Archivo de noticias de 2014

El Greco. La mirada de Rusiñol

31/12/2014, Esta exposición, enmarcada en la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Doménico Theotocópuli, recuerda la aportación de Santiago Rusiñol a su revalorización.

Barcelona, 31 de diciembre de 2014
La Fundación Francisco Godia presenta la exposición "El Greco. La mirada de Rusiñol", una muestra que explica la fascinación de Rusiñol (1861-1931) por El Greco (1541-1614) y la influencia que el artista griego tuvo en la trayectoria del artista catalán.

La exposición reúne una decena de obras atribuidas al cretense, incluyendo las telas adquiridas por Santiago Rusiñol, así como otras procedentes de colecciones privadas. Estas obras se presentan junto a una selección de obras de Rusiñol y de otros autores coetáneos como Ramón Casas, Pablo Picasso, Darío de Regoyos o Ignacio Zuloaga.

El Greco
Doménico Theotocópuli nació en Creta en 1541, donde trabajó hasta 1567 como pintor de iconos a la manera postbizantina.

Alcanzó gran prestigio como maestro pintor, aunque de aquella época sólo se conocen con seguridad tres obras suyas: La Dormición de la Virgen, San Lucas pintando el icono de la Virgen y La Adoración de los Magos.

En 1567 viaja a Venecia, donde empezaría a recibir sus primeros encargos. Allí reside hasta 1570, formándose en el taller de Tiziano y aprendiendo el empleo del color, la perspectiva, la anatomía y la técnica del óleo.

Tras un viaje de estudios por Italia se instala en Roma, donde entra en contacto con el círculo intelectual del Cardenal Alessandro Farnese.

En 1572 ingresa, con derecho a abrir su propio taller, en la asociación gremial romana, la Accademia di San Luca, trabajando como retratista y en pequeñas obras.

Se traslada a Madrid en 1576. Recibe encargos de Felipe II, que entonces desarrollaba la gran obra de El Escorial. Un año después se establece en Toledo, donde paulatinamente su pintura se hace cada vez más subjetiva e intelectual.

En Toledo el Greco vive la mitad de su vida, el período más fructífero de su trabajo. Finalmente en esta ciudad española lograría el reconocimiento que no había alcanzado en Italia.

El Greco. La mirada de Rusiñol
Fundación Francisco Godia
Hasta el 2 de febrero de 2015
Diputació, 250 (entre Rambla Catalunya y Balmes)

La construcción social del paisaje

30/12/2014, Una exposición del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo profundiza en el proceso creativo a través del cual el artista reinterpreta y reconstruye el paisaje, dándole un nuevo significado.

Sevilla, 30 de diciembre de 2014
El paisaje ha sido un tema constantemente representado a lo largo de la historia del arte, recuperándose en las vanguardias con nuevas estéticas e intenciones y convirtiéndose en uno de los campos de investigación del arte contemporáneo. La exposición del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo reúne una amplia selección de fotografías, pinturas, dibujos, instalaciones y vídeos que nos muestran algunos de los principales caminos que han seguido los artistas de las últimas décadas a la hora de abordar y reinterpretar el tema del paisaje.

Estas imágenes sirven de reflexión sobre la ruina, el abandono y la degradación de las ciudades posmodernas y sus periferias, o acerca al espectador, a veces de forma concreta y otras de modo abstracto, a una naturaleza transformada por la mano del hombre. En definitiva, el paisaje no solo nos muestra cómo es el mundo, sino que es también una construcción, una composición, una forma de verlo.

Las obras, procedentes del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Colección DKV y la Nueva Colección Pilar Citoler, se complementan entre ellas y ofrecen una visión de cómo se ha recuperado en las últimas décadas el género del paisaje.

Los artistas participantes son: Alfonso Albacete, Lara Almarcegui, Tete Álvarez, Olivo Barbieri, Sergio Belinchón, Bleda y Rosa, Miguel Brieva, Franóois Bucher, Salomé del Campo, Daniel Canogar, Juan Manuel Castro Prieto, Gerardo Custance, Patricia Dauder, Daniel Faust, Jorge Fuembuena, Santiago Giralda, Dionisio González, José Guerrero, Federico Guzmán, Cristina Iglesias, Leandro Katz, Miki Leal, Zoe Leonard, Mark Lewis, Anna Malagrida y Mathieu Pernot, Mireya Masó, Rosell Meseguer, Matt Mullican, Eduardo Nave, Guillermo Pérez Villalta, Paloma Polo, Xavier Ribas, Néstor Sanmiguel, Soledad Sevilla, Alejandro Sosa, Zoé T. Vizcaíno, Santiago Ydáñez, Jorge Yeregui, Fernando Zóbel y Jesús Zurita.

La construcción social del paisaje
Hasta el 29 de marzo de 2015
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

Genaro Pérez Villaamil en el Prado

26/12/2014, El Museo del Prado presenta un conjunto pintado por Genaro Pérez Villaamil entre 1835 y 1839, y formado por 42 pinturas que representan monumentos arquitectónicos españoles.

Madrid, 26 de diciembre de 2014
Las vistas están organizadas sobre soportes de hojalata, en un díptico rematado con arquivoltas ojivales sobre columnas. Su concepción y carácter hacen de este conjunto una joya única en su género en el Romanticismo español.

Ese bello trabajo del natural realizado al óleo muestra la habilidad de Genaro Pérez Villaamil a la hora de representar exteriores e interiores arquitectónicos de la España de la época.

El artista trabajaba estas pinturas al óleo directamente sobre la hojalata, con una superposición de capas muy diluidas de pintura y un toque final con pigmentos que resaltaban la luz.

La hojalata fue muy utilizada por Perez Villaamil para este tipo de encargos, al igual que también la utilizó Goya. Sin embargo, las siguientes generaciones de artistas de paisaje como Carlos de Haes, Fortuny, o Marín Rico prefirieron utilizar ligeras tablillas de madera en las que los pigmentos se absorbían mejor.

Vistas monumentales de ciudades españolas. El pintor romántico Genaro Pérez Villaamil
Museo Nacional del Prado
Hasta el 6 de septiembre de 2015

El artista bajo el mito

23/12/2014, La exposición del Museu Nacional d’Art de Catalunya dedicada a Carles Casagemas reivindica la obra de un prometedor y singular artista que murió de manera prematura.

Barcelona, 23 de diciembre de 2014
Carles Casagemas (Barcelona, 1880 Ц París, 1901) fue gran amigo de Pablo Picasso, a quien acompañó en su primer viaje a París, ciudad donde se suicidó con veinte años de edad.

La muestra del Museu Nacional dТArt de Catalunya restituye la condición de artista de Casagemas exponiendo la mayoría de su producción conocida: un total de 38 obras, 7 óleos y un conjunto de 31 dibujos.

La obra de Casagemas presenta una gran variedad de registros. Sus escenas de costumbres y sus figuras femeninas contrastan con la iconografía del lumpen y los burdeles, reproduciendo así las preocupaciones estéticas y vitales propias de los artistas modernos de los albores del siglo XX.

Pintor y escritor, la figura de Casagemas adquirió una dimensión mítica a raíz de su trágica muerte. La muestra monográfica del Museu Nacional dТArt de Catalunya presenta un interesante conjunto de documentos, fotografías y textos literarios que ayudan a comprender al artista y sus inquietudes.

En la muestra se exponen un total de 38 obras: 7 óleos y 31 dibujos. Destacan los óleos, de los que hasta el día de hoy sólo se conocían 3 y se exponen 7. En su mayoría, las obras que han llegado hasta nosotros son pasteles y carboncillos, muchos de ellos acuarelados.

Carles Casagemas. El artista bajo el mito
Del 31 de octubre de 2014 al 22 de febrero de 2015
Museu Nacional dТArt de Catalunya

MUSAC: 10 años después

22/12/2014, En 2005 se inauguraba en León el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. La exposición 10 años después nos muestra cómo ha evolucionado el mundo desde entonces.

León, 22 de diciembre de 2014
Con motivo de la inauguración, el MUSAC presentó "Emergencias" una exposición que se hacía eco de las preocupaciones sociopolíticas que ocupaban a los artistas que constituían la Colección MUSAC en aquel momento.

Diez años depués de la apertura del MUSAC observamos que el mundo ha cambiado. Las preocupaciones que existían en 2005 siguen ahí, se han agudizado, y ahora están acompañadas por nuevas problemáticas sociales: conflictos armados, pobreza y exclusión social, cambio climático...

En esta década del MUSAC, la institución ha incorporado nuevas piezas y autores a su Colección. Estos autores tampoco son ajenos al devenir sociopolítico y económico de su presente, y con sus obras cuestionan y reflexionan en torno a los aspectos más duros y negativos de nuestra realidad.

Para conmemorar el décimo aniversario del MUSAC, la exposición "10 años después", muestra al público parte de sus fondos, agrupados en tres temáticas: crisis sociales, medio y violencia.

Crisis sociales aborda el distanciamiento que existe entre los ámbitos del ejercicio del poder y la ciudadanía y las consecuencias que las decisiones que los primeros adoptan tienen sobre los segundos. Este espacio muestra el impacto que la crisis económica ha tenido en nuestra sociedad.

Medio hace referencia a las relaciones del ser humano con su entorno físico y social. Este espacio evidencia la presión que ejercemos sobre el planeta y cómo estamos diezmando sus recursos naturales.

Violencia es un apartado dedicado a los conflictos armados, guerras, terrorismo... y las consecuencias para aquellos que sufren estas situaciones desesperadas, en las que no sólo pueden perder a sus familias, sino también verse desplazados de sus países de origen y acabar en campos de refugiados en los que las condiciones de vida son infrahumanas.

Últimos días de Constantin Meunier

19/12/2014, En menos de un mes se clausura esta muestra del Royal Museum of Fine Arts of Belgium, dedicada al artista belga del siglo XIX Constantin Meunier.

Bruselas, 19 de diciembre de 2014
Esta gran exposición retrospectiva del pintor y escultor belga Constantin Meunier (1831-1905) proporciona una visión rica y variada de la obra del artista y presta especial atención a las pinturas de las primeras décadas de su carrera que, hasta la fecha, apenas se han estudiado.

Constantin Meunier comenzó su formación de escultor a la edad de catorce años en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Cumplidos los veinte empieza a sentir interés por la pintura realista. En sus primeras pinturas, el artista ya empieza a expresar las preocupaciones sociales que le inquietarían durante toda su vida.

Entre 1854 y 1870 el belga pintó y dibujó en su mayoría obras religiosas y devocionales. En este período temprano sentó las bases espirituales para las escenas realistas protagonizadas por heroicos obreros y mineros que realizaría más adelante y que le darían gran fama.

Desde octubre de 1882 y hasta abril de 1883 Meunier reside en la ciudad española de Sevilla, donde realiza una copia del Descendimiento de la Cruz de Pedro de Campaña (1503-1580). Durante su estancia en Sevilla, Meunier entra en contacto con la tradición artística española del Siglo de Oro, y pinta escenas pintorescas y románticas.

Tras su vuelta de España, el artista pone el foco de su mirada en la industria, en su ruido abrumador, la intensidad, el calor y su atmósfera dramática. El artista introduce en sus pinturas a jornaleros, mineros y trabajadores portuarios. Estos personajes se convertirán en íconos de la era industrial, de la modernidad y del desarrollo de la vida social y política en Bélgica en el siglo XIX.

A partir de 1885 y en adelante, dedica cada vez más tiempo a las escenas de la vida en las minas de carbón. Visita estos fascinantes paisajes industriales en persona y representa las diferentes etapas del peligroso trabajo que realizan los hombres, mujeres y niños condenados a trabajar en la oscuridad, sucios, agotados y sin esperanzas.

En la muestra del Royal Museum of Fine Arts se pueden contemplar, además de una representativa selección de pinturas y esculturas de bronce, dibujos, bocetos y otros documentos de archivo que otorgan una visión más completa del artista.

Constantin Meunier
Hasta el 11 de enero de 2015
Royal Museum of Fine Arts of Belgium
Museumstraat 9, Brussel

Retrato de Aida

19/12/2014, Se estrena en Cineteca-Matadero "Retrato de Aida", candidato a los Premios Goya 2015 en la categoría Mejor Película Documental.

Madrid, 19 de diciembre de 2014
Este documental, dirigido por Antonio Gómez-Olea profundiza en la relación que se establece entre el pintor (Guillermo Oyágüez Montero) y su modelo (la actriz Aida Folch), una relación que, sesión a sesión, va quedando reflejada en la obra final.

El filme, candidato al Goya en la categoría Mejor Largometraje Documental, llega a las pantallas de Cineteca-Matadero, en Madrid, este viernes 19, sábado 20 y domingo 21 de diciembre de 2014. El viernes 19 habrá un coloquio con el director, tras el estreno en Cineteca-Matadero a las 20:00 h.

El objetivo de "Retrato de Aida" es acercar el arte de manera natural al público, y mostrar que el arte va más allá de la esfera elitista en la que en ocasiones se le sitúa. El documental ofrece la posibilidad de ver a un pintor durante el proceso de trabajo, sus dudas, su forma de enfocar el proyecto y cómo llega, después de un año de trabajo, al resultado final.

Guillermo Oyágüez Montero, pintor del documental explica que todo surgió en una exposición que estában visitando él y Aida por separado. Un amigo común los presentó y Guillermo propuso la idea a la actriz, que rápidamente quiso colaborar en el proyecto.

Trailer de "Retrato de Aida": http://vimeo.com/66084201

Monumentos Arquitectónicos de España

18/12/2014, Calcografía Nacional presenta una exposición de estampas originales de edificios españoles realizadas en el siglo XIX.

Madrid, 18 de diciembre de 2014
Este proyecto de arte gráfico europeo nació al amparo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y bajo el control científico de la Escuela de Arquitectura. El objetivo era crear un catálogo visual de imágenes la totalidad del patrimonio arquitectónico de España, en una publicación de estampas de lujo.

La obra pretendía reunir los principales monumentos de las tres culturas existentes en el país, utilizando las nomenclaturas “pagana”, “mahometana” y “cristiana” para clasificar las obras representadas.

La realización de los dibujos fue encargada a profesores formados en la Escuela Superior de Arquitectura quienes, ayudados por alumnos, pintores y fotógrafos viajaron a las provincias y tomaron apuntes de los edificios.

La extraordinaria calidad de las estampas hace que esta colección sea una verdadera joya, en la que se unen los más estrictos criterios de estampación y los mejores materiales.

La obra, compuesta por 281 estampas, es un excepcional testimonio de cómo se encontraban, a mediados del siglo XIX, algunos edificios españoles, cuyas estructuras y ornamentaciones han sufrido alteraciones con el paso del tiempo.

Monumentos Arquitectónicos de España
Del 23 de diciembre de 2014 al 15 de febrero de 2015
Calcografía Nacional
Calle Alcalá 13, Madrid

De animales y hombres

18/12/2014, El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta De animales y hombres. Estampa japonesa y katagami, hasta el 15 de marzo de 2015.

Madrid, 18 de diciembre de 2014
El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta una selección de estampas y katagami de las épocas Edo y Meiji que introducen al visitante en un expresivo mundo de papel.

Estas piezas de origen oriental muestran escenas de la vida cotidiana en la ciudad de Edo, sus cánones de belleza y elegancia, la pasión por el paisaje y la naturaleza, el interés de una cultura ancestral por la ciencia y por la poesía... en definitiva, escenas que reflejan el magnetismo de Oriente en estado puro.

La selección de piezas fue producida en Japón entre los siglos XVIII y XX, y cuenta con dos técnicas concretas, el grabado polícromo con planchas de madera (ukiyo-e) y las plantillas de estarcido para teñir tejidos (katagami).

El ukiyo-e es una técnica compleja en la frontera entre la producción artística y la artesanía de alta calidad creada en el periodo Edo (1603-1868) para las clases urbanas de mayor poder adquisitivo.

Sus usos (ilustración de libros y publicaciones; compendios de imágenes; carteles publicitarios y propaganda) y temas (retratos, vida cotidiana, temas literarios e históricos, paisajes y animales), giraban en torno a cuestiones que conectaban con la cultura oriental y mostraban elementos estéticos própios de la sociedad del momento.

Su exotismo y su refinamiento fascinaron a los artistas occidentales, ejerciendo una gran influencia en el arte europeo desde la segunda mitad del siglo XIX. Destacan dentro de esta exposición las obras de maestros tan significativos como Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai, Ando Hiroshige, Utagawa Kuniyoshi, Utagawa Kunisada y Ogata Korin.

Las plantillas de Katagami, estaban realizadas con un papel grueso y resistente de fibras de corteza de morera empapadas en jugo de caqui verde. Las técnicas de corte se organizaban en torno a cuatro especialidades: Corte por tracción (hikabori), calado de puntos (kiribori), corte troquelado (dogubori) y corte por presión (tsukibori).

Los temas, normalmente extraídos de la naturaleza, se combinaban con diseños geométricos de carácter tapizante y de múltiples variaciones. Si bien los ejemplares de esta exposición son especialmente sencillos —por estar destinados al estampado de motivos centrales, cenefas y esquinas, posiblemente para pañuelos—, es habitual encontrar plantillas con calado de gran complicación que requerían de una trama de hilos de seda para mantener su integridad.

El Ise katagami se desarrolló en el contexto cultural de Edo ant la demanda de indumentaria estéticamente refinada y actualizada a los dictados de la moda del momento.

De animales y hombres. Estampa japonesa y katagami
Museo Nacional de Artes Decorativas
Hasta el 15 de marzo de 2015

Invierno y cultura en Soria

17/12/2014, La provincia de Soria dispone de instituciones como el Museo Provincial del Traje Popular o el Museo ‘Magna Mater’, un valioso yacimiento con mosaicos romanos.

Soria, 17 de diciembre de 2014
La provincia de Soria es un territorio que abarca 10.306 kilómetros cuadrados de diversidad paisajística, 600.000 hectáreas de masa forestal, más de 300 testimonios románicos y una espectacular oferta gastronómica que hará las delicias de sus visitantes.

Al patrimonio arquitectónico y natural que albergan Soria y sus pueblos se suma una interesante oferta museística que ayuda al viajero a comprender el destino que se visita: su historia, su pasado, y su presente.

Museo Provincial del Traje Popular de Soria
Ubicado en el Palacio de los Mendoza en Morón de Almazán, este Museo reúne más de 500 joyas de la vestimenta del pueblo soriano. La mayoría de las piezas que componen la colección del Museo han sido recibidas directamente de los familiares de las personas que las lucieron.

El visitante puede descubrir aquí los modos de vestir de las diferentes zonas de la provincia. Encontrará ejemplos de cómo lucían las personas aldeanas, o de las prendas características de familias ricas, pastores trashumantes o las prendas que se lucían en celebraciones y otros eventos de importancia popular en la vida de los sorianos.

El Museo cuenta con tres plantas y dos entreplantas en las que se muestra, además de vestimenta, textiles de ajuar doméstico, adornos, utillaje para tejer y otros elementos de mobiliario y aresanía tradicional.

Museo ‘Magna Mater’
El Museo ‘Magna Mater’ de las Villas Romanas de Cuevas de Soria fue inaugurado en el año 2012. En el museo, el turista puede visitar este valioso yacimiento romano y sus mosaicos.

El yacimiento, junto al río Izana, revela una amplia mansión de casi cuatro mil metros cuadrados de superficie y más de treinta habitaciones, levantada hacia la mitad del siglo IV.

Pero sin lugar a dudas, la gran joya artística de este yacimiento son sus mosaicos geométricos policromáticos, elaborados con diferentes tipos de piedras y colores.

Paneles informativos y didácticos, maquetas y audiovisuales acercan al visitante al mundo rural romano, y explican el funcionamiento de las termas, la visualización de los mosaicos, o la historia del nacimiento y desaparición de la villa romana.

Alvin Langdon Coburn en la Fundación Mapfre

16/12/2014, Fundación Mapfre presenta una retrospectiva dedicada a este gran fotógrafo norteamericano, pionero de la fotografía moderna y abstracta.

Madrid, 16 de diciembre de 2014
Hasta el 8 de febrero de 2015 se puede visitar en la sala de exposiciones de Fundación Mapfre, una muestra del fotógrafo Alvin Langdon Coburn, compuesta por 180 fotografías que ofrecen la más completa panorámica del artista que se ha realizado hasta la fecha en Europa.

Pionero de la fotografía moderna, pictorialista, simbolista, vanguardista e innovador, Alvin Langdon Coburn (Boston, 1882 – Gales, 1966) fue uno de los fotógrafos más destacados del cambio de siglo. La selección de fotografías de esta exposición examina su amplia gama de facetas creativas, representadas en forma de retratos de figuras del pensamiento y la creación del siglo XX como Auguste Rodin, Henri Matisse, Alfred Stieglitz, Mark Twain o Henri James; imágenes urbanas e industriales de Nueva York; extraordinarios paisajes naturales o atrevidas fotografías vorticistas.

En 1890, en su octavo cumpleaños, sus tíos le regalan una cámara fotográfica Kodak de 4 x 5”. Coburn empieza entonces a sentir gran interés por la fotografía. Con 15 años, Coburn dispone ya de un estudio en su casa.

Con sólo 17 años viaja a Londres para formar parte de la exposición The New School of American Photography en la Royal Photographic Society. Coburn expone sus fotografías junto a fotógrafos estadounidenses como Gertrude Kдsebier o Clarence H. White.

A pesar de establecer sólidos lazos con el mundo artístico de la época, Coburn no se especializaría en retratos, desnudos y paisajes, tal y como harían sus compañeros fotógrafos. Йl se dedicaría a retratar el paisaje industrial. Su interés por las ciudades grandes y la maquinaria industrial le llevaría a experimentar con puntos de vista y perspectivas poco frecuentes para la época.

Coburn demostró además un dominio innovador en el campo de las técnicas fotográficas. Su pericia a la hora de trabajar con los procesos de positivado le permitiría dotar a cada una de sus obras de una individualidad propia y de un estilo muy personal.

A lo largo de su trayectoria, Coburn fotografía en distintos momentos la ciudad de Nueva York. Su interés por las vistas urbanas de la ciudad le llevan a crear imágenes como The Octopus [El pulpo], de 1909, una fotografía casi abstracta tomada desde la cima del Metropolitan Tower que representa los senderos despejados de nieve del Madison Square Park.

En el año 1906 Coburn emprende un viaje por el Mediterráneo para fotografiar ciudades europeas. Su intención es la de publicar un libro al año dedicado a ciudades como Londres, Edimburgo, Nueva York, Pittsburgh, París o Venecia. Al final sólo se publicarían los libros de Londres, Edimburgo y Nueva York.

En 1911, tras su regreso a Estados Unidos, Coburn emprende una expedición fotográfica a California, Yosemite y el Gran Cañón. Este viaje determinará la orientación de su carrera en el futuro. En sus fotos, la naturaleza se reduce a sus formas y estructuras más simples. Sus fotografías, de gran pureza, aparecen matizadas por un halo de espiritualidad mística.

En 1912 el fotógrafo se establece en Londres de manera definitiva. Allí aprende composición, pintura y grabado con el artista Frank Brangwyn y la técnica del fotograbado en la County Council School of Photo-Engraving.

En Londres, Coburn participa en el movimiento vorticista británico. Este movimiento, caracterizado por el arte geométrico y semiabstracto, se basaba en formas procedentes de las máquinas y la arquitectura.

A finales de 1916, Coburn diseña el vortoscopio junto con su amigo el escritor Ezra Pound. Coburn tomaría con su vortoscopio imágenes prismáticas de trozos de madera, cristal, marcos de ventanas y mesas de vidrio. Los retratos tomados con esta especie de caleidoscopio crearían desconcierto entre la gente de la época. Hoy estas imágenes son consideradas como las primeras fotografías abstractas.

Alvin Langdon Coburn
Hasta el 8 de febrero de 2015
Sala de exposiciones de Fundación Mapfre
Barbara de Braganza, 13. Madrid

Unicornios y libros imposibles

15/12/2014, Del 22 de noviembre al 27 de diciembre se presenta en Salamanca, Galería Benito Esteban, una magnífica y original proposición artistica: el libro de BO.

Salamanca, 15 de diciembre de 2014
Alfredo Omaña y J. M. Benéitez, acercan la literatura y el arte al mundo de la leyenda y lo imposible, avanzando en una propuesta creativa presentada en 2013 en Orense

La exposición El libro de BO gira en torno a las nociones de realidad, ficción, arte y literatura; en un dialogo entre libros objeto de Benéitez, y la formación de esqueletos de unicornios de Omaña.

Para ahondar en el dialogo, los textos de autores como Rilke, Ullán, García Valdés, Casariego Córdoba y López-Carballo.

Realidad e irrealidad juntas, como en el poema Unicornio, de Rainer María Riljke:

“Este es el animal que no existe. Aunque ellos
no lo sabían y, como fuera, lo amaron
su manera de andar, su carácter, su cuello,
hasta la luz que había en su mirar tranquilo.
Es cierto, no existía. Pero porque lo amaban
se hizo un animal puro. Dejaron siempre espacio.
Y en el espacio claro y que quedaba libre
le fue fácil alzar la cabeza y apenas
necesitó existir. Nunca lo alimentaron
con grano, sólo con la posibilidad
de ser. Y ésta le dio tal fuerza al animal
que un cuerno le creció en plena frente. Un cuerno.
Se acercó a una doncella, rebosando blancura,
y existió en el espejo de plata al par que en ella”.

Reabre el Museu del Disseny de Barcelona

15/12/2014, El Museu abre las puertas de su nueva sede en el edificio Disseny Hub Barcelona. Para celebrarlo, hasta el 31 de enero de 2015 la entrada será gratuita.

Barcelona, 15 de diciembre de 2014
Han transcurrido dos años desde que el Museu del Disseny de Barcelona cerrara sus puertas a finales del 2012. Ahora, el Museu inaugura nueva sede en el Disseny Hub Barcelona, una propuesta museográfica que da nuevo sentido a las colecciones originales de artes decorativas, cerámica, textil y artes gráficas del Museu del Disseny.

El Museu abre sus puertas con sus exposiciones permanentes, a las que se le irán sumando las futuras exposiciones temporales.

Exposiciones permanentes:

¡Extraordinarias! Colecciones de artes decorativas y artes de autor (siglos III-XX): Un recorrido cronológico, del siglo III al XX, entre las distintas colecciones, conservadas en el museo, de cerámica, tejidos, mobiliario, vidrios, miniaturas, relojes, papeles pintados y otros objetos.

El diseño gráfico: de oficio a profesión (1940-1980): Una exposición dedicada a la generación que impulsó el paso de oficio a profesión de lo que ya conocemos, desde hace décadas, como diseño gráfico. Esta exposición explica cómo, justo acabada la Guerra Civil, los denominados cartelistas o dibujantes publicitarios dieron el salto hacia la profesionalización.

Del mundo al museo. Diseño de producto, patrimonio cultural: Objetos de múltiples diseños y funciones nos acompañan a lo largo de nuestra vida y nos muestran que a medida que el mundo cambia también lo hacen los objetos. Cada una de las piezas de esta exposición está considerada una muestra representativa del diseño de su tiempo, de las diversas aportaciones materiales y técnicas propuestas por sus autores, así como de su resonancia sociocultural.

El cuerpo vestido. Siluetas y moda (1550–2015): Las diferentes maneras de vestirse tienen que ver con los códigos morales, sociales y estéticos de cada época. La moda impone cánones de belleza y las siluetas y los volúmenes se modifican. El cuerpo vestido explica cómo el vestido modifica las proporciones, la apariencia, y cambia la percepción de la persona con respecto al espacio y a otros individuos.

Museu del Disseny de Barcelona
Edificio Disseny Hub
Pl. de les Glòries Catalanes, 37-38

El aura de los ciervos

12/12/2014, El Museo del Romanticismo presenta una muestra de Miguel Ángel Blanco en la que creaciones contemporáneas convive con obras del Museo, y evocan en el espectador una imagen mítica de la naturaleza.

Madrid, 12 de diciembre de 2014
Miguel Ángel Blanco es un artista inusual, que sabe ver y redescubrir lo que nos rodea, captar intuitivamente y establecer investigaciones poéticas sobre el territorio que habita el ser humano.

Este proyecto, en el que el artista trabaja en el ámbito de las colecciones de museo, intercala objetos y hechos creativos contemporáneos, dentro del discurso del museo, logrando reinterpretar el sentido de su colección.

Blanco, casi como si de un antropólogo se tratase, pone en valor objetos de la vida cotidiana de la época, juega con ellos, establece conversaciones, e impregna proximidad y calidez a este espacio de la memoria colectiva que es el Museo del Romanticismo.

El artista parte de "Vista del Real Palacio de Riofrío tomada entre el Norte y Levante, con relámpago", un grabado de Fernando Brambilla perteneciente a la colección del museo. El grabado sirve de base para realizar una selección de obras que reflejan la fascinación por un animal tan emblemático como el ciervo, con una carga simbólica ancestral y dan idea de las distintas facetas que tuvo en el período romántico su representación artística.

Estas obras se muestran junto a ocho libros-caja de Miguel Ángel Blanco pertenecientes a su Biblioteca del Bosque. La exposición se completa con una instalación sonora que escenifica la liberación del aura de los ciervos.

El aura de los ciervos. Miguel Ángel Blanco
Hasta el 1 de marzo de 2015
Museo del Romanticismo
C/ San Mateo, 13 Madrid

Ciencia, arte y vida. Víctor Grippo

11/12/2014, El Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá presenta, hasta el 2 de marzo de 2015, Transformación, una retrospectiva del artista argentino Víctor Grippo.

Bogotá (Colombia), 11 de diciembre de 2014
La obra de Víctor Grippo (Buenos Aires, Argentina, 1936-2002) es un canto a la vida: una celebración de la cotidianidad, del sentimiento de comunidad, del trabajo honesto... Una invitación a transformar la ciencia en arte y el arte, a su vez, en vida.

La exposición del Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá repasa cinco décadas de producción de uno de los pioneros del arte conceptual en Latinoamérica. Una panorámica del trabajo de Víctor Grippo, que va desde sus inicios en los años sesenta hasta 2002, año de su fallecimiento.

La muestra se organiza de manera cronológica y cuenta con algunas de sus obras más paradigmáticas: Algunos oficios (1976), Construcción de un horno popular para hacer pan (1972), la Serie Valijitas (dedicadas a Le Corbusier, a Kafka, al albañil, al crítico sagaz), Naturalizar al hombre, humanizar a la naturaleza o Energía vegetal (1977), Vida, muerte, resurrección (1980) y Analogía IV (1972).

El alquimista
Víctor Grippo estudió Química y Farmacia en la Universidad de La Plata. Durante sus años de facultad, inmersos en medio del cargado clima político de la dictadura militar Argentina de los años sesenta, Grippo desarrolló una rica actividad artística paralela, exponiendo en La Plata y Junín, su ciudad natal.

Su fascinación por la transformación y la regeneración de la naturaleza y su poder alquímico impregnaron sus primeras esculturas e instalaciones. Así, en la obra de Grippo la ciencia y el arte se cruzan constantemente. El artista une y contrapone distintas polaridades en busca de respuestas: lo consciente y lo inconsciente, el instinto y la razón, lo espiritual y lo material, lo masculino y lo femenino, la ética y la estética. En definitiva, la vida.

Rehuyendo los materiales costosos, Grippo se interesa por las soluciones artesanales, no industriales, una salida a la falta de recursos, una tecnología de la pobreza. Sus materiales, casi perecederos, dan lugar a instalaciones efímeras, en las que podemos encontrar materiales domésticos como la papa, una mesa o pan. Personajes o herramientas que se relacionan con oficios tradicionales: el herrero, el carpintero, el labrador, el albañil... son sacralizados para construir relatos que hablan de la cultura rural del continente, de lo pobre, de la vida cotidiana, de lo básico.

Grippo trata cuestiones prioritarias desde un punto de vista empírico y reflexivo. El artista aísla con pulcritud científica, preserva del tiempo y lanza al porvenir su obra, para donar al mundo un mensaje moral para las generaciones presentes y futuras.

Víctor Grippo. Transformación
Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá
Hasta el 2 de marzo de 2015

La Ola Negra: el tsunami diez años después

11/12/2014, 10 años después de la catástrofe del Sudeste Asiático, el Museo Nacional de Antropología presenta un proyecto fotográfico que analiza los cambios que se han producido en algunas de las zonas devastadas por el tsunami.

Madrid, 11 de diciembre de 2014
A las 7:58 de la mañana del 26 de diciembre de 2004 tuvo lugar una de las mayores catástrofes naturales vividas en nuestro planeta. El tercer terremoto más grande registrado desde la existencia del sismógrafo dió lugar a un gigantesco tsunami de olas de hasta 30 metros, que asoló las costas del Océano Índico durante las Navidades de 2004, dejándo a su paso muerte y destrucción.

El epicentro del terremoto principal se originó aproximadamente a unos 120 kilómetros al oeste de Sumatra, a una profundidad de 30 kilómetros por debajo del nivel del mar.

La magnitud de este terremoto, de una escala de magnitud de 9.1, fue tal que tuvo incluso repercusión en lugares tan lejanos como Alaska o Sudáfrica. En esta catástrofe natural murieron aproximadamente 300.000 personas, aunque según la ONU nunca llegaremos a saber la cifra real de fallecidos, pues miles de personas siguen aún desaparecidas.

La exposición del Museo Nacional de Antropología nos muestra las terribles consecuencias que tuvo el tsunami para las comunidades de las regiones afectadas, pero también cómo éstas se han ido recuperando tras una década de esfuerzo y superación.

Francisco Magallón, que ha realizado varios viajes al Sudeste Asiático en estos últimos 10 años, captura con su objetivo una serie de instantáneas que revelan una imagen panorámica de la sociedad de una de las zonas más afectadas por el tsunami y de las más desconocidas, la del norte de Sumatra.

La Ola Negra: el tsunami diez años después
Desde el 18/12/2014 hasta el 08/03/2015
Museo Nacional de Antropología

Las fantasías de Giovanni Domenico Tiepolo

10/12/2014, El Museo de Bellas Artes de Bilbao reúne un conjunto de obras que descubren el estilo decorativista de Giandomenico Tiepolo, heredero de la elegancia de los grandes de la pintura veneciana.

Bilbao, 10 de diciembre de 2014,
Giovanni Domenico Tiepolo (Venecia, 1727-1804) acompañó, junto a su hermano Lorenzo Tiepolo, al patriarca de la familia, Giovanni Battista Tiepolo (apodado Giambattista) en su viaje a Madrid en 1762. La familia llegó a España invitada por Carlos III, y con la tarea principal de decorar al fresco varios techos del Palacio Real, entre ellos, los del Salón del Trono. Con la muerte de Giambattista en Madrid en 1770, Giandomenico decidiría regresar a Venecia.

Durante su estancia en España Giandomenico realizó, además de decoraciones al fresco, diversos cuadros de caballete y obras sobre papel, de los que ahora el Museo de Bellas Artes de Bilbao exhibe una cuidada selección de once óleos sobre lienzo y una docena de aguafuertes, once de Giandomenico y una realizada por su padre.

Diez de los cuadros pertenecen a una colección particular y fueron presentados al público por vez primera en la Fundación Juan March de Madrid en 2012. El conjunto se enriquece en esta ocasión con otra pintura procedente de la colección de la Casa-Museu Medeiros e Almeida de Lisboa: Retrato de anciano con espada.

Las pinturas se inscriben en lo que se denomina “retrato de fantasía”, una idealización artística de carácter historicista que representaba tipos genéricos. En estos retratos, los personajes aparecen engalanados con ricas vestimentas y ornamentos, en actitudes estudiadas, y con rasgos y atributos característicos de determinados grupos sociales, económicos o intelectuales.

Este subgénero del retrato, sucesor de una larga tradición en la pintura veneciana, gozó de gran éxito en el mercado artístico europeo de los siglos XVI y XVII. El canon de belleza femenina para estos retratos procedía de los retratos de cortesanas pintados por artistas del siglo XVI, como Tiziano o Veronés, mientras que el canon masculino tuvo su principal antecedente en las estampas de Rembrandt.

Los retratos de fantasía de Giandomenico están fechados hacia 1768. Su unidad estilística, idéntico tamaño y similitud de atrezzo y actitudes de sus protagonistas hacen pensar que muy probablemente Giandomenico Tiepolo los ideara como un conjunto.

Realizados con la pincelada delicada y vibrante propia del autor, los retratos corresponden a tres hombres maduros y barbados de aspecto oriental, y a ocho mujeres jóvenes y hermosas. Los hombres se presentan solemnes y honorables, suntuosamente ataviados, mientras que las jóvenes responden a un modelo ideal de belleza femenina. Para la elaboración de los retratos femeninos, Giandomenico adaptó sus figuras a la estricta moral de la sociedad madrileña de Carlos III, rebajando su sensualidad y presentando una belleza elegante y contenida.

Giandomenico Tiepolo y sus retratos de fantasía
Del 10 de diciembre de 2014 al 20 de abril de 2015
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Museo Plaza, 2. Bilbao

Reflejos de la Historia

10/12/2014, El Museo Nacional de Cerámica presenta “Reflejos de la Historia. Memoria gráfica del Museo Nacional de Cerámica”. Además, hasta el 1 de febrero podrá verse el Belén Napolitano de la institución valenciana.

Valencia, 10 de diciembre de 2014
Hasta el 1 de febrero de 2015 pueden visitarse en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias de Valencia la exposición “Reflejos de la Historia. Memoria gráfica del Museo Nacional de Cerámica” y el "Belén Napolitano del siglo XVIII" que fue adquirido por el Ministerio de Cultura en una subasta navideña en el año 2002.

Reflejos de la Historia. Memoria gráfica del Museo Nacional de Cerámica
Con motivo del 60 aniversario de la instalación en su sede definitiva en el emblemático palacio del Marqués de Dos Aguas, en 1954, el Museo valenciano, reconstruye a través de textos de prensa y fotografías su memoria histórica.

La muestra se configura como una mirada a través del tiempo, al pasado de este Museo, creado para albergar las colecciones donadas años atrás por Manuel González Martí y su esposa Amelia Cuñat i Monleón.

La reconstrucción de esta historia a través de imágenes del archivo fotográfico del Museo Nacional de Cerámica, responde además al deseo de celebrar otro gran evento que se conmemora este mismo año: el 175 aniversario del nacimiento de la fotografía.

La selección de imágenes abarca un periodo comprendido entre finales de la década de los años 50 del siglo XIX y finales de los años 80 del siglo XX.

Belén Napolitano del siglo XVIII
Este representativo conjunto de la tradición española es uno de los pocos belenes napolitanos que se conservan en España. junto a los belenes del Museo Nacional de Escultura de Valladolid, el Museo Nacional de Artes Decorativas, el Palacio Real de Madrid, el Museo Arqueológico Nacional y la Fundación Bartolomé March de Palma de Mallorca.

El belén del Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias de Valencia está fechado en el siglo XVIII y lo componen 29 figuras de tamaños comprendidos entre los 10 y los 40 centímetros. La Sagrada Familia, dos ángeles y los tres Reyes Magos, además de otras catorce figuras entre pastores, bailarinas, danzantes y animales presentan escenas cotidianas.

Las figuras están realizadas en alambre recubierto de estopa, con la cabeza modelada en terracota, las extremidades de madera tallada, los ojos de vidrio y van vestidas con tejidos de la época. Para los complementos de los personajes se han utilizado cuentas de coral y perlas, castañuelas de marfil, estribos y coronas de metal, incensarios de plata, etc.

Reflejos de la Historia. Memoria gráfica del Museo Nacional de Cerámica
Belén Napolitano del siglo XVIII
Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias
Poeta Querol, 2. Valencia

Ruido y furia

09/12/2014, La Sala Canal de Isabel II presenta, del 16 de diciembre al 22 de marzo de 2015 la exposición Pablo Genovés. El ruido y la furia. Obras 2009 - 2014.

Madrid, 9 de diciembre de 2014
Pablo Genovés. El ruido y la furia, está formada por treinta y ocho fotografías pertenecientes a las series Precipitados, Cronología del ruido y Antropoceno, y que nos muestran los temas e intereses conceptuales en los que el autor ha trabajado en estos últimos años, la representación del poder económico, ideológico, religioso y cultural que ostentó una Europa ahora arrasada.

El recorrido expositivo parte de la violencia desatada de las imágenes iniciales -ríos desbordados, mares embravecidos y oleaje- que irrumpen en catedrales, palacios, teatros, bibliotecas o museos. Conforme ascendemos a las distintas plantas de la sala, una lenta devastación en forma de agua, hielo y humo invade estos escenarios. Por último, las consecuencias de la destrucción: barro, piedra, muros desconchados, ruinas...

Pablo Genovés Nacido en Madrid en 1959, Genovés ha estudiado en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y el Centro de Artes de Camden en Londres. El artista, que vive y trabaja en Madrid y Berlín ha impreso su sello personal en la fotografía española contemporánea. En su trabajo, Genovés emplea técnicas de fotografía digital y se apropia de imágenes antiguas para crear resultados inesperados que cuestionan la relación entre el hombre y la naturaleza.

Las fotografías de sus dos series, Precipitados y Cronología del Ruido, presentan espacios occidentales emblemáticos en los que la civilización y la naturaleza se enfrentan y luchan por la apropiación del espacio.

Pablo Genovés. El ruido y la furia. Obras 2009 - 2014
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
C/ Santa Engracia, 125. Madrid

Josep Llimona. 150 años

05/12/2014, El Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) presenta la exposición más completa de la obra de Josep Llimona, en conmemoración de los 150 años de su nacimiento.

Barcelona, 5 de Diciembre de 2014
Este año se cumplen los 150 años del nacimiento de Josep Llimona, considerado el mejor escultor del modernismo catalán. El MEAM recupera la figura de Llimona con una retrospectiva que reúne más de 60 piezas de su producción, algunas de ellas inéditas.

La exposición, la retrospectiva más importante presentada hasta ahora sobre su obra, analiza la producción del artista desde los orígenes de su formación con obras de las primeras épocas, hasta ejemplos de plena madurez, pasando por piezas que definen el principio de su lenguaje más simbolista.

En ella encontraremos 60 piezas, entre dibujos y esculturas, cedidas por el fondo familiar de Josep Llimona, coleccionistas individuales, y fundaciones y museos públicos y privados como el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC), el Museo de Montserrat, El Museo del Modernismo Catalán, el Museo de Arte de Cerdanyola, el Museo Comercial de la Garrotxa, el Museo de Terrassa o la Fundación Deu Font.

Josep Llimona y Bruguera (Barcelona, 1864-1934), fue un escultor emblemático del cambio de siglo. Hermano del pintor Joan Llimona, Josep estudió en la escuela de la Llotja y en la escuela de Bellas Artes de Barcelona. Con 16 años ganó una beca de 4 años para ir a estudiar a Roma. En este viaje trabajaría en el taller de Enric Serra y estudiaría en la prestigiosa Academia Giggi.

A su vuelta a Barcelona, Llimona se encuentra con una ciudad en pleno crecimiento y desarrollo debido a la preparación de la Exposición Universal de 1888. En este evento, Josep Llimona (de 24 años) presenta la escultura ecuestre de Ramon Berenguer el Grande, con la que gana la medalla de oro.

Paulatinamente, Llimona va definiendo un lenguaje propio, convirtiéndose en uno de los artistas más relevantes del modernismo catalán, ganando, en 1932, la Medalla de Oro de la ciudad de Barcelona.

Un paseo por la obra de Josep Llimona. 150 años
MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno)
Barra de Ferro, 5. Barcelona

El hacedor de marionetas

04/12/2014, El Museo Reina Sofía presenta, hasta el 16 de marzo de 2015 en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro, la exposición Janet Cardiff & George Bures Miller. El hacedor de marionetas.

Madrid, 4 de diciembre de 2014
Los artistas canadienses Janet Cardiff y George Bures Miller presentan en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro una instalación multisensorial en la que, a través de sonidos combinación con elementos narrativos, escénicos y visuales, exploran cómo se configura y mediatiza nuestra percepción de la realidad.

Una evocadora reflexión metalingíística en la que lo real y lo virtual (lo empírico y lo onírico) se entremezclan y confunden, propiciando la participación de los espectadores.

La instalación, que ha sido concebida de forma específica para el Palacio de Cristal, apela a nuestra condición de voyeur, instándonos a que nos acerquemos a mirar y curiosear en el interior de una caravana canadiense que está aparcada en el interior del edificio, solitaria, demacrada, y en la que el interior encontramos una mujer aparentemente dormida, o quizás sumida en un trance hipnótico, así como una serie de marionetas y muñecos que desean tener vida própia.

La obra de los canadienses transforma la percepción del tiempo y del espacio, y nos invita a reflexionar en torno a cuestiones como el paso del tiempo, el poder de la imaginación o las limitaciones de la pulsión creadora.

Janet Cardiff (Brussels, Ontario, Canadá, 1957) y George Bures Miller (Vegreville, Alberta, Canadá, 1960) representaron en 2001 a su país en la 49 Bienal de Venecia con su la instalación audiovisual Paradise Institute, obteniendo el premio especial en la misma. Han expuesto en, entre otros museos y centros de arte, la National Gallery de Canadá en 2002, en el MACBA de Barcelona en 2007, en el Modern Art Oxford en 2008, en el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki o en dOCUMENTA (13) de Kassel en 2012 y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York en 2013.

Janet Cardiff & George Bures Miller. El hacedor de marionetas
Hasta el 16 de marzo de 2015
Palacio de Cristal, Parque del Retiro
Organiza: MNCARS

El Retrato en las Colecciones Reales

04/12/2014, Una muestra que ofrece una visión general del retrato de corte en España desde el siglo XV al XXI, trazando un recorrido por la evolución de la imagen de los monarcas en medio milenio.

Madrid, 4 de diciembre de 2014
La exposición, que ocupa doce salas de la planta baja del Palacio Real de Madrid, se estructura en dos grandes secciones, Casa de Austria y Casa de Borbón, y reúne más de 100 obras de arte entre pinturas, esculturas, dibujos, tapices y grabados.

Casa de Austria
La primera sección abre con los inicios de la dinastía habsbúrgica en España. En esta sección se pueden contemplar retratos como el del duque de Felipe el Bueno del taller de Rogier Van der Weyden (de la Casa de Borgoña) o el de la reina Isabel la Católica de Juan de Flandes (de la Casa de los Trastámara).

A los grandes retratos oficiales de Carlos V (de Jakob Seisenegger) y de Felipe II (en versión pictórica de Antonio Moro y escultórica de Pompeo Leoni), se unen retratos familiares facturados por algunos de los pintores más famosos de la corte española de los siglos XVI y XVII, como Alonso Sánchez Coello, Joris Van der Straeten, Juan Pantoja de la Cruz, Bartolomé González o Rodrigo de Villandrando.

También se pueden ver en esta primera sección la miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez, o el grandioso retrato ecuestre de Juan José de Ribera, sin olvidar a los dos grandes retratistas del reinado de Carlos II, Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello.

Casa de Borbón
En la segunda sección se exponen ejemplos del retrato borbónico como el monumental retrato ecuestre de Felipe V, por Louis-Michel van Loo o el de Carlos III con el hábito de su Orden, por Mariano Salvador Maella.

También se pueden ver retratos de Giuseppe Bonito y Anton Raphael Mengs; una de las parejas de Carlos IV y María Luisa de Parma, por Francisco de Goya, la espléndida del rey de cazador y la reina con mantilla; destacados ejemplos del retrato decimonónico, con obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, y retratos de Alfonso XIII por Ramón Casas y Joaquín Sorolla.

Esta sección finaliza con el reinado de Juan Carlos I con obras como El Príncipe de ensueño de Salvador Dalí y el retrato de La familia de Juan Carlos I realizado por Antonio López y que, tras 20 años de trabajo, se expone por vez primera.

El Retrato en las Colecciones Reales. De Juan de Flandes a Antonio López
4 diciembre 2014 – 19 abril 2015
Salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid
C/ Bailén s/n

Belén Napolitano de los Duques de Cardona

03/12/2014, CentroCentro Cibeles presenta uno de los atractivos navideños favoritos de madrileños y visitantes, su Belén de Navidad.

Madrid, 3 de diciembre de 2014
Este año presenta CentroCentro Cibeles el Belén napolitano de los duques de Cardona, una joya belenística del siglo XVIII, que fue encargada por el duque consorte de Santisteban, futuro XV duque de Cardona don Luis María Fernández de Córdoba y Gonzaga. Al parecer sólo se hicieron dos belenes más de esta misma factura, uno para el duque de Medinaceli y otro realizado para los zares de Rusia.

El duque solicitó a Nápoles en 1784 dos belenes de la mejor factura, uno para el príncipe de Asturias, el futuro Carlos IV, y otro para su própia familia. Éste último conjunto, que es el que puede verse en CentroCentro Cibeles hasta el 1 de febrero de 2015, llegó a España en 1785 y se amplió en 1790 con el encargo de más piezas.

Su primera exposición pública se realizó en 1860, en el que fue el palacio de la familia desde el siglo XVI hasta 1892, ubicado en el lugar donde actualmente se encuentra el Hotel Palace. El pintor Federico Madrazo, uno de los artistas más reputados del momento, se encargó de la escenografía del belén. El conjunto de cerca de doscientas figuras se siguió mostrando hasta las primeras décadas del siglo XX.

Los rasgos característicos del belén son su carácter unitario, que ha sido elaborado por un mismo autor y que las figuras están realizadas en madera, incluidas las cabezas, habitualmente modeladas en terracota. El conjunto recrea el espíritu de la Nápoles del siglo XVIII. En un espacio de cerca de 50 metros cuadrados, En él se relatan, desde la escena del Nacimiento y el cortejo de los Reyes Magos, con los músicos y sus peculiares instrumentos, hasta escenas más populares, de pastores y los tradicionales conjuntos reunidos en torno a la panadería, la carnicería, la taberna o las tiendas de artesanos.

Living in the Material World

03/12/2014, La exposición colectiva Living in a Material World analiza el papel de los materiales para la creación en el arte contemporáneo.

Innsbruck, Austria, 3 de diciembre de 2014
En la década de 1960 la definición del arte se amplió radicalmente debido al cuestionamiento y la reevaluación de diferentes materiales. Sin embargo, las posibilidades de la tecnología digital condujeron a una reducción de la importancia de los materiales concretos a finales del siglo XX. En el arte contemporáneo el aspecto de la materialidad se está tratando una vez más en el contexto de los acontecimientos sociales y culturales actuales, e incluso se está elaborando aún más, y esto ha llevado a una transformación.

Los artistas invitados a participar en la exposición Living in the Material World, en la Galerie im Taxislapalais hasta el 15 de febrero de 2015, centran su aportación en las características y el potencial narrativo de materiales tan diversos como el hormigón, la madera, la cerámica, el vidrio, el plástico o el papel. Para ello han asumido las tradiciones artesanales y los métodos de producción industriales como propios, se han ocupado del reciclaje y del DIY (hazlo tú mismo), han analizado los materiales y la reconstrucción de los lugares y objetos específicos, o han desarrollado construcciones arquitectónicas frágiles.

En sus obras Lara Almarcegui se ocupa de los materiales que representan nuestro entorno urbano construido. De una forma analítica y social, la artista desmantela edificios en su componentes materiales. Para la exposición, Almarcegui ha creado una obra específica: una lista con información sobre los materiales utilizados para la construcción de las salas de la Galerie im Taxislapalais. Esto crea un campo de tensión entre el espacio arquitectónico y la denotación conceptual y cuantitativa de los materiales de construcción, que sigue siendo en última instancia abstracta para el visitante a pesar de todo el detalle proporcionado.

Michael Beutler visualiza los procesos de producción mediante la construcción de sus propias máquinas, realizadas con materiales baratos y a veces reciclados como cartón, lata, hojas, restos de tela o de papel. Con sus máquinas, el artista profundiza en los procesos de producción creativos y artesanales, así como en sus influencias recíprocas. Al mismo tiempo, con esta estrategia artística, Beutler refleja la producción industrial como tal.

Los colores pastel de Karla Negro se extienden por toda su obra. El efecto es a la vez artificial e infantil. La artista utiliza materiales como tizas, sombra de ojos, lápiz labial o polvos para el rostro. Estos curiosos materiales, en teoría cosméticos que se emplean normalmente para potenciar la feminidad, han sido elegidos por su calidad óptica. El resultado es un efecto de luz frágil, en un proceso de trabajo muy preciso entre la construcción y deconstrucción.

Berta Fischer hace que las formas plásticas de colores brillantes de cristal acrílico, sugieran secuencias complejas de movimiento a través de sus dinámicas expresivas. Los materiales están industrialmente prefabricados: paneles transparentes de vidrio acrílico cortados con láser, nos hablan de una dimensión espacial alterada a través de la luz que se refleja, y que se acentúa con dibujos brillantes que añaden volúmenes al plástico. La luz, variable según la perspectiva de visualización, hace que los objetos de Fischer estén en constante cambio de apariencia.

Theaster Rejas se dedica a una práctica artística que no sólo analiza la sociedad, sino que también interviene directamente en los procesos sociopolíticos. Sus esculturas y objetos, inicialmente seductores como consecuencia de su estética, abren las puertas a la reflexión sobre los espacios culturales y las situaciones que el artista analiza. A través de materiales de desecho, mediante los cuales pretende hablar de la reutilización y de la sostenibilidad, Rejas intenta mostrar que estos materiales desechados son portadores de historia y conocimiento.

El trabajo de Ane Mette Hol se centra en la relación entre el original y la reproducción. Muchas de sus obras se asemejan a materiales de trabajo usados o abandonados. Sólo cuando miramos con mayor atención vemos que el trozo de cinta de papel o un envase usado son en realidad piezas con dibujos meticulosamente elaborados a mano y en tres dimensiones. Esta revalorización y modernización de objetos secundarios plantea cuestiones relacionadas con los sistemas de arte y cultura del consumidor: ¿Cómo se generan los valores? ¿Cuáles son las relaciones entre original y la reproducción? ¿cuál es la base de nuestros mecanismos de percepción?.

Jessica Jackson Hutchins ve el proceso, el material y los objetos en su trabajo como partes de un sistema de interpretación por parte del espectador. Cuando selecciona los materiales para un trabajo, la artista intenta tomar en cuenta cada historia y lo que significa. Los objetos dialogan con formas abstractas orgánicas, por lo que las características como blando y duro, áspero y suave, ligero y pesado, mate y brillante se contrastan directamente.

En sus objetos, dispositivos e instalaciones de David Jablonowski investiga fenómenos escultórico desde el punto de vista de los materiales y la materialidad como portadores de significado. aspecto esencial de su trabajo son las preguntas sobre las innovaciones tecnológicas y las nuevas tendencias, vistas desde un punto de vista escultórico, y qué nuevas formas y posibilidades de comunicación estética pueden aportar al panorama artístico.

En su trabajo con la arcilla, Markus Karstieß busca deliberadamente una afinidad con las prácticas artesanales, remontándose a una tradición de miles de años. Para sus cajas de instalación (2013/14) llenó varias cajas de arcilla sin cocer todavía con restos de esmalte, astillas, vidrio y basura doméstica. El proceso de cocción posterior reveló una metamorfosis aparentemente alquimista en la que brillantes y rugosas superficies, colores iridiscentes, grietas, capas transparentes y opacas dan nueva vida a materiales aparentemente viejos y sin valor.

Alicja Kwade examina la forma en que a los materiales se les da una atribución cultural a través de su uso. Kwade no pretende dar al material un nuevo significado, sino aclarar el simbolismo existente o romperlo por medio de un contexto inusual, planteando cuestiones acerca de las expectativas del espectador con respecto a los materiales de nuestro entorno.

Marie Lund se interesa por las cualidades materiales de objetos de uso cotidiano, y este es un aspecto central de su trabajo. Ella manipula y cambia la manera de visualizar las formas, funciones y características de los objetos, para mostrarlos de una forma diametralmente y opuesta a la forma en la que tradicionalmente son percibidos.

Oscar Tuazon crea obras que oscilan entre la arquitectura y la escultura debido a su modo de construcción y materialidad. Formado por la tradición estadounidense de arquitectura DIY, Tuazon presta especial interés a los materiales simples y baratos, algunos incluso encontradod abandonadod en las calles.

Living in the Material World
06 Dic 2014 - 15 Feb 2015
Galerie im Taxislapalais (Innsbruck, Austria)
https://www.galerieimtaxispalais.at/en/presse/

Exiliados Ilustrados

02/12/2014, El Centre Cultural La Nau de Valencia prorroga la exposición Exiliados Ilustrados hasta el 18 de enero de 2015.

Valencia, 2 de diciembre de 2014
La exposición, organizada con motivo del 75 aniversario del exilio republicano, presenta una colección de ilustraciones que retratan a aquellos españoles y españolas que tuvieron que recurrir al exilio tras finalizar la Guerra Civil Española.

En este proyecto, que ha sido prorrogado hasta mediados de enero de 2015, han participado 36 ilustradores valencianos provenientes de campos tan diferentes como la prensa o el cómic, que rescatan del olvido y homenajéan a 36 personajes ilustres claves para comprender la historia de lo que representó la Guerra Civil y sus consecuencias para el bando derrotado.

Algunos nunca volvieron. Otros regresarían años después. Más de 500.000 hombres y mujeres, la mayoría anónimos, se vieron obligados a abandonar su patria. Unos pocos salieron en avión, otros en barco y la mayor parte a pie, cruzando los Pirineos. No todos son conocidos, pero en conjunto representan aquella República derrotada por el fascismo hace ya 75 años. Vidas truncadas por el desarraigo y vidas reconstruidas allende las fronteras. Muchos de los que no volvieron hubieran querido hacerlo, pero los hubo también que pudiendo regresar nunca lo harían.

Con estilos inconfundibles y particulares, trabajando técnicas tan dispares como la limpieza de la línea clara, la elegancia del realismo, la simplicidad del humorismo o de lo naпf, los 36 artistas participantes sólo tuvieron que acatar dos únicas premisas a la hora de abordar este trabajo: el retrato debía ser de cuerpo entero y, de fondo, prevalecería uno de los colores de la bandera republicana: rojo, amarillo o morado.

Los ilustradores que han colaborado y personajes exiliados representados son:

Sento Llobell, Juan Negrín; Micharmut, Manuel Azaña; Max Vento, Giral José; Ajubel, Max Aub; Paula Bonet, Neus Catalá; Luis Demano, Clara Campoamor; Nacho Casanova, Antonio Machado; Rafa Fonteriz, Josep Renau; Salvador Larroca, Rafael Alberti; Martín López, Rodolfo Llopis; Sergi Bleda, Alejandra Soler; Carlos Ortín, Pedro Salinas; David de las Heras, Miguel Buiza; Calpurnio, Ramón J. Sender; Juan Miguel Aguilera, Francisco Ayala; Nacho Lavernia, Constancia de la Mora; César Moragues, Ignacio Hidalgo de Cisneros; Omega, Cipriano Mera; Maria Herreros, Dolores Ibarruri; Malota, Antonio Cordón; Manel Gimeno, Joan Pujol "Garbo"; Paco Roca, Amado Granell; Calo, Guillermina Medrano; Mar Silvestre, Margarita Nelken; Cento Yuste, Manuel Tuñón de Lara; Jordi Bayarri, María Teresa León; Paco Giménez, Margarita Xirgu; Ortifus, Castelao; Juan Almela, Federica Montseny; Jorge Parras, Largo Caballero; Cachete Jack, Juan García Oliver; Txemacantropus, Angelí Castanyer i Fons; Cristina Durán, Josep Castanyer i Fons; Esteban Hernández, José Puche Álvarez; Mique Beltrán, Luis Buñuel; Mik Varo, Araceli González Carballo.

Viena prepara grandes exposiciones en 2015

02/12/2014, Degas, Cézanne, Seurat, Rembrandt o Tiziano son algunos de los grandes artistas que protagonizarán las exposiciones de los museos de Viena durante la primera mitad de 2015.

Viena, 2 de diciembre de 2014
La programación presenta además una muestra dedicada al Accionismo vienés, dibujos del Musée d’Orsay de París, fotografía paisajística contemporánea, exposiciones dedicadas al 150 aniversario de la Ringstrasse y al 650 aniversario de la Universidad de Viena.

El Belvedere inaugura el año 2015 con la exposición Jasper Johns: Regrets, que presenta la obra más reciente de este artista estadounidense nacido en 1930, en cuyas obras la experimentación juega un papel muy importante. Se trata de una presentación combinada de dos pinturas, diez dibujos y dos grabados realizados por el artista en los últimos dos años.

El Belvedere dedicará también una amplia exposición al Congreso de Viena de 1814-15: Europa en Viena, que ilustra los aspectos políticos y sociales de un acontecimiento que mantuvo en vilo a la Europa de su época.

En el Palacio de invierno del príncipe Eugenio de Saboya (Winterpalais) situado en el casco antiguo, se podrá ver la muestra Rembrandt – Tiziano – Bellotto. Espíritu y esplendor de la Pinacoteca de Dresde. En ella se exponen unas 100 obras maestras de artistas famosos de las Colecciones estatales de arte de Dresde, entre ellos Rembrandt, Tiziano, Bernardo Bellotto, Guido Reni, Anthonis van Dyck o Antoine Watteau.

El mumok presenta la exposición Ludwig goes Pop, que reúne 100 piezas pertenecientes a una de las principales colecciones de pop art del mundo: la colección de la pareja de industriales alemanes Peter e Irene Ludwig.

Además, el mumok muestra el eje central de la colección de accionismo vienés en el contexto del desarrollo internacional del arte performativo. En la exposición Mi cuerpo es el acontecimiento se muestran acciones de Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler y se contrastan con trabajos de importantes protagonistas del arte performativo, entre los cuales se encuentran Marina Abramovic, Joseph Beuys, Chris Burden, Paul McCarthy, Bruce Nauman y Yoko Ono.

La exposición Destino Viena 2015 de la Kunsthalle Wien del MuseumsQuartier está dedicada a diversos aspectos de la convivencia en Viena. Entre otros se estudia la influencia de los intereses económicos, políticos o institucionales en la población y en los artistas o el valor añadido que genera una ciudad rica en cultura frente a las zonas rurales.

Por su parte, el Museo Leopold del MQ muestra por vez primera una amplia exposición de obras de la destacada artista británica Tracey Emin. Mediante el contraste con obras escogidas del expresionista austríaco Egon Schiele (1890-1918), la artista (nacida en 1963) logra crear un vínculo muy especial con el lugar de la exposición.

En el centro histórico de Viena, la Albertina presenta 200 obras de la colección de 80.000 dibujos del Musée d'Orsay. La selección de obras para esta muestra ha sido realizada por Werner Spies, antiguo director del Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou de París. Debido a su fragilidad, los dibujos del Musée d’Orsay sólo pueden ser mostrados en muy raras ocasiones.

En el Museo Judío de Viena se presenta Tales of Two Cities, una muestra expuesta anteriormente en Moscú. Seis artistas de Rusia y Austria se enfrentan a objetos del siglo XX de dos colecciones: la sociedad Memorial creada en Moscú en 1990 y el Museo Judío de Viena, fundado en 1988. El Kunstforum Wien trata el tema de las posiciones de la fotografía paisajística actual en la muestra Landscape in my Mind. La exposición está concebida como un viaje mental por las diversas concepciones gráficas del concepto de paisaje.

En 2015 se celebra el 150 aniversario de la Ringstrasse. Durante el año conmemorativo se realizarán numerosas exposiciones sobre este boulevard. También la Universidad de Viena está de fiesta: en 2015 se celebra el 650 aniversario de su fundación con una serie de exposiciones y acontecimientos.

Información práctica sobre las muestras:

Jasper Johns: Regrets, 16.1.-26.4.2015, Belvedere, Belvedere Superior, Prinz Eugen-Strasse 27, 1030 Viena, www.belvedere.at

Europa en Viena. El Congreso de Viena de 1814-15, 20.2.-21.6.2015, Belvedere Inferior y Orangerie, Rennweg 6, 1030 Viena, www.belvedere.at

Rembrandt – Tiziano – Bellotto. Espíritu y esplendor de la Pinacoteca de Dresde, 11.6.-26.10.2015, Winterpalais, Himmelpfortgasse 8, 1010 Viena, www.belvedere.at

Ludwig goes Pop, 13.2.-13.9.2015, mumok – Museo de arte moderno Fundación Ludwig Viena, MuseumsQuartier, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.mumok.at

Mi cuerpo es el acontecimiento. El Accionismo vienés y la performance internacional, 27.2.-15.8.2015, mumok – Museo de arte moderno Fundación Ludwig Viena, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.mumok.at

Destino Viena 2015, 17.4.-31.5.2015, Kunsthalle Wien, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.kunsthallewien.at

Where I Want To Go. Tracey Emin / Egon Schiele, 24.4.-14.9.2015, Museo Leopold, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.leopoldmuseum.org

Degas, Cézanne y Seurat del Musée d’Orsay. El archivo de los sueños, 30.1.-3.5.2015, Albertina, Albertinaplatz 1, 1010 Viena, www.albertina.at

Tales of Two Cities, 20.1.-April 2015, Museo Judío de Viena, Palacio Eskeles, Dorotheergasse 11, 1010 Viena, www.jmw.at

Landscape in my mind. La fotografía paisajística actual. De Hamish Fulton a Andreas Gursky, 11.2.-26.4.2015, Bank Austria Kunstforum Wien, Freyung 8, 1010 Viena, www.bankaustria-kunstforum.at

Viena. La perla del Reich. Planos para Hitler, 19.3.-17.8.2015, Az W – Architekturzentrum Wien, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.azw.at <`> Demasiado moderno para la primera fila – La historia de la construcción de la Secesión, 19.3.-11.10.2015, Secesión, Friedrichstrasse 12, 1010 Viena, www.secession.at

La Avenida del Ring. ¿Un bulevar judío?, 25.3.-4.10.2015, Museo Judío de Viena, Palacio Eskeles, Dorotheergasse 11, 1010 Viena, www.jmw.at

Universidad de Viena, Universitätsring 1, 1010 Viena, www.univie.ac.at

van Gogh en el Thyssen Bornemisza

01/12/2014, Hasta el 11 de enero de 2015, el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid presenta una muestra enmarcada en la conmemoración del 125 aniversario de la muerte del artista.

Madrid, 1 de diciembre de 2014
Como parte de los eventos VanGogh2015, que conmemoran el 125 aniversario de la muerte de Vincent van Gogh, el Museo Thyssen Bornemisza presenta una pequeña muestra con cinco obras del artista holandés que pertenecen a las colecciones Thyssen Bornemisza.

Las cinco obras, cuatro óleos y una litografía que representan las grandes etapas de la carrera de van Gogh, fueron adquiridas entre 1965 y 1996 por Hans Heinrich Thyssen.

Junto a ellas se exponen tres pinturas (también de las colecciones del Museo) de Georges Michel, Charles-François Daubigny y Anton Mauve, tres paisajistas que ejercieron una influencia decisiva en la formación del holandés.

van Gogh
Hijo de un pastor protestante holandés Van Gogh comenzó trabajando en una galería de arte en La Haya, dando clases de francés y ejerciendo de pastor laico entre los mineros belgas. Sus primeras obras reflejaban ese ambiente proletario cargado de crítica social, en las que se hace patente tanto la influencia de los pintores de campesinos Jules Breton y Jean-François Millet como su interés por la literatura realista de la época. Entre 1886 y 1888 vivió en París con su hermano Theo van Gogh, que era marchante de arte. Allí conoció a Toulouse-Lautrec y a Gauguin y se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos. Recibió una fuerte influencia de la obra de los impresionistas y de las estampas japonesas de Hiroshige y Hokusai y su paleta se hizo más colorista.

En 1888 se traslada a Arles, al sur de Francia, con la intención de fundar una comunidad de artistas. En la Provenza pinta escenas rurales y abandona los métodos puntillistas e impresionistas en favor de una pintura de formas más sintéticas y colores más estridentes.

A finales de 1888 Gauguin se instala junto a van Gogh en Arles. Pronto empezaron a tener violentos enfrentamientos. Un incidente, en el cual van Gogh se corta una oreja con su navaja, hará que el artista sea internado durante un tiempo en un hospital de Arles y un año en el hospital psiquiátrico de Saint- Rémy.

Van Gogh pasó el final de su vida en Auvers-sur-Oise, un pueblo al norte de París donde vivía el doctor Gachet, médico y coleccionista de obras de arte. En los casi dos meses que residió allí antes de su suicidio, vivió, con recuperada energía, una frenética etapa creadora. Durante esas últimas semanas de vida pintó numerosos paisajes en los que utilizaba una paleta reducida y unas pinceladas agitadas y nerviosas, de ritmo ondulante y repetitivo.

Su estancia en esta localidad coincidió la invitación a participar en la exposición de Los XX en Bruselas, donde por primera y última vez en su vida, vendió una obra. Sin embargo, tras una nueva crisis depresiva, Vincent van Gogh acabó con su vida disparándose un tiro.

Goya en Madrid

28/11/2014, El Museo del Prado presenta “Goya en Madrid”, un novedoso acercamiento a los cartones para tapices de Goya, el encargo que determinó la llegada y establecimiento del artista en la corte.

Madrid, 28 de noviembre de 2014
Durante su creación de los cartones, a los que dedicó dos décadas de su carrera entre 1775 y 1794, Goya se fue tejiendo prestigio como pintor de cámara y académico, aunque su reconocimiento en la Corte no llegaría hasta once años después, cuando fue nombrado pintor del rey en 1786, y luego con su nombramiento como primer pintor de cámara en 1799.

La muestra del Prado enfrenta entre sí los cartones por temas, relacionándolos a su vez con la obra de sus contemporáneos (Mengs, Tiépolo, Bayeu, Maella, Paret o Meléndez) y del pasado (Tiziano, Rubens, Teniers o Velázquez), autores que sirvieron a Goya como inspiración para sus propias creaciones.

El recorrido, compuesto por 142 obras y 8 bloques temáticos, evidencia la conexión del artista con el pasado y su contemporaneidad, explicando, al mismo tiempo, cómo la riqueza de composiciones, figuras y expresiones que aparecen en estos lienzos constituyen el germen de sus obras posteriores.

Las secciones de la muestra seleccionan asuntos, escenas y composiciones presentes en la pintura decorativa de los ámbitos cortesanos, pero que Goya interpretaría en los cartones según su particular visión de la sociedad, del mundo, de la realidad, y sobre todo de lo español y de lo madrileño.

LA EXPOSICIÓN
Goya llegó a Madrid en enero de 1775 para colaborar, bajo la dirección de Anton Raphael Mengs, primer pintor de cámara y director artístico de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, en el proyecto de los cartones de tapices destinados a los Sitios Reales.

El artista recibió siete encargos de cartones, en cuyas composiciones reflejó la diversidad del pueblo en escenas de juegos y fiestas, pero también de violencia, engaños y tristeza. Goya consigue plasmar una gran variedad de sentimientos, y capta la riqueza de los tipos humanos, los diferentes atuendos masculinos y femeninos y la sugerencia de infinitas situaciones.

Estos cartones serían concebidos por Goya como una metáfora de la sociedad, y el artista encontraría en ellos el camino de creaciones posteriores con las que alcanzó la fama, como los aguafuertes de los Caprichos.

SECCIONES
1. La caza
Esta sección mantiene el orden original en la selección de los cartones ya que constituye en sí misma un género específico. Se trata de la temprana serie de la caza para las habitaciones de Carlos III en El Escorial realizada en 1775-76.

Los reyes de España tuvieron la caza como actividad favorita y exclusiva. Fue además metáfora del buen gobierno y del valor de los soberanos desde la Antigüedad. Los libros de caza ilustraban las hazañas de reyes y príncipes y explicaban los lances de la caza mayor, que les preparaba para las estrategias de la guerra.

Los monarcas se hacían retratar en atuendo de cazadores para la decoración de sus palacios. En la Colección Real Goya pudo ver ejemplos de estos retratos, como los realizados por Velázquez, o de cacerías, como la de Carlos V de Cranach, que le dieron la pauta para pintar los suyos.

Los asuntos de caza pintados por Goya formaban parte de un conjunto de catorce cartones de tapices para el comedor de los Príncipes de Asturias en el Escorial.

Al situarse en el siglo XVIII, las escenas tenían un carácter documental, aunque sus figuras se inspiraban en el arte clásico y los animales en las cacerías naturalistas de Snyders.

En este género, Goya supo fusionar con maestría la belleza ideal y el carácter humano y profano de la caza.

2. Divertimentos
En esta sección, Goya explora las diversiones y juegos populares que los ilustrados consideraban saludables e idóneos para el desarrollo físico y moral de las gentes.

Los reformistas ilustrados dieron gran importancia a las diversiones públicas, pues consideraban que favorecían las correctas relaciones sociales, desarrollaban la destreza y alejaban al hombre de los vicios.

El Juego de pelota a pala de Goya muestra cómo en el último cuarto de siglo el juego de pelota, antes reservado a la nobleza, se había popularizado y era practica do por otras clases sociales, al tiempo que adquirió connotaciones negativas al asociarse con engaños, apuestas y desorden público, algo que podemos apreciar en el cartón Jugadores de naipes, donde unos tahúres hacen señas a su compañero para desvelarle las cartas de su oponente.

Goya también capta el movimiento autóctono de los jóvenes del pueblo de Madrid, que se llamaron a sí mismos “majos” y “majas”, y que aparecen en los cartones en escenas de meriendas, bailes y romerías.

El fenómeno del “majismo” había irrumpido con fuerza en la sociedad en esos años. Al “majo” se le definía como “el hombre que afecta guapeza y valentía en las acciones o palabras”. Carones como La naranjera muestran el prototipo de la sensualidad y el descaro que caracterizaba a las majas que vendían por la calle.

3. Las clases sociales
En los cartones de Goya se aprecia la variedad de una sociedad que comenzaba a socavar los rígidos estamentos del siglo anterior. El aumento de la población y el impulso que se dio a las manufacturas reales, la nueva dinastía de los Borbones, así como el avance del comercio fueron los aspectos que mayor eco tuvieron en la sociedad española.

La pradera de San Isidro, boceto para un cartón que no llegó a pintarse por la muerte de Carlos III en 1788, refleja la armonía del pueblo en su mezcla de clases sociales a los pies de la ciudad y del Palacio Real, como una alegoría del reino, próspero y en paz.

En esta sección Goya trata el tema del matrimonio desigual. Una bella joven, con un novio rico, camina segura ante las burlonas amigas y los pretendientes despechados sin hacer caso de su desolado padre. Goya trata en este cartón un tema candente del siglo XVIII, el de la unión entre personas de distintas castas.

Sección 4. Música y baile
La música y el baile de carácter popular, dentro de la fiesta callejera y en las ferias, es una sección en la que se pone en evidencia la precisión técnica de Goya en la representación de los pasos de baile y de los instrumentos musicales.

La representación del baile, que estimula las relaciones amorosas, servía para advertir de la vanidad de los placeres sensuales. En Baile a orillas del Manzanares, una maja galantea con un soldado, esperando sacar un mejor provecho de la vida.

Entre juego y baile, La gallina ciega presenta el corro de jugadores, majos y nobles, que despistan con sus giros y escapadas al joven del cucharón que, con los ojos vendados como Cupido, tendrá que identificar a la persona tocada. Goya subraya aquí el engaño y la seducción, así como la mezcla de clases sociales, aunque los majos pueden ser nobles disfrazados con atuendos populares.

Sección 5. Niños
En el siglo XVIII, la naturaleza y el juego iban unidos a la recreación de los niños pero también a su enseñanza. Entre las actividades recreativas estaba el subirse a los árboles para coger fruta, motivo que ha estado siempre presente en las artes plásticas.

En sus cartones, Goya representa la infancia en distintos ambientes, que incluyen el trabajo y la familia. Los niños de las familias menos acomodadas ayudaban primero en las tareas domésticas y a partir de los siete años comenzaban a trabajar fuera de casa.

Aunque Goya represente a niños de familias humildes, como los de Los pobres en la fuente, su visión es idealizada, al mostrar una felicidad familiar como reflejo de la del propio país, pues no en vano el destinatario último de los cartones era el rey.

Sección 6. Los sueños
Los sueños, tanto reales como imaginados, son uno de los asuntos que más interesaron a Goya y a los que dio inicio precisamente en los cartones de tapices.

El vínculo entre el amor y el sueño, asunto representado por Goya en Las lavanderas, se remonta al arte griego y sitúa este asunto en el ambiente de prostitución que se asociaba con las lavanderas: una de ellas disfruta de un sueño erótico provocado por la caricia de un carnero, símbolo de la lujuria.

Sección 7. Las cuatro estaciones
En esta sección se muestra, en su orden original, la serie de las Cuatro Estaciones, destinada al comedor de los Príncipes de Asturias en el palacio del Pardo, encargada en julio de 1785.

Se trata de un conjunto en el que Goya dio un vuelco a la iconografía tradicional de raíces clásicas en la representación de las estaciones.

El origen mítico de las Cuatro Estaciones tiene sus raíces en el rapto de Proserpina, frecuentemente representado en el arte. La hija de Júpiter y Ceres, diosa de la agricultura, fue secuestrada por Plutón, dios del inframundo. Tras pactar con Plutón, Júpiter partió el año en doce meses. Durante los seis primeros Proserpina podía vivir con su madre, Ceres, que daba frutos como expresión de su alegría, y el resto del año la tierra se volvía estéril debido a su tristeza.

Sección 8. El aire
Esta sección se centra en La cometa, un juego que se muestra como alegoría a la conquista del aire que se logra en el siglo XVIII y como ejemplo de uno más de los avances alcanzados en ese período de la historia.

En el siglo XVIII, con las primeras ascensiones de globos aerostáticos en París y en Madrid en 1783, las ciencias conquistaron el cielo, hasta entonces reservado a lo divino. Los fenómenos relacionados con el aire, una vez explicados científicamente, perdieron su carácter temible.

Luciano Fabro. Antológica

27/11/2014, Organizada por el Museo Reina Sofía, en colaboración con el Archivio Luciano e Carla Fabro, la exposición se podrá ver en el Palacio de Velázquez hasta abril de 2015.

Madrid, 27 de noviembre de 2014
El Museo Reina Sofνa presenta en el Palacio de Velαzquez del Parque del Retiro la primera antolσgica de Luciano Fabro tras su muerte en 2007. La exposiciσn cuenta con aproximadamente 60 piezas procedentes de diversas colecciones privadas e instituciones pϊblicas internacionales.

La muestra incluye algunos de sus primeros ejercicios metalingόνsticos en cristal, espejo o tela que ofrecen una perspectiva exhaustiva de su obra. Asimismo se incluyen varias de sus creaciones mαs emblemαticas: los Piedi, las Italias, los Attaccapanni, Nadezda, Il giorno mi pesa sulla notte o Lo Spirato (1972), obra emblemαtica del artista que no ha sido expuesta fuera de Italia desde el aρo 1980 y en la que el mαrmol es utilizado con una voluntad a la vez rupturista y de diαlogo con la tradiciσn.

En la Italia de la segunda mitad del siglo XX emergiσ una generaciσn de artistas que, influidos por el cuestionamiento de la naturaleza de la obra de arte de Piero Manzoni o por la rupturista concepciσn de lo espacial de Lucio Fontana, y recurriendo a materiales sencillos y cotidianos, llevaron a cabo una serie de obras que, sin renunciar a una cierta conciencia poιtica del mundo, eran profundamente crνticas con la industrializaciσn y la sociedad de consumo. Este fue el nacimiento del "Arte Povera".

Luciano Fabro (Turνn, 1936 - Milαn, 2007) vinculσ la emergencia de lo nuevo con una revisiσn situada en la tradiciσn, con la exploraciσn de las posibilidades y perspectivas creativas que, en un paνs como Italia, seguνan abriendo las ruinas del pasado. Mezclando la reflexiσn sobre problemαticas clαsicas de la historia escultσrica con una indagaciσn en torno a cuestiones como la necesidad de repensar el objeto y su relaciσn con el espectador y el espacio, Fabro contribuyσ a expandir y redefinir los lνmites de la escultura.

Esta exposiciσn del MNCARS nos muestran la audacia, solidez y complejidad de la obra de Fabro. Una obra que es fundamental para comprender los nuevos caminos que ha explorado la escultura contemporαnea.

Luciano Fabro
27 noviembre, 2014 — 12 abril, 2015
Palacio de Velαzquez. Parque del Retiro

Suturak. Cerca a lo próximo

27/11/2014, El San Telmo Museoa de San Sebastian presenta, hasta enero de 2015, más de un centenar de obras reflejan la importancia que tiene el contexto en la historia y en el devenir de las imágenes.

San Sebastian, 27 de noviembre de 2014
Esta exposición de arte contemporáneo, producida por el Museo SanTelmo en colaboración con Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta una selección de aproximadamente 120 obras de 82 artistas y colectivos vascos de distintas generaciones.

Las obras abarcan un periodo comprendido entre 1954 y la actualidad. Entre las más actuales destacan aquellas producidas expresamente para ser expuestas en el Museo San Telmo. No obstante, el grueso de la exposición muestra trabajos de las dos últimas décadas.

La exposición se organiza en doce capítulos: La construcción de un contexto (Pensar el antes); La risa lúcida; Un tren puede tapar a otro; Construye que algo queda; Esta tierra es la tierra; Límites interpelados. Cruce de códigos; Txoko feminista; Sospechas, testigos y testimonios; El descrédito de la política; Equilibrismos (metáforas de salida); "Asuntos exteriores" y Moribundia.

En este sentido, el arte contemporáneo refleja el contexto, todo aquello que carga de significación una cultura, una sociedad... La obra de arte actúa como un sismógrafo de los movimientos soterrados que ocurren en nuestro contexto.

Suturak. Cerca a lo próximo
Hasta el 25 de enero de 2015
San Telmo Museoa
Plaza Zuloaga 1
Donostia – San Sebastián

Barcelona, zona neutral

26/11/2014, Una exposición de la Fundació Joan Miró representa la visualidad en Barcelona en el periodo de la Primera Guerra Mundial y muestra como la ciudad se transforma abriéndose camino hacia las vanguardias.

Barcelona, 26 de noviembre de 2014
La Gran Guerra fue en Barcelona tiempo de grandes negocios, oportunidades, movimientos ciudadanos y políticos, de vidas secretas y opulentas, de gran prosperidad y tensiones, es decir, explosión social y creativa.

Con motivo del centenario del estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, esta exposición rehace el camino que va de la modernidad del París de fin del siglo XIX a las vanguardias de principios del siglo XX.

Casi 500 obras de unos setenta artistas diferentes, 20 filmes, objetos y documentación diversa muestran como la Gran Guerra hizo de frontera entre el siglo XIX y el XX y transformó por completo el modelo de vida en Europa.

La exposición se divide en 9 secciones:

  • La Gran Guerra
    Dieciséis millones de muertos y veinte millones de heridos son las cifras que dejó tras de sí la industria del armamento en los campos de batalla. Obras de Léger, Kubin, Heckel y Nash y fotografías de muertos y mutilados en el frente, así como carteles de propaganda, prensa y postales de la primera guerra mediática componen esta sección.

  • Modernidad y vanguardia
    París es la cita obligada de la modernidad de todo artista del final del siglo XIX. Los inicios del siglo XX dan el paso de la modernidad a la eclosión de las vanguardias que, con la guerra, llegan a Barcelona en masa. Miró, Togores, Sunyer, Hugué, rebobinan influencias y crean un modelo propio e incluso se habla de una particular Escuela de París en Barcelona.

  • Burgueses y proletarios
    Barcelona, experimenta profundos cambios sociales y políticos, convirtiéndose en la capital del anarquismo y de todo tipo de socialismos internacionales. La agitación obrera es casi invisible en las fotografías del momento, pero encontramos en cambio numerosos ejemplos de fotografías de patrones y de la Guardia Civil.

  • Barcelona y la guerra
    Esta sección visualiza las pugnas de aliadófilos y germanófilos en la ciudad. Apa (Feliu Elias) y Ricard Canals, Josep Clarà y Ramon Pichot nos hablan de su posicionamiento ante la guerra. Y a continuación se narra el frente de la Primera Guerra Mundial con ilustraciones inéditas del viaje del Dr. Solé y Pla y Ramon Casas en la visita a los “Voluntarios catalanes” que luchaban en el frente de Verdun y Reims.

  • La ciudad de marfil
    Título de un libro de poemas de Guerau de Liost, es la idealización de la Barcelona soñada por los novecentistas, que pone las bases de las infraestructuras económicas y culturales de la Cataluña contemporánea: ferrocarriles, academias y escuelas, carreteras y bibliotecas, metro y teléfono... Junto a la escultura de Josep Clarà y la pintura de Josep Obiols está el contrapunto de los dibujos de Passarell, Picarol y los libros eróticos de Ricard Opisso (Bigre).

  • La Exposición de Arte Francés
    Los “Salones” de cada año no se hacen en París debido a la guerra y excepcionalmente 1.400 obras, entre óleos, esculturas, dibujos, grabados y otros se trasladan a Barcelona la primavera de 1917. El impacto es enorme. Se ven piezas de Pissarro, Rodin, Sisley, Denis o Matisse.

  • Exiliados
    Llegan a Barcelona artistas exiliados como Picabia, Gleizes, Otho Lloyd, Robert y Sonia Delaunay, Olga Sacharoff, gracias al galerista Josep Dalmau, el hombre clave del golpe de efecto sobre las opciones artísticas de la época.

  • Picasso 1917
    Picasso vuelve a Barcelona en 1917. La estancia de Picasso despierta expectación en la prensa de la época. Sus diseños para el decorado del ballet Parade, de Diaghilev, Satie y Cocteau, el material de difusión del espectáculo y algunas de las obras que realiza durante estos meses en Barcelona se pueden ver en esta sala.

  • Ocio, consumo y sociedad de masas
    A partir del año 1904 se instaura la ley del descanso dominical, que genera una oferta de ocio que encuentra en la publicidad una estrategia para su difusión: acontecimientos deportivos, parques de atracciones, corridas de toros, circo y cine, eje de la nueva cultura del siglo XX. En este último espacio se ilustra el fuerte auge del consumo de ocio mediante apoyos visuales generados a partir de la mecanización: carteles, revistas, fotografía y cine. Aquí se proyecta la primera película pacifista de humor del siglo XX, Shoulder Arms, de Charles Chaplin.

    Barcelona, zona neutral (1914-1918)
    Fundació Joan Miró
    Hasta el 15 de febrero de 2015

Preguntas. Chillida

26/11/2014, El Palacio de Exposiciones Kiosco Alfonso en La Coruña presenta Preguntas, una exposición dedicada al artista Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002).

La Coruña, 26 de noviembre de 2014
La exposición, que adopta el título del libro que Eduardo Chillida leyó durante su nombramiento como Miembro Honorario de la Real Academia de San Fernando en 1994 en Madrid, está comisariada por Ignacio Chillida, e incluye más de 100 obras (entre esculturas, gravitaciones, dibujos, collages o grabados) cedidas por su familia a través del Museo Chillida-Leku.

La muestra del Palacio de Exposiciones Kiosco Alfonso recoge y ordena los cuestionamientos y aforismos de Chillida, que constituyen la base fundamental para entender su obra, en la que cuestiones metafísicas se rodean de un halo poético.

Preguntas se articula en dos plantas:

La primera planta presenta una selección de 12 esculturas en pequeño y mediano formato y 28 grabados, en su mayoría aguafuertes, aunque también se pueden ver litografías, serigrafías y xilografías. Junto a estas esculturas y obras en papel, en la primera planta se presentan además las páginas del citado libro que Chillida leyó en su nombramiento.

La segunda planta del Palacio de Exposiciones Kiosco Alfonso está dedicada a la obra gráfica y a presentar una selección de libros de artista que el escultor reuniría a lo largo de su vida, entre los que se encuentran La Mèmoire et la Main (1986) y Hommage à Jean-Sébastien Bach (1997).

Eduardo Chillida
Eduardo Chillida nació en San Sebastián el 10 de enero de 1924. Fue guardameta de la Real Sociedad, para luego estudiar arquitectura en Madrid, donde no finalizaría sus estudios.

Chillida realizó su primera obra, un jinete arcaizante, en 1948. En esa época comienza a tallar torsos en bloques de yeso, influido por las esculturas del arte griego arcaico.

Poco a poco, va añadiendo a su producción materiales como el hierro, el granito, la madera, el hormigón, la tierra, el alabastro o el acero.

Expone en el Salón Mayo de París en 1949 y participa en la exposición "Les mains éblouies" de la galería Maeght en 1950.

En 1950 se instala en Hernani, donde realiza su primera obra en hierro en 1951. Durante diez años trabaja este material y hacia 1960 vuelve su vista hacia las grandes esculturas de granito.

Entre sus obras más significativas figuran: Gure Aitaren Etxea (La casa del padre), monumento que inició en 1986 e inauguró en 1988; Elogio del Aire, 1956; Del Borde, 1957; Rumor de Límites, 1960; Estela a Salvador Allende, 1974; Iru Zulu, 1975; Arquitectura heterodoxa, 1978, Homenaje a Luca Pacioli, 1986; Consejo al espacio, 1987;, Besoa III, 1989, etc.

Además destacan: La sirena varada, instalada en Madrid; El elogio del horizonte, ubicada desde 1990 en Gijón; Puerta de música, situada en 1994 en Santiago de Compostela y la enorme escultura de hormigón que el creador vasco realizó a finales de los ochenta en memoria del 50 aniversario del bombardeo alemán de Guernika durante la guerra civil española.

En abril de 1992 inauguró en Sevilla su Monumento a la Tolerancia, que conmemora la expulsión de los judíos en 1492 y que se ubicó en el Muelle de la Sal y en 1993 participó en la celebración del 1.200 aniversario de la fundación de la ciudad alemana de Münster con la inauguración de la escultura Tolerancia para el diálogo", obra comprada por el Banco del Estado de Renania-Westfalia y cedida al municipio como "préstamo a perpetuidad.

En 1994 su obra Besarkada (Abrazo), homenaje al pintor fallecido Rafael Ruiz Balerdi se ubicó en un emplazamiento que domina la bahía de la Concha en San Sebastián. En 1998 inauguró su tercera obra en Barcelona, un mural-mosaico que con el nombre Barcelona creó para la plaza del Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad Condal (MACBA) y desde abril de 2000 su obra Enparantza II, un homenaje a San Ignacio de Loyola, se exhibe en la plaza de la basílica de Loyola en Azpeitia (Guipúzcoa).

Durante los últimos años, Eduardo Chillida mostró sus obras por todo el mundo. En 1998 el Reina Sofía de Madrid rindió homenaje al escultor vasco con la retrospectiva "Chillida 1948-1998", y en 1999 esta muestra se expuso en el Guggenheim de Bilbao.

Richard Ford. Viajes por España (1830-1833)

25/11/2014, Fundación Mapfre y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presentan una muestra sobre Richard Ford en la sala de exposiciones temporales de la Real Academia hasta el 1 de febrero de 2015.

Madrid, 25 de noviembre de 2014
Los dibujos del viajero hispanista Richard Ford constituyen un extraordinario complemento visual de su conocida obra Manual para viajeros por España y lectores en casa, un libro de referencia ineludible de la literatura de viajes en el siglo XIX.

La exposición recrea las rutas de Ford por España, a través de los itinerarios que le llevaron a recorrer todo el arco del Levante, desde tierras almerienses hasta Barcelona; a tomar la Ruta de la Plata y, a través de Extremadura y Castilla, llegar a Santiago de Compostela; a moverse por el centro de la Península para visitar Madrid, Toledo, Salamanca, Segovia o Guadalajara; a rastrear las huellas de la historia en Andalucía, estableciendo su residencia en Sevilla y Granada.

Aunque Ford realizó numerosos dibujos en sus rutas durante los tres años de su estancia en España, de 1830 a 1833, las sucesivas ediciones de su Manual se publicaron sin ilustraciones. Los dibujos, muy apreciados por Ford, fueron pegados en álbumes que se han mantenido en el patrimonio familiar, que ha conservado ese maravilloso legado en su integridad.

Así, la mayoría de los 203 dibujos seleccionados en la exposición son obras inéditas hasta ahora, lo que la convierte en una ocasión única para descubrir la imagen de España que embriagó en su momento a viajeros románticos como Ford.

Ford nos ha legado un conjunto de dibujos a lápiz y tinta, así como acuarelas, que permiten reconstruir la imagen de España, tal como era en los años posteriores a la guerra contra Napoleón y al inicio de la moderna ciudad decimonónica.

En sus escritos, Ford advierte que el lápiz y el papel son la mejor manera de aproximarse a ese “Oriente cercano y confortable” que España representaba en el imaginario colectivo de la Europa de la época. Cuando su libro "Manual para viajeros por España y lectores en casa" se edita, la fotografía acaba de nacer, y quedaba mucho tiempo por delante para que se convirtiera en una herramienta útil y accesible para fijar la realidad. Viajando por España a principios de la década de los treinta, Ford utilizó pequeños cuadernos para las anotaciones y papeles de muy diversa calidad y formato para sus dibujos y acuarelas.

La importancia de los dibujos de Ford es enorme: se trata del gran álbum prefotográfico de la España de comienzos del siglo XIX. Ford realizó casi todas las obras en coincidencia con sus rutas por la Península Ibérica: eran, pues, apuntes del natural hechos con la voluntad de fijar lo visto por medio de sus habilidades artísticas.

Richard Ford no era un artista profesional, al no depender de la obra, ni tener que llevarla a cabo pensando en una clientela potencial, su técnica y su perfil eran muy singulares. Así, le atraen lugares a priori poco relevantes, y cuando se acerca al ámbito de lo urbano prefiere las vistas generales, e incluso disfruta retratando el entorno de las ciudades, su periferia; frente a los edificios singulares, opta por representar las calles y plazas con su actividad cotidiana. Sus dibujos y acuarelas sirven por tanto como memoria fiel de un tiempo y de un país, de sus lugares y situaciones.

Richard Ford. Viajes por España (1830-1833)
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Hasta el 1 de febrero de 2015

Fantasías, calaveras y vida cotidiana

25/11/2014, El Instituto de México presenta una exposición sobre el célebre dibujante José Guadalupe Posada, cronista excepcional de la historia cotidiana de México entre finales del siglo XIX y principios del XX.

Madrid, 25 de noviembre de 2014
Esta muestra del Instituto de México, que podrá visitarse hasta el 16 de enero de 2015, pretende destacar la fama e inmortalidad de este artista y gran ilustrador de lo mexicano, y cuya obra sentó las bases del arte mexicano contemporáneo.

La exposición se divide en once secciones: los primeros años del artista, sus ilustraciones de cuentos infantiles, los juegos que ilustraba, las fantasías y los horrores, las imágenes religiosas, las tragedias, lo chusco y cómico, la vida cotidiana, los personajes, las fiestas y, finalmente, sus famosas calaveras.

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 1852 - Ciudad de México, 1913) fue un cronista excepcional de la historia mexicana. A través de sus dibujos y viñetas, Posada captó la marginalidad, la tragedia, la risa, la fe o la muerte, para transmitir una imagen de la cultura mexicana que aún hoy está presente en los artistas de generaciones más recientes.

De familia humilde, Posada tuvo desde pequeño una clara afición por el dibujo. Su hermano lo animó a apuntarse, siendo niño, a la Academia Municipal de Artes y Oficios de Aguascalientes. Con quince años ya era considerado un artista, y enseguida comenzó a colaborar en la revista El Jicote. Con 19 años creó la primera de sus famosas calaveras, y tras mudarse a León (México), diversificó su producción: trabajó en publicidad diseñando etiquetas de puros, cigarros o cerillas, y también realizó estampas religiosas.

Siendo ya un conocido ilustrador de periódicos y revistas, comenzó a trabajar con el impresor comercial Antonio Vanegas Arroyo, casa impresora que hoy en día conserva el mayor número de sus trabajos, y en cuyo taller Posada elaboró miles de ilustraciones sobre los acontecimientos y sucesos del México de la época: catástrofes, milagros, crímenes, escándalos y política.

Posada. Fantasías, calaveras y vida cotidiana
Instituto de México
Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid
Hasta el 16 de enero de 2015

El CAAM celebra su 25 aniversario

24/11/2014, El Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas celebra su aniversario con la exposición Cruce de colecciones, que reúne más de 100 obras pertenecientes a la Colección CAAM y a fondos de instituciones públicas y privadas españolas.

Las Palmas de Gran Canaria, 24 de noviembre de 2014
La exposición articula su discurso alrededor del concepto de la tricontinentalidad que ha marcado la identidad de el CAAM a lo largo de este último cuarto de siglo. Este proyecto expositivo propicia la conversación entre colecciones privadas y públicas, para definir la nueva y cambiante realidad. Una realidad en la que se produce un acercamiento constante sobre lo que ocurre en el arte de África, Europa y América.

La exhibición toma como punto de partida una selección de piezas emblemáticas de los fondos del CAAM, que entran en diálogo con otras obras procedentes de otros centros públicos de Canarias: el MIAC (Lanzarote), el TEA (Tenerife), el CAJI (Fuerteventura), el Gobierno de Canarias y varias colecciones privadas, así como diversas obras de vídeo de las colecciones de ARTIUM (Vitoria), Es Baluard (Palma de Mallorca), CA2Mayo (Móstoles, Madrid) y el MEIAC (Badajoz).

Cruce de colecciones presenta un recorrido por las principales corrientes artísticas de las últimas décadas, entre las que se encuentran obras de artistas españoles consagrados internacionalmente, como Martín Chirino, Óscar Domínguez, Manolo Millares, Juan Muñoz, Antoni Muntadas, Lara Almárcegui o Antoni Tapies. Se puede observar la gran variedad de lenguajes y formatos, acorde con la hibridación de materiales y técnicas característica del arte actual, creadas en pintura, escultura, vídeo, fotografía, dibujo o instalación.

SOBRE EL CAAM
El CAAM se convertía tras su apertura, el 4 de diciembre de 1989, en el tercer museo y centro de arte contemporáneo creado en España.

A lo largo de sus 25 años de vida, el CAAM ha producido un total de 200 exposiciones, individuales y colectivas, con la participación de 2.500 artistas de los tres continentes.

Cruce de colecciones
Centro Atlántico de Arte Moderno
Edificio histórico de la calle Los Balcones
Las Palmas de Gran Canaria
Hasta el 25 de enero de 2015

Paco Roca. Dibujante Ambulante

24/11/2014, Hasta el 15 de febrero de 2015 el Espacio Fundación Telefónica de Madrid acoge la exposición Dibujante Ambulante, que descubre al público el método de trabajo del ilustrador valenciano Paco Roca.

Madrid, 24 de noviembre de 2014
Esta exposición descubre al público el método de trabajo de Paco Roca y la visión general, así como el proceso de creación e ilustración de un cómic, desde la concepción de la idea hasta su plasmación en el soporte final.

"Dibujante Ambulante" nos invita a bucear en los procesos creativos de Paco Roca y disfrutar de su forma de concebir nuevas ideas y proyectos. A través de esta muestra, la Fundación Telefónica nos acerca al particular universo creativo de Roca, un consagrado artista del cómic conocido tanto a nivel nacional como internacional.

La exposición consta de más de 200 piezas que abarcan desde 1995 hasta la actualidad, entre bocetos, apuntes, publicaciones, ilustraciones, cómics, trabajos en prensa o cuadernos de viaje en los que el artista refleja lo que percibe en sus visitas a diferentes países.

El recorrido arranca con "Arrugas", su obra más conocida, donde podremos ver los bocetos del álbum, la portada o el cartel de la película. También se podrá ver el premio Goya al mejor guion adaptado por este largometraje de animación, uno de los dos galardones con los que fue premiada en 2011.

La muestra contiene además imágenes a través de las cuales el visitante puede conocer el proceso de creación e ilustración de "Memorias de un hombre en pijama", otro importante trabajo del artista que cobra mucha fuerza en esta exposición, ya que el autor se ve identificado con este personaje.

Paco Roca
Paco Roca (Valencia, 1969) es un historietista español adscrito al movimiento de la novela gráfica desde sus inicios en 1994. En marzo de 2007, la editorial francesa Delcourt lanzó su novela gráfica "Rides" (Arrugas), considerada como uno de los 20 mejores cómics editados anualmente en el competitivo país galo.

En noviembre de 2007, esta reflexión sobre la vejez se editaría en español por Astiberri Ediciones con el título de "Arrugas", recibiendo en 2008 varios reconocimientos en el Salón del Cómic de Barcelona (Premio al Mejor Guión y Premio a la Mejor Obra de Autor Español). El cómic cuenta además con un galardón del festival de Lucca; y dos premios Dolmen, además del Premio Nacional del Cómic. Su adaptación al cine obtuvo dos premios Goya, el Mejor Largometraje de Animación y el de Mejor Guion Adaptado.

En 2010, Roca inició la tira dominical "Memorias de un hombre en pijama" para el diario valenciano Las Provincias. También abordó la vida en los campos de refugiados de españoles en Francia tras la Guerra Civil en "El ángel de la retirada".

A finales de 2013 publicó "Los surcos del azar", por la que recibió el premio a la Mejor Obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2014.

Actualmente Paco Roca realiza de manera alternativa con el dibujante Max la sección de cómics de El País Semanal.

El último viaje de la fragata Mercedes, prorrogada

21/11/2014, La exposición, realizada conjuntamente en el Museo Arqueológico Nacional y en el Museo Naval, se prorroga hasta el 15 de enero de 2015.

Madrid, 21 de noviembre de 2014
Organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Ministerio de Defensa y Acción Cultural Española (AC/E), la exposición da a conocer los tesoros que transportaba la fragata Nuestra Señora de las Mercedes, hundida en 1804, y aborda el litigio mantenido en los tribunales norteamericanos entre el Estado español y la empresa Odyssey.

La muestra se reparte en dos sedes, el Museo Arqueológico Nacional y el Museo Naval, y profundiza en el contexto histórico de la época y las circunstancias del hundimiento de este buque de la Armada, narrando las circunstancias y consecuencias que tuvo en la época la voladura de la fragata.

Objetos de época, maquetas, documentos históricos y más de 30.000 monedas, son algunos de los bienes culturales que se pueden contemplar en la exposición.

Un mundo en guerra. Europa y América hacia 1800
El marco general en que se produjeron los hechos en torno a la fragata Mercedes es el de un mundo en el que se enfrentan las tres grandes potencias del momento (Francia, Gran Bretaña y España), con América del Sur en el horizonte de sus intereses.

En España, estos años coinciden con el reinado de Carlos IV con Manuel Godoy como primer ministro. Los tratados de paz y las declaraciones de guerra jalonan el ritmo de la política española en estas fechas (San Ildefonso, Amiens, Convenio de subsidios de París…).

La última misión de la fragata Mercedes
La sección presenta una selección de documentos relacionados con el viaje de la Mercedes al Callao, en Lima: reales órdenes y correspondencia entre el ministro de Hacienda, el virrey del Perú y el ministro de Marina, y el último documento de la Mercedes, el Estado de Fuerza y Vida, fechado el 7 de agosto de 1804 y firmado por su comandante José Manuel de Goycoa antes de su salida del puerto de Montevideo rumbo a Cádiz. En este documento se registra el nombre de los oficiales, dotación, bastimentos, equipamiento, bienes y caudales que transportaba y pasajeros con permiso para viajar en la nave.

Según el documento, en la Mercedes viajaba un total de 323 personas: su capitán, 17 oficiales, 282 de dotación y, al menos, 23 pasajeros, entre ellos la esposa e hija del primer piloto, Ignacio Pano, la esposa del segundo cirujano, Joaquín Cortadella, y cinco particulares, además de la familia de Diego de Alvear: esposa y siete hijos, un sobrino, cinco criados y un allegado amigo de la familia.

Combate en el cabo de Santa María y hundimiento de la fragata Mercedes
El cuadro de Francis Sartorius sobre la explosión de la Mercedes en el combate del cabo de Santa María el 5 de octubre de 1804, abre este nuevo ámbito dedicado al ataque británico y hundimiento del buque en cuya desaparición perecieron al menos 275 personas.

Las emocionantes memorias de Tomás de Iriarte, que contaba con diez años cuando fue testigo del violento combate, han servido de hilo de conductor para un sorprendente audiovisual panorámico que permite al espectador subir a bordo de la escuadra española, sumergirse en el fragor del combate y presenciar los últimos momentos de la Mercedes.

Tras el combate: la Mercedes, casus belli
A las inmediatas consecuencias tras el final del combate, le seguirán efectos a medio y largo plazo como la declaración de guerra a Inglaterra en diciembre de ese mismo año, que consolidaría su alianza con la Francia napoleónica dejando abierto el camino hacia Trafalgar.

Documentos, monedas procedentes de las naves apresadas, o un ejemplar de Trafalgar de los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós donde se relata el combate en el que naufraga la Mercedes, son algunas de las obras que ilustran este apartado.

Arqueología frente a expolio
El suceso de la Mercedes representó un punto de inflexión en el transcurso de los acontecimientos políticos y bélicos del momento, pero con su voladura no concluyó su historia. Los restos del buque se hundieron en las aguas del Atlántico, a 1.100 metros de profundidad, pasando a convertirse en un yacimiento arqueológico.

Doscientos años después del trágico suceso de la Mercedes, la compañía norteamericana “cazatesoros” Odyssey Marine Exploration Inc. localiza los restos de sucargamento y extrae cerca de 600.000 monedas, que traslada inmediatamente a Estados Unidos. Junto a las monedas, Odyssey sacó algunos restos arqueológicos procedentes del barco.

En esta área se expone una selección de estos materiales arqueológicos y se incide en la diferencia entre expolio y excavación arqueológica, el contraste entre la recuperación de la historia, y la mera obtención de objetos de valor para su comercialización.

La carga. Caudales y otras mercancías
Las fuentes documentales han aportado abundante información sobre el cargamento de la Mercedes. Junto a ejemplos de algunas de estas mercancías, una serie de acuarios presentan el proceso de transformación que sufren estos materiales en el fondo marino, así como su posterior recuperación a través de la restauración.

En este apartado se muestran los principales aspectos que caracterizaron a el peso o real de a ocho, considerado el “dólar” de la época, junto a una impresionante vitrina en la que se presenta una muestra de 30.144 monedas de plata de ocho reales y 146 de oro de ocho escudos procedentes de la Mercedes.

La vitrina rememora el cargamento de caudales que transportaba el buque, y su distribución en talegas conteniendo unas 1000 monedas cada una.

Un proceso judicial en defensa del Patrimonio Cultural Subacuático. La batalla en los juzgados
La serie de objetos artísticos, documentos, obras literarias y restos arqueológicos que se muestran a lo largo de la exposición muestran la carga histórica que envuelve a las monedas objeto del litigio y que las convierte en bienes culturales.

Este apartado final está dedicado al proceso judicial que tuvo lugar en Estados Unidos en el que España defendió su derecho a los bienes culturales procedentes de la Mercedes frente a la empresa Odyssey. Las pruebas presentadas demostraron con rotundidad ante los tribunales norteamericanos que la identidad del buque expoliado era la Mercedes y, además, que era una fragata de la Armada española, sujeta por tanto al principio de inmunidad soberana, sobre la que Odyssey no tenía ningún derecho a intervenir.

Se presentan algunos objetos y documentos relacionados con el juicio y se concluye destacando la importancia que reviste la protección del patrimonio arqueológico subacuático.

Los imprescindibles de Egipto

21/11/2014, Si tienes pensado viajar al país de los faraones aquí tienes una lista de lugares de visita obligada que te dejarán sin palabras.

El Cairo, 21 de noviembre de 2014
Con más de 4.000 años en su memoria, Egipto es conocido por ser un país marcado por su historia y tradición, que durante siglos han sido motivo de influencia y admiración en la cultura occidental.

Aquí te dejamos una lista con algunos de sus lugares más icónicos y fascinantes:

Las pirámides de Guiza
Las únicas supervivientes de las “Siete Maravillas del Mundo Antiguo” llevan más de 4.000 años imponiéndose sobre la tierra. Su impecable geometría ha generado gran cantidad de controvertidas teorías sobre su construcción.

En este complejo, la gran pirámide de Keops prevalece como la más grande y antigua, que llegó a medir 146 metros de altura en el momento de finalización de la obra, aproximadamente en el 2570 A.C.

Abu Simbel
Este es el segundo destino más visitado en Egipto, después de las pirámides de Guiza. El conjunto de Abu Simbel destaca por albergar el gran Templo de Ramsés II, que fue excavado en una montaña de la orilla oeste del Nilo en el siglo XIII a.C.

La reubicación de los templos, en la década de los 60 supuso un evento histórico. En aquel momento, los templos estaban bajo la amenaza de quedar sumergidos en el lago Nasser cuando se construyó la Gran Presa de Asuan. Para salvaguardar estos colosales monumentos, los templos se despeinaron y se reubicaron a 60 m de distancia sobre el acantilado en el que se habían construido inicialmente.

La gigantesca fachada del templo de Ramsés II tiene cuatro colosales figuras sedentes que representan a este faraón. La fachada tiene 36 m de ancho por 30 de alto y cada estatua mide 20 m de alto. La puerta que hay en la fachada conduce hacia el interior de una galería de 56 m de largo, tallada por la mano del hombre, que conduce a una serie de pasillos y estancias.

La Alta Presa y el Templo de File
Los templos dedicados a Isis, diosa de la maternidad, situados en la isla de File, se vieron afectados por la construcción de la presa de Asuan. Para evitar que este conjunto de edificaciones quedara sepultado bajo las aguas, durante 1977 y 1980 fue reconstruido piedra a piedra en la vecina isla de Agilkia.

El complejo está formado por once edificaciones, entre ellas templos, capillas, patios, una biblioteca y la “Estancia Metoítica”.

El Templo de Kom Ombo
Situado en un promontorio a las orillas del Nilo, este santuario es único en Egipto debido a su construcción doble, ya que está doblemente consagrado. Por un lado, rinde culto a Sobek, dios cocodrilo local, alabado por la fertilidad y considerado como el creador del mundo. Por otra parte, la mitad norte del templo estaba dedicada a Haroeris, también conocido como «Horus el viejo».

El Templo consta así de dos entradas, dos salas hipóstilas y dos santuarios exactamente iguales. La simetría en la distribución rinde homenaje a la relación mítica que ambos dioses compartían.

Los templos de la orilla de Luxor: Templo de Luxor y Templo de Karnak
La orilla oriental de Luxor sigue siendo una ajetreada ciudad provinciana en donde el viajero podrá maravillarse con la riqueza cultural e histórica de sus santuarios.

Karnak es un grandioso complejo de medidas titánicas dedicado a los dioses tebanos y construido para mayor gloria de los faraones.

El complejo del templo de Karnak alberga tres templos principales, algunos templos más pequeños en el interior del recinto y una serie de templos exteriores. Alrededor de treinta faraones distintos contribuyeron al proceso de construcción de este lugar, lo que lo dotó de una complejidad y diversidad jamás vistas en cualquier otra parte.

El antiguo complejo cubre un área total de 2 kilómetros cuadrados. El templo de Amón, la estructura principal del complejo, es el lugar de culto más grande jamás construido. Está flanqueado por dos templos gigantes más, dedicados a Mut, la mujer de Amón, y a su hijo, Khonsu, respectivamente.

El templo de Luxor fue levantado durante el Imperio Nuevo de Amenhotep I y Ramsés II, y se consolida como un monumento de impresionante elegancia en el corazón de la ciudad actual.

Muchos faraones tuvieron un papel importante en la construcción de este templo a lo largo de los años, como Tutankamón, Hatshepsut, Ramsés II y Amenhotep III. Al pasear por el templo se pueden ver las aportaciones de cada uno, normalmente donde se encuentran las estatuas e imágenes de los mismos esculpidas en los muros.

El templo de Luxor posee una profusa riqueza en crónicas del pasado, como descripciones de la batalla de Kadesh, relatos sobre el festival de Opet, la historia sobre cómo la madre de Amenhotep III fue fecundada por un dios y otras historias de las hazañas de los faraones esculpidas en pilares, obeliscos y muros.

Arquitecturas para megametrópolis

20/11/2014, El Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, presenta la exposición Crecimiento desigual: Tácticas urbanas para megaciudades en expansión.

Nueva York, 20 de noviembre de 2014
En el año 2030, la población mundial será de aproximadamente ocho mil millones de personas. De éstos ocho mil millones, dos tercios vivirán en ciudades. La mayoría serán pobres, y contarán con un limitado acceso a los recursos. Este crecimiento desigual será uno de los mayores desafíos a los que se enfrentarán las sociedades en todo el mundo.

Durante los próximos años, las autoridades municipales, urbanistas y diseñadores, economistas, y muchos otros tendrán que unir esfuerzos para evitar grandes catástrofes sociales y económicas. Todos ellos deberán trabajar juntos para asegurar que estas megaciudades en expansión sean lugares habitables.

La exposición del MoMA, Uneven Growth: Tactical Urbanisms for Expanding Megacities, reúne seis equipos interdisciplinarios de investigadores y profesionales que, durante 14 meses, han investigado nuevas posibilidades arquitectónicas para seis metrópolis mundiales: Hong Kong, Estambul, Lagos, Mumbai, Nueva York y Río de Janeiro.

Cada equipo ha desarrollado una propuesta para una ciudad específica, teniendo en cuenta cómo las formas emergentes de urbanismo táctico pueden responder a las alteraciones en la naturaleza del espacio público, la vivienda, la movilidad, la justicia espacial, las condiciones ambientales, y otros aspectos importantes.

Uneven Growth: Tactical Urbanisms for Expanding Megacities
22 Nov 2014 - 10 May 2015
MoMA. The Museum of Modern Art. Nueva York

Rodas, una isla griega en las puertas de Oriente

20/11/2014, El Museo del Louvre presenta una muestra arqueológica dedicada a la isla de Rodas. Hasta el 10 de febrero de 2015.

París, 20 de noviembre de 2014
La isla de Rodas fue un lugar propicio para los intercambios entre el mar Egeo y Oriente Próximo. En este sentido el Museo del Louvre explora esta orientalización de la cultura griega, y nos presenta una civilización poco conocida y de gran interés arqueológico.

Rodas, una isla griega en las puertas de Oriente pone en relieve la confluencia entre mundos antíguos, a través de una selección de 380 obras del Museo Británico, el Museo de Copenhague y el própio Museo del Louvre.

Componen así la muestra piezas de cerámica y de orfebrería procedentes de Chipre, Egipto, Asiria, Persia o Frigia (actual Turquía) entre otros lugares, y que abarcan 1000 años de historia de Rodas, concretamente entre el siglo XV y V antes de Cristo (de la Edad de Bronce hasta el período Arcáico).

Una exposición única que muestra la diversidad cultural de Rodas, a través de producciones espectaculares de joyería, única en el mundo griego, y de alfarería, donde destaca la cerámica micénica, en tonos ocres y oscuros.

Rhodes, une île grecque aux portes de l’Orient
Hasta el 10 de febrero de 2015
Musée du Louvre, París

Mariano Fortuny y Venecia

20/11/2014, El próximo 25 de noviembre en la BNE se inaugura una exposición de grabados del artista español Mariano Fortuny Madrazo.

Madrid, 20 de noviembre de 2014
A partir del manuscrito Muerte en Venecia, una nota necrológica inédita que el escritor César González-Ruano dedica a la memoria de Mariano Fortuny Madrazo (fallecido en aquella ciudad italiana en 1949), la exposición Otra muerte en Venecia: Mariano Fortuny Madrazo (1871-1949), consta de una selección de nueve grabados que reflejan la vida y muerte de Fortuny en Venecia.

La muestra se organiza en torno a tres temáticas de la trayectoria vital y literaria de Thomas Mann: Eros y Thánatos, el culto a Richard Wagner y Venecia. El conjunto de grabados recrea el mundo de los personajes de Mann sobre la trama de una ciudad ya “desaparecida”: la cosmopolita y decadente Venecia de la Belle Èpoque.

Mariano Fortuny Madrazo
Mariano Fortuny fue un polifacético artista español descendiente de la saga de los Madrazo. Hijo del pintor Mariano Fortuny Marsal y de Cecilia de Madrazo, su nombre aún se confunde con el de su famoso padre.

Aunque Mariano Fortuny Madrazo nació en Granada, Fortuny vivió la mayor parte de su vida en el extranjero, y en Venecia sus últimos sesenta años.

Este fecundo y exquisito artista, cuya extensa producción creativa abarca campos tan diversos como la pintura, el grabado, la escenografía, la luminotecnia, la fotografía, el diseño textil y la moda, es considerado incluso a día de hoy un "mago", dada su habilidad para destacar en cualquier propósito creativo.

Desde muy pequeño, el artista vivió rodeado de lujo y belleza. Este contacto con un ambiente refinado y erudito, especialmente propicio al fomento y desarrollo de todas y cada una de sus tempranas inquietudes intelectuales, llevó a Mariano Fortuny y Madrazo al anhelo de alcanzar a través del arte la belleza en todos los órdenes de las cosas, un sentimiento esteticista que habría de penetrar profundamente en su espíritu y que terminó convirtiéndose en el motivo fundamental de su existencia.

Aunque le gustaba considerarse pintor, sus mayores aportaciones fueron en el campo de la iluminación escénica y en el diseño e investigación textiles. En París patentó hasta veinte de sus invenciones, entre ellas, la Cúpula Fortuny y el sistema de iluminación indirecta, que instalaron algunos de los más importantes teatros europeos.

En su estancia en Venecia, Fortuny fue vicecónsul honorario del Estado español desde 1915, y cónsul honorario entre 1924 y 1934. En 1922 fue nombrado a título vitalicio Comisario Organizador del Pabellón Oficial de España en la Biennale veneciana.

Otra muerte en Venecia: Mariano Fortuny Madrazo (1871-1949)
Del 25 de noviembre al 8 de febrero del 2015
Biblioteca Nacional de España. Madrid

Dánae, Venus y Adonis

19/11/2014, El Museo del Prado presenta Dánae, Venus y Adonis. Las primeras poesías de Tiziano para Felipe II, una exposición que muestra, tras su restauración, las dos primeras poesías que el artista pintó a mediados del siglo XVI.

Madrid, 19 de noviembre de 2014
Desde el 19 de noviembre y hasta el próximo 1 de marzo, en el Museo del Prado pueden contemplarse las dos primeras “poesías” de Tiziano: Dánae de la colección Wellington, Apsley House; y Venus y Adonis del Museo del Prado. Obras que el maestro italiano pintó en 1553 y 1554 para el entonces príncipe Felipe, futuro Felipe II, y que recientemente han sido restauradas.

Junto a ellas, el visitante puede apreciar otra de las versiones de Dánae, conservada en el Prado, que fue realizada por Tiziano hacia 1565 y emparejada a Venus y Adonis en las “bóvedas de Tiziano” en el Alcázar.

Inspiradas principalmente en las Metamorfosis de Ovidio, los temas elegidos por Tiziano para estas obras están interpretados para deleite de los sentidos y para demostrar la capacidad de la pintura para transmitir emociones.

Las “poesías” de Tiziano
Dentro de la producción de Tiziano se denomina “poesías” al conjunto de obras mitológicas que pintó entre 1553 y 1562.

Un conjunto integrado por Dánae (Londres, Apsley House), Venus y Adonis (Madrid, Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (Londres, Wallace Collection), Diana y Adonis y Diana y Calisto (Edimburgo, National Gallery/Londres, National Gallery) y El rapto de Europa (Boston, Isabella Stewart Garden Museum).

Probablemente fue el propio Felipe II quien encargó a Tiziano en Augsburgo un conjunto de pinturas mitológicas, dándole libertad para elegir los temas y su plasmación pictórica, para exhibirse conjuntamente.

Las “poesías” son pinturas ajenas a las interpretaciones simbólicas o moralizantes. Así en estas obras, Tiziano se asimilaba a los poetas y proclamaba su libertad para interpretar los textos que visualizaba, principalmente en las Metamorfosis de Ovidio, pero también para representarlos con la imaginación cuando la lógica dramática lo exigía.

Dánae
Dánae ilustra el momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro. Tiziano pintó la primera Dánae en Roma en 1544-45 para el cardenal Alessandro Farnese y aludía a los amores del cardenal con una cortesana.

Esta Dánae fue modelo para la de Felipe II, donde Cupido fue sustituido por una anciana celadora, cuya inclusión enriquece la pintura al brindar sofisticados contrapposti: juventud frente a vejez; belleza frente a fealdad; figura desnuda frente a vestida...

Felipe II recibió esta obra en 1553 y permaneció en la colección real española, primero en el Alcázar y después en el Buen Retiro, hasta que, tras la Guerra de la Independencia, Fernando VII se la regaló al duque de Wellington.

En 1565, Tiziano pintó la Dánae que se conserva en el Prado. Velázquez compró esta obra durante su primer viaje a Italia y la vendió a Felipe IV con destino al Palacio del Buen Retiro, pero más tarde, en 1666, sustituyó a la Dánae de Felipe II en las “bóvedas de Tiziano” en el Alcázar, emparejándola con Venus y Adonis.

Venus y Adonis
Tiziano pintó el primer Venus y Adonis, perdido y conocido por copias, a finales de la década de 1520. Ninguna otra obra suya ilustra mejor la asimilación de pintura y poesía, pues el episodio del vano intento de Venus por retener a Adonis, ausente en las fuentes escritas, fue de su invención.

Tiziano retomó el asunto veinte años después en varias composiciones, una de las cuales fue el punto de partida de la conservada en el Prado.

En esta obra, realizada en 1554, Tiziano presenta a la diosa de espaldas para demostrar, mediante la contemplación conjunta de Dánae y Venus y Adonis, que la pintura podía representar distintos puntos de vista, equiparándose así con la escultura.

Madame Cézanne

19/11/2014, El MET de Nueva York presenta la primera exposición dedicada a Hortense Fiquet, musa y esposa del pintor francés Paul Cézanne.

Nueva York, 19 de noviembre de 2014
El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York presenta desde el 19 de noviembre una muestra dedicada a una mujer que inspiró profundamente a Cézanne durante más de dos décadas. Hortense Fiquet (1850-1922) fue su modelo, esposa, además de la madre de su único hijo.

La exposición del MET muestra 24 de los 29 retratos conocidos de Hortense Fiquet, entre ellos Madame Cézanne en el Conservatorio (1891) y Madame Cézanne con vestido rojo (1888-1890), ambos pertenecientes a la colección del Museo Metropolitano.

Hortense Fiquet posó para Cézanne más a menudo que nadie. Los críticos han citado su expresión agria y remota, su actitud impenetrable. Estas observaciones poco halagadoras han promovido la reputación inmerecida de Hortense Fiquet, un personaje que no siempre fue bien aceptado entre los familiares y amigos de Paul Cézanne.

Cézanne conoció a Hortense en 1869 mientras trabajaba como encuadernador en París. A pesar de que las circunstancias de su primer encuentro se desconocen, un retrato temprano de 1872 sugiere que ella comenzaría a posar para Cézanne aproximadamente con 22 años.

Durante su relación, Cézanne haría grandes esfuerzos para ocultar a Hortense y a su único hijo, Paul, de su familia por temor a la desaprobación de su padre. Estas circunstancias dieron lugar a largos períodos en los que, incluso después de su matrimonio en 1886, Hortense y Cézanne vivirían cada uno por su cuenta en residencias separadas. A pesar de esto, los retratos dan fe de la constancia de una relación que fue fundamental para el desarrollo artístico del pintor francés.

La Lista Roja de la UICN "enrojece"

18/11/2014, La Lista Roja de especies amenazadas creció en el ultimo año: el atún rojo del Pacífico, el pez globo de la China, la anguila americana y la cobra de la China son animales que ya están peligro de extinción.

Sídney, Australia, 18 de noviemvre de 2014
La UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, argumenta que la pesca, la tala, la minería, la agricultura y otras actividades destinadas a satisfacer el desmesurado apetito por los recursos naturales están amenazando la supervivencia muchísimas especies, por lo que su Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN, presentada hoy en el Congreso Mundial de Parques, en Sídney, Australia, es cada vez más dramática..

La Lista Roja de la UICN, celebra este año su 50 aniversario, e incluye ahora 76.199 especies evaluadas, de las cuales 22.413 están en peligro de extinción.

Dado que cerca de la mitad de las especies evaluadas recientemente se encuentran dentro de áreas protegidas, la UICN ha hecho un llamamiento para mejorar la gestión de estos lugares y evitar así una mayor disminución de la biodiversidad.

“Cada actualización de la Lista Roja de la UICN nos hace tomar conciencia de que nuestro planeta está perdiendo constantemente su increíble diversidad de vida, señala la directora General de la UICN Julia Marton-Lefиvre, quien resaltó el papel de las áreas protegidas para eviutar el desastre.

Las especies
En la Lista presentada ahora, el atún rojo del Pacífico (Thunnus orientalis) pasó de la categoría de Menor Preocupación a la de Vulnerable, lo que significa que ahora se encuentra amenazado de extinción. La especie ha sido ampliamente elegida como blanco de capturas de la industria pesquera para los mercados de sushi y sashimi, particularmente en Asia. La mayoría de los peces atrapados son juveniles que no han tenido aún la posibilidad de reproducirse y se calcula que su población ha bajado entre un 19 y un 33% en los últimos 22 años. Las áreas marinas protegidas existentes no brindan suficiente protección a esta especie. La ampliación de las áreas protegidas marinas, dentro de las 200 millas a partir de la costa e incorporando las áreas de reproducción, podría ayudar a conservar la especie, de acuerdo con los expertos de la UICN.

El pez globo de la China (Takifugu chinensis) ingresó en la Lista Roja de la UICN como especie Gravemente Amenazada. Se calcula que su población ha disminuido en un 99.99% en los últimos 40 años debido a la sobreexplotación. Se trata de un tipo de pescado muy popular en Japón que se encuentra entre las cuatro especies de fugu más consumidas en forma de sashimi. Entre los peces más venenosos del mundo, el fugu debe ser preparado por expertos antes de ser consumido. El pez globo de la China puede encontrarse en varias áreas marinas protegidas a lo largo de las costas de China. Se han puesto en marcha medidas de conservación, como la creación de áreas marinas protegidas cerradas anualmente a la pesca de arrastre. Sigue siendo urgente controlar las capturas para evitar la extinción de la especie, según los expertos de la UICN.

La anguila americana (Anguilla rostrata), incluida en la lista como Amenazada, se ve amenazada por obstáculos a su migración; cambio climático; parásitos; contaminación; pérdida de hábitat y captura comercial. Debido a la diminución de las poblaciones de anguila japonesa (Anguilla japonica), también incluida en la lista como Amenazada, la industria de cultivo intensivo de anguilas en el este de Asia está tratando de reaprovisionar sus poblaciones con otras especies, como la anguila americana. Esto ha llevado a un aumento de las denuncias de pesca ilegal de la anguila americana en los Estados Unidos. Si bien estas amenazas combinadas están haciendo presión sobre la especie, las acciones de conservación positiva podrían generar una mejoría en su estatus.

La cobra de la China (Naja atra) fue valorada recientemente como Vulnerable. Su población ha disminuido entre un 30 y un 50% en los últimos 20 años. Las cobras de la China se encuentran en el sudeste de la China, Taiwán, el norte de Vietnam y Laos, y están entre las principales especies de animales exportados desde China continental hacia Hong Kong para los mercados de comidas. Las cobras de la China se encuentran en áreas protegidas como la Reserva Natural de Ailaoshan, la Reserva Natural de Dawesihan (en Yunnan) y el Parque Nacional Kenting (en Taiwán). A pesar de que el comercio internacional de esta especie está regulado, hay una necesidad urgente de reforzar las iniciativas de conservación nacionales para asegurar su supervivencia.

La Lista Roja también destaca varias especies que han sufrido el fuerte impacto de la destrucción de su hábitat, incluyendo 66 especies amenazadas de camaleones, a pesar de que algunas de esas especies se encuentran en áreas protegidas. El camaleón gigante con cuernos de cuchilla del Este de Usambara, (Kinyongia matschiei), endémico de las montañas del Este de Usambara en Tanzania, ha sido incluido en la lista como Amenazado. Al igual que muchos otros camaleones, esta especie utiliza el color para comunicarse. También se oscurece cuando está estresado y enrolla su cola alrededor de las ramas para sentirse en seguridad. Este reptil, que se encuentra en la Reserva Natural de Amani, un área protegida, está siendo amenazado por la tala de bosques para la agricultura, producción de carbón y extracción de madera.

La mariposa dardo de hierba negra (Ocybadistes knightorum) entró a Lista Roja de la UICN como especie Amenazada. Esta especie, que se encuentra únicamente al norte de la región costera de Nueva Gales del Sur en Australia, está amenazada principalmente a causa de la invasión de hierbas introducidas y a los desarrollos costeros que destruyen su hábitat. Una proporción importante de su hábitat se encuentra en áreas protegidas como el Parque Nacional Bongil Bongil y el Parque Nacional Gaagal Wonggan (Playa del Sur), y la gestión eficaz de estas áreas podría jugar un papel importante para asegurar el futuro de la especie.

Especies extintas
Dos especies han sido declaradas Extintas debido a la destrucción de su hábitat.

Plectostoma sciaphilum, un caracol conocido únicamente en una colina de piedra caliza en Malasia peninsular está actualmente en la lista como Extinta a raíz de que la colina fue destruida totalmente por una gran compañía dedicada a la extracción de piedra caliza. El futuro de muchas otras especies en la región es incierto por razones similares. Aunque algunas compañías mineras están tomando las medidas necesarias para reducir su impacto, la UICN pide urgentemente un mayor compromiso para evitar futuras extinciones.

La tijereta gigante de Santa Helena (Labidura herculeana) – la tijereta más grande que se conoce en el mundo, que llega a medir hasta 80 mm- también está extinta. Anteriormente se la podía encontrar en la Llanura de Horse Point, un área protegida en la Isla de Santa Helena. El último avistamiento de un adulto vivo de esta especie data de mayo de 1967. Desde principios de los 60, su hábitat ha sido degradado por la eliminación para fines de construcción de casi todas las superficies de piedra que le brindaban refugio. Una presión creciente de depredadores como ratones, ratas y especies invasoras de invertebrados también contribuyeron a la extinción de la tijereta.

Como aspecto positivo,Simon Stuart, presidente de la Comisión para la Supervivencia de Especies de la UICN, declaró que dos especies de anfibios han mejorado su estatus gracias a una gestión exitosa de la Reserva de la Ranita Dorada en Colombia.

Mercadillos navideños mágicos

17/11/2014, Con la llegada de la Navidad la ciudad y la montaña se convierten en uno, el aire se llena de villancicos y los mercadillos de Innsbruck crean un ambiente único.

Innsbruck (Austria), 17 de noviembre de 2014
Los mercadillos navideños (Christkindlmarkt) son lugares de encuentro que invita a pasear, a comprar, a degustar un vasito de vino caliente acompañado por un dulce y a dejarse llevar por la magia de la Navidad.

En el barrio más antiguo de la ciudad situado en el lado norte del río Inn, a pocos minutos del centro de Innsbruck, encontramos un mercadillo navideño pequeño y muy especial, el mercadillo navideño de San Nicolás (Christkindlmark St. Nikolaus). Todos los días entre el 28 de noviembre y el 23 de diciembre el ambiente prenavideño de este mercadillo invita a la meditación, a escuchar música, a degustar galletas de Navidad y a hacer velas para regalar a los seres queridos.

El mercadillo de Navidad en el casco antiguo de Innsbruck se cuenta entre los más bonitos y románticos de la zona alpina. Hasta el 23 de diciembre, los numerosos puestos situados alrededor de un enorme árbol de Navidad venden los típicos adornos de navidad de la zona: artesanía tirolesa, velas, así como galletas y pasteles navideños típicos en la región. Este mercadillo cuenta con su “carro del teatro”, una atracción que ofrece interpretaciones teatrales de cuentos de hada y conciertos de jóvenes músicos de la escuela de música de Innsbruck.

Las calles del centro histórico de Innsbruck se llenan con los personajes más queridos de los cuentos de hadas: gigantes, princesas y personajes fantásticos recorren la ciudad y convierten cada rincón en un lugar mágico. La calle más famosa de Innsbruck, la Maria-Theresien-Strasse, cuenta este año de nuevo con su propio mercadillo navideño (25 de noviembre a 6 de enero 2015), con un gran número de puestecitos adornados con gran cariño por sus tenderos, y situados en una avenida de brillantes árboles de cristal con un gigantesco cristal en medio que simboliza el auténtico espíritu navideño que reina estos días en Innsbruck.

A pocos pasos, en la plaza del mercado Innsbrucker Martkplatz, se haya un verdadero paraíso navideño para los más pequeños (hasta el 23 de diciembre) que tampoco dejará indiferente a los adultos dispuestos a dejarse llevar por el espíritu navideño. “Kasperl" y sus amigos (famosas marionetas austriacas), contarán historias y explicarán cuentos a los niños, habrá un mini-zoo con pequeños animales para acariciar y muchas otras atracciones para que los niños vivan uno de los momentos más emocionantes del año. El entorno navideño se ilumina con el gran árbol de Navidad de Swarovski de nada menos que 15 metros de altura.

Otro punto de encuentro prenavideño es el mercadillo de navidad con vistas panorámicas en Hungerburg, barrio situado en la ladera de la cadena del norte encima del centro de Innsbruck. Del 21 de noviembre hasta el 21 de diciembre, este mercadillo, situado justo al lado de la estación del funicular de la Nordkettenbahn, ofrece ambiente navideño combinado con una inigualable vista panorámica sobre la ciudad mientras disfrutas de un delicioso vaso del típico vino caliente con canela “Glühwein”. El funicular permite llegar desde el centro de la ciudad al mercadillo en menos de 10 minutos.

Durante las Navidades, el encanto de la pequeña Wiltener Platzl se incrementa aún más. Rodeada de bellas casas históricas y situada a cinco minutos de la calle Maria-Theresien-Strassse, en esta plaza reina siempre un ambiente muy especial. Aquí se pueden degustar especialidades culinarias como vino caliente y dulces navideños de Cerdeña, además de disfrutar de una gran oferta de actos culturales, pequeños conciertos y teatros de títeres, del 20 de noviembre al 20 de diciembre de lunes a sábado.

Donelis Almeida en Valbusenda

16/11/2014, El artista Donelis Almeida presenta una magnifica colección de paisajes zamoranos en el complejo enoturístico Valbusenda, en el entorno de los viñedos de Toro.

Zamora, 16 de noviembre de 2014

La muestra, abierta al público todo el mes de noviembre, presenta un elenco de obras en las que el protagonista es el territorio; campos cerealistas y de viñedos en los que destacan la austeridad del paisaje y la luz.

Donelis Almeida refleja con maestría tanto los tiempos ocres del estiaje como los días en los que la tierra aparece inerte bajo el rigor del frío.

El pintor es un entusiasta de la acuarela: “"Pinto acuarelas porque me gusta la transparencia, porque me atrae la luz del paisaje"”. Las pinceladas en la acuarela -explica- son manchas de color que el espectador combina con su propia subjetividad para obtener una visión que se enriquece al contemplar el cuadro desde cierta distancia

El objetivo de Almeida es el de capturar en la obra el instante de luminosidad. “Yo no puedo estar mucho tiempo con una obra; para captar el instante hay que ser rápido, y por eso acudo a la acuarela, pinto también con acrílicos al aire libre o capturo el momento mediante una fotografía”.

Para el pintor hay una razón emocional por la que se vuelca en el paisaje: “una razón sencilla: el campo es el lugar donde me siento mas libre, en cualquier momento del año”

Nacido en Venialbo (Zamora) en 1955, Donelis Almeida realizó estudios de Bellas Artes en Bilbao, licenciándose en las especialidades de Pintura y Restauración; cursó Doctorado en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, y ha sido restaurador en los museos Nacional de Arte Romano de Mérida y de Burgos. Fue coordinador del Centro de Restauración de Bienes Culturales de Simancas. Y desde 1993 es restaurador del Museo de Zamora.

Desde 1974 Almeida ha participado en exposiciones en diversos puntos de España; la anterior, una colectiva titulada “200 Años de Arte en Zamora“, presentada en el palacio de la antigua Diputación de Zamora.

Como restaurador también ha desarrollado una intensa tarea, relacionada con su vinculación a los distintos centros museísticos en los que ha estado trabajando.

Roni Horn en CaixaForum Madrid

14/11/2014, En CaixaForum Madrid se puede ver la exposición “Roni Horn. Todo dormía como si el universo fuera un error” hasta el 1 de marzo de 2015.

Madrid, 14 de noviembre de 2014
Organizada por la Obra Social ”la Caixa” y la Fundació Joan Miró, esta es la primera exposición monográfica de la artista estadounidense en la ciudad, y lleva el título de una frase de un libro que en 1913 inició el escritor portugués Fernando Pessoa, y que dejó inconcluso a su muerte en 1935: el Libro del desasosiego, texto que ha conocido gran difucsión despues de su publicacion en español en 1984 y en inglés en 1991.

En la muestra se comprueba como la artista se plantea la esencia de las cosas y del entorno, encontrando en las mismas una sensible ambigüedad que les lleva a mostrarse como elementos de vida o incluso de destrucción.

Nacida en Nueva York en 1955, Horn se sirve del dibujo, la escultura, la fotografía y la instalación, incorporando el lenguaje como una parte importante de su trabajo. La sutileza de sus obras invita a los espectadores a afinar los sentidos, sumergirse en el silencio, captar las pequeñas diferencias que hacen tambalear las ideas preconcebidas.

Cuando Horn utiliza un material como el vidrio fundido, muestra la ambigüedad de su estado, que se puede asociar al tiempo con lo sólido o lo líquido. La misma imagen del aguapuede ser simbolo de vida pero tambien de suciedad y muerte.

Próxima al conceptualismo y al minimalismo, Roni Horn suele residir temporalmente en Islandia, donde ha encontrado un espacio idóneo para desarrollar su trabajo: un paisaje esencial y preservado, que le permite explorar las relaciones entre identidad y lugar.

La exposición, que pudo verse entre junio y septiembre en la Fundació Joan Miró de Barcelona, reúne para su exhibición en Madrid veinticinco obras creadas entre 1996 y 2011. Dos de estas obras se presentan exclusivamente en CaixaForum Madrid: You are the Weather (1996) y Pi (1998).

Biografía
la artista, Roni Horn nació en 1955 en Nueva York, donde vive y trabaja actualmente. Es licenciada en Bellas Artes por la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) y máster en Bellas Artes por la Universidad de Yale.

A lo largo de su trayectoria, ha explorado la naturaleza mutable del arte a través de la escultura, la fotografía, el dibujo y la edición de libros. Su obra gira en torno a la relación entre las personas y la naturaleza, una relación vista como un espejo en el que el ser humano intenta reproducir la naturaleza a su imagen.

Desde 1975, Horn viaja a menudo a Islandia; el paisaje y la soledad de este país han influido en su práctica artística. Individualmente ha expuesto en el Art Institute de Chicago, el Centre Georges Pompidou de París, el MoMA de Nueva York y el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

También ha participado en exposiciones colectivas como la Documenta de Kassel y la Bienal de Venecia, entre otras.

La artista neoyorquina ha sido galardonada con el Premio Joan Miró 2013, con una dotación económica de 70.000 euros y que implica la producción de una exposición monográfica en Barcelona y Madrid. Además, Horn ha recibido el Premio CalArts/Alpert y ha obtenido una beca otorgada por el Guggenheim Museum.

Mr. Brainwash en Barcelona

13/11/2014, Nacido en Francia y afincado en Los Angeles, el artista Thierry Guetta, que más adelante se convertiría en Mr. Brainwash, es hoy una referencia del arte urbano a nivel mundial.

Barcelona, 13 de noviembre de 2014
Entre el 14 de noviembre de 2014 y hasta el 17 de enero de 2015 algunas de las obras más representativas de Mr. Brainwash se podrán contemplar por primera vez en España en la galería 3 Punts de Barcelona.

Desde sus inicios en Los Angeles en 2006 hasta hoy, Mr. Brainwash ha expuesto en ciudades como Nueva York, Miami, Toronto, Los Angeles, Londres o Ciudad del Cabo, ha trabajado para Madonna o Seth McFarlane y ha protagonizado un documental dirigido por el famoso icono del arte urbano Banksy.

ALGUNOS DATOS DE MR. BRAINWASH
Nace en 1966 en Sarcelles, Francia. Se traslada a Los Ángeles, California, en 1982.

En el año 1990 comienza a filmar obsesivamente todo lo que gira alrededor de su vida. Dos años después empieza a realizar sus primeras pinturas en su garaje.

En 1996 abre una tienda de ropa vintage en Los Ángeles, lugar conocido por artistas y diseñadores en boga.

En el año 1999 se centra en la grabación de un documental sobre artistas de arte urbano, “Life remote control”, que se presentaría en el Off Film Festival de Cannes en 2007.

A partir de 2005 empieza a colocar sus stencils y carteles en las calles de Los Ángeles, Nueva York y París.

En 2008 Banksy le invita a participar en el “Can Festival” de Londres. También inaugura su primera exposición individual, “Life Is Beautiful”, en Hollywood. La muestra, que duró 6 meses y atrajo a 50.000 visitantes, pasó a ser una de las exposiciones individuales más memorables de la historia del arte en Los Ángeles. Además, en 2008 protagoniza su primera portada en LA Weekly, una de las publicaciones divulgativas más importantes de Los Ángeles.

En 2009 diseña la portada del disco “Celebration”, recopilatorio de grandes éxitos de Madonna, y otras 15 portadas para singles, DVD’s, discos de vinilo...

En 2010 celebra su primera exposición individual en Nueva York “Icons”, prorrogada durante 9 meses como “Icon Remix” debido a un éxito abrumador. Ese mismo año estrena el documental “Exit Through The Gift Shop” en Sundance. Convertida en una película de culto, fue nominada a los Premios Oscar en la categoría de mejor documental.

En 2011 organiza una exposición e instalación en el Toronto International Film Festival, para la exposición Grace Kelly TIFF “Movie Star to Princess”. También expone en Art Basel Miami en la Avenida Collins, un evento que confirma a Mr. Brainwash como el artista más relevante del momento.

Un año después celebra su primera exposición individual en el Reino Unido durante los Juegos Olímpicos en la antigua oficina de Correos en el centro de Londres. Duró de junio a octubre y fue su exposición más visitada con 250,000 visitantes. Dirige además el videoclip del DJ David Guetta “Metropolis” y expone en la Opera Gallery de Dubai.

En 2013 diseña la fiesta posterior a la celebración de los Oscar organizada por el anfitrión de los Oscar Seth McFarlane, así como el telón de fondo de la Coca Cola Red Carpet en los American Music Award.

En 2014 crea la portada del disco de Rick Ross “Mastermind” y un póster para la edición deluxe del disco de Michael Jackson “Xscape”.

MR. BRAINWASH
14/11/2014 - 17/01/2015
3 PUNTS GALERIA
Enric Granados 21, Barcelona

Mathias Goeritz en el Reina Sofía

12/11/2014, El Museo Reina Sofía inaugura la primera gran retrospectiva en España dedicada al artista de origen alemán Mathias Goeritz.

Madrid, 12 de noviembre de 2014
"El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional" es la primera gran retrospectiva que se celebra en España sobre este reconocido artista de origen alemán pero afincado en Méjico desde 1949.

Componen la muestra más de 200 obras entre dibujos, bocetos, maquetas, fotografías, esculturas y cuadros sobre tabla, que revelan el carácter experimental, analítico e incluso lúdico de la producción de Mathias Goeritz, cuya obra surge de la asunción del arte como proyecto meta-artístico, extendiéndose al ámbito de lo social, lo político y lo público..

La exposición constituye una aproximación al trabajo de Goeritz, realizado desde su instalación en México, en 1949, y plantea un recorrido por los trabajos más emblemáticos y cruciales del artista. A lo largo de cuatro décadas, en su producción tanto teórica como práctica converge la utopía racional con el neoprimitivismo, factores que derivan de su propia biografía: el periplo por distintas ciudades de Europa y del norte de África, su estancia en España y su participación en los prolegómenos de la Primera Semana de Arte en Santillana del Mar (septiembre de 1949), así como el contacto con la cultura mexicana.

La muestra toma el principio de la “arquitectura emocional” como eje sobre el que se construye y articula el discurso expositivo. Formulado por Mathias Goeritz en 1954, este principio fundamenta toda la teoría y estética de su trabajo. Con él apelaba a la necesidad de idear espacios, obras y objetos que causen al hombre moderno una máxima emoción, frente al funcionalismo, el esteticismo y la autoria individual. En este sentido, las nociones de colaboración, la libertad de creación y la recuperación de las funciones sociales del diseño se reconocen en todos los trabajos alentados y realizados por Goeritz en esos años, desde la pintura, hasta la escultura, el grafismo o en el diseño de edificios..

MATHIAS GOERITZ
Mathias Goeritz (Danzig, 1915 - Ciudad de México, 1990) es uno de los artistas más destacados, pero también más ignorados, de la segunda mitad del siglo XX. Con el desvío como rumbo, su itinerario vital está determinado por el tránsito de Europa a América Latina, con estancias en Alemania, Norte de África, España y, finalmente, México, donde inventa una síntesis irrepetible entre el racionalismo y el sentimiento, a medio camino entre el presente moderno y el atavismo intemporal. Este proyecto artístico, representativo de la emergencia de utopías artísticas en América Latina tras la posguerra, renueva el relato habitual de la modernidad a partir de los años ‘50, simplificado en la tensión bipolar de la Guerra Fría, e introduce nuevas latitudes, vocabularios y roles del arte.

A la hora, en el lugar

12/11/2014, Eduardo Nave se desplaza hasta aquellos enclaves en los que la organización terrorista ETA ha cometido un atentado desde la década de los sesenta hasta la actualidad.

Madrid, 12 de noviembre de 2014
El mismo día, a la hora exacta, Eduardo Nave ingresa en la escena precisa y realiza una toma fotográfica en el lugar en el que un acontecimiento trágico ha dejado una herida permanente. Eduardo Nave se somete a la naturaleza de los hechos perpetrados para realizar una serie fotográfica de carácter histórico y documental que retrata el escenario de la barbarie “a la hora y en el lugar”.

Tanto el encuadre como el tiempo de exposición reproducen la ubicación y la durabilidad del suceso. Sin posibilidad de escoger la luz o el punto de vista más apropiado, captura la cruda realidad con exactitud y renunciando a cualquier valoración plástica.

Realizado a lo largo de cinco años (2008-2013), el proyecto está compuesto por titulares de prensa, transcripciones de radio, coordenadas espaciales, así como grabaciones de video y audio de cada escenario.

A la hora, en el lugar es un retrato de la pérdida y de la ausencia, pero sobre todo es el reconocimiento de un mundo arrebatado. El vacío en la imagen nos invita a la reconstrucción y a la reflexión sobre el mutismo y la mutilación que sufre el individuo y su entorno a partir de referencias históricas.

Eduardo Nave
Eduardo Nave (Valencia, 1976) Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Fotografía por la Escola dArt I Superior de Disseny de Valencia. En 2005 funda, junto a otros 13 artistas, el colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO, que un año después recibe los premios Arco y Revelación PhotoEspaña 06. Actualmente es colaborador habitual para medios editoriales nacionales e internacionales. Eduardo Nave ha realizado infinidad de exposiciones individuales y colectivas, y su obra pertenece a numerosas colecciones privadas e instituciones.

Más información en: www.alahoraenellugar.com

A la hora, en el lugar. Eduardo Nave
Hasta el 7 de diciembre de 2014
Centro Conde Duque
Calle Conde Duque 11, Madrid

Esther Ferrer, premio Velázquez 2014

12/11/2014, Esther Ferrer ha sido distinguida con el premio Velázquez de artes plásticas por cinco décadas de trabajo artístico en el que ha desarrollado propuestas originales.

Madrid, 12 de noviembre de 2014
El premio, concedido por el departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de España, está dotado con 100.000 euros. Sus anteriores ganadores han sido:

2002 Ramón Gaya
2003 Antonio Tapies
2004 Pablo Palazuelo
2005 Juan Soriano
2006 Antonio López
2007 Luis Gordillo
2008 Cildo Meireles
2009 Antoni Muntadas
2010 Doris Salcedo
2011 Artur Barrio
2013 Jaume Plensa
2014 Esther Ferrer

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), ha destacado como una de las primeras autoras de “arte de acción” en España. Desarrollando instalaciones en las que mediante el uso de elementos corrientes provoca en directo la emoción estética o el asombro en el espectador. Su obra ha recibido reconocimiento internacional tanto en Europa como en Latinoamérica y Estados Unidos.

En su página web, se resume así su biografía:

Esther Ferrer es conocida por sus performances, que realiza individualmente o formando parte del grupo ZAJ (disuelto en 1996).

A principios de los años 6O creó junto con el pintor Jose Antonio Sistiaga, el primer Taller de Libre Expresión germen de muchas otras actividades paralelas, entre ellas una Escuela experimental en Elorrio (Vizcaya).

A partir de mediados de los años 7O, retoma su actividad plástica con fotografías trabajadas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos, objetos...

En 1999 fue uno de los dos artistas que representaron España en la Bienal de Venecia.

Ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas 2009.

Ha expuesto su trabajo plástico en: Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España); Galerie Donguy, París (Francia); Galerie Lara Vinci, París (Francia); Galerie Satélite, París (Francia); Galería Trayecto , Vitoria (España); Statsgalerie, Stuttgart (Alemania); Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián (España); Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (España); Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde- Musee for Samtidskunst (Dinamarca); Circulo de Bellas Artes, Madrid (España).

En su larga carrera como artista de performances las ha realizado en numerosos Festivales tanto en España como en el extranjero (Alemania, Italia, Suiza, Bélgica , Francia, Dinamarca, Noruega, Inglaterra, Holanda , Polonia, Eslovaquia, Republica Checa, Hungría, Estados Unidos, Canadá, México, Cuba, Tailandia, Japón, Core...).

Ha impartido numerosos cursillos en Universidades y Escuelas de Bellas Artes en Canada, Francia, Suiza e Italia, además de España. Ha recibido el Premio Nacional de Las Artes 2009

El secretario de Estado de Cultura español, José María Lassalle, anunció la concesión del Premio Velázquez por la coherencia y el rigor de su trabajo durante cinco décadas y su defensa del arte como único espacio de libertad”.

Francisco Ibáñez, el Mago del Humor

11/11/2014, El Círculo de Bellas Artes presenta un recorrido por la obra de Francisco Ibáñez, creador, dibujante y guionista de los personajes más célebres del tebeo español.

Madrid, 12 de noviembre de 2014
En este enorme trabajo de documentación, análisis y recopilación de datos y obras del autor, un grupo multidisciplinar de gestores culturales, expertos, coleccionistas y diseñadores han unido sus conocimientos y su entusiasmo por la obra de Francisco Ibáñez para poder ofrecer al público una experiencia inolvidable.

El objetivo de la exposición es dar a conocer al visitante todos los matices que componen el icono que es hoy Francisco Ibáñez en el mundo de la ilustración y el tebeo de nuestro país, a través de un repaso de su biografía y un análisis de su obra y de sus personajes principales.

Así mismo la muestra, que podrá verse en el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta enero de 2015, profundiza en su vinculación con las editoriales en las que desarrolló su trabajo a lo largo de su carrera, la evolución de su estilo y sus técnicas, sus motivaciones y el contexto social y cultural en el que Ibáñez desarrolló su trabajo.

Más de cien revistas publicadas desde los años cincuenta hasta la actualidad, una amplia recopilación de artículos de merchandising y una serie de dibujos originales, conforman el núcleo de esta entrañable exposición, que hará las delicias de aquellos, ya no tan niños, que crecieron a base de carcajadas gracias a la magia de este gran genio del humor.

SOBRE FRANCISCO IBЅ—EZ
Francisco Ibáñez Talavera (15 de marzo de 1936, Barcelona), es el referente indiscutible del cómic en nuestro país. Con una carrera alimentada por más de cincuenta años de trabajo, el padre de Mortadelo y Filemón, El Botones Sacarino o Pepe Gotera y Otilio ha sabido adaptarse a los tiempos y permanencer en la industria a pesar del paso del tiempo.

"Mortadelo y Filemón, Agencia de Información" nació en las páginas de la revista infantil Pulgarcito, en enero de 1958. En ella, dos bienintencionados personajes a lo Sherlock Holmes y el Dr. Watson, trataban (no sin dificultades) resolver cualquier caso que se les pusiera por delante.

En la aventura "El Sulfato Atómico", Ibáñez eleva la calidad de sus historietas a un nivel de publicaciones europeas de primera línea. A finales de los años 70 aparece la revista Mortadelo, de la que partiría la cadena de publicaciones basadas en el mismo nombre, como Súper Mortadelo, Extra de Mortadelo, Mortadelo Especial y Mortadelo Gigante y la recopilación de sus aventuras en las colecciones Olé, Súper Humor y Magos del Humor.

Actualmente Ibáñez, de 78 años, realiza seis aventuras completas al año, basadas en temas políticos y sociales. El autor ha modernizado el lenguaje y las situaciones de sus personajes, llegando a un estilo y calidad que ha logrado conquistar a tres generaciones de lectores españoles. Francisco Ibáñez, el Mago del Humor
Hasta el 18 de enero de 2015
Círculo de Bellas Artes
C/ Alcalá, 42, Madrid

Júlio Quaresma. Arqueologías Comestibles

11/11/2014, El IVAM presenta una serie de naturalezas muertas de Júlio Quaresma en las que los vegetales aparecen combinados con elementos poco comunes como máscaras de diferentes culturas.

Valencia, 11 de noviembre de 2014
En la obra de Quaresma no se plantea ningún relato moralizador, y en su imaginario no parece que tenga sentido la apelación a la miseria de la vanidad. En sus pinturas no se trata tanto de un cuestionamiento de la presencia del hombre sino de una alegoría de la diferencia, un sutil cuestionamiento de la mirada etnocéntrica que trazó el mito del otro salvaje.

El protagonismo inquietante de la máscara en su concepción de la naturaleza muerta retoma aquella alteridad que impulsó a la vanguardia histórica pero que, en buena medida, quedó sublimada o deformada en una perspectiva en la que no había una reflexión crítica sobre los procesos de catalogación y exclusión cultural.

Por medio de la máscara, Quaresma invoca la potencia de lo pretendidamente primitivo, nos introduce en la ritualidad africana. Establece una rara (dis)torsión de ese género que se ocupa de la pintura de los objetos que no se mueven. Porque si la máscara “rigidifica” el rostro, no deja de estar asociada a un ritual, a una performatividad excepcional. Estos curiosos objetos están llenos de fuerza e intensidad, por lo que se crea así una nueva historia dentro de una composición, cuya atmósfera sensual está siempre presente.

La máscara no es una realidad “autónoma” si no que forma parte de un conjunto de ritos y mitos, que interviene en momentos festivos o en sacrificios, que marcan lo excepcional y afectan a la vivencia cotidiana. Esos “objetos” que condicionan, en todos los sentidos, la vida de los sujetos están colocados junto a lo que nos alimenta y adquieren un tono inquietante, como si las naturalezas muertas dejaran de lado lo decorativo para imponer un tono cuestionador.

Quaresma introduce en su pintura un repliegue conceptual, junto a la rotunda realidad de la máscara la también inquietante cualidad de la carne. Esa carne sedimenta la historia de muerte, violencia, sacrificio y cacería que atraviesa la tradición de la pintura. Sin duda, los bodegones de Quaresma también nos presentan lo sabroso sin dejar de introducir la inquietud o extrañeza de la máscara, los signos de la vida y de la desaparición, lo que nos alimenta y también aquello que tememos, lo material y eso que tal vez nos ponga en contacto con lo sagrado.

Los planos teatrales de la pintura de Júlio Quaresma funcionan como un velo, atrapando nuestros deseos, sugiriendo que estamos ante un enigma; medita sobre un género tradicional de la pintura al mismo tiempo que introduce algo ajeno a esa tradición como es la máscara africana sin perder de vista en su “exceso de lo comestible” la condición tremenda de los desfavorecidos de la tierra.

Júlio Quaresma. Arqueologías Comestibles
Instituto Valenciano de Arte Moderno. IVAM
Guillem de Castro, 118, Valencia
Hasta el 6 de enero de 2015

Calles y rostros de Berlín

07/11/2014, Berlín fue un punto de encuentro entre las vanguardias europeas a comienzos del siglo XX. El Museo Thyssen-Bornemisza rinde ahora un homenaje a la ciudad, con motivo del 25 aniversario de la caída del Muro.

Madrid, 7 de noviembre de 2014
Con motivo del 25 aniversario de la caída del Muro, el Thyssen-Bornemisza rinde homenaje a la ciudad de Berlín y a sus habitantes con "Calles y rostros de Berlín en las colecciones Thyssen-Bornemisza", una selección de obras maestras que nos acercan al pasado de esta gran metrópolis y nos descubren su panorama artístico durante el primer tercio del siglo XX.

CALLES DE BERLÍN
La rápida transformación de ciudades, como Berlín, en metrópolis fue uno de los temas que más apasionaron a los pintores de comienzos del siglo XX. La capital alemana, que vivió un veloz proceso de industrialización, se convirtió en imán de numerosos artistas por su atmósfera libre y en punto de encuentro de las vanguardias europeas.

Como tantos otros, Ernst Ludwig Kirchner, miembro del grupo expresionista Die Brücke, se trasladó a la capital en busca de nuevos estímulos. El impacto de la gran ciudad pronto provocó un vuelco temático y estilístico en su obra. Durante los meses anteriores a la Primera Guerra Mundial, que estalló hace justo 100 años, pintó sus célebres escenas callejeras, donde las protagonistas, generalmente mujeres, eran el objeto de las miradas masculinas.

Al igual que los futuristas, los artistas afincados en Berlín, como Meidner o Lyonel Feininger se sintieron estimulados por las calles en constante metamorfosis y adaptaron elementos formales del cubismo, el futurismo o el orfismo en sus obras. Sin embargo, frente a la visión triunfalista de los italianos, las obras germanas suelen estar impregnadas de un aire apocalíptico.

Entre todas ellas destacan las pinturas de George Grosz, donde Berlín se convierte en un lugar deshumanizado, que camina hacia la autodestrucción. Metrópolis, pintada durante la Gran Guerra, presenta una ciudad poblada por una muchedumbre atrapada en una vida infernal. Su estilo «afilado como un cuchillo» no haría sino agudizarse tras el fin del conflicto. Su aversión por la sociedad de su tiempo lo transformó en un pintor comprometido ideológicamente. Durante los años que siguieron, denunció la hipocresía burguesa y un orden social que consideraba injusto en unas obras donde el glamour de las clases acomodadas se contrapone a los numerosos lisiados de guerra, huérfanos y vagabundos

ROSTROS DE BERLÍN
Pasados los primeros años de la posguerra, pintores como Grosz o Dix fueron suavizando sus planteamientos revolucionarios ante el convencimiento de que el arte no podía cambiar la sociedad.

De las pobladas calles y sus conflictos sociales, su interés pasó a representar a los propios berlineses.

Hombres y mujeres vestidos a la moda y fumando cigarrillos; toda la bohemia berlinesa de la República de Weimar ha llegado a nosotros gracias a los retratos realizados por Dix, Christian Schad, o Rudolf Schlichter.

Para inmortalizar a sus contemporáneos los artistas abandonaron el lenguaje expresionista para adoptar un nuevo realismo que se ha denominado Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).

Pese a que la huella de la experiencia vanguardista nunca desapareció completamente de sus obras, los pintores de entreguerras adoptaron una minuciosa técnica inspirada en los artistas del pasado, ya fueran los maestros renacentistas italianos, como es el caso de Schad, o los alemanes, como ocurre con Dix. Para representar a Hugo Erfurth, el artista no solo recurrió a los planteamientos formales y compositivos del género, situando a su amigo tras un denso cortinaje y acompañado de su perro, sino que además recuperó la tradicional técnica de temple sobre tabla.

Este brillante e intenso momento de la cultura berlinesa terminaría bruscamente en 1933. Un año después del ascenso del nazismo al poder, Max Beckmann modificó el retrato de Quappi, su bella mujer, borrando su sonrisa. Otros tiempos habían comenzado.

La Segunda Guerra Mundial, desencadenada por la invasión alemana de Polonia hace 75 años, dejó un rastro de muerte y destrucción que pareció eliminar los ideales artísticos de preguerra.

Sin embargo, la caída del Muro, el 9 de noviembre de 1989, devolvería años después a la ciudad su título de capital de vanguardia y renovación artística.

SOBRE EL MURO DE BERLÍN
Capital de la Alemania nazi, la mayor parte la ciudad de Berlín fue devastada por los bombardeos aéreos de la aviación de Estados Unidos e Inglaterra y por las batallas terrestres contra el ejército soviético.

En el verano de 1945, las tropas de EE. UU., Gran Bretaña y Francia entran en Berlín como vencedores y ocupantes. Junto con su aliado en la guerra, la Unión Soviética, debían ocupar y liberar del nacionalsocialismo al Reich alemán, vencido en la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, Berlín se convirtió en el escenario de todas las disputas que pasaron a la historia con el nombre de Guerra Fría.

Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia fusionan sus zonas de influencia en lo que se convierte en la República Federal de Alemania (RFA). Berlín queda en zona ocupada por el ejército soviético. La ciudad es dividida en cuatro sectores. La URSS crea un estado comunista que se convierte en la República Democrática Alemana (RDA) y nombra Berlín capital de dicha república.

La gran migración de alemanes de la RDA a la Alemania Federal, causada por la problemática situación económica y política, promueve la construcción del muro, que divide la ciudad en varios sectores. En el intento de cruzar la frontera, de 167,8 kilómetros de largo, fueron asesinadas entre 136 y 206 personas. El 9 de noviembre de 1989 cayó el Muro.

Más información sobre la ciudad de Berlín: Guía de Berlín

De Rafael a Tiziano

06/11/2014, Hasta enero de 2015 se puede visitar en el Städel de Frankfurt la muestra De Rafael a Tiziano. Dibujos italianos en el Städel Museum.

Frankfurt, 6 de noviembre de 2014
Los tesoros del Museo Städel de Frankfurt comprenden una gran colección de obras sobre papel cuya extrema sensibilidad prohíbe presentarlos al público de forma permanente, pues podrían dañarse muy fácilmente.

En esta colección existe una abundancia particular de dibujos italianos, la mayoría de los cuales formaban parte de la donación (a mediados del siglo XIX) de la fundación de Johann Friedrich Städel. Con el tiempo, esta donación fue adquiriendo notoriedad gracias a nuevas incorporaciones, que han conseguido que actualmente la del Städel se trate de una colección de primer orden.

En la exposición "De Rafael a Tiziano. Dibujos italianos en el Städel Museum", unas 90 obras fechadas entre 1430 y 1600 ilustran los distintos movimientos artísticos italianos, y profundizan en la destreza técnica y las temáticas que abordaron grandes genios de la pintura como Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Giulio Romano, Sebastiano del Piombo, Tintoretto o Taddeo Zuccari.

Esta muestra tiene un hilo conductor, marcado por las figuras de Rafael Sanzio (1483-1520) y Tiziano Vecellio (1477-90?-1576), cuyas vidas se establecen como límites temporales de la exposición.

De Rafael a Tiziano. Dibujos italianos en el Städel Museum
Hasta el 11 de enero de 2015
Städel Museum
Schaumainkai 63, Frankfurt

Las Ánimas de Bernini en el Prado

06/11/2014, El Museo del Prado presenta del 6 de noviembre de 2014 al 8 de febrero de 2015 la exposición Las Ánimas de Bernini. Arte en Roma para la corte española.

Madrid, 6 de noviembre de 2014
El Museo del Prado presenta la primera exposición en España dedicada a Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680), un artista esencial en la historia del arte y verdadero protagonista y responsable, junto a Borromini y Pietro da Cortona, de la imagen y construcción de la Roma barroca. La muestra constituye también una novedad historiográfica, al analizar las complejas relaciones artísticas, culturales, diplomáticas y políticas que Bernini mantuvo con la Monarquía Hispánica durante el siglo XVII.

“Las Ánimas de Bernini. Arte en Roma para la Corte española” permitirá al público la contemplación por vez primera de extraordinarias obras del artista creadas para mecenas hispánicos. Veintitrés obras de Gian Lorenzo Bernini se exhiben para la ocasión junto a dieciséis de otros artistas, como Codazzi o Velázquez, procedentes de diferentes instituciones y coleccionistas privados, tanto nacionales como internacionales.

Entre las obras destacan las esculturas Anima beata y Anima dannata, obras extraordinarias realizadas en la precoz y sorprendente madurez del joven artista que se conservan en la embajada de España ante la Santa Sede en Roma, como depósito de la Obra Pía, y que se exponen ahora por primera vez en el Museo del Prado.

La muestra se vertebra en tres secciones que ilustran la compleja relación de Bernini con España y, al tiempo, constituye casi una síntesis de su propia evolución como artista polifacético, recorriendo un rico itinerario desde algunos de los grandes proyectos arquitectónicos y urbanísticos a sus escenográficas capillas y esculturas, así como a sus fuentes, pinturas y dibujos para otros proyectos, ya fueran efímeros y festivos, decorativos o suntuarios.

Escultor, arquitecto, pintor, escenógrafo, autor teatral, diseñador de fiestas y ceremonias religiosas y profanas, creador de fuentes y otros repertorios ornamentales y suntuarios, Bernini recibió encargos tanto de mecenas españoles en Roma como de la propia Monarquía y sus representantes en la ciudad.

Algunos de estos encargos pueden contemplarse en esta exposición, desde el Anima beata y el Anima dannata hasta magníficas esculturas de altísima calidad realizadas en mármol en 1619, cuando aún era un joven escultor. También se puede contemplar el pequeño y bellísimo bronce de la Escultura ecuestre de Carlos II (1680), encargo del marqués de Carpio, que se expone por primera vez en España. La muestra incluye otros proyectos arquitectónicos y escultóricos como el Monumento a Felipe IV de Santa María Maggiore di Roma; dibujos con la representación de ceremonias de canonizaciones como la de Santo Tomás de Villanueva en la basílica de San Pedro (1658); y arquitecturas efímeras como las incluidas en las máquinas pirotécnicas realizadas para celebrar El nacimiento de la Infanta Margarita (1651) o las diseñadas para conmemorar La Paz de Aquisgrán (1668). Junto a ellos, el busto del Cardenal Scipione Borghese, sobrino de Pablo V, que supo reconocer muy tempranamente el talento extraordinario de Bernini, apoyando incondicionalmente su brillante carrera como escultor.

Una de las obras más representativas de su producción, centrada en un tema religioso de acentuado origen hispánico, fue El Éxtasis de Santa Teresa (1647-1651) para la Capilla Cornaro en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma. En la exposición se hayan el boceto en terracota para el grupo escultórico, procedente del Hermitage, así como algunos dibujos preparatorios para la decoración de la capilla conservados en la Biblioteca Nacional de España.

Otra de las importantes obras que aporta la exposición del Museo del Prado es el controvertido, pero inequívoco, Autorretrato de Bernini.

RETRATOS DEL ALMA
Los retratos del alma y de sus emociones tuvieron su correspondencia en bustos y rostros, ya se tratase de representaciones de personajes históricos o religiosos, mitológicos o de autorretratos. Con apenas veintiún años realizó el que posiblemente sea su primer encargo para un prelado español en Roma, Pedro de Foix Montoya: el Anima beata, que se ilumina ante la contemplación de la belleza de la gloria, y el Anima dannata, que condenada expresa el horror de lo infernal.

ROMA TEATRO DE LAS NACIONES. DE URBANO VIII A ALEJANDRO VII EN TIEMPOS DE FELIPE IV
Durante los pontificados de Inocencio X y Alejandro VII Bernini realizaría algunas de sus obras y proyectos más importantes, incluidas obras religiosas tan significativas como el Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una época en la que, en relación con España, fueron más frecuentes los encargos de obras, la decoración para las ceremonias de canonización, las fiestas con arquitecturas efímeras y fuegos artificiales o los regalos diplomáticos a Felipe IV, coincidiendo con el compromiso filoespañol de esos papas. Durante esos pontificados fue también cuando Felipe IV y sus embajadores en Roma intensificaron la presencia de la Monarquía en Roma mediante una calculada estrategia de propaganda dinástica, política y religiosa, que habrá de culminar con el proyecto de Bernini para un monumento a Felipe IV en Santa Maria Maggiore.

ARTE, RELIGIÓN Y DIPLOMACIA. EL ÚLTIMO BERNINI
Los últimos años de Bernini fueron especialmente significativos tanto en relación a su propia biografía como artista, como en sus contactos con España y sus embajadores en Roma. Durante los pontificados que se sucedieron desde Clemente IX Rospigliosi a Inocencio XI Odescalchi, Bernini dejó de ser el protagonista indudable de las transformaciones de la Roma barroca.

Fue época de proyectos inacabados y de obras que sufrieron críticas que rozaron la sátira, pero también se trata de una época en la que pareció establecer una distinta relación con la Monarquía Hispánica y con Carlos II especialmente, gracias a los amistosos contactos que mantuvo con Gaspar de Haro y Guzmán, VII marqués del Carpio, embajador en Roma entre 1676 y 1682. Coleccionista célebre en toda Europa, Haro llegó a encargarle, entre otras obras, una réplica, casi a escala real, de la Fuente de los Cuatro Ríos de la Plaza Navona.

Las Ánimas de Bernini. Arte en Roma para la Corte española
Del 6 de noviembre de 2014 al 8 de febrero de 2015
Museo del Prado, Madrid

Artistas británicos y la Guerra Civil española

05/11/2014, Una muestra en la Pallant House Gallery reúne casi cien obras que reflejan el impacto del golpe de la Guerra Civil española en una generación de artistas ingleses.

Chichester, 5 de noviembre de 2014
La Guerra Civil española (1936-1939) fue uno de los conflictos europeos más importantes del siglo XX. La exposición de la Pallant House Gallery de Chichester (en el sur de Inglaterra) se centra en el impacto que tuvo el conflicto español en artistas británicos como John Armstrong, Felicia Browne, Roland Penrose, Edward Burra, Wyndham Lewis, FE McWilliam, y Henry Moore, cuyas obras se exponen junto a otros lienzos de artistas internacionales como Pablo Picasso y Joan Miró.

En este enfrentamiento político interno entre republicanos y nacionalistas bajo el mando estos últimos del general Franco, se vio involucrada toda una generación de jóvenes escritores, poetas y artistas, por lo que el conflicto fue descrito por Stephen Spender como "la guerra de los poetas", por el gran fervor político e ideológico de los combatientes.

A pesar de la decisión de Inglaterra de no participar en el conflicto, la Guerra Civil española inspiró a los artistas pictóricos británicos, que participaron de manera muy activa en el conflicto, ya fuera viajando a España para unirse a la lucha contra el fascismo, diseñando carteles para las campañas de socorro, o creando conmovedores reflejos visuales sobre la situación humanitaria creada por la guerra.

Las más de 90 obras que componen la muestra están realizadas en una variedad de estilos artísticos que va desde el realismo a la abstracción y el surrealismo. Entre otros formatos, la exposición presenta pinturas, diseño de carteles, grabados, fotografías, textiles y esculturas. También considera el impacto de las obras emblemáticas de artistas internacionales en el arte británico, como la célebre pintura contra la guerra de Pablo Picasso "Guernica", que se exhibió en Gran Bretaña entre 1938 y 1939.

Esta exposición conmemora el 75 aniversario del fin de la Guerra Civil española en 1939 y cuenta con préstamos de una serie de museos públicos y colecciones privadas internacionales.

Conciencia y Conflicto: Artistas británicos y la Guerra Civil española
Del 8 de noviembre de 2014 hasta el 15 de febrero de 2015
Pallant House Gallery
9 North Pallant. Chichester
West Sussex

El Greco en Washington

04/11/2014, La National Gallery de Washington organiza una muestra dedicada a la figura de El Greco (1541-1614), que podrá verse hasta febrero de 2015.

Washington, 4 de noviembre de 2014
En la exposición dedicada a El Greco se podrán contemplar varias obras maestras del griego que han regresado recientemente de España, donde se presentaron en importantes exposiciones en honor al 400 aniversario de la muerte del artista.

Así, Cristo limpiando el templo, dos retablos de una ermita en Toledo, y el Laocoonte llegan a la National Gallery para unirse a otras tres obras procedentes de Dumbarton Oaks, The Phillips Collection de Washington y el Museo de Arte Walters de Baltimore.

Doménikos Theotokópoulos, universalmente conocido como El Greco, nació en la isla griega de Creta, donde obtuvo la maestría como pintor de iconos bizantinos.

Se trasladó a Venecia a los treinta años y alli absorbió las lecciones de los maestros del Alto Renacimiento, y especialmente de Tiziano y Tintoretto.

En 1570 partió para Roma, donde estudió la obra de Miguel Ángel y se encontró con el estilo conocido como manierismo, que rechazaba la lógica y el naturalismo del arte renacentista.

El Greco se trasladó a España en 1576 y pasó el resto de su vida en Toledo, donde finalmente lograría el reconocimiento que no alcanzó en Italia.

El Greco utilizaba sus figuras alargadas y el tratamiento ambiguo del espacio con fines expresivos expectaculares, creando obras trascendentes que transmitían unam profunda espiritualidad. Combinando diversas influencias -bizantina, renacentista y manierista - desarrolló un estilo único que capturaba a la perfección el fervor religioso de la Contrarreforma Española.

El Greco in the National Gallery of Art: A 400th Anniversary Celebration
Hasta el 16 de febrero de 2014

I Foro de la Cultura de Burgos

03/11/2014, Profesionales procedentes de todo el mundo se dan cita en la primera edición del Foro de la Cultura de Burgos, que tendrá lugar los días 6, 7 y 8 de noviembre de 2014.

Burgos, 3 de noviembre de 2014
Bajo el subtítulo ‘Innovación para un cambio social’, el Foro de la Cultura es un encuentro que pretende analizar el valor de la Cultura y su influencia en ámbitos como la ciencia y la tecnología, el diseño, la economía, la arquitectura, el medio ambiente o la educación.

En esta primera edición del Foro se darán cita destacados profesionales vinculados a diversos ámbitos del conocimiento (como la economía, la industria, la educación, la sociología, la arquitectura o el deporte, entre otras esferas), que debatirán sobre el impacto de la cultura en los procesos de transformación social.

Durante sus dos primeras jornadas, el Foro concentrará su actividad en el Teatro Principal y en el Centro Cultural Cordón (Burgos), espacios que acogerán las “Mesas de debate” y las presentaciones de proyectos agrupadas en la sección “ActivaCciones”, una sección en la que se presentarán las propuestas más innovadoras que llevan a cabo algunos colectivos y entidades independientes en ámbitos como la participación social, la política, la producción artística, la educación o la ecología.

Además, el encuentro trasladará su actividad a alguno de los espacios más significativos y emblemáticos de Burgos, abriendo así el Foro a la participación de ciudadanos y profesionales de otros sectores interesados en Cultura a través del apartado “Diálogos”.

Durante el Foro se presentarán los resultados de dos estudios que analizan diferentes aspectos de la cultura y la participación social. La programación se completa con otras actividades paralelas, como proyecciones de cine, talleres, conciertos musicales o diferentes exposiciones y retrospectivas en torno a planteamientos artísticos y estéticos. Estas actividades tendrán como escenario distintos espacios de la ciudad de Burgos.

El cambio Climático es incuestionable

03/11/2014, El cambio climático llega ya a todos los rincones del planeta, según el Informe de Síntesis presentado en Copenhague por el Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático (IPCC).

Copenhague, 3 de noviembre de 2014
Creado por la Organización Meteorológica Mundial (OMM) y Naciones Unidas, este equipo que realiza el seguimiento sobre el Cambio en el medio ambiente, advirtió que la influencia humana en el sistema climático es clara y va en aumento, y sus impactos se observan en todos los continentes. Si no se le pone freno, el cambio climático hará que aumente la probabilidad de impactos graves, generalizados e irreversibles en las personas y los ecosistemas.

Además destaca que los daños serán especialmente graves para aquellas áreas humanas más desfavorecidas, por lo que el calentamiento global puede aumentar las injusticias del orbe.

Sin embargo, según los expertos, existen opciones para la adaptación al cambio climático, y con actividades de mitigación rigurosas se puede conseguir que los impactos del cambio climático permanezcan en un nivel controlable, creando un futuro más claro y sostenible.

Todo lo anterior son conclusiones generales del Informe de síntesis publicado el Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático (IPCC). El Informe expone e integra las conclusiones del Quinto Informe de Evaluación del IPCC producidas por más de 800 científicos y publicadas en los últimos 13 meses: la evaluación del cambio climático más completa jamás realizada.

R.K. Pachauri, Presidente del IPCC, afirmó que hay medios para limitar el desastre y añadió que “las soluciones son muchas y permiten el continuo desarrollo económico y humano. Todo lo que necesitamos es voluntad de cambio, y confiamos en que esa voluntad esté motivada por el conocimiento y la comprensión de la ciencia del cambio climático”.

El Informe de síntesis confirma que el cambio climático se constata en todo el mundo y que el calentamiento del sistema climático es inequívoco. Desde la década de 1950 muchos de los cambios observados no han tenido precedentes en los últimos decenios a milenios. “Nuestra evaluación concluye que la atmósfera y el océano se han calentado, los volúmenes de nieve y hielo han disminuido, el nivel del mar se ha elevado y las concentraciones de dióxido de carbono han aumentado hasta niveles sin precedentes desde hace, por lo menos, 800 000 años”, según dijo Thomas Stocker, Copresidente del Grupo de trabajo I del IPCC.

En el informe se expresa con mayor certidumbre que en anteriores evaluaciones el hecho de que las emisiones de gases de efecto invernadero y otros impulsores antropógenos han sido la causa dominante del calentamiento observado desde mediados del siglo XX.

Los impactos del cambio climático ya se han sentido en los últimos decenios en todos los continentes y océanos.

El Informe de síntesis sostiene con claridad que muchos riesgos son particularmente problemáticos para los países menos adelantados y las comunidades vulnerables, dada su limitada capacidad para afrontarlos. Las personas marginadas en los ámbitos social, económico, cultural, político, institucional u otro son especialmente vulnerables al cambio climático.

Efectivamente, la limitación de los efectos del cambio climático a un tiempo plantea problemas de equidad, justicia e igualdad y es necesaria para lograr el desarrollo sostenible y la erradicación de la pobreza. “Muchas de las personas más vulnerables al cambio climático apenas han contribuido y contribuyen a las emisiones de gases de efecto invernadero”, señaló el señor Pachauri. “No será posible afrontar el cambio climático si los distintos agentes anteponen sus propios intereses de forma independiente; solo se alcanzarán resultados positivos con respuestas colectivas, en particular de la cooperación internacional”.

Según se afirma, para limitar realmente los riesgos del cambio climático, es necesario reducir de forma sustancial y sostenida las emisiones de gases de efecto invernadero. Y en la medida en que la mitigación reduce la tasa y la magnitud del calentamiento, también dilata el tiempo de que disponemos para la adaptación a un nivel determinado del cambio climático, potencialmente en varios decenios.

Son muchas las trayectorias de mitigación que conducen a la consecución, en los próximos decenios, de las sustanciales reducciones de las emisiones necesarias para limitar, con probabilidades de éxito superiores al 66%, el calentamiento a 2 ºC: el objetivo fijado por los gobiernos. Sin embargo, el informe afirma que si la mitigación adicional se demora a 2030, aumentarán considerablemente los retos tecnológicos, económicos, sociales e institucionales asociados a la limitación, en el siglo XXI, del calentamiento a menos de 2 ºC en relación con los niveles preindustriales.

El Informe de síntesis concluye que las estimaciones de los costos de la mitigación varían, pero el crecimiento económico global no se vería demasiado afectado. En los escenarios en que se dejan seguir las cosas tal cual, el consumo –indicador del crecimiento económico– crece entre el 1,6 y el 3% anual a lo largo del siglo XXI. Con una mitigación ambiciosa se reducirían esos índices en alrededor de 0,06 puntos porcentuales. En comparación con el inminente riesgo de impactos irreversibles del cambio climático, los riesgos de la mitigación son razonables, sostienen los expertos.

En estas estimaciones económicas de los costos de la mitigación no se consideran los beneficios de un cambio climático de menor magnitud, así como tampoco los numerosos cobeneficios relacionados con la salud humana, los medios de subsistencia y el desarrollo.

La actuación seria el el tema es necesaria, tal como dijo R.K. Pachauri. “No nos queda mucho tiempo antes de que la ventana de la oportunidad de permanecer en el margen de los 2 ºC de calentamiento se cierre. Para tener buenas posibilidades de permanecer por debajo de los 2 ºC a costos razonables, deberíamos reducir las emisiones entre un 40 y un 70% a nivel mundial entre 2010 y 2050, y disminuirlas hasta un nivel nulo o negativo en 2100. Tenemos la oportunidad, y la elección está en nuestras manos”.

Diego Velázquez en Viena

31/10/2014, El Kunsthistorisches Museum de Viena dedica una gran muestra al célebre pintor de cámara español Diego Velázquez.

Viena, 31 de octubre de 2014
Hasta el 15 de febrero de 2015 el Kunsthistorisches Museum de viena presenta la mayor exposición dedicada al artista español Diego Velázquez (1599 - 1660) en una ciudad Austriaca.

La muestra aborda los distintos géneros que trató el sevillano: bodegones, retratos reales, cuadros religiosos, paisajes y lienzos de temática mitológica acercan al visitante a la versatilidad y el virtuosismo de este gran maestro de la pintura española.

Entre las obras que componen la muestra se encuentran varios lienzos nunca antes vistos en Viena, tales como "La Adoración de los Reyes Magos", "Apolo en la Fragua de Vulcano" o "La Venus del Espejo", tres obras maestras de la pintura universal realizadas por Velázquez.

En la organización de la muestra del Kunsthistorisches Museum han colaborado instituciones como el Museo Nacional del Prado de Madrid, que posée la mayor colección de trabajos de Velázquez, La National Gallery de Londres o el Boston Museum of Fine Arts entre otras.

Hasta el 15 de febrero de 2015
Kunsthistorisches Museum
Maria-Theresien-Platz, Viena

XVII Edición del Salón del Libro Antiguo de Madrid

30/10/2014, La mejor muestra de libros antiguos de España vuelve a la capital. Una ocasión única para poder admirar y comprar ediciones de gran calidad y rareza.

Madrid, 30 de octubre de 2014
Vuelve una nueva edición de la mejor muestra de libros antiguos que se realiza actualmente en España, a la altura de las mejores ferias del mundo, esta cita obligada para los amantes de la lectura y de las joyas bibliográficas tendrá lugar en Madrid los días 27, 28, 29 y 30 de Noviembre

Una edición que tendrá lugar en el Hotel Occidental Miguel Ángel de Madrid, y cuyo objetivo principal es dar a conocer al público en general, y no sólo a los coleccionistas especializados, la riqueza documental y bibliográfica de nuestra cultura.

El Salón contará en esta nueva edición con 23 librerías nacionales e internacionales, que ofrecerán la ocasión de disfrutar y de adquirir auténticas joyas de la Literatura: incunables, góticos, manuscritos, ediciones de bibliografía, primeras ediciones etc.
En esta XVII edición volverá a estar presente el prestigioso encuadernador Ángel Camacho, profesor de la Escuela Nacional de Encuadernación, que contará con un stand-taller donde realizará varios pases al día durante los tres días del certámen:

  • De 12:00hrs a 14:00hrs - Demostraciones ornamentación, intervenciones restauradoras en papel, encuadernaciones de restauración y encuadernación de libros.

  • De 18:00hrs a 20:00hrs - Demostraciones ornamentación, intervenciones restauradoras en papel, encuadernaciones de restauración y encuadernación de libros. Realización de papel marmoleado, donde podrán participar los visitantes.

XVII Salón del Libro Antiguo
Del 27 al 30 de noviembre de 2014
Hotel Occidental Miguel Ángel de Madrid
Calle Miguel Ángel Número 29

Europa, el destino más demandado en Todos los Santos

30/10/2014, Este fin de semana París, Bruselas, Londres, Lisboa, Roma, Barcelona y Madrid serán algunos de los destinos más visitados.

Barcelona, 30 de octubre de 2014
Este año se ha producido un aumento de la demanda de destinos europeos para viajar en la celebración de Todos los Santos, aunque la duración de la estancia ha descendido de 4-5 noches a 3-4 noches, ya que en esta ocasión no será puente.

Las ciudades de Europa más demandadas por los españoles para pasar el fin de semana son París, Bruselas, Londres, Lisboa y Roma. Con respecto a España, Barcelona y Madrid serán las ciudades más visitadas en esos días.

Las reservas de familias con niños han aumentado un 15% con respecto a los datos de 2013. De esta forma, se ha incrementado la demanda para visitar parques temáticos como Port Aventura (Salou), el Parque Warner (Madrid) o Disneyland (París).

Aquí te dejamos nuestras guías de las ciudades más solicitadas, para que puedas preparar tu viaje y sacarle el mejor partido posible:

Guía de París: http://www.guiarte.com/paris/
Guía de Bruselas: http://www.guiarte.com/bruselas/
Guía de Londres: http://www.guiarte.com/londres/
Guía de Lisboa: http://www.guiarte.com/lisboa/
Guía de Barcelona: http://www.guiarte.com/barcelona/
Guía de Madrid: http://www.guiarte.com/madrid/

Fuente de la información Lowcostholidays

Los Tesoros de la Clausura

29/10/2014, Una exposición descubre piezas de arte únicas que llevaban ocultas tres siglos en el Monasterio de la Purísima Concepción de Chinchón.

Chinchón, 29 de octubre de 2014
La exposición muestra el patrimonio histórico-artístico y religioso que las Hermanas Clarisas Descalzas de Chinchón han mantenido oculto durante más de 300 años bajo los estrictos controles de la Clausura. Pinturas, artesanía, objetos litúrgicos y decorativos, figuras y tallas religiosas, vestidos de celebración y otros elementos de alto valor histórico se exponen al público en el Monasterio de la Purísima Concepción de Chinchón.

Esta exposición única cumple su tercer año tras un éxito mayúsculo de público y crítica en las dos ediciones anteriores. Como principal novedad de este año se incluyen dos visitas guiadas, llevadas a cabo por personal especializado. Los horarios de apertura para la temporada 2014 serán los sábados de 16 a 19 horas y los domingos de 12 a 14 horas y de 16 a 18 horas. La muestra podrá visitarse hasta el 8 de Diciembre de 2014.

Piezas de artesanía hechas en materiales preciosos como mármol u oro; óleos que en su momento adornaron estancias y capillas; objetos de decoración o de culto, como la tabla de Divino Pastor del pintor Alonso del Arco; urnas-sagrarios de plata como la que les regaló en dote las Descalzas Reales de Madrid a las propias Clarisas; ternos de Damasco con los escudos bordados de los Virreyes del Perú; figuras religiosas como las esculturas en mármol blanco del mausoleo de los V Condes de Chinchón; vestidos litúrgicos e incluso, estancias monumentales enteras rehabilitadas y remodeladas con un alto nivel arquitectónico y religioso son algunos de los reclamos que los visitantes podrán descubrir en esta colección.

El buen estado de conservación de muchas de las piezas expuestas tiene que agradecerse al hecho de que hayan estado ocultas durante siglos tras los muros del Monasterio de la Purísima Concepción, que actualmente alberga a nueve Hermanas, y que ha sobrevivido a hechos históricos como la Guerra de la Independencia o la Guerra Civil española, preservando intacta su colección.

Dibujo español en el Prado

29/10/2014, Tras su exhibición en Estados Unidos el Museo del Prado reúne 85 dibujos de la colección de la Kunsthalle de Hamburgo. Del 30 de octubre de 2014 al 8 de febrero de 2015.

Madrid, 29 de octubre de 2014
Formada por más de dos centenares de obras representativas del dibujo español desde el siglo XVI hasta comienzos del XIX, la colección de dibujo español de la Kunsthalle de Hamburgo es una de las más relevantes del mundo en cuanto a calidad y cantidad.

Esta colección fue vendida en el mercado londinense y adquirida por el museo de Hamburgo en 1891. Su núcleo está formado por los dibujos de Bartolomé Esteban Murillo y algunos de sus más importantes coetáneos y seguidores, muchos de ellos vinculados a la Academia fundada en Sevilla por el maestro junto con Juan de Valdés Leal y Francisco de Herrera el Mozo.

El núcleo central de la exposición del Prado (compuesta por 85 dibujos) está formado por un mayoritario conjunto de dibujos sevillanos de Murillo, Herrera el Mozo y Valdés Leal, a los que se suman dibujos de Cano, Castillo y Schut, entre otros.

Goya también está presente en esta exposición con una nutrida serie de dibujos, entre los que destacan algunos preparatorios para su serie de copias de los retratos de Velázquez realizados a partir de cuadros originales de Diego Velázquez y hoy conservados en el Museo del Prado.

Concebidos como preparatorios para una serie de estampas, en ellos Goya no se limitó a “copiar” a Velázquez, sino que nos dejó muestra de su genial visión de la obra del sevillano. Junto a estos, también se podrán contemplar dibujos del Álbum de Madrid, y preparatorios para su famosa serie de estampas de La Tauromaquia.

La muestra plantea algunas de las principales cuestiones relacionadas con el mundo del dibujo, principalmente el de los cambios y el estudio de las atribuciones. También se analiza el valor del dibujo como medio de expresión o como instrumento de formación, así como su empleo en el proceso creativo. Asimismo se examina el modo en que se coleccionaba en los siglos XVIII y XIX y se recrea el modo en que llegaron estos dibujos a Hamburgo.

Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle: Cano, Murillo y Goya
Del 30 de octubre de 2014 al 8 de febrero de 2015
Museo del Prado

Dalí en Brasil

28/10/2014, El instituto Tomie Ohtake presenta, hasta enero de 2015, la mayor retrospectiva dedicada al artista catalán Salvador Dalí (1904-1989) en Brasil.

Sao Paulo, 28 de octubre de 2014
Tras su paso por Río de Janeiro, la muestra llega a Sao Paulo, y presenta varias novedades en relación a la exposición en Río, pues cuenta con cinco nuevas obras provenientes de la Fundación Gala-Salvador Dalí y otras dos del Museo Reina Sofía, instituciones que han cedido el 90% de los trabajos expuestos en la muestra.

Entre las siete obras de este maestro del surrealismo que estarán exclusivamente en el Instituto Tomie Ohtake se encuentran el pequeño óleo sobre madera "El espectro del sex-appeal" (1934), "Desnudo" (1924), "Hombre con la cabeza llena de nubes" (1936) de profunda carga simbólica y con una referencia explícita a René Magritte, o "El piano surrealista" (1937), fruto de su colaboración con los hermanos Marx.

Esta retrospectiva sobre Dalí invita al público a sumergirse en el universo onírico, simbólico y fantasioso de este genio de la pintura.

El conjunto de obras está formado por 24 óleos, 135 dibujos y grabados, 40 documentos, 15 fotografías y cuatro films.

El espectador podrá tener contacto con la producción de Dalí desde los años 1920 hasta sus últimos trabajos, por lo que podrá tener una clara percepción de su evolución, de su técnica, sus influencias, recursos temáticos, referencias ideológicas y simbolismos.

Además, la exposición presta especial atención a la vasta e instigante faceta de Dalí como retratista, un género que el artista interpretaría y abordaría de distintas maneras, y que estaría claramente influido por su cuestionamiento de la realidad.

La fase surrealista, que daría fama mundial al catalán, está representada a través de trabajos que presentan su método paranóico-crítico, como "El sentimiento de velocidad" (1931), "Monumento imperial a la mujer-niña" (1929), o "Figura y drapeado en un paisaje" (1935).

En la exposición también se profundiza en la relación entre Dalí y el sèptimo arte, con sus colaboraciones con destacados directores como Luis Buñuel o Alfred Hitchcock.

Impresionismo americano en el Thyssen

28/10/2014, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición dedicada a la expansión del impresionismo en Norteamérica.

Madrid, 28 de octubre de 2014
Esta exposición será la primera ocasión de poder contemplar en España una muestra dedicada a la expansión del impresionismo en Norteamérica. La muestra, que ya ha sido presentada en el Musée des Impressionnismes de Giverny y las National Galleries of Scotland de Edimburgo, rastrea a través de casi sesenta pinturas el modo en que los artistas norteamericanos descubrieron el impresionismo en las décadas de 1880 y 1890 y su desarrollo posterior, en torno a 1900.

Aunque artistas como Mary Cassatt y John Singer Sargent llevaran algunos años viviendo y exponiendo en Francia, hubo que esperar hasta 1886, a la exposición de impresionismo francés organizada por el marchante Durand-Ruel en Nueva York, para que los norteamericanos comenzaran a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los temas modernos del movimiento francés, muchos de estos artistas norteamericanos, decidieron incluso viajar a París para conocer el impresionismo de primera mano.

Para los pintores norteamericanos que querían participar de la modernidad europea era imprescindible pasar una temporada en París para visitar el Louvre y el Salón anual, e incluso formarse en alguno de los cada vez más numerosos estudios y academias. James McNeill Whistler fue uno de los primeros, seguido por Mary Cassatt. En 1874, cuando París se estaba recuperando de la guerra franco‐prusiana, llegó una segunda oleada de pintores norteamericanos, como John Singer Sargent y Theodore Robinson.

En torno a 1890, varios artistas norteamericanos que habían vuelto de Europa empezaron a incorporar los nuevos temas, composiciones y colores del impresionismo a sus obras. Se enfrentaban entonces a un público distinto del que tuvieron sus predecesores franceses veinte años antes y el movimiento había evolucionado ya en el viejo continente hacia nuevos planteamientos gracias a artistas como Van Gogh, Gauguin, Seurat y Signac. Con más referencias y una mayor libertad, sus cuadros no representaban un estilo pictórico unificado, sino más bien puntos de partida individuales. Estos pintores norteamericanos supieron adaptar sus ideas y su forma de pintar a los temas nacionales y seducir así a un nuevo público.

Además de los citados, en esta muestra figuran obras de William Merritt Chase, John Henry Twachtman, Dennis Miller Bunker, Frank Weston Benson y Edmund Charles Tarbell, acompañados por lienzos de Monet, Manet, Degas y Morisot, que sirven para contextualizar y establecer un interesante diálogo entre ellas.

Impresionismo americano
Museo Thyssen-Bornemisza
Desde el 04/11/2014 hasta el 01/02/2015

Coleccionar arte. Obras de la Fundación Francisco Godia

27/10/2014, Una muestra del Museo de Bellas Artes de Sevilla brinda la oportunidad de conocer de primera mano cómo eran las colecciones de la burguesía catalana de principios del siglo XX.

Sevilla, 27 de octubre de 2014
Esta exposición comprende una selección de obras emblemáticas de los principales ámbitos de la colección de la Fundación Francisco Godia.

Las obras seleccionadas permiten un recorrido a lo largo del arte de nueve siglos en el ejemplo de unas 40 piezas que, siguiendo un discurso cronológico, muestran la evolución del arte desde el Románico hasta nuestros días y profundizan en la forma en la que han interpretado los artistas los grandes temas de la Historia del Arte: la maternidad, el retrato, el paisaje o el bodegón.

La muestra parte de la esencialidad de la escultura románica y discurre por la riqueza del Gótico, el clasicismo del primer Renacimiento y la fuerza del Barroco. Incorpora algunos ejemplos de las producciones cerámicas de Manises y Cataluña. El arte del siglo XX y su veloz devenir histórico queda reflejado en la pintura de principios de siglo y en la natural evolución de los diferentes géneros hacia los nuevos lenguajes de expresión de la Modernidad.

Barcelona fue a principios del siglo XX un importante centro cultural y artístico, donde se forjó un coleccionismo característico, que mostraba su preferencia por las expresiones artísticas más relevantes del arte catalán, como puede ser la escultura gótica o la pintura modernista y primeras vanguardias. Coleccionar arte. Obras de la Fundación Francisco Godia refleja la tarea coleccionista de Francisco Godia, singular mecenas barcelonés, cuyo gusto artístico es un claro exponente del coleccionismo catalán de aquella época.

La muestra se divide en tres secciones que muestran obras de cada uno de los periodos que han destacado en la historia del arte catalán: arte medieval, Renacimiento y Modernismo y primeras vanguardias. Esta selección de obras manifiesta las preferencias del coleccionista por esos periodos característicos del arte catalán y un gusto, compartido por la floreciente burguesía catalana, que es consecuencia del intercambio cultural con otros países, fundamentalmente con Francia y que se refleja en el movimiento modernista.

La colección
La colección medieval constituye una de las piedras angulares de la colección. El coleccionismo privado en España del siglo XIX, en términos generales, siguió las pautas marcadas por las colecciones reales y aristocráticas, con piezas de maestros de la pintura italiana o flamenca y de las artes suntuarias. La burguesía catalana, en cambio, constituyó un modo diferente de coleccionar. Las grandes colecciones catalanas comenzaron a nutrirse de obras de arte románico y gótico. En cierto modo, en una reacción de recuperación romántica de los vestigios del mejor arte que se había producido en la antigua Corona de Aragón.

La selección de obras permite apreciar el desarrollo iconográfico de los principales protagonistas de la historia sagrada. La Virgen románica como trono del Niño Jesús y la evolución de éste desde la infancia hasta las escenas de la Pasión. También están representados los otros protagonistas de las Sagradas Escrituras y diversos santos.

La colección histórica de Francisco Godia recogía algunas obras del primer Renacimiento como epígrafe de los amplios fondos medievales. Son un número menor de obras pero muy significativas como la talla del Rey mago de Felipe de Bigarny, el San Cristóbal de la Escuela de El Bosco o la espléndida tabla de Juan de Borgoña, Ascensión de María Magdalena.

El Barroco, en cambio, no estaba representado al igual que el resto de ámbitos en la colección histórica, un vacío que se ha llenado recientemente con la adquisición de algunas obras. Para la muestra se han seleccionado la talla Alegoría de la Fe de escuela andaluza, la tela de San José con el Niño de la última etapa de Francisco de Zurbarán y Naturaleza muerta de Juan de van der Hamen, obra maestra del bodegón palaciego del siglo XVII.

La cerámica es otro de los ámbitos fundamentales de la colección. Francisco Godia reunió una de las colecciones privadas más importantes de España con piezas de los principales talleres hispánicos del siglo XIV hasta el siglo XIX. Esta franja cronológica es significativa porque el coleccionista de cerámica busca con ahínco piezas completas. Las anteriores al siglo XIV acostumbran a encontrarse en yacimientos arqueológicos y se hallan fragmentadas o incompletas y a partir del siglo XIX la industrialización inicia las producciones seriadas que tampoco interesan al coleccionista de cerámica que siempre busca la pieza única. Para que esta importante área esté representada en la muestra se incluyen piezas significativas de la loza dorada de Manises y Paterna y de la manufactura de Cataluña con sus características piezas azules.

Las colecciones de la burguesía catalana incorporaron, junto a las obras del pasado medieval, obras del arte de su tiempo, que no era otro que el Modernismo. La selección de obras del siglo XX ilustra la vida de esta elegante sociedad burguesa para la que las novedades de París, centro cultural y artístico del momento, eran protagonistas en las conversaciones y el espejo donde esta rica clase social deseaba reflejarse. Uno de los grandes eventos eran las carreras de caballos como plasmó Ramón Casas en En el hipódromo, una de sus composiciones más ambiciosas. Isidre Nonell, Joaquim Mir o Sunyer son otros de los artistas representados.

La primera década del siglo XX sentó las bases para que los artistas evolucionaran a gran velocidad pasando sus obras a ser una interpretación personal mas que una representación fiel de la realidad. Un buen ejemplo de esta revolución son Pablo Picasso o Joan Miró.

Francisco Godia
Francisco Godia (Barcelona, 1921-1990) fue un hombre polifacético: coleccionista y mecenas, empresario, piloto de Fórmula I y gentleman, se centró en la formación de la colección de arte tras la competición automovilística.

Durante los años 1960 a 1970, Godia constituyó el núcleo de una de las mejores colecciones privadas españolas que fue ampliando durante toda su vida.

Su legado se contempla en la Fundación que lleva su nombre y que fue creada en 1999 por su hija Liliana Godia.

Coleccionar arte. Obras de la Fundación Francisco Godia
Hasta el 25 de enero de 2015
Museo de Bellas Artes de Sevilla
Plaza del museo, 9, Sevilla

Lisboa y sus museos

27/10/2014, Lisboa es una ciudad de gran oferta museística, con más de cincuenta museos en su haber, dedicados a arte, arqueología, carruajes, moda, azulejos y otras temáticas diversas y curiosas.

Lisboa, 27 de octubre de 2014
Si queremos conocer la cultura portuguesa en profundidad, el Museu Nacional de Arte Antiga es la principal pinacoteca portuguesa, además de una de las mayores colecciones europeas. Con más de 40.000 obras, procedentes tanto de escuelas europeas como internacionales, ofrece un recorrido por la historia del Arte desde la Edad Media hasta el inicio de la Contemporánea.

En la Plaza del Comercio se encuentra el Lisboa Story Centre, un centro que presenta un viaje en el espacio y en el tiempo para descubrir los recuerdos de la ciudad, desde su fundación hasta el día de hoy.

En el Museu Nacional de Arqueologia, situado en el ala este del Monasterio de los Jerónimos, se encuentra la mayor colección arqueológica de Portugal, con piezas que van desde el Paleolítico, Egipto, la época clásica y el mundo árabe hasta la Edad Media.

Para conocer un poco de la historia lusa y de sus monarquías, lo mejor es visitar el Museu Nacional dos Coches, que exhibe una excepcional colección de coches de caballos reales desde el siglo XVII hasta finales del siglo XIX.

Otra visita interesante es el Museu Calouste Gulbenkian, que posee una colección de 6.000 obras de arte antiguo y moderno, regalo del homónimo mecenas armeno a la ciudad lusa, entre las que se encuentran notables creaciones alemanas e italianas de los siglos XVII y XVIII y magníficas piezas impresionistas.

El Museu Coleóão Berardo, en el distrito de Belém, traza a través de su colección permanente un recorrido por el arte del siglo XIX con piezas de grandes artistas contemporáneos como Warhol, Magritte o Pollock.

El Museu Nacional de Arte Contemporвnea - Museu do Chiado ilustra el desarrollo del Romanticismo hasta el Modernismo en Portugal. Las obras internacionales incluyen dibujos de Rodin y escultura francesa de finales del siglo XIX.

Los amantes de la moda no deben perderse la visita al Museu do Design e da Moda (MUDE), cuya colección alberga más de 1.200 creaciones de diseñadores internacionales de la talla de Jean Paul Gaultier, Yves Saint Laurent o Vivienne Westwood.

El Museu Nacional do Azulejo, Instalado en el claustro del Convento quinientista de la Madre de Deus, efectúa un recorrido desde la azulejería arcaica de la segunda mitad del siglo XV hasta la producción contemporánea.

Otros museos interesantes son el Museu Nacional do Teatro, que exhibe una exposición con cerca de 260.000 piezas, trabajos y atrezos de escena dedicadas a artistas o a compañías de teatro; el Museu do Oriente, que muestra la amplia relación histórica de Portugal con Oriente; el Museu de Marinha, para descubrir las rutas transoceánicas y las conquistas internacionales lusas; y el Museu da Electricidade, con su edificio multidisciplinar de grandes dimensiones, herencia de la era industrial.

La Colección expuesta (2014-2015). El museo en el museo

24/10/2014, El Museo Fundación Juan March de Palma muestra una selección de obras que va desde los cartones de Goya y los grabados de Picasso hasta piezas de Ferran García Sevilla, José Luis Alexanco o Txomin Badiola.

Palma, 24 de octubre de 2014
Bajo el título La colección expuesta. El museo en el museo, la Fundación Juan March parte de un salto (momentáneo) desde el presente hacia el pasado remoto del “tiempo de los museos” (Germain Bazin), en el que las formas de exposición diferían bastante de las que resultan habituales hoy: las colecciones, que pronto serían catalogadas y ordenadas con criterios históricos y científicos y presentadas en orden cronológico, estilístico o geográfico en los espacios del museo moderno, provenían de colecciones reales o de coleccionistas privados cuyas adquisiciones se regían por el amateurismo o la connoiseurship; por la oportunidad, el gusto o las modas.

La obra gráfica -y, desde finales del XIX, también la fotografía- nos ha legado toda una magnífica iconografía de la acumulación de los estudios, cámaras y gabinetes de curiosidades o de maravillas, de aquellos coleccionistas cuyas obras de arte y libros, aparecen con frecuencia mezclados con instrumentos musicales, objetos, máquinas e ingenios, especímenes de animales y plantas, fósiles e insectos.

La idea moderna de museo pronto dotarían de orden discursivo a toda esa acumulación de objetos; en el caso del arte, hasta llegar a su pautada ordenación en el espacio neutro del cubo blanco, que aún domina la museografía contemporánea.

Sin embargo, esa evolución en el tiempo todavía conserva en términos espaciales algo de estos antíguos gabinetes, mostrándose junto a las obras de la colección, otras obras que por su tamaño, se exhiben en vitrinas y otros soportes de pequeño tamaño. Estudios preparatorios, bocetos, dibujos, maquetas, grabados, libros, revistas y otras pequeñas obras de formato reducido intensifican y completan las obras de la colección habitualmente expuestas, estableciendo todo tipo de relaciones con ellas.

La Colección expuesta (2014-2015). El museo en el museo incluye, en esos pequeños espacios, una selección de obras que van desde Caprichos, Disparates y Desastre de la Guerra de Francisco de Goya y grabados de Pablo Picasso hasta piezas casi conceptuales de Ferran García Sevilla, José Luis Alexanco o Txomin Badiola, entre otros. Algunas rememoran los orígenes del arte contemporáneo español en la tradición, como las citadas piezas de Goya, o en las vanguardias, como las de Picasso o Dalí; otras posibilitan una mirada a épocas pasadas (o futuras) respecto de la obra del artista expuesta en el museo (como en los casos de Gerardo Rueda, Josep Guinovart o Manuel Rivera; muchas de ellas, ejecutadas en soportes tan poco habituales como abanicos, testimonian el juego de los artistas con materiales, soportes y formas más allá de la pintura y la escultura.

Algunas testimonian la incursión de los artistas plásticos en el campo literario, como Dalí con los textos de Guillaume Apollinaire, Manuel Millares con los de Rafael Alberti (de quien encontramos también un homenaje poético a Picasso), Antonio Saura con Quevedo o Antoni Tàpies con Joan Brossa; otras son estados previos de obras de la colección, como en los casos de los dibujos y maquetas de Pablo Palazuelo, el dibujo preparatorio de Fernando Zóbel para La vista, los originales para serigrafías de Manuel H. Mompó o las planchas para los aguafuertes Inguru de Eduardo Chillida; otras presentan gran similitud formal con la obra del artista habitualmente expuesta en el museo (como en los casos de Eduardo Arroyo, Millares y Julio López Hernández) o, al contrario, un enorme contraste con ella, como la pieza cinética (y figurativa) de Eusebio Sempere.

Aquí encontramos al artista dibujando, como en los casos de Joan Ponç, Luis Gordillo, Jordi Teixidor y José María Yturralde, o trabajando con la estampa, como es el caso del pequeño aguafuerte de Modest Cuixart, la litografía de Gerardo Delgado o las serigrafías del Equipo Crónica; unas son piezas solitarias (como los gouaches de José Guerrero o Joan Hernández Pijuan o el acrílico de Luis Feito), mientras que otras están al servicio de proyectos artísticos colectivos (así las piezas “letristas” de José María Sicilia, Martín Chirino, Eduardo Arroyo, Mitsuo Miura, Luis Gordillo o Eva Lootz para la exposición El objeto del arte, celebrada en el museo en los años 90); unas son de gran formato, como el collage fotográfico de García Sevilla sobre Las Meninas; otras, minúsculas (como la pequeña escultura de Palazuelo)… Pero todas, en fin, permitirán al visitante contemplar obras cuyas características no facilitan su permanente exhibición, pero cuya tupida exposición en espacios reducidos insertos en el recorrido del museo permite ampliar la contemplación y el conocimiento de las obras de arte, estableciendo entre ellas vínculos tan inesperados como reales.

La Colección expuesta (2014-2015). El museo en el museo
Del 29 de octubre de 2014 al 7 de febrero de 2015
Museo Fundación Juan March
Sant Miquel, 11, Palma

El arte de nuestro tiempo. II parte

23/10/2014, El Museo Guggenheim de Bilbao inaugura la segunda parte de la muestra El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim.

Bilbao, 23 de octubre de 2014
Tras la apertura hace un mes de la primera parte de la exposición El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim, el museo inaugura la segunda parte de la muestra.

El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim celebra veinte años de colaboración entre la Solomon R. Guggenheim Foundation y el Museo Guggenheim Bilbao, y refleja la evolución y madurez del Museo Guggenheim Bilbao, convertido a lo largo de estos años en un referente internacional.

La muestra sigue una cierta cronología, que se inicia en la tercera planta, revelando la configuración histórica de las Colecciones Guggenheim y las sinergias que se han establecido entre ellas. El recorrido comienza en los albores del siglo XX, un período marcado por el triunfo de las vanguardias históricas, que, con sus aspiraciones utópicas y de cambio político, cuestionan la gran herencia figurativa del arte occidental y defienden unos ideales nuevos que van más allá de lo puramente estético. En esta sección también se insertan dos significativos conjuntos monográficos independientes —dedicados a los escultores Jorge Oteiza y Eduardo Chillida— que forman parte de los fondos de Bilbao.

La segunda planta alberga, fundamentalmente, obras de gran formato, como el mural de Sol LeWitt expuesto en la sala para la que fue específicamente creado por el artista o el conjunto de obras de Anselm Kiefer, que se presenta en la galería para la que se adquirieron estos trabajos.

La primera planta, reservada al arte más reciente, pone de manifiesto el compromiso de la institución con los nuevos focos geográficos de producción del arte actual. Las obras de la exposición se integran con las que habitan las salas 101 y 104, que fueron específicamente encargadas para estos espacios, siguiendo una de las directrices de adquisición esenciales de la Colección del Museo: Instalación para Bilbao (1997), de Jenny Holzer, y el conjunto escultórico de Richard Serra La materia del tiempo (1994–2005). El itinerario se completa con las piezas situadas en el exterior, que entablan interesantes diálogos con su entorno: las volátiles Fuente de fuego (1961, fabricada en 1997), de Yves Klein, y Escultura de niebla n.º 08025 (F.O.G.) (1998), de Fujiko Nakaya, ubicadas en el estanque; las monumentales Mamá (1999), de Louise Bourgeois; El gran árbol y el ojo (2009), de Anish Kapoor; y Tulipanes (1995–2004), de Jeff Koons, sitas junto a la ría; Puppy (1992), también de Koons, en la plaza del Museo; y Arcos rojos/Arku gorriak, la intervención que Daniel Buren realizó en el Puente de La Salve en 2007.

PLANTA SEGUNDA
La década de los sesenta fue una de las más tumultuosas del siglo XX en lo cultural y lo político. EE. UU. se había convertido en una sociedad industrializada preparada para la llegada de la era de las tecnologías de la información. El notable crecimiento económico que surge tras el fin de la Segunda Guerra Mundial y durante la Guerra Fría de los años cincuenta trajo consigo una cultura de consumo de renovado vigor. Algunos artistas que irrumpieron en los primeros años de la década de los sesenta en la escena artística y, especialmente, en Nueva York y Los Ángeles, respondían a este nuevo período comercial. A menudo se considera el Arte Pop como un fenómeno esencialmente norteamericano; sin embargo, fueron artistas y teóricos británicos los primeros en debatir y formular los principios fundamentales del Pop a finales de los cincuenta. El término pop, que se aplicó también a la música y a la moda, abarcaba todo un modo de vida entre los jóvenes de los sesenta y llegó a convertirse en un importante fenómeno sociológico que alteraría completamente el curso del siglo.

En el Arte Pop la épica es sustituida por lo cotidiano, y a lo producido en masa se le otorga la misma importancia que al objeto único; así, se reduce de forma eficaz la distancia entre el “arte elevado” y el “arte popular”. Ilustraciones frías, distantes y mecánicas de objetos corrientes —que con frecuencia son apropiaciones procedentes de anuncios y vallas publicitarias, de cómics, de la prensa rosa, del cine, de la televisión, de las tiras cómicas o de los envases de productos de consumo— pueblan las obras de artistas como Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Andy Warhol. Sus imágenes, presentadas (y a veces transformadas) con humor, ingenio e ironía, pueden interpretarse como una celebración de la cultura popular, pero también como una crítica.

Robert Rauschenberg y Cy Twombly son dos de las figuras más destacadas e influyentes de la escena artística de la segunda mitad del siglo XX. Formados en el Black Mountain College de Carolina del Norte, hacia mediados de la década de 1950 ya habían desarrollado su propio lenguaje visual. En contraste con los gestos heroicos característicos del Expresionismo Abstracto, los trazos caligráficos de Cy Twombly, en ocasiones simplemente ejecutados en negro sobre superficies pintadas de blanco, se han comparado frecuentemente con grafitis. Este vocabulario aparentemente abstracto puede tener un contenido cultural profundo, pues Twombly suele incluir en su obra referencias directas a la literatura clásica y a la mitología. Por su parte, a Robert Rauschenberg se le puede considerar precursor del Arte Pop, ya que sus Combines (o combinadas) —en parte, pinturas y, en parte, esculturas— incluyen objetos cotidianos encontrados en la calle e imágenes extraídas de revistas y periódicos. No obstante, las obras de Rauschenberg reflejan los característicos gestos de la mano del artista, un rasgo que las diferencia de la estética fría e impersonal del Pop. Las piezas que se presentan aquí son dos de las obras más icónicas de ambos artistas: Barcaza (1962–63), pintura que Rauschenberg realizó en solo 24 horas, es uno los mejores ejemplos de las dinámicas pinturas serigrafiadas que el artista comenzó a crear en los años sesenta. En cuanto a Nueve discursos sobre Cómodo (1963), su título remite al funesto gobierno del emperador Aurelio Cómodo (r. 177−192 d.C.). La sucesión de los lienzos individuales que constituyen esta obra sugiere una narrativa de gran emoción, que se desarrolla a través de imágenes abstractas.

Georg Baselitz comenzó a destacar en el panorama artístico a finales de los años sesenta con sus característicos cuadros de motivos dispuestos boca abajo. En ellos da la vuelta al objeto de la mirada, no al lienzo, para estudiarlo de nuevo, de tal modo que subvierte las reglas tradicionales de la composición y supera las connotaciones narrativas de sus pinturas anteriores. En los años setenta, comenzó a aplicar la pintura con los dedos, y posteriormente también con los pies, una técnica que sitúa la imagen pictórica como producto de la acción del cuerpo, y no solo como creación conceptual o espiritual.

La señora Lenin y el Ruiseñor (2008) es un conjunto de dieciséis pinturas —de las que aquí se muestran nueve— basado en la repetición del mismo esquema compositivo: dos hombres, con sus figuras invertidas, sentados el uno junto al otro, con sus penes expuestos y las manos descansando, de forma solemne, sobre las piernas. La composición tiene su origen en el célebre retrato de Otto Dix Los padres del artista II (1924). Como en otras muchas de sus obras, Baselitz se refiere aquí a pasajes concretos de la historia del arte, aunque los reinterpreta de manera personal: en este caso, reemplazando las figuras originales por las de dos dictadores, Vladímir Lenin y José Stalin. Cada lienzo de esta obra ostenta un título individual que contiene juegos de palabras y frases enigmáticas que no guardan relación alguna con los dictadores representados, sino que se inspiran, en su mayoría, en reflexiones o encuentros con artistas modernos y contemporáneos.

En la sala 209 se presentan obras de Joseph Beuys y Anselm Kiefer, artistas que, aun perteneciendo a generaciones diferentes, comparten su visión cosmogónica y el uso de ciertos recursos formales.

En Rayo iluminando un venado (1958–85), una de las instalaciones más teatrales de Beuys, el artista alemán expresa su obsesión por la tierra, los animales y la muerte. Completada un año antes de su fallecimiento, esta instalación monumental refleja muchas de las teorías y mitologías a las que Beuys recurrió a lo largo de su carrera; sin embargo, su significado último podría enmarcarse en su definición de “escultura social”. Intentando estimular las ideas en lugar de representarlas, Beuys esperaba rejuvenecer o iluminar a la sociedad con la energía del pensamiento creativo.

Kiefer es uno de los principales representantes del Neoexpresionismo Alemán, que recupera el heroismo subjetivo y la textura en la pincelada presentes tanto en el Expresionismo Alemán como en el Expresionismo Abstracto. Este artista convierte la historia en materia de su obra, ya sea la historia reciente de su Alemania natal o la de culturas ya desaparecidas, como la mesopotámica, llegando en algunos casos a fusionarlas. Kiefer trabaja con grandes formatos, que se convierten en arquitecturas que nos habitan y que habitamos, y en los que una paleta casi monocromática se combina con técnicas mixtas a las que añade materiales tales como láminas de plomo, paja, escayola, semillas, cenizas y tierra. Lo orgánico se funde con lo inorgánico, y el resultado es una obra cuya monumentalidad y riqueza en el juego de texturas incrementan la solemnidad y carácter trascendental de su contenido.

En la década de 1960, entender que el arte podía ser producto de las ideas en lugar de las emociones constituía una posición radical. Para Sol LeWitt, ello suponía crear sistemas lógicos en forma de instrucciones escritas que guiaran el resultado de una obra de arte antes de su ejecución. En sus dibujos de pared, LeWitt se aseguraba de que el elemento autográfico no apareciera, dejando la ejecución en manos de otros. A pesar de basarse en instrucciones escritas impersonales, las superficies de los dibujos murales de LeWitt tienen la capacidad de convertirse en obras visualmente suntuosas. Mientras sus primeros dibujos de pared se realizaban con lápiz, lápiz de color, tiza o crayón, en las siguientes décadas LeWitt ordenó el uso de tintas y aguadas de tinta de color (desde principios de la década de 1980) y pintura acrílica (a partir de 1997). Así obtuvo resultados cada vez más atractivos y coloridos. Las combinaciones relativamente austeras de líneas curvas y rectas que aparecían en sus primeros trabajos también dieron paso a modelos y formas cada vez más irregulares y dinámicos.

Mural n.º 831 (Formas geométricas), obra de ubicación específica que LeWitt concibió para la galería 208 en 1997, es uno de sus primeros dibujos de pared que incluye pintura acrílica. Destacan sus tonalidades vivas y saturadas de azul, gris, morado, naranja, rojo, y verde. Las formas geométricas irregulares se doblan en la pared curva e inclinada de la sala diseñada por Frank Gehry, de tal modo que la pintura se fusiona con su entorno arquitectónico y lo transforma.

Christian Boltanski comenzó a adquirir relevancia a partir de 1986 por sus inquietantes instalaciones de viejas fotografías, ropa y otros artículos personales que presentaba como artefactos y como vestigio de las vidas de otras personas. Los espacios creados por el artista, que evocan la atmósfera de los pequeños teatros o iglesias, con sus titilantes luces y sombras, suscitan una silenciosa admiración y una aguda sensación de pérdida y ausencia. El trabajo de Boltanski permite explorar la recuperación de la memoria colectiva tras el acontecer de la tragedia a través de los recuerdos de las vidas individuales.

En Humanos (1994), Boltanski utiliza fotografías de más de mil seres humanos anónimos, de las que se apropia en archivos o medios de comunicación, y establece así una relación directa con la realidad, dada nuestra tendencia a asumir, ante la existencia de la fotografía de una persona, que esta ha tenido que existir. A través de estas imágenes, que han sido intencionalmente envejecidas, el artista evoca la muerte y la desaparición de las personas retratadas, al mismo tiempo que reflexiona en torno a la pérdida de la identidad.

La serie Sonrisas (1993–94), del estadounidense Alex Katz, está constituida por once retratos de mujeres situadas ante un fondo negro. Generalmente, Katz acude a su círculo más próximo para pintar sus retratos, por ejemplo, a su esposa o sus amigos, que aparecen identificados con sus nombres en los títulos de las pinturas. En esta serie, la neutralidad y frialdad del fondo contrastan con la informalidad de las sonrisas. Este contraste se acentúa con la sobreexposición lumínica, un recurso más asociado con la fotografía que con la pintura, que acentúa el carácter plano de estos retratos. La sonrisa es un elemento central y potencia la ambigüedad de los cuadros. La amabilidad y la cercanía del gesto son contrarrestadas por la tensión que evidencia la expresión facial de algunos de estos retratos.

Aunque su obra es figurativa, Katz no pretende captar la personalidad del modelo retratado, sino plantear una reflexión más profunda sobre la naturaleza de la representación y la percepción de las imágenes. El análisis de la relación entre fondo y forma es una constante en su trayectoria pictórica, e igualmente característica de su obra es la decisión de utilizar grandes formatos en la ejecución de los retratos. Ocasionalmente mencionado como integrante del movimiento Pop, el artista reniega de esta adscripción.

Miquel Navarro es considerado como una de las voces más personales de la escultura española contemporánea. Ciudad muralla (2000–01) constituye una de las obras más representativas de su producción artística, que se caracteriza por la generación de espacios para la confrontación de ideas. Navarro ejecutó su primera “ciudad” en 1973 y, desde entonces, no ha dejado de revisar nuestra noción de espacio, de construcción, de lugar y del cuerpo humano como medida. Sus paisajes escultóricos, inspirados en el tejido urbano, se componen de elementos arquitectónicos que actúan como vehículos formales para trasladar al observador la experiencia del paisaje de la ciudad. Navarro invita a recorrer estas instalaciones urbanas, así como a reflexionar sobre la noción de la escala humana y la diferencia entre lo real y lo mental. El orden y el desorden de la sociedad industrial queda patente en esculturas como Ciudad muralla, en las que Navarro sintetiza y plasma la compleja dialéctica existente entre arquitectura y escultura. Según el artista, incluso sus “esculturas más esquemáticas, sin dejar de ser figurativas, permiten seguir el rastro del hombre”.

PLANTA PRIMERA
En esta sección se muestran adquisiciones recientes de artistas contemporáneos emergentes de las Colecciones Guggenheim. La selección —con obras procedentes de países como Camboya, China, Gana y Corea, así como de Europa y EE. UU.— refleja el interés creciente de la institución por la producción artística a escala global. En conjunto, estas obras exploran una variedad de temas, como la identidad, el exilio, la memoria, la poética de la arquitectura, las dinámicas de un medioambiente construido, la violencia física y la represión.

En primer lugar se presenta la obra de la artista Mona Hatoum Hogar (1999), asociada a su experiencia personal como palestina nacida en Beirut y exiliada en Londres, junto a la pieza Lo mejor o nada (2010), de Danh Vo, que alude al deseo de los miembros de la familia del artista de lograr una vida mejor como inmigrantes vietnamitas en Dinamarca. Las esculturas de Lee Bul y las pinturas de Julie Mehretu ejemplifican cómo los artistas emplean medios diferentes para abordar conceptos interconectados como la arquitectura visionaria, la construcción urbanística y los efectos del entorno construido sobre el individuo. Ai Weiwei, Ik-Joong Kang y Sopheap Pich recurren a un uso expresivo de los materiales para hacer referencia a asuntos biográficos, históricos y políticos. Estas creaciones, al igual que la pieza de Cristina Iglesias, entablan un fértil diálogo con temas contemporáneos y tradiciones culturales de todo el mundo.

Robert Doisneau. Retrospectiva

22/10/2014, La Térmica de Málaga acoge hasta enero de 2015 una retrospectiva dedicada al maestro de la fotografía Robert Doisneau.

Málaga, 22 de octubre de 2014
El centro de cultura contemporánea La Térmica acoge la exposición “Robert Doisneau. Retrospectiva“, con una selección de 50 conocidas fotografías del artista francés en blanco y negro, pertenecientes a la gran colección de más de 450 mil negativos que comprenden el actual Atelier Robert Doisneau.

Una selección que pretende proporcionar una relectura crítica y actualizada de la obra del gran fotógrafo, y mostrar cómo la belleza aparentemente espontánea de sus imágenes era, en realidad, el resultado de una ardua preparación.

Robert Doisneau es mundialmente conocido por sus imágenes de la calle y el registro de la cotidianidad francesa desde una visión poética, cautivadora y humana, de hecho, durante muchos años se le consideraría como el trovador del París pintoresco. Sus temas favoritos son los suburbios, la campiña, el humor, la pasión, la guerra y los niños, los cuales son abordados desde una perspectiva urbana. Sus fotografías han llegado a ser íconos de la vida de París.

Doisneau dio el salto desde la fotografía artesana a la obra de arte con gran naturalidad, capturando en película fragmentos de un mundo del que quería dar testimonio. El francés, que fue uno de los representantes más importantes de la fotografía humanista, recibió el apodo del “poeta de los momentos puros”. Sin embargo, su obra es mucho más compleja y profunda de lo que sugiere esta reputación.

Robert Doisneau
Robert Doisneau
 nació en 1912 en los suburbios del norte de París. Una vez terminados sus estudios trabajó como diseñador en el Estudio Ullman y, en 1931, como ayudante de André Vigneau.

Tres años después fue contratado por la empresa Renault, aunque dejó el trabajo en 1939 para unirse a la famosa agencia fotográfica Rapho.

Mientras, entre trabajo y trabajo, deambulaba por las calles de París y por las callejuelas del barrio donde había nacido.

Gracias al intelectual Robert Giraud, a quien conoció en 1947, tuvo acceso a un mundo nocturno que provocó en él una absoluta fascinación.

Su primer libro, un proyecto conjunto con Blaise Cendrars, La Banlieu de Paris (Los suburbios de París), fue publicado en 1949. El éxito llegó pronto, sus fotos se hicieron famosas en todo el mundo y se convirtió en el “retratista” de una ciudad, París, y de un mundo en parte real y en parte inventado.

La Ciudad de la luz era un espacio listo para ser utilizado, una sustanciosa fuente de imágenes y emociones que él había elegido como territorio de caza. París era su mundo, la fotografía su pretexto, la curiosidad su fuerza motriz y la ligereza su estilo: nadie más podía hacer esas fotografías inolvidables que capturaban con maestría y refinamiento ese imperceptible momento de equilibrio.

Hasta 1994, año en que falleció, vivió junto a su cámara, su mejor compañera, siempre sintiendo curiosidad por el mundo, este pequeño teatro en el que él mismo fue un actor.

Robert Doisneau. Retrospectiva
La Térmica
Avenida de los Guindos, 48. 29004. Málaga
Hasta el 18 de enero de 2015

La obra de Kurt Schwitters en Cuenca

21/10/2014, Desde el miércoles 22 de octubre, y hasta el 15 de febrero de 2015, puede verse en Cuenca, en el Museo de Arte Abstracto Español, de la Fundación Juan March, la exposición Kurt Schwitters. Vanguardia y publicidad.

Cuenca, 21 de octubre de 2014
Esta muestra quiere destacar dos aspectos aparentemente muy diversos del trabajo de Kurt Schwitters (1887-1948), una de las figuras más relevantes de la vanguardia europea del pasado siglo. Se trata de sus collages -procedimiento en el que, junto con Picasso, Hans Arp, László Moholy-Nagy o Hannah Höch, fue todo un maestro- y de su diseño gráfico, quizá una parte de su legado menos conocida para el gran público.

Para ello, la exposición presenta algunos de sus célebres collages, así como libros, carteles, folletos publicitarios, revistas, anuncios para prensa, papel timbrado o modelos para impresos bancarios, comerciales o postales, claros ejemplos de la labor de Schwitters en el campo del diseño gráfico y la tipografía.

Esta dualidad ha sido el punto de partida elegido precisamente para cuestionar un hecho: el de que esa diferenciación, aparentemente tan clara, entre arte y diseño gráfico, haya establecido con alguna frecuencia una división demasiado estricta entre ambos, presentando la obra de Schwitters como si el diseño gráfico fuera un aspecto meramente secundario respecto a sus extraordinarios y novedosos experimentos formales.

Kurt Schwitters. Vanguardia y publicidad presenta la obra de Schwitters como un cuerpo artístico tan pleno de contraste como de sentido. Pues, por una parte, encontramos el tipo de trabajo que podría calificarse de artísticamente puro, y por otra su trabajo como publicista y diseñador gráfico, una tarea al servicio de determinados productos y firmas comerciales, con la que cubría la necesidad del artista de ganarse la vida. La exposición presenta ambos aspectos del trabajo de Schwitters, el del artista y el del diseñador, mezclándolos para ahondar en sus raíces comunes. Pues ese modelo “económico” o “empresarial” del trabajo de Schwitters como diseñador gráfico no fue en absoluto ajeno a su conciencia de artista.

De este modo, la muestra profundiza en ambos aspectos del trabajo de Schwitters, el del artista y el del diseñador, mezclándolos para ahondar en sus raíces comunes, y mostrando visualmente el trabajo artístico, poético y publicitario de Schwitters como un todo comprensible, regido por una peculiar lógica interna y una simbiosis, mutuamente productiva, entre dos realidades íntimamente ligadas en el arte de la modernidad: la vanguardia y la publicidad.

Kurt Schwitters. Vanguardia y Publicidad
Museu Juan March
Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, Fundación Juan March
C/ Canónigos, s/n
 Cuenca

La Colección Lázaro y el Universo de Svankmajer

21/10/2014, El Museo Lázaro Galdiano presenta una exposición inspirada en el universo surrealista del cineasta Jan Svankmajer.

Madrid, 21 de octubre de 2014
La exposición del Lázaro Galdiano profundiza en el imaginario artístico y en la faceta de coleccionista del cineasta checo Jan Svankmajer (Praga, 1934) considerado como un artista único, quizás el más completo y coherente de su generación.

Jan Svankmajer es un artista adscrito al grupo surrealista de Praga, ciudad de la que hereda muchas de sus tradiciones culturales: el teatro de marionetas, el teatro de máscaras, el teatro de proximidad del grupo Semafor, la vanguardia audiovisual de la Lanterna Magika y la curiosidad como el motor del arte y la ciencia que hizo famosa la corte de Rodolfo II.

En la obra de Svankmajer se combina la fascinación por la naturaleza, el cuerpo humano y el teatro. Todo su cine está vinculado a la magia de la transformación: cuerpos que crecen, casas que se destruyen, rostros que devoran muñecas, personas que se disfrazan y troncos animados son solo una muestra de su universo vivo y surrealista.

En la muestra se pueden ver más de una veintena de piezas de la Colección que inspirarían el universo de Svankmajer, tales como Visión de Tondal, de un seguidor de El Bosco, o libros como Crónica de Nüremberg (1493) de Hartmann Schedel, que ilustra la historia del mundo desde su creación hasta el siglo XV. Todas ellas reflejan la conexión surrealista de Svankmajer con el Renacimiento, época por la que Lázaro, a su vez, sintió gran predilección.

Joyas de la Colección Lázaro en el Universo de Svankmajer
Desde el 22 de octubre de 2014 hasta el 15 de enero de 2015

En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte

20/10/2014, El Museo del Palacio de Bellas Artes de México profundiza en la relación entre el poeta Octavio Paz y el arte, mezclando obras y ensayos en un diálogo exento de limitaciones temporales o geográficas.

México, 20 de octubre de 2014
Dentro de su vasto horizonte intelectual, Octavio Paz asignó un lugar privilegiado a las artes visuales. Su interés en la pintura y la escultura abarca desde las creaciones mesoamericanas hasta el arte tántrico, con especial énfasis en las vanguardias artísticas del siglo XX de Europa y América: cubismo, abstraccionismo, surrealismo y expresionismo abstracto.

El propósito central de la exposición es plasmar esa experiencia estética con el fin de crear un diálogo multidireccional entre los textos del poeta-pensador, las obras expuestas y el espectador.

PICASSO Y EL CUBISMO
En el ocaso del siglo XIX y el amanecer del XX nació una nueva era que revolucionó la forma de ver e interpretar el mundo. Los grandes descubrimientos científicos y tecnológicos sumados al surgimiento del psicoanálisis, parecían confirmar el poder ilimitado del hombre sobre sí mismo y el universo. Ese optimismo se resquebrajó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, año del nacimiento de Octavio Paz. En ese contexto histórico surgieron las vanguardias artísticas de la centuria pasada.

La idea de descubrir la esfera, el cono y el cilindro en la naturaleza, propuesta por Paul Cézanne, antecede al cubismo y la abstracción en el intento por expresar la verdadera realidad de la naturaleza, no por imitarla. A la geometría cézanniana, Pablo Picasso y Georges Braque agregaron la representación de la realidad desde diversos puntos de vista y la ruptura con los hábitos tradicionales de la precepción visual. Se eliminó la perspectiva y se introdujo la libertad para distorsionar la figura.

El cubismo tuvo una vida corta y no pudo ir más allá de los límites estéticos fijados por sus creadores, pero influyó de manera determinante en el surgimiento del arte abstracto y en la modernidad pictórica del siglo XX: “El arte de Picasso encarna en una suerte de feroz fidelidad –una fidelidad hecha de invenciones– la estética de la ruptura que ha dominado a nuestro siglo”.

MARCEL DUCHAMP. APARIENCIA DESNUDA
Octavio Paz considera que Picasso y Duchamp son polos opuestos y que ambos fueron los pintores más influyentes del siglo XX: “El primero por sus obras; el segundo por una obra que es la negación misma de la moderna noción de obra”.

Duchamp fue uno de los cerebros de la revolución artística del siglo XX. Su obra está sustentada en el humor, la provocación y la transgresión como formas de pensamiento.

A través del humor racional y corrosivo conocido como metaironía, Duchamp creó los objets trouvés o readymades con el propósito de desmitificar la obra de arte y criticar lo que llamó el arte “retiniano”, basado en lo que ven los ojos, prescindiendo del pensamiento. Son objetos elegidos por Duchamp con total indiferencia por su belleza o fealdad — un peine, un portabotellas, una ventana, un urinario, o una rueda de bicicleta sobre un banco— que paradójicamente, al inyectarlos de ironía y firmarlos, los convierte en “obras de arte”. La influencia de Duchamp fue central para la llamada posmodernidad.

CAMINOS A LA ABSTRACCIÓN
El cubismo desfiguró la realidad, el surrealismo intentó cambiarla y Duchamp se burló de ella; la abstracción la borró. Al suprimir la imitación y toda referencia a la realidad visible, el arte abstracto representa la revolución más profunda de las vanguardias artísticas del siglo XX. También es la que más ha perdurado como estilo pictórico.

El abstraccionismo surge de una tradición milenaria, vinculada al pensamiento filosófico, religioso y artístico de Occidente, desde los griegos hasta las teorías de Wassily Kandinsky o Kazimir Malévich. La iconoclasia (del griego eikón, imagen, y klaó, romper), parte del rechazo a la representación visual de lo divino o a la adoración de las imágenes religiosas.

SUBVERSIÓN SURREALISTA
“El surrealismo fue una rebelión vital que intentó unir en una sola las dos consignas de Marx y Rimbaud: cambiar al mundo/cambiar al hombre”, afirma Octavio Paz. El arma para lograrlo fue la imaginación; su ámbito, la poesía y el arte. En los años cuarenta el poeta mexicano participó en el ocaso del movimiento surrealista y convivió con algunos miembros del grupo, entre ellos su fundador, André Breton.

Para Octavio Paz, lo más importante de la experiencia surrealista fue su aspecto moral, expresado en la defensa explosiva de la libertad interior, la supremacía de la subjetividad y la omnipotencia del deseo. En el surrealismo Paz descubrió el valor de la imaginación y del ámbito simbólico del hombre, irreductibles a la razón lógica o a la cuantificación de la ciencia.

Dentro de la variedad del arte surrealista existen elementos comunes surgidos de la aspiración al automatismo psíquico propuesto por Breton como vía para acceder al mundo de los sueños registrado en el inconsciente recién descubierto por Freud. La imaginación surrealista bebió de ese manantial onírico con el fin de encontrar y expresar la súper-realidad mediante el ejercicio irrestricto de la libertad creativa. La provocación, el absurdo, el humor, la burla, el erotismo sonriente, el cuestionamiento de la tradición artística y el desprecio a los atavismos sociales o religiosos son las constantes del arte surrealista.

LA SONRISA DE EROS
El erotismo ocupa un lugar central en la poesía y los ensayos de Octavio Paz. "El erotismo es sexualidad transfigurada: metáfora. El agente que mueve lo mismo al acto erótico que al poético es la imaginación. Es la potencia que transfigura al sexo en ceremonia y rito, al lenguaje en ritmo y metáfora", escribe Paz. Los textos de Paz consagrados al tema del erotismo y el amor revelan con especial hondura el ámbito más íntimo de la vida y la sensibilidad del poeta, al tiempo que señalan momentos clave de su pensamiento literario.

Este espacio propone una conversación estética y erótica entre las representaciones artísticas referidas al sexo, el erotismo y el amor en las culturas orientales, europea, estadounidense, mesoamericana y mexicana.

Se presenta una diversidad de expresiones artísticas surgidas de la potencia de Eros: pinturas, torsos de piedra provenientes de la India que revelan las delicias carnales y simbólicas del cuerpo femenino, así como representaciones simbólicas de la sexualidad masculina, a través de esculturas de grandes artistas provenientes de diversas latitudes y épocas.

LA OTREDAD MESOAMERICANA
Desde la perspectiva de Octavio Paz, el aislamiento de la civilización antigua de México explica su originalidad, pero también la debilidad que condujo a su derrota y desvanecimiento. "El arte es la punta del iceberg que es toda civilización hundida", escribe Paz. En efecto, el arte es el rostro de las civilizaciones: un rostro perenne. La sensibilidad de Paz se enfrentó con la mirada del poeta al enigma de la otredad mesoamericana. La extrañeza de la civilización prehispánica le produjo cierta zozobra que se tradujo en una verdadera fascinación.

La grandeza de la cultura mesoamericana se manifestó desde sus orígenes en la magnificencia de su arquitectura, escultura y pintura. Es sorprendente que, sin haber rebasado la Edad de Bronce desde el punto de vista tecnológico, los hombres de maíz hayan sido capaces de crear un calendario cuya precisión no fue igualada sino hasta el medioevo europeo, gracias a sus conocimientos astronómicos y matemáticos que condujeron al descubrimiento del cero, así como una compleja cosmovisión que sustenta sus creaciones artísticas.

No se le llamaba arte, pero sin duda lo es: arte excelso, por su impecable factura y complejidad simbólica, prueba fehaciente de la sofisticación de su pensamiento mítico. A ello debe agregarse el refinamiento de la imaginación precolombina expresada, por ejemplo, en la escultura de Tlatilco de una mujer con doble rostro en la que Octavio Paz vio una pasmosa prefiguración de Picasso. Como se muestra a lo largo de la exposición, la estética mesoamericana influyó en algunos de los más grandes artistas del siglo XX.

"El arte sobrevive a las sociedades que lo crean. Es la cresta visible de ese iceberg que es cada civilización hundida. La recuperación del arte del antiguo México se realizó en el siglo XX. Primero vino la investigación arqueológica e histórica; después, la comprensión estética. Se dice con frecuencia que esa• comprensión es ilusoria : lo que sentimos ante un relieve de Palenque no es lo que sentía un maya. Es cierto. También lo es que nuestros sentimientos y pensamientos ante esa obra son reales. Nuestra comprensión no es ilusoria: es ambigua. Esta ambigüedad aparece en todas nuestras visiones de las obras de otras civilizaciones e incluso frente a las de nuestro propio pasado", Octavio Paz.

LAS DOS CONQUISTAS: LA DE LAS ARMAS Y LA DE LAS ALMAS
La primera está plasmada en diversas obras pictóricas que presentan con maestría el dramatismo de una lucha armada desigual. Paz se propuso despojar a la Conquista española del velo ideológico que ha impedido el análisis y la asimilación de ese fenómeno histórico complejo y contradictorio que partió en dos la historia mexicana, al tiempo que estableció los cimientos de su nacionalidad.

La conquista del imperio mexica por los españoles ha sido vista como una matanza cruel que destruyó la civilización indígena desarrollada en parte del territorio de lo que hoy es México, lo cual es cierto, pero con una salvedad: la nación mexicana surgió de ese encuentro sangriento, que no sólo fue una derrota armada sino una victoria de la cultura occidental sobre la civilización mesoamericana.

La segunda Conquista, la de las almas, rescató a los indígenas de su orfandad espiritual. En la visión del poeta, la creación más compleja y singular de la Nueva España no fue individual sino colectiva y no pertenece al orden político ni económico sino al religioso.

MESTIZAJE Y MILAGRO
"Nueva España fue una sociedad hecha para durar, no para cambiar. Su ideal era la estabilidad y la permanencia. Fue construida a imagen del orden divino, del orden eterno. Pero la edad moderna principia como una crítica radical. La edad moderna ve en la crítica a la madre del cambio y al cambio que identifica con el progreso como el motor de la historia. Para la edad moderna el cambio es bueno, es progreso. Para la Nueva España el cambio no es bueno, es malo, es una alteración de la permanencia y del orden eterno", afirma Octavio Paz.

Sin embargo, la sociedad novohispana estaba unida por una serie de principios, relaciones afectivas y por una esperanza ultraterrena. En opinión de Paz, ese fue el gran logro de la civilización creada en la Nueva España. El género pictórico de las castas es una de las expresiones más fascinantes del virreinato novohispano. Representan la mezcla racial de los grupos principales que habitaron el territorio de la mal llamada Colonia, tales como indios, españoles, negros y albinos.

ACADEMIA Y PINTURA POPULAR
Dentro del convulsionado siglo XIX mexicano, el interés pictórico de Octavio Paz estuvo centrado en José María Velasco, Hermenegildo Bustos, José Guadalupe Posada y la pintura popular.

La obra de José María Velasco es para Paz "la crónica de la luz y sus epifanías". Considera que sus lienzos son fruto de la ciencia, no de la sensualidad, porque el pintor contemplaba el paisaje del Valle de México con los ojos de un naturalista y no con los del asombro. Reconoce en su obra la precisión académica de la pincelada y el uso magistral de la perspectiva, pero percibe cierta frialdad en la perfección de sus creaciones.

"Bustos pinta a la perfección lo más complejo, difícil y misterioso: el rostro humano", escribe Paz. El poeta compara las obras del artista zacatecano con los retratos de Fayún pintados hacia el siglo II d. C., durante el periodo Copto, en tiempos de la invasión romana de Egipto.

REVOLUCIONES Y REVELACIONES
Los ensayos de Octavio Paz consagrados al arte del siglo XX mexicano pueden dividirse en dos etapas: el Muralismo mexicano y la Generación de la ruptura, así como los artistas clasificados por él mismo como "solitarios e independientes". En sus textos sobre la obra de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros confluyen el crítico de arte, el historiador y el analista político; ámbitos que él siempre distinguió. Paz escribió polémicos e indispensables ensayos sobre la obra de Orozco, Rivera y Siqueiros representada en la muestra por los murales integrados a la suntuosa arquitectura del octogenario Palacio de Bellas Artes.

"Como siempre ocurre en la historia del arte, esa ruptura fue también, a su manera, una continuidad. ¿Por qué hubo esa ruptura? Un estilo termina siempre por devorarse a sí mismo. Repetir a Orozco hubiera sido una insoportable mistificación, el nacionalismo de Rivera tendía a convertirse en mera decoración y superficie pintoresca, el dogmatismo de Siqueiros implicaba un inaceptable sometimiento de la libre inspiración de los artistas a la estética del llamado realismo socialista que nunca fue muy realista, ni tampoco socialista", afirma Paz.

En la sala se exhiben obras de los artistas mexicanos de la segunda mitad del siglo XX en diálogo con algunos extranjeros sobre los que también escribió Octavio Paz. Esta reunión de artistas puede considerarse una expresión de afectos y gustos, correspondencias y ecos que sedujeron la mirada del autor.

EL AQUÍ Y EL ALLÁ
Las reflexiones de Octavio Paz sobre la relación entre escritura y pintura nos remiten a la dimensión conceptual de la creación artística; a las ideas, creencias o circunstancias que inducen al pintor a plasmar en el lienzo ciertos temas, visiones o contenidos. Tratar de descubrir lo que pensaba un artista al momento de pintar es un ejercicio de interpretación iconológica del que pueden surgir verdaderos hallazgos.

En este núcleo de la muestra se reúne una selección de artistas y obras en los que Paz puso especial énfasis, tanto en ensayos como en poemas dedicados específicamente a una pintura o un autor.

El propósito es crear un diálogo entre las ideas o situaciones que están detrás de lo plasmado en las pinturas expuestas, adentrándonos en el pensamiento del artista al momento de crear su obra con el fin de sugerir similitudes y contrastes, confluencias y divergencias entre artistas europeos, estadounidenses y mexicanos como Richard Dadd, Martín Ramírez, Rodolphe Bresdin, Giorgio de Chirico, Edvard Munch, José Clemente Orozco, Edward Hopper, David Alfaro Siqueiros, Robert Rauschenberg, Robert Motherwell, Manuel Felguérez, Pierre Alechinsky y Rufino Tamayo.

Pieter Coecke van Aelst y el tapiz del Renacimiento

17/10/2014, Una exposición del MET explora los logros del gran maestro del diseño de tapices en el Renacimiento, Pieter Coecke van Aelst (1502-1550).

Nueva York, 17 de octubre de 2014
Las obras que han sobrevivido al paso del tiempo dejan claro que Pieter Coecke van Aelst fue un maestro polifacético, que destacó no sólo en el diseño de tapices, sino también en la pintura, en el grabado, en la fabricación de vitrales y en el trabajo de orfebrería.

Esta exposición del Metropolitan de Nueva York reúne diecinueve de los grandes tapices que diseñó, tejidos en los grandes talleres de Bruselas para las colecciones de Carlos V, Enrique VIII de Inglaterra o Cosimo de Medici entre otros personajes ilustres del Renacimiento.

La muestra se completa con una selección de sus pinturas sobre tabla, incluyendo un tríptico monumental, y más de una treintena de dibujos y grabados y otros documentos procedentes de diversos museos e instituciones internacionales.

El diseño de tapices es un arte fascinante, pero es un aspecto de la historia del arte que ha sido pasado por alto por los eruditos. Esta exclusión de los tapices de la narración de la historia del arte es del todo injusta, ya que existen verdaderas obras de arte excepcionales en este género.

Durante el Renacimiento la tapicería fue el arte figurativo más importante, un lujo que sólo podían permitirse los clientes más ricos y poderosos, y por lo tanto era un medio en el que destacados artistas se esforzaban por trabajar.

Pieter Coecke van Aelst fue un maestro del Renacimiento, que alcanzó enorme fama en vida, aunque en la actualidad la gran genialidad de sus diseños para tapices a menudo se pasa por alto en favor de sus pinturas y dibujos.

El éxito comercial de los diseños de Coecke está atestiguada por el número de duplicados que se tejieron durante su vida. La exposición, que podrá verse hasta el 11 de enero de 2015 en el MET, ofrece una muestra de la contribución de este genio al desarrollo del arte del Renacimiento, con algunos de los diseños de tapices más poéticos y bellos creados a mediados del siglo XVI.

La amplitud de la obra de Coecke es explorada a fondo en esta muestra, en la que se exhiben tapices como los de la serie dedicada a San Pablo, uno de los diseños flamencos más innovadores y revolucionarios de la época, que ayudó a definir el modo de composición que sería utilizado para la narración de temas bíblicos e históricos durante las décadas posteriores.

También se exhiben obras del Kunsthistorisches Museum de Viena, el Museu Nacional de Arte Antigua de Lisboa, la Biblioteca Nacional de España y hasta de la colección privada de la Reina Elizabeth II.

Grand Design. Pieter Coecke van Aelst and Renaissance Tapestry
Hasta el 11 de enero de 2015
The Metropolitan Museum of Art

Explorar Londres... gratis

16/10/2014, Visitar Londres a fondo no implica gastar dinero sin medida. Prueba estas atracciones y actividades, no te costarán ni un penique.

Londres, 16 de octubre de 2014
Muchas de las mejores atracciones londinenses son gratuitaas. Puedes visitar museos y galerías de talla mundial, preciosos parques y jardines, y sin que ello salga caro para tu bolsillo.

Borough Market
Todos los jueves, viernes y sábados uno de los favoritos mercados de los londinenses, abre sus puertas. Lo encontrarás bajo el puente ferroviario entre la Catedral de Southwark y la calle Borough High Street.

Borough Market ofrece una mezcla de excelentes alimentos en aproximadamente 150 puestos que venden pescado, caza, quesos artesanos, carne de especies poco comunes y cervezas tipo "ale". Degusta una ostra fresca con una cerveza ecológica y disfruta del bullicio de este delicioso mercado londinense.

El Cambio de la Guardia Real
Este especial relevo puede verse en el Palacio de Buckingham, en el Castillo de Windsor y en Horse Guards Parade. Va acompañado de la música de una banda militar al completo e incluye la entrega de las llaves del palacio con gran disciplina. Hace falta llegar bien temprano para poder presenciarlo desde un lugar privilegiado, dada su popularidad.

Carnaval en Notting Hill
La zona oeste de Londres acoge en agosto una de las mayores fiestas callejeras del mundo, el Carnaval de Notting Hill. El “Carnival”, como se llama en inglés, viste las calles de Londres de fiesta al ritmo de la música, con sus extravagantes carrozas y los asombrosos disfraces, todo ello con un toque caribeño.

Trafalgar Square
La plaza más famosa de Londres. Aquí encontrarás la Galería Nacional y la Columna de Nelson, el monumento conmemorativo del héroe naval británico y vencedor de la Batalla de Trafalgar, el almirante Nelson. También puedes disfrutar de las exposiciones temporales de la cuarta columna, conocida en inglés como "Fourth Plinth", que exhibe diferentes esculturas de artistas famosos.

Piccadilly Circus
En la emblemática plaza londinense de Piccadilly Circus confluyen las calles Regent’s Street y Shaftesbury Avenue. Piccadilly es el punto de entrada a la zona de los teatros, el mítico West End, y cuenta con varias atracciones propias. Puedes ver la estatua de Eros, protagonista de miles de tarjetas postales, o descubrir el extraño museo Ripley’s Believe It or Not! El mejor momento del día para visitarla es de noche, cuando los enormes rótulos de neón iluminan el lugar y le otorgan un ambiente muy cosmopolita.

Tower Bridge
El Puente de la Torre o Tower Bridge une las dos orillas del Támesis, desde la Torre de Londres en el norte hasta Shad Thames en South Bank. Para contemplar bien sus magníficas vistas, visita la exposición, desde donde podrás acceder a las pasarelas superiores. También merece la pena estar en la orilla del río cuando el puente se abre para dejar paso a los veleros de mástil alto, los horarios se publican en la web de Tower Bridge.

Museo V&A
El Museo Victoria and Albert alberga la mayor colección de obras decorativas y diseño del planeta. Espadas japonesas, arquitectura renacentista y hasta edificios componen este asombroso homenaje a las culturas de todo el mundo.

Galería Nacional
La Galería Nacional británica ocupa todo un lateral de Trafalgar Square en Londres y alberga una magnífica y enorme colección gratuita del mejor arte de varios de los grandes maestros del mundo. Leonardo da Vinci, Van Gogh, Monet y Seurat son algunos de los nombres más conocidos.

British Museum
El Museo Británico alberga tesoros de las diferentes culturas del planeta, creando un asombroso archivo de la historia británica y mundial. A menudo se organizan exposiciones especiales, desde los aztecas hasta la peregrinación Hajj pasando por Shakespeare.

Museo de Ciencias
El Museo de Ciencias de Londres acerca a sus visitantes, y de manera lúdica e interactiva, al asombroso mundo de la ciencia. Desde el cine IMAX hasta demostraciones en directo de todo tipo de fenómenos, desde fuegos artificiales hasta las fuerzas de la física, esta es una experiencia práctica que gustará por igual a mayores y pequeños.

Museo de Historia Natural
El Museo de Historia Natural alberga un sinfín de maravillas naturales, desde esqueletos de dinosaurios completos hasta una ballena azul de tamaño real. Una forma de acercarse a la naturaleza y de descubrir sus maravillosos secretos.

Tate Modern
La galería Tate Modern es el mayor espacio de Londres dedicado al arte moderno. Junto al Támesis en el barrio de Southwark, sus siete plantas incluyen varias de las principales obras de arte contemporáneo del mundo.

St James's Park
El St James's Park llega hasta Whitehall con su larga avenida de verdes árboles y su centelleante lago. Lo rodean lugares famosos, desde Horse Guards Parade hasta el Palacio de Buckingham. No te pierdas los pelícanos, garzas y ardillas que lo habitan.

Hyde Park
Hyde Park es una enorme isla verde entre las calles de tiendas más concurridas de Londres. Es un lugar fantástico para sentarse a disfrutar de un picnic, pasear en bicicleta o en barca o asistir a los numerosos conciertos y festivales al aire libre que se realizan allí a lo largo del año.

Regent's Park
Regent’s Park es la mayor zona de hierba dedicada a deportes de todo el centro de Londres, un refugio lejos del mundanal ruido y del bullicio londinense. Piérdete en él y encontrarás un teatro al aire libre, el zoo de Londres y un jardín repleto de flora y fauna, así como excelentes cafeterías y restaurantes.

Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle

15/10/2014, El Museo del Prado reúne casi 200 dibujos procedentes de la colección de la Kunsthalle de Hamburgo, que posee una de las colecciones de dibujo español más importante fuera de España.

Madrid, 15 de octubre de 2014
Tras su presentación en el Meadows Museum de Dallas, donde ha podido verse durante el verano de 2014, llega al Museo del Prado una gran muestra formada por casi dos centenares de dibujos, y que es representativa del dibujo español desde el siglo XVI a comienzos del XIX.

Reunida en Sevilla a comienzos del siglo XIX, fue vendida en el mercado londinense y adquirida por el museo alemán en 1891. Destacan en esta colección nombres de artistas de la talla de Alonso Cano, Bartolomé Esteban Murillo, Juan de Valdés Leal, Castillo y Schut.

Además, en la colección del Kunsthalle de Hamburgo está presente de una manera muy ámplia la figura de Francisco Goya, del que la institución poseé un nutrido conjunto de dibujos, entre los que destacan algunos preparatorios para su serie de copias de los retratos de Velázquez.

Esta es la primera vez que los fondos de la Kunsthalle salen fuera de Alemania, y supone una ocasión única para explorar en la técnica de estos artistas, así como para que el visitante pueda acercarse a los orígenes y la historia de la colección.

Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle: Cano, Murillo y Goya
30 de octubre 2014 - 8 de febrero 2015
Museo del Prado

La valla

15/10/2014, 40 dibujos que ofrecen un impactante testimonio gráfico sobre los esfuerzos de aquellos emigrantes que intentan llegar a España con la esperanza de un futuro mejor.

Madrid, 15 de octubre de 2014
Vallas fronterizas, campamentos improvisados, controles policiales... Son imágenes y palabras difundidas hasta la extenuación en los medios de comunicación, pero que ahora adquieren una nueva dimensión documental, artística y social.

La valla, que podrá verse en el Espacio Utopic_Us de Madrid hasta el 15 de noviembre de 2014, muestra más de 40 dibujos y escritos realizados por emigrantes subsaharianos y recopilados por la actriz y artista Amparo Climent en sus viajes a Melilla.

A lo largo de sus visitas sucesivas al monte Gurugú, Climent fue pidiendo a los allí acampados que expusieran sus sentimientos, vivencias, temores e ilusiones mediante dibujos o cartas. El material recopilado constituye un testimonio singular sobre el temor, la angustia, las penurias y el anhelo de libertad con el que conviven estos hombres, asediados por las fuerzas de seguridad pero deseosos de encontrar esperanza en sus vidas.

Son dibujos de estilo a menudo naïf y elaborados con materiales elementales, rotuladores o bolígrafos, en trozos precarios de cuartillas o cajas de cartón. Detrás de esos trazos se esconden historias impactantes, heridas externas e internas, tras muchas noches al raso en condiciones infrahumanas.

La exposición se completa con 100 artistas de la Frontera Sur, un centenar de obras en formato rígido, elaboradas por historiadores, escritores, poetas y otros personajes del mundo de la cultura y la creación. Todos estos artistas enriquecen La valla con sus reflexiones sobre el significado de las fronteras, el valor de la solidaridad y otros aspectos sobre los que es imposible dejar de preguntarse al hilo del drama cotidiano que se respira en las fronteras entre África y Europa.

La valla
Utopic_US
Duque de Rivas, 5. Madrid
Del 15 de octubre al 15 de noviembre de 2014
Comisariada por Concha Mayordomo y Amparo Climent

Sí a las ballenas, no al petroleo

15/10/2014, El proyecto de perforación para la búsqueda de petróleo en las Islas Canarias amenaza a ballenas, delfines, tiburones, tortugas y otras especies en peligro.

Lanzarote, 15 de octubre de 2014
En 2011 el Ministerio de Medio Ambiente español, consciente de la importancia vital de esta área marina para los cetáceos, solicitó un estudio científico para trazar los límites de un área marina protegida.

La paradoja es que, en mayo de 2014, el gobierno Español permitió en el mismo lugar una perforación exploratoria para la búsqueda de petróleo en los aguas frente a Lanzarote y Fuerteventura en las Islas Canarias.

Este área es una de las más importantes para los cetáceos en Europa, y supone uno de los últimos lugares en el planeta donde todavía se pueden observar grupos de ballenas que nadan con sus crías, enormes cachalotes en busca de calamares gigantes, o alegres grupos de delfines saltando de manera juguetona.

Además, es importante mencionar que gran parte de los habitantes de la zona dependen del turismo y la pesca, y estas perforaciones ponen en riesgo su forma de ganarse la vida.

Más de un tercio de las especies de cetáceos del planeta han sido vistas en las aguas que rodean Lanzarote y Fuerteventura. La excepcional biodiversidad y abundancia de especies en esta región del Océano Atlántico hacen que sea una de las zonas marinas europeas más importantes para las ballenas y los delfines. Es un área crucial para la cría, alimentación y migración de estos increíbles mamíferos marinos, así como de otras especies amenazadas, como tortugas, tiburones y aves marinas.

La perforación de petróleo y gas podría convertir el hogar de estas increíbles criaturas marinas en un campo petrolero, amenazado por el riesgo de un accidente derrame de petróleo. La perforación en sí haría la vida imposible a las ballenas y delfines que son extremadamente sensibles al ruido y dependen del sonido para comunicarse, navegar y alimentarse.

La ONG WWF hace un llamamiento para solicitar al gobierno que establezca un santuario de ballenas en esta zona, en la que la perforación supondría un grave deterioro tanto para el hábitat de multitud de especies marinas en peligro como para el sustento de muchas familias.

Si quieres puedes colaborar en esta iniciativa con tu firma: Por un santuario para las ballenas

Exposiciones del MBAV

14/10/2014, El Museo de Bellas Artes de Valencia presenta dos muestras dedicadas a los artistas Antonio Cortina y Joaquín Sorolla.

Valencia, 14 de octubre de 2014
Redescubriendo al pintor Antonio Cortina 1841-1890
La exposición Redescubriendo al pintor Antonio Cortina 1841-1890, presenta la obra de este artista, natural de Almàssera, que a pesar de haber sido muy apreciado en su época con el devenir de los años ha ido cayendo en el anonimato.

La selección se compone de obras conservadas en los fondos del Museo de Bellas Artes de Valencia, del Museo Sorolla, del Círculo de Bellas Artes de Valencia y del Círculo de Bellas Artes de Madrid, así como de diversas entidades públicas y privadas.

La madurez del personal arte de Cortina se condensa ante todo en la figura, de la que es maestro indiscutible. Buena muestra de ello son los dos techos realizados para el hogar del fotógrafo Antonio García, ubicados en el Ateneo Mercantil de Valencia. Los problemas que plateaba su exhibición, así como la de otras obras también de gran formato ―entre las que se encuentranlas alegorías de Las Bellas Artes, La Felicidad y Las Cuatro Estaciones―, se han intentando subsanar mediante la fotografía, técnica utilizada asimismo para mostrar las decoraciones religiosas que aún persisten en las iglesias del Santísimo Sacramento de Almàssera, San Roque de Oliva y en la de la Beneficencia.

En la muestra se presentan además diversos dibujos alusivos a edificios desaparecidos, como la iglesia de San Bartolomé, el famoso Café de España y el Fum-Club.

Hasta el 23 de noviembre de 2014

Vestidos para posar. Retratos de Sorolla e indumentaria contemporánea
Una muestra que acerca al espectador a la sociedad del cambio de siglo XIX-XX desde una de sus producciones culturales más atractivas: el traje.

La pintura, y muy especialmente el retrato de la época, es una herramienta excelente para revisar, como si de un álbum de fotos familiar se tratara, la ropa de aquellos tiempos, acercándonos a la sociedad del momento, o al menos al pujante grupo que podía permitirse encargar retratos a un pintor de fama internacional, como lo fue Joaquín Sorolla Bastida.

En esta exposición las pinturas se acompañan de una bella selección de trajes de la colección de Victoria Liceras, reconocida investigadora de la moda, dispuestos en composiciones similares a las pintadas por Sorolla.

Destacan retratos como los de María Clotilde Sorolla, Carlos Urcola con su hija Eulalia o Lucrecia Arana. Junto a estos, otras obras en las que el esplendor del traje regional y el dieciochesco es el protagonista: Grupa valenciana, Boceto de cartel para el diario «El Pueblo» o Figuras de casacas jugando en un jardín.

Hasta el 11 de enero de 2015

Alfredo Arreguín. Sueños y naturaleza

14/10/2014, El 17 de octubre se inagura una exposición sobre el pintor mexicano Alfredo Arreguín, que podrá verse en el Museo de América de Madrid hasta el 14 de diciembre de 2014.

Madrid, 14 de octubre de 2014
La visión de la cultura mexicana, el arte precolombino y el arte colonial, así como los paisajes mexicanos se entretejen oníricamente con ciertos motivos que el pintor Alfredo Arreguín (Michoacán, México, 1935) ha ido asimilando a través de su contacto con otras partes del mundo.

A pesar de haberse mudado a la edad de 21 años a EEUU, donde ingresaría como estudiante de arte en la Universidad de Washington, Alfredo Arreguín siempre ha sentido su país muy cerca, llegando a afirmar "Yo nunca abandoné México".

Reconocido como el primer pintor en dar expresión a la modalidad conocida como pintura pattern ("pintura de diseños"), la obra de Arreguín se desarrolla a partir de una temprana experimentación con diseños más o menos abstractos, frecuentemente basados en motivos y patrones primitivos provenientes de la cultura popular mexicana: azulejos, cerámica, textiles, máscaras indígenas, etc., que después ha ido integrando una mezcla más elaborada de elementos del mundo natural y del ámbito mágico, en combinación con la figura humana. Su vibrante pintura destaca por sus formas orgánicas y por un contenido simbólico y metafórico.

Los cuadros más reconocibles de Arreguín son los de la serie denominada selvas, los cuales representan la exuberante vegetación, la flora y la fauna de los bosques tropicales. El mundo natural amenazado por la constante intrusión del mundo moderno y el avance arrollador de la civilización.

Esta preocupación del pintor continúa en los llamados íconos, con los que Arreguín les rinde homenaje a una variedad de artistas, figuras históricas y activistas comprometidos con las causas sociales: la pintora Frida Kahlo, el héroe revolucionario Emiliano Zapata y el dirigente sindical chicano César Chávez.

Por último, las madonas son otra serie con la que Arreguín expresa sus inquietudes sociales a la vez que despliega su espléndida técnica. Si bien es cierto que estas imágenes también vinculan al artista a su cultura materna, ellas no son representaciones devotas. Como él mismo ha declarado, las pinta “no con propósitos religiosos, sino para expresar, en un sentido espiritual, la necesidad de proteger el bosque pluvial”.

Alfredo Arreguín. Sueños y naturaleza
Del 17 de octubre al 14 de diciembre de 2014
Museo de América
Avenida Reyes Católicos, número 6

Tapas. Spanish Design for Food

13/10/2014, España siempre ha estado ligada tanto a la calidad de las materias primas, como a la creatividad gastronómica. Una exposición en Eslovenia pone de manifiesto la deliciosa relación entre gastronomía española y diseño.

Liubliana, Eslovenia, 13 de octubre de 2014
Hasta el próximo 6 de noviembre y coincidiendo con el Mes del Diseño en Liubliana se presenta la muestra "Tapas. Spanish Design for Food", organizada por Acción Cultural Española (AC/E).

Gastronomía y diseño siempre han estado vinculados. Diseño aplicado no solo a la preparación y presentación de los alimentos, sino también a los utensilios necesarios para preparar los grandes platos de la cocina española. Restaurantes, cocineros y diseñadores españoles han destacado internacionalmente colocando a nuestro país a la cabeza en estas disciplinas.

¿Cuál es el papel que el diseño ha jugado en relación a la comida y la gastronomía en España?. Tapas: Spanish design for food, pretende mostrar a través de más de 200 objetos de diseño divididos en cuatro ámbitos: Cocina, Mesa, Comida y Vinos cómo el diseño, la tradición, la gastronomía, la ciencia, la vanguardia, el arte y la innovación han ayudado a resolver la alimentación.

La muestra invita al visitante a descubrir como el diseño encuentra soluciones a los problemas que ha ido planteando el mundo de la gastronomía. Y particularmente, cómo la cultura española ha aportado inventos y soluciones ingeniosas a lo largo de su historia. Esta asociación no solo ha dado sus frutos desde el punto de vista funcional, también el mundo del arte se ha inspirado en la comida y ha dado lugar a interesantes piezas que transitan entre la instalación artística y el discurso antropológico de un país.

La selección de piezas va desde el objeto más pequeño como un salero, pasando por la vajilla, el mobiliario y la decoración interior de restaurantes, hasta llegar a la arquitectura, con ejemplos singulares de bodegas españolas. Asimismo, trata de destacar la enorme capacidad innovadora de grandes nombres de la cocina española cuyas técnicas han revolucionado la gastronomía mundial.

August Macke y Franz Marc

10/10/2014, El Kunstmuseum de Bonn ofrece una buena ocasión para recordar a August Macke, a los cien años de su muerte, en el frente de la Primera Guerra Mundial.

Bonn, 10 de octubre de 2014
Con motivo del 100 aniversario de la muerte de Macke, el Kunstmuseum de la ciudad alemana de Bonn y la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich, presentan "August Macke und Franz Marc, Eine Künstlerfreundschaft", una exposición que recuerda la amistad entre August Macke y Franz Marc (ambos vinculados al grupo Der Blaue Reiter) y el arte de ambos a traves de 185 pinturas, acuarelas, dibujos, cuadernos de dibujo, objetos y otros documentos.

El 6 de enero de 1910, August Macke visitó a Franz Marc en su estudio de Munich por primera vez. Fue el comienzo de una amistad que presenta rasgos especiales en la historia del arte moderno, tanto en el plano artistico como social.

La exposición repasa este encuentro y sus derivaciones en el debate artístico de la época. Un periodo corto, pues August Macke murió a comienzos de la Primera Guerra Mundial, en 1914, y Franz Marc sólo dos años más tarde.

August Macke es un artista estimado en Bonn, donde residió parte de su vida, en una casa que ahora es un museo dedicado al autor.

Macke nació en 1887 y falleció en 1914, destacando por su participación activa en el grupo de artistas de su época e incorporando influjos de las distintas vanguardias, merced a contactos con autores como el propio Marc, Delaunay o Kandinski, artista que conocería gracias a su amistad de Marc.

Marc, que nació en 1880, tambien tuvo una corta vida pues falleció en 1916. Su carrera le llevó tambien por ámbitos similares a los de Macke, incorporando influjos del fauvismo y del cubismo, aunque su pintura tiene unos rasgos muy definidos, en los que resalta una vigorosa naturaleza, reflejada con la exuberancia de la fuerza y el color.

Aparte de la colección del Kunstmuseum y de la Städtische Galerie im Lenbachhaus, en esta muestra se cuenta con préstamos de otros museos y colecciones privadas.

Trazos en la arena

10/10/2014, El Museo Sorolla de Madrid presenta la exposición Trazos en la arena, que podrá visitarse desde el veinte de octubre de 2014 y hasta el ventiocho de febrero de 2015.

Madrid, 10 de octubre de 2014
Con la playa como telón de fondo, tema predilecto para el pintor y con el que obtuvo sus mayores éxitos, la exposición Trazos en la arena pretende ofrecer por primera vez una aproximación a la faceta gráfica de Joaquín Sorolla desde un punto de vista crítico, destacando su significación en el conjunto de su producción, señalando su evolución, sus valores y su pleno carácter de expresión artística libre y espontánea, relacionada en muchas ocasiones con obras pictóricas determinadas (como parte del proceso creativo), pero mostrando siempre una entrega complacida al ejercicio del dibujo como opción creativa también independiente.

En ella, pueden rastrearse las inquietudes y aspiraciones esenciales del universo estético de Sorolla.

La muestra está organizada en cinco ámbitos temáticos, que combinan dibujos, lienzos y notas de color, en los que se analizan los motivos predilectos del pintor en la playa: El trabajo en el mar. Costumbrismo a pie de playa. Barcas y bueyes. Velas de brisa y luz. Mujeres del mar: de pescadoras y madres. La alegría del agua: el plácido reflejo y Elegantes en la playa.

Joaquín Sorolla y Bastida nace en Valencia el 27 de febrero de 1863. Huérfano a los dos años, se cría con sus tíos.

En 1878 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. Concluidos sus estudios, viaja a Madrid, donde se entusiasma con la obra de Velázquez.

Entre 1885 y 1889 reside en Italia como pensionado de Pintura por la Diputación de Valencia. Durante esos años comienza a presentar sus trabajos en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y en 1885 viaja por primera vez a París, donde manifiesta gran interés por pintores naturalistas como Adolph von Menzel, Jules Bastien-Lepage o los pintores nórdicos.

Durante la década de 1890, Sorolla empieza a mostrar sus obras en las grandes exposiciones internacionales celebradas en París, Viena, Berlín, Múnich, Chicago y Venecia.

En 1893, su pintura ¡¡Otra Margarita!! logra la medalla en la World's Columbian Exposition de Chicago. Dos años después, el Musée du Luxembourg adquiere su cuadro La vuelta de la pesca, galardonado con la primera medalla de oro en el Salón de París.

En la Exposición Universal de París de 1900, el pintor obtiene el Grand Prix, lo que supone su definitivo reconocimiento internacional. En los años siguientes continuará cosechando grandes éxitos en las exposiciones internacionales.

En 1906 presenta su primera exposición individual en la Galerie Georges Petit de París con un triunfo sin precedentes. Su faceta como gran pintor de retratos quedará asimismo destacada, afianzando así su relación con las élites sociales y culturales europeas.

En 1907 expone en las galerías que Eduard Schulte dirige en Berlín, Düsseldorf y Colonia. Al año siguiente viaja a Londres para presentar una exposición en las Grafton Galleries, muestra que contará con muy favorable respuesta entre la crítica y el público.

En febrero de 1909, Sorolla inaugura, bajo el título Joaquín Sorolla y Bastida at The Hispanic Society of America, su exposición individual en Nueva York con 356 obras. Su éxito es fabuloso. La muestra se presenta a continuación en la Buffalo Fine Arts Academy y en la Copley Society de Boston.

Durante su estancia en EEUU realiza más de veinticinco retratos, entre los que destaca el del entonces presidente de los Estados Unidos, William Howard Taft.

En febrero de 1911 se inaugura en el Art Institute de Chicago la exposición Paintings by Joaquín Sorolla y Bastida, Under the Management of The Hispanic Society of America. Mientras se celebra la muestra, Sorolla pinta varios retratos e imparte clases magistrales a los estudiantes del Art Institute. La misma exposición se presenta en el City Art Museum de San Luis.

De nuevo en Nueva York, el artista sigue pintando retratos, junto a unos hermosos gouaches con vistas desde la habitación del hotel Savoy. De vuelta en París Sorolla pinta los retratos de la familia Duke, y en San Sebastián realiza su emblemática obra La siesta.

En otoño de 1911, Sorolla viaja a París, donde firma, por un importe de 150.000 dólares, un contrato para realizar una serie de paneles que, con el título Visión de España, deberán instalarse en la biblioteca de la Hispanic Society of America.

En vísperas de Navidad, se traslada con su familia a su nueva casa-estudio en el paseo del Obelisco de Madrid, sede actual del Museo Sorolla.

Durante 1912, el pintor realiza numerosos estudios de composición sobre los paneles y viaja por España para retratar los distintos tipos populares, un proyecto en el que trabajará durante los siguientes seis años.

En 1914 se manifiestan los primeros signos de su enfermedad.

Sorolla continúa sus viajes por España con objeto de finalizar su encargo para la Hispanic Society of America. En el verano de 1916 pinta algunos de sus mejores cuadros de playa, como Después del baño. La bata rosa.

En 1917, además de pintar el panel sobre Extremadura, viaja por última vez a Granada, donde realiza sus nueve últimas visiones de La Alhambra, de gran simplicidad y modernidad. Durante sus prolongados períodos de descanso en Madrid capta con devoción los jardines de su casa. Realiza asimismo diecisiete retratos, nueve de ellos destinados a la galería iconográfica de la Hispanic Society of America.

En 1918 es nombrado vocal del Patronato del Museo de Arte Moderno de Madrid y, al año siguiente, profesor de Colorido y Composición de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En 1918 se traslada con su familia a Mallorca y después a Ibiza, en cuyos acantilados pinta Los contrabandistas. Presenta también ese año sus últimos cuadros en París, en la Exposition de peinture Goya et art espagnol moderne.

El 17 de junio de 1920, en el jardín de su casa, sufre un ataque de hemiplejía mientras trabaja en el retrato La señora de Pérez de Ayala. La enfermedad le impide volver a pintar.

Muere el 10 de agosto de 1923 en Cercedilla, acompañado por su familia.

Nuevas tendencias del viajero español

09/10/2014, Las tendencias del viajero español se han modificado en los dos últimos años. En la actualidad se realizan más viajes a lo largo del año, pero suelen ser más cortos.

Barcelona, 9 de octubre de 2014
En los últimos años, los españoles han cambiado su forma de organizar las vacaciones, la duración de los viajes se ha ido reduciendo, a la vez que la frecuencia de los desplazamientos se ha incrementado y repartido a lo largo del año.

Antes, los viajeros realizaba un único viaje largo en verano, sin embargo, de acuerdo con un estudio llevado a cabo por InterMundial Seguros, actualmente se tienden a realizar mas escapadas (de menor duración) por España y Europa en la mayoría de los casos.

Entre las fechas preferidas se encuentran el verano, la Semana Santa y los puentes, aunque se está generalizando la práctica de adaptar las vacaciones a ofertas de agencias de viajes, aerolíneas y hoteles.

Estos nuevos hábitos, que ya eran comunes en Europa, se han generalizado en España a causa de varios factores: la recesión económica, la mayor flexibilidad laboral a la hora de elegir las vacaciones, las nuevas tecnologías –comparadores de hoteles, buscadores de vuelos y agencias online- y el auge del turismo colaborativo.

Fuente de la información: Intermundial Seguros

Depero Futurista. 1913-1950

09/10/2014, El viernes 10 de octubre se inaugura en la Fundación Juan March de Madrid una exposición dedicada a la figura del artista italiano Fortunato Depero.

Madrid, 9 de octubre de 2014
Esta nueva muestra de la Fundación Juan March quiere plantear una visión renovada de la que ha sido llamada "la vanguardia de las vanguardias": el futurismo italiano, a través de casi 300 obras entre pinturas, escenografías, diseños publicitarios, esculturas, juguetes, poesía visual, fotografías, libros, revistas y audiovisuales.

El movimiento plástico y literario cuyo pistoletazo de salida fuera el manifiesto publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en el periódico parisino Le Figaro ha pasado a la historia por la radicalidad de sus propuestas. Los efervescentes años fundacionales del movimiento, entre 1909 y 1915, supusieron una novedosa contribución a la plástica y la literatura europeas, marcada finalmente por la Primera Guerra Mundial.

Fortunato Depero (Fondo, provincia de Trento, 1892 - Rovereto, 1960) viajó a Roma y conoció a Marinetti en 1913. Allí conocería a Boccioni, y el contacto con este y con Giacomo Balla provocaría un cambio radical en su producción artística.

A principios del año 1915 Depero sería oficialmente admitido en el movimiento futurista, del que se consideraría parte hasta el final de su vida, casi dos décadas después de la muerte de Marinetti en 1944.

Talento múltiple de obra polifacética, cosmopolita e italianísimo, incansable trabajador, Depero es menos conocido en el contexto internacional de lo que debiera serlo a la vista de la significación real de su obra en la evolución interna del futurismo y de la enorme actualidad de su trabajo.

La exposición de la Fundación Juan March pretende mostrar, a través de una amplia selección de casi 300 obras procedentes de instituciones y colecciones internacionales, publicas y privadas, al “Tutto Depero” (así tituló el propio artista uno de los últimos balances personales de su obra), y, por otra, presentar a Depero como la figura esencial que es para entender tanto la evolución del movimiento futurista hasta el final de los años cuarenta como su actualidad en el siglo XXI.

Depero Futurista. 1913-1950
Del 10 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015
Fundación Juan March
Calle Castelló número 77. Madrid

Sade. Atacar el sol

08/10/2014, Alphonse Donatien de Sade, conocido como el Marqués de Sade, trastornó tanto la historia de la literatura, como la de las artes, primero de forma clandestina y después al convertirse en un verdadero mito. El d`Orsay le dedica ahora una muestra.

París, 8 de octubre de 2014
La obra del proclamado "Divino Marqués" (apodo que le darían los surrealistas) pone en tela de juicio de forma radical las cuestiones del límite, proporción, exceso, las nociones de belleza y fealdad, lo sublime, la imagen del cuerpo y la idea del héroe y el antihéroe.

Alphonse Donatien de Sade (1740-1814) despejó radicalmente la mirada de todos sus presupuestos religiosos, ideológicos, morales y sociales, y antepuso siempre en sus escritos la idea del triunfo del vicio sobre la virtud. Esta libertad a la hora de narrar actos de violencia y parafilias sexuales llevó a las novelas y demás escritos que fueron firmados por Sade a ser perseguidos e incluidos en el Index librorum prohibitorum de la Iglesia católica.

La exposición del Musée d`Orsay (que podrá visitarse del 14 de octubre de 2014 al 25 de enero de 2015) pone a la luz la revolución de la representación abierta por los textos del escritor, que pasó gran parte de su vida encerrado en distintas prisiones y centros para mentes desequilibradas.

La muestra abarca los temas de la ferocidad y de la singularidad del deseo, del desvío, del extremo, de lo raro y de lo monstruoso, del deseo como principio de exceso y de recomposición imaginaria del mundo, mediante obras de grandes maestros de la talla de Goya, Géricault, Ingres, Rops, Rodin o Picasso.

Sade. Atacar el sol
Del 14 de octubre de 2014 al 25 de enero de 2015
Musée d`Orsay
62, rue de Lille. Paris

Goya en Boston

07/10/2014, La exposición Goya: Orden y desorden, en el Museo de Bellas Artes de Boston, es la mayor retrospectiva sobre Goya realizada en América en el último cuarto de siglo.

Boston, 7 de octubre de 2014
Uno de los titanes del arte europeo, Francisco de Goya (1746-1828) fue testigo de una época de revolución y de un cambio radical en el pensamiento y el comportamiento. De la misma manera en la que la cultura del siglo XVIII dio paso a la era moderna, la penetrante mirada de Goya buscó nuevos medios para capturar la experiencia humana.

Considerado el artista español más importante de finales del siglo XVIII y principios del XIX. El último de los viejos maestros y el primero de los modernos, Goya fue un astuto observador de la condición humana en toda su complejidad. Durante toda su carrera se esforzó sin descanso por comprender y describir estados de comportamiento y emociones humanas, incluso en sus extremos más opuestos.

"Goya: Orden y desorden" cuenta con estos polos opuestos, de orden y desorden, para estructurar la creatividad de Goya, pasando de retratos dignos y rituales diarios al caos de la guerra y el caos de la plaza de toros de Burdeos. En algunas obras, ya sea la armonía o el caos prevalece, pero la mayoría presentan una tensión inquietante entre estos opuestos.

Para comprender la creatividad sin límites del artista, la exposición se divide en ocho secciones principales. En ellos se abordan temas como la crianza y el abuso de los niños; la caza como deporte y la metáfora; la devoción y la superstición religiosa; equilibrio y pérdida del equilibrio; justicia corrompida; y el simbolismo del gigante. Este marco permite al visitante percibir las conexiones que el propio artista hizo.

La mayor exposición de Goya en América del Norte en un cuarto de siglo, que podrá verse en el Boston Museum of Fine Arts, reúne lo mejor de la producción de este gran artista español, desde los elegantes retratos de cuerpo entero de los aristócratas que establecieron su reputación en Madrid, a los grabados satíricos que llevaron su fama más allá de su país, pasando por sus álbumes privados, en los que se revela el fundamento de sus ideas.

La muestra se compone de 170 de sus más importantes pinturas, grabados y dibujos, que van desde la década de 1770 hasta el final de su vida. 71 obras de la institución de Boston, incluyendo dibujos raros y pruebas de trabajo, no han sido mostradas desde 1989. A ellos se suman los préstamos importantes de pinturas y dibujos del Museo del Prado, el Museo del Louvre, la Galleria degli Uffizi, el Museo Metropolitano de Arte, y la Galería Nacional de Arte de Washington, así como de numerosas colecciones privadas en Europa y los Estados Unidos.

Goya Order and Disorder
12 de octubre de 2014 – 19 de enero de 2015
Boston Museum of Fine Arts
Avenue of the Arts
465 Huntington Avenue
Boston, Massachusetts

Le Corbusier. Postales: una visión del mundo

07/10/2014, CentroCentro Cibeles selecciona 168 postales, de las más de 2.000 que componen la colección de Le Corbusier, en un diálogo con otras fuentes que el arquitecto utilizó para crear uno de los lenguajes más definitorios de la modernidad.

Madrid, 7 de octubre de 2014
Le Corbusier comenzó a coleccionar tarjetas postales alrededor del año 1907 y continuaría haciéndolo durante toda su vida, alcanzando su colección los 2.300 ejemplares. Esta exposición revela al público el valor de un material que el arquitecto siempre conservó en la intimidad de su apartamento. A través de sus ojos, las postales adquieren significado como instrumentos de investigación y de aprendizaje.

Conservadas en los archivos de la Fondation Le Corbusier, las postales del arquitecto suizo siempre han permanecido relegadas a un segundo plano, sin ser objeto de un estudio particularizado. La presente exposición abre una nueva dimensión en esta inagotable mina que todavía hoy constituye el trabajo de Le Corbusier. Una aproximación original, que mediante sutiles evocaciones traza un camino a través de una pluralidad de hipótesis que pone al descubierto los motivos, las razones y los objetivos de esta colección desde la perspectiva de un genio que revolucionó la arquitectura y el urbanismo del siglo XX.

Un análisis que ofrece una mirada espontánea, fresca y renovada sobre la extensa y multidisciplinar obra de Le Corbusier, estableciendo vínculos entre diferentes medios de trabajo, al tiempo que permite una relectura de sus fuentes de inspiración.

Una serie de documentos como croquis, cuadros, textos, fotografías y proyectos, todos realizados por el propio Le Corbusier acompañan a esta colección de postales, añadiéndo valor al conjunto.

Le Corbusier. Postales: una visión del mundo
Hasta el 5 de abril de 2015
CentroCentro Cibeles
Plaza de Cibeles, 1. Madrid

Humor, gota a gota

07/10/2014, Arranca la XXI Muestra Internacional de las Artes del Humor, con protagonistas como Quino, Fernando Khran o José Guadalupe Posada y el agua como hilo conductor.

Alcalá de Henares, 7 de octubre de 2014
El martes 7 de octubre se inaugura la XXI Muestra Internacional de las Artes del Humor con un programa que durará hasta el 24 de noviembre e incluye exposiciones, teatro, mesas redondas y actividades didácticas y urbanas.

Como cada año, la cita se despliega en Madrid y Alcalá de Henares, donde se ubica la sede del Instituto Quevedo del Humor de la Fundación General de la Universidad de Alcalá, la entidad organizadora.

En esta edición 2014, el título de la Muestra es Humor, gota a gota, porque tiene como ‘leit motiv’ el agua. Así, la Exposición de Viñetas, que, como siempre, constituye la actividad central del programa, se dedica esta vez al líquido elemento, exhibiendo un total de 120 viñetas sobre el tema con firmas de humoristas gráficos españoles e internacionales. La exposición podrá visitarse gratuitamente entre el 7 de octubre y el 23 de noviembre en el Antiguo Hospital Santa María la Rica de Alcalá de Henares.

Además de esta exposición principal, se presentan otras como Reinterpretando a Quino, en la que varios creadores homenajean al padre de Mafalda. Es también de acceso gratuito, estará abierta entre el 7 y el 26 de octubre en Santa María la Rica (Alcalá de Henares), y conmemora la concesión del Príncipe de Asturias al autor argentino.

En Santa María la Rica también podrá verse una muestra sobre José Guadalupe Posada. Fantasías, calaveras y vida cotidiana, que exhibe ilustraciones del padre del arte gráfico mexicano actual ( hasta el 2 de noviembre).

Por otra parte, en la Fundación Diario de Madrid podrá visitarse hasta el 12 de octubre El Mundo Ilustrado por Fernando Khran, una exposición sobre el que fuera célebre viñetista de La Vanguardia.

Otras actividades como espectáculos teatrales, conferencias y mesas redondas, una librería itinerante o talleres infantiles redondearán un programa que puede consultarse en la web del Instituto Quevedo del Humor: http://www.iqh.es/muestras/muestra-xxi

Los dias del federweisser

06/10/2014, Las tabernas de Alemania sirven en estos días del principio del otoño el popular federweisser, vino nuevo de escasa fermentación.

Bonn, 6 de octubre de 2014
El federweisser se obtiene de uva blanca y tiene tan sólo unos cuatro grados. Es un intermedio entre el mosto y el vino, con una tonalidad turbia, motivada en buena parte por el gas carbónico que poseé.

No sólo se toma en los establecimientos de hostelería, sino que se vende en establecimientos de comestibles y bebidas. Aunque es un producto muy perecedero porque el proceso de fermentacion no está concluido y el líquido sigue generando anhídrido carbónico. Las botellas, por ello, deben estar boca arriba y tapadas con un sistema que permita la aireación.

En las tabernas se acompana con tarta de cebolla, o Zwiebelkuchen.

La zwiebelkuchen se hace con una masa de harina, mantequilla y huevo, cubierta con cebollas picadas frita, nata ácida y jamón ahumado o lardones. Se sirve caliente, recién salida del horno.

La zwiebelkuchen y el federweisser son un buen binomio para animar una tertulia con los amigos, en las tardes otoñales germánicas, cuando se acortan los días empiezan a caer las temperaturas.

Patagonia: extrema y virgen

06/10/2014, Dos nuevas rutas amplían la oferta de Cruceros Australis. El viajero podrá hacer rutas de salida y regreso Ushuaia/Ushuaia en el lado argentino o Punta Arenas/Punta Arenas en el lado chileno.

Ushuaia, 6 de octubre de 2014
Hasta ahora los itinerarios eran entrando por un país y desembarcando en el otro, es decir, embarcando en Ushuaia y desembarcando en Punta Arenas o viceversa.

Ushuaia/Ushuaia
Esta ruta de 3 noches permite salir desde esta ciudad, la más austral del mundo, para navegar por el canal Beagle y entrar a Tierra del Fuego en los parajes menos conocidos.

En la segunda mañana de navegación se ingresa al fiordo Garibaldi donde se realiza una caminata a través de la selva fría patagónica, subiendo hasta la base de una cascada de origen glacial. Desde este punto se aprecia un imponente paisaje. Para aquellos que permanezcan abordo el Capitán pondrá proa hacia el glaciar Garibaldi para contemplar la panorámica desde las cubiertas exteriores. La ruta continúa por el brazo Noroeste del canal de Beagle para ingresar y desembarcar en el fiordo Pía. Allí una excursión lleva hasta el mirador desde donde se puede observar el glaciar homónimo, cuya lengua principal se extiende desde lo alto del cordón montañoso hasta el mar.

En el tercer día de viaje, el barco Via Australis, se adentra por el canal Murray y bahía Nassau llegando al Parque Nacional Cabo de Hornos. El mítico Cabo de Hornos fue descubierto en 1616 y es un promontorio casi vertical de 425 metros de altura. Durante años fue una importante ruta de navegación para los veleros entre los océanos Pacífico y Atlántico. Es conocido como el fin del mundo y fue declarado Reserva Mundial de la Biósfera en 2005.

Por la tarde se desembarca en bahía Wulaia, sitio histórico que fuera uno de los asentamientos más grandes de los nativos canoeros Yámanas, una de las etnias más importantes de la Patagonia. Charles Darwin desembarcó aquí en 1833. Este lugar ofrece un espectáculo visual de gran belleza por su vegetación y geografía.

El cuarto día es el desembarco a primera hora de la mañana en Ushuaia.

Punta Arenas/Punta Arenas
La navegación del barco Vía Australis por esta ruta comienza por el Estrecho de Magallanes, canales fueguinos y llega a los puntos más bellos de Patagonia y Tierra del Fuego.

Con las primeras luces del alba del segundo día se recorrerá a través del Seno Almirantazgo, hasta llegar a la Bahía del mismo nombre. Desde la desembocadura del río en Bahía Almirantazgo, se emprende una caminata por el sector costero y se recorre la ribera norte del río para luego internarse en el bosque húmedo donde se llega a la base de una cascada de origen glacial. En la caminata de regreso se ven algunas represas de castores. Finalmente, ya a bordo de los zodiac se navega la costa con el objeto de avistar elefantes marinos, cormoranes y otras aves antes de regresar al barco.

Por la tarde la navegación es por el Fiordo Parry, desde donde será posible apreciar los glaciares que descienden desde el centro de la cordillera Darwin, llegando algunos de ellos hasta el mar. En este punto el desembarco es en zodiac para ir al fondo del fiordo para observar el anfiteatro de glaciares, sector donde en algunas ocasiones es posible avistar focas leopardo.

A la mañana del tercer día, se navegará nuevamente el Seno Almirantazgo, hasta llegar a las inmediaciones del Glaciar Marinelli en la Bahía Ainsworth, en plena Cordillera Darwin y dentro del Parque Nacional Alberto De Agostini, donde se puede ver como resurge la vida después del retiro de los hielos. Se emprende, entonces, una nueva caminata para descubrir un dique de castores y el imponente bosque magallánico subantártico que lo rodea.

Por la tarde se enfila al Glaciar Brookes donde se realiza un desembarco en zodiac para realizar un paseo por la playa hasta llegar al frente de este hermoso glaciar. Se podrá conocer el bosque frío húmedo de Patagonia con su avifauna y flora, y también observar los movimientos que moldearon el paisaje de este lugar.

El último día a primera hora de la mañana habrá desembarco en Isla Magdalena, parada obligada para el abastecimiento de antiguos navegantes y descubridores. Rumbo al faro de este lugar se podrá hacer una caminata en medio de una inmensa colonia de pingüinos de Magallanes (alrededor de 140.000). En septiembre y abril, esta excursión es reemplazada por un desembarco en isla Marta donde se pueden avistar lobos marinos sudamericanos desde los botes Zodiac. Finalmente, se retorna a Punta Arenas cerca de la media mañana.

Para más información ver web Cruceros Australis: http://www.australis.com/site/

Retratos: De Toulouse-Lautrec a Eduardo Arroyo

02/10/2014, Hasta el 7 de noviembre de 2014 la Galería Guillermo de Osma rinde homenaje a uno de los géneros más importantes de la Historia del Arte: el retrato.

Madrid, 2 de octubre de 2014
La Galería Guillermo de Osma reúne casi un centenar de obras realizadas desde finales del s. XIX y principios del s.XXI de artistas como Max Ernst, Torres-García, Barradas, Picasso, Man Ray, Antonio López o Warhol.

Aunque la historia nos hable de épocas en las que las gentes parecieron sentir predilección por otros predicados de la pintura (las naturalezas muertas en los siglos XVI y XVII, la mitología en el siglo XVIII, los paisajes en el XIX o los enredos estéticos en el XX), no ha habido ninguna en la que no se haya considerado el arte de retratar como el más excelso, sofisticado y valioso de cuantos instrumentos tiene el hombre a su alcance para conocer y recordar, es decir, para ahondar en el secreto que trae consigo a este mundo el ser humano y para perpetuar su memoria en aquellos otros que habrán de sucederle.

El retrato es tan sólo un fragmento de esa totalidad que viene a ser la naturaleza real viva. Una naturaleza perturbadora. El género del retrato refleja la intriga y la fascinación que oculta un personaje bajo su piel, bajo su mirada. El artista aborda este colosal desafío con la intención de mostrar el alma, la complejidad que se esconde en la mente del retratado, y ya puestos, con el deseo de que el personaje siga eternamente vivo, con su misterio a cuestas, perfecto e imperfecto, completándose eternamente.

Los retratos de los artistas, tanto los que hacen ellos a otras gentes como los que se hacen a sí mismos, detienen el tiempo y muestran toda la minuciosa urdimbre no sólo de esa vida que representan, sino la nuestra misma. Si “El niño de Vallecas”, la desvalida criatura velazqueña, subyuga a tantos es no sólo por descubrir nosotros en ella su expresión angélica en un cuerpo inhábil y una mente devastada, sino por mostrarnos lo cerca que se encuentran la pureza y la dicha de la animalidad, de lo irracional, y, por tanto, por recordar que nada hay tan humano como aquello que está a punto de perder su naturaleza humana, perpetuamente amenazada.

Cuando un pintor o un fotógrafo en su expresión más alta y noble nos dan testimonio de un rostro, están sacando, pues, a la luz no sólo lo que de personal y genuino tiene ese ser, haciendo visible lo invisible de él, sino todo aquello invisible nuestro, aquello que nos hermana, de todo aquello que nos hace humanos.

Retratos: De Toulouse-Lautrec a Eduardo Arroyo
Galería Guillermo de Osma
Calle Claudio Coello, 4, Madrid
Hasta el 7 de noviembre de 2014

Barroco, vanguardia y agrariedad

01/10/2014, Del 9 de octubre y hasta el 11 de enero de 2015 el Museu Nacional d´Art de Catalunya presenta una exposición sobre la creación artística catalana a lo largo de los siglos.

Barcelona, 1 de octubre de 2014
Un proyecto del Museu Nacional que repasa las conexiones entre la tradición artística y la vanguardia en el arte catalán.

Realizada a partir de obras, algunas anónimas, y otras de Joan Amades, Antoni Maria Alcover, Ramon Amadeu, Lluís Bonifàs, Joan Brossa, Juan Caramuel, Josep Comes i Solà, Joan Coromines, Salvador Dalí, Lluís Domènech i Muntaner, Apel.les Fenosa, J. V. Foix, Eduard Fontserè, Marià Fortuny, Josep Maria Jujol, Frederic Macau, Marià Manent, Ramon Martí Alsina, Cèsar Martinell, Joaquim Mir, Joan Miró, Pablo Palazuelo, Pablo Picasso, Josep Real Homs, Francesc Santacruz, Antoni Tàpies, Josefa Tolrà, Francesc Tramulles, el Vistaire de Sant Jeroni, Jacint Verdaguer y Bernat Vila, esta muestra propone una mirada transversal sobre la creación artística catalana y la idea de un posible hilo conductor invisible pero al mismo tiempo reconocible.

El Museu Nacional presenta la obra de artistas y creadores contemporáneos, buscándo un punto de encuentro entre estos y las tradiciones artísticas anteriores, logrando un diálogo que permanece vivo a lo largo del tiempo.

Madreperleros y ovaladores. Barroco, vanguardia y agrariedad
Del 9 de octubre y hasta el 11 de enero de 2015
Museu Nacional d´Art de Catalunya

Hubert de Givenchy en el Thyssen

01/10/2014, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, desde el 22 de octubre de 2014 hasta el 18 de enero de 2015, la primera gran retrospectiva del modista francés Hubert de Givenchy.

Madrid, 1 de octubre de 2014

La exposición, primera incursión del Museo en el mundo de la moda, está ideada por el propio Givenchy y ofrece por ello un enfoque excepcional de sus creaciones a lo largo de casi medio siglo, desde la apertura en 1952 en París de la Maison Givenchy hasta su retirada profesional en 1996.

El diseñador ha seleccionado alrededor de un centenar de sus mejores vestidos, procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo, para crear un diálogo entre éstos y un conjunto de obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde la fundación de su propia casa de costura, las colecciones de Givenchy han cosechado un éxito continuado. Admirador de la obra de Cristóbal Balenciaga, de él heredó una forma de hacer y de entender la costura que se caracteriza por la pureza de líneas y volúmenes.

Givenchy fue el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo en 1954 y sus diseños vistieron a algunas de las grandes personalidades del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Carolina de Mónaco o su gran amiga Audrey Hepburn.

La exposición dedica un capítulo especial a esta relación profesional y de amistad que se inició en 1954 y se prolongó durante toda la vida de la actriz. Audrey vistió sus diseños en algunas de sus películas más conocidas, como Sabrina o Una cara con Ángel, y declaró que “la ropa de Givenchy es la única con la que me siento yo misma. Es más que un diseñador; es un creador de personalidad”.

Como coleccionista de pintura, Givenchy ha reconocido en numerosas ocasiones la influencia del arte en su trabajo. Este aspecto sale a la luz en las salas a través de los diálogos que sus vestidos establecen con una selección de obras escogidas de artistas como Zurbarán, Rothko, Sargent, Miró, Robert y Sonia Delaunay o Georgia O ́Keeffe.

La exposición
El recorrido empieza con los comienzos de la Maison Givenchy, en 1952, con una selección de piezas destacadas de la que fue la primera colección en su propia casa de costura.

Destaca entre ellas la famosa blusa Bettina. Confeccionada con un material tan económico como la tela blanca de algodón, con cuello abierto y mangas adornadas con bordado inglés. Esta elegante blusa constituyó el primer gran éxito en su carrera.

Una selección de vestidos cortos, piezas de indumentaria en piel y delicados trajes en seda y lamé protagonizan las salas siguientes para mostrar una de las principales enseñanzas de su maestro Balenciaga: la importancia de los tejidos. El trabajo con los materiales hizo de Givenchy un diseñador innovador y rupturista, pero que nunca perdería de vista la elegancia y la sencillez, esencia de su talento.

Esta parte del recorrido culmina con una muestra de vestidos que combinan el blanco y el negro, introduciendo ya aquí la que será una de sus mayores señas de identidad: la maestría en el trabajo con el color negro.

El núcleo de la exposición está dedicado a mostrar las creaciones para algunas de sus principales clientas, figuras esenciales para mantener el éxito a lo largo de toda la vida de un modista.

Destacan entre ellas cuatro mujeres icónicas de la historia de la moda: la duquesa de Windsor, la princesa Grace de Mónaco, Jacqueline Kennedy y la actriz Audrey Hepburn, su musa desde que se conocieron en 1954.

Muchas de las piezas exhibidas forman parte de la historia del cine y de la memoria visual del siglo XX, como el vestido negro de Audrey Hepburn en la película Desayuno con diamantes. Un vestido que subraya la importancia del cine en la carrera del diseñador como plataforma de proyección internacional.

EL recorrido avanza a través de una selección de trajes que muestran el trabajo preciosista y artesanal en bordados y muselinas, hasta llegar a otra de las señas de identidad del estilo Givenchy: la elegancia en el uso del color.

Es aquí donde se puede observar de forma especial la influencia en sus diseños de los grandes pintores de la historia y cómo ha sido capaz de trasladar y transformar lo expresado en determinados lienzos, como las dos obras de Sonia y Robert Dealunay presentes en este espacio, dando lugar a algunas de sus creaciones más destacadas.

Esta conexión continúa en la sala siguiente, donde se establece un diálogo directo entre cuadros de Miró, Rothko, Ernst, Fontana o van Doesburg con algunos de sus vestidos más espectaculares.

Los trajes de novia y los vestidos de noche, son los protagonistas absolutos del siguiente espacio. Ambos constituyen una seña de identidad de la Maison Givenchy. Una selección de estos extraordinarios vestidos, realizados en diferentes épocas, permiten apreciar de nuevo el carácter innovador y rupturista de Givenchy, en perfecta sintonía con la elegancia clásica.

Frente al blanco inmaculado de los trajes de novia, en las creaciones para la noche destaca por encima del resto de tonos su color fetiche, el negro.

Givenchy consiguió una maestría inigualable en el trabajo impecable del color negro con la culminación y popularización del famoso ‘little black dress’, una pieza de indumentaria sencilla y de pureza de líneas y volúmenes que se convirtió desde entonces en indispensable en cualquier armario.

Nuevos hallazgos bizantinos

30/09/2014, El Museo de Israel, en Jerusalén, presenta por primera vez unas notables antigüedades de la época bizantina, descubiertas en 2013 en el Monte del Templo.

Jerusalén, 30 de septiembre de 2014
El hallazgo incluye el mayor medallón de oro hallado que ostenta motivos judíos así como otros materiales que fueron encontrados en sendas bolsas que contenían monedas de oro y plata y joyas de oro.

Según informa el Museo, los tesoros se hallaron en un edificio público del periodo bizantino, cerca de la pared sur del Monte del Templo, durante las excavaciones dirigidas por el Dr. Eilat Mazar, de Instituto de Arqueología de la Universidad Hebrea.

El medallón tiene, en su centro, una menorá (candelabro de siete brazos). A la izquierda, un shofar - el cuerno de carnero tradicionalmente soplado sobre el Año Nuevo judío y el Día de la Expiación, ya su derecha, un objeto no identificado - posiblemente un haz de mirto, sauce y la palma ramas, tres de las cuatro especies utilizadas durante la fiesta de Sucot y símbolos judíos comunes de la épocao.

El director del Museo de Israel afirmó que estas piezas están entre los más emocionantes hallazgos recientes de la arqueología. Ahora se exhiben en la Galería de Tierra Santa, del Ala de Arqueología, que se dedica al desarrollo simultáneo del judaísmo, el cristianismo y el Islam durante la época bizantina

El tamaño inusualmente grande del medallón plantea importantes cuestiones sobre su uso. Algunos eruditos creen que fue utilizado para decorar una Torá o un mueble, mientras que otros sostienen que se trataba simplemente de un gran adorno ceremonial. Al igual que muchos hallazgos de este período, la combinación del medallón de símbolos refleja la noción atemporal de anhelo judío por la restauración del Templo, destruido por los romanos en el año 70.

Una de las dos bolsas de tela en el que se encontró el tesoro llevaba treinta y seis monedas de oro, con los retratos de los emperadores bizantinos de la época en un período de 250 años. La última moneda está fechada 602 d.C. Lo que que indica que el tesoro se ocultaría a principios del siglo séptimo, posiblemente durante la invasión persa del año 614.

El Museo de Israel es la mayor institución cultural en el Estado de Israel y se encuentra entre los museos de arte y arqueología del mundo. Fundado en 1965, el museo alberga colecciones enciclopédicas que van desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo e incluye las más extensas propiedades de la arqueología bíblica y Santo-tierra en el mundo, entre ellos la Rollos del Mar Muerto.

Medio Siglo del Museo de Antropología

30/09/2014, El Museo Nacional de Antropología de la ciudad de México, uno de los centros más importantes del mundo en su género, cumplió el pasado 17 de septiembre medio siglo de existencia.

Ciudad de México, 30 de septiembre de 2014
Este centro cultural, que cada año recibe a más de dos millones de viajeros, es uno de los emblemas de la capital mexicana y destaca por su excepcional contenido y su notable arquitectura, en la que integra espacios expositivos cerrados y abiertos, sobre un área de más de 70.000 metros cuadrados, en la que reina una gran facilidad para el flujo de personas y excelentes perspectivas y luz para la contemplación de las obras. Es un trabajo de Pedro Ramírez Vázquez (1919 -2013) el más emblemático de los arquitectos mexicanos del siglo XX.

En el Museo se presenta una de las más importantes colecciones de piezas prehispánicas del mundo, de trabajos de culturas diversas como la olmeca, maya, tolteca, teotihuacana... y piezas famosísimas en todo el mundo como la Piedra del Sol o Calendario Azteca o el monolito de Tlaloc.

El Museo Nacional de Antropología cuenta con 24 salas de exhibición, de las cuales 23 son permanentes y una está destinada a exposiciones temporales. Enclavado en el Bosque de Chapultepec, fue realizado en un tiempo récord, apenas 19 meses, entre febrero de 1963 y septiembre de 1964, y su inauguración se realizó el 17 de septiembre de este último año. Este centro cultural con salas dedicadas a la arqueología y etnografía, dispone de más de ocho mil piezas en exhibición.

Diversos actos y mejoras se han efectuado en el Museo, con motivo de este aniversario, desde conciertos hasta la creación de una nueva página web, en la que se facilita el acceso a personas con discapacidad auditiva o visual.

Como trabajo previo al aniversario un equipo de restauradores ha procedido a dar lustre a buen número de piezas de gran formato, trabajando en más de 160 monolitos de la Sala Mexica, así como en estelas, dinteles y otras piezas expuestas de forma directa en la Sala Maya

Iconos del México antiguo como la Piedra del Sol, la diosa telúrica Coatlicue o el Señor de las Flores, Xochipilli; así como estelas y dinteles que llevan grabada la gloria de ciudades mayas, han sido revisados por un equipo de profesionales, guiados por la restauradora Claudia Blas Rojas del Laboratorio de Conservación del museo, para retirar la grasa táctil acumulada en la superficie de estas piedras que fueron esculpidas hace siglos y que —en el caso de varias de ellas— engalanaron la vieja Galería de Monolitos inaugurada en 1887 por Porfirio Díaz, la primera galería arqueológica del país.

Las labores de limpieza que se realizaron en los monolitos partieron de una metodología basada en el reconocimiento de los materiales constitutivos de las piezas escultóricas. “Los monolitos de la Sala Mexica son básicamente de origen volcánico, mientras que las estelas y dinteles que se encuentran en la Sala Maya fueron realizadas en piedras calizas”, según explicó Claudia Blas Rojas, experta del Laboratorio de Conservación del Museo Nacional de Antropología.

Gracias a este proceso de limpieza, las piezas expuestas de forma directa al público en la Sala Maya, entre ellas estelas y dinteles milenarios que rebasan el metro y medio de altura, procedentes de las antiguas ciudades como Yaxchilán y Calakmul, lucen de nuevo su superficie nívea característica de la piedra caliza.

Otra de las actividades de interés ha sido la presentación de una muestra dedicada a los códices: Los Códices de México, memorias y saberes, con la que el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) exhibe unos documentos excepcionales, en el marco de la celebración de los 75 años de vida del INAH y los 50 del Museo de Antropología.

La exposición se presenta en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo Nacional de Antropología, del 18 de septiembre de 2014 al 11 de enero de 2015, y muestra 44 códices que por razones de conservación permanecen habitualmente resguardados en la bóveda de seguridad de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia.

El Museo Reina Sofía y Soledad Lorenzo

29/09/2014, El Museo Reina Sofía recibe en depósito y con promesa de legado un total de 385 obras procedentes de la colección de la reconocida galerista Soledad Lorenzo.

Madrid, 29 de septiembre de 2014
El Museo Reina Sofía recibirá próximamente un depósito de gran parte de las obras conservadas por Soledad Lorenzo, una de las galeristas españolas más importantes a nivel internacional. Son 385 trabajos de 90 artistas, la mayoría españoles, en todos los formatos; aunque predomina la pintura, hay escultura, fotografía, obra gráfica, instalaciones, o audiovisuales.

Este generoso gesto se realiza con promesa de legado por parte de la galerista, es decir la depositante realizará las gestiones necesarias para disponer, por vía testamentaria, el futuro legado de las obras objeto del contrato a favor del Museo Reina.

El conjunto ofertado es un exponente del papel protagonista desempeñado por la galería de arte en nuestro país a partir de los años 80 del pasado siglo.

Entre los artistas de este importante depósito figuran Juan Uslé, Pablo Palazuelo, George Condo, Adrià Julia, Sergio Prego, Txomin Badiola, Pérez Villalta, José Manuel Broto, José María Sicilia, Miquel Barceló, Pello Irazu, Victoria Civera, Antoni Tàpíes, Gordillo, José Guerrero o Soledad Sevilla.

Stephen Shore en la Fundación Mapfre

29/09/2014, Fundación Mapfre presenta la primera exposición retrospectiva de la obra de Stephen Shore, uno de los fotógrafos contemporáneos cuya influencia ha sido más visible y destacada para diversas generaciones de fotógrafos.

Madrid, 29 de septiembre de 2014
A lo largo de su extensa carrera, que comenzó muy temprano ya que con tan sólo 23 años expuso en el Metropolitan Art Museum de Nueva York, Shore ha sido galardonado con importantes premios y ha contado con numerosas monografías y con más de cincuenta exposiciones individuales en los museos más prestigiosos.

La exposición de la Fundación Mapfre muestra cerca de 260 obras y recorre los principales núcleos conceptuales de su práctica fotográfica: la reflexión sobre el lenguaje fotográfico, el análisis sobre el paisaje y el significativo uso del color y del blanco y negro. En la selección se han incluido serie tan célebres como Uncommon Places y American Surfaces junto con algunos de sus trabajos inéditos posteriores.

La precocidad con que comienza la trayectoria profesional de Stephen Shore es ya legendaria. Además de su temprana afinidad con la obra y el temperamento de Walker Evans, cuyo trabajo descubre muy pronto, el encuentro con Andy Warhol y su experiencia en la Factory -que frecuenta asiduamente entre 1965 y 1967- contribuyeron a la configuración de una formación autodidacta especialmente atípica.

A mediados de los años sesenta, la entrada de la fotografía en el campo artístico se realiza a través de una estética que se aleja de los postulados dominantes de la época. La apariencia de neutralidad y un tratamiento del tema aparentemente desinteresado o distante, fueron las características que, paradójicamente, permitieron a la fotografía ser plenamente aceptada como arte.

El carácter reiterado, sistemático y secuencial, así como la atención al aspecto exacto de la posición geográfica o temporal del registro son las características que vinculan las primeras piezas de Shore con la obra de otros artistas conceptuales del momento.

En esos mismos años Shore realiza diversos proyectos en los que se propone indagar en torno a los usos y modalidades del lenguaje fotográfico y, muy específicamente, sobre la estética de la fotografía amateur y utilitaria: la estética de la instantánea. Greetings from Amarillo. Tall in Texas y American Surfaces son trabajos que se incardinan en esta línea de investigación.

Después de haber experimentado con una cámara de juguete, realiza un set de diez postales perfectamente impresas según los estándares de la época, que ilustran una serie de monumentos locales de la ciudad de Amarillo. Tan sólo un detalle delata su operación: además del carácter totalmente anónimo de los edificios elegidos, en el dorso de las postales se elude cualquier información sobre su localización, convirtiendo así los lugares fotografiados en misteriosos souvenirs de una ciudad sin nombre.

En éste y su siguiente proyecto, American Surfaces, prosigue su investigación en torno a lo que Shore ha definido snapshotness, cuya mejor expresión se revela precisamente en aquello que podía interpretarse como un error o una dejadez por parte del fotógrafo. El diario visual que realiza en sus viajes por Estados Unidos no muestra en realidad vistas espectaculares, ni lugares memorables o momentos culminantes. Todo viene fotografiado con un estilo presuntamente neutro, sin emoción, aparentemente anónimo –como el propio tema que representaba–, imitando de forma consciente los rasgos de la estética amateur.

En 1973, Stephen Shore decide trabajar con una cámara de mayor formato y matizar la apariencia de sus imágenes como instantáneas. Sigue viajando a lo largo y ancho de Estados Unidos inspirándose en los temas de su serie American Surfaces aunque, paulatinamente, el dispositivo técnico, que requiere largas exposiciones y trípode, irá modificando su práctica en composiciones cada vez más complejas en las que destaca un virtuosismo hasta entonces encubierto.

Uncommon Places plantea también problemáticas cada vez más sutiles acerca de la representación del territorio y la visualización de esas fuerzas culturales –económicas y políticas– implícitas en las diversas expresiones en que se manifiestan y toman cuerpo: en las formas decorativas, arquitectónicas y urbanísticas.

Cuando Shore se da cuenta de que el cambio de cámara altera la naturaleza de su exploración decide llevar a cabo otro tipo de diario (Road Trip Journal) compuesto a partir de todo tipo de documentos que encuentra a lo largo de su periplo: postales, tickets o facturas que le fascinan en tanto que artefactos culturales.

Habiéndose convertido en uno de los máximos referentes por sus trabajos sobre el paisaje urbano y suburbano, Shore contradice de nuevo los criterios dominantes en la escena artística y comienza a trabajar en un entorno natural menos visiblemente alterado por la mano del hombre.

En 1980 deja Nueva York para instalarse temporalmente en el estado de Montana y el paisaje se convierte en un laboratorio visual a través del cual afrontar nuevos retos. No se rinde al diktat epocal que hace que parezca desfasado fotografiar en plena naturaleza, ni elude la espinosa cuestión de lo pintoresco. Las fotografías de Shore trascienden la representación del territorio geográfico para poner de relieve cómo la percepción, mediada por la fotografía, impone un determinado horizonte de expectativas que modela nuestra comprensión y experiencia del lugar.

A principios de los años 90 Shore toma otra decisión de carácter programático: trabajar en blanco y negro durante los siguientes diez años. Shore realiza el primer proyecto que inaugura esta nueva etapa en los bosques de los Montes Adirondack, (Essex County) donde destaca una visión sutilmente magnificada de las texturas y las superficies que nos devuelve al núcleo conceptual de su obra en torno al tema la transfiguración del mundo en imagen.

En sus fotografías de los yacimientos arqueológicos de Hazor y Ascalón (Arqueología) el recurso del blanco y negro se alía con la reflexión sobre el vínculo de este tipo de película con la representación del pasado. Aquí, lo vernacular de hace miles de años, emerge a la superficie para ser sometido al análisis de un saber que arqueología y fotografía comparten: averiguar a través de sus artefactos a qué se parecía esa época.

Finalmente con New York City (realizada entre el año 2000 y 2002), Shore culmina esta década en blanco y negro, Shore se propone reevaluar el estilo de la street photography con una cámara de placas y pone a prueba su dominio del lenguaje fotográfico.

Entre los años 2012 y 2013, el fotógrafo viaja a Ucrania para retratar a algunos de los últimos supervivientes del holocausto que, por sus orígenes, quedaron atrapados entre su pasado como judíos y aquello que tuvieron que afrontar bajo el régimen estalinista: una vida en las grietas más inhóspitas de la historia.

El enfoque de Shore no da pie al dramatismo, su mirada tiene la misma curiosidad atenta por cada detalle de la vida diaria de estas personas y su entorno, que la contemplada en Uncommon Places. El uso de la cámara digital lo vincula también con esta serie, puesto que ahora tiene a su disposición la posibilidad de alcanzar aquello que antes técnicamente solo podría lograr una cámara de gran formato, pero con las ventajas de la manejabilidad y la velocidad de las 35mm.

En el reciente proyecto Winslow volvemos a encontrar la reflexión sobre esos espacios donde distintas fuerzas culturales intervienen, manifestándose a través de todo tipo de artefactos, en la idiosincrasia arquitectónica del lugar o en el carácter de su urbanismo, atendiendo también a las distintas capas de tiempo que ponen en relación elementos de distintas épocas.

A pesar de trabajar con una cámara digital, Shore se somete voluntariamente a la misma economía de medios empleada con la cámara de gran formato: una única toma para cada tema, aunque por razones muy distintas. Lo que antes se debía a una necesidad de ahorro, aquí se ha convertido en una limitación autoimpuesta que le permite seguir respondiendo a los nuevos retos planteados. En este caso, el desafío de fotografiar Winslow en un solo día como ejercicio de carácter performático.

Stephen Shore
Fundación Mapfre
Hasta el 23 de noviembre de 2014

De Asiria a Iberia

26/09/2014, De Asiria a Iberia en los albores de la Época Clásica es la exposición que presenta el Metropolitan de Nueva York, del 22 de septiembre de 2014 al 4 de enero de 2015.

Nueva York, 26 de septiembre de 2014
El Imperio Asirio —en los siglos VIII a VII a. C.— era la potencia dominante del antiguo Oriente Próximo, y el imperio más grande del mundo hasta ese momento. Ocupaba una franja continua de 1600 kilómetros entre Asiria (actual norte de Irak) y el Mediterráneo.

A medida que Asiria fue expandiéndose, las ciudades-estado fenicias del Levante —asentadas precariamente a lo largo de la frontera del territorio asirio— se vieron obligadas a ampliar y fortalecer sus redes de comercio marítimo hacia el oeste. Las conexiones mercantiles que establecieron por toda la costa norte de África y desde la costa sur europea hasta el estrecho de Gibraltar y el Atlántico, se convirtieron en conductos para el tránsito de materias primas, objetos de lujo, imágenes e ideas entre Oriente Próximo y el Mediterráneo.

Fue aquel un anticipo de globalización del arte, en el que se difundieron por un extenso territorio mundial gustos, creencias y objetos de consumo.

Esta histórica exposición del Museo Metropolitano de Arte, De Asiria a Iberia en los albores de la Época Clásica, desarrolla, a través de unas 260 obras de arte llegadas de todo el mundo, las raíces de la interacción entre el antiguo Oriente Próximo y las tierras próximas a las costas mediterráneas, así como su impacto en las tradiciones artísticas que se desarrollaron en la región.

Entre las obras expuestas, provenientes de 41 museos de 14 países, se cuentan monumentales esculturas, relieves murales, marfiles tallados, orfebrería fina y joyas de lujo, todos ellos creados por antiguos artesanos de Oriente Próximo y la región mediterránea.

La muestra está estructurada en torno a tres temas principales: la expansión terrestre de Asiria desde el norte de Mesopotamia hacia el oeste mediante conquistas militares en los albores del primer milenio a. C.; la expansión fenicia por vía marítima, a través del desarrollo de relaciones comerciales y fundación de colonias, y, por último, la adopción y adaptación de imágenes y técnicas de Oriente Próximo por parte de artesanos del Mediterráneo occidental. Una última galería muestra obras que reflejan el "traspaso" de poder a Babilonia tras el saqueo de Nínive (la capital asiria) en el año 612 a. C.

La expansión de Asiria
A principios del primer milenio a. C., los reyes asirios comenzaron a avanzar hacia el oeste promoviendo campañas militares anuales. Con cada nueva conquista, las arcas asirías se abastecían de inmensas cantidades provenientes de botines y el cobro de tributos: tanto materias primas como objetos de lujo. Esta agresiva política expansionista de Asiria se refleja en muchas obras del arte oficial de la época, creadas para celebrar y glorificar los éxitos de sus reyes.

Una de las primeras obras monumentales que se exhiben —un raro ejemplo de escultura asiria circular que ha llegado hasta nuestros días— es una estatua del rey asirio Asurbanipal. Su estatua se talló en piedra que probablemente se trajo de una campaña militar en el extranjero. Una inscripción cuneiforme en el torso registra las campañas del rey en el oeste, que llegaron hasta el "Gran Mar.

Las corrientes artísticas se movieron en un doble sentido entre Asiria y el exterior. Así, por ejemplo, el contacto frecuente, por lo general hostil, entre Asiria y Urartu —el reino bíblico de Ararat, que corresponde a la actual Armenia, el este de Turquía y el noroeste de Irán— impulsó una considerable influencia de los asirios en el arte urartuano.

Expansión fenicia
Los fenicios, cuyos navíos hizo famosos Homero en su Odisea, eran emprendedores, gentes de mar y maestros navegantes que recorrían el Mediterráneo en rápidos y robustos barcos mercantes, generalmente para buscar fuentes de minerales metálicos por el Mediterráneo occidental. Establecieron puestos comerciales y colonias en toda la zona, y también en Cartago, en la costa del norte de África.

Las materias primas que adquirían los fenicios se transformaban en artículos de lujo muy demandados por todo el antiguo Oriente Próximo y la región del Mediterráneo. Los artesanos fenicios incorporaban en sus obras una hábil combinación de elementos de varias culturas: los más destacados, los motivos egipcios. Además, este pueblo introdujo su alfabeto fonético —el precursor del alfabeto utilizado hoy día en todo el hemisferio occidental— por todo el Mediterráneo.

Adopción de tradiciones artísticas
En los yacimientos arqueológicos por todo el Mediterráneo se han encontrado objetos ornamentados con motivos populares en Oriente Próximo, tales como esfinges, aves con cabeza humana, grifos y la "Dama de los Animales", entre otros muchos. En algunos casos, los objetos se fabricaron en Oriente Próximo —o tal vez fueran realizados por artesanos orientales residentes en el oeste—, pero con frecuencia eran producidos localmente por artesanos que incorporaban imágenes de estilo oriental a su propio repertorio.

El corazón de este sistema mediterráneo latía al ritmo de sus navíos. La exposición incluye descubrimientos procedentes de embarcaciones que naufragaron en las costas de España: así, por ejemplo, trabajos en metal, pesos, un altar fenicio y colmillos de elefante con inscripciones de los nombres de los dioses y diosas fenicios.

Babilonia toma el poder
Después de tres siglos de dominio asirio, Babilonia se alió con los medos del oeste de Irán y provocaron la paulatina retirada y derrota final de los ejércitos asirios, hasta, en última instancia, llegar a atacar y destruir la ciudad de Nínive. Nabucodonosor II (reinado: 604-562 a. C.) reconstruyó Babilonia a gran escala, y se esforzó por hacerse un lugar privilegiado en la Historia. La muestra expone una serie de estelas que cuentan la historia de la transición del poder de Asiria a Babilonia.

La exposición presenta un modelo de la famosa Puerta de Ishtar y la Vía Procesional de Babilonia, junto con varios relieves auténticos de estos monumentos.

Tutankamón en Alicante

26/09/2014, Durante cuatro meses los alicantinos podrán disfrutar de más de mil réplicas de piezas del tesoro faraónico de Tutankamón.

Alicante, 26 de septiembre de 2014
A falta de confirmar su ubicación, Alicante acogerá desde el 21 de diciembre de 2014 y hasta el 12 de abril de 2015 una exposición con reproducciones de más de mil piezas del tesoro de Tutankamón, idénticas a las originales que pueden contemplarse en el museo del Cairo, y que fueron encontradas por Howard Carter a principios del siglo XX en el Valle de los Reyes.

La futura muestra de los preciados objetos que fueron enterrados con el famoso faraón estará acompañada por diversas actividades, como conferencias, concursos y documentales sobre el descubrimiento de su tumba y su misteriosa muerte. Una gran oportunidad para conocer los secretos de una de las civilizaciones más antiguas y asombrosas del mundo.

EL REY NIÑO
Tutankamón reinó durante la XVIII dinastía de Egipto. Tutankamón ascendió al trono con unos ocho o diez años, de ahí el apodo que se le ha dado de "El faraón niño". Su reinado duró aproximadamente 9 años, al morir de manera prematura antes de cumplir los 20 años. Existen varias teorías sobre el motivo de la muerte de Tutankamón, las más sostenidas son dos: la malaria, o un accidente en combate.

El reinado del joven Tutankamón constituyó un paulatino retorno a la normalidad en el plano socio-religioso, tras la época de revolución monoteísta de Akenatón. A pesar de su intento por restaurar los antíguos valores, el reinado de Tutankamón fue muy corto y su figura no trascendió de manera notable. Tanto es así que el faraón fue enterrado en una pequeña tumba del Valle de los Reyes, la KV62, que no fue descubierta hasta 1922.

La actual fama de Tutankamón no es debida a su papel en la historia del Antiguo Egipto, sino más bien al descubrimiento tardío de su tumba intacta, y en la que se encontraron joyas, muebles, armas y utensilios de gran valor para la historia y la cultura egipcia.

Neftalí Notario, en la Cité du Temps

25/09/2014, El fotógrafo Neftalí Notario presenta “El Instante”, una colección de sus espectaculares fotografías, en la Cité du Temps de Ginebra.

Ginebra, 25 de septiembre de 2014
La muestra está abierta del 25 de septiembre al 28 de octubre y se compone de 20 trabajos, en los que intenta retener la huella de otros tantos instantes vividos con emoción por él, en distintos parajes del mundo.

Sus vigorosas imágenes fotográficas en blanco y negro son el resultado de un reciente viaje por el mundo, lo que le llevó por la India, Argentina, Chile, Indonesia o Tailandia.

El artista explica su labor en estas palabras: "Estas fotos son más que recuerdos. Para mí, que reflejan experiencias de vida”. "Las emociones descritas son tan variadas como los temas. El espectador es transportado en un viaje de muchos contrastes que combina la admiración y el asco, la violencia y la tolerancia, el objeto de consumo y la espiritualidad.

Las imágenes despiertan curiosidad del espectador y le incitan al viaje y a la búsqueda de la libertad y el enriquecimiento personal. El lenguaje artístico se transmite tanto por figuras humanas, animales y paisajes. Las imágenes de peregrinaciones buscan expresar y capturar emociones, estados de ánimo. El desierto de Atacama en Sudamérica, por ejemplo, habla acerca de la inmensidad y la poesía de la naturaleza. A veces, el mensaje puede sorprender como la imagen de un volcán indonesio que transcribe el silencio, o la de un mono que juega Bali que encarna la serenidad. Otras fotografías evocan lo fascinante de la cotidianeidad; evocan un momento de meditación en un monasterio o la admiración que siente un hombre en bicicleta al cruzarse con otro ciclista.

La exposición intenta ser “una puerta de embarque en un viaje de la mente, y una puerta de entrada al corazón”.

Es esta la primera exposición pública de Neftali Notario., quien descubrió su pasión por los viajes y la fotografía mientras estudiaba en la Escuela de Artes Decorativas de Ginebra. Después, trabajó durante diez años como director de arte para una selección las marcas de lujo en las áreas de bienes de consumo, hoteles, bancos, y servicios de aviación. Además de su amor por la fotografía y los viajes, se interesó en el video, música, el cine, la pintura y la ilustración. Pero en medio de esta rica paleta de intereses, lo que seduce al fotógrafo en la magia del viaje.

Situado en el corazón de Ginebra, el edificio industrial que alberga la Cité du Temps es un símbolo de la ciudad desde 1840. Fue construido para el suministro de agua a la ciudad y ahora está gestionado por Grupo Swatch, que lo dedica a las exposiciones permanentes y temporales.

Sonia Diogo
En el centro se presenta ahora también una exposición llena de color de la artista Sonia Diogo, hasta el 19 de octubre.

Se trata de una serie de pinturas integrada bajo el título de “Cosmos & Vertus” que muestra una visión personal de un universo relacionado con los cuentos y viajes, en los que aparece un mundo metamorfoseado. Nacida en 1980 en Benín, el mundo de la artista se ha enriquecido con viajes y narraciones, y se ha plasmado en pinturas con tonos fauvistas y formas que se acercan al cubismo.

Esto me trae aquí...

25/09/2014, El Museo Nacional de Escultura de Valladolid presenta una muestra que rescata del olvido la figura de Ricardo de Orueta y la reivindica como referencia obligada de la historia de la cultura española del siglo XX.

Valladolid, 25 de septiembre de 2014
En el 75 aniversario de su fallecimiento, el Museo Nacional de Escultura presenta una exposición sobre el que fue uno de los artífices de la entrada de España en la modernidad y una figura imprescindible en el ámbito del arte y del patrimonio del siglo XX, Ricardo de Orueta.

Esto me trae aquí. Ricardo de Orueta (1868-1939) traza un recorrido por la biografía personal, intelectual y política de Orueta, una figura siempre omitida cuando se describe esa «fiesta de la inteligencia» que fue la Edad de Plata del primer tercio del siglo XX español. Olvido injusto, porque en vida, Orueta dio testimonio de una autoridad artística, una integridad moral y una modernidad como gestor cultural protector del patrimonio que le valieron un extendido aprecio público. El título de la exposición, Esto me trae aquí, resume su combativa decisión de poner a España a la cabeza de las naciones europeas en el respeto, la custodia y la concienciación del valor de su tesoro artístico.

De formación institucionista y convicciones republicanas, Ricardo de Orueta (Málaga, 1868-Madrid, 1939) encarnó los ideales y promovió iniciativas brillantes y decisivas para el patrimonio y la cultura nacional. Su vida intelectual y pública estuvo asociada a símbolos culturales tan significativos como la vanguardia intelectual malagueña, la Institución Libre de Enseñanza, la Residencia de Estudiantes, el Centro de Estudios Históricos o las Misiones Pedagógicas.

Orueta desarrolló un comprometido activismo en contra del expolio patrimonial que padeció el país en las primeras décadas del siglo, y recuperó a los grandes escultores españoles del Siglo de Oro.

Desde su puesto de Director General de Bellas Artes en la II República, durante 1931-33 y en 1936, puso en pie toda una política de salvaguarda y difusión pública del tesoro artístico español, de sus monumentos, su arte y sus museos, que culminó en la promulgación de la Ley del Tesoro Artístico de 1933, una de las más avanzadas de Europa.

Esto me trae aquí. Ricardo de Orueta (1868-1939)
Hasta el 8 de diciembre de 2014
Museo Nacional de Escultura
Cadenas de San Gregorio, 1 y 3. Valladolid

Alexander Calder III

24/09/2014, A partir del 27 de septiembre se puede ver en la Fundación Beyeler (hasta el 6 de septiembre 2015) la tercera exposición de la serie dedicada a Alexander Calder (1898–1977).

Basilea, 24 de septiembre de 2014
La muestra es resultado de un acuerdo a largo plazo entre la Fundación Beyeler(Riehen, Suiza) y la Calder Foundation (Nueva York), destinada a presentar una serie itinerante Alexander Calder Galery integrada por tres exposiciones sobre diversos aspectos específicos de la obra del escultor estadounidense.

La primera muestra se vio en 2012, la segunda en 2013 y ahora, el 27 de septiembre de 2014, se inaugurará la tercera exposición de la serie, dedicada a las primeras pinturas abstractas del artista, que mantienen un diálogo fascinante con sus esculturas revolucionarias de la década de 1930.

Estas pinturas abstractas raramente presentadas en público sirven para estudiar el cambio decisivo en la creación del artista, desde la figuración a la abstracción, preludiando sus primeras esculturas abstractas. En este momento, el artista no sólo aportaría la dimensión del movimiento, sino que también introduciría nuevos conceptos tales como la intervención del espectador y la interacción con el sonido.

En 1926, Calder se trasladó a París; en los años siguientes se convirtió en un habitual del foco vanguardista del arte. Calder se hace rápidamente conocido por el Cirque Calder, una obra experimental que muchos artistas contemporáneos acuden a contemplar, incluyendo Piet Mondrian, que a su vez invita Calder a su estudio en octubre 1930 espacio que le encantará e intrigará.

Después de su visita al estudio de Mondrian, Calder hizo sus primeras telas abstractas; redujo la composición pictórica a unos pocos elementos simples que alimentan su reflexión sobre las relaciones espaciales básicas entre formas, colores, líneas y superficies.

Los vínculos con otros artistas modernos como Wassily Kandinsky y Jean Helion son evidentes también en estas composiciones. Calder explora temas centrales y motivos que transpone poco después de la escultura. Este desarrollo conduce en última instancia a sus abstractas esculturas de alambre, a la invención de móvil en 1931 y sus esculturas motorizadas.

Las pinturas abstractas Calder ofrecen a los visitantes un redescubrimiento de la obra del escultor. Esta tercera Alexander Calder Gallery cierra la trilogía presentada en la Fondation Beyeler.

Encuentro mundial de peregrinaciones en Corea

24/09/2014, Del 26 al 29 de septiembre, se reúne el World Pilgrimage Festival Jeonbuk, en Corea, en el que se analiza el mundo de la peregrinación, como un hecho intercultural de interés mundial.

Jeonju (Corea del sur), 24 de septiembre de 2014
En el programa se analizarán aspectos relativos a las distintas peregrinaciones mundiales, como la del Camino de Santiago o las que tienen como objetivo a Lhasa, centro espiritual tibetano; Chartres, lugar de peregrinación medieval por albergar el velo de la Virgen, o Shikoku (Japón), también famoso centro de visitas por su ruta de los 88 templos.

Los organizadores han invitado este ańo a participar a representantes de la Catedral de Santiago , la Asociación de Amigos del Camino de Santiago de Astorga, y la Asociación del Camino de Santiago de Corea en Madrid.

El evento pretende servir de encuentro y unión entre culturas, creencias y religiones con la finalidad de generar un marco de amistad mutua, respeto y prosperidad entre quienes trabajan en el patrimonio cultural e histórico surgido a partir de los grandes caminos de peregrinación.

Juan Carlos Pérez, presidente de la prestigiosa Asociación del Camino de Santiago en Astorga, que mantiene uno de los centros de acogida al peregrino más emblemáticos de la ruta a Compostela, afirmó que en su intervención hablará del sentido de la hospitalidad en el siglo XXI, así como la necesidad de ahondar en la colaboración del voluntariado social como uno de los elementos fundamentales que han hecho del Camino de Santiago lo que hoy es.

Según Pérez, el gran interés del encuentro estriba en compartir conocimientos y significados, así ahondar en la visión de las peregrinaciones como elemento clave en la generación de lazos de unión entre los habitantes de las diferentes culturas y nacionalidades del mundo.

Pese a su lejanía, Corea es un país que genera un importante flujo de peregrinos a la ruta compostelana, de modo que en 2013, por ejemplo, figura con Estados Unidos, Canadá y Australia, entre los grandes emisores de viajeros.

Pont d´Arc, en la lista de la UNESCO

24/09/2014, Uno de los lugares más espectaculares que en el 2014 entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO es la gruta de Pont d´Arc (Francia).

París, 24 de septiembre de 2014
Este lugar, conocido como Gruta Chauvet-Pont d’Arc, se halla en el departamento del Ardиche, Francia, a poca distancia del Ródano y a unos 70 Km. al noroeste de Aviñón.

En esta zona, en una meseta calcárea del río Ardиche, se hallan la cueva que atesora unos sorprendentes dibujos figurativos de una amplia colección de animales; no sólo animales de caza, sino cazadores como los osos, las panteras o los leones.

Según la UNESCO, se trata de unos dibujos que están entre los más antiguos y mejor conservados del mundo, realizados en el Periodo Auriñaciense (esto es, entre 30.000 y 32.000 años atrás).

Esta amplia serie de fauna constituye un testimonio excepcional del arte prehistórico.

Descubierta en 1994, la cueva está en la comuna de Vallon-Pont-d'Arc, en un acantilado calizo, junto al viejo cauce del río Ardиche, un afluente occidental del Ródano.

La cueva tiene restos de actividades humanas de dos épocas, la Auriñaciense y la Gravetiense. Los más importantes corresponden a la primera. De la segunda apenas hay vestigios.

Hace unos 20.000 años, un desprendimiento de rocas cerró herméticamente la entrada de la gruta hasta su hallazgo en 1994, lo cual permitió que se conservara en su estado primigenio.

Hasta la fecha se han podido catalogar más de 1.000 imágenes pintadas en sus paredes con una gran variedad de motivos de animales y antropomórficos. Su calidad estética es excepcional y su ejecución pone de manifiesto el dominio de toda una serie de técnicas: pericia en el uso de los colores, combinación de la pintura y el grabado, preparación del fondo, precisión anatómica, tridimensionalidad y sentido del movimiento.

Las imágenes muestran diversas especies animales peligrosas y difíciles de observar en esa época (mamuts, osos, felinos, rinocerontes, bisontes y uros), y también se han hallado unos 4.000 restos catalogados de fauna prehistórica y un variado conjunto de huellas humanas.

Caminos a la escuela. 18 historias de superación

23/09/2014, Una exposición que muestra los trabajos de 18 fotoperiodistas, que describen los desafíos a los que se enfrentan niños de todo el mundo para llegar cada día a sus centros de estudio.

Madrid, 23 de septiembre de 2014
Para la mayoría de los niños ir a la escuela representa un pequeño gesto, como dar un corto paseo o subirse al autobús del colegio. Para otros, significa cruzar montañas, desiertos, ríos, aguas heladas, escenarios de conflictos armados o barriadas extremadamente peligrosas. Sacrificios inconcebibles que para ellos merecen la pena porque son conscientes de que acceder a la educación es su única salida hacia una vida mejor.

Su determinación demuestra que la esperanza de estos niños supera obstáculos tan arraigados como la pobreza, la desigualdad de género, la marginación social, la inseguridad en las zonas urbanas, los peligros naturales o los conflictos bélicos.

Dieciocho periodistas gráficos de Sipa Press viajaron por el mundo para capturar estas 134 impactantes y conmovedoras imágenes. Mientras seguían los pasos de escolares de todo el mundo descubrían estas barreras no sólo en países tan previsibles como Nigeria, Tailandia, Libia o India, sino sorprendentemente, también en países del denominado “primer mundo” como Japón, Francia o Estados Unidos.

Historias reales, con nombres y caras, están presentes en esta exposición, que invita al visitante a viajar con estos niños, compartiendo sus desafíos, y a reflexionar sobre las tremendas circunstancias que a día de hoy siguen impidiendo a muchos pequeños acceder a la educación.

La alfabetización es un derecho humano fundamental y constituye la base del aprendizaje a lo largo de toda la vida. Resulta esencial para el desarrollo humano y social, por su capacidad de transformar la vida de las personas. Es un instrumento que confiere autonomía con miras a mejorar la salud y la relación con el mundo.

Caminos a la escuela. 18 historias de superación se presentó por primera vez en Nueva York, en la sede de Naciones Unidas, en marzo de 2013. Posteriormente la exposición viajó a Francia donde se expuso primero en la sede de la UNESCO (París) y después en Calais, Vannes, Nantes, Bordeaux, St Etienne, Arles, Perpignan, La Rochelle y Macon. Ahora llega a la Fundación Canal en Madrid para acercar al público español estas historias reales de superación y esperanza.

Caminos a la escuela. 18 historias de superación
Fundación Canal
Mateo Inurria, 2. Madrid
Del 25 de septiembre de 2014 al 6 de enero de 2015

Al desnudo. Colección Ordóñez Falcón de Fotografía

23/09/2014, 93 obras fotográficas y 4 vídeos componen la exposición Al desnudo. Colección Ordóñez Falcón de Fotografía que podrá verse en TEA Tenerife Espacio de las Artes hasta enero de 2015.

Santa Cruz de Tenerife, 23 de septiembre de 2014
La relaciףn de la fotografםa con el desnudo ha estado siempre marcada por la atribuciףn de objetividad y realismo que siempre se ha dado al medio fotogrבfico, por el peso que en ella tiene la funciףn social o los diferentes usos que se le pueden otorgar, por su fuerte vinculaciףn con el voyeurismo, por su relaciףn con el consumo masificado de imבgenes y con la construcciףn y difusiףn de estereotipos, asם como por el hecho de que se tienda a considerar que una fotografםa genera una acciףn refleja en el espectador, sin la mediaciףn de otros medios como la pintura o la escultura.

Todo ello ha hecho que el desnudo encontrara en la fotografםa un terreno privilegiado para su desarrollo y expresiףn. El medio fotogrבfico por su parte, ha encontrado en el desnudo, un בmbito de indagaciףn y experimentaciףn.

Desde sus inicios y hasta el pictorialismo, el desnudo fotogrבfico se mantuvo apegado a la tradiciףn del arte occidental, a la idealizaciףn del cuerpo y a las formas. Con la entrada del siglo XX, la fotografםa de desnudo sufre profundos cambios, en paralelo a la evoluciףn del propio medio fotogrבfico. La fotografםa modernista, tanto en Europa como en Norteamיrica, hace del cuerpo desnudo un territorio privilegiado de experimentaciףn formal, a travיs del grafismo, la abstracciףn y el juego de volתmenes, luces y sombras.

En el seno de las vanguardias histףricas, el surrealismo convertirב la mujer, el sexo y el erotismo en sus temas principales, siendo el desnudo uno de sus campos naturales de expresiףn. Desde finales de los aסos sesenta, los artistas del cuerpo y la teorםa feminista del arte, revisan crםticamente la tradiciףn y la historia del desnudo, a travיs de una polםtica radical de los cuerpos. A partir de los aסos noventa estas tres lםneas - el formalismo, el surrealismo y el feminismo - coexisten, actualizadas, en un contexto de clara exacerbaciףn del desnudo.

Al desnudo. Colecciףn Ordףסez Falcףn de Fotografםa
Hasta el 18 de enero de 2015
TEA Tenerife Espacio de las Artes
Avda de San Sebastiבn n÷ 8, Santa Cruz de Tenerife

Obras maestras del Guggenheim

22/09/2014, El Museo Guggenheim Bilbao presenta el 23 de septiembre de 2014 la exposición El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim.

Bilbao, 22 de septiembre de 2014
El Museo Guggenheim Bilbao presenta una gran exposición de la Colección Permanente, que ocupará todo su espacio expositivo con obras maestras de los Museos de la Red Guggenheim. El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim evidencia la evolución de los fondos artísticos desde su fundación hasta el presente y pone de relieve la identidad singular de éstos.

La muestra tendrá dos momentos de apertura: el 23 de septiembre se abrirá al público la primera sección de la exposición, que ocupar á la tercera planta; y unas semanas más tarde, el 23 de octubre, se inaugurarán las plantas segunda y primera.

Los orígenes de las Colecciones:
El recorrido comienza con una selección de fondos procedentes del Solomon R. Guggenheim Museum creados en los albores del siglo XX. Una selección en la que se puede ver la influencia de los ideales utópicos y las creencias políticas en las vanguardias artísticas, que cuestionan la gran herencia figurativa del arte occidental y defienden unos ideales nuevos más allá de lo puramente estético.

Continúa con importantes piezas pertenecientes al Expresionismo Abstracto americano y su contrapartida europea, el Informalismo; y concluye con espacios singulares dedicados a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.

Del Pop a finales del siglo XX
La Colección del Museo Guggenheim Bilbao tiene, como punto de partida cronológico, la segunda mitad del siglo XX. Así, la segunda planta de la muestra está protagonizada principalmente por una extensa selección de piezas, grupos de obras y series procedentes de la Colección Propia.

Hacia el siglo XXI
El recorrido de la muestra concluye con algunas de las adquisiciones más recientes de arte contemporáneo de las Colecciones Guggenheim.

Esta selección refleja la consolidación de nuevos núcleos geográficos de producción del arte actual, y representa el arte contemporáneo como una multiplicidad de sistemas que implican investigaciones encaminadas en direcciones diversas.

El arte de nuestro tiempo. Obras maestras de las Colecciones Guggenheim
23 de septiembre, 2014 – 3 de mayo, 2015
Museo Guggenheim Bilbao

Cómo va el turismo Mundial en 2014

22/09/2014, África -por el Ébola- y Oriente Medio -por la situación política- son los puntos negros de un año turístico mundial en franco crecimiento.

Madrid, 22 de septiembre de 2014
La Organización Mundial de Turismo (OMT) ha dado a conocer sus datos de la primera mitad del año, que muestran tambien cómo crece de forma especial el turismo de Asia Meridional, la Europa Mediterránea y buena parte de América.

Las llegadas de turistas internacionales se incrementaron en un 4,6% en la primera mitad de 2014 según el último Barómetro OMT del Turismo Mundial. Los destinos de todo el mundo recibieron alrededor de 517 millones de turistas internacionales entre enero y junio de 2014, 22 millones más que en el mismo periodo de 2013.

Hasta la fecha, los resultados están en consonancia con la previsión emitida por la OMT a principios de 2014. Para la totalidad del año 2014, se espera que las llegadas de turistas internacionales se incrementen entre un 4% y un 4,5% en todo el mundo, superándose así la previsión a largo plazo de la OMT que anticipaba un crecimiento del 3,8% anual para el periodo 2010-2020.

El mundial de Brasil, un motor
El crecimiento aumentó significativamente en las Américas (+6%). Las cuatro subregiones registraron buenos datos: América del Norte (impulsada por México) y América Central y del Sur registraron todas ellas incrementos del 6%, y el Caribe del 5%. En América del Sur (+6%), la celebración de la Copa Mundial de Fútbol en Brasil contribuyó a los resultados positivos de la subregión: los ingresos derivados del turismo internacional en Brasil aumentaron un 10% en los siete primeros meses del año, con un incremento del 60% en junio y julio.

La región de Asia y el Pacífico (+5%) consolidó la tendencia de los últimos años, con Asia Meridional (+8%) y el Noreste Asiático (+7%) a la cabeza y grandes destinos como Japón, la República de Corea y Malasia, con tasas de crecimiento de dos dígitos. La región se ha beneficiado de un crecimiento económico constante, la inversión continuada en infraestructuras y las medidas para agilizar la emisión de visados.

Europa (+5%), la región más visitada del mundo, mantuvo el fuerte ritmo de crecimiento de 2013, impulsada hasta la fecha por la Europa septentrional (+8%) y la Europa meridional mediterránea (+7%). Estos resultados reflejan una mayor confianza de los consumidores en Europa y la recuperación de importantes mercados emisores europeos tradicionales.

Las cifras de turistas internacionales de África aumentaron en un 4% mientras la recuperación se afianzaba en el Norte de África (+4%). Sin embargo, el actual brote de la enfermedad del virus del Ébola afecta al turismo en la región debido a percepciones sobre la transmisión del virus.

Las llegadas de turistas internacionales en Oriente Medio habrían descendido, según estimaciones, en un 4%, aunque esta cifra debería valorarse con precaución, puesto que se basa en los datos limitados de que se dispone para la región.

Mercados emisores: sigue el impulso chino
En términos de mercados emisores, los datos para la primera mitad de 2014 muestran la consolidación del gasto en viajes al extranjero registrada en 2013 en algunas economías avanzadas. El gasto fuera de los mercados italiano y australiano se incrementó respectivamente en un 8% y un 7%, mientras que el mercado estadounidense creció un 5%. Los datos relativos a Francia y Canadá indican un aumento del 3%.

La demanda generada por los mercados emergentes también sigue siendo fuerte, aunque en desaceleración si se compara con 2013. El mercado emisor chino creció un 16% en la primera mitad del año, frente al 26% para el conjunto de 2013, mientras que el gasto en turismo emisor de la Federación de Rusia subió un 4% en comparación con el 25% registrado el pasado año.

Sorolla y América

22/09/2014, Tras su paso por The Meadows Museum y The San Diego Museum of Art, la muestra dedicada a Joaquín Sorolla llega a España.

Madrid, 22 de septiembre de 2014
Este importante grupo de obras muestra en España algunas de las grandes obras de arte que el artista expuso en las exposiciones que realizó en América, y que fueron adquiridas por coleccionistas y museos estadounidenses.

En 1909 Sorolla realizó su primera exposición en Nueva York, en la Hispanic Society of America. Después, bajo el patrocinio de esta institución, el artista realizó un recorrido por ciudades americanas como Boston, Buffalo, San Louis y Chicago, donde presentó sus célebres escenas de playa, patios y jardines.

Su estilo pictórico luminoso y vibrante causó gran impresión entre los entendidos, y a partir de entonces, Sorolla comenzó a ganar gran reputación en el país, recibiendo encargos para realizar los retratos de las personalidades más influyentes de la sociedad americana.

Sorolla y América reúne algunas de estas obras, que llegan a España procedentes de importantes instituciones americanas como la Hispanic Society of America, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Brooklyn Museum de Nueva York, la Morgan Library de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, el Art Institute de Chicago, la Washington University Gallery of Art, de Saint Louis o The J. Paul Guetty Museum de Los Angeles.

SOROLLA
Joaquín Sorolla y Bastida nace en Valencia el 27 de febrero de 1863 en el seno de una familia humilde. Huérfano a los dos años, se cría con sus tíos. Habiendo mostrado desde niño una habilidad innata para el dibujo, en 1878 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. Concluidos sus estudios, viaja a Madrid, donde se entusiasma con la obra de Velázquez.

Entre 1885 y 1889 reside en Italia como pensionado de Pintura por la Diputación de Valencia. Durante esos años comienza a presentar sus trabajos en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y en 1885 viaja por primera vez a París, donde manifiesta gran interés por pintores naturalistas como Adolph von Menzel, Jules Bastien-Lepage o los pintores nórdicos.

En 1888 se casa con Clotilde García del Castillo, hija del fotógrafo Antonio García, que había acogido al joven pintor como ayudante. El matrimonio tendrá tres hijos: María, Joaquín y Elena.

Durante la década de 1890, Sorolla empieza a mostrar sus obras en las grandes exposiciones internacionales celebradas en París, Viena, Berlín, Múnich, Chicago y Venecia. En 1893, su pintura ¡¡Otra Margarita!! logra la medalla en la World's Columbian Exposition de Chicago. Dos años después, el Musée du Luxembourg adquiere su cuadro La vuelta de la pesca, galardonado con la primera medalla de oro en el Salón de París.

En la Exposición Universal de París de 1900, el pintor obtiene el Grand Prix con ¡Triste herencia!, lo que supone su definitivo reconocimiento internacional. Entabla una entrañable amistad con artistas como John Singer Sargent, Anders Zorn o William Merritt Chase. En los años siguientes continuará cosechando grandes éxitos en las exposiciones internacionales.

En 1906, Sorolla presenta su primera exposición individual en la Galerie Georges Petit de París con un triunfo sin precedentes. Entre las 450 cincuenta obras que muestra se encuentran pinturas fundamentales como Verano o Sol de la tarde, así como las magistrales investigaciones cromáticas realizadas durante el verano de 1905 en Jávea. Su faceta como gran pintor de retratos quedará asimismo destacada, afianzando así su relación con las élites sociales y culturales europeas en diferentes escenarios elegantes como los de París, Biarritz, San Sebastián o La Granja.

En 1907 expone en las galerías que Eduard Schulte dirige en Berlín, Düsseldorf y Colonia. Al año siguiente viaja a Londres para presentar una exposición de 278 obras en las Grafton Galleries, muestra que contará con muy favorable respuesta entre la crítica y el público; los grandes pintores ingleses le reciben en la Royal Academy.

Es entonces cuando le descubre el hispanista norteamericano Archer M. Huntington, fundador de la Hispanic Society of America de Nueva York, quien, además de comprarle varios cuadros, le propone realizar una exposición retrospectiva de su obra en dicha institución. Ese verano, Sorolla pintará con actividad febril en la playa de la Malvarrosa de Valencia algunos de sus mejores cuadros.

En febrero de 1909, Sorolla inaugura, bajo el título Joaquín Sorolla y Bastida at The Hispanic Society of America, su exposición individual en Nueva York con 356 obras. Su éxito es fabuloso. La muestra se presenta a continuación en la Buffalo Fine Arts Academy y en la Copley Society de Boston. Las ventas en las tres ciudades alcanzan la suma de 195 obras, por un total de 181.760 dólares. Durante su estancia realiza más de veinticinco retratos, entre los que destaca el del entonces presidente de los Estados Unidos, William Howard Taft.

En octubre de ese mismo año viaja a París para pintar un retrato del magnate Thomas Fortune Ryan, quien además le encarga un gran cuadro sobre Cristóbal Colón.

En octubre de 1910 viaja de nuevo a París y entrega a Ryan su encargo. Se reúne allí también con Archer M. Huntington y quedan decididas las fechas del siguiente viaje del pintor a Estados Unidos.

En febrero de 1911 se inaugura en el Art Institute de Chicago la exposición Paintings by Joaquín Sorolla y Bastida, Under the Management of The Hispanic Society of America. Mientras se celebra la muestra, Sorolla pinta varios retratos e imparte clases magistrales a los estudiantes del Art Institute. La misma exposición se presenta en el City Art Museum de San Luis, y los ingresos totales por ventas en ambas ocasiones superan los ochenta mil dólares.

De nuevo en Nueva York, el artista sigue pintando retratos, junto a unos hermosos gouaches con vistas desde la habitación del hotel Savoy. De vuelta, se detiene junto a su mujer en Londres y en París, ciudad en la que Sorolla pinta los retratos de la familia Duke, así como en San Sebastián, donde realiza su emblemática obra La siesta.

En otoño de 1911, Sorolla viaja a París, donde firma, por un importe de 150.000 dólares, un contrato con Archer M. Huntington para realizar una serie de paneles que, con el título Visión de España, deberán instalarse en la biblioteca de la Hispanic Society of America, ocupando un friso de 70 metros de longitud por 3,5 de altura.

En vísperas de Navidad, se traslada con su familia a su nueva casa-estudio en el paseo del Obelisco de Madrid (hoy paseo del General Martínez Campos), sede actual del Museo Sorolla.

Durante 1912, el pintor realiza numerosos estudios de composición sobre los paneles y viaja por España para retratar del natural y a tamaño real los distintos tipos populares. Al año siguiente se traslada con su hija María a una casa en la Cuesta de las Perdices, donde comienza el panel de catorce metros de longitud Castilla. La Fiesta del Pan.

Viaja a París para pintar nuevos retratos encomendados por Ryan, quien le hace dos nuevos encargos: Baile en el Café Novedades de Sevilla y Los contrabandistas. Se entrevista asimismo con Huntington, quien le concede mayor plazo para ejecutar la decoración.

En 1914 se traslada a Sevilla para pintar los paneles sobre Andalucía. En verano viaja con su familia a San Sebastián y de ahí a Jaca, Huesca, para celebrar la boda de su hija María con su discípulo Francisco Pons Arnau. Pinta los paneles dedicados a Guipúzcoa, Navarra y Aragón. A finales del año realizará el panel Andalucía. El encierro, y en 1915 y 1916 trabajará en los paneles representativos de Galicia, Cataluña y Valencia. Se manifiestan los primeros signos de su enfermedad.

Sorolla continúa sus viajes por España con objeto de finalizar su encargo para la Hispanic Society of America. En el verano de 1916 pinta algunos de sus mejores cuadros de playa, como Después del baño. La bata rosa.

En 1917, además de pintar el panel sobre Extremadura, viaja por última vez a Granada, donde realiza sus nueve últimas visiones de La Alhambra, de gran simplicidad y modernidad. Durante sus prolongados períodos de descanso en Madrid capta con devoción los jardines de su casa. Realiza asimismo diecisiete retratos, nueve de ellos destinados a la galería iconográfica de la Hispanic Society of America.

En enero de 1918 recibe en su casa de Madrid la visita de Huntington, que se muestra muy satisfecho con el trabajo realizado. Ese mismo año es nombrado vocal del Patronato del Museo de Arte Moderno de Madrid y, al año siguiente, profesor de Colorido y Composición de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En 1918 realiza el panel titulado Elche. El palmeral y en 1919 finaliza el encargo Visión de España con Ayamonte. La pesca del atún, motivo por el que recibe en dicha localidad un telegrama de felicitación del rey. Se traslada entonces con su familia a Mallorca y después a Ibiza, en cuyos acantilados pinta Los contrabandistas, encargo de Ryan. Presenta también ese año sus últimos cuadros en París, en la Exposition de peinture Goya et art espagnol moderne.

El 17 de junio de 1920, en el jardín de su casa, sufre un ataque de hemiplejía mientras trabaja en el retrato La señora de Pérez de Ayala. La enfermedad le impide volver a pintar.

Muere el 10 de agosto de 1923 en Cercedilla, en la casa de su hija María, acompañado por su familia.

Sorolla y América
Del 23 de septiembre de 2014 al 4 de enero de 2015
Fundación Mapfre

El Museo Reina Sofía en Florencia

18/09/2014, El Palazzo Strozzi de Florencia acoge una exposición del MNCARS con obra de artistas de la talla de Joan Miró, María Blanchard, Salvador Dalí, Juan Gris, Pablo Picasso, Jorge Oteiza, Óscar Domínguez o Pablo Gargallo.

Florencia, 18 de septiembre de 2014
El Palazzo Strozzi de Florencia abrirá al público desde el 20 de septiembre y hasta el 25 de enero de 2015 la exposición Picasso y la modernidad española. Las cerca de 90 obras participantes pertenecen a la colección del Museo madrileño, a excepción de un par de ejemplares de la biblioteca de Florencia que se exhiben como material complementario. Entre ellas destacan algunas tan importantes como el Retrato de Dora Maar, Busto y paleta o El pintor y la modelo, de Picasso; Siurana, el camino, de Miró; El violín, de Juan Gris; o Composición cósmica, de Óscar Domínguez.

La exposición presenta una variada gama de piezas -42 de ellas de Picasso- entre pinturas, esculturas, dibujos y grabados que conforman una cuidada selección de obras de una de las figuras más importantes del siglo XX, y que permiten reflexionar sobre su influencia y comparar su producción con la de otros 35 artistas españoles también representados en la exposición.

Distribuida en nueve secciones, Picasso y la modernidad española realiza un acercamiento a las constantes estéticas y los fundamentos plásticos del quehacer artístico de Picasso y de los creadores españoles que participaron en el desarrollo del Arte Moderno en España. Asimismo, la muestra no sólo trata de plantear la influencia de Picasso en el Arte Moderno español sino también cómo contribuyó esa relación entre el genio malagueño y los otros artistas a ubicar el arte español en el escenario internacional.

La lista completa de artistas españoles está compuesta por Rafael Barradas, Aurelio Bibiano de Arteta, María Blanchard, Francisco Bores, Eduardo Chillida, Martín Chirino, Pancho Cossío, Leandre Cristòfol, Salvador Dalí, Josep de Togores, Óscar Domínguez, Equipo 57, Ángel Ferrant, Pablo Gargallo, Julio González, Juan Gris, José Guerrero, Antonio López, Maruja Mallo, Manuel Millares, Joan Miró, Manuel Ángeles Ortiz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo Pablo Picasso, Benjamín Palencia, Alfonso Ponce de León, Alberto Sánchez, Antonio Saura, José Gutiérrez Solana, Joaquín Sunyer, Antoni Tàpies, Joaquín Torres García, José Val del Omar, Daniel Vázquez Díaz y Esteban Vicente.

Comienza SUMMA 2014

18/09/2014, Hoy da comienzo la segunda edición de la feria de arte moderno SUMMA Contemporary Art Fair, que vuelve a tener las naves del Matadero de Madrid como telón de fondo.

Madrid, 18 de septiembre de 2014
SUMMA Contemporary Art Fair celebra una nueva cita para el arte contemporáneo y el mercado, el próximo mes de Septiembre (18-21) tras una primera edición celebrada con éxito en 2013 y repitiendo enclave en las naves de Matadero, uno de los espacios más visitados de la escena madrileña.

Planteada como una feria de vocación internacional, SUMMA 2014 prestará especial atención en esta edición al arte español generado dentro y fuera de nuestras fronteras y fomentará un modelo de feria que pueda responder a las expectativas de un coleccionista ávido por conocer los nuevos valores del arte y deseoso por contribuir a un cambio en las relaciones y prácticas habituales de adquisición de obra y trato con las galerías.

La feria prestará especial atención en esta edición al arte español generado dentro y fuera de nuestras fronteras y fomentará un modelo de feria que pueda responder a las expectativas de un coleccionista ávido por conocer los nuevos valores del arte. En esta segunda edición, un total de 60 galerías nacionales e internacionales, seleccionadas por un comité internacional, ocuparán la Nave 16 de este emplazamiento madrileño dedicado a la creación contemporánea.

SUMMA 2014 Del 18 al 21 de septiembre
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 14

El ocaso del Imperio en Barcelona

17/09/2014, A partir del próximo 23 de septiembre La Virreina Centre de la Imatge presenta El ocaso del Imperio, una exposición de fotografías de Ryszard Kapuściński.

Barcelona, 17 de septiembre de 2014
Las imágenes que integran la muestra fueron encontradas hace unos años en el archivo privado del reportero polaco, compuesto por cerca de 10.000 fotografías. Datan del periodo 1989-1991, cuando el autor recorría las repúblicas de la todavía Unión Soviética. Ryszard Kapuściński planeaba organizar una exposición fotográfica fruto de aquellos viajes, así, el fotógrafo seleccionó personalmente las fotografías y los encuadres, y luego guardó los negativos en sobres, donde permanecerían durante casi una década.

La primera exposición de El ocaso del Imperio, inaugurada el 17 de diciembre de 2010 en la varsoviana Galería Nacional de Arte Zachęta, mostró 50 de entre los varios centenares de fotografías tomadas en la antigua URSS, e incorporó a la selección fotografías procedentes del viaje realizado por el reportero en 1979, tras cuarenta años de ausencia, a su Pińsk natal.

Después de Varsovia, la exposición visitó Lublin y Wrocław, aunque una versión reducida de la misma recorrió prácticamente toda Polonia. La exposición que se presenta en Barcelona es precisamente esa segunda versión reducida, compuesta por 36 de las 50 fotografías que formaban la muestra original expuesta en Varsovia.

Las obras dan fe tanto del talento del reportero gráfico como de la calidad artística de su producción, que capta imágenes de paisajes con casas y cementerios, complementándolas con retratos de rostros humanos. También se encuentran entre ellas fotografías dedicadas al acontecimiento histórico que supuso el fallido golpe de estado de agosto de 1991 en Moscú, así como varias instantáneas del largo viaje que llevó al autor a través del Imperio ruso.

Ryszard Kapuscinski. El ocaso del Imperio
23.09 > 23.11.2014
La Virreina Centre de la Imatge
La Rambla, 99, Barcelona

Turismo y peregrinaciones

17/09/2014, Unos 300 millones de personas viajan cada año para acudir a centros religiosos de todo el mundo.

Santiago de Compostela 17 de septiembre de 2014
Entre los puntos de destino de los peregrinos destacan lugares como La Meca, a donde viajan los fieles musulmanes una vez en la vida. Santiago de Compostela, Roma y Jerusalén son muy importantes para los peregrinos cristianos, y también Jerusalén para los judíos. Mientras, los hinduístas también tienen importantes puntos de peregrinación en el entorno del Ganges.

Además, cada religión tiene famosos santuarios que atraen millares de viajeros cada año. Entre los católicos se pueden citar los de Lourdes (Francia), Fátima (Portugal), Guadalupe (México), Lujan (Argentina), Caacupé (Paraguay) y Częstochowa (Polonia)...

Estos días se celebra en España el primer Congreso Internacional de la OMT sobre Turismo y Peregrinaciones para explorar el nexo entre el turismo y las rutas espirituales.

La Organización Mundial del Turismo (OMT), el Ministerio de Industria, Energía y Turismo de España y la Xunta de Galicia han convocado el primer Congreso Internacional sobre Turismo y Peregrinaciones, en Santiago de Compostela (España) del 17 al 20 de septiembre, que aspira a poner de relieve los beneficios de las peregrinaciones y las rutas espirituales para el turismo sostenible y responsable, así como la contribución del turismo al entendimiento cultural y a la conservación del patrimonio natural y cultural relacionado con los antiguos senderos y lugares sagrados.

“Por sus peculiares características históricas, culturales y naturales, las peregrinaciones representan oportunidades vitales para reforzar la capacidad del turismo de fomentar el diálogo intercultural y contribuir a la protección de sitios de interés religioso y espiritual” explicó el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai.

El Congreso cuenta con expertos de diversos países, entre ellos Argentina, Australia, España, Etiopía, Guatemala, India, Indonesia, Japón, Kazajstán, México, Paraguay, la República de Corea y Tailandia.

SOS vaquita

17/09/2014, La vaquita, un cetáceo, parecido al delfín, puede estar viviendo sus últimos días en el Golfo de California. Tan sólo quedan ya unos cien ejemplares.

Gland (Suiza), 17 de septiembre de 2014
Tanto WWF -Fondo Mundial para la Naturaleza- como la UICN -Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza- han advertido que la vaquita se extingue por la pesca indiscriminada y el tráfico ilegal del totoaba, un pez con el que comparte su hábitat.

La vaquita es una marsopa, un pequeño cetáceo que mide cerca de un metro y de largo y tiene 24 dientes en cada lado de las mandíbulas. Por desgracia, en las redes de pescadores del golfo de aparece a veces sin vida alguno de estos animales de cuerpo grueso, liso, de color negro azulado por encima y blanco por debajo, con dos aletas pectorales, una dorsal y una cola grande y robusta.

Esta pequeña marsopa se encuentra ya sólo en México y sus efectivos han seguido disminuyendo, pasando de alrededor de 600 a 800 animales en la década de 1990 a alrededor de 100 animales de hoy, según el último informe de la Comisión Internacional para la Recuperación de la Vaquita (CIRVA).

El deterioro sigue acelerado. Hace apenas dos años se estimaba que había aún 200 individuos. Un informe presentado recientemente asegura que una de cada cinco se ahoga por accidente en las redes de los pescadores.

Según informa la UICN, ambientalistas, científicos y organizaciones de la sociedad civil hicieron un llamado al presidente Enrique Peña Nieto para detener inmediatamente la pesca ilegal del totoaba. Pese a que el año pasado se prohibió el uso de todas las redes que causan la muerte de la vaquita, sustituyéndolas por redes libres de riesgo, es necesario una vigilancia más estricta, así como la ampliación del área de refugio de la vaquita para que abarque la totalidad de su hábitat.

Para Omar Vidal, Director del Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF) en México, el destino de la vaquita se encuentra ligado al totoaba, una especie que también se encuentra en peligro de extinción por la sobrepesca que se ha ejercido sobre ella en el Golfo de California, arrasando un número insospechado de vaquitas.

El comercio de la vejiga natatoria del totoaba, vendida a altos precios como alimento tradicional en China, ha potenciado la pesca ilegal de esta especie, poniendo nuevamente en peligro inminente a la vaquita. El tráfico de vejigas natatorias también involucra a los Estados Unidos, país al que pasan de contrabando desde los pueblos del Golfo cercanos a la frontera para ser luego exportadas y vendidas en el mercado negro de China.

Robert L. Brownell Jr., científico estadounidense que ha estudiado a los mamíferos marinos en todo el mundo desde la década de 1960, asegura que la vaquita es el que se encuentra en mayor peligro de extinción entre los 128 que existen. El ser humano ha causado la extinción, en los últimos 250 años, de otras cuatro especies de mamíferos marinos. Para que la vaquita sobreviva se necesita un esfuerzo coordinado, decidido e inmediato de los gobiernos de México, Estados Unidos y China.

La Comisión de Supervivencia de Especies de la UICN (SSC) Grupo Especialista en Cetáceos (CSG) ha presentado una declaración oficial a la 65 La Reunión de la Comisión Ballenera Internacional se en Portoroz, Eslovenia, del 15 a 18 septiembre 2014.

Antología. Gervasio Sánchez

16/09/2014, La Fundación Díaz-Caneja de Palencia presenta una exposición que traza un extenso recorrido por la dilatada trayectoria fotoperiodística de Gervasio Sánchez.

Palencia, 16 de septiembre de 2014
Esta antología representa una larga travesía por más de 25 años de trabajo en numerosos escenarios bélicos y posbélicos de América Latina, Europa, Asia y África; lugares que desvelan la crudeza de nuestro tiempo y en los que languidecen, injustamente olvidadas, las víctimas de la barbarie.

El objetivo de la muestra es divulgar un legado visual de enorme valor histórico y documental en el que se combina un material prácticamente inédito -obtenido durante sus primeros años de aprendizaje y formación- con fotografías de actualidad ampliamente difundidas y con proyectos documentales realizados a largo plazo que han otorgado una indudable solidez a la obra de Gervasio Sánchez.

Las imágenes, en color y blanco y negro, se ordenan de forma cronológica en un recorrido vertebrado en cinco grandes bloques temáticos: América Latina, Balcanes, África, Vidas minadas y Desaparecidos. Así, las fotografías de Gervasio Sánchez muestran retratos de víctimas de mutilaciones, exniños-soldado, víctimas de minas antipersona y familiares de personas desaparecidas en diversos países del mundo.

Nacido en Córdoba en agosto de 1959, Gervasio Sánchez se licenció en 1984 en la rama de Periodismo de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Autónoma de Barcelona. Desde entonces, ha trabajado como periodista independiente para diferentes diarios y revistas, especializándose en conflictos armados. Reside en la ciudad de Zaragoza desde la década de los ochenta. Desde 1984 hasta 1992, cubrió la mayor parte de los conflictos armados ocurridos en América Latina. Desde 1988 mantiene una estrecha relación con el “Heraldo de Aragón”. Ha trabajado como enviado especial de este diario aragonés, tanto en la guerra del Golfo, como en los distintos conflictos armados en la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina. También colabora con la Cadena SER y con el servicio español de la BBC desde 1994, con el Magazine de La Vanguardia y con la revista Tiempo desde el año 2000.

Antología. Gervasio Sánchez
Hasta el 02/11/2014
Fundación Díaz-Caneja
Palencia

CaixaForum Madrid Temporada 2014-2015

15/09/2014, La Obra Social ”la Caixa” presenta la programación expositiva de su centro social y cultural en Madrid para la temporada 2014-2015.

Madrid, 15 de septiembre de 2014
De cara a la nueva temporada, la Obra Social ”la Caixa” ha diseñado para sus centros CaixaForum un programa muy ámplio, desarrollado en torno a diferentes temáticas de interés tales como culturas antiguas, arte contemporáneo y sensibilización social. Una programación en línea con el modelo CaixaForum, y en la que destacarán dos proyectos expositivos significativos.

La primera de las exposiciones de la presente temporada, Mediterráneo. Del mito a la razón, abrió sus puertas el pasado mes de julio y permanecerá abierta hasta el próximo mes de enero. Acompañándola, a partir del mes de noviembre se instalará en CaixaForum Madrid Roni Horn. Todo dormía como si el universo fuera un error. Se trata de la primera exposición monográfica de la artista en Madrid, y es el resultado del Premio Joan Miró, organizado conjuntamente por la Obra Social ”la Caixa” y la Fundació Joan Miró.

Las dos destacadas exposiciones de la temporada giran en torno a las grandes culturas del pasado. La primera de ellas, estreno absoluto en España, es Fauna del Nilo. El reino animal en el Egipto faraónico, exposición que llega a CaixaForum Madrid en virtud de los acuerdos que la Obra Social ”la Caixa” mantiene con el Museo del Louvre de cara a la organización conjunta de exposiciones a partir de los fondos del museo francés.

La exposición profundiza en el papel fundamental que los animales —reales o representados, salvajes o domesticados— desempeñaban en el antiguo Egipto, donde eran omnipresentes en la vida cotidiana. A partir de 438 piezas —desde esculturas monumentales hasta amuletos, pasando por ataúdes y momias—, la muestra analizará la función y la importancia de la figura animal en la civilización faraónica.

Por otro lado, Oro, mitos y ritos. Arte mochica del antiguo Perú —la muestra de arqueología programada para esta temporada en CaixaForum Barcelona— permite a los visitantes profundizar en la forma de entender y organizar el mundo de las sociedades del antiguo Perú. La cultura mochica de la costa norte del actual Perú desarrolló un sofisticado arte que, además de ser admirado hoy en día por su maestría, permite explicar la mitología y cosmogonía de esta antigua cultura. En CaixaForum podrán ser admiradas 200 obras maestras del arte precolombino procedentes de la colección del Museo Larco.

La entidad prestará especial atención a la fotografía, con la programación de la primera colectiva resultado del renovado certamen FotoPres y la exhibición de los diez trabajos seleccionados. Este nuevo proyecto fotográfico llegará a CaixaForum Madrid a partir del mes de febrero.

La programación incluirá también temas sociales, así, a partir de febrero, el centro acogerá la muestra fotográfica The most important thing. Retratos de una huida, organizada conjuntamente con el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) y con fotografías de Brian Sokol. También se ofrecerá la exposición Yo veo cosas que tú no ves, que persigue la sensibilización sobre los trastornos del espectro autista (TEA) a partir de la sorprendente obra de personas con esta condición.

Aztecs

15/09/2014, El Museo Australiano, en Sidney, exhibe una muestra sobre la historia, la religión y la cultura del pueblo mexica, compuesta por 266 piezas.

Sidney, 15 de septiembre de 2014
Aztecs se podrá visitar en la ciudad australiana hasta el 1 de febrero de 2015, después de su exhibición en el Museo de Melbourne, donde fue apreciada por cerca de 100.000 personas entre el 9 de abril y el 10 de agosto.

Aztecs presenta diversos objetos emblemáticos, entre ellos la gran escultura de Mictlantecuhtli, deidad de la muerte y del inframundo; un pendiente de oro de Xiuhtecuhtli, dios del fuego; el corazón de Copil o corazón de piedra verde.

Esta exposición está organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, en colaboración con los museos de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, el Museo de Melbourne en Victoria y el Museo Australiano, y muestra la riqueza de la cultura mexica a pueblos distantes geográficamente y poco familiarizados con Mesoamérica.

La colección presenta un recorrido por la historia de los aztecas, desde su peregrinaje como grupo nómada, su establecimiento en la Cuenca de México, las guerras de expansión, la consolidación de su dominio, hasta la destrucción de su imperio durante la Conquista española.

Los epígrafes temáticos de la misma son: Orígenes y migración, Gobierno y sociedad, Economía y vida diaria, Dioses y rituales, Conquista y expansión militar, y Caída del imperio.

En ese recorrido aparecen piezas procedentes en su mayoría del Museo del Templo Mayor, así como de la Zona Arqueológica de Teotihuacan, los museos nacionales de Antropología, Historia y del Virreinato, diversos museos regionales y la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, al igual que de otras colecciones públicas y privadas.

Se trata de piezas relacionadas con el culto a Tláloc y Huitzilopochtli, así como esculturas en cerámica y basalto, objetos votivos de piedra verde, obsidiana, hueso, concha y estuco. Sobresalen una escultura de un guerrero águila elaborada en cerámica y cubierta de estuco; una máscara cráneo en hueso, pedernal, concha y pirita; una olla Tláloc de cerámica policroma; y las esculturas de guerrero serpiente, de basalto, y de la diosa Cihuatéotl, de piedra.

Rembrandt: la obra final

12/09/2014, La National Gallery londinense ofrece del 15 de octubre al 18 de enero de 2015 una gran ocasión para conocer a fondo la pintura de los años finales de Rembrandt.

Londres, 3 de septiembre de 2014
Se trata de la muestra “Rembrandt: The Late Works”, que nos presenta a un autor sorprendentemente pasional y moderno.

Los últimos años de Rembrandt fueron turbulentos y marcados por la controversia, pero en ellos también tuvo tiempo el pintor para producir algunas de sus obras más conmovedoras, sorprendentemente modernas, que han servido para influir en genios posteriores como Goya o Bacon.

Después de haber sufrido la pérdida temprana de su esposa y tres de sus hijos, los últimos años de Rembrandt estaban cargados de problemas, procedimientos legales, la pérdida de su nueva compañera y su último hijo vivo… Sin embargo, lejos de disminuir su energía, el autor alcanzó un nuevo periodo de creatividad.

Desde la década de 1650 hasta su muerte en 1669, Rembrandt siguió un estilo artístico expresivo y radical. Su audaz manejo del pincel, su técnica pictórica así como su interpretación novedosa de temas tradicionales inspiraría a generaciones futuras de artistas, lo que le valió la reputación de ser el más maestro más grande de la Edad de Oro Holandesa.

A través de obras maestras famosas, dibujos y grabados, “The Late Works” examina los temas que preocupaban a Rembrandt a medida que envejecía: su investigación, la experimentación, el uso de la luz, la observación de la vida cotidiana e incluso su visión de obras de otros artistas; así como sus expresiones ante la intimidad, el conflicto y la reconciliación.

En la exposición, se pueden ver interesantes dibujos en tinta, grabado, acuarela o destacados óleos de esta época como El baño de la mujer en el arroyo, un destacado Autorretrato a la edad de 63, La novia judía, Los síndicos o la lección de anatomía del Dr. Deyman…

Tres siglos y medio después de su muerte, Rembrandt continúa sorprendiendo al amante del arte. Su profundo conocimiento de las emociones humanas y sus innovaciones pictóricas siguen siendo de actualidad; son hoy tan relevantes como lo fueron en el siglo XVII.

Datos sobre el pintor
Nacido en Leyden, en 1606, en una familia prolífica y próspera, pronto se dedicó a la pintura. Hasta 1631 permaneció ligado a su localidad natal, antes de marchar a Ámsterdam. Su maestría fue entonces ya reconocida; se trata de una época en la que estuvo muy influido por la luz de Caravaggio.

En Leyden, donde era maestro ya a los 18 años, contó con diversos discípulos, entre ellos Gerit Dou. Dou fue considerado pronto más importante que Rembrandt, por lo que se falsificaron cuadros de éste último con la firma de su discípulo.

En 1932 marchó a Amsterdam pintando pronto uno de sus cuadros más célebres, la lección de Anatomía del doctor Pulp. Fue un periodo de grandes y caros pedidos, entre ellos varios cuadros religiosos para Enrique de Orange. En el 34 se casó con Saskia, sobrina de un marchante; una mujer que le aportó dote e inspiración: Rembrandt haría de ella musa alguno de sus cuadros más bellos.

A partir de los años cuarenta se incrementó la tensión dramática de su obra, puso más empastes y tonalidades sombrías. Tras la muerte de Saskia, en 1642, su vida se fue complicando; la muerte de sus hijos y de su nueva compañera, sus deudas...

El último periodo del pintor fue de soledad; los pedidos escasearon y también los discípulos. Un cuadro pedido por el propio ayuntamiento de Amsterdam no fue aceptado y él lo destruyó en su mayor parte.

Falleció en 1669. En su caballete estaba una obra no terminada de Simeón ante el niño Jesús, como un presagio de su propia ancianidad ante la justicia del Señor. Era un Rembrant que había desconcertado a sus contemporáneos, que no comprendían cómo buscaba la cara oculta del hombre en sus retratos; como había espaciado sus pinceladas y cómo se entretenía pintando obras como el Buey desollado, en las que rebosa la atrocidad de un sacrificio doméstico, en una visión que retomarían surrealistas como Bacon.

Goya y Delacroix serían sus herederos directos.

CITES aumenta la protección sobre tiburones

12/09/2014, El 14 de septiembre de 2014 entra en vigor el nuevo listado de CITES relativo a los tiburones y mantarrayas, con objeto de restringir su comercio.

Ginebra (Suiza), 12 de septiembre de 2014
CITES (Convention on International Trade in Endangered Species of Wild Fauna and Flora) es la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres que trata de asegurar que el comercio internacional de animales y plantas salvajes no destruya las especies.

Los tiburones se incluyeron por primera vez en el Apéndice II de la CITES en febrero de 2003, después de que en una Conferencia de las Partes se decidiera incluir al tiburón peregrino (Cetorhinus maximus) y al tiburón ballena (Rhincodon typus) en el Apéndice II. Según informa CITES; en el mundo existen unas 400 especies de tiburones.

Según WWF, una razón fundamental que exige regular el comercio internacional es frenar el descontrol existente, alimentado por una demanda creciente, sobre todo en los países asiáticos. Las aletas de tiburón son un producto de lujo para la gastronomía asiática, mientras que las agallas de raya se usan en la medicina tradicional china. Ambos productos están llevando a estas especies a un rápido declive de sus poblaciones. Algunas de ellas han experimentado descensos de hasta un 86% en algunos lugares.

Tiburones y manta rayas tienen una madurez sexual tardía, (por ejemplo, las manta rayas sólo tienen una cría cada dos años) y viven alrededor de 30-40 años. Además el hecho de que se congreguen en grandes grupos de un mismo sexo y un mismo rango de edad les convierte en un blanco fácil para los barcos pesqueros. Una pesquería como la actual, tiene un impacto enorme en el futuro de las especies.

¿Que son los Apéndices de CITES?
Los Apéndices de CITES son listas de especies que ofrecen diferentes niveles y tipos de protección ante la explotación excesiva.

En el Apéndice I se incluyen las especies sobre las que se cierne el mayor grado de peligro para las que la Convención prohíbe el comercio internacional de especímenes de esas especies, salvo cuando la importación se realiza con fines no comerciales.

En el Apéndice II figuran especies que no están necesariamente amenazadas de extinción pero que podrían llegar a estarlo. Para ello se opta por controlar su comercio a fin de evitar una utilización incompatible con su supervivencia.

A fecha de junio de 2013, ocho especies de tiburones y todas las mantarrayas (que pertenecen a la misma subclase: Elasmobranquios) están incluidas en el Apéndice II.

En la última conferencia de las Partes de CITES se decidió incluir cinco especies de tiburones y todas las mantarrayas en el Apéndice II. Teniendo en cuenta que otras tres especies de tiburones ya estaban incluidas en dicho Apéndice, a partir del 14 de septiembre ocho especies de tiburones están ya incluidas en el Apéndice II.

Viena: aniversario de la Ringstrasse

12/09/2014, Una arteria clave de Viena está de fiesta: la Ringstrasse. Fue inaugurada el 1 de mayo de 1865 por el emperador Francisco José, y va a cumplir ya su 150 aniversario.

Viena, 12 de septiembre de 2014
La avenida del Ring es un inmenso espacio que rodea Viena y surgió cuando se derribaron las viejas murallas de la ciudad para unir el casco tradicional con los nuevos barrios que iban surgiendo fuera del mismo.. Ahora, esta avenida de circunvalación, destaca por las espectaculares obras arquitectónicas y espacios ajardinados. Es un elemento clave de Viena.

Pronto se ubicaron en aquella arteria viaria inmensa grandes edificios, desde el Ayuntamiento al Parlamento, en una “fiebre” que duró todo el final del siglo XIX. Ahora, muchos de los edificios de aire historicista que allí se erigen, desde la Ópera Nacional hasta el Museo de Historia del Arte, se cuentan entre los monumentos turísticos más importantes de Viena.

Desde el siglo XIII, Viena poseía una gran muralla, que en el siglo XVI, tras el ataque turco, se rodeó de un espacio libre de medio kilómetro. En 1857 se inició el derribo para emprender la construcción de la gran avenida, que pronto se utilizó como vía de tráfico.

Ya en 1868 circulaba un tranvía tirado por caballos entre el tramo de Stubenring hasta Schottentor. Hoy circulan las líneas de tranvía 1, 2, D y 71 en diversos tramos de la Avenida del Ring. El Vienna Ring Tram es ideal para un paseo completo alrededor del casco histórico. Durante el trayecto de aproximadamente 25 minutos, el pasajero recibe a través de pantallas y auriculares explicaciones en siete idiomas sobre la ciudad y sus edificios emblemáticos.

La avenida tiene hasta cuatro carriles por donde circula el tráfico automovilístico en el sentido del reloj. El Ring también se puede recorrer andando o en bicicleta. Parte de la Avenida del Ring ya se había habilitado para la circulación de bicicletas en 1887.

A pesar de ser una importante arteria de tránsito, la Avenida del Ring es también un lugar de recreo y descanso. Fue construida en base a conceptos paisajistas. Entre la calle y los edificios se plantaron a ambos lados de la avenida entre dos y tres hileras de árboles,con plátanos y ailantos. Y entre la arboleda, se dispuso un carril para las personas que iban a pie y a caballo.

También los parques históricos situados a lo largo de la Avenida del Ring son oasis de calma. En el parque Volksgarten, donde florecen cientos de rosas en verano, se encuentra un monumento de la Emperatriz Elisabeth y el Theseustempel, una pequeña réplica del templo ateniense de Teseo, que actualmente es gestionado por el Museo de Historia del Arte para realizar muestras de arte contemporáneo.

El Parque del Ayuntamiento, inspirado en el paisajismo inglés, tiene viejos árboles autóctonos y algunos espléndidos árboles exóticos. En el antiguo “Jardín del Palacio“, Burggarten, se encuentra el monumento a Mozart, que atrae a muchos turistas, así como el invernadero “Palmenhaus“, dividido entre un café restaurante y un recinto aclimatado donde vuelan libremente las mariposas, llamado Schmetterlinghaus (Casa de mariposas“).

El Stadtpark, inaugurado en 1862, es el parque público más antiguo de Viena. Sus senderos en forma de serpentina están flanqueados de arbustos, césped, fuentes y estanques. En el Stadtpark se pueden ver numerosas estatuas, entre las cuales se destaca el monumento, bañado en oro, dedicado al rey de los valses, Johann Strauss hijo, que es sin duda la escultura más fotografiada de Viena.

Otra gran cita con El Greco, en Toledo

11/09/2014, El museo de Santa Cruz de Toledo, es la sede de otra gran exposición sobre el Greco, del 9 de septiembre al 9 de diciembre: El Greco: Arte y Oficio.

Toledo, 11 de septiembre de 2014
Toledo está conmemorando por todo lo alto el aniversario del pintor. De hecho, la exposición El Griego de Toledo ha sido la más visitada de todas cuantas se han celebrado hasta la fecha en España. En los tres meses que ha estado abierta al público ha recibido 1.100.000 visitas, según informan los organizadores del evento..

Ahora, para consolidar ese año dedicado a Doménikos Theotokópoulos, el Greco (1541-1614) en el cuarto centenario de su muerte, se presenta otra muestra ambiciosa, "El Greco: Arte y Oficio" que también rebusca en el espíritu del pintor nacido en Candía(Creta) y muerto en Toledo. El Museo de Santa Cruz es el escenario de un despliegue sin precedentes de la encaminado a comprender el arte y la técnica del pintor. Junto con el museo citado, hay otras dos sedes asociadas de este encuentro: La Sacristía de la Catedral y el Museo del Greco.

El título de la muestra tiene su lógica. En 1577, el pintor, recién llegado de Italia, recibió en Toledo sendos contratos para trabajar en retablos de la catedral y del convento de Santo Domingo el Antiguo. El cliente era el deán de la Catedral de Toledo, que justificó la adjudicación reconociendo que “El dar esta obra al dicho Dominico es por ser eminente en su Arte y Officio”

Esta exposición vuelve a asombrar con obras que nunca han viajado a Toledo desde que salieron de la ciudad del Greco. Entre las 94 obras que se reunirán de septiembre a diciembre, hay trabajos procedentes de 27 distintas ciudades de España, Alemania, Reino Unido, México, República Checa, Estados Unidos y Suiza.

Cabezas de Cristo gestadas en la mente de Doménico, llegadas de Praga, de Dallas, de San Sebastián... Magdalenas Penitentes compitiendo en espiritualidad y rivalizando en colores a veces imposibles... El Greco vuelve a tomar el museo de Santa Cruz en un encuentro memorable.

Entre las novedades, la presencia del Apostolado de Almadrones (Guadalajara), cuyas obras supervivientes a la Guerra Civil se reúnen ahora después de décadas de dispersión. Es uno de los cuatro Apostolados del cretense que, por primera vez, se presentan en una misma ciudad en cuatrocientos años.

En esta muestra uno de los elementos más importantes es el “cómo” trabajaba este artista que tuvo que abrir un activo taller en Toledo para atender los numerosos encargos que llegaban.

Toledo fue clave para este genio universal que si llegó a la ciudad imbuido de sus experiencias en Italia, avanzó en un estilo absolutamente personal e inconfundible, de personajes estilizados casi fantasmagóricos y unos colores vivos y contrastados, un estilo que según sus críticos está imbuido del contrarreformismo que dominó la España de aquel tiempo.

La pintura de Siena, en Bruselas

10/09/2014, Bruselas disfruta desde el 10 de septiembre al 18 de enero de 2015 de una excelente exposición sobre la pintura gótica de Siena (Italia).

Bruselas, 10 de septiembre de 2014
Siena, la ciudad toscana que rivalizó en la Edad Media con Florencia, mostró una inmensa tradición pictórica durante siglos. Esa tradición fue innovadora en materias como el color, el inicio del uso del paisaje y la perspectiva, elementos que el visitante puede examinar en la muestra reunida en el BOZAR, Palacio de Bellas Artes de Bruselas.

Se trata de una exposición hecha en colaboración con la Pinacoteca Nazionale di Siena y el Museo de Bellas Artes de Rouen, que rinde un homenaje a la tradición pictórica sienense que siguió allí un itinerario propio, pasando desde la rígida iconografía bizantina a obras más narrativas e innovadoras en lo técnico y estructural

Unas sesenta obras testimonian ese arte revolucionario de los siglos XIII y XIV, la época en la que Siena contó con su nueva universidad, vivió un esplendor comercial y financiero, progresó magistralmente en el campo de las artes e incluso derrotó militarmente a su rival Florencia.

En ese conjunto de obras se puede explorar como los artistas avanzan en el uso de una paleta innovadora, un nuevo escenario colocando paisajes detrás del primer plano, e incluso ahondan en la búsqueda de la emoción humana en los rostros. Es un periodo en el que la escuela de Siena resulta un foco de atracción para el resto de Italia e incluso para pintores de otros puntos de Europa.

En “Pintura de Siena. Ars Narrandi en la Europa gótica” el visitante ve esa nueva forma de narrar las historias bíblicas, con un lenguaje visual animado, donde los protagonistas parecen seres humanizados que incluso llevaban ropa contemporánea, de modo que los fieles podían identificar así los ejemplos piadosos. Esa “humanización” cumplía así una función didáctica que la iglesia persiguió en aquel tiempo a través del arte.

Nombres como los Lorenzetti, Duccio di Buoninsegna, Simone Martini, Sano di Pietro o Giovanni Di Paolo dieron prestigio a este centro artístico que trabajó no sólo para la ciudad, sino para mandatarios de otros puntos, incluida la Santa Sede...

En efecto, la ubicación de Siena a lo largo de la Vía Francigena, la ruta de los peregrinos que se extiende desde el norte de Europa a Roma, pasando por los puertos del sur de Italia, convirtió a la ciudad en un importante centro de comercio, en el que se incluyeron los intercambios artísticos. Las pinturas, a menudo pequeños dípticos que eran fáciles de transportar, retablos portátiles y miniaturas, se distribuyeron a través de esta ruta por otros centros en Europa.

La exposición viajará tras su estancia en Bruselas al Museo de Bellas Artes de Rouen (del 21.03 a 17.08.2015). Su presencia en Bruselas se enmarca en el periodo de la Presidencia italiana del Consejo de la Unión Europea. Con este motivo, el centro bruselense presenta un programa multidisciplinario con otros eventos.

Entre el Cielo y la Tierra

10/09/2014, El Museo de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta la exposición Entre el Cielo y la Tierra. Doce miradas al Greco cuatrocientos años después.

Madrid, 10 de septiembre de 2014
La presencia del Greco es clara en muchos artistas actuales. Probablemente sean él, Diego Velázquez y Francisco de Goya los que permanecen con un aliento más intenso en lo que llamamos arte contemporáneo. Se podría afirmar que el Greco mantiene una presencia latente en la creación artística desde que se le redescubrió a finales del siglo XIX hasta hoy. No es difícil encontrar su huella en el arte de mayor relevancia, aunque no siempre sea tan evidente como ocurre en los artistas de finales del siglo XIX y de la primera mitad del XX: Picasso, Cézanne y otros, llegando incluso hasta Pollock.

La exposición del Museo de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando explora el lugar en el que se sitúa la influencia del Greco a través del trabajo que desarrollan hoy día doce artistas españoles que atestiguan la vigencia de su arte en la creación contemporánea.

Estos 12 artistas plantean abiertamente su vínculo con el cretense, un reconocimiento a veces es explícito en sus trayectorias y otras, aunque menos evidente, igualmente intenso. José Manuel Broto, Jorge Galindo, Pierre Gonnord, Luis Gordillo, Secundino Hernández, Cristina Iglesias, Carlos León, Din Matamoro, Marina Núñez, Pablo Reinoso, Montserrat Soto y Darío Villalba son los creadores que están Entre el cielo y la tierra.

Junto a las obras de los artistas participantes está presente el San Jerónimo (h. 1600), una importante obra del Greco perteneciente a la colección de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Entre el Cielo y la Tierra. Doce miradas al Greco cuatrocientos años después
Desde el 10/09/2014 hasta el 08/11/2014
Museo de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Calle de Alcalá, 13, Madrid

Horst: El Fotógrafo del Estilo

09/09/2014, El Victoria and Albert Museum de Londres dedica una retrospectiva a la figura del fotógrafo Horst Paul Albert Bohrmann. La exposición podrá visitarse hasta enero de 2015.

Londres, 9 de septiembre de 2014
Horst Paul Albert Bohrmann (1906-1999) creó imágenes que trascienden la moda y el tiempo. Él era un maestro de la luz, la composición y la ilusión atmosférica, que evocaba un mundo de sofisticación sensual. Junto a Irving Penn y Richard Avedon, Horst es considerado uno de los precusores de la fotografía de moda en el siglo XX.

Nacido en Alemania, Horst se convirtió en ciudadano estadounidense en 1943. Su extraordinario trabajo fuera del estudio fotográfico transmite una curiosidad visual y un manejo de la cámara magistral. La gran colección de grabados, dibujos, cuadernos, libros de recuerdos y cartas que Horst cuidadosamente preservó a lo largo de su vida, junto a miles de copias en los archivos de Condé Nast, son testigos de su talento virtuoso.

A lo largo de una extraordinaria carrera de sesenta años, sus fotografías han adornado las páginas de la prestigiosa revista de moda Vogue, revista a la que se uniría en 1931.

En una época en la que París seguía siendo el centro indiscutible del mundo de la moda, la fotografía empieza a despuntar como nuevo medio de comunicación, en detrimento de la ilustración. Condé Nast Montrose invierte grandes sumas a la mejora de la calidad de reproducción de la imagen, y los fotógrafos de la revista Vogue empiezan a trabajar con cámaras de gran formato, que producían negativos ricamente detallados de diez por ocho pulgadas.

A mediados de la década de 1930, Horst supera a su mentor George Hoyningen-Huene como fotógrafo principal de Paris Vogue, y sus imágenes aparecen frecuentemente en las ediciones francesa, británica y estadounidense de la revista.

El movimiento de arte surrealista exploró formas únicas de interpretar el mundo. Durante la década de 1930 el surrealismo escapa de sus raíces de vanguardia y transforma el diseño, la moda, la publicidad, el teatro y el cine.

Las fotografías de Horst de este período incluyen elementos misteriosos, caprichosos y surrealistas, combinados con su estética clásica.

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial, en 1945, el escapismo ofrecido por el teatro y el cine ganó en popularidad. Empiezan a surgir así nuevas celebridades, que rápidamente se ganan el corazón de la audiencia. El primer retrato de Horst a una actriz de Hollywood, Bette Davis, apareció en la revista Vanity Fair hermana de Vogue en 1932.

En el verano de 1949, Horst viajó a Oriente Medio. En una excursión a Persépolis, Horst fue capaz de fotografiar partes de la antigua ciudad persa que había sido descubierta recientemente. Después visitó el recién creado Estado de Israel en una misión fotográfica para la revista Vogue. El viaje dejó una fuerte impresión en Horst, que realizaría después otros viajes con fines documentales.

Los años 30 marcaron el comienzo de grandes avances técnicos en la fotografía en color. Horst se adaptó rápidamente a un nuevo vocabulario visual, dando vida a algunas de las imágenes más deslumbrantes de color de Vogue.

Durante la década de 1940 Horst trabajó principalmente en el estudio de Condé Nast en el piso 19 del edificio Graybar, un rascacielos de Art Deco en la avenida Lexington de Manhattan. El estudio estaba bien equipado con una variedad de luces y accesorios y Horst trabajó en estrecha colaboración con el director de arte Alexander Liberman. Como Horst, había encontrado refugio en los círculos artísticos de París y Nueva York, y disfrutó de una larga carrera con Condé Nast.

En 1946, la industria de la moda norteamericana era una de las más fructíferas del país, con una recaudación de más de seis mil millones de dólares al año.

En 1951 Horst se muda a un estudio propio, el antiguo ático del artista Pavel Chelishchev, con techos altos y una espectacular vista sobre el río Hudson. Horst desarrolla un nuevo enfoque para la fotografía en respuesta a la abundancia de la luz del día y por un tiempo sus famosas sombras atmosféricas desaparecen.

A principios de la década de 1950 Horst produjo un conjunto de fotografías que se alejan de su producción anterior. Estos estudios de figuras masculinas fueron exhibidos por primera vez en París en 1953.

Estos desnudos monumentales y anónimos que se parecen a esculturas clásicas ejemplifican el sentido de la forma de Horst. Todo el énfasis está en el cuerpo humano idealizado, la luz y la sombra expresiva.

Su estilo experimenta un renacimiento en 1978, cuando Francine Crescent, editor jefe de la revista francesa Vogue, le invitado a fotografiar las colecciones de París. El trabajo de Horst se hizo eco gracias a sus estudios atmosféricos, su dominio de la luz y la composición.

La década de 1980 fue testigo de una oleada de nuevos libros, exposiciones y documentales de televisión sobre Horst. El fotógrafo produce nuevas impresiones para los museos y el mercado de coleccionistas. Algunas de sus obras emblemáticas se reproducen en platino-paladio, una técnica compleja y costosa que emplea metales más caros que el oro.

La pérdida de visión, finalmente le obliga a dejar de trabajar en 1992. En 1996 recibe el galardón 'Master of Photography' del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York. Tres años después, en 1999 Horst fallece en Palm Beach, Florida, con 93 años de edad.

Horst: El Fotógrafo del Estilo
Victoria and Albert Museum
Hasta el 4 de enero de 2015

La ruta de Tian-shan

09/09/2014, El Comité del patrimonio de la UNESCO aprobó este año en Qatar la inclusión en la lista mundial de la ruta de Tian-Shan, una red viaria perteneciente al gran complejo de la Ruta de la Seda.

París, 9 de septiembre de 2014
La Ruta de la Seda no es exactamente un camino, sino una malla viaria que unía el extremo oriental de China y alcanzaba la Península Ibérica, por trayectos que incluían paisajes montañosos, desiertos e incluso mares. La red de Tian-Shan engloba espacios de China, Kazajstán y Kirguistán.

Las montañas Tian Shan están en Asia Central, en el extremo occidental de la República de China, en los límites con Kazajistán y Kirguistán. En sus cumbres se llegan a superar los 7.000 metros de altitud.

Por el norte del desierto de Taklamakán, y al sur de los montes Tian-Shan discurría una de las rutas comerciales que relacionaban la capital china con el mar Caspio, aunque también había otra que superaba la cadena montañosa por el norte, para entrar ambas a la región de Zhetysu.

Este sitio de la UNESCO aprobado en 2014 abarca un tramo de 5.000 kilómetros de la gran red viaria de las Rutas de la Seda que va desde Chang’an/Luoyang, capital principal de China durante el reinado de las dinastías Han y Tang, hasta la región de Zhetysu, situada en Kazajistán, Asia Central.

La ruta de Tian-shan, que se configuró entre los siglos II a.C. y I d.C., y se utilizó hasta el siglo XVI, sirviendo para establecer un nexo entre numerosas civilizaciones y propiciar intercambios de prácticas comerciales, creencias religiosas, conocimientos científicos, innovaciones técnicas, usos culturales y expresiones artísticas.

Los 33 componentes del sitio comprenden ciudades capitales, complejos palatinos de varios imperios y kanatos, asentamientos mercantiles, templos troglodíticos budistas, antiguos senderos, casas de postas, pasos entre montañas, torres de almenara, tramos de la Gran Muralla, fortificaciones, tumbas y edificios religiosos.

El Greco en el Museo del Ejército

08/09/2014, La exposición “Las armas del Greco” llega al Museo del Ejército de Toledo, donde estará abierta durante los dos próximos meses.

Toledo, 8 de septiembre de 2014
La muestra del Museo del Ejército, ubicado en el Alcázar de Toledo, pone de relieve la importancia que las armas tenían en la sociedad de los siglos XVI y XVII.

Para la exposición el Museo ha sacado de sus almacenes de reserva, armaduras, montantes, alabardas, espadas y armas que el pintor cretense dejó plasmadas en sus lienzos. Se complementa la muestra con una selección de cuadros que, junto con los fondos de la armería del Museo del Ejército, mostrarán al visitante la utilización de las armas a través de la historia de la pintura.

La exposición se estructura en tres módulos:
En el primero se explica la importancia de las armas en la sociedad de la época a través de la caza, actos sociales y la guerra; en el segundo se trata de mostrar como las armas han sido representadas a lo largo de la pintura en diferentes contextos artísticos y finalmente, el tercer módulo recorre los cuadros que pintó el Greco mostrando piezas similares y donde se explica su tipología y significado.

La exposición estará abierta al público, de forma gratuita, durante los meses de septiembre y octubre, en horario de 10 a 17 horas, todos los días excepto los miércoles.

Las armas del Greco
Museo del Ejército
C/ Unión, s/n

Naturalia, prorrogada

08/09/2014, El Museo de Bellas Artes de Valencia decide prorrogar hasta el 12 de octubre de 2014 la exposición Naturalia.

Valencia, 8 de septiembre de 2014
Naturalia fue el nombre que se dio a las colecciones de objetos relacionados con la naturaleza dentro de las Wunderkammer, los denominados gabinetes de curiosidades de las colecciones principescas durante el renacimiento y el barroco.

Entre las Naturalia podía haber animales disecados, conchas, gemas, colecciones de plantas o insectos reales o dibujados... Estas cámaras de las maravillas, contenían también toda clase de objetos no naturales como joyería, orfebrería y pequeñas obras de arte, llamadas en conjunto Artificialia.

La exposición reúne piezas del Museo de Bellas Artes de Valencia y de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos relacionadas con la naturaleza, de entre el conjunto que forma la cámara de las maravillas que es el propio Museo.

A estos fondos artísticos de dibujos, pinturas, esculturas y libros de divulgación científica con grabados se unen piezas procedentes de la Universitat de València, relacionadas con la entomología, la malacología o la zoología y libros y facsímiles modernos que muestran la evolución de la ilustración botánica.

Rubens y su legado

08/09/2014, El legado de Pedro Pablo Rubens, el gran pintor barroco flamenco, es objeto de una gran exposición actualmente en Bruselas, y luego en Londres.

Bruselas, 8 de septiembre de 2014
Esta muestra está organizada por el Musée Royal des Beaux-Arts de Amberes, el BOZAR de Bruselas y la Royal Academy of Arts de Londres, que a través de la exposición “Sensación y sensualidad. Rubens y su legado artístico”, muestran un profundo análisis de la influencia de Peter Paul Rubens o Pedro Pablo Rubens en autores posteriores.

Numerosos artistas de talento admiraron a este genio, su composición y técnica, nutriéndose de sus motivos y técnicas. La exposición actualmente en curso revisa la creación artística de Rubens en torno a seis temas: la violencia, el poder, el deseo, la compasión, la elegancia y la poesía, y su comisario, Nico Van Hout, busca en cada tema conexiones entre la obra de Rubens y la de las siguientes generaciones.

El pintor había nacido en Westfalia, en 1577, pero sus padres eran de Amberes, a donde pronto volvería con ellos. Su educación fue muy amplia. Inició estudios de pintura en el taller de Verhaecht, y luego pasó al lado de otros dos maestros locales. Cuando cumplió la veintena ya se le consideraba en Amberes como un excelente artista.

El joven Rubens visitaría pronto Italia, lo que le reportaría una intensa experiencia tras conocer abundante obra en Mantua, Venecia, Génova y Roma, período en el que recibió la influencia de gentes como Tiziano, Tintoretto y Caravaggio. Durante esta época italiana, como enviado del duque de Mantua, estuvo por primera vez en Madrid, donde pasó largo tiempo estudiando los excelentes tizianos de la corte.

Vuelto en 1608 a Amberes, se casó con Isabel Brandt y empezó a atender a una gran clientela de la burguesía local. Su fama se multiplicó por toda Europa. Dominaba seis idiomas y era una especie de gran maestro de la cultura, con inmensa influencia en las grandes cortes europeas, para las que elaboró abundantes cuadros e incluso cartones para tapices.

El pintor falleció en la propia ciudad de Amberes en 1640. Diez años antes se había casado por segunda vez, con Elena Fourment. Era un ser enormemente vital, arrollador, y desplegaba una inusual actividad. Contó con magníficos colaboradores para hacer su extensísima obra, llena de exuberancia y barroquismo, en la que destacan sus figuras plenas de luz y carnalidad.

Esa pintura, cargada de fuerza, a veces de violencia y sensualidad, ha influido en muchísimos autores. Rubens inspiró a autores españoles para abordar los asuntos religiosos, influyó a los paisajistas ingleses, y anticipó las inspiraciones poéticas o amorosas de artistas franceses.

En la exposición actual, en Bruselas del 25 de septiembre al 4 de enero, se presentan 160 obras del autor flamenco y de artistas posteriores para ver en estos -Delacroix, Rembrandt, Cézanne, Watteau, Renoir, Reynolds, etc.- la herencia del gran maestro barroco.

La Royal Academy of Arts de Londres, que recibe la muestra del 24 de enero al 10 de abril, destaca la influencia de Rubens en los paisajes de Constable y Gainsborough y anuncia la muestra como uno de los mayores espectáculos de 2015. Una oportunidad sin precedentes para ver las obras maestras de Rubens lado a lado de la de sus herederos artísticos.

Novedades en CaixaForum Barcelona

05/09/2014, La Obra Social la Caixa presenta una temporada expositiva 14-15 marcada por una oferta cultural global diseñada para todos los públicos.

Barcelona, 5 de septiembre de 2014
De cara a la nueva temporada, CaixaForum Barcelona ha ideado un programa en el que han colaborado museos de primer nivel internacional, y que abarca distintas disciplinas, como arquitectura, arqueología, cine, fotografía, cultura clásica y contemporánea, y sensibilización social.

La primera de las exposiciones de la presente temporada, Belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, abrió sus puertas el pasado mes de julio y permanecerá abierta hasta el próximo mes de enero.

La Obra Social ”la Caixa” dedicará una atención preferente a las manifestaciones artísticas fundamentales en la formación de la sensibilidad contemporánea. En esta misma línea se enmarcan tres exposiciones orientadas al cine y la fotografía, las formas artísticas más características del siglo xx.

La primera de ellas, Génesis, podrá verse este otoño en CaixaForum Barcelona. Se trata del último gran proyecto de Sebastião Salgado, una selección de 245 imágenes en blanco y negro que el reconocido fotógrafo brasileño —premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998— ha realizado en los cinco continentes durante los últimos ocho años, desde la Antártida hasta el continente africano, pasando por el Amazonas.

En el campo del cine, la gran apuesta de esta temporada para CaixaForum Barcelona tiene un nombre propio: Pixar. Si en los últimos años la entidad ha dedicado muestras retrospectivas a grandes nombres del mundo del cine como Charles Chaplin, Federico Fellini y Georges Méliès, ahora es el turno de analizar la revolución que este estudio norteamericano ha supuesto para el mundo del cine de animación.

La temporada 2014-2015 también incluirá otras de las líneas expositivas consolidadas de la Obra Social ”la Caixa”. Una de ellas gira en torno a las grandes culturas del pasado. Oro, mitos y ritos. Arte mochica del antiguo Perú permite a los visitantes profundizar en la forma de entender y organizar el mundo de las sociedades del antiguo Perú. La cultura mochica de la costa norte del actual Perú desarrolló un sofisticado arte que, además de ser admirado hoy en día por su maestría, permite explicar la mitología y cosmogonía de esta antigua cultura. En CaixaForum podrán ser admiradas 200 obras maestras del arte precolombino procedentes de la colección del Museo Larco Herrera.

La arquitectura también será protagonista este año con una gran exposición consagrada a una de las figuras más influyentes del siglo xx en esta disciplina: Alvar Aalto. Se trata de una amplia panorámica de la vida y la producción de este legendario arquitecto, que se detiene en los edificios y diseños más representativos y revela numerosos nuevos aspectos de su producción a partir de maquetas históricas, dibujos originales, muebles, lámparas, objetos y fotografías.

Un nuevo proyecto fotográfico llegará al final de la temporada. Se trata de una exposición colectiva con los diez proyectos que han formado parte de la decimonovena edición del certamen de fotoperiodismo e imagen documental FotoPres ”la Caixa”. El resultado es una selección de trabajos inéditos que tienen en común su mirada desde una perspectiva crítica sobre conflictos contemporáneos.

La programación de CaixaForum Barcelona incluirá también temas sociales que invitan a reflexionar sobre las necesidades de la ciudadanía. A partir del 19 de septiembre, el centro acogerá The most important thing. Retratos de una huida, una muestra organizada conjuntamente con el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) en la que, a partir de las fotografías de Brian Sokol, se pretende sensibilizar a los visitantes sobre la situación de los refugiados. Consiste en una serie de retratos de gran formato donde distintas personas refugiadas muestran el objeto más importante que se han llevado de su casa.

Poco después, CaixaForum Barcelona acogerá otros dos proyectos expositivos de carácter social: Una expo más. Visiones desconocidas a través del arte y Yo veo cosas que tú no ves.

El Greco y la pintura moderna en el Prado

05/09/2014, A un mes de su clausura el diálogo entre el Greco y los pintores modernos en el Prado supera ya las 250.000 visitas.

Madrid, 5 de septiembre de 2014
A 30 días de su clausura la muestra El Greco y la pintura moderna, organizada por el Museo del Prado con motivo del IV Centenario de la muerte del gran artista cretense, se sitúa ya entre las muestras con mayor atractivo para el público entre las celebradas por el Museo del Prado en los últimos cinco años.

Inaugurada el 23 de junio y formada por más de cien procedentes de alrededor de setenta instituciones de todo el mundo, la muestra aborda por primera vez de un modo integral la notable influencia del Greco en el desarrollo de la pintura moderna.

El Greco y la pintura moderna
La exposición está compuesta por una selección de veintiséis obras del Greco, a las que se suman cincuenta y siete pinturas y veintitrés dibujos y grabados de autores como Manet, Cézanne, Picasso, Chagall, Modigliani, Kokoschka, Pollock y Saura, entre otros. Un total de ciento seis obras entre las que destacan el Laocoonte y La visión de san Juan del Greco, el Entierro de Casagemas de Picasso y la versión que hizo Cézanne de la Dama del armiño del Greco.

El recorrido por los ocho ámbitos de la exposición revela la complejidad y riqueza de la influencia del Greco partiendo de la fascinación ejercida por el maestro cretense en los artistas franceses más renovadores, como Manet y Cézanne, y en destacados pintores españoles, Rusiñol y Zuloaga, entre otros. Un itinerario que, también, analiza el influjo que ejerció el Greco sobre el protagonista y creador de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, Pablo Picasso, y presenta obras de otros artistas que, a partir de su relación con el cubismo, evolucionaron hacia otras propuestas, como André Derain, Robert Delaunay, Diego Rivera y Amedeo Modigliani.

Expresionistas como Beckmann, Macke y Kokoschka; los artistas judíos vinculados a París como Soutine y Chagall; y las poéticas surrealistas de Masson y Domínguez aparecen en la muestra con obras marcadamente influenciadas por la pintura del Greco.

El recorrido aborda, además, la especial relevancia del cretense en la configuración de la pintura moderna en América, donde sus aspectos más expresivos ejercieron una gran fascinación en el mexicano José Clemente Orozco y los estadounidenses Benton y Pollock.

Para finalizar, la muestra explora el impulso transformador del Greco como referencia en las angustiadas figuraciones expresivas de la posguerra europea, según manifiestan las obras de Alberto Giacometti, Francis Bacon y Antonio Saura, algunos de los cuales realizaron homenajes explícitos al artista.

Nuevo Centro Pompidou en Málaga

04/09/2014, Málaga, la ciudad natal de Pablo Picasso, tendrá una sucursal del Centro Pompidou parisino abierta a partir del año 2015.

París, 3 de septiembre de 2014
En París se presentó este proyecto que arrancará en la ciudad malagueña por un periodo inicial de cinco años, en el Cubo, un edificio de vocación cultural situado al lado del puerto.

En estos cinco años, Málaga tiene un "contrato de exclusividad", de tal forma que el Pompidou no podría abrir una nueva sede en el país, tal como se puso de manifiesto en el acto de presentación.

Una magnífica colección de arte, con cerca de un centenar de obras de los grandes artistas de los siglos XX y XXI se exhibirá en la ciudad andaluza, que según el dossier de prensa del Pompidou, es la tercera urbe española -tras Madrid y Barcelona- con una oferta artística más notable. Entre los cuadros seleccionados, estarán las firmas de genios como el propio Picasso, Brancusi, Giacometti, Bacon, Chagall, Miró o Baselitz.

Pero además se prevén unas dos o tres exposiciones temporales temáticas o monográficas por año, de las que se presentan habitualmente en la sede parisina.

El Pompidou Málaga complementará estas exposiciones con otros eventos de danza, cine, conferencias, etc., con los que quiere llegar a un público culto y joven.

Esta iniciativa de expansión internacional del Pompidou se enmarca en una política de los gerentes del prestigioso centro parisino encaminada a fomentar una descentralización cultural y una promoción mundial del centro francés.

El conjunto de las sedes del Pompidou deben ejercer el papel de una "locomotora cultural", según palabras de los responsables de la institución.

La mirada en el otro en Paraguay

03/09/2014, Tras su paso por Lisboa, Tokio, Nueva York, Ljubljana, Washington, Miami y Buenos Aires, La mirada en el otro. Premios Nacionales de Fotografía 1994-2008 llega ahora a Asunción.

Asunción (Paraguay), 3 de septiembre de 2014
La Mirada en el Otro es una muestra colectiva en la que se reúne gran parte del amplio elenco de artistas galardonados con el Premio Nacional de Fotografía, creado por el Ministerio de Cultura de España en 1994. La exposición es un abanico multiforme que se aventura por series que encuentran sorprendentes vínculos entre creadores tan diversos, confrontando y conectando sus obras. El objetivo es mostrar la riqueza, la expresividad, la imaginación y la calidad indiscutible de los fotógrafos que trabajan en España, al tiempo, que se hace un repaso a una parte importante y significativa de la historia de la fotografía española de los últimos sesenta años.

Una visión de conjunto que permite apreciar la evolución de estos creadores acompasada con la de un pueblo que desde los años cincuenta ha sufrido una notable transformación reflejada en el aspecto documental que tiene siempre cualquier muestra fotográfica.

La Mirada en el Otro se convierte así en una antológica de la historia de la fotografía española del último medio siglo, en la que está presente la generación de varias generaciones de fotógrafos que han marcado el paso del camino recorrido.

Tras la guerra civil, pioneros como Cualladó, Masats, Pérez Siquier o Joan Colom retrataron una España humilde, sumida en el atraso, carente de medios y con cierta negrura plasmada en sus instantáneas familiares o en reportajes sobre los barrios degradados de Barcelona o Almería, de un país en contraste entre la pobreza y el incipiente desarrollo. Creadores en blanco y negro, que se adaptaron con facilidad y éxito al color más vivo e intenso que requería la “España diferente” y soleada de la promoción turística.

Le sigue otra oleada con artistas tan diversos como Cristina García Rodero, Toni Catany, Humberto Rivas o Pablo Pérez-Mínguez. La “España Oculta” de la artista manchega Cristina García Rodero, una serie elaborada durante quince años, acaparó la atención internacional en su momento y parte de sus archivos fueron adquiridos por el Centro Paul Getty para el estudio etnográfico. En ésta exposición se recogen sus trabajos en un país alejado en el idioma y culturalmente como Haití. Toni Catany, artista refinado y apasionado por el mundo antiguo y las técnicas fotográficas del pasado, nos acerca al mediterráneo destacando por sus naturalezas muertas y los desnudos basados en la estatuaria clásica. Clasicismo y serenidad que muestra también con maestría el fotógrafo de origen argentino afincado en España desde los setenta, Humberto Rivas, mago de los retratos y las soledades, donde el paso del tiempo queda marcado como una seña clara de identidad. Pablo Pérez-Mínguez, gran agitador cultural desde la revista “Nueva Lente”, es la conexión con creadores más pop pertenecientes a la “movida madrileña”, como Alberto García-Alix y Ouka Leele, imbuidos en sus singulares poéticas.

En este gran fresco de la fotografía española no faltan los artistas conceptuales, Chema Madoz, Manuel Vilariño o Bleda y Rosa. El primero, Chema Madoz, es un narrador visual a través de metáforas compuestas por objetos imposibles, con una fuerza y una reflexión características, que comparte -en cierta forma- con el gallego Manuel Vilariño, creador poético, espiritual, telúrico y simbólico cercano a la naturaleza y el arte clásico donde el color y las texturas son nota dominante. Finalmente, Bleda y Rosa, pareja de jóvenes fotógrafos residentes en Londres, articulan unas series en las que el paso del tiempo, la historia, el espacio y la huella del hombre tienen gran importancia.

Las obras se presentan en las siguientes series temáticas: Infancia, Personajes, Retratos, Espaldas, Cuerpos, Religión-Esoterismo, Naturalezas, Paisajes, Manos y Pies, Multitudes.

La exposición se presenta dentro del programa Spain: Arts & Culture, del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, y del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.

La Mirada en el Otro. Premios Nacionales de Fotografía
​Desde el 09 de septiembre hasta el 04 de octubre de 2014
Centro Cultural Juan de Salazar
Tacuary, 745/ Herrera, 834. Asunción, Paraguay

Los orígenes de Pepe España

03/09/2014, El Centro San José de la Diputación de Guadalajara acoge del 4 de septiembre al 31 de octubre la exposición Pepe España, vuelta al origen.

Guadalajara, 3 de septiembre de 2014
José Luis Jimenez España (Málaga, 1930 - Biel, Suiza, 2007) inició su trayectoria artística vinculado a los primeros intentos de renovación de lenguajes en nuestro país en los años cincuenta. Entre 1967 y 1973 se instala en Cuenca, epicentro de los nuevos lenguajes artísticos, convirtiéndose así en uno de los primeros descubridores de la ciudad abstracta, que poblarán los artistas que impulsarán el Museo de Arte Abstracto Español (1966).

Su obra, en esos años sesenta, es mostrada regularmente en las numerosas galerías que surgen al amparo del Museo citado, convirtiéndose también en artista de una de las grandes galerías del Madrid de ese tiempo: la galería Seiquer, y exponiendo en el Pabellón Español de la Feria de Nueva York de 1968.

A inicios de los setenta crea su serie "La cinta" (1970-1971), un conjunto de pinturas acrílicas sobre los que la crítica fijará su atención en ese tiempo, al aunar los descubrimientos abstractos con elementos de los nuevos geómetras y, también, del arte conceptual.

Pintura de planicie de color, bandas y aire pop, en ese nuevo momento de reivindicación de la imagen que son los setenta, "La cinta" supone el análisis del encuentro entre figura y forma artística, plano sinuoso y línea recta, entre el cuadro y su representación en la pintura, embarcándose así con audacia en uno de los períodos claves de su producción.

La exposición resume su producción a través de tres momentos claves de su trayectoria: la serie de "La cinta", los dibujos sígnicos de Cuenca y Berna y los cuadros finales.

Pepe España, vuelta al origen
Centro San José de la Diputación de Guadalajara
4 Septiembre- 31 Octubre 2014

Guerras y patrimonio

01/09/2014, Siria, Irak, Mali, Libia y otros lugares del mundo están sufriendo la destrucción de ciudades y monumentos por los graves conflictos, en los que no se respetan ni las vidas, ni el arte ni la historia.

París, 1 de septiembre de 2014
La UNESCO ha hecho en los últimos meses varios llamamientos para advertir de las amenazas que sufre el patrimonio cultural durante las crisis. No sólo son resultados de los daños colaterales producidos por los enfrentamientos, sino también los ataques concretos generados por la codicia de comerciantes y coleccionistas sin escrúpulos, así como el vandalismo de las facciones que desean borrar los vestigios de culturas de tiempos anteriores.

La propia UNESCO ha elaborado un conjunto de instrumentos internacionales para proteger el patrimonio cultural. La Convención sobre las Medidas que deben Adoptarse para Prohibir e Impedir la Importación, la Exportación y la Transferencia de Propiedad Ilícitas de Bienes Culturales (1970) y la Convención del Patrimonio Mundial (1972) aportan una base para la protección del patrimonio cultural. En la Convención de La Haya para la Protección de los Bienes Culturales en caso de Conflicto Armado 1954) y sus Protocolos también se establecen normas internacionales para hacer frente a los riesgos concretos que amenazan el patrimonio durante un conflicto. Además, en el Estatuto de la Corte Penal Internacional se ha definido la destrucción intencional de edificios históricos como crimen de guerra, lo que proporciona bases sólidas para luchar contra la impunidad relacionada con tales ataques.

Además, el Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas, en su resolución 2100 relativa a Malí y su resolución 2139 relativa a la República Árabe Siria, hizo un llamamiento a la protección del patrimonio cultural y la diversidad. La integración de la cultura en operaciones humanitarias, de recuperación y de reconstrucción brinda una excelente oportunidad para definir el modo en que la protección del patrimonio cultural puede contribuir efectivamente a la respuesta más amplia de las Naciones Unidas a las crisis.

En los últimos meses, desde la Dirección General de la UNESCO se ha alertado a las partes en conflicto y a los interesados sobre la necesidad urgente de preservar de la devastación de la guerra los sitios arqueológicos y culturales, los museos, las bibliotecas y los archivos.

Desde la organización se estima que la preparación de profesionales y comunidades locales es la mejor garantía para mantener a salvo el patrimonio cultural durante una situación de crisis. Por esta razón, las medidas encaminadas a fortalecer las capacidades nacionales y la sensibilización local en relación con la protección de emergencia del patrimonio cultural deben centrarse en la prevención más que en los esfuerzos de último momento. Esto es especialmente cierto en tiempos de conflicto, cuando se hace difícil, si no imposible, que la ayuda internacional llegue a las zonas afectadas.

El observatorio de Siria
Más de tres años de conflicto han tenido un efecto devastador sobre el patrimonio de Siria. Pese al valor y la dedicación de los profesionales de la cultura que se han esforzado por proteger su patrimonio, el alcance de la destrucción y de los daños es importantísimo.

En los casos en que la prevención y la atenuación fracasan, el seguimiento constante y la evaluación inicial de los daños constituyen una prioridad para preparar una respuesta eficaz y coordinada con miras a la recuperación y la futura rehabilitación. Por este motivo, la UNESCO ha puesto en marcha un observatorio internacional en línea para vigilar la situación del patrimonio cultural en Siria y ayudar mediante la cooperación internacional a proteger el patrimonio del país.

El tráfico clandestino
En el plano mundial, el tráfico ilícito es una de las peores amenazas para los bienes culturales durante los conflictos. Cuando la ley y el orden público se encuentran en una situación de fragilidad, el saqueo de sitios arqueológicos y museos no solo es fácil, sino también muy rentable para los grupos delictivos.

Desde la UNESCO se trabaja para acabar con el tráfico ilícito de bienes culturales procedentes de países en situación de riesgo de saqueo, como Siria y el Iraq, en estrecha colaboración con la comunidad internacional, en especial con los países vecinos, y los organismos interesados, principalmente la INTERPOL, la Organización Mundial de Aduanas (OMA), el Centro Internacional de Estudios de Conservación y Restauración de los Bienes Culturales (ICCROM) y el Consejo Internacional de Museos (ICOM). Además, se alerta periódicamente al mercado del arte sobre su deber ético y moral de comprobar la procedencia de los objetos comercializados y de facilitar la restitución de los bienes culturales robados u objeto de excavaciones ilícitas.

El uso militar del patrimonio
Otra amenaza para los yacimientos arqueológicos y los monumentos es su utilización con fines militares o como blanco de operaciones militares, algo prohibido por el derecho internacional, especialmente por la Convención para la Protección de los Bienes Culturales en caso de Conflicto Armado (1954).

En un llamamiento para la salvaguardia del patrimonio cultural de Siria, el Secretario General de las Naciones Unidas, Ban Ki-moon, la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, y el entonces Enviado Especial Conjunto de las Naciones Unidas y la Liga de los Estados Árabes para Siria, Lakhdar Brahimi, advirtieron sobre este importante riesgo y sus efectos devastadores: “La destrucción de la herencia del pasado priva a las generaciones futuras de un poderoso legado, profundiza el odio y la desesperación y socava todos los intentos de alentar la reconciliación. Ahora es el momento de poner fin a la destrucción, edificar la paz y proteger nuestro patrimonio común”.

Rehabilitación
Cuando sea posible emprender actividades de recuperación y reconstrucción, la UNESCO se centra en respaldar los esfuerzos nacionales para reactivar la cultura, reparar los daños y prestar asesoramiento a fin de contribuir a la recuperación y la rehabilitación. En Libia, se ha ha facilitado la elaboración de una estrategia global orientada a desarrollar la capacidad nacional para prevenir el saqueo de bienes culturales. Se han impartido una serie de sesiones de formación especializada en diferentes partes del país centradas en la labor de los agentes de policía y de aduanas.

En Malí, la UNESCO ayuda a la rehabilitación de los mausoleos de Tombuctú. Los dos primeros, destruidos en 2012, se han reconstruido mediante la colaboración con las comunidades locales, pero se necesitan ocho millones de dólares más para restaurar el sitio completo, incluidas las bibliotecas que almacenan cientos de miles de manuscritos antiguos.

El patrimonio cultural también es esencial para que los ciudadanos recuperen el sentido de propósito compartido y de identidad común cuando los conflictos han finalizado.

Mayas, en París

01/09/2014, Tras su exitoso paso por Sao Paulo, la exposición Mayas. Revelación de un tiempo sin fin se presentará en París, del 7 de octubre al 8 de febrero de 2015.

México, 1 de septiembre de 2014
La muestra se ha calificado como la más extensa sobre arqueología maya, por la cantidad e importancia de sus materiales, y concluyó con éxito su estancia en la Ciudad de Sao Paulo, donde fue contemplada por más de 150.000 personas, que entre junio a agosto, conocieron una colección de 388 piezas arqueológicas que abarcan más de tres mil años de historia de esta antigua cultura.

Organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), la exhibición destaca el valor estético de las piezas y aborda las formas de vida, la estructura sociopolítica, la conciencia histórica, la religiosidad y la cosmovisión de esta cultura ancestral.

La próxima sede de la exposición será el Museo de quai Branly, en París, donde se exhibirá del 7 de octubre al 8 de febrero de 2015.

La exposición, que se presentó por primera vez en México, en la Galería de Palacio Nacional en diciembre pasado, y se compone de ocho núcleos temáticos: El hombre y la naturaleza, Comunidad humana y vida cotidiana, El corazón de las ciudades, El hombre frente al tiempo y los astros, Las élites gobernantes y su historiografía, Las fuerzas sagradas, El hombre frente a los dioses: los ritos y Entrar en el camino: ritos funerarios.

Urnas, incensarios, cerámica, estelas, dinteles y máscaras funerarias de jade, así como piezas inéditas, procedentes de hallazgos recientes, entre ellas varios objetos de estuco, así como dos entierros con sus ofrendas que datan del periodo Preclásico (2500 a.C.) al Posclásico (1250-1550 d.C.), encontrados en Balamkú y la isla de Jaina, en el estado de Campeche, componen la colección.

Ejemplos de algunas piezas que conforman la exhibición, que reflejan la capacidad creadora, la sensibilidad estética y la perfección lograda por los mayas, son las cabezas de estuco del rey Pakal, máscaras mortuorias de jade, un marcador monumental de juego de pelota y una pieza de gran valor arqueológico: el Tablero del Trono del Templo XXI de Palenque, una de las expresiones plásticas más excelsas del arte maya.

La OMS pide más atención al Ébola

29/08/2014, Crece la preocupación mundial por el Ébola, y la Organización Mundial de la Salud (OMS) demanda una acción enérgica para detener esta epidemia que afecta al África Central.

Ginebra, Suiza, 29 de agosto de 2014
Según la OMS, en las últimas tres semanas se han detectado casi el 40 por ciento de los casos de Ébola que históricamente se han contabilizados hasta ahora. Al 27 de agosto de 2014, el número acumulado de casos de Ébola en los países afectados superaba los 3000, con más de 1.400 muertes. La OMS advierte que tambien se ha alcanzado un número sin precedentes de trabajadores de la salud también infectados por este brote.

La OMS quiere detener la expansión de la enfermedad en unos 6-9 meses, y ha elaborado una hoja de ruta con organizaciones internacionales, que espera se apoye con recursos del Banco Mundial.

Según esta organización sanitaria, el virus del Ebola causa en el ser humano la enfermedad homónima (antes conocida como fiebre hemorrágica del Ebola). Los brotes de enfermedad por el virus del Ebola (EVE) tienen una tasa de letalidad que puede llegar al 90%. Los brotes de EVE se producen principalmente en aldeas remotas de África central y occidental, cerca de la selva tropical. El virus es transmitido al ser humano por animales salvajes y se propaga en las poblaciones humanas por transmisión de persona a persona. Se considera que los huéspedes naturales del virus son los murciélagos frugívoros de la familia Pteropodidae.

Una organización muy activa en este ámbito, Médicos Sin Fronteras, ha llamado la atención sobre el impacto en Liberia, donde la enfermedad “se desboca” y ha pedido también que las organizaciones internacionales se vuelquen en una acción urgente y coordinada, por encima de discusiones y protagonismos.

Médicos sin Frornteras alude a que el brote de Ébola se extiende rápidamente en Monrovia y satura los escasos centros médicos que aceptan pacientes infectados. Gran parte del sistema sanitario de la ciudad ha dejado de funcionar debido al miedo de los propios médicos, enfermeros y pacientes al virus. Muchísima gente se ha quedado sin acceso a la salud, generando una segunda emergencia en la propia emergencia.

Hasta hace apenas un par de semanas, la expansión del virus ha sido minusvalorada. La propia Organización Mundial del Turismo (OMT), declaró a medidos de agosto que el riesgo de transmisión de la enfermedad durante los viajes por vía aérea es bajo. “A diferencia de infecciones como la gripe o la tuberculosis, el Ébola no se transmite respirando el mismo aire (y las partículas en suspensión que contiene) que una persona infectada. La transmisión requiere el contacto directo con sangre, secreciones, órganos u otros fluidos corporales de personas o animales vivos o muertos infectados, exposiciones todas ellas improbables para el viajero medio. En cualquier caso, se aconseja a los viajeros evitar todos los contactos de este tipo, y practicar de manera rutinaria una higiene cuidadosa, como lavarse las manos”.

El riesgo de contraer la infección en un avión también es bajo, ya que las personas enfermas suelen sentirse tan mal que no pueden viajar, y la infección requiere el contacto directo con los fluidos corporales de la persona infectada. Dijo la OIMT que la mayoría de las infecciones en Liberia, Guinea y Sierra Leona están teniendo lugar en la comunidad, cuando los familiares o amigos cuidan de alguien que está enfermo, o cuando la preparación de los funerales y las ceremonias de entierro no siguen medidas estrictas de prevención y control de la infección.

Un segundo lugar importante en que la transmisión puede tener lugar es en las clínicas y otros entornos de atención de salud, donde los trabajadores sanitarios, los pacientes y otras personas tienen contacto sin protección con una persona infectada.

Es importante señalar que una persona que está infectada sólo puede transmitir el virus a otros una vez haya comenzado a tener síntomas. Por lo general, una persona no tiene síntomas durante un período comprendido entre dos y 21 días (el “período de incubación”). Los síntomas son fiebre, debilidad, y dolores musculares, de cabeza y de garganta. Esto va seguido de vómitos, diarrea, erupciones cutáneas y hemorragias.

192 elefantes masacrados

29/08/2014, La pérdida masiva de elefantes en el ecosistema del Serengeti siembra la preocupación entre los conservacionistas y los amantes de este gran animal en peligro de extinción.

Tanzania, 29 de agosto de 2014
Un informe reciente del Ministerio de Recursos Naturales y Turismo de Tanzania ha revelado un preocupante número de cadáveres de elefantes en el ecosistema Serengeti-Mara, al este de África. Se han contabilizado un total de 192 cadáveres de elefantes, 117 en Kenia y 75 en Tanzania.

Estas cifras han alarmado a las sociedaces conservacionistas de Kenia y Tanzania, que han hecho un llamamiento a sus gobiernos para luchar contra la caza furtiva de elefantes y encontrar soluciones duraderas a los desafíos que enfrentan las especies en peligro de extinción, que incluyen no sólo al elefante, sino también al rinoceronte.

El informe del Ministerio de Recursos Naturales y Turismo de Tanzania arroja datos generales esperanzadores, ya que en el último censo realizado ha aumentado el número de elefantes y búfalos en el ecosistema Serengeti-Mara. Esto demuestra que a pesar de la amenaza de la caza furtiva la población de elefantes está aumentando y esto se puede atribuir a los esfuerzos que las autoridades y las organizaciones dedicadas a proteger la vida salvaje han realizado en los últimos años.

Llega el otoño a la BNE

28/08/2014, La Biblioteca Nacional de España presenta sus ciclos de conferencias y exposiciones para el último trimestre del año 2014.

Madrid, 28 de agosto de 2014
El otoño comienza el 16 de septiembre en la BNE, con la inauguración de la exposición "Las edades del mundo", en la que se mostrarán los ejemplares incunables de Liber Chronicarum y que podrá visitarse hasta el 23 de noviembre de 2014.

Pocos días después se presentará "Cantorales. Libros de música litúrgica de la BNE" (del 19 de septiembre de 2014 al 18 de enero de 2015), en la que se darán a conocer los ejemplares más notorios de este tipo de libros de los que la Biblioteca conserva cerca de un centenar.

El 23 de septiembre se realizará un homenaje a dos grandes exponentes de la literatura argentina del siglo XX: Julio Cortázar y Adolfo Bioy Casares.

El ciclo Los clásicos españoles a la carta dará comienzo el 7 de octubre con la conferencia Alfonso X el Sabio, el renacimiento de las letras castellanas medievales, a cargo de Marta Haro Cortés, profesora Titular de la Universitat de València. Le seguirá el día 14 la de Fernando de Rojas y la Celestina: una obra entre la Edad Media y los Siglos de Oro, con Esther Borrego, profesora Titular de la Universidad Complutense de Madrid. El 21 tendrá lugar la conferencia Miguel de Cervantes Saavedra, un autor más allá del Quijote, con la presencia de José Manuel Lucía Megías. El 28 de octubre la conferencia Calderón de la Barca, o el triunfo del teatro en los Siglos de Oro, correrá a cargo de Germán Vega, catedrático de la Universidad de Valladolid. Y, por último, el 4 de noviembre se Luis Cernuda, entre la realidad y el deseo, con Juan Ignacio Díez, catedrático de Literatura Española de la Universidad Complutense de Madrid.

El 16 de octubre, con motivo del centenario del nacimiento de Camilo José Cela (1916-2002), la Biblioteca Nacional de España organizará un acto en el que la viuda del escritor, Marina Castaño, y uno de los mejores conocedores de la vida y los quehaceres del Premio Nobel de Literatura 1989, el profesor Adolfo Sotelo Vázquez, conversarán acerca de su personalidad y su obra.

Desde el 13 de noviembre de 2014 y hasta el 25 de enero de 2015 la Biblioteca de la BNE presentará "Retrato y Literatura. Colección premios Cervantes de la BNE". Una muestra que pone de relieve la colección de retratos pictóricos y fotográficos de los autores galardonados con este premio.

Más actividades en: http://www.bne.es/es/Inicio/index.html

Gustave Doré: Maestro de la Imaginación

27/08/2014, Una exposición que explora el mundo imaginativo de Gustave Doré a través de más de 100 notables obras de arte en las que se superponen fantasía y realidad.

Ottawa, 27 de agosto de 2014
Dibujante, pintor y escultor, Gustave Doré es sin duda el más famoso ilustrador de todos los tiempos. Gustave Doré: Master of Imagination es la primera retrospectiva integral dedicada a este gran artista. La exposición, organizada en colaboración con el Musée d'Orsay en París y que podrá verse hasta el 14 de septiembre de 2014 en la National Gallery de Canadá, muestra la gran diversidad artística de Doré a través de una selección de más de 100 grabados, dibujos, pinturas y esculturas.

Doré fue un artista de imaginación extraordinaria que ha sido fuente fecunda de inspiración para muchos artistas y cineastas del siglo XX y XXI. El artista francés aplicó su talento a diferentes géneros, creando desde lienzos a gran escala y enormes esculturas barrocas, hasta intimistas dibujos a tinta y minuciosos grabados.

Con tan sólo 15 años de edad, Doré comenzó su carrera como caricaturista. Más tarde se convirtió en un ilustrador profesional, contribuyendo al nacimiento de la novela gráfica. Doré creó conocidas ilustraciones de clásicos como los Cuentos de Hadas de Perrault, El Quijote de Cervantes y el Infierno de Dante, así como su extraordinaria edición de la Biblia.

La muestra se divide en varias secciones que analizan los ámbitos en los que Gustave Doré se movió con pasión a lo largo de su carrera:

Entre el Cielo y la Tierra
Doré tenía un talento excepcional. Trabajó en diversos medios como el dibujo, la impresión, la pintura y la escultura, realizando en ocasiones espectaculares piezas de gran formato. A lo largo de su carrera le fascinaron temas como el amor, el sacrificio, la muerte, la gloria o la miseria.

Sátira y Periodismo Popular
En la primera etapa de la carrera de Doré, el artista dibujó caricaturas satíricas para prensa. Su trabajo ha contribuido al desarrollo posterior del cómic y de las novelas gráficas modernas.

Imaginación Literaria
De los cuentos de hadas y las fábulas de La Fontaine y Perrault a los poemas épicos de Dante y Tennyson, de las sátiras de Rabelais a las visiones melancólicas y presentimientos de Poe, Doré es conocido por sus ilustraciones de las obras clásicas. Su vívida y extraordinaria imaginación se puede ver en sus dibujos y acuarelas, bocetos preparatorios para ilustraciones de libros, grabados individuales, libros ilustrados y pinturas monumentales.

Pintorescos y Sublimes Paisajes
Doré pintó grandes paisajes a lo largo de su carrera, sobre todo después de la década de 1860. Destacan sus paisajes agrestes y montañosas de los Alpes, los Pirineos y las Tierras Altas de Escocia. Estas obras gozaron de gran éxito en Norteamérica, por lo que hoy en día se pueden encontrar paisajes de Doré en muchas colecciones privadas e instituciones a este lado del Atlántico.

La Guerra Franco-Prusiana (1870-1871)
Durante la guerra Franco-Prusiana Doré utilizó su lápiz y su pincel para representar la gran devastación de París durante el sitio, y la pérdida de su Alsacia natal.

Visiones de España y Londres
Doré capturó la España agraria y la Londres más metropolitana, dos polos en el imaginario cultural del siglo XIX europeo. La exótica Península Ibérica, una puerta mediterránea al norte de África y las tierras de la gitana, en contraposición de la industrialización de las metrópolis industriales del Londres victoriano.

"Pintor-Predicador": El Arte como Religión
La iconografía religiosa empezaría a interesar a Doré después de que el artista completara un inmenso proyecto: la edición de dos volúmenes de la Biblia con más de 200 ilustraciones. La temática de la religión protagonizaría a partir de entonces algunos de sus lienzos más grandes, muchos de los cuales fueron exhibidos en la Galería Doré en Londres, donde recibió grandes críticas.

Gustave Doré: Maestro de la Imaginación
Hasta el 14 de septiembre de 2014
National Gallery of Canada
380 Sussex Drive
Ottawa, Ontario

Josep Tapiró. Pintor de Tánger

26/08/2014, En el siglo XIX la ciudad de Tánger se convirtió en fuente de inspiración de artistas como Josep Tapiró, que querían representar un mundo oriental exótico.

Barcelona, 26 de agosto de 2014
La mayoría de los pintores orientalistas conocieron las calles de Tánger de paso y, en casi todos los casos, sus obras reproducían los clichés habituales del género orientalista. En cambio, Josep Tapiró (Reus, 1836 – Tánger, 1913) adquirió un compromiso vital con aquella realidad. En 1877, después de haber vivido en Roma durante quince años y tras consolidarse como pintor acuarelista, se instaló y ubicó su estudio en el corazón de la medina tangerina, donde lo largo de más de tres décadas, sus pinceles inmortalizaron la vida tradicional y el aspecto de los tangerinos más pintorescos.

Con un estilo virtuoso, que alcanzaba una extraordinaria verosimilitud, convertía sus imágenes en verdaderos documentos testimoniales de un mundo en retroceso ante la rápida europeización de la ciudad.

En el mercado artístico internacional, sus obras fueron consideradas entre las mejores del género orientalista, y se vendían a precios elevados en las galerías más prestigiosas de Londres. Asimismo, en su ciudad adoptiva, muy pronto fue considerado un personaje ilustre, lo que le facilitó la consecución de modelos y la venta de obras a tangerinos adinerados y a los visitantes de la medina.

Desgraciadamente, después de su muerte, diversas circunstancias relegaron su figura casi al olvido. Cuando se han cumplido cien años de su desaparición, el Museu Nacional d’Art de Catalunya reivindica su obra y muestra una selección de las mejores acuarelas tangerinas.

La obra del pintor orientalista Josep Tapiró se encuentra hoy en día dispersa por medio mundo. En el aniversario de su muerte, el Museu Nacional d’Art de Catalunya recupera y reivindica con esta muestra monográfica la calidad del artista catalán, el primer pintor peninsular que se instaló en Tánger, acercándose a la vida tradicional marroquí. Este paso decisivo le lleva mucho más lejos que a la mayoría de pintores orientalistas: más allá de lo pintoresco y la ensoñación literaria.

Tapiró había descubierto Tánger, ciudad considerada «la puerta de África», unos años antes de tomar la decisión de instalarse en ella, en 1871, durante un viaje en compañía de su gran amigo Mariano Fortuny. Aquel primer viaje dejó en él una profunda huella y le reveló los que iban a ser los grandes temas de toda su obra: la representación de la vida tradicional norte-africana y sus protagonistas.

En Tánger, Tapiró viviría desde 1877 y hasta su muerte, y durante todos esos años el pintor realizó una aproximación casi científica a la sociedad magrebí.

En la obra de Tapiró, inspirada por la filosofía positivista, hay rigor documental y un cuidadoso objetivismo. El pintor se sumerge e implica en aquella realidad y huye de los lugares comunes de moda desde el romanticismo. Busca la verosimilitud y en sus obras rompe con el «sueño oriental» alimentado por los relatos de los viajeros y recreado por la literatura.

El pintor consigue entrar en lugares hasta entonces vedados a los extranjeros, asiste a las ceremonias religiosas e, incluso, parece que llega a disfrazarse para colarse en un gineceo y así poder asistir a la ceremonia de preparación de una novia. Las bodas, las tradiciones religiosas y las escenas de la vida doméstica, que él describe con todo detalle, constituyen un verdadero relato pictórico de los aspectos más atractivos de la vida tradicional tangerina.

Tapiró fue un artista absolutamente extraordinario, de marcada personalidad y lenguaje propio, y un virtuoso acuarelista. Sus composiciones van más allá de los estereotipos y su experiencia directa le otorga una sustancial autenticidad. Durante décadas su estilo se mantuvo casi inmutable, impermeable a cualquier innovación, y siempre al margen de la modernidad, lo que contribuiría a su posterior olvido.

Josep Tapiró Baró
Tapiró se formó en Barcelona, en Llotja, con Claudi Lorenzale, y en Madrid, en la Escuela Superior de Pintura y Grabado, con Federico Madrazo.

La primera etapa de su trayectoria transcurrió en Roma, junto a Mariano Fortuny (Reus, 1838 – Roma, 1874), su amigo desde la infancia.

Tapiró se especializó en la técnica de la acuarela y la aplicó a la representación de temas costumbristas, y sobre todo, de tipos populares, consiguiendo un notable éxito comercial.

En 1877, tres años después de la muerte de su amigo Fortuny, Tapiró abandonó Roma para establecerse en la ciudad marroquí de Tánger. Allí adquirió una casa, en plena medina. Además, cerca del puerto, en un edificio que había sido un teatro, instaló su estudio museo.

Pronto consiguió reconocimiento, tanto es así que la calle dónde estaba situado su taller pasó a llamarse calle Estudio Tapiró. En este lugar pintó acuarelas que vendía en Londres a precios elevados, y que a menudo fueron elogiadas por el público y la crítica. En Inglaterra, en la época victoriana, la técnica de la acuarela gozaba de un gran prestigio y el género orientalista, además, tenía una gran aceptación.

El pintor recibió importantes premios y llegó a convertirse en uno de los artistas más reconocidos de su tiempo, pero también ha sido uno de los más olvidados posteriormente. En Tánger, a causa de la superación de su pasado internacional; en Cataluña, por el alejamiento del pintor durante décadas y por el hecho de que parte importante de sus trabajos se comercializaron en el mercado internacional, por lo que se encuentran dispersos por medio mundo.

Josep Tapiró. Pintor de Tánger
Hasta el 14/09/2014
Sala de exposiciones temporales
Museu Nacional d’Art de Catalunya

La ballena franca austral

26/08/2014, Uruguay ha diseñado toda una red turística regulada en torno a este cetáceo, que cada año se acerca a las tranquilas aguas de Maldonado y Rocha en su época de parto.

Uruguay, 26 de agosto de 2014
Uruguay es uno de los países más vanguardistas en la protección de la ballena franca austral y en la regularización del interés turístico formado alrededor de ella. El país regula el Avistaje de Cetáceos Embarcado, dando un marco legal a las actividades vinculadas con la observación de particulares a ejemplares protegidos. También se ha constituído un Registro de Prestadores Turísticos para la Observación de Cetáceos y se ha declarado el 1 de Octubre Día Nacional de la Protección de la ballena franca.

Así, el país se presenta como el destino ideal para el avistamiento de la gran ballena franca austral, un mamífero en peligro de extinción, que cada año pasa por los departamentos de Maldonado y Rocha para dar a luz a sus crías en estas tranquilas aguas.

El país latinoamericano cuenta con un circuito de torres en lugares estratégicos y embarcaciones que parten desde Punta del Este y La Paloma a los lugares más transitados por estos impresionantes cetáceos, cuya temporada de mayor movimiento tiene lugar durante el invierno austral (del mes de Julio al de Octubre en el hemisferio norte).

La ballena franca austral, que llega a medir 16 metros de largo y de la que en 1995 sólo quedaban cerca de 5.000 ejemplares, desciende desde la Antártida a aguas más tranquilas y templadas para huir del aumento de las temperaturas y para aparearse.

En las serenas aguas de los departamentos de Rocha y Maldonado, en la parte más al este del país de Uruguay, cada año, las ballenas dan a luz a los ballenatos y les realizan los primeros cuidados antes de emprender el regreso a la Antártida.

En su ruta transoceánica la ballena franca austral realiza paradas casi obligatorias cerca de las costas para deleite del ser humano, que aprovecha la ocasión para acercarse a uno de los animales más grandes existentes hoy en día en la Tierra.

Algunos de los lugares en los que se ha registrado presencia de ballenas en años anteriores son Playa Hermosa, Punta Colorada, Punta Negra o Punta Chileno, donde se ha constatado el mayor número de ballenas francas australes dada la profundidad de las aguas en la costa, lo que permite que se acerquen a escasos metros. Además, en el año 2002 se construyeron nueve plataformas de avistamiento, tres en el departamento de Maldonado: Punta Ballena, Punta Chileno y Punta Salinas; y seis en el de Rocha: Costa Azul, Punta del Diablo, Playa del Barco, Playa La Moza, Parque Santa Teresa y Cerro Verde.

Cerámica italiana. Homenaje a Manuel Casamar

25/08/2014, Una exposición-homenaje a Manuel Casamar (1920–2014), cuya póstuma publicación fue el catálogo de cerámica italiana del Museo Nacional de Artes Decorativas.

Madrid, 25 de agosto de 2014
La colección de cerámica italiana del Museo Nacional de Artes Decorativas cuenta con más de setenta ejemplares pertenecientes a catorce centros alfareros de Italia (Faenza, Urbino, Venecia, Pavía, Gubbio, Montelupo, Savona, Florencia, Cantagalli, Deruta, Casteldurante, Castelli, Caltagirone y Nápoles), lo que la convierte en una de las colecciones más importantes a nivel internacional.

Dentro del conjunto conforman un núcleo de especial interés los objetos de los siglos XVI y XVII, ya que, si bien durante el s. XV había sido la loza española de reflejo metálico la que se exportó a toda Europa, a partir del s. XVI Italia ocupa el puesto de honor. Desde ese momento la loza italiana sustituye a la española, y Reyes y nobles encargan estas nuevas vajillas realizadas al gusto renacentista a las distintas ciudades italianas dedicadas a su producción, entre las que destacan los centros de Urbino y Faenza.

Las vajillas de Nicola de Urbino, los Grue o los Fontana vistieron de este modo las mesas del papado, nobles y reyes. Su riqueza cromática y las figuras que las decoran fueron la clave de su éxito. El soporte, en lugar de un lienzo o una tabla, fue la superficie esmaltada en blanco sobre la que se pintó con distintos óxidos que brillaban en su superficie.

La exposición, en la que se muestra una selección de piezas pertenecientes al Museo, supone un homenaje a Manuel Casamar Pérez (1920–2014), infatigable trabajador del mundo del arte cuyas publicaciones versan principalmente sobre cerámica, en particular sobre la hispanomusulmana, marfiles, el mercado del arte, y artes suntuarias.

Manuel Casamar participó activamente en el incremento de la colección de cerámica italiana del Museo Nacional de Artes Decorativas con la donación de gran parte de sus colecciones. Su estudio acerca de la cerámica italiana de la colección del Museo Nacional de Artes Decorativas, obra que vio la luz el año pasado (Madrid, Fundación Barrero, 2013), ha servido como base de la presente exposición, que podrá visitarse hasta el 29 de septiembre en la institución madrileña.

Cerámica italiana. Homenaje a Manuel Casamar
Hasta el 28/09/2014
Museo Nacional de Artes Decorativas

Descubriendo a Miguel Ángel

25/08/2014, La exposición del Musei Capitolini conmemora los 450 años de la muerte de Miguel Ángel Buonarroti en Roma el 18 de febrero de 1564.

Roma, 25 de agosto de 2014
Esta interesante exposición reúne más de ciento cincuenta obras de las cuales setenta están realizadas por el artista toscano. Las obras proceden de muchas de las principales instituciones culturales en Italia, que han querido colaborar en la conmemoración del 450 aniversario de la muerte del genio.

Algunas de las obras expuestas se pueden contemplar juntas por primera vez, en un extraordinario compendio de inigualable calidad artística, en la que se puede profundizar en la huella que imprimió Miguel Ángel en géneros como la pintura, la escultura, la poesía o la arquitectura.

El hilo conductor que guía el curso de la exposición está marcado por una serie de temas opuestos que ponen de relieve el contraste de temáticas que abordó el artista a lo largo de su vida: lo moderno y lo antíguo, la vida y la muerte, batalla: victoria y encarcelamiento, las reglas y la libertad o el amor de la tierra y lo espiritual.

1564-2014 MICHELANGELO. INCONTRARE UN ARTISTA UNIVERSALE
Museos Capitolinos, Roma
Hasta el 14 de septiembre de 2014

Rafael Sanz Lobato. Fotografías 1960-2008

22/08/2014, El Palacio de La Lonja de Zaragoza dedica una retrospectiva a la extensa trayectoria de este fotógrafo documental, que ha sabido captar con su cámara el carácter y la idiosincrasia de los pueblos de España.

Zaragoza, 22 de agosto de 2014
Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932), Premio Nacional de Fotografía 2011, pertenece a una generación irrepetible de fotógrafos de posguerra que desde los años 50 del pasado siglo dio a España una producción documental excepcional reflejando con su objetivo la diversidad cultural de nuestro país.

Sanz Lobato rechazó las herencias de preguerra y se desvinculó de ellas, trabajando con pasión y espíritu transgresor respecto al entorno establecido, tanto social como político y, naturalmente, frente a la la práctica fotográfica dominante.

Como documentalista realiza varias series: Bercianos de Aliste, La caballada de Atienza, A Rapa das Bestas, o Auto sacramental de Camuñas; de todas ellas hay ejemplos en la exposición, que incluye, además otras tres secciones: Otras historias, Retratos y Bodegones.

La fotografía documental de Rafael Sanz Lobato rememora e interpreta una manera de vivir en un período no muy lejano de la España profunda, donde el carácter y el alma de este país se manifiestan a través de los ritos religiosos o civiles. Sus temperamentales imágenes nos fascinan y nos enseñan una España árida y al tiempo majestuosa.

La obra de Sanz Lobato es clave en la fotografía realista moderna española, y ha influido de forma importante en autores de generaciones sucesivas.

Rafael Sanz Lobato. Fotografías 1960-2008
Palacio de La Lonja, Zaragoza
Hasta el 07 de septiembre de 2014

Sorolla en Alicante

22/08/2014, La exposición Fiesta y Color llama la atención sobre una faceta de la actividad de Joaquín Sorolla que une a su producción pictórica una interesante labor de coleccionista.

Alicante, 22 de agosto de 2014
El pintor valenciano Joaquín Sorolla detuvo su mirada en las costumbres, gentes y tradiciones populares en dos momentos de su vida. En su etapa de juventud, durante su estancia en Asís (Italia) y a su regreso a Valencia (1885-1890), la buena salida en el mercado de los cuadritos de género llevó a Sorolla a pintar escenas costumbristas en la estela de Fortuny. Son pinturas muy detallistas, de una técnica depurada, que representan escenas amables frecuentemente ambientadas en Valencia.

La segunda etapa nos muestra a un Sorolla plenamente asentado, con una carrera triunfal, que entra en contacto con el mercado americano, donde le hacen importantes encargos que devolverán a Sorolla a los temas regionales, aunque desde una perspectiva, una técnica y una seguridad artística completamente diferentes.

En 1911 Sorolla se compromete a pintar la serie “Regiones de España”, destinada a la Biblioteca de la Hispanic Society de Nueva York. Se trata de 14 grandes cuadros de algunas regiones españolas, que se caracterizaban por sus gentes, trajes, costumbres y paisajes.

Sorolla decide conocer de primera mano y pintar del natural los trajes y tipos populares, los paisajes y los matices de la luz de cada región, por lo que durante ocho años de viajes se documenta y adquiere fotografías y piezas relacionadas con su encargo: trajes de mujer y de hombre, de fiesta y de trabajo; joyas y todo tipo de complementos: sombreros, mantas, alforjas, etc. Sorolla retratará estas piezas en unos cuadros de tamaño natural, que le sirven de boceto y de documentación visual para luego componer su obra.

La muestra, dividida en 4 ámbitos: Castilla, Valencia, Valles Pirenaicos y Andalucía, reúne algunas de esas pinturas con las piezas de indumentaria popular que Sorolla adquirió, parte de las cuales se conservaban en el Museo Sorolla, mientras que otras han sido recientemente donadas a la Fundación Museo Sorolla por la familia Pons-Sorolla. Son en total 25 cuadros (figuras y paisajes) y 9 conjuntos de indumentaria, incluyendo joyas, así como una selección de fotografías y cartas. Junto con las propias colecciones del Museo Sorolla se exponen piezas del Museo del Traje y de la Fundación La Argentinita Pilar López.

Fiesta y Color. La mirada etnográfica de Sorolla
Hasta el 19 de octubre de 2014
Museo de Bellas Artes Gravina, MUBAG. Alicante

Momias. Testigos del pasado

21/08/2014, A partir del próximo mes de octubre, el Parque de las Ciencias de Granada profundizará en el mundo egipcio con la exposición Momias. Testigos del pasado.

Granada, 21 de agosto de 2014
Bajo el título Momias. Testigos del pasado, la exposición del Parque de las Ciencias de Granada mostrará 50 momias y restos originales procedentes de 24 entidades y museos de todo el mundo.

El montaje de la exposición arranca este agosto con la llegada de las primeras piezas, procedentes del Laboratorio de Antropología Forense de la Universidad de Granada.

Los avances tecnológicos permiten nuevas investigaciones sobre las momias y nuevos descubrimientos, y es que las momias egipcias son una importantísima fuente de información sobre esta rica cultura del pasado.

Gracias a los restos se pueden contestar preguntas tales como cuánto vivíamos y cúal era el entorno natural de la zona, cómo éramos y de qué nos alimentábamos o cómo eran aquellas sociedades... Esta exposición propone una mirada a las momias para ilustrarnos sobre como gracias a su estudio disponemos de una gran cantidad de datos del pasado sobre enfermedades, alimentación, rituales, tecnología, etc.

Las momias son un recurso de gran valor histórico, científico y antropológico. Son testigos “mudos” que nos conectan directamente con un pasado que deseamos conocer mejor y que sigue fascinando al ser humano a pesar del paso de los siglos.

Momias. Testigos del pasado ocupará una superficie de 1.600 m2 donde el público observará en directo no sólo originales de momias, procedentes de diferentes partes del mundo, sino también todos los elementos antropológicos y culturales relacionados con la momificación. Sarcófagos, amuletos, esculturas, vasos funerarios, y ajuares irán dibujando el valor de las momias, no sólo desde el punto de vista cultural o antropológico sino también desde el científico.

Últimos días de Pessoa en España

20/08/2014, El próximo domingo 24 de agosto se clausura la exposición dedicada a Fernando Pessoa, en la Biblioteca Nacional de España.

Madrid, 20 de agosto de 2014
La exposiciσn dedicada a Fernando Pessoa (1888-1935) en la BNE muestra la huella de Espaρa en la obra del autor portuguιs. A pesar de que Pessoa nunca visitσ Espaρa, durante toda su vida sintiσ un gran interιs por sus contemporαneos espaρoles.

En la muestra el visitante puede descubrir el legado del autor a travιs dese la traducciσn que se hizo de algunos de sus poemas en el diario onubense La Provincia, en 1923, cuando Rogelio Buendνa (su traductor) inaugura la presencia del lusitano en Espaρa a travιs de sus textos.

Pero la figura del poeta no cobrarνa relevancia hasta despuιs de su muerte, con las primeras traducciones de Αngel Crespo en los aρos cincuenta, la cιlebre antologνa de Octavio Paz en los aρos sesenta y las ediciones de los setenta y posteriores, que harνan de Pessoa el autor portuguιs del siglo XX por antonomasia.

Entre otras obras, en la exposiciσn estαn Fernando Pessoa y su creaciσn poιtica (1955), de Joaquνn de Entrambasaguas, (1904-1995); Fernando Pessoa (1983), de Josι Luis Garcνa Martνn; Libro del desasosiego, de Pessoa; Estudios sobre Pessoa (1984), de Angel Crespo (1926-1995); El texto νntimo: Rilke, Kafka y Pessoa ( 1993), de Fernando Castro Flσrez; Lisboa: la ciudad de Fernando Pessoa (2012), de Juan Josι Vαzquez de Avellaneda; Since the desintegration of Spain (carta de 1931 de Pessoa, en la que polemiza con Miguel de Unamuno); un retrato en σleo sobre tela, realizado al portuguιs en 1912 por Adolfo Rodrνguez Castaρι; Carta astrolσgica da Segunda Repϊblica Espanhola ( 1931), de Pessoa; y Poesνa, ontologνa y tragedia en Fernando Pessoa (2012), de Pablo Javier Pιrez Lσpez.

La singularidad de la pirámide de Meidum

20/08/2014, La pirámide de Meidum, situada a 100 kilómetros al Sur de El Cairo, es una construcción arquitectónica del Antiguo Egipto considerada de gran importancia arqueológica e histórica.

El Cairo, 20 de agosto de 2014
El Ministerio de Turismo de Egipto y el de Antigüedades han incluido la Pirámide de Meidum, perteneciente a Beni Suef, en el programa de visita a las pirámides de Giza.

La construcción se localiza en la ribera occidental del río Nilo, a unos 100 kilómetros al Sur de El Cairo, y se trata de una de las pirámides de estructura escalonada más antiguas del mundo.

Una construcción singular
La pirámide de Meidum fue mandada construir por el último faraón de la III dinastía, Huni, en el siglo XXVI a.C. Su hijo y sucesor Snefu, fundador de la IV dinastía, hizo completar la edificación y transformarla en una pirámide de caras lisas. En la actualidad, esta última parte ha desaparecido y sólo se pueden apreciar cuatro de los siete pisos, lo que le dio el nombre de “falsa pirámide”.

En los alrededores del complejo se encuentra una necrópolis de la IV dinastía, que agrupa las tumbas de príncipes y personalidades importantes de la corte. Entre ellas está la mastaba o tumba de Nefermaat, hijo de Snefu, que albergaba la famosa pintura de los Gansos de Meidum, actualmente expuesta en el museo de El Cairo.

Historia de Panamá a través de la Fotografía

19/08/2014, Hasta el 28 septiembre 2014 en el Museo del Canal de Panamá se puede visitar una muestra fotográfica dedicada al devenir histórico de Panamá desde 1860 hasta la actualidad.

Panamá, 19 de agosto de 2014
A través de un nutrido fondo fotográfico de más de doscientas imágenes, esta muestra da cuenta del devenir histórico de Panamá desde 1860 -año en que se fechan las fotografías más antiguas conocidas en el país-, hasta la actualidad.

La instantánea fotográfica es una fuente documental imprescindible para la investigación histórica. A través de la lente de numerosos fotógrafos, esta muestra presenta esos instantes fugaces que nos revelan cómo era el rostro de nuestros ancestros, cómo vestían, cómo eran las calles, las viviendas, las ciudades, y retrata momentos ya heroicos o trágicos, sublimes o rutinarios.

Esta exposición, la primera de esta naturaleza que se realiza en Panamá, ha sido realizada con la ayuda de Fundación Mapfre. Las fotografías seleccionadas muestran una excepcional calidad técnica y estética, debida al gran interés suscitado por el país entre los fotógrafos en diferentes coyunturas del pasado, y a que algunos se encuentran entre los más famosos de su tiempo.

El Museo del Canal Interoceánico de Panamá se encuentra ubicado en el Casco Antiguo de la Ciudad de Panamá, corregimiento de San Felipe, Plaza de la Independencia entre las calles 5ta y 6ta.

Las Bañistas de Vázquez Díaz, en Oviedo

18/08/2014, El Museo de Bellas Artes de Asturias presenta el óleo Las Bañistas/Desnudos en la piscina, considerado como el colofón de una época en la producción artística del pintor onubense Vázquez Díaz.

Oviedo, 18 de agosto de 2014
Las primeras dיcadas del siglo XX en Espaסa ofrecen un panorama artםstico y literario lleno de complejidades y caminos que se cruzan generבndo un mapa que los historiadores, e incluso los propios artistas, denominan Arte Nuevo.

En este contexto del Arte Nuevo, cuya “modernidad” se suele medir en base a su relaciףn con el movimiento de vanguardia internacional, prevalecen sin embargo las poיticas individuales de cada uno de los artistas.

En estos aסos conviven el תltimo simbolismo con el novecentismo de la Generaciףn del 14 –que, herederos de la del 98, continתan exaltando la tradiciףn espaסola pero desde la contenciףn y la formalidad–, junto con los lenguajes mבs vanguardistas de Ramףn Gףmez de la Serna, Rafael Barradas o el matrimonio formado por Sonia y Robert Delaunay. Ademבs de esto, al menos en la capital espaסola, hay que aסadir lo que conocemos como “retorno al orden”, espםritu que por estos aסos impregna a casi toda Europa tras la Gran Guerra y que tiene en el Novecento italiano a uno de sus grandes protagonistas.

El cuadro Baסistas / Desnudos en la piscina que presenta el Museo de Bellas Artes de Asturias y forma parte de las Colecciones FUNDACI׃N MAPFRE, se gesta en este ambiente, una יpoca especialmente compleja en la historia del arte espaסol.

En los aסos treinta, fecha de dataciףn de la obra, Daniel Vבzquez Dםaz (Nerva, Huelva, 1882-Madrid, 1969) es ya un pintor en plena madurez, ha vuelto de Parםs y ha sido nombrado patrono del Museo de Arte Moderno. La temבtica del desnudo irrumpe en su obra por estas fechas y nos ofrece una idea inmejorable de la trayectoria de este artista. Las baסistas parten de una tradiciףn pictףrica que tiene en El Baסo Turco (1862) de Ingres una de sus mejores representaciones. A pesar de ser la del espaסol una obra de gran formato, el ambiente intimista de la escena nos indica que las mujeres estבn ahם para ser contempladas, al igual que ocurre con la obra de Ingres o con otra de las grandes obras a las que Vבzquez Dםaz parece aludir: Las seסoritas de Aviסףn (1907) de Pablo Picasso.

Una serie de figuras se despliega en el primer plano de una habitaciףn, en cuyo fondo se abre un quicio que sugiere otro espacio, cobijando una figura; a la derecha, la figura en pie queda en penumbra; a la izquierda, un plano vertical deja asomar tras יl otra figura; en la pared del fondo, un marco rectangular quizב alude a un espejo. Esta distribuciףn nos rememora otra gran obra de la historia del arte espaסola, las Meninas de Velבzquez. No hay constancia documental de que esta sea la intenciףn de Vבzquez Dםaz, sin embargo sם sabemos del gran interיs del artista por los grandes maestros.

Hasta el 21 de septiembre de 2014
MUSEO DE BELLAS ARTES DE ASTURIAS
Palacio de Velarde
Santa Ana, 1. Oviedo

Umbrales de Silencio

15/08/2014, La exposición de fotografías José Manuel Ballester. Umbrales de Silencio es un proyecto en el que el artista se sumerge en los recovecos de una ciudad mediana con un rico pasado histórico, para traerlo hasta el presente y dialogar con él.

Segovia, 15 de agosto de 2014
La exposición Umbrales de Silencio (hasta el 14 de septiembre de 2014) reúne sesenta y cuatro obras del artista y se distribuye en cinco instalaciones: el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, el Alcázar, la Academia de Artillería, el Museo de Segovia, y la Iglesia de San Juan de los Caballeros, en un diálogo en el que se invita a visitar algunos de los lugares que han inspirado la muestra y otros idóneos para la obra que se expone.

El proyecto Umbrales de Silencio, surge en el año 2007, cuando se encarga al fotógrafo José Manuel Ballester fotografiar lugares de la ciudad de Segovia con el fin de sacar a la luz la riqueza arquitectónica, pictórica y natural que permanece escondida en la ciudad.

Sus fotografías de Segovia representan lugares silenciosos, solitarios, en reposo, que invitan a la reflexión. Destaca en ellas una singular interpretación del espacio arquitectónico, del vacío y la luz, la renovación de las técnicas fotográficas y su carácter pictórico. Porque Ballester devuelve a la creación fotográfica el carácter artesanal al redibujar, iluminar y colorear los espacios, y al manipular sus obras a través de nuevos materiales y técnicas de impresión. Sus obras nos hablan plásticamente de composición, líneas, planos, geometría, color, luz, pero también de atmósfera, de vida biológica y de la huella humana que cobijan.

El artista acude a los grandes formatos que invitan a entrar en la obra y a compartir con él su actitud observadora, en la que se muestran espacios descontextualizados en los que el pasado continúa y se sugieren actitudes y preguntas esenciales.

América y Sorolla en la Fundación Mapfre

14/08/2014, El próximo 26 de agosto se clausura la muestra Sorolla y América en el San Diego Museum of Art, desde donde se trasladará a la FUNDACIÓN MAPFRE de Madrid.

Madrid, 14 de agosto de 2014
La exposición Sorolla y América, que ha cosechado gran éxito en The Meadows Museum y The San Diego Museum of Art, presenta el gran triunfo de Joaquín Sorolla en Estados Unidos y reunirá por primera vez reunirá en España un grupo importante de obras que fueron expuestas por el artista en sus muestras americanas y adquiridas por coleccionistas y museos de Estados Unidos.

En 1909, cuando Sorolla ya había alcanzado todos los grandes premios y honores a los que un pintor de su época podía aspirar, realiza su primera exposición en Nueva York, en la Hispanic Society of America. Después, bajo el patrocinio de esta institución, presenta sus obras en diferentes ciudades americanas como Boston, Buffalo, San Louis y Chicago. Sorolla enamoró a los coleccionistas americanos con sus escenas de playa, sus patios y jardines y su estilo pictórico luminoso y vibrante.

A partir de entonces, Sorolla realizó retratos de las personalidades más influyentes de la sociedad americana, desde la familia Morgan hasta William Howard Taft, entonces presidente de los Estados Unidos.

La exposición reunirá, por primera vez en España, estas obras procedentes de importantes instituciones americanas como la Hispanic Society of America, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Brooklyn Museum de Nueva York, la Morgan Library de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, el Art Institute de Chicago, la Washington University Gallery of Art, de Saint Louis, The J. Paul Guetty Museum de Los Angeles, proponiendo un interesante recorrido que permitirá profundizar en la enorme proyección internacional del artista.

Sorolla y América
Del 23 de septiembre de 2014 al 4 de enero de 2015
Fundación Mapfre

Ouka Leele. Inédita

13/08/2014, El Museo de las Murallas Reales de Ceuta presenta la exposición antológica Ouka Leele. Inédita, hasta el 20 de septiembre de 2014.

Ceuta, 13 de agosto de 2014
Esta muestra nos acerca a las fotograf’as m‡s desconocidas del Premio Nacional de Fotograf’a 2005, y celebra la madurez art’stica alcanzada por la artista madrile–a B‡rbara Allende Gil de Biedma durante tres dŽcadas de trabajo.

La exposici—n se compone de retratos, autorretratos y escenas que son verdaderos poemas visuales. Un total de 64 obras, de medio y gran formato que reflejan el dominio tŽcnico y constante creatividad de Ouka Leele, y que se convierten en una perfecta s’ntesis para entender las diferentes etapas de la fot—grafa: sus im‡genes en blanco y negro, sus pioneras obras coloreadas y sus œltimos trabajos donde asume el punto de inflexi—n digital en la fotograf’a.

Las fotografías de Lynne Cohen en Córdoba

12/08/2014, La fotógrafa canadiense Lynne Cohen estuvo casi medio siglo en la vanguardia de la práctica fotográfica. Esta muestra realiza un recorrido a lo largo de toda su carrera a través de más de 70 obras, llegando hasta sus últimos trabajos.

Córdoba, 12 de agosto de 2014
La obra de Lynne Cohen (1944 - 2014) nos muestra los interiores de diversos lugares cuya tipología ha ido variando con el transcurso de los años. En todos estos lugares, Cohen ofrece al espectador la oportunidad de experimentar un amplio abanico de sensaciones en espacios aparentemente deshabitados.

Este recorrido por la obra de Cohen muestra la extraordinaria, y a veces extraña, apariencia de lo cotidiano –pues es a veces en lo sencillo donde se encuentra la excepción–. En esta exposición no hay imágenes espectaculares, paisajes increíbles ni interiores suntuosos de castillos, museos o palacios. Más bien al contrario, el objetivo de la artista se centra en lugares como salas de estar, halls de edificios, oficinas, laboratorios, aulas o gimnasios.

Sin perder el tono irónico, la artista nos muestra lo familiar desde una posición distanciada, dando un paso hacia atrás para enfocar, y pararse a mirar de nuevo lo aparentemente absurdo de nuestros entornos confortables, sorprendernos ante la artificialidad de ciertos interiores destinados a la experimentación con el cuerpo, la mente o el deseo y dejarse llevar por el absurdo de ciertas disposiciones de objetos, que se debaten entre el humor y la melancolía.

A pesar de que sus imágenes están vacías, maniquíes, muñecos, esqueletos, sillas, tumbonas, camillas, incluso sombreros o secadores nos hablan del molde del ser, de atributos humanos que nos devuelven la presencia, los cuerpos, aunque lo hagan con cierto retardo, como el eco apagado de una acción. Porque sus imágenes tratan de comentar algo de la condición humana a través de los espacios construidos y habitados, como si fuera el retrato de los comportamientos y actitudes de un tipo de sociedad en un momento determinado.

Lynne Cohen
Hasta el 14 de Septiembre de 2014
Sala Vimcorsa, Córdoba

Sistema vial andino, Patrimonio Mundial

11/08/2014, La UNESCO ha añadido a la lista del Patrimonio Mundial a la Qhapac Ñan, sistema de rutas andino que en el periodo inca cubrió gran parte del territorio de los Andes.

Paris, 11 de agosto de 2014
La red viaria inca alcanzó los 30.000 kilómetros, pero en el sitio Patrimonio de la UNESCO se ha acotado una serie de componentes ubicados en un trayecto de 5.000 kilómetros, que incluyen puntos de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú.

Consciente del valor cultural material e inmaterial del Qhapaq Ñan, que se sustenta, principalmente, en su función integradora transregional y su vigencia física y funcional, el Gobierno del Perú, a través del Ministerio de Cultura, promovió, a partir del 2001, la iniciativa multinacional para la inscripción del Qhapaq Ñan en la lista del Patrimonio Mundial, iniciativa que, posteriormente, fue apoyada por las representación de Argentina, Bolivia, Colombia, Chile y Ecuador, adhiriéndose a la suscripción e iniciando un trabajo pionero por su visión integradora

La vasta red viaria construida a lo largo de varios siglos por los incas –aprovechando en parte infraestructuras preincaicas ya existentes– con el objeto de facilitar las comunicaciones, los transportes y el comercio, y también con fines defensivos, se extiende por una de las zonas geográficas del mundo de mayores contrastes, desde las cumbres nevadas de los Andes que se yerguen a más de 6.000 metros de altitud hasta la costa del Pacífico, pasando por bosques tropicales húmedos, valles fértiles y desiertos de aridez absoluta.

Los caminos conectaban al Cuzco con lugares lejanos que van desde Chila y el oeste de Argentina a Colombia y eran básicos para el control inca. Tras la llegada de los españoles sirvieron también para la expansión de estos hacia el sur.

La red viaria alcanzó su máxima expansión en el siglo XV, llegando a extenderse por todo lo largo y ancho de la cordillera andina. De este sistema, la UNESCO ha calificado como patrimonio mundial un total de 274 componentes a lo largo de más de 5.000 kilómetros.

Los componentes se han seleccionado para poner de relieve la importante función social y política de la red viaria; las obras maestras de arquitectura e ingeniería y las infraestructuras conexas dedicadas a las actividades mercantiles, el alojamiento y el almacenamiento de mercancías; así como los sitios con un significado religioso.

El Oceanário de Lisboa

07/08/2014, El Oceanário de Lisboa recibe el Premio Arte y Cultura de Mar LIDE, por su importante labor en la preservación de la vida marina.

Lisboa, 7 de agosto de 2014
El Oceanário de Lisboa ha sido galardonado este año con el Premio Arte y Cultura de Mar LIDE, por la excelencia del trabajo realizado en la aproximación de la sociedad al mar y por la promoción del desarrollo sostenible de los océanos.

Esta distinción tiene el objetivo de reconocer el mérito y la excelencia de las entidades cuyas actividades están ligadas a la creación de valores a través de los recursos marinos.

Constituido con el objetivo de promover la conservación del Medio Ambiente, y especialmente de los océanos, el Oceanário de Lisboa (el segundo acuario más grande de Europa) fue inaugurado en 1998 con motivo de la EXPO Lisboa, cuyo tema central fue “Los océanos, un patrimonio para el futuro”.

La importancia de la biodiversidad es uno de los valores fundamentales de este interesante lugar, en cuyo hábitat coexisten más de 15.000 series vivos de cerca de 500 especies diferentes. Un paraíso de la diversidad acuática que recibe al año más de un millón de visitantes, que ocupa un área total de 20.000 metros cuadrados, y que se encuentra situado en el área del Parque de las Naciones.

Más información: http://oceanario.pt/

Dalí, breaking news

04/08/2014, Una muestra que recoge 75 imágenes del Dalí más mediático, y en las que el pintor se convierte en el foco indiscutible de la prensa.

Girona, 4 de agosto de 2014
La muestra, formada por 75 fotografías provenientes del fondo de archivo de la Agencia EFE, pone de manifiesto la faceta mediática de Dalí, que era capaz de aparecer en todas y cada una de las secciones de un periódico.

El lugar escogido para recoger dicha exposición ha sido la Casa Empordа (antiguo matadero) de Figueras y ha sido organizada conjuntamente por la Diputación de Girona, el Patronato de Turismo Costa Brava Girona y la Agencia EFE, en conmemoración del 75 aniversario de la Agencia EFE, los 40 años de la inauguración del Museo Dalí de Figueras y los 25 años de la muerte del artista.

El objetivo de la muestra es analizar la figura de Salvador Dalí desde el punto de vista del periodismo y de su habilidad innata para convertirse en el foco de atención de la prensa. Así, las fotografías del artista escogidas para la muestra siguen un hilo conductor estructurado en forma de diario y se agrupan en 6 apartados: cultura, política, sociedad, ciencia, internacional y media. A lo largo de estos ámbitos, el espectador podrá conocer y acercarse a la figura de Dalí y ser testimonio de su natural teatralidad a la hora de relacionarse con el mundo.

La muestra incluye la entrevista que el programa "A fondo" de TVE hizo al artista y que fue emitida el 27 de noviembre de 1977. Es de esta entrevista de donde se ha extraído la información y las citas de Salvador Dalí que hay en los diferentes ámbitos de la exposición.

Los ámbitos de la muestra:
Ciencia: El interés de Dalí por la ciencia es esencial en toda su trayectoria. Dalí perseguía la fusión, en lo cotidiano, del arte y la ciencia. En este ámbito el espectador podrá ver fotografías de actos en que el artista presenta sus nuevos inventos, como una bomba o un reloj blando.

Cultura: Dalí fue un intelectual de su tiempo. Sus inquietudes e intereses no se limitaban a la pintura: la ciencia, la literatura, la música... alimentaban permanentemente todas sus creaciones.

Internacional: Dalí fue conocido internacionalmente desde sus inicios. Los viajes y las estancias, sobre todo en Francia y Estados Unidos, brindaron al artista la posibilidad de hacerse un nombre mundialmente. En este ámbito se reúnen fotografías del artista en ciudades de todo el mundo en eventos oficiales en que es invitado como personaje ilustre.

Media: Dalí era un polo de atracción de todas las miradas, especialmente la de los periodistas, que encontraban en el genio contenidos potentes, no sólo visuales, sino también teóricos y conceptuales. Su espontánea teatralidad y la excentricidad ante las cámaras han quedado inmortalizadas en todas las fotografías pertenecientes a este ámbito.

Política: A pesar de su convicción política, Dalí tuvo siempre una estrecha relación con los poderes públicos, lo que ha quedado registrado y resulta fácilmente visible en esta sección, que contiene fotografías de el artista en compañía de Manuel Fraga, José García Hernández, el rey Juan Carlos I y Jordi Pujol, entre otros.

Sociedad: Dalí era una eminencia en la sociedad del momento. Dado que era una figura valorada por sectores muy diversos, a menudo se le veía rodeado de personalidades varias, tanto a escala nacional como internacional.

La exposición se podrá ver en la Casa Empordа de Figueres hasta el 6 de Septiembre.

Yeda, Patrimonio Mundial

03/08/2014, El centro histórico de Yeda, ciudad portuaria del este de la Península Arábiga, entró en 2014 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 3 de agosto de 2014
En la reunión del Comité del Patrimonio, celebrada en Qatar en el pasado mes de junio, se incluyó el sito de la “villa histórica de Yeda, Puerta de la Meca”, como ciudad portuaria que desde la Edad media constituyó un centro vital de tráfico comercial y de peregrinos con destino a la Meca.

Yeda llegó a ser un pujante centro urbano multicultural, cuyas construcciones tradicionales características comprenden, entre otras, casas-torres edificadas a finales del siglo XIX por los mercaderes pudientes de la ciudad.

En esas construcciones se combina la tradición arquitectónica local de uso de rocas coralinas del Mar Rojo con influencias y técnicas artesanales importadas a través de las rutas comerciales del Océano Índico.

En la actualidad, Yeda es la segunda ciudad mayor de Arabia Saudita, con cerca de cuatro millones de habitantes contando todo el conjunto urbano, y es también el primer puerto de ese estado.

Chillida. bideak (caminos)

01/08/2014, La Sala kubo-kutxa Aretoa acoge hasta septiembre de 2014 una muestra dedicada a la obra del artista vasco Eduardo Chillida.

San Sebastián, 1 de agosto de 2014
Bideak (Caminos) evidencia la relevancia que ha tenido el concepto de camino en el trabajo de Eduardo Chillida, tanto formal y estéticamente como conceptualmente, y que curiosamente ha sido un tema raramente tratado en los diferentes análisis de su obra.

La exposición de la Sala kubo-kutxa pretende mostrar las diversas rutas y trazados que ha ido siguiendo el escultor a lo largo de su extensa trayectoria artística, líneas que a veces persiguen una misma dirección, otras veces se desvían, para regresar a un mismo punto de partida, luego tornan de nuevo y derivan probando una nueva orientación. A veces, los caminos topan en un lugar de encuentro, un espacio para el acontecer, para después, volver y separarse una vez más.

Parafraseando al propio Chillida, “siempre nunca diferente pero nunca siempre igual”. Todos esos caminos creados por Chillida han ido dejando huellas, unas huellas imborrables e inconfundibles que se materializan, por un lado, en sus esculturas públicas diseminadas por diferentes plazas y lugares del mundo, y por otro, en una escritura artística y unos códigos estéticos presentes en el imaginario colectivo y permeables a través de generaciones.

La muestra reivindica la faceta más cercana y humana de un artista de marcada personalidad, que conjugó en sí mismo el diálogo entre lo local y lo global, un artista marcado por la extrañeza y la perplejidad hacia lo que le rodea y por una constante voluntad de interrogar al espacio y aprehender el vacío.

Eduardo Chillida nació el 10 de enero de 1924 en San Sebastián. En 1943 se trasladó a Madrid para cursar estudios de Arquitectura, sin embargo en 1947 decidió abandonar la carrera para entrar a dibujar en el Círculo de Bellas Artes. Al año siguiente, se marchó a París dónde se inició en la escultura, exponiendo una obra en el Salón de Mayo.

En 1951 se instaló en Hernani donde descubrió el hierro, y realizó su primera obra en ese material, Ilarik. Tres años más tarde, tuvo lugar su primera exposición individual en Madrid en la Galería Clan y se inició en la obra pública con la colocación de las puertas de la Basílica de Aranzazu. En 1958 recibió el Gran Premio Internacional de Escultura de la 29 Bienal de Venecia, una puerta para recibir otros muchos premios a lo largo de su vida, de la Bienal al Kandinsky en 1960, del Wilhelm Lehmbruck, 1966 al Kaissering alemán en 1985, del Príncipe de Asturias en 1987 al Premio Imperial de Japón en 1991.

Su obra está presente en más de 20 museos de todo el mundo, y se han celebrado exposiciones en diversas ciudades como Berlín, Londres o Nueva York.

En el año 2000 se inauguró el Museo Chillida-Leku, lugar donde actualmente descansa gran parte de su obra en diálogo continuo con la naturaleza.

Eduardo Chillida falleción el 19 de agosto de 2002 en San Sebastián sin ver concluido su gran sueño, el proyecto Tindaya, una obra pública en el corazón de la montaña

Chillida. bideak (caminos)
Hasta el 28 de septiembre de 2014
Sala kubo-kutxa Aretoa
Zurriola 1 – Donostia/San Sebastián

Libros de artista

30/07/2014, La Fundación Juan March inaugura Libros y otras publicaciones de artista: 1947-2013, una muestra de pequeño formato dedicada a estas joyas de la colección de la Fundación.

Madrid, 30 de julio de 2014
La Fundación Juan March presenta en Madrid una pequeña exposición que, con obras tan dispares entre sí como la monografía de John Franklin Earhart The Color Printer, de 1892, y una reedición de Último Round de Julio Cortázar, propone un recorrido por casi un centenar de “publicaciones” aparecidas entre 1947 (Du Cubisme de Albert Gleizes y Jean Metzinger) y 2013, que testimonian la riqueza y la variedad de resultados de la larga interacción entre los artistas y el libro, entendido este no sólo como un medio de transmisión de un contenido textual, sino sobre todo como objeto y soporte sustantivo de la praxis artística.

No resulta fácil caracterizar, distinguir o “catalogar” realidades tan diversas como los denominados “libros de artista”, libros ilustrados, livres de peintres, foto-libros, piezas de Mail Art o arte postal, ediciones de bibliofilia, libros-objeto, pop-ups, ediciones de obra gráfica y revistas y catálogos de artista. O, si pensamos en su materialidad, en soportes tan diferentes del tradicional papel como el cartón, la madera, los tejidos, el plomo o el plástico; o en formas y formatos como los de los libros circulares o triangulares, en acordeón, transparentes, empaquetados, en cajas... esta muestra intenta resolver algunas de estas dudas, y pretende acercar al público a este variado tipo de publicaciones.

Los libros de artista nos enfrentan a la tesitura de reflexionar sobre la percepción habitual del libro como simple medio de transmisión de contenidos, y la de las artes plásticas como actividades sujetas a soportes y procedimientos fijados por la tradición. El ensayo abierto de catalogación y categorización ejercido sobre las obras que conforman esta exposición responde más al deseo de mostrar su riqueza conceptual y estética que al afán clasificatorio. La extrañeza que pueden causar algunas de estas publicaciones (y el mero hecho de “exponer” a la vista aquello que ha sido creado, en teoría, para ser manipulado, leído, abierto y cerrado, hojeado…) por su novedad o su carácter misterioso, su lenguaje aparentemente privado, su contenido y forma, en ocasiones tan áridos para la comprensión o el disfrute, su inestabilidad conceptual y la propia dificultad para categorizarlas y definirlas, todo ello apunta a la profunda influencia que tienen ya y tendrán en el futuro, ahora que las nuevas tecnologías están replanteando la industria editorial, el soporte del papel y la misma materialidad del libro.

En la muestra de la Fundación Juan March se ha optado por mezclar sin complejos todas las iniciativas en torno al libro y otras publicaciones de una cincuentena de artistas, diseñadores, escritores o poetas, entre los cuales se encuentran nombres conocidos y algunos menos conocidos, pero no menos valiosos, del panorama artístico nacional e internacional.

La muestra presenta obras de Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Raymond Queneau, Rafael Alberti, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Joan Brossa, Fernando Zóbel, Pablo Palazuelo, Salvador Dalí, Julio Cortázar, Octavio Paz, Brassaï, Gustavo Torner, Eduardo Chillida, José Guerrero, Manuel Millares, Manuel Hernández Mompó, Luis Feito, Lyonel Feininger, Sol LeWitt, Juan Eduardo Cirlot o Eusebio Sempere, entre otros. Y mezcla conscientemente ejemplares representativos de las colaboraciones entre artistas plásticos y poetas, como Novel.la, de Joan Brossa y Antoni Tàpies (Sala Gaspar, Barcelona, 1965) o Mutilados de paz, de Rafael Alberti y Manuel Millares (Madrid, 1965).

Hay también libros-objeto como los Discos Visuales (México, Era, 1968), Vrindaban (México, Imprenta Madero, 1965), de Octavio Paz, o el célebre Cent mille milliards de poèmes, de Raymond Queneau (París, Gallimard, 1961). Y también ediciones de artista como el Libro de horas de Fernando Zóbel (Manila, 1965) o Ardicia, de Pablo Palazuelo (París, RLD éditeur, 1978), y experimentos de arte postal como la caja con cien postales de artistas WC4 Box’83 (Nueva York, 1983).

Libros y otras publicaciones de artista: 1947-2013
Fundación Juan March
Castelló, 77. Madrid

Jose de Madrazo en Santander

30/07/2014, La Fundación Botín de Santander muestra hasta el próximo 14 de septiembre una exposición sobre la faceta de dibujante de José de Madrazo.

Santander, 30 de julio de 2014
Una exposiciσn que profundiza en la figura de Madrazo (1781-1859) a travιs de una selecciσn de 62 dibujos, la mayorνa inιditos y que no se han expuesto al pϊblico; 4 grabados y 4 σleos, ademαs de un busto de Ponciano Ponzano que representa al artista y que sirve de introducciσn.

El pintor montaριs Josι de Madrazo y Agudo (1781-1859) es considerado como el gran maestro del Neoclasicismo espaρol. Fue uno de los artistas mαs relevantes de su generaciσn y el patriarca de una larga familia de artistas que protagonizσ decisivamente el panorama cultural espaρol durante varias generaciones del siglo XIX.

Tras sus primeros pasos artνsticos en Madrid y gracias a una pensiσn concedida por el rey Carlos IV, Josι se convirtiσ en alumno directo del maestro neoclαsico francιs Jacques-Louis David (1748-1825). Asν, Madrazo jugσ un papel decisivo para el arte espaρol de su tiempo, al convertirse en el importador del nuevo gusto neoclαsico francιs y en el principal representante de su adaptaciσn espaρola.

El dibujo se revela como la mαs fiel herramienta de trabajo de Josι para toda su producciσn pictσrica conocida y tambiιn ofrece el valioso testimonio de algunos de sus proyectos artνsticos concebidos en su mente pero nunca realizados.

A travιs de sus trazos sobre papel dio rienda suelta a sus mαs sinceras inquietudes intelectuales y artνsticas y a su curiosidad por las tιcnicas de reproducciσn como el grabado y la litografνa.

Su acercamiento a gιneros que, al parecer, nunca se atreviσ a abordar con la pintura, como sucede con los paisajes, es tan sorprendente como el denodado interιs por el estudio de tratados de anatomνa o de botαnica.

El Museo del Prado, con 58 obras en prιstamo, es el mαximo colaborador en esta muestra, que se completa con la participaciσn de particulares, el Museo Nacional del Romanticismo de Madrid, el Palais de Beaux Arts de Lille (Francia), el Kupferstich-Kabinett, Staatliche Kunstsammlungen de Dresde (Alemania) y The Hispanic Society de Nueva York. Josι de Madrazo (1791-1859). Dibujos
Fundaciσn Botνn
Calle Marcelino Sanz de Sautuola 3, Santander
Hasta el 14 de septiembre de 2014

Campaña para salvar el parque de Juruena

28/07/2014, La organización internacional WWF inicia una campaña para defender el Parque Nacional Juruena, en el que se quieren crear dos grandes centrales hidroeléctricas.

Gland Suiza, 28 de julio de 2014
El Juruena, ubicado en el límite de los estados Mato Grosso y Amazonas, es el cuarto parque nacional más grande de Brasil, con cerca de dos millones de hectáreas, y ocupa una región de gran importancia biológica para las especies de aves, mamíferos, reptiles, anfibios y plantas que se encuentran en peligro de extinción.

En el área perviven varios pueblos indígenas, incluyendo a aquellos en aislamiento. Pero a pesar de todo ellos se ha declarado como de “utilidad pública” una parte de este gran patrimonio natural, poniéndolo en gravísimo peligro.

Según informa WWF, Fondo Mundial para la Naturaleza, la declaración de Utilidad Pública constituye el primer paso en la reducción de áreas protegidas para la construcción de centrales hidroeléctricas en São Simão Alto y Salto Augusto Baixo. Estas son parte de siete represas que los gobiernos planean construir en la Cuenca Tapajós, lo cual tendrá irrefutablemente impactos ambientales y sociales muy graves.

Una vez construidos, los reservorios de las dos plantas inundarán más de 40,000 hectáreas en el Parque Nacional Juruena, el Parque Estatal Juruena Igarapés y territorios indígenas de las comunidades Escondido y Apiaká do Pontal, en el estado de Mato Grosso.

En la Amazonía, algunas partes del Parque Estatal Sucunduri pueden ser impactadas al igual que los territorios indígenas. El levantamiento de represas en el río Juruena para la construcción de las centrales Salto Augusto y São Simão alterará los caudales del río hasta el punto de un total aislamiento o incluso la desaparición de algunos entornos espectaculares, incluídas cataratas y rápidos.

Frente a esta situación, WWF-Brasil ha lanzado la Campaña SOS Juruena, con el objetivo de sensibilizar a la sociedad respecto a las amenazas.

Para firmar la petición: http://chn.ge/1l34IZx

Durero, en Bogotá

28/07/2014, Del 1 de agosto y el 3 de noviembre, en el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá se puede contemplar una amplia exposición con grabados del artista alemán Alberto Durero.

Bogotá, 28 de julio de 2014
Durero (1471 – 1528) es un personaje clave del Renacimiento, tal vez el más importante de los artistas renacentistas al norte de los Alpes, destacado por sus preciosismo en la representación de la naturaleza, maestro del dibujo y la proporción, y gran teórico del arte.

La exposición Durero. Grabados 1496-1522, curada por la historiadora Rosa Perales Piqueres, estará abierta gratuitamente entre el 1 de agosto y el 3 de noviembre y es una buena oportunidad única para ver parte de la obra de uno de los genios del arte universal.

Con fondos de la Colección Dal Bosco, una de las colecciones privadas de grabado importantes de Europa, y a partir de seis ejes temáticos, la muestra exhibe 113 grabados originales de Alberto Durero, selección que enfatiza las técnicas empleadas por el artista: entalladura o xilografía, buril, punta seca y aguafuerte.

Durero. Grabados 1496-1522 incluye desde algunos de sus primeros grabados, todos anteriores a 1500 y elaborados en su primer taller de Núremberg, entre ellos: La Sagrada Familia (1496), La lucha entre Hércules y Caco (1496) y El cerdo monstruoso (1496); hasta aquellas obras que se convirtieron en íconos del arte universal: La Melancolía I (1514), El caballero, la muerte y el diablo (1513) y El Gran carro triunfal de Maximiliano I, esta última excepcional por su origen, sus características formales y gran tamaño (más de 2,5 m. de ancho).

Desde niño, el artista alemán se dedicó al aprendizaje artístico, primero al lado de su padre, Alberto Durero el Viejo, un orfebre minucioso. Luego viajó por diversos países, especialmente por Italia, donde entonces trabajaban tres figuras determinantes del renacimiento italiano: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Andrea Mantegna, a partir de su ejemplo Durero incorporó en sus obras la delicadeza en la línea, el dominio de la proporción y la maestría en el manejo de la luz y la sombra, cualidades que en adelante fueron un sello inconfundible de sus obras.

Consagrado como un artista de renombre y establecido en Alemania, Durero se dedicó por completo al grabado.

En un momento en el que la imprenta era todavía una invención reciente, los grabados de Durero facilitaron la circulación de imágenes que daban cuenta de las grandes preocupaciones espirituales de la época. El artista logró que estos fueran comprensibles para una población que entonces era en su mayoría iletrada.

La exposición, además, contará con diversas actividades, entre ellas recorridos especiales, una serie de conferencias con especialistas destacados y talleres para distintos públicos.

Buenos datos para el turismo en España

25/07/2014, En el ecuador del verano, los datos son muy positivos, y sitúan al turismo como principal motor económico y de crecimiento del país.

Barcelona, 25 de julio de 2014
Llegamos al epicentro del verano de 2014 batiendo records de visitas turísticas en España, con más de 28 millones hasta el mes de junio y subiendo, con el turismo de sol y playa como principal reclamo para los turistas tanto nacionales como extranjeros.

El turismo lleva más de un año y medio situándose como gran revulsivo de la recuperación económica española, ya que mientras que el conjunto de la economía siguió el año pasado en números rojos, con una caída del PIB del 1,2%, el turismo logró salir de su recesión y apuntarse un crecimiento de su PIB sectorial del 0,9%.

Estos datos confirman al sector como principal motor económico de España gracias al boom de llegadas de extranjeros, y ahora también, por la mejora de la demanda de los clientes nacionales.

Además se pronostica un crecimiento aproximado del 2,4% a tenor de los datos difundidos por la Alianza por la Excelencia Turística (Exceltur). De cumplirse la estimación, el turismo crecerá este año el doble que el conjunto de la economía.

El record que se registra actualmente está basado en las llegadas de turistas extranjeros, en auge desde los recientes episodios de inestabilidad política que están teniendo lugar en varios países.

Aunque el sector presenta buenos datos, expertos en turismo y hostelería incididen en la necesidad de mejorar la competitividad y apostar por un turismo de calidad. Para los expertos, España necesita reciclar su turismo con la mejora de la calidad de los servicios, la incorporación de las nuevas tecnologías y con una mejor formación de sus trabajadores.

El informe ha sido realizado por la Escuela Internacional de Hotelería y Turismo Vatel España.

Juan Uslé en el CGAC

25/07/2014, El Centro Galego de Arte Contemporánea presenta una gran exposición retrospectiva dedicada al artista cántabro Juan Uslé.

Santiago de Compostela, 25 de julio de 2014
El Kunst Museum de Bonn junto con el Centro Galego de Arte Contemporαneo de Santiago de Compostela y con la colaboracσn de AC/E presentan una ambiciosa muestra compuesta por 50 obras que repasan la trayectoria del artista espaρol Juan Uslι (Santander, 1954).

El cuerpo central de esta exposiciσn lo constituyen las llamadas pinturas negras que Uslι ha ido creando desde 1997 y que constituyen un motivo central de su obra y ademαs se presentan junto a nuevas creaciones del artista realizadas en exclusiva para esta exposiciσn.

"El ojo es el cerebro”, dice el capitαn Nemo en la interpretaciσn que Juan Uslι hace de las 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, sugiriendo asν una congruencia tan ideal como paradσjica de pensamiento y visiσn, de percepciσn y reflexiσn.

En la obra de Uslι aparece hasta finales de los ochenta este personaje de novela como guνa, casi como αlter ego del pintor, y se convierte en el tema central de su obra (como reflexiσn metafσrica sobre la propia relaciσn con el mundo).

Con su periscopio, el navegante (encerrado en su cαpsula metαlica subacuαtica), se conecta con el mundo. Y asν, como expresa Uslι en uno de sus textos, no solo ve aquello que ocurre en el exterior, sino tambiιn el reflejo permanente de su propio ojo en el espejo del cristal del periscopio.

Esta visiσn simultαnea del interior y del exterior estα presente en toda la extensa obra de Uslι, marcada por una cesura crucial que constituye a la vez su motor decisivo: en 1987 Uslι se mudσ a Nueva York. La decisiσn de abandonar el Viejo Mundo por el Nuevo supone un profundo cambio en su pintura. El peso fνsico, la densidad material y la oscura melancolνa de principios de los aρos ochenta dan paso a una paleta de color mαs ligera, clara, a veces como electrificada, en la que cada vez son menos las cosas en sν mismas, y mαs las relaciones entre ellas las que estαn en el punto de mira.

Nueva York se convertirα para el pintor espaρol en el escenario de un doble proceso de emancipaciσn: por una parte, de la pesada y simbσlica mνstica neorromαntica de sus primeras obras; por otro lado, del relativo aislamiento en que aϊn se encontraba la Espaρa posfranquista de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Pinturas Negras
Los cuadros de la serie Soρι que revelabas ostentan un papel especial en la muestra, ya que Uslι no ha dejado de trabajar en ellos desde 1997 hasta dνa de hoy. Esta serie, que se conoce como sus pinturas negras, ocupa un lugar central en el conjunto de su obra.

En las ya cincuenta pinturas de la serie Soρι que revelabas, la mayorνa ejecutadas de noche, Uslι lleva a cabo una disquisiciσn atenta y reflexiva sobre las condiciones estructurales de la pintura y del proceso de pintar.

Surgida originalmente de la necesidad de repetir exactamente el mismo cuadro una y otra vez, la serie sigue dos principios metodolσgicos. Por un lado, representa el gesto pictσrico y se encuadra en la tradiciσn de reflexiσn metapictσrica de la pintura abstracta y, por otro, cada pincelada puede ser considerada una expresiσn del pulso del pintor, que transforma las obras en manifestaciones de la conexiσn directa del cuerpo del artista con sus cuadros. El artista traza cada pincelada en el lienzo al ritmo exacto de los latidos de su corazσn, posando el pincel en la superficie cada vez que late su corazσn. La huella del pincel se convierte asν en una especie de cardiograma pictσrico.

El conceptualismo poιtico-emocional que atraviesa toda la obra de Uslι, se nos muestra aquν en su forma mαs potente y concentrada. Cada cuadro surge de la permanente repeticiσn de una pincelada oscura cambiante, segϊn el cuadro y a lo largo del tiempo, entre gris, marrσn y negra, que llena lνnea tras lνnea el lienzo, generando una especie de espacio plano.

Juan Uslι: Soρι que revelabas
Hasta el 28 de septiembre de 2014
Centro Galego de Arte Contemporαnea
Santiago de Compostela

(Re)presentaciones

23/07/2014, (Re)presentaciones. Fotografía latinoamericana contemporánea, hasta el 13 de septiembre de 2014 en el Centro de Arte La Regenta de las Palmas de Gran Canaria.

Las Palmas, 23 de julio de 2014
(Re) presentaciones reúne el trabajo de 14 fotógrafos emergentes procedentes de Latinoamérica. La diversidad de sus lenguajes e intereses rompe con cualquier intento de mostrar un grupo homogéneo bajo el epígrafe de “fotografía latinoamericana” y pretende subrayar la pluralidad de estilos y estéticas, -en sus más variadas formas-, como una de las tantas posibles miradas.

Las series seleccionadas atañen tanto a la representación, como al medio, en un ejercicio de interpretación de la imagen que desvela otros significados. Proponen relatos en primera persona que hacen referencia a situaciones o estados intermedios entre algo pasado y algo nuevo, entre lo visible y lo sugerido, lo evidente y lo intuido, al que se llega a través de una cuidada elaboración de la propia imagen fotográfica.

Fabián Hernández devuelve la identidad pasada a un grupo de hombres por medio de su vestimenta y de su pose, mientras que Luis Arturo Aguirre presenta a mujeres que, al desnudarse, se muestran en toda su alteridad.

Otros fotógrafos como Humberto Ríos, Mariela Sancari o Xtabay Zhanik componen fábulas metafóricas acerca del concepto de la muerte. Roberto Tondopó explora vivencias autobiográficas a través de la infancia y pubertad, mientras que Irama Gómez construye un relato en tercera persona sobre la vejez.

Ilana Lichtenstein y Juan Carlos López Morales muestran proyectos que están a medio camino entre la realidad y la ficción. Aglae Cortés se recrea en las representaciones del vacío para construir paisajes entre lo abstracto y lo figurativo, y Eduardo Jiménez reivindica los comedores de las fábricas mejicanas como espacios de poder y de control.

El colectivo Galería Experiencia muestra imágenes que nacen del texto y Nicolás Janowski hace un retrato de la Amazonía como un paisaje en continua transformación provocada por el devenir de la propia naturaleza y la presencia del hombre. Por último, Leslie Searles ha compartido su tiempo con personas que esperan su próximo destino en un espacio intermedio, la tercera frontera.

La exposición, hasta el 13 de septiembre de 2014 en el Centro de Arte La Regenta de las Palmas de Gran Canaria, está organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y PHotoEspaña.

Verano de 2014 en el Reina Sofía

23/07/2014, La amplia oferta expositiva del Reina Sofía durante este verano se compone de seis muestras temporales y del ciclo sobre pop art: Seducción y resistencia. En los límites del pop.

Madrid, 23 de julio de 2014
Este verano cine y arte son los protagonistas en el Reina Sofía. Las muestras que podrán verse durante los próximos meses son las siguientes:

Richard Hamilton (Hasta el 13 de octubre)
La muestra, concebida específicamente por el artista antes de su fallecimiento, incluye alrededor de 270 obras creadas a lo largo de más de sesenta años (entre 1949 y 2011) y permite conocer tanto la extraordinaria variedad de medios, técnicas y géneros de la producción de Hamilton así como la relevancia, influencia y actualidad de su revolucionario trabajo.

La exposición dedicada a Richard Hamilton (considerado como pionero del arte pop) está integrada por pinturas, grabados, dibujos, fotografías, impresiones informáticas, obras de diseño industrial y réplicas procedentes de instituciones como el MOMA de Nueva York; The Art Institute of Chicago; Victoria and Albert Museum, de Londres; Solomon R. Guggenheim Museum, de Nueva York; o Tate, de Londres.

En su producción, Hamilton abordó géneros como la naturaleza muerta, el retrato, la representación figurativa, el paisaje, los interiores, la pintura histórica, la propaganda política, la iconografía religiosa y la apropiación de elementos de la cultura popular y de la historia del arte.

Playgrounds. Reinventar la plaza (Hasta el 22 de septiembre)
Con cerca de 300 obras en diversos formatos (pintura, escultura, instalaciones, vídeo, fotografía, artes gráficas, cine y documentos) de artistas como James Ensor, Francisco de Goya, Henri Cartier-Bresson, Helen Levitt, Alberto Giacometti, Ángel Ferrant, Hélio Oiticica, Lina Bo Bardi, Fischli & Weiss, Vito Acconci, Priscila Fernandes, Xabier Rivas, Teatro Ojo, Aldo van Eyck, Constant, Joan Colom, Jean Vigo o Xabier Rivas, la exposición Playgrounds. Reinventar la plaza aborda el potencial socializador, transgresor y político del juego en su conjunción con el espacio público.

La muestra cuenta otra historia del arte, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, en la que la obra de arte contribuye a la redefinición del espacio público, reinventando la plaza como el lugar de la revuelta del homo ludens, interrogando la actualidad del carnaval, reivindicando el derecho a la pereza, explorando la ciudad como tablero de juego y descubriendo las posibilidades de un nuevo mundo a partir de los desechos del mundo.

El tiempo y las cosas. La casa estudio de Hanne Darboven (Hasta el 1 de septiembre)
Esta es la primera exposición individual que se presenta en España de Hanne Darboven (Munich, 1941-Hamburgo, 2009), una de las artistas alemanas que mayor relevancia internacional ha alcanzado desde su irrupción en el mundo del arte a finales de los años sesenta, siempre con las matemáticas y el tiempo como ejes fundamentales de su obra.

La muestra traslada a Madrid una parte importante del taller de trabajo de Hanne Darboven en Am Burgberg, la casa familiar de Hamburgo. Además, acoge una selección de más de 80 obras (muchas de ellas seriadas y algunas inéditas).

Fotos y libros. España 1905-1977 (Hasta el 5 de enero de 2015)
Una revisión de la historia de la fotografía española, desde principios del siglo XX hasta mediados de los setenta, a través de sus mejores fotolibros.

Los cerca de treinta conjuntos fotográficos de Fotos y libros. España 1905-1977 permiten, por sus diversas temáticas, una segunda lectura histórica: la profunda transformación de la sociedad española durante el siglo XX; y, en particular, aspectos como la evolución de la imagen de la mujer o del medio rural, las visiones de ambos bandos durante la Guerra Civil o la muerte de Franco y la transición democrática.

Una nueva perspectiva de la fotografía española a través de la obra de fotógrafos de la talla de José Ortiz Echagíe, Alfonso, Francesc Catalа-Roca, Robert Capa, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Joan Colom, Francisco Ontañón, Colita, Antonio Cánovas, el colectivo Misiones Pedagógicas, José Compte, Enrique Palazuelo, Luis Acosta Moro o Salvador Costa.

Kerry James Marshall. Pintura y otras cosas (Hasta el 26 de octubre)
Kerry J. Marshall es autor de una importante obra figurativa desde la que se aproxima a asuntos como la identidad nacional y de género, y sobre todo el condicionamiento racial, buscando contextualizar la experiencia afroamericana en la situación socio- política actual.

Buceando en la historia del arte, el artista denuncia lo que llama “vacío en el banco de imágenes”, cuestionando los sistemas de legitimación existentes. Su pintura va más allá de la denuncia, es afirmativa, técnicamente compleja y arriesgada en la invención de nuevas imágenes que contribuyen a llenar ese vacío, inspirándose tanto en la cultura popular (el cine y el comic sobre todo) como en el arte.

Dominique Gonzalez-Foerster. SPLENDIDE HOTEL (Hasta el 19 de octubre)
Bajo el título SPLENDIDE HOTEL, la artista Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, Francia, 1965) realiza un nuevo ejercicio escenográfico en el que, tomando como punto de partida el año de construcción del Palacio de Cristal, 1887, recrea las condiciones de esa época en esta sede del Retiro evocando un hotel de finales del s. XIX alrededor del cual se entrecruzan múltiples referencias literarias, musicales, científicas y abstractas.

Ciclo Seducción y resistencia. En los límites del pop
El Museo Reina Sofía ofrecerá durante el mes de agosto un ciclo audiovisual titulado Seducción y resistencia. En los límites del pop, coincidiendo con la amplia retrospectiva sobre Richard Hamilton.

Del 6 al 28 de agosto. En el Auditorio del Edificio Sabatini a las 19 horas. Entrada gratuita hasta completar aforo.

6 de agosto: La otra Inglaterra: la atracción de la cultura popular
7 de agosto: El collage de la esfera pública
13 de agosto: La cultura de la abundancia
14 de agosto: Estrellas, superestrellas y cotidianeidad: La Factoría de Andy Warhol
20 de agosto: La recreación de la narrativa popular: los hermanos Kuchar
21 de agosto: La otra cara de la celebridad
27 de agosto: El punk y las políticas de la música popular
28 de agosto: La televisión y la mediación de la violencia

Máscaras en el Museo del Prado

22/07/2014, Máscaras reúne dieciocho retratos realizados por Alberto Schommer en los años 80, junto a una selección de trece retratos de las colecciones del Prado pintados por artistas españoles del siglo XVI al XX.

Madrid, 22 de julio de 2014
El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, en colaboración con el Museo del Prado y PHotoEspaña, presentan Máscaras, una muestra que podrá contemplarse en la sala C del edificio Jerónimos del Museo del Prado desde el 22 de julio al 14 de septiembre.

La muestra se compone con una galería iconográfica de personalidades de la edad moderna y contemporánea donde se encuentran cara a cara literatos, filósofos, historiadores y figuras centrales del mundo de las artes plásticas como Juan de Ribera y José Luis L. Aranguren, Luis de Góngora y Vicente Aleixandre, Goya y Antonio Saura, Espronceda y Juan Benet o el joven Velázquez y Antonio López, entre otros.

Estos retratos responden a una tipología cuyo precedente histórico se remonta a los bustos esculpidos de la Antigüedad clásica, y que tuvieron su reivindicación moderna en los retratos y autorretratos pintados de intelectuales y artistas que proliferaron a partir del Renacimiento.

Las Máscaras de Alberto Schommer se presentan junto a una selección de retratos pintados por artistas españoles desde el siglo XVI hasta principios del XX que responden al mismo criterio iconográfico, pues son efigies de escritores y artistas españoles. Una selección que presenta retratos de artistas como Luis de Morales o Diego Velázquez, directamente influidos por El Greco.

El Greco y el retrato frontal
La tradición del retrato frontal de busto en un espacio indefinido y con una iluminación directa tiene a uno de los primeros y más originales introductores en el Greco. Los retratos del cretense influyeron inmediatamente en sus contemporáneos Luis de Morales, Luis Tristán y, sobre todo, Diego Velázquez. Con el paso del tiempo, y hasta bien entrado el siglo XX, se proyectaron como modelo característico en las experiencias de muchos pintores españoles.

Algunos ejemplos de estos retratos del artista cretense pueden contemplarse en la gran exposición “El Greco y la pintura moderna” que se celebra de manera simultánea en las salas del Prado y en la que se analiza la proyección del Greco en artistas del siglo XIX y XX como Manet, Cézanne, Picasso, Chagall o Kokoschka, entre otros.

Alberto Schommer (Vitoria, 1928)
Alberto Schommer es uno de los más destacados fotógrafos españoles contemporáneos. Formado en Alemania y París, sus comienzos se vinculan a las tendencias más renovadoras del arte español de los años sesenta y setenta. Su trayectoria, especializada pronto en el género del retrato, ha merecido recientemente, en 2013, el Premio Nacional de Fotografía.

Máscaras de Alberto Schommer
Museo del Prado
22 de julio - 14 de septiembre

Cuadernos de Italia de Ignacio Pinazo

22/07/2014, Más de cien piezas componen una muestra del IVAM que penetra en los senderos íntimos de la creación de este genio del dibujo que fue Ignacio Pinazo.

Valencia, 22 de julio de 2014
La exposición Ignacio Pinazo. Maestro del dibujo. Cuadernos de Italia presenta una extraordinaria colección de dibujos que tienen un carácter muy especial, ya que pertenecen a un período muy concreto y decisivo en la conformación de la personalidad artística de Pinazo.

En la muestra se reúnen más de cien dibujos de extraordinaria calidad realizados con distintas técnicas como sanguina, aguada o plumilla, a los que se les ha dado el nombre de Cuadernos de Italia 1 y 2 ya que en su casi totalidad fueron realizados entre 1873 y 1880.

Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916) destacó como un hábil dibujante. Nada más iniciar los estudios en la Escuela de San Carlos obtuvo un segundo accésit en la clase de “dibujo del natural”.

Su domino del lápiz se sitúa con el paso de los años en el terreno del más puro virtuosismo, un virtuosismo sin alardes, ni ostentación, que le permite avanzar o moverse en cualquier dirección, sea ésta la académica o la de la más incuestionable modernidad.

La relación de Pinazo con el dibujo es la historia de una pasión y una obsesión. El dibujo se convirtió para el artista en un medio de conocimiento y análisis del mundo que le rodeaba. Sus dibujos no son simples mecanismo técnicos al servicio de la concreción de una idea plástica, sino obras con entidad en sí mismas.

Los modelos profesionales y los sucesos urbano son registrado por su lápiz con el mismo interés que las escenas domésticas de su entorno familiar. Una sucesión de imágenes, sorprendentemente variadas, que conforman un rutilante mosaico social y vital.

Ignacio Pinazo. Maestro del dibujo. Cuadernos de Italia
Hasta diciembre de 2014 en el IVAM

Concha Jerez. Interferencias en los medios

21/07/2014, Hasta el 6 de enero de 2015 se puede visitar en el MUSAC de León una muestra que aborda los medios de comunicación y su extraordinario poder en la configuración de lo que entendemos como la realidad.

León, 21 de julio de 2014
Esta muestra del MUSAC propone un recorrido a través de una parte sustancial de la obra de Concha Jerez. A partir de la utilización de los medios de comunicación como materia prima, las obras abordan la historia, la memoria y el olvido, los mecanismos de censura y autocensura, el papel del arte y la función de la crítica, el silenciamiento sistemático de la aportación de las mujeres a lo largo de la historia y todavía hoy, la sociedad de consumo, la cultura del espectáculo, el impacto de la publicidad, las diversas formas de control que el poder político y económico ejerce sobre los individuos, la vigilancia y el sofisticado control que se practica en las sociedades desarrolladas, o los estrechos márgenes de libertad que permiten los sistemas democráticos.

Este proyecto específico de la artista para el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León se integra por veintiuna obras entre Instalaciones, piezas e Intervenciones site-specific, fechadas entre 1974 y 2014, y en las que queda patente el poder que tienen los medios de comunicación sobre la población.

Concha Jerez. Interferencias en los medios propone el desmontaje de los discursos dominantes que medios como la prensa escrita o la televisión producen y reproducen, y centra su trabajo en las posibilidades de ejercer una interpretación crítica por parte del receptor.

Dos intervenciones han sido realizadas específicamente para el espacio del MUSAC. Paisaje de infinitos metros cúbicos de personas desaparecidas, en uno de los patios exteriores del museo, y Paisaje de ambigüedad, que se despliega en diferentes puntos del museo acompañada de breves textos.

Concha Jerez. Interferencias en los medios
MUSAC
Avenida de los Reyes Leoneses, 24. León

Vive Liverpool

21/07/2014, Liverpool es una ciudad fascinante de la que resulta imposible no enamorarse, gracias a su ambiente musical, sus asombrosas tiendas y su patrimonio histórico.

Liverpool, 21 de julio de 2014
Con sus atractivos únicos, emocionantes eventos, ofertas deportivas y su gran colección de museos y galerías, la cultura y el patrimonio de Liverpool están en el corazón mismo de la ciudad.

En Liverpool el turista encontrará una gran selección de cosas que hacer y lugares para visitar y luego podrá disfrutar de los mejores restaurantes, pubs y bistros.

Principales atracciones
Comienza con una visita al famoso muelle Albert Dock, donde encontrarás la galería Tate Liverpool, el Merseyside Maritime Museum (Museo Marítimo de Merseyside) y la premiada atracción The Beatles Story.

Los fans del grupo no deben perderse los recorridos Beatles Tours, con los que descubrir el Cavern Club, Mendips, 20 Forthlin Road, y otros lugares emblemáticos.

Historia y patrimonio
La historia de Liverpool se remonta más de 800 años y abarca desde el comercio marítimo hasta la Beatlemanía. En 2004 la ciudad fue declarada Patrimonio de la Humanidad por su historia como uno de los grandes puertos del mundo. El mejor modo de conocer la historia de Liverpool es con una visita a los museos nacionales de la ciudad; World Museum Liverpool, Walker Art Gallery, The Conservation Centre, The Maritime Museum y el Museum of Liverpool permiten acercarse a la historia de la ciudad y a sus vínculos con el mundo.

Arte y cultura
La ciudad de Liverpool cuenta con una de las más impresionantes colecciones de museos y galerías de toda Europa, sin olvidar el famoso centro de investigación de la Universidad de Liverpool.

Destaca la Walker Art Gallery, que alberga obras de Hockney, Degas, Turner y Rembrandt, y el centro cultural Bluecoat de 300 años de antigüedad.

En esta ciudad el arte es de vanguardia; de hecho cuenta con una magnífica fundación, FACT (Foundation for Art and Creative Technology, en español Fundación para el Arte y la Tecnología Creativa), y es el principal centro cultural mediático del Reino Unido. Incluye de todo, desde provocadores proyectos artísticos hasta los éxitos de taquilla recién salidos de Hollywood.

Bares y restaurantes
Liverpool tiene magníficos restaurantes. Tanto si te apetece algo barato y sabroso o un festín de alta cocina, no te van a faltar opciones. De todos los restaurantes de Liverpool, hay uno en boca de todos: Panoramic 34. Encaramado en la 34ª planta de la torre West Tower, es uno de los restaurantes situados a mayor altura del Reino Unido, con vistas panorámicas de 360° de Liverpool y sus alrededores.

En la ciudad se encuentra la comunidad china más antigua de Europa, su Chinatown es de visita obligada, sobre todo si tu viaje coincide con el año nuevo chino.

Música y vida nocturna
La música es una parte fundamental de Liverpool. La Capital del Pop es famosa por ser la cuna de los Beatles y del Cavern Club. No te pierdas la oportunidad de ver al próximo grupo que saltará a la fama en las salas de conciertos de la ciudad, como Liverpool Academy, Bumper y Magnet.

Si lo tuyo son los cuartetos de cuerda, compra entradas para la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool, la orquesta sinfónica profesional en activo más antigua del Reino Unido, en el auditorio Liverpool Philharmonic Hall.

Para familias
Liverpool ofrece todo tipo de actividades para entretener a los niños. El World Museum es un fantástico lugar para pasar el día, con un poco de todo, desde dinosaurios y momias egipcias hasta criaturas del fondo del mar. Si te apetece algo completamente diferente, lleva a los pequeños de la casa a Knowsley Safari Park, en sus 222 hectáreas podrán acercarse a rinocerontes, camellos, monos y leones.

Deporte
En la ciudad tienen su sede dos de los mayores equipos de fútbol de la Premier League: el Liverpool FC y el Everton FC. La rivalidad entre ambos se remonta varias generaciones, y los torneos locales siempre resultan de lo más emocionantes.

Pero la cosa no va solo de fútbol, también encontrarás tres campos de golf junto al mar, los denominados Royal Links, en England’s Golf Coast y en Aintree Racecourse, el hipódromo en el que cada año se celebra el Grand National.

Compras
En Liverpool las compras se toman muy en serio. Con más de 400 tiendas para elegir, puede que te cueste saber por dónde empezar. En el centro comercial Liverpool ONE, en el corazón de la ciudad, encontrarás más de 160 puntos de venta de las principales cadenas de tiendas británicas, desde John Lewis hasta Apple y Topshop, pasando por Cath Kidston.

Si te apetece darte un lujo, pásate por los exclusivos centros comerciales Cavern Walks o Metquarter, donde encontrarás marcas de la talla de Vivienne Westwood, Jo Malone, L.K. Bennett y Tommy Hilfiger.

Kurt Schwitters en Palma

18/07/2014, La exposición de la Fundación Juan March profundiza en dos de los aspectos menos conocidos del trabajo de Kurt Schwitters, una de las figuras más relevantes de la vanguardia europea: sus collages y su labor en diseño gráfico.

Palma, 18 de julio de 2014
La exposición Kurt Schwitters. Vanguardia y publicidad quiere destacar dos aspectos aparentemente muy diversos del trabajo de Kurt Schwitters (1887-1948), sus collages –procedimiento en el que, junto con Picasso, Hans Arp, László Moholy-Nagy o Hannah Höch, fue todo un maestro– y de su trabajo en diseño gráfico.

Para ello, la exposición presenta varios de sus célebres collages de las décadas de los veinte a los cuarenta, así como muchos ejemplos de su labor en el campo del diseño gráfico y la tipografía, tan diversos entre sí como libros, carteles, folletos publicitarios, revistas, anuncios para prensa, papel timbrado o modelos para impresos bancarios, comerciales o postales.

Una selección que presenta la obra de Schwitters como un cuerpo artístico tan pleno de contraste como de sentido. Pues, por una parte, encontramos el tipo de trabajo que podría calificarse de artísticamente puro, y por otra su trabajo como publicista y diseñador gráfico, una tarea al servicio de determinados productos y firmas comerciales, con la que cubría la necesidad del artista de ganarse la vida.

Kurt Schwitters. Vanguardia y publicidad presenta ambos aspectos del trabajo de Schwitters, el del artista y el del diseñador, mezclándolos para ahondar en sus raíces comunes, y mostrando visualmente el trabajo artístico, poético y publicitario de Schwitters como un todo comprensible, regido por una peculiar lógica interna y una simbiosis, mutuamente productiva, entre dos realidades íntimamente ligadas en el arte de la modernidad: la vanguardia y la publicidad.

Kurt Schwitters. Vanguardia y Publicidad
Museu Juan March
Hasta el 4 de octubre de 2014
Sant Miquel, 11. Palma

La factoría Van Nelle, Patrimonio Mundial

18/07/2014, En las afueras de Rotterdam está la factoría Van Nelle, un edificio industrial emblemático que en 2014 ha sido inscrito como Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Rotterdam, 18 de julio de 2014
Diseñada por los arquitectos Johannes Brinkman y Leendert van der Vlugt, fue construida en 1929 junto a un canal de la zona industrial del pólder de Spaanse, al noroeste de Rotterdam. Es una obra maestra de la arquitectura industrial del siglo XX.

Comprende un conjunto de talleres con fachadas de cristal y acero principalmente, construidas con arreglo al sistema arquitectónico del muro cortina. Airosos puentes de cristal enlazan los edificios, construidos básicamente de hormigón, y con fachadas en las que predomina el cristal.

El edificio se concibió como una “fábrica ideal” abierta al mundo exterior, de tal forma que la luz del día penetrara en ella para proporcionar condiciones laborales agradables y que los espacios interiores pudieran adaptarse a la evolución de las necesidades de producción.

Según valora la UNESCO, esta construcción encarna el nuevo tipo de fábrica que llegó a convertirse en un símbolo de la cultura modernista y funcional del periodo de entreguerras, y además constituye un testimonio de la larga historia mercantil e industrial de los Países Bajos en el ámbito de la importación de productos alimentarios procedentes de los países tropicales, su elaboración industrial y su comercialización en el continente europeo.

La factoría se dedicaba al procesamiento de productos alimenticios, desde el té al cacao o el chicle, y funcionó hasta 1990. Ahora alberga empresas de diseño y comunicación, y zona de servicios para reuniones y eventos.

La obra es un ejemplo de la arquitectura holandesa moderna, y en ella se contemplan ideas de la Bauhaus y del Constructivismo ruso. Luz y funcionalidad son claves de esta factoría.

El canal navegable permitía la llegada de la materia prima, que era elevada al piso superior para ir bajando a medida que se procesaba. El agua, el entorno verde y la luz se interpretaron como elementos que mejoraban la calidad del trabajo y, por ello, el bienestar de los obreros. Jardines, biblioteca, zona deportiva, comedores… todo muestra una visión “social” de la obra.

Últimos días de Picasso y Zárraga en el MPBA

17/07/2014, Este fin de semana cierran las dos exposiciones temporales que ocupan el primer y segundo piso del Museo del Palacio de Bellas Artes de México.

México, 17 de julio de 2014
Con más de 160 mil visitas hasta el momento, el Museo del Palacio de Bellas Artes despide Picasso revelado por David Douglas Duncan y Ángel Zárraga. El sentido de la creación, terminarán su periodo de exhibición el próximo domingo 20 de julio.

Picasso revelado por David Douglas Duncan revela el universo íntimo de Pablo Picasso a través de 139 fotografías tomadas por el fotoperiodista Duncan y 117 obras maestras entre pintura, cerámica, grabado, escultura, dibujo y litografía del reconocido pintor.

Por su parte, Ángel Zárraga. El sentido de la creación explora los diferentes periodos de producción del pintor duranguense a través de 85 piezas entre pintura, dibujo y obra mural. Se trata de la primera exposición retrospectiva que se le brinda después de casi treinta años y que permite ver desde la producción más temprana del artista hasta sus experimentaciones cubistas y su retorno a la figuración. De igual forma, plantea un acercamiento a su obra mural mediante la exhibición de los 18 paneles –nunca antes expuestos en su totalidad- realizados para la Embajada de México en Francia.

El Museo del Palacio de Bellas Artes invita a los últimos recorridos guiados por las salas de exhibición, que se realizarán hasta el domingo con un horario de 13:00 y 16:00 horas a los que respectan a Picasso revelado por David Douglas Duncan, y a las 13:30 horas y 15:30 horas a los que corresponden a Ángel Zárraga. El sentido de la creación.

Dos meses de Eucharistia

17/07/2014, Más de 60.000 personas han visitado ya la exposición Eucharistia Las Edades del Hombre, que se celebra en Aranda de Duero hasta noviembre de 2014.

Aranda de Duero, 17 de julio de 2014
Tras cumplirse dos meses de su inauguración, la XIX edición de Las Edades del Hombre está siendo un éxito de público hasta la fecha, con más de 60.000 visitas.

La Junta de Castilla y León ha analizado los resultados provisionales de la exposición de arte sacro ‘Eucharistia’, que se realiza en las iglesias de Santa María y San Juan de Aranda de Duero, y ha anunciado que de momento la muestra ha recibido un 14,7% más de visitas que en el mismo período de la edición anterior celebrada en Arévalo (Ávila).

Según Javier Ramírez, Director General de Turismo de la Junta de Castilla y León, “Castilla y León posee uno de los conjuntos patrimoniales más bellos y extensos de Europa, lo que hace que una exposición como ésta, en la que se enseña la historia de un pueblo, pueda extrapolarse también como la historia general del hombre. Tenemos que felicitarnos porque, después de analizar, catalogar y exponer más de 4.000 obras comprendidas en la muestra- de las que cerca de la mitad han tenido que ser restauradas- la comisión de los Premios Princesa de Asturias nos ha nominado como candidatos al premio Princesa de Asturias de la Concordia”.

Por otro lado, Javier Ramírez ha explicado “el impulso” que significa Las Edades del Hombre para la región, “En lo que lleva vigente la exposición, se ha experimentado un incremento del volumen de negocio en la zona de un 40% con respecto al año pasado según datos de la Asociación de Hosteleros de Aranda y la Ribera (Asohar). Un repunte que ha sido especialmente destacado en el sector de los asadores y en la restauración, aunque también cabe destacar el aumento en las pernoctaciones, en la ocupación de alojamientos rurales y en todo el tejido turístico y hostelero de la comarca”, ha destacado Ramírez.

Eucharistia está dividida en cuatro capítulos y cuenta con cerca de 130 piezas de arte sacro traídas de diferentes diócesis, que representan la riqueza religiosa incalculable de Castilla y León. La exposición podrá verse hasta el próximo mes de noviembre de 2014.

La belleza cautiva del Prado

16/07/2014, El Prado expone en CaixaForum Barcelona La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, un resumen de lo mejor de su colección en pequeño formato.

Barcelona, 16 de julio de 2014
El Museo del Prado y la Obra Social ”la Caixa” presentan La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, la segunda gran exposición sobre las colecciones del museo que se presenta en CaixaForum Barcelona después del éxito que supuso Goya. Luces y sombras en 2012.

Este nuevo proyecto propone un recorrido inédito por la excelencia de sus colecciones a través de la selección de 135 obras maestras en pequeño formato de su colección que jamás se han presentado fuera del Museo. Estas pequeñas joyas ofrecen al visitante una experiencia completa del Prado por todas sus escuelas y en toda su extensión cronológica, desde finales del siglo II d.C., con la escultura de Atenea Partenos, hasta Goya y el siglo XIX con Fortuny.

La exposición permite apreciar la técnica y el refinamiento que alcanzó el quehacer de los nombres esenciales que configuran la identidad y calidad del Prado como El Bosco, Tiziano, Jan Brueghel el Viejo, El Greco, Velázquez, Rubens, Poussin y Madrazo, entre muchos otros.

Las pinturas de pequeño formato están habitualmente a la sombra de los cuadros de gran tamaño de la colección, así como también los bocetos preparatorios para obras de grandes formatos, los frescos y cuadros de altar o los cartones de tapices, así como los cuadros de gabinete y los pequeños retratos. En esta muestra el público podrá apreciar el enorme atractivo que encierran estas pequeñas y singulares obras de extraordinaria riqueza y numerosos detalles.

Todos los géneros y los temas, desde la mitología, las imágenes de devoción y los retratos, a la naturaleza, a la reflexión sobre el ser humano, la exaltación del poder y la vida cotidiana, y también, los diferentes soportes y técnicas, como mármol, tabla, lienzo, pizarra o cobre, se mezclan en una exposición que refleja la riqueza y variedad de este resumen de lo mejor del Museo.

La constante invitación al público a mirar las pinturas expuestas a través de recursos expositivos como ventanas, ‘cámaras oscuras’ o el colgado de las obras, que están a la altura de los ojos del visitante, permitirá disfrutar en «privado» y en detalle de este Prado, exquisito y concentrado, que no siempre goza de la posibilidad de exponerse o que, aún expuesto, encuentra dificultad para captar la atención.

La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado
16 de julio de 2014 – 5 de enero de 2015
CaixaForum Barcelona

Atrapar la vida

14/07/2014, Eugeni Forcano, Premio Nacional de Fotografía 2012, protagoniza una exposición retrospectiva en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Madrid, 14 de julio de 2014
La exposición de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando destaca el trabajo del que Forcano se siente más orgulloso, porque por un lado es el que le permitió dedicarse a la fotografía y por el otro porque es el broche con el que decidió cerrar su vida profesional.

Eugeni Forcano (Canet de Mar, 1926) es un autodidacta que siempre ha observado su entorno de forma inquieta y escrutadora, intentando atrapar los momentos que más le atraían. De este modo esta muestra introduce al visitante a través de ciento cincuenta imágenes, en temas como «La Barcelona del desarrollo», «La vida rural», «Banyoles. Día de mercado», «Gente gitana», «La magia de las fiestas», «Las formas de la dictadura», «Curas y monjas», «Miserias humanas», «Vida en la calle», «La seducción de un instante» y «Tipos con carácter».

El último apartado de la exposición, «Fotografia experimental», muestra imágenes realizadas entre 1980 y 1995, cuando pudo dedicarse a experimentar con la fotografía en color.

Todo ello se complementa con una selección de revistas y libros que reprodujeron su trabajo, así como con la proyección del capítulo dedicado a Forcano incluido en el proyecto La voz de la imagen, de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, realizado por J.L. López Linares y Publio López Mondéjar.

Atrapar la vida. Eugeni Forcano. Fotografías
Desde el 18/07/2014 hasta el 31/08/2014
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

La seda de Tomioka, Patrimonio Mundial

14/07/2014, El complejo industrial sedero de Tomioka, en Japón, entró a formar parte de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en junio de 2014.

Japón, 14 de julio de 2014
La reunión del Comité del Patrimonio Mundial que designó en 2014 los nuevos sitios de la UNESCO se celebró en Qatar y en ella se incluyó a este complejo industrial japonés como bien cultural universal.

Ubicado en la prefectura de Gunma, al noroeste de Tokio, el complejo industrial de producción e hilado de seda se creó en 1872. La fábrica sedera, un edificio de ladrillo, fue diseñada por el Paul Brunat. En aquel momento, el edificio, equipado con 150 máquinas de hilado, fue ya el mayor de su tipo en el ámbito de la industria sedera.

La manufactura fue construida por el gobierno japonés, que en aquel momento estaba impulsando un proceso de industrialización, tras la restauración Meiji. La factoría, equipada con maquinaria importada de Francia, consta de cuatro partes distintas, correspondientes a las diferentes etapas de producción de la seda bruta: un almacén refrigerado para los huevos de los gusanos; una granja experimental para producir los capullos; una factoría para desenrollar la fibra de éstos e hilar la seda bruta; y un centro de enseñanza para difundir conocimientos relacionados con la cultura de la seda y su aprovechamiento.

Pese a que la fábrica fue cerrada en marzo de 1987, mantuvo buen estado de conservación, por ser un lugar de referencia del renacimiento de Japón en el siglo XIX. En 2005, ya fue designado por Japón como “Sitio histórico”.

El ahora sitio de la UNESCO ejemplifica el afán del Japón por adoptar las técnicas más avanzadas de producción en masa, lo que no sólo llegó a ser un elemento decisivo de la renovación de la sericicultura japonesa en el último cuarto siglo XIX, sino que además marcó un hito en la entrada del país en la moderna era industrial, convirtiéndolo en el primer exportador mundial de seda bruta, destinada principalmente a Francia e Italia.

La ciudad en la que se halla, Tomioka, pertenece a la prefectura de Gunma; cuenta con una población de algo más de 50.000 habitantes (2010), y entre sus elementos más conocidos está también su santuario sintoísta.

Carpeaux en el Museo d`Orsay

14/07/2014, Una retrospectiva dedicada a la figura de Jean-Baptiste Carpeaux, escultor, pintor y dibujante que representó como nadie la grandeza de las emociones y la belleza y dinamismo de la anatomía humana.

París, 14 de julio de 2014
La figura de Carpeaux constituye una de las más perfectas encarnaciones de la idea romántica del artista maldito: por la brevedad de su carrera, concentrada en quince años, por la violencia y la pasión de una labor sin tregua, y por los temas que eligió y se le encargaron.

Jean-Baptiste Carpeaux, hijo de un albañil y de una encajera de Valenciennes, se edificó un destino excepcional. Este artista polifacético esculpió como nadie la grandeza de las emociones y la belleza y dinamismo de la anatomía humana, capturando la carne y la sangre en la piedra.

Escultor de la sonrisa y pintor del movimiento, este notable retratista y dibujante habitual de la corte de las Tullerías, Carpeaux se trata de una de las figuras de mayor relevancia de la escultura francesa de la segunda mitad del siglo XIX.

Carpeaux nació en 1827 en Valenciennes. Durante toda su vida padeció enfermedades físicas graves y violentos cambios de humor, sólo tenía 48 años cuando murió. A pesar de esta corta carrera, fue extraordinariamente productivo, y realizó una gran cantidad de obras, todas ellas de una calidad excepcional.

Instalado en París con su familia en 1838, Carpeaux ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1844, donde recibe una beca de su ciudad natal para estudiar de 1845 a 1854. Se matrícula como alumno de François Rude, figura del romanticismo y escultor de la Marsellesa del Arco de Triunfo de la plaza de la Estrella, pero personna non grata en la Escuela.

El concurso anual para el premio de Roma, principal reto en la perspectiva de una carrera parisina es, desde el principio, objetivo del joven Carpeaux. Los galardonados se van a Roma, para una estancia de cuatro años en la Academia de Francia de la Villa Médicis, con el fin de perfeccionar su formación al contacto de las obras maestras de la Antigüedad y del arte italiano.

Tras varios intentos sin resultado, elige dejar la enseñanza de Rude en beneficio a la del profesor Francisque Duret, que le promete el éxito en dos años. En septiembre de 1854, Carpeaux obtiene el gran premio de Escultura con Hector implorando a los dioses en favor de su hijo Astianacte.

Estancia en Italia
Carpeaux llega a Roma en 1856, con casi dos años de retraso, poniéndose de este modo desde el principio en una situación delicada, respecto al director de la Villa Médicis, el pintor Victor Schnetz.

En la Academia estrecha fuertes amistades con algunos colegas suyos, como el escultor Alexandre Falguière; juntos exploran, sin tregua, la ciudad y sus alrededores.

Roma es para Carpeaux una fuente de múltiples revelaciones, sobre todo Miguel Ángel, por el que siente de inmediato una devoción absoluta. La vida del pueblo italiano le inspira numerosos estudios en vivo.

Ugolino
Los escultores en pensión de la Villa Médicis tenían que modelar el boceto de su último envío en su cuarto año en Italia, para posteriormente pasarlo a mármol. Carpeaux imagina un grupo procedente del canto XXXIII del Infierno de Dante: Ugolino della Gherardesca, tirano de Pisa en el siglo XIII, condenado por su rival, el arzobispo Ruggiero Ubaldini a ser amurallado vivo con sus hijos y sus nietos, en una torre. Allí, Ugolino devora a su descendencia, antes de morir de hambre.

Carpeaux fusiona en su grupo la terribilità del relato dantesco y la inspiración miguelangelesca, a la vez que se inspira en una famosa obra de la Antigüedad, el Laoconte.

De 1858 a 1861, Ugolino tiene un génesis difícil. Diseñado primero como un bajorrelieve, se convierte en un grupo formado por tres y después cinco figuras, en contra del reglamento de la Academia. El director, aunque sensible al valor del boceto, se opone con firmeza, provocando la obstinada resistencia de Carpeaux, obligado a abandonar el modelado en diciembre de 1858. Carpeaux llega sin embargo a convencerle de dejarle acabar su escultura.

Carpeaux viaja a París en 1860, donde solicita una prolongación por dos años. De vuelta a Roma, trabaja febrilmente en su grupo. La acogida del yeso en París, en 1862, no está a la altura de sus expectativas. Indignado por las observaciones de la Academia transmitidas por la prensa, y por la pobreza del material encargado para su obra, Carpeaux consigue, tras duras negociaciones, la fundición de un bronce.

La decoración del Louvre
Amenazado de ruina, el pabellón de Flore fue derrumbado y reconstruido por el arquitecto del nuevo Louvre de Napoleón III, Hector Lefuel, para alojar los apartamentos del príncipe imperial.

Gracias al éxito de Ugolino, Carpeaux obtiene, en 1864, el encargo de la decoración de la coronación de la fachada Sur, lado Sena: un frontón adornado con figuras alegóricas, La Francia imperial llevando la luz por el mundo y protegiendo la Agricultura y la Ciencia, un relieve en el ático, Flore, junto a un friso de niños llevando palmas.

El escultor realiza numerosos bocetos para la colocación de las figuras del frontón, inspirándose, en las alegorías del Día y la Noche esculpidas por Miguel Ángel para las tumbas de los Médicis en Florencia. El trabajo de Carpeaux pasa finalmente, de una composición inspirada por el Renacimiento, a una figura sonriente y rubeniana, que sobresale de su marco, como si tuviera vida própia.

Descontento por el saliente de la figura, considerando que perjudica la ordenación de su proyecto, Lefuel amenaza a Carpeaux con cortar la cabeza de su figura. El escultor solicita el arbitraje del emperador y sale vencedor.

En 1866 el conjunto de la decoración imaginada por Carpeaux confirma su fama.

Watteau
El monumento al pintor Jean-Antoine Watteau (1684-1721), nativo de Valenciennes, es un proyecto que ocupa la mente y el tiempo de Carpeaux durante parte importante de su carrera.

Desde su estancia en Roma, el escultor piensa en la manera de expresar su reconocimiento a su ciudad natal, que le otorgó una beca.

Presenta su proyecto al alcalde en 1860: una fuente dominada por la estatua en pie de Watteau. No pide ninguna remuneración, excepto el reembolso de los gastos, deseando ejecutar la estatua en mármol.

Como la mayoría de los proyectos monumentales del escultor, la estatua de Watteau vive diversas peripecias, incluida la destrucción de un modelo de yeso, en un exceso de decepción.

La lentitud de las decisiones de la ciudad no frena el ardor de Carpeaux en promocionar incansablemente su proyecto, entre 1869 y 1874.

Cuatro años después de su muerte, en 1879, se inaugura el monumento, fundido en bronce, al pie de la iglesia Saint-Géry y no en la ubicación soñada por Carpeaux, en la Place d'Armes.

En la corte imperial
Carpeaux fue particularmente apreciado por los soberanos. La emperatriz Eugenia adquiere los dos mármoles del Pescador con concha y de la Joven con la concha, Napoleón III defiende el relieve de Flore, en contra de la opinión del arquitecto del pabellón de Flore.

En 1864, Carpeaux da lecciones de dibujo y de modelado al príncipe Luis Eugenio Napoleón, hijo único de Napoleón III y de la emperatriz Eugenia, nacido en 1856.

La pareja imperial accede a la propuesta de Carpeaux de realizar el retrato del príncipe heredero de la dinastía. Como la soberana quería un busto y el emperador una estatua en pie, Carpeaux emprende ambas obras durante la primavera de 1865.

La estatua rompe con las representaciones de los niños príncipes, poniendo de relieve la accesibilidad del joven príncipe, representado como un niño de la alta sociedad, vestido con un elegante traje civil, acompañado por Nero, el perro del emperador.

Carpeaux comentaría de su obra: "mi estatua del príncipe imperial será una bella huella de los tiempos modernos para el futuro, en ella pongo todo mi conocimiento, toda mi vida; será un escalón en mi gloria".

Carpeaux visto por el mismo
Pocos escultores del siglo XIX han dejado tantos autorretratos como Carpeaux. Durante toda su vida, pinta su rostro, con regularidad, a menudo sin concesión, de la juventud llena de futuro a la introspección desesperada de los últimos años. La mirada, siempre grave, de estas pinturas o de estos dibujos, demuestra esta compleja personalidad, que se balancea constantemente entre el entusiasmo y el decaimiento.

La Danza
En 1861, el joven arquitecto Charles Garnier gana el concurso para la nueva ópera. Dos años después, recurre a Carpeaux, su condiscípulo de la Pequeña Escuela, para uno de los cuatro grupos de tres personajes que debe proporcionar ritmo a la parte inferior de la fachada.

Garnier rechaza la primera propuesta del escultor y le pide que reflexione en torno al tema de la danza. Entonces, Carpeaux propone un proyecto que incluye nueve figuras, cuyo relieve no respeta la ordenación de la fachada. Garnier acepta sin embargo este atrevido corro de bacantes, alrededor de un genio central.

Carpeaux mezcla con libertad fuentes antiguas y observaciones contemporáneas, multiplicando los estudios dibujados. Un verdadero equipo trabaja durante el año 1868 y comienzos de 1869, con la contribución del propio de Carpeaux que maneja compás y cincel.

Al desvelarse la fachada de la ópera en 1869, llegan de inmediato reacciones ofendidas por el realismo y la desnudez de las figuras, y la crítica carga contra Carpeaux. Durante la noche del 26 al 27 de agosto, una botella de tinta fue lanzada contra el grupo. Ante la amplitud de las protestas, la administración y el propio Garnier deciden retirar el grupo, ante la desesperación de Carpeaux, que se niega a crear otro: se realiza un encargo al escultor Charles Gumery.

La guerra de 1870, la caída del Segundo Imperio y posteriormente la muerte de Carpeaux en 1875, salvan al grupo de la Danza de ser desmontado.

En 1964, el escultor Paul Belmondo realizó una copia, y la piedra fue desplazada al museo del Louvre, y posteriormente trasladada al museo d`Orsay en 1986.

La fuente del Observatorio
En 1867, el barón Haussmann pide al arquitecto Gabriel Davioud, director de las obras del Ayuntamiento, que conciba una fuente en la extremidad Sur de la avenida del Observatorio. Davioud propone encargar el grupo a Carpeaux y los caballos marinos a Emmanuel Fremiet.

Carpeaux representa las cuatro partes del mundo, África, América, Asia y Europa, sosteniendo la esfera celeste.

Carpeaux estudia primero los tipos étnicos, utilizando para África y Asia modelos vivos, que trata primero en busto. Las ediciones que realiza rápidamente demuestran su éxito inmediato.

La guerra de 1870 y la Comuna interrumpen el trabajo de Carpeaux, que no entrega el modelo del tamaño de ejecución hasta 1872. La crítica del Salón se encarniza contra el grupo: "cuatro mujeres desvestidas, desgarbadas, forcejean como atontadas y furiosas, bajo un gran globo que no sostienen. Este estilo desaliñado es desde luego intolerable, en obras destinadas al aire libre".

El bronce fue fundido en 1874, sin tener en cuenta la voluntad de Carpeaux de patinar las figuras de forma que evocasen el color de la piel de las alegorías.

Carpeaux (1827-1875), un escultor para el Imperio
Museo d`Orsay
62, rue de Lille. Paris
Hasta el 28 de septiembre de 2014

Campo cercado con labrador. Vincent Van Gogh

11/07/2014, La obra del artista holandés, realizada el año antes de su muerte, llega al Museo Lázaro Galdiano, cedida por el Museo de Bellas Artes de Boston.

Madrid, 11 de julio de 2014
El próximo otoño El Aquelarre de Francisco de Goya y tres pruebas de estado de los Disparates (Disparate femenino, Disparate de tontos y Disparate de miedo), viajarán al Museo de Bellas Artes de Boston para participar en la muestra Goya: Order and Disorder, la mayor retrospectiva dedicada al pintor español en Estados Unidos desde hace veinticinco años.

Como contraprestación la institución estadounidense cede temporalmente al museo madrileño la obra del pintor holandés Vincent Van Gogh "Campo cercado con labrador", pintada en octubre de 1889, y que se incorporó a sus colecciones en 1993 gracias al legado del físico estadounidense William A. Coolidge.

Esta obra pertenece a la última etapa de Van Gogh en la que profundas crisis nerviosas se intercalan con fases de intensa actividad pictórica. En mayo de 1889, el artista ingresa voluntariamente en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, a 15 kilómetros de Arlés. Según su médico, Théophile Peyron, sufría manía aguda con alucinaciones de vista y oído. La estancia en el hospital fue un periodo de gran actividad; pintó unas ciento cincuenta obras, interpretaciones de sus artistas favoritos (Rembrandt, Delacroix, Daumier y Millet) y algunas de sus series más conocidas, además de la obra maestra "La noche estrellada".

Desde septiembre a finales de octubre de 1889 Van Gogh se dedicó a pintar los campos de Saint-Rémy. El artista estaba obsesionado con el color de los campos cercanos al hospital, y tal como comentó en varias cartas a su hermano Theo le impresionaban "los matices de la tierra arada y el contraste de los surcos púrpuras con el amarillo del rastrojo".

Pocos meses después, el 27 de julio de 1890, Vincent Van Gogh se disparó una bala en el vientre, muriendo dos días después, a los 37 años de edad. Un fin prematuro para una mente atormentada, pero al mismo tiempo brillante y extraordinariamente creativa.

Campo cercado con labrador, de Vincent Van Gogh
Fecha: Desde el 11/07/2014 hasta el 19/10/2014
Sede: Museo Lázaro Galdiano

La Mirada en el Otro

10/07/2014, La Mirada en el Otro es una muestra colectiva que reúne en Chile a buena parte de los artistas españoles galardonados con el Premio Nacional de Fotografía desde su creación en 1994 hasta el año 2008.

Santiago de Chile, 10 de julio de 2014
El Centro Cultural de España en Santiago inaugura esta exposición fotográfica, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España junto con La Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación (MAEC), a través del Centro Cultural de España en Santiago.

Esta antológica de la historia de la fotografía española de los últimos sesenta años, además de generar innovadores nexos entre obras de diferentes creadores, muestra una visión de conjunto que permite apreciar la evolución de estos fotógrafos y de la sociedad española que, en las décadas que van de los años cincuenta a nuestros días, ha sufrido una transformación muy notable.

En ella está representada la sociedad de la posguerra, con piezas de Gabriel Cualladó, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier o Joan Colom, la generación de fotógrafos que inician su trayectoria en los años 70, con el trabajo documental de Cristina García Rodero, el universo particular de Toni Catany y del argentino, afincado en España, Humberto Rivas, pasando por los años 80, el período más pop, con obras de creadores pertenecientes a la “movida madrileña”, como Alberto García-Alix , Pablo Pérez-Mínguez y Ouka Leele, adentrándose finalmente en las tendencias actuales de la fotografía conceptual a través de fotógrafos como Chema Madoz, Joan Fontcuberta, Manuel Vilariño o Bleda y Rosa.

La Mirada en el Otro ha visitado otras ciudades claves del circuito artístico internacional como Madrid, Lisboa, Tokio, Nueva York, Ljubliana, Washington, Miami, México o Buenos Aires... Ahora, los visitantes que acudan al Centro Cultural de España en Santiago de Chile, tendrán la oportunidad de conocer el trabajo de artistas de trayectoria internacional que ya son parte de la historia de la fotografía contemporánea en España.

La mirada en el otro. Conexiones / Confrontaciones
Del 10 julio al 23 de agosto
Centro Cultural de España, Santiago de Chile
Av. Providencia 927

Ciudadela de Erbil, Patrimonio Mundial

10/07/2014, La ciudadela de Erbil, una gran ciudad kurda en el norte de Irak, fue incluida este año en el listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

París, 10 de julio de 2014
Esta ciudad fortificada se halla en lo alto de un gran tell ovoidal, dominando el paisaje llano de esta ciudad –la cuarta mayor de las de Irak- con más de un millón de habitantes.

Se entiende como tell a un montículo de tierra que se ha ido elevando merced a la acumulación de materiales a lo largo de los milenios de historia. Es un término muy común en Oriente, donde las civilizaciones han acumulado grandes colinas de barro (elemento base constructivo) que encierran un gran valor arqueológico.

Esta fortaleza de Erbil domina el paisaje con sus muros ininterrumpidos de fachadas y viviendas del siglo XIX, que continúan dando la impresión visual de una fortaleza inexpugnable que domina la ciudad.

Erbil, situada en la región autónoma del Kurdistán (Iraq), en el entorno de los montes Zagros, es la antigua Arbilum, donde hubo un famoso templo de Ishtar, o la Arbela famosa por la batalla en la que Alejandro Magno derrotó al persa Darío III. La urbe conservó una activa vida a lo largo de todos los milenios y fue una de las primeras comunidades cristianas en el siglo I.

Las fuentes escritas e iconográficas documentan una larga ocupación del sitio, y los descubrimientos y las excavaciones arqueológicas realizadas sugieren que la colina oculta estratos y vestigios que van más allá del siglo XX a.C.

En la fortaleza, el peculiar de las calles, en forma de abanico, data de la fase otomana tardía de Erbil.

Con este sitio, Irak cuenta ya con cuatro lugares Patrimonio Mundial: Hatra (1985), Asur (2003) y Samarra (2007).

En un país atribulado por los conflictos radicales que han favorecido la destrucción del Patrimonio, se interpreta que la UNESCO ha querido remarcar el valor universal de las culturas, frente a intolerantes que no dudan en su destrucción por motivos bélicos o religiosos, en la reunión celebrada en Qatar, en la que se aprobaron los nuevos sitios Patrimonio Mundial.

Nueva sede del Museo de Modelismo Naval

09/07/2014, Fundación Mapfre abre en madrid la nueva sede del Museo de Modelismo Naval-Julio Castelo, en la Calle Bárbara de Braganza número 14.

Madrid, 9 de julio de 2014
El Museo de Modelismo Naval-Julio Castelo Matrán constituye un excepcional conjunto de modelismo naval, único en su género, por su elaboración y calidad, y por reunir, en un mismo espacio, maquetas de barcos y buques de diferentes épocas y procedencias que aportan una visión de conjunto, tanto del modelismo, como de la historia naval.

El centro, que estará abierto al público todos los días de la semana, cuenta con un total de 40 maquetas de elevado valor patrimonial y artístico de barcos construidos entre los siglos XVIII y XX en España y en otros seis países europeos, así como en Estados Unidos.

En su mayor parte se trata de barcos de guerra que han participado en relevantes hechos históricos. Destaca el Juan Sebastián Elcano, buque escuela de la Armada Española, y el Endeavour, primer velero inglés que consiguió ser finalista en la Copa América (1934). También se exponen otros modelos como el buque Santísima Trinidad, considerado el barco español artillado más importante del mundo en su época (siglo XVIII), el Sovereign of the Seas, construido en Inglaterra en 1637 y cuatro nuevas maquetas de los barcos Ingermanland, Royal Caroline, Gorch Fock y Falmouth.

Todas las maquetas tienen una longitud igual o superior a un metro, que es la mayor que se ofrece en el mercado para este tipo de piezas “clásicas”. De este modo, se logra una homogeneidad en el tamaño de los modelos expuestos.

Además, las maquetas tienen la máxima calidad en sus materiales, ya que están construidas con maderas nobles en casco, cubiertas y mástiles; bronce en cañones y ornamentos.

Arte y maravilla en El Escorial

09/07/2014, La exposición De El Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial se centra en el proceso de decoración, ornato y alhajamiento de este edificio, una de las obras cumbre del Renacimiento europeo.

El Escorial (Madrid), 9 de julio de 2014,
Fundación Banco Santander y Patrimonio Nacional presentan De El Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial, una muestra cuyo objetivo es revivir un momento clave del Renacimiento exhibiendo al público grandes joyas pictóricas, escultóricas y de las artes decorativas adquiridas por Felipe II para la ornamentación del conjunto.

La exposición brinda una oportunidad única de contemplar obras habitualmente ocultas en las dependencias del monasterio, y de apreciar el relevante papel como mecenas del monarca y su contribución al patrimonio histórico-artístico español.

Obras de El Bosco, Tiziano o Navarrete el Mudo, se entremezclan con joyas, relicarios, ornamentos litúrgicos, códices miniados, encuadernaciones, tapices y dibujos, permitiendo que nos adentremos de una manera diferente a este hito arquitectónico del siglo XVI español.

Sobre El Escorial poseemos una abundantísima documentación, única en su momento, no solo en lo que respecta a su construcción como edificio, sino sobre las obras de arte con las que Felipe II lo adornó. Se trata de los llamados Libros de entregas, conservados en el Archivo del Palacio Real, donde se documentan los miles de objetos que el rey destinó al monumento. En ellos aparecen los nombres de El Bosco, Tiziano, van der Weyden, Patinir, Hans Memling, Antonio Moro, Tintoretto, Veronés, Navarrete el Mudo o Pantoja de la Cruz, es decir, muchísimos de los grandes pintores del Renacimiento, que se unen a los de arquitectos como Juan Bautista de Toledo o Juan de Herrera o escultores como Pompeo Leoni, Juan de Arfe o Niccoló dell´Arca.

El Escorial cuenta también con una crónica histórico-artística coetánea que no solo lo interpreta en su totalidad como obra de arte (arquitectura, pintura, escultura, artes decorativas), sino que también analiza las intenciones y las ideas de su fundador, Felipe II. Nos referimos al libro del Padre Fray José de Sigüenza, que se publicó en 1605, siete años después de la muerte de Felipe II en 1598.

El Escorial, la Ciudad de Dios
Las obras del edifico comenzaron en 1562 y la primera piedra se colocó en 1563. El diseño, un vasto rectángulo de 207 x 162 metros, en torno a una gran basílica de planta central y cubierta por una cúpula sobre tambor, fue ideado por Juan Bautista de Toledo. Su temprana muerte en 1567 dio paso a su discípulo Juan de Herrera, quien finalizó las obras arquitectónicas con su peculiar estilo, mezcla de lenguaje clásico a la italiana y elementos a la flamenca, como las cubiertas empizarradas, una manera que todavía hoy conocemos como herreriana.

La arquitectura que Felipe II quiso que sirviera de acogida a los cuerpos difuntos de su familia y las obras de arte allí reunidas debía ser cuidada al máximo. Formas geométricas sencillas (cubo, esfera, pirámide) aludían a la perfección y sabiduría divinas.

El Bosco, el gran pintor flamenco para El Escorial
Aunque había fallecido en 1516, El Bosco fue uno de los pintores favoritos de Felipe II, que había podido admirar sus obras en sus juveniles viajes a Flandes. Las principales obras de este artista entraron en las colecciones reales filipinas como, por ejemplo, El Jardín de las Delicias

Tiziano, el gran pintor italiano en El Escorial
Como sucedía con El Bosco, El Escorial era el edificio con mayor número de obras maestras de Tiziano que se podía contemplar en Europa. Eran en su casi totalidad pinturas de la última etapa de producción del maestro, la más apreciada en la actualidad, destacando el sobrecogedor Martirio de san Lorenzo, que se exponía en la Iglesia Vieja del monasterio junto al Entierro de Cristo y La Adoración de los Reyes del mismo artista.

De el Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial
Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial
Hasta el 14 de septiembre de 2014

Josef Albers: Proceso y Grabado

08/07/2014, Tras su paso por el Museu Fundación Juan March de Palma, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca presenta la muestra dedicada al artista Josef Albers.

Cuenca, 8 de julio de 2014
Desde el miércoles 9 de julio podrá verse en Cuenca, en el Museo de Arte Abstracto Español, de la Fundación Juan March, la exposición Josef Albers: Proceso y Grabado (1916-1976), compuesta por 103 piezas de obra gráfica, seleccionadas entre los casi 300 grabados individuales que creó y entre los miles de estudios y dibujos a través de los cuales el artista desarrolló sus obras finales.

Esta exposición, que estará en Cuenca hasta el 5 de octubre, está dedicada al proceso de trabajo de Albers en el campo de la obra gráfica y permite conocer de primera mano algo tan esencial como fueron sus técnicas y procedimientos.

Albers fue un profundo admirador del trabajo manual y del dominio del oficio y de las técnicas artísticas. Su trabajo evidencia, junto al cultivo atento de la técnica y el oficio, su talento para la libre invención, para Albers, en el arte el resultado no era una cuestión de aplicar el procedimiento, sino que precisamente era el procedimiento el que estaba en cuestión.

Josef Albers (1888-1976), más célebre hoy por sus vínculos con la Bauhaus (en la que fue alumno y maestro entre 1920 y 1933) y por sus pinturas al óleo de la serie Homenaje al cuadrado (1950-76) que por su obra gráfica, fue un creador de obra gráfica durante toda su vida. Desde los austeros blancos y negros de sus primeras xilografías ‒cuyos motivos se inspiran en el paisaje de la minería del carbón de su ciudad natal, Bottrop, en Westfalia‒ hasta los colores vivos y la geometría abstracta de las serigrafías de los años sesenta y setenta, Albers se sintió atraído por el grabado debido a la economía de su producción, la libertad de creación y la oportunidad que ofrecía el medio para el ensayo y error, la experimentación y la innovación.

Los grabados de Josef Albers son el resultado final y único del vínculo íntimo que el artista estableció con una amplia gama de materiales, procesos y tecnologías, algunas de ellas convencionales y otras no tanto. Albers experimentó con varios medios impresos, desde grabados en relieve sobre madera y linóleo hasta litografías sobre placas de zinc, de piedra y en color; con técnicas de intaglio y con serigrafías. A través de las obras seleccionadas, esta exposición permite una visión poco común acerca del funcionamiento de la imaginación del artista, y muestra sus estudios individuales y las series en las que se despliegan el proceso y el progreso de la creación de imágenes. La resolución y transformación de la idea inicial en forma final.

Josef Albers: Proceso y Grabado (1916-1976)
Museo de Arte Abstracto Español
C/ Canónigos, s/n
 Cuenca
Del 9 de julio al 5 de octubre de 2014

Acabado/Inacabado

08/07/2014, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una aproximación al concepto de inacabado en la pintura a través de 14 cuadros de la Colección Permanente y la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

Madrid, 8 de julio de 2014
La exposición –organizada en torno a los géneros tradicionales de la pintura de historia, el paisaje y el retrato- incluye obras de factura abocetada tanto de maestros antiguos como modernos. En ella se podrán encontrar desde esbozos de Rubens, Tiepolo, Géricault y Delacroix, y un estudio al aire libre de Matisse, a composiciones de Manet, Cézanne, Van Gogh, Heckel y Kokoschka.

El arte francés del siglo XIX fue escenario de una batalla que enfrentó a los partidarios de lo acabado y lo inacabado en la pintura. A comienzos de siglo, los sectores más estrechamente vinculados a la Academia convirtieron el fini o acabado pulido en símbolo de excelencia artística. En contrapartida, criticaron como negligente la factura abocetada.

Aún así, el fini nunca se llegó a convertir en modelo único de la pintura occidental, así, mientras en la Academia florentina del siglo XVI sancionaban las superficies cuidadosamente perfiladas de Rafael, los venecianos Giorgione y Tiziano apostaban por una pintura vibrante y sensual. Durante los siglos XVII y XVIII la factura veneciana encontró eco en escuelas como la española, la holandesa, la inglesa e incluso en la francesa.

La tensión entre ambas concepciones explotó en la Francia del siglo XIX por varios motivos, por un lado, ls pintores neoclásicos, contrarios al sensualismo rococó, se opusieron a cualquier acabado que dejase traslucir rasgo personal alguno. Por otro, se encontraban las propias contradicciones inherentes a lo que se consideraba en términos académicos, la etapa "generativa" y "ejecutiva" de la pintura.

La fase generativa incluía un amplio rango de procedimientos. El esquisse o boeto al óleo ejecutado con vivacidad para capturar la première pensée de lo que sería la composición final, o los études o estudios pintados al aire libre para capturar un motivo paisajístico o un efecto ambiental.

Con el romanticismo, esta rígida separación entre fases generativa (sentimental y privada) y ejecutiva (cerebral y pública) queda en entredicho. Géricault y Delacroix dotaron a sus composiciones finales de algunas de las cualidades de sus esquisses. Aunque la mayor fusión entre ambas etapas del quehacer artístico tuvo lugar en el terreno del paisajismo, el género artístico que más evolucionó a lo largo del siglo XIX.

De esta forma, lo inacabado adopta nuevos contenidos. Así ocurrió en la obra de Cézzanne y Van Gogh, últimos grandes representantes de la distinción entre boceto y obra final, e introductores de nuevas maneras de concebir lo inacabado, que se prolongarían a comienzos del siglo XX con la obra de pintores expresionistas como Make, Heckel y Kokoschka.

Lo inacabado, que a comienzos del siglo XIX se consideraba como un rasgo de descuido o dejadez artística, acabó convirtiéndose en impulsor de la renovación plástica de las vanguardias.

Acabado / Inacabado
Hasta el 21 de septiembre de 2014
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, Madrid

Arte por Siria en Vigo

07/07/2014, Hasta el 21 de julio el ​Centro Social Fundación Novacaixagalicia Vigo acoge la exposición Arte por Siria, cuya recaudación irá destinada a ayudar a los refugiados.

Vigo, 7 de julio de 2014
El Centro Social de la fundación en Vigo acoge "Arte por Siria", de Unicef, una exposición de fotografía y pintura que tiene por finalidad recaudar fondos para las niñas y niños sirios refugiados.

La situación actual en el país es dramática. Según el último informe aportado por UNICEF, la cifra de población infantil afectada por la guerra supera los 5,5 millones.

La muestra está organizada por el equipo del Proyecto Arqueológico Medio Éufrates Sirio de la Facultade de Humanidades de la Universidade da Coruña. Dentro de este proyecto, entre 2004 y 2011, se investigó en el ámbito de la arqueología en la región del valle de Éufrates, en la provincia de Dei ez-Zor, al este de Siria.

Ante la dramática realidad del país, cuatro artistas que colaboraron con las excavaciones en Siria se unen con el objetivo de sensibilizar a la sociedad.

Además, los fotógrafos Eloy Taboada y Víctor Rivera Jove y los pintores Francisco Carreño y Franchu Medialdea han donado una serie de obras sobre Siria presentes en la exposición. Las obras se encuentran disponibles para su venta y los fondos obtenidos de sus ventas serán destinados al programa de UNICEF para ayudar a los niños refugiados.

Arte por Siria
Centro Social Fundación Novacaixagalicia Vigo
Policarpo Sanz, 24 - 26, Vigo. Pontevedra

Crecimiento de la peregrinación

07/07/2014, Los datos de peregrinos a Compostela en el pasado mes de junio muestran un fuerte crecimiento respecto a los de junio de 2013 y el cómputo anual de viajeros es en 2014 también muy superior al de 2013.

Santiago de Compostela, 7 de julio de 2014
En el mes de junio de 2014 en la Oficina de Peregrinaciones de Santiago se recibieron 33.008 peregrinos, frente a 29.374 en junio de 2013. El volumen de viajeros de junio pasado es ya similar al del Año Santo pasado (2010) cuando se llegó al récord de 33.757.

De los peregrinos llegados en junio pasado 14.798 (44,83%) son mujeres y 18.210 (55,17%) hombres. A pie ha llegado la gran mayoría: 28.260.

Hay que señalar que son muy numerosos los viajeros extranjeros, exactamente 20.366 frente a 12.642 españoles. De estos, los más numerosos llegan desde Madrid, Andalucía y Cataluña.

Entre los extranjeros, el mayor número de peregrinos procede Alemania, con 3.072. Le siguen Italia, con 2.843 y Estados Unidos, con 2.411. Con cifras altas están también Portugal, Francia, Holanda y Australia, por este orden.

Los puntos más importantes de Salida (sin contar las localidades próximas gallegas) son Saint Jean Pied de Port (Francia), León (España) y Oporto (Portugal).

Con cifras muy elevadas, aunque inferiores están Roncesvalles, Ponferrada, Astorga, Le Puy (Francia), Pamplona, Oviedo, Burgos, Irún y Sevilla, por este orden.

Como de costumbre, el camino preferido es el clásico, el Camino Francés. Con el 71 por ciento de los viajes, seguido del que recorre el oeste portugués, con el 13 por ciento.

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2014

04/07/2014, El Corral de Comedias de Almagro (Ciudad Real) vuelve a acoger un año más el Festival Internacional de Teatro Clásico, que en esta ocasión celebra su edición número 37.

Almagro, 4 de julio de 2014
El instituto Nacional de las Artes Escιnicas y de la Mϊsica, INAEM (Ministerio de Educaciσn, Cultura y Deporte), la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Diputaciσn Provincial de Ciudad Real, el Ayuntamiento de Almagro, y la Universidad de Castilla-La Mancha organizan la 37ͺ ediciσn del Festival Internacional de Teatro Clαsico de Almagro.

Este evento pretende desde 1978 servir de difusor de los autores teatrales clαsicos, tanto espaρoles como extranjeros, y convertir la ciudad de Almagro en un foro de encuentro, comunicaciσn e intercambio que enriquezca la historia del teatro.

Desde el histσrico Corral de Comedias del siglo XVII el festival ha ido extendiendo sus representaciones por 15 espacios de la ciudad. En esta ediciσn actuarαn 52 compaρνas -41 de ellas espaρolas-, que ofrecerαn 98 funciones de 58 espectαculos.

Ademαs de numerosas representaciones teatrales y algunos conciertos, el programa del festival incluye exposiciones, jornadas, talleres y cursos, premios y homenajes, presentaciσn de libros, etc.

SOBRE ALMAGRO:
Almagro, cuna de Calatrava, cuyo nombre viene probablemente del αrabe almagreb (tierra arcillosa rojiza con σxido de hierro que se utilizaba para pintar vigas y columnas en la zona), es un oasis en el medio de La Mancha.

El lugar es una de las grandes joyas de Espaρa, pues cuenta con un sorprendente patrimonio, dado su progreso bajo el dominio de la Orden de Calatrava y gracias a los favores que recibiσ en el siglo XVI de la mano de banqueros alemanes y flamencos.

Almagro es una ciudad sorprendente, con patios de todas clases, y es que las temperaturas extremas de La Mancha hicieron que los αrabes trajeran hasta aquν la cultura de los patios. Una cultura que ha sobrevivido con el aporte de diversas ιpocas y civilizaciones.

Almagro es un paseo por la historia, y el visitante gozarα con la visita a su Plaza Mayor, una isla de influencia flamenca en plena meseta, y que se extiende por el Patio de los Fϊcares, el Claustro del Convento de los Dominicos, el Palacio de los condes de Valdeparaνso, los Palacios Maestrales, el Parador Nacional, el Convento de la Encarnaciσn, el Santuario de Nuestra Seρora de las Nieves, la iglesia y el patio de los Dominicos, San Bartolomι, o las ermitas de San Juan, San Blas o San Francisco, asν como la de San Agustνn, hoy convertida en lugar de exposiciones.

Menciσn especial para su Corral de Comedias, una joya del siglo XVII, ϊnica en su gιnero, en la que se estrenaron obras de Calderσn de la Barca, Miguel de Cervantes o Lope de Vega.

En la Plaza Mayor, plena de tabernas de todos los estilos, se muestra ya un buen avance de la gastronomνa tνpica de la zona en la destacan las berenjenas de Almagro, variedad tνpica de esta αrea; las gachas de harina de almorta (plato tνpico de harina frita con pimentσn y aρadidos de torreznos o hνgado de cerdo), el tiznao (plato a base de bacalao y pimientos secos) o las migas.

PROGRAMA:
13 de Julio de 2014. Anfitriσn, de Moliθre. Productor o compaρνa: CulturArts Generalitat Valenciana, Espaρa (Comunidad Valenciana). Espacio Miguel Narros, 22.45 h.

18 de Julio de 2014. Asν es, si asν fue. Producciones Andrea D’Odorico, Espaρa. Corral de Comedias. 22.45h.

15 de julio de 2014. Babayaga. Compagnia TPO / Teatro Metastasio Stabile della Toscana, Italia. Teatro Municipal. 20.00h.

16 y 23 de Julio de 2014. Banda Municipal de Almagro, Espaρa (Madrid), Espacio Miguel Narros. 21.15h.

22 julio de 2014. Bloody Dog (Perro Sangriento). Corporaciσn Arca de N.O.E., Colombia (Medellνn). Teatro La Veleta. 20.00h.

4, 5, 6 y 7 de Julio de 2014. Bobas & Gallegas. Mofa & Befa, Espaρa (Galicia). Corral de Comedias. 22.45h.

5 de Julio de 2014. El Cantar de Mio Cid. Real Academia Espaρola, Espaρa. Teatro Municipal. 20.00h.

17 y 18 de Julio de 2014. El coloquio de los perros, de Cervantes. Laboratorio Escιnico Univalle, Colombia (Cali). Teatro Municipal. 20.00h.

13 de Julio de 2014. Confesiones de San Agustνn [Tarde te amι]. Pιrez de la Fuente Producciones, Espaρa (Madrid). Corral de Comedias. 22.45h.

25 y 26 de Julio de 2014. De fuera vendrα… Escarramαn Teatro S.L., Espaρa (Madrid). Corral de Comedias. 22.45h.

14 julio de 2014. Dido, reina de Cartago, de Christopher Marlowe. Escuela de la noche, Espaρa (Madrid). Teatro La Veleta. 20.00h.

6 de Julio de 2014. Don Quijote de La Mancha. Real Academia Espaρola, Espaρa. Teatro Municipal. 20.00h.

3, 4, 5, 6, 8, 9, 10, 11, 12 y 13 de Julio de 2014. Donde hay agravios no hay celos, de Rojas Zorrilla. Compaρνa Nacional de Teatro Clαsico, Espaρa. Hospital de San Juan. 22.45h. Estreno. Versiσn: Fernando Sansegundo. Direcciσn: Helena Pimenta. Con Jesϊs Noguero, Clara Sanchis, Rafa Castejσn, David Lorente, Fernando Sansegundo, Natalia Millαn, Marta Poveda, Σscar Zafra.

5 de Julio de 2014. Duelo de plumas Gσngora-Quevedo. Real Academia Espaρola. Teatro Municipal. 22.45h.

8 y 9 de Julio de 2014. El Brujo presenta "La luz oscura de la fe". Producciones El Brujo, Espaρa (Madrid). Espacio Miguel Narros. 22.45h.

25 y 26 de Julio de 2014. El burguιs gentilhombre. Mephisto Teatro, Cuba. Espacio Miguel Narros. 22.45h.

18, 19, 20, 22, 23, 24, 25, 26 y 27 de Julio de 2014. El caballero de Olmedo, de Lope de Vega. Compaρνa Nacional de Teatro Clαsico - Teatre Lliure, Espaρa. Hospital de San Juan. 22.45h.

20 julio de 2014. El caballero de Olmedo (el de Lope no, el otro). Los Otros, Espaρa (Madrid). Teatro La Veleta. 20.00h.

26 de Julio de 2014. El castigo sin venganza. Fundaciσn Siglo de Oro (RAKATα), Espaρa (Madrid). Antigua Universidad Renacentista. 20.00h.

16 de Julio de 2014. El enfermo imaginario, de Moliθre. Delirium Teatro y Abubukaka, Espaρa (Islas Canarias). Plaza Mayor. 22.15h.

22 de Julio de 2014. El hospital de los podridos (y otros entremeses para el siglo XXI). Tranvνa Teatro, Espaρa (Aragσn). Ermita de San Juan. 21.00h.

18 de Julio de 2014. El lenguaje de tus ojos o El prνncipe travestido. Teatro de la Danza, Espaρa (Madrid). Espacio Miguel Narros. 22.45h.

26 de Julio de 2014. El perro del hortelano. Fundaciσn Siglo de Oro (RAKATα), Espaρa (Madrid). Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

27 de Julio de 2014. El pretendiente al revιs. Brazo Doble, Espaρa (Madrid). Corral de Comedias. 22.45h.

4 de Julio de 2014. Escrito por Teresa de Αvila. Real Academia Espaρola. Teatro Municipal. 20.00h.

19 y 20 de Julio de 2014. Espectαculo ganador del 3Ί Certamen Internacional Barroco Infantil. Teatro Municipal. 20.00h.

25 y 26 de Julio de 2014. Espectαculo ganador del IV Almagro Off. Teatro Municipal. 20.00h.

15 de Julio de 2014. Fuenteovejuna. Compaρνa Josι Estruch - RESAD, Espaρa (Madrid). Ermita de San Pedro. 21.00h.

18 julio de 2014. Hambret. Laboratorio Teatro, Espaρa (Cataluρa). Teatro La Veleta. 20.00h.

4 y 5 de Julio de 2014. Hamlet. 369 Gradi, Teatro di Roma y Romaeuropa Festival, Italia. Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

16 de julio de 2014. Hamlet, un viaje de ida y vuelta. Colectivo Artνstico Antrσpolis, Ecuador (Quito). Teatro Municipal. 20.00h.

24 de Julio de 2014. Homenaje al Centro de Documentaciσn Teatral. Corral de Comedias. 20.30h.

16 julio de 2014. Juicio a Don Juan. Katum Teatro, Espaρa (Madrid). Teatro La Veleta. 20.00h.

19 julio de 2014. L'Amphithιβtre sanglant. La Lumineuse, Francia. Teatro La Veleta. 20.00h.

24 de Julio de 2014. La banda de Lαzaro, La Cantera Producciones. Espaρa (Castilla-La Mancha). Plaza Mayor. 22.15h.

4 de Julio de 2014. La Celestina. Real Academia Espaρola, Espaρa. Teatro Municipal. 22.45h.

17 julio de 2014. La cena del rey Baltasar [los nϊmeros imaginario. Espaρa (Madrid). Teatro La Veleta. 20.00h.

9, 10, 11, 12 y 13 de Julio de 2014. La cortesνa de Espaρa. Joven Compaρνa Nacional de Teatro Clαsico, Espaρa. Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

13 julio de 2014. La crσnica del lobo. Elfo Teatro, Espaρa (Castilla-La Mancha). Teatro Municipal. 20.00h.

22 de Julio de 2014. La discreta enamorada. Factorνa Teatro, Espaρa (Madrid). Teatro Municipal. 20.00h.

4, 5 y 6 de Julio de 2014. La hermosa Jarifa. GG Producciσn y Distribuciσn Escιnica, Espaρa (Madrid). Espacio Miguel Narros. 22.45h.

19 y 20 de Julio de 2014. La puta enamorada. Euroscena, Espaρa (Castilla-La Mancha). Corral de Comedias. 22.45h.

20 de Julio de 2014. Las amistades peligrosas, de Christopher Hampton sobre la obra de Choderlos de Laclos. Versiσn: Javier L. Patiρo y Darνo Facal. Con Carmen Conesa, Cristσbal Suαrez, Iria del Rio, Lucνa Dνez, Mariano Estudillo y Lola Manzano. Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

19 y 20 de Julio de 2014. Las dos bandoleras, de Lope de Vega. Compaρνa Nacional de Teatro Clαsico y FEI Factorνa Escιnica Internacional Espaρa (Catalunya). Espacio Miguel Narros. 22.45h.

11 y 12 de Julio de 2014. Los brillantes empeρos. Grumelot, Espaρa (Madrid). Corral de Comedias. 22.45h.

18 y 19 de Julio de 2014. Los Mαcbez, sobre Macbeth de Shakespeare. Javier Gutiιrrez, Carmen Machi. Los Mαcbez, Espaρa (Madrid). Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

23 julio de 2014. Mendoza. Los Colochos Teatro, Mιxico. Teatro La Veleta. 20.00h.

27 de Julio de 2014. El misαntropo, de Moliιre. Kamikaze Producciones, Espaρa (Madrid). Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

11 de julio de 2014. Noche de reyes, de Shakespeare. COART+E, Espaρa (Madrid). Teatro Municipal. 20.00h.

12 de julio de 2014. Noticias del Nuevo Mundo descubierto en la Luna. Ρu Accents, Espaρa / Reino Unido. Teatro Municipal. 20.00h.

6 de Julio de 2014. Otelo, de Shakespeare. Noviembre Compaρνa de Teatro, Espaρa (Madrid). Antigua Universidad Renacentista. 20.00h.

20 de Julio de 2014. Premio Lorenzo Luzuriaga a Josι Carlos Martνnez. Claustro del Museo del teatro. 20:00h.

14 de julio de 2014. Pulgarcito. Teatro Paraνso, Espaρa (Paνs Vasco). Teatro Municipal. 20.00h.

21 julio de 2014. Romeo and Juliet, de Shakespeare. Mismas Internacional Theater (Dinamarca). Teatro La Veleta. 20.00h.

11 y 12 de Julio de 2014. Ron Lalα presenta En un lugar del Quijote. Ron Lalα - Compaρνa Nacional de Teatro Clαsico, Espaρa (Madrid). Espacio Miguel Narros. 22.45h.

15 julio de 2014. Segismundo sueρa… la vida es sueρo 2.0. Ensamble Bufo, Espaρa (Madrid). Teatro La Veleta. 20.00h.

23 de Julio de 2014. Un cuento de invierno, de Shakespeare. SioSi Teatro, Espaρa (Madrid). Teatro Municipal. 20.00h.

3 de Julio de 2014. Un viaggio attraverso la storia della tarantella. Arakne Mediterranea (Italia). Plaza Mayor. 22.15h.

17 de Julio de 2014. ‘Gaudeamus! La Chana Teatro, Espaρa (Castilla y Leσn). Corral de Comedias. 22.45h.

8 de Julio de 2014. ‘‘‘Que yo… no soy el Greco!!! Producciones Narea S.L., Espaρa (Castilla-La Mancha). Ermita de San Ildefonso. 22.45h.

25 de Julio de 2014. ΏEl Greco, decνs? Producciones La Folνa, Espaρa (Castilla-La Mancha). Antigua Universidad Renacentista. 22.45h.

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El fenómeno Stones en Valencia

03/07/2014, El Centro Cultural Bancaja presenta hasta el 2 de noviembre de 2014 la exposición Sympathy for the Stones, dedicada a los Rolling Stones, una de las bandas de rock & roll más importantes de la historia.

Valencia, 3 de julio de 2014
Sympathy for the Stones ofrece una imagen plural de un grupo crucial de la historia del rock, pero también de un fenómeno cultural que ya tiene la especial dimensión en la mitología contemporánea.

Tras 50 años de trayectoria siguen en activo, sus discos y conciertos forman parte de la memoria musical del final del siglo XX y continúan seduciendo al gran público en el siglo XXI. La exposición Sympathy for the Stones presenta a este mítico grupo musical en la clave de la cultura visual contemporánea, analizando su presencia icónica por medio de fotografías, documentales, material gráfico, vídeos y obras de arte.

Sympathy for the Stones presenta imágenes de este grupo tomadas por fotógrafos de prestigio internacional como Barrie Wentzell, Michael Putland, Ebet Roberts, Bob Gruen, Gus Coral, Guy Le Querrec y René Burri. Esta diversidad de imágenes muestra a los Rolling tocando en el escenario, ensayando o posando ante las cámaras fotográficas.

La exposición presenta algunas obras de artistas contemporáneos como Richard Hamilton (sus imágenes sobre la detención de Mick Jagger por posesión de drogas) o Andy Warhol (autor de una magnífica portada para el álbum Sticky Fingers). Estas obras se unen a carteles, portadas de discos o registros documentales que dan cuenta de su repercusión en el mundo del arte, y muestran su evolución musical y estética a lo largo de 50 años.

Finalmente, las películas Gimme Shelter (centrada en el trágico concierto de Altamont), Sympathy for the Devil (dirigida por Jean-Luc Godard y que refleja la revuelta política de finales de los sesenta) o Shine a Light (en la que Martin Scorsese recoge los conciertos en el teatro Beacon en el otoño de 2006) permiten revisar la potencia tremenda de los Stones en directo.

Sympathy for the Stones
Centro Cultural Bancaja
Plaza de Tetuán, 23. Valencia

Los animales en la fotografía contemporánea

03/07/2014, Más de una treintena de fotógrafos contemporáneos participan en la exposición de fotografía Wild, en la Fundación Alfred Ehrhardt de Berlín.

Berlín (Alemania), 3 de julio de 2014
En un gesto irónico, el título de la exposición juega con la palabra Wild (salvaje), y plantea una reflexión muy interesante, pues normalmente este adjetivo se utiliza para denominar a un animal que vive en la naturaleza. Sin embargo, ¿quién es más salvaje, el animal que caza para sobrevivir, o el animal racional, que a pesar de su inteligencia y conocimientos, caza por diversión y sin ningún tipo de piedad?.

Nos encontramos con animales en nuestras casas, en el bosque, en el zoológico. Los conocemos a partir de imágenes y películas. Nuestros hijos los tienen como juguetes y los comemos para tener una nutrición rica que nos ayude en nuestro desarrollo. Sin embargo, nunca antes la sociedad había tenido una relación tan ilustrada y alienada al mismo tiempo con los animales como hoy en día.

Y es que, mientras algunos animales se les han otorgado poderes místicos y son adorados por el ser humano, otros están sometidos, son sacrificados y en ocasiones llegan a ser erradicados por el hombre.

Los animales nos acompañan en las dimensiones más importantes de nuestra existencia: sociales, económicas, materiales, culturales, religiosas y simbólicas. Esta muestra refleja a través de diferentes enfoques artísticos y lenguajes visuales, a veces dramáticos, a veces irónicos, la presencia creciente de los animales en nuestra realidad actual, y la forma en la que estos pueden ser, o bien venerados y queridos, o maltratados sin miramientos.

Desde la Prehistoria, el ser humano ya reflejaba su convivencia con los animales, prueba de ello son los testimonios que han quedado reflejados en las cuevas como Lascaux o Altamira. Con la invención de la fotografía 30.000 años más tarde, los animales siguen estando presentes. Así, esta exposición, con más de 70 fotografías, muestra el rico espectro de nuestra relación con los animales: la cercanía y la distancia, la amistad sincera y la explotación material.

Imágenes de mascotas y juguetes de peluche, animales de granja, o animales muertos al estilo de los antíguos bodegones clásicos (un viejo tema que cobra nueva relevancia, reinterpretado como forma contemporánea de expresión), demuestran hasta qué punto los seres humanos se identifican con los animales, o los ven como meros trofeos o fuente de alimento.

Wild
Del 5 de julio al 14 de septiembre de 2014
Fundación Alfred Ehrhardt

Augusto y Emerita

02/07/2014, El 4 de julio se inaugura en el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida MNAR la exposición temporal Augusto y Emerita, dedicada a la figura del fundador de Augusta Emerita.

Mérida, 2 de julio de 2014
En el año 2014 se conmemora el bimilenario de la muerte del emperador Augusto, fundador del Imperio y de la colonia Augusta Emerita. Por este motivo, el Museo Nacional de Arte Romano ha programado una serie de actividades relacionadas con la figura del emperador y los inicios de la colonia y la provincia romana de la Lusitania.

La muestra Augusto y Emerita', organizada por el MNAR y patrocinada por el Festival de Teatro Clásico de Mérida, realiza un recorrido por los aspectos más importantes de la vida y el legado del emperador Augusto, dando a conocer en profundidad su persona y su familia, sus triunfos bélicos o su ideario político.

Además, la exposición analiza su presencia en Hispania, la fundación y primeros años de la colonia Agusta Emérita, las relaciones entre el asentamiento y Lusitania y los cambios en la organización del territorio que tuvieron lugar tras asentarse en la Península Ibérica.

Augusto y Emerita
Museo Nacional de Arte Romano
C/ José Ramón Mélida, s/n. Mérida

Diseñar América

02/07/2014, La BNE presenta Diseñar América: el trazado español de los Estados Unidos, una exposición que recorre la influencia española en la formación y desarrollo de América.

La muestra de la BNE reúne bajo una misma mirada la amplia aportación española a la construcción del territorio, el paisaje y la ciudad en Estados Unidos, a través de un recorrido abierto y transversal por los ámbitos de la arquitectura, el urbanismo y el territorio.

Diseñar América: el trazado español de los Estados Unidos reúne más de 70 obras originales procedentes de los fondos de la Biblioteca Nacional, del Archivo General Militar y del Archivo del Museo Naval. Asimismo, recoge una colección de los proyectos más destacados de los principales arquitectos y empresas españolas con presencia en Estados Unidos en las últimas décadas.

Mediante el diálogo entre los documentos históricos y la narración compuesta de textos, imágenes y audiovisuales, la exposición acerca al visitante a los hechos históricos, políticos y culturales que han marcado el transcurso de los quinientos años de historia en común entre Estados Unidos y España.

La forma en la que España dibujó el Nuevo Mundo se siente en la actualidad, así, ciudades tan emblemáticas como Nueva York, San Francisco o Nueva Orleans mantienen en su estructura, su cultura y su patrimonio actuales una innegable e interesante presencia española.

Un enfoque novedoso acerca de la historia común de ambos países, que celebra el V centenario del Descubrimiento de la Florida por Ponce de León, el V centenario del Descubrimiento del Pacífico por Núñez de Balboa, el III centenario del nacimiento de Fray Junípero Serra, fundador de California y el cuatrocientos cincuenta aniversario de la fundación de la primera ciudad estadounidense (San Agustín, Florida), por Menéndez de Avilés.

Diseñar América: el trazado español de los Estados Unidos
Del 4 de julio al 12 de octubre de 2014
Sala Recoletos
Biblioteca Nacional de España

Los olivos de Battir, Patrimonio Mundial en Peligro

02/07/2014, El paisaje de olivares y viñas de Battir, Palestina, acaba de ser incluído en la lista del Patrimonio Mundial en Peligro, en la reunión que el Comité de Patrimonio de la UNESCO celebró en Qatar.

Battir, 2 de julio de 2014
Battir se halla a la vera del límite de Palestina con Israel, y pertenece a la gobernación de Belén, cuyo núcleo está a unos seis kilómetros. Tiene unos 4.000 habitantes.

Localizado también cerca de Jerusalén, al suroeste de esta gran ciudad, se halla en las tierras altas que se extienden desde Naplusa hasta Hebrón, en un paisaje dominado por las terrazas de cultivo.

El paisaje de Battir comprende una serie de valles (widian) con cultivos en terrazas escalonadas: en los bancales de secano crecen olivos y viñas, mientras que en los de regadío se cultivan frutas y hortalizas. La producción agrícola de estos bancales, situados en terreno muy montañoso, se mantiene merced a una red de acequias alimentada por aguas de fuentes subterráneas. La distribución del agua captada por esa red se efectúa con arreglo a un sistema consuetudinario de reparto establecido entre las familias del lugar.

Battir es un lugar de larga historia, y se dice que algunos de sus olivos ya son plantación de la época romana. Se cuenta también que en tiempos de Adriano, se inició en Bettir la rebelión de Bar Kojba (hijo de la estrella) que derrotó inicialmente a los ocupantes romanos y que consiguió independizar a los judios durante dos años, hasta que fueron sometidos de nuevo por un gran ejército reclutado en varios puntos del imperio.

La declaración del sitio como "en peligro" se ha interpretado como un éxito de Palestina, y una protesta por la construcción por Israel de un muro separador con Cisjordania que se halla en las inmediaciones de Battir.

La UNESCO suele incluir en este capítulo a aquellos lugares que padecen por conflictos armados, catástrofes naturales o destrucción por innovaciones o un turismo excesivo. En el caso de Battir se alude al muro que separara comunidades relacionadas tradicionalmente en las que perviven seculares tradiciones culturales y agrarias. En concreto se cita "la construcción de un muro de separación que podría aislar a los campesinos de los campos que han cultivado durante siglos”.

De los 21 miembros del Comité del Patrimonio de la UNESCO, sólo tres votaron contra la inscripción de este lugar en la lista de patrimonio en peligro. Los votos favorables fueron once.

Caza furtiva en Mozambique

01/07/2014, ONGS conservacionistas piden una acción internacional de carácter urgente para detener la masacre de elefantes y rinocerontes en Mozambique.

Maputo, 1 de julio de 2014
Tras un reconocimiento aéreo realizado por WWF-Mozambique, se calcula que aproximadamente 900 elefantes han muerto en el norte de Mozambique en los últimos tres años. El estudio del paisaje del Parque Nacional Quirimbas realizada a finales de 2013 reveló que casi la mitad de los elefantes avistados desde el aire eran cadáveres.

Esta semana, ONGS conservacionistas, expertos en vida silvestre y funcionarios del gobierno se han reunido en Maputo, Mozambique, para encontrar maneras de contrarrestar este ataque renovado sobre las poblaciones de elefantes y rinocerontes de África meridional.

La reunión se produce a raíz de las estadísticas cada vez más alarmantes que salen del norte de Mozambique y la vecina Sudáfrica. Las cifras publicadas a finales de mayo muestran cifras devastadoras, un total de 442 rinocerontes han sido ya víctimas de la caza furtiva en lo que va de 2014.

Según el Departamento de Asuntos Ambientales de Sudáfrica, 293 de estos rinocerontes se han encontrado muertos en el Parque Nacional Kruger, en la frontera entre Mozambique y Sudáfrica. Además, las autoridades del Parque Nacional Kruger han informado recientemente del primer caso documentado de caza furtiva de elefantes en el parque en 10 años.

La Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) se reunirá este mes de julio en Ginebra, Suiza, para evaluar el progreso de los países más implicados en el comercio ilegal de marfil, con el que se trafica principalmente en los mercados asiáticos, y en particular en Tailandia y China, donde se utiliza con fines ornamentales.

Abre CaixaForum Zaragoza

01/07/2014, Un singular edificio alberga el nuevo centro de la Obra Social la Caixa, que nace con el objetivo de impulsar la cultura y promover el conocimiento entre personas de todas las edades y procedencias.

Zaragoza, 1 de julio de 2014
En 1993 la Obra Social la Caixa inauguró su primer CaixaForum en Palma de Mallorca. Desde entonces, estos espacios de conocimiento y encuentro han ido abriendo sus puertas en distintas ciudades españolas.

El nuevo edificio CaixaForum Zaragoza, de 7.000 m2, responde a la ambiciosa combinación entre la introspección necesaria para las salas de exposiciones y su conexión con la ciudad gracias a la singularidad de su forma y su espacio público.

El edificio se desdobla en dos estructuras geométricas elevadas de grandes dimensiones que albergan las salas de exposiciones, y un espacio público en la planta baja.

Las dos grandes salas de exposiciones se encuentran suspendidas a niveles diferentes, de forma que el visitante puede contemplar la ciudad al desplazarse de una a otra. En lo más alto, se sitúa el restaurante-cafetería y en el lado contrario una terraza que disfruta de unas vistas panorámicas hacia la zona de la Expo'08.

Gracias a esta estructura la planta baja es abierta y transparente, incluyendo el amplio vestíbulo de entrada, así como la librería-tienda. Un jardín da acceso al auditorio, situado en el subsuelo.

En CaixaForum Zaragoza tendrán cabida, entre otras iniciativas, exposiciones de arte antiguo, moderno y contemporáneo, ciencia y temática social, festivales de música y de poesía, arte multimedia, debates sobre grandes cuestiones de actualidad, jornadas sociales y de carácter científico y medioambiental, así como talleres educativos y familiares y actividades dirigidas a grupos de personas mayores.

Exposiciones actuales
Dos muestras de arte contemporáneo inauguran el centro: Narrativas en la imagen y Planos sensibles.

Narrativas en la imagen nos traslada al contexto del arte contemporáneo, que ha encontrado en la capacidad narrativa que proporcionan apoyos visuales como la fotografía, el vídeo y las tecnologías digitales un ámbito creativo fértil para producir nuevos relatos y, a la vez, una vía de exploración de los códigos narrativos que modelan el conocimiento de nuestro mundo.

La multitud de pantallas y de relatos visuales que nos rodean ha transformado la manera como percibimos y representamos el mundo, e inevitablemente ha condicionado nuestras narraciones, la forma cómo explicamos, el qué nos pasa o la manera cómo inventamos historias.

Esta exposición reúne un conjunto de obras de la Colección "la Caixa" de arte contemporáneo con artistas que se inspiran en varias formas de representación y trabajan con un mestizaje de técnicas visuales que los permite crear maneras sorpresivas de explicar historias, desde la pura ficción hasta el documental.

Planos sensibles contrasta las obras de dos generaciones de artistas españoles que se replantearon conceptos como realidad, representación y abstracción, y se enfrentaron a la gran tradición de la pintura y la escultura.

Tanto en los años de la posguerra como en los del final de la dictadura, la necesidad de regenerar los presupuestos artísticos se manifestó de manera paralela a la urgencia de explorar la naturaleza humana y de reconstruir la condición de sujeto.

En las décadas de 1950 y 1960, la angustia y el vacío existencial que surgieron después de la violencia de la guerra civil impulsaron los artistas a expresar en su obra no sólo la tragedia de una humanidad herida, sino también la posibilidad de generar nuevas formas para un mundo nuevo. Sus investigaciones formales, que cuestionaban la ilusionismo de la pintura, los condujeron a trabajar el plan pictórico como un espacio de realidad de gran potencial expresivo. Algunos artistas agredieron el lienzo rasgándolo, arañándolo, cortándolo, manchándolo o empastándolo con el fin de inscribir la realidad de la impronta humana y sus cicatrices. Para otros artistas, el plan pictórico se convirtió en una cabeza fecunda de formas abstractas, tanto expresionistas como geométricas, que hacían imperceptibles los ritmos que constituyen el mundo. La exposición también incluye la escultura abstracta más experimental de la época.

En la década de 1980, varios pintores retomaron las investigaciones de artistas informalistas como Antoni TЯpies o Antonio Saura, un trabajo profundamente marcado por la conciencia de crisis de la idea de modernidad y de vanguardia. La pintura se entendió entonces desde la autorreflexión y la exploración de los procesos propios de la práctica pictórica. La tela continuó siendo, efectivamente, un campo de pruebas y de experimentos con materiales, figuraciones y citaciones a la historia de la pintura (como la pintura de Nicolas Poussin, Caspar David Friedrich o Joan Miró), sobre la cual los artistas hablaban del concepto de pintura y de la posibilidad de continuar pintando. A pesar de que también es cierto que, en aquellos años, este concepto se revistió de una aura de romanticismo que enaltecía la subjetividad del artista y mitificaba el acto creativo.

CaixaForum Zaragoza
Av. Anselmo Clavé, 4
Zaragoza
Tel. 976 768 200
De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 h.

Calakmul, Patrimonio Mundial

01/07/2014, EL Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO ha ampliado, en su reunión celebrada en Qatar, el sitio de Calakmul (México) y lo ha reinscrito como Mixto, por su riqueza cultural y natural.

Campeche, 1 de julio de 2014
El sitio de la “Antigua Ciudad Maya y bosques tropicales protegidos de Calakmul, Campeche (México)”, ya había entrado en parte en la lista del Patrimonio Mundial en el 2002. Situado en el sector central y meridional de la Península de Yucatán, al sur de México, incluye los vestigios de la importante ciudad maya de Calakmul, situada en la selva tropical de las Tierras Bajas mexicanas.

La ciudad desempeñó un papel de primer plano en la historia de la región durante más de doce siglos. Sus imponentes estructuras y su trazado global característico se hallan en un estado de conservación admirable y ofrecen una vívida imagen de lo que era la vida en una antigua capital maya.

Calakmul alberga también un importante santuario de biodiversidad de Mesoamérica, que conjuga todos los ecosistemas tropicales y subtropicales existentes desde el centro de México hasta el Canal de Panamá.

México es el país con más bienes inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial en toda América con un total de 32; 26 en la categoría de patrimonio cultural, 5 en la categoría de patrimonio natural, y uno en la categoría de Bien Mixto (cultural y natural).

Según recuerda el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH), el área inscrita en la Lista de la UNESCO, que se ubica en la parte sur de la Reserva de la Biosfera de Calakmul, es considerada la segunda mayor extensión de bosques tropicales en América y los mejor conservados de la región, con un total de 723.000 hectáreas.

La nueva inscripción se logró bajo los criterios naturales (ix) y (x), y fortalece los criterios culturales (i), (ii) (iii) y (iv) con los que en 2002 se inscribió a la Antigua Ciudad de Calakmul como un Bien Cultural. De tal manera que la inscripción ahora otorgada es una extensión de la anterior, que amplía el área de protección a 331,397 hectáreas, donde se ubican 38 centros arquitectónicos mayas que forman parte del Bien Cultural de Calakmul.

La zona inscrita por la UNESCO como Bien Mixto muestra una ocupación humana continua por más de 1500 años, representando un ejemplo único para la formación y construcción de un grupo cultural en el que Calakmul puede tomarse como eje rector con respecto a todos los sitios con evidencia arqueológica circundantes. La información que contiene esta serie de sitios es de gran importancia para la comprensión de la cultura maya y su evolución.

Según informa el INAH, el bien comprende 12 centros arquitectónicos mayores: Calakmul, Altamira, Balakbal, Champerico, Dos Aguadas, El Gallinero, El Zacatal, La Muñeca, Los Hornos, Oxpemul, Uxul y Yaxnohcah; 9 centros medianos: Candzibaantún, Cheyokolnah, Chicaanticaanal, El Laberinto, Las Delicias, Las Tuchas Bravas, Los Tambores, Olvidado y Pared de los Reyes; 6 centros menores: Buenfil, Chanarturo, El Chismito, La Retranca, Los Escalones y Marihuana; y 11 sitios pequeños: Aguada Laberinto, Aguas Amargas, Cerros de Yeso, Chilar, Chumbec, Dos Caobas, El Cerrón, Naachtún Noroeste, Piedra Rota, Puerto México y Villahermosa.

Asimismo, el área inscrita incluye un mosaico de comunidades de bosque tropical con redes ecológicas y tróficas complejas. De acuerdo con estudios recientes, las condiciones actuales del suelo, en áreas particulares, están relacionadas con los cambios que hizo la cultura maya para el uso de agricultura intensiva, la absorción de agua fresca para evitar o prevenir las inundaciones, y la construcción de centros urbanos y ceremoniales, lo que indica grandes y sofisticadas formas de adaptación del medio kárstico.

Destaca la conservación de la biodiversidad, algunas de cuyas especies fueron favorecidas en su recuperación por la presencia de aguadas y chultunes, reservas de agua utilizadas por los mayas y que hoy constituyen elementos vitales para especies de estos bosques tropicales.

La zona es testigo del crecimiento de una civilización que llegó a un abrupto final en las postrimerías del periodo Clásico (siglos IX y X). Desde entonces prácticamente deshabitada, sólo con una intervención contemporánea (limitado a la explotación de madera y savia del chicle en el siglo XX), lo que garantiza los criterios de autenticidad e Integridad y representa un testimonio excepcional de una civilización y posibilita la comprensión tanto los fundamentos de su florecimiento como las causas de su colapso.

También contempla, además de los restos de asentamientos, los caminos (sacbeob) que comunicaban los centros arquitectónicos al interior y al exterior, los sistemas de defensa, las canteras, las características de manejo del agua (como embalses y aguadas, modificados artificialmente o estanques de agua), las terrazas agrícolas, así como otras modificaciones del terreno relacionadas con las estrategias de subsistencia, todo ello formando parte del paisaje extremadamente rico y notablemente bien conservado.

Los bosques tropicales maduros de Calakmul proporcionan una evidencia de la larga interacción entre el hombre y la naturaleza, en la medida en que muestran una composición florística y una estructura que en gran parte es resultado de mil años de prácticas agrícolas y forestales por los mayas, entrelazando los procesos de selección humana y la regeneración natural del sistema, así como en las prácticas de manejo tradicional consideradas entre comunidades nativas que aún habitan en la zona de amortiguamiento y las zonas circundantes.

Trang An, Patrimonio de la UNESCO

30/06/2014, El Comité del Patrimonio Mundial inscribió en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en la reunión celebrada en Doha (Qatar), al Complejo paisajístico de Trang An (Viet Nam).

París, 27 de junio de 2014
El espectacular complejo integrado por templos, ríos y montañas que se alzan verticales hacia el cielo ha entrado a formar parte, desde 2014, del listado de sitios naturales y culturales de la UNESCO. Está en la provincia de Ninh Binh, al norte del país, relativamente cerca de Ha Noi, la capital del país..

Situado en la orilla meridional del delta del Río Rojo y formado por un macizo de picos cársticos, el paisaje de Trang An está surcado por varios valles, sumergidos en parte por las aguas, y enmarcados por farallones abruptos prácticamente verticales.

Exploraciones efectuadas en algunas de las grutas más altas que jalonan este sitio han permitido descubrir vestigios arqueológicos de actividades del ser humano que se remontan a unos 30.000 años atrás.

Estos vestigios son testimonio de la ocupación de este macizo montañoso por grupos de cazadores-recolectores, así como de la adaptación de éstos a los cambios climáticos y ambientales.

El sitio delimitado por la UNESCO abarca también la localidad de Hoa Lu, antigua capital de Viet Nam en los siglos X y XI, y una serie de templos, pagodas, paisajes de arrozales, aldeas y lugares de carácter sagrado.

Viajar en coche por Europa

30/06/2014, Son muchos los que deciden planificar sus vacaciones de verano con un viaje en coche. Una alternativa de conocer Europa de manera relajada, y de disfrutar del trayecto a nuestro ritmo.

Barcelona, 30 de junio de 2014
El coche es el medio de transporte preferido por los españoles a la hora de planificar sus vacaciones. El Instituto de Turismo de España destaca en un reciente informe que el 80% de los viajes realizados por los españoles son en coche.

Los principales motivos de esta elección son la comodidad, ya que viajar en automóvil permite que el usuario no dependa de horarios, y el poder visitar más lugares durante el viaje y dedicarles una atención que de otro modo no sería posible.

Si somos de los que hemos optado por desplazarnos a otros países con nuestro vehículo es necesario tener en cuenta una serie de aspectos e información para evitar sorpresas durante el trayecto o a la llegada a nuestro destino.

La preparación de un viaje en coche debe realizarse con suficiente antelación. Es básico revisar la documentación personal y sus fechas de caducidad (DNI, pasaporte, permiso de conducir...). Por otro lado, hay que tener en cuenta que el permiso de conducción expedido en España permite circular por toda la UE, Andorra, Bulgaria, Croacia, Liechtenstein, Noruega, Serbia, Ucrania. Pero en otros países es necesario el Permiso Internacional.

Muy importante también es comprobar que el seguro del automóvil está vigente y vigilar la fecha de caducidad de la ITV.

En la UE hay dos sistemas de pago en las autopistas, el peaje como en España o efectuar un pago único por vigencia limitada que se justifica con una viñeta o adhesivo que debe incorporarse en el parabrisas delantero. Este último sistema está vigente en Austria, Bulgaria, Eslovaquia, Eslovenia, Hungría, República Checa, Montenegro, Rumanía y Suiza. En Portugal existen dos tipos de autopistas: las tradicionales con cabinas de peajes y las de peajes exclusivamente electrónicos. Para conocer las formas de pago puede consultarse: www.tollcard.pt.

Las normas de circulación de los países de Europa en general son muy similares a las nuestras, pero hay detalles que está bien saber. En Alemania, Austria, Bélgica, Bulgaria, Eslovaquia, Eslovenia, Estonia, Grecia, Hungría, Letonia, Lituania, República Checa y Rumanía es obligatorio llevar un pequeño botiquín de primeros auxilios a bordo, que se puede comprar en la farmacia. Del mismo modo, en países como Alemania, Bélgica, Bulgaria, Estonia, Grecia, Letonia, Lituania, Polonia y Rumania es obligatorio llevar un extintor dentro del vehículo.

Asimismo, en casi todos los países europeos el límite legal de alcoholemia es de 0.5g/l. Sin embargo, hay países como Lituania que es de 0.4g/l, Estonia, Noruega, Polonia y Suecia que es de 0.2g/l y Eslovaquia, Hungría, República Checa y Rumanía que es de 0.0g/l.

En algunas ciudades europeas para acceder al centro urbano se necesita un adhesivo cuyo precio suele está relacionado con el nivel de emisiones del vehículo (a más contaminación, más caro). En cuanto al aparcamiento es necesario revisar las normas que existen en cada ciudad, pues existen muchos tipos.

Fuente de la información: MyWay (http://www.mywayrutasencoche.com/)

Picasso TV

30/06/2014, Una exposición sobre los insospechados vínculos existentes entre algunas de las obras que Picasso realizó en sus últimos años y los programas que emitía la televisión francesa en aquel tiempo.

Málaga, 30 de junio de 2014
La exposición en el Museo Picasso Málaga presenta cincuenta y siete obras de arte entre las que se encuentran cincuenta y tres grabados, dos litografías y dos óleos, estos últimos realizados por Picasso de 1968. Se trata de primeros planos de hombres vestidos con sombreros y ropajes, conocidos con el nombre genérico de Mosqueteros, que evocan películas históricas. Fragmentos de películas y series completarán esta exposición producida por el Museo Picasso Málaga y con la colaboración del Kunstmuseum Pablo Picasso Münster y de la Fundación Bancaja, Valencia.

A principios de los años sesenta, Jacqueline Roque compró un aparato de televisión para entretenerse durante las largas horas en las que Picasso trabajaba en su estudio.

El artista, a quien siempre atrajeron las formas de expresión populares, empezó a interesarse por algunos programas, en particular dedicados al circo, la lucha libre, o películas y series televisivas en las que la carnalidad y el amor revivieron la mirada voyeur que caracterizó a Picasso en su juventud.

El veloz lenguaje televisivo, el proceso narrativo de las escenas y las imágenes en blanco tuvieron cierta influencia en la producción artística de Pablo Picasso durante sus últimos años. Las piezas seleccionadas en la exposición muestran vínculos insospechados entre algunas de las obras que Picasso realizó entre los años 1966 y 1972 y los programas que emitía la televisión francesa en la época.

Si bien encender este aparato no era un gesto habitual en casa de Picasso, su nieto Bernard Ruiz-Picasso recuerda como su abuelo hacía callar a todo el mundo cuando empezaba un programa de lucha libre que le gustaba especialmente. Y el crítico y periodista Pierre Cabanne recuerda que Picasso mostraba un gran interés por el programa “La piste aux étoiles” un programa dedicado al circo, con numerosas actuaciones. El propio Picasso, en una entrevista para la televisión en el año 1966, habló sobre sus programas favoritos al ser preguntado sobre las posibilidades artísticas de la televisión.

Por su parte, el historiador de arte John Richardson, afirma que el artista veía viejos films del oeste, de la antigüedad clásica, dramas y comedias. En ese periodo, Picasso realizó los trescientos cuarenta y siete grabados que constituyen la Suite 347, en varios de los cuales podemos descubrir indios, guerreros, odaliscas, mosqueteros, acróbatas y artistas de circo.

Picasso TV
Museo Picasso Málaga
Hasta el 16 de noviembre de 2014

Richard Hamilton en Madrid

27/06/2014, El Museo Reina Sofía dedica la retrospectiva más completa de las organizadas hasta ahora a Richard Hamilton.

Madrid, 27 de junio de 2014
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge este año la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha sobre el artista británico Richard Hamilton. La exposición fue concebida específicamente para el Museo madrileño por el propio Hamilton, quien se implicó y trabajó de manera directa desde los primeros meses de 2010 cuando visitó la capital española.

La muestra incluye unas 270 obras creadas a lo largo de más de sesenta años (entre 1949 y 2011) y permite conocer, tanto la extraordinaria variedad de medios, técnicas y géneros que caracterizan la producción de Hamilton, como la relevancia, influencia y actualidad de su revolucionario trabajo.

La pluralidad de la obra de Hamilton, heterogénea pero coherente a la vez, tendió un puente entre la era moderna y la posmoderna y le convirtió en una importante figura para la nueva generación de artistas influidos por el arte conceptual. De hecho, no sólo se reconoce internacionalmente a Hamilton como uno de los fundadores del Arte Pop sino también como precursor del apropiacionismo, la instalación y otras tendencias que han sido cultivadas posteriormente.

La exposición está integrada por pinturas, grabados, dibujos, fotografías, impresiones informáticas, obras de diseño industrial y réplicas, piezas en las que el artista abordó géneros como la naturaleza muerta, el retrato, la representación figurativa, el paisaje, los interiores, la pintura histórica, la propaganda política, la iconografía religiosa y la apropiación de elementos de la cultura popular y de la historia del arte.

La retrospectiva también incide en la relación y colaboraciones que estableció con otros artistas y de la que son ejemplo los retratos de si mismo que invitaba a realizar a otros artistas con una cámara Polaroid como Francis Bacon, Andy Warhol o Roy Lichtenstein.

Además, la muestra cuenta con cinco instalaciones de gran envergadura, que recrean las exposiciones que el artista británico más influyente del siglo XX organizó. Antecedentes de los happenings de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, estas instalaciones anticipan el abandono de las jerarquías en los medios artísticos y una sensibilidad creativa internacional que surgiría en los años noventa y que dio lugar a la aparición de la noción de instalación artística en el arte contemporáneo.

Richard Hamilton
27 junio - 13 octubre, 2014 / Edificio Sabatini, Planta 3
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Paisajes de Barcelona en el Museu Picasso

27/06/2014, Un conjunto de pinturas y dibujos de Pablo Picasso que reproducen el litoral y el espacio urbano de Barcelona y que pertenecen a la colección del Museo catalán.

Barcelona, 27 de junio de 2014
La mayor parte de los paisajes de la muestra del Museu Picasso fueron trabajados entre 1895 y 1903. En este periodo de su vida, Picasso descubrió una ciudad moderna que se abría camino hacia Europa y donde lo antiguo perduraba como signo de los tiempos.

Los paisajes son también la constatación de la evolución creativa del artista: del aprendizaje a la vinculación con la vanguardia artística catalana y a la consolidación de su primer estilo personal.

En 1917 Picasso volvería a pintar la ciudad y la mostraría a través de un lenguaje vanguardista.

La muestra se divide en los siguientes 5 ámbitos:

LITORAL
Al llegar a Barcelona, la familia Ruiz Picasso se instala cerca del puerto. El mar aparece de forma natural en los dibujos y las pinturas del artista, básicamente de 1895 a 1899.

Picasso retrata el litoral desde la montaña de Montjuïc, el puerto, la fachada marítima del barrio de la Barceloneta y su rompeolas, la playa de la Barceloneta y hasta la Sierra de la Marina.

Estos paisajes son ejercicios artísticos libres en los que practica la perspectiva, el tratamiento de la luz, la pincelada y las gradaciones cromáticas.

BARCELONA PATRIMONIAL
La Barcelona patrimonial convive con la Barcelona moderna. Picasso elabora unos paisajes de lugares emblemáticos, edificios patrimoniales de arquitectura religiosa de Ciutat Vella.

Su mirada se detiene en los claustros del edificio románico de Sant Pau del Camp y de la catedral gótica. Del primero se fija en los singulares arcos polilobulados. Del segundo le interesa la puerta de estilo gótico flamígero —arte gótico francés y otros países europeos que se desarrolla en el siglo XV—, que lo comunica con la capilla de Santa Llúcia, y el contrafuerte gótico del estanque de las ocas.

BARCELONA MODERNA
En el último tercio del siglo XIX Barcelona experimenta cambios importantes, como la construcción del Parque de la Ciudadela, donde tuvo lugar la Exposición Universal de 1888. Además, se teje la reforma urbanística del Eixample, el litoral marítimo se urbaniza y se sanea el núcleo urbano.

Picasso frecuenta el Parque de la Ciudadela. Dentro del parque, en la zona donde se había desplegado la Exposición, hay todavía vestigios de elementos creados para la muestra, que el artista dibuja.

AZOTEAS
En la obra de Picasso, como en la de otros artistas catalanes, surge una Barcelona singular: la Barcelona de las azoteas. Picasso elabora paisajes de las azoteas del entorno cercano. Son vistas de una Barcelona elevada que, en algunos casos, se convierten en skylines identificadores de la ciudad.

En estas pinturas, el artista practica la perspectiva y juega con los contrastes luz-sombra provocados, a menudo, por evocadores plenilunios. El resultado es una amalgama de formas geométricas en la que destaca la ausencia de la figura humana en contraposición de la riqueza constructiva.

DESDE LA VENTANA
Entre 1899 y 1900, Picasso reproduce los paisajes que veía desde su taller. La ventana se convierte en punto de comunicación entre dos espacios: el interior y el exterior. A través de estos elementos crea perspectivas, básicamente frontales y descendientes, y elabora formas y ritmos.

La Barcelona desde la ventana de Picasso es, mayoritariamente, una ciudad mirada con perspectiva clásica, menos en el último que pintó, El paseo de Colón, 1917. Este paisaje, donado por el artista a Barcelona en 1970, se convierte en la mirada vanguardista a la ciudad que le abrió las puertas a la modernidad.

PAISAJES DE BARCELONA
MUSEU PICASSO BARCELONA
29/5/14 - 14/9/14

El poder del barroco en Salzburgo

26/06/2014, El complejo histórico Dom Quartier de Salzburgo abre sus puertas para descubrir los tesoros de este conjunto barroco en todo su esplendor.

Salzburgo, 26 de junio de 2014
Salzburgo abre sus puertas por primera vez al espectacular complejo histórico de Dom Quartier, una verdadera joya del barroco enclavada en el mismo centro histórico de esta ciudad alpina, que descansa en las aguas cristalinas del río Salzach.

Durante 200 años los pasillos entre el palacio del príncipe-arzobispo, los oratorios y también el gabinete de curiosidades y las galerías de arte estuvieron reservados o tapiados.

Ahora, Dom Quartier desvelan al visitante sus tesoros y sus joyas de arte. Con esta apertura se recupera la unidad original del complejo de la catedral y la residencia, incluido el monasterio benedictino de St. Peter.

Una oportunidad de descubrir la ciudad desde una nueva perspectiva, de asombrarse con las curiosidades arquitectónicas del conjunto y dejarse deslumbrar con las cámaras del tesoro barrocas que alberga este centro de la vida y administración de la ciudad de Salzburgo.

www.domquartier.at

Asentamientos Precolombinos con Esferas de Piedra

26/06/2014, El Comité del Patrimonio Mundial ha inscrito en 2014 un nuevo sitio centroamericano en la Lista de la UNESCO, durante su 38 Sesión celebrada en Qatar: los Asentamientos Cacicales Precolombinos con Esferas de Piedra de Diquís (Costa Rica).

París, 26 de julio de 2014
Según informa la UNESCO, este sitio se halla al sur del país y abarca cuatro zonas de vestigios arqueológicos, ubicadas en el delta del río Diquís, que se consideran testimonios excepcionales de los complejos sistemas sociales, económicos y políticos imperantes en el periodo comprendido entre los años 500 y 1.500 de nuestra era.

El sitio comprende túmulos, áreas pavimentadas, sepulturas y, en particular, toda una serie de esferas de piedra de 0,7 a 2,57 metros de diámetro cuya fabricación, utilización y significación siguen constituyendo en gran parte un misterio

Las esferas, conocidas popularmente como bolas de Costa Rica, no fueron datadas por los conquistadores en el siglo XVI, por lo que se supone que ya permanecían enterradas. Su descubrimiento tuvo lugar en 1939 por las acciones de deforestación de la Standard Fruit Company. Se sabe que los estadounidenses destruyeron algunos de los hallazgos con la esperanza de hallar oro en su interior.

La notable peculiaridad de esas esferas estriba en la perfección de sus formas, así como su número, tamaño y densidad, y también en el hecho de que se hallan en sus emplazamientos primigenios. La circunstancia de que estos vestigios permanecieran enterrados durante siglos bajo gruesas capas de sedimentos puede explicar que hayan logrado salir indemnes del saqueo del que han sido víctima gran parte de los sitios arqueológicos costarricenses.

Con esta declaración, América Central posee ya 17 sitios Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Pilar Álvarez-Laso, Directora de la Oficina de la UNESCO para Centroamérica y México explicó la importancia de este logro que conlleva “la gran responsabilidad de proteger y conservar estos valiosos testimonios culturales” y “la oportunidad de planear un uso sostenible de este patrimonio para el desarrollo de la zona sur de Costa Rica”.

Pintura victoriana en el Thyssen

25/06/2014, El Museo Thyssen Bornemisza presenta Alma-Tadema y la pintura victoriana en la Colección Pérez Simón, una exposición que incluye a algunos de los artistas más emblemáticos de la pintura inglesa del siglo XIX.

Madrid, 25 de junio de 2014
Desde el 25 de junio y hasta el 5 de octubre de 2014 se podrá visitar en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid la muestra Alma-Tadema y la pintura victoriana en la Colección Pérez Simón, que presenta cincuenta obras pertenecientes a una de las más importantes colecciones del mundo de pintura victoriana, y ya se ha presentado previamente en París y Roma antes de llegar a Madrid, desde donde viajará al Leighton House Museum de Londres.

Lawrence Alma-Tadema, Frederic Leighton, Edward Coley Burne-Jones, Albert J. Moore o John William Waterhouse cultivaron en sus obras valores que habían heredado en parte de los prerrafaelitas y que ofrecían un fuerte contraste con las actitudes moralistas de la época: la vuelta a la Antigüedad clásica, el culto a la belleza femenina y la búsqueda de la armonía visual, todo ello ambientado en decorados suntuosos y con frecuentes referencias a temas medievales, griegos y romanos.

El periodo cronológico que abarca la muestra comienza en 1860, con la disolución de la Fraternidad Prerrafaelita, y termina cincuenta años después, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, que cambió drásticamente el gusto de los británicos.

Las obras se organizan en torno a seis capítulos temáticos: Eclecticismo de una época; Belleza ideal, belleza clásica; Alma-Tadema, entre reconstrucción histórica y ensueño; El rostro, espejo de la belleza; Del prerrafaelismo al simbolismo y Entre tradición y modernidad.

En la década de 1860, se impone al prerrafaelismo un movimiento cultural y artístico conocido en Gran Bretaña como el Aesthetic Movement (movimiento estético). Los pintores vuelven la vista hacia los maestros antiguos; sus obras se inspiran en la cultura clásica grecorromana y en las leyendas medievales que la poesía contemporánea había puesto otra vez de actualidad, y todas tienen en común la celebración de la belleza femenina, representada según los cánones clásicos.

La mujer se convierte en protagonista absoluta de sus pinturas. Son mujeres pensativas, enamoradas, soñadoras, bondadosas, lascivas o malvadas, que se transforman en heroínas de la Antigüedad o del Medievo. Este culto a la mujer conduce hacia el onirismo y la magia del movimiento simbolista que en esta época se desarrolla en Europa. Entornos naturales o majestuosos palacios sirven de decorado para situar unas escenas que sugieren en su mayoría ambientes imaginarios y el cuerpo femenino se muestra evocando el placer sensual, el deseo o el misterio.

Alma-Tadema y la pintura victoriana en la Colección Pérez Simón
Desde el 25/06/2014 hasta el 05/10/2014
Museo Thyssen Bornemisza. Madrid

Bolgar, patrimonio de la UNESCO

25/06/2014, La 38 reunión del Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO, celebrada en Qatar, ha incluido en esta lista mundial al Conjunto histórico y arqueológico de Bolgar (Federación de Rusia).

Kazán, 25 de junio de 2014
Bolgar se halla a orilla del río Volga, al sur de su confluencia con el río Kama, cerca de la ciudad de Kazán, capital del Tartaristán. El sitio protegido por la UNESCO posee huellas de la ciudad medieval de Bolgar, lugar de asentamiento temprano de la civilización de los bolgares de la región de Volga.

Esta ciudad, que existió desde el siglo VII hasta el XV de nuestra era y fue la primera capital de la Horda de Oro, un estado de origen mongol que abarcó buena parte Rusia, tras la fragmentación del Imperio mongol en el siglo XIII

El sitio, según la UNESCO, constituye un punto representativo de los intercambios y transformaciones culturales que se produjeron en Eurasia a lo largo de centenares de años y que desempeñaron un papel fundamental en la formación de civilizaciones, costumbres y tradiciones culturales. Además de ser un ejemplo notable de continuidad histórica y diversidad cultural.

Es, además, un lugar de memoria simbólico que recuerda la conversión al islam de los bolgares de la región del Volga, ocurrida el año 922, y aún hoy sigue siendo todavía un centro sagrado y de peregrinación para los tártaros de confesión musulmana.

El Greco y la pintura moderna

24/06/2014, El Museo del Prado presenta una muestra en la que se aborda de un modo integral la influencia del maestro cretense en el desarrollo de la pintura moderna.

Madrid, 24 de junio de 2014
“El Greco y la pintura moderna” está compuesta por una selección de veinticinco obras del Greco y cincuenta y siete pinturas y veintitrés dibujos y grabados de autores de la talla de Manet, Cézanne, Picasso, Chagall, Modigliani, Kokoschka, Pollock y Saura, entre otros. Un total de ciento cinco obras que ponen de manifiesto cómo la huella del Greco tuvo una especial relevancia para la evolución de la pintura en el último tercio del siglo XIX y a lo largo de buena parte del XX.

La exposición, dividida en 8 etapas, revela la complejidad y riqueza de la influencia del Greco partiendo de la fascinación ejercida por el maestro cretense en los artistas franceses más renovadores, como Manet y Cézanne, y en destacados pintores españoles, como Rusiñol y Zuloaga, entre otros. Un itinerario que, también, analiza el constante influjo que ejerció el Greco sobre el protagonista y creador de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, Pablo Picasso, y presenta obras de otros artistas que, a partir de su relación con el cubismo, evolucionaron hacia otras propuestas, como André Derain, Robert Delaunay, Diego Rivera y Amedeo Modigliani.

Además, la muestra presenta algunas de las publicaciones que favorecieron la difusión de la obra del artista cretense, que permitieron redescubrir la figura del Greco e inspirar con su obra a los pintores modernos.

El recorrido aborda también la especial relevancia del cretense en la configuración de la pintura moderna en América, donde sus aspectos más expresivos ejercieron una gran fascinación en el mexicano José Clemente Orozco y los estadounidenses Benton y Pollock.

Finalmente, la muestra explora el impulso transformador del Greco como referencia en las angustiadas figuraciones expresivas de la posguerra europea, según manifiestan las obras de Alberto Giacometti, Francis Bacon y Antonio Saura, algunos de los cuales realizaron homenajes explícitos al artista.

ETAPAS DE LA MUESTRA:

La modernización de la pintura. De Manet a Cézanne
El primer ámbito de la exposición refleja el interés de los pintores españoles decimonónicos por la obra del Greco. Mariano Fortuny apreciaba la frescura del colorido del cretense y la captó en la acuarela La Trinidad, que se presenta junto al original del Greco en la muestra. También su cuñado, Ricardo de Madrazo, fue autor de muy certeras copias como la de Caballero anciano.

Esta fascinación por el Greco alcanzó a artistas norteamericanos como Chase y a franceses como Manet, quien pudo conocer La Anunciación del Greco y cuya transparencia de colorido y luminosidad le influyen en su obra Cristo muerto con ángeles.

La sección finaliza con la vinculación entre Cézanne y el Greco como una de las ideas en las que se fundamentó el origen de la pintura moderna, ya que ambos artistas influyeron decisivamente en el cubismo y el expresionismo.

Picasso y el cubismo
Esta sección analiza las sucesivas aproximaciones de Picasso a la figura del Greco. Los dibujos que Picasso realizó en los años finales del siglo XIX y comienzos del XX revelan su interés por el pintor cretense. Una influencia que se hizo muy intensa en su período azul. Un ejemplo es La comida frugal, que evoca la elegancia gestual de las manos de San Pedro y San Pablo.

Se analiza, además, cómo la obra del Greco tuvo un papel preeminente en los orígenes y la definición del cubismo puesto que algunos de los artistas influidos por Picasso se inspiraron, a su vez, en el maestro cretense como Derain, Modigliani o los cubistas checos Emil Filla y Procházka.

Zuloaga y Sorolla
Esta sección evidencia la notable valoración del Greco entre los artistas españoles a partir de la década de 1890, especialmente en la figura de Zuloaga. Aquí se muestran, también, dos obras de Sorolla protagonizadas por dos de los más reconocidos defensores del maestro cretense: el marqués de la Vega Inclán, fundador de la Casa Museo del Greco, y Manuel Bartolomé Cossío, autor de la primera gran monografía del Greco, publicación que puede contemplarse en esta sala.

Rusiñol fue también una figura de referencia en la recuperación del Greco como se refleja en el retrato que le hizo su amigo Ramón Pichot. En él Rusiñol aparece caracterizado a la manera del retrato que más influyó a los pintores modernos, El caballero de la mano en el pecho

El orfismo y su influencia
El recorrido de la exposición se centra en una de las derivaciones del cubismo: el orfismo, el movimiento artístico más vinculado a la obra del Greco. Su creador, Delaunay, se inspiró en San Sebastián para su obra Gitano.

También Rivera evidencia la perfecta fusión en tre el legado del cretense y el cubismo en su monumental obra Adoración de la Virgen y el Niño.

El expresionismo germánico
A lo largo de la exposición aparecen publicaciones que se relacionan directamente con la proyección del Greco en la pintura moderna. Tal es el caso de ‘Viaje por España’ del alemán Julius Meier-Graefe que puede contemplarse en esta sección y que supuso el redescubrimiento del Greco por el expresionismo germánico.

Artistas austriacos como Schiele y Kokoschka, y alemanes como Macke, Beckmann, Hofer y Steinhardt recibieron la influencia de una importante versión del Expolio, propiedad de la Alte Pinakothek de Múnich, y del Laocoonte. De esta última obra se puede ver una reinterpretación del holandés Korteweg.

La visión de Toledo y el Greco por otros expresionismos
Aquí se reúnen ejemplos de la asimilación de la pintura del Greco en obras como Hombre rezando de Soutine cuyo sentido ascensional, color arrebatado y pincelada alargada y ondulante revelan la infl uencia de la obra s del cretense, o Visión de Chagall que toma de La Anunciación del Greco la composición y el asunto.

América
Esta sección presenta al Greco como modelo y referencia para los pintores norteamericanos del siglo XX, que vieron en el artista cretense un ejemplo estimulante por haberse formado en diferentes culturas artísticas.

En México, interesó a los grandes pintores muralistas como Diego Rivera y Orozco, y en Chile a Matta.

El acercamiento al Greco por parte de Pollock se puede observar en las copias que realizó a partir de las reproducciones del libro de Maurice Legendre sobre el Greco presente en la exposición.

Figuraciones posteriores a la II Guerra Mundial
La exposición finaliza con las nuevas aproximaciones a la pintura del Greco tras la devastación de la II Guerra Mundial orientándose hacia una vertiente angustiosamente expresiva. Ejemplos como Escucha oh Israel de Bomberg que se relaciona con Cristo abrazado a la cruz; el escorzo de la Mujer tumbada de Bacon vinculado con el soldado en primer plano de la Resurrección; las copias y retratos de Giacometti y Antonio Saura irradian una energía anímica característica del Greco.

En su etapa final, Picasso se interesó de nuevo del Greco a través de las dos obras más importantes para él, El entierro del señor de Orgaz y El caballero de la mano en el pecho. Así, el Greco fue de nuevo el cauce de la inspiración creativa del pintor que mejor representa la pintura moderna.

Reabre el Museo Mauritshuis de La Haya

24/06/2014, Tras dos años de restauraciones reabre sus puertas la pinacoteca holandesa, hogar del famoso cuadro de Vermeer: La joven de la perla.

La Haya, 24 de junio de 2014

Finalmente, y tras dos años de obras de renovación y ampliación, el Museo Mauritshuis (cuyo histórico edificio data del siglo XVII) vuelve a abrir sus puertas para ofrecer a sus visitantes lo mejor del arte del Siglo de Oro holandés.

Situado en el casco histórico de La Haya, el Mauritshuis, uno de los más bellos ejemplos de arquitectura clásica holandesa, ha solucionado su falta de espacio expositivo con la apertura de un pasaje subterráneo que lo une al edificio adyacente (de comienzos del siglo XX). Este nuevo espacio servirá para albergar salas para exposiciones temporales, biblioteca y salas para distintas charlas y actividades.

Esta reapertura supone una gran oportunidad para conocer su famosa colección de arte, que incluye dos grandes obras maestras de Vermeer: La joven de la perla y Vista de Delft, así como la Lección de anatomía de Rembrandt o El jilguero de Carel Fabritus, maestro de Vermeer, y del que apenas se conservan cuadros debido a su trágico fallecimiento mientras se encontraba trabajando en su estudio y explotó un cargamento de pólvora que acabó con su vida y destruyó prácticamente la totalidad de su obra.

1007 sitios del Patrimonio Mundial

24/06/2014, El Comité del Patrimonio Mundial ha inscrito este año un total de 26 sitios en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. El total de sitios inscritos en todo el mundo es ya de de 1.007.

Qatar, 24 de junio de 2014
Lugares míticos como Pérgamo o el Delta del Okavango o parte de la Ruta de la Seda o dela cordillera del Himalaya, pasan a engrosar el listado del Patrimonio Mundial tras esta reunión, la 38, que celebra el Comité del Patrimonio Mundial. El encuentro comenzó el 15 de junio y durará hasta mañana 25 de junio.

Los últimos inscritos o ampliados han sido:

Conjunto histórico y arqueológico de Bolgar (Federación de Rusia). Situado a orillas del río Volga, al sur de su confluencia con el río Kama y de la ciudad de Kazán, capital del Tartaristán, este sitio posee huellas de la ciudad medieval de Bolgar, lugar de asentamiento temprano de la civilización de los bolgares de la región de Volga.

Asentamientos Cacicales Precolombinos con Esferas de Piedra de Diquís (Costa Rica). Este sitio se halla al sur del país y abarca cuatro zonas de vestigios arqueológicos, ubicadas en el delta del río Diquís, que se consideran testimonios excepcionales de los complejos sistemas sociales, económicos y políticos imperantes en el periodo comprendido entre los años 500 y 1.500 de nuestra era.

Complejo paisajístico de Trang An (Viet Nam). Situado en la orilla meridional del delta del Río Rojo y formado por un macizo de picos cársticos, el espectacular paisaje de Trang An está surcado por varios valles, sumergidos en parte por las aguas, y se halla enmarcado por farallones abruptos prácticamente verticales. Las exploraciones efectuadas en algunas de las grutas más altas que jalonan este sitio han permitido descubrir vestigios arqueológicos de actividades del ser humano que se remontan a unos 30.000 años atrás.

Gran Parque Nacional del Himalaya (India). Situado al norte de la India, en la parte occidental de la cordillera del Himalaya que forma parte del territorio del Estado de Himachal Pradesh, el Gran Parque Nacional del Himalaya (GHNPCA) se extiende por una superficie de 90.540 hectáreas y se caracteriza por la presencia de picos montañosos de gran altitud, praderas alpinas y bosques fluviales.

Santuario de fauna y flora salvaje de la cadena del monte Hamiguitan (Filipinas) – forma una cresta montañosa de norte a sur de la península de Pujada, en el sureste del corredor de biodiversidad oriental de Mindanao. La amplitud de sus alturas, que van de los 75 a los 1.637 metros sobre el nivel del mar, ofrece un hábitat excepcional terrestre y marino para numerosas especies de animales y plantas.

Stevns Klint (Dinamarca). Este sitio geológico, que abarca una zona litoral de 15 kilómetros de longitud con acantilados fosilíferos, constituye un testimonio excepcional del impacto provocado en la corteza terrestre por la caída del meteorito de Chicxulub, ocurrida a finales del Periodo Cretácico, hace unos 65 millones de años.

Karst de la China Meridional (China). Se trata de una ampliación del sitio del mismo nombre, que se inscribió en 2007 en la Lista del Patrimonio Mundial. Su paisaje constituye uno de los ejemplos más espectaculares de karst húmedo de las zonas tropicales y subtropicales.

Bosque de Bialowieża (Belarrús/Polonia). Se trata de una ampliación y de una nueva delimitación y denominación del sitio “Bosque de Belovezhskaya Pushcha/Bialowieża”, inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial en 1979.Situado en la divisoria entre las cuencas de los ríos que van a parar al Báltico y el Mar Negro, este sitio abarca una vasta extensión de bosques arcaicos de hoja perenne y caduca y alberga la mayor población del bisonte europeo, que es la especie animal emblemática de la región.

Mar de las Wadden (Alemania/Dinamarca). Se trata de una ampliación del sitio del mismo nombre, situado en Alemania y los Países Bajos, que se inscribió en 2009 en la Lista del Patrimonio Mundial. Se estima que el mar de las Wadden constituye el mayor ecosistema mundial continuo de fangales y bancos de arena.

Delta del Okavango (Botswana). Situado al noroeste del país, este sitio está formado por una planicie de pantanos permanentes y de praderas inundables estacionalmente. Se trata de un complejo de zonas húmedas prácticamente intacto y de uno de los pocos sistemas de deltas interiores del mundo que carece de desembocadura al mar.

Gruta ornamentada de Pont d’Arc, denominada Gruta Chauvet-Pont d’Arc (Departamento del Ardиche, Francia). En este sitio, situado al sur de Francia, en una meseta calcárea del río Ardиche, se hallan los dibujos figurativos más antiguos y mejor conservados del mundo. Realizados en el Periodo Auriñaciense (esto es, entre 30.000 y 32.000 años atrás), estos dibujos constituyen un testimonio excepcional del arte prehistórico.

Cuevas de Maresha–Bet Guvrin en la Baja Judea – Microcosmos de la Tierra de las Cuevas (Israel). Verdadera “ciudad debajo de una ciudad”, este sitio comprende un conjunto de cuevas excavadas por el hombre en la gruesa capa homogénea de caliza blanda que forma el suelo de la Baja Judea.

Paisaje vitícola del Piamonte: Langhe-Roero y Monferrato (Italia). Este sitio abarca cinco zonas vitivinícolas con espléndidos paisajes de viñedos y el castillo de Cavour, personaje emblemático no sólo de la historia de Italia,

Bursa y Cumalıkızık: nacimiento del imperio otomano (Turquía) – es una inscripción en serie de ocho sitios que se encuentran en la ciudad de Bursa, al sur de la región de Mármara. El sitio ilustra la creación de un sistema urbano rural fundador del imperio otomano a principios del siglo XIV y las funciones principales de la organización social y económica de la nueva capital que se desarrolló alrededor de un nuevo centro cívico

Pérgamo y su paisaje cultural de estratos múltiples (Turquía) – se sitúa justo encima de la llanura de Bakiróay, en la costa turca del mar Egeo. La acrópolis de Pérgamo fue la capital de la dinastía helenística de los atálidas y un importante centro del saber en la Antigíedad.

Cerros monumentales de Poverty Point (Estados Unidos de América). Situado en un estrecho altozano ubicado en el valle del curso inferior del río Misisipí, el sitio de Poverty Point debe su nombre al de una plantación agrícola del siglo XIX que se halla en sus cercanías. Se trata de un vasto conjunto de cerros monumentales

Ciudades antiguas de Pyu (Myanmar). Este sitio abarca los restos de las construcciones en ladrillo, las murallas y los fosos de las tres antiguas ciudades de Halin, Beikthano y Sri Ksetra, situadas en los vastos terrenos de regadío que se extienden por la zona árida de la cuenca del río Irawadi.

Shahr-i Sokhta (República Islámica de Irán) – Shar-i-Sokhta, que significa ‘Ciudad Quemada’, se encuentra en la intersección de las rutas comerciales de la Edad del Bronce que atraviesan la meseta iraní. Los vestigios de la ciudad, de ladrillos de adobe, representan la emergencia de las primeras sociedades complejas en el este de Irán.

Ciudad de Namhansanseong (República de Corea). La fundación de esta ciudad, situada en un paraje montañoso a unos 25 kilómetros al sudeste de Seúl, se proyectó para que sirviera de capital a los reyes de la Dinastía Joseon (1392-1910) en caso de emergencia. Construida y defendida por monjes-soldados budistas, pudo albergar hasta 4.000 personas y desempeñó importantes funciones administrativas y militares a lo largo de la historia.

El Gran Canal (China). Se trata de un vasto sistema de conducción de aguas que recorre las planicies septentrionales y centrales del este de China siguiendo una trayectoria norte-sur, desde Beijing hasta la provincia meridional de Zhejiang. Se construyó por segmentos sucesivos a partir del siglo V a.C. y bajo el reinado de la dinastía Sui,

Rutas de la Seda: red viaria de la ruta del corredor Chang’an-Tian-shan (China, Kazajstán y Kirguistán). Este sitio abarca un tramo de 5.000 kilómetros de la gran red viaria de las Rutas de la Seda que va desde Chang’an/Luoyang, capital principal de China durante el reinado de las dinastías Han y Tang, hasta la región de Zhetysu, situada en el Asia Central.

Rani-ki-Vav – El pozo escalonado de la reina en Patan (Estado de Gujarat, India). Situado a orillas del río Saraswati, este monumento del siglo XI se construyó en un principio para honrar la memoria de un monarca. Los pozos escalonados constituyen un medio característico de captación y almacenamiento de aguas subterráneas en el subcontinente indio, donde se empezaron a construir desde el tercer milenio a.C.

Qhapac Сan - Sistema vial andino (Argentina, Estado Plurinacional de Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú). Se trata de una vasta red viaria de unos 30.000 kilómetros construida a lo largo de varios siglos por los incas –aprovechando en parte infraestructuras preincaicas ya existentes– con vistas a facilitar las comunicaciones, los transportes y el comercio, y también con fines defensivos.

Antigua Ciudad Maya y bosques tropicales protegidos de Calakmul, Campeche (México) – Se trata de una nueva propuesta de inscripción y extensión del sitio cultural de la Antigua Ciudad Maya de Calakmul, Campeche, de 3.000 hectáreas de extensión, inscrito en 2002 y reinscrito ahora como sitio mixto (cultural y natural)

Westwerk carolingio y civitas de Corvey (Alemania) – El sitio está situado junto al río Weser, en las afueras de la ciudad de Hцxter, en un asentamiento rural todavía muy bien preservado en el que se erigieron el Westwerk y la civitas entre el año 822 y el año 885 de nuestra.

Ciudadela de Erbil (Iraq). Se trata de un asentamiento fortificado construido en la cima de un imponente tell ovoidal, es decir, un montículo creado por las generaciones que se sucedieron en el sitio y lo reconstruyeron en el mismo lugar. Los muros ininterrumpidos de fachadas y viviendas del siglo XIX continúan dando la impresión visual de una fortaleza inexpugnable que domina la ciudad de Erbil,

Manufactura de seda de Tomioka y sitios conexos (Japón). Ubicado en la prefectura de Gunna, al noroeste de Tokio, este complejo industrial de producción e hilado de seda se creó en 1872. La manufactura, construida por el gobierno japonés y equipada con maquinaria importada de Francia, consta de cuatro partes distintas, correspondientes a las diferentes etapas de producción de la seda bruta: un almacén refrigerado para los huevos de los gusanos; una granja experimental para producir los capullos; una factoría para desenrollar la fibra de éstos e hilar la seda bruta; y un centro de enseñanza

Factoría Van Nelle (Países Bajos). Diseñada y construida en el decenio de 1920, a orillas de un canal de la zona industrial del pólder de Spaanse situada al noroeste de Rotterdam, la factoría Van Nelle es una obra emblemática de la arquitectura industrial del siglo XX.

Centro histórico de Yeda, Puerta de La Meca (Arabia Saudita). Situada en la costa oriental del Mar Rojo, Yeda se convirtió a partir del siglo VII en una importante ciudad portuaria por la que transitaban las mercancías llegadas por las rutas marítimas comerciales del Océano Índico con destino a La Meca. También se convirtió en el puerto de llegada de los peregrinos musulmanes que viajaban por mar para dirigirse a esta ciudad santa.

Palestina: tierra de olivares y viñas - Paisaje cultural del sur de Jerusalén, Battir (Palestina). Situado a unos pocos kilómetros al sudoeste de Jerusalén, en las tierras altas que se extienden desde Naplusa hasta Hebrón, el paisaje del pueblo de Battir, asentado en este paisaje cultural, comprende una serie de valles (widian) con cultivos en terrazas escalonadas: en los bancales de secano crecen olivos y viñas, mientras que en los de regadío se cultivan frutas y hortalizas.

Lissitzky en Málaga

23/06/2014, El Museo Picasso de Málaga hace un repaso de la obra del artista ruso Eliezer Markóvich Lissitzki, a través de obras de múltiples formatos, como pintura, fotografía o diseño arquitectónico.

Málaga, 23 de junio de 2014
La exposición del Museo Picasso Málaga aborda la trayectoria creativa de este artista a través de más de 100 obras, realizadas en distintos formatos como la pintura, fotografía, fotomontaje, diseño e ilustración de libros, revistas, películas y diseño.

Eliezer Markóvich Lissitzky (Rusia 1890-1941), es uno de los artistas más influyentes, experimentales y controvertidos de las primeras décadas del siglo XX.

Lissitzky afrontaba el arte como una respuesta a las exigencias de su tiempo, un tiempo de crisis y cambios profundos, un tiempo de fe en la industria y la revolución. Y lo hizo rompiendo barreras entre las disciplinas y conectando el arte, la arquitectura y el diseño.

Arquitecto, pintor, diseñador gráfico, diseñador de exposiciones y fotógrafo, trabajó con los sóviets tras la Revolución de Octubre de 1917, con el arte de vanguardia europeo en los años veinte y como propagandista del régimen estalinista en la década de 1930.

Lissitzky contribuyó al desarrollo del Suprematismo junto a su amigo y del Constructivismo posteriormente. El artista ruso inventó su propia forma de arte abstracto, al que más tarde denominó Proun (proyectos para la afirmación de lo nuevo).

Su obra tuvo una gran repercusión fuera de Rusia a través del grupo De Stijl en Holanda y de las enseñanzas de la Bauhaus en Alemania.

Joan Miró. La luz de la noche

23/06/2014, El Museu d’Art Contemporani d’Eivissa presenta una muestra integrada por unas cuarenta piezas realizadas por Miró a lo largo de los años sesenta y los setenta, una de las etapas más fecundas y menos estudiadas del artista.

Ibiza, 23 de junio de 2014
Miró utilizó a lo largo de su vida soportes y técnicas muy diversos, como tela, masonita, papel, cartón, plástico, madera, así como óleo, esmalte, tinta china, acuarela, gouache, cera, lápiz, carbón, etc. Se interesó por el material de desecho y por los objetos de procedencia humilde. Toda esta inmensa variedad de técnicas y soportes se halla representada en un corpus que nos muestra al genio en todo su esplendor y que permite constatar ese espíritu innovador y transgresor que lo ha erigido en un icono no solo del siglo XX sino de toda la Historia del arte.

Joan Miró. La luz de la noche. Obras de las décadas de 1960 y 1970 se exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza y, posteriormente, en El Roser, en Ciutadella de Menorca —la presencia por vez primera de la obra de Miró en ambas islas le confiere un aura de excepcionalidad—, para acabar su periplo en Palma de Mallorca, en la Fundación que lleva su nombre.

Miró mantuvo una relación muy estrecha con Mallorca a lo largo de toda su vida. Su madre Dolors Ferrà, al igual que sus abuelos maternos eran mallorquines. Este vínculo familiar hizo que Miró pasara muchos veranos en Mallorca. Durante esas estancias veraniegas, Miró realizaba dibujos de paisajes y de edificios emblemáticos, como La Llotja, el castillo de Bellver, los molinos de viento y las marinas.

Estos lugares le permitían vivir y trabajar inmerso en una naturaleza aún incontaminada. El contacto directo con la tierra, le permitía absorber su energía, como si de un árbol se tratara.

En 1920 Miró realiza su primer viaje a París, un punto de inflexión en su vida que expresaría en numerosas ocasiones: "La estancia en París me ha abierto un mundo de ideas, y ahora con la tranquilidad excitante del campo me lanzo a trabajar apasionadamente [.. mi ideal, París y el campo de Cataluña (naturalmente, el de Mallorca también)".

En 1940, los bombardeos nazis obligaron a Miró a abandonar Francia y a buscar refugio en Mallorca. Durante su estancia en la isla, hasta el otoño de 1942, Miró desarrolló un interés por la música y siguió cultivando su interés por la poesía. Además, continuó pintando la serie de las Constelaciones.

En 1954, Miró deja Barcelona para trasladarse a vivir definitivamente a Mallorca: "Este país es maravilloso... Estamos a punto de comprar una casa cerca de Palma en un espléndido terreno. Dividir mi tiempo entre aquí [Mallorca] y París, y de vez en cuando hacer un viaje a Nueva York, sería ideal para el trabajo y la salud."

En Mallorca, en 1956, Miró vio materializado su sueño de contar con un taller propio. Durante los años de construcción de su taller y hasta finales de los años cincuenta, Miró prácticamente abandonó la pintura y se dedicó casi exclusivamente a la cerámica, el grabado y la litografía. Este traslado al nuevo taller le llevó a revisar antiguas telas y cuadernos de dibujos. Miró lo recordaba así: "En el nuevo estudio tuve espacio suficiente por primera vez. Pude desembalar cajas que contenían obras realizadas muchos años atrás [.. Cuando saqué todo ello, en Mallorca, comencé a hacer mi autocrítica [.. Fui despiadado conmigo mismo. Destrocé muchas telas, y sobre todo muchos dibujos y gouaches."

Esta revisión debió de tener repercusiones positivas en su creación plástica. La abundante producción pictórica de los años sesenta se caracteriza por su fuerza y expresividad, tal vez, como consecuencia de su conocimiento del Expresionismo Abstracto americano y del arte y caligrafía orientales.

Mallorca fue un jardín fecundo que cultivó con esmero, por utilizar la metáfora del propio artista que afirmaba: “Yo trabajo como un jardinero”. En su madurez, Miró siguió creando infatigablemente, así lo atestigua la cantidad y calidad de su producción artística y la multitud de proyectos en los que trabajó: Pintura, escultura, proyectos de arte público, obra gráfica, cerámica, murales, vidrieras, tapices, así como decorados y vestuario para teatro.

En 1962, Miró comenzó a pensar en instalar su propio taller de grabado en Palma. Esto le permitió continuar haciendo realidad su deseo de aproximar su arte al gran público. Por un lado, la producción seriada de obra gráfica hizo su arte más asequible. Por otro lado, los numerosos proyectos de arte público que proyectó ampliaron considerablemente su difusión.

Las semillas sembradas por Miró a lo largo de toda una vida siguieron diseminando sus frutos más allá de su fallecimiento, el 25 de diciembre de 1983, en su casa de Son Abrines, en Palma de Mallorca.

Joan Miró. La luz de la noche. Obras de las décadas de 1960 y 1970
Hasta el 15 de agosto de 2014
Museu d’Art Contemporani d’Eivissa

Arte Brasileño Actual en el CAAM

20/06/2014, El Centro Atlántico de Arte Moderno inaugura tres exposiciones de arte contemporáneo dedicadas a mostrar en España la obra de las artistas brasileñas Jac Leirner, Sandra Cinto y Rosângela Rennó.

Las Palmas de Gran Canaria, 20 de junio de 2014
El Centro Atlántico de Arte Moderno presenta "Pesos y medidas", "La otra orilla" y "Todo aquello que no está en las imágenes", tres muestras que se podrán visitar hasta el día 21 de septiembre en las salas de este museo y que acercan el arte brasileño actual a los visitantes del CAAM.

JAC LEIRNER: PESOS Y MEDIDAS
Jac Leirner (Sao Paulo, 1961) está considerada como una de las principales exponentes del arte conceptual de Latinoamérica. Desde mediados de los ochenta, formó parte de una generación de artistas fundamental para el posicionamiento de los creadores latinoamericanos en el extranjero.

A lo largo de su dilatada trayectoria profesional ha expuesto en museos, galerías y en los eventos de arte más destacados del mundo. Su obra, Pulmón, fue la primera pieza de arte contemporáneo latinoamericano que compró en 1993 el MOMA de Nueva York.

En esta muestra, la obra de Leirner establece un diálogo con la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, en la que, durante dos semanas, ha ido reuniendo objetos, en su mayoría vinculados al mar y la náutica, para trabajarlos con suma precisión, de acuerdo con criterios gráficos y formales, y acabar desplegándolos en el museo dándoles un nuevo significado.

Son conjuntos de objetos estructurados en bloques compactos y sólidos, que conforman instalaciones escultóricas minimalistas, y en las que intervienen con el mismo protagonismo las variantes y juegos de color como los referentes marinos.

SANDRA CINTO: LA OTRA ORILLA
La muestra reúne tres grandes instalaciones que representan la particular mirada de Sandra Cinto sobre el vínculo que une Brasil y Latinoamérica con Europa y, más en concreto, con las Islas Canarias. Son piezas producidas ex profeso para el CAAM que reflejan las disciplinas principales de su trabajo: la pintura, la escultura, el dibujo y la instalación site-specific, los tres lenguajes sobre los que pivota su producción artística.

Sandra Cinto (Santo André, Brasil, 1968) es una de las grandes renovadoras del dibujo en el contexto del arte latinoamericano, donde ha despuntado por su particular manera de expandir este lenguaje hacia un posicionamiento que dialoga con la pintura y la escultura.

Partiendo del acto de dibujar, interviene gráficamente los espacios arquitectónicos, objetos o cualquier imagen, que pasan a tener carácter híbrido.

El arte de Sandra Cinto es una forma de resistencia, una utopía de lo bello, de lo justo y de lo social. Sus obras definen una experiencia abismal, insistiendo en una serie de temas, una vez que esa aspiración nunca se consuma, aunque tampoco oscurece la esperanza.

Cinto da forma visual a la dificultad de transitar por la vida. Así, dibuja paisajes emocionales que responden metafóricamente a esa ardua tarea de acceder de un lugar a otro. En muchos casos son olas que parecen montañas, esas otras fronteras, igual de naturales, de inconmensurables. Son mares que son muros. Otras veces son mares que son puentes, y la frontera se ablanda, se humaniza, permitiendo el paso, el acceso a la otra orilla.

ROSÂNGELA RENNÓ: TODO AQUELLO QUE NO ESTÁ EN LAS IMÁGENES
Esta es la primera gran exposición individual de Rosângela Rennó (Belo Horizonte, 1962) en un museo español. Es un proyecto que representa un recorrido conceptual por la obra de Rennó de los últimos años e incorpora su obra más reciente, creada tras una exhaustiva investigación realizada por la artista en El Museo Canario de la capital grancanaria.

La muestra tiene como hilo argumental los trabajos realizados por Rennó durante el último cuarto de siglo, bajo la experiencia de la ausencia, donde lo fantasmagórico y lo invisible dan la pauta de la información que esta alberga.

En este sentido son claves sus investigaciones a la hora de hacer un verdadero tratado sobre la idea del desvelamiento, no solo del revelado fotográfico y de la producción e imaginería relativa a este, sino del concepto de construcción de las imágenes, considerado desde los postulados poscoloniales.

La exposición incorpora instalaciones que surgen de la investigación sobre la cultura prehispánica y sus formas de lenguaje, realizada por la artista en los últimos meses en El Museo Canario para esta muestra. Fruto de este trabajo, Rosângela Rennó presenta tres instalaciones que plasman en distintos soportes su visión sobre la cultura aborigen canaria y propone además un interesante diálogo entre la forma de comunicación que empleaban los antiguos pobladores de las Islas y los tupi, uno de los principales grupos étnicos de Brasil.

Por último, la muestra realiza un repaso de la relación de Rennó con la memoria, con la imagen que se desdobla, que se erosiona, se oculta y resquebraja, pasándola tanto a formato vídeo, a escultura, a papel fotográfico o a un vinilo sobre pared. Las obras cuestionan el por qué del destino de estas imágenes y provoca que el visitante se pregunte sobre el origen de esta idea fantasmagórica. La artista consigue así contemporizar dicha investigación para que lleguemos a preguntarnos qué ha sido de estos momentos y de estas gentes.

JAC LEIRNER: Pesos y medidas
SANDRA CINTO: La otra orilla
ROSÂNGELA RENNÓ: Todo aquello que no está en las imágenes
Hasta el 21 de septiembre de 2014
Espacio CAAM – Los Balcones
Las Palmas de Gran Canaria

Tenerife en verano

20/06/2014, Cuando pensamos en Tenerife siempre vienen a nuestra mente imágenes de playas y Sol, pero la isla ofrece mucho más.

Santa Cruz de Tenerife, 20 de junio de 2014
El Grupo Lowcosttravelinternational nos invita a descubrir Tenerife, sus rincones y paisajes, su gastronomía y la hospitalidad de sus gentes. Aquí encontrarás seis buenas razones (playas aparte) para visitar la Isla:

El Teide:
Sin lugar a dudas el símbolo de la isla. Con una altitud de 3.718 metros sobre el nivel del mar, el Teide es el pico más alto de España. Asimismo, forma parte del Parque Nacional del Teide, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

La Orotava:
Esta localidad es una de las zonas turísticas más importantes de la isla de Tenerife. Cuenta con un clima envidiable, además de una estupenda vegetación que nos acompañara en nuestra visita. Aquí se encuentra el parque temático de Pueblo Chico, así como magnificas bodegas con renombre por su gran vino denominación de origen, y estupendas playas de arena negra de origen volcánico, como Playa Ancón o Playa del Bollullo.

Su gastronomía:
Existe una gran variedad de establecimientos para todos los gustos donde podrás encontrar diferentes platos como garbanzos con costillas, conejo en salmorejo, costillas con papas y piñas de millo, bubangos, papas con mojo, carne fiesta, baifo y churros de pescado, entre otros.

Los gigantes:
Los acantilados de los Gigantes representan un accidente geológico volcánico de tipo basáltico de la costa oeste de Tenerife. Caracterizados por sus paredes verticales, que caen sobre el océano desde alturas que oscilan entre los 300 y más de 600 metros, están repartidos entre los municipios de Buenavista del Norte y Santiago del Teide.

Garachico:
Situada al norte de la isla, la localidad de Garachico fue sepultada a principios del siglo XVIII por la erupción de un de volcán y tuvo que reconstruirse poco a poco. Es un pueblo conocido por su arquitectura rica y cuidada y sobre todo por sus piscinas naturales de agua de mar.

Su naturaleza:
Entre su variada riqueza botánica destacan los bosques de laurisilva, auténticas reservas de interés mundial. Calas de arenas negras en el Norte y extensas playas doradas en el Sur; parajes volcánicos, senderos llenos de encanto, abruptos barrancos y una red de espacios protegidos, todo para disfrutar del contacto con la naturaleza.

Conocer Egipto desde el Nilo

19/06/2014, El Nilo es el segundo río más grande del mundo. Sus más de 6.000 kilómetros de extensión permiten la navegación por sus aguas, que en tiempos faraónicos fueron consideradas sagradas.

Asuán, 19 de junio de 2014
Situada en el extremo nordeste de África, Egipto es una de esas tierras que guarda cientos de misteriosos lugares que deben visitarse, al menos, una vez en la vida. Una forma diferente de conocer Egipto es a bordo de un crucero entre Luxor y Asuán, pasando por los templos más bellos que se extienden entre estas dos ciudades.

Explorar la Presa Alta y las canteras de granito, navegar después hasta los templos de File y Kom Ombo o rodear la Isla Kitchener para visitar su jardín botánico... son algunas de las muchas posibilidades que encontrará el turista en el inicio de su apacible viaje por el Nilo.

Sigue el recorrido por la ciudad de Edfu, allí se encuentra el Templo de Edfu, el segundo más grande de Egipto, después del Templo de Karnak, y uno de los mejor conservados.

La experiencia continúa en Luxor, donde el templo de Karnak, el de Hatshepsut, el Valle de los Reyes y las Reinas y el templo de Luxor ponen la guinda a un viaje inolvidable.

Durante el viaje es muy aconsejable disfrutar de la naturaleza del Valle del Nilo, considerado el pulmón egipcio por su aire fresco y sus verdes oasis como el de El Baharia, El Dakhla, el Farafra, Baris y Balat. La zona está totalmente libre de contaminación y cuenta con casas construidas a base de materiales naturales.

Oficina de Turismo de Egipto: http://www.egypt.travel/

Los retratos de Henri Cartier-Bresson

19/06/2014, La Galería Michel Soskine de Madrid presenta hasta el 26 de julio de 2014 Portraits, una exposición dedicada a la figura del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson.

Madrid, 19 de junio de 2014
Con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento, la galería Michel Soskine presenta 21 retratos realizados por el maestro de la fotografía del siglo XX:Henri Cartier-Bresson.

A lo largo de toda su carrera Cartier-Bresson capturó numerosos retratos, a menudo de personas anónimas, pero también de personalidades relevantes en las artes y el pensamiento de su tiempo. Así, esta exposición recoge instantáneas de Giacometti, Lucien Freud, Stravinsky, Jean Genet o Paul Valéry.

Son todas estas instantáneas reflejo de una época y un contexto que podemos vislumbrar de forma muy cercana, casi íntima, puesto que en manos de Cartier-Bresson, la cámara parece desaparecer, como si ninguna voluntad hubiese mediado entre el sujeto y el espectador. En lo fugaz de una mirada o en la intimidad de una conversación entre dos, Cartier-Bresson capta y deja entrever con sutileza la personalidad de quienes fueron personajes destacados en el Paris de aquellos años.

Henri Cartier-Bresson
Henri Cartier-Bresson (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Montjustin, Francia, 2004) desarrolló una temprana fascinación por la pintura, y particularmente por el movimiento surrealista.

En 1932 descubre su primera Leica (la pequeña cámara fotográfica que lo acompañaría desde entonces) comenzando así su pasión por la fotografía.

En 1933 presenta su primera exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York. Esta primera muestra visitaría Madrid meses más tarde, presentándose en las salas del Ateneo.

En años posteriores, colaboraría en varias películas de Jean Renoir.

Con la segunda guerra mundial se alista en el ejército francés y en 1940 es capturado como prisionero de guerra. Logra huir en 1943 y se une a una organización clandestina, ayudando a prisioneros y fugitivos.

En 1945 fotografía la liberación de Paris con un grupo de periodistas profesionales y rueda el documental Le Retour (El Regreso).

En 1947, con Robert Capa, George Rodger, David ‘Chim’ Seymour y William Vandivert, funda Magnum Photos.

Tras tres años viajando por el continente asiático, en 1952 regresa a Europa, donde publica su primer libro, Images à la Sauvette (publicado en inglés como The Decisive Moment).

A partir de 1968 comienza a abandonar su actividad fotográfica, concentrándose en el dibujo y la pintura.

En 2003, junto a su mujer y su hija, crea la Fundación Henri Cartier-Bresson en Paris para la preservación de su trabajo.

Muere en su casa de la Provenza el 3 de agosto de 2004, a pocas semanas de su 96 cumpleaños.

Únicos: Didier Lourenço

18/06/2014, La galería BAT alberto cornejo Madrid presenta la exposición de pintura Únicos, del artista catalán Didier Lourenço. Del 18 de junio al 6 de septiembre de 2014.

Madrid, 18 de junio de 2014
Las contemporáneas obras de Lourenço son apacibles, llenas de bellos matices y colores. El artista catalán hace gala de un estilo própio, en el que le gusta reflejar escenas de la vida cotidiana, protagonizadas por figuras femeninas.

Estas obras destacan por su composición, por su orden, por su paz, pero al mismo tiempo por la expresividad de los rostros que plasma en sus lienzos.

Didier Lourenço nació en Premiá de Mar (Barcelona) en el año 1968. Con 19 años empezó a trabajar en el taller de litografías de la familia. En 1988 realiza su primera exposición individual.

En el taller, Didier pasa el tiempo pintando sobre tela y papel y realizando e imprimiendo litografías para él y otros artistas. El lugar se convierte en un estudio abierto a la mirada de muchos artistas y un intercambio de conocimiento muy importante para su educación en el mundo de la pintura.

En 1991, tras ganar un premio de pintura para jóvenes pintores, su obra empieza una difusión a través de diferentes exposiciones individuales y colectivas por galerías del país. Cinco años después se instala en su propio estudio, momento en el que puede dedicarse plenamente a la pintura, aunque nunca deja de hacer litografías.

En el año 2000 una prestigiosa empresa de edición y distribución mundial de pósters se interesa por su obra. Sus imágenes podrán verse en infinidad de lugares del mundo. Esta difusión permite que galerías de todo el mundo se interesen por su obra original y lo lleva a exponer su trabajo en todo el mundo; Nueva York, Seattle, Los Ángeles, Hong Kong, Puerto Rico, Nueva Orleans, Nashville, África del Sur, Las Vegas y Miami entre otros.

Únicos: Didier Lourenço
Del 18.06.2014 al 06.09.2014
Galería Bat Alberto Cornejo
María de Guzmán 61 - Madrid

Comer en Gran Bretaña

18/06/2014, La página web Visitbritain.com te presenta la lista de los 10 principales restaurantes del Reino Unido, para que puedas degustar la mejor cocina en Gran Bretaña.

Londres, 18 de junio de 2014
Le Gavroche
Con 2 estrellas Michelin y un legendario servicio, Le Gavroche es la obra de arte del célebre Michel Roux Jr. Comer aquí es una experiencia inolvidable: la más exquisita cocina francesa clásica.

Restaurant Andrew Fairlie
Encontrarás el restaurante de Andrew Fairlie, premiado con 2 estrellas Michelin, rodeado del debido lujo: el exclusivo Gleneagles Hotel. Es una deliciosa experiencia culinaria que combina lo mejor de la cocina francesa y escocesa.

Zuma
Zuma ofrece varios de los mejores platos japoneses. Lo encontrarás en el centro del elegante barrio londinense de Knightsbridge. Su ambiente sin pretensiones ofrece platos con un toque innovador al estilo izakaya tradicional de comer y beber.

Amaya
Amaya sirve platos indios premiados con estrellas Michelin y preparados en tres característicos estilos: Tandoori, en sartén de hierro y a la brasa. Prepárate para degustar todo un abanico de creativos platos y fantásticos sabores. Lo encontrarás en un barrio londinense muy de moda, Belgravia, y es el lugar perfecto para sentarse a comer entre compra y compra.

Alain Ducasse at the Dorchester
Encontrarás el restaurante de Alain Ducassse (3 estrellas Michelin) en el interior de uno de los hoteles de lujo más emblemáticos de Londres. ¡Prepárate para una suntuosa velada! Como es de esperar, su moderna cocina francesa es una de las mejores.

Nobu
Comida japonesa de talla mundial en un marco londinense muy chic. La cocina de Nobu, premiada con estrellas Michelin, se encuentra entre las mejores de Londres, y es el lugar idóneo si te gustan los platos sumamente creativos en un moderno y luminoso entorno.

The Waterside Inn
El restaurante de Alain Roux, premiado con 3 estrellas Michelin, está situado en un elegante marco junto al río en Bray, un pueblo del siglo XVI. Por supuesto, la gran atracción son sus platos de talla mundial, sobre todo la surtida carta de asombrosos postres.

The Ledbury
En The Ledbury las copiosas comidas preparadas por expertos son la orden del día, todas ellas cocinadas bajo la supervisión del chef Brett Graham. The Ledbury ha recibido dos estrellas Michelin, por lo que puedes esperar comer de maravilla.

The Fat Duck
El Fat Duck es uno de los restaurantes británicos más famosos, conocido por las exclusivas creaciones del chef Heston Blumenthal, que incluyen exquisiteces que parecen salidas de otro mundo, como los huevos revueltos con helado de beicon y los caracoles con copos de avena. Te aseguramos que nunca has degustado comida de este calibre.

Dinner
Ideada por los famosos cocineros Heston Blumenthal y Ashley Palmer-Watts, la carta de Dinner se basa en platos tradicionales de la historia inglesa. Con dos estrellas Michelin, sus platos son únicos y espectacularmente deliciosos, y la vista de Hyde Park es magnífica.

Los pequeños tesoros del Prado

18/06/2014, El Museo del Prado y la Obra Social “la Caixa” presentarán, el próximo 16 de julio en CaixaForum Barcelona, La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado.

Barcelona, 18 de junio de 2014
En un mes se inaugura en CaixaForum Barcelona la exposición "La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado", que analiza las obras de pequeño formato de la colección de la pinacoteca madrileña y resume el rico conjunto de su pintura y escultura más íntimas.

Ordenadas de forma cronológica, más de un centenar de obras pertenecientes a los fondos del Museo Nacional del Prado, trazarán un intenso recorrido por la historia del arte que relata la excelencia de sus grandes artistas, desde finales del siglo XIV y principios del XV hasta Goya y el siglo XIX con Fortuny.

El resultado será un resumen de las colecciones del Prado y de los orígenes del arte en sus soportes más intimistas, que permitirán al espectador admirar cada obra al detalle y encontrarse con algunos tesoros del museo que únicamente se han mostrado en ocasiones puntuales.

La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado
16 de julio de 2014 – 5 de enero de 2015
CaixaForum Barcelona

Bajo La habitación azul...

18/06/2014, Un grupo de investigadores estadounidenses encuentra una segunda pintura escondida debajo de la obra maestra de Picasso, La habitación azul.

Washington, 18 de junio de 2014
Las pinceladas inexplicables que se podían ver en el cuadro hicieron que un grupo de expertos albergara sospechas sobre lo que escondía la obra pintada en 1901 por Pablo Picasso. Ahora, gracias a las imágenes infrarrojas, estos científicos y expertos en arte han podido desvelar el misterio que se encontraba debajo de La habitación azul: el retrato de un hombre con el rostro apoyado en su mano.

Tras el descubrimiento aparecen nuevos interrogantes que han llevado a los Conservadores de The Phillips Collection de Washington a investigar sobre la época en la que este cuadro fue realizado. La habitación azul de Picasso fue pintada mientras el artista malagueño trabajaba en París, en el inicio de su melancólico periodo azul.

En los últimos cinco años, los expertos de The Phillips Collection, la Galería Nacional de Arte de la Universidad de Cornell y del Museo Winterthur de Delaware han podido profundizar en el misterio de la imagen oculta. Es un retrato de un hombre desconocido en una composición vertical. De momento se ha descartado la posibilidad de que se trate de un autorretrato, y se baraja la posibilidad de que el retratado sea el marchante de arte, Ambrose Villard, quien organizó la primera exposición de Picasso en París en el año 1901.

Debido a este interesante hayazgo, el museo The Phillips Collection de Washington ya está planeando para el año 2017 la primera exposición centrada en La habitación azul, antes, la obra viajará a Corea del Sur para su exhibición en una gira por Asia.

PHotoEspaña en Cuenca

17/06/2014, Cuenca, sede de PHotoEspaña por octavo año consecutivo, acoge la exposición Asombrosas afinidades, hasta el 31 de agosto de 2014.

Cuenca, 17 de junio de 2014
La Fundación Antonio Saura. Casa Zavala de Cuenca exhibe una exposición colectiva de una selección de obras de la colección de fotografía de la institución francesa Le Château d’Eau de Tolouse.

"Asombrosas afinidades", compuesta por más de 140 obras de 71 artistas de todo el mundo, recorre la creación en el ámbito de las artes visuales internacionales de las cuatro últimas décadas, a través de ejemplos de fotógrafos como Robert Doisneau, Elliot Erwitt, Manuel Álvarez-Bravo, Francesc Català-Roca, Max Pam, Gilles Peress, Anders Petersen, Bernard Plossu, August Sander o Alberto Schommer entre otros.

La muestra revisa la colección de la primera institución pública de Francia dedicada a la fotografía de forma exclusiva y permanente, Le Château d’Eau de Tolouse. La colección de Le Château d’Eau, iniciada en la década de 1970, consta de unas 4.000 piezas de más de 400 artistas. Junto a grandes clásicos como André Kertész o August Sander y autores con obra fotográfica reconocida como Bernard Plossu y John Batho, el Château d’Eau apuesta también por jóvenes talentos emergentes, cuyo desarollo artístico respalda.

Asombrosas afinidades
Hasta el 28 de agosto de 2014
Fundación Antonio Saura. Casa Zavala
Pl. San Nicolás S/N. Cuenca

PHotoEspaña
El festival internacional de fotografía y artes visuales, nació en 1998 con la vocación de ser un festival realizado desde la sociedad. En la actualidad se ha convertido en uno de los grandes acontecimientos de artes visuales del mundo y en uno de los mayores foros internacionales de la fotografía cuyo prestigio, reconocido por los críticos más destacados, ha posibilitado que se convierta en una cita ineludible. Recientemente, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de España le ha concedido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

PHotoEspaña ofrece una ocasión extraordinaria para conocer proyectos fotográficos, videos e instalaciones de los fotógrafos y artistas visuales nacionales e internacionales más destacados así como el trabajo de nuevos creadores. A lo largo de las dieciséis ediciones del festival, se han organizado más de 1.000 exposiciones en los principales museos, salas de exposiciones, centros de arte y galerías del país.

Dalí y Man Ray

16/06/2014, Una obra conjunta de Salvador Dalí y Man Ray, perteneciente a la colección del Museo Reina Sofía, será próximamente restaurada gracias a la colaboración del Bank of America Merrill Lynch.

Madrid, 16 de junio de 2014
En Retrato de Joella, el artista Ampurdanés Salvador Dalí realiza una intervención pictórica sobre una cabeza esculpida en yeso realizada por Man Ray en 1933.

Se trata de una obra pintada por Dalí en pleno desarrollo de su método paranoico-crítico, una propuesta que permite asociaciones de imágenes con significados ocultos procedentes del personal catálogo iconográfico de Dalí.

En la actualidad, la escultura presenta una inestabilidad en la capa pictórica que provoca la pérdida constante de pequeños fragmentos. Esta alteración ha ido causando con el tiempo pérdidas en la capa de color que, a pesar de haber sido tratadas en repetidas ocasiones, no han conseguido resolver el problema.

Estas circunstancias hacen necesario un profundo estudio tanto de los materiales como de las técnicas para conseguir evitar el deterioro de la obra.

En una primera fase se estudiará el origen de la inestabilidad. Posteriormente, y finalizado el proceso de consolidación y limpieza de la capa pictórica, junto con la eliminación de los repintes antiguos, se reintegrarán las capas de pintura en las zonas de pérdidas.

En cuanto al montaje de la urna, que es un elemento original y parte de la obra, es preciso revisar la sujeción de la cabeza a la urna de madera y vidrio, para un transporte y exhibición seguros.

El estudio de la obra conlleva la identificación de las características técnicas, materiales y procedimientos empleados por el artista, así como de los añadidos realizados en intervenciones posteriores. Posteriormente habrá que hacer una valoración del estado actual de conservación, factores o causas de deterioro y un estudio documental de la obra.

Para el examen analítico de los materiales empleados por el artista y sus necesidades de conservación se emplearán diferentes métodos. El Estudio multiespectral de imágenes se realizará posteriormente utilizando luz visible, luz ultravioleta, reflectología infrarroja, rayos X, así como mediciones de radiancia y reflectancia espectrales.

En la Fase de tratamiento, los esfuerzos estarán dirigidos a la restauración, consolidación y fijación de las capas de policromía y de los materiales con los que se realizó el objeto.

Finalmente se pretenden desarrollar nuevos sistemas de anclajes de los distintos elementos de la escultura entre sí que permitirán, tanto su trasporte en optimas condiciones como su exhibición en la salas del museo.

Frivolite: Indumentaria del siglo XVIII

16/06/2014, El Museo San Telmo muestra por primera vez su colección de indumentaria del siglo XVIII en las salas históricas de exposiciones temporales: Sala Capitular, Capilla de los Etxeberri y Sacristía.

San Sebastian, 16 de junio de 2014
La colección de indumentaria del siglo XVIII del Museo San Telmo se caracteriza por ofrecer un abanico amplio y variado de prendas difíciles de hallar en museos no especializados. La mayoría pertenecen a la alta sociedad y algunas de ellas destacan por la excelente calidad de sus tejidos y bordados, particularidades que permiten evocar la “frivolité “ de una clase cortesana galante, refinada, exótica y sensual.

Sin embargo, el paso del tiempo ha dejado huella en estas prendas que con frecuencia se arreglaban cuidadosamente para seguir las nuevas modas. De hecho, existen datos que evidencian su “reciclaje” posterior como trajes de disfraces, indumentaria teatral u ornamentos eclesiásticos.

La vulnerabilidad y fragilidad de estos trajes históricos han puesto de relieve la necesidad de realizar trabajos de restauración y adoptar medidas adecuadas de conservación que garanticen su continuidad en el tiempo.

Entre las 42 piezas presentadas se cuentan vestidos, casacas, chupas, calzones o jubones, además de complementos como abanicos o bolsos y una serie de objetos también pertenecientes a la colección de San Telmo que sirven de contextualización: estampas, cuadros, revistas de moda, etc.

La exposición refleja también diferentes aspectos de la moda francesa del siglo XVIII, presente en todas las cortes europeas, así como los gustos estéticos, hábitos y costumbres de la sociedad que representaron.

EL COLOR
Los colores aparecían y desaparecían según la moda del momento. Los pasteles del delicado rococó fueron desbancados por tonos que van desde el granate hasta el tono parduzco, casi morado, que empezaron a llamar “color de pulga”.

En París hubo un verdadero furor por poner a los colores de moda los nombres más extravagantes; así para distinguir los matices del amarillo y del verde usaron expresiones como “vertedero de cocina”, “basura de las calles”, “humo de Londres”, “pierna de ninfa”, “mono envenenado”, “español enfermo”, “amiga triste”, “pulga calenturienta”, etc.

PERVERSA SEDUCCIÓN
Las barbas de la ballena se convirtieron en el material más apreciado para la fabricación de los corsés por su flexibilidad, resistencia y durabilidad. Las mujeres, desde su infancia, lo usaron tanto de noche como de día provocando que médicos de la época lo cuestionaran en vano por su acción perjudicial. También filósofos de la talla de Rousseau criticaron su uso sin ningún éxito.

LA SEDA
Con la llegada de Luis XV la seda fue el tejido más empleado en la confección de trajes de moda a la francesa. Particularmente los producidos en los miles de telares diseminados por Lyon, se ganaron una reputación de máxima calidad y sustituyeron a los productos de seda italianos que habían dominado el mercado en el siglo anterior.

La seda se teje en un telar de urdimbre y trama y diversos factores, tales como el grosor del hilo, su torsión y la forma en que se entrecruzan en el telar, determinarán el tejido de seda resultante: tafetán, raso o satén, brocado, damasco…

El donante: Santiago Arcos
Santiago Arcos era un pintor costumbrista, para el que contar con objetos de época (siglo XVIII), no solo vestimenta, era una cuestión importante, pues era un material que le permitiría contextualizar su obra y hacerla del gusto de los clientes.

Por otro lado, la participación de Santiago Arcos y su mujer en bailes de trajes y disfraces en los que a menudo era obligatorio caracterizarse al estilo dieciochesco invita a pensar en la posibilidad de disponer de un vestuario adecuado.

Mapping the Blind Spots

16/06/2014, Dos colectivos de fotografía documental, Sputnik Photos y NOPHOTO, han decidido explorar juntos la ficción, prejuicios y estereotipos existentes entre Polonia y España.

Madrid, 16 de junio de 2014
Polonia y España son dos países situados en extremos opuestos de la Unión Europea. La idea que cada uno tiene del otro está compuesta por una mezcla de estereotipos y noticias fragmentadas. Los colectivos Nophoto y Sputnik han adoptado como punto de partida la situación económica en ambos lugares y su representación en los medios de comunicación para explorar aspectos históricos, socioculturales y geográficos de su entorno inmediato: Europa del Este (en el caso de Sputnik) y Europa del Oeste (en el caso de Nophoto).

"Nophoto y Sputnik: Mapping the Blind Spots" (en la Fundación Lázaro Galdiano), es un proyecto enmarcado dentro del programa del festival de fotografía PHotoEspaña 2014, que reúne más de 100 fotografías de los dos colectivos participantes, y cuya intención es la de descontextualizar sus proyectos y difuminar su autoría para generar una nueva lectura, un nuevo contexto que pueda interpretarse como ese lugar ficticio en el que ambas Europas –el Este y el Oeste- se confunden.

En esta muestra la distorsión está muy presente ya que su propósito es cuestionar el papel de la fotografía documental como herramienta “defectuosa” de información. Muchas fotos han sido destruidas, sobreexpuestas o han sido cortadas o censuradas. El resultado es un collage de dos realidades lejanas que buscan construir ese territorio ficticio común.

Sputnik Photos es un colectivo fundado en 2006 por reconocidos fotógrafos del Centro y Este de Europa que comparten el deseo de observar y describir su región en el periodo posterior a su transformación política. Sus miembros han obtenido premios internacionales como el World Press Photo.

NOPHOTO nació en 2005 con el objetivo de hacer viables proyectos individuales y colectivos no convencionales. Se caracteriza por una actitud abierta, una tendencia interdisciplinar, la utilización de múltiples soportes de difusión de los proyectos y la implicación personal en el proceso de gestación y producción.

Mapping the Blind Spots
Fundación Lázaro Galdiano
Hasta el 27/07/2014
Edificio de La España Moderna
C/ Serrano 122. Madrid

Aumenta el número de especies amenazadas

13/06/2014, La Lista Roja de la UICN advierte del aumento del número de especies amenazadas, con un total de 73.686 especies evaluadas, de las que 22.103 se encuentran en peligro de extinción.

Suiza, 13 de junio de 2014
Casi un 80% de las orquídeas "zapatilla de dama" y más del 90% de los lémures se encuentran en peligro de extinción, según la última actualización de la Lista Roja de Especies Amenazadas que elabora la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza.

La anguila japonesa, recientemente incluida en la lista, ha sido clasificada como Amenazada, mientras que el armadillo de tres bandas del Brasil, mascota de la Copa del Mundo de Fútbol 2014, ostenta la calificación de Vulnerable, puesto que su población sigue descendiendo.

“En los últimos cincuenta años, la Lista Roja de la UICN ha guiado el trabajo de conservación. Debemos continuar ampliando nuestros conocimientos sobre las especies del mundo para comprender mejor los desafíos a los que nos enfrentamos, definir las prioridades mundiales en materia de conservación y movilizar acciones concretas para detener la crisis de la biodiversidad”. señala Julia Marton-Lefèvre, directora general de la UICN.

LA ORQUÍDEA ZAPATILLA DE DAMA
La evaluación mundial de las orquídeas "zapatilla de dama", que viven en climas templados, revela que el 79% de estas populares plantas ornamentales corren peligro de extinguirse. Esto se debe fundamentalmente a la destrucción de su hábitat y a la recolección excesiva de especies salvajes con fines comerciales.

LOS LÉMURES
La actualización de la Lista Roja apunta a que el 94% de los lémures están en peligro de extinción. De las 101 especies supervivientes de lémures, 22 están clasificadas como En peligro crítico de extinción, incluido el indri (Indri indri), el mayor de los lémures vivientes, y otras 48 están Amenazadas, como el primate más pequeño del mundo, el lémur ratón de Berthe (Microcebus berthae). Un total de 20 especies están catalogadas como Vulnerables. Esto convierte a este grupo de vertebrados en uno de los más amenazados del planeta. Los lémures se ven amenazados por la destrucción de su hábitat forestal tropical de Madagascar, donde la incertidumbre política y los crecientes niveles de pobreza han acelerado su caza furtiva.

LA ANGUILA JAPONESA
La anguila japonesa o Anguilla japonica (una delicia tradicional de Japón que además es el pescado destinado al consumo alimentario más caro del país) ha sido clasificada como Amenazada debido a la pérdida de su hábitat, la sobrepesca, las barreras a la migración, la contaminación y los cambios de las corrientes oceánicas. Asia oriental constituye el principal núcleo de cultivo, comercio y consumo de esta especie, cuyo declive ha provocado un aumento del comercio de otras especies de anguilas, como la anguila de aleta corta (Anguilla bicolor).

EL ARMADILLO DE TRES BANDAS
La Lista Roja de la UICN incluye asimismo una nueva evaluación del armadillo de tres bandas de Brasil (Tolypeutes tricinctus). Se estima que esta especie ha perdido más de un tercio de su población en los últimos 10 o 15 años como consecuencia de la destrucción de la mitad de su hábitat de matorral seco.

OTRAS ESPECIES EN PELIGRO
La flor nacional de las Islas Caimán, la Myrmecophila thomsoniana, ha sido evaluada por primera vez y se ha clasificado como Amenazada. Esta variedad de orquídea está presente en los bosques secos y de matorral de las tres Islas Caimán, pero está amenazada por la pérdida acelerada de su hábitat debido a la construcción de viviendas y el desarrollo del turismo.

El Diplazium laffanianum, un helecho relativamente grande que solía encontrarse en cuevas y grietas rocosas en Bermuda, está clasificado como Extinguido en estado silvestre debido a la destrucción de su hábitat como consecuencia de la actividad humana y de la introducción de especies exóticas invasivas. Fue visto por última vez en 1905.

Y LA ESPERANZA...
La Lista Roja destaca la recuperación de una especie de pez gracias a la labor de conservación llevada a cabo bajo los auspicios de la Autoridad de la Naturaleza y Parques de Israel. La situación del Acanthobrama telavivensis, que únicamente ha sido descubierto en Israel, ha mejorado de forma sensible, al pasar de Extinguido en estado silvestre a Vulnerable.

El aumento de la frecuencia de las sequías y la extracción de agua con fines de riego destruyó el único hábitat que quedaba para esta especie en el río Yarkon y el torrente Tut. Esta especie fue salvada gracias a la recogida de los últimos 120 ejemplares salvajes y su incorporación a un programa de cría en cautividad de la Universidad de Tel Aviv.

En 2006, 9.000 ejemplares de esta especie criados en laboratorio fueron liberados en el hábitat recuperado en el Yarkon y en otros ríos de Israel. Ocho años después, su población ha aumentado de forma significativa.

“Aunque con cada nueva actualización de la Lista Roja de la UICN celebramos algún éxito en materia de conservación, queda un largo camino que recorrer de aquí a 2020, la fecha límite fijada por cerca de 200 gobiernos para detener la pérdida de biodiversidad y evitar la extinción de las especies”, afirmó Jane Smart, directora del Programa de Especies Mundial de la UICN. “Sencillamente, no podemos permitirnos incumplir ese plazo”.

Verano en el IVAM

13/06/2014, El Institut Valencià d’ Art Modern presenta varias muestras de interés para la temporada expositiva de verano de 2014.

Valencia, 13 de junio de 2014
En estos meses de calor el arte no se detiene. Todo lo contrario, las propuestas abundan, y los museos se convierten en una buena opción para pasar el día, culturizarse y disfrutar. En Valencia, el IVAM propone las siguientes muestras:

Arte Iberoamericano en la Colección del IVAM
Hasta el 13 de julio de 2014

La propuesta expositiva se basa en un recorrido por el arte del siglo XX y XXI a través 117 obras de 26 artistas nacidos en países iberoamericanos. En ellos podemos apreciar, tanto la relación con los movimientos estéticos a nivel internacional, como la aportación de elementos inherentes a la territorialidad, la historia y cultura de los países de origen. Asimismo, nos permite conocer la potencia plástica de los creadores iberoamericanos desde la época de las vanguardias hasta la actualidad, a través de distintos soportes: pintura, escultura, fotografía y fotomontaje, instalaciones y audiovisuales.

El Arte Iberoamericano ha tenido una especial presencia en la Colección del IVAM, siendo decisiva la presencia de Joaquín Torres-García, pionero en la articulación del Constructivismo de la Escuela del Sur.

Entre los artistas vertebrales de los años treinta destacan Horacio Coppola y Grete Stern, a los que el IVAM les dedicó sendas retrospectivas lo que permitió que una selección muy importante de sus fotografías y fotomontajes formen parte de la colección. Otros grandes creadores latinoamericanos que se exponen son Wilfredo Lam o Roberto Matta, referentes fundamentales en la modulación del surrealismo en el “Nuevo Mundo”, Álvarez Bravo Chambi o Humberto Rivas.

Tras las modulaciones vanguardistas del arte latinoamericano se introducen las distintas tendencias del arte en la inflexión postmoderna, destacando figuras como Guillermo Kuitca, Eduardo Kac o Jorge Pineda.

Nanda Botella
Hasta el 24 de agosto de 2014

La pintura de Nanda Botella, heredera de la tradición de la abstracción matérica, recuperando esa dimensión monumental de Rothko y la intensidad gestual de Pollock, sabe dar rienda suelta a lo espontáneo sin perder el control del cuadro, mezclando gesto, mancha, grafismos y una gran pasión cromática.

En sus pinturas y collages combina el signo y el garabato, la escritura y la mancha de color, lo textual, la voluntad de totalización y el placer de la fragmentariedad y lo inesperado.

La instalación realizada específicamente para el IVAM es una contundente materialización del deseo de Nanda Botella de implicar corporal y emocionalmente al espectador. Una estructura metálica sirve como “bastidor” expandido de una cantidad enorme de piezas de cerámica cocida realizadas una a una. Durante meses, Nanda Botella ha trabajado en una fábrica de Manises realizando esos elementos que rompen, una vez más con la rigidez geométrica, agujerados y sometidos a las marcas de los dedos, plegados y diferenciados para producir un efecto total de vida que se multiplica y transforma.

Colección del IVAM. XXV Aniversario
Hasta el 31 de agosto de 2014

Una mirada sobre el arte del siglo XX a partir de obras fundamentales de su Colección y divivida en tres etapas:

La primera etapa va de los años 20 hasta el final de la Segunda Guerra mundial. La primera sala se centra en la obra de Julio González en diálogo con Torres-García, David Smith, Brancusi, etc. Ellos interpretan el espíritu de las Vanguardias históricas que hallarán su expresión en las tesis del Futurismo, del espacialismo geométrico. El Dadaismo y el Surrealismo ocupan el centro del debate artístico en los años 20. De Duchamp a Tristan Tzara o André Breton discurre una línea de nuevos lenguajes que irrumpen en la sociedad. Los nuevos formalismos tan cercanos al esprit nouveau de la Arquitectura se darán la mano con el apasionado viaje del Constructivismo ruso de Rodchenko, Popova, El Lissitzky o Malevich. Todos ellos, su heroísmo y entusiasmo revolucionario, terminarán en la catástrofe que fue la Guerra civil española y la Segunda Guerra mundial. Ahí, el agit-prop rusa, los trabajos de George Grosz o los fotomontajes de John Heartfield o Josep Renau junto a la alegoría de Jacques Lipchitz, Prometheus Strangling the Vulture, expresan el sentido de esta tragedia.

La segunda fase recorre desde los años 50 a los 90, cuarenta años fundamentales en la historia del arte del siglo XX. El arte responde a la guerra buscando nuevos lenguajes, que abandonan todo formalismo. Informalismo europeo y Expresionismo abstracto americano son las dos líneas que trazan los nuevos mapas del arte. Desde Dubuffet o Tàpies, o desde Pollock, Kline o Barnett Newman, pasando por los Soulages, Asger Jorn, Saura, Millares, Chillida o Chirino encontramos las líneas de un nuevo mapa del arte, que hallará en los grandes artistas americanos como Jasper Johns o Robert Rauschenberg su expresión más alta y representativa. Paralelamente destaca la aparición del Pop art, como nuevo lenguaje atento a las dimensiones de un nuevo orden de las cosas y del mundo, el llamado American Way of Life que artistas como Warhol, Rosenquist, Baldessari o Lindner interpretan. Frente a la lectura propuesta por el Pop art otros lenguajes buscarán recuperar una verdad del arte, más cercano del concepto que de los media y que artistas como Richard Serra, Robert Smithson, Gordon Matta-Clark o las fotografías de Bernd y Hilla Becher entre otros expresan.

La tercera etapa de la exposición va desde los 90 hasta hoy. Se ha hablado de un giro ético en la cultura y el arte se carga de preguntas. Cuestiones como la de la identidad, en todas sus declinaciones, la memoria y el archivo, la homologación cultural y las formas múltiples de la resistencia, son hoy argumentos fundamentales que el arte contemporáneo interpreta y dilucida. En esta dirección podemos ver obras relevantes de Robert Rauschenberg y Tony Cragg, Sean Scully, Cristina Iglesias, Juan Muñoz o Cabrita Reis. El duelo de Christian Boltanski junto a obras de Zoran Music, Carmen Calvo, John Davis, Bernardí Roig o Darío Villalba. Prestando atención especial a obras de Baselitz, Lüpertz o Magdalena Abakanowicz. Sin olvidar la presencia de fotógrafos como Gabriele Basilico a Joan Fontcuberta o José M. Ballester, que ya forman parte de la historia de la fotografía contemporánea.

Brasil y el Mundial de Fútbol

12/06/2014, Miles de viajeros llegarán a Brasil para seguir los partidos de sus selecciones, un momento perfecto para conocer el país, pero siempre siguiendo algunos consejos.

Río de Janeiro, 12 de junio de 2014
Entre el 12 de Junio y 13 de Julio de 2013 se celebra en Brasil el Campeonato Mundial de futbol, y los más afortunados podrán seguir a su equipo hasta el país carioca para disfrutar de los partidos, apoyar a su selección y hacer turismo.

Durante un mes el país anfitrión será protagonista, y los turistas podrán disfrutar de la extensa geografía brasileña, ya que los partidos del Mundial de Fútbol de 2014, el mayor acontecimiento deportivo del año, se jugarán en Porto Alegre, Curitiba, Cuiabá, Belo Horizonte, São Paulo, Rio de Janeiro, Brasilia, Salvador, Recife, Natal, Fortaleza y Manaus.

Para disfrutar del viaje y con el objetivo de prevenir y afrontar los riesgos para la salud del viajero, la Organización Mundial de la Salud (OMS) recomienda la vacunación contra la rubéola y el sarampión.

Además, quienes asistan a los encuentros en las localidades de Bello Horizonte, Brasilia, Cuiabá, Manaos y Porto Alegre deberían vacunarse contra la fiebre amarilla, ya que estos destinos son zonas de riesgo.

Brasil también es país endémico de dos enfermedades que se transmiten por la picadura de mosquitos: el paludismo y el dengue. Por ello conviene tomar medidas preventivas, como la profilaxis, en el caso del paludismo, y el uso de repelentes y ropas de colores claros que cubran brazos y piernas.

Si vas a viajar a Brasil te recomendamos las siguientes guías:
Guía de Brasilia
Guía de Natal
Guía de Río de Janeiro

Fuente: Intermundial, broker de seguros especialista en turismo.

Kerry James Marshall: pintura y otras cosas

11/06/2014, La exposición de Kerry James Marshall se configura como una de las muestras más amplias dedicadas a este artista norteamericano, cuyo trabajo se ha visto muy pocas veces en Europa.

Barcelona, 11 de junio de 2014
La muestra ha sido coproducida por cuatro museos europeos: el MUHKA (Amberes, Bélgica), el Kunsthal Charlottenborg (Copenhague, Dinamarca), la Fundació Antoni Tàpies (Barcelona) y el Museo Reina Sofía. Tras su paso por las sedes belga y danesa, la muestra se divide en España en dos espacios: el Museo Reina Sofía y la Fundació Tàpies.

La exposición del Museo Reina Sofía se concentrará en la obra pictórica anterior al año 2000, mientras que la de la Fundació Antoni Tàpies mostrará obra más reciente en diversos formatos.

La trayectoria artística de Kerry James Marshall (Birmingham, Alabama, 1955; reside en Chicago) se articula a través del tratamiento creativo de temáticas relacionadas con la vida, la cultura y la historia afroamericana abordadas desde múltiples ópticas, aportando así nuevas visiones a cuestiones relacionadas con la política racial, la representación cultural y la emancipación social.

A lo largo de toda su obra, Marshall mantiene una constante reflexión acerca de la “negritud” (blackness), concepto fundamental desde el que se desarrolla todo su trabajo. Reivindicando lo que él denomina “lo negro”, idea polisémica cargada de implicaciones visuales, culturales y estéticas, se compromete a compensar la ausencia de cultura negra en los espacios museísticos, tanto en lo referente a la temática como en lo referente a los autores.

Buceando en la historia del arte, el artista denuncia lo que llama “vacío en el banco de imágenes”, cuestionando los sistemas de legitimación existentes. Pero su pintura va más allá de la denuncia, es afirmativa, técnicamente compleja y arriesgada en la invención de nuevas imágenes que contribuyen a llenar ese vacío, inspirándose tanto en la cultura popular –el cine y el cómic sobre todo– como en el arte.

Para llevar a cabo esta compensación en favor del imaginario negro, Marshall abarca una gran variedad de medios visuales, muy especialmente la pintura. Todos estos medios son utilizados de forma experimental y autorreflexiva, como herramientas con las que llevar a cabo su propósito desde el compromiso ético con la lucha racial.

Kerry James Marshall. Pintura y otras cosas
Fundació Antoni Tàpies
Desde el 11/06/2014 hasta el 26/10/2014
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Palacio de Velázquez)
Desde el 13/06/2014 hasta el 26/10/2014

Van Gogh. El suicidado de la sociedad

11/06/2014, Apoyándose en el análisis y en las expresiones del poeta-artista Artaud, la exposición del Museo de Orsay propone un recorrido inédito por las obras de Van Gogh.

París, 11 de junio de 2014
En el año 1947, unos días antes de la apertura de una retrospectiva dedicada a Van Gogh, el galerista Pierre Loeb (1897-1964), fundador de la galería Pierre en París, sugirió al poeta y artista Antonin Artaud (1896-1948) que escribiera un texto sobre el pintor. Loeb pensó que un artista como él, internado durante 9 años en un hospital psiquiátrico, era quien mejor podía escribir sobre un pintor considerado loco.

Artaud se sumergió en la figura del artista, y se sublevó contra el cuadro clínico de la locura del pintor, presentado por el psiquiatra François-Joachim Beer. En contrapié de este análisis, acusó toda la sociedad por completo de haber empujado a Van Gogh al suicidio. Artaud pretendió demostrar cómo la extremada lucidez y las "verdades insoportables" de Van Gogh molestaban a las conciencias ordinarias.

Tras una breve visita de la exposición de la Orangerie, Artaud se apoyó en el catálogo y en dos libros ilustrados en colores (Vincent van Gogh con un texto de Wilhelm Uhde, publicado por Phaidon en 1936 y Van Gogh dde Anne Marie Rosset, publicado por P. Tisné 1941) para profundizar en la obra del pintor. Además, el poeta se hizo leer en voz alta las cartas de Vincent a su hermano Theo por Paule Thévenin que le asistía en su trabajo.

Apoyándose en las categorías o las singulares designaciones y análisis, puestos de relieve por Artaud en Van Gogh le suicidé de la société, el recorrido de la exposición (hasta el 6 de julio de 2014 en el Museo de Orsay) se desarrolla a través de cerca de cuarenta cuadros y de una selección de dibujos y de cartas de Van Gogh, y propone un recorrido inédito por las obras de Van Gogh, reunidas conforme a las indicaciones del poeta.

Vincent van Gogh. Reseñas biográficas:

1853
30 de marzo, nacimiento de Vincent Willem van Gogh en Zundert, en el sur de Países Bajos. Es el hijo mayor del reverendo Theodorus van Gogh (1822-1885), pastor y de Anna Cornelia Carbentus (1819-1907).

1861-1868
Durante sus estudios, aprende inglés, alemán, francés y se inicia al dibujo.

1869
Ingresa como aprendiz en La Haya en la sucursal del marchante de arte Goupil & Co, gestionada por su tío. También trabajará en Goupil en Londres (1873 y 1874) y en París (1874 y 1875).

1872
Inicio de la correspondencia con su hermano Theo que durará hasta el final de su vida.

1874-1876
Vincent se apasiona por la Biblia y se convierte en asistente predicador.

1879
Es evangelista voluntario en el Borinage, una zona minera de la región valona.

1880
Habiendo decidido ser artista, se instala en Bruselas donde se matrícula en la Academia de Bellas Artes.

1881
Theo fue nombrado gestor de una filial de Goupil en París y se hace cargo de mantenerlo.

1883-1885
Vincent se instala en Nuenen, en el sur de Países Bajos. Periodo de Los campesinos comiendo patatas.
Muerte repentina de su padre.

1886
Acude brevemente a la Academia de Bellas Artes de Amberes. Salida para París.

1886-1888
Vive en casa de su hermano y acude al taller Cormon.
Descubre los cuadros de Monticelli. Estrecha lazos de amistad con Émile Bernard, Toulouse-Lautrec, Pissarro, y conoce a Signac y a Gauguin.
Su paleta se esclarece. Experimenta las nuevas técnicas de los impresionistas y de los neo-impresionistas.

1888
Salida para Arles. Alquila la casa amarilla que le sirve de taller y de vivienda. Gauguin llega a verle el 23 de octubre para pintar junto a él, 23 de diciembre, tras una violenta pelea, Vincent - según Gauguin, único testigo del drama - le amenaza con una navaja de afeitar y después se cortó parte del oído izquierdo que regala a una prostituta.
Le ingresan en el hospital de Arles.

1889
El 18 de abril, Theo se casa con Johanna Bonger.
En mayo, Vincent decide ser ingresado en el hospital psiquiátrico Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence. Crisis repetidas de su enfermedad, diagnosticada por su médico, el doctor Peyron, como "de índole epiléctica".

1890
31 de enero, nacimiento del hijo de Theo y de Jo, al que se da el nombre de Vincent Willem. En mayo, el pintor se instala en Auvers-sur-Oise, donde vive el doctor Paul Gachet, médico homeópata, amigo de Pissarro y coleccionista de arte moderno.
Alquila una habitación en la posada Ravoux.
El 27 de julio, intenta poner fin a sus días disparándose una bala en el vientre y muere dos días después, con 37 años de edad.

Tadanori Yamaguchi: Negro Silencio

10/06/2014, Un proyecto específico creado por el artista japonés Tadanori Yamaguchi para el Museo de Bellas Artes de Asturias.

Oviedo, 10 de junio de 2014
Tadanori Yamaguchi (Nagoya, Japón, 1970), artista japonés afincado en Asturias, es licenciado en Arte Creativo por la Universidad de Kyoto (Japón). Desde su instalación en la región en 1997, a donde llegó gracias a una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores de España, ha venido desarrollando una intensa y prolífica labor creativa, que ha sido presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas en salas de exposiciones, galerías y museos de Asturias, León, Santander, Murcia, Madrid, Barcelona, Portugal, Londres y Japón.

Dedicado fundamentalmente a la escultura en piedra granítica y mármol, destaca también en el ámbito de las instalaciones, la pintura y el diseño de proyectos de arte público.

A través de sus obras, de una profunda síntesis expresiva y de una exquisita sensibilidad estética, el japonés reflexiona sobre aspectos tan variados como el origen y la evolución de la vida, los secretos de su formación y el tiempo asociado a la misma, la pervivencia de la energía vinculada a la materia, el misterio insondable de la creación y el papel del artista como demiurgo, capaz de insuflar aliento poético a todo aquello que toca.

La muestra está compuesta por una serie de piezas escultóricas, pinturas y dibujos, que nos muestran la evolución de las formas desde el volumen prístino del cubo perfecto a las formas moleculares moduladas por la mano hábil del artista sobre la dura piedra de Calatorao.

Negro Silencio
Tadanori Yamaguchi
Hasta julio de 2014
Museo de Bellas Artes de Asturias
Barrio antiguo de Oviedo: Palacio de Velarde y Casa de Oviedo_Portal

La fotografía de Joan Vilatobá

10/06/2014, El Museo del Romanticismo presenta una selección de las románticas y simbólicas imágenes del fotógrafo Joan Vilatobà, uno de los máximos exponentes del pictorialismo fotográfico.

Madrid, 10 de junio de 2014
El museo madrileño consagrado al siglo XIX, siglo en el que precisamente se inventó la fotografía, acoge hasta el 21 de septiembre una exposición dedicada al fotógrafo catalán Joan Vilatobà (Sabadell, 1878-1954), en la que se muestra una selección de lo mejor de su producción, realizada durante la primera década del siglo XX y centrada en torno a tres temas: figura, paisaje y composición.

Joan Vilatobà es una de las principales figuras de la vertiente pictorialista de la fotografía española. Nacido en el seno de una familia republicana, Vilatobà desertó de la Guerra de Marruecos, pasando varios años en Francia y Alemania, donde comenzó su andadura en el mundo de la fotografía. A su regreso a Sabadell, en 1903, abrió un estudio propio con el que pronto alcanzó fama en todo el país. Pese a esta fama y a la calidad de su trabajo, su figura y su obra son prácticamente desconocidas hoy en día por el gran público.

Durante las dos primeras décadas del siglo XX, Vilatobà se impuso como fotógrafo tanto desde el punto de vista estético como técnico. Centró su producción en torno a tres temas: figura, paisaje y composición –con escenas de corte romántico y simbolista–, y se dedicó, además, al retrato, fotografiando a músicos, artistas e intelectuales de la época, muchos de ellos amigos, que se desplazaban expresamente a Sabadell: músicos como Andrés Segovia o Enrique Granados y pintores como Joaquim Mir, Hermen Anglada Camarasa o Santiago Rusiñol, entre otros.

Trabajó, sobre todo, la técnica del revelado al carbón –a menudo con ampliaciones de gran formato– por la que fue muy apreciado. El corpus principal de su obra se concentra entre 1902 y 1910.

Esta exposición constituye, por tanto, una oportunidad excelente para conocer su personal estética, en unas fotografías cargadas de simbolismo y misterio, en las que la luz, el encuadre, la expresión y el enfoque se alzan en protagonistas de una iconografía propia.

El Pictorialismo
El pictorialismo fotográfico fue un movimiento que se extendió entre la última década del siglo XIX y la primera del XX y que reivindicaba la fotografía como arte autónomo, independiente de la pintura, resaltando sus cualidades propias.

Proponía el uso de retoques y desenfocados o la manipulación del revelado, elementos todos ellos que desvirtuaban la realidad a favor de una estética intencionadamente “artística”.

Joan Vilatobà
Hasta el 21 de septiembre de 2014
Museo del Romanticismo
C/ San Mateo, 13. Madrid

Warhol en Roma

10/06/2014, Hasta el 28 de septiembre de 2014, en el Palazzo Cipolla, se expone uno de los grupos de obras más importantes del artista americano y padre del pop art: Andy Warhol.

Roma, 10 de junio de 2014
Son más de 150 obras (entre lienzos, fotografías y esculturas) los que se exponen en esta muestra y los que forman parte de la Brant Foundation y que revelan una historia intensa y un intercambio cultural excepcional entre el joven coleccionista Peter Brant y el artista. Brant, además de ser amigo íntimo de Warhol, también compartió con él la época más intensa desde el punto de vista artístico y cultural de Nueva York, durante los años sesenta y setenta del siglo XX.

En 1967, con solo 20 años de edad, Peter Brant compró su primera obra de Warhol, el dibujo de la famosa sopa Campbell, comenzando así lo que se convertiría en una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo.

La exposición comienza con los primeros dibujos del Warhol ilustrador, para terminar con las espectaculares Últimas cenas y los autorretratos, pasando por las obras más legendarias, como las Electric Chairs, el gran retrato de Mao, las flores y una de las obras maestras más famosas del artista: Blue Shot Marilyn, el retrato de la famosa actriz americana con la señal de un disparo entre los ojos.

WARHOL
Fondazione Roma Museo (Museo del Corso)
Sede di Palazzo Cipolla
Via del Corso, 320

Mitos del POP

09/06/2014, El Museo Thyssen-Bornemisza propone una visión renovada de la corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI.

Madrid, 9 de junio de 2014
La muestra del Thyssen rastrea las fuentes comunes del pop internacional y realiza una revisión de los mitos que tradicionalmente han definido al movimiento. El objetivo es mostrar que las míticas imágenes de artistas tan significativos como Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney o Hamilton, esconden un irónico código de percepción de la realidad, un código que, novedoso en su momento, sigue aún vigente en el arte de nuestros días.

Esta muestra, la primera dedicada al pop en España en más de veinte años, reúne más de cien obras procedentes de más de cincuenta museos y colecciones particulares de todo el mundo, que representan tanto la experiencia pionera del pop británico como el pop clásico norteamericano y su expansión por Europa.

El arte pop capturó de inmediato la imaginación popular. Su aparición a finales de los años 1950 y comienzos de los 60 fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su vinculación con la cultura underground y la radicalidad de su desafío hicieron que esta corriente artística cautivara y no solo al gran público, sino también a numerosos círculos intelectuales.

El arte pop proponía todo un excitante mundo secularizado en el que ya no existían límites entre lo artístico y lo profano. Toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito, que el tiempo ha demostrado que lograron, era ofrecer una nueva interpretación de la imagen de la cultura contemporánea.

Pero la diversidad, la frescura estilística y el eclecticismo visual del pop esconden muchas contradicciones e incógnitas: ¿Puso el pop el foco de atención en las imágenes de la vida diaria para terminar con la separación entre la alta y baja cultura y ensalzar el progresivo consumismo de posguerra o suponía una irónica crítica de esa nueva opulencia? ¿Su rechazo a la noción de originalidad fue una mera reacción a la excesiva subjetividad del expresionismo abstracto o encubre una elaborada y culta complejidad?.

En la combinación entre el deseo de ruptura y un premeditado respeto por el arte del pasado radica la gran paradoja que esconde el pop y sus imágenes llevan a cabo una profunda reflexión sobre el arte, la tradición y la realidad que les rodea. El recorrido temático de la exposición quiere poner de manifiesto esa vinculación, organizando las salas según los géneros clásicos de retrato, naturaleza muerta, pintura de historia o paisaje, y mostrando conjuntamente la obra de las grandes figuras del pop norteamericano y británico con la de artistas españoles, italianos, alemanes o franceses que compartieron con ellos la misma actitud irónica y mordaz.

Mitos del POP
Museo Thyssen-Bornemisza
Del 10 de junio al 14 de septiembre de 2014

Lo que ha de venir ya ha llegado

09/06/2014, Esta exposición del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo aborda las circunstancias del momento actual a partir de lo que se espera, desea o intuye del inmediato futuro.

Sevilla, 9 de junio de 2014
Lo que ha de venir ya ha llegado intenta vislumbrar algunas vías de desarrollo futuras que, sin ser forzosamente contrarias a los sistemas imperantes en las sociedades contemporáneas, sí presentan opciones que abren el inicio de un diferente statu quo civil de sus ciudadanos.

Esta muestra multidisciplinar reúne a una veintena de artistas y colectivos internacionales contemporáneos, que a través de vídeos, instalaciones, pinturas, dibujos y fotografías recapacitan sobre el ideario de la modernidad y los cambios experimentados en la noción de progreso en su tramo más activo del siglo pasado.

Secciones de la muestra:

Reactivar la utopía aborda la posibilidad de imaginar nuevas utopías u horizontes utópicos frente a la idea de una realidad inamovible delineada por el neoliberalismo y que tiene como consecuencia un adelgazamiento progresivo de la democracia.

La modernidad, ¿un proyecto inconcluso? plantea su punto de arranque en aquellas propuestas -algunas de ellas de las décadas de los años 60 y 70 del pasado siglo- que, herederas de la modernidad, idearon diferentes formas de desarrollo y de convivencia para su futuro inmediato, e indaga sobre su posible vigencia a la hora de ese necesario rearme de un pensamiento transformador.

El futuro ya está aquí resume un radical malestar que ha calado en la sociedad tras años de la que se califica como la primera gran crisis de la globalización, revelando la fragilidad de los estados y la incapacidad de las estructuras gubernamentales internacionales para impedir, frenar o reorientar sus consecuencias más allá del sacrificio de los ciudadanos.

Lo que ha de venir ya ha llegado
Hasta el 21 de septiembre de 2014
CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo)

Biblias en la Biblioteca Lázaro

06/06/2014, La Biblioteca de la Fundación Lázaro Galdiano conserva entre sus fondos casi medio centenar de Biblias que José Lázaro, editor, coleccionista y bibliófilo, atesoró a lo largo de su vida.

Madrid, 6 de junio de 2014
En esta exposición el visitante podrá contemplar buena parte de las joyas bibliográficas de la colección Lázaro Galdiano en un recorrido que abarca desde el siglo XIII al siglo XVIII repleto de extraordinarios volúmenes que destacan por su singularidad.

En julio de 1936 José Lázaro quiso mostrar al público francés lo que para él representaba la Estética del libro español en los siglos XV y XVI. Expuso el primer volumen de la Políglota Complutense, que para él era el reflejo de la cultura de aquel tiempo. Además de «el más grande monumento tipográfico salido de las prensas españolas».

Ochenta años después de la exposición parisina se muestra de nuevo tanto el primer volumen como el que contiene el Nuevo Testamento, con la primera traducción impresa en griego, que vio la luz en 1514, y que este año celebra el V Centenario de su publicación.

Junto a estos dos volúmenes se pueden contemplar otras copias manuscritas y ediciones de la Sagrada Escritura que se conservan en la Biblioteca Lázaro y que destacan por su interés, su rareza y su belleza.

La Muestra
La primera parte de la exposición recuerda el complejo e incompleto proceso que supuso el intento de descubrir el eslabón primitivo de los textos bíblicos, que ha resultado un obstáculo, en ocasiones insalvable, para aquellos que pretendieron lograr un texto irreprochable filológicamente a lo largo de la historia.

Así la Vulgata –de finales del siglo IV y principios del V–, planteó la necesidad de depurar el texto de las primeras versiones latinas, se muestra en tres códices medievales. Junto a ellos, se exponen las dos ediciones políglotas del siglo XVI: la Complutense y la de Amberes, en las que, con el deseo de difundir la versión más fiel de las Sagradas Escrituras, se tradujeron los textos en griego y arameo, incluyendo además el texto hebreo y la versión latina de San Jerónimo.

En la segunda parte se exhiben otros ejemplos notables de manuscritos e impresos, que José Lázaro reunió, bien por tratarse de traducciones a lenguas vernáculas, algunas únicas en las bibliotecas españolas, o bien por ser ediciones ilustradas. Biblias traducidas al inglés, griego, etiópico, armenio, rumano y español, como la conocida “Biblia del Oso” de Casiodoro de Reina de 1569; y también biblias ilustradas de los siglos XVI a XVIII se podrán contemplar en esta segunda parte de la muestra.

Biblias en la Biblioteca Lázaro
2 Hasta el 15 de septiembre de 2014
Museo Lázaro Galdiano
C/Serrano 122 (Madrid)

El legado Prerrafaelita en el MET

06/06/2014, El Museo Metropolitano de Nueva York presenta una muestra dedicada al movimiento prerrafaelita, cuya influencia en el arte se prolonga hasta nuestros días.

Nueva York, 6 de junio de 2014
Los prerrafaelitas estimularon el mundo del arte británico en la segunda mitad del siglo XIX, con una visión creativa que resuena hasta nuestros días. Rechazando la práctica académica contemporánea como vacua y sofocante, intentaron producir un trabajo vivo, sincero y edificante.

El nombre del movimiento afirma sus fuentes iniciales de inspiración: la Edad Media y principios del Renacimiento, antes de la era de Rafael.

La exposición del MET reúne una treintena de objetos del museo y de colecciones privadas destacadas, centrándose en las figuras clave de la segunda generación de este movimiento artístico: Edward Burne-Jones, William Morris y Dante Gabriel Rossetti.

En un momento de renovada apreciación por el arte de la era victoriana, pinturas, dibujos, muebles, cerámica, vitrales, textiles, e ilustraciones de libros que van de 1860 hasta 1890, demuestran el impacto perdurable de los ideales prerrafaelitas y reclaman la atención merecida por estos artistas poco conocidos por el público.

El movimiento comenzó como la Hermandad Prerrafaelita, fundada en Londres en 1848 por siete artistas y escritores jóvenes, sobre todo William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti. Desafiando convenciones, pintaron en un estilo arcaizante, con colores planos y brillantes y detalles de gran realismo. El grupo se disolvió a mediados de la década de 1850, pero su impacto fue de largo alcance, pues de él surgió una segunda generación de artistas que ampliaron el alcance y el atractivo del movimiento.

Rossetti fue mentor de los recién llegados Edward Burne-Jones y William Morris, ex-alumnos de teología en Oxford. Este trío redefinió los ideales prerrafaelistas. Alejándose del naturalismo exigente y moralizante, temas preferidos por los principios de la Hermandad, los amigos cultivaron el aspecto románticos e imaginativo. Junto prototipos medievales, abrazaron la escultura clásica y el arte, incluso del Alto Renacimiento. Centrándose en temas míticos y poéticos, se esforzaron para lograr un arte de intensificación de las emociones y de gran esplendor visual, que elevaría una sociedad moderna acosada por el cambio. The Pre-Raphaelite Legacy: British Art and Design
Hasta el 26 de octubre de 2014
The Metropolitan Museum of Art
Nueva York

Le Corbusier llega a CaixaForum Madrid

06/06/2014, Tras su paso por Barcelona, CaixaForum Madrid acoge la exposición Le Corbusier. Un atlas de paisajes modernos. La muestra de Pixar cerrará sus puertas este mismo mes.

Madrid, 6 de junio de 2014
La muestra dedicada a Le Corbusier (del 11 de junio al 12 de octubre de 2014) propone un itinerario completo por todas las facetas de este personaje: arquitecto, urbanista, pintor, diseñador de interiores, escritor, editor, fotógrafo y cineasta aficionado. Un artista clave de la arquitectura del siglo XX, que deslumbró por su fuerza creativa y por la libertad de sus ideas.

La exposición del CaixaForum, la más completa que se ha podido ver en nuestro país en 25 años sobre la figura de Le Corbusier, pretende dar a conocer las múltiples facetas del arquitecto a través de maquetas, pinturas, planos, fotografías y recreaciones de interiores de habitaciones con mobiliario original, que muestran todas las dimensiones de su proceso artístico.

Los visitantes podrán contemplar desde el trabajo realizado en los primeros años del artista en las montañas del Jura (Suiza), hasta el del final de sus días en la Costa Azul, pasando por Estambul, Atenas, Roma, París, Ginebra, Moscú, Barcelona, Nueva York y la India. Todos estos proyectos revelan las formas en las que el arquitecto observó e imaginó paisajes a lo largo de su carrera, durante más de 6 décadas.

Charles-Édouard Jeanneret, Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds, Suiza, 1887 – Roquebrune-Cap-Martin, Francia, 1965) fue pionero en los estudios de mejora de las viviendas de las clases más bajas proponiendo nuevas formas de arquitectura eficiente en ciudades muy pobladas. También fue, a su vez, un artista multidisciplinar, con una obra que se extiende a la pintura y a la fotografía, uniendo arte y arquitectura.

Por otra parte, el próximo 22 de junio se clausura la muestra Pixar. 25 años de animación, dedicada a la productora Pixar Animation Studios, símbolo del talento y la innovación en el cine de animación.

Desde el estreno de Toy Story (1995), el primer largometraje creado en su totalidad con efectos de animación digitales, Pixar ha continuado produciendo películas de animación de gran éxito, tanto de taquilla como de crítica, atesorando 26 premios Óscar y 7 Globos de Oro.

La exposición descubre el mágico mundo de los estudios Pixar a partir de dibujos, storyboards, maquetas e instalaciones digitales. Estas obras muestran la creatividad y el talento de los artistas, que en Pixar trabajan tanto con medios tradicionales –dibujo a mano, pintura, pasteles o escultura– como digitalmente.

CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36

Retratos de papel

05/06/2014, La Sala Alcalá 31 presenta hasta el 27 de julio de 2014 la exposición retrospectiva Chema Conesa. Retratos de papel.

Madrid, 5 de junio de 2014
Esta exposición se realiza con motivo de la concesión a Chema Conesa del Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2011, en la modalidad de Fotografía. La muestra consta de más de cien fotografías –en distintos formatos, desde el más íntimo al más espectacular- y recoge la trayectoria de este fotógrafo especializado en retratos, que ha conseguido, gracias a su original forma de retratar, ser considerado uno de los grandes nombres de la fotografía en España.

Este proyecto desvela un gigantesco mosaico de grandes personajes de la sociedad española de los últimos treinta años, captados a través de la lente de un gran retratista. Una radiografía de España y de sus protagonistas: escritores, cineastas, músicos, científicos, empresarios, deportistas, políticos, etc.

Para él han posado personajes de los más diversos campos, y de la talla de Rafael Alberti, Francis Bacon, Eduardo Chillida, Ana María Matute, José Saramago, Leonard Cohen, Liza Minelli o Francis Ford Coppola. Iconos que ha retratado para la posteridad, casi siempre en color, y con una actitud o una pose que nos descubre otra manera de ver al personaje.

Chema Conesa (Murcia, 1952), periodista y fotógrafo especializado en retratos, conjuga en su trabajo maestría, corazón, cerebro y técnica. Apasionado de la imagen, actualmente es comisario de exposiciones y editor gráfico. En 2010 fue galardonado en PHotoEspaña con el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en Fotografía y ha formado parte del jurado del Premio Nacional de Fotografía y del World Press Photo.

Chema Conesa. Retratos de papel
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31
Hasta el 27 de julio de 2014

Emmet Gowin en París

05/06/2014, Tras su paso por Madrid, la retrospectiva sobre Emmet Gowin organizada por Fundación Mapfre llega a la Fundación Henri Cartier-Bresson de París.

París, 5 de junio de 2014
Hasta el próximo 27 de julio de 2014, la Fundación Henri Cartier-Bresson dedica una exposición al fotógrafo norteamericano Emmet Gowin. Esta importante retrospectiva presenta 130 impresiones de uno de los fotógrafos más originales e influyentes de los últimos cuarenta años.

Extructurada en dos plantas, la exposición recorre su trayectoria y reúne imágenes íntimas de su esposa y su familia junto a imágenes de paisajes, animales y fotografías aéreas.

Nacido en Danville (Virginia) en 1941, Emmet Gowin creció en Chincoteague Island, rodeado de un ambiente de fervor religioso. Su padre, un ministro metodista inculcó en su hijo una estricta disciplina y principios. En su tiempo libre, asombrado por la naturaleza que lo rodeaba, Emmet Gowin se dedicó a dibujar.

En 1961, comenzó su formación en artes gráficas en el Richmond Professional Institute. Allí disfrutaría con todas las formas de arte, y practicaría regularmente la pintura el dibujo. Al poco tiempo, Gowin adopta la fotografía como forma de expresión.

Emmet Gowin adquirió su primera Leica 35mm en 1962 y tras dos años de observar el trabajo de los maestros de la fotografía, decidió imponer su estilo. En 1963, él viajó por primera vez a Nueva York y se reunió con Robert Frank, que le animó a continuar.

Las primeras imágenes de Gowin se inspiran en la vida cotidiana: niños que juegan en la calle, adultos en parques, coches... En 1964 su esposa Edith comienza a ser su máxima inspiración y protagoniza muchos de sus retratos desde entonces. Emmet Gowin y Edith Morris nacieron en la misma ciudad. Se conocieron en un baile en 1960 y se casaron cuatro años después.

En 1965, Gowin ingresa en la escuela de posgrado en la Escuela de Diseño de Rhode Island, en la que asiste a los cursos de fotografía que imparte el profesor Harry Callahan. Comenzó entonces a usar una unidad de fuelle de 4x5 pulgadas. Este formato de negativo más grande le permite obtener una riqueza y un punto de vista diferente sobre los objetos.

En 1967, Emmet y Edith se mudan a Ohio. Allí Emmett Gowin enseña en el Instituto de Arte de Dayton. Estos cuatro años en Dayton le permitieron cambiar de estilo y las imágenes de este período se centran directamente en Edith. Una producción de gran intimidad que ofrece una visión artística muy personal y constata ya una visión artística completamente propia.

A finales de 1960 Gowin empieza a utilizar un formato más grande. A principios de la década de 1970, irrumpe en la escena artística de Nueva York mediante una exposición en el MoMA. En 1973, Emmet Gowin es nombrado adjunto en el programa de artes visuales de la Universidad de Princeton. Más tarde fue nombrado profesor, cargo que ocupó durante 36 años.

En 1973, Emmet Gowin vuelve a lo básico y se centra en la naturaleza, mostrando un gran interés por la devastadora fuerza de la acción humana sobre la tierra. Para impulsar aún más su investigación sobre el paisaje, se lanza a la fotografía aérea. Sus imágenes llaman a la reflexión, la meditación y a la búsqueda de una relación más íntima con el mundo.

En los últimos años, Gowin ha reflejado también en su obra la fascinación que desde siempre han ejercido los insectos sobre él. Con el propósito de adquirir conocimientos en biología tropical y de realizar un trabajo científico de catalogación, viajó a Latinoamérica, donde fotografió miles de mariposas nocturnas.. Inesperadamente, su esposa aparece de nuevo en el corazón de esta serie de polillas.

Cuidado con las aguas de baño

04/06/2014, Un reciente informe de la Agencia Europea del Medio Ambiente revela que el 13 por ciento de las aguas de las zonas de baño interiores españolas no reúne los requisitos básicos.

Copenhague, Dinamarca
El dato contrata con la conclusión general que muestra que la calidad de las aguas de las playas, ríos y lagos europeos es alta: sólo un 3 por ciento de esas zonas no reunía los requisitos básicos en el conjunto del continente.

El informe anual sobre la calidad de las aguas de baño de la Agencia Europea de Medio Ambiente (AEMA) se efectuó sobre los datos recogidos en 2013 e indica que las aguas de baño costeras dan resultados ligeramente mejores que las aguas de baño interiores.

Todas las zonas de baño de Chipre y Luxemburgo obtuvieron la calificación de «excelentes». A continuación figuran Malta (un 99 % calificado de excelente), Croacia (95 %) y Grecia (93 %). En el otro extremo, los Estados miembros de la Unión Europea con la mayor proporción de zonas de calidad «insuficiente» fueron Estonia (6 %), los Países Bajos (5 %), Bélgica (4 %), Francia (3 %), España (3 %) e Irlanda (3 %).

Malas aguas interiores españolas
En el caso español se han analizado 1931 zonas de baño costeras, con solo 41 puntos por debajo del nivel mínimo de calidad. Es el 2,1 por ciento, frente al 1,9 de media de toda Europa.

Peor es el resultado de las aguas interiores españolas. Se analizaron en 230 puntos, y de ellos 30 dieron malos resultados, lo que es el 13 por ciento, cuando la media europea es del 2,1. La mala depuración y el uso indiscriminado de pesticidas para eliminar hierbas y animales son buena parte de las causas de este mal resultados.

Hay costumbres dañinas en el comportamiento medioambiental español que debieran replantearse, algunas tan habituales como el uso masivo de sal en las carreteras en invierno, o el de herbicidas para limpiar las cunetas de las carreteras en primavera, dañando al ecosistema y a la belleza del paisaje español.

El informe anual sobre la calidad de las aguas de baño de la Agencia Europea de Medio Ambiente (AEMA) realiza un seguimiento de la calidad del agua en 22 000 zonas de baño de la UE, Suiza y, por primera vez, Albania. Junto con el informe, la AEMA ha publicado un mapa interactivo en el que se muestran los resultados de cada una de las zonas de baño en 2013.

Hans Bruyninckx, Director Ejecutivo de la AEMA, ha señalado lo siguiente: «Las aguas de baño europeas han mejorado a lo largo de las dos últimas décadas y ya no vertimos cantidades tan elevadas de aguas residuales directamente en las masas de agua. El gran problema que se nos plantea en la actualidad lo constituyen las cargas contaminantes que generan las lluvias intensas o las inundaciones en breves períodos de tiempo. Tales fenómenos pueden dar lugar al desbordamiento de los sistemas de alcantarillado y arrastrar bacterias fecales de las tierras de cultivo a los ríos y mares».

Las administraciones locales controlan las muestras en las playas locales, recogiendo muestras en primavera y a lo largo de toda la temporada de baño. La calidad de las aguas de baño puede ser calificada de «excelente», «buena», «suficiente» o «insuficiente». Las calificaciones se basan en los niveles de dos tipos de bacterias indicativas de contaminación procedente de aguas residuales o animales. Estas bacterias puede provocar trastornos (vómitos y diarrea) en caso de ingestión.

La clasificación de las aguas de baño no tiene en cuenta la basura, la contaminación ni otros aspectos negativos para el medio ambiente. La mayoría de las zonas de baño está lo suficientemente limpia para garantizar la protección de la salud humana, pero muchos ecosistemas de las masas de agua de Europa se hallan en un estado preocupante. Los mares de Europa constituyen un claro ejemplo de ello: según una reciente evaluación, los ecosistemas marinos europeos están amenazados por el cambio climático, la contaminación, la sobrepesca y la acidificación. Las previsiones no son halagüeñas.

La navegación oceánica

03/06/2014, La nueva exposición permanente del Museo Nacional de Arqueología Subacuática muestra al público las colecciones recuperadas del expolio de la fragata Nuestra Señora de las Mercedes.

Cartagena, 3 de junio de 2014
En el año 2012, tras la finalización del proceso judicial que reintegró a España los bienes culturales procedentes del expolio del yacimiento arqueológico subacuático de la Fragata Nuestra Señora de las Mercedes, la Secretaría de Estado de Cultura adscribió estas colecciones al Museo de Arqueología Subacuática ARQUA de Cartagena (Murcia).

Para exponer al público, por primera vez, y de manera permanente, las piezas más destacadas de esa colección se inauguraba el paado 29 de mayo de 2014 un nuevo módulo en la exposición permanente del museo: ‘La navegación oceánica’.

La muestra exhibe monedas y colecciones recuperadas del barco, antes y después de su restauración, así como otros bienes procedentes de las colecciones de otros museos estatales. También se incorporan videos y recursos interactivos que ayudan a entender el contexto histórico de la fragata, desde su partida del Puerto del Ferrol hasta su hundimiento.

A partir de ahora, el museo estatal mostrará las piezas más importantes y representativas de los bienes culturales recuperados de este barco hundido hace 210 años. Además de profundizar en la navegación de las épocas moderna y contemporánea, el Museo pone de relieve en esta nueva exposición permanente la importancia de la defensa del patrimonio cultural subacuático frente al expolio y al tráfico ilícito de bienes culturales a través del magnífico ejemplo del pecio Nuestra Señora de las Mercedes.

LA NAVEGACIÓN OCEÁNICA:
La nueva sección, que ocupa 330 metros cuadrados, se estructura en cuatro unidades temáticas:

Nuevas rutas y el comercio Interoceánico: ilustra sobre las nuevas rutas comerciales oceánicas que se establecieron con el continente americano y, posteriormente, con Asia, impulsadas por la Corona de España y Portugal a partir de finales del siglo XV y consolidadas durante la Edad Moderna.

Zócalo (construcción naval): la construcción naval, los instrumentos náuticos, así como la dotación de los barcos, conforman los elementos a estudio en este apartado, que incorpora elementos informativos y didácticos como reproducciones de instrumentos de navegación o recursos olfativos en relación a las mercancías transportadas. Como elemento principal se incluye una sección transversal por la cuaderna maestra de la fragata Mercedes a escala real.

Nuestra Señora de las Mercedes: La tercera unidad, dedicada a la fragata en cuestión, se articula en dos grandes vitrinas, que ocupan el centro del espacio dedicado a la muestra. La primera de ellas explica la historia de la nao desde su construcción, los viajes que realizó, así como las particularidades de la batalla que propició su hundimiento. La segunda vitrina se centra en el estudio numismático de las monedas recuperadas y muestra el proceso de recuperación, investigación y conservación de estos bienes. Además de mostrar en ambas vitrinas monedas y otras colecciones recuperadas, antes y después de su restauración, se incorpora un video sobre el combate de la fragata en el cabo de Santa María y un recurso interactivo sobre sus características físicas.

Un legado a proteger: A modo de epílogo, se plantea un audiovisual que enfatiza la importancia del conocimiento, investigación, conservación, divulgación y puesta en valor de nuestro patrimonio cultural subacuático, que constituye una fuente de primer orden para el conocimiento de nuestro pasado y, por tanto, de nuestra identidad. Se trata así de fomentar el respeto y apreciación de un legado perteneciente a todos los ciudadanos, y concienciar sobre el daño que provoca el expolio.

UN PATRIMONIO CULTURAL RECUPERADO:
Nuestra Señora de las Mercedes era una fragata de guerra española que naufragó frente a las costas de la Península, a principios del siglo XIX, tras el ataque de la armada inglesa.

El 9 de agosto de 1804 la fragata zarpó del puerto de Montevideo (Uruguay), procedente de Lima (Perú) y con destino a Cádiz, formando parte de una escuadra oficial de la armada española compuesta además por las embarcaciones Fama, Medea y Santa Clara. Su misión era trasladar a la Península los caudales de la Real Hacienda procedentes de las cecas americanas.

El 5 de octubre de ese mismo año, cuando ya se atisbaba el Cabo de Santa María, cuatro navíos ingleses interceptaron a los buques españoles, con la intención de apresarlos y guiarlos hasta un puerto inglés, violando de esta forma el Tratado de Amiens, que en 1802 había firmado España, estableciendo la paz con Francia e Inglaterra.

Ante la negativa española, los ingleses abrieron fuego y la “Mercedes” explosionó y se hundió. Las otras tres naves fueron capturadas y trasladadas al puerto de Plymouth.

EL EXPOLIO DEL YACIMIENTO. EL CASO ODYSSEY:
En mayo de 2007 la empresa de buscadores de tesoros norteamericana Odyssey Marine Exploration Inc anunció públicamente que había transportado un cargamento de monedas a los Estados Unidos, procedente de la operación que ellos mismos denominaron “Cisne Negro”.

Odissey ocultó el lugar del hallazgo y manifestó que no había pruebas que relacionasen estos objetos con ningún pecio en concreto.

El Estado español, ante la firme sospecha de que Odyssey había expoliado un pecio español, presentó una demanda ante un tribunal federal de la ciudad de Tampa, Florida. Se iniciaba así un procedimiento judicial cuya sentencia, dictada el 4 de junio de 2009, daba por probada la procedencia de este cargamento del buque español Nuestra Señora de las Mercedes.

Georges Braque en Bilbao

02/06/2014, El Museo Guggenheim Bilbao presenta el 13 de junio de 2014 una extraordinaria muestra retrospectiva dedicada a Georges Braque, uno de los padres del Cubismo.

Bilbao, 2 de junio de 2014
Con motivo del 50º aniversario de la muerte del artista, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la retrospectiva más ambiciosa celebrada hasta el momento en España sobre la figura del artista francés Georges Braque (1882-1963), uno de los personajes más destacados de la vanguardia de principios del siglo XX, precursor del Cubismo junto a Picasso e inventor de la técnica de collage de los papiers collés..

Georges Braque es uno de los grandes creadores del siglo XX. El maestro francés, del que en agosto de 2013 se cumplió medio siglo de su muerte, buscó con sus obras “perturbar” a través del arte. Su obra, impregnada de sensibilidad contemporánea, se presenta ante el espectador como una lucha por alcanzar el equilibrio entre el rigor y la emoción, entre la espontaneidad y el método. Su producción está vinculada con la de otros creadores de distintos ámbitos que también han influido poderosamente en nuestro modo de percibir la realidad, como Apollinaire, René Char, Erik Satie, o el propio Picasso.

La exposición del Guggen constituye un itinerario ilustrativo de todas las etapas y gran parte de los géneros que cultivó el artista. Algunas de las piezas que se exponen en la muestra, que podrá verse desde junio hasta septiembre de 2014 son consideradas grandes obras maestras que transformaron la historia del arte.

La muestra presenta documentación y fotografías que nos acercan al contexto íntimo del artista, evidenciando los vínculos de amistad y colaboración que le ligaban a otros autores imprescindibles de un período de creación efervescente.

Un apasionante recorrido cronológico a lo largo de la trayectoria de un artista único, que constituye una ruta privilegiada para disfrutar del trabajo imbuido de serenidad y sabiduría de Georges Braque, en el que se representa la armonía que subyace en todas las cosas. La exposición abarca todas las etapas de su trayectoria: desde sus inicios en el Fauvismo hasta sus últimas series dedicadas a los talleres, los pájaros y los paisajes de Varengeville.

Con extraordinarios préstamos del Centre Georges Pompidou y de otras grandes colecciones públicas y particulares internacionales, la muestra reúne cerca de 250 piezas y presenta perspectivas muy interesantes del artista, acercándonos a su faceta más personal y desconocida. Su relación con Pablo Picasso durante los años del Cubismo, su amor por la música, su amistad con poetas como Pierre Reverdy, Francis Ponge o René Char, así como con algunos intelectuales de su tiempo como Carl Einstein o Jean Paulhan.

Tipos populares. Baltasar Cue

02/06/2014, El Museo Nacional de Antropología presenta una selección de retratos fotográficos de tipos populares realizada por Baltasar Cue (Llanes, Asturias, 1856-1918).

Madrid, 2 de junio de 2014
En 1839, hace 175 años, Louis Daguerre presentaba en París el invento de la fotografía. A partir de esa fecha la mirada sobre el mundo se amplió considerablemente y todas las ciencias, incluida la antropología, se sirvieron de ella como una herramienta de trabajo más.

Algunos fotógrafos, con vocación por documentar la diversidad humana, comenzaron a enfocar su cámara hacia realidades sociales diferentes, marginales o exóticas. Baltasar Cue (1856 – 1918) fue uno de ellos.

Cue, hombre cosmopolita, se atrevió a trasgredir la norma desde una villa del oriente de Asturias, al introducir en su estudio a vagabundos, músicos ambulantes, pobres y personajes raros y curiosos.

Cue ejerció como fotógrafo profesional en su villa natal entre 1891 y 1894. Los negativos de placa de cristal de estas fotografías fueron guardados por él tras el cierre de su estudio hace más de cien años. En 2008 su nieto Carlos Suárez Cue los donó al Museo del Pueblo de Asturias, donde hoy se conservan.

Fotografía y retratos
En el siglo XIX, el retrato fotográfico estaba asociado al ascenso de la burguesía como clase social. Pero hubo algunos fotógrafos que recogieron la diversidad de tipos del pueblo, contemplándoles desde una perspectiva pintoresca como representantes fieles de la esencia del país.

La expansión de la industrialización y la modernidad, acabará con la realidad de ese pueblo campesino preindustrial que sirve como motivo de representación artística. Junto a él, la presencia de personas de clase social baja se convierte en un elemento derivado del auge de la pobreza producido por la moderna economía.

En el retrato burgués (y también en las imágenes de esta exposición) la pose es un elemento fundamental que refleja el estatus social de forma simbólica. A los burgueses se les suele representar de pie o sentados, o transmitiendo un orden social jerarquizado cuando el retrato es de grupo.

La actitud de las personas, como un símbolo del comportamiento ante la realidad, opta por la seriedad en el gesto y la postura, como imagen de orden. La sonrisa, por ejemplo, no forma parte de esa representación, en contraste con el papel que le concedemos actualmente.

La decoración de los telones de fondo y los elementos añadidos sirven para complementar la pose y recalcar el estatus o la profesión de los fotografiados a través de elementos que aluden a ellos.

Junto al retrato asociado a la ascendente burguesía, algunos fotógrafos se interesaron por la diversidad de las gentes del “pueblo”, a quienes retrataron con su traje de fiesta o de diario, mostrando una cara de la realidad diferente a la de quienes pagaban para ser retratados. Estos retratos contemplan desde una perspectiva “pintoresca”, como representantes de la esencia de un país o una región.

Estas representaciones artísticas del pueblo rural, preindustrial, son obra normalmente de fotógrafos aficionados o de profesionales haciendo trabajos no encargados. Dentro de ellas, como un subgénero, encontramos retratos de personas con un estatus social ínfimo o, incluso, marginal. Un hecho que se asocia al auge de la pobreza, producido por la moderna economía industrial. Esa representación de gente pobre es una constante en la fotografía del siglo XIX sin que se produzca, en muchas ocasiones, una crítica hacia esa situación social.

Baltasar Cue mostró una gran simpatía hacia estos tipos marginales, tanto a través de la manera en que los retrató o de la selección que hizo, como por el hecho de exhibir algunas de sus imágenes en las paredes de su propia casa.

La calidad de estos retratos y el hecho de conservarse la totalidad de los negativos de placa de cristal, convierten a esta galería de “tipos populares” en un pasaje excepcional de la historia de la fotografía española del siglo XIX.

Tipos populares. Baltasar Cue. Fotografías 1891-1894
Museo Nacional de Antropología
C/ Alfonso XII, 68. 28014 Madrid
Hasta el 28 de septiembre de 2014

El Maestro de Claude de Francia en NY

30/05/2014, The Morgan Library and Museum de Nueva York presenta la muestra Milagros en miniatura: el arte del Maestro de Claude de Francia.

Nueva York, 30 de mayo de 2014
El Maestro de Claude de Francia fue uno de los últimos grandes iluminadores franceses. El suyo era un estilo fino, que se caracterizaba por el uso en pequeñas pinceladas de sutiles lilas, malvas y rosas, yuxtapuestos con azules y verdes amarillentos, a base de trazos casi invisibles aplicados con extrema delicadeza.

El Maestro de Claude, del que se desconoce su verdadero nombre, floreció en la ciudad francesa de Tours (en el valle del Loira) donde crearía sus delicadas miniaturas durante un periodo de tiempo que se estima se situaría entre 1508 y 1520. Allí en Tours realizaría dos preciosistas encargos para la reina Claude de Francia (1499-1524), un libro de horas y otro de oraciones.

En los últimos años, la Biblioteca Morgan ha adquirido varias obras del Maestro de Claude, de las cuales cerca de dos docenas se pueden contemplar en esta exposición.

La pieza central es el pequeño Libro de Oración de Claude de Francia, un encargo personal de la reina Claude (primera esposa del rey François I) en la época de su coronación en 1517. Esta sorprendente joya mide poco más de cinco centímetros de alto por cinco de ancho, pero incluye 132 meticulosas imágenes en miniatura que reflejan las angustias privadas de la reina, incluyendo su temor de que ella podría haber heredado de su madre, Ana de Bretaña, la imposibilidad de tener hijos sanos.

También podrán verse en la muestra doce miniaturas del calendario del Maestro de Claude, recientemente descubiertas y adquiridas por la Biblioteca Morgan.

Estas obras se complementan con préstamos de colecciones privadas y de la Biblioteca Pública de Filadelfia.

Miracles in Miniature: The Art of the Master of Claude de France
Milagros en miniatura: el arte del Maestro de Claude de Francia
Hasta el 14 de septiembre de 2014
The Morgan Library and Museum Nueva York

Richard MacDonald en el MEAM

30/05/2014, Últimos 15 días para visitar The First Twenty-Five (Esculturas Figurativas), una muestra del escultor Richard MacDonald en el Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona.

Barcelona, 30 de mayo de 2014
El próximo 15 de junio de 2014 se clausura la primera muestra antológica dedicada a la obra del maestro americano de la escultura figurativa, Richard MacDonald, en España.

La exposición del MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) repasa los 25 años de carrera de Richard MacDonald a través de un amplio recorrido por la obra del maestro, considerado un referente de la escultura figurativa a nivel internacional.

Partiendo de la premisa de que la belleza de la forma humana en movimiento tiene un significado universal, MacDonald, aboga por una revisión de la idea del arte como transportador de la verdad emocional. El artista se basa en una experiencia directa y en la observación profunda y rigurosa de modelos en vivo. El reconocimiento a su obra, expuesta de manera permanente en el Hotel Bellaggio de Las Vegas, se extiende desde Asia hasta Europa.

Los bailarines y acróbatas desarrollan según MacDonald una forma de arte “del instante”, radicalmente opuesto al carácter perdurable de la escultura. Sin embargo, para él "la escultura figurativa y la danza son artes tan antiguas como la propia humanidad, y existe una afinidad natural entre la visión de ambas disciplinas. La danza es una expresión vital universal de la alegría humana presente en todas las culturas”.

Partiendo de esta inspiración, MacDonald lleva 25 años retratando bailarines. Su método de trabajo se basa en la escultura en tiempo real y retrata artistas que se mueven en un escenario, levantado en el centro de su estudio. Él circula a su alrededor observando cada uno de los matices de su anatomía en movimiento. La pose escultural final es la síntesis de muchos momentos, plasmada primero en arcilla y posteriormente en bronce.

El amplio trabajo de este escultor no sólo incluye esculturas de bailarines. En su taller ha plasmado la humanidad en un sentido físico y no meramente atlético, desde las formas de niños y ancianos hasta las curvas de la mujer en las diferentes etapas del embarazo. Sus obras homenajean la "belleza, el movimiento y el carácter interno del alma humana".

Richard MacDonald
Richard MacDonald comenzó su carrera como ilustrador. Se graduó en el Centro Superior de Diseño de Arte de Pasadena (California) y trabajó para gigantes como American Express, AT & T, Coca-Cola y Anheuser-Busch.

En 1983 se decidió a hacer de la escultura su profesión a tiempo completo.

Entre sus mayores logros se encuentran la monumental escultura de Stephen F. Austin en la Universidad de Texas o la escultura de bronce El Flair para la Georgia International Plaza de Atlanta, instalada durante los Juegos Olímpicos de 1996. En Pebble Beach (California) se encuentra Momentum, una escultura de bronce creada para el 100 aniversario del torneo US Open de Golf.

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo, destacando la Corcoran Gallery of Art de Washington DC o el Museo de Boston en Chesterwood.

Tercera edición de MASQUELIBROS

29/05/2014, La Feria Internacional de Libros de Artista celebra este año su tercera edición en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid del 6 al 8 de junio de 2014.

Madrid, 29 de mayo de 2014
MASQUELIBROS se ha convertido a día de hoy en sinónimo de encuentro de artistas plásticos, poetas visuales, editores especializados, críticos de arte, profesores y amantes de la cultura en general interesados en el Libro de Artista.

En Junio de 2014 el evento celebra su tercera edición, en la que se volverán a dar cita artistas, galerías, colectivos, revistas, escuelas y facultades, instituciones y editoriales.

Durante tres días se llevarán a cabo numerosas actividades en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, tales como talleres, conferencias, mesas redondas, exposiciones, instalaciones y concursos. Una oportunidad para compartir las nuevas tendencias con artistas, editores, galeristas, profesores, estudiantes, coleccionistas y público en general.

Mateo Maté artista invitado
Este año MASQUELIBROS contará con Mateo Maté como artista invitado. con "Arqueologías del saber" el madrileño acercará a los visitantes a su mundo personal desde donde reinventa lo cotidiano en objetos con nuevos significados.

En palabras de Maté: "Somos lo que leemos. Nuestro pensamiento se estructura a partir de la información y conocimientos que adquirimos en gran parte leyendo. En esta serie de trabajos acumulé de forma cronológica toda la prensa que había leído en los últimos años. Realicé excavaciones para establecer relaciones entre hechos del pasado y tratar de entender dónde estaba situado en ese momento y comprenderme. La mayoría de los hallazgos fueron fragmentarios e incompletos como los recuerdos. La idea que nos podemos hacer del pasado es aproximada y sesgada".

Vanessa Winship

29/05/2014, La nueva sala de Fundación Mapfre en el eje Prado-Recoletos, acerca a los amantes de la fotografía la obra de la artista británica Vanessa Winship.

Madrid, 29 de mayo de 2014
Fundación Mapfre presenta la primera exposición retrospectiva de la obra de la fotógrafa Vanessa Winship. La muestra propone un recorrido por las distintas series que componen su obra, desde las primeras dedicadas a los Balcanes hasta su trabajo reciente en Almería en 2014.

La muestra
La exposición de Vanessa Winship se articula en torno a un recorrido cronológico por cada una de las series que componen su obra a través de una selección de 188 fotografías.

Entre 1999 y 2003, coincidiendo en el tiempo con el conflicto bélico de la ex-Yugoslavia, Vanessa Winship recorre las regiones de Albania, Serbia, Kosovo y Atenas, y crea su serie Imagined States and Desires. A Balkan Journey. Esta obra supone un paso fundamental en la formación de su mirada fotográfica. El conjunto de imágenes que conforman la serie se centra en gran parte en la tragedia del éxodo de refugiados albanokosovares desde Serbia hacia países vecinos. Se trata de una recolección de instantes que reflejan la volatilidad de las fronteras, etnias y credos y que afirman que no es el territorio el que alberga la identidad sino que es la persona quien la transporta consigo.

En 2002 Winship se traslada a la zona del Mar Negro y recorre durante ocho años Turquía, Georgia, Rusia, Ucrania, Rumanía y Bulgaria. Su trabajo en esta zona da lugar a una de sus series más conocidas, Black Sea: Between Chronicle and Fiction. A través de ella, la fotógrafa ofrece una visión de la zona y de los habitantes de las regiones bañadas por esta frontera natural. El trabajo de Winship se centra en lo que permanece y sobrevive al devenir político: los rituales colectivos, los medios de transporte, los espacios de ocio y el tránsito de seres humanos en torno a las costas.

En estas dos series las imágenes se acompañan por breves escritos de la artista, que expresan un pensamiento o descripción rápida y que crean un relato deliberadamente incompleto.

En este devenir por los territorios de la Europa oriental, la serie Sweet Nothings: Schoolgirls of Eastern Anatolia (2007) resulta clave en la producción de la artista. Se trata de un conjunto casi seriado de retratos de escolares de la zona rural del Este de Anatolia, un área fronteriza con Georgia, Armenia, Azerbaiyán e Irán. Allí, la pluralidad de etnias queda silenciada por la proliferación de uniformes, tanto escolares como militares. De algún modo, los uniformes escolares remiten a las herramientas con que cuentan los estados para clasificar a la población, “marcar” el territorio y neutralizar la pluralidad de zonas. Esta presencia del uniforme, supone un marco de acción, una delimitación del proyecto, que permite a Winship profundizar en su interés por el rostro, el gesto y el sentido de grupo y comunidad.

Georgia, otra de las regiones bañadas por el mar Negro, es el escenario de la serie en la que Vanessa Winship trabaja entre 2008 y 2010. En ella la artista se centra fundamentalmente en la reflexión en torno al retrato. De este modo, Georgia. Seeds Carried by the Wind dibuja un estudio específico de los rostros que la fotógrafa encontraba. Se trata de retratos de jóvenes y niños, en su mayor parte individuales que, cuando forman grupo, aparecen casi sin variación como pares del mismo sexo. La colección, parece sugerir la imagen de un país enérgico y superviviente. Estas imágenes se combinan con un conjunto de fotografías coloreadas que acompañan las lápidas de un cementerio (y que son las únicas imágenes en color de la producción de Winship). Los paisajes y pizarras que completan este trabajo evocan de modo similar una muerte prematura. Esta serie tiene un valor clave en el trabajo de Winship por la combinación de paisaje y retrato como lugares en los que quedan inscritas las huellas de la identidad, la historia y el presente.

La serie she Dances on Jackson. United States (2011-2012) realizada en Estados Unidos supone el acercamiento definitivo de Winship al paisajismo fotográfico, género que poco a poco irá ganando terreno dentro de su producción. En esta serie, Winship presenta los Estados Unidos como un gran interrogante en el que el peso del pasado reciente se manifiesta a través de obras públicas e inmuebles infrautilizados o en desuso y en el que los rostros anónimos de personas y colectivos desvelan su desilusión por las promesas del sueño americano. Breves textos escritos por la artista parecen sustituir la paulatina desaparición del retrato y funcionan como evocaciones de las narraciones de las fotografías ausentes. En she dances on Jackson el salto geográfico hacia el otro lado del Atlántico define los caracteres propios de la fotografía anterior de Vanessa Winship.

Su obra más reciente, Almería. Where Gold Was Found (2014), supone la reafirmación de su trabajo como fotógrafa de paisaje; a pesar de la total ausencia de figura humana y el aspecto silencioso de la serie, en cada una de sus imágenes resuenan las voces que han pisado estos parajes, cargados ahora de contenido latente. En enero 2014, con motivo de esta exposición e inspirada por la lectura de Campos de Níjar de Juan Goytisolo, Winship se desplaza a Almería, lugar de carácter fronterizo, extraordinaria variedad geológica, marcado por el desarraigo y por una historia accidentada y desigual. La serie se centra en las formas geológicas de las costas del Cabo de Gata, en la desolación paisajística provocada por la propagación de la producción agrícola intensiva basada en el invernadero, en las impactantes formas de las canteras de Macael o en las ramblas y desiertos de Tabernas. La tierra del oro, el cine, el mármol y el plástico parece situarse en un ámbito suspendido en el espacio y en la historia en unas fotografías que hablan de la rápida transformación de esta zona y del silencioso paisaje humano que la habita.

Vanessa Winship
Vanessa Winship (Barton-upon-Humber, Reino Unido, 1960) se forma en los años ochenta en la Polytechnic of Central London, coincidiendo con el momento en el que el pensamiento posmoderno inunda la práctica de la fotografía y los estudios culturales. Estas ideas se reflejan en la voluntad de la artista por desplazar todo el potencial contenido documental de su fotografía para centrarse en nociones más relacionadas con la identidad, vulnerabilidad y el cuerpo. Así, desde la década de los noventa, Vanessa Winship ha trabajado en territorios que, en el imaginario colectivo, están asociados a la inestabilidad y la oscuridad de un pasado reciente. Su fotografía, en su gran mayoría en blanco y negro, constituye en palabras de la propia artista un “maravilloso instrumento de abstracción que nos permite movernos entre el tiempo y la memoria”.

En 2011 Winship se convirtió en la primera mujer ganadora del prestigioso Premio Henri Cartier-Bresson (HCB). Además, cuenta, entre otros, con el primer premio de la categoría Stories de World Press Photo en sus ediciones de 1998 y 2008, con el premio en la categoría Descubrimientos de PhotoEspaña de 2010 y con el Godfrey Argent Prize de 2008, otorgado por la National Portrait Gallery de Londres.

El Loiret en barco

29/05/2014, El Loiret es un destino privilegiado para los aficionados al turismo fluvial. 100 kilómetros de vías navegables para dejarse llevar por la corriente y ver Francia con otros ojos.

El Loiret, 29 de mayo de 2014
Hace ya mucho tiempo que el Loira no resuena con el canto de los marineros. El “Río real”, antaño una de las más grandes vías de comunicación de Francia, ha vuelto a ser un río salvaje. Ahora, gabarras, toues (pequeñas barcas planas) y futreaux (veleros típicos de la región), resucitan gracias a los apasionados preocupados por revivir y compartir la náutica del Loira tradicional.

El departamento de El Loiret tiene 4 canales navegables: el Canal de Briare, el Canal del Loing, el Canal lateral al Loira, y el Canal de Orleans. Por estos canales navegan barcos de paseo o chalanas familiares, que invitan a descubrir de una manera apacible y sosegada los mil tesoros paisajísticos y arquitectónicos que esconden las orillas de estos caminos de agua.

Las rutas fluviales del Loiret son navegables y tienen todo el encanto del paisaje campestre francés. Existen diferentes formas de disfrutar de esta experiencia: un crucero con almuerzo o cena, un trayecto de un día o de una tarde para descubrir la fauna y la flora, un fin de semana de crucero...

El objetivo de los canales era unir el Loira y el Sena. Para unir el canal Lateral al Loira con el canal de Briare se dispuso un armazón de acero sobre el Loira: El Puente-Canal de Briare. Esta construcción ha recibido la distinción de Monumento Histórico. Sus 662 metros de largo lo convierten en una proeza de la técnica digna de admiración.

Y para seguir con la inmersión en el universo fluvial del Loiret, nada mejor que visitar el Museo de las Dos Marinas y del Puente-Canal de Briare y el Museo de la Marina del Loira en Châteauneuf-sur-Loire.

Gustav Klimt en el Museo de Israel

28/05/2014, El Museo adquiere un estudio de Klimt realizado para el Gran Salón de la Universidad de Viena. Un trabajo temprano del artista en el que ya se puede ver su ruptura con las tendencias artísticas tradicionales.

Israel, 28 de mayo de 2014
El Museo de Israel en Jerusalén ha anunciado la adquisición de "Die Gustav Klimt Medizin Kompositionsentwurf" (1897-1898), el estudio en óleo realizado por el artista para una serie de controvertidas pinturas monumentales destinadas al Gran Salón de la Universidad de Viena por encargo del Ministerio de Cultura y Educación de Austria en 1894.

Die Medizin era uno de los tres paneles que representaban alegorías de los temas de la iluminación desarrollados por Klimt para el techo del Gran Salón. Las tres obras fueron posteriormente destruidas por las fuerzas en retirada de las SS alemanas en mayo de 1945.

La obra capta el surgimiento del estilo icónico de Klimt y representa un momento clave en el desarrollo del artista. Esta adquisición se convierte en la primera pintura de Klimt en la colección del Museo de Israel, uniéndose a varias obras sobre papel del artista.

Gustav Klimt (1862-1918) es considerado uno de los artistas más innovadores de principios del siglo XX por su estilo distintivo, alejado de las tendencias artísticas tradicionales. En 1897 se convirtió en uno de los miembros fundadores y presidente de la Secesión de Viena, cuyo objetivo era romper con el historicismo, proporcionando una plataforma para jóvenes artistas no convencionales a través de exposiciones y publicaciones.

El proyecto de Klimt para el Gran Salón celebraba cada una de las facultades de la Universidad de Viena. Bajo el título El triunfo de la luz sobre la oscuridad, la serie incluye un gran lienzo centro dedicado a la iluminación y cuatro pinturas que representan la filosofía, la medicina, la jurisprudencia y la teología. Cuando se presentó al Ministerio de Cultura y Educación de la Universidad de Viena, la pintura de Klimt de Medicina fue condenada por su uso de la desnudez y su tratamiento radical del sujeto. Esta controversia continuó cuando la versión final se mostró en la Décima Exposición de Secesión de Viena en 1901, lo que provocó reacciones enfurecidas por parte del público, lo que llevó a la decisión por parte de la Universidad de no instalar las obras en el Gran Salón.

En este ejemplo temprano del trabajo de Klimt (importante precursor de la 'Fase de Oro') la composición está llena de movimiento, con pinceladas amplias y dramáticas. La madrugada emana de la parte superior izquierda con un toque de cielo azul, la figura principal, Hygieia (Diosa griega de la higiene y la salud), se representa en el plano inferior. Su rostro está pintado con detalle, y enmarcado con la hoja de oro, que pronto se convertiría en la firma de Klimt. Por encima, a la izquierda, flota un desnudo provocativo, mientras que un remolino de figuras que se describe como "La rueda de la vida", gira a la derecha. La obra cuestiona el triunfo de los logros científicos, e indica que no se puede escapar de la inevitable decadencia de la enfermedad y la muerte.

El turismo de compras crece

28/05/2014, El Informe mundial sobre el turismo de compras (Global Report on Shopping Tourism) de la Organización Mundial del Turismo, OMT, destaca un auge creciente de este tipo de ventas.

Madrid, 28 de mayo de 2014
A pesar de las crisis ocasionales, las llegadas de turistas internacionales han mostrado un crecimiento prácticamente ininterrumpido en los últimos 60 años, para llegar a aproximadamente 1087 millones de llegadas internacionales en 2013.

Muchos de estos turistas compran solamente algún objeto de recuerdo, muchos otros adquieren productos que necesitan tales como una cámara o ropa… Pero crece de forma notable el número de personas que viaja con el objetivo de ir de compras. Los compradores están motivados por una variedad de factores relacionados con el precio o el producto, pero el atractivo del destino inevitablemente formar parte del proceso de toma de decisiones en la planificación de viajes.

Las mayores tasas de crecimiento del gasto en internacional en materia de viajes, en los últimos años han venido de las economías emergentes, mientras que los principales mercados emisores tradicionales han visto una marcada desaceleración debido a la crisis económica mundial. China y Rusia están en cabeza en cuanto a impulso de emisores y compradores.

Paralelamente, se van asentando destinos con creciente atractivo: Londres, Nueva York y Barcelona son algunos de ellos, a los que se refiere el informe.

Según la Organización Mundial del Turismo, OMT, el turismo de compras ha surgido como componente cada vez más importante de la experiencia de viajar, bien como motivación principal o bien como una de las actividades principales realizadas por los turistas en los destinos. El Informe mundial sobre el turismo de compras, presentado recientemente por la OMT, analiza las tendencias más recientes del turismo de compras y aporta detalles sobre los principales factores del éxito de los destinos cuyo objetivo es desarrollar este segmento.

El informe incluye una amplia gama de casos prácticos de Miembros Afiliados de la OMT y otros interesados del sector de todo el mundo.

Durante la presentación del informe, el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai, dijo: «Pocos sectores pueden presumir de su poder para impulsar el crecimiento y crear empleo como el turismo y las compras. Si se aprovechan conjuntamente, pueden ejercer una influencia inmensa en la marca y el posicionamiento de un destino.

El informe es el octavo volumen de la serie AM Reports (informes de los Miembros Afiliados), que trata ámbitos cruciales para el sector del turismo en relación con la colaboración y las alianzas entre los sectores público y privado.

El estudio se elaboró con la cooperación de Alma Mater Studiorum Universidad de Bologna, Campus de Rimini, la Ciudad de Venecia, Deloitte Canada, la Comisión Europea de Turismo (CET), Global Blue, InnovaTaxfree, la Facultad de Estudios Superiores en Ciencias Turísticas de la Universidad de Ciencias y Artes Aplicadas de Lucerna, New West End Company, NYC & Company, Pacific Asia Travel Association (PATA), Tourism Malaysia, el Observatorio de Turismo de São Paulo, Tourism & Transport Forum Australia, Turisme de Barcelona, Value Retail y el Consejo de Turismo de Viena.

Turismo responsable: el elefante asiático

27/05/2014, Dos operadores internacionales, STA Travel e Interpid Travels, han decidido dejar de ofrecer paseos en elefantes en sus paquetes turísticos, según informa FAADA.

Barcelona, 27 de Mayo de 2014
Desde FAADA celebran esta noticia, que se suma al trabajo que la entidad lleva a cabo desde hace tres años en su campaña Turismo Responsable por la que ya ha conseguido el compromiso de 55 agencias de viajes nacionales e internacionales para no vender paseos o espectáculos con elefantes, así como otras actividades que implican maltrato animal.

Los elefantes asiáticos están en grave peligro de extinción. Se estima que tan solo queda una población entre 25.000 y 35.000 en todo el mundo. Por cada 20 elefantes africanos a duras penas queda uno asiático. En Birmania se calcula que hay unos 5.000, que podrían haber desaparecido en menos de 10 años.

Según la ONG Elephant Family, cada año, entre 50 y 100 crías de elefantes son capturadas en Birmania para alimentar la industria turística tailandesa. Y más preocupante aún, por cada cría capturada hasta cinco elefantes adultos o adolescentes de su familia tienen que ser asesinados.

Además expertos mundiales en elefantes confirman que para poder utilizar estos animales en actividades con turistas es necesario someterles a un durísimo y a veces mortal proceso de domesticación en el que son encerrados, privados de comida y agua, y golpeados brutalmente.

FAADA recuerda que existen, tanto en Asia como en África, centros de rescate reales donde es posible ver a los elefantes en su hábitat natural y llevando a cabo los comportamientos propios de su especie e invita tanto los profesionales del sector como a los viajeros a no ofrecer y no visitar los campamentos o ‘falsos santuarios’ que ofrezcan espectáculos circenses o paseos con estos animales.

Más información en www.turismo-responsable.com

Fotografía en España. 1850-1870

27/05/2014, La Biblioteca Nacional de España muestra una representativa selección de fotografías del siglo XIX en la que se observan los diferentes caminos y la evolución y desarrollo del fenómeno fotográfico en España.

Madrid, 27 de mayo de 2014
Entre los fondos fotográficos que conserva, la BNE ha seleccionado para esta exposición diversas obras realizadas entre 1850 y 1870, años en los que trabajaron importantes fotógrafos para la historia de la fotografía del siglo XIX en España como Charles Clifford, Jean Laurent, José Martínez Sánchez, Alonso Martínez y Hermano, José Spreafico o Joaquín Pedrosa entre otros.

Este conjunto es muy rico en cuanto a la variedad temática representada que es reflejo del potencial gráfico que se apreció en la fotografía desde su aparición teniendo una labor importante como difusora del conocimiento visual de distintos campos de interés como lo eran: los grandes avances fruto de las revoluciones industriales, las grandes obras públicas acometidas en el XIX, la llegada del ferrocarril, las grandes exposiciones internacionales; los descubrimientos arqueológicos; los retratos de personajes relevantes en distintos ámbitos; o los registros de obras de arte y monumentos.

Con esta selección tanto de temas tratados como de fotógrafos se muestran algunas de las piezas más tempranas del fondo que constituyen, muchas de ellas, auténticas obras maestras de la colección.

La colección de la BNE
La fotografía fue llegando a la Biblioteca Nacional desde poco después de su aparición pública en 1839. En pocos años, comienza a estar presente en publicaciones de distinto carácter, bien ilustrando textos o conformando la totalidad del contenido del libro.

Algunos directores de la Biblioteca Nacional en el siglo XIX se dieron cuenta del potencial de la fotografía en la transmisión del conocimiento y se preocuparon de que las imágenes fotográficas formaran parte de sus fondos.

En estos fondos, constituidos por cientos de miles de fotografías de distinta naturaleza (el grueso de ellos comprendido en el período de 1850 a 1990), están representados casi todos los caminos que ha seguido la evolución y desarrollo de la fotografía desde su aparición.

Están estructurados según la forma en que fueron generados y la manera en que se presentan. Así hay un importante volumen de libros con fotografías originales, bien ilustrando un texto o conformando la publicación entera. Así mismo hay un buen número de libros ilustrados con fotografía impresa por alguna de las técnicas fruto de las investigaciones realizadas desde 1850 para lograr trasladar la imagen fotográfica a una plancha de grabar.

Entre los conjuntos temáticos, cabe destacar el llamado Archivo de la Guerra Civil que reúne miles de fotografías y es fruto de diversas labores de recopilación fotográfica realizada por los organismos de propaganda durante y después de la contienda (1936-1939), en él está representada la más variada temática de ambos frentes.

Hay también una cantidad importante de fotografías independientes en cuanto que no pertenecen a ninguna colección concreta y se hallan físicamente "sueltas", este es un bloque de material muy diverso en cuanto a su calidad e interés, pero hay un buen número de ellas que constituye un conjunto de valor extraordinario en muchos aspectos.

Esta parte del fondo lo conforman más de 15.000 fotografías, desde daguerrotipos, calotipos, papeles albúmina, platinotipos, papeles baritados, etc. En esta parte del fondo están representados muchos de los fotógrafos que trabajaron en España en el siglo XIX, destacando en cuanto a la cantidad de fotografías que aquí se conservan los trabajos de J. Laurent, y Charles Clifford, de los que se puede decir que la BNE es un punto de referencia importante para su estudio.

Fotografía en España. 1850-1870
Biblioteca Nacional de España
Sala de las Musas
Del 27 de mayo hasta el 14 de septiembre de 2014

La Eivissa de Heinz Vontin

23/05/2014, 40 fotografias en blanco y negro de Heinz Vontin procedentes del Archivo de imágenes del Consell d´Eivissa se podrán contemplar en el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza hasta octubre de 2014.

Ibiza, 23 de mayo de 2014
Las nuevas tecnologías han abierto una nueva ventana que permite avanzar en el conocimiento del mundo que nos es cercano.

A mediados de 2005, y con el fin de buscar ilustraciones para la Enciclopedia de Eivissa y Formentera, la administrativa que entonces se encontraba destinada en la oficina, Chus Adamuz, encontró en Internet unas magníficas fotografías de San Antonio de Portmany y de la ciudad de Ibiza que parecían de los años cincuenta del siglo pasado. Eran de un hasta entonces desconocido personaje alemán, Heinz Vontin.

A continuación, y valorando el material, se consiguió contactar con el autor de aquellas fotografías, todo por Internet; cuando le explicaron sus propósitos, la respuesta fue afirmativa y al poco tiempo recibieron un CD con más de un centenar de fotografías con alta resolución.

La valía del material hizo que se planteara a la consejera de cultura, Carolina Torres, la posibilidad de darle otro uso que la simple ilustración de algunas páginas de la Enciclopedia y pronto se decidió editar un libro.

Heinz Vontin, nacido en Berlín en 1923, cursó la carrera de electrónica de telecomunicaciones. Desde muy joven se sintió atraído por la fotografía y por el vuelo sin moto; esta afición hizo que cumpliera el servicio militar en el ejército del aire. A partir de 1949 se formó intensivamente en fotografía, participó en concursos internacional ycolaboró ​​con una agencia y ​​en la redacción de revistas fotográficas. En 1966 fue designado miembro de la industria alemana de la fotografía.

El verano de 1955 Vontin viajó a Ibiza movido por la curiosidad; la isla era totalmente desconocida en Alemania. La razón primera del viaje era el turismo, pero la pasión que sentía por la fotografía hizo que dedicara algún tiempo del periplo estival a su gran vocación.

El material técnico de que disponía era el típico de aquel tiempo y de su país, una cámara Leica con objetivos de 35, 50 y 90 mm con teleobjetivo. La calidad de su óptica hizo que la Leica fuera la preferida de los fotógrafos de prestigio como Henri Cartier-Bresson, Robert Capa o Sebastiao Salgado.

Una de las características destacadas del trabajo de Vont es que ha querido interpretar la vida de la calle y siempre las personas han tenido una gran importancia. Esta valoración de las figuras humanas paseando, de tertulia, faenando, chicos jugando, esperando el correo, etc. Su atención también se fijó en comercios, vehículos...

Heinz Vontin ha dejado un magnífico testimonio de la Ibiza de mediados del siglo XX. Sus fotografías permiten bucear en una Ibiza anterior al turismo masivo que justo nació la década siguiente, y conocer una Ibiza distinta, relajada, y rural.

El tesoro de los faraones llega a Marbella

22/05/2014, Marbella acoge la exposición “Templo de Abu Simbel. El tesoro de los faraones”, cuyo objetivo es dar a conocer al público marbellí uno de los monumentos más importantes de Egipto.

Marbella, 22 de mayo de 2014
La muestra, creada por el artesano egipcio Hany Mostafa, se trata de una reproducción a escala reducida del famoso templo egipcio mandado construir por Ramsés II al sur de Egipto, en Nubia, para mostrar su grandeza, a principios del año 1.284 a.C.

Su construcción se prolongó durante unos 20 años.

Este monumento se construyó con el fin de representar al faraón como una divinidad, para asegurarse la obediencia y sumisión del pueblo nubio.

La exposición consta de tres salas: una fachada con cuatro estatuas que representan a Ramsés II, dos cámaras que recrean las del templo original y el Santuario. El realismo del templo se consigue por la recreación detallada de sus pinturas y la dimensión de su arquitectura.

Además de la exposición en sí misma, también hay danzas y bailes tradicionales, un mercado artesanal con productos egipcios y degustaciones de la gastronomía del país.

La réplica, que podrá verse hasta el día 21 de septiembre en el Palacio de Congresos de Marbella, ya se ha expuesto en ciudades de Portugal como Óbidos, Oporto y Peniche, en ciudades de España como Jerez de la Frontera y Sevilla, y tiene previsto ir próximamente a Francia y Reino Unido.

Franz Barwig en el Belvedere

22/05/2014, La serie In Focus de obras maestras del Museo Belvedere presenta en mayo de 2014 una muestra dedicada al visionario escultor Franz Barwig der Ältere.

Viena, 22 de mayo de 2014
Esta exposición del Belvedere sobre Franz Barwig "el Viejo" (1868-1931), profundiza en la figura de uno de los más importantes y exitosos escultores de Austria de su tiempo.

Las obras de Barwig han sido exhibidas internacionalmente y adquiridas por los principales museos de Europa. Su importancia artística también se demuestra por las numerosas publicaciones en revistas de arte internacional y críticas positivas acerca de sus contribución al mundo del arte.

Las esculturas de animales tan características de Barwig lo revelan como un pionero del Art Deco; mientras que sus desnudos retornan al ideal clásico, pero encuentran su expresión en el lenguaje moderno.  

Después de dimitir como profesor en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena y tras su muerte inesperada (se suicidó a la edad de sesenta y tres años) la figura de este visionario cayó en el olvido poco a poco. La única gran retrospectiva hasta la fecha se inauguró en el Belvedere en 1969. Ahora, exactamente cuarenta y cinco años después, esta muestra trata de recordar al público la obra de este genuino artista.

Franz Barwig the Elder
"Meisterwerke im Fokus"
Palacio-Museo Belvedere
Hasta el 7 de septiembre de 2014

Marta Palau: Tránsitos de Naualli

22/05/2014, El Fórum Eugénio de Almeida presenta una exposición que rinde tributo al poder creativo de lo femenino y reflexiona sobre temas como la migración y los mitos.

Évora, 22 de mayo de 2014
En el año que celebra el 150 aniversario de las relaciones diplomáticas entre México y Portugal, el Fórum Eugénio de Almeida presenta la exposición Tránsitos naualli de la artista española afincada en México Marta Palau.

Frente a una visión del mundo dictada por la lógica del poder, la artista Marta Palau propone la creación artística como una opción que mantiene un compromiso con la realidad. Una búsqueda para restaurar nuestra relación con la tierra, la memoria y el pensamiento.

Naualli es una palabra que en la lengua de los antiguos Aztecas significa bruja, vidente o sanadora. Palau ha encontrado en la figura de esta naualli una representación simbólica del poder creativo. Una forma de resitencia desde el arte, a través de la imaginación activa, reconciliando lo arcaico con el presente a través de nuevas formas de interpretar los rasgos individuales y colectivos.

Tránsitos de naualli, compuesta por 20 obras, propone un recorrido por algunos de los caminos tomados por esta poderosa mujer protectora, hechicera y visionaria: los procesos de migración, los cambios en el estado entre la vida y la muerte, los mitos, la mágia y las profecías, así como su voluntad de denunciar las injusticias nacionales y mundiales.

Marta Palau nació en Albesa, Lleida, España, en 1934. Muy pequeña se muda a México como refugiada de la Guerra Civil Española. su producción escultórica se caracteriza por el uso de materiales naturales como fibras vegetales, tela, lana o madera. Estos materiales que nos remiten al mundo mágico y a las tradiciones de las culturas prehispánicas americanas.

Marta Palau: Tránsitos de Naualli
Fórum Eugénio de Almeida
Largo do Conde de Vila Flor
Évora (Portugal)

La Fundación Picasso en Quimper

21/05/2014, La Fundación Picasso, Museo Casa Natal, protagoniza una exposición en la localidad de Quimper, Francia, del 23 de mayo al 18 de agosto de 2014.

Quimper, 21 de mayo de 2014
La exposición “Picasso. L’éternel féminin” (“Picasso. El eterno femenino”) mostrará en las salas del Musée des beaux-arts de Quimper, localidad capital del departamento de Finistére en la Bretaña francesa, 66 grabados del artista malagueño propiedad de la Fundación Picasso.

“Picasso. L’éternel féminin” supone una aproximación global a la presencia de la figura de la mujer en la obra del artista malagueño a través de sus diversos modelos y transformaciones.

La figura femenina fue sin duda uno de los temas iconográficos más constantes a lo largo de la trayectoria artística de Pablo Picasso. Habitante de un mundo femenino que gravitaba primero alrededor de sus hermanas y de su madre, y de sus distintas compañeras y musas, el artista se ha enfrentó una y otra vez a la imagen de la mujer desde el lugar de quien al mismo tiempo admira e interroga al sujeto femenino.

Según el autor alemán Goethe, el eterno femenino reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva, y que por tanto unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. De ahí el título de la muestra.

Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las catorce secciones en las que se articula la exposición y que recogen 66 obras originales del artista malagueño que abarcan las distintas técnicas de su obra gráfica, con piezas realizadas entre los años 1927 y 1964.

Un conjunto que se exhibe por vez primera en Francia y que, tras su clausura en Quimper, llegará a la ciudad de Pau, capital del departamento de Pirineos Atlánticos en la región de Aquitania.

Quino Premio Príncipe de Asturias

21/05/2014, El humorista gráfico Joaquín Salvador Lavado Tejón "Quino", conocido internacionalmente por su personaje Mafalda, ha sido galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2014.

Oviedo, 21 de mayo de 2014
Esta mañana se ha hecho público en Oviedo el tercer galardonado del año con el Premio Príncipe de Asturias. La candidatura fue propuesta por Rafael Puyol Antolín, miembro del Jurado del Premio Príncipe de Asturias de Ciencias Sociales 2014.

Joaquín Salvador Lavado Tejón "Quino"
Ciudadano Ilustre de Mendoza y Buenos Aires y catedrático honorífico de Humor Gráfico de la Universidad de Alcalá de Henares, Quino ha recibido numerosos premios. Entre ellos, se encuentran el de Humorista Gráfico del Año del Salón Internacional de Montreal (1982), dos Konex de Platino de Artes Visuales-Humor Gráfico (1982 y 1992) y el Konex Especial (2012), el Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos (2000) y el Romics de Oro (Roma, 2011).

"Quino" nació en Mendoza (Argentina) en 1932. Hijo de andaluces emigrados a Argentina en 1919, descubrió su vocación de mano de su tío Joaquín Tejón, pintor y diseñador gráfico, e inició con 13 años los estudios de Bellas Artes en su ciudad natal.

En 1954 publicó su primera página y, desde entonces, ha publicado sus viñetas, dibujos e historietas en diarios y revistas de América y Europa.

Con el golpe de Estado en Argentina de 1976, Quino se exilió en Milán. En 1990 adoptó la nacionalidad española y ha alternado residencia también entre Madrid y Buenos Aires.

Salto a la fama
Quino alcanzó la fama mundial con las tiras de Mafalda. La primera historieta de Mafalda se publicó el 29 de septiembre de 1964 en el semanario Primera Plana de la capital argentina. En la serie Mafalda, Quino reflejó el mundo de los adultos visto desde los ojos de un grupo de niños. La protagonista era una niña preguntona, inteligente, irónica, inconformista, preocupada por la paz y los derechos humanos, que odiaba la sopa y amaba a los Beatles.

Las historias de este personaje contestatario, definida como una “heroína iracunda” por Umberto Eco, se han traducido a quince idiomas y se han publicado en diarios y revistas de todo el mundo. En 1973, Quino dejó de dibujarla. Sin embargo, el interés por Mafalda ha seguido vigente hasta la actualidad.

Escapada a Lisboa

21/05/2014, El sábado 24 de mayo muchos españoles se encontrarán en Lisboa debido al encuentro entre el Real Madrid y el Atlético de Madrid, una oportunidad perfecta para hacer turismo y conocer la ciudad portuguesa.

Lisboa, 21 de mayo de 2014
Los amantes del fútbol tienen una cita en Lisboa este fin de semana. El sábado 24 de mayo se celebrará en la capital portuguesa la final de la Liga de Campeones entre el Real Madrid y el Atlético de Madrid. Una perfecta ocasión para que los españoles que visiten Lisboa conozcan la ciudad.

La ciudad de Lisboa, permite al viajero sumergirse y empaparse de una cultura diferente. Su color dorado, mezcla de oro y ocre, imprime el sabor de lo antiguo, no en vano fue cabeza de imperio colonial.

De la capital portuguesa emana el olor añejo en fachadas y calles, en tranvías y plazas. Ciudad albero, ciudad de los sentidos bañada por el Tajo. Lisboa embriaga. Es difícil imaginar Lisboa sin su aroma a café, los tranvías, los bellos azulejos que visten algunas fachadas art-déco, los restaurantes decimonónicos, la melodía del fado y las farolas.

Todo esto imprime un cierto aire decadente que da rienda suelta a la melancolía y la ensoñación. Su tamaño la hace asequible, al alcance de los sentidos. Descubre Lisboa ahora, y no la olvidarás nunca.

Oficina de Turismo de Lisboa:
http://www.visitlisboa.com

Itinerarios Culturales por Lisboa:
http://www.visitlisboa.com/travelplanner/default.asp?lng=pt

Descubren el dinosaurio más grande del mundo

20/05/2014, Un equipo de científicos encuentra en Argentina restos de una nueva especie de dinosaurio de hace 95 millones de años; posiblemente la más grande que haya vivido en nuestro planeta.

Provincia del Chubut, 20 de mayo de 2014
Siete dinosaurios herbívoros de colosales dimensiones, han sido encontrados en la Provincia del Chubut (Argentina). Este excepcional descubrimiento ha sorprendido a los científicos, no sólo por las dimensiones y cantidad de fósiles, sino también por su buen estado de preservación.

A finales de la era Mesozoica, un grupo en particular, los dinosaurios saurópodos, caracterizados por su andar cuadrúpedo, con cuello y cola muy largos y un cráneo pequeño desarrolló formas verdaderamente gigantes. Según los investigadores, los restos pertenecen al grupo de los titanosaurios, que incluye animales extremadamente grandes como el Puertasaurus, hallado en Santa Cruz, y el Argentinosaurus de Neuquén.

Los primeros análisis sugieren que la nueva especie descubierta habría alcanzado los 40 metros de longitud, los 20 metros de altura y las 80 toneladas, un peso equivalente al de más de 14 elefantes africanos juntos.

Tales dimensiones ponen el foco sobre hasta qué punto pudieron haber crecido estos animales. “Es un verdadero tesoro paleontológico”, comenta José Luis Carballido, especialista en dinosaurios del MEF. “Había muchos restos y estaban prácticamente intactos, algo que no pasa con frecuencia. De hecho, los restos de titanosaurios gigantes conocidos hasta ahora son escasos y fragmentarios”.

El yacimiento, ubicado en el centro de la Provincia del Chubut, a unos 260 km de la ciudad de Trelew y en las cercanías de la localidad de El Sombrero, ha revelado más de 200 fósiles. Allí, los investigadores encontraron parte del cuello y gran parte del dorso, la mayoría de las vértebras de la cola y miembros anteriores y posteriores, entre otros huesos. Además, entre los restos había más de 60 dientes de dinosaurios carnívoros de gran tamaño.

La presencia de los siete ejemplares adultos juntos, y el tipo de ambiente reconstruido, indicaría que los animales murieron en el mismo sitio del hallazgo. Probablemente durante períodos de sequía los saurópodos concurrían a pequeños charcos de agua para beber, y quizás algunos morían producto de la deshidratación o por quedar atrapados en el barro. La acumulación de estos animales pudo ser un festín para carroñeros de gran tamaño como el Tyrannotitan. “Probablemente frecuentaban el lugar para carroñar los restos de los herbívoros".

“Seguimos trabajando en este extraordinario yacimiento, ya que estimamos que completamos una quinta parte del proceso de excavación, de modo que aún queda mucho trabajo por delante y probablemente mucho por descubrir”, finaliza Carballido.

Ficha técnica

Nombre: no determinado
Clasificación: Dinosaurio saurópodo (titanosaurio)
Largo: 40 m (estimado)
Peso: 80.000 kg (estimado)
Alimentación: Herbívoro
Región geográfica: Patagonia Argentina

Rafael Lozano-Hemmer: Abstracción Biométrica

20/05/2014, Una muestra que reúne diez piezas del artista mexicano que incorporan formas críticas y poéticas con el objetivo de sensibilizar al público y lanzarle preguntas que le hagan reflexionar, basándose en el componente tecnológico.

Madrid, 20 de mayo de 2014
El artista Rafael Lozano Hemmer invita al visitante a que se acerque al Espacio Fundación Telefónica para participar en las instalaciones de "Arte Biométrico", cuyo objetivo es el de mezclar las memorias derivadas de la interacción con los eventos en tiempo real.

Las obras expuestas en el Espacio Fundación Telefónica mezclan lo lúdico con lo crítico y el goce estético, y en ellas cobra una gran importancia la interactividad, puesto que todas las piezas necesitan de la intervención del público. Así, las piezas detectan, muestrean y procesan las constantes vitales del visitante, materializando y acumulando los rastros de la presencia humana, para completar la producción incompleta y experimental de Lozano-Hemmer.

La exposición reune obras interactivas que responden al interés del artista por la biométrica: el análisis estadístico de los datos biológicos. Las piezas detectan, procesan y acumulan información de las constantes vitales del visitante. Cada instalación tiene sus raíces conceptuales en indicadores biométricos emocionalmente evocadores (voz, respiración, frecuencia cardiaca, fisonomía y quinesiología), que después convierten en el contenido mismo de la exposición.

Las nueve obras cuyo significado el visitante podrá “completar” con su interacción y que componen exposición son: Surface Tension, Pulse Room, The Year’s Midnight, Bifurcation, Close Up, Reporters without Borders, Voice Array, Pulse Index, Pulse Tank y Vicious Circular Breathing.

Rafael Lozano-Hemmer
Rafael Lozano-Hemmer (México DF, 1967) es un artista electrónico que desarrolla instalaciones interactivas entre la arquitectura y el arte de la performance. Su principal interés se centra en la creación de plataformas para la participación pública, alterando herramientas tecnológicas como la robótica, la vigilancia computerizada o las redes telemáticas.

Sus instalaciones a gran escala se han podido ver en eventos como las Celebraciones del Milenio en Ciudad de México (1999), la Capital Cultural de Europa en Rotterdam (2001), la Cumbre mundial de las Naciones Unidas celebrada en Lyon (2003), la apertura del museo YCAM en Japón (2003), el 50 Aniversario del Museo Guggenheim de Nueva York (2009) o los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver (2010).

Ha expuesto en el SFMOMA, en la Bienal de Venecia o en el Museo Contemporáneo de Sidney entre otros. Su obra está presente en colecciones como la del MOMA, la Tate o el ZKM. Ha recibido dos premios BAFTA de la British Academy for Interactive Art, el Golden Nica de Ars Electronica, ha sido “Artista del año” según la revista Wired y ha sido merecedor de la Rockefeller Fellowship.

Rafael Lozano-Hemmer: Abstracción Biométrica
Hasta el 12 de octubre de 2014 en la planta 4 del Espacio Fundación Telefónica.

Esperanza para el leopardo del Cáucaso

20/05/2014, Nuevas imágenes de varios ejemplares de leopardo del Cáucaso, en peligro de extinción, son la prueba del progreso de conservación de la especie.

Azerbaiyán, 20 de mayo de 2014
Recientes imágenes del leopardo de raza caucásica renuevan la esperanza y demuestran los resultados positivos de los esfuerzos que se están llevando con el programa de conservación en el que participan Armenia, Azerbaiyán y Georgia.

Las imágenes tomadas en los últimos ocho meses en el sur de Armenia y la región de Najichevan Autonomía de Azerbaiyán muestran que al menos un macho y dos hembras han vivido en la zona durante el último año.

Pero aún hay más, ya que las imágenes recopiladas en Azerbaiyán en el mes de mayo, hacen que los conservacionistas estimen que hasta siete ejemplares puedan estar viviendo en la región del Cáucaso meridional.

Esta tendencia positivas en el aumento de la población de leopardos está estrechamente relacionada con los 10 años de actividades de conservación del leopardo, una estrategia que fue adoptada por los gobiernos de Armenia, Azerbaiyán y Georgia en el marco de los Planes Nacionales de Acción y que incluía elementos como el aumento de la vigilancia de las especies, la lucha contra la caza furtiva y el aumento del número de áreas protegidas.

También conocido como el leopardo persa, la presencia de este bello animal se extendía por toda la región montañosa entre los mares Negro y Caspio, pero declinó drásticamente a lo largo del siglo XX debido a la caza furtiva y a la pérdida de su hábitat natural.

En la actualidad se estima que queden menos de 1300 ejemplares.

La cámara indiscreta

19/05/2014, La Sala Canal de Isabel II presenta la exposición La cámara indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum Photos. Hasta el 27 de julio de 2014.

Madrid, 19 de mayo de 2014
Una muestra que presenta más de un centenar de fotografías de la prestigiosa agencia de fotógrafos fundada por Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y David Seymor en el año 1947. La Agencia Magnum Photos fue la primera cooperativa en el mundo de la fotografía. Por primera vez eran los fotógrafos los que gestionaban derechos y eso les permitía una mayor independencia a la hora de elegir los temas.

Las 116 fotografías en blanco y negro fueron realizadas por 17 fotógrafos de la agencia Magnum Photos durante los rodajes de películas tan conocidas como: De repente, El último verano, Candilejas, Rebelde sin causa, La tentación vive arriba, Lo importante es amar, Moby Dick o El planeta de los simios, entre otras.

Un trabajo de tres décadas, de los años 50 hasta los años 70, que deja para la posteridad retratos, momentos inéditos e instantáneas curiosas protagonizadas por algunos de los personajes e iconos más populares de la época dorada del cine.

La exposición se completa con algunos cortes de las películas, así como carteles y folletos de mano originales del estreno en España de algunas de ellas.

La muestra de Sala Canal de Isabel II supone una oportunidad para ver este valioso archivo fotográfico, en el que aparecen retratados grandes actrices y actores como Charlton Heston, Elizabeth Taylor, John Wayne, Charlie Chaplin, Marilyn Monroe, James Dean, Katharine Hepburn, Dustin Hoffman, John Malkovich o Anthony Perkins en sus momentos de relax entre escenas, en algunas ocasiones ajenos a la mirada del fotógrafo, y en otras bromeando con sus compañeros de reparto.

La cámara indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum Photos
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Santa Engracia, 125
Entrada gratuita

El Museo del Prado en Australia

19/05/2014, El Museo del Prado inaugura en la National Gallery of Victoria, en Melbourne, la exposición Italian Masterpieces from Spain’s Royal Court, Museo del Prado.

Melbourne, 19 de mayo de 2014
El Museo del Prado atesora una de las mejores colecciones, en cantidad y calidad, de pintura italiana fuera de Italia, y cuyo origen está en las valiosísimas Colecciones Reales españolas. Ahora, el público australiano tiene la oportunidad de ver una nutrida selección de obras reunidas en Melbourne.

Compuesta por más de 70 pinturas y una treintena de dibujos procedentes de sus colecciones de pintura italiana, esta muestra supone una oportunidad única para conocer y disfrutar de varios tesoros pertenecientes al Prado nunca antes expuestos en Australia.

La exposición “Italian Masterpieces from Spain’s Royal Court, Museo del Prado”, en asociación con la National Gallery of Victoria y Art Exhibitions Australia, podrá visitarse durante más de tres meses (hasta el 31 de agosto de 2014).

La muestra, articulada en siete secciones, traza un recorrido cronológico que abarca desde el siglo XVI al XVIII para mostrar el desarrollo estilístico del arte italiano a través de autores como Rafael con obras de la calidad de La Virgen de la Rosa, Tiziano con Felipe II, Annibale Carracci con La Asunción de la Virgen, Luca Giordano con Cristo con la Cruz a cuestas o Tiépolo con La Inmaculada Concepción, entre otros muchos.

La exposición explora ámbitos diversos y complementarios de la colección del Prado como el coleccionismo de los reyes en España, cuando el emperador Carlos V y sus cortesanos comenzaron una tradición en la adquisición de la pintura italiana, y las colecciones históricas a través del proyecto de decoración de los interiores del Palacio del Buen Retiro en el que trabajaron grandes pintores italianos como Luca Giordano.

Testigos de las revoluciones árabes

19/05/2014, Un relato de la “primavera árabe” a través de los ojos de seis fotoperiodistas españoles premiados internacionalmente.

Zaragoza, 19 de mayo de 2014
En enero de 2011 la primavera se adelantó en el mundo árabe. Sucedió de manera repentina e inesperada, en una mañana invernal. Miles de tunecinos salieron a las calles a reivindicar derechos sociales y mejoras laborales en un país que vivía bajo el yugo de la dictadura de Zin Al Abidin Ben Ali. Aquella manifestación animó a miles de ciudadanos a exigir sus derechos fundamentales.

Los acontecimientos en Túnez encendieron la chispa del descontento en los países vecinos, desde Egipto hasta Bahrein, donde se repitieron las protestas populares. La prensa internacional lo bautizó la primavera árabe.

Tras la caída de las dictaduras, Túnez, Egipto, Libia y Yemen celebraron sus primeras elecciones democráticas, acabando así con décadas de absolutismo hereditario. Los comicios libres que salieron de las revueltas árabes dieron la victoria a los islamistas en Túnez y Egipto. Los militares egipcios supieron jugar sus cartas y aprovecharon el descontento de los Hermanos Musulmanes para imponerse con un golpe militar. La violencia, la represión y las muertes continúan en la mayoría de países árabes que se revelaron por el cambio.

En Túnez, tres años después de la revolución del Jazmín, aquellos que lucharon contra el nepotismo y la corrupción del antiguo régimen, temen ahora que se imponga una dictadura islamista.

En Libia, las nuevas autoridades no tiene capacidad de hacer frente a milicias islamistas que amenazan la estabilidad del país. El pueblo yemení sigue igual de dividido a la espera de entablar un dialogo nacional.

Siria vive sus días más negros. Con más de 150.000 muertos, la actual situación de guerra civil está desangrando por completo el país, ante la mirada impasible del resto del mundo.

Esta muestra se centra en esas revoluciones y protestas acaecidas en el mundo árabe desde 2010 a 2013, a través de las miradas de Ricardo García Vilanova (Barcelona, 1972), recientemente liberado tras su secuestro en Siria; Diego Ibarra (Zaragoza, 1982), fotógrafo documental residente en Pakistán desde 2009; Manu Brabo (Gijón, 1981), premio Pulitzer en 2013; Alfonso del Moral (Valladolid, 1977), finalista del Carmignac Gestion Photojournalism Award 2010 y del Mágnum expresión Award; Maysun (Zaragoza, 1980), fotógrafa española-palestina que ha publicado en The New York Times, Der Spiegel y Stern entre otros; y Guillem Valle (Barcelona, 1983), galardonado con el World Press Photo o el Best of Photojournalism, dan testimonio de las duras realidades vividas en Egipto, Libia, Barhein y Siria.

Testigos de las revoluciones árabes
Centro de Historias
Pza. San Agustin, 2
Hasta el 20 de Julio de 2014
Organiza Sociedad Municipal Zaragoza Cultural

La americana que llegó de Asia

16/05/2014, Un esqueleto humano descubierto en el sitio arqueológico Hoyo Negro, en Quintana Roo (Mexico) ha sido fechado científicamente con una antigüedad de entre 13,000 y 12,000 años en laboratorios de Estados Unidos y Canadá.

Ciudad de México, 16 de mayo de 2014
El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) ha divulgado la noticia. Se trata del esqueleto más completo y genéticamente intacto que se ha encontrado en América, el cual pertenece a una joven de entre 15 y 16 años que murió dentro de una cueva localizada en el actual estado de Quintana Roo, inundada después de la última glaciación que finalizó hace unos 10,000 años, y cuyos restos son los más antiguos localizados en el Nuevo Mundo.

Los resultados confirman el origen asiático de aquel ser humano, bautizado como la “Joven de Hoyo Negro” o “Naia”. Un informe sobre el tema será dado a conocer en la prestigiada revista Science de este mes.

La investigación se realiza a través del Proyecto Arqueológico Subacuático Hoyo Negro, Tulum, Quintana Roo, co-dirigido principalmente por la arqueóloga pionera de la arqueología subacuática en México, Pilar Luna Erreguerena, del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH); James C. Chatters, antropólogo y paleontólogo de Applied Paleoscience and Direct AMS, reconocido mundialmente por el descubrimiento e investigación del llamado Hombre de Kennewick; Dominique Rissolo, arqueólogo del Instituto Waitt, y Alberto Nava Blank y Roberto Chávez Arce, miembros del Proyecto Espeleológico Tulum (PET). Además del INAH, se ha contado con el valioso apoyo de National Geographic Society, el Instituto Waitt, el Archaeological Institute of America y la National Science Foundation, entre otros.

Para lograr un fechamiento preciso de Naia los científicos realizaron análisis de ADN mitocondrial (en cuyo código genético se pueden rastrear linajes muy antiguos en el tiempo), Carbono 14 y Uranio/Torio. Además de arrojar una antigüedad de entre 13,000 y 12,000 años, los resultados indicaron que se trata de una joven de origen asiático (Beringio) del haplogrupo (cromosoma materno) D, identificado con las migraciones que llegaron a América desde Siberia; subhaplogrupo D1, que sólo tiene lugar en América.

La edad del esqueleto fue confirmada además por otros análisis realizados en semillas, carbón, guano de murciélago frutero, racimos de calcita y espeleotemas, y tomando en cuenta aspectos de la formación del sitio y medición de los cambios en el nivel del mar, que durante la edad de hielo era por lo menos 120 metros más abajo que el actual.

Gracias a los esfuerzos de los doctores Rissolo y Chatters por reunir a un grupo de renombrados especialistas de diversas disciplinas e instituciones, estos análisis fueron realizados y verificados en los laboratorios Applied Paleoscience and Direct AMS de Washington y en los de las universidades de Nuevo México, Pennsylvania, Washington, Texas en Austin, Illinois en Urbana-Champaign, McMaster en Canadá, Northwestern en Illinois y Copenhague en Dinamarca.

Además del esqueleto humano se han descubierto restos de 26 mamíferos correspondientes a once especies del Pleistoceno Tardío que incluyen: gonfoterio, tigre dientes de sable, perezoso de tierra tipo Shasta, tapir gigante, cerdo de monte, oso, puma, lince, coyote, coatí y murciélago frutero. Se ha definido a Hoyo Negro como “un contexto paleontológico perfecto”.

Chema Madoz en Boston

16/05/2014, La galería Robert Klein presenta la primera exposición individual dedicada al fotógrafo español Chema Madoz (Madrid, 1958) en Boston.

Boston, 16 de mayo de 2014
El fotógrafo español Chema Madoz, cuyas minimalistas y surrealistas fotografías en blanco y negro han dado la vuelta al mundo en numerosas exposiciones, protagoniza su primera exposición individual en la ciudad de Boston (EEUU).

La exposición, Sin Titulo, está compuesta por una selección de las deliciosas imágenes contrapuestas de Chema Madoz: una soga hecha de perlas, una nube en una jaula... Estas instantáneas juegan con la fantasía, y suponen una forma poética y humorística de ver de nuevo y con otros ojos objetos que forman parte de nuestra vida diaria.

Chema Madoz está doblemente implicado en el producto final, tanto detrás de la lente como frente ella. Aun así, su presencia apenas se siente. Sus fotografías, bellamente impresas en gelatina de plata, nos presentan una mirada inteligente del mundo, y nos recuerdan a algunas de las figuras más importantes de la tradición surrealista: Man Ray, Dora Maar, Brassaï o Salvador Dalí.

La curiosidad de Madoz por los objetos comenzó a una edad muy temprana. En una entrevista con José María Parreño, publicada en Chema Madoz: 2000-2005, Madoz recuerda un momento decisivo en la escuela primaria: "Llegué tarde en el primer día de clase. Todos los otros niños ya estaban sentados alrededor de una gran mesa y no había espacio para mí. La profesora me dijo: No te preocupes, vamos a preparar un lugar de inmediato, y abrió la puerta del horno para que pudiera usarlo como un escritorio. Me senté en el taburete y miré hacia el interior negro del horno".

Chema Madoz
Nacido en Madrid, en 1958, José María Rodríguez Madoz estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid durante la década de 1980, mientras estudiaba fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. En 1985, Madoz tuvo su primera exposición individual en Madrid.

Poco después de su graduación, Madoz comenzó a cuestionar el uso diario de los objetos mediante la manipulación y acentuando sus características. Sin alteración digital, Madoz fotografía objetos que manipula como si se tratase de un escultor.

Su obra se ha expuesto en Europa, Asia, América del Sur y Estados Unidos y se encuentra en las colecciones de museos de todo el mundo.

José de Madrazo (1781-1859). Dibujos

15/05/2014, De junio a septiembre de 2014 se podrá visitar una muestra dedicada a José de Madrazo en la Sala de Exposiciones de la Fundación Botín, Santander.

Santander, 15 de mayo de 2014
José de Madrazo es uno de los grandes nombres de la pintura española esencial para el estudio y comprensión del desarrollo del arte español de su tiempo.

Esta exposición permite descubrir la verdadera categoría y significación de la obra dibujística de este prolífico dibujante, cuya personalidad fue absolutamente decisiva en el panorama artístico cortesano de la época.

La exposición de la Fundación Botín está compuesta por 75 obras, se estructura en seis apartados y reúne una selección de sus dibujos académicos además de retratos, composiciones históricas, alegóricas y paisajes.

La mayoría de obras llegan procedentes del Museo Nacional del Prado, y se completan con prestadores particulares (Burgos, Madrid, extranjero) y otras instituciones como el Museo Nacional del Romanticismo, The Hispanic Society of America (Nueva York), Musée des Beaux Arts de Lille (Francia) y el Staatliche Kunstsammlungen de Dresde (Alemania).

José de Madrazo (1781-1859). Dibujos
Del 13 de junio a septiembre de 2014
Fundación Botín
Santander

Décima edición de la Noche Europea de los Museos

15/05/2014, Bajo el lema Las colecciones crean conexiones, se celebra en toda Europa el próximo sábado 17 de mayo la Noche Europea de los Museos.

Madrid, 17 de mayo de 2014
En 2014, el Día Internacional de los Museos coincidirá con la Noche Europea de los Museos, que tendrá lugar en la noche del 17 al 18 de mayo. En esta décima edición de la Noche Europea de los Museos participarán más de tres mil museos y salas de exposiciones de toda Europa.

La Noche Europea de los Museos fue creada en 2005 por el Ministerio francés de Cultura y Comunicación. Esta jornada nocturna permite al público visitar los museos participantes de manera gratuita, posponiendo la hora de cierre hasta la una de la madrugada aproximadamente.

La Noche Europea de los Museos supone una forma diferente de conocer las colecciones de las instituciones participantes, más sensorial e insólita, que se ve enriquecida con numerosas animaciones y actividades, llamadas a atraer a un público diferente, más joven y familiar.

República Dominicana país invitado de la Noche Europea de los Museos 2014
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) ha elegido a la República Dominicana como país invitado de honor en esta décima edición de la Noche Europea de los Museos, así, hasta el 28 de mayo se podrá visitar en la sala Miró de la sede de la UNESCO (Francia) una muestra dedicada al destacado artista plástico Jorge Pineda.

La muestra de Pineda, "Mambrú", está compuesta por nueve esculturas de niños, a tamaño real, talladas en madera y forradas de metal. Una reflexión sobre la violencia que la sociedad ejerce sobre los niños, obligándolos a crecer antes de tiempo y a perder su inocencia.

Las lágrimas de las cosas

14/05/2014, El Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres presenta una exposición de fotografía contemporánea que explora nuestro modo de estar en el mundo.

Cáceres, 14 de mayo de 2014
La fotografía registra la apariencia de las cosas y les confiere otro orden de existencia, desplazándolas a otros tiempos, a otros significados, a otros estatus de visibilidad. La imagen en movimiento se ha convertido en un territorio propicio para explorar de forma reflexiva, tanto nuestro modo de estar en el mundo, como el estatus semiautónomo del medio.

Las lágrimas de las cosas toma como pretexto la falsa apariencia exánime de las cosas para seleccionar una serie de obras de la colección Helga de Alvear que, de algún modo, desplazan el lugar de las cosas a fin de dar forma a nuevos relatos que difuminan la oposición entre privado y público, interior y exterior, antes y después, objeto y sujeto.

La exposición se organiza en cinco ámbitos:

Formas y tipologías
El estudio de las formas de las cosas y sus diversas tipologías subraya no solamente sus cualidades estéticas, sino también la capacidad de evocar un concepto o una idea y trasladarla hacia otros ámbitos del pensamiento.

En la mayoría de estas imágenes, el tiempo y el espacio desaparecen a fin de reforzar la presencia del objeto y sus múltiples connotaciones históricas, culturales, políticas o sociales.

Apariciones y desapariciones
La imagen muestra la existencia de una cosa, su presencia y su apariencia, pero también evoca lo que ya no está, lo obviado, lo escondido o lo no mostrado. Algunos artistas convocan imágenes en este amplio espacio que separa lo que aparece en la imagen y lo que desaparece, lo visible y lo invisible, con el fin de producir toda una serie de sentidos, entre lo poético y lo político, de gran delicadeza.

Espacios entre lugares
Las tensiones del tejido social y urbanístico de la ciudad, así como las incongruencias y anomalías de los artefactos que la habitan, reflejan a menudo las diversas concepciones acerca de la esfera pública y el ejercicio del poder.

Arqueología del poder
Las narrativas acerca de los detritos de la sociedad de consumo distribuidos en diferentes espacios de la vida humana, constituyen un amplio territorio de análisis crítico acerca de las promesas incumplidas del progreso colectivo y de la democracia. La relación de co-dependencia entre saber y poder es evocada en estos trabajos.

La melancolía de las cosas
Las cosas representadas existen porque hay alguien que las mira. Las lágrimas de las cosas es, efectivamente, una exposición sobre la melancolía asociada tradicionalmente a la existencia del mundo de las cosas y la mirada sobre ellas. Pero, sobre todo, acerca de las complicidades y desacuerdos entre objetos y sujetos, entre cosas y personas.

Las lágrimas de las cosas
Hasta el 11 de enero de 2015
Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear
Pizarro, 8. Cáceres

Exposición España de Moda

14/05/2014, El Museo del Traje de Madrid realiza una recorrido por la historia de los últimos 50 años de la moda española, con piezas de clásicos de la alta costura, como Pertegaz, y representantes de la moda española actual, como Amaya Arzuaga.

Madrid, 14 de mayo de 2014
La exposición España de Moda pretende dar muestra del enorme potencial de los creadores más destacados de la industria de la moda en España.

Todos los conjuntos proceden de las colecciones del Museo del Traje, una de las más completas del mundo dedicadas al prêt-à-porter y a la alta costura más completas del mundo.

La moda española ha tratado durante más de medio siglo de hacerse un hueco entre las grandes industrias internacionales: Francia, Italia y Estados Unidos... Al periodo de la dictadura se corresponde el momento dorado de la costura nacional, organizada en torno a la Cooperativa de la Alta Costura Española (1940 y 1974).

Nombres como Pedro Rodríguez, Herrera y Ollero o Vargas-Ochagavía trataron de ponerse a la altura del maestro Balenciaga, que en todo momento se erige como la referencia dominante.

Con la Transición, una nueva industria se gesta a la medida de los nuevos tiempos. El prêt-à-porter sustituye a la alta costura y arranca así un nuevo periodo caracterizado por la búsqueda de nuevas vías de expresión.

Las primeras pasarelas suponen una explosión de creatividad y frescura que termina por fraguar en la moda actual, cuyas miras están puestas en el mercado internacional.

La muestra se podrá visitar hasta el 7 de septiembre de 2014 en el Museo del Traje. Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico.

Madrid es Pop

14/05/2014, Los museos Reina Sofía y Thyssen ofrecerán una entrada conjunta para sus dos exposiciones del verano 2014: Richard Hamilton y Mitos del Pop.

Madrid, 14 de mayo de 2014
Los dos museos madrileños centran sus propuestas expositivas del verano de 2014 en el arte pop. La exposición “Mitos del Pop” se podrá ver en el Museo Thyssen-Bornemisza (del 10 de junio al 14 de septiembre) y “Richard Hamilton” en el Museo Reina Sofía (del 27 de junio al 13 de octubre). Por ello, ambas instituciones han creado una entrada conjunta, al precio de 13 euros, para acceder a ambas muestras.

Para el Thyssen tendrá que elegirse el día y hora concretos de visita, mientras que la del Reina Sofía estará vigente durante todo el periodo de exhibición.

Larga vida al Pop
Más que ninguna otra corriente artística contemporánea, el arte pop capturó de inmediato la imaginación popular. Su aparición a finales de los años 1950 y comienzos de los 60 fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte.

Frente a la extenuación que provocaba por entonces el idealismo del movimiento moderno, introspectivo y utópico, el arte pop proponía a las nuevas generaciones todo un excitante mundo secularizado en el que ya no existían límites entre lo artístico y lo profano.

Para el pop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito, que el tiempo ha demostrado que lograron, era ofrecer una nueva interpretación de la imagen de la cultura contemporánea.

COMPRA TU ENTRADA EN:

Museo Reina Sofía:
902 364 383
www.museoreinasofia.es

Museo Thyssen-Bornemisza:
902760511
www.museothyssen.org

El diablo que conoces

13/05/2014, El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) presenta The Devil you Know, una exposición dedicada al artista irlandés Richard Mosse.

Las Palmas de Gran Canaria, 13 de mayo de 2014
El CAAM presenta en las salas de arte de San Antonio Abad la exposición "The Devil You Know" (El diablo que conoces), la primera exposición individual dedicada al artista irlandés Richard Mosse en un museo español. La muestra podrá visitarse hasta el 17 de agosto de 2014.

"The Devil You Know" reúne una selección de obras de fotografía creadas entre 2010 y 2012 durante los viajes realizados por Mosse a la República Democrática del Congo, donde logró infiltrarse en grupos paramilitares armados que operan en una zona afectada por el conflicto bélico en el que este país está sumido desde hace ya dos décadas.

Las fotografías de Mosse reflejan su búsqueda de estrategias para representar, con imágenes aparentemente bellas, una de las tragedias africanas olvidadas, que ha provocado hasta el momento más de cinco millones de muertes.

Son obras que ofrecen una mirada crítica y plural, y reflejan el sufrimiento humano desde una estética sublime y a través de imágenes espectaculares de campos de guerra, militares armados o niños-soldado.

Actualmente, ese país del África central sigue inmerso en una situación de emergencia constante como consecuencia del clima de guerra generado por grupos violentos, responsables de graves abusos contra la población civil.

Richard Mosse (Irlanda, 1980)
Considerado como uno de los más destacados artistas emergentes europeos en el campo de la fotografía y el vídeo, Mosse ha producido obras en el contexto de otros conflictos bélicos, como el que sacudió a la región de Los Balcanes en la década de los noventa, así como otras catástrofes humanitarias, como la del terremoto de Irán a finales de 2003.

Sus obras están llenas de contenido y metáforas que ofrecen múltiples lecturas y demuestran su preocupación estética y su voluntad de ofrecer una mirada personal sobre estos escenarios afectados por guerras cruentas, catástrofes naturales o enfrentamientos sociales.

The Devil You Know (El diablo que conoces)
Richard Mosse
CAAM San Antonio Abad
Las Palmas de Gran Canaria
Hasta el 17 de agosto de 2014

El Greco en Bilbao

13/05/2014, El Museo de Bellas Artes de Bilbao conmemora el cuarto centenario de la muerte de El Greco con la presentación especial Los grecos del Museo de Bellas Artes de Bilbao (30 de abril–25 de agosto).

Bilbao, 13 de mayo de 2014
Esta exposición muestra al público aspectos ocultos de las obras "San Francisco en oración ante el Crucificado" y "La Anunciación" pertenecientes a la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Con motivo del cuarto centenario de la muerte de Doménikos Theotokópoulos, El Greco (Candía, Creta, 1541–Toledo, 1614), varios museos españoles que conservan obras del pintor han aprovechado para organizar muestras en las que se pone de relieve la figura del artista cretense.

Pero en el caso del Museo de Bellas Artes de Bilbao se da la casualidad de que la institución abrió sus puertas en 1914 en la Escuela de Artes y Oficios de Atxuri con una muestra dedicada a El Greco, por lo que la exposición sirve, también, para recordar esa efeméride. Se exhibieron entonces diez obras pertenecientes a los coleccionistas bilbaínos Ricardo Ortiz, Antonio Gorostiza y Laureano de Jado.

La exposición Los grecos del Museo de Bellas Artes de Bilbao muestra aspectos normalmente invisibles de los dos grecos de la colección del museo, pero que son fundamentales para el estudio y mejor comprensión de las piezas.

De este modo ambas obras se acompañan por dos cajas de luz que contienen la radiografía y la reflectografía infrarroja de cada una de ellas, dos técnicas de investigación científica que permiten apreciar elementos de las pinturas normalmente no visibles para el ojo humano, como el dibujo previo, las capas intermedias o los “arrepentimientos” del pintor a lo largo del proceso de ejecución.

Ambas pinturas ponen de relieve la enorme seguridad técnica de El Greco, que partía de un dibujo muy somero y pintaba casi alla prima, tal y como demuestra la ausencia de cambios importantes. Sobre una base cuidadosamente trabajada, realzaba texturas, luces y sombras mediante ágiles pinceladas superpuestas con las que construía formas y volúmenes característicos.

Para reforzar la intención didáctica de la muestra, se ha incluido La Magdalena penitente, actualmente considerada por los especialistas una copia de mediados del siglo XVII. Además de para observar las diferencias técnicas que la separan de las obras de la mano de El Greco, ésta sirve para explicar el fenómeno de la revalorización de la figura del pintor a comienzos del siglo XX. La Magdalena penitente perteneció al político Antonio Cánovas del Castillo y después pasó al coleccionista bilbaíno Laureano de Jado, quien en 1927 la legó al museo.

San Francisco en oración ante el Crucificado, c. 1585
San Francisco de Asís es uno de los santos penitentes escogidos por la iconografía de El Greco. En el lienzo aparece orando en la cueva del monte Alvernia, vestido con un hábito sujeto con una cuerda de tres nudos. Cruza las manos en señal de veneración; la derecha sobre el corazón y la izquierda dispuesta igual que en otras obras célebres de su producción, como el Caballero de la mano en el pecho.

De la veintena de versiones que nos han llegado del tema, ésta es una de las más tempranas y de mayor calidad. Procede del convento de las carmelitas de Cuerva (Toledo), fundado en 1585 por doña Aldonza, hermana del cardenal Niño de Guevara, quien pudo haber comisionado el cuadro directamente a El Greco.

La Anunciación, c. 1596-1600
Hacia 1596 El Greco recibió varios encargos importantes y, entre ellos, el retablo de la madrileña iglesia de la Encarnación del Colegio de doña María de Aragón, cuyo gran lienzo central con el tema de la Anunciación guarda el Museo del Prado. Pintó también, según su costumbre de conservar obras escogidas o bocetos, dos versiones de menor tamaño, una en el Museo Thyssen-Bornemisza y la que aquí se expone.

En un espacio denso y transfigurado en el que se funden el cielo y la tierra, la Virgen mira al arcángel San Gabriel, posado sobre una nube. Entre ellos, se sitúan la zarza ardiente y un cestillo de labor con un paño. Les sobrevuelan querubines en movimiento, la luminosa paloma del Espíritu Santo y un conjunto de ángeles músicos. La pincelada suelta, el intenso colorido y la iluminación dramática contribuyen a esta vehemente visión sobrenatural.

Grandes exposiciones en Viena

12/05/2014, Durante la segunda mitad de 2014 están previstas grandes muestras dedicadas a Diego Velázquez, Henri de Toulouse-Lautrec, Claude Monet, Joan Miró o Arnulf Rainer en los museos y salas de exposiciones de Viena.

Viena, 12 de mayo de 2014
He aquí un compendio de las principales exposiciones que tendrán lugar durante la segunda mitad del año 2014 en Viena:

Debido a la reciente donación de 60 obras del artista, la Albertina presenta una exposición dedicada a Alex Katz, nacido en Nueva York en 1927, y considerado uno de los principales artistas norteamericanos de la actualidad y una figura central de la pintura autorreflexiva. La Albertina muestra la totalidad de su colección de dibujos y cartones, así como una selección de pinturas.

Con motivo del 85 aniversario del artista Arnulf Rainer, nacido en Baden (en las cercanías de Viena) en 1929 y conocido mundialmente gracias a sus series de obras repintadas y enmascaradas de los años 1950. La Albertina presenta una amplia retrospectiva que muestra las fases esenciales de su complejo arte.

Otra exposición monográfica es la que la Albertina dedica a Joan Miró, uno de los artistas más populares del siglo XX. En ella se exponen unas cien pinturas, dibujos y objetos que muestran la calidad poética del famoso pintor surrealista de origen español.

En la Orangerie del Belvedere Inferior se dedica una exposición al pintor francés Claude Monet, uno de los principales representantes del impresionismo, y al profundo impacto que provocó su pintura en el arte austríaco de finales del siglo XIX y principios del XX. La exposición muestra obras de este excepcional artista francés que ya pudieron verse en la Viena del 1900 o que sirvieron de fuente de inspiración, acompañadas de una selección de pinturas y fotografías de artistas austríacos de la época.

En verano de 2014 la Colección Anne & Wolfgang Titze expone por primera vez en Viena, y lo hace al mismo tiempo en dos de los espacios del Belvedere: en la 21er Haus y en el Palacio de invierno. La colección abarca obras básicas del arte minimalista, conceptual y postconceptual, del Grupo ZERO y de posiciones esenciales del arte contemporáneo.

Con la exposición Alberto Giacometti. Pionero del arte moderno, el Museo Leopold del MuseumsQuartier de Viena centra su atención en la personalidad de este artista, considerado por muchos como el escultor más importante del siglo XX. La muestra, realizada en cooperación con la Kunsthaus Zürich y la Fundación Alberto Giacometti de Zúrich, combina las obras surrealistas de Giacometti (1901-1966) con las obras contemporáneas de amigos y conocidos del artista, como por ejemplo René Magritte, Max Ernst o Joan Miró.

El Kunsthistorisches Museum muestra en 2014 la primera exposición monográfica dedicada a Diego Velázquez. Gracias a los estrechos lazos familiares y políticos existentes entre las cortes de la familia Habsburgo en Viena y Madrid durante el siglo XVII, la Pinacoteca del Kunsthistorisches Museum está en posesión de un importante grupo de retratos excepcionales de este pintor de la corte de Felipe IV de España. La exposición se completa con importantes préstamos de la National Gallery de Londres o del Museo del Prado de Madrid entre otras instituciones.

Con su exposición El presente de la modernidad, el mumok – Museo de arte moderno Fundación Ludwig de Viena cuestiona la actualidad y el potencial para futuras generaciones del gran proyecto utópico que representa el arte moderno. El museo expone la nueva presentación de la colección de obras clásicas del arte moderno, que incluye pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, muebles y maquetas arquitectónicas. El mumok se centra por primera vez también en el arte austríaco y expone dibujos de Josef Hoffmann, maquetas de Adolf Loos o fotografías de Dora Kallmus.

Stanley Kubrick (1928-1999) está considerado uno de los principales directores cinematográficos del siglo XX. Su tenacidad y su carácter independiente caracterizan su obra y revelan el secreto del éxito todavía actual de películas tales como ”2001: Una odisea en el espacio“, “La naranja mecánica“ o ”Eyes Wide Shut“. La muestra Eyes Wide Open: el fotógrafo Stanley Kubrick, que se realizará en el Bank Austria Kunstforum Wien, presenta por primera vez en Austria la obra fotográfica primeriza del cineasta, considerada la base de su futura estética cinematográfica. Entre 1945 y 1950 realizó reportajes fotográficos ensayísticos para la revista estadounidense “Look“, que permitieron a Kubrick desarrollar una narrativa muy personal y estudiar parámetros tales como la composición, el ambiente o el timing.

Con motivo del 150 aniversario de Henri de Toulouse-Lautrec, el Bank Austria Kunstforum Wien presenta la primera retrospectiva completa de este artista en Austria. Mediante obras procedentes de diversas colecciones internacionales, la exposición ilustra la variada obra del artista, que viene marcada por su gran capacidad de observación: pinturas, trabajos sobre papel, litografías y carteles. Junto a los llamativos carteles para los centros de diversión de Montmartre, que fueron la base de su fama mundial, pueden descubrirse también facetas menos conocidas de Toulouse-Lautrec.

Para consultar fechas y horarios de las muestras:

Albertina: www.albertina.at
Belvedere: www.belvedere.at
Museo Leopold: www.leopoldmuseum.org
Kunsthistorisches Museum Wien: www.khm.at
mumok: www.mumok.at
Bank Austria Kunstforum Wien: www.bankaustria-kunstforum.at

Cézanne site/non-site, última semana

12/05/2014, El próximo domingo 18 de mayo se clausura la muestra dedicada al pintor Paul Cézanne en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid.

Madrid, 12 de mayo de 2014
Desde el mes de febrero de 2014 se ha podido visitar en el Thyssen de Madrid esta muestra monográfica dedicada al artista francés Paul Cézanne (1839-1906), figura fundamental en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX.

La exposición, que será clausurada el domingo 18 de mayo, explora la relación entre dos géneros que el pintor frecuentó con la misma pasión: los paisajes y las naturalezas muertas.

El subtítulo de la exposición, site/non-site, evoca la dialéctica entre el trabajo al aire libre y el estudio. Esta dialéctica se refleja a su vez en la íntima conexión y relación entre paisaje y naturaleza muerta. En la obra de Cézanne, el paisaje es el género dominante, identificado con la práctica de la pintura al aire libre. Pero, a diferencia de los impresionistas, Cézanne otorga también una importancia decisiva a un género propio del taller: la naturaleza muerta.

La exposición, estructurada en cinco secciones, incluye 58 pinturas del artista (49 óleos y 9 acuarelas), procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo, muchas de ellas inéditas en España.

Guia de Évora

12/05/2014, Historia y arte se juntan en Évora, una ciudad de gran interés para el turismo, patrimonio universal de la UNESCO. Guiarte le acaba de editar la guía de esta bella urbe de Portugal.

Évora, 12 de mayo de 2014
Évora es la capital del Alentejo y una de las más bellas ciudades portuguesas, con sus casas encaladas, sus calles estrechas y sus monumentos de todas las épocas, desde los días del dominio romano hasta ahora.

Dos son las estampas más conocidas de Évora. Una la del antiguo templo romano, tradicionalmente conocido como “Templo de Diana”, aunque esa dedicación es pura invención, porque lo más probable es que fuese un lugar de culto imperial.

La otra estampa, la que más impresiona a muchos de los viajeros, es la macabra “Capilla de los Huesos”, estancia que pertenece al convento franciscano, construida en los siglos XVI y XVII, utilizando los huesos de los difuntos de la ciudad. Las paredes y columnas están recubiertas de calaveras y huesos humanos, con el fin de promover en quien la contempla el arrepentimiento y la oración, ante lo efímero de la existencia mundana. La inscripción que aparece en la entrada produce escalofríos: “Nós ossos que aqui estamos pelos vossos esperamos”

Pero Évora es mucho más y el viajero encuentra a cada instante un elemento para el disfrute. Unas veces el ambiente plácido de la plaza de Giraldo o las callecitas del centro, otras el hallazgo de palacios o iglesias, una fuente renacentista o una ruinosa ventana geminada que nos habla del gusto de los moradores de antaño en esta ciudad con colores que nos recuerdan a lo mejor de Andalucía.

Enlace a la guía de Évora:
http://www.guiarte.com/evora/

De Miró a Barcelona

09/05/2014, La Fundació Joan Miró presenta De Miró a Barcelona, una exposición sobre la obra de Joan Miró en los espacios públicos de la ciudad.

Barcelona, 9 de mayo de 2014
De Miró a Barcelona inicia un nuevo ciclo de exposiciones titulado Miró Documents, dedicado a revisar la obra de Miró a partir del fondo artístico y documental de la Fundació. Con esta primera edición del ciclo la Fundació quere poner en valor el legado que Joan Miró ofreció a Barcelona desde finales de los años sesenta.

La muestra presenta los trabajos artísticos preparatorios de Joan Miró para la creación de las cuatro obras que concibió para la ciudad: el Mural del aeropuerto, el Mosaico del Pla de l’Os de la Rambla, la escultura monumental destinada al parc de Cervantes, que no llegó a realizarse, y la Fundació Joan Miró.

La exposición presenta los dibujos preparatorios, las maquetas, la documentación y la correspondencia vinculadas a cada uno de los regalos que Miró ofreció a Barcelona. Estos trabajos permiten entender el proceso creativo de cada una de las obras y su actitud a la hora de concebirlas como intervenciones urbanísticas.

En De Miró a Barcelona se analiza el contexto històrico y social que motivó al artista a hacer estas donaciones, y se estudia el concepto del arte en los espacios públicos y la vigència de estas piezas como símbolos de la ciudad.

De la escultura monumental destinada al parc de Cervantes, posteriormente titulada Miss Chicago, se conserva la maqueta al Pati Nord de la Fundació, que estarà abierto con motivo de la exposición del 9 de mayo al 24 de junio.

En relación al Mural del aeropuerto, se proyecta una película inèdita de Francesc Català-Roca, conservada en la Filmoteca de Catalunya, que muestra su elaboración por parte de Miró y Artigas.

Joan Miró ideó estas cuatro obras para el espacio público de Barcelona como símbolos de modernidad y de apertura internacional de la ciudad. Para su relización, Miró trabajó estrechamente con el arquitecto Josep Lluís Sert, que projectó la Fundació, y con sus escultores y ceramistas Josep Llorens Artigas y su hijo Joan Gardy Artigas. Con estos colaboradores cumplió su deseo de creación colectiva.

La exposición se podrá visitar del 9 de mayo al 2 de noviembre de 2014 en la sala octogonal de la Fundació Joan Miró.

El mito de Cleopatra

08/05/2014, La Pinacoteca de París alberga hasta el 7 de septiembre de 2014 una muestra dedicada a la reina egipcia Cleopatra.

París, 8 de mayo de 2014
En la temporada expositiva de verano, la Pinacoteca de París revive el mito de la reina egipcia Cleopatra VII Thea Filopator, último miembro de la dinastía ptolemaica, y símbolo de la belleza, el misterio, el poder y el conocimiento.

A través de 351 piezas, entre restos arqueológicos, pinturas, esculturas e indumentaria, la muestra de la Pinacoteca de París profundiza en la figura de Cleopatra, y reconstruye la vida de la reina del Nilo, una mujer que deslumbró al mundo con su belleza y su poder de seducción.

La exposición se organiza en dos secciones, la primera comienza con el descubrimiento de los trabajos arqueológicos del periodo ptolemaico y el nacimiento del mito en la antigua Roma. La segunda reúne pinturas, esculturas y trajes de la película protagonizada por Elizabeth Taylor, que ilustran el desarrollo del mito en la historia del arte.

Hija de Ptolomeo XII (descendiente de general de Alejandro Magno Ptolomeo I Sóter), Cleopatra nació durante el invierno del 69 al 68 a.C. en la capital de Egipto, Alejandría. Los documentos que se conservan afirman que la reina ascendió al trono de Egipto con 18 años, en una época de gran inestabilidad.

Poco se sabe del personaje de Cleopatra, ya que muchas de las piezas que podrían haber arrojado algo de luz sobre su figura fueron destruidas. De ella se dice que sabía hablar egipcio, griego, hebreo, sirio, arameo y latín, y que tenía conocimientos de literatura, música, ciencias políticas, matemáticas, astronomía y medicina.

A pesar de la escasez de fuentes históricas, sus amores con Julio César y Marco Antonio y su trágica muerte provocaron fascinación entre escritores y artistas de todos los tiempos, y contribuyeron a alimentar la leyenda sobre ella.

De este modo, Cleopatra se convirtió en una importante figura iconográfica de finales del siglo XVI hasta el siglo XIX, siendo representada en ocasiones como una mujer fatal, y otras veces como una víctima de la política, que prefirió la muerte antes que la sumisión.

La colección Gurlitt

08/05/2014, El Museo de Arte de Berna (Suiza) aparece como único heredero en el testamento del coleccionista alemán Cornelius Gurlitt, fallecido el 6 de mayo de 2014.

Berna, 8 de mayo de 2014
El coleccionista alemán Cornelius Gurlitt ha legado su valiosa colección de cuadros al Museo de Arte de Berna (Suiza). Cornelius era hijo de Hildebrandt Gurlitt uno de los pocos marchantes de arte que contó con la autorización del régimen nazi para negociar con las obras de "arte degenerado" incautadas durante la Segunda Guerra Mundial.

Hildebrand tenía permiso para acceder a los depósitos berlineses, donde los hombres del régimen nazi almacenaban decenas de miles de piezas y comerciar con ellas. Además, parece que también comerció con judíos que estaban en apuros y necesitaban vender sus pertenencias.

En su testamento, el difunto Cornelius Gurlitt nombra al Museo de Arte de Berna único heredero de su gran colección, aunque aún se desconoce si heredará la colección completa, ya que hace unos meses Gurlitt estuvo negociando un acuerdo con las autoridades alemanas para que se investigara el dudoso origen de casi seiscientas obras para esclarecer la forma en la que fueron obtenidas.

Además, el ministerio de Cultura del estado federado de Baviera ha anunciado que examinará si parte de las obras podrían ser consideradas patrimonio cultural alemán.

La polémica colección de Cornelius Gurlitt salió a la luz en 2013, tras el registro de la vivienda de Cornelius Gurlitt en Múnich por parte de la policía alemana, y está compuesta por más de 1.400 cuadros de maestros de la talla de Picasso, Nolde, Beckmann, Chagall, Franz Marc, Klee, Oskar Kokoschka o Ernst Ludwig Kirchner entre otros.

Los surcos del azar

07/05/2014, El dibujante valenciano Paco Roca presenta su último trabajo, dedicado a los republicanos españoles que liberaron París de los Nazis.

Valencia, 7 de mayo de 2014
"Los surcos del azar", en el Espacio de Creación Contemporánea Las naves de Valencia, constituye un homenaje por parte del artista Paco Roca a los republicanos españoles que liberaron París de los nazis en 1944.

Con un dibujo elegante y rico, Roca narra el recorrido que muchos exiliados siguieron tras huir en el Stanbrook desde el puerto de Alicante; luego en los campos de concentración franceses del norte de África; después peleando en el desierto contra Rommel y el Africa Korps; desembarcando en Normandía formando parte de la división Leclerc como La Nueve, a las ordenes del capitán Dronne, y finalmente su llegada hasta las puertas del Nido del Águila, refugio emblemático del nazismo. El final fue agridulce, vencieron al fascismo, pero ni la Francia triunfante de De Gaulle reconoció sus méritos ni los aliados decidieron liberar España de la incipiente dictadura franquista.

Paco Roca
Astérix, Mortadelo y Filemón o Tintín fueron algunos de los personajes que nutrieron la infancia de Paco Roca (Valencia, 1969) como lector de cómics y sembraron en él un profundo interés por la narrativa gráfica.

Comenzó publicando cómic en la revista española El Víbora. Luego siguieron colaboraciones en los álbumes GOG (La Cúpula, 2000); El Juego Lúgubre, (2008) una visión personal del pintor surrealista Salvador Dalí; Hijos de la Alambra (2007), una historia de aventuras sobre un pintor del romanticismo francés del siglo XIX que visita la Alambra.

Hoy, Roca destaca también por su trayectoria como ilustrador, habiendo desarrollado trabajos desde publicitarios a editoriales pasando también por el mundo de la prensa en medios como El Semanal de El País, la revista Rock de Lux, Cinemanía, Efe Eme o el suplemento cultural Babelia.

En los últimos años, Paco Roca ha viajado por lugares como Santo Domingo, México DF, París, Roma, Helsinki, Tokio, Manchester, Edimburgo, Mantova o Praga, impartiendo talleres y dando charlas sobre su trabajo.

Los surcos del azar
Hasta el 4 de julio de 2014
Las Naves, Espacio de Creación Contemporánea
C/ de Juan Verdeguer 16, Valencia

Robert Doisneau en México

07/05/2014, El Museo del Palacio de Bellas Artes de México presenta una exposición dedicada a los primeros 44 años como fotógrafo de Robert Doisneau.

México, 7 de mayo de 2014
"Robert Doisneau. La belleza de lo cotidiano", es una exposición temporal integrada por una selección de 79 fotografías de Doisneau, que estará abierta al público hasta el 29 de junio en las salas Justino Fernández y Paul Westheim del Palacio de Bellas Artes.

El conjunto de fotografías exhibidas de Robert Doisneau estuvo a cargo de sus hijas, Francine Deroudille y Annette Doisneau, quienes hicieron una selección especial para el Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA) entre los más de 450 mil negativos que comprenden el actual Atelier Robert Doisneau, lugar que el artista destinó como su centro de trabajo por más de cincuenta años.

En estas imágenes se pueden ver escenas de la calle y de los suburbios de París –donde pasó su infancia–, su etapa como fotógrafo profesional en la fábrica Renault, su testimonio gráfico sobre la Segunda Guerra Mundial en Francia, su trabajo para las revistas Vogue y Life, así como retratos de celebridades.

Esta muestra acerca al visitante a la poesía del universo fotográfico del artista, así como a la construcción y evolución técnica de su obra. En "Robert Doisneau. La belleza de lo cotidiano" se aprecian los encuadres escogidos por el fotógrafo, las impresiones originales –hechas la mayoría de las ocasiones por el mismo artista–, los trucajes, montajes y juegos gráficos, recursos muy utilizados por Doisneau a lo largo de su trayectoria.

Robert Doisneau es mundialmente conocido por sus imágenes de la calle y el registro de la cotidianidad francesa desde una visión poética y humana. Sus temas favoritos son los suburbios, la campiña, el humor, la pasión, la guerra y los niños, los cuales son abordados desde una perspectiva urbana. Sus fotografías han llegado a ser íconos de la vida de París.

El peculiar estilo de Robert Doisneau deja ver a la fotografía como una forma para apreciar el mundo, en el cual, a pesar de orquestar composiciones muy estudiadas, no dejó nunca de lado el compromiso solidario y humano, en el que los personajes se convierten en personas. Como alguna vez señaló: “Yo no fotografío el mundo tal como es, sino tal como me gustaría que fuera. Toda mi vida yo me divertí, fabriqué mi propio pequeño teatro”.

Robert Doisneau. La belleza de lo cotidiano
Museo del Palacio de Bellas Artes
Avda. Juárez Esq. México D.C.
Hasta el 29 de junio del 2014

Frank Gehry Premio Príncipe de Asturias

07/05/2014, El arquitecto Frank Owen Gehry, artífice del Museo Guggenheim de Bilbao, ha sido galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2014.

Oviedo, 7 de mayo de 2014
El Jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2014 ha acordado conceder el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2014 al arquitecto Frank O. Gehry por la relevancia y la repercusión de sus creaciones en numerosos países, con las que ha definido e impulsado la arquitectura en el último medio siglo.

36 candidaturas de 19 países optaban a este premio según fuentes de la Fundación.

Frank Gehry, que recibió el Premio Pritzker de Arquitectura en 1989, está considerado como uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo, y es internacionalmente célebre por su arquitectura personal, especialmente sensible con su entorno.

Sus edificios se caracterizan por un juego virtuoso con formas complejas, por el uso de materiales poco comunes, como el titanio, y por su innovación tecnológica, que ha tenido repercusión también en otras artes.

Frank O. Gehry
Frank Owen Gehry nació en 1929 en Toronto (Canadá), pero adoptó la nacionalidad estadounidense al trasladarse en 1947 con su familia a la ciudad de Los Ángeles. En 1949 ingresa en el College of Architecture de la University of Southern California, donde termina sus estudios en 1954. A partir de entonces comienza a trabajar en varios estudios de arquitectura como el de Victor Gruen Associates o el de Pereira and Luckman Associates.

En 1961 se traslada a París, para trabajar el estudio de André Rémondet. Un año después regresa a California, donde abre una pequeña oficina de arquitectura en Santa Mónica.

Es en la década de los años 70 cuando comienza a destacar por sus construcciones esculturales que combinan materiales industriales poco comunes y por sus creaciones como diseñador de mobiliario. En el año 1974 Gehry es nombrado miembro del American Institute of Architects.

Llegados los años 80, el nombre de Frank Gehry se asocia a la corriente deconstructivista, a base de formas semidescompuestas y fragmentadas, que logran edificios impactantes a través de la ruptura del proceso de diseño lineal.

En la actualidad, su estudio, Gehry Partners LLP, está ubicado en Los Ángeles y Gehry continúa diseñando y dirigiendo proyectos para clientes de todo el mundo.

Entre sus obras destacan el Walt Disney Concert Hall (2003), el Centro Maggie’s Dundee de Escocia (2003), el Centro Stata del Instituto Tecnológico de Cambridge (2003), la Torre Gehry en Hannover (2001), el edificio del Banco DZ en Berlín (1998), el Museo Guggenheim de Bilbao (1997), el edificio Nationale-Nederlanden de Praga (1996), el Museo de Arte Frederick Weisman en Minneapolis (1993), el Museo Vitra Design, en Weil am Rhein, Alemania (1989) o el Museo Aeroespacial de California (1984).

El Museo Guggenheim Bilbao
El Museo Guggenheim de Bilbao es una de las icónicas obras del arquitecto estadounidense. Un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX, y un perfecto ejemplo de la arquitectura de carácter lúdico y orgánico característica de Frank O. Gehry.

Con 24.000 m2 de superficie, de los que 11.000 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración y su diseño innovador, perfectamente integrado en la trama urbana de la ciudad de Bilbao y de su entorno.

Delacroix y Shakespeare

06/05/2014, El museo Delacroix de Paris presenta la muestra “Eugene Delacroix, le plus légitime des fils de Shakespeare”, del 26 de marzo al 31 de julio.

París, 6 de mayo de 2014
Es una buena manera de celebrar el 450 aniversario del nacimiento del autor inglés, “espectador salvaje de la naturaleza humana " según palabras de Delacroix.

Shakespeare tenía un lugar especial en la creación de la artista, y por ello el museo parisino presenta por primera vez todas las litografías del conjunto que el pintor galo hizo sobre Hamlet y las piedras litográficas. En este evento se mostrarán otros dibujos y pinturas de la colección dedicadas al dramaturgo Inglés.

Artista cultivado y gran lector, Eugene Delacroix fue también un seguidor del mundo del teatro y de las teorías sobre el papel del teatro y el actor que estaban llegando desde Inglaterra.

Una actuación especial en el Odeón
En septiembre de 1827, el joven Delacroix asistió a una de las representaciones de Hamlet en el teatro Odeón. En el papel de Ofelia, la famosa actriz Harriet Smithson cuya interpretación le impresionó tanto como a la generalidad del público parisino.

La fascinación de Delacroix por la figura de Hamlet, príncipe atormentado y sensible, fue profunda. A principios de la década de 1830, el pintor tuvo la idea de dedicar al héroe de Shakespeare una serie de litografías, como había hecho ya para ilustrar la traducción al francés del Fausto de Goethe en 1827 (diecisiete litografías conservadas en el museo Delacroix).

Ahora, el museo Delacroix tiene la suerte de mantener todas las piedras litográficas diseñadas por el artista, así como las planchas tiradas. Y con motivo del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare se presenta el conjunto, en una ocasión propicia para descubrir otras obras inspiradas en Shakespeare, entre ellas el cuadro de Romeo y Julieta en la tumba de los Capuleto.

Comisario de la exposición: Dominique de Font- Réaulx, responsable del Museo Eugene Delacroix

Se inaugura Eucharistia

06/05/2014, Se inaugura la XIX muestra de las Edades del Hombre, una muestra de arte sacro con 130 obras que se podrán contemplar hasta Noviembre de 2014 en Aranda de Duero.

Aranda de Duero, 6 de mayo de 2014
Bajo el nombre de Eucharistia, se ha inaugurado hoy 6 de Mayo la XIX la exposición de Las Edades del Hombre. Una muestra que tendrá su sede en dos grandes templos de Aranda de Duero hasta el próximo mes de Noviembre.

La inauguración ha contado con la presencia de la Infanta Doña Elena de Borbón y Grecia, que ha acompañado a la Alcaldesa de Aranda de Duero, Raquel González, a la Consejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, Alicia García y al Secretario de la Fundación Edades del Hombre, Gonzalo Jiménez durante la presentación.

Eucharistia está dividida en cuatro capítulos y cuenta con cerca de 130 piezas de arte sacro traídas de diferentes diócesis, que representan la riqueza religiosa incalculable de Castilla y León y que serán expuestas en las iglesias de Santa María La Real y San Juan.

La Villa realenga de Aranda de Duero es el tercer municipio más poblado de Castilla y León y la capital de la Ribera del Duero. Un destino rico en patrimonio, cultura, gastronomía, arquitectura, naturaleza, folclore y tradición vitivinícola y ganadera, que durante cinco meses se convertirá en el centro cultural más destacado a nivel nacional.

Un territorio con historia y carácter al que acudirán viajeros, amantes del arte y la cultura, que podrán disfrutar de una exposición que, hasta la fecha, ha reunido a más de 10 millones de visitantes.

Nacimiento de un museo universal: El Louvre de Abu Dhabi

05/05/2014, Una excepcional exposición revela en el Museo del Louvre de París algunas de las obras que podrán verse a partir del próximo año en el Louvre de Abu Dhabi.

París, 5 de mayo de 2014
Más de ciento sesenta nuevas obras adquiridas por el Museo del Louvre de Abu Dhabi se presentan hasta el 28 julio de 2014 en París. Un diálogo entre civilizaciones a través de un mensaje de universalidad y humanismo.

El Louvre de Abu Dhabi abrirá sus puertas en diciembre de 2015, y el museo del Louvre de París quiere celebrar el nacimiento de esta institución de referencia en el mundo árabe con una muestra que presenta un jugoso avance de su colección.

Entre las piezas más destacadas se puede contemplar una pulsera de oro bactriano con figuras de leones hechos en Irán hace 3.000 años, una esfinge del periodo arcaico griego, un gran Bodhisattva de Pakistán, una fíbula de oro y granates italiana que data del siglo V dC, una hermosa Virgen con el Niño de Bellini, o pinturas de Jordaens, Caillebotte, Manet, Gauguin y Magritte.

El Emirato de Abu Dhabi, con el deseo de crear un museo de arte en su territorio, solicitó la pericia de los museos de Francia para llevar a cabo su proyecto y para hacer de Abu Dhabi un referente en el arte, la educación y la cultura.

De esta manera, el 6 de marzo de 2007 se firmó un acuerdo intergubernamental sin precedentes que marcaría el nacimiento del primer museo universal en el mundo árabe, en el que se presentarían obras de interés histórico, cultural y sociológico.

El Museo Louvre de Abu Dhabi está llamado a convertirse en un valioso testimonio de las grandes civilizaciones artísticas, desde los tiempos más antiguos a la modernidad. La muestra en París, permitirá al público francés descubrir sus riquezas, y este ambicioso proyecto arquitectónico y cultural.

Louvre Abu Dhabi: Nacimiento de una colección
Musée du Louvre
París
Hasta el 28 de julio de 2014

Doce miradas al Greco

05/05/2014, La exposición Entre el cielo y la tierra. Doce miradas al Greco cuatrocientos años después explora el lugar en el que se sitúa la influencia del Greco en el arte actual.

Valladolid, 5 de mayo de 2014
El Museo Nacional de Escultura de Valladolid presenta una muestra que, a través del trabajo de doce artistas contemporáneos, plantea un vínculo abierto con la obra del artista cretense.

El conjunto aporta una interesante, plural y rica perspectiva que contribuye a desvelar la rotunda actualidad del arte del Greco en los complejos tránsitos culturales de nuestros días.

Como señala la comisaria de la muestra, Isabel Durán, "hay muy pocos artistas clásicos que hayan influido de forma tan intensa en el arte producido en las últimas décadas. La presencia del proyecto artístico del Greco es clara. Probablemente sean él, Diego Velázquez y Francisco de Goya los que permanecen con un aliento más intenso en lo que llamamos arte contemporáneo".

Los artistas participantes en la muestra son: José Manuel Broto, Jorge Galindo, Pierre Gonnord, Luis Gordillo, Secundino Hernández, Cristina Iglesias, Carlos León, Din Matamoro, Marina Núñez, Pablo Reinoso, Montserrat Soto y Darío Villalba.

Entre el cielo y la tierra. Doce miradas al Greco cuatrocientos años después
Museo Nacional de Escultura
Palacio de Villena. Valladolid
Hasta el 3 de agosto de 2014

Del Románico a la Ilustración

02/05/2014, En unos días termina la exposición de CentroCentro Cibeles Colección Masaveu: Del Románico a la Ilustración. Imagen y Materia.

Madrid, 2 de mayo de 2014
El próximo 25 de mayo tendrá lugar la clausura de esta muestra dedicada a la importante colección privada Masaveu, de Oviedo. Una colección formada a través de tres generaciones familiares, y que actualmente reúne más de 1.500 piezas que abarcan desde la Edad Media a nuestros días.

La muestra "Colección Masaveu: Del Románico a la Ilustración. Imagen y Materia" ofrece una selección de 63 obras representativas de la pintura y escultura que van desde los siglos XII al XIX. Aunque algunas de las obras han sido expuestas en exposiciones temporales, será la primera oportunidad de contemplar reunidas tantas obras y de tal calidad de los fondos de la Colección Masaveu.

El recorrido propuesto al visitante sigue como hilo conductor los cambios en los materiales y procedimientos artísticos en el transcurrir de siete siglos a través de excelentes piezas de maestros anónimos y consagrados artistas.

A lo largo de tres secciones, «De madera y oro», «Entre el Gótico y el Renacimiento» y «El triunfo del lienzo», el visitante podrá admirar obras de pintores fundamentales del arte en España como El Greco, Zurbarán, Ribera, Murillo o Alonso Cano. Pero también de obras de artistas europeos como Matthis Gerung, El Bosco o Joos van Cleve el Viejo.

Un viaje de sabores

02/05/2014, Tres chefs españoles, un chef francés y un chef de origen indio realizarán una cena fusión Vasco-India a beneficio de la Fundación Colores de Calcuta en el Basque Culinary Center de San Sebastián.

San Sebastián, 2 de mayo de 2014
El 9 de mayo, en el Basque Culinary Center de San Sebastián, tendrá lugar una cena única de fusión Vasco-India a beneficio de la Fundación Colores de Calcuta, ONG que trabaja en el barrio conocido como “la ciudad de la Alegría” en la ciudad de Calcuta, India.

Tres chefs españoles, un chef francés y uno de origen indio, realizarán una mezcla entre ambas gastronomías. Los chefs crearán propuestas de cinco platos que combinarán texturas y sabores de ambas cocinas.

Los chefs participantes son Martín Berasategui del Restaurante Martín Berasategui (***Michelín), Dani López del Restaurante Kokotxa (*Michelín), Maite Partido del Restaurante La Muralla (recomendado por Guía Michelín), Phillippe Lafargue del Restaurante ChezPhilippe (*Michelín) y el Chef indio Antachan Manjaly Ouseph del restaurante Días Desur (recomendado por Guía Michelín).

En la ejecución de estas nuevas propuestas contarán con los alumnos del Basque Culinary Center, centro internacional de formación, Investigación y desarrollo en las diferentes áreas de las Ciencias Gastronómicas.

En la ocasión se presentará el cortometraje “La alfombra roja”, nominado en la última edición de los Premios Goya, protagonizado por la niña que actuó en la película ganadora de un Oscar "Slum dog Millionaire". En este corto se cuenta la historia de su vida en un slum en Mumbai. Los asistentes también podrán disfrutar de un espectáculo de danza tradicional hindú.

La organización de la cena está a cargo de KBO Gourmand empresa que ha llevado estos últimos años los eventos del Festival de San Sebastián, entre otros. El valor de la cena será de 70 euros por persona. Para los que asistan desde fuera de Donosti habrá una oferta especial en el Hotel Astoria 7 (4*). Para la compra de entradas de la cena y para la ofertare especial de este hotel ver la web: http://cena-benefica.kbogourmand.com

Para más información sobre la Fundación Colores de Calcuta: http://coloresdecalcuta.org/

Playgrounds. Reinventar la plaza

30/04/2014, El Museo Reina Sofía presenta una exposición de tesis que investiga el papel clave que han desempeñando los espacios de juego desde la modernidad para cuestionar y transformar la sociedad establecida.

Madrid, 30 de abril de 2014
A través de una selección de casi 300 obras de diferentes periodos históricos y lenguajes (pintura, escultura, instalaciones, vídeo, fotografía, artes gráficas, cine y documentos) de artistas como James Ensor, Francisco de Goya, Henri Cartier-Bresson, Helen Levitt, Alberto Giacometti, Ángel Ferrant, Hélio Oiticica, Lina Bo Bardi, Fischli & Weiss, Vito Acconci, Priscila Fernandes o Xabier Rivas, Playgrounds muestra cómo el elemento lúdico entendido como estrategia creativa convive con cuestiones de mayor calado relacionadas con lo público.

Partiendo de esta idea, la exposición analiza el potencial socializador, transgresor y político del juego vinculado al espacio público, y explora el reconocimiento del espacio de juego como ámbito de ensayo y aprendizaje.

El imaginario utópico ha tenido a lo largo de la historia dos constantes fundamentales: la reivindicación de la necesidad de tiempo libre (que se contrapone al tiempo de trabajo) y el reconocimiento de la existencia de una comunidad de bienes compartidos, cuyo principal ámbito de materialización sería el espacio público.

La aproximación histórico-artística a la dimensión política y colectiva de los espacios de juego que se propone en esta exposición arranca en la segunda mitad del siglo XIX, cuando se inicia el proceso de conversión del tiempo libre en tiempo de consumo. Un proceso que puso en crisis el concepto de espacio público que comenzó a ser concebido no sólo como un elemento sobre el que se debe ejercer un control (político) sino del que también se puede obtener rentabilidad económica. De este modo, las ciudades empiezan a ser objetos de una planificación racional y utilitaria, y desde el ámbito arquitectónico se redefine y dota de nuevos valores al espacio de juego que se erige como uno de los puntos claves de la ideología moderna de lo público.

Esta ideología se fue reconfigurando en las primeras décadas del siglo XX, en las que, por ejemplo, se llevan a cabo proyectos que permiten recuperar y revalorizar terrenos que habían quedado totalmente destrozados por la guerra, convirtiéndolos en zonas de juegos. El gran punto de inflexión de ese proceso de reconfiguración fueron los años sesenta cuando, como evidencian numerosas experiencias y prácticas artísticas y activistas de las últimas décadas, se intentan generar otras formas de hacer y pensar la ciudad, de organizar la vida en común.

La exposición cuenta otra historia del arte, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, en la que la obra de arte contribuye a la redefinición del espacio público explorando la ciudad como tablero de juego, reinventando la plaza como el lugar de la revuelta y descubriendo las posibilidades de un nuevo mundo a partir de sus desechos. La muestra asume el modelo playground como una interrogación ideológica de un presente alienado y consumista.

Playgrounds
Reinventar la plaza
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
30 abril – 22 septiembre, 2014
Edificio Sabatini, Planta 1

DOCUMENTAMADRID 14

30/04/2014, Del 30 de abril al 11 de mayo se celebra en Madrid la undécima edición del Festival Internacional de Documentales DOCUMENTAMADRID.

Madrid, 30 de abril de 2014
La intensa programación de este encuentro anual entre profesionales, creadores y público refuerza el criterio de calidad que ha posicionado el certamen como festival de referencia en el ámbito internacional.

Seleccionadas entre más de 1000 películas inscritas, los documentales participantes en la edición de 2014 llegan a las pantallas madrileñas procedentes de 26 países tan diversos como EEUU, Francia, Alemania, Israel, Ucrania, Argentina, Brasil, Polonia o Siria.

La Sección Oficial trae a competición algunos de los grandes títulos documentales de la temporada, de estreno en España. Obras de directores consagrados y premiados en todo el mundo, junto a las primeras propuestas de nuevos directores. La Sección Oficial se completa con dos sesiones especiales: The Armstrong Lie, sobre el caso del ciclista Lance Armstrong que inaugurará el Festival y la nominada al Oscar The Square, que se proyectará en la clausura del festival.

De esta Sección Oficial serán 13 largometrajes, junto a 20 cortometrajes, los que competirán por el Premio DocumentaMadrid al Mejor Documental.

Por su parte, la sección Panorama del documental español, muestra al público el buen estado de salud del cine documental producido en nuestro país a través de 13 títulos que compiten por el premio CANAL + al mejor documental español. El estreno de Antonio Vega, tu voz entre otras mil, cerrará la sección Panorama.

Fernand Melgar, referente del cine sobre inmigración e identidad protagoniza la retrospectiva de este año, mientras el ciclo Focus on Directors, en Cine Doré (Filmoteca española) mostrará una serie de documentales homenaje a grandes directores de la cinematografía mundial.

El programa se completa con actividades paralelas como el Laboratorio web doc, una masterclass ofrecida por Fernand Melgar y las Tertulias de la Cantina, en las que cada mañana el público podrá charlar de primera mano con los realizadores invitados.

Consulta la programación completa del centro en www.mataderomadrid.org.

El Noma, en la cima

29/04/2014, El restaurante Noma, de Copenhague, ha sido elegido este año como primer establecimiento de restauración mundial, seguido del Celler de Can Roca, en Girona, España.

Londres, 29 de abril de 2014
Mala noticia para el restaurante español, que pierde el primer puesto, conseguido un año antes, aunque ha quedado en primer lugar en materia de repostería.

La revista británica Restaurant acaba de anunciar el palmarés. Y entre los primeros diez restaurantes del mundo sitúa a tres de España (2, El Celler de Can Roca Girona; 6 Mugaritz, de San Sebastián, y 8, arzak, también de San Sebastián); dos de EE.UU. (4, Eleven Madison Park New York, y 9 Alinea Chicago); dos del Reino Unido (5, Dinner by Heston Blumenthal y 10 The Ledbury, ambos de Londres), un danés, el triunfador; un italiano (3, Osteria Francescana, de Modena), y otro brasiuleño, en el puesto 7, D.O.M. , de São Paulo.

Esta prestigiosa lista, lleva ya doce ediciones, y en ella ha brillado de forma especial el Bulli cinco veces triunfador... un restaurante legendario que cerró sus puertas en medio de la vorágine de éxitos.

Hasta los cincuenta, la lista es así:

11, Mirazur, Menton, Francia
12, Vendôme, Bergisch Gladbach, Alemania
13, Nahm Bangkok, Tailandia
14, Narisawa, Tokyo, Japón
15, Central, Lima, Perú
16 Steirereck Viena, Austria
17 Gaggan Bangkok, Tailandia
18 Astrid y Gastón Lima, Perú
19 Fäviken Järpen, Suecia
20 Pujol, en la Ciudad de México
21 Le Bernardin, New York, USA
22 Vila Joya, Albufeira, Portugal
23 Restaurant Frantzén, Estocolmo, Suecia
24 Amber Hong Kong, China
25 L’Arpège, Paris, Francia
26 Azurmendi, Larrabetzu, España
27 Le Chateaubriand, Paris, Francia
28 Aqua, Wolfsburg, Alemania
29 De Librije, Zwolle, Holanda
30 Per Se, Nueva York, EE.UU
31 L’Atelier SG de Joël Robuchon, Paris, Francia
32 Attica, Melbourne, Australia
33 Nihonryori RyuGin, Tokyo, Japón
34 Asador Etxebarri, Atxondo, España
35 Martín Berasategui, Lasarte-Oria, España
36 Mani, São Paulo, Brasil
37 Restaurant André, Singapur
38 L’Astrance, Paris, Francia
39 Piazza Duomo, Alba, Italia
40 Daniel New York, USA
41 Quique Dacosta, Dénia, España
42 Geranium, Copenhage, Dinamarca
43 Schloss Schauenstein, Fürstenau, Suiza
44 The French Laundry, Yountville, EE.UU
45 Hof Van Cleve, Kruishoutem, Belgica
46 Le Calandre, Rubano, Italia
47 The Fat Duck Bray, Reino Unido
48 The Test Kitchen, Ciudad del Cabo, Sudáfrica
49 Coi, San Francisco, EE.UU
50 Waku Ghin, Singapur

Picasso revelado por Duncan

29/04/2014, El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes de México presentan la exposición Picasso revelado por David Douglas Duncan.

México, 29 de abril de 2014
La exposición permite recrear la vida íntima y el proceso creativo del pintor malagueño a través de una selección de obras originales del reconocido artista y fotografías de época, tomadas a lo largo de 17 años por el fotoperiodista estadounidense David Douglas Duncan.

Picasso revelado por David Douglas Duncan adentra al espectador en el mundo privado del artista durante las casi dos últimas décadas de su vida creativa (de 1956 a 1973), mediante un diálogo constante entre las fotografías tomadas por Duncan, en su mayoría desde el hogar y taller de Picasso, La Californie, en el sur de Francia.

En las imágenes de Duncan el público encontrará a un Pablo Picasso en acción y, desde otro ángulo, captura distintos momentos de su vida cotidiana, como la imagen de un Picasso en pleno baño en su casa. La exhibición recrea así el ambiente excepcional de La Californie, caracterizado por la fusión de trabajo y vida.

Las fotografías de Duncan documentan el proceso creativo de Picasso y la espontaneidad de su arte. A través de la lente de David Douglas Duncan, el espectador descubre no solamente a un Picasso artista, sino también a un Picasso actor, a menudo disfrazado, rodeado de sus amigos o por sus hijos.

Picasso y Duncan
El camino de David Douglas Duncan se cruza con el de Pablo Picasso el 8 de febrero de 1956, cuando el fotógrafo conoce al artista malagueño en su casa francesa de La Californie. En ese tiempo Duncan trabajaba para la revista Life. Realizaba reportajes en Irán, Palestina y Bulgaria, además de haber cubierto las guerras en el Pacífico y en Corea.

Pronto se estableció entre ambos una amistad que perduró hasta la muerte del pintor en 1973. Durante 17 años David Douglas Duncan tomó más de 25 mil fotografías de Picasso, que constituyen un testimonio único de la vida y creatividad artística del pintor. Hasta el día de hoy, Duncan forma parte de la familia Picasso.

A Picasso le impresionó la intrepidez de Duncan. Sintió un gran respeto por el valor del estadounidense y se maravilló de sus múltiples viajes. Duncan era un fotógrafo que había recorrido el mundo, pero siempre volvió a ver a su amigo pintor. Para Picasso, con David Douglas Duncan no hay obra cinematográfica ni puesta en escena espectacular, sino fotografías hechas entre amigos y momentos de intimidad creativa cristalizados.

Picasso revelado por David Douglas Duncan
Hasta el 20 de julio de 2014
Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes
Avda. Juárez Esq. México D.C.

Naturalezas Ilustradas en el MNCN

28/04/2014, El Museo Nacional de Ciencias Naturales inaugura la exposición Naturalezas Ilustradas. La colección van Berkhey del Museo Nacional de Ciencias Naturales.

Madrid, 28 de abril de 2014
Más de 200 años después de su llegada a Madrid, las láminas de la colección van Berkhey se exponen por primera vez en el MNCN. La muestra permanecerá expuesta en la sala de exposiciones temporales del MNCN desde el 29 de abril de 2014 hasta el mes de enero de 2015.

En esta colección iconográfica, el holandés Johannes Le Francq van Berkhey buscó representar el mayor número de especies sistemáticamente ordenadas. La exposición muestra casi un centenar de ilustraciones zoológicas, que representan mamíferos, aves, insectos, anfibios, peces o artrópodos. Asimismo, se incluyen láminas de minerales y fósiles.

La exposición está formada por dibujos, grabados, calcografías y xilografías. Entre las técnicas de los dibujos destaca la acuarela aunque también se utiliza el grafito, el carboncillo o la tinta china.

La colección fue adquirida en subasta pública para el Real Gabinete de Historia Natural en Ámsterdam, en 1785, por orden de Carlos III. Tras llegar a Madrid el director del Gabinete, Franco Dávila se encargó de realizar un inventario manuscrito de la colección que poseía más de 9.000 piezas.

La primera parte de la exposición, que está dedicada al Real Gabinete de Historia Natural, presenta una selección de piezas de sus colecciones como piedras bezoares, corales o microscopios, y también documentos relacionados con la adquisición de la colección.

La exposición se completa con más 150 ejemplares de los fondos de las colecciones del Museo que corresponden a las especies recogidas en los dibujos y grabados. Entre ellos destaca el imponente león africano junto al grabado que Hollar hizo a partir del dibujo de Alberto Durero o la extensa selección de conchas de moluscos, entre las que se encuentra la antiguamente conocida como Pabellón de Orange, junto a las láminas que las representan.

Johannes Le Francq van Berkhey (1729-1812), médico y naturalista, es el autor de cientos de los dibujos de una colección que destaca tanto por su valor artístico como científico. El MNCN custodia las más de 4.000 ilustraciones zoológicas en las que se han podido identificar alrededor de 50 artistas de los siglos XVI al XVIII como Durero, Jacob L'Admiraal, Beeldemaker, Holsteijn o Hengstenberg.

Goya y la familia Altamira

28/04/2014, El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York reúne por primera vez los retratos realizados por Goya a la familia del conde de Altamira.

Nueva York, 28 de abril de 2014
Por acuerdo especial con el Banco de España, hasta el próximo 3 de agosto de 2014, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York reúne por primera vez cuatro retratos pintados por Francisco de Goya (1746-1828), que fueron encargados al artista aragonés por el conde de Altamira, uno de los hombres más ricos de su tiempo en España.

La exposición "Goya y la familia Altamira" presenta el retrato del Banco de España del Conde de Altamira; el retrato de Manuel Osorio Manrique de Zúñiga del Metropolitan, conocido como "El niño de rojo"; el hermoso retrato de la Condesa de Altamira y su hija, María Agustina, de la colección de Robert Lehman pertenenciente al Museo Metropolitano; y un retrato de Vicente Isabel Osorio de Moscoso, pertenenciente una colección privada.

Los cuatro retratos fueron pintados entre 1786 y 1788, cuando Goya estaba empezando a experimentar con el retrato aristocrático. La muestra presenta además un quinto retrato, que representa al hijo mediano del Conde de Altamira, Juan María Osorio, y que fue pintado en la misma época por Agustín Esteve, uno de los discípulos de Goya.

El Banco de San Carlos (entidad creada por Carlos III en 1782 y de la que emergería el actual Banco de España) encargó a Goya crear una serie de retratos de los directores del banco en Madrid, incluyendo la representación de cuerpo entero de Vicente Joaquín Osorio de Moscoso y Guzmán (1756-1816), conde de Altamira. Fue el éxito de este retrato el que llevó al encargo posterior de tres retratos de los miembros de la familia del conde.

Goya y la familia Altamira
Hasta el 3 agosto de 2014
Salas de Pintura Europea, Galería 624, 2 Є planta
Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Ciudad antigua del Quersoneso táurico

25/04/2014, La ciudad antigua del Quersoneso táurico y sus “chôra” (Ucrania) es uno de los sitios que entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Según informa la UNESCO, este sitio encierra los vestigios de una ciudad fundada por los dorios hacia el siglo V a.C. en la costa septentrional del Mar Negro.

Comprende siete componentes que abarcan, además de esos vestigios, restos de terrenos vitícolas cuyos caldos fueron objeto de un próspero comercio de exportación que se perpetuó hasta finales del siglo XV.

El sitio comprende varios conjuntos de edificios públicos y barrios de viviendas, restos de la Edad de Piedra y la Edad del Bronce, monumentos paleocristianos, fortificaciones romanas y medievales, redes antiguas de abastecimiento de agua y vestigios excepcionalmente bien conservados del cultivo de la viña y de muros de separación de terrenos vitícolas.

En el siglo III, el Quersoneso táurico era reputado por ser el núcleo de producción vinícola más importante de la región del Mar Negro y fue, durante mucho tiempo, un centro de intercambios comerciales entre las poblaciones del litoral septentrional de este mar y los imperios romano y bizantino.

El sitio constituye no sólo un ejemplo notable de organización democrática de la tierra vinculada a una antigua polis, sino también un testimonio de la organización social de esta última.

España: hacia un clima extremo

25/04/2014, Los cambios en el Ártico están yendo más deprisa de lo previsto. Greenpeace desvela un informe con los riesgos que corre España si no se frena el cambio climático.

Madrid, 25 de abril de 2014
La importancia el ecosistema del Ártico va más allá de sus fronteras y su desaparición no solo afectaría a los cuatro millones de personas que lo habitan, a su fauna y flora, también tendría dramáticas consecuencias en todos los puntos del planeta, incluido España.

A través del análisis de los últimos datos del Panel Intergubernamental de Naciones Unidas sobre Cambio Climático (IPCC) y estudios científicos recientes, Greenpeace ha analizado la importancia del Ártico a nivel global y sus repercusiones en España: subidas del nivel del mar, temporales, incendios de gran intensidad, y nuevas epidemias y plagas que tendrían un impacto inmediato en sectores estratégicos como el turismo o el vitivinícola.

Ahora, Greenpeace da un paso más, y muestra cómo podrían llegar a ser cuatro puntos emblemáticos del país si el Ártico desapareciera y no se frenase el cambio climático. Benidorm, Marbella, la playa de la Concha de Donosti y los viñedos de España, a pesar de su lejanía del Ártico, dejarían de existir tal y como los conocemos.

El hombre y el cambio climático
El cambio climático está sucediendo ahora y está causado por la actividad del ser humano, tal y como ya reconoce, con un 95% de certeza, la comunidad científica. Su principal causa son las enormes cantidades de emisiones de gases de efecto invernadero a la atmósfera. Uno de los impactos de este cambio climático es la pérdida de hielo en el Ártico.

Entre 2004 y 2008 se perdieron 1,54 millones de kilómetros cuadrados de superficie de mar helado en el Ártico, es decir, unas tres veces el tamaño de España.

El sistema ártico está interconectado con todos los ecosistemas a través de las corrientes oceánicas y la atmósfera. Por esta razón el deshielo del Ártico contribuye al aumento de la temperatura, un círculo vicioso que retroalimenta el cambio climático.

Lo que pasa en el Ártico tiene consecuencias aquí
Si se mantiene la tendencia actual, se calcula que la total desaparición de hielo marino ártico se podría producir en los próximos años. A pesar de que el Ártico está a miles de kilómetros, su desaparición tendría consecuencias catastróficas para España, uno de los países europeos más afectados por el cambio climático. A pesar de la recomendación científica de mantener el calentamiento global lo más lejos posible de los 2 oC el aumento de la temperatura media global es ya de 0,85 oC, alcanzando en Europa los 0,9 oC y en España 1,5oC.

El Quinto Informe de Evaluación del IPCC confirma los pronósticos climáticos para España en las próximas décadas de un aumento generalizado de las temperaturas (entre 5 y 8 grados) y una reducción de las precipitaciones. También se pronostica un incremento en la intensidad y frecuencia de las olas de calor, en toda Europa pero especialmente en el sur del continente. Y es que el sur de Europa es especialmente vulnerable al cambio climático lo que afectará negativamente a múltiples sectores (el turismo, la agricultura, la silvicultura, las infraestructuras, la energía y la salud de la población).

Otro aspecto destacable es la degradación del suelo que ya es intensa en algunas zonas del Mediterráneo y que, junto con los períodos de sequía prolongados y los incendios, está contribuyendo a un mayor riesgo de desertificación en el futuro.

Agricultura y ganadería
Dos sectores que ya están experimentando algunos de los efectos del cambio climático. La agricultura sufre ya el aumento de las temperaturas. Se evidencia por el déficit de agua y la mayor proliferación y supervivencia de determinadas plagas.

Una reciente publicación del Banco Mundial desvelaba que las pérdidas por los desastres naturales alcanzan los 3,8 billones de dólares entre 1980 y 2012. Además calculaba que los eventos climáticos extremos eran los responsables del 87% de estos desastres, del 74% de las pérdidas económicas y del 61% de las vidas perdidas.

Turismo de montaña
Las estaciones de esquí españolas llevan varios años adaptándose a la variabilidad de la capa de nieve para que las temporadas sean rentables.

La Organización Internacional de Turismo afirma que el impacto del cambio climático sobre la industria del turismo de nieve es potencialmente grave. Las previsiones supondrán que no se pueda mantener la oferta de nieve dentro de unos años y el cierre de algunas estaciones.

La industria del vino
El vino español tiene una gran importancia a nivel económico y es uno de productos más reconocidos en el mercado internacional. En 2012 España produjo el 12% del vino a nivel mundial, lo que le coloca como tercer país tanto en producción como en exportación.

En 2013 la organización Conservation International publicó un informe sobre cómo afecta el cambio climático en la producción del vino a las principales regiones productoras. Según los resultados el 25% (en áreas de clima mediterráneo) de la superficie actual para viñedos no será apta para este cultivo en 2050.

Las costas y el aumento del nivel del mar
El aumento, lento pero inexorable del nivel del mar en España está documentado desde los años 70 en observatorios del litoral como el de Santander o el de Málaga. Para finales de siglo es razonable esperar un aumento de 50 cm en el nivel del mar, con un metro como escenario más pesimista.

Este fenómeno podrá causar pérdidas de un número importante de playas, sobre todo en el Cantábrico y en el resto de playas confinadas, que podrían llegar a perder gran parte de la arena si se tiene en cuenta que “por cada centímetro de aumento del nivel del mar hay que esperar un retroceso costero de un metro”. Buena parte de las zonas bajas costeras se inundarán (delta del Ebro y del Llobregat, Manga del Mar Menor, costa de Doñana), parte de las cuales pueden estar construidas.

La costa europea sufrirá un aumento de las marejadas ciclónicas y una subida del nivel del mar, lo que aumentará los riesgos de vivir en la costa. España será de los principales afectados en Europa. Entre las zonas de mayor riesgo se encuentran el mar del Norte, la costa de la península Ibérica y la Bahía de Vizcaya.

Mayor número de incendios
El último informe el IPCC señala que la frecuencia de incendios y la extensión quemada ha aumentado desde 1970 debido a la acumulación de materia combustible, al cambio climático y a los fenómenos meteorológicos extremos en el sur de Europa.

Dicho informe pronostica un mayor riesgo de incendios en el futuro con un aumento en el número de días de peligro alto de incendios y de la duración de la temporada de incendios.

También se prevé que, de seguir la tendencia de emisiones actual, en 2100, el área quemada anual haya aumentado entre 3 y 5 veces en comparación con la actual.

Mosquitos e enfermedades infecciosas
Algunas de las transformaciones más espectaculares del cambio climático en las plagas y las enfermedades de los animales probablemente se observarán en los artrópodos, como los mosquitos, las mosquillas, las garrapatas, las pulgas y las pulgas de la arena, así como en los virus de los cuales son portadores.

Debido al cambio de las temperaturas y la humedad, las poblaciones de estos insectos pueden extender la zona geográfica donde viven y exponer a los animales y las personas a enfermedades contra las cuales no tienen inmunidad natural.

Tala Madani. Retroproyección

24/04/2014, El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta una exposición dedicada a la obra de la artista iraní residente en Estados Unidos, Tala Madani.

Sevilla, 24 de abril de 2014
En esta presentación nacional, la artista muestra un total de 52 piezas procedentes de museos y colecciones de todo el mundo (Asia, Estados Unidos y Europa), en concreto, 41 pinturas realizadas en los últimos cinco años, así como una escultura con videoanimación y diez videoanimaciones para las que utiliza la técnica stop frame. La obra en su totalidad es absolutamente inédita en nuestro país.

Tala Madani (Teherán, 1981) explora con humor temas como la masculinidad, la sexualidad, los juegos de poder o la violencia imposible de los dibujos animados. Las pinturas de la artista iraní están impregnadas de una sensación de exhibicionismo absurdo. La artista imagina los rituales extraños y carentes de sentido del ámbito propiamente masculino y Madani los representa dejando que hable su subconsciente.

Sus pinturas y animaciones digitales representan a hombres satisfaciendo, de una manera extraña y en momentos íntimos compartidos, sus necesidades fisiológicas. Dejando a un lado lo corporal, Madani afirma que algunas de sus obras hablan del éxtasis religioso, espiritual o sexual.

La perturbadora obra de Madani utiliza el humor para que "todo el mundo baje la guardia". En sus pinturas, la violencia competitiva aparece reducida a una impotencia absurda. También la artista aplica colores o motivos supuestamente femeninos a las actividades masculinas.

En una de sus series recientes, Madani representa a niños de una colección clásica de iniciación a la lectura, libros que reflejaban los roles de género conservadores de la década de 1950. Madani presenta a esos niños con un comportamiento bondadoso o malvado, subvirtiendo las ilustraciones originales y alterando su existencia ordenada mediante acciones anárquicas.

Con frecuencia la obra de Madani parece tener un carácter narrativo. Se inspira en los cómics de Alan Moore y Robert Crumb. Su producción contiene, asimismo, numerosas referencias a la historia del arte, que van desde el expresionismo abstracto al minimalismo, como por ejemplo la pintura de goteo de Jackson Pollock o la técnica de derrame pictórico de Morris Louis.

Tala Madani. Retroproyección
Hasta el 24 de agosto de 2014
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
Monasterio de la Cartuja de Santa María de Las Cuevas
Avda. Américo Vespucio, 2 | Camino de los Descubrimientos, s/n. Sevilla

El Arqueológico recibe 112.749 visitantes

24/04/2014, El Museo Arqueológico Nacional ha acogido a 112.749 visitantes en el periodo de puertas abiertas que ha tenido lugar para celebrar su reapertura al público.

Madrid, 24 de abril de 2014
El pasado 20 de abril fue el último día de las jornadas de Puertas Abiertas con las que Museo Arqueológico Nacional ha inaugurado sus instalaciones y su nueva exposición permanente. A partir de este momento se restablece el precio de la entrada general (3 euros), salvo los sábados por la tarde y los domingos por la mañana, días en los que el acceso será gratuito.

Desde su reapertura, el pasado 1 de abril, hasta el día de hoy el Museo ha acogido un total de 112.749 visitantes, alcanzando una media de más de 6.000 diarios (solo en la primera semana transitaron por sus salas un total de 34.490 personas).

El MAN ofrece algunas actividades paralelas con las que profundizar en algunos aspectos del discurso museográfico, como las Tardes en el Museo, visitas guiadas sobre áreas específicas de la exposición que ayudan a conocer mejor los aspectos de la misma. El último de este mes de abril será sobre La Antigüedad Tardía, y durante el mes de mayo la visita se dedicará al Mundo medieval: Al Andalus; Mundo medieval: reinos cristianos; la Edad Moderna y Próximo Oriente, Egipto y Nubia.

En el mes de mayo se inicia el programa La pieza del mes, que tendrá lugar los domingos por la mañana y constará de dos ciclos: uno dedicado a La aventura humana, que se centrará en un hendedor achelense, tratándolo como uno de los primeros inventos de la Humanidad; el otro, sobre las Colecciones fundacionales del Museo, que comenzará con la explicación del Monetario del Infante Gabriel de Borbón.

Seda, puntas y armiño

24/04/2014, Una mirada al guardarropa de la emperatriz Sisí en el Palacio Imperial del Hofburg de Viena. Hasta el 24 de diciembre de 2014.

Viena, 24 de abril de 2014
con motivo de la celebración del décimo aniversario de su apertura, el Museo Sisí del Palacio imperial del Hofburg presenta a partir del 24 de abril de 2014 una exposición especial dedicada a los vestidos y objetos especiales del guardarropa de la emperatriz Isabel.

La muestra Seda, puntas y armiño presenta valiosos tejidos de la emperatriz Isabel: dos vestidos, un peinador, un albornoz, un conjunto de armiño, ropa blanca y accesorios.

Entre los objetos expuestos se puede contemplar un vestido adquirido en la casa de subastas Hermann Historica en 2012. Este vestido pertenecía a un yerno de la emperatriz Isabel y estaba empaquetado en una caja de guardarropa de aspecto insignificante que contenía otros accesorios del legado de Sisí.

La exposición abre sus puertas el 24 de abril, en conmemoración a la fecha de boda de la emperatriz con el emperador Francisco José y las cerrará el 24 de diciembre, el día del cumpleaños de Isabel de Austria.

El Museo Sisí, cuya inauguración tuvo lugar en 2004, se ha convertido en una de las principales atracciones turísticas de Viena. La institución reúne unos 300 objetos originales, y muestra la vida de la emperatriz presentando tanto el mito de Sisí como datos científicos relacionados con su persona.

Seda, puntas y armiño
Museo Sisí
Palacio Imperial del Hofburg de Viena
www.hofburg-wien.at

Pasión por Aragón

23/04/2014, Obra Social Ibercaja presenta la exposición Pasión por Aragón. La Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País.

Zaragoza, 23 de abril de 2014
En reconocimiento de su labor en pro del desarrollo de Aragón, la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País fue galardonada con la Medalla de Oro de las Cortes de Aragón el año 2013. Esta muestra conmemora el aniversario de dicho galardón y resalta los logros obtenidos en la Historia del Aragón contemporáneo.

El 1 de marzo de 1776 un grupo de ilustrados aragoneses funda la Real Sociedad Económica de Aragón, decididos a procurar el progreso y la modernización de su tierra, a través de medidas que desarrollen los recursos naturales, potencien la industria y enseñen a la población las ciencias y las artes por medio de cátedras y Escuelas.

Su interés por el dibujo les lleva a fundar la Real Academia de Bellas Artes de San Luis en 1792; la necesidad de apoyar a los agricultores y artesanos provoca la fundación en 1876 de la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Zaragoza, actual Ibercaja, y la construcción del Real Instituto de Estudios Europeos se convierte en una realidad en el año 1986.

Ramón de Pignatelli, gestor del Canal Imperial de Aragón, el conde de Sástago, el comerciante Martín de Goicoechea o la ilustrada Josefa Amar y Borbón, son algunas de las grandes figuras que aportaron lucidez e intensidad a un trabajo cuya razón principal de existencia era fomentar el conocimiento y desarrollo de las fuentes de riqueza de la región aragonesa.

A través de más de cuatrocientas piezas, la muestra recorre todas las fundaciones de la entidad a través de dos siglos de historia destacando sus principales valores: la pasión por la educación, el amor al territorio, el compromiso con las innovaciones científicas, su interés por la salud con el Jardín Botánico, la creación de la primera cátedra española de Economía, la incorporación de la mujer a la sociedad, el apoyo económico al desarrollo, la recuperación de la cultura y la historia aragonesa, y su pasión por el dibujo como instrumento de formación.

Obras de grandes pintores aragoneses como Francisco de Goya o Francisco Bayeu, documentos y libros originales, monedas, dibujos e instrumentos mecánicos, son algunos de los objetos que se podrán ver en la muestra, y que forman parte de las importantes colecciones que ha ido constituyendo la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País.

Pasión por Aragón. La Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País
Hasta el 14 de diciembre de 2014
Ibercaja Obra Social
Ibercaja Patio de la Infanta. Zaragoza
San Ignacio de Loyola, 16
Zaragoza

Las cascadas de Burgos

23/04/2014, Más de una veintena de saltos de agua salpican los valles y las sierras de la provincia de Burgos. Descúbrelos con el deshielo.

Burgos, 23 de abril de 2014
La provincia de Burgos atesora una amplia riqueza de flora y fauna en una extensión de tierra por la que discurren numerosos ríos y afluentes, que dan lugar a una postal fastuosa de frondosos bosques, sierras y valles.

La zona norte de la provincia de Burgos era considerada como vía natural de comunicación entre las tierras del centro y del norte de la Península. En la zona son numerosas las cascadas. Es el caso del salto de Orbaneja del Castillo, ubicado en el pueblo que lleva el mismo nombre, que se encuentra enclavado en el espectacular e imponente Cañón del Ebro. El río que se desprende de esta cascada nace en la ‘Cueva del Agua’, atraviesa la población y se despeña en una pequeña cascada antes de desembocar en el Ebro.

En la localidad de Tartalés de los Montes, dentro de la comarca de Las Merindades (también en la zona norte), el marco natural ofrece desfiladeros, cimas, bosques y un espectacular paisaje. Allí se encuentra la cascada de Tartalés, una vez pasado el túnel que lleva hasta esta población burgalesa. El mejor momento para observar este salto del río Ebro es durante el invierno o la primavera.

Casi por sorpresa se descubre la silenciosa cascada de Pedrosa de Tobalina, una de las siete maravillas de la provincia de Burgos. Esta cascada, provocada por el río Jerea, afluente del Ebro, se encuentra ubicada entre los municipios de Pedrosa de Tobalina y La Orden. Este salto de agua tiene cerca de 100 metros de longitud y 12 de altura.

En el Valle de Mena destaca la cascada de San Miguel, una pequeña catarata ubicada en un entorno natural lleno de mágia. Sin salir del Valle se descubre la cascada de Peñaladros, en un paseo relajado, que no requiere ni caminatas agotadoras ni botas de monte.

Otras cascadas del territorio burgalés son la de Santa Cruz del Valle-Urbión, Neila, Irus, La Mea,Yeguamea,Tobazo, Rojas, Salto del Nervión o el Salto de Las Pisas.

Una manera diferente de conocer el territorio burgalés es disfrutar de sus cascadas, que ofrecen una de las persectivas más natural, y que permite al mismo tiempo, disfrutar de la cultura, patrimonio, tradición y gastronomía de la zona.

Más sobre Burgos en: www.turismoburgos.org

Reinos Perdidos: Escultura Hindú-Budista

22/04/2014, Hasta el 27 de julio de 2014 se puede visitar en el Museo Metropolitano de Nueva York una muestra con tesoros de Camboya, Vietnam, Tailandia, Malasia y Myanmar.

Nueva York, 22 de abril de 2014
Esta muestra dedicada al arte Hindú-Budista del primer milenio en el sudeste de Asia reúne unas 160 esculturas de piedra, terracota y bronce, muchas de ellas de gran escala. La exposición incluye un número importante de tesoros nacionales prestados por los gobiernos de Camboya, Vietnam, Tailandia, Malasia y Myanmar, así como préstamos llegados de Francia, Reino Unido y Estados Unidos.

Reinos Perdidos explora las tradiciones escultóricas de los reinos hindúes y budistas desde principios del siglo V a finales del siglo VIII en la parte continental y las islas del sudeste de Asia. Esta extraordinaria exposición del Museo Metropolitano presenta el arte religioso producido por aquellos reinos, cuyas huellas arqueológicas sentaron las bases para el mapa político del sudeste de Asia hoy.

Reinos Perdidos se organiza temáticamente en siete secciones que representan las grandes narraciones que han dado forma a las identidades culturales distintas de la región:

Importaciones ofrece raros ejemplos sobrevivientes de objetos exóticos de la India antigua. Estos objetos servirían como modelos para los artistas locales que trabajaban en el servicio de las "nuevas religiones" del hinduismo y el budismo.

Cultos de la Naturaleza presenta objetos que demuestran la persistencia de la naturaleza en los cultos del sudeste asiático. La adopción de las religiones índicas de la región tuvo un gran éxito, debido en gran parte a la receptividad de estos sistemas de creencias en los que la naturaleza contaba con gran valor e importancia.

Llegada del budismo explora las primeras expresiones de la fe budista en el sudeste de Asia. En esta sección se presenta una colección de objetos preciosos y reliquias recuperados de una cámara descubierta en la antigua ciudad amurallada de Pyu de Sri Ksetra, en el centro de Myanmar. Esta sección también contará con una serie de imágenes de tamaño natural que muestran la universalidad del mensaje budista.

Vishnu y su Avatares ilustra la capacidad de respuesta de los gobernantes de la región, que ejemplifican a Vishnu como un modelo ideal de la realeza divina. Los gobernantes dedican numerosos santuarios a Vishnu y una selección de las esculturas a gran escala de tales santuarios estarán a la vista.

Mundo de Siva presenta el culto a Siva y su familia, incluyendo a Parvati, Ganesha y Skanda, y el culto de Shiva como protector divino.

Arte de Estado explora el arte budista como expresión de la identidad del estado, y como forma de patrocinio de los gobernantes. Esta sección incluye algunas de las obras más monumentales de la exposición: varios Budas de grandes dimensiones realizados en piedra arenisca, ruedas sagradas de la Ley del Buda y estelas que representan historias de las vidas presentes y pasadas de Buda.

La sección final, Cultos de Salvación, está dedicada a la expansión del culto con una nueva era de internacionalismo de Asia, en la que los reinos de la región se vinculan a través de redes internacionales de comercio próspero y las ideas religiosas, rituales e imágenes comienzan a circular rápidamente unificando la región y su integración en el resto de Asia a partir del siglo VIII.

Día de la Tierra 2014

22/04/2014, El 22 de abril se celebra en todo el mundo el Día de la Tierra (Earth Day), que centra la atención en la necesidad de apostar por el modelo de ciudad verde.

Washington, 22 de abril de 2014
La lucha por un medio ambiente limpio continúa en un clima cada vez más urgente, ya que los estragos del cambio climático se hacen más evidentes cada día.

Este año el Día de la Tierra pone el foco de atención en las “ciudades verdes”, para hacernos reflexionar sobre la necesidad de hacer que las ciudades de todo el mundo sean más sostenibles y puedan reducir su huella de carbono.

La mayor parte del mundo se basa en la actualidad en las estructuras obsoletas de generación eléctrica que son extremadamente ineficientes y sucias. Centrada en tres elementos clave: edificios, energía y transporte, la campaña tiene como objetivo ayudar a las ciudades a acelerar su transición hacia un futuro más saludable y viable económicamente a través de mejoras en la eficiencia, las inversiones en tecnología de energías renovables y la reforma de la regulación.

Los edificios representan casi un tercio de todas las emisiones globales de gases del efecto invernadero. A través de la simple eficiencia y mejoras en el diseño de los edificios se puede reducir drásticamente esas emisiones. Para hacer realidad esta visión, las ciudades necesitan para actualizar las ordenanzas, cambiar los códigos de construcción basados ​​en el rendimiento y mejorar las opciones de financiación.

La campaña pretende educar al público sobre cada elemento de ciudades verdes y estimular las personas a tomar acción cívica mediante la firma de peticiones y la organización de eventos.

Historia del Día de la Tierra
Cada año, el Día de la Tierra marca el aniversario de lo que muchos consideran el nacimiento del movimiento ambiental moderno en 1970. En ese momento, para los estadounidenses la contaminación del aire era comúnmente aceptada como el "olor de la prosperidad".

La idea del Día de la Tierra surgió por parte de Gaylord Nelson, un senador de Wisconsin, que después de presenciar los estragos del derrame masivo de petróleo de 1969 en Santa Barbara, California, se dio cuenta de que podía infundir una conciencia pública emergente contra la contaminación del aire y el agua, que obligaría a tratar la protección del medio ambiente en la agenda política nacional.

Como resultado, el 22 de abril de 1970, 20 millones de estadounidenses tomaron las calles, parques y auditorios para manifestarse por un ambiente saludable y sostenible en los mítines masivos de costa a costa. Miles de colegios y universidades organizaron protestas contra el deterioro del medio ambiente. Los grupos que habían estado luchando contra los derrames de petróleo, las fábricas y plantas de energía, aguas residuales sin tratar, vertederos tóxicos, pesticidas, autopistas y la pérdida de la vida silvestre, de repente se dieron cuenta de que compartían valores comunes.

Picasso: momentos decisivos

22/04/2014, Una muestra de la Fundación Picasso Museo Casa Natal integrada por 18 obras del artista malagueño que testimonian tres fases cruciales de su obra.

Málaga, 22 de abril de 2014
La exposición Picasso: momentos decisivos se articula a través de tres secciones:

Album nє7 de bocetos para Las señoritas de Aviñón (1907)
Entre los abundantes trabajos preparatorios de "Las señoritas de Aviñón", pintura con la que se inicia tanto el Cubismo como el arte contemporáneo, y que se conserva en The Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, se incluyen 16 cuadernos con bocetos. En 2006 el Ayuntamiento de Málaga adquirió el nє 7, que en 60 páginas presenta 84 dibujos a lápiz y a tinta china, que permiten observar el surgimiento de una nueva manera de afrontar la creación artística. De ellos, en la muestra se puede contemplar una selección de 8 dibujos.

Sueño y mentira de Franco (1937)
La carpeta “Sueño y mentira de Franco” constituyó, en 1989, la primera donación hecha por un familiar de Picasso, en este caso su nieta Marina, a la ciudad de Málaga. Formada por cubierta, dos aguafuertes y aguatintas y un poema manuscrito impreso (“Fandango de lechuzas…”), este conjunto de grabados se incluye dentro de los precedentes más claros de “Guernica”. El caballo herido, las mujeres que gritan o sostienen a su hijo muerto, las metamorfosis de la figura del toro, son elementos que Picasso incorporaría al cuadro definitivo, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Del azul al rosa, 1904-1906. La Suite de los Saltimbanquis
La Fundación Picasso cuenta entre sus fondos con la trascendente serie conocida como “Suite de los Saltimbanquis”. Usando las técnicas del aguafuerte y la punta seca, esta primera serie de grabados que realizó Picasso en el instante del tránsito entre sus conocidas épocas azul y rosa combina los temas y las formas de ambas etapas, mostrando una absoluta maestría en el dibujo y en las técnicas gráficas. Entre estas imágenes de tristeza, de pobreza, de circo y de ternura, destaca una obra maestra indiscutible convertida en icono del arte del siglo XX: “La comida frugal”, una de las mejores obras de la época azul.

A lo largo de sus más de 25 años de historia, la Fundación Picasso Museo Casa Natal ha logrado atesorar una relevante colección que abarca casi la totalidad de los periodos creativos del pintor malagueño, de 1904 a 1971. La institución cuenta con 84 dibujos, un repertorio de obra gráfica picassiana de 242 estampas y 52 libros ilustrados.

Picasso: momentos decisivos
Hasta el 14 de septiembre de 2014
Sala de exposiciones de la Fundación Picasso Museo Casa Natal
Plaza de la Merced, 15

Metamorfosis en el CCCB

21/04/2014, Esta muestra del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona presenta la obra de cuatro figuras esenciales del cine de animación: Ladislas Starewitch, Jan ¦vankmajer y los gemelos Quay.

Barcelona, 21 de abril de 2014
Tres filmografías singulares con mucho en común: un universo excéntrico, de duermevela, en el que conviven la inocencia, la crueldad, la voluptuosidad, la magia y la locura, y un paisaje inquietante, poético, a veces grotesco y fantasmagórico, de personajes que aman lo improductivo y lo fútil. En el cine animado de Ladislas Starewitch, Jan ¦vankmajer y los gemelos Quay, la materia cobra vida y se transforma gracias a su desbordante imaginación.

Es un cine de resistencia contra las convenciones narrativas racionalizadoras que la modernidad ha impuesto. Frente al mundo de lo correcto, la imaginación de Starewitch, la provocación de ¦vankmajer y los personajes en eterna convalecencia de los hermanos Quay se postulan como una inesperada invitación a la libertad.

La muestra recopila también un número importante de referentes literarios, artísticos y cinematográficos que dibujan las líneas de filiación reivindicadas por los artistas: el cuento de hadas, los relatos de terror, el mundo de los sueños, los gabinetes de curiosidades, la ciencia preilustrada, la alquimia y el ilusionismo.

Creadores con obra en la exposición: Leonardo Alenza, Arnold Böcklin, Walerian Borowczyk, Charles Bowers, Luis Buñuel, Émile Cohl, Gustave Courbet, Segundo de Chomón, Salvador Dalí, Monsu Desiderio, James Ensor, Max Ernst, Francisco de Goya, Jean Grandville, Emma Hauck, Max Klinger, Alfred Kubin, Eugenio Lucas, Marey, Josep Masana, Méliès, Joaquim Pla Janini, Lotte Reiniger, Bruno Schulz, Irène Starewitch, Eva ¦vankmajerová y Robert Walser.

Ladislas Starewitch (1882-1965)
Maestro indiscutible de la animación de marionetas y cineasta autodidacta, Starewitch (de familia polaca), nació en Moscú en 1882.

Su temprana afición por el dibujo y la fotografía y su fascinación por la naturaleza, especialmente por los insectos, que coleccionaba desde joven, confluyeron en la creación de una obra única. Sus primeros personajes animados fueron insectos; confeccionó marionetas prácticamente indistinguibles de sus modelos disecados y fue ampliando la fauna, manteniendo siempre en sus animales una maravillosa e inquietante apariencia realista.

Muchos de sus relatos se inspiran en cuentos y fábulas tradicionales, pero los más celebrados los realizó sobre historias propias. Su talento para el ritmo narrativo, su inventiva técnica y la vida que desprenden sus pícaros personajes hacen de cada película una obra maestra donde el humor absurdo se suma a la poesía y a la sátira política.

A pesar del reconocimiento que obtuvo tanto en el Moscú de los años previos a la revolución bolchevique como en el París de las décadas de 1920 y 1930, murió en el olvido, en 1965. Su obra empezó a restaurarse en los años noventa. Starewitch ha sido elogiado por directores como Nick Park, John Lasseter, Tim Burton y Wes Anderson.

Jan ¦vankmajer (1934)
El artista checo Jan ¦vankmajer (1934) es considerado un cineasta único, quizás el más completo y coherente de su generación. Su obra ilustra como ninguna la función terapéutica, transgresora y resistente que el arte asumió al otro lado del Telón de Acero.

En su trabajo confluyen, junto a su militancia surrealista, diversas tradiciones culturales de su Praga natal: el teatro de marionetas, el teatro de máscaras, el teatro de proximidad del grupo Semafor, la vanguardia audiovisual de Lanterna Magika y hasta la huella que dejó en la ciudad la corte maravillosa de Rodolfo II de Habsburgo en el siglo XVI.

La incomunicación, la burocracia, el sexo, el metabolismo, las texturas, la comida, la infancia, el miedo, la descomposición, el absurdo y el humor negro son algunos de los temas y motivos nucleares en su obra.

Su filmografía arranca en 1964 y sufre un alto forzado de siete años desde 1972, castigado por la censura. En las décadas de los ochenta y noventa, gracias a sus largometrajes de coproducción internacional y al reconocimiento que cosechó en festivales de todo el mundo, ¦vankmajer se erigió como la figura más fascinante de la animación contemporánea. A pesar de haber cimentado desde muy pronto un estilo reconocible, ¦vankmajer no ha dejado de reinventarse en su obra más reciente.

Los gemelos Quay (1947)
Cineastas y escenógrafos nacidos en Estados Unidos en 1947 y residentes en el Reino Unido, losgemelos Quay llegaron al cine desde el dibujo y el diseño gráfico, persiguiendo el movimiento y la música.

Sus películas revelan la influencia que la escena cultural centroeuropea ha ejercido sobre ellos, y muy en especial la obra de autores polacos y checos, tanto grafistas como cineastas y escritores.

Distinguen su obra la sofisticación técnica, el sentido musical de sus imágenes y la minuciosa puesta en escena, de la que son testimonio sus Dormitorium, dioramas empleados en sus películas junto a sus inquietantes marionetas.

Sus trabajos documentales sobre colecciones médicas revelan también su fascinación por la ciencia y su relación con lo monstruoso. Su territorio es el siniestro e impreciso umbral que no distingue el sueño de la vigilia, la razón de la locura y lo orgánico de lo mecánico.

Su película Street of Crocodiles (1986), basada en el cuento homónimo de Bruno Schulz, fue elegida por Terry Gilliam como una de las mejores obras de animación de todos los tiempos.

Metamorfosis
Hasta el 7 de septiembre de 2014
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
C/ Montalegre 5

Markus Lüpertz. 1963–2013

21/04/2014, El Museo de Bellas Artes de Bilbao reúne 91 obras del pintor y escultor Markus Lüpertz, realizadas a lo largo de 50 años de fecunda trayectoria.

Bilbao, 21 de abril de 2014
Markus Lüpertz pertenece a una generación de artistas alemanes surgida tras la Segunda Guerra Mundial y que incluye nombres tan relevantes como Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, A. R. Penck o Sigmar Polke.

Integrante fundamental del grupo Neue Wilden, los nuevos salvajes o los nuevos expresionistas, Lüpertz concibió un modo personal de hacer figuración, manifestado en su interés por el cuerpo humano y el paisaje, tomando como fuente de inspiración diversas manifestaciones culturales, como la mitología griega, los maestros de la historia del arte o de la música sinfónica y reflexionando sobre la dramática historia de su país.

Lüpertz inició su trayectoria artística como pintor en la década de los sesenta. Y, partiendo del expresionismo abstracto, evolucionó hacia principios más figurativos, inspirados en distintos momentos de la historia del arte.

A partir de 1981 comienza a compaginar la pintura y la escultura, y durante el verano de ese año crea una serie de esculturas en las que es visible la huella de Picasso.

Su permanente interés por el arte clásico le llevó a realizar, entre 1980 y 1990, un conjunto de esculturas mitológicas inspiradas en la estatuaria griega o en la escultura votiva de los etruscos. Técnicamente se aleja de los procedimientos básicos de la escultura y busca un lenguaje propio partiendo del modelado en cera o yeso para, más tarde, tallar las figuras y definir las formas antes de fundirlas. El resultado final aúna la precisión del modelado con la espontaneidad de la talla. Como consecuencia, sus esculturas transmiten un fuerte sentido de lo corpóreo.

La exposición persigue dar una visión antológica de la trayectoria de Lüpertz y de la evolución de sus intereses artísticos. El montaje intenta poner de relieve las constantes formales del artista a lo largo de sus 50 años de actividad artística. En el recorrido se mezclan pintura y escultura, y en ocasiones se presentan bocetos para explicar los cambios de escala y el sentido de la monumentalidad.

Markus Lüpertz. 1963–2013
Hasta el 19 de mayo de 2014
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Museo Plaza, 2. Bilbao

Nuevas incorporaciones en el Museo del Prado

18/04/2014, Una tabla flamenca, seis pinturas españolas y un lienzo italiano se incorporan a las colecciones del Museo del Prado.

Madrid, 18 de abril de 2014
El Museo del Prado exhibe desde el pasado 11 de abril en sus salas un conjunto de obras que han entrado a formar parte de sus colecciones como adquisiciones del Ministerio de Educaciףn, Cultura y Deportes.

Las obras

Oraciףn en el huerto
Giulio Cesare Procaccini (1574-1625)
1616-1620

En el huerto de Getsemanם un בngel conforta a Jesתs, mientras tres apףstoles, Pedro, Santiago y Juan, duermen a su alrededor. Cristo, con rostro agitado, solicita a su Padre que aparte de יl la agonםa que le aguarda, ante la atenta y serena mirada del בngel.

Procaccini envuelve estas dos figuras en una luz poderosa que aviva la vibraciףn de los colores de sus vestiduras: blancos luminosos, verdes, rojos y azules, con abundante materia afacetada, como aplicada con espבtula. Todo ello caracterםstico de su pintura y de la escuela lombarda. El resto de la pintura permanece en penumbra como corresponde al momento del dםa que representa, excepto la gloria azulada y rosבcea que aparece detrבs del בngel. Este dramבtico contraste lumםnico es frecuente en la pintura de Procaccini, y ha sido en ciertas ocasiones relacionado con Caravaggio, aunque parece mבs prףximo a Ludovico Carracci, con el que tambiיn se emparentan las cabezas de los apףstoles en la sombra.

Su pintura refleja una exaltada y dramבtica sensibilidad religiosa, con grandes figuras prףximas al espectador, como en este caso, donde la cara agitada de Cristo contrasta con la serenidad del בngel.

El cuadro llegף al Museo en muy buen estado de conservaciףn, sin forrar y con un bastidor antiguo aunque no original que fue preciso sustituir durante la restauraciףn. En el Taller de Restauraciףn del Prado se sustituyeron viejos parches adheridos en el reverso, en zonas daסadas por golpes; posteriormente se realizף una ligera limpieza que tratף de equilibrar los planos sucesivos de la pintura; se estucaron pequeסas faltas en puntos muy concretos de su superficie pictףrica y se procediף a su reintegraciףn cromבtica.

Respecto a su cronologםa es preciso situarla en un arco amplio entre 1616-1620, cuando produjo sus obras de colorido mבs vibrante y sus trabajos mבs vigorosos y dramבticos, principalmente en Gיnova.

Giulio Cesare Procaccini es el miembro mבs ilustre de una familia de artistas de origen boloסיs asentada en Milבn. Existe la sospecha de que la pintura pudo formar parte de un conjunto mבs amplio, en el que pudieron integrarse, ademבs, el Beso de Judas y la Adoraciףn de los Magos.

La oraciףn en el huerto
Luis de Morales (h. 1515 - 1586)
1560 - 1570

La cuidada composiciףn, la difםcil disposiciףn de las figuras, la inclusiףn de un ameno paisaje y la calidad pictףrica de la obra, se presenta como un alarde dentro de la producciףn del pintor, obligבndonos a pensar que estamos ante un encargo comprometido.

La obra posiblemente fue realizada en la dיcada de los aסos sesenta, periodo que viene considerבndose el mבs depurado de la producciףn del pintor.

La composiciףn deriva de una pintura de Jan Gossaert existente en el Staatliche Museen de Berlin, fechada hacia 1510. Como es habitual para la representaciףn de esta escena, Jesucristo aparece en segundo tיrmino, arrodillado sobre un montםculo mientras contempla la extraordinaria visiףn del בngel que porta el cבliz. En primer tיrmino, muy cerca del espectador, los tres discםpulos preferidos de Cristo dormitan indiferentes a la angustia de Cristo, prףximo a iniciar su Pasiףn y Muerte.

Cabe seסalar que la composiciףn incluye uno de los paisajes mבs elaborados y cuidados del maestro extremeסo, con un completo alarde de vegetaciףn en primer tיrmino, y una prolongaciףn en perspectiva en la que se han aסadido numerosos elementos arquitectףnicos, un ancho rםo con barcas y figuras en la lejanםa.

El excelente estado de conservaciףn de la obra redobla el interיs de un cuadro que enriquece de manera muy significativa el fondo de pinturas de Luis de Morales con que cuenta el Museo del Prado, formado por un total de veintisיis tablas.

Apariciףn de Cristo crucificado a santa Teresa de Jesתs
Alonso Cano (1601-1667)
1629

Apariciףn de Cristo resucitado a santa Teresa de Jesתs, o Matrimonio mםstico de santa Teresa
Alonso Cano (1601-1667)
1629

Ambos cuadros representan sendos aspectos de la personalidad de santa Teresa. Uno de ellos alude a su a