Archivo de noticias de 2015

Los campos de caza de los reyes daneses

30/12/2015, La UNESCO incluyó en el año 2015 como sitito Patrimonio Mundial el “Paisaje cinegético de montería de Selandia Septentrional”, territorios de caza de los reyes daneses.

París, 30 de diciembre de 2015
Este sitio abarca tres puntos boscosos ubicados al norte de la ciudad de Copenhague en el nordeste de la isla de Selandia, la mayor del pequeño estado de Dinamarca.

Son tres zonas diferenciadas de bosques para monterías: Store Dyrehave, Gribskov y Jægersborg Hegn/Jægersborg Dyrehave. En total, el espacio Patrimonio Mundial abarca 4.543 ha.

En esos bosques acondicionados para la caza de montería, los reyes daneses y sus cortesanos practicaban esta modalidad cinegética que estuvo en pleno apogeo desde la Edad Media hasta finales del siglo XVI.

Los caminos trazados con arreglo a un plano ortogonal, los mojones de piedra numerados, los cercados y los pabellones de caza edificados en esos bosques constituyen una materialización de los principios paisajísticos del Barroco aplicados al acondicionamiento de zonas forestales.

Julio González. La colección del IVAM

29/12/2015, Esta muestra del IVAM, que puede visitarse hasta el 31 de julio de 2016, ofrece una selección de obras representativas de la totalidad de la carrera artística del escultor Julio González.

Valencia, 29 de diciembre de 2015
Julio González está considerado a día de hoy el padre de la escultura en hierro y uno de los principales artistas desarrolladores de la escultura del siglo XX.

Su obra se encuentra representada en algunos de los museos de arte moderno más relevantes del mundo, pero sin duda alguna, la colección más importante de Julio González es la del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), con 120 esculturas, 20 pinturas y 70 dibujos. El IVAM conserva además obra de su hermano, Joan González (Barcelona, 1868-1908), y de su hija Roberta (París, 1909 – Monthyon, 1976).

La exposición, organizada a partir de tres ejes temáticos, presenta la evolución del escultor, sus primeros inicios en Barcelona y su posterior marcha a París. Desde la vinculación de su trabajo escultórico con la orfebrería, hasta su participación en exposiciones internacionales de gran relevancia, como en el Pabellón de la República Española en la Feria Universal de París de 1937. Una evolución en la que resulta determinante su traslado a París y la relación con los artistas de la época como Pablo Picasso.

Sobre el artista
Julio González (Barcelona, 1876 – París, 1942) se forma como artesano en el taller de metalistería artística de su padre en Barcelona. Allí aprende la forja y la fundición del hierro. Su traslado a París marca su producción. Allí aprende una técnica industrial, la soldadura autógena, decisiva para la renovación de su lenguaje escultórico en hierro.

En París, Picasso proporciona a González el impulso necesario para desarrollar su obra, basada en la capacidad sintética del dibujo. Sus esculturas se refuerzan hasta afirmarse en las figuras imponentes y complejas que le darán a conocer internacionalmente.

Sus esculturas proponen un maridaje entre materia y espacio, y se alejan de los planteamientos tradicionales de simetría. Son improvisaciones construidas directamente con varilla de hierro, con las que consolida un lenguaje “aparentemente abstracto”. Paralelamente utiliza planchas de hierro con las que crea esculturas en las que descompone el volumen e incorpora el espacio vacío, logrando efectos entre formas llenas y huecas.

Fauna: buenas noticias de 2015

28/12/2015, En un planeta afectado por la sobreexplotación de recursos, el cambio climático y la eliminación de especies… también hay motivos para la esperanza.

Gland (Suiza), 28 de diciembre de 2015
World Wildlife Fund for Nature (WWF), en español Fondo Mundial para la Naturaleza, la principal organización conservacionista internacional, destaca en el final del ejercicio, algunas noticias positivas, en primer lugar el acuerdo de París, que pone punto final a la era de los combustibles fósiles

El acuerdo global de lucha contra el cambio climático, recientemente firmado por 196 países es un paso histórico pero aún insuficiente. Pero –dice WW- del encuentro salió un mensaje fundamental: el principio del fin de la era de los combustibles fósiles y el propósito de evitar que la temperatura del planeta suba más de 1,5 grados Celsius.

En China. Crece la población de pandas. Este bello animal es un símbolo de la protección de la vida salvaje, evoluciona de manera positiva. Desde 2003, el número de pandas en libertad ha aumentado un 16,3% y ya hay 1.864 viviendo en los bosques de bambú. También ha aumentado el área de distribución de los pandas. El hábitat actual ya cubre una superficie de 2.577.000 hectáreas, un aumento del 11,8% desde 2003.

La Gran Barrera de Coral no será un vertedero. El estado australiano de Queensland ha prohibido los vertidos en la Gran Barrera de Coral, tras una gran campaña internacional de WWF y otras organizaciones.

Otra nota positiva ha permitido la creación de un gran refugio para tigres, elefantes y orangutanes en Sumatra, uno de los últimos lugares del planeta donde estos animales viven juntos en libertad. Es un proyecto de protección de 40.000 hectáreas de las llamadas “Treinta Colinas”, en el bosque tropical de las tierras bajas de Sumatra.

El tigre ruge en más territorios. En 2015, ha crecido la población del tigre en India, Bután y Rusia y está ocupando nuevos espacios en China. El objetivo será la duplicación de la población actual para 2022.

Otro felino, el lince ibérico, también está mejorando. En 2002 quedaban menos de 100 ejemplares, ahora ya son más de 300. Con ayuda del proyecto LIFE Iberlince, en el que participan grupos ecologistas y administraciones, el lince ha salido de su ámbito de Andalucía y se ha extendido hasta otros puntos de España y Portugal. Este verano nacieron seis cachorros en Extremadura, la primera vez que el lince se reproduce fuera de Andalucía en muchos años.

En septiembre, los Gobiernos mundiales aprobaron los Objetivos de Desarrollo Sostenible, hoja de ruta para acabar con la pobreza sin esquilmar los recursos naturales. La nueva Agenda 2030 va un paso más allá de los Objetivos de Desarrollo del Milenio, al reconocer los vínculos entre los servicios ecosistémicos, la erradicación de la pobreza, el desarrollo económico y el bienestar humano...

El mundo del champán, en la UNESCO

22/12/2015, El mundo del champán -viñedos, casas y bodegas de la Champaña francesa- entró en 2015 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 22 de diciembre de 2015
El nombre del sitio de la UNESCO es “Viñedos, casas y bodegas de Champaña” y se centra en el territorio noreste de Francia, cercano a Reims ciudad conocida en todo el mundo por su maravilloso gótico… y por el champán.

Este bien cultural comprende una serie de lugares en los que se elaboró el método de producción de vinos espumosos mediante una segunda fermentación en botella, aplicada a escala industrial desde el siglo XIX.

El sitio comprende tres conjuntos distintos: los viñedos históricos de Hautvilliers, Aÿ y Mareuil-sur-Aÿ; la colina de Saint-Nicaise de Reims; la avenida de Champaña y el instituto de enología “Fort Chabrol”, en la ciudad de Epernay.

Las zonas de viñedos, junto con las bodegas subterráneas donde fermenta el champaña y las sedes de las empresas que lo comercializan, representan la totalidad de las fases de producción de este renombrado caldo. El sitio es ilustrativo de la evolución experimentada por la producción del champaña, elaborado antaño por artesanos especializados y fabricado hoy por importantes empresas agroindustriales.

El bien está en un paisaje de terreno blando, calcáreo, con colinas dedicadas a la viña, y pueblos y ciudades dedicadas a la viticultura. Son tres ámbitos interrelacionados, en los que se integran los campos, las bodegas subterráneas, la arquitectura industrial y la de prestigio, pues hoy el champán es un excelente producto, conocido como el símbolo glamuroso y universal de la fiesta, la celebración y la amistad.

Este sistema vinícola arranca del pasado. Y se enraíza en las actividades de los negociantes francoalemanes de las antiguas ferias de Champagne y en las explotaciones de Hautvillers, localidad que se considera como el corazón del viñedo de la Champaña y cuna del champán.

En la abadía benedictina de Hautvillers habitó en el siglo XVIII el famoso monje bodeguero Dom Pérignon, a quien se atribuye el método de champanización del vino. La tumba del célebre monje está en la iglesia abacial Saint-Sindulphe.

El método de producción se extendió en los siglos XVIII y XIX a las poblaciones vecinas. La colina de Saint-Nicaise de Reims y la avenida de Champagne en Epernay fueron construidas enteramente para la elaboración de vino de champagne. El negocio fue también impulso de una arquitectura social, el primer emblema es la ciudad jardín Chemin Vert en Reims, construida tras la devastación de la Primera Guerra Mundial.

Entre los aspectos más destacados, la amplia red de bodegas. En Reims, donde se usaron canteras medievales y galorromanas, las bodegas excavadas en Epernay o en las propias laderas de los viñedos aparecen los curiosos paisajes subterráneos. Es el lado oculto del champán, cuya comercialización por todo el mundo generó una riqueza y un urbanismo que es ampliamente visible.

Pero el mundo del Champán es mucho más. Es una imagen simbólica del arte de vivir francés: literatura, pintura, caricaturas, carteles, música, cine… Esta es la tierra en la que se originó el fenómeno.

El Museo de Arte Abstracto de Cuenca se renueva

21/12/2015, Con motivo de su 50 aniversario, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca se amplía y moderniza.

Cuenca, 21 de diciembre de 2015
Coincidiendo con el 50 aniversario de su creación, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (fundado por Fernando Zóbel en 1966), actualiza sus espacios, servicios y funciones esenciales. Además de las múltiples actividades que se llevarán a cabo a lo largo del 2016, a partir del 1 de enero el Museo será gratuito.

La ampliación del museo se llevará a cabo en parte del edificio del Mesón Casas Colgadas, cedido por el Ayuntamiento de Cuenca.

El museo es casi único en su género, de modo que el proyecto respetará la idea original de su creador, y devolverá los espacios del museo a los usos que tuvieron durante sus primeros años de funcionamiento.

La percepción exterior de los edificios se mantiene, mientras que la morfología interior se modificará para mejorar la accesibilidad, los recorridos y la funcionalidad museística.

El proyecto contempla las siguientes mejoras:

  • El antiguo comedor del Mesón de las Casas Colgadas se incorpora al museo como una sala más de las que ya acogen su colección. Al aumentar su espacio expositivo, la Fundación Juan March reordenará y ampliará los fondos de museo con obras y artistas que han trabajado en la tradición abstracta española.
  • Las estancias con valor histórico de la primera planta del museo se destinarán a la exhibición de obra gráfica y de pequeño formato, integradas en el recorrido de la colección permanente.
  • El espacio dedicado hasta ahora a exposiciones temporales se reconvertirá en un espacio multiusos. Se instalará junto a él el nuevo taller del programa educativo del Museo y se recuperará uno de los antiguos almacenes como nuevo espacio para exposiciones de gabinete y proyectos especiales.
  • En la última sala de la colección permanente se instalará un espacio destinado a exposiciones temporales.
  • El Museo contará una librería-tienda mejorada y con aseos remodelados.
Todas estas mejoras iniciales estarán listas a finales de mayo de 2016, y la Fundación Juan March costeará en su totalidad las obras del Museo.

El Prado en Navidad

18/12/2015, Durante el período navideño, el Museo presenta diferentes muestras temporales y actividades para los visitantes tales como conciertos e itinerarios con audioguía.

Madrid, 18 de diciembre de 2015
En estos días, los visitantes del Prado pueden visitar la primera exposición dedicada a Ingres, una muestra dedicada a Luis de Morales y un acercamiento a la talla de cristal de roca. Por su parte, la colección permanente también ofrece novedades como una selección de retratos de artistas realizados por Federico de Madrazo, y la exhibición de San Pedro penitente de los Venerables de Murillo.

Además, la pinacoteca madrileña ha programado cuatro conciertos de villancicos y un itinerario navideño audioguiado.

INGRES
“Ingres” es la primera exposición monográfica en España dedicada a la obra de Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867), uno de los pintores más influyentes en el devenir de la pintura de los siglos XIX y XX. La exposición traza un recorrido por más de 60 obras entre las que, además de los emblemáticos ejemplos procedentes de Francia como La gran odalisca o El sueño de Ossian, se incluyen pinturas cedidas por instituciones belgas, inglesas, italianas y norteamericanas como La condesa de Haussonville o La Sra. Moitessier, iconos del género del retrato hoy universales.

LUIS DE MORALES
El Museo Nacional del Prado presenta “El Divino Morales”, una exposición dedicada a Luis de Morales, uno de los maestros más significativos y originales del Renacimiento español, conocido por sus retablos y tablas devocionales. A las 19 obras del Prado seleccionadas, entre las que se incluyen El Calvario y La Resurrección donadas por Plácido Arango, se unen 35 procedentes de museos nacionales e internacionales, como la Virgen del pajarito de la parroquia de San Agustín de Madrid, la Virgen con el Niño y san Juanito de la Catedral Nueva de Salamanca o el Ecce Homo del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa, recientemente restaurado en los talleres del Prado.

ARTE TRANSPARENTE
Esta exposición de pequeño formato constituye una oportunidad única para contemplar un concepto de arte con el que el gran público no está familiarizado: la talla del cuarzo hialino o cristal de roca, en la que destacó la ciudad de Milán en la segunda mitad del siglo XVI. Obras que por su valor artístico y material, se destinaron a colecciones que solo soberanos y miembros de la alta nobleza europea se podían permitir.

VILLANCICOS
El Museo del Prado añade a su programa de actividades navideñas una serie de cuatro conciertos de villancicos clásicos y populares, música religiosa afroamericana, góspel y jazz. Las entradas se pueden adquirir en las taquillas 1 y 2 del Museo al precio de 5 euros.

22 de diciembre a las 19h
Coro de niños de la Comunidad de Madrid

23 de diciembre a las 19h
Orfeón Moratalaz

29 de diciembre a las 19h
Coro Góspel Living Water

30 de diciembre a las 19h
Coro las Veredas

ITINERARIO NAVIDEÑO AUDIOGUIADO
El Museo del Prado ofrece un itinerario navideño audioguiado en torno a distintas obras de la colección permanente que representan los episodios bíblicos más destacados del ciclo de la Navidad: la Anunciación, la Visitación, el Nacimiento de Cristo, la Adoración de los pastores, la Adoración de los Magos, la Presentación en el Templo y la Huida a Egipto. Junto al reproductor de las audioguías de temática navideña, disponible en castellano al precio de 3,5 €/usuario, se entrega un plano para facilitar localización de las obras seleccionadas.

Colección Lázaro de Nueva York

17/12/2015, En el Museo Lázaro Galdiano se puede visitar una exposición que ayuda a conocer mejor la figura de José Lázaro como coleccionista, así como su estancia en Estados Unidos entre 1939 y 1944.

Madrid, 17 de diciembre de 2015
La exposición, que puede visitarse hasta el 20 de marzo de 2016, muestra el conjunto de piezas que José Lázaro Galdiano acopió durante su estancia en Estados Unidos y en la ciudad de Nueva York.

Filántropo, enamorado del arte y la cultura, José Lázaro Galdiano aprovechó su estancia en Norteamérica para codearse con coleccionistas, marchantes de arte, historiadores y conservadores, a la vez que buscaba piezas con las que agrandar su colección.

Instalado en el Hotel Pierre de la Quinta Avenida, próximo a las galerías más importantes de Nueva York, compaginó su vocación de coleccionista con la de historiador, impartiendo conferencias sobre arte español en el Institute of Fine Arts.

De regreso a España a mediados de 1944, José Lázaro Galdiano deposita las más de mil obras adquiridas en su periplo estadounidense, en el Museo de Arte Antiga de Lisboa, donde en verano de 1945, una selección de estas piezas se expone en las salas del museo portugués. Lázaro trae a España estos tesoros en 1947, unos meses antes de su muerte. Estas obras, unidas a las de sus colecciones de Madrid y París, constituyen la Colección Lázaro.

Esta muestra ayuda a conocer mejor la figura de José Lázaro como coleccionista, y refleja el gusto de Lázaro hacia la Edad Media y el Renacimiento. Destacan obras como la Taza Aldobrandini, magnífica pieza de plata dedicada al emperador Julio César; la bella escultura italiana de la Madonna Cernazai, procedente de la colección del magnate W. Randolph Hearst; o la pintura de Eugenio Lucas Velázquez conocida como Capricho alegórico.

La exposición se articula en dos ámbitos. El primero destaca las obras más importantes de la Colección incluidas en la exposición permanente del museo, algunas de ellas obras maestras como la Taza Aldobrandini, el Braserillo con las armas del duque de Borgoña o la Madonna Cernazai. El segundo recoge una variada selección de piezas que no forman parte de la exposición permanente.

Colección Lázaro de Nueva York
Hasta el 20 de marzo de 2016
Museo Lázaro Galdiano
C/Serrano 122

El gran Mar de Sur

17/12/2015, Desconocido en Occidente hasta el siglo XVI, el Océano Pacífico, se convirtió pronto en ámbito de aventura, exotismo y nuevas culturas. Una exposición en el Museo de América nos acerca a esta historia apasionante.

Madrid, 17 de diciembre de 2015
En la sede del Museo de América, y hasta el 13 de marzo de 2016, se puede ver esta muestra que explica la transformación del Pacífico, desde ser espacio ignoto para los europeos a una vía navegable y de comunicación para los pueblos, presentando piezas relevantes procedentes de archivos y museos españoles.

“Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur” se centra en el descubrimiento y la exploración del Océano. La exposición está comisariada por Antonio Fernández Torres y Antonio Sánchez de Mora, y cuenta con el rico fondo documental contenido en los archivos estatales españoles, especialmente el Archivo General de Indias de Sevilla, así como piezas relevantes procedentes de las colecciones precolombinas, etnográficas y coloniales del Museo de América, lo que permiten ilustrar la vida cotidiana y ceremonial de sociedades americanas, de las Islas del Pacífico y del continente asiático.

El descubrimiento
La primera parte de la exposición introduce al visitante en el descubrimiento de la Mar del Sur, a través de una serie de piezas de culturas precolombinas de las áreas que fueron exploradas inicialmente, así como grabados y documentos relacionados con la empresa de Tierra Firme. Un facsímil que el visitante puede manipular, le ofrece un elenco de documentos que ilustran el interés de los españoles por conocer aquellas nuevas costas, reuniendo a Hernán Cortés, Francisco Pizarro, Vasco Núñez de Balboa y otros tantos exploradores.

La exposición continua adentrándose en su ámbito central: la exploración del Océano Pacífico. Facsímiles, mapas, modelos navales y una selección de piezas etnográficas de los Pueblos del Pacífico narran las aventuras y desventuras de los navegantes españoles en el océano Pacífico. La expedición capitaneada por Magallanes será la primera de una larga relación de empresas descubridoras, que convirtieron un espacio hasta entonces desconocido en un océano navegable.

En unas pequeñas fichas que acompañan a los documentos, el visitante puede conocer los principales hitos de cada expedición, descubriendo cómo los imponderables; los temporales, el escorbuto, los motines y la inmensidad, convirtieron la exploración en una empresa humana de extrema dureza. Así lo atestiguan documentos y piezas destacables como el derrotero de Magallanes y Elcano, cartas entre Urdaneta y Felipe II, una maqueta de canoa de las islas Marshall o una máscara de Papúa, Nueva Guinea.

Manila y Acapulco
Abiertas las rutas de ida y vuelta a través del Pacífico y establecidos los primeros contactos con el mundo isleño, la exposición se detiene en el Galeón de Manila en una sección denominada De la estela al camino, el Pacífico puente entre continentes, en la que a través de dos faros que representan las ciudades de Manila y Acapulco, se analizarán las características y dificultades de la ruta y el comercio transoceánico que durante 250 años mantendrían unidos estos dos puertos.

De las colecciones del Museo de América se presentan piezas procedentes de la India, Japón o Filipinas realizadas en plata, marfil y carey que ilustran la balanza comercial y el intercambio cultural entre los continentes.

La Terra Australis
La exposición pone rumbo al Sur del Pacífico. La búsqueda de la Terra Australis, las Islas Salomón y el reconocimiento de la costa pacífica americana protagonizan la última parte de la exposición. Las fichas de los viajes se acompañan ahora de las curiosas armas indígenas elaboradas con dientes de tiburón de las Islas Gilbert o utensilios de pesca de Tierra de Fuego.

La muestra Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur abre sus puertas en el Museo de América de Madrid con un doble objetivo: el acercamiento a la historia de España y el Pacífico y la divulgación del patrimonio documental y museístico del Pacífico hispano custodiado en los archivos y museos estatales.

Los viñedos de Borgoña en la UNESCO

16/12/2015, En el año 2015, la UNESCO incorporó a su lista de Patrimonio Mundial un espacio agrario y cultural borgoñón que incluye viñedos y zonas urbanas de Beaume y Dijon.

París, 16 de diciembre de 2015
El sitio determinado por la UNESCO ocupa una franja longitudinal que asciende desde Santenay y Beaune hasta Dijon.

Las parcelas de viñedo embellecen con sus líneas coloristas geométricas las laderas de la Côte de Nuits y Côte de Beaune al sudoeste de la ciudad de Dijon. Es un espacio moldeado por el cultivo cuidadoso del terreno desde la antigüedad, prestigiado por los vinos que produce.

Esa riqueza agraria está íntimamente ligada a la fundación y expansión de las abadías de Borgoña, Cluny y Cister, cuya influencia irradió por Europa en la Edad Media, y también al poderío de los duques de Borgoña, que desde Dijon expandieron su poder hasta los Países Bajos. Tanto los monasterios como los duques fueron grades propietarios y protectores de los viñedos de la región.

Este paisaje cultural patrimonio de la UNESCO consta de dos partes diferenciadas:

En primer lugar, los viñedos y las unidades de producción asociadas, incluyendo los poblados y la ciudad de Beaune, que representan los aspectos de producción y comercialización del vino. Con unos 20.000 habitantes, Beaune está enraizada con la tradición y la historia, y su prestigio como capital vinícola la hace un lugar apreciado por el turismo internacional. Es en Baune donde se hace la famosa subasta de vinos de los Hospicios, un acontecimiento de fama en la enología mundial que tiene lugar en noviembre.

En segundo lugar está Dijon, a unos 40 kilómetros más al norte de Beaune. Dijon es la capital histórica del Ducado de Borgoña y conserva destacados elementos artísticos.

En el sitio Patrimonio Mundial de la UNESCO se ha incluido el centro histórico de Dijon, porque la ciudad encarna el impulso normativo y político que dio origen al sistema de propiedad y cultivo. De esta forma, el sitio borgoñón es un ejemplo sobresaliente que incluye los aspectos históricos y jurídicos relativos al cultivo de la vid y la comercialización del vino, desarrollados desde la Alta Edad Media.

Información sobre Beaune y sus viñedos en http://www.guiarte.com/beaune/

Hotel temático Joan Miró

16/12/2015, A partir de febrero, Palma de Mallorca contará con un museo dedicado a uno de los más famosos habitantes de la isla en el siglo XX: Joan Miró.

Palma, 16 de diciembre de 2015
El hotel, de cuatro estrellas, se denominará Joan Miró Museum y ocupa el espacio que con anterioridad se dedicaba a otro centro hostelero con el nombre de Dalí.

El museo está muy cerca de la Fundación Pilar i Joan Miró, centro ubicado en el lugar en el que tenía un taller el propio artista y que dispone de una colección importante de obras realizadas por el pintor durante su residencia en la isla.

Joan Miró (Barcelona 1983 – Palma de Mallorca 1983) fue uno de los artistas que más legado dejó en esta ciudad, donde pasó largos periodos de su vida.

El nuevo hotel Joan Miró Museum mostrará en su interior una veintena de obras de este artista emblemático del Surrealismo, trabajos que los clientes podrán disfrutar en las habitaciones y espacios comunes y que han sido cedidos por la propia familia Miró. Asimismo, el establecimiento tendrá acuerdos especiales para las visitas a la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma.

La ciudad de Palma de Mallorca cuenta con una oferta hotelera de más de 6.700 camas, de los que un 22% corresponden a hoteles de 5 estrellas; 52% corresponden a los de 4; 18% a 3, y 2% a 2. La capital balear ofrece además una serie de propuestas destinadas a mostrar la ciudad de una manera diferente, con ofertas que tratan de romper la estacionalidad veraniega, como pueden ser las relacionadas con la cultura o la práctica del golf. Otras oferras se relacionan con el patrimonio y la gastronomía.

Ver (re)velar

16/12/2015, Una exposición del MUSAC relaciona las manifestaciones religiosas con los usos sociales y políticos de la imagen y las representaciones de fenómenos de religiosidad popular más extremos.

León, 16 de diciembre de 2015
En el año conmemorativo del V Centenario de Santa Teresa de Jesús, este proyecto se enfrenta a todo aquello que se escapa a la razón y que no podemos explicar desde la ciencia, e indaga en aspectos relacionados con la religiosidad popular o la representación de algunos imaginarios religiosos construidos como subordinados con respecto a la oficialidad o al canon ilustrado y moderno.

Artistas como Dan Graham, Ana Mendieta, Mauricio Cattelan, Pierre Huyghe, Abdel Abdessemed, Paul Chan o León Ferrari tratan variados aspectos de la religión, el misticismo o la espiritualidad desde un punto de vista contemporáneo, y se centran en todo aquello que no somos capaces de explicar, el misticismo, las estampas populares, la religiosidad “primitiva”, las facetas más exacerbadas de la religiosidad popular, la adicción al bienestar y la esperanza, las dimensiones no conocidas de nuestro ser o la aleatoriedad y lo que escapa a nuestros sentidos, y los relacionan con la construcción de la representación o la imagen y con el horizonte social y político en el que dichos fenómenos emergen.

Los temas presentes en los trabajos de los artistas seleccionados tienen mucho sentido en un espacio cultural como el castellano y leonés, donde es patente la presencia de la religiosidad, el flujo de peregrinos del Camino de Santiago o las expresiones de religiosidad popular. En este sentido, este proyecto trata temas en cierta manera muy cercanos, permitiendo reflexionar sobre las fuertes implicaciones sociales, políticas, íntimas y personales de la religión.

Ver (re)velar. Usos y representaciones de lo inexplicable
MUSAC
Hasta el 10 de enero de 2016

Exposiciones en el Albertina

15/12/2015, El Museo Albertina de Viena actualmente cuenta con varias muestras de interés dedicadas a los pintores románticos, a Munch o a la amistad entre Lyonel Feininger y Alfred Kubin.

Viena, 15 de diciembre de 2015
El Albertina de Viena ofrece un variado programa de exposiciones con obras de arte relevantes desde el siglo XV hasta el presente. En este momento, el museo cuenta con tres exposiciones de gran interés:

Amor, muerte y soledad. Edvard Munch
Hasta el 24 de enero de 2016
Edvard Munch fue uno de los protagonistas más destacados del modernismo, y sus pinturas y obras gráficas se encuentran entre las más memorables del arte de finales del siglo XX. La convulsa vida del artista y su obra ilustran la intensa preocupación de Munch por la soledad, el amor y la muerte, una temática que la muestra del Albertina analiza en profundidad para acercar al público a la figura de Munch.

Esta exposición ofrece alrededor de 100 de las obras más importantes del artista noruego, e incluye iconos como El grito, Madonna, El beso, y la melancolía.

Mundos del Romanticismo
Hasta el 21 de febrero de 2016
A día de hoy, las ideas románticas no han perdido ni un ápice de su fascinación. En Viena, uno de los lugares de nacimiento de este movimiento artístico, el Albertina presenta una exposición de alrededor de 160 obras de los representantes más importantes del movimiento, en la que destacan obras maestras de artistas como Caspar David Friedrich, Karl Blechen o Francisco de Goya. Estos artistas proporcionan una impresión diversa del arte romántico, con temas como la glorificación del pasado, el mundo de los sueños, las visiones, la espiritualidad, la búsqueda de lo trascendental en el hombre y la naturaleza... así como un enfoque de las aportaciones de Viena y Austria en general al movimiento.

Lyonel Feininger y Alfred Kubin. Una amistad entre artistas
Hasta el 10 de enero de 2016
"De todos los dibujantes contemporáneos, es a ti a quien admiro más", escribió Alfred Kubin a Lyonel Feininger el 25 de noviembre de 1912. Un intercambio de dibujos entre los dos formaron el preludio de una correspondencia frenética que acompañó su breve pero intensa amistad. A través de 100 pinturas y obras gráficas, el Albertina conmemora esta conexión sorprendente y fascinante, con una exposición que traza la amistad entre estas dos personalidades artísticas supuestamente dispares.

Museo Albertina
Albertinaplatz 1. Viena

La fotografía marginal de Paz Errázuriz

15/12/2015, Del 16 de diciembre al 28 de febrero de 2016 se presenta en la Sala Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre la mayor antología dedicada a la obra de la fotógrafa chilena Paz Errázuriz.

Madrid, 15 de diciembre de 2015
Boxeadores, travestis, enfermos psiquiátricos, personajes circenses y ancianos solitarios pueblan la obra de esta reportera chilena, conocida por fotografíar colectivos minoritarios caracterizados por ser estigmas de la sociedad, individuos inadaptados e invisibles que reclaman su protagonismo gracias al objetivo de Errázuriz.

La exposición de la Fundación Mapfre se trata de la primera gran retrospectiva que se realiza de la obra de Paz Errázuriz, y presenta 170 obras, a través de las que la chilena explora diversos temas sociales, casi siempre en blanco y negro, utilizando el retrato como herramienta para mostrar los mundos más crudos y decadentes de la sociedad.

La propia artista define así su trabajo: “Yo trabajo en series cerradas, en algunas puedo estar años. Y no siento que pertenezca a ningún grupo, pero me siento cerca de todos". En sus retratos, Paz Errázuriz presenta a personajes marginales contemporáneos, llenos de naturalidad, que se sitúan más allá de lo convencional, muchas veces en lugares propios y espacios cerrados. La artista convive durante un tiempo con sus retratados, consiguiendo el clima de confianza y respeto necesario para sacar de ellos toda su dignidad y transparencia.

Paz Errázuriz Körner (Santiago, 2 de febrero de 1944) realizó sus estudios en el Cambridge Institute of Education (Inglaterra) y se licenció en Educación Básica en la Universidad Católica de Chile en 1972.

Su interés por la fotografía comenzó en su niñez con una cámara Baby Browning y más tarde continuó aprendiendo en forma autodidacta. Errázuriz se especializó en fotografía infantil y trabajó para publicaciones sobre educación mientras se desempeñaba como profesora básica en distintos colegios santiaguinos. Posteriormente se interesó por la fotografía periodística que la llevó a conocer los problemas sociales de las clases empobrecidas chilenas.

En la década de los ochenta co-funda la Asociación de Fotógrafos Independientes AFI y continúa en su labor de retratar la realidad de personajes marginales de la vida urbana, los que circularon por el mundo y le valieron el reconocimiento internacional.

Paz Errázuriz ha recibido el galardón PhotoEspaña 2015 por el rigor, la empatía y el respeto hacia los estigmatizados por la sociedad.

José María Yturralde en el CAC

14/12/2015, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la exposición inédita en España del artista José María Yturralde, Transfinito.

Málaga, 14 de diciembre de 2015
La exposición se compone por casi una decena de pinturas, la mayoría creadas expresamente para la exposición en el CAC Málaga, en las que el contraste y las transiciones cromáticas sirven al artista para reflexionar en torno a la idea del vacío o el universo.

En palabras de José María Yturralde (Cuenca, 1942): “Mi intención ha sido lograr una atmósfera de fluida transparencia, de comunión con una cierta energía en lenta expansión, esa energía se refiere a la sensibilidad y a la emoción, a una vivencia poética. Quizás haya un aspecto espiritual o místico pero no creo que sea específicamente religiosos o sagrado, la sensualidad la vida sencillamente, el aquí y el ahora de este acontecimiento”.

Las pinturas de la muestra recurren a conceptos artísticos, y a la ciencia y la metafísica para explorar los campos relacionados con la numerología, lo transcendental, aquello que nos rodea y que no vemos para trasladarlo a sus pinturas, que se caracterizan por el empleo de transiciones cromáticas y el dominio de una amplia gama de colores vivos y contrastes.

La temática se centra en el concepto del espacio, el vacío, el tiempo, la energía, la luz, el universo o cuestiones que traspasan los límites de la ciencia experimental, en un trabajo analítico, racional, científico y algo transcendental.

Yturralde recurre a modo de inspiración a artistas y pintores como Mark Rothko, Mondrian, Albers, Kandisky, Barnett Newman o Brice Marden, entre otros. Además la arquitectura contemporánea, el cine, la poesía, la música o el arte y la filosofía oriental influyen en el trabajo del artista.

José María Yturralde está considerado como uno de los artistas destacados en el panorama nacional del arte contemporáneo. Licenciado y Doctor en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos Valencia, Catedrático de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Valencia y Miembro del Consejo Social de la Universitat Politècnica de València.

Transfinito
Hasta el 29 de febrero de 2016
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

Exposición navideña en el Thyssen

14/12/2015, Con motivo de las fiestas navideñas se presenta la exposición Adoraciones en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza.

Madrid, 14 de diciembre de 2015
Durante las semanas de Navidad el Thyssen tendrá instalado en el hall del museo un belén napolitano del siglo XVIII en el que destacan, el grupo de ángeles, además del Misterio (las imágenes de la Virgen, el Niño y san José), los Reyes Magos y otras figuras que dan vida a las diversas escenas que acompañan el nacimiento de Cristo. El belén podrá visitarse hasta el 18 de enero de 2016.

Y para seguir con la celebración, el museo presenta "Adoraciones en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza" (del 19 de diciembre de 2015 al 14 de febrero de 2016), una exposición temporal cuyo hilo conductor es el homenaje que ángeles, reyes, pastores y donantes rinden al Niño Jesús y a la Virgen.

la instalación reúne trece obras (todas ellas procedentes de las Colecciones Thyssen) de grandes artistas como Luca di Tommè, Jacques Daret, Fra Bartolomeo o Marc Chagall, que escenifican tanto episodios de los Evangelios como devociones privadas a María y el Niño. Sólo san Mateo y san Lucas describieron episodios como el Nacimiento de Jesús o las Adoraciones de los pastores y los Reyes Magos, por lo que dichos artistas se vieron en la necesidad de recurrir a otras narraciones para documentar sus obras, como los Evangelios Apócrifos, las Revelaciones de santa Brígida de Suecia, la Leyenda dorada de Santiago de la Vorágine o los autos sacramentales del teatro religioso.

La temática navideña se completa con otras muestras de gran interés como la dedicada a Edvard Munch (hasta el 17 de enero) o la exposición La ilusión del Lejano Oeste (hasta el 7 de febrero). Además, durante estos días se pueden visitar las obras invitadas de Salzillo, en la sala 6, y de Joana Vasconcelos, en la 48.

Drawing Room Madrid

14/12/2015, El próximo mes de febrero de 2016 se celebra en Madrid la primera edición de la feria de dibujo contemporáneo Drawing Room.

Madrid, 14 de diciembre de 2015
Entre los días 24 y 28 de febrero de 2016 tendrá lugar la primera edición de Drawing Room Madrid, la feria de arte especializada en el dibujo contemporáneo.

Durante cinco días, en el madrileño barrio de Salamanca, una selección de dieciocho galerías nacionales e internacionales presentarán los proyectos inéditos de una treintena de artistas que utilizan el dibujo como medio de expresión.

La feria servirá así de plataforma especializada para descubrir la diversidad del dibujo contemporáneo y sus artistas, en un momento en el que el dibujo y sus códigos viven una vibrante evolución gracias a la enorme vitalidad de la expresión gráfica actual.

Figurativo, abstracto, monumental, tridimensional, performativo, narrativo, sensorial... el dibujo conquista novedosas formas de comunicación y muestra su singularidad y riqueza en una ocasión única para que coleccionistas y museos conozcan las últimas propuestas en esta disciplina.

Drawing Room Madrid
Del 24 al 28 de febrero de 2016
Calle Velázquez nº 12

Cuadrado negro, el aniversario

11/12/2015, Cuadrado negro, de Kasimir Malevitch, una obra clave de la pintura del siglo XX alcanza ahora sus 100 años de existencia, la Fundación Beyeler lo celebra este 19 de diciembre.



Riehen, Suiza, 11 de diciembre de 2015
La obra de Malevich, que ha sido calificada como la "Gioconda del arte no figurativo" está presente hasta el 10 de enero en la Fundación Beyeler, en el centro de la recreación de la muestra "En busca de 0.10", dedicada a los artistas de la vanguardia rusa.

Pero el 19 de diciembre de 2015, el museo celebrará una serie de eventos y pases especiales con motivo del cien aniversario de la presentación original de la pintura enigmática por Malevich.

Visitas temáticas guiadas en varios idiomas, un taller de pintura suprematista, lecturas de poemas futuristas rusos, romances musicales y hasta un bar de vodka ruso forman parte del programa festivo del aniversario de Cuadrado negro, porque fue el 19 de diciembre de 1915 cuando se inauguró la exposición en la que presentó la obra: "0.10". 

El programa del centenario culmina con la conferencia del curador invitado Mateo Drutt, que explorará el contexto de esta exposición histórica en un discurso titulado "De París a Petrogrado. Modernismo ruso antes de la Revolución de Octubre.".

"0.10" fue en 1915 un punto de inflexión en la historia del arte moderno y el momento histórico en que Kazimir Malevich presentó por primera vez públicamente su Cuadrado Negro, obra que se ha convertido en un icono del arte abstracto.

La muestra "0.10"
Con "En busca de 0.10 - La última exposición futurista de pintura", la Fundación Beyeler está celebrando un momento memorable para la evolución del arte moderno y contemporáneo, al recrear la exposición "0.10" presentada en 1915 en Petrogrado, el nombre que tomó San Petersburgo poco después del estallido de la Primera Guerra Mundial, para quitar a la ciudad rusa una denominación de resonancias germánicas.

Aquella exposición de hace un siglo emergería como uno de los momentos artísticos más notables del arte del siglo XX. San Petersburgo se convertiría en la cuna de la vanguardia rusa. 

"0.10" encarna el momento histórico en el que Kazimir Malevich realizó sus primeras pinturas no figurativas, mientras que Vladimir Tatlin empezó a ser conocido por el público por sus revolucionarios contrarelieves. La mayoría de los otros participantes de la exposición original también están representados en la muestra reconstruida por la Fundación Beyeler: Natan Altman, Vassili Kamenski, Ivan Klioune, Mikhaïl Menkov, Vera Pestel, Lioubov Popova, Ivan Pouni, Olga Rozanova, Nadejda Oudaltsova y Marie Vassilieff.

"En busca de 0.10 - La última exposición futurista de pintura" también rinde homenaje a la emblemática obra de Kazimir Malevich "Cuadrado Negro", que celebra su centenario. Este lienzo monocromo representó una pura provocación, ya que mostró una superficie en negro ligeramente distorsionada, rodeada de blanco. En la exposición de 1915, además, el trabajo estaba en el llamado “ángulo de Dios”, el punto donde se ubicaban tradicionalmente los iconos de la casa.

Las obras enigmáticas del suprematismo impusieron en el inicio del siglo XX un cambio brutal de paradigmas en la escena del arte. 

En 1915 la muestra de "0.10" fue inaugurada el 19 de diciembre en Petrogrado, con más de 150 obras de 14 artistas de las vanguardias rusas, la mayoría cercanos a Malevich y Tatlin. La exposición tuvo lugar en la Galería de Nadezhda Dobytchina, que en 1911 había convertido varias habitaciones de un amplio apartamento en salas de exhibición.

El título de "0.10" (cero-diez) no es una fórmula matemática, sino parece basado en un código de Malevich: cero era para simbolizar la destrucción del viejo mundo - incluyendo el arte - y con un nuevo comienzo; diez para referirse al número de participantes originalmente planeado, aunque al final fueron catorce. los adjetivos "último" y "futurista" también contiene un mensaje: mostrar distancia de la influencia del Futurismo italiano y hasta liberarse de él. El título da una medida de la velocidad con la que diferentes direcciones estilísticas del arte se debatieron, ascendieron y declinaron. 

Arte del Reino Normando de Sicilia

11/12/2015, Uno de los conjuntos más espectaculares incluidos en 2015 en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO lo integran una serie de monumentos de la Sicilia normanda.

Palermo, Italia, 10 de diciembre de 2015
Los normandos desarrollaron desde el siglo XI un proceso de conquista de la Italia del sur, de la que expulsaron tanto a los árabes como a los bizantinos. En Sicilia, en concreto, perviven diferentes monumentos excepcionales en los que se aprecia la confluencia de los estilos arquitectónicos en boga en Europa de aquel tiempo, con las influencias propias de árabes, bizantinos y normandos.

Este sitio de la UNESCO denominado “Palermo árabe-normando y catedrales de Cefalú y Monreale, incluye una serie de nueve estructuras civiles y religiosas que datan de la época del reino normando de Sicilia (1130 hasta 1194): dos palacios, tres iglesias, tres catedrales y un puente. El conjunto es un ejemplo de sincretismo socio-cultural entre las culturas occidentales, islámicas y bizantinas en la isla, lo que dio lugar a nuevos conceptos de espacio, estructura y decoración. También dan testimonio de la fecunda convivencia de personas de diferentes orígenes y religiones.

El sitio, con una extensión de 6,2 hectáreas, abarca puntos de Palermo, Monreale y Cefalú, en la costa norte de Sicilia, e ilustra el encuentro multicultural del Occidente mediterráneo que caracteriza al reino normando de Sicilia durante el siglo XII.

De los 22 principales monumentos de la época normanda que han sobrevivido en la isla, nueve fueron elegidos por su importancia histórica, estado de conservación, autenticidad y accesibilidad. Son el Palacio Real y la Capilla Palatina; Palacio Zisa; catedrales de Palermo, Monreale y Cefalú; Iglesias de San Juan de los Ermitaños, de Santa María del Almirante y San Cataldo, y el puente del Almirante.

El Palacio Real y la Capilla Palatina se encuentran en el punto más alto de la antigua ciudad de Palermo. El Palacio ha sufrido una reconstrucción de la época medieval y posterior, pero guarda partes de la obra románica y normanda, así como combinaciones de trabajos islámicos y bizantinos. La Capilla Palatina, conservada en el centro del palacio, contiene mosaicos bizantinos excepcionales y techos pintados islámicos.

El palacio Zisa fue construido en el siglo XII por orden de Guillermo I de Sicilia en un jardín de inspiración islámica. Se trata de un edificio con aire de castillo, edificado como retiro de verano y de caza, al occidente de Palermo. En el mismo se conservan interesantes elementos de inspiración islámica, como la fuente del gran recibidor.

La catedral de Palermo fue creada en el siglo XII, sobre una mezquita existente allí. El edificio ha sufrido cambios desde su construcción, y ahora refleja una mezcla de partes de inspiración árabe, normanda, bizantina, etc. Tiene espacios de arte Románico, Gótico, Renacimiento y Barroco. La planta es de cruz latina con tres naves divididas por columnas que soportan la bóveda.

La catedral de Cefalú es un edificio de dos torres de tipo fortaleza, concebida por la dinastía normanda como mausoleo, aunque luego el mausoleo se ubicó en la de Palermo.

Tiene formas del Románico y cluniacense, y destacan en ella los extraordinarios mosaicos del ábside. El edificio fue hecho, con planta de cruz latina, por operarios bizantinos que imprimieron el estilo de Constantinopla, en tanto que los trabajadores locales dejaron el sello árabe-normando.

La catedral de Monreale es un brillante testimonio de síntesis de lo normando, islámico y bizantino, que alcanzó una cumbre en la mitad del siglo XII. El interior, de unos 110 metros de largo por 40 m de ancho, cuenta con una amplia nave central entre otras dos más estrechas, separadas por 18 columnas.

Fue hecha en tiempos de Guillermo I y en su vasto interior impresionan los mosaicos de estilo bizantino. Hay otros elementos muy destacados, desde las puertas al claustro de columnas pareadas

La iglesia de San Juan de los Ermitaños es sencilla y bella. Ocupa el lugar en el que hubo una iglesia del siglo VI y luego una mezquita. Formó parte de un complejo monástico y se compone de una serie de volúmenes cúbicos cubiertos por cúpulas.

El humilde aspecto externo y el juego de cúpulas llaman la atención de quien la contempla. También posee un bello claustro basado en columnas pareadas

La iglesia de Santa María del Almirante, en Palermo, es de cruz griega, a la que se añadió un nártex para albergar la tumba de Jorge de Antioquía. Tiene una parte muy destacada del siglo XII y añadido barrocos.

Los mosaicos bizantinos del interior son extraordinarios, con notable pantocrátor en la cúpula.

La iglesia de San Cataldo, también en Palermo, es ahora un museo. Se trata de un edificio austero y pequeño, de forma cúbica. Cuenta con tres cúpulas esféricas rojas sobre su nave. La ausencia de acabados interiores permite una notable apreciación de la arquitectura de estilo bizantino, particularmente la articulación de las bóvedas y cúpulas.

Fundada a mediados el siglo XII la iglesia semeja un elemento cubista de piedra con unas pequeñas aberturas, ventanas y puertas, con arcos de medio punto.

Finalmente, el puente del Almirante es un testimonio de los trabajos civiles normandos en el área mediterránea. Fue construido en piedra tallada, sobre la antigua corriente del río Oreto. Está parcialmente enterrado. Dispone de dos rampas simétricas y siete arcos ojivales.

Cleopatra y la fascinación de Egipto

10/12/2015, El Centro de Exposiciones Arte Canal presenta, hasta el 8 de mayo, una muestra dedicada a un personaje fascinante y evocador, la reina Cleopatra.



Madrid, 10 de diciembre de 2015
La figura de Cleopatra, última representante de la dinastía ptolemaica, resume perfectamente la fascinación universal por la cultura egipcia. Ahora, una muestra del Centro de Exposiciones Arte Canal (Canal de Isabel II) nos presenta al mito, a una mujer que se convirtió en leyenda, avivada a lo largo de los siglos por pintores, cronistas, literatos y cineastas.

Esta misma leyenda ha contribuído a desfigurar y distorsionar a Cleopatra, acentuando sus rasgos de mujer fatal, intrigante y déspota. Cleopatra ha sido el personaje histórico más adulterado de la Antigüedad. Los cronistas romanos la presentaron como corruptora de las virtudes de sus representantes más ilustres, Pero lejos de estos atributos la historia la define también como una intelectual cultivada (la única de la dinastía de los Ptolomeos que aprendió la lengua egipcia), y una mujer ambiciosa e inteligente, que supo gestionar con acierto sus aspiraciones políticas. 

Cleopatra VII habitó un escenario, Alejandría (fundada por Alejandro III de Macedonia en el año 331 a.C), con una doble identidad griega y egipcia. Vivió una época convulsa, los últimos años de un Egipto amenazado por el imperialismo de Roma. Cleopatra gobernó por sí sola un reino en circunstancias extremadamente complejas, y aspiró a construir un imperio utilizando para ello a los hombres más poderos de su tiempo.

Esta exposición supone una nueva resurrección del mito, y descubre a Cleopatra como figura histórica a través de más de 400 piezas arqueológicas de 80 museos y colecciones internacionales, que nos muestran una imagen de Egipto y el Nilo como gran cuna civilizadora; de Alejandría como encrucijada del mestizaje cultural; y de Roma como receptora de la influencia egipcia. Sobre todo ello planea la figura de Cleopatra, última reina de Egipto, con todos los rostros y facetas que ha alimentado su leyenda (mujer, soberana, madre, amante, estadista...).

Con la dinastía ptolemaica, Alejandría fue el centro comercial, cultural y de conocimiento del mundo antiguo. Cleopatra, su última reina, aspiró a hacer realidad el sueño de Alejandro: un imperio oriental cuya capital fuese la misma Alejandría. 

Los Ptolomeos fueron derrotados y Egipto anexionado a Roma en el año 31 a.C., pero desde el trono Cleopatra intentó por todos los medios reafirmar la independencia de su reino. En las artes de la política tuvo como maestro a Julio César, quien le restituyó la soberanía frente a Ptolomeo XIII, el hermano y marido que la había derrocado. Con el veterano político y militar, que se convirtió en su amante y con el que tuvo a Cesarión, Cleopatra utilizó su influencia sobre él para alcanzar el mismo objetivo que la uniría después a Marco Antonio: restablecer la hegemonía de Egipto en el Mediterráneo oriental.

Sus aspiraciones se verían truncadas por la muerte, que pudo ser suicidio o asesinato. Cualquiera de las dos opciones está a la altura de una historia intensa, trágica y fascinante. Los avatares de su existencia convirtieron a Cleopatra en una leyenda viva hasta el presente.

Cleopatra y la fascinación de Egipto
Centro de Exposiciones Arte Canal
Paseo de la Castellana, 214. Madrid


Picasso Sculpture

10/12/2015, Picasso Sculpture, en el MoMA de Nueva York, muestra el innovador e influyente trabajo en tres dimensiones de Pablo Picasso.



Nueva York, 10 de diciembre de 2015
La exposición del MoMA, que podrá visitarse hasta el 7 de febrero de 2016, es la primera retrospectiva a gran escala de la escultura de Picasso en los Estados Unidos que se realiza desde la muestra del Museum of Modern Art de 1967.

En el transcurso de su larga carrera, Pablo Picasso se dedicó a la escultura de todo corazón, utilizando tanto materiales y técnicas tradicionales como no convencionales. El artista malagueño mantuvo la mayoría de sus esculturas en su posesión durante su vida, y fue sólo a finales de 1960 cuando el público fue plenamente consciente de este rico aspecto de su obra, a través de la gran retrospectiva dedicada a Picasso en París. 

La muestra del MoMA se centra en el trabajo de toda la vida de la artista y presenta aproximadamente 150 esculturas, junto a una selección de obras sobre papel y fotografías que complementan la selección y ayudan al visitante a comprender lo que la escultura fue para Picasso, y cómo el artista siempre se vió inmerso en una reinvención constante de su imaginario.

Organizada en capítulos que corresponden a distintos períodos durante los cuales Picasso se dedicó a la escultura, la exposición nos muestra a un Picasso personal y experimental, que se acercó con la libertad de un artista autodidacta, dispuesto a romper todas las reglas, a esta disciplina artística, y a explorar con intensidad fresca las posibilidades modernas de esta antigua forma de arte.

Picasso Sculpture
Hasta el 7 de febrero de 2016
Museum of Modern Art. New York

Effigies Amicorum

09/12/2015, Actualmente en el Museo del Prado se puede visitar la muestra "Effigies Amicorum. Retratos de artistas por Federico de Madrazo (1815-1894)".



Madrid, 9 de diciembre de 2015
El Museo del Prado celebra el bicentenario del nacimiento de Madrazo con la exposición Effigies Amicorum. Retratos de artistas por Federico de Madrazo (1815-1894), que podrá verse en la pinacoteca madrileña hasta el próximo 10 de enero de 2016.

Esta exposición monográfica profundiza en la obra de uno de los más influyentes retratistas de su tiempo, tanto por la calidad de su pintura como por su condición de director del Museo del Prado y de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, y que fue maestro de muchos de los pintores españoles más relevantes de las siguientes generaciones.

Federico de Madrazo (Roma, 1815 – Madrid, 1894) fue el pintor español que realizó el mayor número de retratos de artistas, de los que el Prado conserva hoy un conjunto muy rico, en las técnicas del óleo, el dibujo y la litografía. Compuesta por 21 retratos (siete lienzos, doce dibujos y dos litografías), esta muestra ofrece al visitante la posibilidad de reflexionar sobre la faceta reveladora del culto al arte de este gran pintor. 

Los retratos
Los que realizó al óleo representan a amigos, como Carlos Luis de Ribera, Benito Soriano Murillo, subdirector del Prado, y Perugino Sensi, litógrafo del Real Establecimiento Litográfico; colegas, como Carlos de Haes, y Cosme Algarra; y discípulos como Eduardo Rosales y su hijo Raimundo.

Los retratos dibujados forman parte de un amplio conjunto que el artista, consciente de su interés artístico y documental, conservó y legó al Prado. Realizados en su mayoría en París, Roma y Madrid entre 1839 y los primeros años de la década siguiente revelan, en su tratamiento, el propósito de formar, en la tradición inaugurada por los artistas alemanes del siglo XVI, un álbum iconográfico de amigos artistas y escritores.

Los retratos litografiados atestiguan su excepcional dominio de esta técnica impulsada por su padre José de Madrazo, a quien precisamente retrató para ilustrar la reseña biográfica que publicó en 1835 la revista romántica española El Artista. 

Éxito de Art Basel Miami

07/12/2015, Art Basel Miami 2015 ha sido un éxito, según valoran tanto el público como los galeristas. La feria se consolida entre lo más destacado del mundo del arte.



Miami (EE.UU), 7 de diciembre de 2015
La edición número 14 de Art Basel en Miami Beach cerró –según informa la propia institución suiza- en medio de informes de ventas fuertes y una recepción entusiasta de coleccionistas, instituciones, galeristas y críticos tanto de América como del resto del mundo.

Art Basel, surgida en 1970 en la ciudad suiza de Basilea, con el apoyo de la entidad financiera UBS y por impulso de notables galeristas suizos, pronto adquirió un prestigio mundial. En 2002 abrió también en Miami, donde ha logrado constituirse como un centro clave del arte de toda América. En el 2013 también abrió en Hong Kong.

La propia ciudad de Miami ha recibido con su llegada un notable incremento de su “valor” en el ámbito del arte, y de hecho estas fechas de diciembre buena parte de la urbe está volcada hacia la creatividad, tanto en espacios interiores como exteriores.

La edición de Art Basel 2015 contó con ventas muy elevadas en todos los niveles del mercado. Bastantes galeristas han agotado los materiales presentados, y en general las valoraciones de todos son optimistas. 

En este encuentro se presentaron 267 galerías internacionales líderes de 32 países, con un contenido que atrajo una asistencia de 77.000 personas en cinco días, incluyendo grandes coleccionistas privados, así como directivos, curadores, y expertos de doscientas instituciones.

Coleccionistas de más de 110 países asistieron a la feria. Entre ellos, por primera vez, aparecieron grandes clientes procedentes de Camboya, Etiopía, Nicaragua, Rumania, Togo y Zimbabue.

El 98 por ciento de los expositores de Art Basel Miami, que se consolida como primera feria de las Américas, ya se presentó en Miami en años anteriores. En 2015 se incorporaron a la selecta lista de expositores 29 nuevos.

Entre los incorporados, las galerías europeas Kraupa-Tuskany Zeidler (Berlín), Galería Plan B (Cluj, Berlín), Gregor Staiger (Zurich) y Kow (Berlín).

También se incorporaron tres firmas de Asia: Beijing Art Now Gallery (Pekín), Tokio Galería + BTAP (Tokio, Pekín) y Espacio Blanco, de Pekín.

De Estados Unidos se incluyeron George Adams Gallery (Nueva York), Castelli Gallery (Nueva York), Essex Street (Nueva York), François Ghebaly Gallery (Los Ángeles) y Jenkins Johnson (San Francisco, Nueva York).

Miserachs Barcelona

07/12/2015, El Museu d’Art Contemporani de Barcelona propone un emocionante viaje en el tiempo a través de las fotografías de Xavier Miserachs.



Barcelona, 7 de diciembre de 215
Hasta el 27 de marzo de 2016 se puede visitar en el MACBA una exposición dedicada al fotógrafo Xavier Miserachs, cuya obra plantea experiencias urbanas fluidas e instantáneas, siempre incompletas, pero que se resisten al olvido y rescatan lo efímero del instánte.

Desde su juventud, Xavier Miserachs es un profesional dedicado a la publicidad, el fotoperiodismo y, sobre todo, a la fotografía de calle. En septiembre de 1964, con 27 años, el fotógrafo barcelonés Xavier Miserachs publica su obra más destacada, Barcelona, blanco y negro, un fotolibro de casi cuatrocientas fotografías. Sus fotolibros están compuestos por imágenes que forman un conjunto que se puede leer y mirar. A través de estos fotolibros construye una historia propia de la fotografía. Una historia más cerca de la experiencia que del arte, que combina la alta y baja cultura y construye relatos tan complejos como los del cine o la literatura.

Barcelona, blanco y negro confirma la vocación de Miserachs y descubre que la fotografía que suele denominarse «humanista» sirve para contar, comunicar, explicar y aumentar el conocimiento de los otros a través de la experiencia propia. En las fotos el tema no importa, Las imágenes no son válidas por sí mismas de manera individual, sino que solo funcionan en el contexto del libro, que exige un lector activo que interprete los relatos visuales.

Barcelona, blanco y negro descubre la ciudad a través de sus habitantes, contando historias de trabajo y fiesta, de emigrantes recién llegados y burgueses cubiertos de apellidos, de chabolas, barrios góticos y ensanches, de escaparates, anuncios y pintadas... Y siempre de gente en las calles, de todas las edades y todas las clases. La arquitectura no es más que el escenario donde sucede la vida cotidiana de la gente. Miserachs evita los lugares comunes turísticos e históricos, rehúye en todo lo posible los motivos típicos para ahondar en el tema principal de la cultura moderna, la experiencia urbana y su espacio, la ciudad.

Miserachs Barcelona
Museu d’Art Contemporani de Barcelona
Hasta el 27 de marzo de 2016

Arte prehispánico… del siglo XX

04/12/2015, La gran cabeza olmeca exhibida en Santiago de Compostela en una destacada muestra de arte precolombino…. no tenía miles de años, sino apenas cinco.



México, 4 de diciembre de 2015
El INAH, Instituto Nacional de Antropología e Historia de México informó recientemente de que el conocido coleccionista de arte precolombino costarricense Leonardo Augustus Patterson fue sentenciado por un juzgado alemán por fraude al vender la reproducción de una cabeza olmeca como una pieza prehispánica originaria de México.

En 1997, Leonardo Patterson presentó en Santiago de Compostela, España, una gran exposición con piezas de origen prehispánico procedentes de varios países americanos, muestra titulada “La Cultura en el Tiempo. América Prehispánica”, e incluso mantuvo avanzadas conversaciones con el Gobierno Gallego para la venta de la colección.

En 2007, el INAH mexicano conoció el catálogo de aquella exposición, e inició trámites legales tendentes a recuperar el patrimonio arqueológico del país. También se iniciaron gestiones diplomáticas ante España para obtener la restitución de bienes arqueológicos de la exposición, que ya se encontraban almacenados en una bodega de Santiago de Compostela.

El 6 de marzo de 2008, la Embajada de México en España presentó ante el Ministerio de Asuntos Exteriores del Reino de España una nota diplomática, formulando la solicitud de restitución de las piezas arqueológicas pertenecientes a la nación mexicana.

Sin embargo, la recuperación no se llevó a cabo porque Leonardo Patterson trasladó clandestinamente la colección de Santiago de Compostela a Munich, Alemania, donde continúa resguardada en una bodega. Expertos mexicanos se trasladaron a Alemania en 2010, a fin de inspeccionar físicamente la colección y corroborar el peritaje inicial. Los expertos determinaron que del total de 1,029 objetos que se atribuían a culturas prehispánicas que habitaron en el actual territorio mexicano, 691 forman parte del patrimonio arqueológico mexicano, 252 eran objetos de reciente manufactura y 86 bienes corresponden a estilos culturales de Centroamérica.

Entre las piezas dictaminadas por los especialistas como objetos de reciente manufactura, destaca una gran cabeza antropomorfa elaborada en basalto con medidas 97x70x55 centímetros, que reproduce las esculturas arqueológicas conocidas como cabezas colosales olmecas. Era una obra hecha en 1992 en un taller de Veracruz.

La pieza salió como una reproducción, acompañada de fotos y datos de su ejecución. Luego en Estados Unidos se certificó como auténtica por especialistas cercanos al coleccionista. Ya en Europa, la cabeza se aseguró en 2002 como obra auténtica en 48 millones de euros.

Patterson ya había vendido engañosamente esta gran pieza a un ciudadano alemán, como un monumento arqueológico de origen mexicano, por lo que el Alemania inició una investigación penal en su contra. Leonardo Augustus Patterson, en virtud de su edad avanzada, recibió sólo una condena leve.

El INAH ha anunciado que constituirá con sus gestiones ante las autoridades alemanas para la restitución del patrimonio arqueológico auténtico que se encuentra en ese país.

Tàpies. Colección de artista

03/12/2015, La Fundació Antoni Tápies ofrece a través de esta exposición una mirada a la colección privada del artista, con obras de arte moderno occidental y del mismo autor.



Barcelona, 3 de diciembre de 2015
Iniciada a mediados de la década de 1940 en paralelo a su trayectoria profesional, la colección de Antoni Tàpies toma vuelo en la década de 1960, coincidiendo con la consolidación de su carrera artística.

Tàpies construye una colección heterogénea que incluye obras de arte occidental, así como manifestaciones artísticas de África, Asia y Oceanía, muestras de arte popular, películas, fotografías y libros, una colección que abarca un período histórico amplio, del Egipto y la Mesopotamia de la antigüedad hasta el arte occidental del siglo xx, de las primeras vanguardias al neo-expresionismo alemán.

La colección documenta los intereses y afinidades del artista, y establece una red de relaciones con su trabajo.

Tàpies. Colección de artista ofrece una mirada a unas veinte obras de arte moderno occidental y unas cuarenta obras de Tàpies. El recorrido se inicia con las obras de artistas que se encuentran en la base de su formación, tales como Paul Klee, Joan Miró y Max Ernst, y Pablo Picasso, Kurt Schwitters, Vassili Kandinsky, Marcel Duchamp y Hans Arp, artistas por los que Tàpies se sentía atraído.
A continuación se presenta una selección de obras de artistas coetáneos con quienes está vinculado por un sentimiento de afinidad, tales como Jean Dubuffet o los artistas norteamericanos Franz Kline, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Sam Francis y Robert Motherwell.
Esta sección se acompaña de cartas, fotografías, invitaciones, catálogos y libros y escritos de referencia de Max Ernst, o Marcel Duchamp, entre otros. 

El itinerario continúa con las obras de Tàpies. El periodo de formación está representado por una selección ecléctica de obras de 1945 a 1951, con sus primeras obras, cargadas de simbolismo y de reminiscencias nórdicas (sobre todo de Munch), pasando por aquellas de inspiración surrealista, hasta las que representan paisajes lunares, donde los procedimientos de composición y color son cercanos a algunas imágenes de Klee y Miró.

La muestra también incluye una selección de obras matéricas que inauguran la producción de madurez de Tàpies, a mediados de la década de 1950, que se caracterizan por su apariencia de muro, por la densidad de las texturas y por el uso de un número muy reducido de colores, entre los que destacan el gris, el ocre y el marrón.
La exposición continúa con una representación de obras de las décadas de 1970 y 1980, en las que las pinturas cargadas de materia conviven con unas obras de superficies casi vacías donde el barniz es el protagonista.

La exposición pone de manifiesto muchos de los temas recurrentes en la obra de Tàpies, y que se repiten en diferentes momentos creativos. Los muros que sugieren el paso del tiempo; el paisaje; las partes del cuerpo fragmentado; el objeto cotidiano que representa las cosas sencillas y pobres; la influencia de las filosofías orientales; y la importancia de profundizar en el conocimiento que evoca la imagen de la escalera. Temas que ejemplifican las preocupaciones que Tàpies fue desgranando con su obra en un intento de explicar a través del arte la forma en que entendía el mundo.

La muestra va acompañada de la proyección del documental inédito de Maria Lluïsa Borràs Antoni Tàpies, realizado en 1981, y que ofrece un repaso por la obra del artista y sus referentes artísticos, literarios y culturales, y el contexto histórico y personal.

Tàpies. Colección de artista
Hasta el 10 de enero de 2016
Fundació Antoni Tápies


Parque Nacional Phong Nha-Ke Bang

02/12/2015, Vietnam es un país con importantes sitios de la UNESCO, uno de ellos es el Parque Nacional Phong Nha-Ke Bang, Patrimonio Mundial desde 2003, cuya extensión se ha ampliado notablemente en 2015.



París. 2 de diciembre de 2015
El ámbito de este Patrimonio Mundial alcanza 126.000 hectáreas y limita con la reserva natural laosiana Hin Namno. Se halla en el centro de las montañas Annamitas y en la provincia de Quang Binh, a unos 400 kilómetros al sur de Hanói

El territorio abarca interesantes paisajes kársticos de gran interés geológico, con abundantes grutas y corrientes subterráneas, así como una rica selva tropical de gran biodiversidad, con multitud de especies endémicas.

En 2015, la extensión del área definida como Patrimonio Mundial aumentó un 40 por ciento lo que asegura una mayor protección e integridad para los paisajes de piedra caliza, uno de los espacios kársticos mayores del mundo.

En este territorio habitan casi 400 especies de vertebrados, de ellos 113 mamíferos entre ellos el tigre, varios primates, en rarísimo saola, especie bovina de la montaña, y el bello gato dorado asiático. Hay más de 300 especies de aves, numerosos reptiles y 259 especies de mariposas… Muchos de estos animales son endémicos en Vietnam y se hallan entre los situados en la lista de la fauna en peligro de extinción. 

Phong Nha - Ke Bang está considerado como uno de los sistemas naturales más diversos del mundo y posee también una extraordinaria flora que incluye unas 400 especies endémicas de Vietnam.

El espacio delimitado como Sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO cuenta como una zona de amortiguación de 220.055 hectáreas, en la que destacan espacios boscosos que protegen la integridad. Sin embargo, La UNESCO ha advertido de problemas que afectan al territorio, especialmente la caza furtiva y la extracción ilegal de productos forestales. Además destaca que la calidad y biodiversidad del espacio podrían verse amenazadas por los nuevos desarrollos turísticos no controlados, en particular los proyectos de construcción de un teleférico y vías de acceso.

Página web del parque:
http://phongnhakebang.vn/en

Retratos del Prado en el Musée Ingres

02/12/2015, El Musée Ingres de Montauban presenta un recorrido por el género del retrato en España a través de once brillantes ejemplos procedentes de la colección del Museo del Prado.



Montauban (Francia), 2 de diciembre de 2015
El retrato español en el Museo del Prado permite a los visitantes acercarse a este género, uno de los mejor representados en la colección del Museo, con una selección de magníficas pinturas, muchas de las cuales nunca antes se habían presentado en Francia.

Unidos por un tema común estos maravillosos ejemplos nos muestran una imagen de la sociedad española desde el siglo XVI hasta principios del siglo XX, bajo el prisma de algunos de los más prestigiosos artistas españoles: Juan Carreño de Miranda, Velázquez, Vicente López Portaña, Federico de Madrazo y Sorolla entre otros.

Desde un planteamiento cronológico, la exposición se inicia con uno de los más intensos y originales retratistas del siglo XVI, El Greco, y continúa con varios ejemplos del retrato cortesano en tiempos de los primeros Austrias. 

El máximo esplendor del género está representado en la muestra por el retrato de María de Austria, reina de Hungría, ejemplo del gusto artístico de la Corte de Felipe IV elaborado por Diego Velázquez. También destaca la presencia de uno de los retratos más inquietantes de la colección del Museo del Prado, el de Eugenia Martínez Vallejo, de Juan Carreño de Miranda.

El cambio de siglo marca el establecimiento de la dinastía de los Borbones en el trono de España. Con ellos se implantan en el género del retrato nuevas costumbres y destacan artistas de reputación europea, entre ellos, el bohemio Antón Rafael Mengs, marca las nuevas pautas del clasicismo académico. Pero, el mayor ímpetu artístico de todo el siglo XVIII está representado en la muestra por el retrato del General Ricardos, obra de Goya que en esta obra maestra expresa lo más esencial de la gestualidad de la Ilustración. Vicente López, por su parte, se convierte en el retratista más valorado en la Corte absolutista de Fernando VII, gracias a sus obras de gran contundencia plástica y aduladoras. 

La pareja de retratos del matrimonio de Jaime Girona y de su esposa, Saturnina Canaleta, inmortalizados por Federico de Madrazo, recogen lo más genuino de la tradición española del retrato para incorporarlo a las corrientes internacionales del gusto romántico. En esta pareja de obras puede verse con nitidez el peso de los modelos ejercido por Ingres en España.

La exposición cierra con el retrato de María Figueroa vestida de Menina, de Joaquín Sorolla, reflexión consciente sobre el pasado pictórico español y sobre la estimación de Velázquez como maestro ideal de la noción de realismo, en los albores del siglo XX, a través de uno de los iconos más consolidados del arte español.

El retrato español en el Museo del Prado
Musée Ingres
04 Dic 2015 - 03 Abr 2016

Hércules en su clava, recuperado

01/12/2015, Con motivo de la recuperación de los jardines del Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente se encontró en 2014 una escultura de Hércules. Ahora, la obra ha sido restaurada.



Madrid, 1 de diciembre de 2015
Confeccionada en un solo bloque de material calizo, Hércules apoyado en la clava, se puede contemplar en la Sala de Presentación de Colecciones –antiguo Gabinete de Estucos- del Palacio Real de Madrid desde el pasado 24 de noviembre de 2015.

Esta escultura de mármol del siglo XVII fue probablemente realizada bajo el reinado de Felipe III por un artista genovés anónimo y debió de decorar los jardines del Palacio de Aranjuez. Con un peso que alcanza casi los 400 kilogramos, la escultura presentaba a su llegada a Patrimonio Nacional (en diciembre de 2014), un aspecto notablemente deslustrado debido a su prolongada exposición al aire libre en un entorno polucionado.

Entre los signos destacaban el oscurecimiento de la superficie, la degradación del cromatismo original y una acusada pérdida de los contornos. Con la intención de recuperar la unidad estética de la obra, su equilibrio cromático y estructural se realizó un tratamiento para reparar las superficies originales y las grietas y fracturas consecuencia del paso del tiempo y de su ubicación.

La intervención restituye la unidad estética de la obra, su armonía y equilibrio. 

Hércules en la iconografía española
La figura de Hércules ha estado asociada históricamente a la Monarquía hispana desde tiempos del emperador Carlos V. Su figura aparece reflejada en estatuas, medallas, bustos, utensilios de bronce, decorando palacios y jardines...

Esta escultura representa a Hércules de pie y cuerpo entero, desnudo, con barba y el pelo rizado. En su mano derecha sostiene tres manzanas y su brazo izquierdo se dobla, apoyado en la clava, desde donde cae la piel del león.
Hércules era un semidios, hijo de Zeus, un dios caprichoso que solía tener escarceos amorosos con bellas mujeres mortales. En esta escultura se puede ver a Hércules tras haber realizado dos de las 12 pruebas que le ordenó superar el rey Euristeo. Estas hazañas sirvieron de inspiración para representar al semidios en diversas actitudes.

Prostitución y arte en el Museo d`Orsay

01/12/2015, La exposición "Esplendores y miserias. Imágenes de la prostitución" muestra la importancia del tema de la prostitución en la producción artística del siglo XIX.



París, 1 de diciembre de 2015
"Pierreuses" prostitutas que ejercen clandestinamente en descampados, chicas "con tarjeta" que ofrecen sus servicios en espacios públicos, "verseuses", que fomentan el consumo de alcohol, pensionistas de prostíbulos, cortesanas que reciben a sus admiradores en lujosos palacetes... En el siglo XIX, la prostitución adopta múltiples rostros.

En París, entre el Segundo Imperio y la Belle Epoque, la prostitución se afirma como tema, en obras vinculadas con corrientes tan diversas como el academicismo, el naturalismo, el impresionismo, el fauvismo o el expresionismo. La ciudad se encuentra entonces en plena metamorfosis, ofreciendo a los artistas nuevas ubicaciones (salones de la alta sociedad, palcos de óperas, prostíbulos, cafés, bulevares…) que observar y que representar. 

Splendeurs et misères. Images de la prostitution, 1850-1910 es la primera exposición dedicada al tema de la prostitución por el Museo d`Orsay. Un tema controvertido que, a través de esta exposición nos muestra cómo los artistas franceses y extranjeros, encontraron y desarrollaron nuevos medios pictóricos para representar realidades y fantasías inherentes a la condición humana.

Entre la fascinación y la repulsión, prostíbulos y escenários sombríos se convirtieron en fuente de inspiración para pintores, diseñadores, fotógrafos, cineastas y escritores. Desde las ilustraciones de Gil Blas, pasando por la Olimpia de Manet, L'Absinthe de Edgar Degas, y hasta llegar a las Damiselas d'Avignon de Picasso, los pintores modernos se enfrentaron al reto de representar todas las caras de la prostitución, reflejando a prostitutas y cortesanas en imágenes llenas de sensualidad y en ademanes que destacan por su absoluta falta de pudor.

La figura de la prostituta
Figura ineludible en la literatura, las artes y la prensa del siglo XIX, la prostituta es expresión de las fantasías masculinas. El Oriente, la Grecia y la Roma de la Antigüedad son decorados a los que se recurre con frecuencia, para poner en escena cuerpos desnudos en poses lascivas.

En el registro alegórico, la mujer venal encarna los defectos de toda una sociedad. La figura corruptora y amenazadora de la Gran Prostituta resurge en el siglo XIX, cuando se califica París de "nueva Babilonia". 

En una época en pleno auge del pudor y la decencia, las prostitutas son modelos ideales, pues son las únicas mujeres dispuestas a mostrar su sexo y prestar su cuerpo, para experiencias físicas y ficciones visuales.

El París del placer
La prostitución, prohibida a la luz del día, está autorizada para las chicas con tarjeta cuando cae la luz, en el momento en que se encienden las farolas. Prostitutas de baja categoría o destacadas cortesanas ponen de relieve sus encantos gracias al brillo mágico de las farolas. Al exhibirse ante la mirada de los paseantes, la prostitución se hace visible de noche, invadiendo el espacio público.

La prostitución callejera se organiza principalmente alrededor de los cafés. Las terrazas son emplazamientos estratégicos para aquellas que buscan clientes, visibles a la vez desde el interior del establecimiento y desde la calle. A "la hora de la absenta", al finalizar la tarde, esperan la llegada de los clientes, sentadas en una mesa delante de una copa de alcohol y con un cigarrillo en la mano.

Incluso después de su desaparición, los burdeles siguen siendo objeto de fascinación. La exposición hace una incursión en estas grandes "casas de la tolerancia", en las que la carne y la voluptuosidad fueron esbozadas por artistas como Munch. El burdel es una especie de laboratorio para los artistas en busca de temas modernos y de una renovación del tratamiento del desnudo femenino. 

Toulouse-Lautrec proporciona, como nadie, un rostro a las prostitutas de su época. En 1893 y 1894, el artista comparte la intimidad de las "chicas" de las casas de la rue d’Amboise y de la rue des Moulins, representando un modo de vida tranquilo aunque melancólico.

En el último tercio del siglo XIX, con la liberalización del comercio de lugares de venta de bebidas, el número de prostíbulos va disminuyendo y se multiplican las "cervecerías de mujeres", donde las insinuantes "verseuses" hacen que los clientes beban hasta perder en ocasiones el sentido.

Los cafés-concierto y cabarets también son focos de prostitución que representan artistas como Toulouse-Lautrec o Forain. En el escenario actúan mujeres de diversos talentos.

Frecuentada por la alta burguesía y la aristocracia, la Ópera es el teatro de una prostitución de alto copete. La sala de la Ópera de la rue Le Peletier y posteriormente del Palais Garnier es propicia para los encuentros venales, durante el periodo del carnaval cuando se celebran grandes bailes de disfraces.

Splendeurs et misères. Images de la prostitution, 1850-1910
Hasta el 17 de enero de 2016
Museo d`Orsay


La pasión grequiana de Picasso

30/11/2015, El Museu Picasso de Barcelona expone Caballero anciano de El Greco, perteneciente a la colección del Prado y que se presenta junto con más de 30 piezas de inspiración grequiana de su colección.



Barcelona, 30 de noviembre de 2015
Durante su estancia en Madrid entre 1897 y 1898, Picasso tuvo la oportunidad de estudiar la obra de El Greco en sus visitas al Museo del Prado. De vuelta en Barcelona, en el círculo de Quatre Gats entró en contacto con Rusiñol, Utrillo y Zuloaga, admiradores, coleccionistas y defensores de la obra del artista. Es en este período cuando Picasso, inspirado en El Greco, realizó diversos dibujos y pinturas en las que se refleja su admiración por el artista, una admiración que se mantuvo a lo largo de su vida y se puso de manifiesto especialmente en períodos como la época azul, los inicios del cubismo y los años sesenta, cuando Picasso dirige su mirada hacia el Siglo de Oro español.

Fruto de un intercambio de obras, el Museu Picasso expone hasta el próximo 17 de enero de 2016 el retrato "Caballero anciano de El Greco", la obra se presenta junto con más de 30 piezas que forman parte de la colección del Museu Picasso, y que muestran la influencia del artista o fueron realizadas como homenaje a su obra. 

El retrato Caballero anciano es un óleo fechado entre 1587-1600. Esta obra responde a una tipología poco frecuente, la del busto corto, en la que el retratado se encuentra frente al espectador, enfrentado directamente a él. En este tipo de retrato los elementos retóricos (vestimenta, escenario, gestualidad...) se reducen al máximo en un ejercicio de austeridad que encumbra a El Greco en su condición de retratista.

De Picasso destaca la obra Retrato de hombre con gorguera, un grabado de 1962 en el que el artista estiliza el rostro del personaje y hace suya la composición y sobriedad típica de los retratos de El Greco.

La pasión grequiana de Picasso
Museu Picasso de Barcelona
Hasta el 17 de enero de 2016

Pintura española en el Hermitage

27/11/2015, El Museo Hermitage presenta la exposición "Maestros españoles del Hermitage. El mundo de El Greco, Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo y Goya".



27 de noviembre de 2015
Del 28 de noviembre al 29 de mayo de 2016 se puede visitar en el Hermitage una esperada muestra que incluye más de sesenta obras maestras. Esta exposición ofrece la oportunidad única de nunca contemplar una amplia selección de pinturas de artistas españoles de la talla de Ribera, Zurbarán, Velázquez o Goya, apenas representados en colecciones de museos holandeses.

La exposición cuenta con piezas como los Apóstoles Pedro y Pablo (1587/92) de El Greco, retrato de Velázquez del Conde Duque de Olivares (c. 1638), de Murillo se puede ver una Inmaculada Concepción (c. 1680) y de Goya el Retrato de la actriz Antonia Zárate (1810 a 1811), además de pinturas de sus alumnos y pintores posteriores, incluyendo a Picasso.

Juntas, estas obras de arte cuentan la historia del ascenso y la gloria del arte español en el Siglo de Oro, que seguirá influyendo en la historia del arte en los tiempos modernos. 

La Edad de Oro de España
La Edad de Oro de la pintura española comenzó a finales del siglo XVI y floreció durante el siglo XVII, coincidiendo con el Siglo de Oro holandés. Felipe II, un monarca absoluto en una sociedad dominada por la Iglesia Católica, encargó la construcción de El Escorial en 1563. El enorme palacio-monasterio fue decorado por grandes maestros españoles e italianos.

Una ingente cantidad de riquezas llegaba a España, en gran medida proveniente del periodo de la fiebre del oro colonial del país, ayudó a que los pintores tuvieran gran demanda de obras de arte por parte de la realeza, la Iglesia y los coleccionistas privados. De esta manera, el arte español floreció alcanzando un esplendor inigualable. 

Las obras de los grandes pintores españoles son excepcionales por su exquisita convergencia de lo espiritual y lo teatral. Influenciados por los artistas italianos, pintores como El Greco, Ribera y Zurbarán desarrollaron un estilo singular marcado por fuertes contrastes de luz y oscuridad. Sus obras rezuman el temperamento y el orgullo de la Península Ibérica. Velázquez, en particular, añadió su propia firma a ese estilo y llegó a nuevas alturas. Goya, un talento igual de imponente, siguió sus pasos con su realismo crudo y alegórico. Goya es también famoso por sus aguafuertes dramáticos, que representan los horrores de la ocupación napoleónica de España.

Los artistas de los siglos XIX y XX continuaron la tradición, representando en sus obras los fuertes contrastes de la sociedad, y reflejando tanto la cultura española bañada por el sol como los lados oscuros de su historia.

Maestros españoles del Hermitage. El mundo de El Greco, Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo y Goya
Del 28 de noviembre de 2015 al 29 de mayo de 2016
Museo Hermitage Amsterdam


Montañas Azules de Jamaica

27/11/2015, La UNESCO incluyó en 2015 entre su listado de sitios del Patrimonio Mundial un ámbito espectacular y de gran riqueza biológica: las montañas Azules y montes de John Crown, en Jamaica.



París, 27 de noviembre
Con algo más de 26.000 hectáreas, este sitio abarca una región montañosa accidentada y extensa de bosque en el sudeste de Jamaica.

Se trata de una zona en la que hallaron refugio tanto los taínos indígenas como los llamados cimarrones, esclavos africanos huidos del sistema colonial y que en esta región aislada sobrevivieron mediante el aprovechamiento del territorio y de una red de senderos, escondites y asentamientos, desarrollando una gran vinculación espiritual con las montañas, que aún se manifiesta a través del legado cultural inmaterial, ritos, medicina y danzas tradicionales. 

El sitio es también un tesoro de biodiversidad de las islas del Caribe, con una alta proporción de especies endémicas de plantas, especialmente los líquenes, musgos, orquídeas, bromelias y otras magnificas especies de flores; así como interesantes muestras de anfibios y aves, entre ellas el raro mirlo jamaiquino.

También alberga una gran colección de raras mariposas, como la Homero (Papilio Homero) de hasta 15 centímetro de envergadura y tonos negros y dorados. 

El territorio incluye el parque nacional Montes Blue y de John Crown que aglutina el 4,5 por ciento de la superficie de la isla y que recoge una inmensa biodiversidad.

Este sitio es el primero de Jamaica que se incluye en el listado del Patrimonio Mundial, y el único de tipo Mixto –que abarca los aspectos de índole natural y cultural- en el ámbito del Caribe.

Página web sobre el Parque Nacional:
http://www.blueandjohncrowmountains.org/ 

Lista Roja de la UICN

25/11/2015, Nueva actualización de la Lista roja de las especies de la UICN, en la que se dice que el cambio climático se presenta como la mayor amenaza para la supervivencia del oso polar.



Gland, Suiza, 25 de noviembre de 2015
La Lista Roja de la UICN - Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza- incluye actualmente 79.837 especies evaluadas, 23.250 de las cuales están amenazadas de extinción. En ella se acusan varios elementos como causa del decvlive: el cambio climático, la degradación de los ecosistemas y la sobreesplotación de los mismos.

La nueva reevaluación del oso polar (Ursus maritimus) utilizó los datos más recientes acerca de la capa de hielo y las subpoblaciones, así como simulaciones informáticas y modelos estadísticos, para proyectar cambios potenciales del tamaño de las subpoblaciones de la especie a causa de los cambios en la capa de hielos marinos. Es la evaluación más completa de estos datos que se ha realizado hasta la fecha. Los resultados muestran que existe una alta probabilidad de que la población global de osos polares disminuya en más del 30% en los próximos 35 a 40 años. La evaluación confirma la actual clasificación del oso polar (Vulnerable) en la Lista Roja de la UICN. 

Estudios recientes muestran que la desaparición de los hielos del océano Ártico avanza mucho más rápido que lo previsto por la mayoría de los modelos climáticos; la cobertura de hielo en el mes de septiembre ha sufrido una reducción lineal del 14% por decenio entre 1979 y 2011. Dado que los osos polares dependen de la capa de hielo para tener acceso a sus presas, un período anual de cinco meses o más libres de hielo provocará un ayuno prolongado para la especie, lo cual puede causar trastornos reproductivos y hambruna en ciertas zonas.

Según proyecciones recientes relativas a la capa de hielo, extensas regiones del archipiélago ártico canadiense estarán libres de hielo durante más de cinco meses por año a fines del siglo XXI, y en otras partes del Ártico puede alcanzarse dicho umbral de cinco meses a mediados del siglo XXI. El aumento de las temperaturas en la región puede asimismo reducir el hábitat y aumentar la incidencia de enfermedades de las especies presa, como las focas, elevando así aún más el riesgo para los osos polares. 

Los osos polares son importantes para los medios de subsistencia de los pueblos indígenas y, como depredadores situados en la cúspide de la cadena alimenticia, desempeñan un papel esencial en el mantenimiento del equilibrio de los ecosistemas en la región ártica. Se suman a la pérdida de la capa de hielos otros riesgos, tales como la contaminación, la exploración de recursos y los cambios en el hábitat inducidos por el desarrollo. La explotación petrolífera en el Ártico, por ejemplo, conlleva una amplia gama de amenazas, desde los derrames de petróleo hasta una mayor interacción entre los osos y los seres humanos.

En esta actualización se han evaluado 29 especies de hongos, lo que aumenta a más del doble el número de hongos que figuran en la Lista Roja de la UICN. Las principales amenazas que afectan a estas especies son la destrucción y degradación del hábitat, principalmente a raíz de cambios en las prácticas de uso del suelo. La colorida especie Leptonia carnea, clasificada en la categoría Vulnerable, ocurre solamente en los bosques costeros de secoya de California (Estados Unidos). Los cambios climáticos en California – mayor sequía y menos niebla – impactan en el hábitat. La tala continua de la secoya (Sequoia sempervirens), clasificada como En peligro, constituye otra importante amenaza para el hongo.



Los hongos proporcionan servicios ecosistémicos esenciales que sustentan la fauna y la flora. Tienen una relación simbiótica con el 80% de todas las plantas y son un componente crucial del aparato digestivo de rumiantes tales como los bovinos y ovinos. También tienen mucha importancia para los seres humanos en tanto alimentos y medicinas. El antibiótico Penicilina se deriva del hongo Penicillium, y actualmente la mayoría de los antibióticos y de las estatinas (utilizadas comúnmente para reducir el colesterol sanguíneo) se derivan también de hongos. Estos sirven asimismo para la fabricación de pan, cerveza, vino, quesos y muchos otros productos alimenticios.

Esta actualización de la Lista Roja de la UICN revela también que la degradación de hábitats costeros vulnerables, la contaminación, la explotación excesiva y las prácticas de pesca destructivas conllevan riesgos de extinción para muchos peces óseos marinos del Atlántico Centro-Oriental y de la región del Gran Caribe, con el pez león, una especie invasora, ejerciendo aún más presión en el Caribe. La evaluación global de los 1400 peces óseos marinos, que incluye peces de zonas costeras y de alta mar en el Atlántico Centro-Oriental, desde Mauritania hasta Angola, muestra que el 3% están amenazados de extinción. El granadero (Coryphaenoides rupestris) se encuentra En Peligro Crítico a causa de su explotación excesiva. En el Caribe, se evaluaron 1340 especies, el 5% de las cuales están amenazadas de extinción, incluyendo el blanquillo camello (Lopholatilus chamaeleonticeps), el más grande de los blanquillos, clasificado en la categoría En Peligro. Esta especie es de importancia comercial y puede alcanzar hasta 1,25 m de longitud. Su población ha disminuido en un 66% en 48 años a causa de la sobrepesca.

Los peces óseos marinos son el grupo de peces más grande y revisten una gran importancia ecológica y económica. La pérdida de estas especies plantearía una grave amenaza para la seguridad alimentaria y los medios de subsistencia de más de 340 millones de personas en estas regiones. Teniendo en cuenta que la población humana, según las estimaciones, se duplicará en los próximos 20 a 25 años, estos nuevos datos se utilizarán para guiar la gestión de la pesca y las prioridades de conservación en estas regiones, incluyendo la identificación de áreas prioritarias que requieren medidas de conservación. 

En total, 24 especies recientemente evaluadas por primera vez y clasificadas en la categoría En Peligro Crítico se consideran como posiblemente extintas, principalmente a causa de amenazas vinculadas a especies invasoras y destrucción de los hábitats. Cyanea kolekoleensis (llamada en idioma hawaiano Haha), una especie de planta nativa de la isla de Kauai, Hawái, se clasifica como En Peligro Crítico/(Posiblemente Extinta). Su hábitat está amenazado por cerdos y por varias especies de plantas invasoras, y no se la ha avistado desde 1998. Once especies de orquídeas que se hallan solamente en Madagascar se encuentran en la categoría En Peligro Crítico / (Posiblemente Extinta), incluyendo entre otras a Bulbophyllum tampoketsens, amenazada por la recolección ilícita y la deforestación. El sapo de Pefaur (Telmatobius pefauri) está clasificado En Peligro Crítico/(Posiblemente Extinto) puesto que no se lo ha avistado desde 1976. Esta especie está amenazada por la extracción de agua para usos humanos y para la ganadería; también puede verse afectada por el pisoteo del ganado en los arroyos que constituyen su hábitat, según los expertos.

Johanna Calle. Silentes

25/11/2015, El Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá presenta, hasta el 7 de febrero de 2016, una exposición dedicada a la artista Johanna Calle.



Bogotá, 25 de noviembre de 2015
Johanna Calle (Colombia, 1965) estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes y luego realizó una Maestría en el Chelsea College of Art de Londres. A lo largo de treinta años, la producción de esta artista ha ido configurando una poética muy personal.

Su trabajo entronca con la tradición del dibujo expandido latinoamericano que utiliza materiales y procesos con gran libertad, e incorpora materiales como el alambre, el hilo, y soportes como el papel fotográfico o el cartón. La artista realiza dibujos perforando, proyectando formas, mecanografiando textos; buscando un nuevo orden de significación para materiales y técnicas y ampliando así la noción de dibujo.

La temática de su producción surge de la realidad latinoamericana en la que la artista, encuentra cuestiones en las que desea ahondar. Calle investiga durante largo tiempo, consulta fuentes y verifica datos, para después, traducir sus investigaciones en series de dibujos en las que la ejecución, los materiales y los procesos, no solo dan el tono y el ritmo de la imagen, sino que, como la imagen poética, condensan significados. Cada elemento evoca y reverbera la esencia de la historia que quiere contar.

El dibujo es para Johanna Calle un lenguaje que le permite expresar, desde un punto de vista personal y crítico, la perplejidad, la disconformidad o el comentario frente a ciertos hechos sociales.

Johanna Calle. Silentes. 1985-2015
Museo de Arte del Banco de la República
Hasta el 7 de febrero de 2016


Miquel Barceló gráfico

24/11/2015, La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid presenta, en el espacio de Calcografía Nacional, una exposición dedicada a la obra gráfica del artista catalán Miquel Barceló.



Madrid, 24 de noviembre de 2015
La exposición de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ofrece un recorrido por las diferentes etapas de la creación gráfica de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957).

Barceló recibió en 2014 el Premio Nacional en reconocimiento a la trayectoria y aportaciones en arte gráfico, convocado por Calcografía Nacional.

La propuesta estética del artista catalán pertenece a la generación de la década de 1980, y se sitúa entre la tradición figurativa y el expresionismo contemporáneo. Este pintor y dibujante, dinámico y multidisciplinar, investigó a través de su obra las posibilidades sintácticas y matéricas del arte gráfico, actividad que compaginó con su interés por la escultura, la cerámica o el cine.

Su capacidad polifacética encuentra su máxima expresión en obras monumentales como su intervención en la catedral de Mallorca o la cúpula de la sala de los Derechos Humanos de la ONU.

Sobre Barceló
En 1975 comienza a estudiar Bellas Artes en Barcelona. Abandona los estudios oficiales para iniciar una carrera pictórica independiente. A finales de los años 1970 presenta sus primeras obras próximas al espíritu conceptual.

Tras irrumpir en la escena internacional en la Bienal de Sâo Paulo de 1981 y en la Documenta VII de Kassel en 1982, la carrera de Miquel Barceló se afianza cada vez más como modelo contemporáneo de artista que liga su actividad con la gran tradición de la pintura occidental desde el Barroco.

Desde mediados de los ochenta sus frecuentes viajes a África Occidental alimentan su imaginario de figuras y mitos. El artista expone en importantes museos y galerías de Europa y Estados Unidos hasta convertirse en uno de los artistas españoles más valorados en el panorama internacional.

Miquel Barceló se adscribió desde sus comienzos a la corriente expresionista de recuperación de la pintura, a la que imprimió un sello inequívoco de mediterraneidad. Sus primeras obras de madurez se centraban en la intimidad del artista y el acto de pintar.

Posteriormente amplia su campo temático a las naturalezas muertas o a las imágenes de bibliotecas y museos, en las que plasma su interés por la historia de la pintura, así como a paisajes saturados de flora y fauna terrestre y marítima. Paralelamente produce obra escultórica como cerámica.

Especial importancia tienen sus dibujos, organizados como diarios de viaje, en los que realiza una exploración paralela del territorio y de los materiales de la pintura.

Cubismo en el MBAG

24/11/2015, Hasta el 29 de febrero de 2016 se presenta la Colección Cubista de Telefónica en el Museo de Bellas Artes de Granada.



Granada, 24 de noviembre de 2015
El cubismo, uno de los movimientos centrales de las vanguardias artísticas del siglo XX, fue fundado en París a finales de la primera década del siglo XX por Braque y Picasso.

Este revolucionario modo de pintar se basa en un intenso trabajo de deconstrucción de la realidad, en el que destacan la renuncia a la perspectiva convencional, la ausencia de detalles y la geometrización de las formas.

El cubismo cambió para siempre la forma de plasmar la naturaleza de los objetos cotidianos y condujo a una nueva manera de contemplar las obras de arte en la que el espectador recorre formas, líneas y colores, en un ejercicio intelectual de reconstrucción.

El cubismo llegó a consagrarse como el movimiento artístico que inauguró la modernidad y no hubo un solo cubismo sino muchas variantes con un camino propio.

La exposición del Museo de Bellas Artes de Granada está compuesta por 38 obras y se articula en tres ámbitos partiendo de la obra de Juan Gris, que constituye el núcleo central de la colección. Continúa con la obra de otros artistas contemporáneos que trabajaron en París (Gleizes, Metzinger, Marcoussis, Lhote, Valmier, María Blanchard...) y finaliza con la expansión internacional del movimiento presentando la participación de artistas españoles y latinoamericanos.

Formada en torno a la obra de Juan Gris, la Colección Cubista de Telefónica propone una visión complementaria a la de la historiografía tradicional, con Georges Braque y Picasso como creadores del movimiento. 

Juan Gris
Para Juan Gris, el cubismo no era un procedimiento pictórico sino una estética, un estado de espíritu que impregnaba su visión de la modernidad. El artista tiene una gran representación en la colección, con piezas que van desde la primera década del siglo XX (caracterizadas por la fragmentación de la imagen, el cromatismo contenido y la geometrización rigurosa de las formas), hasta sus obras de los años veinte (matizadas de color, más líricas y naturalistas). Juan Gris busca siempre el diálogo entre pintura y poesía. Inventor de las rimas plásticas, sus lienzos esconden juegos simbólicos, correlaciones de formas y figuras que otorgan plasticidad y sensualidad a sus obras. 

El movimiento cubista en París
A partir de 1910 otros pintores se sumaron al movimiento. Algunos adoptan la estética cubista desde primera hora como Lhote o Gleizes y Metzinger, otros se incorporan más tarde como María Blanchard que lo hizo por un breve pero intenso periodo en el que creó una serie de bodegones de gran pureza geométrica.

La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Durante esos años el color se vuelve más intenso y las formas se adornan, la geometría se suaviza y va aumentando la sensación espacial y la profundidad de las composiciones.

En la posguerra, sólo Juan Gris siguió trabajando el cubismo más o menos ortodoxo. El resto se fue acercando de nuevo a la figuración, si bien con cierta influencia constructiva cubista. 

La deriva internacional: España y Latinoamérica
El cubismo tuvo un papel principal en la modernización del arte latinoamericano. En la muestra se pueden ver ejemplos de artistas como Rafael Barradas, Xul Solar, Rego Monteiro, Torres-García o Vicente Huidobro.

Otros artistas que reinterpretaron el lenguaje cubista son los españoles Daniel Vázquez Díaz y Manuel Ángeles Ortiz. Estas derivas muestran que el cubismo fue más allá del año 1920, y que su identidad no puede reducirse a una sola fórmula pues su capacidad de transformación lo convirtió en un legado estético que ha perdurado en el tiempo.

El Antiguo Egipto, en el MET

23/11/2015, El Museo Metropolitano de Nueva York presenta una completa exposición dedicada al Imperio Medio, con muchos objetos nunca antes mostrados en los Estados Unidos.



Nueva York, 23 de noviembre de 2015
El Imperio Medio fue una época en la que las ideas y conceptos que formaron la base de la antigua civilización egipcia se transformaron drásticamente, lo que provocó la creación de maravillosas obras de arte que, miles de años después de su creación, nos permiten acercarnos a un tiempo pasado y descubrir una civilización única y siempre fascinante.

La reunificación del antiguo Egipto alcanzada por el primer faraón del Imperio Medio, Nebhepetre Mentuhotep II, fue seguida de un gran florecimiento cultural que duró casi 400 años. Durante el Imperio Medio (mediados de la dinastía 11 y la dinastía 13, alrededor de 2.030 a 1.650 aC), tradiciones artísticas, culturales, religiosas y políticas concebidas e instituidas durante el Imperio Antiguo se reavivaron y reimaginaron. 

Esta época de transformación se representa a través de 230 objetos en esta gran exposición organizada por el MET. Desde esculturas monumentales de piedra a delicados ejemplos de joyería, las obras de arte provienen de la colección del Metropolitan, y de treinta y siete prestamistas de América del Norte y Europa.

La exposición cuenta con notables objetos tales como los modelos funerarios de la tumba de Meketre, los relieves de los complejos de pirámides de Amenemhat I y Sesostris I, las joyas de la princesa Sithathoryunet, y las esculturas de los reyes Nebhepetre Mentuhotep II y Sesostris III. Muchos de estos objetos proceden de las excavaciones del Met en los sitios de Lisht y en Tebas, realizadas entre 1906 y 1936.

Antiguo Egipto transformado: El Imperio Medio
Metropolitan Museum of Art
Hasta el 24 de enero 2016


Retrospectiva de Andrzej Wróblewski

20/11/2015, El Museo Reina Sofía presenta una exposición sobre Andrzej Wróblewski, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX.



Madrid, 20 de noviembre de 2015
La confrontación abstracción-realismo o imaginación artística-compromiso social polarizó gran parte de la historia del arte del siglo XX. Andrzej Wróblewski (1927-1957) imaginó el universo libre de la abstracción biomórfica a la vez que documentó figurativamente el sufrimiento existencialista ante la Segunda Guerra Mundial.

El Museo Reina Sofía presenta en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro la exposición Verso / Reverso, de Andrzej Wróblewski, la primera gran retrospectiva que se realiza de Andrzej Wróblewski fuera de Polonia. La muestra se compone de alrededor de 150 obras y abarca dos fases de su trabajo: sus inicios (1948-1949), cuando el artista trató de establecer su propio lenguaje pictórico; y su última época: cuando tras un período de fe en el realismo estalinista socialista, intenta redefinirse y comenzar desde cero (1956-1957). 

A pesar de su corta vida, Andrzej Wróblewski (1927-1957), es una figura casi legendaria en su país. Wróblewski fue un artista capaz de trabajar en los límites entre la abstracción y la figuración, de combinar la invención formal con el análisis de la vida cotidiana y de sus límites –la degradación de la guerra y de la política dictatorial– a partir de un profundo compromiso humano y político, y de crear (a pesar de morir antes de los 30 años) un amplio corpus artístico.

La muestra del Museo Reina Sofía permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética.

Andrzej Wróblewski. Verso / Reverso
Hasta el 28 de febrero de 2016
Palacio de Velázquez. Parque del Retiro


Cuando el arte revela verdades místicas

20/11/2015, El Museo Nacional de Escultura de Valladolid propone un acercamiento a la espiritualidad en el arte contemporáneo.



Valladolid, 20 de noviembre de 2015
Con motivo del V Centenario del nacimiento de Santa Teresa, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid presenta una selección de piezas realizadas por 21 artistas contemporáneos que tratan en su obra la influencia del misticismo y lo sagrado.

Nada temas explora los ecos de Teresa de Jesús como escritora, reformadora y mujer mística, a través de propuestas de artistas internacionales en las que resuena el deseo de ir más allá de lo establecido y buscar el sentido de nuestro paso por el mundo, demostrando que la fuerza de la espiritualidad, la religiosidad y lo sagrado siguen siendo hoy sustento de la creación artística.

Los artistas seleccionados son Marina Abramovic, Anila Quayyum Agha, José Ramón Ais, Pilar Albarracín, Francis Alÿs, Miquel Barceló, Louise Bourgeois, Dora García, Anish Kapoor, Waqas Khan, Kimsooja, Cristina Lucas, Bruce Nauman, Nikos Navridis, Rivane Neuenschwander, Cai Guo-Qiang, Eglė Rakauskaitė, Soledad Sevilla, Josefa Tolrà, Eulalia Valldosera y Bill Viola. En las obras se utilizan medios diversos que van desde la cerámica y el dibujo al video, la performance, las instalaciones o las intervenciones en espacios públicos. 

Santa Teresa y las imágenes
En el noveno capítulo de su Libro de la vida, santa Teresa se define como «amiga de imágenes», constatando el poder de las representaciones para facilitar la conexión con lo divino.

En una época en la que ni la sociedad ni el pensamiento sostenían el valor de las mujeres, fue una pionera luchadora que se enfrentó a dificultades de todo tipo en un constante ejercicio de aprendizaje que la hizo ir más allá de lo masculino como expresión de lo humano y amplió la conciencia antropológica al mostrar que hombres y mujeres podían hablar directamente con Dios y ser sujetos de experiencia y de saber.

La vida de Teresa de Jesús constituye un ejemplo singular de cómo combinar recogimiento interior y poder transformador. Su figura tiene alcance universal y alimenta numerosos campos del conocimiento humano, desde la literatura, la religión, la filosofía, el psicoanálisis o los estudios de género.

Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas
Museo Nacional de Escultura
Hasta el 28 de febrero de 2016


Le Brun y Versalles

19/11/2015, Del 18 de noviembre de 2015 al 14 de febrero de 2016, CaixaForum Barcelona presenta “Dibujar Versalles” una muestra sobre dibujos de Charles Le Brun.



Barcelona, 19 de noviembre de 2015
Charles Le Brun (1619-1690) fue un pintor clave en el arte francés del XVII y se le considera un artista identificado con la “grandeur” borbónica de su tiempo en la que participó en diversos ámbitos, desde la “academización” del arte galo a sus trabajos en el ornato de los palacios, especialmente el de Versalles.

Le Brun fue primer pintor del rey de Luis XIV desde 1664 hasta 1683. En 1682, Luis XIV trasladó a Versalles la corte de Francia. La ciudad se convirtió durante un siglo en el centro político y administrativo del reino. A lo largo de los veinte años anteriores, Versalles había vivido en una obra permanente que permitió remodelar el parque, multiplicar los edificios y adornar los aposentos con grandes ciclos decorativos dedicados a la gloria del monarca.

Le Brun fue responsable de planificar esta obra, a la que confirió un tratamiento orquestal, con la participación de cientos de artistas y artesanos. Le Brun elaboró personalmente algunas piezas, entre las que destacan dos grandes composiciones: la Escalera de los Embajadores y la Galería de los Espejos. 

Tres siglos y medio después de su realización, las grandes decoraciones del Palacio de Versalles no han perdido su poder de fascinación. Dibujar Versalles permite adentrarnos en el corazón de la fabricación de esas decoraciones a partir de los bocetos y dibujos preparatorios que realizó el pintor francés.

Los cartones-dibujos a escala 1:1 muestran el virtuosismo de Le Brun como dibujante, su talento para la construcción de escenas y la fuerza que les imprime. Son estudios de personajes, figuras alegóricas, trofeos y animales que se integraron en las composiciones, concebidas como grandes rompecabezas simbólicos.

El Museo del Louvre conserva una abundante colección de estos cartones y gracias a la implicación de la Obra Social ”la Caixa” en el proyecto, se ha podido llevar a cabo una importante campaña de restauración.

En CaixaForum Barcelona, la exposición está formada por 78 obras. De los 37 cartones, algunos de ellos se muestran al público por primera vez en horizontal, sin montar, como se encontraban en el propio estudio de Le Brun.

Además, se incluyen una veintena de bocetos y dibujos preparatorios, así como una serie de grabados sobre las dos estancias y el óleo El rey gobierna por sí mismo, única obra que no procede del Museo del Louvre y que ha sido cedida expresamente por el Musée National du Château de Versailles et de Trianon. 

El ocaso de los buitres

18/11/2015, La imagen de los buitres surcando los cielos africanos en busca de carroña está en declive. Seis de las once especies de buitres de África están en un mayor riesgo de extinción.



Grand, Suiza, 18 de noviembre de 2015
El dato fue recientemente divulgado por un informe de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, relativo a la evaluación del estado de la avifauna.

Según los expertos, las principales causas de la caída de las poblaciones de buitres africanos radican en las intoxicaciones indiscriminadas por los cebos envenenados, el uso de partes del cuerpo del buitre en la medicina tradicional, y la acción deliberada de los cazadores furtivos, preocupados porque la presencia de buitres puede alertar a las autoridades de la matanza ilegal de grandes animales.

Julius Arinaitwe, responsable en África del Programa de BirdLife International, entidad socia de UICN, manifestó que la rápida disminución de buitres del continente tiene profundas consecuencias para los habitantes de África, porque la ausencia de los carroñeros facilita la propagación de enfermedades, ya que los carroñeros “limpian” el medio ambiente al eliminar los cadáveres en descomposición. 

A nivel mundial, hay cuarenta especies de aves clasificadas con mayor riesgo de extinción en la Lista Roja de 2015. Además de los buitres, se incluyen varias aves zancudas, y otras especies emblemáticas como el espectacular calao de yelmo; que puebla bosques de Sumatra y Borneo; el bello periquito migrador, del entorno de Australia y Tasmania; el frailecillo atlántico, y la tórtola europea.

Por el contrario, 23 especies de aves han sido calificadas en una categoría de amenaza más baja. En algunos casos, las especies han sufrido notables recuperaciones como resultado de las acciones de conservación, incluyendo la curruca de Seychelles, el petrel de Chatham Petrel, o la gaviota de Audouin, con un creciente número de ejemplares en el Mediterráneo Occidental.

La Lista Roja de la UICN es la fuente de información más completa del mundo en el estado de conservación de las especies vegetales y animales, y se elabora en colaboración con BirdLife International.

Información adicional sobre la Lista Roja de aves 2015:

http://www.birdlife.org/worldwide/news/2015-red-list-vultures-shorebirds-and-other-iconic-species
http://www.birdlife.org/globally-threatened-bird-forums/2015/10/global-iucn-red-list-for-birds-2015-changes/

Viena imperial 2016

18/11/2015, La ciudad de Viena se prepara para conmemorar los cien años de la muerte del emperador Francisco José I, representante de un período crucial de la historia de la ciudad y de Austria.



Viena, 18 de noviembre de 2015
El emperador Francisco José I (1830-1916) ocupó el trono de la monarquía danubiana durante 68 años. Fue el penúltimo soberano de una época ambivalente, en la que se manifestó la ostentosidad imperial a la par que el declive político. En su tiempo, el extenso imperio mostró grandes signos de debilidad, incapaz de amalgamar una teoría de sociedades y naciones radicalmente distintas. Fue una época de romanticismos y aspiraciones nacionalistas que hicieron cada vez más inviable aquel anárquico conjunto de países regidos desde Viena. Frente a aquel declive, la ciudad de Viena desplegó un urbanismo espectacular, grandilocuente, apabullante. Las grandes construcciones historicistas de la Ringstrasse nos hablan de ello.

En el difícil tramo final del XIX, surgieron reacciones en todos los planos del arte y la cultura. El inicio del XX fue también duro en esta ciudad crisol de culturas y movimientos artísticos y sociales. Francisco José diría que sus desgracias eran infinitas. Además de los problemas territoriales, el gobernante perdería a su heredero, suicidado por un asunto pasional; a su esposa Sisí, asesinada en Suiza por un terrorista italiano; a su hermano Maximiliano, fusilado en México, y finalmente a su sobrino el archiduque Francisco Fernando de Austria, heredero del imperio, asesinado en Sarajevo en 1914. Este hecho seria el que acabaría generando la Primera Guerra Mundial, punto final del imperio austriaco. El emperador morirla en 1816, sin ver cómo en 1918 la derrota acabaría con el imperio y la monarquía de los Habsburgo.

En definitiva, un tiempo duro, pero también un tiempo de experimentación y creatividad.

Ahora, con motivo del centenario de la muerte del emperador Francisco José I, del 16 de marzo al 27 de noviembre de 2016 se celebrará la exposición especial «Francisco José 1830-1916» (www.franzjoseph2016.at) en cuatro emplazamientos de Viena y de la región de Baja Austria.

La muestra se estructura en distintas áreas temáticas y sitúa al monarca en el punto central de la exposición; aunque también trata la figura del emperador y su dimensión política desde una perspectiva crítica. 

Persona y soberano – Palacio de Schönbrunn
La residencia de verano de los Habsburgo alberga una exposición dedicada a la persona de Francisco José I. La muestra trata sobre los antecesores del emperador y sus descendientes, su infancia, educación y los acontecimientos decisivos de su vida, como la subida al trono en 1848, el compromiso y matrimonio con Isabel de Baviera, más conocida como Sisi, así como el Ausgleich (el compromiso entre Austria y Hungría) y sus consecuencias. La exposición se puede ver en las salas de exposiciones de la planta baja del Palacio de Schönbrunn.

Representación y humildad – Museo de Carruajes Imperiales Viena

Esta exposición se centra en la escenificación de la imagen pública del emperador, polarizada entre la opulencia y la humildad. En la muestra se pueden ver carruajes y vestimentas que usaba el monarca. A través de carrozas bien conservadas, arneses lujosos, selectos trajes de fiesta, nobles libreas de la corte se visualizan tres de los acontecimientos más significativos de la vida del emperador: la boda con Isabel de Baviera (1854), su entronización en Hungría (1867) y su solemne funeral (1916).

Celebraciones y vida cotidiana – Hofmobiliendepot. Museo del mueble
Esta exposición muestra el contraste entre las modestas aspiraciones personales de Francisco José I y el estilo de vida opulento que el cumplimiento de las obligaciones propias de su cargo le exigía. Los grandes actos solemnes y costosos viajes organizados formaban parte de su vida como soberano. La muestra en el Hofmobiliendepot, una de las colecciones de muebles más extensas del mundo, también aporta una mirada crítica sobre el mito y el tratamiento que tuvo la figura de Francisco José I en distintos medios de comunicación después de su muerte.

Caza y ocio – Palacio de Niederweiden (Baja Austria)

La muestra en el Palacio de Niederweiden, en la región de Baja Austria, se centra, entre otros temas, en la relación del emperador con la montería, los cotos de caza de los Habsburgo y las sociedades de cazadores y su transcendencia política.

El emperador eterno. Biblioteca Nacional
Además, la Biblioteca Nacional de Austria dedica una extensa exposición al emperador Francisco José I, bajo el título «El emperador eterno». La exhibición se centra en la figura pública del emperador, que probablemente haya sido uno de los personajes más representados del siglo XIX, ya que durante la celebración del jubileo de su reinado y de su ochenta cumpleaños se produjo un gran auge en la producción de sus retratos. Su rostro, aparentemente atemporal, era omnipresente; el único símbolo de unidad de un Imperio en desintegración.

La Biblioteca Nacional de Austria alberga más de 10.000 fotografías, documentos gráficos y personales sobre Francisco José I. La exposición presenta el material más destacado de esta amplia colección. Asimismo, se exponen por primera vez al público las cartas de despedida originales que escribió la baronesa María Vetsera de Mayerling, halladas en un sobre con el sello del Archiduque Rodolfo de Habsburgo, y que fueron descubiertas en 2015. Esta exposición se desarrolla del 8 de abril al 30 de octubre de 2016 

Aparte de ser este un año dedicado al emperador Francisco José, 2016 también pone el foco de atención sobre otras instituciones, aniversarios y personalidades imperiales.

El Belvedere Inferior celebra sus 300 años; su creador, el Príncipe Eugenio de Saboya, falleció hace 280 años.

El emperador José II abrió el parque Wiener Prater al público hace 250 años. El Wien Museum Karlsplatz dedica una exposición a este aniversario (10.3.2016 al 21.8.2016). El antiguo coto de caza imperial es hoy la zona recreativa y de entretenimiento más grande de Viena, de unos seis kilómetros cuadrados.

En 2016 el Kunsthistorisches Museum Viena (Museo de Historia del Arte) celebra su 125º aniversario. En 1891 se inauguró el imponente museo que alberga los tesoros artísticos de los Habsburgo, al lado de la avenida Ringstrasse, concebida por el emperador Francisco José. Con la extensa y extraordinaria exposición Feste feiern (8.3.2016 –18.9.2016) la Pinacoteca analiza los distintos aspectos de las formas de celebración que se desarrollaron en Europa desde la Alta Edad Media y el Renacimiento hasta el siglo XVIII. Destacan los festines con comida y bebida, amenizados con bailes y música, especialmente en las residencias de los Habsburgo.

Más información en Viena 2016: imperial y contemporánea: http://b2b.wien.info/en/press-media-services/reports/pressetexte-ueber-wien-es

World Press Photo 15 en el CCCB

17/11/2015, La Muestra internacional de fotoperiodismo profesional llega al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, donde podrá verse hasta el próximo 13 diciembre 2015.



Barcelona, 17 de noviembre de 2015
Tras su paso por Madrid, las fotografías que han recibido el prestigioso premio de fotoperiodismo llegan al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona en una exposición itinerante que reúne las 134 imágenes y 7 trabajos multimedia premiados en la pasada edición de este concurso internacional en ql que se reconoce los mejores trabajos de fotoperiodismo.

Bajo el lema «Ver y entender», la undécima edición del certamen ha recibido 97.912 imágenes de 5.692 fotógrafos de 131 países, 281 de ellos españoles.

La imagen ganadora de esta edición es una fotografía del danés Mads Nissen, que retrata a la pareja homosexual compartiendo un momento de intimidad en su pequeño apartamento de la ciudad rusa de San Petersburgo. La vida para lesbianas, gays, bisexuales y transexuales es muy difícil en este país, donde las minorías sexuales afrontan discriminación legal y social, acoso e incluso ataques violentos y crímenes por parte de grupos nacionalistas y religiosos.

La exposición destaca por la calidad de sus fotografías, así como por el debate y la crítica que generan los trabajos expuestos, en los que quedan reflejados acontecimientos sociales, políticos, culturales y deportivos del último año.

World Press Photo 15 (que recorrerá más de 90 ciudades del mundo) se completa con un gran número de actividades paralelas: conferencias, talleres y visitas guiadas de gran interés gracias a la presencia de importantes expertos internacionales. 

Nuevos paraísos de la cotorra

16/11/2015, La cotorra argentina (Myiopsitta monachus) es una de las aves más expansivas del mundo. En España ya hay cerca de 20.000, según el censo que acaba de realizar SEO/BirdLife.



Madrid, 16 de noviembre de 2015
La popular “cata” como se le denomina vulgarmente en su país de origen, habitaba antaño en el centro y sur de Argentina, pero se ha ido expandiendo, en gran medida siguiendo los procesos del urbanismo globalizado, adaptándose y beneficiándose de la presencia del hombre.

Este pequeño loro, de unos 30 centímetros de largo, plumaje de verde brillante, alas verdes azuladas, garganta y pecho grises, pasó de su núcleo original a Brasil, Bolivia, Chile, Paraguay y Uruguay; continuó por la América norteña –México, Estados Unidos y Canadá- para pasar a Europa, conde ya es muy abundante en las riberas del Mediterráneo, en especial Italia, Francia y España.

La expansión mundial va de la mano del comercio de mascotas. Llegan a la casa de un aficionado a las aves y bien por accidente, negligencia o la voluntad del dueño, acaban ganando los espacios libres urbanos, donde se expanden y multiplican.

En Europa se detectaron poblaciones establecidas en numerosos países desde principios de la década de 1930. Las primeras observaciones de cotorra argentina en libertad en España datan de 1975 en la ciudad de Barcelona, seguida de las ciudades de Málaga y Tenerife en 1978. A partir de 1985 se observó un incremento generalizado de las observaciones por gran parte de la geografía española. 

SEO/BirdLife acaba de hacer público el censo de cotorras argentinas en España, y en virtud de este se estiman en torno a los 20.000 los ejemplares existentes en más de 450 municipios. Las provincias con mayor número de ejemplares son Madrid, Barcelona y Málaga.

Las poblaciones están repartidas por numerosos núcleos urbanos del centro y este de la Península Ibérica, aunque hay pequeños núcleos reproductores en otros lugares.

Tanto en Madrid como en Barcelona se estima que existen algo más de 2000 nidos, con un número de animales de 5.500 a 6.600. Málaga seguiría en este censo, con unos 800 nidos y más de 2.000 ejemplares. Valencia, Murcia, Zaragoza y Cádiz son las provincias que le siguen en población, todas con más de 100 nidos.

El censo estima en concreto que hay al menos de 16.531 a 18.693 ejemplares.

En España, como en buena parte de Europa, se considera a la cata como una especie “exótica invasora” por sus posibles afecciones a las especies de fauna autóctona de cada país, y por originar daños en la vegetación y en la agricultura. En el caso español, las cotorras compiten en su nicho ecológico con las urracas y los mirlos.

Según el Decreto que regula el Catálogo español de especies exóticas invasoras, la cotorra argentina está incluida entre las especies cuya posesión, transporte, tráfico y comercio están prohibidos. Además se permite su caza.

La organización conservacionista WWF afirmó hace un año que en España, cada se abandonan anualmente 200.000 animales, causando un grave perjuicio a la naturaleza y a la sociedad. Si además, dicho abandono es de especies exóticas invasoras, el daño es aún mayor, porque algunas especies nativas, al no haber evolucionado en contacto con estas nuevas especies, no pueden competir con ellas, por lo que son desplazadas...

Noviembre en el Guggenheim

16/11/2015, El Museo Guggenheim Bilbao presenta Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao, del 27 de noviembre de 2015 al 3 de abril de 2016.



Bilbao, 16 de noviembre de 2015
El Museo Guggenheim Bilbao presenta una selección de sus fondos en la exposición Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao, con destacadas piezas de arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX.

Entre las obras más relevantes de esta exposición se encuentran el luminoso lienzo Sin título (2004) de Mark Rothko; La gran Antropometría azul (ANT 105) (1960) de Yves Klein; las Ciento cincuenta Marilyns multicolores (1979) de Andy Warhol; el gran lienzo serigrafiado de Robert Rauschenberg Barcaza (1962–63); o Nueve discursos sobre Cómodo (1963) de Cy Twombly. También están presentes en esta muestra obras significativas de los artistas alemanes Anselm Kiefer y Gerhard Richter y de los estadounidenses Julian Schnabel y Jean-Michel Basquiat. En la presentación se puede contemplar, además, una parte destacada del conjunto de lienzos que conforman La habitación de la madre (1995–97) de Francesco Clemente, una obra que evoca los 

Recorrido
Arte de posguerra: Tras la II Guerra Mundial, Estados Unidos recibe a importantes artistas europeos exiliados. A ambos lados del Atlántico surgen una serie de pintores que protagonizan, con diversas propuestas estéticas, una etapa crucial de la modernidad plástica. Entre estas corrientes destaca la pintura gestual del expresionismo abstracto norteamericano, ya sea en su faceta de pintura de acción, con figuras como Willem de Kooning, o en la vertiente que cultivan los pintores de “campos de color” o “pintores del silencio”, como Mark Rothko. 

En 1953 Antoni Tàpies realiza su primera exposición individual en Estados Unidos y tiene la oportunidad de conocer más de cerca el expresionismo abstracto, un movimiento con el que el artista comparte su interés por el surrealismo.

En este mismo período afloran las inquietudes artísticas de Yves Klein, quien se inicia en la pintura en 1954 con el folleto Yves Peintures, en el que presenta obras inexistentes pero que constituirán el punto de partida de su carrera.

Chillida y Oteiza
En los años 50 dos escultores vascos destacan en la escena internacional: Eduardo Chillida y Jorge Oteiza. Los inicios de los dos escultores fueron dispares, si bien ambos coincidieron en proyectos artísticos como la Basílica de Aranzazu o la fundación del grupo Gaur, que formó parte del Movimiento de la Escuela Vasca.

La obra de Oteiza trasciende el objeto escultórico y es el resultado final de un largo proceso experimental en torno a la masa y el espacio, que se despliega a través de conjuntos o series de piezas en torno a un concepto común. Entre sus obras, Oteiza anuncian la evolución hacia un espacio puramente receptivo, el vacío o la nada, que el escultor relacionó con los cromlech microlíticos del País Vasco.

A Eduardo Chillida también le fascinan las construcciones de culturas antiguas y establece conexiones entre las del País Vasco y otros países. Para Chillida, la fuerza de la piedra reside en su capacidad de modular y contener el espacio. Trabajando con granito, el escultor pretende que la roca misma, al igual que una montaña, ofrezca una experiencia arquitectónica. 

Kiefer y Richter
Perteneciente a una generación que creció en la Alemania desmembrada tras la II Guerra Mundial, Anselm Kiefer aborda el horror de su historia a través de representaciones ligadas a mitos del nacionalsocialismo y también de obras en las que rinde homenaje al poeta Paul Celan, superviviente del Holocausto, con la convicción de que la memoria es el único modo de asimilar los traumas de la historia. Kiefer cuestiona el lugar que ocupa el ser humano en el cosmos y analiza las relaciones existentes entre la historia, la mitología, la literatura, la identidad y la arquitectura alemanas. El artista crea piezas monumentales que fusionan la pintura, el collage y la escultura combinando una paleta casi monocroma con elementos poco ortodoxos, como plomo, alambre, paja, yeso, barro, semillas, girasoles, ceniza y polvo.

Los años 60
La década de los 60 es una de las más agitadas del siglo XX en el ámbito cultural y político. Estados Unidos se ha convertido en una sociedad industrializada, y el crecimiento económico propicia una cultura de consumo a ambos lados del Atlántico. El arte pop, de origen británico, alcanza su cima con figuras norteamericanas como Andy Warhol, y tiene su contrapartida en el realismo capitalista alemán, del que Sigmar Polke es una de sus figuras destacadas. Ambas corrientes se centran en lo cotidiano, pero con diferente intención: el arte pop puede interpretarse como una crítica o como una celebración de la cultura popular; en cambio, el realismo capitalista es más dogmático y se centra en la reprobación de la sociedad de consumo y el “milagro económico” alemán.

Robert Rauschenberg y Cy Twombly son otras dos grandes figuras que para mediados de los 50 ya habían desarrollado su propio lenguaje visual. Aunque ambos artistas recibieron duras críticas, con el paso del tiempo se han convertido en figuras icónicas para la historia del arte del siglo XX. 

Los años 80: el regreso a la pintura
En la década de los 80 diversas tendencias recuperan la figuración y la expresividad en la obra de arte, apoyándose en el lenguaje formal del expresionismo alemán de principios del siglo XX y alejándose del arte conceptual y el minimalismo de las dos décadas anteriores. En esta sección se pueden ver obras del artista mallorquín Miquel Barceló, Anselm Kiefe y Georg Baselitz.

La habitación de la madre
El ciclo de Francesco Clemente La habitación de la madre (1995–97) evoca los grandes murales decorativos de las estancias o studiolos de los palacios renacentistas. El trabajo de este artista se inscribe dentro de la transvanguardia, término acuñado por el crítico Achille Bonito Oliva para definir el movimiento italiano que surge hacia 1980 y utiliza la figura humana y los materiales tradicionales en contraposición a la estética conceptual predominante en el arte de finales de los años sesenta y setenta.

Los años 80 a ambos lados del atlántico
Enzo Cucchi, otro de los mayores exponentes de la transvanguardia italiana, considera que el arte necesita una catástrofe que elimine las estructuras preexistentes para después manipular los elementos de una obra de forma que se mueva con libertad entre la pintura y la escultura.

En Estados Unidos una de las figuras más significativas de la vuelta a la figuración y a la expresividad en el arte es Julian Schnabel, quien emplea elementos diversos, incluida la palabra escrita. El norteamericano Jean-Michel Basquiat, uno de los pintores más célebres de su generación, cierra el recorrido. 

Los Guerreros de Xi´an en Sevilla

13/11/2015, La exposición monográfica ‘Terracotta Army’, sobre los Guerreros del ejército de terracota de Quin Xi Huang, Primer Emperador de la Gran China, llega al Muelle de las Delicias de Sevilla.



Sevilla, 13 de noviembre de 2015
La exposición 'Terracotta Army - Guerreros de Xian' llega a la capital andaluza tras su paso por Madrid y Bilbao, donde ha batido récord de asistencia con más de 48.000 visitantes. Una oportunidad de conocer la historia de esta singular armada, así como la del emperador Qin Shi Huang, que creía en la vida después de la muerte y pretendía que su ejército de más de 8.000 figuras lo ayudase a continuar con sus conquistas en el más allá.

Esta gran instalación está compuesta por cerca de 150 fantásticas piezas a tamaño original, entre las que se podrán ver guerreros, caballos, equipamiento de guerra y herramientas de uso cotidiano del Ejército de Terracotta del Primer Emperador Chino. Un documental de 50 minutos sobre el hallazgo arqueológico completa la exposición. 

Los Guerreros de Xi’an son un conjunto de más de 7000 figuras de guerreros y caballos de terracota a tamaño real, que fueron enterradas cerca del autoproclamado primer emperador de China de la Dinastía Qin, Qin Shi Huang, en 210-209 a. C. Se encuentran dentro del Mausoleo de Qin Shi Huang, también conocido como Mausoleo del Primer Emperador Qin y fueron descubiertas durante unas obras para el abastecimiento de agua en marzo de 1974 cerca de Xi'an, provincia de Shaanxi, República Popular China. Desde el año 1987 están considerados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Cada una de las figuras tiene rasgos y características diferentes: bigotes, peinados, atuendos, rasgos de etnias diferentes... Las cabezas y las manos se moldeaban por separado y se añadían a los cuerpos con posterioridad. Los uniformes reflejan también los rangos militares a los que pertenecen.

Terracotta Army - Guerreros de Xian
Del 13 de noviembre de 2015 al 24 de enero de 2016
Carpa. Muelle de las Delicias. Área Sur. Puerto de Sevilla. 41012 Sevilla


Susa, Patrimonio Mundial

12/11/2015, La legendaria ciudad de Susa, desde la que Jerjes partió para conquistar Grecia hace prácticamente 2.500 años, entró a formar parte en 2015 del listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.



París, 12 de noviembre de 2015
Susa apenas es hoy un campo de ruinas, situado en el suroeste de Irán, en los Montes Zagros inferiores, donde quedan escasos restos de grandes civilizaciones.

El sitio definido por la UNESCO abarca un grupo de montículos arqueológicos en el lado oriental del río Shavur, así como el palacio Ardeshir, en la orilla opuesta del río. Los monumentos arquitectónicos excavados incluyen estructuras administrativas, residenciales y palaciegas.

Susa contiene varias capas superpuestas de asentamientos urbanos en una sucesión continua desde finales del quinto milenio a.C. hasta el siglo XIII. En este amplio periodo la ciudad fue un punto clave de los dominios elamita, persa y parto, por lo que sus vestigios tienen una notable importancia como testimonio del pasado. 

Susa está situada al oeste de Tigris, cerca de la frontera de Irak, en las cercanías de una población que aún lleva su nombre Shush. Y desempeñó un notable papel histórico, hasta que fue conquistada por Alejandro Magno en el 330.a.C. Precisamente, Alejandro se casó con una princesa persa en Susa, en una ceremonia en la que casó también a 10.000 de sus hombres con nobles persas, para crear una nueva identidad mestiza en su gran imperio. Tras la muerte de Alejandro, Susa fue perdiendo peso político. El rey Sapor II la arrasó y los Mongoles la arruinaron totalmente siglos más tarde. A mediados del siglo XIX sus restos serían identificados por el explorador británico William Kennett Loftus, quien también hallaría por entonces la ciudad de Uruk.

Los persas tenían la leyenda de que Susa fue la primera ciudad existente en el mundo. Se desarrolló en su origen como centro religioso, para ser luego un centro económico, administrativo y político, amparado en su centralidad respecto a las rutas comerciales. 

Las investigaciones llevadas allí arrojan testimonios que van de la Prehistoria la historia de Irán, y la ciudad aparece como punto de encuentro de dos civilizaciones que luchan y se influencian: por un lado la mesopotámica y por otro la de la meseta de Irán.

A través de su capitalidad de grandes imperios y de sus relaciones con asirios, macedonios y partos moldeó su cultura lo que se ha traducido en variados hallazgos de interés artístico, científico y organizativo. Los restos muestran edificios dedicados a la religión y la burocracia, así como centros palatinos y residenciales, merced a una investigaciones que han ido sucediéndose a lo largo de los últimos 150 años. 

Ingres llega al Prado en noviembre

12/11/2015, El Museo del Prado inicia la cuenta atrás para la inauguración de la exposición dedicada a Jean-Auguste Dominique Ingres.



Madrid, 12 de noviembre de 2015
El Museo del Prado presentará el próximo 24 de noviembre una extraordinaria exposición dedicada al emblemático maestro francés. Esta muestra constituye la primera exposición monográfica que se dedica en España a la obra de Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867), uno de los pintores más influyentes en el devenir de la pintura del siglo XIX y del que no se conserva ninguna obra en las colecciones públicas españolas.

El hecho de que Ingres no esté representado en las colecciones públicas españolas hace de esta exposición una ocasión única de recorrer la trayectoria del artista para comprender y analizar su relación con los movimientos artísticos de su tiempo (neoclasicismo, romanticismo y realismo), a través de una selección de obras maestras pertenecientes al Museo del Louvre y del Museo Ingres de Montauban, que han prestado a la pinacoteca española algunas de las pinturas más emblemáticas del maestro francés. A estas obras se les añaden piezas procedentes de instituciones belgas, inglesas, italianas y norteamericanas en un conjunto de más de 60 obras que mostrará a este excepcional pintor en todo su esplendor.

La exposición, organizada de manera cronológica, analiza las diferentes facetas de Ingres, desde su interés por el retrato o el desnudo femenino a su continuo deseo de ser reconocido como pintor de Historia, pasando por su atracción por los argumentos literarios y por el desarrollo de su refinada actividad como dibujante. Su obra escapa a cualquier clasificación ya que exploró todos los temas y proposiciones estéticas de su época, pero rechazó las trabas a la libertad de elección de una escuela, de un movimiento o de un estilo. 

Édouard Manet en el MNBA

11/11/2015, Últimos días para ver el Retrato del abate Hurel de Édouard Manet en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.



Buenos Aires, 11 de noviembre de 2015
La exposición, que finaliza el 24 de noviembre de 2015, presenta entre otras piezas el Retrato del abate Hurel, pintado por Manet en 1875 y perteneciente al Museo Nacional de Artes Decorativas.

Esta obra maestra se reúne con La ninfa sorprendida, 1861, Retrato del señor Hoschedé y su hija, 1876, y otros dibujos del artista que forman parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes.

El abbé Hurel fue amigo del artista desde 1860. Aunque de la misma época que el Retrato del señor Hoschedé y su hija su concepción formal es diversa: el retrato del abate señala la lectura atenta de Velázquez, mientras que Retrato del señor Hoschedé y su hija es una pintura plein air en discusión con la doctrina impresionista, con resolución de pinceladas sueltas. En La ninfa sorprendida, realizada quince años antes, Manet reelabora los modelos de la gran pintura europea del siglo XVII para avanzar hacia un potente realismo en el tratamiento de los cuerpos, que abre una nueva fase de la pintura moderna hacia la autonomía de la forma. 

Édouard Manet (París, 1832-1883)
Dentro de la corriente realista, Édouard Manet fue una figura central dentro de la renovación de la pintura francesa de finales del siglo XIX. A pesar de no haber pertenecido al movimiento impresionista, la técnica y la temática de sus obras se convirtieron en referentes imprescindibles para pintores como Claude Monet, Paul Cézanne y Camille Pissarro.

Manet asistió de 1850 a 1856 al taller de Thomas Couture. Guiado por su admiración por los grandes maestros de la pintura, copió en el Musée du Louvre las obras de los pintores renacentistas italianos y viajó por Bélgica, Holanda y Alemania. Su veneración por la obra de Diego Velázquez, Bartolomé Esteban Murillo y Francisco de Zurbarán le llevó a pintar temas inspirados en España, a donde viajó en 1865.

La pintura de Manet evolucionó desde su inicial estilo tenebrista, de inspiración española, a una más luminosa, centrada en la vida urbana moderna. Esta temática, desarrollada sin duda bajo la influencia de su amigo Charles Baudelaire, y su atrevida técnica ligera y brillante, provocaron su rechazo sistemático de los Salones oficiales, al tiempo que se acrecentó su fama entre los jóvenes pintores impresionistas. 

Titanic The Exhibition en Madrid

11/11/2015, La exposición permanecerá abierta al público en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa del Ayuntamiento de Madrid hasta el 6 de marzo de 2016.



Madrid, 11 de noviembre de 2015
La exposición internacional Titanic The Exhibition propone un viaje a través de la historia de este icono del siglo XX.

La fatídica madrugada del 15 de abril de 1912, el Titanic se hundió en las gélidas aguas del Atlántico Norte, tras impactar contra un iceberg, llevándose con él la vida de 1495 personas.

A través del recorrido de esta muestra (que podrá verse en el Centro Cultural de la Villa del Ayuntamiento de Madrid hasta el 6 de marzo de 2016), el visitante revive cómo era la vida a bordo del buque, al recorrer un pasillo de primera clase, observar los camarotes de tercera y contemplar múltiples enseres y objetos personales de los viajeros que fueron a bordo del RMS Titanic en su viaje inaugural.

Entre las más de 200 piezas originales que se exhiben se encuentran las pertenencias de los españoles que fueron a bordo del barco, concretamente, el esmoquin y objetos personales de Víctor Peñasco y Castellana, pasajero de primera clase que viajó junto a su mujer, María Josefa Pérez de Soto, como parte de su luna de miel.

En paralelo a la muestra se ofrece un programa científico cultural formado por encuentros relacionados con el mito del buque. La literatura, los pecios, el cine o la música del Titanic serán los temas principales de estos encuentros abiertos al público que también acogerán dos conciertos homenaje a la orquesta del barco. 

TITANIC, UNA LEYENDA
La leyenda del Titanic comenzó en 1907, cuando Lord James Pirri, de los astilleros Harland and Wolf, planeó junto a J. Bruce Ismay, director gerente de la compañía naviera White Star Line, la construcción de los tres barcos más magestuosos del mundo: el Olimpic, el Titanic y el Gigantic (que pasaría a llamarse Britannic tras la tragedia del Titanic).

La construcción del "buque de los sueños" comenzó el 31 de mayo de 1909 y pronto, incluso antes de zarpar, comenzó a convertirse en leyenda, y es que el Titanic poseía lujos y comodidades de las que muchos de sus pasajeros nunca habían disfrutado, ni siquiera en sus hogares.

El 10 de abril de 1912, llegó el momento de zarpar. El Titanic atracó primero en Cherburgo, Francia, y luego en Queenstown, Irlanda. Tras recoger pasajeros en ambas ciudades, llegó el momento de izar las anclas y comenzar el viaje transatlántico con destino a Nueva York. 

Los tres primeros días transcurrieron sin incidentes. Así que, a pesar de haber recibido cinco advertencias de hielo a lo largo del 14 de abril, el capitán Edward Smith decidió no reducir la velocidad y continúo su marcha a 21 nudos.

Poco antes de la medianoche del 14 de abril, los vigías avistaron un enorme iceberg que se desplazaba a la deriva, en dirección al Titanic. El Primer Oficial, William Murdoch, ordenó al instante virar el sentido de la marcha, para frenar el barco, pero no pudo evitar que la banda de estribor fuese rasgada por la enorme masa de hielo.

Después del accidente comienza la tarea de arriar los botes salvavidas; insuficientes para poner a salvo a las 2207 personas que viajaban abordo, entre pasajeros y tripulación. 

Al salir el último bote, quedan en el Titanic más de 1500 personas. Mientras este se aleja de la zona, la proa del Titanic se sumerge bajo el agua, a la vez que la popa se eleva, hasta alcanzar los 45 grados de inclinación. Muchos caen o se arrojan a las heladas aguas. El Titanic se parte en dos y la proa se hunde hasta el fondo abisal. La popa, en un último esfuerzo por permanecer a flote, se mantiene, vertical, durante unos minutos.

El buque Carpathia llega a las cuatro de la mañana y comienza inmediatamente a rescatar a pasajeros de los botes. Un total de 712 personas lograron sobrevivir. Otros 1495 no lo lograrían. 

LOS RESTOS DE UN MITO
Desde el mismo momento en que desapareció bajo las aguas del Atlántico Norte, la búsqueda del Titanic se convirtió en el objetivo de oceanógrafos, historiadores, cazadores de tesoros, investigadores y hombres de negocios de todo el mundo.

El 1 de septiembre de 1985, el Titanic fue localizado en su tumba en el fondo del mar, a casi cuatro kilómetros de profundidad en el Atlántico Norte, a unos 800 kilómetros al sudeste de la costa de Nueva Escocia, en Canadá. 

Desde entonces se han llevado a cabo expediciones de investigación y recuperación, gracias a las cuales se ha podido recuperar y preservar un gran número de objetos originales destinadas a preservar esa magia, la belleza, la historia y la integridad del Titanic, llevando su memoria con la dignidad y el respeto que merece, así como el significado marítimo, histórico y, sobre todo, humano, del buque.

Más información en: www.titanic.eu

Julio Verne. Los límites de la imaginación

10/11/2015, Hasta el 21 de febrero de 2016 el Espacio Fundación Telefónica recorre el universo verniano en una exposición que trata sobre las fronteras entre ficción y realidad.



Madrid, 10 de noviembre de 2015
El escritor francés Julio Verne (Nantes, 1828 – Amiens, 1905) es uno de los autores más populares e influyentes de la literatura universal. Verne imaginó un sinfín de mundos fantásticos sin moverse de su gabinete de trabajo, y gracias a su profundo interés por la ciencia, la exploración y las innovaciones tecnológicas, consiguió generar un imaginario literario verosímil cuya capacidad de evocación ha llegado intacta hasta nuestros días.

Verne recogió como nadie el espíritu de una época irrepetible y, lo que es más importante, lo devolvió corregido y aumentado, con una capacidad tal de fascinación que sirvió de chispa para que otros muchos intentaran, e incluso consiguieran, lo imposible.

Julio Verne. Los límites de la imaginación pretende retratar ese círculo virtuoso de retroalimentación del imaginario a la realidad, y viceversa. 

La muestra propone una evocadora revisión de una de las grandes figuras de la literatura universal. El visitante, convertido en explorador, atraviesa las obras de Verne más representativas y los distintos ámbitos en que transcurren sus novelas: la tierra, el aire, el hielo, el agua, el espacio y el tiempo, de la mano de personajes contemporáneos fascinantes, conectados de una forma u otra con Julio Verne. Aristócratas como Luis Salvador de Habsburgo, aventureros como Manuel Iradier o Julio Cervera, cineastas como Segundo de Chomón, Jean Painlevé, Karel Zeman u Orson Welles, periodistas intrépidas como Nellie Bly, la primera mujer en dar la vuelta al mundo en 72 días, el archiduque Luis Salvador de Austria, que se instaló en las Baleares y se convirtió en el guía literario de Verne por Palma de Mallorca en la novela Clovis Dardentor, tramposos como Richard E. Locke, fotógrafos como Nadar, pioneros del submarinismo como Louis-Auguste Boutan o de la aviación como Santos-Dumont, directores de escena, escritores, astrónomos, militares, aeronautas, aviadores, ingenieros, compositores de ópera y zarzuela...

Verne imaginó el mundo desde su gabinete de trabajo: seres fantásticos y animales increíbles, medios de transporte e ingenios inéditos... El escritor apenas necesitó de inspiraciones externas o experienciales. El recorrido se inicia con el Globo de Monfort, uno de los más antiguos que se conservan y fabricado por uno de los productores de globos terráqueos de nuestro país en el siglo XIX. En esta sección, destacan además cinco joyas bibliográficas, entre ellas, la primera edición mundial de Veinte mil leguas de viaje submarino (1869), que por circunstancias históricas, fue española. También en esta sección se puede ver una serie de 44 ilustraciones de personajes de Verne, desde Phileas Fogg hasta el capitán Hatteras; o inventos e ingenios presentes en sus novelas, como la linterna mágica o la bobina de Ruhmkorff.

Verne estaba al tanto de las grandes expediciones de su época y de los descubrimientos en tierras lejanas que estaban teniendo lugar en pleno auge de la expansión colonialista. El autor manejaba y consultaba una amplísima biblioteca donde se documentaba a la hora de abordar sus novelas. La muestra incluye una recreación de la biblioteca de Verne con joyas bibliográficas como los libros del militar Julio Cervera sobre la Expedición Río de Oro, en el Sáhara u otras expediciones de las que formó parte en el Norte de África junto al geólogo Francisco Quiroga o Die Balearen (1869-1891) del archiduque Luis Salvador de Austria, científico que emprendió el estudio de la fauna, la flora y la antropología e historia de estas islas y que Verne consultó para documentar las localizaciones de las novelas de Clovis Dardentor. 

Más de 30 fotografías de época de la Colección del matrimonio Worswick, una de las más importantes del mundo en manos privadas y conocidos por haber recopilado el legado del fotógrafo norteamericano Walker Evans, recrean todos los lugares recorridos en tiempos de Fogg. El visitante descubrirá también los territorios de la Vuelta al mundo en ochenta días desde la óptica del teatro, ya que muchos escenógrafos y directores recrearon también las obras de Verne.

La admiración que Verne profesaba a trotamundos y saltimbanquis queda reflejada a través de filmaciones de la época del cineasta español Segundo de Chomón, que se inspiró para algunas de sus películas en obras vernianas como Viaje al centro de la Tierra (1909). La figura del trotamundos está también representada por Nellie Bly, la periodista norteamericana que entre 1889 y 1890 logró dar la vuelta al mundo en 72 días, batiendo el récord de Phileas Fogg.

La pasión por el mar es sin duda uno de los temas recurrentes en el universo literario de Verne, siendo sin lugar a dudas Veinte mil leguas de viaje submarino la obra más representativa de Verne en este sentido. La muestra incluye maquetas y carteles de los primeros paquebotes comerciales del siglo XIX, imágenes del Great Eastern, el transatlántico más grande del momento en el que Verne viajó en 1867, o una asombrosa memorabilia de Isaac Peral.

En la época de Verne, los polos representaban el fascinante límite entre lo conocido y lo desconocido. Esta curiosidad se ejemplifica a través de varios personajes que acometieron expediciones hasta estas tierras inhóspitas de hielo que Verne imaginó en La esfinge de los hielos (1897) o Las Aventuras del Capitán Hatteras (1886). La exposición muestra imágenes de distintas expediciones polares. En concreto diez imágenes de la expedición de Sir Ernest Shackleton, cuyos negativos congelados se encontraron el año pasado en la Antártida, y que podrán verse en España por vez primera. También se exhiben imágenes de la exploración del argentino Hernán Pujato. 

En los inicios de la aeronáutica existía un acalorado debate entre los defensores de los globos, y los que apostaban por aparatos más pesados, los primeros aviones. Personajes como el brasileño Santos Dumont, considerado por muchos como el primero en hacer volar un avión en 1906, el asturiano Jesús Fernández Duro, quien en 1909 cruzó por primera vez los Pirineos en globo, el tándem valenciano Juan Olivert y Gaspar Brunet que hicieron volar el primer aeroplano en España, o el fotógrafo francés Nadar, autor de las primeras fotografías aéreas de la historia y apasionado de la aerostática, que Verne retrató en el díptico De la Tierra a la Luna y Alrededor de la Luna, forman parte también de la muestra.

La fascinación por viajar a la Luna fue un tema habitual en la cultura popular del siglo XIX. Y también en la literatura verniana. Sus novelas De la Tierra a la Luna (1865) y Alrededor de la Luna (1870), calaron profundamente en el imaginario colectivo y hoy en día revelan asombrosas coincidencias con la llegada del hombre a la Luna en 1969. Una instalación geodésica muestra veinte formas de viajar a la Luna representadas en la literatura universal. La sección cuenta también con una serie de carteles relacionados con la Luna, que representan desde espectáculos de la época a imágenes de películas de George Méliès o las óperas inspiradas en Verne que Jacques Offenbach.

Hay dos novelas donde el autor francés se adelantó a su época y fue más allá de su contemporaneidad: París en el siglo XX (1863), centrada en un progreso basado en la dictadura del cientifismo, y La jornada de un periodista americano en el 2889 (1891), un relato donde la tecnología traía beneficios a la humanidad. Dos visiones del concepto verniano del progreso. La exposición nos adentra en estas dos obras futuristas a través de ilustraciones de autores franceses del siglo XIX que recrearon avances científicos del año 2000, y de los grabados del dibujante francés, Albert Robida, que anticipó en la misma época que su coetáneo Verne algunos inventos del lejano siglo XX. 

Un Modigliani por 158 millones

10/11/2015, El lunes 9 de noviembre en Nueva York fue subastada la obra Nu Couché de Amedeo Modigliani en Christie`s. La obra se convierte en el segundo cuadro más caro de la historia.



Nueva York, 10 de noviembre de 2015
El cuadro, ejecutado entre 1917 y 1918, ha sido la pieza central de una venta especial centrada en el tema de "la musa del artista", que ha contado con 34 obras maestras de comienzos del siglo XX realizadas por artistas como Gauguin o Lichtenstein.

La pintura del italiano Amedeo Modigliani se convierte así en la segunda obra por la que más se ha pagado en una subasta de arte, después de la Las Mujeres de Argel de Picasso.

Este potente y elegante desnudo femenino, una de las más grandes obras del artista, pertenece a una serie de desnudos femeninos realizados por Modigliani. El artista realizó una exposición con esta serie en la galería Berthe Weill en París, donde el público, indignado por el contenido del espectáculo, exigió el cierre inmediato de la exposición por parte de la policía.

Nu Couché (Desnudo acostado) es una obra de belleza intemporal que perteneció a la colección del mentor, amigo de Modigliani y distribuidor, Léopold Zborowski. De ahí pasó a formar parte de la colección de arte de Gianni Mattioli. La pintura se ha presentado en importantes exposiciones en museos de todo el mundo, incluyendo el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el Stedelijk Museum de Amsterdam, d'Art Moderne Musée National de París, la Tate Gallery y la Royal Academy of Arts de Londres el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el Palazzo Reale de Milán.

La obra de Modigliani ha sido difundida con tal frecuencia que se ha convertido en una de las imágenes más reconocidas de la historia de la pintura de principios del siglo XX.

El paraíso de Botticini

06/11/2015, Del 4 de noviembre al 14 de febrero, la National Gallery londinense ofrece la posibilidad de acercarse a la pintura de Francesco Botticini, en su muestra “visiones del paraíso”.



Londres, 6 de noviembre de 2015
Oscurecida su fama por ser contemporáneo de grandes autores como Botticelli, el florentino Francesco Botticini (1446-1497) fue uno de los notables pintores del Renacimiento italiano, alumno de Verrocchio, Su obra más conocida es la Asunción de la Virgen.

En la muestra “Visions of Paradise: Botticini's Palmieri Altarpiece”, la National Gallery presenta nuevas investigaciones sobre esta pintura monumental, para aclarar malentendidos sobre su autoría, fecha, ubicación original, y su iconografía. 

El retablo, instalado en la iglesia de San Pier Maggiore de Florencia en 1477, fue encargado por Matteo Palmieri (1406 - 1475) quien aparece retratado de rodillas en la parte inferior izquierda de la pintura junto con su esposa, Niccolosa de Serragli, a la derecha.

Esta exposición explora la visa fascinante de Palmieri, un verdadero hombre del Renacimiento que se formó en su Florencia natal como boticario, estudió filosofía y la retórica con los principales eruditos humanistas de la época, escribió historias, biografías y poesía; alcanzó destacados puestos en el gobierno florentino y desarrolló una amistad estrecha con los Medici de Florencia.

El propio Palmieri aconsejó a Botticini sobre el diseño de esta pintura, que incorpora un paisaje panorámico de Florencia, en el registro inferior y una extraordinaria cúpula del cielo, poblada de santos y ángeles, en la parte superior. 

“Visions of Paradise” ofrece la oportunidad de contemplar de cerca la obra de Botticini, que aparece en la muestra relacionada con otras pinturas italianas, dibujos, grabados, manuscritos, cerámicas y esculturas.

Fundamentalmente, la exposición aborda cuestiones como el debate en torno a la atribución errónea de la pintura a Sandro Botticelli y su relación con el poema de Palmieri “Città di Vita” (Ciudad de la Vida), basado en la Divina Comedia de Dante.

Además, para entender mejor la función original y el contexto del retablo, la exposición incluye una reconstrucción digital de la arquitectura de San Pier Maggiore, iglesia destruida en gran parte en el siglo XVIII. 

El mundo de Tim Burton

06/11/2015, Hasta el 1 de marzo de 2016 en el Museo Max Ernst de Brühl (Alemania) se puede visitar una exposición sobre el director de cine Tim Burton.



Brühl, 6 de noviembre de 2015
Las películas del director, productor, autor y artista Tim Burton llevan ya más de 30 años sumergiendo al público en mundos extraordinarios en el umbral entre el sueño y la realidad. Sus historias fascinan y conmueven a millones de personas en todo el mundo, haciendo de él uno de los cineastas más idiosincrásicos de Hollywood.

La exposición "El mundo de Tim Burton" acerca, por primera vez en Alemania, al público a un viaje de descubrimiento a través de las historias surrealistas de este mago de la gran pantalla y su brillante trabajo. 

Con más de 500 dibujos, pinturas, marionetas, maquetas, storyboards y documentos, la muestra del Museo Max Ernst nos introducen en los mundos imaginarios que este artista excepcional lleva soñando durante más de tres décadas de producción. Un viaje por la versatilidad del trabajo creativo de Burton, que ofrece una fascinante visión de su proceso artístico y de cómo el director ha concebido sus ideas, un camino que comienza con un garabato en una servilleta, pasando por el desarrollo del concepto a través de bocetos, y llegando hasta el guión gráfico, en un proceso paulatino, que termina con la creación de personajes tan reconocidos como Eduardo Manostijeras.

El mundo de Tim Burton forma una densa red en la que la creatividad no conoce límites. A menudo sumergido en colores sombríos, en su universo encontramos subversivas reflexiones, distorsionadas, que encuentran su reflejo en la cultura popular, la alteridad o la vida en los suburbios estadounidenses. 

En sus dibujos y pinturas Tim Burton juega con la espontaneidad en el proceso creativo, una reminiscencia utilizada por el automatismo surrealista en el sentido de la "escritura automática". El estilo de Burton se ha asociado con el Surrealismo Pop, el expresionismo alemán o la cultura gótica.

Tim Burton nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California. Desde adolescente desarrolló un gran entusiasmo por las películas de terror y de ciencia ficción, formándose en el Instituto de las Artes de California como animador. A comienzos de los ochenta obtiene un puesto permanente en los Estudios Disney. En 1984 deja el estudio y se dedica a su carrera como cineasta. En su catálogo de films destacan películas como "Pesadilla antes de Navidad", "Eduardo Manostijeras", "Mars Attacks!", "Sleepy Hollow", "Charlie y la fábrica de chocolate" o "La Novia Cadaver".

El mundo de Tim Burton
Hasta el 1 de marzo de 2016
Max Ernst Museum
Comesstraße 42 / Max-Ernst-Allee 1 Brühl (Rheinland)


Rubens, Van Dyck y la Edad de Oro del grabado flamenco

05/11/2015, Del 6 de noviembre al 7 de febrero en la Biblioteca Nacional de España se expone una magnífica selección de grabados flamencos del siglo XVII.



Madrid, 5 de noviembre de 2015
Un fantástico conjunto de grabados flamencos del siglo XVII se muestra por primera vez en la exposición Rubens, Van Dyck y la Edad de Oro del grabado flamenco, organizada por la Biblioteca Nacional de España, y que podrá verse en la sala Recoletos de la BNE desde el próximo 6 de noviembre.

En el arte flamenco del siglo XVII hay dos figuras indiscutibles que sobresalen entre otras de gran talento, estos dos personajes son Peter Paul Rubens y Anton van Dyck, y a ellos se les dedican las dos primeras secciones de la exposición.

Del primero, solamente se conocen dos grabados atribuidos a él, pero supervisó la labor de algunos de los mejores grabadores de la época: Galle, Vorsterman, Bolswert, Pontius... Posteriormente, otros grandes grabadores siguieron reproduciendo muchas de sus composiciones. 

Van Dyck sí realizó algunos magníficos grabados y empezó algunos al aguafuerte, que terminaron otros grabadores al buril. Fue un extraordinario retratista que creó numerosos modelos de retratos que tuvieron una enorme influencia en toda Europa.

Otro aspecto importante del arte flamenco fue la fuerza que tomaron dos géneros artísticos que habían empezado a crearse de manera independiente en el siglo XVI: el paisaje y las escenas de género. La tercera sección se dedica a estos nuevos géneros artísticos, que en el XVII se desarrollan en su plenitud, y cuenta con ejemplos de Paul Brill, Nicolas de Bruyn, Lucas van Uden, Galle, los Sadeler, Bolswert, Jacob Jordaens, David Teniers, Adriaen Brouwer o Frans Wyngaerde.

La siguiente sección trata una parte importante del grabado flamenco del siglo XVII, los libros ilustrados, de los que la BNE conserva un extraordinario conjunto. Se encuadran en la sección: Rubens y las artes del libro, porque este artista fue el principal autor de portadas e ilustraciones para dichos volúmenes. 

La sección Rubens, Van Dyck y el grabado europeo de su época, presenta el contexto artístico europeo en el que se desarrolló el grabado flamenco y su influencia sobre el resto de los países, y viceversa. Esta sección incluye obras de los mejores grabadores de Europa, como Rembrandt, Callot, Reni... La sección cierra con el grabado en España, país en el que trabajaron varios artistas flamencos y donde destacan las estampas de José de Ribera, uno de los grandes pintores del Barroco español.

La exposición se completa con cuatro pinturas cedidas para la exposición por el Museo del Prado, relacionadas con los grabados: La Piedad y Retrato de María Ruthven, de Van Dyck, La Sagrada Familia con Santa Ana, de Rubens, y La Cocina de David Teniers.

Rubens, Van Dyck y la Edad de Oro del grabado flamenco
Del 6 de noviembre de 2015 al 7 de febrero de 2016
Biblioteca Nacional de España


Fiesta de las Luces en Lyon

05/11/2015, En el mes de diciembre y durante cuatro días, la ciudad francesa de Lyon celebra su conocida Fiesta de las Luces.



Lyon, 5 de noviembre de 2015
Tanto los habitantes de la ciudad como los forasteros caen bajo el encanto y la magia de la luz un año más en la Fiesta de las Luces de Lyon.

Del 05 de diciembre al 08 de diciembre de 2015, Lyon celebra un evento único en Europa. Durante cuatro días jóvenes artistas contemporáneos de todos los orígenes vestirán edificios emblemáticos de la ciudad creando ambientes mágicos en calles, plazas y parques de la ciudad francesa.

El punto álgido de estos festejos tiene lugar el 8 de diciembre, con las tradicionales iluminaciones de las ventanas con lamparillas, la procesión religiosa y la misa de los jóvenes en la Basílica de Fourvière. 

Un fantástico acontecimiento para terminar el año, en el que las escenografías y los espectáculos de luz transforman el espacio público con numerosas innovaciones tecnológicas que muestran un Lyon diferente, de luminoso patrimonio urbano y riqueza arquitectónica.

Lyon, Ciudad Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO (1998)
Ciudad bimilenaria y capital de la seda, Lyon se sitúa en la confluencia del Ródano y del Saona. La ciudad ofrece un viaje insólito por el tiempo y las culturas, con su centro incluido en el Patrimonio Mundial, en el recodo de sus calles estrechas, sus “traboules“ (pasadizos), a lo largo de los muelles animados, en las grandes plazas de la península y, durante la noche, con más de 200 lugares iluminados.

Más sobre este evento en la web oficial: http://www.fetedeslumieres.lyon.fr/en 

Desierto azul

04/11/2015, La compañía Crystal Lagoons alcanza un récord Guinness con la construcción en el desierto de Egipto de una laguna de 12,5 hectáreas, catalogada como la más grande construida por el hombre hasta la fecha.



Barcelona, 3 de noviembre de 2015
La laguna es el eje central del complejo turístico Citystars Sharm El Sheikh, ubicado en el desierto, y que se convertirá en uno de los más lujosos de Egipto. En principio, se ha realizado con agua salada y su uso será doble: como elemento recreativo y como centro de pre-tratamiento del agua para desalinización posterior, para abastecer al complejo turístico.

La compañía, que acaba de desembarcar también en España prepara su primer proyecto en la Península Ibérica, un complejo ubicado en Andalucía.

La multinacional había obtenido anteriormente otro récord mundial en 2007, cuando elaboró la laguna de San Alfonso del Mar, en Chile, de 8 hectáreas. 

El nuevo centro residencial y turístico, denominado Citystars Sharm El Sheikh, será uno de los resorts más lujosos de Egipto. Ocupa un terreno de 750 hectáreas y contempla un total de 12 lagunas, que cubren un total de 100 hectáreas de agua salina obtenida de capas subterráneas que actualmente no se explotan.

Citystars Sharm El Sheikh contará con 30.000 unidades residenciales, hoteles, campos de golf, marinas, museo y centro comercial. El proyecto ha sido resultado de la asociación de Crystal Lagoons con la familia Sharbatly, actualmente dueña del holding AlNahla que agrupa a importantes empresas del sector financiero, inmobiliario, del motor y telecomunicaciones.

Recientemente, Crystal Lagoons ha anunciado dos nuevas iniciativas en Egipto. Los proyectos Swanlake North Coast y Porto Lagoons, ubicados en la Costa Norte de Egipto, en el Mar Mediterráneo, cerca de Alejandría.

La revolución Meiji, Patrimonio Mundial de la UNESCO

04/11/2015, La UNESCO incluye en su listado del Patrimonio Mundial una serie de puntos que representan la occidentalización japonesa de la Era Meiji.



París, 4 de noviembre de 2015
El sitio abarca una serie de once propiedades, ubicadas principalmente en el suroeste de Japón. Este conjunto es un testimonio de la rápida industrialización del país a partir de mediados del siglo XIX hasta inicios del XX, merced al desarrollo de la minería, la industria del acero, la construcción naval y el carbón.

Se llama Era Meiji al periodo de gobierno del emperador japonés que llevaba este nombre y que impulsó la modernización del país introduciendo conocimientos y tecnologías occidentales, lo que fue crucial para transformar al país en una potencia mundial.

Fue aquel un periodo de avances hacia fórmulas democráticas, reformas en la fiscalidad, la propiedad y en la educación y en el que se creó una nueva elite gobernante e industrial, y se centralizó el Estado con capital en Tokio. 

El conjunto elegido para representar la Era Meiji en el listado del Patrimonio Mundial muestra el proceso por el cual el Japón feudal incorporó la tecnología de Europa y América y cómo esta tecnología se ha adaptado a las necesidades y tradiciones sociales del país, proceso considerado como el primer éxito de la transferencia de la industrialización occidental a un país no occidental

La red de enclaves del nuevo patrimonio industrial japonés se centró principalmente en la región de Kyushu-Yamaguchi del suroeste de Japón, donde la rápida industrialización estuvo basada en las producciones de hierro y acero, así como en la construcción naval y enfocada en primer lugar a satisfacer las necesidades de defensa.

Los enclaves Patrimonio Mundial abarcan tres periodos de esta rápida industrialización lograda en poco más de cincuenta años entre 1850 y 1910. La primera fase, hasta principios de 1860, fue un período de experimentación en la fabricación de hierro y la construcción naval, impulsado por la necesidad de mejorar las defensas de la nación y en particular de sus defensas de navegación marítima en respuesta a las amenazas extranjeras. 

La industrialización se continuó desarrollando seguidamente a través del conocimiento, basándose sobre todo en la incorporación de los libros de texto occidentales, y copiando ejemplos occidentales, combinado todo ello con las habilidades y experiencias de la artesanía tradicional. Todo esto marcó una ruptura en los planteamientos aislacionistas de Estado.

La tercera y última fase del período Meiji (entre 1890 a 1910), fue un despliegue de la industrialización, basado en la experiencia japonesa recién adquirida tras la adaptación activa de la tecnología occidental, al crecimiento del consumo y la existencia de una buena dotación de ingenieros y expertos locales.

Los 23 puntos o instalaciones incorporadas a este “sitio” de la UNESCO se agrupan en ocho áreas, seis de las cuales se encuentran en el suroeste del país, una en la parte central y otra en el norte de la isla central. 

Los puntos elegidos para representar este periodo Meiji se hallan en las perfecturas de Yamaguchi, Kagoshima, Saga, Kamaishi, Nagasaki, Yamaguch y Fukuoka. Incluyen edificios industriales, residenciales y educativos, acerías, fábricas de maquinaria, instalaciones navales, elementos de defensa y varias minas, entre ellas la espectacular de Hasima, pequeña isla amurallada, de apenas 500 metros de largo y 150 metros, una especie de acorazado, amurallado para proteger del oleaje a las gentes que trabajaban en su interior, en la extracción de hulla.

La línea ininterrumpida. Picasso, Fín, Vilató, Xavier

03/11/2015, La Fundación Picasso. Museo Casa Natal presenta una exposición en la que se explora la relación entre Pablo Ruiz Picasso con sus sobrinos.



Málaga, 3 de noviembre de 2015
La exposición, que podrá verse en la Fundación Picasso. Museo Casa Natal hasta el 24 de enero de 2016, propone explorar el «lazo de la estampa» que unía y aún une a tres generaciones de una misma familia: la familia Picasso / Vilató, a través de las obras de Picasso y de sus sobrinos J. Fín, Vilató y Xavier.

Durante los primeros años del siglo XX, Picasso descubre la técnica del grabado. Recién terminada la guerra civil española, en 1939, Picasso acoge a sus sobrinos J. Fín y Vilató en su casa de París y los inicia al grabado en el taller de Roger Lacourière.

J. Fín y Vilató desarrollan un trabajo singular que tiene su origen en esta transmisión familiar. Xavier, nacido en el seno de esta familia, también adquiere el gusto por el arte, incluyendo las diferentes técnicas de estampación que sigue explorando desde entonces.

Este lazo alrededor del grabado dentro de la familia Picasso / Vilató muestra el gusto común del «savoir-faire» y la enriquecedora colaboración con el maestro artesano. La estampa permite al artista salir de la actividad solitaria de su taller para trabajar con gente y formar equipos, cuyo trabajo complementario permite la realización de obras excepcionales.

La exposición profundiza en los mecanismos de esta transmisión y en la relación estrecha de estos artistas con el mundo y las técnicas de la estampa con una selección de obras que va desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

La línea ininterrumpida. Picasso, Fín, Vilató, Xavier
Fundación Picasso. Museo Casa Natal.
Plaza de la Merced, 13 y 15. Málaga

Fotografía brasileña en el CBA

02/11/2015, Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964) reúne la obra de cuatro testigos del periodo comprendido entre la contienda mundial y la Revolución de 1964.



Madrid, 2 de noviembre de 2015
A mediados del siglo XX, Brasil era un país en plena transformación. La exposición del Círculo de Bellas Artes presenta a cuatro fotógrafos de excepción que inmortalizaron paisajes, gentes, monumentos, edificios, celebraciones... legado y presente en la búsqueda de la esencia de un país que esquiva la cámara.

A través de doscientas veinte fotografías, el visitante podrá sentir y profundizar en la vida brasileña en esa primera época de contradicciones sociales, modernización acelerada y vida cultural palpitante.

Marcel Gautherot (Francia, 1910-1996)
Responsable de la existencia de muchos de los clichés visuales sobre Brasil. Su trabajo en torno a los rituales folklóricos y la selva virgen revela un perfecto equilibrio entre la intriga narrativa y el impacto visual. Sus fotografías de los edificios de Oscar Niemeyer en Brasilia marcaron la culminación del modernismo brasileño.

José Medeiros (Brasil, 1921-1990)
Considerado el fotoperiodista más importante de los años cuarenta y cincuenta, las fotografías de Medeiros reflejan, tanto la vida a pie de calle de Río de Janeiro, como los acontecimientos de la alta sociedad carioca, en contraste con los fotorreportajes sobre el interior del país, que muestran el culto mágico del candomblé y la intrusión de la tecnología en el mundo indígena.

Thomaz Farkas (Hungría, 1924-2011)
Debuta fotografiando el Estádio do Pacaembu en São Paulo. Su obra prioriza la búsqueda de nuevos lenguajes visuales y alcanza, al final de su vida, un estilo más próximo al fotoperiodismo, como desvelan las panorámicas que toma con ocasión de la construcción de la nueva capital, Brasilia.

Hans Gunter Flieg (Alemania, 1923)
Las fotografías industriales de Hans Gunter Flieg reflejan la historia de la industrialización brasileña. En sus imágenes, el interior de las fábricas y los productos industriales emergen como interpretaciones pictóricas clásicas de la remodelación de un país en la era tecnológica.

Javier Vallhonrat. Interacciones

30/10/2015, El Centro Galego de Arte Contemporánea acoge hasta el 27 de marzo de 2016 la muestra "Interacciones, 2011-2015", con obras del fotógrafo Javier Vallhonrat.



Santiago de Compostela, 30 de octubre de 2015
El CGAC presenta el más reciente conjunto de trabajos del artista Javier Vallhonrat (Madrid, 1953). Bajo el título Interacciones, el proyecto reúne un total de 52 fotografías, siete vídeos y una videoinstalación estructuradas en cinco secciones —42ºN, Deriva estándar, Fricción límite, Rexistro da marxe e Eolionimia—, y se ha desarrollado en entornos de alta montaña y de meteorología extrema.

El artista ha creado imágenes donde la incertidumbre y la imprevisibilidad se confrontan con la necesidad de control própia de la especie humana. La experiencia del lento paso del tiempo y el espacio incierto de la alta montaña, propician la sensación de vulnerabilidad que queda patente en las instantáneas de Javier Vallhonrat. En tales circunstancias, este proyecto se puede entender como una exploración sobre la fragilidad del hombre frente a la naturaleza, pero también como un cuestionamiento sobre diferentes modos de representación del paisaje.

El proyecto comienza en 2010, cuando Vallhonrat visita la colección fotográfica del Museo Universidad de Navarra y centra su atención en dos fotografías del macizo de la Maladeta (Pirineo de Huesca), realizadas por el vizconde Joseph Vigier en el verano de 1853. Las fotografías de Vigier son un punto de partida y una posibilidad de dialogar con uno de los primeros fotógrafos que se enfrentan a la montaña desde una experiencia directa. 

Javier Vallhonrat
Licenciado en Bellas Artes y en Psicología, este artista elige la fotografía como su medio de investigación, explorando sus límites como lenguaje, y haciéndolo dialogar con la pintura, el vídeo, la performance o la instalación.

A lo largo de más de tres décadas, Vallhonrat ha desarrollado su obra paralelamente a una actividad docente impartida en instituciones públicas y privadas de Austria, Bélgica, Canadá, España, Francia, Finlandia, Italia, Japón, Méjico y Reino Unido.

Su obra se encuentra en colecciones como la del Museo Reina Sofía de Madrid, el Gran Duc Jean de Luxemburgo o el Museo de Arte Moderno de Filadelfia, entre otros.

Paris, con Picasso

30/10/2015, París celebra ahora el 30 aniversario del Museo Picasso, y esta fecha se aprovecha para destacar la obra del autor en diversas pinacotecas, entre ellas el propio Museo Picasso y el Louvre.



Paris, 30 de octubre de 2015
En el Museo Picasso se presenta desde el 20 de octubre una reordenación de los trabajos del autor malagueño con la muestra "¡Picasso!", concebida como un inmenso “collage visual” en los cinco pisos del “hotel Salé”, donde se alberga una colección excepcional que abarca obras de todas la épocas desde la azul a la surrealista y los archivos personales del artista.

La exposición refleja tanto la historia del museo como la del autor en sus distintas facetas, desde lo artístico hasta lo íntimo y personal. Para ello se muestran 105 pinturas, de ellas 86 de Picasso, y otras de su círculo de amigos; 92 esculturas en diversos materiales; 192 obras de arte gráfico (desde dibujos a libros), 190 fotografías… y hasta documentos personales y periódicos 

En el Louvre
El Museo del Louvre, por su parte, se asocia al aniversario presentando cuatro obras del maestro español en el circuito de pinturas francesas del ala Sully, junto a los viejos maestros que a él le gustaba contemplar como Chardin e Ingres.

De hecho, el Museo del Louvre es un lugar interesante la comprensión de la obra de Pablo Picasso. Él lo visitó por primera vez en 1900 durante su viaje a París para asistir a la Expo universal. En 1906 se descubrió precisamente en el Louvre la muestra de escultura ibérica arcaica hallada en Osuna y el Cerro de los Santos…. Y allí siguió conociendo obra antigua y moderna hasta últimas décadas de vida.

Obras expuestas: Le Retour du baptême (1917), Nature morte au pichet et aux pommes (1919), Paul en Pierrot (1925) y Nu couché (1932) 

En el Museo Delacroix
También nos podemos acercar a Picasso en el museo dedicado a Delacroix donde hay una pequeña muestra “Pablo Picasso en el estudio de Delacroix” que revela el interés del artista malagueño por el maestro francés.

En el invierno de 1954-1955, Picasso trabajó en torno a la obra de Mujeres de Argel de Delacroix, y ahora se pueden ver dibujos y litografías de Picasso en su apartamento, junto con los trabajos del genial romántico francés.

Enlaces:

http://www.museepicassoparis.fr/picasso-exposition-anniversaire/
http://www.musee-delacroix.fr/
http://www.louvre.fr/expositions/accrochagea-l-occasion-du-trentieme-anniversaire-du-musee-picasso

Navidad en Innsbruck

29/10/2015, La Navidad centroeuropea tiene un encanto especial merced a los magníficos mercadillos que llevan a las frías ciudades el calor de la música, la artesanía, las canciones y el vino caliente. Innsbruck es un ejemplo.



Viena, 29 de octubre de 2015
Turismo de Austria recuerda que en esta época, con la llegada de la Navidad, la ciudad y la montaña se integran. Las cumbres nevadas de la Cordillera parecen tocar las doradas tejas del Tejadillo de Oro; el aire se llena de música navideña, y los seis mercadillos de Navidad de la ciudad crean un ambiente urbano-alpino prenavideño muy especial.

El mercadillo de Navidad en el casco antiguo de Innsbruck es de los más bonitos y románticos de toda la región alpina. Entre el 15 de noviembre y el 23 de diciembre, los puestos, situados alrededor de un enorme árbol de Navidad, venden adornos de Navidad típicos de la región alpina, artesanía tirolesa, velas, dulces y pasteles navideños. Es un lugar de encuentro que invita a pasear, a comprar, a degustar un vasito de vino caliente acompañado por un dulce (Kiachln) y a dejarse llevar por la magia de la Navidad. El “carro del teatro” es una atracción muy especial que ofrece interpretaciones teatrales de cuentos de hada y conciertos de jóvenes músicos de la escuela de música de Innsbruck, en el marco de una programación llena de magia. Las calles del centro se llenan con los personajes más queridos de los cuentos de hadas: gigantes, princesas y personajes fantásticos recorren la ciudad y convierten cada rincón en un lugar mágico. 

La Maria-Theresien-Strasse recibe a sus visitantes con su propio mercadillo navideño (25 de noviembre a 6 de enero 2016). Aquí hay un gran número de atractivos puestos de venta adornados con por sus tenderos, situados en una avenida de brillantes árboles de cristal y con un gigantesco cristal en centro que simboliza el espíritu navideño que reina estos días en Innsbruck. Por la noche es el lugar perfecto para disfrutar de un encuentro con amigos, escuchar música de jazz y degustar alguna especialidad culinaria.

A pocos pasos, en la plaza del mercado, Innsbrucker Martkplatz, se instala un paraíso navideño para los más pequeños (del 15 de noviembre al 23 de diciembre), y que tampoco deja indiferente a los adultos dispuestos a dejarse llevar por el espíritu navideño. “Kasperl" y sus amigos (famosas marionetas austriacas) cuentan historias y explican cuentos a los niños, hay un mini-zoo con pequeños animales para acariciar y muchas otras atracciones, como un tiovivo antiguo, para que la temporada prenavideña sea para los niños uno de los momentos emocionantes del año.

Pero el entorno navideño es completo sin el gran árbol de Navidad de Swarovski de 15 metros de altura que ilumina con sus 170.000 cristales LED este lugar tan mágico. Este año, la punta del árbol estará adornada con una estrella gigante hecha con cristales Swarovski, obra del artista Michael Hammers,

Otro punto de encuentro prenavideño es el mercadillo de Navidad con vistas panorámicas en Hungerburg, situado en la ladera de la cordillera Nordkette, encima del centro de Innsbruck. Del 20 de noviembre hasta el 20 de diciembre, este mercadillo recibe a sus visitantes cada día con un ambiente navideño atractivo y muy entrañable. El funicular Hungerburgbahn permite llegar desde el centro de la ciudad al mercadillo de Navidad con vistas panorámicas en menos de 10 minutos.

No hay que perderse en ningún caso una visita al mundo mágico de la Navidad de WIlten. La pequeña plaza Wiltener Platzl, rodeada de bellas casas históricas, está situada a cinco minutos de la calle Maria-Theresien-Strassse. Este pequeño oasis en medio de la ciudad ofrece a sus visitantes, del 23 de noviembre al 22 de diciembre (excepto domingos), una variada oferta de eventos culturales, especialidades gastronómicas locales en un ambiente bohemio. En el barrio más antiguo de la ciudad, situado en el lado norte del río Inn, a pocos minutos del centro de Innsbruck, encontramos un mercadillo navideño pequeño y muy especial, el mercadillo navideño de San Nicolás (Christkindlmark St. Nikolaus). Todos los días entre el 27 de noviembre y el 23 de diciembre el ambiente prenavideño de este mercadillo invita a la meditación, a escuchar música, a degustar galletas de Navidad y a hacer velas para regalar a los seres queridos.

Turismo de Austria informa de la oferta “Advent Package” como la mejor opción para disfrutar de una estancia prenavideña en Innsbruck: 2 noches en un hotel de 4* con bufet-desayuno y tarjeta Innsbruck Card para 48 horas - la tarjeta de entrada para los lugares de interés más importantes de Innsbruck y alrededores. No falta un pequeño obsequio de bienvenida así como un bono para un vasito de vino caliente.

Los retratos periodísticos de Madueño

28/10/2015, Hasta el 10 de enero de 2016 se puede visitar en CaixaForum Madrid "Cinco minutos. Retratos periodísticos, 1977-2015", una exposición de las mejores fotografías del fotoperiodista Pedro Madueño.



Madrid, 28 de octubre de 2015
La exposición de CaixaForum Madrid propone un recorrido por los diferentes temas que Madueño (La Carlota, Córdoba, 1961) ha tratado en sus fotografías durante más de tres décadas ded trabajo, a partir de unos cincuenta retratos publicados en el diario La Vanguardia, donde colabora habitualmente.

La fotografía de prensa se basa en la urgencia del momento. A menudo, el fotógrafo cuenta con apenas cinco minutos para preparar el escenario, pensar una composición o captar la expresión de la persona que tiene delante suyo. A veces, la imagen que se obtiene con este procedimiento trasciende, en esas ocasiones, el fotógrafo capta la personalidad de su modelo y consigue fijarla en una imagen perdurable. La mirada de Madueño revela aspectos siempre nuevos, desde puntos de vista insólitos, con una gran profundidad psicológica. 

La posibilidad de contemplar en conjunto y a gran escala el trabajo de Madueño permite establecer conexiones entre las distintas piezas y valorar aún más la aportación del fotógrafo al género del retrato periodístico.

En sus más de 30 años de carrera, Pedro Madueño ha fotografiado grandes figuras de la literatura internacional como Salman Rushdie, John Irving, Fernando Arrabal o Joyce Carol Oates en escenarios íntimos como habitaciones de hotel. Destacan especialmente sus retratos de primer plano, en los que el fotógrafo trata el rostro del retratado como si fuera una geografía, con encuadres singulares y contrastes entre luces y sombras que subrayan el aspecto físico del retratado. La muestra abre con una sección dedicada a personajes como Terenci Moix, Juan Goytisolo, Eduardo Mendoza, Quim Monzó o Sergi Pàmies, retratados por Madueño.

Las instantáneas de Pedro Madueño son también testigo de la evolución de la sociedad catalana y española. En los últimos años ha fotografiado figuras del mundo del espectáculo, de la política, del arte o de la fotografía como el cocinero Ferran Adrià, la cineasta Isabel Coixet, el juez Garzón o el escultor Jaume Plensa... A su lado, referentes de la cultura de los años de la Transición como el actor Fernando Fernán Gómez, el bailarín Cesc Gelabert, los fotógrafos Leopoldo Pomés y Francesc Català-Roca, o artistas como Joan-Pere Viladecans y Eduardo Chillida.

Tan lejos, tan cerca

27/10/2015, El Museo San Telmo presenta una muestra fotográfica con obras de los máximos exponentes del documentalismo fotográfico español de la década de los setenta.



San Sebastián, 27 de octubre de 2015
Los seis autores que integran la muestra (Koldo Chamorro, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Fernando Herráez, Anna Turbau y Ramón Zabalza) renovaron el género de la fotografía documental al aplicar un enfoque directo y una visión nueva que sentaría las bases para las generaciones posteriores.

A principios de los años setenta, una nueva generación de fotógrafos dirigió su objetivo más allá de las realidades urbanas para capturar la España rural de la época. Estos autores reflejaron la vida en las pequeñas ciudades de provincia, las culturas marginales y las tradiciones al borde de la desaparición o la transformación, siempre con una mirada personal e innovadora, alejada de los estereotipos impuestos por la etapa franquista.

Sus obras respondían a intereses personales, y fueron planteadas como trabajos a largo plazo, lo cual dio a los autores una gran libertad creativa que queda plasmada en series que evidencian la distancia entre la sociedad urbana y la rural como "España Oculta", "España Mágica" o "Imágenes gitanas".

Los seis autores que integran esta exposición destacan por la franqueza de sus instantáneas, y por su forma directa de observar y documentar la realidad, recurriendo a encuadres de gran fuerza expresiva y otros recursos fotográficos que avalan su profundo conocimiento del medio.

Tan lejos, tan cerca
Hasta el 6 de enero de 2016
Museo San Telmo
Plaza Zuloaga, 1
Donostia - San Sebastián


Gleizes y Metzinger: Du cubisme (1912-1947)

27/10/2015, El Museu Fundación Juan March presenta, desde el 29 de octubre y hasta el 23 de enero de 2016, la exposición Gleizes y Metzinger: Du cubisme (1912-1947).



Palma, 27 de octubre de 2015
Los pintores Albert Gleizes (1881-1953) y Jean Metzinger (1883-1956) fueron teóricos del cubismo y autores del ensayo Du cubisme, considerado el primer manifiesto estético del cubismo.

Publicado en 1912 por el editor parisino Eugène Figuière (1882-1944), el texto se reeditó en 1947 con una introducción de Albert Gleizes y un epílogo de Jean Metzinger. Gleizes explicó que las motivaciones de su ensayo fueron su propia autoclarificación y el intento de sintetizar las premeditaciones, reflexiones y combinaciones que estaban en el origen del cubismo, convencidos de que la pintura es siempre resultado de una actividad reflexiva.

La edición de 1912 estaba acompañada de varias ilustraciones, ordenadas según el momento de adhesión de sus autores al cubismo: Paul Cézanne, Pablo Picasso, André Derain, Georges Braque, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Albert Gleizes, Fernand Léger, Marcel Duchamp, Juan Gris y Francis Picabia. La reedición de 1947 se acompañaba de once estampas (seis aguafuertes, tres puntas secas y dos aguatintas) de Pablo Picasso, Jacques Villon, Francis Picabia, Jean Metzinger, Fernand Léger, Marie Laurencin, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp, André Derain y Georges Braque.

La exposición incluye un ejemplar de la reedición de 1947 y exhibe todas sus estampas. Procedente de la colección de la Fundación Juan March, libro y grabados se completan con dos óleos de los autores del libro: Composition, de Albert Gleizes y Nature morte, fruits, verre et noix de Jean Metzinger, procedentes de la colección Azcona (Madrid).

Incorporaciones a la colección

Simultáneamente a esta nueva exposición de gabinete, el Museu Fundación Juan March presenta una serie de nuevas obras de algunos artistas de la colección. Con estas intervenciones, el museo aprovecha la totalidad de su espacio para reflexionar y trabajar temporalmente con la propia colección. Entre octubre de 2015 y enero de 2016, se incorporan algunas obras de pintores como Manuel Hernandez Mompó (con Romería, de 1963), Miguel Ángel Campano (El naufragio, 1983), José María Sicilia (Red Frame with Flower, 1986) o Xavier Grau, con L'Escola de Venècia II, de 1981. Como novedad, se incorporan obras de algunos artistas cuyas obras no se han expuesto previamente, como es el caso de Sarah Grilo, Campano y Grau, Alberto Reguera, José Ramón Sierra, Juan Suárez y Enric Pladevall.

La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX

27/10/2015, El Museo de Bellas Artes de Sevilla reúne una selección de dibujos de las Colecciones de la Fundación Mapfre que narran la evolución de este género desde finales del siglo XIX.



Sevilla, 27 de octubre de 2015
La Fundación MAPFRE ha centrado desde el año 1997 sus esfuerzos en recuperar la obra sobre papel de aquellos artistas y movimientos relevantes que permiten apreciar la evolución del dibujo y la pintura tanto en España como en Europa. La selección que se presenta en el Museo de Bellas Artes de Sevilla abarca un período que discurre entre mediados del siglo XIX y mediados del XX, el momento en el que el dibujo todavía vive su doble condición de medio creativo para la ejecución final de otras obras, y como arte pleno, autónomo e independiente.

La exposición inicia su recorrido con aquellos dibujos que en los últimos años del siglo XIX y comienzos del XX constituían la expresión de un cambio profundo en el ámbito de las artes visuales. Edgar Degas, Auguste Rodin o Gustav Klimt son grandes ejemplos de esta transformación histórica. Con ellas, los dibujos del primer Picasso y los de artistas como Nonell, que marcaron un cambio de rumbo en la historia de las artes visuales en España. 

El cubismo llevó a cabo una transformación radical del lenguaje pictórico. La muestra permite conocer cómo se llevó a cabo esta transformación, gracias a los dibujos de Picasso, Juan Gris o André Lhote.

La riqueza del surrealismo queda manifestada en la obra de Joan Miró y Salvador Dalí, en los dibujos de Óscar Domínguez, y en el dramático Luis Fernández de los años treinta. Por su parte, las obras de Klee y de Matisse, las de Julio González y Alberto Sánchez escapan a la rigidez de una clasificación, al igual que sucede con las de Daniel Vázquez Díaz, Antoni Tàpies o Eduardo Chillida.

La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX. Colecciones Fundación Mapfre
Hasta el 17 de enero de 2016
Museo de Bellas Artes de Sevilla


Vanguardia rusa. El vértigo del futuro

26/10/2015, El Museo del Palacio de Bellas Artes de México reúne más de 500 obras de arte creadas entre 1911 y 1948, en el periodo de la vanguardia ruso-soviética.



México, 26 de octubre de 2015
El Museo del Palacio de Bellas Artes presenta una exposición dedicada al estudio de la vanguardia rusa a través de obras provenientes de colecciones de museos rusos como el Museo Estatal del Hermitage, el Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin o el Museo Estatal Ruso entre otros.

Vanguardia rusa. El vértigo del futuro, reúne pinturas, maquetas, bocetos de vestuario, filmes, carteles, fotografías, libros, dibujos, collages, cerámicas, esculturas, instalaciones y material documental de más de cien artistas rusos, como Vladímir Tatlin, Alexandr Ródchenko, Kazimir Malévich, Serguéi Eisenstein, Vasili Kandinski, El Lisitski, Vladímir Maiakovski, Natalia Goncharova, Olga Rozánova y Varvara Stepánova.

La exposición identifica los movimientos vanguardistas que germinaron en Rusia durante la primera mitad del siglo XX, a lo largo de diez núcleos divididos por disciplinas. A través del recorrido, el público podrá apreciar uno de los momentos más brillantes en la historia del arte y ahondar en el estudio de las vanguardias ruso-soviéticas, en las que se plasmaron las pasiones sociales, intelectuales y estéticas de una época comprendida entre los años 1911 y 1948. 

El primer apartado se centra en proyectos arquitectónicos del periodo vanguardista. El segundo núcleo de la muestra, dedicado al diseño, está conformado por obras de artistas cuyo objetivo principal fue integrar el arte a los objetos de la vida diaria. El tercer núcleo está dedicado a la obra gráfica dirigida a la agitación política. La pintura y la instalación conforman el cuarto apartado en el que se pueden observar obras pertenecientes a corrientes como el cubofuturismo, el constructivismo, el rayonismo o el suprematismo. En el quinto núcleo, dedicado al cine, se exponen distintas vertientes fílmicas de la vanguardia ruso-soviética. La música y la experimentación sonora de la vanguardia rusa tienen representación en la sexta sección, mediante catorce pistas de audio. El séptimo núcleo profundiza en el legado vanguardista dentro de las artes escénicas, con diseños de escenografías y bocetos de vestuario. La influencia de los movimientos vanguardistas dentro de la literatura y la edición se observa en el octavo apartado. El noveno núcleo corresponde a la fotografía, que muestra el tono experimental y creativo de la vanguardia rusa. Especial énfasis merece el género del fotomontaje. El último apartado de la muestra corresponde a los dibujos de Serguéi Eisenstein, fantasías explícitas que contienen actos de necrofilia, homosexualidad, escenas orgiásticas, asociaciones del subconsciente con la muerte y el sexo, el horror y el éxtasis, la pasión y la religión... Muchos de estos dibujos fueron realizados durante la estancia del cineasta en México en 1931.

Vanguardia rusa. El vértigo del futuro
Hasta el 31 de enero de 2016
Museo del Palacio de Bellas Artes


Baquelitas. Creando futuro

26/10/2015, Hasta el 17 de enero de 2016 en el Museo Nacional de Artes Decorativas se exponen 300 piezas que muestran el nacimiento y desarrollo de los plásticos.



Madrid, 26 de octubre de 2015
El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta una sorprendente exposición dedicada a esos nuevos materiales que cambiaron para siempre nuestra forma de concebir la vida.

A través de distintos ejemplos, la exposición muestra al visitante cómo la industria, los incipientes diseñadores y la creación, se dieron la mano en torno al plástico para alcanzar la eterna utopía de hacer bello lo útil; al mismo tiempo que se abría la posibilidad de crear objetos que suprimieran las diferencias de clases, dado su reducido coste. 

Los avances tecnológicos de mediados del siglo XIX hicieron posible el origen de un fenómeno que iba a marcar el futuro para siempre: la aparición del primer plástico sintético, conocido como baquelita, patentada en 1907.

Conocida como el material de los mil usos, la baquelita hacía realidad la democratización de los objetos. A pesar de su origen humilde, la escasez de materiales naturales como el marfil, el coral o el carey (a quienes imitaban fácilmente estos nuevos materiales), haría que finalmente la baquelita acabara imponiéndose como material estrella y favoreciendo el desarrollo de su industria en forma exponencial.

Baquelitas. Creando futuro
Museo Nacional de Artes Decorativas
Montalbán 12. Madrid


Un santuario colombiano único

23/10/2015, La iglesia dedicada a Nuestra Señora de las Lajas, en Ipiales (Nariño), Colombia, es, sin duda, un templo sumamente bello, ubicado en un paisaje espectacular, el cañón del río Guáitara.



Bogotá, 23 de octubre de 2015
Situado a una decena de kilómetros de la frontera de Ecuador, el santuario de Las Lajas fue construido entre 1916 y 1949 en estilo Neogótico. El diario británico The Telegraph en una selección de los templos más bellos del mundo lo colocó en primera posición, seguido de la iglesia de madera de Borgund, del siglo XII, en Noruega; la iglesia armenia de Isfahán, del siglo XVII, en Irán; la capilla de Notre Dame du Haut, de Ronchamp, Francia, realizada por Le Corbusier, y la iglesia fortificada Viscri, en Rumanía.

El origen del templo se remonta a un hecho calificado como milagroso ocurrido en torno a 1754, cuando una mujer indígena y su hija sordomuda buscaron refugio ante una tormenta, en una oquedad del cañón del río. La niña descubrió una pintura, a la luz de los relámpagos, y así se lo reveló a la sorprendida madre.

Pronto se edificó allí una capilla rústica que sufrió sucesivas mejoras y que atrajo a fieles de toda la comarca y de Ecuador. La atracción creció y hubo necesidad de realizar sucesivos santuarios, cada uno de ellos más espectacular, en el entorno del cañón ribereño. En la actualidad al lugar acuden unos 750.000 fieles cada año. 

El diario británico The Telegraph destaca el impactante efecto de la construcción neogótica sobre el cañón, a una altura de 100 metros sobre el río Guáitara.

En el 2006, este santuario fue declarado Bien de Interés Cultural de Carácter Nacional y en el 2007 fue elegido como una de las Siete Maravillas de Colombia.

La construcción de piedra gris y blanca fue dirigida por Gualberto Pérez y Lucindo Espinosa. La basílica consta de tres naves cubiertas de bóvedas de crucería y se asienta sobre un puente de dos arcos que atraviesa el río y que proporciona al edificio una especie de atrio monumental. El edificio se ilumina mediante vidrieras diseñadas por el alemán Walter Wolf. Bajo el templo propiamente dicho se halla una cripta neorrománica.

En breve se pondrá en funcionamiento en el santuario de Nuestra Señora de las Lajas un teleférico que facilitará el acceso al mismo, proyecto en el cual se invirtieron 20.000 millones de pesos. Actualmente, para llegar al santuario es necesario recorrer 4 kilómetros en vehículo desde Ipiales, pero con el teleférico esta distancia se reducirá a 1,3 kilómetros.

Con esta obra se busca impulsar el turismo a la que es considerada como una de las más importantes joyas arquitectónicas y religiosas de Colombia. 

Edvard Munch, en el Thyssen

23/10/2015, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en sus salas hasta el 17 de enero la exposición “Edvard Munch. Arquetipos”.



Madrid, 22 de octubre de 2015
Se trata de la primera exposición del pintor noruego en Madrid desde 1984, y son comisarios de la misma Paloma Alarcó y Jon-Ove Steihaug. En ella se presenta total de ochenta obras que abarcan toda la carrera del artista noruego. La mitad de los préstamos proceden del Museo Munch de Oslo y el resto pertenecen a otras prestigiosas instituciones de todo el mundo, como la Kunsthaus de Zúrich, el Kunstmuseum de Basilea, la Tate de Londres, el MoMA de Nueva York o la National Gallery de Washington, y a algunas colecciones internacionales, incluyendo la del Museo Thyssen-Bornemisza, el único en España con obras de Munch.

La distribución se articula en torno a ese amplio catálogo de arquetipos emocionales (melancolía, amor, muerte…) y a los distintos escenarios en los que están representados (la costa, la habitación de la enferma, el abismo, el bosque, la noche, el estudio del artista), combinando en todo el recorrido obras tempranas con versiones tardías, obra gráfica y pinturas, para subrayar así la circularidad temática y existencial de su obra.

Las últimas publicaciones y exposiciones tratan de liberar a Munch de muchos de los estereotipos a los que se ha visto sometido, para mostrarle no solo como símbolo universal de la angustia y la alienación del hombre moderno sino, sobre todo, como un creador esencial en la formulación de la sensibilidad artística contemporánea. Arquetipos sigue esa senda, centrando la atención en los aspectos más desconocidos de su fuerza creadora y en su capacidad de sintetizar las obsesiones del hombre contemporáneo. Si bien Munch nunca abandonó la figuración, sí rompió con el mundo visible y exploró la dimensión espiritual oculta de la realidad para, a través de un innovador lenguaje plástico que evolucionó desde el simbolismo al expresionismo, inmortalizar plásticamente los temas más universales sobre la vida, el amor y la muerte.

Muy vinculado durante toda su vida a los ambientes literarios y artísticos de su época, Edvard Munch contribuyó con su obra al avance de la modernidad que se produjo en todos los ámbitos de la cultura europea a finales del siglo XIX, junto a figuras destacadas como el dramaturgo noruego Henrik Ibsen, el escritor sueco August Strindberg o el filósofo alemán Friedrich Nietzsche.

El arte de Munch surge de una peculiar mezcla de tradiciones artísticas, corrientes literarias progresistas y especulaciones esotéricas -sin olvidar los mitos de las tierras del norte-, para crear toda una mitología de los tiempos modernos y con una firme actitud de experimentación, “a contrapelo del estilo moderno”, como solía decir. Valiéndose de arquetipos, imágenes primigenias de comportamientos humanos, Munch establece múltiples relaciones entre los signos externos del mundo físico y la dimensión espiritual oculta. 

Un cuaderno de viajes para Munch
A pesar de que residió principalmente en Francia y Alemania entre 1889 y 1909, el artista se mantuvo siempre estrechamente vinculado a su tierra natal. Su arte surge de un tenso diálogo interno con la naturaleza, y el misterioso paisaje noruego aparece de manera recurrente como fondo en obras dedicadas a la melancolía, el aislamiento o la pasión.

Coincidiendo con la muestra, el Thyssen presenta un Cuaderno de viaje. Noruega y Edvard Munch, escrito por Paloma Alarcó y Clara Marcellán, con fotografías de Gisela Fernández-Pretel, que recorre los lugares del fiordo de Oslo en los que residió el pintor y que inspiraron muchas de sus obras.

La Sierra de Guadarrama en el Museo del Prado

22/10/2015, El Prado celebra el centenario de la primera Ley de Parques Nacionales con un itinerario que muestra el Parque Nacional Sierra de Guadarrama a través de las obras de grandes pintores.

Madrid, 22 de octubre de 2015
El Museo del Prado, en colaboración con la Fundación Biodiversidad del Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente, propone un itinerario didáctico por el Parque Nacional Sierra de Guadarrama a través de las obras de grandes pintores como Velázquez, Goya, Beruete o Muñoz Degraín.

Este itinerario, gratuito para los visitantes del Museo, se podrá realizar durante el mes de noviembre, y muestra el Parque Nacional Sierra de Guadarrama a través de una selección de nueve obras, entre las que se encuentran dos retratos del Príncipe Baltasar Carlos de Velázquez, La primavera de Goya y Paisaje de El Pardo de Beruete, a las que se unen otras obras de la colección que no se encuentran en exposición actualmente, pero que podrán verse a través de una tableta Samsung.

Los recorridos se celebrarán todos los martes del mes de noviembre en horario de mañana y tarde (11.00 y 17.00h), y para asistir los visitantes del Museo deben inscribirse en el punto de encuentro de Educación 15 minutos antes del comienzo de la actividad (máximo 25 personas por grupo). Los días 4, 5, 11 y 12 de noviembre habrá sesiones a las 11.30 y 16.00h., para las que es necesario inscribirse enviando un correo electrónico a semanadelaciencia@museodelprado.es.

Para complementar este recorrido, el sábado 14 de noviembre Miguel Ruiz del Área de Educación del Museo del Prado impartirá una conferencia bajo el título Un viaje por la Sierra de Guadarrama en el Prado, a las 18.30h en el auditorio.

Alex Katz. Aquí y ahora

22/10/2015, El Museo Guggenheim Bilbao explora a través de 35 obras el desarrollo del paisaje dentro de la trayectoria del artista Alex Katz a lo largo de los últimos 25 años.



Bilbao, 22 de octubre de 2015
La obra de Alex Katz (Brooklyn, 1927) se enmarca tanto en el arte estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial como en la vanguardia actual. Katz comenzó su carrera artística en los años cincuenta como pintor figurativo en un momento en el que la abstracción era la corriente imperante, desafiando así a la crítica que rehusaba la figuración y la imaginería en el arte.

Katz desarrolla una pintura rápida, inspirada en la pintura de acción de Jackson Pollock. Con un espacio pictórico de poca profundidad y líneas intensamente descriptivas, limpias y reduccionistas, Katz busca provocar una conversación sobre la confluencia de la percepción y la conciencia y la relación entre arte y naturaleza.

La exposición del Guggenheim Bilbao pretende poner de relieve el papel fundamental del paisaje en la trayectoria de Katz, que mediante la “gramática de la abstracción” incluye el tratamiento expansivo de la superficie del lienzo al completo, para capturar lo que el artista denomina “el tiempo presente” o la simultaneidad de ver y percibir.

Más que representar fielmente imágenes, Katz captura el instante de la percepción en la pintura. La simplicidad de las formas de Katz es fundamental para esta noción del momento presente.

Los temas fundamentales de los paisajes de Katz son la forma, la superficie, el espacio y la luz. En sus obras se aprecia un movimiento dinámico, que invita al observador a acompasarse con él de acuerdo a su pensamiento y a su estado emocional. La luz y la forma aportan una inesperada síncopa de movimiento por la superficie de sus pinturas, ejecutadas rápidamente y con mano segura.

Alex Katz. Aquí y ahora
Del 23 de octubre de 2015 al 7 de febrero de 2016
Museo Guggenheim Bilbao

Van Gogh y Matisse en Barcelona

21/10/2015, Fundación Mapfre inaugura con la muestra "El triunfo del color. De Van Gogh a Matisse. Colecciones de los museos d´ Orsay y de l ´Orangerie", su nueva sala de exposiciones en Barcelona.

Barcelona, 21 de octubre de 2015
La exposición plantea cómo el color se convierte en uno de los caminos para llegar del impresionismo a la pintura de vanguardia, a través de 72 obras procedentes del museo d’Orsay y de l´Orangerie de París cedidas de forma especial para esta ocasión.

Tras el impresionismo, la pintura explotó en colores y la visión personal del artista se impuso. Los artistas presentían que el color expresaba algo por sí mismo y se lanzaron a encontrarlo, alejándose de la naturaleza y acercándose a la abstracción del color. La exposición “empieza con una pieza de Van Gogh, de cuando llega a París y descubre la pintura moderna y su paleta de colores se modifica, con colores muy vivos, con una pincelada que se descompone. El recorrido sigue con trabajos de Cézanne y Toulouse-Lautrec, pasando por Seurat, Signac y la Escuela de Pont-Aven, encabezada por Gauguin, hasta Sérusier, Bonnard y el grupo de los “Nabi”. Cierran la muestra Renoir, Matisse, Monet y Picasso.

4 claves para visitar la exposición:

  • En la muestra se proponen una selección de obras que se apoyan en los estudios científicos sobre el color que desarrolló el científico Michel-Eugène Chevreul.

  • Entre Gauguin y Bernard estaban aseguradas las discusiones históricas, literarias, estéticas, filosóficas y musicales. El encuentro entre ambos se plasma en un conjunto de obras presentes en la exposición.

  • El Talismán, una tablilla pintada en Pont-Aven en 1888 por Sérusier bajo el dictado de Gauguin abre la parte de la exposición titulada: Los nabis, profetas de un nuevo arte.

  • En 1905, Matisse y otros artistas presentaron obras con colores estridentes y agresivos, hasta tal punto que desde ese momento se les denominó el grupo de los Fauves, "las fieras" en francés.

El triunfo del color. De Van Gogh a Matisse.
Colecciones de los museos d´ Orsay y de l ´Orangerie
Hasta el 10 de enero de 2016
Sala FUNDACIÓN MAPFRE Casa Garriga i Nogués
C/ Diputació, 250. Barcelona

El Jordán, en la UNESCO

21/10/2015, La UNESCO aprobó en el año 2015 la inclusión en su listado del Patrimonio Mundial del punto del río Jordán donde se cree que fue bautizado Jesucristo, en Jordania.

Ammán, 21 de octubre de 2015
El “sitio” de la UNESCO se halla en la orilla oriental del río Jordán, a nueve kilómetros al norte del Mar Muerto.

El espacio se compone de dos áreas distintas: Tell Al-Kharrar, también conocido como Jabal Mar Elias (La colina de Elías) y la zona de las iglesias de San Juan Bautista, cerca del río Jordán, ámbito donde se cree que fue bautizado Jesús de Nazaret por Juan el Bautista.

El espacio cuenta con restos romanos y bizantinos, incluyendo iglesias y capillas, un monasterio, cuevas que han sido utilizadas por los ermitaños y piscinas bautismales que testimonian el carácter religioso del lugar.

El sitio es un lugar de peregrinación cristiana. Desde la antigüedad, según refrendan las excavaciones arqueológicas.

El Sitio del Bautismo de Betania de Transjordania está ubicado a pocos kilómetros al este del histórico Jericó y a unos 50 kilómetros al oeste de Ammán, la capital de Jordania. El lugar está protegido por la Ley de Antigüedades del Reino de Jordania. Aunque se detecta la ocupación temprana de la zona, el principal período de uso y ocupación del sitio fue entre los siglos V y VIII, si bien hay algunas estructuras incluso del XV.

Las excavaciones llevadas a cabo en el lugar desde 1997 han puesto de manifiesto las características que narraron antiguos testigos, así como elementos arquitectónicos singulares, como una iglesia importante construida sobre pilares para protegerla de las inundaciones del río Jordán y los restos de una capilla construida sobre cuatro pilares por encima de las aguas del río.

Estas características peculiares encuentran confirmación en las descripciones precisas de peregrinos y viajeros testigos de la existencia de estos edificios, en uso, entre los siglo VI y XI

Después de las excavaciones y la consolidación de los restos arqueológicos realizados, el sitio fue abierto al público. Hoy es lugar de peregrinación al que han acudido incluso los tres últimos papas.

El lugar del Bautismo en Betania de Transjordania es el quinto sitio jordano que se incluye en la lista de la UNESCO; junto con la ciudad de Petra, Quseir Amra, Um Al Rassas y el desierto de Wadi Rum.

Kandinsky. Una retrospectiva

20/10/2015, CentroCentro Cibeles presenta una exposición retrospectiva dedicada al pintor ruso Wassily Kandinsky.

Madrid, 20 de octubre de 2015
Una de las mayores muestras monográficas que se han hecho en España de la obra de Wassily Kandinsky llega a CentroCentro Cibeles para recorrer la trayectoria artística del pintor ruso, pionero del arte abstracto y uno de los pintores vanguardistas más destacados de todos los tiempos.

Cumplidos casi 150 años del nacimiento de Wassily Kandinsky (1866–1944), la exposición "Kandinsky. Una retrospectiva" recorre los periodos clave de la vida de Kandinsky, desde los primeros años en Alemania, pasando por sus años en Rusia y finalizando con su estancia en Francia, a través de obras fundamentales (parte de la colección personal del artista y que fueron donadas por su viuda al Centre Pompidou) entre las que se encuentran Alte Stadt II (1902), Lied (1906), Improvisation III (1909), Im Grau ( 1919), Gelb-Rot-Blau (1925) y Bleu de ciel (1940).

Alrededor de cien pinturas, dibujos y fotografías se podrán ver a lo largo del recorrido de la muestra, que se desarrolla en orden cronológico en cuatro secciones dedicadas a cuatro décadas de producción del artista: Munich, 1896–1914, Rusia, 1914–21, Bauhaus, 1921–33, París, 1933–44.

Tras abandonar la carrera universitaria en derecho y economía, Kandinsky emprende su sueño de convertirse en pintor, profundamente marcado por la obra de Monet en la exposición impresionista de Moscú de 1896. Se traslada a Múnich para estudiar pintura en 1896. En estos años empieza a pintar paisajes tardo-impresionistas y obras de brillantes colores inspiradas en leyendas germánicas y en el arcaico Imperio Ruso. De regreso a Rusia, en 1914 prueba brevemente con el arte figurativo. Decide volver a Alemania a finales de 1921. Los años de Bauhaus muestran dibujos de la carpeta Pequeños Mundos (1922), una síntesis de sus obras expresionistas anteriores a la guerra, del nuevo y más geométrico estilo de la época rusa y de los nuevos desarrollos de la Bauhaus. La Bauhaus cierra en 1933, a causa de la presión del régimen nazi. París es la última etapa del artista, que conoce la obra de Picasso y surrealistas como Dalí, Jean Arp y Joan Miró. Sus pinturas adquieren formas biomórficas, amebas, embriones... un microcosmos en el que Kandinsky se sumerge para escapar del fantasma de la guerra.

Kandinsky. Una retrospectiva
Hasta el 28 de febrero de 2016
CentroCentro Cibeles. Plaza de Cibeles, 1. Madrid

Picasso. Registros alemanes

20/10/2015, Del 20 de octubre de 2015 al 21 de febrero de 2016 se puede visitar una muestra sobre Picasso y el arte alemán en el Museo Picasso Málaga.

Málaga, 20 de octubre de 2015
La relación entre Picasso y el arte alemán no ha sido abordada en profundidad, por lo que esta exposición del Museo Picasso Málaga abre una importante puerta al plantear vínculos, filiaciones y divergencias entre Pablo Picasso y un selecto grupo de artistas alemanes considerados ya clásicos de la modernidad y que cambiaron radicalmente el rumbo de la historia del arte .

La exposición muestra el interés y la resistencia que Picasso produjo entre los artistas germanos modernos que no optaron por la abstracción. Estos pintores desarrollaron sus obras conscientes de los aportes innovadores del artista español, principalmente por el efecto del cubismo, aunque sin dejar de buscar una manera de crear propia de su idiosincrasia cultural, resistiéndose al peligro de ser víctimas de la contundencia estética del malagueño.

Los nuevos e inquietos escenarios de la vida cultural de las metrópolis de París y Berlín potenciaron durante la primera mitad del siglo XX la circulación de un intenso flujo de ideas. El recorrido de la muestra transcurre por veintidós ámbitos complementarios, combinándose en cada uno de ellos obras de Picasso y de sus coetáneos germanos, así como el interés del malagueño por los maestros alemanes del siglo XVI.

El relato expositivo se sitúa entre 1905, año de la constitución en Dresde del colectivo El Puente (Die Brücke), pasando por el grupo El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) y el dadaísmo Berlínés, para finalizar en 1955 con la exposición internacional documenta 1 en la ciudad de Kassel, que puso en valor lo que el nazismo había denostado como “arte degenerado”.

Picasso. Registros alemanes
Del 20 de octubre de 2015 al 21 de febrero de 2016
Museo Picasso Málaga
Palacio de Buenavista. Calle San Agustín, 8. Málaga

Los objetos hablan en Tenerife

20/10/2015, El Espacio Cultural Fundación CajaCanarias acoge la exposición “Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado”.

Tras una exitosa trayectoria por diversas ciudades españolas (Cádiz, Zaragoza, Tarragona, Lleida o Girona), donde ha sido capaz de congregar a más de 150.000 visitantes, esta detallada selección de 60 pinturas y objetos de las principales escuelas artísticas europeas (española, flamenca, italiana y francesa) de entre los siglos XVI y XIX, podrá verse hasta el próximo 16 de enero en el Espacio Cultural Fundación CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife.

La muestra, compuesta exclusivamente por obras del Museo del Prado, ofrece a sus visitantes la posibilidad de disfrutar de una cuidada selección de pinturas de artistas como Rubens, Sorolla, Zurbarán, Murillo, Goya o Ribera y también de objetos de artes decorativas, piezas de primer orden que tradicionalmente han quedado relegadas o ensombrecidas por las creaciones y los nombres de los principales pintores y escultores europeos de los siglos XV al XIX. Las obras seleccionadas, que van desde una medalla de Felipe II, fechada en 1559, hasta la figura de una mujer en la playa pintada por Cecilio Pla en la segunda década del siglo XX, plantean una visión sobre los objetos que acompañan a hombres y mujeres en su vida cotidiana o en momentos de especial significación.

Los cuadros del Museo del Prado muestran una gran cantidad de elementos simbólicos que contribuyen a enriquecer el aspecto formal que ofrecen y nos permiten un acercamiento al mensaje que el artista o su mecenas o cliente quisieron transmitir. Pero también hay en ellos numerosos detalles escondidos que nos obligan a recorrer una y otra vez la superficie pictórica. Desentrañar qué información nos dan estos objetos sobre esos personajes, su época o su contexto geográfico, es el principal cometido de esta muestra.

La clave está en el objeto
En ocasiones, los objetos de los cuadros se convierten en auténticos protagonistas de la composición. Los objetos que nos rodean definen quiénes y cómo somos, es decir, nos retratan. Los trajes y joyas sirven para indicar su estatus, los ricos bodegones de cocina y de mesa hablan de costumbres gastronómicas y del contexto socioeconómico... Muchos cuadros encierran un mensaje oculto que puede servir para vincular al retratado a sus familiares o amigos ausentes, o bien para indicar su profesión o actividad.

Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado
Hasta el 16 de enero de 2016
Espacio Cultural Fundación CajaCanarias

Nuevas especies en el Himalaya

19/10/2015, Un mono que estornuda, un pez que camina y una serpiente-joya parte de un tesoro biológico formado por más de 200 nuevas especies descubiertas en el Himalaya oriental en los últimos años.

Thimphu, Bhutan
El informe, “Himalayas ocultos: Maravillas de Asia” lanzado por WWF, Fondo Mundial para la Naturaleza, el Día Mundial del Hábitat, describe decenas de nuevas especies encontradas por científicos de diversas organizaciones, entre ellas 133 plantas, 39 invertebrados, 26 peces, 10 anfibios, un reptil, un pájaro y un mamífero.

El volumen y la diversidad de los descubrimientos, 211 en total, entre 2009 y 2014, ponen de relieve el interés de la región como uno de los lugares con mayor diversidad biológica de la Tierra. Los descubrimientos enumerados representan un promedio de 34 nuevas especies cada año durante los últimos seis años.

"Estoy muy emocionado de que la región - el hogar de un asombroso número de especies, algunas de ellas míticas- sigua sorprendiendo al mundo por su naturaleza y el ritmo de los descubrimiento de especies", explicó Ravi Singh, director general de WWF-India y Presidente de la Iniciativa Himalayas Living WWF.

Algunos de los descubrimientos más notables incluyen un pez caminante que puede respirar aire atmosférico y sobrevivir en la tierra hasta cuatro días, aunque se mueve de una manera mucho más torpe que una serpiente deslizándose. El informe detalla un desdichado mono cuya nariz respingona le causa estornudos cada vez que lluieve, y una bella víbora con una cabeza enjoyada, que podría pasar como una pieza maestra de joyería.

El informe también pone de relieve las graves amenazas que enfrentan los ecosistemas en este espacio magnífico de una región que abarca Bhután, el noreste de la India, Nepal, norte de Myanmar y el sur del Tíbet. El estudio dice que, como consecuencia del desarrollo, sólo el 25% de los hábitats originales de la región permanecen intactos y cientos de especies que viven en el Himalaya oriental están amenazadas a nivel mundial.

La región se enfrenta actualmente a una amplia gama de amenazas y presiones, especialmente por el cambio climático. A ello se añade el crecimiento demográfico, la deforestación, el pastoreo excesivo, la caza furtiva, el comercio de vida silvestre, la minería, la contaminación y la generación de energía hidroeléctrica, causando presiones sobre los frágiles ecosistemas, según el informe. "El desafío es preservar los ecosistemas amenazados antes de estas especies y otras aún desconocidos se pierdan", sostiene el grupo de Himalayas Living WWF.

Hay mucha riqueza natural en juego. El entorno del Himalaya es el hogar de al menos 10.000 especies de plantas, 300 especies de mamíferos, 977 especies de aves, 176 reptiles, 105 anfibios y 269 tipos de peces de agua dulce. Entre 1998 y 2008, en el Himalaya oriental se descubrieron al menos 354 nuevas especies.

En un intento por proteger la rica diversidad de la flora y fauna de la región, WWF está apoyando a estos países hacia economías verdes que valoren los ecosistemas y los servicios que prestan a los millones de personas en la región. Situada en una de las regiones ecológicamente más frágiles de la Tierra, la Iniciativa Himalayas Living WWF insta a una fuerte colaboración regional para garantizar que las personas en esta región, vivan adecuadamente salvaguardando los valores ecológicos.

Cambio de luces. Ilustración española en los 70

19/10/2015, Una muestra que reivindica a un grupo de artistas que revolucionaron con sus dibujos el panorama de la ilustración en la España del final de la dictadura.

Madrid, 19 de octubre de 2015
La exposición "Cambio de luces. Ilustración española en los 70", reivindica el retorno a la modernidad en el trabajo de una generación de ilustradores muy influenciados por el arte pop predominante en el panorama artístico de la época. Estos artistas fueron reducidos a «grandes dibujantes para niños» por la crítica, cuando realmente sus obras supusieron en aquellos momentos la introducción de un nuevo lenguaje, una nueva estética y un nuevo discurso.

La muestra reúne obras de José Ramón Sánchez, Fina Rifá, Pilarín Bayés, Asun Balzola, Manuel Boix, Miguel Calatayud, Luis de Horna, Miguel Ángel Pacheco, Karin Schubert, Carme Solé Vendrell y Ulises Wensell, once artistas que con el estilo propio y personal de cada uno, fueron capaces de revolucionar el panorama de la ilustración española hacia nuevas formas durante los últimos años del franquismo y los primeros de la transición.

Con sus obras, estos ilustradores mostraron su compromiso social y político en esta época convulsa, sensibilizándose especialmente con los nuevos modelos educativos.

CAMBIO DE LUCES. ILUSTRACIÓN ESPAÑOLA EN LOS 70
Hasta el 07.02.2016
Museo ABC
Amaniel 29-31. Madrid

Cara a cara en la Colección Foto Colectania

19/10/2015, Hasta el 13 de febrero de 2016, la Fundación Foto Colectania muestra la fuerza del retrato a través de más de cien obras de 48 fotógrafos de su colección.

Barcelona, 19 de octubre de 2015
La exposición "Cara a cara" reúne ejemplos destacados de fotografía española y portuguesa desde los años cincuenta hasta la actualidad a través de la colección de la Fundación Foto Colectania.

La diversidad de esta selección nace de sumar al retrato de estudio -la aproximación más común sobre este género- la instantánea de la fotografía de calle. Una licencia que permite trabajos que se acercan a la temática desde ópticas tan diferentes como la racionalidad, el control, la complicidad, la espontaneidad o el azar. El retrato está contemplado a veces como un enfrentamiento, otras veces como un proceso de seducción, o una experiencia tan intensa como entrar en trance.

El retrato permite a los fotógrafos prestar atención a los detalles, y les convierte en diestros analistas de las miradas, de los gestos, de la identidad. Las obras de esta exposición se agrupan alrededor de dos elementos que concentran la atención de los fotógrafos cuando se enfrentan al cara a cara con el retratado: la mirada y el cuerpo. El espectador se ve rodeado de una miradas directas, provocadoras, esquivas, cruzadas... Junto con ellas, los autorretratos: la mirada del fotógrafo sobre sí mismo. Finalmente, el espectador se encuentra con una serie de fotografías caracterizadas por la expresividad de los cuerpos, que nos hablan con sus gestos y formas.

Cara a cara. El retrato en la Colección Foto Colectania
Hasta el 13 de febrero de 2016
Fundación Foto Colectania
Julián Romea, 6. Barcelona

ARTS/artsevilla

16/10/2015, Más de 150 artistas y 20 galerías se dan cita en la primera Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Sevilla, 16 de octubre de 2015
Durante los próximos días 16, 17 y 18 se celebra la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARTS/artsevilla. El Nuevo Palacio de Exposiciones y Congreso FIBES FIBES acogerá una muestra expositiva que cuenta con más de 150 artistas contemporáneos, 20 galerías y el I Congreso Nacional de Arte Contemporáneo.

El evento pretende reunír en un mismo sitio lo más actual y vanguardístico, reflejando el continuo cambio y movimiento del mundo de las Artes. Durante el mes de octubre, Fundaciones, Museos, Galerías y Artistas participarán de esta celebración, y se organizarán visitas, circuitos, simposios y otras actividades que harán que el público participe y disfrute del Arte y de la ciudad.

La feria se encontrará abierta al público en horario ininterrumpido de 11:30 a 21:00 horas (excepto el domingo que cierra a las 19.00 horas).

I Congreso Nacional de Arte Contemporáneo
El I Congreso de Arte Contemporáneo pretende profundizar y dar a conocer desde su interior los cimientos del Arte más actual en España.

En esta cita se debatirán temas latentes dentro de este mundo, se presentarán artistas emergentes, se hablará de los problemas de la crisis y la escasa participación de coleccionistas, y críticos, comisarios y galeristas de prestigio descubrirán a los asistentes el funcionamiento real del Arte Contemporáneo.

El I Congreso Nacional de Arte Contemporáneo va dirigido, especialmente, a los profesionales del sector que quieran ampliar sus conocimientos sobre la materia, mantenerse al día con las últimas tendencias y corrientes de pensamientos actuales y convertir el evento en un encuentro entre profesionales donde podrán relacionarse y darse a conocer.

A la cita podrá también asistir cualquier persona amante del Arte Contemporáneo que quiera avanzar en sus conocimientos y entender mejor el funcionamiento interno de esta disciplina.

Arte transparente

16/10/2015, El Museo del Prado presenta la exposición Arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés.

Madrid, 16 de octubre de 2015
El Museo del Prado presenta “Arte transparente”, una exposición de pequeño formato que propone acercarnos a través de un conjunto de 20 piezas (todas ellas obras maestras de gran calidad) a una expresión artística tan poco conocida como es la talla del cristal de roca o cuarzo hialino. 14 de las obras pertenecen al conjunto del "Tesoro del Delfín", que se conserva en el Museo del Prado, y seis proceden de las colecciones florentinas de los Médicis y de la parisina de Luis XIV.

En la segunda mitad del siglo XVI la ciudad de Milán destacó en la talla del cuarzo hialino o cristal de roca, produciendo obras extraordinarias, fruto de la erudición y el conocimiento técnico y artístico. Esta muestra es una ocasión excepcional para poder contemplar obras que por su valor artístico se destinaron a colecciones que solo soberanos y miembros de la alta nobleza europea se podían permitir.

La selección de "Arte transparente" representa adecuadamente los dos talleres más importantes de la segunda mitad del siglo XVI, los de las familias Miseroni y los Sarachi, y dos de los principales artistas individuales: Francesco Tortorino y Annibale Fontana.

La exposición aproxima al visitante a las circunstancias históricas en las que se desarrolló esta faceta de la escultura, incluyendo también las consideraciones intelectuales y simbólicas que justificaban la elección de temas de fuerte carga simbólica como la religión y los mitos clásicos o las nuevas ideas neoplatónicas sobre el mundo y la Naturaleza, influidas también por el pensamiento de Leonardo da Vinci, que pudo haber ayudado en la mejora de la maquinaria necesaria para la talla.

El cristal de roca o cuarzo hialino es una gema natural, un mineral que se trabaja retirando materia, y no por moldeo o modelado. Su prestigio se debe en parte a la belleza y el altísimo valor que desde la Antigüedad poseían los objetos elaborados en este material. Durante la segunda mitad del siglo XVI, Milán desarrolló una industria artística de tradición milenaria que alcanzaría entonces su mayor esplendor, creando obras maestras tan admiradas como otras creaciones supremas de la pintura o la escultura.

La realización de los vasos, con métodos celosamente guardados, exigía tiempo, esfuerzo y destreza. Cada uno pasaba por diversas fases que obligaban a trabajar en equipo, en un sistema de talleres familiares. Los cristallari les daban forma y realizaban el ahuecado, y los intagliatori se ocupaban de las escenas y decoraciones, talladas en hueco o en relieve, dando como fruto imágenes de gran belleza que variaban con la luz.

El valor económico de un vaso de cristal era muy superior al de una obra maestra pictórica. En la testamentaría de Felipe II, cuadros de Tiziano o el Bosco fueron tasados muy por debajo de algunas piezas de cristal de roca de la misma colección. Las ricas guarniciones con las que se adornaban estas piezas, decoradas con esmaltes, perlas y piedras preciosas, hacían que su valor fuera aún mayor.

En la segunda mitad del siglo XVI los talleres de Milán alcanzaron su máximo esplendor. Es difícil atribuir estas obras a un autor determinado, dado que varias personas intervenían normalmente en las distintas fases de creación. Junto a unos pocos artistas individuales, como los muy valorados Francesco Tortorino o Annibale Fontana, dos fueron los principales talleres milaneses: el de la familia Miseroni, con originales obras que mezclaban elementos orgánicos y formas clásicas, y el de la familia Sarachi, especializada en vasos con forma de animales fantásticos. Ambas familias trabajaron para las grandes cortes europeas como Madrid, Viena, Praga, Mantua, Florencia, París o Múnich.

Arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés
Hasta el 10 de enero de 2015
Museo del Prado

Xavier Gosé (1876-1915)

15/10/2015, El Museu Nacional d`Art de Catalunya dedica una muestra al artista Xavier Gosé en el centenario de su fallecimiento.

Barcelona, 15 de octubre de 2015
Coincidiendo con el centenario de la muerte de Xavier Gosé, el Museu Nacional organiza una exposición antológica dedicada a resaltar la obra uno de los ilustradores catalanes más internacionales de comienzos del siglo XX.

Xavier Gosé Rovira (Alcalá de Henares, 1876 - Lérida, 16 de marzo de 1915) fue, junto a Laura Albéniz, uno de los introductores del Art Déco en Cataluña.

Gosé estudió en la Escuela de Bellas Artes, La Llotja, donde se formaría como ilustrador, colaborando desde bien temprano en publicaciones como “La Esquella de la Torratxa”, “Barcelona cómica”, “La Saeta”, “El gato negro” y “Quatre Gats”.

Tras sus estudios, el pintor e ilustrador Josep Lluís Pellicer, tomó a Gosé como ayudante en su taller, y lo introdujo en el realismo narrativo de corte naturalista.

En 1900 Gosé se instala en París, donde entra en contacto con el nuevo pensamiento literario y las últimas tendencias pictóricas simbolistas, el miserabilismo de Adolf Mönzer y la cartelería del célebre Toulouse-Lautrec, cuyos coloridos y formas adopta el artista catalán.

En esta etapa, Gosé retrata el elegante y bullicioso París de la Belle époque con un estilo refinado y con gusto por las composiciones elegantes y decadentes. En sus ilustraciones, Gosé captó a la perfección la moda y las siluetas de la sociedad francesa, reflejando la vida mundana de los cafés-concert, las midinettes, las prostitutas, la gente de los bulevares, en las carreras de caballos, los deportistas y en Montmartre.

Permanece en la ciudad francesa hasta declararse en 1914 la primera guerra mundial. Un año después muere en Lérida, enfermo de tuberculosis.

Michaël Borremans, en Málaga

14/10/2015, El Centro de Arte Contemporáneo (CAC) de Málaga presenta la primera exposición individual en España del artista belga Michaël Borremans.

Málaga, 14 de octubre de 2015
La muestra, titulada Fixture, reúne 35 pinturas de los últimos quince años del artista y estará en el centro malagueño del 9 de octubre al 17 de enero de 2016.

Borremans es un artista que abunda en los primeros planos de personajes anónimos y naturalezas muertas, y en los que se nota la inspiración del cine y la fotografía.

El artista, radicado en Gante (Bélgica), siente una fascinación por el mundo de la imagen, y en la muestra aporta una selección de 35 pinturas que repasa más de una década de la trayectoria profesional del autor flamenco, quien gusta de emplear una paleta de colores oscuros y recurre a un formato de pequeñas dimensiones, similar al retrato.

Los temas se relacionan con la figura humana y el peso que conlleva la existencia; la soledad, los miedos, los defectos, la confusión y la tragedia.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga y comisario de esta exposición, Borremans es un artista inconformista con una voz propia y “difícil de clasificar” que crea unas imágenes que atrapan al espectador. “Son obras ambiguas, abiertas, con un elemento misterioso, intrigante, como un puzzle, que el visitante tiene que resolver”.

En la exposición Fixture se presentan pinturas basadas en fotografías captadas con anterioridad por el artista. En sus lienzos, Borremans recurre a las fotografías que manipula. Sus obras oscilan entre la realidad y la fantasía, la fascinación y la irritación.

El artista se confiesa muy interesado de la técnica barroca; de ahí, su interés por maestros del Barroco español, a los recurre a veces como fuente de inspiración. Artistas como Velázquez, Goya, Rembrandt o Manet y otras corrientes artísticas posteriores como el surrealismo, están presentes en su discurso. Asímismo, la mayoría de sus obras se encuentran muy marcadas por su admiración de la fotografía, disciplina que compartía con su abuelo, y su pasión por el cine.

Haciendo referencia a sus obras, las manos son un tema recurrente abierto a múltiples interpretaciones, como en sus obras Red Hand, Green Hand, 2010 o The Egg IV, 2012. Otro de los temas que abarca Borremans en sus pinturas es la muerte, como en The Preservation, 2001, donde podría ser un acto homicida o un ritual de embalsamiento. El artista también integra referencias a la naturaleza, como en sus obras The Branch, 2003 o Dragonplant, 2003.

Michaël Borremans nació en Geraardsbergen (Bélgica) en 1963. Estudió artes gráficas y fotografía en la Sint-Lucas Hogeschool en Gante. Se adentró en el mundo de la pintura a una edad tardía, por lo que se le podría considerar un autodidacta. Empezó a darse a conocer internacionalmente en la década de los 90. En la actualidad, Michaël Borremans es uno de los artistas más singulares de la escena artística belga.

Miró y CoBrA

14/10/2015, Hasta el 31 de enero de 2016 se puede visitar en el Museo CoBrA de Arte Moderno de Amstelveen una muestra dedicada a Joan Miró.

Amstelveen (Países Bajos), 14 de octubre de 2015
Con más de 80 obras de Joan Miró, "Miró & CoBrA. The Joy of Experiment" se trata de la primera gran exposición dedicada a la obra de Miró en los Países Bajos en 59 años, la anterior fue en el Museo Stedelijk (Amsterdam) en el año 1956.

La exposición explora la relación entre Joan Miró (1893-1983) y CoBrA (1948-1951). Un encuentro casual en 1946 entre el danés Asger Jorn y el artista holandés Constant Nieuwenhuys sentó las bases de CoBrA, un grupo internacional de artistas de la posguerra. Los dos se conocieron en una exposición de Miró en el Galerie Pierre Loeb, París, y establecieron la obra de Miró como un elemento recurrente en la historia del movimiento.

Lo que enlazaba a Joan Miró y a los artistas de CoBrA es su enfoque lúdico y experimental del arte. La experimentación con materiales, formas y procesos era una fuente de conocimiento e innovación, tanto para el maestro de español como para los artistas del movimiento. Esta exposición presenta al visitante ese sentido compartido de la alegría y la actitud poética, presentes en el corazón de la obra de Miró y de CoBrA.

Mediante el establecimiento de un vínculo con el movimiento artístico y la propia colección del museo, Miró y CoBrA arroja nueva luz sobre el maestro español del siglo XX.

En su último período, el desarrollo artístico de Miró vio una liberación de la forma, el gesto y el material que mostró una correspondencia llamativa con el trabajo y las percepciones artísticas de diversos miembros de CoBrA. Este trabajo es menos familiar para el público en general, por lo que esta exposición ilumina una amplia gama de técnicas experimentales que incluyen, además de la pintura, trabajos en papel, cerámica, escultura, ensamblajes, poesía visual y revistas.

La muestra incluye más de 80 obras de Joan Miró y 60 obras de artistas como Karel Appel, Asger Jorn, Constant y Pierre Alechinsky. Una parte central de la exposición es la reconstrucción del estudio de Miró en Mallorca, con más de 40 objetos originales del artista. Esta parte de la exposición ha sido posible gracias a la colaboración con la Fundació Pilar i Joan Miró de Mallorca.

Miró y Cobra: The Joy of Experimental
Hasta el 31 de enero de 2016
Museo CoBrA de Arte Moderno
Sandbergplein 1. Amstelveen

El Thyssen va al lejano oeste

13/10/2015, El Thyssen Bornemisza presentará el 3 de noviembre una exposición que acerca por primera vez en España la temática artística del Lejano Oeste norteamericano.

Madrid, 13 de octubre de 2015
La muestra, que estará hasta el 7 de febrero de 2016, sigue los pasos de los artistas que en el siglo XIX se adentraron en los territorios del Oeste norteamericano, mostrando paisajes exóticos y formas de vida de unos indios americanos que declinaban ante sus ojos por el efecto del implacable programa militar y colonizador.

En estos artistas se recrea un mundo con la óptica romántica pero también con la mirada cargada de tópicos y prejuicios. A través de una selección de pinturas y fotografías de artistas como Karl Bodmer, George Catlin, Henry Lewis, Albert Bierstadt, Edward S. Curtis o Carleton E. Watkins, entre otros, la exposición presenta este apasionante capítulo de la historia del arte escasamente conocido en el resto del mundo.

Algunos de los lienzos pertenecen a la propia colección permanente del Thyssen, la única en España con obra de estos pintores, reflejo de la pasión del barón Hans Heinrich Thyssen por las narraciones literarias, cinematográficas y artísticas sobre el Oeste.

La muestra comienza con un prólogo dedicado a los exploradores españoles que establecieron los primeros contactos con las tribus, ya desde el siglo XVI, e incluye diversos objetos además de cartografía para seguir las rutas, los asentamientos, las misiones y los presidios, así como las líneas de contacto y de fricción con las tribus indias. Estos mapas elegidos ofrecen un elevado valor estético y algunos de ellos incluyen dibujos de figuras y tipis.

Más tarde, los caminos hacia el Oeste fueron recorridos por tramperos y compañías de comercio de pieles y, después, por científicos y militares que realizaron largos recorridos y que, desde muy pronto, se hicieron acompañar por artistas que ilustraran sus hallazgos o, con mayor ambición artística, pintaran o fotografiaran los paisajes y sus pobladores originales. El ferrocarril facilitó el acceso a una naturaleza “edénica” interesante para artistas y más tarde viajeros diversos.

Para reprensentar aquella naturaleza desbordante y grandiosa se contó con el trabajo de pintores como Thomas Cole, Albert Bierstadt y Thomas Hill, con un exacerbado lenguaje romántico, que crearon obras que tuvieron gran trascendencia en la historia del arte, así como fotógrafos que influirían enormemente en la imagen que los estadounidenses se formaron del Oeste.

Los primeros artistas que se adentraron en el Oeste en los años treinta del siglo XIX no fueron paisajistas sino retratistas y, con mayor o menor rigor científico, etnógrafos. George Catlin, con su extraordinaria Galería India, y Karl Bodmer, con la precisa documentación gráfica de los Viajes en el interior de Norteamérica, del antropólogo Maximilian zu Wied-Neuwied, nos permiten conocer en profundidad los campamentos indios, la caza del búfalo y los rituales de numerosas tribus, así como fisonomías y atuendos.

Ellos dieron paso a una visión idealizada pero melancólica de la vida india, en la que se funden paisaje y figuras, fantasía y etnografía. En la segunda mitad del siglo, estos temas ya se habían convertido en un subgénero pictórico con tirón popular, asociado a la pintura de historia o a la costumbrista y presente en la producción de artistas como Charles M. Russell, Charles Wimar y Frederic Remington, entre otros.

Se representó el mundo de los indios y hasta los propios jefes tribales, en las últimas décadas del siglo XIX, se preocuparon por inmortalizar su imagen. Así lo hicieron Toro Sentado, Gerónimo o Joseph en el curso de sus viajes por el este de los Estados Unidos para acudir a negociaciones o encuentros, estando ya sus tribus confinadas en reservas. A este momento corresponde la monumental empresa fotográfica y editorial El indio norteamericano, de Curtis, un controvertido y valiosísimo conjunto artístico y etnográfico, hoy en gran parte perdido.

La colonización supuso un violento impacto sobre las culturas indias, en un proceso muy rápido que les llevó casi a la desaparición. Hubo quienes quisieron preservar en la medida de lo posible los restos de ese desmoronamiento, iniciando unas colecciones que han llegado hasta nuestros días. Una selección de trajes, objetos cotidianos y rituales, armas y adornos de las culturas nativas se mostrarán también a lo largo del recorrido de la exposición, ilustrando algunos detalles de la forma de vida de las tribus.

Por último, Miguel Angel Blanco, artista y comisario de la exposición, interesado desde hace años en la cultura india, presenta una selección de libros-caja de su Biblioteca del Bosque, realizados con materiales que ha recogido en sus viajes por los Estados Unidos.

Los retratos de Goya, en Londres

13/10/2015, Una muestra sobre los retratos de Francisco de Goya es una de las grandes atracciones del otoño artístico londinense. Se presenta en la National Gallery.

Londres, 13 de octubre de 2015
Hasta el 10 de enero de 2016, setenta obras muestran una faceta importantísima de Francisco de Goya y Lucientes (Fuedetodos, Zaragoza 1746 – Burdeos (Francia) 1828) en la que el autor aragonés se presenta como un artista libre e innovador, que profundiza en la sicología de sus modelos de forma atrevida, a veces implacable.

Goya siempre ha sido sumamente respetado por los amantes del arte, y muchos artistas de los siglos XIX y XX han sido influidos por él. Ha sido considerado como un predecesor de las vanguardias pictóricas de finales del XIX y XX, pero en este caso la muestra no se dirige a revisar la amplitud de su obra, sino de forma concreta el arte del retrato, en el que Goya se mostró pronto como un maestro nada convencional.

Fue a los 37 años cuando consiguió su primer encargo crucial, el retrato del conde de Floridablanca, Secretario de Estado de la monarquía española. Aquel encargo hizo que la reputación de Goya creciese rápidamente. Ambicioso y orgulloso de su condición, Goya atendió a clientes de toda la alta sociedad española: desde la familia real y los aristócratas, a intelectuales, políticos, banqueros y militares, sin dejar a un lado amigos y familiares.

El gran pintor español bordeó una serie de ámbitos estilísticos que le llevaría de un Barroco tardío al Neoclasicismo para acabar entroncando con el Romanticismo y a través de él con la pintura moderna. Fue una grave enfermedad la que en el 1793, le causó la sordera, lo que le hizo un ser más aislado, que desarrolló una obra más original y seria, con temáticas más oscuras, crudas e inusuales,

En ese periodo, pasada la cuarentena, el pintor aragonés continuó una obra en la que el retrato siguió siendo un canal por el que pudo comunicarse y reflejar una alta sociedad que retrató sin miedos, revelando el mundo que veía en sus clientes, sin miedo a la crítica.

La exposición londinense proporciona a través del retrato una amplia visión de aspectos políticos y personales de su tiempo, recogiendo sus trabajos de España y también del momento de su autoexilio en Francia tras la Guerra de la Independencia, en una carrera que conoció momentos revolucionarios, bélicos, y el profundo periodo de agitación cultural de la Ilustración español; un tiempo convulso que el plasmó también en series inmortales como los desastres de la guerra.

Creador, innovador, admirado por autores como Delacroix, Degas, Manet y Picasso, Goya es uno de los pintores más célebres de España, sin embargo, hasta ahora, no se había preparado antes una muestra sectorial, como retratista, según señalan los organizadores.

El amplio elenco de obras del artista procede de grandes centros culturales de todo el mundo, y especialmente de Estados Unidos y España, aparte de la propia colección de la National Gallery.

Entre estas instituciones, el Minneapolis Institute of Art, The Frick Collection, la Hispanico Society y el Metropolitan de Nueva York, el Meadows Museum de Dallas. Entre los centros españoles, el de Bellas Artes de Bilbao, el Museo del Prado; la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y el Museo de Zaragoza. Gran parte de la obra presentada ahora en Londres jamás se ha mostrado en el Reino Unido.

Danh Vó

09/10/2015, El Museo Reina Sofía presenta un proyecto del artista Danh Vó, que transforma el Palacio de Cristal en una vitrina gigante del siglo XIX.

Madrid, 9 de octubre de 2015
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una obra de Danh Vó, creada específicamente para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro. En ella, el artista emplea la arquitectura única del Palacio de Cristal para encapsular la nostalgia de un museo paleontológico y arqueológico del siglo XIX dentro de una gran vitrina.

Danh Vó (Bà Ria, Vietnam, 1975) recurre en sus instalaciones, esculturas, fotografías y obras en papel a sus orígenes y vivencias, entremezclándolas con referencias del mundo occidental.

En sus instalaciones, esculturas, fotografías y obras en papel, Danh Vó sintoniza con objetos, documentos, obras de arte, referencias y otros materiales que abarcan milenios y que encuentra gracias a los viajes y a la movilización de una red de distintos colaboradores como anticuarios o especialistas de diversos ámbitos.

De manera empírica, el artista establece conexiones culturales, sociales, históricas y políticas que abren nuevas posibilidades de redefinición de la obra de arte, insinuando nuevos sentidos que trastocan el discurso histórico dominante. El lenguaje y la sexualidad operan como elementos de transición entre el deseo, la emoción estética y la interpretación crítica.

En este proyecto, el artista presenta una serie de objetos aparentemente inconexos, entre los que figuran un gran número de fósiles de mamut, un Cristo de marfil del siglo XVII, una estatua romana ensamblada a una talla gótica francesa de una Virgen con el Niño, y un embalaje de cartón pintado con pan de oro. Acompaña el conjunto una carta de un misionero francés del siglo XIX, escrita la víspera de su ejecución y transcrita por el padre del artista, Phung Vó. Con esta nueva instalación, Danh Vó pretende explorar la idea del museo y su función en el mundo contemporáneo.

Danh Vó. Destierra a los sin rostro / Premia tu gracia (Banish the Faceless / Reward your Grace)
Palacio de Cristal del Parque del Retiro. Madrid
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Hasta el 28 de marzo de 2016

Tigua: arte desde el centro del mundo

09/10/2015, Hasta el 17 de enero de 2016 en el Museo Nacional de Antropología se puede visitar una muestra dedicada al arte de Tigua, un canto a la vida y la naturaleza.

Madrid, 9 de octubre de 2015
Esta muestra constituye la primera exposición de arte de Tigua llevada a cabo en España, y presenta imágenes que cautivarán al expectador por su riqueza cromática y su fuerza expresiva.

El arte de Tigua surge en la década de 1970, en las comunidades kichwa de la región de Tigua, en la provincia Cotopaxi (Ecuador), una de las regiones habitadas más elevadas del mundo.

Son características del arte de Tigua las escenas en las que aparecen multitud de personajes inmersos en el paisaje andino. En estas pinturas se emplean colores intensos y brillantes. Al principio, utilizaron como pintura las mismas anilinas que empleaban en el teñido de la lana, pero pronto comenzaron a utilizar esmaltes y pintura acrílica.

Los temas representados con mayor frecuencia en el arte de Tigua son las fiestas religiosas, las actividades cotidianas tradicionales (agrícolas, ganaderas, artesanales y comerciales.) y el ciclo vital, pero también podemos encontrar temáticas más reivindicativas, como los levantamientos indígenas. En definitiva, son obras en las que aparecen reflejadas la cultura y tradicional modo de vida de las comunidades kichwa.

La mayoría de la gente de la zona se dedica a la agricultura de subsistencia, vendiendo en el mercado el exiguo excedente. Cultivan distintas variedades de papa, habas, cebollas, quinua, altramuces y cebada. También crían ovejas, llamas y cuyes –conejillos de Indias–. Todos los miembros de la familia, incluidos los niños, ayudan en estas tareas.

Otro de los temas principales de este arte es la religión, que mezcla raíces prehispánicas y católicas. Algunos de los cultos representados en las pinturas son la veneración a la Pachamana –la Madre Tierra– o a las montañas y cerros –urku– y otros elementos de la naturaleza. Al tratarse de comunidades agrícolas, la fertilidad de los campos va asociada con la prosperidad de las gentes. En los periodos de sequía, realizan una ceremonia en la cima de las montañas para pedir la esperada lluvia.

El cóndor (kuntur) es otro de los temas que se suelen representar en el arte de Tigua, pues hace de intermediario entre la gente, sus ancestros y la Tierra. También pueden aparecer en estas pinturas representaciones de los supay (demonios) o de los yachac o tsáchilas (chamanes), figuras que cobran especial importancia, pues tienen conocimientos sobrenaturales de curación.

Pero el tema estrella de la pintura Tigua son las fiestas religiosas, en especial los festejos del Corpus Christi. Los personajes principales de las fiestas del Corpus son los danzantes, ataviados con espectaculares trajes y tocados, que danzan al ritmo que le marcan el tambor y el pingullo. El Corpus coincide aproximadamente con el solsticio de verano, con las fiestas de la cosecha prehispánicas y el Inti Raymi, la Fiesta del Sol de los incas.

TIGUA: arte desde el centro del mundo
Museo Nacional de Antropología
C/Alfonso XII, 68. Madrid
Hasta el 17 de enero de 2016

Kongo: Poder y Majestad

08/10/2015, El Museo Metropolitano de Nueva York inaugura una muestra que redefine radicalmente nuestra comprensión de la relación de África con Occidente.

Nueva York, 8 de octubre de 2015
La muestra se centra en una de las tradiciones artísticas más influyentes del continente, desde el primer contacto entre los líderes africanos y europeos a finales del siglo XV hasta principios del siglo XX. La producción creativa de los artistas de África Central está representada por 146 obras procedentes de más de 50 colecciones de toda Europa y Estados Unidos, que reflejan quinientos años de encuentros y relaciones. La muestra hace incapíe en la complejidad excepcional del arte anterior al contacto con Europa de África Central, así como la evolución subsiguiente que tuvo lugar cuando nuevas ideas llegaron desde el exterior.

La historia del arte de África Central se ha contado hasta ahora con el enfoque del siglo XIX. Esta exposición ofrece una visión más amplia, dejando ver que la gran sofisticación y el espectro de la expresión artística ha tenido una evolución contínua, desde la época de las primeras incursiones de los europeos a lo largo de la costa y hasta la época colonial.

Casi una década antes de que Cristóbal Colón pusiera un pie en el Nuevo Mundo, el explorador portugués Diogo Cão desembarcó en la costa de la actual Angola. Este punto de inflexión en la historia del mundo provocó intercambios significativos de la cultura material a través del Atlántico. Cão conmemora su llegada en 1483, como un emisario para el rey Juan II de Portugal, marcando el lugar con un monumento de piedra caliza tallada en Lisboa. Este objeto marca la entrada del visitante en Kongo: Poder y Majestad.

El Kongo abrazó la alfabetización desde el primer momento, por lo que es uno de los estados africanos precoloniales mejor documentados. Destacan en la exposición misivas de los soberanos del Kongo a sus homólogos europeos, que ofrecen una perspectiva africana sobre los acontecimientos mundiales de los siglos XVI y XVII.

Los primeros artefactos africanos conservados en Occidente son artículos de prestigio creados por artistas localizados en una región que se extiende por lo que hoy se conoce como el norte de la República del Congo, Angola, y el sur de la República Democrática del Congo. Las creaciones de los artistas fueron apreciadas por su mano de obra refinada y por sus raros materiales, tales como marfiles con diseños geométricos delicados y textiles de fibra de rafia adornados con motivos abstractos. Muchos de estos objetos fueron enviados por los líderes del Kongo como regalos diplomáticos, la exposición reúne algunas de estas exquisitas obras, raramente mostradas y dispersadas a nivel internacional.

La forma fundamental de expresión asociada con el arte africano es el del ídolo de poder, o nkisi. Después de la adopción del cristianismo en 1491, Nzinga un Nkuwu, soberano del Kongo, pidió la destrucción de todos los ídolos locales, o minkisi, en su reino. Al mismo tiempo pidió que artefactos devocionales cristianos fueran enviados desde Europa. La exposición cuenta con ejemplos de obras cristianas realizadas en el Kongo, a partir de estos prototipos europeos. Fuera de la capital, el cristianismo era menos influyente, por lo que se continuó con la creación de ídolos devocionales, pensados como pequeños santuarios portátiles diseñados para albergar fuerzas espirituales. Aún así, no se conoce de la existencia de ningún nkisi conservado en Occidente.

Otras representaciones típicas del arte de África Central eran las pequeñas tallas de marfil en las que figuras femeninas representaban el poder de la crianza y la regeneración.

Los artistas locales eran muy demandados por parte de clientes que requerían de su talento para la producción de una gran variedad de formas de expresión. Aunque las identidades de estos escultores no han sido documentadas, sus logros son conocidos a través del registro artístico conservado en colecciones occidentales. Durante los últimos años, los historiadores del arte han podido asociar las cualidades estéticas y estilos de tallado con una serie de talleres de distintivos identificados de acuerdo con los sitios asociadas a sus creaciones. La exposición reúne por primera vez la mayoría de los trabajos producidos por tres de los maestros escultores con más talento: el Maestro de Kasadi, el Maestro de Makaya Vista, y el Maestro de Boma Vonde.

Kongo: Poder y Majestad (Kongo: Power and Majesty)
Hasta el 3 de enero de 2016
Metropolitan Museum Nueva York

Zurbarán. Maestro del Detalle

08/10/2015, Por primera vez en Alemania se dedica una exposición retrospectiva a Francisco de Zurbarán, en la Stiftung Museum Kunstpalast de Düsseldorf.

Düsseldorf, 8 de octubre de 2015
Desde el próximo 10 de octubre, se puede visitar en la Stiftung Museum Kunstpalast de Düsseldorf la exposición "Zurbarán. Maestro del detalle", una muestra dedicada al pintor barroco español Francisco de Zurbarán (1598 a 1664), considerado junto con Velázquez, no sólo uno de los representantes más importantes del Siglo de Oro español, sino también como una de las grandes figuras de la pintura europea.

La exposición, que comprende alrededor de 70 obras maestras, incluye préstamos valiosos de la National Gallery de Londres, la Hispanic Society (Nueva York) y la Alte Pinakothek de Múnich, y muestra entre otras una serie de naturalezas muertas realizadas por su hijo, Juan de Zurbarán (1620-1649). La muestra, organizada conjuntamente con el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, incluye obras rara vez presentadas al público.

Francisco de Zurbarán pasó la mayor parte de su vida en Sevilla, donde creó gran número de trabajos religiosos para diferentes comunidades monásticas. Sus figuras, como si de esculturas se tratasen, aparecían iluminadas por un halo de religiosidad que hizo característico el estilo del pintor, que supo dominar con gran virtuosismo la técnica de las luces y sombras.

La admiración por Zurbarán persiste hasta nuestros días, ya en el siglo XVIII, el historiador Antonio Palomino lo denominaría el "Caravaggio Español", y artistas como Dalí hablaron de él con entusiasmo y admiración. Zurbarán. Maestro del Detalle
10/10/2015 - 01/31/2016
Stiftung Museum Kunstpalast. Düsseldorf

Miró y el objeto

07/10/2015, Una exposición monográfica explora el papel del objeto en la obra de Joan Miró.

Barcelona, 7 de octubre de 2015
Miró y el objeto investiga como el artista evolucionó desde la representación pictórica del objeto hasta su incorporación física a través del collage y el assemblage para llegar finalmente a la escultura.

Esta exploración de Miró en torno al objeto lo lleva a trabajar con distintas técnicas y procedimientos como la pintura, el collage, la cerámica o la escultura.

La exposición, que podrá verse en la Fundació Joan Miró del 29 de octubre al 17 de enero de 2016, muestra el desafío que Miró plantea a la pintura a finales de la década de los años veinte y cómo el diálogo intenso con los objetos que lo rodeaban contribuyeron a una transformación capital en la concepción del arte del siglo xx.

Joan Miró
Joan Miró nace en Barcelona en 1893, pero sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón. Mont-roig, una pequeña población de la comarca del Baix Camp, será el contrapunto a la agitación intelectual que vive en París en los años veinte junto a los poetas surrealistas, y al estímulo del expresionismo abstracto que descubre en Nueva York en los años cuarenta.

En plena Segunda Guerra Mundial, Joan Miró se instala en Palma de Mallorca, espacio de refugio y de trabajo. El arraigo al paisaje de Mont-roig primero y al de Mallorca después será determinante en su obra. El vínculo con la tierra y el interés por los objetos cotidianos y por el entorno natural serán el trasfondo de algunas de sus investigaciones técnicas y formales.

Miró huye del academicismo, a la búsqueda constante de una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado. Contenido en las formas y en las manifestaciones públicas, es a través del hecho plástico donde Joan Miró muestra su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodean. Este contraste de fuerzas le llevará a crear un lenguaje único, que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Miró muere en Palma, en el año 1983.

Miró y el objeto
29/10/2015 — 17/01/2016
Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc. Barcelona

La montaña de Genghis Khan

07/10/2015, El paisaje montañoso de Burkhan Jaldún (Burkhan Khaldun), en Mongolia, lugar de nacimiento de Genghis Khan, es desde 2015 un sitio Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 7 de octubre de 2015
Este área montañosa, al noreste de Ulan Bator, ya cerca de la frontera siberiana, está en la provincia de Khentii, en el noreste mongol, y se considera un territorio sagrado.

La montaña está en la parte central de la cordillera Khentii, en el punto en el que la gran estepa de Asia Central alcanza los bosques de coníferas de la taiga siberiana.

Burkhan Jaldún se asocia con el culto a las montañas, ríos y rocas sagradas, donde se practica un sincretismo chamánico-budista. El territorio está ligado también al nacimiento de Genghis Khan y a la unificación de los pueblos mongoles

El ámbito de la gran montaña Burkhan Jaldún y su paisaje sagrado, recogido en la declaración de la UNESCO, alcanza 443739.20 hectáreas. El espacio presenta las manifestaciones de la cultura nómada de Mongolia con una gestión pastoril del territorio, con prácticas que implican el uso sostenible de pastizales y el nomadismo estacional.

El sitio muestra como las tradiciones nómadas están influidas por un respeto a la naturaleza de tradición budista, lo que ha facilitado esa gestión sostenible de los recursos naturales.

Burkhan Jaldún se considera un espacio sagrado desde los días del nacimiento del imperio de Genghis Khan y se asocia al origen del imperio mongol, que desde este rincón del oeste de Asia alcanzó buena parte de Eurasia entre los siglos XII y XIV; imperio que tuvo una increíble extensión que abarcaba desde Corea a Europa Central y desde Siberia a la India.

Wang Guangyi y Juan Genovés en el MAC

06/10/2015, El Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa presenta dos exposiciones dedicadas al artista chino Wang Guangyi y al valenciano Juan Genovés.

La Coruña, 6 de octubre de 2015
Wang Guangyi. Las reliquias de los creyentes
Wang Guangyi (Harbin, China, 1957) es uno de los artistas chinos más reconocidos de la actualidad. Su obra se plantea como un análisis del poder movilizador de la imagen y como una reflexión en torno al fenómeno universal de la fe, tanto en el terreno de la religión como en el de las doctrinas políticas.

La exposición, la primera retrospectiva del autor en Europa, se aloja en una atmósfera propicia para el recogimiento y la meditación y presenta algunas de las primeras series pictóricas de Guangyi, con estas series, el artista realiza una aproximación a temas recurrentes en la pintura occidental, que le permiten ampliar el alcance de sus investigaciones y observar su propia herencia cultural desde otra perspectiva.

La instalación titulada Las reliquias de los creyentes, expresamente concebida para el MAC, es el núcleo central de la exposición, así como el perfecto resumen de las preocupaciones del autor.

Hasta el 29 de noviembre de 2015

Juan Genovés. Multitudes
Creador de indelebles iconos de la lucha contra la Dictadura y el proceso de Transición, Juan Genovés (Valencia, 1930) ha sido distinguido con premios y menciones en eventos internacionales como las bienales de Venecia y San Marino, además de ganar el Premio Nacional de Artes Plásticas, el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Enmarcada en la línea del realismo social, la pintura de Genovés se caracteriza por un estilo expresionista y provocador, en el que se despliegan ciertos recursos propios del Pop, como la apariencia de distanciamiento o la multiplicación de las imágenes mediante plantillas, pero siempre abordando una temática profunda, seria y políticamente comprometida.

La muestra está formada por 70 obras que representan todas las etapas de la carrera de Genovés, a través del hilo conductor de las multitudes en fuga. Desde el gris dominante en sus primeros trabajos hasta la explosión de cromatismo de los más recientes, el valenciano cultiva el equilibrio entre el control de la composición grupal y la atención al detalle individual, en una invitación a la libre interpretación por parte del espectador.

Hasta el 10 de enero de 2016

Sistema del Padre Tembleque

06/10/2015, Fray Francisco de Tembleque ha pasado a la historia como el autor de un grandioso sistema hidráulico, en México, realizado en el siglo XVI, y que este año fue incluido en la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 6 de octubre de 2015
La gran construcción, considerada como la mayor de su tipo realizada en el virreinato de Nueva España, se halla entre les estados de México e Hidalgo, en la meseta central mexicana, y fue creada para abastecer de agua a determinadas poblaciones, principalmente a Otumba.

El sistema recogía el agua en el entorno del Cerro de Tecajete y abarca diversas obras tales como canales, tanques de almacenamiento y magníficos acueductos, con unas arcadas que por su altura eran desconocidas en su tiempo. Todo fue realizado en un corto periodo de tiempo, con el apoyo de las comunidades indígenas locales.

Para la UNESCO, este grandioso sistema hidráulico es un ejemplo del intercambio de influencias técnicas de dos continentes. Fray Francisco de Tembleque aportó la experiencia constructiva europea, de origen romano, que resolvió con las técnicas tradicionales de Mesoamérica.

El Padre Tembleque, nacido en Tembleque, Toledo (España) llegó a México en 1542, ubicándose en Otumba, donde comprobó los problemas de abastecimiento hidráulico de las poblaciones indígenas de la zona. Su vida se sume más en la leyenda y se tienen escasos datos concretos de la misma, aunque se sabe que en 1545 comenzó su ingente tarea, que concluiría en 1563.

El conjunto de la obra abarca cerca de 50 kilómetros de canalizaciones, de ellos 38 desde el arranque a Otumba y otros 10 en derivaciones para surtir de agua a otros centros.

En la mayor parte del sistema de distribución, el agua discurre subterránea, en niveles rasantes al suelo o hasta dos metros de profundidad, aunque las imágenes más famosas de este conjunto son las seis arquerías de piedra basáltica que se hallan en el trayecto.

La mayor de las arquerías es la que se halla en Santiago de Tepeyahualco, municipio de Zempoala, estado de Hidalgo. Tiene una longitud de 904 metros, con 39 de altura en su punto más elevado. Su espectacularidad ha hecho que a lo largo del tiempo haya sido visitada por notables viajeros y descrita en numerosas crónicas.

El fanatismo contra Palmira

06/10/2015, Palmira, patrimonio mundial de la UNESCO, es hoy un símbolo de lo que puede hacer el extremismo más radical. Su bellísimo Arco de Triunfo ha caído víctima de la intolerancia.

París, 6 de octubre de 2015
Caída la histórica ciudad hace meses en manos del grupo terrorista ISIS, las noticias sobre la destrucción de sus ruinas han ido llegando reiteradamente. Ayer se difundió la destrucción de su icónico Arco del Triunfo, y la UNESCO alzó la voz contra esta nueva tropelía.

El Arco del Triunfo, de tres vanos, fue construido por Septimio Severo entre 193 y 211 después de Cristo y es un símbolo de la ciudad, cuya imagen ha dado la vuelta al mundo. Se trata de una obra maestra de la arquitectura civil y estaba cubierto con adornos geométricos y florales: se hallaba en el entorno de una inmensa columnata de más de un kilómetro y del Templo de Baal, también destruido hace poco.

Situado al nordeste de Damasco, en el desierto de Siria, el oasis de Palmira alberga las ruinas monumentales de esta gran ciudad que fue uno de los centros culturales más importantes de la Antigüedad.

Sometida a la influencia de diversas civilizaciones, la arquitectura y las artes de Palmira fusionaron en los siglos I y II las técnicas grecorromanas con las tradiciones artísticas autóctonas y persas, según consideró la UNESCO, al incluir la ciudad en el listado del Patrimonio Mundial.

Con una historia grandiosa que la hizo ser una de las más bellas ciudades del oeste asiático, dominadora de los territorios de la actual Siria y Líbano, la ciudad acabó siendo dañada por las luchas seculares sobre aquel territorio mesopotámico, y acabó su existencia por un terremoto en el siglo XI.

Descubierta su belleza por los viajeros occidentales a partir del siglo XVII, las ruinas de Palmira han asombrado al mundo por su belleza. El enclave es sitio del Patrimonio de la UNESCO desde 1980.

Desde la toma de la zona por ISIS, las destrucciones han sido dramáticas. Ya en agosto se anunció la voladura del templo de Baal, en una iniciativa de los terroristas por borrar el pasado histórico y la huella de culturas y religiones. Ahora, se ha difundido la destrucción del Arco de Triunfo. La directora General de la UNESCO, Irina Bokova, condenó ayer enérgicamente la destrucción del arco de triunfo de Palmira, monumento civil dos veces milenario, y símbolo de la ciudad Patrimonio de la Humanidad.

“Palmira encarna en su piedra de todo lo que los extremistas aborrecen: la diversidad cultural, el diálogo entre las culturas, el encuentro de gentes de todos los orígenes en esta ciudad de caravanas entre Europa y Asia”, dijo la mandataria.

Irina Bokova recalcó que a pesar de su implacabilidad, los extremistas nunca serán capaces de borrar la historia, y dijo que “no habrá impunidad para los criminales de guerra. La UNESCO se esforzará para que los autores de la destrucción sean juzgados y castigados en estrecha cooperación con la Corte Penal Internacional.

Asimismo, instó a la defensa de “lo que puede ser salvado” y a luchar contra el tráfico ilícito de bienes culturales, para evitar en lo posible el saqueo de lo que queda del patrimonio sirio, aprovechando para las nuevas tecnologías para controlar las posibles comercializaciones de piezas expoliadas.

“0.10” en la Beyeler

05/10/2015, Del 4 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016, la Fundación Beyeler recrea un momento memorable del arte ruso de los inicios del siglo XX.

Basilea, 5 de octubre de 2015
Con "En busca de 0.10 - La última exposición futurista de pintura", la Fundación Beyeler celebra un momento memorable para la evolución del arte moderno y contemporáneo. La exposición "0.10" se llevó a cabo en 1915 en Petrogrado, el nombre que tomó San Petersburgo poco después del estallido de la Primera Guerra Mundial, para quitar a la ciudad rusa una denominación de resonancias germánicas.

Aquella exposición de hace un siglo emergería como uno de los momentos artísticos más notables del arte del siglo XX. San Petersburgo se convertiría en la cuna de la vanguardia rusa.

Con "0.10", después de "Venecia", "Vienna 1900" y "Surrealismo en París ", la Fundación Beyeler continúa su serie de exposiciones sobre las ciudades que han jugado un papel clave en la evolución del arte moderno.

"0.10" encarna el momento histórico en el que Kazimir Malevich realizó sus primeras pinturas no figurativas, mientras que Vladimir Tatlin empezó a ser conocido por el público por sus revolucionarios contrarelieves. La mayoría de los otros participantes de la exposición original también están representados en la muestra reconstruida por la Fundación Beyeler: Natan Altman, Vassili Kamenski, Ivan Klioune, Mikhaïl Menkov, Vera Pestel, Lioubov Popova, Ivan Pouni, Olga Rozanova, Nadejda Oudaltsova et Marie Vassilieff.

"En busca de 0.10 - La última exposición futurista de pintura" también rinde homenaje a la emblemática obra de Kazimir Malevich "Cuadrado Negro", que celebra su centenario. Este lienzo monocromo representó una pura provocación, ya que mostró una superficie en negro ligeramente distorsionada, rodeada de blanco. En la exposición de 1915, además, el trabajo estaba en el llamado “ángulo de Dios”, el punto donde se ubicaban tradicionalmente los iconos de la casa.

Las obras enigmáticas del suprematismo impusieron en el inicio del siglo XX un cambio brutal de paradigmas en la escena del arte.

En 1915 la muestra de "0,10" fue inaugurada el 19 de diciembre en Petrogrado, con más de 150 obras de 14 artistas de las vanguardias rusas, la mayoría cercanos a Malevich y Tatlin. La exposición tuvo lugar en la Galería de Nadezhda Dobytchina, que en 1911 había convertido varias habitaciones de un amplio apartamento en salas de exhibición

El título de "0,10" (cero-diez) no es una fórmula matemática, sino parece basado en un código de Malevich: cero era para simbolizar la destrucción del viejo mundo - incluyendo el arte - y con un nuevo comienzo; diez para referirse al número de participantes originalmente planeado, aunque al final fueron catorce. los adjetivos "último" y "futurista" también contiene un mensaje: mostrar distancia de la influencia del Futurismo italiano y hasta liberarse de él. El título da una medida de la velocidad con la que diferentes direcciones estilísticas del arte se debatieron, ascendieron y declinaron.

Estas obras que se presentan en la Beyeler también rara vez se prestan, por lo que esta es la primera vez que pueden ser vistas juntas, después de una gestión que ha llevado varios años de investigación, intercambios y negociación con museos líderes rusos que colaboran en este evento.

Las obras y documentos provienen de museos, archivos y colecciones privadas diversas; de la Galería Tretyakov en Moscú y el Museo Ruso de San Petersburgo, así como 14 museos regionales rusos: también de otros centros de arte internacionales, como el Georges Pompidou de París; Stedelijk Museum de Ámsterdam; el Museo Ludwig de Colonia; George Costakis Collection, de Tesalónica; el Instituto de Arte de Chicago, y el MoMa de Nueva York.

De este modo la valiosa colección se reúne por primera vez en la historia de las exposiciones rusas y occidentales, con el fin de revivir la atmósfera única y la energía vibrante de la renovación artística rusa de principios del siglo XX. El comisario invitado es Mateo Drutt, quien ha sido responsable de grandes retrospectivas de Malevich en el Guggenheim Museum de Nueva York y la Colección Menil en Houston.

Sol Negro
Simultáneamente se puede ver la exposición "Sol Negro" en la Fundación Beyeler, con obras de 36 artistas de los siglos XX y XXI que utilizan medios de expresión tan diversos como pintura, la escultura, la instalación y el cine, además de intervenciones artísticas en espacio público.

Esta muestra se concibe como un homenaje a Malevich y Vladímir Tatlin. "Sol Negro" explora desde una perspectiva actual la inmensa influencia, que sigue siendo sensible aún, de los dos representantes de la vanguardia rusa en la producción artística mundial.

Con obra de Josef Albers, Carl Andre, Alexander Calder, Olafur Eliasson, Dan Flavin, Lucio Fontana, Günther Förg, Felix Gonzalez-Torres, Wade Guyton, Damien Hirst, Jenny Holzer, Donald Judd, Ilya y Emilia Kabakov, Wassily Kandinsky, On Kawara, Ellsworth Kelly, Yves Klein, Sol LeWitt, Agnes Martin, Piet Mondrian, Jonathan Monk, Barnett Newman, Palermo, Philippe Parreno, Sigmar Polke, Ad Reinhardt, Gerhard Richter, Mark Rothko, Robert Ryman, Richard Serra, Santiago Sierra, Tony Smith, Jean Tinguely, Rosemarie Trockel, Andy Warhol y Lawrence Weiner.

Torres-García en el MoMA

02/10/2015, El MoMA neoyorquino aporta este mes una interesante exposición de un artista moderno sudamericano de amplísimo recorrido: Joaquín Torres-García.

Nueva York, 2 de octubre de 2015
Se trata de la primera gran retrospectiva de Estados Unidos dedicada al artista en 45 años, en la que se presenta su trayectoria, a través de 190 obras de pintura, escultura, dibujo y collages. La exposición estará abierta del 25 de octubre al 15 de febrero.

En la muestra del Museum of Modern Art, el visitante podrá ver también objetos, cuadernos y publicaciones vinculadas a este artista y teórico del arte uruguayo, que nació y murió en Montevideo (1874 - 1949) pero que desarrolló una gran trayectoria vital y artística en los movimientos de vanguardia europeos de la primera mitad del siglo XX.

La exposición incluye obra de finales del siglo XIX hasta la década de 1940, combinando un panorama cronológico, en el que se pueden hallar también enfoques temáticos, relacionados con el itinerario del artista, y con énfasis en dos momentos clave: el período 1923-1933, cuando Torres-García participó en varios inicios de movimientos de vanguardia europea, y en el asentamiento de su estilo pictórico constructivista, después de su retorno a Uruguay, en 1934.

Torres-García es uno de los artistas más complejos e importantes de la primera mitad del siglo XX, y su obra abrió caminos de transformación para el arte moderno en ambos lados del Atlántico. En su trayectoria influyó grandemente su entorno familiar. Su padre era de Mataró (Barcelona) y a los 17 años inició los estudios artísticos en Barcelona, ciudad en plena renovación cultural.

Barcelona inspiró a Torres-García a convertirse en un “pintor de la vida moderna” y el joven se integró en el grupo de intelectuales y artistas que promovieron el “noucentisme”, contactando con numerosos pintores y artistas como el propio Gaudí. Todo esto dio a su pintura un aire mediterráneo y abierto. En esa época, Torres-García se convirtió en uno de los pintores más reconocidos en Barcelona.

En la década de 1920 se trasladó a Paris, donde entabló contactos con pintores como Mondrian, de quien se perciben ampliamente sus huellas. Se implicó en movimientos como el cubismo, ultraísmo-vibracionismo, hasta retornar a Montevideo, donde se consolidaría su estilo propio.

La muestra del MoMA se titula “The Arcadian Modern” y hace hincapié en la individualidad radical de un artista que elude un encasillamiento. Define a Torres-García como una figura central en la historia del arte moderno, desde el Modernismo, en la Américas, y como un protagonista clave en los intercambios culturales trasatlánticos.

Sombras del viento

02/10/2015, Del 3 de octubre de 2015 al 31 de enero de 2016 se presenta en el MUSAC de León la muestra fotográfica Sombras del viento, con imágenes de Alberto García-Alix.

León, 2 de octubre de 2015
Sombras del viento es un proyecto específico de Alberto García-Alix (León, 1956) para el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

La muestra construye un puente entre presente y pasado en la trayectoria del artista, en la que siempre han tenido gran presencia dos temáticas, esenciales en la obra del autor y fuente de inspiración también en la actualidad: la moto y el retrato.

La exposición del MUSAC muestra la progresión en el tratamiento de estos dos corpus elementales en su obra, con el paso del tiempo y la evolución hacia un uso más abstracto y alegórico de la imagen.

Sombras del viento presenta más de cien imágenes realizadas entre 1983 y 2015. Alrededor de 60 obras son piezas de nueva producción y podrán verse presentadas en gran formato, el resto son fotografías de época procedentes de la colección personal del artista.

A través de esta selección de imágenes, el visitante se acerca al íntimo mundo de luces y sombras de García-Alix, para quien el retrato se extiende al sujeto y sus contextos.

Sombras del viento
Del 3 de octubre de 2015 al 31 de enero de 2016
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

Arte de barro

02/10/2015, Ceramistas y alfareros de toda España presentan en la Feria de San Froilán de León, un elenco magnífico de piezas, en las que rezuma la calidad y el arte.

León, 2 de octubre de 2015

Junto a la feria propiamente dicha –a la que concurren unos 40 profesionales, ceramistas o alfareros- se presenta en los bajos del edificio renacentista del Ayuntamiento, en la plaza de San Marcelo de León, una excelente exposición titulada “El cuenco como metáfora”, en la que los artistas que trabajan el barro acuden a la forma semiesférica, humilde, arcaica y primigenia de la cerámica para provocar el gozo del espectador.

El enclave de la feria es excelente, junto al edificio Botines, de Antonio Gaudí y el palacio de los Guzmanes, renacentista, obra de Rodrigo Gil de Ontañón. Organiza el evento la Asociación de Ceramistas y Alfareros de León.

La feria ya es clásica, y en ella se hallan compradores de toda España. Celebra este año su XXXVI edición y se apoya en la extraordinaria tradición cerámica del noroeste español, a la cual recurrió el propio Gaudí para hacer alguna de las salas más bellas del Palacio Episcopal de la cercana ciudad de Astorga.

Desde la Asociación de Ceramistas y Alfareros de León, ACAL, que preside el artista cerámico Giovanni Papi, se apuesta por fomentar el intercambio cultural y artístico, invitando para ello a ceramistas y alfareros de otras comunidades españolas y de Portugal.

Giovanni Papi resalta que los participantes no son comerciantes que revenden un producto o una obra, sino creadores que a través de esta feria-exposición quieren darse a conocer y comercializar directamente su trabajo; un trabajo en el que están el saber y la tradición, pero sobre todo el genio de los creadores.

En paralelo a la feria, la exposición “El cuenco como metáfora”, en la sala Municipal de Exposiciones San Marcelo, presenta en torno a una treintena de obras de diferentes artistas.

Para Papi, este encuentro, abierto del 1 al 5 de octubre, tiene un lado comercial pero sobre todo es cultural, y apuesta por la calidad y la creatividad.

En relación con la exposición sobre el cuenco, explica que en ella se retoma un tema muy sencillo pero al mismo tiempo clave en la cultura y la civilización por ser el primer objeto que el hombre fabricó para contener la comida o el agua, un objeto que sigue siendo útil y bello en nuestros días.

El cuenco –señaló Papi- adquiere con el tiempo un valor simbólico desgastándose con un uso que enriquece su expresión. Nace de la tierra que el hombre transformó en principio por necesidad para su uso y luego ha llegado a ser objeto de disfrute, pieza de arte.

El Divino Morales

01/10/2015, El Museo Nacional del Prado presenta una exposición dedicada a Luis de Morales, uno de los maestros más significativos y originales del Renacimiento español.

Madrid, 1 de octubre de 2015 El Museo del Prado presenta una exposición sobre Luis de Morales, el Divino, en la que reúne las composiciones más representativas y conocidas del artista en su doble faceta de maestro de retablos y creador de tablas devocionales.

La muestra reúne una estudiada selección de obras pertenecientes al Prado (19 en total), junto a otras 35 procedentes de museos nacionales e internacionales, coleccionistas privados e instituciones religiosas. Las obras responden a los más altos estándares de calidad de la extraordinaria técnica pictórica empleada por Morales. Se trata de pinturas en su mayor parte de pequeño formato y medias figuras, que reflejan la serie de imágenes que utilizó durante su trayectoria: la Virgen con el Niño como la popular Virgen de la leche del Museo del Prado; Cristo coronado de espinas como el Cristo, Varón de Dolores del Minneapolis Institute of Arts; y Cristo atado a la columna, cargando con la cruz o muerto ya, en brazos de su Madre, como La Piedad del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. La exposición introduce al visitante en las creaciones iconográficas más conocidas del pintor, pequeñas representaciones sobre fondos negros y destacadas por una iluminación contrastada. Pensadas para oratorios y capillas privadas. Como contrapunto, en la muestra se pueden ver varias obras maestras de la producción de gran formato de Morales que sirven para entender su compleja carrera. Además, también se presentan los dos únicos dibujos atribuidos al artista, ambos del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa.

“El Divino Morales”
Luis de Morales nació en 1510 o 1511 y murió probablemente en 1586, tal vez en Alcántara (Cáceres). Vivió y pintó en Extremadura, y durante más de cincuenta años fue el pintor más prolífico e importante de la región, donde realizó numerosos retablos y cuadros de altar, ampliando su producción a Portugal. El conocimiento de la obra de Alonso Berruguete o Sebastiano del Piombo, ayudó a definir el estilo de Luis de Morales, que alcanzó fama gracias a sus pequeñas tablas de temática religiosa. Morales adaptó a la clientela de la época un producto artístico y devocional de factura muy cuidada que enlazaba con las tradiciones flamencas de finales del siglo XV y principios del XVI, matizadas por elementos italianizantes. Sus imágenes piadosas eran sencillas en su composición y en ellas el artista añadía a su gran eficacia visual una indudable carga emocional.

Tras su exhibición en el Museo del Prado, “El Divino Morales” se presentará en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

El Divino Morales
Sala C. Edificio Jerónimos
Hasta el 10 de enero de 2015
Museo Nacional del Prado

Rjukan y Notodden, Patrimonio Mundial

30/09/2015, Rjukan y Notodden son dos pequeñas ciudades noruegas, ubicadas hacia el sur del país, que entraron conjuntamente en 2015 en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 30 de septiembre de 2015
Los paisajes son espectaculares, llenos de verdor, montes, cascadas y lagos; pero lo que ha hecho entrar a estos dos puntos en el listado de la UNESCO es su patrimonio industrial: sistemas de energía, fábricas, túneles, centrales hidroeléctricas, etc.

La impulsora de esta industrialización fue la compañía Norsk-Hydro dedicada a la fabricación de fertilizantes, puesta en marcha para responder a la creciente demanda del mundo agrícola occidental desde inicios del siglo XX. Rjukan y Notodden crecieron por impulso de esta industria, que promovió viviendas, sedes sociales y sistemas de distribución y transporte de personas y fertilizantes.

Según la UNECO, el sitio de Rjukan-Notodden manifiesta una excepcional combinación de activos industriales asociados a un grandioso paisaje natural, lo que muestra cómo en el siglo XX surge y se desarrolla una industria global, que promueve soluciones innovadoras para la aportación de mano de obra, planificación y soluciones en materia de transporte, con el fin de generar un producto nuevo e importante para el mercado mundial.

Rjukan y Notodden se hallan a una distancia de unos 50 kilómetros en línea recta, en el sur de Noruega, hacia el oeste de Oslo. Rjukan apenas tiene 3.500 habitantes y está hundida en un profundo valle, por lo que hay medio año (de septiembre a marzo) en el que el sol no llega a lucir en las calles del lugar. Esto ha hecho que el pueblo haya cobrado fama recientemente con motivo de la inauguración de un sistema de espejos que desde 2013 proyecta la luz solar desde las montañas hacia la plaza central.

Rjukan está en la demarcación de Tinn en Telemark, fue fundada hace un siglo y recibió su nombre de una gran cascada existente al oeste del casco urbano que fue aprovechada para generar electricidad.

En 1934 Norsk Hydro construyó lo una planta de hidrógeno, cuyo subproducto era el agua pasada, necesaria para los procesos nucleares. Durante la II Guerra Mundial el centro fue férreamente controlado por los nazis por su interés estratégico en el proceso de creación de la bomba atómica… pero la resistencia noruega, apoyada por los aliados, saboteó la planta en varias ocasiones. En la ciudad hay un museo de la Industria Noruega que recuerda aspectos del desarrollo de la industria del país, con referencia especial a la zona de Rjukan, así como las expediciones de sabotaje de la planta.

Cerca de la ciudad está la imponente silueta del monte Gaustatoppen que, con 1.883 metros de altura sobre el nivel del mar, es el “balcón” de Noruega. Otro atractivo de la zona es el teleférico de Krossobanen, el primer funicular hecho en el norte de Europa en 1928. Lo construyó Norsk Hydro para que los habitantes de Rjukan pudiesen ascender en él para poder ver el sol en invierno.

Notodden, al sudeste de Rjukan, es una ciudad mayor, de unos 12.000 habitantes. Pertenece también a la provincia de Telemark y se halla la orilla del lago Heddalsvatne, y del río Tinn En esta ciudad se creó Norsk Hydro, la compañía que desarrolló industrialmente la región

La ciudad, de clima relativamente templado, es en la actualidad uno de los centros industriales y comerciales de la zona. Es bastante conocido su festival anual de jazz y blues.

Enlaces:

http://whc.unesco.org/fr/list/1486
http://www.visitrjukan.com/en
http://www.hydro.com/
http://bluesfest.no/

La magia de Méliès en Tarragona

30/09/2015, La Obra Social ”la Caixa” presenta en CaixaForum Tarragona la exposición Georges Méliès. La magia del cine. Hasta enero de 2016.

Tarragona, 30 de septiembre de 2015
La Obra Social "la Caixa" presenta una exposición que recorre, a través de más de 400 piezas, la obra del primer mago del cine, Georges Méliès.

La muestra presenta la diversidad de la obra del cineasta y su valor en la evolución de la historia del cine. Méliès (1861-1938) entendía el cine como una obra total. Fue dibujante, mago, director de teatro, actor, decorador, técnico, productor, realizador y distribuidor de más de 500 películas entre 1896 y 1912.

Como genio de los efectos especiales, Méliès aplicó al cine la técnica del ilusionismo, efectos ópticos, desplegables, fundidos encadenados, sobreimpresiones, efectos de montaje y color... y otras técnicas que contribuyeron a la evolución del séptimo arte de manera fundamental.

¿De dónde viene Méliès? ¿Cómo forjó su extraordinario universo? ¿Cuáles fueron sus fuentes de inspiración? La muestra reúne proyecciones, dibujos, aparatos que reproducen la imagen y otros objetos, como los usados por el propio Méliès en sus espectáculos de ilusionismo, que explican las raíces culturales, estéticas y técnicas de Méliès en un viaje al mundo extraño, agitado y animado de uno de los mayores creadores de la historia del cine.

Georges Méliès. La magia del cine
Hasta el 10 de enero de 2015
CaixaForum Tarragona

Pink Requiem

29/09/2015, La sala Alcalá 31 rinde homenaje al pintor Carlos León con un conjunto de más de 50 obras que recorren cuatro décadas de trabajo artístico.

Madrid, 29 de septiembre de 2015
La exposición Carlos León. Pink Requiem, ofrece un recorrido por las obras más destacadas de la producción del artista. A través de un conjunto de más de cincuenta obras relevantes, producidas a lo largo de las últimas cuatro décadas, el visitante obtiene una amplia visión de las diferentes técnicas y soportes que Carlos León ha utilizado en su trabajo.

Pink Requiem intenta acercarnos al quehacer de Carlos León mediante un recorrido construido alrededor de las obras más representativas producidas dentro de las diversas líneas de trabajo emprendidas por él desde los años ochenta. Por un lado, treinta y cinco pinturas de gran formato, agrupadas en composiciones, y por otro, una serie de trabajos de nueva creación producidos específicamente para esta exposición, ofrecen al espectador una visión completa y diversa de la trayectoria del artista hasta nuestros días.

La primera muestra individual de Carlos León en Madrid tuvo lugar en 1976 y supuso la introducción en la escena artística de una nueva forma de abordar la práctica pictórica y la reflexión teórica, vinculando el hecho artístico a la realidad social en la que se producía. Carlos León dinamizó un ambiente de renovación que anticipaba el esfuerzo creativo que tuvo lugar a lo largo de la década de los ochenta.

Pink Requiem constituye una metáfora de esa voluntad patente en el trabajo del artista, de articular un deliberado clasicismo con una actitud de permanente apertura a cuantas ideas transformadoras se producen a su alcance. La combinación de ambas palabras ahonda en esa revelación de lo que de paradójico, de contradictorio, de sublime y de irrisorio, tan en sintonía con el arte de nuestro tiempo.

Carlos León. Pink Requiem
Hasta el 22 de noviembre de 2015
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31 -28014 Madrid

Max Bill en la Fundación Juan March

28/09/2015, Desde el 16 de octubre se podrá visitar en la Fundación Juan March de Madrid una retrospectiva dedicada a la polifacética obra del artista suizo.



Madrid, 28 de septiembre de 2015
Entre el 16 de octubre y el 17 de enero de 2016 se presenta en la Fundación Juan March una muestra retrospectiva de Max Bill (Winterthur, 1908 – Berlín, 1994). La exposición cubrirá los variados aspectos de la polifacética obra del suizo, desde su pintura, obra gráfica, escultura y arquitectura, pasando por el diseño de libros y revistas, hasta el diseño industrial y de mobiliario, el grafismo publicitario y el diseño de espacios expositivos.

Con motivo de la celebración del centenario del nacimiento de Max Bill, la exposición de la Fundación Juan March presenta una versión actualizada de la obra del artista y de su significado para las artes plásticas, la arquitectura y el diseño, a través de una completa selección de obras fundamentales y representativas del artista suizo.

Alumno de la Bauhaus entre 1927 y 1928, Max Bill se formó en los principios de la escuela con maestros como Vasily Kandinsky, Josef Albers, Paul Klee u Oskar Schlemmer.

Desde el primer momento, Bill alternó una intensa dedicación a las distintas vertientes del arte con su faceta de docente e investigador, y destacó como pintor, arquitecto, escultor, grabador, publicitario, diseñador gráfico, creador de tipografías y autor de importantes diseños para la industria. Bill es conocido por ser co-fundador de la Hochschule für Gestaltung Ulm (Escuela de Ulm) en 1951, además de precursor del konkrete kunst "arte concreto” que ha marcado la creación suiza contemporánea.

Max Bill (1908-1994)
Desde el 16 de octubre hasta el 17 de enero de 2015
Fundación Juan March. Castelló, 77, Madrid

Memoria del reino de Baekje

28/09/2015, La UNESCO incluye en 2015 en su listado de Patrimonio de la Humanidad, diversas áreas ligadas al antiguo reino de Baekje, en la República de Corea.

París, 28 de septiembre de 2015
El reino de Baekje surgió en el siglo I a.C. y ocupó buena parte del suroeste de la península coreana. Las áreas seleccionadas ahora como Patrimonio de la UNESCO se hallan en una región montañosa del centro-oeste de la República.

En total se integran en el sitio ocho puntos históricos datados entre el 475 y el 660 d. C. que abarcan testimonios del último periodo del reino de Baekje, uno de los tres que dominaban la península coreana, que alcanzó su esplendor en el siglo IV, para acabar bajo el dominio de otro de los reinos peninsulares en el siglo VII. 

Los puntos incluidos en el listado de la UNESCO son: La fortaleza Gongsanseong y tumbas reales en Songsan-ri ligadas a la capital Ungjin (ahora llamado Gongju); la fortaleza Busosanseong y los edificios administrativos Gwanbuk-ri; el templo Jeongnimsa; las tumbas reales de Neungsan-ri y las murallas de Naseong ligadas a la capital Sabi (actual Buyeo); el palacio real de Wanggung-ri, y el Templo Mireuksa en Iksan.

El conjunto, representa el último período del reino de Baekje, época en la que se asimilaron incorporaciones culturales importantes en materias como el urbanismo, las tecnologías de la construcción, la religión (el budismo), cultura y arte, básicamente llegadas de China y transmitidas desde aquí a otros reinos cercanos, entre ellos Japón.

Con esta inclusión, Corea tiene ya once sitios en el listado del Patrimonio Mundial, en 2015: dólmenes, palacios, fortalezas, templos, tumbas reales, etc., que atestiguan su densa historia. 

Arte Gráfico italiano en el MNBA

25/09/2015, Último mes de la exposición "Los Maestros del Arte Gráfico italiano", en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.



Buenos Aires (Argentina), 25 de septiembre de 2015
El próximo 25 de octubre cerrará sus puertas la muestra "Los Maestros del Arte Gráfico italiano. Matrices de los siglos XVI al XX de las colecciones del Instituto Central de Gráfica de Roma".

El grabado representa una verdadera revolución dentro del panorama artístico cuando, a partir del siglo XVI, sobre la base de la invención de la imprenta, se transforma en una verdadera forma de arte.

La muestra reúne una cuidada selección de 42 obras de producción gráfica italiana, desde las primeras expresiones renacentistas hasta la época contemporánea, y cuenta con ejemplos de planchas realizadas con técnicas calcográficas, como el buril, el aguafuerte, la punta seca y el aguatinta, en algunos casos acompañadas por sus respectivas láminas grabadas.

Las planchas, documentan la historia y evolución del grabado italiano, desde el siglo XVI hasta nuestros días, a través de las obras de artistas como Marcantonio Raimondi (1480 ca.-1534) con la Caza de los leones, Etienne Du Pérac (c.1520-1604) con El antiguo puerto de Trajano en su forma antigua, Federico Barocci (1535-1612) con la obra maestra de la Anunciación y Antonio Tempesta (1555-1630) con las incisiones del Bestiario.

Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1665) y Salvator Rosa (1615-1673) constituyen la prueba de una mayor atención dirigida por los pintores hacia la técnica del aguafuerte. Por su parte, Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) con su obra Vistas renueva la imagen de Roma atribuyéndole una fuerte connotación emotiva que abrirá camino a la moderna iconografía de lo fantástico.

La reproducción de las principales obras de arte en grabado es el tema que eligen Giovanni Volpato (1735-1803) y Giovanni y Pietro Folo (1764-1836), que rescatan las obras de Antonio Casanova para su conocimiento y difusión. Este sector continua Alessandro Porretti (1838-1880) traduciendo en impresiones las obras de Correggio. 

Pasamos al verismo con Filippo Palizzi (1818-1899) con La Pastorcita y al realismo de Raffaele Spinelli con la escena Dopo il bagno.

El siglo XX llega con el realismo mágico de Carlo Carrá (1881- 1996) y Giorgio Morandi (1890-1964) con sus Naturalezas Muertas, para pasar después a las “formas-señales” de Giuseppe Capogrossi (1900-1972), a las “grabados-esculturas” de Pietro Consagra (1920-2005) y Nino Franchina (1912-1967), a las delicadas incisiones de Fausto Melotti (1901-1986) y a las coloridas propuestas de Piero Dorazio (1927-2005) y Giulio Turcato (1912-1995). Junto a estos testimonios del arte contemporáneo se encuentra la obra de Carla Accardi (1924), una de las primeras mujeres en entrar en el mundo de la incisión.

Los Maestros del Arte Gráfico italiano
Hasta el 25 de octubre de 2015
Av. Del Libertador, 1473. Argentina

Arissa. La sombra y el fotógrafo

24/09/2015, Hasta el 1 de noviembre de 2015 se puede contemplar en el CGAC una muestra de fotografías de la Colección Telefónica dedicada al catalán Antoni Arissa.



Santiago de Compostela, 24 de septiembre de 2015
La sombra y el fotógrafo muestra la evolución de Antoni Arissa (Sant Andreu, 1900 - Barcelona 1980 desde el pictorialismo hasta la vanguardia de la Nueva Visión a través de una cuidada selección de más de ciento cincuenta fotografías realizadas entre 1922 y 1936.

Las imágenes, realizadas a partir de los negativos originales del autor, nos hablan de un fotógrafo de su tiempo, que participa de los avances tecnológicos y las nuevas corrientes artísticas del medio aportando su visión particular a partir de los experimentos realizados en la intimidad de su pequeño taller.

La exhibición supone la culminación del largo proceso de rescate y restauración de los principales negativos de Antoni Arissa, y en ella se muestran 138 obras que provienen principalmente de las placas del autor conservadas por la Fundación Telefónica. El conjunto se completa con los tirajes realizados a partir de los negativos que custodia el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya.

La exposición se estructura en torno a tres bloques, el primero se refiere a su etapa inicial como fotógrafo vinculado a la corriente pictorialista. Este periodo se despliega entre los años 1922 y 1928. El segundo se prolonga hasta el comienzo de los años treinta y lo componen fotografías que, manteniendo temáticas literarias, narrativas y simbolistas, incorporan las soluciones visuales de la modernidad. El tercer bloque, desarrollado desde 1930 hasta 1936, presenta a un Arissa plenamente incorporado a las vanguardias fotográficas.

SUS COMIENZOS
Antoni Arissa Asmarats nació en Barcelona, en el barrio de Sant Andreu del Palomar el 16 de julio de 1900, y procede de una saga de impresores. Su padre ingresó como aprendiz en la Imprenta Asmarats de Sant Andreu, donde conoció a la hija de los propietarios, Ángela Asmarats. La pareja se casó en 1898. En el cambio de siglo el matrimonio adquirió una imprenta en la que se dedicaría a trabajos de papelería, cartelería y pequeñas ediciones.

Arissa hijo continuó la saga y a partir de 1920 se hizo cargo de la empresa. <

Siendo todavía adolescente, inició su aprendizaje fotográfico en el Grupo Excursionista Bon Temps, perteneciente al Centre Popular Catalanista de Sant Andreu. De esta primera época se conserva un álbum de reducidas dimensiones en el que el joven Arissa apunta hacia una temática costumbrista, incluyendo también experimentos con montajes fotográficos.

ARISSA PICTORIALISTA
El panorama fotográfico que Antoni Arissa se encuentra a comienzos de los años veinte está dominado por la corriente pictorialista, un movimiento que quería alejarse de la fotografía profesional y de la fotografía espontánea y familiar, generalizada desde la aparición en 1888 de la primera cámara Kodak. Su distanciamiento de la fotografía popular se tradujo en la ejecución de tomas fotográficas con filtros difusos y en el positivado de los negativos con papeles similares a los utilizados por el dibujo o el grabado.

Los pictorialistas encontraron su inspiración en movimientos artísticos como el prerrafaelismo, el Arts & Crafts y el simbolismo. Este distanciamiento de la realidad recluyó a los pictorialistas en un mundo preciosista repleto de atmósferas táctiles y ensoñaciones llenas de misterio. 

El pictorialismo se agrupó en torno a asociaciones y sociedades fotográficas que tenían entre sus fines el reconocimiento de la fotografía como una de las bellas artes. Otro de sus objetivos fue la creación de salones fotográficos de alcance nacional o internacional.

En 1922 Arissa funda junto a Josep Girabalt y Lluís Batlle la Agrupación Fotográfica Saint-Victor, en el barrio de Sant Andreu de Barcelona, un año antes de la aparición de la Agrupación Fotográfica de Catalunya. La sociedad llegó a contar con más de cien socios. A comienzos de la Guerra Civil el local de la agrupación fue asaltado y todo el material desapareció.

La infancia como argumento fotográfico de esta primera etapa de Arissa ocupa un espacio protagonista. Veremos en sus fotografías a la niña perdida en el bosque, escenas en las que un niño da indicaciones a un conductor extraviado o un pequeño mendigo que vagabundea por carreteras de montaña. El tema arquetípico de los niños perdidos refleja la sombra de los cuentos de Perrault, de los Hermanos Grimm y de las aventuras de Tom Sawyer.

En el año 1928 Antoni Arissa abandona los planteamientos pictorialistas.

ARISSA Y LA VANGUARDIA FOTOGRÁFICA
En paralelo a su evolución desde la estética pictorialista hacia la fotografía vanguardista, Arissa asistió al desarrollo de dos supuestos teóricos y estéticos diferentes. El primero, la straight photography (fotografía pura o directa), propuesta por los fotógrafos disidentes del pictorialismo que se agruparon en torno a la figura de Alfred Stieglitz, su Galería 291 y la revista Camera Work. El segundo, la fotografía de vanguardia centroeuropea del periodo de entreguerras, que ejercerá una gran influencia en la obra del catalán.

La implantación de la vanguardia fotográfica en España se desarrolla sobre todo en las páginas de un gran número de publicaciones y en la publicidad. La ausencia de datación precisa de muchas de las fotografías de Arissa dificulta una lectura que indique la separación entre las estrategias estilísticas del autor. Probablemente no se produjo un desarrollo lineal, sino una superposición de etapas. En 1928 realiza su fotografía de corte vanguardista El perseguit (El perseguido) y, sin embargo, en la exhibición de 1930 del Círculo Mercantil de Huelva vuelve a mostrar sus antiguas imágenes costumbristas. En esta exposición su trabajo convive con los de Narcís Ricart y Emili Godes. Junto a Godes, Arissa recorre un camino similar desde el pictorialismo hacia la modernidad. Pero así como el primero será uno de los máximos exponentes de la Nueva Objetividad en España, el segundo lo será de la Nueva Visión. 

A comienzos de los años treinta Arissa emprende el cambio conceptual de su realización fotográfica. La idea y la visión, como rasgos distintivos de la vanguardia, se configuran como elementos centrales de su obra. Abandona la recreación de un pasado de carácter nostálgico, escenificado en algunas de sus creaciones pictorialistas. y se acerca a la Nueva Visión en una vuelta de tuerca sobre la posición esteticista y literaria de su primera etapa. Las imágenes se ven ahora conceptualizadas y sus elementos reducidos en una perfecta organización visual. La iluminación se convierte en un elemento primordial a la hora de añadir acentos emocionales. Los personajes infantiles pasan de un territorio poético a un espacio abstracto, en el que las figuras emergen de fondos negros sin historia.

Los ámbitos naturales de la etapa experimental de Arissa serán su familia y su vivienda. Casa, jardín e interiores son ahora el escenario en el que fotografía a sus hijas y donde los objetos cotidianos se transforman en elementos gráficos. Lo minúsculo y sin importancia cobra especial presencia cuando Arissa lo introduce en su mundo bajo su intensidad visual y conceptual.

Arissa. La sombra y el fotógrafo
Centro Galego de Arte Contemporánea
Rúa Valle Inclán, 2. Santiago de Compostela

El Museo del Prado celebra el V centenario del Bosco

24/09/2015, La Fundación BBVA y el Museo del Prado organizarán la más importante exposición celebrada jamás sobre el Bosco en 2016, coincidiendo con el V centenario de su muerte.



Madrid, 24 de septiembre de 2015
La exposición, que podrá verse de mayo a septiembre de 2016, conmemorará el V centenario de la muerte del Bosco, uno de los pintores más admirados del arte occidental.

Esta muestra monográfica presentará a los visitantes los principales trípticos creados por el Bosco, incluyendo el Tríptico de las Tentaciones de San Antonio del Museo de Arte Antiga de Lisboa, y otros procedentes de importantes instituciones como la Albertina y el Kunsthistorisches Museum de Viena, el Museum of Fine Arts de Boston, The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Musée du Louvre de París o el Polo Museale del Veneto de Venecia.

Esta gran exposición conmemorativa, que se dividirá en cinco secciones de carácter temático y una sexta sección dedicada a los dibujos del artista, reunirá el repertorio más completo en cuanto a pintura, dibujos y tapices del Bosco, uno de los más enigmáticos e influyentes pintores del renacimiento europeo.

Bajan los precios del turismo rural

23/09/2015, El Observatorio del Turismo Rural revela que 3 de cada 10 propietarios de alojamientos rurales han bajado los precios en el último año.



Madrid, 23 de septiembre de 2015
Los datos del Observatorio del Turismo Rural se han recogido entre las respuestas de más de 15.000 viajeros y más de 2.800 propietarios de toda España, y uno de los aspectos más relevantes que aborda son los precios del sector. El Observatorio revela que un 30,3% de los propietarios ha bajado los precios en el último año, siendo Madrid, Castilla-La Mancha y Andalucía las comunidades en las que más se ha adoptado esta medida.

El estudio muestra también cómo se ha producido una evolución hacia la reserva online, ya que los propietarios registran cada vez más reservas online (10,2%, seis puntos más respecto a 2014) y menos telefónicas. El estudio refleja que la mitad de viajeros entre 20 y 30 años prefieren reservar online, mientras que el 38,5% de los turistas rurales de más de 50 años eligen la llamada telefónica.

En cuanto a las expectativas respecto al asociacionismo, actualmente solo 4 de cada 10 propietarios de turismo rural indican pertenecer a una asociación, siendo Madrid, Islas Canarias, Islas Baleares y Andalucía las comunidades con menor tendencia al asociacionismo. Por el contrario, los propietarios de País Vasco, La Rioja, Navarra, Extremadura y Asturias son los que en mayor medida indican pertenecer a una asociación. Asimismo, el 68,3% coincide en que lo que más esperan de una asociación es que sea un buen canal para conseguir reservas.

Por último, en relación a la elección de destino, el Observatorio detecta que a un 29,9% de los viajeros les influyen los blogs de viajes y a un 27,5% las recomendaciones de amigos.

El Observatorio del Turismo Rural será presentado durante el próximo COETUR, Congreso Europeo de Turismo Rural, que se celebrará en Madrid los días 30 de septiembre y 1 de octubre de 2015.

Más información sobre el Congreso Europeo de Turismo Rural en: http://www.coetur.com

Fuente de la noticia: Escapadarural.com

El legado de al-Ándalus

22/09/2015, Una muestra reúne los dibujos de dos importantes proyectos de los siglos XVIII y XIX referentes esenciales para la valoración artística y documental de los principales monumentos hispanomusulmanes.



Madrid, 22 de septiembre de 2015
La exposición subraya la extraordinaria importancia de los dos grandes proyectos “Antigüedades Árabes de España” y “Monumentos Arquitectónicos” y da a conocer este valioso patrimonio de dibujos que ayudan al mejor conocimiento de monumentos como la Alhambra y la mezquita de Córdoba, ambos Patrimonio de la Humanidad.

Los dibujos que conforman la exposición ponen de manifiesto una de las finalidades prioritarias de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, la preservación del patrimonio histórico-artístico y su divulgación. Además, abordan su documentación desde aspectos distintos como el arquitectónico, el ornamental o el histórico.

Otro hecho a resaltar es que con estos estudios se prestaba atención por vez primera a las antigüedades de origen islámico en España, una acción que puede considerarse pionera en el continente y con la que se sientan las bases de los estudios árabes. 

Para la realización de este empeño la Academia recurrió a los mejores profesionales formados en su seno: José de Hermosilla, Juan de Villanueva y Juan Pedro Arnal. Los planos dibujados por Hermosilla, Villanueva y Arnal constituyen el primer estudio arquitectónico de la Alhambra, como fortaleza y como conjunto palatino. Entendiendo que su articulación obedecía a unas ideas cuya lógica trataron de desentrañar, los artistas recurrieron a conceptos propios de la arquitectura clásica, como la búsqueda de la simetría, la definición de un tipo de columna y arco propios del estilo árabe o la determinación de sus proporciones.

Este proyecto ilustrado fue difundido a otros países de Europa a través de la edición de los dos volúmenes de estampas de las Antigüedades Árabes de España, publicados en 1787 y 1804, respectivamente.

El proyecto llevado a cabo en el siglo XVIII tuvo una continuidad con la iniciativa Monumentos Arquitectónicos de España desarrollada en la centuria siguiente (1856-1882) y extendida a un panorama más completo del arte de todas las épocas y lugares, dentro del cual los monumentos de origen islámico ocuparon de nuevo un lugar destacado.

El legado de al-Ándalus
23 de septiembre de 2015 - 8 de diciembre de 2015
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


Arte rupestre de Hail (Arabia)

22/09/2015, La UNESCO incluyó en su listado de Patrimonio Mundial, en 2015, a un nuevo sitio que incluye dos conjuntos de arte rupestre del Neolítico, en la región de Hail, Arabia Saudita.



Bonn, 22 de septiembre de 2015
Los espacios incluidos en la lista de la UNESCO se hallan en dos puntos del paraje desértico, no lejos de la ciudad de Hail, en el centro-norte del país.

Se trata del djebel (monte) Umm Simmam, en Jubbah, y los djebel al-Manjor y Raat, en Shuwaymis, ambos. Las colinas de Umm Sinman dominan un lago de agua dulce, hoy desaparecido, que abastecía a hombres y animales en la parte sur del gran desierto de Nefud. Por su parte, los djebel al-Manjor y Raat forman escarpes rocosos de un uadi (rambla) actualmente cubierto de arena, donde se presentan representaciones humanas y de fauna y flora.

Las pinturas rupestres de Hail, declaradas Patrimonio de la Humanidad, en un encuentro de la UNESCO celebrado en Bonn(Alemania) el pasado mes de julio, reflejan la vida diaria de los habitantes de la zona que habitaban estas tierras entre 5.000 y 10.000 años atrás.

La importancia de estos dibujos es notable, en especial porque apenas hay informaciones de tales periodos de la antigüedad. Además, se hallan sobre un área muy grande, unos 50 Kilómetros cuadrados, lo que hace de estos enclaves sendos museos de la Prehistoria y la Historia Natural... 

Sobre las rocas abundan las figuras humanes, utensilios, armas y especies de fauna variadas que nos permiten conocer aspectos de un momento en el que la vida en estas tierras fue mucho más amable por la existencia de agua y abundante flora y fauna.

El interés de la zona ya había sido detectado en el siglo XIX por estudiosos occidentales como el alemán Julius Euting (1839 - 1913) quien dejó diversos dibujos sobre la zona y los diseños rupestres.

Con esta inscripción, Arabia Saudí ya cuenta con un total de cuatro sitios inscritos por la Unesco en la lista del Patrimonio. El primero de los tres restantes es el sitio arqueológico de Al Hijr – Madain Salih, conocido en la antigüedad con el nombre de Hegra, es el lugar de la civilización nabatea mejor conservado al sur de Petra (Jordania).

El segundo es el distrito de At Turaif en ad Dir’iyá. El sitio, situado al noroeste de Riad, en el corazón de la Península Arábiga, albergó la primera capital de la dinastía saudí. Fue fundado en el siglo XV.

Finalmente, el tercero es el Centro histórico de Yeda, Puerta de La Meca. Situada en la costa oriental del Mar Rojo, Yeda se convirtió a partir del siglo VII en una importante ciudad portuaria por la que transitaban las mercancías llegadas por las rutas marítimas comerciales del Océano Índico con destino a La Meca. 

Éfeso, Patrimonio Mundial

21/09/2015, La antigua Éfeso, una meca del turismo mundial, entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2015.



Esmirna, Turquía, 21 de septiembre de 2015
Ubicada en lo que fue el estuario del río Kaystros, Éfeso comprende sucesivos asentamientos helenísticos y romanos. Antaño fue una ciudad portuaria, pero la costa retrocedió hacia el oeste de la urbe, y ahora queda como un lejano mirador del mar, varios kilómetros al este, por donde los viajeros, como pequeñas hormigas, deambulan entre los grandiosos restos, entre ellos la bellísima biblioteca de Celso y el Gran Teatro.

Del templo de Artemisa poco queda. Fue una de las "Siete Maravillas del Mundo", que atrajo a peregrinos de todo el Mediterráneo. 

Las excavaciones apenas han trabajado sobre el 20 por ciento de lo que fue la ciudad en sus mejores tiempos. Las grandiosas reliquias del pasado están a las afueras de Selçuk, donde pervive una gran ciudadela, una gran mezquita, y las ruinas del templo de San Juan, quien escribió su evangelio por estos lugares. Otro recuerdo cristiano es una humilde casa en la que parece que residió la Virgen María.

Todos estos restos griegos, romanos y elementos de la arquitectura islámica posterior han quedado incluidos como Patrimonio Mundial.

La decisión se tomó en Bonn, en una reunión del Comité del Patrimonio de la UNESCO, celebrada en junio pasado y con ésta se puso fin a una injusticia, porque Éfeso, la vieja Éfeso, fue una de las polis mayores en la historia helénica, una metrópolis de ingente brillo en la época romana. Los millares de turistas que, cámara en mano, recorren el entorno aún se maravillan de los restos de aquella urbe. 

Dibujo Expandido

21/09/2015, Hasta el 22 de noviembre de 2015 en el Museo ABC se puede visitar la exposición Dibujo Expandido, con una selección de dibujos pertenecientes a la Colección de DKV.



Madrid, 21 de septiembre de 2015
La exposición propone un discurso abierto en el que se abordan las diferentes definiciones y funciones que el dibujo ha asumido a lo largo de su historia: boceto preparatorio, mapa de representación, obra de arte en sí misma, apunte y ensayo, pensamientos e ideas abstractas...

La muestra reivindica el protagonismo del dibujo, un procedimiento humilde que contrasta con el mundo que nos rodea, donde reina la tecnológica y el exceso de artificio.

Dibujo Expandido recoge obras de Joel Mestre, Regina de Miguel, Ana Soler, José Miguel Pereñíguez, Javier Arce, Carolina Silva, Agustín Bayón, Gema Ramos, Olimpia Velasco, Paco Guillén, Saelia Aparicio, José Medina Galeote, Rosana Antolí, Vicente Perpiñá, Juan Olivares, Javier Calleja y Manuel Antonio Domínguez, un conjunto de artistas jóvenes con una sólida trayectoria cuyas obras forman parte de la La Colección DKV.

La Colección DKV centra su atención en artistas emergentes nacidos entre finales de los sesenta y comienzos de los ochenta. El propósito inicial de la compañía era aprovechar el potencial terapéutico del arte en los espacios del Hospital de Dénia, para lo que en su momento se adquirió obra de artistas valencianos de los años noventa. Esta compra inicial constituyó el germen de una colección que actualmente cuenta con medio millar de piezas y en la que están representados más de 200 artistas españoles.

Miserachs Barcelona

18/09/2015, El MACBA propone un viaje en blanco y negro por el tiempo a través de las instantáneas del fotógrafo barcelonés Xavier Miserachs.



Barcelona, 18 de septiembre de 2015
Como si se tratase de un fotolibro, la muestra Miserachs Barcelona plantea experiencias urbanas tan instantáneas como las fotos, que siempre son incompletas e imperfectas, pero a cambio conservan la belleza y espontaneidad de lo efímero.

En septiembre de 1964, con apenas 27 años, Xavier Miserachs publica su obra más destacada, Barcelona, blanco y negro. El fotolibro comienza con una secuencia cuidadosamente desordenada en la que se entra en la ciudad una mañana cualquiera. Después se descubre la ciudad a través de sus habitantes, contando historias de trabajo y fiesta, de emigrantes recién llegados y burgueses cubiertos de apellidos, de chabolas, barrios góticos y ensanches, de escaparates, anuncios y pintadas... Y siempre de gente en las calles, de todas las edades y todas las clases.

Con casi cuatrocientas fotografías, el fotolibro de Miserachs sigue una máxima clásica: «la ciudad es su gente». La arquitectura no es más que el escenario donde sucede la vida cotidiana. El fotógrafo rehúye en todo lo posible los motivos típicos, para ahondar en el tema principal de la cultura moderna, la experiencia urbana y su espacio, la ciudad. 

Xavier Miserachs realiza un libro estrictamente fotográfico de estilo y contenido libres, compuesto por imágenes que forman un conjunto que se puede leer y mirar como una película o una novela. Con los fotolibros se construye una historia más cercana de la experiencia que del arte, en la que existe una combinación única de alta y baja cultura y con la que se pueden construir relatos tan complejos como los del cine o la literatura.

Miserachs se convierte en un paseante curioso que recorre calles, mercados y parques, curiosea en los escaparates de las tiendas y las terrazas de los cafés, se detiene en las fábricas a la hora de salida y acaba la jornada en las pistas de baile y barras de los locales nocturnos.

La exposición Miserachs Barcelona presenta las fotos de Barcelona, blanco y negro dispuestas en forma de grandes murales, escaparates, ampliaciones y proyecciones tridimensionales, que transforman el espacio en una escenografía teatral y hacen al visitante partícipe de una experiencia en la que pasado y presente se confunden.

MISERACHS BARCELONA
Del 18 de septiembre de 2015 al 27 de marzo de 2016
MACBA. Plaça dels Àngels, 1. Barcelona


Sorolla. Apuntes en la arena

18/09/2015, CaixaForum Lleida presenta, hasta el 10 de enero de 2016, una exposición que desvela la amplitud de una faceta de la producción del pintor valenciano bastante desconocida: el dibujo.



Lleida, 18 de septiembre de 2015
Los dibujos que realizó Sorolla son documentos esenciales para profundizar en el conocimiento de su obra pictórica, como parte del proceso creativo, en tanto que esbozos preparatorios en los que se refleja la personalidad propia del artista valenciano.

Con más de 100 obras, esta amplia selección de dibujos (pertenecientes al Museo Sorolla y en su mayoría nunca expuestos hasta la fecha), ofrece un punto de vista complementario sobre la evolución artística de forma paralela a la pintura de Sorolla: las inquietudes esenciales, la estética y los retos que se plantea en cada momento coinciden en ambas vertientes.

La exposición evidencia, asimismo, la relevancia que el mar y la playa tuvieron en la pintura de Sorolla, a través de cinco bloques temáticos relacionados con esta temática: El trabajo en el mar; Barcas, Bueyes y velas; Mujeres del mar: pescadoras y madres; La alegría del agua y Elegantes en la playa. 

Jardín botánico de Singapur

17/09/2015, En 2015, uno de los sitios incluidos en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO fue el Jardín Botánico de Singapur, en esta moderna ciudad del sudeste de Asia.



Bonn, 17 de septiembre de 2015
Este sitio muestra la evolución de un jardín botánico británico tropical colonial que se ha convertido en una institución científica moderna, de relieve mundial, utilizada tanto para la conservación como la educación.

El paisaje cultural que recibe el título de Patrimonio Mundial incluye una rica variedad de características históricas, plantaciones y edificios que muestran el desarrollo del jardín desde su creación en 1859, jardín que ha sido un importante centro para la ciencia, la investigación y la conservación de las plantas, y en particular por su relación con el cultivo del caucho en el sudeste de Asia desde 1875. 

La naturaleza se muestra en toda su belleza en este enclave de más de 60 hectáreas, donde se presentan unos magníficos espacios, con una miniselva pluvial, varios lagos, cataratas y un excepcional jardín de orquídeas.

Asimismo, en el jardín –muy visitado por habitantes de Singapur y turistas- existen centros de restauración y zona de picnic. La expansión urbana ha dejado al espacio en medio del entramado urbano, entre Holland Road y Bukit Timah Road.

Página web del Botánico de Singapur: https://www.sbg.org.sg/

Los tesoros del Prado, en Tokio

17/09/2015, El Mitsubishi Ichigokan Museum de Tokio presenta la exposición "La Belleza cautiva. Tesoros del Museo del Prado", con obras en pequeño formato de artistas como El Greco, Velázquez, Goya, El Bosco, Rubens o Murillo.



Tokio, 17 de septiembre de 2015
El Museo del Prado, que se abrió al público en 1819 como Museo Real de Pintura y Escultura, alberga una colección de pintura cuya profundidad y calidad hace de esta una pinacoteca conocida en todo el mundo.

Esta exposición, que podrá verse hasta el 31 de enero de 2016 en el Mitsubishi Ichigokan Museum de Tokio, reúne una selección de extraordinarias obras de arte de ilustres pintores que han contribuido de manera significativa a la historia del arte Europeo, entre ellos El Greco, Velázquez, Goya, Murillo, El Bosco, Tiziano, Rubens, Jan Brueghel el Viejo, Poussin y Madrazo, entre muchos otros.

Todos los géneros y los temas, desde la mitología, las imágenes de devoción y los retratos, a la naturaleza, a la reflexión sobre el ser humano, la exaltación del poder y la vida cotidiana, y también, los diferentes soportes y técnicas, como mármol, tabla, lienzo, pizarra o cobre, se mezclan en esta exposición que refleja la riqueza y variedad de estas pequeñas obras de arte que harán las delicias de los visitantes con su delicadeza y meticulosidad.

La Belleza Cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, propone así un recorrido inédito por la excelencia de sus colecciones a través de la mejor y más amplia selección de obras de su colección que jamás se han presentado fuera del Museo. Su condición común de pequeño formato permite reunir más de 100 obras maestras que ofrecen al visitante una experiencia completa del Prado por todas sus escuelas y en toda su extensión cronológica, desde finales del siglo II d.C., con la escultura de Atenea Partenos, hasta Goya y el siglo XIX con Fortuny. 

Las esculturas de Picasso, en el MoMA

16/09/2015, Hasta el próximo 7 de febrero de 2016, en el MoMA neoyorquino se presenta una gran exposición dedicada a Picasso escultor.



Nueva York, 16 de septiembre de 2015
“Picasso Sculpture” es la primera exposición monográfica del prestigioso museo sobre la escultura picassiana en el último medio siglo.

Tradicionalmente la gente conoce a Pablo Ruiz Picasso (1881–1973) como pintor, aunque en el transcurso de su larga carrera, el artista se dedicó a la escultura con gran énfasis, aunque de forma discontinua.

A diferencia de la pintura, actividad que le garantizaba sus ingresos, la escultura era para Picasso una vocación personal y experimental, a la que se acercó con la mentalidad de un autodidacta.

Desarrolló un gran afecto hacia sus trabajos escultóricos, tal como se refleja en las fotografías de sus estudios y hogares. Eran como algo intrínseco a la casa.

Disfrutó con su contemplación, con su cercanía y con creación y su recreación, utilizando materiales y técnicas variadas. 

Durante su vida mantuvo en su poder la producción escultórica personal. Sólo en 1966, a través del gran homenaje expositivo que París le tributó, en una gran retrospectiva, el público pudo descubrir esa faceta picassiana.

A raíz de aquella exposición, en 1967, el MoMA organizó “La escultura de Picasso”, hasta ahora la primera y única exposición en este continente en la materia, en la que ya mostró un elevado número de esculturas del artista.

Picasso Sculpture , ahora, se centra en el trabajo de toda la vida de la artista, con un enfoque particular sobre los procesos y materiales que utilizó en su creación. La exposición, cuenta con más de 100 esculturas, complementando este amplio conjunto con obras en papel y fotografías.

El objetivo –según los responsables del evento- es el de avanzar en la comprensión de lo que la escultura representó para Picasso, y cómo revolucionó su historia mediante un compromiso vital por la reinvención constante.

La exposición está organizada cronológicamente y está organizada por el MOMA en colaboración con el Musee Nacional Picasso - París.

Los últimos rinos de Java

16/09/2015, El rinoceronte de Java es probablemente el mamífero grande más raro en el planeta, con unos 60 ejemplares en libertad y ninguno en cautiverio.



Gland (Suiza) 16 de septiembre de 2015
WWF ha difundido estos días un vídeo con la imagen de una madre y una cria de rinoceronte de Java, recorriendo las espesuras del Parque Nacional Ujung Kulon en Indonesia, el único lugar del mundo donde esta especie aún vive. Hace poco nacieron otros dos pequeños rinocerontes de Java. Son notas de esperanza para una especie casi extinta.

El hecho de que este animal sólo habite ya dentro de los límites del Parque Nacional de Ujung Kulon en Indonesia, la hace aún más vulnerables a la extinción. Por fortuna, la población ha estado avanzando lentamente a lo largo de los últimos cinco años y se estudia la creación de una segunda población para podría proporcionar a la especie con un poco más de espacio y un lugar de cría adicional.

El rinoceronte de Java es gris. Puede alcanzar hasta 4 m de longitud y 1,7 m de altura y pesar hasta 2,3 toneladas. La especie tiene un solo cuerno de alrededor de unos 25 cm.

Todavía hay grandes lagunas en sobre la vida de los rinocerontes de Java, ya que son extremadamente difíciles de estudiar, porque se refugian en los espacios selváticos más intrincados y la especie nunca ha criado en cautividad. 

El promedio de vida es desconocido, pero es probable que sea entre 30-40 años. También se supone que las hembras alcanzan la madurez sexual a los 5-6 años y los machos a los 10 años. La temporada de apareamiento se produce más o menos a partir de julio a noviembre, pero el período de gestación es también desconocido, tal vez de 16 meses.

Este rinoceronte lleva una vida solitaria, excepto cuando forman parejas para el apareamiento y cuando las madres atienden a sus crías.

El rinoceronte de Java históricamente vagó a través de una vasta franja de Asia, desde el noreste de India a Vietnam y las islas indonesias de Sumatra y Java. Sin embargo, en los últimos 150 años, su población se ha reducido drásticamente. Y ahora sólo hay una población en el Parque Nacional de la península de Ujung Kulon en la isla indonesia de Java. La población ha estado avanzando lentamente y ahora se estima en 57 individuos.

Según informa WWF, se está ahora considerando la creación de una segunda población de rinocerontes de Java para aliviar la presión sobre el Parque Nacional de Ujung Kulon y dar a la especie una mayor probabilidad de supervivencia a largo plazo.

El último rinoceronte de Java fuera Ujung Kulon murió en 2010 en el Parque Nacional de Cat Tien en Vietnam. Había recibido un disparo y su cuerno había sido arrancado. La especie fue declarada oficialmente extinta en Vietnam el año siguiente.

Cerveza y chocolate, septiembre en Flandes

15/09/2015, En un país como Bélgica, la combinación chocolate y cerveza parece inevitable. Disfruta en septiembre de este mix delicioso de la gastronomía belga.



Amberes, 15 de septiembre de 2015
Amargo, ácido, tostado, afrutado... todos estos adjetivos pueden aplicarse tanto al chocolate como a la cerveza, sin duda las dos estrellas de la gastronomía belga, cuyo carácter es absolutamente único.

En septiembre, se celebran en Flandes varias degustaciones y workshops con las que descubrirás esta experiencia gastronómica que ofrece el chocolate correcto con la cerveza correcta. Aprende a combinarlos y disfruta de un rato divertido e inolvidable.

Amberes: en el Quartier Latin, barrio del teatro, www.culinairewandelingen.be
Lovaina: en Leuven Leisure y el concept store Antoine, www.leuvenleisure.be
Brujas y Bruselas: en el museo del chocolate, www.choco-story.be y www.choco-story-brussels.be

Y ya que hablamos de gastronomía en Flandes, aquí te dejamos algunas cifras que seguro te soprenderán:

En Flandes encontrarás 96 restaurantes con estrella Michelin (la mayor cantidad de restaurantes con estrella por habitante en Europa).
Si te gusta la cerveza, podrás elegir entre 1500 especialidades diferentes.
Flandes es muy dulce, sus 320 chocolateros lo demuestran.
Los pescadores de gambas a caballo en la localidad costera de Oostduinkerke están incluidos en la lista de Patrimonio Inmaterial de la UNESCO.
En 1912 nació el primer bombón. Su creador fue Jean Neuhaus, en Bruselas. Su establecimiento aún perdura y sigue vendiendo chocolate.
Entre otras delikatessen de la región se encuentran los espárragos, las peras, los brotes de lúpulo y las gambas del Mar del Norte. 

Otoño en el MNCARS

15/09/2015, El Museo Reina Sofía inicia la temporada de otoño con la primera gran retrospectiva internacional sobre la artista india Nasreen Mohamedi.



Madrid, 15 de septiembre de 2015
Tras cerrar ayer sus puertas la exposición "Grandes obras maestras del Kuntmuseum Basel" (562.917 visitantes), el Museo Reina Sofía comienza el otoño con "La espera forma parte de una vida intensa", primera gran retrospectiva a nivel internacional de la creadora india de arte abstracto Nasreen Mohamedi (Karachi, 1937- Baroda 1990).

Esta exposición, organizada por el MNCARS y The Metropolitan Museum of Art de Nueva York en colaboración con el Kiran Nadar Museum of Art de Nueva Delhi, muestra, 216 obras -entre dibujos, fotos, óleos, acuarelas y collages- que repasan la evolución de la carrera de Nasreen Mohamedi, desde finales de los años 50 hasta principios de los 80, haciendo especial hincapié en el trabajo desarrollado durante la década de los años 70.

Además, durante el mes de octubre se inaugurarán tres exposiciónes más. Una dedicada a la obra del artista de origen vietnamita Danh Vô en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro, otra sobre el artista holandés Constant, que presentará "Nueva Babilonia", una exposición que pretende difundir, con cerca de 150 obras y abundante material documental, el proyecto de este artista para crear la ciudad nómada del futuro, y finalmente una muestra de Ignasi Aballí, "Sin principio/sin final", en la que el creador catalán propone una reflexión conceptual sobre la representación y la percepción de medios como la pintura, la fotografía, el cine o el vídeo.

Tesoros de la Casa de Alba

14/09/2015, El Meadows Museum de Dallas presenta, hasta el 3 de enero de 2016, la exposición Tesoros de la Casa de Alba: 500 años de arte y coleccionismo.



Dallas (EEUU), 14 de septiembre de 2015
Desde hace más de quinientos años, la familia Alba ha formado parte de los linajes aristocráticos más importantes de Europa, no sólo por su poder militar, político y significado social, pero también debido a la relevancia de su mecenazgo cultural y su coleccionismo de arte.

Actualmente, la familia mantiene sus colecciones de pinturas, esculturas, antigüedades, muebles, tapices, y todo tipo de artes decorativas, compuesta por miles de piezas firmadas por artistas como Fra Angelico, Tiziano, Bassano, Van Gogh, Goya, Ribera, Murillo, Rubens, Rembrandt, Brueghel, Guardi, Reynolds, Mengs, Ingres, Renoir, Courbet, Madrazo, Zuloaga o Sargent entre otros.

La exposición muestra una amplia selección de obras de estos artistas que, como tales, están dejando a España por primera vez y los agrupa, también por primera vez, de una manera que explica el desarrollo histórico de la familia y de la colección de la final del siglo XV hasta nuestros días. Es el primer ejercicio en la comprensión de la historia de esta familia, que se muestra a través de una gran pantalla de más de 130 objetos.

La exposición "Tesoros de la Casa de Alba: 500 años de arte y coleccionismo" se presenta temáticamente, con secciones que marcan los períodos significativos del coleccionismo dentro de la historia de la familia.

"Caballeros, soldados, cortesanos: El Gran Duque de Alba en el servicio de la Monarquía" representa el origen de la dinastía, y en particular de Don Fernando Álvarez de Toledo, el tercer duque de Alba, figura central de la Europa del siglo XVI, prominente diplomático y noble, en general, más conocido como el Gran Duque de Alba. Asesor tanto el rey Carlos I de España como de Felipe II de España, Alba era conocido por su lealtad a la monarquía.

"Magnificencia y Poder: La Colección barroca de la familia Alba en el Siglo de Oro" se centra en la conexión de la Casa de Alba con otras familias coleccionistas de pinturas barrocas europeas. En esta sección se encuentra una serie muy importante de documentos de Cristóbal Colón (manuscritos del explorador que muestran su primer mapa del Nuevo Mundo y el listado de los marineros que lo acompañaron en su viaje).

"Stuart-Berwick-Alba: La Unión de dos linajes europeos en el siglo XVIII" presenta los aspectos más destacados de este período, en el que la familia Stuart, descendiente en línea directa de parte de Jacobo II de Inglaterra / Jaime VII de Escocia, quedó relacionada con la familia Borbón y el linaje de Alba a través del duque de Berwick.

"Francisco de Goya y la Duquesa de Alba" se concentra en la famosa duquesa doña Teresa Cayetana, número trece en el linaje, cuyo retrato fue pintado muchas veces por Francisco de Goya y Lucientes. La Duquesa murió sin descendencia, y el apellido Álvarez de Toledo se perdió. La familia de Berwick heredó el título, y la familia pasó a llevar el apellido Stuart Fitz-James, que conservan.

"La Colección Europea de Carlos Miguel Fitz-James Stuart, duque de Berwick y Alba" explica cómo, a principios del siglo XIX, después de haber perdido gran parte de sus colecciones históricas, el Duque Carlos Miguel decidió reconstruir la colección, como estudio privado y, al mismo tiempo, como galería de pintura y escultura. Carlos Miguel se embarcó en un Grand Tour por Europa y acumuló una inmensa colección de lienzos, esculturas, fotografías, dibujos y antigüedades, que forma la base de lo que se mantiene actualmente en las colecciones Berwick-Alba. 

Otra parte muy importante de la colección proviene del legado de Eugenia de Montijo, emperatriz de Francia y esposa de Napoleón III. A su muerte en Madrid en 1920, sus colecciones de pinturas, muebles y obras de arte pasaron a Don Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó, el decimoséptimo duque de Alba. "Sevilla-Paris-Madrid: La emperatriz Eugenia de Montijo y de la Casa de Alba" refleja el gusto de Eugenia por la imagen romántica de España, además del estilo neo-barroco del Segundo Imperio.

En la última sección de la exposición, "Grandes Retratos y la Colección Contemporánea: Jacobo Fitz-James, 17mo duque de Alba, su hija Cayetana, 18a duquesa de Alba y las Artes" se pueden ver algunos ejemplos de las adquisiciones de Don Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó y su hija, Cayetana, que llevaba el título hasta su muerte en noviembre de 2014. En esta sección se incluyen obras de artistas clásicos como Rubens y Antonio Moro; obras modernas de artistas españoles como Zuloaga, Benlliure y Sert; y obras de artistas extranjeros como Reynolds, Renoir, Fantin-Latour, Courbet o Boudin.

Tesoros de la Casa de Alba: 500 años de arte y coleccionismo
Meadows Museum de Dallas
Hasta el 3 de enero de 2016

Complejo industrial de Fray Bentos, en la UNESCO

14/09/2015, El antiguo complejo cárnico de Fray Bentos, en el oeste de Uruguay, entró en el año 2015 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.



París, 14 de septiembre de 2015
Se trata de un establecimiento industrial innovador para su época, mediados del siglo XIX, que suministraría elaborados cárnicos a buena parte del mundo industrial.

Fray Bentos es una pequeña ciudad uruguaya del departamento de Rio Negro, a la orilla del río Uruguay, surgida en el siglo XIX en torno a un embarcadero del río, que era navegable en su parte final y que gozó de un creciente tráfico fluvial.

Cuando surgió la población se llamó Villa Independencia, pero acabaría denominandose Fray Bentos, que era la denominación que tuvo el entorno desde el siglo XIX, tal vez en memoria de alguno de los frailes españoles que recorrieron el territorio en la época colonial. 

En un saliente de tierra, al oeste de la población, se creó un saladero de carne en el año 1861, donde se procesaba la carne para hacer un “extracto cárnico”, utilizando innovadora tecnología en materia de conservación. La Liebig Extract of Meat Company acabaría enviando desde 1865 la carne en conserva a todo el mundo, carne que alimentó a las tropas aliadas en la Primera Guerra Mundial y que el propio Julio Verne puso a disposición de los protagonistas de su novela Viaje a la Luna.

El saladero se apoyó en la prestigiosa ganadería uruguaya de vacuno nutrido en las amplias praderas del país. La compañía Anglo Meat Packing Plant heredó aquella activad y fue la que en 1924 inició la exportación de la carne congelada, desde su gran complejo frigorífico.

La factoría Anglo estuvo en actividad hasta 1979, pero en Fray Bentos aún perviven las instalaciones industriales, viviendas y edificios sociales que permiten recuperar la imagen de activa sociedad que adquirió importancia mundial.

Se dice que este lugar fue punto del inicio de la revolución Industrial en el entorno del Río de la Plata, y a modo anecdótico se cita que aquí funcionó por primera vez en Sudamérica la iluminación por energía eléctrica.Desde 1989, funciona en el edificio de antigua la compañía un parque industrial y un museo de la Revolución Industrial. 

Oliver Ressler en el CAAC

14/09/2015, El CAAC presenta una muestra de Oliver Ressler que reúne 11 proyectos realizados en medios como la videoinstalación, la película, la fotografía, los pósters y los textos de pared.



Sevilla, 14 de septiembre de 2015
Los proyectos presentados en la muestra abarcan los últimos 13 años de su producción y tienen un hilo conductor: la ocupación, las luchas políticas y los movimientos sociales en distintos lugares del mundo.

Para Ressler (Knittelfeld, Austria, 1970) la ocupación va más allá del contexto local específico en la que se producen, mostrando que es una opción de futuro. Así, los archivos que realiza luego son planteados como propuestas artísticas que no solo documentan los acontecimientos, sino que también generan herramientas para luchas venideras por un futuro mejor.

Las películas de Ressler cuentan con un verdadero objetivo pedagógico. Cada una de sus películas es una especie de manual de técnicas de disensión que se deben enseñar y aprender. Sus proyectos analizan el sistema capitalista, con especial interés hacia las formas de resistencia y las alternativas socio-económicas.

El proyecto del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo reflexiona de una manera crítica sobre la compleja situación política, económica y social actual. El artista documenta, archiva y presenta formas alternativas de gobierno y organización: la autogestión de los trabajadores en Latinoamérica y en Europa, la organización de los movimientos sociales surgidos durante la última crisis del capitalismo (entre ellos el 15M), las prácticas activistas en relación con la ecología y la resistencia antiglobalización.

No reivindicaremos nada, no pediremos nada. Tomaremos, ocuparemos
Hasta el 10 de enero de 2016
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo


MALI, Museo de Arte de Lima

11/09/2015, El MALI reabre sus puertas en pleno centro histórico de Lima y con la colección más importante de arte peruano del país.



Lima, 11 de septiembre de 2015
Tras un intenso proceso de remodelación el Museo de Arte de Lima (emplazado en un palacio del s.XIX) reabre sus salas de exposición permanente. Con la culminación de la obra de restauración del segundo nivel del Palacio de la Exposición el nuevo MALI se consolida como uno de los principales museos de América Latina.

En sus salas, los visitantes podrán contemplar la colección más importante de arte peruano, con una selección de más de 1,200 obras y un recorrido cronológico de 3,000 años de arte, que abarcan desde la época precolombina, hasta el siglo XX.

Las renovadas salas exhibirán piezas de cerámica, óleos sobre lienzo, objetos de madera y metal, textiles, fotografía, platería y dibujo de gran valor histórico, así como adquisiciones y donaciones de varias generaciones de peruanos como las de Manuel Cisneros Sánchez, Rafael Lemor, Maki Miró Quesada, Petrus Fernandini o Juan Carlos Verme entre otras.

El Museo de Arte de Lima tiene como sede el Palacio de la Exposición, inaugurado en 1872, está considerado uno de los más bellos ejemplos de la arquitectura en hierro del siglo XIX. Diseñado por el arquitecto italiano Antonio Leonardi, este edificio fue una de las primeras construcciones dedicadas a exposiciones en gran escala, pero también una de las más tempranas e importantes obras hechas con la nueva técnica de construcción en hierro.

La culminación de este proyecto constituye la mayor obra de infraestructura que se haya realizado en medio siglo en el histórico Palacio de la Exposición. Los trabajos de remodelación fueron realizados respetando las estructuras, fachadas, escaleras principales y ventanas originales.

Museo de Arte de Lima MALI
Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1


José Manuel Ballester. Museos en Blanco

10/09/2015, Hasta el 7 de noviembre de 2015 se puede visitar la exposición Museos en blanco del artista José Manuel Ballester en Ivorypress, Madrid.

Madrid, 10 de de septiembre de 2015
La muestra recoge una selección de los últimos trabajos, fotográficos en su mayoría, realizados por José Manuel Ballester (Madrid, 1960) los cuales contienen una invitación a "vaciar nuestros museos", tanto los reales como los que cada uno llevamos insertados en nuestra memoria, para plantear nuevos enfoques que sean capaces de abordar nuestro pasado y nuestro futuro.

La exposición parte de la idea del artista de que ningún museo es capaz de contener entre sus muros la esencia de la cultura, para resaltar este pensamiento, Ballester emplea recursos visuales que cambian la posición del espectador frente al mundo exterior y frente a su propia memoria.

Para el artista los museos no son más que espacios que custodian lo más representativo que la historia nos ofrece en cada momento. Una historia fragmentada que tan solo nos permite indagar en un pasado borroso y que cíclicamente pasa por revisiones y replanteamientos.

José Manuel Ballester, licenciado en Bellas Artes en 1984 por la Universidad Complutense de Madrid y Premio Nacional de Fotografía 2010, comenzó su carrera artística en la pintura con especial interés por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos XV y XVIII. El artista ha expuesto su obra en museos nacionales e internacionales y sus obras forman parte de los fondos del MNCARS de Madrid, el Museo Marugame de Arte Contemporáneo Español de Japón, el IVAM de Valencia, el Museo de Arte de Miam, la Central Academy of Fine Arts de Pekín, el 21st Century Museum de Kentucky, la Cisneros Fontanals Art Foundation de Miami, Fundación Telefónica el Museo Guggenheim de Bilbao y la Fundación Coca Cola, entre otras colecciones.

San Pedro penitente de los Venerables

10/09/2015, La obra maestra de Murillo San Pedro penitente de los Venerables recupera su belleza tras una minuciosa restauración.



Madrid, 10 de septiembre de 2015
A partir de mañana, 11 de septiembre, y hasta el próximo 17 de enero, la sala 17 del edificio Villanueva albergará esta obra, antes de su exhibición definitiva en el Hospital de los Venerables, sede de la Fundación Focus-Abengoa. La obra se exhibirá en el Museo del Prado acompañada por otras pinturas del artista sevillano pertenecientes a la pinacoteca.

Tras su recuperación en el Reino Unido, Este lienzo de valor singular llegó al Prado para ser sometidO a un estudio técnico y una limpieza que ha recuperado la composición y permitido apreciar los recursos técnicos y estilísticos empleados por Murillo en su ejecución.

San Pedro penitente de los Venerables fue propiedad de Justino de Neve, quien en su testamento (1685) lo legó al edificio barroco del Hospital de los Venerables de Sevilla. En la iglesia del Hospital todavía se conserva el retablo en el que se expuso desde 1701 hasta que, en la Guerra de la Independencia, la obra fue confiscada por el mariscal Soult. Tras la muerte del mariscal en 1851 la obra ha permanecido en colecciones privadas.

Cuando la obra de Abengoa llegó al Prado se encontraba en un buen estado de conservación, pero estaba oscura y había perdido el volumen por culpa de los barnices acumulados y las malas restauraciones anteriores, que habían apagado las referencias de espacio y profundidad.

La restauración ha ido dirigida a la consolidación de la pintura para evitar posibles levantamientos del craquelado, y a la eliminación de intervenciones anteriores que ocultaban la pintura original. La obra muestra el virtuosismo técnico y estilístico de Murillo en esta etapa de madurez y tiene como punto de partida una composición de Ribera, que representa un tema muy popular en España durante el Siglo de Oro, el retiro y arrepentimiento de san Pedro.

Mayas, lenguaje de belleza

09/09/2015, En Mérida, Yucatán, se presenta ahora la muestra “Mayas, el lenguaje de la belleza” que recientemente se presentó con éxito en China.

Mérida (México) 9 de septiembre de 2015
Se trata de una de las exhibiciones más importantes que se ha presentado sobre la cultura maya, y que está integrada por 278 piezas, algunas de ellas muy poco conocidas.

Teresa Franco, directora general del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), entidad promotora de esta exposición, destacó la cuidadosa selección de objetos que permiten apreciar los rasgos distintivos de un pueblo refinado, poseedor de una extraordinaria iconografía, una enorme capacidad estética y de una acusada percepción de la naturaleza y la vida en sociedad.

La muestra que fue apreciada por 135.000 visitantes en el Museo Nacional de China y ha sido ahora enriquecida para ser vista en Yucatán. Se presenta en el Museo Regional de Antropología Palacio Cantón, de la ciudad de Mérida, y reúne piezas arqueológicas que describen la concepción de la belleza que tenía esta antigua civilización. Según la directora del INAH, esta selección artística contiene 40 piezas yucatecas que son, en buena medida, parte de un gran acervo que no había sido expuesto.

Mayas, el lenguaje de la belleza utiliza el cuerpo humano como eje para mostrar un conjunto extraordinario de piezas, algunas procedentes de recientes descubrimientos arqueológicos. “Es impresionante el trabajo que México tiene en la zona maya, donde se realizan más de cien proyectos. Los trabajos que tendrán lugar en el Chichén viejo, Dzibilchaltún, Izamal, Mayapán y Ek Balam retomarán la investigación que ya existe y darán una nueva lectura a estos vestigios, inagotables testigos de la historia, subrayó la titular del INAH.

Añadió que cada uno de los testimonios prehispánicos incluidos en la exposición resulta original y único, tanto los realizados en piedra o en cerámica bruñida, fragmentos de textiles, y de hueso, como los exquisitos sartales de concha y jade tallado.

El conjunto escultórico y cerámico presentado ha sido formado con la contribución de una veintena de museos de Campeche, Chiapas, Tabasco, Quintana Roo y Yucatán, y a través de esta exhibición, advierte sobre los nexos entre el cuerpo, la espiritualidad y la cosmogonía de uno de los pueblos de mayor antigüedad en América. Se presentan objetos de cerámica, jadeíta, concha y piedra de diferentes estilos.

El montaje, dividido en cuatro núcleos temáticos, muestra un recorrido por diversas temporalidades, desde objetos creados hacia el año 100 a.C. hasta piezas elaboradas en el año 1200 de nuestra era.

El Forth Bridge en la lista de la UNESCO

09/09/2015, Uno de los monumentos más espectaculares incluidos en 2015 en la lista de la UNESCO es el puente del ferrocarril que atraviesa el estuario del río Forth en Escocia, una proeza técnica del siglo XIX.

París, 9 de septiembre de 2015
El fiordo o ría de Forth conecta el noreste y el sureste de Escocia, y en el siglo XIX se consideró que un puente podría facilitar este paso que resultaba difícil hacer con transbordadores dada la climatología del territorio, propicia para las tormentas.

Después de un primer proyecto fallido, de 1873, John Fowler y Benjamin Baker realizar el proyecto del puente actual, que fue construido entre 1883 y 1890.

La obra sigue siendo un trabajo extraordinario para su tiempo, con 2,5 kilómetros de largo y doble vía para los trenes, que se desplazan a 46 metros sobre la superficie del agua.

En el puente, ubicado a unos 20 kilómetros al oeste de Edimburgo, fue inaugurado en 1890 y en él se emplearon 55.000 toneladas de acero. Aún continúa llevando pasajeros y carga. Su estética industrial innovadora, el uso de nuevos materiales y su gran escala hicieron del puente una obra emblemática de su época, cuando los ferrocarriles llegaron a dominar el tráfico de larga distancia por tierra.

El Tuluver, una nueva especie

08/09/2015, BirdLife Sudáfrica ha provocado un notable impacto con el descubrimiento de una nueva especie de ave, grande, hermosa y con un llamativo penacho, el Tuluver.

Ciudad del Cabo, 8 de septiembre de 2015
Sin embargo, el Tuluver no es una criatura desconocida hasta ahora en el reino animal, sino una invención publicitaria encaminada a llamar la atención sobre la progresiva desaparición de los buitres africanos. Para ello partiendo de la imagen de un buitre orejudo (Torgos tracheliotus) se creó la imagen de otra ave de tamaño similar, más estilizada, con la cabeza cubierta de plumas azuladas y coronada por un atractivo penacho.

El pájaro ficticio recibió el nombre de Tuluver (una alteración de la palabra vulture, buitre en inglés) y su imagen fue parte de una campaña para llamar la atención sobre la difícil situación de los buitres de África en el Día Internacional del buitre, celebrado el 5 de septiembre para concienciar de la necesidad de atajar el declive de los mismos.

La campaña cuidadosamente planificada por BirdLife Sudáfrica provocó una tormenta de medios de comunicación social, generando un gran debate sobre la autenticidad de la foto. El misterio se aclaró con un video, en el que los espectadores pudieron ver la transformación inversa del Tuluver en un buitre(Vulture). El vídeo terminaba con un mensaje simple: si podemos apasionarnos al descubrir una especie tambien debemos apasionarnos en su defensa.

El truco, conceptualizado por la agencia de comunicaciones Utopía en colaboración con BirdLife Sudáfrica, tenía como objetivo dar un mensaje de ayuda a los buitres, a menudo menospreciados y en peligro de extinción, cuya difícil situación ha pasado desapercibida.

"Muchas personas no conocen del valor ecológico de los buitres, y los consideran simplemente animales feos y sucios”, explica Carl Cardinelli, creativo de Utopía.

“Los buitres de África están en dificultades y necesitan atención urgente para su conservación. Por esta razón, se decidió utilizar un enfoque valiente durante nuestros esfuerzos de sensibilización Día de la Conciencia del Buitre", explica Mark D. Anderson, director ejecutivo de BirdLife Sudáfrica.

"Ya hemos visto – dice- la destrucción de tres especies de buitres (…) y su ausencia dio lugar a un aumento de los perros salvajes y, a su vez, un aumento en la rabia, con un costo estimado para la salud humana de aproximadamente 1,5 mil millones de dólares".

Hay numerosos factores que explican el declive del buitre, entre ellos la caza furtiva, los venenos, la disminución de la disponibilidad de alimentos, la electrocución en torres de alta tensión… y hasta creencias absurdas de algunas gentes que dicen que el consumo de los cerebros de los buitres permite predecir el resultado de la lotería o de un partido de fútbol.

Anderson recuerda que “los buitres son mejor equipo de limpieza de la naturaleza, ya que elimina la carroña y, a su vez, evita la propagación de enfermedades como la rabia, el ántrax y el botulismo. Son de vital importancia para el medio ambiente y los seres humanos”.

Vídeo en youtube: https://www.youtube.com/watch?t=19&v=BMHmscle9dg

D*Face en el CAC Málaga

08/09/2015, Últimos días de la exposición individual dedicada al artista D*Face en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga.

Málaga, 8 de septiembre,
La exposición Wasted Youth reúne 39 piezas del artista británico D*Face en una importante retrospectiva, la primera dedicada al artista en solitario en España, que presenta obras desarrolladas en 15 años de carrera.

A través de su estilo narrativo, D*Face suele aludir a la fragilidad de la vida, mientras refleja la cultura popular, la noción del “bien” triunfando sobre el “mal” y los estereotipos del “Sueño Americano”. Con un reconocible sello, anima a cuestionar el extraño incremento de la fascinación por la celebridad, la fama y el consumismo que nos rodea. Temas como la muerte o la fama aparecen de forma recurrente en su trabajo representados a través de iconos culturales como Marylin Monroe, Kurt Cobain, Che Guevara o la Reina Isabel II. Son retratos macabros, a menudo cadavéricos, con los que reinventa, reinterpreta y literalmente desfigura la imaginería de nuestra cultura materialista.

D*Face comenzó su carrera con la realización de pegatinas y posters pintados a mano y adheridas por las calles de Londres y sus alrededores con la intención de sorprender al público desprevenido. Con una variedad de medios y técnicas, usa una serie de personajes conocidos modificados para satirizar todo lo que cae en sus manos. El término Apopcalyptic define su trabajo: una mezcla de Pop Art ensamblada con la fragilidad de la vida.

En los últimos 15 años, el artista urbano ha viajado por todo el mundo para pintar murales en ciudades como Londres, Nueva York, Tokyo, Los Ángeles, Las Vegas, Puerto Rico, Malmo y Hawaii. Además, su trabajo ha sido mostrado en numerosas exposiciones colectivas a lo largo de Estados Unidos, Europa y Asia.

D*FACE
Hasta el 27 de septiembre de 2015
CAC Málaga

Sigue la marea peregrina

07/09/2015, Agosto cierra con otra cifra muy alta de peregrinos hacia Santiago de Compostela. En la Oficina de Peregrinaciones se sellaron 54.796 “compostelas”, un 7 por ciento más que en agosto de 2014.

Santiago de Compostela, 7 de septiembre de 2015
Durante todo el año, el flujo peregrino viene sobrepasando al del año precedente. En este sentido, ya en julio se registró una cifra sorprendente al contabilizarse 44.799 viajeros que sellaron la credencial, con lo que se superó con creces la cifra de 42.472 del Año Santo precedente(2010) y los 39.581 de julio del año 2014.

Pero agosto es el mes más denso en lo que se refiere a la circulación de peregrinos. En este mes, en la Oficina de Peregrinaciones se recibieron 54.796 peregrinos, frente a los 51.219 del mismo mes del año anterior. En esta ocasión no se superó el récord histórico mensual del Año Santo 2010, cuando los llegados fueron 61.543… pero se va camino de superar esa cifra histórica.

Hay una sensible paridad entre mujeres y hombres en la ruta santiagueña. En el mes pasado 23.753 (46,38%) fueron mujeres y 27.466 (53,62%) hombres. El grueso del “pelotón” era de caminantes. A pie han llegado 44.920 (87,70%).

En el flujo viajero hay una motivación básica que es la cultural. Por razones religiosas estrictas viajó menos del 40 por ciento del total.

Por nacionalidades, destacan los españoles, con 33.212 (60,61%); y al frente de ellos los de Andalucía, con 6.753 (20,33%). Madrid, con 6.202 (18,67%); Comunidad Valenciana, con 4.943 (14,88%), y Cataluña, con 4.128 (12,43%); siguen en esta lista.

Del exterior llegaron 21.584 (39,39%). El país que mayor número de peregrinos aporta es Italia, con 7.949 (36,83%), seguido de Alemania, con 2.234 (10,35%); Portugal, con 2.231 (10,34%); Francia, con 1.582 (7,33%); Estados Unidos, con 774 (3,59%); Polonia, con 756 (3,50%), y Reino Unido, con 599 (2,78%).

Los grandes lugares en los que arrancan los peregrinos, fuera de Galicia fueron, por este orden:

S. Jean P. Port (Francia) con 3.901 (7,12%);
León, con 2.422 (4,42%);
Oporto (Portugal) con 2.050 (3,74%);
Ponferrada con 1.952 (3,56%);
Oviedo, con 1.646 (3,00%);
Roncesvalles con 1.505 (2,75%);
Valença do Minho (Portugal) con 1.473 (2,69%);
Astorga con 1.086 (1,98%);
Irún con 957 (1,75%);
Pamplona con 705 (1,29%);
Burgos con 682 (1,24%).

Como de costumbre, el gran flujo de la peregrinación se dirige por el Camino Francés,con 33.760 (61,61%); seguido del Portugués, con 9.206 (16,80%).

Las catacumbas de Beth Shearim, en la UNESCO

07/09/2015, El Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO incluyó este año a la necrópolis de Beth Shearim en su listado universal, destacando su significado histórico en un intento de renacimiento del judaísmo.

París, 7 de septiembre de 2015
Este complejo está en la Baja Galilea, cerca de la ciudad de Kiryat Tivon y a 20 kilometros al sureste de Haifa, ocupando unas colinas horadadas para albergar notables enterramientos. También hay en el lugar restos de la antigua ciudad judía de Bet She’arim.

Según informó la UNESCO, tras la inclusión del sitio en el listado mundial, el conjunto consta de una serie de catacumbas, en una gran necrópolis desarrollada desde el siglo segundo como el lugar de entierro de una clase dirigente, fuera de Jerusalén, tras el fracaso de la segunda revuelta judía contra el dominio romano.

Las catacumbas son un tesoro de obras de arte e inscripciones en griego, arameo y hebreo y un testimonio único en el judaísmo antiguo bajo el liderazgo de un notable rabino a quien se atribuye la renovación judía después de la crisis del año 135. La necrópolis forma parte de un Parque Nacional.

Bet Shearim fue una más de las poblaciones de Galilea, hasta que pasada la revuelta de los años 132-135 el núcleo del reino judío dejó Judea. El Sanedrín vagó por diversos puntos hasta ubicarse en Bet Shearim. Al frente del mismo estaba Rabbi Yehuda Hanasi, un sabio y docto filósofo, fundador de una escuela doctrinal, que tuvo gran influencia en su tiempo y que fue enterrado aquí.

A partir de entonces muchos judíos poderosos eligieron este lugar para su enterramiento, hasta el siglo V.

La ciudad, destruida en otra recuelta del siglo IV, siguió decayendo hasta desaparecer en el XIX, aunque excavaciones del siglo pasado mostraron la calidad de los enterramientos y hallaron estructuras de edificios públicos, religiosos y particulares del momento de máximo esplendor.

Hoy el conjunto es un agradable lugar tanto por su paisaje como por los resto de la vieja ciudad judía de los siglos III al V y las catacumbas, alguna de las cuales presenta fachada notable.

Bonnard en la Fundación Mapfre

04/09/2015, La Sala Recoletos de Fundación Mapfre presenta una retrospectiva dedicada a Pierre Bonnard, del 19 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Madrid, 4 de septiembre de 2015
Pierre Bonnard (1867-1947) es un artista cuya producción, profundamente personal, es difícilmente clasificable. Figura decisiva en torno al nacimiento del arte moderno, Bonnard fue miembro fundador del grupo simbolista de los nabis, y fue un personaje clave de la transición entre el post-impresionismo y el simbolismo, en un momento en el que la pintura estaba sufriendo una radical revolución a través del color. Bajo la influencia de la pintura de Gauguin y de la estampa japonesa, Bonnard desarrolló un estilo propio, vivaz y verdaderamente original, que plasmó en distintos soportes, desde biombos y carteles hasta pinturas murales de gran tamaño.

La exposición, la primera retrospectiva dedicada en España a la obra de Bonnard en más de treinta años, ofrece una mirada renovada sobre la original obra del artista francés a través de unas ochenta pinturas, doce de dibujos y medio centenar de fotografías cedidas por más de treinta colecciones públicas y privadas, entre las que destacan el Musée d’Orsay, el Centre Georges Pompidou, la Tate de Londres, el National Museum of Western Art de Tokyo, la National Gallery of Art de Washington y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

La muestra ha sido organizada por el Musée d’Orsay, la Fundación Mapfre y los Fine Arts Museums of San Francisco, y podrá visitarse a partir del 19 de septiembre en la Sala Recoletos.

Pierre Bonnard
Fundación Mapfre
Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23)
Del 19 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016

Jerusalem Biennale 2015

03/09/2015, Del 24 de septiembre al 5 de noviembre de 2015 se celebra la segunda Bienal de Arte Judío Contemporáneo de Jerusalén.

Jerusalén, 3 de septiembre de 2015
Con una duración de seis semanas, la Bienal de Jerusalén mostrará trabajos de casi 200 artistas israelís e internacionales en las 10 exposiciones de Arte Judío Contemporáneo albergadas en siete emplazamientos del centro de la ciudad.

Tras el éxito de la primera edición de la Bienal, celebrada en 2013, la presente edición explora las conexiones entre el arte contemporáneo y la cultura judía, abarcando un amplio espectro de la identidad judía, desde lo secular a lo ultra-ortodoxo. Seis de las exposiciones son de artistas o colectivos radicados en Jerusalén y cuatro representan a las ciudades de Nueva York, Los Angeles, Buenos Aires y Barcelona.

La Bienal de Jerusalén es un escenario para los artistas profesionales, que crean hoy y se refieren en su trabajo para el pensamiento judío, el espíritu, la tradición o la experiencia, para exponer sus obras en Jerusalén. La misión principal de la Bienal es ampliar el concepto de Arte Judío más allá del campo de la Judaica, a través de medios como la fotografía, el videoarte, la instalación y la performance.

Esta edición se llevará a cabo en diferentes lugares de todo el centro de la ciudad de Jerusalén. Aquí podrás encontrar detallados los distintos escenarios de las exposiciones:

Museo de la Torre de David
Van Leer Research Institute's Polonsky Building
The First Station
Achim Hasid Complex
Hechal Shlomo Museum
Skirball Museum at the Hebrew Union College
The Worldwide North Africa Jewish Heritage Center

Más información en: Jerusalem Biennale

Women & Women

03/09/2015, Tras su paso por Palermo Y Nápoles, llega a Roma la exposición Women & Women, organizada por el Instituto Cervantes.

Roma, 3 de septiembre de 2015
Women & Women es una exposición que fue concebida con el propósito de ser expuesta en la Embajada de España en Washington durante el semestre en que nuestro país ostentó la presidencia de la Unión Europea en 2010. El encargo incidía en que debía tratarse de una muestra de fotografías que ofreciera la imagen de un país avanzado, moderno y culturalmente vanguardista.

En la muestra, Beatriz Moreno, Gabriela Grech, Isabel Muñoz, Ouka Leele y Soledad Córdoba interpretan la esencia del cuerpo femenino y expresan a través de 15 fotografías en varios formatos y técnicas los cambios ocurridos en el panorama artístico de las últimas décadas.

Bajo la mirada de estas cinco fotógrafas, la exposición nos propone etapas variadas de diversos caminos creativos centrados en la exploración del mundo a través de la óptica femenina. Todas ellas participan del impulso y visibilidad de la fotografía española actual realizada por mujeres en plena actividad creativa, ahondando en la diversidad de perspectivas y enfoques que alcanza esta disciplina artística.

Women & Women
Del 08/09/2015 al 16/10/2015
Instituto Cervantes
Piazza Navona, 91, Roma

Abre el primer bioparque colombiano

02/09/2015, El pasado 30 de septiembre abría al publico el primer bioparque colombiano, Ukumari, donde se recrean diversos ecosistemas colombianos y de otras partes del mundo.

Pereira (Colombia), 2 de septiembre de 2015
El bioparque se halla en el kilómetro 14 de la vía Pereira – Cerritos, en el departamento de Risaralda, en el centro-oeste de Colombia y ocupa 820.000 metros cuadrados, divididos en siete bioregiones donde los visitantes, a través de un recorrido educativo se acercan a la fauna y la flora de los cinco continentes.

Según se destaca en la página web del centro, este nació como una iniciativa de las autoridades locales de Pereira, el Gobierno Nacional, y la empresa privada, para fortalecer a la ciudad como destino turístico. Asímismo, gracias a que está ubicado en la región cafetera, complementa las atracciones del Parque Nacional del Café y Panaca (Quindío). Además, Ukumarí alberga los ejemplares de fauna exótica y tropical del Zoológico Matecaña, con el fin de brindarles un hábitat mejor y adaptado a las necesidades de cada especie

Las biorregiones tienen un papel fundamental en el esquema del bioparque porque en ellas convivirán las diferentes especies de flora y fauna recreando un ambiente similar al que puede hallarse en continentes como África, América, Asia, Europa y Oceanía; así como en las regiones colombianas de los Llanos Orientales, Amazonia, Costa Atlántica y el Bosque Andino.

En su inicio fase mostrará al público el bosque Andino, un espacio donde estarán presentes los osos de anteojos, serpientes y aves. Además, se recordará el pasado regional Quimbaya. El resto de las biorregiones de Ukamarí se abrirán de manera escalonada. La siguiente será la Sabana Africana que podrá ser visitada a partir de diciembre de 2015 y contará con animales y vegetación propia de ese territorio del planeta.

El primer bioparque colombiano, según sus responsables, será uno de los más grandes y completos de Latinoamérica, un punto de gran atracción turística y un elemento que incentivará la educación e investigación para la conservación ambiental.

Septiembre en el Matadero

02/09/2015, En el mes de septiembre MataderoMadrid inaugura la muestra Actos Públicos de Ramón Miranda y celebra una tercera edición de la feria Summa Art Fair.

Madrid, 2 de septiembre de 2015
ACTOS PÚBLICOS
De Ramón Miranda
Desde el 11 de septiembre 2015 al 31 de diciembre 2015

Matadero Madrid inaugura el viernes 11 a las 19 h. Actos Públicos, una exposición del artista portorriqueño Ramón Miranda en la que se plantea una instalación de gran formato concebida expresamente para el espacio público de la Plaza Matadero, una escultura a base de losas de hormigón que reflexiona sobre diferentes elementos de la polémica Ley de Seguridad Ciudadana, conocida como Ley Mordaza.

La obra de Miranda se caracteriza por transmitir inquietudes sociales, históricas y culturales como son el rol de los movimientos sociales y el del Estado. Su proceso de creación, claramente contextual, tiene tras de sí una rigurosa investigación histórica y de archivos, y se concentra además en los acontecimientos, sucesos o situaciones referentes al lugar donde expone.

En esta ocasión, el artista plantea un espacio de reflexión en torno a una de las leyes más polémicas promulgadas en los últimos años: la popularmente conocida como “Ley Mordaza”. A partir de la intervención de más de cien planchas de cemento apiladas -sobre las que transfiere textos y fotografías reveladas con técnica analógica- indaga en la normativa que restringe la celebración de reuniones no comunicadas a las autoridades en espacios públicos, entre tantas otras cosas.

Esta actividad no se concentra particularmente sobre la crítica institucional; más bien sugiere el camino hacia la transformación institucional y social, a modo de llamada de atención sobre lo que mantiene y perpetúa el orden establecido: la ley y sus consecuencias.

SUMMA ART FAIR
Feria internacional de arte contemporáneo
Desde el 10 de septiembre 2015 al 13 de septiembre 2015

Del 10 al 13 de septiembre, la Nave 16 acoge Summa Art Fair, la feria internacional de arte contemporáneo que reúne al sector más profesionalizado y a las nuevas promesas del panorama artístico.

Esta tercera edición contará con nuevas secciones y un decidido interés por abundar en la creación de valor añadido en torno a la obra artística, así como atender al sector más profesionalizado de la creación, producción y distribución artísticas catalizado por las galerías de arte y por los coleccionistas. Además, esta plataforma aspira a crear nuevas vocaciones atrayendo a las nuevas generaciones a la práctica y disfrute del arte contemporáneo.

La edición 2015 presenta:

Sección General: abierta a galerías nacionales e internacionales.

Sección Transversal: “Como coleccionar arte político”, “Mirando hacia el este (de Europa)”, “Arte africano actual”.

Trazos: sección dedicada al arte del siglo XX en la que se exploran las conexiones entre el arte del siglo XX y el contemporáneo.

Madrid Foto: en esta sección se presta atención al auge de la fotografía española contemporánea, sin descuidar tendencias de mercado tan consolidadas como la fotografía documental de los años 30 y 40. Particular atención recibirán los fotolibros, vehículo privilegiado de difusión y objeto de colección al mismo tiempo.

Turismo rural: Balance verano 2015

01/09/2015, Según los datos proporcionados por la página web Escapadarural.com, la Comunidad de Navarra se ha impuesto como destino favorito del turista rural este verano.

León, 1 de septiembre de 2015
El balance estival refleja unas cifras similares a las conseguidas el año pasado en los meses de julio y agosto y registra una ocupación media del 32%, sólo tres puntos por debajo con respecto a la media de 2014 (35%). Como dato a tener en cuenta, aproximadamente el 38% de las casas rurales que disponen de piscina y barbacoa han colgado el cartel de completo este verano.

Estos datos confirman una pequeña mejoría del sector, que ya se empezó a notar en 2014. En conjunto, 2015 destaca por un crecimiento notable gracias a la coyuntura favorable de las fechas festivas.

En cuanto a comunidades autónomas, Navarra ha sido la clara favorita estas vacaciones, alcanzando un 46% de ocupación. Le sigue Islas Baleares (con una ocupación del 43%), Cataluña y Asturias (ambas con el 42%), y País Vasco (38%). Por otro lado, las autonomías que han obtenido los peores datos de ocupación son Madrid (21%), Castilla-La Mancha y Extremadura (ambas con un 20% de ocupación).

A nivel provincial, en casi la mitad de los alojamientos de Málaga se ha colgado el cartel de completo (49%), seguida de Girona y Navarra (48%), Barcelona ha logrado el cuarto puesto (45%), seguida de Islas Baleares. Zaragoza (17%), Guadalajara (16%) y Cuenca (12%) han obtenido los peores datos.

Fuente de la noticia: Escapadarural.com

Monstruos marinos en Venecia

01/09/2015, La polémica sobre la presencia de grandes cruceros en Venecia, vuelve a saltar con fuerza tras la prohibición de la muestra “Monstruos marinos en Venecia”, con obra del fotógrafo Gianni Berengo Gardin.

Venecia, 1 de septiembre de 2015
Este prestigiosos y veterano fotógrafo italiano, nacido en 1930, había mostrado ya las impactantes imágenes vetadas ahora en una muestra presentada hace un año en Milán, organizada por el Fondo Ambiente Italiano y la Fondazione Forma per la Fotografia.

Aquella muestra presentada en Villa Necchi Campiglio, del 11 de julio al 28 de septiembre de 2014, llamó la atención por las impactantes imágenes de cruceros mastodónticos ante el Palacio Ducal veneciano, y otros puntos del canal de la Giudecca, destrozando la imagen de la histórica ciudad, lo que ha reforzado a los grupos que se oponen a este tráfico que pone en peligro incluso a los edificios y el entorno de la urbe veneciana.

Ahora, las impactantes imágenes no han obtenido permiso para presentarse en el Palacio Ducal, porque el alcalde de Venecia, Luigi Brugnaro, las ha vetado por el efecto que pueden ejercer entre los visitantes y el resultado negativo que puede suponer para el turismo de la ciudad la exhibición de esos inmensos navíos, de muchos pisos de altura, empequeñeciendo y anulando visualmente la belleza de los viejos palacios e iglesias.

Frente a quienes quieren convertir a Venecia en un parque temático, un producto de consumo inmediato que se disfruta sin pisar la ciudad desde los inmensos navíos, existe una opinión publica creciente que se moviliza frente a este problema que ya ha recibido incluso la atención de los dirigentes de la UNESCO.

La belleza de esta ciudad incluida en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO palidece por la presencia de esos grandes navíos que se imponen con fuerza ante el viajero, captando miradas y objetivos que obnubilan las maravillas de la ciudad.

Las fotografías, en blanco y negro, constituyen una extraordinaria protesta de Gianni Berengo Gardin, quien durante un tiempo madrugaba diariamente para obtener sus espectaculares paisajes urbanos en los que los rascacielos flotantes, aplastan la grácil belleza de los viejos palacios, mostrando una relación estética imposible, un binomio dramático.

Venecia es una ciudad llena de arte pero también propicia para la melancolía. Los intelectuales ven en ella la historia, el poder y la decadencia. Las aguas altas, que invaden la ciudad con frecuencia, parecen augurar ese sino trágico, pero a veces el hombre parece contribuir a ese sino con hechos como la invasión de los cruceros o la criticada aparición de obras de arquitectos modernos que rompen el equilibrio de su imagen clásica que todos hemos gozado en las páginas de la Historia del arte.

El turismo masivo puede romper la magia de la ciudad. Como siempre hay que hallar un equilibrio entre el patrimonio y la explotación económica del mismo.

Veinte años sin Caballero

31/08/2015, En el 20 aniversario del fallecimiento del notable artista colombiano Luis Caballero (1943 -1995) una exposición le recuerda en la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Bogotá, 31 de agosto de 2015
Luis Caballero fue un singular pintor y dibujante, cuyo foco artístico se centró en el cuerpo humano, para expresar imágenes en las que conviven expresividad, erotismo y drama. En la muestra dedicada a él, desde el 19 de agosto, se exhibe una pequeña selección de obras que dan cuenta de su evolución como artista.

Su pasión por el cuerpo humano quedó patente desde sus primeros trabajos en los años sesenta, cuando inició sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de los Andes (1961).

En 1963, este artista viajó a París, donde residió algunos años; época que le aportó infuencias de los clásicos del Renacimiento y Barroco, pero que también le acercó a autores de la modernidad como Bacon o De Kooning.

Regresaría Bogotá, su ciudad natal, en los noventa, con ocasión de una muestra que se le dedicó en la Biblioteca Luis Arango, falleciendo en esta ciudad cuando tan sólo tenía 52 años.

Sus dibujos, llenos de clasicismo, reflejan éxtasis, sexualidad y violencia. Pero, sobre todo, en ellos se halla a un artista que muestra una capacidad inusual para dibujar el desnudo masculino.

La prestigiosa Colección de Arte del Banco de la República de Bogotá conserva cerca de 280 obras de este artista, entre pinturas, dibujos, parte de la cual puede disfrutar el espectador que acuda a ver la pequeña exposición.

Se puede ver una exposición en línea de los trabajos de Luis Caballero en la Biblioteca Virtual de la Luis Ángel Arango: www.banrepcultural.org/luis-caballero

El Imperio Medio de Egipto, en NY

18/08/2015, El Metropolitan Museum de Nueva York anuncia para el próximo mes de octubre una espectacular exposición dedicada al arte del Imperio Medio del Antiguo Egipto.

Nueva York, 18 de agosto de 2015
La muestra se abrirá el 12 de octubre y estará en cartel hasta el 24 de enero de 2016 y en ella se recuerda cómo la reunificación del antiguo Egipto alcanzada por Nebhepetre Mentuhotep II -el primer faraón del Imperio Medio- fue seguida de un gran florecimiento cultural que duró casi 400 años.

Durante el Imperio Medio (alrededor de 2030-1650 a.C.), se revitalizaron las tradiciones artísticas, culturales, religiosas y políticas puestas en vigor durante el Imperio Antiguo, en un proceso de recreación y transformación reflejado a través de 230 obras maestras.

Estos elementos presentados abarcan una amplia serie de formas y materiales, desde las esculturas monumentales de piedra a delicados ejemplos de joyería, obras de arte que pertenecen a la colección del Metropolitan, y también de otras grandes colecciones de América del Norte y Europa, en una iniciativa clave para explicar el Imperio Medio y presentar materiales que nunca han sido mostrados en los Estados Unidos.

Adela Oppenheim, experta en arte del antiguo Egipto, explica que existe una asombrosa continuidad en la antigua cultura egipcia, con ciertos principios básicos que perviven miles de años, lo que da la impresión de inmutabilidad. Sin embargo, las obras de arte de la exposición mostrarán que el antiguo Egipto evolucionó constantemente, contribuyendo a la creación de una sociedad fascinante y compleja.

La exposición se abre con una estatua monumental de Mentuhotep II, tallado en un estilo deliberadamente arcaico que sugiere un vínculo con los reyes legendarios de Egipto temprano (ca. 3300 a.C.).

Los profundos cambios en el concepto de la realeza se demuestran a través de una serie de estatuas que abarcan varios cientos de años. Los primeros faraones del Imperio Medio se representan a menudo con las caras juveniles y expresiones confianza, en contraste con los rostros carnosos y ojos hundidos de reyes posteriores, imágenes sorprendentes de la madurez y de la humanidad.

Otro tema presentado se refiere a los complejos de pirámides, lo que se ejemplifica con la de Sesostris III (alrededor de 1878-1840 a.C.) en Dahshur, de la que se presenta un modelo detallado de escala 1 a 150.

Las mujeres de la realeza y su papel se analizan también, así como otros aspectos de la vida doméstica y familiar, los viajes, la cultura y todo lo relacionado con la sacralidad sin olvidarse de toda una variedad de objetos mágicos de protección de las mujeres embarazadas o los niños. Entre lo religioso, se muestra en especial cómo evolucionó el papel de Osiris como deidad funeraria.

En el periodo analizado, la devoción a Osiris aumentó y su centro de culto en Abydos adquirió gran relevancia. Allí se celebraron procesiones anuales y allí abundaron los enterramientos de quienes podían tener recursos para para acercarse para la eternidad a los ritos, asegurando su vida posterior. Para ello los mandatarios y potentados erigieron capillas que enriquecieron con obras de arte, algunas de los cuales han llegado a nuestro tiempo.

También destacan algunas partes de estatuas colosales, como una cabeza monumental de faraón Amenemhat III.

El conocimiento general de la historia del Imperio Medio, los logros de sus artistas, las creencias religiosas, costumbres funerarias y las relaciones con otros países, se ha incrementado en buena parte con la colaboración del Metropolitan, que ha patrocinado numerosas excavaciones en los sitios del Imperio Medio, incluyendo Deir el-Bahri ( 1.920-31), Lisht (1906 a 1934, 1984/91), y Dahshur (1990-hasta ahora).

Cincuenta Años de Estilo Bond

14/08/2015, Últimos días de la exposición Diseñando 007: Cincuenta Años de Estilo Bond, hasta el 30 de agosto en Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.

Madrid, 14 de agosto
La exposición "Diseñando 007: Cincuenta Años de Estilo Bond" cierra sus puertas el 30 de agosto de 2015. La muestra, que ya viajó por Londres, Toronto, Shangai, Melbourne, Moscú y Roterdam antes de su paso por Madrid, conmemora el 50 aniversario de la existencia de uno de los iconos más influyentes de la industria del cine, creado por Ian Fleming, y cuyos filmes han tenido repercusión, no sólo en la historia del cine, sino en el mundo del arte, la música, la moda, la tecnología, los viajes, el diseño automovilístico o el estilo de vida..

A través de 500 objetos originales, "Diseñando 007" introduce al visitante en el glamour del estilo Bond y su mítico universo, y muestra todo el trabajo de creación que hay detrás de una saga que celebra ya su 50 aniversario.

El contenido de la muestra hace un recorrido por los objetos originales, trajes y accesorios del vestuario, maquetas, storyboards y guiones, fragmentos de películas, fotografías originales y sus vehículos más icónicos. A través de 8 salas, los visitantes podrán ver desde el decorado del casino del Dr. No (1962), al emblemático Aston Martin DB5 de Skyfall (2012), pasando por la famosa pistola de El hombre de la pistola de oro (1974), el prototipo de navaja zapato de Desde Rusia con amor (1963), los dientes de acero de Jaws de La espía que me amó (1977), el sombrero letal de Oddjob de Goldfinger (1964), y mucho más.

El arte de la cosmética y la belleza en la Antigüedad

13/08/2015, Hasta el 30 de Noviembre de 2015 se puede visitar en el Museo Oiasso la exposición Historias de Tocador, cosmética y belleza en la Antigüedad.

Irún, 13 de agosto de 2015
A lo largo de los siglos, tanto hombres como mujeres han podido mejorar su imagen gracias a los recursos proporcionados por la Naturaleza. En Egipto, Grecia y Roma el uso de cosméticos y aceites perfumados, de tintes o mascarillas y postizos y pelucas era más que habitual en el día a día. La exposición "Historias de Tocador: cosmética y belleza en la Antigüedad" desvela, a través de una extraordinaria selección de piezas arqueológicas, algunos de estos ancestrales secretos de belleza.

Para los griegos, la estética y el virtuosismo estaban relacionados entre sí, de hecho, la palabra belleza en griego era kaloskagathos, de kalos, ‘bello’, y agathos, ‘virtuoso’. La belleza estaba simbolizada por una figura seductora: la diosa Afrodita. En Roma la belleza dejó de ser una cualidad ideal, para pasar a convertirse en una cualidad capaz de intervenir en la vida diaria, facilitándola y mejorándola.

La exposición del Museo Oiasso nos descubre el concepto de la belleza en la Antigüedad y las técnicas de las que se servían para alcanzar la belleza física del cuerpo humano gracias a ungüentos y perfumes, cosmética, joyería o peinados.

Además, la muestra invita al visitante a establecer vínculos con la Antigüedad mediante los pequeños gestos cotidianos relacionados con la belleza, en los que todos nos reconocemos, revelando cómo el cuidado del aspecto personal es común a lo largo del tiempo y permitiendo al visitante contrastar el ideal de belleza contemporánea con el ideal de belleza de épocas pasadas.

Historias de Tocador, cosmética y belleza en la Antigüedad
Museo Romano OIASSO
c/ Eskoleta, 1. IRUN

Lucha libre. Retratos de familia

12/08/2015, En el marco de MXaBCN_ Festival Internacional de México en Barcelona se presenta la exposición Lucha libre: retratos de familia. Fotografías de Lourdes Grobet.

Barcelona, 12 de agosto de 2015
La artista Lourdes Grobet se adentra en el mundo de uno de los deportes más populares de México, que conforma, además, un fenómeno social único en el mundo: la lucha libre.

Este proyecto fotográfico, desarrollado a lo largo de 30 años, no tiene lugar en el cuadrilátero, sino que se acerca a los hogares, a los sitios de reunión familiar y a las celebraciones de los luchadores y las luchadoras. Lourdes Grobet aporta su especial visión de esta manifestación de la cultura popular mexicana, originada en la antigüedad, asociada al ritual, ligada al hecho teatral y profundamente identificada con los fenómenos sociales de la actualidad.

La obra de Lourdes Grobet (México, 1940) mezcla la transgresión, el humor y la provocación. En sus proyectos, la mexicana trabaja con diferentes medios que van desde la fotografía hasta la imagen en movimiento o la performance.

La exposición, que podrá verse en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona desde el 23 de septiembre hasta el 1 de noviembre de 2015, presenta una serie inédita de más de cuarenta fotografías de gran formato, completada con la proyección de material del vasto fondo fotográfico de la artista sobre el tema. La muestra incluye también una intervención mural de Miguel Valiñas y piezas de Félix Blume, artista colaborador de Francis Alÿs en proyectos artísticos sonoros, así como la proyección en sesiones diarias de films de los años sesenta y setenta, ahora de culto, del Santo.

Lucha libre: Retratos de familia. Fotografías de Lourdes Grobet.
23 septiembre - 1 noviembre 2015
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Diseño contemporáneo en CentroCentro

10/08/2015, Una muestra aborda un fenómeno actualmente frecuente en el diseño contemporáneo: la proliferación de estudios y creadores que producen sus diseños de modo total o parcial. Una tendencia con ventajas e inconvenientes.

Madrid, 10 de agosto de 2015
La muestra 3 EN UNO. DISEÑADORES, PRODUCTORES & EMPRENDEDORES busca las razones por las que en la actualidad una gran cantidad de creadores y estudios eligen el camino del desarrollo y producción de sus diseños: desde la demanda del público, o la fascinación por un proceso artesanal; la compulsión de hacer cosas con sus manos; la impaciencia de ver su producto terminado; el cierre de la empresa que producía el producto o la crisis económica; hasta la necesidad de demostrar que el proyecto es viable, el afán de experimentar, o la libertad de buscar soluciones personales.

La auto-producción es beneficiosa para la sociedad: genera puestos de trabajo, reactiva el consumo local, impulsa a los artesanos, revitaliza oficios... Pero para poner el modelo en marcha hay que asumir riesgos como la inversión de capital.

Este modelo implica además que el diseñador se involucre en tareas de marketing, promoción y venta de sus diseños, deviniendo un pequeño emprendedor. Un modelo que se ha visto favorecido, tanto por las redes, como por el auge de ciertos procesos de producción de alta precisión y calidad. En la auto-producción hay un mayor control de las decisiones, los detalles, el desarrollo, la calidad, la velocidad, el coste; y una estimación muy exacta de los recursos de los que se dispone.

Además, hay un aspecto emocional importante. Para muchos diseñadores, las piezas realizadas bajo estas premisas expresan de una forma más precisa la intención, el mensaje. Para el consumidor es una forma de obtener objetos exclusivos y singulares, especiales, raros y muy personales.

D-ESPACIO DESIGN SPACE
3 EN UNO. DISEÑADORES, PRODUCTORES & EMPRENDEDORES
HASTA EL 20 SEPTIEMBRE DE 2015
CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. Madrid

Diyarbakir, patrimonio de la UNESCO

07/08/2015, El paisaje cultural de la fortaleza de Diyarbakir y los jardines del Hevsel ha entrado en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO es el año 2015.

Paris, 6 de agosto de 2015

La ciudad de Diyarbakır, en el sudeste de Turquía, tiene una larga historia, al hallarse ubicada en uno de los puntos más sensibles de la geografía mundial, en el que se cruzan los caminos del sudoeste de Asia, en la cuenca superior del río Tigris.

La población es conocida como “capital extraoficial” de los kurdos de Turquie y es famosa por sus sandías y sus murallas. Tiene más de medio millón de habitantes y un pasado antiquísimo. Fue capital hurrita y tuvo activa vida con los medos, los seleúcidas, partos y romanos, que en el siglo IV construyeron un gran sistema defensivo.

Se dice que esta muralla, provista de altivas torres de vigilancia, es la segunda del mundo por su extensión, después de la Gran Muralla china.

Conserva un buen número de elementos de época romana, bizantina y posterior, aunque lo más destacado son las grandes murallas de casi 6 kilómetro de longitud, hechas de basalto negro, que rodean el viejo casco y lucen magnificas torres y puertas.

Los jardines del Hevsel se hallan circundando el recinto fortificado, entre la ciudad y el río Tigris, y fueron tradicionalmente punto de aprovisionamiento de víveres y agua para la ciudad

Récord de peregrinos a Santiago

06/08/2015, El Camino de Santiago está sobrepasando todas las cifras del pasado. En el mes de julio se contabilizaron 44.799 peregrinos, un volumen de visitantes mayor que en el mismo mes del anterior Año Santo en 2010.

La senda peregrina está mostrando un tráfico constante y las cifras de viajeros lo atestiguan. Frente a los 44.799 peregrinos de Julio de 2015, quedan los 42.472 del año Santo precedente, y los 39.581 de julio del año 2014.

Estas estadísticas, de la Oficina del Peregrino, recogen únicamente a los que reciben su “Compostela”, la acreditación sellada del viaje, por lo que la cifra real es mayor, ya que en muchos casos el viajero rehuye estas formalidades.

También es cada vez más equilibrado el número de viajeros en cuanto a géneros: en julio fueron 21.850 (48,77%) mujeres y 22.949 (51,23%) hombres. Y como siempre, dominan los caminantes. Los peregrinos que realizaron el viaje a pie fueron 41.125 (91,80%), en bicicleta 3.590 (8,01%), a caballo 73 (0,16%) y 11 (0,02%) en silla de ruedas.

Durante los meses de verano crece el porcentaje de viajeros jóvenes, por una razón básica: los centros educativos están cerrados. Por eso, en el cómputo de la peregrinación, por edades, se alcanzan estas cifras: menores de 30 años, 18.726 peregrinos (41,80%); de entre 30 y 60 son 21.602 (48,22%) y mayores de 60 años son 4.471 peregrinos (9,98%). En general, se indica que la motivación del viaje es cultural-espiritual

También en verano crece inusualmente el flujo de viajeros españoles (en otros meses es habitual el predo-minio de extranjeros). En julio, 27.068 (60,42%) fueron españoles, frente a 17.731 (39,58%) extranjeros. De estos, los mayores contingentes provienen de Italia, con 3.190 (17,99%); Estados Unidos, con 2.068 (11,66%); Alemania, con 1.703 (9,60%); Portugal, con 1.537 (8,67%); Francia, con 1.193 (6,73%); y Polonia, con 818 (4,61%).

Por lugares de inicio del viaje desde fuera de Galicia, los puntos más notables son: Saint Jean P. Port con 4.034 (9,00%); Ponferrada con 1.637 (3,65%); Oporto con 1.624 (3,63%); León con 1.604 (3,58%); Astorga con 1.452 (3,24%); Oviedo - C.P. con 1.058 (2,36%), y Roncesvalles con 1.023 (2,28%.

En Galicia, son puntos importantes de arranque del viaje los de El Cebreiro y Tuy, aparte de de Sarria.

Los caminos que han seguido la mayoría de los peregrinos son el Francés con 27.923 (62,33%); Portu-gués, con 7.447 (16,62%); y el del Norte, así como la Vía de la Plata con 1.893 (4,23)

Misiones de San Antonio, en la UNESCO

22/07/2015, La reunión del Comité del Patrimonio Mundial, celebrada en Bonn en 2015, acordó incluir en el listado mundial del patrimonio a cinco complejos misionales de Texas, en la cuenca del río San Antonio.



Bonn 22 de julio de 2015
Texas está salpicado de centros misionales que los españoles donde frailes de diversas congregaciones establecían poblados, en los que se formaban a la población en las lenguas, la religión y los oficios, como paso de arranque de una efectiva colonización y equiparación a la cultura española.

A esos centros se trasladaron las reses de ganado ovino o vacuno, las técnicas del herrero o del ebanista e incluso las construcciones típicas de los pueblos de España, entre ellas las bellas y humildes iglesias de espadaña.

El sitio aprobado por la UNESCO para su inclusión en la lista del Patrimonio Mundial abarca cinco complejos de misión fronteriza situados a lo largo de un tramo de la cuenca del río San Antonio, en el sur de Texas, así como un rancho situado a 37 kilómetros al sur. 

Las misiones Concepción, San José, San Juan, Espada y San Antonio de Valero (El Álamo) aúnan historia y una maravillosa arquitectura de sabor hispano.

Incluye el sitio estructuras arquitectónicas y arqueológicas, granjas, residencias, iglesias y graneros, así como los sistemas de distribución de agua.

Los complejos fueron construidos por los misioneros franciscanos a partir de finales del siglo XVII e ilustran los esfuerzos de la Corona española para evangelizar y defender la frontera norte de la Nueva España.

Las Misiones de San Antonio son también un ejemplo de la interrelación de las culturas española y Coahuiltecan, ilustrado por una variedad de características, incluyendo los elementos decorativos de las iglesias, que combinan símbolos católicos con diseños indígenas de inspiración naturalista. 

Responsabilidad con nuestras mascotas

21/07/2015, Las protectoras en España recogen un animal cada cinco minutos. Los principales factores del abandono son la economía, las camadas inesperadas, el comportamiento del animal y la pérdida del interés.



Sant Cugat del Vallés, Barcelona, 21 de julio de 2015
Según el Estudio de la Fundación Affinity sobre el Abandono y la Adopción de Animales de Compañía en España, el pasado año, un total de 106.781 perros y 33.410 gatos fueron recogidos por las sociedades protectoras en nuestro país.

Se trata de una cifra muy elevada que se mantiene estable. Además, para empear la situación, la adopción se ha estancado y sigue estando entre las últimas opciones cuando se decide acoger un animal de compañía en el hogar.

El estudio revela que la opción más habitual es recibir al animal como un regalo de familiares o amigos. En concreto, casi la mitad de los perros (43%) y más de una tercera parte de los gatos (40%) llegan a los hogares en forma de obsequio. Una opción que entraña riesgos si la decisión de incorporar a un animal, no la toma la persona que se va a responsabilizar de él.

La compra se sitúa como segunda opción en el caso de los perros (21%), mientras que, en el caso de los gatos, destaca en segundo lugar la recogida en la calle por parte del particular (29%). 

Del total de animales de compañía recogidos por las protectoras en 2014, sólo el 44% fueron adoptados, un 17% se devolvió a su propietario (en aquellos casos de animales que se habían perdido), un 16% sigue viviendo en la protectora y un 12% fueron sacrificados.

El número de animales de compañía que llevan microchip ha ido aumentando ligeramente durante los últimos años. La correcta identificación y registro de los perros y gatos es clave para incrementar el porcentaje de devoluciones de aquellos animales que se han perdido, y también para reducir los abandonos por parte de sus dueños. De la misma manera, la Fundación Affinity promueve la esterilización como una de las medidas para prevenir futuros abandonos.

En cuanto a las razones del abandono, los principales motivos siguen siendo los factores económicos (16%), las camadas no deseadas (13%), el comportamiento del animal (12%) o la pérdida del interés (9%).

El perro sigue siendo el principal animal que recogen las sociedades protectoras y ayuntamientos aunque el abandono de gatos ha aumentado respecto a 2013.

Más del 70% de los animales recogidos han sido encontrados en la calle. El 30% restante fueron llevados directamente a las entidades de acogida, pero solo en el 9% del total de los animales recogidos fue llevado directamente por su propietario. 

Sol LeWitt. 17 Wall Drawings. 1970-2015

17/07/2015, Del 18 de julio al 10 de enero de 2016, la sala de exposiciones de la Fundación Botín en Santander acoge Sol LeWitt. 17 Wall Drawings. 1970-2015.



Santander, 17 de julio de 2015
Este verano la Fundación Botín presenta la muestra más ambiciosa dedicada en España al dibujo mural de Sol LeWitt, figura capital del arte del siglo XX, y considerado el padre del Arte Conceptual.

La exposición ofrece una perspectiva única de la evolución formal (de sus figuras geométricas simples a las formas "continuas" y "complejas") y de técnica (grafito, lápiz a color, tinta china o pintura acrílica) del dibujo mural en la trayectoria del artista, a través de una selección de diecisiete dibujos murales, realizados entre 1970 y 2015 y pone el acento en un principio teórico básico en la trayectoria de Sol LeWitt, que se ha convertido desde entonces en práctica habitual de la creación contemporánea: la supremacía de la idea y del proceso creativo sobre la obra de arte propiamente dicha. 

Figura clave del arte norteamericano, Sol LeWitt es uno de los principales protagonistas de la consolidación del arte conceptual y del minimalismo. Esa nueva forma de pensar la creación y la exposición artística iniciada en los últimos años cincuenta ha influido profundamente en las prácticas artísticas contemporáneas. En abierto rechazo de la por entonces hegemónica Escuela Expresionista Abstracta representada por pintores como Jackson Pollock o Willem de Kooning, LeWitt fue uno de los primeros artistas en considerar que el proceso creativo que termina con la plasmación de la obra es tan importante como el resultado material.

Como defensor del arte minimalista, Sol LeWitt creía en un replanteamiento de la relación entre la obra de arte y el espacio expositivo. La idea del dibujo mural, una forma que a finales de los años sesenta se volvió esencial en la práctica de LeWitt. A LeWitt le interesaba abordar la aparatosa parafernalia que suele rodear a la presentación de la obra artística: lo tradicional es exhibir la escultura sobre un pedestal y la pintura o el dibujo enmarcados. Para él, al crear un límite innatural entre el espacio en el que se muestra la obra y la obra en sí, esos elementos condicionan de algún modo la vivencia de la obra por parte del espectador. Dibujar directamente sobre la pared le permitía dar solución al problema, pues de ese modo la obra interactúa sin intermediarios con el espacio que ocupa. 

La convicción de que otras personas podían llevar a cabo la ejecución de su obra hizo que Sol LeWitt elaborara sus dibujos murales como un conjunto de instrucciones realizables por cualquier individuo. Dentro de esas instrucciones, al artista le interesaba ofrecer también margen a la creatividad del dibujante. Esa idea de la interpretación constituye un rasgo esencial de esta serie de obras: no sólo los dibujos murales se adaptan al espacio en el que se exhiben, sino que cada vez que se producen son distintos.

Ese aspecto le llevó a concebir algunos de sus dibujos murales dejando explícitamente al dibujante la decisión a tomar al desempeñar su trabajo. En la actualidad, los administradores del legado de Sol LeWitt se encargan de decidir quiénes han de plasmar los dibujos murales, con ayuda de equipos de artistas locales. En enero de 2016, cuando la exposición de la Fundación Botín cierre sus puertas, los dibujos desaparecerán para ser recreados en el futuro en otros lugares. Sol LeWitt. 17 Wall Drawings. 1970-2015
Sala de exposiciones Fundación Botín
Calle Marcelino Sanz de Sautuola 3 Santander
Del 18 de julio al 10 de enero de 2016


Nuevo patrimonio Mundial

17/07/2015, Con las nuevas inscripciones de 2015, la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO tiene ahora 1.031 sitios repartidos en 163 países.



Bonn (Alemania), 17 de julio de 2015
Cuando en el siglo XVI el fraile Francisco de Tembleque inició una obra para llevar el agua a los campos de los indígenas de la meseta central mexicana, jamás pensó que su trabajo alcanzaría fama mundial.

Porque este año, casi medio milenio más tarde, el Sistema hidráulico del acueducto del Padre Tembleque ha sido una de las obras más espectaculares incluidas en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO, durante la 39 reunión de su Comité del Patrimonio, reunido en Bonn donde se catalogaron 24 sitios sitios nuevos.

El fraile franciscano toledano, llegó en 1542 a Otumba, México, y se dio cuenta de la existencia de un problema en la distribución de agua, acaparada por los nuevos establecimientos de la colonia, y por ello decidió iniciar una obra para llevar agua hacia los centros indígenas.

El sistema hidráulico se halla en la meseta central mexicana entre los estados de México e Hidalgo y está constituido principalmente por una zona de captación de aguas y fuentes, una red de canales, un conjunto de depósitos y una serie de puentes-acueductos. Uno de estos puentes posee la mayor arcada de un solo nivel construida en todos los tiempos para una obra de esta clase. Bajo el impulso del fraile franciscano, la realización de este complejo hidráulico se debió a las comunidades locales, que emplearon métodos que atestiguan la doble influencia de los conocimientos europeos en materia de sistemas hidráulicos y las técnicas tradicionales mesoamericanas de utilización de cimbras de adobe.

Dentro de la actividad franciscana hay otro hito inscrito en la lista de la UNESCO: las misiones de San Antonio, en Texas: El sitio abarca un grupo de cinco complejos de misión fronteriza situados a lo largo de un tramo de la cuenca del río San Antonio, en el sur de Texas, así como un rancho situado a 37 kilómetros al sur. Incluye estructuras arquitectónicas y arqueológicas, granjas, residencias, iglesias y graneros, así como los sistemas de distribución de agua. Los complejos fueron construidos por los misioneros franciscanos en el siglo XVIII e ilustran los esfuerzos de la Corona española para colonizar, evangelizar y defender la frontera norte de la Nueva España. Las Misiones de San Antonio son también un ejemplo de la interrelación de las culturas española y Coahuiltecan, ilustrado por una variedad de características, incluyendo los elementos decorativos de las iglesias, que combinan símbolos católicos con diseños indígenas inspirados en la naturaleza.

El Comité del Patrimonio Mundial, reunido en Bonn, inscribió 24 sitios en la Lista del Patrimonio Mundial, aprobó la extensión de tres sitios ya inscritos; tres sitios ingresaron en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro y uno fue retirado de ella. En el encuentro se anunció que la 40 reunión del Comité del Patrimonio Mundial tendrá lugar en Estambul (Turquía) del 10 al 20 de julio de 2016. 

El Comité inscribió en el listado del Patrimonio Mundial un nuevo sitio mixto (natural y cultural) – Montes azules y montes John Crow (Jamaica)- y 23 sitios culturales:

Área de Speicherstadt y barrio de Kontorhaus con el edificio Chilehaus (Alemania)
Arte rupestre de la región de Hail (Arabia Saudita)
Sitios del sistema tusi (China)
Christianfeld, una colonia de la iglesia morava (Dinamarca)
Paisaje cinegético de montería en Selandia Septentrional (Dinamarca)
Misiones de San Antonio (Estados Unidos)
Pagos del viñedo de Borgoña (Francia)
Viñedos, casas y bodegas de Champaña (Francia)
Susa (República Islámica del Irán)
Paisaje cultural de Maymand (República Islámica del Irán)
Necrópolis de Bet She’arim – Sitio histórico de la renovación judía (Israel)
Edificios de Palermo y catedrales de Cefalú y Monreale de estilo árabe-normando (Italia)
Sitios de la revolución industrial de la era Meiji en Japón: siderurgia, construcciones navales y extracción de hulla (Japón)
Sitio del bautismo “Betania en la otra orilla del Jordán” (Al-Maghtas), Jordania
Sistema hidráulico del acueducto del Padre Tembleque (México)
Gran montaña de Burkhan Khaldun y paisaje sacro circundante (Mongolia)
Sitio de patrimonio industrial de Rjukan-Notodden (Noruega)
Zonas históricas del reino de Baekje (República de Corea)
Puente sobre el río Forth (Reino Unido)
Jardín botánico de Singapur (Singapur)
Éfeso (Turquía)
Paisaje cultural de la fortaleza de Diyarbakır y jardines del Hevsel (Turquía)
Paisaje cultural industrial de Fray Bentos (Uruguay) 

El Comité aprobó además la extensión de tres sitios que estaban ya inscritos:

Caminos de Santiago de Compostela: Camino francés y Caminos del Norte de España
Áreas protegidas de la Región Floral de El Cabo (Sudáfrica)
Parque Nacional de Phong Nha–Ke Bang (Viet Nam) [nueva propuesta de inscripción bajo nuevos criterios y extensión del Parque Nacional de Phong Nha-Ke Ban

Los tres sitios inscritos en 2015 en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro son:

Hatra (Iraq)
Ciudad Vieja de Saná (Yemen)
Ciudad vieja amurallada de Shibam (Yemen)

El Parque Nacional de Los Katíos (Colombia), fue retirado de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro, en la que figuraba desde 2009.

Murakami en Ibiza

16/07/2015, La galería Blum y Poe de Los Ángeles presenta una exposición individual de Takashi Murakami este verano en la isla de Ibiza.



Ibiza, 16 de julio de 2015
La exposición, que podrá visitarse hasta el 26 de septiembre de 2015, presenta una selección de pinturas, esculturas y proyecciones de películas del artista Takashi Murakami (Tokio, 1962) dividida en cuatro emplazamientos de la isla pitiusa: Art Projects Ibiza, Lune Rouge Ibiza, Ibiza Gran Hotel y HEART Ibiza.

En su obra, Murakami mezcla referencias japonesas históricas y contemporáneas con infinidad de estilos, metodologías y formas, en una práctica que le ha canonizados como de uno de los artistas más reconocidos de nuestro tiempo.

En esta exposición se podrán contemplar obras del japonés, que combinan el interés del artista en la estética japonesa clásica con el expresionismo abstracto, las imágenes manga y el simbolismo budista. 

La muestra comienza en Art Projects Ibiza, donde se muestra una selección de obras recientes de Murakami como Kōrin o Dragon Heads–Gold.

El recorrido continúa en Lune Rouge Ibiza, con obras como 69 Arhats Beneath the Bodhi Tree, una pintura de diez metros creada en respuesta al Terremoto y Tsunami de 2011 en Japón. La obra representa una antigua historia de los monjes budistas, que se enfrenta la muerte y a la decadencia, representada en forma de monstruos míticos y figuras decrépitas en un paisaje psicodélico.

Sigue la exposición en la entrada del Ibiza Gran Hotel, con la escultura de Murakami colosal Oval Buddha. De más de 5 metros de altura, el trabajo es inequívocamente monumental y muestra un virtuosismo técnico en la aplicación de hojas de aluminio y platino. 

Finalmente, en HEART Ibiza se ubica una escultura en bronce de Murakami realizada a base de cráneos y coronas fantásticas, que introducen la iconografía contemporánea en un vocabulario ancestral.

La exposición se complementa con la primera película de acción del artista, Jellyfish Eyes (2013).

Art Projects Ibiza, Calle Alcalde Bartomeu Rosselló
Lune Rouge Ibiza, Calle Alcalde Bartomeu Rosselló
Ibiza Gran Hotel, Paseo Juan Carlos I, 17
HEART Ibiza, Paseo Juan Carlos I, 17

Reapertura de las salas de los Cartones de Goya

16/07/2015, El Museo del Prado presenta la remodelación de las salas de la segunda planta sur del edificio Villanueva dedicadas a los cartones de Goya y a la pintura española del siglo XVIII.



Madrid, 16 de julio de 2015
La renovación de estas salas permitirá al visitante apreciarlas con mayor perspectiva e iluminadas con el moderno sistema de luminarias led, dentro del proyecto “Iluminando el Prado", un sistema que fomenta la apreciación de los distintos matices del colorido de las obras, así como la visibilidad del volumen y la distancia desde los primeros planos a los fondos.

Entre las novedades destaca también la incorporación de algunas obras de Mengs al discurso de la pintura cortesana española del XVIII presentado en estas salas, en las que se encuentran autores como Goya, Bayeu, Maella, Carnicero y Paret, entre otros.

Los cartones, para Goya, fueron más allá de ser puramente composiciones preparatorias para los tapices de los Sitios Reales como revela el esfuerzo creativo y técnico que supusieron estas pinturas. La nueva distribución de las obras expuestas permite contemplar estas obras desde una distancia mayor, desvelando la maestría del pintor aragonés, y favorece la posibilidad de observar los muchos temas presentes en pinturas y asuntos que ya estaban en las colecciones reales, así como en las esculturas de la Antigüedad clásica, y que sirvieron como fuente de inspiración para Goya.

Además, los visitantes podrán contemplar una de las obras más especiales de Goya, La era, que se expone al público tras su restauración, en colaboración con la Fundación Iberdrola España, con un marco de madera tallada y dorada que le confiere una prestancia más adecuada a su calidad.

El principal objetivo de esta restauración fue la eliminación de las densas capas de barniz oxidado que ensombrecían la riqueza cromática de la pintura, ocultando los recursos técnicos característicos del artista.

La limpieza del cuadro ha recuperado el cielo azul intenso, brillante y transparente característico de los cartones de Goya. Por otra parte, los rostros de los hombres han recuperado la intensidad de los tonos y la fuerza expresiva con los que Goya los plasmó.

Leyendo El Quijote

15/07/2015, Hasta el 14 de septiembre de 2015 en el Museo Lázaro Galdiano se expone una selección de valiosas ediciones del Quijote que José Lázaro atesoró durante su vida.



Madrid, 15 de julio de 2015
La exposición. organizada por la Fundación Lázaro Galdiano, traza un recorrido que nos lleva a conocer títulos que inspiraron a Cervantes a la hora de crear su novela de caballería, así como extraordinarias ediciones del Quijote, reflejo de la pasión que sintió José Lázaro por la obra. Finalmente, se analiza a los lectores del Quijote, centrándose en las últimas décadas del siglo XIX y principios del XX, con escritores como Miguel de Unamuno, que publicó «Sobre la lectura e interpretación del Quijote», o el Doctor Thebussem quien tuvo una larga trayectoria de publicaciones sobre Cervantes y el Quijote.

La muestra comienza con el Amadís de Gaula, representación de las novelas de caballería que enloquecieron a Alonso Quijano. Asimismo, se expone en este apartado una representación de otros géneros que el cura y el barbero salvaron del «donoso y grande escrutinio» que hicieron en la librería de don Quijote: desde Los diez libros de la Fortuna de Amor de Antonio de Lofraso y El pastor de Philida de Luis Gálvez de Montalvo, hasta el Orlando furioso de Ludovico Ariosto o La Austriada de Juan Rufo. El Quijote de Avellaneda cierra este primer ámbito dedicado a recordar las lecturas de Cervantes.

Después, el visitante pasa a contemplar algunas de las ediciones que atesoró José Lázaro Galdiano del Quijote. En la colección existen varios ejemplares de las ediciones de 1505, de una de las de Lisboa, de la segunda de Madrid, de la de Valencia y en algún caso copias por duplicado, como la de Bruselas de 1607 o la Milán de 1611, prueba de la buena acogida por parte del público de la obra. También se encuentra la madrileña de Juan de la Cuesta, de 1608, tal vez corregida por Cervantes, y la primera edición de la Segunda parte, impresa en 1615, con una estructura literaria más cuidada, y con la que seguramente se pretendía demostrar quién era el verdadero autor, pues el año anterior se había publicado el segundo tomo Alonso Fernández de Avellaneda.

Además, se exponen otras ediciones del siglo XVII, entre ellas la primera en italiano. Así como la primera edición en castellano ilustrada, publicada en Bruselas por Jean de Mommarte en 1662 con láminas de Frederic Bouttats. En el siglo XVIII se da un nuevo tratamiento editorial al Quijote, convirtiéndose así en un clásico de la literatura universal, por lo que en la colección de José Lázaro no podía faltar el Quijote de la Academia, de 1780. El recorrido concluye con las ediciones del siglo XIX, cuando nace el «cervantismo» y la edición de bibliófilo. Una de las más notables es la de Tomás Gorchs, de 1859, que se muestra junto a un dibujo original de Urrabieta Vierge, ilustrador del Quijote y de otras obras editadas en tiradas limitadas en torno a 1900.

Leer y leer: lecturas de Cervantes y lectores del Quijote
Hasta el 14 de septiembre
Museo Lázaro Galdiano

Shepard Fairey en el CAC Málaga

14/07/2015, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera muestra individual dedicada al artista Shepard Fairey en un museo español.



Málaga, 14 de julio de 2015
La exposición, que podrá visitarse hasta el 27 de septiembre de 2015, reúne más de 300 obras de Shepard Fairey en un recorrido que repasa los 25 años de trayectoria profesional del artista norteamericano, desde sus orígenes hasta sus trabajos más recientes, y que incluye pinturas, serigrafías, plantillas, pegatinas, ilustraciones collages, fotografías, esculturas y obras en madera y metal.

Shepard Fairey comenzó a tener notoriedad en la década de los 90, cuando produjo algunas de sus obras más emblemáticas, como la pegatina Andre the Giant Has a Posse (1989) –el retrato de una estrella de la lucha libre–, que posteriormente lo transformó en la campaña mundial OBEY GIANT o el retrato de Obama Hope (2008) que elaboró para apoyar la candidatura del demócrata para las elecciones.

Fairey es considerado como uno de los artistas de culto dentro de la escena underground americana. Denominado por él mismo como “Populista” por romper las reglas del mundo del arte contemporáneo y el arte urbano mediante su estilo gráfico y mensaje, el artista se caracteriza por emplear una paleta de colores muy definida y por inspirarse en la cultura popular, el diseño gráfico y el marketing comercial y político.

Sus obras poseen una estética similar al cartelismo político de mediados del siglo pasado y en ellas suele apropiarse de imágenes y textos que reinterpreta de manera ambigua e irónica.. Sus referentes e influencias estéticas y conceptuales son muy variados, entre ellos Andy Warhol, Keith Haring, Barbara Kruger, la propaganda soviética, el arte callejero, imágenes de la cultura Americana, los carteles de rock psicodélico de los 60, Sex Pistols, Bob Marley, The Clash, Angela Davies o Jesse Jackson.

Your Eyes Here. Shepard Fairey
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

Deseos y necesidades

13/07/2015, La Colección MACBA incorpora 86 obras de artistas como Richard Hamilton, John Baldessari, Octavi Comeron, Francesc Abad, Allan Sekula o Mireia Sallarès, entre otros.



Barcelona, 13 de julio de 2015
Deseos y necesidades se articula en torno a ocho capítulos centrados en grupos de obras que abarcan un abanico cronológico de más de seis décadas, desde principios de la década de 1950 hasta hoy.

La Colección MACBA ha incorporado trabajos de características muy diversas: desde los clásicos del arte contemporáneo –la pintura abstracta de los años cincuenta y sesenta, donde se sitúa el trabajo de Esteban Vicente y la abstracción racional y no expresionista, de inspiración matemática o minimalista de Esther Ferrer o Néstor Sanmiguel-, hasta obras significativas de artistas centrales en el discurso construido por el Museo en las últimas décadas como son John Baldessari, Richard Hamilton, Pablo Palazuelo, Joan Brossa, Marcel Boodthaers, Öyvind Fahlström, Dieter Roth o Muntadas.

También se ha atendido a las nuevas voces del arte actual en España -como Patricia Dauder, Francesc Ruiz o Mireia Sallarès, y artistas consolidados como Gego, Antoni Llena, Dora García o Francesc Abad- o a las propuestas creativas provenientes de África o Oriente Medio -con creaciones de Younès Rahmoun, Sigalit Landau, Walid Raad, Wael Shawky, Ali Cherri o Adrian Melis-. 

La fascinación que la eficacia y la elegancia de la innovación científica han ejercido sobre el arte moderno queda bien reflejada en la conjunción de las obras de Richard Hamilton y João Maria Gusmão + Pedro Paiva, aunque sean distantes en el tiempo y de estéticas lejanas.

Por otra parte, incorporaciones recientes de artistas de hoy ilustran distintos aspectos de los cambios sociales y culturales que la economía global imprime en nuestra sociedad. Octavi Comeron y Marc Pataut reflexionan sobre la centralidad de la industria automovilística en nuestras economías y sobre ciertas formas de trabajo que solo pueden ser ya documentadas como rituales en plena evolución o sistemas productivos del pasado.

La fotografía también está presente en el arte contemporáneo, donde ejerce un papel absolutamente central, desde su diversidad conceptual y material. Allan Sekula es uno de los autores más relevantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX. En 2013, poco antes de la muerte del artista, el MACBA incorporó una obra decisiva de su carrera que habla de la inusual relación entre paisaje (lugar), gente, historia y política. Jorge Ribalta, en este contexto, observa los rituales sociales de la historia reciente de Barcelona en relación con las categorías del arte para trazar las tensiones invisibles entre ambos.

 Deseos y necesidades. Nuevas incorporaciones a la Colección MACBA. 

Teatro en Almagro

13/07/2015, Hasta el 26 de julio de 2015 se celebra un año más en el Corral de Comedias de Almagro el reconocido Festival Internacional de Teatro Clásico.



Almagro (Ciudad Real), 13 de julio de 2015
La 38ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro convertirá un año más a esta ciudad, de poco más de 8.000 habitantes, en un foro de encuentro, comunicación e intercambio que enriquece la historia del teatro.

El histórico Corral de Comedias del siglo XVII y otros puntos de Almagro servirán como telón de fondo de representaciones teatrales, conciertos y espectáculos de danza. El programa del festival incluye además exposiciones, jornadas, talleres y cursos, premios y homenajes, presentaciones de libros y certámenes internacionales como Barroco Infantil o Almagro Off, etc.

En esta edición participan compañías de once países y la República de Corea será el país invitado de honor.

PROGRAMA:

13 DE JULIO
LaPita Teatro: Calderón Cadáver, a partir de La vida es sueño, de Calderón. Dirección: Ernesto Arias. Teatro La Veleta, 20.00h.
Malaje Sólo: Mucho Shakespeare. Autor: José Antonio Aguilar. Dirección: Antonio Campos. Dramaturgia: Malaje Sólo. Ermita de San Pedro, 21.00h.

14 DE JULIO
Sala Atrium: Hamlet. Autor: Shakespeare. Dirección: Marc Chornet y Raimon Molins. Dramaturgia: Marc Chornet y Raimon Molins. Teatro La Veleta, 20.00h.

15 DE JULIO
Teatro Galo Real: Crónica de una casa real: La venganza de Tamar y Los cabellos de Absalón. Autor: Tirso de Molina y Calderón de la Barca. Dirección: Gustavo Galindo y Mamen Camacho. Adaptación: Gustavo Galindo. Teatro La Veleta, 20.00h.

16 DE JULIO
Compañía Paula Quintana: Amarga dulce. Autor: Basada en El Quijote de Cervantes. Dirección: Paula Quintana. Dramaturgia: Carlos Pedrós. Teatro La Veleta, 20.00h.
Compañía Nacional de Teatro Clásico - Ron Lalá: En un lugar del Quijote. Versión libre de la novela de Miguel de Cervantes. Dirección: Yayo Cáceres. Versión: Ron Lalá. Hospital de San Juan, 16, 17, 18 y 19 de julio, 22.45h.

17 DE JULIO
Jamming Compañía Teatral: Jamming Classics. Autores: Paula Galimberti, Joaquín Tejada, Lolo Diego y Juanma Díez. Dirección: Paula Galimberti, Joaquín Tejada, Lolo Diego y Juanma Díez. Patio de Fúcares, 17 y 18 de julio, 1.00h.
Viviseccionados: Oymyakon. Autor: José Andrés López, a partir de Romeo y Julieta de Shakespeare. Dirección: José Andrés López. Teatro La Veleta, 20.00h.
Teatro Clásico de Sevilla: Hamlet. Autor: Shakespeare. Dirección: Alfonso Zurro. Dramaturgia: Alfonso Zurro. Antigua Universidad Renacentista, 17, 18 y 19 de julio, 20.00h.
Espectáculo ganador del 4º Certamen Internacional Barroco Infantil. Teatro Municipal, 17 y 18 de julio, 20:00h.
Tdiferencia – La Nave Teatro: Las alegres casadas. Autor: Shakespeare. Dirección: Andrés Lima. Adaptación: Andrés Lima. Espacio Miguel Narros, 22.45h.
Ron Lalá y Galo Film: Ojos de agua, basada en La Celestina de Fernando de Rojas. Dirección: Yayo Cáceres. Dramaturgia: Alvaro Tato. Corral de Comedias, 17, 18 y 19 de julio, 22.45h.

18 DE JULIO
Els McGregor Teatre: Up All Night, basada en El sueño de una noche de verano, de Shakespeare. Dirección: Aleix Duarri y Judit López. Dramaturgia: Aleix Duarri. Teatro La Veleta, 20.00h.
Producciones Margarita Iriarte, S.L.: Marta la piadosa. Autor: Tirso de Molina. Dirección: Amaya Curieses. Versión: Amaya Curieses. Espacio Miguel Narros, 22.45h.

19 DE JULIO
Estival Producciones: Sanchica, princesa de Barataria, basada en El Quijote de Cervantes. Dirección: Pedro Víllora. Versión: Ainhoa Amestoy. Teatro Municipal, 20.00h.
Idea Theatre Group: Romeo and Juliet for 2. Autor: Shakespeare. Dirección: Kostas Gakis, Athina Moustaka y Konstantinos Bibis. Adaptación: Idea Theatre Group. Grecia. Teatro La Veleta, 20.00h.
Factoría Teatro: No hay burlas con el amor. Autor: Calderón de la Barca. Dirección: Gonzala Martín Scherman. Espacio Miguel Narros, 22.45h.

20 DE JULIO
Theater des Lachens: Don Quijote – Una obra de sueños según Telemann. Autor: Cervantes. Dirección: Frank Söhnle. Adaptación: Frank Söhnle. Alemania. Teatro La Veleta, 20.00h.
El Brujo Producciones: Teresa o el sol por dentro, basada en la vida y obra de Santa Teresa de Jesús. Dirección: Rafael Álvarez “El Brujo”. Antigua Universidad Renacentista, 20, 21 y 22 de julio, 20.00h.
Chirigóticas: Tres monjas y una cabra, sobre textos de Sor Marcela de San Félix, Hrotsvitha de Gandersheim, Sor Juana Inés de la Cruz y de Ana López Segovia. Dirección: Antonio Álamo. Ermita de San Juan, 21.00h.

21 DE JULIO
Little Soldier Productions: The ingenious gentleman don Quixote of la Mancha. Autor: Cervantes. Dirección: Ian Nicholson. Adaptación: Tiffany Word. Reino Unido. Teatro La Veleta, 20.00h. 

22 DE JULIO Efe Tres: El príncipe ynocente. Autor: Lope de Vega. Dirección: Fernando Memije, Fernando Villa y Allan Flores. Adaptación: Fernando Villa y Fernando Memije. México. Teatro La Veleta, 20.00h.

23 DE JULIO
Homenaje a Vicente Fuentes. Corral de Comedias, 20.30h.
Compañía Nacional de Teatro Clásico - Teatro Calderón de Valladolid y Avance Producciones Teatrales: Don Juan Tenorio. Autor: José Zorrilla. Dirección: Blanca Portillo. Versión: Juan Mayorga. Hospital de San Juan, 23, 24, 25 y 26 de julio, 22.45h.

24 DE JULIO
Noviembre Compañía de Teatro : El mercader de Venecia. Autor: Shakespeare. Dirección: Eduardo Vasco. Versión: Yolanda Pallín. Antigua Universidad Renacentista, 24 y 25 de julio, 20.00h.
Espectáculo ganador del 5º Certamen Internacional Almagro Off. Teatro Municipal, 24 y 25 de julio, 20:00h.
Morboria Teatro: El burgués gentilhombre. Autor: Molière. Dirección: Eva del Palacio. Adaptación: Eva del Palacio. Espacio Miguel Narros, 24 y 25 de julio, 22.45h.
La Seca, Focus, Bohèmia´s y Mas Blanch i Jové: La cena del rey Baltasar. Autor: Calderón de la Barca. Dirección: Hermann Bonnín. Dramaturgia: Sabine Dufrenoy. Corral de Comedias, 24 y 25 de julio, 22.45h.

25 DE JULIO
Jin-han Choi: Salpuri - Unravel. República de Corea. Patio de Fúcares, 01.00h.

26 DE JULIO
Salvador Collado: El cielo que me tienes prometido. Autor: Ana Diosdado. Dirección: Ana Diosdado. Corral de Comedias, 22.45h. 

Leonardo da Vinci y la idea de la belleza

10/07/2015, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes de México una exposición que explora la relación entre la belleza y la naturaleza en la obra de Leonardo da Vinci.



México, 10 de julio de 2015
Después de haberse exhibido en Virginia y Boston, la muestra llega a México para explorar la relación entre belleza y naturaleza a través de 11 piezas originales de Leonardo da Vinci y cuatro piezas de su círculo de los artistas Cesare da Sesto y Giovanni Antonio Boltraffio.

La muestra presenta a un Leonardo dedicado a la investigación y a la experimentación, con sus estudios sobre el dinamismo y la forma de la naturaleza, los cuales denotan la extraordinaria capacidad del artista italiano de observar a profundidad y dibujar con absoluta precisión.

Para Leonardo, la belleza era efecto visual de proporciones armoniosas. El artista tenía la idea de que las formas de la naturaleza, incluidas las especies animales, contienen la justa proporción de la belleza. Leonardo da Vinci y la idea de la belleza brinda la oportunidad de apreciar los ideales estéticos dentro del espíritu científico de Leonardo, y comparte la admiración despertada durante siglos por la obra de este curioso y genial artista. 

El conjunto de obra exhibida proviene de la Biblioteca Real de Turín, antigua biblioteca de los reyes de Italia. Entre las obras sobresalen El códice sobre el vuelo de las aves (1505) y El estudio para el ángel de “La Virgen de las rocas, fundamentales dentro de la exposición.

El códice sobre el vuelo de las aves es considerado el primer estudio científico del vuelo. Está conformado por 18 páginas con dibujos y escritos que muestran una reflexión sobre las aves y la mecánica de sus alas para poder crear una máquina para volar. Un documento extraordinario que permite recorrer los descubrimientos de un visionario que ha trascendido en el tiempo.

El estudio para el ángel de “La Virgen de las rocas” (1483) es uno de los bocetos más preciados dentro de la obra de Leonardo da Vinci. El dibujo está trabajado con punta de plata, técnica que requiere de una alta disciplina, pues no permite alterar o borrar el trazo.

Leonardo da Vinci y la idea de la belleza
Hasta el 23 de agosto
Museo del Palacio de Bellas Artes


Verano en Bélgica

09/07/2015, Bruselas sobre patines, festivales musicales, el mercado de Rubens en Amberes... en verano Flandes está más vivo que nunca.



Bruselas, 9 de julio de 2015
Llega el verano, y con él las ganas de disfrutar al aire libre. Por eso, en Flandes son muchas las actividades culturales, deportivas y de ocio que durante estos meses se celebran.

Bruselas sobre patines
Todos los viernes hasta el 25 de septiembre, el pistoletazo de salida se da en la plaza Poelaert (junto al Palacio de Justicia) para dar un gran paseo a través de diferentes barrios de Bruselas. La seguridad del recorrido queda garantizada ya que se corta el tráfico en el recorrido.

Más en: www.belgiumrollers.com

La playa de Bruselas
Arena fina, cocoteros, cócteles, conciertos nocturnos... en el centro de Bruselas. Hasta el 9 de agosto, en el Quai des Péniches, tiene lugar esta fabulosa playa urbana anual.

Descúbrela en www.bruxelleslesbains.be

Flowertime
Del 13 al 16 de agosto paisajistas y floristas transformarán los espacios raramente abiertos al público del Ayuntamiento de Bruselas con aromáticos y espectaculares arreglos florales. 

El mercado de Rubens en Amberes
El 15 de agosto la comida, bebida, trajes típicos y costumbres del S. XVII, el siglo de oro de la ciudad, reviven en la Grote Markt de Amberes gracias al Mercado de Rubens.

Gay Pride
Del 3 al 9 de agosto, la ciudad de Amberes celebrará numerosas fiestas, eventos deportivos y exposiciones culturales dentro del marco de la multitudinaria Gay Pride.

Gante: fiesta sin parar
Las conocidas Gentse Feesten o Fiestas de Gante son las mayores fiestas populares de toda Europa. Durante 10 días y 10 noches (del 17 al 23 de julio), la ciudad será un hervidero de artistas callejeros, grupos musicales, exposiciones, actividades infantiles, ferias y desfiles que se celebran en el centro de la ciudad.

Más información en www.visitgent.be

Música antigua en Brujas
El MAfestival es el festival de música antigua más conocido en el mundo. Durante 10 días de festival, marcados por la selección de los intérpretes de mayor renombre mundial, en el MAfestival Bruges se organizan también conferencias, clases, competiciones para jóvenes músicos y una exposición enfocada en instrumentos históricos.

Del 31 de julio al 9 de agosto. Concertgebouw, Brujas. 

Los cuentos de Picasso

09/07/2015, El Museu Fundación Juan March en Palma presenta la exposición de gabinete: “Picasso y Reventós: Dos contes (1947)”, hasta el 17 de octubre.



Palma, 9 de julio de 2015
Hasta el 17 de octubre de 2015 se puede visitar esta muestra de gabinete en el Museu Fundación Juan March en Palma, formada por cuatro obras procedentes de la colección de la Fundación Picasso. Casa Natal, Málaga.

El escritor Ramon Reventós (1882-1923) mantuvo una estrecha relación con Pablo Picasso. Se conocieron en los años del cambio de siglo y la amistad duró hasta la muerte de Reventós en 1923. Tras su muerte, Picasso intentó que la obra de su amigo no cayera en el olvido. Ya exiliado en París, el artista conoció a Ferran Canyameres y su proyecto editorial, consistente en editar libros catalanes en Francia, Picasso propuso a Canyameres publicar la obra de Reventós ilustrada por él.

Fruto de esta idea nació Dos contes. El centaure Picador y El capvespre d’un Faune, el primer libro ilustrado por Picasso en una lengua distinta al francés, para el que el pintor realizó cuatro grabados al buril.

Los cuatro grabados, titulados "El naixement del centaure", "Els oficis del centaure: picador, cavall de tir, mestre d’escola", "Faune flautista" y "Episodis de la vida del faune", inciden de manera conjunta en una temática recurrente en la trayectoria del artista: la mitología grecorromana y los temas mediterráneos.

Picasso y Reventós: Dos contes (1947)
Hasta el 17 de octubre
Museu Fundación Juan March
Sant Miquel, 11 - 07002 Palma

Paisaje Industrial de Fray Bentos

09/07/2015, El Paisaje Cultural Industrial Fray Bentos, en el margen este del río Uruguay, incluido en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.



Uruguay, 9 de julio de 2015
El Paisaje Industrial de Fray Bentos, capital del Departamento de Río Negro, ha sido uno de los 27 nuevos lugares de valor universal excepcional dados a conocer en la última reunión del Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO celebrada en Bonn.

Considerada por los historiadores como la cuna de la Revolución Industrial en el Río de la Plata, como consecuencia de la instalación, en 1862, de la empresa Liebig, la localidad Fray Bentos fue durante más de un siglo un importante núcleo industrial al alojar una de las principales fábricas cárnicas de Sudamérica. Conocido como ‘la gran cocina de Europa’ por su primacía en la provisión de alimentos cárnicos al continente, el Paisaje Industrial Fray Bentos cerró sus puertas en la década de los 70. 

Según la UNESCO, el sitio es un ejemplo excepcional de la evolución de la estructura social y económica de los siglos XIX y XX en Uruguay y en todo el continente sudamericano, que resulta de la integración y el mestizaje cultural de inmigrantes de más de 60 nacionalidades que llegaron a trabajar allí.

El sitio, de 275 hectáreas, incluyen la imponente arquitectura del frigorífico Liebigs-Anglo,sus instalaciones industriales, los muelles sobre el río Uruguay, el matadero, las áreas dedicadas al pastoreo, las residencias de jefes y obreros y sus lugares de ocio.

El conjunto de Fray Bentos se convierte en el segundo bien material de Uruguay en alcanzar esta distinción tras la ciudad de Colonia del Sacramento, cuyo casco antiguo fue proclamado Patrimonio de la Humanidad en 1995.

Fray Bentos se suma a la lista de 1.031 maravillas naturales y culturales protegidas por esta institución. 

Alfons Borrell. Trabajos y días

08/07/2015, La Fundació Joan Miró presenta la exposición Alfons Borrell. Trabajos y días, abierta al público hasta el 27 de septiembre.



Barcelona, 8 de julio de 2015
Esta exposición de Alfons Borrell (Barcelona, 1931) manifiesta la imposibilidad de entender la obra del catalán como un proceso cerrado, estático y concluyente. La pintura de Alfons Borrell exige al espectador formas de experimentación más que códigos de interpretación. La selección de los trabajos permite recorrer su obra a partir de dos características inseparables y que sustentan, de algún modo, la atención que las piezas reclaman: la primera es la constancia; la segunda, la intensidad.

Bajo el título Alfons Borrell. Trabajos y días se agrupan más de un centenar de obras que abrazan sesenta años de trabajo intenso y constante, a partir de una aproximación no cronológica que adopta la forma y la metodología de un ensayo, en siete ámbitos de estudio que permiten nuevas lecturas y confrontaciones y remiten a ciertas actitudes y posiciones de su autor hacia el arte como experiencia de vida.

A principios de los años sesenta, en plena dictadura franquista, Alfons Borrell participa en el denominado Gallot, un efímero gesto de rebeldía artística que se produce en la ciudad de Sabadell.

Borrell, instalado en el lenguaje de la abstracción, con una obra íntima y contenida, alejada por completo de las gesticulaciones públicas y las actitudes desafiantes de los miembros del grupo, atravesará este grupo de manera oblicua, con la angulación que le da su experiencia particular.

Esto da lugar a un antes y un después en la producción del artista: la obra abstracta de mediados de la década de los cincuenta, anterior a Gallot, y su producción posterior, que se consolida como un lenguaje propio a mediados de los setenta.

La muestra reúne varias piezas que muestran una actitud que aparece en toda la obra de Borrell, y que podríamos definir como un movimiento de apertura a la naturaleza, entendida como una fuerza dinámica en constante transformación. Ese movimiento se confronta con el de contracción y repliegue de otras obras del pintor. Es en este movimiento constante de apertura y cierre, de deseo y temor, donde encontramos la fuerza que rige la obra de Alfons Borrell.

La creación de un espacio de orden y contención en el seno de un lenguaje que se repliega sobre sí mismo es lo que, de alguna manera, proponen las obras de Alfons Borrell. La obra deja de estar llena de confidencias y experiencias exteriores y se manifiesta como una evidencia en su pura presencia autónoma. La renuncia al color y la utilización del blanco y el negro como únicos elementos, que se produce en sus trabajos de finales de los setenta refuerza esta actitud contenida y no evocativa. Borrell emprende una vía hacia el lenguaje de la abstracción de una radicalidad y una singularidad muy particulares en el contexto artístico del momento.

En el trabajo posterior de Borrell se evidencia la voluntad de acotar el espacio a partir de una forma cuadrada o rectangular. Esta manera de entender la obra como un espacio para recorrer sus límites constituye una constante en toda la producción de Borrell. Sus signos de acotación y medida son un medio de marcar una superficie, con frecuencia a partir de pequeñas líneas diagonales que atraviesan y delinean el espacio, o simplemente a partir de una línea vertical, que designa simbólicamente una presencia, o bien de una horizontal, que nos remite a la noción de horizonte.

El color, para Borrell, tiene una cualidad de agente invasor. En su obra, el color está íntimamente vinculado a una experiencia de luz. Se mueve y fluctúa como un sujeto autónomo. El color como materia sale de su marco y lo invade todo. En la obra del artista, el naranja tiene connotaciones simbólicas. Es un color que representa la luz, pero no la luz del crepúsculo sino la de la aurora, que da sentido a aquello que nace como forma de vida y de esperanza.

La Gran Barrera de Coral, sin escombros

08/07/2015, La votación del Comité de Patrimonio Mundial de la UNESCO hace pensar en el inminente y prometedor fin del vertido de escombros en la Gran Barrera de Coral australiana.



Bonn, 8 de julio de 2015
El Comité de Patrimonio Mundial de la UNESCO votó el pasado 1 de julio en Bonn (Alemania) a favor de ejercer presión sobre Australia y conseguir que cumpla su promesa de restaurar la salud de la Gran Barrera de Coral con el fin del vertido de escombros.

La UNESCO exige que Australia proporcione una “protección eficaz y sostenida” al arrecife frente a actividades dañinas y amenazas como la industrialización descontrolada y la contaminación. Así, Australia debería de establecer una prohibición permanente del vertido de escombros provenientes de los grandes proyectos de dragado y restringir las expansiones de nuevos mega-puertos dentro y cerca del arrecife.

Ante la promesa de Australia de priorizar la salud del arrecife sobre las actividades dañinas como el vertido de escombros, la UNESCO ha anunciado que monitoreará la situación para asegurar que la condición del arrecife mejore en los próximos años.

En su decisión final, el Comité expresó una preocupación persistente sobre la disminución de los hábitats y las poblaciones de vida silvestre, y el empobrecido panorama general del arrecife. Además el comité destacó que las amenazas más grandes a largo plazo como la contaminación del agua y el cambio climático persisten y requieren acciones urgentes para detener los deterioros de este importantísimo ecosistema marino, repleto de maravillas naturales en peligro. 

Mirar la arquitectura

07/07/2015, La Biblioteca Nacional de España presenta una muestra que analiza la vinculación existente entre fotografía y arquitectura en España.



El nexo de unión entre Nicéphore Niépce (1765-1833), Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787-1851) y Fox Talbot (1800-1877) (considerados los “padres” de la fotografía), fue buscar un procedimiento que les permitiera reproducir por medio de la cámara oscura las imágenes de la realidad sin necesidad de dibujarlas.

Comprometida con el historicismo, el desarrollo de las ciencias y la industria, la fotografía nació en el momento de mayor producción de obras de carácter enciclopédico como forma de transmisión cultural y de conservación de la memoria a través de la recopilación de la mayor cantidad de información visual histórica, para ordenarla, estudiarla y difundirla.

Edificios y monumentos fueron el principal objeto fotografiado desde el nacimiento del daguerrotipo. Esta exposición pone de manifiesto las diferentes vinculaciones entre fotografía y arquitectura, llamando especialmente la atención sobre esta relación en España, desde que los monumentos y ciudades españoles comenzaron a difundirse de la mano de los viajeros románticos, hasta convertirse en un lugar de estudio científico que retratar para incorporarlo a las historias de la arquitectura.

Con más de doscientas piezas articuladas en 6 secciones, la muestra explica a través de tratados, grabados y fotografías la evolución de la representación arquitectónica hasta la llegada de la fotografía, sus aportaciones posteriores, y la necesidad de reproducir la arquitectura. Se adentra también en los aspectos técnicos, así como en las razones que motivaron la elección de las obras y monumentos y el destino final de todas esas imágenes. Además, la exposición analiza las relaciones entre arquitectos, historiadores y fotógrafos y pone en valor el trabajo de los fotógrafos de arquitectura en España.

Mirar la arquitectura: fotografía monumental en el siglo XIX
Hasta el 4 de octubre de 2015
Sala Recoletos de la Biblioteca Nacional de España

Arte mochica en CaixaForum Madrid

07/07/2015, CaixaForum Madrid acogerá hasta el 4 de octubre la muestra Arte mochica del antiguo Perú. Oro, mitos y rituales.



Madrid, 7 de julio de 2015
El arte mochica de la costa norte peruana constituye un arte muy desarrollado. Sus creadores mostraron gran conocimiento de las narrativas cosmológicas y mitológicas que permitían explicar el mundo. Sus obras nos permiten descubrir cómo esta sociedad plasmó sus historias, creencias, mitos y ritos en objetos de cerámica, y cómo sus líderes expresaron su poder y ascendencia divina a través de la vestimenta, atributos y animales sagrados.

Las sociedades mochicas (del año 200 al 850 d. C) desplegaron una notable actividad agrícola, y desarrollaron una valiosa cerámica y un avanzado uso del cobre, que se plasmó en bellos objetos ornamentales. Su activa organización y capacidad productiva causó un gran crecimiento de la población, sostenido por una gran producción agraria y una buena actividad pesquera.

La exposición de CaixaForum Madrid profundiza en la forma de entender y organizar el mundo de estas sociedades mediante 200 piezas de arte mochica procedentes del Museo Larco de Lima (Perú) que incluyen cerámicas, joyas y objetos ceremoniales de metales preciosos, textiles y objetos de uso ritual de madera, piedra, concha y hueso.

El arte mochica del antiguo Perú. Oro, mitos y rituales
CaixaForum Madrid
Hasta el 4 de octubre 2015


Chema Madoz en Almería

06/07/2015, El Centro Andaluz de la Fotografía acogerá hasta septiembre de 2015 una antológica dedicada al fotógrafo Chema Madoz.



Almería, 6 de julio de 2015
El Centro Andaluz de la Fotografía presenta una exposición dedicada a la obra del fotógrafo madrileño Chema Madoz, Premio Nacional de Fotografía de España (2000), en la que se pone de manifiesto el desarrollo de los conceptos y las técnicas con las que Madoz viene trabajando desde los años ochenta.

Centrado en la visión más poética de los objetos, Chema Madoz crea en sus fotografías escenarios íntimos, que fotografía en blanco y negro. En su obra, los objetos, descontextualizados, siempre soprenden al espectador, y enseñan algo nuevo, algo que sin ese enfoque irónico de Madoz no habríamo llegado a percibir.

Con sus instantáneas, Madoz cuestiona la realidad, invita a la observación y la reflexión del espectador, sometiéndo a los objetos con los que trabaja a ligeras transformaciones y privándolos de su función habitual, modificando el contexto de su uso y alterando la percepción de la realidad.

Chema Madoz nació en Madrid (1958), y cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. De manera simultánea se forma en fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

Realiza su primera exposición de fotografía en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid (1985), a la que seguirán numerosas muestras colectivas e individuales, tanto en España como en otros países.

El fotógrafo ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Caracas, Chateau d´Eau de Toulouse (Francia), Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) de Santiago de Compostela, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) y en la Fundación Telefónica (Madrid) entre otras instituciones.

Chema Madoz
Hasta el 20/09/2015
Centro Andaluz de la Fotografía
C/ Pintor Díaz Molina nº 9. Almería

Tiempos de melancolía

02/07/2015, Tiempos de melancolía recupera un eslabón olvidado de nuestro Siglo de Oro, e invita a hacer justicia con la España de Cervantes, donde la melancolía alcanzó especial singularidad.



Valladolid, 2 de julio de 2015
En nuestro Siglo de Oro, la melancolía adoptó una personalidad propia. La crisis y el desengaño conviven con un torrente de energía creativa, en la que la melancolía servirá de amalgama simbólica de las obsesiones de toda sociedad. Los temas melancólicos dominarían durante varias décadas el ambiente intelectual y moral, y aparecerían de manera reconocible en novelas, dramas, comedias, tratados de moral, diálogos filosóficos, poesía, música...

El Museo Nacional de Escultura y la Obra Social “la Caixa” presentan la exposición Tiempos de melancolía. Creación y desengaño en la España del Siglo de Oro, una muestra que reúne más de 70 obras de arte, medicina, filosofía, astronomía, música, botánica y literatura, que componen una polifonía en torno al sentimiento melancólico de la cultura de los siglos XVI y XVII. 

La exposición, que permanecerá abierta al público en la sede de exposiciones del Palacio de Villena (Valladolid) de julio a octubre de 2015, gira en torno a la teoría de la melancolía, un sentimiento inventado en Grecia, y que cobró en toda Europa nuevo brío desde el siglo XVI hasta el XVII.

La teoría de la melancolía conquistó el imaginario social, instalada en el cruce de la medicina, las ideas y las artes. A través de obras maestras de grandes artistas del periodo más brillante de la cultura española, esta muestra afirma este mito y analiza la manera en que cristalizó en la Península, con sus originales expresiones y sus principales focos de interés.

Tiempos de melancolía. Creación y desengaño en la España del Siglo de Oro
Del 2 de julio al 12 de octubre de 2015
Museo Nacional de Escultura
Edificio Palacio de Villena
Valladolid


25 nuevas obras en el Prado

01/07/2015, Plácido Arango Arias ha realizado una generosa donación al Museo del Prado de 25 obras maestras de su colección de arte antiguo.



Madrid, 1 de julio de 2015
La donación incluye obras de un extraordinario elenco de artistas de la talla de Pedro de Campaña, Luis Morales, Luis Tristán, Francisco de Zurbarán, Herrera el Mozo, Valdés Leal, Corrado Giaquinto y Francisco de Goya entre otros.

Estas obras pasan a enriquecer notablemente las colecciones del renacimiento y barroco español tanto por el número y calidad de las obras como por incorporar por primera vez ejemplos de cuatro destacados maestros inéditos hasta hoy en el Museo: Felipe Pablo de San Leocadio, Pedro de Campaña, Francisco Barrera y Francisco López Caro.

Particularmente reseñable es la incorporación de dos pinturas del flamenco afincado en España, Pedro de Campaña: Camino del Calvario y Descendimiento, por su decisiva contribución al desarrollo de la pintura española del renacimiento.

Por otra parte, se incorporan tres lienzos de Francisco de Zurbarán: Inmaculada Concepción, Inmaculada niña y San Francisco en oración. De Luis Tristán se incorpora un monumental Calvario, de Eugenio Cajés una íntima y misteriosa Natividad, y varias naturalezas muertas de ilustres bodegonistas como Alejandro de Loarte y Francisco Barrera.

Dos artistas incluidos en la donación merecen un comentario aparte. De Francisco de Goya se incorporan los Toros de Burdeos, y de Francisco de Herrera el Mozo la pintura El sueño de San José, pieza maestra del pleno barroco español.

El conjunto de la donación se irá exponiendo gradual y periódicamente en el Prado con presentaciones especiales, como la prevista el próximo 7 de julio, o con motivo de exposiciones temporales, como sucederá el próximo otoño en la dedicada a Luis de Morales. 

Vogue like a painting

30/06/2015, Vogue y el Museo Thyssen-Bornemisza presentan la exposición fotográfica “Vogue like a painting”. Del 30 de junio al 12 de octubre de 2015.



Madrid, 30 de junio de 2015
Vogue like a painting supone la primera vez que una revista de moda entra en el Museo Thyssen-Bornemisza, todo un reconocimiento al peso que ha tenido la publicación a la hora de marcar tendencia en el mundo de la moda.

La exposición presenta una exclusiva selección de fotografías de moda de inspiración pictórica, procedentes de los archivos de Vogue, y realizadas por los mejores fotógrafos de las últimas tres décadas, que exploran la relación entre la creación fotográfica de moda y la pintura.

Realizadas por los grandes nombres de la fotografía clásica de moda y los más destacados fotógrafos de las últimas décadas, estas imágenes possen características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura, y reflejan recursos frecuentemente utilizados por los pintores como la teatralidad de los escenarios, el drama del claroscuro, los cuidados esquemas compositivos y el acento especial en la belleza de las figuras, las poses y los decorados.

Organizada en torno a los grandes géneros del retrato, el paisaje y los interiores, las fotografías seleccionadas evocan cuadros de diferentes periodos de la historia del arte, bien con referencias directas a obras maestras como la versión de Erwin Blumenfeld de la Joven de la perla de Vermeer, o bien a través del recuerdo de artistas como Zurbarán, Hogarth, Millais, Sargent, Gauguin, Dalí, Magritte y Hopper.

Los fotógrafos presentes en esta muestra son: Camilla Akrans, Mert Alas & Marcus Piggott, Cecil Beaton, Erwin Blumenfeld, Clifford Coffin, Grant Cornett, Patrick Demarchelier, Horst P. Horst, Steven Klein, William Klein, Nick Knight, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Glen Luchford, Sheila Metzner, Erwin Olaf, Irvin Penn, Paolo Roversi, David Sims, Edward Steichen, Mario Testino, Michael Thompson, Deborah Turbeville, Mariano Vivanco, Tim Walker, Yelena Yemchuk.

Vogue like a painting
Museo Thyssen-Bornemisza
Del 30 de junio al 12 de octubre de 2015


El cuadro más famoso de Gauguin, en el Reina Sofía

29/06/2015, El óleo de Paul Gauguin Nafea faa ipoipo (1892) se incorporará el próximo viernes 3 de julio a la exposición del Kuntsmuseum Basel del Reina Sofía.



Madrid, 29 de junio de 2015
El lienzo, que llega procedente desde la Fondation Beyeler donde ha formado parte de una gran retrospectiva dedicada al autor francés, se podrá contemplar hasta el 14 de septiembre junto a otras obras de artistas de la talla de Picasso, Van Gogh, Renoir o Chagall pertenecientes al Kunstmuseum Basel.

La gran pinacoteca de arte de Basilea, en obras actualmente, ha aportado a la capital española tres grandes exposiciones de arte moderno que se podrán ver en el Museo del Prado y el Reina Sofía durante los próximos meses.

El Kunstmuseum Basel es básico para conocer la pintura suiza y del entorno del Alto Rin. En el Renacimiento, Basilea ya era un importante centro de vigor económico y cultural. Un coleccionista de la época, Basilio Amerbach, reunió parte de los antiguos contenidos que ahora se ven en el centro.

Entre otros maestros, la pinacoteca cuenta con obra de Konrad Witz, Rodin, Chillida, Calder, Schongauer, Grünewald, Hans Holbein, Baldung Grien, Lucas Cranach el Viejo, Rubens, Delacroix, Géricault, Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Cézanne, Picasso, Braque, Gris, Matisse, Marc, Nolde, Kokoschka, Chirico, Dalí, Mondrian o Kandinsky.

El IVAM crece

29/06/2015, El IVAM amplía su colección de arte contemporáneo con el depósito de 242 obras pertenecientes a tres coleccionistas privados.



Valencia, 29 de junio de 2015
Estos tres depósitos enriquecen los fondos del IVAM con 242 obras firmadas por más de medio centenar de artistas contemporáneos que se irán exhibiendo en las exposiciones de la Colección que el museo organice en los próximos años. Las colecciones son las de Cal Cego, la del arquitecto Juan Redón y la de los herederos de Ana Peters.

Según el director del IVAM, José Miguel Cortés, las obras depositadas “Hacen crecer a l’Institut Valencià d’Art Modern de modo muy significativo, llenando importantes huecos que tenía la colección del museo con obras de gran calidad pertenecientes a artistas muy destacados del panorama internacional”.

El primero de los depósitos está compuesto por 150 obras de diferentes disciplinas y de 45 artistas, tanto internacionales, como Bern & Hilla Becher, Richard Billingham, John Coplans, Tony Cragg, Gregory Crewdson, Hans-Peter Feldmann, Douglas Gordon, Boris Mikhailov, Thomas Ruff, Allan Sekula o Hiroshi Sugimoto, como españoles, de la talla de Ignasi Aballí, Javier Codesal, Alicia Framis, Luis Gordillo, Perejaume, Ana Prada, Santiago Sierra o Eulalia Valldosera, o los valencianos Bleda y Rosa. La colección Cal Cego es una de las más importantes colecciones privadas de arte contemporáneo de España. Entre las obras de este depósito, destacan la fotografía pero además están presentes la pintura, el vídeo, la escultura, el dibujo o las instalaciones.

El segundo depósito lo componen un total de 78 fotografías de 24 autores entre los que destacan artistas como Martin Parr, Sam Taylor Wood, Wolfang Tillmans, Nan Goldin, Matthew Barney, Txomin Badiola, Miguel Trillo o el valenciano Alex Francés. Juan Redón, arquitecto valenciano que reside en Barcelona desde hace 30 años, empezó su colección de fotografías en el año 1994 y ha exhibido en diferentes museos e instituciones como el Artium de Vitoria o el Museo de Bellas Artes de Bergen (Noruega) y en el Sainsbury Centre for Visual Arts en Norwich (Gran Bretaña).

El tercer depósito está compuesto por 16 obras de Ana Peters (1932 Bremen– 2012 Denia), pertenecientes a sus herederos. Se trata de pinturas figurativas de los años 60, de los inicios de la carrera de la artista alemana afincada en España, que vienen a completar la colección del IVAM, que hasta ahora contaba entre sus fondos con 16 trabajos, la mayoría de ellos de la última etapa de la vida de Peters. Las nuevas obras, muchas de ellas relacionadas con el arte pop, van a estar presentes en la próxima exposición Caso de estudio: Ana Peters, que se inaugurará en el próximo 23 de julio en la Galería 3 del IVAM. 

MADRID 24 H

26/06/2015, Todas las caras de Madrid en una exposición fotográfica que recorre las mejores imágenes de un día en la vida de la ciudad.



Madrid, 26 de junio de 2015
Esta muestra colectiva recorre en forma de mosaico fotográfico urbano los ambientes, sensaciones, rincones, historias y lugares más emblemáticos de la capital. La exposición se podrá ver en CentroCentro Cibeles hasta el próximo 30 de agosto. Además, las imágenes seleccionadas podrán verse en las pantallas ubicadas en la madrileña Plaza de Callao desde hoy hasta el próximo 18 de julio.

El proyecto, desarrollado por PHotoEspaña, ha recibido más de 3.200 fotografías a través de una convocatoria on line. Entre todas ellas un jurado especializado ha seleccionado 24 finalistas, una foto por cada franja horaria, y 3 instantáneas ganadoras. 

El premio del jurado a la mejor fotografía ha recaído en Atasco, de Raúl Amarú Linares. En la categoría de mejor fotografía votada por el público la imagen ganadora ha sido Balón y malabares, de Charlie Cordero. Por último, Gran Actividad Nocturna, de Andrés Delgado ha obtenido el premio en la categoría Noches de Madrid by Samsung Galaxy S6, a la mejor fotografía nocturna.

El resto de imágenes han sido realizadas por los siguientes autores: Shavkat Hoshimov, Sergio Valencia, Alberto Junoy, Pablo Bautista, Victoria Adame, Maria Daniela Pulido Cendales, Ricardo Quesada, Ignacio Vara, Goretty Gutiérrez, Roselino López Ruiz, José Manuel Trujillo, Pilar Almenar Vara, Manuel Parras Segura, Iñaki Gil Sanz, Sebastián Navarrete, Débora Espinoza Sosa, Alberto Tarrero Sarrey, Andrés Jesús Delgado Martín, Raúl Amarú Linares, Álvaro Calvo y Elena Lenguas.

La exposición incluye además las instantáneas de dos fotógrafos invitados, Yuri Tuma y Alejandro Rincón. 

20 años de joya de autor

25/06/2015, Hasta el 12 de julio se puede visitar en el Museo Nacional de Artes Decorativas una muestra sobre la joyería de autor en España.



Madrid, 25 de junio de 2015
Esta exposición, de carácter conmemorativo, muestra al público la evolución y el desarrollo de la Joya de Autor en España a lo largo de las dos últimas décadas, tomando como referente la actividad desarrollada por los miembros de la Asociación de Diseñadores de Joyas de Autor (AJA).

La muestra presenta así la obra de 16 diseñadores de joyería de autor, que ofrecen 16 visiones diferentes y complementarias de esta disciplina, a través de la que los autores exploran su creatividad y articular un discurso único y personal.

Entre los diseñadores seleccionados se encuentran profesionales de gran prestigio con una larga carrera profesional y jóvenes promesas que han mostrado una decidida voluntad de innovación en este ámbito.

En las piezas de joyería creadas por estos autores confluyen una enorme variedad de técnicas, estilos y materiales como los metales preciosos. En definitiva, la joya de autor es una alhaja con nombre y apellidos en la que se emplean procesos de trabajo propios de la joyería, tanto artesanales como semiartesanales, con especial énfasis en la pieza única y en los materiales y acabados de máxima calidad.

20 años de joya de autor en España. 1995-2015
Museo Nacional de Artes Decorativas
La exposición se podrá visitar del 4 de junio al 12 de julio y del 15 al 27 de septiembre


Pasolini Roma

25/06/2015, Un acercamiento al escritor y cineasta italiano Pier Paolo Pasolini (1922-1975) a través de sus relaciones con Roma.



San Sebastián, 25 de junio de 2015
Esta exposición, que podrá visitarse del 20 de junio al 4 de octubre en el Museo San Telmo de San Sebastián, define y conforma al autor italiano: la poesía, la política, el compromiso civil, el sexo, la amistad, el cine.

Roma no fue solo un simple lugar de residencia para Pasolini. Esta fue una gran historia de amor en la vida de Pasolini, con sus decepciones y sus sentimientos mezclados de pasión y odio, las fases de alejamiento y de retorno.

La muestra se estructura en seis apartados cronológicos que corresponden a seis etapas vitales y creativas del cineasta y escritor, desde su llegada a Roma el 28 de enero de 1950, humillado y sin trabajo, hasta su muerte el 2 de noviembre de 1975.

Como analista de la evolución de la sociedad italiana, Roma constituyó su principal espacio de observación y estudio. A partir de las transformaciones de la ciudad analizó los cambios de la Italia y los italianos de los años sesenta y setenta. Pasolini «refundó» Roma a través de la literatura y el cine y concibió un nuevo mito de esta ciudad y de sus habitantes.

Pasolini Roma muestra manuscritos originales de guiones, story-boards, fragmentos de sus películas, poemas, novelas, ensayos y artículos; correspondencia con amigos e intelectuales, dibujos y pinturas realizados por el propio Pasolini. También presenta obras de pintores especialmente apreciados por el autor como Giorgio Morandi, Ottone Rosai, Renato Guttuso y Filippo De Pisis. 

El declive del Rey León

24/06/2015, la lista roja de la UICN acaba de actualizarse con noticias agriculces: mejora el estado del lince ibérico pero las poblaciones del rey de la selva, el león, están en franco declive.



Gland (Suiza) 24 de junio de 2015
Los éxitos de conservación de especies están ensombrecidos, una vez más, por los declives, según la conocida Lista Roja de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, que se actualiza cada año.

La actualización divulgada habla de las exitosas acciones de conservación que han acrecentado las poblaciones del lince ibérico y del lobo fino de Guadalupe, pero el gato dorado africano (Caracal aurata), el león marino de Nueva Zelandia y el león están cada vez más amenazados. Ese declive afecta tambien a diversas especias de flora. El 99% de las orquídeas asiáticas “zapatilla de dama”, que se cuentan entre las plantas ornamentales más preciadas del planeta, se encuentran ya en peligro de extinción.También se indica que numerosas plantas medicinales están expuestas a enorme presión a raíz de una recolección excesiva y de la destrucción de sus hábitats.

La Lista Roja de la UICN incluye ahora 77 340 especies evaluadas, de las cuales 22 784 están amenazadas de extinción. La pérdida y degradación del hábitat constituyen la principal amenaza para el 85% de todas las especies descritas en la Lista Roja; el comercio ilícito y las especies invasoras son también importantes factores de declive poblacional.

“Esta edición de la Lista Roja de la UICN pone de manifiesto que las acciones de conservación eficaces pueden obrar maravillas”, señala Inger Andersen, Directora General de la UICN. “Salvar al lince ibérico, que se encontraba al borde de la extinción, salvaguardando al mismo tiempo los medios de vida de las comunidades locales, es un ejemplo perfecto de este tipo de acciones.”Pero esta actualización es también una llamada de alerta que nos recuerda que nuestro mundo natural se está volviendo cada vez más vulnerable. La comunidad internacional debe intensificar urgentemente sus acciones de conservación si queremos salvaguardar esta fascinante diversidad de la vida que nos sustenta, nos inspira y nos sorprende cada día.”

Según la UICN, tras seis decenios de declive, la población del lince ibérico (Lynx pardinus) pasó de 52 individuos maduros en 2002 a 156 en 2012. La especie pasa ahora de la categoría En Peligro Crítico a la categoría En Peligro en la Lista Roja de la UICN. Dicho resultado se logró mediante acciones intensivas de conservación, que incluyeron la restauración de poblaciones de conejos –la presa principal del lince ibérico- , monitoreo del trampeo ilegal, cría con fines de conservación, programas de reintroducción y sistemas de compensación para los propietarios que hicieron que sus tierras fuesen compatibles con las necesidades de hábitat del lince ibérico. La especie se encuentra en dos regiones del sudoeste de España y en el sudeste de Portugal, donde se halla su pequeña población reintroducida.

El lobo fino de Guadalupe (Arctocephalus townsendi) se creyó extinto dos veces en el pasado a raíz de su cacería, a fines del siglo XIX y en los años 1920. Su estado de conservación ha mejorado, pasando de la categoría Casi Amenazado a Preocupación Menor, gracias a la protección del hábitat y medidas de aplicación de la legislación, como por ejemplo la Ley norteamericana de Protección de los Mamíferos Marinos. La población de la especie aumentó de unos 200 a 500 individuos en los años 1950 a cerca de 20 000 en 2010. Antes de ser explotado por su piel, densa y exuberante, el lobo fino de Guadalupe era quizá la especie de otario más abundante en las islas del sur de California, con una población estimada en 200 000 individuos.

Según esta actualización, diversos mamíferos enfrentan niveles crecientes de amenaza a causa de la caza y de la destrucción de sus hábitats. El huidizo gato dorado africano (Caracal aurata) pasó de Casi Amenazado a Vulnerable a raíz de su disminución poblacional. El león marino de Nueva Zelandia (Phocarctos hookeri), uno de los leones marinos más escasos del mundo, pasó de Vulnerable a En Peligro, principalmente a causa de enfermedades, alteraciones del hábitat debidas a la pesca, y muerte accidental por capturas accesorias. La especie no se recuperó nunca del grave declive poblacional sufrido a principios del siglo XIX como consecuencia de la caza comercial. 

Pese al éxito de las medidas de conservación tomadas en Sudáfrica, el león (Panthera leo) permanece en la categoría Vulnerable a nivel mundial a causa de su declive en otras regiones. La subpoblación de África Occidental fue clasificada En Peligro Crítico a raíz de la conversión de su hábitat, la disminución de las presas debida a la caza insustentable, y conflictos con las poblaciones humanas. Se observó también un rápido decrecimiento en el este de África, zona donde históricamente la especie era muy abundante, sobre todo por los conflictos con las poblaciones humanas y el declive poblacional de las presas. El comercio de los huesos y otras partes del cuerpo para su uso en la medicina tradicional, tanto en la región misma como en Asia, surge como una nueva amenaza para la especie.

La evaluación de las 84 especies de orquídeas “zapatilla de dama” del Asia tropical – plantas ornamentales que se encuentran entre las más bellas del planeta – muestran que el 99% de las especies están amenazadas de extinción, principalmente a causa de una recolección excesiva con fines hortícolas y de la pérdida de sus hábitats. Todo comercio internacional de estas especies está prohibido en virtud de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES). No obstante, el comercio continúa por falta de un cumplimiento adecuado de la legislación a nivel nacional. Si bien estas especies están representadas en la mayoría de las colecciones cultivadas, su pérdida en estado silvestre redundará en un importante menoscabo de su diversidad genética y de su supervivencia misma. Por ejemplo, Paphiopedilum purpuratum, una especie escasa que se encuentra en Vietnam, China y Hong Kong, está clasificada en la categoría En Peligro Crítico. Está amenazada por la fragmentación y degradación del hábitat, así como por una desenfrenada recolección silvestre destinada al comercio hortícola regional e internacional.

Se añaden en esta edición de la Lista Roja 44 especies de plantas medicinales de la India. Todas ellas están amenazadas de extinción, principalmente por causa de la recolección excesiva y la destrucción de los hábitats. Aconitum chasmanthum, una planta sumamente tóxica, endémica de la región del Himalaya de la India y Pakistán, se encuentra ahora en la categoría En Peligro Crítico debido a una recolección insustentable de sus tubérculos y raíces, y a la pérdida de hábitats causada por aludes y la construcción de carreteras a gran altura. Las raíces y los tubérculos, que contienen alcaloides, se utilizan en la medicina ayurvédica y homeopática y se recolectan en grandes cantidades.

Dos especies de cangrejos, Karstama balicum y Karstama emdi, se clasifican En Peligro Crítico a causa de la alteración de su único hábitat conocido –la gruta de Giri Putri en Bali– como consecuencia de la creciente actividad turística y de las ceremonias religiosas que allí se realizan. Se están realizando estudios acerca de estos cangrejos a fin de definir estrategias de conservación adecuadas.

De las 143 especies de gobios evaluados en la región del Caribe, 19 están amenazados de extinción, principalmente a causa de un declive del 59% en el hábitat de los arrecifes coralinos entre 1979 y 2011, así como del pez león invasor (Pterois volitans). Los gobios constituyen una de las familias más extensas de peces marinos, con más de 2000 especies, incluyendo algunos de los vertebrados más pequeños del mundo, como el gobio pigmeo (Pandaka pygmaea) En Peligro Crítico, que mide sólo 1 a 1,5 cm de largo. El gobio linterna (Coryphopterus lipernes), que alcanza un máximo de 3 cm, se clasifica como Vulnerable. El gobio cristal (Coryphopterus hyalinus) pasa de la categoría Preocupación Menor a Vulnerable a raíz de la creciente amenaza que representa el pez león invasor.

Si bien no se han incluido nuevas especies en la categoría Extinto, 14 especies han ingresado en la categoría En Peligro Crítico (Posiblemente Extinto). Entre ellas se encuentra la perennifolia Magnolia emarginata, un árbol endémico de Haití, que ha sufrido una reducción estimada del 97% de su hábitat forestal en el último siglo. Diez especies de orquídeas endémicas de Madagascar, como la Angraecum mahavavense de floración blanca, han entrado también en la Lista Roja de la UICN en la categoría En Peligro Crítico (Posiblemente Extinto) principalmente a causa de la destrucción del hábitat forestal y de la recolección ilícita.

Un artista entre dos mundos

24/06/2015, El Museo del Palacio de Bellas Artes de México presenta una exposición dedicada al gran maestro del Renacimiento Miguel Ángel Buonarroti.



México, D. F., 24 de junio de 2015
Esta exposición, que abrirá sus puertas al público a partir del próximo 26 de junio, reúne una selección de 29 obras del artista florentino, así como 45 piezas de artistas cercanos a Buonarroti como fueron Rafael Sanzio, Giorgio Vasari, Giorgio Ghisi, Daniele da Volterra, Andrés de Concha, Baltasar de Echave Orio, Leone Leoni, Marcello Venusti y Bernal Díaz del Castillo.

El objetivo es presentar la trayectoria del artista renacentista mediante dibujos, óleos, documentos y esculturas que permitan apreciar su participación en la renovación del arte y la arquitectura del Cinquecento, así como su influencia en la historia del arte y en concreto en el virreinato de la Nueva España y en el primer México independiente.

A través de cinco secciones, el visitante podrá descubrir el contexto histórico en el que vivió Miguel Ángel y el legado artístico que dejó para la eternidad:

En la primera sección se analizan las primeras obras de Miguel Ángel y su relación con los mecenas con cuyo apoyo desarrolló gran parte de sus obras.
El segundo espacio de la exposición está dedicado a la escultura y a la gran influencia que ejercería el florentino con su producción escultórica, el medio por excelencia para transmitir las emociones más puras de la vida.
La tercera sección profundiza en la pintura de Miguel Ángel, con parte del proceso creativo de los reconocidos frescos ubicados en los muros de la Capilla Sixtina, a través de bocetos y estudios preparatorios. 

El interés de Buonarroti en la arquitectura forma parte del cuarto núcleo de la exposición. En esta sección se incluyen algunos estudios preparatorios para la Fachada de San Lorenzo, bases de pilastra para la Sacristía Nueva que realizó en 1524 y estudios para la Porta Pia.
En el último apartado de la muestra se deja al descubierto el profundo interés acerca del estudio anatómico que Miguel Ángel realizó de manera constante. La superficie de los cuerpos, sus cambios, el movimiento, las tensiones... Ejemplo de ello es el David-Apollo, figura creada por el artista alrededor de 1532.

Las obras exhibidas provienen del acervo de la Casa Buonarroti, la Galleria degli Uffizi, Museo Nazionale del Bargello, Musei Capitolini, Museo di Roma, Museo Nacional de Arte, Museo Nacional de San Carlos, Parroquia de San Bernardino de Siena (Xochimilco), Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica, Biblioteca Francisco Xavier Clavigero y el Archivo General de la Nación.

Entre las obras destacan el David-Apollo (1532-1534), escultura en mármol de 1.47 metros; el Cristo Portacroce (Cristo Giustiniani) de 1514-1516, obra en mármol de 2.50 metros que se presenta por primera vez fuera de Italia, y dibujos y bocetos originales de entre 1508 y 1510 que sirvieron como preparación para las pinturas de la bóveda de la Capilla Sixtina.

Miguel Ángel Buonarroti. Un artista entre dos mundos
Del 26 de junio al 27 de septiembre
Museo del Palacio de Bellas Artes de México


L´Inca et le Conquistador

24/06/2015, Con las figuras de Atahualpa y Francisco Pizarro como punto de partida, esta exposición reconstruye los momentos clave de la conquista del Imperio Inca.



París, 24 de junio de 2015
En 1520 el Imperio español de Carlos V continúa con la exploración del océano Pacífico y del litoral de América del Sur. Mientras tanto, en la zona amerindia, Tawantinsuyu, el mayor imperio inca jamás conocido (denominado el imperio de las cuatro regiones) lleva a cabo su expansión durante el reinado de Huayna Capac y de su hijo Atahualpa, que le sucede tras su muerte.

En torno a relatos españoles e indígenas de la conquista, que muestran los caminos paralelos y el posterior enfrentamiento de Atahualpa y Pizarro, la exposición plasma los momentos clave de la historia del continente sudamericano.

En "L'Inca et le Conquistador" los objetos incas e hispanos, las pinturas, los mapas y los grabados de época se suceden en un diálogo que hace hincapié en el enfrentamiento entre estos dos mundos radicalmente opuestos, envueltos en una profunda revolución política, económica, cultural y religiosa. Su encuentro y su conflicto marcaron el destino del imperio más grande jamás conocido.

DOS MUNDOS EN COLISIÓN
Desde 1520 hasta el asesinato de Pizarro por los suyos en 1541, la exposición reconstruye las primeras etapas de la conquista de los Mares del Sur, con mapas de principios del siglo XVI, crónicas españolas y grabados y se centra en este encuentro con "el otro".

El recorrido continúa con una introducción del contexto histórico y político. Por un lado las ambiciones españolas, por el otro, el modo de gobierno y la rivalidad fratricida entre los príncipes Atahualpa y Huáscar, que desembocaría en una guerra civil y en la toma del poder por parte de Atahualpa. Armas, armaduras, pinturas, textiles, piezas de orfebrería y de cerámica ilustran estas sociedades a punto de enfrentarse entre sí.

A continuación se describe el cara a cara entre Atahualpa y Pizarro en 1532-33, con la entrada en la ciudad de Cajamarca del conquistador, la captura de Atahualpa, el posterior rescate pagado por los incas, y la ejecución final del Inca. Estos episodios se han transmitido por las crónicas españolas e indias, de una manera diferente, la exposición destaca esas diferencias, narradas por ambos bandos.

Las expediciones españolas continúaron en todo el imperio, conquistas como la de Cuzco o Lima marcarían un hito en la conquista española. Pero la tensión iba aumentando. Las rivalidades personales entre los propios conquistadores derivó en una guerra civil que terminaría con el asesinato de Pizarro, ya marqués y gobernador, a manos de sus compatriotas en 1541. Como contrapunto, los indígenas consiguen recuperar los restos del difunto Atahualpa. Su momia fue llevada a un lugar secreto, con el fin de preservarla.

En 1542, las Nuevas Leyes de Indias provocan la sublevación de los conquistadores del Perú. Gonzalo Pizarro, hermano de Francisco se subleva contra la Corona. Este hecho marca el inicio del paulatino desarrollo de una sociedad que combina la herencia ibérica con el legado indígena.

L'Inca et le Conquistador
Del 23 de junio al 20 de septiembre de 2015
Musée du quai Branly
37, quai Branly. Paris

La mutación de los dioses

23/06/2015, El MuCEM de Marsella presenta a partir del 24 de junio y hasta el 16 de noviembre 2015, una exposición que nos acerca a los dioses de las antiguas culturas mediterráneas.



Marsella, 23 de junio de 2015
Guerreros, comerciantes o peregrinos surcaron las aguas del Mediterráneo en la antigüedad llevando mercancías y conocimientos sobre las ciencias o las divinidades; conocimientos que insertaron en sus propias culturas, en las que se encuentran las huellas de aquellas relaciones entre territorios.

El Museo de las Civilizaciones de Europa y del Mediterráneo (MuCEM) aporta ahora una nueva perspectiva sobre el politeísmo de la antigüedad, a través de una colección de obras y objetos arqueológicos prestada por la Fundación Gandur para el Arte y los Museos de Arte e Historia de Ginebra. También son prestamistas de materiales el Museo de Marsella y el Departamental de Antigüedades de Arles.

Esta nueva exposición, titulada Migrations divines, Migraciones divinas, se centra en tres cuencas de la civilización mediterránea -Egipto, Grecia y Roma- donde los hombres han ideado diferentes dioses y panteones en función las características de cada cultura. La exposición presenta determinados objetos rituales y las imágenes de culto que representaron el mundo de lo divino y la búsqueda de la inmortalidad.

Lejos de estar aislados y "congelados", los cultos de estos panteones han cruzado el corazón del Mediterráneo. Favorecidos por el comercio y las conquistas militares en ocasiones, los intercambios intelectuales y materiales entre las antiguas civilizaciones han dado forma a las innovaciones religiosas y teológicas.

"Migrations divines" explica esta temática con 200 obras antiguas que datan del tercer milenio antes de Cristo al siglo III después de Cristo, y que dan testimonio de la adopción de las deidades de una y otra parte y de la formación de nuevas formas divinas mestizas. Aborda también el diálogo entre panteones egipcios, griegos y romanos, con el análisis de prácticas, creencias y representaciones de lo divino.

Esta exposición, que se ha realizado con el apoyo de la Fundación Stavros Niarchos, se ha organizado de forma conjunta por el MuCEM y Fundación Gandur, siendo su Curador Myriame Morel-Deledalle, responsable del sector Historia del MuCEM.

Migraciones divinas sigue un itinerario de tres secciones temáticas. Inicialmente presenta una introducción con el mundo misterioso de los ídolos antiguos, desde el III milenio antes de Cristo, ídolos que no se identifican por su nombre ni funciones pero que ya son representación expresiva de lo divino, por sus actitudes (hieráticas, brazos en alto, por ejemplo) y por el material en el que fueron fabricados piedra, bronce o hueso, y en los que se revelan los profundos sentimientos que el hombre de la antigüedad ha mantenido en torno a lo divino.

Luego, la exposición se centra más en tres cuencas de la civilización mediterránea -Egipto, Grecia y Roma-, invitando al visitante a seguir tres ámbitos sucesivos. El primero aborda la cuestión de Panteones: los hombres siempre han proyectado en sus dioses la designación de atributos y funciones en respuesta a sus preguntas existenciales. Diferentes civilizaciones del antiguo Mediterráneo han imaginado a sus dioses en panteones distintos y con características propias de cada cultura. Los objetos que ilustran esta parte son estatuas o estatuillas de deidades así como otros soportes, objetos de cerámica, espejos, etc., en los que aparecen dibujos ilustrativos de las leyendas y mitologías. 

La segunda parte de la exposición explora las formas mediante las cuales el ser humano ha tratado de acercarse a la eternidad y a lo divino. Mediante ritos, cultos públicos y domésticos o la magia, el hombre intentó hacer real y efectiva la presencia de los dioses en la tierra. Objetos rituales, imágenes de culto son los apoyos y pruebas materiales que testimonian el acercamiento de lo divino a la vida cotidiana. El hombre se acerca a los dioses e interactúa con ellos a través de otros hombres (los sacerdotes) y en lugares específicos (los templos). El tema de la búsqueda de la eternidad se ilustra con objetos de adoración, ofrendas, amuletos y muestras de ritos.

La tercera y última parte de la exposición titulada Reencuentros e intercambios, resalta la dinámica de relaciones y apropiación de características entre las diversas religiones del Mediterráneo, donde existe un cierto sincretismo. Los comerciantes, viajeros y soldados de la antigüedad recorrieron el Mediterráneo llevando con ellos a sus dioses y ritos, que luego transmitieron entre amigos y familias por los distintos países.

O regreso dos amantes

22/06/2015, La Fundación Luís Seoane presenta un acercamiento a la obra plástica de Eugenio Granell, uno de los artistas españoles más importantes de la segunda mitad del S. XX.



A Coruña, 22 de junio de 2015
Este proyecto celebra el veinte aniversario de la Fundación Granell, además de la vinculación que este artista surrealista tuvo con A Coruña, ciudad en la que nació en 1912 y celebró su primera gran exposición tras su regreso del exilio americano en 1986.

Pinturas, collages, dibujos, fotografías, obra cinematográfica, construcciones, libros y objetos y documentos de archivo pertenecientes a las colecciones del Museo Fundación Eugenio Granell, trazan la ruta de viaje alrededor de las diferentes etapas creativas del artista, que le relacionan a la ciudad donde nació y donde vivía la familia de su madre.

Eugenio Fernández Granell nació en A Coruña en 1912, aunque su infancia se desarrolla en Santiago de Compostela. Allí comienza sus estudios musicales, que continúa tras su traslado a Madrid en 1928.

En Madrid, Granell participa activamente en tertulias políticas y literarias. Su interés por la política lo pone de manifiesto ingresando en la Oposición de Izquierda y en 1935 en el P.O.U.M. (Partido Obrero de Unificación Marxista). Precisamente, en un acto político, conoce a Pierre Neville, su primer contacto con el surrealismo.

Estalla la Guerra Civil en 1936, y Eugenio se incorpora a las milicias republicanas y dirige el periódico el Combatiente Rojo, colaborando con otros periódicos como La Nueva Era, Hora de España y el diario La Batalla.

En 1939 inicia su exilio y se instala en Ciudad Trujillo (República Dominicana). Entra a formar parte, como primer violín, de la Orquesta Sinfónica fundada por Casal Chapí. Se va integrando en el ambiente cultural dominicano asociándose al grupo literario de vanguardia a través de La Poesía Sorprendida, revista que crea junto a Alberto Baeza Flores.

Hacia el año 1941 André Breton llega huyendo de la contienda europea, acompañado de Pierre Mabilleb y Victor Serge. Granell los entrevista para el periódico La Nación, un acontecimiento decisivo que le llevará a comprometerse con el surrealismo de por vida.

Su primera exposición colectiva tendrá lugar en 1943 en la Galería Nacional de Bellas Artes. A ésta seguirá una segunda en el Ateneo Dominicano y una individual en la que presenta alrededor de doscientas obras en la Galería Nacional de Bellas Artes de Santo Domingo. 

En 1946, Granell y su familia se trasladan a Guatemala. Allí ingresa como profesor en la Escuela de Artes Plásticas manteniendo una intensa actividad cultural.

En 1947 con la exposición Le Surréalisme, en la galería Maeght de París, organizada por André Breton y Marcel Duchamp se integra activamente en el movimiento surrealista.

Tras el estallido de la revolución guatemalteca Granell se traslada a Puerto Rico donde ocupará la cátedra de Historia del Arte en la Facultad de Humanidades. En estos años participa en diferentes exposiciones colectivas y Crea el grupo El Mirador Azul formado por estudiantes, algunos de los cuales contribuyeron a la formación del arte puertorriqueño actual.

En 1958 se traslada a Nueva York ingresando más adelante como catedrático de literatura española en el Brooklyn College de esta Universidad. Estudia Sociología en la New School for Social Research en 1967 y realiza la tesis doctoral "Sociological Perspectives of Guernica".

En el año 1962 se incorpora al grupo surrealista Phases de París, dirigido por Eduard Jaguer y realiza numerosas exposiciones colectivas por todo el mundo.

A partir de 1985 se instala definitivamente en España. Recibe numerosos premios como: Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, Pablo Iglesias de las Artes, Medalla Unión Fenosa, Medalla de Oro de Bellas Artes otorgada por el consejo de ministros, Gerión’99 concedido por El punto de las artes, Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes. 

En 1997 es nombrado hijo adoptivo de la ciudad de Santiago y se le concede la Medalla de Oro al Mérito Cultural de dicha ciudad.

Granell fallece en Madrid el 24 de octubre de 2001. La Xunta de Galicia le concede a título póstumo la Medalla de Oro de Galicia 2001 por su trayectoria en el mundo de las artes.

Eugenio Granell. O regreso dos amantes
Hasta el 23 de agosto de 2015
Fundación Luis Seoane
San Francisco, 27. A Coruña

Entusiasmo en Art Basel

22/06/2015, La feria de Art Basel cerró ayer, 21 de junio, una nueva edición que ha sido valorada con entusiasmo por galeristas y organizadores.



Basilea, 22 de junio de 2015
Las ventas, calificadas de excepcionales, confirmaron la posición de Art Basel como encuentro principal para el negocio de obras contemporáneas y modernas.

La 46 edición de Art Basel ha sido altamente valorada en primer lugar por las numerosas obras de arte de calidad apostadas por las galerías y estas informaron de niveles de ventas superiores a lo habitual, adquiridas por coleccionistas e instituciones.

Esta edición – que ha sido calificada como la más exitosa de Art Basel- contó con 284 galerías de 33 países, que exhibieron el trabajo de más de 4.000 artistas. Un total de 14 galerías se presentaron en Basilea por primera vez, procedentes de China, Francia, Alemania, Hong Kong, Israel, Italia, Japón, Suiza, los Emiratos Árabes Unidos y Estados Unidos.

El encuentro sirvió de plataforma para presentar el mejor material contemporáneo, según los organizadores. Además se ha reconfigurado la ubicación de los expositores, permitiendo un reagrupamiento de obras de 1900-1970 de un valor histórico excepcional, que incluyó trabajos de Max Beckmann, Marc Chagall, Max Ernst, Georg Grosz, Yves Klein, René Magritte, Pablo Picasso, Mark Rothko y Egon Schiele.

El evento atrajo una asistencia de 98.000 personas durante los seis días de la exposición. Junto a importantes coleccionistas privados de Europa, Norteamérica, América Latina y Asia, hubo representantes y grupos de más de 80 museos e instituciones de todo el mundo, entre ellos la Art Gallery of Ontario; Dia Art Foundation, New York; Guggenheim Museum, New York; Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington D.C.; Institute of Contemporary Art, Boston; Institute of Contemporary Arts, Londres; Los Angeles County Museum of Art; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Gallery Singapore; Palais de Tokyo, Paris; Serpentine Galleries, Londres; Tate, Londres; The Royal Academy, Londres; The Ullens Center for Contemporary Art, Beijing; Whitechapel Gallery, London; Whitney Museum of American Art, New York and Yuan Museum, Beijing.

Diez grandes museos

19/06/2015, The Guardian desvela su lista de los diez mejores museos alternativos de Europa, entre ellos un museo español, el CaixaForum Madrid.



Londres, 19 de junio de 2015
En la lista de este año 2015 del periódico británico The Guardian aparecen museos de Praga, Amsterdam, París, Madrid, Lisboa, Budapest, Roma, Viena, Varsovia y Berlín. Estas entidades museísticas destacan por su gran calidad y por ser una alternativa diferente a los tours convencionales.

Museo Kampa, Praga
Una línea de pingüinos de color amarillo y un grupo de bebés gigantes sin rostro son la presentación del Museo Kampa, una galería de arte moderno en la frondosa isla de Kampa. En el interior el visitante puede encontrar una impresionante colección de arte Centroeuropeo del siglo XX. Yoko Ono, Andy Warhol y Julian Opie son algunos de los artistas que han contado con exposiciones temporales en este museo.
museumkampa.com

Museo de Bolsos y Carteras, Amsterdam
En una hermosa casa en el Herengracht, el Museo de Bolsos y Carteras presenta una colección privada de bolsos, bolsas, maletas y carteras realizados en los últimos 500 años. El museo cuenta actualmente con más de 5.000 artículos, y entre la colección se encuentran joyas como una bolsa de cuero de cabra del siglo XVI de Francia, un bolso de Gucci con asa de bambú de 1970, y ejemplos contemporáneos como los diseñados por Lulu Guinness.
tassenmuseum.nl

Musée Zadkine, París
Cerca de los jardines de Luxemburgo se encuentra el Museo Zadkine, dedicado a la obra del escultor Ossip Zadkine. Esta es la casa y estudio donde el pintor trabajó durante casi medio siglo. El museo cuenta con cientos de esculturas, pinturas y dibujos que trazan la obra del artista, y también alberga exposiciones de arte contemporáneo.
zadkine.paris.fr

CaixaForum, Madrid El CaixaForum viene a completar la grandiosa oferta del Paseo del Prado. El edificio en sí -de los arquitectos suizos Herzog & de Meuron- es suficiente para justificar una visita. Las exposiciones muestran una gran diversidad de temáticas y para ellas se cuenta con la colaboración de multitud de museos e instituciones nacionales e internacionales.
obrasocial.lacaixa.es

Casa Museu Medeiros e Almeida, Lisboa
La Casa Museu Medeiros e Almeida alberga la colección privada del empresario António Medeiros e Almeida. Entre los objetos ornamentales y obras de arte que se exhiben en sus 25 habitaciones se encuentran candelabros ricamente decorados, espejos con marcos dorados, sillas de trono, fuentes de bronce del Palacio de Versalles y una vajilla de plata que perteneció a Napoleón. Hay una sala de tapices, una sala de platería, una sala de porcelana, una sala del sofá o una sala de reloj entre otras.
casa-museumedeirosealmeida.pt

Vasarely Múzeum, Budapest
La Vasarely Múzeum es una de las colecciones clave del movimiento op-art. En una zona tranquila de la ciudad de Budapest, en la orilla del Danubio, el museo cuenta con más de 400 obras de Victor Vasarely, y también alberga exposiciones temporales dedicadas al arte contemporáneo.
vasarely.hu

Centrale Montemartini, Roma
Hay una yuxtaposición lúdica entre lo clásico y moderno en este museo romano, que presenta esculturas griegas y romanas entre turbinas, motores y calderas. Esta colisión artística e industrial nos desvela un espacio misterioso para explorar y dejarnos asombrar.
centralemontemartini.org

Hofmobiliendepot Möbel Museum, Viena
En este museo de renombre internacional se encuentra una amplia colección de muebles imperiales de Viena, originalmente formada por muebles de la familia real de los Habsburgo. Descubre muebles extravagantes según los gustos de emperador Francisco II y su familia, y excéntricos diseños de orinales, inodoros y escupideras. Desde 1998, cuando el museo reabrió en su ubicación actual, la colección se ha ampliado con muebles modernos de diseñadores austriacos del siglo XXI.
hofmobiliendepot.at

Muzeum Karykatury, Varsovia
Fundada por Eryk Lipiński, periodista, dibujante y escritor satírico, el Museo de la Caricatura cuenta con más de 20.000 piezas de artistas de todo el mundo. El museo da una idea de los gustos, el humor y estilos gráficos de caricaturistas del siglo XVII hasta nuestros días. En el museo se puede visitar una exposición dedicada al arte de la caricatura en Bulgaria, a la sátira política y una reflexión sobre la relación entre la caricatura y los medios de comunicación.
muzeumkarykatury.pl

Designpanoptikum, Berlín
Raro, surrealista y, a veces un poco desconcertantes, el Designpanoptikum cuenta con objetos extraordinarios y una atmósfera carnavalesca. En sus fondos se encuentran objetos industriales, artilugios médicos, diseños retro...en una mezcla de steampunk, ciencia ficción y horror de Frankensteiniano.
designpanoptikum.de 

Barbara Hepworth, en Londres

18/06/2015, Del 24 de junio al 25 octubre 2015, una exposición de la Tate Britain nos acerca a una figura clave de la escultura británica y del arte abstracto del siglo XX: Barbara Hepworth.



Londres, 18 de junio de 2015
“Barbara Hepworth: Sculpture for a Modern World”, Barbara Hepworth: Escultura por un Mundo Moderno, es el título de la exposición, la mayor retrospectiva sobre la autora presentada en la capital londinense en el último medio siglo, con muchas de sus obras destacadas realizadas en madera, piedra y bronce, y presentadas junto a piezas raramente exhibidas. Junto a las esculturas se muestran también otros trabajos, fotografías, textiles, collages, etc.

Barbara Hepworth (1903-1975) es una de las escultoras británicas esenciales del siglo XX, artista clave en el ámbito de la abstracción, cercana por la concepción del arte y por amistad al también británico Henry Moore, ambos practicantes del método de la talla directa, abordando el material elegido, sin el proceso tradicional de los modelajes y la elaboración de maquetas previas.

Nacida esta mujer en West Yorkshire y estudió en la Leeds School of Art, donde conoció a Henry Moore. Luego completaría su actividad formativa en Londres e Italia.

Desde el inicio, Barbara Hepworth trabajó con materiales tradicionales, especialmente la madera y la piedra, realizando obras en las que descuellan los espacios huecos y los volúmenes.

Aparte de la relación con Moore, otra persona que influyó grandemente en su obra fue el segundo de sus maridos, el pintor Ben Nicholson, con quien mantuvo una gran colaboración artística. Con él viajó por Europa, conociendo a gentes como Brancusi, Braque o Piet Mondrian, lo que incidió en tanto en su obra como en el mantenimiento de una gran red de relaciones artísticas, especialmente con el núcleo artístico parisino.

Sus trabajos se hallan en numerosos puntos del globo, especialmente en el Reino Unido. Junto a la obra de instituciones y museos, también existen esculturas de la autora en diversos espacios públicos, entre ellos la propia sede de la ONU en Nueva York. La Tate es una de las instituciones que tienen abundante obra de esta escultora clave del arte abstracto. A su muerte su casa y taller de la localidad costera de St. Ives, donde residió desde 1939, se ha convertido en museo.

Enlaces:

http://www.tate.org.uk/
http://www.tate.org.uk/visit/tate-st-ives/barbara-hepworth-museum
http://barbarahepworth.org.uk/ 

¿Dolce Vita? Del Liberty al diseño italiano

18/06/2015, El Museo D`Orsay presenta una exposición que analiza la evolución de las artes decorativas en Italia desde 1900 hasta 1940.



París, 18 de junio de 2015
En la Italia de comienzos del siglo XX, las artes decorativas son herederas de una importante tradición artesanal y artística, y se convierten en las protagonistas del afán de progreso de una nación que acaba de hallar su unidad.

En un contexto histórico de lo más sombrío y difícil, ebanistas, ceramistas y cristaleros trabajan en colaboración con los más grandes artistas, para crear un “estilo italiano” que influenciará el nacimiento del diseño moderno.

Desde los excéntricos muebles de Carlo Bugatti hasta las sorprendentes sillas de Marcello Piacentini, pasando por los extravagantes objetos de los Futuristas, el diseño italiano evoca una alegre creatividad y una capacidad de invención sin límites.

El Museo D`Orsay presenta una exposición extraordinaria que analiza, mediante un recorrido cronológico de un centenar de obras, la evolución de las artes decorativas en Italia, desde el estilo Liberty, pasando por los pintores divisionistas, el futurismo y el posterior regreso al clasicismo, hasta llegar al severo lenguaje del Novecento y finalmente al nacimiento del diseño moderno.

Liberty
En Italia el Art Nouveau adopta del nombre de Liberty. A comienzos del siglo XX, en un clima de optimismo propiciado por el acceso al poder del liberal Giolitti, se inaugura en Turín la primera Exposición Internacional de las Artes Decorativas Modernas. En ella, Carlo Bugatti presenta muebles cubiertos de pergamino, Eugenio Quarti se distingue por la ligereza de su mobiliario incrustado de hilos metálicos y nácar y Alessandro Mazzucotelli expone obras inspiradas por la naturaleza.

Identidades regionales marcadas

Las fuertes identidades de las regiones italianas generan talentos y estilos originales, con frecuencia inspirados por las tradiciones locales.

En Venecia Vittorio Zecchin destaca en su actividad de artista-artesano. Personalidad ecléctica, se dedica no solo a la pintura, sino también a la creación de muebles, tapicerías, mosaicos, en un estilo que mezcla inspiraciones bizantinas e influencias de la Secesión vienesa. En 1914, realiza un suntuoso ciclo decorativo sobre el tema de las Mil y Una Noches, considerado la obra maestra del Liberty veneciano.

En Florencia, el pintor y ceramista Galileo Chini desarrolla un estilo Liberty autónomo y original influenciado por el Renacimiento, y en el que aúna formas y técnicas innovadoras.

En Faenza, Domenico Baccarini aporta a este nuevo lenguaje un toque poético en sus creaciones en loza.

Cerrada tras sus murallas, Roma es una capital tradicionalista en la que los artistas exploran, inspirándose de la naturaleza. Duilio Cambellotti y su alumno Alberto Gerardi transforman este paisaje ancestral poblado de búfalos, borregos y pastores, en objetos modernos.

El arquitecto siciliano Ernesto Basile, junto con el ebanista Vittorio Ducrot, recupera la herencia árabe-normanda de Sicilia, mezclada con el Art Nouveau internacional.

Reconstrucción futurista del universo
Este movimiento de vanguardia fundado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti en 1909 representa el deseo de renovación extendido entre los jóvenes artistas y propone una nueva estética basada en la apología del progreso y de la velocidad.

Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini expresan en su pintura la voluntad de “plasmar y de magnificar” los “milagros de la vida contemporánea”, y de representar el dinamismo de esta nueva pintura que capta la eterna velocidad omnipresente.

Metafísica
En 1917 nace, en pleno conflicto mundial, la corriente Metafísica, “un sueño disfrazado de la Antigüedad”. Con la Metafísica, la pintura italiana reanuda el diálogo con el arte clásico. Las referencias al mito clásico prefiguran esta nueva poética y constituyen el elemento central de la obra de artistas como los hermanos Giorgio y Andrea de Chirico.

El mito clásico explora el sentido oculto y profundo de las cosas, a través de asociaciones inesperadas y encuentros poéticos entre objetos sin vínculo lógico.

Una sensibilidad similar se desarrolla en el mismo momento en las Artes Decorativas. Las cerámicas de Gio Ponti se caracterizan por una visión encantada, en la encrucijada entre inspiración clásica y gusto Deco, mientras que un cambio de aires emana de las creaciones en vidrio de Buzzi y Martinuzzi, para Venini.

Felice Casorati diseña muebles, ornamentación, y cuadros en una simplificación de las formas que se inspira de la lección de los maestros primitivos del Trecento y Quattrocento italiano.

Novecento, clasicismo moderno
En la mitad de la década de 1910, numerosos artistas redescubren los valores de la tradición y de los maestros antiguos como Giotto o Piero della Francesca. Este “regreso al orden” se generaliza por toda Europa.

En 1922, nace el movimiento Novecento Italiano. Los pintores Sironi, Funi y Oppi (primeros en integrar esta corriente) se orientan hacia el pasado para crear un “clasicismo moderno” basado en la pureza de las formas y la armonía de la composición.

Gio Ponti, figura relevante de las Artes Decorativas en la década de 1920, reinterpreta a través de su arquitectura modelos arcaicos, e inventa centenares de motivos decorativos que revisitan la mitología clásica de forma humorística.

En Murano, Paolo Venini confía la dirección de su cristalería a artistas y arquitectos como Zecchin, Martinuzzi y Scarpa. Crean formas puras, de inspiración clásica, pero también técnicas de fabricación inéditas.

La producción de muebles se caracteriza por formas sólidas y simplificadas (como en el mobiliario de Portaluppi para la familia Corbellini), adoptando a veces acentos grandilocuentes.

De forma paralela al lenguaje del Novecento, la década de 1920 ve desarrollarse el Realismo mágico, una interpretación original del clima de regreso al clasicismo. Entre los principales representantes de esta corriente, encontramos Felice Casorati y Antonio Donghi, autor de escenas burguesas sumergidas en una dimensión estátia y extraña. 

Abstracción y racionalismo, hacia el diseño industrial
En 1926, un grupo de jóvenes arquitectos lombardos adquiridos a las teorías de Gropius y de Le Corbusier funda el “Gruppo 7”, naciendo así el movimiento racionalista italiano.

Pronto, arquitectos de toda Italia se adhieren a esta nueva corriente en la que destacan los muebles de formas depuradas, desprovistas de ornamentación y en el que se utilizan nuevos materiales inspirados en la industria y en la producción en serie.

En Como, Terragni diseña un monumento, símbolo del movimiento moderno: la Casa del Fascio (“Casa del fascismo”); los artistas abstractos Manlio Rho y Mario Radice colaboran en su decoración.

El arte abstracto y la arquitectura racionalista proporcionan las bases del diseño industrial. Entre los ejemplos más significativos de este periodo de transición, encontramos objetos innovadores como el Mueble radio de Franco Albini y la vanguardista Lámpara “Bilia” de Gio Ponti, diseñada en 1931.

¿Dolce Vita? Del Liberty al diseño italiano (1900-1940)
Hasta el 13 septiembre 2015
Musée d'Orsay

Los objetos hablan en Cádiz

17/06/2015, La capital gaditana recibe la exposición “Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado”, compuesta íntegramente por fondos del Prado.



Cádiz, 17 de junio de 2015
“Los objetos hablan” reúne una selección de 60 pinturas y objetos de las principales escuelas representadas en el Prado entre los siglos XVI y XIX de autores como Velázquez, Rubens o Ribera. Además, cuatro de estas pinturas (El cardenal de Goya, Álvarez Sotomayor de Esteve, La Inmaculada Concepción de Murillo y Vanitas de Pietro Negri) se exponen por primera vez en el contexto de la muestra ya que no han podido ser contempladas en las sedes anteriores.

La exposición, que podrá visitarse hasta el 20 de septiembre en la Casa de Iberoamérica, aproxima al espectador a los objetos que le rodean, que utiliza de manera natural, automáticamente o conscientemente, y que forman parte esencial de la vida. Cada una de las piezas revela la importancia de un objeto para entender qué quiere transmitir el artista o bien su valor identificativo con el personaje representado: estrato social, iconografía religiosa, costumbres y creencias, circunstancias históricas y sociales...

Compuesta exclusivamente por obras del Museo del Prado, “Los objetos hablan” ofrece la posibilidad de disfrutar de piezas de primer orden que van desde una medalla de Felipe II, fechada en 1559, hasta la figura de una mujer en la playa pintada por Cecilio Pla en la segunda década del siglo XX. Estos objetos y cuadros plantean una visión sobre los enseres que acompañan a hombres y mujeres en su vida cotidiana o en momentos significativos.

Los cuadros del Museo del Prado muestran una gran cantidad de elementos simbólicos que nos permiten un acercamiento al mensaje que el artista o su mecenas o cliente quisieron transmitir. Suelen ser numerosos los detalles escondidos que nos obligan a recorrer una y otra vez la superficie pictórica para descubrir su esencia y su valor.

Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado
Hasta el 20 de septiembre de 2015
Casa de Iberoamérica
Concepción Arenal, s/n (Campo del Sur) 11005 Cádiz

Tesoros ocultos del Mekong

17/06/2015, Los científicos han descubierto en el 2014 139 especies nuevas en el territorio del Mekong, en el sudeste de Asia, según un informe divulgado por la organización WWF, World Wildlife Fund for Nature.



Bangkok, 27 de mayo de 2015
El Mekong, con casi 5.000 kilómetros de recorrido, drena una cuenca de casi un millón de kilómetros, cuadrados, en la que el año pasado, los naturalistas han hallado especiales como un murciélago con colmillos, una sigilosa serpiente lobo, una avispa “dementor” y el segundo insecto más grande del mundo, criaturas que en algunos casos están en peligro de extinción.

En total se han catalogado 90 nuevas plantas, 23 reptiles, 16 anfibios, 9 peces, según relata el informe, “Mekong Mágico. Con estas, ya son 2.216 las especies descubiertas entre 1997 y 2014 en el Gran Mekong, región que incluye a Camboya, Laos, Myanmar, Tailandia y Vietnam, donde existen ecosistemas únicos que “dan refugio a un verdadero tesoro de especies y beneficiando a millones de personas”, según el director de conservación de WWF-Gran Mekong, Teak Seng.

El nombre de la avispa Ampulex dementor de Tailandia, elegido por votación popular, viene de los personajes de los libros de Harry Potter. La avispa paraliza a sus presas con veneno antes de devorarlas vivas.

El segundo insecto más grande del mundo es un bicho palo que mide 54 centímetros: Se encontró a menos de un kilómetro de un pueblo en el norte de Vietnam. También se descubrió una serpiente lobo con una piel que recuerda a un murciélago y le ayuda a mimetizarse con la corteza de los árboles y el musgo característico de su hábitat en Camboya. O el aterrador Hypsugo dolichodon, un murciélago de enormes colmillos que sin embargo tiene más razones para sentir miedo del ser humano, ya que su hábitat en Laos podría perderse por la construcción de presas y canteras.

El informe Mekong Mágico afirma que los científicos responsables de estos descubrimientos sienten que están luchando a contrarreloj para documentar estas especies y luchar por su protección antes de que desaparezcan”, declaró Seng.

La salamandra cocodrilo también podría estar en apuros, ya que su principal núcleo reproductor está amenazado por un proyecto de construcción. Ya hay demanda del comercio internacional de mascotas, con dos de las salamandras encontradas en algunas tiendas de mascotas de Asia. También se descubrió que se está comerciando con dos nuevas especies de orquídeas.

“Sólo hemos arañado la superficie de lo que se puede descubrir en el Gran Mekong”, ha dicho en director del programa global de especies de WWF, Carlos Drews. “Sin embargo, mientras se están descubriendo especies, hay intensas presiones que están causando graves daños en la biodiversidad de la región. Es inevitable preguntarse cuántas especies habrán desaparecido antes incluso de que se hayan descubierto”.

Carreteras, presas insostenibles, deforestación y caza furtiva sin amenazas graves para territorios protegidos t de gran valor, por lo que los conservacionistas declaran que es imprescindible conseguir un compromiso para proteger hábitats clave para la fauna salvaje, buscando la cooperación transfronteriza para tomar decisiones sostenibles en cuestiones como la ubicación para construir grandes infraestructuras como vías de comunicación o represas.

Naturaleza muerta, fotografía y pintura

16/06/2015, El miércoles 17 de junio, el Museu Fundación Juan March de Palma presenta la exposición "Cosas. La idea de la Naturaleza Muerta en la Fotografía y la Pintura".

Palma, 16 de junio de 2015
Con motivo de esta exposición, el Museu Fundación Juan March de Palma reúne cuarenta y tres obras realizadas entre 1855 y 1975 procedentes de la colección Siegert (Múnich) y siete óleos del siglo XVII de autores como Willem Heda, Pieter Claesz, Juan van der Hamen y Pier Francesco Cittadini, provenientes de colecciones particulares.

La presente muestra (que establece un salto temporal de casi tres siglos entre fotografía y pintura y de más de un siglo entre las fotografías seleccionadas), plantea un diálogo lleno de sentido en el que el denominador común es el carácter de "naturalezas muertas" de las obras exhibidas, y, en concreto, su pertenencia a tres de los estadios de la vida de ese género artístico: su nacimiento en la pintura flamenca del siglo XVII y su extensión a países como Italia o España; su presencia como uno de los motivos preferentes del pictorialismo y de los protagonistas de los inicios de la fotografía; y, por último, el de su presencia en las vanguardias fotográficas de los años veinte a cincuenta del siglo pasado bajo un nuevo prisma.

La expresión "naturaleza muerta" proviene de la confusa traducción del original flamenco "stilleven" ("vida en calma", "vida quieta" o "vida inmóvil"). Esta denominación se empezó a aplicar en el siglo XVII a un tipo de pintura, nacida en Holanda y Flandes, que representaba lo que genéricamente podría ser designado con la palabra "cosas".

Esta práctica pictórica representaba mesas puestas con objetos de todo tipo: alimentos, enseres, objetos decorativos, centros y arreglos florales... colocados en artístico desorden, junto a frutas, hortalizas, dulces, e incluso insectos y pequeños animales, vivos o recién cazados y muertos.

La fotografía, en su papel de imitadora del espacio real o imaginado, sigue la estela de este género. Así, las fotografías seleccionadas para la muestra (algunas pertenecientes a grandes figuras de la historia de la fotografía, y otras a fotógrafos anónimos o documentalistas), admiten con toda naturalidad su pertenencia a casi las mismas agrupaciones que se observan en este género: los centros de flores, las composiciones de objetos sobre mesas, aunque, obviamente, con la novedad de incluir objetos que aún no habían sido inventados en el siglo XVII, o como resultado de procesos de abstracción.

Llama la atención hasta qué punto están unidas realidades tan distintas como la vanguardia experimental del siglo XX y un género pictórico tres siglos más antiguo. Salvando las diferencias y distancias de espacio geográfico y tiempo histórico, las imágenes establecen sintonías razonables y sorprendentes.

Naturaleza muerta, fotografía y pintura
Hasta el 10 de octubre de 2015
Museu Fundación Juan March de Palma

Ai Weiwei en otoño

16/06/2015, El otoño artístico londinense tomará este año un matiz oriental con la presencia de la obra de Ai Weiwei en la Royal Academy of Arts.

Londres, 16 de junio de 2015
la institución anuncia ya la próxima exposición de este artista chino, muy apreciado en el Reino Unido, del 19 de septiembre al 13 de diciembre

Ai Weiwei (1957) es un famoso artista, diseñador y activista social chino, conocido por su obra y su criterio independiente que le ha llevado incluso a la cárcel, en el 2011.Es sin duda uno de los artistas más influyentes de China en la actualidad.

La Royal Academy señala que tras la presencia de recientes grandes del arte como Hockney, Kapoor, Kiefer, este otoño aborda el reto de presentar a un artista especial por lo que significa en la amplitud de su actividad: Ai Weiwei, quien llegó a ser ampliamente conocido en Gran Bretaña después de su instalación de las semillas de girasol en la Sala de Turbinas de la Tate Modern en 2010, pero que ahora será mostrado en el Reino Unido con una muestra integral, que abarca más de dos décadas de su extraordinaria carrera.

Comisariada la muestra en colaboración con Ai Weiwei desde su estudio en Beijing, la RA presentará algunas de sus obras más importantes desde cuando regresó a China después de su estancia en los EE.UU. en 1993, hasta nuestros días. Entre las nuevas obras creadas específicamente para los espacios londinenses, un número de instalaciones a gran escala, así como las obras que muestran su amplio trabajo, en diversos materiales.

Ai Wei se empapó de surrealismo en Estados Unidos, donde empezó a admirar a gentes como Warhol y Duchamp. La mezcla de lo occidental y la tradición china forjaron una nueva cosmovisión que ganó fama mundial sobre todo a través de la difusión de Internet. Su obra que muestra el logo de Coca-Cola inscrito sobre una vasija cerámica tradicional china es toda una definición de ideario.

En Pekín contribuyó a los juegos Olímpicos asesorando en el diseño del estadio Nido de pájaro, Estadio Nacional, junto con los arquitectos del equipo Herzog & de Meuron, pero luego entraría en conflicto con el propio gobierno, al denunciar la mala construcción de los edificios de escolares demostrada con el terremoto de Sichuan de, en 2010, que costó la vida a miles de niños. Hizo a este respecto una obra-denuncia con miles de mochilas escolares que denuncian la desaparición de los pequeños.

Detenido en abril de 2011 por la policía china, Fue liberado 80 días más tarde tras registrarse protestas en todo el mundo por esta acción. Fue liberado pero no se permite su salida de China. Su obra, por fortuna, sale al exterior.

Plata. Deseo y realidad

15/06/2015, Hasta el 27 de septiembre el Museo Nacional de Artes Decorativas presenta una selección de los objetos de plata que componen su nutrida colección.

Madrid, 15 de junio de 2015
Esta muestra da la oportunidad al público de conocer una de las colecciones públicas españolas más notables en lo que a plata se refiere, la del Museo Nacional de Artes Decorativas, que cuenta entre sus fondos con objetos de muy distintas épocas, procedencias, usos y calidades.

La muestra reúne un conjunto de 166 piezas entre las que destacan una cafetera (1750-1760) del Círculo de François-Thomas Germain; un bufete (1550- 1575), posiblemente original de Núremberg; una Copa nautilus (1600 ca.); o unas mancerinas (1695-1702) de Juan de Ortega.

La platería es una disciplina con un grado elevado de complejidad en la que se incluyen técnicas artísticas como el batido, el torneado y el fundido y procedimientos de decoración y acabado como el repujado, el cincelado y el sobredorado.

El ascenso a la maestría en el arte de la platería requería el paso por dos escalafones: aprendiz y oficial.

Para iniciarse en el oficio, los aprendices (de menos de doce años), tenían que saber leer, escribir, tener nociones de aritmética y dominar el dibujo.

El periodo de aprendizaje duraba entre cuatro y seis años. Después, el aspirante realizaba el examen que le daría el título de oficial.

Los oficiales trabajaban en los talleres de platería. Normalmente, tras dos años de trabajo en un taller y con permiso del colegio o la cofradía, podían abrir tienda propia como maestros.

Aunque las artes del metal no nacieran para servir expresamente a los objetivos del culto religioso, piezas de oro, plata y aleaciones de metales escasos, han abundado entre el mobiliario ritual desde las culturas orientales y el antiguo Egipto hasta los tiempos de madurez del judaísmo o el cristianismo.

Además de las abundantes piezas de platería conservadas en los centros de culto, otros objetos de carácter religioso estaban expresamente indicados para su instalación en los interiores domésticos.

Así, la devoción privada contó con tipologías específicas labradas en plata, muy similares a las de ciertas fábricas religiosas. Benditeras, cuadros con marcos de plata repujados para estampas, altares domésticos, esculturas de santos de tamaño medio, apliques de mobiliario con escenas bíblicas, iconos, relicarios, cruces...

En cuanto a platería civil, la escasez de piezas conservadas convierte a esta categoría en una gran desconocida. En España la encontramos casi únicamente en colecciones públicas y privadas. Durante la Edad Moderna, la producción fue abundante. La plata se atesoraba en aparadores y adornaba las mesas de gala de las casas y palacios de los mejor situados. A pesar de esta abundante producción, hoy en día los ejemplos de platería civil escasean debido a varios grandes factores que motivaron su desaparición:

- Las crisis de las grandes casas nobiliarias de la Edad Moderna y la dispersión de su patrimonio.
- La naturaleza propia de las piezas de plata, que las hace susceptibles de ser recicladas con cierta facilidad.
- Las necesidades económicas de los conflictos armados con intervención española, en los que piezas de plata fueron empleadas como pago en especie, donativo para los gastos de guerra o materia prima para acuñar moneda de emergencia.

Plata. Deseo y realidad
Hasta el 27/9/15
Museo Nacional de Artes Decorativas

Tras las huellas de Teresa en Ávila

15/06/2015, Ávila es la ciudad de Santa Teresa de Jesús, una de las figuras más excepcionales de la espiritualidad. Esta fue la ciudad de su infancia, juventud y madurez, punto de partida y de retorno de sus fundaciones.

Ávila, 15 de junio de 2015
Teresa de Cepeda y Ahumada nació en el seno de una familia numerosa un 28 de marzo de 1515. Sus padres, Alonso Sánchez de Cepeda y Beatriz Dávila Ahumada, procedían de Toledo.

La vida de la santa coincide con el "Siglo de Oro" de Ávila, que queda reflejado en la renovación urbanística, la construcción de palacios renacentistas, la remodelación de los templos de la ciudad y en las nuevas fundaciones conventuales.

En el 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús (en 1582 muere en Alba de Tormes, donde está enterrada), no hay mejor manera de recordar su vida y obra que recorriendo las calles y rincones que pisó.

IGLESIA Y CONVENTO DE SANTA TERESA
En los últimos años del siglo XVI llegan a Ávila los carmelitas descalzos procedentes de Duruelo, con la idea de establecer casa en la ciudad. Allí adquieren los restos de la vivienda que había pertenecido a la familia de la Santa, con la idea de edificar allí la iglesia y el convento.

La iglesia, levantada sobre la casa natal de Teresa de Cepeda y Ahumada, forma conjunto con el convento carmelitano.
Debajo se encuentra la gran cripta abovedada de enterramientos, actual museo teresiano.

IGLESIA DE SAN JUAN BAUTISTA
En esta iglesia de origen románico, el 4 de abril de 1515, Teresa de Cepeda y Ahumada recibe el bautismo, en una pila gótica del S.XV que aún se conserva en el templo.

PALACIO DE NÚÑEZ VELA
En este palacio del S.XVI, próximo a la casa de Teresa, residía Blasco Núñez Vela, primer virrey del Perú.

La familia de los Vela estuvo estrechamente relacionada con la de los Cepeda, hasta el punto que Núñez Vela fue el padrino de bautismo de la Santa.

EL PUENTE SOBRE EL ADAJA
Este puente de origen romano, transformado en el medievo, era la vía de acceso a la ciudad desde occidente.

Junto al puente se erigía la desaparecida ermita románica de San Lázaro, donde se veneraba la imagen de la Virgen de la Caridad, a la que según contaba la propia Teresa de Ávila se encomendó cuando murió su madre Beatriz de Ahumada. Era el año 1527, Teresa tenía 12 años.

CONVENTO DE NUESTRA SEÑORA DE GRACIA<(b>
En este convento fundado en 1509, de la Orden de San Agustín, Alonso de Cepeda internó, en 1531, a su hija Teresa en contra de su voluntad, con la idea de que madurase y se formase.

La tutela de María Briceño será esencial en su formación y en su decisión de profesar como religiosa.

MONASTERIO DE LA ENCARNACIÓN
El monasterio de la Encarnación se funda en 1478 en el interior de la ciudad amurallada, siendo a principios del S.XVI cuando el convento carmelita se traslada a las afueras de la ciudad.

Este es uno de los lugares esenciales de la vida de Teresa de Ávila, donde permaneció casi ininterrumpidamente desde 1535 hasta 1574. Cuando Teresa de Cepeda, sin permiso paterno, ingresa en la Orden del Carmen, el monasterio era uno de los más poblados de la ciudad.

Allí recibe los consejos de Francisco de Borja, de Juan de la Cruz y de Pedro de Alcántara, y desde aquí se prepará la Reforma del Carmelo, para volver la orden a la austeridad, la pobreza y la clausura.

A finales del S.XVI, la celda que ocupó Teresa de Jesús se destina a oratorio, ideándose construir una capilla, la cual no quedará inaugurada hasta 1717; es la capilla de la Transverberación.

El Convento alberga un museo teresiano.

MONASTERIO DE SAN JOSÉ –LAS MADRES-
Es la primera fundación de la Santa, siendo muchas las dificultades que se encontró para llevar a buen término su proyecto, necesitando de la ayuda de familiares, amigos y miembros de la nobleza y del clero abulense.

Se funda el 24 de agosto de 1562. Tomaron el hábito cuatro novicias en la nueva Orden de las Carmelitas Descalzas de San José. Hubo alborotos en Ávila, y se obligó a la Santa a regresar al convento de la Encarnación; calmados los ánimos, vivió Teresa de Jesús 4 años en el convento de San José con gran austeridad.

El monasterio se componía de un conjunto de casas y una pequeña iglesia, sustituida, entre 1608-1615, por otra levantada con las trazas del arquitecto Francisco de Mora (gran devoto de la Santa9, que planteó el prototipo de iglesia carmelitana.

El convento conserva las antiguas dependencias conventuales, que permiten imaginar cómo era aquel primer convento de la reforma y el espíritu de su promotora.

CAPILLA DE SANTA TERESA -LA CATEDRAL-
La capilla de Santa Teresa de la catedral abulense fue construida, en estilo renacentista, por Pedro del Valle. Contiene la imagen de la Virgen de la caridad, que antaño se encontraba en la desaparecida iglesia de San Lázaro, junto al puente sobre el Adaja, a la que se encomendó Teresa de cepeda cuando murió su madre.

Saturación

15/06/2015, Una triple exposición en Londres examina el papel de la pintura en la producción de arte contemporáneo en España.

Londres, 15 de junio de 2015
En una era en la que las tecnologías portátiles nos han convertido no sólo en consumidores, sino también en constantes creadores y editores de imágenes, el valor artístico de la imagen pictórica ha sido relegada a la periferia del discurso crítico en arte contemporáneo. Esta exposición examina el papel que juega la pintura en este contexto de expansión y proliferación de los medios y la tecnología visual.

SATURACIÓN estudia la persistencia de la pintura en la producción artística contemporánea, y explora el alcance, los métodos y los medios de producción de la pintura actual a través de la obra de diecisiete artistas españoles en tres exposiciones simultáneas que se celebrarán en londres del 23 de junio al 31 de julio de 2015.

FONDO | FIGURA en The Fitzrovia Gallery, Whitfield Street, 23 de Junio al 31 de Julio.
Explora aproximaciones narrativas (y contra-narrativas) sobre tela, papel, acrílico u hormigón. Utilizando el lenguaje y las técnicas propias de la fotografía, esta pintura reconfigura imágenes, solapa y altera asociaciones, establece jerarquías narrativas y espaciales, distorsiona e incluso cuestiona el propio hecho del óleo o acrílico sobre lienzo o papel. Los artistas desestabilizan convenciones de la pintura, trasladándola así a un estado más fluido y ambiguo.

SUMA, RESTA, DIVIDE en COPPERFIELD, Copperfield Street, 16 Julio al 12 de Septiembre.
Presenta a artistas que reposicionan la tradición abstracta con vigor renovado, empujando sus límites hacia un terreno experimental. Algunas obras abordan el propio hecho físico de la disciplina, desmontando o reconfigurando la pintura de caballete, virando el foco de atención en los materiales en vez de en el cuadro en sí. Otras experimentan con materiales o cambio de escalas para reposicionar formas familiares en la tradición abstracta, inyectando lecturas con connotaciones políticas o de género.

PINTURA ACTUADA en The RYDER Projects, Herald Street, 17 de Julio al 12 de Septiembre.
Indaga el acto y re-actuación del pintar, directamente en el muro de la galería o transportada al vídeo o la animación. Los límites físicos y visuales son sondeados, se despliegan herramientas o técnicas diversas para extender el alcance del brazo, ampliar el gesto de la pincelada o estirar el espectro de colores visibles para el ojo. La imagen invita a la mirada a pasear sobre su superficie y repetir la visita, rastreando el trazo del artista.

Gauguin en la Beyeler: récord de visitas

12/06/2015, La muestra de Paul Gauguin en la Fundación Beyeler ha batido el 11 de junio un récord, al alcanzar los 300.000 visitantes, desde su apertura el 8 de febrero.

Riehen/Basilea, 12 de junio de 2015
La muestra, que se clausura el 28 de junio, alcanza así un hito en la historia de este establecimiento artístico ubicado en Riehen, en las afueras de Basilea.

Según informa la Beyeler, Franz Herger y su esposa Monika han sido recibidos por el director Comercial del centro Ulrike Erbslöh y el comisario de la exposición "Paul Gauguin", Dr. Rafael Bouvier, que entregaron a los visitantes un premio consistente en una estancia en Tenerife.

Ulrike Erbslöh expresó, en nombre del equipo de la Fundación Beyeler el placer de constatar el entusiasmo que ha despertado esta muestra que reúne 51 obras maestras del pintor francés y que ha atraído multitud de viajeros de Suiza del exterior.

El museo ha establecido nuevos horarios de visita, abriendo a las 9,00 horas a lo largo de todo el mes de junio. El día 28, a las 11,00, en la fundación, los músicos de la "Joven Orquesta Filarmónica de Boston," darán un concierto en la Fundación, con motivo de la clausura de la muestra. Ese mismo día, la orquesta dará otro concierto por la noche en el casino de la ciudad de Basilea.

La muestra sobre Paul Gauguin (1848 - 1903), en la Fundación Beyeler es una de las citas artísticas de interés en Europa en 2015, porque reúne excelentes obras de importantes museos y renombradas colecciones privadas.

Los colores brillantes del mundo de Gauguin, uno de los iconos del arte moderno, están representados en el museo de Riehen. Entre sus cuadros, los autorretratos y pinturas visionarias y espirituales de la estancia del autor en Gran Bretaña. También hay importantes cuadros de su viaje a Tahití, donde pinto una colección de figuras femeninas sensuales, animales simbólicos y paisajes exóticos.

La naturaleza, cultura, misticismo y erotismo de sus trabajos se unen a una selección de esculturas que nos recuerdan a Gauguin y la búsqueda de ese paraíso perdido, donde habitó el artista, en medio de una azarosa existencia, en la que no faltaron pasiones y aventuras.

Últimos días de Sorolla. Trazos en la arena

11/06/2015, Hasta el día 28 de junio se puede visitar la exposición Sorolla. Trazos en la arena en el Museo Sorolla de Madrid.

Madrid, 11 de junio de 2015
Sorolla. Trazos en la arena, la primera gran muestra centrada en la faceta gráfica de Joaquín Sorolla, pretende desvelar la amplitud del dibujo dentro de la producción del pintor valenciano, una faceta apenas explorada y casi siempre considerada como mero apoyo para el estudio de obras concretas.

Los dibujos de Sorolla constituyen un documento esencial para la profundización en el conocimiento de su obra pictórica, como parte del proceso creativo, pero también como expresión artística de personalidad propia.

La selección de dibujos que presenta esta exposición ofrece un punto de vista complementario sobre la evolución artística de Joaquín Sorolla.

Al observarlos apreciamos que su evolución es paralela a la de su pintura. Las inquietudes esenciales, la estética y los retos que se plantea en cada momento coinciden en ambas vertientes.
Su dibujo complementa su pintura, dando como resultado todo un universo estético coherente en el que ambas manifestaciones se combinan siguiendo sus propias líneas pero con motivaciones comunes.

La exposición, organizada en cinco bloques temáticos (El trabajo en el mar; Barcas, Bueyes y velas; Mujeres del mar: pescadoras y madres; La alegría del agua y Elegantes en la playa) cuenta con cerca de 90 dibujos, 28 cuadros al óleo y 33 notas de color.

La muestra, que en un principio debía de haber finalizado el pasado 28 de febrero, fue prorrogada hasta el 28 de junio de 2015 debido al gran interés suscitado entre los visitantes.

Alvar Aalto. Arquitectura orgánica, arte y diseño

10/06/2015, CaixaForum Barcelona presenta hasta el 23 de agosto una gran retrospectiva sobre el arquitecto finlandés Alvar Aalto.



Barcelona, 10 de junio de 2015
La muestra del CaixaForum Barcelona presenta una amplia panorámica de la vida y producción de Alvar Aalto (1898-1976), el arquitecto finlandés más conocido de su generación y uno de los más importantes del siglo XX.

Aalto, figura clave de la arquitectura y el diseño internacional de vanguardia desde los años veinte, realizó encargos en países como Italia, Suiza, Francia, Alemania y Estados Unidos, en la posguerra. Su prolífica carrera llega hasta los años setenta, incluyendo más de 400 edificios y docenas de muebles y objetos reconocidos en la actualidad como hitos del desarrollo del mobiliario moderno

La arquitectura es un arte social al servicio del lugar, de los seres humanos y de la comunidad. Según Alvar Aalto, la finalidad de la arquitectura es conseguir la armonía entre el mundo material y la vida humana.

Los edificios de Aalto plasman una magistral interacción de volúmenes, formas y materiales orgánicos. Al final de su trayectoria, el arquitecto acabó llevando a cabo encargos a gran escala, como el Auditorio Finlandia de Helsinki (1975), justo un año antes de su muerte, o la Ópera de Essen, finalizada póstumamente en 1988.

La exposición "Alvar Aalto. Arquitectura orgánica, arte y diseño" (hasta el 23 de agosto en CaixaForum Barcelona), profundiza, a través de 20 maquetas históricas y más de cien dibujos originales, muebles, lámparas y objetos de cristal, en el pensamiento arquitectónico de Aalto, y muestra algunos de los edificios y diseños más representativos de su producción. 

500 años de la Torre de Belém

10/06/2015, Lisboa celebra 500 años desde que el rey D. Manuel I de Portugal ordenara la construcción de uno de los emblemas nacionales de la historia del país: la Torre de Belém.



Lisboa, 10 de junio de 2015
La Torre de Belém, clasificada por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1983, es uno de los monumentos más importantes de Portugal, símbolo de la identidad portuguesa y de un país marcado por el mar y los descubrimientos.

Originalmente denominada “Castelo de São Vicente a par de Belém”, este monumento de estilo arquitectónico manuelino formaba parte de la línea de fortificaciones que mandó construir Manuel I para la defensa de la costa portuguesa que va desde Cascais a Lisboa.

Construida por Francisco Arruda entre 1514 y 1520, y con claras influencias islámicas y orientales, la Torre de Belém ha sido restaurada en numerosas ocasiones y ha desarrollado funciones de armería, prisión, aduana y faro.

Con objetivo de conmemorar la construcción de este símbolo portugués, Lisboa acoge este año iniciativas culturales como exposiciones, charlas y conciertos.

En la exposición “La magnífica y hermosa Torre” (hasta el 15 de octubre) los visitantes podrán conocer, a través de una serie de paneles situados junto a la Torre de Belém la historia de la torre y de sus alrededores.

Además, en la Sala de los Reyes del edificio también puede visitarse, hasta julio de 2015, la exposición fotográfica “Con ojos para ver”, donde estudiantes de Arte plasman su visión de la Torre.

Para celebrar este aniversario, la Torre de Belém acogerá los días 3 y 4 de julio, el espectáculo “Voz y Guitarra”, con actuaciones de música portuguesa de los últimos 30 años. El concierto es de entrada libre.

Por su parte, el Centro Cultural de Belém acogerá los días 13, 14 y 15 de octubre el congreso internacional Sphera Mundi, Arte y Cultura en tiempos de Descubrimientos. 

Zurbarán: una nueva mirada

09/06/2015, El Museo Thyssen-Bornemisza propone un recorrido por la producción artística de Francisco de Zurbarán desde sus primeros encargos hasta las obras claves de su periodo de madurez.



Madrid, 9 de junio de 2015
La exposición "Zurbarán: una nueva mirada" ofrece una nueva visión de uno de los pintores más importantes del Siglo de Oro español gracias a la presencia de una selección de trabajos inéditos o recuperados en los últimos años que han venido a enriquecer el conocimiento del artista y su trabajo, en el que destacan temas como la religión, la mitología, el retrato o las naturalezas muertas.

A la luz de los estudios realizados en los últimos años, la investigación de los expertos ha permitido actualizar el legado de este maestro, distinguir su autoría en nuevos lienzos, profundizar sobre su taller y colaboradores e incluso añadir datos sobre su vida personal.

Coetáneo de Velázquez, la visión realista y mística de su pintura y su personal manera de tratar los distintos temas característicos de su producción le han convertido en un pintor fundamental que ha sido reconocido por las corrientes pictóricas modernas.



El itinerario comienza con los bodegones del artista y de su hijo Juan y dedicando una mirada a los colaboradores de su obrador. En sus primeros óleos encargados por órdenes religiosas aparecen ya las características de la pintura de Zurbarán: sobriedad, sencillez, formas perfectamente definidas por la luz, expresivos contraluces, excelente dibujo, espiritualidad contenida y un admirable tratamiento de las telas.

La década comprendida entre 1630 y 1640 se considera la más brillante de la carrera de Zurbarán tanto en la calidad como en la cantidad de trabajos que realiza. En Los encargos proceden mayoritariamente de la ciudad de Sevilla. Zurbarán realizaría en esta época pinturas aisladas destinadas tanto a órdenes religiosas o a clientes particulares.

El estilo de Zurbarán sufre una importante transformación hacia 1650. Las formas escultóricas y la intensa luz de sus primeros trabajos dan paso a una penumbra evocadora en la que envuelve a sus figuras y a una pincelada más suave que no resta precisión a sus imágenes. El lienzo se reduce, pues va destinado a la devoción privada de una clientela noble y aristocrática. Sin embargo, sus lienzos conservan intactas las características esenciales de su pintura: el sentimiento religioso o la capacidad para captar las distintas calidades de los objetos. 

Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Nacido en Fuente de Cantos, un pequeño pueblo de Extremadura, en 1598, Zurbarán se formaría en el taller de Pedro Díaz Villanueva (Sevilla), donde mantuvo contactos con Francisco Herrera el Viejo, Diego Velázquez y Alonso Cano.

Al terminar su aprendizaje, en 1617, Zurbarán se establece en Llerena durante más de diez años.

Vuelve a Sevilla tras recibir un encargo de los dominicos de San Pablo el Real, para llevar a cabo una serie sobre la vida de santo Domingo.

La primera obra fechada de esta etapa es la Crucifixión. A pesar de su juventud, estas obras muestran ya una prodigiosa capacidad para reproducir los materiales, gran intensidad expresiva en los rostros, delicadeza cromática y un rico colorido.

También trabajó para los frailes de la Merced Calzada, para los que realizó un San Serapio. Por estas fechas ya es uno de los pintores más importantes y famosos de Andalucía.

En 1634 se traslada a Madrid, recomendado por Velázquez para decorar el Salón de Reinos del Buen Retiro con una serie de diez lienzos con los Trabajos de Hércules y dos lienzos sobre el Socorro de Cádiz.

Regresa al año siguiente a Sevilla. Este periodo coincide con su plena madurez artística, siendo también el más fructífero de su producción, llevando a cabo algunas de sus series más importantes, como la de la cartuja de Jerez de la Frontera y la del monasterio de Guadalupe.

Sus últimos años coinciden con el inicio de su declive. De todas formas, mantuvo una gran actividad con el envío de cuadros hacia las Indias: México, Lima y otras ciudades importantes.

En 1658 regresó a Madrid, donde morirá en situación cercana a la pobreza en 1664.

Zurbarán: una nueva mirada
Del 9 de junio al 13 de septiembre de 2015
Sala de Exposiciones Temporales del Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, 8, Madrid

Max Bill en Cuenca

09/06/2015, Desde el 24 de junio el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca presenta una exposición que muestra de un modo sintético y eficaz la obra gráfica del polifacético artista suizo.



Cuenca, 9 de junio de 2015
“Max Bill: obras de arte multiplicadas como originales (1938-1994)” recoge una selección de más de un centenar de obras que constatan la coherencia que la obra gráfica de Max Bill guarda con su intensa investigación teórica en torno a la noción de forma, una investigación que animó su trabajo como artista, diseñador y arquitecto.

La exposición, que podrá verse en el Museo de Arte Abstracto Español (Fundación Juan March) de Cuenca, entre el 24 de junio y el 18 de septiembre, es una de las pocas dedicadas en extenso a la producción altamente experimental de Max Bill, siempre llena de vínculos y relaciones con su obra pictórica y escultórica.

Max Bill (1908-1994), se formó en los principios de la Bauhaus con maestros como Vasily Kandinsky, Josef Albers, Paul Klee u Oskar Schlemmer, destacando como pintor, arquitecto, escultor, grabador, publicitario, diseñador gráfico, creador de tipografías y autor de importantes diseños para la industria.

Desde el primer momento, Bill alternó una intensa dedicación a las distintas vertientes del arte con su faceta de docente e investigador. Sus investigaciones le llevaron a impulsar el concepto de “arte concreto” que avanzara Teo van Doesburg, y a integrarse durante un tiempo en el grupo abstraction-création.

El centenar de piezas que componen la exposición muestran, desde los primeros experimentos con el grabado (a finales de los años treinta), hasta su última serie, realizada en 1994 (el año de su muerte). De esta manera, “Max Bill: obras de arte multiplicadas como originales (1938-1994)”, permite rastrear la creación y la consolidación de un lenguaje artístico que para su desarrollo utiliza sobre todo la geometría, las ideas y el pensamiento matemático.

“Max Bill: obras de arte multiplicadas como originales (1938-1994)”
Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca
Del 24 de junio al 18 de septiembre de 2015

Unamuno en la BNE

08/06/2015, El 9 de junio la Biblioteca Nacional de España inaugura la exposición "Yo, Unamuno", coorganizada por la BNE y la Universidad de Salamanca.



Madrid, 8 de junio de 2015
Compuesta por casi un centenar de cartas autógrafas de Miguel de Unamuno conservadas en la Biblioteca, esta exposición redescubre la personalidad polifacética y compleja de Miguel de Unamuno, así como algunos de los mayores hitos de la vida de este intelectual, escritor, ensayista y periodista, que siempre anheló distinguirse en todos los campos en los que trabajó.

El título de la exposición condensa una frase de Unamuno a su amigo, el crítico literario Francisco Fernández Villegas, en noviembre de 1896: "Yo soy yo, como cada quisque, género aparte. Y mi progreso consiste en “unamunizarme” cada vez más". En este sentido, años después piensa llamar a su primer drama Yo, yo y yo, título que sustituirá luego por el de La Esfinge (1898).

Entre las piezas mostradas en esta exposición, se encuentra "De Fuerteventura a París: diario íntimo de confinamiento y destierro vertido en sonetos" (1924-1925), autógrafo con correcciones que abarca 117 hojas, y ejemplo emblemático de la conjunción entre escritura de confesión y creación literaria. También se podrá contemplar un borrador autógrafo de "El Otro", redactado en un cuaderno de colegial francés, así como un manuscrito de "El pasado que vuelve", un drama en tres actos mandado al editor alemán Haberer Helasco.

Si bien estos ejemplos pueden dar pie a la fama de "ególatra" que se ganó pronto el autor, corresponden a un periodo crucial de su recorrido vital, su estancia en Salamanca a los 30 años de edad, como catedrático de Griego en la Universidad. Con los años, el "yo" llega a ser el componente esencial de su obra y penetra en todos los espacios de su creación: novela, poesía, teatro, ensayo, artículos de prensa e incluso correspondencia privada.

Yo, Unamuno
Desde el 9 de junio hasta el 20 de septiembre de 2015
Museo BNE, Sala de las Musas

Korda, retrato femenino

08/06/2015, Hasta el 6 de septiembre en el Museo Cerralbo se puede visitar una exposición que muestra una de las facetas más desconocidas de la obra de Korda, sus retratos femeninos.



Madrid, 8 de junio de 2015
Alberto Díaz Gutiérrez (Cuba, 1928-2001), más conocido por el apodo de Korda, alcanzó fama internacional gracias a su mítico retrato del Che Guevara titulada “Guerrillero heroico”, probablemente una de las imágenes más reproducidas de nuestra historia visual.

Pero más allá de esta icónica fotografía, Korda, uno de los fotógrafos más interesantes del siglo XX, sintió auténtica pasión por representar la belleza femenina. No sin razón, el mismo artista llegó a señalar en más de una ocasión que fue la necesidad de captar la belleza de las mujeres lo que le hizo fotógrafo. 

Korda aprendió la técnica de manera autodidacta retratando a mujeres y desarrolló su estilo a través de la fotografía de moda y publicidad. Tal fue su obsesión, que el retrato femenino constituyó el nervio angular de su trayectoria.

Dentro de este género, Korda creó una amplia colección de imágenes caracterizada por su particular estilo y el uso natural de la luz. Ahora, el Museo Cerralgo presenta una selección de sesenta retratos en blanco y negro fechados entre 1952 y 1960 que cuentan la historia del infatigable deseo de Korda por inmortalizar la belleza de las mujeres, y nos descubren una faceta menos conocida del autor que, sin embargo, marcó su trayectoria artística y biográfica.

Korda, retrato femenino
Museo Cerralbo
Hasta el 6 de septiembre de 2015


Cetrería, Patrimonio Cultural y Ciencia

04/06/2015, Hasta el 30 de septiembre de 2015 el Museo Nacional de Ciencias Naturales presenta una exposición dedicada a la Cetrería, un arte fascinante y poco conocido.



Madrid, 4 de junio de 2015
La cetrería, el arte de cazar animales silvestres con aves de presa adiestradas para ello, constituye el Patrimonio Cultural Inmaterial más internacional en la historia de la UNESCO, con más de 4.000 años de práctica ininterrumpida en más de 70 países.

La cetrería ha dado origen a la ornitología, desarrollado las razas de perros de muestra, inspirado a científicos como José Antonio Valverde o Meritxell, a artistas como Goya o Dalí, y a escritores como Cervantes o Góngora.

En muchos países la cetrería ha sido clave para la conservación de las rapaces, que pasaron de estar perseguidas a ser consideradas joyas del patrimonio natural. Sin embargo, a pesar de formar parte de la identidad cultural española desde hace más de 1.500 años, la cetrería es una gran desconocida para el gran público.

La exposición "Cetrería; Patrimonio Cultural y Ciencia" se divide en tres apartados:

Qué es la Cetrería atiende a su definición, origen, historia, así como su gran importancia en el Medioevo, las aves empleadas y sus presas. Además ofrece un panorama actual de la cetrería en España y en el mundo.

Aplicaciones de la Cetrería repasa áreas como control de fauna, investigaciones científicas, exhibiciones de vuelo, recuperación aves de presa, reportajes fotográficos, rodaje documentales, iconografía, acercamiento a la Naturaleza y Educación Ambiental.

Aportaciones de la Cetrería comprende el origen de la ornitología, desarrollo de razas de perros de muestra, conservación de las Aves Rapaces, Cetrería como fuente de inspiración, avances veterinarios y de reproducción de Aves Rapaces o la Cetrería en el Arte.

La OMT y el Mediterráneo

03/06/2015, La cuarta parte del turismo mundial se centra en torno al mar Mediterráneo, y en especial sobre España, Francia e Italia.

[[cmsimg 15491]]

Madrid, 3 de junio de 2015
La Organización Mundial del Turismo (OMT) celebra este mes, del 22 al 24 de junio, una conferencia en la que se tratará sobre la gestión de la calidad como elemento crucial para la competitividad turística de este destino.

La segunda Conferencia de la OMT sobre Gestión de Destinos en el Mediterráneo se centrará en potenciar la calidad de la experiencia de los visitantes mediante alianzas estratégicas y se celebra en Budva [Montenegro],

El Mediterráneo es la región más visitada del mundo: una de cada tres llegadas de turistas internacionales se registra en esta región, así como casi el 20 por ciento del mercado mundial de los cruceros y más de una cuarta parte del total de ingresos por turismo internacional.

[[cmsimg 15492]]

La Conferencia, organizada conjuntamente por la OMT y el Ministerio de Desarrollo Sostenible y Turismo de Montenegro en el popular destino costero de Budva, estudiará de qué forma el desarrollo de alianzas puede promover la calidad y la diversificación de productos turísticos en el Mediterráneo.

La Conferencia abordará cuestiones como el posicionamiento de los destinos mediterráneos en el mercado mundial; innovación y diversificación de productos turísticos como instrumentos para mejorar la calidad, captar un espectro más amplio de nichos de mercado, minimizar la estacionalidad; el turismo de cruceros y náutico y la gobernanza.

Entre los ponentes habrá representantes de los sectores turísticos público y privado de Croacia, Chipre, Francia, Grecia, Jordania, España, Portugal y Turquía.

En 2014, 343 millones de turistas internacionales visitaron un destino mediterráneo. Según las previsiones a largo plazo de la OMT, este número llegará a los 500 millones en 2030, aunque la cuota de mercado disminuirá ligeramente.

La cocina de El Celler, coronada

03/06/2015, Los restaurantes españoles vuelven a ocupar el centro de la atención de los expertos culinarios, con la aparición de la lista de la Revista Restaurant, que encumbra este año al Celler de Can Roca a la primera posición.



Londres, 3 de junio de 2015
Éxito tambien italiano, pues la Ostería Francescana, de Módena, alcanza la segunda da posición, relegando al prestigioso Noma, de Dinamarca, al tercer lugar. El año pasado, el establecimiento danés había alcanzado la primera plaza.

Alegría entre los tres hermanos Roca, cada uno experto en un ámbito culinario, que juntos vuelven a la primera plaza. Y alegría también en general entre los cocineros españoles, que tienen ganado un sólido palmarés, después de que Ferrán Adriá, ahora fuera del concurso, ganase anteriormente otros cinco promeros puestos.

Éxito también entre los restaurantes de América Latina, que van ascendiendo lugares. Nueve están entre los cincuenta primeros. El Central, de Lima, ha llegado al puesto cuatro, pero también aparecen otros establecimientos de Perú, México y Chile.

En España se valora que son siete los restaurantes españoles que están entre los 50 mejores, y que entre los cien primeros van abriéndose paso otros. En la lista de los cincuenta, también hay seis establecimientos de Estados Unidos y cinco de Francia

El escalafón es así:

1. El Celler de Can Roca, Girona, España
2. Osteria Francescana, Modena, Italia
3. Noma, Copenhague, Dinamarca
4. Central, Lima, Perú
5. Eleven Madison Park, Nueva York, Estados Unidos
6. Mugaritz San Sebastián, España
7. Dinner by Heston Blumenthal London, Reino Unido
8. Narisawa , okio, Japón
9. D. O. M. São Paulo, Brasil
10. Gaggan, Bangkok, Tailandia
11. Mirazur Menton, Francia
12. L’Arpège Paris, Francia
13. Asador Etxebarri, Atxondo, España
14. Astrid y Gastón, Lima, Perú
15. Steirereck, Viena, Austria
16. Pujol, Mexico D. F., México
17. Arzak, San Sebastián, España
18. Le Bernardin, Nueva York, Estados Unidos
19. Azurmendi, Larrabetzu, España
20. The Ledbury, Londres, Reino Unido
21. Le Chateaubriand París, Francia
22. Nahm, Bangkok, Tailandia
23. White Rabbit, Moscú, Rusia
24. Ultraviolet by Paul Pairet, Shanghai, China

25. Fäviken Järpen, Suecia
26. Alinea, Chicago, Estados Unidos
27. Piazza Duomo Alba, Italia
28. The Test Kitchen, Ciudad del Cabo, Sudáfrica
29. Nihonryori RyuGin, Tokio, Japón
30. Vendôme Bergisch Gladbach, Alemania
31. Restaurant Frantzén, Estocolmo, Suecia
32. Attica, Melbourne, Australia
33. Aqua Wolfsburg, Alemania
34. Le Calandre Rubano, Italia
35. Quintonil, Mexico D. F. México
36. L’Astrance, París, Francia
37. Biko Mexico D.F., México
38. Amber, Hong Kong, China
39. Quique Dacosta, Denia, España
40. Per Se, Nueva York, Estados Unidos
41. Maní, São Paulo, Brasil
42. Tickets, Barcelona, España
43. Boragó, Santiago, Chile
44. Maido, Lima, Perú
45. Relae, Copenhague, Dinamarca
46. Restaurant André, Singapur
47. Alain Ducasse au Plaza Athénée, París, Francia
48. Schloss Schauenstein Fürstenau, Suiza
49. Blue Hill at Stone Barns Pocantico Hills, Estados Unidos
50. The French Laundry, Yountville, Estados Unidos

Marlene Dumas en la Beyeler

02/06/2015, Hasta el 6 de septiembre la Fundación Beyeler dedica una exposición a Marlene Dumas, notable artista de origen sudafricano que coloca a la figura humana en el centro de su investigación.



Basilea (Suiza), 2 de junio de 2015
Marlene Dumas (Ciudad de El Cabo, 1953) trabaja en los Países Bajos desde 1976 y su tarea se centra en el cuerpo humano y la calidad sicológica de los protagonistas de su estudio.

Esta retrospectiva presentada en la sede de la Fundación, en Riehen, en las afueras de Basilea, es la mayor de las dedicadas en Europa a esta artista, y ofrece una visión única de una creación, muy conocida en todo el mundo desde la década de 1970.

Pinturas, collages experimentales y grandes dibujos icónicos, permitirán al espectador captar la dimensión de esta artista desde sus obras iniciales a las más recientes, en las que recurre al cuerpo humano de forma inmediata, sin perjuicios, a veces con un sentido provocativo, otras con una mirada que va hacia lo humorístico, siempre admitiendo la autonomía del color.

Marlene Dumas, estudió en la Universidad de Ciudad del Cabo, donde se licenció en Artes Visuales, luego se trasladó a Holanda, representando a este país en la Bienal de Venecia el 1995. Al año siguiente ya expuso en la Tate Gallery. A partir del 2000 su obra se ha mostrado en muchas de las grandes pinacotecas mundiales.

Sus obras también están representadas en museos y colecciones privadas o públicas en todo el mundo. Entre las principales exposiciones de los últimos años se incluyen presentaciones en Haus der Kunst de Munich (2010/2011), el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Museo de Arte Moderno, Nueva York, EE.UU. (2008) y el Marugame Genichiro-Inokuma Museo de Arte Contemporáneo de Marugame, Japón (2007). En el año 2012 ganó el premio Johannes Vermeer.

La obra de esta artista arranca de imágenes fotográficas, tomadas de los medios o de publicaciones de cualquier tipo, que revisa y transforma en retratos íntimos individuales o colectivos en los que no falta la crítica hacia la política, el racismo o la marginación.

Hoy, Marlene Dumas es ya una de las artistas femeninas más influyentes. En su obra destaca la amplia gama de colores y contrastes que realzan aspectos de cuerpos y rostros. Ella revela cómo mediante la belleza pictórica también se puede representar escenas de horror

La exposición en la Fondation Beyeler se ha preparado en estrecha colaboración con la artista. Recorre su carrera siguiendo en general un orden cronológico. El comienzo de la muestra es, sin embargo, una excepción a esta regla pues la primera sala presenta obras clave de los años 90, El sueño de la razón (2009) y La Artista y su modelo (2013).

Teodora Vischer, de la Fondation Beyeler, es comisaria de la exposición que se organiza en colaboración con el Museo Stedelijk de Amsterdam y la Tate Modern de Londres.

Jeff Koons: Retrospectiva

02/06/2015, El Museo Guggenheim Bilbao presenta el próximo 9 de junio un recorrido completo por la singular e inconfundible obra del artista norteamericano Jeff Koons.



Bilbao, 2 de junio de 2015
Organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao y el Centre National d’Art et de culture Georges Pompidou de París, la exposición de Jeff Koons (la retrospectiva más importante que se ha dedicado hasta la fecha al célebre artista contemporáneo), presenta algunas de las obras más inconfundibles e innovadoras del afamado artista norteamericano.

Sus creaciones, reconocibles al instante y sin el aura de inaccesibilidad que rodea a otras obras de arte contemporáneas, se inspiran en fuentes como el Surrealismo, el Arte Pop y el Dadaísmo. Koons posee un estilo único que nos invita a afianzar nuestra individualidad y a burlarnos de las convenciones que nos condicionan y limitan.

En torno a un centenar de piezas de las diferentes etapas creativas de Koons, desarrolladas a lo largo de las últimas cuatro décadas, permitirán al público recorrer la trayectoria de este artista y el alcance de su trabajo. A lo largo de la producción de Koons se observa una evolución del concepto de readymade, para el que toma como punto de partida la noción establecida por Duchamp, que trastoca paulatinamente, pasando de la exposición directa de objetos industriales a la realización de reproducciones de esos objetos, alterando sus materiales, escalas y significados.

Koons emplea el arte como toque de atención, como fuerza impulsora del cambio social. Su arte abierto, concebido para seducir, resulta atractivo para el gran público, gracias al exquisito acabado formal de las obras de Koons, que cuida con esmero y precisión. El resultado son creaciones que funcionan como iconos de la sociedad actual, como símbolos de la cultura popular, en algunos casos como crítica, y en otros como una celebración de los gustos de nuestros días.

Koons consigue que en su obra convivan en armonía conceptos dispares como la vida y la muerte, el pasado y el presente, la sexualidad y la inocencia, o el lujo y y la austeridad. Este juego de dualidades se fusiona a través de la iconografía y de los materiales empleados en sus creaciones.

Jeff Koons, York, Pensilvania, 1955
Nace en York, Pensilvania en 1955. Su padre tenía una tienda de decoración de interiores y de él aprende el sentido de la estética.

Sus padres fomentan su vena creativa y le matriculan en clases de dibujo en el año 1960.

Ingresa en el Maryland Institute College of Art de Baltimore en 1972. Se interesa por el arte bizantino y el arte popular americano.

En 1975 se traslada a Chicago, donde prosigue sus estudios en la escuela del Art Institute of Chicago.

Dos años después obtiene la Licenciatura de Arte en el MICA (Maryland Institute College of Art). Se traslada a Nueva York, donde conoce a la galerista Mary Boone, que muestra interés en su obra. En su apartamento de la calle East 4th Street comienza a trabajar en esculturas realizadas con hinchables y espejos.

En 1980 realiza su primera exposición, The New. Se exhiben tres esculturas compuestas por aspiradoras iluminadas por fluorescentes y una caja de luz con el título de la exposición y la serie.

Cinco años después realiza su primera muestra individual en Nueva York en la International with Monument Gallery, en la que expone las piezas que había realizado de su serie Equilibrio (Equilibrium), que son exhibidas también ese mismo año en la Feature Gallery de Chicago.

En 1986 celebra su segunda exposición individual en la International with Monument Gallery de Nueva York, en la que se analiza la movilidad social y de clase. Inmediatamente después crea la serie Estatuaria (Statuary), que incluía su icónico Conejo (Rabbit).

La Saatchi Collection de Londres elige el Conejo de Koons para ilustrar la portada del catálogo de la muestra New York Art Now.

Las obras pertenecientes a la serie de Koons Banalidad (Banality), incluyendo la escultura Michael Jackson y Bubbles (Michael Jackson and Bubbles), se exponen simultáneamente en la Ileana Sonnabend Gallery de Nueva York, la Donald Young Gallery de Chicago, y la Galerie Max Hetzler de Colonia en 1988.

En 1990 participa en la XLIV Bienal de Venecia, donde muestra las primeras obras de la serie de pinturas y esculturas Hecho en el Cielo.

Un año despúes, la serie Hecho en el Cielo (Made in Heaven) completa, incluyendo las pinturas y las esculturas de porcelana, se exhibe en la Ileana Sonnabend Gallery de Nueva York y en la Galerie Max Hetzler de Colonia.

En 1992 el San Francisco Museum of Modern Art y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, realizan sendas muestras retrospectivas de la obra de Koons. Durante la Dokumenta, Koons muestra su obra Puppy, recreación floral de doce metros de alto de un perrito West Highland White Terrier. Seis años después, el Museo Guggenheim Bilbao adquiere Puppy y queda permanentemente instalada en el exterior del museo con motivo de su inauguración.

En el año 2000 instala la escultura floral Caballito balancín partido (Split-Rocker) en el Palacio de los Papas de Aviñón, Francia. Otra versión de Puppy se expone temporalmente en el Rockefeller Center de Nueva York. El Berliner Zeitung le otorga el BZ-Kulturpreis en Berlín.

En 2001 Expone en la Kunsthaus Bregenz, Austria, y en la Gagosian Gallery de Los Ángeles. El Presidente francés Jacques Chirac nombra a Koons caballero de la Legión de Honor y la condecoración se la impone Jean-Jacques Aillagon, Presidente del Centre Pompidou.

En el 2002 Comienza a trabajar en la serie Popeye, que supone el retorno a los readymades y a los objetos hinchables. Participa en la XXV Bienal de São Paulo.

En 2003 expone por primera vez en un museo italiano, en el Museo Archeologico Nazionale, Nápoles. Su obra se incluye en la muestra De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro décadas de arte de las colecciones Broad, en el Museo Guggenheim Bilbao.

En 2004 se organiza una exposición retrospectiva en el Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst de Oslo, Noruega, que viaja después al Helsinki City Art Museum en Finlandia. Empieza su serie Hulk Elvis.

Su obra Perro globo (Balloon Dog) se instala en el Gran Canal de Venecia para conmemorar la presentación de la Colección Pinault en su sede del Palazzo Grassi en 2006.

Un año después, en 2007, recibe el nombramiento de Oficial de la Legión de Honor en París. Se inauguran en las dos sedes de la Gagosian Gallery de Londres dos exposiciones del artista: Jeff Koons: Popeye y Jeff Koons: Hulk Elvis.

El Museum of Contemporary Art (MCA) de Chicago realiza una exposición monográfica del artista en 2008. Se instalan temporalmente tres de sus obras de gran escala, Perro globo, Libro para colorear y Corazón sagrado, en la terraza superior del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Ese mismo año, el palacio de Versalles aloja por primera vez una muestra dedicada a un artista vivo, Jeff Koons: Versailles, que muestra una selección de sus obras en los aposentos reales.

En el marco del proyecto de itinerancia de los fondos de la colección Artist Rooms que pertenece a la Tate y a las National Galleries of Scotland, una exposición dedicada a Koons itinera por diferentes puntos del Reino Unido desde 2009 hasta 2011.

En 2010 es nombrado miembro de la Royal Academy of Arts, Londres.

Se celebran exposiciones monográficas en la Gagosian Gallery de Beverly Hills, en la Galería Almine Rech de Bruselas, así como en la Fondation Beyeler de Basilea en 2012. Jeff Koons: The Painter se inaugura en la Schirn Kunsthalle y al mismo tiempo Jeff Koons: The Sculptor en la Liebieghaus Skulpturensammlung, ambas en Frankfurt. En EEUU le otorgan la Medalla a las Artes por su destacado compromiso con las artes en el marco del programa Art in Embassies y en los intercambios culturales internacionales.

En 2014 se inaugura la mayor retrospectiva de su obra en el Whitney Museum of American Art, Nueva York, que se presentará más tarde en el Centre national d’art et de culture Georges Pompidou de París para terminar en el Museo Guggenheim Bilbao en verano de 2015.

Jeff Koons: Retrospectiva
Museo Guggenheim Bilbao
9 de junio, 2015 – 27 de septiembre, 2015

Vicente Carducho en la BNE

01/06/2015, La Biblioteca Nacional de España presenta una exposición dedicada a la dilatada carrera del artista Vicente Carducho.




Madrid, 1 de junio de 2015
Por primera vez se exhiben de modo monográfico una selección de dibujos de Vicente Carducho (Florencia, hacia 1576-Madrid, 1638), un artista clave en la configuración de la escuela madrileña de pintura de la segunda mitad del siglo XVII.

La exposición de la BNE se completa con una serie de documentos, textos de la época, grabados y dibujos de otros artistas contemporáneos que ofrecen una amplia perspectiva sobre la figura de Carducho, el contexto social y artístico en el que vivió y el proceso intelectual y de trabajo del artista.


El discurso expositivo arranca en El Escorial, donde Carducho llega acompañando a Federico Zuccaro y a su hermano Bartolomé. Para Felipe III desarrolla importantes trabajos en Valladolid y en El Pardo y es nombrado pintor del rey. Desde entonces trabaja para la corona, al servicio de Felipe IV, así como para diferentes instituciones religiosas. De su etapa final sobresale el ciclo pictórico para la cartuja de El Paular (1626-1632). Finalmente, la exposición recalca la aportación artística, humana e intelectual de Carducho y su influencia a través de sus discípulos.

Vicente Carducho: teoría y práctica del dibujo en el Siglo de Oro
Biblioteca Nacional de España


Joan Miró. Obras sobre papel 1960-1978

29/05/2015, El Centre Pompidou Málaga dedica su primera exposición temporal a un periodo especialmente fértil de la obra dibujada de Joan Miró.




Málaga, 29 de mayo de 2015
Miró fue siempre un artista inquieto y comprometido con su tiempo. Ahora, a través de unas cincuenta obras sobre papel realizadas entre 1960 y 1978, la exposición del Centre Pompidou Málaga pone el foco en dos décadas en las que el artista optó por la libertad total a la hora de elegir las técnicas, los soportes y el lenguaje artístico.

Puntos, trazos, manchas, letras, grafitis, líneas, huellas, raspados... el dibujo siempre ha estado presente en la obra de Miró y ha dejado sus marcas en ella. Pintor, escultor, ceramista y grabador al mismo tiempo, Miró utilizó, a lo largo de toda su trayectoria artística, un lenguaje gráfico en constante reinvención. Miró alimentó su genio gráfico con influencias diversas y creó una forma de expresarse única, reconocible entre las demás y en la que se puede ver el impacto de la poesía y su espíritu de rebelión.


Joan Miró
Joan Miró i Ferrà nace en Barcelona el 20 de abril de 1893. En 1912 decide dedicarse plenamente a la pintura y se inscribe a la Escuela de Arte de Francesc Galí, a la que asistirá hasta 1915. En 1918 realiza su primera exposición individual en las Galeries Dalmau de Barcelona.

Se traslada a París, donde entra en contacto con los artistas de la época, André Masson, Michel Leiris, Antonin Artaud, Robert Desnos, Jean Dubuffet, Paul Éluard, Marcel Jouhandeau, Georges Limbour, Raymond Queneau y Armand Salacrou. También entabla amistad con poetas y escritores como Max Jacob, Michel Leiris, Georges Limbour, Benjamin Péret, Armand Salacrou y Roland Tual.

Durante su estancia en París organiza varias exposiciones individuales, realiza los decorados y el vestuario del ballet Romeo y Julieta, para los Ballets Rusos de Diáguilev y crea sus primeros collages-objetos.

En 1930 trabaja en una seria de pinturas de estilo muy desigual. Manifiesta interés por trabajar en otros medios de expresión, como el bajorrelieve y la escultura.

En 1932 decide pasar más tiempo en Barcelona, por lo que se traslada a la casa familiar, en el pasaje del Crèdit, 5, hasta 1936. Trabaja en una nueva serie de objetos. Realiza su primera exposición individual en la Pierre Matisse Gallery de Nueva York, con la que firma dos años después un contrato de representación en los Estados Unidos.


A causa de la Guerra Civil española decide quedarse en París. Su mujer y su hija se trasladan con él. Vivirán en Francia desde 1936 hasta 1940.

En enero de 1940 empieza una serie de veintitrés aguadas, que continúa en Palma y termina en Mont-roig en septiembre de 1941. Esta serie será conocida más adelante con el nombre de Constelaciones.

Un año después, en 1941, se presenta su primera gran retrospectiva en el Museum of Modern Art de Nueva York.

En 1944 realiza sus primeros trabajos en cerámica. Además, retoma la pintura sobre tela, que había abandonado prácticamente desde 1939.

Dos años después, en 1946 realiza sus primeras esculturas en bronce.

Viaja a Estados Unidos, por primera vez en 1947, pues tiene que realizar una pintura mural para la Gourmet Room del Terrace Plaza Hotel de Cincinnati. Durante su estancia en Nueva York profundiza en las técnicas del grabado.

Durante los años 1949 y 1950 alterna dos tipos de pintura, una más reflexiva y otra más gestual e impulsiva. Instalado en Barcelona, viaja a menudo a París. Aprovecha estos desplazamientos para realizar obra gráfica. Su actividad en el campo de la cerámica y la escultura es cada vez más intensa.

En 1955 realiza una serie de pinturas sobre cartón y abandona la pintura hasta 1959. Sigue trabajando en cerámica y obra gráfica.

En 1958 se inauguran los dos murales de la UNESCO, en París. El proyecto recibe el Guggenheim International Award.

En el año 1966 realiza sus primeras esculturas monumentales en bronce, Pájaro solar y Pájaro lunar. Además, celebra una exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Arte de Tokio. Viaja a Japón por primera vez y conoce al poeta Shuzo Takiguchi, autor de su primera monografía.

Un año después se instala un mural de cerámica, realizado en colaboración con Josep Llorens Artigas, en el Solommon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Le conceden el Carnegie International Grand Prize de pintura.


En 1968 realiza su último viaje a Estados Unidos, donde es nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.

En 1972 queda legalmente constituida la Fundació Joan Miró, Centre d'Estudis d'Art Contemporani, de Barcelona. La Fundació abre al público tres años después con una amplia selección de pinturas, esculturas, sobreteixims y obra gráfica de su fondo inicial.

Con la colaboración de Josep Royo, realiza un tapiz monumental para la National Gallery de Washington DC en 1977.

En 1978 se celebra una exposición retrospectiva en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, dedicada al artista.

En 1980 el rey Juan Carlos I le concede la Medalla de Oro de las Bellas Artes del Estado español.

Durante 1983 se celebran diferentes actos y exposiciones para celebrar el nonagésimo aniversario de Miró: A Ninetieth-Birthday Tribute, en el Museum of Modern Art de Nueva York, y Joan Miró: anys 20. Mutació de la realitat, en la Fundació Joan Miró de Barcelona. El 25 de diciembre, Joan Miró fallece en Palma. Es enterrado en el cementerio de Montjuïc de Barcelona.

Joan Miró. Obras sobre papel 1960-1978
Centre Pompidou Málaga
Paseo de la Farola, 4, Málaga

Sargent: retratos de los amigos

29/05/2015, El Metropolitan Museum of Art abrirá el 30 de junio una importante exposición para conocer más a fondo los retratos de un pintor estadounidense clave: John Singer Sargent.




Nueva York, 29 de mayo de 2015
Sargent (1856-1925) fue el más famoso retratista estadounidense de su tiempo, y dejó una amplísima obra, en gran parte realizada en Europa, pues se formó en París y residió buena parte de su vida en Londres.

Su gran habilidad técnica, la abundancia de su obra, tanto óleos como acuarelas, y su relativa lejanía a las modas pictóricas en boga en su tiempo, le hicieron sumamente popular, pero también le acarrearon críticas de superficialidad.

El Metropolitan se acerca en esta exposición, del 30 de junio al 4 de octubre, a los retratos en los que Sargent desarrolló una pintura más libre, al centrarse en las obras dedicadas a artistas, escritores o actores amigos; trabajos, en su mayoría, que él emprendió por voluntad propia, sin responder a pedidos, y por lo que desarrolló en ellis una pintura más libre y experimental.

La exposición “Sargent: Retratos de artistas y amigos” va a reunir a cerca de 90 de esos retratos, en los que cabe explorar ese arte más libre y conocer mejor las relaciones entre Sargent y quienes posaron para él.

La muestra está organizada por la National Portrait Gallery de Londres en colaboración con el Museo Metropolitano de Arte. 


Los individuos que se ven a través de los ojos de Sargent representan una gama de figuras destacadas en las artes creativas de la época, incluyendo artistas como Claude Monet y Auguste Rodin; escritores como Robert Louis Stevenson, Henry James, y Judith Gautier; y la actriz Ellen Terry. La exposición también incluye otras figuras menos conocidas, como los pintores Jane y Wilfrid de Glehn, que acompañó a Sargent en sus expediciones por Europa, y Ambrogio Raffele, un pintor y modelo frecuente en los estudios realizados por el artista en los Alpes. Entre las obras destacadas figuran dos dedicadas a Claude Monet, un retrato de busto y una composición plenairista.

La exposición también explora las relaciones de Sargent con mecenas y coleccionistas influyentes, a los que retrató, entre ellos aparecerá el famoso retrato de la coleccionista Isabella Stewart Gardner de Boston.

La muestra contará con obras de diversos museos, y de forma especial la colección Sargent del Metropolitan. Se presentará cronológicamente, de acuerdo a la secuencia de los lugares donde Sargent trabajó y formó relaciones artísticas durante su carrera.

Arte conceptual y fotografía en Colombia

28/05/2015, Las prácticas conceptuales y experimentales surgidas en América Latina en 1960 y 1970 han despertado un creciente interés gracias a la aparición de nuevas lecturas e interpretaciones.




Bogotá, 28 de mayo de 2015
Cerca de 20 obras componen esta muestra del Museo de Arte del Banco de la República, que se enfoca en el poco conocido foto conceptualismo colombiano. La apropiación del texto, la fotografía, el uso del cuerpo en las acciones y el performance, la gráfica como recurso alternativo, entre otras manifestaciones que hacen parte integral y constitutiva del arte actual, se originan en ese periodo, en el que un grupo de artistas se animó a utilizar como bandera un medio subvalorado en Colombia, la fotografía, para crear proposiciones artísticas de naturaleza narrativa, donde tomaron temas cotidianos para cuestionar los valores de la sociedad colombiana y explorar nuevas formas de carnavalizar la identidad, cuestionar la religión y la educación, y examinar los medios de comunicación.

Autorretrato disfrazado de artista: arte conceptual y fotografía en Colombia, identifica a los artistas que utilizaron la fotografía con fines conceptuales, es decir, quienes hicieron uso de este medio como una herramienta neutra con la cual indagar la naturaleza de la imagen, del lenguaje y la representación. Estos artistas son Jaime Ardila, Álvaro Barrios, Ingino Caro, Fernell Franco, Eduardo Hernández, Camilo Lleras, Oscar Monsalve, Jorge Ortiz y Miguel Ángel Rojas, a los que se suman los nombres de Bernardo Salcedo y Manolo Vellojín, quienes desde trayectorias diferentes, hicieron uso del medio fotográfico.

Las obras

Jaime Ardila, Gran árbol
Las raíces y las lianas de los majestuosos árboles y la vegetación tropical se ven sometidas por Ardila, que realiza complejos fotomontajes en los que duplica, montada, copia el mismo negativo al derecho y al revés... creando un árbol completamente distinto y fragmentando la imagen hasta crear otros árboles y paisajes.

Álvaro Barrios, Sueños con Marcel Duchamp
En 1978 Barrios inicia un periodo de investigación sobre Marcel Duchamp. Ese año Barrios decide publicar, en el Diario del Caribe de Barranquilla, una serie de grabados populares que se remontaban a 1972 cuando publica sus primeras series en El Heraldo. Los Sueños con Marcel Duchamp, como fueron titulados eran una obra de participación en la que Barrios invitaba al público a describir un sueño, real o imaginario.

Álvaro Barrios – Óscar Monsalve, Ancore a cést astre
En Ancore a cet astre, Álvaro Barrios realiza una tonsura idéntica a la de Marcel Duchamp, en forma de estrella fugaz cruzando su cráneo, siendo fotografiado por Óscar Monsalve quien realiza la gráfica desde una distancia casi igual a la que utilizara Man Ray cuando fotografió al artista francés.

Inginio Caro, Cuerpo de Cristo efervescente
Caro fotografía un Alka-Seltzer en efervescencia, poniendo en escena la ingestión del cuerpo de Cristo. A través de esta obra, Caro nos invita a reflexionar sobre varias implicaciones: ¿Es el cuerpo de Cristo un producto comercial, efervescente? ¿Es algo indigesto?.


Eduardo Hernández, La letra con sangre entra
En 1978 Eduardo Hernández realizó un dibujo en papel hecho con su propia sangre, donde la frase “la letra con sangre entra” es dibujada por el artista en la caligrafía con que se enseñaba a escribir a los niños. Hernández fotografió el proceso de creación, desde su visita a un centro médico donde se le extrae la sangre hasta la finalización física de la obra.

Fernell Franco, Interior 1
En Interior 1 asistimos a un reducto sobreviviente del naufragio decimonónico. En la habitación, con su viejo camastro hundido por el uso, todo esta cubierto por una capa fina de nostalgia. El espectro que se esconde detrás de los espejos y los antiguos retratos colgados en las paredes se materializa en la figura de un hombre mayor, un fantasma brillante. Un testimonio crudo, verdadero, pero carente de señalamientos, conmiseraciones ó acusaciones.

Camilo Lleras, Autorretrato de un hombre brillante
Autorretrato de un hombre brillante, está inspirado en el cuadro El principio del placer de René Magritte. En esta imagen, Lleras posa frontalmente frente a la cámara y logra un efecto en el que su cabeza aparece como una mancha luminosa.

Camilo Lleras, Triángulo prohibido
Esta es una curiosa imagen donde dos soldados en un tanque de guerra miran a una empleada domestica que cruza frente a ellos. Al fondo, el cartel de un cine reza “Triángulo prohibido”. Camilo oprime el disparador cuando por azar se conjugan varios elementos importantes: el momento mismo, -decisivo según Cartier Bresson-; la relación entre ejército y muchacha del servicio; y los triángulos compuestos por: el título de una película, los dos soldados y la muchacha, y el triángulo pintado en el tanque.

Camilo Lleras, Autorretrato de Camilo Lleras tomado por Jaime Ardila
Utilizando la sombra, Lleras y Ardila realizan uno de sus mejores trabajos conjuntos. En una calle cualquiera un hombre camina, alejándose de espaldas del fotógrafo, cuya presencia es develada por su sombra. La obra subraya la presencia de la sombra como doble y la suplantación de identidad.

Oscar Monsalve, Paisaje
Paisaje, presentado en el XXVII Salón Nacional de Artistas de 1978, es un díptico compuesto por dos imágenes. En una, las montañas de un chircal tomadas desde la distancia enseñan las heridas que los fabricantes de ciudad bruñen sobre ellas. En otra, una fila de ladrillos dispuestos alineados sobre la hierba crean una ilusión y un doble de los tonos ocres y naranja de la tierra quemada que es el ladrillo.

Jorge Ortiz, Cables
En esta serie de fotografías el cableado eléctrico, contra el cielo parcialmente nublado, se hace protagonista. Las imágenes muestran fuertes contrastes creados por las líneas negras sobre el blanco, abstracción aparente que simula la impresión de dibujos geométricos y fondos neutros dados por cielos plomizos. La organización serial en su presentación y su rigurosidad nos remiten inmediatamente al Constructivismo ruso y a las topologías de la arquitectura industrial alemana.

Jorge Ortiz, Boquerón
Realizando registros en intervalos de 5 minutos que documentaban visualmente el paso del tiempo, perceptible apenas por el movimiento de las nubes que entran, se transforman y salen de un encuadre estático, Ortiz realiza una obra que recuerda a los films experimentales de John Lennon y Yoko Ono donde, por ejemplo, se filmaba a una mosca caminando sobre un cuerpo desnudo o la lenta erección de un pene en Autorretrato.

Miguel Ángel Rojas, Faenza
Las fotografías de encuentros homosexuales realizadas por Rojas en los años 70 se han convertido no sólo en objeto de estudio e interés de numerosos investigadores, sino en verdaderos íconos de las luchas por la diferencia sexual en Colombia. Rojas recorre y fotografía clandestinamente encuentros anónimos, reconstruyendo la memoria de esos sitios de paso que permitían a algunos jóvenes reconciliarse con la diferencia sexual, en una sociedad donde la familia, aparentemente el lugar que da sentido de pertenencia y de identidad, no lo permitía.


Miguel Ángel Rojas, Paloma
Rojas presentó en 1973 un grupo de pequeños fotomontajes donde la sexualidad se manifestaba explícita, implicando al espectador en un involuntario acto de voyerismo. Rojas toma algunos detalles explícitos de imágenes de revistas eróticas y los reduce para componer imágenes en apariencia líricas e inocentes –“Corazones”, “Oblicua”, “Paloma”– que al ser inspeccionadas de cerca desvelan su vulgaridad.

Bernardo Salcedo, Retrato de Manolo Vellojín
Salcedo fue quizá el primer artista colombiano en incluir exclusivamente textos en sus obras como proposiciones visuales. Sus “retratos” de Camilo Calderón y Manolo Vellojín, enfatizan la importancia de la idea sobre la forma y denotan la inconformidad e irreverencia que caracteriza a los artistas conceptuales y foto conceptuales colombianos.

Manolo Vellojín, Sin título
La serie de Polaroids de Vellojín son interesantes exploraciones en ritmo, secuencia y temporalidad, donde el artista explora un único motivo –las manos, la portada de un libro o una revista- utilizando en ocasiones un espejo para duplicar la imagen, o en otras quemando y manipulando el objeto fotografiado.

Autorretrato disfrazado de artista: arte conceptual y fotografía en Colombia
Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá (Colombia)
Hasta el 29 de junio de 2015

Memento mori

27/05/2015, La Fundación Lázaro Galdiano presenta una muestra de doce dibujos sobre papel de Ana de Alvear, seleccionados entre los veintiocho que forman la Colección Memento mori.




Madrid, 27 de mayo de 2015
La exposición, que se presenta en la sala Arte Invitado y en otros espacios del Museo Lázaro Galdiano en convivencia con obras de maestros holandeses como Walscapelle, Marrell o Roepel, reflexiona sobre la percepción de la realidad y su carácter efímero.

En "Memento mori", la artista multidisciplinar Ana de Alvear recrea con técnicas modernas un género pictórico que se remonta a la antigüedad y que tuvo su máximo esplendor durante los siglos XVII y XVIII: los bodegones o las vanitas. El hiperrealismo fotográfico de estos dibujos nos lleva a cuestionar las fronteras entre lo real y lo ficticio, lo que creemos ver y lo que vemos.

Ana de Alvear, en definitiva, acomete la reflexión sobre lo efímero de la existencia con un cierto guiño lúdico y sarcástico. La artista recurre al uso de arquetipos, representaciones consideradas modelo de la realidad, para que el público se identifique con ellos o que sienta sensación de rechazo; de este modo, el espectador se ve abocado a superar sus reticencias y profundizar en el conocimiento de su propia identidad a través de un paradójico e irónico juego visual que nos descubre que las imágenes no siempre son lo que parecen.

Memento mori. Dibujos de Ana de Alvear
Hasta el 28/09/2015
Museo Lázaro Galdiano


Jean Dubuffet en Madrid

26/05/2015, Con motivo del 30 aniversario de su muerte, la Galería Guillermo de Osma presenta una antológica dedicada al artista francés Jean Dubuffet.




Madrid, 26 de mayo de 2015
La antológica, la primera del artista celebrada en una galería de arte de Madrid, se compone por 36 obras, entre pinturas y dibujos, que recorren la trayectoria artística del pintor francés, considerado como uno de los artistas más importantes del siglo XX.

La exposición comienza con obras fechadas en torno a 1944 y finaliza con una pintura del año 1984, cubriendo así un representativo abanico de la variada producción que Dubuffet realizó en el transcurso de cuatro décadas de trabajo artístico. Algunas de las series más conocidas de su trabajo artístico, como Portraits, Assemblages d’Empreintes, Matériologies, Texturologies, L’Hourloupe, Parachiffre, Partitions, Psycho-sites y Non-lieux, configuran el discurso de la muestra, que estará abierta al público del 27 de mayo al 17 de julio de 2015 en la Galería Guillermo de Osma.


Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - París, 1985) sentiría interés por el mundo del arte desde muy joven. Este interés le lleva a inscribirse en varias academias artísticas, donde a pesar de llegar a entablar contacto con artistas como Masson, Léger o Gris, los valores de la cultura le alejan de su propósito de ser artista. Con el paso del tiempo, en 1942, decide dedicarse a la carrera artística.

Su primera obra está marcada por una visión del mundo amarga y existencialista. A consecuencia de su fuerte posicionamiento anticultural se interesa por las producciones creativas al margen de la oficialidad artística que bautiza con el término de Art Brut.

A finales de los años 50 se sumerge en el mundo de la materia con series como Texturologies y Matériologies, para las que utiliza elementos biológicos. Ya en los años 60 su obra se llena de colorido y vitalidad. A esta época corresponden las series Paris Circus y L'Hourloupe.

En su última serie, Non-lieux, Dubuffet no aspira ya a representar el mundo con sus pinturas, sino su incorporeidad. Esta serie, que terminaría en diciembre de 1984, daría paso a un periodo de inactividad que acabaría con el fallecimiento del artista en 1985, a los 83 años de edad.

Jean Dubuffet
Hasta el 17 de julio de 2015
Galería Guillermo de Osma
Calle Clauido Coello, 4, 1º izq.

Tucker: Masa y Figura

26/05/2015, El Museo de Bellas Artes de Bilbao acoge en junio una exposición retrospectiva sobre uno de los escultores británicos contemporáneos más reconocidos, William Tucker.




Bilbao, 26 de mayo de 2015
El Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta la primera retrospectiva que se organiza en España sobre la obra del escultor William Tucker. La muestra reúne una selección de 48 esculturas de gran tamaño, tamaño medio, y maquetas para piezas en espacios abiertos. Además, se presentan 57 dibujos figurativos realizados a lo largo de los últimos treinta años de la carrera artística del escultor británico, que complementan la muestra y ayudan al visitante a comprender mejor el proceso creativo de sus piezas.

William Tucker (El Cairo, Egipto, 1935) fue uno de los pioneros en Europa del movimiento minimal. Su obra presenta una vuelta a la escultura figurativa basada en la simplicidad orgánica y cuestiones de masa y escala.

Tucker, que en 1974 publicó el manual de referencia en los estudios sobre escultura "The Language of Sculpture", ha protagonizado exposiciones en instituciones como la Whitechapel (1965), la Tate Gallery (1971 y 1987), la Serpentine Gallery (1973), el Arts Council of Great Britain (1973) o la Tate Liverpool (2001).

A pesar de la aparente abstracción que define su obra, Tucker repasa a través de sus esculturas temas clásicos de la mitología y de la historia del arte. Sus –cabezas humanas, sus torsos y pies…–, y sus animales enfatizan la energía de la materia escultórica, en una secuencia emprendida por otros escultores del siglo XX como Auguste Rodin o Medardo Rosso.

Tucker: Masa y Figura
09|06|15 - 14|09|15
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Museo Plaza, 2. Bilbao

Louise Bourgeois en el Picasso Málaga

25/05/2015, El Museo Picasso Málaga presenta este verano una fascinante exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois, una de las artistas más influyentes de los siglos XX y XXI.



Málaga, 25 de mayo de 2015
Esta retrospectiva, la mayor organizada en España sobre Bourgeois hasta la fecha, podrá visitarse del 10 de junio al 27 de octubre de 2015, y reunirá más de cien obras de arte realizadas a lo largo de siete décadas de trabajo.

Louise Bourgeois nació en París en 1911, en el seno de una familia acomodada que regentaba un taller de restauración de tapices medievales y renacentistas.
En 1938 parte a EEUU, donde residirá el resto de su vida. Miembro del American Abstract Artists Group, obtuvo el reconocimiento de la crítica tras la retrospectiva que le organizó el MoMA en 1982, habiendo cumplido ya los setenta y un años.

Su producción, compleja a la vez que diversa y fascinante, aborda la memoria, la sexualidad, la maternidad y la frustración. Bourgeois concibió esculturas, creó dibujos y grabados, construyó inquietantes instalaciones, y creo las gigantescas arañas de metal que la hicieron mundialmente conocida. La artista abordó todos los géneros, creando una obra autobiográfica singular y lírica, representando a menudo formas orgánicas sexualmente explícitas o emocionalmente agresivas, que hablan de la vulnerabilidad del ser humano.

Louise Bourgeois.
He estado en el infierno y he vuelto
Del 10.06.2015 al 27.09.2015
Museo Picasso Málaga


Reapertura del Museu Nacional dos Coches

25/05/2015, El Museu Nacional dos Coches (Museo Nacional de Carruajes), situado en el histórico barrio de Belém de Lisboa, ha abierto de nuevo sus puertas al público.




Lisboa, 25 de mayo de 2015
Coincidiendo con su 110 aniversario, el Museo de Carruajes reabre sus puertas al público. Las nuevas instalaciones, proyectadas por el arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha, cuentan con 40 coches del siglo XIX procedentes del núcleo de Vila Viçosa, en el distrito de Évora, que se suman a la excepcional colección de carruajes reales que posée la institución lusa.

El nuevo espacio, que ocupa más de 15.000 metros cuadrados, da respuesta a dos preocupaciones, por un lado la necesidad imperiosa de aumentar el área expositiva, y por otro aportar dinamismo y actualizar uno de los museos más visitados del país, situado en una de las zonas más importantes de Lisboa, la zona monumental de Belém.

El nuevo edificio incluye espacios para áreas de exposición permanente y para muestras temporales, taller de conservación y restauración, biblioteca, salón de actos, así como un archivo que mejora la capacidad de almacenaje del museo. 

El área de exposición total llega a los 6.000 metros cuadrados, más los 4.000 que hay en la antigua Real Escuela de Equitación de Belém, que se mantendrá en funcionamiento.

El Museo Nacional de Carruajes presenta una oportunidad excelente para comprender la evolución técnica y artística del transporte de tracción animal, utilizado hasta la aparición del coche.

Fundado por la reina Amélia de Orleans y Bragança, el Museo de Carruajes es único por la gran variedad artística de los magníficos vehículos ceremoniales y del número de ejemplares con los que cuenta. El Museo de los Coches Reales, como en un principio fue llamado, fue inaugurado el día 23 de mayo de 1905, y en la actualidad cuenta con ejemplos que van desde el siglo XVII a finales del XIX.

La colección original estaba formada por 29 vehículos, uniformes de gala, arneses de tiro y accesorios de caballería utilizados por la familia real portuguesa. Después del establecimiento de la República en 1910, el museo se enriqueció con otros vehículos de la Corona, del Patriarcado de Lisboa y de algunas casas nobles. El museo cuenta además con una colección de retratos de la familia real portuguesa. 

Joan Miró. A força da matéria

25/05/2015, La Fundació Joan Miró organiza en Brasil una muestra que pone de relieve la voluntad de Miró de llegar a la pureza del arte explorando más allá de la pintura convencional.




São Paulo, Brasil, 25 de mayo de 2015
"En mi pintura, una pequeña línea con una forma gruesa al final es un imprevisto, yo soy el primer sorprendido. Más que el cuadro mismo, lo que cuenta es lo que lanza al aire, lo que difunde".

Joan Miró. A força da matéria es una exposición en la que se profundiza en la importancia que tuvieron los procedimientos diferentes en la obra de Miró, y cómo la experimentación con los materiales y los efectos de la creación en diversos soportes llevaron al artista al desarrollo de una nueva cultura de la materia.

La exposición, que cuenta con sesenta y seis obras de los fondos de la Fundació Joan Miró, incluye en total 114 obras de Miró entre pinturas, dibujos, esculturas y obra gráfica realizados desde 1931 hasta 1981.


La exposición se divide en 4 salas:

En la primera, se exhiben telas y dibujos de entre 1931 y 1944, la mayor parte producidos bajo la influencia de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial.

El traslado de Joan Miró en 1956 a Palma de Mallorca es el punto de partida de las piezas expuestas en la segunda sala. Este espacio muestra como, con el deseo de alcanzar una manifestación artística cada vez más anónima, Miró libera su gesto. En la madurez de su carrera, un interés continuado por las posibilidades de la materia lo lleva a trabajar con profusión la escultura en bronce. Miró utiliza el procedimiento de la cera perdida para dar vida a nuevos personajes a partir del ensamblaje de objetos provenientes principalmente del entorno natural y popular. 


En la tercera sala se reúnen una serie de obras de los años setenta, en las cuales Miró continua cuestionándose el sentido final de la pintura. Con la intención de eliminar todo aquello que la pintura tiene de ilusión, la somete, agujereando sus telas, reaprovechando los soportes más inusuales, destruyendo y creando a la vez, el artista provoca al espectador y cuestiona el valor económico de la obra de arte.

El último espacio de la exposición está dedicado a la obra escultórica y gráfica de Miró. Destacan sus trabajos con carborundo -un abrasivo artificial a base de carbón en polvo y silicio-, que le permiten enriquecer y potenciar el trazo de los grabados. En cada una de estas disciplinas, Joan Miró busca la libertad de expresión que ha conseguido con la pintura.

Joan Miró. A força da matéria podrá visitarse hasta el 16 de agosto en el Instituto Tomie Ohtake, en São Paulo, y del 2 de septiembre al 14 de noviembre en la sede del Museu de Arte de Santa Catarina, en Florianópolis. 

Dos exposiciones sobre naturaleza en Londres

21/05/2015, El Museo de Historia Natural de Londres presenta dos interesantes muestras dedicadas a la fotografía de vida salvaje y a los arrecifes de coral y sus habitantes.



Londres, 21 de mayo de 2015
El Museo de Historia Natural de Londres invita a sus visitantes a sumergirse en el mundo submarino de los arrecifes tropicales y a descubrir a los habitantes de este rico hábitat marino. Después, nada mejor que terminar la visita con una selección de imágenes extraordinarias de nuestro planeta tomadas por fotógrafos internacionales que compiten en la 50 edición del galardón "Wildlife Photographer of the Year".

Wildlife Photographer of the Year
Desde retratos íntimos a paisajes espectaculares, esta sorprendente exposición muestra la pasión de los fotógrafos participantes por el mundo natural.

Con más de 100 fotografías expuestas en paneles retroiluminados, la muestra explora cómo las nuevas categorías introducidas este año han animado a los fotógrafos a tomar la cámara y buscar diferentes formas de contar una historia utilizando desde las tecnologías más innovadoras hasta los medios más tradicionales.

El recorrido de Wildlife Photographer of the Year termina con la proyección de una película que cuenta la historia del galardón y analiza los cambios que se han experimentado durante el último medio siglo en la historia de la fotografía de naturaleza.

Coral Reefs: Secret Cities of the Sea
Los arrecifes de coral son el hogar de casi un cuarto de todas las especies marinas. En esta exposición podremos averiguar el motivo por el que los arrecifes son tan importantes para la armonía de nuestro planeta y cómo se está asegurando su conservación.

Los arrecifes de coral no son simples formaciones, pues proporcionan alimento y protección a millones de animales marinos. La muestra presenta en detalle unas 250 especies muy curiosas que actualmente habitan estas ricas "ciudades submarinas".

La exposición sirve para poner de manifiesto la degradación de los sistemas de arrecifes coralinos, y el daño de esta situación a la biodiversidad.

Wildlife Photographer of the Year
Hasta el 30 de agosto
Coral Reefs: Secret Cities of the Sea
Hasta el 13 de septiembre
Museo de Historia Natural de Londres
South Kensington, London

Watch Me Move. Un viaje por la animación

21/05/2015, La Fundación Canal presenta la exposición más importante sobre animación realizada hasta la fecha, y en la que se reúne una extensa selección de películas producidas en los últimos 150 años.



Madrid, 21 de mayo de 2015
Las primeras imágenes en movimiento supusieron algo más que un divertido entretenimiento, sirvieron para sentar las bases de uno de los elementos clave de la cultura contemporánea mundial.

La exposición “Watch Me Move, un viaje por la animación” propone un recorrido en el que se refleja la evolución de este género en los últimos 150 años y su creciente influencia en otros ámbitos como el cine y el arte contemporáneo, hasta convertirse en el fenómeno cultural que es ahora.



A través de un total de 80 obras, repartidas en 6 secciones temáticas, la exposición incluye desde cortometrajes icónicos hasta las más conocidas obras maestras de la animación, a través de los trabajos de pioneros como los hermanos Lumiére, Étienne-Jules Marey o Georges Mélies, de las grandes producciones de estudios como Walt Disney, Hanna Barbera o Pixar, de artistas contemporáneos como Kara Walker o Jîri Barta y de mentes creativas como Tim Burton o Matt Groening.



La primera sección, “Apariciones”, incluye ejemplos de los orígenes de la imagen en movimiento. Esta sección abarca desde los primeros experimentos científicos con fotografías hasta las imágenes generadas por ordenador.

“Personajes” repasa algunas de las estrellas de la animación que más destacaron en las pantallas de cine y televisión.

En el apartado “Superhéroes” encontraremos personajes dotados de poderes extraordinarios. Los cómics de Marvel y DC fueron responsables de la primera hornada; mientras, en Japón, los sectores del manga y el anime iban creando su propio catálogo de superhéroes.

“Fábulas y fragmentos” analiza las diferentes formas en que la narrativa ha sido desarrollada, desde la recreación de cuentos de hadas, mitos, fábulas y otras historias individuales o de la cultura popular.

La sección “Visiones” explora el modo en que la animación nos transporta a una esfera virtual totalmente nueva. Gracias al asombroso realismo de las tecnologías y a la capacidad de persuasión de las técnicas de los nuevos medios.

Finalmente el apartado “Estructuras”, presenta varios trabajos de grandes nombres del arte contemporáneo que reflejan cómo desde los primeros tiempos del cine, los artistas han experimentado con sus propiedades más básicas como forma, sonido, movimiento y duración.

Watch Me Move. Un viaje por la animación
Hasta el 23 de agosto de 2015
Fundación Canal


Ree Morton en el MNCARS

20/05/2015, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la exposición "Sé un lugar, sitúa una imagen, imagina un poema. Ree Morton: una retrospectiva".



Madrid, 20 de mayo de 2015
La primera gran retrospectiva dedicada a esta artista americana se organizó en el New Museum de Nueva York en 1980, sin embargo, no se volvió a realizar otra exposición individual de su obra hasta 2008-2009, en la Generali Foundation, Viena. La exposición del Reina Sofía aspira a convertirse en un nuevo punto de referencia en el estudio de su trabajo.

La muestra reúne más de 100 obras creadas por Ree Morton, entre instalaciones, dibujos, pinturas sobre lienzo y sobre tabla, así como obras realizadas en madera, piel o con “celastic”, un material elástico parecido al cartón piedra.

El trabajo de Ree Morton (Ossining, Nueva York, 1936 – Chicago, 1977) se sitúa en la escena artística estadounidense en torno a principios de 1970, caracterizado por una fuerte reacción contra el expresionismo abstracto de posguerra, reflejada a través del minimalismo por un lado y del arte conceptual y el pop art por otro.

A finales de los años sesenta la carrera de la artista estuvo caracterizada por un apropiacionismo de tendencia minimalista y post-minimalista. Más adelante, Morton desarrolló un repertorio alegórico excepcional creando escenarios teatrales que recurrían a giros retóricos, la historia del arte, los códigos de lo femenino y el potencial performativo de la escultura. 

Made in Brasil

20/05/2015, La Casa Daros presenta una exposición de arte brasileño con cerca de 60 obras emblemáticas de Antonio Dias, Cildo Meireles, Ernesto Neto, José Damasceno, Miguel Rio Branco, Milton Machado, Vik Muniz y Waltercio Caldas.



Río de Janeiro, 20 de mayo de 2015
Casa Daros presenta la exposición Made in Brasil, la primera muestra dedicada exclusivamente a trabajos de artistas brasileños en la Colección Daros Latinamerica de Zúrich, Suiza, una rara oportunidad para que el público pueda acercarse a obras emblemáticas de artistas brasileños de proyección internacional.

La exposición ha sido concebida como un homenaje al floreciente ambiente artístico de Brasil, que se representa en esta muestra con obras de una selección de artistas cuyas cualidades individuales son demasiado singulares como para elaborar una visión general homogénea. Sus distintos perfiles los hacen ser representativos del gigantesco escenario de la potencia artística brasileña de los años recientes.

El recorrido expositivo comienza con la instalación Do It Yourself: Freedom Territory (1968/2015), de Antonio Dias, que se sitúa en el hall de entrada. Antonio Dias nació en la localidad de Campina Grande, estado de Paraíba. Es un artista multimedia cuyo trabajo tiene en la pintura su elemento de fuerte presencia.

La primera sala alberga la videoinstalación Entre os olhos, o deserto (1997), de Miguel Rio Branco. Esta videoinstalación contiene la poesía y la denuncia social que caracterizan al trabajo de este artista nacido en 1946 en Canarias, España, hijo de un diplomático brasileño. Rio Branco es pintor, fotógrafo, director de cine y creador de instalaciones multimedia. Vive y trabaja en Río de Janeiro.

El siguiente espacio reúne un conjunto de 22 libros objetos de Waltercio Caldas. En su extensa producción, los libros son “tratados como un tipo especial de objetos, pues con ellos se puede trabajar con la idea del tiempo y de secuencia". Waltercio Caldas empezó sus estudios de arte en la década de 1960, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Sus trabajos forman parte de importantes colecciones brasileñas y extranjeras. El artista suele decir que estudia la tridimensionalidad en todas las obras que realiza, incluso en sus dibujos, y su tema central es la producción de lenguajes tanto plásticos como poéticos.

El recorrido continúa con la obra Missão/Missões (Como construir catedrais), realizada por Cildo Meireles en 1987, en alusión a las siete misiones que fundaron los jesuitas en Paraguay, Argentina y el sur de Brasil entre 1610 y 1767. Meireles creó la obra para la exposición itinerante Missões 300 Anos: a visão do artista, inaugurada en 1987 en Brasilia, con la curaduría de Frederico Morais. Construida con 600 mil monedas, dos mil huesos y 500 hostias, esta instalación ha recorrido el mundo y fue una de las destacadas de la retrospectiva del artista en la Tate Modern de Londres, en 2008, la primera muestra individual de un brasileño vivo realizada en dicha institución. Cildo Meireles nació en 1948 en Río de Janeiro y es conocido por sus grandes instalaciones, y ha venido desarrollando nuevas posibilidades para el arte conceptual basadas en la relación con la experiencia sensorial del espectador y el uso crítico de sistemas ideológicos y económicos.

Seguidamente, cinco espacios presentan trece trabajos importantes de Antonio Dias, entre instalaciones, objetos y pinturas de las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990.

A continuación se puede contemplar un conjunto de ocho dibujos del artista carioca Milton Machado: Cheiro da corte, Pulmão y Prato de resistência (en tenue de ville), todos de 1976, y Lei da selva (1977), Sacrificar a torre para salvar o rei (2010), Oslo (2011), Sem fim (2012), y Carpaccio en quatro fatias sob chuva fina (2013). Milton Machado es un artista multimedia que produce instalaciones, videos, dibujos, fotografías y pinturas sobre tela. Sin embargo, este artista y arquitecto inició su trayectoria con dibujos y acuarelas en las que predominan las letras, las frases y los elementos gráficos. Su obra revela un particular interés por temas inherentes a la construcción de imágenes, aparte de tener una fuerte orientación conceptual.

Acto seguido, el visitante descubre dos trabajos de José Damasceno: la instalación Agregado (1999), en la cual se amontonan estantes en un precario equilibrio, y Can You Hear Me? (2006), dos trompetas unidas por la boquilla. Nacido en 1968 en Río de Janeiro, Damasceno concretó en 2008 una gran muestra individual en el Museo Reina Sofía de Madrid.

La exposición de Casa Daros sigue con seis famosas fotografías de Vik Muniz elaboradas a partir de instalaciones realizadas con diversos materiales, tales como los cuatro mil soldaditos de plástico de colores, en Toy Soldier (2003); miles de diamantes en el retrato de Marilyn Monroe (2004); la sopa de frijoles en el retrato del Che Guevara, en Che (Black Bean Soup) (2000); salsa de chocolate para retratar a Freud en Sigmund (1997), y los fideos con salsa de Medusa Marinara (1997). Andy Warhol (2000), de la serie Imagens de tinta también podrá apreciarse en esta sala. Vik Muniz nació en 1961 en la ciudad de São Paulo, donde se graduó en publicidad en la Fundação Armando Alvares Penteado. Dejó su ciudad natal para irse a vivir a Nueva York en 1983. Allí inicia su trayectoria artística con el enfoque de su investigación sobre la memoria, la percepción y la representación de imágenes. Sus obras suelen operar con ilusiones ópticas a base de trucos de superposiciones, y contienen materiales inusitados, tales como chocolate, azúcar, residuos o frijoles.

En la última sala se encuentra el trabajo interactivo Humanoides (2001), de Ernesto Neto, artista nacido en Río de Janeiro en 1964, quien engendra en esta obra una fusión donde el cuerpo de la escultura viste al espectador y promueve un reencuentro con la vivencia de la gestación, el amor y la percepción de la organicidad de la acogida, que es dejada de lado en nuestra acelerada cotidianidad. El punto central del trabajo del carioca Ernesto Neto es una incesante investigación sobre el cuerpo humano y la naturaleza. Sus obras están creadas para que el espectador pueda entrar en ellas, habitarlas y sentirlas.

Made in Brasil
Hasta el 9 de agosto de 2015
Casa Daros
Rua General Severiano, 159
Río de Janeiro, Brasil

El rostro de las letras

19/05/2015, El Museo Fundación Antonio Pérez presenta la exposición El rostro de las letras. Escritores y fotógrafos del Romanticismo a la Generación del 14.



Cuenca, 19 de mayo de 2015
A través de la obra de algunos de los fotógrafos más relevantes de su tiempo, esta muestra recorre más de un siglo de historia de la fotografía y la literatura de España, desde el año en que se hizo público el invento del daguerrotipo en 1839 hasta los días postreros de los miembros de la Generación de 1914. con el final de la Guerra Civil y el inicio de la Dictadura franquista.

El rostro de las letras presenta a través de más de 200 fotografías, objetos y documentos un estudio exhaustivo del retrato fotográfico español a lo largo de un siglo y su reflejo en la literatura, siendo el primero en su campo realizado en España y en los países de nuestro entorno cultural.

La exposición, que puede visitarse en el Museo Fundación Antonio Pérez de Cuenca del 29 de mayo al 2 de agosto, aproxima al público a uno de los capítulos más importantes de la cultura española contemporánea.



El discurso expositivo refleja la evolución del retrato fotográfico español, atendiendo a la proximidad entre el lenguaje fotográfico y la literatura y presentando retratos de los miembros de la generación romántica y postromántica (el duque de Rivas, Gustavo Adolfo Bécquer, Mesonero Romanos, Víctor Balaguer, Manuel Fernández y González, Pedro Antonio de Alarcón, José Amador de los Ríos, José Zorrilla, Martínez de la Rosa); los miembros más destacados de la generación que le siguió (Juan Valera, Benito Pérez Galdós, José Echegaray, Leopoldo Alas “Clarín”, Santiago Ramón y Cajal); los escritores en lengua gallega y catalana que protagonizaron movimientos como el Rexurdimento y la Renaixenca (Rosalía de Castro, Eduardo Pondal, Manuel Murguía, Manuel Curros Enríquez, Jacinto Verdaguer, Ángel Guimerá y Joan Maragall); los miembros de la generación del 98 y sus epígonos (Pío Baroja, Valle Inclán, Miguel de Unamuno, Santiago Ramón y Cajal, Azorín, Juan Ramón Jiménez, los hermanos Manuel y Antonio Machado, Vicente Blasco Ibáñez); los protagonistas de la Generación de 14 (José Ortega y Gasset, Gregorio Marañón, Gabriel Miró, Pérez de Ayala, Ramón Gómez de la Serna); y de los bohemios y fronterizos, capitaneados por Alejandro Sawa, el inmortal Max Estrella de Luces de Bohemia.

Museo Fundación Antonio Pérez
Calle de Julián Romero, 20. Cuenca
29 May 2015 - 02 Ago 2015


Experiencia Infinita

18/05/2015, El Malba de Buenos Aires presenta una exposición colectiva que invita a reflexionar sobre los modos de vida y de aproximación al arte y al museo.



Buenos Aires, 18 de mayo de 2015
¿Puede existir un museo viviente, donde las piezas actúen, hablen y se muevan eternamente?. Las piezas de Experiencia Infinita tienen especialmente en cuenta la idea de lo vivo como obra y como parte de un tipo de obras que no solo se distribuyen en el tiempo, sino también en el espacio. Así, se presenta un proyecto nunca antes visto en una institución museística de América Latina, en el que todas las piezas son situaciones construidas, instalaciones en vivo, representaciones y coreografías creadas en los primeros años del siglo XXI.

Esta reflexión tiempo/trabajo aparece implícita en toda la muestra. Las obras seleccionadas reflejan sus modos históricos de visualización en un loop, en un reloj, en una narración interminable, en percepciones parapsicológicas, en una letanía de cantos y posturas con contenido político, o en la propia historia del arte que nos han contado y nunca hemos visto.



El proceso cobra igual o mayor importancia que el resultado de la obra. El tiempo y sus procesos realizan la obra, son la obra, junto a las reacciones del público, sus preguntas y sus acciones. Ante este tipo de exhibiciones, el museo se plantea nuevos modos de actuación, nuevos modos de producción artística que alteran las maneras de percepción, exhibición, circulación e incluso colección en las últimas décadas. La exposición nos plantea el reto de pensar cómo nos relacionamos como espectadores y como productores desde la institución arte en el siglo XXI.

En la muestra, que podrá verse hasta el próximo 8 de junio de 2015, participan destacados artistas nacionales e internacionales, muchos de los cuales exhiben por primera vez sus trabajos en Argentina: Allora & Calzadilla, Diego Bianchi, Elmgreen & Dragset, Dora García, Pierre Huyghe, Roman Ondák, Tino Sehgal, y Judi Werthein.

El patrimonio de Yemen en peligro

18/05/2015, La UNESCO pide protección para el patrimonio cultural único de Yemen, a raíz de los bombardeos sufridos en la Ciudad Vieja de Sana’a, la Ciudad Histórica de Saada y el sitio arqueológico de Baraqish.



Sana’a, Yemen, 18 de mayo de 2015
La UNESCO ha sido informada sobre importantes daños que han afectado a varios sitios culturales significativos de Yemen.
Según fuentes oficiales, la Ciudad Vieja de Sana’a, capital de Yemen, sufrió intensos bombardeos en la noche del 11 de mayo de 2015 que provocaron serios daños en numerosos edificios históricos. Además, la Ciudad Histórica de Saada y el sitio arqueológico de la ciudad preislámica de Baraqish también han registrado daños considerables.

La Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, ha condenado estas destrucciones y ha pedido a todas las partes en presencia que dejen el patrimonio cultural fuera del alcance de los conflictos. “Además del sufrimiento humano que provocan estos ataques, destruyen el patrimonio cultural único de Yemen, que es depositario de la identidad, la historia y la memoria de la población y representa un testimonio excepcional de los logros de la civilización islámica”, comentaba apenada Bokova.

Edificada en un valle situado a 2.200 metros de altura sobre el nivel del mar, la Ciudad de Sana’a está habitada desde hace más de 2.500 años. El legado de su esplendoroso pasado político y religioso lo atestiguan sus 103 mezquitas, 14 casas de baños públicos o las casas-torre, edificadas con tierra apisonada, y cuya esbeltez y altura contribuyen a realzar la belleza del sitio.

Yemen tiene otros dos sitios culturales inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial: la Ciudad Vieja amurallada de Shibam y la Ciudad histórica de Zabid, que figura desde el año 2000 en la Lista del Patrimonio Mundial en peligro.

El costumbrismo vasco de Lecuona

15/05/2015, Antonio María Lecuona destaca por ser uno de los pioneros del costumbrismo vasco y por haber sido maestro de artistas como Anselmo Guinea, Adolfo Guiard, Manuel Losada, Francisco Durrio o Gustavo de Maeztu.



Bilbao, 15 de mayo de 2015
El Museo de Bellas Artes de Bilbao dedica una pequeña muestra al artista Antonio María Lecuona, con una docena de lienzos de su mano, un busto anónimo en yeso que representa al artista y una pintura del flamenco David Teniers II (Amberes, Bélgica, c. 1610-Bruselas, 1690), cedida en préstamo por el Museo del Prado.

Antonio María Lecuona Echaniz (Tolosa, Gipuzkoa, 1831-Ondarroa, Bizkaia, 1907) llegó a Bilbao en torno a 1851 y fue aquí donde recibió las primeras lecciones del pintor bilbaíno Cosme Duñabeitia.

Dos años después, en 1857, se matricula en la Academia de San Fernando de Madrid, donde se forma artísticamente.

En 1857 se presenta a las oposiciones, que gana, para una plaza de dibujante científico en el Museo de Ciencias Naturales. En este periodo conoció y copió asiduamente la obra de Teniers en el Prado y también la de la escuela costumbrista madrileña contemporánea.

En los 13 años que vive en la capital, entra en contacto con diversas influencias pictóricas y literarias, que sumadas al interés por el regionalismo de corte romántico, le permitieron desarrollar una iconografía propia basada en la exaltación de los tipos y costumbres locales, estableciendo así las bases para el desarrollo de la pintura vasca de género.

En 1873 es nombrado pintor de cámara de Carlos VII.

Tras su etapa madrileña se instala en Bilbao, donde realiza gran número de retratos de personajes ilustres y de paisajes del Bilbao del momento, y donde se convierte en maestro y precursor de los más importantes pintores de la escuela vasca.

Antonio María Lecuona (1831-1907)
Pionero del costumbrismo vasco
Hasta el 8 de junio de 2015
Museo de Bellas Artes de Bilbao

Chema Madoz. Las reglas del juego

15/05/2015, Un recorrido por la obra de Chema Madoz de los últimos seis años; una etapa de madurez y depuración conceptual en la que ha profundizado y ampliado las claves que han marcado su investigación fotográfica.



Madrid, 15 de mayo de 2015
Esta exposición, enmarcada en el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña 2015, recorre la producción más reciente del artista, con obras realizadas entre los años 2008 y 2014 en las que ahonda y amplía las claves que han marcado su línea de investigación fotográfica.

Si la poética del objeto ha sido el eje sobre el que ha vertebrado el trabajo de Chema Madoz (Madrid, 1958), en esta selección vemos cómo sus referentes e influencias se van abriendo a la presencia de la naturaleza y la inclusión del dibujo y del texto como vehículos de la imaginación.



La exposición reúne 124 fotografías en blanco y negro, que en su mayoría se exponen al público por primera vez. La muestra se distribuye, ordenada por series y tamaños, buscando la sencillez adecuada para un paseo sereno y detenido por el universo Madoz.

Chema Madoz es uno de los fotógrafos más relevantes de la escena artística española. En 1983 realiza su primera muestra individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y desde 1990 desarrolla su poética de objetos, tema onstante en su fotografía hasta la actualidad. Ha recibido numerosos premios y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de arte contemporáneo como la Fundación Telefónica, el Centro Andaluz de Fotografía, la Fundación Juan March, el IVAM, el Ministerio de Cultura o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Chema Madoz. Las reglas del juego
Sala Alcalá 31
Hasta el 2 de agosto de 2015
C/ Alcalá, 31


Tres nuevas exposiciones en el MUSAC

14/05/2015, El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presenta tres exposiciones colectivas el sábado 16 de mayo: Self-Timer Stories, Sector primario y Visita guiada: artista, museo, espectador.



León, 14 de mayo de 2015
El sábado 16 de mayo el MUSAC presenta tres nuevas exposiciones: Self-Timer Stories [Historias del autodisparador] explora el fenómeno del autorretrato fotográfico a partir de una selección de 80 obras de 34 artistas nacionales e internacionales; . Sector primario atiende a la relevancia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León; y Visita guiada: artista, museo, espectador reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte.

Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]
Esta exposición colectiva explora el fenómeno del autorretrato realizado con auto-disparador, una práctica que se ha revitalizado enormemente en los últimos tiempos debido al uso de las nuevas tecnologías. La exposición, que podrá visitarse hasta el 13 de septiembre, presenta una selección de 80 obras de 34 artistas internacionales y españoles, tomando como punto de partida obras procedentes de la Colección Federal de Fotografía de Austria, en diálogo con obras de la Colección MUSAC y con un enfoque más amplio, que abarca soportes como películas, vídeos, proyecciones de diapositivas, libros de arte y performances.

Sector primario
Sector primario pretende atender a la importancia y presencia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León a través de trabajos de los artistas Paco Algaba, Alfonso Borragán, Álvaro Laiz, Asunción Molinos Gordo, Javier Riera, y Antje Schiffers.. Las diecisiete obras, en su mayor parte producidas específicamente para la muestra, no solo muestran la realidad plural y cambiante del sector primario, sino que también dejan entrever las decisiones estratégicas globales que se toman para que este sector económico cambie, desaparezca, o se potencie la macro-escala productiva en detrimento de otras opciones más ecológicas, sostenibles y/o cercanas.

Visita guiada: artista, museo, espectador [Fondos de la Colección MUSAC]
Una exposición colectiva realizada en exclusiva con fondos de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte. A través de 28 obras de 27 artistas nacionales e internacionales, la exposición intenta abordar cuestiones como el significado del museo en la sociedad contemporánea, su capacidad para relacionarse con los ciudadanos e influir en el entorno del que forma parte, o las estrategias para acercarse a nuevas audiencias.



Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]
16 de mayo - 13 de septiembre, 2015

Sector primario
16 de mayo, 2015 - 10 de enero, 2016

Visita guiada: artista, museo, espectador
[Fondos de la Colección MUSAC]
16 de mayo - 20 de septiembre, 2015

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

Los dibujos de Rosario Weiss

13/05/2015, Desde el 14 de mayo en el Museo Lázaro Galdiano se puede visitar una muestra que reúne una selección de dibujos de Rosario Weiss Zorrilla, ahijada y discípula de Francisco de Goya.

Madrid, 13 de mayo de 2015
Con esta exposición el Museo Lázaro Galdiano presenta el resultado de un trabajo de investigación centrado en los dibujos de Rosario Weiss Zorrilla (Madrid, 1814-1843), discípula durante su infancia de Francisco de Goya (1746-1828).

Tras un trabajo de investigación de un año la colección de la institución pasa de tener ocho dibujos de la artista a nada menos que cincuenta y ocho. En la muestra se podrá contemplar una selección de treinta y seis de estos dibujos, que acercan al visitante a la vida y obra de una autora que llegó a disfrutar de reconocimiento como retratista, copista, litógrafa y miniaturista.

Dibujos de Rosario Weiss en la Colección Lázaro presenta obras de diferentes etapas de la carrera de Rosario y algunos de sus temas más habituales como dibujante como fueron los animales y caricaturas, la ilustración de moda o los retratos. Además, Rosario Weiss fue una reconocida litógrafa, técnica que aprendió en Burdeos, y una copista muy hábil de obras de Goya así como de otros artistas clásicos y contemporáneos.

Rosario Weiss fue hija de Leocadia Zorrilla, ama de llaves de Goya desde 1815. Algunos autores han insinuado que Goya fue su padre, dado el cariño y el interés que demostró por su formación artística. El pintor aragonés introdujo a Rosario en el dibujo a los siete años de edad al mismo tiempo que aprendía a escribir. También recibió formación del arquitecto Tiburcio Pérez, quien le enseñó a emplear el difumino y la tinta china.

En el año 1824 Rosario y su madre se instalan en el domicilio de Goya en Burdeos, con quien vivirán hasta la muerte del artista el 16 de abril de 1828. En la ciudad francesa Rosario continuaría con las enseñanzas del pintor pasando después a la escuela pública regentada por Pierre Lacour (1778-1859), donde recibió una instrucción más académica.

En julio de 1833 la familia regresa a Madrid donde trabaja temporalmente como copista en el Museo del Prado, en la Academia de San Fernando y en alguna colección privada. También se dedicó a la miniatura, al pequeño retrato y a la litografía.

Participó en las exposiciones anuales de la Academia de San Fernando (entre 1834 y 1842), institución que la honró en 1840 con el título de Académica de mérito por la pintura. Un año después obtuvo una medalla de plata en la exposición organizada por la Société Philomatique de Burdeos.

En 1842 recibe su máximo reconocimiento profesional al ser nombrada maestra de dibujo de Isabel II y de su hermana la infanta Luisa Fernanda, empleo que desempeñó poco tiempo al fallecer de cólera en julio de 1843, a los veintiocho años.

Dibujos de Rosario Weiss en la Colección Lázaro Galdiano
Desde el 14/05/2015 hasta el 29/06/2015
Museo Lázaro Galdiano

El Museo del Prado se ilumina

13/05/2015, El Prado presenta su proyecto de iluminación con tecnología LED, una iniciativa que permitirá alcanzar mayores niveles de eficiencia energética, mejorar la conservación de las obras y favorecer su apreciación.



Madrid, 13 de mayo de 2015
Las salas del Museo del Prado correspondientes al ala sur de la planta baja del edificio Villanueva han sido las primeras en verse beneficiadas por este gran proyecto de iluminación con tecnología LED, promovido por la Fundación Iberdrola.

La iniciativa consiste en la sustitución del actual sistema de iluminación halógena por un sistema integral de luminarias Led que permite, no solo mejorar la conservación de las obras al producirse una reducción del 20,4% en el factor de daño, sino una mejor apreciación de las mismas por la mejor calidad de la luz, mucho más natural que la halógena.

Desde el punto de vista medioambiental, el sistema (que se espera que esté finalizado en 2017), permitirá un ahorro de energía anual del 75% y evitará la emisión a la atmósfera de 320 toneladas de CO2 cada año. Asimismo, reducirá los gastos de mantenimiento ya que la vida útil de las luminarias Led es de 50.000 horas frente a las 1.000 horas de las lámparas halógenas.



Para ilustrar el proyecto, el Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga de Antonio Gisbert (sala 61A del edificio Villanueva), se mostrará durante un mes combinando ambas iluminaciones, para que los visitantes puedan apreciar las diferencias en la calidad de la reproducción cromática de las obras, así como la visibilidad del volumen y la distancia desde los primeros planos a los fondos.

El Museo del Prado ha establecido entre sus objetivos la puesta en marcha de una política medioambiental que logre minimizar el impacto de su actividad y reducir la emisión de gases de efecto invernadero. La puesta en marcha de estas medidas ha permitido que en 2014 el Museo del Prado haya dejado de emitir 62,9366 tCO2eq (toneladas de CO2 equivalente), lo que supone un 4,55% menos, y haya consumido 117.006 kWh menos de gas natural, 15.206 kWh menos de gasóleo y 2.569,20 m3 de agua menos que en 2013, lo que supone un descenso del 23,57%, el 3,31% y el 5,46% respectivamente.

Arte y viaje en la Colección del Museo Jaume Morera

12/05/2015, El viaje deviene una experiencia definitiva para cualquier artista, un hecho vital que puede influenciar su vida, estimular su creación y definir aspectos de su obra.

Lleida, 12 de mayo de 2015
El viaje ha sido desde siempre un fenómeno íntimamente ligado a la creación artística. En este sentido, el desplazamiento geográfico de los artistas ha sido uno de los temas más fascinantes de entre todos los que confluyen en el gran mapa de vínculos históricos entre la evolución del arte y la búsqueda humana de nuevos horizontes. El viaje es una forma de conocimiento y un motivo para la expresión artística.

La exposición del Museo de Arte Jaume Morera explora el fenómeno del viaje del artista a partir de los creadores y las obras de su Colección. Precisamente, una de las constantes que definen a sus protagonistas ha sido el ánimo viajero, muchas veces motivado por la búsqueda de nuevos lugares en los que desarrollarse. La investigación personal de cada uno de ellos también los ha llevado a cruzar fronteras para fijar su visión de lugares y sociedades, gente y paisajes, que los han cautivado.

Esta muestra nos invita a redescubrir su interpretación singular de espacios geográficos cercanos y lejanos, pero, sobre todo, nos propone un nuevo viaje, en el espacio y en el tiempo, aquel que toda manifestación artística del pasado nos devuelve cuando la interrogamos.

Arte y viaje. Colección del Museo de Art Jaume Morera
Museu d'Art Jaume Morera
Carrer Major, 31 o Avinguda de Blondel 38-40
Edifici Casino Principal. Lleida

Porcelana + Vanguardia

12/05/2015, El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta un conjunto de diseños de cerámica de Lladró, con el propósito de destacar los logros experimentales y artísticos de una de las firmas con mayor difusión internacional de nuestro país.

Madrid, 12 de mayo de 2015
Porcelana, artesanía, vanguardia y diseño se dan la mano en una muestra que reúne una selección de piezas fruto del trabajo conjunto con grandes creadores, desde Amadeo Gabino hasta Jaime Hayón, que han jugado con la porcelana para ensayar soluciones formales originales, adecuadas a este antaño exótico material, hoy enraizado en la producción española merced a los esfuerzos de la marca creada por los hermanos Lladró en el año 1953. Su experimentación con la porcelana evoca la singularidad de la pieza única, al tiempo que responde a las técnicas de producción más avanzadas, uniendo así tradición e innovación.

La actividad de la firma Lladró comienza con la unión de los esfuerzos de tres hermanos, que fundaron un pequeño taller de manufactura artesanal de porcelana. Con un indudable talento artístico, el éxito les acompaña desde bien temprano. Así, a mediados de la década de los 60 exportan ya sus primeras creaciones, en un proceso de progresiva expansión y reconocimiento internacional que se prolonga hasta la actualidad.

Al margen de su línea ya clásica de figuras decorativas en porcelana, Lladró sabe abrir constantes vías de renovación estilística y técnica. Fruto de esa labor de experimentación surge la exposición Porcelana + Vanguardia, cuyo objetivo es dar a conocer las piezas más destacadas del amplio repertorio de Lladró que reivindican las sorprendentes posibilidades de la porcelana a la hora de abordar la creación de vanguardia desde los valores del producto artesanal.

Dentro de la selección de piezas, contemplamos un primer bloque con algunas obras concebidas por los propios creadores de la firma valenciana que representan esa otra forma de entender la figuración en porcelana. En el segundo bloque se presenta una selección de piezas de autor provenientes de las más recientes colecciones que Lladró ha presentado en colaboración con creadores externos, puestas en diálogo con los modelos históricos a los que hacen referencia.

 Museo Nacional de Artes Decorativas
Hasta el 27 de septiembre de 2015
C/ Montalbán número 12. Madrid

Vanessa Winship en Almería

11/05/2015, El Centro Andaluz de la Fotografía de Almería presenta una exposición retrospectiva dedicada a la obra de la fotógrafa británica Vanessa Winship, primera mujer ganadora del prestigioso Premio Henri-Cartier Bresson en 2011.

Almería, 11 de mayo de 2015
La muestra del Centro Andaluz de la Fotografía se articula en torno a un recorrido cronológico por cada una de las series que componen su obra a través de una selección de 188 fotografías.

Entre 1999 y 2003, coincidiendo con el conflicto bélico de la extinta Yugoslavia, la fotógrafa Vanessa Winship recorrió las regiones de Albania, Serbia, Kosovo, Atenas, y creó "Imagined States and Desires. A Balkan Jorney", una serie centrada en la tragedia del éxodo de refugiados albanokosovares que huyeron desde Serbia hacia países vecinos.

En 2002, se traslada a la zona del Mar Negro y recorre Turquía, Georgia, Rusia, Ucrania, Rumanía y Bulgaria. Su trabajo da lugar a una de sus series más conocidas, "Black Sea: Between Chronicle and Fiction", una visión de la zona y de sus habitantes.

En su recorrido por los territorios de la Europa oriental, la fotógrafa crea otra de sus más conocidas series: "Sweet Nothings: Schoolgirls of Eastern Anatolia (2007)", un conjunto de retratos de escolares de la zona rural del Este de Anatolia, donde la pluralidad de etnias queda silenciada por la proliferación de uniformes escolares y militares.

En la muestra también se incluyen imágenes de sus series "Georgia. Seeds Carried by the Wind (2008-2010)", "She Dances on Jackson. United States", "Humber (2010)", y de su obra más reciente, "Almeria. Where Gold Was Found (2014)".

Vanessa Winship
Hasta el 28 de junio de 2015
Centro Andaluz de la Fotografía
C/ Pintor Díaz Molina nº9. 04002 Almería

Carl Andre en el MNCARS

08/05/2015, El Reina Sofía presenta la exposición Carl Andre. Escultura como lugar, 1958-2010. Hasta el 12 de octubre de 2015 en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro y la tercera planta del edificio Sabatini.

Madrid, 8 de mayo de 2015
Carl Andre (Quincy, Massachusetts, 1935), es un artista cuyo trabajo puede inscribirse en las categorías de minimalismo, land art y arte conceptual y que presenta las preocupaciones formales de su época, como es la apropiación, lo inalterado, la estandarización de los materiales industriales, el uso de formas geométricas desnudas o la introducción del concepto de site-specific. Carl Andre redefinió de manera radical el territorio de la escultura a partir de la década de los sesenta, representando los primeros indicios del cambio de paradigma del arte de esa época.

Carl Andre. Escultura como lugar, 1958-2010 ofrece un estudio en profundidad de un periodo crucial del arte contemporáneo. La exposición cuenta con alrededor de 200 obras realizadas en los últimos 50 años por el artista, y que abarcan desde sus obras más influyentes realizadas con planchas metálicas, palancas... hasta ejemplos más singulares de su práctica artística, que ayudan a comprender la evolución de su concepción progresiva de “escultura como forma, escultura como estructura, escultura como lugar”. 

Además, la exposición aborda el rol crucial del lenguaje en la práctica artística de Andre mediante series de poesía visual y concreta, collages textuales y obras en papel escritas entre 1958 y 1972. Por último, la exposición reunirá, por primera vez en 20 años, un grupo de objetos titulados Dada Forgeries, que manifiestan su relación con los ready-made de Duchamp.

La antológica permite al visitante seguir cronológicamente las innovaciones de Andre en el campo de la escultura, su característica aproximación directa a los materiales, su exploración del espacio y su revolucionario concepto de composición a través de unidades mínimas.

La exposición se distribuye en tres secciones: una, dedicada a la escultura, está ubicada en su mayoría en el Palacio de Velázquez; las otras dos, que agrupan las creaciones inclasificables de Andre (como sus objetos efímeros y postales o la serie de ensamblajes Dada Forgeries) y, por otro, la poesía visual, y que se presentan en la tercera planta del edificio Sabatini. 

Últimos días de Cartier-Bresson en el MPBA

07/05/2015, Diez días y diez razones para no perderse la muestra retrospectiva del reconocido fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

México, 7 de mayo de 2015
Con más de 120 mil visitas hasta el momento, el Museo del Palacio de Bellas Artes está a punto de despedir la exposición dedicada a Henri Cartier-Bresson, que permanecerá en las salas Nacional y Diego Rivera hasta el 17 de mayo.

La retrospectiva reúne una selección de 398 piezas que incluyen fotografías emblemáticas, collages, pinturas, dibujos, películas, revistas y periódicos que descubren la evolución en la fotografía y los sucesos trascendentales en la historia del siglo XX.

A diez días de la clausura, el Museo del Palacio de Bellas Artes nos enumera diez razones para visitar esta interesante exposición:

1. A 80 años de su primera muestra en el Palacio de Bellas Artes, se exhibe la mayor cantidad de piezas del fotógrafo que revelan aspectos como su carácter desde temprana edad, su desarrollo e inquietud por el arte, sus primeras lecciones de pintura y sus encuentros con el lenguaje fotográfico.

2. La exposición retoma su trabajo en México, donde recorrió los barrios de La Lagunilla y La Merced, así como su relación con artistas y personajes de la época.

3. Mediante las fotografías de Cartier-Bresson pueden observarse sucesos importantes como la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial, el fin de la China imperial, Cuba tras la crisis de los misiles y la Guerra Fría.

4. La muestra presenta retratos de grandes personalidades, como el escritor Jean-Paul Sartre, el periodista Truman Capote, el fotógrafo Robert Doisneau, el ex presidente de Cuba Fidel Castro, los artistas Alberto Giacometti y Henri Matisse, y los científicos Irène y Frédéric Joliot-Curie.

5. A través de sus imágenes captadas a fines de los años veinte, los asistentes podrán conocer el contacto del fotógrafo con el surrealismo y sus viajes a Europa, África, México y Estados Unidos.

6. El instante decisivo, concepto bajo el cual se ha definido gran parte del trabajo de Cartier-Bresson, es constante en la muestra. Detrás de la estación de Saint-Lazare, París, Francia (1932) y Hyères, París, Francia (1932) son ejemplos de ello.

7. Se podrá observar parte de sus colaboraciones en la revista Life.

8. Se muestra el interés del artista por el lenguaje cinematográfico a través de filmes que dejan ver su periodo como ayudante de Jean Renoir en tres de sus películas, así como su trabajo como director en un documental sobre la Guerra Civil Española: Victoria de la vida (1938).

9. Se exhibe parte de su trabajo como fotorreportero y cofundador de la agencia fotográfica Magnum, creada en 1947.

10. A pesar de que al francés nunca le gustó realizar fotografías a color, se pueden visualizar algunas de sus colaboraciones a color que hizo por encargo para diferentes publicaciones. 

Yo, Juan. Una talla recuperada

07/05/2015, La recientemente restaurada talla románica de san Juan Evangelista, conservada actualmente en el VINSEUM, se puede contemplar hasta febrero de 2016 en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Barcelona, 7 de mayo de 2015
La talla románica de san Juan Evangelista, del Museu de les Cultures del Vi de Catalunya (Vilafranca del Penedès), es una pieza clave del conjunto de obras atribuidas al «Taller de Erill la Vall», del siglo XII. La pieza, que ocupa un lugar preferente en la escultura románica en madera en Cataluña, se expone ahora en el Museu Nacional, en diálogo y confrontación con otras imágenes procedentes de Erill la Vall, Taüll y Durro, conservadas en el MNAC.

La representación es la de una figura masculina imberbe, prácticamente de frente, con un águila a sus pies, detalle que lo identifica como a Juan el evangelista. Destaca el gesto de su mano derecha, que señala con el dedo índice el libro que sostiene con el brazo izquierdo, como símbolo de su condición de transmisor del Evangelio. Con la mano izquierda realiza el gesto de recogerse el manto. La elegancia de los pliegues, el leve movimiento del cuerpo, y los volúmenes potentes de la cabeza y del águila descubren la excelente calidad de la talla.

El depósito de la pieza en el Museu Nacional ha permitido llevar a cabo una profunda intervención de restauración y estudio, poniendo énfasis en los aspectos formales e iconográficos de la obra. El minucioso proceso al que ha sido sometida ha permitido su recuperación y la obtención de información sobre sus componentes materiales y técnicos.

Realizada en madera de peral, la talla mide 97,8 x 29,2 x 33,5 cm y presenta diversos restos de policromía. La escultura fue donada por Manuel Trens al museo de Vilafranca en 1972, quien la adquirió a un anticuario de la localidad leridana de Tremp (Pallars Jussà). Este dato, añadido a sus trazos estilísticos y a sus medidas, hace pensar que procede de la iglesia de alguna localidad del Pirineo occidental catalán.

Dado que Juan acostumbra a aparecer en la iconografía románica junto al resto de evangelistas, no se puede descartar que esta talla formara parte de un conjunto escultórico, una hipótesis que podría ser avalada también por el hecho de que, en su lado izquierdo, la figura presenta un corte muy limpio en la madera. Sería factible que en este lado izquierdo la talla hubiera estado conectada a otra de las figuras de este hipotético grupo escultórico.

En el transcurso de la intervención se han descubierto, en el dorso de la talla, dos fragmentos de madera añadidos. Se podría tratar de encastes que harían posible la fijación de la talla a algún tipo de soporte. Pero existe también la posibilidad de que se trate de los encastes para la colocación de algún tipo de elemento, como pueden ser unas alas, una extraña hibridación entre la representación de una figura alada y la de un evangelista en su forma humana, que se puede encontrar en diversos ejemplos de la iconografía románica.

El proceso de restauración ha sido imprescindible para garantizar la estabilidad de la talla. La intervención ha consistido en un tratamiento por anoxia; una limpieza tanto en la superficie de la madera, repleta de cera de antiguas restauraciones, como de los escasos restos de policromía, y la eliminación de los estucos añadidos que alteraban los volúmenes.

Yo, Juan. Una talla románica recuperada
Hasta el 28 de febrero de 2016
Museu Nacional d’Art de Catalunya
www.museunacional.cat

III Jornadas de los Grandes Viajes

06/05/2015, Los días 8 y 9 de mayo se celebra en Madrid la tercera edición de las Jornadas de los Grandes Viajes, con grandes viajeros y trotamundos que compartirán sus experiencias y consejos.

Madrid, 6 de mayo de 2015
Aquellos que han soñado alguna vez con dar la vuelta al mundo ya no tienen excusa, pues en estas jornadas encontrarán no solo inspiración, sino también buenos consejos e interesantísimas experiencias de trotamundos que han recorrido el mundo en moto, en coche, en bici o en transporte público, bien en solitario o en pareja.

Los invitados a las III Jornadas de los grandes viajes en Madrid convirtieron su sueño en realidad, haciendo de los viajes un estilo de vida; viajeros que han llegado a los lugares más recónditos del planeta; expedicionarios conocedores de los más extravagantes modos de transporte, e incluso trotamundos que han sabido ganarse la vida durante el viaje haciendo espectáculos de magia, funciones de marionetas y otras actividades.

Conocidos viajeros como Miquel Silvestre, Xavi Narró, Albert Gironés, Meritxell Martorell, Irene García Soria o Jorge Sierra, junto al equipo médico de Viajarseguro.org, participarán en diversas conferencias, mesas redondas y talleres prácticos para aprender trucos útiles como la preparación del botiquín, vacunación, prevención de enfermedades y riesgos sanitarios más habituales en los grandes viajes. Paralelamente habrá una exposición colectiva de fotografía de viajes, que se podrá visitar durante todo el mes de mayo.

Todos los apasionados de los viajes tienen una cita los próximos días 8 y 9 de mayo en las III Jornadas de los Grandes Viajes que la Fundación io organiza en Madrid. La Fundación io es una organización científica integrada por profesionales del mundo sanitario y dedicada a profundizar en el adecuado manejo de las enfermedades infecciosas, la medicina tropical y la salud del viajero.

Más información:
http://www.ungranviaje.org

Van Gogh en el MET

06/05/2015, Del 12 de mayo al 16 de agosto en el Metropolitan Museum de Nueva York se puede visitar la muestra Van Gogh: Irises and Roses.

Nueva York, 6 de mayo de 2015
Los ramos de flores exuberantes que marcaron la obra de Vincent Van Gogh (1853-1890) en la Provenza se dan cita esta primavera en la muestra del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde se reúne por primera vez el cuarteto de pinturas de flores que Van Gogh hizo en la víspera de su salida del manicomio de Saint-Rémy.

La inauguración de la exposición está programada para concordar con la floración de estos "grandes ramos de flores" que cautivaron la atención del artista hace 125 años, y sobre los que Van Gogh anunció que estaba trabajando en dos cartas a su hermano fechadas el 11 y el 13 de mayo de 1890.

Vincent van Gogh trabajó con entusiasmo constante en este conjunto de lirios y rosas durante su última semana en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy, donde se había refugiado un año antes tras ser diagnosticado de epilepsia. Estas obras las realizó mientras empezaba a empacar sus pertenencias para su traslado a Auvers, y fueron completadas tan sólo tres días antes de que subiera al tren en dirección norte, el 16 de mayo de 1890. En estas pinturas, el artista intentó reflejar su determinación enérgica por recuperar el terreno perdido y demostrar que no había perdido su fuerza creativa.

Los ramos de flores, que Van Gogh realizaría con gran brevedad (como él mismo díría "las flores se marchitan rápidamente"), llegaron a finales de junio de 1890 a Auvers, un mes antes del fallecimiento del artista. Tras su muerte las cuatro obras fueron dispersadas, y no se habían vuelto a juntar desde entonces.

La iniciativa del Museo en el reencuentro del grupo de cuatro pinturas ha sido el estímulo para nuevas investigaciones técnicas y análisis documentales, llevadas a cabo en estrecha colaboración con investigadores, científicos y conservadores. Estos resultados serán presentados con motivo de la exposición.

The Presence of Black

05/05/2015, La Fundació Suñol de Barcelona presenta una exposición con la que rinde homenaje al artista José Guerrero en el centenario de su nacimiento.

Barcelona, 5 de mayo de 2015
Tras su paso por Granada (Centro José Guerrero y la Alhambra) y Madrid (La Casa de las Alhajas, Fundación Obra Social y Monte de Piedad), llega a la Fundació Suñol de Barcelona la exposición "José Guerrero The Presence of Black, 1950-1966", la primera monográfica que explora en profundidad los años americanos del autor.

Organizada por el Centro José Guerrero de Granada para conmemorar el centenario del nacimiento del artista la exposición aterriza en Barcelona, ciudad a la que estuvo muy vinculado y donde vivió sus últimos años, con el objetivo de reafirmar a Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 1991) como uno de los artistas españoles más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

La muestra permite descubrir, a través de más de 50 lienzos, grabados, dibujos y «frescos portátiles» experimentales los años americanos del pintor, los que más determinantemente marcarían su camino. Un relato que redescubre el lenguaje de Guerrero a través de una cuidada selección de obras, la mayoría de ellas nunca antes vistas en Barcelona. y que concluye con un espacio dedicado a fotografías, documentos y catálogos.

Las obras llegan procedentes de colecciones privadas y museos nacionales y norteamericanos, y a través de ellas el público podrá descubrir las primeras incursiones del pintor en la abstracción, el interés del pintor en las posibilidades de la integración de la pintura en la arquitectura, su posterior integración en el expresionismo abstracto americano y, finalmente, el momento en el que se reencuentra con su memoria española y regresa a su país de origen en 1965.

José Guerrero. The Presence of Black, 1950-1966
Fundació Suñol. Paseo de Gracia, 98, Barcelona, 1ª planta
Del 8 de mayo al 5 de septiembre de 2015

Tejiendo identidades

05/05/2015, Hasta el 30 de octubre de 2015 se puede visitar en el Museo de América la exposición Tejiendo identidades: símbolos... en la indumentaria maya.

Madrid, 5 de mayo de 2015
El tejido, una de las señas de identidad más importantes de la sociedad maya, protagoniza una exposición temporal en el Museo de América.

El vestido es una manifestación cultural universal, clave de identidad que nos remite a la transmisión de informaciones tangibles e intangibles de generación en generación. Esta tradición ha podido mantenerse viva desde época prehispánica hasta nuestros días, gracias a la transmisión de estos conocimientos.

El traje tradicional maya es el resultado de un largo proceso cultural. En la exposición se pretende dar a conocer la riqueza y diversidad de los trajes de distintas comunidades mayas contemporáneas, que durante los siglos han ido enriqueciendose gracisa a la pervivencia de la tradición textil y a la incorporación de elementos técnicos, materiales e industriales que hacen de la indumentaria una forma de expresión en constante cambio.

Teniendo como eje principal la colección de indumentaria conservada en el Museo de América, la muestra analiza las características de prendas masculinas y femeninas -tanto de uso diario como ceremonial-, las materias primas empleadas, las distintas técnicas de tejido y el significado de los motivos decorativos que se representan con mayor frecuencia y que son una de las formas de expresión más bellas y antiguas del área mesoamericana.

Según las creencias mayas, el arte de tejer fue transmitido por la diosa de la luna Ixchel, deidad de la medicina y el nacimiento. La mujer que teje está conectada a la creación y a la vida a través de su telar de cintura. Algunos investigadores establecen una conexión entre tejido y embarazo, por lo que forma parte de la esencia de la mujer.

La exposición consta de varias secciones: las características de las principales prendas de la indumentaria femenina y masculina; las materias y técnicas textiles más empleadas; los principales diseños decorativos, y una amplia muestra de trajes contemporáneos de distintas localidades mayas de México y Guatemala. 

Enrique Meneses. La vida de un reportero

04/05/2015, La Comunidad de Madrid presenta la primera exposición retrospectiva dedicada al periodista y fotógrafo Enrique Meneses.

Madrid, 4 de mayo de 2015
Dentro del Festival PhotoEspaña 2015, la muestra "Enrique Meneses. La vida de un reportero" presenta una cuidada selección de 90 fotografías en blanco y negro, así como algunos objetos personales que pertenecieron al recientemente fallecido fotógrafo madrileño, uno de los nombres más destacados de la fotografía documental española.

Enrique Meneses (Madrid, 1929 – 2013) fue testigo directo de algunos de los más grandes acontecimientos internacionales de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, que podrá visitarse hasta el 26 de julio de 2015 en la Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, recorre la intensa carrera, casi desconocida en España, de un fotógrafo que utilizó la cámara como una extensión de sus ojos, una aseveración documental del instante, de un hecho periodístico.

Enrique Meneses, reportero vocacional desde la adolescencia, cubrió su primer acontecimiento con tan solo 17 años, la muerte de Manolete en 1947 en la Plaza de Linares. Desde ese instante, Meneses recorrió el mundo y trabajó de manera incansable para Fotopress, Delta Press, Paris Match, Time/Life o ABC.

El recorrido expositivo de la muestra repasa algunos de los temas claves de su trabajo fotográfico como fueron la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos, la Marcha sobre Washington con Martin Luther King, el esplendor y muerte de John Fitzgerald Kennedy, bodas reales como la de don Juan Carlos y doña Sofía y la de Balduino y Fabiola de Bélgica, la tensión con la Unión Soviética de Kruschev o el Ku Klux Klan. Además, ante su cámara posaron figuras tales como como Salvador Dalí, Marlon Brando, Mel Ferrer, Paul Newman, Cassius Clay (Muhammad Ali), Melina Mercouri, Charles Aznavour, João Gilberto, Pablo Picasso, Henry Fonda, Peter O’Toole o Luis Miguel Dominguín.

Enrique Meneses. La vida de un reportero
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
C/ Santa Engracia, 125. Madrid
Hasta el 26 de julio de 2015

Basquiat en el Guggenheim Bilbao

04/05/2015, El Museo Guggenheim Bilbao inaugurará el próximo 3 de julio la exposición retrospectiva más ambiciosa celebrada hasta el momento en España sobre el artista neoyorquino Jean-Michel Basquiat.

Bilbao, 4 de mayo de 2015
La exposición, organizada por la Galería de Arte de Ontario, en Canadá, cuenta con el generoso patrocinio de Iberdrola, e incluye un centenar de pinturas de gran formato, dibujos y fotografías procedentes de colecciones privadas y públicas de Europa y Norteamérica.

La muestra constituye la primera revisión temática de la obra de Jean-Michel Basquiat (1960–1988), uno de los artistas más revolucionarios de la escena de los ochenta en Nueva York. Basquiat nació y creció en Brooklyn, donde siendo aún un niño destacó por sus habilidades intelectuales y artísticas, que le llevaron a la creación de un universo complejo y rompedor.

La exposición del Guggenheim Bilbao se articula en torno a temas como la historia, la identidad o la cultura urbana vinculada al grafiti y al hip hop, ámbitos en los que el artista cosechó gran fama gracias a sus exposiciones en EE. UU. y Europa, con las que se convirtió en un personaje mediático de la escena cultural internacional.

Basquiat, que contaba con la admiración de artistas como Andy Warhol, con quien colaboró en numerosas ocasiones, abrió nuevos caminos en el arte contemporáneo. Su innovadora perspectiva sigue inspirando a artistas de nuestros días y plantea cuestiones que aún hoy son relevantes. En sus obras hacía referencia a numerosas ideas a través de símbolos, imágenes o textos, y trasladaba el contexto en el que vivía al lienzo sin narrativas definidas, anticipando la era de internet e invitando al espectador a reflexionar, de manera crítica, sobre el mundo que le rodea.

Jean-Michel Basquiat
Del 3 de julio hasta el 1 de noviembre de 2015
Museo Guggenheim Bilbao

Linces en Extremadura

30/04/2015, Una gran noticia: el nacimiento en libertad de al menos dos crías de lince en Extremadura, territorio en el que había desaparecido el felino hace unas tres décadas.

Mérida, 30 de abril de 2015
En Extremadura se está desarrollando un programa de reintroducción del lince y este primer éxito ha sorprendido gratamente a todos.

Kodiak, una hembra de lince ibérico reintroducida en el 2014, ha sido la primera que ha dado a luz a las primeras crías de esta especie que han nacido en libertad en Extremadura. En concreto, han sido avistados dos cachorros, aunque es posible que exista alguno más. Son los primeros que nacen en libertad en la región 10 meses después de la reintroducción del primer lince ibérico en ella.

La confirmación del número exacto de cachorros se podrá realizar en las próximas semanas. De momento los dos cachorros avistados presentan un aspecto físico excelente, según los técnicos responsables de su seguimiento, y su sexo se podrá saber a través del fototrampeo o en el momento de realizar su primer chequeo sanitario y de marcaje en los meses de otoño.

En Extremadura existe otra hembra, de nombre Kakapo, emparejada con el macho Kun también liberada el año pasado, que presenta comportamiento de crianza al igual que Kodiak desde finales de febrero, aunque todavía no hay certeza absoluta de su estado. Se espera poder confirmar en las próximas semanas.

En el año 2015 se han liberado también otros cuatro ejemplares de lince: tres hembras y un macho. De este modo, en la actualidad deambulan por Extremadura al menos 13 linces, aunque uno de ellos es foráneo liberado en Montes de Toledo, en Castilla La Mancha, en el mes de diciembre y que entró por Villuercas hace más de dos meses.

El nacimiento de estos dos cachorros, es fruto del intenso trabajo de estos tres años y medio; numerosas son las acciones ejecutadas para conseguir una población estable de linces en Extremadura: selección de áreas de reintroducción, acciones de mejora de hábitat, estudios sanitarios de carnívoros, acciones para evitar atropellos en vías de comunicación, muestreos de conejos y control de las amenazas para la especie, etc.

Entre otras acción de protección en la zona para esta especie se han reducido los límites de velocidad en algunos tramos, y se han instalado señales de aviso de la presencia del lince, con objeto de prevenir accidentes y atropellos de linces.

Todo esto se realiza en el marco de un programa europeo. El Proyecto Life + IBERLINCE: Recuperación de la distribución histórica del Lince Ibérico en España y Portugal (2011-2016), es el tercer proyecto LIFE aprobado por la Comisión Europea que apuesta por la conservación del lince ibérico. Concretamente en Extremadura el proyecto cuenta con la intervención de la Dirección General de Medio Ambiente y otros tres socios, la Fundación CBD-Hábitat, la empresa Agroforex y Adenex; así como la colaboración del Centro de Cría en Cautividad del Lince Ibérico de Zarza de Granadilla, del Organismo Autónomo de Parques Nacionales. Este proyecto, concedido en el año 2011, está cofinanciado con fondos europeos LIFE.

Y el tiempo se hizo...

29/04/2015, La Fundación Helga de Alvear presenta una exposición colectiva que investiga en la forma de representar el tiempo y su percepción.

Cáceres, 29 de abril de 2015
Nuestra percepción del tiempo ha sido modificada por la velocidad e instantaneidad impuestas por las nuevas tecnologías y los modos de vida contemporáneos. Ante la necesidad de revisar la representación del tiempo, los artistas se han refugiado en una concepción del tiempo como construcción del ser y en su experimentación poética o política, alejándose de los acontecimientos, los medios de comunicación y del aquí y ahora.

El tiempo ha pasado a ser una creación abierta que se revela como estructura carente de ella, como integración de variables simbólicas, emocionales o políticas que le permiten manifestarse en sus múltiples pliegues, bifurcaciones y densidades y en todas sus dimensiones: histórica, social, individual o afectiva. El resultado es una gran pluralidad de formas de representación con ecos de las infinitas percepciones del tiempo experimentado, rememorado o proyectado.

Las obras que integran esta exposición poseen una dimensión temporal, directa o indirectamente, literal, alegórica o metafóricamente. Ante la complejidad con la que la representación del tiempo se manifiesta, las 68 obras seleccionadas, realizadas en formatos como la pintura, escultura, fotografía, videoinstalación, dibujo, serigrafía y collage, se organizan en cuatro núcleos:

El presente del artista, materia prima
La experiencia del artista se concibe como vía para revalorizar el tiempo homogéneo de lo cotidiano y transformarlo en un acontecimiento único en sí mismo. El artista opera a través de una lectura crítica de las estructuras sociales y económicas contemporáneas y de su repercusión en nuestra experiencia del tiempo y en la durabilidad de los objetos, que se tornan en cosas frágiles y desechables.

Invocaciones
La invocación se vale de la potencia icónica de las imágenes, pertenecientes al ámbito de lo histórico, lo social, lo popular o lo estético, para cuestionar las historias hegemónicas que desvelan en las nuevas imágenes aquello que permanecía invisible. La imagen retemporaliza el pasado para dar significado al presente, dejando expuesta su naturaleza de bloque temporal atado a las condiciones y circunstancias del devenir.

Los pliegues del tiempo
El acceso a un tiempo expandido, que se haga perceptible como entidad o duración, encuentra en los procesos de condensación, cinematización y estratificación de la imagen algunas de sus estrategias principales. Las imágenes ofrecen una lectura pautada por la discontinuidad y las posibilidades combinatorias, vinculando el tiempo a la memoria y la duración a la construcción de sentido.

Trascender el instante
La noción de instante como tiempo extraído de su secuencia, inmovilizado y enclaustrado en un fragmento exterior a la duración ha sido objeto de un continuo cuestionamiento. La representación a través de un estado de latencia que abre la imagen a lo porvenir; de la perpetuación del tiempo de la imagen en un eterno ahora o de la expansión del instante desde la multiplicación de sus posibles verdades.

CENTRO DE ARTES VISUALES FUNDACIÓN HELGA DE ALVEAR
Hasta el 31 de enero de 2016

El primer Picasso

28/04/2015, El Museo de Belas Artes da Coruña presenta una exposición que analiza y estudia las experiencias y enseñanzas cosechadas en una etapa fundamental en la formación de Pablo Picasso.

A Coruña, 28 de abril de 2015
La relación de Picasso con A Coruña es uno de los periodos más desconocidos, ahora es objeto de una exposición en exclusiva, una extraordinaria ocasión para comprender la auténtica repercusión de este periodo en la obra del artista malagueño, una etapa de su vida que siempre recordaría con cariño, y en la que realizaría varias obras que le acompañarían allá donde fuera, como La muchacha de los pies descalzos, o el retrato del Doctor Ramón Pérez Costales, que decoraron las casas que fue habitando a lo largo de su vida.

Entre los objetos que conforman la exposición destacan las obras realizadas por el niño Picasso en estos años de formación, entre las que se incluyen sus primeros óleos, dibujos a lápiz o tinta e ilustraciones o anotaciones de diversa índole, que sirven como hilo conductor para ir conociendo mejor las peculiaridades de la etapa coruñesa del artista. Todo ello se complementa con otras obras y material diverso, que favorecen una visión panorámica de sus experiencias, estudios académicos e influencias.

Una de las grandes aportaciones de la exposición es la gran cantidad de producción del artista, que se estructura en ocho grandes áreas temáticas: Las caricaturas; El dibujo académico; El bestiario; Los periódicos; El paisaje; Los álbumes; El retrato; Y el costumbrismo.

Las obras han sido cedidas por los descendientes del artista, así como por instituciones picassianas como el Museu Picasso de Barcelona, el Musée National Picasso de París, el Musée Picasso Antibes, el Musée Goupil de Burdeos o el Museo Picasso de Málaga entre otras destacadas instituciones y museos de ámbito nacional e internacional.

La exposición se articula en torno a cuatro ejes artísticos:

Obra de Picasso en A Coruña, desde su llegada en octubre de 1891 hasta su marcha en abril de 1895
Comprende tanto las pequeñas anotaciones de carácter anecdótico como aquellos óleos con los que obtuvo mayor reconocimiento.

Obra de Picasso posterior a su paso por A Coruña, que guarda relación con su estancia en Galicia
Presenta obras de los años 40 y 50 como referente para ilustrar cómo Picasso recupera ciertos temas ya tratados en su periodo de formación.

Diversos objetos que recrean y ambientan la realidad social y política coruñesa de finales del siglo XIX
Carteles, fotografías, periódicos, postales, y elementos vinculados con la formación de Picasso en aquellos años, como libros, expedientes, modelos de yeso o documentos de la antigua Escuela de Belas Artes.

Obra de pintores gallegos contemporáneos, que supusieron una referencia para él
Las enseñanzas y estilos de Isidoro Brocos, Román Navarro o José Ruiz, su padre, aparecerán de alguna manera implícitos en las creaciones picassianas.

El primer Picasso: A Coruña 2015
Hasta el 24 de mayo de 2015
Museo de Belas Artes da Coruña
Zalaeta, 2, A Coruña

Sacrilegio. Jeremy Deller

24/04/2015, La obra del artista británico Jeremy Deller, demuestra que es posible divertirse con el arte, independientemente de la edad, el género o la condición social.

Madrid, 24 de abril de 2015
El Centro de Arte Dos de Mayo propone, del 24 al 27 de abril, una visita a Stonehenge sin moverse de España. Durante cuatro días, una réplica a escala real del monumento megalítico, realizada como “castillo hinchable”, permitirá al público asistente compartir y disfrutar de una de las estructuras inflables más grandes del mundo.

La obra, instalada en el Parque El Soto, en la Avenida de Iker Casillas (Móstoles), es una reflexión sobre una reliquia de la Edad de Piedra cuyo método de construcción sigue siendo a día de hoy un auténtico misterio y que desde su creación hace 4.000 años ha tenido un uso público como obra de arte.

Deller propone tomar conciencia sobre la inmersión en los últimos años en una cultura del espectáculo y de las estructuras que conforman nuestra realidad siempre cambiante, todo ello sin renunciar a una experiencia intensa y emocionante. La propuesta se enmarca dentro de la exposición El ideal infinitamente variable de lo popular, donde el artista ahonda en la historia reciente del Reino Unido y su tránsito de una economía industrial y minera a una de servicios.

Con más de mil metros cuadrados de superficie, Sacrilegio fue creada para los Juegos Olímpicos del 2012 en Londres y ya ha sido presentada en diversas ciudades del mundo.

SACRILEGIO. JEREMY DELLER
24 — 27 ABR 2015
11:00 — 21:00 H.
Entrada libre y gratuita

Ilustración en el Museo ABC

24/04/2015, Tres exposiciones en el Museo ABC ponen de manifiesto la gran calidad de los ilustradores españoles Narciso Méndez Bringa, Fernando Vicente y Eulogio Varela.

EN SEVILLA – EULOGIO VARELA
MODERNISMO Y MODERNIDAD
HASTA EL 26 DE ABRIL DE 2015

Diseñador, ilustrador, pintor, decorador, Eulogio Varela fue, sin duda, uno de los grandes referentes del modernismo en España. Un maestro andaluz en la Europa de entreguerras, con un gran número de seguidores fuera de nuestras fronteras, hoy relegado a un rincón de nuestra memoria. Esta muestra tiene como objeto poner en valor a un gran artista, rescatarlo del olvido y mostrar, por primera vez, sus dibujos y diseños como mejor ejemplo de una trayectoria única e irrepetible.

Eulogio Varela (1868, El Puerto de Santa María, Cádiz – 1955, Madrid) ejemplificó la existencia de un modernismo español en su vertiente más cosmopolita. Fue un artista polifacético que no solo destacó en el ámbito de la pintura, sino también en la ilustración, el diseño gráfico y de mobiliario. En 1898 comienza su colaboración con la revista Blanco y Negro y se convierte en uno de sus artistas más relevantes. El grueso de su producción se concentró en esta publicación, y no solo llegó a ser uno de los colaboradores más prolijos, sino también —a partir de la década de los veinte— el «confeccionador de la casa», el artífice general de la revista hasta la llegada de la Guerra Civil. Fruto de esa colaboración, la Colección ABC custodia 950 dibujos con ilustraciones y también diseños de letras capitales, adornos, orlas y piezas de decoración.

FERNANDO VICENTE. UNIVERSOS
HASTA EL 10 DE MAYO DE 2015

El Museo ABC presenta una gran retrospectiva de la obra de Fernando Vicente que cuenta con casi 200 piezas representativas que trazan un recorrido por más de tres décadas de trabajo de una de las figuras imprescindibles en el panorama creativo actual.

Fernando Vicente (Madrid, 1963) se caracteriza por contar historias en cada uno de sus elegantes dibujos. Vicente es, ante todo, un narrador capaz de penetrar en el alma del personaje. En sus bellos dibujos cabe el realismo, como en una foto, pero también los sentimientos y la psicología.

El recorrido se inicia con una mirada sobre los años 80. Allí nos encontramos con pósters de la época, portadas de discos y muestras de las revistas Madriz y La Luna de Madrid. Continúa con su trabajo para la prensa, revistas y portadas, tanto nacionales como extranjeras. En el apartado de libros, la muestra reúne portadas de ediciones para adultos, libros infantiles y algún álbum ilustrado. Vicente tiene también una estrecha relación con el mundo de la moda. En la muestra se plasma a través de las ilustraciones hechas para las principales revistas de moda de España. La exposición cuenta también con varias series de retratos de personajes conocidos, escritores y músicos.

NARCISO MÉNDEZ BRINGA
EL ESPECTÁCULO DE LA ILUSTRACIÓN
HASTA EL 24 DE MAYO DE 2015

Narciso Méndez Bringa (Madrid, 1866-1933) es uno de los nombres más reconocidos dentro de la historia de la ilustración gráfica en España. Su estilo se caracteriza por poseer una sólida base dibujística y ser muy preciso a la hora de definir las formas.

La exposición se estructura en torno a cuatro bloques temáticos: Estilo: la evolución de su estilo desde un tipo de realismo casi fotográfico hasta el predominio de la línea y su uso como recurso gráfico. Cronista de su tiempo: su obra recoge el testimonio de múltiples aspectos de la vida cotidiana en España, desde el periodo de la Regencia hasta los primeros años de la Segunda República. Ilustrador polifacético: con igual destreza se ocupó de la estampa de sabor costumbrista como de una utopía del futuro, pasando por cualquier época histórica incluida la cultura más remota. Mujeres: su identificación con el retrato femenino fue tal que llegaría a popularizarse durante años el término «mujeres Méndez Bringa», en referencia a un tipo específico de aspecto juvenil, bello y refinado de mujer morena para la que debió de tomar como modelo a su hija, fallecida a una edad temprana.

Para esta muestra se han reunido cerca de doscientas ilustraciones originales, además de bocetos, apuntes, ejemplares de revistas, postales, fotografías y documentos.

Arquitectura en México, 1900-2010

23/04/2015, El Museo Amparo presenta la exposición Arquitectura en México, 1900-2010. La construcción de la modernidad. Obras, arte, diseño y pensamiento.

Puebla (México), 23 de abril de 2015
Organizada por el Banco Nacional de México y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Instituto Nacional de Bellas Artes, esta muestra recorre 110 años de arquitectura en México y enfatiza su relación con el diseño, el arte y el desarrollo urbano.

La exhibición, conformada por fotografías, dibujos, maquetas, mobiliario, esculturas, pinturas y planos urbanos, ofrece el panorama más amplio que se haya reunido sobre la arquitectura moderna de México a través del trabajo de 160 autores y casi 500 piezas que acercan al expectador las reflexiones de los autores sobre obras como la casa-estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo de Juan O'Gorman (1932), el Centro Urbano Presidente Alemán (1949) de Mario Pani o el conjunto de Ciudad Universitaria (1952).

La muestra se estructura en orden cronológico y se divide en seis períodos: Los inicios (1900-1924), Primera modernidad (1925-1939), Período heroico (1940-1968), Nueva monumentalidad (1969-1989), Fin de siglo (1990-1999) y Primera década del siglo XXI (2000-2010). El recorrido destaca momentos clave, como el funcionalismo de la época posrevolucionaria, el proyecto de los Juegos Olímpicos en 1968 o la corriente de integración plástica.

Arquitectura en México, 1900-2010. La construcción de la modernidad. Obras, diseño, arte y pensamiento
Museo Amparo
2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla, Pue. México
Hasta el 15 de Junio de 2015

Alonso Fernández de Avellaneda en la BNE

22/04/2015, Hasta el 20 de septiembre se exponen en la BNE una quincena de ediciones y estudios críticos de otra segunda parte del Quijote: la obra El Quijote de Avellaneda.

Madrid, 22 de abril de 2015
La exposición Alonso Fernández de Avellaneda en la BNE, que estará abierta hasta el 20 de septiembre, conmemora el quinto centenario de la publicación de la segunda parte del Quijote cervantino.

La Biblioteca presenta una selección de alrededor de una quincena de ediciones y estudios críticos del Quijote de Avellaneda, uno de los enigmas literarios y bibliográficos más debatidos de la literatura española. En la selección destacan el único ejemplar localizado del texto identificado recientemente como primer impreso original, acompañado del considerado tradicionalmente el primero, junto con algunas muestras de la aventura internacional de la novela (de la mano de Lesage) que se tradujo y adaptó al francés, inglés, neerlandés y alemán, entre otros, y de las últimas ediciones filológicas a partir de la de Martín de Riquer.

La Primera parte del Quijote de Cervantes cosechó un enorme éxito. Sus ediciones se multiplicaron en el mismo año de su aparición. La historia de don Quijote divirtió a miles de españoles y europeos de muy distinta condición social y formación. Muchos estaban deseosos de que apareciera la prometida Segunda parte, pero años después, la promesa seguía incumplida.

Cuando ya habían transcurrido cinco años, un individuo muy culto y admirador de la literatura popular que encarnaban tanto el Quijote como las comedias de Lope de Vega, decidió cumplir la promesa, al parecer olvidada por el primer autor. Así nacería el Quijote firmado por Alonso Fernández de Avellaneda.

Gracias a la labor de los investigadores, en la actualidad se dispone del Quijote de Avellaneda, depurado y rigurosamente editado; una amplia anotación que nos permite entenderlo y considerar con objetividad sus pretensiones y resultados estéticos, su sentido social y literario, sus puntos de coincidencia y de divergencia con el modelo imitado, y su influjo en la creación de la segunda parte publicada por Miguel de Cervantes en 1615.

Alonso Fernández de Avellaneda en la BNE
Hasta el 20 de septiembre

Pasado Inquieto

22/04/2015, La Exposición internacional de arte en solidaridad con Palestina se inauguró en Beirut en marzo de 1978 con la voluntad de constituir un museo-colección en el exilio. El MACBA rinde homenaje a esta muestra.

Barcelona, 22 de abril de 2015
La historia del arte contemporáneo no puede escribirse solo a través del análisis de obras de arte. Una disciplina historiográfica esencial investiga y narra cómo las obras de arte han sido llevadas al ámbito del espacio público para su recepción. La historia de las exposiciones nos permite aprehender el lugar que la producción artística de nuestro tiempo concede al arte dentro del conjunto más amplio de condiciones políticas, mediáticas, económicas y culturales.

La segunda mitad del siglo XX vio florecer exposiciones de gran significado y relevancia fuera de los marcos institucionales o museísticos. La intención de crear nuevas formas de institucionalidad llevó al olvido y la destrucción de esas iniciativas. El Museo de la Resistencia en el Exilio en Solidaridad con Salvador Allende, adoptó la forma de una exposición itinerante con la misión de recorrer el mundo hasta poder ser «repatriado» a Palestina.

Formada por unas 200 obras de artistas de 30 países, la exposición sigue siendo una de las más ambiciosas, por su escala y alcance, que se han podido ver hasta hoy en el mundo árabe. Trágicamente, durante el asedio de Beirut por parte del ejército israelí en 1982, los continuos bombardeos destruyeron el edificio donde se conservaban las obras, así como los archivos y los registros documentales de la exposición, que ha sido reconstruida a partir de una edición del catálogo, en el que consta una lista de los artistas participantes y de las personas e instituciones que la hicieron posible.

Pasado inquieto repasa el compromiso político y artístico de la izquierda antiimperialista internacional durante los años setenta, y entrelaza las historias perdidas a partir de testimonios y archivos privados. La exposición explora la malla de redes de afiliación y solidaridad que unió a artistas comprometidos de todo el mundo en el contexto de la Guerra Fría, mientras que, por otro lado, recupera la historia de otras iniciativas museográficas parecidas, centradas en la apasionada defensa de causas que afloraron en el mismo terreno, como la dictadura de Pinochet en Chile o el apartheid en Sudáfrica.

Pasado Inquieto. Narrativas y Fantasmas de la Exposición Internacional de Arte en Solidaridad con Palestina, 1978
Museo Arte de Contemporáneo de Barcelona
Hasta el 1 de junio de 2015

Henry Moore en Málaga

21/04/2015, Seis esculturas de Henry Moore interactúan con el entorno de la calle Alcazabilla (Málaga) y ofrecen una significativa muestra de los motivos principales de la obra del artista.

Málaga, 21 de abril de 2015
La ciudad de Málaga acoge esta muestra al aire libre, que se podrá visitar hasta el 28 de junio de 2015, y que muestra la obra de Moore en un contexto expositivo ideado para acercar de una manera innovadora el arte del británico al público, en una simbiosis entre el arte y el espacio urbano.

Henry Moore (1898-1986) alcanzó gran fama en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial con sus monumentales esculturas de bronce expuestas en espacios exteriores, cívicos y públicos alrededor del mundo.

Esta exposición acerca el arte de Moore a los transeuntes a través de seis bronces de gran tamaño, realizados por el artista en la cúspide de su carrera, entre 1960 y 1982. Las obras seleccionadas representan los motivos principales en la producción de Moore: la fascinación por las figuras reclinadas o tumbadas, la relación entre figura humana y paisaje, la tensión entre lo natural y abstracto y la transformación de objetos de la naturaleza en formas escultóricas.

En sus obras Moore simplifica los elementos figurativos, de manera que la figura humana se asimila a formas rocosas. Al mismo tiempo, juega con la verticalidad de las figuras para dar un nuevo aspecto a cada elemento, a través de un lenguaje abstracto que aspira a alcanzar una expresión sublime. Por su parte, con el juego entre la forma exterior y el interior, el artista propone una investigación formal sobre la relación entre una forma grande y otra pequeña, lo duro y lo tierno, lo sinuoso y lo angular.

Henry Moore en Málaga, escultura en la calle
Calle Alcazabilla
Hasta el 28 de junio de 2015

Diez historias y un paisaje. Jaime Serra

21/04/2015, El Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña presenta una compilación de historias cotidianas contadas con infografías del artista multidisciplinar y periodista Jaime Serra.

A Coruña, 21 de abril de 2015
En la exposición del MAC Serra amplía los límites de la infografía periodística mediante la representación de datos subjetivos, pensamientos y emociones. El resultado es un conjunto de obras donde los diagramas, la cartografía y la representación abstracta de datos estadísticos sobrepasan las páginas de los periódicos para convertirse en verdaderas obras de arte que cuestionan la absurda veracidad de los datos y su objetividad.

Para Jaime Serra, la infografía es una herramienta de comunicación de alta precisión que utiliza la combinación de dos lenguajes: imagen y palabra. Esta combinación es complementaria, de tal modo que un lenguaje no se entiende sin el otro y resulta mucho más preciso que ambos por separado. A través de la infografía Serra cuenta historias que parten de las columnas de opinión que él mismo publica los domingos en el diario La Vanguardia, llevándolas al terreno artístico con soportes como el vídeo, la obra gráfica, el arte participativo o la performance.

Jaime Serra ( Lleida, 1964) ha expuesto en Barcelona, Buenos Aires o Washington y le precede una larga trayectoria en la que ha dirigido y asesorado las áreas gráficas de grandes medios a nivel nacional e internacional. Desde el año 2007 es redactor jefe de infografía e ilustración del periódico La Vanguardia.

El artista multidisciplinar y periodista Jaime Serra Palou (Mollerussa, Lleida, 1964) ha trabajado durante los últimos 25 años experimentando con los límites entre las formas y las temáticas propias de los medios de comunicación de masas y el arte. Columnista y Director de Infografía e Ilustración de La Vanguardia desde octubre del 2007. Su periodo en el diario argentino Clarín (entre los años 1995 y 2001) supuso una revolución en el lenguaje infográfico, tanto por los criterios estéticos como por la ampliación de las temáticas consideradas propias del género.

Su revolucionario trabajo ha sido reconocido con más de un centenar de premios y distinciones, entre ellas su reconocimiento en marzo del 2012 como ‘El infografista más influyente del mundo en el periodo 1992-2012’ por la Society for News Desing, la más prestigiosa organización mundial de periodismo visual. Su trabajo ha sido expuesto en museos de España, México, Argentina y EE.UU.

Diez historias y un paisaje. Jaime Serra
Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa
Avda. de Arteixo 171. A Coruña
Hasta el 4 de octubre de 2015

Las Edades del Hombre y Santa Teresa

20/04/2015, Sin haber transcurrido aún un mes desde la inauguración de Las Edades del Hombre ‘Teresa de Jesús. Maestra de oración’ la muestra supera ya las 25.000 visitas.

Ávila, 20 de abril de 2015
Las Edades del Hombre de este año 2015 se celebra por vez primera en dos localidades de dos diócesis diferentes, uniendo simbólicamente los lugares de nacimiento y fallecimiento de Santa Teresa de Jesús.

Teresa de Cepeda y Ahumada, de la que se celebra el V Centenario de su nacimiento, es una de las personalidades más fascinantes de la historia universal. Fue una mujer del siglo XVI que debatió con los sabios de la Iglesia y con la sociedad que la rodeaba. Fundó 17 conventos en España y produjo una ingente obra literaria que la convirtió en figura destacada entre los escritores del Siglo de Oro.

500 años después de su nacimiento, esta celebración sirve para actualizar el mensaje de la Santa y rendir homenaje a la grandiosa figura de esta castellana universal, patrimonio de la humanidad.

A través de un despliegue en numerosas sedes, por una parte, en la ciudad que la vio nacer, Ávila y, por otra, en la que entregó su inagotable vida al Señor, Alba de Tormes, podemos acercarnos a la genialidad que encierra su impresionante figura. Desde comprender a Teresa en el contexto cultural, pasando por su experiencia como mujer de oración o como una de las escritoras más audaces. Las Edades del Hombre trata de reflejar su inquietud y expansión fundadora, su amor a la humanidad y a la Iglesia.

Como complemento para los visitantes a la muestra de arte sacro, Las Edades del Hombre teresianas ha puesto en marcha el programa ‘Apertura de monumentos Las Edades del Hombre’. Ocho templos cercanos a las sedes de la exposición en Ávila y Alba de Tormes (Salamanca) participan en este programa de gran interés para los turistas que visiten la muestra, bien por el propio estilo arquitectónico de los edificios (alguno perteneciente al estilo mudéjar) o por las obras de arte que albergan en su interior.

Con la intención de ampliar la oferta turística y cultural en torno a esta muestra, los ocho templos de las diócesis de Ávila y Salamanca seleccionados permanecerán abiertos al turismo en horario de sábados y domingos de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas y podrán visitarse hasta la finalización de la exposición prevista para el 10 de noviembre.

En concreto, los cuatro templos correspondientes a la Diócesis de Ávila son las iglesias de San Cipriano y San Juan de la Cruz, en Fontiveros; la de San Juan Bautista, en Narros del Castillo, y la de Santa María del Castillo, en Flores de Ávila. A estos se unen otros cuatro templos que pertenecen a la Diócesis de Salamanca, las iglesias del Monasterio de la Encarnación, en Peñaranda de Bracamonte; la de Nuestra Señora del Castillo, en Macotera; la de Santiago Apóstol, en Santiago de la Puebla; y la de San Pedro, en la propia localidad teresiana de Alba de Tormes.

 Teresa de Jesús: maestra de oración 
RECORRIDO EXPOSITIVO
Ávila: Convento de Nuestra Señora de Gracia Capilla de Mosén Rubí /// Iglesia de San Juan Bautista
Alba de Tormes: Basílica de Santa Teresa
983 683 159

Monumentos icónicos de Gran Bretaña

17/04/2015, Los monumentos británicos son reconocidos en todo el mundo: el Big Ben, el Castillo de Edimburgo, Stonehenge, el Parlamento Británico, Piccadilly Circus el London Eye... no pierdas la ocasión de conocerlos.

Londres, 17 de abril de 2015
Reino Unido tiene un conjunto inmenso de monumentos que cortarán la respiración al visitante, catedrales, castillos, puentes... todos ellos han resistido el paso del tiempo, y nos descubren los secretos del pasado.

Stonehenge:
Sin lugar a dudas Stonehenge se trata de uno de los monumentos ingleses más emblemáticos.Una reliquia de la Edad de Piedra cuyo método de construcción sigue siendo a día de hoy un auténtico misterio.

Parlamento Británico:
Uno de los edificios de visita obligatoria si viajamos a Londres. El grandioso Parlamento Británico se alza junto al río Támesis. La mayoría de la gente se conforma con hacerse una foto en el exterior, con la icónica torre del Big Ben de fondo, pero también se puede entrar para visitar las galerías públicas.

Castillo de Edimburgo
En lo alto de un volcán inactivo y situado al final de la Royal Mile de Edimburgo, el Castillo de Edimburgo es la atracción turística más popular de la ciudad. Se convirtió en el principal castillo real de Escocia en la Edad Media y alberga las Joyas escocesas de la Corona y el Museo Nacional de la Guerra de Escocia entre otros tesoros.

Catedral de San Pablo
Diseñada por Sir Christopher Wren y terminada en 1711, la Catedral de San Pablo sobrevivió a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Visita los sepulcros del almirante Nelson y el Duque de Wellington y sube a la imponente cúpula para admirar las vistas que se contemplan desde allí.

Termas romanas
Explora las termas romanas situadas en el mismísimo centro de la ciudad de Bath. Sentirás el calor de las aguas termales, verás el Sagrado Manantial y conocerás de cerca cómo se relajaban los romanos hace miles de años.

Trafalgar Square
La plaza más famosa de Londres, aquí se encuentra la Columna de Nelson, monumento conmemorativo del héroe naval británico vencedor de la Batalla de Trafalgar. Puedes disfrutar de las exposiciones de la Galería Nacional y de la cuarta columna, conocida en inglés como "Fourth Plinth", que exhibe diferentes esculturas de artistas famosos.

Piccadilly Circus
El mejor momento del día para visitar esta emblemática plaza londinense es al caer la noche, cuando los enormes rótulos de neón iluminan a la gente que allí se congrega. Piccadilly Circus es el Time Square británico.

Tower Bridge El Puente de la Torre une las dos orillas del Támesis, desde la Torre de Londres en el norte hasta Shad Thames en South Bank. Puedes cruzarlo a pie o en coche. Merece la pena estar en la orilla del río cuando el puente se abre para dejar paso a los veleros.

Noria London Eye
La grandiosa noria de Londres jamás pasa desapercibida. Se alza sobre Westminster y el Parlamento Británico y ofrece una vista panorámica de todo Londres. Los trayectos, de 30 minutos, alcanzan los 135 metros de altura.

Picasso: lecciones magistrales de arte gráfico

16/04/2015, Una panorámica de la obra gráfica picassiana que relata el recorrido por los procedimientos y técnicas utilizadas por el artista malagueño.

Madrid, 16 de abril de 2015
La exposición, que puede verse en la Calcografía Nacional hasta el 31 de mayo de 2015, permite admirar los más singulares hitos de la extraordinaria trayectoria de siete décadas en arte gráfico de Picasso, así como apreciar las estampas como lecciones magistrales de cada una de las técnicas empleadas por el artista.

Pablo Picasso está considerado, con más de dos millares de creaciones gráficas, el más fecundo grabador de la historia. Su primera estampa, El picador zurdo, fue realizada con dieciocho años. Desde 1904, con La comida frugal, y tras unas primeras instrucciones del pintor y grabador catalán Ricard Canals, grabó con continuidad hasta el año anterior a su fallecimiento.

Entre los procedimientos domina el grabado calcográfico (aguafuerte, aguatinta, aguada, punta seca, buril y manera negra); pero también practicó la litografía, el grabado sobre linóleum o la hectografía.

Además de series con nombre propio y numerosos libros ilustrados, Picasso realizó gran número de obras individuales. La selección reúne estampas significativas de sus principales series gráficas, entre las que destacan las siguientes:

Saltimbanquis (1904-1905): Formada por sus primeros grabados, que Ambroise Vollard agrupó para editarlos como conjunto en 1913. Consta de quince estampas sin unidad de formato, y con temas de los periodos azul y rosa.

Suite Vollard: Grabada entre septiembre de 1930 y junio de 1936, editada por Vollard en 1939. Esta serie está constituida por noventa y siete estampas, más tres retratos del editor.

Suite 347: Concebida por Picasso entre marzo y octubre de 1968. En esta serie se distinguen cuatro grupos temáticos: La Celestina, Rafael y la Fornarina, el pintor con sus modelos y escenas circenses. En la Suite 157, con formato único, predominan los temas eróticos.

El Salvaje Europeo. Gonçalo Pena

15/04/2015, Hasta el 9 de mayo de 2015 se puede visitar en la Galería Sociedad Anónima (Madrid) la exposición El Salvaje Europeo. Gonçalo Pena.

Madrid, 15 de Abril de 2015
La muestra que la Galería Sociedad Anónima dedica a la obra de Gonçalo Pena nos presenta una selección de dibujos recientes que explora de modo directo el universo conceptual del artista, así como una serie de pinturas que recorren de manera retrospectiva los últimos 5 años de producción del portugués.

La exposición analiza la brecha entre el dibujo, que corresponde de un modo exacto a este momento de exploración, y la pintura, que nos habla de un pintor experimentado y ocurrente cuyas escenas provocan una permanente curiosidad sobre la intención del artista.

La primera Sala, con los dibujos, es la que da nombre a toda la Exposición: El Salvaje Europeo, un título que corresponde a la idea del hombre civilizado que se descubre en las fronteras con la nada: desiertos, mar, tundra, hielo..., pero también aborda el tema del autor como una especie de antropófago omnívoro que opera por analogías, yuxtaposiciones crudas y superposiciones de sedimentos literarios, religiosos, estéticos, históricos o políticos.

Los materiales utilizados son la fotografía, el boceto, las notas y las investigaciones y reflexiones que ha querido atesorar Gonçalo Pena tras un viaje reciente al norte de Fenoscandia, por el Círculo Polar Ártico, donde el desierto helado, los recuerdos de colonización y las políticas de identidad han servido de inspiración para dar lugar a una vibrante colección de dibujos todavía inacabada.

Gonçalo Pena nació en Lisboa hace 47 años, allí se graduó en Pintura en la Escuela de Bellas Artes y realizó un Master de Ciencias de la Comunicación. Después se dedicó a la enseñanza dando clases en Portugal y Noruega. Finalmente decidió concentrar su trabajo en la practica artística a través de la pintura y la ilustración.

Algunas de sus exposiciones individuales son: "Monkey Trip", en la Galería Zero de Milán, "Monkey Trip", en la Galería Graça Brandão de Lisboa, "Atol dioses inútiles", en ZDB, Lisboa, "Jardín Ciudades del Mañana", en la Galería Fúcares de Madrid, "Salón de Otoño" en la Galería Graça Brandão de Lisboa y "Wi (e) Malerei der die" en Rosalux, Berlín.

El Salvaje Europeo. Gonçalo Pena
Hasta el 9 de Mayo de 2015
Sociedad Anónima
Gran Vía, 15. 3ªD. Madrid

AAP Primadomus

15/04/2015, El mayor centro de rescate de mamíferos exóticos de España se sitúa en la Sierra de Salinas, en el municipio alicantino de Villena.

Villena, 15 de abril de 2015
En este centro los animales rescatados se recuperan de las lesiones, físicas y psíquicas, sufridas por causas como el tráfico ilegal o la investigación científica, por su empleo en circos o en fotografía ambulante... o por el simple hecho de haber sido mascotas de alguien que se ha cansado de ellos o que se ha dado cuenta de que era demasiado complicado hacerse cargo de un animal exótico.

Al vivir en cautividad, estos mamíferos desarrollan una serie de comportamientos anormales derivadas de la privación de libertad en un entorno no natural. En el centro son conscientes de lo importante que supone que estos animales recuperen su comportamiento natural, y puedan superar las situaciones de sufrimiento y abuso que han experimentado a manos de la especie humana.

las instalaciones de AAP Primadomus cuentan con estructuras adecuadas que permiten que los animales puedan moverse y relacionarse como lo harían en la naturaleza, para que puedan recuperarse cuanto antes y volver a convivir con animales de su misma especie.

Todos los animales pasan por un periodo de primera asistencia y adaptación a su llegada a la fundación. Para cada uno de ellos se prepara un plan especifico que contempla la dieta, medicación y control del comportamiento anormal que puedan presentar, para que los recién llegados puedan adaptarse a las instalaciones, los cuidadores y la nueva alimentación. Al finalizar este periodo los animales se encuentran con nuevos congéneres e inician su socialización.

AAP cuenta con instalaciones para albergar animales durante periodos largos, aunque en un principio todos los animales que se rescatan deben abandonar la fundación lo antes posible para dejar espacio para los nuevos animales que llegan y necesitan ayuda.Por desgracia, reintroducir estos animales en su hábitat natural es inviable, ya que no sabrían cómo sobrevivir pues no lo pudieron aprender durante su infancia.

Tras su paso por el centro, los animales son trasladados a santuarios permanentes e instituciones zoológicas en toda Europa, donde se les proporciona un nuevo hogar y un futuro mejor.

Para dar a conocer la problemática a la que se enfrentan estos animales, AAP Primadomus abre sus puertas a visitas guiadas gratuitas los sábados y domingos por la mañana, en diferentes horarios: 10:00h; 10:30h; 11:15h; 11:45h y 12:30h. Las visitas son siempre guiadas por personal especializado para poder explicar las causas que han llevado a estos animales exóticos a llegar hasta el centro y su progresión en el mismo.

Si te interesa conocer la labor que se desarrolla en la fundación puedes llamar al teléfono 966 150 236 para concertar una visita.

Yan Pei-Ming en el CAC Málaga

14/04/2015, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual dedicada por un museo español al artista francés nacido en Shangai, Yan Pei-Ming.

Málaga, 14 de abril de 2015
En No comment se reúnen 27 pinturas del artista Yan Pei-Ming, la mayoría realizadas en gran formato y caracterizadas por su restringida paleta de colores y sus trazos gruesos. En estos lienzos, el artista retrata a conocidas personalidades del mundo político, religioso y económico, pero también a sujetos anónimos que por alguna razón son víctimas de los conflictos actuales.

Para conseguir su sueño de ser pintor, Yan Pei-Ming abandonó en 1980 su país de origen y con veinte años se instaló en Francia, donde comenzó a investigar sobre las posibilidades de la pintura en el contexto actual y a reinventar el retrato como una forma de captar la esencia de las personas representadas.

Yan Pei-Ming, el primer artista de origen chino que expuso en el Louvre, emplea en sus lienzos escasos colores como el blanco, el negro, el rojo y el gris, para mostrar incomodidades y verdades universales disfrazadas con el rostro de un personaje histórico o de personas anónimas, cuyas miradas perdidas encierran tragedias compartidas.

Con sus trazos violentos y recursos mínimos, el artista evoca un discurso complejo, lleno de interpretaciones. Algo obsesivo en su obra es la muerte, temática que para Yan Pei-Ming no es un tema trágico. Sabe que es inevitable y universal. Con esta premisa, se lanza sin miedo a retratar rostros sin vida (incluso pintó el retrato de su padre muerto -Père de l’artiste à la morgue, 2004-).

La religión también es un asunto que el pintor ha tratado en sus obras. Además de la crucifixión, el artista ha realizado retratos de diferentes papas, como figuras principales y visibles del catolicismo.

No comment. Yan Pei-Ming
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Hasta el 14 de junio de 2015
C/ Alemania S/N

10 Picassos del Kunstmuseum

14/04/2015, Hasta el 14 de septiembre de 2015 el Museo del Prado presenta diez obras maestras de Pablo Picasso pertenecientes a la colección del Kuntsmuseum Basel.

Madrid, 14 de abril de 2015
Estas diez obras del pintor malagueño, ocho de las cuales se exponen en España por primera vez, conforman una pequeña retrospectiva del artista que podrá visitarse en el Prado hasta septiembre de este año.

Las obras del museo alemán, fechadas entre 1906 y 1967, reflejan algunos de los momentos decisivos de la trayectoria del artista como la conclusión de sus períodos azul y rosa, su incursión en el cubismo sintético, su retorno al “neoclasicismo”, su experiencia durante la guerra o los experimentos retrospectivos ensayados en los últimos años de su vida.

Durante el periodo de apertura de la exposición se proyectarán los documentales “Le Mystère Picasso” de Clouzot y “Das Wunder von Basel”. Además, el Museo del Prado ha organizado un programa de actividades relacionadas con la exposición que incluye itinerarios didácticos, conciertos y conferencias.

LAS OBRAS
Los dos hermanos: Verano de 1906.
En este lienzo de su etapa rosa, Picasso muestra a un muchacho adolescente que lleva a cuestas a su hermano pequeño. La obra posiblemente refleje una imagen que el artista pudo ver durante sus vacaciones estivales de 1906 en Gósol, en el Pirineo de Lérida. Allí comenzó su llamado “periodo ibérico”.

Hombre, mujer y niño: Otoño de 1906.
Un hombre de pie inclina su cabeza para contemplar absorto a una mujer que sostiene en brazos a un niño que mira con curiosidad al espectador; ella presenta un rostro inexpresivo, como una máscara ausente. Los rasgos del hombre recuerdan a los del propio pintor. A base de blancos, rosas, grises y negros, las figuras remiten a las formas estilizadas y antinaturales del arte ibérico, que simplificaba los volúmenes y los rostros.

Panes y frutero con fruta sobre una mesa: 1908-9.
Este bodegón es el resultado de las modificaciones que Picasso introdujo en una composición con personajes dispuestos en torno a una mesa plegable. Todavía son visibles, entre las patas de la mesa, las piernas del personaje –quizás Cezanne– situado en el lado derecho, cuyos brazos se han convertido en barras de pan.

El aficionado: 1912.
Tras asistir a una corrida en Nimes, Picasso retrata a un aficionado a los toros, con bigote y sombrero cordobés. En las manos lleva una banderilla y una guitarra; a la derecha hay una botella cerrada con un corcho. Aquí se percibe ya una evolución hacia formas simplificadas y poco facetadas, que empiezan a alejarse del cubismo analítico.

Mujer con guitarra: 1911-14.
Picasso construye una figura femenina a partir de una trama de líneas negras sobre un fondo blanquecino. En el centro de la composición se reconocen sus pechos y en la parte inferior las manos, una de las cuales coge una guitarra. Esta obra pertenece al llamado “cubismo sintético” que Picasso desarrolló entre 1912 y 1914.

Arlequín sentado o El pintor Jacinto Salvadó: 1923.
Picasso retrata a su amigo Jacinto Salvadó vestido como Arlequín, con un traje que le había regalado Jean Cocteau. Entre 1901 y 1927 Picasso realizó más de cincuenta cuadros sobre este tema, y él mismo se autorretrató varias veces como ese personaje de la popular Commedia dell’arte italiana. Es una obra del periodo neoclásico de Picasso (1917-1924), en el que vuelve a la representación figurativa tradicional.

Mujer con sombrero sentada en un sillón: 1941-42.
Dora Maar, compañera sentimental de Picasso en esos momentos, aparece sentada de frente en un sillón metálico. Su cabeza está dividida en dos partes yuxtapuestas: la superior se muestra de frente, con un ojo abierto que mira intensa y amenazadoramente al espectador; la inferior aparece de perfil y en ella destacan los rojos labios.

Muchachas a la orilla del Sena, según Courbet: 1950.
Con esta obra Picasso rinde homenaje a Gustave Courbet al reinterpretar una de las obras más conocidas del pintor realista francés: Muchachas a la orilla del Sena (verano), de 1857.

Venus y Amor: 9 de junio de 1967.
Un niño desnudo y sonriente se dirige hacia su madre, que se prepara para abrazarle. Aunque ambos carecen de atributos identificativos, se trata de la diosa del amor y de su hijo Cupido, un tema frecuente en la producción tardía de Picasso.

La pareja: 10 de junio de 1967.
Las actitudes de los protagonistas –un mosquetero y una mujer con los pechos al descubierto– muestran la tensión sexual que subyace en el ambiente. La obra se ha interpretado como un posible reflejo de la situación personal de Picasso, que contaba con 86 años en el momento en el que pintó el lienzo.

Sonidos rituales

13/04/2015, El Museo de América alberga una de las colecciones más importantes de objetos sonoros e instrumentos musicales andinos prehispánicos.

Madrid, 13 de abril de 2015
En esta muestra, el Museo de América propone un paseo acústico inmersivo a través de espacios ambientados sonoramente, que invitan al visitante a participar sensorialmente de diferentes momentos ceremoniales y cotidianos de la cultura andina, ofreciendo un panorama que permite la comprensión de aspectos culturales fundamentales de estas comunidades, con sus destrezas y saberes tradicionales.

El sonido cumple desde la antigüedad un rol fundamental en los contextos rituales andinos. Cantos, toques instrumentales y atmósferas sonoras adquieren un sentido simbólico y significativo, sobre el que llegan a establecerse relaciones cognitivas de carácter identitario.

A través del estudio de los materiales arqueológicos pertenecientes a las colecciones del museo y del contexto en el que se produjeron sus hallazgos se ha podido apreciar la importancia que las manifestaciones musicales tuvieron para las culturas andinas prehispánicas.

El sonido ritual era el canal a través del que el hombre andino accedía a los umbrales de comunicación con las fuerzas naturales, los ancestros y los dioses. Era la magia chamánica de transfiguración, así como la potencia acústica de las procesiones comunitarias. Asociado a coreografías danzadas, el sonido ritual constituyó la expresión más poderosa de una voluntad social estableciendo los vínculos de coexistencia entre el poder del hombre y el de los dioses.

En la muestra se encuentran objetos sonoros e instrumentos musicales de relevante importancia musicológica por sus características organológicas e iconográficas, así como representaciones y parte de las investigaciones que se han realizado. Una selección que nos brinda una interesante información sobre la expresión del hombre en la antigüedad a través del sonido, la dinámica coreográfica y la magia simbólica de la iconografía musical.

Sonidos rituales. Entre el poder del hombre y de los dioses
Hasta el 31/05/2015
Museo de América

El BBAA crece

13/04/2015, Desde el pasado 31 de marzo se puede visitar el nuevo edificio de la ampliación del Museo de Bellas Artes de Asturias.

Oviedo, 13 de abril de 2015
Tras 8 años de obras y 27 millones de euros de inversión, el Museo de Bellas Artes de Asturias reconfigura su distribución con la inauguración de un nuevo edificio en el que se mostrará una amplia selección de los fondos de arte de los siglos XX y XXI pertenecientes a la pinacoteca asturiana.

El nuevo edificio, diseñado por el arquitecto navarro Patxi Mangado Beloki y al que se accede por la plaza de Alfonso II El Casto, viene a "doblar" la superficie expositiva existente, que pasa de 4.000 a casi 8.000 metros cuadrados.

En total 208 obras de destacados autores como Sorolla, Anglada-Camarasa, Picasso, Dalí, Miró, Gargallo, Gutiérrez Solana, Palazuelo, Barceló, Tàpies o los asturianos Regoyos, Valle, Piñole, Aurelio Suárez, Luis Fernández, Sanjurjo, Amador y Kely, entre otros se podrán contemplar en el nuevo edificio. Un discurso en torno al arte contemporáneo que complementa la actual colección permanente del Palacio de Velarde, donde se atesoran obras realizadas entre los siglos XIV y XIX de autores como El Greco, Zurbarán, Murillo, Carreño o Goya.

El Palacio de Velarde (Santa Ana, 1) será cerrado de manera parcial para proceder al remontaje de la colección permanente. Este cierre parcial afectará en un primer momento a la segunda planta, manteniéndose abierta en los próximos meses la primera, en la que se exponen el grueso de lienzos de los mencionados Maestros de la Historia del Arte español y universal.

Inaugurado el 19 de mayo de 1980, el Museo de Bellas Artes de Asturias posée un rico patrimonio cultural, integrado por casi 15.000 piezas de los siglos XIV al XXI. Con excelentes fondos de pintura española y asturiana, y significativos ejemplos de escuelas europeas (sobre todo de la italiana y la flamenca), escultura moderna y contemporánea, dibujo y obra gráfica (especialmente de los siglos XIX y XX), fotografía y artes industriales, este museo constituye una de las mejores colecciones públicas de arte de España.

ALMONEDA 2015

10/04/2015, El Salón, que cumple su 25 aniversario, celebra una nueva edición del 11 al 19 de abril en el pabellón 3 de Feria de Madrid IFEMA.

Madrid, 10 de abril de 2015
ALMONEDA cumple veinticinco años. Veinticinco ediciones en las que ha contribuido a fomentar el gusto del público por lo antiguo. Su evolución ha transcurrido de forma paralela a la de la cultura de las antigüedades, pasando de tener 93 expositores en su primera edición, en mayo de 1991, a 140 participantes en la edición que tendrá lugar desde el 11 hasta el 19 de este mes de abril.

El Salón se ha convertido a lo largo del tiempo en un evento imprescindible para los aficionados a la decoración, la moda, el arte y el coleccionismo en el que se dan cita galerías, anticuarios y almonedas procedentes de toda España, y del extranjero, que en esta ocasión mostrarán más de 25.000 piezas genuinas y únicas de diferentes estilos, épocas y procedencias.

Mobiliario antiguo, joyas y bisutería, ropa de hogar, bolsos, lámparas, relojes, alfombras, arqueología, plata, pintura y escultura de los años 40, 50, 60 y 70 son algunos de los objetos únicos que los visitantes podrán encontrar en esta feria de obligada visita para los amantes del vintage.

El Salón contará una edición más con una jornada de puertas abiertas, con acceso gratuito para todos los visitantes, el martes día 14 de abril.

Standing Tall

09/04/2015, El Bata Shoe Museum de Toronto inaugura una muestra que explora la relación existente a lo largo de la historia entre los hombres y los tacones.

Toronto, 9 de abril de 2015
El Bata Shoe Museum inaugurará en mayo de 2015 la muestra "Standing Tall: The Curious History of Men in Heels", un reto a las nociones preconcebidas en torno quién lleva tacones y porqué. Desde gobernadores privilegiados a reconocidas estrellas del rock, la exposición explora la historia de los hombres con tacones desde 1600 hasta la actualidad, desvelando el uso y significado del calzado con tacones en la vestimenta masculina de los últimos 400 años.

Para mucha gente, pensar en un hombre con tacones es sinónimo de femineidad, asombro o transgresión, sin embargo, no siempre ha sido así. Cuando los tacones pasaron a formar parte de la moda en el siglo XVII, los hombres fueron los primeros en adoptarlos como símbolo de poder y prestigio.

Durante 130 años, ser hombre no estuvo reñido con llevar tacones. Incluso después de dejar de formar parte de la indumentaria masculina, hubo momentos en los que los tacones resurgieron, no como forma de retar la masculinidad, sino como un medio para proclamarla.

Como reminiscencias de esta relación quedan estilos de vida actuales que siguen aceptando al hombre con tacones, el duro cowboy con sus botas de tacón grueso es el ejemplo perfecto de masculinidad reforzada.

En la exposición se pueden contemplar curiosos ejemplos poco habituales de calzado con tacones para hombre de los siglos XVII y XVIII, botas militares de mediados del siglo XIX, botas de cowboy de los años 1930 y botas de motorista de los años 1940. Además de la bota original de los años 1960 del Beatle John Lennon o las plataformas que llevó en los años 1970 Elton John.

Standing Tall: The Curious History of Men in Heels
Hasta junio de 2016
Bata Shoe Museum Toronto

Tuiza. Las culturas de la jaima

09/04/2015, El Palacio de Cristal del Parque del Retiro sirve de telón de fondo para la exposición "Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima", organizada por el Museo Reina Sofía.

Madrid, 9 de abril de 2015
En activo desde mediados de la década de los años ochenta, Federico Guzmán (Sevilla, 1964) siempre ha concebido la práctica artística como una herramienta para cambiar la sociedad. Esta idea de compromiso para con el entorno es una forma de entender el arte que el sevillano ha adquirido a lo largo de su vida, de sus estancias en Nueva York y Bogotá a finales de los noventa, y de su vinculación al Sáhara, compartiendo experiencias con la gente de la zona.

El proyecto que se presenta ahora en el Palacio de Cristal es consecuencia de esa vivencia personal. Para la ocasión, el artista ha levantado una gran jaima que dialoga con el espacio del edificio. Al igual que en el hogar tradicional de los nómadas del desierto, el techo de esta gran construcción textil se conforma a partir de un tejido acrílico fino y resistente, decorado con motivos geométricos multicolores. El título "Tuiza" (en hassanía dialecto árabe del noroeste del Magreb), hace referencia a un trabajo colectivo en el que la gente se reúne para construir algo entre todos. Esta gran jaima se presenta como un espacio de hospitalidad y conversación entre culturas, un lugar de solidaridad e intercambio.

En sintonía con la esencia del habitáculo, hasta el 30 de agosto se celebrarán allí una serie de actividades en las que la cultura oral e inmaterial estará muy presente a través de conferencias, poesía, música, representaciones y otras acciones destinadas a introducir al visitante en nuevas formas de vivir en comunidad.

Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima
16 abril – 30 agosto, 2015
Palacio de Cristal, Parque del Retiro

Picasso/Dalí. Dalí/Picasso

08/04/2015, El Museu Picasso presenta una exposición excepcional que nos habla del arte del siglo XX y de dos de sus figuras más ilustres: Picasso y Dalí.

Barcelona, 8 de abril de 2015
El objetivo de la muestra del Museu Picasso es estudiar la productiva relación que se estableció entre ambos personajes, y contribuir a su compresión, acercándose a su obra con una nueva luz.

La exposición nos acerca por primera vez la relación que existió entre estas dos figuras clave del arte del siglo XX, desde los inicios de su formación, con los veranos en Cadaqués que Dalí y Picasso disfrutaron y representaron, pasando por la etapa clasicista que los dos artistas experimentaron, la visita de Dalí al estudio de París en el que trabajaba Picasso, el surrealismo y el simbolismo, su común horror por los desastres de la Guerra Civil y hasta su toma de conciencia del lugar de ambos en la historia del arte.

La muestra presenta 78 pinturas, dibujos, collages, grabados y esculturas de Pablo Picasso y Salvador Dalí procedentes de más de 25 museos de arte y colecciones particulares de todo el mundo. Se completa la exposición con 33 documentos que contextualizan la percepción de ambos artistas, entre ellos la correspondencia enviada a Picasso por Gala y Dalí.

La exposición ha sido estructurada con un enfoque claro, el de los momentos en los que ambos artistas tuvieron mayor relación. Fundamental es la experiencia en Cataluña, especialmente en Barcelona, en sus inicios. Esta es la referencia cultural más importante en una etapa crucial en sus respectivos desarrollos artísticos.

Otra de las etapas cruciales es la visita de Dalí a Picasso en 1926. Tras esta visita Dalí se propicia de su primer lenguaje artístico maduro, el cubismo poético, que el artista malagueño está desarrollando en este periodo. Después de este encuentro, el artista ampurdanés viviría uno de los momentos más intensamente experimentales de su carrera, con el desarrollo de un lenguaje artístico propio y totalmente surrealista.

En los años treinta, tanto Dalí como Picasso participaron en el proyecto surrealista. Ambos respondieron de forma simultánea a los horrores de la Guerra Civil con obras que escenifican el drama humano, Dalí con Premonición de la Guerra Civil y Picasso con Guernica. Tras la Guerra Civil, Dalí referenció y homenajeó a Picasso a través de su obra.

A partir de los años cincuenta, el trabajo de los dos artistas confluiría de nuevo en la confrontación con los grandes maestros de la historia del arte y con las Meninas de Velázquez en particular. Ambos artistas, ya en su madurez artística, reflexionan sobre Velázquez, considerado entonces el artista español más importante, con una admiración no exenta de una ironía juguetona.

Picasso/Dalí. Dalí/Picasso
Museu Picasso
Hasta el 28 de junio de 2015

Animales y faraones

07/04/2015, CaixaForum Madrid presenta, hasta el 23 de agosto de 2015, la exposición "Animales y faraones", que analiza la gran importancia de la figura animal en la agricultura, la guerra, las creencias religiosas y rituales funerarios del antiguo Egipto.

Madrid, 7 de abril de 2015
Los antiguos egipcios emplearon las figuras animales para crear un lenguaje codificado, escrito o representado simbólico y muy rico. De esta manera, las criaturas de la naturaleza se convirtieron en el origen de una producción artística de una variedad excepcional.

La exposición de CaixaForum Madrid, "Animales y faraones. El reino animal en el antiguo Egipto", reúne 430 objetos (de los que 260 han sido restaurados para esta exhibición) que explican esta intensa relación a partir de esfinges, estatuas, estelas, vasos y jarras, acuarelas, pinturas murales, cofres, amuletos, sarcófagos y momias.

El recorrido de la muestra se estructura en 9 secciones que reconstruyen la relación que se estableció entre los hombres y los animales, la naturaleza y la cultura en el antiguo Egipto, desde la admiración y el temor hasta las construcciones simbólicas más sofisticadas.

El bestiario, omnipresente en el Egipto de los faraones
La amplia presencia de la figura animal en el arte egipcio, en múltiples formas y contextos, es más que evidente. Esta profusión, junto con el culto a los animales sagrados que se dio en las épocas más tardías del Egipto faraónico, llevó a algunos filósofos e historiadores clásicos a considerar a los antiguos egipcios como simples zoólatras, una reputación que ha permanecido arraigada en el pensamiento occidental hasta la época moderna, momento en el que la egiptología científica arrojó nueva luz sobre una religiosidad mucho más compleja de lo que parecía y ha interpretado con mayor precisión la relación entre los antiguos egipcios y el mundo animal.

En la representación de los animales en el mundo egipcio hay un discurso religioso, simbólico o político basado en una observación minuciosa e incansable de la naturaleza. En una civilización en la que los animales eran omnipresentes, los egipcios se apropiaron de ellos para crear de diversas maneras imágenes simbólicas. La figura animal constituye un pilar del pensamiento religioso egipcio, así como una fuente infinita de inspiración. Su imagen aparece de forma constante, tanto en la vida cotidiana como en los ritos funerarios, religiosos y civiles.

Momias animales
Con préstamos del Museo del Louvre, la Bibliothèque centrale des musées nationaux (París), el Museo Nacional de Ciencias Naturales-CSIC (Madrid), El Museu de Ciències Naturals de Barcelona, el Museu de Montserrat y el Museu Egipci de Barcelona, la exposición incluye algunas piezas de grandes dimensiones, entre las que destaca grupo estatuario que muestra a los babuinos que formaban la base del obelisco oriental del templo de Luxor, de más de cinco toneladas de peso y realizada en granito rosa.

Asimismo, destaca un grupo formado por 14 ejemplares de momias de diversos animales (gatos, perros, corderos, ibis, halcones, peces, cocodrilos y serpientes). Aprovechando la última tecnología se han realizado escáneres a las momias y se ha podido constatar que en el interior de la mayoría de las momias se hallan animales enteros, aunque en algunos casos, solo se encontraron unas pocas plumas o huesos aislados. Este análisis ha arrojado luz sobre los principios de la momificación animal, distinguiendo entre tres técnicas diferentes de momificación.

Animales y faraones. El reino animal en el antiguo Egipto
CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36
Hasta el 23 de agosto de 2015

Camino. El origen

06/04/2015, Una exposición que nos acerca a un fenómeno histórico y cultural que perdura hasta nuestros días: el de la peregrinación por la ruta jacobea del Camino de Santiago.

Santiago de Compostela, 6 de abril de 2015
La Cidade da Cultura de Galicia presenta la exposición Camino. El origen, con una selección de 150 obras de arte de grandes figuras de la talla de Durero o Murillo, y procedentes de la Galería Uffizi de Florencia, el Museo del Prado, Patrimonio Nacional, el Museo Cluny o la Catedral de Santiago entre otras instituciones.

La exposición se completa con el proyecto Lugares jacobeos, once intervenciones artísticas realizadas por creadores de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, que establecen un diálogo para una visión contemporánea de la ruta jacobea.

820 d.C. es el punto de partida de un viaje que da comienzo con el eremita Pelayo encontrando la tumba del Apóstol, la comunicación del hallazgo al obispo Teodomiro y el traslado de toda la corte del rey Alfonso II el Casto a la que con el paso de los siglos sería la Compostela actual.

A través de un montaje contemporáneo y una estructura dividida en tres partes (Santiago el Apóstol, el Camino y el Peregrino), Camino. El origen comienza con la figura de Santiago Apóstol. Un viaje al pasado a la Palestina del siglo I dC, con el objetivo de descubrir quién era este personaje, cómo vivió y actuó, y cómo llegó a convertirse en una leyenda.

El viaje continúa a través del camino, a partir de la tumba con los restos del Apóstol y el desarrollo de Compostela a su alrededor. Esta segunda parte de la exposición descubre el comienzo de las estructuras de la red de caminos y el apoyo a los peregrinos por parte de la monarquía y las instituciones religiosas, como la Orden de Santiago.

La última etapa tiene un carácter más íntimo. En ella tienen gran peso historias muy importantes y experiencias personales de peregrinos que han realizado el Camino. Una forma de profundizar en los sentimientos de estas personas a su llegada a la meta, de la huella que la experiencia ha dejado en ellos, y de su vuelta al hogar, habiendo adquirido unos nuevos valores que compartir.

En un tiempo en que el mundo asiste a la destrucción del patrimonio cultural, esta exposición lanza un mensaje de respeto al pasado y al arte, comparando el Camino con un caudal en el que se mezclan los más diversos afluentes, y en el que se aprende a respetar lo que es distinto y a encontrar con él un espíritu común.

Camino. El origen (Camiño. A orixe)
Hasta el 13 de septiembre de 2015
Museo Centro Gaiás
Cidade da Cultura de Galicia

Jim Campbell. Ritmos de luz

06/04/2015, Hasta el 28 de junio en Espacio Fundación Telefónica se puede visitar la exposición Jim Campbell. Ritmos de luz, una muestra de evocadoras esculturas e instalaciones luminosas.

Madrid, 6 de abril de 2015
Con motivo del Año Internacional de la Luz, el Espacio Fundación Telefónica expone 27 obras de Campbell que combinan técnicas de videoarte y luz proyectadas en soportes de reproducción comunes como LEDs, LCDs y monitores. A través de la manipulación de la electrónica y la informática, el artista nos aproxima al mundo de las videoinstalaciones y esculturas de luz de gran belleza visual.

Movimiento, luz, abstracción, percepción y juegos espaciales invaden la primera antológica que se celebra en España dedicada al trabajo de uno de los artistas más reconocidos en el campo de la experimentación lumínica. El norteamericano Jim Campbell es un innovandor ingeniero electrónico pionero en el uso de la tecnología LED para desarrollar instalaciones interactivas de gran valor artístico, en las que pixeles, video proyectores, frames, circuitos electrónicos y fotografías pixeladas producen imágenes provocadoras que cuestionan la capacidad de percepción del espectador.

Jim Campbell (Chicago, 1956) graduado en Ingeniería Electrónica y Matemáticas por el Instituto de Tecnología de Massachussetts (MIT), es un artista pionero en la transformación digital de datos en obras de naturaleza artística que cruza con el arte contemporáneo, ciencia y tecnología.

A partir de 1988, Campbell realiza instalaciones de lo que él llama “electrónica a medida”, diseñada de manera específica para cada creación artística. Con su trabajo, el artista juega con la manipulación del espacio y reflexiona sobre el modo en que el ser humano procesa y decodifica la información visual.

La obra de Campbell figura en las colecciones del Metropolitan Museum of Art, The Whitney Museum of American Art y The Museum of Modern Art de Nueva York, el Smithsonian de Washington D.C, el San Francisco Museum of Modern art, el Cincinnati Art Museum y el Berkely Art Museum, entre otras instituciones.

Las imágenes de Stephen Shore, en Gijón

01/04/2015, La Fundación Mapfre presenta en el Centro de Cultura Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón una muestra retrospectiva dedicada a la obra del fotógrafo neoyorkino Stephen Shore.

Gijón, 1 de abril de 2015
Stephen Shore (Nueva York, 1947) es uno de los fotógrafos cuya influencia ha sido más visible y destacada en las últimas tres décadas. La renovación que han supuesto sus aportaciones al lenguaje fotográfico ha despertado el interés en distintas generaciones de autores. Su obra es especialmente valiosa para comprender la actualidad de la escena contemporánea y profundizar en los fundamentos de algunas de las prácticas fotográficas de los últimos años.

El propósito de la exposición organizada por Fundación MAPFRE, la más completa realizada hasta el momento sobre el trabajo de Stephen Shore, es ahondar en la comprensión de su propuesta artística ofreciendo, por una parte, la posibilidad de revisar desde una óptica actual la importancia de sus proyectos y, por otra, poner de manifiesto cómo su obra encarna las complejas operaciones de intercambio y retroalimentación que se produjeron entre el mundo del arte y el ámbito fotográfico a partir de mediados de los años sesenta.

A mediados de los años sesenta, la entrada de la fotografía en el campo artístico se realiza a través de una estética que se aleja de los postulados dominantes de la época. La apariencia de neutralidad y un tratamiento del tema distante, fueron las características que permitieron a la fotografía ser plenamente aceptada como arte.

En esos años Shore realiza diversos proyectos en los que se propone indagar en torno a los usos y modalidades del lenguaje fotográfico y sobre la estética de la instantánea. En sus viajes por Estados Unidos, Shore no muestra vistas espectaculares, ni lugares memorables o momentos culminantes. Todo viene fotografiado con un estilo presuntamente neutro, sin emoción, aparentemente anónimo, imitando de forma consciente los rasgos de la estética amateur.

En la década de los setenta Stephen Shore sigue viajando a lo largo y ancho de Estados Unidos, aunque, paulatinamente, irá modificando su práctica en composiciones cada vez más complejas en las que destaca un virtuosismo hasta entonces encubierto.

Ya siendo uno de los máximos referentes por sus trabajos sobre el paisaje urbano y suburbano, Shore comienza a trabajar en un entorno natural menos visiblemente alterado por la mano del hombre. En 1980 se instala temporalmente en el estado de Montana y el paisaje se convierte en un laboratorio visual a través del cual afrontar nuevos retos.

A principios de los años 90 Shore toma una decisión de carácter programático: trabajar en blanco y negro durante los siguientes diez años. Su visión sutilmente magnificada de las texturas y las superficies nos devuelve al núcleo conceptual de su obra en torno al tema la transfiguración del mundo en imagen.

Entre los años 2012 y 2013 viaja a Ucrania para retratar a algunos de los últimos supervivientes del holocausto con un enfoque alejado del dramatismo, y con una mirada llena de atención, detalle y curiosidad.

Stephen Shore
Hasta el 14 de Junio de 2015
Centro de Cultura Antiguo Instituto Jovellanos
Calle Jovellanos 21, Gijón

Itinerarios XXI

31/03/2015, Hasta el 31 de mayo en la Sala de Exposiciones de la Fundación Botín se presentan los trabajos de los beneficiarios de las Becas de Artes Plásticas de la Fundación.

Santander, 31 de marzo de 2015
La Fundación Botín en Santander acoge un año más esta cita anual, que funciona como termómetro del estado de las artes y de las tendencias predominantes.

Itinerarios XXI reúne el trabajo realizado entre 2013-2014 por los artistas Carles Congost (Gerona, 1970), Albert Corbí (Valencia, 1976), Patricia Esquivias (Caracas, 1979), Jon Mikel Euba (Vizcaya, 1967), Rodrigo Oliveira (Portugal, 1978), Wilfredo Prieto (Cuba, 1978); Julia Spínola (Madrid, 1979), Justin Randolph Thompson (Peekskill, NY, 1979) y Jorge Yeregui (Santander, 1975).

La presente edición explora la idea de que la obra de arte es un medio que facilita al usuario la visualización de un proceso artístico, con las distintas fases del proyecto y la producción. A través de instalaciones, documentos, imágenes y videos, estos 9 artistas muestran su particular proceso de investigación, invitando al visitante a la reflexión.

Carles Congost
Artista multidisciplinar interesado por diversos formatos como el vídeo, la música, el dibujo o la fotografía. La instalación presente en la muestra consta de una vitrina con vinilos originales y de un vídeo en el que, haciendo uso de la ironía y el humor, incluye textos de Eduard Escoffet, joven poeta catalán, y de Àngel Casas, presentador del programa musical de los ochenta “Musical Express”. Además, cuenta con la intervención del cantante Josep Xortó, líder de la banda catalana Stand up against heart crime.

Albert Corbí
La práctica artística de Albert Corbí incluye las artes audiovisuales, las instalaciones interactivas y la fotografía, invitando al visitante a interactuar y a crear sus propias narrativas por medio de la asociación de los elementos mostrados. Su obra reflexiona acerca de la arqueología, la espeleología, la física atómica y la astrofísica, lo político y lo antropológico, el espacio psicoanalítico y la lógica de la óptica. En la muestra se exhiben: entrevistas, fotografías, documentos de archivo, publicaciones, etc.

Patricia Esquivias
Una artista conocida por sus irónicos e incisivos ensayos multimedia en los que refleja una visión muy particular de la cultura contemporánea. En esta ocasión es la decoración arquitectónica la que le sirve como hilo conductor para su proyecto de investigación. Su viaje documenta las decoraciones y estampaciones de aceras e interiores de locales en Colombia; continúa con la decoración de fachadas de Marruecos; y finaliza en Madrid, centrándose en el uso del “almohadillado” en la arquitectura del siglo XX. El resultado es una pieza audiovisual que nos permite reflexionar acerca del oficio de albañil, de su importancia en los años cincuenta.

Jon Mikel Euba
La práctica artística de Jon Mikel Euba incluye performances, instalaciones, video y fotografía. Durante su estancia en Ámsterdam, Euba ha desarrollado el proyecto Como leer el valor de una resistencia. El objetivo es definir su performance en vivo Archivo Re:Horse, iniciada en 2006 en Genk (Bélgica), en la que el artista combina elementos reales (una persona sujetando un caballo, el público o él mismo), con la conversión de esa misma realidad en imagen. El material que se presenta en la muestra es un archivo extenso de textos que conectan su investigación con la práctica. Un nuevo trabajo experimental en el que Euba actúa como “filtro” y que invita a los visitantes a indagar.

Rodrigo Oliveira
Con sus intervenciones multimedia, Rodrigo Oliveira exploran la condición del individuo en un mundo dominado por los modelos sociales, económicos y culturales. En utopía at Plateau and an Indian Brasilia/Utopía en la meseta y un brasileño indio. Dos ciudades y unos pocos bloques de pisos: un proyecto con doble itinerario, Oliveira parte, tanto de los estudios de urbanismo y de la planificación de ciudades a gran escala de Le Corbusier como del intercambio que éste estableció con la arquitectura de Oscar Niemeyer en Sudarmérica. A partir de este material, el artista establece un paralelismo entre Brasilia (Brasil) y Chandigarh (India), en un intento por conectar naturaleza y arquitectura, lo moderno y lo tropical.

Wilfredo Prieto
Recurriendo al humor, Wilfredo Prieto transforma el espacio por medio de objetos e intervenciones, en una reflexión subversiva sobre la política de nuestro tiempo. Tras el desarrollo de un proyecto de investigación surge Viaje infinito, una intervención en el paisaje rural consistente en la realización de una escultura permanente de grandes dimensiones. Se trata de una carretera de más de un kilómetro de longitud, con forma del símbolo de infinito, que el artista llevará a cabo en la provincia de Zaza del Medio, en Cuba. Viaje infinito alude al ritmo de la época contemporánea y a la irrealidad que provoca la rapidez con que todo transcurre, sin tiempo para detenerse a pensar o analizar.

Julia Spínola
Las poéticas instalaciones escultóricas de Julia Spínola consisten en disposiciones de objetos, creados por ella misma o simplemente encontrados, que presenta meticulosamente organizados. El proyecto HABLA/ dice. Frase (objeto) estudia las combinaciones existentes entre las formas y el lenguaje, creando un juego de relaciones entre escritura, forma y ritmo. Sus esculturas se pueden entender como escritura sobre el suelo, pero también como el instrumento para experimentar el ritmo, en un territorio de encuentro entre la pieza, el movimiento, el cuerpo y el plano sobre el que se colocan. Su trabajo se presenta en la muestra por medio de una narrativa de fotografías, dibujos y pequeñas piezas.

Justin Randolph Thompson
Justin Randolph Thompson es un escultor y artista new media cuya obra abarca la instalación escultórica, la performance, el vídeo y el arte sonoro. Con su performance- instalación Captives, Buffoons and an Ensign Bearer/ (Cautivos, bufones y portador de bandera) el artista se basa en la serie de pinturas titulada Los Triunfos de César, de Andrea Mantegna, en el tradicional Baile de las cintas, las alfombras de bienvenida talismánicas y los arcos de triunfo romanos del norte de África. El trabajo consiste en la transformación de una serie de grandes pinturas en alfombras, indagando en los conceptos de victoria y derrota y ofreciendo una reflexión sobre las consecuencias destructivas del triunfo.

Jorge Yeregui
Los proyectos de Jorge Yeregui reflejan los cambios que la urbanización acelerada ha provocado en las ciudades. En On Trace and Displacements el artista centra su investigación en la construcción y representación del paisaje contemporáneo, mostrando gran interés en los cambios que la reconfiguración de la ciudad ha generado en el territorio y en sus consecuencias para la construcción del paisaje. Yeregui reflexiona en la muestra sobre aquellos espacios donde se ha iniciado y abandonado un gran proyecto de construcción, así como sobre la percepción y construcción del paisaje.

El programa de Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín, por el que han pasado 168 artistas desde 1994, promueve ambiciosos proyectos artísticos, de investigación y de formación, funcionando como apoyo y promoción al arte emergente.

Itinerarios XXI
Hasta el 31 de mayo
Sala de exposiciones Fundación Botín
Marcelino Sanz de Sautuola, 3
Santander

Art Decó en París

31/03/2015, La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935, se podrá ver en la Fundación Juan March de Madrid hasta el 28 de junio.

Madrid, 31 de marzo de 2015
Esta muestra es la primera que se le dedica en España al que ha sido llamado “el último estilo total” fuera de un museo generalista o de artes decorativas. A través de ella, la Fundación Juan March se adentra en la historia de un movimiento difícilmente definible en el arte moderno.

Con sobresalientes ejemplos, esta exposición ha sido concebida en abierto desafío a la tradicional separación entre las bellas artes y las artes decorativas o aplicadas. De esta manera, se pretende cuestionar la casi total ausencia del art déco en la historia del arte moderno, y reivindicar no solo la obvia belleza del art déco, sino el interés y la complejidad cultural y artística de su peculiar carácter.

Organizada en ocho secciones cronológicas y temáticas, "El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935" reúne más de trescientas cincuenta piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, perfumería, cine, arquitectura, vidrio, cerámica, laca y orfebrería, además de tejidos, encuadernaciones, fotografías, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas procedentes de más de cincuenta colecciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos y realizadas por 122 artistas, artistas-decoradores, diseñadores, couturiers, interioristas, arquitectos, artesanos o ensembliers.

A través de las obras seleccionadas se articula un relato expositivo que busca los orígenes del art déco en el París de la primera década del siglo XX, revisa el cubismo como una de sus fuentes y ofrece una panorámica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. La muestra se demora también en la presencia de lo exótico en el art déco, y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del art déco se mezcla con las nuevas formas de la modernidad.

El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935
Hasta el 28 de junio de 2015
FUNDACIÓN JUAN MARCH
Castelló, 77. Madrid

La paloma y la dinamita

30/03/2015, La ciudad natal de Pablo Picasso, quien consolidó a la paloma como símbolo de la paz, acoge ahora una muestra del argelino Adel Abdessemed, en la que destaca una paloma cargada de dinamita.

Málaga, 30 de marzo de 2015
Es una provocación surrealista que llama la atención en una muestra titulada Palace que presenta el CAC, Centro de Arte Contemporáneo, y donde tres esculturas de gran formato, Le Vase abominable, aparecen junto a la pieza escultórica de la paloma disecada, en el espacio central del museo.

Hasta el 7 de junio de 2015, Palace se presenta como una instalación que expone los contrastes entre las diferentes culturas, a la vez que retrata los miedos y temores de cada uno de nosotros.

Adel Abdessemed (Constantina, Argelia, 1971) recurre a la violencia como medio de expresión artística para abordar temas como la religión o la política. Se trata de un artista multidisciplinar que trabaja en la escultura, instalaciones, fotos, vídeos, y dibujos.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga y comisario de la muestra, Abdessemed marca siempre una dualidad, una imagen y su contraria. En el trabajo que presenta el CAC Málaga, las tres piezas escultóricas son reveladoras de esa dualidad: la vasija como contenedora de los deseos, frustraciones, anhelos, emociones y un largo etcétera apoyada sobre una estructura que es su contrario: un arma, una bomba, que está programada para destruir y arrasar con todo.

La escultura Pigeon (2015), es una paloma de ciudad disecada que porta lo que se asemeja a una carga de explosivos. De nuevo, recurre a conceptos antagónicos – la paloma como símbolo de la paz y la dinamita como elemento de destrucción- para ironizar sobre las situaciones de conflicto en un mundo globalizado.

La obra, según Fráncés, tiene algo de autobiográfica. El artista migró a Francia en la década de los noventa tras los conflictos religiosos y políticos que se desataron en aquel momento y que acabaron con parte de la vida intelectual y cultural de Argelia. Tras pasar por París, Nueva York y Berlín, en la actualidad vive y trabaja en Londres.

Abdessemed ha expuesto en centros destacados de todo el mundo y su trabajo forma parte de importantes colecciones internacionales, como la del Centro Georges Pompidou de Paris; el Museo de Israel en Jerusalén; el Museo de Arte Moderno de Génova; el Museo Moderno de la Villa de París, la Fundación François Pinault en Venecia, y la Fondacion Yuz en Shanghai.

San Juanito recuperado

30/03/2015, El Museo del Prado presenta la exposición "La obra invitada: El San Juanito recuperado. Una escultura de Miguel Ángel en España".

Madrid, 30 de marzo de 2015
La escultura San Juan Bautista niño de Miguel Ángel, propiedad de la Fundación Casa Ducal de Medinaceli-Sevilla, se expone en el Museo del Prado desde el 31 de marzo al 28 de junio en el marco del programa “La obra invitada”. La pieza, que fue prácticamente destruida a comienzos de la Guerra Civil, ha estado reducida a fragmentos hasta su reciente intervención en el Opificio delle Pietre Dure de Florencia.

Esta obra, la única escultura de Miguel Ángel que se conserva en España, es una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel representó al santo como un niño de 6 o 7 años. Siguiendo un recurso estético de la escultura helenística griega, apoya la pierna izquierda sobre una roca y al doblarla ligeramente crea unas elegantes líneas oblicuas. Los brazos doblados, la cabeza ligeramente inclinada y el énfasis en el cuerpo desnudo recuerdan modelos de la escultura clásica, tan admirada por el artista.

La escultura fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de’ Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. Expuesta desde el siglo XVI en la capilla del Salvador de Úbeda en Jaén, en 1936, a comienzos de la Guerra Civil, sufrió graves daños, la cabeza del santo fue quemada, y el resto de la escultura quedó reducida en 14 fragmentos, el equivalente a un 40% de su volumen original.

La Fundación Casa Ducal de Medinaceli-Sevilla encargó su recuperación al Opificio delle Pietre Dure, un proceso que comenzó en 1994. En su restauración se han utilizado modernas técnicas como el uso del láser para limpiar la superficie negra y abrasada de la cabeza, o la reconstrucción virtual en 3-D de la escultura completa basándose en fotografías tomadas poco antes de su destrucción. Una vez montada la estatua con los fragmentos originales de mármol, se integraron las partes perdidas, realizadas con fibra de vidrio y luego estucadas, entonadas con témpera y selladas con cera y barniz.

Abejas sin primavera

27/03/2015, La UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, ha advertido del peligro que conlleva la progresiva desaparición de las abejas europeas, insectos que resultan clave en el mantenimiento de la naturaleza.

Gland, Suiza, 27 de marzo de 2015
Casi una de cada diez especies de abejas silvestres están en peligro de extinción en Europa, pero la situación puede ser aún peor, porque se desconoce el estado de más de la mitad de las especies. Esta organización internacional ha desarrollado una primera evaluación de todas las especies de abejas silvestres europeas en la que se muestra que el 9,2 por ciento están amenazadas de extinción, mientras que un 5,2 por ciento se considera con un futuro próximo incierto. Un total del 56,7 por ciento de las especies están clasificadas en el rubro de Datos Insuficientes

El cambio en las prácticas agrícolas y el aumento de la intensificación agricultura han provocado pérdidas a gran escala y la degradación del hábitat de las abejas - una de las principales amenazas para su supervivencia.

El uso generalizado de insecticidas y herbicidas también perjudica a las abejas silvestres y reduce la disponibilidad de las flores de las que dependen. El uso de fertilizantes promueve un tipo de pastizales en los que desciende la cobertura de algunas plantas con flores y especies de leguminosas, recursos alimenticios preferidos por muchas especies de abejas.

El cambio climático es otro importante factor de riesgo de extinción de la mayoría de especies de abejas, y particularmente los abejorros. Un total de 25,8 por ciento de las especies de abejorros de Europa están amenazadas de extinción, de acuerdo con la evaluación. También, el desarrollo urbano y el aumento de la frecuencia de los incendios dificultan la supervivencia de especies silvestres, según los expertos.

El informe también incluye una evaluación de la abeja occidental (Apis mellifera), el polinizador más conocido. Esta abeja tiene una distribución nativa a través de gran parte de Europa, pero no se sabe si se reproduce en la actualidad como especie verdaderamente salvaje. Respecto a esta especie se destaca que hacen falta más investigaciones para comprender mejor los efectos de la malnutrición, pesticidas y patógenos en las colonias, según la UICN.

"Nuestra calidad de vida - y nuestro futuro - depende de los muchos servicios que ofrece la naturaleza de forma gratuita", afirma Karmenu Vella, comisario europeo de Medio Ambiente, Asuntos Marítimos y Pesca. "La polinización es uno de estos servicios (….) si no nos ocupamos de las razones de esta disminución de las abejas silvestres, y actuamos con urgencia para detenerla, podríamos pagar un precio muy alto".

De los principales cultivos para el consumo humano en Europa, el 84 por ciento requieren la polinización por insectos.

Sexo, desnudo y erotismo en Augusta Emerita

27/03/2015, El Museo Nacional de Arte Romano acerca al visitante a la cultura sexual en la Mérida antigua a través de la exposición Sexo, desnudo y erotismo en Augusta Emerita.

Mérida, 27 de marzo de 2015
La imagen del sexo en la Antigüedad constituye una faceta desconocida y a la par fascinante. Desde la Edad Media se impone una visión del periodo precedente donde impera el desenfreno, el libertinaje, y toda una serie de prácticas consideradas en ocasiones aberrantes. Algo había de cierto, aunque en ocasiones, existían asociaciones al atributo sexual que nada tenían que ver con la idea de erotismo.

La exposición del Museo Nacional de Arte Romano repasa la cuestión de la sexualidad en el contexto particular de Augusta Emerita. Organizada en cuatro secciones fundamentales, la muestra analiza materias como el carácter mágico del atributo sexual (propiciatorio, protector o de fecundidad); la desinhibición ante el desnudo y sus matices; el sexo entre los dioses (particularmente en la diosa Venus), y el sexo entre los hombres (con cuestiones como la pornografía o la prostitución).

Entre las piezas seleccionadas destaca un interesante y reciente hallazgo: una lápida de mármol en la que se representa la figura de una mujer desnuda, identificada quizás como una posible prostituta de lujo.

Sexo, desnudo y erotismo en Augusta Emerita
Hasta el 28/02/2016
Museo Nacional de Arte Romano
C/ José Ramón Mélida, s/n. Mérida

Arte Ruso en Málaga

26/03/2015, Abre sus puertas la Colección del Museo Ruso, San Petersburgo/Málaga, con sede en el edificio Tabacalera.

Málaga, 26 de marzo de 2015
El edificio Tabacalera, uno de los mejores ejemplos del estilo regionalista malagueño, es sede desde esta semana de la Colección del Museo Ruso de San Petersburgo/Málaga en una sede cuyo objetivo es ser referente de la cultura rusa en Europa.

En este espacio de 2.300 metros cuadrados se presentarán dos exposiciones de larga duración, renovadas cada año, que recorrerán la historia del arte ruso y su relación con la cultura europea. El discurso expositivo se completará con muestras temporales y una programación mensual de visitas guiadas, conferencias, películas, lecturas literarias, música clásica y folklore.

La colección
Seleccionadas entre las más de 400.000 piezas que atesora el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, las obras escogidas para el primer año de vida del Museo Ruso de San Petersburgo/Málaga abarcan desde iconos de inspiración bizantina hasta el realismo socialista de la era soviética con un impresionante conjunto de piezas, que irán desde el pequeño formato hasta piezas monumentales.

Esta selección testimonia el rico legado artístico ruso de los últimos siglos: desde la devoción ortodoxa de los iconos de fondo dorado hasta la tradición burguesa del retrato o los paisajes y las grandes convulsiones de las vanguardias cubistas, cubo-futuristas y constructivistas, hasta el mensaje social del realismo socialista.

La exposición permanente se articulará en nueve ejes temáticos: el arte ruso antiguo, el siglo XVIII, el Romanticismo en Rusia, el Realismo, el Realismo con temas rusos, el movimiento de "Mundo del Arte" y el Neoprimitivismo, las Vanguardias, el Realismo Socialista y el arte en la Época del Deshielo que se vivió tras la muerte de Stalin.

El edificio
Ubicada en el ensanche industrial malagueño, en el barrio de Huelin y en el llamado Camino de la Misericordia, la fábrica de tabacos de Málaga data de 1920.

El conjunto, compuesto por once pabellones ordenados en torno a un espacio central, responde al uso de los elementos propios del estilo regionalista para producir una arquitectura industrial funcional realizada con los nuevos materiales arquitectónicos própios de esta época de claro desarrollo.

Museo Ruso de San Petersburgo/Málaga
Avenida Sor Teresa Prat, 15. Málaga

Sorolla en CaixaForum Zaragoza

26/03/2015, La exposición "Sorolla. El color del mar" indaga en uno de los temas favoritos de su pintura y en su particular manera de utilizar el color y la luz.

Zaragoza, 26 de marzo de 2015
Aunque pasó gran parte de su vida en Madrid, la vida y producción de Sorolla siempre estuvieron relacionadas con Valencia. En sus pinturas, el artista supo captar con extraordinaria maestría los juegos infantiles a la orilla del mar, la luz reflejada en el agua cristalina del Mediterráneo, el calor del sol y los paisajes costeros.

La muestra del CaixaForum Zaragoza hace un repaso por la obra de Sorolla, con lienzos, apuntes del natural, muestras de pigmentos, fotografías y textos que ayudan al visitante a profundizar en el importante estudio que el pintor realizó sobre el color y la luz.

La exposición, formada por fondos del Museo Sorolla, refleja la auténtica pasión de Joaquín Sorolla por el mar. El pintor pasaba horas buscando las fórmulas para captar en todos sus estados, explotando todas las posibilidades plásticas que le brindaba con sus juegos de luces que desencadenaban en colores, reflejos y transparencias.

Sobre el artista
Joaquín Sorolla nació en Valencia en 1863. En la Escuela de Bellas Artes (1878-1881) recibe su formación académica y empieza a pintar al aire libre animado por su profesor, Gonzalo Salvá.

En 1884 obtiene una pensión en Italia. En 1885 va a Roma y desde allí a París, donde entra en contacto con el naturalismo. De regreso a Roma, viaja por distintas ciudades italianas, tomando pequeñas notas de color. En 1887 se instala en Asís y allí empieza a hacer escenas de ambiente valenciano bajo la influencia de José Benlliure y Gil. Es el inicio de su costumbrismo, que repercutirá en gran medida en su futura obra.

En 1889 en la Exposición Universal de París descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz.

En 1900 obtiene el Grand Prix de los pabellones español y lusitano en la Exposición Universal de París. Se inicia su etapa de culminación, con la producción de algunas de sus mejores obras. Su contacto con las vanguardias le ayuda a experimentar en su constante búsqueda por interpretar la luz. Se interesa por el paisaje y sigue cultivando su costumbrismo marinero, del que derivan desde 1904 sus temas de playa, lo más reconocido de su producción. En este periodo expone en varias ciudades de Europa y de Estados Unidos.

En 1911 firma un contrato con la Hispanic Society of America de Nueva York y se compromete a hacer un grandioso proyecto de decoración mural conocido como "visión de España". Durante ocho años Sorolla se documenta sobre la indumentaria y costumbres de las distintas provincias del país para la realización de este proyecto.

En 1920 sufre un ataque de hemiplejía que lo deja invalidado del lado izquierdo. El pintor va languideciendo hasta el 10 de agosto de 1923, fecha en que fallece en Cercedilla (Madrid).

Sorolla. El color del mar
Hasta el 21 de junio de 2015
CaixaForum Zaragoza
Av. José Anselmo Clavé

América Latina: Arquitectura 1955-1980

25/03/2015, El Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta la exposición América Latina en la construcción: Arquitectura 1955-1980.

Nueva York, 25 de marzo de 2015
Organizada por el MoMA, esta muestra nos acerca a la actividad arquitectónica que se desarrolló de México a Cuba, pasando por Brasil, Venezuela, Chile, Perú, Argentina o Uruguay, durante más de tres décadas comprendidas entre 1955 y principios de 1980.

En 1955, el MoMA organizó la exposición "Latin American architecture since 1945", dedicada a la arquitectura latinoamericana y al denominado "Modernismo latinoamericano". Ahora, con motivo del 60 aniversario de la muestra, el Museo presenta "Latin America in Construction: Architecture 1955–1980", un análisis del complejo panorama y de la creatividad arquitectónica de América Latina, así como de las implicaciones sociales y políticas de este desarrollo urbanístico y el legado que estas modernas construcciones han dejado al mundo en general y a la historia de la arquitectura en particular.

La exposición presenta dibujos arquitectónicos, maquetas, fotografías de época y fragmentos de película que profundizan en este período de autocuestionamiento, exploración y desarrollo del paisaje urbano que experimentaron la mayoría de los países de América Latina, con la construcción de los campus universitarios de Ciudad de México o Caracas a mediados de los cuarenta, la edificación de viviendas sociales para cubrir la explosión demográfica, o la construcción de Brasilia en 1956 con el arquitecto Oscar Niemeyer a la cabeza del proyecto.

Latin America in Construction: Architecture 1955–1980
Del 29 de marzo al 19 de julio de 2015
11 West 53 Street. NY

Van der Weyden en el Prado

24/03/2015, El Museo del Prado presenta la exposición Rogier van der Weyden, una oportunidad única de apreciar no sólo las mejores obras del artista sino también la gran influencia que tuvo su arte en España.

Madrid, 24 de marzo de 2015
El Museo del Prado presenta una exposición dedicada a uno de los artistas más influyentes del siglo XV y uno de los más grandes pintores de la historia: Rogier van der Weyden.

La muestra celebra la finalización de los trabajos de restauración realizados sobre el Calvario, junto al que se pueden contemplar 20 obras más, entre las que destacan el Descendimiento, realizado para la iglesia de Nuestra Señora de Extramuros de Lovaina, y el Tríptico de Miraflores, obra que el rey Juan II de Castilla donó a la cartuja de Miraflores en Burgos. Las tres obras se reúnen por primera vez en la historia.

Esta muestra destaca además la relevancia de los mecenas y coleccionistas que encargaron al artista retratos y obras religiosas o de temas históricos. Se presentan los retratos de Felipe el Bueno y de su hijo Carlos el Temerario. Isabel de Portugal, esposa y madre de estos dos duques de Borgoña, fue también una importante mecenas de Rogier van der Weyden, como revela el retrato encargado al artista conservado en el J. Paul Getty Museum de Los Ángeles.

Las copias y versiones de obras de Van der Weyden fueron muy valoradas desde muy pronto en la Península Ibérica. La Virgen con el Niño de Rogier, también llamada Virgen Durán del Prado, fue muy copiada ya en el siglo XV. A su vez, Isabel la Católica encargó a su pintor de corte, Juan de Flandes, una copia del Tríptico de Miraflores para la Capilla Real de Granada.

El fuerte impacto de las creaciones de Van der Weyden en la Península Ibérica también tiene una presencia significativa en la obra del portugués Nuno Gonçalves y en las composiciones del escultor de origen flamenco Egas Cueman.

Rogier van der Weyden
Nacido en Tournai hacia 1399, Rogier van der Weyden fue pintor oficial de la ciudad de Bruselas y trabajó para los duques de Borgoña. En 1445 Juan II de Castilla donó a la cartuja de Miraflores un tríptico pintado por él. Las que fueron en su tiempo sus obras más conocidas, cuatro enormes tablas alegóricas de la Justicia para el Ayuntamiento de Bruselas, se destruyeron en 1695. Otros grandes cuadros de su mano, como el Descendimiento, la Virgen Durán y el Calvario, se exportaron a España.

Van der Weyden descubrió siendo joven que, aunque era capaz de pintar el mundo natural con toda fidelidad, podía hacer algo más que imitar la realidad inmediata. Su gran sensibilidad para el tratamiento de las formas y las líneas, basada en armonías geométricas, daba lugar a obras en las que se desdibujaba la diferencia entre realidad y escultura.

El artista murió en Bruselas en 1464.

La recuperación del Calvario
El proyecto de restauración de soporte y pintura de la obra el Calvario de Rogier van der Weyden, ha sido realizado en el Taller de Restauración del Museo Nacional del Prado.

Procedente del Monasterio de San Lorenzo del Escorial, el Calvario de Rogier van der Weyden, es una de las obras más impresionantes y originales del pintor por la grandeza y expresividad de sus figuras.

Para devolver a la obra su calidad, en mayo de 2011, Patrimonio Nacional y el Museo del Prado firmaron un acuerdo para llevar a cabo la restauración integral de la pieza. Los trabajos de documentación técnica y las labores de restauración del soporte y de la superficie pictórica han devuelto a la obra su estado original, permitiendo confirmar la autoría de Van der Weyden y concretar su datación en un período comprendido entre 1457 y 1464.

La restauración ha recuperado además la verdadera sensación de tridimensionalidad de las figuras, cuyo volumen estaba tergiversado por una tupida película de repintes grisáceos. Tras una primera limpieza, se procedió a una intervención para eliminar los añadidos que distorsionaban la verdadera calidad de Van der Weyden.

Velázquez llega al Grand Palais

24/03/2015, Una exposición en el Grand Palais de París profundiza en la figura de Diego de Velázquez, uno de los pintores más importantes de la historia del arte.

Paris, 24 de marzo de 2015
Sin distinciףn de estilos ni יpocas, Velבzquez fue el cabecilla de la escuela espaסola, pintor habitual del rey Felipe IV, cohetבneo de Van Dyck, Bernini y Zurbarבn, y un artista cuyo rango de intemporalidad que solo pueden disputarle nombres como Leonardo, Rafael, Miguel ֱngel, Ticiano, Caravaggio y Rembrandt.

Esta exposiciףn, la primera monogrבfica dedicada a la figura del pintor espaסol en Francia, muestra el talento de aquel que Manet consagrarםa como "pintor de los pintores".

Formado a una edad temprana en el taller de Francisco Pacheco, influyente pintor y letrado de la capital andaluza, Rodrםguez de Silva y Velבzquez probarםa suerte en la corte de Madrid, en la que serםa nombrado pintor del rey en 1623. Este nombramiento marca el inicio de una ascensiףn artםstica y social.

Velבzquez realizarםa a lo largo de su vida dos viajes determinantes a Italia, el primero en torno a 1630, el segundo en torno a 1650. Maestro en el arte del retrato, cuyo gיnero renueva, Velבzquez tambiיn destacarםa en gיneros como el paisaje, la pintura histףrica, la escena de gיnero o la naturaleza muerta.

La exposiciףn cuenta con excepcionales obras como La fragua de Vulcano (del Museo del Prado en Madrid), ademבs de autיnticas obras maestras como la Venus del espejo (Londres, National Gallery) o el Retrato de Inocencio X (perteneciente a la Galleria Doria Pamphili de Roma).

La intenciףn de esta muestra es presentar un panorama completo de la obra del artista, desde sus inicios en Sevilla hasta sus תltimos aסos, y la influencia que su arte ejercerםa en sus contemporבneos.

En la primera secciףn se evoca el clima artםstico de Andalucםa a principios del siglo XVII, poniendo en perspectiva las primeras obras de Velבzquez y emulando el taller de Pacheco con pinturas y esculturas de Alonso Cano y Juan Martםnez Montaסיs.

Acto seguido se aborda la vena naturalista y picaresca de la pintura de Velבzquez en torno a escenas de cocina y bodegףn. En torno a 1620, el estilo del pintor evoluciona hacia un caravaggismo mבs acusado. Este periodo corresponde a los primeros contactos del artista con Madrid y la pintura que allם se produce. Esta parte de la exposiciףn enlaza la transiciףn entre los aסos de formaciףn en Sevilla y la primera יpoca madrileסa, y presenta las obras del pintor entre las de sus contemporבneos, espaסoles e italianos, que compartieron esta bתsqueda de una pintura mבs moderna.

Finalmente, los inicios del pintor en la corte ven evolucionar su concepciףn del retrato, pasando de un naturalismo efervescente a formas mבs frםas y solemnes acordes con la tradiciףn del retrato de corte espaסol.

La segunda secciףn empieza con el primer viaje a Italia del artista. Este viaje, que marcarםa su carrera como pintor, se ilustra mediante obras que podrםa haber realizado en Roma o justo despuיs de su regreso. Estas obras de arte de su primera madurez ofrecen la oportunidad de abordar un aspecto poco explorado de su obra: el paisaje, en el que se puede palpar la influencia de Rubens, su frescura y su libertad.

La exposiciףn continתa con la pintura mitolףgica, sagrada y profana de Velבzquez, en la que la Venus del espejo constituye el punto culminante.

La תltima parte estב dedicada al תltimo decenio del pintor y a su influencia en los denominados velazqueסos. Esta secciףn consagra ampliamente la importancia del pintor como retratista, en la Corte de Madrid en un primer momento, y mבs tarde en Roma en torno al papa Inocencio X, con motivo de su segundo viaje a Italia.

Finalmente, se presentan los תltimos retratos reales realizados por el maestro espaסol, frente a los de su yerno y discםpulo, Juan Bautista Martםnez del Mazo, testimonio de las תltimas ascuas del estilo de Velבzquez.

Velבzquez
Grand Palais
Galeries nationales
Plazza Jean Perrin
Del 25 de marzo al 13 de julio de 2015

El desnudo griego. Dioses, Héroes y Atletas

23/03/2015, Nuestra forma de representar el desnudo tiene su origen en la Grecia antigua. Una exposición del MAR profundiza en la imagen del cuerpo de esta sociedad amante de la belleza y la juventud.

Madrid, 23 de marzo de 2015
La idea de ofrecer a la vista pública un cuerpo desnudo fue griega. Dioses, héroes y atletas aparecían desnudos en santuarios, ágoras o necrópolis, y presentaban cuerpos con una fuerte apariencia de veracidad, que años después han definido nuestra forma de representar y entender el cuerpo humano.

En la actualidad, un cuerpo masculino bello es el de un joven de hombros anchos, pecho desarrollado y abdominales marcados. Este cuerpo atlético moderno es deudor de la visión del cuerpo antiguo. Un canon de belleza que seduce por su alto grado de veracidad naturalista y su perfección.

Pero esta representación del desnudo masculino (que ha dado lugar a la actual cultura de gimnasio) es artificial. Una versión de un cuerpo extraño, imposible, y noble, pues representa a criaturas excelentes, virtuosas y, hasta cierto punto, inmortales.

Según los griegos, entre Dioses y hombres no existían grandes diferencias en el aspecto físico. Los seres divinos se podían distinguir por su fuerza y altura y por su incorruptible e imperecedera belleza. Aunque la perfección física pertenecía, más que a ningún otro, al héroe, hombre mortal cuya gloria y hazañas perduran durante siglos gracias a las narraciones de los poetas.

Aunque el desnudo no era un hecho cotidiano en el mundo griego, era posible ver cuerpos desnudos en las ciudades. El atleta griego practicaba ejercicio desnudo en espacios reservados para ello. Estos cuerpos duros y articulados, bellos y resistentes, pertenecían a hombres que, a través de privaciones y sufrimientos, se afanaban día tras día por conquistar la victoria.

Varios siglos después que el de varón, aparece el primer desnudo público de un cuerpo de mujer. El escultor Praxíteles, en el siglo IV a.C., representa a la Diosa Afrodita en actitud sorprendida, mientras se está lavando. El desnudo femenino, nos lleva al mundo de lo humano y al deseo erótico, algo que, en cierto sentido, también ha pasado a formar parte de nuestra memoria visual.

DIOSES, HÉROES Y ATLETAS. LA IMAGEN DEL CUERPO EN LA GRECIA ANTIGUA
Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid
Plaza de las Bernardas, s/n. Alcalá de Henares
Hasta el 26 de julio de 2015

Llega la primavera a Colmar

23/03/2015, Desde comienzos hasta mediados del mes de abril se celebran en Colmar los mercados de Semana Santa y Primavera, una alegre forma de dar la bienvenida al buen tiempo.

Colmar, 23 de marzo de 2015
En pleno corazón de la ciudad vieja de Colmar, en un entorno bucólico y lleno de encanto, se pueden visitar desde principios del mes de abril dos mercados sitúados en dos plazas emblemáticas del centro histórico de esta bonita ciudad francesa.

La Plaza des Dominicains y la Plaza de l’Ancienne Douane acogen coquetas casetas de colores y puestecitos, en los que expositores de la zona ofrecen productos autóctonos, originales y auténticos, tales como plantas, productos de belleza y para la salud, joyas, juguetes de madera, cerámica, artículos de artesanía para el hogar, así como numerosas especialidades gastronómicas, vinos, cervezas, charcutería, quesos y otros muchos productos de la región.

Además, no dejes de probar los famosos conejos y huevos de chocolate típicos de Pascua, así como el tradicional Lamala (dulce de Semana Santa en forma de cordero).

En el recorrido entre ambos mercados se podrán ver animaciones callejeras y exposiciones artesanales, mientras que por la noche, Colmar seguirá dando la bienvenida a la primavera al ritmo del jazz o de la mano de grandes compositores clásicos gracias a dos series de conciertos.

Prepara tu viaje con nuestra Guía de Colmar.

Alhambra inédita

18/03/2015, El Museo Arqueológico Nacional presenta un homenaje a la belleza monumental de la Alhambra y de su entorno natural, Patrimonio de la Humanidad desde 1984 y uno de los iconos artísticos de España.

Madrid, 18 de marzo de 2015
El MAN presenta una mirada íntima a los jardines y palacios de la Alhambra, a través de 57 fotografías realizadas por dos artistas separados 150 años en el tiempo, Jean Laurent y Fernando Manso.

La Alhambra es uno de los lugares patrimoniales más fotografiados del mundo desde el nacimiento de la fotografía a mediados del siglo XIX. Uno de los primeros fotógrafos que contribuyó a la difusión de la imagen de La Alhambra fue Jean Laurent, cuya extensa obra ofrece un detallado testimonio de dos décadas (1865-1886).

El nexo entre antiguedad y modernidad lo establece Fernando Manso, un moderno romántico cuya mirada nos recuerda a la de aquellos pioneros que intentaron consolidar la fotografía como una opción estética con valores artísticos en sí misma.

Jean Laurent
Cuando la fotografía pasó de ser una mera curiosidad para convertirse en un negocio lucrativo, numerosos editores afrontaron el reto de construir repertorios monumentales, paisajísticos y ubanos. Jean Laurent (1816-1886), francés afincado en Madrid desde 1843, fue uno de los fotógrafos comerciales más importantes del siglo XIX.

Laurent formó un valioso archivo visual de la ciudad andaluza durante la segunda mitad del siglo XIX, y una magnífica muestra del conocimiento de las técnicas de representación fotográfica propias de la época. Sus fotografías moldearon otra forma de admirar la Alhambra. Una mirada llena de matices y en la que se puede descubrir la tranformación del espacio con el paso de los años. De Jean Laurent son 22 las obras seleccionadas que se muestran en la exposición.

Fernando Manso
El madrileño Fernando Manso (1961) se ha dedicado desde hace dos décadas a la fotografía artística con las mismas técnicas del siglo XIX. Trabajando con su cámara analógica de placas, Manso refleja a través de su objetivo la delicadeza y el romanticismo pictórico de una realidad singular.

Durante un año, Manso ha explorado de manera meditada los rincones más bellos de el conjunto paisajístico de la Alhambra y el Generalife. En la muestra se presentan 35 obras de gran formato, resultado de más de 500 horas de inmersión en la Alhambra.

Una visión inédita de la Alhambra
Hasta el 17 de Mayo de 2015
Museo Arqueológico Nacional

El Kunstmuseum Basel, en Madrid

17/03/2015, El principal museo de Suiza, el Kunstmuseum Basel, estará en obras hasta abril de 2016… pero muchas de sus joyas se pueden ver ahora en Madrid.

Madrid 17 de marzo de 2015
La gran pinacoteca de arte de Basilea ha aportado a la capital española tres grandes exposiciones de arte moderno, una de las cuales –los Picasso- se puede ver en el Museo del Prado, en tanto que las otras dos se exhiben en el Reina Sofía.

En torno al eje artístico de la castellana se alinean museos con magnífica obra: el Thyssen, El Prado, El Reina Sofía… pero en general hay escasoa trabajos de Pablo Picasso. Ese déficit se compensará ahora del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015, con la muestra conjunta de diez obras del autor malagueño, prestadas por la pinacoteca suiza y mostradas conjuntamente en El Prado.

Estos diez Picasso constituyen diez ejemplos magníficos de la evolución de la producción picassiana, desde 1906 –su período “ibérico”, previo a las investigaciones que derivarían en el cubismo– hasta las obras libérrimas y un tanto melancólicas del Picasso final 1967.

Con todo ello se integra una pequeña y rica exposición retrospectiva, que se abre con el cuadro Los dos hermanos (Les deux frères), pintado a comienzos del verano de 1906, durante su estancia en el pueblo leridano de Gosol, y se cierra con el cuadro La pareja (Le couple), fechado en el 10 de junio de 1967, regalado por el artista al cantón Ciudad de Basilea.

En el intermedio, se hallan Hombre, mujer y niño; Panes y frutero con fruta sobre una mesa; El aficionado, Mujer con guitarra; Arlequín sentado o El pintor Jacinto Salvadó; Mujer con sombrero sentada en un sillón; Muchachas a la orilla del Sena, y Venus y Amor, previsiblemente inspirada en la Venus ante el espejo, de Tiziano, en la que un niño desnudo se dirige hacia la diosa del amor.

Para más goce de los sentidos, el Kunstmuseum también exhibe sus fondos en dos muestras del Reina Sofía: “Fuego blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel” y “Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin”.

En Fuego blanco, aparece obra de los cubistas –Picasso, Gris y Braque- para seguir con la estética del maquinismo. La otra exposición exhibe las piezas de las dos grandes colecciones -Im Obersten y Rudolf Staechelin- en las que aparecen decenas de obras de artistas como Picasso, Chagall, Kandisnsky, Cezanne, Manet o Renoir. Un lujo.

Rodin en Acapulco

17/03/2015, Una muestra integrada por medio centenar de piezas, debidas a Auguste Rodín y otros creadores franceses y realizadas en el tránsito del siglo XIX al XX, se puede ver en el Museo Histórico de Acapulco, México.

Ciudad de México, 17 de marzo de 2015
Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), “ 1900. Rodin, el Impresionismo y las Vanguardias”, recuerda la época de efervescencia creativa en la Francia de finales del siglo XIX y principios del XX, cuando el arte rompió las tradiciones academicistas y abriría una fecunda época creativa, con corrientes artísticas innovadoras.

Fruto de la colaboración entre el IINAH y el Museo Soumaya. Fundación Carlos Slim, la exposición integra una selección de óleos y esculturas, que permiten al espectador acercarse a la creatividad de Rodin, Degas, Renoir, Pissarro, Berthe Morisot, Toulouse-Lautrec, Signac, Vuillard, Braque y Roault, entre otros.

En este recorrido se abarcan setenta años de la historia del arte, al integrar obras que datan de 1870 a 1942. Dos reconocidas piezas de Rodin -El pensador y El beso- son los ejes de la exposición, y con ellas se presentan otras excelentes obras; la más antigua, La campesina, de Camille Pissarro, y la más reciente, una escultura de Georges Braque.

La exposición se divide en cinco núcleos temáticos: De Barbizon al Impresionismo, Volumen de la expresión: Rodin y sus contemporáneos, 1900. Belle Époque, Herencia del Impresionismo y Hacia la revolución vanguardista. Permanecerá abierta hasta el 14 de junio en el Museo Histórico de Acapulco, Fuerte de San Diego.

Retratos de artistas

16/03/2015, Un retrato es la plasmación de la personalidad, el carácter y el pensamiento. Una exposición del Museo Wurth pone de relieve este género fundamental de la Historia del Arte universal.

La Rioja, 16 de marzo de 2015
La exposición ART FACES, Retratos de artistas en la Colección Würth presenta una selección de fotografías que nos acercan de una manera muy intensa a la personalidad e intimidad de los artistas que han protagonizado el desarrollo de la Historia del Arte del siglo XX.

La Colección de Art Faces fue iniciada por el fotógrafo suizo François Meyer, quien entre 1975 y 1977 visitó los estudios de numerosos artistas en Europa y EE.UU. con intención de fotografiarlos en su propio espacio de trabajo. Este proyecto se ampliaría posteriormente con imágenes de otros fotógrafos que mostraban en sus instantáneas la conexión entre el artista representado y su obra. La colección está compuesta por más de 240 fotografías de 42 fotógrafos.

La exposición, organizada atendiendo a los grandes movimientos artísticos del siglo XX, está compuesta por 170 retratos de artistas de la talla de Mondrian, Chagall, Le Corbusier, Sonia Delaunay, Hundertwasser, Antonio Saura, Francis Bacon, Roy Lichtenstein, Niki de Saint Phalle, Yves Klein o Cindy Sherman... Las fotografías están acompañadas por obras originales de Otto Dix, Grabriele Münter, Eduardo Arroyo, Pablo Picasso, Eduardo Chillida, André Masson, Andy Warhol o Jean-Michel Basquiat.

ART FACES. RETRATOS DE ARTISTAS EN LA COLECCIÓN WÜRTH
A partir del 20 de marzo de 2015
Pol. Ind. El Sequero, Avda. Cameros pcls. 86-88, 26150 Agoncillo - La Rioja

Teresa de Jesús. La prueba de mi verdad

12/03/2015, En el quinto centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús, la Biblioteca Nacional de España presenta una excelente exposición que nos acerca a su vida y obra.

Madrid, 12 de marzo de 2015
Pinturas de diversos autores, esculturas, libros y objetos diversos nos sitúan frente a esta mujer de acusada personalidad y a su creación literaria que ha asombrado por su belleza y nitidez a autores tan diversos como fray Luis de León o el propio Lorca.

Tras una vida llena de actividad en lo personal, lo literario y lo religioso, incluso con ácidas controversias, tras la muerte de la santa, en 1582, su figura se siguió agrandando en distintas facetas. En 1588 el humanista fray Luis de León editó sus obras, y en 1622 fue santificada por Gregorio XV.

La muestra presentada ahora en la Biblioteca Nacional de España recorre diversos episodios de su vida y analiza su obra literaria y su influencia en escritores posteriores.

Desde su infancia Teresa fue una apasionada lectora, condición indispensable para que pudiera ser tan excepcional escritora. En su "Libro de la vida", la santa da un dato esencial: "Era mi padre aficionado a leer buenos libros, y ansí los tenía de romance para que leyesen sus hijos estos". Entre sus lecturas preferidas se encontraban las vidas de santos o los libros de caballerías.

Frágil de salud, pero fortísima en voluntad y decisión, tomó el hábito carmelita, y buscó el auténtico sentido de esa vida monacal, viviendo en pobreza y oración. Sus fundaciones son el fruto de esta gran obra reformadora. Santa Teresa luchó contra el silencio que querían imponer a su escritura los inquisidores, y gracias a su fuerza de voluntad hoy podemos disfrutar de su riquísima producción.

A través de una prosa enormemente visual y a sus comparaciones y alegorías, sus lectoras (monjas carmelitas), entendían fácilmente lo que ella quería describir y contar. Supo recurrir a la realidad que le rodeaba para expresar las complejas experiencias que quería describir.

La exposición de la BNE reúne manuscritos que se exponen por primera vez en la Biblioteca Nacional, junto a bellas obras pictóricas como ilustraciones de lo que ella dijo en sus textos.

Sus escritos siguen siendo una escuela de análisis del alma, por lo que la muestra trata de profundizar en las palabras de la santa de una manera visual y atractiva para abrir las páginas de su obra a futuros lectores.

La exposición refleja asimismo la vinculación que la escritora tuvo con importantes personajes de su época como la emperatriz María, la Casa de Alba, el rey Felipe II, o fray Luis de León, dando cuenta de la relevancia del personaje, por su labor como fundadora y escritora.

Teresa de Jesús. La prueba de mi verdad
Del 12 marzo al 31 de mayo de 2015
Sala Recoletos de la Biblioteca Nacional de España

Pacífico. España y la aventura de La Mar del Sur

10/03/2015, Con motivo del V Centenario del Descubrimiento del Océano Pacífico por Vasco Núñez de Balboa esta exposición difunde el rico fondo documental sobre el Océano Pacífico contenido en los archivos estatales españoles.

Valencia, 10 de marzo de 2015
El 25 de septiembre de 1513, Vasco Núñez de Balboa, nacido en Jerez de los Caballeros (Extremadura, España) divisaba un nuevo océano al que bautizó la Mar del Sur. Esta hazaña confirmó que un nuevo océano se extendía entre las tierras americanas recién descubiertas y los confines de Asia.

Con el Archivo General de Indias de Sevilla como principal exponente, esta exposición (que podrá verse en el Centre "El Carme" hasta el 10 de mayo de 2015), analiza y difunde la trascendencia de este hecho histórico.

A través de un recorrido histórico por la expansión colonial y cultural europea de los siglos XVI y XVII en el Pacífico, esta muestra aporta una perspectiva actualizada del legado español en las naciones ribereñas del Océano Pacífico, destacando los modos de interacción cultural, social y económica, así como el legado histórico y cultural que les dejó su relación histórica con España.

En menos de cien años el espacio fue redefinido por los navíos que lo surcaban. Nacieron nuevas oportunidades para el comercio, la palabra y las ideas, que, recorriendo los caminos oceánicos, propiciaron la interacción de pueblos y culturas.

Pacífico. España y la aventura de La Mar del Sur
Valencia. Centre "El Carme"
Hasta el 10 de mayo de 2015

Kentaro llegó a la sierra de Madrid

09/03/2015, El lince ibérico Kentaro, liberado en los montes de Toledo, en el Centro de España, ha avanzado un centenar de kilómetros para alcanzar la comunidad de Madrid, de donde hace algún tiempo desapareció la especie.

Madrid, 9 de marzo de 2015
La noticia ha causado alegría entre los defensores del ecosistema, a la par que desde los ámbitos ecologistas se reclama protección para esta especie en grave peligro de extinción.

Según informa la organización WWF, el lince ibérico Kentaro avistado estos días en Madrid había sido liberado en diciembre en Montes de Toledo, en el marco del programa LIFE Iberlince, y ha cruzado al territorio de la Comunidad de Madrid en su dispersión juvenil. WWF, además, exige a la Comunidad de Madrid que tome medidas que protejan la presencia del lince y cumpla la ley aprobando de forma urgente un plan de recuperación para esta especie en peligro crítico de extinción y para el lobo.

Procedente del área de reintroducción de Montes de Toledo, el lince Kentaro ha recorrido más de 100 kilómetros en su dispersión juvenil, y los técnicos del proyecto LIFE Iberlince han podido registrar su largo periplo –que incluso le ha llevado a las cercanías de la ciudad de Toledo- gracias al collar emisor por satélite que le colocaron antes de su suelta.

Los últimos registros de presencia del felino se produjeron en el Alto Alberche, y el suroeste de la comunidad –incluido en su mayor parte dentro de la Red Natura 2000- que un hábitat apropiado para albergar una población de linces. Sin embargo en los correspondientes planes de gestión de estos espacios no figura ninguna medida para esta especie.

Kentaro es uno de los ocho linces ibéricos procedentes del programa de cría en cautividad que ya han sido liberados en Montes de Toledo, una de las cuatro áreas de reintroducción –además del sur de Ciudad Real, el valle de Matachel en Extremadura, y el valle del Guadiana en Portugal- del proyecto LIFE Iberlince, y el objetivo del proyecto es recuperar los territorios históricos de la especie, que se extinguió de gran parte de su área de distribución a finales del siglo XX.

Nuevas exposiciones en MALBA

06/03/2015, MALBA prosigue su calendario de 2015 con tres nuevas exposiciones, después del cierre de una muestra muy exitosa, "Antonio Berni: Juanito y Ramona".

Buenos Aires, 6 de marzo de 2015
Más de 148.000 personas visitaron la gran exposición de Berni, producida en forma conjunta por MALBA y el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) en la que se reunió un conjunto de 150 obras (pinturas bidimensionales, grabados, xilocollages y xilocollage-relieves, ensamblajes y construcciones polimatéricas), creadas entre 1958 y 1978, cedidas por colecciones públicas y privadas de Argentina, Uruguay, Estados Unidos, España y Bélgica.

Con estas cifras, la muestra de Berni se posicionó como la tercera más vista en la historia del museo, detras de Yayoi Kusama. Obsesión infinita (206.000 visitantes, Junio 27 – Septiembre 23, 2013) y Andy Warhol. Mr America (196.022 visitantes, Octubre 23, 2009 - Febrero 22, 2010).

Ahora el centro artístico bonaerense presenta otras tres nuevas ofertas:

Experiencia Infinita
Desde el 19 de marzo al 8 de junio se presenta la muestra Experiencia Infinita, comisariada por Agustín Pérez Rubio, con obra de distintos artistas de todo el mundo, que en la mayoría dfe los casos aportan por primera vez sus trabajos en Argentina.

Se trata de una muestra nunca antes vista en una institución museística de América Latina, en la que todas las piezas son situaciones construidas, instalaciones en vivo, representaciones y coreografías creadas en los primeros años del siglo XXI.

Se presentan obras de ocho artistas: Allora & Calzadilla [Jennifer Allora (Filadelfia, 1974) y Guillermo Calzadilla (La Habana, 1971)], Diego Bianchi (Buenos Aires, 1969), Elmgreen & Dragset [Michael Elmgreen (Copenhague, 1961) e Ingar Dragset (Trondheim, Noruega, 1968)], Dora García (Valladolid, 1965), Pierre Huyghe (París, 1962), Roman Ondák (Zilina, Eslovaquia, 1966), Tino Sehgal (Londres, 1976) y Judi Werthein (Buenos Aires,1967.

La idea de la exposición surge de una pregunta: ¿Puede existir un museo viviente, donde las piezas actúen, hablen, se muevan y vivan eternamente? Para Agustín Pérez Rubio, Director Artístico de MALBA y curador de la exhibición: “Las piezas de Experiencia Infinita tienen especialmente en cuenta la idea de lo vivo como obra y como parte de un tipo de obras que no solo se distribuyen en el tiempo, sino también en el espacio: la experiencia es como un viaje; las diferentes situaciones se suceden unas a otras”.

Intenciones secretas
La muestra Intenciones secretas, del 20 de marzo al 6 de julio, esta comisariada por Victoria Giraudo y Agustín Pérez Rubio, y mediante una selección de 50 fotografías vintage, producidas entre los años 30 y 50, se propone rescatar la obra más personal e íntima de Annemarie Heinrich (Darmstadt, Alemania, 1912 – Buenos Aires, 2005), y además plantear la pregunta: ¿Es posible entender su obra bajo los parámetros de un proto-feminismo?

Emblema de la fotografía argentina del siglo XX, sus búsquedas artísticas más personales quedaron relegadas detrás de su producción comercial, que la consagró como una de las grandes retratistas del cine argentino de los años 40. Vanguardista en su forma de aproximarse al cuerpo y a la sensualidad femenina, la exposición se centrará en sus desnudos y en el registro de su mundo íntimo y familiar. Estas piezas revelan la mirada de una mujer libre y desprejuiciada, que se anticipa en muchos temas al movimiento feminista de los años 60.

Osías Yanov. VI Sesión en el Parlamento
Con Laeticia Mello como curadora, del 20 de marzo al 8 de junio también se puede ver en MALBA, en el marco de la primera Bienal de Performance de Buenos Aires BP.15, Osías Yanov. VI Sesión en el Parlamento, exposición que se inserta en las investigaciones recientes del artista Osías Yanov (Buenos Aires, 1980) sobre el lenguaje de acción, a partir de la potencia de la escultura como objeto y su diálogo con el cuerpo.

En 2014 el museo invitó a una serie de jóvenes curadores argentinos a realizar una propuesta ligada a la idea de performance, especialmente pensada para el espacio de MALBA, y el proyecto seleccionado fue el de Laeticia Mello (Buenos Aires, 1983) con Osías Yanov (Buenos Aires, 1980). “La propuesta abordada por Yanov en MALBA evoluciona a partir de una investigación de operaciones gestuales tomadas de la maquinaria cultural argentina y procesadas en una nueva imagen que se ubica en los límites de lo sexuado como postura disidente”, explica Mello.

Si existiera la posibilidad de que una serie de movimientos sea suficiente para establecer una ley: ¿cómo sería un parlamento de cuerpos donde se sesione a partir de coreografías? Mediante prácticas performáticas en relación a elementos escultóricos, esta obra explora al individuo como generador de cambios mediante su reverberancia física.

Tristes Armas

06/03/2015, Compuesta por casi 100 obras del valenciano Josep Renau y de la norteamericana Martha Rosler, Tristes Armas invita a reflexionar sobre el fenómeno de la guerra y su actualidad.

Valencia, 6 de marzo de 2015
La muestra incluye piezas de la etapa valenciana de Josep Renau (1907-1982), de su exilio en México y de su etapa en el Berlín comunista que dialogan con obras de la estadounidense Martha Rosler (1943) sobre la Guerra de Vietnam y los conflictos de Afganistán e Irak.

La historia del siglo XX está surcada de numerosos conflictos bélicos tales como la Primera Guerra Mundial, la Guerra Civil española, la Segunda Guerra Mundial, Vietnam, la Guerra Árabe-Israelí, la Guerra por la Independencia de Argelia, las Guerras Civiles Libanesas, o las Guerras Yugoslavas.

Estas guerras han dejado una huella de desastre, destrucción y odio que ha conducido a distintos sectores de la sociedad a movilizarse. También desde la producción artística se han alzado voces críticas ante los enfrentamientos armados.

Los dos creadores reunidos en esta exposición, Josep Renau y Martha Rosler trataron este delicado tema de una manera perseverante.

Renau mantuvo una posición comunista durante la guerra civil. Ya en el exilio diseccionó el imperialismo norteamericano y las consecuencias brutales de su afán de poder. Fue en México donde Renau realizó un conjunto de obras en los que atacaba las bases del capitalismo y el poder de la burguesía.

También durante el periodo mexicano Renau concibió su serie de fotomontajes The American Way of Life. En esta serie analiza la manera en la que el imperialismo norteamericano intenta controlar Cuba y también las masacres de Vietnam. Para Renau estos conflictos son el fruto de un sistema social que mercantiliza la vida. Por ello la sociedad de consumo que emerge de la segunda guerra mundial es blanco de su ironía.

La guerra de Vietnam motivaría a Martha Rosler en la elaboración de algunos de sus primeros fotomontajes a finales de los sesenta. Rosler quería que los hogares norteamericanos supieran de este conflicto, y romper así conla comodidad e indiferencia de la sociedad de su país ajena a los crímenes del ejército norteamericano.

Desde una posición feminista, Rosler utilizó imágenes domésticas de revistas femeninas para mostrar ese hogar del que carecían los vietnamitas. También a través de estas imágenes la artista realiza una lectura de clase, pues los hogares retratados en sus montajes pertenecen a sectores privilegiados. Recientemente, Martha Rosler ha vuelto a abordar la cuestión de la guerra centrándose en la invasión de Afganistán e Irak en los años 2004 y 2008.
Tristes Armas. Josep Renau y Martha Rosler ante la guerra
Institut Valencià d’ Art Modern
5 de julio de 2015

Custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá

05/03/2015, El Museo del Prado expone hasta el 31 de mayo, La custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá, conocida como “La Lechuga” por el verde de sus 1.485 esmeraldas.

Madrid, 5 de marzo de 2015
“La Lechuga”, que forma parte de la Colección de Arte del Banco de la República de Colombia, constituye un extraordinario ejemplo de arte barroco y es considerada una de las joyas religiosas más ricas y hermosas de Hispanoamérica.

Realizada entre 1700 y 1707 por el orfebre José Galaz en oro de 18 quilates, La custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá brilla gracias a sus 1.485 esmeraldas, 1 zafiro, 13 rubíes, 28 diamantes, 62 perlas barrocas y 168 amatistas.

La custodia de la iglesia de San Ignacio de Bogotá se ha mantenido íntegra hasta la actualidad, un auténtico milagro, ya que durante los procesos independentistas fueron muchas las piezas religiosas que fueron fundidas para subvencionar la lucha tanto de los realistas como de los patriotas. Protegida por sacerdotes, esta custodia logró salvarse y fue comprada en 1985 por el Banco de la República de Colombia a la Compañía de Jesús. Desde entonces se exhibe de forma permanente y gratuita en el Museo de Arte del Banco de la República en Bogotá como testimonio del arte virreinal.

En los territorios de la actual Colombia, metales como el oro y la plata eran conocidos y trabajados por las distintas comunidades indígenas con gran maestríab y excelente calidad. Técnicas variadas de fundición, soldadura y aleaciones, así como el uso del repujado, el martillado y el vaciado de metal a la cera perdida se utilizaban con maestría para realizar objetos religiosos que llamaron la atención de los conquistadores españoles.

Conscientes de la abundancia de metales preciosos llegaron al nuevo continente, procedentes de tierras españolas y portuguesas,muchos artesanos expertos en el trabajo con metales. Estos artesanos conformarían el gremio de plateros, y fundarían talleres que empezarían a realizar piezas que mezclaban las tendencias estilísticas españolas y americanas para satisfacer la demanda de los conventos, las comunidades religiosas y los españoles adinerados.

El inventor de los impresionistas

04/03/2015, Un nombre propio es clave en la historia del impresionismo: Paul Durand-Ruel, un parisino (1831 – 1922) que impulsó el arte moderno francés desde su vocación de comerciante de arte.

Londres, 11 de febrero de 2015
“Inventig Impressionism” es el título de la muestra que se presenta en Londres del 4 de marzo al 31 de mayo, en torno a la colección de este marchante, en una muestra organizada por la National Gallery de Londres; el Philadelphia Museum of Art, y la Réunion des Musées Nationaux francesa, en colaboración con el Museo d’Orsay.

Paul Durand-Ruel fue el comerciante promotor de los artistas de la Escuela de Barbizon y el movimiento impresionista. Su apoyo fue clave para los nuevos creadores que venían rompiendo los moldes clásicos de la pintura. “Sin él -dijo Monet- no habría podido sobrevivir".

El mundo del arte no se concibe hoy sin las pinceladas de los impresionistas. Pero a principios de los años 1870 el grupo de pintores que exploraba las nuevas fronteras era mayoritariamente rechazado por el “arte oficial” que censuró las obras revolucionarias que estaban presentando unos “locos”.

Un hombre, sin embargo, dio validez a las nuevas propuestas artísticas desde el inicio. Se trataba de Paul Durand-Ruel, un empresario parisino vinculado familiarmente al ámbito del arte, que sería un apoyo temprano para gentes como Monet, Degas, Manet, Renoir, Pissarro y Sisley.

En 1867 instala su galería en la calle Laffitte, una zona parisina de negociantes de arte, y dos años más tarde impulsa una revista sobre los temas plásticos. En 1872 ya organiza una exposición importante en Londres y luego lo hará regularmente en otros puntos como Bruselas y Nueva York.

Confiado en el potencial de venta de los cuestionados y ridiculizados impresionistas, Durand-Ruel dedicó el resto de su vida a crear un amplio mercado para sus trabajos, lo que fue crucial para el arte moderno.

Tal fue su perseverancia que Durand-Ruel cayó en la ruina un par de veces antes de llegar a ser un marchante respetado por sus actividades en la capital francesa, Londres y Nueva York. El nombre de 'impresionistas' -utilizado por primera vez despectivamente por los críticos- se convertiría en garantía de negocio.

“Inventig Impressionism” cuenta con 85 obras maestras del movimiento pictórico, la inmensa mayoría de las cuales pasaron en algún momento por las manos de Paul Durand-Ruel, y entre los cuales están destacados trabajos de, Monet, Cezanne, Degas, Manet, Sisley, Berthe Morisot, Pissarro o Renoir.

La piel translúcida

04/03/2015, CentroCentro Cibeles acoge, hasta el 7 de junio, la exposición La piel translúcida, una selección de 67 obras de la colección de arte privada de Iberdrola.

Madrid, 4 de marzo de 2015
Pintura, escultura, fotografía y vídeo se reúnen en esta exposición, que muestra al público algunas de las piezas más relevantes del patrimonio artístico de la colección de arte privada de Iberdrola, Uno de los conjuntos artísticos más relevantes de España en la actualidad.

La exposición comienza ilustrando el nacimiento de la Compañía Iberdrola en Bilbao en 1901, con obras de arte vasco de finales del siglo XIX y principios del XX. El recorrido continúa con 29 obras que testimonian la evolución del arte español desde 1957 hasta la actualidad. Finalmente, 35 trabajos fotográficos muestran una visión general de la fotografía internacional desde los años 70 hasta nuestros días.

Con obra de nombres de la talla como Chillida, Oteiza, Tаpies, Saura, Antonio López, Richter, Mapplethorpe o Twombly, esta muestra (de acceso libre), se encuentra comisariada por Javier González de Durana, académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y ex director de Artium de Vitoria y del Museo Balenciaga..

La piel translúcida. Obras de la Colección Iberdrola
CentroCentro Cibeles
Plaza Cibeles, 1, Madrid

El Thyssen nos acerca al autorretrato

03/03/2015, El Thyssen Bornemisza ofrece hasta el 7 de junio de 2015 una pequeña muestra dedicada a los autorretratos, en su serie expositiva de Miradas Cruzadas.

Madrid, 3 de marzo de 2015
Desde el Renacimiento, muchos creadores han abordado el proceso de representarse a si mismos bien para dejar constancia de sus diferentes estados de ánimo o del paso del tiempo sobre su figura, para reafirmar su presencia en la sociedad o dejar una huella una huella para la posteridad. Si el retrato ha sido un género clave de la pintura, la autorepresentación aporta elementos especiales que nos permiten ahondar en el alma del artista..

El Museo Thyssen Bornemisza dedica la décima entrega de la serie Miradas Cruzadas al autorretrato. Una selección de nueve autorretratos de sus colecciones, de Rembrandt, Steen, Freud, Beckmann o Schiele, entre otros, permite recorrer con pocos ejemplos la evolución de este subgénero del retrato desde el Renacimiento hasta el siglo XX, en un montaje que puede visitarse con acceso gratuito..

Aunque existen precedentes ya en el arte egipcio, fue a partir de la Edad Media cuando los artistas empiezan a incluir sus propios rasgos personales en alguno de los personajes representados en sus obras, convirtiéndose en una forma velada de autorretrato. No obstante, el género no se populariza hasta el siglo XV, en Italia y Flandes en primer lugar, cuando muchos comienzan a pintarse a sí mismos junto a los símbolos de su oficio, una tradición que se ha mantenido sin interrupción hasta nuestros días y que ha dado frutos impresionantes, con autores como Durero o Van Gogh.

En el autorretrato subyace siempre un componente psicológico, a veces incluso algo narcisista, motivado por el deseo de conocerse a sí mismo y de mostrarse en sus múltiples facetas. En el mismo se percibe una infinidad de matices que dejan resquicios o ventanas para acceder al interior del alma del artista.

La autorepresentación es una acción reflexiva en la que artista y modelo se identifican y en la que el espejo juega un papel importante, como instrumento necesario en el proceso de elaboración del cuadro, y en simbiosis también con la propia obra de arte y con la idea del rostro como espejo del alma.

Niki de Saint Phalle llega a Bilbao

03/03/2015, El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva que se celebra en España de la obra de Niki de Saint Phalle, la primera gran artista feminista del siglo XX.

Bilbao, 3 de marzo de 2015
El Guggenheim Bilbao presenta una gran exposición de la obra de Niki de Saint Phalle (Francia, 1930/EE.UU., 2002), figura célebre por sus Nanas, las impactantes Shooting Paintings y por sus emblemáticas obras de arte público en las que se revela un mundo paradójico y singular inspirado en Gaudí, Dubuffet y Pollock.

Esta retrospectiva ofrece una nueva visión de la artista a través de más de 200 obras y documentos de archivo, que reflejan las diferentes facetas como pintora, escultora, grabadora, autora de performances y cine experimental de esta artista francesa, internacionalmente reconocida por su personal universo creativo en el que se tratan temas como el poder de lo femenino y el ataque a las convenciones sociales y el compromiso político y social con un enfoque en el que priman el color y el optimismo.

Niki de Saint Phalle está considerada la primera gran artista feminista del siglo XX. A través de una nueva representación del cuerpo femenino, la artista cuestionó los cánones establecidos y reivindicó el papel de la mujer en la sociedad.

Pero el feminismo no fue el único de los convencionalismos contra los que luchó. Sus obras destilan una fuerte crítica social y política, expresada en numerosas ocasiones a través de la violencia y el caos. Todas las obras de Niki de Saint Phalle pueden interpretarse desde diferentes niveles de profundidad, y muestran una clara carga subversiva.

La artista francesa, acorde a su carácter pionero, supo dejar su impronta en el espacio público a nivel mundial. Durante toda su carrera se suceden los proyectos arquitectónicos y las esculturas monumentales: fuentes, parques infantiles, jardines y casas habitables. Para Niki de Saint Phalle una de las razones de ser de su creación era aportar alegría, humor y color. Esos grandes proyectos arquitectónicos responderían a esta visión del arte: tratan de hacer feliz a la gente.

Niki de Saint Phalle
Hasta el 11 de junio, 2015
Museo Guggenheim Bilbao

Arte de los indios de las llanuras

02/03/2015, Del 10 de marzo al 9 de mayo el Metropolitan de Nueva York ofrece la muestra “The Plains Indians: Artists of Earth and Sky”, dedicada a los trabajos de los nativos indios de las Llanuras.

Nueva York, 2 de marzo de 2015
The Plains Indians: Artists of Earth and Sky (Los indios de las llanuras: Artistas de la Tierra y el Cielo) presenta más de 150 obras creadas por los nativos americanos de la región de las Llanuras, que van desde una antigua tubería de piedra y túnicas pintadas a dibujos, pinturas, collages, fotografías y vídeo contemporáneo, para trasmitir el continuo de cientos de años de tradiciones artísticas, mantenidos en un contexto de gran cambio histórico y cultural.

Los elementos reunidos, procedentes de más de 80 instituciones y colecciones privadas de Europa, Canadá y Estados Unidos, en muchos casos presentados por vez primera en una exposición pública en América del Norte.

“Los indios de las praderas: Artistas de la Tierra y el Cielo” acercarán al espectador a la belleza, el poder y la resonancia espiritual del arte indio de las llanuras, creatividad que continúa en el presente.

Según Thomas P. Campbell, Director del Museo Metropolitano, esta ambiciosa exposición demuestra la larga historia de cambio y adaptación creativa que caracteriza al arte americano nativo, y es una oportunidad importante para resaltar las tradiciones artísticas de los indígenas de América del Norte y presentarlas en el contexto de las colecciones mundiales del MET.

La exposición ha sido organizada por el Musée du Quai Branly, París, en colaboración con el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y en colaboración con el Museo Nelson-Atkins de Arte, de Kansas City. En ella destaca también la gran variedad de formas y medios de comunicación: obras escultóricas en piedra, madera, asta, púas de puercoespín, trabajos con plumas; túnicas pintadas; ropa ornamentada, obras sobre papel, pinturas y fotografía.

Hay elementos de multitud de épocas, en los que se puede ver la obra antigua y el impacto de innovaciones que han sido importantes para las culturas de las llanuras, como el caballo, introducido por los españoles en el siglo XVI, o el papel y el lápiz que permitió grabar observaciones o recuerdos de batallas, las pinturas de caballete y otras actividades en la que se incorpora incluso la videocreación.

Espiando al buitre negro

02/03/2015, Desde nuestro ordenador podemos contemplar el proceso de nidificación y cría del buitre negro observando su nido en un territorio de gran belleza natural, la Cordillera Central española.

Madrid, 2 de marzo de 2015
La Comunidad de Madrid y la organización conservacionista SEO/BirdLife han instalado, por segundo año consecutivo, un sistema que permite seguir a través de Internet la reproducción de una pareja de aves de buitres negros (Aegypius monachus), la mayor carroñera de Europa. El enlace está en la web http://www.seo.org/webcam-buitre/

El Aegypius monachus es uno de los buitres que se pueden encontrar en Europa, junto con el buitre leonado, el alimoche y el quebrantahuesos.

La envergadura media de esta especie está en los 2,5 metros pero se han detectado individuos que alcanzan los 3 metros. Habita en buena parte del continente asiático y varios puntos del Mediterráneo, entre ellos la península Ibérica y las Baleares. El Buitre tiene en España algunas de las mejoras poblaciones sedentarias de todo el mundo.

Este animal suele ocupar ámbitos forestales, siendo muy amante del bosque mediterráneo y los pinares.

Merced a la cámara instalada, los amantes de la fauna podrán seguir en directo la reproducción completa, desde el arreglo del nido y la incubación hasta el desarrollo del pollo y los primeros vuelos. En la actualidad la pareja está a punto de realizar la puesta

El gran nido observado está sobre un pino silvestre, en el valle de Lozoya, en el Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama (Madrid. A varios metros de distancia, y situada de tal manera que no ocasione molestias, una cámara web de alta definición registra todo lo que ocurre en el nido y lo transmite en directo por Internet.

Esta toma de imágenes es similar a la hecha en 2014, cuando se siguió el mismo nido desde primeros de junio, para ver el desarrollo del pollo hasta que voló. La novedad es que en 2015, por primera vez, se podrá ver el ciclo reproductivo completo, desde el arreglo del nido previo a la puesta en pleno invierno al vuelo del pollo ya a finales del verano.

La Comunidad de Madrid ha puesto en marcha este proyecto de seguimiento con la colaboración de SEO/BirdLife en uno de los montes con más valor biológico del Sistema Central, donde SEO/BirdLife lleva 19 años realizando un seguimiento continuo de la colonia de buitre negro.

Risco, el pollo de 2014
El año pasado Risco, el pollo que creció en este nido y cuyo desarrollo se pudo seguir a través de la webcam, voló por primera vez a finales de agosto. Unas semanas antes se le colocó un emisor satélite GPS. Siguió varios meses muy ligado a su nido pero, finalmente, abandono el valle del Lozoya el 5 de enero y de momento está establecido en una zona tradicional de dispersión de la especie en Segovia a unos 45 kilómetros al noroeste de su nido. Se trata de una zona con una gran cantidad de alimento y cercana a pinares donde duerme por la noche.

SEO/BirdLife tiene en su web www.seo.org una ventana abierta a la vida salvaje gracias a la puesta en marcha de una red de cámaras web, que en diversos momentos del año y en función de la temporada transmiten en directo imágenes de algunas de las especies más emblemáticas de la fauna hispana, como el águila imperial, el halcón peregrino o la golondrina.

“Esperamos que la emoción de asistir a las peripecias de esta pareja de buitre negro día a día sea un motivo más para amar la naturaleza”, afirma Asun Ruiz, directora ejecutiva de SEO/BirdLife.

Terror en el museo de Mosul

27/02/2015, Terroristas islamistas han dado una prueba más de barbarie al entrar en el Museo Histórico de Mosul y emprender la destrucción de numerosas estatuas.

París, 27 de febrero de 2015
Según un vídeo difundido por los propios yihadistas, extremistas armados con taladros y martillos destruyen diversas estatuas que se cree son piezas acadias y asirias, noticia que viene a incidir en la persecución a todo lo que tiene relación con la cultura, como se puso de manifiesto con el ataque a la Biblioteca Central, días pasados.

Según la UNESCO, varias estatuas de gran tamaño procedentes del sitio de Hatra, inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO y conservadas en el museo de Mosul, así como otros objetos únicos procedentes de otros sitios arqueológicos de la provincia de Nínive han sido destruidos, entre muchas piezas más.

Mosul está en el norte de Irak, junto al Tigris y es una de las mayores ciudades del país, en el corazón de lo que fue el antiguo imperio asirio, del que quedan diversos yacimientos de gran interés, entre ellos la histórica urbe de Nínive.

La UNESCO ha mostrado una grave preocupación por estos desmanes; “Estoy profundamente consternada por las imágenes difundidas que muestran la destrucción de estatuas y otros varios objetos del museo de Mosul. Condeno este acto, un ataque deliberado contra la historia y la cultura milenarias de Irak y una nueva incitación a la violencia y el odio”, declaró la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova.

“Este ataque es mucho más que una tragedia cultural”, agregó, “es también una cuestión de seguridad en la medida en que alimenta el sectarismo, el extremismo violento y el conflicto en Iraq. Además, supone una violación directa de la reciente resolución del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas (2199), que condena la destrucción del patrimonio cultural (…) He llamado de inmediato al Presidente del Consejo de Seguridad y le he pedido que convoque una reunión urgente del mismo para tratar sobre la protección del patrimonio cultural iraquí como elemento constituyente de la seguridad del país”.

Enlace a video con la destrucción de piezas en varios enclaves de Irak: https://www.youtube.com/watch?v=1R1Vd8FmdHg

Paseo por el amor y la muerte

26/02/2015, Hasta el 7 de junio de 2015 se puede ver en el Museo Thyssen-Bornemisza la exposición Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte.

Madrid, 26 de febrero de 2015
Más de medio centenar de obras, procedentes de colecciones públicas y privadas de Bélgica, nos ofrecen un repaso por la trayectoria de Delvaux (1897-1994), un artista que, tras una primera etapa marcada por el expresionismo flamenco, descubrió el surrealismo y experimentó la influencia de artistas como Magritte o Chirico.

La exposición del Museo Thyssen-Bornemisza presenta un recorrido temático por el universo del pintor belga Paul Delvaux. El mundo de Delvaux, de carácter onírico, es abordado a través de varios temas recurrentes en su iconografía: la Venus yacente; la obsesión por el Doble; arquitecturas clásicas y estaciones de ferrocarril; y finalmente la Danza de la muerte.

Venus yacente:
Una figura que remite a su amor incondicional por la mujer. Las Venus dormidas de Delvaux nacen de una experiencia que marcó al artista en 1932 cuando contemplo, en el Musée Spitzner de Bruselas, la figura de cera de una mujer desnuda que parecía respirar gracias a un mecanismo artificial.

El doble (parejas y espejos):
Trata el tema de la seducción y la relación con el alter ego. En sus pinturas, Delvaux representa a menudo mujeres en pareja, o acompañadas por su reflejo. A pesar de esta compañia, sus rostros transmiten una desesperada melancolía y soledad.

Arquitecturas (Acrópolis):
Omnipresentes en su producción, en especial de la Antigüedad clásica, estas construcciones revelan la gran atracción que sintió el artista por la Antigüedad grecorromana, una atracción que fue alimentada con la lectura de títulos como la Ilíada o la Odisea.

Estaciones:
Esenciales en la construcción de su personalidad pictórica. La figura del tren, que se repite como una constante en su iconografia, es para Delvaux movimiento, y satisface su gusto por viajar a otras realidades.

El armazón de la vida:
Otro de los elementos clave del vocabulario pictórico de Delvaux. Desde pequeño, el belga siente fascinación por los esqueletos que, en sus obras, sustituyen a los humanos en sus actividades cotidianas. Para él, el esqueleto no está asociado a la muerte, sino que es el armazón del ser humano.

Estos elementos, aparentemente inconexos entre sí, se reúnen en un universo pictórico más allá del tiempo, y participan de la atmósfera teatral y de la poesía que impregna la obra de Delvaux.

Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte
Museo Thyssen-Bornemisza
Hasta el 7 de junio de 2015

Henri Cartier-Bresson en el MPBA

26/02/2015, El Museo del Palacio de Bellas Artes de México presenta la exposición Henri Cartier-Bresson. La mirada del siglo XX.

México, 26 de febrero de 2015
La carrera como fotógrafo de Cartier-Bresson (1908-2004) fue larga: iniciada al final de la década de 1920, se extendió hasta el umbral del siglo XXI, y en su desarrollo atravesó periodos distintos difíciles de reducir a una sola entidad estilística.

Once años después de su muerte, la exposición del Museo del Palacio de Bellas Artes de México pretende mostrar que no un hubo un único Cartier-Bresson. Esta retrospectiva respeta la línea temporal de la producción de las imágenes. Del surrealismo a Mayo del 68, pasando por la Guerra Civil española, la descolonización y los “treinta años gloriosos” del capitalismo, la exposición reconstruye cronológicamente la trayectoria de Cartier-Bresson.

Una nueva lectura del inmenso corpus de imágenes que Cartier-Bresson dejó, y que trazan, no sólo la historia de la obra del artista, sino también la del siglo que reflejó a través de su objetivo.

Nacido en 1908 en Chanteloup, Seine-et-Marne, Henri Cartier-Bresson desarrolló una intensa fascinación por la pintura desde muy joven. Desde niño comienza a llenar cuadernos de esbozos. A mediados de los años veinte ingresa en la Academia-Taller de André Lhote. Sus pinturas más antiguas, de 1924, llevan la huella evidente de Paul Cézanne. En el taller se rindea a la geometría. Entre 1926 y 1928 realiza varias obras compuestas según los principios del número áureo. En la misma época empieza a frecuentar a los surrealistas y a realizar collages siguiendo el enfoque de su amigo Max Ernst. A finales de los años veinte, deja progresivamente de pintar para adentrarse en la fotografía.

Su obra fotográfica es el resultado de una clara predisposición artística y un aprendizaje perseverante. Su carrera fotográfica se fue desarrollando a partir de algunos momentos claves como un viaje a África en 1930-1931. Su obra revela la huella de su amor por el arte y los museos.

Su estilo estaría muy marcado por la enseñanza del cubista André Lhote y el estilo de fotógrafos como Julien Levy o Peter y Gretchen Powell, Harry y Caresse Crosby y Eugène Atget.

Cartier-Bresson empieza a frecuentar a los surrealistas hacia 1926. De las reuniones en torno a André Breton (en los cafés de la Place Blanche) retendrá emblemáticos motivos del imaginario surrealista, pero lo que más le marcará es la actitud de este movimiento: el espíritu subversivo, el gusto por el juego, el inconsciente, el placer del deambular urbano o el azar.

A partir de 1934 su compromiso político se hace palpable. En esa época viaja a México y Estados Unidos y mantiene relación con personajes comprometidos con la lucha revolucionaria. A su regreso a París en 1936 participa en las actividades de la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires y comienza a trabajar para la prensa comunista.

En su viaje a México, en 1934, empieza a interesarse por la dirección de películas. El cine le interesa en el contexto de su propio compromiso político, ya que se dirige a una mayor audiencia y permite transmitir mejor el mensaje. En 1935 aprende en Estados Unidos, allí dirige su primer cortometraje. A su vuelta a París, en 1936, inicia una colaboración con el director francés Jean Renoir.

En 1947 inaugura su primera gran retrospectiva en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Poco después, junto con los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour, George Rodger y William Vandivert, funda Magnum.

Rápidamente la agencia se convierte en uno de los referentes mundiales en el campo del foto reportaje. A partir de ese mismo año y hasta principios de la década de los 70 realiza multitud de viajes y reportajes en prácticamente todos los rincones del planeta, y trabaja para casi todas las grandes revistas ilustradas internacionales, manteniendo un nivel de excelencia intachable.

En esos viajes, Cartier-Bresson fotografió determinados temas de forma recurrente. Estas imágenes, que abordan algunas de las grandes cuestiones sociales de la segunda mitad del siglo XX, serían descritas por el fotógrafo como una «combinación de reportaje, filosofía y análisis (social, psicológico y de otros tipos)».

En los años setenta empieza paulatinamente a dejar de fotografiar en un marco obligado y se retira de los negocios de la agencia Magnum para empezar a supervisar la organización de sus archivos, la venta de sus copias y la realización de libros o exposiciones. Aunque oficialmente ya no fotografiaba, con su Leica a mano tomaba en ocasiones imágenes contemplativas, y empieza a dedicar gran parte de su tiempo al dibujo.

Henri Cartier-Bresson. La mirada del siglo XX
Hasta el 17 de mayo de 2015
Museo del Palacio de Bellas Artes
Eje Central Lázaro Cárdenas esquina con Avenida Juárez. México

Llega Arco 2015

25/02/2015, Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015 se reúnen 218 galerías nacionales e internacionales en la nueva edición de ARCOmadrid en IFEMA.

Madrid, 25 de febrero de 2015
La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid concentra una edición más lo más destacado del panorama artístico internacional. En total participan en esta 34a edición 218 galerías de 29 países, de las cuales 160 pertenecen al Programa General; 10 a ArcoColombia; 28 a Opening, y 24 a SoloProjects.

Además, en esta edición se presentarán nuevos museos, como el Centre Pompidou de Málaga y el Museo Universidad de Navarra.

Organizada por IFEMA, ARCOmadrid confirma el creciente interés por el arte contemporáneo español, y comienza a dar señales de una creciente reactivación del mercado del arte. En esta edición se observa un incremento de las galerías extranjeras, que representan el 71% del total, destacando especialmente el crecimiento del 52% de las procedentes de Latinoamérica, un dato que consolida el papel de la feria como puente de acceso al mercado europeo y asiático.

A ello, se añade la participación de Colombia como país invitado, así como el programa #SoloProjects, dedicado a la investigación de la producción artística latinoamericana.

Estos datos dibujan un panorama alentador y de recuperación que se espera tenga su reflejo en las ventas. Según el Informe sobre el mercado español del arte en 2014 de la Fundación Arte y Mecenazgo, el impacto de ARCOmadrid en el mercado artístico de España representó el pasado año, el 60% del total de las ventas generadas en ferias de arte en España.

Asimismo, los principales museos, centros de arte y galerías de Madrid volverán a presentar grandes exposiciones durante la celebración de ARCOmadrid. A ello se suman algunas colecciones privadas y corporativas, que sin duda contribuirán a hacer de Madrid el mayor foco internacional del arte contemporáneo en el mes de febrero.

Garry Winogrand

24/02/2015, Del 25 de febrero al 3 de mayo se puede visitar en la Sala Bárbara de Braganza una exposición de Fundación Mapfre dedicada a uno de los fotógrafos más influyentes del s.XX, Garry Winogrand.

Madrid, 24 de febrero de 2015
Apodado el “Cronista de América”, Garry Winogrand (1928-1984) nace el 14 de enero en el barrio del Bronx de Nueva York. Sus fotografías le convirtieron en una de las grandes voces de la década. En ellas, Winogrand crea imágenes naturales de reposada contemplación que reproducen la vida como es, sin juicios morales, a veces dura e incluso cruel y otras irónica o maravillosa.

Esta exposición, con una selección de más de 200 fotografías, ofrece una rigurosa revisión de la carrera del fotógrafo, que muestra la realidad de la América de la segunda mitad del s. XX.

En 1955 Garry Winogrand atraviesa el país. Recorre San Francisco, Houston, Dallas, Los Ángeles, Chicago y el suroeste del país. En 1963, en la solicitud de la beca Guggenheim, Winogrand escribe «He estado fotografiando Estados Unidos para intentar averiguar quiénes somos y cómo nos sentimos, observando nuestra apariencia mientras la historia se producía y se sigue produciendo a nuestro alrededor en este mundo» y hablaba de la consternación que le producía descubrir que los sueños de los estadounidenses, «baratos y triviales», estaban construidos sobre «apariencias y fantasías».

Nueva York, y en concreto el área entre Central Park y los grandes almacenes Macy´s se convierten en el escenario principal de Winogrand para retratar la sociedad americana de finales de los 50 y comienzos de la década de los 60.

Sus fotografías reflejan un periodo agitado de la historia americana, en ellas se puede ver desde la recuperación tras la Segunda Guerra Mundial, la época de crecimiento económico y desarrollo cultural posterior, o episodios como la Guerra de Corea, hasta la agitación sociopolítica durante la Guerra de Vietnam, la "guerra fría" (fotografía el lanzamiento del Apollo 11, primer vuelo espacial tripulado a la superficie de la Luna), o el asesinato de Kennedy.

Winogrand fotografía numerosas manifestaciones que reflejan un sentimiento de desintegración nacional. Sus fotografías se vuelven más centrífugas, caóticas. Entre 1970 y 1980 los temas siguen siendo los mismos, pero sus imágenes van perdiendo alegría para transmitir una sensación de desolación.

En 1984, le diagnostican cáncer. Muere a los 56 años de edad, dejando más de 6.500 carretes sin revelar; más de 250.000 imágenes que nunca vio.

All the World´s a Stage

23/02/2015, Fundación Banco Santander presenta, hasta el 14 de junio de 2015, una selección de obras de la colección de arte contemporáneo más importante de Alemania, la Sammlung Goetz.

Madrid, 23 de febrero de 2015
Desde 2011, la Fundación Banco Santander ha presentado en su Sala de Arte de Boadilla (Madrid) algunas de las colecciones más prestigiosas de todo el mundo. En 2015, la fundación invita a la Colección Goetz a compartir una selección de sus más destacadas obras.

Cerca de 3.000 metros cuadrados de espacio expositivo ofrecen una buena oportunidad para mostrar cómo artistas de varias generaciones han explorado las cuestiones de cuestiones de representación, teatralidad y puesta en escena. Este tema, abordado en diferentes medios, nos acerca al diálogo existente entre las artes visuales y escénicas, dos ámbitos que se inspiran mutuamente, dando lugar a obras como grandes cajas de luz (Jeff Wall), esculturas de bronce (Jonathan Meese) o pinturas de un escenario (Hiroshi Sugito)..

La Colección Goetz de arte contemporáneo se ubica en Munich, Alemania. El desarrollo de esta colección (reconocida internacionalmente) comenzó a partir de mediados de la década de 1980. Desde entonces, se ha concentrado en el arte povera, el arte contemporáneo, así como obras de artistas seleccionados que, paralelamente, complementan la colección.

Dentro de la Colección Goetz se promueve la diversidad de medios y representación. Además de dibujos, gráficos, pinturas, fotografías e instalaciones, entre sus fondos se encuentran vídeos, proyectos de cine y múltiples audiovisuales.

La muestra presenta una selección de 93 obras de 27 artistas y cuenta con algunas de las obras más representativas de esta colección.

All the World’s a Stage
Hasta el 14 de junio de 2015
Sala de Arte Santander (Boadilla del Monte, Madrid)

El primer Picasso: A Coruña 2015

20/02/2015, La relación de Picasso con A Coruña es uno de los periodos más desconocidos, y ahora se convierte en objeto de una exposición en el Museo de Belas Artes da Coruña.

A Coruña, 20 de febrero de 2015
"El primer Picasso: A Coruña 2015", ofrece un exhaustivo análisis de una etapa fundamental en la formación de Pablo Picasso. La relación de Picasso con A Coruña es uno de sus periodos más desconocidos. Las obras que realizó en la ciudad nunca se han mostrado al público de una manera aislada, sino junto a otras realizadas en su etapa de juventud en Málaga o Barcelona.

Óleos, dibujos y bocetos sirven como hilo conductor para descubrir las peculiaridades de la etapa coruñesa de Picasso. Todo ello se complementa con otras obras y material diverso, para una visión panorámica de sus vivencias, estudios académicos e influencias.

La exposición se articula en cuatro ejes artísticos: Obra de Picasso en A Coruña, desde su llegada en octubre de 1891 hasta su marcha en abril de 1895; Obra de Picasso posterior a su paso por A Coruña, que guarda relación con su estancia en Galicia; Objetos que recrean la realidad social y política coruñesa de finales del siglo XIX; y obras de pintores gallegos contemporáneos, que supusieron una referencia para él durante aquellos años.

Para organizar y estructurar toda la producción de Picasso se han establecido ocho grandes áreas temáticas:

Las caricaturas: En 1894 Picasso ya muestra una clara inclinación hacia este burlesco modo de representar la realidad, sin duda motivada por la gran diversidad de ilustraciones de este tipo que pudo haber observado en publicaciones del siglo XIX.

El dibujo académico: Los mejores ejemplos de láminas realizadas por Picasso en la Escuela de Belas Artes aparecen recogidas en la exposición. A través de sus dibujos académicos podemos analizar cómo Picasso fue adquiriendo diferentes destrezas a lo largo de su formación.

El bestiario: Los toros, caballos o palomas serán un motivo ineludible tanto en la etapa malagueña, como en su trayectoria posterior. Su principal fuente de inspiración será la observación directa del natural en sus habituales paseos por la ciudad.

Los periódicos: El germen del Picasso escritor se comienza a gestar en A Coruña. Por medio de periódicos ilustrados como La Coruña y Azul y Blanco, iba recreando el ambiente y los acontecimientos de la ciudad, siempre acompañando la imagen de sus observaciones personales.

El paisaje: Un género que en A Coruña supone una temática trascendental. En sus vistas de la ciudad apreciamos un Picasso que asume las directrices académicas impartidas por sus maestros; y al mismo tiempo, es capaz de aportarle cierta espontaneidad intentando reflejar de una manera sencilla el mundo que le rodea.

Los álbumes: De su paso por A Coruña se conservan dos álbumes de dibujos, datados en 1894, donde predominan paisajes, retratos... Son cuadernos de pequeñas dimensiones que podía llevar siempre consigo y reflejar en aquel preciso momento todo lo que consideraba interesante.

El retrato: Un tema del que Picasso obtendrá un gran rendimiento en la etapa coruñesa. A partir de 1894 lleva a cabo un exhaustivo ejercicio retratista, tanto de su familia como de las gentes de la ciudad.

El costumbrismo: La recreación costumbrista de Picasso durante estos años abarca prácticamente todos los campos de la creación, desde los periódicos, las carticaturas, hasta sus primeras pinturas al óleo. A través de una mirada inocente y a la vez escrutadora, Picasso caracteriza a la perfección la vida cotidiana de la ciudad, los tipos populares y su realidad social.

El primer Picasso: A Coruña 2015
Hasta el 24 de mayo de 2015
Museo de Belas Artes da Coruña
Calle Zalaeta, 2
15002 A Coruña

Miquel Mont, Nunca es suficiente

19/02/2015, La Fundació Suñol presenta una exposición monográfica de Miquel Mont, con obras del artista barcelonés realizadas entre 2007 y 2014.

Barcelona, 19 de febrero de 2015
La obra de Miquel Mont, en la que se denota un claro interés por el trabajo analítico de la pintura, atrajo la atención de Josep Suñol a principios de los noventa, en un momento en el que la mirada del coleccionista estaba focalizada sobre todo en artistas emergentes.

La exposición de la Fundació Suñol, que reúne obras del artista realizadas en los últimos 7 años, se divide en cuatro ámbitos que corresponden a las cuatro series presentadas: Cooperaciones, Lapsus, Mono-Tones y Collages ideológicos.

Mont reivindica la importancia de la pintura como núcleo de su trabajo, y explora los límites de la pintura desde un punto vista absolutamente formal, en el que lo que interesa es la manera de tratarla y de utilizarla.

Miquel Mont (1963) vive y trabaja en París desde el año 1988, donde alterna la práctica artística con la docencia. Sus creaciones forman parte de numerosas colecciones públicas y privadas como las de "la Caixa", Banco de España, Fundación Barrié, Fundació Suñol, Museu d'Art Jaume Morera de Lleida, Museo de Bellas Artes de Álava, Mumok, FNAC, FRAC (Alsacia, Bretaña, Picardía y Córcega), Belgacom Foundation y FMAC París.

Miquel Mont, Nunca es suficiente
Hasta el 25 de abril de 2015
Fundació Suñol
Paseo de Gracia 98. Barcelona

Obras de Goya, Cranach y Bernini salen de la BNE

19/02/2015, Varias joyas de la Biblioteca Nacional de España viajarán este año 2015 a exposiciones nacionales e internacionales.

Madrid, 19 de febrero de 2015
Cinco grabados de Francisco de Goya se podrán ver en la Courtauld Gallery de Londres, entre el 26 de febrero y el 25 de mayo de 2015:“Estropiada codiciosa”, pintado con pincel, tinta y aguadas grises y negras de tinta china, "Tan bien riñen las viejas”, pintado con pincel y aguada de tinta china, "No se lebantará q.e no aca[be] sus debociones”, sobre papel verjurado y realizado a pincel y con tinta aguada, "Expresivo doble fuerza”, una litografía a pincel sobre papel avitelado y "Escena infernal”, un ensayo litográfico de papel reporte para transferir a la piedra la imagen del dibujo preparatorio.

Otra obra de Goya, la estampa de "San Isidro Labrador”, se exhibirá en la exposición Goya y Zaragoza, que se podrá ver en el Museo IberCaja Camón Aznar de Zaragoza entre el 26 de febrero y el 28 de junio.

La muestra Picasso. El artista y la cultura alemana llevará hasta el Museo Picasso de Málaga las estampas “Pareja de nobles a caballo” y “San Jorge y el dragón”, del artista renacentista alemán Lucas Cranach (1472-1553). La muestra podrá verse desde el 19 de octubre de 2015 hasta el 21 de febrero de 2016.

Y Baroque era in Rome, en el Palazzo Sciarra de Roma descubrirá al público, desde el 1 de abril hasta el 30 de junio, la “Decoración para la Capilla Cornaro”, un dibujo sobre papel agarbanzado que fue la primera idea de Bernini para la decoración al fresco ejecutada posteriormente por Guidobaldo Abbatini en la iglesia de Santa Maria Della Vittoria.

Max Bill en la Fundación Juan March

18/02/2015, La Fundación Juan March de Palma inaugura el próximo miércoles 25 de febrero la exposición Max Bill: obras de arte multiplicadas como originales (1938-1994).

Palma, 18 de febrero de 2015
Esta es una de las pocas exposiciones que se han dedicado en extenso a la rica producción gráfica de Max Bill (1908-1994), una producción altamente experimental, que Bill llevó a cabo al mismo tiempo que se volcaba en la docencia, la investigación y en iniciativas editoriales, formativas y ciudadanas.

Este polifacético artista (fue pintor, arquitecto, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, grabador, publicista...) se formó en los principios de la Bauhaus con maestros como Vasily Kandinsky, Josef Albers, Paul Klee u Oskar Schlemmer.

Las investigaciones de Bill le llevaron a impulsar el concepto de “arte concreto” que avanzara Teo van Doesburg, a integrarse durante un tiempo en el grupo abstraction-création y a ir sumando con el tiempo numerosos discípulos y seguidores.

La exposición presenta más de un centenar de obras que permiten constatar la coherencia que la obra gráfica del artista suizo guarda con su intensa investigación teórica en torno a la noción de forma, una investigación que animó su trabajo como artista, diseñador y arquitecto desde su juventud.

Para Max Bill una obra de arte concebida para ser multiplicada es tan original como una obra única, y va desgranando interesantes consideraciones sobre la difusión de ideas artísticas gracias a los métodos de reproducción, sobre la diferencia entre el valor interior de una obra y el de su infrecuencia, o la relación que se establece entre quien posee las obras de arte (“objetos para el uso espiritual” según Bill) y el artista.

El centenar de piezas expuestas va desde los primeros experimentos con el grabado, a finales de los años treinta, hasta su última serie en 1994, y permite observar la consolidación de un lenguaje artístico que para su desarrollo utiliza sobre todo la geometría, las ideas y el pensamiento matemático.

Abraham Lacalle en el CAC

18/02/2015, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta un proyecto diseñado por Abraham Lacalle específicamente para el espacio central del museo.

Málaga, 18 de febrero de 2015
EL CAC Málaga presenta Abraham Lacalle: Tríptico de Málaga, tres pinturas de gran formato, tres paisajes devastados y un grupo de dibujos realizados específicamente para la ocasión por el artista, en los que ahonda en una temática recurrente en su trabajo: los campos de batalla, metáfora que surge de la necesidad de representar la realidad hedonista de nuestra sociedad de consumo agonizante.

Abraham Lacalle (Almería, 1962) comienza su trayectoria a finales de los 80. Heredero de la tradición pictórica española que despertó en los 80, su obra hace constantes referencias a los grandes movimientos artísticos y literarios del siglo XX, con un marcado acento humorístico y una ácida crítica social.

Sus pinturas actuales son el resultado de un continuo replanteamiento de la pintura, e impactan al espectador por su personal tratamiento del color (colores planos y primarios) y la forma de aplicarlo a la narración. Las formas se amontonan, la figuración se sobredimensiona, formas y colores se funden en un solo elemento que es el cuadro, para llevar la pintura a una situación extrema y saturada.

A través de sus composiciones explora temas como la soledad, la desconfianza y el miedo, el viaje, la pérdida de la ingenuidad, la muerte de la utopía, el proceso creativo, el enfrentamiento de la realidad y la fantasía, la naturaleza...

Abraham Lacalle: Tríptico de Málaga
CAC Málaga
C/ Alemania, s/n Málaga
Hasta el 15 de marzo de 2015

Raoul Dufy en el Museo Thyssen

17/02/2015, El Thyssen-Bornemisza presenta una gran retrospectiva dedicada al revalorizado artista francés Raoul Dufy.

Madrid, 17 de febrero de 2015
En 2003, coincidiendo con el cincuenta aniversario de su muerte, el Museo Thyssen-Bornemisza incorporó a sus salas cuatro obras de Raoul Dufy pertenecientes a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Ahora, 12 años después, la institución organiza la primera retrospectiva dedicada al artista en Madrid desde 1989.

La exposición ofrece una visión del conjunto de la trayectoria del artista a través de más de 90 óleos, dibujos y acuarelas, así como diseños en tela y cerámicas procedentes de colecciones y museos como el Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris, la National Gallery of Art de Washington, el Art Institute of Chicago, la Tate de Londres o el Centre Pompidou de París.

A través de esta selección, "Raoul Dufy" propone una relectura de la copiosa obra que el artista realizaría durante más de 50 años de carrera, centrándose en su faceta más introspectiva, reflexiva y personal, ahondando en cuestiones como el progresivo alejamiento del punto de vista en sus obras, la síntesis de lo cotidiano con lo pastoral, el distanciamiento sentimental de sus paisajes y la importancia, en sus obras finales, de ámbitos privados del artista.

Organizada cronológicamente, la muestra sigue la evolución de la pintura de Dufy en cuatro apartados: primeros pasos (Del impresionismo al fauvismo); la época en la que bajo influencia de Cézanne su pintura se acerca al cubismo (Periodo constructivo); sus creaciones en estampación de tejidos y ornamentación de cerámicas (Decoraciones); y su etapa de madurez (La luz de los colores).

Sobre el artista
Raoul Dufy nace en El Havre en 1877 y manifiesta desde pequeño sus dotes para la pintura. A los 18 años ingresa en la École des Beaux-Arts de Le Havre.

Es en esa época cuando Dufy siente atracción por la pintura de los «artistas de la modernidad». Entre 1895 y 1898 pinta paisajes y escenas de género al estilo de Boudin, Corot o Sisley.

En 1899 se traslada a París para matricularse en la École Nationale des Beaux-Arts. Allí profundiza en el estudio de los pintores impresionistas y postimpresionistas.

A principios del siglo XX expone en el Salon des Artistes Français (1901) y en el Salon des Indépendants (1903).

En 1905 se une al movimiento fauvista, creado en torno a Matisse. Su paleta se ilumina, su trazo se suelta.

En 1907 se aleja del fauvismo para codearse con cubistas como Picasso, Derain y Léger.

En 1910 crea sus primeros grabados. Ilustra muchas obras, en particular el famoso El bestiario o El cortejo de Orfeo de Guillaume Apollinaire.

Coincidiendo con el final de la Primera Guerra Mundial, en 1919, desarrolla un estilo más personal. Su grafía adquiere mayor agilidad y energía y su paleta se aclara.

Instalado en el sur de Francia Dufy pinta composiciones con orquestas, marinas y carreras en las que intenta captar alegría y movimiento.

Fallece en Forcalquier en 1953 a los 76 años de edad. Raoul Dufy
Del 17 de febrero al 17 de mayo de 2015
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, 8. Madrid

Bosques de luz

17/02/2015, La Sala kubo-kutxa Aretoa de San Sebastián presenta una exposición que reúne una selección de fotografías realizadas en los últimos 10 años por José Manuel Ballester.

San Sebastián, 17 de febrero de 2015
A través de medio centenar de obras en las que pintura y fotografía se relacionan e interactúan, la exposición "Bosques de Luz" muestra la última década de trabajo de este madrileño, pintor y fotógrafo, distinguido con el Premio Nacional de Fotografía 2010 por su interpretación del espacio arquitectónico y la luz.

La selección de trabajos, en los que el tema protagonista es la luz en sus diferentes manifestaciones y cubriendo los distintos contextos (espacios paisajísticos, naves industriales, museos...) que durante 10 años han sido clave en las series fotográficas de Ballester, nos permite asomarnos a la evolución que se ha producido en el trabajo del artista a lo largo del tiempo.

La obra del fotógrafo gravita siempre en torno a tres claves fundamentales como son el tiempo, la luz y el espacio. En sus imágenes, Ballester encuentra la inspiración en la arquitectura y la ciudad, la pintura y la fotografía o entre lo artificial y lo natural. Su obra refleja a menudo la complejidad del confrontamiento entre el individuo y la globalización.

José Manuel Ballester. Bosques de luz
Hasta el 31 de mayo de 2015
Sala kubo-kutxa Aretoa
Zurriola 1. San Sebastián

El Canto del Cisne

16/02/2015, “El Canto del Cisne. Pinturas académicas del Salón de París. Colecciones Musée D´Orsay”, reúne 80 obras que representan lo mejor de la pintura académica francesa de la segunda mitad del siglo XIX.

Madrid, 16 de febrero de 2015
La muestra, que podrá visitarse hasta el 3 de mayo de 2015 en las salas de exposiciones de Fundación Mapfre, reúne trabajos de los principales artistas académicos (Ingres, Gérôme, Cabanel, Bouguereau, Laurens, Henner, Meissonier, Baudry...), pero también cuenta con obras de otros pintores que, si bien no se suelen clasificar como académicos, partieron de la tradición para explorar nuevos horizontes (Alma-Tadema, Gustave Moreau, Puvis de Chavannes o Courbet entre otros).

“El Canto del Cisne. Pinturas académicas del Salón de París. Colecciones Musée D´Orsay” analiza el estilo artístico de estos pintores académicos que reflejaron en sus refinadas obras su malestar hacia el mundo moderno, la industrialización, y las revoluciones políticas, económicas y sociales de su época.

A este descontento ante un mundo lleno de cambios, respondieron con una pintura en la que volvían al pasado, a lo exótico, a lo lejano... Así, la pintura académica se regiría por unos principios estéticos muy tradicionales: la primacía del dibujo sobre el color, la corrección en la composición y la importancia de temas como el desnudo, el paisaje, los grandes momentos de la historia, la mitología, la religión o el orientalismo.

La pintura académica se basaba en la creencia en un ideal de belleza eterno, que encontraba su perfecta expresión en la escultura griega. Estos artistas se enfrentaron al reto de readecuar esos principios a una sociedad en plena evolución, adaptando a su manera la tradición de la gran pintura a un mundo que parecía descubrir la volatilidad del gusto y de la moda.

La exposición ha sido realizada con los fondos del Musée d´Orsay, institución a la que pertenecen desde que las obras más importantes de la tradición académica en París fueran adquiridas por el Estado, pasando a las colecciones públicas francesas en 1986.

El Canto del Cisne. Pinturas académicas del Salón de París. Colecciones Musée D´Orsay
Hasta el 3 de mayo de 2015
Salas de exposiciones de Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos, 23, 28004, Madrid

Paracas. Los Dioses del Perú

16/02/2015, Los mantos funerarios de la cultura Paracas sirvieron como soporte para la representación de un rico corpus iconográfico lleno de color y simbolismo plagado por animales míticos, personajes y divinidades.

Madrid, 16 de febrero de 2015
En la exposición temporal Paracas. Imágenes de los antiguos dioses del Perú, que podrá verse entre el 17 de febrero hasta el 12 de abril en el Museo de América, varios motivos de esta cultura precolombina han sido redimensionados a gran escala, para mostrar al visitante los detalles, el colorido y la expresividad de las representaciones que los paracas realizaban en textiles, cerámica, cestas de mimbre y otros utensilios de uso común.

Además de estas grandes imágenes, acompañan la muestra un conjunto de piezas, tanto de cerámica como textiles, que ilustran la complejidad de esta cultura desarrollada en la costa sur del Perú entre el 800 y el 200 a.C.

La cultura Paracas se desarrolló en el Antiguo Perú, concretamente en la península de Paracas, provincia de Pisco, región Ica. Descubierta en julio de 1925 por el arqueólogo peruano Julio C. Tello, La cultura paracas es considerada antecesora de la cultura nazca.

Las muestras del arte textil paracas provienen en su mayoría de las tumbas halladas en Cerro Colorado por Tello. Estos textiles estaban realizados en algodón y lana teñidos, y podían decorarse con bordados a base de otras fibras de origen vegetal o incluso con cabello humano. Estos tejidos se decoraban con símbolos geométicos o figuras de seres divinos con formas animales.

Otro de los grandes descubrimientos de Tello fue el de la cerámica Paracas, vistosa y decorada en colores naranjas, rojizos, verdes y negros principalmente.

Paracas. Imágenes de los antiguos dioses del Perú
Desde el 17/02/2015 hasta el 12/04/2015
Museo de América
Madrid

Sorolla y Picasso en Valencia

13/02/2015, Pablo Picasso y Joaquín Sorolla protagonizan el arranque de la programación expositiva en el Centro Cultural Bancaja para el año 2015.

Valencia, 13 de febrero de 2015
El Centro Cultural Bancaja de Valencia presenta en el mes de febrero de 2015 las exposiciones "Sorolla íntimo. Bocetos de Visión de España", en la que se exponen algunos de los bocetos que el artista valenciano realizó para su serie pictórica "Visión de España"; y "Picasso TV", que analiza la relación entre el artista malagueño Pablo Picasso y la televisión.

Sorolla íntimo. Bocetos de Visión de España
"Sorolla íntimo. Bocetos de Visión de España", organizada por Generalitat Valenciana y Fundación Bancaja con la colaboración de la Hispanic Society of America, muestra por vez primera al público los bocetos que el artista valenciano realizó para la serie pictórica 'Visión de España', un conjunto de catorce paneles sobre las regiones de España que el artista pintó por encargo para la biblioteca de la Hispanic Society of America (Nueva York).

La exposición reúne 32 dibujos, gouaches y estudios que el pintor realizó durante una década, como minuciosa preparación para la obra final, para la cual se documentó viajando por toda la geografía española para captar la luz, colores, costumbres y tradiciones de Castilla, Andalucía, Aragón, Navarra, País Vasco, Cataluña, Galicia, Extremadura y Valencia.

Junto a los bocetos de la Hispanic Society of America, la exposición incluye un boceto de la colección de la Fundacion Bancaja, así como fotografías procedentes del Museo Sorolla.

Picasso TV
La exposición, que llega al Centro Cultural Bancaja tras su paso por el Museo Picasso de Málaga, reúne una selección de obras, que reflejan el gran interés que el pintor sintió por la televisión en la década de los 60, cuando ya contaba con más de 80 años de edad.

El vínculo entre Picasso y la televisión se reflejaría en muchas de las obras realizadas por el pintor en el taller de La Californie, en el que se instaló un aparato de televisión que su mujer Jacqueline Roque había comprado para distraerse durante las horas en las que Picasso trabajaba en su estudio.

Entre sus programas favoritos se encontraban los programas de lucha libre, la retransmisión de espectáculos circenses y las películas clásicas del cine de vaqueros o de la antigüedad clásica. En estas formas de expresión popular Picasso encontraría inspiración para sus trabajos, recogidos principalmente en la Suite 347, un conjunto de 347 grabados en los que podemos descubrir indios, guerreros, odaliscas, mosqueteros, acróbatas y artistas de circo.

La influencia de la televisión supondría el resurgir del grabado en la obra de Picasso y algunos cambios en su trabajo, como el encuadre, la narración, el movimiento o el uso de las imágenes en blanco y negro.

Sorolla íntimo. Bocetos de Visión de España
Hasta el 15/10/2015
Picasso TV
Hasta el 14/06/2015
Centro Cultural Bancaja
Plaza de Tetuán, 23 , Valencia

Un respiro para la mariposa monarca

12/02/2015, La migración de la mariposa monarca es un hito de la naturaleza de América. Pero la deforestación y los herbicidas están acabando con este espectacular evento.

Ciudad de México, 12 de febrero de 2014
La crisis de la mariposa monarca es real, aunque en 2014 hubo un dato para la esperanza, según informaciones de WWF México.

La mariposa monarca (Danaus plexippus) es famosa por su migración anual que le lleva de Canadá a México, con un recorrido que alcanza los 4.000 kilómetros. Pero cada año, el volumen de lepidópteros es menor y la superfie de bosque ocupada por las colonias tras la migración se reduce. 2013 fue el año más desastroso, aunque en 2014 hubo un pequeño crecimiento.

Según fuentes de WWF, durante la temporada 2014-2015 se registraron 9 colonias de hibernación de mariposas monarca - 3 en Michoacán y 6 en el Estado de México - que ocuparon un total de 1.13 hectáreas de bosque. Esta superficie representa un incremento de 69% con respecto a 2013-2014 (0.67 ha), pero sigue siendo la segunda menor superficie ocupada por estas mariposas en los santuarios mexicanos desde 1993.

El monitoreo realizado por la Alianza WWF-Telcel y la Comisión Nacional de Áreas Naturales Protegidas de la Secretaría de Medio Ambiente y Recursos Naturales ubicó 5 colonias (0.92 ha) dentro de la Reserva de la Biosfera Mariposa Monarca y 4 colonias (0.21 ha) fuera de ella. La colonia más grande (0.57 ha, 50.4% del total) se encontró en El Rosario, Santuario de la Sierra el Campanario (Michoacán) y la colonia más pequeña (0.01 ha) se ubicó en el ejido La Mesa (Estado de México). Por tercera ocasión se encontró una colonia en la Comunidad Indígena de San Pablo Malacatepec (Estado de México) y se registró de nuevo una colonia en Mil Cumbres (Michoacán), en donde no se habían detectado desde la temporada 2010-2011.

“Las 1.13 hectáreas ocupadas por la monarca en esta temporada deberían ser una motivación adicional para que el compromiso que hicieron en México en febrero de 2014 los líderes de Canadá, Estados Unidos y México se traduzca en acciones concretas e inmediatas”, indicó Omar Vidal, Director General del Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF) en México. “Es indispensable restaurar y proteger el hábitat de esta emblemática especie en los tres países, pero sobre todo limitar el uso de herbicidas y el cambio de uso del suelo en los Estados Unidos y mantener los esfuerzos para evitar la deforestación en México”, añadió.

Las mariposas monarca (Danaus plexippus) que hibernan en México migran hasta 4,200 km desde Canadá y los Estados Unidos para establecer sus colonias en los bosques templados de oyamel y pino en los límites de Michoacán y el Estado de México. La superficie forestal ocupada por estas colonias se emplea como indicador indirecto del número de mariposas que llegan a México. Para llevar a cabo el monitoreo se realizaron recorridos de campo quincenales en los 11 santuarios con presencia histórica de agrupaciones de mariposas y se determinó su ubicación y el perímetro ocupado por las monarca a través de un software de análisis espacial.

Las principales amenazas para la monarca en América del Norte son: la reducción del hábitat reproductivo en los Estados Unidos debido a la disminución del algodoncillo (principal alimento de sus larvas) por el uso de herbicidas y el cambio de uso del suelo; la deforestación y degradación forestal por la tala ilegal en los sitios de hibernación en México; y las condiciones climáticas extremas en Canadá, Estados Unidos y México.

La combinación de estas amenazas ha ocasionado una dramática disminución de las mariposas que hibernan en México, que en 2013-2014 alcanzó la menor superficie forestal ocupada por colonias en dos décadas. El uso de herbicidas en los cultivos de soya y maíz, entre 1999 y 2010, en los Estados Unidos redujo 58% la disponibilidad de algodoncillos y la reproducción de esta mariposa disminuyó 81%, lo que está relacionado con la baja densidad en los sitios de hibernación en México.

La deforestación y la degradación de los bosques de la zona núcleo de la Reserva Monarca por tala clandestina se redujeron drásticamente gracias al compromiso de los ejidos y comunidades indígenas de la Reserva, los esfuerzos de vigilancia y pago por servicios ambientales por parte de las autoridades mexicanas, y los apoyos de filántropos y empresas mexicanas e internacionales como Telcel, la Fundación Carlos Slim y la Fundación Yves Rocher de Francia, que promueven negocios sustentables para los pobladores. La tala ilegal a gran escala en la zona núcleo alcanzó su mínimo en la temporada 2012-2013, cuando no se detectó pérdida forestal por esta causa. En 2013-2014 no se registró deforestación por tala hormiga, pero 5.18 ha fueron afectadas por la tala ilegal a gran escala.

Desde 2003 la Alianza WWF-Telcel, en coordinación estrecha con las comunidades locales, los gobiernos de los estados y el gobierno federal, trabaja en la protección, restauración y manejo sustentable de los bosques de la Reserva Monarca. En conjunto han reforestado 9,823 ha con la plantación de 10.3 millones de árboles nativos producidos en 12 viveros comunitarios, y apoyado negocios sustentables que generan más de 300 empleos en 3 centros de transformación de madera, 25 módulos de producción de hongos y 2 de artesanías. También, con la Procuraduría Federal de Protección al Ambiente (PROFEPA), se ha fortalecido la vigilancia apoyando brigadas comunitarias para la protección de 36,900 ha de bosques y el equipamiento con aparatos de radiocomunicación y uniformes a 750 ejidatarios y comuneros.

500 años sin Aldo Manuzio

10/02/2015, Una muestra de la Biblioteca Nacional de España descubre la importancia de la labor cultural de Aldo Manuzio como creador de la primera editorial literaria o la invención del libro de bolsillo.

Madrid, 10 de febrero de 2015
A Aldo Manuzio le debemos la labor de impresión de algunos de los más bellos y misteriosos libros de todos los tiempos, realizados en exquisita tipografía e ilustrados a mano. La Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos, 20 - Madrid), celebra el medio milenio de la muerte de Aldo Manzuio con una exposición en la que se presentan nueve ejemplares salidos de sus prensas.

En 1489, casi cuatro décadas después de la invención de la imprenta, llega a Venecia, centro impresor de Europa, Aldo Manuzio, un gramático apasionado por la lengua y la literatura griegas.

En Venecia, Manuzio se convierte en el primer impresor humanista en elaborar un catálogo y en editar libros atractivos para quienes pueden permitirse el lujo de comprarlos. Además se lanza a la edición de los textos inaugurales de la cultura occidental en su lengua original, el griego clásico.

Adelantándose a su tiempo, Manuzio ideó catálogos de precios de sus obras para difundir entre libreros y mercaderes. Se trata del nacimiento de la primera editorial literaria, muy semejante ya a las que conocemos hoy.

500 años sin Aldo Manuzio
Desde 10 de febrero hasta el 19 de abril de 2015
Museo de la Biblioteca Nacional de España

Lautrec: Impresiones y carteles

09/02/2015, Hasta el 22 de marzo de 2015 se puede visitar una muestra en el MoMA dedicada a la figura del artista francés Henri de Toulouse-Lautrec.

Nueva York, 9 de febrero de 2015
El museo MoMA de Nueva York dedica una exposición al destacado artista de la Belle Époque en París, Henri de Toulouse-Lautrec: "The Paris of Toulouse-Lautrec: Prints and Posters" (El París de Toulouse-Lautrec: Impresiones y carteles). Toulouse-Lautrec (1864-1901) supo utilizar el lenguaje de las vanguardias del siglo XIX para realizar sus famosos carteles, grabados e ilustraciones para revistas y publicaciones.

A través de su trabajo muchas facetas de la vida parisina fueron conocidas a nivel internacional, desde la política hasta la cultura o el surgimiento de entretenimientos populares en forma de cabarets y cafés-conciertos. Esta exposición, que reúne litografías, impresos y libros entre otros materiales, es la primera exposición del MoMA en 30 años dedicada exclusivamente a Lautrec, y cuenta con más de 100 ejemplos de las obras más conocidas creadas por el artista durante la cúspide de su carrera.

Henri de Toulouse-Lautrec capturó la vitalidad y el espectáculo de fin-de-siècle París y creó un nuevo tipo de publicidad capaz de transmitir el espíritu de la época tanto a través de sus líneas, como de sus colores llamativos y composiciones.

Organizada por temas, la exposición explora el París de Lautrec: el auge de la cultura nocturna en Francia a través de la representación de lugares famosos, entre ellos el famoso Moulin Rouge y otros cafconcs y salas de baile; las actrices, cantantes, bailarines y artistas que desataron la imaginación del artista; o imágenes que examinan los placeres de la capital, con las famosas carreras de caballos en Longchamp, los paseos por el Bois de Boulogne, o la nueva moda de patinaje sobre hielo y la gastronomía de París.

Viajar en pareja

09/02/2015, Madrid, Barcelona, Sevilla y Valencia serán los destinos favoritos de los enamorados para pasar el día de San Valentín.

Madrid, 9 de febrero de 2015
Según un reciente estudio de Lowcosttravelinternational, las parejas españolas que celebren San Valentín con un viaje romántico apostarán por destinos como Madrid, Barcelona, Sevilla o Valencia.

Los españoles cada vez disfrutan más de escapadas cortas con las que desconectar de la rutina, por lo que San Valentín es una fecha idónea para organizar un viaje en pareja.

Madrid, Barcelona, Sevilla y Valencia son tres destinos muy apetecibles gracias a una oferta cultural y de ocio rica en exposiciones, musicales y obras de teatro, además de bellas construcciones y monumentos.

A nivel internacional, París destaca como la ciudad más visitada por los españoles en San Valentín, no sin motivo se la conoce como "La ciudad del amor". Otros destinos europeos de interés en estas fechas son Berlín y Ámsterdam.

Asimismo, el portal de vacaciones ha detectado que los españoles cada vez son más previsores cuando se trata de reservar, ya no se espera hasta el último momento, pues de esta manera se ahorra dinero y posibles imprevistos como quedarse sin hoteles o vuelos.

Arte y poder en la medalla europea

05/02/2015, Una muestra que evoca la actividad medallística que se desarrolló en Europa a lo largo de los siglos XVII al XIX, con la eclosión de las llamadas historias metálicas.

Barcelona, 5 de febrero de 2015
En el desarrollo de las denominadas historias metálicas participaban artistas y técnicos, y solían realizarse para conmemorar los principales hechos de un reinado: acontecimientos familiares, éxitos diplomáticos, victorias militares, construcciones de edificios públicos, etc.

Los gobernantes utilizaron la medalla, conscientes del potencial que les ofrecía para difundir los hechos que querían que fuesen recordados, tanto frente a sus coetáneos, como para la posteridad. De esta manera, sabían que los hitos de su reinado estarían presentes para siempre.

Los medallistas elaboraron un lenguaje que tomaron prestado de la moneda antigua, especialmente de la romana, pero también exploraron e innovaron con formas expresivas nuevas.

Tal era su importancia, que las historias metálicas se convirtieron un fenómeno de larga continuidad. De hecho, muchas de las medallas eran recogidas en libros ilustrados con grabados, por lo que la medalla conmemorativa llegó a ser protagonista absoluta del relato histórico desde el siglo XVII al XIX.

Historias metálicas. Arte y poder en la medalla europea
Museu Nacional d’Art de Catalunya
Hasta el 18/10/2015

Violencia Invisible

05/02/2015, Un proyecto multidisciplinar en el Salzburger Kunstverein explora la llamada violencia invisible, un elemento que se puede extraer de lo cotidiano en cualquier parte del mundo.

Salzburgo, 5 de febrero de 2015
La violencia está en cualquier ámbito, desde en el trabajo, hasta en la vida doméstica, pasando por la violencia administrativa y burocrática, las formas de violencia visual en los medios de comunicación, o las formas sutiles de sectarismo y la animosidad de cualquier comunidad en las circunstancias socio-políticas actuales.

Esta muestra reúne comparaciones de diferentes tipos de violencia, y explora la llamada violencia invisible, a través del trabajo de varios artistas internacionales, que problematizan temas territoriales, nacionalistas, mitológicos y relacionados con la identidad.

En un principio, este proyecto contaba con el contexto geopolítico original del triángulo formado en Europa por el País Vasco, Irlanda y Serbia, todas ellas marcadas por una imagen estereotipada de violencia y terror. Este denominador común se ha ampliado para incluir otros contextos europeos más amplios, para hacer hincapié en la necesidad de examinar las ideas esenciales de la identidad europea y la ciudadanía, y poner un punto de mira en la Unión Europea desde el interior.

Los dictados del gobierno y la industria se imponen sobre los cuerpos de los ciudadanos. Temas de actualidad como las poblaciones empobrecidas y marginadas de Europa o la inmigración han sido definidos por los teóricos como Bertrand Ogilvie como un sistema que genera la producción de "humanos desechables". Étienne Balibar va aún más lejos al afirmar que se están produciendo nuevas formas de legislación restrictiva y exclusiva.

Este proyecto pretende destacar aspectos universalistas de nuevas formas de violencia invisible, una amenaza fundamental para la producción de los ideales igualitarios de la ciudadanía europea. Para los artistas participantes, es importante superar los obstáculos de la fragmentación y el separatismo que se generan actualmente en los discursos de la política de la identidad y las diferencias culturales dentro de etnias particulares en Europa.

Violencia Invisible
14 Feb 2015 - 10 Abr 2015
Salzburger Kunstverein
Künstlerhaus
Hellbrunner Straße 3
Salzburg. Austria

Los objetos del Prado en Zaragoza

04/02/2015, CaixaForum Zaragoza inaugura la muestra Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado, del 5 de febrero al 17 de mayo de 2015.

Zaragoza, 4 de febrero de 2015
De la mano de las obras de grandes maestros del Museo del Prado, la exposición Los objetos hablan. Colecciones del Museo del Prado realiza un recorrido por la representación de los objetos en la pintura analizando el papel simbólico del objeto en la pintura.

En la muestra, organizada por el Museo Nacional del Prado y la Obra Social "la Caixa", se puede contemplar una cuidada selección de pinturas y objetos de las escuelas española, flamenca, italiana y francesa, dentro de un marco cronológico que va del siglo XVI hasta finales del XIX.

Los objetos son parte esencial de nuestra vida. Vestidos, alimentos, utensilios o detalles meramente decorativos han acompañado a hombres y mujeres en su vida cotidiana o en momentos significativos a lo largo de toda la historia de la humanidad. Estos objetos desentrañan información acerca de los personajes que los usaron, su época o sus costumbres y creencias.

Compuesta exclusivamente por obras del Museo del Prado, la exposición se articula alrededor de cuatro secciones temáticas: la clave está en el objeto; los objetos nos retratan; un mensaje escondido y el coleccionismo.

La masacre de los rinocerontes

03/02/2015, Más de un millar de rinocerontes fueron masacrados por cazadores furtivos durante el año 2014 en Sudáfica, en acciones delictivas organizados por sindicatos criminales. Un triste récord.

Ciudad del Cabo, 3 de febrero de 2015
Pese a los esfuerzos por combatir el aumento de la caza furtiva de rinocerontes 1.215 rinocerontes murieron en Sudáfrica en el pasado año 2014. Una triste cifra que pone de relieve la necesidad de una acción internacional urgente para poder hacer frente a esta crisis.

Las cifras, que fueron publicadas por el gobierno de Sudáfrica a finales del mes de enero, muestran que más de 100 rinocerontes murieron cada mes durante 2014, un incremento del 21% respecto a los 1.004 animales cazados furtivamente en el año anterior.

Esta sangría ilegal demuestra que la caza furtiva de rinocerontes está siendo impulsado cada vez más por los sindicatos del crimen organizado, que ven en este comercio ilegal una manera fácil de enriquecerse en mercados como el Asiático.

El epicentro de la caza furtiva se encuentra en el Parque Nacional Kruger, que cuenta con la mayoría de los rinocerontes del país, y donde 827 rinocerontes fueron asesinados por sus cuernos durante el año (casi dos tercios del total). Actualmente, Sudáfrica es el hogar de aproximadamente 20.000 rinocerontes, más del 80% de la población mundial.

En la próxima conferencia sobre el comercio ilegal de vida silvestre, que se celebrará en Botswana en marzo, los gobiernos de todo el mundo deberán tomar nuevas medidas urgentes para combatir y frenar esta salvaje cacería de rinocerontes.

Salamanca 1900

02/02/2015, El Museo Art Nouveau y Art Déco acoge la exposición monográfica ‘Salamanca, 1900’ que podrá verse hasta el 29 de marzo de 2015.

Salamanca, 2 de febrero de 2015
La muestra propone al visitante un viaje en el tiempo a través de fotografías de la ciudad de principios del siglo XX. A ello se suman un telégrafo, varios trajes de época y joyería de la colección del Museo Etnográfico de Castilla y León, juguetes, lámparas, audiovisuales, autocromos, esculturas, etc.

La intención de la exposición es acercar al visitante a los usos y costumbres de los salmantinos en torno a 1900, una época en la que casas-palacio, pertenecientes a la nobleza terrateniente, convivían con casas de vecindad compartidas por varias familias en condiciones antihigiénicas.

A comienzos del s. XX Salamanca contaba con 23.000 habitantes y el 60% de las defunciones se debía a enfermedades. No obstante, fue en aquella época cuando la ciudad comenzaría a desarrollarse con la aparición de nuevas fábricas, imprentas y talleres. Además, el ferrocarril comunica la ciudad con Oporto y Medina y empieza la construcción del Mercado Central.

En la exposición se pueden contemplar imágenes de las lavanderas en el Tormes, las turroneras en los soportales de la Plaza Mayor, las procesiones religiosas, los urinarios junto a la Plaza y otros retratos de este modo de vida. Contrastan imágenes que muestran elementos de modernidad como la asimilación de la arquitectura del hierro desarrollada en Europa.

La exposición se complementa con veinte fotografías en la Filmoteca de Castilla y León y ocho coches de época en el Museo de Automoción de Salamanca. Un auténtico viaje en el tiempo a una época en la que convivieron la Salamanca costumbrista y los primeros elementos de modernidad.

Los tapices de Pontormo y Bronzino

02/02/2015, La muestra Prince of Dreams: The Medici’s Joseph Tapestries by Pontormo and Bronzino reúne veinte exquisitos tapices del Renacimiento encargados por Cosimo de Medici en el siglo XVI.

Roma, 2 de febrero de 2015
Organizada por el presidente de la República Italiana, la exposición itinerante "José, el príncipe de los sueños. Tapices de los Medici de Pontormo y Bronzino" (Prince of Dreams: The Medici’s Joseph Tapestries by Pontormo and Bronzino) reúne, por vez primera en 150 años, una serie de tapices del Renacimiento Fabricados por los artistas Jacopo Pontormo y Agnolo Bronzino.

Encargada por Cosimo de Medici entre 1545 y 1553 a Jacopo Pontormo y Agnolo Bronzino, esta colección de tapices (que suma más de 400 metros cuadrados de tela tejida y mide hasta una altura de 6 pies), estaba destinada a decorar la Sala Dugento en el Palazzo Vecchio de Florencia.

La serie relata gráficamente la historia de José, el hijo favorito de Jacob. Odiado por sus hermanos, José fue vendido como esclavo en Egipto, pero fue capaz de superar todos los obstáculos y demostró su valía frente a los poderosos. Finalmente, José jugó un papel importante en la jerarquía del imperio de los faraones y alcanzó gran poder y fama. Al reencontrarse con sus hermanos, José perdona su traición, demostrando su humildad y grandeza espritual.

La exposición, que puede verse actualmente en Roma, llegará a Milán en mayo y posteriormente se exhibirá en Florencia.

La mecamística del cine

30/01/2015, Una exposición del MEIAC de Badajoz plantea un recorrido por la obra de José Val del Omar a partir de un concepto presente en toda su trayectoria: la mecamística.

Badajoz, 30 de enero de 2015
La exposición del MEIAC de Badajoz plantea un recorrido por la obra del artista granadino José Val del Omar (Granada, 1904 - Madrid, 1982) a partir de uno de los neologismos que él mismo acuñó: la mecamística, un concepto creado de la unión de los términos mecánica y mística, y con el que el artista se refería al «universo de las máquinas».

A través de este neologismo Val del Omar aúna la actividad del alquimista junto con la del cineasta, y define su personal aproximación al cine a través de la investigación tecnológica y de una estética experimental propia en la que prima el misticismo.

La muestra reúne una selección del legado que la familia de José Val del Omar tiene depositado en el Museo Reina Sofía, con el compromiso por parte del museo de dar a conocer la figura de Val del Omar y acercar su obra al público desde nuevas plataformas y espacios.

El recorrido expositivo arranca con un apunte de las actividades que Val del Omar realizó para las Misiones Pedagógicas a través de la película Estampas (1932) y cuatro fotografías que documentan esta experiencia.

Después se da paso a las proyección de las tres películas que conforman el Tríptico Elemental de España: Aguaespejo granadino (1953-1955), Fuego en Castilla (1958-1960) y Acariño galaico (1961, 1981-1982, 1995).

Destaca la recreación del laboratorio PLAT, lugar de estudio y trabajo del artista desde 1975, hasta su fallecimiento en 1982. Un espacio insólito que incluye cámaras, aparatos de proyección, lentes, polarizadores, filtros, obturadores y mobiliario... además de la celda-dormitorio del artista.

Algunos de sus inventos tienen lugar en esta muestra, el Atril del Fonema Hispánico, un sistema de grabación de sonidos, así como collages y fotografías del artista. Cierra el recorrido el cortometraje Variaciones sobre una granada (ca. 1979), ejemplo de la obra en proceso de los últimos años de trabajo de Val del Omar.

La exposición, que emprende su itinerancia en el MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, pasará también por LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón y finalizará su itinerancia en el CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela.

La mecamística del cine
MEIAC. Badajoz
Del 30 de enero al 12 de abril de 2015

Siete años de reflexión

29/01/2015, Una exposición en el Museo de Orsay reúne las piezas de mayor relevancia, adquiridas por la institución francesa durante los últimos siete años.

París, 29 de enero de 2015
Esta exposición pone de relieve las obras de arte que el museo ha adquirido en los últimos años. La adquisición de estas nuevas obras permite ampliar mediante nuevos enfoques la comprensión universal de la historia del arte, e introduce armoniosas variaciones en los fondos históricos de la pinacoteca gala.

Adquirir nuevas obras hace que la colección del museo permanezca viva, y permite que se puedan realizar estudios y exposiciones que mantengan al Museo de Orsay en movimiento y con una oferta atractiva de cara al visitante.

Estos últimos siete años han servido para que el Museo de Orsay refuerze algunos periodos mal o insuficientemente representados desde un punto de vista estilístico, y las nuevas obras que se presentan en esta exposición contribuyen a la reconstitución de la diversidad intelectual de Europa, durante el periodo cubierto por el museo de Orsay (1848-1914).

El museo ha adquirido así dibujos, pinturas, bocetos, mobiliario y otras obras pertenecientes a épocas fecundas de la historia del arte como el Segundo Imperio, el arte francés e inglés de finales del siglo XIX y comienzos del XX, la edad de oro bajo la influencia de los Nabis en el cambio del siglo XX, el Art Nouveau, la creatividad de principios de siglo en las escuelas del Este y del Norte de Europa e Italia o la arquitectura emblemática del siglo XIX.

7 años de reflexión. Últimas adquisiciones
Hasta el 22 de febrero de 2015
Museo de Orsay
62, rue de Lille. Paris

El turismo mundial bate récords

28/01/2015, Más de 1.100 millones de turistas viajaron al extranjero en 2014 según informó la Organización Mundial del Turismo (OMT).

Madrid, 28 de enero de 2015
Oriente Medio y norte de África, afectados por los problemas sociopolíticos continúan siendo el territorio menos apetecible para el turismo mundial. Los turistas buscan zonas más seguras.

En lo que se refiere a los mercados emisores, asombra el poderío de China, que sigue creciendo con fuerza, aunque se retrae la URSS, que en años anteriores mostraba una tendencia al alza fortísima.

Los datos
Como cada año, en torno a l encuentro de FITUR, primera garn feria del año en materia turística, la OMT divulga su Barómetro del Turismo Mundial. En el del 2014, informa que las llegadas de turistas internacionales alcanzaron en el ejercicio la cifra de 1.138 millones, lo que supone un incremento del 4,7 % con respecto al año anterior. La previsión de la OMT para 2015 es que el turismo internacional aumente entre un 3 % y un 4 %, y siga contribuyendo a la recuperación económica mundial.

El volumen de turistas internacionales (visitantes que pernoctan) fue de 1.138 millones en 2014, 51 millones más que en 2013. Es el quinto año consecutivo en el que el crecimiento supera las expectativas y la evolución económica mundial, desde la crisis económica de 2009.

Por regiones, las Américas (+7 %) y Asia y el Pacífico (+5 %) registraron incrementos considerables, mientras que en Europa (+4 %), Oriente Medio (+4 %) y África (+2 %) el crecimiento fue más moderado.

A nivel subregional, América del Norte (+8 %) obtuvo los mejores resultados, seguida del Noreste Asiático, Asia Meridional, Europa Meridional y Mediterránea, Europa del Norte y el Caribe, que experimentaron un aumento del 7 %.

Se espera que, como en años anteriores, el incremento de los ingresos por turismo internacional en 2014 haya seguido muy de cerca al de las llegadas de visitantes (los resultados sobre los ingresos por turismo internacional en 2014 se publicarán en abril de 2015). En 2013, los ingresos por turismo internacional se situaron en 1.187.000 millones de dólares de los EE.UU., 230.000 millones más que en 2008, el año anterior a la crisis.

Perspectivas positivas para 2015

Para 2015, la OMT prevé que las llegadas de turistas internacionales crezcan entre un 3 % y un 4 %. A nivel regional, se espera que el aumento sea mayor en las regiones de Asia y el Pacífico y las Américas (de +4 % a +5 % en ambos casos), seguidas de Europa (de +3 % a +4 %). Se calcula que las llegadas se incrementarán entre un +3 % y un +5 % en África y entre un +2 % y un +5 % en Oriente Medio.

«Estimamos que la demanda continuará creciendo en 2015. Como aspecto positivo, el precio del petróleo ha descendido hasta un nivel sin precedentes desde 2009, lo que reducirá los costos de transporte e impulsará el crecimiento económico al elevar el poder adquisitivo y la demanda privada en las economías importadoras de petróleo. No obstante, también podría tener efectos negativos en algunos de los países exportadores de petróleo que se han convertido en fuertes mercados emisores de turismo», afirmó Taleb Rifai, Secretario General de la OMT, en la apertura del Spain Global Tourism Forum en Madrid

Estas perspectivas positivas para 2015 se ven confirmadas por el Índice de Confianza de la OMT. Según los 300 expertos en turismo de todo el mundo consultados para elaborar el Índice, se espera que el comportamiento de la actividad turística mejore en 2015, aunque las expectativas son menos optimistas que hace un año.

Europa consolida su posición como la región más visitada del mundo

Europa (+4 %), la región más visitada con más de la mitad de turistas internacionales, experimentó un incremento de 22 millones de visitantes en 2014, situándose en un total de 588 millones. Gracias a esos resultados, el turismo ha contribuido de manera importante a la recuperación económica de la región. Europa Septentrional y Europa Meridional y Mediterránea se situaron a la cabeza del crecimiento (ambas, con un +7 %), mientras que en Europa Occidental los resultados fueron más moderados (+2 %). Las llegadas en Europa Central y Oriental (0 %) se estancaron tras tres años registrando un fuerte incremento.

Fortaleza de Asia
Las llegadas de turistas internacionales en Asia y el Pacífico (+5 %) aumentaron en 13 millones, sumando 263 millones en total. Los mejores resultados fueron los Noreste Asiático y Asia Meridional (+7 % en ambos casos). En Oceanía el crecimiento fue del 6 %, mientras que Sureste Asiático (+2 %) se ralentizó con respecto a años anteriores.

La región de las Américas fue la que registró mejores cifras en términos relativos, con un incremento del 7 %, dado que recibió 13 millones de turistas internacionales más y elevó el total hasta los 181 millones. El crecimiento fue impulsado por América del Norte (+8 %), donde México mostró un incremento de dos dígitos, y el Caribe (+7 %). Las tasas de crecimiento de las llegadas a América Central y América del Sur (+6 % en ambos casos) se duplicaron con respecto a 2013 y se situaron muy por encima de la media mundial.

Malos resultados de Oriente Medio y Norte de África

El turismo internacional en Oriente Medio (+4 %) muestra señales de recuperación y ha obtenido buenos resultados en la mayoría de los destinos. La región ha recibido 2 millones de llegadas más, con lo que el total es de 50 millones.

Se calcula que las llegadas de turistas internacionales a África crecieron un 2 %, lo que equivale a un aumento de un millón de visitas y supone que hay 56 millones de turistas que eligieron la región como destino. Aunque las llegadas a África del Norte registraron un crecimiento débil (+1%), en África Subsahariana, pese al brote de enfermedad por el virus del Ébola que se produjo en algunos países de África Occidental, se incrementaron en un 3 %. No obstante, los datos relativos a África y Oriente Medio deben tomarse con cautela, ya que se basan en datos limitados y volátiles.

Bien, los mercados emisores tradicionales
El repunte del gasto en turismo internacional de los mercados emisores tradicionales ha compensado la ralentización que se ha producido en los grandes mercados emergentes, que habían impulsado el crecimiento de la actividad del sector en años anteriores.

Se estima que el número total de viajes al extranjero desde China ha aumentado en 11 millones, hasta los 109 registrados en 2014. El gasto se incrementó en un 17 % en los tres primeros trimestres de 2014, un resultado sólido, pero más moderado que en años anteriores (40 % en 2012 y 26 % en 2013, respectivamente). China es el mayor mercado emisor desde 2012, con un gasto total de 129.000 millones de dólares en 2013.

En cuanto a los otros dos grandes mercados emisores, la Federación de Rusia (-6 %) ha perdido impulso en 2014 mientras que Brasil ha seguido creciendo a un ritmo del 2 %, pese a la apreciación del dólar de los EE.UU. con respeto al real brasileño y a la ralentización de su economía.

Nuevos mercados emergentes
Por debajo de los diez primeros hay otros mercados emergentes menores en los que el gasto se ha incrementado notablemente; Arabia Saudita, la India, Filipinas y Qatar han experimentado un aumento de un 30 % o más.

El repunte de la demanda de los mercados emisores tradicionales ha compensado la ralentización que se ha producido en los grandes mercados emergentes. El gasto de los Estados Unidos, el segundo mercado emisor del mundo, aumentó en un 6 %. También cabe señalar la recuperación de Francia (+11 %), Italia (+6 %) y el Reino Unido (+4 %).

Mujeres modelos, mujeres de moda

28/01/2015, 26 fotografías de 11 fotógrafos consagrados componen esta muestra fotográfica que plasma el glamour de actrices como Carole Lombard, Louise Brooks o Marlene Dietrich.

Madrid, 28 de enero de 2015
La exposición aborda el concepto de “moda y modelo”, desde mediados del siglo XIX y durante las primeras décadas del siglo XX desde la perspectiva del papel que juegan las mujeres como sinónimo de actualidad social, referente cultural e icono entre otros.

“Mujeres modelos, Mujeres de Moda. 1850 – 1940”, pone de manifiesto la notoriedad que han adquirido en los últimos tiempos la fotografía de moda y sus modelos.

Las imágenes que componen esta muestra representan distintas alternativas en la utilización de la imagen como testimonio de lo que está de moda en una sociedad en la que las mujeres comienzan a jugar un papel activo y a destacar en ámbitos como el espectáculo, la cultura o el arte.

Itinerancia 2015
20 enero - 10 febrero / Chinchón - Casa de Cultura Manuel Alvar
11 febrero - 4 marzo / San Martín de Valdeiglesias - Sala de exposiciones La Estación
5 marzo - 26 marzo / Collado Villalba - Biblioteca Miguel Hernández
27 marzo - 17 abril / Villa del Prado - Sala de Exposiciones. Centro Cultural Pedro de Tolosa
20 abril - 12 mayo / Getafe - Antigua Fábrica de Harinas. Sala Lorenzo Vaquero
13 mayo - 3 junio / Villanueva del Pardillo - Centro Cultural Tamara Rojo
5 junio- 26 junio / Los Molinos - Casa Museo Julio Escobar
29 junio - 21 julio / Guadarrama - Casa de la Cultura Alfonso X el Sabio
23 julio - 18 agosto / Nuevo Baztán - Palacio Juan de Goyeneche
16 septiembre - 7 octubre / Las Rozas - Auditorio Joaquín Rodrigo
8 octubre - 29 octubre / San Sebastián de los Reyes - Sala Martín Chirino
30 octubre - 24 noviembre / Coslada - Centro Cultural Margarita Nelke
25 noviembre - 18 diciembre / Ciempozuelos - Casa de la Cultura

Arte contemporáneo en Madrid

27/01/2015, La Fundación Barrié presenta en CentroCentro Cibeles, hasta el 26 de abril, parte de su colección de pintura contemporánea internacional.

Madrid, 27 de enero de 2015
Una selección de 31 obras de la colección de pintura contemporánea de la Fundación Barrié se podrá contemplar en CentroCentro Cibeles hasta el mes de abril de 2015. Dicha selección se compone de piezas de artistas clave para la pintura de la segunda mitad del siglo XX, figuras consolidadas y valores emergentes de la pintura contemporánea tanto española como internacional.

Adrian Schiess, Ángela de la Cruz, Jean-Marc Bustamante, Carlos Irijalba, Curro González, Fabián Marcaccio, Fiona Rae, Frank Nitsche, Gil Heitor Cortesão, Günther Forg, Helmut Dorner, Herbert Brandl, Ignasi Aballí, Imi Knoebel, Jessica Stockholder, João Penalva, Jonathan Lasker, José Pedro Croft, Katharina Grosse, Manuel Vilariño, Negro Álvaro, Otto Zitko , Paulo Climachauska, Pedro Barbeito, Perejaume, Sandra Cinto, Shinique Smith, Simeón Saiz Ruiz, Teo Soriano, Tobias Lehner y Peter Zimmerman son algunos de los nombres própios de una colección compuesta por obras de artistas que se acercan a la pintura desde la fotografía, la instalación o la escultura.

La colección de pintura contemporánea de la Fundación Barrié nació en 2008 y a día de hoy está compuesta por más de 50 piezas. Las primeras obras de esta colección fueron adquiridas en las ferias ARCO, Basilea y Lisboa, y continuó ampliándose los siguientes años.

Jugando con la expansión y la reencarnación de la pintura en otros medios, esta colección trata de responder con sentido a la pregunta: ¿De qué hablamos cuando hablamos de pintura hoy?, y de reflexionar sobre cómo la pintura ha sido capaz de construir su propia historia a partir de expresiones pictóricas que van más allá de ideas tradicionales.

Un nuevo Miró en el Reina Sofía

26/01/2015, El Museo Reina Sofía recibe "Paysage" un lienzo realizado en 1927 por Joan Miró y que ha sido cedido en préstamo por la Fundación Beyeler de Basilea.

Madrid, 26 de enero de 2015
El Museo Reina Sofía cuenta entre sus fondos con cincuenta y cinco pinturas de Joan Miró, la mayoría de ellas del último periodo del artista.

Paysage, datada en la segunda mitad de la década de los años veinte y perteneciente al grupo de los “paisajes animados”, viene a completar y enriquecer el recorrido expositivo del MNCARS.

En 1911, con dieciocho años, Miró pasa un periodo de convalecencia en la masía que poseían sus padres en la población de Mont-roig, una población cercana a Tarragona. Allí, la naturaleza determinaría la mayor parte de sus creaciones, sirviendo asimismo como punto de partida para su estilo maduro.

En sus “paisajes animados” (realizados entre 1926 y 1927) Miró juega con símbolos próximos a la abstracción, y utiliza la técnica surrealista del automatismo. En estas realizaciones, cuyo ejemplo más conocido es el popular Perro ladrándole a la luna, Miró introduce animales que hacen referencia a la vida rural catalana junto a objetos aparentemente extraños como esferas o escaleras.

Este óleo presenta como eje de la composición una escalera que va estrechándose a medida que se eleva y penetra misteriosamente en el cielo. Un gallo vuela o canta a la derecha del lienzo, bajo su figura se intuye una letra “E”, en posible alusión a España, añorada por Miró desde suelo francés. El resto de los objetos proporcionan al lienzo un aire de alucinación.

Chema Madoz en la Galería Elvira González

26/01/2015, La Galería Elvira González inaugura una exposición individual del fotógrafo Chema Madoz compuesta por más de 30 nuevas instantáneas realizadas entre 2012 y 2014.

Madrid, 26 de enero de 2015
Las imágenes de la exposición continúan en línea de trabajo del artista (Premio Nacional de Fotografía en el año 2000), que con sus fotografías en blanco y negro crea metáforas poéticas e inesperadas a partir de objetos de la vida cotidiana.

Chema Madoz (Madrid, 1958) comienza su andadura profesional en 1990 tras pasar por el Centro de Enseñanza de la Imagen de Madrid. En el año 198, la Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual dedicada a su obra.

A partir de los años 90, Madoz comienza a desarrollar su trabajo fotográfico con objetos comunes de nuestro día a día como punto de partida para crear imágenes de carácter onírico y surrealista, caracterísitica que se convertiría en una constante en su obra.

Desde entonces, Madoz ha sido protagonista de diversas muestras sobre su trabajo en galerías y centros de arte a nivel nacional e internacional como el Centro de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, el Canal de Isabel II, el Centro Pompidou de París, el Netherland Photomuseum de Rotterdam, la Fundazione M. Marangoni de Florencia, el Museo de Bellas Artes de Caracas o el Fotofest de Houston, entre otros.

El doble de una vida

22/01/2015, La Sala San Benito de Valladolid acoge desde el 22 de enero la exposición fotográfica André Kertész, el doble de una vida.

Valladolid, 22 de enero de 2015
Compuesta por 189 fotografías, esta retrospectiva traza un completo recorrido por la obra del fotógrafo André Kertész, considerado uno de los mayores maestros de la historia de la fotografía, y elogiado por artistas de la talla de Henri Cartier-Bresson.

Nacido en 1894 en Budapest, la primera fotografía conocida de Kertész dataría de 1912. Cuando es llamado a filas, de manera autodidacta, se dedica a retratar la vida cotidiana de los soldados del ejército austrohúngaro.

En 1925 emigra a Francia, donde se instala en el barrio de Montparnasse (París). Allí se relaciona con artistas y escritores como Mondrian, Chagall, Zadkine, Foujita o Colette, y comienza a fotografiar los estudios de diversos artistas y escenas callejeras de la ciudad. En 1927 su obra se expone en la galería Au Sacre du Printemps. En París Kertész realiza sus obras maestras: La Danseuse burlesque (1926), Chez Mondrian (1926) y Les Mains et les lunettes de Paul Arma (1928).

En 1936 se muda a Nueva York, donde 8 años después adopta la nacionalidad estadounidense. En 1949 firma un contrato de exclusividad con la editorial Condé Nast. A pesar de sus esfuerzos, Kertész no logra imponerse como uno de los principales representantes de la fotografía de vanguardia en Estados Unidos, por lo que decide poner fin a su carrera profesional en 1962.

André Kertész, el doble de una vida
Del 22 de enero de 2015 al 15 de marzo de 2015
Sala Municipal de Exposiciones San Benito
C/ San Benito, s/n. Valladolid

Historia de la cerveza belga

21/01/2015, La cerveza será una de las grandes protagonistas del 2015 en Bélgica, que celebrará a lo largo del año varios eventos relacionados con esta típica bebida belga.

Amberes, 21 de enero de 2015
Bélgica es un auténtico paraíso para los amantes de la cerveza, una fama bien merecida y que sus más de 1500 variedades confirman.

Durante el año 2015 Bélgica celebrará entre otras actividades la European Beer Bloggers Conference, así como ferias y rutas para promocionar este gran atractivo tradicional belga.

UN POCO DE HISTORIA SOBRE LA CERVEZA
La reputación de la cerveza belga data desde la Edad Media, momento en el que los monasterios se convirtieron en centros de conocimiento de la agricultura, la ganadería y artesanías como la elaboración de cerveza.

Sería también en la Edad Media cuando se empezaría a añadir sabor a la cerveza con una mezcla de hierbas llamada "gruit", que ayudaba a conservar la cerveza y le daba una mayor duración.

En 1364, el emperador Carlos IV promulga el decreto "Novus Modus Fermentandi Cerevisiam", que requería que los cerveceros utilizaran el lúpulo. Este decreto fue de obligado cumplimiento en todo el Sacro Imperio Romano Germánico. Sin embargo, al oeste del río Escalda, se mantuvo el derecho a usar gruit. Los cerveceros del Flandes Imperial y Brabante elaboraron por lo tanto cerveza con lúpulo, mientras que en Flandes se siguió elaborando cerveza con gruit y los cerveceros acidificaron su cerveza para ayudar a conservarla durante más tiempo (de ahí el color rojo oscuro de las cervezas elaboradas con gruit).

A partir del siglo XVII, se crean cervezas regionales como la "gerstenbier" (de cebada) de Amberes, la "Leuvense witte" (cerveza blanca de Lovaina), las cervezas negras de Diest y Oudenaarde, y las "caves" (cervezas de bodega) en Lier.

El siglo XIX, durante los años de la Revolución Industrial, los científicos lograron un mejor conocimiento del proceso de elaboración de cerveza y cultivo de levaduras en general.

La Primera Guerra Mundial sería un mazazo para varias industrias cerveceras belgas. Sólo sobrevivirían la mitad de las casi 3.200 cerveceras. Un nuevo y fuerte golpe sería asestado durante la crisis económica de 1930 y a causa de los efectos de la Segunda Guerra Mundial. En 1946, sólo quedaban 775 cerveceras.

En las siguientes décadas, más cerveceras pequeñas cerraron, mientras que las grandes cerveceras consolidaron su mercado.

En 1977 la cultura cervecera belga reaparece en el panorama, y comienza a recuperar reconocimiento mundial en las siguientes décadas.

Entre 1985 y 2000, empiezan a fusionarse grandes y medianas cerveceras y se fundan cerveceras artesanales locales, que elaboran cerveza a petición de los importadores extranjeros que buscan cervezas exclusivas belgas.

A día de hoy el interés por la industria de la cerveza belga es grande. Las cervezas trapenses son cada vez más exclusivas, y son también muy populares las distintivas cervezas de cerveceras locales y familiares.

Entre algunas variedades podemos disfrutar de cerveza de frambuesa, cerveza blanca, cerveza de chocolate, cerveza Gueuze, cerveza de cereza, cerveza negra, cerveza trapense y, por supuesto, la cerveza Lambic, la más conocida, realizada al estilo de elaboración antiguo, con una fermentación espontánea para producir una bebida seca, agria y que mejora con los años.

Daniel G. Andújar. Sistema operativo

21/01/2015, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la a primera exposición del año, dedicada al artista alicantino Daniel G. Andújar.

Madrid, 21 de enero de 2015
Daniel G. Andújar (Almoradí, 1966) está considerado uno de los mayores representantes del arte en la red en nuestro país. Interesado en construir un discurso cultural a través de los medios digitales y de las tecnologías de información, Andujar opera desde el espacio público, sirviéndose de la ciudad y la red como territorios para desarrollar su trabajo.

La exposición Daniel G. Andújar. Sistema operativo reúne cerca de 50 proyectos creados por el artista en los últimos veinte años. Algunos de los proyectos han sido concebidos para los espacios del museo.

El trabajo de Daniel G. Andújar reflexiona en torno al avance de lo virtual, con el cambio de paradigma que acarrean las nuevas formas de acceso y uso de las tecnologías. Así, en este conjunto heterogéneo (que abarca desde fotografía e instalación hasta acciones en el espacio público, apropiaciones del lenguaje y de los espacios publicitarios o la creación de comunidades en internet) se aprecian las constantes en la carrera de Andújar: la utilización de un método de trabajo colectivo y la interpelación que el alicantino dirige a los usuarios, así como la reutilización crítica de herramientas, formatos y estéticas comunicativas de la publicidad y los medios de comunicación de masas.

Sobre el artista
Daniel G. Andújar. Artista visual y teórico. Miembro histórico de irational.org ha exhibido internacionalmente y dirigido proyectos en internet como art.net.dortmund, e-barcelona.org o e-valencia.org. Además, ha llevado a cabo talleres con artistas y colectivos sociales y participado activamente en el debate sobre el estatuto del artista en la economía inmaterial.

Daniel G. Andújar. Sistema operativo
Desde el 21/01/2015 hasta el 04/05/2015
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Recuerdos y Evocaciones

20/01/2015, Desde el 4 de febrero en la Fundación Juan March se podrá ver una muestra de pequeño formato en la que se exponen por vez primera, los Recuerdos y Evocaciones españolas del artista Josep Maria Sert.

Madrid, 20 de enero de 2015
Al margen de las vanguardias, Sert renovó la pintura mural y de grandes superficies. Idealizó el folclore español, inspirado en la pintura manierista y barroca, y su obra asumió el gusto por los temas populares y costumbristas de marcado carácter escenográfico. Esta exposición muestra su pasión por el disfraz y lo carnavalesco, la fantasía y el artificio.

Los Recuerdos maravillosos es un conjunto de quince tablas pintadas al óleo en 1916, en plena guerra mundial, por Josep Maria Sert (Barcelona 1874-1945). El conjunto, con gran influencia de Goya, fue un encargo del británico Sir Saxton Noble, para el gran comedor de su residencia en Wrethan Hall, Norfolk, Inglaterra.

El conjunto que compone las Evocaciones españolas es una obra de madurez que Sert realizó en 1942 para revestir los muros de la sala de música de la residencia madrileña de Juan March.

Los cinco conjuntos de escenas monumentales están repartidos en un total de 27 paneles de 4 metros de alto. Los biombos están pintados al óleo sobre tabla y sus pinturas representan escenas y paisajes mediterráneos llenas de movimiento, fantasía y dinamismo, y en las que se recrean verdaderos efectos de ilusionismo espacial.

Josep M. Sert: Recuerdos y Evocaciones
Fundación Juan March, Madrid
4 de febrero-1 de marzo de 2015

John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742

19/01/2015, La Térmica y Contemporánea presentan por vez primera en España las fotografías que documentan el “Bed-In” desarrollado en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal por John Lennon y Yoko Ono.

Málaga, 19 de enero de 2015

Este happening-protesta llevado a cabo por la pareja contra la Guerra de Vietnam, se produjo del 26 de mayo al 2 de junio en Montreal, y en ella se grabó y retransmitió a todo el mundo la mítica canción pacifista “Give Peace A Chance”.

El italiano Bruno Vagnini, que estaba cursando Fotografía en la Academia de Bellas Arte de Montreal, realizó ventiseis fotos con su cámara Nikon en una suite enorme, pintada de blanco, con libros y folletos esparcidos por el suelo, y eslóganes contra la guerra por las paredes. Al fondo, John y Yoko, en pijama, cómodamente sentados en la cama explican que la performance que están realizando cuestiona las definiciones de identidad, privacidad y espacio.

Esas imágenes llegan a La Térmica, casi cincuenta años después, para ilustrar este momento significativo para la música y el arte del siglo XX. Concebida como una gran instalación “John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742” está formada por 3 espacios:

El primer espacio presenta dos monitores con fragmentos de las películas y creaciones musicales experimentales de John & Yoko, así como varias vitrinas con objetos, libros y documentos. Destacan los elementos que componen “The Wedding Album”, realizado a finales de ese mismo año, 1969, y que incluye las fotografías de la boda en Gibraltar y el bed-in que antecedió al de Toronto en el Hotel Hilton de Amsterdam, entrevistas y comentarios, fotografías sueltas, dibujos de Lennon, copia del certificado de matrimonio y un trozo de la tarta nupcial en una bolsa de plástico con la palabra “bagism”.

En el segundo espacio destaca el texto introductorio de Yoko Ono en el que habla 44 años después sobre ese happening junto a la serie de instantáneas de Bruno Vagnini tomadas en la Suite 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal.

El tercer espacio muestra una inmaculada cama de matrimonio sobre la que se proyecta el vídeo “Give Peace a Chance” y el documental “Bed Peace”. Encabezan dicho lecho una instalación repetitiva con los carteles creados con la leyenda en blanco y negro “War Is Over!”.

John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742
Fotografías de Bruno Vagnini
La Térmica
Av. de los Guindos, 48, Málaga
del 23 de enero al 23 de marzo

Sentir el Prado

19/01/2015, El Museo del Prado presenta la primera exposición accesible a personas con algún tipo de discapacidad visual que se celebra en las salas de la institución madrileña.

Madrid, 19 de enero de 2015
Con el firme compromiso de garantizar la accesibilidad universal a sus espacios y colecciones, el Prado pone en este mes de enero en marcha una iniciativa pensada para todas aquellas personas con discapacidad visual que acudan al museo, a través de la que podrán descubrir seis imágenes en relieve correspondientes a diferentes géneros y estilos artísticos que reflejan la riqueza de las colecciones de la pinacoteca.

Este proyecto, en el que han colaborado profesionales con discapacidad visual, podrá verse en el Museo del Prado entre el 20 de enero y el 28 de junio de 2015.

Géneros como la pintura religiosa, la mitología, la escena costumbrista, el retrato y la naturaleza muerta se acercan de la mano del Prado a personas con problemas de visión, a través de esta exposición, en la que se reproducen en relieve obras como Noli me tangere de Correggio, La fragua de Vulcano de Velázquez, El quitasol de Goya, La Gioconda del Taller de Leonardo da Vinci, El caballero de la mano en el pecho del Greco o Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio de Van der Hamen.

La exposición, en la galería norte de la planta baja del edificio Villanueva, cuenta con paneles y cartelas en braille, audioguías de apoyo que proporcionan las indicaciones necesarias para hacer el recorrido táctil de las piezas expuestas y gafas opacas para facilitar esta experiencia sensorial.

Hoy toca el Prado
20 de enero - 28 de junio de 2015

Guia de Viena

16/01/2015, Actualizamos la guía de Viena, y resaltamos los atractivos de esta Meca del turismo mundial donde se acumulan arte, historia y un gusto refinado en el saber vivir.

La guía está realizada con textos de Artemio Artigas y magníficas fotografías propiedad de guiarte.com y Turismo de Aiustria, y es una excelente introducción para los viajeros que quieren acercarse a esta ciudad, una de las urbes más notables del mundo, que emociona por su densidad histórica y artística.

Con unos dos millones de habitantes, la capital austriaca alberga notabilísimos elementos de valor histórico y patrimonial, acumulados en dos milenos de vida, durante los cuales ha protagonizado momentos claves de la historia. Museos, centros políticos o culturales, palacios e iglesias exhiben a lo largo de sus calles y plazas la opulencia del poder de un imperio ligado a una familia, cuyo ocaso marcaría el destino de la Europa.

Aparte de una larga serie de magnates y estadistas, el nombre de Viena está íntimamente ligado, durante sus años de esplendor de la cultura, con figuras como Schubert, Beethoven, Mozart, los Strauss, Schönberg; a artistas como Kokoschka, Klimt; autores como Músil, Stefan Zweig o Freud; filósofos como Popper... Y también a una gran cantidad de arquitectos que se citan al hablar de los grandes edificios vieneses.

Viena forma parte de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. En 1996 se incluyó en ese listado universal al palacio de Schönbrunn, la residencia imperial de la dinastía de los Habsburgo desde el siglo XVIII hasta 1918, con sus jardines, en los que se instaló el primer parque zoológico que hubo en el mundo, en el año 1752.En el año 2001, Viena volvió a ser inscrita en el listado de la UNESCO, esta vez por su centro histórico, donde se albergan notables edificios edificados desde la Edad Media hasta la actualidad. La ciudad -según valoro la UNESCO- destaca por haber sido un centro notable en el arte y en la música: de hecho, su nombre está ligado al de destacados compositores.

El centro de la ciudad antigua, en el que se yergue la altiva flecha de la catedral, alberga innumerables edificios de valor, y fuera de este “centro” se desarrolla la Ringstrasse, ronda que ocuparon las murallas hasta el siglo XIX, y en la que surgieron multitud de residencias señoriales y edificios culturales y administrativos unificados por el aire historicista y ampuloso de su estilo, propio de un imperio orgulloso de su existencia pero que se revelaría como una creación política con los pies de barro. Y aún más al exterior, los espectaculares lugares de Belvedere o el palacio imperial de Schönbrunn

Todo seduca al turismo mundial; el arte, la historia, la música, la gastronomía, los cafés...

Descubre nuestra guía de Viena

Crónicas americanas: El arte de Norman Rockwell

15/01/2015, El artista norteamericano Normal Rockwell protagoniza una muestra retrospectiva en el Museo del Corso de Roma.

Roma, 15 de enero de 2015
Por primera vez en Italia se presenta una fantástica retrospectiva dedicada a Norman Rockwell, que reúne un conjunto formado por un centenar de pinturas, documentos, fotografías y portadas originales de la famosa revista The Saturday Evening Post, para la que el artista trabajaría durante casi 50 años.

La muestra traza la trayectoria creativa de Norman Rockwell (1894-1978), un artista estadounidense que, creando un estilo realista minucioso y único, retrató escenas del auténtico "American way of life".

Más de un centenar de obras pertenecientes a la colección del Museo Norman Rockwell en Stockbridge, ofrecen al público una amplia mirada al universo de este artista americano, que supo interpretar setenta años de historia americana, a veces con un toque irónico y otras con un aire de nostalgia y perspicacia.

Norman Rockwell realizó carteles, portadas de revistas y anuncios para productos de consumo, y ayudó a través de su arte a establecer los ideales estadounidenses a nivel internacional.

AMERICAN CHRONICLES: THE ART OF NORMAN ROCKWELL
Fondazione Roma Museo (Museo del Corso) - sede di Palazzo Sciarra
Hasta el 8 de febrero de 2015

Exposiciones de la BNE en 2015

14/01/2015, Cervantes, Rubens, Santa Teresa de Jesús o Carducho serán algunas de las figuras a las que la BNE dedicará muestras este año.

Madrid, 14 de enero de 2015
La primera exposición de la BNE para este año será Coleccionismo cervantino en la BNE: del doctor Thebousem al fondo Sedó (del 5 de febrero al 3 de mayo), una muestra que conmemora el IV Centenario de la publicación de la segunda parte del Quijote.

La colección de ediciones de las obras cervantinas de la BNE no ha dejado de crecer desde los orígenes de ésta. Estas obras se complementan con material iconográfico y otros documentos. Además, la BNE posee un ejemplar único de la 1ª edición del Quijote de Avellaneda.

Con la exposición Santa Teresa: la contemplación hecha palabra (12 de marzo-31 de mayo), la BNE conmemora el quinto centenario del nacimiento de la religiosa.

La obra de la santa refleja las vivencias de un misticismo ardiente. Todo lo logró con una formación que tiene mucho de autoaprendizaje, ilustrada mediante lecturas como los libros de caballería y la vidas de santos.

La exposición dedicada al dibujante, pintor y tratadista de origen italiano Vicente Carducho (entre mayo y agosto) reúne obras de instituciones como el Museo del Prado, la Galeria Uffizi de Florencia, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o el Instituto de Valencia de Don Juan.

Por su parte, Rubens y el siglo de oro del grabado Flamenco y Holandés (del 5 de noviembre al 7 de febrero de 2016), reunirá más de 300 estampas, dibujos o pinturas de Rubens, unos 200 grabados de Van Dyck y cerca de 150 estampas de Rembrandt.

Niki de Saint Phalle en el Guggen

14/01/2015, El próximo mes de febrero se inaugurará una muestra dedicada a la artista francoamericana Niki de Saint Phalle en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Bilbao, 14 de enero de 2015
La retrospectiva, que puede contemplarse ahora en el Grand Palais de París, llegará al Museo Guggenheim de Bilbao en el mes de febrero, donde podrá verse hasta junio de 2015.

Niki de Saint Phalle (1930−2000) es una de las creadoras más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Nacida en Neuilly (París) en 1930, Niki de Saint Phalle se educó en EEUU, y descubrió su vocación de artista a los 23 años tras una depresión que la llevaría a ser internada en un sanatorio mental. En París se vinculó a los Nuevos Realistas en la década de 1960, en una época de gran experimentación y compromiso político en las artes.

Su peculiar visión del mundo, su rebeldía y su creatividad hacen de la figura de Niki de Saint Phalle una artista autodidacta a la que se ha definido como feminista, radical y política.

La trayectoria de Niki de Saint Phalle incluye numerosos proyectos de arte público, cine experimental y escenografías para ballet y performances, pero lo que la haría internacionalmente conocida serían sus Nanas, enormes esculturas que revolucionan la representación de la mujer en el arte.

Niki de Saint Phalle
27 de febrero, 2015 – 11 de junio, 2015
Museo Guggenheim

Mayas, un tiempo infinito

13/01/2015, En menos de un mes se clausura esta muestra, producida por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, y que ha podido verse desde el mes de octubre en el Musée du quai Branly de París.

París, 13 de enero de 2015
Esta muestra, considerada la más extensa sobre arqueología maya, reúne una selección de 388 piezas arqueológicas de notable valor, que abarcan más de tres mil años de historia de esta antigua y sorprendente civilización prehispánica.

Los Mayas han dejado para la posteridad decenas de ciudades que revelan una notable arquitectura, una escultura muy avanzada y una gran perfección técnica. Conocer estos vestigios materiales constituye una experiencia sin igual, un encuentro con el pasado de una cultura rica: sus creencias religiosas, sus rituales, su vida comunitaria, sus costumbres y su historia.

La exposición, que ya ha pasado por México y Brasil, se compone de ocho núcleos temáticos: El hombre y la naturaleza, Comunidad humana y vida cotidiana, El corazón de las ciudades, El hombre frente al tiempo y los astros, Las élites gobernantes y su historiografía, Las fuerzas sagradas, El hombre frente a los dioses: los ritos y Entrar en el camino: ritos funerarios.

La muestra exhibe piezas de toda el área maya (México, Guatemala, Honduras) y nos muestra la gran variedad de estilos y los logros estéticos que alcanzaron diferentes grupos mayas (alrededor de 28), cada uno con su propio idioma y su propia expresión.

Mayas, un tiempo infinito
Hasta el 8 de febrero de 2015
Museo Quai Branly
37, quai Branly, Paris

Museo de Culturas del Mundo

12/01/2015, En 2015 llega a Barcelona el Museo de Culturas del Mundo, con la misión de preservar, presentar y difundir el patrimonio artístico y cultural de diferentes culturas de África, Asia, América y Oceanía.

Barcelona, 12 de enero de 2015
Las colecciones del Museo de Culturas del Mundo están formadas, fundamentalmente, por los fondos de Asia, África, América y Oceanía del Museo Etnológico de Barcelona, y por la colección de la Fundación Folch que, formada por 2.350 objetos, constituye la colección de arte no europeo más importante de Cataluña.

El objetivo de esta institución, que abrirá sus puertas a comienzos del año 2015, es mostrar la diversidad cultural a través de la experiencia artística de los pueblos.

Un viaje en el tiempo
El Palau Marquès de Llió albergará la colección permanente del Museo.

El viaje comenzará por el continente Africano, y concluirá en el continente americano, con un repaso por la cultura precolombina. El recorrido por Asia, se verá repartido en dos plantas. La primera planta del palacio acaba con la exposición de las piezas de Asia desde Pakistán y Afganistán hasta el Tíbet. En la segunda planta se podrán ver piezas de la cultura china, japonesa y coreana.

En el Museo también habrá lugar para las exposiciones temporales, muestras de pequeño formato llamadas a complementar el discurso estable del Museo. La primera exposición permanente, sobre la escritura, planteará un recorrido a través del trazo y la escritura de algunas de las culturas del mundo.

Orígenes
En 1948 el Ayuntamiento de Barcelona creó el Museo Etnológico y Colonial de Barcelona. Los fondos de ese primer museo procedían de la expedición del Instituto de Estudios Africanos de 1948, de los depósitos de la Junta de Museos de Barcelona de 1949 y de los fondos de las secciones de Etnología del Museo Arqueológico de Cataluña y del Museo de Martorell.

Una vez inaugurado, las colecciones se nutrieron fundamentalmente de las campañas de expediciones etnográficas realizadas por el museo hasta 1976.

En 1990 se unificaron el Museo Etnológico y el Museo de Artes, Industrias y Tradiciones Populares, creado en 1942. De este modo nació el actual Museo Etnológico.

Dufy, Delvaux, Zurbarán y Munch en el Thyssen

09/01/2015, El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid presentará en el año 2015 grandes exposiciones dedicadas a Raoul Dufy, Paul Delvaux, Francisco de Zurbarán y Edvard Munch.

Madrid, 9 de enero de 2015
La temporada expositiva del Museo Thyssen Bornemisza para este año gira en torno a cuatro grandes muestras:

Raoul Dufy
Del 17/02/2015 hasta el 17/05/2015

En 2003 el Museo Thyssen Bornemisza incorporó a sus salas cuatro obras del francés Raoul Dufy, un artista que, a pesar de su creciente revalorización, sigue siendo bastante desconocido en España.

Con esta exposición, el Museo propone una relectura de su obra centrada no sólo en su vertiente hedonista, como pintor de los placeres de la vida moderna, sino, y sobre todo, en su faceta más introspectiva, reflexiva y personal.

La muestra ahondará en cuestiones poco estudiadas de su producción, como el progresivo alejamiento del punto de vista en sus obras, la síntesis de lo cotidiano con lo pastoral, el distanciamiento sentimental de sus paisajes y la importancia en sus obras finales, de ámbitos privados del artista. Asimismo, la exposición mostrará por vez primera los grabados que Dufy realizó para el Bestiario de Apollinaire, junto a varios de sus dibujos preparatorios.

Paul Delvaux: paseo por el amor y la muerte
Del 24/02/2015 hasta el 07/06/2015

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición dedicada al pintor belga Paul Delvaux (1897-1994).

Tras una primera etapa marcada por el expresionismo flamenco, Delvaux descubrió el surrealismo y experimentó la influencia de Magritte y Giorgio de Chirico. En el onírico mundo de Delvaux figuras femeninas vagan como sonámbulas por escenarios nocturnos, ofreciendo a la mirada del espectador su desnudez a la vez fría y sensual.

Esta exposición reúne más de medio centenar de obras del pintor, procedentes de colecciones públicas y privadas de Bélgica, y especialmente de la colección Ghêne. En ella se recorren cinco grandes temas de la iconografía de Delvaux entre Eros y Tánatos: la Venus yacente; la obsesión por el Doble; las arquitecturas clásicas y las estaciones de ferrocarril; y finalmente la Danza de la muerte.

Zurbarán: una nueva mirada
Del 09/06/2015 hasta el 13/09/2015

Una muestra que ofrece un selecto recorrido por la producción del artista, coetáneo de Velázquez, desde sus primeros encargos hasta las obras claves de su periodo de madurez.

La visión realista y mística de su pintura, así como su peculiar manera de abordar los distintos temas que trató, han hecho de Zurbarán, uno de los pintores más importantes del Siglo de Oro español, y una figura fundamental reconocida por las corrientes pictóricas modernas.

Obras de tema mitológico y retratos completan la amplia producción de temática religiosa a lo largo de las siete salas de la exposición, en la que se confrontarán las obras del pintor extremeño con las de sus discípulos y las de su hijo Juan de Zurbarán.

Edvard Munch
Del 06/10/2015 hasta el 17/01/2016

El Museo Thyssen-Bornemisza presentará en otoño de 2015 la primera gran exposición dedicada al artista noruego en Madrid desde 1984. En ella se examinará la larga y prolífica carrera de Edvard Munch a través de ochenta obras del pintor, gran parte de ellas procedentes de la colección del Munch Museet de Oslo.

La muestra, que podrá visitarse hasta enero de 2016, ofrecerá un análisis de las estrategias artísticas de las que el pintor se valió para orientar el espacio hacia una dimensión psíquica y convertir sus composiciones en una perdurable verdad simbólica de la condición humana.

La exposición abordará la representación de la figura humana en diferentes escenarios, para revelar la radicalidad del lenguaje plástico de Munch, y estudiar el juego entre las formas planas y sinuosas, la ambigüedad de los contrarios, el color simbólico, la deformación expresiva del cuerpo o la utilización de técnicas experimentales de grabado.

El renacer del Museo de Historia de Madrid

07/01/2015, Tras la reforma del edificio barroco que lo alberga y el montaje de su exposición permanente vuelve a abrir sus puertas el Museo de Historia de Madrid.

Madrid, 7 de enero de 2015
Creado como Museo Municipal en el año 1929 y rebautizado como Museo de Historia de Madrid en 2007, el museo ha sido sometido a una ambiciosa restauración que ha modernizado su espacio, ampliándolo, mejorando su distribución y haciéndolo más accesible a todo tipo de público.

El propósito del Museo es potenciar su presencia en una ciudad rica en oferta museística, mostrando, a través de sus colecciones, un completo panorama histórico de la evolución histórica de la ciudad, desde el Madrid de los Austrias hasta los inicios del siglo XX.

La presentación de sus colecciones se muestra de forma novedosa, e incorpora apoyos textuales que acercan al visitante a la historia de la ciudad. De esta manera, estampas, pinturas, fotografías, postales, dibujos, porcelanas, abanicos y otras joyas muestran la evolución histórica y urbanística de la ciudad, las artes, la vida cotidiana y las costumbres de los madrileños.

El discurso expositivo se articula en tres áreas temáticas definidas:

1. Madrid, Villa, Corte y capital de dos mundos: Desde el establecimiento de la Corte hasta el siglo XVIII. Muestra la ciudad del Antiguo Régimen como centro decisorio del imperio de los Austrias.

2. Madrid, Centro ilustrado del poder: Abarca todo el siglo XVIII hasta la Guerra de Independencia. La nueva dinastía de los Borbones introduce importantes cambios en el modo de gobierno y trata de ejecutar grandes operaciones urbanísticas en la ciudad.

3. Madrid, El sueño de una ciudad nueva: Del siglo XIX hasta el estallido de la primera Guerra Mundial. Esta sección se centra en los cambios que se producen con la llegada de la Revolución Industrial y su incidencia en la ciudad.

Museo de Historia de Madrid
Calle Fuencarral, 78

Rubens en privado

02/01/2015, La Casa de Rubens en Amberes presentará desde el próximo 28 de marzo de 2015 una exposición con docenas de retratos de familia pintados por este gran maestro de la pintura.

En la primavera de 2015 una exposición única llega a la casa de Rubens de Amberes, Rubens en privado. El maestro retrata su familia, que podrá visitarse hasta junio de 2015.

A pesar de que se suele decir que nunca sintió gran pasión a la hora de realizar retratos, Rubens (1577-1640) está considerado como uno de los mejores retratistas de su época.

Sus mejores y más íntimos retratos son, sin duda, los que el artista realizó a sus familiares más cercanos, tanto los que realizó a sus esposas Isabella y Helena, como a sus hijos, hermanos y cuñados. Por supuesto, el maestro también realizaría una gran cantidad de autorretratos suyos a lo largo de su vida.

Estos retratos, realizados por cariño y como recuerdos, muestran a un Rubens más experimental. En ellos, el artista prescinde de artificios, para presentar a sus seres queridos tal y como él los veía.

Por primera vez, estas maravillosas obras se exhiben juntas en un lugar muy especial la antigua casa de Rubens en Amberes.

La exposición está comisariada por expertos internacionales Rubens e incluye unas 50 pinturas y dibujos procedentes de museos, como el de los Uffizi en Florencia, el Museo Británico de Londres, el Museo del Louvre en París, el Hermitage de San Petersburgo y colecciones reales como la del Príncipe de Liechtenstein o la Colección Real de la casa británica.

Rubens en privado. El maestro retrata su familia (Rubens in private. The master portrays his family)
28.03.15 - 28.06.15
La Casa de Rubens en Amberes

Adrian Ghenie en el CACMálaga

02/01/2015, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual en un museo español del artista rumano Adrian Ghenie.

Málaga, 2 de enero de 2014
una treintena de pinturas de pequeño y gran formato presentan al público el universo pictórico de Adrian Ghenie, un artista cuya personal pintura recrea una atmósfera parecida a la del cine, una de sus principales fuentes de inspiración.

Otras referencias que Ghenie tiene en cuenta en su obra son los diferentes episodios históricos de Europa, sobre todo los acontecidos en el siglo XX. La Guerra Fría, la Segunda Guerra Mundial y las personalidades destacadas de aquella época, se abordan en la obra del rumano desde un prisma diferente, con pinceladas psicoanalíticas y autobiográficas.

El estilo singular del artista hace que en sus obras se perciba de una forma diferente a personajes conocidos por todos, pero que Ghenie presenta deformados y con unos pocos rasgos perceptibles que ayudan a que sean identificados.

En sus collages, Ghenie experimenta con diferentes tamaños de lienzos y colores. En ellos, el artista analiza, a través de la combinación de imágenes reales tomadas de fotografías documentales junto con sus experiencias personales, el poder que tiene la imagen y cómo se percibe y permanece en el subconsciente de las personas.

Adrian Ghenie (Baia Mare, Rumania, en 1977) se graduó en la Universidad de Arte y Diseño en la ciudad rumana de Cluj en el año 2001. En 2006 expone su primera individual en la Galeria Plan B en Cluj. Entre las exposiciones individuales más destacadas del artista están las del Museo de Arte Contemporáneo de Denver en Estados Unidos (2012/2013); la del Museo de Arte Contemporáneo de Gante en Bélgica (2010/2011); y la del Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Bucarest en Rumania (2009/2010).

Adrian Ghenie
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Hasta el 8 de marzo de 2015
C/ Alemania, s/n Málaga