espejo en el que éste se refleja de forma cruda y descarnada. Bacon retrata de manera expresiva lo que supone estar vivo, en toda su dimensión y con todas sus consecuencias, reduciendo la realidad a su esencia y sintetizándola en forma de materia pictórica.

Francis Bacon fue un ferviente consumidor de literatura francesa de autores como Racine, Balzac, Baudelaire y Proust y apasionado del arte de Picasso, Van Gogh, Degas, Manet, Gauguin, Seurat y Matisse. Siendo un adolescente, descubrió cerca de Chantilly la Masacre de los inocentes (1628-1629) de Nicolas Poussin y en 1927 tuvo un encuentro revelador con la obra de Picasso, cuando visitó la exposición Cent dessins par Picasso en la galería Paul Rosenberg de París, que de hecho le llevó a la decisión de iniciar su carrera como pintor.

En 1946 se traslada Mónaco, donde viviría tres años cruciales en su carrera y donde regresaría regularmente hasta 1990. Bacon siempre consideró su retrospectiva de 1971 en el museo Gran Palais de París como la cúspide de su carrera, a pesar de haber tenido importantes retrospectivas en Londres y otras ciudades.

En cuanto a la influencia de la cultura española en Bacon, más allá de Picasso, tuvo su máxima evidencia en su obsesión por el retrato que Velázquez pintó en 1650 del Papa Inocencio X, en torno al cual llegó a realizar más de cincuenta obras. También le fascinaron otros clásicos de la pintura española como Zurbarán, El Greco o Goya, artista este último al que admiró ampliamente en el Museo del Prado.

Proveniente de una acomodada familia británica afincada en la Irlanda rural y turbulenta de principios del siglo XX, Francis Bacon se enfrenta, con tan solo diecisiete años, a la obra de Pablo Picasso en la galería Paul Rosenberg de París. Este hecho marcó el comienzo de su dedicación al arte y queda patente en algunos de sus primeros trabajos, quen hace clara referencia a la obra de los años veinte del artista malagueño.

Partiendo de un absoluto desconocimiento de la técnica pictórica, Bacon se adentra en el mundo del arte y asimila con celeridad lo que otros creadores cercanos a él, como Roy de Maistre, podían aportarle. Los escasos lienzos de esta época que han sobrevivido demuestran la temprana influencia del Cubismo Analítico y Sintético, y del Surrealismo biomórfico de Picasso, que desembocaría en el desarrollo de un lenguaje propio por parte de Bacon.

Tras la Segunda Guerra Mundial su obra fue de nuevo reconocida por crítica y público y su trabajo fue expuesto en varios países europeos. Durante este período, el artista crea un universo nuevo de imágenes, concebido a partir de la literatura, el cine, el arte y su propia vida, a través de un lenguaje singular y reflejando la vulnerabilidad del individuo con gran crudeza.

Los personajes, cuyo aspecto se encuentra entre lo humano y lo animal se muestran encerrados y atrapados en jaulas o cubos. Bacon utiliza este recurso para centrar la mirada del observador en las figuras, emborronadas y desfiguradas, reducidas a trazos de colores grisáceos y azulados que recuerdan al Greco y a los dibujos de Alberto Giacometti. También rinde homenaje a van Gogh, a través de la pincelada suelta y de una encendida paleta. A Bacon le fascinaba la manera en que Van Gogh se alejaba de la norma y de la realidad literal en favor de la expresión.

A mediados de los años cuarenta Francis descubre a través de reproducciones la imagen del Papa Inocencio X, realizada por Diego Velázquez en 1650. La predilección de Bacon por este lienzo se reflejó durante más de dos décadas en decenas de obras en las que la imagen del pontífice se ve transformada de diferentes y controvertidas maneras.

El primer desnudo realizado por Francis Bacon que ha sobrevivido data de 1949. El lienzo muestra a un hombre de espaldas. En su cuerpo resalta la espina dorsal, semejante al costillar de un animal, que recuerda a la espalda de la figura que aparece en Tras el baño, mujer secándose (1890-95) de Degas, una obra muy admirada por Bacon.

Cuatro años más tarde el artista pinta una pareja de hombres desnudos, una imagen que no podía mostrarse en público en una Inglaterra contraria a la homosexualidad. En los desnudos de Bacon los personajes aparecen aislados en posturas cotidianas que el pintor transforma retorciendo sus cuerpos de una forma casi animal, hasta hacerlos parecer casi inverosímiles.

En 1951 Bacon realizó su primer retrato de un personaje conocido, el del pintor británico Lucian Freud. Durante años retrató a amigos y a personas a las que admiraba, como Michel Leiris, Henrietta Moraes, Jacques Dupin, George Dyer, John Edwards, Reinhard Hassert y Eddy Batache, entre otros muchos. Solo algunos de sus retratos fueron encargos pues Bacon casi siempre elegía a los sujetos de sus cuadros, a los que pintaba basándose principalmente en fotografías que ellos le enviaban. En muchas ocasiones estos cuadros tienen un fondo negro, que evoca el arte de los grandes maestros españoles, mientras que algunas obras presentan otros tonos, como el naranja cadmio, destinado a creaciones de mayor formato. Bacon no solo intenta reflejar la apariencia física de los retratados, sino que pretende transmitir el vínculo que los une con él, en una representación de las relaciones humanas.

En los años setenta, fruto de la carencia de modelos para sus obras, comienza a realizar un gran número de autorretratos; entre 1971 y 1979 pintó un total de 29. En esta etapa alcanza un gran reconocimiento internacional. En 1971 se convierte en el primer artista vivo, después de Picasso, al que el Grand Palais de París le dedica una retrospectiva y, en 1988, será el primer artista occidental al que se consagre una exposición en la extinta Unión Soviética.

A finales de los años setenta y principios de los ochenta, Bacon, ya septuagenario, reintroduce en su obra motivos como el toro y géneros como el paisaje, hasta entonces secundarios en su producción. En la última etapa de su carrera, su obra se simplifica; los elementos del paisaje son aislados de su contexto de una manera similar a la que emplea para tratar la figura humana.

Los retratos de esta última etapa son cada vez más escuetos. El pintor llega a eliminar elementos y referencias visuales, para dirigir la atención hacia la figura principal. Algunas de estas obras fueron realizadas con pintura en aerosol, lo que permitió a Bacon crear nuevas texturas. Estos lienzos se dividen entre los realizados con colores enérgicos y aquellos que presentan fundamentalmente tonalidades grises y apagadas.

El toro aparece de nuevo en estos últimos años. Su iconografía remite a artistas como Goya y Picasso, pero también al poeta Federico García Lorca y al escritor Michel Leiris, y hace alusión, de manera concreta, a las corridas de toros.

Francis Bacon falleció en Madrid en 1992 a escasa distancia del Museo del Prado, pinacoteca en la que se encontraban muchos de los grandes maestros que había admirado y a la que había acudido por última vez en 1991 para contemplar la obra de Velázquez.

Lluïsa Vidal. Pintora del modernismo

28/09/2016, Este otoño el Museu Nacional d`Art de Catalunya nos invita a descubrir la figura de Lluïsa Vidal en una exposición dedicada a esta pintora modernista.

Barcelona, 28 de septiembre de 2016
Lluïsa Vidal (1876-1918) formó parte de la generación joven de artistas modernistas catalanes. Pintora, dibujante e ilustradora y gran retratista, fue muy valorada por su capacidad de captar el estado emocional del personaje retratado. La exposición del Museu Nacional d`Art de Catalunya muestra sus retratos más representativos, en los que se percibe una clara influencia de los grandes maestros de la pintura clásica española.

Otra de las facetas más características de su obra es la pintura de género, en la que muestra con total naturalidad la vida cotidiana de las mujeres. La muestra incluye también la pintura al aire libre, donde destacan los temas preferidos del artista: las fiestas populares, los bailes de pueblo, y las escenas en playas y calles, casi siempre con figuras, colores vibrantes y pinceladas atrevidas.

Lluïsa Vidal fue de las pocas pintoras españolas de la época que se instaló en París para completar su formación. Llegó a primeros de junio de 1902 y permaneció poco más de un año. Allí asistió a la Académie Julian, bajo la maestría de Jean-Paul Laurens, y posteriormente, se formó con Eugène Carrière, primero, y Georges Picard, después, en la academia de Georges Humbert.

Durante su estancia en París conoció el movimiento feminista europeo. Desde ese momento, la idea de colaborar e impulsar el aprendizaje de la mujer no la abandonó nunca. Ya en Barcelona, entró en contacto con Carme Karr, líder de la corriente feminista burguesa, participó en el Institut de Cultura i Biblioteca Popular per a la Dona, y entró en el Comité Femenino Pacifista de Cataluña.

Fue también la única mujer de su época que se dedicó profesionalmente a la pintura y pudo vivir de su trabajo artístico, pues recibía numerosos encargos de familias acomodadas y trabajaba como ilustradora para la revista Feminal y otras publicaciones. Para completar sus ingresos daba clases de dibujo y pintura, y abrió una academia dónde impartía clases de arte.

La muestra se completa con una parte documental con fotografías familiares, cartas, fotografías de obras de la pintora publicadas en revistas, libros publicados con sus ilustraciones, críticas de sus exposiciones en diferentes diarios de la época o el diploma que le otorgó el Ayuntamiento de Barcelona en 1907.

Conjunto de cuevas de Gorham, en la UNESCO

28/09/2016, La UNESCO incluyó en el listado del Patrimonio Mundial, en el año 2016, a un complejo de cuevas y acantilados del sur de la Península Ibérica, en el este del roquedo de Gibraltar.

París, 28 de septiembre de 2016
Se trata de las cuevas de Gorham, que junto con Atapuerca son los dos únicos sitios de la UNESCO relacionados con la evolución humana en la Península Ibérica.

Los acantilados calcáreos del Peñón, que se alzan ante el Mediterráneo, albergan cuatro cuevas, yacimientos arqueológicos que atestiguan la presencia del hombre de Neandertal desde hace más de 100.000 años. Allí quedaron útiles, huellas de la caza de aves y animales marinos con fines alimentarios e incluso indicios del uso ornamental del plumaje de las presas capturadas.

Lo más importante no radica sólo en el esa presencia humana y en los restos de la ocupación del lugar, sino en la existencia incluso de pinturas rupestres y unos signos abstractos grabados en la roca, se calcula que hace 40.000 o 45.000 años, que parecen expresiones de un pensamiento simbólico, algo que hasta ahora se atribuía sólo al homo sapiens.

Los investigadores señalan que la realización de un dibujo que recuerda al típico “hashtag” que se utiliza en internet, no es fruto de la casualidad, sino que exigió un trabajo concienzudo de grabado, un objetivo, un plan previo y un significado. Esto implicaría que los neandertales podrían representar un pensamiento, una abstracción, lo que significa un dato importante en la evolución del ser humano.

Las excavaciones han mostrado distintas capas estratigráficas. Hay huellas de ocupación fenicia, del neolítico y del paleolítico. Los más antiguos pertenecieron a la época neandertal.

La pervivencia de los neandertales está en permanente discusión. Antiguos estudios señalaban que habían desaparecido hace unos 40.000 años, pero otros señalan que podrían haber pervivido en esta zona hasta hace unos 24.000 años. Estudios recientes señalan incluso que los sapiens y los neandertal convivieron durante milenios.

La UNESCO, que decidió la inclusión del complejo de Durham en el listado del Patrimonio Mundial, entregó este mes a las autoridades gibraltareñas el documento acreditativo, en un acto en el que estuvieron presentes importantes ciuentíficios, entre ellos Eudald Carbonell, director del Sitio del Patrimonio Mundial de Atapuerca, integrado en lista en el año 2000.

La selva de Gola: un reducto de vida

27/09/2016, Liberia ha declarado como Parque Nacional al bosque lluvioso de Gola, Este parque, junto al contiguo de Sierra Leona, son un reducto de vida importante en África.

Liberia, 27 de septiembre de 2016
Según informa BirdLife, la declaración se produjo el 22 de septiembre. La selva de Guinea era un gran espacio húmedo del áfrica centro-occidental; una manta verde que se extendía de Guinea a Togo, pero se ha reducido en un 70% durante los últimos siglos, debido a las actividades humanas en la región.

Este bosque lluvioso ofrece recursos vitales para las comunidades que viven en los bordes del bosque, y alberga una impresionante variedad de vida animal y vegetal, especies tanto grandes como pequeñas, muchas de las cuales son endémicas, y ahora están amenazados por la fragmentación de sus hábitats forestales.

El futuro del bosque de Gola en Liberia, un gran bloque de selva tropical de hoja perenne y semi-caducifolio que se extiende por la vecina Sierra Leona, era, hasta ahora, incierto, pues este espacio, uno de los más amplios que quedaban de la selva de Guinea, ha sido severamente amenazado por una serie de factores, tales como la minería y la explotación de canteras, la producción de carbón y la caza de animales silvestres, según BirdLife.

Sin embargo, gracias en gran medida a los esfuerzos de la Sociedad para la Conservación de la Naturaleza en Liberia (SCNL, socia de BirdLife), el bosque de Gola fue quedó oficialmente declarado Parque Nacional el 22 de septiembre, brindando así protección y seguridad a este punto clave de biodiversidad reconocido internacionalmente.

El Parque Nacional del Bosque de Gola se conectará con el Parque de Sierra Leona de nombre similar, que fue reconocido en 2011, creando una franja de vida transfronteriza “Parque de la Paz", que cubre más de 395.000 acres de tierras protegidas.

BirdLife recuerda que hace dos décadas, los sonidos de los disparos eran comunes en esta área limítrofe con Liberia en un estado de altas tensiones en Sierra Leona. Ahora el bosque transfronterizo es un símbolo de la paz y la dedicación de los gobiernos de ambos países para la conservación de la naturaleza.

La zona ha sido previamente reconocida por BirdLife como un Área de Aves y Biodiversidad de Importancia (IBA) con más de 300 especies registradas, que trascienden las fronteras internacionales de los países. La IBA Complejo Lofa-Gola-Mano es el hogar de numerosas especies categorizadas por BirdLife para la Lista Roja de la UICN como vulnerables, incluyendo bulbul barbigualdo (Criniger olivaceus); el oruguero carunculado (Campephaga lobata) y el cálao de casco amarillo ( Ceratogymna elata ). Tal vez el más reconocible y carismático de los pájaros vulnerables de esta área es Picatartes cuelliblanco (Picathartes gymnocephalus), una gran paseriforme cuya apariencia inusual que han regalado el nombre alternativo de “cuervo calvo”, y es un símbolo para el ecoturismo en la zona.

La declaración de Parque Nacional del Bosque de Gola es también una buena noticia para la valiosoa megafauna de la zona, como el elefante africano de Bush (Loxodonta africana), el chimpancé común (Pan troglodytes) (clasificados como en peligro de extinción), y el hipopótamo enano (Choeropsis liberiensis) (clasificado como vulnerable).

Sin embargo entre los residentes más interesantes del parque de nueva creación también hay una buena cifra de “pequeños”. Investigaciones recientes en la zona han revelado varias especies nuevas para la ciencia, incluyendo seis libélula, tres especies de mariposas y una rana.

Con menos del tres por ciento de los bosques restantes de África oficialmente protegidos, es posible que muchas otras especies animales se puedan perder incluso antes de que tengamos la oportunidad de descubrirlas.

Filipos, en la lista de la UNESCO

26/09/2016, Uno de los grandes lugares cristianos del norte de Grecia fue Filipos, la ciudad fundada por Filipo II de Macedonia. Sus restos están ahora en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 26 de septiembre de 2016
Esta era la ciudad de los filipenses, a los que San Pablo escribía desde la prisión en torno al año 60 de nuestra era, libro que es parte del Nuevo Testamento.

Filipos se halla en la actual región griega de Macedonia Oriental, cerca de la costa del norte del Egeo, frente a la isla de Tasos, Se halla en un lugar por donde pasaba la antigua vía romana Egnatia que unía Europa con Asia.

Allí perviven los vestigios de esta ciudad fortificada que se extienden al pie de una acrópolis, en un lugar de interés viario y minero.

Filipo II de Macedonia fundó Filipos en el 356 a.C. en el lugar en la que estaba la colonia de Crénides, y puso una guarnición para dominar la vía y las cercanas minas de oro.

El rey macedonio mando construír importantes fortificaciones y saneó la cercana marisma. Por suerte para la nueva ciudad, en la zona aparecieron nuevas explotaciones auríferas y Filipos prosperó y gozó de prestigio y autonomía en el reino, aunque nunca tuvo una gran población.

En su entorno se dieron importantes batallas en tiempos romanos, y allí se asentaron veteranos del ejército, en una “refundación” de la urbe (año 41 a.C.) cuando Augusto la denominó Colonia Victrix Philippensium.

En tiempos del Imperio Romano, en los decenios subsiguientes a las batallas, vinieron a añadirse a los anteriores monumentos de la época helenística –el teatro y el templo funerario– importantes construcciones como el Foro.

Hacia el año 49, la urbe fue visitada por San Pablo, quien volvería en el 56 y 57. La epístola a los filipenses daría fe de la actividad del núcleo cristiano, vitalidad que tuvo continuidad a juzgar por otras comunicaciones con la comunidad filipense, la epigrafía funeraria y restos paleocristianos. A partir de aquel momento y en tiempos del imperio romano se data la existencia de numerosas iglesias.

Atacada por invasiones de diversos pueblos, pestes y un gran seísmo(siglo VI), la población decayó. Caída en manos de los búlgaros, y retomada por los bizantinos, aún gozó de una era de plata en los siglos X al XII. Luego pasó por el dominio de los cruzados, los serbios, los turcos…. Y en el XVI ya sólo pervivían en aquel histórico lugar unas ruinas explotadas como canteras por los turcos.

Vestigios del teatro, foro, basílicas, termas, murallas y necrópolis dan aún testimonio de si pasado intenso. El sitio Patrimonio Mundial de la UNESCO desde este año 2016 ocupa un espacio de 87,5 ha. y una zona de amortiguamiento de 161,2.

El Bosco regresa a la colección permanente del Prado

26/09/2016, Tras la clausura de la gran exposición con motivo de su V centenario, El Bosco regresa a la colección permanente del Museo del Prado con nueva instalación y sala exclusiva.

Madrid, 26 de septiembre de 2016
El Museo del Prado clausuró el domingo 25 de septiembre la exposición conmemorativa del V centenario del fallecimiento del Bosco con un balance definitivo de 589.692 visitantes.

A lo largo de la presente semana, los trípticos del pintor Hieronymus van Aeken Bosch conservados por el Prado volverán a la colección permanente, a una sala dedicada en exclusiva al mismo, y que servirá como eje en torno al cual se articulará la nueva disposición de la pintura flamenca e hispano-flamenca de los siglos XV y XVI.

Los trípticos del Prado volverán a poder visitarse integrados en el discurso de la colección permanente en una sala dedicada en exclusiva al maestro flamenco, con un montaje expositivo que singulizará más el carácter de los trípticos al permitir contemplar tanto el anverso como el reverso de sus laterales.

La nueva instalación de pintura flamenca de los siglos XV y XVI enfatizará la importancia de sus principales artífices, otorgando al Bosco un espacio exclusivo y dedicando otra sala a Joachim Patinir y Pieter Bruegel el Viejo. El nuevo montaje hace asimismo hincapié en la magnífica pero no siempre destacada colección de pintura de la segunda mitad del siglo XVI, con Antonio Moro como principal representante.

“El Bosco. La exposición del V centenario” ha reunido más del setenta y cinco por ciento de la producción conservada del maestro flamenco y ha contado con extraordinarios préstamos, como el Tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa, el Cristo camino del Calvario de Patrimonio Nacional, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres o el dibujo del Hombre-árbol de la Albertina de Viena, que se unieron a las piezas de la colección del Museo del Prado, que cuenta con obras maestras como El jardín de las delicias, el Carro del Heno o la Adoración de los Magos.

Paco Rossique. Palabras Menhires

23/09/2016, El artista grancanario Paco Rossique presenta en el Círculo de Bellas Artes una nueva serie de trabajos que se mueven entre la representación, el juego, la interpretación y el sonido.



Madrid, 23 de septiembre de 2016
El artista grancanario Paco Rossique plantea un diálogo entre la obra pictórica, la palabra y el arte sonoro a través de las 173 piezas que componen esta muestra en la que los collages apropiacionistas, la poesía visual y los sonidos de Palabras Menhires aspiran a interrogar al espectador y tratar de vislumbrar la verdad desde el engaño, desde el juego sutil con el que el artista nos emplaza a considerar los enigmáticos objetos y personajes representados.

Nos encontramos frente a una explicación muy personal de lo pictórico, cuyo rasgo más esencial sería el de crear nuevas genealogías de la vanguardia que compliquen y revisiten su pasado, y a la vez den apoyo a un horizonte por venir que únicamente podrá ser productivo desde la consideración de un futuro artístico abismado en la complejidad del presente y en la exhaustiva reconsideración de lo que vemos y escuchamos. 

La exposición podrá verse en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes hasta el 6 de noviembre de 2016.

Con una trayectoria de más de treinta años como artista, Paco Rossique se mueve entre la obra pictórica, el mural, el arte sonoro, la escultura, la obra gráfica y la ilustración. Su obra se ha expuesto en países como Francia, Ecuador y España.

Paco Rossique. Palabras Menhires
Hasta el 06.11.2016
Círculo de Bellas Artes de Madrid
Alcalá, 42. Madrid


Wifredo Lam en la Tate Modern

23/09/2016, Con más de 200 obras, la gran retrospectiva de Wifredo Lam cierra su periplo por Europa en la Tate Modern londinense, donde se presenta del 14 de septiembre al 8 de enero de 2017.



Londres, 23 de septiembre de 2016
Con pinturas, dibujos, cerámicas, fotografías y documentos de su asendereada existencia, la exposición descubre la fascinante carrera de Wifredo, uno de los artistas cubanos más emblemáticos del siglo XX, que mezcló el arte de las vanguardias europeas con la cultura del Caribe.

La exposición está organizada por el Centro Pompidou de París, en colaboración con la Tate Modern de Londres, y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (1902 — 1982) es un personaje heredero de diversas culturas. Era el octavo hijo de Lam-Yam, un emigrante chino cantonés, y de Ana Serafina Castilla, cubana pero con raíces africanas y españolas.

Nacido en Cuba en 1902, estudió en La Habana y Madrid. Se alistó en las fuerzas republicanas en la Guerra Civil Española, y estuvo en París, en el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Al regresar a Cuba en 1941 como parte del éxodo de refugiados que huyen de la ocupación alemana, Lam se enfrenta a la pobreza y la corrupción de su tierra natal, sino que también comenzó a explorar su herencia africana. De vuelta a Europa en 1952, vivió en diversos lugares, antes de su muerte en París en 1982. 

Wifredo estuvo íntimamente vinculado a los artistas españoles del surrealismo y cubismo, especialmente con Picasso, quien le acercó en París a destacados artistas y escritores. De todos hallaría una síntesis, como en su propio ser biológico en la que laten las creencias y tradiciones de un lado y otro del Atlántico.

Activo frente a la injusticia social y el colonialismo, y también desafió las actitudes mantenidas de los artistas occidentales sobre otras culturas. En algún momento se vio incluso como un “caballo de Troya” en el arte y la cultura occidental.

“Mi pintura es un acto de descolonización -dijo el artista cubano en 1980- no en el sentido físico, sino en una mental”'. Lam pertenecía a una extraordinaria generación de artistas que examinaron el lugar del individuo dentro de la sociedad del siglo XX, marcada por el conflicto político y el legado del colonialismo.

Su trabajo fue revolucionario en el vuelco jerarquías culturales a través de su énfasis en la cultura afrocaribeña. Desarrolló un estilo personal que representa una convergencia entre los movimientos modernistas en ambos lados del Atlántico altamente distintivo.

Valentin de Boulogne: Más allá de Caravaggio

22/09/2016, En menos de un mes se inaugura en el Metropolitan neoyorquino la exhibición dedicada a Valentín de Boulogne, el mayor seguidor francés de Caravaggio.



Nueva York, 22 de septiembre de 2016
Jean Valentín de Boulogne (1591 - 1632), fue un extraordinario pintor francés del barroco, aunque su fama quedó oscurecida por su temprana muerte y el escaso número de obras que se conservan de él, unas sesenta.

Este artista recibió la influencia de Caravaggio, de quien pronto asume el “claroscuro” propio de su pintura, si bien lo coloca de manera más geométrica y muestra más interés por los modelos. Es pintor de escenas costumbristas y también asuntos religiosos, caracterizado por el dramatismo y humanidad de sus figuras y una atmósfera generalizada de melancolía.

“Valentín de Boulogne: Más allá de Caravaggio” es el título de esta muestra, la mayor exposición monográfica dedicada a él. De las seis decenas de obras que se conocen, en el MET se presentarán cuarenta y cinco, procedentes de Roma, Viena, Munich, Madrid, Londres y París. El Museo del Louvre, que posee el conjunto más importante de obras de Valentín, prestará todas sus pinturas del artista. La exposición está organizada conjuntamente por el Metropolitan y el Louvre.

La exposición será un evento de referencia no sólo para los estudiosos de este autor, sino también para los amantes del arte, que descubrirán a uno de los grandes de la pintura francesa, que fue punto de referencia para los realistas del siglo XIX, de Courbet a Manet.

Sin datos abundantes de su vida, parece que tras cumplir la veintena se trasladó de Francia a Roma, que entonces era capital cultural de Europa, donde los aspirantes a artistas de Francia, España, Alemania, y Países Bajos acudían a ver los grandes monumentos del pasado romano, así como las obras maestras de Rafael y Miguel Ángel. Pero una vez allí, le atrajo el novelesco Caravaggio, uno de los grandes revolucionarios del arte occidental, quien rechazó la gran tradición del pasado, poniendo en su lugar un nuevo tipo de arte basado en la pintura directa del modelo, observado bajo una luz rasante que ampliaba el impacto dramático.

A la muerte de Caravaggio, en 1610, su espacio se ocupó por dos pintores de genio. Uno de ellos fue el español José de Ribera (1591-1652), quien en 1616 se trasladó de Roma a Nápoles, donde pasó el resto de su vida; el otro, Valentín de Boulogne que pasó la totalidad de su corta carrera en Roma.

Nacido el 3 de enero de 1591, no lejos de París, en la pequeña ciudad de Coulommiers, Valentín era el hijo de un pintor y vidriero y tenía un hermano, 10 años menor que él, que también era pintor. Es probable que Valentín trabajase de aprendiz con su padre, pero nada se sabe acerca de su carrera antes de llegar a Roma. Se cree que lo hizo en 1612, aunque está documentada su estancia por primera vez en 1.614. 

La vida de Valentín se vio interrumpida a los 41 años, después de una noche de taberna, por unas fiebres mortales. Pero dejó obras que hoy están distribuidas en grandes instituciones del mundo. En algunas se aprecia un trasfondo existencial en asuntos convencionales, tales como el Sansón (Cleveland Museum of Art), pintado para el cardenal Francesco Barberini.

Otros temas notables son las escenas de jolgorio, con música y bebida, tratados con personalidad propia; pero los mayores logros de Valentín estaban en las narrativas dramáticas, como el martirio de los santos Proceso y Martiniano (museos del Vaticano, Ciudad del Vaticano). Es famoso también el Juicio de Salomón (Museo del Louvre), donde el autor presenta la historia bíblica del joven Salomón, para decidir el destino de un bebé reclamado por dos mujeres.

La exposición, después de su paso por el MET, se verá en París, del 20 de febrero al 22 de mayo de 2017.

Metzger, Corbeira y Manouach en el MUSAC

21/09/2016, El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presenta tres nuevas exposiciones protagonizadas por los artistas Gustav Metzger, Darío Corbeira e Ilan Manouach.



León, 21 de septiembre de 2016
La exposición Actuar o perecer. Gustav Metzger – Una retrospectiva abarca más de seis décadas de trayectoria del artista de origen alemán Gustav Metzger (Núremberg, Alemania, 1926), y permite comprender la importancia del compromiso político y el activismo contra el capitalismo, las armas nucleares, o la contaminación del medio ambiente en su práctica artística.

Más de 50 obras que recorren desde los primeros trabajos de Gustav Metzger en el ámbito de la pintura y la escultura durante los primeros años 50, a sus obras de Arte Auto-Destructivo y Arte Auto-Creativo de los años 60, su uso pionero de proyecciones de cristal líquido, su serie Historic Photographs realizada desde mediados de los noventa hasta la actualidad, o sus instalaciones a gran escala, como In memoriam (2005). La muestra incluye también material documental proveniente de los archivos del propio artista.

Gustav Metzger nace en Núremberg (Alemania) en 1926, dentro de una familia de judíos polacos. En 1939, Metzger y uno de sus hermanos son incluidos en los autobuses del Movimiento de Niños Refugiados, el conocido como Kindertransport, logrando así huir de la muerte como víctimas del Holocausto; una suerte que, en cambio, sí corrieron sus padres y otros miembros de su familia. Esta circunstancia ha marcado la perspectiva ética de su obra desde sus comienzos. Metzger ha dedicado su vida y su proyecto artístico a promover el pensamiento crítico y provocar un cambio social que evite que el hombre explote su capacidad de destrucción, propiciando “un camino que vaya de la ética hacia la estética".

Gustav Metzger. Actuar o perecer. Gustav Metzger - Una retrospectiva
8 de enero 2017


Permanecer mudo o mentir es el título del proyecto expositivo que el artista Darío Corbeira (Madrid, 1948) plantea para el MUSAC. La exposición incluye trece obras producidas desde mediados de los años 70 hasta la actualidad, cuatro de las cuales han sido producidas específicamente para este proyecto.

Dario Corbeira, cuya trayectoria artística comienza a mediados de los años 70 del siglo pasado con el grupo La Familia Lavapiés, es una figura histórica del arte conceptual en España. Permanecer mudo o mentir pretende profundizar en el estudio de su producción artística y en su inscripción en el contexto en el que se produce, incidiendo especialmente en las relaciones entre los ámbitos sociopolítico y artístico.

El proyecto toma su título de una de las frases que Jean Paul Sartre ideó en el ensayo El secuestrado de Venecia (1969), en el que el filósofo se acerca a la obra de Jacopo Robusti Tintoretto, y en el que se refiere a la Venecia en decadencia de la segunda mitad del siglo XVI como una ciudad que "permanecía muda o mentía". El proyecto establece cierto paralelismo entre la Venecia del siglo XVI y la actualidad en occidente, ofreciendo una reflexión que tiene que ver con finales más que con principios; con territorios intermedios más que con territorios claros, autónomos y precisos; con situaciones secantes y mínimamente intersectadas más que con situaciones nítidas y obsoletamente precisas.

Darío Corbeira. Permanecer mudo o mentir
8 de enero 2017


Shapereader es un proyecto de cómic concebido para personas ciegas y con discapacidad visual por Ilan Manouach (Atenas, Grecia, 1980). La exposición utiliza un nuevo lenguaje táctil desarrollado por este artista multidisciplinar, que evita el lenguaje escrito o la representación mimética de los elementos pictóricos, y utiliza en su lugar un sistema único de símbolos que designan personajes, lugares, acciones y emociones.

La exposición pretende extender el disfrute del cómic a una audiencia tradicionalmente excluida por este medio. El proyecto apuesta por explorar nuevos terrenos en el ámbito de la publicación y pone en cuestión la predominancia de lo visual tanto en la experiencia museística, como en la de la lectura y de la narración. La herramienta ha sido diseñada para permitir la creación de obras narrativas de literatura táctil universalmente accesibles para lectores con problemas de visión. Sin embargo, y pese a haber sido creada principalmente para la comunidad invidente, también puede ser utilizada por usuarios sin deficiencias visuales que se familiaricen con su funcionamiento.

Ilan Manouach vive y trabaja en Bruselas, Bélgica. Su principal interés son los cómics conceptuales, además de dedicarse a la edición y a la música de manera profesional. Ha sacado a la luz más de una docena de publicaciones y ha comisariado y editado cuatro antologías que incluyen contribuciones de artistas, editores y escritores.

Ilan Manouach. Shapereader
27 de noviembre de 2016

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

Sitio arqueológico Nalanda Mahavihara

21/09/2016, Uno de los espectaculares puntos incluidos en 2016 como Patrimonio Mundial de la UNESCO es el Sitio arqueológico Nalanda Mahavihara en Nalanda, India.



París, 21 de septiembre de 2016
El sitio se halla al nordeste del país, cerca de la actual Rajgir, en el Estado de Bihar, limítrofe con Nepal. Ocupa una extensión de 23 ha, y está integrado por los vestigios arqueológicos de un gran monasterio (mahavihara) que llevó a cabo una importante actividad religiosa y docente desde el siglo III a.C. hasta el siglo XIII de nuestra era.

Aquí se hallaba una de las más famosas escuelas religiosas de la antigua India, en la que estuvo el propio Buda en el siglo V, y que alcanzó su máximo desarrollo durante la dinastía Pala (siglo IX), antes de ser destruida, en el 1193, por turcos musulmanes.

En ese territorio de ruinas perviven vestigios arquitectónicos de estupas, santuarios y edificios monacales (viharas) destinados a albergar y educar a los profesos. Se calcula que en su periodo de máximo esplendor se llegó a contar con 10.000 estudiantes. 

En el sitio se hallan también importantes elementos de arte, realizados en estuco, piedra y metales.

Nalanda se distingue como la más antigua universidad del subcontinente indio, y organizó una transmisión del saber durante un periodo ininterrumpido de 800 años. El budismo tibetano, especialmente, debe una gran parte de su esencia a las tradiciones de los eruditos de Nalanda.

Se valora a Nalanda por la extraordinaria contribución a la creación de instituciones, a la pedagogía, la arquitectura, el arte y la cultura, influencia que irradiaría no sólo por la India y Tibet, sino Nepal y Birmania, y que aún pervive en esta parte de Asia.

En la actualidad sólo ha sido examinada aún una pequeña parte de las ruinas. En el Museo de Nalanda se pueden ver elementos recogidos en las excavaciones. Asimismo se cuenta con un Centro de Interpretación, propiedad del Gobierno del Estado de Bihar.

Documento sobre el sitio: http://whc.unesco.org/uploads/nominations/1502.pdf 

La Fundación Beyeler crece

20/09/2016, La Fundación Beyeler, el museo más visitado de Suiza, crecerá con un nuevo edificio diseñado por el prestigioso arquitecto suizo Peter Zumthor.



Riehen / Basilea, 20 de septiembre de 2016
Nacido cerca del emplazamiento de este centro cultural, Peter Zumthor ha recordado que "el cielo de Basilea, la ciudad y su entorno, es el ámbito que marcó su adolescencia por eso el latido de su corazón se aceleró al saber que podría construir este edificio importante, en su tierra de origen.

El nuevo edificio se construirá sobre el terreno, con anterioridad privado, de Iselin-Weber Park en Riehen / Basilea, superficie que a partir de ahora estará abierta al público como lo está el parque adyacente de la Fundación Beyeler.

Un jurado de eminentes personalidades ha elegido por unanimidad el diseño de Peter Zumthor, arquitecto ganador del premio Pritzker, el Praemium Imperiale y otras distinciones, nacido en Basilea en 1943, quien después de la formación como ebanista en el taller de su padre, hizo estudios de diseñador y arquitecto de Kunstgewerbeschule Basilea y en el Pratt Institute de Nueva York.

Zumthor goza de amplia experiencia en la construcción de edificios de museos internacionales como el Kunsthaus Bregenz, el Kolumba de Colonia, el LACMA (Los Angeles County Museum of Art), o las termas de Vals, y el pabellón suizo en la Expo 2000 de Hannover. 

"La interacción de los seres humanos, la naturaleza, el arte y la arquitectura es una de las claves del éxito de la Fundación Beyeler, y también fue esencial para el desarrollo del actual museo, de Renzo Piano. Peter Zumthor tiene sensibilidad y experiencia para aportar a este lugar otra creación de calidad excepcional” afirmó Sam Keller, director de la Fundación Beyeler.

El proyecto será financiado de forma privada y se espera que cueste 80 millones de francos suizos, de los cuales ya se han comprometido más del 50 por ciento. El proyecto se presentará a finales del otoño.

La Fundación Beyeler
La Fundación Beyeler de Riehen / Basilea es una institución de notable éxito internacional y se ha convertido en el museo de arte más visitado en Suiza, con más de 6,2 millones de visitantes de todos los continentes desde su apertura en 1997.

El actual edificio del Museo, en el que se alberga una excepcional colección de arte, fue diseñado por el arquitecto italiano Renzo Piano, ha ganado varios premios y se considera uno de los mejores espacios de arte en el mundo, en el que se funde paisaje y arte, en un entorno de sabor rural.

Rubén Darío y Enrique Ochoa

19/09/2016, Hasta el 22 de diciembre de 2016 se puede visitar en la Biblioteca Histórica de la Universidad Complutense de Madrid una exposición dedicada a las ilustraciones que Ruben Dario encargó a Enrique Ochoa.



Madrid, 19 de septiembre de 2016
La Universidad Complutense de Madrid (UCM) y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) en colaboración con la Fundación Pintor Enrique Ochoa y el Museo Reina Sofía (MNCARS) presentan la exposición “Rubén Darío: una historia en fragmentos de papel”, en la que se muestra por primera vez al público la serie de dibujos “Imágenes Internas” del pintor, artista y humanista Enrique Ochoa (1891-1978).

Desde sus inicios, Ochoa se caracterizó como un retratista excepcional en el contexto del primer cuarto del siglo XX, destacando también por su magistral técnica del dibujo como ilustrador de libros o de las principales revistas de la época.

La muestra presenta una selección de 12 dibujos inéditos que se exponen por primera vez al público en Madrid, de la serie “Imágenes Internas”, realizados en plumilla a tinta sobre papel (de 42x49 cm cada uno), entre los años 1914 y 1917 por Enrique Ochoa. Junto a ellos se expone un autorretrato, óleo sobre lienzo, de Ochoa de 1930.

El estilo de los dibujos corresponde al modernismo en que militó Enrique Ochoa desde su primera exposición individual en la capital en 1915. Y su simbolismo alegórico y poético entronca con las ilustraciones que el pintor realizó para Ruben Dario en sus obras completas de veintidós volúmenes.

Los dibujos son propiedad de la Fundación Pintor Enrique Ochoa y dividen su temática en dos apartados: Alegoría simbolista de la eternidad y teosofía cósmica propia de la cosmovision modernista y El relato de la vida bohemia del pintor en su buhardilla de Paris en esos años.

Rubén Darío: una historia en fragmentos de papel
Biblioteca Histórica de la Universidad Complutense de Madrid
C/ Noviciado, 3. Madrid


Sitio arqueológico de Ani

19/09/2016, Capital de un reino armenio en la antigüedad, maltratada por sus vecinos, saqueada por los mongoles, destruida por un gran terremoto… Ani es una zona de ruinas incluida en el 2016 en el Patrimonio Mundial de la UNESCO.



París, 19 de septiembre de 2016
Los vestigios se hallan en una solitaria meseta erguida sobre el valle que delimita la frontera turco-armenia. Allí perviven viviendas y edificaciones religiosas y castrenses, en una estructura urbanística típica de la Edad Media, que se fue configurando a lo largo de los siglos bajo la soberanía de diferentes dinastías cristianas y musulmanas.

Ani alcanzó su máximo esplendor entre los siglos X y XI, cuando fue capital del reino armenio de los Bagrátidas. Entonces superó los 100.000 habitantes y se engrandeció con magníficos edificios y templos. Se le llamó la ciudad de las 1000 iglesias, alguna de las cuales sigue en pie en parte y muestra la pericia de sus arquitectos. 

La ciudad se benefició del control que ejercía sobre uno de los ramales de la Ruta de la Seda. Posteriormente, bajo el sucesivo dominio de los bizantinos, selyúcidas y georgianos, conservó su rango de encrucijada importante del tráfico mercantil de caravanas.

La invasión mongola de 1239 y el devastador terremoto de 1319 asolaron la ciudad y precipitaron su decadencia. En el siglo XVIII quedó totalmente desierta, cuando los monjes dejaron el último monasterio. 

Según la UNESCO, Ani ofrece un amplio panorama del desarrollo arquitectónico medieval gracias a la presencia de casi todas las innovaciones arquitectónicas que emergieron en la región entre los siglos VII y XIII de nuestra era.

La zona delimitada del sitico de la UNESCO abarca 250.7 ha. Con un área de protección de 432.45 ha. Sobre el espacio solitario y abandonado emergen restos de las fortalezas, de la catedral, dedicada a la Virgen María o el esplendoroso ábside de la iglesia del Redentor… imágenes que muestran la grandeza del pasado y de la destrucción. 

De la avispa asesina al perro mapache

16/09/2016, En Europa hay unas 1800 especies exóticas invasoras... un peligro inmenso para la biodiversidad del continente.



Luxemburgo, 16 de septiembre de 2016
NEOBIOTA, Grupo Europeo de expertos sobre invasiones biológicas, fue fundado en Berlín 1999 con el objetivo de actuar juntamente en la investigación de los efectos en la diversidad biológica, los ecosistemas y la salud humana.

Esta organización, apoyada por la Unión Europea, celebró su novena conferencia en Luxemburgo durante tres días para evaluar la propagación de formas de vida exóticas que ponen en peligro la fauna y la flora de Europa y ha demandado una implementación efectiva de la regulación de la UE en materia de especies invasoras y, en particular, la inclusión de nuevas especies en el listado de animales exóticos especialmente preocupantes para la Unión.

Según relata BirdLife International, por toda Europa están apareciendo especies foráneas en rápido crecimiento, llegadas de lejanos puntos. El Myocastor coypus, el coipo, es un roedor sudamericano que avanza en la Península Ibérica, las Islas Británicas o Alemania; la ardilla de Carolina, típica de América del Norte, Sciurus carolinensis, avanza en Italia desplazando a la ardilla roja, como ya ocurrió en Inglaterra. En España ésta ardilla ha entrado como especie “comercializada” y eso es ya en si una amenaza porque acabará libremente en los montes. El cangrejo chino, Eriocheir sinensis, se ha extendido de manera agresiva de la península de Kowloon a las orillas del Támesis….

Las consecuencias negativas de esta globalización de las especies se hacen sentir con dureza en al menos tres áreas de mayor preocupación para los ciudadanos europeos de hoy; la economía, la salud humana y el medio ambiente.

Los expertos dicen que las especies invasoras son uno de los cuatro grandes factores de extinción de otras especies (junto con el cambio de hábitat, la sobreexplotación y la contaminación). Han sido un factor esencial en la mayoría de las extinciones de aves durante el siglo pasado y contribuyen a la difícil situación actual del 44% de la Lista Roja de la UICN de especies en peligro crítico. 

Muchos de los invasores portan un “cóctel molotov” de enfermedades con graves consecuencias para la vida silvestre nativa, ganado, animales domésticos y, en algunos casos, para los seres humanos. La Comisión Europea estima que estas invasiones causan anualmente al menos 12,5 millones de euros en daños a la economía de la Unión. Los expertos dicen que la naturaleza no conoce fronteras. La solución tiene llegar a un nivel paneuropeo. El reciente lanzamiento por la UE, en julio pasado, de la lista de 37 especies exóticas invasoras preocupantes para el territorio de la Unión, ha sido un buen paso… pero hay que avanzar.

Una de las especies de la lista es la Vespa velutina, conocida como avispa asesina asiática tras causar muertes humanas. Llegó al sur de Francia, en un cargamento de cerámica procedente de Oriente y se ha extendido a España, Portugal, Alemania y, más recientemente, a Italia.

NEOBIOTA espera obtener de la Comisión Europea la ampliación de la lista de especies invasoras peligrosas para el ecosistema europeo. Este es el caso del perro mapache, Procyonoides nyctereutes, un cánido carnívoro, popular como mascota exótica, que se ha expandido por gran parte de Europa y es uno de los principales vectores de la rabia en el continente. Su capacidad de adaptación, las tasas de reproducción y la falta de depredadores naturales han permitido la multiplicación de sus efectivos y si no se controla es probable que se convierta en uno de los más numerosos, depredadores y propagadores de enfermedades en Europa.

Otra advertencia de NEOBIOTA se refiere al cambio climático, que aumentará drásticamente los impactos negativos de invasiones como el perro mapache y otras especies exóticas.

http://www.mispeces.com/opencms/export/sites/mispeces/nav/legislacion/galeria-documentos-legislacion/ue-reg-2016-1141-especies-exoticas-invasoras-preocupantes.pdf

http://www.neobiota2016.org/resolution-neobiota-2016.pdf

Velázquez, Murillo y Ribera

15/09/2016, El Museo del Prado y la Fundación Focus colaboran en dos importantes exposiciones que se inaugurarán en noviembre en Sevilla y Madrid y que tendrán como protagonistas a Velázquez, Murillo y Ribera.



Madrid, 15 de septiembre de 2016
Las exposiciones: “Velázquez. Murillo. Sevilla” y “Ribera. Maestro del dibujo”, que se celebrarán en el Hospital de los Venerables en Sevilla y en el Museo del Prado, respectivamente. 

Ribera. Maestro del dibujo
Coincidiendo con la publicación del primer catálogo razonado completo de los dibujos de Ribera, se presenta la exposición “Ribera. Maestro del dibujo”, coorganizada con el Meadows Museum de Dallas.

La exposición, que podrá verse en el Museo del Prado desde el día 22 de noviembre de 2016 hasta el 19 de febrero de 2017, mostrará al público la variedad de dibujos, la habilidad técnica y la extraordinaria originalidad de la temática de Ribera, a través de una selección de más de setenta obras procedentes de instituciones y colecciones particulares norteamericanas y europeas.

Además de incluir obras maestras como el Sansón y Dalila (Museo de Córdoba), Aquiles entre las hijas de Licomedes (Teylers Museum, Haarlem) o el San Alberto del British Museum, la exposición contará con la presencia de importantes dibujos que permiten afirmar la calidad de su técnica, como Aparición de Cristo resucitado a su madre del Kent History and Library Center o como Niño con molinillo y hombre tirando de una carreta con un cuerpo, recientemente adquirido por el Prado y en el que se puede contemplar el interés del artista por la representación de cabezas y por la vida cotidiana de Nápoles. También, podrán verse una docena de dibujos nunca expuestos en España, como las Adoraciones de Berlín y Nueva York o el Hércules descansando de Malta. 

Velázquez. Murillo. Sevilla
Unos días antes, concretamente el 8 de noviembre, la Fundación Focus abrirá “Velázquez. Murillo. Sevilla”, una exposición que propone a través de 19 pinturas mostrar la relación y puntos de encuentro de los dos grandes maestros propiciados por la ciudad de Sevilla.

En esta muestra se podrá observar el lenguaje directo que Velázquez y Murillo utilizaban para representar a las dos patronas de la ciudad: Santa Justa y Santa Rufina, procedentes del Meadows de Dallas, ambas de Murillo, y la Santa Rufina de Velázquez de Focus; o la innovación de Velázquez en la Inmaculada de la National Gallery de Londres en diálogo con la de la Fundación Focus, y además, la Inmaculada de Murillo, del Museo Nelson Atkins de Kansas City.

Junto a estas obras, la Infanta Margarita de blanco del Kunsthistorishes de Viena, de Velázquez, que se expondrá en una relación con La Educación de la Virgen de Murillo; y el modo original de representar la intimidad del hogar en dos obras del Museo del Prado, Adoración de los Magos, de Velázquez, y la Sagrada Familia del pajarito, de Murillo, ambas restauradas con motivo de esta exposición.

Esta muestra, que permanecerá abierta hasta el 28 de febrero de 2017, se enmarca dentro del Año Murillo y celebra el 25 aniversario de la Fundación Focus en el Hospital de los Venerables. 

Le Corbusier, en la UNESCO

14/09/2016, El listado mundial del Patrimonio de la UNESCO se enriquece con la incorporación de diecisiete obras de del siglo XX, obras de Le Corbusier, repartidas por América, Europa y Asia.



Paris, 14 de septiembre de 2016
Con esta nominación, Charles-Édouard Jeanneret-Gris, quien adoptó el seudónimo de Le Corbusier, ha visto reconocido su papel como un agente clave de la globalización de las tendencias arquitectónicas en el siglo XX.

Las 17 obras elegidas fueron realizadas por Le Corbusier a lo largo de cincuenta años de “búsqueda paciente”, según sus propias palabras. El Complejo del Capitolio de Chandigarh (India), el Museo Nacional de Bellas Artes de Occidente de Tokio (Japón), la casa del Dr. Curutchet en La Plata (Argentina) y la Unidad de Viviendas de Marsella (Francia), entre otras construcciones, ponen de manifiesto las soluciones aportadas en el siglo XX por el Movimiento Moderno al reto de renovar las técnicas arquitectónicas para satisfacer las necesidades de la sociedad.

Estas creaciones –señala la UNESCO- también constituyen un testimonio de la internacionalización de la arquitectura a escala planetaria.

El arquitecto de origen suizo fue prototipo de un nuevo racionalismo, integrador de la naturaleza en la arquitectura y el urbanismo.

La UNESCO, en la decisión de 2016, tomada en una reunión del Comité del Patrimonio, en Estambul, determinó como patrimonio Mundial a las siguientes realizaciones:

Casa La Roche y Jeanneret, en París, Francia
Villa Le lac, junto al Lago Lemán, Corseaux, Vevey, Suiza
La Cité Frugès, en las afueras de Burdeos, Francia
La Casa Guiette, en Amberes, Bélgica.
La Casa Weissenhof, en Stuttgart, Alemania
La villa Saboya en Poissy, París, Francia.
Edificio Clarté en Ginebra, Suiza
Edificio Porte Molitor, en París, Francia
La Unidad Habitacional de Marsella, Francia
Fábrica de Saint Die, en Francia
Casa doctor Curutchet, en La Plata, Argentina
Chapelle Notre-Dame-du-Haut de Ronchamp, Francia
La cabaña de Roquebrune-Cap-Martin, Francia
Complejo Capitolio, Punjab-Haryane, Chandigarh, India
Convento dominico de Santa María de la Tourette en Eveux, Francia
Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, Japón.
Casa de la Culture de Firminy, Francia 

Repartidos en siete países, los 17 sitios integrantes de este bien del patrimonio mundial constituyen un testimonio de la invención de un nuevo modo de expresión de la arquitectura, en clara ruptura con sus formas anteriores

La Corbusier (1887- 1965) teórico de la arquitectura y el urbanismo, se considera como uno de los grandes arquitectos de nuestro tiempo, junto con otros maestros tales como van der Rohe, Frank Lloyd Wright, o Gropius. Él, que aspiró a contribuir a cambiar el mundo mediante su arquitectura, fue un eminente teórico de la misma y sus doctrinas han sido seguidas por numerosos discípulos tales como Niemeyer o Sáenz de Oiza y esa influencia sigue siendo visible en multitud de arquitectos de nuestros días.

El panda se recupera

09/09/2016, Buenas noticias para el oso panda gigante, tras años de actividad en su defensa. En la última década el número de ejemplares en libertad aumentó un 17 por ciento.



Gland (Suiza), 9 de septiembre de 2016
El popular oso panda, o panda gigante, ocupó antaño espacios desde Vietnam a Pekín, aunque ahora en tiempos modernos su territorio está en las montañas del centro de China, sobre todo las de Sichuan. A primeros del siglo XXI se estimó su población en algo más de 1100 ejemplares.

Desde 1980, la prestigiosa organización conservacionista WWF viene colaborando cvon el gobierno chino para desarrollar una estrategia de defensa de este oso comedor de bambú, conocido en occidente desde el siglo XIX.

Ahora, la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) -que controla la Lista Roja de animales en peligro- ha anunciado un cambio en el estatus oficial de la especie, tras un aumento progresivo de la población hasta el censo de 2014, cuando se conoció que había 1.864 pandas en libertad en China.

“Durante más de 50 años, el panda gigante ha sido el icono de la protección de la naturaleza más querido del planeta. Saber que el panda está ahora un paso más lejos de la extinción es una gran alegría para cualquiera que esté comprometido con la conservación de la fauna salvaje y sus hábitats”, afirmó el Director General de WWF Internacional, Marco Lambertini. 

WWW destaca que aunque el estado del panda ha mejorado, otras muchas especies sufren amenazas crecientes, como el gorila oriental, que ha pasado a ser considerado “en peligro crítico”, sobre todo por el furtivismo.

El logo del panda de WWF fue diseñado en 1961, con un panda que ha sido desde entonces muy popular. Veinte años después, WWF se convirtió en la primera organización internacional en trabajar en China. Desde entonces, se han programado iniciativas como las de establecer una red integral de reservas naturales de pandas gigantes y corredores ecológicos para conectar poblaciones de panda aisladas, y trabajar con las comunidades locales para desarrollar medios de vida sostenibles y minimizar su impacto en los bosques.

Ya existen 67 reservas naturales de pandas, que en la actualidad protegen a casi dos tercios de todos los pandas salvajes. También se han protegido bosques montañosos de bambú, que son también el hogar de muchísimas otras especies.

Sólo las medidas de apoyo y un enfoque amplio podrá asegurar la supervivencia a largo plazo de los pandas gigantes y su singular hábitat, algo que es difícil por los impactos del cambio climático. Según advierte la UICN, en los próximos 80 años el cambio climático podría eliminar más del 35 por ciento de los bosques de bambú que cobijan a la especie.

35 años de la llegada del Guernica a España

09/09/2016, En septiembre de 2016 se cumplen 35 años desde que la obra de Pablo Ruiz Picasso, Guernica (1937), llegase a España procedente del MOMA de Nueva York.



Madrid, 9 de septiembre de 2016
El óleo llegó al Aeropuerto de Barajas desde Estados Unidos en un avión de Iberia el 10 de septiembre 1981. La obra aterrizó en Madrid enrrollada dentro de una caja fabricada especialmente para la ocasión. El Guernica quedó instalado en el Casón del Buen Retiro de Madrid hasta el 26 de julio de 1992, luego se trasladó al Museo Reina Sofía, donde actualmente forma parte de su Colección Permanente, acompañado junto a una selección de los dibujos preparatorios, así como a una selección de fotografías relativas al proceso de creación y a la maqueta del Pabellón de la República.

El Guernica fue encargado a Picasso por el Gobierno republicano de España, que en esos momentos estaba en plena Guerra Civil, para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El bombardeo del pueblo vasco de Guernica, el 26 de abril de 1937 por la Legión Cóndor alemana durante más de tres horas, fue su fuente de inspiración.

La obra es el símbolo antibélico universal de nuestro tiempo, y plasma el sufrimiento, la impotencia, el miedo y la muerte, provocando un impacto visual en el espectador. Sus tonalidades, blanco, negro y gris, refuerzan su expresividad dramática, y en ella Picasso fundió diversos estilos artísticos: Simbolismo, Expresionismo, Neocubismo, Surrealismo...

La obra fue pintada entre mayo y junio de 1937 y sus dimensiones (349,3 x 776,6 cm) corresponden al lugar en el que se colocaría en el Pabellón de la Exposición Internacional de París, concretamente en una de las paredes de la planta baja.

Debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, Picasso decidió que la pintura quedara bajo la custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta el fin del conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MoMA por tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981.

Astillero de la isla Antigua, en la UNESCO

08/09/2016, En 2016, la UNESCO incluyó entre los sitios del Patrimonio Mundial el Astillero de Antigua y sitios arqueológicos conexos, ubicado en la isla Antigua (Antillas Menores).



París, 8 de septiembre de 2016
La decisión fue tomada por el Comité del Patrimonio de la UNESCO en su 40 reunión, celebrada en Estambul (Turquía), durante el pasado mes de julio, en la que inscribió un conjunto de 21 nuevos sitios en la Lista del Patrimonio Mundial. Con estas inclusiones, la Lista cuenta ahora con 1.052 localizaciones en 165 países.

La isla Antigua fue denominada así por Cristóbal Colón, en 1493, en recuerdo de la Virgen de la Antigua de la catedral de Sevilla. Este territorio, de unos 280 kilómetros cuadrados permaneció prácticamente deshabitado hasta su ocupación por el marino inglés Horacio Nelson (1784) quien radicó allí su flota.

En el sur de la isla Antigua, principalmente plana, hay una zona de montañas y costa alta, con bahías profundas, rodeadas de terrenos elevados, que ofrecían buen refugio ante la persecución de navíos de otras potencias y protección durante los huracanes, lo que propició el asentamiento de la marina británica, que desplegó también espacios para el mantenimiento y reparación de los navíos.

El sitio delimitado por la UNESCO comprende un recinto de la época georgiana con instalaciones y edificios navales, en buena parte destruidos. 

La marina Británica hizo allí a finales del siglo XVIII un astillero que sirvió de apoyo a su flota, protegiendo así los intereses estratégicos y económicos de la Corona y afianzando la presencia en el Caribe Oriental.

El sitio de la UNESCO corresponde al Parque Nacional Astillero de Nelson donde se ubican los restos de las antiguas edificaciones en medio de un paisaje defendido por colinas.

En ese espacio se situaron no sólo el astillero sino instalaciones cuarteleras, hospitales, almacenes y fortificaciones. Muchas de esas instalaciones, destruidas en el transcurso del tiempo y ahora lugares de interés arqueológico, fueron llevadas a cabo “gracias al aporte esencial de la mano de obra esclava africana” tal como explica la UNESCO. Cabe recordar a este respecto que en Antigua y Barbuda la esclavitud estuvo vigente hasta bien entrado el siglo XX.

En este lugar. Un paraíso de cielo azul y aguas de tono turquesa, habitó el propio Nelson entre 1784 y 1787. El marino no estaba contento en aquel punto que calificó como "agujero infernal". Pero la corona lo necesitaba allí. Era necesaria una flota activa para controlar a la de los franceses, asentada a pocas millas más al sur, en la isla de Guadalupe.

El Caravaggismo, en Londres

07/09/2016, Los amantes de la pintura de Caravaggio tienen este otoño una cita en Londres, del 12 de octubre al 15 de enero de 2017, en la National Gallery.



Londres, 7 de septiembre de 2016
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571- 1610) fue un pintor italiano innovador, tumultuoso en lo personal, que pasa por ser uno de los primeros artistas del Barroco. En su pintura se destaca la percepción de la psicología de los personajes y el vigoroso claroscuro, aspectos que influyeron decisivamente en una pléyade de autores de su tiempo como Orazio y Artemisia Gentileschi, Carracci, Ribera, Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst o Georges de La Tour.

"Beyond Caravaggio”, Más allá de Caravaggio, es –según avanza la National Gallery- la primera gran exposición en el Reino Unido para explorar la influencia de Caravaggio en el arte de sus contemporáneos y seguidores.

Después de la presentación del primer encargo público de Caravaggio en 1600, artistas de toda Europa acudieron a Roma para ver su trabajo. Seducidos por el poder y la narrativa pictórica de sus cuadros, muchos pasaron a imitar su naturalismo y los dramáticos efectos de la luz. 

Las pinturas de Caravaggio y sus seguidores fueron muy buscadas en las décadas siguientes a la prematura muerte del artista, a la edad de sólo 39 años. Hacia la mitad del siglo XVII, sin embargo, el estilo de Caravaggio había caído en desgracia y pasarían casi trescientos años para que la reputación de Caravaggio se recuperara y pasase a ser un artista y reconocido plenamente por sus logros artísticos.

El impacto contemporáneo de Caravaggio fue grande, pero muy especial en la península itálica y en los reinos de la Corona de España, que en aquella época alcanzaba los territorios de Nápoles y de Países Bajos.

En la muestra se presentan trabajos de Caravaggio y de artistas de Francia, Paises Bajos, Italia y España, para recordar el fenómeno artístico internacional conocido como Caravaggismo. Para ello se reúnen más de 40 obras en las que se mostrará cómo gran número de artistas adoptaron las ideas de Caravaggio y evolucionaron teniendo presente sus innovaciones pictóricas. 

Varias grandes obras de Caravaggio serán el centro de la exposición, entre ellas La cena en Emmaus, 1601 (National Gallery, Londres), y El prendimiento de Cristo, 1602 (Galería Nacional de Irlanda). Y en torno a ellas se presentan las de seguidores de otros países.

Esta exposición es una colaboración única entre la Galería Nacional de Londres, la Galería Nacional de Irlanda y la Galería Nacional de Escocia. Comisarios: Letizia Tréveris, conservador de pintura italiana y española 1600-1800 en la Galería Nacional de Londres, en colaboración con Adrian Le Harivel, conservador de arte británico, Galería Nacional de Irlanda y Aidan Weston-Lewis, Conservadora Jefe y Jefe de la sala de impresión en la Galería Nacional de Escocia.

Itinerancia:
National Gallery, Londres. 12 octubre 2016-15 enero 2017
Galería Nacional de Irlanda, Dublín. 11 febrero-14 mayo 2017
National Gallery, Edimburgo. 17 junio hasta 24 septiembre 2017

Llega el otoño a la BNE

07/09/2016, La Biblioteca Nacional de España prepara para este otoño una oferta expositiva protagonizada por Buero Vallejo, Mathilde Pomès y los libros beatos.



Madrid, 7 de septiembre de 2016
Con motivo del primer centenario del nacimiento del dramaturgo Antonio Buero Vallejo, la Biblioteca Nacional propone una exposición que recorre el trabajo y la trayectoria profesional de uno de los más apreciables autores del teatro contemporáneo, desde sus primeros dibujos hasta su último estreno Lázaro en el laberinto.

Considerado uno de los dramaturgos españoles más importantes del siglo XX, Antonio Buero Vallejo es menos conocido en su faceta de dibujante. En 1934 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, alternando las clases de dibujo y pintura con su trabajo en el teatro.

Con esta exposición, la BNE pone de manifiesto la importancia de la figura de Buero Vallejo en la historia de la literatura española, y concretamente en la escena literaria de la segunda mitad del siglo XX, así como su faceta de ilustrador, poco conocida y valorada.

Buero Vallejo, dibujante
Del 9 de septiembre al 6 de noviembre de 2016


En la isla de Patmos el apóstol Juan tuvo una visión de la cual nació el texto del Apocalipsis. Ya en el siglo VIII un monje de nombre Beato, abad de Liébana (Cantabria), escribiría unos comentarios a ese texto que darían origen a los libros llamados “beatos”, copias manuscritas ilustradas e iluminadas de la obra del monje lebaniego.

Recientemente incluidos por la UNESCO en el Registro de la Memoria del Mundo, los beatos son una de las joyas que España ha legado a la historia de la humanidad. De los dos que se conservan en la Biblioteca Nacional de España, el más espléndido es el de Fernando I y doña Sancha, datado en 1047.

Esta muestra intenta descifrar los mensajes contenidos en el Beato de Fernando I y doña Sancha a través de un minucioso estudio de sus imágenes y textos llevado a cabo desde una perspectiva contemporánea y con herramientas gráficas que desvelan algunos de los misterios ocultos en sus páginas.

Beato. El misterio de los siete sellos
Del 22 de septiembre al 22 de enero de 2017.

Cartas a una mujer: Mathilde Pomès (1886-1977) ofrece un panorama selectivo de un magnífico epistolario que contiene la mayor parte de las cartas que la hispanista francesa Mathilde Pomès fue recibiendo de los intelectuales más notables de habla hispana durante la primera mitad del siglo XX.

La colección comprende aproximadamente un millar de misivas, redactadas por corresponsales como Unamuno, Azorín, Falla, Mompou, Turina, Machado, Azaña, Gómez de la Serna, los creadores de la Edad de Plata, Alfonso Reyes, Carlos Morla, Gabriela Mistral... Este conjunto de documentos abarca un amplio arco temporal (1924-1952) que nos permite conocer de primera mano la realidad cultural, política y social de la época a través de los testimonios expuestos.

Cartas a una mujer: Mathilde Pomès (1886-1977)
Del 30 de septiembre al 8 de enero de 2017

Una mirada a Bouchardon

06/09/2016, Del 14 de septiembre al 5 diciembre, Edmé Bouchardon (1698 - 1762) será protagonista esencial del Museo del Louvre.



París, 6 de septiembre de 2016
“Bouchardon (1698 - 1762) Une idée du beau” (Bouchardon. Una idea de belleza) es el programa que acercará al amante del arte hacia este escultor y dibujante francés, considerado un artista clave de su generación.

La muestra se verá luego en el J.Paul Getty Museum de Los Ángeles del 10 de enero al 4 de abril. 

Hijo de Jean Baptiste Bouchardon, también escultor, Edmé se formó en la Academia Real de pintura y escultura en París, antes de una fructífera estancia en Roma (1723-1732), etapa coronada por el éxito (hace un notable busto de Benedicto XIII).

Recibido en Francia por el Director de los Edificios del Rey, alertado de su gran reputación, recibió rápidamente taller y vivienda en el Louvre. Admitido en la Academia en 1735, se convirtió en el escultor del Rey.

Fue admirado y celebrado por sus obras escultóricas: la fuente de la Rue de Grenelle, la decoración del coro de la iglesia de Saint-Sulpice, la estatua de Cupido haciendo un arco y la famosa estatua ecuestre de Luis XV. 

Bouchardon fue percibido por sus contemporáneos como el promotor de la reactivación en las artes. Esta amplia exposición va a mostrar la estética del escultor, el equilibrio perfecto entre la referencia a los maestros clásicos y la fidelidad a la naturaleza, en una obra en la que resalta la belleza y el excelente acabado de los trabajos.

Son comisarios de la exposición Guilhem Scherf, curador del Departamento de Esculturas, Museo del Louvre, y Julieta Trey, del Departamento de Artes Gráficas, Museo del Louvre.

Rehabitar el espacio: presente, pasado y futuro

06/09/2016, El Museo Lázaro Galdiano propone en septiembre un enriquecedor diálogo entre las obras de arte contemporáneo de la Colección DKV Seguros y la Colección Lázaro Galdiano.



Madrid, 6 de septiembre de 2016
La exposición Rehabitar el espacio: presente, pasado y futuro podrá visitarse desde el 23 de septiembre de 2016 y hasta el 15 de enero de 2017, y supone acercarse con una mirada contemporánea al uso de la mansión en la que José Lázaro Galdiano vivió a principios del siglo XX junto a su mujer Paula Florido.

La muestra incluye medio centenar de piezas de arte español del siglo XXI realizadas por creadores como Bernardí Roig, Eugenio Ampudia, Juan Manuel Castro Prieto, Patricia Dauder, Ignacio Llamas, Cristina Lucas, Nico Munuera, Pablo Valbuena o Rosana Antolí, que establecen vínculos inéditos con la memoria arquitectónica, artística y emocional del edificio del Museo Lázaro Galdiano.

Así, cada una de las piezas remite de manera más o menos directa a la función original de la estancia en la que ahora se exhibe, reactivando la memoria latente, a través de un juego intelectual y sensorial que busca estimular la mirada del espectador.

Rehabitar el espacio: presente, pasado y futuro
Desde el 23/09/2016 hasta el 15/01/2017
Museo Lázaro Galdiano

Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter

05/09/2016, Hasta el 22 de enero de 2017 se presenta en la Fundación Beyeler una muestra dedicada a un capitulo clave del arte moderno: “Der Blaue Reiter” o “El Jinete Azul".



Basilea, Suiza, 5 de septiembre de 2016
Der Blaue Reiter fue el nombre que recibió una exposición celebrada en Múnich en 1911 y el movimiento artístico encabezado por Wassily Kandinsky y Franz Marc, cristalizado en una gran explosión creativa centroeuropea.

Aquella exposición contó también con obras de autores como Delaunay, Münter, Macke, Rousseau, etc. y luego viajó a lugares como Berlín y Colonia.

La exposición de Múnich de 1911 y el movimiento de artistas del mismo nombre fueron originalmente una experiencia artística de una novedad revolucionaria, que partiendo de la libertad creativa personal y de los movimientos pictóricos que se producían en Europa, entre ellos el cubismo y el fauvismo, daría aires propios al expresionismo alemán.

A partir de las obras de Wassily Kandinsky pertenecientes a la colección Beyeler, se ofrece una visión de la creación de este grupo de artistas de vanguardia, cuyos principios de apertura e internacionalidad quedarían destrozados por los preludios y el desarrollo de la Primera Guerra Mundial. 

Der Blaue Reiter o El Jinete Azul: es el nombre del legendario almanaque editado por Wassily Kandinsky (1866 -1944) y Franz Marc (1880-1916), publicado en Múnich en 1912, un año después de que ambos se conociesen e iniciasen su colaboración..

Kandinsky y Marc recogieron en el Almanaque textos e imágenes de diferentes culturas, de diferentes artistas. La publicación sería la expresión de la necesidad de una transformación radical de las artes a principios del siglo XX.

La publicación reflejó una nueva comprensión del arte y el mundo, revolucionaria en aquel tiempo, en la que se propone a la creación artística como expresión no de la realidad visible sino de las percepciones y preguntas mentales. En este objetivo se percibe una liberación en el uso del color, muy inspirada en la contemplación paisajística de los Pre-Alpes del sur de Múnich.

Esta reflexión, que sirvió como telón de fondo a la evolución, especialmente Kandinsky y Marc, hacia la abstracción, condujo a un giro de la concepción artística occidental y marcó a generaciones de pintores, hasta nuestros días.

La exposición arranca en el año 1908. En ese año, Wassily Kandinsky y Gabriele Münter, que vivían juntos, se instalaron en un alojamiento de Múnich y se familiarizaron en Murnau, Alta Baviera, con otra pareja, Marianne von Werefkin y Alexej von Jawlensky. Al año siguiente, Münter compró en esta localidad una casa que todavía existe y donde Kandinsky y pasó sobre todos sus veranos hasta 1914. 

Este retorno al campo marcó el cumplimiento del deseo de llevar una vida sencilla, inconformista, en armonía con la naturaleza y el campo de la Alta Baviera.

El modo de vida, las conversaciones entre amigos, y ese mundo de pintorescos lagos de la Alta Baviera bañados por la luz, en la cadena alpina, inspiraron a los artistas a un nuevo tratamiento de color; la explosión de los colores puros, la yuxtaposición de planos… Este proceso fue descrito por Gabriele Münter como el paso una reproducción de la naturaleza - más o menos impresionista –junto a la sensación de contenidos, lo que acabaría conduciendo hacia la abstracción.

En esta exposición se pueden ver alrededor de 70 obras y un total de más de 90 objetos. En ella se presenta también el Almanaque y se ilustra la revolución en la pintura que tuvo lugar entre 1908 y 1914, principalmente con la presencia conjunta de obras destacadas de Kandinsky y Marc.

Lista Roja de la UICN. 2016

05/09/2016, Se ha dado a conocer la actualización de la Lista Roja de especies en peligro de la UICN, en la que destaca el gravísimo declive de los simios.



Honolulu, Hawái, 5 de septiembre de 2016
El primate más grande del mundo, el gorila oriental, se clasifica en la categoría En Peligro Crítico por causa de la caza ilegal, según la última actualización de la Lista. Cuatro de las seis especies de grandes simios se encuentran ahora En Peligro Crítico, a un paso de la extinción, y las dos restantes también corren grave peligro de extinguirse.

La actualización de la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN, se presentó en el Congreso Mundial de la Naturaleza que se está celebrando en Hawái. En el documento también se muestra el declive de la cebra de llanura a raíz de la caza ilegal. Otro punto destacado fue el peligro creciente para la flora de Hawái como consecuencia de las especies invasoras. De las 415 especies de plantas endémicas de Hawái evaluadas para esta actualización, 38 están clasificadas como Extintas y otras cuatro Extintas en Estado Silvestre, es decir que solo existen en cultivo.

La Lista Roja de la UICN actualmente incluye 82.954 especies, de las cuales 23.928 experimentan amenazadas de extinción.

Amenazas por la caza ilegal
El gorila oriental (Gorilla beringei) pasa de la categoría En Peligro a En Peligro Crítico a raíz de una devastadora reducción de su población, que asciende a más del 70 por ciento en 20 años. Dicha población se estima actualmente en menos de 5.000 individuos. El gorila oriental de planicie (G. b. graueri), una de las dos subespecies del gorila oriental, perdió el 77 por ciento de su población desde 1994; de 16.900 individuos pasó a solo 3.800 en 2015.

Si bien está prohibido matar o capturar grandes simios, la caza representa la mayor amenaza para el gorila oriental de planicie. En cambio, la otra subespecie del gorila oriental, el gorila de montaña (G. b. beringei), se encuentra en una mejor situación, con un aumento de su población, que actualmente suma unos 880 individuos. Cuatro de los seis grandes simios – el gorila oriental, el gorila occidental, el orangután de Borneo y el orangután de Sumatra – están ahora clasificados en la categoría En Peligro Crítico, mientras que el chimpancé y el bonobo se hallan en la categoría En Peligro.

“Es realmente preocupante ver al gorila oriental – una de las especies más cercanas al hombre – encaminarse a la extinción” señaló Inger Andersen, Directora General de la UICN. “Vivimos en una época de grandes cambios y cada actualización de la Lista Roja de la UICN nos muestra que la crisis global de la extinción avanza a gran velocidad(…) nuestra responsabilidad es intensificar nuestros esfuerzos con el fin de revertir la tendencia y salvaguardar el futuro de nuestro planeta.” 

La cebra de llanura (Equus quagga), en el pasado con una población abundante y de amplia cobertura, pasa de la categoría Preocupación Menor a Casi Amenazada. La población se redujo en un 24 por ciento en los últimos 14 años, pasando de unos 660.000 individuos a la actual estimación que sobrepasa apenas los 500.000. Si bien en muchos países la especie se encuentra solamente en áreas protegidas, se han registrado reducciones de la población en 10 de los 17 países del área de distribución desde 1992. La cebra de llanura se encuentra amenazada por la caza para la carne y las pieles.

Tres especies de antílopes africanos – el duiker bayo (Cephalophus dorsalis), el duiker de vientre blanco (Cephalophus leucogaster) y el duiker de lomo amarillo o cefalofo silvicultor (Cephalophus silvicultor) – anteriormente considerados como Preocupación Menor, se clasifican ahora en la categoría Casi Amenazado. Las poblaciones de estas especies que se encuentran dentro de áreas protegidas son relativamente estables, pero las que se hallan en otras áreas están disminuyendo a causa de la persistencia de la caza ilegal y la pérdida de sus hábitats.

Buenas noticias
La actualización de la Lista Roja de la UICN también aporta algunas buenas noticias, y muestra que las medidas de conservación dan resultados positivos.

El panda gigante (Ailuropoda melanoleuca), anteriormente En Peligro, pasa ahora a la categoría Vulnerable, debido a que la población ha crecido gracias a eficaces programas de protección de los bosques y de reforestación. Esta mejora confirma la eficacia de la acción del gobierno chino para proteger la especie. Sin embargo, se prevé que el cambio climático podría eliminar, en los próximos 80 años, más del 35 por ciento de los bosques de bambú que constituyen el hábitat del panda. Por consiguiente, se teme una reducción de la población en el futuro.

El antílope tibetano (Pantholops hodgsonii) pasa de la categoría En Peligro a Casi Amenazado. La población descendió de cerca de un millón de individuos a entre 65.000 y 72.000 individuos en los años 80, por la caza furtiva con fines comerciales, debido a su valioso pelaje (shahtoosh) que se utiliza para la confección de chales. Desde entonces, se han tomado medidas de protección rigurosas, y la población se estima actualmente entre 100.000 y 150.000 individuos.

Entre otros éxitos de conservación, cabe mencionar la rata arquitecto (Leporillus conditor), especie endémica de Australia, cuya situación ha mejorado, pasando de Vulnerable a la categoría Casi Amenazada, tras un exitoso plan de recuperación de la especie, con reintroducciones e introducción en zonas libres de depredadores. Este roedor es el último en su género, después de la extinción de la especie más pequeña Leporillus apicalis en el siglo XX. La resina que crean estas ratas para construir sus nidos es tan sólida que puede durar milenios si no se ve expuesta al agua.

El ualabí de bridas (Onychogalea fraenata) registra también una mejora en su situación, pasando de la categoría En Peligro a Vulnerable. Esta especie endémica de Australia, muy común en el pasado, sufrió un impresionante declive poblacional en el siglo XIX e inicios del siglo xx a causa del impacto de las especies invasoras y la pérdida de sus hábitats. La mejora es resultado de un exitoso programa de conservación por translocación que establece nuevas poblaciones dentro de áreas protegidas. 

La flora hawaiana amenazada
Especies invasoras como los cerdos, las cabras, las ratas, los caracoles y la guayaba están destruyendo la flora natural de Hawái. Los resultados más recientes indican que el 87 por ciento de las 415 especies de flora de Hawái que han sido evaluadas hasta el presente para la Lista Roja de la UICN (de un total de aproximadamente 1093 especies de plantas endémicas), experimentan amenazadas de extinción, entre ellas el 'Ohe kiko'ola (Polyscias waimeae) (En Peligro), un magnifico árbol floral que se encuentra únicamente en la isla de Kauai.

Treinta y ocho especies se clasifican como Extintas, incluyendo los arbustos 'Oha Wai (Cyanea eleeleensis) y Hibiscadelphus woodii. Cuatro especies entran en la categoría Extinto en Estado Silvestre, incluyendo Cyanea superba, que se observó por última vez en estado silvestre en 2003. Es probable que las especies que no se han evaluado todavía se encuentren también expuestas a fuertes amenazas.

La UICN anunció también ambicioso plan estratégico encaminado a duplicar, de aquí a 2020, el número de especies evaluadas por la Lista Roja. El compromiso se sostiene con la ayuda de la Universidad Estatal de Arizona, BirdLife International, Botanic Gardens Conservation International, Conservation International, NatureServe, los Reales Jardines Botánicos de Kew, la Universidad La Sapienza de Roma, la Universidad A&M de Texas y la Sociedad Zoológica de Londres.

Salvando a la yacutinga

02/09/2016, La pava yacutinga (Pipile jacutinga), ave galliforme de América del Sur, pasa por momentos difíciles. En Brasil se está tratando de reintroducir en zonas donde ya no se veía.



Río de Janeiro, 2 de septiembre de 2016
Con unos 70 centímetros de longitud, tono negro azulado, cabeza pequeña, cresta clara y buche rojo este ave fue desapareciendo del territorio brasileño de una forma rápida. Según informa BirdLife Internacional, un chequeo de rutina en el año 2010 reveló que sólo un ejemplar permanecía en la cordillera de Sierra do Mar, Sao Paulo. El dato resultó preocupante no solo para el futuro de a especie sino del ecosistema, ya que este ave tiene un importante papel ecológico, pues se traga las frutas enteras y dispersa las semillas que pueden ayudar al recrecimiento de los bosques.

Para luchar contra esta dramática disminución, SAVE Brasil (BirdLife) desarrolla un programa de reintroducción. Ahora, seis años después, la situación está siendo revertida: las aves se están soltando y adaptando y se fomenta que los habitantes del territorio contribuyan al éxito de la reintroducción.

La pava yacutinga es una especie globalmente amenazada endémica de la selva atlántica de América del Sur, como resultado de la caza furtiva y la pérdida de hábitat. Ya está localmente extinta en gran parte de su distribución original, como los estados brasileños de Río de Janeiro, Espírito Santo y Bahía. Es rara, pero aún se halla en un espacio que va desde el sur de Bahía de Rio Grande do Sul, el norte de Argentina y Paraguay.

Hay programas que han tenido éxito en la cría de esta especie en cautividad, lo que ha sido una oportunidad para su reintroducción y el refuerzo de población. De esta experiencia se aprovechó SAVE Brasil para iniciar en 2010 su programa "Conservación de Aves de Caza en el Bosque Atlántico de Brasil- Reintroducción y seguimiento de la yacutinga”.

El “projeto Jacutinga” se centra en dos familias de aves: Cracidae (chachalacas, pavas y pavones) y Tinamidae (perdices y nothuras).

Un nuevo censo de población llevado a cabo en la Sierra de la Mantiqueira en 2015 también alarmo a los conservacionistas porque ninguna yacutinga se registró en la región. Esto hizo aún más urgente la toma de medidas para el refuerzo de la población.

Se construyeron dos grandes recintos en dos áreas - Reserva Ecológica de Guapiaçu, en el estado de Río de Janeiro, y Serra da Mantiqueira, en el estado de Sao Paulo. Los recintos tienen unos 15 metros de largo, 8 m de ancho y 8 m de altura y se colocan en el interior del Bosque Atlántico para que las aves puedan practicar el vuelo y aclimatarse a la zona de lanzamiento. 

En marzo de 2016, un grupo de yacutingas de un criador privado (CESP-Compañía Energética de Sao Paulo) fue trasladado al recinto de rehabilitación en la Serra da Mantiqueira, donde se llevaron a cabo los preparativos de pre-lanzamiento. Durante tres meses los pájaros se aclimataron a la zona y a los frutos de la misma, se evaluó la interacción social entre los individuos y sus perfiles de comportamiento.

Por último, el 28 de junio de 2016, los primeros nueve ejemplares fueron puestos en libertad en la Serra da Mantiqueira. Estas aves están siendo monitoreados por los transmisores de satélite, visitas de campo y a través de la participación de la comunidad local. El equipo del proyecto está muy entusiasmado con los resultados de liberación hasta el momento. Las pavas parecen adaptarse e interactuar bien con el entorno natural.

Además de las emisiones y la vigilancia, el proyecto también se centra en la educación en la sociedad y en especial en las escuelas públicas de la región.

Renoir, el Fauvismo y Bruce Davidson, en otoño

01/09/2016, Renoir, el movimiento Fauvista y la fotografía de Bruce Davidson, serán los protagonistas de las exposiciones de Fundación MAPFRE para este otoño de 2016.



Barcelona, 1 de septiembre de 2016
Fundación MAPFRE inaugurará en los meses de septiembre y octubre dos grandes muestras de pintura y una de fotografía en Madrid y Barcelona.

Por una parte, la exposición "Renoir entre mujeres. Del ideal moderno al ideal clásico. Colecciones de los museos d’Orsay y de l’Orangerie", que podrá visitarse a partir del 17 de septiembre en la Sala Garriga i Nogués (Calle Diputació, 250, en Barcelona), incluye alrededor de 60 piezas que muestran las distintas interpretaciones que hace el pintor francés de la mujer. Una aproximación a la parisina moderna en sus lienzos impresionistas, la visión más intimista de la imagen maternal y la belleza intemporal del desnudo integrado en la naturaleza, característico de sus últimos años.

La exposición incluye obras de otros artistas como Vincent Van Gogh, Maurice Denis, Edgar Degas, Pierre Bonnard o Pablo Picasso.

Un gran acontecimiento para la ciudad catalana, ya que la muestra coincide con el aniversario de la llegada de la obra Bal du Moulin de la Galette (1876), icono del movimiento impresionista, a Barcelona hace cien años con motivo de la celebración de una gran muestra de arte francés en 1917.

Por otra parte, la sala de exposiciones situada en el Paseo de Recoletos de Madrid, presentará la exposición "Los fauves. La pasión por el color", que abrirá sus puertas al público a partir del 22 de octubre, y que hará un recorrido por la primera de las vanguardias históricas que transformaron de forma radical el arte durante la primera mitad del siglo XX.

El grupo de los Fauves, liderado por Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, hizo temblar los cimientos del arte con su innovador tratamiento del color, su factura enérgica y su libertad de ejecución, poniendo por primera vez en la historia el color en el centro del debate artístico.

Se trata de la primera exposición en España en abordar el fauvismo en su conjunto y profundidad. Para ello, contará con préstamos de importantes instituciones como la TATE, el Centre Georges Pompidou, el Musée d’art moderne de la Ville de Paris, la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf o el Milwaukee Museum of Art.

Finalmente, también, en Madrid, se presentará la exposición de fotografía "Bruce Davison", desde el 22 de septiembre en la Sala Bárbara de Braganza (Bárbara de Braganza, 13). La retrospectiva, la más completa hasta el momento dedicada al artista norteamericano, uno de los más destacados fotógrafos de la denominada fotografía humanista y miembro de la agencia Magnum, está compuesta por 190 fotografías y material documental, y se articula en 12 series ordenadas cronológicamente que recogen los trabajos más importantes de toda su producción.

La hazaña del Piloto Pardo

01/09/2016, El pasado 30 de agosto se cumplieron los cien años del rescate de la famosa expedición científica británica de Ernest Shackleton, que pasó ocho meses inmovilizada en la Isla Elefante.



[[cmsimg 17061]]

Punta Arenas (Chile), 1 de septiembre de 2016
Luis Alberto Pardo Villalón (1882 - 1935) fue el marino chileno que al mando del Yelcho, navío de la Armada de Chile, efectuó el difícil rescate de los náufragos, difícil meta que alcanzó el 30 de agosto de 1916, en época de invierno antártico.

En memoria del rescate, el nombre del marino ha pasado a la cartografía. Se denominan Islas Piloto Pardo a las más nororientales de las islas Shetland del Sur, separadas por más de 100 kilómetros del resto del archipiélago.

[[cmsimg 17062]]

En la página web de la armada chilena, se recuerda que al inicio de la Primera Guerra Mundial, el explorador británico Ernest Shackleton zarpó desde Inglaterra a bordo del “Endurance”, con una tripulación de 28 hombres con la promesa de realizar la Expedición Imperial Tansantártica, que pretendía cruzar el continente helado desde el mar de Weddell hasta el mar de Ross, pasando por el Polo Sur. 

El 18 de enero de 1915, el buque británico quedó atrapado entre las placas de hielo. Los tripulantes permanecieron diez meses en la nave, pero la embarcación acabó cediendo a la presión del hielo, hundiéndose.

La dotación se vio obligada a zarpar en tres botes en busca de un lugar seguro. Fue así como después de varios días navegación llegaron a Isla Elefante. Desde allí, Shackleton zarpó con cinco hombres en su bote a vela para pedir ayuda y luego volver a rescatar al resto de la tripulación. Atravesó 800 millas hasta las Islas Georgias y envío un cablegrama de socorro a Inglaterra y a los países americanos.

[[cmsimg 17063]]

La Armada de Chile envió la escampavía “Yelcho”, al mando del Piloto Luis Pardo Villalón, en la que viajo e propio Shackleton, zarpando desde Punta Arenas el 25 de agosto de 1916, pasando a la Estación Carbonera de Caleta Banner, en Isla Picton, para su reabastecimiento. Cruzó el mar de Drake y después siguió rumbo a la Antártica, donde logró rescatar a los expedicionarios. El navío, tras un peligroso periplo, retornó el día 4 de septiembre de 1916.

Fue este el primer viaje que un barco chileno consiguió llegar a la Antártica

Picasso y la cerámica

31/08/2016, Hasta el 30 de octubre se puede visitar, en el Museo Picasso Barcelona, una muestra que examina la relación del genio con la cerámica.



Barcelona, 31 de agosto de 2016
En el año 1955 tuvo lugar en Cannes el primer congreso organizado por la Academia Internacional de Cerámica. Con motivo de este congreso se celebró una exposición en la que participaría con varias obras el artista malagueño Pablo Picasso.

Del 12 al 16 de septiembre de 2016 se celebrará en Barcelona la 47º edición del Congreso y Asamblea de la Academia Internacional de Cerámica, dedicado a la cerámica en la arquitectura y en el espacio público. Por esta razón, el Museo Picasso Barcelona presenta una selección de fotografías de la colección del museo, que documentan al Picasso ceramista.

El interés de Picasso por la cerámica da comienzo cuando traslada su residencia al sur de Francia tras la Segunda Guerra Mundial. En 1946 Picasso visita el taller de alfarería Madoura, de Vallauris, donde sus propietarios, Suzanne y Georges Ramié, le invitan a colaborar con ellos. A partir de este momento trabajará la cerámica hasta mediados de los años sesenta.

Esta exposición muestra las obras de fotógrafos como Marcos Chamudes, David Douglas Duncan, Roberto Otero o André Villers, que retrataron a Picasso trabajando la cerámica a través de una mirada cómplice y una aproximación personal a la vida y obra del artista.

Picasso, fotografía y cerámica
Hasta el 30 de octubre de 2016
Museo Picasso Barcelona
C/ Montcada 15-23. Barcelona

Casa-museo-estudio de Joseph Bau

31/08/2016, En 1950 Joseph Bau emigró a Israel con el sueño de realizar películas de animación. Hoy, su estudio, donde trabajó 40 años, se ha convertido en Museo.



Tel Aviv, 31 de agosto de 2016
En una pequeña calle del centro de Tel Aviv se encuentra la “Joseph Bau House”, un pequeño museo y taller artístico que retrata la historia y la vida de Joseph Bau y su esposa Rebeca, la pareja original cuya boda se muestra en la película "La lista de Schindler" del cineasta Steven Spielberg.

Nacido en 1920 en Cracovia, el joven Joseph Bau cursaba estudios de artes plásticas cuando comenzó la II Guerra Mundial. Los siguientes cinco años los pasó entre guetos y campos de concentración hasta llegar a Brinlitz, el campo dirigido por Oscar Schindler. Allí, Bau utilizó su talento como dibujante para salvar su vida y la de cientos de judíos a los que falsificó los documentos para ayudarles a escapar. 

Cuando se le preguntó por qué nunca trató de escapar, Bau respondió: "Si no me quedaba, quién habría podido ayudarlos?" Además, en aquel campo de concentración sería donde conocería a Rebecca Tannenbaum, quien se convirtió en su esposa.

Tras el horror, Rebecca y Joseph emigraron a Israel en 1950. Bau abriría un estudio en Tel Aviv, donde crearía gráficos, siendo la primera persona en Israel para trabajar en películas de dibujos animados. Más tarde hizo cortometrajes y comerciales para la televisión y se hizo conocido como el Walt Disney israelí.

El taller del artista en Tel Aviv se presenta como un lugar que transmite al visitante la increible historia de Joseph Bau, y que refleja su creatividad a través de películas, animaciones, cuadros, literatura y otros objetos.

Joseph Bau House
9 Berdichevsky St., Tel-Aviv


Fuera de serie. De la provocación a la ilusión

30/08/2016, El Museo nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias González Martí reúne en una exposición a los ceramistas más relevantes del panorama actual en España.



Valencia, 30 de agosto de 2016
"Fuera de serie. De la provocación a la ilusión" reúne a 50 creadores excepcionales con la intención de reflejar el momento actual que vive la cerámica artística en España, al lado de algunas figuras anteriores que han marcado con fuerza el panorama cerámico en el siglo pasado y que son imprescindibles para comprender el actual.

La totalidad de los artistas españoles miembros de la Academia Internacional de Cerámica (AIC) están representados en la exposición. A estos se suman otros ceramistas cuya obra reconocimiento o trayectoria justifican su inclusión en la muestra.

El recorrido por la exposición del Museo nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias comprende cuatro temas diferenciadas: Tradición, Narración, Provocación e Ilusión. 

Tradición:
Reúne a una selección de artistas tales como Llorens Artigas, Cumella, Picasso, Alfons Blat, Arcadi Blasco, Castaldo o Panisello, que, conociendo la tradición del objeto cerámico, han conseguido cambiarla, manteniendo algunos elementos y rompiendo radicalmente con el resto.

Narración:
Aúna las obras que desarrollan una narrativa en su forma o en su superficie y que presentan temas sociales o conceptuales e invitan a la reflexión. La figuración forma parte del discurso. Artistas como Ángel Garraza, Miguel Ángel Gil o Xavier Monsalvatje integran esta sección.

Provocación:
Reúne trabajos de artistas que han roto límites técnicos para ofrecer aspectos cerámicos inusuales con procesos técnicos complejos, logrando una expresividad más novedosa y resultados sorprendentes. Se puede ver obra de Alberto Hernández, Madola, Gregorio Peño, Enric Mestre o Rafa Pérez.

Ilusión:
Una invitación a la imaginación: aspectos nuevos y delicados, porcelanas malabaristas y geometrías soñadas. Son artistas que asumen el reto de lo imposible y de un trabajo exigente y en ocasiones de carácter onírico. Se muestran obras de Juan Ortí, María Bofill, María Oriza o Caxigueiro.

Fuera de serie. De la provocación a la ilusión
Hasta el 02/10/2016
Museo nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias González Martí

El Prado prorroga la exposición de El Bosco

29/08/2016, El Museo del Prado prorroga “El Bosco. La exposición del V centenario”, hasta el próximo 25 de septiembre.



Madrid, 29 de agosto de 2016
El Museo del Prado quiere ofrecer así las máximas facilidades para que el público no se pierda este gran evento, que presenta el imaginario de uno de los pintores más fascinantes del arte universal. Un acontecimiento único que ya han disfrutado 428.527 visitantes.

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 25 de septiembre con un horario de apertura excepcional, ya que, los dos últimos fines de semana se podrá visitar hasta las 12 de la noche.

El gran éxito de público de la exposición ha propiciado que el Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, adopte la iniciativa de prorrogar su calendario de apertura dos semanas más, hasta el 25 de septiembre de 2016.

La exposición, la más completa y de mayor calidad realizada hasta la fecha, incluye obras maestras como El jardín de las delicias, el Carro del Heno o la Adoración de los Magos, se suman préstamos como el Tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa, el Cristo camino del Calvario de Patrimonio Nacional, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres y el dibujo del Hombre-árbol de la Albertina de Viena. Más de medio centenar de obras, entre ellas veintiuna pinturas y ocho dibujos originales del Bosco, que constituyen más del setenta y cinco por ciento de su producción conservada, así como grabados, relieves, miniaturas y pinturas de otros autores que contextualizan el ambiente en que estas se concibieron.

Para facilitar la adquisición de entradas y evitar esperas, debido a que se requiere pase horario, se recomienda la compra anticipada, seleccionando fecha y hora de acceso, disponible tanto en taquillas como a través de internet (www.museodelprado.es).

Juego de ojos

16/08/2016, Una exposición del Museo Picasso Málaga aborda la representación de la mirada a lo largo de toda la trayectoria artística de Pablo Picasso.



Málaga, 16 de agosto de 2016

43 obras de la Colección del Museo Picasso Málaga permiten, hasta el 11 de septiembre de 2016, apreciar la riqueza del tema de la mirada en la obra de Picasso. Una oportunidad única de conocer parte de los fondos menos conocidos de la institución malagueña.

A lo largo de su vida Picasso nunca dejó de cambiar la forma de reflejar al sujeto en sus diferentes procesos de creación. Su estilo fue transformándose con cada una de sus musas y evolucionando con cada investigación que emprendía. La inventiva que reflejan todas estas miradas da fe de la variedad y complejidad de su obra. 

La exposición se organiza a través de un recorrido cronológico con la salvedad de la emblemática obra Los ojos del artista que abre la exposición. La clausura Cabeza de hombre barbudo II, que da perfecta réplica a obra inicial. Además, dos aspectos temáticos rompen también el orden cronológico: uno centrado en el tema ‘El artista y su modelo’ y otro denominado ‘Juego de miradas’, en el que se presentan obras en las que la interacción de las miradas de los personajes desempeña un papel significativo.

Las obras de la exposición incluyen escultura, dibujo, obra gráfica, cerámica y libros ilustrados. También se muestran fondos bibliográficos procedentes de la Biblioteca MPM y una selección de fotografías del Fondo Roberto Otero. 

Valentin de Boulogne en el Metropolitan

12/08/2016, En octubre de 2016 se celebrará la primera exposición dedicada a Valentin de Boulogne, el seguidor francés más grande de Caravaggio, en el Met de Nueva York.



Nueva York, 12 de agosto de 2016
El mayor seguidor francés de Caravaggio (1571-1610), Valentin de Boulogne (1591-1632), fue también uno de los artistas más destacados en la Europa del siglo XVII. En los años siguientes a la muerte de Caravaggio, emergió como uno de los protagonistas más originales de la nueva pintura naturalista.

"Valentin de Boulogne: Más allá de Caravaggio" será la primera exposición monográfica dedicada a este artista poco conocido debido a su carrera de corta duración, pues murió a la edad de 41. Alrededor de 60 pinturas de Valentin sobrevivirían al artista, la exposición del Met reunirá 45 de estas obras, que llegan procedentes de lugares como Roma, Viena, Munich, Madrid, Londres y París.

Esta exposición pretende ser un evento de referencia no sólo para los estudiosos, sino también para los amantes del arte, que descubrirán a uno de los gigantes de la pintura francesa, cuyo trabajo fue un punto de referencia para los grandes realistas del siglo XIX, de Courbet a Manet, por su sorprendenteme puesta en escena de los acontecimientos dramáticos y la profunda humanidad y melancolía de sus figuras.

En los primeros años del siglo XVII, Roma era la capital cultural de Europa. Artistas de Francia, España, Alemania y los Países Bajos llegaban a Roma para descubrir los grandes monumentos del pasado romano, y conocer las obras maestras de Rafael y Miguel Ángel. Una vez allí, la figura de Caravaggio, uno de los grandes revolucionarios del arte occidental, ejercería un gran atractivo sobre estos artistas. Caravaggio experimentaría un nuevo tipo de arte basado en el dramático efecto de la iluminación que fue emulado por muchos artistas en la década de 1930. Uno de ellos fue el famoso español José de Ribera (1591-1652), quien en 1616 se trasladó de Roma a Nápoles, donde pasó el resto de su vida; el otro fue el francés Valentin de Boulogne que pasó la totalidad de su corta carrera en Roma.

Hay una escasa información sobre la vida de Valentín antes de llegar a Italia, aunque se sabe que nació el 3 de enero de 1591, no lejos de París, en la pequeña ciudad de Coulommiers. Éra el hijo de un pintor y vidriero y tenía un hermano, 10 años menor que él, también pintor. Es probable que Valentin fuera aprendiz de su padre, pero nada se sabe acerca de su carrera antes de llegar a Roma.

Al igual que muchos artistas jóvenes del norte de Europa y España, Valentín llegó a Roma con un fuerte deseo de hacerse un nombre. la práctica realista de la pintura directamente del modelo, esencial para Caravaggio, abrió una nueva dinámica para los aspirantes a artistas, al igual que la aparición del mercado del arte.

El trasfondo existencial a la hora de tratar temas convencionales, y las escenas narrativas dramáticas hicieron a Valentin de Boulogne una figura muy admirada por sus contemporáneos y por las siguientes generaciones de artistas.

Valentin de Boulogne: Más allá de Caravaggio
7 de octubre de, 2016-16 de enero de 2017
Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, New York

Pinazo en el MuVIM

11/08/2016, El Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat presenta la exposición “Pinazo: Del ocaso de los grandes maestros... a la Juventud Artística. València 1912-1927”.



Valencia, 11 de agosto de 2016
En octubre de 2016 se cumplen 100 años del fallecimiento de Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916), artista innovador y reflexivo que mantuvo el pulso creador hasta sus últimos momentos. El MuVIM presenta con motivo de este aniversario una selección de obras realizadas entre 1912 y 1915, y que son ejemplo del frescor y actualidad de su pintura.

En 1916 murió también el pintor José Benlliure Ortiz. En esta muestra se exponen también sus últimas creaciones sobre papel, junto a las de los ilustradores García Falgás, Dubón, Galván y Ballester realizadas entre 1912 y 1917.

En 1916 la ciudad de Valencia se encontraba en plena fase de expansión y reforma. La desaparición progresiva de las viejas generaciones conlleva la aparición de una emergencia juvenil que va abriéndose camino (Enrique Cuñat, Antonio Esteve, José Guiteras, Vicente Mulet, Bartolomé Mongrell, Arturo Ballester, Pascual Capuz, José Capuz, Luis Dubón, Higinio Blat, Vicente Beltrán, Antonio Vercher, Gómez Davó).

La exposición también trata la revitalización del panorama pictórico gracias al apoyo que recibieron jóvenes artistas por parte de Sorolla a través de la creación de la Juventud Artística Valenciana, cuya primera exposición tuvo lugar en la Universidad de Valencia en el verano de 1916.

Pinazo: Del ocaso de los grandes maestros... a la Juventud Artística. València 1912-1927
Museo Valenciano de la Ilustración y de la Modernidad
C/ Guillem de Castro, 8. Valencia
Hasta el 16 de octubre

Las líneas del destino

09/08/2016, La exposición Las líneas del destino, en el Museo ABC, nos descubre el particular mundo de la dibujante Marina Vargas.



Madrid, 9 de agosto de 2016
Una tirada de tarot es la protagonista del último trabajo de Marina Vargas (Granada, 1980). Las líneas del destino, parte de una tirada de cartas que le hizo una santera cubana. Las nueve figuras del tarot que aparecieron en esa sesión son interpretadas por la dibujante con su característico vocabulario y ampliadas en grandes soportes de madera.

El lenguaje propio de Vargas presenta un mundo de iconografías con elementos antagónicos: el barroco y el pop, o el surrealismo y el simbolismo. En su universo conviven referencias a la cultura popular mexicana, la brujería africana, la artesanía caribeña o la tradición católica de su Andalucía natal. 

El Museo acoge como obras invitadas en esta exposición dos jarrones ornamentales de cerámica de Alcora, de la Colección Banco Santander. La profusa decoración con rocalla y elementos orgánicos es característica de la segunda época de la fábrica (1749-1786). Este será el momento de mayor plenitud, en producción y calidad, de la factoría castellonense.

Por otro lado, de la Colección ABC, Marina ha elegido una portada de la revista Blanco y Negro, publicada en noviembre de 1930, e ilustrada por Ángeles Torner Cervera, que ilustró en publicaciones como Blanco y Negro, ABC, Gente Menuda, Y: Revista para la Mujer o Vértice. 

Esta exposición se enmarca dentro del programa Conexiones, una iniciativa del Museo ABC y la Fundación Banco Santander, que permite acercarse al dibujo contemporáneo dando la oportunidad a destacados creadores de desarrollar un trabajo inédito partiendo de dos obras escogidas de los fondos de ambas instituciones.

MARINA VARGAS
LAS LÍNEAS DEL DESTINO
25 SEP 2016
MUSEO ABC (Amaniel 29-31. Madrid)

Interiores Divinos

03/08/2016, El Museo Mayer van den Bergh abre de par en par las puertas al siglo XVII en un viaje fascinante que explora Amberes en la época de Rubens.



Amberes, 3 de agosto de 2016
Una iglesia es un lugar de culto, devoción y meditación tranquila, pero por encima de todo, es un lugar de encuentro. Durante siglos, estos lugares sirvieron para fines sociales: creación de redes, negocios, mendigar, comentar asuntos curiosos y cotilleos... el pintor de arquitecturas, que funcionaba como una especie de precursor del fotógrafo moderno, se dedicó a representar la realidad y el día a día de estos grandiosos centros de culto.

El Museo Mayer van den Bergh reúne en la exposición Interiores Divinos cuarenta pinturas y alrededor de una docena de dibujos y grabados procedentes de colecciones públicas nacionales e internacionales, incluyendo el Kunsthistorisches Museum (Viena), la Fondation Custodia (París), el Museo Fitzwilliam (Cambridge), el Szépművészetimuseum (Budapest) y el Rijksmuseum (Ámsterdam). La muestra cuenta además con piezas procedentes de diversas colecciones privadas nunca antes expuestas al público. 

Retrato de una iglesia
Durante el siglo XVI, la Iglesia Católica vivió algunos de los mayores trastornos en su historia. Cuando la furia iconoclasta llegó a Amberes en 1566, las iglesias de la ciudad fueron despojadas de su opulencia. El protestantismo fue en aumento y las estatuas de santos fueron prohibidas. La interpretación de la Biblia calvinista rechazó cualquier imagen que representara a Dios, en sustitución, el arte religioso de las iglesias se llenaría de representaciones simbólicas y morales.

Se produce un éxodo masivo de los católicos de la ciudad, incluyendo muchos artistas. Muchos de ellos marcharon a Alemania hasta que pasara la tormenta. Hendrik van Steenwijck conoció a Hans Vredeman de Vries en Aquisgrán en algún momento entre 1570 y 1575. El encuentro daría lugar a la aparición de un nuevo género: las pinturas arquitectónicas o "perspectivas". En Alemania, Van Steenwijck pintó su primer interior de la iglesia con la catedral de Aquisgrán como protagonista.

El retorno de los artistas a Amberes marcó el comienzo de la pintura arquitectónica en la ciudad, un género que alcanzó su punto más alto bajo los auspicios de la Escuela de Amberes. Este nuevo estilo de pintura ganó muchos adeptos apasionados, que pintaron miles de interiores de iglesias de una manera sorprendentemente realista y con un gran dominio de la perspectiva. El pequeño formato de las obras y su trabajo ornamental, hicieron que este género adquiriera popularidad durante el siglo XVII. 

Más allá del museo
La exposición Interiores Divinos se extiende más allá de las paredes del museo, llevando a los visitantes a un viaje fascinante por la ciudad de la mano de una aplicación especialmente diseñada que les guía en un recorrido que incluye la catedral de Nuestra Señora, la Iglesia de San Carlos Borromeo, la iglesia de San Pablo y la Iglesia de Santiago. Las iglesias, ya que existen hoy en día se ponen en perspectiva virtual con sus imágenes del siglo XVI. El visitante podrá comparar entre las pinturas realizadas por el pintor de arquitecturas y la apariencia moderna del lugar.

El recorrido muestra además construcciones que a día de hoy han desaparecido del paisaje urbano, tales como la iglesia barroca de los Carmelitas Descalzos de Amberes. Estas reconstrucciones virtuales en 3D permiten al visitante convertirse en un viajero en el tiempo, y transportarse a la edad de Rubens.

La aplicación para el tour se puede descargar de forma gratuita para teléfonos con sistema operativo Android.

Divine Interiors. Experience churches in the age of Rubens
Hasta el 16 de octubre de 2016
Museo Mayer van den Bergh
Lange Gasthuisstraat 19, Amberes


Lazkano. Ikusmira

02/08/2016, La Sala Kubo-Kutxa Aretoa presenta una gran retrospectiva dedicada al artista Jesus Mari Lazkano.



San Sebastián, 2 de agosto de 2016
Con más de un centenar de obras (lienzos de grandes formatos, dibujos, cuadernos de notas, etc.) esta exposición muestra la trayectoria artística de más de tres décadas de trabajo del artista Jesus Mari Lazkano (Bergara, Guipúzcoa, 1960).

Una trayectoria artística en la que se hace patente una evolución pictórica resultado de dos causas entrelazadas: el permanente viaje de reflexión del artista en torno a la pintura como profesión, la imagen pictórica como representación y la Naturaleza como entorno, y sus múltiples periplos por geografías, a veces cercanas, y otras veces tan lejanas como imaginarias.

La periferia de ciudades industriales actuales, la Viena fin-de-siècle, la Roma arqueológica o el Nueva York del presente han estado acompañados por una creciente ampliación del campo de la mirada: desde portones y ventanales próximos, domésticos y vecinales, hasta la distante inmensidad de océanos y cordilleras montañosas. Una mirada exploradora, que aparece acompañada por una meditación acerca del paisaje y su relación con lo artificial arquitectónico. 

La arquitectura aparece en la obra de Lazkano como resto superviviente (industrial o arqueológico), como luminosa transparencia (en invernaderos o rascacielos de cristal) o como ornamento. Y el paisaje se presenta como un espacio cargado de simbolismo en el que han sedimentado muchos tiempos pasados, dejando el poso de una huella geológica o humana.

Paralelamente, sus obras remiten, a veces secretamente, a grandes artistas de la historia, como Leonardo da Vinci, Joachim Patinir, Piero della Francesca o Mark Rothko, a los paisajistas norteamericanos del siglo XIX o a los pioneros de la ingeniería industrial moderna y a la arquitectura intemporal.

Jesus Mari Lazkano ha realizado numerosas exposiciones individuales en EEUU, China, Suiza, Indonesia, España, Italia y País Vasco. Sus estancias en ciudades como Nueva York, Chicago, Dallas o Roma han estructurado su trabajo en sucesivas series temáticas, constituyendo un referente continuo en su pintura. Su obra se encuentra en diversas colecciones y museos de varios países, como el Museo Guggenheim Bilbao, el Museo Château du Montbéliard, la Colecione Bulgary en Hong Kong y Los Ángeles, International Finance Corporation Washington o el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Lazkano. Ikusmira
Hasta el 16 de octubre de 2016
Sala Kubo-Kutxa Aretoa


fotos & libros. España 1905-1977

01/08/2016, Últimos días de la exposición fotos & libros. España 1905-1977. Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en el Museo Amparo.



Puebla, México, 1 de agosto de 2016
La muestra del Museo Amparo presenta una revisión de la historia de la fotografía española, desde principios del siglo XX hasta mediados de los años setenta, a través de sus mejores fotolibros. Una lectura histórica, en la que se muestra la gran transformación que sufrió la sociedad española durante el siglo XX en aspectos como la imagen de la mujer o del medio rural, la Guerra Civil o la transición a la democracia tras la muerte del general Franco.

El fotolibro ha sido el medio más utilizado por los principales fotógrafos para presentar, comunicar y mostrar conjuntos fotográficos. Desde su origen, la edición de fotolibros en España ha sido intensa, pero apenas analizada. Esta muestra es el resultado de una investigación desarrollada por el Museo Reina Sofía para estudiarlos y formar una colección en la que destacan los conjuntos fotográficos de fotógrafos como José Ortiz Echagüe, Alfonso, Francesc Català-Roca, Robert Capa, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Joan Colom, Francisco Ontañón o Colita.

fotos & libros. España 1905-1977 se divide en seis secciones temáticas y cronológicas: Principios del siglo XX: primeros fotolibros de relevancia; La Guerra Civil: dos bandos, dos visiones; La posguerra; Años sesenta: la década de oro de la fotografía española; Palabra e imagen; Años setenta: últimos fotolibros de autor.

La exposición está organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Acción Cultural Española (AC/E).

fotos & libros. España 1905-1977
Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Hasta el 15 de agosto de 2016
Museo Amparo
2 Sur 708, Centro Histórico,
Puebla, Pue., México


Geografia Física y Humana

29/07/2016, El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la primera exposición individual en un museo español de la artista brasileña Anna Bella Geiger.



Sevilla, 29 de julio de 2016
Anna Bella Geiger es una artista imprescindible en el análisis de la construcción de las nuevas formas de los años 70. Pese a la radicalidad de su obra, y a ser de las primeras artistas que en Brasil usó el vídeo como forma de expresión en el arte, su proyección no corresponde a la altísima calidad de su trabajo, si bien en los últimos años éste ha sido puesto en valor por críticos y galerías, así como por instituciones como el MOMA de Nueva York o el Museo Reina Sofía de Madrid.

La muestra del CAAC presenta alrededor de cien vídeos, fotografías, libros de artista, fotocollage y obras tridimensiones centradas en dos propuestas que han atravesado su carrera: la geografía física y la geografía humana.

Anna Bella Geiger (Río de Janeiro. Brasil. 1933) empieza en los años 50 del siglo XX a trabajar con collages y dibujos, fotomontajes, vídeo, fotografías, libros de artista e instalaciones... En 1954 viaja a Nueva York, donde conoce a Henry Kahnweiler, famoso marchante de los artistas surrealistas, que se interesa por su trabajo y adquiere alguna de sus obras.

Durante los 70 forma parte en 1970 de la exposición colectiva “El grabado brasileño”, presentada en São Paulo y desarrolla los dos grandes temas que se repiten en unas propuestas que recurren a las series como fórmula de representación: la geografía física –los mapas—y la geografía humana –la revisión de los estereotipos culturales.

Los mapas, una constante en su trabajo que van organizándose en diferentes técnicas, serán el hilo conductor de ese discurso poético/político. Geiger dibuja mapas, territorio históricamente asignado a los hombres en tanto concepción espacial para revisar el concepto político de dicho espacio. Con este planteamiento, la artista aspira a que las mujeres recuperen ese territorio que les ha sido negado por la historia.

“Geografía física y humana” espera recuperar el lugar que por méritos propios corresponde a esta artista brasileña en el relato fundacional de lo moderno.

Anna Bella Geiger. Geografia Física y Humana
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
Hasta el 23 de octubre de 2016

Caillebotte, pintor y jardinero

28/07/2016, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta hasta el 30 de octubre de 2016 una exposición dedicada al artista francés Gustave Caillebotte.



Madrid, 28 de julio de 2016
El Museo Thyssen-Bornemisza, en colaboración con el Musée des Impresionnismes de Giverny, presenta una exposición dedicada a Gustave Caillebotte (París, 1848 - Petit Gennevilliers, 1894), una de las figuras menos conocidas del movimiento impresionista, y conocido fundamentalmente por su papel de mecenas e impulsor del movimiento impresionista

64 obras procedentes de colecciones privadas y museos internacionales sirven para acercar al visitante a la figura de Caillebotte, y mostrar la evolución temática y estilística del pintor francés, desde sus inicios en el París moderno de Haussmann hasta su pintura de jardines. 

Gustave Caillebotte pintó sus primeros estudios sobre jardines y naturaleza en la propiedad familiar de Yerres, a las afueras de París, donde descubrió su pasión por el tema. En 1872 comenzó a recibir clases en el estudio Bonnat y, cuando fue invitado a participar en la segunda exposición impresionista en 1876, empezó a ayudar tanto a sus amigos Monet y Renoir como a otros artistas, comprándoles obras y organizando las exposiciones. Su muerte con apenas 45 años supuso un abrupto final a una carrera artística en plena evolución.

La muestra del Thyssen-Bornemisza profundiza en el tema del jardín en la obra del artista, que ocupó una parte muy importante de su producción artística, así como en su relación con Claude Monet, y se compone de cuatro capítulos: El París de Haussmann: un universo mineral; Veranos en Yerres: 1861-1879; El Sena y los viajes a Normandía: 1880-1888, y Le Petit Gennevilliers: 1888-1894.

Caillebotte, pintor y jardinero
Hasta el 30/10/2016
Museo Thyssen-Bornemisza


Nuevas exposiciones en el Museo Ruso de Málaga

20/07/2016, La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo / Málaga presenta: Chagall y sus contemporáneos rusos, Cervantes en el arte ruso y Resistencia. Tradición y Apertura. Arte Ruso de las últimas cuatro décadas.



Málaga, 20 de julio de 2016
La sede en Europa Occidental del Museo Estatal Ruso, establecida en el edificio Tabacalera de Málaga, presenta tres nuevas exposiciones temporales, que podrán verse hasta el 29 de enero de 2017.

Chagall y sus contemporáneos rusos
Marc Chagall nunca perdió la conexión con Vitebsk, su ciudad natal, ni con el pequeño mundo de la comunidad judía en que creció. Allí volvió, al estallar la I Guerra Mundial, y allí permaneció durante la revolución. Esta exposición presenta una excepcional muestra de su trabajo durante los años parisinos y los posteriores de retorno en Bielorrusia, poniendo su obra en relación con la de otros artistas judíos como Robert Falk, Nathan Altman o Vera Pestel, junto con objetos de artesanía popular que ayudan a evocar aquel mundo que la barbarie nazi borró del mapa.

La muestra cuenta además con una reproducción de la habitación de Chagall en Vitebsk, con todos su objetos originales, tal como se conserva en el Museo Estatal Ruso de san Petersburgo. 

Cervantes en el arte ruso
Para celebrar el cuarto centenario de la muerte de Cervantes, la Colección del Museo Ruso San Petersburgo / Málaga presenta una exposición de 47 piezas que representan en el arte ruso de los siglos XIX y XX la figura del escritor y sus creaciones más celebres, Don Quijote y Sancho.

Bajo el nombre de Cervantes en el arte ruso, la muestra reune obras de 14 artistas rusos de los siglos XIX y XX. Artistas de la talla de Ilya Repin, Vera Ermolaeva, Stepan Galaktionov o Helium Korzhev, que han representado la obra más universal de las letras españolas en diversos estilos y técnicas, desde el óleo a la acuarela o el dibujo.

Muchas de las piezas de la muestra han servido para ilustrar la obra de Miguel de Cervantes en sus ediciones rusas, tanto en el siglo XIX como durante los años de la Unión Soviética y en el presente.

Esa exposición permite contemplar el impacto en Rusia de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, libro que se ganó la admiración de los grandes padres de la literatura rusa del siglo XIX, desde Pushkin, a Tolstói, Dostoyevski o Turgueniev, también conquistó a sus artistas. 

Resistencia, tradicion y apertura. Arte ruso de las ultimas 4 décadas
Las obras que componen Resistencia, tradición y apertura. Arte ruso de las últimas 4 décadas, permiten acercar, de modo panorámico, las tensiones y dinámicas creativas que se suceden en la extinta URSS y la actual Rusia durante un periodo marcado por cambios trascendentales.

El conjunto posee la virtud de atender al arte no-oficial que se desarrolló tras la muerte de Stalin en 1953, que recibió el nombre de arte inconformista o no-conformista, así como a los lenguajes que se instalaron desde la última década del siglo XX hasta la actualidad. Estos últimos revelan un estricto conocimiento y progresiva convergencia con los que se iban desarrollando en núcleos centrales de la creación europea y norteamericana, es el caso de la presencia del neo-expresionismo en los ochenta y noventa.

El conjunto está formado por 41 pinturas, dibujos y esculturas, fechadas entre 1977 y 2016, y son una selección de una colección privada de Alemania, que recorren un lapso temporal en el que un grupo de artistas se enfrentó y opuso a la práctica del realismo socialista, el arte oficial del Estado.

Los juguetes hablan alemán

19/07/2016, El Museo del Traje presenta una muestra en la que reúne piezas de la industria juguetera alemana de finales del siglo XIX.



Madrid, 19 de julio de 2016
La industria juguetera alemana dominó el mercado mundial entre finales del siglo XIX hasta el final de la II Guerra Mundial. En esta exposición, realizada con fondos del Museo del Traje, se presentan muñecas, recortables, juegos de mesa, construcciones y juguetes de hojalata que reflejan de una manera amable el mundo de los adultos de esas décadas.

Los paises alemanes fueron una potencia en el ámbito de la fabricacion de juguetes desde la Edad Moderna. A comienzos del siglo XVI se inicia el comercio internacional de los juguetes de madera de la zona de Nuremberg (Baviera) y distritos cercanos –Oberammergau, el valle de Groden, Berchtsemergau y Sonneberg. 

Al principio el mercado fue puramente local, pero con la apertura de las grandes rutas comerciales, los juguetes alemanes se extendieron más allá de la misma Europa, sentando las bases del comercio juguetero en la edad moderna.

El siglo XIX fue un momento decisivo para la industria juguetera gracias a la aparición de nuevos materiales, como la hojalata y los primeros plásticos, y nuevos sistemas de fabricación. Esto hizo que cada región tuviera su especialización, a veces debido a la materia prima, y otras veces al establecimiento de un primer taller, en torno al cual se fueron asentando otros que realizaban los mismos tipos de juguetes. Así, en Baviera se desarrolló la industria del juguete de hojalata en torno a la ciudad de Nuremberg; en varias ciudades de Turingia se establecieron los fabricantes de muñecas, y en Renania-Palatinado, los impresores de recortables.

Los juguetes hablan alemán
Hasta el 11/09/2016
Museo del Traje
Avda. Juan de Herrera, 2. Madrid


Nuevos Sitios Patrimonio Mundial

18/07/2016, El Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO, que ha celebrado su 40ª reunión en Estambul (Turquía), ha inscrito 21 nuevos sitios en la Lista del Patrimonio Mundial.



Estambul, 18 de julio de 2016
El Comité del Patrimonio Mundial, reunido en Estambul del 10 al 17 de julio, inscribió 21 nuevos sitios en la Lista del Patrimonio Mundial (12 culturales, seis naturales y tres mixtos), lo que eleva a 1.052 el número total de sitios inscritos en 165 países.

El Comité examinó el estado de conservación de 155 sitios. Los cinco sitios de Libia, uno de Uzbekistán y otro de Malí ingresaron en la Lista del Patrimonio en Peligro, de la que fue retirado un sitio de Georgia. El sitio de Nan Madol: centro ceremonial de la Micronesia Oriental (Estados Federados de Micronesia) fue inscrito simultáneamente en la Lista del Patrimonio Mundial y en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro. El Comité decidió además que su 41ª reunión se celebrará en Cracovia (Polonia) en julio de 2017. 

Nuevos sitios inscritos en 2016:

Sitios culturales:

Obra arquitectónica de Le Corbusier, contribución excepcional al Movimiento Moderno (Alemania, Argentina, Bélgica, Francia, India, Japón, Suiza).
Repartidos en siete países, los 17 sitios integrantes de este bien del patrimonio mundial constituyen un testimonio de la invención de un nuevo modo de expresión de la arquitectura. Las obras arquitectónicas de esos sitios fueron realizadas por Le Corbusier a lo largo de cincuenta años. El Complejo del Capitolio de Chandigarh (India), el Museo Nacional de Bellas Artes de Occidente de Tokio (Japón), la casa del Dr. Curutchet en La Plata (Argentina) y la Unidad de Viviendas de Marsella (Francia), entre otras construcciones, ponen de manifiesto las soluciones aportadas en el siglo XX por el Movimiento Moderno al reto de renovar las técnicas arquitectónicas para satisfacer las necesidades de la sociedad. Estas obras maestras del genio humano también constituyen un testimonio de la internacionalización de la arquitectura a escala planetaria.

Astillero de Antigua y sitios arqueológicos conexos (Antigua y Barbuda)
Este sitio comprende un recinto fortificado de la época georgiana con instalaciones y edificios portuarios y navales. El medio natural de bahías profundas, rodeadas de terrenos elevados, ofrecía un refugio seguro contra los huracanes, propiciando así el mantenimiento y reparación de los navíos. Construido por la Marina Real Británica a finales del siglo XVIII con mano de obra esclava africana, el astillero de Antigua tenía por objeto proteger los intereses de los dueños de las plantaciones de caña de azúcar en una época en que las naciones europeas se disputaban el control del Caribe Oriental.

Cementerios de tumbas medievales “Stećci” (Bosnia y Herzegovina, Croacia, Montenegro, Serbia)
Este sitio está integrado por tumbas medievales (“stećci”) de 30 lugares diferentes situados en Bosnia y Herzegovina, en el centro y sur de Croacia, en la parte occidental de Montenegro y al oeste de Serbia. Estos monumentos funerarios datan de los siglos XII a XVI y están dispuestos en filas en cementerios, tal y como se acostumbró a hacer en Europa desde la Edad Media. En su mayoría están esculpidos en piedra caliza con gran variedad de motivos ornamentales e inscripciones, que muestran no sólo la continuidad que se da en los elementos medievales europeos de este tipo, sino también la persistencia de tradiciones locales específicas más antiguas.

Conjunto arquitectónico moderno de Pampulha (Brasil)
Este fue el centro de un proyecto urbanístico visionario de ciudad-jardín realizado en 1940 en la ciudad de Belo Horizonte, capital del estado brasileño de Minas Gerais. Planeado en torno a un lago artificial, ese centro de carácter cultural y recreativo comprendía un casino, una sala de baile, el Yate Golf Club y la iglesia de San Francisco de Asís. Todos sus edificios fueron diseñados por el arquitecto Oscar Niemeyer, en colaboración con diversos artistas innovadores. La explotación de las propiedades plásticas del hormigón y la fusión de diversas artes –arquitectura, escultura, pintura y paisajismo– dieron lugar a la creación de construcciones de formas audaces que se integran en un conjunto armónico. El sitio constituye además un testimonio de la influencia del clima, el medio ambiente y las tradiciones del Brasil en los principios de la arquitectura moderna.

Paisaje cultural de arte rupestre de Zuojiang Huashan (China)
Formado por 38 sitios de arte rupestre que ilustran la vida y los ritos del pueblo luoyue, este paisaje cultural está situado en la frontera sudoriental de China y se extiende por un territorio de farallones abruptos, terrenos kársticos, ríos y mesetas. Realizadas entre el siglo V a.C. y el siglo II de nuestra era, las pinturas parietales de esos sitios muestran ceremonias que se consideran vinculadas a la cultura de los tambores de bronce, antaño predominante en el sur de China meridional. Este paisaje cultural es hasta ahora el único testimonio que se posee de esa cultura.

Dólmenes de Antequera (España)
Al sur de España, en la Andalucía meridional, este sitio comprende tres monumentos megalíticos –el “tholos” del Romeral y los dólmenes de Menga y Viera– así como dos parajes naturales próximos que ofrecen panorámicas de gran belleza –la Peña de los Enamorados y el Torcal. Construidos con grandes bloques de piedra en el Periodo Neolítico y la Edad de Bronce, los tres monumentos funerarios se hallan enterrados en sus túmulos primigenios y forman cámaras y espacios con cobertura adintelada o en falsa cúpula, que hacen de ellos uno de los conjuntos arquitectónicos más notables de la prehistoria en Europa.

Sitio arqueológico de Filipos (Grecia)
Fundada en 356 a.C. durante el reinado de Filipo II de Macedonia, los restos de esta ciudad fortificada se extienden al pie de una acrópolis situada en la actual región griega de Macedonia Oriental y Tracia, por la que pasaba la antigua vía romana Egnatia que unía Europa con Asia. En tiempos del Imperio Romano, en los decenios subsiguientes a la batalla de Filipos (42 a.C.), vinieron a añadirse a los anteriores monumentos de la época helenística –el gran teatro y el templo funerario– importantes construcciones como el foro. Después de la visita del apóstol San Pablo a Filipos en los años 49 a 50 de nuestra era común, la ciudad se convirtió en un centro de propagación del cristianismo. Los vestigios de sus iglesias constituyen un testimonio excepcional del asentamiento de los primeros cristianos.

Vestigios arqueológicos de Nalanda Mahavihara (universidad de Nalanda) en Nalanda, Bihar, (India)
Este sitio, al nordeste de la India, está integrado por los vestigios arqueológicos de un gran monasterio (“mahavihara”) que llevó a cabo una importante actividad religiosa y docente desde el siglo III a.C. hasta el siglo XIII de nuestra era. A los vestigios arquitectónicos de estupas, santuarios y edificios monacales (“viharas”) destinados a albergar y educar a los profesos, se suman importantes obras de arte realizadas en estuco, piedra y metales. Nalanda se distingue como la más antigua universidad del subcontinente indio, una institución que organizó la transmisión del saber durante un periodo ininterrumpido de 800 años. La historia del sitio atestigua no sólo la evolución de la devoción budista hacia su afirmación como religión, sino también el florecimiento de las prácticas monásticas y educativas tradicionales.

El qanat persa (República Islámica de Irán)
En el conjunto de las regiones áridas de Irán, la agricultura es sostenida por el antiguo sistema de riego de los qanats, que toman el agua de los acuíferos en lo alto de los valles y la hacen circular por túneles subterráneos de varios kilómetros. Los once qanats que componen este sitio comprenden también zonas de reposo para los trabajadores, depósitos de agua y molinos hidráulicos. Este sistema tradicional de gestión del agua todavía funciona y permite un reparto equitativo y sostenible de los recursos. Los qanats aportan un testimonio excepcional de las tradiciones culturales y las civilizaciones de zonas desérticas de clima árido.

Nan Madol: centro ceremonial de la Micronesia Oriental (Estados Federados de Micronesia)
Frente a la costa de la isla de Pohnpei, el sitio de Nan Madol está integrado por un conjunto de 99 islotes creados artificialmente con columnas basálticas y bloques de coral. Esos islotes albergan vestigios de los palacios, templos, sepulturas y moradas de piedra que constituían el centro ceremonial de la dinastía Saudeleur y fueron construidos entre los siglos XIII y XVI, en un periodo de gran auge de la cultura de las sociedades isleñas del Pacífico. El tamaño colosal de esas construcciones, la perfección técnica y la concentración de sus estructuras megalíticas, son un vivo testimonio de la complejidad de las prácticas religiosas y sociales de los pueblos insulares en ese periodo. Este sitio ha sido inscrito simultáneamente en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro debido a las amenazas que pesan sobre él, en particular el enlodamiento de las vías navegables, que propicia el crecimiento incontrolado de manglares y fragiliza las construcciones.

Conjunto de las cuevas de Gorham (Reino Unido)
Los abruptos acantilados calcáreos de la cara oriental del peñón de Gibraltar albergan cuatro cuevas cuyos yacimientos arqueológicos atestiguan la presencia del hombre de Neandertal durante más de 125.000 años. Este testimonio de la cultura neandertaliense está constituido por grabados rupestres de motivos abstractos, así como por huellas de la caza de aves y animales marinos con fines alimentarios y por indicios del uso ornamental del plumaje de las presas capturadas. Las investigaciones científicas han aportado una contribución importante al debate sobre el conocimiento del hombre de Neandertal y de la evolución de la especie humana.

Sitio arqueológico de Ani (Turquía)
Al nordeste de Turquía, en una meseta erguida sobre el valle que delimita la actual frontera natural entre este país y Armenia, la ciudad medieval de Ani comprende un gran conjunto de viviendas y edificaciones religiosas y castrenses dotadas de una estructura urbanística típica de la Edad Media, que se fue configurando a lo largo de los siglos bajo la soberanía de diferentes dinastías cristianas y musulmanas. La ciudad alcanzó su máximo esplendor entre los siglos X y XI, cuando fue capital del reino armenio de los Bagrátidas y se benefició del control que ejercía sobre uno de los ramales de la Ruta de la Seda. Posteriormente, bajo el sucesivo dominio de los bizantinos, selyúcidas y georgianos, conservó su rango de encrucijada importante del tráfico mercantil de caravanas. La invasión mongola de 1239 y el devastador terremoto de 1319 asolaron la ciudad y precipitaron su decadencia. Ani ofrece un amplio panorama del desarrollo arquitectónico medieval gracias a la presencia de casi todas las innovaciones arquitectónicas que emergieron en la región entre los siglos VII y XIII de nuestra era. 

Sitios naturales:

Mistaken Point (Canadá)
En el extremo sudoriental de la isla canadiense de Terranova, este sitio fosilífero se extiende a lo largo de una estrecha franja de 17 km. de longitud formada por acantilados abruptos del Periodo Ediacárico (unos 580 a 560 millones de años atrás). En ellos se pueden observar los conjuntos más antiguos de fósiles ensamblados de gran tamaño descubiertos hasta ahora, que ilustran un momento crucial de la historia de la vida en la Tierra: la aparición de organismos biológicamente complejos de grandes dimensiones, después de una fase de la evolución que duró tres mil millones de años y estuvo presidida por el predominio de los microbios.

Shennongjia de Hubei (China)
Situado hacia la parte oriental del centro de China, en la Provincia de Hubei, este sitio consta de dos zonas: Shennongding/Badong, al oeste, y Laojunshan, al este. En ellas se encuentran los bosques primarios más vastos del centro del país, donde tienen su hábitat numerosas especies animales raras como la salamandra gigante china, el rinopiteco dorado, la pantera nebulosa, el oso de collar y el leopardo.

Desierto de Lut (República Islámica del Irán)
Esta zona subtropical húmeda es azotada entre junio y septiembre por vientos de gran fuerza que transportan sedimentos y provocan una erosión eólica de proporciones colosales. En este sitio se pueden observar algunos de los más espectaculares relieves eólicos formados por crestas onduladas masivas (“yardangs”), así como vastos desiertos de piedra y un campo de dunas, que constituyen en su conjunto un ejemplo excepcional de procesos geológicos en curso de evolución.

Tien Shan occidental (Kazajstán, Kirguistán y Uzbekistán)
La cadena montañosa de Tien-Shan es una de las siete mayores del mundo. Los elementos de su sistema montañoso tienen altitudes que varían entre 700 y 4.503 metros. Se trata de un sitio con gran diversidad de paisajes que albergan una biodiversidad excepcionalmente rica. La región de Tien-Shan occidental es el centro de origen de varias especies de árboles frutales cultivados así como por su gran diversidad de tipos de bosque y por sus asociaciones únicas de plantas.

Archipiélago de Revillagigedo (México)
En el Pacífico Oriental, este archipiélago está formado por las islas de San Benedicto, Socorro y Clarión, el islote de Roca Partida y sus aguas adyacentes. Las cuatro islas –que son de hecho las cumbres emergidas de otros tantos volcanes integrantes de una cadena montañosa submarina– constituyen un hábitat de vital importancia para diversas especies endémicas de flora y fauna, en particular aves marinas. Las aguas circundantes albergan una concentración notable de especies pelágicas de gran tamaño: mantas gigantes, delfines, tiburones y cetáceos.

Parque Nacional Marino de Sanganeb y Parque Nacional Marino de la Bahía de Dungonab y la Isla de Mukkawar (Sudán)
Sanganeb es el único atolón coralino del Mar Rojo, está situado en el centro de éste y se halla a 25 km. de la costa de Sudán. La Bahía de Dungonab y la Isla de Mukkawar, por su parte, se hallan a unos 125 km al norte de la ciudad de Puerto Sudán. Ambas albergan un ecosistema muy variado de arrecifes coralinos, manglares, praderas marinas, playas e islotes que sirven de hábitat a poblaciones de aves y mamíferos marinos, tortugas y peces, como tiburones y mantas. La bahía de Dungonab alberga además una población de dugongos de importancia mundial. 

Sitios mixtos (naturales y culturales):

Parque Nacional de Khangchendzonga (India)
En el Estado de Sikkim, al norte de la India, este parque se extiende por una parte de la cordillera del Himalaya y alberga un paisaje excepcional de planicies, valles, lagos, glaciares y montañas cubiertas de bosques arcaicos y rematadas por casquetes de nieve, entre las que figura el tercer pico más alto del planeta: el Monte Khangchendzonga. Las poblaciones autóctonas de Sikkim profesan devoción a este monte y a numerosos elementos de la naturaleza (grutas, ríos, lagos, etc.) que son además objeto de toda una serie de relatos mitológicos. Los significados sagrados de esos relatos y las prácticas devotas concomitantes se han integrado en las creencias budistas y constituyen el fundamento de la identidad de los habitantes de Sikkim.

Refugio de biodiversidad de los “ahwar” y paisaje arqueológico de ciudades mesopotámicas del Iraq meriodional (Iraq)
Este sitio comprende tres áreas de vestigios arqueológicos y cuatro zonas de humedales pantanosos. El “tell” de Eridu y las ruinas de las ciudades de Uruk y Ur forman parte de los vestigios arqueológicos de asentamientos sumerios en la Baja Mesopotamia, que florecieron entre el tercer y cuarto milenio a.C. en el delta pantanoso formado por los ríos Éufrates y Tigris. Por su parte, las regiones de humedales pantanosos (“ahwar”) de esta región del Iraq Meridional son únicas en su género por deber su formación a uno de los mayores deltas interiores del mundo y por estar situadas en un medio natural extremadamente árido y cálido.

Macizo de Ennedi: paisaje natural y cultural (Chad)
El macizo de Ennedi está formado por arenisca. Con el tiempo, la erosión del agua y el viento esculpieron esta meseta, formando gargantas y valles y creando paisajes espectaculares con arcos y pilares naturales de piedra, picos y barrancos. En los cañones más grandes, las aguas perpetuas desempeñan un papel capital en el ecosistema y tienen una importancia fundamental para la supervivencia de la fauna, la flora y la población humana. En las superficies rocosas de las grutas, cañones y refugios hay millones de imágenes pintadas y grabadas que constituyen una de las mayores colecciones de arte rupestre del Sáhara.

Los ocho sitios inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro este año son:
Nan Madol: centro ceremonial de Micronesia Oriental (Estados Federados de Micronesia)
Sitio arqueológico de Cirene, Sitio arqueológico de Leptis Magna, Sitio arqueológico de Sabratha, Sitio rupestre de Tadrart Acacus, y Ciudad vieja de Ghadames (todo ellos en Libia)
Ciudades antiguas de Djenné (Malí)
Centro histórico de Shakhrisyabz (Uzbekistán)

El sitio de los Monumentos históricos de Mtskheta (Georgia) fue retirado de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro.

Yoko Ono. Dream Come True

15/07/2016, Yoko Ono, pionera y figura ineludible del arte conceptual y participativo contemporáneo, presenta su primera exposición retrospectiva en Argentina.



Buenos Aires, 15 de julio de 2016
La muestra, que podrá verse hasta el 31 de octubre en MALBA está compuesta por más de 80 trabajos, que incluyen objetos, videos, films, instalaciones y registros sonoros producidos desde principios de los 60 hasta hoy, y tiene como eje las llamadas Instrucciones, que Ono viene desarrollando desde hace más de sesenta años.

Asociada con el arte conceptual, la performance, el grupo neo-vanguardista Fluxus y los happenings de los 60, Yoko Ono (Tokio, 1933) ha sido una pionera en el cuestionamiento del concepto y el objeto de arte. Ha roto las fronteras tradicionales que dividen las distintas disciplinas artísticas y ha creado un nuevo modo de relación con los espectadores usando un lenguaje claro y universal.

Ono produce objetos, eventos, rituales y acciones cuya elaboración se completa a través de la participación del público. Las “instrucciones” son piezas compuestas por mensajes simples y poéticos, que invitan a los espectadores a realizar determinadas acciones, como “escuchar el sonido de la Tierra girando” o “encender un fósforo y vigilar hasta que se consuma”.

De este modo, Yoko Ono amplifica el alcance de una obra con un fuerte compromiso social y político, a partir de su militancia a favor de movimientos como el feminismo, el pacifismo y el ecologismo. En Dream Come True, la artista nos invita a atravesar una experiencia transformadora en nuestra relación con nosotros mismos y con los demás. 

Evento agua
En el marco de Dream Come True, Ono convocó a un grupo de artistas latinoamericanos –Liliana Porter, Hernán Marina, Ana Gallardo, Amalia Pica, Rosângela Rennó, Runo Lagomarsino, Alexander Apóstol, Alfredo Jaar, Tania Bruguera, Teresa Margolles, Tercerunquinto, Antonio Caro– con la consigna de que produzcan una obra-recipiente capaz de “llevarles agua” a las personas, ya sea para sanar su mente o para reconocer su valentía para manifestarse. También puede destinarse específicamente a una persona, pueblo o región que necesite desesperadamente agua.

Yoko Ono
De familia tradicional japonesa, Ono vivió su infancia en ciudades como Nueva York, San Francisco y Tokio, donde recibió educación musical, pianística y vocal. Fue la primera mujer admitida en Filosofía en la universidad japonesa Gakushuin y más tarde se licenció en poesía y composición contemporáneas en la universidad Sara Lawrence College.

En 1961 comenzó una carrera artística vinculada al arte conceptual y participativo, la música de vanguardia, los films experimentales y las performances que generaron interés por parte de personalidades como Peggy Guggenheim o Marcel Duchamp. Además, realizó trabajos en colaboración con artistas como Nam June Paik y el grupo Fluxus. En 1964, publicó Pomelo [Grapefruit], su mítico libro de instrucciones. 

En 1966 conoció a John Lennon, quien no solo se convirtió en su pareja sino en el co-autor de un conjunto de performances, films y piezas musicales. Juntos crearon la banda Plastic Ono Band. Tras la muerte de Lennon permaneció en un período de duelo por varios años, y realizó varias producciones de música y video en relación a su pérdida.

A partir de 1989 y en los años 90, volvió a participar en exposiciones en donde presentó una nueva serie de esculturas hechas en bronce, muchas de las cuales aludían a sus obras de los 60. Desde principios del siglo XXI se mantuvo muy activa en exposiciones de arte, intervenciones en espacio públicos y participaciones musicales. Su interés por internet, la convirtió en una de las primeras artistas que se interesó por usar el medio para exposiciones virtuales.

Yoko Ono
Dream Come True
24.06— 31.10.2016
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Obras maestras de la Phillips Collection

14/07/2016, CaixaForum Madrid acoge una exposición monográfica que refleja la evolución de la pintura desde el siglo XIX hasta la segunda mitad del siglo XX.



Madrid, 14 de julio de 2016
La Phillips Collection celebra este año su 95 aniversario. En el marco de esta celebración, la institución norteamericana ha preparado una exposición itinerante internacional a partir de sus fondos.

Impresionistas y modernos presenta una selección excepcional de 60 pinturas realizadas por 44 artistas esenciales de los dos últimos siglos, entre los que se encuentran Ingres, Delacroix, Picasso, Manet, Monet, Degas, Van Gogh, Sisley, Cézanne, Courbet, Matisse, Modigliani, Braque, Gris, Kandinsky, Pollock, O’Keeffe o Rothko, entre otros. La muestra, que podrá visitarse en CaixaForum Madrid hasta el 23 de octubre, nos permite viajar a través de algunos de los principales movimientos que se fueron desarrollando desde el siglo XIX y hasta la segunda mitad del siglo XX, desde el realismo y el romanticismo hasta el expresionismo abstracto, pasando por el impresionismo o el cubismo. 

Las obras proceden de la Phillips Collection, una de las mayores colecciones de los Estados Unidos en arte moderno y vanguardias, reconocida en todo el mundo por su fondo de arte impresionista, moderno y contemporáneo.

La muestra se estructura en seis bloques, desde el romanticismo hasta el expresionismo abstracto, y supone una oportunidad excepcional para poder contemplar las obras principales de la historia de la pintura de los últimos 200 años. Además, la exposición permite conocer la historia del impulsor de la colección, Duncan Phillips, un pionero apasionado del arte de su tiempo que, confiando en su instinto para detectar el talento, supo reunir una colección de prestigio mundial.

La Phillips Collection
La Phillips Collection abrió sus puertas al público en 1921. Desde sus inicios como coleccionista, Duncan Phillips (1886-1966) quiso apoyar a los artistas jóvenes, adquiriendo obras en base a sus méritos y no porque pertenecieran a tendencias específicas o fueran reconocidas. Phillips apostó por la idea de la modernidad como un diálogo entre pasado y presente, sin ningún tipo de restricción geográfica, nacional ni histórica. La institución norteamericana fue concebida por su fundador como «un museo íntimo combinado con un centro de experimentación».

Impresionistas y modernos. Obras maestras de la Phillips Collection
Hasta el 23 de octubre de 2016
CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36)


El Pozo escalonado de la Reina en Patan

11/07/2016, Desconocido prácticamente hasta hace 30 años, el pozo de la reina en Patan (Gujarat, India), Rani-ki-Vav entró en el año 2014 en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.



París, 11 de julio de 2016
El Comité del Patrimonio, reunido en Qatar, valoró que esta monumento, prácticamente aterrado hasta 1980, merecía estar en el gran listado mundial, por lo que es y por su significado.

El pozo está situado a orillas del río Saraswati. Este monumento es del siglo XI (hacia 1063) y se construyó en un principio por la reina Udayamati para honrar la memoria de su esposo Bhindeva I. Se sabe que hacia 1300 estaba cubierto de limo a causa de sucesivas inundaciones producidas por el Saraswati, y permaneció fuera de uso hasta que en la segunda mitad del siglo XX comenzó a escavarse la zona por los servicios arqueológicos de la India.

Según señala la UNESCO; los pozos escalonados constituyen un medio característico de captación y almacenamiento de aguas subterráneas en el subcontinente indio, donde se empezaron a construir desde el tercer milenio a.C. Con el correr del tiempo, los simples hoyos excavados en suelos arenosos se fueron transformando en refinadas obras arquitectónicas y artísticas de varias plantas. 

El Rani-ki-Vav se edificó cuando estaban en su pleno apogeo las técnicas artesanales de construcción de pozos y el estilo arquitectónico Maru-Gurjar, de ahí que este monumento sea un vivo reflejo de la consumada maestría técnica alcanzada entonces por los poceros y una obra artística de gran belleza, tanto por sus proporciones como por sus detalles.

Concebido como un templo invertido para poner de relieve el carácter sagrado del agua, el Rani-ki-Vav posee siete plantas escalonadas con paneles esculpidos de gran calidad artística, en los que se pueden admirar unas 500 esculturas principales y otras 1.000 secundarias de temática religiosa, mitológica y profana, con referencias frecuentes a obras literarias.

La cuarta planta del pozo es la más honda y da acceso a un depósito rectangular de 9,5 por 9,4 metros, a 23 metros de profundidad. El pozo propiamente dicho, que está emplazado en el extremo occidental del monumento, tiene 10 metros de diámetro y 30 de profundidad. 

Anglada-Camarasa y el arte japonés

11/07/2016, CaixaForum Palma descubre la fascinación de Anglada-Camarasa por el arte japonés en una muestra que podrá visitarse hasta el 28 de agosto de 2016.



Islas Baleares/Illes Balears, 11 de julio de 2016
En el siglo XIX, la cultura y el arte japonés fascinaron a numerosos artistas europeos y tuvieron una importante influencia en sus obras. Este interés por las artes de Japón se tradujo en la aplicación de nuevas formas de expresión artística aprendidas gracias a la llegada masiva de las estampas japonesas.

A través de estas estampas, artistas como Monet, Degas, Toulouse-Lautrec y Gauguin descubrieron nuevos encuadres y puntos de vista, nuevas composiciones, así como la aplicación de superficies neutras de color plano.

El interés de Anglada-Camarasa por el arte japonés constituye un caso paradigmático de esta fascinación, que lo llevó a adquirir a lo largo de su vida una colección de 155 grabados y 6 libros ilustrados representativos de los últimos años del arte de la estampa ukiyo-e: paisajes, retratos de hermosas mujeres y retratos de actores de teatro kabuki del siglo XIX.

La exposición de CaixaForum Palma cuenta con generosos préstamos de la familia Anglada-Camarasa, y muestra una selección de 36 estampas japonesas, 6 libros ilustrados, dibujos y pinturas del artista que nos hablan de la riqueza del arte nipón y que, tanto temática como cromáticamente, dialogan con su obra. 

Secuencia infinita

08/07/2016, La Fundació Joan Miró presenta la exposición temporal Secuencia infinita de Ignasi Aballí, hasta octubre de 2016.



Barcelona, 8 de julio de 2016
La Fundació Joan Miró presenta Secuencia infinita, una muestra cuyo planteamiento apunta la idea de continuidad infinita y repetición abierta, alejándose del formato retrospectivo, en un recorrido por una selección de 35 obras que permiten descubrir los aspectos clave de la producción de Ignasi Aballí, ganador del Premi Joan Miró en su quinta edición.

El análisis de la estructura del cine, el lenguaje audiovisual y la técnica del vídeo son algunos de los giros que presenta el proyecto del conceptual catalán.

La muestra hace especial énfasis en su producción reciente, en la que destacan cuatro videoinstalaciones, la primera de las cuales abre la exposición con siete proyecciones simultáneas que abordan uno de los temas centrales en la investigación del artista: el tiempo. Por otra parte, la documentación en vídeo de una intervención en una obra de Miró, sirve a Aballí para abundar en su reflexión sobre la pintura y las artes visuales.

En su conjunto, las obras de Aballí tratan temáticas como la temporalidad, el color, la invisibilidad y la ausencia, o la imposibilidad de controlar mensajes y significados.

Secuencia infinita
La Fundació Joan Miró
Hasta el 02/10/2016


19º FotoPres "la Caixa"

07/07/2016, El certamen, referente internacional en el campo de la fotografía documental en sus más de 30 años de historia, celebra una nueva edición en CaixaForum Zaragoza.



Zaragoza, 7 de julio de 2016
FotoPres "la Caixa" inaugura con esta 19ª edición una nueva etapa. Tras su inicial dedicación al fotoperiodismo, se expande ahora hacia un ámbito más amplio: el del nuevo rol del medio fotográfico y el consecuente replanteamiento, a menudo multidisciplinar, de los registros tradicionales de la imagen documental.

La popularización de la fotografía digital y su difusión a través de las nuevas tecnologías ha añadido un nuevo elemento al debate del estatus de la imagen como documento de la realidad. Una de las características fundamentales de esta nueva convocatoria de FotoPres "la Caixa" ha sido la capacidad de dar respuesta a los cambios sociales y las transformaciones que se han producido en el mundo de la comunicación. 

La nueva edición ofrece la oportunidad de ver diez nuevos trabajos de fotógrafos que, cada vez más, llevan a cabo su actividad de forma independiente de los grandes medios, trabajando con las tecnologías que brinda el siglo XXI y con las nuevas formas de difusión y consumo de la información.

Distintos enfoques que configuran un conjunto que habla de las transformaciones de la sociedad, y que se compromete en favor de los derechos humanos, la justicia y la dignidad de las personas. Los diez proyectos ensayan así con nuevos registros, motivos y formatos para profundizar en aspectos sociales que quedan oscurecidos bajo la ingente cantidad de imágenes que se producen y consumen a diario de manera masiva.

Otras herramientas como vídeos, cartografías, diagramas o páginas web sirven a los autores y colectivos seleccionados para arrojar con sus proyectos nuevas miradas y generar inesperados imaginarios y relatos acerca de comunidades, lugares o conflictos antes carentes de visibilidad.

19º FotoPres "la Caixa". Nueva imagen documental
Hasta el 25 de septiembre en CaixaForum Zaragoza


Los últimos fuegos góticos

07/07/2016, Una muestra en el Museo Nacional de Escultura ofrece la oportunidad de profundizar en la "edad de oro" de la escultura alemana.



Valladolid, 7 de julio de 2016
La exposición Últimos fuegos góticos nace del cruce de miradas entre dos de los museos nacionales de escultura más ricos y antiguos de Europa, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid y el Bode Museum de Berlín.

La muestra, que podrá visitarse hasta el 6 de noviembre de 2016 permite contemplar una selección de más de medio centenar de esculturas pertenecientes a un brillante movimiento escultórico que florecería en las ciudades de Alemania del Sur en torno a 1500, justo antes de la Reforma protestante. La selección está integrada por maestros de primera fila como Veit Stoss, el primer escultor de fama europea, Tilman Riemenschneider, el pionero de la talla sin color, Hans Thoman, un virtuoso de la luz, o el visionario Hans Leinberger. 

Se trata de una escultura totalmente desconocida en nuestro país, relegada a la penumbra de la historia por el atractivo del «mito visual de Italia».

Un rico conjunto de escultura medieval alemana que ofrece una ocasión sin precedentes de conocer todos los aspectos -artísticos, espirituales y cívicos- de este complejo movimiento que alcanzó su máxima cota de esplendor entre los siglos XV y XVI y que llenó los altares y retablos de las iglesias de las ciudades del sur de Baviera, Suabia o Renania, con la lumbre espiritual de sus figuras sagradas y sus escenas devotas, plenas de delicada vehemencia y encanto visual.

Últimos fuegos góticos. Escultura alemana del Bode Museum
Museo Nacional de Escultura
Hasta el 06/11/2016


La Alhambra abre la Torre de las Infantas

06/07/2016, El próximo mes de septiembre La Alhambra descubre un nuevo espacio al público: la Torre de las Infantas.



Granada, 6 de julio de 2016
La Torre de las Infantas se abrirá de forma excepcional durante el mes de septiembre, en horario de martes, miércoles, jueves y domingos de 8.30 a 20.00 horas, en estos días, grupos de hasta 30 personas podrán conocer esta zona de gran riqueza arquitectónica.

Esta apertura se enmarca dentro del programa "El espacio del mes", cuyo objetivo es el de permitir la visita a sitios habitualmente cerrados por falta de espacio para grandes grupos.

La Torre de las Infantas, también denominada Qalahurra nueva de Muhammad VII (1392-1408), se encuentra en el Paseo de las Torres, dejando atrás la Torre de la Cautiva, junto a la muralla. Este fue el último edificio de importancia que se construyó en la ciudad palatina entre 1393 y 1394 y cuenta con una estructura arquitectónica semejante a la Torre Cautiva, considerándose ambas Torres-Palacio.

Contrasta la sobriedad exterior, en contraposición con la riqueza decorativa y arquitectónica interior, a base de yeserías, cubiertas y azulejos, que muestran la sorprendente habilidad nazarí para lograr el máximo aprovechamiento del espacio. 

Roald Dahl, el genio de los niños, en la BNE

06/07/2016, La Biblioteca Nacional presenta la muestra Roald Dahl (1916-1990): el genio de los niños, en Pº de Recoletos hasta el próximo 28 de agosto.



Madrid, 6 de julio de 2016
La Biblioteca Nacional inaugura hoy la muestra bibliográfica Roald Dahl (1916-1990): el genio de los niños, con motivo del centenario del nacimiento del novelista.

Roald Dahl (13 de septiembre de 1916, Llandaff, Cardiff, Reino Unido-23 de noviembre de 1990, Oxford, Reino Unido) revolucionó la literatura infantil de mediados de los sesenta del pasado siglo XX.

Las obras de Roald Dahl han sido traducidas a casi todas las lenguas y algunas de sus historias más famosas han sido llevadas al cine por directores de la talla de Tim Burton.

El gran éxito de las narraciones infantiles de Dahl se debe a su posicionamiento cercano a los niños, protagonistas de sus historias, y a su crítica hacia los adultosy sus, en ocasiones, inexplicables conductas.

Aunque es recordado sobre todo por sus narraciones para niños y jóvenes, Roald Dahl también escribió numerosas obras para adultos de indudable interés y calidad, en las que mezclaba humor y tragedia. Sus historias, impactantes e irreales, en ocasiones llegaban a rayar en lo morboso o macabro, y conseguían sacar una sonrisa en la boca del atónito lector. 

Los retratos del Prado en Asturias

05/07/2016, El Museo Nacional del Prado y la Fundación Selgas-Fagalde presentan la exposición "El retrato español en el Museo del Prado".



El Pito, Cudillero, Asturias, 5 de julio de 2016
El Museo Nacional del Prado y la Fundación Selgas-Fagalde coorganizan esta exposición con la intención de impulsar de forma conjunta el conocimiento de sus colecciones.

“El retrato español en el Museo del Prado” está compuesta por once retratos y plantea un recorrido cronológico que comienza con uno de los más intensos y originales retratistas del siglo XVI, el Greco, junto a dos singulares ejemplos del retrato cortesano en tiempos de los primeros Austrias. En la exposición están representados los grandes maestros del retrato español con obras emblemáticas como Las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela de Alonso Sánchez Coello; Eugenia Vallejo, vestida, del asturiano Juan Carreño de Miranda; El general Ricardos de Goya o La niña María Figueroa vestida de menina de Sorolla.

La exposición conmemora además el 25 aniversario de la creación de la Fundación asturiana, que nació en 1991 para divulgar el extraordinario patrimonio artístico de la familia Selgas-Fagalde, una de las familias asturianas que mejor han ilustrado el pensamiento ilustrado y el espíritu fliantrópico de la época.

El retrato español en el Museo del Prado
Fundación Selgas-Fagalde
Palacio de La Quinta. El Pito. Cudillero Asturias
Hasta el 30 de septiembre de 2016

Aromas y colores en la Grand Place de Bruselas

05/07/2016, La alfombra de flores de la Grand Place de Bruselas celebra este año su 20 aniversario. Un espectáculo efímero en una de las más bellas plazas del mundo.



Bruselas, 5 de julio de 2016
Cada dos veranos, en el fin de semana del 15 de agosto, se brinda a los turistas y a los habitantes de Bruselas la oportunidad de dar un paseo a través de la Grand-Place, una joya de la arquitectura gótica, e inhalar el aroma fragante de las begonias y admirar la composición de este colorido tapiz floral. Un tema musical compuesto especialmente para cada edición acompaña a la obra durante el día, mientras que por la noche un concierto en vivo hace que el espectáculo sea extraordinario.

La asociación sin ánimo de lucro "Tapis de Fleurs" reúne cada dos años un comité de profesionales (ilustradores, diseñadores gráficos, arquitectos paisajistas) que presentan proyectos a gran escala que ilustran un tema. Una vez que el tema ha tomado forma, el número de flores se calcula y se establecen las combinaciones de colores. 

Más de 100 voluntarios jardineros son los encargados de realizar este rompecabezas de flores gigante en menos de cuatro horas. Las flores permanecen frescas y conservan su esplendor durante cuatro días, haciendo que la Grand Place de Bruselas sea el escenario de una gigantesca obra de arte efímera, de aproximadamente 75 metros de largo por 24 de ancho.

La Grand Place es el corazón histórico de Bruselas. Aquí el estilo gótico se puede ver junto al barroco opulento, y con construcciónes neogóticas y neoclásicas. Su construcción se inició en el siglo XV, con casas de gremios y un ayuntamiento. Fue prácticamente arrasada después de 3 días completos de bombardeo por el ejército francés en 1695, pero fue reconstruida en menos de 5 años. Cada dos años, la alfombra de flores ofrece la oportunidad de (re)descubrir esta joya del patrimonio arquitectónico y cultural catalogada como Patrimonio de la Humanidad de la Unesco en el año 2000. 

Antes del pop-up

01/07/2016, La Biblioteca Nacional de España presenta la exposición "Antes del pop-up: libros móviles antiguos en la BNE".



Madrid, 1 de julio de 2016
Los llamados pop-ups (libros que saltan, emergen o brotan) son conocidos bajo muchas otras denominaciones en las diferentes lenguas, aunque ninguna tan aceptada universalmente como la que acuñó en 1932 la editorial americana Blue Ribbon cuando tituló Pop-up Books s una colección de libros infantiles de desplegables.

Sin embargo, pese a tan tardía designación, existen libros móviles que datan del siglo XIII, mucho antes de iniciar su transformación en un producto exclusivamente infantil. Esta exposición supone uno de los primeros acercamientos monográficos en España, desde una colección pública, a algunos de los más antiguos ejemplares de libros desplegables conservados (siglos XIV-XVIII).

La muestra de la BNE profundiza en su historia, finalidad, temática, evolución y clasificación; así como las problemáticas específicas de su control bibliográfico, derivadas de su propia singularidad, de la complejidad y los costes de su proceso de fabricación, y de las vicisitudes y azarosa pervivencia de sus frágiles figuras, destinadas no sólo a la manipulación, sino también, a veces, a ser separadas y utilizadas fuera del libro.

Entre las obras, centrada en los fondos de la BNE, destacan por su carácter temprano algunas ediciones de obras de Ramón Llull, junto con influyentes tratados de navegación como los de Pedro Medina, Martín Cortés de Albacar o Rodrigo Zamorano, y obras manuscritas como el Tratado de Astrología del Marqués de Villena o textos sobre gnomónica o construcción de relojes, como los de Tadeo Felipe Cortés del Valle y muchos otros.

Antes del pop-up: libros móviles antiguos en la BNE
Hasta el 04/09/2016
Biblioteca Nacional de España

David Mocha. El Paraíso

30/06/2016, David Mocha genera nuevas referencias en la lectura del paisaje contemporáneo a través de los procesos de construcción, transformación, percepción y representación del territorio.



Madrid, 30 de junio de 2016
El fotógrafo David Mocha presenta en CentroCentro la muestra "El Paraíso", una mirada parcial e ilusoria de la realidad, en la que el jardín se convierte en un recinto extraño, que congela y atrapa todo lo que está en él. La fotografía fragmenta y deforma la totalidad del jardín para representarlo como un mundo cerrado donde sus habitantes vagan sin rumbo por un espacio inmóvil en el que no transcurre el tiempo.

A lo largo de los siglos los jardines representan la idea de paraíso, el mito de un lugar ideal, un lugar aparte, fuera de la violencia, del conocimiento y de la conciencia. Mocha reflexiona sobre la idea del jardín, y lo presenta como un espacio utópico e irreal, símbolo de lo engañoso y de lo artificial, donde el hombre selecciona, somete y ordena una naturaleza que ha creado a su medida.

David Mocha (Reus, Tarragona, 1982) es Técnico superior de artes plásticas y diseño en la especialidad de Fotografía Artística. Sus trabajos han sido expuestos en certámenes y espacios como el Festival Internacional de Fotografía SCAN o en CaixaForum Madrid y Barcelona. 

Hortus Conclusus

29/06/2016, Hasta el 2 de octubre de 2016 el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una nueva instalación temática en torno a la figura literaria del hortus conclusus.



Madrid, 29 de junio de 2016
La expresión Hortus conclusus aparece en el Cantar de los Cantares evocando al Edén, un jardín idílico creado por Dios para el hombre, y del que posteriormente sería expulsado tras el pecado cometido por Eva.

El deseo de recuperar ese paraíso perdido impulsó su carácter poético e hizo que perdurara a lo largo del tiempo, desde las primeras representaciones medievales, basadas en la interpretación cristiana del relato bíblico, hasta la diversidad de tendencias propias del siglo XX.

La selección empieza con La Virgen y el Niño en el Hortus Conclusus, de autor anónimo alemán del siglo XV, que muestra la interpretación cristiana del Cantar de los Cantares representando a Cristo y a su Madre en un jardín, rodeados por imágenes que simbolizan la virginidad de María.

Florero (1485) de Hans Memling continúa con la simbología religiosa. Los lirios aluden a la pureza de la Virgen y los iris morados son símbolo del dolor por la muerte de Jesús. El jarrón, por su parte, es una metonimia cifrada del jardín cerrado. 

Sigue la muestra con El Jardín del Edén (1610-1612), de Jan Brueghel el viejo. En esta obra, flores y plantas mantienen el simbolismo religioso pero se empieza a evidenciar el interés científico por las especies exóticas vegetales y animales y el deseo de explorar la naturaleza que manifestarán los artistas del siglo XVI.

Bodegones de la época como Vaso chino con flores, conchas e insectos (1609) de Ambrosius Bosschaert I o Jarrón con flores y dos manojos de espárragos (1650) de Jan Fyt muestran también esta creciente curiosidad científica.

La temática del hortus conclusus se mantendría latente en el denominado género de jardines, que alcanza su máximo protagonismo con la llegada del impresionismo, en el siglo XIX. La pasión por la jardinería encontrará su máximo exponente en la figura de Claude Monet, quien construyó un amplio jardín que él mismo cuidaba y representaba en sus cuadros, como en La casa entre las rosas (1925). Muchos artistas siguieron las huellas de Monet, entre ellos, el norteamericano Carl Frieseke cuyo cuadro Malvarrosas, pintado también en su jardín, se incluye igualmente en esta selección junto a Mujer con sombrilla en un jardín (1875) de Renoir o Tarde de verano (1903) de Emil Nolde.

Las últimas obras ofrecen una idea de la diversidad de interpretaciones respecto al jardín y a su representación a lo largo del siglo XX, desde los Girasoles resplandecientes (1936) de Emil Nolde, hasta Flor-concha (1927) de Max Ernst o Lirio blanco (1957) de Georgia O’Keeffe.

Hortus Conclusus
Hasta el 2 de octubre de 2016
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, 8. Madrid


La piedra de la locura

28/06/2016, El Stedelijk Museum `s-Hertogenbosch y Acción Cultural Española (AC/E) presentan la exposición Introduction to the Stone of Madness. Fernando Sánchez Castillo.



Bolduque, Países Bajos, 28 de junio de 2016
En el marco de la celebración de los 500 años de la muerte de Hieronymus Bosch (1516-2016), El Bosco, el artista Fernando Sánchez Castillo se inspira en su obra "La piedra de la locura" para construir una instalación que podrá verse en el Stedelijk Museum `s-Hertogenbosch hasta el 11 de septiembre de 2016.

El tono moralizante en la obra de El Bosco adquiere gran importancia en la instalación de Sánchez Castillo. En la Extracción de la piedra de la locura se muestra a un hombre que es curado por un charlatán. La piedra es el símbolo de la locura humana, un tema que juega un papel importante en la extracción moderna de Sánchez Castillo, que comienza mirando en la cabeza del dictador Franco, y que continúa con la combinación de un grupo de objetos relacionado con los conflictos contemporáneos. Varias pequeñas esculturas, dibujos, documentos y objetos se entremezclan, como en la obra del Bosco, para contar una nueva historia y criticar la búsqueda de la ganancia material y del poder, la locura de la vida moderna y la violencia de la sociedad actual. 

La obra de Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970) se compone de vídeos, esculturas, instalaciones, dibujos y presentaciones. Su trabajo analiza la relación entre el arte, el individuo y el poder político de una manera analítica. Su trabajo es serio, juguetón e ingenioso al mismo tiempo. Un tema recurrente en su obra es la turbulenta historia de España.

Agrupando términos opuestos como la belleza y la violencia, la rebelión y la victoria, Sánchez Castillo crea nuevas imágenes universales que adquieren nueva vida en sus manos.

Introduction to the Stone of Madness. Fernando Sánchez Castillo
Stedelijk Museum s-Hertogenbosch
De Mortel 4, 5211, Bolduque


The Sky Over Nine Columns

28/06/2016, El lago del Hemisfèric de La Ciutat de les Arts i les Ciències de Valencia acoge una instalación del artista Heinz Mack que podrá contemplarse hasta el 6 de noviembre.



Valencia, 28 de junio de 2016
La Ciutat de les Arts i les Ciències presenta la instalación del artista alemán Heinz Mack "The Sky Over Nine Columns", una obra formada por nueve columnas simétricas de más de siete metros de altura y recubiertas por 850.000 teselas doradas.

El artista ha elegido este emplazamiento para exhibir su obra, pues considera que el lago del Hemisfèric consigue que sus piezas puedan interactuar con la luz y el espectador.

Heinz Mack (Lollar, Alemania, 1931) ha trabajado durante sesenta años como pintor y escultor. En 1958 fue cofundador del Grupo Zero junto a Otto Piene y Günther Ueker, que más tarde derivó en un movimiento internacional al que se unieron Yves Klein, Lucio Fontana y Piero Manzoni.

La obra "The Sky Over Nine Columns" se pudo ver por primera vez en la pasada edición de la Bienal de Venecia de Arquitectura de 2014, emplazada en la isla de San Giorgio Maggiore. Después ha sido expuesta en el jardín de las esculturas del Sakip Sabanci Museum de Estambul. El conjunto permanecerá en Valencia hasta noviembre de 2016. 

La colección cubista de Telefónica en el MNCARS

27/06/2016, La Fundación Telefónica deposita 33 obras de autores como Juan Gris, María Blanchard, Louis Marcoussis, André Lhote, Gleizes o Metzinger, en el Museo Reina Sofía por un período de cinco años.



Madrid, 27 de junio de 2016
El convenio de depósito es por cinco años con posibilidad de renovación, e incluye uno de los núcleos de mayor relevancia de la colección de arte de Telefónica, compuesto por 33 obras fechadas entre los años 1912 y 1933, y que recorren los años centrales y las experiencias de décadas posteriores, poniendo de manifiesto la pluralidad de propuestas y técnicas de este movimiento.

Para el Reina Sofía la incorporación de este nuevo conjunto permite una lectura más completa en las salas dedicadas a la ruptura cubista del espacio, o a la denominada "Juan Gris. La reordenación de la mirada moderna".

También se incorporan trabajos de artistas hasta el momento no representados en la colección, como Huidobro, Louis Marcoussis o Jean Metzinger, entre otros.

Destacan por su relevancia cinco cuadros de Juan Gris, (fechados entre 1918 y 1926-27) considerado el refundador del cubismo y representante de una nueva definición del movimiento, en la que estuvieron implicados artistas como María Blanchard, Vicente Huidobro, Albert Gleizes, Jean Metzinger o André Lhote.

También destaca la aportación de estas obras a la experiencia de modernización del arte latinoamericano, uno de los núcleos clave en la colección del Museo.

Tras este nuevo acuerdo, son ya un total de 60 obras las que Fundación Telefónica deja depositadas en el Museo ya que, fruto de un acuerdo firmado en 2002, 27 obras ya están depositadas en el Museo (obras de Chillida, Tàpies, Luis Fernández y Juan Gris).

Cambio de luces. Ilustración española en los años 70

27/06/2016, El Museo Patio Herreriano recoge el trabajo de un grupo de artistas españoles que devolvieron la modernidad a la ilustración y revolucionaron con lápiz, gouache y acuarela el dibujo español.



Valladolid, 27 de junio de 2016
Esta exposición presenta un recorrido por una década donde la modernidad vuelve a la ilustración española gracias a un grupo de artistas armados con rotuladores, lápices y acuarelas. 114 obras, de 11 artistas que, aunque no constituyeron en ningún momento un grupo totalmente homogéneo, sí compartieron un momento de nuestra historia –los últimos años del franquismo y los primeros de la transición hacia la democracia– y un contexto influenciado por la eclosión del arte pop, que se reflejó en su trabajo y en un lenguaje propio y único.

Esta generación de ilustradores no tuvo miedo al compromiso social y político en una época convulsa, y contó con la suficiente preparación y destreza técnica para responder a las líneas internacionales en auge, reivindicando su papel profesional desde la humildad de sentirse artesanos del lápiz y la acuarela.

La muestra analiza la obra de artistas irrepetibles como José Ramón Sánchez, Fina Rifà, Pilarín Bayés, Asun Balzola, Manuel Boix, Miguel Calatayud, Luis de Horna, Miguel Ángel Pacheco, Karin Schubert, Carme Solé Vendrell y Ulises Wensell. 

Caravaggio y los pintores del norte

21/06/2016, Del 21 de junio al 18 de septiembre de 2016, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición sobre la figura de Michelangelo Merisi Caravaggio y su influencia entre los pintores del norte de Europa.



Madrid, 21 de junio de 2016
"Caravaggio y los pintores del norte" pone de relieve el legado del artista lombardo y ofrece una idea de la diversidad de las reacciones causadas por su obra pictórica.

La exposición se centra en la figura de Michelangelo Merisi Caravaggio (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610) y en su influencia en el círculo de pintores del norte de Europa que, fascinados con su extraordinaria y rica pintura, difundieron su estilo.

Una auténtica pasión por la pintura que provocó un animado diálogo artístico entre 1600 y 1630. La exposición se detiene también en el papel de estímulo que desempeñaron los coleccionistas y comitentes. 

En la muestra se exhiben cincuenta y tres cuadros, doce de ellos de Michelangelo Merisi Caravaggio, procedentes de museos e instituciones como el Metropolitan Museum de Nueva York, la Galleria degli Uffizi de Florencia, el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam o la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma.

Un conjunto de piezas que abarca el curso de la carrera de Caravaggio, desde el período romano hasta las emotivas pinturas oscuras de sus últimos años, junto a una selección de obras de sus más destacados seguidores en Holanda, Flandes y Francia, como Dirk van Baburen, Hendrick Ter Brugghen, David de Haen y Gerrit van Honthorst, Nicolas Regnier y Louis Finson o Simon Vouet, Claude Vignon, Nicolas Tournier y Valentin de Boulogne.

Caravaggio y los pintores del norte
Del 21 de junio al 18 de septiembre de 2016
Museo Thyssen-Bornemisza

Florencio Maíllo. Del Jardín del Bosco

20/06/2016, Hasta el 16 de octubre de 2016 en el Museo Nacional de Artes Decorativas se presenta un proyecto de Florencio Maíllo inspirado en el tríptico El Jardín de las Delicias.



Madrid, 20 de junio de 2016
La exposición "Florencio Maíllo. Del Jardín del Bosco" reinterpreta el panel central del tríptico El Jardín de las Delicias del pintor holandés Hieronymus Bosch, El Bosco, visto a través de los ojos del artista salmantino Florencio Maíllo.

El centenar y medio de obras que componen esta serie han sido realizadas entre los años 2013 y 2015 mediante diferentes procedimientos plásticos (dibujo, pintura, serigrafía, fotografía... y plantean un diálogo entre las obras presentadas y una selección de fondos del Museo Nacional de Artes Decorativas, que comparten aspectos temáticos y funcionales con la obra “El Jardín de las Delicias”. Este diálogo se articula en torno a cinco ejes temáticos: Caballo, Desnudo, Frutos, Plantas y flores y Fluidos.

El políptico, de dieciséis unidades, ha sido desarrollado con la técnica de la encáustica y ensamblajes metálicos, y gira en torno al concepto del hombre puro atrapado en una violenta y consumista realidad.

Florencio Maíllo (Mogarraz, Salamanca, 1962)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y Doctor por la Universidad de Salamanca, Florencio Maíllo es Profesor Titular en la Universidad de Salamanca desde 1991. Desde mediados de los años ochenta compatibiliza su labor docente con la investigación artística profesional en los campos de la pintura, escultura, fotografía y etnografía. 

Energy Flash. The Rave Movement

17/06/2016, El Museum of Contemporary Art de Amberes presenta, en colaboración con Acción Cultural Española (AC/E), la primera gran exposición colectiva sobre la historia de la cultura rave en Europa.



Amberes, 17 de junio de 2016
Este proyecto del MuHKA profundiza en la cultura rave de los años 1980 y 1990, considerada como el último gran movimiento juvenil europeo. Durante este período de cambio social y político radical, el rave, en sus diversas formas, avanzó por todo el continente, desde su epicentro de Gran Bretaña, Bélgica y Alemania, promulgando un deseo de independencia, con la creencia en la tolerancia y la vida experimental, todo en torno a la energía latente de la música electrónica. Una cultura basada en la música, de carácter inventivo y de creatividad desenfrenada, que llevó al periodo más denso en la historia de la diversificación de la música.

Energy Flash es la primera exposición dedicada al rave, así como a las condiciones sociales, políticas, económicas y tecnológicas que dieron lugar a la aparición de este movimiento alternativo. Analiza las ideologías, la estética del rave, sus efectos sobre la cultura... 

Cada entorno desarrolló su propia cultura rave, la evolución de innumerables formas de acid house, techno, hardcore, jungle, entre otras. En una situación de pánico moral, los gobiernos de Europa Occidental legislados para penalizar la cultura rave desde mediados de los años 1990 en adelante, esta exposición quiere contemplar el rave como un fenómeno altamente politizado, a través de las nociones clave de "autonomía", "libertad civil", "tecnología" y "creatividad".

Un proyecto interdisciplinar, que con obras de numerosos artistas visuales en diálogo con artefactos de los campos del diseño, la música y la moda, así como elementos seleccionados de diversos archivos, documentales de la televisión, literatura y de la legislación pena, argumenta que la cultura rave fue inhibida debido a su lugar ambiguo fuera de la ideología neoliberal.

Del 17 de junio al 25 de septiembre de 2016 en el Museum of Contemporary Art de Amberes

Peter Lindbergh, una gran retrospectiva

16/06/2016, En septiembre de 2016 abre al público la primera exposición en los Países Bajos dedicada al fotógrafo alemán Peter Lindbergh.



Rótterdam, Países Bajos, 16 de junio de 2016
Producida por Kunsthal Rótterdam, la exposición incluirá más de 220 fotografías, y mostrará al público la extensa obra de Lindbergh, así como material exclusivo no visto anteriormente en ninguna otra retrospectiva. Notas personales, guiones gráficos, decorados, polaroids, hojas de contactos y películas permitirán al público sumergirse en el universo de glamour y belleza del fotógrafo.

Las fotografías en blanco y negro de Lindbergh han determinado el curso de la fotografía de moda desde principios de los ochenta. La exposición 'A Different Vision on Fashion Photography' es una oda a la obra multifacética de Lindbergh considerado uno de los fotógrafos de moda más influyentes, desde 1978 hasta hoy.

la exposición se centra en el desarrollo creativo de Lindbergh, en sus temas, imágenes y pasiones a lo largo de los años, en nueve secciones diferentes, que sirven para acercarse de una manera íntima a las imágenes atemporales del fotógrafo, que redefinieron las normas de la belleza introduciendo un nuevo realismo en la fotografía. 

El idioma visual de Lindbergh se ve influido por el idioma del cine y juega con el tipo de mujer fuerte y con autoestima, desde la mujer fatal a la heroína, pero también la bailarina y actriz. Su obra está caracterizada por los retratos que irradian una cierta falta de inhibición y gracia física.

La exposición muestra además una selección de imágenes fotografiadas para la edición de octubre de Vogue holandesa, hecho especialmente para la exposición, en las que aparecen la modelo holandesa Lara Stone y el talento emergente Elise Hupkes en el puerto de Rotterdam.

Peter Lindbergh: Una visión diferente de la fotografía de moda
Del 10 de septiembre de 2016 al 12 de febrero de 2017
Kunsthal Rótterdam


El Divino Morales en el MNAC

16/06/2016, Tras su paso por el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museu Nacional d`Art de Catalunya acoge la exposición "El Divino Morales", organizada por El Museo del Prado.



Barcelona, 16 de junio de 2016
Esta exposición ofrece una una cuidada revisión de la obra de Luis de Morales, llamado el Divino porque, como escribió Antonio Palomino en el siglo XVIII, “todo lo que pintó fueron cosas sagradas”. Una reivindicación a la obra del Divino, a través de cincuenta y cuatro obras seleccionadas entre las que se encuentran algunas de sus obras maestras más importantes y monumentales.

Las representaciones de la Virgen con el Niño muestran la cara más amable de la pintura de Morales. En ellas María aparece como una joven de rostro de facciones suaves y piel impoluta, realizada con el sfumato que caracteriza al pintor.

La muestra presenta también los dos únicos dibujos atribuidos al artista: Lamentación ante Cristo muerto y Noli me tangere, ambos del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa.

Por su parte, la Pasión de Cristo, presenta a Jesús en su sufrimiento físico y espiritual. Se trata de una producción muy explícita, representada con una precisión naturalista y un carácter táctil próximo a lo escultórico. 

Luis de Morales
Luis de Morales nació en 1510 o 1511 y murió probablemente en 1586. Vivió y pintó en Extremadura y durante más de cincuenta años fue el pintor más importante de esa extensa región, donde realizó numerosos retablos y cuadros de altar, ampliando su producción a Portugal, especialmente a Évora y Elvas, donde se estableció en 1539, después de haber trabajado en Plasencia, un territorio donde se entremezclaban artistas e influencias provenientes de Flandes y Castilla que explican una parte esencial de su pintura.

Artistas como Alonso de Berruguete o Sebastiano del Piombo, ayudaron a definir el estilo de un pintor que alcanzó temprana fama gracias a sus pequeñas tablas de temática religiosa. Morales adaptó a la clientela de la época un producto artístico y devocional de factura muy cuidada que enlazaba con las tradiciones flamencas de finales del siglo XV y principios del XVI, matizadas por modelos italianizantes. El ambiente espiritual de la época se proyectó sutilmente en esas imágenes piadosas de composición sencilla y de indudable carga emocional. 

Ming. El imperio dorado

15/06/2016, CaixaForum Barcelona presenta una exposición de más de cien objetos pertenecientes a la impresionante colección del Museo de Nanjing.



Barcelona, 15 de junio de 2016
La dinastía Da Ming, cuyo significado es «gran resplandor», dominó China durante 276 años tras derrocar a la dinastía Yuan instaurada por los mongoles en 1279. De 1368 a 1644, dieciséis emperadores de la familia Zhu gobernaron una población que pasó de unos 65 a unos 175 millones de personas. A lo largo de ese período, China acumuló grandes riquezas y se dio a conocer en Europa como proveedora de artículos de lujo.

En la exposición "Ming. El imperio dorado" el público tendrá la oportunidad de conocer el arte y la cultura de esta dinastía, y de descubrir los grandes avances artísticos, sociales y económicos del imperio dorado de la historia china, cuyo prolongado y estable mandato proporcionó una base sólida para la creatividad y el progreso social, que condujeron a las excepcionales transformaciones artísticas, sociales y económicas que se analizan en esta gran exposición. 

La defensa contra la dominación de los vecinos del norte, los mongoles, determinó la forma de actuar de la dinastía Ming. Con un gobierno central fuerte, unas comunicaciones eficaces y un gran ejército, la dinastía Ming apostó también por la recuperacion de los valores tradicionales chinos de la familia, la educación y la cultura, basados en la jerarquía y la estabilidad social. Sin embargo, el crecimiento del comercio, avivado por la llegada de plata extranjera procedente de Japón y América del Sur, impuso un desafío al orden establecido. La población aumentó, las ciudades crecieron y se desarrolló una nueva «cultura de consumo». Las viejas certidumbres empezaron a desmoronarse. La combinación de riqueza e influencia exterior generó en el seno de la sociedad Ming unas tensiones que transformarían China para siempre.

La muestra incluye más de cien objetos de las colecciones del Museo de Nanjing, como singulares cerámicas Ming, pinturas de algunos de los artistas más prestigiosos de la época, joyas exquisitas, textiles y obras de esmalte, doradura y porcelana que nunca antes habían salido de China antes de esta exposición.

Ming. El imperio dorado
CaixaForum Barcelona
Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, Barcelona
Del 15 de junio al 2 de octubre de 2016


Vivian Maier en la Fundación Canal

15/06/2016, Un recorrido global por la obra de Vivian Maier, que muestra la calidad de su mirada y la sutileza con la que hizo suyo el lenguaje visual de la época.



Madrid, 15 de junio de 2016
Vivian Maier, uno de los personajes más sorprendentes de la fotografía contemporánea, realizó más de cien mil fotografías que nunca enseñó a nadie. Tras su muerte en la indigencia y en el anonimato artístico, su archivo fue encontrado por accidente, y desde que su obra vio la luz en 2010 se ha convertido en uno de los mayores referentes mundiales de la fotografía de calle.

Maier supo captar la belleza de las cosas corrientes, buscando en lo cotidiano las fisuras imperceptibles y las inflexiones furtivas de la realidad. La Fundación Canal rinde homenaje a la artista con una exposición que incluye un total de 120 fotografías y 9 películas en Super8 que captan magistralmente el ambiente urbano de Nueva York y Chicago, retratado por esta gran fotógrafa, que alternó su profesión de niñera con su oculta y gran pasión. 

La exposición se divide en 6 secciones: Infancia, Retratos, Formalismos, Escenas de calle, Autorretratos y Fotografías a color.

En la sección Infancia, temática constante en su obra, contemplamos fotografías en las que los niños son los protagonistas; ya sea posando de forma individual, jugando en grupo, mirando fijamente a la cámara o acompañados por adultos. Retratos concentra gran variedad de fotografías de mujeres, ancianos e indigentes que llamaban su atención. Formalismos incluye una selección de imágenes de elementos próximos a la anécdota, ya sean estructuras, formas o geometrías, imágenes cuya importancia radica en los rasgos formales de los elementos que aparecen fotografiados. Escenas de calle incluye algunas de sus fotografías memorables de la arquitectura y la vida urbana de Nueva York y Chicago. El autorretrato era uno los puntos fuertes de Maier. A lo largo de su trayectoria realizó infinidad de ellos, tantos como posibilidades de descubrir quién era ella misma. Por último, Fotografías a color incluye las fotografías más recientes de la artista. En esta selección la experimentación cromática es la protagonista indiscutible.

Vivian Maier. Street photographer
Hasta el 16 de agosto 2016
Fundación Canal


Servir a Dios y al Dinero. La Edad de Oro de Flandes

14/06/2016, El Caermersklooster de Gante presenta una exposición que analiza el nacimiento del capitalismo en Flandes.



Gante, 14 de junio de 2016
El mundo de hoy es el producto de la Edad Media, cuando un nuevo hombre entra en el escenario. Un hombre crítico que ya no está satisfecho con lo que la iglesia y la nobleza le quiere hacer creer. Este hombre emprendedor se atreve a cuestionar el porqué de las cosas, quiere ver cosas por sí mismo, descubrir un mundo, crear, producir e innovar con el fin de llegar a prosperar y ganar riquezas. El espíritu de esos nuevos emprendedores pervivirá de forma triunfal hasta la actualidad.

Gracias al espíritu emprendedor que surgió en la Edad Media y al próspero comercio, los productos artísticos de Flandes se exportaron al mundo. Esta exposición reúne pinturas, escultura, retablos, tapices y manuscritos iluminados de los SS. XV y XVI pertenecientes a reconocidos museos, archivos, bibliotecas y colecciones privadas belgas.

Del 17 de junio de 2016 y hasta 1 enero de 2017, la exposición "Servir a Dios y al Dinero. La Edad de Oro de Flandes", en el Centro Cultural Caermersklooster de Gante, presenta al visitante un viaje a través de la fascinante Edad Media. Un gran relato de carácter histórico y cultural que permite revivir el rico pasado de lo que hoy es Flandes y que arroja nueva luz sobre él de una forma innovadora. 

En la Edad Media, en los siglos XV y XVI, la navegación abría nuevas fronteras y el comercio alcanzaba niveles sin precedentes. En aquellos días se establecieron las bases de la contabilidad y se abrieron nuevas oficinas comerciales, siguiendo el novedoso ejemplo de la Bolsa de Brujas. El comercio y la actividad empresarial hicieron que las ciudades de Flandes crecieran hasta convertirse en centros de poder económico. Los productos artísticos de Flandes y Brabante y su artesanía conquistaban el mercado mundial y eran demandados con entusiasmo.

Las obras maestras que configuran la exposición del Caermersklooster datan de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Junto a las pinturas, se incluyen también utensilios de la época. Algunas piezas nunca habían sido mostradas al público, así que se trata de una ocasión única para admirarlas.

La entrada también proporciona acceso a la exposición educativa sobre el retablo la Adoración del Cordero Místico -de los hermanos Van Eyck- en el mismo Caermersklooster.

Servir a Dios y al Dinero. La Edad de Oro de Flandes
Caermersklooster
Vrouwebroersstraat, 6, Gante


VLC. Valencia Línea Clara

14/06/2016, El IVAM reúne una selección de novelas gráficas y otros objetos en una muestra dedicada a los autores valencianos que en los 80 renovaron el cómic español.



Valencia, 14 de junio de 2016
El Institut Valencià d’Art Modern presenta la exposición "VLC. Valencia Línea Clara", que podrá verse hasta el 2 de octubre de 2016 en las salas de la institución y que hace un repaso a la explosión creativa del cómic valenciano de los años 80, deteniéndose en la trayectoria de siete de sus principales autores.

Durante los años 60 y 70, Valencia vivió un espectacular momento creativo. Las vanguardias creativas explotaban con grupos como el Equipo Crónica y Realidad, que influían decisivamente en los jóvenes que por aquel momento comenzaban a cursar estudios artísticos. Unos jóvenes que, además, se habían formado en la cultura del tebeo, que tuvo en Valencia un centro neurálgico durante los años 40 y 50, y que sirvió para que estos nuevos artistas generaran un bagaje visual que se amalgamó durante su etapa formativa con las nuevas tendencias artísticas que inundaban la ciudad. 

El cómic se convertía en Francia y en los Estados Unidos en un exponente de contraculturalidad y modernidad, en un mensaje de libertad e innovación.

Los cómics de Miguel Calatayud en la revista Trinca inspiraron a una generación que comenzó a expresarse a través de fanzines herederos del underground, pero con una personalidad propia y distintiva. Javier Mariscal inició un camino al que pronto se unieron otros creadores como Sento Llobell, Micharmut, Manel Gimeno, Mique Beltrán o Daniel Torres, que tomaron la bandera de la experimentación desde esos fanzines para pronto dar el salto a publicaciones nacionales aprovechando el boom del cómic adulto que se vive en la España de los 80.

Una generación de autores, que desde su trazo limpio y definido, rompía los cánones establecidos para encontrar nuevas expresiones de la historieta, buscando la reivindicación de los géneros clásicos del tebeo de aventuras y del cómic de autor. 

Latinoamérica en la Colección MUSAC

13/06/2016, El Centro Atlántico de Arte Moderno presenta la exposición Caleidoscopio y Rompecabezas. Latinoamérica en la Colección MUSAC, hasta el día 9 de octubre.



Las Palmas de Gran Canaria, 13 de junio de 2016
El proyecto expositivo reúne una selección de 43 obras, creadas por 26 artistas de América Latina, que forman parte de los fondos del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

La exposición reflexiona sobre la importancia del arte como forma de aproximación al conocimiento, y sobre cómo inciden en ello las distintas formas de mirar una obra o las propias colecciones donde la obra se inserte.

La instalación Crimen perfecto del artista uruguayo Luis Camnitzer, funciona como hilo conductor de la exposición, invitando al espectador a observar una serie de obras a través de diez teleidoscopios colocados a lo largo del espacio expositivo.

Las obras de la exposición, realizadas en su mayoría entre los años 2001 y 2014, destacan por su espíritu crítico y reflexivo, y revelan realidades y conflictos de orden político, social, económico, cultural y existencial, relacionando preocupaciones individuales y/o asociadas a contextos específicos con cuestiones y urgencias de ámbito universal.

Caleidoscopio y Rompecabezas. Latinoamérica en la Colección MUSAC
Del 9.06.2016 al 09.10.2016
Centro Atlántico de Arte Moderno
Las Palmas de Gran Canaria. Los Balcones, 11


Andy Warhol y la música

13/06/2016, Más de 200 piezas, entre discos, revistas, carteles, fotografías, serigrafías, videoclips musicales y otros objetos presentan la relación de Warhol y la Música a lo largo de 4 décadas.



León, 13 de junio de 2016
La exposición del MUSAC, All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987), traza una genealogía de las relaciones entre el arte y la música popular de la segunda mitad del siglo XX.

Andy Warhol (Pittsburgh, EE.UU., 1928 – Nueva York, EE.UU., 1987) realizó entre 1949 y 1987 más de 60 portadas para discos de todos los géneros musicales. El diseño gráfico musical fue una actividad que le acompañó a lo largo de toda su carrera, desde su juventud hasta la plena madurez. En sus últimos meses de vida, entre 1986 y 1987, realizó portadas de discos para artistas como John Lennon, Aretha Franklin o Debbie Harry.

En muchas de sus portadas se anticipan soluciones formales e iconográficas que incorporaría posteriormente a su producción pictórica, lo que les dota de especial valor para los investigadores y plantea lecturas transversales de su trabajo. Además, estas portadas son el reflejo del gusto musical de Estados Unidos, desde la posguerra hasta el último tercio de la década de los ochenta, abarcando la música clásica, la ópera y el ballet, y pasando por el jazz, el minimalismo, la música experimental, el rock, el pop, el soul, la música disco, el punk o la new wave. 

Así, la exposición del MUSAC intenta demostrar que la música (particularmente la música pop) fue uno de los sustratos emocionales, iconográficos y conceptuales sobre los que se construyó la producción artística de Warhol, considerado el padre del pop art. Un componente esencial para entender su proceso creativo y algunos de los más significativos ejes temáticos de su trabajo.

La exposición, estructurada en varios ejes temáticos, ofrece una visión lo más completa posible del papel jugado por la música en el proceso creativo de Andy Warhol. Junto a las portadas de discos se exhiben obras sobre diferentes soportes realizadas por el propio Warhol, o por artistas que colaboraron con él en diferentes periodos de su carrera, y que permiten comprender el modo en que el diseño gráfico musical y la producción plástica se retroalimentaron en los momentos más significativos de la vida del artista norteamericano.

All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987)
MUSAC. Avenida de los Reyes Leoneses, 24, León


El horror de Mauthausen

10/06/2016, El Centro Documental de la Memoria Histórica presenta una muestra que narra la historia de Francisco Boix y las fotos robadas a los SS de Mauthausen.



Salamanca, 10 de junio de 2016
En el año 1940 cerca de 7.300 españoles huidos a Francia tras la guerra civil española eran apresados por las tropas del III Reich y enviados al campo de concentración de Mauthausen. Allí morirían casi 5.000.

A pesar de que las autoridades españolas del momento conocían la suerte de estas personas, los sucesivos gobiernos de Franco se abstuvieron de intervenir salvo en casos puntuales, en los que solicitaron la liberación de algunos prisioneros.

La exposición reúne mas de un centenar de documentos que reflejan el horror de Mauthausen. Algunas fueron tomadas por Francisco Boix, fotógrafo y militante de la Juventud Socialista Unificada de Cataluña que estuvo prisionero en ese campo. Boix trabajó en el laboratorio fotográfico del campo y consiguió salvar de la destrucción un volumen importante de documentos gráficos realizados por los propios SS.

La muestra incluye también cuatro vitrinas con piezas originales custodiadas en el Centro Documental de la Memoria Histórica, como esculturas, maquetas, un trozo de alambrada y una caja con instrumental quirúrgico utilizado en la enfermería del campo de Mauthausen.

El fotógrafo del horror. La historia de Francisco Boix y las fotos robadas a los SS de Mauthausen
Centro Documental de la Memoria Histórica, Gibraltar, 2, Salamanca
Hasta el 2 de octubre de 2016


Escultura hiperrealista en Bilbao

10/06/2016, La sala BBK del Museo de Bellas Artes de Bilbao reúne una selección de 34 esculturas realizadas por los 26 artistas más representativos del movimiento.



Bilbao, 10 de junio de 2016
Esta exposición tiene el propósito de mostrar una revisión profunda de la figuración humana a lo largo de los más de cincuenta años de existencia del hiperrealismo. Desde las décadas de 1960 y 1970 diversos escultores se interesaron por una forma de realismo basada en la representación fidedigna de la figura humana. A través de técnicas tradicionales, como el modelado, el fundido y la pintura, recrearon el cuerpo, con el objetivo común de crear una interpretación del realismo figurativo en clave contemporánea.

La exposición revela modos diferentes de abordar la representación corporal, y sorprende por su convincente apariencia de realidad, mientras pone de manifiesto las múltiples maneras de tratar este tema artístico, su relación con expresiones diversas de la historia del arte y su evolución técnica, hasta la actual era digital.

La selección incluye a los más destacados escultores hiperrealistas: George Segal, Duane Hanson, John DeAndrea, Juan Muñoz, Maurizio Cattelan, Berlinde de Bruyckere, Ron Mueck, Sam Jinks, Patricia Piccinini y Evan Penny, entre otros.

Frida Kahlo en imágenes

09/06/2016, La Sala Municipal de Exposiciones de la Iglesia de las Francesas, Valladolid, presenta la exposición “Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul”.



Valladolid, 9 de junio de 2016
Esta muestra recoge medio centenar de las míticas fotografías que el fotógrafo colombiano Leo Matiz realizó a la artista Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, popularmente conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán, 13 de julio de 1954).

Las originales fotografías (que provienen de los fondos de la Fundación Leo Matiz) muestran a Frida en la intimidad de su hogar, y destacan por su sencillez. También se incluyen en la muestra las sentimentales fotografías que Matiz realizaría a su regreso a México en 1997, tras 50 años de ausencia, de algunos de los rincones de esa "Casa Azul" convertida en museo. 

Concebida como una gran instalación, la exposición se completa con obras de otros autores de la época (Germán Cueto, Mathías Goeritz…) , publicaciones estridentistas, documentos, bibliografía, proyecciones y textos que aportan claves de la escena mexicana de la época.

Frida Kahlo es la pintora latinoamericana más famosa del siglo XX y una figura fundamental del arte mexicano. Conoció a Pablo Picasso y André Bretón; fue amiga del revolucionario ruso León Trotsky y del poeta Pablo Neruda. Su casa recibió a escritores, artistas, directores de cine, médicos, políticos, fotógrafos. Fue esposa de Diego Rivera, el artista más reconocido del muralismo mexicano. Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul
Sala de las Francesas
C/ de Santiago, 20, Valladolid
10/06/2016 - 28/08/2016

Sorolla. Tierra adentro

09/06/2016, Hasta el 09 de octubre de 2016 en el Museo Sorolla se presenta una muestra dedicada al género del paisaje dentro de la obra de Joaquín Sorolla.



Madrid, 9 de junio de 2016
El género del paisaje fue central en la evolución de la pintura moderna: considerado “menor” por la academia hasta siglo XIX, fue en cambio colocado por el realismo en la vanguardia de la innovación y la experimentación. La muestra del Museo Sorolla incluye 35 piezas pertenecientes a a la colección de la institución.

Si algo identifica la pintura de Sorolla es su trabajo al aire libre. Los escenarios de luz intensa de las costas de Valencia y Levante son su referente más conocido; sin embargo, en la muestra “tierra adentro” se presentan paisajes interiores de enorme calidad e importancia que sitúan a Sorolla en el contexto general de las inquietudes artísticas del realismo final y también de las corrientes intelectuales renovadoras de la Institución Libre de Enseñanza y los regeneracionistas españoles. 

La pintura de Joaquín Sorolla, vinculada al “plain air”, investiga las relaciones de la luz, la sombra y el color en plena naturaleza, aprovechando la iluminación de cada escenario, y presenta una imagen nueva del país, alejada de la representación historicista, más en línea con el gusto decadentista europeo. Inmerso en aquella cultura, Sorolla presenta paisajes españoles en los que profundiza en su nuevo sentido y significación, desde los de la Alhambra deshabitada a los de los campos desolados y viejas ciudades castellanas.

La exposición se divide en cuatro ámbitos: Mitología regionalista y naturaleza. La Valencia de Sorolla; Sorolla en verde y gris; La invención de Castilla como emblema nacional y La “España blanca” de Joaquín Sorolla, una versión moderna de la invención romántica. 

Lusitania romana, origen de dos pueblos

08/06/2016, El Museo Arqueológico Nacional descubre por primera vez en Madrid la historia de la provincia romana de Lusitania en una exposición temporal que comenzará el próximo mes de julio.



Madrid, 8 de junio de 2016
Lusitania fue una provincia romana creada hace más de 2000 años en el finis terrarum, en el territorio que hoy ocupan Portugal, Extremadura y el área más oriental de Andalucía. Su capital, la colonia Augusta Emerita, se convertiría en la población más importante de la fachada occidental del Imperio y en la primera capital efectiva de la península ibérica, tras la reforma administrativa de Diocleciano.

La exposición del MAN, estructurada en nueve áreas, recorre 5 siglos de historia de esta provincia, su sociedad, cultura, economía y religión, a través de más de 200 piezas, procedentes de 12 instituciones portuguesas y 3 españolas. Destacan 15 objetos de gran valor histórico y arqueológico, clasificados por el Estado portugués como “Tesoros Nacionales”, que han salido excepcionalmente del país con motivo de esta exposición. 

Se trata de piezas tan significativas como el arúla de Endovélico; la estela de Arronches, un ejemplar único de inscripción en lengua lusitana; los frescos de la Casa de Medusa, de Alter do Chão; el brazo de estatua de bronce monumental de Campo Maior; y dos entalles hallados en las excavaciones de Medellín. Se exhiben también el sarcófago de las Estaciones del Museu Nacional Soares dos Reis, así como un variado conjunto de bronces provenientes de Torre de Palma, de la colección del Museu Nacional de Arqueologia de Lisboa, y la cabeza de Galieno, del Museu Municipal de Lagos Dr. José Formosinho.

Lusitania romana, origen de dos pueblos
Del 1 de julio al 16 de octubre de 2016
Museo Arqueológico Nacional


De Caravaggio a Bernini

08/06/2016, El Palacio Real presenta la exposición De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales.



Madrid, 8 de junio de 2016
La exposición “De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional” presenta un extraordinario conjunto de pinturas y esculturas italianas del Seicento Italiano y del Barroco, recuperadas en todo su esplendor gracias a una campaña de restauración. Además, se ha realizado un profundo estudio catalográfico que, entre otras cosas, ha posibilitado la identificación y nueva atribución de algunas piezas, que se mostrarán por vez primera ante el público.

La selección incluye setenta y dos obras de pintura y escultura, firmadas por artistas como Guido Reni, Francesco Albani, Charles Le Brun, Caravaggio, Giovan Francesco Romanelli, Simone Cantarini o Giacinto, que podrán verse en las salas del Palacio Real de Madrid hasta el 16 de octubre de 2016.

Un interesante y completo recorrido por las distintas escuelas italianas del siglo XVII y su influencia: desde Bolonia a Roma, desde Roma a Nápoles y desde Nápoles a España. 

Secciones de la muestra:

De Bolonia a Roma
En 1594 el boloñés Annibale Carracci llegaba a Roma, donde el estudio de la escultura antigua y la pintura de Rafael le permitió elaborar un nuevo lenguaje en el que las cosas se debían representar en toda su perfección, siguiendo una “Idea della belleza”, y no con sus posibles imperfecciones, tal y como hacía Caravaggio.

A la ciudad acudieron artistas de toda Europa, como Reni, Guercino, Le Brun, o Velázquez. La muestra incluye señaladas obras de todos ellos.

Caravaggio: Salomé con la cabeza del Bautista
Una de las obras maestras indiscutibles de la muestra es el lienzo Salomé con la cabeza del Bautista de Caravaggio. El episodio bíblico está presentado aquí mediante una revolucionaria representación directa del natural con toda la verosimilitud que requiere el tema. Para ello utiliza un fuerte y dramático claroscuro que resalta la presencia física de las figuras en medio de la oscuridad.

De Roma a Nápoles. De Nápoles a España
Las breves estancias de Caravaggio en Nápoles marcaron el curso de la pintura napolitana. La escuela estuvo dominada durante la primera mitad de siglo por José de Ribera, español pero formado en Italia, del que se exhiben algunas obras capitales contrapuestas a lienzos de Luca Giordano, cuya versatilidad le permite pintar a la manera riberesca y al mismo tiempo constituirse en uno de los principales intérpretes del barroco ilusionista. 

El Cristo crucificado de Bernini
Esta excepcional estatua del maestro fue realizada a instancias de Felipe IV para presidir el Panteón de los Reyes en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Esplendor barroco. Grandes palas de altar en Patrimonio Nacional
La exposición culmina con una docena de pinturas de gran tamaño que abarcan todo el arco de la pintura del “Seicento”. Desde La Vocación de san Andrés y san Pedro de Federico Barocci, pionero del barroco, hasta la sorprendente Conversión de Saulo de Guido Reni.

De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales
Palacio Real de Madrid. C/ Bailén s/n, Madrid

El declive de las aves

07/06/2016, Desde los años setenta, el censo de aves en Norteamérica ha descendido y un tercio de las especies tiene un futuro preocupante, según muestra un informe reciente.



Cambridge, 07 de junio de 2016
Bird Life International informa que los expertos coinciden en que la conservación a largo plazo de estas aves sólo se logrará mediante la creación de asociaciones transnacionales y la participación de las comunidades locales en los proyectos científicos.

Las aves migratorias conectan el continente norteamericano, ya que millones de ellas se mueven a través de los EE.UU., Canadá y México cada año. Un total de 350 especies de aves de América del Norte se estima comparten su distribución a través de dos o más países, lo que subraya la importancia de una acción coordinada para protegerlos.

Hasta ahora, la puntuación de la vulnerabilidad de más de mil especies de aves nativas norteamericanas era incompleta. "El Estado de los pájaros de América del Norte”' llena los vacíos. Publicado en el 100 aniversario de la Convención para la Protección de Aves Migratorias entre los EE.UU. y Canadá, es la primera evaluación de este tipo. 

El informe revela que de las 1154 especies de aves nativas que se crían en América del Norte continental, un tercio requiere medidas urgentes de conservación. Las especies que necesitan más medidas urgentes son los que dependen de los océanos y los bosques tropicales.

En concreto, el grupo en mayor en peligro de extinción es el de las aves marinas, por efecto de una mezcla de factores: la contaminación, la sobrepesca, los impactos de la extracción de energía, la depredación por especies invasoras en las islas y el cambio climático.

Las aves marinas con la mayor cota de preocupación son el petrel de coronilla negra, la pardela de Parkinson y la pardela de Revillagigedo.

La situación no es mucho mejor para las aves tropicales que migran desde Canadá a México. Los pájaros cantores que hibernan en los bosques tropicales de México son cada vez menos por el impacto de la deforestación en México. Otras aves tropicales con altos niveles de descenso son la tangara chiapaneca o celeste, la perdiz veracruzana y el mosquero fajado.

Este análisis sin precedentes en todo el continente también revela cómo las aves de pastizal se enfrentan a algunos de los descensos más pronunciados en su población, debido a cambios en el uso del suelo. En los últimos años las vastas praderas de América del Norte en su mayoría se han convertido en tierras agrícolas roturadas. Sólo unas pocas islas de tierra originales permanecen, por lo que es muy difícil sobrevivir en la vida silvestre. Algunas de las especies de pastizales con mayor declive son el gorrión zacatero serrano, el gorrión indefinido altiplanero y el gallo de las praderas chico o urogallo chico.

El informe fue elaborado por North American Conservation Initiative y fue realizado usando los datos recogidos por los ciudadanos voluntarios y científicos de todo el continente. A pesar de las alarmantes conclusiones, el informe demuestra cómo el poder de muchos puede ayudarnos a entender las necesidades de conservación y generar un cambio positivo.

Para ver el informe en línea en www.stateofthebirds.org

Nuevos sitios naturales de la UNESCO

07/06/2016, La UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, ha recomendado a la UNESCO cinco nuevos sitios como Patrimonio de la Humanidad, por sus valores naturales sobresalientes.



Gland, Suiza, 7 de junio de 2016
El órgano de asesoramiento de UICN sobre el Patrimonio Mundial recomienda también la acción contra las principales amenazas en sitios naturales enumerados y advierte de graves peligros en dos de los sitios ya incluidos en la Lista.

Cinco sitios candidatos
UICN apoya cinco propuestas para inscribir los espacios naturales en la Lista del Patrimonio Mundial, ante la próxima reunión, en Estambul, del Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en el mes de julio. 

Los sitios recomendados son:
· Pimachiowin Aki, un inmenso bosque boreal canadiense, que se valora como sitio cultural y natural "mixta" para proteger tanto la naturaleza como las tribus y tradiciones ancestrales.

· Mistaken Point, también en Canadá, donde los registros fósiles nos dan una idea de los primeros organismos grandes y complejos en la Tierra, que son los primeros ancestros a los animales.

· El Archipiélago de Revillagigedo en México, un grupo de cuatro islas del Pacífico con diversa y abundante vida marina y donde los impactos de las especies invasoras siguen siendo notablemente bajos.

· El Parque Nacional de Khangchendzonga en la cordillera del Himalaya, en la India, que incluye la tercera montaña más alta del mundo

· Y por último, Hubei Shennongjia, en China, cuyos ricos ecosistemas son el hogar de más de 600 especies de vertebrados.

La UICN ha evaluado un total de 17 propuestas de inscripción en la preparación para la reunión del Comité del Patrimonio Mundial de 2016, que tendrá lugar en Estambul, Turquía, del 10 al 20 de julio. Doce de estas evaluaciones han sido ya emitidos, mientras que el resto se dará a conocer el 10 de junio. 

La caza furtiva pone sitios del patrimonio mundial en peligro
En los informes que acaba de publicar para la reunión del Comité, la UICN también incluye recomendaciones sobre las medidas necesarias contra las amenazas que afectan a los espacios naturales emblemáticos del mundo.

Un total de 61 sitios del patrimonio mundial natural han sido controlados por la UICN de este año, en colaboración con el Centro del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

El primer conjunto de recomendaciones de la UICN contiene consejos para inscribir dos áreas del patrimonio mundial natural en la Lista del patrimonio mundial en peligro debido a la caza furtiva. Estos sitios son Reserva Dja en Camerún, donde la población de elefantes ha disminuido drásticamente debido a la caza furtiva; y Dong-Phayayen Khao Yai, un complejo forestal en Tailandia, donde el saqueo furtivo de palo de rosa ha ido aumentando a un ritmo alarmante en los últimos años, a pesar de los esfuerzos de Tailandia para su control. 

Los sitios del patrimonio mundial natural que se enfrentan amenazas incluyen lugares emblemáticos como el Gran Cañón, las Islas Galápagos, el Parque Nacional del Serengueti, Iguazú y el Bosque de Bialowieza.

A pesar de tener el más alto reconocimiento internacional, los sitios del patrimonio mundial natural continúan enfrentándose a graves amenazas, como el cambio climático, las actividades industriales y los conflictos armados. En la actualidad, 18 sitios naturales se enumeran como 'en peligro', que representa el 8% del número total de sitios que figuran por su valor natural.

Establecida en 1972, la Convención del Patrimonio Mundial protege a más de 1.000 sitios de importancia cultural y natural. Aproximadamente uno de cada cinco sitios del patrimonio mundial es natural, incluyendo tanto los 197 clasificados como ”natural” y los 32 clasificados como "mixto" (natural y cultural). La UICN es responsable de evaluar la elegibilidad de los nuevos sitios de la Lista del Patrimonio Mundial bajo criterios naturales, así como los sitios naturales afectados por amenazas.

Rostros. Fotografía europea de retrato desde 1990

06/06/2016, PhotoEspaña 2016 retrata Europa a través de los rostros de sus ciudadanos en un recorrido por la evolución de los últimos 25 años del género en Europa.



Madrid, 6 de junio de 2016
CentroCentro presenta la exposición Rostros. Fotografía europea de retrato desde 1990, incluida dentro de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2016, Festival internacional de fotografía y artes visuales, y que podrá verse hasta el 28 de agosto en la 5ª planta de CentroCentro.

La muestra invita a la reflexión sobre la identidad, la cultura y la historia europeas a través del trabajo realizado por 33 fotógrafos entre los que se encuentran autores como Clare Strand, Anton Corbjin, Paola di Pietri, Stratos Kalafatos, Clare Strand o Alberto García - Alix, entre otros.

El retrato fotográfico cuenta con una larga historia a la hora de documentar y crear identidades. Las obras seleccionadas se enmarcan dentro de la tradición europea de la representación individual o colectiva. La muestra tiene como objetivo provocar una confrontación con uno mismo a través de la observación de los diferentes rostros, fomentando la empatía con nuestros semejantes. Europa se descubre por medio del individuo, de fotografías, historias personales e identidades particulares que reflejan la variada personalidad europea.

La exposición, organizada por CentroCentro, se enmarca dentro de la XIX edición de PHotoEspaña, Festival internacional de fotografía y artes visuales, que presenta (hasta el 28 de agosto), 94 exposiciones con obras de 330 artistas y un amplio programa de actividades en sus diferentes sedes: Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas, Lanzarote, Zaragoza, Murcia y Segovia. La presente edición ofrece una visión de la fotografía en el continente europeo.

Rostros. Fotografía europea de retrato desde 1990
CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1, Madrid


Coleccionismo y mecenazgo en el Centro Cultural Bancaja

06/06/2016, "Coleccionismo y mecenazgo: Jesús Martínez Guerricabeitia", una exposición organizada por la Fundación Bancaja con la colaboración de la Universitat de València.



Valencia, 6 de junio de 2016
La exposición "Coleccionismo y mecenazgo: Jesús Martínez Guerricabeitia", en el Centro Cultural Bancaja (Plaza Tetuán, 23), reúne una selección de 108 obras de la Colección Martínez Guerricabeitia, donada por el mecenas Jesús Martínez Guerricabeitia y su esposa Carmen García Merchante a la Universitat de València en 1999.

La muestra presenta algunas de las figuras más importantes del arte español de la segunda mitad del siglo XX y de principios del XXI, enclavadas en las corrientes figurativas más próximas al realismo social y crítico, y repasa temas que van desde los claramente reivindicativos, como los derechos de libertad y la democracia, haciendo hincapié en la denuncia de los abusos del poder especialmente durante los últimos años del franquismo, hasta los temas más candentes en la actualidad, tales como la libertad de expresión, la participación política, la crisis del capitalismo, la globalización, la emigración o la ecología. 

Las obras, datadas de 1965 a 2014, están firmadas por autores como Barjola, Verdes, Renau, Juan Genovés, Canogar, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Anzo, Ortega, Ibarrola, Vostell, Spadari, Erró, Heras, Armengol, Fernando Somoza, Monjalés, Jardiel, Seguí, Mensa, Arroyo, Calduch, Pacheco, Darío Villalba, Martín Caballero, Azorín, Francesc Torres, Javier Calvo, Antoni Miró, Juan Delcampo, Ugalde, Solbes, Sarri, Ricardo B. Sánchez, Chema Cobo, Ramírez Blanco, Pérez Villalta, Pablo Alonso, Carmen Calvo, Javier Baldeón, Curro González, Alicia Vela, Rogelio López Cuenca, José María Báez, José Gallego, Antonio Murado, Simeón Sáiz Ruiz, Darío Urzay, José Ramón Morquillas, Juan Ugalde, Chema López, Isidro Manils, Ángel Mateo Charris, Salomé Cuesta / Bárbaro Miyares, Manuel Bouzo, Enrique Zabala, Jordi Ribes, Xisco Mensua, Miki Leal o Mavi Escamilla.

Coleccionismo y mecenazgo: Jesús Martínez Guerricabeitia
Hasta el 28 de agosto de 2016
Centro Cultural Bancaja
Plaza de Tetuán, 23, Valencia


Génesis

03/06/2016, Una exposición fotográfica de CaixaForum Lleida que nos invita a descubrir la fragilidad y belleza de nuestro planeta.



Lleida, 3 de junio de 2016
Con este proyecto, el fotógrafo Sebastião Salgado busca los orígenes del mundo y del planeta que habitamos. Un mundo que ha evolucionado durante miles de años antes de verse enfrentado al ritmo de la vida moderna y a la falta de ética y moral del ser humano.

Esta exposición presenta fotografías de paisajes, animales y personas alejadas del mundo moderno: regiones vastas y remotas, intactas y en silencio, en las que, por el momento, la naturaleza sigue reinando en calma y armonía. Espacios donde podemos ver la belleza y el esplendor de las regiones polares, los bosques y sabanas tropicales, los desiertos abrasadores, las montañas dominadas por glaciares y las islas solitarias. Un mosaico increíble donde la naturaleza se expresa en toda su grandeza y en la que la pureza y virginidad nos hacen pensar en lo que estamos sacrificando al seguir con nuestro modo de vida devastador y falto de conciencia. 

Las fotografías de Génesis revelan esta belleza y representan un homenaje a la fragilidad de un planeta que todos tenemos el deber y la responsabilidad de proteger.

Sebastião Salgado, a través de su obra y su trayectoria fotográfica e ideológica, plantea una revisión urgente de la relación entre el ser humano y el planeta. Salgado ofrece importantes críticas de la modernidad a través de sus imágenes, que cuestionan las prioridades económicas y sociales que dirigen nuestro mundo contemporáneo. En Génesis, el fotógrafo plantea una necesaria revisión planetaria en nombre de la sostenibilidad y de la justicia.

Génesis Sebastião Salgado
Hasta el 24 de julio de 2016
CaixaForum Lleida


Últimos días de El libro ilustrado: técnicas de estampación

03/06/2016, Hasta el 19 de junio de 2016 se puede visitar la exposición “El Libro ilustrado: técnicas de estampación” en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid.



Madrid, 3 de junio de 2016
“El Libro ilustrado: técnicas de estampación” es una pequeña exposición enmarcada en el proyecto de investigación y catalogación que lleva a cabo la Biblioteca Lázaro Galdiano, para el estudio de la colección de estampas que atesora.

La exposición muestra alrededor de 16 técnicas de estampación presentes en el libro impreso a lo largo de los siglos, mediante 37 estampas publicadas en 26 obras seleccionadas desde el siglo XV al XXI. Estas verdaderas joyas permiten apreciar los progresos técnicos relacionados con los sistemas de impresión, así como el cambio en las preferencias estéticas a lo largo del tiempo y los rasgos identificadores de las estampas que sirven para su catalogación y estudio.

La muestra se divide en dos secciones:

En la primera se muestran libros con ilustraciones realizadas mediante técnicas originales (a partir de matrices en relieve —xilografía al hilo, a la testa, en camafeo y linografía—, en hueco —buril, aguafuerte, aguatinta, punta seca, ruleta y manera negra— o planas —litografía y cromolitografía-).

Al mismo tiempo presenta obras maestras de la historia del libro, desde incunables como El sueño de Polífilo, impreso por Aldo Manucio en 1499, o una página de Apocalipsis cum figuris de Durero, en su edición de 1511, hasta Academie de l’espée de Girard Thibault, un monumental manual de esgrima profusamente ilustrado, del siglo XVII, o una obra de Piranesi, Antichità romane, del XVIII. 

También se encuentran estampas en libros impresos en pergamino, como las del Missale ad usum ecclesie Palentine, de 1521, o de Anacreontis teii convivialia semiambia, de 1781, con el texto griego estampado y en tipografía. Entre las últimas obras de esta sección, dedicada a las técnicas originales, destacan La vie breve de Eugenio d’Ors de 1927, publicada por la «Agrupación de Amigos del Libro de Arte», y ejemplos de las «Ediciones de la Rosa Vera», de mediados del siglo XX.

En la segunda parte se exponen libros impresos a partir del siglo XIX, cuando la utilización de la fotografía en la reproducción de originales supuso una verdadera revolución. Corresponden a este momento las matrices en relieve —fotograbado de línea, de trama o mixto—, en hueco —heliograbado y huecograbado— o planas —fototipia, cromotipia y fotolitografía offset—. Esta sección estudia y reconoce estas técnicas de reproducción fotomecánica, hoy en desuso y en muchos casos olvidadas, pero que ilustran perfectamente los progresos técnicos en la edición desde el siglo XIX.

Comienza la serie con el primer ejemplar de la edición de L’effort de Edmond Haraucourt, de 1894, y sigue con publicaciones sobre arte, editadas con primor y elegancia, como Les maitres contemporains: l'art et la couleur, una monografía sobre Anton van Dyck, Los grandes retratistas en España, o L´Estampe Moderne. Otra edición de bibliófilo, la de Pablo y Virginia de Bernardin de Saint Pierre, sirve para mostrar un buen ejemplo de los logros de la fotolitografía, cuando el sistema offset no había alcanzado su desarrollo. Como colofón figura la serigrafía, un sistema de impresión permeográfico que no se puede incluir entre los sistemas mencionados anteriormente, originales y fotomecánicos. 

Unfinished

02/06/2016, El Pabellón de España, ganador del León de Oro de la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia de 2016.



Venecia, Italia, 2 de junio de 2016
Hasta el 27 de noviembre de 2016 se celebra la decimoquinta edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia, que en esta ocasión propone un llamamiento a la reflexión sobre los errores cometidos para compartir soluciones que puedan ayudar a otros países a anticiparse y evitar desenlaces similares.

Durante el pasado período de crecimiento económico en España, la construcción se convirtió en el motor principal de la economía del país. Pero la realidad actual nos muestra los restos inconclusos de la mayor empresa edificatoria de la historia, que ha dejado una trama de grandes volúmenes construidos parcialmente y sin consolidar en el suelo español.

Los comisarios del Pabellón de España, Iñaqui Carnicero y Carlos Quintáns, plantean con "Unfinished" una reflexión acerca de las arquitecturas inacabadas con el fin de descubrir virtudes que puedan convertirse en estrategias de diseño. La exposición expone así obras de más de medio centenar de estudios nacionales, que han afrontado la crisis económica, y la de la propia arquitectura, alterando sus prioridades. Estos estudios han puesto a prueba su conocimiento, exigiéndo más a su talento, renunciando a grandes beneficios económicos y mostrando su preocupación social, reconvirtiendo la profesión en un servicio para toda la sociedad.

Así, mientras otros pabellones han realizado un diagnóstico de lo que ocurre en tantos lugares del mundo, el recinto español indica la manera de iniciar el camino hacia un nuevo sentido (social, además de cultural y técnico) de la arquitectura.

Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia 2016
Giardini della Biennale di Venezia
Hasta el 27 de noviembre de 2016

A las puertas del paraíso

02/06/2016, El Centro Cultural Conde Duque acoge la exposición de PHotoEspaña 2016 ¡A las puertas del paraíso!.



Madrid, 2 de junio de 2016
En las fronteras de la Unión Europea se reúnen actualmente dos colectivos cuyo destino está ligado: los migrantes y los fotógrafos. Los primeros buscan escapar de la pobreza, la guerra o la represión. Los segundos perseveran en su capacidad de proporcionar imágenes significativas o reveladoras.

Los fotógrafos participantes en este proyecto aportan un testimonio distinto y reconstruyen, desde el exterior, la creación de una imagen “comprometida”.

La exposición se completa además con una sección histórica que pone en relación el trabajo de estos artistas contemporáneos, y que presenta un conjunto de 20 placas de vidrio esteroscópicas procedentes de la colección del Musée Nicéphore Niépce de La brigade des Gitans à Dijon, realizadas entre 1905 y 1910. La sección histórica incluye también una selección de revistas francesas que mostraron el éxodo español a Francia durante la Guerra Civil española.

PHotoEspaña 2016 ¡A las puertas del paraíso! Ensayo fotográfico sobre el migrante, el nómada, el exiliado, el refugiado, el apátrida...
Centro Cultural Conde Duque
Hasta el 4 de septiembre


Caravaggio en el Thyssen

01/06/2016, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta este mes de junio de 2016 la exposición "Caravaggio y los pintores del norte".



Madrid, 1 de junio de 2016
La exposición del Thyssen profundiza en la figura del maestro lombardo Michelangelo Merisi Caravaggio (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610), poniendo de relieve el legado del artista y su influencia entre los pintores del norte de Europa que, fascinados por su pintura y motivados por su obra, difundieron su estilo de diversas maneras.

Se exhiben para la ocasión cincuenta y tres cuadros, doce de ellos de Caravaggio, procedentes de colecciones privadas e instituciones como el Metropolitan Museum de Nueva York, la Galleria degli Uffizi de Florencia, el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam o la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma. 

El recorrido expositivo abarca el curso de la carrera de Caravaggio, desde el periodo romano hasta las emotivas pinturas oscuras de sus últimos años. Junto a estos lienzos se presenta una selección de obras de algunos de sus más destacados seguidores: en Holanda Dirk van Baburen, Gerrit van Honthorst o Hendrick Ter Brugghen, en Flandes Nicolas Régnier o Louis Finson y en Francia Simon Vouet, Claude Vignon o Valentin de Boulogne.

Entre 1600 y 1630 se establecieron en Roma más de dos mil artistas que convirtieron la ciudad en un crisol artístico. Los pintores del norte de Europa siguieron el estilo de Caravaggio, impulsados principalmente por dos motivos: la menor importancia del componente clásico en la tradición pictórica del norte y la facilidad para aplicar el estilo de Caravaggio fuera del contexto tradicional de un taller o una academia de dibujo. 

La mayoría de los artistas holandeses, flamencos o franceses que llegaban a Roma habían recibido una formación básica en dibujo y pintura y estaban ansiosos por asimilar rápidamente nuevas ideas. El arte de Caravaggio era atractivo para ellos, además de por la posibilidad de trabajar del natural, por el destacado uso de la luz, las sombras y el color.

La exposición traslada al visitante a la época de Caravaggio y a las décadas que siguieron a su muerte, un periodo especialmente rico en hitos pictóricos. La exposición se abre con dos salas dedicadas a las obras que el pintor realizó durante sus años en Roma. En las siguientes, se presentan cuadros de artistas extranjeros que contemplaron con sus propios ojos la obra de Caravaggio y que se inspiraron en su forma de trabajar, añadiendo su própio toque, y buscando nuevos modos de expresión, tanto en el arte religioso como en el profano. Las dos últimas salas se dedican a la producción de Caravaggio y sus seguidores extranjeros en Nápoles y el sur de Italia.

Los colores del Ártico

31/05/2016, Desde el 1 de junio y hasta el 18 de septiembre de 2016 en el Museo Nacional de Antropología se puede visitar la muestra "Los colores del Ártico: Arte y cultura Inuit".



Madrid, 31 de mayo de 2016
Los inuit son conocidos popularmente como “esquimales”, denominación que ellos mismos rechazan por su carácter peyorativo, ya que significa “comedores de carne cruda”. El término Inuit significa “personas”.

El arte contemporáneo inuit nace en torno al año 1950, en un momento de profundos cambios para los inuit en Canadá. Es en esa época cuando los inuit se ven obligados a abandonar su tradicional modo de vida nómada para residir en asentamientos permanentes. Desde ese momento, el arte supone una de sus principales fuentes de recursos económicos. La escultura en piedra y hueso pronto alcanzó reconocimiento a nivel nacional e internacional. Con la intención de explorar otras formas de expresión artística, surgen después el arte gráfico y el arte textil. 

Los temas preferidos por los artistas inuit son los animales del Ártico y las escenas de su vida tradicional. El arte inuit ha supuesto, además de una forma de ingresos, una forma de reafirmar su identidad cultural y un medio para representar y mantener viva su cultura y su pasado.

Esta exposición está compuesta por veinte tapices realizados por mujeres de la comunidad de Baker Lake (Nunavut, Canadá). En ellos destaca su vibrante colorido y las representaciones de la tundra y la fauna ártica, las escenas tradicionales y los mitos y elementos del mundo espiritual inuit.

Junto a ellos, el museo presenta esculturas y otros objetos de sus colecciones inuit que habitualmente no están expuestos y que contribuyen al conocimiento de las expresiones artísticas, formas de vida y tradiciones de un pueblo fascinante.

Los colores del Ártico: Arte y cultura Inuit
Exposición itinerante de Judith Varney Burch: "Nunavut Culture on Cloth"
Museo Nacional de Antropología


Bruce Davidson, una mirada humanista

31/05/2016, La Sala Garriga i Nogués de Barcelona, Fundación Mapfre acoge la primera retrospectiva en España de Bruce Davidson, uno de los más destacados fotógrafos de la denominada fotografía humanista.



Barcelona, 31 de mayo de 2016
Bruce Davidson comenzó una temprana relación con la fotografía. A los 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en casa y él empezó a fotografiar las calles de su barrio. Desde ese primer momento, su obra estaría caracterizada por una visión personal de la realidad en la que Davidson manifiesta su interés por la investigación y estudio de temas y de personajes que ofrecen una perspectiva única de contemplar un documento gráfico fundamental para entender la lucha social y los movimientos en defensa de los derechos civiles en Norteamérica durante la segunda parte del siglo XX.

La muestra de Fundación Mapfre plantea un recorrido por la larga trayectoria del artista estadounidense, y presenta, por orden cronológico, algunas de sus más celebres series: Brooklyn Gang, East 100th Street y Time of Change: Civil Rights Movement. Además, también presenta sus últimos trabajos, Nature of Paris y Nature of Los Ángeles. 

Las imágenes de esta exposición nos desvelan la mirada humanista de Bruce Davidson, para quien las personas son el centro de su fotografía. En sus instantáneas el artista nos presenta diversas realidades en distintos países, las tensiones sociales en Inglaterra, los mineros de Gales, las bandas callejeras de Brooklyn, la lucha de los derechos humanos en Estados Unidos o la dureza de la vida en Harlem. Su obra es el reflejo de un compromiso ético ante las duras realidades que viven diariamente las personas fotografiadas.

Para realizar sus series, el fotógrafo dedicaba largos periodos de tiempo, a veces incluso años. Cada proyecto trasciende la fotografía documental, y con cada fotografía Davidson se enfrenta a temas que lo afectan emocionalmente, y que le permiten poner en práctica su ideal humanista, su manera de relacionarse con el otro a través de la fotografía. Así logra una intimidad que se refleja en cada imagen y nos muestra una perspectiva única y personal. 

En las dos últimas décadas, Bruce Davidson ha centrado todo su trabajo en el tema de la naturaleza. Nature of Paris y Nature of Los Ángeles, proponen una visión de los espacios que lo natural comparte con la urbe en estas ciudades. Realizadas cuando el fotógrafo ya había cumplido setenta años, estas obras cuentan con las mismas ganas de aprender que tenía de joven y que, aún hoy, mantiene cuando trabaja en el Museo de Historia Natural, próximo a su casa.

Bruce Davidson
Del 28 de mayo al 28 de agosto de 2016
Sala Garriga i Nogués, Barcelona, Fundación Mapfre

El Bosco. La exposición del V centenario

30/05/2016, El Museo del Prado conmemora el V centenario del fallecimiento del Bosco con la primera muestra monográfica que se le dedica en España, la más completa y de mayor calidad realizada hasta la fecha.



Madrid, 30 de mayo de 2016
A la colección del museo madrileño, la mejor del mundo en lo que al Bosco se refiere, se le incluyen en esta muestra préstamos reunidos por primera vez, como el Tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa, el Cristo camino del Calvario de Patrimonio Nacional, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres, el dibujo del Hombre-árbol de la Albertina de Viena o San Juan Bautista de la Fundación Lázaro Galdiano. La exposición incluye asimismo obras realizadas en el taller del Bosco o por seguidores a partir de originales perdidos.

En total, la exposición reúne más de medio centenar de obras maestras del Bosco, que constituyen más del 75% de la producción conservada del artista, así como grabados, relieves, miniaturas y pinturas de otros autores que contextualizan el ambiente en el que se concibieron. 

Una ocasión irrepetible para disfrutar del extraordinario y más completo repertorio del Bosco, uno de los artistas más enigmáticos del Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal visión del mundo a través de un montaje expositivo que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se puedan contemplar tanto por el lado anverso como por el reverso.

Jheronimus van Aken (h. 1450-1516), conocido en España como “el Bosco”, nació y vivió en ‘s-Hertogenbosch (Bois-le-Duc), una ciudad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda, y a la que vinculó su fama al firmar sus obras como “Jheronimus Bosch”.

Gracias al interés de Felipe II por la obra del Bosco, España conserva el mayor conjunto de originales suyos. El Prado, heredero de la Colección Real junto con Patrimonio Nacional, custodia seis obras entre las que destacan los trípticos de El jardín de las delicias, la Adoración de los magos y el Carro de heno. En estas obras queda patente la inmensa capacidad de invención y la renovación que experimenta en sus manos la técnica pictórica, con su personal tratamiento de la superficie y sus contenidos, en ocasiones difíciles de descifrar, al haberse perdido muchas de las claves para interpretarlos. 

La reunión por primera vez en un mismo espacio del 75% de su producción contribuirá decisivamente a dilucidar algunos de los interrogantes que aún planean sobre su obra, tanto a la hora de fijar su catálogo como a la de reconsiderar su cronología.

El Museo del Prado, pionero en el estudio técnico de la pintura del Bosco, ofrecerá a los visitantes de esta exposición los resultados de este estudio en la reflectografía infrarroja y la radiografía de El jardín de las delicias, que permiten verificar el proceso creativo de la obra, con los cambios que el artista realizó desde que inició el dibujo subyacente hasta que concluyó la superficie pictórica. 

En previsión del extraordinario interés de este gran acontecimiento expositivo, el Museo ha establecido una prolongación del horario de apertura de la exposición (dos horas más de viernes a domingo) y recomienda la compra anticipada de entradas por internet (www.museodelprado.es) o por teléfono (902 10 70 77), con reserva de fecha y hora de acceso en ambos casos.

El Museo del Prado ha organizado un extenso y variado programa de actividades para complementar, explicar y difundir esta exposición única, que incluye, entre otras, la producción de un documental dirigido por José Luis López-Linares y la edición de un cómic del dibujante Max. Como colofón al programa, la V Cátedra del Prado, cuyo titular será Reindert Falkenburg, se dedicará al Bosco y a su discípulo ideal, Pieter Bruegel el Viejo.

El Bosco. La exposición del V centenario
Del 31 de mayo al 11 de septiembre de 2016
Museo del Prado


Torres-García: Un Moderno en la Arcadia

27/05/2016, El Espacio Fundación Telefónica presenta una retrospectiva dedicada a Joaquín Torres-García, producida por el MOMA de Nueva York y en colaboración con el Museo Picasso Málaga.



Madrid, 27 de mayo de 2016
La muestra, que abarca la primera mitad del siglo XX y repasa los logros de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874-1949) en la pintura, la escultura, el fresco, el dibujo y el collage a través de más de 170 obras, podrá verse hasta el 11 de septiembre de 2016 en la planta 3 del Espacio Fundación Telefónica.

Joaquín Torres-García adoptó la libertad formal de la modernidad sin compartir la fascinación por el progreso de la mayor parte de las ideologías modernas, y tuvo como objetivo la ambición de producir un arte que fuese al mismo tiempo temporal y universal, constructivo y simbólico, abstracto y concreto. 

Esta exposición, que tras su paso por el Espacio Fundación Telefónica llegará al Museo Picasso Málaga, hace hincapié en la individualidad radical de un artista que elude clasificación alguna. Una figura central en la historia del arte moderno y un protagonista clave en los intercambios culturales trasatlánticos que ha fascinado a generaciones de artistas.

La exhibición se estructura cronológicamente en una serie de capítulos que abarcan desde sus primeras obras en Barcelona a finales del siglo XIX hasta sus últimas obras realizadas en Montevideo en 1949. Destacan dos momentos claves: de 1923 a 1933, cuando participa en varios de los primeros movimientos modernos de vanguardia europeos y establece su característico estilo pictográfico-constructivista; y el período de 1935 a 1943, cuando regresa a Uruguay y produce uno de los repertorios más contundentes de abstracción sintética: Estructura a cinco tonos con dos formas intercaladas (1948), y su última obra, Figuras con palomas (1949).

Joaquín Torres-García: Un Moderno en la Arcadia
Hasta el 11 de septiembre de 2016
Espacio Fundación Telefónica


Jeff Koons. Ballerina

26/05/2016, El MALBA presenta la obra Bailarina de Jeff Koons, quien por primera vez exhibe en Argentina una escultura para el espacio público.



Buenos Aires, 26 de mayo de 2016
Esta Bailarina sentada, una escultura de gran tamaño, es obra del célebre artista norteamericano Jeff Koons (York, Pensilvania, 1955), conocido en gran parte por crear obras que combinan las preocupaciones y los métodos del arte pop y del arte conceptual con la artesanía y la cultura popular.

En esta ocasión, Koons se inspiró en una pequeña bailarina de porcelana y la reconstruyó utilizando tecnologías de vanguardia. La escultura pertenece a la serie Antigüedad, que Koons comenzó a desarrollar en 2008, y en la que el artista explora temas como la belleza, la fertilidad, el amor y la conectividad, en un diálogo artístico que abarca la historia completa de la humanidad. 

Desde los 80, Jeff Koons ha venido creando una iconografía única, personal y a menudo controvertida. Su obra explora la obsesión contemporánea con el sexo y el deseo; la raza y el género; los famosos, los medios de comunicación, el comercio... Estos temas se fusionan de un modo muy particular a través de la iconografía y los materiales utilizados en sus creaciones.

Koons es uno de los artistas más influyentes del mundo, reconocido por ser el creador de íconos como Rabbit [Conejo] y Balloon Dog [Perro inflable]. Su obra ha sido exhibida en importantes galerías e instituciones de todo el mundo. Ha sido presentada en una gran muestra organizada por el Whitney Museum of American Art, Jeff Koons: A Retrospective [Jeff Koons: una retrospectiva] (2014), que luego viajó al Centre Pompidou de París (2014-2015) y al museo Guggenheim de Bilbao (2015). Sus esculturas públicas, como las monumentales Puppy [Cachorro] y Split-Rocker, han cautivado a las audiencias del Rockefeller Center de Nueva York, el Chateau Versalles, el Palacio Papal de Aviñón, y el Guggenheim de Bilbao. En Europa, ha realizado recientemente las exhibiciones Jeff Koons in Florence [Jeff Koons en Florencia], Palazzo Vecchio y Piazza della Signoria de Italia (2015) y Balloon Venus (Orange), en el Museo de Historia Natural de Viena, Austria (2016).

Jeff Koons. Ballerina
Hasta el 7 de septiembre de 2016
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Hispania Nostra. Patrimonio Español en Europa

25/05/2016, El Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid presenta "Hispania Nostra. 40 aniversario. Re-conociendo el Patrimonio Español en Europa", una exposición que recoge 40 años de premios en materia de Patrimonio.



Madrid, 25 de mayo de 2016
Este año 2016 se cumple el 40 aniversario de la fundación de Hispania Nostra, Asociación dedicada a promover la conservación y la defensa del patrimonio cultural y natural. Con tal motivo, la Asociación presenta "Hispania Nostra. 40 aniversario. Re-Conociendo el Patrimonio Español en Europa", una exposición que presenta todos los proyectos españoles premiados por Europa Nostra desde la creación de sus premios en 1978 hasta el año actual.

España es el país europeo que más premios ha conseguido hasta el momento, con casi 200 galardones en 38 años. 

La exposición del Colegio Oficial de Arquitectos presenta una visión global de la incidencia de los Premios Europa Nostra en un solo país, la dimensión geográfica de los Premios, las diferentes tipologías que los constituyen, la eficacia de los sistemas de preservación aplicados y la importancia cuantitativa y cualitativa del patrimonio español, que constituye una fuente de recursos sociales y económicos.

En un gran mapa de España, con las autonomías y localizaciones que han sido premiadas, a través de fotografías, textos y referencias en puntos de consulta multimedia, se mostrará al visitante la información sobre las intervenciones y proyectos premiados, así como de la labor de las instituciones, empresas, asociaciones y particulares implicados. 

Paisajes encontrados

24/05/2016, Hasta el 11 de septiembre de 2016 el Museo Lázaro Galdiano presenta la exposición José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya.



Madrid, 24 de mayo de 2016
La muestra parte de una selección de seis pinturas de la colección del Museo Lázaro Galdiano de los artistas El Bosco (Países Bajos 1450-1516), El Greco (Grecia 1541-España 1614) y Francisco de Goya y Lucientes (España 1746-Francia 1828), acompañadas por Cristo agonizante con Toledo al fondo, de El Greco, cedida para la ocasión por la Colección Banco Santander. Todas estas obras maestras se muestran junto a las fotografías realizadas por José Manuel Ballester (España, 1960).

La exposición permite al visitante realizar un diálogo entre las pinturas de los grandes maestros y el artista madrileño, que con sus fotografías descubre al espectador tres formas diferentes de representar los paisajes en tres momentos históricos: el Renacimiento, el Barroco y la Ilustración. 

Tres estilos que reflejan la sociedad y la historia de cada periodo: el paisaje más expresionista de un Greco que se adelanta al movimiento artístico alemán, otro más romántico y ensoñado, como el de Goya y, un paisaje renacentista de El Bosco, que busca representar un mundo idealizado y ordenado. En el caso del artista holandés y coincidiendo con la celebración del 500 aniversario de su muerte, Ballester presenta la instalación de videoarte El Jardín deshabitado, basada en el Jardín de las Delicias del Prado.

José Manuel Ballester interpreta las obras a través del “apropiacionismo”, sacando a la luz aspectos secundarios que sirven de telón de fondo, y dotándolos de un protagonismo que permite entender la forma de ver el mundo de los grandes maestros. 

El punto de partida de esta exposición pertenece al proyecto Espacios Ocultos, iniciado por Ballester en el año 2007, en el que vaciaba de “acción” obras emblemáticas de la Historia del Arte como El Jardín de las Delicias o La Anunciación de Fra Angélico. A través de su intervención, el artista destaca el espacio que envuelve el tema principal, a través de un ejercicio de vaciado que propicia una nueva lectura de los clásicos.

Desde entonces, Ballester ha intervenido en un creciente número de obras maestras del arte, caracterizadas siempre por un predominio de la arquitectura o de los espacios interiores, que el autor destaca, continuando con su línea de investigación. El resultado resalta poderosamente los distintos estilos artísticos y conduce a una profunda reflexión sobre en qué medida el contexto condiciona la manera de entender, apreciar y relacionarse con la realidad propia de cada momento histórico, y cómo es determinante en la manera de ver la realidad en toda ejecución artística. 

Exposiciones en el Institut Valencià d´Art Modern

23/05/2016, El IVAM presenta las muestras "Perdidos en la ciudad" y "Fotografía documental en Estados Unidos".



Valencia, 23 de mayo de 2016
Fotografía documental en Estados Unidos. Años 30
Una cuidada selección de fotografías, revistas, libros y documentales sirven como hilo conductor para revisar el contexto histórico de la obra de los fotógrafos de la Farm Security Administration (1935-1944), así como los trabajos de algunos de los máximos exponentes de la fotografía social estadounidense como Lewis Hine, Paul Strand o Ralph Steiner, presentes en la Colección del IVAM y representativos de los años treinta en Estados Unidos. 

En el ámbito de la fotografía, las imágenes que mejor ilustraron las secuelas sociales de la Gran Depresión (resultado del crac bursátil del 29), fueron las realizadas por los fotógrafos americanos Walker Evans, Dorothea Lange, Carl Mydans, Arthur Rothstein, Jack Delano, Marion Post, Gordon Parks, Rusell Lee, que participaron en el programa de la FSA.

Esta muestra profundiza en las valiosas instantáneas que reflejaron las consecuencias devastadoras de la grave crisis económica que sufrieron los EEUU, con cifras de desempleo catastróficas y sin un sistema de protección social.

Hasta el 4 de septiembre de 2016 

Perdidos en la ciudad. La vida urbana en las colecciones del IVAM
La ciudad es uno de los símbolos más característicos de la sociedad moderna. Cada año acuden a ella millones de personas buscando una vida mejor, más libre social y culturalmente, hasta tal punto que, actualmente, más de la mitad de la humanidad vivimos en espacios urbanos.

Las ciudades son el lugar del máximo desarrollo de las artes. Por ello, son muchos los artistas que tienen como elemento central de sus trabajos la vida en las ciudades, entendidas a menudo, como un collage de multitud de recuerdos y vivencias, como un laberinto confuso en el que los habitantes se cruzan inmersos cada uno en sus propios pensamientos. 

Esta exposición exhibe un gran número de obras que permiten conocer las múltiples visiones que han conformado la vida en las ciudades en el último siglo, a través de las obras de la colección del IVAM.

Fotografía documental en Estados Unidos. Años 30
Hasta el 4 de septiembre de 2016
Perdidos en la ciudad. La vida urbana en las colecciones del IVAM
Hasta el 4 de junio de 2017

Vikingos. Señores del Norte. Gigantes del Mar

23/05/2016, El Museo Arqueológico de Alicante organiza una exposición inédita en España que analiza una sociedad tan desconocida como mitificada: la de los vikingos.



Alicante, 23 de mayo de 2016
Si nos paramos a pensar en qué entendemos por un vikingo, la mayoría de nosotros probablemente esté equivocado. ¿Infames guerreros? ¿Demonios del mar? ¿Saqueadores? ¿Violadores? ¿Crueles? ¿Salvajes? Todos estos epítetos son, cuanto menos, cuestionables.

Saquearon, sí. Atacaron, sí. Piratearon, sí... Sin embargo, los vikingos fueron también granjeros, comerciantes, navegantes con barcos de avanzada tecnología, magníficos poetas y gente de un gusto refinado por el arte, prueba de ello son sus piedras rúnicas y otros objetos cotidianos decorados con deliciosos gusto. Además, hallazgos arqueológicos como peines, sets de aseo, pinzas, tijeras y ricas telas y refinadas joyas, nos permiten saber que eran una sociedad que cuidaba su higiene y su aspecto.

Los vikingos poseían un jerarquizado entramado social en el que la mujer tenía un estatus realmente importante. Un sistema en el que el esclavo podía ser liberado y el rey era escogido y depuesto si se daba el caso. Es importante mencionar que fueron los Vikingos los que desarrollaron un intricando y complejo sistema legal que les llevó a la creación de uno de los primeros parlamentos conocidos en el mundo, el thing de Islandia. 

En cuanto al comercio, abrieron nuevas rutas de exploración a través del Báltico y del Este; siguiendo los ríos Volga y Dniéper los vikingos fundaron emporios comerciales en la Europa eslava y llegaron a lugares tan lejanos como Constantinopla, Jerusalén, Bagdad o el Mar Caspio. A través de estas rutas comerciales importaron plata, seda, especias, armas, vino, vidrio, cerámica y piedras preciosas; y exportaron esclavos, miel, trigo, estaño, lana, pieles y cuero, plumas y halcones, marfil de morsa y ballena y ámbar.

El vikingo fue el hombre que vivió en los territorios de la península escandinava que hoy son Suecia, Noruega y Dinamarca —a los que se añadieron otros a medida que avanzaba la Era Vikinga— entre finales del siglo VIII y finales del siglo XI. Fue granjero en invierno, pirata en verano, comerciante en el este, guerrero en el oeste, saqueador, incursor, colono, aventurero, poeta, artesano, astrónomo... El vikingo fue un hombre sorprendentemente polifacético y autárquico, balanza de pesar plata en una mano y hacha o espada en la otra, erigía sus casas, mantenía su ganado, pescaba su comida, araba sus tierras, tejía su ropa, construía sus barcos, adoraba a sus dioses y se movía motivado por algo tan básico y tan importante como era conseguir bienes y riquezas; bien mediante el saqueo, bien mediante el comercio. 

La exposición del Museo Arqueológico de Alicante se centra en objetos tales como el barco vikingo, vital medio de transporte realizado con madera de roble, y con una gama de modelos, que iba desde los impresionantes barcos de guerra o slångskips, hasta los barcos mercantes o knarr para travesías marítimas, pasando por los barcos más pequeños para la pesca y transporte.

En la muestra se profundiza en los tipos de roles de la sociedad vikinga, y analiza figuras como la del guerrero, que desempeñaba un papel fundamental en un turbulento período de disturbios y discordias.

La religión era una parte importante de la vida cotidiana de los vikingos. Al principio la gente adoraba a los dioses y diosas de la mitología nórdica como Thor, Odín o Freyr, la diosa de la fertilidad. Los vikingos se encontraron con el cristianismo al mismo tiempo que los monjes cristianos trataban de convertirlos en sus países de origen. La transición al cristianismo fue lenta, y la arqueología ha revelado que ambas creencias convivieron durante un tiempo.

Vikingos. Señores del Norte. Gigantes del Mar
Museo Arqueológico de Alicante MARQ
Plaza Dr. Gómez Ulla s/n Alicante


Wildlife Photographer of the Year

20/05/2016, La Obra Social ”la Caixa” presenta, hasta el 11 de septiembre de 2016 la exposición Wildlife Photographer of the Year en CosmoCaixa Barcelona.



Barcelona, 20 de mayo de 2016
La exposición Wildlife Photographer of The Year tiene el objetivo de concienciar de la importancia de conservar la diversidad de la vida en nuestro planeta y documentar las maravillas y la belleza de la naturaleza.

La exposición reúne las 100 mejores imágenes de 2015 seleccionadas en el concurso anual de fotografía de naturaleza organizado por el Museo de Historia Natural de Londres y la revista BBC Wildlife Magazine. Se presentaron al concurso más de 42.000 instantáneas de fotógrafos amateurs y profesionales procedentes de 96 países.

Las fotografías van acompañadas de una explicación del autor y del jurado. En esta edición, Don Gutoski y Ondrej Pelánek han sido los ganadores, con las imágenes A tale of two foxes (Un cuento de dos zorros) y Ruffs on display (Combatientes en escena), respectivamente. 

A tale of two foxes (Un cuento de dos zorros)
Don Gutoski, que creció en una región rural de Canadá, desarrolló la afición por la fauna y la fotografía desde la adolescencia. Vive en la zona meridional del estado de Ontario, rodeado por una reserva de vida salvaje de 40 hectáreas creada por él mismo.

A cierta distancia, Gutoski vio un zorro rojo cazando algo en la nieve. Al acercarse se dio cuenta de que la presa, ya muerta, era un zorro ártico. Durante tres horas, con temperaturas de -30 °C, no se movió de donde se encontraba, hasta que el zorro rojo, arrastró el cadáver destripado para terminar su banquete más tarde.

En la tundra canadiense, el cambio climático amplía el territorio del zorro rojo hacia el norte, donde se encuentra con su pariente más pequeño, el zorro ártico. Para este último, el zorro rojo no es solo su competidor principal, sino también su depredador más importante.

Lewis Blackwell, presidente del jurado, comenta: «La escena tiene una gran fuerza simbólica: los zorros rojos cazan cada vez más zorros árticos a consecuencia del calentamiento global. Es la naturaleza, brutal y al mismo tiempo misteriosamente bella». 

Ruffs on display (Combatientes en escena)
A Ondřej Pelánek le regalaron una cámara compacta cuando tenía 8 años, y enseguida se aficionó a la fotografía de naturaleza. Hoy, con 14 años, es un experto naturalista y ha sido campeón, durante tres años consecutivos, de los Juegos Olímpicos de Biología de su región. También es un buen pintor de aves.

Pelánek y su padre viajaron al norte de Noruega en verano, cuando la luz solar reina las veinticuatro horas, para observar el «comportamiento guerrero» de los combatientes machos en época de apareamiento. Una noche, el muchacho captó esta pelea a la luz del sol de medianoche.

Reunidos en zonas de parada nupcial, los combatientes machos luchan por las hembras y defienden su territorio con saltos, galleando y erizando su característico collar de plumas. Su estatus viene determinado por el color del plumaje. Los que tienen el penacho de la cabeza oscuro controlan los territorios de la arena, mientras que los de plumaje más claro se limitan a rondar por los alrededores, en busca de una oportunidad para aparearse.

El jurado consideró que había logrado una imagen excepcional, llena de intensidad y elegancia». 

El concurso Wildlife Photographer of The Year, iniciado en 1965, se ha convertido en el foro mundial más respetado del arte de la fotografía de naturaleza y sus impresionantes imágenes sensibilizan sobre la importancia de conservar el rico patrimonio natural del planeta. Desde su primera edición el certamen ha defendido siempre la autenticidad fotográfica, las representaciones fieles de la naturaleza y el trato escrupuloso hacia los animales y su entorno.

Wildlife Photographer of the Year
Hasta el 11 de septiembre de 2016
CosmoCaixa (c. de Isaac Newton, 26), Barcelona

Arte y poder en la posguerra española

19/05/2016, Hasta el 26 de septiembre de 2016 se presenta en el Museo Reina Sofía una muestra que analiza el arte español de los años 40.



Madrid, 19 de mayo de 2016
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta "Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953", una exposición que analiza un período complejo que ha recibido escasa atención a pesar de su relevancia en la conformación de la sensibilidad moderna en España.

La exposición (una de las más importantes organizadas por el Reina Sofía en 2016) revisa las artes plásticas y la arquitectura de la postguerra española, a partir de un trabajo de investigación de más de tres años y se estructura en bloques temáticos autónomos, relacionados con aspectos clave de la época y entre los que existen conexiones y encadenamientos. 

El recorrido parte del final de la guerra civil, llegando al cambio de ciclo de los inicios de la década de los 50. Según María Dolores Jimenez Blanco, comisaria de la muestra: “el período entre 1939 y 1953 fue un tiempo marcado por el miedo y el silencio pero ni siquiera las dificultades ideológicas o materiales lo redujeron a un desierto. Tampoco consiguieron aislarlo ni del exterior ni del pasado”. La muestra presenta cerca de 1000 piezas (unas 100 pinturas, 20 esculturas, 200 fotografías, 200 dibujos, bocetos teatrales, 26 filmaciones, 10 maquetas arquitectónicas, 200 revistas y diversos materiales documentales de archivo), procedentes de colecciones y archivos públicos y privados.

Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española
Hasta el 26 de septiembre de 2016
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía


Joan Jonas en la Fundación Botín

19/05/2016, La Fundación Botín de Santander presenta una exposición dedicada a una figura clave del performance art, Joan Jonas.



Santander, 19 de mayo de 2016
La artista estadounidense Joan Jonas (Nueva York, 1936), pionera de la performance, el cine experimental y la vídeo-instalación, protagoniza la nueva exposición de la sala de exposiciones de la Fundación Botín.

La exposición, que podrá verse del 25 de junio al 16 de octubre, incluye una obra concebida específicamente para su exhibición en la Fundación Botín, y que profundiza en la investigación de la artista sobre la compleja relación del ser humano con la naturaleza (una constante a lo largo de su trayectoria). Jonas analiza los rápidos cambios generados por la actividad humana sobre la tierra y la relación distante, casi abstracta, que el “mundo desarrollado” mantiene con su entorno y la indiferencia total acerca de la fragilidad del medio ambiente. 

Esta nueva instalación multimedia de Jonas se mostrará junto a una selección de vídeos que documentan cinco de las más relevantes performances que ha ejecutado la estadounidense en los últimos quince años. Este conjunto de obras brinda al visitante una perspectiva única del universo creativo de Jonas, figura fundamental de la vanguardia neoyorquina de finales de los años sesenta y comienzos de los setenta.

Las exploraciones de la artista con los nuevos medios a finales de los años sesenta y principios de los setenta y el descubrimiento de la obra de Oldenburg, Rainer o Forti ampliaron su práctica artística, conduciéndole a establecer los fundamentos formales del performance art, una práctica que permite a la artista incorporar a su trabajo, además de la escultura y el dibujo, el sonido y una dimensión espacio-temporal, la danza y el teatro.

En 1994 Jonas inicia una reflexión sobre cómo re-escenificar sus performances antiguas que le lleva a introducir objetos y vídeos, creando así sus primeras instalaciones. La introducción del vídeo le permite dibujar y manipular objetos y mostrar esta acción en tiempo real en una pantalla, para luego proyectar lo grabado como telón de fondo, creando una capa adicional de información, aumentando y realineando simultáneamente el concepto de espacio y perspectiva. 

Adolfo Best Maugard. La espiral del arte

18/05/2016, Una exposición en el Centro Cultural Jardín Borda rescata la importancia y los aportes del pintor Adolfo Best Maugard al arte moderno mexicano.

México, 18 de mayo de 2016
A través de 143 piezas que revelan al artista en todas sus etapas creativas, esta retrospectiva examina de manera integral la producción de Best Maugard, desde sus inicios como pintor, su incursión en el cine y el teatro, y su creación de escenografías en eventos históricos, hasta la influencia que tuvo su método de dibujo mexicano en otros artistas.

Tras su paso por el Centro Cultural Jardín Borda, la exhibición abrirá sus puertas en el Museo del Palacio de Bellas Artes el 25 de agosto de 2016.

La exposición se estructura en seis espacios museográficos que aluden a los elementos lineales propuestos por Best Maugard, y cuenta con obras del artista, así como de algunos contemporáneos de la primera década del siglo XX hasta los años cincuenta.

Las piezas seleccionadas provienen de 43 colecciones, entre las que se encuentran la Colección Andrés Blaisten, la Colección Francisco García Palomino, el Museo Nacional de Arte Moderno (INBA), el Museo de Basílica de Guadalupe, la Colección Victor Águila, la Colección Juan Coronel, el Museo del Estanquillo. Colección Carlos Monsiváis, o la Colección Lance Aaron de Texas en Estados Unidos.

Secciones de la muestra:
El paisaje natural y el carácter mexicano 1909-1920 exhibe los paisajes realizados por Best Maugard al inicio de su carrera. Pintados en México y España, estos paisajes rurales manifiestan las inquietudes estéticas de su relación con otros artistas.

El nacionalismo cultural y las artes plásticas, 1920-1930 parte de la construcción del movimiento plástico revolucionario propuesto por artistas como Best Maugard, donde se revaloran las expresiones de la cultura popular, su riqueza expresiva y su calidad estética.

El Método de dibujo mexicano, 1917-1924 plasma la creación, desarrollo y expansión del método de dibujo propuesto por Best Maugard. El manual de “dibujo mexicano” presenta la universalidad de las siete formas lineales y decorativas para construir cualquier forma de la naturaleza. Sus páginas revelan la cábala plástica y el misticismo teosófico del autor, cuyo interés era reencontrar el sentimiento mexicano en las manifestaciones populares para diseñar una “gramática del dibujo”.

Best Maugard y el cine, 1931-1937 aborda la incursión del pintor dentro de la industria fílmica durante los primeros años de la década de los 30.

El rostro y la mirada, 1951-1964 exhibe el regreso de Best Maugard a la pintura de caballete durante la década de los 50. Destacan sus retratos de figuras humanas con especial énfasis en la mirada, entendiéndose ésta como la principal característica para descubrir el aliento vital de los personajes.

Una galería de caricaturas cierra el recorrido por la exposición. En esta sección se puede observar el peculiar sentido del humor y la elegancia por la que era conocido en el mundo de sus contemporáneos.

Día Internacional de los Museos en el Reina Sofía

17/05/2016, En el Día Internacional de los Museos, 18 de mayo, el Reina Sofía ofrece diversas actividades que tienen como objetivo compartir los espacios y aspectos menos conocidos de la institución con los visitantes.

Madrid, 17 de mayo de 2016
Arte, música y danza protagonizan el Día Internacional de los Museos en el Reina Sofía, que ofrece entrada gratuita a todas las actividades.

Durante la jornada, los visitantes podrán sentirse partícipes de la programación, proyectos expositivos y procesos de trabajo del museo. Además, como plato fuerte la emisora Radio 3 se une a la celebración y, desde las siete de la mañana hasta las diez de la noche, realizará una programación especial en directo en un escenario en el Patio Nouvel del Museo Reina Sofía, y por el que pasarán artistas como Manel, Izal, Hinds, Iván y Amaro Ferreiro, Kiko Veneno, Óscar Mulero, Amaral, Niño de Elche, beGun, Fuel Fandango, Anaut, Muchachito, Amatria, Javier Elorrieta, Carmen Boza, Jorge Drexler, Alex Cooper, Corizonas, Los Nastys, Jayme Marques, Paloma del Sol, Novedades Carminha, Coque Malla, Los Mambo Jambo, Neuman, Anni B. Sweet, Modelo de Respuesta Polar, Ariadna Castellanos con Ed is Dead, Menil, Miss Caffeina, Lichis, Maika Makovski, Verónica Ferreiro, El Twanguero, Papaya y muchos más.

A las 12.00h. y a las 18.00h. el público podrá acceder a la sala 102 de la Colección para contemplar el espectáculo de danza contemporánea Eran casi las dos, creada por la coreógrafa e intérprete Carmen Fumero y el bailarín Miguel Ballabriga. En 2015, esta pieza consiguió el Primer Premio en el II Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán y el primer premio en el 29o Certamen Coreográfico de Madrid.

El Auditorio 400 del Museo Reina Sofía acogerá un concierto del Niño de Elche a las 20.00 h. Desde un conocimiento profundo de la tradición y con la voz como instrumento privilegiado, Niño de Elche trasciende las estructuras academicistas para crear y expresarse con total y brillante libertad. El concierto que ofrece en el Museo Reina Sofía se basa en los números que portaban en sus cuerpos los presos marroquíes de Guantánamo, y en el que relacionará el maltrato a los animales con el que se ejerce contra los humanos, estableciendo un paralelismo entre todas las violencias.

A lo largo de la jornada se sucederán visitas guiadas por voluntarios a la Colección a las siguientes exposiciones: Campo Cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953; Wifredo Lam; Rémy Zaugg. Cuestiones de percepción (Palacio de Velázquez del Retiro) y Colectivo Acciones de Arte (C.A.D.A.), 1979-1985 (Biblioteca y Centro de Documentación).

En Visto y no visto, una persona ciega y una educadora especializada en accesibilidad proporcionarán al público general estrategias plurisensoriales de acercamiento al arte. Con esta iniciativa, el Museo pone en valor la forma de percibir y de aproximarse al arte por parte de las personas ciegas e invita a sus visitantes a una experiencia innovadora de la percepción de las obras.

Finalmente, el Reina Sofía ofrecerá al público la oportunidad de conocer la documentación que se conserva y los servicios que presta. Para ilustrar la presentación, se mostrará una selección de documentos de especial interés que incluyen correspondencia de artistas, informes de restauración de piezas, documentos relacionados con la actividad propia de la institución, proyectos para la ampliación del edificio del Museo y otros materiales.

Luis Seoane. Retrato de esguello

17/05/2016, Con motivo de la celebración del veinte aniversario de la creación de la Fundación Luis Seoane (1996-2016), se presenta la muestra Luis Seoane. Retrato de esguello.

La Coruña, 17 de mayo de 2016
Luis Seoane (Buenos Aires 1910-A Coruña 1979) es una de las personalidades más relevante de la cultura gallega del siglo XX, al menos en el ámbito artístico y creativo. Esta exposición, realizada por la Fundación Luis Seoane en colaboración con el MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo, analiza la voz de Luis Seoane en sus múltiples facetas: intelectual comprometido, pintor, dibujante, grabador, muralista, diseñador gráfico e industrial, escenógrafo, poeta, narrador, guionista, ensayista, comunicador, crítico y teórico de las artes.

La muestra proyecta la expresividad de sus pintura y tapices, su sensibilidad para el dibujo, y su dominio de las técnicas del grabado o de la pintura mural, así como su labor editorial como impulsor de colecciones y de revistas, como ilustrador y diseñador de cubiertas y como editor, donde jugó un papel en el desarrollo del libro en Argentina, siempre con la cultura gallega como telón de fondo.

Luis Seoane. Retrato de esguello se concibe como un diálogo con la sala permanente de Luis Seoane, y abarca sus más de cincuenta años de trayectoria artística a través de más de 200 obras entre pinturas, dibujos, grabados, acuarelas, tapices, carteles publicitarios, bocetos murales, diseños cerámicos y publicaciones.

Formado en la época de la dictadura de Primo de Rivera, luchador en los años de la República, huido en 1936, y organizador y promotor de la vida cultural en el exilio, Luis Seoane fue testigo de excepción de este convulso siglo. Su obra, su pensamiento abierto y sus iniciativas hacen de Seoane un personaje destacado en el panorama de la cultura gallega y española del siglo XX, que ayudó a construir con su esfuerzo, su talento y su compromiso.

Luis Seoane. Retrato de esguello
Hasta el 25 de septiembre de 2016
Fundación Luis Seoane
San Francisco, 27, A Coruña

Camouflages, Joan Fontcuberta

13/05/2016, El Museo de la Universidad de Navarra presenta una exposición que dialoga con ideas profundas de la época moderna: el lugar del artista en la sociedad, la función del humor frente a la autoridad...

Pamplona, 13 de mayo de 2016
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) viene desarrollando desde los años 80 proyectos fotográficos centrados en la reflexión sobre el frágil estatuto de la verdad que se atribuye a la fotografía desde diferentes ámbitos como la ciencia, el periodismo o la vida cotidiana. Esta exposición antológica presenta siete de los principales proyectos del fotógrafo, en los que está presente, de un modo u otro, el camuflaje fotográfico: la ambigüedad de la fotografía que oscila siempre entre la información y la ficción.

Herbarium (1984) presenta una colección de primeros planos de plantas sobre fondo neutro. Herbarium sigue el modelo de los repertorios científicos de comienzos de siglo, y en especial el proyecto de Karl Blossfeldt, que en las primeras décadas del siglo XX realizó un amplio herbario con planos de plantas de formas sorprendentes, inspirado por la estética del art nouveau.

Fauna (1987) cuenta la historia del profesor Peter Ameinsenhaufen, un científico que a comienzos del siglo XX emprendió un trabajo de búsqueda de híbridos y mutaciones géneticas. El resultado es un amplio repertorio zoológico, del que aquí se presentan documentos, fotografías y animales disecados, que presenta descubrimientos como el Corcopithecus icarocornu, un simio de cola larga, cuerno y grandes alas hallado en la selva amazónica.

Sputnik (1997) presenta la historia de Iván Istochnikov, un astronauta soviético desaparecido tras el fracaso de su misión en 1968. Aunque fue un personaje célebre en su momento, la URSS borró a Istochnikov de los archivos, relegándolo al olvido. Sólo la aparición de documentos privados tras la caída del Muro ha permitido reconstruir la historia de este personaje, a través de fotografías, cartas y objetos.

En Constelaciones (1993) las imágenes muestran lo que parecen ser una serie de vistas de constelaciones, cuyos datos se indican en los títulos, que proporcionan información exacta sobre el lugar y el momento en que las imágenes fueron tomadas.

El artista y la fotografía (1995) recupera obras desconocidas de algunos de los grandes maestros del arte del último siglo (Picasso, Miró, Dalí y Tàpies), para mostrar su relación con el medio fotográfico. Así, se presentan fotografías directas, fotogramas, foto collages y otras obras que muestran cómo la fotografía ha servido como estímulo creativo para muchos de los grandes creadores del siglo XX.

Camouflages (2009) presenta seis variaciones sobre El caballero en la mano en el pecho. En cada una de ellas, una parte de la obra de El Greco se sustituye discretamente por un miembro del cuerpo propio Joan Fontcuberta, que aparece camuflado en el interior del retrato clásico.

Orogénesis (2002) extiende los problemas de autoría, veracidad y construcción hasta la era digital. Gracias a un programa informático, el artista genera paisajes ficticios que responden a los tópicos de la estética romántica.

El Ministerio de Cultura de España le otorgó en 1998, el Premio Nacional de Fotografía y en 2011 el Premio Nacional de Ensayo. En 2013 Joan recibió el Premio de la Fundación Hasselblad que reconoce a uno de los fotógrafos contemporáneos con mayor inventiva, cuya trayectoria de investigación constante del medio fotográfico se expande a lo largo de cuatro décadas. Su trabajo se distingue por un planteamiento conceptual original y lúdico que explora las convenciones fotográficas, los sistemas de representación y los regímenes de verdad.

Su producción ha sido objeto de muestras en el MoMA, de Nueva York (1988); el Musée Cantini, de Marsella (1990); el Art Institute, de Chicago (1990) ; el MNAC, de Barcelona (1999); el Palazzo delle Esposizioni, de Roma (2001); Aperture Foundation, de Nueva York (2006); FOAM Fotografiemuseum, de Ámsterdam (2010); Casa de la Moneda, de Bogotá (2011), entre otros muchos.

Punk y arte contemporáneo

13/05/2016, Del 13 de mayo al 25 de septiembre de 2016 una muestra del MACBA analiza los efectos de una de las referencias culturales del siglo XX que más poso ha dejado en el arte contemporáneo.

Barcelona, 13 de mayo de 2016
El punk es una actitud hecha de rabia, ruido, inconformismo, negación y provocación que atraviesa el siglo XX y que se prolonga más allá de los setenta, más allá del contexto anglosajón y más allá de la escena musical.

Más allá de las divisiones entre artistas, el ruido rabioso del punk ha unido y une a muchos creadores. La actitud punk, fruto de una historia que se remonta al dadaísmo pasando por el situacionismo, está muy presente en la producción artística contemporánea. De este modo, la muestra "Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo" recoge su influencia en el arte actual y establece una genealogía que llega hasta nuestros días, siguiendo el camino abierto por Greil Marcus en Rastros de carmín.

Algunos de los artistas reunidos en la muestra fueron testigos de la explosión del punk en los setenta; otros son anteriores y demuestran el lazo histórico del punk con otros movimientos radicales. En muchos casos el punk aparece como una referencia explícita, plasmada en elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el antidiseño y el feísmo, o en la inclusión de referencias musicales directas. La exposición también presenta los rastros del punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el «hazlo tú mismo»; la referencia al miedo y el terror en una sociedad que aliena a los individuos; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; o la reivindicación de la libertad sexual.

Una selección de fanzines, vídeos, películas, reportajes, pósters, libros y discos completa la muestra, y documenta los antecedentes del punk, su explosión y su repercusión en diferentes contextos.

Adriaen van de Velde

12/05/2016, Del 24 de junio al 23 septiembre, el Rijksmuseum presenta una exposición excepcional para profundizar en el conocimiento de Adriaen van de Velde, un maestro holandés relativamente olvidado.

Amsterdam, 12 de mayo de 2016
La exposición se anuncia como la mayor retrospectiva jamás realizada sobre el trabajo de Adriaen van de Velde, unos de los grandes paisajistas del Siglo de Oro, extraordinario pintos también de animales.

Adriaen es hijo de Willem van de Velde el Viejo y hermano de Willem van de Velde y de muy joven destacó por su capacidad pictórica. Los campos abiertos, prados y animales, así como los paisajes invernales fueron asuntos muy querido por él. También realizó algunas obras de tema religioso.

La exposición cuenta con sesenta pinturas, estudios preliminares y dibujos de este artista que murió muy joven. Proceden de colecciones privadas y de museos como el Louvre, la Gemäldegalerie Alte Meister en Kassel, el Thyssen Bornemisza de Madrid, el Mauritshuis y el Museo Británico.

Un superdotado
Durante gran parte de su vida -falleció cuando tenía sólo treinta y cinco años- se le consideró como uno de los más grandes artistas del siglo XVII. Fue conocido por su pericia para reflejar personas y animales. Su fama póstuma duró hasta mediados del siglo XX. Hoy en día, su nombre es escasamente conocido y por ello el Rijksmuseum y la Dulwich Picture Gallery de Londres han decidido recuperar su memoria.

Desde muy joven, Adriaen se convirtió en un pintor de paisajes y dibujante extraordinario. Sus estudios en animales son considerados como ejemplos sublimes del género. Los dibujos revelan que hizo meticulosos preparativos para sus populares pinturas de paisajes. Otros artistas de su tiempo recabaron su ayuda para pintar figuras en sus paisajes rurales y urbanos.

Reuniendo pinturas notable de Van de Velde con sus dibujos preliminares, la exposición presenta una idea representativa de su obra y ofrece a los visitantes una visión única de método de trabajo de Van de Velde. Muchos de los motivos en los dibujos detallados aparecen en sus pinturas. De este modo los espectadores podrán seguir todas las etapas del proceso creativo como en ningún otro autor de la época.

Las sesenta obras de la exposición -treinta y siete dibujos y veintitrés pinturas- provienen de colecciones públicas y privadas en los Países Bajos y del extranjero. Entre las obras de especial interés se incluye la playa de Scheveningen, una obra que pintó cuando tenía veintiún años, cedida por la Gemäldegalerie Alte Meister de Kassel, y un panel de madera de una escena de playa, que data de 1660, un raro préstamo del Louvre. El Rijksmuseum está representado en la muestra con cinco pinturas y diez dibujos.

El sabor de una época

12/05/2016, Prorrogada hasta octubre de 2016 la exposición "El sabor de una época. Carteles publicitarios de alimentación de la colección del Museo del Traje".

Madrid, 12 de mayo de 2016
El cartel publicitario nace a finales del siglo XIX como forma de expresión para dar voz a las inquietudes y necesidades de la moderna sociedad industrial. Durante el último cuarto del siglo se producen grandes transformaciones socioeconómicas y culturales, y adelantos técnicos en la industria del papel y métodos de impresión como la litografía dan impulso al crecimiento del cartel publicitario. Artistas como Julius Chéret o Toulouse Lautrec reclaman desde las paredes la atención de los viandantes anunciando las recién nacidas marcas de productos comerciales y una amplia oferta de actividades y establecimientos de ocio.

El Museo del Traje presenta 46 carteles que tienen un motivo común, la gastronomía. En la selección se encuentran carteles de artistas, como Leonetto Capiello, Julius Cheret y Carlos Vázquez, en una gran variedad de aspectos formales, técnicos y estéticos, pero con el vínculo común de ser un fiel reflejo de la sociedad de su tiempo.

El importante papel de los productos alimenticios en la publicidad de estos años es indicador del bajo nivel de vida de la población europea, situación agravada por las guerras, que destina la mayor parte de sus ingresos a la compra de alimentos.

Estos carteles anuncian bebidas alcohólicas, refrescos y aguas de mesa, presentados como remedios curativos, o cubitos de caldo, leche condensada y leche en polvo, productos que pretenden suplir las carencias nutricionales de gran parte de la población durante estos duros años de escasez.

Animados por los concursos de carteles convocados por marcas como Codorniú, o Anís del mono, los artistas ven en el cartel un nuevo medio de expresión y difusión.

Las exposiciones de carteles que se suceden en las ciudades europeas también contribuyen al extraordinario desarrollo del cartel, que vive durante los últimos años del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX sus años de esplendor.

El sabor de una época. Carteles publicitarios de alimentación de la colección del Museo del Traje
Hasta el 15/10/2016
Entrada gratuita

El cohete y el abismo

11/05/2016, Damián Ortega expone por primera vez en España en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro.

Madrid, 11 de mayo de 2016
El Museo Reina Sofía presenta en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro la muestra El cohete y el abismo, del creador mexicano Damián Ortega (México D.F, 1967).

En su primera exposición en España, Ortega desarrolla un proyecto específico para el Palacio de Cristal, incorporando la arquitectura del edificio como soporte de su instalación, en la que el artista mexicano alude al discurso plástico que caracteriza su obra, a través de la que explora situaciones específicas y establece un discurso crítico sobre cuestiones económicas, estéticas y políticas.

Damián Ortega se inicia como dibujante de historietas políticas ácidas para periódicos en los años 80. Sus inquietudes plásticas dan un giro cuando se incorpora al Taller de los Viernes en Tlalpan (activo de 1987 a 1992), donde entra en contacto con una comunidad creativa plural y alternativa al muralismo reaccionario dominante en México. En este marco realiza sus primeras esculturas, conservando el tono irónico de su anterior ocupación.

Ortega se interesa por situaciones específicas y objetos cotidianos que altera y transforma para problematizar nociones más amplias. El artista juega con las arquitecturas, divide el espacio y determina la percepción del mismo. La altura de una construcción, por ejemplo, pone en cuestión las leyes de la gravedad y, al mismo tiempo, describe un entramado discursivo, es el lenguaje de intereses diversos.

Esta doble condición de lo arquitectónico, física y simbólica, se encuentra presente en su intervención en el Palacio de Cristal, en la que revisita la Torre Latinoamérica, haciendo de ella un péndulo, invirtiéndola y colgándola mediante un hilo de acero desde el punto más alto de la cúpula del Palacio. Emplea, para su estructura, piel impresa, estableciendo de esta manera un juego entre la flexibilidad y ductilidad de esta y la solidez que se le presupone a la construcción arquitectónica. Su interior vaciado alberga un depósito de arena, que a modo de reloj y a medida que el péndulo oscila, libera los granos sobre el suelo del espacio dibujando formas imprevisibles y variaciones inesperadas.

Damián Ortega. El cohete y el abismo
Hasta el 2 de octubre de 2016
Palacio de Cristal, Parque del Retiro
Organiza Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Arco Lisboa

11/05/2016, Lisboa celebra la primera edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) del 26 al 29 de mayo de 2016.

Lisboa, 11 de mayo de 2016
Durante estos días de mayo, Lisboa se convierte en la capital del arte contemporáneo. Arco traspasa los límites del recinto madrileño de Ifema y llega a Portugal para realizar la primera edición de esta plataforma ya asentada en España y que llega a la capital lusa para apoyar a las galerías portuguesas.

La Fábrica Nacional da Cordoaria será el espacio que albergará 44 galerías seleccionadas por el Comité Organizador de Arco. La muestra realizará un recorrido que se inicia en el siglo XX y llega hasta nuestros días a través de obras de numerosos artistas.

La intención de esta primera edición de Arco fuera de España es la de promover además diálogos entre profesionales locales y extranjeros en el Foro de Coleccionismo y el Foro de Instituciones, que tendrán lugar en el espacio Torreão Nascente EGEAC, situado en la Plaza del Comercio.

Los encuentros contarán con la participación de instituciones como Museu Serralves, Museu Calouste Gulbenkian, Museu Coleção Berardo y Kunsthalle Lisabon, además de profesionales, comisarios y críticos de todo el mundo.

Más información en www.visitlisboa.com

Quema histórica de marfil en Kenia

10/05/2016, El Parque Nacional de Nairobi ha sido el escenario de la mayor quema de marfil contra el furtivismo de la historia.

Nairobi, Kenia, 10 de mayo de 2016
El pasado 30 de abril ardieron 105 toneladas de marfil junto con 1,5 toneladas de cuerno de rinoceronte. La totalidad del marfil incinerado se estima que proviene de la matanza de aproximadamente 6.000 o 7.000 elefantes. Con este gesto Kenia demuestra que no va a tolerar el comercio ilegal de vida salvaje que está diezmando poblaciones de especies amenazadas.

El marfil incinerado provenía de la incautación del botín de cazadores y comerciantes furtivos. La quema ha coincidido con una Cumbre de alto nivel con representantes de varios gobiernos africanos para debatir sobre la conservación de los elefantes, y la lucha contra el furtivismo y el comercio ilegal de marfil.

La caza furtiva ha sido una amenaza para los elefantes desde hace décadas, pero este delito ha crecido hasta convertirse en una red de crimen organizado internacional, algo que incluye a otras muchas especies en peligro.

Cada año mueren 30.000 elefantes africanos a manos de cazadores furtivos. Entre las áreas más afectadas se encuentra Tanzania, que ha perdido en los últimos 5 años el 60% de sus elefantes, y Mozambique, que ha perdido el 50% de la población de elefantes en cinco años.

Si no logramos frenar la tendencia actual es muy posible que lleguemos a presenciar la extinción de elefantes en África Central.

Johanna Calle en el Museo Amparo

09/05/2016, El Museo Amparo presenta la exposición "Johanna Calle. Silentes, 1985–2015", organizada por el Banco de la República de Colombia, y que podrá visitarse hasta el 6 de junio de 2016.

Puebla, México, 9 de mayo de 2016
La obra de Johanna Calle es una de las más poéticas del arte contemporáneo colombiano. La exposición del Museo Amparo revisa su trabajo entre 1985 y 2015, un período de gran experimentación plástica en el que la artista expandió su práctica del dibujo al uso de materiales inusitados como alambre, hilos, fotografías o papel perforado, y trabajó con rigurosidad investigativa en obras que aluden a la realidad social de Latinoamérica.

Como si fueran poemas, las imágenes de Johanna Calle se elaboran con cuidado y condensan significados. Sus temáticas surgen de la realidad latinoamericana en la que la artista encuentra cuestiones como la fragilidad de los niños en medio de los conflictos que asolan Colombia, el crecimiento incontrolado de los asentamientos urbanos, la indefensión de los campesinos desplazados, los atentados medioambientales en un país con una de las biodiversidades más ricas del planeta, la pérdida de riqueza lingüística, etc.

Con cerca de 350 obras, algunas de ellas inéditas y otras que se exhiben por primera vez en el país, la exposición incluye series tan representativas como Nombre propio, Perímetros o Perspectivas.

Johanna Calle
Johanna Calle (Bogotá, Colombia, 1965) estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes e hizo un Máster en Fine Arts en el Chelsea College of Art de Londres. Entre sus exposiciones recientes figuran la 31 Bienal de São Paulo en 2014; Lines en la Galería Hauser & Wirth de Zurich en 2014; SITELines en SITE Santa Fe en 2014; América Latina 1960-2013 en la Fondation Cartier pour l’art Contemporain de París y el Museo Amparo de México entre 2013 y 2014; Indicios en la Galería Casas Riegner de Bogotá en 2014; Marking Language en Drawing Room de Londres en 2013; Fotogramática: Photographic Drawings en la Galerie Krinzinger de Viena en 2013; Graphos en la Galería Marilia Mazuk en 2014; y en la Bienal de Sidney en 2016.

Johanna Calle. Silentes, 1985–2015
Museo Amparo, 2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla, Pue. México
Hasta el 6 de junio de 2016

El Bosco en Viena

09/05/2016, Hieronymus van Aeken Bosch, "El Bosco", será el protagonista de dos grandes exposiciones vienesas a partir del mes de junio de 2016.

Viena, 9 de mayo de 2016
Con motivo del 500 aniversario de la muerte de Hieronymus Bosch, dos exposiciones en Viena están dedicadas a su pintura y sus visiones fantasmagóricas. Ambas tienen lugar en la Pinacoteca de la Academia de Bellas Artes.

Por un lado, la exposición "¿Naturaleza desviada? Seres híbridos, gnomos y monstruos (no solo) en El Bosco" se ocupa de las espeluznantes y variopintas criaturas del “Juicio Final“ y del arte en general desde el Medioevo hasta el presente. Por el otro, la muestra "Hieronymus Bosch 500. El Juicio Final en Viena" gira entorno a la pieza estrella de la Pinacoteca, el gran tríptico del Juicio Final del pintor neerlandés. La exposición se centra en sus secretos y aporta nueva luz sobre los orígenes de la obra.

Hijo de Antonio van Aken y nieto de Jan van Aken, ambos pintores, el célebre pintor flamenco Hieronymus Bosch, "El Bosco", aprendió probablemente el oficio en el taller de su padre. En esta primera parte de su vida llevaría a cabo obras como La extracción de la piedra de la locura (Prado) y Prestidigitador (Musée Municipal, Saint-Germain-en-Laye), en las que ya se manifiesta su personalidad singular.

Comienza pronto a adquirir un amplio prestigio en el país a consecuencia del cual comenzaba a firmar sus obras como «Bosch» o «Iheronimus Bosch», apelativo que alude a su residencia. Realiza por entonces obras como los Pecados capitales (Prado), Las bodas de Caná (Boijmans van Beuningen Museum, Róterdam) o la Nave de los locos (Musée du Louvre, París).

En su etapa de madurez realiza los trípticos El carro de heno (Prado) y El jardín de las delicias (Prado), donde su capacidad creadora y su imaginación quedan más que patentes. Otras dos obras maestras suelen fecharse en sus años finales, se trata de los trípticos de La Adoración de los Magos (Prado) y Las tentaciones de san Antonio (Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa). En estos cuadros devocionales, en extremo expresivos, el artista recurre la caricatura y al detalle en paisajes extremadamente delicados.

Muere en 1516, en una buena posición económica y siendo apreciada su pintura en varias zonas de Europa. Su fama no disminuyó con la muerte, aunque algunos lo tacharon de loco. Felipe II llegaría a afirmar que así cuando los artistas pintaban a los hombres como querían ser, él los pintaba tal como eran.

Academia de Bellas Artes de Viena
Schillerplatz 3, 1010 Viena

Gonzalo Chillida en la Sala kubo-kutxa

04/05/2016, Hasta el 3 de julio de 2016 se puede ver en la Sala kubo-kutxa una exposición retrospectiva dedicada a la figura de Gonzalo Chillida.

San Sebastián, 4 de mayo de 2016
Esta exposición, la primera gran retrospectiva dedicada a la trayectoria de Gonzalo Chillida, permite al visitante conocer su universo creativo y descubrir una producción dominada por la coherencia. A través de una selección de óleos, dibujos, grabados y fotografías que abarcan cinco décadas de trabajo, el recorrido se inicia con los paisajes y bodegones constructivos de su primera época, pasando por los experimentos abstractos de los cincuenta y sesenta, para finalmente desembocar en los temas esenciales de su pintura: arenas, marinas, cielos y bosques.

Chillida transita entre abstracción y figuración en lo plástico, mientras que en lo referencial juega entre tierra y mar, mar y cielo, noche y día, imagen y vacío. Su obra, llena de matices, se encuentra al servicio de una idea trascendente dominada por la poética del silencio.

Gonzalo Chillida nace en San Sebastián el 12 de Enero de 1926. Ingresa en 1947 en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y frecuenta las clases de dibujo del Círculo de Bellas Artes. En 1951 amplía sus estudios en París, donde vivirá hasta 1953. En estos primeros años realiza una pintura realista, influida por las formas geométricas del cubismo y la pintura metafísica.

A finales de los 50 y principio de los 60 comienza a definir su personal estilo pictórico que va evolucionando hacia la abstracción, siempre partiendo de un motivo real como son el mar y las playas de San Sebastián, los paisajes de la montaña vasca o las vistas de la meseta castellana. Su pintura irá progresando hacia formas más desdibujadas, hacia composiciones cada vez más esenciales y libres, logradas mediante sutiles pinceladas de color.

Su obra, representada en museos y colecciones públicas y privadas tanto nacionales como extranjeras, fue reconocida en el año 2001 con la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

Miguel Herrero: Raíces y Esencias

04/05/2016, El Museo de Santa Cruz de Toledo presenta una muestra imprescindible para comprender y analizar a uno de los artistas clave del Siglo XX.

Toledo, 4 de mayo de 2016
Esta Exposición, estructurada cronológicamente en una serie de décadas abarcando la obra completa del artista, analiza la producción de Herrero, desde sus primeras obras en la década de los años 40 hasta sus últimas obras realizadas en la década de los 90, y deja patente la diversidad de su arte único y personal en un recorrido intenso por su temática, técnica y filosofía.

Se presentan 50 Obras con diversas técnicas de óleo, pastel, tintas, lápiz, acuarela y técnicas mixtas sobre diversos soportes. Asimismo, se presentan películas, fotografías, reportajes periodísticos y poemas que completan una visión completa de el artista.

Nacido en 1922, Herrero recibe su formación académica en la Escuela de San Fernando entre 1946 y 1950, donde inició con ritmo frenético su carrera artística y vital.

Miguel Herrero no se conformó con ser pintor, también fue poeta, crítico y cineasta, produciendo en 1957 una película muda sobre la Metamorfosis de Kafka, film que ha sido estudiado en Escuelas de Cinematografía. Su estilo expresivo, de colores recios y pinceladas enérgicas, enlaza bien con sus contemporáneos que tratan de superar el realismo tradicional y las excesivas normas académicas con otra figuración nueva más provocadora.

En los primeros años de su carrera, el color tiene una presencia en tonos ocres con una nitidez en la expresividad de la esencia de los personajes. A medida que asimilaba su personalidad artística y transformaba su actitud inquieta a través de diversos canales artísticos, Herrero se mantuvo fiel a una visión muy personal de expresividad plasmando la realidad de su época y dándole una interpretación muy determinante. Su independencia y personalidad modela los volúmenes de las formas de los personajes con una expresividad muy personal.

desde época temprana, Herrero tuvo una estrecha vinculación con Estados Unidos, exponiendo en la Feria Mundial de Nueva York en 1964 en el Pabellón del Vaticano. Posteriormente, desarrollo varias exposiciones en NY siendo un pionero en el fomento del arte español y de su cultura.

Alguna de sus temáticas españolas como es el caso de la Tauromaquia y la Flamencología tuvieron un impacto importante en los amantes del arte norteamericanos.

Con la beca de la Fundación Juan March, se traslada a Londres, donde visita estudios, laboratorios y archivos. En 1960 realiza una muestra colectiva en la O`Hana Gallery con gran éxito.

En su obra destacan varias temáticas clave. En la década de los 40 desarrolla varios movimientos y temáticas costumbristas basadas en la experiencia vital del autor.

Posteriormente va agudizando su visión, desprendiéndose de lo superfluo y adentrándose en la psicología humana y la radiografía del ser. Retrata a sus personajes con pureza y expresivismo.

Toros, toreros, gallos, peces, bailaoras, y damas constituyen ciertos motivos en los que Miguel Herrero plasmó sus investigaciones; sobre estos temas construye su universo personal y único, llevando la pintura a uno de sus momentos más admirables.

A partir de la década de los 70 va paulatinamente suavizando su espíritu bravo con colores más vivos y respetando su infinita búsqueda de la esencia de los personajes.

La década de los 1980 muestra la madurez y la experiencia del artista, que resume, sintetiza, goza con las formas y los movimientos y forma las curvas de los personajes con suma delicadeza.

Miguel Herrero: Raíces y Esencias
Hasta el 4 de septiembre de 2016
Museo de Santa Cruz de Toledo

La fortaleza de Hohensalzburg

02/05/2016, La fortaleza de Hohensalzburg de Salzburgo presenta una nueva atracción, el Teatro mágico, que conduce a los visitantes por un recorrido a través de la historia de la fortaleza.

Salzburgo, 2 de mayo de 2016
La fortaleza de Hohensalzburg es una de las atracciones turísticas más visitadas de Austria. Además de la interesante historia de su edificación, este castillo medieval junto con la fortaleza de estilo moderno ofrece una excelente panorámica de 360° del casco antiguo de Salzburgo y de los alrededores.

Este año, el símbolo de Salzburgo presenta el nuevo Teatro mágico: los visitantes entran en salas principescas para emprender un fascinante viaje a través de la historia de esta construcción. El Teatro mágico, de lujoso diseño, junto con la música, los efectos lumínicos y los vídeos, es una experiencia para todos los sentidos pensada tanto para niños como para adultos.

Bajo el mandato del arzobispo Gebhard von Helfenstein, en 1077 se inició en Salzburgo la construcción de un castillo en la montaña. El objetivo de esta construcción fortificada era proteger el arzobispado contra los posibles ataques. Realmente la fortaleza nunca tuvo que probar su función defensiva, sino que sirvió más a los arzobispos como demostración de poder que como refugio.

La fortaleza de Hohensalzburg es uno de los castillos más grandes del siglo XI de Europa. Son especialmente impresionantes el Pallas o el Hohe Stock (planta superior) con las ostentosas salas principescas y junto con la "sala dorada" con su estufa de cerámica de laborioso diseño, son unas de las salas profanas góticas más hermosas de Europa. Los puntos destacados del paseo por la fortaleza son la torre Reckturm y el Salzburger Stier, un hornabeque parecido a un órgano, cuyo acorde inicial y final recuerda al rugido de un toro y que aún hoy suena varias veces al cada día.

Se puede llegar al complejo en el funicular de la fortaleza, que realiza el recorrido cada 10 minutos, o a pie en unos 20 minutos pasando por los arcos de entrada de la fortaleza, la Bürgermeistertor (arcada del alcalde) y el patio exterior del castillo hasta la fortaleza.

Delfina Entrecanales premio “Alfiler de oro”

29/04/2016, Delfina Entrecanales, la mecenas española de arte radicada en Londres, recibe este 2016 el “Alfiler de oro” otorgado por la Asociación de Mujeres Siglo XXI de Bilbao.

Bilbao, 29 de abril de 2016
A sus casi 89 años, Delfina Entrecanales ha financiado a más de 500 artistas de todo el mundo, labor que ha realizado ininterrumpidamente durante tres décadas. Por esta razón ha recibido dos veces la Orden del Imperio Británico (OBE) por la Reina Isabel II de Inglaterra. Entre los artistas destacados que han recibido su apoyo están nombres como los de Mark Wallinger, Tacita Dean, Maurizio Cattelan, Martin Creed o los españoles Txomin Badiola o Darío Urzay. El “Alfiler de oro” se convertirá en el primer reconocimiento en España a esta mujer conocida a nivel mundial por su labor de impulso al arte contemporáneo.

Para el Financial Times es la benefactora de las Artes “que colecciona artistas y no arte”, para el periodista bilbaíno y amigo personal de la mecenas, Gustavo Egusquiza, “se trata de una mujer excepcional que merecía ya un reconocimiento en España, en su ciudad, a su prodigiosa labor en el panorama internacional del arte”.

Delfina y DelfinaFoundation
Es la hija mayor del ingeniero bilbaíno Jose Entrecanales Ibarra, fundador del imperio energético Acciona que preside hoy su sobrino José manuel Entrecanales. Emigró a los 19 años al Reino Unido y el año 2007 creó en Londres la Delfina Foundation (http://delfinafoundation.com/). Esta fundación, la más grande de estas características en el Reino Unido, provee residencia y medios de trabajo a numerosos artistas.

La fundación patrocina a artistas necesitados, proporcionándoles un espacio para vivir y trabajar, y contactos en el sector profesional, destacando numerosos artistas procedentes de Oriente Medio.

Alfiler de oro
Por su labor “inconmensurable” en el mundo del arte se le otorga el Alfiler de Oro según informa la Presidenta de la asociación Mujeres siglo XXI, Magdalena Suárez.

Mujer Siglo XXI es una Asociación sin ánimo de lucro para la mujer profesional y empresarial, buscando el progreso personal de sus miembros. Se fundó en Febrero de 1996. La presentación oficial de la Agrupación se efectuó meses después, el 11 de Mayo, en el Teatro Arriaga de Bilbao.

El Acto emblemático de la Asociación es la imposición anual del ‘Alfiler de Oro’ a una mujer por su relevante proyección profesional en el ámbito nacional e internacional. Este año se celebra la XVIII edición.

Entre otras premiadas figuran: la soprano Ainhoa Arteta, la Académica Carmen Iglesias, la periodista Paloma Gómez Borrero, la actriz Concha Velasco, la empresaria Elena Ochoa o Carmen Thyssen-Bornemisza, la escritora Elsa Punset, la actriz Nuria Espert.

El acto tendrá lugar en el Hotel Carlton de Bilbao, durante una ceremonia a la que asistirán importantes personalidades del mundo del arte, la política y los medios de comunicación.

http://mujersigloxxi.com/

Edades del Hombre 2016. AQVA

28/04/2016, La exposición de arte sacro Las Edades del Hombre celebra una nueva edición en Toro (Zamora), hasta el 14 de noviembre de 2016.

Toro, 28 de abril de 2016
El evento más destacado de arte sacro de Castilla y León, Las Edades del Hombre, celebra su edición de 2016 en Toro. Una cita con la cultura a través de diferentes exposiciones que muestran la mayor parte de las obras más importantes del patrimonio religioso de España.

El río Duero es una línea viva, que camina decidida, atravesando Toro y Zamora, camino a Portugal. El agua además de ser un bien natural, es un símbolo cargado de religiosidad. Por esta razón, y dada la riqueza antropológica, bíblica, eclesiológica y sacramental que contiene este elemento, Las Edades del Hombre dedican su XXI edición, Toro 2016, al agua: AQVA.

La muestra presenta obras selectas pertenecientes al patrimonio histórico-artístico español, con firmas de la categoría de Pedro Berruguete, Francisco de Zurbarán, Juan de Juni, Gregorio Fernández y Luis Salvador Carmona. También habrá una presencia significativa de artistas contemporáneos entre los que pueden citarse a Antonio López y Carmen Laffón.

La exposición se divide en seis capítulos. En la Colegiata de Santa María la Mayor los cuatro primeros, y los dos restantes en la Iglesia del Santo Sepulcro.

I. Agua de vida
El agua es tratada desde las perspectivas natural y antropológica, con su referencia en la mitología clásica, su servicio en la limpieza corporal, los recursos hidrológicos, la ingeniería hidráulica, los recipientes domésticos de barro y cristal para contenerla y beberla, etc.

II. Preparando caminos
Muestra el agua en la creación y en la historia de la salvación, desde los orígenes hasta la figura de Juan Bautista. Siguiendo cronológicamente los textos bíblicos, se van mostrando acontecimientos y personajes del Antiguo Testamento, a través de los cuales Dios fue anunciando de forma progresiva su voluntad y el significado de la gracia del bautismo.

III. Los cielos se abrieron
Aborda la figura de San Juan Bautista. Con él se cierra el ciclo profético del Antiguo Testamento, actualizándoselo, y se abren los tiempos mesiánicos.

IV. Cristo, fuente de agua viva
Se centra en la relación de Cristo con el agua durante su vida, pasando por su infancia, su ministerio público y su misterio pascual. En él se recogen, entre otros, temas como la vocación de los primeros discípulos junto al mar de Galilea, las bodas de Caná, el encuentro con la samaritana en el pozo de Sicar, la curación de un enfermo en la piscina de Betesda, el lavatorio de los pies, el lavatorio de Pilato, el Calvario, etc.

V. El bautismo que nos salva
Capítulo dedicado al sacramento del bautismo y a los objetos usados en su celebración litúrgica. Por derivación, también a los objetos relacionados con el agua bendita.

VI. Renacidos por el agua y el espíritu
Se concluye con los santos, hombres y mujeres que, nacidos de nuevo por el agua y el espíritu, han sido un fiel testimonio de su vinculación existencial a Cristo, a quien se unieron íntimamente por el sacramento del bautismo. Y más concretamente aquellos santos cuya biografía o patronazgo están relacionados con el agua.

Apoyo al turismo enológico

27/04/2016, La Organización Mundial del Turismo (OMT) en colaboración con el Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) está intentando la promoción del turismo enológico en España.

Madrid, 27 de abril de 2016
El turismo enológico se apoya en la producción del vino y está íntimamente vinculado a la gastronomía y la cultura, íntimamente ligado también a lo natural y el agro. En torno a los viñedos y el vino se han desarrollado potentes iniciativas turísticas en lugares como Francia (Borgoña, Alsacia y Burdeos), Portugal (Burdeos), Alemania (Rin), Argentina (Salta y Mendoza), Estados Unidos (California), etc.

Sin embargo, en España, un país líder a la vez en el turismo mundial y la producción de vino, el desarrollo aún está lejos de las posibilidades.

Según datos de 2015, España recibió más de 68 millones de viajeros internacionales. El país produce más de 40 millones de hectolitros y es el primer viñedo en superficie del mundo. Sin embargo, sólo un 2 por ciento de los turistas internacionales que visitan España lo hacen por actividades relacionadas con el turismo enológico, lo que refleja el potencial del sector.

En la feria Alimentaria, que se celebra en Barcelona, se han dado pasos en el sentido de aprovechar este potencial. Allí se ha presentado un modelo de promoción de turismo enológico por una iniciativa en la que participan empresas como las bodegas Barbadillo, González & Byass, Grupo Freixenet, Osborne, etc...

El objetivo es ofrecer una alternativa turística para conocer de otra forma España y su estilo de vida a través de las bodegas que actúan como centro de interpretación de la zona o región donde están ubicadas.

La OMT y las bodegas miembros del Foro de Marcas están trabajando en las zonas o regiones donde las bodegas involucradas en la iniciativa tienen presencia. Estas zonas son: Galicia, La Rioja, Penedés, Priorato, Ribera del Duero, Somontano, Toledo y Toro.

El proyecto, que desarrolla la OMT en colaboración con el Foro de Marcas, incluye el análisis y el diagnóstico de la situación actual del enoturismo en comparación con otros mercados y el diseño técnico del modelo turístico, abordando aspectos como la conformación de la estructura de la oferta, la identidad de marca, así como el desarrollo de negocio y producto.

Esta iniciativa se presentará en la primera Conferencia Mundial de Turismo Enológico, organizada por la OMT y el Gobierno de Georgia y que se celebrará entre el 7 y 9 de septiembre de 2016 en ese país.

El Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) es una alianza público-privada integrada por más de cien de las principales empresas españolas con marcas líderes en sus respectivos sectores junto con el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, el Ministerio de Economía y Competitividad, el Ministerio de Industria, Energía y Turismo, ICEX España Exportación e Inversiones y la Oficina Española de Patentes y Marcas (OEPM). Su objetivo es fomentar a todos los niveles la importancia estratégica de las marcas e impulsar su internacionalización, potenciando así la imagen de los productos y servicios.

Cerámica china en el MET

26/04/2016, Una importante colección brasileña de cerámica china hace su debut mundial en el Museo Metropolitano de Nueva York.

Nueva York, 26 de abril de 2016
El MET presenta, hasta el 25 de agosto de 2016, una exposición de 60 cerámicas chinas exquisitas e inusuales elaborada a partir de una colección privada de Brasil y nunca antes exhibida públicamente.

"Global by Design: Chinese Ceramics from the R. Albuquerque Collection" se centra en el período de finales del siglo XVI al XVIII, cuando la porcelana china se convirtió en un lujo global, transformando tanto la industria europea de la cerámica como las tendencias en vajillas y otras piezas de menaje.

La introducción de la porcelana en Europa se remonta al período comprendido entre finales de los siglos XV y XVI, conocido como la "era de la exploración". Este período incluye el descubrimiento de Vasco da Gama (1460-1524) en 1498 de una ruta marítima a través del Cabo de Buena Esperanza en África al Sur y Este de Asia, y los recorridos un poco antes de Cristóbal Colón (1451-1506) que llevaron al descubrimiento de las Américas. Ambos exploradores buscaban una ruta marítima que proporcionara un acceso más rápido a los lujos asiáticos codiciados, incluyendo el té, las especias, la seda y la porcelana.

Cuando los portugueses llegaron a China, el extenso complejo en Jingdezhen (provincia de Jiangxi), dominaba la producción de porcelana. (China y, en menor medida, Corea eran los únicos lugares en el mundo que fabricaban porcelana en ese momento). Los gobernantes portugueses fueron los primeros europeos en realizar encargos a China, y estos primeros objetos son algunos de los trabajos que pueden verse en esta exibición. Se incluyen piezas con diseños reales, como por ejemplo una botella decorada con un escudo de armas, o un tazón delicado con las primeras líneas del Ave María.

En esta misma época, la porcelana se atesoraba en el comercio interior de Asia, en particular en el mundo islámico, y formas y diseños de Oriente Medio, que se había incorporado a la industria de la porcelana, también se transmitieron a Europa. En la exposición se puede contemplar un raro ejemplo de un plato kraak (ca. 1628-1642) que representa a dos figuras persas.

A principios del siglo XVII, después de que los holandeses subastaran la porcelana de dos barcos portugueses capturados, la porcelana se extendería por todo el norte de Europa, con el intercambio permanente de formas y diseños, un lenguaje artístico mundial en la fabricación de la porcelana fue completamente desarrollado. Uno de los ejemplos más convincentes de la exposición es un conjunto monumental producido para su visualización en un hogar europeo, que representa escenas chinescas.

La exposición está organizada por Jeffrey Munger, Conservador del Departamento de Escultura Europea y artes decorativas, y Denise Patry Leidy, Brooke Astor Russell curador de arte chino, Departamento de Arte Asiático.

El país de Magán

26/04/2016, Hasta el 29 de mayo de 2016 en el Museo Arqueológico Nacional se puede ver una exposición dedicada a los hallazgos que han permitido sacar a la luz la historia del antiguo país de Magán.

Madrid, 26 de abril de 2016
El Museo Arqueológico Nacional presenta una muestra que descubre al público los hallazgos de dos décadas de investigación arqueológica en Oriente Próximo, que han permitido sacar a la luz por primera vez la historia del antiguo país de Magán, mencionado ya en textos mesopotámicos.

Las excavaciones en este enclave de la península de Omán han ofrecido a un equipo de arqueólogos de la Universidad Autónoma de Madrid una información muy valiosa sobre la vida en el actual Emirato de Sharjah entre el III y el I milenio a.C., un período prácticamente desconocido hasta la fecha.

La exposición, Articulada en dos grandes ejes, reúne más de 200 piezas (entre herramientas de piedras y armas, recipientes cerámicos, objetos de adorno y orfebrería, monedas), que reconstruyen la historia del país de Magán desde sus orígenes, en el Paleolítico inferior, hasta el período preislámico, en el siglo VII.

Destacan las primeras artesanías de adorno personal del Neolítico, muestras de la importante producción cerámica de la Edad del Bronce, los primeros testimonios escritos o los hallazgos que revelan el temprano intercambio comercial en la zona, con ejemplos de ánforas griegas y alabastros del Yemen.

En la segunda parte del recorrido se expone una gran escenografía, resultado de la excavación española en el poblado de al Madam, que recrea la vida en este asentamiento durante la Edad del Hierro.

El falaj (construcción hidráulica característica de la zona), es el eje central de este espacio. Una maqueta de grandes dimensiones reproduce los pozos y la galería subterránea que hicieron posible la explotación agrícola, y que constituye el sistema más antiguo de canalizaciones de agua conocido en esta región de los oasis.

La exposición se complementa con ocho maquetas de estructuras funerarias y sepulturas.

En los confines de Oriente Próximo. El hallazgo moderno del país de Magán
Museo Arqueológico Nacional

Tanel Veenre. The name of the rose

25/04/2016, El Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias presenta la exposición temporal "Tanel Veenre. The name of the rose".

Valencia, 25 de abril de 2016
La muestra, abierta al público del 21 de abril al 22 de mayo de 2016, expone una selección de joyas de Tanel Veenre, arista y profesor de la Estonian Academy of Arts.

Se trata de una selección de la mayor parte de la obra más reciente de Tanel Veenre, de las series de los libros tallados, los caballitos de mar plateados y las flautas poécas.

En palabras de Veenre "Con estas series he desplazado la búsqueda a una escala humana más subjetiva. El primer libro de las series fue un libro negro tallado a partir de un gran bloque de azabache, el principio es la oscuridad, la nada. Pero al seguir trabajando con diferentes materiales/composiciones, empecé a comentar este concepto. Abres un libro sin saber qué encontrarás. Lo cual me llevó a las últimas palabras de la genial obra de Umberto Eco, El nombre de la rosa: “De la primiva rosa sólo nos queda el nombre, conservamos nombres desnudos”. (“Stat rosa prisna nomine, nomina nuda tenemus”)".

Tanel Veenre nació en Tallin (Estonia en 1977) en el seno de una familia de artistas y músicos. Estudió joyería en la Estonian Academy of Arts y se graduó en 2005 tras parcipar en un programa de intercambio con la Academia Rietveld de Amsterdam.

Actualmente trabaja como freelance, diseñador para su marca de joyería TVJ y como profesor en la Estonian Academy of Arts.

Esta exposición forma parte del programa "Melting Point 2016. Joieria Contemporània València" que se celebra del 21 al 24 de abril de 2016, un encuentro internacional de joyería artística contemporánea, organizado por el Departamento de Joyería de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia (EASD), que se celebra de forma bianual desde 2012.

El tormento y el éxtasis

22/04/2016, Esta exposición, en el museo Es Baluard de Palma de Mallorca, presenta obras de 55 de los artistas latinoamericanos más importantes del panorama internacional del arte contemporáneo.

Palma de Mallorca, 22 de abril de 2016
El próximo mes de julio se inaugura "El tormento y el éxtasis. Arte de origen latinoamericano en las colecciones de Mallorca, una revisión desde la contemporaneidad", una muestra que reúne 90 obras, entre pintura, fotografía, instalaciones y otros formatos.

Se trata de un proyecto expositivo que viene a mostrar la evolución de la creación latinoamericana contemporánea a través de su presencia en las colecciones de arte de Mallorca demostrando la importancia creciente del coleccionismo privado en la articulación del mercado, la circulación y la legitimación del arte.

El tormento y el éxtasis inserta sus raíces entre el conflicto y la estética, el compromiso político social y la evolución de la estética-pensamiento en un área geográfica lejana, pero conectada con la manera de entender las fracturas de la postmodernidad.

El tormento y el éxtasis
Del 2 de julio al 2 de octubre de 2016
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Plaza Porta de Santa Catalina 10, Palma

Otras Tauromaquias

21/04/2016, En el 200 aniversario de la Tauromaquia de Goya, una exposición denuncia el uso y abuso constante de la iconografía del artista para un fin totalmente mal interpretado.

Madrid, 21 de abril de 2016
A través de un diálogo entre la célebre serie de grabados La Tauromaquia de Goya y las obras de 20 artistas contemporáneos, en diversos soportes y formatos, Otras Tauromaquias reflexiona sobre los derechos de los animales, y pretende que la opinión pública vuelva los ojos a Goya, y sea capaz de entender que en su obra no solo no hay un canto a esta tradición de tortura, sino una mirada llena de dolor y espanto ante lo que no deja de ser un acto alejado de todo tipo de valores de convivencia y construcción de una sociedad.

200 años de uso y abuso constante de una iconografía que ha interesado para la confección de una narrativa inaceptable, que trata de considerar este festejo como arte por el mero hecho de que haya sido representado de manera magistral por uno de los más importantes artistas de todas la épocas.

Una veintena de artistas contemporáneos componen el diálogo con las obras del maestro Goya entre los que se encuentran los ilustradores El Roto, Forges, Marina Vargas, Santiago Talavera, María del Barro, Niño de Elche y Chus Gutiérrez, Elena Fernández Prada, Eider Agüero, Ruth Montiel Arias, Gladiadores por la Paz, Jon Amad, María Cañas, José Antonio Reyes, Miguel Ángel Rolland y Kike Carbajal, Paco Catalán, Tras los muros, Eva Máñez, Lino Lago, Malagón, Miguel Scheroff, Manuel León Moreno, Joaquín Paredes, La Ruina y Jaime Alekos.

En 1816 Goya publicó su famosa serie de grabados La Tauromaquia. La crudeza de las escenas representadas se alejaba del tipo de estampas plácidas y decorativas que hasta entonces daban imagen a los toros. Estos grabados se convirtieron en hito esencial para la tauromaquia e hicieron de la figura de Goya uno de los principales baluartes para la continuidad de esta tradición.

Las lecturas contemporáneas del trabajo de Goya, sin embargo, cuestionan la imagen del pintor como una persona taurina, basándose en el horror y el espanto presentes en dichos grabados. Esta visión se acentúa años después, en 1824, cuando realiza las cuatro últimas litografías sobre este tema, ya en Burdeos. Estas últimas obras se encuentran indudablemente más cercanas a Los Desastres de la Guerra que a otras estampas suyas de género o costumbres.

Otras Tauromaquias parte de esos últimos grabados realizados en Burdeos, poniendo el foco de atención en la atrocidad de un espectáculo que se basa en la tortura y muerte de un animal, y pretende, liberar a Goya de la lectura equivocada de su obra.

Otras Tauromaquias
Del 27 abril al 25 de mayo
Calcografía Nacional
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Calle de Alcalá, 13, Madrid

Et Ludit. "Juega y crea"

21/04/2016, El MUSAC presenta una investigación del circo contemporáneo desarrollada a través de la unión entre la artista Alba González y el colectivo Impredecibles Circo.

León, 21 de abril de 2016
Et Ludit confirma el interés en el circo contemporáneo, así como la eclosión de sus diferentes manifestaciones en el panorama cultural, cuyas metodologías, con frecuencia, vienen desdibujando las relaciones históricas entre productores y consumidores.

Lejos del imaginario asociado al espectáculo y la explotación comercial del circo, este proyecto conjuga perspectivas y aprendizajes procedentes del campo del circo desde parámetros lúdicos. Et ludit es un proceso de trabajo que traslada la aplicación de las matemáticas de los malabares a estructuras y esculturas cinéticas. Con máquinas como la Marble Machine, la máquina Goldberg, los Pendulum waves y la rolling ball sculture, Alba González, Martín Castaño y Toni Liébana investigan patrones de movimiento y composiciones visuales en esta instalación interactiva, que invita a la participación y busca que el espectador se implique, activando estructuras, probando y recreando sus patrones de movimiento, redefiniendo así las relaciones y el intercambio de información y conocimiento entre los artistas y el público.

La compañía Impredecibles Circo (León) nace en 2013. Está integrada por Martín Castaño (León, 1983). Malabarista ex miembro de la desaparecida compañía La Danaus y Toni Liébana (León, 1989). Malabarista y sociólogo. En 2015 se suma Alba González (Salamanca, 1994) estudiante de bellas artes en la Universidad Politécnica de Valencia, miembro del colectivo de electrónica FAIL y ex miembro de Col•lectiu Albastru.

Hasta el 19 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo de León

Panoramas de la ciudad: la Escuela de París

20/04/2016, El Guggenheim Bilbao presenta una exposición, con obras de la Colección del Museo Guggenheim de Nueva York, que indaga en los movimientos y artistas más importantes del arte moderno.

Bilbao, 20 de abril de 2016
A comienzos del siglo XX París era la capital de la vanguardia. Artistas llegados de todas partes del mundo se asentaron allí, abrieron sus estudios y talleres, frecuentaron bares y cafés, y crearon nuevas formas de arte y literatura. Sus obras reflejarían el deseo común de rechazar las estéticas conservadoras y transformar las percepciones de la cotidianeidad de una ciudad moderna.

Pablo Picasso y Georges Braque revolucionaron radicalmente las convenciones de la pintura, Robert Delaunay compuso visiones de armoniosos colores, Vasily Kandinsky abrió nuevos caminos en la abstracción y Constantin Brancusi reinventó el modo de presentar esculturas en el espacio. Todo ello ocurrió en París, una ciudad en vertiginoso cambio y evolución.

La exposición, que abarca desde los primeros años del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial, reúne numerosas obras maestras entre las que se incluyen algunas de las pinturas y esculturas más importantes del siglo pasado. Un total de 50 obras que sirven para indagar en los movimientos clave del arte moderno (del Cubismo al Orfismo o el Surrealismo) y en los artistas que serían conocidos como la École de Paris (Escuela de París).

Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945
Del 22 de abril al 23 de octubre de 2016
Museo Guggenheim de Bilbao

Dalí por Halsman

19/04/2016, La Fundació Gala-Salvador Dalí presenta una nueva exposición temporal de 23 retratos que el fotógrafo Philippe Halsman hizo de Dalí dentro del proyecto Dali`s mustache.

Figueres, 19 de abril de 2016
La exposición, titulada "Variantes de Dali's mustache", puede verse en el Teatro-Museo Dalí de Figueres hasta el 31 de diciembre de 2016 en la Sala de las Loggias.

Se ha querido dar más relevancia a la presencia del propio artista en su museo. Para llevar a cabo esta muestra se han escogido 23 imágenes de uno de los grandes fotógrafos del s. XX, el letón establecido en los Estados Unidos Philippe Halsman, con quien Dalí mantuvo una relación de amistad que duraría 37 años. 23 fotografías poco conocidas y de gran valor, que los artistas no incluyeron en el libro Dali's mustache, del sello Simon and Schuster (Nueva York) en 1954.

La relación entre Dalí y Halsman empieza en el año 1941 con su colaboración en el proyecto Labyrinth, interpretado por los Ballets Rusos en la Metropolitan Opera House de Nueva York, para el cual Halsman fotografía los vestuarios diseñados por Dalí.

Le seguirían colaboraciones en encargos comunes relacionados principalmente con ballets, entre otros, pero también generarían proyectos propios como el Dali's Midsummer Night's Mare, Dali Atomicus, Escultura de Luz, y Voluptate Mors. El fotógrafo, además, se encargaría de documentar el rodaje de la película de Dalí, Chaos and Creation en 1960.

Sobre el libro Dali's mustache, Halsman explica: "En 1954, el bigote de Dalí creció milagrosamente. Cuando el pintor volvió a Nueva York, me quedé perplejo: las puntas del bigote estaban por encima de sus cejas. Vi cuál era mi deber y comencé a fotografiar el juego y la interacción de su bigote. Necesitaba el consentimiento de Dalí y me dirigí cautelosamente al gran surrealista: "Se han escrito libros sobre ti y sobre otros pintores. Pero no hay ningún libro sobre una parte de su personalidad, como, por ejemplo, la nariz de Rembrandt o el pie de Picasso. ¡Qué homenaje a tu genio, Dalí! La publicación de un libro consagrado no al todo, sino únicamente a una pequeña parte de ti"."

En las orillas del Nilo

18/04/2016, El Museo San Telmo presenta un proyecto del fotoperiodista Samuel Aranda sobre Egipto.

San Sebastián, 18 de abril de 2016
Distinguido con galardones tan prestigiosos como el Premio Nacional de Fotografía (2006) o el World Press Photo of the Year (2012), con la exposición En las orillas del Nilo del Museo San Telmo, Aranda propone un acercamiento a la realidad diaria de Egipto tomando como canal conductor el Nilo, vertebrador del país.

43 imágenes que reflejan un país de contrastes que va mucho más allá de lo que nos muestran las noticias que habitualmente llegan desde allí.

En las orillas del Nilo documenta qué es hoy Egipto, cinco años después de la revolución que derrocó al dictador Hosni Mubarak. Ahmed Nalib, treintañero empleado en una fábrica de refrescos, comenta con Aranda: "La revolución fue fantástica, pero en Egipto no sabemos qué es la democracia. Pedíamos pan, libertad y justicia social y acabamos quedando atrapados y teniendo que escoger entre el islam o las pistolas de los militares".

El 25 de enero de 2011 la plaza Tahrir se llenó de ciudadanos descontentos. Mubarak fue derrocado 17 días después. Aquellas ansias de libertad, inicialmente laicas y progresistas, fueron aprovechadas por los Hermanos Musulmanes, que convirtieron a su representante, Mohamed Morsi, en el primer líder democrático del país. Duró poco. Un golpe de estado militar en 2013 alzó en el poder al mariscal Abdel Fattah al Sisi, que reprimió con dureza a los seguidores de Morsi. El desalojo de los campamentos de protesta en El Cairo y la disolución por la fuerza de manifestaciones se saldó con miles de personas asesinadas, detenciones y desapariciones forzosas. Desde entonces, los prisioneros políticos se han multiplicado y los líderes de los Hermanos Musulmanes están exiliados o en prisión.

Organizaciones internacionales denuncian torturas de la policía y señalan al régimen como el más represivo de la historia moderna de Egipto. No queda nada de la revolución. Nada. Si protestas, desapareces.

El fotoperiodista Samuel Aranda (Santa Coloma de Gramanet, 1979) ha pasado los últimos 15 años documentando conflictos, migraciones y problemáticas sociales en el mundo. Ha realizado reportajes sobre Pakistán, Líbano, Egipto, Yemen, Colombia, China, Palestina, Sierra Leona, entre otros, para medios como The New York Times, Stern, Le Monde, El País Semanal o Sunday Times Magazine.

Fue testigo directo de las revueltas de los países árabes iniciadas en 2011, recorriendo los puntos calientes de Túnez, Egipto, Libia o Yemen. En 2012, recibió el premio World Press Photo of The Year por una imagen realizada en Yemen.

Destacan sus últimos reportajes sobre el ébola en Sierra Leona y Guinea, en los que las instantáneas de Aranda mostraron los efectos devastadores del virus en la población, denunciando la insuficiencia de ayuda internacional para combatir este grave problema.

En las orillas del Nilo
Hasta el 5 de junio de 2016
San Telmo Museoa

Solidez y Belleza en el Museo del Prado

18/04/2016, El Prado celebra el 150 aniversario del nacimiento de Miguel Blay, uno de los escultores más destacados del panorama artístico español de finales del siglo XIX y primer tercio del siglo XX.

Madrid, 18 de abril de 2016
Desde el 19 de abril y hasta el 2 de octubre de 2016, el Museo del Prado presenta una exposición excepcional en las salas 60 y 47 del edificio Villanueva, en la que se reúnen varias de las obras fundamentales del escultor Miguel Blay (Olot, 1866 – Madrid, 1936).

Junto a grupos escultóricos destacados como Al ideal o Eclosión, que han sido restaurados para la ocasión, la exposición presenta dibujos, varias medallas y una pequeña agenda de notas de 1902, abierta por las páginas de los días 7 y 8 de septiembre, fecha de gran importancia en su vida, ya que, fue presentado a los reyes en Bilbao. Un total de 19 piezas de Blay que mostrarán sus diversas etapas creativas, en las que buscó trasmitir con serenidad y equilibro las emociones, la naturalidad y la belleza.

El visitante podrá contemplar varias esculturas clave en la trayectoria escultórica de Blay como Niña desnuda y Miguelito, en mármol, y Al ideal, en escayola, que se enmarca en el movimiento simbolista. Junto a ellas se exponen siete dibujos de factura suelta y espontánea, que evidencian su dominio técnico, y seis medallas y una plaqueta en las que demuestra su talento y el dominio del relieve. También se expone el grupo escultórico Eclosión, una escena de íntima ternura, con la que Blay obtuvo la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Formado en París, Blay fue reconocido y premiado tanto en España como en el extranjero, consiguiendo en París la medalla de Honor en la Exposición Universal de 1900 y siendo nombrado Caballero de Honor de la Legión Francesa en 1901, además, en Buenos Aires recibió el Gran Premio en la Exposición Internacional de Arte de 1910. Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Profesor de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid y, de 1925 a 1932, Director de la Academia de España en Roma, ciudad en la que completó su formación juvenil.

Las obras de Blay destacan por su calidad, elegancia y naturalidad. El escultor aportó valiosos y significativos ejemplos en las diversas corrientes de la escultura de su época, evolucionando por los caminos de la expresión modernista, simbolista, realista y naturalista.

Solidez y Belleza. Miguel Blay en el Museo del Prado
Del 19 de abril al 2 de octubre de 2016
Museo del Prado. Madrid

Más Picassos en la Beyeler

15/04/2016, La presencia de Picasso en la Fundación Beyeler se ha reforzado, después de que 13 obras de la Anthax Collection Marx se incoporasen al centro, como parte de un préstamo a largo plazo.

Basilea, 15 de abril de 2016
Como presentación de este préstamo, a partir del 1 de mayo se mostrarán nueve pinturas de Pablo Picasso, de la Anthax Collection Marx , al lado de las creaciones del pintor español que figuran ya en la colección permanente de la Fundación Beyeler. Esta exposición de veinte obras de Picasso se mantendrá abierta hasta el 14 de agosto de 2016.

El retrato femenino, tema favorito de medidos del siglo XX, domina el conjunto de obras. Se puede citar, por ejemplo, la obra Cabeza de mujer, de 1939, de la Anthax Collection Marx, que complementa maravillosamente con el Busto de mujer con sombrero (Dora), también de 1839, perteneciente a la Beyeler.

Según informa la Fundación, este préstamo a largo plazo incluye nueve pinturas y dos obras sobre papel de Picasso y esculturas de Alberto Giacometti y Constantin Brancusi. Con estas incorpiraciones se modifica el "centro de gravedad" del museo de la Beyeler, que cuenta con una extraordinaria colección de trabajos del pintor de Málaga.

La Fundación Beyeler integrará a partir de ahora estas obras cedidas en las presentaciones de su propia colección.

La familia Marx eligió la Beyeler para la presentación pública de sus obras, ya que considera que encajan con la calidad y programación del museo. Por otra parte, Riehen -población sede de la Beyeler, en las afueras de Basilea- se encuentra cerca del lugar de nacimiento del coleccionista, el Dr. Erich Marx, cuya familia ha mantenido siempre estrechos vínculos con Basilea.

Un tigre, dos tigres...

15/04/2016, Las últimas cifras relativas a la población mundial de tigres han dado una gran alegría a los amantes de la naturaleza: el censo de tigres salvajes se eleva ahora a 3890 ejemplares.

Nueva Delhi, 15 de abril de 2016
La ultima cifra, elaborada por el WWF y el Foro Global del Tigre (GTF), se conoció previamente a una importante reunión sobre la conservación del felino que tuvo lugar en Nueva Delhi. En ella se muestra un aumento respecto a la estimación de 2010, cuando se determinó que apenas 3.200 tigres sobrevivían en libertad.

Según informa WWF, el aumento puede atribuirse a l crecimiento de las poblaciones de tigres en India, Rusia, Nepal y Bután y las mejoras en los censos.

En Nueva Delhi se reunió estos días la tercera Conferencia Ministerial de Asia sobre la conservación del tigre, con participación de 13 países que acordaron proseguir en la tarea de protección marcada en la "Cumbre Global de Tigre" de 2010, celebrada en San Petersburgo, Rusia, y en la que se puso como objetivo duplicar la población de tigres en 2022.

También se acordó apoyar la cooperación internacional, para fortelecer la vida silvestre y combatir la delincuencia.

Bangladesh, Bután, Camboya, China, Indonesia, India, Laos, Malasia, Myanmar, Nepal, Rusia, Tailandia, Vietnam, Kirguistán y Kazajstán participaron en este evento, en el que se dieron cuenta de las poblaciones por países, que situan en primer lugar a la India, con 2.226, junto con Rusdia (433), Indonesia (371) Malasia (250) así como Tahilandia, Nepal y Bután, con cifras de entre 100 y 200 ejemplares.

Algunos estados están incluso tratando de reintroducir a este felino. Así, en Camboya parece que va a reintroducirlo (desaparecido en 2007) para lo que se contará con siete ejemplares recogidos en la India, que serán llevados a dos puntos distintos del país.

Rémy Zaugg en España

14/04/2016, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museum für Gegenwartskunst (Siegen, Alemania), organizan la muestra "Rémy Zaugg. Cuestiones de percepción", en el Palacio de Velázquez.

Madrid, 14 de abril de 2016
Esta exposición monográfica, la primera que se celebra en España en torno a la figura de Rémy Zaugg (Courgenay, 1943 – Basilea, 2005), comprende una selección de más de un centenar de pinturas y obras sobre papel que ponen de manifiesto la fascinación del artista suizo por la materialización del lenguaje y su permanente interés por indagar en la percepción del espectador de la obra de arte en función del espacio expositivo.

Con la percepción como epicentro de su trabajo, la exposición tiene su punto de partida en sus Esquisses Perceptives d'un tableau (1963-1968), anotaciones sobre el cuadro de Paul Cezanne La maison du pendu. Además, la exposición presenta series como Ein Blatt Papier, Le Monde Voit, About Death III, Für ein Bild y One Word One Support.

El color y el lenguaje son instrumentos prioritarios que Zaugg utiliza en las alrededor de 130 piezas que se exponen en el Palacio de Velázquez. En ellas, el artista usa la pintura como herramienta de investigación y de transformación ligada a la especulación perceptiva.

La muestra arroja luz sobre la profundidad con la que Rémy Zaugg estudió el fenómeno de la percepción a lo largo de cinco décadas, y está integrada por obras procedentes de relevantes museos y colecciones particulares europeas.

La producción de Zaugg se podría percibir como el último paso en la declaración de la autonomía de la obra de arte y como uno de los primeros intentos de establecer un nuevo horizonte relacional entre esta y el espectador. Partiendo de la idea de que sin la percepción no existe la obra de arte, Zaugg se adentró en campos como el urbanismo, la arquitectura o la museología para analizar y reflexionar sobre la participación de la pintura en el espacio.

Rémy Zaugg. Cuestiones de percepción
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Sede Palacio de Velázquez
Hasta el 28/08/2016

Los amores a Shakespeare en la BNE

13/04/2016, La Biblioteca Nacional de España conmemora el cuarto centenario de la muerte de William Shakespeare con una exposición de pequeño formato.

Madrid, 13 de abril de 2016
La BNE, en colaboración con el British Council, presenta una exposición en la que se pueden contemplar trece de las primeras traducciones en España de la obra de Shakespeare: manuscritos e impresos de autores como Ramón de la Cruz, Fernández de Moratín o José María Blanco-White, junto con las primeras ediciones impresas durante el siglo pasado, en catalán, vasco o gallego.

"Los amores de Shakespeare. (Sus primeras traducciones en España)" presenta la figura y la obra de un genio de la literatura universal.

Un día de septiembre de 1889, tras muchos trasbordos ferroviarios, Pérez Galdós divisó al fin “una comarca de dulce verdor”. El novelista había llegado a Stratford upon Avon, donde se tomó su tiempo para visitar los lugares sagrados de William Shakespeare. Como un fan, Galdós, ya próximo a los cincuenta, recorre el museo y la casa natal, una humilde vivienda en la que experimenta una cerrada intimidad con el bardo.

La denominada “bardolatría” afecta al común de los seres humanos, y entre ellos a gran cantidad de escritores. Benito Pérez Galdós es uno de los más encandilados, hasta el punto de rozar el delirio cuando lamenta que, en los voluminosos libros de firmas que hojea detenidamente, falten sus compatriotas: “Creo que soy de los pocos, si no el único español, que ha visitado aquella Jerusalén literaria, y no ocultaré que me siento orgulloso de haber rendido este homenaje al altísimo poeta cuyas creaciones pertenecen al mundo entero y al patrimonio artístico de la humanidad”.

Es cierto que la primera traducción shakesperiana al español, un Hamlet firmado por Don Ramón de la Cruz aparecido en 1772, se hizo desde el antecedente francés de Jean François Ducis, cayendo por tanto en las libertades y los caprichos al ordenar el texto inglés en que aquel incurrió.

En 1798 se cuenta ya con una traducción directa de Hamlet realizada por Leandro Fernández de Moratín, publicada bajo el seudónimo de Inarco Celenio, y que, aun estando en prosa, aspira a la fidelidad y posee una hermosa cadencia verbal. El autor empezó a traducir la tragedia mientras residía en Inglaterra, donde vio representadas varias obras del bardo.

En el mismo año de la publicación del Hamlet de Ramón de la Cruz, otro gran escritor dotado para el humor, José Cadalso, realiza una mordiente parodia. La gracia descarada que marca esa breve obra maestra satírica contra los pedantes que es "Los eruditos a la violeta" roza la tomadura de pelo sublime al hablar de los lúgubres y sangrientos dramas de Shakespeare.

Curioso, por lo demás, que los dos principales fabulistas dieciochescos, Iriarte y Samaniego, encontraran en Shakespeare un campo abonado para las chanzas; el primero, burlándose del teatro en que aparecen espectros, y el segundo en su descomedido resumen cómico de la tragedia danesa, que condensa la locura de amor, la conquista de Polonia, y las escenas de camposanto, donde “las calaveras andan de mano en mano, como si fueran manzanas”.

En los siglos siguientes proliferarían las traducciones al castellano, tanto de concienzudos sabios como Jaime Clark, Guillermo Macpherson o Luis Astrana Marín, como de relevantes escritores peninsulares, entre otros, Menéndez Pelayo, Benavente, Josep Carner, Cernuda, Gregorio Martínez Sierra, Buero Vallejo, Terenci Moix, Cèsar August Jordana, Josep Maria de Sagarra o José María Valverde.

Estas traducciones son, en definitiva, formas de amar al bardo con la palabra propia, en el intento de transmisión que encierra toda traducción, una labor que siempre ha de aspirar a conseguir la audacia incomparable de la lengua de origen. Leer a Shakespeare, verle representado o filmado, puede abrumar al más parco y satisfacer al fetichista, y es que todo lo admite Shakespeare sin menoscabo, la veneración y el escarnio.

Los amores a Shakespeare. (Sus primeras traducciones en España)
Del 14 de abril al 4 de septiembre de 2016
Biblioteca Nacional de España

Chema Madoz XXI

12/04/2016, Hasta el 28 de mayo de 2016 en el Espacio Cultural CajaCanarias se puede visitar la exposición "Chema Madoz XXI".

Santa Cruz de Tenerife, 12 de abril de 2016
La muestra reúne 186 fotografías realizadas en los primeros años del siglo XXI, en las que Chema Madoz profundiza con la elegancia singular que le define, en el lenguaje sensorial de los objetos y sus significados latentes. Una muestra que ofrece un recorrido único por la producción de Madoz en este siglo, y que nos acerca a la obra de un artista en plena madurez creativa y dueño de un lenguaje perfectamente identificable.

La selección de fotografías constituye un desarrollo de los conceptos y técnicas en las que Chema Madoz viene trabajando desde los primeros años ochenta, y representa una fascinante colección de ideas en la que el artista deja que los objetos hablen, creando una imagen simbólica de los utensilios que utilizamos en la vida cotidiana, modificando el contexto de su uso y alterando la percepción de la realidad.

Centrado en la visión más poética de los objetos, Madoz crea en sus fotografías escenarios íntimos, que fotografía en blanco y negro. En su obra, cubiertos, jaulas, platos, cerillas y otros objetos aparecen descontextualizados, sorprendentes, y con un enfoque irónico con el que el fotógrafo cuestiona la realidad, e invita a la observación y a la reflexión del espectador.

Chema Madoz XXI
Espacio Cultural CajaCanarias
Plaza del Patriotismo, 1. Santa Cruz de Tenerife

La réplica infiel

11/04/2016, El CA2M presenta un conjunto de propuestas destinadas a discutir sobre los límites y las posibilidades del arte como acto de habla e invención.

Madrid, 11 de abril de 2016
La réplica infiel reúne a un grupo de artistas en un proyecto que interroga sobre la potencia del arte en tanto que acto de habla e invención, en combate desde y contra su propio método.

Una réplica fidedigna reproduce exactamente un modelo, una imagen cerrada, sin lugar a la interpretación. Pero la palabra réplica tiene otra acepción, la acción de contestar, denunciar y proponer una alternativa.

El arte replica el mundo proponiendo nuevas semejanzas que subvierten las significaciones impuestas por los lenguajes dominantes. En el paso de la intención creadora a la materialización, el arte se transforma, corrige y traiciona la idea original del autor. Aparecen así los espacios propicios a la imaginación del espectador, para que rellene y recree.

Los artistas participantes proponen resonancias de un lenguaje a otro, de un material a otro, de una historia a otra en un movimiento incesante de recontextualización, y ofrecen siempre dos miradas simultáneas e indisociables: una que atraviesa el mundo y sus ficciones y otra sobre el arte y sus lenguajes.

La historia de la producción de imágenes en occidente está ligada a su función como instrumento al servicio de un fin exterior, mágico, religioso o político. Sin embargo, las prácticas artísticas parecían, desde la modernidad, haber conquistado su plena autonomía. Una conquista que pudiera ser solo aparente, ya que no parece haberle otorgado al arte tanto su propia voz para interrogar el sentido de lo existente como simplemente haberle relegado a un lugar social institucionalizado y separado de las creencias colectivas, como una actividad que habita fuera de la experiencia de vivir y solo cobra sentido remitiéndose a sí misma.

Este proyecto se interroga acerca de la condición de la obra de arte y sus posibilidades. Sobre aquello que la obra hubiera podido ser o decir y lo que finalmente dijo o fue. Una reflexión ético-política sobre representación y realidad, sobre las posibilidades y responsabilidades del acto artístico, sobre el poder de las representaciones, no para reflejar la realidad, sino para buscar su sentido.

La réplica infiel
Hasta el 25 de septiembre de 2016
Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid

Pollock en el Museo Picasso Málaga

08/04/2016, Del 21 de abril al 11 de septiembre de 2016 se puede ver uno de los iconos del arte del siglo XX, en una exposición única en España, Mural. Jackson Pollock. La energía hecha visible.

Málaga, 8 de abril de 2016
Tras dos años de restauración en el Getty Conservation Institute de Los Angeles, y después de su paso por la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y el Deutsche Bank Kunsthalle de Berlín, llega al Museo Picasso Málaga la exposición "Mural. Jackson Pollock. La energía hecha visible". Probablemente esta será la primera y última vez que esta obra pueda verse en España por motivos de conservación. A continuación, la obra partirá hacia el Reino Unido, donde se integrará en la muestra Abstract Expressionism de la Royal Academy of Arts de Londres.

En este contexto, la exposición en el Museo Picasso Málaga supone una ocasión única para acercarse a la obra de Jackson Pollock, y descubrir su relación con Peggy Guggenheim, el Expresionismo abstracto y el Action Painting, así como los complejos procesos de restauración del Mural.

Jackson Pollock (1912 – 1956) es considerado uno de los artistas norteamericanos más provocativos e influyentes del siglo XX. Con seis metros de ancho por casi dos metros y medio de altura, el Mural de Pollock es el más importante icono del arte moderno norteamericano. Esta obra de arte, la más grande que pintó, supuso un punto de inflexión en su carrera al entrañar una evolución desde la figuración pictórica hacia el expresionismo abstracto, una de las tendencias artísticas predominantes del siglo XX.

Jackson Pollock realizó este encargo en 1943, para decorar el apartamento en Manhattan de la mecenas y coleccionista de arte Peggy Guggenheim. Años más tarde, Pollock contó que el cuadro representaba una visión que había tenido, una estampida en el oeste americano, en la que vacas, caballos, antílopes y búfalos, aparecen representados de manera abstracta y con brochazos gruesos y anárquicos, precursores de la que se convertiría en la técnica más conocida de este artista, el dripping, consistente en pintar directamente desde botes de pintura agujereados hacia el lienzo o con brochas chorreantes.

Mural. Jackson Pollock. La energía hecha visible
Del 21 de abril al 11 de septiembre de 2016
Museo Picasso Málaga
Palacio de Buenavista San Agustín, 8, Málaga

El gran mensaje de las aves

08/04/2016, Recientes estudios desarrollados en el hemisferio Norte, tanto en Europa como en Norteamérica, certifican que el cambio climático está afectando muy directamente a las poblaciones de aves.

Londres, 8 de abril de 2016
Según los datos que ha publicado Science y que también recoge BirdLife, el informe ha revisado el estado de todas las especies de aves comunes en Europa y los Estados Unidos. A pesar de las diferencias entre las dos regiones, el cambio climático está alterando los niveles de población de aves y mermando la biodiversidad.

Se analizaron las especies en dos clases, las favorecidas o perjudicadas por el cambio climático. la evolución ha sido directamente proporcional a ese cambio, tal como los científicos esperaban. Las especies de ámbitos calidos aumentan y las de los fríos retroceden.

El estudio global ha sido llevado a cabo por un equipo internacional de investigadores dirigido por la Universidad de Durham, Reino Unido. Entre ellos participaron científicos de la RSPB (BirdLife en el Reino Unido) y BirdLife International.

La investigación, realizada en colaboración con la RSPB y el Servicio Geológico de Estados Unidos (USGS), se publicó en la revista Science y es la primera demostración real de que el clima está teniendo una influencia similar a gran escala sobre la abundancia o declive de las aves comunes en partes ampliamente separadas del mundo.

El cambio climático está afectando en todo el ámbito estudiado a las especies de aves, En Europa, especies como el chochín han ido aumentando en las zonas del norte donde los inviernos son cada vez más suaves, pero disminuyendo en algunos países del sur, donde los veranos han sido cada vez más cálidos y secos.

La población del Reino Unido de la curruca rabilarga, Sylvia undata, que solía estar limitada al condado de Dorset, ha multiplicado por ocho desde principios de 1980, mientras que baja en España...

los autores principales del estudio, el Dr. Stephen Willis y el Dr. Philip Stephens, de la Universidad de Durham, creen que los resultados mostraron que había a gran escala una respuesta coherente por parte de las poblaciones de aves con el cambio climático en los dos continentes.

Esta "migración" de las especies, impulsadas por el cambio del clima, se revela como un grito universal en favor del control del cambio climäatico.

Flores de holanda, para la primavera

07/04/2016, Hasta el 29 de agosto de 2016, la National Gallery recibe la primavera con una exposición que exhibe la pintura floral holandesa a lo largo de dos siglos.

Londres, 7 de abril de 2016
Se trata de una muestra especial, la primera de su tipo en el Reino Unido dedicada a este tema en las dos últimas décadas, que reúne 22 obras, a través de las cuales se examinan los orígenes del género, muy popular en la Edad de Oro holandesa, y su florecimiento final a finales del siglo XVIII. La mitad de las obras expuestas proceden de la colección de la National Gallery y el resto de colecciones privadas. Varias pinturas se exhibirán aquí por primera vez.

Con la llegada del siglo XVII, los pintores flamencos como Jan Brueghel el Viejo, Ambrosius Bosschaert y Roelant Savery fueron de los primeros artistas que produjeron pinturas que representaban exclusivamente flores. La aparición de este género está ligada al desarrollo del interés científico por la botánica y la horticultura a finales del siglo XVI. Este período vivió el establecimiento de jardines botánicos en los Países Bajos, así como el auge del comercio internacional de cultivos exóticos. Hacia la década de 1630, los precios especulativos para los bulbos más codiciados y plantas con flores se habían alcanzado niveles espectaculares, un fenomeno conocido como la burbuja de los tulipanes. Pese a que los precios se derrumbaron pronto, el encanto holandés por las flores pervivió.

Las primeras pinturas de flores cuentan con disposiciones simétricas planas, pero en el transcurso del siglo XVII evolucionó el gusto de los ramos para lograr ritmos asimétricos y sensación de profundidad. A finales del siglo XVIII, la paleta toma unos tonos más claros, acordes con los gustos modernos.

Coincidiendo con los festivales de flores de Chelsea y Hampton Court, los visitantes de la exposición tendrán la oportunidad de examinar las pinturas de flores en detalle y apreciar las características estilísticas y técnicas de estos artistas.

Betsy Wieseman, conservador de pintura holandesa y flamenca destaca que esta exhibición magnífica reclama la atención sobre una amplia colección de pinturas florales holandesas de los siglos XVII y XVIII, enriquecida ahora por la reciente incorporación de varios prestamos extraordinarios a largo plazo con los que la National Gallery atesora obras de los maestros del genero, entre los que se encuentran Jan Brueghel el Viejo, Ambrosius Bosschaert, Jan Davidsz de Heem, Jan van Huysum, y Rachel Ruysch.

Naturaleza maravillosa en peligro

07/04/2016, Cerca de la mitad de los sitios del Patrimonio Mundial Natural están amenazados por actividades industriales dañinas, de acuerdo con un nuevo informe publicado por WWF.

Gland (Suiza) 7 de abril de 2016
Actividades como la exploración de gas y petróleo, la minería y la tala ilegal amenazan a 114 de los 229 sitios del Patrimonio Mundial Natural, según la encuesta del Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF), en la que se recogen tambien datos de la UICN.

Estos sitios son reconocidos mundialmente como algunas de las zonas protegidas más importantes del planeta e incluyen lugares emblemáticos como el Gran Cañón y la Gran Barrera de Coral. Otro de los lugares señalados es el Parque Nacional de Doñana, un lugar que WWF lleva defendiendo desde hace más de cinco décadas.

Con este informe, WWF inicia una campaña para defender estos tesoros naturales de toda la humanidad, “Juntos, salvemos nuestro patrimonio común”. El informe, realizado para WWF por Dalberg Global Development Advisors, muestra cómo los sitios naturales del Patrimonio de la Humanidad contribuyen al desarrollo económico y social al proteger el medio ambiente, pero también detalla los fracasos a escala global para proteger estas áreas de valor universal excepcional.

Más de once millones de personas (una población mayor que la de Portugal) dependen del agua, los alimentos y otros recursos que les proporcionan los sitios del Patrimonio Mundial, y que se podrían ver afectados de manera negativa por los impactos de actividades industriales dañinas llevadas a cabo a gran escala.

De acuerdo con el informe, el 90 por ciento de los sitios del Patrimonio Mundial dan empleo y beneficios que van mucho más allá de sus límites.

El estudio señala que muchos puntos están amenazados por múltiples actividades industriales dañinas la vez. En un ejemplo citado en este informe, se muestra cómo el Sistema de Reservas de la Barrera del Arrecife de Belice está amenazado debido a la construcción insostenible en sus costas, la tala a gran escala de los manglares, la escorrentía agrícola dañina y las exploraciones petrolíferas. Estas amenazas ponen en riesgo el bienestar de 190.000 personas, la mitad de la población de Belice.

Los sitios del Patrimonio Mundial cubren aproximadamente el 0,5 por ciento de la superficie de la Tierra. Estos sitios sostienen algunos de los ecosistemas más valiosos del Planeta, y contribuyen a las economías a través del turismo, el recreo y la exportación de recursos, al tiempo que albergan especies amenazadas y ayudan a contrarrestar el cambio climático.

Noticias optimistas para el lince ibérico

06/04/2016, El lince ibérico, uno de los felinos en mayor peligro de extinción del mundo, experimenta un crecimiento significativo en 2015.

Doñana, 6 de abril de 2016

Según ha anunciado WWF, el último censo realizado sobre el lince ibérico por la Junta de Andalucía (coordinadora del proyecto Life+ Iberlince) muestra un aumento significativo de la población, con una cifra de 404 individuos, que supera los 327 registrados en el año 2014. Se trata del mejor dato de los últimos 15 años. Con estas cifras esperanzadoras, el objetivo más urgente es poner freno a las dos grandes amenazas que acechan al felino: los atropellos en carreteras y sobre todo la escasez de conejos, su principal alimento.

El estudio identificó 120 hembras reproductoras divididas en cinco zonas de la Península Ibérica, incluyendo cuatro en España (Doñana, Sierra Morena, Montes de Toledo y el Valle Matachel), así como en el Vale do Guadiana de Portugal. La investigación muestra que el lince ibérico se está expandiendo más allá de las fronteras de Andalucía, con el crecimiento en regiones de Castilla-La Mancha y Extremadura de España, así como en Portugal. En 2015, el primer nacimiento de las especies en la naturaleza fuera de Andalucía se confirmó en Extremadura.

WWF valora muy positivamente este censo, que confirma que la evolución de la especie continúa siendo favorable, a pesar de la crítica situación del conejo de monte en la mayor parte de la Península Ibérica y en particular en sus dos áreas de distribución histórica (Sierra Morena y Doñana). Los seguimientos realizados dentro del proyecto Iberlince indican que, debido al impacto de la nueva cepa de la enfermedad hemorrágico vírica (RHD), las poblaciones han caído más de un 50% en la mayor parte de las zonas linceras. Esta situación es especialmente preocupante en el entorno de Doñana, cuya población, pese a mantener un alto número de hembras territoriales, se ha visto reducida por segundo año consecutivo a valores de hace cinco años y con un número de cachorros muy bajo.

Luis Suárez, responsable del programa de especies de WWF España comenta que este es un hito histórico que anima a la organización a reforzar las acciones de compromiso y de conservación para proteger esta especie aún en grave peligro. Según Suárez, "Es esencial que las autoridades competentes tomen medidas para implementar acciones de recuperación para evitar una catástrofe ecológica real dado el papel clave del conejo en los ecosistemas mediterráneos". Suárez concluye: “Con el proyecto SOS conejo que estamos desarrollando con el apoyo de la Fundación Biodiversidad, pretendemos poner en común el conocimiento sobre esta especie y proponer medidas para su recuperación”.

El informe muestra otro dato trágico, el de la elevada mortalidad del lince causada por accidentes de tráfico con un total de 51 linces muertos en las carreteras durante los últimos tres años. Este fue el detonante para que WWF iniciara la campaña online ‘Ni un lince más atropellado’, que ya cuenta con el apoyo de casi 22.000 personas y que ha posibilitado, gracias también a la respuesta de las administraciones competentes, que en 2015 se frenara la tendencia al alza de los atropellos, con un total de 15 linces muertos en las carreteras (solo 10 en Andalucía), frente al máximo histórico alcanzado en 2014, con un total de 22 linces atropellados (21 en Andalucía).

Para WWF un elemento muy positivo es que se empieza a consolidar la presencia del lince más allá de las fronteras de Andalucía, gracias al trabajo realizado por el proyecto Life+Iberlince. Aunque todavía es prematuro hablar de nuevos núcleos poblacionales, los buenos resultados que se están consiguiendo con las reintroducciones, cuya mortalidad es en todos los casos inferior al 50%, invitan al optimismo.

El lince ibérico (Lynx pardinus, Temmick, 1827) forma parte de la línea evolutiva de los grandes carnívoros (tigres, leones, jaguares y leopardos) de los que se separa hace tres o cuatro millones de años. Por su apariencia física, frecuentemente se asocia a cualquiera de las otras líneas de felinos existentes, pero el lince ibérico está más próximo a un tigre que a un gato en la escala evolutiva.

El lince es un carnívoro de mediano tamaño. Su peso medio ronda los 12,5 kg, con una longitud media de unos 80 cm y una altura de unos 45 cm, que le dan un aspecto grácil. Sus características más llamativas son los pinceles, las barbas y la cola corta, con un borlón negro. A estas se le suman unos llamativos ojos frontales, que le dan precisión en la medición de distancias propia de cazadores de cortas distancias; grandes globos oculares que le permiten ver en condiciones de baja luminosidad; orejas triangulares, antesala de un oído fino capaz de detectar el caminar de las patas insonorizadas por pelos de los conejos; y garras desproporcionadamente grandes, para apresar con firmeza sus presas, con aguzadas uñas retráctiles para impedir su escapatoria. Sus largas patas traseras permiten desarrollar saltos muy ventajosos en la caza, y su pelaje moteado le proporciona la capacidad de mimetizarse con los matorrales.

Wifredo Lam en el MNCARS

06/04/2016, El Museo Reina Sofía presenta una amplia retrospectiva dedicada al artista Wifredo Lam que acaba de verse con gran éxito en el Centro Pompidou de París.

Madrid, 6 de abril de 2016
La exposición propone un recorrido a través de unas doscientas cincuenta obras entre pinturas, dibujos, grabados y cerámicas, enriquecido además con documentos y fotografías, del singular artista Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902 - París, 1982). La muestra se completa con más de trescientos documentos –cartas, fotografías, revistas y libros–, que sirven para iluminar el contexto del trabajo y del pensamiento de Lam.

Entre las obras destacadas se encuentran piezas como Les Noces, (La boda, 1947) procedente de la Neuenationalgalerie de Berlín; La Rumeur de la terre, (El rumor de la tierra, 1950) del Guggenheim de Nueva York o Les Abaloches dansent pour Dhambala, dieu de l´unité, (Los abalochas bailan para Dhambala, dios de la unidad, 1970) procedente de una colección particular. Además, a la muestra se incorporan algunas obras poco conocidas de los años que Lam pasó en España (entre 1923 y 1938) y que sirven como testimonio del aprendizaje y vida del artista en los quince años que vivió en España.

Iniciador de una pintura mestiza que unía modernismo occidental y símbolos africanos o caribeños, Lam se codeó con todas las vanguardias del momento, afrontando también los problemas del mundo con una obra profundamente comprometida, en la que el artista explora expresiones y medios como la pintura, el dibujo, el grabado o la cerámica.

Lam tomó consciencia desde muy joven de la cuestión racial y de sus implicaciones sociales y políticas en Cuba, en Europa y Estados Unidos. Asociado a diversos ambientes nacionales, sociales y culturales, Lam inventó un lenguaje propio, único y original para defender la dignidad de la vida y la libertad.

La exposición del Reina Sofía vuelve sobre la génesis de su trabajo y analiza las diversas etapas y condiciones de una obra construida entre España, París, Marsella y Cuba.

Tras su estancia en Madrid la muestra viajará hasta la Tate Modern de Londres.

El Códice de Aleppo

05/04/2016, La UNESCO incluye el Códice de Aleppo en el Registro de la Memoria del Mundo.

París, 5 de abril de 2016
El Códice de Aleppo, considerado la copia más antigua que se conserva de la Biblia Hebrea, forma parte ya de manera oficial del Registro de la Memoria del Mundo.

El manuscrito, reconocido por la UNESCO como valioso patrimonio documental, es conocido como el Códice Aleppo o simplemente la “Corona” (Keter), y es considerado por los estudiosos como la Biblia hebrea más exacta y fidedigna.

El Códice de Aleppo ha servido como fuente de texto, entonación y vocalización de la Biblia. El Códice fue escrito en el norte de Israel hacia 930 d.C. y originalmente constaba de 487 páginas de las que sobreviven 295.

En la actualidad este manuscrito se encuentra en el Santuario del Libro del Museo de Israel.

El Registro de la Memoria del Mundo ya incluía otros dos objetos de Israel, por un lado la Miscelánea Rothschild del Museo de Israel (una colección de manuscritos iluminados del siglo XV) y por otro las Páginas del Testimonio del Museo del Holocausto Yad Vashem.

La Memoria del Mundo es la memoria colectiva y documentada de los pueblos del mundo (su patrimonio documental).

Estos objetos trazan la evolución del pensamiento, de los descubrimientos y de los logros de la sociedad humana, y son el legado del pasado a la comunidad mundial presente y futura.

La Memoria del Mundo se encuentra en gran medida en bibliotecas, archivos, museos y otros lugares de custodia y un elevado porcentaje de ella corre peligro en la actualidad. El patrimonio documental de numerosos pueblos se ha dispersado debido al desplazamiento de fondos y colecciones, a los botines de guerra o a otras circunstancias históricas. Además, al estar compuesto sobre todo de materiales naturales, sintéticos u orgánicos sujetos a la inestabilidad y la descomposición químicas, el patrimonio documental está permanentemente expuesto a calamidades naturales, como inundaciones o incendios; a los desastres provocados por el hombre, como los saqueos, accidentes o guerras, y al deterioro gradual a causa del mal almacenaje o la falta de una debida protección.

A día de hoy, la cantidad de objetos y documentos inscritos en el Registro de la Memoria del Mundo asciende a 300.

Los territorios soñados

05/04/2016, El artista Carlos Coronas presenta en el Centro Niemeyer una instalación elaborada con grandes estructuras poligonales cuyas formas simulan organismos vivos.

Avilés, 5 de abril de 2016
Las estructuras, construidas en su mayor parte de madera y tubos fluorescentes y de neón, establecen una composición espacial que ofrece numerosos puntos de vista y situaciones lumínicas diversas que mediante sistemas electrónicos generan la sensación de organismos vivos.

La instalación artística de Carlos Coronas (Avilés, 1964) configura una suerte de territorios y formas que, interaccionando entre sí, modifican sensorialmente el lugar donde se ubican y la percepción del espacio.

Cada pieza tiene su propia luz que cambia de intensidad y color, proyectándose sobre el suelo y paredes, creando un juego de atmósferas que inundan todo el espacio al ritmo de las respiraciones de cada una de las estructuras que se despliegan buscando un diálogo más allá de lo matérico.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca Carlos Coronas ha participado en numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales. Coronas ha participado en varias bienales internacionales como Biennale Cuvée, en Linz, Austria o la 5ª Seoul International Media Art Biennale en Corea del Sur, y su obra ha estado presente de la mano de distintas galerías en ferias de Arte como Just Madrid, Arco, Art Lisboa o Art Santander.

Aunque en sus primeras exposiciones centró su interés en un tipo de creación llamada "abstracción postpictórica", el artista rompió con la estructura tradicional del lienzo para explorar otras posibilidades expresivas. Evolucionando en esa línea, introdujo las luces de neón reforzando ese referente pictórico con composiciones lumínicas. Los tubos de neón y los fluorescentes pasan así a constituir el material principal con el que trabaja. Un material con el que logra la unión entre las cualidades meramente formales y la espiritualidad de la obra.

Los Territorios soñados
Hasta el 2 de octubre de 2016
Cúpula del Centro Nimeyer
Avda del Zinc, s/n, Avilés

Exposiciones en MARCO

31/03/2016, El Museo de Arte Contemporánea de Vigo presenta tres muestras dedicadas a las artistas María Luisa Fernández June Crespo y Grace Schwindt.

Vigo, 31 de marzo de 2016
MARÍA LUISA FERNÁNDEZ. JE, JE… LUNA. OBRAS ENTRE 1979-1997
Hasta el 29 de mayo de 2016
Esta exposición plantea un recorrido por el trabajo de María Luisa Fernández (Villarejo de Órbigo, León, 1955) en el que se relacionan de manera retrospectiva esculturas, dibujos e instalaciones de la artista leonesa.

Las obras, producidas entre 1979 y 1997, se caracterizan por incorporar lenguajes artísticos dispares, desde los post del conceptual y el minimalismo a elementos de los cruces entre los constructivismos y la tradición de la escultura en el País Vasco. También es frecuente en la obra de Fernández el uso de dobles sentidos y juegos de palabras, así como la crítica a los relatos oficiales de la historia del arte.

JUNE CRESPO. KANALA
Hasta el 17 de abril de 2016
La instalación de June Crespo (Pamplona, 1982) plantea, a través del modelado de una serie de piezas de barro, el patrón de una acción llevada a cabo y de su resultado formal. La elaboración manual supone un ejercicio de memoria, de reproducción de una serie de gestos aprendidos.

La instalación Kanala fija una línea transversal entre los procesos de fabricación, técnicamente diferenciados. El resultado final combina lo primario con lo sofisticado, la mecánica de los movimientos de la producción artesanal con la mecanización del proceso a gran escala.

GRACE SCHWINDT [LLEVAR UNA CASA, CONSTRUIR UNA CIUDAD, LIDERAR UNA REVOLUCIÓN. UNA EXPOSICIÓN EN TRES ACTOS]
Hasta el 15 de mayo de 2016
La exposición reúne un conjunto de piezas en las que se resumen algunas de las investigaciones que la artista Grace Schwindt ha realizado a lo largo de su trayectoria sobre la religión, la memoria y el capitalismo como formas de organización social.

Grace Schwindt (Alemania, 1979) intenta desmontar los sistemas establecidos y nos invita a pensar en cómo se generan las estructuras sociopolíticas a las que pertenecemos a través de recursos del teatro, la danza, el cine y la música. En esta exposición, Schwindt plantea una reflexión que, deconstruyendo los sistemas establecidos, nos muestra que nada de lo que los conforma es neutral, sino que responde a ciertos esquemas dibujados desde las estructuras de poder.

Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Príncipe 54. Vigo

Huellas de tinta. Joan Miró en la colección Würth

30/03/2016, La obra gráfica de Miró es fundamental para entender su desarrollo artístico. Esta muestra en el Museo Würth de La Rioja analiza esta faceta artística de Miró.

La Rioja, 30 de marzo de 2016
En el año 1937 Miró acude a clases de desnudo en la Académie de la Grande Chaumière. Allí realiza un importante conjunto de dibujos a lápiz de personajes grotescos, como una rebelión ante la violencia y una muestra más de su interés en "asesinar la pintura". Uno de estos dibujos abre la exposición del Museo Würth dedicada a Joan Miró, y que reúne por primera vez en España gran parte de los fondos del artista de la colección del museo riojano.

La exposición, compuesta por obra gráfica de entre los años ‘50 y ‘80, presenta litografías, aguatintas, aguafuertes, pinturas a gouache y óleo, carteles, una escultura en bronce, y obras realizadas para libros como la serie Lapidari, realizada para un proyecto conjunto con el poeta Pere Gimferrer, y la serie completa de L’enfance d’Ubu (La Infancia de Ubú) del escritor Alfred Jarry. 25 piezas que muestran las constantes de su iconografía (constelaciones, mujeres, escaleras, pájaros...) así como el variado repertorio técnico del artista catalán.

Huellas de tinta. Joan Miró en la colección Würth analiza la faceta menos académica del artista, que transformó la experimentación con las técnicas de grabado en una forma de libertad. Organizada en tres bloques, la muestra repasa el imaginario iconográfico de Joan Miró, profundiza en la relación del artista con la literatura y, presenta el compromiso con la sociedad de Miró a través de sus carteles.

Joan Miró desarrolló una obra compleja y diversa a lo largo de su vida. En su larga trayectoria artística, Miró fue plenamente partícipe del desarrollo del arte del siglo XX; influenció y se dejó influenciar por cambios artísticos y acontecimientos sociales y políticos, pero siempre mantuvo una manera metódica de enfrentarse a la obra de arte.

Miró pintó la realidad tal y como él la percibía. A lo largo de los años, el artista desarrolló un repertorio iconográfico de animales, astros, objetos y personajes que, a pesar de existir en la totalidad de su obra, consiguieron el protagonismo absoluto de su imaginario desde los años 40. Las constelaciones (estrella, sol y luna) fueron una manera de plasmar lo onírico y la poesía; las mujeres y los signos femeninos (vulvas o pechos) representan la vida y la alegría de vivir; y los pájaros, flechas y escaleras simbolizan la búsqueda de libertad. A partir de los años 60, líneas de un espeso color negro toman el protagonismo de la imagen; esto dotó a las obras de una fuerte densidad expresiva en las que manchas de colores puros llenaban el vacío.

Joan Miró
Miró nació en Barcelona en 1893. Desde 1912 acudió regularmente a academias de pintura libre en Barcelona. En un primer momento su pintura desarrolló un estilo propio muy cercano al fauvismo del París del momento.

En su primer viaje a París en 1920 conoce a Picasso, y dos años después se instala en el taller de la rue Blomet y en 1924 se integra en el grupo Surrealista de André Breton.

Tras sumarse al grupo surrealista juega con la pintura automática que le condujo a acercarse a formas abstractas, de las que renegó. La violencia de los años 30 se expresó a través de una figuración agresiva y grotesca que dio paso a las pinturas oníricas de la célebre serie Constelaciones (1939-1941).

En 1940 vuelve a España. En 1944 crea las 50 litografías de la serie Barcelona, en las que expresa la asfixia de la España del momento.

En 1947 viaja a Nueva York. En 1954 gana el Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia y en 1956 la UNESCO le encarga dos murales cerámicos monumentales para su edificio de París.

En 1959 el MoMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva, recibe el premio de la Fundación Guggenheim y participa en la 2 Documenta de Kassel.

En 1966 viaja por primera vez a Japón cuya tradición caligráfica le había influido notablemente.

En 1974 tiene lugar una gran exposición en el Grand Palais de París y el año siguiente abre al público la Fundació Joan Miró de Barcelona, diseñada por Sert.

En 1978 el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid le dedica una retrospectiva y dos años más tarde el Ministerio de Cultura le concede el Premio al Mérito en las Bellas Artes.

Muere en su casa de Palma el 25 de diciembre de 1983 tras crear una ingente obra que le ha convertido en uno de los artistas fundamentales de la Historia del Arte del siglo XX.

Huellas de tinta. Joan Miró en la colección Würth
Hasta el 19 de febrero de 2017
Museo Würth La Rioja
Pol. Ind. El Sequero, Avda. Cameros pcls. 86-88, Agoncillo

Francisco José 1830-1916

30/03/2016, Con motivo del centenario de la muerte del emperador austrohúngaro Francisco José, una exposición en Viena invita a conocer al monarca en todas sus facetas.

Viena, 30 de marzo de 2016
El 21 de noviembre de 2016 se conmemora el centenario de la muerte del emperador Francisco José, que gobernó durante sesenta y ocho años. Esta exposición, que se celebra en cuatro lugares con cuatro puntos de vista diferentes, aproxima al visitante a la personalidad del monarca, y enfoca de manera crítica tanto la vida privada como la actuación política del penúltimo emperador de la monarquía austrohúngara.

Palacio de Schönbrunn: El hombre y el monarca
¿Cuál es la dinastía de Francisco José? ¿Cómo fue su madre? ¿Quiénes fueron sus educadores? Qué tipo de infancia vivió? ¿Cómo era la relación con su célebre mujer "Sisi"? ¿Cómo era Francisco José cómo padre y cómo abuelo? ¿Cuáles eran los altibajos de su vida política y privada? La exposición del Palacio de Schönbrunn da respuesta a todas estas preguntas con objetos muy impresionantes como sus juguetes de la infancia, los uniformes que llevaba cuando era niño, o impresionantes replicas de las coronas reales de la casa de los Habsburgo.

Museo de Carruajes Imperiales de Viena: Representación y austeridad
La exposición del Museo de Carruajes Imperiales de Viena presenta grandiosos carruajes de gala, espléndidos arneses, selectos trajes de fiesta y elegantes libreas cortesanas que hacen referencia a tres momentos importantes de la vida del emperador: Su boda con Isabel de Baviera (1854), su coronación en Hungría (1867) y sus exequias (1916).

Hofmobiliendepot ŸMuseo del Mueble de Viena: Las fiestas y el día a día
Objetos muy personales marcan esta exposición en el Museo del Mueble de Viena, el libro del sirviente personal de Francisco José, el puro que se fumó a los 81 años (de su marca favorita Virginea), incluso se muestra un par de calzoncillos que pertenecieron al monarca. La exposición también se dedica al mito de Francisco José exponiendo por ejemplo el cuchillo del atentado contra su persona en 1951.

Castillo de Niederweiden: La caza y el esparcimiento
Con esta exposición, esta pequeña joya arquitectónica vuelve abrir sus puertas al público tras años de clausura. El castillo de caza, a unos 60 km al este de Viena, dedica una muestra a la pasión por la caza que expermientaron tanto Francisco José como otros Habsburgo, y presenta los lugares donde cazaban con objetos sumamente curiosos.

Palmira, una joya destrozada

29/03/2016, Tras la expulsión del ISIS en Palmira, toca hacer un balance, el de los monumentos y el patrimonio destrozados por la barbarie y el fanatismo.

Palmira, 29 de marzo de 2016
El director sirio de Antigüedades y Museos, Maamoun Abdulkarim, ha asegurado que los datos que revelan los informes son positivos, pues aproximadamente un 80% de las ruinas de Palmira se encuentra en buen estado, y el yacimiento arqueológico podría reconstruirse en unos cinco años con el apoyo de la comunidad internacional.

La ciudad de Palmira, patrimonio de la humanidad, era finalmente liberada el pasado domingo 27 de marzo por tropas sirias, tras casi un año de destrozos. Según Abdulkarim, una quinta parte del yacimiento ha sido devastado por los seguidores del ISIS.

Durante meses de ocupación, Palmira ha sido símbolo de la limpieza cultural que ha asolado Oriente Medio. Sus tesoros han sido violados, bajo la mirada impotente de la sociedad. La destrucción de los templos de Baalshamin y de Bel, de las torres funerarias y del Arco del Triunfo son pérdidas para el pueblo sirio y para el mundo entero.

La Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, ha afirmado que la UNESCO acudirá a Palmira junto a las autoridades responsables de las antigüedades sirias, para llevar a cabo una misión de protección del patrimonio de Palmira y para concienciar a todas las partes presentes en la zona de la necesidad de preservar este patrimonio único como condición esencial de la paz y el futuro de la región.

El arte y la cultura, víctimas de la intolerancia:
A pesar de los actos del pasado año, el arte y la arquitectura de Palmira, situada en la encrucijada de varias civilizaciones, son aún un símbolo de la complejidad y de la riqueza de la historia y la identidad sirias. Estos son algunos de los monumentos que se han visto más afectados por las acciones sin sentido del ISIS:

Templo antiguo de Baalshamin: Construido hace cerca de 2.000 años, el templo de Baalshamin era un ejemplo de la riqueza de la historia preislámica del país. El edificio habría sido dinamitado el domingo 23 de agosto de 2015. Su parte interior quedó seriamente dañada y las columnas que lo rodeaban fueron derrumbadas. La estructura del templo data del periodo romano. Fue erigido en el Siglo I después de Cristo y ampliado por el emperador romano Adriano.

Templo de Bel: Por su concepción única, el templo de Bel era uno de los monumentos religiosos más importantes del siglo I en Oriente. El templo fue destruido con explosivos el 30 de agosto de 2015. Exponente de la síntesis entre el Medio Oriente antiguo y la arquitectura grecorromana visible en sus techados esculpidos, en su podio monumental y sus frisos en relieve se narraba la historia de la ciudad y se representaban caravanas de dromedarios y constelaciones astrales.

Las torres funerarias de Palmira: Entre junio y agosto de 2015 imágenes de satélite confirmaban la destrucción de siete torres funerarias. Estos monumentos de arenisca de varios pisos de altura, de la época romana, figuraban entre los monumentos más representativos del sitio arqueológico de Palmira.

Arco del Triunfo: De tres vanos, el Arco del Triunfo fue construido por Septimio Severo entre 193 y 211 después de Cristo y era un símbolo de la ciudad. Se trataba de una obra maestra de la arquitectura civil y estaba cubierto con adornos geométricos y florales.

Calder - Fischli / Weiss

28/03/2016, Se presenta en Basilea una exposición dedicada a Alexander Calder y a los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss, que trabajaron bajo el nombre conjunto de Fischli / Weiss.

Basilea, 28 de marzo de 2016
En la Fundación Beyeler, del 29 de mayo al 4 de septiembre de 2016 se podrá ver esta muestra que confronta al artista estadounidense famoso por sus esculturas móviles, junto a los trabajos de los suizos, después del gran éxito de la presentación de la "Galería de Calder I-III" (2012-2015), en un encuentro permitirá reflexionar sobre la creación de estos artistas.

Esta exposición está concebida en torno al “equilibrio inestable”, un estado precario, prometedor y siempre fugaz. Alexander Calder (desde el comienzo del siglo XX) y Peter Fischli y David Weiss (en el final del siglo) habían elaborado formulaciones de este instante; radicalmente diferentes a primera vista, pero cercanas al mismo tiempo.

Esta exposición presenta un diálogo en el espacio entre una selección de obras de Calder y varios trabajos de Peter Fischli y David Weiss. El hilo conductor nos lleva de momentos históricos de la creación de Calder (el Circo Calder, de los años 1920,) que nos llevan de la abstracción al “móvil” para avanzar en las posibilidades de este “juego” en el tiempo, en el que tambien se inscriben las originales aportaciones de Peter Fischli y David Weiss.

En esta asociación inesperada, se descubre el interés de la experimentación en el juego entre la gravedad y la ingravidez, una práctica artística que se desarrolla en la línea entre el humor y la poesía, con el artista convertido en un sugerente equilibrista.

Calder (1898-1976) es el maestro del equilibrio inestable en el arte moderno. Con el revolucionario invento de la "móvil", hizo visible el cambiante equilibrio entre la gravedad y la ingravidez. Es un artista muy estimado en la fundación Beyeler e incluso en sus jardines aparece obra del artista norteamericano, en un toque agradable y juguetón, en el que se funde el metal y la naturaleza, ambos en movimiento.

Desde 1979, Peter Fischli (nacido en 1952) y David Weiss (1946-2012), en su creación conjunta, han abordado el tema del equilibrio precario de una forma icónica muy diferente.

Esta exposición, comisariada por Teodora Vischer, de la Fundación Beyeler, está diseñado en estrecha colaboración con la Fundación Calder en Nueva York y Peter Fischli.

Making Africa en el CCCB

28/03/2016, El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona presenta la exposición Making Africa. Un continente de diseño contemporáneo, hasta el 28 de agosto de 2016.

Barcelona, 28 de marzo de 2016
La exposición Making Africa reúne obras de más de 120 artistas y creadores africanos, ilustra cómo el diseño promueve los cambios económicos y políticos de un continente «en construcción» y aporta una nueva visión sobre el diseño africano contemporáneo.

Esta nueva generación reivindica su derecho a construirse en libertad y contra los estereotipos proyectados desde Occidente, alrededor de la cultura, la creación y el diseño. La muestra ofrece un relato de África desde una perspectiva completamente nueva, a través de los proyectos de artistas y diseñadores africanos o de procedencia africana que rompen con las definiciones convencionales de diseño, arte, fotografía, arquitectura y cine.

Realizadas a menudo por colectivos y en un contexto urbano, las obras de «Making Africa» conectan la revolución digital con la existencia analógica, interpretando los nuevos materiales y medios de una forma radical, asumiendo su responsabilidad en relación a la sociedad.

«Making Africa» muestra trabajos de distintos ámbitos creativos como el diseño de objetos y mobiliario, las artes gráficas y la ilustración, el diseño de moda, la arquitectura y el urbanismo, la artesanía, el cine, la fotografía o los enfoques digitales y analógicos.

Las piezas presentadas abordan cuestiones de la cultura material y la estética cotidiana desde un enfoque totalmente innovador.

Amelie Klein, especialista en diseño contemporáneo del Vitra Design Museum, es la comisaria de la exposición, y Okwui Enwezor, director de la Haus der Kunst de Múnich y comisario de la 56a Bienal de Venecia (2015), es su comisario consultor.

Making Africa. Un continente de diseño contemporáneo
CCCB. Montalegre, 5. Barcelona
Hasta el 28 de agosto de 2016

Miradas paralelas. Irán-España

23/03/2016, Doce prestigiosas fotógrafas dialogan a través de sus obras y muestran las afinidades artísticas y culturales existentes entre creadores de diferentes países.

Madrid, 23 de marzo de 2016
"Miradas paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo" es una muestra del Centro Cultural Conde Duque, que explora a través de las obras de Cristina García Rodero y Hengameh Golestan; Isabel Muñoz y Gohar Dashti; Soledad Córdoba y Shadi Ghadirian; Amparo Garrido y Rana Javadi; Mayte Vieta y Ghazaleh Hedayat; María Zarazúa y Newsha Tavakolian la conexión cultural que puede existir en tre creadoras españolas e iraníes sin que éstas mismas lo sepan.

La exposición, que podrá verse hasta el próximo 15 de mayo de 2016, dirige su mirada a Irán, un país muy activo en el ámbito de las artes visuales contemporáneas. Este primer encuentro reúne creadoras de los dos países mediante seis parejas de fotógrafas que plantéan cuestiones como cuál es la fuerza enigmática que acerca la mirada de dos fotógrafas de ambos países o qué lenguajes internos las aproximan.

Las doce fotógrafas participantes proponen una exposición de contenido abrumador, plagada de historias y visiones inquietantes.

La muestra, enmarcada dentro del Festival Ellas Crean, ha sido organizada por la Asociación Cultural del Mediterráneo Occidental, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y la Fundación Tres Culturas de Sevilla. Miradas paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo
Centro Cultural Conde Duque
Calle Conde Duque 9-11, Madrid

José Antonio Hernández-Díez, en el MACBA

23/03/2016, Hasta el 26 de junio, en el MACBA, se presenta una muestra de José Antonio Hernández-Díez (Caracas, 1964) titulada "No temeré mal alguno".

Barcelona, 23 de marzo de 2016
El artista sudamericano presenta su primera muestra monográfica Barcelona, donde reside, con trabajos de variada temática y distintos formatos, en los que no falta lo social, el dramatismo y la muerte… e incluso la polémica.

El artista tiene ya un amplio bagaje. Ha participado en importantes muestras como Aperto ’93: Emergency/Emergenza en la 45 Bienal de Venecia (1993), Beyond Borders, la primera Bienal de Gwangju (1995), y Cocido y crudo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1994).

Sus exposiciones incluyen fotografía, escultura, vídeo y dibujo; metafísica combinada con un humor adolescente; producciones de lujo junto a materiales «pobres» poco convencionales.

No temeré mal alguno presenta obras de finales de los ochenta y principios de los noventa, algunas de las cuales no se habían visto desde que se expusieron por primera vez, junto con un nuevo proyecto desarrollado para la ocasión.

La presente recupera los primeros trabajos experimentales en vídeo de Hernández-Díez, junto con otras obras tempranas realizadas con soporte de pantallas y vitrinas. Se incluyen, por ejemplo, tres piezas que se presentaron en su primera exposición monográfica, San Guinefort y otras devociones, que tuvo lugar en la Sala RG de Caracas entre julio y agosto de 1991 y que constituyó un auténtico hito.

La temática de la muestra es variado, aunque ha salido a la luz especialmente por una polémica: la presentación del cadáver de un perro, aunque se ha precisado que el animal fue recogido ya cadáver y no se le ha añadido sufrimiento alguno para ser trasformado en elemento de la exposición.

El tema es que siempre la polémica se presenta cuando en una muestra se presenta el cadáver de un ser vivo. En este caso se utiliza relación con una leyenda anclada en los relatos medievales. Se refiere al intento de robo de una imagen de San Roque, patrono de los perros y a quien se representa con un can. En aquel caso, los ladrones huyeron al oír los ladridos del perro a quien se veneró en una región francesa como san Guinefort.

En el propio centro artístico barcelonés, se recuerda –con motivo de la polémica por el perro disecado- que hace ahora un año también se registró otro debate en relación a una figura de Inés Doujak. La bestia y el soberano, donde una mujer sodomizaba a una persona que recordaba al Rey Juan Carlos. La exposición no llegó a presentarse por el desacuerdo entre los gestores del centro y la artista austriaca.

El Ecce Homo de Borja

22/03/2016, El Ecce Homo de Borja, Aragón, ha entrado en la historia del arte como símbolo de la chapuza artística… pero ha generado una corriente de visitas turísticas al lugar.

Zaragoza, 22 de marzo de 2016
Televisiones y rotativos de todo el mundo divulgaron el año 2012 la intervención que una “restauradora” espontánea y cargada de buena intención que desfiguró el totalmente el Ecce Homo pintado un siglo atrás, alterando radicalmente la imagen original del rostro de Cristo.

La autora de esta intervención, de nombre Cecilia Giménez, es una octogenaria que ahora se muestra orgullosa de su colaboración artística “amparada” por autoridades locales y regionales que –lejos de la crítica por la pintura que maltrató- han puesto en marcha hasta un centro de interpretación del Ecce Homo de Borja, como si se tratase de una nueva obra maestra, surgida de improviso en esta tierra, la patria de Francisco de Goya.

La pintura original fue realizada por Elías García Martínez:(1858-1934), un autor nacido en Requena (Valencia) que ya en el siglo XIX se trasladó a Zaragoza y que dejó numerosas obras, retratos, paisajes, etc. Entre sus trabajos, el Ecce Homo del santuario de la Misericordia, en las cercanías de Borja, Zaragoza, labor de buena factura y con una falta de conservación que incitó en 2012 a la devota a esta intervención desafortunada que alteró el original, provocando un impacto mundial por los estrafalarios resultados.

Pero después del escándalo por la acción de la restauradora improvisada, en el lugar se han visto sorprendidos al comprobar cómo llegaban visitantes de España y del resto del mundo, hasta del Japón, para ver el famoso trabajo.

Satisfechos por el inesperado resultado promocional de la chapuza que difundió el nombre del lugar, se ha acabado haciendo un Centro de Interpretación del Ecce Homo, con información incluso multilingüe, y se ha creado un elenco de piezas de recuerdo que aparecen incluso en el portal de Amazon, para su venta a todo el mundo.

Junto a datos del antes y después de la, información sobre el autor original y la octogenaria restauradora aparecen imágenes de periódicos de diversos países, cortes de radio y grabaciones de televisión, Hay paneles explicativos en diversos idiomas: español, inglés, francés y hasta en japonés.

El santuario de la Misericordia, originario del siglo XVI, está a unos cinco kilómetro de Borja, en un caserón severo situado en un bello enclave, en las estribaciones de la sierra del Moncayo. Allí fue donde Elías García Martínez pintó el Ecce Homo, se estima que en los inicios del siglo XX, un Ecce Homo de factura clasicista que se ha transformado en un auténtico símbolo mundial de cómo no han de hacerse las intervenciones artísticas.

Por Domínguez Carreño

El corazón del Amazonas, en grave peligro

22/03/2016, El Gobierno brasileño pretende construir una presa del tamaño de la ciudad de Nueva York en el corazón de la Amazonía, un proyecto sin sentido que atenta contra la naturaleza.

Río de Janeiro, 22 de marzo de 2016
El río Tapajós alberga una biodiversidad sin igual. Sus aguas son el hogar de los delfines rosados y en sus orillas habitan especies como el jaguar. La tribu indígena Mundurukú depende de este río para mantener su modo de vida, en armonía con el mundo natural.

Ahora, este paraíso se ha visto amenazado por el proyecto de la megapresa de São Luiz do Tapajós, que está siendo impulsada por el Gobierno brasileño y varias grandes empresas, para las que los beneficios pesan más que la ética y la moral.

Este proyecto supondría construir un muro de 7,6 kilómetros, e inundaría una superficie de 729 km² (el tamaño de una ciudad como NY). En el proceso se verían inundados lagos, formaciones rocosas, islas, hábitats de interés ecológico y parte de las tierras del pueblo Mundurukú.

Pero esta no es la primera vez que la política, la corrupción, el mal uso del dinero público y la falta de respeto a la naturaleza se unen para destruir, otras represas en la Amazonía, como la gran presa de Belo Monte en el río Xingu, forman parte ya de la mayor investigación que se está realizando actualmente sobre corrupción en Brasil.

Hoy en día existen alternativas y recursos para suplir la demanda energética de Brasil sin necesidad de sepultar bajo las aguas grandes regiones de la Amazonia. Las energías renovables, como la solar y eólica, podrían satisfacer las necesidades de abastecimiento de los brasileños, sin destruir la biodiversidad y la forma de vida de las comunidades locales. El Gobierno de Brasil, sin embargo, parece hacer oidos sordos a esta realidad que podría ayudarnos a salvar nuestro planeta.

Colabora con Greenpeace para ayudar a los Mundurukú y a la selva amazónica.

Julia Margaret Cameron

21/03/2016, Hasta mayo de 2016 en la Sala de exposiciones Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre se puede visitar una muestra dedicada a la fotógrafa Julia Margaret Cameron.

Madrid, 21 de marzo de 2016
Esta ambiciosa retrospectiva de la Fundación Mapfre muestra algunas de las obras más importantes de uno de los nombres más importantes de la fotografía del siglo XIX, la fotógrafa Julia Margaret Cameron (Calcuta, 1815 - Ceilán, 1879).

En colaboración con el Victoria and Albert Museum de Londres, la muestra se compone de más de 100 fotografías que profundizan en la innovadora mirada de esta artista poco convencional, que comenzó su carrera fotográfica a los 48 años, y que realizó principalmente retratos fotográficos en los que utilizó como modelos a familiares, sirvientes y amigos, entre los que se encontraban los más importantes poetas, escritores y artistas británicos de su tiempo.

Durante su primera etapa definiría las líneas temáticas que iban a estar presentes a lo largo de toda su producción: los mencionados Retratos de corte artístico, las Madonnas de temática cristiana y con finalidad moralizadora y las Fantasías con efecto pictórico, para las que la artista se inspira en la pintura renacentista y en temas del medievo.

En apenas dos años, la artista ya había vendido obra y donado algunas de sus fotografías al South Kensington Museum (actual Victoria and Albert Museum).

Julia Margaret Cameron rompió en sus fotografías con las reglas establecidas. Sus imágenes aparecen desenfocadas, y con imperfecciones, arañazos, raspados y manchas, todo realizado de manera deliberada. La artista incorporó estos recursos al proceso creativo para dotar así a sus instantáneas de un halo onírico de carácter poético a los rostros retratados.

La artista no fue aceptada en la “London Photographic Society” y sus técnicas fueron criticadas por algunos de sus contemporáneos, pero hubo quién la alabaría por la belleza de sus composiciones y por su concepción de la fotografía como forma artística, en la que prima lo estético sobre lo técnico.

La exposición se articula a través de cinco secciones. Las cuatro primeras se centran en la evolución de la artista y la quinta sección contextualiza la obra de Cameron y la enmarca entre la producción artística de otros fotógrafos contemporáneos.

Julia Margaret Cameron
Hasta el 15 de mayo de 2016
Sala de exposiciones Bárbara de Braganza
Fundación Mapfre (Madrid)

¿Hay esperanzas para los tigres?

18/03/2016, En los últimos cien años el número de tigres en estado salvaje se ha desplomado en un asombroso 97 por ciento. ¿Hay esperanza para la especie?.

Gland (Suiza) 18 de marzo de 2016
La directora General de la UICN, Inger Andersen, sostiene que sí, y ha anunciado que se profundizará en la tarea de salvación de la especie tras unos primeros éxitos, conseguidos en esta última década.

El tigre (Panthera tigris) es el mayor felino del mundo; habita en espacios apartados de Asia y padece la expansión de las poblaciones humanas que ocupan sus hábitats y lo cazan para eliminar su competencia y hasta para aprovechar desde su piel a sus huesos, utilizados en la medicina tradicional.

Se calcula que a principios del siglo XIX había unos 100.000 tigres… y en 2013 se afirmó que quedaban tan sólo 3.000 en libertad, la mayor parte de ellos en la India.

En respuesta a la caída alarmante, en 2010 se hizo un documento, la Declaración de San Petersburgo, apoyado por trece países, organizaciones conservacionistas y el Banco Mundial, cuyo objetivo era el de duplicar la población mundial para el año 2022 del tigre, estableciendo también medidas de colaboración internacional para salvar al gran felino.

Según afirma Inger Andersen, ya han pasado casi seis años desde la reunión de San Petersburgo y durante este tiempo ha habido signos alentadores de progreso. Se cree que las poblaciones de tigres han aumentado en la India, Bután, Nepal, la Federación de Rusia y Tailandia.

La UICN afirma que hay que continuar en esa línea, intensificando la protección y monitoreando las poblaciones de tigres para asegurar que el mundo puede cumplir con el ambicioso objetivo. La propia UICN está trabajando en varios proyectos con apoyo de instituciones como el gobierno alemán y el Banco Alemán de Desarrollo.

Afirma la directora General de la UICN que la conservación del tigre exige abordar problemas que le afectan globalmente. “Los tigres son depredadores y necesitan amplios espacios y abundantes presas para sobrevivir. La presión sobre estos mismos recursos aumenta a medida que las poblaciones humanas en Asia continúan creciendo, y con frecuencia se produce el conflicto. La participación de las comunidades locales en el trabajo de conservación es esencial para armonizar la convivencia entre los tigres y los seres humanos, y esta es una base de nuestras actuaciones.”

Otro elemento crucial en la defensa del felino es la actuación transfronteriza. “Los tigres no reconocen fronteras (….) se necesita la colaboración conjunta de estados, sectores y grupos de interés para lograr resultados positivos”.

Por Sánchez Carreño

Artistas escoceses 1750-1900

17/03/2016, En Londres, del 18 de marzo al 9 de octubre de 2016, se presenta una muestra dedicada a los artistas de Escocia: “Scottish Artists 1750-1900: From Caledonia to the Continent”.

Londres, 17 de marzo de 2016
La exposición, en Queen's Gallery, Buckingham Palace, pone de relieve la importancia y la influencia de los artistas cuyo trabajo fue influenciado por las ideas de la ilustración escocesa.

Se presentan pinturas, dibujos y miniaturas de la Colección Real, desde Jorge IIII a la Reina Victoria, en la que se incluyen obras de artistas escoceses, que reflejan tanto asuntos del país como escenas de viajes por el exterior.

Entre los autores más viajeros están Allan Ramsay y Sir David Wilkie. Ramsay (1713-1784) nació en Edimburgo y pasó grandes periodos en Italia, lo que influyó en su pintura, en la que destaca su actividad de retratista. Fue pintor de la corte de Jorge III. Por su parte, el segundo, David Wilkie /1785-1841) destacó como incansable viajero que conoció prácticamente toda Europa y el Cercano Oriente. En sus pinturas se influenció primero por los maestros holandeses, pero más tarde se acercó a los grandes de la pintura italiana y española. Murió en alta mar y su cuerpo fue hundido en la bahía de Gibraltar.

Otros de los maestros permanecieron mas aferrados a la tierra natal, entre ellos están Alexander Nasmyth y James Giles. El primero (1758 1840). Fue ayudante de Ramsay y pronto se dedicó a la pintura paisajística. Influido por Claudio de Lorena, se le considera fundador de la escuela paisajística escocesa. Por su parte, James Giles (1801 – 1870) también descolló en el ámbito paisajístico. Sus obras pasaron a la colección real y tuvieron gran prestigio en el país. Aunque viajó por Italia permaneció practivamente toda su vida en Aberdeen.

Las temáticas de la muestra son diversas, porque existe pintores que también centraron su obra en motivos más costumbristas o religiosos, entre estos últimos William Dyce, (1806 -1864) muy ligado a la pintura italiana.

La exposición, que reúne 80 trabajos de la Royal Collection, había sido presentada en el Palacio de Holyroodhouse, Edimburgo, del 6 de agosto 2015 hasta el pasado mes de febrero.

Jorge Macchi. Perspectiva

16/03/2016, Del 18 de marzo al 23 de mayo de 2016 se presenta en MALBA la primera exposición antológica de Jorge Macchi en su país, recogiendo obras de sus 25 años de producción artística.

Buenos Aires, 16 de marzo de 2016
La exposición de este autor nacido en Buenos Aires en 1993 incluye cerca de 60 obras en múltiples formatos: trabajos sobre papel, videos, pinturas, fotografías e instalaciones, realizadas entre 1990 y la actualidad, provenientes de numerosas colecciones públicas y privadas de Argentina, España, Portugal y Estados Unidos.

Comisariada por Agustín Pérez Rubio, la muestra está organizada en diferentes núcleos temáticos, que incluyen sus cartografías, obras hechas de recortes periodísticos, instalaciones donde el tiempo se detiene y el efecto óptico quiebra la realidad, fantasmagorías pictóricas y videoinstalaciones en las que la música tiene un rol fundamental.

El título de la muestra es Perspectiva (como sustituto de la palabra retrospectiva) y pretende ser una mirada que va desde el presente hacia el pasado personal y vivencial del artista.

En palabras de Agustín Pérez Rubio: “esta exposición MALBA pretende acercar al público argentino los diversos periodos de la carrera de Macchi a partir de piezas fundamentales de su producción, muchas de las cuales no se habían exhibido nunca en el país”.

“El recorrido de la muestra – afirma - se organiza a través de fragmentos, del mismo modo que las realidades e imágenes que el artista compone”.

Parte de las obras fueron producidas especialmente por MALBA para la ocasión y se presentan por primera vez en el país, luego de haber sido exhibidas en importantes bienales, ferias y muestras alrededor del mundo. Es el caso de la instalación Buenos Aires Tour, incluida en la Bienal de Estambul de 2003 –que abre la exposición–; Caja de música presentada en la Bienal de San Pablo en 2004; Still Song realizada para el pabellón internacional de la Bienal de Venecia en 2005; y El cuarto de las cantantes, instalación basada en el poema Adiós de Idea Vilariño, en co-autoría con Edgardo Rudnitsky, que se exhibió originalmente en 2006 en la Universidad de Essex (Inglaterra).

Perspectiva se extiende más allá de las salas de MALBA con dos grandes instalaciones. La primera es Refracción (2012), que se exhibirá en la Sala de Exposiciones de la Universidad Torcuato Di Tella desde el 8 de abril hasta el 3 de junio. La segunda instalación es La noche de los museos (2016), en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), del 15 de abril al 31 de julio de 2016.

El artista argentino ha recibido numerosas distinciones en su carrera. Sus obras forman parte de numerosas colecciones privadas internacionales y de importantes colecciones públicas, en particular el MNBA, MALBA y el MAMBA de Buenos Aires, el MOMA y el Museo del Barrio de Nueva York, la Fondation Daros de Zúrich, la Tate Modern de Londres, el Muhka de Amberes, el SMAK de Gante en Bélgica, el Musac de León en España y el Musée National d’art Moderne – Centre Georges Pompidou de París.

America Sanchez. Retratos románicos

16/03/2016, El MNAC presenta una exposición de pequeño formato que muestra los dibujos que America Sanchez ha realizado a partir de la colección de arte románico del museo.

Barcelona, 16 de marzo de 2016
Este conjunto de retratos de los personajes que aparecen en las pinturas románicas ofrece al visitante una mirada contemporánea del arte producido hace casi 1.000 años.

America Sanchez (Buenos Aires, 1939) es diseñador gráfico, fotógrafo y dibujante. Vive en Barcelona desde 1965 donde se ha dedicado al diseño y a crear la identidad gráfica de prestigiosas instituciones y empresas. Entre otros reconocimientos, America Sanchez ha sido galardonado con el Premi Nacional de Disseny (1992), el Premi Ciutat de Barcelona (2001) o seis premios Laus.

America Sanchez empezó a dibujar hace veinticinco años tras visitas casi furtivas al Museu Nacional d’Art de Catalunya. En estas visitas, Sanchez pasea por las salas románicas y descubre y esboza los pequeños rostros escondidos en pinturas murales, frontales de iglesia, ábsides. Pronto rompió el código de color del románico, para introducir una gama viva de colores que desobedecían la paleta original.

America sigue dibujando en las salas del museo, y educa su mano para deducir los gestos de aquellos pintores lejanos. Dibujar cómo dibujaron ellos, ser un poco románico. Pero sobre todo para entender el misterio que encierran esos rostros del pasado.

America Sanchez. Retratos románicos. Tintas sobre papel
Hasta el 24/04/2016
Museu Nacional d’Art de Catalunya

El Reina Sofía, en Nueva York

15/03/2016, El museo español colabora en dos exposiciones que podrán verse este año en el Metropolitan Museum of Art y en el MoMA.

Nueva York, 15 de marzo de 2016
The Metropolitan Museum of Art presenta el próximo 18 de marzo la exposición Nasreen Mohamedi. La retrospectiva ha sido organizada por el MET y el MNCARS, en colaboración con el Kiran Nadar Museum of Art de Nueva Delhi.

La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el 5 de junio de este año, constituye la retrospectiva más completa que se ha realizado hasta la fecha de la creadora india Nasreen Mohamedi (1937- 1990), una de las primeras artistas que barajó los lenguajes de la abstracción moderna en Asia.

En total, más de 200 obras –entre dibujos en tinta y grafito, fotos, acuarelas, óleos en lienzo y collages- muestran la evolución de la obra de Mohamedi, desde finales de los años 50 hasta principios de los 80.

Por otro lado, el Museo Reina Sofía colabora con el Museum of Modern Art en la retrospectiva más completa dedicada hasta la fecha a Marcel Broodthaers (Bélgica, 1924 – Alemania, 1976). La muestra repasa las múltiples facetas desarrolladas a lo largo de toda su carrera por este artista, considerado uno de los creadores más importantes del panorama internacional, con una influencia que continúa vigente a día de hoy.

La exposición se clausurará en Nueva York el próximo 15 de mayo y podrá verse en Madrid entre el 4 de octubre de este año y el 9 de enero de 2017. Posteriormente, viajará a The Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (Alemania).

La cigüeña y el pingüino

14/03/2016, Dos historias contrapuestas –relativas a una cigüeña y a un pingüino- sirven para mostrar la calidad y la mezquindad del ser humano.

León, 14 de marzo de 2016
La historia del pingüino Dindín se ha conocido estos días en todo el mundo. Fue salvado hace años por un pescador que le recogió en una playa del sur de Brasil, junto a unas rocas, casi muerto y atenazado por el petróleo que le impedía nadar. Es una noticia que nos habla de bondad y amor a la naturaleza.

La historia de la cigüeña Porma es todo lo contrario. Ocurrió hace unos días en un pueblo de León. El ave estaba siendo seguida por SeoBirdLife para conocer su movimiento migratorio. Fue masacrada a tiros por algún personaje que acabó con la vida de muchas aves más. Es una noticia que habla de miseria, mezquindad y pobreza mental.

La cigüeña Porma
Hubo un tiempo en que las cigüeñas eran casi seres totémicos, sagrados. Tal vez su cercanía al ser humano y el hecho de que anidaran en la cima de las iglesias les daba un aura de animales familiares y amados por la divinidad. Nadie intentaba causar el mínimo daño a una cigueña. Es más, si un muchacho le arrojaba una piedra recibía la crítica de todos, incluidos sus mismos amigos.

La cigüeña volvía cada año a su nido, y con ella regresaban los días de sol. Picoteaba en los campos, en las lagunas, alimentándose de culebras, ranas o saltamontes. Y el campesino que la veía al lado del sembrado, con sus largas patas hundidas en el reguero, se sentía complacido con su compañía.

Pero he aquí que en febrero pasado se conoció que algún ser ¿humano? mató a varias parejas de cigüeñas que ya estaban anidando. Una de ellas se conocía muy bien por los especialistas. Era Porma, portadora de un emisor que se le colocó en 2013 en Santa Colomba de Curueño (León) para seguir sus movimientos, que la llevaban en el invierno a los campos de Andalucía.

El nombre de la cigüeña, Porma, se debía al río del mismo nombre, que atravesaba la zona donde fue marcada merced a la colaboración de Grupo Ibérico de Anillamiento GIA-León y con la financiación de la organización suiza Storch Schweiz. Un emisor colocada en la espalda del ave enviaba diariamente informe de su posición.

La cigüeña pasaba los meses más fríos del año en el sur, a 720 kilómetros de su nido. Se alimentaba en las marismas de Benalup-Casas Viejas, en Doñana, y en los vertederos de Dos Hermanas y Medina Sidonia. Cada primavera regresaba a su nido en el valle del Curueño donde criaba con éxito, hasta este año.

El 24 de febrero de 2016 se conoció que al menos 6 parejas de cigüeñas habían sido masacradas. Una de ellas era Porma. Aún no se sabe nada del delincuente que las masacró, pero la sociedad pide una investigación, aclaración del caso y castigo para el causante de esta salvajada.

El pingüino salvado
La otra historia es la del pingüino hallado en 2011 por el pescador Joao Pereira de Souza, ya jubilado, quien, compadecido, recogió al animal, lo limpió de petróleo y lo alimentó con sardinas hasta que recuperó su vigor.

Dindin, como llamó al animal, fue atendido a cuerpo de rey durante varias semanas y luego retornado a la playa para que continuara con su vida habitual. La sorpresa mayor fue que al año siguiente el pingüino, de hábitos migratorios, retornó a la playa, como si intentase reencontrar a su salvador.

Desde 2.011, cada año se repite el reencuentro. Y el pescador jubilado acaricia al animal y le premia con sus sardinas… tal como se ha visto hasta en programas televisivos.

Dindin y Joao Pereira son una especie de familia que se reencuentra cada año, y tanto el pingüino como el pescador expresan sus sentimientos de afecto. “Lo quiero como si fuera mi hijo y creo que él también me quiere”, comenta Pereira.

Dos historias. Dos mundos distintos. Joao Pereira da cariño a un animal y cosecha cariño y admiración de la sociedad. El otro sujeto, el asesino de cigüeñas, causa muerte y recibe el oprobio y el desprecio de todos.

Por Sánchez Carreño

Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas

14/03/2016, CaixaForum Zaragoza propone una mirada a la mujer romana en esta exposición en colaboración con el Museo del Louvre.

Zaragoza, 14 de marzo de 2016
La mujer romana fue al mismo tiempo objeto de amor y de temor, de deseo y de burla. "Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas" trata la representación de la mujer en la decoración de las villas romanas, y sirve para poner de manifiesto la evolución en la sociedad romana de la condición de la mujer, perceptible en las costumbres, la mentalidad y la representación y decoración de estancias, monumentos y objetos de uso cotidiano.

En base a la legislación romana, la mujer tenía asignado un papel menor, pero merced a sus roles como esposa o madre pudo alcanzar una situación relevante, a veces decisiva en el ámbito del poder.

Este cambio de mentalidad genera una contradicción entre la imagen tradicional aristocrática y la realidad de una sociedad en la que la mujer empieza a superar ese rol ancestral. Así, la mujer aparece en representaciones bajo el prisma de la mitología, religión y su faceta maternal, pero también protagoniza alegorías de la seducción y el exceso.

La exposición de CaixaForum Zaragoza, que podrá verse hasta el próximo 5 de junio de 2016, detalla a partir de 178 piezas de uso cotidiano y procedentes de la decoración de las villas romanas, este papel subalterno de la figura femenina.

"Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas" presenta excepcionales obras de arte, como un conjunto de pinturas murales procedentes de Pompeya, así como otras que han sido restauradas expresamente para su exhibición, como los relieves en terracota conocidos como placas campanas.

La mujer romana aparece representada como musa inspiradora, en forma de de diosas como Venus, Minerva o Diana, como las luchadoras amazonas o las monstruosas gorgonas y sirenas, personificando fuerzas, ciclos naturales o tragedias, como Medea o Pasífae... Junto a estas imágenes, también aparecen una serie de retratos que nos recuerdan aspectos como los peinados o modas del momento.

Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas. Colecciones del Museo del Louvre
CaixaForum Zaragoza (Av. de Anselomo Clavé 4)

Aves de Nepal

11/03/2016, Los amantes del mundo de las aves ya tienen otra publicación extraordinaria sobre la avifauna asiática: una gran evaluación del estado de las aves de Nepal.

Londres, 11 de marzo de 2016
El estudio, de seis volúmenes, accesible por Internet, se realizó sobre la base de criterios de la Lista Roja de la UICN, y ha sido publicado por la Sociedad Zoológica de Londres (ZSL).

Más de 875 especies de aves han sido registradas en Nepal, lo que significa el 8% de las aves conocidas en el mundo. La compilación y la evaluación de la situación de todas estas especies representa un gran logro para asegurar la conservación de la avifauna de este estado de Asia, ubicado en el magnífico espacio del Himalaya, entre China y la India.

En este estado montañoso, donde se halla la cumbre más alta del orbe, el Everest, existe una atormentada geografía con espacios sumamente variados en los que se hallan especies raras y poco comunes de gran parte del globo.

Según relata BirdLife International, “El estado de las aves de Nepal” contiene descripciones detalladas de más de 800 especies que habitan en el país, así como mapas que muestran la distribución y los últimos cambios de la misma.

El informe, dirigido por Carol Inskipp y Hem Sagar Baral, contiene contribuciones de otros 10 autores, imágenes de 140 fotógrafos y registros de aves presentados por muchas fuentes locales. Diversos departamentos nepalíes, y ONGs, entre ellas Conservación de las Aves de Nepal (BirdLife en Nepal) también contribuyeron a este esfuerzo notable.

El libro, en seis volúmenes, y con 3000 páginas ha sido editado por la Sociedad Zoológica de Londres (ZSL) y es una base para “el conocimiento de las aves nacionales de Nepal, la identificación de aquellas especies que están amenazadas (…) y orientar las actividades de conservación en el país ", dijo Richard Grimmett, Director de Conservación de BirdLife Internacional.

Casi el 20% de las aves de Nepal (167 especies) pronto podría perderse del país, incluyendo 37 especies que están amenazadas a escala global. Además 62 especies están casi amenazadas a nivel nacional, y nueve especies no han sido registradas en Nepal desde el siglo XIX. El grupo con más problemas es el de aves de los pastizales de las tierras bajas (con el 55% de las especies amenazadas), seguido de aves acuáticas (25%) y las de bosque tropicales y subtropicales (24%).

De particular interés, es la importancia de Nepal para las siguientes especies amenazadas a nivel mundial, que tienen importantes poblaciones en el país:

El Catreo wallichii, faisán de Wallich (el nombre de su descubridor) ave galliforme muy rara, único miembro en el género Catreus.

El Francolinus gularis, francolín palustre, otra ave galliforme, de la familia Phasianidae, que tiene en Nepal su límite occidental de distribución.

El Houbaropsis bengalensis, sisón bengalí, la única especie de la familia Houbaropsis, de la que sólo quedan unos centenares de aves.

Sarcogyps calvus, Buitre cabecirrojo, de la familia Accipitridae, y en peligro crítico.

El Gyps bengalensis, buitre dorsiblanco bengalí, también de la familia Accipitridae, en grave peligro de extinción. No se reconocen subespecies.3

La Prinia cinereocapilla. Ave paseriforme denominada prinia de corona gris, que habita casi únicamente en zonas de pasto del sur de Nepal y Bután y que está en un grave retroceso.

El Turdoides longirostris, turdoide picofino, también es muy raro. Habita en zonas bajas y húmedas, y su declive se debe a la pérdida de su hábitat.

Para acceder al informe:
https://www.zsl.org/conservation/regions/asia/national-red-list-of-nepals-birds

El arte de la música

11/03/2016, El Museo del Palacio de Bellas Artes explora el diálogo entre el arte y la música desde la antigüedad hasta nuestros días.

México, 11 de marzo de 2016
La muestra acerca al público a los enfoques y análisis teóricos sobre la influencia de la música en el arte a través de una perspectiva interdisciplinaria sobre las coincidencias y diferencias conceptuales que han existido entre la imagen y el sonido a lo largo del tiempo y de las conexiones musicales entre las artes de Asia, África, el continente americano y Europa.

Más de un centenar de piezas elaboradas en diversas técnicas ofrecen un amplio panorama de la iconografía de la música en las artes plásticas, y examinan los motivos de la música y su naturaleza simbólica en las obras de arte, con la antigüedad grecorromana como punto de partida, y pasando por las sociedades prehispánicas hasta las expresiones de artistas de la modernidad.

La música tuvo un importante papel en la antigüedad clásica. Los panteones presentaban a dioses y héroes portadores de un encanto seductor gracias a su capacidad de tocar música, hechizando a hombres y bestias. En el mundo prehispánico la representación del objeto musical evocaba las actividades del hombre en su contexto socio-cultural; en la agricultura, por ejemplo, el acto ritual del hombre que toca la flauta, el silbato, el cascabel o el tambor, era un acercamiento a alguna divinidad que favorecía dicha actividad.

La música y sus rituales
Las civilizaciones de todo el mundo han tenido en común la necesidad de reunirse para compartir momentos de celebración o espiritualidad. Así, las escenas de corte ritual dan testimonio de los actos de celebración populares.

La música ha sido parte fundamental de la vida cortesana en todo el mundo; las altas esferas de la sociedad (representantes de las buenas costumbres y la cultura) hacían alarde de la virtud y el refinamiento propios de quienes ocupaban el poder.

Por otra parte, la música se ha visto siempre ligada por los temas del amor y el galanteo. La música se convierte en un tema y pretexto para el encuentro amoroso.

El vínculo que une a la música con el reino espiritual es muy antiguo. A menudo, los componentes sonoros y visuales pretendían instruir a los fieles, inspirar devoción y fomentar la espiritualidad.

El teatro y la danza han inspirado desde hace tiempo a los artistas y han ocupado un lugar prominente en el imaginario artístico desde la tradición japonesa del teatro kabuki, hasta el Moulin Rouge de París y el Broadway de Nueva York.

Formas musicales
Los artistas han explorado el potencial de las artes visuales para expresar los tonos y ritmos. El Ragamala es un género de pintura en la India que se desprendió de una tradición musical basada en la improvisación, de modo que cada pintura evoca tonos musicales y estado de ánimo. En el arte moderno muchas pinturas se pueden entender como una respuesta emocional del artista ante la música que estaba escuchando mientras pintaba.

A partir de la abstracción, la pintura moderna se liberó de lo figurativo y se volcó a experimentar con la forma, el color y las dimensiones. Los lenguajes, tanto el plástico como el musical encuentran coincidencias, las composiciones se equiparan a la creación de armonías, al tiempo que se reinterpretan los conceptos de melodía y ritmo.

Hacia la década de los setenta, los artistas se concentraron en los elementos básicos. El minimalismo trabajó con ritmos a partir de formas y colores elementales que plantearon la idea de la ausencia como otra forma de representación; el vacío y el silencio se volvieron también elementos compositivos.

Una fecha que marcaría un antes y un después dentro de la cultura popular contemporánea sería el año 1968, y tiene al rock como la banda sonora que atestigüó importantes cambios en la sociedad. Esta revolución dio origen a un extraordinario género en el arte: el cartel de rock. Las llamativas combinaciones de color y forma emulaban los sorprendentes sonidos de la música y las experiencias provocadas por los alucinógenos que inspiraron el movimiento psicodélico.

Viajar en Semana Santa

09/03/2016, Andorra la Vella encabeza este año el ranking de destinos para disfrutar de las vacaciones de Semana Santa.

Madrid, 9 de marzo de 2016
Después del verano, la Semana Santa es la fecha que registra más desplazamientos. Esta festividad, la primera en el año que permite desconectar durante unos días, supone una ocasión perfecta para disfrutar de la playa, practicar algún deporte y realizar viajes culturales.

Según un estudio realizado por el portal Hoteling, Andorra la Vella será el destino preferido esta Semana Santa, seguido de Costa Blanca y Costa Dorada.

Así, las últimas nevadas sitúan Andorra la Vella como punto de encuentro de los amantes del esquí. Por su parte, la Costa Blanca (que comprende municipios turísticos como Benidorm, Denia, Santa Pola o Torrevieja), ocupa la segunda posición en ocupación hotelera, seguida por la Costa Dorada, en Tarragona, con una completa oferta gracias a sus playas y a Port Aventura.

En cuanto a los destinos internacionales, destacan París, Algarve o Berlín.

Destinos preferidos en Semana Santa:

1- Andorra la Vella
2- Costa Blanca
3- Costa Dorada
4- París
5- Algarve
6- Costa Brava
7- Oviedo
8- Gran Canaria
9- Costa de la Luz
10- Berlín

En Semana Santa, los españoles prefieren viajar sin niños y suelen preferir los hoteles de cuatro estrellas. El promedio de reserva es de entre 3 y 4 noches, siendo el día de salida más demandado el Jueves Santo (día 24 de marzo), seguido del Viernes Santo.

El atolón del Atlántico Sur

08/03/2016, Brasil ha incluido al Atol das Rocas como nuevo sitio Ramsar, con lo que el país tiene ya 13 inscripciones en la lista de los Humedales de Importancia Internacional.

Río de Janeiro, 8 de marzo de 2016
El Atol das Rocas es el único atolón del Atlántico Sur. Es este un espacio con apenas 36 hectáreas de superficie que se halla a más de 200 kilómetros de la costa, al noroeste de Natal. Se trata de un territorio circular de unos 7 kilómetros de perímetro que corresponde a la vieja cumbre de una estructura volcánica.

El espacio tiene interés ecológico porque en esta zona lejana y desértica se juntan centenares de tortugas para desovar, aparte de multitud de aves que tienen en allí un hábitat seguro tanto para criar como para el descanso en los viajes migratorios.

El turismo está restringido y sólo se llevan a cabo en el lugar tareas de investigación y monitoreo científico.

Según el portal de internet de Ramsar, el atolón está formado principalmente de algas coralinas y secundariamente de corales. Localizado a 267 km al noreste de la ciudad de Natal, es también parte del sitio de Patrimonio de la Humanidad de UNESCO “Islas atlánticas brasileñas: Reservas de Fernando de Noronha y Atolón de las Rocas”.

La UNESCO incluyó a estas islas brasileñas en su listado de Patrimonio Mundial en 2001, valorando entre sus características que sus aguas ricas en nutrientes las hacen muy interesantes para la alimentación y reproducción de atunes, tiburones, tortugas de mar y mamíferos marinos. Estas islas albergan la mayor concentración de aves marinas tropicales del Atlántico Occidental.

El Atol das Rocas alberga gran variedad de especies endémicas y migratorias, algunas de ellas amenazadas, y varias especies de interés económico. Es un sitio importante de reproducción para la tortuga verde (Chelonia mydas), y también alberga tortuga carey (Eretmochelys imbricata) y tortuga caguama (Caretta caretta), todas ellas categorizadas como “en peligro” o “en peligro crítico” en la Lista Roja de la UICN.

También mantiene al menos 14 especies endémicas de moluscos, incluyendo seis que son endémicas del Sitio; cinco especies de esponjas no registradas en sitios aledaños y probablemente nuevas para la ciencia, por ende consideradas endémicas para Atol das Rocas provisionalmente; y 15 especies de corales endémicas para Brasil.

Alberga la más amplia concentración de aves marinas tropicales en el Atlántico occidental, con aproximadamente 150.000 aves de 29 especies. Es también un importante sitio de cría y alimentación para el tiburón limón (Negaprion brevirostris) y alberga cinco especies endémicas de peces.

Los sitios Ramsar de Brasil
El Convenio Ramsar para proteger los Humedales de Importancia Internacional, especialmente por su interés faunístico, entró en vigor en 1975 y en su listado se han incluido prácticamente 2000 puntos. Esta convención tiene el nombre de Ramsar por la ciudad iraní en la que se firmó el acuerdo internacional.

El Atol das Rocas es el sitio Ramsar número 13 de Brasil. Los anteriores son:

Área de Proteção Ambiental das Reentrâncias Maranhenses
Área de Proteção Ambiental da Baixada Maranhense
Parque Estadual Marinho do Parcel de Manuel Luiz
Parque Nacional do Araguaia - Ilha do Bananal
Parque Nacional da Lagoa do Peixe
Parque Nacional do Pantanal Mato-Grossense
Reserva de desenvolvimento Sustentável Mamirauá
Reserva Particular do Patrimônio Natural SESC Pantanal
Reserva Particular do Patrimônio Natural Fazenda Rio Negro
Parque Nacional Marinho dos Abrolhos
Parque Estadual do Rio Doce
Parque Nacional do Cabo Orange

Un jardín milagroso

08/03/2016, Del 15 de abril al 18 de septiembre, el Carmersklooster (donde se está restaurando el retablo del Cordero Místico) presenta "Un jardín milagroso", una exposición sobre la flora del retablo.

Gante, 8 de marzo de 2016
El panel central del Retablo del Cordero Místico de Gante está suntuosamente decorado con plantas y flores. Desde el 15 de abril, los visitantes del Carmersklooster podrán sorprenderse con la diversidad y el realismo con la que los hermanos Van Eyck pintaron la flora y fauna en esta importante obra.

En el Retablo del Cordero Místico los artistas representaron flores de primavera junto a plantas de verano, y pintaron flores típicas Mediterráneas y del sur de Europa combinadas con plantas que sólo pueden crecer en el norte de Europa. Entre las más notables se encuentran las frutas cítricas, además de cipreses italianos, palmeras... Por otra parte, rosas, margaritas y violetas florecen en la suave hierba y llenan de colorido el retablo.

Desde su creación en el siglo XV, el retablo del Cordero Místico logró sorprender por su realismo, su majestuosidad y sus grandes dimensiones. La pintura de Hubert y Jan Van Eyck muestra su fascinación por el mundo, así como su curiosidad y su reverencia religiosa. ¿Tienen las flores y plantas representadas un significado simbólico? ¿Cómo consiguieron los hermanos Van Eyck recoger este conocimiento de la botánica? ¿Qué tipo de flores y plantas se representan en el retablo? Esta exposición pretende arrojar luz sobre estas y otras cuestiones.

Con motivo de la exposición, uno de los jardines del Caermersklooster estará decorado con algunas de las flores y plantas que aparecen en el Cordero Místico. El diseño y la elección de las plantas han sido realizadas por el conservador del Jardín Botánico de la Universidad de Gante.

A miraculous garden - Flora on the Ghent Altarpiece
15.04.2016 - 18.09.2016
Provinciaal Cultuurcentrum Caermersklooster
Vrouwebroersstraat 6. Ghent (Belgium)

Maestros holandeses de lo cotidiano

07/03/2016, El Palacio de Holyrood, residencia real de Edimburgo, desde la época de la monarquía escocesa, presenta ahora una magnífica exposición sobre la pintura holandesa del siglo XVII.

Edimburgo, 7 de marzo de 2016
Este noble edificio palaciego de finales de la Edad Media, donde la realeza británica sigue habitando al inicio de cada verano, alberga del 4 de marzo 2016 al 24 de julio la muestra Masters of the Everyday: Dutch Artists in the Age of Vermeer, Maestros de lo cotidiano. Artistas holandeses de los tiempos de Wermeer.

Wermeer (1632 - 1675) no fue especialmente conocido en su tiempo, pero hoy se le considera como uno de los artistas holandeses más famosos de la historia, rivalizando con el propio Rembrandt. Pero su fama no va ligada a una pintura de grandes cuadros históricos o religiosos, sino a una temática sencilla, íntima, burguesa, en la que ubica a unos personajes resueltos con pocos colores, tonos claros y –sobre todo – una atmósfera cargada de una luminosidad especial, cálida y cercana.

Frente a la grandiosidad desplegada por los pintores de la Europa católica, pendientes de la realeza y la religión, en la Holanda del XVII hubo una pléyade de artistas volcados a las escenas de la vida diaria. Gentes normales en sus labores del día a día, ambientes de las casas burguesas, de las edificaciones campesinas, de las tabernas…

La clase de música, la preparación de los alimentos, el juego en la taberna o en familia… los cuadros reflejan una sociedad que vive y disfruta y la mirada del artista se detiene en aspectos que van desde los objetos cotidianos a los ropajes y cortinas con detalles que frecuentemente van cargados de significaciones y mensajes.

Después de haber estado en la Galería de la Reina del Buckingham Palace, hasta el pasado mes de febrero, la muestra acude ahora al palacio escocés, con veintiocho obras maestras de la Colección Real Británica, una de las más ricas del mundo. En la muestra se incluyen obras de Gerrit Dou, Gabriel Metsu, Jan Steen y Pieter de Hooch, y de Juan Vermeer. De Wermeer, se presenta una señora ante el virginal, instrumento música de un solo teclado, obra que entró en la Colección Real en 1762 como un trabajo de Frans van Mieris el Viejo, debido a una mala interpretación de la firma. El error se explica ahora porque entonces Wermeer era bastante desconocido.

La composición tiene un excelente uso de la perspectiva y refleja, desde el fondo de una habitación una escena en la que una mujer, de espaldas, recibe la clase de música. El rostro de la alumna se ve en el espejo que tiene delante.

Otro cuadro de alto interés es "La madre del artista”, de Rembrandt, obra en la que el joven pintor estudia la vejez. Ejecutado hacia el final de período de Leiden (1629), esta pintura revela ya el dominio de los detalles precisos de Rembrandt así como su tratamiento de los pliegues de la piel y las facciones del rostro.

La mayoría de las obras de esta exposición estarán en exhibición en el Mauritshuis, Galería Real Holandesa, en La Haya con el título de “Wermeer y sus contemporáneos en la British Royal Collection". En la Haya, se presentará la muestra del 29 de septiembre al 8 de enero de 2017.

Por Domínguez Carreño

Miguel de Cervantes, de la vida al mito

07/03/2016, En el año 2016 se cumple el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes. La Biblioteca Nacional de España organiza una gran exposición en torno a su figura.

Madrid, 7 de marzo de 2016
La exposición acerca al visitante a la figura de Miguel de Cervantes y ofrece una visión global sobre la construcción del mito de Cervantes, su identificación con España y su proyección en el imaginario occidental a través de tres ejes, por un lado el hombre, por otro, el personaje y, por último, el mito.

La muestra recopila documentos, libros, esculturas, fotografías, óleos y otros objetos cotidianos del Siglo de Oro, que podrán verse, hasta el 22 de mayo de 2016 en la Sala Recoletos de la BNE. Entre las obras destacan el retrato de Cervantes pintado por Jáuregui, considerada durante largo tiempo la imagen real de Cervantes; dos ejemplares de la presunta carta que envió al Cardenal Sandoval pocos días antes de su muerte; o la partida de nacimiento del escritor, conservada en el Ayuntamiento de Alcalá de Henares.

Un interesante recorrido a través de la vida familiar, militar y literaria de Cervantes: su infancia,su participación en la batalla de Lepanto, su cautiverio en Argel, su producción novelística, su relación con los escritores de su tiempo... También hay un acercamiento al cervantismo y un amplio espacio dedicado al Quijote.

Secciones

Un hombre llamado Miguel de Cervantes
Analiza qué conocemos de Cervantes, los lugares y acontecimientos en que se desarrolló su vida personal y literaria, en la época conocida como el Siglo de Oro, el momento y circunstancias vitales en las que escribió sus obras y cómo vivía.

Destacan diversos objetos, como sus autógrafos verdaderos y falsos, documentos sobre su lugar de nacimiento y patria, grabados y dibujos originales sobre la batalla de Lepanto, sus primeros escritos y los textos vinculados a sus últimos momentos, su acercamiento a las órdenes religiosas, su fallecimiento, y el anonimato de su entierro, que muestra cómo murió alejado del reconocimiento de su tiempo.

Una imagen llamada Miguel de Cervantes
El segundo eje de la muestra está dedicado a ver cómo se ha ido construyendo el personaje de Cervantes a partir de sus retratos. Por primera vez, se expondrán casi todos los retratos de Cervantes que, desde 1738, se han ido postulando como verdaderos, así como grabados, litografías, dibujos originales y fotografías que muestran las mil caras con las que se ha representado el personaje Miguel de Cervantes en los últimos siglos.

Un mito llamado Miguel de Cervantes
A lo largo del tiempo se ha ido construyendo el mito de Cervantes como símbolo de la lengua española y de la propia nación. El itinerario comienza en tierras inglesas, el primer país en el que Cervantes fue reconocido como un maestro de la escritura y en donde se publica su primera biografía, que va a poner las bases de un modo de entender al personaje, que termina por consolidarse como mito.

En este apartado, destaca The second part of the history of the valorous and witty knigh errant, Don Quixote of the Mançha ( London, 1620). Una traducción de Shelton conservada en la BNE.

Miguel de Cervantes: de la vida al mito (1616-2016)
Biblioteca Nacional de España
Hasta el 22 de mayo de 2016

Louise Bourgeois y sus Celdas

04/03/2016, “Estructuras de la existencia: las Celdas” es una nueva exposición de Louise Bourgeois que ofrece el Guggenheim Bilbao, a partir del próximo 18 de marzo y hasta el 4 de septiembre.

Bilbao, 4 de marzo de 2016
La autora, Louise Joséphine Bourgeois (1911-2010) es una artista bien conocida por los visitantes del Guggem, cuya imagen arquitectónica ha aparecido a veces junto a una gran araña metálica, obra de esta artista franco-norteamericana. Por cierto. esa araña típica de su obra vuelve a aparecer en una de las “Celdas” que ahora se presentan en Bilbao.

Las arañas –como el resto de los trabajos de esta artista nacida en París- están estrechamente vinculadas a los recuerdos de la autora, especialmente a las vivencias familiares de su infancia. La propia Bougeois afirmó que esa figura la relacionaba con su madre, de profesión tejedora.

Las Celdas de Louise Bourgeois se ubican a medio camino entre la escenografía y la instalación. Son espacios arquitectónicos donde Louise Bourgeois coloca diferentes objetos encontrados, como prendas de vestir, muebles o esculturas singulares, componiendo espacios teatrales cargados de vivencias.

La palabra Celda tiene para la autora el significado de habitación individual –carcelaria o monacal- y también el de célula. En cada Celda, la artista reúne elementos, esculturas, objetos que apuntan a un estado sicológico, miedo, soledad o dolor.

Según se señala en la presentación de la muestra, las Celdas contienen referencias a personas y a experiencias del pasado. Las agujas, hilos y husos que se integran en las obras aluden a la niñez de la artista y al oficio de sus padres, ya que su madre era restauradora de valiosos tapices. Las Celdas también hablan de abandono, de traición y de pérdida, en parte a causa de la gran tensión que se vivía en la familia Bourgeois. Por un lado, el padre de Louise engañó a su madre con la au pair de la familia, Sadie, que vivió con ellos durante casi una década. Por otro, en una inversión de los roles habituales, Louise tuvo que cuidar de su madre, quien contrajo una grave enfermedad y pidió a Louise que la ayudara a ocultar ante su padre cómo empeoraba. Louise se vio así inmersa en una trama de emociones encontradas: admiración y solidaridad, furia e impotencia. La propia artista relacionó su obra con sus traumas personales. En 1982 creó un texto autobiográfico ilustrado para Artforum que giraba en torno a las traumáticas experiencias de su niñez.

Estructuras de la existencia: las Celdas, presenta ahora una amplia representación de estas innovadoras obras escultóricas/instalaciones desarrolladas por Louise Bourgeois a lo largo de dos décadas de su carrera. La exposición está organizada por Haus der Kunst (Múnich) en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.

En el Guggenheim , los visitantes contemplarán veintiocho de los sesenta espacios arquitectónicos de este tipo que Bourgeois elaboró desde 1986.

Por Domínguez Carreño

Degas y una belleza diferente

03/03/2016, En el MoMA de Nueva York se presenta una inusual exposición sobre Edgar Degas, desde el 26 de marzo al 24 de julio de 2016: “Edgar Degas: A Strange New Beauty”.

Nueva York, 3 de marzo de 2016
La particularidad de esta muestra sobre el pintor francés es que se centra en los monotipos, un tipo de grabado de impresión única y por lo tanto muy valorado por los amantes del arte, técnica iniciada en el siglo XVII por Giovanni Benedetto Castiglione, il Grechetto, artista barroco italiano.

La muestra que ahora se verá en el Museum of Modern Art es la primera exposición en EE.UU. en casi 50 años, dedicada a este tipo de obras.

La exposición contará con unos 130 monotipos junto con otro medio centenar de obras relacionadas, entre pinturas, dibujos, pasteles, cuadernos de bocetos y grabados. Se presentará únicamente en el MoMA.

Conocido por sus cuadros de ballet y de carreras de caballos, Hilaire-Germain-Edgar de Gas, Edgar Degas (1834 – 1917), fue un artista difícil de encasillar, considerado a menudo como uno de los fundadores del impresionismo, cuando él mismo no disfrutaba con el “plenairismo” e incluso le molestaba que lo calificaran de impresionista.

A Degas se le conoce de forma especial por sus óleos y esculturas, pero también estuvo interesado en otros métodos de trabajo artístico entre ellos el grabado y la fotografía, que luego complementó con más técnicas.

Su trabajo como grabador revela el verdadero alcance de su creatividad inquieta, a la búsqueda de técnicas mixtas y efectos innovadores. Si en su juventud estuvo cautivado por la pasión del dibujo académico, luego Degas trataría de experimentar con nuevos métodos y materiales, y en esa fase quedó cautivado por el potencial del monotipo.

Las obras resultantes de sus investigaciones se refieren a múltiples temáticas, desde las bailarinas a los cafés y burdeles; desde los momentos de la intimidad a los paisajes. Esa faceta de Degas investigador y mezclador de técnicas alumbra una nueva visión sobre un pintor inquieto y solitario.

El pangolín, en la encrucijada

02/03/2016, El pangolín es uno de los animales más desconocidos y –a la vez- más expoliados en la actualidad. En 10 años sus efectivos se han reducido en un 80 por ciento, en Asia.

Gland (Suiza) 2 de marzo de 2016
UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, publicó recientemente que los pangolines son los mamíferos más explotados y comercializados del planeta, por lo que se han puesto en marcha iniciativas para abordar las principales amenazas para su supervivencia.

Los pangolines o manis, de la familia de los Manidae, son mamíferos que habitan en África y Asia, en zonas tropicales, caracterizados por su cobertura escamosa. Con un tamaño variable, de los 25 centímetros hasta el metro de longitud. Esas escamas que recubren su cuerpo hacen que a veces se conozca al pangolín como oso hormiguero escamoso.

Con su lengua larga y pegajosa, le encanta atrapar a las hormigas y termitas. Cuando siente una amenaza se acurruca sobre sí mismo y toma forma de bola cubierta de escamas. Esta defensa ha sido buena durante millones de años, hasta que el ser humano rompió el equilibrio con sus armas.

En la actualidad, el pangolín es un blanco sencillo para los cazadores furtivos. La especie está en gran peligro. Se calcula que más de un millón de pangolines han sido extraídos de su hábitat natural en la última década. Las noticias de confiscaciones de cuerpos de pangolines aparecen con cierta frecuencia. A finales de noviembre de 2015, se publicó la noticia de una gran confiscación, dos toneladas de escamas, descubiertas en Vietnam camufladas como pescado congelado. El material correspondía a unos 4.000 animales.

Por las mismas fechas se detectaban otros cargamentos en Singapur y Tailandia. Es –según UICN- “la punta del iceberg” de este comercio.

Los pangolines padecen una presión asfixiante por dos motivos. El aprecio de su carne y el comercio de sus escamas. En China y Vietnam se paga cada vez más por la carne de pangolín; es un manjar que se incluye en los banquetes como alimento de lujo. En la medicina tradicional china, se cree que las escamas de pangolín sirven para tratar una amplia variedad de enfermedades incluyendo la psoriasis y la mala circulación.

A pesar de la legislación protectora en la mayor parte de su área de distribución, el tráfico de pangolines va en aumento. Se estima que las poblaciones de pangolines asiáticos han disminuido hasta en un 80 por ciento en la última década. A medida que se vuelven más difíciles de encontrar, los operadores están buscando cada vez más a África para satisfacer la creciente demanda.

Los pangolines dan a luz a una sola cría al año. La especie no puede soportar este nivel de explotación por mucho tiempo.

Felizmente, hay iniciativas ya que están trabajando contra este problema, mediante la lucha contra el comercio ilegal y el fortalecimiento de los territorios de Asia y África en los que aún hay numerosos efectivos.

Entre las iniciativas, la de la Fondation Segré's Pangolin Conservation Initiative, que actúa en Camerún, Tailandia y China, con el objeto de proteger a cuatro especies de pangolines. Una iniciativa apoyada por la Fundación Segré y SOS - Save Our Species, apoyada por la Zoological Society of London (ZSL).

En Camerún, la atención se centra en la Reserva de la Biosfera de Dja (DBR), un patrimonio de la humanidad, que es el hogar de importantes poblaciones de grandes simios y elefante del bosque, así como pangolines. Mientras tanto, en Tailandia, el equipo está apoyando el Departamento de Parques Nacionales, Vida Silvestre y Conservación de Plantas (DNP) para implementar medidas en dos sitios que se estiman como “fortalezas de pangolín”: Salak Phra y Khlong Naka. También está trabajando en China para estudiar la demanda de pangolines en Guangzhou, provincia que se cree que es uno de los mercados principales para los pangolines. Allí se tratan de implementar estrategias para reducir el consumo de pangolines.

Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio

01/03/2016, El Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva en Europa sobre Andrew Wyeth y su hijo Jamie, destacados representantes del realismo americano del siglo XX.

Madrid, 1 de marzo de 2016
La exposición, organizada junto con el Denver Art Museum, ofrece la oportunidad de conocer la obra de los artistas Andrew (1917-2009) y Jamie Wyeth (1946), así como detalles de descubrir cómo, en ocasiones, el trabajo de ambos discurría en paralelo, se complementaba o, incluso, planteaba desafíos entre ellos.

El acceso a las colecciones privadas de los Wyeth ha permitido desarrollar un completo proyecto expositivo que recorre todos los periodos de las carreras de padre e hijo.

La exposición, que podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza hasta el 19 de junio de 2016 presenta más de 65 obras realizadas con técnicas como el dibujo a pluma, lápiz o carboncillo, la acuarela, el pincel seco, el temple, el óleo o la técnica mixta.

Secret Sits
Coincidiendo con "Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio", el Thyssen presenta una muestra de la fotógrafa francesa Joséphine Douet que, durante un mes, siguió los pasos de Andrew Wyeth (1917-2009), retratando desde su personal punto de vista los lugares que le inspiraron en su ciudad natal, Chadds Ford (Pensilvania, Estados Unidos).

Las 27 fotografías que se presentan constituyen una recreación de la producción del pintor y, a la vez, una variación, ya que tanto la visión de lo cotidiano que plantea cada uno de los artistas como los secretos que revelan en sus obras son diferentes.

Homenaje a Delacroix

26/02/2016, La National Gallery ofrece en Londres, hasta el 22 de mayo, una extraordinaria exposición dedicada a repasar la influencia de Delacroix en la pintura moderna.

Londres, 26 de febrero de 2016
Se trata de una muestra –la mayor presentada en el Reino Unido en las últimas décadas relativa al pintor francés, en la que a través de más de 60 obras se explican los rastros de la pintura de Delacroix en gentes como Renoir, Van Gogh, Matisse o Kandinsky.

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (1708 -1863) se presenta en la muestra como uno de los pintores maestros de la modernidad, transformador de la pintura francesa del XIX e inspirador de los colores vivos y formas abstractas de Matisse y Kandinsky, de la expresividad de Van Gogh y Gauguin, y en general de los colores vibrantes de los impresionistas.

“Delacroix y el surgimiento del arte moderno” es un homenaje al máximo exponente del Romanticismo de Francia, muchas veces discutido en vida, desde su debut en el Salón de París en 1822 donde expuso “La barca de Dante·, con su carga emocional y un nuevo enfoque personal en el uso del color y técnica. Pero, pese a las hostilidades de aquel tiempo, sobre todo a partir de su muerte el autor sería considerado como un gran maestro por la vanguardia parisina.

La difusión de su obra, la venta de sus contenidos de estudio, la devoción de sus fieles seguidores, y la publicación de su "Diario", hicieron que el artista se erigiese en piedra angular para muchos de los artistas de finales del XIX y de inicios del XX.

Su ascenso se reconoce ya en el "Homenaje a Delacroix” de Ignace-Henri-Théodore Fantin-Latour, que se exhibió en París en 1864, un año después de la muerte de Delacroix. En el cuadro, Fantin-Latour se pinta junto a artistas y escritores agrupados en torno al retrato de Delacroix. Allí están también Edouard Manet y Charles Baudelaire.

Al igual que Delacroix, muchos de los hombres que rodean el retrato tenían una relación difícil con el tradicionalismo del arte y de la prensa.

El propio Cézanne reconoció esa herencia general cuando afirmó "Tenemos toda la pintura de Delacroix en el lenguaje".

Aunque el mismo Delacroix es a su vez deudor de otros grandes pintores o literatos, entre ellos Rubens o Lord Byron. La obra de "La muerte de Sardanápalo”, es uno de los cuadros que lo atestiguan.

África del Norte
La estancia del pintor en el norte de África también dejó constancia en su obra, en la que se hallan obras de gran vitalidad que animaron a artistas posteriores a abordar la temática. La muestra sitúa entre estos a Pierre-Auguste Renoir.

Las huellas abarcan también temas florales que se reencuentran en autores como Odilon Redon, o paisajes, donde hay una rápida pincelada que llegaría anticipar el tratamiento impresionista desde finales de 1860 en adelante. Y la luz… y el color…

David Hockney total

24/02/2016, La Tate Britain anuncia ya la mayor retrospectiva jamás realizada sobre la obra de David Hockney, que se presentará en febrero de 2017.

Londres, 24 de febrero de 2016
David Hockney, (1937) es un autor clave del siglo XX en el arte moderno y descolló de forma impetuosa en el Arte Pop, en los años sesenta del pasado siglo. Su vida ha estado especialmente ligada a California y Yorkshire (Reino Unido), y a punto de cumplir 80 años es realmente un icono del arte británico.

La exposición intenta celebrar los logros de Hockney en pintura, dibujo, impresión, fotografía y vídeo. Esta organizada en colaboración con el Centro Pompidou y el Metropolitan, y tras su pase por Londres viajará a los dos museos colaboradores, en París y Nueva York.

Tal como anuncia la Tate, en esta gran exposición se intenta ofrecer una visión general sin precedentes de la obra del artista, con un recorrido cronológico, que se desarrolla desde el momento de su aparición prodigiosa en la escena pública, cuando era estudiante en 1961.

La exposición mostrará Hockney como un observador profundo de la esencia del arte a lo largo de seis décadas en las que desafió a las convenciones. Autorretratos, obras abstractas, luminosas creaciones de su estancia en California y celebrados paisajes de Yorkshire figuran en esta larga serie de materiales expuestos.

David Hockney ha manifestado, en la preparación de los trabajos, que “ha sido placentero volver a contemplar las obras que hice hace décadas, incluyendo algunas de mis primeras pinturas, cuadros que en muchos casos me parecen como viejos amigos”

Alex Farquharson, Director de la Tate Britain, afirmó que “Hockney es sin duda uno de los artistas vivos más grandes de Gran Bretaña (…). su impacto en el arte de la posguerra, y la cultura en general, es incalculable, y esta exposición será una oportunidad excepcional para ver la trayectoria completa de su carrera”

David Hockney se abre el 9 de febrero 2017 hasta el Lunes 29 de mayo de 2017 a la Tate Britain. La exposición está comisariada por Chris Stephens y Andrew Wilson. Será apoyada con un programa de charlas y eventos en la galería.

Por Dominguez Carreño

Las amenazas de los loros

22/02/2016, La belleza y familiaridad de los loros son características que sitúan a distintas especies de estas aves entre las más amenazadas de la avifauna mundial.

Camberra (Australia) 22 de febrero de 2016
Un estudio científico, en el que participan expertos de BirdLife International y la Universidad Nacional de Australia, recoge una investigación en la que se señala que un 28 por ciento de las especies existentes (111 de 398) se hallan “en peligro”, según la Lista Roja de la UICN.

En general, según informa BirdLife International, los loros están más amenazados que los demás grupos de aves (incluyendo aves marinas, palomas y aves rapaces). Los más amenazados son aquellos de una pequeña distribución (por ejemplo, las que se encuentran en las islas), los de tamaño corporal grande, aquellos que necesitan un largo período para atender a la prole y los que dependen de hábitats forestales.

Los de gran tamaño tienden a tener baja densidad de población y están en mayor riesgo por los cazadores humanos, mientras que los loros forestales anidan generalmente en cavidades de árboles, lo que significa que la destrucción del bosque primario tiene un impacto severo en la disponibilidad de sitios de anidación y empeora el éxito reproductivo.

Este estudio confirma que el 56% de todas las especies de loros está en declive. Las aves se enfrentan a una amplia gama de amenazas: pérdida y degradación del hábitat, expansión agrícola, la caza y captura, etc. Los loros son el grupo de aves más común en el comercio de vida silvestre. Estos animales han fascinado al hombre desde la antigüedad.

El estudio enumera especialmente a 10 países que necesitan otorgar una mayor prioridad para la conservación: Indonesia, Brasil, Australia, Colombia, Bolivia, Ecuador, Perú, Papúa Nueva Guinea, Venezuela y México. En América Central y del Sur destacan como necesidades la de una mayor protección de los enclaves y la mejora de la legislación. En el sudeste de Asia y Oceanía es necesaria una mayor protección del hábitat.

La gravedad de las amenazas para la especie también se relaciona con el PIB de los países. Unas economías más desarrolladas tienden a tener mayores tasas de urbanización y el consiguiente aumento de la presión sobre el hábitat del loro. En general, aunque hay especies comercializadas que no están en peligro, el comercio ilegal está impulsando rápidamente el número de especies hacia la extinción.

BirdLife recuerda también que las especies extintas son un amargo aviso.

En la Lista Roja de UICN hay más de una decena de especies de loro extintas, casi todas tenían un área limitada a islas, salvo dos casos, el Conuropsis carolinensis, de Norteamérica, cuyo último ejemplar murió en 1918 en el zoológico de Cincinnati, y el Psephotellus pulcherrimus loro australiano cuyo último avistamiento tuvo lugar 1928.

Más visitantes para Altamira

19/02/2016, El Patronato del Museo de Altamira ha solicitado que se estudie ampliar el número de visitantes a la cueva original.



Santander, 19 de febrero de 2016
El Patronato del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira ha solicitado a la Comisión de Seguimiento del Plan de Conservación Preventiva que estudie la posibilidad de ampliar el régimen de visitas experimentales a la cueva. Actualmente acceden 5 visitantes más dos guías, una vez a la semana.

En la reunión del pasado 16 de febrero se analizaron las actuaciones realizadas y los resultados de los estudios desarrollados, así como las mediciones de condiciones ambientales, biodeterioro y análisis microbiológicos en la cueva.

A lo largo de 2015 se ha realizado un estudio sobre el impacto de la presencia humana en la cueva original a través de visitas experimentales, controladas y limitadas, de 5 personas más dos guías a la semana, según los resultados, el impacto por este factor ha sido mínimo. 

En total la cueva original ha tenido 220 visitas en 2015. El sistema de acceso se produce a través del sistema de selección aleatoria entre los visitantes del Museo que lo hayan solicitado, los viernes de cada mes.

El Plan de Conservación Preventiva define y articula la estrategia de conservación de la cueva de Altamira, que implica el seguimiento y control permanente de los riesgos que pueden afectar a este bien cultural, Patrimonio Mundial de la Humanidad de la UNESCO.

El Patronato ha concluido que los estudios realizados permiten mejorar el conocimiento y conservación de las pinturas paleolíticas de la cueva, y ha pedido que se evalúe modificar el régimen de acceso, rigiéndose por los principios de acceso igualitario a la cultura y a los criterios que rigen en los museos estatales.

Por último, en la rueda de prensa se destacó el aumento de las visitas en 2015. En total, la exposición permanente del Museo ha registrado 263.753 visitas en 2015, lo que supone un incremento de un 7,46 % respecto al año anterior. 

Art Situacions II

17/02/2016, Del 19 de febrero al 20 de abril en Matadero Madrid se reúne lo último en arte emergente italiano y español.



Madrid, 17 de febrero de 2016
Matadero Madrid inaugura el próximo 19 de febrero de 2016 "Art Situacions II, arte emergente italiano y español", una estimulante exposición que ofrece un punto de vista privilegiado de algunas de las prácticas artísticas mejor estructuradas, coherentes y poéticas que se pueden encontrar en la actualidad.

La muestra llega a Madrid, tras su paso por Italia, primero por el Museo d'Arte Contemporanea Villa Croce, Genova y después por el Museo di Arte Contemporanea di Roma (MACRO).

Con la intención de ser un sujeto activo en el apoyo al arte contemporáneo emergente, Art Situacions es una iniciativa que alienta constantemente la creación artística. La edición de este año se centra en las prácticas artísticas contemporáneas emergentes presentes hoy en España e Italia. 

Las obras participantes han sido elegidas por un comité de expertos, que tras una amplia investigación escogió a los artistas Ludovica Carbotta, Gabriele De Santis, Miren Doiz, Anna Franceschini, José Guerrero, Rubén Guerrero, Diego Marcon, Alek O., Teresa Solar, Anna Talens, quienes representan una visión incisiva de las generaciones más jóvenes en España e Italia hoy, y transmiten un retrato de la actualidad a través de diferentes matices, formas y percepciones.

Art Situacions II. Arte emergente italiano y español
Matadero Madrid, Nave 16. Entrada gratuita
Del 19 de febrero al 20 de abril

Salvador Dalí, contador de historias

16/02/2016, La Sede Afundación de Santiago de Compostela presenta una exposición única que reúne los fantásticos grabados del gran genio de Figueres que recrean clásicos literarios como Pantagruel o El Quijote.



Santiago de Compostela, 16 de febrero de 2016
Una de las facetas más desconocidas de Salvador Dalí (Figueres, 1904-1989) es la de grabador. Dalí plasmó en el arte gráfico su personal iconografía, dejando en sus estampas una obsesión por los detalles. Esta exposición, que podrá verse hasta el 1 de mayo de 2016 en la Sede Afundación de Santiago de Compostela presenta setenta y dos grabados y estampas, pertenecientes a los llamados Ciclos literarios de Dalí, en los que el artista copió y recreó obras literarias universales aportándoles su visión particular.

Les songes drolatiques de Pantagruel, 1973
25 litografías en las que Dalí recrea las ilustraciones que François Desprez realizó sobre el ciclo Pantagruel de François Rabelais para la edición que en 1565 publicó Richard Breton en París.

Estas fantasías ilustradas nos transportan a la comedia de la vida, poco divina y plenamente humana. Y así, estas imágenes se convierten en caprichos del autor, con una estética muy personalizada que traduce el artista y en la que manifiesta un espíritu propio e individual que Dalí quiere definir por esperpentos visuales. 

Le bestiaire de La Fontaine dalinisé, 1974
La serie de 12 fábulas que nos presenta Salvador Dalí comienza con un retrato del fabulista francés, donde el artista catalán toma como modelo la pintura de Hyacinthe Rigaud que fuera grabada por Ferdinand Delannoy.

La figura que más influyó en el maestro catalán para la construcción de estas creaciones fue la del grabador francés Jean Grandville (1803-1847), cuyas láminas para las fábulas de La Fontaine las conocemos en la edición de 1855. A través de sus imágenes, Grandville establece una crítica social y política a la monarquía, toda una sátira donde se da salida a elementos oníricos e irreales. La obra grabada de Grandville fuera muy valorada por los surrealistas, especialmente por Salvador Dalí. En Dalí llama la atención la ruptura del canon, la proporcionalidad y la exageración de las extremidades en sus figuras. En este aspecto, se presenta como un gran maestro del dibujo, claro manierista donde la visión personal domina y supera la recreación natural.

El ingenioso hidalgo don Quixote de la Mancha de Miguel de Cervantes, 1957-1958
Las estampas forman parte de la publicación de Buenos Aires de la editorial Emecé, que fuera titulada El ingenioso hidalgo don Quixote de la Mancha. El primer volumen de esta edición fue ilustrado por Salvador Dalí con 10 láminas en acuarela a color y treinta dibujos en blanco y negro.

Dalí plantea la composición e interpreta detalles y figuras de manera personal. El Quijote aparece como un héroe dinámico, plasmado en muchos casos solo con su figura, sin artificios ni motivos de fondo. Sus estampas están llenas de expresividad, contrastando siempre entre las demás figuras la imagen austera y alargada del Quijote.

Salvador Dalí, contador de historias
Hasta el 1 de mayo de 2016
Sede Afundación Santiago de Compostela
Rúa do Vilar, 19, Santiago de Compostela. A Coruña


Broodthaers en el MoMA

15/02/2016, Marcel Broodthaers es uno de los artistas más originales del arte moderno belga. Ahora se puede ver una retrospectiva sobre el mismo en el MoMA de Nueva York.



Nueva York, 15 de febrero de 2016
Esta muestra de Nueva York reúne unas 200 obras de todos los aspectos de la carrera de Broodthaers en la que se ve la influencia de figuras como René Magritte y Kurt Schwitters, así como su impacto en una enorme gama de artistas que trabajan hoy en día.

Descarado, innovador, irónico, el autor nació en Saint-Gilles, Bruselas, en 1924 y falleció en 1976 en Colonia, después de una vida de múltiples experimentos/oficios. Estudiante de Química, fue escritor bohemio, periodista, fotógrafo, guía de arte, hasta que un día, al llegar a la cuarentena, decidió hacer arte con una mentalidad surrealista, al estilo de Duchamp.

Hasta entonces había malvivido y según escribió el propio artista, en el prólogo para el catálogo de su primera exposición, decidió poner un punto y aparte de su existencia y ganar dinero como artista. Lo hizo, tras consultar a un galerista si podría vender en el mercado sus composiciones. Comenzó haciendo un bloque de yeso y libros, con los ejemplares de un texto de poesía que no había llegado a vender, y siguió con la creación de su propio museo de Arte Moderno, en su propio domicilio... 

Claramente influenciado por los surrealistas, en especial también por su compatriota Magritte, Marcel Broodthaers provocó al propio mundo del arte al acumular en perolas y sartenes cáscaras de mejillones o al hacer curiosos bodegones de muebles y cáscaras de huevo, marcando el arranque de las instalaciones artísticas modernas.

Durante su meteórica carrera artística, Broodthaers dejó su tierra belga y se marchó a vivir a Düsseldorf, Berlín y Londres. Murió de un problema hepático al cumplir 52 años.

Esta exposición, la primera retrospectiva Broodthaers organizada en Nueva York, reúne obras clave de todos los aspectos de su creación artística para subrayar la compleja trayectoria de su carrera, que a pesar de su breve duración resultó enormemente influyente para las futuras generaciones de artistas.

La exposición viajará al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), en Madrid, el próximo mes de octubre de 2016, y a la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (KNW) de Düsseldorf, a principios de 2017.

El peso de un gesto

12/02/2016, CaixaForum Barcelona presenta El peso de un gesto. La mirada de Julião Sarmento en las Colecciones CAM, MACBA, "la Caixa".



Barcelona, 12 de febrero de 2016
Pinturas, esculturas, vídeos e instalaciones se reúnen en una exposición que seduce la mirada y provoca un relato dedicado al espectador en el que las obras actúan, proponen y dialogan.

El portugués Julião Sarmento es el autor de esta instalación conceptual en la que, ejerciendo su mirada de artista, Sarmento escoge obras de las colecciones de la Fundació "la Caixa", el MACBA y el CAM de la Fundaçao Gulbenkian de Lisboa para crear una obra que combina imágenes e ideas para componer una ficción a partir de ecos, sugerencias e impresiones.

El artista trabaja a partir de la memoria colectiva y especula sobre posibles realidades valiéndose de referencias a la arquitectura, la literatura, el cine y el arte, pero deja siempre las conclusiones en manos del espectador, estimulando su imaginación.

Sarmento articula en la exposición una selección de obras de distintas épocas en un montaje que evita el orden cronológico para establecer una relación táctil entre las obras en un recorrido que el artista deja abierto a múltiples interpretaciones y conexiones.

El peso de un gesto. La mirada de Julião Sarmento en las Colecciones CAM, MACBA, "la Caixa"
Hasta el 1 de mayo de 2016
CaixaForum Barcelona
Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, Barcelona

La mujer Ochoa. Modernismo y modernidad

12/02/2016, El Museo Cerralbo presenta, hasta el 28 de abril de 2016, una exposición dedicada a la figura femenina en la obra del pintor Enrique Ochoa.



Madrid, 12 de febrero de 2016
Tras la Primera Guerra Mundial la mujer se libera y hacia 1920 nace la mujer “moderna”. Chanel acorta las faldas, e impone el corte de pelo a lo garçon. Nace la mujer “flapper”, que fuma, usa pantalones y baila charleston subida a las mesas.

El Museo Cerralbo y la Fundación Pintor Enrique Ochoa presentan una exposición que refleja el mundo femenino en la obra de Enrique Ochoa (1891-1978).

La muestra analiza la visión del artista, prestando atención a las mujeres que fueron sus musas y a la realidad social del primer cuarto del siglo XX, con los distintos ambientes cosmopolitas y aristocráticos del periodo de entreguerras. 

La inquietud de Ochoa y su constante curiosidad le llevaron a conocer y pintar a figuras femeninas de la época, como Gala Federova, primera bailarina del Ballet Ruso en París, o Tórtola Valencia, bailarina española que llegó a actuar en los grandes teatros de la ciudad de la luz.

Enrique Ochoa se caracterizó por ser un retratista excepcional y por su magistral técnica del dibujo como ilustrador de libros o en las principales revistas ilustradas de la época. Como cronista de publicaciones como Blanco y Negro, Ochoa se convertiría en uno de los ilustradores de cabecera, plasmando en sus portadas a la mujer moderna. Esta visión de la mujer haría que Ochoa trabajase también como corresponsal en magazines de moda, donde publicaría obras como “Dama Chic”, “Cosmopolita” o “Capricho oriental””.

Esta exposición temporal, que podrá verse hasta el 28 de abril de 2016 en el Museo Cerralbo, divulga y potencia la obra de Enrique Ochoa, y permite al visitante conocer la estética de la mujer modernista, su vestuario, su maquillaje, sus poses y su forma de apertura a una nueva sociedad.

Museo Cerralbo
Calle Ventura Rodríguez, 17, Madrid


Looking at the World Around You

11/02/2016, La Fundación Banco Santander presenta una gran exposición que reúne una selección de obras modernas y contemporáneas pertenecientes a los Museos de Catar.



Madrid, 11 de febrero de 2016
Esta es la primera vez que las obras, pertenecientes a una de las colecciones más importantes de arte árabe del mundo, son presentadas fuera de Catar.

La exposición, que podrá verse hasta el 19 de junio en la Sala de Arte Santander, incluye más de 160 obras de 35 artistas árabes y de países con conexiones históricas y culturales con Catar, y recorre varias disciplinas artísticas como la pintura, escultura, fotografía, instalación y videoinstalación.

La intención es mostrar, celebrar e ilustrar la perspectiva del mundo árabe en la escena artística internacional, a través de las obras de artistas como Etel Adnan, Mona Hatoum, Hassan Sharif, Faraj Daham, Shirin Neshat, Wael Shawky, Youssef Nabil o Ghada Amer. 

La mayoría de las obras de la exposición proceden de la colección de Mathaf: Museo Árabe de Arte Moderno, en Doha. Las 160 piezas que conforman la muestra están relacionadas con el mundo árabe, no sólo porque la mayoría de sus creadores nacieron en los países árabes, sino también debido a su conexión con Qatar. La selección muestra claramente cómo la creación artística establece un punto de referencia común, reduciendo la brecha entre los diferentes ámbitos geográficos y sociopolíticos.

Looking at the World Around You: Contemporary Works from Qatar Museums
Santander Art Gallery (Ciudad Grupo Santander)
Boadilla del Monte (Madrid)


Cerámica europea, del barroco a la actualidad

11/02/2016, El Museo Nacional de Cerámica presenta la exposición "European Cultural Lifestyle in Ceramics. From Baroque until Today".



Valencia, 11 de febrero de 2016
La muestra tiene como objetivo investigar la dimensión cultural, artística, histórica, creativa, técnica, social y económica de la cerámica, y cuenta con la colaboración del Museo Internacional de Cerámica de Faenza, que en 2011 se alzó con el reconocimiento de la Unesco por su labor de testimonio y expresión del arte de la cerámica en el mundo.

Através de unas 200 piezas, "European Cultural Lifestyle in Ceramics. From Baroque until Today" pretende dar a conocer los usos y costumbres de la vida cotidiana en la cerámica desde el Barroco a la actualidad, planteando una aproximación a las colecciones mediante la narración de la cerámica “dentro” de la historia de la sociedad.

SIGLOS XVI-XVIII
Durante la segunda mitad del siglo XVI Faenza se convierte en centro de una revolución estilística y tecnológica que continuará en la siguiente centuria con la producción de la mayólica europea. El siglo XVII se caracteriza por los juegos de mesa con los “Blancos de Faenza”. Durante este mismo período, España recibió influencias del Norte de África y de América, que se plasman en el típico “reflejo dorado”, que luego se exportaría al resto de Europa. También destaca la azulejería polícroma valenciana.

En el siglo XVII la incorporación de bebidas “exóticas” como el té, el café y el chocolate impusieron nuevas formas en la tradición cerámica europea. Durante el siglo XVIII la porcelana expresa la elegancia del Neoclasicismo, junto a la tierra de pipa (creamware), más barata que la porcelana y más fina que la mayólica. 

SIGLO XIX
En el siglo XIX la burguesía prestó especial atención a sus residencias. El salón se convirtió en el lugar para el entretenimiento público. Se generalizaron las derivaciones estilísticas del Neo-Renacimiento particularmente apreciadas en Inglaterra, y las copias de la cerámica bohemia del rococó con fuertes influencias de Francia. En esta época destacan también las decoraciones historicistas y orientales.

La producción de porcelana se estableció principalmente en Sèvres, Limoges, Viena, Venecia, Doccia, Capodimonte, Bohemia, etc.

SIGLOS XX-XXI
Desde principios del siglo XX las Exposiciones Internacionales contribuyen a la universalización de estilos como el Art Nouveau.
Durante la década de 1930 se consolida el uso de la cerámica en la escultura, con las creaciones de escuelas como la Bauhaus y la Estonian State School of Arts and Crafts.
En los 50 la cerámica experimenta un crecimiento significativo, tanto en términos estéticos como de higiene, y se emplea en las nuevas edificaciones reconstruidas después de la Segunda Guerra Mundial.

La cerámica se abre paso en la vida actual a través del diseño, y de otros campos como la medicina, la electrónica y la mecánica. Esta enorme variedad de usos refleja la ductilidad de esta materia.

European Cultural Lifestyle in Ceramics. From Baroque until Today
Hasta el 10/04/2016
Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias “González Martí”


Las mayores ciudades del mundo

10/02/2016, Según el departamento de Asuntos Económicos y Sociales de las Naciones Unidas, Tokio encabeza la lista de mayores urbes del mundo en 2015, en un listado dominado por las urbes asiaticas.



Nueva York 10 de febrero de 2016
Si en 1950 había 9 ciudades europeas entre las 30 mayores del globo, en el 2000 sólo quedaban tres y dentro de quince años se estima que no habrá ninguna.

El listado de las megaciudades del mundo en 2015 estaba encabezado, segun los datos de la ONU, por las siguiente poblaciones:

Tokio, 38,0 millones de habitantes
Delhi, 25,7
Shangai, 23,7
Sao paulo, 21,1
Bombay, 21,0
Ciudad de México 21,0
Pekin, 20,4
Osaka, 20,2
Nueva York, 18,8
Dhaka, 17,6
Karachi, 16,6
Buenos Aires, 15,2
Calcuta, 14,9
Estambul, 14,1 

Las proyecciones para el 2030 consolidan la presencia asiatica, con Tokio, Delhi y Shanghai por encima de los 30 millones, a las que siguen Bombay, Pekin, Dhaka y Karachi. Para el 2030, el mundo contará ya con 41 megaciudades que tendrán cada una, más de 10 millones de habitantes.

El Cairo, con 24,5 millones será la primera ciudad no asiática, en el puesto ocho, en tanto que Ciudad de México y Sao Paulo, serán las ciudades 9 y 10, ambas con más de 23 millones de habitantes.

En general, las poblaciones europeas pierden posiciones. Si en 2015 aún están París y Londres entre las primeras treinta (París en el puesto 25 y Londres en el 28, con una aglomeración de unos 10 millones de Habitantes) en el 2030 no se espera que ninguna ciudad del continente figure entre las treinta mayores.

Recordando a Cervantes

10/02/2016, A lo largo del presente año se celebrarán múltiples actividades para conmemorar a Cervantes, el más insigne autor de las letras españolas.



Madrid, 10 de febrero de 2016
Con motivo del IV centenario de la muerte de Miguel de Cervantes se han programado 229 proyectos y actividades culturales en los países con presencia diplomática española. Así, los principales actos del IV Centenario recorrerán un amplio circuito internacional, desde Moscú hasta Shanghai, pasando por Buenos Aires o Nakamura.

Las Embajadas, los centros culturales de la AECID y los centros del Instituto Cervantes impulsarán así el turismo cultural, especialmente en aquellas Comunidades Autónomas asociadas a la vida y obra del autor.

La Administración General del Estado ha destinado más de 4 millones de euros para financiar la conmemoración, que cuenta ya con 229 proyectos aprobados dentro del Programa Oficial.

El objetivo es ampliar el acceso del público general a la vida, la obra y la época cervantinas. Para ello, el Programa Oficial se articula en torno a tres ejes principales en los que se articulan exposiciones, conciertos, giras teatrales, danza, ciclos de cine, congresos, conferencias y actividades de fomento de la lectura. 

La conmemoración pretende profundizar en la investigación y el conocimiento académicos de Cervantes y de su obra, apoyando proyectos como la Enciclopedia Cervantina o el portal Cervantes Digital. Destacan además experiencias virtuales como el microsite de la BNE en el que se facilita el acceso público de todos los fondos de El Quijote conservados o el catálogo online de las colecciones de los museos estatales de la Dirección General de Bellas Artes relacionadas con la vida, obra y época del autor.

Entre los proyectos aprobados, destaca la exposición organizada por la Biblioteca Nacional de España (BNE) y Acción Cultural Española (AC/E) Miguel de Cervantes: de la vida al mito, que se inaugurará el próximo 2 de marzo.

El Ayuntamiento de Alcalá de Henares también ha organizado un buen número de actividades en los lugares cervantinos asociados al periplo vital de este autor.

Además habrá una amplia variedad de propuestas musicales y escénicas organizadas por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) como los conciertos Miguel de Cervantes: viajes y utopías y Danzas y Andanzas cervantinas o el Ballet de Don Quijote, a cargo de la Compañía Nacional de Danza, que hará gira por España, México y finalizará en el Lincoln Center de Nueva York. El Liceo de Barcelona estrenará bajo la dirección de Mario Gas el musical El hombre de la Mancha; y el teatro de la Abadía de Madrid itinerará Los Entremeses, de José Luis Gómez. 

Cervantes y Shakespeare
También se ha cuidado de manera especial la colaboración con las autoridades británicas al coincidir la conmemoración con el cuarto centenario de la muerte de William Shakespeare. Se han programado conferencias, congresos, intercambios de residencias de profesores o la edición en inglés y español de textos inéditos sobre ambos autores organizadas en colaboración con Acción Cultural Española, la Embajada de España, la Universidad de Alcalá e instituciones británicas como el British Council, Hay Festival, British Spanish Society, la Universidad de Oxford o la Universidad Queen Mary of London.

Podrás encontrar más información en la web: www.400cervantes.es

Las cuatro estaciones en el arte ruso

09/02/2016, La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo Málaga presenta la exposición Las cuatro estaciones en el arte ruso, hasta enero de 2017.



Málaga, 9 de febrero de 2016
En la primera mitad del siglo XIX, pintores rusos como Silvestr Schedrín e Aleksandr Ivánov adquirieron fama en Europa por sus paisajes italianos. Pero no sería hasta la segunda mitad del siglo XIX, cuando este género se configurase en el arte ruso. Esto no significa que antes no hubiera imágenes de naturaleza en la pintura rusa, ya en las pinturas de iconos de los siglos XIV y XVII a menudo se situaba a los personajes en un entorno natural. En el siglo XVIII y a principios del siglo XIX abundaban también los cuadros, grabados y dibujos en los que se representaban escenas urbanas, pero hay que mencionar que en gran medida los autores de estas imágenes solían ser extranjeros que trabajaban en Rusia.

Así pues, el florecimiento del género paisajístico relacionado con Rusia tiene lugar hacia la segunda mitad del siglo XIX, cuando los pintores, al igual que los escritores, los poetas o los músicos, comienzan a expresar su actitud hacia la vida y los problemas sociales a través de sus paisajes. 

Las cuatro estaciones es uno de los temas fundamentales de la literatura, la música y la pintura rusas. El invierno quedó reflejado con las crueles tormentas de nieve de los cuadros de Nikolái Sverchkov y Aleksandr Guerásimov, o con los hermosos paseos en trineo tirado por caballos y los juegos con bolas de nieve, que representaron Borís Kustódiev o Konstantín Yuón.

La primavera es una época de esperanza y renacer. Alekséi Savrásov, Isaak Levitán o Ígor Grabar nos muestran cómo los árboles poco a poco vuelven a la vida irguiéndose hacia el cielo, y la fuerza de los ríos y los lagos que se deshielan.

Al verano está dedicado un sinfín de obras de artistas de diferentes épocas y estilos, que pintaron momentos alegres, días de trabajo y escenas en las que el color es el gran protagonista. 

El otoño es el momento en el que la naturaleza se sume en el letargo. Los artistas, escritores, poetas y músicos encontraron inspiración tanto en los caminos otoñales, sumidos en la espesa niebla (Arjip Kuindzhi), como en los árboles dorados que adornan los bosques (Isaak Levitán, Stanislav Zhukovski, Aristarj Lentúlov...).

Los 88 cuadros presentados en la muestra no sólo representan las cuatro estaciones, sino también las variaciones estilísticas, la riqueza de motivos y visiones individuales que constituyeron la cultura plástica de la Rusia de los siglos XIX y XX.

La muestra podrá verse en el Museo Ruso de San Petersburgo Málaga (Avenida Sor Teresa Prat, nº 15. Edificio de Tabacalera) hasta enero de 2017.

San Valentín en Londres

09/02/2016, Este año opta por disfrutar de un fin de semana romántico en Londres, te damos las claves para que lo vivas al máximo.



Londres, 9 de febrero de 2016
Puede que los británicos no sean reconocidos por su romanticismo, pero hay que recordar que el Reino Unido ha sido escenario de algunas de las historias de amor más famosas del mundo, no hay más que pensar en los personajes de la novela de Jane Austen "Orgullo y prejuicio", o en películas tan memorables como "El diario de Bridget Jones" o "Love Actually".

Como el día más romántico del año se acerca rápidamente, ¿por qué no disfrutar de una escapada a Londres por San Valentín?. A continuación te proponemos algunas de las formas más dulces y especiales de celebrar este día en pareja:

London Eye
Un paseo de 30 minutos en una de las cápsulas del London Eye será sin duda una experiencia que vale la pena compartir. El London Eye ofrece vistas impresionantes de toda la ciudad y para un toque romántico adicional, se recomienda visitarlo al atardecer y reservar una cápsula privada. 

Crucero por el Támesis
Después de disfrutar de una vista aérea de Londres nada mejor que gozar de un crucero por el Támesis. El crucero parte y vuelve al muelle que está pegado al London Eye, y pasa por la Catedral de St. Paul, las Casas del Parlamento, la Torre de Londres, HMS Belfast, El Teatro Shakespeare’s Globe y otros lugares emblemáticos de Londres.

Afternoon tea
Existen gran cantidad de elegantes tiendas que ofrecen el famoso Afternoon Tea en Londres, un momento íntimo perfecto para parejas de enamorados. El lujoso "Lutyens Lounge" en el Hotel Bloomsbury ofrece una selección de los mejores tés y cafés, con una delicada gama de deliciosos bocadillos, pasteles y, por supuesto, ese refrigerio tan británico, los scones (bollitos).

Cena crucero por el Támesis
Este crucero de tres horas incluye una lujosa cena de cuatro platos en una mesa con velas, y se completa con vino espumoso y un espectáculo en vivo. Bailad toda la noche y disfrutad de unas vistas espectaculares de las parpadeantes luces de Londres. 

Burgos prehistórico

08/02/2016, La provincia de Burgos te invita a vivir una experiencia prehistórica sin igual gracias a múltiples propuestas con las que entrar en contacto con eras pasadas.



Burgos, 8 de febrero de 2016
La provincia de Burgos ha estado poblada durante todas las etapas históricas de las que se tiene constancia, por lo que cuenta con numerosos recursos turísticos vinculados a la evolución natural y al estudio de las diferentes civilizaciones.

Dinosaurios
La comarca de Sierra de la Demanda cuenta con un Museo de los Dinosaurios en la localidad de Salas de los Infantes, donde se encuentran reconstrucciones como la de un megalito, el interior de una casa celtibérica y un altar romano, así como una estatua a escala real de un alosaurio, ejemplares de vegetales fósiles, restos de pequeños dinosaurios como el Hipsilofodonte, las espinas defensivas de un animal acorazado como el Polacanthus, restos de huevos o un hueso del pie en forma de ‘T’ de un dinosaurio de más de 25 metros, entre otras piezas. 

Destacan también varios yacimientos en Regumiel de la Sierra –donde se pueden divisar claramente huellas de dinosaurio- y en Hacinas –en el que se localizan los fósiles arbóreos más perfectos de la Península-. El territorio cuenta con su propio saurópodo, el Demandasaurus darwini, la única especie de su familia encontrada en Europa, Asia y América del Norte.

Mundo Paleolítico
Biólogos, naturalistas y científicos han creado el proyecto Paleolítico Vivo, una experiencia de vivencia prehistórica que comienza con un safari ambientado en la época, a bordo de un vehículo 4x4, donde los participantes pasearán entre especies de animales como bisontes, uros o caballos prehistóricos. La actividad continúa con actividades propias del Paleolítico, como localización de recursos, caza, piedras, madera, plantas, hongos, fuego, elaboración de tallas y armas, herramientas, construcción de viviendas, curtido de pieles, trabajo cooperativo de supervivencia...

El Centro de Visitantes del Árbol Fósil, en la localidad de Hacinas, permite a los más curiosos retroceder 120 millones de años en el tiempo y contemplar la reconstrucción del entorno natural de aquella época. El Centro contiene otras salas de atractivo para su recorrido, como la dedicada a los bosques fósiles de España y el mundo, una recreación de un espacio natural de la era primitiva o una zona de experimentos. 

Rauda Vaccea Este parque Arqueológico de Roa del Duero, recorre la sucesión de culturas que han poblado la zona desde hace 2.500 años. Los visitantes experimentan los hábitos cotidianos tanto de los primeros cazadores-recolectores como de las comunidades que desarrollaron la escritura o el urbanismo -la visita guiada recorre desde el Paleolítico, pasando por la Edad de Hierro, hasta llegar a la época romana-.

Los Autrigones y la Edad de Hierro
A principios del siglo XX aparecieron en la población de Miraveche, en la zona de la Bureba, unas curiosas tumbas datadas de aproximadamente 2.400 años. Pertenecen a los Autrigones, una tribu prerromana que habitaba las tierras en plena Edad de Hierro. Una serie de paneles explicativos y figuras ilustrativas permiten entrar en contacto con el modo de vida de estas gentes y, sobre todo, de sus ritos funerarios. 

Cueva Palomera
Ojo Guareña es uno de los conjuntos de cuevas más grandes de la Península Ibérica y uno de los diez mayores del mundo. En su estructura destaca Cueva Palomera, visita obligada en la provincia de Burgos y habitada desde momentos paleolíticos. Además de su interés espeleológico, destacan restos de cazadores en la cueva de Prado Vargas, de hace 70.000 años; impresiones de pies humanos en la Sala de las Huellas, de hace 15.000 años; pinturas rupestres del Paleolítico Superior, grabados en la roca, de la época del Neolítico, y la Ermita de San Tirso y San Bernabé, de la Edad Media.

Arte bajo el agua

08/02/2016, El Museo Atlántico es el primer museo submarino en Europa. Situado en la costa de Lanzarote, el proyecto está siendo realizado por Jason deCaires Taylor.



Lanzarote, 8 de febrero de 2016
El artista británico Jason deCaires Taylor está realizando el primer museo subacuático contemporáneo en el océano atlántico. El proyecto está siendo construido a unos 12 metros de profundidad, y será accesible para buceadores y visitas a través de barcos con cubierta de cristal.

El Museo Atlántico ha sido diseñado sobre la base de un objetivo conservacionista, y su intención es trazar un diálogo entre arte y naturaleza a través de la creación de un arrecife artificial de 400 esculturas a gran escala que contribuya a incrementar la biomasa marina y las especies de peces locales. 

Para la realización de las esculturas, deCaires a contado con la participación de los vecinos de la zona, cuyos cuerpos han servido como moldes para retratar la vida en la tierra. El artista británico también ha querido abordar las tragedias del mar con "Lampedusa", una balsa de inmigrantes cuyo destino final es el fondo del océano.

Las esculturas están elaboradas con materiales sostenibles y se terminan cuando el mar se funde con ellas creando nueva vida.

Las primeras visitas comenzarán a partir del próximo mes de marzo, aunque el proyecto se culminará en verano de 2017. 

Reaparece en Argentina el Ocelote

05/02/2016, El pasado mes de diciembre se descubrió en la provincia de Corrientes un ejemplar de ocelote, felino que se consideraba extinto hace más de una década en Argentina.



Corrientes, Argentina, 5 de febrero de 2016
La organización no gubernamental Conservation Land Trust documentó este hecho gracias a las cámaras trampas instaladas por la ONG en la reserva de Iberá, uno de los grandes complejos de humedales de agua dulce del planeta, con una superficie mayor a 1.300.000 hectáreas de pastizales y pantanos en la provincia de Corrientes, al noreste de Argentina.

El ocelote, que se creía extinto hasta hace poco más de un mes, es un felino nocturno, de hábitos solitarios y de carácter territorial. Caracterizado por sus manchas y por su tamaño medio, el ocelote fue una especie muy perseguida en el pasado por el valor de su piel. La última vez que se tuvo conocimiento de la existencia de este bello animal en Argentina fue hace más de 10 años, en el área del Aguapey. 

Los biólogos de Conservation Land Trust captaron las imágenes en la espesura del monte de la isla de San Alonso, lugar en el que la ONG tiene instaladas varias cámaras trampa para monitorear las poblaciones de osos hormigueros en el Iberá.

Tras el análisis de las imágenes, biólogos del Instituto de Biología Subtropical del CONICET, han supuesto que no se trata de un ejemplar aislado, por lo que se colocarán otros dispositivos con los que se puedan obtener pruebas que confirmen la existencia de más ocelotes en la región.

A veces llamado "el pantanal argentino", el ecosistema del parque Iberá sustenta una increíble vida silvestre que incluye más de 360 especies de aves. La Reserva Natural Iberá, se trata de un área protegida, declarada como tal por la provincia en 1983. En los últimos años se han realizado acciones para preservar la vida silvestre y reintroducir especies amenazadas o extirpadas, entre las que se cuenta el venado de las pampas o el oso hormiguero gigante.

Chagall: Divino y Humano

05/02/2016, La Fundación Canal presenta la exposición Chagall: Divino y Humano, una oportunidad única para contemplar la obra de este polifacético artista.



Madrid, 5 de febrero de 2016
Considerado el maestro del color del arte moderno, Marc Chagall (Vítebsk, Bielorrusia, 1887- Saint-Paul de Vence, Francia, 1985) desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista.

La exposición de Fundación Canal presenta una visión íntima y exhaustiva del universo de Chagall, uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Con un recorrido de casi cuatro décadas de producción artística y un total de 100 obras en papel, la muestra nos acerca a la obra gráfica de Marc Chagall, en una mezcla entre experiencia personal, mito y religión. 

Las obras proceden de los fondos de la Marc Chagall Collection C.S. Paris del Kunstmuseum Pablo Picasso Münster (Alemania), y reflejan a través de tres secciones la intensa y sorprendente conexión entre lo sagrado y lo profano en la obra del artista. Ambos conceptos se transforman en una única entidad en el universo artístico de Chagall: lo divino se expande hacia lo humano y lo humano hacia lo divino llegando a convivir en una síntesis única y personal. Una interesante reflexión en la que se fusionan y conectan dos conceptos en representaciones en las que destacan símbolos religiosos, imágenes circenses, paisajes o autoretratos. Lejos de abordar dogmas de fe, Chagal pretende aportar una visión humanista de la religión, asumiendo un rol particular en el arte, al interpretar escritos como la Bíblia en calidad de artista moderno.

Las piezas seleccionadas para la exposición incluyen todas las técnicas empleadas por Chagall para su obra gráfica. Las grabaciones al agua fuerte, las xilografías y las litografías ilustran el papel fundamental que desempeña la relevante producción gráfica en la creación de Chagall.

Chagall: Divino y Humano
Hasta el 10 de abril de 2016
Fundación Canal
Calle de Mateo Inurria, 2, Madrid

Jean Dubuffet, en la Beyeler

03/02/2016, Del 31 de enero al 8 de mayo 2016, la Fondation Beyeler abre la primera retrospectiva dedicada en Suiza en el siglo XXI al arte sorprendente de Jean Dubuffet.



Basilea, 3 de febrero de 2016
La exposición "Jean Dubuffet - Metamorfosis de paisajes" presenta más de 100 obras del pintor y escultor francés, verdadero maestro de la experimentación, quien dio un nuevo impulso a la escena del arte en la segunda mitad del Siglo XX.

El autor se abrió a nuevas posibilidades del arte, influenciado por artistas marginales, superando normas y convenciones artísticas y revisando la actividad creativa desde una perspectiva que podría decir "anticultural".

Jean Dubuffet (nacido en 1901 en Le Havre y muerto en París en 1985) es uno de los artistas que han marcado profundamente la segunda mitad del siglo XX. En 1942, cuando tenía 41 años, dejó su negocio de comerciante de vinos para dedicarse al arte. Inspirado por el trabajo de artistas alejados delos circuitos culturales habituales y de la narrativa oficial, fue capaz de liberarse de las tradiciones establecidas y de alguna manera reinventar el arte, acercándose a una mirada a caballo entre lo infantil y lo marginal. 

Treinta años después de su fallecimiento, la influencia de Dubuffet todavía se detecta en el arte contemporáneo, en obras de autores como Hockney, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y Ugo Rondinone.

El paisaje es un variado y multifacético leitmotiv de la creación de Jean Dubuffet, desde el inicio al final de la obra. Para el autor, "el paisaje de todo". Esta afirmación era una fórmula que citó con frecuencia, porque en su tarea de experimentación permanente acababa por transformar los objetos, cuerpos y caras en paisaje, un paisaje en el que utiliza nuevas técnicas y materiales, desde ceniza a alas de mariposa.

La Fundación Beyeler recuerda que el autor ha encontrado fuentes de inspiración en Suiza. En 1945, el artista visitó varias clínicas psiquiátricas en Ginebra y Berna, centrándose en los trabajos notablemente expresivos de algunos pacientes. Es por ello que acuñó el concepto de Art Brut. Durante ese viaje, él también descubre las esculturas de José Giavarini, un preso muerto en 1934, conocido como el "prisionero de Basilea." Muchos de estos hallazgos artísticos se incluyeron en la famosa colección de Art Brut de Dubuffet, donada en 1971 a la ciudad de Lausana. 

Debido a su estrecha colaboración con Ernst Beyeler, Jean Dubuffet es uno de los artistas también representado en la colección permanente de la Fundación Beyeler.

Un objetivo principal de esta exposición es mostrar la relación de la creación de Dubuffet en el arte contemporáneo. En el catálogo se cita a David Hockney, Claes Oldenburg, Keith Haring, Mike Kelley o Georg Baselitz, pero se incluyen además declaraciones inéditas de Miquel Barceló y Ugo Rondinone, al respecto.

Esta exposición cuenta con importantes préstamos de museos y colecciones como la Fundación Dubuffet (París). El MoMA y el Guggenheim de Nueva York; el Centro Pompidou, la Fundación Louis Vuitton y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París; la National Gallery, el Hirshhorn Museum y el Sculpture Garden de Washington ; el Detroit Institute of Arts, el Moderna Museet de Estocolmo, la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf; la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe; el Museum Ludwig de Colonia; el Kunsthaus de Zürich, etc. 

Algunas de estas obras se presentan al público por primera vez, mientras que otras serán redescubierta después de haber estado ausentes a la mirada del público durante varias décadas. Este es el caso de la tela Gardes du Corps (1943) que se creía perdida durante más de cuarenta años y que caracteriza muy bien la renovación estética y originalidad de la creación de Dubuffet.

Hubert Robert

02/02/2016, El Louvre prepara una muestra dedicada a Hubert Robert (1733-1808) un pintor y grabador francés muy ligado a la historia del propio museo.



París, 2 de febrero de 2016
A Hubert Robert se le conoce de forma especial por sus cuadros de ruinas y paisaje pero también fue hasta diseñador de jardines en la Francia prerrevolucionaria. Su ligazón a la monarquía borbónica le causó problemas. Sólo se libró de la prisión tras la caída de Robespierre. Y escapó de la guillotina por casualidad (guillotinaron a otro por error, creyendo que era él).

También fue a partir de 1808 uno de los asesores en el arranque del Louvre, la gran pinacoteca francesa que le ahora dedica una muestra, desde el 9 marzo al 30 mayo de 2016

La exposición explorará la rica producción artística este hombre de la Ilustración, con una personalidad alegre y en constante búsqueda de nuevas áreas de investigación, autor de una obra en la que se intuye un halo romántico.

Formado en Roma, Robert Hubert desarrolló la mayor parte de su carrera en París, donde se especializó en paisajes, vistas urbanas y ruinas clásicas. En el Louvre se exhibirá una selección de sus dibujos, bocetos pintados, grabados, pinturas monumentales y conjuntos decorativos. 

Visitantes en el museo
En 2015, el Louvre ha acogido 8,7 millones de visitantes, manteniendo su posición destacada entre los museo en el mundo. La cifra es buena, pero algo inferior a la de 2014: (9,3 millones).

En total fueron más de 9 millones los visitantes que admiraron las colecciones del Louvre en París y Lens. El Louvre ha sido, de forma especial, una gran cita para el público internacional que acude a París. Las visitas de ciudadanos extranjeros alcanzan el 78% del total. Entre las nacionalidades más representadas, los norteamericanos, los chinos y los italianos.

Pintores y jardineros

02/02/2016, Con la obra de Monet como centro, del 20 de enero al 20 de abril, la Royal Academy of Arts presenta una exposición realmente atractiva para los amantes de la belleza “Modern Garden: Monet to Matisse”.



Londres, 2 de febrero de 2016
Esta gran exposición examina la presencia de los jardines en el arte que va desde 1860 hasta 1920, un periodo de cambio social y de tendencias en la expresividad de los artistas, con el surgimiento del Impresionismo y otros movimientos de vanguardia, desde el Luminismo de Sorolla a la Abstracción..

A Monet le encantaba la naturaleza. Fue un ávido horticultor que cultivó jardines donde vivía. Desde la década de 1860, desarrolló una relación simbiótica entre sus actividades como un horticultor y sus pinturas de jardines, una relación que se puede rastrear desde sus primeros años en Sainte-Adresse de sus últimos meses en Giverny. “Tal vez se lo debo a las flores el haberme convertido en pintor”, explicó.

De esa afición de Monet se presentan no sólo sus obras en la exposición, sino una amplia selección de material documental como libros de horticultura y revistas, así como recibos de compras de plantas y extractos de cartas. 

Para muchos otros artistas, el mundo de la naturaleza en general y el del jardín, en particular, también les permitió explorar la naturaleza cambiante que les rodea, algo que queda patente en esta exposición londinense en el que el color y la luz brillan en más de 120 obras, reunidas en una iniciativa coordinada por la Royal Academy of Arts y el Cleveland Museum of Art. En ese conjunto artístico se incluyen trabajos prestados por instituciones públicas y colecciones privadas de Europa y EE.UU., entre ellas 35 pinturas de Monet junto a obras raramente expuestas de artistas como Paul Klee, Emil Nolde, Gustav Klimt y Wassily Kandinsky.

La selección de pintores de jardín incluye también a Sorolla, Manet, Berthe Morisot, Pissarro, Cézanne, John Singer Sargent, Max Liebermann, Santiago Rusiñol, Matisse, Vincent van Gogh, o Edouard Vuillard, entre otros.

Instituciones como La Orengerie, de París, el museo Nelson-Atkins de Arte, de Kansas City, el museo de Arte de Cleveland, nos acercan a la extraordinaria colección de Monet, en la que reina el color, la vegetación y las aguas. 

La exposición permite ver como a medida que el siglo XIX llegaba a su fin, simbolistas, fauves y expresionistas alemanes abrazaron enfoques más subjetivos imaginando jardines como utopías visionarias; muchos recurrieron a pintar jardines para explorar la teoría del color abstracto y diseño decorativo.

La exposición se organiza temáticamente, enmarcando las pinturas en el contexto de los movimientos artísticos. Está comisariada por Ann Dumas, de la Royal Academy of Arts y el Dr. William H. Robinson, curador de arte europeo moderno en el Cleveland Museum of Art.

Por Pilar Sanabria

El sino del rinoceronte

01/02/2016, El comercio ilegal del marfil y de los cuernos de rinoceronte está causando un grave daño al patrimonio natural. Los elefantes y los rinocerontes lo padecen, dramáticamente.



Ginebra, 1 de febrero de 2016
Son miles los ejemplares de estas especies emblemáticas lo que se cazan por los furtivos año tras año y el Comité Permanente de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) advirtió estos días en Ginebra (Suiza), en su 66 reunión, que hace falta una acción urgente por parte de algunos países clave para ayudar a detener la ilegalidad.

CITES pidió a Mozambique y Tanzania - que han perdido más de la mitad de sus elefantes desde 2009 - a tomar medidas importantes contra el tráfico de marfil y avisó a Angola, Laos y Nigeria de sanciones sobre el comercio de especies.

También recordó el problema que rece sobre los rinocerontes. Sus cuernos son apreciados por ejemplo para hacer algo tan simple como mangos de cuchillo. Artículos como los mangos de dagas en Yemen, con cuerno de rinoceronte, son un símbolo de poder y riqueza. Además, la subida de precio de estos productos ha tenido un efecto devastador, porque ha potenciado el furtivismo. Por otra parte, el cuerno también es usado en la medicina tradicional asiática pata tratar una amplia variedad de dolencias.

Viet Nam es el mayor consumidor de cuerno de rinoceronte y la CITES le ha obligado a demostrar un mayor compromiso para acabar con el comercio ilegal; también a Mozambique.

En un panorama difícil para el rino, el ministro sudafricano de Asuntos Ambientales, Edna Molewa, reveló hace días que 1.175 rinocerontes se perdieron en Sudáfrica en 2015, cifra ligeramente por debajo del fatídico registro de 1.215 en el año anterior. Sin embargo, al menos 130 rinocerontes fueron saqueados en Namibia y Zimbabwe durante el mismo período.

"Después de siete años de aumentos, una disminución en la tasa de caza furtiva de rinocerontes en Sudáfrica es alentadora y es resultado del liderazgo del gobierno y de los incansables esfuerzos de tantas personas comprometidas", dijo Carlos Drews, directivo de WWF, del Programa Mundial de Especies, quien advirtió, sin embargo, que la tasa sigue siendo inaceptablemente alta, en un panorama global en el que hay que contemplar el aumento de los niveles de caza furtiva en Namibia y Zimbabwe.

Los cazadores furtivos siguen centrando su actividad principalmente en Sudáfrica, pero las cifras oficiales de Namibia y Zimbabwe sugieren que las redes delictivas están ampliando su alcance a través de la región. Sudáfrica, Namibia y Zimbabue son el hogar de casi la totalidad de los rinocerontes africanos.

Desde WWF se destaca que para detener la caza furtiva de rinocerontes no hacen falta solo leyes y actitudes gubernamentales, si no que se requiere la participación de las comunidades locales alrededor de las áreas protegidas.

La infiltración de estas comunidades por parte de bandas criminales no sólo amenaza la fauna silvestre sino que también pone en peligro la seguridad y el desarrollo sostenible de las personas que viven en estas comunidades, según WWF.

Por Alberto Garrido

El iris de Lucy

01/02/2016, Hasta el 12 de junio de 2016 se puede visitar la exposición El iris de Lucy. Artistas africanas contemporáneas en el MUSAC.



León, 1 de febrero de 2016
El proyecto El iris de Lucy pretende ampliar nuestro conocimiento y nuestra mirada y, por eso, recurre a la metáfora del iris del ancestro del género homo. La especie más relevante de homínido australopiteco, considerada durante mucho tiempo la más antigua del mundo, es el Australopithecus Afarensis, conocida como Lucy desde su descubrimiento en 1974, en la región oriental de Afar, Etiopía. Durante décadas se la consideró el eslabón perdido de la evolución humana.

Lucy debe su nombre a que anecdóticamente, en el momento de su descubrimiento sonaba en la radio la famosa canción de los Beatles Lucy in the Sky with Diamonds. Podían haber encontrado muchos nombres de importantes mujeres africanas, pero los antropólogos decidieron llamarla Lucy, lo cual desvela la prepotente mirada occidental, que en una ocasión más dejaba de lado incomprensiblemente otras inmensas y riquísimas culturas. Lucy fue re-bautizada poco tiempo después por los etíopes de Afar como Dinknesh, que significa “eres maravillosa”.

¿Por qué los antropólogos tuvieron que sustraerle su conexión con su propio contexto a aquel homínido? ¿Por qué habrían de sustraerle su identidad, su mirada o, en definitiva, su iris?.

Con este hecho de sustracción histórica como punto de partida, este proyecto devuelve a Lucy, de forma simbólica, su propia mirada a través de las miradas de una selección de artistas contemporáneas africanas, cuyos trabajos y propuestas permiten entender complejas y variadas facetas de ese diverso espacio cultural que es África. 

Con El iris de Lucy , una veintena de artistas abordan, a través de prácticas artísticas que incluyen instalación, fotografía, vídeo, pintura, dibujo y la escultura, cuestiones como la identidad, etnia, cuerpo, fronteras, medio ambiente, historia, memoria, política, tradición, presente y futuro, cuestiones feministas, coloniales y postcoloniales, migración, etc.

William Shakespeare vive

29/01/2016, El 3 de mayo de 2016 se cumplen los 400 años de la muerte de William Shakespeare, y este año Shakespeare estará más presente que nunca en la vida de los ingleses.



Londres, 27 de enero de 2016
Son múltiples los eventos programados en el país, con objeto de evocar la figura del Bardo de Avon, promocionar su obra y atraer Turismo a los lugares vinculados con este gran autor, considerado como el más famoso de la escritura inglesa y uno de los más importantes de la historia de la humanidad.

Desde su país natal, se presenta el programa “Shakespeare Lives” (Shakespeare vive) que despliega un gran contenido internacional, en 70 países, aunque será a lo largo de toda Gran Bretaña donde la figura literaria va a ser protagonista indiscutible de esta efeméride.

“El mundo es un escenario” dejó escrito el dramaturgo inglés, pero todo su país se convierte ya en el escenario de sus muchas celebraciones. Visit Britain, la oficina nacional de turismo responsable de la promoción de Gran Bretaña, afirma que en 2016, el año Shakespeare va a permitir conocer aún mejor la figura legendaria y universal a través de una formidable agenda de actos y visitas que ocupan toda la geografía británica, especialmente durante la primavera, alrededor del 23 de abril de 1616, día en que falleció.

Stratford-upon-Avon
Si hay un lugar para traspasar la piel del gran personaje y compartir su intimidad ese es Stratford-upon-Avon, al sureste de Birmingham. Allí nació otro abril de 1564, y allí vivió, se enamoró y escribió, por ello se encuentra en esta localidad la sede de la Fundación Shakespeare BirthPlace que gestiona cinco casas relacionadas con la vida del escritor. En ellas se recrea su vida íntima, así como los aspectos cotidianos del universo isabelino al que perteneció, por lo que su visita es un viaje a su tiempo y a la atmósfera de su creatividad.

La primera visita es la de su casa natal, donde vivió hasta los primeros años de su matrimonio. La segunda es la casa y jardín de su esposa Anne Hathaway, en la que se conserva mobiliario original, incluida una cama; a las afueras se encuentra la granja de su madre, Mary Arden, un lugar idílico que muestra la vida rural en la época Tudor. La cuarta es Hall House, la casa que ocupó su hija Susan y su marido médico, con la reconstrucción del jardín donde crecían las plantas para sus fórmulas medicinales, y la última es la Harvard House, un ejemplo de arquitectura isabelina en su decoración interior y exterior.

Pero la nueva joya de la corona con la que se enriquece este 400 aniversario es la apertura en junio de New Place, la casa donde vivió el bardo los últimos 19 años y escribió unas 26 obras. En ella se trabaja para reproducir con exactitud un ambiente de época, incluido el jardín, tal y como existía en vida del escritor; o la cocina, a la que una excavación ha rescatado de su lugar de origen. Otro lugar que enriquecerá esta ruta íntima es el aula donde estudiaba el joven Shakespeare en la escuela King Edward II, muy cerca de su casa natal, cuyos trabajos de restauración están ya en su última fase y, por supuesto su tumba en el presbiterio de la Holy Trinity Church en la que se conmemora cada aniversario cambiando la pluma de ave de su efigie.

Otra cita ineludible: asistir a una de las representaciones en el Teatro Swan de la famosa Royal Shakespeare Company (RSC) que tiene su sede aquí a orillas del río Avon, visitar su tienda con 30.000 trajes de alquiler o echar un vistazo a los cielos de Stratford desde su torre, es otro de los alicientes para los aquejados de bardolatría, como lo calificó Georges Sand.

El 23 de abril /aniversario del nacimiento) toda la ciudad de Stratford echa la casa por la ventana con una procesión de jazz llegada de New Orleans, animaciones callejeras, exposiciones, espectáculo shakesperiano en su Teatro Real y fuegos artificiales. 

Otros eventos
Pero el acercamiento al autor también se puede efectuar desde otros muchos puntos, empezando por Londres. Visit Britain propone “meterse en la piel de alguno de sus famosos personajes”, o de él mismo como actor cuando interpretaba en un teatro prácticamente igual a lo que es ahora The Globe en South Bank. Inaugurado en 1997, posee todo el encanto de su hermano destruido por el fuego en 1613. En este aniversario, se representará Hamlet, después de una gira de dos años por el mundo.

….Y en tren o hasta en bici (ver la ruta “Pedalear como un bardo” que organiza The Carter Company) hay que comadrear con real espíritu y llegarse al Castillo de Windsor, el lugar donde transcurre la comedia Las alegres comadres de Windsor y en cuyo parque Falstaff recibió su castigo. Windsor también se une a la celebración en primavera con una exposición sobre el autor.

En el condado de Leicestershire, está el campo de batalla de Bosworth, en el que durante la primavera de 2016 se ha programado una escenificación in situ donde murió Ricardo III y su condado vecino Warwickshire, acoge el Bosque de Arden, en el que perderse con la llegada del calor, imitando a los personajes de Cómo gustéis.

Es la propia Lady Macbeth quien nos sugiere la agenda de visitas en una escapada a Escocia. Macbeth es una tragedia cien por cien escocesa y como pone de actualidad el reciente estreno con Michael Fassbender, se desarrolla en sus atractivos paisajes. A una hora de Edimburgo está el Castillo de Glamis, lugar de infancia de la Reina Madre y otra visita obligada es el castillo de Cawdor en las afueras de Inverness y en el que este verano hay prevista una programación para representar en sus jardines El sueño de una noche de verano.

Un salto a Irlanda del Norte y Gales
La tempestad es la obra elegida por la compañía irlandesa Terra Nova producciones para conmemorar a lo grande (20-23 de abril) en los muelles de Belfast la memoria del dramaturgo. Acorde con el espíritu de la obra participarán más de 230 actores llegados de Asia, África y el Caribe.

Y en Gales el célebre Hay Festival (26 de mayo a 5 de junio) le dedicará buena parte de su programación cultural que será inevitable cerrar con un salto al castillo de Flint, en el noroeste, el primero de los castillos ingleses en Gales con un diseño no repetido después y que aparece en la obra de Shakespeare,Ricardo III. 

¡Shakespeare vive!
Como referencia mundial en temas tan importantes como el de la educación y la creación, la obra y el pensamiento de William Shakespeare en el 400 aniversario de su muerte ha hecho unir esfuerzos al Shakespeare Birthplace Trust, el British Council y la campaña de GREAT Britain en un ambicioso programa internacional a lo largo de 70 países, cuyo calendario se puede encontrar actualizado en www.shakespearelives.org

Muchos eventos y lugares para celebrar este centenario de un personaje que está entre los grandes de la literatura, como Homero o Cervantes, personajes que se silguen leyendo con avidez a lo largo de los siglos, personajes vivos para millones de amantes de la cultura.

Para seguir al año Shakespeare: http://www.shakespearelives.org/

Otros enlaces de lugares o instituciones aludidas:
http://www.shakespeare.org.uk/home.html
http://www.shakespearesglobe.com/
https://www.rsc.org.uk/http:/
http://www.terranovaproductions.net/belfast-tempest
http://www.windsor.gov.uk/
https://www.hayfestival.com/wales/index.aspx?skinid=2¤cysetting=GBP&localesetting=en-GB&resetfilters=true

El primer asentamiento europeo en EE UU

27/01/2016, Investigadores de la universidad de West Florida están estudiando en Pensacola (Florida) el que sería el primer asentamiento europeo en territorio estadounidense.



Pensacola, Florida (EE.UU.), 27 de enero de 2016
Se trata del poblado surgido en 1559 a raíz de la expedición de Tristán de Luna y Arellano.

El descubrimiento tiene notable importancia histórica porque este asentamiento sería seis años anterior al de San Agustín (tenido hasta ahora como primer asentamiento hispano) y cuarenta y ocho años anterior al primero de los ingleses, en Jamestown, Virginia.

La expedición de Tristán de Luna es –como buena parte de las expediciones de aquel tiempo- auténticamente novelesca. Emparentado con los gobernantes de Nueva España, Tristán realizó diversas exploraciones por territorios del actual México, entre ellas una para buscar la mítica ciudad de Cibola. 

En 1559 emprendió otra expedición a Florida, como gobernador del territorio, y desembarcó frente a la actual Pensacola, donde fundó la ciudad que llamó entonces Santa María. Las desdichas se cebaron con esta expedición. Un huracán destruyó prácticamente el asentamiento y la flota. El gobernador acabó siendo destituido y enviado a España para rendir cuentas de su fracaso.

La actual Pensacola es fruto de una refundación de 1968. Nunca nadie supo la ubicación concreta del asentamiento primitivo, pero la universidad de West Florida está estudiando ya los navíos de la flota y un barrio de la ciudad donde se han encontrado numerosas evidencias del asentamiento español.

La Universidad de West Florida, en su página web, anunció recientemente la identificación del asentamiento de la primera ciudad, así como el hallazgo de elementos de aquel asentamiento que apenas duró de 1.559 a 1.561. 

Los indicios del primitivo poblado fueron detectados por Tom Garner, un habitante de Pensacola, en octubre pasado. Cuando estudiaba unas obras de demolición descubrió una pieza de una jarra de barro del siglo XVI. Al hallazgo sucedieron otros nuevos que fueron puestos en conocimiento del departamento de Arqueología de la universidad de West Florida, donde el profesor John Worth, experto arqueología y estudioso de la época colonial española en el sureste de los EE.UU, dictaminó que se trataba de elementos del poblado de Santa María, vinculado a la expedición de Tristán de Luna.

El hallazgo ha despertado el entusiasmo, tanto por las piezas como porque se estaba buscando sin éxito la ubicación del poblado, desde hace mucho tiempo.

Los artefactos –sostiene- están vinculados a la expedición española dirigida por Tristán de Luna y Arellano, quien trajo aquí 1.500 soldados, colonos y esclavos en 11 naves desde Veracruz, México, a Pensacola para comenzar la colonización española de la costa norte del Golfo en 1559. Un mes después de su llegada, la colonia fue golpeada por un huracán, que hundió muchas de las naves y devastó los suministros de alimentos. Después de dos años de dificultades, los restos de la colonia fueron rescatados por barcos españoles y regresaron a México.

"Si la expedición Luna no hubiera sido devastada por un huracán, la Florida habría crecido como una extensión de la Nueva España a través de Pensacola, en la costa del Golfo de Santa Elena en el Atlántico, y la historia de los propios Estados Unidos podría haber evolucionado de manera diferente”, destaca el profesor Worth.

Antes que Tristán de Luna, otros españoles pasaron por la zona. Un campamento de invierno de expedición de Hernando de Soto a Florida, entre 1539 a 1540, es el primer sitio habitacional europeo identificado positivamente por los arqueólogos en los EE.UU. De dos asentamientos eventuales anteriores -los de Juan Ponce de León, cerca de Fort Myers, Florida, en 1521 y de Lucas Vázquez de Ayllón cerca de Brunswick, Georgia, en 1526- no se han hallado vestigios.

Frente a Pensacola ya se habían descubierto sendos naufragios vinculados a aquella expedición, que están siendo estudiados, y en los que se han hallado materiales de interés para conocer las expediciones del imperio español, explicó Worth.

Con el fin de proteger la integridad del sitio arqueológico, el programa de arqueología de la Universidad no planea revelar aún la ubicación exacta del asentamiento del poblado creado por Tristán de Luna.

Más información: uwf.edu/luna.

Jaime Hayón en el Design Museum Holon

27/01/2016, El Museo del Diseño de Holon presenta “Funtastico”, una retrospectiva de la obra del artista español Jaime Hayón. Hasta el 30 de abril de 2016.



Holon (Israel), 27 de enero de 2016
La obra de Hayón nace de una necesidad irresistible por crear un mundo fantástico, en el que elementos narrativos y diversión se combinan con un buen ojo para el detalle y acabado.

La exposición presenta la producción del artista en los últimos diez años, desde las primeras obras (2003) con la que irrumpe con fuerza en el mundo del diseño con sus cactus de cerámica y animales extraños, pasando por sus pinturas complejas e intrincados y dibujos que lo caracterizan y que incluyen retratos y dibujos de animales, hasta llegar a sus proyectos especiales para las principales empresas de diseño como Baccarat, Lladró y Magis.

Destacan entre las obras presentadas "Green Chicken", una especie de monumento que consiste en una fusión de dos imágenes; y American Chateau, una parodia de los iconos de la cultura estadounidense. Además, la exposición incluye la pieza “Face Mirror”, creada expresamente para celebrar el quinto aniversario del Museo. 

Jaime Hayón nació en Madrid en 1974. Después de estudiar diseño industrial en Madrid y París. En 1997 se une a la "Fabrica" (la Academia de diseño y comunicación financiada por Benetton en Italia) donde dirigió el departamento de diseño hasta 2003. Hayon crea su estudio en el año 2000 y a partir de 2003 se dedicada por completo a sus proyectos personales.

Su visión singular ha hecho que Hayón haya sido protagonista de exposiciones e instalaciones en las principales galerías y museos de todo el mundo en lugares como el Vivid Gallery, Mak Viena, el Groninger Museum, la Aram Gallery, el Design Museum de Londres, Mudac Museo, la Galería Thomas en Múnich, el Centro Pompidou, o la Feria de Arte de Basilea. Hoy sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de algunas de estas instituciones.

Funtastico. Jaime Hayón
Hasta el 30 de abril de 2016
Museo del Diseño de Holon
Pinhas Eilon St. 8. Holon


El arte y el Imperio Británico

26/01/2016, El papel de los artistas en el imperio británico se puede ver en una muestra de la Tate Britain de Londres hasta el 10 de abril 2016.



Londres, 26 de enero de 2016
El papel de los artistas en el imperio británico se puede ver en una muestra de la Tate Britain de Londres hasta el 10 de abril 2016.

“Artist and Empire” invita al espectador a descubrir el Imperio Británico a través de una nueva mirada sobre el arte desplegado desde el siglo XVI hasta la actualidad, con obras pertenecientes a colecciones públicas y privadas.

La muestra de la Tate Britain explora la historia británica desde una perspectiva crítica al mundo colonial, a través de 200 obras, algunas de las cuales han sufrido rechazos en muestras pasadas por haber puesto en tela de juicio el pasado del país.

Cuatro años se ha tratado de elaborar la muestra, en parte por los reparos a esta visión colonial amplia y desmitificadora, en la que participan también artistas contemporáneos que contribuyen a dotar de una nueva perspectiva a la imaginería colonial británica y a revisar los problemas heredados del imperio que desde las Islas Británicas se extendió por Norteamérica, el Caribe, el Pacífico, Asia y África. 

Según reconocen los organizadores, en el siglo XXI, el concepto de "Imperio Británico" evoca elementos provocadores porque recuerda un historial de guerra, conquistas y esclavitud, un legado que ha dejado sello universal.

"Artist and Empire" presenta la visión de los creadores para explorar esa huella en la que laten dramas, tragedias y dominios de un imperio sumamente poderoso y extenso. Con una amplia gama de objetos, que incluyen mapas, banderas, pinturas, fotografías, esculturas y artefactos, la exposición examina aspectos del arte del pasado y el presente del Imperio, para concluir en el dato de que la huella del mismo vive y pervive, para bien y para mal.

Trabajos de artistas como Reynolds, George Stubbs y Anthony Van Dyck, se muestran con miniaturas indias y objetos incluyendo artefactos maoríes, así como obras contemporáneas de Hew Locke y Sonia Boyce.

A través de esta amalgama de obras aparece una mezcla compleja de tradiciones, culturas y lugares con un nuevo relato colonial en el que se vislumbra desde la minusvaloración al arte aborigen hasta los anhelos de independencia. 

Feste feiern

26/01/2016, En 2016 el Kunsthistorische Museum de Viena (Museo de Historia del Arte) celebra su 125 aniversario con una exposición muy especial dedicada a los festejos.



Viena, 26 de enero de 2016
Hace 125 años se inauguró el edificio del museo situado en la avenida Ringstrasse de Viena. El 8 de marzo de 2016 y con motivo de este aniversario, se presenta una exposición especial dedicada a las diferentes formas de celebración.

La muestra "Feste feiern", que podrá verse hasta el 18 de septiembre de 2016, analiza los distintos aspectos de las formas de celebración que se desarrollaron en Europa desde la Alta Edad Media y el Renacimiento hasta el siglo XVIII. Destacan los festines con comida y bebida, amenizados con bailes y música, con especial mención de los celebrados en las residencias de los Habsburgo. En la muestra también se examinan celebraciones como las ferias y mercados, el carnaval o los festejos que solían conmemorar las coronaciones, las bodas y los aniversarios, y durante los cuales se aparcaban temporalmente las leyes que regían la vida cotidiana. 

En la muestra se reúnen piezas y objetos como un gigantesco mantel realizado por encargo del emperador Carlos I de España (Carlos V del Sacro Imperio Romano Germánico) para el banquete de una celebración caballeresca en 1527 o una silla de beber del siglo XVI.

Además de estos curiosos objetos, se exponen representaciones de celebraciones reales y fantásticas, desde festejos de coronación, hasta brueghelescas «fiestas de campesinos» pasando por obras de Fête galante (fiestas galantes), un género pictórico del siglo XVIII en el que una serie de elegantes personajes disfrazados deambulaban de manera informal por extensos escenarios al aire libre.

Feste feiern. 125 Jahre Kunsthistorisches Museum Wien
Celebremos las fiestas. 125 años del Museo de Historia del Arte de Viena
Del 8 de marzo al 18 de septiembre de 2016
Kunsthistorisches Museum Wien
Maria-Theresien-Platz, 1010 Viena

Los sitios Tusi, en la UNESCO

25/01/2016, La Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO integró en 2015 a tres centros representativo del “Sistema de gobierno Tusi”, en las regiones montañosas del sudoeste de China.



París, 25 de enero de 2016
La dinastía Yuan, creada por los líderes mongoles en el siglo XIII, se expandió hacia el sur en una serie de campañas que combinaron el poder militar con políticas de integración y desarrollo cultural y agrícola.

Ante determinados grupos étnicos del interior y del sur, los nuevos dominadores mongoles les permitieron conservar modos de vida y costumbres ancestrales. De este modo los territorios que se integraban en el poderoso estado chino mantenían el autogobierno y a sus propios gobernantes que transmitían el cargo de forma hereditaria (Sistema Tusi). 

Los líderes tusi colaboraban con tributos al emperador, pero este no interfería en la vida local, con lo que se consolidaron como espacios autónomos con culturas propias.

El nuevo bien cultural integrado en la lista de la UNESCO comprende una serie de importantes vestigios de territorios tribales que desde el siglo XIII pervivieron hasta el XX.

El bien cultural comprende los sitios de Laosicheng, en la provincia de Hunan, con 534 Ha; Tangya, en la provincia de Hubei, con 86 Ha, así como la fortaleza de Hailongtun, en la provincia de Guizhou, con 160 Ha, espacios que constituyen testimonios excepcionales de esta forma de gobierno emanada de la civilización china. 

El complejo de Laosicheng es el más espectacular y mejor conservado. Fue durante siglos el centro político y económico del oeste de Hunan, con sus sedes de gobierno, templos y complejos de tumbas de dignatarios. 

Más seguridad para el turismo de Túnez

22/01/2016, La Seguridad se está convirtiendo cada vez más en un activo que propicia la afluencia de turistas, y Túnez se está reforzando en este campo.



Madrid, 22 de enero de 2016
La noticia se ha conocido en el transcurso de la celebración de FITUR, después de haberse difundido en los días pasados que durante el año 2015 el turismo ha descendido un 3 por ciento en el conjunto de África, en buena parte por los problemas de seguridad que afectan a algunos países del continente.

Valorado como un sector clave en el desarrollo y la recuperación del país, el turismo cuenta en Túnez con una nueva normativa que acrecienta los niveles de seguridad, tal como anunciaron responsables de la Oficina Nacional de Turismo del país norteafricano en el encuentro de FITUR. Esta normativa incluye diversas recomendaciones para asegurar los hoteles y los circuitos turísticos.

Abdellatif Hamam, director general de la Oficina Nacional de Turismo de Túnez, y el presidente de la Federación Tunecina de Agentes de Viajes, Mohamed Ali Toum, destacaron a los informadores que el turismo es el segundo sector en relevancia en aportar divisas a Túnez. 

Entre los puntos clave del acuerdo figuran los siguientes:

  • Cada agencia de viajes de categoría A deberá enviar el recorrido de los circuitos al Ministerio del Interior 24 horas antes de la salida de turistas; comunicar el nombre del chófer y del guía, así como la matrícula del vehículo que se utilizará para realizar el itinerario y la hora de salida y llegada.
  • Cuando el vehículo realice paradas de descanso, el chófer y el guía deben controlar de nuevo el vehículo.
  • Se dotará a los vehículos del material necesario de seguridad; y se tendrán identificados a los empleados de las agencias de viajes con un distintivo, nombre y foto.
Las normas se han elaborado conjuntamente con la participación de los departamentos ministeriales encargados de Interior y Turismo. 

Según el director general de la Oficina Nacional de Turismo de Túnez, “las normas establecidas a las que hemos llegado conjuntamente con el Ministerio del Interior, no tienen otro objetivo que el de hacer que el viaje de los turistas que visitan Túnez sea seguro. Queremos que los turistas se sientan seguros y bien acogidos durante sus vacaciones y que no dejen de viajar a nuestro país”.

Túnez, con algo más de seis millones de visitantes/año en los últimos ejercicios, es uno de los grandes puntos de atracción turística de África, debido a su espléndida ubicación en el litoral mediterráneo. Los productos turísticos más atractivos son las playas, las actividades culturales y de aventura en el desierto. Asimismo, las ciudades más visitadas son Hammamet, Túnez capital, Sousa, Isla de Djerba y Tozeur, al sur del país, lugares en los que los extranjeros eligen pernoctar una media de 8 días/7 noches.

Destruido monasterio de Irak

22/01/2016, Fotografías realizadas por satélites muestran la destrucción del monasterio de San Elías (Dair Mar Elia), cerca de Mosul, el más antiguo de los centros monacales de Irak.



París, 22 de enero de 2016
El convento, ya en precaria situación tras la guerra de Irak, fue arrasado después de que las fuerzas del Estado Islámico, conquistaran la zona de Mosul, en 2014, aunque el hecho terrorista no se confirmó hasta ahora.

El monasterio Deir Mar Elia recibe su nombre del monje cristiano San Elías, que lo erigió entre los años 582 y 590 de nuestra era. Durante siglos fue un sitio sagrado para los cristianos de Iraq y un lugar importante para la comunidad católica de Oriente Medio. Además, daba testimonio de la diversidad religiosa en la región, donde durante siglos convivieron poblaciones de diferentes confesiones.

Según informa la UNESCO, a principios de los años 2000 la población cristiana de Irak era de 1,3 millones de personas; hoy son unas 300.000.

El centro se había cerrado en 1743, después de que 150 de sus monjes fueran masacrados por el líder persa Tahmaz Nadir Shah, por no convertirse al islam. Sus ruinas continuaron siendo un foco de atracción para los cristianos. 

En el siglo XX recibió algunas atenciones de restauración, aunque sufrió daños en 2003 durante la guerra de Irak. Se cree que la destrucción que se muestra ahora por las fotos satelitales fue realizada entre agosto y septiembre de 2014, aunque el daño sólo se confirmó en este mes de enero comparando las imágenes satelitales.

La directora General de la UNESCO, Irina Bokova, ha expresado su tristeza y preocupación tras la destrucción. “Era –dijo- el monasterio cristiano más antiguo de Iraq y un valioso testimonio de la rica diversidad cultural y religiosa del país. Ese monasterio fue lugar de culto y meditación durante 1.400 años y su existencia era algo aceptado por gente de todas las confesiones. Su destrucción es un nuevo ataque violento contra el pueblo iraquí; confirma que la población cristiana es objeto de crímenes contra la humanidad, y la amplitud que alcanza la limpieza cultural en curso en Iraq”.

“El cristianismo nació en Oriente Medio y es parte integrante de la historia de Iraq y del pueblo iraquí. Esta destrucción deliberada es un crimen de guerra que no debe permanecer impune. Recuerda también que los extremistas tienen miedo de la historia, porque conocer el pasado borra los pretextos de los que se sirven para justificar sus crímenes”, afirmó la responsable de la UNESCO.

Irina Bokova anunció que esta organización cultural sigue dispuesta a “proteger el patrimonio de Irak y a dirigir la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales, que contribuye directamente a la financiación del terrorismo”.

Fra Angélico añade dulzura al Prado

21/01/2016, La elegancia y la luminosidad de la pintura de Fra Angélico se refuerzan en El Museo del Prado con la adquisición de La Virgen de la granada.



Madrid, 21 de enero de 2016
El museo del Prado ya contaba anteriormente con otra de las monumentales obras del artista florentino, la Anunciación, una obra de extraordinaria elegancia, colorido y geometrías.

La incorporación de La Virgen de la Granada, anunciada ahora, implica el reforzamiento de la presencia de Fra Angélico en la colección de la gran pinacoteca madrileña. Esta operación se completa con la donación personal por parte del duque de Alba, Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo, de otra importante tabla cuyo reciente estudio por parte del Museo del Prado también atribuye a Fra Angélico.

Según informa el Museo del Prado, la financiación de la adquisición en dieciocho millones de euros, a lo largo de los próximos cuatro años, será respaldada con un crédito extraordinario de diez millones de euros por parte del Estado, una contribución excepcional de la Fundación Amigos del Museo del Prado por importe de cuatro millones de euros y otros cuatro millones correspondientes a fondos propios del museo. 

En la misma reunión se ha aceptado la propuesta de donación de Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo, XIX Duque de Alba de Tormes, de otra importante tabla florentina, una predela con el tema de la muerte de San Antonio Abad, cuyo reciente estudio ha permitido su atribución también a Fra Angélico.

Las dos obras, adquiridas en Florencia en 1817, respondiendo al interés coleccionista de Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, XIV duque de Alba, a quien se debe la presencia de las mismas en España formando parte desde entonces del patrimonio de la Casa de Alba.

El actual Duque de Alba ha declarado que “la Fundación Casa de Alba se siente muy orgullosa de entregar al Museo del Prado estas auténticas joyas del arte europeo, reunidas y conservadas durante dos siglos por nuestra familia, para que a partir de ahora puedan ser disfrutadas por todos los españoles y los amantes del arte de todas partes del mundo que se acercan con admiración a nuestro principal museo nacional”.

Guido di Pietro, llamado Fra Angélico ( 1390 - 1455) simultaneó su vida de fraile dominico con su consumado trabajo de pintor, volcado siempre en temas de gran religiosidad que pintaba siempre tras rezar y a veces con lágrimas de emoción. 

La Madonna de la granada es una obra extraordinaria pintada en la Florencia de principios del siglo XV, y era una de una de las poquísimas obras maestras del autor en manos privadas, pues desde que la pintura del Quattrocento italiano empezó a suscitar el interés de críticos y aficionados a principios del siglo XIX, se convirtió en codiciado objeto de deseo de museos y coleccionistas. Esta circunstancia, añadidas al buen estado de conservación, otorga a la Madonna de la Granada una importancia excepcional.

Guido di Pietro da Mugello ingresó hacia 1420 en el convento dominico de San Domenico en Fiesole. La mayoría de su producción desde entonces estará ligada a los dominicos, empezando por el convento en Fiesole, para el que pintó, entre otras, la Anunciación del Museo del Prado (1425-1426). Esta obra delata el impacto en Angelico de las innovaciones volumétricas y de perspectiva de Massaccio. También lo hace la Madonna de la granada, que la historiografía data a continuación de la Anunciación del Prado, y en la que resuenan nítidos los ecos del altar de Sant’Anna Metterza de Masaccio para San Ambrosio (1423-24).

La Madonna de la granada forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420 y que delatan su progresivo dominio de la anatomía, la luz y el espacio, y entre las que figura también la Virgen de la humildad del Museo Thyssen. 

La Madonna de la granada toma su nombre del fruto que sostiene la Virgen y atrae la atención de su hijo, que la toca. En este contexto, la granada tiene un doble significado: en manos de la Virgen alude a su castidad; al tocarla el Niño Jesús, prefigura su muerte y resurrección. Esta iconografía disfrutó de gran predicamento en la Florencia del siglo XV, atrayendo a pintores como Sandro Botticelli o Leonardo da Vinci. Se ignora para quien fue pintada la obra, pero sí se puede asegurar que se trató de un encargo excepcional dada la extraordinaria calidad de los materiales utilizados en su realización.

Destaca sobremanera la abundancia de oro, no sólo en áreas visibles, como el paño de honor, también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras.

El héroe y el rorcual

21/01/2016, Uno de los vídeos más emocionantes cargado en YouTube en enero ha sido el que muestra el salvamento de un rorcual común atrapado en las aguas de Fuerteventura.



Fuerteventura, 21 de enero de 2016
Sin otra ayuda que la de un cuchillo, el joven Cesar Espino permaneció durante una hora y veinte minutos subiendo y bajando a la superficie del agua para tomar oxígeno y llevar a cabo la tarea de la liberación de la ballena, de unos 15 metros de longitud.

El rorcual común es una un cetáceo de gran tamaño, puede alcanzar hasta 27 metros de longitud, de color grisáceo y cuerpo largo y estilizado que le permite alcanzar hasta los 40 kilómetro por hora de velocidad.

En el caso de Fuerteventura, el animal estaba atrapado por un palangre, un arte de pesca que consiste en un cabo del que cuelgan infinidad de anzuelos, sistema que está prohibido, precisamente, en estas aguas canarias.

Según relata WWF, la ballena atrapada fue descubierta el 2 de enero a unas dos millas de Morro Jable, al sur de Fuerteventura. El animal permanecía enredado con un cabo en la cola y que, a su vez, tenía dentro de la boca. 

Cesar Espino había salido al mar con un compañero, para avistar cetáceos, cuando descubrieron el palangre y se percataron de que había enredado al animal.

Nieto de pescador y apasionado de la fauna marina, César se dedica profesionalmente a realizar actividades de ocio marino en el Parque Natural de Jandía, al sur de Fuerteventura. Cuando él y su compañero se acercaron al rorcual se percataron de su delgadez y de que permanecía enganchado por la boca y la aleta caudal. Pese a lo peligroso de la operación, se lanzó a rescatar a la ballena en apuros, lo que consiguió felizmente.

Según WWF, el rorcual común es una especie de cetáceo habitual de las aguas de Fuerteventura, una zona de gran biodiversidad asombrosa, especialmente en el campo de las ballenas y delfines.

Más de la tercera parte de las especies de cetáceos del planeta se encuentran en las aguas al este de Fuerteventura y Lanzarote. Por eso WWF lleva tiempo peleando por la creación de un Santuario de Ballenas que proteja este espacio, una aspiración que también apoya el rescatador del cetáceo.

Este es uno de los últimos lugares del planeta donde aún pueden avistarse grupos de ballenas sumergiéndose con sus crías, enormes cachalotes en busca de calamares gigantes, manadas de delfines saltando y al menos tres especies de los esquivos y desconocidos zifios, cetáceos menos conocidos, que se alimentan a más de mil metros de profundidad.

Aunque de escasa calidad, el video que muestra una parte del rescate de Cesar Espino para liberar el cetáceo, está lleno de emoción:

Enlace al vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=CYzMq-I77ZI

Apoyo al proyecto de Santuario de Ballenas: http://wwfenaccion.com/proyectos/por-un-santuario-de-ballenas-en-canarias-26

San Sebastián 2016 Capital Europea de la Cultura

20/01/2016, La ciudad de Donostia celebrará a partir de este mes de enero diversas actividades culturales para conmemorar su nombramiento como Capital Europea de la Cultura 2016.



San Sebastián (Donostia), 20 de enero de 2016
Del 20 al 24 de enero San Sebastián inaugurará su año de Capitalidad Europea de la Cultura con una amplia programación multidisciplinar en cuya elaboración ha participado casi medio centenar de salas de conciertos, clubes, galerías de arte, museos, asociaciones artísticas, festivales y demás agentes culturales de la ciudad.

Durante todo el año, la ciudad de San Sebastián presentará un completo programa de actividades en un proyecto que desea promover la cultura y la convivencia, implicándo a toda la ciudadanía.

El pistoletazo de salida de la agenda inaugural lo dará el Día de San Sebastián, con la tradicional Tamborrada, que este año incorporará acciones especiales con motivo de la Capitalidad.

Otras citas destacadas serán la inauguración el 22 de enero del proyecto expositivo 1966 | Gaur Konstelazioak | 2016, un encuentro multitudinario con las tamborradas la mañana del día 23, una gala de entrega de la placa que acreditará a San Sebastián como Capital Europea de la Cultura 2016 y, sobre todo, el acto central: el Puente de la Convivencia, un evento espectacular diseñado por Hansel Cereza el 23 de enero a las 20:00 sobre el puente de María Cristina. 

1966 Gaur konstelazioak 2016
La designación de San Sebastián como Capital Europea de la Cultura constituye una ocasión única para profundizar en una serie de artistas relevantes del arte vasco (Jorge Oteiza (1908-2003), Eduardo Chillida (1924-2002), Néstor Basterretxea (1924-2014), Amable Arias (1927-1984), Remigio Mendiburu (1931-1992), José Antonio Sistiaga (1932), Rafael Balerdi (1934-1992) y José Luis Zumeta (1939)) que en 1966 convergieron en la fundación del grupo Gaur, que se presentó con un manifiesto y una exposición en la Galería Barandiarán de San Sebastián.

En 2016 se cumplen 50 años de esa exposición y con tal motivo se ha organizado una gran muestra central en San Telmo Museoa, a la que se une el Museo de Bellas Artes de Bilbao con la presentación conjunta de medio centenar de obras de estos ocho artistas del grupo Gaur representados en su colección.

El primer contexto de la muestra aproxima al visitante al grupo Gaur y su presentación hace 50 años con un manifiesto en la galería Barandiaran de San Sebastián. Gaur fue una constelación moderna integrada por Jorge Oteiza, Eduardo Chillida, Rafael Ruiz Balerdi, Nestor Basterretxea, Jose Antonio Sisitaga, Amable Arias, Remigio Mendiburu y Jose Luis Zumeta.

El segundo contexto refleja un tiempo de tensiones críticas y de tomas de posición desde la acción del arte. Esta sección nos aproxima a artistas y colectivos europeos como Txomin Badiola, PSJM, Goldschmied & Chiari, Azucena Vieites, Iratxe Jaio + Klaas van Gorkum, Bojan Fajfric, Eugenio Ortiz y Avelino Sala.

1966 Gaur konstelazioak 2016
Museo San Telmo
Museo de Bellas Artes de Bilbao


El turismo mundial busca seguridad

19/01/2016, El barómetro del turismo mundial, que publica la Organización Mundial del Turismo (OMT) muestra que el turismo sigue en alza, allí donde hay más seguridad.



Madrid, 19 de enero de 2016
Las llegadas de turistas internacionales crecieron en 2015 en un 4,4 por ciento, hasta alcanzar un total de 1.184 millones, según el último Barómetro OMT, publicado en las jornadas previas de Fitur, una de las grandes citas anuales del sector.

En comparación con 2014, el año pasado hubo alrededor de 50 millones más de turistas internacionales (visitantes que pernoctan) en todo el mundo.

Estados Unidos, España y Francia se consolidan como los grandes destinos, mientras que los viajeros rehúyen aquellos puntos en los que no se les garantiza la seguridad, como pueden ser algunos países de África y de Asia, principalmente.

Otros aspectos, como la seguridad sanitaria y la fortaleza de las monedas contribuyen a explicar las evoluciones de los flujos turísticos. 

El resumen del informe
El año 2015 es el sexto consecutivo con crecimiento superior a la media, habiendo aumentado las llegadas internacionales un 4 por ciento o más cada año desde el año 2010. “Este comportamiento del sector está contribuyendo al crecimiento económico y a la creación de empleo en muchos lugares del mundo, por lo que resulta esencial fomentar el crecimiento del turismo, con políticas de facilitación de los viajes y de sostenibilidad”, sostiene el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai.

El desarrollo del turismo depende en gran medida de la capacidad colectiva de promover unos viajes seguros y fluidos. En este sentido, la OMT insta a los gobiernos a cuidar los aspectos de seguridad, no solo para asegurarse de que se minimice la exposición del sector a las amenazas

El crecimiento de las llegadas de turistas internacionales en los destinos de las economías avanzadas (+5 por ciento) superó al de las economías emergentes (+4 por ciento), gracias sobre todo a los excelentes resultados de Europa (+5 por ciento).

Por regiones, Europa, las Américas y Asia y el Pacífico registraron todas ellas un crecimiento del 5 por ciento en 2015. Las llegadas a Oriente Medio se incrementaron en un 3 por ciento mientras que en África, los limitados datos disponibles apuntan a un descenso estimado del 3 por ciento, debido en gran parte a los resultados negativos del Norte de África, la subregión a la que se atribuyen más de un tercio de las llegadas a la región. 

Perspectivas positivas para 2016
Los resultados del Índice de Confianza de la OMT siguen siendo muy positivos para el 2016, aunque a un nivel ligeramente inferior en comparación a los dos años anteriores. Basándose en la actual tendencia y en esta perspectiva general, la OMT prevé que las llegadas de turistas internacionales crezcan un 4 por ciento en todo el mundo en 2016.

Por regiones, se espera que el crecimiento sea mayor en Asia y el Pacífico (entre +4 por ciento y +5 por ciento) y en las Américas (entre +4 por ciento y +5 por ciento), seguido del de Europa (entre +3,5 por ciento y +4,5 por ciento). Las proyecciones para África (entre +2 por ciento y 5 por ciento) y para Oriente Medio (entre +2 por ciento y +5 por ciento) son positivas, aunque con un mayor grado de incertidumbre y volatilidad. 

Resultados regionales de 2015

Europa (+5 por ciento) lideró el crecimiento en términos absolutos y relativos, gracias en parte a la debilidad del euro frente al dólar de los EE.UU. y otras divisas importantes. Las llegadas ascendieron a 609 millones, o 29 millones más que en 2014. La Europa Central y del Este (+6 por ciento) se recuperó del descenso de llegadas del año anterior. La Europa del Norte (+6 por ciento), la Europa Meridional y Mediterránea (+5 por ciento) y la Europa Occidental (+4 por ciento) también registraron buenos resultados, especialmente si se tienen en cuenta los numerosos destinos maduros que integran.

La región de Asia y el Pacífico (+5 por ciento) registró 13 millones más de llegadas de turistas internacionales el pasado año, hasta alcanzar los 277 millones, con resultados desiguales entre destinos. Oceanía (+7 por ciento) y el Sureste Asiático (+5 por ciento) encabezaron el crecimiento, mientras que Asia Meridional y el Noreste Asiático registraron un incremento del 4 por ciento.

Las llegadas de turistas internacionales en las Américas (+5 por ciento) crecieron 9 millones hasta alcanzar los 191 millones, consolidándose así los excelentes resultados de 2014. La apreciación del dólar estimuló el turismo emisor de los Estados Unidos, lo cual benefició sobre todo al Caribe y a América Central, que registraron ambas un crecimiento del 7 por ciento. Los resultados en América del Sur y América del Norte (ambos +4 por ciento) fueron cercanos a la media.

Las llegadas de turistas internacionales en Oriente Medio aumentaron, según estimaciones, un 3 por ciento hasta un total de 54 millones, consolidando así la recuperación iniciada en 2014.

Los limitados datos de que se dispone para África apuntan a un descenso del 3 por ciento en las llegadas internacionales, llegando a un total de 53 millones. En el Norte de África las llegadas descendieron un 8 por ciento y en el África Subsahariana un 1 por ciento, aunque esta última volvió a los resultados positivos en la segunda mitad del año. (Los resultados para África y Oriente Medio deberían leerse con cautela, puesto que se basan en los datos limitados de que se dispone). 

China, el gran emisor
El gasto turístico ha estado protagonizado en 2015 por unos cuantos mercados emisores, favorecidos por una moneda fuerte y una economía sólida.

Entre los principales mercados emisores del mundo, China, con un crecimiento del gasto que ha sido de dos dígitos todos los años desde 2004, sigue a la vanguardia del turismo emisor mundial, en beneficio sobre todo de destinos asiáticos como Japón y Tailandia, así como de los Estados Unidos y diversos destinos europeos.

En cambio, el gasto de otros mercados emisores antes muy dinámicos, como la Federación de Rusia y Brasil, se redujo significativamente, como reflejo de las restricciones económicas de ambos países y la depreciación del rublo y el real en relación con prácticamente todas las demás monedas.

En cuanto a los mercados emisores tradicionales de las economías avanzadas, el gasto de los Estados Unidos (+9 por ciento), el segundo mayor mercado emisor del mundo, y del Reino Unido (+6 por ciento) se vio impulsado por monedas fuertes y economías en plena reactivación. El gasto de Alemania, Italia y Australia creció a un ritmo más lento (+2 por ciento en todos ellos), mientras la demanda de Canadá y Francia fue más bien débil.

Francia, los Estados Unidos, España y China siguen copando los primeros puestos tanto por llegadas internacionales como por ingresos. México se reincorporó al grupo de los diez primeros por llegadas, en el décimo puesto.

400 años del Cabo de Hornos

19/01/2016, El viento aúlla en este extremo sur de América, y el fuerte oleaje hace que el viajero sienta sobre su rostro la humedad salada. Pese a la dureza del territorio, el Cabo de Hornos es un destino único.



Madrid, 19 de enero de 2016
Aunque aún están más al sur las pequeñas islas de Diego Ramírez (a unos 100 kilómetros) el territorio mítico que se asocia al extremo sur de América es este cabo desolado, desde el que se contempla la unión de los océanos Atlántico y Pacifico.

La compañía Australis realiza unos atrayentes cruceros por la zona, que parten de Usuahia o de Punta Arenas y que conducen al visitante por un territorio colmado de atractivos naturales: glaciares, cascadas, bosques patagónicos y magnífica fauna. Para el viajero es un descubrimiento… un descubrimiento tan magnífico como el sentirse liberado de los teléfonos móviles, pues a estos alejados rincones no llega apenas la señal telefónica. 

Australis conmemora este año el 400 aniversario del “descubrimiento” del Cabo de Hornos, aunque más que “descubrimiento” debería hablar del “bautizo”, pues el cabo no sólo estaba conocido con toda seguridad por los indígenas que poblaban este extremo sur americano, y que prácticamente desaparecieron con la llegada de colonos europeos, sino que seguramente fue conocido anteriormente tanto por los integrantes de la expedición de Francisco de Hoces (1525) quien fue desviado por el temporal de su ruta por el paso de Magallanes y cruzó por el entorno de los 55 grados de latitud sur. Incluso tuvo que pasar por allí el propio Drake medio siglo más tarde.

Pero el nombre de Hornos parece evocar el cruce de este espacio por una expedición de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales que llegó a la Patagonia en el final del 1615 con dos navíos (El Eendracht y el Hoorn) en busca de rutas alternativas al Cabo de Buena Esperanza. La singladura del Hoorn acabó en la Patagonia, pero su nombre quedó “bautizando” al cabo sureño, ante el que los holandeses pasaron ahora hace 400 años. 

Este mar sureño que separa América de la Antártida es violento. Centenares de barcos han llegado al final de su existencia en estas aguas frías y violentas, aguas que unos denominan como el Paso de Drake y otro como el Mar o Paso de Hoces en memoria de los marinos que lo surcaron en el siglo XVI.

Temido por su bravura, por los temporales e incluso los icebergs; mítico por los relatos de los naufragios, este paso del extremo sur de América decayó en interés para el tráfico y en valor estratégico con la apertura del canal de Panamá. Pero el interés ecológico de la zona sigue siendo impresionante.

Con motivo de la celebración de Fitur, la compañía chilena de Cruceros Australis, recuerda este 400 aniversario: “Este lugar sigue siendo uno de los más indómitos y únicos del planeta”, comenta Frederic Guillemard, gerente de Australis para Europa. 

Para el gerente de Australis, esta ruta que discurre por Tierra del Fuego, Estrecho de Magallanes, Canal Beagle hasta llegar al Cabo de Hornos, desde hace 25 años, proporciona “la magia de pisar uno de los límites de la tierra, lo que resulta una cita para todos aquellos que busquen algo especial”.

La temporada de cruceros por este extremo sur comienza el 25 de septiembre y se extiende hasta abril de 2016 con diferentes programas de navegación que comienzan y terminan en Punta Arenas o Ushuaia indistintamente; con desembarcos diarios y guías expertos en la geografía, flora y fauna de la zona.

Adicionalmente, durante la temporada hay viajes especiales enfocados en la observación de ballenas o la recreación de la ruta de Darwin.

Por Artemio Artigas 

Del divisionismo al futurismo

18/01/2016, Hasta el 5 de junio de 2016 en la Sala Recoletos de la Fundación Mapfre se puede visitar una muestra dedicada al arte italiano de finales del siglo XIX y principios del XX.

Madrid, 18 de enero de 2016
El divisionismo fue un movimiento autónomo diferente del resto de los movimientos europeos de la época. Artistas como Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giaccomo Balla, Angelo Morbelli, Umberto Boccioni o Gino Severini y Carlo Carrà sentaron las bases para el movimiento futurista que irrumpió con fuerza en el panorama del arte italiano desde 1909, y prestaron en sus obras especial atención a los contenidos sociales que reflejaban las condiciones de vida de las clases más desfavorecidas. De esta manera, los artistas denunciaron el malestar de una nación recién unificada, en un momento de importante transformación en todos sus sectores.

La muestra de la Fundación Mapfre examina los orígenes y la evolución del divisionismo de la mano de sus principales protagonistas. Estos artistas influyeron en la renovación del arte italiano entre finales de siglo XIX y principios del siglo XX y en la aparición de la vanguardia futurista, que encontró en el divisionismo una gran influencia en el tratamiento de la luz y el color.

La exposición, que reúne una selección de 80 obras maestras, ha sido organizada en colaboración con el Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, y cuenta con préstamos de instituciones internacionales como el Metropolitan Museum of Art, la Galleria d’Arte Moderna y la Pinacoteca di Brera, la Galleria degli Uffizi, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, el Museo Segantini, el Centre George Pompidou, el Gemeentemuseum o el Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Del divisionismo al futurismo. El arte italiano hacia la modernidad
Hasta el 5 de junio de 2016
Sala Recoletos. Paseo de Recoletos, 23. Madrid
Fundación Mapfre

Las sombras de Warhol

18/01/2016, El Museo Guggenheim Bilbao presenta el 26 de febrero de 2016 la exposición "Andy Warhol: Sombras".



Bilbao, 18 de enero de 2016
El Guggenheim Bilbao presenta la exposición Andy Warhol: Sombras, una obra de arte compuesta por 102 paneles serigrafiados de gran formato que reflejan algunas de las exploraciones de Warhol sobre la abstracción a través de la paleta de tonos brillantes que marcó gran parte de su obra.

Con 50 años, Andy Warhol, el irreverente icono del arte Pop americano, se embarcó en la producción de la obra monumental Sombras (Shadows), una serie en la que el artista formalizó algunas de las exploraciones sobre la abstracción que había abordado el año anterior con Oxidación (Oxidation), Rorschach y Camuflaje (Camouflage).

Con el fin de entender la radicalidad de las Sombras de Warhol es necesario detenerse en el formato de una obra concebida como una sola pintura en varias partes, cuyo número y orden queda determinado por las dimensiones del espacio en que va a ser instalada.

Aunque incluyen más de una docena de tonos diferentes, en los lienzos de Sombras están presentes colores muy característicos en la carrera del artista, como el violeta translúcido de Desastre lavanda (Lavender Disaster, 1963) o el verde aguamarina de Marilyn turquesa (Turquoise Marilyn, 1964).

Las superficies de las Sombras fueron pintadas con una mopa de esponja, aportando esta técnica una sensación gestual al plano pictórico. Además, se utilizaron siete u ocho pantallas diferentes, dando lugar a los leves cambios de escala de las zonas oscuras, así como a una arbitraria presencia de manchas de luz.

A lo largo de las paredes del espacio se alternan el positivo y el negativo de los lienzos de “sombras”, que a pesar de su apariencia repetitiva, están realizados de manera totalmente manual, de esta manera, lejos de ser una réplica, cada Sombra es diferente del resto.

Andy Warhol nació en Pittsburg, Pensilvania, en 1928. Entre 1945 y 1949 estudió arte en el Carnegie Institute of Technology, donde se licenció en diseño pictórico. En 1949 se trasladó a Nueva York para convertirse en ilustrador comercial. Allí comienza a exponer dibujos y pinturas.

A principios de los sesenta Warhol empieza a emplear reproducciones fotográficas de imágenes extraídas de periódicos, revistas y archivos, centrando su atención en iconos “ready-made” de la cultura popular. Warhol recopiló un repertorio iconográfico que incluía productos de consumo, retratos de famosos y personajes de la vida social, así como instantáneas de accidentes de tráfico, sillas eléctricas o disturbios raciales, que después trasladaba al lienzo a través de la técnica de la serigrafía.

Sus temas superfluos y cotidianos se convertirían en un poderoso modelo de subversión política para una generación marcada por Hollywood, la música pop, la Guerra de Vietnam y el Movimiento de los Derechos Civiles. La prolífica obra de Warhol se materializó en gran variedad de medios, y estuvo marcada por una irreverencia e ironía sin precedentes, una transgresión social y política totalmente deliberada.

Andy Warhol: Sombras
Del 26 de febrero al 2 de octubre de 2016
Museo Guggenheim Bilbao

Antoni Tàpies. Colección, 1955–65

14/01/2016, Del 19 de enero al 22 de mayo de 2016 en la Fundació Antoni Tàpies se puede ver una selección de sus fondos centrada en la obra realizada por Tàpies entre 1955 y 1965.

Barcelona, 14 de enero de 2016
Hacia la década de 1954-1955 se produce en la obra de Antoni Tàpies un cambio significativo que supondría el inicio de su periodo de madurez y que traería consigo un gran reconocimiento nacional e internacional de la figura del artista.

El interés por la expresividad de determinados materiales, que Tàpies ya había manifestado en la década de 1940, da lugar a unas obras con apariencia de muro, y que se caracterizaban por la densidad de sus texturas y el uso de una gama de colores limitada en gris, marrón y ocre.

La exposición Colección, 1955-1965 se centra en este periodo, y muestra obras y documentos de la Colección y del Archivo de la Fundació, junto a algunos préstamos significativos de colecciones privadas. La muestra se completa con la proyección del documental Tàpies (1969), de Clovis Prévost, producido por Maeght, París.

Antoni Tápies nace en Barcelona el 13 de diciembre de 1923. Durante su infancia, Tàpies vivirá en un ambiente social y cultural marcado, en buena medida, por la amistad de su padre, Josep Tàpies Mestres, con notables personajes de la vida pública catalana.

Su primer contacto con el arte contemporáneo se produce a través de algunas publicaciones catalanas y muy especialmente del número extraordinario de Navidad de la revista D’Ací i d’Allà de 1934, coordinado por Josep Lluís Sert y Joan Prats, con textos de Zervos, Foix y Gasch, entre otros, y reproducciones de obras de Picasso, Braque, Gris, Léger, Mondrian, Brancusi, Kandinsky, Duchamp, Arp, Miró, etc.

En 1944 inicia los estudios de Derecho en la Universitat de Barcelona, que abandonará poco antes de terminar. Durante dos meses estudia dibujo en la Academia Valls de Barcelona, donde conoce casualmente al poeta y crítico de arte Josep M. Junoy, cuyo estímulo influirá en su decisión de consagrarse al arte.

Durante los siguientes años experimenta una creciente dedicación a la pintura y tiene sus primeras tentativas con materiales densos. Sus obras de corte primitivista y expresionista y sus pinturas abstractas, se caracterizan por un interés fundamental por la materia y por el uso recurrente del collage y del grattage.

En 1948 expone en el I Salón de Octubre de Barcelona. Es cofundador de la revista Dau al Set. Desarrolla un interés creciente por el surrealismo, el psicoanálisis y la ciencia moderna. Conoce a Joan Miró, con quien iniciará a partir de entonces una amistad ininterrumpida.

Visita a Picasso en su taller de la rue des Grands-Augustins en 1951. Preocupado por la situación política en España, realiza numerosas pinturas de tema social. Participa en la I Bienal Hispanoamericana, celebrada en Madrid.

Durante las siguientes décadas realiza varias exposiciones internacionales y participa en Bienales como la de Venecia o la de Sao Paulo. Además, múltiples galardones corroboran su trayectoria, convirtiéndolo en el prototipo del artista moderno.

Antoni Tàpies muere el 6 de febrero en Barcelona de 2012, a la edad de ochenta y ocho años.

Vigée Le Brun, en Nueva York

14/01/2016, Pintora en un tiempo difícil para la mujer, exiliada de la Francia revolucionaria, Elisabeth Louise Vigée Le Brun protagoniza una gran exposición de pintura en el Metropolitan.

Nueva York, 14 de enero de 2016
Marie Louise Elisabeth Vigée Le Brun (1755 – 1842) será protagonista en el museo neoyorquino del 15 de febrero al 15 de mayo, en una de las mayores exposiciones retrospectivas dedicadas a ella y en la que se muestra su inmensa labor como retratista, desarrollada en Francia y en otros países europeos, en un tiempo en el que la mujer no tenía grandes facilidades para dedicarse al arte.

Nacida en Paris, hija de un retratista que le dio las primeras lecciones fue una gran autodidacta con una habilidad excepcional para el retrato. Ochenta obras de esta mujer lo pregonan en esta exposición realizada con el apoyo de varias fundaciones y del Bank of América, organizada por el Metropolitan, la Réunion des Musées Nationaux - Grand Palais, y la Galería Nacional de Canadá, con la colaboración del Palacio de Versalles.

El padre de la pintora falleció cuando esta tenía 12 años de edad. Precoz, se dedicó de lleno al arte como retratista, para contribuir al apoyo de la familia y exhibió públicamente sus trabajos por primera vez cuando tenía 19 años en el Salón de la Academia de Saint-Luc.

En 1776 se casó con el director marchante de arte Jean Baptiste Pierre Le Brun, con quien tuvo una hija. Fue un matrimonio de conveniencia, beneficioso para ambos. A los 23, Vigée Le Brun fue convocada a Versalles para pintar María Antonieta (1755 hasta 1793), quien era unos meses más joven que ella y con quien trabó amistad. Esto le facilitó el acceso a la aristocracia. La propia reina pidió a la Académie Royale a que le permitiera un ingreso en la institución, donde las mujeres eran sistemáticamente rechazadas (De los 550 miembros de esa organización durante sus 150 años de historia, sólo 14 fueron mujeres.) Como pieza de entrada en la institución mostró el trabnajo La Paz trayendo la Abundancia (Museo del Louvre, París).

Su retrato aunó la técnica, la tradición y la innovación; y nos mostró especialmente unos tipos femeninos en los que se encuentran ejemplos de la moda y la intimidad femenina de su tiempo.

La Revolución la envió al exilio, y por ello trabajó en Florencia, Nápoles, Viena, San Petersburgo y Berlín, acumulando una gran fortuna merced a los encargos de los grandes personajes. Desde la reina de Nápoles a Catalina la Grande. Su estancia en el exterior se prolongó hasta 1805. Poco antes de morir publico sus memorias, en las que late la vida de la burguesía y aristocracia europea de finales del XVIII.

El museo ha contado con préstamos para esta muestra del Musée National des Châteaux de Versailles et de Trianon, el Kunsthistorisches Museum de Viena y del Museo del Louvre, así como de más de una veintena de coleccionistas privados, algunos de los cuales son descendientes de los protagonistas de los retratos presentados.

Después de su presentación en el Museo Metropolitano, la exposición estará en exhibición en la Galería Nacional de Canadá en Ottawa del 10 junio a 11 septiembre de 2016.

Christiansfeld, Patrimonio Mundial

13/01/2016, Uno de los sitios incluidos en el 2015 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO es Christiansfeld, pequeña ciudad danesa, resultado de un asentamiento religioso de la iglesia morava.

París, 13 de enero de 2016
Ya en el siglo XIV, a raíz de las predicaciones de Jan Hus, en Moravia surgió una fuerte renovación cristiana que no claudicó con la muerte del reformador, ajusticiado en el curso del Concilio de Constanza. Tras una azarosa historia, e influenciada por las doctrinas luteranas, en el inicio del siglo XVIII floreció una congregación morava luterana en Herrnhut, Sajonia, que fue la que en 1773 fundaría Christiansfeld en el sur de Jutlandia.

La población actual del lugar es de unos 3.000 habitantes y el sitio, declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO, es un ejemplo de un asentamiento planificado de la Iglesia Morava. La ciudad fue planeada para representar el ideal urbano protestante, construida en torno a una plaza central con la iglesia. La arquitectura es homogénea y sin adornos, con edificios bajos, de uno o dos pisos y ladrillo amarillo y tejados de tejas rojas.

La organización democrática de la Iglesia Morava, con una filosofía igualitaria, se expresa en su urbanismo humanista, planificado, en el que las edificaciones del lugar se integran con las tierras agrícolas, y donde se hicieron edificios dedicados al bienestar común, tales como grandes casas comunales para las viudas, los hombres solteros y mujeres. Los edificios todavía son utilizados por una comunidad influyente de la Iglesia Morava, aunque esta ya no controla la población.

El nombre de la ciudad responde al del rey danés del tiempo de la fundación, Christian VII, quien decretó determinados beneficios fiscales para el establecimiento y ayudó a construcción de la urbe.

Tras pasar por el dominio de Prusia, la población retornó a Dinamarca aunque acabó perdiendo privilegios. Su arquitectura tradicional, bien conservada, y la excelente iglesia, con su excelente sala central, y el curioso cementerio han sido focos de atracción turística que ahora, con la designación como Patrimonio Mundial de la UNESCO, aún se ve reforzada.

El turismo tiene además otro reclamo, y es la tradición de su repostería, cuyo origen se remonta a los tiempos de la fundación de la población, en el siglo XVIII.

La desdicha del loro gris

12/01/2016, El loro gris, Psittacus erithacus, es un ave famosa por su inteligencia, memorización y capacidad para repetir palabras. Tales capacidades le marcan un triste destino.

Gland (Suiza) 11 de enero de 2016
Con su pico negro, sus plumas grises y su cola roja, el loro gris, conocido también como yaco está siendo objeto de un tráfico ilícito porque es un grato animal de compañía. En consecuencia, el comercio ilegal lo está diezmando.

World Wildlife Fund (WWF), Fondo Mundial para la Naturaleza, ha informado que en Ghana, en las dos últimas décadas, la población de loro gris se ha reducido en más de un 90 por ciento.

Aparte del comercio, también pesa en ese triste destino la reducción general de los bosques, el aprovechamiento de la madera y las prácticas silvícolas.

El análisis se ha publicado por un equipo de investigadores de Ghana y el Reino Unido asociado a la Universidad Metropolitana de Manchester y BirdLife International, y financiado por la Fundación Loro Parque de Tenerife.

La disminución de la población del loro gris se evidencia por la pérdida casi total de los principales refugios conocidos en 1992. Otra evidencia es la reducción de las tasas de encuentro de aves observadas en el 1990 en comparación con 2014, a una décima parte.

El estudio ha incluido visitas a refugios que tenían hasta un máximo de 1.200 loros hace 20 años, y donde ahora sólo hay un puñado de ellos, dijo Nathaniel Annorbah, estudiante de Ghana, graduado por la Universidad Metropolitana de Manchester y autor principal del artículo científico publicado en Ibis, una revista internacional de la ciencia aviar.

Jafet Roberts, de la sociedad de Ghana para la Naturaleza (GWS, entidad vinculada a WWF en Ghana) ha mostrado la decepción por la evolución de esta ave y ha mostrado la determinación de su entidad y sus socios por detener y revertir el colapso catastrófico de los loros grises de Ghana

La situación de loro gris no sólo es sombría en Ghana sino en la mayor parte de la región de África Occidental por lo que se piden medidas para descartar todo el comercio de esta especie en la región.

Los autores entienden que hay que modificar la clasificación de los loros grises en la Lista Roja de la UICN y promover el apoyo de la CITES para controlar planes de gestión, controlando el comercio y las poblaciones de loros en los países del África ecuatorial.

Inteligentes, habladores, propicios a la depresión si se sienten solos… los loros grises son amados por el ser humano que encuentra en ellos una compañía real. Pero estos no sobrevivirán si el hombre sigue capturándolos en gran número, impidiendo con ello el mantenimiento de un nivel reproductivo.

Las brujas de Bruegel

12/01/2016, Las Brujas de Bruegel, del 25 de febrero al 26 de junio en el Sint Janshospitaal de Brujas.

Brujas, 12 de enero de 2016
La exposición "Las brujas de Bruegel" reúne más de cuarenta imágenes de hechicería y brujería realizadas por grandes maestros holandeses y flamencos, entre ellos Pieter Bruegel y David Teniers el Joven.

Bruegel fue el primer artista en representar a las brujas sobre una escoba voladora. Esta exposición muestra la historia de los primeros procesos de la caza de brujas en el S. XV, así como la evolución de la imagen de las brujas, cuyos grabados realizados por Bruegel inspiraron a muchos artistas posteriores.

Hoy en día a la hora de pensar en una bruja todos visualizamos una mujer horrenda, que sale de la chimenea de su casa montada en un palo de escoba, y que cuando está en su hogar elabora pociones mágicas en un caldero gigante, mientras su gato negro se calienta con el calor del fuego. Esta imagen casi universal fue inventada en Holanda, siendo Pieter Bruegel uno de los artistas responsables de ella.

Él fue el primero en mostrar a la bruja con su caldero en el fuego y subida en una escoba, una forma de representación que con frecuencia fue copiada por otros. Algunos pintores, como Cornelis Saftleven, reprodujeron escenas de los grabados de Breugel. Otros, como Frans Francken II, complementaron las imágenes de brujas de Bruegel con detalles de historias locales. David Teniers el Joven también quedó entusiasmado con el tema de las brujas, siendo conocidas treinta obras de su autoría dedicadas a las brujas y a sus prácticas diabólicas.

Las brujas de Bruegel
25/02/2016 > 26/06/2016
Sint Janshospitaal. Mariastraat 38, Brujas

Balance muy positivo para el Reina Sofía en 2015

11/01/2016, Cerca de 3.250.000 personas pasaron por el Museo Reina Sofía para visitar la Colección, las exposiciones temporales y las distintas actividades organizadas.

Madrid, 11 de enero de 2016
Esta cifra supone un incremento de más de un 20% con respecto al año 2014 (2.673.745 visitantes).
Una de las exposiciones más visitadas en 2015 fue la dedicada a la Colección del Kuntsmuseum de Basel, ya que alrededor de 540.000 personas pasaron por sus salas.

Además de los más de 3 millones de personas que han visitado el Museo en Madrid, un millón de visitantes más han contemplado las exposiciones itinerantes organizadas por el Reina Sofía con fondos de su Colección: Picasso y la modernidad española (Sao Paulo y Río de Janeiro, Brasil); Miró último (1963-1981): la experiencia de mirar (Denver y San Antonio, EE.UU); y Val del Omar. La mecamística del cine (Badajoz, Santiago de Compostela y Gijón).

Actualmente pueden visitarse en el museo las muestras Alexandre Estrela. Cápsulas de silencio; Juan Giralt; Andrzej Wróblewski. Verso / reverso; Hito Steyerl. Duty-Free Art; Ignasi Aballí. sin principio / sin final; Constant. Nueva Babilonia; Danh Vō. Destierra a los sin rostro / Premia tu gracia (Banish the Faceless / Reward your Grace); y Nasreen Mohamedi. La espera forma parte de una vida intensa.

En cuanto al 2016, el Reina Sofía ha programado las exposiciones Querido Lector. No lea, de Ulises Carrión; Wifredo Lam; Campo Cerrado (que incluirá obras, entre otros, de Dalí, Brossa, Tàpies, Chillida o Jorge Oteiza), y Marcel Broodthaers, además de las dedicadas a Erlea Maneros y a Tamar Guimaraes dentro del programa Fisuras.
El Palacio de Velázquez será la sede de las exposiciones de Rémy Zaugg, en primavera, y de Txomin Badiola en otoño. A partir del mes de mayo, el Palacio de Cristal albergará las obras de Damián Ortega.

Reapertura del Palacio de los Borbones

11/01/2016, Tras 7 años de restauración, los salones del Palacio de los Borbones, dentro del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial reabren sus puertas.

El Palacio de los Borbones de San Lorenzo de El Escorial es un espacio del Real Monasterio de El Escorial de gran interés histórico-artístico, por ser uno de los mejores ejemplos conservados de los grandes programas decorativos de carácter palaciego de la dinastía borbónica.

La reapertura del Palacio de los Borbones cuenta con una notable mejora de sus instalaciones y ornamentación original, así como con una nueva iluminación led que permitirá contemplar en todo su esplendor los impresionantes tapices (uno de los conjuntos decorativos de tapicería más relevantes de todo el siglo XVIII español, con escenas sobre cartones de Goya, José de Castillo y Bayeu, entre otros), el mobiliario (sillerías, canapés, banquetas, consolas, braseros y otras piezas de los Talleres Reales) y demás piezas decorativas (candelabros, arañas, relojes, jarrones de cristal y de porcelana, etc.).

Las actuaciones han afectado principalmente a la restauración de elementos histórico-artísticos, a la museografía y al recorrido del palacio borbónico con la apertura de salas que habían permanecido cerradas en los últimos años.

La visita al Palacio de los Borbones comienza por la escalera imperial creada por Juan de Villanueva, para recorrer la enfilada de los Cuartos Reales orientados hacia el llamado Patio de Coches, y que son los salones de de mayor representación, como el Comedor de Gala, el Salón de Embajadores, el pequeño Oratorio de la Reina o el Salón Pompeyano y la Sala del Rey.

El recorrido continúa por la zona más privada del Palacio, atravesando el Salón de Música, junto al Oratorio del Rey, el Comedor Privado, el Dormitorio del Rey y el Cuarto de la Reina con su Tocador, su dormitorio y la Sala de Costura. Para terminar, se accede al Salón de Recepciones desde donde se sale nuevamente a la escalera de Villanueva, como fin del recorrido.

El Palacio de los Borbones ocupa la planta primera de la zona oriental y norte del cuadrante nororiental del edificio, habiendo sido destinada desde época de Felipe II a los aposentos reales de los infantes. En tiempos de Carlos III fue readaptado para convertirlo en un nuevo palacio dieciochesco, con un sistema decorativo basado en la cubrición de sus paredes por tapices enmarcados con molduras de talla dorada, a juego con los zócalos inferiores.

Cuando Carlos IV accedió al trono se realizaron diversos cambios en los elementos de entrada al palacio, encargados al arquitecto real Juan de Villanueva, como fue la nueva ordenación de la fachada norte y la construcción de una nueva escalera, última obra del artista en El Escorial en 1793.

Esta mejora y reapertura se enmarca a modo de preámbulo dentro de las actividades programadas por Patrimonio Nacional para la celebración en 2016 del III Centenario del nacimiento de Carlos III.

José Suárez. Unos ojos vivos que piensan

08/01/2016, El Museo Centro Gaiás presenta la mayor exposición realizada hasta el momento sobre uno de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX: José Suárez.

Santiago de Compostela, 8 de enero de 2016
José Suárez es una figura clave en la historia de la fotografía del siglo XX. ‘José Suárez. Unos ojos vivos que piensan’ tiene el objetivo de contribuir al descubrimiento de su figura y de su trabajo a través de una selección de obras y materiales de gran valor, que acreditan la calidad artística de un artista hasta ahora alejado del gran público.

La Cidade da Cultura expone por primera vez todas las series fotográficas de José Suárez, y nos descubre al fotógrafo artista, al profesional dotado de una fuerte visión humanista, al innovador que decidió incorporar a la fotografía los movimientos de vanguardia europeos.

La muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 27 de marzo de 2016 en el Museo Centro Gaiás, reúne un total de 206 fotografías y 150 objetos personales, que permiten comprender mejor la evolución creativa de José Suárez y situar su vida como un territorio donde encontrar las claves para entender sus imágenes. Regalos de Unamuno, pinturas de Alberti o cartas de Pérez de Ayala se mezclan con algunos de sus trabajos.

José Suárez
José Suárez (Allariz, 1902 – A Guarda, 1974) es una de las figuras más destacadas de la fotografía gallega del siglo XX. En una época en la que predominaban los fotógrafos por encargo y una visión costumbrista de la sociedad gallega, la obra de Suárez se revela para reflejar una gran preocupación humanista, incorporando novedades formales propias de los movimientos de vanguardia europeos como la nueva visión o la nueva objetividad.

José Suárez gozó de una sólida formación intelectual, que además de reflejarse en su fotografía, propició su relación con figuras de la talla de Miguel de Unamuno, Rafael Alberti o Ramón Pérez de Ayala.

Años 30
Una cámara, regalo de su padre tras completar el bachillerato, marcaría el destino de José Suárez. Su actividad fotográfica comienza en la década de los 30 en Salamanca. Allí entra en contacto con las vanguardias europeas y con figuras de referencia como Unamuno y Ortega y Gasset.

Suárez comienza a realizar naturalezas muertas en las que estudia cuidadosamente la composición y la luz. De esta época son también los conocidos retratos de Unamuno, así como fotografías de paisajes en las que ya aparece un elemento que será fundamental en su obra: el hombre.

En la primera mitad de los 30 realiza en Galicia las que con el tiempo serían algunas de las series más conocidas: Mariñeiros, A Malla, Oleiros, Beiramar... Un conjunto de imágenes de gran interés etnográfico caracterizadas por una cuidada realización fotográfica. Los picados, contrapicados, fragmentaciones y composiciones en diagonal que emplea son propias de la experimentación formal que caracterizó a la Nueva Visión y que aparecen con frecuencia en las imágenes de los fotógrafos europeos vanguardistas de entreguerras.

Exilio
El espíritu liberal y democrático de José Suárez provoca un exilio forzoso tras el alzamiento militar fascista, emprendiendo una travesía marítima a Argentina. La marcha sería especialmente dolorosa, Suàrez se separa de familia, amigos y de su tierra, pero además, este exilio supondría la ruptura de su matrimonio con Mary Santiago Mirat, que no quiso acompañarlo.

En lo profesional, el exilio impide a Suárez seguir con el interesante trabajo fotográfico que había iniciado.

José Suárez volverá a rodearse de la intelectualidad gallega y española en el exilio: desde Rafael Alberti o Ayala a las principales figuras del galleguismo como Blanco Amor, Seoane o Dieste. Junto a ellos colabora en diferentes revistas y da a conocer su obra.

En Argentina, la actividad más importante que realiza es en el cine, donde participa como director, director de fotografía de exteriores, iluminador, ayudante de dirección o asesor técnico. Además, continúa con su actividad fotográfica, como corresponsal de periódicos y publicaciones. Su mirada personal volverá a predominar en series como La Pampa, los ovejeros de Tierra del Fuego, Santiago del Estero o los paisajes de la Patagonia.

Los viajes serán una constante en la vida de José Suárez: Argentina, Uruguay, Chile, Brasil, Sudáfrica, Filipinas... aparecerán retratadas a través del objetivo de su cámara. Pero el viaje más importante de su vida será, sin duda, el realizado a Japón en 1953. Durante dos años se aproximará a su cultura, a su filosofía de vida y a sus tradiciones.

Retorno
Una fuerte nostalgia por la tierra propicia el regreso anticipado de José Suárez a Galicia. A pesar de que el régimen fascista había suavizado la represión, en 1959 la dictadura seguía negando todo tipo de libertades. Desalentado, Suárez viaja nuevamente a Japón, donde entrevista a Kurosawa, aunque el trabajo conseguido en este viaje no suscita el interése del realizado en la década anterior.

A mediados de los 60, realiza la serie sobre La Mancha, caracterizada por su destreza técnica, extensión y profundidad. Este trabajo le sirve para ponerse en contacto con la editorial Cassell & Company de Londres, que le encarga en 1966 un libro sobre el mundo de los toros: The Life & Death of the Fighting Bull, que se publicará al año siguiente. Además, durante esta década, José Suárez realiza más de medio centenar de reportajes sobre ciudades españolas y europeas.

De vuelta a Galicia continúa con sus reportajes sobre las ferias y el mundo del mar, y realiza tertulias rodeado de sus amigos, y deja la fotografía. La sofocante situación cultural que lo rodea, la falta de reconocimiento y las dificultades económicas llevarán a José Suárez a una fuerte depresión que desembocaría en su muerte en 1974 en A Guarda.

Lo nunca visto

07/01/2016, La Fundación Juan March de Madrid presenta la exposición Lo nunca visto. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965), del 26 de febrero al 5 de junio de 2016.

Madrid, 7 de enero de 2016
La Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial vio nacer una pintura radicalmente distinta a la del periodo de entreguerras. Esta nueva corriente artística cuestionó pictóricamente y de modo radical su “forma”. Los artistas combinaban, fragmentaban y construían sobre el lienzo superficies de apariencia informe, sirviéndose de materiales muy distintos a los convencionales, como arenas, yesos, papeles, arpilleras, telas y residuos.

La contienda había hecho pedazos la fisonomía material y espiritual de todas las formas civilizadas, los gestos de la pintura, los materiales, y sus temas se transforman, respondiendo no solo a experimentos formales, sino también al deseo de otra forma de arte tras una experiencia devastadora.

Hoy, setenta años después del final de la Segunda Guerra Mundial, esa forma de arte se percibe como una corriente pictórica más que añadir a la historia del arte, fuera del contexto al que respondía y al que se sobrepuso con una fuerza gestual casi sin precedentes. La exposición de la Fundación Juan March presenta el panorama pictórico junto a la fotografía del momento, con la pretensión de que el espectador haga inmersión en el contexto histórico, para adentrarse en la ruptura a la que los artistas se enfrentaron.

La muestra establece una relación estrecha entre pintura y fotografía, e insinúa planteamientos paralelos a los de los pintores y a la estrecha relación existente entre la abstracción europea de posguerra y los artistas de la Subjektive Fotografie alemana, así como con el fotolibro, territorio ambiguo entre el documento fotográfico y la forma artística.

En pintura, destaca la presencia de artistas de reconocido prestigio (Pierre Alechinsky, Karel Appel, Alberto Burri, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Georges Mathieu, Pierre Soulages o Wols...), con otros artistas más desconocidos para el público (Natalia Dumitresco, André Marfaing o Georges Noël), entre los que además destaca un grupo de artistas checos (Jan Klobasa, Jan Kubíček o Jiří Valenta) que representan la vigencia de la respuesta informalista desde la parte de Europa que, al acabar el conflicto, quedaría separada en el bloque soviético.

La exposición incluye también la obra de Wolf Vostell y de los pintores del Nouveau Réalisme (Francois Dufrêne, Raymond Hains, Daniel Spoerri o Jacques Villeglé, entre otros), cuyos décollages de carteles publicitarios de cine, política y comercio anticipan el cambio de conciencia de mediados de los años sesenta en Europa.

Mariposa… y monarca

07/01/2016, Son positivas las noticias que llegan sobre la mariposa monarca, tras años sucesivos en los que la especie estaba pasando por un dramático declive.

Michoacán (México), 7 de enero de 2016
La emblemática mariposa realiza un viaje durante el otoño de más de 4.000 kilómetros para llegar desde los campos de Canadá y EE.UU. a México, donde pasa la estación invernal. Pero las hectáreas de bosque ocupadas por los lepidópteros iban en descenso, pasando de un máximo histórico de 18,15 en 1996 a 0,67 en el 2013.

En el otoño de 2014 llegaron ya algunas mariposas más, y el área ocupada por ellas durante la invernada creció hasta una superficie de 1,13 hectáreas, Las noticias aún imprecisas que se avanzan en esta invernada también apuntan a un nuevo crecimiento. Se habla de un 70 por ciento más en la superficie ocupada, aunque los datos oficiales aún no se conocen.

La mariposa monarca hiberna principalmente en los bosques de las montañas de los estados de Michoacán y México, aunque la especie ocupa espacios que van más allá del continente americano. En general, las mariposas adultas reproductivas viven prácticamente un mes, pero cuando llega el otoño hay una grabación especial, la “generación Matusalén” con una “larga” vida de hasta ocho meses. Es la generación que llega a los bosques de invernada.

Ante el declive de la especie se están haciendo esfuerzos internacionales para su conservación.

En Morelia, Michoacán, durante el pasado mes de diciembre, científicos mexicanos, canadienses y estadounidenses se reunieron para continuar con la colaboración conjunta encaminada a la recuperación de la población de mariposas monarca de América del Norte. Se trata de un foro apoyado por los gobiernos de Michoacán y el Estado de México, la Secretaría de Medio Ambiente y Recursos Naturales (Semarnat) y la Alianza WWF-Telcel.

Desde 1993 se lleva a cabo el monitoreo de colonias de mariposas monarca que hibernan en los bosques del centro del país. También desde la Universidad de Minnesota se realiza un monitoreo de individuos en etapas tempranas (huevos y larvas) en los Estados Unidos.

Según los expertos de WWF, las principales amenazas para la especie en América del Norte son:

· La reducción del hábitat reproductivo en los Estados Unidos debido a la disminución del algodoncillo (principal alimento de sus larvas) por el uso de herbicidas y el cambio de uso del suelo.

· La deforestación y degradación forestal por la tala ilegal en los sitios de hibernación en México.

· Las condiciones climáticas en Canadá, Estados Unidos y México.

La combinación de estas amenazas ha ocasionado la dramática disminución de las mariposas que hibernan en México, que en la invernada 2013-2014 alcanzó la menor superficie forestal ocupada por colonias en dos décadas.

Añade WWF que la deforestación y la degradación de los bosques de la zona núcleo de la Reserva Monarca por tala clandestina se redujeron drásticamente gracias al compromiso de los ejidos y comunidades indígenas de la Reserva, los esfuerzos de vigilancia y pago por servicios ambientales por parte de las autoridades mexicanas, y los apoyos de filántropos y empresas mexicanas e internacionales como Telcel, la Fundación Carlos Slim y la Fundación Yves Rocher de Francia, que promueven negocios sustentables para los pobladores.

Desde 2003 la Alianza WWF-Telcel, en coordinación con las comunidades locales, los gobiernos de los estados y el gobierno federal, trabaja en la protección, restauración y manejo sustentable de los bosques de la Reserva Monarca. En conjunto han reforestado 10,793 ha con la plantación de 10.7 millones de árboles nativos producidos en 12 viveros comunitarios, que generan 270 empleos. También ha apoyado negocios sustentables con 23 módulos de producción de hongos y 2 de artesanías, el funcionamiento de 12 brigadas de vigilancia comunitaria para la protección de 37,500 ha de bosques y a 1,340 prestadores de servicios turísticos con capacitación y equipamiento. Con actividades de comunicación y educación ambiental ha sensibilizado a miles de persona acerca de la importancia de conservar este fenómeno migratorio.

Crece la atención a la mariposa monarca y crece el turismo hacia los recorridos por sus áreas emblemáticas de invernada… y parece que está creciendo la superficie que ocupan en los bosques… La situación es difícil pero hay fundadas esperanzas de mejora.

Adriano, Un emperador moldeado en bronce

05/01/2016, Hasta junio de 2016 en la Galería de Exposiciones Temporales del Museo de Israel se puede vistar la muestra Hadrian: An Emperor Cast in Bronze.

Jerusalén, 5 de enero de 2016
Tres retratos de bronce existentes del emperador Adriano (117-138 dC) se reúnen por primera vez en el Museo de Israel para marcar un regreso simbólico del emperador a Jerusalén, cuya última visita a la ciudad se produjo en el año 130 dC.

Estos retratos llegan al Museo de Israel procedentes del Museo Británico de Londres del Museo del Louvre de París. El tercer bronce, que fue hallado en el emplazamiento de la Sexta Legión romana en Tel Shalem (cerca de Beit Shean), se exhibe en la exposición permanente del Museo de Israel.

Al parecer, por igual, aunque cada uno con su propio conjunto único de características, los retratos destacan los aspectos multifacéticos y contradictorios del carácter del emperador Adriano. Con su abundante energía y agudo intelecto, Adriano está considerado como uno de los gobernantes más ilustrados del Imperio Romano.
Sin embargo, Adriano también ha pasado a la historia por su crueldad y tiranía, tanto es así que su talante despiadado en la revuelta de Bar Kojba y la posterior destrucción de Judea han hecho de él una figura odiada en la historia judía.

Hadrian: An Emperor Cast in Bronze
Hasta el 30 de junio de 2016
The Israel Museum
Derech Ruppin 11, Jerusalem

Cubismo y guerra en el Museu Picasso

04/01/2016, Este 2016 el Museu Picasso de Barcelona presentará una muestra dedicada al arte de vanguardia que se desarrolló en París en la Primera Guerra Mundial.

Barcelona, 4 de enero de 2016
El Museu Picasso se centra en "Cubismo y guerra. El cristal en la llama" en la supervivencia de la vanguardia artística europea establecida en París durante el periodo comprendido entre los años 1914 y 1918, y la respuesta a la angustia, el dolor y el peligro que significó un conflicto como nunca antes había visto el hombre y que recibió el nombre de la Gran Guerra.

Así, durante este pediodo se desarrolló en París un movimiento artístico que potenciaba una estética cubista con elementos arquitectónicos, basada en la estabilidad y la integridad y que tuvo como abanderados a grandes artistas de la talla de Pablo Picasso, Juan Gris, Diego Rivera, María Blanchard, Gino Severini, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Henri Matisse, Georges Braque o Fernand Léger.

La exposición, que podrá visitarse en el Museu Picasso de Barcelona del 20 octubre 2016 al 29 de enero 2017, presentará una selección de cerca de 80 obras realizadas entre 1913 y 1919 y que reflejan una respuesta altamente creativa, íntegra y coherente ante la amenaza inminente del caos própio de la guerra.

Cubismo y guerra. El cristal en la llama
Museu Picasso de Barcelona
Del 20 octubre 2016 al 29 de enero 2017