Archivo de noticias de 2013

Dos pinturas de Flora. Giuseppe Arcimboldo

30/12/2013, La Fundación Juan March presenta a partir del 31 de enero de 2014 una exquisita exposición de pequeño formato dedicada a Arcimboldo.

Madrid, 30 de diciembre de 2013
La muestra "Giuseppe Arcimboldo. Dos pinturas de Flora" expone Flora y Flora meretrix, dos magníficos óleos sobre tabla realizados por el virtuoso miniaturista italiano Giuseppe Arcimboldo en 1589 y alrededor de 1590 respectivamente.

Se trata de dos de sus características cabezas compuestas (teste composte) realizadas a base de flores, pequeños animales y otros elementos naturales únicamente reconocibles al contemplar de cerca las obras.

La fantasía e ingenio de la obra de Arcimboldo (Milán, 1526-1593) fascinó a sus contemporáneos, pero tras su muerte su obra cayó en un olvido del que no saldría hasta los años treinta del siglo pasado, cuando Alfred H. Barr Jr., el fundador y primer director del MoMA de Nueva York, lo reivindicara como precursor de surrealistas y dadaístas.

A partir de entonces, historiadores y especialistas recuperaron el personalísimo estilo de Arcimboldo y lo consagraron como uno de los grandes artistas del siglo XVI.

Arcimboldo trabajó en el curso de su vida en distintos puntos de Italia, entre ellos Roma. Buena parte de su vida la pasó al servicio de los Habsburgo, en la corte de Praga, donde llegó en 1552.

Comparado a veces con da Vinci, por sus características de hombre complejo y multidisciplinario, Arcimboldo fue también constructor de máquinas, instrumentos musicales e ingenios diversos.

Ambas pinturas pertenecen a colecciones privadas y nunca antes habían sido mostradas en público.

Giuseppe Arcimboldo. Dos pinturas de Flora
31 enero – 2 marzo 2014
Fundación Juan March
Castelló 77, Madrid

El Oeste Americano en bronce, 1850-1925

30/12/2013, El Museo Metropolitano de Nueva York presenta una exposición de esculturas icónicas representativas del oeste americano.

Nueva York, 30 de diciembre de 2013
Con la llegada del siglo XX, las representaciones artísticas de los indios americanos, los vaqueros y exploradores, o los animales de las llanuras y montañas se convirtieron en auténticas metáforas visuales representativas del viejo oeste y, como tal, fueron coleccionadas con entusiasmo por una clientela urbana.

A través de unas 65 esculturas en bronce realizadas por 28 artistas, la exposición "The American West in Bronze, 1850-1925" explora los impulsos estéticos y culturales detrás de la creación de estatuillas con temas occidentales americanos tan populares entre el público de entonces como entre el público actual amante de la historia norteamericana.

Además de esculturas de artistas tan arquetípicos como Frederic Remington y Charles M. Russell, la exposición explorará la obra de escultores occidentales como James Earle Fraser y Paul Manship.

Los 28 escultores representados glorificaron colectivamente un pasado antiguo en el que los indios, vaqueros y la vida silvestre contrastaban claramente con las realidades arenosas de la industrialización y la inmigración a las ciudades de la Costa Este.

Muchos de estos escultores recibieron una rigurosa formación en academias de Nueva York y París, y aplicaron a sus creaciones sofisticadas técnicas escultóricas naturalistas, en las que jugaban magistralmente con las luces y sombras.

La muestra del MET ofrece una mirada fresca y equilibrada en los papeles multifacéticos jugados por estos escultores en la creación de interpretaciones tridimensionales de la vida occidental, basaDAS en hechos históricos y personajes mitificados.

El desarrollo de la fundición de bronce en América se puede contemplar a través de las obras que se exhiben en la exposición. El bronce (una aleación compuesta de cobre, con menores cantidades de estaño, zinc y plomo) era un material fácilmente disponible en los Estados Unidos. Debido a su accesibilidad y su coste relativamente bajo, llegó a ser considerado tanto un material 100% americano y democrático.

La exposición, la primera a gran escala dedicada al tema por el MET, reúne ejemplos de colecciones públicas y privadas de todo el país, y ha sido organizada en colaboración con el Museo de Arte de Denver.

Fukushima. Flores de invierno

28/12/2013, José María Sicilia, premio nacional de Artes Plásticas, expone hasta el 19 de enero de 2014 en Matadero Madrid la muestra Fukushima. Flores de Invierno.

Madrid, 28 de diciembre de 2013
José María Sicilia muestra un conjunto de piezas realizadas en diferentes técnicas, materiales y formatos, que reflejan los sucesos causados por el gran terremoto y el posterior tsunami que tuvo lugar el 11 de marzo de 2011 en la región japonesa de Tohoku.

El artista ha realizado esta colección a partir de una investigación de la zona en los meses posteriores a la catástrofe. El conjunto habla de lo efímero, del instante fugaz, de la memoria, del dolor y de la destrucción causada por el devastador terremoto.

Según la comisaria de la exposición, Carlota Álvarez Basso: “Aquel fue un viaje EXTREMO, mediante el cual el artista pretendía entender el drama de las gentes de la costa japonesa del Pacífico que habían sufrido el gran terremoto de marzo de 2011, seguido de un tsunami. Quizá el arte podía ayudarles a EXPRESAR sus sentimientos y a EXTERIORIZAR sus emociones. Así, estas EXTRAÑAS obras, eminentemente EXPERIMENTALES, son producto de su trabajo de campo por tierras de la región de Tohuku. Son la secuela de un proceso de recolección de datos, de huellas, de trazos de memorias privadas, por parte de un artista EXTRANJERO, que se acercó a la tragedia de otros”.

José María Sicilia es uno de los representantes más significativos, junto a Miquel Barceló y Miguel Ángel Campano, de la pintura española de los ochenta. Premio Nacional de Artes Plásticas en 1989, su obra ha derivado hacia la exploración de un sinfín de técnicas y formatos, de terrenos vírgenes.

Los Girasoles, en la National Gallery

28/12/2013, La National Gallery londinense nos presenta una gran ocasión para conocer un poco más a Van Gogh, con su muestra “The Sunflowers” ( Los girasoles) que se conteplará desde el 25 de enero al 27 de abril.

Londres, 28 de diciembre de 2013
Si el visitante acude a Londres antes de esta apertura, también tiene en la National Gallery otra muestra de alto interés, sobre el retrato en Viena en el entorno de 1900, con una buena selección de pinturas de Gustav Klimt , Egon Schiele y Oskar Kokoschka, entre otros.

Los girasoles
Los Girasoles ofrece a los visitantes la oportunidad excepcional de contemplar reunidas dos de las pinturas icónicas de Vincent van Gogh, dedicadas a los girasoles y mostradas juntas en Londres por primera vez en 65 años.

Los visitantes tendrán también la oportunidad de comparar y contrastar las obras maestras, y explorar una nueva investigación acerca de las prácticas de trabajo del artista.

Las pinturas, una propiedad de la Galería Nacional londinense y la otra del Museo Van Gogh de Ámsterdam (Vincent van Gogh Fundación), forman parte de las cinco versiones de “Los girasoles” que se conocen en todo el mundo; las otras actualmente están en Tokio, Múnich y Filadelfia.

La serie de Los girasoles se inició en 1888, cuando Van Gogh dejó París para pintar bajo el sol brillante del sur de Francia, invitando a Paul Gauguin a unirse a él. Pictóricamente, fue esta una época de esplendor del artista holandés.

A la espera de que llegara Gauguin a Arlés, Van Gogh pintó una serie de cuadros de girasoles para decorar la habitación de su amigo. Esta serie se interpreta como un signo de amistad y bienvenida, y también como un signo de lealtad de Vincent a Gauguin como su director artístico.

La pareja proyectaba crear un taller colectivo de pintura en Arlés, pero el proyecto no llegó a buen fin. Van Gogh y Gauguin trabajaron conjuntamente en el otoño de 1888, pero con el paso de los días la relación entre los dos artistas fue agriándose, debido a sus caracteres temperamentales y a sus diferencias y objetivos personales.

El culmen de este distanciamiento llegó en 23 de diciembre de 1888, cuando los artistas acabaron enfrentándose. Afectado por un ataque de nervios el holandés acabaría coartándose parte de la oreja. La policía lo hallaría inconsciente y lo ingresó durante poco tiempo en un asilo.

La muestra presentará los resultados de las investigaciones científicas más recientes sobre las dos pinturas, llevadas a cabo por las instituciones poseedoras de estos cuadros icónicos; investigaciones que han revelado nuevas pistas sobre cómo Van Gogh pintó sus Girasoles y qué materiales utilizó

El retrato en Viena
Ahora –hasta el 12 de enero- aún se puede contemplar en la National Gallery la muestra “Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900”, una gran exposición que examina el retrato como papel central en la pintura vienesa de los años que discurre entre 1867 y 1918, cuando la capital austriaca tuvo una intensa vida artística, cultural y social.

Desde 1867 hasta el final de la Primera Guerra Mundial en 1918, Viena fue la capital del Imperio de Austria-Hungría, uno de los países más grandes de Europa. Fueron tiempos de renovación económica, en los que hubo un afán por la modernidad en un clima de tolerancia religiosa y étnica. La ciudad creció, y en un marco de progreso, una potente clase media abierta y multicultural declaró su riqueza y estatus a través de retratos.

La exposición presenta a unas generaciones de pintores que abordaron el retrato en Viena con una mirada en la modernidad, sin perder de vista el pasado. Entre los primeros que se incluyen están Hans Makart y Anton Romako. Luego llegarían otros como Gustav Klimt, Egon Schiele, Richard Gerstl y Oskar Kokoschka, además de algunos menos conocidos Arnold Schönberg, Broncia Koller e Isidor Kaufmann.

En la exposición se presentan pinturas de grandes colecciones mundiales, incluyendo el Belvedere en Viena y el MoMA de Nueva York. Sin embargo, notables imágenes llegan procedentes de colecciones públicas y privadas más pequeñas.

Aragón es Historia y Arte

27/12/2013, El Gobierno de Aragón ha anunciado la puesta en marcha del proyecto "Corona de Aragón. Historia y arte", una iniciativa que aúna la revalorización de la historia y la cultura aragonesas, así como el interés turístico del territorio.

Zaragoza, 27 de diciembre de 2013
Este ambicioso proyecto cultural tendrá su arranque en 2015 con una gran muestra en torno a la figura de Fernando de Aragón y el nacimiento de la España moderna.

La Presidenta del gobierno de Aragón, Luisa Fernanda Rudi, declaró que el objetivo de esta tarea es el de propiciar un reencuentro "con la Historia" con una visión en la que se aúna el orgullo y la visión objetiva, con los ojos de la sociedad democrática y abierta.

Esta iniciativa quiere dar a conocer el papel que jugaron el Reino de Aragón y la Corona de Aragón en la historia de España y Europa, y crear un foco permanente de acción cultural, educativa y turística.

Se plantea este proyecto como algo que va mucho más allá de una simple exposición, y por ello se desarrollará mediante eventos anuales entorno a un eje concreto, protagonista o acontecimiento, y en torno a él también habrá actuaciones académicas, científicas,educativas, artísticas, de restauración del patrimonio y de promoción turística.

Se ha elegido el tema de “Fernando de Aragón y el nacimiento de España” como eje de la primera edición del proyecto “Corona de Aragón”, que se desarrollará durante 2015 y servirá para reivindicar la figura de Fernando II de Aragón, de cuya muerte se cumplirán quinientos años en 2016.

Las siguientes ediciones anuales girarán entorno a “El origen del Reino” (2016), “La expansión territorial: de Reino a Corona” (2017) y “Órdenes, monjes y caballeros: Los monasterios en la Corona de Aragón” (2018).

Seguidamente se plantearán las muestras sobre:

Aragón y Flandes. Historia de un encuentro.
Aragón, tierra de pactos.
Derecho e instituciones aragonesas: los Fueros, las Cortes, el Justicia.
Aragón, tierra de diálogo.
La presencia judía en Aragón.
El Arte Gótico aragonés.
El Románico en Aragón.
Aragón en Italia.
Aragoneses Universales.

El proyecto de 2015, dedicado a don Fernando de Aragón se presentará en dos sedes: la Catedral del Salvador y el Palacio de La Aljafería de Zaragoza.

La celebración en 2016 del quinto centenario de la muerte del monarca brinda la ocasión de reivindicar la figura de don Fernando II de Aragón, un monarca aragonés clave en la construcción política de España y Europa, pero también en el descubrimiento del Nuevo Mundo. Fernando encarna el ideal del príncipe del Renacimiento y en él se inspiró Maquiavelo para redactar su obra epónima, es también el modelo de político por antonomasia en la célebre obra de Gracián.

Los contenidos de esta muestra serán: La Corona de Aragón en la unión dinástica hispana; Fernando de Aragón como príncipe del Renacimiento, El Mediterráneo en la política de Fernando el Católico, Arte Mudéjar Aragonés, El final de cinco siglos de presencia judía en Aragón, La guerra en Granada, La política internacional de Fernando el Católico, Los Reyes Católicos y la empresa de Indias, Patronazgo artístico de Fernando II en la Corona de Aragón, La imprenta en Zaragoza, Música para un príncipe, El Santo Oficio en Aragón, Jerónimo Zurita y los Anales de la Corona.

En el 2016, cuando se analizará el origen del Reino de Aragón, las sedes expositivas estarán en el norte de la región, precisamente donde arrancó la historia el Reino: Catedral de San Pedro de Jaca, el monasterio de San Juan de la Peña; el de San Pedro el Viejo, y la catedral de Santa María, en Huesca.

La recuperación de El Paular

27/12/2013, Un recorrido por los proyectos de restauración realizados en el Monasterio de Santa María de El Paular por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE).

Madrid, 27 de diciembre de 2013
La muestra "La recuperación de El Paular" realiza un recorrido por la historia del monasterio situado en el término municipal de Rascafría en la Comunidad de Madrid. Así, da cuenta del periodo entre 1390 y 1836, el proceso desamortizador del siglo XIX y sus efectos hasta 1936. Seguidamente expone todo lo acontecido en el pasado reciente del conjunto monástico, desde 1936 a 1985, periodo que abarca la posguerra y la llegada de la Orden Benedictina que actualmente habita el inmueble.

El plan de recuperación
La recuperación del Monasterio de Santa María de El Paular se inició con la declaración del conjunto como Monumento Histórico Nacional el 27 de junio de 1876.

Los medios dispuestos por la administración pública para la recuperación del Paular durante los primeros 85 años del siglo pasado, se destinaron a la restauración de las áreas consideradas entonces de mayor valor artístico, pero la complejidad de los daños, la gran extensión del conjunto monástico y la ausencia de metas a medio y largo plazo, impidieron realizar intervenciones ordenadas según una hoja de ruta que definiera las prioridades.

No fue hasta 1991 cuando se realizó, con carácter general, una evaluación de daños del conjunto. Poco después, en 1996, se redactó, por iniciativa del entonces Ministerio de Cultura y de la Comunidad de Madrid, un “Plan Director de Intervención Integral” para definir los objetivos estratégicos y los programas de actuación.

Gracias a esta guía, el Monasterio ha mejorado considerablemente durante los últimos doce años, a través de diversas actuaciones de investigación, conservación y restauración del patrimonio, desde el retablo mayor de alabastro policromado o la sillería de coro, pasando por la portada de piedra del recinto, hasta las cubiertas del conjunto.

Una vez resueltos los problemas que afectaban al soporte físico de la mayor parte de las edificaciones, se procedió a mejorar tanto su funcionalidad, como la puesta en valor de los bienes muebles y elementos singulares que contiene, de modo que el visitante pueda percibir la verdadera significación histórica y arquitectónica del conjunto monumental.

La serie de Vicente Carducho
Cabe destacar la serie cartujana pintada por Vicente Carducho (Florencia, c.1576 - Madrid, 1638) a comienzos del siglo XVII para la Cartuja de Santa María de El Paular. Este ciclo, recuperado gracias a la intervención del Museo del Prado en 2011, se puede contemplar en su emplazamiento original, y está integrado por cincuenta y dos telas divididas en dos grupos.

Los veintisiete primeros ilustran la vida del fundador, San Bruno de Colonia (1035-1101), desde el momento mismo en que decide abandonar la vida pública y retirarse a la Grande Chartreuse, hasta su muerte y primer milagro. El segundo grupo está dedicado a los hechos más notables de los cartujos en diferentes ámbitos geográficos de Europa, en un recorrido por los siglos XI al XVI que muestra el impulso fundacional de la orden: el retiro en paisajes solitarios de gran belleza y la vida de humildad y penitencia, dedicada al estudio y la oración.

La serie se cierra con escenas “heroicas”, la persecución y el martirio padecidos por algunas comunidades cartujanas en los siglos XV y XVI, unas imágenes que pretendían reforzar la fe de los cartujos, al tiempo que proyectaban los conflictos religiosos y territoriales de la Europa del momento. Por lo demás, la serie refleja bien la característica religiosidad del Barroco, marcada por la oración, el martirio, los milagros y las visiones extáticas.

La recuperación de El Paular
Monasterio de El Paular
Rascafría (Comunidad de Madrid)
Hasta el 30 de diciembre de 2014

Ardió santuario de la Costa da Morte

26/12/2013, El interior del famoso santuario de Virgen de la Barca, en Muxía, La Coruña, se perdió esta Navidad, calcinado en un incendio causado, al parecer, por un rayo

La Coruña, 26 de diciembre de 2013

Además, el tejado de este emblemático edificio se ha caído; pero los daños de la estructura aún no se han evaluado en su totalidad.Aparentemente las paredes exteriores y campanarios han resistido bien.

El santuario está al lado del mar, en el corazón de la conocida como Costa da Morte, en uno de los entornos gravemente dañados por el famoso desastre del Prestige.

El presidente del Gobierno gallego, Alberto Núñez Feijóo, visitó hoy el lugar y declaró el compromiso de iniciar los trámites para la licitación urgente del proyecto de rehabilitación y reconstrucción del inmueble.

El presidente gallego recordó que este santuario es uno de los grandes centros de peregrinación de Galicia y un símbolo de la Galicia marinera.

La Virgen de la Barca

Aunque el templo parroquial de Muxía es de un mayor valor artístico, el más popular del lugar es este otro, dedicado a Santa María de la Barca, de una robusta imagen pétrea, alegrada por las dos airosas torres campanario. El origen del santuario es medieval, pero el edificio actual es del XVIII.

No son menos famosas las grandes piedras del entorno costero. Según la tradición, la propia Virgen María llegó a este punto transportada en una barca de piedra, con el objetivo de animar al apóstol Santiago en una predicación por el oeste de Hispania en la que no cosechaba el éxito esperado. Aún hay junto al santuario una piedra (La Pedra de Abalar) que sería el casco de la barca, en tanto que la vela sería otra piedra (La Pedra dos Cadrís). Ambas tienen fama de ser especiales: la una por su capacidad sonora y la otra por su valor curativo. No falta incluso una tercera piedra que sería el timón del milagroso navío mariano.

En torno a esta Virgen se celebra una la popular romería de la Barca, en la primera quincena de cada mes de septiembre, en la que el culto a la Virgen –originario de la Edad Media- se complementa con una multitudinaria manifestación de ocio y devoción. Puestos de venta de productos, gaiteros, bandas, cohetes… es la gran fiesta de la Costa de la Morte.

Los retablos han quedado prácticamente calcinados, en especial el central, y del interior del templo apenas se han salvado algunos elementos, básicamente de mobiliario. Nuñez Feijóo anunció que espera que en pocos meses el santuario esté ya rehabilitado.

Guía de Muxía

http://www.guiarte.com/pueblos/muxia-costa-da-morte.html Guía de la Costa de la Muerte

http://www.guiarte.com/costa-da-morte/

Restauración de la Basílica de la Natividad de Belén

21/12/2013, Hace tres meses que comenzó la urgente intervención de la Basílica de la Natividad de Belén, cuya última restauración tuvo lugar 300 años atrás.

Belén, 21 de diciembre de 2013
En esta reforma colaboran el Vaticano, la Autoridad Nacional Palestina, los empresarios y particulares locales y los gobiernos de Francia, Rusia, Hungría, Grecia y España. La reforma total requerirá un presupuesto de aproximadamente 60 millones de euros.

Hace 1.700 años, el emperador romano Constantino levantó un templo situado a 10 km al sur de Jerusalén, en el lugar donde se dice que tuvo lugar el nacimiento de Jesucristo. La primera iglesia fue sustituida por otra en el siglo VI tras sufrir un incendio. En la iglesia actual se conservan suelos de mosaico muy elaborados procedentes del edificio original.

En 2012, el Comité del Patrimonio Mundial inscribió la Basílica de la Natividad de Belén (sitio de la UNESCO) en la Lista de Patrimonio en Peligro, debido a los daños sufridos por infiltraciones de agua en el edificio. Por este motivo, la rehabilitación del templo es una medida más que urgente.

La primera etapa de reparaciones empezó en septiembre de 2013, y servirá para cambiar techo y ventanas. Se espera que haya sido completada en septiembre de 2014. Tras esta primera fase, se comenzará con la rehabilitación del enlucido de la iglesia y los mosaicos.

Los orígenes del Nacimiento

21/12/2013, Todos los años, con la llegada de la Navidad, los cristianos montan el Belén, una costumbre arraigada desde hace siglos en lugares como América Latina, Filipinas, sur de Italia y España.

Madrid, 21 de diciembre de 2013
Esta costumbre navideña llena de ternura, representa la llegada de Jesucristo al mundo en una escena cercana y de carácter tradicional que retrata la sociedad de la época. los personajes principales son el niño, María y San José. Junto a ellos se encuentran el ángel, los pastores con sus ovejas, la mula, el buey, y toda una escenografía en la que no faltan los tan apreciados Reyes Magos.

El Nacimiento tradicionalmente estaba hecho de materiales como el barro, la madera, el marfil, la plata o el oro, pero en la actualidad se han ido añadiendo otros materiales como el papel o el plástico.

Muchas ciudades del mundo, vinculadas a la herencia cultural española -desde Nápoles a Manila- tienen en el Belén un elemento en el que se muestra tradicionalmente unido lo religioso y lo popular. Cuenta la tradición que su origen vino de la mano de San Francisco de Asís, allá por el 1233. La costumbre se extendería por Europa con los monjes franciscanos y las clarisas. En España se popularizaría a mediados del siglo XVIII con el rey Carlos III.

Un Belén Patrimonio Cultural
CentroCentro Cibeles (Plaza Cibeles, 1, Madrid) acoge durante estas Navidades y hasta el 2 de febrero de 2014 uno de los belenes más importantes de España, un conjunto excepcional realizado por el maestro de origen napolitano Francisco Salzillo.

Comenzado hacia 1783, este Nacimiento de 556 figuras de 30 centímetros, está realizado en arcilla y madera, y ha sido ricamente policromado en un estilo rococó. El Belén fue completado por su discípulo Roque López, así como por José López y otros maestros.

En el Belén convive una pintoresca galería de personajes contemporáneos a Salzillo, presentes en la pintura costumbrista, los tapices y en el mundo castizo de comedias y sainetes. Desfilan pastores y gañanes junto con la refinada nobleza local, representada por los pajes del cortejo de los Reyes. Junto a ellos se hacen presentes los delicados y movidos ángeles y los personajes sagrados, que visten prendas atemporales enriquecidas con el oro de los estofados de las telas.

Este Belén muestra una amplia galería de tipos humanos, con retratos extraordinariamente realistas. De hecho, se cuenta que Salzillo daba cobijo en su casa a mendigos a cambio de que posaran para él.

Declarado Patrimonio Cultural Nacional, el Belén de Salzillo fue realizado en la última etapa de la vida del escultor y se trata de un verdadero espejo de las costumbres de finales del siglo XVIII.

Gran muestra sobre los mayas, en México

20/12/2013, Mayas, revelación de un tiempo sin fin es el título de una gran exposición compuesta por 479 obras, varias de ellas inéditas, que se puede ver en la capital mexicana hasta abril de 2014.

México D.F., 20 de diciembre de 2013
La exposición, organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), en colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y Palacio Nacional, se exhibe en la Galería de Palacio Nacional, y se compone de urnas, incensarios, cerámica, estelas, dinteles, máscaras funerarias de jade y dos entierros con sus ofrendas, además de una cruz atrial, huipiles y otros objetos que aluden a las épocas colonial y contemporánea.

Según los organizadores, las obras son representativas de toda el área en que se desarrolló la cultura maya y que abarcan desde el periodo Preclásico Temprano o Formativo (2500 a.C.) hasta la actualidad. Son trabajos de calidad excepcional que reflejan la capacidad creadora, la sensibilidad estética y la perfección lograda por los mayas.

Las piezas están ordenadas temáticamente con el fin de mostrar —además de su valor estético— las formas de vida, la organización sociopolítica, la conciencia histórica, la religiosidad y la cosmovisión de los mayas.

La exhibición comienza con una sección introductora en la que a través de videos se aborda la diversidad cultural de los grupos mayas. En esta misma área una pieza espectacular recibe al público: el Tablero del Trono del Templo XXI de Palenque, “el cual es una de las expresiones plásticas más excelsas del arte maya”, según Mercedes de la Garza Camino, comisaria de esta muestra.

En la primera sección, El hombre frente a la naturaleza, se plantea la relación de los mayas y del mundo indígena prehispánico en general con los animales y las plantas, muchas de carácter sagrado y con cualidades psicoativas que fueron esenciales en los ritos chamánicos. Se exhiben múltiples representaciones plásticas de flora y fauna de los periodos Preclásico (2500 a.C.) y Clásico (250-900 d.C.).

Le sigue el tema Comunidad y vida cotidiana, que muestra a la sociedad maya en sus diversos aspectos, con énfasis en las ofrendas, indumentaria, ornamentos corporales y costumbres alimenticias.

En el módulo El corazón de las ciudades se reúnen elementos arquitectónicos, escultóricos y pictóricos de áreas ceremoniales de algunas de las grandes urbes mayas, “entre ellas la arquitectura de la ciudad de Chincultik, en Chiapas, por la belleza de sus dinteles”, refirió De la Garza.

En el apartado El hombre frente al tiempo y los astros se exhiben inscripciones de tipo astronómico y calendárico en piedra y estuco, con sus lecturas epigráficas. Asimismo, se integran vasijas y otros objetos con representaciones cosmológicas.

“Otro tema muy importante es el de Las elites gobernantes y su historiografía, en el que se muestra a los mayas escribiendo su propia historia, sobre todo la de los gobernantes, a través de inscripciones jeroglíficas que dejaron plasmadas en estelas y otras piezas. De este modo, se presentan obras que revelan el ascenso al trono, hazañas guerreras, matrimonios, así como a los personajes religiosos y políticos, que al lado del gobernante supremo, estaban a la cabeza de los Estados mayas. Gracias a los avances en la epigrafía, la mayor parte de estos textos ya se pueden leer y esta interpretación se manifiesta a través de gráficos” según Mercedes de la Garza Camino. .

En Las fuerzas sagradas se explican las ideas religiosas y la sacralidad de la vida expresada en figurillas características de deidades femeninas, así como en dioses representados en cerámica, esculturas, urnas, incensarios, etc.

A estos apartados le siguen las dedicadas a los mayas coloniales y contemporáneos, con piezas del periodo virreinal; se proyecta además el video de un libro que escribieron los mayas pero ya con escritura latina, así como una cruz atrial que representa su integración al cristianismo. En la parte dedicada a los mayas actuales, se exhiben huipiles, tambores y otros objetos de su vida cotidiana, además de un cuadro de la pintora Leonora Carrington, quien luego de visitar algunas comunidades mayas de Chiapas, quedó fascinada y decidió pintar una obra que reflejara todo lo que había captado de esta etnia.

La colección exhibe obras del Museo Nacional de Antropología y de museos de la región maya de México, así como de los museos Nacional de Arqueología y Etnología, Popol Vuh y Miraflores, de Guatemala.

Morell en el Paul Getty Museum

20/12/2013, El Paul Getty Museum de Los Ángeles presenta una muestra dedicada a la obra del fotógrafo cubano Abelardo Morell, hasta enero de 2014.

Los Ángeles, 20 de diciembre de 2013
La exposición, organizada por el Art Institute of Chicago y el Hight Museum of Art in Atlanta, contiene más de cien fotografías de Abelardo Morell (1948, La Habana), cuya obra destaca por su afán de retratar el detalle y por la búsqueda de lo extraordinario y lo poético en los objetos cotidianos.

El artista cubano, de raíces españolas, se exilió en Estados Unidos durante su adolescencia y allí comenzó a estudiar y a dedicarse de manera profesional a la fotografía.

Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Garry Winogrand y Diane Arbus, que solían abordar la fotografía merodeándo por las calles con cámaras de mano, fueron los ejemplos que Morell tomaría en los inicios de su carrera.

Tras el nacimiento de su primer hijo, en 1986, Morell vive un antes y un despúes en su manera de abordar la fotografía. En palabras del fotógrafo "Empecé a hacer fotografías como si yo mismo fuera un niño. Esta estrategia me hizo ver las cosas a mi alrededor con más atención, más lentamente, y desde puntos de vista que no había considerado antes". Desde la perspectiva de un niño, el fotógrafo capta el mundo exterior de una manera misteriosa.

Su serie Camera Obscura, que le daría fama internacional, comenzaría en 1991. Para realizar sus fotografías, Morell transforma habitaciones enteras en cámaras, cubriendo las ventanas e insertando un pequeño agujero para proyectar las vistas del exterior en una de las paredes del interior de la habitación. En 2005 Morell empieza a producir estas imágenes con color y, finalmente, incorpora mejoras técnicas. Es entonces cuando empieza a emplear una lente de dioptría, un instrumento óptico que reduce significativamente el tiempo de exposición y aumenta el brillo y la nitidez de la imagen.

Los objetos cotidianos ejercerían una gran fascinación en Morell, que con ellos intenta explorar el potencial de la imagen y los juegos de luces y sombras que dichos objetos proyectaban.

Recientemente, en 2010, Morell comenzó a usar una nueva técnica denominada "Cámara-Tienda". Desde el interior de su tienda de campaña el artista muestra la grandeza del oeste americano desde un nuevo punto de vista, gracias a un periscopio colocado en la cúspide de su tienda, que le permitía proyectar la vista del paisaje circundante sobre el suelo.

Abelardo Morell: The Universe Next Door
J. Paul Getty Museum
Los Ángeles
Hasta el 05 de enero de 2014

Comparte tu Navidad

18/12/2013, Castilla y León te ofrece más de 150 actividades únicas para vivir la Navidad a través de seis propuestas temáticas de ocio.

León, 18 de diciembre de 2013
La Junta de Castilla y León lanza la nueva campaña de Navidad para este año 2013. Hasta el 19 de Enero, desde la web de Turismo de Castilla y León están disponibles más de 150 propuestas de ocio diferentes agrupadas en torno a seis espacios temáticos para todos los públicos.

La campaña "Comparte tu Navidad en Castilla y León" basa su estrategia en la colaboración entre la Administración regional y las empresas privadas de la hostelería y el turismo de Castilla y León, a través de las asociaciones regionales, para ofrecer paquetes turísticos de calidad, únicos e irrepetibles, para conocer la gastronomía de Castilla y León, sus parajes naturales, sus históricos municipios y su diversidad cultural, con el trasfondo de la Navidad como eje de unión de todas las actividades.

Navidad de aventura, Navidad gastronómica, Navidad rural, Navidad en ciudad, Navidad en familia y Navidad especial son los seis espacios temáticos que recogen planes tan variados como establecimientos con originales talleres para niños, actividades de turismo activo y outdoor, catas o comidas para disfrutar de lo mejor de la cocina tradicional castellano y leonesa, alojamientos rurales en entornos de naturaleza en estado puro, entradas para vivir los reclamos de los principales destinos urbanos de la Comunidad, o escapadas románticas y de wellness, entre otros.

En la campaña también tienen cabida otros eventos culturales propios de estas fechas. Conciertos navideños, belenes vivientes en diferentes municipios de Castilla y León, representaciones teatrales, la Semana de la Magia de León, la concentración motera de Los Pingüinos de Valladolid, la Exposición de Miró en Burgos, la conmemoración de los 25 años de Las Edades del Hombre de Valladolid, el Festival de música Purple Weekend, así como las festividades populares de los distintos municipios de la Comunidad.

Consulta el calendario de eventos en:
http://www.turismocastillayleon.com/navidad

La Biblioteca Nacional de España, cifras en 2013

18/12/2013, Más de 155.000 personas acudieron a las exposiciones de la BNE durante el año 2013. Las más visitadas fueron Durero grabador y La lengua y la palabra.

Madrid, 18 de diciembre de 2013
En el año 2013, la Biblioteca Nacional de España ha presentado en sus salas Hipóstila y Recoletos siete exposiciones y ha recibido a 155.000 personas, que han podido contemplar y descubrir contenidos tan dispares entre sí, como las encuadernaciones mudéjares, los grabados de Durero, la historia de la RAE, o la caligrafía japonesa.

Las más vistas
Del 6 de febrero al 5 de mayo, la Biblioteca dedicó una muestra a Alberto Durero, uno de los grandes artistas de los siglos XV y XVI, en la muestra Durero grabador. Del gótico al Renacimiento. Ésta ha sido la que más ha despertado el interés del público, ya que ha recibido 45.530 visitantes. En ella se reunían 93 grabados del creador alemán, a los que hay que se añadieron estampas de otros artistas de la edad de oro del grabado germano, como Hans Golbein, Lucas Cranach o los hermanos Baham.

La lengua y la palabra. Trescientos años de la Real Academia Española, que se inauguró el 27 septiembre, ha sido la segunda muestra más concurrida, con cerca de 30.000 visitantes, que se han acercado a recorrer las 322 piezas de diferentes épocas que se exhiben en ella, como pinturas, grabados o joyas bibliográficas, y con las que se viaja a lo largo de la historia de la Real Academia de la Lengua Española. La muestra se podrá ver hasta el 26 enero de 2014.


Nicanor Parra, poeta, matemático y físico chileno, también ha tenido su espacio entre las muestras de la Biblioteca, con Parra. Obras Públicas, que ha conseguido una cifra de 22.083 visitantes.

La Transición en Tinta China ofrecía la breve historia de la Transición política española a través de las viñetas de los dibujantes más importantes, que daban a conocer a través de sus obras una visión crítica, rebelde y comprometida con la libertad. 19.012 han sido el total de visitantes que se han interesado por esta exposición.

10.048 personas asistieron a la muestra Piel sobre tabla. Encuadernaciones mudéjares en la BNE. En ella, se pudieron contemplar distintos libros de estilo mudéjar, fenómeno que se remonta a los reinos hispánicos de la época medieval, así como fotografías del siglo XIX, en las que se retrataba la arquitectura de aquel periodo.

La exposición Esteban Lisa. Retornos, sedujo a 10.235 visitantes. Con unas 120 obras, de entre los años treinta y setenta, así como con diversos dibujos, libros y fotografías, se reconocía el lenguaje personal y propio dentro de la abstracción del artista argentino.

Caligrafía Japonesa se presentó el 14 de noviembre de 2013, y se podrá visitar hasta el 2 de febrero del próximo año. Hasta el momento, ha recibido cerca de 8.000 espectadores. Está compuesta por 91 obras realizadas por algunos de los artistas más representativos de la caligrafía japonesa contemporánea.

A estos números, hay que sumar los asistentes que acudieron a ver las tres últimas muestras del 2012, en las primeras semanas del 2013. Éstas fueron El libro como, De pasadizo a Palacio. Las casas de la Biblioteca Nacional y El ruido Alegre del Jazz.

Asimismo, se deben contar también todos los visitantes que ha acogido el Museo de la BNE durante el año. En él, se han podido contemplar distintas exposiciones: De biblioca a biblioca; El despertar de la escritura femenina en lengua castellana; El Libro vestido; La colección MIMB (Monumental Ideas in Miniature Books); o una escogida selección de la obra de Richard Wagner.

Sala Várez Fisa

17/12/2013, El Museo del Prado presenta la impresionante sala dedicada a un singular conjunto de obras de arte español desde 1200 a 1500, donado por la familia Várez Fisa.

Madrid, 17 de diciembre de 2013
El Museo del Prado presenta la nueva sala monográfica dedicada a la colección de la familia Várez Fisa, con la que enriquece y completa el discurso del arte medieval y renacentista español en sus colecciones.

La Sala Várez Fisa, ubicada dentro del nuevo emplazamiento de las colecciones de pintura española del Románico al Renacimiento, acoge las obras donadas en el mes de enero de 2013, junto a otras cuatro procedentes también de esta colección que la familia Várez Fisa ha accedido depositar a largo plazo.

Bajo el artesonado procedente del coro de la iglesia de Santa Marina en Valencia de Don Juan (León), obra única en el Prado por su tipología y dimensiones (once metros y medio de largo y más de seis de ancho), se pueden contemplar obras singulares como la Virgen de Tobed (1359-1362) tradicionalmente atribuida a Jaume Serra. Un ejemplo excepcional de pintura italo-gótica catalana, y un valioso documento histórico, ejemplo de propaganda política inusual en la que Enrique de Trastamara se autoproclama rey de Castilla años antes de la muerte de su hermanastro el rey Pedro I el Cruel (+1369).

Destacan además dos frontales, el de Sollalong (Ripoll) del taller del Maestro de Lluóа y el de Arnedillo (La Rioja), y la pintura mural del Maestro de Sant Esteve de Andorra, una muestra del románico pirenaico, inexistente en el Prado, de sumo interés al estar influida por el nuevo arte bizantino que se difundió en los últimos años del siglo XII y marca la transición al protogótico.

El estilo gótico lineal está magníficamente representado por el retablo de San Cristóbal, donado al Museo del Prado en el ya lejano año de 1970. Escenas sacras como la Santa Cena o El descenso al limbo se suman a otras de carácter profano -en mucho mayor número-, con temas cinegéticos, torneos, danzas, escenas amatorias junto a otros protagonizados por animales o monstruos, en ocasiones combatiendo entre sí, por no mencionar la reiteración con que aparecen los temas heráldicos: escudos de Castilla y León, de los Luna y de los Rojas.

La pintura hispanoflamenca valenciana se refuerza con la incorporación del San Antonio abad de Joan Reixach, y la pintura de los inicios del Renacimiento se enriquece con las dos tablas de Pedro Berruguete con los cuatro Padres de la Iglesia latina, san Gregorio, san Jerónimo, san Ambrosio y san Agustín.

La escultura del Prado efuerza su presencia con el retablo de San Juan Bautista, de los inicios del gótico, de gran rareza y en buen estado de conservación, y con la Virgen entronizada con el Niño, atribuida a Gil de Siloé, prácticamente idéntica a la que se conserva en la cartuja de Miraflores, otra contribución importante, al ser Siloé uno de los artífices más destacados de la escultura europea del siglo XV.

La sala Várez Fisa se completa con las cuatro obras depositadas temporalmente: el tríptico del Nacimiento de Jesús del Maestro del Zarzoso (1450), la Virgen con el Niño de Juan de Flandes (doc. 1496-1519), el Nacimiento de Cristo con el donante de Fernando Llanos (doc. 1506-1525?), y la oración en el huerto de Paolo de San Leocadio (1447-1520).

Indomania en el BOZAR

17/12/2013, El esplendor de los mongoles y los maharajás, la espiritualidad, la luz y los colores, la pobreza y el sistema de castas son aspectos de la India que han impactado a viajeros de todas las épocas que han descubierto este país.

Bruselas, 17 de diciembre de 2013
La exposición Indomania, en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, cuenta la historia de una pasión compartida por muchos artistas a lo largo del tiempo.

En 1498 Vasco da Gama abrió la ruta marítima a la India. En ese momento, se descubre ante Occidente un fascinante territorio de increíble riqueza, tanto material como espiritual. Este nuevo mundo embriaga a pintores, escultores, fotógrafos, escritores, intelectuales, cineastas y músicos, que sucumben desde entonces y con el paso de los años a la estética y a la cultura indias.

Por primera vez, las obras de estos artistas se reúnen, desde Rembrandt a Rauschenberg, pasando por Gustave Moreau, Auguste Rodin, Cartier-Bresson o Pier Paulo Pasolini, para mostrar una visión de la India más exótica a través de más de 250 objetos entre pinturas, dibujos, esculturas, textiles, joyas y fotografías, desde la época de Alejandro Magno hasta nuestros días.

Las obras proceden de colecciones internacionales de instituciones como el Museo Británico, la Biblioteca Británica, el Victoria & Albert Museum, el Louvre, el Musée Guimet, el Museo Rodin o el Centro Pompidou entre otros.

Indomania
Hasta el 26 de enero de 2014
BOZAR
Palacio de Bellas Artes
Rue Ravenstein 23, Bruselas

Justicia alimentaria. Sembrando esperanza

17/12/2013, Hasta el 12 de enero de 2014 se puede visitar en CaixaFórum Palma una muestra de fotografía dedicada al problema de la distribución de alimentos.

17 de diciembre de 2013
Justicia Alimentaria. Sembrando esperanza, en colaboración de la FAO y de Intermón Oxfam, pone de relieve la problemática de la distribución y el acceso a los alimentos a escala global. En la actualidad, en el mundo se produce suficiente cantidad de alimentos para alimentar a todo el planeta, sin embargo, más de 900 millones de seres humanos pasan hambre y muchos mueren a causa de esta desigualdad.

A través de las fotografías del mallorquín Pep Bonet, realizadas para proyectos en comunidades rurales de Bolivia y Tanzania, se da voz a los pequeños productores de los países en desarrollo, quienes padecen especialmente la pobreza y el hambre, y a la vez son una solución necesaria para el futuro de la alimentación en el planeta.

Estos testimonios muestran lo mucho que se puede hacer con poco: organizarse para exigir precios más justos, construir almacenes para la conservación del grano, diversificar los cultivos aprovechando variedades locales, mejorar las técnicas de riego, etc.

Pequeñas acciones que permitirían el desarrollo socioeconómico de las comunidades más castigadas por el hambre y la pobreza, mejorarían sustancialmente las condiciones de vida de las poblaciones más vulnerables de los países en desarrollo.

Justicia alimentaria. Sembrando esperanza
CaixaFórum Palma de Mallorca
Plaça de Weyler 3, Palma

Gran Bretaña en Nochevieja

16/12/2013, Nada como recibir el año 2014 disfrutando de alguna de las 4 mejores fiestas de Nochevieja que se celebran en Gran Bretaña.

Londres, 16 de diciembre de 2013
En estos días, Gran Bretaña se ilumina y se llena de gente dispuesta a bailar hasta que salga el sol o a patinar hasta la extenuación. Pero apetezca lo que apetezca, lo importante es recibir el año nuevo a lo grande.

Edimburgo, Escocia
La maratoniana Nochevieja edimburguesa "Hogmanay" es conocida en todo el mundo. De cinco días de duración, esta festividad está empapada de whisky e iluminada por una procesión de antorchas inaugural. La propia noche de fin de año se celebra con un concierto a la luz de las velas, danzas tradicionales escocesas y conciertos, mientras cegadores fuegos artificiales son lanzados desde el castillo y Calton Hill.

Festival de las bolas de fuego de Stonehaven, Escocia
Stonehaven, al sur de Aberdeen, congrega a cientos de visitantes durante los últimos días del año, deseosos de ver los desfiles que se realizan por las calles de la ciudad con bolas de fuego balanceantes. El tradicional Festival de las bolas de fuego de Nochevieja es ya una costumbre famosa, que se respeta desde por lo menos el año 1908 pero data de mucho antes.

Londres, Inglaterra
Pasear por la orilla del Támesis para ver los maravillosos espectáculos pirotécnicos desde la noria London Eye es una forma romántica y especial de comenzar el nuevo año. Los mejores puntos para observar este espectáculo pirotécnico gratuito son Victoria Embankment, al norte del Támesis, y los puentes (Waterloo, Westminster y el puente peatonal Jubilee al este; el Millennium Bridge solo ofrece vistas parciales de la noria London Eye). Llega temprano para situarte en un buen lugar.

Cardiff, Gales
Recibe el año nuevo patinando a medianoche en la pista de hielo del Winter Wonderland de Cardiff o dando una vuelta en la majestuosa noria. Antes de calzarte los patines, pasa por el Castillo de Cardiff para ver el espectáculo de fuego: las esculturas de fuego, las máquinas de llamas y los fuegos artificiales.

Fiesta y Color. La mirada etnográfica de Sorolla

16/12/2013, Hasta el 25 de mayo de 2014 en el Museo Sorolla de Madrid se puede visitar una interesante muestra que pone en relieve el interés de Joaquín Sorolla por las costumbres y festividades populares.

Madrid, 16 de diciembre de 2013
El pintor valenciano Joaquín Sorolla detuvo su mirada en las costumbres, gentes y tradiciones populares en dos etapas de su producción. La primera durante su juventud, en su estancia en Asís (Italia), y a su regreso a Valencia (1885-1890), una época que coincide con el auge de los cuadros de género, y durante la cual Sorolla pintaría escenas costumbristas muy detallistas, de una técnica depurada y generalmente pequeño tamaño, que representan escenas amables, frecuentemente ambientadas en Valencia.

La segunda etapa será ya de un Sorolla plenamente asentado, con una carrera triunfal, que entra en contacto con el mercado americano a través de dos grandes mecenas, Thomas Fortune Ryan y Archer Milton Huntigton, que le hacen importantes encargos que devolverán a Sorolla a los temas regionales, aunque desde una perspectiva, una técnica y una seguridad artística completamente diferentes.

Regiones de España
En 1911 Sorolla firma con Huntigton un contrato por el que se compromete a pintar “una serie de paisajes de las provincias en las que se realzan los trajes típicos”. Esta serie, denominada “Regiones de España”, estaría destinada a la Biblioteca de la Hispanic Society de Nueva York.

La serie, compuesta por 14 grandes cuadros de algunas regiones españolas, que se caracterizaban por sus gentes, trajes, costumbres y paisajes, embarca a Sorolla en una aventura de 8 años de duración. En ese tiempo, el pintor conoce de primera mano y pinta los trajes y tipos populares, los paisajes y los matices de la luz de cada región.

Además, Sorolla, adquiere fotografías, y recopila y colecciona piezas relacionadas con su encargo: trajes de mujer y de hombre, de fiesta y de trabajo; joyas y todo tipo de complementos: sombreros, mantas, alforjas, etc. Sorolla retratará estas piezas en unos cuadros de tamaño natural, que le sirven de boceto y de documentación visual para luego componer su obra.

La muestra
La exposición Fiesta y Color. La mirada etnográfica de Sorolla, reúne algunas de esas pinturas con las piezas de indumentaria popular que Sorolla adquirió, parte de las cuales se conservaban en el Museo Sorolla, mientras que otras han sido recientemente donadas a la Fundación Museo Sorolla por la familia Pons-Sorolla.

Son en total 25 piezas de pintura (figuras y paisajes) y 9 conjuntos de indumentaria, además de la joyería de indumentaria correspondiente a cada conjunto, así como una selección de fotografías y cartas.

Junto con las propias colecciones del Museo Sorolla, se exponen piezas del Museo del Traje y de la Fundación La Argentinita Pilar López, y un cuadro de tema valenciano de colección particular nunca mostrado en ninguna exposición.

Los poljes dináricos: un interesante sistema

13/12/2013, Por la región occidental del Adriático discurren los Alpes Dináricos, en los que hay un interesante sistema cárstico, con rica biodiversidad, como destaca la web de la Convención sobre los Humedales, Ramsar.

Gland (Suiza) 12 de diciembre de 2013
Según un informe publicado por Tobias Salathé, en esta parte del sureste de Europa, se suceden las grandes cuencas agrícolas abundantes en agua y rodeadas de montañas. Existen hasta 140 poljes dináricos, en el territorio que se extiende desde Eslovenia a Albania, incluyendo partes de Croacia, Servia, Bosnia – Herzegovina, Montenegro y Kosovo.

Los poljes son depresiones en el macizo de roca cárstica, como valles cerrados, de fondo plano, rodeados de montañas calizas, y cuyos fondos a veces están inundados o son zonas de pastizales y de aprovechamiento agrícola.

El complejo dinárico de poljes se extiende varios cientos de kilómetros cuadrados intercomunicando acuíferos que a menudo se extienden a través de las fronteras nacionales, con aguas que fluyen horizontalmente y varían de nivel a lo largo de las estaciones.

Aun poco estudiado, el sistema dinárico es muy interesante para estudiar el papel regulador de los humedales en el almacenamiento y la regulación de los recursos hídricos y su aprovechamiento por los seres humanos y otras especies.

Las comunidades rurales y urbanas en la zona de poljes dináricos dependen directamente de la conservación y gestión sostenible de los flujos de agua, pero el equilibrio en estas zonas cársticas es muy vulnerable por lo que es necesario estudiar y proteger el complejo sistema hidrológico.

Desde el punto de vista del ecosistema, debido a su naturaleza dual húmeda y seca, los poljes cársticos dináricos albergan una biodiversidad específica y rica, en la que hay animales como los extraños proteos (Proteus anguinus), peces endémicos y plantas especificas de la zona. Adicionalmente, los sitios Ramsar - poljes Livanjsko y Peterskom y lagos Cerknica y Skadar- son importantes lugares de parada, invernada y cría para las aves migratorias que recorren la ruta migratoria del Adriático.

El primer taller internacional sobre los humedales de los poljes cársticos se celebró en Livno (Bosnia Herzegovina) desde el 30 de septiembre al 2 de octubre pasados, y reunió a cerca de 70 expertos que resaltaron los valores de los ecosistemas de los poljes dináricos, y programaron actuaciones para promover la sensibilización y el apoyo a estos sistemas, que han sido dañados por las actuaciones en periodos de economías centralizadas y planificadas.

Estas iniciativas de defensa de los ecosistemas dináricos cuentan con el apoyo de otros organismos internacionales, y el próximo mes de junio se celebrará una conferencia titulada “Carst sin fronteras" en Trebinje (Bosnia - Herzegovina) y Dubrovnik (Croacia ), para profundizar el el conocimiento de los aspectos relativos a la biodiversidad y la protección de estos valiosos sistemas hídricos.

China impulsa el turismo internacional

13/12/2013, China es el gran país que está impulsando el turismo internacional, consolidándose como primera potencia mundial emisora de turismo.

Madrid, 13 de diciembre de 2013
El barómetro turístico que presenta periódicamente la OMT, Organización Mundial del Turismo, señala también un rapidísimo crecimiento del turismo de Rusia, que saltó del puesto doce mundial al quinto en 2012, y que este año vuelve a registrar cifras récord.

Balance enero-septiembre 2013
En los primeros nueve meses de 2013, el turismo internacional creció un 5%, según el último Barómetro OMT del Turismo Mundial. El número de llegadas de turistas internacionales aumentó en 41 millones entre enero y septiembre, superando la previsión inicial de la OMT y generando importantes estímulos para las economías receptoras.

Las llegadas de turistas internacionales crecieron un 5% en los primeros nueve meses del año, alcanzando la cifra récord de 845 millones en todo el mundo, unos 41 millones más que en el mismo periodo de 2012. El crecimiento fue impulsado por Europa y Asia y el Pacífico, donde el número de turistas aumentó un 6% en ambas regiones.

"El turismo internacional sigue creciendo por encima de las expectativas, contribuyendo al crecimiento económico en las economías avanzadas y emergentes, a la muy necesaria creación de empleo, al PIB y a la balanza de pagos de muchos destinos", dijo el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai. "Es particularmente alentador ver los buenos resultados en muchos destinos europeos, donde el sector del turismo es, sin lugar a dudas, uno de los motores de la recuperación económica."

Europa supera las expectativas
En Europa, la región más visitada del mundo, las llegadas de turistas internacionales crecieron un 6%, impulsadas por los resultados por encima de la media en Europa Central y Oriental (+7%) y Europa Meridional y Mediterránea (+6%). Este crecimiento supera la previsión inicial de la OMT para el año 2013 y duplica la tasa media de crecimiento del turismo internacional en Europa desde 2000 (+2,7% al año entre 2000 y 2012).

Asia y el Pacífico (+6%) continúa mostrando resultados sólidos, reforzada por el crecimiento del Asia del Sudeste (+12%).

Las Américas (+3%) reportaron resultados comparativamente más débiles, con un mejor desempeño en América del Norte (+4%) y América Central (+3%).

En África (+5%), el crecimiento fue impulsado por la recuperación en el África del Norte (+6%), mientras que Oriente Medio sólo registró un aumento marginal (+0,3%).

El crecimiento en los ingresos por turismo confirma la tendencia positiva
La tendencia positiva registrada en las llegadas de turistas internacionales se refleja en los ingresos por turismo internacional reportados por destinos de todo el mundo durante los primeros seis a diez meses del año.

Los ingresos de diez de los 25 mayores receptores de turismo internacional, experimentaron un crecimiento de dos dígitos: Estados Unidos (+11%), Macao (China) (+10%), el Reino Unido (+18%), Tailandia (+28%), Hong Kong (China) (+21%), Turquía (+13%), India (+13%), Japón (+23%), Grecia (+15%), y Taiwán (provincia de China) (+12%).

Crecimiento exponencial de los gastos turísticos de China y Rusia

La Federación de Rusia lideró el crecimiento en términos de gasto en turismo internacional entre los diez principales mercados emisores, con un aumento de 29% en los primeros nueve meses del año. Esto coincide con el fuerte crecimiento de este mercado en los últimos años, como resultado del cual Rusia avanzó del puesto 12 de los mercados emisores en 2000, a la quinta posición en 2012 (43 mil millones dólares EE.UU.).

China, que el año pasado se convirtió en el mercado de origen número uno en el mundo (102 mil millones de dólares EE.UU.), también siguió viendo un rápido crecimiento, registrando un aumento del 22% del gasto en turismo emisor hasta septiembre de 2013.

Asimismo, entre los gastos de otras economías BRIC el crecimiento también fue fuerte en Brasil (+15%). El crecimiento de los mercados emisores de las economías avanzadas fue comparativamente más débil: Canadá (+3%), Reino Unido (+2%), Estados Unidos (+2%) y Francia (+2%) crecieron moderadamente, mientras que Alemania registró un crecimiento cero y Japón, Australia e Italia registraron descensos en el gasto.

Hallan mural maya en Guatemala

13/12/2013, Investigadores de la Universitat de València y la Universitat Politècnica de València (UPV) anunciaron el hallazgo, en la ciudad maya de Chilonché, del primer mural maya pintado al fresco encontrado hasta ahora en Guatemala.

Valencia, 13 de diciembre de 2013

Los trabajos han sido dirigidos por los profesores Cristina Vidal (UV) y Gaspar Muñoz (UPV), según fuentes de la Universidad de Valencia.

Se trata de un hallazgo de especial relevancia al ser primer mural de estas características que se encuentra en esta región arqueológica, además del indudable valor de sus pinturas que "por la información que aporta, tanto histórica como artística, como por la técnica pictórica empleada pueden considerarse excepcionales", según los investigadores.

El hallazgo ha sido realizado por el mismo equipo interdisciplinar hispano-guatemalteco que en 2009 logró otro importante hallazgo-un gran "mascarón" maya de más 2.000 años de antigüedad, que fue localizado en la misma impresionante Acrópolis de Chilonché, de 15 metros de altura, donde recientemente han encontrado estas espectaculares pinturas murales, que datan del s.VIII d.C, según han podido determinar con los primeros datos obtenidos tras su descubrimiento.

El mural fue localizado en el interior de un cuarto de uno de los edificios, un palacio maya construido en el período clásico tardío (600-900 d.C), que forma parte del conjunto monumental de la Acrópolis de Chilonché, que durante siglos se había mantenido sepultado por la selva hasta ser descubierto por este grupo de investigadores. Esta sala fue clausurada intencionadamente con piedras y tierras por los antiguos mayas, y gracias a ello las pinturas se han conservado en buen estado.

En las pinturas halladas por los investigadores, se pueden apreciar varias escenas que recrean un acontecimiento histórico donde se realizaban ofrendas a un personaje. En ellas aparecen figuras de carácter figurativo con personajes masculinos y femeninos en diferentes actitudes y tamaños, pintados de color negro, rojo y ocre, así como signos jeroglíficos que mencionan sus nombres. El desciframiento de estos jeroglíficos ha permitido profundizar en la historia dinástica de las distintas ciudades, los conflictos bélicos que mantenían unas con otras o en sus relaciones diplomáticas, mientras que otras veces esos textos se refieren a sus dioses y creencias religiosas, según han podido averiguar tras un estudio directo y pormenorizado por parte de un epigrafista especializado en escritura maya, el profesor Alfonso Lacadena de la Universidad Complutense de Madrid. La interpretación de los textos que decoran las pinturas ayudarán a conocer mejor la sociedad maya que se asentó en este sitio arqueológico.

Todo ello hace que las pinturas descubiertas en Chilonché constituyan un hallazgo excepcional y de enorme relevancia, tanto por la práctica ausencia de murales de época clásica conservados, como por el interés que reviste el estudio de los personajes y los textos que los acompañan, según destacan los responsables del proyecto, iniciado en 2009, y que ha contado en la última campaña arqueológica (2012-2013) con apoyo financiero de la Fundación holandesa Príncipe Claus,, y con fondos de cooperación al desarrollo a través del Programa 0,7 de la Universitat de Valencia, así como de una subvención del Ministerio español de Educación, Cultura y Deporte que han dado sustento económico a este proyecto, gracias al cual se han rescatado estas espectaculares pinturas murales, que estaban en peligro de desaparición por culpa de los saqueos.

Los trabajos de este importantes hallazgo han sido dirigidos por los profesores Gaspar Muñoz (UPV) y Cristina Vidal (UV), directores del proyecto arqueológico La Blanca, un proyecto interuniversitario en el que participan la Universitat de València, la Universitat Politècnica de València y la Universidad San Carlos de Guatemala, y en el cual los integrantes de dicho proyecto han realizado excavaciones arqueológicas y diversas acciones para la puesta el valor de su patrimonio cultural desde el año 2004. Una labor de nueve años que ha dado frutos, y así fue reconocida este mismo 2013 con el premio 'Best practices in site conservation', otorgado por el prestigioso Archaeological Institute of America (AIA), por el trabajo desarrollado en La Blanca.

Dada la importancia del hallazgo, y una vez realizada la intervención de salvamento, documentación y restauración de las pinturas murales, los investigadores consideran necesario poner en marcha un proyecto de salvaguarda no sólo de esas pinturas sino también de las que previsiblemente se encuentran en el interior de otros de los cuartos que conforman este palacio maya. De hecho, en otras salas del mismo edificio se han encontrado también restos de pinturas murales pero al haber estado expuestas a la intemperie han desaparecido en gran parte.

No obstante, los investigadores no descartan que se realicen nuevos descubrimientos en estas zonas poco exploradas de la región donde podrían conservarse ocultos más tesoros de la cultura maya. Todo esto muestra la importancia artística y cultural de este sitio arqueológico.

Yo hago la calle

12/12/2013, El Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) organiza una gran exposición retrospectiva sobre la obra del fotógrafo Joan Colom.

Barcelona, 12 de diciembre de 2013
Esta exposición da a conocer, por primera vez, la totalidad de la obra del fotógrafo Joan Colom, y ofrece una interpretación histórica de su trabajo, a la vez que analiza y desvela la forma de trabajar de un artista clave para entender la fotografía española del siglo XX.

"Yo hago la calle. Joan Colom, fotografías 1957-2010" expone más de 500 imágenes, muchas inéditas, que conforman una muestra más extensa de lo habitual, pero también de una gran riqueza y diversidad.

La muestra del MNAC abarca toda la vida fotográfica del artista. Las imágenes más antiguas datan de 1957 y las más recientes son de 2010. Entre las obras de su primera época, de 1957 a 1964, cuyo núcleo es el conjunto de imágenes del Barrio Chino, se presentan también sus primeros trabajos, sus reportajes sobre el mercado del Born y el Barrio del Somorrostro.

La exposición revela también los lazos con otros fotógrafos de su generación y su implicación en el grupo El Mussol, cuyos trabajos también recoge esta muestra. Así mismo se reconstruye con exactitud la exposición de Colom que en 1961 tuvo lugar en la Sala Aixelà con el título de La calle.

El trabajo tardío, en su mayor parte aún inédito, realizado a lo largo de las últimas tres décadas, y que ocupa tres cuartas partes de su archivo, constituye una de las grandes novedades de la exposición, que presenta por primera vez de manera amplia las fotografías en color más recientes.

Joan Colom
Colom pertenece a una generación de fotógrafos que renueva el lenguaje de la fotografía en España en la segunda mitad de los años 1950. Con su fotografía dinámica, aleatoria y serial, Colom representaba la culminación y el punto final de esa Nueva Vanguardia.

A inicios de los años 1960 Joan Colom comenzó a realizar fotografías en las calles del Barrio Chino de Barcelona. Colom encontró una manera de tomar imágenes del entorno, clandestinamente, sin mirar por el visor, con la cámara medio escondida en la mano y disparando por debajo de la cintura. Retrata a niños jugando o vagando por las calles, a personajes y tipos peculiares y, poco a poco, se acerca al entorno de la prostitución.

En 1964 se publica el libro Izas, rabizas y colipoterras, con textos de Cela y una selección de fotografías de prostitutas realizadas por Colom. Fue un gran éxito editorial que, sin embargo, tuvo como consecuencia que Colom abandonara la fotografía tras la demanda judicial presentada por una de las mujeres retratadas. Ese conflicto planteado en torno a la toma de imágenes de forma clandestina fue traumático para Colom, que prácticamente hasta 1990 no vuelve a la calle para fotografiar, progresivamente cada vez más en color, la vida en las Ramblas y el Barrio del Raval.

El archivo
La donación de su archivo al Museo Nacional por parte del mismo Colom en julio de 2012 supone un hecho decisivo y relativamente inédito en la historia de la fotografía en España.

El archivo de Joan Colom se compone de negativos, contactos, copias de trabajo y copias acabadas, de las que más de 9.000 son en papel y tan sólo una pequeña parte, unas 1.000, en blanco y negro. También incluye 7.300 negativos montados en marquitos de diapositivas, 2.400 negativos del mismo formato cortados en tiras y 300 hojas de contactos.

Lo completan dos grandes conjuntos de ampliaciones de 40 x 50 cm; 200 en blanco y negro, tanto de la primera época como de su trabajo tardío, y 800 en color.

Yo hago la calle
Joan Colom, fotografías 1957-2010
Del 12 de diciembre de 2013 al 25 de mayo de 2014
Museu Nacional d’Art de Catalunya
Palau Nacional. Parc de Montjuïc. Barcelona

CASA//ARTE 2013

12/12/2013, La feria de arte contemporáneo celebra su segunda edición, del 12 al 15 de diciembre, en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles de Madrid.

Madrid, 12 de diciembre de 2013
CASA//ARTE es una feria pensada tanto para el no iniciado en la compra de arte como para el coleccionista experto en busca de nuevas propuestas e interesantes oportunidades.

Esta plataforma aspira en su segunda edición a acercar una vez más la adquisición y coleccionismo de arte contemporáneo a un público más amplio del habitual, de una manera cercana y atractiva.

Del 12 al 15 de diciembre de 2013 se darán cita en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles de Madrid una selección de artistas consagrados y emergentes de todas las disciplinas, representados en más de 38 galerías de arte procedentes de ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Castellón, Sevilla, Cádiz, Mallorca, Santander o Segovia.

Además, cabe destacar la presencia en esta edición de cuatro galerías internacionales, tres procedentes de Lisboa y una de Berlín.

ABSOLUT//COLLECTION
Un año más, la feria apuesta por el arte emergente con ABSOLUT//COLLECTION, una convocatoria dirigida a artistas emergentes que nunca han sido representados por galerías.

En esta ocasión, y de entre casi 1.200 trabajos, han sido seleccionados Carla Andrade (Vigo, 1983), Simón Arrebola (Torredelcampo, Jaén, 1979), Alberto Cea (Madrid, 1979) y Mirimari Väyrynen (Helsinki, Finlandia, 1976). Los cuatro podrán exponer y vender su obra los días 12, 13, 14 y 15 de diciembre en el stand de La Fundación Galería.

Los maestros del paisaje nórdico en Lisboa

11/12/2013, El Museu Nacional de Arte Antiga presenta, hasta el 30 de marzo, en la capital portuguesa la exposición “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico del Museo del Prado”.

Lisboa, 11 de diciembre de 2013
La muestra está formada por 57 pinturas de los más destacados maestros del género que atesora el Prado, que viajan por vez primera a Portugal, tras su paso por diferentes ciudades españolas como Sevilla, Zaragoza y Palma.

“Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico del Museo del Prado” ofrece una magnífica oportunidad para familiarizarle con las diferentes tipologías del paisaje que surgieron a lo largo del siglo XVII en Flandes y Holanda.

Durante la Edad Moderna, los italianos llamaron “nórdicos” a los pintores de las tierras que estaban más allá de los Alpes y fundamentalmente a los de los Países Bajos. Allí, y a lo largo del siglo XVII, muchos pintores se apartaron en gran medida de los temas heroicos propios de la pintura de historia, en favor de asuntos cotidianos como el paisaje.

Así pues, el paisaje pasó a convertirse en un género pictórico independiente en el que el asunto representado se relegaba a un segundo plano y se convertía en pretexto para representar con fidelidad elementos de la naturaleza.

Entre los pintores que integran esta exposición figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina y Boda campestre de Jan Brueghel el Viejo, además de La Abundancia y los Cuatro Elementos que pintó en colaboración con Hendrick van Balen o Mercado y lavadero en Flandes en colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticos Asedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque con una laguna de Jan Brueghel el Joven y taller.

Las dos tipologías más características del paisaje nórdico –el paisaje de invierno y el paisaje de agua– están representadas con obras como El puerto de Ámsterdam en invierno de Hendrick Jacobsz Dubbels o Paisaje con patinadores de Joos de Momper el Joven; y por pinturas como Playa con pescadores de Adam Willaerts, que une el paisaje con la escena de género. Un puerto de mar y Paisaje con desembarco de holandeses en tierras de Brasil de Jan Peeters aluden a las lejanas tierras a las que las rutas comerciales llevaron a los holandeses.

Por último, pero no menos importante, está Rubens: el gran maestro flamenco. Sus paisajes constituyen la parte más íntima y personal de su producción. De ellos se expone el soberbio Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Caledonia, una de las obras cumbres del paisaje nórdico.

La exposición concluye con algunos de los paisajes encargados por el monarca español Felipe IV para decorar el palacio del Buen Retiro de Madrid a Claudio de Lorena y Jan Both, jóvenes pintores nórdicos que iniciaron en Roma el llamado “paisaje italianizante” que en Holanda contó con numerosos seguidores. Pero el más destacado fue Philips Wouwerman, que se especializo en la representación de cacerías como Parada en la venta que adelantan ya el gusto rococó.

“Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico del Museo del Prado”
Hasta el 30 de marzo de 2014
Museu Nacional de Arte Antiga
Rua das Janelas Verdes, Lisboa

Pietro Bellotti, el otro Canaletto

10/12/2013, Hasta el 28 de abril de 2014 en el Museo Ca Rezzonico de Venecia se puede disfrutar de esta muestra dedicada al sobrino de Canaletto: Pietro Bellotti.

Venecia, 10 de diciembre de 2013
El Ca Rezzonico, sede de la historia de la pintura veneciana del siglo XVIII, comienza con esta exposición un proyecto denominado "Archivos de la pintura de paisaje", dedicado a los artistas menos conocidos y a algunos aspectos específicos de uno de los géneros más populares de la pintura del siglo XVIII.

Pietro Bellotti, sobrino de Canaletto, fue durante mucho tiempo considerado un artista de paisaje marginal, pero estudios más recientes han dado a este artista un papel significativo e inesperado en el arte veneciano.

El pintor, a través de un estilo personal e independiente, desarrollaría las técnicas de Canaletto, ampliando el repertorio tradicional con numerosos puntos de vista de las ciudades más importantes de Europa, así como algunos caprichos arquitectónicos.

Esta mirada más exhaustiva y reveladora de Bellotti a través de las obras que se le atribuyen hoy en día, refleja una personalidad más compleja de lo que se podría sospechar en el pasado. Su progenitor, arrastrado a la mala vida y a los vicios típicos de la Venecia de la época, abandonó a su madre y a sus cinco hijos, cuando Pietro contaba con un año de edad. Durante mucho tiempo la familia viviría en la miseria.

Con 15 años, Pietro entra en el taller de Canaletto. Siete años después, a los 22 años, decide abandonar Venecia para descubrir Europa y desarrollar un lenguaje pictórico própio e individual. En sus aventuras, Bellotti descubriría ciudades como Tolouse, Londres, Dresde, La Haya, Viena o Lisboa entre otras.

La exposición reúne por primera vez cuarenta y cinco obras que reconstruyen la trayectoria artística del artista y documentan, en la mayor medida posible, su gran repertorio figurativo. Los lienzos vienen casi todos procedentes de colecciones privadas de Europa y Estados Unidos, y muchos de ellos no se habían visto antes en Italia.

Saying Grace

10/12/2013, La icónica obra de Norman Rockwell alcanzó el pasado 4 de diciembre un precio de 46 millones de dólares en la puja de arte estadounidense de Sotheby`s, convirtiéndose en la pintura estadounidense más cara adjudicada en subasta.

Nueva York, 10 de diciembre de 2013
"Saying Grace" presenta la escena de una familia menonita bendiciendo la mesa en un modesto restaurante abarrotado. La obra fue realizada en 1951 para la portada del diario The Saturday Evening Post. Durante los últimos 20 años había permanecido en el Museo de Norman Rockwell en Stockbridge (Massachusetts).

El lienzo partía con una estimación aproximada de entre 15 y 20 millones de dólares, y ha triplicado prácticamente el anterior récord alcanzado por un Rockwell. Durante la subasta se vendieron además las obras "The Gossips", que alcanzó los 8,5 millones de dólares, y "Walking to Church", que llegó a los 3,2 millones de dólares.

Norman Rockwell
Nacido en Nueva York en 1894, Rockwell siempre quiso ser artista. Con 14 años se inscribió en la escuela de arte de Nueva York. Dos años más tarde, en 1910, dejó la escuela para estudiar en la Academia Nacional de diseño. Pronto se trasladó a la Art Students League. Desde sus inicios y hasta el final de su carrera le acompañaría un estilo pictórico tradicional-costumbrista, alejado por completo de las vanguardias, y que le reportaría un éxito temprano.

Todavía en su adolescencia, fue contratado como director de arte de Boys’ Life, la publicación oficial de los Boy Scouts de America, y comenzó una exitosa carrera como freelance, ilustrando una gran variedad de publicaciones dirigidas a los jóvenes.

A los 21 años, la familia de Rockwell se mudó a New Rochelle, allí, Rockwell instaló un estudio con el dibujante Clyde Forsythe y produjo trabajos para revistas como Life, Literary Digest, y Country Gentleman.

En 1916, Rockwell, de 22 años, pintó su primera portada para The Saturday Evening Post, la revista considerada por Rockwell como la “ventana de presentación más grande en América”. En los siguientes 47 años, otras 321 Cubiertas de Rockwell aparecería en la portada de la revista.

En 1916, Rockwell contrae matrimonio con Irene O'Connor; se divorciarían en 1930.

Las décadas de 1930 y 1940 se consideran las más fructíferas de su carrera. En 1930 se casó con Mary Barstow, una maestra de escuela, y la pareja tuvo tres hijos, Jarvis, Thomas, y Peter. La familia se trasladó a Arlington, Vermont. Desde 1939 el trabajo de Rockwell empezaría a reflejar la vida americana en una pequeña comunidad rural.

En 1943, inspirado por el Presidente Franklin Roosevelt, Rockwell pintó Four Freedoms (Cuatro Libertades), reproducidas en cuatro ediciones consecutivas de The Saturday Evening Post con ensayos de escritores contemporáneos, la serie fue un gran éxito.

En el mismo año un incendio destruyó su estudio de Arlington.

En 1953, la familia de Rockwell se trasladó a Stockbridge, Massachusetts. Seis años más tarde, Mary Barstow Rockwell murió inesperadamente.

En colaboración con su hijo Thomas, Rockwell publica su autobiografía, Mis aventuras como ilustrador, en 1960.

En 1961, Rockwell se casa con Molly Punderson. Dos años más tarde comienza a trabajar para Look magazine. Durante su 10 años de asociación, Rockwell ilustraría algunas de sus preocupaciones más profundas, incluyendo los derechos civiles, la pobreza o la exploración del espacio.

En 1973, Rockwell decide preservar su legado artístico poniendo sus obras bajo custodia de la sociedad histórica de Stockbridge, más tarde el Museo de Norman Rockwell en Stockbridge.

En 1976 los problemas de salud empiezan a hacer mella en Rockwell.

En 1977, Rockwell recibiría el más alto honor civil de la nación, la Medalla Presidencial de la libertad.

Un año más tarde, el artista fallece en Stockbridge, el lugar en el que pasaría sus 25 últimos años de vida.

Etruscos en el Paso de Calais

09/12/2013, Hasta el 10 de marzo de 2013, se presenta una interesante muestra sobre la civilización etrusca en el contexto mediterráneo, en el Louvre de Lens, una pequeña ciudad ubicada en el departamento de Paso de Calais, Francia.

Paris, 9 de diciembre de 2013
La exposición analiza la evolución de Cerveteri desde sus orígenes hasta la conquista romana, y presenta todos los aspectos de la ciudad, la sociedad, la necrópolis, la organización política, y las relaciones con el Oriente, Grecia y Roma.

Cerveteri fue considerada en la antigüedad como "la ciudad más próspera y más poblada de Etruria", tal como escribió el historiador griego Dionisio de Halicarnaso. Los etruscos llamaban a esta ciudad Kaisra; los romanos, Caere, y los griegos Agylla.

La urbe es emblemática por la magnitud de su la civilización y ocupó un lugar central en Italia y el Mediterráneo durante todo el primer milenio antes de Cristo.

El territorio de la ciudad muestra vitalidad desde el final del segundo milenio antes de Cristo, probablemente merced a la explotación de sus recursos minerales. Tipos de cerámica micénica hallados son los signos de los primeros contactos con el mundo griego. Pero la historia realmente comienza en Cerveteri hacia el siglo IX antes de Cristo, cuando reagrupan los núcleos de la zona y aparecen las primeras señales de jerarquía social.

La exposición tiene como objetivo analizar unos diez siglos de su antigua historia para rastrear cómo las comunidades dispersas han formado gradualmente una ciudad, cómo la ciudad abierta al mar se convirtió en una de las principales potencias mediterráneas, y cómo esta urbe que rivalizó en importancia con Roma fue finalmente dominada por esta última, integrándose en el siglo primero a.C. en el naciente Imperio Romano.

La historia de Cerveteri y de sus habitantes no sólo es conocida por los textos antiguos; esa historia emergió gradualmente de la tierra durante dos siglos. Las grandes excavaciones del siglo XIX, en particular, han puesto de manifiesto una serie de monumentos y objetos que asombraron a los contemporáneos, muestras que han pasado a mostrarse en las alacenas de los museos más grandes, incluyendo el Louvre.

Además de estos antiguos descubrimientos, ahora es posible conocer mejor aquella cultura, comparando también los resultados de las excavaciones sistemáticas llevadas a cabo en las últimas décadas en el corazón de la antigua ciudad, en la necrópolis y el resto del entorno urbano. Esta confrontación puede permitir al espectador contemplar por primera vez un retrato de esta ciudad que, como Atenas, Cartago y Roma, fue uno de los referentes del Mediterráneo antiguo.

La muestra se presenta en Lens, departamento de Paso de Calais, Francia, donde el Louvre abrió una subsede en 2012. Después de su estancia aquí la exposición se presentará en Roma en el Palazzo delle Esposizioni, del 14 abril hasta 20 julio, 2014.

Musée du Louvre-Lens
99, rue Paul Bert
62300 Lens
http://www.louvrelens.fr/

Los monos de Yakarta

09/12/2013, El gobernador de Yakarta pone fin al terrible negocio de los topeng monyet, monos enmascarados que realizan espectáculos en las calles de la ciudad asiática.

Yakarta, Indonesia, 9 de diciembre de 2013
Yoko Widodo, gobernador de Yakarta, ha puesto fin a este cruel modo de ganarse la vida, que consiste en disfrazar a monos y obligarlos a realizar espectáculos para divertir a los turistas que visitan la ciudad de Yakarta a cambio de unas monedas.

Estos pequeños simios suelen ser capturados en la selva, y viven en condiciones lamentables durante su cautiverio. De hecho, muchos de ellos no consiguen sobrevivir al periodo de adiestramiento, durante el cual reciben palizas constantes por parte de sus dueños.

Además, para que los denominados topeng monyet resulten inofensivos para los turistas, se les arrancan los dientes. Pero esto no es todo, a estos animales se les hacina en jaulas sin espacio, y se les obliga a caminar sobre dos patas mediante una cuerda que les rodea el cuello durante 12 horas al día para mantenerlos en posición erguida.

La policía de Yakarta ha confiscado a varios animales y los ha puesto en cuarentena, a la espera de encontrarles un hogar. Por su parte, a los dueños se les ha compensado con 90 dólares por cada mono, y se les ha ofrecido la posibilidad de formarse para encontrar un nuevo empleo.

Art Basel Miami 2013, triunfó

09/12/2013, Art Basel Miami cerró este domingo su edición 2013 con un balance extraordinario, según las fuentes de esta emblemática feria de arte.

Miami, 9 de diciembre de 2013
Según el balance de esta institución, cuyo principal promotor es la UBS, Art Basel en Miami Beach ha atraído a unos 75.000 visitantes durante los cinco días de la exposición, un alza del siete por ciento respecto al año anterior. También contó con la presencia de más de 140 grupos de representantes de museos e instituciones de todo el mundo, así como destacados coleccionistas privados de América, Europa, Asia, con gran presencia de gentes de los mercados emergentes.

La edición de 2013 de Art Basel Miami Beach -que cerró oficialmente ayer 08 de diciembre de 2013- también ha merecido elogios de los coleccionistas, galeristas y críticos visitantes.

Con un sector público ampliado y una amplia gama de charlas, performances y proyecciones de películas, la edición se ha definido como la más fuerte de Art Basel Miami.

En el evento se presentaron 258 galerías líderes internacionales de 31 países y la nueva sección dedicada al sector editor ha tenido una magnífica respuesta de coleccionistas.

En general, los galeristas han posicionado a la feria en la cabeza de los encuentros de arte en América. Y en este sentido, se ha notado una fuerte presencia del arte de América Latina. "Estamos encantados de ver el gran interés de los coleccionistas europeos y norteamericanos por los artistas latinoamericanos. Art Basel Miami Beach es el punto de encuentro para todo el arte, especialmente los de América Latina" argumentó la galerista limeña Livia Benavides.

Esta demanda también ha sido acusada entre los artistas brasileños. "Este año hemos vendido piezas importantes de artistas brasileños como Ernesto Neto, Iran do Espírito Santo, y Erika Vezzuti" dijo Alexandre Gabriel, de Galeria Fortes Vilaça, São Paulo.

Asimismo, se ha notado tirón de arte procedente de Asia, tanto como mercado suministrador de arte como demandante del mismo.

Art Basel es una feria de arte nacida en Basilea (Suiza) en 1970, de la mano de destacados galeristas mundiales y especialmente con la iniciativa de Ernst Beyeler. Este evento se situó pronto a la cabeza de los encuentros mundiales de arte. Desde 2005 amplió su acción a Miami, donde se ha consolidado como el gran encuentro de arte del continente americano.

Almoneda Navidad

05/12/2013, La Feria de Antigüedades Galerías de Arte y Coleccionismo presenta una nueva edición especialmente diseñada para la Navidad.

Madrid, 5 de diciembre de 2013
La nueva edición nace de la sugerencia de los anticuarios, almonedistas y galerías de arte participantes, que deseaban contar con una nueva plataforma que les acercara en esta época del año, al público más amplio y a todas aquellas personas que necesitan asesoramiento e inspiración para elegir regalos especiales.

Esta feria es un punto de encuentro para los aficionados al coleccionismo, amantes del arte, de la decoración, del vintage, de los años 60, de los 80, de la arqueología, de la pintura, de los objetos curiosos y en definitiva, de los objetos genuinos que trascienden el paso del tiempo.

Broches, prendas vintage, sombreros, gafas, relojes-joya, collares, mantelerías, cuberterías, vajillas de porcelana, abanicos, mantones, puntillas, bisutería, joyería, bastones, máquinas de escribir, condecoraciones militares, cascos de guerra, juguetes, muñecas, balones de fútbol, bolas de billar, sifones, objetos científicos y náuticos, libros antiguos, tarros de farmacia... la variedad es tal que es imposible no encontrar una pieza diferente y especial para decorar o regalar.

En Almoneda Navidad, están presentes todas las manifestaciones artísticas plásticas: un bodegón clásico, un retrato romántico, una talla gótica, las vanguardias, el arte abstracto, la pintura realista, reconocidos artistas actuales...

En definitiva, las artes decorativas de las distintas épocas de la historia y sus corrientes artísticas, materializadas en una interminable combinación de objetos, desde el románico al siglo XX, sin olvidar la arqueología y las piezas milenarias de las culturas orientales.

Almoneda Navidad, Feria de Antigüedades, Galerías de Arte y Coleccionismo
11/12/2013 00:00 al 15/12/2013 00:00
Pabellón 1, Feria de Madrid
De 12 a 21 h.
5¤ - Miércoles 11 entrada gratuita

Linz Capital Cultural Europea 2014

05/12/2013, La Capital Cultural de Europa invita en 2014 y en 2015 tanto a sus habitantes como a los visitantes a descubrir la ciudad desde el agua.

Linz, Alta Austria, 5 de diciembre de 2013
En 2014 se conmemoran dos grandes sucesos históricos profundamente arraigados en la historia de la región del Danubio: en 1914, con la I Guerra Mundial, comenzó el desmoronamiento de la monarquía del Danubio con todas sus dramáticas consecuencias. La otra conmemoración de 2014 radica en 1989 cuando se abrió el Telón de Acero y muchas de las fronteras del Danubio volvieron a ser transitables. En 2014 hace un cuarto de siglo de ello.

El corazón de la capital de la Alta Austria celebra en 2014 su alegría de vivir y su amor por la cultura. El Danubio es un escenario vital de Linz en el que se da prioridad a la calma, al disfrute. Todos los años desembarcan en Linz más de 40.000 viajeros que vienen en cruceros de río y otros 70.000 ciclistas llegan a la ciudad por el carril de bicicletas a lo largo del Danubio, que en 2014 celebra su 30° aniversario.

El Danubio ha sido la inspiración de canciones y viajes: ningún otro río pasa por tantos países en su camino hacia el mar. En los 2888 km que hay desde su nacimiento hasta la desembocadura, fluye de oeste a este a través de diez estados y, como arteria de Europa, une distintos pueblos, religiones y culturas en un conjunto armonioso. Toda la historia de Europa Central ha sido escrita en sus orillas y, hasta el día de hoy, ha dejado sus huellas: la región del Danubio es en un punto de encuentro cultural fascinante.

Diez son los países –Alemania, Austria, Eslovaquia, Hungría, Croacia, Serbia, Rumanía, Moldavia, Bulgaria y Ucrania– que se suceden en fila a lo largo del Danubio, sus diversos paisajes, algunas veces idílicos y otras casi místicos, están envueltos de leyendas. Los castillos fortificados, los enormes monasterios y los maravillosos palacios son testigos de su rica historia.

Durante los años 2014 y 2015 la ciudad de Linz ofrecerá a sus visitantes una innovadora oferta cultural en la que el Danubio será el telón de fondo. Una razón de más para acercarse a Linz, y conocer su gente, su historia, su gastronomía y su naturaleza.

La Cumbre del Oso Polar

05/12/2013, Los países del Ártico se comprometen a tomar medidas para la conservación de los osos polares en su área de distribución del Ártico.

Moscú, 5 de diciembre de 2013
Los estados de la zona del oso polar (Canadá, Dinamarca, Noruega, Rusia y los Estados Unido) han firmado durante la celebración del Foro Internacional sobre la Conservación de los Osos Polares una declaración histórica que fortalece las medidas para la conservación de este animal emblemático que está clasificado como Vulnerable en la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN.

Los cinco países donde viven los osos polares trabajarán comprometidos para gestionar el hábitat de los osos polares teniendo en cuenta la progresiva reducción del hielo marino, la caza furtiva y la creciente actividad industrial que se está llevando a cabo en el Ártico.

La difícil situación del oso polar
Pese a estos compromisos, al ritmo actual de aumento de las temperaturas, el cambio climático acabará con el hielo marino del que dependen los osos polares para sobrevivir. Según los datos arrojados durante la Cumbre, el número de osos polares en el Ártico podría reducirse en dos tercios en 2050. Una amenaza a largo plazo que podría evitarse si los estados árticos y del resto del mundo invirtieran en energías renovables y dejaran de subvencionar los combustibles fósiles que están calentando el planeta.

Los osos polares forman parte del folklore y la identidad de la región del Ártico, en particular para los pueblos indígenas que han coexistido con ellos desde hace miles de años y cuyos medios de vida están estrechamente vinculados a este animal. También son una parte crítica de la ecología de la región, con muchas relaciones importantes con otras especies.

Amenazas como la contaminación, la caza y el cambio climático por culpa de un desarrollo insostenible, hacen que el futuro del oso polar sea cada vez menos prometedor. Esperemos que este compromiso vaya más allá de la mera intención, y ayude a preservar a un animal tan bello como imprescindible para el ecosistema en el que habita.

Los 30 del Ártico en libertad

04/12/2013, Los activistas de Grenpeace detenidos por las autoridades rusas han sido por fin puestos en libertad bajo fianza tras dos meses en prisión.

San Petersburgo, 4 de diciembre de 2013
El Tribunal Internacional del Derecho del Mar, máxima autoridad sobre disputas marinas entre países, ha reclamado a las autoridades rusas la liberación del grupo y del barco, y el permiso para dejarles salir de Rusia. Tras la sentencia, y a pesar de su liberación, el caso aún no ha acabado.

Los 28 activistas y dos periodistas independientes deberán de ser juzgados, y aún pesan sobre ellos cargos de vandalismo que podrían acarrearles 7 años de prisión. Por otro lado, aún se desconoce si, bajo la libertad bajo fianza, pueden salir del país y, de momento, permanecen en San Petersburgo.

El grupo acudió al Ártico a oponerse contra la perforación de petróleo y los impactos del cambio climático. Desgraciadamente, la empresa contra la que se manifestaron comenzará con su proyecto de perforación este mes de diciembre.

Durante estos dos largos meses los activistas han recibido el apoyo de gobiernos, personalidades, ONGs y el de más de dos millones de personas que escribieron a sus Embajadas rusas para protestar por este "secuestro".

Los activistas de Greenpeace han sido puestos en libertad bajo fianzas que rondan los 45.000 euros.

Dos muestras para el 2014

04/12/2013, Dos museos madrileños, el Thyssen y el Reina Sofía, presentan las exposiciones más importantes dentro de su programa expositivo para 2014: una dedicada a Paul Cezanne y otra a Richard Hamilton.

Madrid, 4 de diciembre de 2013
Paul Cézanne abrirá la temporada expositiva de 2014 en el Museo Thyssen-Bornemisza.

Cézanne (1839-1906), es considerado por muchos como el "padre del arte moderno". La monográfica sobre el artista organizada por el Thyssen explorará la relación entre los dos géneros que el pintor más frecuentó a lo largo de su carrera, los paisajes y las naturalezas muertas.

Cézanne fue casi toda su vida un pintor incomprendido por sus contemporáneos, fue al final de su carrera artística cuando comenzaría a ser valorado por la crítica y por los artistas más jóvenes, que verían en él un ejemplo a seguir. Su exposición póstuma de 1907 desencadenaría el comienzo del cubismo.

El artista pasó los años finales de su vida retirado en su pueblo natal, Aix-en-Provence, en la Provenza francesa. Allí se dedicaría a pintar al aire libre los paisajes de la zona, dominados por la montaña Sainte-Victoire. También retrataría en estos últimos años a los campesinos y las bañistas, en un intento por fusionar la figura humana y el paisaje.

Cézanne
Del 04 febrero al 18 de abril de 2014
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8, Madrid

Por su parte, el Museo Reina Sofía presentará en 2014 la exposición más completa celebrada hasta la fecha sobre el artista inglés Richard Hamilton (1922-2011), considerado el creador del Pop Art.

La muestra, organizada conjuntamente con la Tate Modern de Londres, incluye más de 260 obras de Hamilton, y acercará al visitante a la gran variedad de técnicas y recursos que utilizaría Hamilton durante sus 60 años de producción.

Richard Hamilton exploró en su obra el mundo del consumo de masas, y fue encumbrado de manera internacional gracias a su collage "Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?", que para muchos historiadores marcaría el nacimiento de un movimiento artístico que Hamilton definía como juvenil, sexy y glamouroso.

Richard Hamilton
Del 24 junio al 14 de octubre de 2014
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Calle Santa Isabel, 52

La Aguja de Cleopatra

03/12/2013, El Museo Metropolitano de Nueva York presenta una exposición cuyo eje principal es el obelisco del faraón egipcio Tutmosis III, que se encuentra en el enclave de Central Park.

Nueva York, 3 de diciembre de 2013
Desde 1881, un antiguo monumento egipcio monumento, el obelisco del faraón Tutmosis III, conocido popularmente como "La Aguja de Cleopatra", ha destacado en Central Park. Este obelisco de tamaño monumental, un regalo a la ciudad de Nueva York de parte de los khedives de Egipto, es el único que se puede contemplar en los Estados Unidos. La descarga del monumento a su llegada a Nueva York no fue una tarea fácil. Costó cerca de seis meses mover el obelisco desde el muelle de Staten Island hasta el East River en la calle 96, y finalmente a Central Park.

Para conmemorar este icono de Central Park, el MET presenta una exposición sobre la construcción y el simbolismo oculto tras los obeliscos desde la antigüedad hasta nuestros días.

La muestra contará con objetos del Departamento de Arte Egipcio del Museo y una selección de grabados, textiles y otras obras de arte de los departamentos de Dibujo y Grabados, Pinturas europeas, Escultura Europea y Artes Decorativas, Fotografías, y el Ala Americana.

Obras complementarias del Museo de Brooklyn, la Sociedad Americana de Numismática, la Biblioteca masónica de la Gran Logia del Canciller Robert R Livingston, el Museo de la Ciudad de Nueva York o el Cooper-Hewitt National Design Museum, también se podrán contemplar en la exposición.

Los obeliscos se originaron en el antiguo Egipto y -al igual que las estatuas - estaban destinados a albergar los poderes divinos, incluso el espíritu de un rey o un dios. Estos objetos de tamaños colosales se colocaban en la entrada de los templos y las tumbas, donde se creía que su presencia irradiaba protección. El obelisco era un símbolo solar y su forma conectaba la tierra con el cielo. Su punta, a menudo estaba enfundada en oro para sugerir el sol.

El obelisco de Central Park fue originalmente instalado junto a un obelisco gemelo por Tutmosis III ( 1479 - 1425 aC ) delante del Templo del Sol en Heliópolis, la antigua ciudad egipcia dedicado al dios sol Ra. Con el tiempo, los dos obeliscos fueron derribados. La decoloración indica que también pudo haber sido quemado en la antigüedad, y que la exposición a los elementos ha erosionado algunos de los jeroglíficos.

César Augusto ( 63 aC - 14 dC ) se llevó los dos obeliscos de Alejandría y los instaló en el Caesareum, el templo construido por Cleopatra VII en honor al deificado Julio César. (Este episodio puede explicar el motivo por el que el nombre de Cleopatra se unió al del obelisco). La exposición incluye un mapa del siglo XVI y una acuarela holandés del siglo XVII, ambos mostrando la posición del obelisco en Alejandría.

Egipto se convirtió en una provincia de Roma en tiempos de Augusto César, y muchos artefactos fueron llevados desde allí a Roma. Cuatro siglos más tarde, con el fin del Imperio Romano, Roma fue saqueada y desaparecieron miles de los objetos que había atesorado durante su periodo de gloria. Los obeliscos fueron derribados, víctimas del vandalismo, y fueron enterrados y olvidados.

El redescubrimiento de estos objetos durante el Renacimiento renovó el interés popular por las antigüedades. Varios papas organizaron nuevos proyectos de construcción en Roma, donde los obeliscos fueron colocados a menudo en el centro de las plazas públicas. A través de esta conexión con el Vaticano, el obelisco se convirtió en un símbolo del poder papal. La exposición incluye dibujos de Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), que muestran obeliscos en la Piazza della Rotonda y la Piazza del Popolo.

Los obeliscos continuaron considerándose como poderosos símbolos de una civilización antigua, y los eruditos de Europa comenzaron a estudiar sus inscripciones para entender su conocimiento secreto. Los monumentos fueron utilizados en dibujos y pinturas para indicar una conexión a la antigüedad, establecer un paisaje armonioso, o comunicar el concepto de eternidad. No sólo se utilizaban los obeliscos usados ​​en escenas de paisaje (como en los dibujos de Rembrandt o Francesco Guardi), sino también en los monumentos funerarios reales donde era más importante la conexión con la eternidad.

Esta asociación entre los obeliscos y la eternidad quedó ampliamente aceptada, y sus formas comenzaron a ser utilizadas como marcadores de tumbas en la América del siglo XVIII. La forma del obelisco también adquirió popularidad para los monumentos de guerra, según consta en una fotografía del Monumento general William Jenkins Worth situado en la Quinta Avenida en Nueva York.

El Pompidou de Málaga

02/12/2013, La oferta museística de la ciudad de Málaga se verá ampliada con la apertura de una subsede del Pompidou desde 2015 y durante un periodo inicial de cinco años.

Málaga, 2 de diciembre de 2013 El Cubo del puerto malagueño albergará la primera sucursal expositiva del Centro de Arte Georges Pompidou fuera de las fronteras francesas.

El acuerdo entre el Ayuntamiento de Málaga y la institución parisina, sitúa a Málaga entre las ciudades de obligada visita para todo aquel amante del arte, pues cuenta con museos de gran calidad, como el Centro de Arte Contemporáneo CAC, el Museo Picasso o el Museo Thyssen, que abrió sus puertas hace poco más de dos años.

El acuerdo, de cinco años, será prorrogable, y a cambio de este honor, Málaga pagará cinco millones de euros a la institución francesa por la cesión de las 70 piezas y la utilización del nombre del museo.

El Cubo

Situada en el Muelle 1 del puerto malagueño, un enclave recién reformado y con más 6.000 metros cuadrados divididos en dos plantas, la nueva subsede del Pompidou acogerá una exposición permanente de 70 obras procedentes del centro parisino, además de una muestra temporal por año.

La intención es, según afirma el resposable de Cultura del Consistorio, Damián Caneda, "Crear un nuevo espacio expositivo, pero también un centro cultural participativo, en el que se realicen conferencias y debates".

Obras en préstamo
Durante los próximos meses el trabajo se centrará en seleccionar las 70 obras que viajarán de París a Málaga, para descansar allí los próximos 5 años. Las obras serán seleccionadas entre la colección del Pompidou, que cuenta con más de 200.000 joyas de la pintura de autores como Picasso, Kandinsky, Klee, Matisse, Klein, Dalí o Miró.

Tras la mirada de Nicolás Müller

02/12/2013, La Sala Canal de Isabel II presenta la muestra "Nicolás Müller. Obras maestras", en conmemoración del centenario del nacimiento del fotógrafo húngaro.

Madrid, 2 de diciembre de 2013
Nicolás Míller (Hungría, 1913 - Asturias, 2000), siempre utilizó su cámara como instrumento a través del que expresar sus pensamientos y la realidad en la que vivía. Con solo 11 le regalaron su primera cámara, y a la edad de 20 años, el fotógrafo ya mostraba su compromiso con la sociedad. De esa época de juventud data una expresiva e impactante serie fotográfica con la que documentó las condiciones de vida de la inmensa mayoría del país. Estos retratos muestran a una población dolorida, hambrienta, cansada y miserable... un verdadero documento que relata el yugo al que la mayoría de húngaros estaba sometido.

La exposición que ahora presenta La Sala Canal de Isabel II de Madrid, y que podrá visitarse hasta el próximo 23 de febrero de 2014, recoge una selección de 125 obras en blanco y negro del fotógrafo, figura fundamental en la historia del fotoperiodismo español de posguerra, que huyó de su país en el año 1938, tras el ascenso del nazismo.

Míller, perteneciente a una familia de judíos no practicantes, se traslada a París, donde descubre las teorías constructivistas. Allí conoce a figuras de la fotografía como Capa, Brasaп o Kertész. Durante su estancia en París continúa con sus retratos de las clases sociales marginales.

Tras su paso por Francia llega a Portugal, donde es retenido en la cárcel de Lisboa por las sospechas de la policía política. En 1939, tras ser puesto en libertad, volaría a Marruecos, y de Marruecos a España, donde se establecería finalmente en 1947, y abriría en Madrid su estudio de fotografía.

Pero Míller no sólo captó a las clases sociales más desfavorecidas. Ya en España, su objetivo retrató a los rostros ilustres de la élite intelectual nacional de la época, como Ortega y Gasset, Azorín, Marañón, Pío Baroja, Vicente Aleixandre, Menéndez Pidal o Pérez de Ayala.

En los años ochenta Míller se trasladaría a Andrín, en Asturias, para disfrutar de la última etapa de su vida rodeado de la naturaleza.

Nicolás Míller. Obras Maestras
Sala Canal Isabel II
Santa Engracia, 25
Hasta el 23 de febrero de 2014

De El Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial

02/12/2013, Una exposición que incluye obras de arte de grandes pintores del Renacimiento como El Bosco, Tiziano, Patinir, Antonio Moro o Navarrete el Mudo.

Madrid, 2 de diciembre de 2013
Las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid acoge una exposición centrada en el ornato artístico y la decoración de El Escorial. A través de grandes pinturas, esculturas y artes decorativas adquiridas por Felipe II, la muestra pretende revivir un momento clave del Renacimiento, una época en la que el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial se convirtió en el mejor conjunto de arte de España.

La mayoría de las obras de la exposición pertenecen a las colecciones de Patrimonio Nacional y se complementarán con otras procedentes del Museo Nacional del Prado, de la National Gallery de Londres, de la National Gallery de Irlanda, del Museo del Louvre y de la Biblioteca Nacional de España.

Entre las más de 150 joyas expuestas se podrán encontrar trabajos de El Bosco, Tiziano, Patinir, Navarrete ‘el Mudo’ o Antonio Moro, junto a relicarios, ornamentos litúrgicos, códices miniados, encuadernaciones, tapices y dibujos. Además, la exposición cuenta con los denominados Libros de entregas, conservados en el Archivo del Palacio Real, y que documentan los miles de objetos que Felipe II adquirió para engalanar el edificio.

Mención especial para Tiziano, al que se le dedica una sala íntegra en la que se presenta parte de las obras cumbre de su período tardío, destacando el conjunto compuesto por El Martirio de San Lorenzo, La Adoración de los Reyes y El Entierro de Cristo, esta última conservada en el Museo del Prado.

La exposición coincide con el 460 aniversario de la colocación de la primera piedra del Monasterio de El Escorial.

De El Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial
Hasta el 12 de enero de 2014
Salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid

Una navidad diferente

29/11/2013, Escuchar historias de fantasmas en un castillo de Edimburgo, tomar vino caliente en Viena, o una cena de Noche Buena en el Moulin Rouge de París son algunas formas diferentes de disfrutar de la navidad en Europa.

Barcelona, 29 de noviembre de 2013
Vive las vacaciones navideñas más originales con esta selección de propuestas, pensadas para disfrutar de Europa en familia.

Mercadillos
Los viajeros que disfrutan encontrando objetos curiosos y recuerdos de cada país, no deben de perderse los diferentes mercadillos que se concentran en la época navideña.

Milán organiza durante el 14 y el 15 de diciembre el Green Christmas, un mercadillo de Navidad ecológico en el que se puede encontrar desde ropa eco, hasta objetos de diseño fabricados con materiales bio, pasando por productos cosméticos naturales y un sinfín de curiosidades eco.

Pàra los amantes de las atracciones y de las ferias, el Winter Wonderland en Hyde Park, Londres, ofrece grandes mercadillos ambientados con espectáculos de circo, pistas de hielo y noria.

Los amantes de los mercadillos tradicionales navideños con dulces típicos, adornos y productos artesanales encontrarán en la Piazza Navona de Roma el lugar ideal para estas Navidades.

En la misma línea, Berlín, y en especial el barrio de Mitte, se viste de luces y tenderetes con decoraciones navideñas, repostería y el famoso Glühwein (vino caliente especiado).

Frío y hielo
Del 3 de noviembre al 4 de enero, también en Berlín se organiza el Winter World en Potsdamer Platz, un mundo de hielo en medio de la capital alemana para disfrutar de algunos deportes de invierno como patinar y montar en trineo, además de conciertos y espectáculos.

Para los más tranquilos, es muy recomendable la Navidad en el MuseumsQuartier de Viena, el barrio de los museos, se celebra bebiendo especialidades de ponche caliente en los seis pabellones de hielo, que este año artistas urbanos se encargarán de convertir en obras de arte en directo. Con pista de curling, coches teledirigidos en los estanques congelados, conciertos y video proyecciones, el MQ de Viena se convierte en el local de ambiente durante las fiestas navideñas.

Festivales de invierno
El Concierto de Navidad, el 7 de diciembre en el Auditorium de Roma, contará con Patti Smith y otros artistas internacionales como Dolores O´Riordan de The Cranberries, Anggun y Asaf Avidan.

Pero para los que buscan fiesta, el London's New Year's Day Parade no les decepcionará. En este mítico desfile del 1 de enero los asistentes bailarán al ritmo de cheerleaders, músicos, performances y varios conciertos. Además, con este desfile se recaudan fondos para obras de caridad en Londres.

Por su parte, Ámsterdam organiza el festival anual Pink Christmas, la versión navideña del Ámsterdam Gay Pride, del 19 al 31 de diciembre. Varios puntos de la ciudad participan con eventos, actividades, arte, espectáculos de teatro y música. Aunque, por otra parte, la capital holandesa también ofrece una alternativa más tranquila: durante el Amsterdam Light Festival, del 6 de diciembre al 19 de enero, los canales de la ciudad se convierten en lugares mágicos gracias a las increíbles esculturas y proyecciones lumínicas que llevan a cabo los mejores artistas de la luz nacionales e internacionales a lo largo del río Amstel.

Otras actividades
Los que disfruten de Roma estas Navidades podrán ir a la Micca Club Swap Party, una feria donde se pueden cambiar los regalos de Navidad que no han gustado. Otro evento curioso de Italia es la Sand Nativity en Jesolo, a 50km de Venecia, con esculturas y pesebres de arena, que reúne a los escultores más famosos en la materia.

La Puerta de Brandeburgo de Berlín en Nochevieja es una experiencia auténtica, en la que los fuegos artificiales son los verdaderos protagonistas. Otro plan magnífico, además de genuino, es celebrar la Noche Buena con una romántica cena en el Moulin Rouge parisino.

Y aquellos que buscan anécdotas inolvidables, temblarán con las historias de fantasmas que explican durante el Ghost Tour en el Castillo de Edimburgo, sus sucesos misteriosos y paranomarles harán temblar a más de uno. En la misma ciudad, es gracioso asistir al Santa Run, un circuito de 2 Km al que cualquiera se puede apuntar y en el que la única condición es ir vestido de Papá Noel. El maratón tiene lugar en los Jardines de la Calle de los Príncipes, un parque público que se encuentra en el centro de Edimburgo y a los pies del mismísimo Castillo de Edimburgo. El dinero que se recauda es para acciones benéficas.

Descubre más planes navideños originales en la página web de la empresa GowithOh: http://www.gowithoh.es/

La colección expuesta (2013–2014)

29/11/2013, Bajo el título "La colección expuesta", el Museu Fundación Juan March en Palma da comienzo a un nuevo proyecto en relación a la colección.

Palma, 29 de noviembre de 2013
Las colecciones y los museos son organismos vivos, más que realidades inmóviles e instituciones invariables. Con este pensamiento por filosofía, el Museu reordena su colección para exponer en torno a una treintena de nuevas obras, incorporando por primera vez a una serie de figuras muy significativas de las últimas décadas de la creación contemporánea en España.

Entre otros, artistas como Elena Asins, José María Yturralde, José Luis Alexanco, Erwin Bechtold, Mitsuo Miura, el Equipo 57 o Txomin Badiola, además de aumentar la representación de otros artistas ya presentes en sus espacios.

La idea sobre la que descansa este modelo de trabajo es que la tradicional división de los museos entre su colección permanente y las exposiciones temporales, excesivamente estática, puede repensarse en términos dinámicos: así, durante algunos meses de cada año, el museo aprovechará la totalidad de su espacio para trabajar temporalmente con la propia colección y, también, con piezas en préstamo de otras colecciones, nacionales e internacionales.

El objetivo es conseguir presentaciones más amplias e integradas, tanto de la propia colección del Museu Fundación Juan March –que comienza con las vanguardias históricas y se extiende, recorriendo mayoritariamente las corrientes abstractas pictóricas y escultóricas, hasta los años 80– como de las relaciones que cabe establecer entre ella y otras corrientes y tendencias artísticas del arte contemporáneo nacional e internacional.

La colección expuesta (2013–2014)
Hasta el 22 de marzo de 2014
Museu Fundación Juan March Palma
Sant Miquel, 11

El okapi, al borde de la extinción

27/11/2013, El okapi - símbolo nacional de la República Democrática del Congo, conocido también como jirafa del bosque- está ahora al borde de la extinción, según la última actualización de la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN.

Gland (Suiza), 27 de noviembre de 2013

La UICN -Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza- también acaba de incluir en esta lista a un ave subsahariana, La polluela especulada (Sarothrura ayresi, que es una de las aves más raras de África.

Entre las noticias positivas, datos de recuperación de dos especies de albatros, la tortuga laúd y el El zorro isleño o zorro gris de las islas (Urocyon littoralis), pequeño cánido del entorno de California.

En conjunto, son 71.576 las especies que ya han sido evaluadas, de los cuales 21.286 están con problemas graves de conservación.

La actualización de la lista de la UICN pone de manifiesto una grave disminución en la población del okapi (Okapia johnstoni), un pariente cercano de la jirafa que habita en las selvas tropicales de la República Democrática del Congo (RDC). La especie está en grave peligro por la caza furtiva y la pérdida del hábitat. Contribuyen a este declive la presencia de bandas rebeldes, los cazadores furtivos de elefantes y los mineros ilegales que actúan en el territorio.

"El okapi es venerado en el Congo como símbolo nacional - que incluso está en los billetes de francos congoleños", dice Noëlle Kümpel co-presidente de la “UICN SSC Jirafa y Okapi Specialist Group” y director del proyecto de conservación del okapi. " Lamentablemente, la República Democrática del Congo se ha visto envuelta en un conflicto civil y asolada por la pobreza durante casi dos décadas, lo que lleva a la degradación generalizada del hábitat y la caza del okapi por su carne y piel. Apoyar los esfuerzos del gobierno para abordar el conflicto civil y la pobreza extrema en la región son claves para asegurar su supervivencia " .

Según la actualización de UICN, casi 200 especies de aves están en peligro crítico, ante el mayor riesgo de extinción. La polluela especulada, citada antes, es la última especie que se une a esta categoría. Es un pájaro reservado que se cría en Etiopía, Zimbabwe y Sudáfrica. La destrucción y degradación de su hábitat, incluyendo el drenaje de humedales, la conversión a la agricultura, la extracción de agua, el sobrepastoreo por el ganado y la tala de vegetación palustre han conducido a esta situación precaria . Una acción urgente se necesita ahora para hacer frente a estas amenazas.

La población mundial de la tortuga laúd (Dermochelys coriacea) -la mayor de todas las tortugas vivientes- ha mejorado, pasando de En Peligro Crítico al ámbito de Vulnerable, pero la especie sigue enfrentada a serias amenazas en algunas zonas. Las tortugas laúd son una sola especie, que comprende globalmente siete subpoblaciones biológicamente y geográficamente distintas. La subpoblación del Noroeste Atlántico es abundante y creciente gracias a las iniciativas de conservación exitosas en la región. Por el contrario, la del Océano Pacífico Oriental, que cría a lo largo de la costa del Pacífico de las Américas, y la subpoblación del Océano Pacífico occidental , que se encuentra en Malasia, Indonesia, Papúa Nueva Guinea y las Islas Salomón, están en severo declive debido a la extensa cosecha de huevos y a las capturas en redes de pesca. Se necesitan esfuerzos de conservación dirigidos a evitar su colapso.

Esta actualización de la Lista Roja de la UICN también aparecen buenas noticias para algunas de las especies evaluadas. Dos especies de albatros -una de las más amenazadas de las familias de aves del planeta- se encuentran ahora en un menor riesgo de extinción debido al aumento de su población. El albatros de ceja negra (Thalassarche melanophrys ) ha pasado de En Peligro a Amenazada. y el albatros de patas negras (Phoebastria nigripes) ha pasado de vulnerable a casi amenazado. La captura incidental en la pesca es la principal amenaza para estas especies.

El zorro isleño o zorro gris de las islas (Urocyon littoralis), anteriormente en peligro crítico, también ha mejorado y ahora está listado como Casi Amenazado. Estos animales se encuentran en seis de las Islas del Canal de California frente a la costa del sur de California. Cuatro subespecies del zorro sufrieron descensos catastróficos a mediados de 1990, debido principalmente a las enfermedades y la depredación por parte de especies no nativas, como el águila real. Las cuatro subespecies se han recuperado. Esto se debe principalmente a los trabajos de conservación, con un programa de cría en cautividad, reintroducción, la vacunarnos contra las enfermedades caninas y reubicación de águilas reales.

"Esta actualización de la Lista Roja de la UICN muestra algunos éxitos de conservación excepcional, que debemos aprender, para futuros esfuerzos de conservación ", dice Jane Smart , Directora Global de Biodiversidad de la UICN Grupo de Conservación. "Sin embargo, el mensaje global sigue siendo sombrío. Con cada actualización, vemos algunas mejoras en el estado de especies, pero hay un número significativamente mayor de especies que figuran en las categorías de amenaza . El mundo debe trabajar con urgencia los esfuerzos para evitar esta tendencia devastadora”.

Las Edades del Hombre en Aranda de Duero

26/11/2013, La localidad burgalesa de Aranda de Duero será escenario durante cinco meses, a partir de Mayo de 2014, de la nueva edición de Las Edades del Hombre.

Aranda de Duero, 26 de noviembre de 2013
Cerca de 130 piezas y obras de arte sacro, pertenecientes a la exposición de "Las Edades del Hombre", serán exhibidas a partir del mes de Mayo de 2014, en la décimonovena edición de este evento cultural por el que ya han pasado más de 10 millones de personas en anteriores ediciones.

Durante su celebración, que tendrá lugar desde mayo hasta septiembre de 2014, se llevarán a cabo múltiples acciones acciones promocionales, como la creación de una "Tarjeta turística Edades del Hombre", la realización de un programa especial de apertura de monumentos, concursos y sorteos pensados para atraer a jóvenes turistas y amantes del arte, o el desarrollo de aplicaciones para móviles entre otras.

La exposición de arte sacro, que celebra ahora su vigésimo quinto aniversario, expondrá sus tesoros en edificios tales como la iglesia de Santa María y la de San Juan, por lo que supondrá una inversión en restauración, embellecimiento y reconversión de los entornos patrimoniales y urbanos de Aranda de Duero.

Para la Alcaldesa de la localidad, Raquel González, esta exposición significa “el lanzamiento de Aranda de Duero como destino turístico, una oportunidad de poner en valor todos los recursos con los que contamos y la posibilidad de mostrar al mundo que nuestra localidad es mucho más que gastronomía y vino”.

Los orígenes de la máquína de vapor

26/11/2013, La Biblioteca Nacional de España adquiere una fuente documental de relevancia capital en la historia de la máquina de vapor, y de gran significado para la historia de la ciencia y la técnica a nivel mundial.

Madrid, 26 de noviembre de 2013
Jerónimo de Ayanz y Beaumont 1553 – 1613) -autor del texto- fue además un personaje polifacético con actividades muy distintas, desde la milicia a la pintura, la música o la cosmografía. Desarrolló numerosas invenciones con fines militares e industriales, tales como tipos de hornos o campanas para buceo.

En el plano militar, destacó en lugares claves como Francia, Túnez o Flandes... de modo que su vida llena de intensidad inspiró alguna página literaria al propio Lope de Vega.

El texto que ha sido incorporado ahora a la Biblioteca Nacional fue publicado torno a 1600 por este inventor navarro, comendador de ballesteros de la Orden de Calatrava, en el que describe sus ideas en torno a la utilización industrial de la energía del vapor mediante una serie de ingenios.

Estas ideas serían desarrolladas posteriormente por Ayanz en un memorial que dirigió a Felipe III, en el que solicitaba la concesión de un privilegio de invención para sus ingenios; en 1606 se le otorgó dicho privilegio, en lo que constituye la primera “patente” de una primitiva máquina de vapor.

El impreso, encuadernado en pergamino moderno, consta de ocho hojas tamaño folio e incluye siete dibujos en los que Ayanz ilustra sus planteamientos. Se trata del único ejemplar conocido de la obra.

El origen de las invenciones de Ayanz se encuentra en su nombramiento en 1597 como administrador general de las minas del reino. Ayanz recibió el encargo de viajar por España para comprobar el estado en el que se encontraban las minas españolas y de plantear soluciones a los problemas que detectara. Dicho viaje fue determinante para el desarrollo de sus ideas respecto al empleo industrial del vapor.

Pese a la concesión del privilegio de invención, la aplicación de las máquinas ideadas por Ayanz no obtuvo mucho interés. No obstante, la significación de sus trabajos es enorme: de un lado, hasta entonces la energía del vapor sólo había sido objeto de juegos y curiosos experimentos; de otro, la siguiente “patente” de un ingenio de vapor no se concedió hasta casi un siglo después, la otorgada el inglés Thomas Savery.

Palacio de Golestán

26/11/2013, El palacio de Golestán (Teherán, República Islámica del Irán) ha sido añadido en 2013 a la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Teherán, Irán, 26 de noviembre de 2013
Obra maestra de la época de los Kayar, el espléndido Palacio de Golestán encarna la lograda fusión de la arquitectura y artesanía de épocas pasadas de Persia con las corrientes artísticas occidentales.

Este palacio amurallado forma uno de los conjuntos de edificios más antiguos de Teherán y se convirtió en la sede de gobierno de la dinastía Kayar, llegada al poder en 1779, que hizo de esta ciudad la capital del país.

Rodeado de un jardín con estanques y plantaciones, el palacio de Golestán se destaca sobre todo por sus elementos y ornamentos realizados en el siglo XIX. Ejemplo notable de la arquitectura y las bellas artes kayaríes, este conjunto monumental se convirtió en un centro en un centro artístico importante y ha sido hasta nuestros días una fuente de inspiración continua para los arquitectos y artistas iraníes.

El palacio es representativo de un nuevo estilo que combina las bellas artes y la artesanía persas tradicionales con elementos arquitectónicos y técnicos europeos del siglo XVIII, sosstiene la UNESCO.

Jaume Plensa, premio Velázquez

26/11/2013, El Premio Velázquez de Artes Plásticas 2013 ha sido concedido al escultor catalán Jaume Plensa.

Madrid, 26 de noviembre de 2013
El jurado destacó “la coherencia de una trayectoria en la que ha renovado en profundidad el lenguaje plástico de la escultura, integrando poesía y conceptualización con propuestas de gran intensidad estética”.

Este galardón lo concede el ministerio español de Educación, Cultura y Deporte desde 2002 para destacar la obra de un creador artístico y está dotado con 100.000 euros.

Biografía de Plensa
Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista plástico dedicado a la escultura, aunque ha colaborado en proyectos de teatro y ópera con el diseño de la escenografía y el vestuario.

Su obra escultórica ha pasado por varias etapas desarrolladas ampliamente con la recuperación de materiales, hierro, bronce, cobre, etc. En 1986 inició una serie de esculturas en hierro fundido, a las que incorporó luz, textos escritos en relieve, etc. Recientemente ha trabajado con resina sintética, vidrio fundido, alabastro, acero inoxidable, mármol, plástico, luz, video y sonido. También tiene una amplia producción de obra en papel y obra gráfica.

Ha sido Premio Nacional de las Artes Plásticas (Madrid 2012), entre otros premios tanto nacionales como internacionales: la Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres Ministerio de Cultura (Francia, 1993), Premio de la Fondation Atelier Calder. Saché(Francia, 1996), el Premi Nacional de Cultura d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (Barcelona, 1997), Ha sido investido Doctor Honoris Causa por la School of the Art Intitute de la Universidad de Chicago (Chicago, 2005), el Mash Award for Public Sculpture (Londres, 2009), y más recientemente, el Premio Nacional de Arte Gráfico (Madrid 2013).

Gran parte de su obra escultórica se exhibe en espacios públicos. Tiene obras en ciudades de España, Francia, Japón, Inglaterra, Corea, Alemania; Canadá, Estados Unidos, etc. The Crown Fountain en el Millennium Park de Chicago ha sido uno de sus grandes proyectos, y sin duda uno de los más brillantes. En 2005 finalizó Breathing para la BBC de Londres; en 2007Conversation à Nice en la Place Masséna de Niza, Francia, El Alma del Ebro para la Expo Zaragoza 2008, en 2009 Dream en St.Helens, Liverpool (Inglaterra), World Voices en Dubai (UAE), Ogijima’s Soul en Ogijima, Japón y Awilda en Salzburg, Austria en 2010, Tolerance para la ciudad de Houston (USA) y Echo en The Madison Square Park, Nueva York en 2011, Mirror en la Universidad de Houston y Olhar nos meus Sonhos en Rio de Janeiro, Brasil en 2012, y la más reciente, Wonderland en la ciudad de Calgary, Canadá.

Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos de Europa, Estados Unidos y Japón. Expone regularmente su trabajo en la Galerie Lelong de Paris, Galerie Lelong de Nueva York, y en Richard Gray Gallery en Chicago y Nueva York.

Premiados en años anteriores:

2002 Ramón Gaya
2003 Antonio Tapies
2004 Pablo Palazuelo
2005 Juan Soriano
2006 Antonio López
2007 Luis Gordillo
2008 Cildo Meireles
2009 Antoni Muntadas
2010 Doris Salcedo
2011 Artur Barrio
2012 No se falló

La Abstracción de Rafael Canogar

25/11/2013, Una antología de la obra abstracta de Rafael Canogar, que refleja las distintas etapas de su trayectoria artística y la evolución de la abstracción en su pintura. En el IVAM hasta el 2 de febrero de 2014.

Valencia, 25 de noviembre de 2013
El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) presenta una muestra que expone, desde 1957 a 2013, la permanente presencia de la abstracción a lo largo de la larga trayectoria del artista toledano. La exposición se articula así en torno a tres momentos que jalonan su trabajo: sus primeras abstracciones matéricas de los años cincuenta; su etapa de pinceladas marcadas a finales de los setenta, y la obra objetual de los noventa, que evolucionaría en las primeras décadas del siglo XXI, dando especial protagonismo a la organización del espacio y el juego entre los diversos elementos de sus composiciones.

Rafael Canogar celebró en 1954 su primera exposición individual en la Galería Altamira de Madrid. Poco después, viajaría a París donde le impactaron propuestas estéticas nuevas, de artistas como Dubuffet, Fautrier o Wols, conocido entonces como “art autre” o abstracción informalista.

En 1955 forma parte de la Galería Fernando Fe de Madrid, que defiende la abstracción como línea de trabajo. En 1957, junto a otros pintores defensores igualmente de la vanguardia informalista forma el grupo "El Paso". De esta época datan sus referencias al barroco histórico, a través de un colorido sobrio, de plenos negros, grises y pardos, con toques de rojo y azul, y con sus agolpamientos de materia en forma de chorretones, surcos y acumulaciones de material pictórico.

Canogar abandonó las propuestas del Informalismo a finales de los años 60, e inicia una figuración compleja, de carácter narrativo, caracterizada por el protagonismo de la figura humana, por la reducción del cromatismo a la gama de grises y negros, y la incorporación de la tercera dimensión.

En el año 75, tras los cambios políticos de la sociedad española, Canogar aborda el tránsito hacia nueva plástica personal e independiente, que le condujo a estructurar su obra desde la abstracción, pero en contraposición a su obra precedente, busca una imagen intemporal, el retorno al orden, a la esencialidad, a la conquista de las herramientas del pintor, a una reflexión sobre la pintura. Es el diálogo del pintor con la materia, con una sensualidad en el trazo pictórico que se aleja de la violencia del Informalismo.

Ya en los noventa, Canogar se concentra en la estructura, considerando la obra abstracta como un objeto en sí, como forma de dejar testimonio de la actuación del hombre, de fuerzas elementales y primarias que siempre han acompañado al hombre, fuerzas opuestas y lucha de contrarios: construcción-deconstrucción. En estos grandes muros de collage, sus referencias y evocaciones del paso del tiempo se dejan notar en sus colores primarios, especialmente, en sus rojos y azules intensos. Es a partir de estos años cuando se empiezan a incorporar paulatinamente a sus composiciones nuevos elementos matéricos como la parafina, el poliestireno, el vidrio y el aluminio.

La obra de Rafael Canogar le ha hecho merecedor de importantes distinciones, como el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo(1971) o el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1982). El Museo Reina Sofía de Madrid le dedicó una gran retrospectiva en 2001. Desde 1998 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao IV

25/11/2013, El Guggenheim confronta obras de dos generaciones de artistas contemporáneos que utilizan diversos lenguajes creativos para trascender la realidad.

Bilbao, 25 de noviembre de 2013
El Museo Guggenheim Bilbao presenta "Selecciones de la Colecciףn del Museo Guggenheim Bilbao IV", cuarta muestra de un ciclo que se iniciף en el aסo 2010 y que finalizarב el 31 de agosto de 2014, cuyo objetivo es mostrar las obras que integran la Colecciףn Propia del Museo, poniיndolas en contexto y facilitando al pתblico una visiףn comprehensiva sobre el enfoque de la misma.

Esta selecciףn reתne once obras de dos generaciones de artistas contemporבneos (Elssie Ansareo, Manu Arregui, Juan Manuel Ballester, Prudencio Irazabal, Darםo Urzay y Juan Uslי) que, en su prבctica, analizan, desde mתltiples miradas, la transformaciףn de la realidad, adentrבndose en el terreno de lo desconocido y de la experimentaciףn.

Los artistas investigan espacios de presencia y ausencia. Con su trabajo, emprenden la transformaciףn de una realidad que abarca desde relaciones humanas y referencias a la historia del arte hasta visiones cףsmicas y tambiיn microscףpicas. Los autores se acercan en mayor o menor medida a la realidad, pero lo hacen siempre con la intenciףn de experimentar una revelaciףn. De esta forma, la realidad se convierte en una experiencia תnica, en la que el arte conecta de manera inmediata con la totalidad de la existencia.

El tiempo encapsulado, el yo y el otro
La artista Elssie Ansareo (Mיxico, D.F., 1979) reflexiona sobre la escena y el espectador con unas imבgenes de estilo barroco y teatral que resultan inquietantes para quien las observa. "El baile de las flגneuses", se compone de un gran mural de paneles fotogrבficos en el que los personajes cohabitan en un entorno de luces y sombras. La imagen panorבmica muestra un intercambio de miradas que invita a cuestionarse sobre el significado de la representaciףn. Ansareo realizף este mural en blanco y negro, lo que intensifica la sensaciףn de imagen congelada y tiempo detenido.

"Irresistiblemente bonito" de Manu Arregui (Santander, 1970) tiene como eje central a Vanesa Jimיnez, una muchacha con una gran minusvalםa, conocida como "la niסa de los huesos de cristal". La obra se compone de dos proyecciones de vםdeo de alta definiciףn enfrentadas. Una de ellas muestra la grabaciףn de la persona real mientras que en la otra se presenta la imagen virtual de Vanesa como si fuera su reflejo. "Con gesto afeminado", una de las obras mבs recientes del artista, se compone de un vםdeo y una pieza escultףrica. En este trabajo, Arregui parte de una pelםcula de 1935 sobre los Ballets Russes, titulada Spring Night, para cuestionar la hegemonםa de la masculinidad y el desajuste del individuo frente a la sociedad. El artista subvierte el metraje original incorporando nuevos atributos polםticos e interrumpe la reproducciףn lineal de su pelםcula con una ventana de chat con el objetivo de desvelar detalles de la producciףn. De esta manera, expone la artificialidad inherente a todo proceso de representaciףn y a su vez, contextualiza su obra en la era tecnolףgica contemporבnea.

La poיtica del espacio vacםo
A travיs de la fotografםa, Josי Manuel Ballester (Madrid, 1960) anhela detener el tiempo y limitarlo al momento presente mediante la inmersiףn del espectador en espacios vacםos, interesבndose por las huellas y los reflejos que dejan las personas. Sus imבgenes reflexionan sobre la soledad del individuo y las contradicciones del mundo moderno a travיs de la arquitectura. En su bתsqueda de una poיtica del espacio vacםo, Ballester crea su serie Espacios ocultos en la que reinterpreta obras maestras de la historia del arte. Mediante la alteraciףn digital de fotografםas de cuadros histףricos, Ballester genera ausencias turbadoras. La muestra acoge las tres obras de esta serie que el artista donף al Museo Guggenheim Bilbao en 2011 y que ahora se exponen al pתblico por primera vez: "3 de mayo", "Palacio Real" y una reinterpretaciףn de la balsa de la Medusa, de Thיodore Gיricault.

La mirada de la abstracciףn
Las pinturas de Prudencio Irazabal (Puentelarrב, 1954) parecen realizadas de manera instantבnea e inmediata, pero contienen numerosas referencias a la historia del arte. Irazabal expresa a travיs de su obra cierta incredulidad respecto a su propio medio, que le lleva a analizar al microscopio una muestra de pintura y a hacer una elaboraciףn diagramבtica en el mismo cuadro. Pero tambiיn se encuentra en ella una reveladora confianza en la accesibilidad de lo inmaterial (tiempo, espםritu, conceptos abstractos) a travיs del paciente y minucioso anבlisis de la materia.

Por otra parte, la muestra presenta por primera vez las dos versiones realizadas por Darםo Urzay (Bilbao, 1958) de su obra "En una (Microverso) fracciףn" y "En una (Microverso I) fracciףn". Ambas piezas pertenecen a la serie Camerastrokes que el artista comenzף en 1991 y que יl mismo define como fotografםas que “han sido realizadas imitando con la cבmara el movimiento de la brocha de un pintor gestual del Expresionismo Abstracto, siendo la luz la ‘materia’ utilizada”.

Finalmente, Juan Uslי (Santander, 1954) genera en sus trabajos espacios autףnomos que plasman, de una manera abstracta, su particular visiףn de la realidad. El artista abandonף la figuraciףn a comienzos de la dיcada de 1990 y comenzף a crear obras de carבcter mבs analםtico y conceptual. Las obras de Uslי reflejan determinados procesos intelectuales o emocionales del artista. Asם, "Soסי que revelabas XI (Airport)" se caracteriza por franjas horizontales de pinceladas verticales de pintura negra que se repiten metףdicamente. Cada fila varםa de tonos claros a oscuros, creando la sensaciףn de un movimiento palpitante. La repeticiףn mecבnica de las pinceladas muestra un enfoque sistemבtico y orientado al proceso, pero tambiיn es un rastro visible del cuerpo y de su actividad fםsica.

Universidad de Coimbra

25/11/2013, La Universidad de Coimbra (Portugal) ha sido añadida en 2013 a la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Coimbra, 25 de noviembre de 2013
Fundada en Lisboa en el año 1290 por el rey Dinís, la Universidad se traslada a Coimbra en 1308, pero no se establece definitivamente hasta 1537, ocupando los edificios del Palacio Real medieval del rey Juan III.

Situada en una colina que domina la ciudad, la Universidad de Coimbra se desarrolló y evolucionó durante más de siete siglos en la ciudad vieja.

Entre los edificios destacables de la universidad figuran:

La Porta Férrea, del siglo XVII, da acceso al patio de la Universidad. En el amplio patio se encuentran una torre del siglo XVIII, la Biblioteca Joanina, la Capilla de San Miguel y el edificio del Palacio de las Escuelas. Una impresionante estampa de Coimbra se ve desde la terraza del patio.

La Biblioteca Joanina es la más famosa de todo Portugal. Fue edificada por el rey Juan V en 1724 y en su piso superior alberga tres salas comunicadas entre sí a través de arcos triunfales de madera policromada. Es un edificio de estilo barroco en el que se pueden encontrar unos doscientos cincuenta mil ejemplares de los siglos XII al XIX.

El Paço da Universidade o Palacio de las Escuelas es un edificio de estilo manuelino. En este edificio destaca la sala del trono del Palacio Real, que se convertiría en el Paraninfo de la Sala dos Capelos, lugar en el que se celebran actualmente las ceremonias académicas más solemnes. Este gran salón está cubierto por un techo decorado y se adorna con los retratos de los reyes de Portugal.

La Capilla de San Miguel data de 1517 y fue construida bajo la dirección de Marcos Pires. Su fachada es de estilo manuelino, mientras que su acceso lateral es neoclásico. En su interior se conserva un órgano barroco del año 1733. Los azulejos decoran las paredes de la nave y de la capilla mayor. En su interior hay un pequeño museo de arte sacro.

La universidad de Coimbra se convirtió en una institución de referencia para otros centros de enseñanza superior en el mundo lusófono, ejerciendo una influencia considerable en la difusión del saber y la literatura.

Coimbra constituye un ejemplo notable de una ciudad universitaria integrada con una tipología urbana específica y tradiciones ceremoniales y culturales propias que se han perpetuado, según la UNESCO.

Isa Genzken: Retrospective

22/11/2013, Del 23 de noviembre de 2013 al 10 de marzo de 2014 se podrá ver en el MoMA de Nueva York una muestra dedicada a la artista alemana Isa Genzken.

Nueva York, 22 de noviembre de 2013
Isa Genzken (Alemania, 1948) es sin duda una de las artistas más importantes e influyentes de los últimos 30 años. Esta exposición, la primera retrospectiva completa de su trabajo en un museo americano, y la más grande hasta la fecha dedicada a su obra, abarca su producción artística de los últimos 40 años.

Aunque el público amante del arte puede estar familiarizado con sus recientes esculturas de encaje, la amplitud de sus logros y lo distinto de sus proyectos incluye, no sólo el trabajo en tres dimensiones, sino también pintura, fotografía, collages, dibujos, cuadernos, películas y esculturas. Muchos de los cerca de 150 objetos que conforman la exposición estarán a la vista en los Estados Unidos por primera vez.

El trabajo de Genzken ha sido parte del discurso artístico desde que comenzó a exhibir en la década de 1970, pero en la última década una nueva generación ha sido inspirada por su inventiva radical.

Los últimos 10 años han sido particularmente productivos para la alemana, que ha redefinido su forma de trabajar a través de un nuevo lenguaje de objetos y collages. Estos grupos de esculturas van desde obras de pequeño formato a instalaciones que llenan las salas expositivas en las que se muestra su obra.

Isa Genzken: Retrospective
Noviembre 23, 2013 – Marzo 10, 2014
MoMa
11 West 53 Street, Nueva York

Mengs y la Antigüedad

22/11/2013, La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación MAPFRE organizan una exposición que analiza el interés de Anton Raphael Mengs por el mundo clásico.

Madrid, 22 de noviembre de 2013
Mengs es bien conocido por ser uno de los principales representantes de la estética neoclásica en Europa. Junto a su faceta de pintor es igualmente interesante y sobresaliente su papel como pedagogo, teórico, coleccionista, estudioso de la Antigüedad e incluso arqueólogo. Dichos aspectos pueden ilustrarse en gran medida a través de la recopilación de vaciados en yeso de esculturas que donó a Carlos III para que fueran útiles dentro del programa formativo de la Academia madrileña, en el que su aportación había sido decisiva.

Ésta exposición, la primera celebrada en España en torno al análisis de los modelos estéticos de Mengs, permite ilustrar un momento histórico de gran relevancia en la evolución del arte occidental.

La colección además de ser un verdadero instrumento para educar el gusto y la destreza de muchos artistas españoles, es un utensilio básico e imprescindible para el estudio de la escultura antigua y determinante para el cambio estético que se produciría en aquellos años.

Los vaciados responden y manifiestan a un tiempo los ideales estéticos y las teorías del Neoclasicismo que Mengs exponía en sus obras y escritos. Nombrado primer pintor de Cámara de Carlos III, para Mengs sólo había un procedimiento válido de acercarse al arte: imitar la Antigüedad. Los artistas griegos habían alcanzado la perfección y, a juicio de Mengs, imitar sus obras conduciría a la comprensión y asimilación de la excelencia absoluta.

A través de los modelos en yeso, dibujos del artista copiando o interpretando la Antigüedad, libros, documentos y otros objetos, la exposición Anton Raphael Mengs y la Antigüedad explora con rigor, a partir de una profunda reflexión científica, los aspectos mencionados. También se reconstruye el transporte de los vaciados a la corte madrileña, así como la función que cumplieron en la vida didáctica de la Academia y la influencia que ejercieron sobre sus discípulos y los principiantes en la institución artística.

Anton Raphael Mengs y la Antigüedad
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Hasta el 26 de enero de 2014

Monumentos y sitios históricos de Kaesong

22/11/2013, Monumentos y sitios históricos de Kaesong (República Popular Democrática de Corea) es el nombre de uno de los sitios que entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Kaesong, Corea, 22 de noviembre de 2013
Situado en la zona urbana de Kaesong, en la provincia de Hwanghae del Norte, este sitio está compuesto por 12 componentes separados que, en su conjunto, constituyen un testimonio de la historia y la cultura de la Dinastía de Koryo (siglos X-XIV).

El trazado geomántico de la antigua capital dinástica, Kaesong, así como sus palacios, instituciones, conjuntos funerarios, murallas defensivas y puertas, encarnan los valores políticos, culturales y filosóficos de una época crucial para la historia del país.

Entre los monumentos inscritos figura un observatorio astronómico y meteorológico, dos escuelas (incluida la que se dedicaba a formar a los funcionarios del país) y diversas estelas conmemorativas.

El sitio constituye también un testimonio de la transición del budismo al neoconfucianismo en el Asia Oriental, así como de la asimilación de los valores espirituales, culturales y políticos de los Estados que existían antes de la unificación llevada a cabo por la Dinastía Koryo.

La fusión de los principios budistas, confucianos, taoístas y geománticos la patentizan tanto el planeamiento del sitio como la arquitectura de sus monumentos.

Los pies en la tierra y el alma en el cielo

21/11/2013, El Museu Europeu D`Art Modern de Barcelona mostrará por vez primera en España la obra del pintor contemporáneo chino He Jiaying.

Barcelona, 21 de noviembre de 2013
El MEAM presenta la obra de uno de los artistas chinos actuales más relevantes, el pintor He Jiaying. Nacido en 1957 en Tianjin. Desde el 21 de noviembre de 2013 y hasta el 29 de diciembre de 2013, La primera planta del museo albergará más de 60 obras del artista, algunas de gran formato, y recorrerá todas las épocas de su carrera, desde 1980 hasta nuestros días.

He Jiaying es altamente cotizado en las subastas internacionales. Genuino representante del creciente movimiento contemporáneo chino en las artes plásticas, está sumamente preocupado por la revalorización de la pintura tradicional china y por su enseñanza a las nuevas generaciones.

Su obra, especializada en la miniatura y el minimalismo, transmite un profundo encanto oriental y es un puente entre las técnicas más contemporáneas y el respeto a la estética tradicional.

La retrospectiva del MEAM es una oportunidad única para descubrir lo que el arte chino contemporáneo puede aportar sin renunciar a sus orígenes y a su milenaria historia.

Esta muestra se enmarca dentro del 40 aniversario de las relaciones diplomáticas entre España y China, y es la primera exposición de lo que ha de ser una fructífera colaboración entre la “Fundació de les Arts i els Artistes” y los más modernos representantes de la pintura figurativa en China.

Formas biográficas. Construcción y mitología individual

21/11/2013, El Museo Reina Sofía inaugurará el próximo martes 26 de noviembre de 2013 la exposición Formas biográficas. Construcción y mitología individual.

Madrid, 21 de noviembre de 2013
Tradicionalmente, ha existido una tendencia a explicar la obra de arte a partir de la historia personal del artista. De esta manera, la obra se convierte en “biografía” de la vida del artista.

Partiendo de esta base, el enfoque que plantea esta exposición es entender el arte como relato y analizar cómo los artistas, a partir de él, evocan su pasado y perfilan su identidad y biografía personal.

Con este planteamiento, la exposición abre dos líneas de trabajo: la mitología individual, que surge cuando el creador conforma su propia historia, su biografía a medida y crea su personaje; y la construcción, consistente en buscar los elementos básicos y esenciales de la obra de arte con el fin de articular la biografía del artista. En el primer caso se parte de la biografía para acercarse a la obra de arte y, en el segundo, de la obra de arte para aproximarse a la biografía.

La exposición reúne alrededor de 275 obras (entre pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, extractos de películas, dibujos y material documental), algunas de ellas nunca vistas antes en España, de artistas de la talla de Edvard Munch, Mark Rothko, Paul Klee, André Breton, Gerhard Richter, Alberto Giacometti, Martin Kippenberger, Maruja Mallo, Pepe Espaliú, Brassaï, Lygia Clark, Michelangelo Pistoletto o Dorothea Tanning.

125 años de National Geographic

21/11/2013, El fotógrafo Nick Nichols, Editor General de Fotografía de National Geographic, imparte una charla sobre su trayectoria en el mítico magazine, que celebra este año su 125 aniversario.

Madrid, 21 de noviembre de 2013
Descubrir el mundo en que vivimos ha sido uno de los objetivos principales de National Geographic a lo largo de sus 125 años de historia, y para el cual la fotografía siempre ha sido un aliado fundamental. De esta vinculación habló el pasado 20 de noviembre en una conferencia en Madrid el fotógrafo estadounidense Michael “Nick” Nichols, Editor General de Fotografía de National Geographic, y uno de sus fotógrafos más veteranos, además de referente mundial en fotografía de naturaleza.

La conferencia tuvo como eje vertebrador el trabajo del fotógrafo a lo largo de sus 22 años como fotógrafo de National Geographic. La trayectoria de Nichols en la revista empezó en 1991, cuando publicó su primera portada, y se convirtió en fotógrafo de plantilla en 1996. Desde 2008 es el editor general de fotografía de la revista. Anteriormente (desde 1982 a 1995) formó parte de la mítica agencia Magnum, fundada por Henri Cartier Bresson y Robert Capa.

En 1982 recibió el reconocimiento del Club de Prensa Extranjera de Estados Unidos por “informar mucho más allá del sentido del deber”, un honor habitualmente reservado a los fotógrafos de guerra, y que define perfectamente el espíritu general de su obra.

Sus trabajos
Los elefantes africanos, el estudio de sus actividades y el retrato de sus formas de vida, son un eje fundamental en la carrera del fotógrafo, y por ello fueron algunos de los temas principales de la charla. El objetivo de Nichols los ha retratado durante más de 20 años, regalándonos conmovedoras imágenes en las que aboga por la protección de esta especie, que se encuentra actualmente bajo amenaza.

En uno de sus últimos proyectos con los leones del Serengeti, utilizó cámaras robotizadas con infrarrojos, así como dispositivos ensamblados en helicópteros eléctricos, que le permitían tener una cercanía casi imposible con el animal. Este reportaje fue publicado en septiembre de 2013 en la edición española del magazine.

También es destacable su trabajo con el retrato de las secuoyas gigantes, los árboles más grandes del mundo, a las cuales les dedicó un reportaje en National Geographic en 2012. La fotografía central del proyecto ocupaba un desplegable de 5 páginas y estaba formada por 126 imágenes.

125 años explorando el planeta
La conferencia de ayer puso el broche de oro al 125 aniversario de la National Geographic Society, una celebración que se ha desarrollado a lo largo de este 2013. En todos estos años, la mayor entidad científica sin ánimo de lucro del mundo, ha compartido con decenas de millones de lectores su pasión por la exploración, la naturaleza y el descubrimiento.

El inicio de la historia de National Geographic se remonta al 13 de enero de 1888, cuando 33 caballeros de distinto perfil académico y profesional (geógrafos, exploradores, abogados, naturalistas, cartógrafos, banqueros, biólogos, inventores e ingenieros) se reunieron para sentar los cimientos de una sociedad cuya finalidad debía ser promocionar y difundir el conocimiento geográfico.

Lejos de posicionarse como una entidad restringida a científicos y especialistas, National Geographic se convirtió en «una ventana abierta al mundo» para todo aquel que estuviera interesado en saber más cosas sobre nuestro planeta, y participó en algunos de los hitos de la exploración geográfica y la investigación científica del siglo XX, como la conquista del Everest o el descubrimiento de los restos del Titanic.

El caso de la estatuilla egipcia giratoria

20/11/2013, Millones de personas se han maravillado ante el misterio de una estatuilla egipcia que giraba sola en una de las estanterías del Manchester Museum... ahora se ha descubierto el mecanismo impulsor.

Manchester, 20 de noviembre de 2013
El Museo de Manchester es extraordinario en materia de egiptología; alberga más de 16.000 objetos del antiguo Egipto y Sudán, por lo que se califica como uno de los mejores de Gran Bretaña e incluso del mundo en esta área.

Este año ha sido noticia especialmente porque a través de YouTube se divulgó un video en el que se veía el movimiento de la estatuilla, y porque diversos medios informativos lanzaron la novedad, lo que ha focalizado la atención de multitud de gentes sobre el fenómeno.

La estatuilla de Neb-iww o Neb-senu (en los medios se refieren habitualmente como Neb-senu, aunque en el museo optan por la otra lectura) de 25,4 cm de altura, de unos 3800 años de antigüedad, entró en la colección del centro de Manchester en 1933, como parte de una donación. Lleva en su zona posterior una inscripción que alude a una ofrenda a Osiris, Señor de la vida, una inscripción que aparecía de vez en cuando ante los ojos de los visitantes del museo, pues la estatuilla solía girar lentamente, siempre en dirección hacia la izquierda.

En estos días se ha divulgado la noticia de que la cadena británica ITV ha "descubierto" a qué se debe el movimiento de esta estatua egipcia que tenía perplejos a millares de personas.

El origen del movimiento radica en que la base de la estatua no es plana sino relativamente convexa y se ha comprobado, a través de sensores, que gira cuando los movimientos de automóviles y personas son más fuertes en la calle. De hecho los picos de vibraciones coinciden con las horas punta, en tanto que la estatua "reposa" en la noche.

En realidad, Campbell Price, curador de las galerías de Egipto y el Sudán, ya había advertido esta teoría en el blog del museo el día 23 del pasado mes de agosto, cuando reconocía que la expectación ante el video emitido en YouTube había sido inesperada: Millones de personas han visto el video a través de la red o de la televisión y otros muchos han leído la información en los diarios. El Museo ha recibido miles de correos electrónicos que ofrecen interpretaciones y hacen más preguntas.

En el texto de Campbell se explica que muchas de las comunicaciones evidencian la compleja percepción sobre el antiguo Egipto, por lo que muchos olvidan la lógica para entrar en el mundo de lo inexplicable, los misterios y la magia.

Ya en agosto, Campbell decía que la explicación para el movimiento es "decepcionantemente simple. Esto se hizo evidente cuando la estatuilla fue extraída de la vitrina durante unas recientes obras de reforma en la galería. La base de la estatuilla es convexa y el objeto tenía propensión a girar sobre un punto determinado, con mucha facilidad cuando se les daba el más mínimo empujón o se tocaba el estante de cristal sobre la que se apoyaba. Incluso las sutiles vibraciones podrían provocar tal movimiento (...) Una membrana se ha colocado en la base de este y otros objetos para evitar los movimientos en el futuro".

La fuente de las vibraciones -señalaba en agosto el representante del museo- "incluye una combinación de las pisadas de los visitantes, el tráfico exterior y el trabajo alrededor del edificio".

En el blog, concluía que "Si aún sólo algunas de las personas que han llegado al Museo de Manchester para ver la estatua giratoria aprovechó su estancia para aprender algo más acerca de los mundos antiguos en esta u otras colecciones, entonces creo que el aluvión de atención de la prensa habrá valido la pena"

Web del Manchester Museum: http://www.museum.manchester.ac.uk/

Historias Naturales en el Prado

20/11/2013, El Museo del Prado presenta la exposición “Historias Naturales. Un proyecto de Miguel Ángel Blanco”, un homenaje al origen del edificio como museo de Historia Natural.

Madrid, 20 de noviembre de 2013
Durante casi seis meses, las salas de la colección permanente albergarán piezas de historia natural tales como minerales, meteoritos, animales naturalizados y en etanol, fósiles, esqueletos, e insectos, que convivirán con obras de arte de autores como Rubens, Goya, Botticelli, El Bosco o Velázquez.

Un 19 de noviembre de 1819, el Museo del Prado abría sus puertas por primera vez al público como Museo Nacional de Pinturas y Esculturas. Sin embargo, el primer origen del edificio neoclásico diseñado por Juan de Villanueva, que hoy sirve de sede al Museo del Prado, fue el de Real Gabinete de Historia Natural, tal y cómo lo ordenó Carlos III, en 1785.

Coincidiendo con el aniversario de la inauguración del Museo, el Prado rememora un capítulo poco conocido de la historia de su edificio, su origen como Museo de Historia Natural antes de ser finalmente destinado a museo de pintura y escultura.

En “Historias Naturales. Un proyecto de Miguel Ángel Blanco”, el artista madrileño selecciona 150 piezas de historia natural, procedentes del Museo Nacional de Ciencias Naturales del CSIC, del Real Jardín Botánico (CSIC), del Museo de la Farmacia Histórica, y del Museo de la Escuela de Minas, y, junto a 25 obras de la colección del Museo, crea una serie de 22 intervenciones que entrañan una estrecha relación con el edificio y con el entorno urbano del Paseo del Prado.

Para llevar a cabo este regreso a la historia y origen del Museo, el artista Miguel Ángel Blanco no pretende reconstruir trescientos años después el Real Gabinete, “lo que he realizado en el Museo del Prado es una evocación de esa colección cuyo fantasma habita en el edificio Villanueva. Las veintidós intervenciones artísticas conforman un gabinete de futuro e incorporan un punto de vista creativo, interactuando con la colección permanente y favoreciendo una nueva forma de contemplación de las obras que ayude a su extensión imaginaria”.

Los océanos crecen más que nunca

18/11/2013, El nivel del mar está aumentando a una tasa promedio de alrededor de 3,2 milímetros por año, la mayor de los registros históricos recogidos por la Organización Meteorológica Mundial (OMM).

Ginebra, 18 de noviembre de 2013

Estos niveles del mar más altos ya están haciendo las poblaciones costeras más vulnerables a las mareas de tormenta, y esto ha sido puesto de manifiesto en el trágico tifón Yolanda, que causó un drama en Filipinas

La Declaración anual provisional de la Organización Meteorológica Mundial OMM sobre el estado del clima mundial 2013 ofrece una instantánea de las temperaturas regionales y nacionales. También incluye información sobre las precipitaciones, inundaciones, sequías, ciclones tropicales, capa de hielo y nivel del mar, y fue divulgada en la conferencia de cambio climático de las Naciones Unidas en Varsovia, Polonia.

La Organización Meteorológica Mundial en informe señala que el año 2013 está en camino de ser uno de los diez mejores años más cálidos desde que comenzaron los registros modernos en 1850.

Los primeros nueve meses de enero a septiembre han sido similares a 2003, con los séptimos períodos más cálidos registrado, con una temperatura de aproximadamente 0,48 grados por encima del promedio 1961-1990.

El periodo enero - septiembre de 2013 fue más cálido que el mismo periodo de 2011 y 2012, cuando La Niña tenía una influencia de enfriamiento. A diferencia de 2012, cuando los Estados Unidos, en particular, observaron altas temperaturas anuales récord, la calidez del 2013 más extrema ha sido en Australia.

"Las temperaturas en lo que va de año son casi lo mismo que el promedio durante 2001-2010, la década más cálida de la historia", dijo el Secretario General de la OMM, Michel Jarraud. "Continúa la tendencia subyacente a largo plazo que indica que los años más fríos ahora son más cálidos que los años más calientes antes de 1998", explicó.

"Las concentraciones atmosféricas de dióxido de carbono y otros gases de efecto invernadero alcanzaron un nuevo récord en 2012, y se espera que alcancen niveles máximos de nuevo en 2013. Esto significa que estamos comprometidos con un futuro más cálido", añadió Jarraud.

Ciclones y elevación del mar
"Filipinas se está recuperando de la devastación causada por el tifón Yolanda, el más poderoso que jamás haya golpeado el país y uno de los más intensos jamás registrados. Todavía está luchando para recuperarse del tifón Bopha (Pablo) de hace un año. Aunque los ciclones tropicales individuales no pueden atribuirse directamente al cambio climático, los niveles del mar más altos ya están haciendo las poblaciones costeras más vulnerables a las mareas de tormenta. Lo hemos visto, con consecuencias trágicas, en las Filipinas”, dijo Jarraud.

La declaración provisional de la OMM, confirma que el nivel del mar mundial alcanzó un nuevo máximo histórico. El nivel del mar ha aumentado a una tasa promedio de alrededor de 3,2 milímetros por año, con una variabilidad interanual, ya que las mediciones de altimetría por satélite comenzaron en 1993. Esto se acerca a la tasa observada de aproximadamente 3 mm / año de la última década, de 2001 a 2010 y el doble de la tendencia observada en el siglo XX, de 1,6 mm/año.
"El nivel del mar seguirá aumentando debido a la fusión los casquetes de hielo y los glaciares. Más del 90 % del exceso de calor que estamos generando a partir de gas de efecto invernadero es absorbido por los océanos, lo que consecuentemente se seguirá calentando y creciendo durante cientos de años", dijo Jarraud.

Hielo marino del Ártico
El hielo marino del Ártico se recuperó ligeramente después de la fusión espectacular y sin precedentes en 2012, pero en 2013 todavía tuvo uno de los niveles más bajos de la historia. Desde el inicio de las mediciones por satélite en 1979, la década 2001-2010 ha sido testigo de la mayor fusión anual del hielo marino del Ártico en el registro.
La extensión del hielo marino del Ártico alcanzó su máximo anual el 15 de marzo a las 15.13 millones de kilómetros cuadrados, de acuerdo con el U.S. National Snow and Ice Data Center. Esto fue aproximadamente 0,5 millones de kilómetros cuadrados por debajo del promedio 1981-2010. De acuerdo con la Universidad de Colorado -Boulder (EE.UU ), en cuatro años ha disminuido el 18 por ciento la cubierta de hielo, con una tasa de derretimiento más rápida.
El Ártico alcanzó su punto más bajo del hielo marino en su ciclo anual el 13 de septiembre, 5,10 millones de kilómetros cuadrados, el sexto nivel más pequeño de la historia. Esto es el 18 por ciento, o cerca de 1,1 millones de kilómetros cuadrados, por debajo de la media mínima 1981-2010, aunque, fue más alto que el mínimo histórico de 3,41 millones de kilómetros cuadrados de septiembre de 2012.


Hielo marino antártico
Por segundo año consecutivo, la extensión del hielo del mar Antártico en septiembre alcanzó un máximo récord de 19,47 millones kilómetros cuadrados según el U.S. National Snow and Ice Data Center. Se trata de unos 30.000 kilómetros mayor que el récord anterior establecido en 2012, y es un 2,6 por ciento superior a la media 1981-2010.
La extensión del hielo marino antártico está creciendo a una tasa promedio de 1,1 por ciento por década. Los cambios en la circulación atmosférica observada en las últimas tres décadas, lo que dio lugar a cambios en los vientos alrededor de la Antártida, son considerados por los científicos como los factores relacionados con este aumento. Sin embargo, es posible que este aumento sea debido a una combinación de factores que incluyen también efectos de cambios en la circulación del océano.
La Antártida se diferencia del Ártico en que este se compone de agua rodeada de tierra; por el contrario, la Antártida está compuesta de tierra rodeada de agua del mar abierto. Los patrones del viento y las corrientes marinas tienden a aislar a la Antártida de los patrones climáticos globales, y mantenerla fría.

Temperaturas regionales
Durante los primeros nueve meses de 2013, la mayoría de las áreas terrestres del mundo tuvieron temperaturas superiores a la media, sobre todo en Australia septentrional, norte de América, noreste de América del Sur, el norte de África y parte de Eurasia. Se observaron temperaturas más frías de lo normal en regiones concretas de América del Norte, América Central y del Sur, en las aguas del este del Océano Pacífico y la costa de Ecuador, así como una pequeña región del norte de Rusia, y del noreste de Asia.

Precipitaciones regionales
Durante los primeros diez meses de 2013, hubo precipitaciones inferiores a la media de todo el oeste de los Estados Unidos. Durante septiembre se produjo la precipitación récord en Boulder, Colorado, con inundaciones. Partes de México experimentaron precipitaciones superiores al promedio , debido a los ciclones tropicales.
En América del Sur, las precipitaciones fueron muy inferiores a la media: En el noreste de Brasil, partes de la región sufrieron su peor sequía de los últimos cincuenta años. La meseta brasileña experimentó el mayor déficit de lluvias desde que comenzaron los registros en 1979.
Precipitaciones extremas en Alemania, Polonia, República Checa, Austria y Suiza causaron inundación extendida a finales de mayo y principios de junio en cuencas del Danubio y Elba. Niveles récord desde 1950.
Los países del sur de África, Angola y Namibia fueron afectados por una de las peores sequías de los últimos 30 años. Una temporada de monzón de verano de África Occidental (julio- septiembre) trajo una media de precipitaciones superiores a la media en la mayor parte de la zona central y occidental del Sahel.
Grandes áreas del sur de Asia occidental, incluyendo India, Pakistán y China occidental experimentaron precipitaciones superiores a la media. El monzón asiático, fue uno de los más largos de la historia. La temporada del monzón tuvo un inicio temprano y trajo las peores inundaciones y devastación en el último medio siglo en las regiones cercanas a la frontera entre India y Nepal.
Desde finales de julio hasta mediados de agosto de 2013, intensas lluvias cayeron cerca del río Amur, que marca la frontera entre China y Rusia. El río alcanzó un nivel récord, superando el nivel alto anterior, de 1984 y hubo grandes inundaciones en partes de la región.
Junto con el calor extremo, la mayor parte de Australia tenía condiciones más secas de lo normal durante todo el año. En algunas partes, a principios de 2013 el país estaba sufriendo la peor sequía en décadas.


Ciclones tropicales
A principios de noviembre de 2013, la actividad ciclónica tropical global de 2013 se acercaba a la media de 1981-2010 de 89 tormentas, con un total de 86 tormentas en el año hasta la fecha (episodio con velocidad del viento igual o superior a 63 km/h).
Entre los más destacado, dos ciclones tropicales de dos cuencas separadas (Ingrid en el Atlántico Norte y Manuel en el Pacífico Nororiental) golpearon México casi simultáneamente el 15 de septiembre, un acontecimiento inusual que ocurrió por última vez en 1958.
A principios de noviembre, la temporada de tifones del Pacífico Norte occidental registraba 30 tormentas, incluidos 13 tifones, por encima del promedio de 1981-2010 de 26. El Yolanda fue uno de los ciclones tropicales más intensos y el más poderoso del año marcando un rastro devastador por Filipinas e impactando seriamente en Vietnam.

Fotografían un saola en Vietnam

17/11/2013, Un saola, uno de los mamíferos más raros y más amenazados del planeta, ha sido fotografiado en Vietnam por primera vez en el siglo XXI, en las montañas centrales Annamitas.

Vietnam, 17 de noviembre de 2013

La cámara trampa que localizó al animal había sido puesta por WWF y el departamento de Protección Forestal del gobierno vietnamita en esta remota zona. Los montes Annamitas alcanzan cotas cercanas hasta los 3.000 metros. Esta cordillera discurre paralela a la costa de Vietnam, entre esta y el valle del Mekong.

El saola (Pseudoryx nghetinhensis), es un animal muy escaso y fue descubierto en 1992 en el Parque Nacional Vu Quang, por eso también recibe el nombre de buey de Vu Quang. Habita solo en las montañas de Vietnam y Laos. Este bóvido, de pelaje oscuro es de un metro máximo de altura y pesa menos de 100 kilogramo. Parece que vive en solitario o en pequeños grupos.

Conocido como el unicornio asiático debido a que rara vez ha sido visto, el saola se reconoce por sus dos cuernos paralelos o con extremos puntiagudos que pueden alcanzar 50 centímetros de longitud. El último registro confirmado de un saola en estado salvaje fue en 1999 a partir de imágenes tomadas con cámara trampa en la provincia de Laos Bolikhamxay. En 2010, los habitantes de Bolikhamxay capturaron a un saola, pero el animal murió.

El animal es un icono de la biodiversidad en las montañas Annamitas, a lo largo de la frontera entre Vietnam y Laos. Esta zona cuenta con una increíble diversidad de especies raras, muchas de ellas únicas en el mundo. Además del descubrimiento del saola, en el final del siglo XX también se hallaron allí dos especies de ciervos.

"Cuando nuestro equipo estudió por primera vez las fotos no podíamos creer lo que veíamos; el saola son el santo grial para los conservacionistas del sudeste asiático, por ello quedamos entusiasmados", dijo Van Ngoc Thinh, responsable de WWF- Vietnam. "Es un descubrimiento impresionante y renueva la esperanza para la recuperación de la especie."

"En Vietnam, el último avistamiento de un saola en estado salvaje fue en 1998", dijo Dang Dinh Nguyen, director Adjunto del Departamento de Protección Forestal Quang Nam y el director de la Reserva Natural de Quang Nam saola. "Este es un momento histórico en los esfuerzos de Vietnam para proteger nuestra extraordinaria biodiversidad, y proporciona una poderosa evidencia de la eficacia de los esfuerzos de conservación de hábitats críticos del saola."

En el área donde fue fotografiado el saola, se ha puesto en marcha un innovador modelo de aplicación de la ley de protección, en el que los guardas forestales son reclutados de las comunidades locales, y cogestionados por WWF y sus homólogos del gobierno vietnamita. Estos guardas hacen una eficaz tarea para eliminar las trampas y controlar la caza ilegal, la mayor amenaza para la supervivencia del saola.

"los saola son capturados en trampas de alambre fijadas por los cazadores para atrapar a ciervos y civetas, que se destinan principalmente para el comercio ilegal de la vida silvestre", dijo el Dr. Van Ngoc. “Desde 2011, las patrullas de la guardia forestal en la zona han eliminado más de 30.000 trampas de este hábitat crítico del saola".

Descubierto a raíz de un cráneo
El saola fue descubierto en 1992 por un equipo conjunto del ministerio de Bosques de Vietnam (ahora llamado Ministerio de Agricultura y Desarrollo Rural) y WWF en los bosques de Vu Quang, cerca de la frontera de Vietnam con Laos. El equipo encontró un cráneo con cuernos inusuales en la casa de un cazador y sabía que era algo extraordinario. El hallazgo resultó ser el primer gran mamífero nuevo para la ciencia en más de 50 años y uno de los más espectaculares descubrimientos de especies en el siglo 20.

Veinte años después, todavía se conoce poco acerca de la ecología y el comportamiento del saola, y la dificultad en la detección de este animal escurridizo ha evitado que los científicos hagan una estimación precisa de la población. Tal vez unos 200 o quizás sólo unas pocas decenas parece que sobreviven en las remotas selvas densas a lo largo de la frontera de Vietnam y Laos.

Estas son las más importantes fotografías de animales salvajes tomadas en Asia, y quizás del mundo, al menos en la última década", dijo William Robichaud, coordinador del Grupo de Trabajo Saola de la Comisión de Supervivencia de Especies de UICN. "Ellos también son evidencia de la eficacia del modelo de guardias forestales para evitar que los saola se extingan

El coleccionismo de arte en España

15/11/2013, La falta de tradición del coleccionismo, la regulación dispersa, descoordinada y desacorde con las necesidades actuales han repercutido en el escaso desarrollo del fenómeno del coleccionismo actual en España.

Madrid, 15 de noviembre de 2013

Además, la historia discontinua del coleccionismo de arte en España, ha sido truncada de nuevo por la crisis económica.

Así lo indica el informe El coleccionismo de arte en España. Una aproximación desde su historia y su contexto, de María Dolores Jiménez-Blanco. La autora, profesora de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, muestra en su análisis la frágil situación de los actuales coleccionistas privados, que siguen siendo pocos y poco reconocidos públicamente, en tanto que el coleccionismo público ha sufrido un bruco parón tras años de bonanza.

El presidente de la Fundación Arte y Mecenazgo, Leopoldo Rodés; la directora de la Fundación Arte y Mecenazgo, Mercedes Basso, y la autora del informe, María Dolores Jiménez-Blanco, acaban de presentar en CaixaForum Madrid este análisis, que es el segundo Cuaderno Arte y Mecenazgo promovido por la Fundación Arte y Mecenazgo, institución que ha impulsado la Caixa.

El estudio recuerda como en el Siglo de Oro se forjaron las colecciones reunidas por la realeza, la aristocracia o la Iglesia y que hoy pueden contemplarse en los museos. También se detalla cómo éstos son depositarios de colecciones formadas por industriales, burgueses, artistas y aficionados.

En el siglo XIX y buena parte del XX, ni el Estado a través de los museos, ni la llamada sociedad civil llegaron a responsabilizarse de la misión cultural asumida por las clases superiores durante el Antiguo Régimen. Esta omisión creó una situación de vacío difícil de remontar en cuanto a la apreciación y promoción del arte moderno.

Por último, la autora dedica un capítulo a analizar la frágil situación actual del coleccionismo privado, marcada por la falta de una solidez que únicamente se logra mediante la continuidad.

El análisis muestra que en las décadas finales del siglo XX se produce en España un despertar del coleccionismo —privado y, especialmente, público—, que, además, cobra relevancia como objeto de investigación académica y de atención social. Sin embargo, el coleccionismo privado español sigue siendo escaso y mayormente silencioso, y sigue estando bajo un marco fiscal adverso.

Asimismo, detalla el auge vivido por el coleccionismo público desde la transición democrática, que logró dinamizar el mercado y creó un nuevo ambiente social que favoreció el incremento de los fondos artísticos de museos y centros públicos, animando también a las corporaciones a participar en el fenómeno. Pero este coleccionismo público primó en muchos casos la acumulación cuantitativa sobre la cualitativa.

El coleccionismo de arte en España. Una aproximación desde su historia y su contexto, está estructurado en tres grandes bloques: retratos, paisajes e interiores.

Retratos: el coleccionismo de arte desde el Siglo de Oro hasta el siglo XX

Este capítulo traza la historia del coleccionismo de arte en España desde el Siglo de Oro hasta la primera mitad del siglo XX, atendiendo al papel jugado por determinadas personalidades en la formación de las colecciones de arte.

A partir de los siglos XVI y XVII, existieron en España importantes coleccionistas cuya apreciación del arte que se estaba produciendo, tanto nacional como internacionalmente, atrajo piezas procedentes de toda Europa. Nobleza y Corona rivalizaron en el terreno del coleccionismo en un contexto de indudable florecimiento cultural en los círculos de la Corte.

Durante el reinado de Felipe IV se produjo en la Corte madrileña uno de los momentos más brillantes del coleccionismo, no tan solo español, sino también europeo, con un creciente interés por el coleccionismo especialmente de pintura y una promoción del arte que hoy entendemos como mecenazgo. Paralelamente, otros coleccionistas dentro y fuera de la Corte participaron de estos ideales ilustrados. Fue el momento álgido del coleccionismo en España.

El paso del siglo XVIII al XIX marcó una bifurcación de caminos. Aunque el coleccionismo seguía siendo una característica distintiva y de prestigio de las élites aristocráticas, surgió un nuevo tipo de coleccionista de carácter burgués, de gustos más variados y personales.

Con Fernando VII, la relación de la Corte con el coleccionismo de arte se modifica sustancialmente. Pese a la fundación del Museo del Prado en 1819, se produce una quiebra del mecenazgo regio hacia el arte y se agudiza una tendencia a la escasa sensibilidad personal por el patrimonio artístico heredado.

A lo largo de todo el siglo XIX, la posición oficial hacia lo artístico en general y hacia el coleccionismo en particular acusó la actitud displicente de las nuevas élites políticas españolas, y esta actitud se hace extensible a buena parte del siglo XX.

Durante casi doscientos años, los poderes públicos parecieron entender la simple existencia de instituciones museísticas como una señal para inhibirse del apoyo al arte y a su coleccionismo, utilizando las circunstancias económicas o políticas como coartada. Este distanciamiento abre un largo paréntesis en la historia del coleccionismo de arte en España, y sus consecuencias tendrán un enorme peso en la cultura española moderna y contemporánea.

Durante el siglo XIX y principios del XX, se invierte la situación del Siglo de Oro, pasando España de importador a exportador de arte. El país se convierte en centro de atención del coleccionismo internacional, y muchas piezas salen de sus colecciones originales para incorporarse a otras extranjeras.

Entre los factores que provocan esta salida del patrimonio fuera del país se encuentran, además de la decadencia económica y cultural de los coleccionistas aristocráticos, la ineficacia de la legislación de protección del patrimonio nacional y la ausencia de un verdadero mercado profesional y reglado. El tipo de coleccionista burgués que sucede al aristócrata alcanza una dimensión comparativamente menor que en otros países europeos por motivos económicos y culturales. Pese a ello, algunos coleccionistas heredan la finalidad de coleccionar para la preservación del legado cultural nacional, y, de hecho, muchas de las colecciones que se formaron por aquel entonces están hoy a la vista del público general, donadas a las administraciones o conservadas en las instituciones que los propios coleccionistas crearon para uso público.

Con la Guerra Civil, colecciones públicas y privadas sufrieron daños y pérdidas o tuvieron que ser trasladadas. Paralelamente, algunos coleccionistas aceleraron la adquisición de obras para poner a salvo su patrimonio artístico. En los años que siguieron a la guerra, afloran pocas noticias sobre colecciones y coleccionismo privado.

En la década de los cuarenta, aparecen algunas galerías en Madrid, Barcelona y Bilbao, y nuevos coleccionistas, que anuncian otra época, empiezan a surgir. Pese a este relevo, la actividad coleccionista seguirá desarrollándose de forma cauta, silenciosa. Este nuevo tipo de coleccionista llegará a ser percibido como aliado por artistas e instituciones, contribuyendo a crear un nuevo paisaje institucional que, a su vez, fertilizó en un tímido crecimiento del coleccionismo privado.

Paisajes: contexto institucional del coleccionismo en los siglos XIX y XX

Este capítulo está dedicado a la institucionalización del arte contemporáneo en España. El desarrollo del coleccionismo público ha sido uno de los factores clave en la normalización de la presencia del arte contemporáneo en la vida española de las últimas décadas y, por lo tanto, en el desarrollo del coleccionismo privado.

En el siglo XIX, la burguesía que podía haber tomado el relevo del coleccionismo no era lo suficientemente fuerte ni económica ni culturalmente como para hacerlo de forma satisfactoria. Además, durante buena parte del siglo XIX no se contó con ningún museo específico de arte contemporáneo comparable con los que empezaban a surgir en esa época en Europa y Estados Unidos.

Así, el coleccionismo de arte contemporáneo quedó casi desierto durante prácticamente un siglo: replegados los antiguos coleccionistas, las instituciones no ejercieron liderazgo en cuanto a la relación del poder con lo artístico. La ausencia de museos de arte moderno o contemporáneo a lo largo de casi todo el siglo XIX reflejaba una actitud de negligencia de los poderes públicos hacia el arte.

Esa actitud se prolongó durante la primera mitad del siglo XX y fue al mismo tiempo causa y consecuencia del escaso desarrollo del tejido artístico y cultural de la España del periodo y, por consiguiente, del limitado desarrollo del coleccionismo. La extensa y problemática recepción de la modernidad ha dificultado sin duda el desarrollo del coleccionismo de arte.

Desde finales del siglo XIX y durante los tres primeros cuartos del XX solo tres museos de carácter oficial dedicaron su actividad al arte moderno y contemporáneo de l alguna forma y con más o menos acierto: el Museo de Arte Moderno de Madrid –cuya intención nunca llegó a fructificar-, el Museo de Arte Moderno de Barcelona y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, estos dos últimos con el apoyo de las administraciones municipales y provinciales y del coleccionismo burgués local.

Durante los años cincuenta, la política cultural de presentar una imagen renovada del régimen se manifestó con mayor vigor en las representaciones oficiales en foros internacionales que en el coleccionismo institucional de arte contemporáneo. Se observa, sin embargo, un tímido cambio de ciclo en cuanto a la relación del arte contemporáneo con las instituciones públicas mediante la apertura de nuevos centros, muchos de ellos menores y alejados de las grandes ciudades.

Junto a estos centros, el progresivo cambio de situación se haría visible también en el papel jugado por algunas fundaciones y coleccionistas privados, que dedicaron grandes esfuerzos a generar colecciones y programas de exposiciones que contribuyeran a familiarizar al público general con el arte del siglo XX y a fomentar el arte contemporáneo mediante su coleccionismo, como las impulsadas por Juan March o Fernando Zóbel.

Ya en la transición, la percepción de un cambio de ciclo histórico alentó un aumento exponencial de la actividad cultural en todo el país. Con la llegada de la democracia, se inicia una nueva fase en la institucionalización del arte con la creación del Ministerio de Cultura, que se marca dos propósitos: uno, educativo, para acercar los grandes hitos del arte moderno y contemporáneo a la población; otro, político, para proyectar una imagen renovada del país. Todo ello abriría las puertas a cambios mayores que se producirían a partir de 1982, y que caracterizarían una etapa distinta en la relación entre arte contemporáneo e instituciones. Algo que tendría importantes consecuencias en el ámbito del coleccionismo, tanto público como privado.

Se celebran grandes exposiciones, se crea un programa de promoción exterior de artistas españoles y, a partir de los noventa, le sigue en todo el territorio nacional una fase de creación de estructuras estables, en ocasiones mediante colecciones propias, con el objetivo declarado de hacer explícita la modernización del país.

Gobiernos autónomos, ayuntamientos y diputaciones participaron en el proceso de normalización del arte contemporáneo: crearon colecciones propias e implementaron nuevos museos y programas públicos que dinamizaron la vida cultural local. En muchos casos, sin embargo, se llevó a cabo sin tener clara la sostenibilidad de su programa de actividades o de la colección.

Si en la primera mitad del siglo XX España no había podido construir una verdadera tradición de institucionalización de lo moderno, en los años finales del siglo se disponía a ser, directamente, postmoderna. La tendencia a crear centros de arte expresaba el deseo de proponer una nueva imagen, incluso una nueva identidad para el país, tanto desde el centro como desde visiones de los distintos territorios.

En lo que respecta al coleccionismo privado, a partir de los ochenta se produjo la creciente visibilización de la figura del coleccionista particular. Hasta entonces, los coleccionistas ofrecían un perfil de cierta reserva, a pesar de sus frecuentes contribuciones a exposiciones y de sus iniciativas editoriales. Se transmitió al público general la noción del coleccionista como personaje de fuerte atractivo, cuya personalidad se basaba en valores tan contemporáneos como pasión y libertad. El coleccionista también podía ser entendido desde el sentido de aportación a lo colectivo, por su apoyo a la creación y su deseo de compartir un acervo cultural propio.

El coleccionismo español había recorrido un largo trecho: el que va de la completa ignorancia social a una incipiente visibilidad y prestigio como agente cultural. Se produjo una apuesta de las administraciones por la colaboración con el coleccionismo privado, cuyo ejemplo más destacado fue el de la Colección Thyssen-Bornemisza y la creación de su museo en un palacio del Paseo del Prado.

Más recientemente, los coleccionistas han canalizado su relación con las instituciones de arte contemporáneo por distintas vías. Algunos han decidido realizar cesiones o depósitos a largo plazo en museos, otros abren sus colecciones al público o contribuyen a la formación de colecciones para centros públicos, y los hay que crean las condiciones para la producción de conocimiento y el debate crítico sobre arte contemporáneo.

Interiores: notas sobre el coleccionismo particular en España, hoy

El último capítulo supone una aproximación al coleccionismo privado español en la actualidad. Reconociendo los cambios registrados en los últimos años tanto en el perfil del coleccionista como en el de las colecciones, esta aproximación señala que el coleccionismo de arte en España sigue teniendo mucho de reto, del mismo modo que sigue pendiente la sensibilización real de la sociedad por el arte.

Los coleccionistas españoles son pocos, y aún son menos los que se conocen públicamente. La dificultad para acceder a este agente del llamado sistema del arte es, a su vez, uno de los síntomas más reveladores de su situación.

Pero hay que destacar que en las colecciones de arte llevadas a cabo por particulares en los últimos tiempos asoman nuevos valores: unen pasión, proyecto intelectual en algunos casos desarrollado muy profesionalmente, deseo de compartir e implicación. Las recientes intervenciones públicas de algunos coleccionistas españoles apuntan a una noción del coleccionista con mayor peso de lo racional. Además de la apertura de las colecciones al público o la contribución a la vida de las instituciones culturales, esta proyección incluye en la actualidad aspectos como la formación del público y el apoyo a los creadores.

En el último medio siglo, el perfil humano del coleccionista español ha evolucionado, así como el contenido de las colecciones. En los ochenta surge una nueva generación de coleccionistas, coincidiendo con un ciclo expansivo que se percibe como salto a la modernidad y homologación internacional.

Guía de Cascais - Estoril

15/11/2013, Guiarte.com ha publicado su guía de turismo sobre Cascais - Estoril un lugar costero privilegiado por su calidad de vida, clima y cercanía a Lisboa.

En el siglo XIX la familia real portuguesa empezó a veranear en Cascais, y tras ella llegaron gentes de la aristocracia europea;… más tarde empezaría a ser ocupada esta costa por la burguesía, millonarios, exiliados, etc. Hoy sigue siendo un lugar tranquilo, y agradable, en el que se puede disfrutar también con la gastronomía y su oferta cultural.

Con textos de Tomás Alvarez, guiarte te acerca a este ámbito, a poco más de 20 kilómetros al oeste de Lisboa, una zona de gran luminosidad, tradición turística y atractivas costas.

Esta parte del distrito lisboeta está enclavada en un lugar de indudable belleza, en el que se alternan las playas con los promontorios rocosos, a veces dominados por pequeños fuertes. El terreno es relativamente accidentado porque está en las inmediaciones de la sierra de Sintra, otra localidad de indudable historia y belleza, situada a unos 15 kilómetros al norte.

Es un territorio bien comunicado con Lisboa. Hay autopista, una excelente carretera costera y un ferrocarril que realiza el recorrido Cascais - Lisboa ( estación de Cais do Sodré) con notable frecuencia, parando en todas las poblaciones del intermedio.

Merece la pena la visita

Enlace a la guía de Cascais - Estoril

Pago récord por un cuadro de Bacon

14/11/2013, El mercado del arte está en alza; al menos así se detecta en Nueva York, donde el El tríptico Tres estudios de Lucian Freud, de Francis Bacon ha batido récords.

Nueva York 14 de noviembre de 2013

La obra, de 1969, se esperaba que superase los 80 millones de dólares que tenía como salida, pero sorprendió a todos al alcanzar los 142,405,000 dólares en la subasta de Christie’s del día 12 de noviembre. El comprador era de fuera de Estados Unidos.

La cifra es la mayor que ha alcanzado la obra de Bacon, y supera a otro récord reciente, el de El grito, de Edward Munch, que se subastó en 119,5 millones de dólares en 2012,

La obra del pintor anglo irlandés Francis Bacon (1909 – 1992), caracterizado por su cuadros en los que practica una deformación de las imágenes, ha tenido un creciente auge en las subastas de todo el mundo.

En este caso, la pintura no sólo pertenece a una de las mejores épocas del autor, sino que se centra en Lucian Freud (1922 - 2011) considerado también como uno de los artistas figurativos más importantes de nuestro tiempo, conocido principalmente por sus inquietantes retratos y desnudos.

El hecho de que tanto el pintor como el protagonista de la obra sean figuras señeras del arte ha contribuido a esa elevada cotización.

Además, estamos viviendo una época en la que muchas de las personas de elevado nivel adquisitivo, procedentes de mundos emergentes -Asia. Oriente medio, Rusia, etc- han irrumpido como demandantes de arte para sus colecciones o nuevos museos que están absorbiendo gran parte de la oferta de arte de autores consagrados.

Otra noticia de las recientes subastas se refiere a Jeff Koons otro artista que consiguió una gran cotización. Su escultura Balloon dog (Orange) alcanzó los 58.405.000 dólares, superando las previsiones más optimistas que situaban su precio entre 35 y 55 millones.

Con esta cotización, la pieza de Koons, datada en 1994-2000, se sitúa como la más pagada de un autor vivo.

Y Warhol en Sotheby´s

La racha de precios altos continuó ayer en Sotheby´s, en una noche en la que obras de varios artistas que alcanzaron altísimos registros: Cy Twombly, Brice Marden, Mark Bradford, Martin Kippenberger y sobre todo Andy Warhol.

De Warhol es un monumental díptico Accidente de coche en plata - Doble desastre, que provocó una inusitada competencia de ofertas telefónicas y finalmente se vendió por 105.400.000 dólares, un nuevo récord para esta estrella del arte pop.

Poemas del Mar, de Cy Twombly, ejecutada en 1959, se vendió por 21,7 millones, superando el récord anterior establecido en Sotheby en 2012.

Pero, sin duda, el triunfador de la jornada fue Warhol que también alcanzó una cifra elevada con otro cuadro: Liz coloreada, adjudicado en 20,3 millones de dólares.

Peticiones de apoyo a Filipinas

14/11/2013, Organizaciones internacionales como UNICEF y la OMT están pidiendo apoyo para Filipinas, tras las devastadoras consecuencias del tifón Yolanda, que asoló una importante parte de la región de Visayas en Filipinas.

Madrid, 14 de noviembre de 2013

La OMT, organización Mundial del Turimo, en nombre de la comunidad turística internacional, ha mostrado su apoyo a los familiares de las víctimas y al Gobierno de Filipinas, y ha transmitido su disposición de ayudar a Filipinas en cualquier programa de recuperación relacionado con el turismo que se diseñe para las zonas afectadas.

Asimismo, está pidiendo al sector turístico y a los turistas que apoyen a Filipinas haciendo donativos para contribuir a las actividades de socorro de los diversos organismos de las Naciones Unidas que operan en el país.

UNICEF tambien ha hecho una petrición de fondos por valor de 25,4 millones de euros (34 millones de dólares) para prestar ayuda a Filipinas y dar asistencia a los cuatro millones de niños afectados por el tifón que destrozó el archipiélago hace cuatro días.

Este llamamiento es una primera estimación de los fondos necesarios para ayudar a la recuperación de niños y familias, y se espera que sea suficiente para cubrir las necesidades durante seis meses. Se trata de un llamamiento especialmente urgente porque, según las primeras informaciones, muchas de las regiones que han sido golpeadas por el tifónno tienen electricidad, agua, comida y medicinas.

Cada día que pasa, miles de niños se están quedando débiles y más vulnerables a las enfermedades”, ha dicho Tomoo Hozumi, representante de UNICEF en Filipinas. “El desplome de los sistemas de agua y saneamiento y la destrucción de casas y escuelas son cosas que están poniendo a los niños en situación de un riesgo enorme y necesitados de ayuda urgente”.

Los servicios de agua, saneamiento e higiene han sido prácticamente arrasados, con tuberías inundadas y sin electricidad, haciendo imposible el bombeo y tratamiento del agua. Tener agua segura es esencial para proteger a los niños de enfermedades que, unidas a la desnutrición, pueden ser mortales.

Debido a que se han destruido muchos centros de salud y clínicas de maternidad, los servicios de salud estarán restringidos y habrá amenazas sobre todo de mortalidad materna y neonatal. Se calcula que 2,8 millones de niños en edad preescolar y escolar pueden haber perdido sus hogares.

Un lugar para donar: http://www.unicef.es/emergencia-tifon-filipinas/donar

Caligrafía Japonesa en la BNE

13/11/2013, La Biblioteca Nacional de España presenta la exposición Caligrafía Japonesa, organizada por la BNE y la Embajada de Japón en España.

Madrid, 13 de noviembre de 2013
En Caligrafía Japonesa se exhibirán 91 obras de calígrafos actuales, realizadas expresamente para la muestra por algunos de los artistas más representativos de la caligrafía japonesa contemporánea.

La caligrafía es un arte tradicional que cuenta con muchos adeptos en Japón y, como manifestación cultural milenaria, existen muchas ocasiones en las que forma parte de la vida cotidiana. Los alumnos japoneses de enseñanza primaria practican caligrafía en clase familiarizándose desde muy pronto con el fude (pincel) y con la sumi (tinta).

La caligrafía es un arte basado en la escritura china que ha evolucionado a una forma de expresión característica y propia de Japón. A través de su larga historia, la caligrafía se ha desarrollado como una disciplina artística cuya creatividad expresa la profundidad espiritual y la belleza. Es un arte que sobrevive en el ámbito contemporáneo donde están cristalizadas las culturas tradicionales de Japón.

Con la celebración de esta exposición, se pretende contribuir a promover y desarrollar aún más las relaciones culturales entre Japón y España en el Año Dual España-Japón que se celebra desde junio de 2013 a julio de 2014 para conmemorar los 400 años de relaciones hispano-japonesas.

La muestra estará abierta al público en la sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España desde el 14 de noviembre de 2013 hasta el 2 de febrero de 2014.

Esquí en los Altos Pirineos

13/11/2013, La región francesa de los Altos Pirineos es un destino de nieve muy apetecible que comparte con España el escenario mágico de los Pirineos.

Altos Pirineos, Francia, 13 de noviembre de 2013
Esquiar en los Altos Pirineos permite al viajero disfrutar tanto de los placeres de la nieve en sus estaciones de esquí como del encanto de los pueblos de la región.

Las estaciones de esquí de Peyragudes, Val Louron, Saint-Lary, Piau-Engaly, Grand Tourmalet, Luz Ardiden, Gavarnie o Cauterets ofrecen una concentración de dominios esquiables inigualable, pensada para todos los presupuestos.

Abiertas desde finales de noviembre hasta a mediados de abril, en ellas se pueden practicar actividades diversas: “Speed-riding”, trineos con perros, escalada en hielo, inmersión bajo el hielo, excursiones con raquetas, paseo en apisonadora, noches en iglú...

Y para hacer la experiencia aún más enriquecedora, nada como disfrutar de los centros de balneoterapia y aguas termales de la región, y de los 25 Grandes Parajes de Midi-Pyrénées, una colección de 25 grandes lugares emblemáticos entre los que se encuentran las ciudades de Toulouse, Cahors, Lourdes o Albi, obras de arte como el viaducto de Millau, el Canal des Deux Mers, y lugares naturales grandiosos como el circo de Gavarnie o le Pont d’Espagne.

Momias egipcias. El secreto de la vida eterna

12/11/2013, CaixaForum Palma presenta una muestra que explora los complejos rituales relacionados con la muerte y la otra vida en el antiguo Egipto.

Palma, 12 de noviembre de 2013
El antiguo egipto es una de las civilizaciones que ha depertado más misterios y fascinación a lo largo de los siglos. La creencia en el más allá llevó a los egipcios a momificar a sus muertos para que disfrutaran de una nueva vida después de la muerte.

La idea de “morir para volver a nacer” exigía conservar el cuerpo del difunto, por lo que hoy podemos disfrutar de un legado que ha sido preservado a través de los tiempos en las cámaras funerarias egipcias.

La exposición nos acerca a las costumbres de los antiguos egipcios y descubre aspectos que nos ponen cara a cara con el pasado. a través de las técnicas más modernas de radiología los científicos han podido visualizar el interior de las momias sin deteriorarlas, y han podido ampliar sus conocimientos sobre las enfermedades, los hábitos alimentarios y las condiciones de vida de la época.

El recorrido por los diferentes periodos históricos descubre la evolución en el arte de la momificación, y muestra los diversos objetos que estaban destinados a acompañar al difunto a la otra vida, máscaras, esculturas, amuletos, joyas... Esta selección de tesoros procede del Rijksmuseum Van Oudheden de Leiden (Holanda), una institución conocida en todo el mundo por sus colecciones de egiptología.

Las momias se convierten en esta muestra en verdaderos testigos del pasado y nos revelan todos sus secretos, para ayudarnos a ampliar nuestros conocimientos sobre la creencia en la vida tras la muerte en el antiguo Egipto y sobre la tarea que llevan a cabo arqueólogos y científicos.

Momias egipcias. El secreto de la vida eterna
Hasta el 26 de enero de 2014 en CaixaForum Palma

Llegan los mercadillos navideños a Viena

12/11/2013, Los mercadillos navideños ya han comenzado a abrir sus puertas en Viena, con su amplia oferta de decoraciones navideñas, velas, artesanía, juguetes y especialidades gastronómicas.

Viena, 12 de noviembre de 2013
Los mercadillos navideños de Viena se realizan en las plazas más bellas de la ciudad. El mayor de ellos es el Mercadillo navideño y Magia del Adviento de la Plaza del Ayuntamiento, con unos 150 puestos y con talleres infantiles de manualidades pensados para los más pequeños.

El Antiguo mercadillo navideño de la plaza del Freyung y el Mercadillo de Adviento de la plaza Am Hof apuestan por al artesanía tradicional y la música del Adviento.

Por primera vez se celebra este invierno un pequeño Mercadillo navideño en la Plaza de San Esteban (Stephansplatz), en el cual se presentan principalmente objetos de artesanía.

En el Mercadillo de artesanía situado ante la Iglesia de San Carlos se pueden adquirir singulares regalos, mientras los niños pueden divertirse haciendo sus propias velas en un taller.

El Mercadillo navideño del barrio de Spittelberg es famoso por sus románticas callejuelas, mientras que las Aldeas navideñas situadas ante los Palacios de Schönbrunn y del Belvedere y en la Plaza de María Teresa (Maria-Theresien-Platz) impresionan al visitante con su ambiente imperial.

También en los barrios periféricos hay mercadillos navideños, por ejemplo el Türkenschanzpark o la Magia de la Navidad en el Palacio de Wilhelminenberg, situado sobre una colina con vistas a la ciudad.

Durante los fines de semana del Adviento, el Mercadillo navideño de diseño del Centro de diseño Stilwerk muestra una serie de elegantes productos, ya sean accesorios, moda o cerámica.

Los amantes del diseño disfrutarán en el WeihnachtsQuartier del MuseumsQuartier, que tiene lugar el primer fin de semana de Adviento, mientras que a los más alternativos se les recomienda la visita del Lights 2013, un mercadillo de producción propia de pequeñas marcas que tiene lugar en el centro cultural y de talleres WUK.

15.11.-23.12.2013: Mercadillo navideño del barrio de Spittelberg
15.11.-24.12.2013: Mercadillo navideño del Türkenschanzpark, Peter Jordan-Strasse/esquina Dänenstrasse
15.11.-23.12.2013: Magia de la Navidad, Palacio de Wilhelminenberg
16.11.-24.12.2013: Mercadillo navideño y Magia del Adviento, Plaza y parque del Ayuntamiento
16.11.-23.12.2013: Aldea navideña del antiguo Hospital General (Altes AKH)
16.11.2013-6.1.2014: Mercadillo invernal en la Plaza de la Noria, Prater
16.11.-23.12.2013: Mercadillo navideño en la Plaza de San Esteban
20.11.-26.12.2013: Aldea navideña en la Plaza de María Teresa
22.11.-23.12.2013: Aldea navideña del Palacio del Belvedere
22.11.-23.12.2013: Mercadillo de artesanía ante la Iglesia de San Carlos
22.11.-23.12.2013: Antiguo mercadillo navideño, Freyung
23.11.-26.12.2013: Mercadillo cultural y navideño, Palacio de Schönbrunn
29.11.-24.12.2013: Mercadillo navideño del Naschmarkt, Mercado del Naschmarkt, Schleifmühlbrücke
29.11.-1.12.2013: WeihnachtsQuartier, MuseumsQuartier
29.11.-1.12., 6.-8.12., 13.-15.12., 20.-22.12.2013: Mercadillo navideño de diseño, Stilwerk, Praterstrasse 1
6-8.12.2013: Lights 2013, WUK, Währingerstrasse 59

Ciudad de Levuka

12/11/2013, La ciudad histórica portuaria de Levuka (Fiji) ha sido añadida en 2013 a la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Levuka, 12 de noviembre de 2013
La ciudad de Levuka, con su hilera de casas bajas situadas entre cocoteros y mangos a lo largo de la orilla del mar, fue la primera capital colonial del archipiélago de las Fiji, que se sometió al control británico en 1874.

Desde principios del siglo XIX la ciudad había prosperado como centro de las actividades de comerciantes estadounidenses y europeos que construyeron depósitos, almacenes, instalaciones portuarias, viviendas y edificios para instituciones religiosas, educativas y sociales en torno a los núcleos de población indígenas.

Levuka es un ejemplo notable de puerto colonial tardío, cuyo desarrollo se vio influido por la presencia de una población autóctona que siempre fue más numerosa que la formada por los colonos europeos.

Ejemplo notable de asentamiento portuario de finales del siglo XIX en la región del Pacífico, esta ciudad refleja la integración de las tradiciones locales en materia de construcción por parte de la superpotencia naval de aquella época. Esa integración condujo a la creación de un paisaje urbano único en su género.

Nur: la luz en el arte y la ciencia del mundo islámico

11/11/2013, La Fundación Focus-Abengoa presenta una muestra sobre el arte y la cultura islámicos. Hasta el 9 de febrero de 2014 en el Hospital de los Venerables de Sevilla.

Sevilla, 11 de noviembre de 2013
“Nur: la Luz en el Arte y la Ciencia del Mundo Islámico” abarca más de diez siglos e incluye obras y objetos seculares de todo el mundo islámico. Tras su paso por Sevilla, la muestra viajará en la primavera de 2014 al Museo de Arte de Dallas, Estados Unidos.

Esta ambiciosa exposición, la más importante sobre el arte y la cultura islámicos, reúne 150 objetos excepcionales nunca expuestos hasta ahora procedentes de colecciones públicas y privadas, de Europa, Medio Oriente y Estados Unidos, para explorar la importancia de la Luz en la estética y el conocimiento islámicos desde el siglo IX al XX.

Entre los objetos destacan el manuscrito redactado en árabe más antiguo que se conserva, el denominado Tratado de las estrellas fijas, de Abd al-Rahman al-Sufi, fechado en 1009-1010, así como un bol de la Persia del siglo XIII que pertenece al Museo de Brooklyn, New York, un astrolabio planisférico de la España de mediados del mismo siglo que forma parte de los fondos de la Real Academia de la Historia de Madrid, una ventana diseñada en Egipto en el siglo XV que prestará una colección privada o una curiosa ilustración anatómica realizada en Irán en el siglo XIX que alberga la Biblioteca Británica.

Tomando su nombre de la palabra árabe luz (Nūr), tanto en el sentido físico como en el metafísico, la muestra explora el uso y el significado de la luz en el arte y la ciencia islámicos, y demuestra cómo la luz constituye un motivo unificador en las civilizaciones islámicas a nivel mundial.

El recorrido se organiza de manera temática con dos secciones principales: una, dedicada al arte, que incluye manuscritos iluminados con pigmentos dorados y de colores, cerámicas de lustre, obras en metal con in- crustaciones de plata y oro, así como piezas realizadas en piedras preciosas y semipreciosas. Y otra, centrada en el campo científico, en la que destacan relojes solares ecuatoriales, astrolabios e instrumentos anatómicos, ilustrativos de la influencia del mundo islámico en el pensamiento científico.

Al mismo tiempo, Nūr pone de relieve el modo en que España ha servido históricamente como puente cultural entre el mundo islámico y Europa, y explora la idea de luz como metáfora compartida y unificadora en las culturas musulmana, cristiana y judía.

Nur: la luz en el arte y la ciencia del mundo islámico
El Hospital de los Venerables
Plaza Venerables, 8, 41004 Sevilla

La Ruta de la Seda, Patrimonio Mundial

08/11/2013, Dos corredores del patrimonio de la Ruta de la Seda que atraviesan Asia Central y China están siendo evaluados para pasar a formar parte del Patrimonio Mundial de la UNESCO, según informaciones de la Organización Mundial del Turismo, OMT.

Madrid, 8 de noviembre de 2013
Como uno de los pasos previos, la OMT y la UNESCO están formulando una estrategia para promover el crecimiento del turismo sostenible a lo largo de los corredores de este singular patrimonio natural y cultural.

El pasado mes de octubre, representantes de la OMT y la UNESCO se reunieron en Almaty (antes Almá-Atá) en Kazajistán con expertos en turismo y patrimonio a fin de acordar las prioridades y los próximos pasos del proyecto, una iniciativa que cuenta con el apoyo del Ministerio de Industria y Nuevas Tecnologías de la República de Kazajistán y del Fondo Fiduciario UNESCO/Países Bajos.

En este encuentro se presentó una hoja de ruta con acciones encaminadas al desarrollo y la promoción del turismo. El trabajo es fruto de una amplia investigación pionera de la UNESCO, integrada en el proyecto Rutas de la Seda nominación transnacional Patrimonio de la Humanidad, en el que colaboran 15 países. En este proyecto se contemplan dos pasillos de la Ruta de la Seda, que use espera sean evaluados en 2014. Uno de estos pasillos va por Kazajistán, Kirguistán y China, y otro avanza por Tayikistán y Uzbekistán.

En previsión del aumento en el interés por estos lugares, la OMT y la UNESCO están trabajando con expertos para diseñar la estrategia de gestión turística más eficaz, orientada a maximizar las oportunidades de desarrollo del turismo, salvaguardando singular patrimonio cultural de las regiones por las que atraviesa.

La Ruta de la Seda fue el primer gran puente entre oriente y occidente y un camino para el trasiego comercial entre imperios de China, India, Persia e incluso Roma. Abarca unos 12.000 kilómetros cargados de historia, por los que circularon ejércitos, mercaderas y aventureros en todas las épocas.

Diversos países están trabajando en el programa. Un Plan de Acción para la Ruta de la Seda 2012/2013 se ha diseñado como una plataforma de desarrollo turístico en la que están representantes de Albania, Armenia, Azerbaiyán, Bulgaria, China, Croacia, República Popular Democrática de Corea, República de Corea, Egipto, Georgia, Grecia, Irán, Iraq, Israel, Italia, Japón, Kazajistán, Kirguistán, Mongolia, Pakistán, Rusia, Arabia Saudita, Siria, Tayikistán, Turquía, Turkmenistán, Ucrania y Uzbekistán.

59 abanicos de 59 artistas

08/11/2013, El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca presenta la exposición 59 abanicos de 59 artistas, con abanicos y obra gráfica de Dalí y Miró entre otros.

Cuenca, 8 de noviembre de 2013
La exposición incluye, además de los abanicos, una pequeña selección de obra gráfica de los fondos de la Colección Fundación Juan March. La selección se ha hecho intentando relacionar la trayectoria de cada uno de ellos con la manera en la que trabajaron el encargo del abanico.

En 1971, con motivo de una subasta benéfica, treinta artistas y literatos fueron instados a decorar un abanico. El conjunto fue adquirido en su totalidad por el coleccionista Carlos de Aguilera i Fontcuberta quien, a su vez, realizó el mismo encargo a una serie de pintores que no habían formado parte del proyecto inicial hasta reunir un total de cincuenta y nueve abanicos.

Ante el reto del encargo, decorar un abanico, los pintores plasmaron sus preocupaciones artísticas como si el soporte no fuera distinto de un lienzo o un papel. Aunque indudablemente el abanico limitaba el radio de acción, muchos de los desarrollos planteados estaban en completa consonancia con la trayectoria artística del pintor en cuestión.

A través de los 59 abanicos, la exposición da buena cuenta de la escena artística española del momento en la que convivían pintores y escultores de distinta índole. Engloba a artistas de las vanguardias históricas (Caballero, Dalí, Miró) y de la Escuela de París (Clavé, Grau Sala), dando paso a la renovación de los últimos años cuarenta de la mano del grupo que nació en torno a la revista Dau al Set (Cuixart, Guinovart, Tàpies). Asimismo, están representados los artistas vinculados al informalismo, tanto en su vertiente catalana (Hernández Pijuan, Ràfols Casamada), como madrileña, con el grupo El Paso (Canogar, Millares, Rivera, Serrano, Francés) y los artistas en torno a él (Farreras, Hernández Mompó, Lucio Muñoz). La abstracción viene también acompañada de su vertiente geométrica (Gabino, Sempere), así como de los artistas que trabajaron en torno al Museo de Arte Abstracto Español (Torner, Zóbel). El paso a los años sesenta lo marca principalmente la presencia de artistas catalanes (Arranz-Bravo, Artigau, Llimós, Sala) y la selección se cierra con una serie de artistas activos en la década siguiente (Gudiol, Maya, Muntadas, Soler Pedret).

59 ABANICOS DE 59 ARTISTAS
MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL,
C/ Canónigos, s/n 16001 Cuenca
8 DE NOVIEMBRE DE 2013-16 DE MARZO 2014

Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80

07/11/2013, Hasta el 18 de mayo de 2014 se podrá ver en el Palacio de Velázquez del Retiro una muestra que reúne alrededor de 50 obras de cinco artistas españoles realizadas entre 1976 y 1984.

Madrid, 7 de noviembre de 2013
La muestra recorre el trabajo artístico de Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido, y analiza, a modo de ensayo, la situación específica de la escena artística española dentro de un periodo histórico concreto en el que se produjeron profundas transformaciones sociales y culturales.

Los cinco artistas provienen, de un modo u otro, de una relación con las prácticas conceptuales de los primeros años setenta, y encauzan sus investigaciones a través de un lenguaje pictórico que se enfrenta al replanteamiento de conceptos como ‘Academia’ o ‘Tradición’, que no se desarrollan como un pesado dogma repetitivo sino como la toma de energía desde la cual trabajar contemporáneamente.

Su mirada se dirige así hacia algunos de los representantes más significativos de las vanguardias históricas europeas como Cézanne, Matisse o Picasso, y de sus relecturas posteriores a manos de artistas estadounidenses como De Kooning, Motherwell o Johns. Sin ser ajenos a otras épocas y geografías culturales así, se puede rastrear su admiración por Poussin, Velázquez, la India y el norte de África.

Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80
Organiza Museo Centro de Arte Reina Sofía
En el Palacio de Velázquez, Parque del Retiro
Hasta el 18 de mayo de 2014

Bergpark Wilhelmshöhe

07/11/2013, En 2013 la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, ha engrosado con una veintena de nuevos sitios, entre ellos Bergpark Wilhelmshöhe (Alemania).

Kassel, 7 de noviembre de 3013
Situada en la larga pendiente de una colina rematada por una gigantesca estatua de Hércules y orientada según un eje este-oeste, la monumental obra de escenificación acuática de Wilhelmshöhe se empezó a construir en 1689 por orden del landgrave Carlos de Hesse-Kassel y, hacia finales del siglo XIX, se amplió y completó.

Abastecido por depósitos y canales situados detrás del monumento a Hércules, un complejo sistema de válvulas conduce el agua a un vasto escenario acuático barroco con artefactos hidroneumáticos, una gruta, fuentes y una gran cascada de 350 metros de largo.

Además de este conjunto monumental, toda una serie de canales y cursos de agua artificiales serpentean a través del eje principal alimentando cascadas espectaculares, rápidos tumultuosos, una gran fuente con un géiser de 50 metros de altura, un lago y estanques aislados que alegran el jardín romántico creado en el siglo XIX por el elector Guillermo I, biznieto del landgrave Carlos.

Las grandes dimensiones del parque y la magnitud de sus obras hidráulicas, junto con la grandiosa estatua de Hércules, constituyen una expresión notable de los ideales de la monarquía absoluta y el sitio en su conjunto es un testimonio excepcional de los corrientes estéticas del Barroco y el Romanticismo, según la UNESCO.

El retrato vienés... en Londres

07/11/2013, La National Gallery londinense acoge hasta el 12 de enero de 2014 una muestra enfocada hacia el retrato, referida a un periodo y un lugar de gran agitación artística: la ciudad de Viena hacia 1900.

Londres, 7 de noviembre de 2013
Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900 es el título de esta muestra en la que aparecen las siempre llamativas obras de Gustav Klimt junto con las de Egon Schiele y Oskar Kokoschka, estrellas en esta gran exposición que examina el retrato como papel central en la pintura vienesa de los años que discurre entre 1867 y 1918, cuando la capital austriaca tuvo una intensa vida artística, cultural y social.

Desde 1867 hasta el final de la Primera Guerra Mundial en 1918, Viena fue la capital del Imperio de Austria-Hungría, uno de los países más grandes de Europa. Fueron tiempos de renovación económica, en los que hubo un afán por la modernidad en un clima de tolerancia religiosa y étnica. La ciudad creció, y en un marco de progreso, una potente clase media abierta y multicultural declaró su riqueza y estatus a través de retratos.

No obstante, la evolución del contexto internacional acabó influyendo en la política y en el arte. En los años previos a la primera Guerra Mundial, los retratos representan a la ansiedad y la alienación, lo que refleja un aumento de los movimientos de masas conservadoras, nacionalistas y antisemitas y el colapso del imperio.

La ciudad, que en 1916 había llegado a su máximo esplendor y era una de las mayores urbes de Europa, era a la vez la capital musical del continente, la ciudad de la ópera y el vals; era la ciudad de la cultura, con personajes como Freud, la ciudad del arte, con el movimiento de la Secession. El fin del imperio y de la dinastía de los Habsburgo que controlaba el territorio desde la Edad Media, marcó un punto y aparte en su historia.

La exposición presenta a unas generaciones de pintores que abordaron el retrato en Viena con una mirada en la modernidad, sin perder de vista el pasado. Entre los primeros que se incluyen están Hans Makart y Anton Romako. Luego llegarían otros como Gustav Klimt, Egon Schiele, Richard Gerstl y Oskar Kokoschka, además de algunos menos conocidos Arnold Schönberg, Broncia Koller e Isidor Kaufmann.

En la exposición se presentan pinturas de grandes colecciones mundiales, incluyendo el Belvedere en Viena y el MoMA de Nueva York. Sin embargo, notables imágenes llegan procedentes de colecciones públicas y privadas más pequeñas.

El tesoro de Cornelius

06/11/2013, El anciano Cornelius Gurlitt atesoraba una gigantesca colección de “arte degenerado”. Su descubrimiento por los agentes policiales germánicos ha sido una noticia espectacular para el mundo del arte.

Munich 5 de noviembre de 2013
Porque –aparte de algunas obras anteriores al siglo XX- el tesoro del muniqués Cornelius Gurlitt, recoge obras de Picasso, Matisse, Nolde, Beckmann, Chagall, Franz Marc, Klee, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner … una inmensa fortuna almacenada en unos pocos metros cuadrados.

Hildebrand Gurlitt, el padre del anciano, fue un marchante de arte que parece ser que recogió millares de obras de arte “degenerado” en los tiempos de Adolfo Hitler, cuadros que dijo que habían sucumbido bajo los bombardeos sobre la ciudad de Dresde.

Por fortuna, se salvaron más de mil obras que ahora se han hallado en poder de su hijo, un anciano de vida casi mendicante y mirada huidiza, a quien investigó la policía al descubrirle con un fajo de billetes de 500 euros, en un tren que unía su localidad de residencia con la frontera suiza.

El arte degenerado
El régimen hitleriano llamó “arte degenerado” (Entartete Kunst en alemán) a la producción de los autores de las vanguardias artísticas. La práctica de estas formas artísticas conllevó para los autores la prohibición de hacer obras, su exclusión de los museos y el despido de los centros en los que impartían enseñanza.

Los nazis incluso montaron una muestra titulada así, Arte degenerado, en la que se ridiculizaba estas formas artísticas que estaban en pleno auge en el resto de Europa, y que tenían en Alemania una pléyade de autores de prestigio internacional. Frente a las líneas artísticas de vanguardia, estridentes y a veces cargadas de drama o pesimismo, los nazis preconizaban aquellas que ensalzaban la grandeza, la tradición, la raza y el heroísmo.

Hildebrand Gurlitt, quien recopiló el tesoro ahora hallado, tenía permiso para acceder a los depósitos berlineses, donde los hombres del régimen nazi almacenaban decenas de miles de piezas y comerciar con ellas. Además, parece que también comerció con judíos que estaban en apuros y necesitaban vender sus tesoros pictóricos.

Lo que queda del tesoro que acumuló están valorados en más de mil millones de euros, según afirma el rotativo alemán Focus, que define al lugar donde estaban apelotonados los lienzos como “el museo más pequeño del mundo”.

Tras el descubrimiento, la historiadora de arte Meike Hoffmann ha estudiado las pinturas. Y ha afirmado que la colección contiene obras maestras desconocidas de grandes autores, como una escena alegórica de Chagall y un autorretrato de OttoDix.

Las obras –señaló- no están dañadas, aunque si están sucias. Lo que sí parece posible es que los detalles de su procedencia van a tardar en ser desvelados, máxime cuando muchas de las obras no son de arte degenerado, sino de pintores del siglo XVI, XVIII o XIX.

World Press Photo 2013

06/11/2013, El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona acoge la nueva edición de la muestra internacional de fotografía World Press Photo.

Barcelona, 6 de noviembre de 2013
La novena edición de la exposición internacional World Press Photo, recoge las 143 fotografías ganadoras del prestigioso premio internacional de fotoperiodismo. Este año la selección cuenta con tres ganadores españoles, Bernat Armangué, Emilio Morenatti y Daniel Ochoa de Olza.

En esta última edición han participado 5.666 fotógrafos (de los que 235 son españoles) de 124 nacionalidades, con 103.481 imágenes clasificadas en ocho categorías: Noticias de actualidad, Temas de actualidad, Temas contemporáneos, Vida cotidiana, Retratos en el entorno, Retratos, Naturaleza y Deportes.

Bajo el lema «FACE REALITY», la edición 2013 de World Press Photo invita a los visitantes a testimoniar, sin censura ni manipulaciones, el estado del mundo, y nos enfrenta a la realidad global y local para poder reflexionar acerca de nuestros puntos de vista y ampliarlos.

Como cada año, las imágenes premiadas informan, emocionan y suscitan al debate, convirtiendo World Press Photo en una cita ineludible para cualquier ciudadano que quiera estar mejor informado a través del trabajo de los mejores fotoreporteros actuales.

Los ganadores españoles
De entre los 235 fotógrafos españoles que se presentaron en esta edición, han sido premiados Bernat Armangué, Emilio Morenatti y Daniel Ochoa de Olza.

Bernat Armangué ha sido galardonado por su serie de fotografías sobre la ofensiva militar de Gaza del 14 de noviembre de 2012.

Emilio Morenatti ha sido premiado por su retrato a Mireia Arnau, una dependienta asaltada por los manifestantes que se enfrentaron a la policía en la huelga general del 29 de marzo de 2012.

Por su parte, Daniel Ochoa de Olza se alzó con un galardón gracias a su reportaje sobre el torero Juan José Padilla, que a pesar de su parálisis parcial y de la pérdida de un ojo tras sufrir una cogida en 2011, volvió a los ruedos en 2012.

La foto de la polémica
Concretamente de Daniel Ochoa de Olza ha sido una de las imágenes elegidas para los carteles y la publicidad callejera sobre el evento. En la instantánea se puede ver al torero Juan José Padilla ataviado con traje de luces, montera, y un parche sobre el ojo.

La polémica se desató tras el veto de la imagen en concreto por el Ayuntamiento de Barcelona, ciudad contraria a las corridas de toros.

A pesar de la censura, Daniel Ochoa de Olza se ha sentido incluso agradecido, pues de esta manera su reportaje sobre la tauromaquia ha recibido mayor interés y difusión de la que en un principio el fotógrafo esperaba.

World Press Photo 2013
Del 6 noviembre 2013 al 8 diciembre 2013
CCCB Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona
C/ Montalegre 5, 08001 Barcelona

Musée Fin de Siècle

05/11/2013, Bruselas, una de las capitales artísticas de finales del siglo XIX, estrena un nuevo museo dedicado a las múltiples disciplinas artísticas que se desarrollaron entre 1865 y 1914.

Bruselas, 5 de noviembre de 2013
El próximo 6 de diciembre abrirá sus puertas el nuevo Musée Fin de Siècle. Famosos artistas visuales de la talla de Constantin Meunier, James Ensor, Ferdinand Khnopff, Leon Spilliart y Georges Minne testificarán a través de sus obras la efervescente actividad de este periodo, que tuvo también eco en los campos creativos de la ópera, la música, la literatura, la arquitectura y la poesía (con figuras como Maurice Maeterlinck, Emile Verhaeren, Victor Horta, Octave Maus, Henry Van de Velde, Maurice Kufferath o Guillaume Lekeu entre otros).

La arquitectura Art Nouveau será también un tema de gran desarrollo en el museo, evocada a través de proyecciones en 3D que dejarán impresionados al visitante.

El nuevo museo estará ubicado en el corazón de la ciudad de Bruselas -en el Mont des Arts junto a los Reales Museos de Bellas Artes, el Museo Magritte y el Museo de Instrumentos Musicales- donde entre 1884 y 1914 las exposiciones Les XX y La Libre Esthétique convirtieron la ciudad en una de las capitales artísticas de finales del S. XIX.

El museo se distinguirá por su naturaleza pluridisciplinar, a través de la colaboración con la Biblioteca Real, el Teatro Real de la Monnaie, los Museos Reales de Arte e Historia, Cinematek, la Biblioteca Wittockiana, la Fundación Rey Balduino y la Región de Bruselas Capital por acoger la colección Gillion Crowet, que será una de los puntos estelares del museo.

Este museo, junto al recorrido Art Nouveau que se puede realizar por Bruselas, sitúan la ciudad como destino absolutamente imprescindible para los amantes del modernismo.

Musée Fin de Siècle Museum
Rue de la Régence, 3 Regentschapstraat
www.fine-arts-museum.be

Expolio de arte judío

05/11/2013, La Asociación de Museos de Holanda presenta, tras cuatro años de investigación, un inventario de obras de arte robadas por los nazis a los judíos durante la Segunda Guerra Mundial.

La Haya, 5 de noviembre de 2013
La Asociación Nacional de Museos de Holanda ha credo un inventario de 139 obras de arte robadas a los judíos entre 1933 y 1945, para que las familias puedan identificarlas y recuperarlas. La lista de obras puede consultarse a través de la página web: http://www.musealeverwervingen.nl/46/objecten/

61 de las piezas que componen este inventario ya han sido reclamadas por sus legítimos dueños, que las han reconocido a través de fotografías de sus familiares o a través de descripciones en cartas, cuadernos y diarios.

En el catálogo on-line se pueden ver 69 cuadros, 24 dibujos, dos esculturas, 31 objetos de artesanía y 13 piezas de temática religiosa, que se convirtieron en botín de guerra durante la ocupación alemana de Holanda.

La mayoría de las obras del denominado "catálogo de la vergüenza" fueron adquiridas o donadas al Rijksmuseum y el Stedelijk, ambos en Ámsterdam, y entre algunos de los autores se encuentran maestros de la talla de Matisse o Kandinsky.

El director de la Asociación de Museos de Holanda, Siebe Weide, comentaba en rueda de prensa que el tratar de conocer la procedencia de las obras y devolverlas a sus dueños es una obligación moral que sirve para hacer justicia a las víctimas de la II Guerra Mundial.

Delfines fluviales sudamericanos

04/11/2013, Los delfines fluviales integran un grupo de especies que se hallan entre las más amenazadas del mundo. La situación es gravísima en Asia y preocupante en el caso de América del sur.

Bogotá, 3 de noviembre de 2013
Un equipo de especialistas de Sudamérica apoyado por diversas organizaciones interesadas en la defensa de la naturaleza ha elaborado un plan de Acción en la defensa de los delfines de río sudamericanos. Sus principales objetivos son revisar el estado actual de conservación de estas especies (Inia geoffrensis, Inia boliviensis y Sotalia fluviatilis), sus amenazas y las medidas necesarias que se requieren para garantizar su futuro.

Según se señala en el texto elaborado, que coordinan Fernando Trujillo, Enrique Crespo, Paul van Damme y José Saulo Usma, los delfines de río son unas de las especies más amenazadas en el mundo. Generalmente habitan en países en desarrollo en Asia y Sudamérica, donde una gran diversidad de actividades humanas los pone en riesgo. En Asia por ejemplo, hace dos años la Unión Internacional para la Naturaleza (UICN) declaró al delfín del río Yangtze como Extinto Ecológicamente. La sobrepesca, la contaminación y la dramática transformación de este río por la construcción de la represa más grande del mundo precipitaron su extinción. La situación no es mucho mejor en Pakistán, la India o el río Mekong en Camboya y Myanmar, donde sobreviven precariamente otras especies.

En Sudamérica habitan tres especies de delfines de agua dulce: el bufeo rosado (Inia geoffrensis) y el delfín gris (Sotalia fluviatilis), ambos en las cuencas del los rios Amazonas y Orinoco, y el bufeo boliviano (Inia boliviensis), mayormente en Bolivia en los rios Mamoré, Itenez y Madeira. La situación de estas especies no es tan dramática como en Asia, pero ya se observan amenazas concretas que de no ser controladas pueden llevar a la extinción de este patrimonio natural.

Actualmente, los principales problemas para estos delfines están ocasionados por capturas dirigidas para ser usados como carnada, principalmente en Brasil; interacciones negativas con pesquerías y pescadores; contaminación de los ríos por mercurio e hidrocarburos, y fragmentación del hábitat por causa de la construcción de represas.

A causa de todas estas amenazas, se hizo necesario conocer el estado de conservación de estas especies, y por tal razón se creó un programa de estimación de abundancia de delfines de río en Sudamérica liderado por WWF y la Fundación Omacha (Colombia) con el apoyo de WCS (Wildlife Conservation Society) y otras organizaciones en cada país. Este programa ha recorrido más de 7.000 km de ríos en las cuencas del Amazonas y el Orinoco y ha capacitado a cerca de 80 investigadores de nueve países. A través de estos recorridos se identificaron las amenazas más relevantes para las especies en cada país, se generó una red de trabajo importante entre organizaciones e investigadores, y se implementó una estrategia de comunicación global para lograr la atención de los gobiernos.

Con todo ello se inició el diseño del Action Plan for South American River Dolphins 2010 - 2020, que se concretó en Abril del 2008 en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, donde confluyeron cerca de 50 participantes, de 11 países, con representantes de gobiernos, investigadores y la UICN. El Plan necesitó dos años para que estar listo y refleja las situaciones y necesidades generales de todos los países. Se identifican las acciones más urgentes para garantizar la supervivencia de estas especies, al igual que sobresale, la necesidad de evaluar y mitigar los impactos de las pesquerías, detener la captura dirigida de estos cetáceos y evaluar las consecuencias de la construcción de represas e hidroeléctricas sobre los ecosistemas acuáticos.

El Plan resalta asimismo la necesidad de generar alternativas económicas para comunidades locales para poder implementar estrategias de conservación que sean efectivas y que motiven a los ribereños y gobiernos a consolidar esfuerzos de manejo en los grandes ecosistemas acuáticos de Sudamérica.

En total se estima que hay unos 40,000 delfines de río en toda la región, y aunque aún parece una cifra elevada, los delfines están ahora más amenazados que nunca, por lo que conviene trabajar para su defensa, porque se trata de una de las especies que más acusan el cambio de las condiciones del hábitat.

Enlace al texto editado en español:
http://www.wwf.org.co/?210352/Plan-de-accion-para-la-conservacion-de-los-delfines-de-rio-en-Suramerica

Gatos y niñas, cuadros y provocaciones

04/11/2013, El MET presenta una cuidada selección de obras de belleza inquietante pintadas por Balthasar Klossowski de Rola, Balthus, el pintor de las niñas y los gatos.

Nueva York, 4 de noviembre de 2013
Balthasar Klossowski de Rola, Balthus, es conocido por sus adolescentes pensativas, que sueñan o leen en habitaciones cerradas, totalmente ajenas al mundo exterior. Centrándose en sus mejores obras, la exposición del Metropolitan reúne unas treinta y cinco pinturas que datan de mediados de la década de 1930 hasta 1950.

Las pinturas de Balthus fueron consideradas polémicas en la época. Sus cuadros de jovencitas en posiciones abandonadas, rozando lo erótico, le costarían la crítica de los sectores más conservadores, que veían en sus obras un afán de provocación y escándalo que el pintor trató de desmentir durante toda su carrera: "Las niñas todavía pueden pasar por seres puros y sin edad. Para mí son sencillamente ángeles. Lo morboso se encuentra en otro lado". Aún así, hasta su muerte le perseguiría la etiqueta de provocador y voyeur.

El rey de los gatos
Balthus comenzó a pintar a muy temprana edad. El artista francés era gran amante de los gatos, y su mascota murió cuando él era muy joven. Para recordarlo lo convertiría en un icono de su imaginario. Desde entonces, siempre vivió rodeado de gatos, tanto en el mundo real como en su producción artística.

Una pequeña musa
Entre 1936 y 1939, Balthus pintó su famosa serie de retratos dedicados a su vecina Thérèse Blanchard. Thérèse, de 11 años, posó sola, con su gato, o con sus dos hermanos. La obra más controvertida dedicada a la pequeña modelo la retrata enseñando con descuido su ropa interior mientras un gato, situado a sus pies, lame leche de un platito.

Balthus. Gatos y niñas, cuadros y provocaciones
Metropolitan Museum
Nueva York
Hasta el 12 de enero de 2014
http://www.metmuseum.org/

De León a Burkina Faso

02/11/2013, El 24 de junio pasado, SEOBirdLife marcó un águila calzada en las cercanías de León (España). Ahora está en Burkina Faso, en el corazón de África.

Madrid, 2 de noviembre de 2013

El águila calzada, un macho, de 655 gramos y 1,207 metros de envergadura, porta un emisor que, mediante la energía solar y la transmisión satelital, informa de su marcha, desde el día de su suelta, en la localidad de Oteruelo de Valdoncina, carca de León.

SEOBirdLife está siguiendo en su programa Migra a ocho águilas calzadas españolas en su comportamiento migratorio. De ellas siete han cruzado ya el Estrecho y están invernando en el Sahel, al sur de Sáhara, como sabíamos que es habitual en esta especie.

Pero hay un caso raro, un águila calzada que no ha seguido la misma pauta que las demás. Fue marcada con satélite en Andalucía, en la provincia de Málaga, y no ha emigrado a África, pues ha decidido pasar el invierno mucho más cerca, en Valencia, a solo 450 kilómetros de su nido.

Ya se sabía que algunas águilas calzadas invernaban en España, pero este es el primer caso bien documentado. Esta águila calzada ha encontrado a la orilla del Mediterráneo, cerca de la desembocadura del río Júcar, una zona adecuada para pasar el invierno, sin necesidad de realizar el largo viaje hasta el África subsahariana, como la mayoría de sus congéneres.

El seguimiento con dispositivos de control remoto del Programa Migra está permitiendo desvelar las distintas estrategias migradoras de las especies, e incluso las distintas estrategias dentro de una misma especie, como ocurre con el caso de las águilas calzadas.

La página www.migraciondeaves.org registra ya 179 ejemplares de casi 20 especies distintas. El objetivo de SEOBirdLife es llegar a conocer los movimientos, rutas migratorias, áreas de invernada y movimientos dispersivos de todas las especies de aves presentes en la Península Ibérica.

34 Obras de la Colección Cisneros llegan al Reina Sofía

31/10/2013, Las salas de la Colección del Museo Reina Sofía cuentan con la incorporación en depósito de treinta y cuatro obras de la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

Madrid, 31 de octubre de 2013
Esta selección de obras queda enmarcada en el recorrido del segundo tramo de la colección bajo el título "¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968)". Este depósito supone un eslabón fundamental en el complejo diagrama del arte de la segunda mitad del siglo XX.

Las treinta y cuatro obras de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, de arte contemporáneo latinoamericano e indudable calado internacional, aportan un profundo conocimiento acerca de un período y una zona del mundo a menudo ignorada por la historiografía tradicional. Si antes este arte fue considerado marginal, hoy la Colección Cisneros confirma que era precisamente en esos márgenes del mapamundi en los que se jugaba, en gran medida, el destino del desarrollo posterior del arte y la sociedad.

La incorporación de este depósito pone de manifiesto el esfuerzo que viene realizando el Museo Reina Sofía por reactivar capítulos de la historia del arte antes erróneamente considerados subalternos o derivativos, como el del arte procedente de América Latina.

Las obras se han instalado dentro de un contexto histórico determinado: el de las salas que recogen el auge de la pintura estadounidense y su impacto, el momento en que “Nueva York robó la idea de arte moderno”. Como contrapunto a ese mundo, aparentemente marcado por un dogma triunfante dictado desde el Norte, la Colección Cisneros despliega una serie de propuestas que, procedentes también de entornos urbanos (Montevideo, Buenos Aires, Caracas, São Paulo, Río de Janeiro), reformularon esa idea de arte desde nuevas perspectivas.

La instalación se ha repartido en dos salas de la planta cuarta del Edificio Sabatini:

Colección Cisneros 1. La abstracción concreta: está dedicado a la vertiente geométrica, al arte concreto y neoconcreto; términos recuperados, en clara disyuntiva lingíística, en oposición a la citada preeminencia del expresionismo abstracto. Frente al lenguaje lírico o dramático, individual e irrepetible procedente de Estados Unidos, el neoconcretismo se afirmaba como un giro especulativo, colectivo y utópico en obras como las de Willys de Castro, Alejandro Otero o Hélio Oiticica. Son piezas que muestran, a pesar de su aparente hermetismo, ritmos internos y movimientos centrífugos; herramientas que dejan ver un interés por el juego y que desvelan cómo la matemática aplicada al arte no es solo sinónimo de frialdad.

Colección Cisneros 2. Movimiento y participación: recoge líneas de fuga que alcanzan al arte óptico y cinético y acoge la evolución de creadores activos en una línea más organicista, la que introduce fisuras en el canon creado por la abstracción geométrica, que muchos consideraron aislada de una realidad caliente como la de la compleja situación política y social del continente austral a partir de la década de 1960. Gego, Jesús Soto o Mira Schendel rompieron con el peligro de la congelación de la imagen de una “América fría” y se abrieron hacia un nuevo y vibrante horizonte: el de la participación del espectador.

Escapadas de otoño en Extremadura

31/10/2013, Naturaleza, degustaciones gastronómicas, festivales de teatro, cine y música... Extremadura ofrece propuestas otoñales pensadas para el disfrute del turista.

Badajoz, 31 de octubre de 2013
Esta es una época cargada de citas culturales, gastronómicas y de ocio en el territorio extremeño. Naturaleza en estado puro en los Valles del Ambroz y el Jerte; alta gastronomía en la Feria de la Tapa de Badajoz; y teatro, música y cine en diversos festivales repartidos por Badajoz, Cáceres y Fuente de Cantos.

El Otoño Mágico del Ambroz y la Otoñada del Valle del Jerte
Con el otoño la naturaleza extremeña revela uno de sus momentos más espectaculares del año. Valles y bosques de la región se tiñen de amarillo, rojo y ocre e invitan a ser recorridos aprovechando las suaves temperaturas de esta época del año.

En el valle cacereño de Ambroz, durante los fines de semana del 31 del Octubre al 1 de Diciembre, se celebra la XVI edición de un festival que incluye degustaciones gastronómicas; jornadas micológicas (charlas y salidas organizadas para recoger setas); marchas senderistas por los pueblos y los caminos del valle; espectáculos de magia; rutas en bicicleta y otras actividades, como la Fiesta de la Trashumancia, el Festival Rock, un rally fotográfico y el mercado de otoño. No faltará tampoco la Gran ‘Calbotá’ (3 de Noviembre), una buena excusa para reunirse con la familia y los amigos para tomar castañas asadas, higos pasos y sangría, y disfrutar de la música tradicional.

También durante los meses de Noviembre y Diciembre, el Valle del Jerte bulle con las actividades incluidas en su programa de La Otoñada. Senderismo, rutas en bici de montaña, teatro, mercados, concursos, exposiciones, talleres y jornadas de costumbres y tradiciones locales salpican el calendario. Hasta el 15 de Diciembre se podrá disfrutar de la Feria de la Tapa y las Jornadas Gastronómicas Pastoriles, en las que los restaurantes ofrecen menús degustación realizados con los productos característicos de la estación otoñal y recetas tradicionales de los pastores del Jerte, como migas, calderetas, quesos y revueltos de setas y castañas. Destacan también el Festival de Folclore en la localidad de Valdeastillas (15 de Diciembre) y la II Semana de la Reserva Natural, dedicada a la divulgación y conservación de La Garganta de los Infiernos.

Feria de la Tapa de Badajoz
Entre el 8 y el 24 de Noviembre se celebra esta ruta del tapeo en la que cerca de una treintena de establecimientos del casco antiguo ofrecen su ‘tapa estrella’. Los visitantes podrán votar sus preferidas a través de un pasaporte, mientras un jurado técnico valorará cualidades, presencia, sabor y originalidad de cada propuesta.

Festival de las Grullas
El 30 de Noviembre, la localidad de Navalvillar de Pela, en Badajoz, se viste de fiesta para homenajear a la grulla. Una bella especie que vuela, cada año, más de 4.000 kilómetros para pasar el invierno en Extremadura. El abundante alimento, unido a las numerosas zonas húmedas que sirven de refugio y a las temperaturas moderadas del inverno extremeño, proporciona a estas aves –se calcula que unos 80.000 individuos anualmente- un hábitat óptimo para pasar los meses invernales.

Para celebrar su llegada se organizan actividades gratuitas como rutas guiadas por espacios naturales para el avistamiento, así como espectáculos de animación, talleres y juegos para niños y adultos, cuentacuentos, actuaciones folclóricas o degustación popular de migas extremeñas.

Teatro, música y cine
Son varias las citas relacionadas con el teatro, la música y el cine durante el otoño extremeño, entre ellas el XXXVI Festival de Teatro de Badajoz, hasta el 4 de Noviembre, en el Teatro López de Ayala, o el XXVI Festival Internacional de Jazz de Badajoz (Badejazz), que reunirá a representantes destacados del panorama nacional e internacional entre los días 14 y 16 de Noviembre.

Del 15 al 30 de Noviembre tendrá lugar el Festival Flamenco de Cáceres, que este año celebra su 39ª edición. Este mismo género es protagonista del X Otoño Flamenco de Fuente de Cantos (Badajoz), con conciertos programados los días 19, 25 y 26. Las ciudades de Badajoz, Cáceres, Mérida y Plasencia acogerán, del 9 al 17 de Noviembre, el XVI Festival de Cine Gay & Lésbico (FanCineGay 2013). Y la música irlandesa tendrá también su momento en el X Cáceres Irish Fleadh, los días 1, 2 y 3 de Noviembre en la capital cacereña.

El corazón azul del planeta

30/10/2013, La tercera Convención Internacional de Áreas Marinas Protegidas, celebrada en Ajaccio (Córcega) y Marsella, concluyó con un compromiso con la conservación y el uso sostenible de la costa.

Marsella, 30 de octubre de 2013
La Conferencia Ministerial de clausura reunió a 19 ministros de las naciones que representan los océanos del mundo , y en ella se reiteró la determinación de alcanzar el objetivo de proteger al menos el 10 % de los océanos del mundo para 2020, un objetivo de trabajo definido ya en 2010.

La reunión de Ajaccio se celebró tras una conferencia de cinco días de expertos marinos, celebrada previamente en Marsella del 21 al 25 de octubre.

Los ministros reunidos en Ajaccio discutieron la necesidad de combinar los enfoques globales, regionales y locales para la conservación de los océanos, la participación del sector privado en el proceso, y sobre el diseño de soluciones de financiación innovadoras y sostenibles para las áreas marinas protegidas. Asimismo, destacaron la urgencia de establecer áreas marinas protegidas en alta mar.

"Las área de alta mar son de gran importancia para el funcionamiento del planeta, así como para mantener muchas de las especies que valoramos, ya sea por razones comerciales, estéticas o éticas ", dijo Kristina Gjerde, representante del Programa Marino y Polar de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza.

Los océanos cubren más del 70 % de la superficie de la tierra. Más de 3,5 millones de personas dependen de ellos para su alimentación, la energía y los ingresos. Actualmente, menos del 3 % del océano está protegido.

Coorganizado por la UICN y la Agencia Francesa de Áreas Protegidas, esta reunión internacional reunió a 1.500 participantes de 87 países, incluidos los administradores de las áreas marinas protegidas, científicos, responsables políticos, representantes de la industria, la sociedad civil, los estados y las comunidades locales.

Crece el turismo de apartamentos

30/10/2013, Un reciente estudio señala un uso cada vez mayor del turismo de apartamentos en toda Europa. Las ciudades preferidas a la hora de alquilar: Londres, París, Barcelona y Sevilla.

Barcelona, 30 de octubre de 2013
Según la Encuesta de Ocupación en Apartamentos Turísticos del Instituto Nacional de Estadística, entre 2009 y 2012 el número de viajeros que se alojaron en apartamentos turísticos creció un 13,8 % hasta rozar los 9 millones de usuarios. Un 34 % son españoles, cifra que también ha aumentado ligeramente. Sin embargo, la estancia media en los apartamentos turísticos se ha reducido de 8,26 días en 2008 a 7,35 días en 2013, dato que indica que cada vez más los viajeros optan por escapadas más reducidas.

El usuario español de apartamentos turísticos elige grandes capitales europeas como Londres o París, pero también apuesta por destinos nacionales como Barcelona y Sevilla; no solo busca playa, pues se aloja en zonas de interés cultural; reserva con poca antelación (el que menos en toda Europa), lo hace a última hora del día y viaja con la familia.

A la hora de escoger capitales extranjeras para una escapada, el viajero español coincide en gran medida con los gustos del resto de países de la Unión Europea. Sin embargo, los ingleses, alemanes y franceses se inclinan también mucho por ciudades italianas como Florencia y Roma, que en el caso de las preferencias de los españoles descienden a la 5ª y 7ª posición.

En cambio, el viajero español apuesta con más fuerza que el resto de europeos por el turismo interior visitando ciudades como Barcelona, Sevilla y (algo menos) Madrid. Son destinos asequibles que reducen el coste del viaje y permiten disfrutar de un nuevo modelo de vacaciones que se está imponiendo cada vez más desde que empezó la crisis: realizar varias escapadas de pocos días repartidas a lo largo del año, en lugar de gastar todos los días de descanso en un destino exótico.

A la hora de realizar una reserva, el usuario español contrata el apartamento con unos 44 días de antelación, muy lejos de otros países europeos bastante más previsores como Austria (72 días), Alemania (69 días) o Finlandia (68 días). Estas reservas suelen realizarse mayoritariamente por la tarde-noche, entre las 19:00 y las 21:00 horas, un horario que suele coincidir con el fin de la jornada laboral.

Las preferencias en cuanto a la ubicación del apartamento reservado sí varían notablemente según las nacionalidades. Los españoles que viajan a Barcelona reservan sus apartamentos en barrios que destacan por su ubicación práctica, oferta comercial y cultural, como Gracia o la zona de la Sagrada Familia.

Por su parte, los británicos y alemanes que visitan Barcelona prefieren quedarse en barrios más turísticos y de interés cultural como el Gótico o el Born. En cambio, los franceses e italianos prefieren el barrio de la Barceloneta o el de Poblenou para estar lo más cerca posible del mar.

El usuario que se decanta por un apartamento suele viajar con bebés o niños pequeños, especialmente los españoles, alemanes y franceses, ya que muchos de los clientes de estos países que reservan apartamentos son familias.

Fuente: GowithOh, empresa referente en el sector de alquiler de apartamentos turísticos de calidad en toda Europa.

El Expolio de Cristo, restaurado

29/10/2013, El Museo del Prado enriquece temporalmente su colección incorporando tras su restauración en los talleres del Prado y hasta su regreso a la Catedral de Toledo una de las obras capitales de El Greco, El Expolio de Cristo.

Madrid, 29 de octubre de 2013
La obra, uno de los primeros encargos que El Greco recibió en Toledo, fue realizada para el sagrario de la Catedral de Toledo, e ilustra el momento en que Jesucristo, culminada su ascensión al Monte Calvario, es despojado de sus vestiduras para ser clavado en la cruz.

Hasta su regreso a la sacristía de la Catedral de Toledo para participar de los actos conmemorativos del IV centenario de la muerte del artista organizados por la Fundación El Greco 2014, El Expolio se exhibirá temporalmente en la sala 9 B del Museo del Prado, una en las tres salas permanentes dedicadas al artista.

El Expolio de Cristo se trata de una composición de gran originalidad, en la que el espacio tradicional se comprime para transmitir al espectador el acoso físico y moral que padece el protagonista. La intensa expresividad de las cabezas, muestra la altura artística alcanzada por El Greco en esas fechas.

El buen estado de conservación de la obra ha propiciado que la intervención del taller de restauración del Museo del Prado, haya consistido, básicamente, en la reintegración y consolidación cromática de levantamientos y pequeñas pérdidas en el borde inferior y la realización de una limpieza que ha recuperado el equilibrio de las luces y sombras mejorando las relaciones espaciales y la visión global de la composición.

Junto a El Expolio se pueden contemplar la reflectografía infrarroja y la radiografía de la pintura, que permiten comprobar que el pintor no realizó cambios sustanciales en la composición inicial.

La reflectografía infrarroja revela cómo la construcción de la pintura se llevó a cabo a partir de un esbozo general realizado con pincel y pigmentos muy diluidos que luego fueron concretándose a través de toques más precisos. En la cabeza de Cristo se pueden ver delicadas pinceladas entrecruzadas mientras que las de los personajes del fondo quedan difuminadas o sugeridas mediantes atrevidos golpes de color.

La radiografía muestra que El Greco trabajó sobre una tela cuyos hilos dibujan formas romboides, un tipo de lienzo denominado “mantelillo” muy utilizado en la pintura veneciana.

Aragón con gusto

29/10/2013, Del 30 de Octubre al 10 de Noviembre de 2013 se celebra en Huesca, Zaragoza y Teruel la primera edición del Festival Gastronómico "Aragón con gusto".

Zaragoza, 29 de octubre de 2013

Más de 200 establecimientos (entre restaurantes, hoteles y otros locales) participarán en el I Festival Gastronómico Aragonés, una iniciativa puesta en marcha por la Confederación de Empresarios de Hostelería y Turismo de Aragón, que tiene el objetivo de dar a conocer el potencial turístico de la región a través de su gastronomía.

Durante esta primera edición, que tendrá lugar del 31 de octubre al 10 de noviembre de 2013 en Huesca, Zaragoza y Teruel, además de en las comarcas de Bajo Cinca, Monegros y Bajo Aragón, y en las poblaciones de Daroca y Caspe, los establecimientos participantes ofrecerán menús de entre 20 y 35 euros, tanto en horario de mediodía como de noche.

Paralelamente, en el marco de esta cita, se han programado diversas actividades pensadas para convertir la Comunidad de Aragón en un referente gastronómico tanto para los que visitan su territorio como para sus ciudadanos. Talleres de cocina sin gluten y coctelería, degustaciones de cerveza, café, té o quesos, cooking party de arroz, una exposición de pastelería aragonesa, presentación de tapas de otoño, elaboración de pasta artesanal, decoración de galletas para niños, visitas al mercado agroecológico de Zaragoza, catas maridadas y cenas teatralizadas, serán algunas de las actividades que se desarrollarán durante estos días.

"Aragón con Gusto" fusionará las recetas más tradicionales con las más vanguardistas, donde no faltará el exquisito Ternasco de Aragón IGP, junto con productos como la Cebolla de Fuentes de Ebro, Arroz Brazal, Trufa Negra de Aragón, Azafrán de Teruel o los vinos de la DO Somontano y Cariñena. Una deliciosa forma de acercar la riqueza y el patrimonio culinario de la región a todo el que quiera disfrutar de esta cita de 12 días.

Villas y jardines Medici (Italia)

28/10/2013, Las Villas de los Medici en la Toscana han sido añadidas en 2013 a la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Florencia, 28 de octubre de 2013
La Toscana guarda en su campiña diversidad muestras de la estética, el arte y el poder de los Medici.

En la reunión que la UNESCO celebró en Camboya se ha incluido en esa lista a un sitio bajo el nombre de "Villas y jardines Medici en Toscana (Italia)", compuesto por doce villas diseminadas por la campiña y dos jardines de recreo, que constituyen un testimonio de la influencia ejercida por los Medici en la cultura europea de la Edad Moderna gracias a sus mecenazgos artísticos.

Edificadas entre los siglos XV y XVII, las villas Medici son representativas de un sistema original de construcciones rurales, armónicas con la naturaleza circundante, que estaban dedicadas al esparcimiento y al cultivo de las artes y el pensamiento.

Esas villas encarnan la función y forma innovadoras de un nuevo tipo de mansión principesca, diferente a la vez de las haciendas rurales de la clase pudiente florentina de aquel entonces y de los castillos señoriales, emblemáticos del poderío militar.

Según informa la UNESCO, las villas mediceas fueron un primer ejemplo de conexión entre el hábitat, los jardines y la naturaleza y se convirtieron en un elemento de referencia constante para las mansiones de soberanos de Italia y Europa.

Sus jardines y su integración en el entorno natural contribuyeron a fomentar la valoración del paisaje característica del Humanismo y el Renacimiento.

En el listado inscrito están los jardines de Boboli (Florencia) y Pratolino (Vaglia, Florencia); y las villas de Cafaggiolo (Barberino di Mugello), Il Trebbio (San Piero a Sieve), Careggi (Florencia), Fiesole (Fiesole), Castello (Florencia), Poggio (Prato), La Petraia (Florencia), Cerreto Guidi (Florencia), Palacio Seravezza (Lucca), La Magia (Quarrata, Pistoia), Artimino (Carmignano, Prato) e Poggio Imperiale (Florencia).

Namibia: lider en conservación

28/10/2013, WWF, la organización mundial conservacionista, ha destacado la labor del pueblo y los dirigentes de Namibia por sus logros en conservación.

Namibia, 28 de octubre de 2013
El Presidente de Namibia, Hifikepunye Pohamba, ha merecido el Premio Regalo para la Tierra, la mayor distinción otorgada por WWF y que se le entrega en la Cumbre Mundial de Turismo de Aventura, que tiene lugar entre el 26 y el 31 de octubre.

En las últimas dos décadas, el pueblo y el gobierno de Namibia en en el sudoeste africano, han desarrollado un movimiento de conservación comunitaria, por lo que las comunidades locales participan plenamente en la propiedad y gestión de los recursos naturales y la vida silvestre, beneficiando tanto a las personas como a la naturaleza por igual.

Namibia ocupa más de 800.000 kilómetros cuadrados de superficie, generalmente desértica, sobre la que habitan tan solo algo mas de dos millones de habitantes, pero su territorio tiene un enorme valor ecológico.

"Los logros de Namibia son impresionantes e inspiradores", ha recordado Jim Leape, Director General de WWF Internacional, con ocasión de este evento. Hay 79 zonas de conservación comunales - Unidades de manejo de vida silvestre de la comunidad – en el territorio de Namibia, que cubren una quinta parte de las tierras del país y que afectan a uno de cada diez de sus ciudadanos.

Las poblaciones de vida silvestre en zonas de conservación -cebras, oryx, jirafas, búfalos y leones - se están recuperando, proporcionando la base para el éxito de iniciativas turísticas responsables y el uso sostenible de la vida silvestre. La caza furtiva de elefantes y rinocerontes también se ha reducido drásticamente .

"El compromiso con la conservación de la naturaleza del gobierno de Namibia y la gente es realmente único ", dijo Jim Leape . "Namibia fue el primer país de África en consagrar la conservación en la Constitución y casi la mitad de su territorio está bajo algún tipo de gestión de la conservación."

Diversos países de África, Asia y América Latina están ahora estudiando el modelo de Namibia de la conservación comunitaria de aprender cómo podrían aplicarlo.

El ocaso del leopardo de las nieves

25/10/2013, Una buena noticia para el leopardo de las nieves. Representantes de Kirguistán y otros once países de Asia han acordado diversas acciones para proteger el cada vez más escaso leopardo de las nieves.

Bishkek, Kirguistán. 25 de octubre de 2013
El acuerdo también incluye la protección de los paisajes de alta montaña de Asia, donde vive esta especie. p> En la actualidad, según informan WWF y el Banco Mundial, entidad que apoya la iniciativa conservacionista, sobreviven en el mundo entre 4.000 y 6,500 ejemplares, y la evolución es manifiestamente negativa.

Este animal es un felino carnívoro que habita en las altas montañas de Afganistán, Bhután, China, India, Kazajstán, Kirguistán, Mongolia, Nepal, Pakistán, Rusia, Tayikistán y Uzbekistán.. Tiene un pelo denso, gris y blanquecino, y larga cola. Gran cazador, ataca a los animales salvajes y domésticos, lo que le granjea el odio de cazadores y campesinos

En la reunión celebrada ahora en Kirguistán, en la que han participado expertos en conservación de todo el mundo, se probó una Declaración de Bishkek en para la conservación del leopardo de las nieves y un Programa de Protección de Ecosistemas.

Estas medidas son especialmente importantes en la República de Kirguistán , donde sólo 250 leopardos de las nieves están vivos actualmente, según las estimaciones recientes.

Los peligros para el leopardo
Al igual que muchas especies, el leopardo de las nieves es vulnerable por la caza furtiva impulsada por el comercio ilegal de vida silvestre. Parece ser que se cazan activamente para obtener algunas partes del cuerpo, que ciertas culturas creen que tienen un gran valor medicinal. Dado que la demanda ha crecido, también lo ha hecho la sofisticación de la caza furtiva.

Además, también es perseguido por los agricultores en represalia por matar su ganado.

Otros peligros son la disminución del hábitat debido al crecimiento de la ocupación humana, el sobrepastoreo, el desarrollo de las infraestructuras y los impactos del cambio climático.

Gran parte de la estrategia de protección se centrará en la educación rural de montaña y las comunidades de pastores de la necesidad de proteger a los leopardos de las nieves, la co-participación en los esfuerzos de conservación, y la ayuda para que estas comunidades dispongan de medios de vida sostenibles.

Los gobiernos también trabajará entre ellos y con otras organizaciones para luchar contra las redes de comercio ilegal y la caza furtiva .

Cambio climático
El cambio climático es el problema a largo plazo más preocupante que amenaza la supervivencia de leopardos de las nieves.

Esta cambio ha dado lugar a retroceso de los glaciares, aumentando el riesgo de sequías, afectando a la flora y fauna de la región, y dejando a los leopardos de nieve - al igual que a otros animales salvajes - con opciones de alimentación más escasas.

El impacto del cambio climático podría dar lugar a una pérdida de hasta el 30 por ciento del hábitat del leopardo de nieve en la cordillera del Himalaya, según WWF.

Roma en el bolsillo

25/10/2013, El Museo del Prado profundiza en el proceso de aprendizaje de un grupo de jóvenes artistas españoles pensionados por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando entre 1758 y 1764 para perfeccionar su formación en la ciudad italiana.

Madrid, 25 de octubre de 2013
Durante su estancia en Roma, y bajo instrucciones de la Academia, los estudiantes españoles adquirieron pequeños cuadernos de dibujo (llamados en italiano "taccuini") en los que debían copiar las obras de la Antigíedad y de los maestros del Renacimiento y el Barroco.

Estos cuadernos servían para tomar apuntes y hacer estudios del natural, pero también para realizar anotaciones de otro tipo o escribir diarios de viaje. Suponían para los artistas un instrumento obligado de aprendizaje en el que quedaban registradas todas aquellas obras que constituirían un punto de referencia en su futuro quehacer.

A través de 51 obras, entre cuadernos de dibujo y dibujos independientes, se ofrece una visión completa de la práctica artística común a la cultura europea en este período. Puesto que el contenido principal de la exposición son cuadernos de dibujo que solamente pueden mostrarse abiertos por una sola página, la muestra ofrece la oportunidad de acceder al contenido completo de los cuadernos a través de unas tablets que estarán a disposición del visitante gracias al acuerdo de colaboración suscrito con Samsung por el que la compañía se incorpora al programa de miembros corporativos del Museo en la categoría de “colaborador tecnológico”.

Secciones de la exposición:

Roma y sus itinerarios
A través de dos magníficas vistas de Roma de Giuseppe Vasi y Juan de Villanueva se pretende establecer el contexto urbano que rodeó a los jóvenes artistas. Se incluyen también dos Itinerarios de Roma de Mariano Vasi, que sirvieron de guía para muchos de los viajeros que se acercaban a la ciudad a finales del siglo XVIII.

La Academia de San Fernando y las pensiones en Roma
La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando posibilitó estos viajes de estudios a través de sus pensiones. En esta segunda sección se presentan diversos documentos y libros relacionados con todas las fases del proceso, la selección de los alumnos, las instrucciones que regulaban su estancia, el control económico...

Los pensionados en Roma y el dibujo académico
Los estudiantes seleccionados desarrollaban su formación a través de los sistemas académicos imperantes en la época. Se reúne en esta sección un conjunto de dibujos o Academias realizados por diferentes artistas como José del Castillo, Antonio Martínez Espinosa o Mariano Salvador Maella, en torno a unos mismos modelos que se repiten desde diferentes puntos de vista. El estudio de las tipologías de estas Academias, que los pensionados enviaban a Madrid, muestra el modo de dibujar y los objetivos que se buscaban en las sesiones de dibujo.

Cuadernos de dibujo
La colección de cuadernos de dibujo de artistas españoles y extranjeros muestra la vertiente más libre del aprendizaje de los pensionados en Roma quienes, mediante la observación del natural, seleccionan y representan en sus cuadernos aquellos elementos o composiciones que más les interesan de la ciudad.

Se conservan cinco cuadernos del primer grupo de pensionados españoles en Roma: Domingo Álvarez Enciso, Antonio Primo, Domingo Antonio Lois, Mariano Salvador Maella y José del Castillo. Un conjunto excepcional que permite comprender el modo de trabajo durante su estancia en Roma.

A estos cinco cuadernos se les une un cuaderno de Goya, posterior y surgido de un viaje privado, pero que supone un ejemplo más personal frente al carácter reglado de los académicos. Junto a ellos, cuadernos de otros artistas europeos en Roma permiten afirmar que el estudio de las obras de arte romanas y el modo de plasmar sus anotaciones y apuntes fueron elementos reglados por la dinámica de las Academias de Bellas Artes en toda Europa, independientemente de la nacionalidad del artista.

Roma en el bolsillo
Hasta el 19 de enero de 2014
Sala D. Edificio de los Jerónimos
Museo del Prado

Guia de Coimbra

24/10/2013, Guiarte.com acaba de piblicar su guía de Coimbra, una de las más bellas ciudades de Portugal; ciudad de arte y cultura incluida en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Coimbra es una urbe vital y pintoresca en la que residen 145.000 habitantes, entre ellos miles de estudiantes, que dan nueva vida a la ciudad a lo latgo del período escolar, y que se pasean por la urbe ataviados con sus capas negras, cortadas con tantos tijeretazos como decepciones sentimentales han sufrido.

Esa universidad se ha convertido en un referente para todo el mundo de habla portuguesa, y tuvo una influencia importante en la difusión del conocimiento de la educación y la literatura. Coimbra se presenta como un ejemplo notable de una ciudad universitaria integrada con una tipología urbana específica, tradiciones ceremoniales y un vigoroso capital cultural, tal como afirmó la UNESCO en 2013, al incluir a la vieja ciudad en la lista mundial.

Su emplazamiento sobre una colina dio lugar a una estructura urbana de diversas alturas bien diferenciadas ya desde el siglo XII: la ciudad alta o Almedina, lugar de residencia de aristocracia y clérigos, y la ciudad Baja, a orillas del río Mondego, en la que se encontraban los barrios artesanos y las moradas de las clases trabajadoras.

Su profunda historia le permite albergar elementos de la época romana, islámica, románica... y otros monumentos de los sucesivos modelos artísticos que se sucedieron en la urbe. Reconquistada a los musulmanes por las tropas de Fernando I de León, llegó a ostentar la capitalidad lusitana. Sus calles nos testimonian esa profunda vitalidad.

Nuevas especies en la Amazonía

24/10/2013, La cuenca del Amazonas es un inmenso territorio que sigue dando sorpresas. Al menos 441 nuevas especies de animales y plantas han sido descubiertas allí en los últimos cuatro años.

Rio de Janeiro, 24 de octubre de 2013
Estos descubrimientos, realizados entre 2010 y 2013, incluyen criaturas como un mono ronronea como un gato, un lagarto con una piel que semeja un dibujo de llamas de colores, una rana del tamaño de una uña y hasta una piraña amante de los vegetales.

Los datos han sido revelados por un informe del Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF), en el que se recopilan los hallazgos de esta selva, un territorio inmenso y aún poco explorado. En el mismo seespecifica el hallazgo de 258 plantas, 84 peces, 58 anfibios, 22 reptiles, 18 aves y un mamífero. Aparte de ellos están los numerosos descubrimientos de insectos y otros invertebrados.

Un informe anterior realiozado con los datos de 1999-2009 (Amazonía Viva. Una década de descubrimientos 1999-2009), mostró que entre 1999 y 2009, al menos 1.200 nuevas especies de plantas y vertebrados se habían descubierto en el Amazonas. Los nuevos hallazgos incluían 637 especies de plantas, 257 peces, 216 anfibios, reptiles, 55, 16 y 39 aves mamíferos.

Claudio Maretti, líder de la Iniciativa Amazonía Viva de WWF, ha declarado que estos hallazgos demuestran que la Amazoníoa es un territotio natural único que hay que conservar, e hizo un llamamiento a trabajar contra las amenazas como la deforestación y la construcción de represas.

Algunos hallazgos:

• Lagarto de colores llameantes: Este reptil fue encontrado gracias a las crías que nacieron de unos huevos recolectados por los científicos en la Amazonía colombiana. La Cercosaura hypnoides no se ha visto antes en su estado natural, lo cual hacer sospechar que podría estar en peligro de extinción.

• Rana diminuta: Se cree que este anfibio se encuentra en peligro crítico de extinción. De hecho, su nombre en latín Allobates amissibilis significa "que se puede perder", debido a posibilidad de que su hábitat sea alterado con fines turísticos. Esta es la tercera especie Allobates que se encuentra en Guyana.

• Piraña hervíbora: la Tometes camunani es estrictamente hervíbora, llega a medir hasta 50 cm de largo y pesar 4 kg. Habita en los rápidos rocosos donde abundan las plantas. La Tometes se registró en la cuenca del Río Trombetas, en el Amazonas brasileño.

• Serpiente de “El Mundo Perdido”: Encontrada en las montañas de Guyana, esta especie fue nombrada Chironius challenger en honor del Profesor George Edward Challenger, personaje ficticio de la obra “El Mundo Perdido” de Arthur C. Doyle.

• Orquídea rosa: Entre las nuevas especies de plantas descubiertas hay un gran número de orquídeas, incluida la Sobralia imavieirae, oficialmente descrita por los científicos de Roraima, en la Amazonía brasileña.

• Mono tití de Caquetá: El Callicebus caquetensis es una de las aproximadamente 20 especies de mono tití. Todas ellas viven en la cuenca del Amazonas. Una de las características más notables en las crías es que "cuando se sienten muy contentas se ronronean unas a otras", explicó el científico Thomas Defler.

Se estima que muchos de los nuevos descubrimientos son endémicos de la selva del Amazonas, por lo que, estas especies son aún más vulnerables debido a a la continua destrucción del hábitat amazónico.

Gitanas, el hechizo del baile

24/10/2013, La sala permanente de la colección Hermen Anglada i Camarasa de la Fundación ”la Caixa” presenta un nuevo montaje de su fondo alrededor del tema del baile gitano en la obra del artista.

Palma, 24 de octubre de 2013
El baile gitano fue uno de los motivos predilectos de Anglada-Camarasa, quien ya en los primeros años de su estancia en París se sintió atraído por esta temática folclórica, que se había puesto de moda en Europa a lo largo del siglo XIX, gracias a los viajes, literatura, música y artes plásticas.

Los cuerpos ondulantes, los vestidos de colores, la gracia del movimiento o la acusada expresividad de las gitanas, fueron incansable fuente de inspiración para Anglada i Camarasa, que dedicó a este tema cientos de dibujos y unas cuarenta pinturas en la que dio protagonismo a la figura femenina.

En la selección de obras de la colección, que consta de 328 obras y 194 objetos, pueden verse escenas de baile, entre las que destaca el gran mural El tango de la corona, figuras de gitanas y un conjunto de dibujos que muestran el interés del pintor para captar el alma y movimiento de las figuras.

Hermen Anglada i Camarasa (Barcelona, 1871 - Port de Pollença, 1959) es uno de los principales nombres del arte catalán moderno. Vinculado a París, donde completó su formación a partir del 1894, es uno de los principales cronistas de la vida nocturna de la Belle Époque.

El pintor creó sus primeras obras sobre este tema alrededor de 1900, paralelamente a las escenas nocturnas. Las gitanas y su apariencia exótica se convirtieron en su objeto predilecto, y ejercieron una gran fascinación en él. Ahora, todo aquel que lo desée puede descubrir y compartir con Anglada i Camarasa esta pasión por el baile, el movimiento y el cuerpo femenino.

Gitanas, el hechizo del baile
Colección ”la Caixa” Anglada-Camarasa
Exposición permanente
Plaza de Weyler, 3, Palma

Hilma af Klint. Pionera de la abstracción

23/10/2013, El Museo Picasso Málaga descubre la singular obra de la artista sueca Hilma af Klint, que a comienzos del siglo XX se adentró en uno de los más sorprendentes caminos hacia el arte abstracto.

Málaga, 23 de octubre de 2013
Adelantada a su tiempo, Hilma af Klint (1862-1944) creó una enigmática obra que quiso representar una realidad más allá de lo visible y que cuestionó la esencia del ser o el sentido de la existencia.

Tras su paso por el Moderna Museet de Estocolmo y el Hamburger Bahnhof de Berlín, la exposición "Hilma af Klint. Pionera de la abstracción" llega al Museo Picasso Málaga para presentar en España la obra de esta artista insólita, que no quiso que sus creaciones se mostraran hasta veinte años después de su muerte. En palabras de Iris Müller-Westermann, comisaria de la muestra “se podría decir que más de cien años atrás Hilma af Klint pintó para el futuro. Y el futuro es ahora”.

Un total de 214 obras sintetizan la consistente trayectoria de Hilma af Klint, que con una abstracción prácticamente inexplorada a comienzos del siglo XX, representa la conexión entre lo espiritual y lo material, el micro y el macrocosmos, la luz y la oscuridad, lo femenino y lo masculino. Su fin es plasmar la dualidad como motor del mundo y producir una imagen primigenia, conciliadora de opuestos y reflejo de la unidad de la que todo procede.

Para ello, la artista recurre a un delicado simbolismo pleno de referencias y significados, que buscan guiar al espectador hacia una suerte de revelación, hacia la compresión de unos conceptos que, más allá de su complejidad, no hacen sino representar de un modo pionero el natural anhelo humano de trascendencia.

La obra de Hilma af Klint es el fruto de su sólida formación artística y de su personalidad, pero también es reflejo de un contexto social muy concreto, el cambio de siglo XIX al XX, momento en el que Occidente se asombra ante avances científicos que evidencian que hay algo más allá de lo tangible, como el descubrimiento de los rayos X y las ondas electromagnéticas. En ese momento se hacen accesibles al gran público las traducciones de textos sagrados de otras creencias, lo que da lugar a corrientes de historicismo, relativismo, y en ocasiones de agnosticismo. Se cuestiona si la religión es un producto de la sociedad, y por ello hay quien busca una verdad por encima de estos condicionantes culturales. La inquietud intelectual —compartida y difundida por escritores, pensadores y filósofos— de Hilma af Klint, la lleva a participar como médium en sesiones de espiritismo y practicar la escritura automática. Además, la artista aseguraría haber realizado gran parte de sus obras en conexión directa con sus guías espirituales.

La exposición, resultado de una intensa investigación a través del conjunto de su trabajo, podrá verse en el Museo Picasso Málaga hasta el 9 de febrero de 2014.

Objetivo: salvar los océanos

22/10/2013, La salud de los océanos, en un proceso grave de deterioro, es el objetivo del tercer Congreso Internacional de Áreas Marinas Protegidas (IMPAC3) que se está celebrando en Marsella (Francia).

Marsella, 22 de octubre de 2013
El evento está organizado por la Agencia de Áreas Marinas Protegidas y la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) y reúne durante cinco días cerca de 1.300 participantes en representación de 87 países implicados en la defensa de las áreas marinas protegidas, la gestión y la protección de los océanos.

Esta conferencia intenta posibilitar el objetivo de la protección para el 10% océanos en el horizonte del año 2020, y finaliza con una reunión Ministerial en Ajaccio (Córcega) sobre conservación de los océanos.

El objetivo del 10 por ciento de océanos protegidos se marcó en 2010, pero exige fuertes actuaciones. En el encuentro se ha manifestado que es alentador el progreso hecho hasta ahora. De menos de 0,5 % protegido a finales del siglo XX se ha llegado a más del 2 % en la actualidad, pero si no se acelera aún más esta línea de trabajo se tardarán 30 o 40 años más para alcanzar la tasa de 10 % acordada en Nagoya (Japón) en octubre de 2010, en una cumbre intergubernamental sobre la materia.

Según el último informe de la UICN y el Programa Internacional sobre el Estado de los Océanos (IPSO), la salud de los océanos evoluciona como una espiral descendente, mucho más rápido de lo esperado. Esto se debe a la disminución de los niveles de oxígeno causada por el cambio climático, junto con otros tipos de contaminación química y la sobrepesca desenfrenada.

Las áreas oceánicas que están más allá de la jurisdicción nacional, que representan más del 60 % de los océanos del mundo, necesitan una atención especial, según la UICN. Esto incluye un nuevo acuerdo mundial para la biodiversidad de los maree. Los océanos cubren más del 70 % de la superficie de la tierra. Más de 3,5 millones de personas dependen de ellos para su alimentación. Las áreas marinas protegidas juegan un papel central en el tratamiento ante algunos de los retos mundiales.

Este congreso continúa con una reunión ministerial de alto nivel en Ajaccio Córcega, hasta el 27 de octubre. En noviembre próximo se celebrará otro encuentro importante sobre las áreas marinas protegidas, en el Congreso Mundial de Parques, un foro mundial celebrado cada diez años, que ahora tendrá lugar en Sydney, Australia.

Los objetos hablan

22/10/2013, Del 23 de octubre de 2013 al 26 enero de 2014 se presenta la muestra "Los objetos hablan", que analiza la representación del objeto y sus atributos, símbolos y alegorías.

Girona, 22 de octubre de 2013
CaixaForum Girona presenta una exposición que, de la mano de las obras de grandes maestros del Museo del Prado, realiza un recorrido por la representación de los objetos en la pintura analizando la importancia de la cultura material en nuestra sociedad y el papel simbólico del objeto en la pintura.

La pintura constituye un documento fundamental para conocer el pasado. Los objetos nos han acompañado a lo largo de los tiempos y, precisamente por ello, informan de nuestras costumbres y creencias así como de los cambios que éstas han experimentado con el paso del tiempo. Pero el objeto puede ser considerado desde otras muchas perspectivas, y se vuelve relevante más allá de su función, de sus características físicas o de su valor documental, para convertirse en un atributo, o para obtener valor simbólico y alegórico.

Los objetos que nos rodean forman parte esencial de nuestra vida. Necesitamos vestirnos, alimentarnos, desarrollar un trabajo, disfrutar de nuestras aficiones, y los objetos son indispensables para tales cometidos. Esta exposición organizada por el Museo Nacional del Prado y la Fundación ”la Caixa”, reúne una selección de pinturas y objetos de las principales escuelas del Museo –española, flamenca, italiana y francesa– dentro de un marco cronológico que va desde el siglo xvi hasta finales del XIX.

A través de obras de grandes artistas como Bartolomé Esteban Murillo, Francisco de Zurbarán, David Teniers o Luis Egidio Meléndez, "Los objetos hablan" la exposición recorre el tema de la representación del objeto en las colecciones del Museo del Prado.

La exposición se articula en torno a cuatro secciones temáticas: La clave está en el objeto, Los objetos nos retratan, Un mensaje escondido y El Coleccionismo.

Estación ballenera vasca de Bahía Roja

21/10/2013, La Estación ballenera vasca de Bahía Roja (Canadá) es uno de los sitios que entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Bahía Roja, Canadá, 21 de octubre de 2013
Bahía Roja es un asentamiento costero fundado en el siglo XVI por los balleneros vascos.

Situado en el extremo noroccidental del Canadá, a orillas del Estrecho de Belle Isle, este sitio arqueológico constituye uno de los testimonios más antiguos y completos de la tradición europea de pesca de la ballena.

La Gran Baya –nombre dado al sitio por sus fundadores en 1530– se utilizaba como base para la pesca costera y el troceo de ballenas, así como para la extracción y almacenamiento de su grasa, convertida después en aceite.

Pronto se convirtió en uno de los lugares más importantes de expedición de aceite de ballena a Europa, donde se utilizaba para el alumbrado.

Utilizado solamente en verano por aquel entonces, el sitio todavía posee hoy vestigios de hornos para fundir la grasa, embarcaderos, viviendas provisionales y un cementerio, así como vestigios submarinos constituidos principalmente por pecios y osarios de ballenas.

Este asentamiento pesquero se utilizó por espacio de unos 70 años, hasta que periclitó la población local de ballenas.

¿Quiere un castillo medieval?

21/10/2013, ¿Quiere un castillo, una finca ganadera o una gran residencia en Mallorca? Ahora es la ocasión: la Sociedad de Gestión de Activos Inmobiliarios procedentes de la Reestructuración Bancaria (Sareb) abre su oferta en España.

Madrid, 21 de octubre de 2013

La Sociedad de Gestión de Activos Procedentes de la Reestructuración Bancaria (Sareb) fue creada en España para gestionar un volumen de activos de 50.781 millones de euros procedentes de las entidades nacionalizadas y de otras entidades financieras que han requerido asistencia financiera durante la actual crisis económica. Cuenta con un periodo de 15 años para acometer sus objetivos: vender los activos buscando la máxima rentabilidad para sus accionistas.

Esta entidad acaba de presentar dos catálogos denominados Harvest y Paramount. El Harvest selecciona un amplio abanico de fincas: cinegéticas, ganaderas, de cultivo de invernadero, olivares, repartidas por todo el territorio, español, y muy especialmente en la zona mediterránea, Andalucía y Extremadura.

En este conjunto figuran grandes fincas, de centenares de hectáreas, con millares de olivos, viñedos, caseríos, bosques... o terrenos de caza.

Entre las más atractivas, una ubicada en Requena (Valencia) con una espectacular edificación de aire palaciego y más de 400 hectáreas dedicadas a labores de secano, olivos, viñedos, almendros y bosques de pinar maderable; u otra de la provincia de Córdoba, con más de 200 hectáreas, cerrada perimetralmente, con 31.000 olivos en producción, caserío, molino de aceite, etc.

El catálogo Paramount oferta una selección de viviendas exclusivas localizadas en zonas turísticas y centros urbanos. Entre las mismas las hay de todo tipo, desde un castillo con cuatro airosas torres a casas magníficas en entornos isleños.

El castillo ofertado por 500.000 euros se halla en Biniés, localidad perteneciente al municipio de Canal de Berdún a 35 km. de Jaca(Huesca) en el entorno pirenaico. Todo un castillo-palacio rehabilitado, con torres almenadas, patio central y entrada protegida por matacán, obra originaria del XI y con reformas posteriores.

El catálogo Paramount es sugerente, porque en él aparecen interesantes masías e inmuebles de aire moderno y clásico, útiles algunos de ellos incluso como instalación hotelera. Los precios van del entorno de los 300.000 a los tres millones de euros.

http://web.sareb.es/

Fuerte alza del turismo Internacional.

19/10/2013, El turismo internacional ha tenido un balance muy positivo durante los ocho primeros meses de 2013, apoyado por la atracción europea, según el último Barómetro OMT del Turismo Mundial.

Madrid, 19 de octubre de 2013

Entre enero y agosto, el número de turistas internacionales en el mundo creció un 5%. El Grupo de Expertos de la Organización Mundial del Turismo, OMT, confirma esta tendencia positiva. Su evaluación del periodo mayo-agosto muestra una mejora significativa de la confianza. Las perspectivas para los últimos cuatro meses de 2013 siguen siendo alentadoras.

En los ocho primeros meses del año, las llegadas de turistas internacionales aumentaron un 5% hasta alcanzar el récord de los 747 millones en todo el mundo, 38 millones más que en el mismo periodo de 2012.

Después de un principio de año sólido, la demanda de turismo internacional mantuvo su fortaleza durante la temporada alta del hemisferio Norte. Los meses de junio, julio y agosto arrojaron buenos resultados: en números absolutos, las llegadas internacionales alcanzaron los 125 millones tanto en julio como en agosto, mientras que en junio se superó por vez primera la cota de los 100 millones de llegadas.

«El crecimiento económico mundial sigue siendo lento, pero los resultados del turismo internacional se mantienen por encima de la media en la mayor parte de las regiones del mundo, abriendo oportunidades vitales para el empleo y para las economías locales», manifestó el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai, en la inauguración del Foro Europeo del Turismo en Vilnius.

Datos por regiones

Europa (+5%) fue la más beneficiada por el crecimiento del turismo en los ocho primeros meses de 2013, con aproximadamente 20 millones más de llegadas a la región. Dado que Europa es la mayor región turística del mundo, con numerosos destinos maduros, una tasa de crecimiento del 5% es muy positiva. La Europa Central y del Este (+7%) y la Europa Meridional y Mediterránea (+6%) arrojaron resultados especialmente buenos.

La región de Asia y el Pacífico (+6%) mantuvo un firme crecimiento, apuntalado por el Sureste Asiático (+12%) y sumó alrededor de diez millones adicionales de llegadas.

Las Américas (+3%), que obtuvieron cuatro millones más de llegadas en los ocho primeros meses del año, comunicaron resultados comparativamente moderados, con América del Norte (+4%) a la cabeza.

África (+5%), donde el crecimiento estuvo marcado por la recuperación del Norte de África (+6%), recibió dos millones más de llegadas, mientras que en Oriente Medio, las llegadas experimentaron un incremento del 7% después de dos años de declive.

La confianza crece.

Los resultados del turismo mundial en el periodo comprendido entre mayo y agosto de 2013 fueron mejores de lo previsto, según la encuesta de confianza llevada a cabo entre el Grupo de Expertos de la OMT el pasado mes de septiembre. La encuesta reveló un marcado incremento de la confianza entre los destinos y las empresas, y especialmente entre los expertos de las economías avanzadas. Para los últimos cuatro meses del año, el Grupo sigue siendo bastante optimista.

Con muy pocas excepciones, los positivos resultados de las llegadas se reflejan igualmente en los ingresos por turismo internacional comunicados para los seis u ocho primeros meses del año. Entre los 25 países que más ingresos obtuvieron por turismo internacional, estos experimentaron incrementos de dos dígitos en Tailandia (+27%), Hong Kong (China) (+25%), Turquía (+22%), Japón (+19%), el Reino Unido (+18%), Grecia (+15%), India (+14%), Malasia (+12%) y los Estados Unidos (+11%).

El gasto de los BRIC

Las economías emergentes siguieron a la cabeza en cuanto al gasto en turismo internacional y el grupo de los BRIC, con excepción de la India, registró incrementos de dos dígitos. China se destacó con un extraordinario incremento del gasto del 31%, y la Federación de Rusia (+28%) y Brasil (+15%) registraron también aumentos importantes durante el periodo.

El gasto turístico fue más lento en los mercados emisores de economías avanzadas como Canadá (+4%), el Reino Unido (+2%), Francia (+2%), los Estados Unidos (+1%) y Alemania (0%), mientras que Japón, Australia e Italia vieron declinar el gasto.

Mínima resistencia

18/10/2013, El Museo Reina Sofía presenta la muestra "Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90".

Madrid, 18 de octubre de 2013
El Museo Reina Sofía acerca al público a los lenguajes artísticos desarrollados durante las décadas de los años 80 y 90 a través de una exposición que analiza la serie de dualidades que polarizan el periodo abordado.

De este modo, la muestra aborda dualidades como la crisis económica global frente al capitalismo financiero, del potencial de lo colectivo a la recuperación del mito del artista, de las intervenciones que reivindican el espacio público a los discursos que giran en torno a la memoria y el cuerpo, de la teatralidad que enfatiza lo escenográfico y la arquitectura al lenguaje de lo performativo y los modelos relacionales, de la rehabilitación de los géneros tradicionales a la apropiación de imágenes de los medios y la cultura de masas...

Mínima resistencia abre una primera línea de investigación de este período en el que España se vio afectada por las transformaciones de orden sociopolítico ocurridas durante la transición democrática. El año 1989 supuso un punto de inflexión tanto para España como el resto del mundo, señalado por hechos históricos tan relevantes como la caída del muro de Berlín y posteriormente la guerra en los Balcanes, consecuencias directas de las políticas de globalización económica de la época.

Durante estas dos décadas tuvieron lugar acontecimientos muy importantes en España, la vuelta del Guernica de Picasso, que se encontraba en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el intento de golpe de Estado de 1981, o las celebraciones en 1992 de la Exposición Universal de Sevilla y los Juegos Olímpicos en Barcelona.

las tensiones de la época se traducen en una multiplicidad discursos, y en una renovación de los códigos y los lenguajes del arte. Esta época de cambio y transición se traduce en una búsqueda por parte de los artistas de espacios de resistencia en un mundo globalizado.

Las prácticas artísticas se ven influenciadas por las circunstancias político-sociales, y surgen movimientos artísticos relacionados con subculturas como el punk, movimientos como el feminista o enfermedades como el sida.

Esta muestra muestra se enmarca dentro del proyecto 'Los usos del arte' de la red de museos europeos L'Internationale.

Wagner en la BNE

17/10/2013, La Biblioteca Nacional de España conmemora el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner con una exposición homenaje al famoso compositor alemán.

Madrid, 17 de octubre de 2013
La Biblioteca Nacional de España, en colaboración con la Asociación Wagneriana de Madrid, presentan "Asociación Wagneriana de Madrid. Su legado. 1911-2013. Bicentenario Richard Wagner", una muestra que abrirá sus puertas al público entre el 22 de octubre y el 8 de diciembre de 2013 en la sala Memoria del saber del Museo de la BNE.

La exposición difunde el legado documental de la Asociación wagneriana de Madrid, con una selección de nueve obras de la colección original, y unos cien documentos (entre partituras y libros), actualmente depositados en la BNE.

El espíritu innovador de las óperas de Richard Wagner (1813-1883) y su concepción como obra de arte total, produjeron un auténtico fenómeno de masas denominado “wagnerismo”, que despertó en toda Europa encendidas pasiones y sobrevivió al compositor. En muchas ciudades surgieron asociaciones “wagnerianas” dedicadas a difundir la figura del compositor a través de representaciones operísticas o de la publicación de libros y revistas. 



En los primeros años del siglo XX, en marzo de 1911, los aficionados madrileños decidieron fundar la Asociación Wagneriana de Madrid. La Asociación tuvo local propio en la Plaza de las Cortes, donde reunió una excelente biblioteca en torno a la figura de Wagner. 

La primera junta de gobierno de la Asociación estuvo presidida por el Duque de Alba y en solo dos años llegó a tener más de 2.000 miembros, entre personalidades de la música, la aristocracia, el periodismo, el mundo de la política, la cultura y los negocios.



La Asociación desapareció en 1915 (durante la I Guerra Mundial), ante el rechazo de muchos intelectuales españoles a toda la cultura llegada desde Alemania. La biblioteca de la Asociación fue donada a la Biblioteca Nacional de España y desde entonces se conserva en su Departamento de Música.

En el año 2005, la actual Asociación Wagneriana de Madrid retomó su actividad profundizando en la extensa obra del músico mediante publicaciones, tertulias, festivales, y promocionando a jóvenes intérpretes.

Malba presenta fresco de Antonio Berni

17/10/2013, Malba Fundación Costantini presenta un mural de Antonio Berni (Rosario, 1905-Buenos Aires, 1981), único fresco buono (pìntado al estilo antiguo con el yeso húmedo) de temática indigenista que se conserva del gran maestro argentino.

Buenos Aires, 17 de octubre de 2013
El fresco está documentado fotográficamente en el archivo Berni de la Fundación Espigas, no se le conoce título pero podría llamarse Mercado colla o Mercado del altiplano (ca. 1940). Esta incorporación al acervo del museo y a la colección permanente implica una importante iniciativa de restauración y difusión del patrimonio, según informa el centro cultural.

Junto con el mural se exhiben 15 aguafuertes realizadas en los años 40 (impresas en 1951) cedidas en comodato por José Antonio Berni, hijo del artista; además de un video documental realizado por El Pampero Cine, que muestra todo el proceso de extracción del muro, traslado, restauración y emplazamiento final en Malba.

Localizado en la galería de una quinta en San Miguel, Provincia de Buenos Aires, el mural fue adquirido en octubre de 2012 y constituye la primera compra realizada por el Comité de Adquisiciones de Malba (CDA), creado a principios de ese año con el objetivo de colaborar en la ampliación del patrimonio del museo.

La extracción del mural estuvo coordinada y financiada por Malba. Durante seis meses, un equipo de profesionales argentinos, encabezado por la restauradora Teresa Gowland de Frías y el arquitecto Marcelo L. Magadán, trabajó con las mejoras técnicas de traslado y restauración hasta su emplazamiento final en una de las salas del museo.

Berni. Mural americanista
Se trata de una pintura mural al fresco buono, con detalles de terminación al secco, de 129 x 330 x 2 cm. Se desconoce la fecha de su ejecución, pero se calcula que podría haber sido hecha entre 1936, cuando Berni realizó su primer viaje por el Noroeste Argentino, y 1943, luego de su segundo viaje por la Puna, en el que pasó por Bolivia, Perú, Ecuador y Colombia, gracias a una beca de la Comisión Nacional de Bellas Artes para estudiar las tipologías de las culturas coloniales y precolombinas en Latinoamérica.

El mural pertenece a una época clave en la producción de Berni en la que refuerza su compromiso con la realidad social. La pieza se inscribe dentro del “Nuevo Realismo”, doctrina estética que el artista inició en 1934, luego de la visita al país del mexicano David Alfaro Siqueiros. En esos años, Berni había descubierto el norte del país y, a partir de 1936, realizó un conjunto de obras dedicadas a la exaltación del carácter singular de la Puna y sus habitantes. Significó el encuentro con la raza indígena y con una cosmovisión común a gran parte de los países de la región.

De esta temática, Berni pintó además un mural en la entrada de su casa (ca. 1940), supuestamente destruido; los grandes óleos Jujuy (1937), hoy colección del Museo de la Patagonia Francisco P. Moreno, Bariloche; y Mercado indígena (1942) desaparecido; tres acuarelas tituladas Boceto de composición (1942) y otras dos, Apuntes de paisaje (1943), además de dos óleos, Coyas en el Altiplano (ca. 1940-1942) y Boceto para Mercado indígena (1942), todas de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes.

En Mercado colla o Mercado del altiplano, el artista exalta la etnia americana y mestiza colla como arquetipo del Norte Argentino, pero también del norte chileno, Perú y Bolivia, a la vez que rescata su cultura, su forma de vida, sus vestimentas coloridas, sus labores y su forma de comercio en su entorno geográfico: el paisaje árido de montañas del altiplano de la Puna y el poblado de arquitectura colonial-española.

El Museo del Oro, en Londres

16/10/2013, Desde el 17 de octubre, el Museo Británico presenta en Londres la exposición “Beyond Eldorado: Power and Gold in Ancient Colombia”, una muestra temporal del Museo del Oro.

Londres, 16 de octubre de 2013
Un conjunto de 223 piezas de las colecciones del Museo del Oro del Banco de la República, -orfebrería, cerámica y piedra de diferentes culturas precolombinas- permiten explorar la riqueza, creatividad y complejidad del pensamiento simbólico, los rituales y las relaciones entre los seres humanos, los objetos y la naturaleza, de las sociedades indígenas que habitaron Colombia en la época prehispánica.

La muestra, producida conjuntamente por el Museo del Oro y el Museo Británico, estará abierta en Londres entre el 17 de octubre y el 23 de marzo de 2014. Un evento que ha sido catalogado por los medios ingleses como uno de los grandes del otoño.

Beyond Eldorado: Power and Gold in Ancient Colombia arranca de una de las exposiciones temporales del Museo del Oro, Los espíritus, el oro y el chamán, una investigación del destacado etnólogo colombiano Roberto Pineda Camacho y de María Alicia Uribe, antropóloga y directora del Museo del Oro, que ha sido presentada ya en otras ciudades colombianas y en países como Francia, España, Chile, Estados Unidos, Austria y México.

“En cada una de sus versiones la exposición se ha ido trasformado un poco para satisfacer la curiosidad de los distintos públicos que llegan a disfrutarla. En general, el tema principal de la exposición permanece igual, pero con frecuencia se cambian algunos objetos para complementar ciertos temas. En el caso particular de esta visita al Reino Unido, se sumaron a la exposición, por ejemplo, algunos objetos que muestran las técnicas que utilizaron nuestros orfebres prehispánicos para trabajar los metales, un gran atuendo usado por los caciques del periodo Yotoco de Calima para expresar a través del oro sus vínculos con el mundo de lo sagrado y mayor información sobre las características socioculturales de los cacicazgos que produjeron orfebrería en el territorio colombiano”, explica María Alicia Uribe.

La versión que se presentará en Londres complementa al trabajo de los arqueólogos del Museo del Oro con la aportación del equipo del Museo Británico, liderado por la historiadora del arte y restauradora Elisenda Vila Llonch.

De este modo, Beyond Eldorado: Power and Gold in Ancient Colombia presentará 159 piezas de orfebrería y 64 objetos de cerámica y piedra pertenecientes a las colecciones del Museo del Oro, así como cerca de 70 piezas de las colecciones del Museo Británico.

Con esta muestra son ya 205 las exposiciones internacionales que el Museo del Oro ha presentado en todo el mundo. Esta será la segunda que exhibe en Londres, la primera se realizó en 1978 en la Real Academia bajo el título “El oro de Eldorado”.

El aire de Europa, enfermo

16/10/2013, En torno al 90 por ciento de la población urbana de la Unión Europea está expuesta a concentraciones de alguno de los contaminantes atmosféricos más perjudiciales que la Organización Mundial de la Salud considera nocivas para la salud.

Copenhague, 16 de octubre de 2013
Así se desprende del último estudio sobre la calidad del aire en Europa, publicado por la Agencia Europea de Medio Ambiente (AEMA) y divulgado ahora por esta institución, y en el que se reconoce que diversos niveles han evolucionado de forma positiva en la última década..

Los automóviles, la industria, la agricultura y los hogares generan abundante contaminación atmosférica en Europa. El informe dice que pese al descenso de las emisiones y de las concentraciones de ciertos contaminantes atmosféricos, el problema de la contaminación atmosférica en Europa sigue lejos de poder darse por resuelto. Dos contaminantes en concreto —las partículas y el ozono troposférico— siguen provocando problemas respiratorios y enfermedades cardiovasculares y reduciendo la esperanza de vida.Nuevos datos científicos revelan que la contaminación atmosférica puede resultar nociva para la salud humana incluso en concentraciones inferiores a lo previsto.

Según Hans Bruyninckx, Director Ejecutivo de la AEMA, «la contaminación atmosférica provoca daños a la salud humana y a los ecosistemas. Una gran parte de la población vive en ambientes no saludables, si nos atenemos a los criterios en vigor. Para ser sostenible, Europa debe mostrarse ambiciosa e imponer requisitos legislativos más estrictos».

El Comisario de Medio Ambiente, Janez Potočnik, añade que «la calidad del aire es un problema esencial para muchas personas. Las encuestas demuestran que una gran mayoría de la población sabe perfectamente cómo afecta la calidad del aire a la salud y cree que las autoridades públicas deben adoptar medidas en los ámbitos comunitario, nacional y local, incluso en época de austeridad y dificultades. Estoy dispuesto a responder a estas inquietudes a través de la revisión de la política de protección de la atmósfera que presentará próximamente la Comisión.»

Partículas finas y ozono
Entre 2009 y 2011, hasta el 96 % de la población urbana se encontró expuesta a concentraciones de partículas finas (PM2.5) superiores a las indicadas en las directrices de la OMS y hasta el 98 % a concentraciones de ozono (O3) igualmente superiores a las directrices de la organización.

Las partículas (Particulate matter) del aire tienen numerosas composiciones y tamaños y se suelen dividir en dos niveles, en función de sus tamaños. PM2.5 se refiere a "partículas finas" que tienen un diámetro de 2,5 micrómetros o menos. PM10 se refiere a partículas con un diámetro de hasta 10 micrómetros.

El informe revela igualmente que la contaminación no se circunscribe únicamente a las ciudades sino que también alcanza valores elevados en determinadas zonas rurales. Las diferencias nacionales en el seno de la UE se presentan en una serie de documentos informativos desglosados por paísen y que acompañan a los resultados principales.

Se han registrado resultados positivos en materia de reducción de las emisiones de contaminantes atmosféricos; por ejemplo, se han reducido las emisiones de dióxido de azufre de las centrales eléctricas, del sector industrial y del transporte a lo largo de la última década, limitándose así el riesgo de exposición. La sustitución gradual de la gasolina con plomo también ha reducido las concentraciones de este metal, que afecta al desarrollo neurológico.

Otro problema: la eutrofización
Paralelamente a los riesgos para la salud, el informe destaca problemas medioambientales como la eutrofización, fenómeno ligado a un exceso de nitrógeno nutriente que provoca daños en los ecosistemas, amenazando la biodiversidad. La eutrofización sigue siendo un problema generalizado que afecta a la mayoría de los ecosistemas europeos.

Se han reducido las emisiones de algunos contaminantes nitrogenados; por ejemplo, las emisiones de óxidos de nitrógeno y amoniaco han descendido un 27 % y un 7 %, respectivamente, desde 2002. Sin embargo, la reducción de las emisiones no ha alcanzado los niveles esperados y ocho Estados miembros infringen los techos legalesen un año después del plazo fijado para su cumplimiento.

Para resolver el problema de la eutrofización, será necesario adoptar medidas adicionales de reducción de las emisiones de nitrógeno. indica el informe.

La Villa de los papiros en Madrid

16/10/2013, En la villa de los papiros de Herculano (Nápoles, Italia) se descubrió a mediados del siglo XVIII la única biblioteca de la Antigüedad clásica conocida, preservada tras la erupción del Vesubio en el año 79.

Madrid, 16 de octubre de 2013
La Casa del Lector y el Museo de Arqueología Virtual de Herculano organizan una exposición que profundiza en temas como la lectura en la antigua Roma, o las excavaciones arqueológicas realizadas en la villa en tiempos modernos, y que hicieron posible el estilo neoclásico en toda Europa con la difusión de los descubrimientos de las ciudades vesubianas.

La primera parte de la muestra, “Lectura. Herculano, año 79” presenta la reconstrucción virtual de las distintas estancias de la villa de los papiros, y desarrolla el tema de la lectura y la escritura en la antigua Roma con útiles originales de escritura, una selección de pintura pompeyana y papiros procedentes de la biblioteca, la única de la Antigüedad clásica que ha llegado hasta nuestros días.

Destaca la presencia en la muestra del único papiro desenrollado en su totalidad, de más de tres metros de longitud, y que custodia la Biblioteca Nacional de Nápoles, de donde sale por primera vez con ocasión de esta exposición.

La segunda parte de la exposición, titulada “Relecturas. Herculano, 1750” está dedicada a las excavaciones arqueológicas que descubrieron en el siglo XVIII las ciudades sepultadas por el Vesubio como una relectura del pasado que revolucionó la historia cultural de Europa.

La muestra cuenta con los vaciados en yeso de las esculturas que se iban encontrando en la villa de los papiros y que fueron enviados a Carlos III, así como con el plano original de la villa de los papiros que dibujó en el siglo XVIII el ingeniero suizo Karl Weber, responsable de las excavaciones.

También se podrá contemplar el trabajo del padre escolapio Antonio Piaggio y su célebre máquina para abrir los papiros, un artefacto único que también sale por primera vez desde Nápoles con motivo de la exposición.

La muestra cuenta con la colaboración de la Biblioteca Nacional de Nápoles, del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), el Museo Arqueológico Nacional (Madrid), Patrimonio Nacional (España) y el Museo de Ciencias Naturales-CSIC (Madrid).

La Villa de los papiros. La Villa de Herculano y su biblioteca
Desde el 17 de octubre al 23 de abril
Casa del Lector
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 10

El arte de contorno

15/10/2013, Tras su paso por el Louvre, la muestra "Los escribas de contornos. Dibujo en el Antiguo Egipto" llega a Bruselas, donde podrá verse hasta el 19 de enero de 2014 en el Museo del Cincuentenario.

Bruselas, 15 de octubre de 2013
Esta muestra supone una oportunidad única para descubrir los secretos de los pintores del Egipto faraónico, conocidos como "escribanos de contorno", y cuyo modo de dibujar fue determinado principalmente por las líneas que trazaban las formas y áreas, produciendo de este modo bocetos esquema a los que luego aplicaban colorido.

La exposición señala la importancia de la elaboración de la civilización faraónica, y lleva al visitante a un contacto directo con los artistas del valle del Nilo a través de las creaciones más libres y espontáneas, así como de las obras estrictamente oficiales de arte.

Toda una serie de cuestiones relacionadas se exploran, ¿cómo y quién les enseñó a utilizar esas técnicas artísticas?, ¿cuál era su posición en la sociedad?, ¿qué grado de educación tenían?... La exposición también pretende ofrecer una reflexión profunda sobre el concepto "arte" en el Antiguo Egipto, así como tener en cuenta la forma en que nosotros mismos experimentamos el arte egipcio.

Esta rica variedad de temas se explora sobre la base de una selección de 200 obras notables prestadas por museos de fama mundial, y que incluye papiros ilustrados, pinturas murales, estelas, esculturas, objetos de mobiliario encontrados en tumbas, y los instrumentos de dibujo que utilizaban estos artistas desconocidos, pero cuya obra ocupa un lugar relevante en la historia del arte mundial.

Tiger Trail

15/10/2013, La iniciativa internacional "Tiger Trail" retrata las condiciones de vida de los tigres en cautividad a través del objetivo del fotógrafo holandés Chris Slappendel.

Indonesia, 15 de octubre de 2013
El proyecto "Tiger Trail" da a conocer las pésimas condiciones de vida a las que están sometidos los tigres en cautividad, y pretende crear conciencia sobre la explotación de los tigres y del riesgo de que acaben extinguiéndose. En la actualidad, cerca de 30.000 tigres en todo el mundo viven en cautividad, un dato que contrasta con el número de ejemplares que quedan libres en la naturaleza: sólo 3.000.

Tras esta iniciativa se encuentra Chris Slappendel, que a través de un viaje por los 31 países donde se pueden encontrar ejemplares de este felino, documenta las diferentes actividades en las que estos animales son utilizados, las principales causas de su desaparición y todo aquello que las personas pueden hacer para evitar fomentar su explotación.

El objetivo de "Tiger Trail" es hacer llegar esta información al mayor número posible de personas para así poder poner freno a la rápida desaparición de esta especie gravemente amenazada y a su explotación por fines de lucro.

El tigre ha vivido en nuestro planeta desde hace millones de años. La especie se fue extendiendo por toda Asia e incluso llegó hasta Turquía. Esta expansión hizo que el tigre evolucionara hacia 9 subespecies, todas bastante similares, y cuya diferencia reside por lo general en el tamaño o en la forma de las rayas y los colores.

En 1937, el último tigre de Bali fue asesinado. A principios de los años 70 murió el último tigre del Caspio, y también a mediados de los años 70 desapareció el tigre de Java. El tigre del Sur de China, que aún no está oficialmente extinto, fue visto por última vez en su hábitat natural en los años 90.

Fuente: Fundación FAADA
Más en: tigertrail.org

Paul Klee: Making Visible

15/10/2013, La Tate Modern redescubre el extraordinario trabajo del artista suizo Paul Klee y refleja nueva luz sobre su extraordinaria producción.

Londres, 15 de octubre de 2013
Paul Klee (1879-1940) es un gigante del arte del siglo XX y uno de los grandes innovadores creativos de su época. Ingenioso, inventivo, mágico, sus pinturas exquisitas lo sitúan entre nombres de grandes artistas de la talla de Matisse, Picasso o Kandinsky.

La muestra Paul Klee: Making Visible, refleja la gran versatilidad e inquietudes de la producción de Klee a lo largo de tres décadas en las que su pintura evolucionó entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

Aunque Klee vio su arte como un proceso de creatividad espontánea y de crecimiento natural, en realidad trabajó con gran rigor. La exposición pone a prueba la reputación de Klee como un soñador solitario, revelando la innovación y el rigor con el que Klee creó su trabajo y lo presentó al público.

La Exposición, organizada de manera cronológica, comienza con el desarrollo de los primeros "patchwork", o mosaicos abstractos, de Klee durante la Primera Guerra Mundial, estas pinturas llenas de color más tarde se convertirían en un sello del artista.

El corazón de la muestra se centra en la década que Klee pasó dedicado a la enseñanza y trabajando en la Bauhaus, el semillero del diseño modernista. Los lienzos abstractos que produjo allí elevaron su fama a nuevas alturas internacionales.

La década de 1930 conllevó cambios radicales. Tras el cierre de la Bauhaus de Walter Gropius por los nazis, Klee se refugia en Suiza con su familia. Sus obras se retiraron de las instituciones y galerías y fueron etiquetadas como "arte degenerado" en Alemania. A pesar de la inseguridad política, social, financiera y su salud en declive (Klee padecía de una enfermedad degenerativa), los dos últimos años de la vida del artista fueron muy prolíficos.

La exposición de la Tate Modern reúne más de 130 obras, entre pinturas, dibujos y acuarelas, de colecciones de todo el mundo, que se muestran juntas tal y como el artista las había concebido originalmente. Ver a Paul Klee en la Tate Modern es una oportunidad de entender su arte, y para apreciar el impactante universo de este artista que fascinó a Rothko o Miró y que tuvo una influencia decisiva en el arte abstracto posterior.

Paul Klee - Making Visible
Tate Modern: Exhibition
16 October 2013 – 9 March 2014

FIAC 2013

14/10/2013, La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de París (FIAC) celebra su próxima edición del 24 al 27 de octubre de 2013.

París, 14 de octubre de 2013
FIAC celebra este 2013 su 40ª edición, en la que pretende confirmar un año más su estatus como feria de referencia internacional, siempre atenta a las novedades y desafíos del arte contemporáneo de calidad y de los artistas emergentes más valorados en la actualidad.

Entre las principales ferias internacionales dedicadas al arte moderno, FIAC se distingue por su fuerte participación nacional con un 30 % de los expositores franceses. En esta edición FIAC 2013 en el Grand Palais reúne unas 200 galerías de 25 países, que se expondrán en el patio del Louvre, el Gran Palais, la Cour Carrée du Louvre y los Jardines de las Tuileries.

Francia está representada por 55 galerías, seguida por Estados Unidos que contará con 33 galerías, Alemania tendrá 22 galerías, Italia 13, Reino Unido contará con 12 galerías, seguido por Bélgica con 11 galerías, Suiza y Brasil tendrán una presencia de 5 galerias respectivamente. Los nuevos países representados este año son Canadá, Irlanda y la República Checa.

La presente edición de la FIAC también será una oportunidad para descubrir una programación artística excepcional diseminada por algunas de las zonas más turísticas de París, que durante estos días contará con actividades diurnas y nocturnas para acercar al público al arte moderno y contemporáneo: proyectos, entregas de premios, numerosas exposiciones e inauguraciones.

Feria Internacional de Arte Contemporáneo de París
Fechas: Del 24 al 27 de octubre 2013
Dirección: Nave del Grand Palais. Avenida Winston-Churchill. Paris

Suspense: Tensión ámbar

14/10/2013, Hasta el próximo 5 de enero de 2014 en el Domus Artium de Salamanca se exhibe una muestra dedicada al fotógrafo ruso y cineasta Tim Parchikov.

Salamanca, 14 de octubre de 2013
Este proyecto es el manifiesto visual de la nueva generación de jóvenes rusos que, con el cambio de siglo, ha logrado una libertad absoluta de información y de movimientos, así como la ilusión de una comunicación omnipresente, y que sin embargo ha perdido un sistema integrado de juicios de valor y se ha visto enfrentada a un absoluto aislamiento.

La muestra, que consta de 54 fotografías en color y una videoproyección, reúne trabajos creados en ciudades rusas y europeas a lo largo de los últimos cuatro años, y que relatan este viaje en busca de una identidad perdida.

Parchikov (Moscú, 1983) a menudo transmite ansiedad mediante la crepuscular dramaturgia de una iluminación de ácidos colores en la que los elementos fuera de cuadro son tan importantes como el contenido de la foto. Su habilidad para contrarrestar lo estático y lo dinámico en la fotografía se fundamenta en una magnífica comprensión de la cinematografía. El resultado es un exquisito juego de colores, matices de sombras y contraste, que se esfuerzan por aproximarse al prototipo de su búsqueda: el “film noir” de los cuarenta y el “neo-noir” de los setenta.

Sus fotografías son brillantes como las pantallas de cine y van acompañadas de una banda sonora que evoca el desasosiego del parpadeo de una lámpara fluorescente, la llovizna, el sonido de un tren lejano o una voz humana desconocida e indescifrable.

Tim Parchikov
Suspense: Tensión ámbar
Hasta el 5 de enero de 2014
Domus Artium DA2
Avenida de la Aldehuela s/n. Salamanca

Tesoros Medievales de Hildesheim

14/10/2013, La catedral de Hildesheim tiene uno de los conjuntos de tesoros más completos de toda Europa, ahora, estas obras de arte se exponen en el MET de Nueva York.

Nueva York, 14 de octubre de 2013
Las obras de restauración que tienen lugar actualmente en la catedral de Hildesheim (Alemania) han proporcionado una oportunidad única para que su extraordinaria colección de tesoros medievales pueda ser expuesta en el Metropolitan Museum de Nueva York, donde podrá contemplarse hasta el próximo 5 de enero de 2014.

Hildesheim fue un importante centro de arte metalúrgico en la Edad Media. Su conjunto de tesoros fue designado Patrimonio Cultural de la Humanidad en el año 1985, y cuenta con muchas obras maestras realizadas durante los siglos X y XIII. La muestra del MET proporciona la primera visión global de esta colección, muy desconocida en los Estados Unidos.

La exposición, que consta de unas cincuenta obras de devoción religiosa, se centra principalmente en la figura del obispo Bernward de Hildesheim (960-1022), uno de los grandes mecenas de las artes en la Edad Media, y que encargó durante su obispado las puertas monumentales de bronce y la famosa columna en la catedral de Hildesheim.

Entre los objetos de la muestra destacan valiosas obras de orfebrería de pequeño formato realizadas en una época de gran esplendor artístico, como el crucifijo Ringelheim realizado en plata, los impresionantes juegos de candelabros, varios manuscritos con incrustaciones de piedras preciosas, el báculo labrado del abad Erkanbald, el relicario de St. Oswald, la Virgen de Oro de Hildesheim o la monumental pila bautismal de bronce.

Museo del Templo Mayor: 26 años

12/10/2013, El Museo del Templo Mayor abrió sus puertas el 12 de octubre de 1987 y en dos décadas y media de existencia ha recibido ya más de 15 millones de visitantes. Es el tercer museo más visitado de México.

Ciudad de México, 12 de octubre de 2013

Según recuerda en este aniversario el Instituto Nacional de Antropología e Historia. INAH, hace 100 años, en 1913, se descubrió la esquina suroeste del Templo Mayor de Tenochtitlan, sin embargo, fue hasta 1978, con el hallazgo de Coyolxauhqui (diosa mexica lunar) por trabajadores de una Compañía electrica cuando en el sitio inició un proyecto de investigación de gran alcance. Hasta 1982 se recuperaron más de 7,000 objetos dando origen al Museo del Templo Mayor (MTM), el cual este 12 de octubre festeja 26 años.

En dos décadas y media de existencia, el recinto ha recibido 15.724.727 visitantes, según informa Carlos González González, director del museo desde 2007, quien explica que el número de visitas registradas cada fin de semana lo ubican en el tercero más visitado de la red de museos del Instituto Nacional de Antropología e Historia. Esta gran afluencia de visitantes se debe en gran medida al interés que despiertan los vestigios del recinto ceremonial de los mexicas, y también su ubicación en el Centro Histórico de la Ciudad de México (declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO, en 1988).

El doctor González recordó que, después de recuperar más de 7,000 objetos prehispánicos, entre 1978 y 1982, fueron expropiados 3,500 metros cuadrados del Centro Histórico de la capital mexicana para la creación del MTM, que abrió sus puertas en 1987. Desde entonces, una de las políticas del museo ha sido la renovación constante de las salas de exhibición, dando cabida a los estudios aportados por especialistas. La más reciente fue la remodelación completa de la Sala 6, dedicada a la flora y la fauna, para mostrar el aprovechamiento cotidiano y usos rituales que de éstas hacían los habitantes de la Gran Tenochtitlan.

Otro gran atractivo del museo son sus exposiciones temporales, destacando en este rubro la dedicada a Moctezuma II, donde también se exhibió por primera vez el monolito de la diosa de la tierra Tlaltecuhtli, labrado en andesita rosa y que pesa más de 12 toneladas.

El inmueble del centro, obra del arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, está distribuido en ocho salas, orientadas igual que el Templo Mayor: cuatro del lado sur, dedicadas a Huitzilopochtli y en un sentido amplio a la guerra; mientras que las restantes tratan sobre Tláloc, dios de la lluvia, y por extensión, de la agricultura y la explotación de los recursos naturales en general.

Dentro de los proyectos que se tienen a corto plazo figura una exposición conmemorativa del hallazgo de 1913 en el que se descubrió la ubicación del Templo Mayor.

Visita virtual: http://www.inah.gob.mx/paseos/templomayor/

Stop al mercurio

11/10/2013, Minamata, la ciudad en la que hace unos 60 años se produjo una mortífera contaminación por mercurio, ha sido este año recordada con la firma de un convenio que detiene el uso de este peligroso elemento.

Kumamoto, Japón 11 de octubre de 2013

En 1956 los habitantes de Minamata descubrieron que los pájaros morían en pleno vuelo, luego fallecieron otros animales, más tarde los seres humanos…

El motivo, los vertidos contaminados por mercurio en la costa, abandonados por la petroquímica Chisso que causaron la muerte de cientos de personas y dejaron secuelas a muchos millares, alcanzados por el veneno por la ingestión de pescado y mariscos de contaminados con el mercurio. Desde entonces se denomina enfermedad de Minamata al síndrome neurológico causado por la intoxicación grave con mercurio.

Japón quedó especialmente afectado por este caso, y por eso ahora ha sido uno de los primeros países en firmar un histórico nuevo convenio internacional para eliminar las emisiones y liberaciones del metal tóxico al aire, la tierra y el agua.

El Convenio de Minamata sobre el Mercurio - un tratado mundial y jurídicamente vinculante- es resultado de un acuerdo alcanzado por los gobiernos en el pasado enero. Es el primer nuevo convenio mundial de protección del medio ambiente y la salud que se concierta en casi una década y el éxito de su negociación, tras cuatro años de discusiones, da un nuevo impulso a la cooperación intergubernamental en el ámbito del medio ambiente.

Ahora, en octubre, un millar de representantes diplomáticos de más de un centenar de países se han reunido para firmar los acuerdos y dar inicio a una nueva época en la que el mercurio tendrá un uso sumamente limitado.

La Conferencia Diplomática se ha desarrollado en Kumamoto y en Minamata (Japón), del 9 al 11 de octubre de 2013, en tanto que previamente se celebraron encuentros preparatorios los días 7 y 8 de octubre de 2013 en Kumamoto.

Controles al mercurio

El Convenio de Minamata prevé controles y reducciones en una amplia gama de productos, procesos e industrias en los que se utiliza mercurio o que lo liberan o emiten. El tratado también se ocupa de la extracción directa de mercurio, la exportación e importación del metal y el almacenamiento del mercurio de desecho en condiciones de seguridad.

"El Convenio de Minamata protegerá a la población y mejorará el nivel de vida de millones de personas en el mundo entero, especialmente de los más vulnerables", dijo el Secretario General de las Naciones Unidas Ban Ki Moon en un discurso leído en la Conferencia.

"El mercurio puede tener efectos graves, tanto en la salud humana como el medio ambiente. El PNUMA (Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente ) se siente orgulloso de haber facilitado y apoyado la negociación del tratado durante los últimos cuatro años porque casi todo el mundo - mineros que trabajan en la extracción de oro de pequeña escala, mujeres embarazadas o personas que manejan residuos en los países en desarrollo - se beneficiarán con sus disposiciones", dijo Achim Steiner, Director Ejecutivo del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) y Subsecretario General de las Naciones Unidas.

Graves efectos del mercurio

Desde hace más de un siglo se conocen los efectos del mercurio en el sistema nervioso humano: el Sombrerero Loco de Alicia en el País de las Maravillas se llamaba así porque los fabricantes de sombreros usaban el metal líquido para reforzar las alas de los sombreros y al hacerlo inhalaban vapores venenosos.

Otros de los efectos del mercurio son la disminución de las funciones tiroidea y hepática, irritabilidad, temblores, alteraciones de la visión, pérdida de memoria y problemas cardiovasculares.

"Con la firma del Convenio de Minamata sobre el Mercurio estaremos dando un gran paso adelante para proteger al mundo por siempre jamás de las devastadoras consecuencias que tiene el mercurio para la salud", dijo la Directora General de la OMS, Dra. Margaret Chan. "El mercurio es uno de los diez productos químicos que más preocupación generan en materia de salud pública y una sustancia que se dispersa y permanece en los ecosistemas durante generaciones, causando graves problemas de salud y discapacidad intelectual a las poblaciones expuestas".

Disposiciones del Tratado

De conformidad con las disposiciones del Convenio de Minamata, los gobiernos han acordado prohibir la producción, importación y exportación de una variedad de productos que contienen mercurio antes de 2020. Para estos artículos existen alternativas sin mercurio que se irán incorporando gradualmente a medida que se vayan eliminando las otras

El mercurio utilizado para la extracción de oro en pequeña escala y el de las centrales eléctricas alimentadas a carbón representan la mayor fuente de contaminación por mercurio en el mundo. Los mineros inhalan mercurio durante la fundición, y el mercurio que va a parar a ríos y arroyos contamina el pescado, la cadena alimentaria y a las personas que se encuentran aguas abajo.

En el marco del Convenio de Minamata, los gobiernos han acordado que los países elaborarán estrategias para reducir la cantidad de mercurio usado por los mineros. También controlará la emisión y las liberaciones de mercurio de plantas industriales de gran escala tales como las centrales eléctricas alimentadas a carbón, calderas industriales, incineradores de desechos e instalaciones de cemento clinker.

Patrimonio Mundial

El mercurio o azogue se obtiene básicamente del cinabrio y las mayores reservas del mundo están en Almadén, España, aunque las explotaciones se han cerrado ya por las crecientes trabas a la producción. Otro lugar importante de producción fue Idria en Eslovenia. Las de Almadén e Idria son las minas de mercurio más grandes del mundo y estuvieron operativas hasta hace pocos años

La UNESCO calificó como Patrimonio Mundial en 2012 a las minas de Almadén e Idria. En las minas de Almadén se ha extraído mercurio (azogue) desde la antigüedad; en tanto que en las minas eslovenas se halló mercurio por primera vez en el año 1490.

El sitio español incluye varios lugares relacionados con su historia minera, como el castillo de Retamar, edificios religiosos y pozos tradicionales. En Idria hay almacenes e infraestructura relacionada con el mercurio, así como viviendas de mineros y un teatro. Ambos sitios dan testimonio del comercio intercontinental del mercurio, que generó importantes intercambios entre Europa y América durante siglos.

Texto de la convención en el siguiente enlace:

http://www.mercuryconvention.org/Portals/11/documents/conventionText/Minamata%20Convention%20on%20Mercury_s.pdf

Sitio arqueológico de Al Zubarah

10/10/2013, El Sitio arqueológico de Al Zubarah (Qatar) es uno de los sitios que entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Situada a orillas del Golfo, la ciudad amurallada de Al Zubarah empezó a desarrollarse hacia el siglo IX y se convirtió en un próspero centro de pesca y comercialización de perlas a finales del siglo XVIII y principios del XIX.

Al Zubarah fue fundada por comerciantes de Kuwait y estableció vínculos comerciales con la península arábiga y las regiones del Océano Índico y el Asia Occidental hasta 1811, año de su destrucción y abandono subsiguiente.

Traída por los vientos del desierto, una capa de arena ha protegido hasta hoy los vestigios de la ciudad: sus palacios, mezquitas, zocos, casas con patios, muros de protección, cementerios y chozas de pescadores, así como su doble reciento amurallado, su puerto y un canal.

Las excavaciones arqueológicas solamente han abarcado una pequeña porción del sitio, que constituye un testimonio notable de la pesca de perlas y de las actividades comerciales en las que se sustentaron las economías de las ciudades más importantes del litoral del Golfo, que se constituyeron en estados libres de la dominación del imperio persa y otomano, así como de los imperios europeos. De esas ciudades independientes emergieron los modernos Estados de la región del Golfo.

Los océanos se deterioran aceleradamente

09/10/2013, Un panel internacional de científicos marinos ha lanzado la voz de alarma por el deterioro acelerado de los mares y ha exigido soluciones urgentes para detener la degradación.

Gland, Suiza, 9 de octubre de 2013
El resultado del último Programa Internacional sobre el Estado de los Océanos (IPSO) es más alarmante de los datos que ofreció hace días el panel de cambio climático de la ONU, que ya informaba que los océanos están absorbiendo la mayor parte del calentamiento y niveles sin precedentes de dióxido de carbono. El IPSO advierte que el efecto acumulativo de esto con otros factores de estrés del océano resulta mucho más grave de lo previsto.

El profesor Alex Rogers, del Somerville College, Oxford, y director científico de IPSO, dijo que "La salud de los océanos es una espiral descendente más rápida de lo que pensábamos (…) los efectos son más inminentes de lo previsto, y la situación debe ser de suma preocupación para todo el mundo porque todo el mundo se verá afectado por los cambios en la capacidad de los océanos para sostener la vida en la Tierra".

Los resultados han sido publicados en la revista Marine Pollution Bulletin. El anterior informe de 2011 del organismo, que advirtió de la amenaza de la extinción "de importancia mundial " de las especies marinas, recibió atención de la prensa mundial y ha tenido relevancia en las grandes instituciones mundiales.

El profesor Dan Laffoley, representante de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, afirmó que es necesaria una acción para controlar el problema para evitar pérdidas irreversibles. “el océano se lleva la peor parte de los cambios inducidos por el hombre en nuestro planeta”.

Entre las últimas evaluaciones de los factores que afectan la salud de los océanos , el panel identificó las siguientes áreas de mayor preocupación :

• Pérdida de Oxígeno: el inventario de oxígeno de los océanos está disminuyendo progresivamente. Las predicciones sugieren un descenso de entre el 1 % y el 7 % en 2100. Esto ocurre de dos maneras: la tendencia general de disminución de los niveles de oxígeno en los océanos tropicales y zonas del Pacífico Norte durante los últimos 50 años, y el espectacular aumento de la hipoxia costera (bajo nivel de oxígeno ) asociado a la eutrofización. El primero es causado por el calentamiento global, el segundo por el aumento de la escorrentía de nutrientes de la agricultura y aguas residuales.

• Acidificación: Si los niveles actuales de liberación de CO2 continúan podemos esperar consecuencias sumamente graves para la vida del océano, y a su vez los alimentos y la protección costera. Esto llevará a extinción de algunas especies y la pérdida de biodiversidad global.

• Calentamiento: el océano se está llevando la peor parte de calentamiento en el sistema climático, con consecuencias físicas y bioquímicas documentadas. Los impactos del continuo calentamiento en las décadas de 2050 incluyen. Desaparición de hielo, especialmente en el ärtico (hacia 2037), aumento de la estratificación de las capas del océano , lo que lleva a la falta de oxígeno, con eventos de anoxia e hipoxia .

• El "trío mortal" de los tres factores estresantes anteriores -la acidificación, el calentamiento y la desoxigenación - está afectando seriamente la forma productiva y eficiente del océano . La sobrepesca continuada socava aún más la capacidad de recuperación de los sistemas oceánicos.

Como cuestión de urgencia, los científicos dicen que los gobiernos del mundo deben reducir las emisiones de C02 para limitar el aumento de temperatura , defender los ecosistemas y especies marinas, y crear una infraestructura global para la gobernanza de alta mar que permita la conservación y la utilización sostenible de la diversidad biológica en zonas exteriores a las jurisdicciones nacionales.

El informe ha estado liderado por Alex Rogers, Profesor de Biología de la Conservación en el Departamento de Zoología de la Universidad de Oxford y miembro de la universidad de Somerville, Director Científico del Programa Internacional de Estado de los Océanos, una organización no gubernamental que analiza específicamente los impactos actuales en los ecosistemas marinos a nivel mundial, junto con el profesor Dan Laffoley, vicepresidente de la Comisión Mundial de Áreas Protegidas de la UICN, una figura clave en la escala global en la conservación marina.

http://www.stateoftheocean.org/pdfs/IPSO-Summary-Oct13-FINAL.pdf

Velázquez y la familia de Felipe IV

09/10/2013, La muestra reflexiona sobre uno de los momentos con mayor personalidad de la carrera de Velázquez y sobre la labor de sus sucesores: Juan Bautista Martínez del Mazo y Juan Carreño.

Madrid, 9 de octubre de 2013
El Museo del Prado presenta “Velázquez y la familia de Felipe IV”, una muestra que analiza la actividad como retratista desarrollada por el maestro en los once últimos años de su carrera al servicio de Felipe IV, quizás el rey con mayor conocimiento en pintura que haya conocido la Historia.

La exposición analiza también las figuras de Juan Bautista Martínez del Mazo, yerno de Velázquez, y Juan Carreño, y su labor como sucesores del artista sevillano, durante las décadas de 1660 y 1670.

Veintinueve obras presentarán el conjunto más importante de retratos realizados en la corte española durante el período al que pertenece Las Meninas, una de las obras cumbres de su pintura.

La muestra arranca con el retrato del Pontífice Inocencio X, acompañado por los retratos de los cardenales Camillo Massimo, Camillo Astalli Pamphilj y Ferdinando Brandani, oficial mayor de la secretaría del Papa, anteriormente identificado como el Barbero del Papa.

Esta serie de retratos de la corte papal fue realizada por Velázquez durante su estancia en Roma en 1650. A través de ellos, Velázquez, ampliaría decisivamente su dominio sobre los registros expresivos.

Paralelamente, Mariana de Austria había contraído matrimonio con Felipe IV a finales de 1649 y llegaba a la ciudad como nueva reina. La exposición documenta el regreso de Velázquez a Madrid en 1651, tras la insistencia del rey.

En esta sección se comparan algunos de los retratos realizados durante 1650 con los que realizaría de la corte a su llegada. Felipe IV del Museo del Prado, La infanta María Teresa del Metropolitan Museum de Nueva York o La reina Mariana de Austria revelan la vuelta al hieratismo que el pintor había empleado en sus retratos con anterioridad, en contraposición con el tratamiento expresivo con el que abordó sus retratos en Roma.

El retorno a la corte constituye el núcleo central de la muestra ya que está compuesto por los retratos reales que hizo Velázquez desde su llegada a Madrid hasta su muerte en 1660. Se trata de un conjunto de piezas que destacan por su singularidad iconográfica y por un nivel de calidad extremadamente alto.

El nacimiento de infantes y príncipes da lugar a varios retratos infantiles, un género que invade por primera vez el catálogo de Velázquez en obras como La infanta María Teresa, El príncipe Felipe Próspero o La infanta Margarita, en azul y oro. En ellas el color se hace más denso, variado y suntuoso.

En 1656 nace la obra maestra del sevillano: Las Meninas, el mejor ejemplo del grado de sofisticación al que había llegado la corte española en un momento en el que la cultura atravesaba uno de sus momentos más creativos. En ella, Velázquez realiza un profundo ejercicio de autoafirmación social y profesional, añadiendo su própio autorretrato.

La exposición finaliza con ejemplos del retrato cortesano posterior a Velázquez de la mano de Martínez del Mazo y Carreño. Partiendo de soluciones velazqueñas, ambos artistas renovaron la iconografía real en una dirección más barroca y crearon una tipología que singulariza el retrato cortesano español del momento respecto a otras tradiciones artísticas incorporando los espacios palaciegos como escenarios.

Velázquez y la familia de Felipe IV
Edificio Jerónimos. Sala C
Hasta el 9 de febrero de 2014
Museo del Prado

El Surrealismo y el sueño

08/10/2013, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta a partir del 8 de octubre la primera exposición monográfica que propone una presentación temática de la aproximación plástica de los artistas surrealistas al universo onírico.

Madrid, 8 de octubre de 2013
El surrealismo tiene su clave principal en la visión de imágenes interiores a las que se llega por el flujo del deseo. Sus planteamientos han influido de manera decisiva en el arte posterior y en la sensibilidad contemporánea. La presente exposición pretende mostrar que esa huella tiene su raíz más profunda en la vinculación surrealista entre el sueño y la imagen.

Los surrealistas dejan de considerar el sueño como un agujero de la consciencia, para ser entendido como la otra mitad de la vida, un plano de experiencia consciente cuyo conocimiento y liberación incide de manera especial en el enriquecimiento y ampliación del mundo interior. Así, estos artistas buscan un lugar en el que sueño y realidad se concilien, y llevan a cabo una tarea de transcripción de los materiales del sueño en las obras plásticas. En este sentido Goya y su representación plástica del sueño como un ámbito de la realidad humana, abre definitivamente la senda que abordarán un siglo después los surrealistas.

El horizonte creativo de los surrealistas se ampliaba a todos aquellos registros capaces de enriquecer y expandir la mente. De esta manera, pintores, escultores, fotógrafos o cineastas fueron los primeros en adoptar la fusión de los géneros expresivos y una estética multimedia, en una época de grandes avances tecnológicos.

Resulta crucial el papel desempeñado por el cine: un encuentro con lo insólito, con lo maravilloso, sin que hubiera ninguna predeterminación, ni consciencia. El ámbito del sueño con los ojos abiertos. En las salas de cine es "donde se celebra el único misterio absolutamente moderno” escribió André Breton.

La presencia de artistas mujeres es otro de los aspectos importantes de la exposición. Las artistas encontraron con este movimiento una posición protagonista más allá del papel de musas, objetos de deseo o compañeras. El considerable número de mujeres presentes en la exposición demuestra la relevancia y el carácter propio de sus aportaciones.

El surrealismo y el sueño se articula en ocho capítulos organizados temáticamente: 1. Los que abrieron las vías (de los sueños) (Antecedentes fundamentales, a modo de introducción...); 2. Yo es otro (Variaciones y metamorfosis de la identidad); 3. La conversación infinita (El sueño es la superación de Babel: todas las lenguas hablan entre sí, todos los lenguajes son el mismo); 4. Más allá del bien y del mal (Un mundo donde no rigen ni la moral ni la razón); 5. Donde todo es posible (La omnipotencia: todo es posible en el sueño); 6. El agudo brillo del deseo (La pulsión de Eros sin las censuras de la vida consciente); 7. Paisajes de una tierra distinta (Un universo alternativo que, sin embargo, forma parte de lo existente) y 8. Turbaciones irresistibles (La pesadilla, la zozobra).

Las 163 obras reunidas han sido cedidas por museos, galerías y colecciones particulares de todo el mundo como el Centre Pompidou (París), la Tate Modern (Londres), el Museum of Modern Art o el Metropolitan Museum (Nueva York), entre muchos otros.

André Breton, Salvador Dalí, Paul Delvaux, Yves Tanguy, Joan Miró, René Magritte, Max Ernst, André Masson, Jean Arp o Man Ray fueron algunos de los artistas que abordaron el tema de los sueños en sus obras, y que trabajaron en diversos soportes como la pintura, el dibujo, la obra gráfica, el collage, la escultura, la fotografía o el cine.

El Surrealismo y el sueño
Del 8 de octubre de 2013 al 12 de enero de 2014
Museo Thyssen-Bornemisza
Madrid

El Miró más sintético

08/10/2013, En la Catedral de Burgos se muestra, hasta el 8 de enero de 2014, la exposición Miró último (1963-1983): La experiencia de mirar, compuesta por treinta obras de este artista, pertenecientes a la Colección del Museo Reina Sofía.

Burgos, 8 de octubre de 2013
Durante 2014, esta exposición, ampliada, se presentará en Estados Unidos: Seattle Art Museum, (13 febrero - 25 mayo 2014); Nasher Museum of Art at Duke University (11 de septiembre - 22 febrero de 2015) y Denver Art Museum (22 marzo- 28 junio 2015).

La obras expuestas se centran en los trabajos realizados por Joan Miró (Barcelona 1893 - Palma de Mallorca 1983) en los últimos 20 años de su vida, momento en el que sus circunstancias vitales y artísticas le permitieron un cambio esencial en su trayectoria. Esta muestra da a conocer el que tal vez sea uno de los períodos más desconocidos y, al mismo tiempo, más ricos, de la obra de este artista" señala Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía.

Miró, que desde los años veinte se había mantenido en el centro del devenir del arte moderno, muy vinculado a los círculos parisinos de vanguardia, en esta época de su vida trabaja en Mallorca, y revisa su obra, en un proceso de introspección, en el que alcanza la máxima simplificación.

Las treinta obras seleccionadas (14 pinturas, realizadas entre 1963 y 1977, y 16 esculturas, datadas entre 1967 y 1981) ponen de manifiesto el diálogo formal y poético entre ambas disciplinas artísticas. “Un conjunto de piezas que nos evidencian las preocupaciones de un Miró maduro que, independientemente del género escogido, siempre entendió el acto creador como la expresión de la necesidad de comunicar. Se profundiza, en esta muestra, en las influencias de las nuevas vanguardias americanas y en las íntimas y sutiles conexiones y diálogos que siempre existieron entre su pintura y escultura”, explicó el presidente de la Fundación Silos, que participa en la organización de la muestra.

La exposición se complementa con la proyección de uno de los cortometrajes dedicadis al pintor, dirigido por el realizador catalán Pere Portabella: Miró l’altre, de 1969, creado con motivo de la exposición de idéntico título en el Colegio de Arquitectos de Barcelona, dedicada al mural que el artista había pintado en los cristales exteriores del edificio, y que recoge la acción de su destrucción por parte del artista.

Comisariada por Carmen Fernández Aparicio y Belén Galán, conservadoras del Museo Reina Sofía Miró, la exposicion se presenta en la sala Valentín Palencia de la Catedral de Burgos y coincide con la celebración del 30 aniversario de la muerte del artista.

La muestra ha sido organizada por el Museo Reina Sofía y la Fundación Silos, con la colaboración de la Obra Social "la Caixa" y la Fundación Caja de Burgos, y el patrocinio de La Junta de Castilla y León y el Ayuntamiento de Burgos.

La Sátira de Thomas Rowlandson

08/10/2013, Thomas Rowlandson (1757-1827) fue uno de los grandes maestros de la sátira y caricatura inglesa. Ahora, en la Queen´s Gallery del Palacio de Holyroodhouse, se presenta una gran muestra sobre él, del 22 de noviembre al 2 de marzo de 2014.

Edimburgo, 8 de octubre de 2013
Nacido en Londres, Rowlandson viajó por Europa, fundió una inmensa fortuna en el juego, pintó... y sobre todo fue un gran grabador y caricaturista, maestro de la sátira y el erotismo.

La política, la moda, el amor, las costumbres... todo pasó de forma crítica bajo la mirada de Thomas Rowlandson, quien dejó su visión ingeniosa, mordaz, atrevida... divertida generalmente.

Rowlandson se burló de los políticos, e incluso de la familia real, aunque fue el joven George, Príncipe de Gales (1762-1830) y más tarde George IV, quien comenzó a recopilar una gran colección de obras de Rowlandson, de las cuales serán exhibidas ahora en torno a un centenar.

El grabado satírico era una tradición en la Gran Bretaña de su tiempo, donde la libertad de prensa siempre fue aprovechada por los artistas. Los grabados satíricos fueron coleccionados por la élite de moda, que los exhibían en álbumes o en las paredes, se divertían con ellos en fiestas y encuentros de café.

George IV compartió el gusto por coleccionar impresiones, a pesar de que la familia real a menudo fue objeto de broma, pese a los intentos de esta por evitar ser blanco de ataques a su estilo de vida.

Entre los temas expuestos estarán los asuntos políticos del país y del exterior, la alta sociedad londinense de la época, los prestamistas, y asuntos relacionados con el amor y los temas festivos, sin olvidar incluso los trabajos paisajistas del autor.

Sin lagos no hay vida

07/10/2013, El nivel del lago Burdur, en el suroeste de Turquía, está descendiendo cada año... y se teme seriamente por su futuro.

Ankara (Turquía. 7 de octubre de 2013
El Burdur es un lago salino con una profundidad que alcanza los 110 metros, situado en una cuenca cerrada, en torno al cual hay diversas zonas agrícolas. La extracción de aguas de la cuenca y la construcción de presas para regadíos parecen estar en el origen de su declive.

Exiusre preocupación por la desecación de grandes lagos del mundo. Según informa BirdLife Internacional, El antaño cuarto lago más grande del mundo, el lago Aral, es ahora es un gran desierto; el Turkana de Kenia - cuna de la civilización humana - se enfrenta a su declive debido a los proyectos de represas en el río Omo que desemboca en el lago; el lago Urmia, el más grande de Oriente Medio, ha perdido el 60 por ciento de su superficie, y del Mar Muerto ya se perdió la tercera parte.

El Doğa Derneği (BirdLife Turquía) organizó recientemente un Encuentro Internacional sobre salvamento de lagos en proceso de secado, en Burdur, ciudad que se encuentra al lado del lago del mismo nombre, uno de los primeros sitios Ramsar de Turquía, que se está desecando debido principalmente a la construcción de presas en los afluentes para el riego.

Los participantes visitaron el sitio en barco para ver la magnitud del problema. También visitaron las explotaciones agrícolas piloto en la aldea Karakent donde los agricultores, con la asistencia de Doğa Derneği, utilizan metodologías avanzadas de ahorro de agua, como el riego por goteo.

Durante la reunión, representantes de diez países ( Armenia, Francia, Grecia , la República Islámica del Irán, Iraq, Israel, Jordania, Kazajastán, Kenya y Turquía), organizaciones no gubernamentales e instituciones científicas, compartieron conocimientos y experiencias sobre las razones y los resultados de secado de los lagos, así como sobre las medidas a nivel mundial y regional para salvar y restaurar los lagos secos.

Los participantes debatieron acerca de las amenazas que enfrentan lagos conocidos, como el lago Turkana (Kenia ), el lago Urmia (Irán), Mar Muerto (Jordania e Israel), el lago Aral (Uzbekistán y Kazajastán ) y Coronea (Grecia). También se presentaron las prácticas de ahorro de lagos como el Hula (Israel ), Sevan ( Armenia), humedales Siranguli (Irán) y marismas de Mesopotamia (Irak ) . Los resúmenes de las presentaciones

Los participantes decidieron establecer una red de intercambio de información y experiencias sobre el tema de los lagos en proceso de secado. La red estará abierta a organizaciones, expertos, académicos y funcionarios públicos procedentes de Asia Central, África, el Medio Oriente y los Balcanes.

Octubre musical en Salzburgo

07/10/2013, Salzburgo -la ciudad de Mozart- no solo es fiesta en verano, sino en otoño. Como todos los años, en octubre esta ciudad celebra el Festival Días de Cultura.

Salzburgo, 7 de octubre de 2013
El evento surgió de la idea de organizar también en otoño un festival de música clásica de alta calidad que brindara la posibilidad de escuchar conciertos de intérpretes nacionales e internacionales.Desde sus inicios en el año 1972, los Días de Cultura se han convertido en una cita obligada del calendario cultural de la ciudad.

Salzburgo es una ciudad amable, especialmente festiva en verano, pero agradable también en la otoñada. Es una ciudad de cultura y música, enclavada en un hermoso territorio, con una estructura urbana plagada de bellos monumentos y rincones típicos, como el palacio de Mirabell, la casa de Mozart, la Catedral y el castillo Hohensalzburg, desde donde se aprecia una magnífica vista sobre la urbe.

Para poder celebrar los Días de Cultura de Salzburgo se han unido todos los organizadores de eventos culturales de la ciudad, entre ellos el Teatro Estatal, la Orquesta de la Catedral, la Dirección de Conciertos del Castillo o la Asociación Salzburger Kulturvereinigung. El programa está dirigido sobre todo a los amantes de la ópera, el ballet y la música clásica. Entre los principales escenarios donde tienen lugar los recitales destacan la Catedral de Salzburgo, la Gran Casa del Festival, el Mozarteum y la Sala de Marmol del Castillo Mirabell.

La Asociación Salzburger Kulturvereinigung se constituyó en el año 1947. En 1970 la Asociación inauguró por primera vez el "Teatro de Calle de Salzburgo", un acontecimiento que sigue atrayendo todos los años a miles de visitantes a la ciudad y a la región de Salzburgo. Dos años después impulsó el Festival Días de Cultura de Salzburgo.

La 41 edición de los Dias de la Cultura se abre con tres conciertos de la Orquesta Sinfónica do Estado de São Paulo, bajo la dirección de su director titular Marin Alsop y pianista Nelson Freire estrellas el miércoles 16, jueves 17 de y el viernes 18 Octubre de 2013. En el programa, obras de Clarice Assad, Camargo Guarnieri, Frederic Chopin, Leonard Bernstein y Gustav Mahler. En octubre de 2010, la orquesta de Sudamérica cautivó a la audiencia con su único concierto anterior en Salzburgo. Ahora retorna...

Más información: http://www.kulturvereinigung.com/

http://www.guiarte.com/salzburgo/

Escultura y arte florentino en el Louvre

07/10/2013, "La primavera del Renacimiento" rastrea los orígenes de este gran movimiento artístico y cultural que nació en Florencia a principios del siglo XV.

París, 7 de octubre de 2013
A principios del Renacimiento, una nueva visión del hombre en su relación con el universo y la historia tiene lugar en Florencia, una urbe de gran potencia económica y que cuenta con grandes humanistas herederos de la cultura greco-romana.

La exposición "La primavera del Renacimiento. La escultura y las artes en Florencia, 1400-1460" presenta 140 piezas (entre esculturas, pinturas, dibujos y orfebrería) creadas a partir de las grandes innovaciones del momento, a menudo asociadas con la antigüedad clásica, y que transformaron el concepto del arte en Occidente.

El contexto tanto humanista como cristiano de las obras, el uso temprano de la perspectiva, y el desarrollo de nuevas temáticas y soportes, como el monumento ecuestre, el bajorelieve y el busto, proporcionan una nueva visión del mundo y del arte.

Donatello, Ghiberti, Nanni de Banco, Luca della Robbia, Michelozzo, Desiderio da Settignano, Mino da Fiesole, Brunelleschi o Ghiberti fueron algunas de las principales figuras que representaron el extraordinario florecimiento creativo de Florencia en la época.

La muestra pasó anteriormente por el Palacio Strozzi de Florencia, cosechando grandes críticas y número de visitantes.

Le printemps de la Renaissance. La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460
Hasta el 6 de enero de 2014
Hall de Napoléon, Museo del Louvre. París

Guia de la Costa de la Muerte

04/10/2013, Guiarte.com ha añadido a su listado de guias comarcales la correspondiente a la Costa de la Muerte /Costa da Norte , en galicia, un territorio de gran interés.

La Coruña, 4 de octubre de 2013
Textos de Artemio Artigas y lalo Fernandez Mayo, y Fotografías de esta último y Jose Manuel Fernandez Miranda, permiten al lector acercarse a este territorio cuyas abruptas cotas están incluídas en los anales trágicos de la navegación.

La Costa de la Muerte /Costa da Norte es la zona costera de la provincia de La Coruña que va desde la entrada norte de la ría de Noya, la zona de Punta Carreiro, cerca de Muros, al entorno de Malpica. En su entorno quedan lugares míticos como Finisterre, un extremo de Europa al que llegan muchos de los viajeros que hacen la peregrinación a Compostela.

En este territorio quedan incluidos los municipios de Muros, Carnota, Corcubión, Finisterre, Cee, Muxia, Camariñas, Laxe, Cabana, Ponteceso y Malpica.

Es un territorio de bellos paisajes caracterizados por cierta dureza, la que impone un clima áspero, especialmente en invierno, un suelo eminentemente rocoso, y una costa llena de islotes, rompientes, roquedos sumergidos… en definitiva peligros para la navegación cercana al continente.

Las rutas marítimas que desde la Europa atlántica se dirigen hacia América del Sur, África o el Índico (a través del Canal de Suez) discurren ante esta esquina de la Península. Ese incesante flujo viajero, un mar difícil y una costa rocosa crean el escenario idóneo para las tragedias.

La tragedia más espectacular ocurrió en 1556, cerca de Finisterre, donde una tempestad hundió 25 buques españoles: 1706 vidas engullidas por el mar.

Desde aquella época se contabilizan cientos de naufragios, de buques de Inglaterra, Francia, Noruega, Alemania, Austria, Grecia, Italia, Suecia, Holanda, Rusia, Portugal, Estados Unidos, Marruecos, Yugoslavia, Liberia, Panamá, Chipre, Rumanía… y sobre todo de España.

Hoy la Costa de la Muerte, en la provincia de La Coruña, es un territorio atractivo para los viajeros que buscan algo más que el tradicional turismo de sol y playa, y que quieren acercarse al ámbito de los mitos y las leyendas.

http://www.guiarte.com/costa-da-morte/guia-comarcal.html

Antoni Tàpies. Del objeto a la escultura (1964–2009)

03/10/2013, El Museo Guggenheim de Bilbao dedica una exposición a la producción escultórica de Tápies, que coincide con el primer aniversario del fallecimiento del artista catalán.

Bilbao, 3 de octubre de 2013

La exposición explora la continuidad temática y conceptual que Tàpies mantiene a lo largo de cinco décadas y permite aportar nuevas lecturas y perspectivas sobre la influencia de este artista al desarrollo del arte de la segunda mitad del siglo XX.

Tàpies rescata de la realidad objetos comunes como puertas, camas, sillas, armarios, platos, libros, cestos, bañeras e incluso calaveras, para dotarlos de una nueva dimensión y penetrar en la raíz de las cosas, conectando la razón con la intuición y sumergiéndonos en su rico mundo simbólico.

Las esculturas de Tápies manifiestan lo auténtico, el dolor, el paso del tiempo, la condición del hombre y la espiritualidad, e invitan a una reflexión sobre la propia escultura.

Organizada de manera cronológica y temática, la muestra reúne cerca de cien obras, desde sus primeros objetos y assemblage de mediados de los años sesenta y setenta, hasta las tierras chamoteadas y bronces más recientes, incluyendo la última escultura que firma el artista en el año 2009.

Antoni Tàpies y la escultura
Tàpies realiza sus primeros objetos autónomos y claramente tridimensionales a mediados de los años sesenta. Sin embargo, hasta los años ochenta no se introducirá de manera formal el término “escultura” en su vocabulario artístico.

En los años sesenta y setenta el artista incorpora a su investigación objetos cotidianos que no solo remiten al Arte Informal, sino que están en sintonía con otras corrientes conceptuales que se desarrollan de forma paralela, como el Arte Povera, pero que también tienen su raíz en el Dadá y el Surrealismo.

Para Tàpies, el collage es el antecedente directo de sus esculturas, por lo que trabaja a partir de los denominados assemblage de muebles, papel, ropa, serrín o madera. La diversidad de recursos simbólicos que caracteriza estos trabajos abre para el artista numerosas vías de investigación.

A principios de los ochenta el artista deja atrás temporalmente los assemblage y se adentra en el territorio de la cerámica, inspirado por el escultor Eduardo Chillida y el ceramista Joan Gardy Artigas. La muestra acoge algunas de sus primeras obras en cerámica, realizadas en el taller de Artigas en Gallifa. Posteriormente, el artista trabajará en el taller de la galería Lelong en Grasse, con la colaboración del ceramista Hans Spinner. Tàpies se centra en la tierra chamoteada, una combinación de arcilla con fragmentos de cerámica cocida y molida, que permite realizaresculturas de gran tamaño resistentes a los cambios climatológicos.

El artista también experimenta con otros materiales y técnicas cerámicas, como el esmalte, el gres y la porcelana.

Tápies realiza sus primeras incursiones en el bronce en el año 1987 en la fundición catalana Foneria Vilà, en Valls. El artista trabaja en un conjunto de obras en las que repite una serie de objetos y motivos cotidianos como libros y cráneos. El artista retoma además el tema de las sillas, desarrollado durante los años setenta.

La idea del muro, es otra de las nociones fundamentales en el espacio iconográfico de Antoni Tàpies. Para el artista son muchas las sugerencias que se desprenden de la imagen del muro «Separación, enclaustramiento, muro de lamentación, de cárcel, testimonio del paso del tiempo...».

En 1993 Antoni Tàpies presenta la instalación Rinzen -“despertar súbito” en japonés- en el Pabellón de España de la 45 Bienal de Venecia. Una obra de protesta y reflexión sobre los efectos de la guerra de los Balcanes con la que gana el León de Oro.

Con energías renovadas, presenta en 1994 en Londres la muestra Antoni Tàpies: A Summer’s Work en la que exhiben las obras creadas a raíz del giro que toman sus esculturas con motivo de su participación en la Bienal. Estas nuevas piezas recogen todo su pasado puesto que guardan relación con aquellos primeros objetos de los años setenta, y, al mismo tiempo, también proyectan hacia el futuro su praxis artística al introducir nuevas texturas y elementos.

La exposición finaliza con una serie de esculturas que van de 1995 a 2009, recorriendo la producción final del artista hasta tres años antes de su fallecimiento. En este período el artista alterna materiales y procesos con gran rapidez produciendo al mismo tiempo assemblage, bronces y cerámicas, agregando nuevos elementos a su lenguaje. En el bronce, trabaja con pátinas y nuevos formatos; en la cerámica, contrapone lo mineral y lo orgánico y el gres frente a la tierra; y, en los objetos, genera nuevas perspectivas y volúmenes.

Antoni Tàpies. Del objeto a la escultura (1964–2009)
Segunda planta
Museo Guggenheim Bilbao
Del 4 de octubre de 2013 al 19 de enero de 2014
Patrocina Iberdrola

El misterio de Las Meninas

03/10/2013, Matías Díaz Padrón, ex-conservador del Museo del Prado, publica los primeros resultados de un estudio sobre la obra Las Meninas, atribuida al autor Juan Bautista Martínez del Mazo.

Madrid, 3 de octubre de 2013
El próximo 8 de octubre se inaugura en el Prado la exposición "Velázquez y la familia de Felipe IV", que además de analizar la actividad como retratista desarrollada por el pintor de corte en los últimos años de su carrera, comprende el conjunto más importante de retratos realizados en la corte española durante el período al que pertenece su obra maestra, Las Meninas, pintada en 1656.

Coincidiendo con esta próxima inauguración se ha desatado la polémica, al conocerse los primeros datos de un estudio realizado durante 20 años por el profesor Matías Díaz Padrón.

Estos primeros resultados, presentados en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ponen en duda la autoría de la obra "Las Meninas" de Juan Bautista Martínez del Mazo, y atribuyen la obra a Velázquez.

Según Díaz Padrón, la copia de "Las Meninas" que es propiedad de la mansión Kingston Lacy en Dorset (Reino Unido), sería un "modeletto", un boceto preparatorio previo a la obra definitiva del maestro sevillano.

En estos primeros datos, Díaz Padrón se apoya en los testimonios de figuras como Goya, Ceán Bermúdez o Gaspar de Jovellanos, y a los distintos escritos que de ellos se conservan y que hacen referencia a dicha obra.

El cuadro de "Las Meninas" se encuentra en estos momentos en Madrid, y participará en la muestra "Velázquez y la familia de Felipe IV", aunque desde la institución madrileña comunican que la polémica obra aparecerá bajo el nombre de Mazo, y no bajo el de Velázquez.

El británico Chris Killip en el Museo Reina Sofía

02/10/2013, El trabajo de este fotógrafo, pocas veces expuesto en España, retrata la vida real y las condiciones sociales de la clase obrera británica en pleno proceso de des-industrialización.

Madrid, 2 de octubre de 2013
La muestra inaugurada en el MNCARS repasa la obra de una figura fundamental de la fotografía de posguerra como es Killip. Chris Killip (1946) aborda en los años setenta la fotografía documental, y a lo largo de toda su carrera se centra en el retrato de las clases obreras en las zonas rurales del Norte de Inglaterra.

En su obra documenta la topografía de esas áreas y narra el duro proceso de confrontación de sus habitantes con las severas consecuencias de una política económica que ignoraba los intereses de la clase obrera británica. De esta forma, el fotógrafo retrata con proximidad la vida real de la gente y la confusión, el caos y el dolor al que son sometidos hombres, mujeres y niños por igual.

La exposición recoge 107 fotografías en blanco y negro que representan escenas cotidianas de la vida en el Norte de Inglaterra entre los años 1968 y 2004.

Killip recibió en el año 1989 el premio internacional de fotografía Henri Cartier Bresson, y desde 1991, trabaja como profesor de fotografía en la Universidad de Harvard. Su obra forma parte de distintas colecciones permanentes de prestigiosos museos como el MoMA, de Nueva York; el Fine Arts Museum, de San Francisco; el Museum Folkwang, de Essen; el Stedelijk, de Amsterdam; o el Victoria and Albert, de Londres.

Chris Killip
trabajo / work
2 octubre, 2013 – 24 febrero, 2014
Edificio Sabatini, Planta 3
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Pepe España, vuelta al origen

02/10/2013, La exposición, que podrá verse en la Fundación Antonio Pérez hasta el 1 de diciembre de 2013, recupera la figura de un artista vinculado a los primeros intentos de renovación del lenguaje de los años 50.

Cuenca, 2 de octubre de 2013
José Luis Jimenez España (Málaga, 1930-Suiza, 2007), conocido como Pepe España, inició su trayectoria artística en los años 50, y destacó por su gran dominio del dibujo y un personal uso del color. Su pronta marcha a Suiza ha hecho que la figura del artista sea vagamente conocida en nuestro país.

La exposición de la Fundación Antonio Pérez resume la producción de ese prolífico artista, que vivió en la ciudad de Cuenca entre 1967 y 1973.

A comienzos de los años sesenta Cuenca era el epicentro de los nuevos lenguajes artísticos. En los años 50 y 60, estos artistas, denominados el “grupo de Cuenca”, configuraron algunas de las tendencias abstractas más significativas del arte en España a mediados del siglo XX, e impulsaron el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, que abriría sus puertas el 1 de julio de 1966, fruto de la iniciativa de Fernando Zóbel.

"Pepe España, vuelta al origen" selecciona tres momentos clave en la obra del artista: la serie acrílica de ‘La cinta’, los dibujos sígnicos de Cuenca y Berna y los cuadros finales, que el fueron realizados cuando el artista ya había perdido prácticamente la visión.

Pepe España
Pepe España nació en Málaga, a unos pocos metros de la casa natal de Pablo Picasso. Vivió su niñez y juventud durante la guerra civil española, algo que le marcaría para siempre. Años después, abandona su provincia y se traslada a Madrid y Cuenca, aunque también pasa estancias prolongadas en Barcelona y París.

En 1972, visita Suiza por primera vez, el país causa una gran impresión en el artista, que de 1974 a 1984 viviría y trabajaría en una vieja casa en la Junkergasse de la ciudad de Berna. Tras su paso por Berna, el malagueño pasaría varios años en Aarau, donde realizaría diversas exposiciones. En 1990 se traslada a una casa de labradores restaurada, a orillas del lago de Biel, en Sutz-Lattrigen.

En el otoño de 2001 pierde la vista casi por completo, con una facultad visual del cinco por ciento. Entre tinieblas comienza a pintar una serie de dibujos con el título «Fuerza y expresión», en ellos representa desesperación y tristeza, pero al mismo tiempo esperanza.

Aun en vida del artista, en el año 2005 se crea La Fundación Pepe España, cuyo fin es mantener unida la parte esencial de la obra de Pepe España cooperando en el reconocimiento y difusión de su obra en el mundo del arte contemporáneo. Pepe España fallece en 2007 en la ciudad de Biel.

Surrealistas antes del Surrealismo

01/10/2013, La Fundación Juan March inicia su nueva temporada de exposiciones con la inauguración de la muestra "Surrealistas antes del Surrealismo. La fantasía y lo fantástico en la estampa, el dibujo y la fotografía".

Madrid, 1 de octubre de 2013
Integrada por cerca de 200 obras entre dibujos, grabados, fotografías, libros y revistas, que abarca desde el Medievo tardío hasta el propio surrealismo del siglo XX, la exposición presenta obras de Martin Schongauer, Alberto Durero, Erhard Schön, Matthias Zündt, Wenzel Jamnitzer, Hendrick Goltzius, Jaques Callot, Giovanni Battista Piranesi, Goya, Max Klinger, Alfred Kubin, Paul Klee, Hannah Höch, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Herbert Bayer, Hans Bellmer, André Masson, Brassaï o Maurice Tabard.

Esta muestra sigue el rastro de "Fantastic Art, Dada, Surrealism", la legendaria exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York (organizada hace 75 años), en la que se confrontaban por vez primera obras de artistas contemporáneos con obras del Medievo hasta la modernidad, pasando por el manierismo y el barroco, con el propósito de dotar de un árbol genealógico histórico al surrealismo.

Durante siglos, los artistas han tratado de eliminar, mediante su imaginación, las fronteras entre lo cotidiano y lo fantástico. Así, con la configuración de espacios mágicos, la fetichización del mundo objetual, la jeroglifización de los fenómenos de la naturaleza o la representación de estados de ánimo irracionales, los surrealistas focalizaron la mirada sobre esa larga tradición de arte subjetivo, dando lugar a imágenes enigmáticas y singulares.

La exposición se estructura en once secuencias: El ojo interior; Espacios mágicos; Perspectivas cambiantes; Figuras compuestas; El ser humano construido; El (des)orden de las cosas; El Capriccio; Metamorfosis de la naturaleza; Fantasmagorías; Las sombras de las sombras; y Sueños diurnos - pensamientos nocturnos.

Las obras expuestas proceden en su mayoría de los fondos de la colección de obra gráfica del Germanisches Nationalmuseum, además de obras de la Fundación Juan March y de significativas colecciones públicas y privadas españolas y europeas.

Surrealistas antes del Surrealismo
Fundación Juan March, Madrid
Del 4 de octubre de 2013 hasta el 14 de enero de 2014

Fauna que crece

01/10/2013, En los últimos 50 años muchas especies han experimentado una recuperación en Europa según el informe publicado por BirdLife international, la Sociedad Zoológica de Londres, European Bird Census Council y Rewilding Europe.

Madrid, 1 de octubre de 2013
El pigargo europeo, la cigüeña blanca, el águila imperial ibérica, el milano real, el castor euroasiático y el bisonte son algunas de las 37 especies más favorecidas.

El pigargo europeo, una de las mayores rapaces del mundo, ha experimentado una impresionante recuperación a partir de su dramático declive y extinción en muchos países entre 1800 y 1970. Gracias a su protección legal, la población europea ha pasado de menos de 2.500 parejas en 1970 a 9.600 en 2010, y ha recolonizado parte de su antigua área de distribución en el centro y norte de Europa.

Otro ejemplo es el bisonte europeo, el mayor herbívoro del continente, extinguido en estado salvaje a principios de siglo XX debido su caza y la pérdida de hábitat. Tras un programa a gran escala de cría en cautividad y reintroducción, sus poblaciones se han estabilizado en áreas del centro y este de Europa, con poblaciones afianzadas en Polonia y Bielorrusia. Ahora su población total roza los 3.000 individuos.

Del listado, algunas especies de aves están muy presentes en la Península Ibérica, como la malvasía cabeciblanca, la cigüeña blanca, la espátula, el cernícalo primilla, el halcón peregrino, el milano real, el quebrantahuesos, los buitres negro y leonado, la grulla común o la endémica águila imperial ibérica. Entre los mamíferos, el rebeco pirenaico, el ciervo común, el lobo y el oso pardo también están presentes en la península Ibérica. Con respecto al lince ibérico el informe señala que su población ha disminuido gravemente desde el año 1960, pero ha mejorado ligeramente en la última década gracias a los planes de recuperación de la especie.

En el informe sobre la situación en España, ha participado SEO/BirdLife, integrada en la organización BirdLife Internacional.

Los miembros de las instituciones científicas y conservacionistas han trabajado con expertos de toda Europa para reunir información sobre la distribución y abundancia de una lista de especies que habían disminuido alarmantemente o que habían llegado a estar en estado crítico desde el año 1960. El informe resultante,Wildlife Comeback in Europe (La vida silvestre retorna en Europa), describe las causas que han llevado a la recuperación de 19 aves y 18 mamíferos en el último medio siglo en el continente europeo, así como los lugares donde se ha producido esta mejora y los territorios perdidos. El informe destaca que las lecciones aprendidas en la conservación de estas especies podrían extrapolarse para recuperar otras también amenazadas.

Las especies estudiadas en el Wildlife Comeback in Europe han sido:

Entre las aves: ánsar piquicorto, barnacla cariblanca, cinsne cantor, malvasía cabeciblanca, cigüeña blanca, espátula común, pelícano ceñudo, cernícalo primilla, halcón sacre, halcón peregrino, milano real, pigargo europeo, quebrantahuesos, buitre negro, buitre leonado, águila imperial ibérica, grulla común y charrán rosado.

Entre los mamíferos: bisonte europeo, íbice, cabra montés, rebeco (spp. norteña y sureña), ciervo, corzo, alce euroasiático, jabalí, chacal dorado, lobo, lince ibérico, lince euroasiático, glotón, foca gris, foca común , oso pardo y castor europeo,

Sobre estas especies, Rewilding Europe está presentando una exposición fotográfica en distintos países. Esta muestra viaja por lugares como Berlín, Madrid y Copenhague.

Datos con cautela
La recuperación de la fauna no se limita a las especies presentadas en este estudio. Hay muchas más que muestran patrones similares de recuperación. Sin embargo, a pesar de la mejora de este impresionante número de aves y mamíferos, la biodiversidad, en su conjunto, se está perdiendo. Por ello los expertos advierten de que los resultados del estudio deben revisarse en el contexto de un largo declive histórico.

Para carnívoros como el lince euroasiático o el lobo, y muchas especies de aves, como el milano real, tanto en su distribución y abundancia habían disminuido drásticamente desde mediados del siglo XX. La mejora de la fauna silvestre debe por tanto valorarse con cautela, ya que muchas especies aún no han alcanzado los niveles necesarios que aseguren la sostenibilidad de poblaciones.

Además, como explica Eduardo de Juana, presidente de SEO/BirdLife, en su tribuna del último número de la revista Aves y naturaleza, resulta difícil dejarse llevar por el triunfalismo, porque en un mundo globalizado como el nuestro los impactos sobre el medio ambiente ocurren en todas partes y, en ocasiones, a larga distancia. El consumo en una parte del planeta puede deberse a la explotación de recursos en el otro extremo.

La Rioja, en los grabados de Holguera

30/09/2013, El grabador Jose Holguera acaba de editar la carpeta dedicada a La Rioja, y que se integra en un ambicioso proyectos de edición de grabados de los principales hitos del Camino de Santiago.

León, 30 de septiembre de 3013
En la presentación de la carpeta señala que La Rioja fue lugar fronterizo, "siempre disputada y alternativamente ocupada, bien por navarros o castellanos; tierra de famosos monasterios y cuna de santos camineros y reyes pontoneros".

Este tramo de camino, de Logroño a Grañón, ha sido grabado por José Holguera en siete páginas, con 31 planchas (6 de cobre, 18 de zinc y 7 sellos secos), "recogiendo historia, edificios y tradiciones".

La obra está realizada totalmente a mano, tanto el grabado (aguafuerte y aguatinta) como la estampación, realizada en un tórculo siguiendo modelos calcográficos del siglo XVI. El papel utilizado ha sido Somerset y la edición se ha seriado a un número limitado de ejemplares.

El recorrido de las páginas conduce por Logroño, Navarrete, Nájera, San Millán de la Cogolla, Santo Domingo de la Calzada, Cañas, Azofra y Grañón. La obra se ha realizado en el “Taller de Grabado y Estampa José Holguera”, en la ciudad de León, y sigue a la del Camino Navarro, editada hace ahora casi un año.

Fernando Almela en el IVAM

30/09/2013, El Instituto Valenciano de Arte Moderno presenta una muestra dedicada al artista valenciano Fernando Almela, en la sala Muralla hasta el 10 de noviembre de 2013.

Valencia, 30 de septiembre de 2013
A través de su producción artística Fernando Almela (Valencia,1943-Madrid,2009) reivindica la herencia de Cézanne, con quien comparte la pasión por el paisaje y la naturaleza muerta, géneros de una realidad aparentemente inmóvil, que adecua a la representación en su pintura.

Pintor de la vida silente, Almela describe una naturaleza que se torna íntima tanto en sus bodegones como en sus paisajes de rincones discretos y olvidados. El artista evoca silenciosos jardines con estructuras arquitectónicas clasicista, y masas boscosas que interpreta con gestos cercanos a la abstracción, con un contrapunto narrativo donde la forma, la luz y el espacio son decisivos.

Desde las naturalezas muertas que realizó en los años ochenta hasta su producción final, Almela no dejó de meditar sobre la potencia visual de los objetos en composiciones cotidianas. A comienzos de los años noventa realizó obras fundidas en bronce con jarras y copas rotas junto a frutos. Entre 2006 y 2008 realizó una serie de «bodegones» en los que empleó directamente objetos ensamblados. En estas obras mezcla el objeto cotidiano y la naturaleza paisajística siguiendo cierta tradición del cubismo y el poscubismo.

Sus obras constan en importantes colecciones públicas y privadas como -Museo Español de Arte Contemporáneo, Colección Banco de España, Biblioteca Nacional, Calcografía Nacional, Museo Provincial de León, Colección Fundación Juan March, o en la Colección Marthaler-Wintherthur (Suiza).

Las obras expuestas son una parte de la donación realizada por la Fundación Almela-Solsona al IVAM, según un acuerdo formalizado por ambas instituciones en el año 2012, y que obedece al deseo del artista, manifestado repetidamente en vida, respecto al futuro emplazamiento de su creación artística. Fernando Almela creó la Fundación Solsona en 1991 con la recepción del patrimonio pictórico de Alberto Solsona (Barcelona 1947- Madrid 1988). Tras la inesperada muerte del valenciano, su propio patrimonio pasó a la Fundación, que cambió su nombre por el actual.

Prometeo encadenado llega al Prado

30/09/2013, Prometeo encadenado, obra de Rubens y de su discípulo Snyders, llega al Museo del Prado para formar parte de la exposición “Las Furias” que se inaugurará en la institución en enero de 2014.

Madrid, 30 de septiembre de 2013
Desde el lunes 30 de septiembre y hasta su instalación en la muestra, la obra "Prometeo encadenado" podrá contemplarse en la parte final de la Galería Central del edificio Villanueva (sala 28), flanqueado por dos cuadros de Rubens que pertenecen al Prado: "Aquiles descubierto por Ulises y Diomedes" y "Filopómenes descubierto".

Dioses y Mortales
En una carta escrita en el año 1618, Rubens ofrecía a un posible comprador “Un Prometeo encadenado al monte Cáucaso con un águila que devora su hígado. Original de mi mano. El águila pintada por Snyders”.

Prometeo no tenía miedo alguno a los dioses, y según narra la mitología clásica, tuvo la gran osadía de subir al monte Olimpo y robar el fuego (un lujo del que Zeus había privado a los mortales) y entregárselo a los hombres, convirtiéndose en protector de la civilización humana.

Para vengarse de esta ofensa, Zeus ordenó que Prometeo fuera llevado al Cáucaso, donde fue encadenado y condenado a que un águila le devorara eternamente el hígado, que volvía a crecerle cada noche, y que volvía a comérse el águila al llegar el día. Por fortuna, Heracles pasó por el lugar de cautiverio de Prometeo y lo liberó con un certero disparo de flecha, que acabó con la vida del águila.

La obra de Rubens y de su discípulo Snyders participará de la ambiciosa muestra que el Museo del Prado planea para comienzos del próximo 2014, en la que se analiza el nacimiento, evolución y ocaso de uno de los temas más importantes de la historia del arte europeo entre 1550 y 1700: la representación de personajes de la mitología clásica castigados por plantar cara a los dioses.

500 años del Océano Pacífico

28/09/2013, Con el descubrimiento del Mar del Sur u Océano Pacífico, ahora hace 500 años, comenzó una nueva etapa en la historia de la civilización.

Panamá, 28 de septiembre de 2013

Hace 500 años, Vasco Núñez de Balboa se convirtió en el primer occidental que vio las aguas de un océano que bautizó como Mar del Sur y que luego recibió el equívoco nombre de Pacífico. Era un 25 de septiembre de 1513 y con aquel descubrimiento rompió definitivamente con la tesis de que las tierras descubiertas por Colon eran Las Indias y abrió al espíritu aventurero europeo un inmenso mar que sería ya clave en el devenir del comercio y la cultura del mundo.

Vasco Núñez de Balboa fue un hombre de origen extremeño, nacido en Jerez de los Caballeros, y llegó a América acompañando a Rodrigo de Bastidas en sus exploraciones por el Caribe.

Una intensa vida de aventuras y ambiciones le llevó al triunfo y a la muerte. Pero en medio, el uno de septiembre de 1513 partió desde Santa María de la Antigua del Darién. Su expedición marchó a través de la selva tropical para alcanzar, el 25 de septiembre, una cima desde la que contempló la inmensidad de las aguas de un nuevo océano, un momento que sería clave en el devenir de la Humanidad.

Núñez de Balboa fue un ser extraordinario. Es su historia hubo momentos para la violencia, la brutalidad y el amor; momentos de gloria y triunfo. Murió decapitado por Francisco Pizarro; amó con pasión a una joven india, Anayansi, quien le impulsó hacia la comprensión hacia los nuevos súbditos de la monarquía hispana, y sobre todo contribuyó a un hecho excepcional: el hallazgo del Mar del Sur.

La figura de Núñez de Balboa,– con sus luces y sus sombras, hubiera merecido una mayor relevancia en este Quinto Centenario.

Panamá ha organizado para este año varios eventos conmemorativos coordinados por una comisión creada al efecto, y en España también hay algún acto, especialmente en su pueblo natal, Jerez de los Caballeros, donde aún existe su casa y la pila bautismal del conquistador.

El océano Pacífico

El ámbito marítimo descubierto hace 500 años ocupa una tercera parte de la superficie terrestre. Es el mayor océano. Ocupa un espacio desde el Ártico a la Antártida y que en algún momento tiene hasta casi 20.000 kilómetros de anchura, entre Indonesia y Colombia.

Este océano alberga maravillosos ecosistemas, 25.000 islas y las mayores profundidades del planeta. En torno a él se agrupan territorios tan diversos como la América Latina, Indonesia, China o Alaska.

Denominado Mar del Sur por Vasco Núñez de Balboa, otro navegante clave, al servicio de los reyes de España, Fernando Magallanes, le denominó Pacífico por hallar que sus aguas eran tranquilas, en un viaje en el que cruzó el sur de América por el ahora llamado Estrecho de Magallanes, y que le llevó a Filipinas, donde murió en 1521, en un enfrentamiento con tribus locales. Aquel viaje, que culminaría Juan Sebastián Elcano en 1522, fue el primero que consiguió rodear el orbe.

http://www.vcentenariopanama2013.com

http://balboayelpacifico.com/

Turismo, agua y reflexión

27/09/2013, El 27 de Septiembre de 2013 se celebra el Día Mundial del turismo, un evento que bajo el nombre ‘Turismo y agua: proteger nuestro futuro común’, toma como lema la sostenibilidad y el cuidado de un bien escaso.

Islas Maldivas, 26 de septiembre de 2013
Desde el año 1980, la Organización Mundial del Turismo (OMT) celebra cada 27 de septiembre el Día Mundial del Turismo, cuya principal finalidad es fomentar el conocimiento entre la comunidad internacional de la importancia del turismo y sus valores sociales, culturales, políticos y económicos. Esta fecha marca el final de la temporada alta en el hemisferio norte y su comienzo en el hemisferio sur.

En 2013, el turismo mundial está mostrando una gran pujanza. Según la Organización Mundial del Turismo (OMT), en la primera mitad de 2013 las llegadas de turistas internacionales crecieron un 5 por ciento en comparación con el mismo periodo de 2012, llegándose a los casi 500 millones de viajeros. El crecimiento estuvo por encima de la predicción formulada a principios de año (entre +3 por ciento y +4 por ciento) y está superando también la tendencia de la previsión a largo plazo que figura en el informe de la OMT Tourism Towards 2030 (El turismo hacia 2030) (+3.8 por ciento al año).

El primer semestre suele contabilizar normalmente alrededor del 45 por ciento del total de llegadas del año (los meses de temporada alta del hemisferio Norte, julio y agosto, corresponden al segundo semestre). Se espera que el crecimiento continúe en la segunda mitad de 2013, aunque a un ritmo que se ralentizará gradualmente. La OMT prevé que 2013 termine en un 4 por ciento o ligeramente por encima, superando así la estimación inicial para el año.

El turismo se revela como una de las actividades que está propiciando un crecimiento económico de numerosos países. En este sentido, la OMT está defendiendo el uso de un turismo responsable y accesible, con objeto de permitir el crecimiento del mismo respetando al ecosistema y fomentando el bienestar de todos los sectores de población, especialmente de la creciente proporción de personas mayores y con alguna discapacidad.

El agua y el Turismo sostenible son el hilo conductor del Día del Turismo de 2013, que este año cuenta con Las Maldivas como país anfitrión de las celebraciones oficiales.

En un intento por promover el acercamiento entre los sectores del Turismo, el agua y el medio ambiente, e impulsar la contribución del sector turístico al desarrollo sostenible, "Turismo y agua: proteger nuestro futuro común", apoya al Año Internacional de la Cooperación en la Esfera del Agua, y brinda una oportunidad única para sensibilizar al sector.

Durante la jornada se han programadas diversas actividades, como excursiones, talleres, ponencias o exposiciones en todo el mundo, desarrolladas para concienciar, no sólo a la industria del turismo, sino también a los mismos turistas sobre la necesidad de un futuro hídrico sostenible.

Atapuerca, el comienzo

27/09/2013, La Sierra de Atapuerca, en la provincia de Burgos, es un tesoro natural de gran valor para la humanidad, pues allí se encuentra uno de los yacimientos arqueológicos más importantes del mundo.

Burgos, 27 de septiembre de 2013
Este sistema Cárstico ha sido declarado Espacio de Interés Natural, Bien de Interés Cultural y Patrimonio de la Humanidad debido a los hallazgos arqueológicos y paleontológicos descubiertos en su interior, entre los que destacan los testimonios fósiles de de cuatro tipos de homínidos: Homo antecessor, Homo heidelbergensis, Homo neandertales y Homo sapiens.

El 20 de Mayo de 1868 el periódico local ‘El Eco Burgalés’ publicó un articulo escrito por Felipe de Ariño y Ramón Inclán, relativo al hallazgo de restos humanos en Cueva Ciega (primera referencia de los yacimientos de Atapuerca). 22 años después, en 1890 se realizó una demanda para pedir la exploración minera de la Cueva Mayor, pero no fue hasta 1964 cuando el profesor Francisco Jordá Cerdá realizó las primeras campañas de excavaciones, que se pararían poco después.

Más tarde, el Grupo Espeleológico Edelweiss, descubre la Galería del Sílex, con restos de rituales funerarios femeninos y pinturas de la Edad del Bronce. En 1973 las perforaciones continuaron en el Portalón de Cueva Mayor y, en 1976, el ingeniero de minas Trino de Torres llega hasta la Sima de los Huesos y descubre restos fósiles de osos, dos cráneos humanos, restos dentales y tres mandíbulas. En ese momento el yacimiento empieza a cobrar relevancia científica internacional convirtiéndose en un hallazgo imprescindible para los estudios de la evolución humana.

Las excavaciones posteriores revelarían más yacimientos con restos humanos. En el interior de la cueva se descubrieron espacios tales como la Sima de los Elefantes que dejaría al descubierto una de las piezas fundamentales que corrobora la presencia humana en el Continente Europeo antes de un millón de años: una mandíbula con más de 1.200.000 años de antigüedad.

También se descubre la Galería, un espacio formado por tres yacimientos y cinco niveles de ocupación que han dejado al descubierto restos de animales y herramientas. En el interior de la Gran Dolina, se descubren los restos del primer explorador que se adentró en Europa desde África hace más de un millón de años, y que practicaba el canibalismo.

El Portalón corresponde a la entrada del Complejo de Cueva Mayor y contiene restos de la ocupación del Bajo Imperio Romano, Bronce y Eneolítico como pinturas rupestres, que mostraban su vida cotidiana, cerámica decorada, o puntas de flechas. La Sima de los Huesos y la Cueva del Mirador revelaron restos medievales y modernos, aunque también se han documentado niveles de la Edad de Bronce, Neolítico y Paleolítico Superior. La cueva prosigue por la Galería del Sílex, que cuenta con numerosas pinturas rupestres del Postpaleolítico con grabados de trazado fino y ejemplos de dibujos en colores rojos y negros.

El recorrido transcurre por el exterior, en el Valle de las Orquídeas. Según los investigadores este lugar pudo ser un campamento desde donde se controlaba gran parte de la Sierra de Atapuerca. El Hundidero, una antigua charca en la que se han encontrado instrumentos del Paleolítico y, el Hotel California, cercano a un curso fluvial donde los neandertales seguramente practicaban actividades como la caza o la recolección.

El Museo de la Evolución Humana, ubicado en la ciudad de Burgos y creado por la Fundación Atapuerca, ayuda a entender de dónde venimos y cómo vivían nuestros antepasados, los primeros pobladores de la especie humana Europa.

http://www.museoevolucionhumana.com
http://www.turismoburgos.org

Magritte: El Misterio de lo Ordinario, 1926–1938

27/09/2013, Del 28 de septiembre de 2013 y hasta el 12 de enero de 2014 se puede visitar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) la muestra dedicada al artista belga René Magritte.

Nueva York, 27 de septiembre de 2013
Esta muestra se centra exclusivamente en los revolucionarios años surrealistas del prolífico maestro René Magritte (1898, Lessines - 1967, Bruselas), creador de algunas de las imágenes más ingeniosas del siglo XX, con las que cambió la percepción del espectador, y logró poner en cuestión una realidad precondicionada.

La exposición reúne una amplia selección de collages y pinturas icónicas fechadas desde 1926, cuando Magritte decidió "desafiar al mundo real", hasta 1938, justo antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial.

El MOMA explora así la obra de René Magritte, un artista creativo y experimental, que perturbó a sus cohetaneos con sus extraordinarias interpretaciones de objetos cotidianos, y que representó un mundo inquietante en el que nada era lo que parecía.

Desplazamientos, transformaciones, metamorfosis, o la representación de visiones obtenidas durante el sueño fueron algunas de las innovadoras tácticas de creación de imágenes que utilizó el artista belga durante estos años esenciales de su carrera.

La muestra, co-organizada por el Museo de Arte Moderno, la Colección Menil, Houston y el Instituto de Arte de Chicago, se completa con objetos surrealistas, fotografías, revistas y trabajos comerciales, que ofrecen una nueva perspectiva sobre la identidad de Magritte como pintor moderno y artista surrealista.

2014: Arte en Viena

26/09/2013, En 2014, los visitantes que acudan a Viena podrán disfrutar de varias exposiciones que presentan algunas de las grandes obras del arte centroeuropeo.

Viena, 26 de septiembre de 2013
Las relaciones artísticas Viena-Berlín, las obras maestras del Albertina y la creación artística de Egon Schiele son algunos de los platos fuertes para la primera mitad del año.

Viena y Berlín
El punto de partida de la exposición Viena - Berlín, realizada por el Belvedere, está en las relaciones, diferencias y puntos en común de ambas Secesiones hacia el 1900. Mientras que los expresionistas vieneses se destacaban por su indagación psicológica, los jóvenes salvajes de Berlín plasmaban sobre todo un gesto extático y agresivo.

La Primera Guerra Mundial acercó a ambas naciones, con lo que se desarrolló un intenso intercambio artístico entre ambas ciudades. Pueden verse en la muestra vienesa obras de Otto Dix, George Grosz, Albert Paris Gütersloh, Josef Hoffmann, Friedrich Kiesler, Ernst Ludwig Kirchner, Max Liebermann y Egon Schiele, entre otras más.

Del 14 de febrero al 15 de junio de 2014.
www.belvedere.at

Joyas del Albertina
Otra muestra, La Albertina: el nacimiento de una colección mundial, presenta las obras maestras de la colección en el contexto de una historia azarosa, que abarca desde la época del barroco cortesano de la emperatriz María Teresa, pasando por los años revolucionarios en América y Europa, hasta el refortalecimiento de las monarquías conservadoras tras el Congreso de Viena.

Las etapas de la vida de los fundadores de la colección de la Albertina, la archiduquesa María Cristina y el Duque Alberto de Sajonia-Teschen, permiten descubrir los principales centros del arte y la política de su tiempo (Dresde, Roma, París, Bruselas y Viena) y echar un vistazo a las complejas redes de coleccionistas y agentes artísticos, la vida feudal de la alta nobleza europea, así como la nueva orientación política y espiritual bajo las premisas de la Ilustración.

Entre las obras, destaca la famosa acuarela “La liebre“, obra de Alberto Durero del año 1502, un prodigio de la representación de la naturaleza.

Del 12 de marzo al 29 de junio de 2014.
http://www.albertina.at

Egon Shiele
Egon Schiele (1890-1918), probablemente el artista austríaco más radical del siglo XX, es el centro de atención de una singular muestra que el Museo Leopold del MuseumsQuartier dedica a este artista excepcional.

La exposición Schiele rediscovered. Un artista y su coleccionador presentan por primera vez la totalidad de las obras del artista que posee el Museo Leopold, y que le dan fama mundial. Se trata de más de 40 pinturas y más de 180 acuarelas y dibujos, además de numerosas fotografías y más de 200 cartas y autógrafos.

El hilo conductor de la exposición es la presentación de las obras de Egon Schiele ordenadas según el momento de su adquisición por Rudolf Leopold. De esta manera no sólo se cuenta la vida de un coleccionista sino que se centra la atención también en el redescubrimiento de la figura de Egon Schiele en la época posterior a 1945.

Del 21 de marzo al 1 de septiembre de 2014.
www.leopoldmuseum.org

La exposición Universal
Con la muestra Experimento metrópolis – 1873: Viena y la Exposición Universal, el Wien Museum recuerda la época de cambio radical que significó la demolición de las murallas de la ciudad en los años 1860.

La ciudad de Viena, que estaba creciendo a un ritmo vertiginoso, se convirtió en una gran metrópolis en una de las fases más dinámicas de su historia. La Avenida del Ring, la regulación del Danubio o las conducciones para el abastecimiento de agua de montaña fueron grandes proyectos que modificaron radicalmente la urbe

La Exposición Universal de Viena en 1873 fue la primera realizada en un país de habla germana y la mayor realizada hasta entonces. En el Prater se erigieron grandes naves, entre ellas la Rotunde, que se convertiría en uno de los símbolos de la ciudad, además de unos 200 pabellones. Seis millones de visitantes acudieron a la Exposición Universal, aunque poco después de su inauguración quebró la Bolsa, lo que significó el final de esta época de gran expansión.

Del 15 de mayo al 28 de septiembre.
www.wienmuseum.at

Paisajismo holandés y estadounidense

25/09/2013, La serie expositiva de “Miradas Cruzadas”, que presenta el Thyssen Bornemisza, compara ahora el paisajismo holandés del siglo XVII y el americano del siglo XIX.

Madrid, 25 de septiembre de 2013
Se trata de una pequeña muestra, abierta del 24 de septiembre al 6 de enero de 2014 que bajo el título de “El ritmo de la tierra” analiza la representación del paisaje en dos épocas y lugares: el paisaje holandés del siglo XVII y americano del siglo XIX, reuniendo una selección de diez obras del Siglo de Oro holandés y de pintura norteamericana del siglo XIX, escuelas que cuentan con una presencia destacada en las colecciones permanentes del Museo.

Esta nueva instalación muestra la influencia que el paisaje holandés tuvo sobre el americano, un tema que ya apuntó en 1980 la historiadora del Arte Barbara Novak en uno de sus libros más conocidos, dedicado a la pintura norteamericana de paisaje entre 1825 y 1875, cuando en Estados Unidos se pudieron contemplar obras de grandes paisajistas holandeses.

Ambas escuelas, con diferentes estilos y lenguajes artísticos, eligieron el paisaje como género pictórico fundamental de sus obras, convirtiéndolo los primeros en un género independiente y los segundos en un medio de expresión de profundos sentimientos.

Organizada en torno a cuatro apartados ‐La tierra sin límites, Naturaleza rural, En el camino y Rincones de bosque‐, la muestra descubre analogías y divergencias en la interpretación que del paisaje hicieron los artistas holandeses Philips Koninck, Jan Josephsz. Van Goyen, Jan Jansz. Van der Heyden, Aert van de Neer y Meindert Hobbema y los americanos William Louis Sonntag, George Henry Durrie, Albert Bierstadt, Asher B. Durand y John Frederick Kensett.

Dos grandes lienzos abren la instalación con panorámicas de horizontes infinitos, un formato de paisaje que interesó a numerosos artistas: Vista panorámica con ciudad al fondo (1655), de Philips Koninck, y Pescadores en los Adirondacks(c. 1860‐1870), de WilliamLouis Sonntag.

Libertad para el Arctic Sunrise

25/09/2013, El barco Arctic Sunrise de Greenpeace ha llegado a la ciudad rusa de Murmansk remolcado por las autoridades rusas. Después de que varios activistas intentasen realizar una protesta ante una plataforma petrolífera en el Ártico.

Murmansk, 25 de septiembre de 2013
El barco de Greenpeace, Arctic Sunrise, fue abordado por las autoridades rusas la semana pasada tras una protesta pac’fica contra la extracci—n de petr—leo del çrtico. Desde entonces, los 30 activistas miembros de la tripulaci—n no han podido contactar con sus abogados o con sus consulados, por lo que desconocen por completo los posibles cargos que se les imputa.

El Arctic Sunrise que se encuentra en Murmansk, cerca de la frontera con Finlandia, ha recibido el apoyo de m‡s de 50 ONGs rusas, que han solicitado mediante una declaraci—n conjunta a las autoridades rusas la liberaci—n del barco y de sus activistas.

"Greenpeace tiene una historia de 40 a–os de acciones pac’ficas para proteger el medio ambiente, y las protestas de la semana pasada contra el peligro de las perforaciones petrol’feras en el çrtico se hicieron de acuerdo a estos principios", ha declarado Kumi Naidoo, director de Greenpeace Internacional. "Nuestros activistas no hicieron nada que pueda justificar la reacci—n de las autoridades rusas". "La œnica motivaci—n de nuestros activistas es la necesidad de proteger el çrtico de las imprudentes perforaciones petrol’feras y del cambio clim‡tico, por ello exigimos su inmediata liberaci—n", a–ad’a Naidoo.

Hombre / Hombre

25/09/2013, El museo D´Orsay ofrece desde el 24 de septiembre hasta el 2 de enero de 2014 la muestra “Masculin / Masculin. El hombre desnudo en el arte desde 1800 hasta hoy”.

Paris, 25 de septiembre de 2013
Se trata de una exposición que reúne más de cien obras de arte, presentadas a lo largo de once ámbitos temáticos en los que se refleja la visión de los artistas ante el cuerpo del hombre como héroe, como pensador, como ser doliente u objeto de deseo.

Mientras el desnudo femenino se expone naturalmente y de forma regular, el cuerpo masculino no tiene el mismo trato. El hecho de que la exposición del desnudo masculino en el Leopold Museum de Viena (en el otoño de 2012) fuese una novedad resulta significativo. Sin embargo, el desnudo masculino fue durante mucho tiempo (siglo XVII a XIX) la base de la formación académica y constituye una constante de la creación artística occidental.

Apoyándose en la riqueza de sus propios fondos y en colecciones francesas públicas, el museo de Orsay intenta con la exposición Masculin / Masculin profundizar, en una lógica a la vez interpretativa, lúdica, sociológica y filosófica todas las dimensiones y los significados de la desnudez masculina en arte.

Esta exposición ensancha el horizonte tradicional del museo de Orsay para abarcar más de dos siglos de creación hasta nuestros días, en todas las técnicas, pintura, escultura, arte gráfico y por supuesto la fotografía.

Para dar a entender la especificidad masculina del cuerpo, la exposición optó, frente a una cronología, la sucesión de temas nodales, mostrando la continuación de los cánones estéticos heredados de la antigüedad, su reinterpretación en las épocas neoclásicas, simbolistas y contemporáneas, revelando la fascinación ante el cuerpo del héroe, ante el dolor o el deseo.

El objetivo, es establecer un diálogo entre el arte de las distintas épocas para mostrar también las reinterpretaciones de obras presentes.

En la muestra se percibe como los artistas han seguido heredando la proporciones clásicas avanzadas por los artistas de Grecia en la antigüedad, pero a la luz de nuevas interpretaciones, para lo que se cuenta con un amplio elenco de autores como Jacques Louis David, Augusto Rodin, Paul Flandrin, Hodler, Schiele, Munch, Picasso, Bacon, Freud, Angel Zarraga, De Chirico y otros muchos.

La exposición está organizada por el Musée d' Orsay , en colaboración con el Museo Leopold de Viena.

Turismo de religión en Uruguay

24/09/2013, Uruguay apuesta por los circuitos de turismo religioso, que suponen una parte esencial de la cultura del país, que se prepara para celebrar el XI Congreso Internacional de Turismo Religioso en 2014.

Uruguay, 24 de septiembre de 2013
El Gobierno uruguayo pretende poner en valor los diferentes reclamos religiosos que vertebran el territorio de Uruguay. Estas joyas arquitectónicas para los ateos y lugares de culto para los creyentes, son incentivos turísticos para un público amante del arte religioso y de los ritos y experiencias religiosas que unifican Uruguay de Norte a Sur y de Este a Oeste.

La idea es fomentar este tipo de turismo entre los propios ciudadanos y visitantes a través de los diferentes circuitos que vertebran todo el territorio. Circuitos como el del Patrimonio Religioso y Cultural de la Ciudad Vieja de Montevideo; el del departamento de Florida, que incluye asentamientos jesuíticos; el de Huellas de Lino Dinetto, en el departamento de San José; o el Vía Crucis del departamento de Soriano. Estos itinerarios son perfectos, para conocer no sólo el pasado del país, sino también su cultura, tradiciones y festividades religiosas.

La Ruta de los Jesuítas
Las misiones jesuítas establecidas en los territorios guaraníes fueron una de las iniciativas culturales más importantes de la colonización de América del Sur. La llamada Ruta de los Jesuítas va jalonando 30 localidades –fundadas por la Compañía de Jesús entre 1609 y mediados del siglo XVIII– diseminadas en las actuales fronteras de Argentina, Brasil, Paraguay y Uruguay.

En territorio charrúa destacan los vestigios jesuíticos que se pueden encontrar en el departamento de Florida: Nuestra Señora de los Desamparados, Calera de los Jesuítas, Estancia de Reboledo, Tambo Neozelandés, La Gándara, San Gabriel, Estancia de Santa Clara y Ruinas de Graserías, entre otros.

La belleza de la decadencia

24/09/2013, La Fundación MAPFRE presenta la exposición "William Christenberry. No son fotografías, son historias”, hasta el 24 de noviembre en la sala Azca (Avda. General Perón, 40), Madrid.

Madrid, 24 de septiembre de 2013
William Christenberry (Tuscaloosa, Alabama, 1936) es uno de los principales impulsores de la fotografía en color y es un artista destacado en la historia reciente de la fotografía americana por su peculiar visión del paisaje tradicional del sur de los Estados Unidos.

La muestra "William Christenberry. No son fotografías, son historias” reúne más de 300 fotografías, en su mayoría vintage, realizadas entre 1961 y 2007 y diez esculturas. Además, incluye la instalación artística “The Klan Room”, compuesta por dibujos, esculturas, fotografías, y otros objetos, que Christenberry inicia en la década de los sesenta y a la que, a lo largo de toda su carrera, ha ido incorporando nuevos materiales relacionados con el Ku Klux Klan.

En la exposición se presenta además una selección de su colección de anuncios y objetos publicitarios que muestran el interés de Christenberry por la cultura popular norteamericana.

William Christenberry. No son fotografías, son historias
Del 24 de septiembre de 2013 al 24 de noviembre de 2013
Fundación MAPFRE
Sala Azca (Avda. General Perón, 40), Madrid

El Museo del Prado en Portugal

23/09/2013, El Museo del Prado acerca sus colecciones al Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa mediante un convenio de colaboración entre ambas instituciones.

Lisboa, 23 de septiembre de 2013
El museo portugués presentará gracias a dicho acuerdo la exposición “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Museo del Prado”, que podrá verse del 30 de noviembre hasta el 16 de marzo de 2014.

El Museu Nacional de Arte Antiga (el principal museo de Portugal) desarrollará además con la pinacoteca española un programa de intercambio, préstamo y depósito de obras orientado a su exposición en un contexto histórico y artístico vinculado a sus respectivas colecciones.

Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Museo del Prado
Tras su paso por ciudades españolas como Sevilla, Zaragoza y Palma, la muestra viaja a la capital portuguesa para acercar al público portugués tanto la extraordinaria calidad de las obras que la componen como la categoría de los maestros que las realizaron, y familiarizarle con las diferentes tipologías del paisaje que surgieron a lo largo del siglo XVII en Flandes y Holanda.

La muestra está compuesta por 57 obras y entre los pintores que la integran figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina y Boda campestre de Jan Brueghel el Viejo, además de La Abundancia y los Cuatro Elementos que pintó en colaboración con Hendrick van Balen o Mercado y lavadero en Flandes en colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticos Asedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque con una laguna de Jan Brueghel el Joven y taller.

El Tríptico de las tentaciones de San Antonio, El Bosco
El Museo de Arte Antiga de Lisboa prestará al Prado el Tríptico de las tentaciones de San Antonio de El Bosco para la exposición monográfica sobre el pintor que tendrá lugar en el museo madrileño en el año 2016 en que se celebra el V centenario de su muerte.

El Tríptico de las tentaciones de San Antonio se cuenta entre los tesoros nacionales de Portugal. Es la obra más elaborada entre las que El Bosco dedicó a un solo santo. Sin duda es la más popular entre todas las que llevó a cabo el pintor, y la más famosa junto con el Jardín de las delicias y la mesa de los pecados capitales del Prado.

Los paneles laterales del tríptico cerrado reproducen en grisalla el Prendimiento de Cristo (izquierdo) y el Camino del Calvario (derecho). En los tres paneles del tríptico abierto se representan las tentaciones del santo tomadas de la vida de san Antonio escrita por san Atanasio y de la Leyenda dorada de Jacobo de Vorágine. Destaca el combate que el santo mantiene con el demonio en la tierra y en el aire, en el que El Bosco se deja llevar por su gran fantasía e imaginación.

La Colección Cubista de Telefónica en Bilbao

23/09/2013, El Museo de Bellas Artes de Bilbao propone un recorrido por la Colección Cubista de Telefónica, creada a partir de un núcleo inicial de 11 obras de Juan Gris.

Bilbao, 23 de septiembre de 2013
El Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta una selección de la Colección Cubista de Telefónica, constituida en torno a la contextualización de la obra del artista Juan Gris. La exposición, compuesta por 40 obras realizadas entre 1912 y 1933 por algunos de los mejores pintores cubistas, pone de relieve el carácter internacional del Cubismo y la importante participación en este movimiento de artistas españoles y latinoamericanos.

Junto a las obras de Juan Gris, se reúnen trabajos significativos de Albert Gleizes, Rafael Barradas, María Blanchard, Jean Metzinger, Louis Marcoussis, André Lhote, Joaquín Torres-García, Manuel Ángeles Ortiz, Vicente do Rego Monteiro, Auguste Herbin, Georges Valmier, Xul Solar, Joaquín Peinado, Daniel Vázquez Díaz y Emilio Pettoruti.

La Colección Cubista de Telefónica
En la Colección Cubista de Telefónica el cubismo es comprendido como un movimiento medular en la historia del arte moderno diverso en sí mismo y que supo ser matriz generadora de otras tendencias artísticas de vanguardia.

La Colección Cubista de Telefónica propone propone una visión alternativa, más allá del cubismo considerado canónico. Así pues, la Colección plantea la existencia de otro cubismo que siempre afirmó las posibilidades plásticas del color, que siempre apostó por las cualidades estéticas y comunicativas de la forma y que, a pesar de su decisivo encuentro con la pintura pura, siempre consideró que el nuevo arte debía trasmitir contenidos iconográficos trascendentes, con la colección es Juan Gris como partida.

Juan Gris es la inspiración básica y generadora de todo lo reunido y mostrado. El artista es presentado en la diversidad y complejidad de su trayectoria, de su trabajo con sistemas de proporciones y texturas diversas a su invención de las rimas plásticas.

Juan Gris no sólo es el representante más cierto de la nueva definición del cubismo llevada a cabo entre 1916 y 1925, sino que se convierte en punto de partida de la transformadora experiencia latinoamericana del arte moderno.

La Colección Cubista de Telefónica
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Sala 32
Del 23 del 09 de 2013 al 16 del 02 de 2014

Roman Ondák en el Palacio de Cristal

21/09/2013, El Museo Reina Sofía presenta "Escena" el primer proyecto en España del artista eslovaco Roman Ondák. En el Palacio de Cristal del Parque del Retiro hasta el 23 de febrero de 2014.

Madrid, 21 de septiembre de 2013
El Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid se convierte en el escenario de la muestra que el Museo Reina Sofía dedica a Roman Ondák (Zilina, Eslovaquia, 1966), quien ha realizado un proyecto específico para este singular espacio.

Ondák representa el exponente de una nueva generación de creadores eslovacos. En su trabajo, el artista reflexiona sobre la naturaleza del gesto artístico, el funcionamiento de las instituciones relacionadas con el arte y su impacto en la vida cotidiana.

De esta manera, Ondàk cuestiona la obra de arte en relación con las convenciones generadas por el lugar y el espacio en el cual se presentan. Ondák lleva al espectador hacia preguntas como qué hay de real en la obra de arte, cuáles son sus circunstancias o cuál es la función del propio espectador, activando la reflexión crítica sobre la ontología artística.

Las obras de Roman Ondák han pasado por algunos de los museos, centros artísticos y eventos de mayor prestigio internacional, como la Documenta de Kassel del 2012 o en la Bienal de Venecia del año 2009, donde participó en representación de su país natal. Tal y como sucede en la mayoría de sus creaciones.

En este proyecto generado específicamente para el Palacio de Cristal, Ondák busca un desvío de lo real que parta del espectador y lo sitúe en una percepción distinta. El Palacio se puede ver ahora de fuera hacia dentro, de un modo inédito que no permitía su constitución previa. "Escena" configura al visitante como agente activo de la propuesta, en la doble faceta del que mira pero también del que puede ser observado, transformado en objeto artístico y protagonista del acto performativo.

Cementerio judío de Viena

21/09/2013, En el cementerio judío del distrito 9 de Viena se han descubierto varias lápidas con siglos de antigüedad, que podrían convertir el lugar en el cementerio de mayor valor histórico de Europa.

Viena, 21 de septiembre de 2013
El pasado mes de julio de 2013 mientras se realizaban trabajos de saneamiento, fueron encontradas en el Cementerio judío de la calle Seegasse varias lápidas de hasta 500 años de antigüedad. Este hallazgo podría convertir este cementerio histórico en el único cementerio judío del mundo que conserva su estado original anterior a la Segunda Guerra Mundial.

Los nacionalsocialistas destruyeron numerosos cementerios judíos y usaron las lápidas con fines económicos e incluso como material de construcción. Miembros de la comunidad judía trasladaron y escondieron en 1943 varias lápidas del cementerio de la calle Seegasse al Cementerio Central de Viena.

Recientemente se ha descubierto que también bajo el cementerio de la Seegasse fueron escondidas varias lápidas a un metro de profundidad. Este cementerio de 2.000 m² de superficie se encuentra en el patio interior de la residencia de ancianos Rossau y está siendo restaurado desde hace nueve años según los ritos de la religión mosaica.

Este es el cementerio judío más antiguo conservado de Viena. Su historia se remonta a mediados del siglo XVI, estuvo en funcionamiento hasta 1783 y se mantuvo intacto hasta 1943. Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial se volvieron a colocar 280 de las 931 lápidas originales. En el cementerio, administrado hoy en día por la Congregación Israelita, pueden verse en la actualidad unas 350 tumbas conservadas.

Paisaje cultural de los arrozales de los hani

19/09/2013, El paisaje cultural de los arrozales en terrazas de los hani de Honghe (China) es uno de los sitios que entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Según informa la UNESCO, el paisaje cultural de los arrozales en terrazas de los hani se halla al sur de la Provincia de Yunnan, este sitio de 16.603 hectáreas es notable por las espectaculares terrazas que se escalonan desde las laderas escarpadas de los Montes Ailao hasta las orillas del Río Rojo.

A lo largo de los últimos trece siglos, el pueblo hani ha creado y desarrollado una red compleja de canales para conducir el agua desde las cimas boscosas del sitio hasta las terrazas donde se cultiva el arroz, así como un sistema de agricultura integrada que combina la cría de animales –búfalos, bovinos, patos y anguilas – con el cultivo básico de la región: el arroz rojo.

Asentados en 82 aldeas situadas entre los bosques de las cimas y los arrozales en terrazas, los hani viven en casas tradicionales en forma de setas y con techo de paja y rinden culto al sol, la luna, las montañas, los ríos y los bosques, y también a fenómenos naturales como el fuego.

Su sistema de gestión del cultivo de arroz, basado en estructuras sociales y religiosas muy antiguas, ha demostrado ser especialmente resistente al paso del tiempo y es una prueba patente de la extraordinaria armonía, tanto visual como ecológica, que puede llegar a reinar entre el ser humano y su medio ambiente.

Coxcie, el Rafael Flamenco

19/09/2013, El museo M de Lovaina acoge desde el 31 de octubre una muestra dedicada al pintor de corte de Felipe II, Michiel Coxcie, popularmente conocido entre sus coetáneos como el “Rafael flamenco”.

Lovaina, 19 de septiembre de 2013
Michiel Coxcie (1499-1592) fue uno de los pintores más influyentes del S. XVI en los Países Bajos. Se formó en el taller de Bernard van Orley en Bruselas y durante una estancia de diez años en Italia estudió la antigíedad clásica y el arte de maestros del Renacimiento como Rafael, Miguel Ѕngel y Da Vinci. Durante ese tiempo realizó, entre otras obras, frescos para la antigua iglesia de San Pedro de Roma.

A su regreso de Italia, Coxcie introdujo un estilo pictórico basado en el estilo renacentista italiano. Sus bellas composiciones hicieron que fuera solicitado por prestigiosos personajes de la época, que deseaban hacer encargos a el que ellos denominaban el "Rafael flamenco”.

Coxcie llegó a convertirse en uno de los pintores favoritos del Emperador Carlos y no tardó en encumbrarse como pintor de la Corte de Felipe II. Por encargo de la Corte española, además de cuadros, diseñó numerosos tapices y vidrieras.

Los contemporáneos de Coxcie se inspiraron en su estilo y composiciones innovadoras e incluso en los siglos posteriores a su muerte artistas todavía maravillados de su obra, como Peter Paul Rubens lo tomaron como ejemplo a seguir. Sin embargo, a lo largo de los siglos Coxcie cayó poco a poco en el olvido y hoy en día el público en general apenas conoce su nombre.

El museo M de Lovaina homenajea al artista dejando patente su polifacético talento. En esta exposición monográfica se muestran diversos aspectos de su vida y obra, desde su juventud y su estancia en Italia hasta sus más grandes logros en los Países Bajos.

La muestra reúne un gran número de pinturas, vidrieras monumentales, gráficos y tapices, que llegan de importantes entidades europeas como El Escorial o el Museo del Prado de Madrid, para completar la colección perteneciente al museo M de Lovaina.

Michiel Coxcie en M
Del 31 de octubre de 2013 al 23 de febrero de 2014
M Museum
Vanderkelenstraat 28, Lovaina

Liliana Porter, en MALBA

19/09/2013, Desde el 13 de septiembre, Malba – Fundación Costantini presenta “Liliana Porter. El hombre con el hacha y otras situaciones breves, primera exposición individual de Liliana Porter (Buenos Aires, 1941) en el museo.

Buenos Aires, 19 de septiembre de 2013

Se trata de una instalación creada especialmente por la artista para la sala 3 de Malba. Contiene una serie de tarimas planas, en las que algunos personajes de su habitual elenco están abocados a tareas específicas: construir y destrozar, esparcir y recoger, ir y regresar, limpiar, barrer, levantarse, caerse, derramar y tejer, entre otras actividades.

Una selección de obras sobre papel de la producción reciente de Porter completa la muestra. En palabras de Liliana Porter: “Mi obra incluye grabados, dibujos, instalaciones, objetos, proyectos de arte público, fotografía, film y video. Los temas recurrentes parten de reflexiones acerca de la representación, del concepto del tiempo y de ese espacio ambiguo entre lo que llamamos real y las imágenes. En los últimos años, casi sin darme cuenta, ha ingresado a las obras un variado elenco de protagonistas que son objetos inanimados: pequeñas figuras, adornos, cosas encontradas en mercados de pulgas. Ellos actúan dentro un espacio monocromo y vacío, en un tiempo no lineal, más abarcador.”

En ocasión de la exposición, Malba editará un nuevo catálogo de Liliana Porter, con un registro fotográfico exhaustivo de la instalación.

Liliana Porter

La artista nació en 1941 en Buenos Aires, Argentina. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. En 1958 viajó a México, donde estudió grabado en la Universidad Iberoamericana.

En 1964 se instaló en Nueva York y asistió al Pratt Graphic Art Center. Junto a Luis Camnitzer y José Guillermo Castillo fundó el New York Graphic Workshop y formuló, en 1967, el concepto de FANDSO (free assemblage, non-functional, disposable, serial object). En 1971 participó de la creación del Museo imaginario Latinoamericano, un museo sin paredes, en contraposición al Center for Inter-American Relations (CIR). En 1977 fue cofundadora y profesora de grabado del Studio Camnitzer-Porter en Lucca, Italia. De 1991 a 2007 fue profesora en el Departamento de Arte en la Universidad de la Ciudad de Nueva York, CUNY, Queens College. Entre otras distinciones recibió la beca Guggenheim en 1980. Es Académica Correspondiente de Argentina y Académica Correspondiente de Argentina para los Estados Unidos.

Su obra está representada en numerosas colecciones públicas y privadas, entre las que se encuentran: el Museo Metropolitano, el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano y la Biblioteca Pública de Nueva York, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), El Museo de Arte Moderno y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires; la Fundación Daros en Suiza, la Tate Modern en Londres, la Colección Patricia P. de Cisneros, la Biblioteca Nacional de París; el Museo Reina Sofía de España; y el Museo Tamayo de México.

Saqueo de museo egipcio

18/09/2013, Una misión de la UNESCO confirma el pillaje del museo egipcio de Mallawi: 600 de las 1080 obras que albergaba el museo han desaparecido.

El Cairo, 18 de septiembre de 2013
La misión de expertos de la UNESCO viajó a Egipto del 11 al 16 de septiembre y ha confirmado que todas las colecciones del museo nacional de Mallawi, en Menia, en el Alto Egipto, fueron saqueadas durante los conflictos ocurridos en agosto en la zona.La misión estaba organizada en colaboración con el ministerio egipcio de Antigüedades y las autoridades locales, y descubrió que, aunque los edificios no han resultado gravemente dañados,el contenido que albergaba el museo ha sido gravemente saqueado.

El especialista internacional Pierre-André Lablaude, arquitecto consultor de la UNESCO y otra experta de la organización visitaron también otros sitios culturales dañados, en particular tres iglesias importantes: la iglesia evangélica de Menia, el monasterio Amir Tadros de Fayum y la escuela de las hermanas franciscanas en Beni Suef. No pudieron inspeccionar otras iglesias significativas por motivos de seguridad.

Esta misión se produce a raíz de la declaración hecha el 18 de agosto por la Directora General, Irina Bokova, que denunció el saqueo del museo de Mallawi y se comprometió a movilizar el apoyo de la UNESCO y otras organizaciones para reparar los daños sufridos por el patrimonio cultural del país.

Los miembros de la misión se reunieron con el ministro egipcio de antigüedades, Mohamed Ibrahim, con el jefe del departamento de museos, Ahmed Sharad, y otros altos funcionarios del área cultural. A pedido de los ministros de antigüedades y de cultura, los expertos visitaron también la Villa Casdagli de El Cairo, un edificio belle époque, en la que sólo constataron algunos daños infligidos en febrero de 2013.

Lista de objetos desaparecidos (en árabe):
http://www.unesco.org/culture/en/illicittrafficking/egypt/List-of-stolen%20objects-from-Malawi-Museum-Egypt_2013_ar.pdf

Fotos de objetos del Museo Nacional de Malawi en Egipto, divulgadas por Facebook para evitar el tráfico ilícito de los elementos robados:
https://www.facebook.com/media/set/?set=a.675090315854366.1073741831.648057078557690&type=1

El Ártico, un mar estratégico

18/09/2013, El Ártico, al norte de Siberia, se ha revelado como un territorio de creciente interés para la navegación y su explotación económica.

Gland (Suiza) 18 de septiembre de 2013
En las dos últimas décadas ha perdido gran parte de su hielo marino de verano, y como resultado, hay mayor interés en las rutas de navegación y exploración de petróleo y gas en el Mar de Laptev, cerca de Siberia.

En el futuro, un buque que salga de Londres a Corea del Sur tendrá dos rutas: por el Ártico, con 15.000 kilómetros, o por el Canal de Suez y el Índico, con 22.000 Kilómetros.

De momento, la ruta larga es más segura porque aún hay peligro de hielos y escasos puntos portuarios (y de reparaciones)... Pero hay intereses económicos de Rusia por desarrollar la zona, y tanto chinos como coreanos o japoneses verán facilitado su comercio acortando las distancias.

Los informes sobre la materia aseguran que en unas décadas esa ruta será segura. Y esto supone un riesgo evidente para los ecosistemas.

Este verano la organización conservacionista WWF (World Wildlife Fund), con el apoyo de Canon, hizo una expedición a la Península de Taimyr en el Mar de Laptev, una de las áreas menos exploradas del Ártico ruso, desde el 13 al 26 de agosto, para conocer mejor el territorio. Viajó un equipo de científicos y un fotógrafo ruso especializado en fotografía de fauna salvaje.

Los miembros del equipo quedaron sorprendidos por la abundancia y diversidad de la vida salvaje. Encontraron miles de morsas, bueyes almizcleros, renos, un armiño, 50 especies de aves y 10 osos polares en la costa (siete adultos y una osa con dos cachorros de este año).

Durante el viaje, los científicos recogieron muestras de pieles de osos polares y de morsa, que serán tratados en un laboratorio para las pruebas genéticas. Los resultados nos servirán para conocer mejor estas poblaciones y tratar sobre las medidas especiales de conservación, particularmente a la luz de las futuras actividades industriales.

Uno de los objetivos de la investigación es determinar, mediante la recolección del material genético adecuado, si existen poblaciones genéticamente diferentes en el Mar de Laptev de morsas y osos polares, o si los animales que se encuentran en el Mar de Laptev tienen relaciones con las poblaciones adyacentes. La respuesta a esta cuestión es necesaria para el desarrollo de sistemas de monitorización eficientes para ambas especies y para decidir acciones necesarias para su protección.

Protección para la navegación
Precisamente, WWF ha pedido al Gobierno ruso que revise sus normas para el tráfico de petróleo a través de la ruta sobre el Ártico ruso. La solicitud advierte de la necesidad de definir unas normas especiales para defender la calidad de este territorio virgen.

"Si la ruta del Mar del Norte se considera una dirección de estratégica, se necesita una revisión rápida y completa de las normas de navegación", sostiene Aleksei Knizhnikov, portavoz de WWF-Rusia.

La llamada se produjo una semana después del accidente sufrido por el buque "Nordvik". El 4 de septiembre, el Nordvik fue chocó con un témpano de hielo en el estrecho de Mathiesen, al norte de la península de Taimyr. El buque se había metido en el Ártico, una región con condiciones de hielo impredecibles, sin la suficiente protección contra el hielo y sin escolta.

"Hay que tener en cuenta los requisitos más estrictos en materia de protección medio ambiente, control de las condiciones del hielo y los métodos de castigar violaciones", dice Knizhnikov. "De lo contrario, habrá más y más buques de esta zona ponen en peligro la seguridad de las personas y el medio ambiente en un intento de maximizar los beneficios."

La OMT promueve el turismo accesible

17/09/2013, La Organización Mundial del Turismo (OMT) está intentando promover un turismo más accesible, como medio para fomentar el turismo mundial y disminuir su estacionalidad.

Madrid, 17 de septiembre de 2013
La última Asamblea General de la organización ha aprobado y hecho suyas las recomendaciones de la OMT tituladas «Turismo accesible para todos» (2013). El texto promueve un proceso de colaboración entre las distintas partes del sector para que las personas con necesidades especiales de accesibilidad puedan disfrutar con autonomía los productos turísticos. El documento que reúne las recomendaciones fue desarrollado en el marco de la Convención de las Naciones Unidas sobre los derechos de las personas con discapacidad, ratificada en 2007.

En el documento, titulado Turismo accesible para todos, se definen las medidas adecuadas para garantizar que las personas con discapacidad puedan acceder en igualdad de condiciones a los espacios físicos, los medios de transporte, la información y las comunicaciones.

A finales de 2013 se prevé difundir un manual titulado también Turismo accesible para todos, cuya finalidad es orientar a las partes interesadas del sector sobre cómo mejorar la accesibilidad de los destinos, las instalaciones y los servicios turísticos en todo el mundo. La elaboración del manual está a cargo de la OMT, la Red Europea para el Turismo Accesible (ENAT, por sus siglas en inglés) y dos instituciones españolas: la Fundación ACS y la Fundación ONCE.

Según datos recabados por la Organización Mundial de la Salud en 2011, hay aproximadamente mil millones de personas con discapacidad en todo el mundo. Esto significa que el 15% de la población mundial tiene discapacidades físicas, mentales o sensoriales.

Además de estos datos, un rápido envejecimiento de la población está en marcha. En 2009 había más de 730 millones de personas mayores de 60 años, lo que equivale al 10% de la población. Pero ese porcentaje está creciendo. Para el año 2050 el número de personas mayores de 60 años aumentará al 20% de la población mundial, con una quinta parte de este grupo con más de 80 años de edad.

Debido al envejecimiento de la población en los países industrializados, la tasa de discapacidad entre las personas en los viajes está aumentando, por lo que se demanda un entorno accesible, transporte y servicios adecuados a para estos viajeros.

Muchas personas con discapacidad y/o edad elevada no están activas en el trabajo, por ello tienen la posibilidad de viajar durante todo el año, lo que ayuda a reducir la estacionalidad de la demanda experimentada por muchos destinos, sostiene la OMT.

Macchiaioli. Realismo Impresionista en Italia

17/09/2013, Fundación Mapfre presenta la primera exposición realizada en España en torno a este movimiento. En la Sala Recoletos (Pº de Recoletos, 23. Madrid) hasta el día 5 de enero.

Madrid, 17 de septiembre de 2013
En Florencia, hacia 1855, un grupo de jóvenes pintores se opone firmemente a la pintura académica, y busca la verdad del arte a través de la pintura al aire libre. En sus obras de pequeño formato crea una innovadora visión de la campiña toscana, con fuertes contrastes lumínicos captados mediante la yuxtaposición de manchas de color (de ahí el nombre macchiaioli).

Los macchiaioli protagonizan uno de los capítulos más brillantes de la modernización de la pintura europea, adelantándose considerablemente a muchos de los presupuestos planteados años después por los impresionistas. Esta muestra presenta el desarrollo de este movimiento artístico.

A mediados del siglo XIX, Florencia acoge una intensa actividad cultural. Desde 1852, el Caffè Michelangiolo se convierte en el espacio de encuentro tanto para los artistas florentinos como para los procedentes de otros lugares de Italia y también del resto de Europa (Manet, Degas o Tissot). Situado cerca de la Piazza del Duomo, el café dispone de una salita reservada en la que se reúne el grupo de jóvenes artistas que serán conocidos con el nombre de macchiaioli.

Los jóvenes artistas que conforman el grupo de los macchiaioli han recibido formación académica, pero tratan de escapar a los encorsetados esquemas del romanticismo histórico. En su búsqueda de una pintura más verdadera, el paisaje captado del natural les brinda la posibilidad de una nueva mirada sobre la realidad, más acorde con su sensibilidad.

La pintura al aire libre se convierte en su principal seña de identidad. En su propuesta de un arte nuevo, este grupo de pintores se identifica con los paisajes toscanos bañados por el sol, con claroscuros muy marcados, gran concisión en los detalles y planos sucesivos, a la manera de los maestros del Quattrocento.

La muestra reúne cerca de 100 pinturas de los principales protagonistas de esta corriente artística: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati o Giovanni Boldini. Las obras proceden de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas italianas, entre las que destacan la Galleria d’ Arte Moderna del Palazzo Pitti, Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, Galleria d´Arte Moderna de Milán, Fondazione Musei Civici di Venezia, Galleria Internazionale d´Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venezia, Museo Civico Giovanni Fattori de Livorno y el Istituto Matteucci de Viareggio, entre otras.

Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia
Del 12 de septiembre de 2013 al 5 de enero de 2014
Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos, 23

Buenas noticias del ibis eremita

16/09/2013, El ibis eremita es una especie que está en peligro crítico, pero este año ha dado buenas noticias a quienes luchan por su supervivencia.

Cadiz, 16 de septiembre de 2013
En Marruecos, donde está el núcleo básico de los ibis eremita, han anidado este año 113 parejas… y en España otras 15.

El ibis eremita (Geronticus eremita) es un ave gregaria, con un tamaño medio de 70 a 80 centímetros de altura, que habita en zonas áridas o semiáridas de estepas, pastizales y campos de cultivo. Esta especie, que se alimenta principalmente de insectos y de pequeños vertebrados, nidifica y tiene su refugio en cortados y acantilados. Las poblaciones del ibis eremita han sufrido un dramático declive a lo largo de los últimos siglos, provocado por la pérdida de hábitat, persecución y molestias causadas por el hombre, contaminación en tejido por pesticidas y la agricultura intensiva.

El ibis eremita es aún una de las especies de aves más escasas y amenazadas del mundo, pero según informa SEO/BirdLife ha tenido en Marruecos este año una de sus mejores temporadas reproductoras en varias décadas. Un total de 113 parejas han anidado en las localidades del Parque Nacional de Souss-Massa y en Tamri (Marruecos), que son el principal lugar del mundo donde sobrevive una colonia viable de origen salvaje.

Esta ha sido la mejor temporada en cuanto a número de parejas reproductoras desde que a partir de los años 1980 se empezaron a realizar censos de las colonias de ibis eremita en la costa atlántica marroquí, cerca de Agadir.

Esta ave estuvo en tiempos repartido alrededor de todo el Mediterráneo y el continente europeo, incluida España. Era muy conocido en el Antiguo Egipto, donde tuvo un importante valor simbólico. Habitó en España hasta hace varios siglos y sobrevivieron ejemplares de esta especie hasta bien entrado el siglo XVIII en la zona de los Alpes. Sin embargo, debido a la presión humana, su población se ha ido reduciendo hasta ser catalogado por la UICN (Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza) como En Peligro Crítico.

Ahora, las poblaciones silvestres han quedado reducidas a un grupo semicautivo en Turquía y a una exigua población extremadamente amenazada y redescubierta hace escasos años en Siria. Además, en España está creciendo una colonia en el sur de la Península, después de un esfuerzo notable de reintroducción.

La colonia marroquí es, por tanto, la única gran población silvestre que queda en el mundo y, por eso, “el éxito reproductor de este año es la mejor noticia que podríamos esperar” afirma Jorge F. Orueta, técnico de SEP/BirdLife que trabaja en el desarrollo del Programa Marruecos de BirdLife International.

La cifra de 113 parejas reproductoras es la mejor registrada desde los años 80, cuando se tienen registros de la zona, explica Orueta. Y también ha sido buena la de pollos nacidos, ya que sólo en 2004 el número de volantones fue superior.

“Las buenas condiciones meteorológicas desde el otoño de 2012, con lluvias bien distribuidas entre septiembre y abril de este año 2013, han tenido una influencia indudable en el elevado número de parejas”, cita el informe realizado por el personal del Parque Nacional de Souss-Massa.

El número de pollos que vuelan en relación al número de nidos, fue, de media, de 1,3, lo que es una cifra normal en la población marroquí y muy positiva de cara a garantizar un incremento poblacional. De hecho, el censo postnupcial es de 443 aves en toda la región.

El Programa de Conservación del Ibis Eremita, auna los esfuerzos de la administración marroquí con el apoyo de la Fundación Príncipe Alberto de Mónaco además de organizaciones ecologistas como SEOBirdLife y la marroquí GREPOM (Groupe de Recherche et Protection des Oiseaux au Maroc)

Ibis en España
Este año, un total de 15 parejas de Ibis eremita han nidificado en el tajo de la Barca de Vejer, en la comarca de la Janda (Cádiz), según los censos elaborados por la consejería andaluza de Medio Ambiente, en el marco del Proyecto Eremita. Durante esta campaña han volado un total de 17 pollos, los cuales han sido anillados para tenerlos identificados cuando abandonen la zona de cría.

El programa Eremita fue iniciado en 2003 por la Junta de Andalucía, en colaboración con el Zoobotánico de Jerez de la Frontera y con el asesoramiento científico de la Estación Biológica de Doñana y del Grupo Internacional de Expertos en Ibis Eremita, para crear en la Comarca de la Janda una población estable y autosuficiente de esta especie, clasificada en el catálogo andaluz de especies amenazadas como extinta. Gracias a este programa se ha logrado el asentamiento de más de 70 aves en libertad en la provincia de Cádiz.

Aunque han sido 15 las parejas que han nidificado esta temporada, el episodio reproductor lo iniciaron 20, si bien no todas lo han finalizado. Asimismo, las primeras parejas en nidificar lo hicieron en el mismo sitio que en campañas anteriores llegando a asentarse allí un total de 9 parejas, mientras que el resto lo hizo a 700 metros del anterior.

Estas incipientes poblaciones de ibis, especie única en Europa, están sirviendo como un atractivo más a un turismo muy especializado en la observación de aves, fotografía de la naturaleza, etc. El turismo verde se considera como una de las alternativas más claras para el desarrollo socioeconómico, ya que el auge de esta actividad conlleva nuevas posibilidades laborales y económicas, siempre desde el respeto a la propia naturaleza, para los habitantes de los municipios que integran estos enclaves protegidos.

Lo real maravilloso

16/09/2013, El Museo de Arte Contemporáneo de León inaugura una exposición colectiva de artistas de la Colección MUSAC en colaboración con el Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT).

León, 16 de septiembre de 2013
El título de la exposición procede del prólogo de la novela "El reino de este mundo", del escritor Alejo Carpentier. En él reflexiona sobre el subcontinente latinoamericano y su geografía compleja, en la que tradiciones, mitos y herencias se mezclan. En este texto, Carpentier encuentra “lo maravilloso” en la vida cotidiana, la naturaleza, el hombre, y la historia latinoamericanas.

Una realidad que se expresa a través de valores y perspectivas mezcladas. De ahí, la palabra “surrealismo” puede ser analizada y reconstruida en “realismo del sur”. Este tipo de realidad deriva del deseo de tener un diálogo con lo sobrenatural o lo mágico, arrastrándolos a la tierra como si fueran tangibles como los asuntos cotidianos.

Aunque esta idea del “realismo del sur” se asocia ampliamente a la cultura latinoamericana, en el caso de Japón desde hace siglos, mitos, leyendas o cuentos populares hablan de lo real y de lo sobrenatural, siendo el concepto del “kami”, o dioses, parte fundamental de la religión sintoísta. Con el paso de los años, sin embargo, los valores tradicionales en Japón han ido cambiando, y con ello la expresión artística.

El concepto de lo real maravilloso se vuelve hilo conductor de esta exposición que busca reflexionar sobre las nociones de lo maravilloso, lo sobrenatural, lo fantástico, la ficción, la parodia, el juego y la imaginación radical como ingredientes importantes del discurso artístico, social y político. El papel y el entendimiento tanto de la noción como de la relación fluida entre ficción y realidad han sido sometidos a cambios constantes en los últimos años, reflejando las nuevas condiciones de nuestra conflictiva época y dando lugar a una serie de oportunas, radicales y necesarias preguntas como: ¿Cuál es el poder transformativo de la fantasía y la ficción? ¿Qué constituye realmente la imaginación y la realidad? ¿Qué parte de la realidad es fantástica? ¿Qué parte de la fantasía es real? ¿Son tan diferentes?.

Esta exposición, en el marco del “Año Dual España-Japón”, se celebra en conmemoración del IV Centenario de la primera misión diplomática japonesa a España, que partió de la región de Sendai en octubre de 1613 y llegó a Sevilla doce meses después.

Lo real maravilloso
Del 14 de septiembre de 2013 al 5 de enero de 2014
MUSAC
Av de los Reyes Leoneses, 24. León

México recupera tres grandes piezas arqueológicas

13/09/2013, El estado mexicano acaba de recuperar tres grandes piezas arqueológicas prehispánicas, sustraídas del país y ubicadas en Estados Unidos.

Ciudad de México, 13 de septiembre de 2013

Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), diversos organismos mexicanos se han coordinado para recuperar estos elementos culturales, en una acción que concluyó después de que el museo de Arte Lowe de la Universidad de Miami entregase al México las tres piezas arqueológicas de gran tamaño:

Se trata de las siguientes obras:

• “Cabeza de serpiente”; tallada en basalto atribuible al periodo Postclásico temprano (900-1200 d.C.) de la región cultural mesoamericana del Altiplano Central. (39.3 x 85 cm).

• “Tláloc, Dios de la lluvia ” (200 - 900 d. C.); estela tallada en roca basáltica, con la representación propia de esta deidad mesoamericana. (71 x 40.6 cm)

• “Noble o sacerdote ” (600 - 200 a. C.); estela tallada en roca basáltica de la costa del Golfo de México, (146 x 95.5 x 6.8 cm).

Al éxito de la operación contribuyó igualmente el museo norteamericano, que colaboró en la resolución del caso al comprobar los indicios que suponían que las piezas fueron ilícitamente sustraídas del territorio mexicano.

Las investigaciones realizadas permitieron descubrir que estas obras se encontraban vinculadas a operaciones ilegítimas desarrolladas por Leonardo Augustus Patterson, un costarricense identificado internacionalmente como presunto traficante de bienes culturales, quien actualmente se encuentra detenido en España por tal motivo, según el comunicado distribuido por el INAH.

La repatriación de las piezas restituidas, se llevó a cabo en el marco del programa mexicano de recuperación de bienes culturales y el gobierno de México ha agradecido especialmente la colaboración del museo Lowe, fundamental para la exitosa conclusión del caso.

Descubren un nuevo cuadro de Van Gogh

09/09/2013, El museo Van Gogh ha anunciado el descubrimiento de una nueva pintura de Vincent van Gogh (1853-1890) : Atardecer en Montmajour (1888)

Amsterdam, 09 de septiembre 2013

Responsables del centro han destacado que se trata de un descubrimiento de tal magnitud que nunca antes había ocurrido en la historia del Museo Van Gogh y que se trata de una “rareza” el hecho de que se puede agregar una nueva pintura a la obra del artista.

Pero lo que hace esto aún más excepcional es que se trata de una obra de transición y una gran pintura de un período que es considerado por muchos como la culminación de su realización artística, su etapa en Arles, en el sur de Francia.

Durante este tiempo también pintó obras de fama mundial, tales como Los Girasoles, la Casa Amarilla y El Dormitorio.

La atribución a van Gogh se basa en una amplia investigación sobre el estilo, la técnica, la pintura, el material de lienzo, las cartas de van Gogh y la procedencia. "Atardecer en Montmajour se mostrará en la exposición "Van Gogh at work", en el museo Van Gogh de Amsterdam, a partir del 24 de septiembre .

"Toda la investigación indica: Esta obra es de van Gogh "

Una amplia investigación de Louis van Tilborgh y Teio Meedendorp, dos expertos senior del Museo Van Gogh, ratifica la autoría: "Hemos llevado a cabo la investigación histórica del arte en el estilo, la representación, el uso de los materiales y el contexto, y todo lo que encontramos indican que se trata de una obra de Van Gogh.

Estilísticamente y técnicamente hablando, hay un montón de paralelismos con otras pinturas de Van Gogh desde el verano de 1888. Por medio de la investigación de los escritos y registros, también hemos sido capaces de trazar la historia de la pintura. Perteneció a la colección de Theo van Gogh en 1890 y fue vendida en 1901.

Por otra parte, hay dos cartas del artista del verano de 1888 en las que, literalmente, se refiere a esta pintura. La investigación técnica ha demostrado que los pigmentos utilizados se corresponden con los de la paleta de Van Gogh en Arles - incluyendo los cambios de color que son tan característicos de su obra. También utilizó el mismo tipo de tela y pintura de base durante al menos otra obra, Las rocas, del Museo de Bellas Artes de Houston, que pintó durante el mismo período y que es muy similar en términos de estilo”

Es relativamente grande esta pintura (93,3 x 73,3 cm.) y pertenece a un particular que no ha querido aún revelar su identidad. Cuando fue pintada, van Gogh tenía grandes ambiciones con ella. Con esta obra quiso presentarse como un poeta entre los pintores de paisaje y se sintió profundamente decepcionado pensando que no había logrado resolver ciertos aspectos.

El informe completo del descubrimiento del cuadro se publicará en la edición de octubre de la revista The Burlington y también estará disponible en el Museo Van Gogh.

Sorolla y Pissarro, en CaixaForum

06/09/2013, Barcelona tendrá en la nueva temporada 2013-14 excelentes muestras de arte, en las que serán protagonistas Sorolla, Pissarro y Le Corbusier.

Barcelona, 6 de septiembre de 2013
CaixaForum, entidad dependiente de la Obra Social ”la Caixa”, presenta una nueva temporada cargada de interés, en la que se beneficia de sus acuerdos institucionales con entidades como el MOMA, El Thyssen-Bornemisza y el Museo del Prado.

En la temporada previa, coincidiendo con su décimo aniversario, CaixaForum Barcelona ha recibido 971.101 visitantes, con un gran ciclo de exposiciones destacadas como Antes del diluvio. Mesopotamia, 3500-2100 a.C. y Georges Méliès. La magia del cine.

PISSARRO
Del 16 de octubre de 2013 al 26 de enero de 2014
Organización y producción: Museo Thyssen-Bornemisza y Obra Social ”la Caixa” br> Comisariado: Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza

El centro traerá por primera vez a Barcelona una gran exposición monográfica de Pissarro, que cuenta con 67 obras de museos y coleccionistas de todo el mundo, gracias a la colaboración con el Museo Thyssen-Bornemisza.

En la muestra se destaca el género más empleado por el artista francés, el paisaje, como principal protagonista. La muestra será también una oportunidad única para conocer los temas que marcaron la última década de su vida: todos aquellos paisajes urbanos donde el artista vivió sus últimos años, desde París y Londres hasta Rouen, Dieppe y Le Havre.

SOROLLA, EL COLOR DEL MAR
Del 13 de junio al 14 de septiembre de 2014
Organización y producción: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Fundación Museo Sorolla y Obra Social ”la Caixa”
Comisariado: Consuelo Luca de Tena, directora del Museo Sorolla

Por otra parte, la muestra Sorolla, el color del mar, coorganizada con el ministerio español de Educación, Cultura y Deporte y la Fundación Sorolla, nos acerca a otra figura clave de la pintura, en este caso española, mostrando un elemento imprescindible en su obra como fue la relación que estableció con al mar.

La exhibición de obras de distintos formatos, junto con otros objetos como muestras de pigmentos y pinturas, breves textos y fotografías, permite una aproximación divulgativa e integral a la obra de Sorolla, al mismo tiempo que se plantean algunas cuestiones básicas de la pintura.

LE CORBUSIER
Del 29 de enero al 11 de mayo de 2014
Organización y producción: MoMA (Nueva York) y Obra Social ”la Caixa”
Comisariado: Jean-Louis Cohen, especialista en la obra de Le Corbusier y profesor de Historia de la Arquitectura en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York

Para dar continuidad a la línea que CaixaForum Barcelona ha consolidado en los últimos años en torno a grandes figuras y corrientes artísticas, este año organizará una exposición dedicada a uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX, Le Corbusier, que incluirá pinturas, proyectos y maquetas de edificios.

La muestra realiza un itinerario completo por todas las fases de la obra de Le Corbusier a través de una extensa colección de pinturas, proyectos arquitectónicos y maquetas de edificios, piezas procedentes mayoritariamente de la Fondation Le Corbusier de París y del MoMA de Nueva York. Los visitantes podrán contemplar desde el trabajo realizado en los primeros años del artista en Suiza, hasta el final de sus días en el Mediterráneo, pasando por Estambul, Atenas, Roma, París, Ginebra, Moscú, Barcelona, Nueva York e India.

Las grandes alianzas nacionales e internacionales para presentar grandes exposiciones al público barcelonés siguen siendo la esencia de la programación. A las citadas se añade el Museo del Prado, con el que la entidad organiza la exhibición La Belleza cautiva. La muestra se centra en las obras de pequeño formato de la colección del museo madrileño y resume el rico conjunto de su pintura y escultura más íntima.

LA BELLEZA CAUTIVA
Del 23 de julio de 2014 al 6 de enero de 2015
Organización y producción: Museo del Prado y Obra Social ”la Caixa”
Comisariado: Manuela Mena, jefa de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya.

La Obra Social ”la Caixa” colabora con el Museo del Prado en la producción de esta exposición, que reúne más de 120 obras de la colección del museo cuya característica común es su pequeño formato.

Ordenadas de forma cronológica, trazan un intenso recorrido por la historia del arte que relata el Museo del Prado y la excelencia de sus grandes artistas, desde finales del siglo XVI y principios del XV hasta el siglo XIX, entre otros El Greco, Velázquez, Rubens, Luca Giordano, Tiepolo, Goya y Fortuny. El resultado es un resumen de la colección del museo y de los orígenes del arte de este género en todos sus soportes, que permitirá a los espectadores no tan solo admirar cada obra en las mejores condiciones de proximidad, sino también tener la portunidad de observar piezas raras veces mostradas en sus salas.

Paraguay: Deforestación Cero

06/09/2013, El gobierno paraguayo ha extendido la "Ley de Deforestación Cero" por un período de cinco años, lo que beneficia el ecosistema de un territorio altamente amenazado.

Paraguay, 6 de septieembre de 2013
La moratoria Conversión de Tierras para el Bosque Atlántico de Paraguay, también conocida como la "Ley de Deforestación Cero" fue promulgada en 2004 y redujo drásticamente la tasa de deforestación del país, prohibiendo la transformación y conversión de áreas boscosas en la región oriental del Paraguay.

Según informa WWF, el Bosque Atlántico, ubicado en Paraguay, Brasil y Argentina, es una de las selvas tropicales más amenazadas del mundo, con sólo 7 por ciento de su cobertura original. Pese a la deforestación, la fragmentación, la destrucción del hábitat y la degradación masiva de los ríos, la zona mantiene un elevado porcentaje de plantas y especies animales, muchas de ellas endémicas y en peligro de extinción.

Paraguay antes tenía la segunda tasa de deforestación más alta del mundo, y casi 7 millones de hectáreas de bosque atlántico se perdieron por los métodos de tala y quema para reconvertirlos en zonas agrícolas y ganaderas. La mayoría de los bosques restantes han sido explotados para la madera.

"La reducción de emisiones por deforestación y degradación de los bosques a través del manejo sostenible de los bosques en Paraguay es imprescindible no sólo para mantener uno de los biomas más amenazados de la Tierra, sino también para reducir las emisiones y preservar los medios de subsistencia de las comunidades dependientes de los bosques, incluidos muchos los grupos indígenas", afirmó Lucy Aquino, Director de WWF Paraguay.

Después de Paraguay aprobase la Ley de Deforestación Cero para la parte oriental del país, la deforestación se redujo en un 90 por ciento. Pero la ley expiraba en diciembre de 2013.

Entidades defensoras de la naturaleza han presionado para que Paraguay mantuviese su actitud respetuosa con el medio ambiente.

El camino aún el largo y WWF está trabajando con el gobierno de Paraguay y ONG locales para implementar mecanismos financieros y legales, tales como los pagos por servicios ambientales, para lograr realmente una deforestación neta cero en el Bosque Atlántico en Paraguay.

ArtBasel/Miami Beach

06/09/2013, El mundo del arte, cada vez más globalizado, depende de forma creciente de las ferias de arte. Ahora se acaba de anunciar el listado de galerías de uno de los eventos cruciales del año, el que ArtBasel celebra en Miami.

Miami, 6 de septiembre de 2013
Para el negocio del arte, Art Basel es un evento clave. Surgió en los setenta en Basilea (Suiza), donde se celebra desde entonces un encuentro anual, y en el inicio del siglo XXI creó un encuentro invernal en Miami, que no ha cesado de crecer.

Este tipo de encuentros han modificado en las últimas décadas las propias relaciones entre el coleccionista y el autor. El mundo del arte se ha adaptado al mercado global y ha surgido una dinámica comercial con sus citas y sus negociantes; se modifica la relación artista/comprador; las galerías grandes acaban "comiéndose" a las medianas y los autores acaban sometiendo su propia creatividad al ritmo, gusto y calendario de las ferias. Manda el negocio por encima de la libertad o anarquía creativa, que tanta frescura ha aportado al arte…

ArtBasel en Miami Beach, cuyo socio principal es la UBS, se desarrollará en el Centro de Convenciones de Miami Beach a partir del 5 al 8 de diciembre de 2013. Es un destino clave para las grandes galerías de Estados Unidos y América Latina, con casi la mitad de expositores procedentes de esas regiones. Esta muestra presenta obras de arte que van desde maestros modernos a las últimas obras contemporáneas e incluye, por primera vez en Miami Beach, un sector dedicado a la Edición.

ArtBasel acaba ahora de anunciar su selección de galerías para participar en la 12 edición del encuentro de Miami Beach. Las elegidas son 258 entidades líderes de Norteamérica, Sudamérica, Europa, Asia y África.

En total aparecen galerías de 31 países procedentes los distintos continentes (salvo Oceanía), incluyendo Argentina, Austria, Bélgica, Brasil, Canadá, China, Colombia, Dinamarca, Francia, Alemania, Grecia, India, Italia, Japón, México, Mónaco, Noruega, Perú, Polonia, Portugal, Singapur, Sudáfrica, Corea del Sur, España, Suecia, Suiza, Tailandia, Turquía, Reino Unido, Estados Unidos y Uruguay participan en la feria de este año.

https://www.artbasel.com/en/Miami-Beach/About-the-Show/2013-Exhibitors?sector=B87A185625254656A1A9BDD405721EBE

FESTeen<18

05/09/2013, Matadero Madrid organiza un festival dirigido al público adolescente. Un punto de encuentro para los menores de 18 años en torno al arte, la creación colectiva, la participación, el deporte urbano y el ocio al aire libre.

Madrid, 5 de septiembre de 2013
Del viernes 13 al domingo 15 de septiembre Matadero Madrid pone en marcha FESTeen<18, un festival que tiene el objetivo reunir a los menores de 18 aЯos en torno al arte, la creaciСn colectiva, la participaciСn, el deporte urbano y el ocio al aire libre.

El festival se compone de 70 actividades que incluyen cultura skate, roller disco, BMC, conciertos o talleres que llenarАn Intermediae, Casa del Lector, Central de DiseЯo, Nave de la MЗsica, Naves del EspaЯol, Cineteca y Plaza Matadero durante estas tres jornadas.

FESTeen<18 es una plataforma pensada para que los jСvenes talentos de la ciudad de Madrid muestren las mejores creaciones de mЗsica, cine, fotografÓa, artes visuales, cСmic; compartan destrezas y saberes y disfruten sin tapujos de su propia cultura y su manera de ser.

Actividades gratuitas:

MóSICA

TALLERES DE RED BULL (Nave de la mЗsica, INSCRIPCIñN)

SOUND IT … RADIO. Taller de radio. Viernes 13, sАbado 14 y domingo 15, de 10 a 14h. y de 17 a 21h.

WE HAVE A BAND. DESARROLLO DE UN PROYECTO MUSICAL. Aprende lo fundamental para crear un grupo. Viernes 13 de 17 a 21h. y SАbado 14 de 10 a 14h.

FROM LAPTOP TO THE SKY. IntroducciСn al software de creaciСn musical. Viernes 13, de 17 a 21h y SАbado 14 de 10 a 14h.

A DAY IN THE STUDIO. IntroducciСn a la grabaciСn en un estudio discogrАfico. SАbado 14 de 10 a 14h. y de 17 a 21h.

SAMPLERS AND BEYOND. IntroducciСn al hardware de grabaciСn musical. SАbado 14 de 17 a 21h. Domingo 15 de 17 a 21h.

TEEN DJS. Taller para djs adolescentes. SАbado 14 de 17 a 21h y domingo 15 de 17 a 21h.

TALLERES KINGSTONGRADO (Nave de la mЗsica. INSCRIPCIñN)

TALLER DE HISTORIA DEL RAP. Aprende el origen de este tipo de mЗsica. Viernes 13 de 18 a 19.30h.

RIMADERO. Taller de RAP. Viernes 13 de 19.30 a 21 h.

FLOW MASTERS. Taller de RAP. Viernes 13 de 21 a 22.30 h.

ELABORACIñN CASERA DE GRABACIñN. Taller de hip hop. SАbado 14 de 12 a 13.30 h.

TALLER DE HISTORIA DEL REGGAE. Aprende el origen de este tipo de mЗsic. Domingo 15 de 12 a 13.30 h.

MUESTRA DE BEAT-BOX. Un taller en el que podrАs aprender quИ es el Beat- box. Domingo 15 de 20 a 21.30 h.

OTROS TALLERES

SEMILLA BOOMBOX. Elige la mЗsica que quieres que suene en Matadero Madrid desde tu movil. Plaza Matadero. Para inscribirte: boombox@asociacion-semilla.org. Entrada gratuita.

ESCENARIO FESTEEN<18. ©Quieres tocar en el escenario FESTeen<18? Inscripciones: creadores@mataderomadrid.org

CINE

A FILM ABOUT KIDS AND MUSIC. Viernes 13 a las 18 h. SАbado 14 de 17 a 18.30 h.

GIRLS ROCK!. Viernes 13 a las 18.30 h. SАbado 14 de 17.30 a 19 h.

THE KING OF KONG. SАbado 14 de 11.30 a 13 h. Domingo 15 de 19.30 a 21h.

JUSTIN BIEBER: NEVER SAY NEVER. SАbado 14 de 12 a 13.30 h. Domingo 15 de 17.30 a 19 h.

AMERICAN ZOMBIE. SАbado 14 de 19.30 a 21 h. Domingo 15 de 20 a 21.30 h.

OTAKU UNITE. SАbado 14 de 20 a 21.30 h. Domingo 15 de 17 a 18.30 h.

DEPORTE

CLASES DE PATINAJE, RUTA Y DISCO ROLLER. Viernes 13 de 18 a 23 h. Naves del EspaЯol.Inscripciones.

ESPACIO BMX. SАbado 14 de 11 a 14 h. y de 18 a 21 h. Nave 16. Entrada libre.

STREET WORKOUT. SАbado 14 y domingo 15 de 18 a 21.30 h. Nave 16. Entrada libre.

ENCUENTRO DE BREAKERS. SАbado 14 de 19 a 21 h. Nave 16. InscripciСn.

CLASES DE DANCEHALL. Domingo 15 de 12 a 13.30 h. Plaza Matadero. Entrada libre

TORNEO DE BASKET 3X3. Domingo 15 de 13 a 15h. Plaza Matadero. InscripciСn.

DEMOSTRACIONES DE STREET. Domingo 15 de 17 a 19 h. Nave 16. Entrada libre

TALLER EASY TRICKS. Domingo 15 de 19 a 21h. Nave 16. Entrada libre

TEATRO

PRISCILLA,REINA DEL DESIERTO. Viernes 13 de 19 a 20.30h. Naves del EspaЯol. Entrada libre hasta completar aforo.

AVE MUNDI LUMINAR. SАbado 14 de 19 a 20.30 h. Naves del EspaЯol. Entrada libre hasta completar aforo.

TALLER DE TEATRO DONT’BE SHY. Domingo 15 de 17 a 21 h. Naves del EspaЯol. InscripciСn.

ARTES PLаSTICAS

EXPOSICIñN HABITACIONES. Viernes 13, sАbado 14 y domingo 15. Plaza Matadero. Entrada libre.

CONSTRUCCIONES CREATIVAS RаPIDAS HOMBRE RAYO. SАbado 14 y domingo 15, de 12 a 14 h. Intermediae. Entrada libre.

TALLER DE GRAFFITI. SАbado 14 de 18 a 20.30 h. Plaza Matadero. Inscripciones

DISEяO

ESTAMPACIñN Y ACABADOS ESPECIALES. Viernes 13 de 17 a 20 h. SАbado 14 y domingo 15 de 11 a 14 h. Central de DiseЯo. Entrada Libre.

CHOCOLATиATE. TALLER DE FIGURAS DE CHOCOLATE. SАbado 14 de 17 a 19 h. Central de DiseЯo. Entrada Libre.

INSTALACIñN COLECTIVA DE PAPELSАbado 14 de 17 a 19 h. Central de DiseЯo. Entrada Libre.

CñMIC

CñMIC EN VIVO. SАbado 14 de 11 a 14h. Intermediae / Terrario. Entrada Libre

PICTIONARY GIGANTE. SАbado 14 de 17 a 20 h. Plaza Matadero. Entrada Libre

NARRATIVA Y PENSAMIENTO

NARRATIVAS VISIBLES.Viernes 13 y sАbado 14 de 18.30 a 21 h. Casa del Lector. Entrada libre.

TALLERES SUияALO/HAZLO. Viernes 13 y sАbado 14 de 18 a 21 h. Domingo 15, de 11 a 15 h. Intermediae y Plaza Matadero. Inscripciones

TambiИn existen talleres de diseЯo, deporte cСmic, mЗsica o narrativa que no requieren inscripciСn previa asÓ como todo tipo de actividades, como cine, teatro, exposiciones, conciertos…

I Festival de cultura adolescente
Desde el 13 de septiembre al 15 de septiembre
MATADERO MADRID
Entrada libre

Septiembre en Aquitania

05/09/2013, Aquitania, Francia, ofrece todos los ingredientes para disfrutar de un septiembre delicioso gracias a sus playas, ciudades cargadas de historia, pueblos pintorescos, castillos, bosques, montañas y viñedos.

Aquitania, 5 de septiembre de 2013
Aquitania en un destino ideal para pasar unos días disfrutando del sol, la gastronomía, y la historia: un cambio de aires con emociones garantizadas.

Sol, arena y mar
De Hendaya, en la Costa Vasca, a Verdon-sur-Mer, en Gironda, el litoral de Aquitania ofrece al turista 250 kilómetros de playas de arena fina y puertos de recreo. Hacer surf en Biarritz o en Biscarrosse, descansar y bañarse en el mar, escalar la Duna del Pyla en la Bahía de Arcachón, o gozar de Dax, la primera localidad termal francesa, son algunas de las múltiples opciones.

Historia milenaria
Otras razones por las que visitar esta región francesa son las prehistóricas Cuevas de Lascaux II declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y el Menhir de Pierrefitte, en el corazón del opulento valle del Dordoña, “la cuna de la humanidad”.

El Museo Nacional del Castillo de Pau y el Castillo de Bonaguil, entre otros, son testimonios de la riqueza de la historia de Aquitania. Por su parte, la Catedral Saint-Sacerdos de Sarlat-la-Canéda y la Catedral Saint-Front de Périgueux revelan la importancia de las diferentes rutas del Camino de Santiago.

Las ciudades de Aquitania
Burdeos, Biarritz, Bayona, Pau, Périgueux... las ciudades de Aquitania están cargadas de historia. En 2007, la UNESCO declaró Patrimonio Mundial cerca de la mitad de la superficie de Burdeos (alrededor del Puerto de la Lune y del Puente de Pierre) por su “conjunto urbano y arquitectónico excepcional” herencia de la Época de la Ilustración.

Los placeres del vino
Aquitania ofrece numerosos placeres gastronómicos. Pero, por supuesto, su principal baza gastronómica son sus viñas. Desde los célebres viñedos bordeleses, como el de Saint-Emilion, reconocido por la UNESCO, a la Casa de los vinos del Jurançon, pasando por Planète Bordeaux o la Casa de los Vinos en Bergerac.

Descubriendo a Castiglione

04/09/2013, En la Queen´s Gallery del palacio de Buckingham se podrá contemplar este otoño la obra de uno de los grandes artistas italianos del barroco: Giovanni Benedetto Castiglione.

Londres, 4 de septiembre de 2013
Será del 1 de noviembre 2013 al 16 de marzo 2014, cuando los visitantes de esta galería podrán redescubrir al más brillante dibujante italiano de su tiempo, al que la fama parece haberle dado la espalda.

El genovés Castiglione (1609 – 1664), conocido también como il Grechetto, aprendió en talleres de Génova pero pronto mostró admiración por artistas como Rubens, Van Dyck y sobre todo Rembrandt. Trabajó fundamentalmente en Roma y Génova, destacando una pericia extraordinaria como dibujante y grabador.

Durante su estancia en Roma, contactó con Poussin y se acercó al clasicismo. Pintó temas muy variados desde pastoriles a religiosos, pero en la última parte de su vida se centró de forma creciente en el grabado.

Su técnica es brillante y cargada de belleza y sus trabajos se apreciaron hasta un siglo después de su fallecimiento, pero en la actualidad son realmente poco conocidos. En el Reino Unido, la Royal Collection tiene el conjunto más amplio de la obra del artista.

A partir de noviembre y hasta el 16 de marzo, esa brillantez y esa excelente técnica del artista italiano estará visible en la muestra: “Castiglione: Lost Genius”.

Obra de Botticelli en el museo de Israel

04/09/2013, Un fresco de Botticelli se exhibirá en el museo de Israel a partir del 18 de septiembre. Es la primera obra del renacentista italiano exhibida en aquel país.

Jerusalén, 4 de septiembre de 2013
Se trata de una Anunciación muy particular que se presentará como un préstamo especial de la Galería de los Uffizi en Florencia, en el 65 aniversario del estado de Israel.

Esta Anunciación de Sandro Botticelli, hecha en la primavera de 1481, originalmente colgaba sobre la entrada del hospital de San Martino della Scala. Durante la renovación de la estructura hospitalaria, en el siglo XVII, el fresco sufrió daños considerables y en 1920 fue desmantelado y trasladado a la Galería degli Uffizi, donde fue sometido a un proceso de restauración a fondo. A pesar de su considerable tamaño de 243 x 553 cm. se ha cedido en ocasiones al exterior, y ahora, después de haber viajado a Alemania y China, se presenta en el Museo de Israel del 18 de septiembre de 2013 hasta el 10 de enero de 2014.

Sandro Botticelli, (Alessandro di Moriano Filipepi, 1445-1510), fue uno de los mayores artistas del Renacimiento florentino. Comenzó su formación en con Fra Filippo Lippi antes de abrir su propio taller en 1470. La comprensión de Botticelli de la perspectiva, la arquitectura y la anatomía era excepcional. En el caso de la Anunciación se ofrece un raro ejemplo de composición con perspectiva lineal creada con un propósito religioso.

El tema de la visita del Arcángel Gabriel y sus palabras a María se repite en toda la historia del arte cristiano. En las representaciones italianas de la Anunciación, María es representada con frecuencia leyendo o bordando en un pórtico o en el patio de una casa. En los Países Bajos, de un clima más frío, se recurre más a menudo a los interiores. Aunque Botticelli adopta la tradición flamenca de la colocación de la Virgen en un interior, también crea, en un estilo florentino, una combinación de interior y exterior, con Gabriel entrando en el porche de la casa y presentándose a María, quien sostiene un lirio blanco, un símbolo de su virginidad.

El préstamo de esta obra es el resultado de la colaboración del Museo y la Fundación Italia-Israel para la Cultura y las Artes, que tiene como objetivo fortalecer los lazos entre los dos países a través del intercambio cultural. Se ha contado con el apoyo adicional de la Embajada de Italia en Israel, Allianz y Banca Intesa Sanpaolo, y del Instituto italiano de Cultura en Tel Aviv. Esta presentación también inaugura una serie de acciones para mostrar en el museo importantes obras del Renacimiento italiano y barroco procedentes de instituciones italianas en los próximos dos años.

Restauración de la Victoria

03/09/2013, El proyecto de restauración de la Victoria alada de Samotracia y la escalera monumental en la que se halla comienza este 3 de septiembre, según las fuentes del museo parisino de Louvre.

París, 3 de septiembre de 2013
Descubierta la obra en 1863, esta espectacular escultura helenística representa a la diosa mensajera de la Victoria reposando sobre la proa de un barco; tiene una altura de casi 2,5 metros y su procedencia es un santuario de Samotracia.

Se trata de una obra extraordinaria, de inicios del siglo II, donde sorprende la perfección de la figura humana y la ligereza de los ropajes que parecen mecidos por el viento. Sin duda es uno de los objetos artísticos con más personalidad del Louvre

El trabajo hará que esta obra excepcional ya no sea visible al público que recorra el museo hasta el verano de 2014. Además de la restauración de la Victoria, en 2014 se iniciará la de la escalera monumental, con el objeto de tener el conjunto en perfectas condiciones dentro de año y medio, aproximadamente.

la restauración completa requerirá unos cuatro millones de euros, y tiene el soporte de la Nippon Television Holdings, F. Marc Lacharrière ( Fimalac ) y Bank of America Merrill Lynch Art Conservation Project.

Para completar el presupuesto previsto, el Louvre también ha abierto al público una suscripción que permite participar en este proyecto a todos los entusiastas del arte. Para ello acaba de lanzar una campaña “Tous mécènes” con el objetivo de reunir un millón de euros adicionales para la tarea restauradora.

La restauración de la Victoria de Samotracia pretende limpiar los mármoles que componen el monumento: mármol de Paros en la estatua y mármol de Lartos, veteado de gris, para la base con forma de barco.

Las diferencias entre los materiales utilizados están en la actualidad aminoradas por la fuerte contaminación que ha soportado la obra. La tarea servirá también para estudiar y mejorar el conjunto del monumento favoreciendo la integración de algunos fragmentos se mantienen en reserva.

La intervención requiere el cambio temporal de ubicación de la Victoria hacia una habitación cercana, denominada Sala de las Siete Chimeneas, con objeto de trabajar en un ambiente aislado. Una comisión de expertos internacionales seguirá los pasos de la restauración.

El museo parisino presentará un informe en línea ( www.louvresamothrace.fr ) sobre el avance de esta restauración excepcional mientras la obra permanezca oculta a los visitantes del Louvre.

Dalí se despide de Madrid

03/09/2013, Se clausura la muestra dedicada al artista en el Museo Reina Sofía con una cifra espectacular: más de 730.000 visitantes.

Madrid, 3 de septiembre de 2013
En total han sido 732.339 personas las que han paseado por las salas de la exposición "Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas", que ha podido verse durante cuatro meses en la institución madrileña y que cerraba sus puertas ayer lunes 2 de septiembre.

La muestra, que ya se considera la exposición de mayor éxito de público de los últimos años, ha sido una de las más completas realizadas hasta la fecha sobre el artista ampurdanés. En ella se han podido ver más de 200 obras procedentes de importantes instituciones, colecciones privadas y de los tres depositarios principales de la obra de Salvador Dalí: la Fundació Gala-Salvador Dalí (Figueres), el Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida) y el Museo Reina Sofía (Madrid).

Contribuyeron a su excepcionalidad préstamos de instituciones de primer orden, como el MoMA (Nueva York), el Philadelphia Museum of Art, la Tate Modern o los Musées Royaux des Beaux-Arts de Bélgica..

Tal ha sido la afluencia de público, que el MNCARS amplió dos horas su horario durante las dos últimas semanas de la exposición, para poder dar mayor margen al público visitante interesado en conocer un poco más a fondo la producción artística del catalán.

No obstante, la cifra alcanzada en Madrid ha sido ligeramente inferior a la alcanzada previamente en el Centre Pompidou, París, donde estuvo a punto de sobrepasarse la cota de los 800.000 visitantes.

Tres siglos de la Real Academia, en la BNE

02/09/2013, La Biblioteca Nacional de España (BNE) conmemora este otoño los trescientos años de la Real Academia Española, con una de sus muestras expositivas de la temporada.

Dentro del programa otoñal de la institución, se presentan las siguientes muestras:

Esteban Lisa. Retornos, Toledo, 1895- Buenos Aires 1983
Esteban Lisa (Hinojosa de San Vicente, Toledo, España 1895 – Buenos Aires 1983) desarrolló un lenguaje plástico absolutamente personal y propio dentro de la abstracción y una carrera artística ajena e independiente de los grupos artísticos de su generación.

Este hecho y el de ni siquiera haber expuesto públicamente su trabajo en vida, le dan a toda su obra una dimensión secreta e íntima, personal e inquietante a la vez.

Prácticamente desconocido después de su muerte, su figura ha ido ganando relevancia internacional a raíz de numerosas exposiciones, primero en Buenos Aires, y después en toda América Latina, en Europa y en Estados Unidos.

Del 12 de septiembre al 3 de noviembre de 2013, la Fundación Esteban Lisa y la BNE colaboran para rendirle un emotivo homenaje de reconocimiento, mostrándonos una panorámica de su obra plástica y filosófica a través de unas 120 obras de entre los años treinta y los años setenta, así como diversos dibujos, libros y fotografías.

La lengua y la palabra: trescientos años de la Real Academia Española
La BNE celebra del 27 de septiembre de 2013 al 26 de enero de 2014 el tricentenario de la RAE con una exposición que contará con más de 250 piezas artísticas de diferentes épocas, entre pinturas, retratos, grabados, objetos, joyas bibliográficas y tesoros incunables.

La exposición nos mostrará esta aventura de 300 años transcurridos desde la fundación de la RAE, periodo en el cual la institución ha sido testigo no solo de los avatares comunes de la lengua, la palabra y los hablantes, sino también de nuestra propia historia.

Arquitectos españoles del siglo XX en la BNE. Donaciones
La BNE presenta, del 1 de octubre de 2013 al 26 de enero de 2014 una exposición que incluirá planos procedentes de los estudios de 17 grandes arquitectos españoles activos durante el siglo XX.

Todos esos planos fueron donados a la BNE y hoy forman parte del rico fondo de dibujos de arquitectura y ornamentación del Servicio de Dibujos y Estampas del Departamento de Bellas Artes y Cartografía.

Las donaciones más importantes incluyen prácticamente completa la producción de Secundino Zuazo Ugalde y una muestra significativa de la obra de Antonio Fernández Alba. Además se muestran planos de otros arquitectos que han ingresado en la Biblioteca por la generosa donación del mismo Fernández Alba, entre los cuales se encuentran Aizpurúa, Bidagor, los hermanos Borobio (Regino y José), Chueca, Corrales, Fernández del Amo, Fernández Balbuena (Roberto), Fernández-Shaw, Fernández Vallespin, Ferrero (Francisco Javier), Fisac, Gutiérrez Soto, Moya Blanco y Vaquero Palacios.

El caracol manzana daña el Delta del Ebro

02/09/2013, El caracol manzana (Pomacea insularum) es una especie invasora proveniente de América… ahora ha llegado al Delta del Ebro.

Madrid, 2 de septiembre de 2013
Este caracol es popular entre quienes tienen acuarios domésticos… y por ello se comercializa. El problema es que ha saltado de las granjas o acuarios y se desarrolla con inmensa velocidad en nuevos hábitats, dañando gravemente a los ecosistemas autóctonos.

SEOBirLife ha dado la voz de alarma. Este voraz animal se escapó al parecer de una empresa de importación de fauna para acuarios, y empezó a expandirse por el Delta del Ebro en el verano de 2009, amenazando de manera muy peligrosa con invadir rápidamente todos los espacios de agua dulce del delta. El caracol causa verdaderos desequilibrios naturales y destruye el arrozal porque come la semilla sembrada y las pequeñas plantas de arroz. La Administración ha gastado hasta ahora cuatro millones de euros en combatir esta plaga desde su aparición en la comarca del Delta.

El problema crece. La organización SEO/BirdLife informa que ha llevado a cabo campañas de 2009 a 2012 en las acequias de las aguas surgentes y de desagüe para evitar la rápida dispersión de la especie entre los arrozales. Se intenta evitar que llegue a los hábitats más vulnerables, como las lagunas litorales o la zona de ullals (manantiales naturales), donde esta especie sería muy difícil de erradicar si acaba entrando. En 2013 se ha suscrito un nuevo acuerdo con el Departamento de Agricultura, Ganadería, Pesca, Alimentación y Medio Natural de Cataluña para colaborar en la lucha contra la plaga del caracol manzana. La Generalitat catalana también ha pedido al Gobierno español que reconozca el alcance de esta plaga y que aporte los fondos estatales y europeos necesarios para hacer frente a esta amenaza.

Cada año más caracoles
En otoño de 2009 y en una primera campaña completa de mayo a octubre de 2010, el voluntariado de SEO/BirdLife extrajo 30.000 ejemplares del caracol manzana. Durante la campaña de colaboración de 2011, SEO/BirdLife extrajo 89.000 ejemplares de caracol manzana y destruyó más de 130.000 puestas. En la campaña de 2012 se extrajeron más de 218.000 caracoles y se destruyeron más de 48.000 puestas. Pero los datos en números totales no son muy significativos, pues la acción más importante que acomete el voluntariado es la limpieza estratégica de puntos que impiden o dificultan la extensión de la plaga.

Durante estas prospecciones y extracciones se han desplazado cientos de ejemplares de náyades (Unio, Silunio, Anodonta) especies protegidas de bivalvos de agua dulce, para preservarlos de los efectos de la actuación sobre la zona de erradicación del caracol manzana, pues no habrían resistido a métodos drásticos como el secado, el agua marina u otros tratamientos.

La contención de la plaga del caracol manzana constituye un importante objetivo de conservación a medio y largo plazo de la biodiversidad en el Parque Natural del Delta del Ebro y todos los humedales europeos.

Tserkvas de madera de los Cárpatos

31/08/2013, Según informa la UNESCO, Tserkvas de madera de los Cárpatos, en Polonia y Ucrania, es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Situado en los confines orientales de Europa Central, en los Cárpatos polacos y ucranianos, este sitio transnacional está compuesto por una selección de 16 tserkvas, iglesias de madera construidas entre los siglos XVI y XIX con troncos de árbol dispuestos horizontalmente por comunidades religiosas ortodoxas orientales y greco-católicas.

Las tserkvas encarnan la expresión cultural de cuatro grupos etnográficos y de los cambios formales, decorativos y técnicos que adoptaron a lo largo del tiempo.

Son el testimonio de una técnica de construcción anclada en la tradición ortodoxa que intercala elementos del lenguaje arquitectónico local y referencias simbólicas a la cosmogonía de las comunidades.

Las tserkvas están construidas en un plano con tres partes cubiertas de cúpulas y bóvedas abiertas sobre un espacio cuadrado u octogonal. Se caracterizan también por la presencia de campanarios de madera e iconostasios, por la decoración interior policroma y por camposantos, predios y cementerios.

Artistas judíos pioneros de Europa

30/08/2013, El Museo de Israel, en Jerusalén, presenta una exposición que explora el trabajo de catorce artistas pioneros judíos que vivían en Europa del siglo XIX.

Jerusalén, 30 de agosto de 2013
En la muestra aparecen obras de Obras de Maurycy Gottlieb, Isidor Kaufmann, Moritz Daniel Oppenheim, y Charlotte von Rothschild, y otros artistas, que se pueden contemplar desde el 10 de septiembre de 2013 hasta el 15 de julio de 2014.

En un mundo pictórico hasta entonces dominado por la demanda aristocrática y religiosa y a caballo entre la identidad judía y una demanda en la que figuraban desde desnudos a temas cristianos, diversos autores de origen judío fueron abriéndose paso en el arte europeo.

Making an Entrance: Jewish Artists in 19th-Century Europe (Haciendo entrada: Artistas judíos en Europa del siglo XIX) nos acerca a este ámbito y también derriba una premisa largo tiempo sostenida, la afirmación de que el "primer artista judío" fue Moritz Daniel Oppenheim, protegido por la familia Rothschild, al presentar las obras de artistas menos conocidos -Salomon Pinhas de Kassel y Jacob Liepmann de Berlín- que trabajaron en Alemania en el comienzo del siglo XIX.

En conjunto, se cuenta con 40 pinturas, dibujos, grabados y esculturas de artistas como Mark Antokolsky, Vico d'Ancona, Maurycy Gottlieb, Jozef Israëls, Isidor Kaufmann, Isaac I. Levitan y Charlotte von Rothschild, procedentes de la colección del Museo y de colecciones privadas, muchas de las cuales han sido raramente vistas por el público.

Entre lo más destacado, los retratos de Pinhas del padre de la Reforma del Judaísmo, Israel Jacobson, y de su esposa Mink Samson-Jacobson(1.808); el trabajo de Vico d'Ancona, un desnudo durmiendo (1860); el de Oppenheim, La vuelta del voluntario judío del ejército (1834), y el de Gottlieb. Jesús delante de sus jueces (1877-1879).

A partir del siglo XIX, jóvenes judíos con talento artístico trataron de entrar en un mundo cerrado a sus predecesores, en el que podrían canalizar su creatividad hacia la pintura sin limitar su actividad a la realización de objetos de función religiosa. Esto significaba desafiar una antigua prohibición y, a menudo, abandonar la comunidad ortodoxa y su forma de vida.

A mediados de siglo, más pintores judíos se sintieron libres para representar una amplia gama de temas, algunos de los cuales fueron considerados provocadores por infringir normas tradicionales judías, como el desnudo femenino o los temas cristianos. Otros artistas producen trabajos sobre temas judíos tradicionales al tiempo que exploran asuntos sociopolíticos. A finales del siglo, después de haber logrado el reconocimiento en la cultura europea, algunos artistas judíos regresaron a sus raíces, por así decirlo, y se dedicaron a las representaciones de tipos y firmas de vida tradicionales.

El Museo de Israel, Jerusalén.
El Museo de Israel es la mayor institución cultural del Estado de Israel y se encuentra entre los más importantes museos de arte y arqueología del mundo.

Fundado en 1965, el museo alberga colecciones enciclopédicas que van desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo, incluyendo las colecciones más amplias de la Biblia y de la arqueología de este territorio, entre sus colecciones están los Rollos del Mar Muerto.

El sexo en la época romana

29/08/2013, El Museu Nacional Arqueològic de Tarragona presenta una exposición que da a conocer el universo sexual de la Antigua Roma, sus costumbres, sus prácticas extramatrimoniales, e incluso las aventuras amorosas de sus mismísimos Dioses.

Tarragona, 29 de agosto de 2013
Son varias las piezas romanas relacionadas con el mundo del sexo que se conservan en Cataluña. Estas representaciones artísticas (en forma de objetos religioso o elementos utilitarios de la vida cotidiana) nos acercan un poco más a la forma de entender y disfrutar del sexo en la Antigua Roma.

La muestra, pensada para el público adulto dado su explícito contenido, une una selección de piezas de época romana conservadas en museos catalanes, reproducciones de pinturas del momento, y sugerentes textos de autores latinos.

Desde la República hasta el siglo IV, la exposición nos acerca a cinco ámbitos de la vida sexual de los romanos: el arte de la seducción, el sexo en el matrimonio, diferentes maneras de hacer el amor, las relaciones extramatrimoniales, y la sexualidad de los dioses (espejo para los humanos).

La vida sexual de los antiguos romanos no se diferenciaba mucho de la nuestra. En Roma existía la prostitución, tanto hombres como mujeres tenían amantes fuera del matrimonio, y la práctica sexual entre personas del mismo sexo no era algo fuera de lo común.

Las pinturas y objetos que reúne esta exposición, que podrá verse hasta el 29 de septiembre de 2013, muestran a romanos desinhibidos, pasionales, desenfrenados... gozosos personajes fuera de sí mismos que disfrutaban de la vida y de sus placeres carnales.

El sexo en la época romana
Museu Arqueològic (plaça del Rei, 5)

Leonardo da Vinci y sus dibujos anatómicos

29/08/2013, Casi 500 años después de la muerte de Leonardo da Vinci, una exposición recuerda sus revolucionarios estudios del cuerpo humano, en la Queen’s Gallery del Palacio de Holyroodhouse.

Edimburgo, 29 de agosto de 2013
La exposición Leonardo da Vinci: La mecánica del hombre se puede visitar del 2 de agosto al 10 de noviembre de 2013 y forma parte del Festival Internacional de Edimburgo.

Reconocido como uno de los grandes artistas del Renacimiento, Leonardo fue también uno de los más grandes anatomistas del mundo. Ahora, por primera vez, las páginas de los cuadernos anatómicos de Leonardo son exhibidos junto a las imágenes médicas del siglo XXI, revelando cómo la obra de Leonardo prefiguró las técnicas modernas, como la resonancia magnética y 3D en un grado asombroso.

De las 30 obras expuestas ahora, más de la mitad son presentadas en Escocia por primera vez. En “Leonardo da Vinci: La mecánica del Hombre” se presentan 18 de las mejores hojas de Leonardo, integradas colectivamente como “Manuscrito A anatómico”, trabajos producidos durante el invierno de 1510-1511. Las páginas están repletas con más de 240 dibujos y notas. En ellas, Leonardo ilustra casi todos los huesos en el cuerpo humano y muchos de los principales grupos musculares. El Manuscrito A nunca se había mostrado en su totalidad en el Reino Unido.

Leonardo investigó a fondo el cuerpo humano para asegurar que sus pinturas eran un fiel reflejo de la naturaleza. Sin embargo, el artista pronto concibió la idea de escribir y publicar un tratado ilustrado de anatomía. Entre 1507 y 1513 hizo una disección más de 30 cadáveres humanos. El artista llenó cientos de páginas de sus cuadernos con estudios detallados de los órganos y los vasos, los huesos y los músculos y el corazón. Un análisis más profundo que cualquiera otro hecho anteriormente. A su muerte en 1519 los estudios anatómicos de Leonardo se mantuvieron inéditos entre sus papeles privados, desconocidos para el mundo durante siglos.

Según los expertos, Si estos dibujos hubieran sido publicados en el momento, habrían sido la obra más influyente en el cuerpo humano.

Leonardo utilizó las habilidades que había adquirido a través de otros trabajos, desde la arquitectura a la ingeniería, para representar distintos enfoques de las partes analizadas, los despieces y los encajes de unas piezas con otras. De esta manera, por ejemplo, el artista hizo la primera descripción exacta de la columna vertebral en la historia, tal como ahora se comprueba con análisis médicos basados en las técnicas modernas.

En otra hoja magistral, Leonardo demuestra la estructura en capas de la mano a través de cuatro disecciones; otro par de hojas de Leonardo registran los músculos del hombro y del brazo en ocho puntos de vista a través de 180 grados, girando el cuerpo para capturar la complejidad tridimensional completa de la estructura en un dibujo en dos dimensiones. Leonardo estaba fascinado por el hombro y lo estudió en diferentes niveles de la disección, en diferentes poses y desde diferentes ángulos. Una película en 3D de la exposición muestra un hombro diseccionado en rotación, que revela la increíble precisión de los estudios de Leonardo.

Otros puntos destacados de exposición son los relativos a una disección post-mortem de un hombre de 100 años de edad; su estudio de un niño en el vientre y la investigación sobre el corazón. Los visitantes de la exposición pueden comparar una imagen de resonancia magnética de un corazón que late con la obra de Leonardo.

Los estudios anatómicos de Leonardo llegaron a Inglaterra en el siglo XVII, en un conjunto de casi 600 del artista. El álbum probablemente fue adquirido ese mismo siglo por Charles II y ha estado en la colección real inglesa.

Martin Clayton, de la Royal Collection Trust, y comisario de la muestra manifestó su emoción al descubrir cómo las investigaciones de Leonardo hace 500 años prefiguraron el trabajo de los principales anatomistas de hoy en un grado asombroso, y el colaborador de la muestra Peter Abrahams, profesor de Anatomía Clínica en Warwick Medical School UK dijo que Leonardo predijo la revolución las nuevas técnicas de imagen médica. “La precisión anatómica de los dibujos de Leonardo ha sido rara vez superada, y todavía se utilizan para enseñar a los cirujanos y los estudiantes de medicina en la actualidad”.

El turismo mundial crece más

27/08/2013, El turismo internacional supera en 2013 las expectativas de crecimiento. El sudeste asiático está a la cabeza del aumento de viajeros. Europa también mejora.

Madrid, 27 de agosto de 2013

La Organización Mundial del Turismo (OMT), que celebra Asamblea General en el entorno de las Cataratas Victoria [Zambia/Zimbabwe]ha dado a conocer un balance de la primera mitad de 2013, periodo en el que las llegadas de turistas internacionales crecieron un 5 por ciento en comparación con el mismo periodo de 2012, llegándose a los casi 500 millones de viajeros.

El crecimiento estuvo por encima de la predicción formulada a principios de año (entre +3 por ciento y +4 por ciento) y está superando también la tendencia de la previsión a largo plazo que figura en el informe de la OMT Tourism Towards 2030 (El turismo hacia 2030) (+3.8 por ciento al año).

Los destinos turísticos del mundo recibieron en los seis primeros meses de 2013 alrededor de 494 millones de visitantes que pernoctaron, según la edición preliminar del Barómetro OMT del Turismo Mundial difundida con ocasión de la vigésima Asamblea General de la OMT. Estas cifras significan un crecimiento del 5 por ciento o 25 millones de turistas internacionales más que en el mismo periodo de 2012. El crecimiento fue más significativo en los destinos de economías emergentes (+6 por ciento) que en las avanzadas (+4 por ciento), una tendencia que ha caracterizado al sector durante muchos años.

«El hecho de que el turismo internacional creciera por encima de las expectativas confirma que viajar forma parte ya de los patrones de consumo de un número creciente de personas, tanto en las economías emergentes como en las avanzadas», afirmó el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai. «Se pone así de relieve la necesidad de situar al turismo en el lugar que merece como uno de los pilares clave del desarrollo socioeconómico, puesto que es uno de los que más aportan al crecimiento económico, las exportaciones y el empleo».

El primer semestre suele contabilizar normalmente alrededor del 45 por ciento del total de llegadas del año (los meses de temporada alta del hemisferio Norte, julio y agosto, corresponden al segundo semestre). Se espera que el crecimiento continúe en la segunda mitad de 2013, aunque a un ritmo que se ralentizará gradualmente. La OMT prevé que 2013 termine en un 4 por ciento o ligeramente por encima, superando así la estimación inicial para el año.

Asia y el Pacífico destacan

La región de Asia y el Pacífico (+6 por ciento) registró un fuerte crecimiento, protagonizado por el aumento de las llegadas al Sureste Asiático (+12 por ciento), una subregión que mantiene el extraordinario impulso de los últimos años, y Asia Meridional (+7 por ciento).

En Europa , las llegadas de turistas internacionales aumentaron un 5 por ciento, a pesar de la subsistencia de las dificultades económicas. El crecimiento estuvo encabezado por la Europa Central y Oriental (+10 por ciento) y por la Europa Meridional y mediterránea (+6 por ciento).

Las Américas (+2 por ciento) informaron en la primera mitad de 2013 de unos resultados más mediocres en comparación con el vigoroso crecimiento de anteriores años. América Central (+4 por ciento) tuvo resultados mejores que la media de la región, mientras que el número de llegadas se mantuvo constante en el Caribe y América del Sur.

En África (+4 por ciento), el crecimiento de los últimos años se mantuvo durante la primera mitad de 2013 debido a la continua recuperación del Norte de África (+4 por ciento) y a los positivos resultados de los destinos subsaharianos (+4 por ciento).

Oriente Medio se recuperó después de dos años de crecimiento negativo, con un incremento estimado de las llegadas internacionales del 13 por ciento. Sin embargo, los resultados deberían tomarse con precaución, ya que el crecimiento es bastante desigual entre destinos y, además, la evaluación se basa en datos todavía limitados y que solo llegan hasta junio.

El gasto turístico crece

Los mercados emisores de las economías emergentes siguen generando crecimiento en los destinos turísticos de economías emergentes y avanzadas por igual. China (+31 por ciento) y Rusia (+22 por ciento) fueron, de los diez mercados emisores más importantes del mundo, los que lideraron el crecimiento del gasto en viajes al extranjero durante la primera mitad de 2013. Fuera de esos diez, Brasil recupera su impulso con un aumento del 15 por ciento después de un 2012 moderado.

El gasto procedente de mercados tradicionales, por otra parte, fue más modesto. Canadá (+3 por ciento) y Francia (+2 por ciento) lideraron el grupo, seguidos de Estados Unidos, Alemania y el Reino Unido. Japón, Australia e Italia arrojaron cifras negativas.

Van Gogh en 3D

27/08/2013, El Museo Van Gogh, en cooperación con Fujifilm, ha desarrollado una técnica para la fabricación de reproducciones tridimensionales de las obras maestras de Van Gogh.

Hong Kong, 27 de agosto de 2013
Cuando Vincent van Gogh falleció (Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) en medio de la pobreza y la melancolía, no podía imaginarse que poco más de un siglo más tarde, aficionados a la pintura orientales pagarían cifras millonarias por reproducciones "industriales" de sus pinturas.

Estas reproducciones, que se llaman Relievos, son de una calidad excepcional y se asemejan a las obras originales. En la actualidad, la colección Relievo consta de cinco trabajos: almendros en flor (1890), Los girasoles (1889), La cosecha (1888), Campo de trigo bajo nubes de tormenta (1890) y el Boulevard de Clichy (1887). La colección se lanzó en Hong Kong el lunes 15 de julio.

El lanzamiento del producto en Asia muestra una clara finalidad comercial, dado el mercado emergente del arte en el lejano oriente. Los precios de las obras están, en torno a los 20.000 euros, y los ávidos compradores –especialmente chinos- pueden generar una nueva vía de rentabilidad para el Museo Van Gogh y Fujifilm.

La técnica 3D por medio de la cual se producen estas reproducciones, se conoce con el nombre de Reliefography. Esta técnica es una combinación de una exploración tridimensional de la pintura y una impresión profesional, de alta resolución. Los Relievo consiguen una reproducción fiel de la parte delantera de la pintura, así como de la parte de atrás y se presentan enmarcados. Durante el proceso de producción, los expertos tanto de Fujifilm y el Museo Van Gogh siguen de cerca los controles muy rigurosos de calidad. Tamaño, color, brillo y textura se reproducen con la mayor precisión posible en la creación de cada réplica de la pintura original de Van Gogh. El resultado final ha recibido el visto bueno del curador del museo.

El museo Van Gogh tiene la intención de generar ingresos adicionales y como empresa del ámbito de la cultura, intenta hallar nuevos mercados, aprovechando la vanguardia tecnológica, ofreciendo in nuevo producto a los amantes de la pintura de Van Gogh.

El centro insiste también en las posibilidades educativas. Los espectadores serán ahora capaces de llegar cerca de una pintura de Van Gogh, incluso tocarla. Esto abre perspectivas diferentes, entre ellas el uso de las reproducciones en beneficio de las personas ciegas y deficientes visuales, afirma la institución.

El bebé elefante del escuadrón

26/08/2013, En el Parque Nacional Tesso Nilo de Indonesia ha nacido una cría de elefante de Sumatra… pero es un nacimiento especial.

Pekanbaru, Indonesia, 26 de agosto de 2013
... Y es especial, porque la mamá del pequeño elefante forma parte de un escuadrón “Elephant Flying Squad” que se utiliza para resolver los conflictos entre los elefantes y los pobladores locales. El elefante-mama tiene 35 años y estaba embarazada desde hace unos 20/22 meses. Finalmente ha dado a luz al bebé, con 90 kilos de peso.

El elefante de Sumatra es de pequeño tamaño y sus censos están en un deterioro alarmante. En los últimos treinta años su población ha bajado a la mitad. El problema radica en la merma de su hábitat.

Según informa WWF, la madre elefante forma parte del escuadrón de elefantes, integrado por cuatro elefantes de Sumatra adultos y ocho entrenadores, cuya misión consiste en devolver los elefantes a la selva cuando se extravían por las aldeas cercanas o granjas. Al reducirse el hábitat de los elefantes, los animales son más propensos a acudir a los cultivos para conseguir comida, originando el consiguiente enojo de los pobladores.

Este nacimiento es el cuarto que se produce en el escuadrón desde su creación en 2004 por WWF y el Ministerio de Bosques de Indonesia.

El conflicto entre humanos y elefantes es una amenaza para la seguridad de las personas que viven alrededor del parque nacional, y también para los elefantes que viven allí. Tan sólo en este año, tres elefantes han aparecido muertos en Tesso Nilo, y doce fueron matados el año anterior. Se cree que la mayoría fueron envenenados.

“El “Escuadrón Elefante de Rescate” es un modelo exitoso para reducir el conflicto entre las personas y los elefantes de un modo seguro para todos”, afirma Christy Williams, coordinador del programa de rinocerontes y elefantes asiáticos de WWF, quien aspira a establecer más patrullas para evitar muertes innecesarias de elefantes y de personas. “La gente y los elefantes pueden vivir en armonía”, dice.

Hace pocos días, uno de estos escuadrones sacó a un grupo de elefantes de una plantación de té en Assam (India). Una gran manada de elefantes se había extraviado en el centro del campo de cultivo, y fueron retornados a la selva después de la intervención del escuadrón.

Saqueo del Museo Nacional de Malawi en Egipto

26/08/2013, La UNESCO ha divulgado la lista de joyas artísticas robadas este mes de agosto en el Museo Nacional de Malawi en Egipto.

París, 26 de agosto de 2013
El Museo Nacional de Malawi, situado en el Alto Egipto fue saqueado recientemente en los disturbios promovidos por radicales a raíz de la destitución del anterior presidente egipcio. El centro poseía una gran colección de obras, y la UNESCO está ayudando a divulgar el patrimonio saqueado, con objeto de evitar su comercialización y su exportación fuera de Egipto.

El Ministerio de Estado de Antigüedades informó a la UNESCO del saqueo sufrido por el Museo Nacional de Malawi, en la ciudad de Al-Minya el 14 de agosto de 2013, y calificó los daños causados por los saqueadores como catastróficos. La mayor parte de los objetos fueron robados, destruidos o quemados.

Cerca de mil obras de arte y objetos, datando desde el principio de la historia egipcia hasta la época islámica, han desaparecido (monedas, joyas, estatuas, etc.). Según las informaciones disponibles, la gran mayoría de ellos habrían sido robados.

Actualmente la UNESCO trabaja en estrecha colaboración con las autoridades egipcias así como con sus socios (Interpol, OMA, ICOMOS, ICOM, etc.) para luchar, por todos los medios posibles, contra el tráfico ilícito de estos bienes culturales.

Lista de objetos desaparecidos(en árabe):
http://www.unesco.org/culture/en/illicittrafficking/egypt/List-of-stolen%20objects-from-Malawi-Museum-Egypt_2013_ar.pdf

Fotos de objetos del Museo Nacional de Malawi en Egipto, divulgadas por Facebook para evitar el tráfico ilícito de los elementos robados:
https://www.facebook.com/media/set/?set=a.675090315854366.1073741831.648057078557690&type=1

Programación de otoño en la Fundación Mapfre

23/08/2013, La Fundación Mapfre presenta en otoño tres nuevas muestras dedicadas al realismo impresionista italiano, al fotógrafo William Christenberry y a la fotografía, la pintura y la moda en España.

Madrid 23 de agosto de 2013
Del 12 de septiembre de 2013 al 6 de enero de 2014 podrá visitarse en la sala de Recoletos (Paseo de Recoletos, 23), la muestra "Macchiaioli. Realismo Impresionista en Italia", que presenta el desarrollo de uno de los primeros movimientos artísticos de la modernidad.

Los “macchiaioli” se adelantaron al estilo y técnica que utilizarían años después los impresionistas franceses. Entre sus principales protagonistas: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Giovanni Boldini o Carlo Borrani, todos ellos unidos en torno al mecenas y crítico de arte Diego Martelli.

La exposición reúne cerca de 70 pinturas procedentes de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas italianas, entre las que destacan la Galleria d’ Arte Moderna del Palazzo Pitti, la Galleria Nazionale d’ Arte Moderna de Roma, la Galleria d´Arte Moderna de Milán, la Fondazione Musei Civici di Venezia, la Galleria Internazionale d´Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venezia, el Museo Cívico Giovanni Fattori, de Livorno y el Istituto Matteucci de Viareggio, entre otras.

Del 25 de septiembre al 24 de noviembre de 2013, se podrá visitar en la sala Azca (Avenida General Perón, 40), la exposición "William Christenberry", dedicada al fotógrafo estadounidense, creador de un estilo propio que le ha situado entre los principales impulsores de la fotografía en color. Su peculiar visión del paisaje tradicional del Sur de Estados Unidos ha situado a Christenberry entre los fotógrafos más destacados en la historia reciente de la fotografía americana.

William Christenberry (Tuscaloosa, Alabama, 1936) construye a través de sus fotografías un relato del sur americano, de sus paisajes... pero también del lado más oscuro de esa historia americana, marcada por una guerra fratricida, los desequilibrios económicos y los problemas raciales. Christenberry se convierte en un narrador versátil que utiliza otros medios (pintura, dibujo, escultura o instalación) para fijar la memoria de ese paisaje.

Con más de trescientas fotografías y una decena de esculturas, esta exposición dedicada al artista es la más completa realizada hasta la fecha. Además, se muestra una selección de la colección de anuncios y objetos publicitarios que el artista ha ido reuniendo a lo largo de los años, algunos de los cuales se exhiben en su estudio, y que muestran su interés por la cultura popular americana.

Del 4 de octubre de 2013 al 5 de enero de 2014 la muestra "España Contemporánea. Fotografía, pintura y moda", que podrá visitarse en la sala de Recoletos, ofrece un recorrido por la historia de España a través de más de 250 imágenes icónicas y representativas de la identidad del país desde el surgimiento de la fotografía en 1839 hasta la actualidad.

La muestra se completa con una cuidada selección de obras plásticas, así como piezas de otras disciplinas como la moda y la publicidad que, por su indiscutible relación con algunas de las fotografías y temas que integran el proyecto, contribuyen a potenciar el discurso histórico-artístico de la exposición.

Persiguiendo al lobo ibérico

23/08/2013, Ecologistas en Acción 

apuesta por la conservación del lobo ibérico, una especie que si hoy no preservamos acabará desapareciendo de nuestro ecosistema.

Santander, 23 de agosto de 2013
El lobo ibérico (Canis lupus signatus) ha pasado de ser una de las especies más ampliamente distribuidas en la península, a convertirse en una de las más amenazadas. Actualmente en los montes de toda Espańa se realizan batidas indiscriminadas que están reduciendo sin control el número de ejemplares que habitan la región. Estas cacerías se realizan incluso en espacios naturales protegidos, los últimos reductos seminaturales, y en los que el lobo debería de ser respetado.

Estas batidas contra una especie única en Europa responden a demandas de ciertos sectores ganaderos, y no a criterios racionales. La ganadería moderna ha evolucionado a tener el ganado sin control en los montes públicos queriendo eliminar la fauna salvaje por ser una potencial amenaza. Eso no es un desarrollo sostenible con el medio natural.

Para conservar esta especie se debe terminar con las subastas de permisos de caza, perseguir el furtivismo, los métodos ilegales de caza, y declarar el lobo “especie estrictamente protegida”. Se necesita restaurar su hábitat natural, desarrollar campańas de sensibilización entre la población rural y garantizar el cobro de las indemnizaciones a los ganaderos que sufran dańos causados por la predación de los lobos.

Existen alternativas para evitar las bajas por lobo. La solución no es dar muerte a este animal, es aprender a convivir con su presencia, antes de que sea demasiado tarde.

Más información en: Ecologistas en Acción

Dalí hasta las once

22/08/2013, A dos semanas de su clausura, y debido al éxito de asistencia, el Museo Reina Sofía amplía el horario para visitar la muestra Dalí hasta las once de la noche.

Madrid, 22 de agosto de 2013
La gran afluencia de público ha sido el motivo principal por el que la institución ha decidió ampliar dos horas el horario, con la intención de que la exposición, que reúne más de 200 obras de arte de Dalí, pueda ser visitada por todo aquel que quiera conocer un poco más a fondo la producción artística del catalán.

Durante las próximas dos semanas, el Museo estará abierto hasta las once de la noche, y los días 30 y 31, hasta la una de la madrugada, a excepción del domingo en que se mantiene el horario de cierre habitual, a las siete de la tarde.

Además, los dos últimos días del mes de agosto, se proyectará el maratón "Delirio final. Dalí audiovisual", que permite recorrer la producción audiovisual de Salvador Dalí, y en el que se podrán ver piezas de cine, documentales, happenings y anuncios relacionados con la figura del artista.

Este ciclo, que se proyectará en el auditorio Sabatini de manera ininterrumpida, pone de relieve la importancia de Salvador Dalí a la hora de crear un nuevo concepto del papel del artista moderno dentro de la cultura de masas.

Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas

Del 27 de abril al 2 de septiembre de 2013
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Ronda de Atocha (esquina plaza del Emperador Carlos V), Madrid

Retratos de Julia Margaret Cameron

22/08/2013, El Museo Metropolitano de Nueva York presenta una muestra dedicada a una de las primeras maestras de la fotografía, Julia Margaret Cameron.

Nueva York, 22 de agosto de 2013
Hasta el 5 de enero de 2014 se podrá disfrutar en el MET de la muestra "Retratos de Julia Margaret Cameron", una de las más grandes retratistas de la historia de la fotografía. Julia Margaret Cameron (1815-1879) mezcló una técnica poco ortodoxa, una sensibilidad profundamente espiritual, y una estética prerrafaelita para crear una galería de retratos que se convertirían en un espejo del alma Victoriana de la época.

Esta es la primera exposición del museo dedicada a la obra de Cameron. En ella, el visitante podrá contemplar 35 obras pertenencientes a la colección del Metropolitan, y que incluyen las principales obras de la Colección Rubel adquirida en 1997 y la Colección Gilman adquirida en 2005.

Cuando recibió su primera cámara en diciembre de 1863 como un regalo de Navidad de su hija, Cameron tenía 48 años. Madre de seis hijos y profundamente religiosa, Cameron se sumergió de golpe en el mundo de la fotografía: "Desde el primer momento he manejado mi objetivo con un ardor tierno", escribió, "Se ha convertido para mí en un ser vivo, con voz, memoria y vigor creativo".

La exposición cuenta con obras de arte de cada una de sus tres partes principales de trabajo: Retratos masculinos, que incluyen retratos de poetas como Alfred Lord Tennyson, científicos como Sir John Herschel, y filósofos como Thomas Carlyle; Retratos femeninos, que incluyen también imágenes de vecinas o incluso del personal de la casa; y Fotografías de grupo como su representación del Rey Lear y sus hijas.

Record turístico en España

22/08/2013, La inestabilidad de distintos países, singularmente los del Mediterráneo oriental, han facilitado que España alcance este verano un número inusual de visitantes extranjeros.

Madrid, 22 de agosto de 2013
El turismo español no pasa por buenos momentos. La crisis económica hace que los españoles viajes menos y sean más cautos en el gasto. Ese deterioro del sector turístico se ha cubierto en parte con los mejores datos de viajeros foráneos.

España recibió el pasado mes de julio 7.875.997 turistas internacionales, un 2,9 por ciento más que en el mismo mes de 2012. Esta cifra constituye un máximo histórico, según la encuesta de Movimientos Turísticos que elabora el Instituto de Estudios Turísticos (Ministerio de Industria, Energía y Turismo).

Los países nórdicos, Reino Unido y Rusia fueron los principales responsables del crecimiento del mes. Andalucía y Cataluña son los destinos turísticos más beneficiados, como consecuencia del aumento registrado. El atractivo de Madrid sigue en caída.

Hasta julio de este año, más de 34 millones de turistas internacionales han visitado España, un 3,9 por ciento más que en el mismo periodo de 2012, lo que supone el mejor registro histórico tras superar los 33,6 millones de visitantes recibidos en el mismo periodo durante 2008.

En términos absolutos, los turistas británicos y los alemanes fueron los principales responsables del incremento entre enero y julio de 2013. También el mercado ruso volvió a experimentar una fuerte tasa de crecimiento (30,6 por ciento) para el periodo considerado.

Principales mercados emisores
Reino Unido ha vuelto a ser el mercado que más ha contribuido al aumento de la llegada de turistas a España en julio, con el 23,2 por ciento del total. Andalucía y la Comunidad Valenciana han sido sus principales beneficiadas.

La llegada de turistas franceses aumentó en julio un 2,2 por ciento, hasta alcanzar 1.269.607 turistas, lo que coloca a este mercado como el segundo país emisor del mes tras su noveno mes consecutivo de alzas. Este positivo resultado se concentra fundamentalmente en Cataluña.

Alemania ha permanecido estable en julio con un incremento del 0,1 por ciento. Los turistas de los países nórdicos volvieron a registrar un fuerte aumento del 26,5 por ciento en julio, y se acumulan 15 meses de subida continuada. Italia continúa en términos negativos tanto en julio como en el acumulado del año, y del resto de mercados destaca el ruso con un aumento del 30,6 por ciento para los siete primeros meses del año y un total de 838.876 turistas de esa nacionalidad.

Frente a la potencia turística de Cataluña y Andalucía, la Comunidad de Madrid decrece un 10,7 por ciento, encadenando tres meses de caídas. Es el mercado italiano el mayor artífice de la caída. Franceses y latinoamericanos también disminuyen. Únicamente aumenta la presencia de estadounidenses. Desde enero, Madrid ha recibido a 2,8 millones de turistas, un 5,7 por ciento menos que en el mismo periodo del año anterior.

Entre las tendencia, destacar que el alojamiento no hotelero crece con fuerza. En el periodo enero a julio, el alojamiento hotelero marca un crecimiento del 1,6 por ciento mientras que el no hotelero aumenta un 8,6 por ciento.

Fuertes de las colinas del Rajastán

21/08/2013, Fuertes de las colinas del Rajastán (India) es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

21 de agosto de 2013
Según informa la UNESCO, este sitio Situado en el Estado de Rajastán está integrado por una serie de componentes y comprende seis fuertes majestuosos, cuyo perímetro de circunvalación llega a medir hasta 20 km en algunos casos.

El eclecticismo arquitectónico de estas construcciones militares constituye un testimonio del poderío los estados señoriales de los rajás que prosperaron en la región del Rajput entre los siglos VIII y XVIII.

Dentro de sus recintos amurallados hay núcleos urbanos importantes, palacios, centros comerciales, diversos edificios y templos que con frecuencia fueron construidos antes de la edificación de las fortificaciones y que, al amparo de éstas, contribuyeron a la creación y el desarrollo de una cultura cortesana, base del fomento de la enseñanza, la música y las artes.

Algunos de los núcleos urbanos cercados por las fortificaciones han perdurado hasta nuestros días y en ellos se encuentran muchos de los templos y edificios religiosos del sitio.

Para la construcción de los fuertes se aprovecharon las defensas naturales ofrecidas por los cerros, ríos, desiertos y bosques frondosos. Hoy en día, se siguen utilizando todavía las grandes estructuras de captación de agua creadas para el abastecimiento de estas construcciones militares.

Expolios de yacimientos ibéricos

20/08/2013, Los yacimientos arqueológicos de Aragón son sumamente atractivos… y sumamente esquilmados por cazatesoros. Ahora, acaba de ser descubierto otra historia de expolios.

Zaragoza, 20 de agosto de 2013
En la provincia de Zaragoza, la Guardia Civil en el transcurso de una operación bautizada como HELMET II, ha detenido a una persona y ha recuperado más de 2.000 objetos arqueológicos entre los que se encuentran restos de un casco celtibérico, puntas de lanza y de flecha, espadas, monedas, cerámicas, etc. todo ello de gran valor histórico, presumiblemente procedente de expolios en yacimientos de Aragón y zonas limítrofes.

La investigación, es continuación de la Operación HELMET I, iniciada en el mes de marzo de este año, tras conocerse que varios cascos celtibéricos (de los siglos IV y II a.C.), presumiblemente procedentes de expolio en el yacimiento de la ciudad celtibérica de Arátikos, ubicado en la localidad de Aranda de Moncayo (Zaragoza), se pretendían subastar en Alemania.

Tras la paralización de la subasta a petición de las autoridades españolas, la Guardia Civil recuperó más de 4.000 piezas arqueológicas pertenecientes a diversas culturas, especialmente del periodo celtíbero, entre los que destacaban joyas y otras piezas propias de los enterramientos de los guerreros de la época, deteniéndose en aquella ocasión a una persona que durante 15 años había estado expoliando yacimientos arqueológicos.

Ahora, tras el análisis de la documentación intervenida en la primera fase de la operación, los agentes han detenido en Zaragoza a otra persona relacionada con estos hechos, que igualmente tenía en su poder más de 2.000 objetos arqueológicos, presumiblemente procedentes de expolios.

En los registros practicados en una ebanistería y en dos domicilios se ha intervenido también gran cantidad de mapas cartográficos sobre zonas o yacimientos arqueológicos.

Las fuentes de la Guardia Civil recuerdan tras esta detención que la Ley 16/85 de Patrimonio Histórico Español, prohíbe expresamente la búsqueda, sin autorización, de restos arqueológicos, destacando que si estos fueran hallados de forma casual, deben ser entregados a la administración.

La UNESCO teme por el patrimonio de Egipto

20/08/2013, La directora General de la UNESCO, Irina Bokova, expresó su profunda preocupación por los daños al patrimonio cultural egipcio, tras los informes de saqueos en centros culturales y religiosos.

París, 20 de agosto de 2013

Recientemente se ha dado cuenta en los medios informativos de los disturbios sangrientos en este país, así como el saqueo del Museo Nacional Malawi de la ciudad de Minya, en el Alto Egipto y la destrucción de varios edificios religiosos, tanto iglesias como mezquitas, en el Alto Egipto, Fayum y El Cairo.

La directora de la UNESCO declaró que condena enérgicamente “los ataques contra las instituciones culturales y el saqueo de bienes culturales (...…) porque es un daño irreversible a la historia y la identidad del pueblo egipcio".

Irina Bokova instó a las autoridades egipcias que garanticen la protección y la integridad de los museos, sitios históricos y monumentos, entre ellos religiosos. También pidió a las autoridades egipcias que controlen el tráfico de bienes robados como los del Museo Nacional de Malawi.

La responsable de la UNESCO recordó que la organización está dispuesta a prestar asistencia técnica en esta esfera y a movilizar a las organizaciones asociadas a la Convención de 1970 contra el tráfico ilícito de bienes culturales, incluidas ICOM, ICOMOS, INTERPOL y la Organización Mundial de Aduanas.

"El patrimonio cultural único de Egipto no es sólo una herencia del pasado, lo que refleja su historia rica y diversa; también es un legado para las generaciones futuras y su destrucción socava los cimientos de la sociedad egipcia" dijo Irina Bokova.

Los conflictos religiosos, sociales y bélicos siempre son aprovechados por gentes sin escrúpulos para el saqueo del arte. La guerra de Irak, los conflictos de Siria o Mali nos han dado ejemplos deplorables en este sentido. Se destruye y se roba. El tráfico ilícito de bienes culturales ocupa el tercer lugar entre las actividades criminales mundiales tras el tráfico de drogas y el de armas, según fuentes de la UNESCO.

Seguridad en vacaciones

19/08/2013, Más de la mitad de los ciudadanos españoles temen la posibilidad de ser víctimas de atracos en las zonas turísticas y comerciales durante la época estival.

Madrid, 19 de agosto de 2013
Según los resultados del “Estudio de Seguridad Ciudadana” realizado por la empresa de seguridad Tyco IF&S, más del 40% de los encuestados percibe la seguridad en zonas turísticas y comerciales de Espańa como ‘regular’, mientras que el 39,4% opina que es ‘mala’ o ‘muy mala’.

Esta desconfianza viene motivada principalmente por los robos, atracos y tirones (en el 51% de los casos), la sustracción de objetos del vehículo en los aparcamientos (32,3%) y la presencia de personas sospechosas o intimidatorias (31,3%) en estos entornos.

Los catalanes son los que muestran una menor confianza en la seguridad de las zonas de interés turístico y comercial, les siguen los madrileńos y los andaluces.

Entre las medidas de seguridad más reclamadas por los ciudadanos para incrementar la seguridad destacan la incrementación de personal de seguridad (con un 74,1%), la instalación de cámaras de video-vigilancia (un 49,0%) y una mejor iluminación en las zonas (43,2%).

El Pinacate y Gran Desierto de Altar

19/08/2013, La Reserva de biosfera “El Pinacate y Gran Desierto de Altar” (México) es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Según informa la UNESCO, las 714.566 hectáreas de este sitio abarcan dos partes distintas: al este, el escudo del volcán inactivo El Pinacate, formado por pavimentos desérticos y corrientes de lavas negras y rojas; y al oeste, el Gran Desierto de Altar con sus dunas vivas de formas variadas que llegan a alcanzar una altura 200 metros.

El paisaje del sitio ofrece un espectacular contraste entre las formaciones de dunas lineales, parabólicas y estrelladas, y una serie de macizos graníticos de hasta 650 metros de altura que emergen como islas del mar de arena circundante.

El desierto de Altar alberga además una gran diversidad de plantas y especies animales silvestres, entre las que figuran algunos especímenes de peces de agua dulce y el berrendo mexicano, una especie endémica de antílope que se cría solamente en el noroeste de Sonora y el sudoeste de Arizona (Estados Unidos).

La presencia de diez cráteres profundos de dimensiones gigantescas y de forma circular casi perfecta, formados al parecer por una sucesión de erupciones y derrumbamientos, realza la espectacular belleza de este sitio, que ofrece un enorme interés científico debido a la combinación de todas esas características excepcionales.

… Y apareció el Olinguito

16/08/2013, Científicos del Smithsonian descubren una nueva especie de carnívoro, el olinguito, recluido en ámbitos montañosos de Colombia y Ecuador.

Washington, 16 de agosto de 2013
Según informaciones del Smithsonian este escurridizo habitante de los bosques andinos neblinosos ya había sido visto en su hábitat natural, y sus huesos habían pasado a las colecciones de los museos; incluso había sido exhibido en zoológicos de todo el mundo, pero hasta ahora se había presentado con una identidad errónea.

Un equipo de científicos del instituto norteamericano descubrió especímenes de este notable animal que habían sido pasados por alto en museos y emprendió una travesía desde los gabinetes de museos en Chicago hasta los bosques de neblina en Sudamérica y los laboratorios genéticos en Washington D.C. El resultado, la identificación del mismo como el olinguito (Bassaricyon neblina), la primera especie de carnívoro que se descubre en el continente americano en 35 años.

El descubrimiento del equipo está publicado en la edición del 15 de agosto de la revista ZooKeys.

El olinguito parece un cruce entre un gato doméstico y un osito. Es el miembro científicamente documentado más reciente de la familia Procyonidae, que comparte con los mapaches, coatíes, kinkajúes y olingos. El olinguito, que pesa 2 libras y tiene ojos grandes y un pelaje marrón rojizo, es endémico de los bosques de neblina de Colombia y Ecuador, tal como lo sugiere su nombre científico “neblina”. Además de ser el miembro más reciente de su familia en ser descrito, otra particularidad del olinguito es que se trata de la especie más nueva de la orden Carnívora; un descubrimiento extremadamente infrecuente en el siglo XXI.

“El descubrimiento del olinguito nos demuestra que el mundo todavía no ha sido explorado por completo; sus secretos más básicos no han sido revelados aún”, dijo Kristofer Helgen, curador de mamíferos en el Museo Nacional de Historia Natural del Smithsonian y líder del equipo que informó el descubrimiento.

Sin embargo, la datación del hallazgo ha durado una década y fue resultado de otro trabajo: la realización del primer estudio exhaustivo de los olingos, que son varias especies de carnívoros arborícolas del género Bassaricyon.

El equipo de Kristofer Helgen buscaba descifrar cómo reconocer varias especies de olingos y cuál es su distribución, cuestiones que habían sido poco claras para los científicos durante mucho tiempo. Sorpresivamente, gracias al análisis detallado de más del 95% de los especímenes de olingo existentes en los museos de todo el mundo, las pruebas de ADN y la revisión de datos de campo históricos, el equipo reveló la existencia del olinguito, una especie jamás descrita.

Helgen encontró la primera pista en los dientes y el cráneo del olinguito, que eran más pequeños y tenían una forma diferente de los de los olingos. El análisis de las pieles en los museos reveló que esta especie nueva era además más pequeña en general y con un pelaje más largo y denso. Los registros de campo indicaron que se encuentra en un área muy específica de los Andes norteños entre 5,000 y 9,000 pies sobre el nivel del mar, altitudes mucho mayores que las de las especies conocidas de olingos.

Para ver al animal se creó una expedición que recorrió durante de tres semanas espacios boscosos de los Andes, y que lo localizaron en varias ocasiones. Los científicos descubrieron que el olinguito está activo principalmente de noche, es principalmente frugívoro y rara vez baja de los árboles.

Además de sus rasgos físicos y comportamiento, el equipo tomó especial nota del hábitat del bosque de neblina andino, que está gravemente amenazado por el desarrollo humano. El equipo estimó que el 42% del hábitat histórico del olinguito ya ha sido transformado en áreas urbanas o agrícolas.

Ahora se sabe que al menos un olinguito de Colombia fue exhibido en varios zoológicos de los Estados Unidos en las décadas de 1960 y 1970 y que en 1920, un zoólogo de Nueva York consideró tan inusual a un espécimen de olinguito de un museo que pensó que podía tratarse de una especie nueva, pero nunca avanzó con la publicación del descubrimiento.

Ahora, el olinguito ya tiene identidad.

http://www.mnh.si.edu/

Claves para el crecimiento turístico en España

15/08/2013, Adaptarse a la demanda extranjera con propuestas diversificadas y conocer mejor al turista internacional son algunas de las claves para que el turismo español pueda salir de la crisis con fuerza.

Madrid, 15 de agosto de 2013
El Profesor de Economía Turística de la Escuela Vatel España, Jean François Koster, ha hecho una radiografía de la situación del país de cara a la implementación de los diferentes productos y mercados emisores necesarios para potenciar un sector como el turismo.

Según Koster, “El turismo en España funciona a dos velocidades”, por un lado se encuentran los turistas nacionales que se mueven por los destinos autóctonos, y por otro los turistas internacionales que visitan el país. “Los segundos tienen mayor nivel adquisitivo, y por lo tanto gastan más. Esa demanda es la que hay que trabajar sin descuidar a los nacionales. El gran reto es transmitir una imagen turística dinámica, renovada y diversificada que se adapte al nuevo perfil multiconsumidor del turista, tanto nacional como extranjero”.

“Hay que vender la idea de que existen varias Españas que responden a los gustos de los distintos consumidores turísticos y a una realidad de diversidad de recursos”. La España de la cultura, del patrimonio histórico-artístico (parte de ello Patrimonio de la Humanidad), de las tradiciones (folklóricas y religiosas), de la gastronomía, de los balnearios, de la naturaleza (montaña, costa, parques nacionales y naturales así como reservas de la biosfera, etc.) así como del turismo activo, del turismo idiomático (por ejemplo Salamanca) y del turismo de negocios, señala el profesor.

Como conclusión, Koster señala como claves para el crecimiento turístico de España, mejorar la atención al turista internacional (hablando su idioma) y el conocimiento de las culturas y nacionalidades que visitan España; potenciar el turismo de negocios; y apostar por mercados adecuados para España.

“España tiene que aprovechar la oportunidad de que el Turismo represente el impulsor del crecimiento de su economía. La potenciación del Turismo puede representar en gran parte un remedio anticrisis” finaliza Koster.

Parque Nacional Tayiko

15/08/2013, El Parque Nacional Tayiko – Cordillera del Pamir (Tayikistán) es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Tayikistán, 15 de agosto de 2013
Este sitio montañoso y poco poblado abarca una superficie de 2,5 millones de hectáreas y está situado al este del Tayikistán, en el centro del llamado “Nudo del Pamir”, lugar donde convergen las cadenas de montañas más altas del continente eurasiático.

En la parte oriental del sitio abundan los altiplanos, mientras que en la occidental predominan las montañas escarpadas que a veces sobrepasan los 7.000 metros de altura.

Las variaciones estacionales de la temperatura son extremas. El sitio cuenta con 170 ríos, más de 400 lagos y 1.085 glaciares alpinos, entre los que figura el más largo de los situados fuera de las regiones polares.

En el Parque crecen especies florales del Asia Sudoccidental y Central y viven especímenes raros de aves y mamíferos en peligro de extinción a nivel nacional, como el argali o carnero de Marco Polo, la onza o leopardo de las nieves y la cabra montesa siberiana.

Sacudido por terremotos frecuentes, el Parque, que no se ha visto prácticamente afectado por las actividades agrícolas y los asentamientos humanos, ofrece posibilidades excepcionales para estudiar fenómenos vinculados a la tectónica de placas como la subducción continental.

Guía de La Coruña

14/08/2013, Con el faro más antiguo del mundo y en funcionamiento -la Torre de Hércules- La Coruña es una ciudad gallega de indudable interés, propicia para el turismo y la gastronomía.

La Coruña, 14 de agosto de 2013

En guiarte.com puedes hallar la guía de esta ciudad del noroeste español, al lado del Atlántico, con gran riqueza histórica, monumental y paisajística, en la que se unen modernidad y tradición, en espacios urbanos en los que destacan sencillos monumentos y una armónica teoría de fachadas acristaladas que le ha dado fama.

La ciudad entró en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO por la Torre de Hércules, faro e icono de La Coruña. Su origen arranca en el siglo I de nuestra era, cuando los romanos lo construyeron con el nombre de Farum Brigantium. Tiene 55 metros de altura y se alza sobre una roca de 57 metros de altura.

En la península que rodea a la torre se muestran numerosas obras de arte;la mayoría de textura granítica- que contribuyen a realzar el monumento y a exponer una serie de perspectivas llenas de belleza.

Este vestigio histórico y el elenco de viejos templos y recintos defensivos se complementan con La Domus, edificio del arquitecto japonés Arata Isozaki, de fachada lineal y estructura de pizarra y granito, que nos acerca hacia el propio ser humano y su evolución.

Pero en la ciudad también destaca el esplendor de las construcciones de galerías acristaladas del Paseo de la Marina y una vida rica en gastronomía y actividad mercantil.

Por si fuera poco... muy cerca, a poco más de sesenta kilómetros, está Santiago de Compostela. Es autor de esta guía el Periodista y escritor Tomás Alvarez.

Guía de La Coruña: http://www.guiarte.com/la-coruna/

American modern: de Hopper a O´Keeffe

14/08/2013, El Museo de Arte Moderno de Nueva York propone a través de esta exposición un estudio de la producción artística americana de la primera mitad del siglo XX.

Nueva York, 14 de agosto de 2013
El Museo de Arte Moderno propone una nueva mirada a los fondos de arte americano realizados entre 1915 y 1950, y un análisis de las preocupaciones culturales de la sociedad estadounidense de la primera mitad del siglo XX, un período de transformación radical que se manifiesta en una variedad de estilos visuales, movimientos artísticos y visiones personales.

American modern incluye pinturas, dibujos, grabados, fotografías y esculturas de más de 50 artistas, y reúne algunas de las obras maestras más célebres del Museo, que incluyen obras de Charles Burchfield, Stuart Davis, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe, Charles Sheeler, Florine Stettheimer, Alfred Stieglitz, y Andrew Wyeth.

La selección de más de 100 obras se organiza temáticamente, representando temas como los paisajes urbanos y rurales, escenas de la industria, las composiciones de naturalezas muertas y retratos. Esta mirada se centra en obras maestras del arte americano, que a principios del siglo XX experimentó el choque entre las realidades urbanas de una sociedad que se modernizaba rápidamente y la nostalgia de un paisaje idealizado y una forma antigua de vida basada en la vida en zonas rurales tradiciones.

American modern: de Hopper a O'Keeffe
Del 17 de agosto de 2013 al 26 de enero de 2014
Museum of Modern Art, MoMA
11 West 53 Street, Nueva York

Guías para la translocación

13/08/2013, El cambio climático y el avance de las actividades humanas hará que cada vez haya que recurrir más a la translocación para salvar especies, admite el último trabajo de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, UICN).

Gland(Suiza) 13 de agosto de 2013

La translocación consiste en la introducción de una especie en un hábitat en el que no se hallaba, y es una estrategia que se ha emprendido para evitar desapariciones de animales en situación crítica, creando unas nuevas poblaciones que luego se vuelven a su medio natural.

La nueva publicación de la UICN da pautas sobre los movimientos deliberados de plantas y animales con fines de conservación en el mundo. Basada en 30 años de experiencias y reintroducciones pioneras como el órix u órice de Arabia (Oryx leucoryx) en Omán, el tamarino león dorado (Leontopithecus rosalia) en Brasil y el lobo rojo (Canis rufus) en los EE.UU., esta publicación es una guía para el tratamiento de las especies en casos de translocación.

El del órix es un ejemplo emblemático. Abundante hace un siglo en la Península Arábiga y el Sinaí, su caza brutal (hasta con aviones) hizo que hacia 1960 desapareciera …sólo quedaban algunos animales en los zoológicos. A partir de estos se reconstruyeron algunos rebaños. En los años ochenta se pudo reintroducir finalmente en su territorio original.

El nuevo texto ha sido publicado por el Grupo Especialista en Reintroducción (RSG) y el Grupo de Especialistas en Especies Invasoras (ISSG) de la Comisión de Supervivencia de Especies de la UICN (CSE). Su título es Guidelines for Reintroductions and Other Conservation Translocations, explora los aspectos biológicos, sociales y políticos de la translocación de especies y proporciona un punto de partida para la evaluación de riesgos y estudios de viabilidad. El fin de la publicación es que mediante la incorporación de estas directrices en las estrategias de conservación, los conservacionistas sean cada vez más efectivos para intervenir y salvar a las especies, en caso de que las situaciones críticas requieran medidas de este tipo.

Según señala la UICN, los seres humanos han cambiado los organismos de unos lugares a otros durante milenios, lo que ha generado beneficios para la humanidad, pero en algunos casos ha generado impactos desastrosos. La mayoría de las especies exóticas invasoras son el resultado de los movimientos no relacionados con la conservación, y en algunos casos las especies invasoras han sido introducidas debido a los esfuerzos de conservación equivocados. El castor canadiense (Castor canadensis), por ejemplo, se mezcló con el castor de Eurasia (Castor fiber) ahora casi extinto y el sapo de caña (Rhinella marina) se llevó a Australia para controlar las plagas de la caña de azúcar, pero ha causado gran destrucción ecológica en todo el país.

Cualquier translocación conservación debe estar justificada, con el desarrollo de objetivos claros, la identificación y la evaluación de los riesgos y de las medidas de rendimiento. La translocación se considera generalmente como un último recurso por los conservacionistas, cuando la biodiversidad se enfrenta a las incesantes amenazas de pérdida de hábitat, las especies invasoras y el cambio climático. En esta situación de emergencia se cree que este tipo de intervención de conservación se hará más frecuente en todo el mundo.

Las directrices se pueden descargar en el siguiente enlace: http://ow.ly/mRgRG

WWF en el Mar de Laptev

13/08/2013, WWF (World Wildlife Fund) organiza este mes de agosto una expedición al Mar de Laptev, en Siberia, para conocer la situación de las comunidades de animales que allí existen.

Siberia, 13 de agosto de 2013
Cada verano la cantidad de hielo en el Ártico disminuye. Un hielo de vital importancia para un gran grupo de animales, desde los pequeños camarones hasta las grandes ballenas de Groenlandia, y por supuesto, para los habitantes locales.

Conforme el hielo desaparece, los medios de vida de los habitantes del Ártico se transforman. Las culturas árticas han basado su dieta tradicionalmente en la abundancia estacional de los animales que viven en y alrededor del hielo. por desgracia, son muchas las especies que con el cambio de las condiciones climáticas, se ven obligadas a cambiar sus hábitos, pero no todas consiguen adaptarse.

WWF International está organizando la expedición (del 13 al 26 de agosto) a la Península de Taimyr en el Mar de Laptev, una de las áreas menos exploradas del Ártico ruso. Uno de los objetivos de la investigación es determinar, mediante la recolección del material genético, si existen poblaciones genéticamente diferentes en el Mar de Laptev de morsas y osos polares, o si los animales que se encuentran en el Mar de Laptev tienen relaciones con una o varias de las poblaciones adyacentes. La respuesta a esta cuestión permitirá el desarrollo de sistemas de monitorización eficientes para ambas especies y ayuradá a tomar las acciones necesarias para su protección.

Esta es la segunda expedición de WWF al Ártico en 12 meses, tras el éxito de la expedición de investigación denominada ‘Sailing to Siku – Voyage to the Last Ice Area’ (Navegando a Siku – Viaje a la Última Zona Helada), durante el verano de 2012.

Museo de la Trashumancia

12/08/2013, En el norte de la provincia de León, en el municipio de Cabrillanes, se halla Torre de Babia, una pequeña localidad enclavada en un paisaje espectacular, donde funciona desde hace escaso tiempo un museo etnográfico dedicado a la trashumancia.

Torre de Babia (León), 12 de agosto de 2013

El lugar se distribuye a ambos lados del arroyo de Torre, de forma longitudinal, en un valle lleno de hermosura que se va estrechando, para luego abrirse de nuevo, presentando al viajero magníficos espacios naturales, con excelentes pastizales para la ganadería. El lugar lleva el nombre de Torre por los restos de una pequeña fortaleza que se halla en el norte de la trama urbana, y que seguramente servía para el control de los accesos a los puertos de la cordillera.

La trashumancia era el sistema de explotación pastoril que en el caso de los territorios leoneses, complementaba la explotación de los grandes pastizales del norte con los extremeños, para lo cual los rebaños realizaban las correspondientes migraciones anuales a lo largo de las cañadas reales.

Torre de Babia, la localidad en la que se ubica el museo, tiene indudable riqueza pastoril. En el Catastro del Marques de la Ensenada, realizado en 1752, se presenta una amplísima relación de pastos de todas las calidades en su gran término local. Era un tiempo en el que había en el lugar 36 vecinos que ocupaban 48 edificaciones, La producciones eran principalmente ganaderas: vacuno, caballar, mulas, asnos, ovejas, cabras y cerdos. En el texto se comprueba la riqueza que producía esta gran cabaña: leche, terneros y corderos, carne, lana…

Esa riqueza del lugar, basada en la ganadería, se constata perfectamente en la serie de casas del lugar, de notable calidad, en una de las cuales, de planta alta, se alberga el Museo Etnográfico y de la Trashumancia “Torre de Babia”.

Este centro es una iniciativa debida a Isaac Álvarez, un médico natural de la comarca, quien ha querido conservar la memoria de sus ancestros y salvar del olvido a la rica etnografía babiana. En el edificio, que ha renovado totalmente, se presentan elementos tales como las vestimentas y aperos de los pastores, mapas, textos, utensilios para hacer el queso, los del esquileo, los del transporte...

El centro abre a determinadas horas durante los meses de julio a septiembre y el propio Isaac Álvarez no duda en explicar a los visitantes los magníficos contenidos de esta colección, que supera las 3.000 piezas, entre las cuales hay elementos tan desconocidos como un “chozuelo” portátil para el pastor, viejas fotografías de personajes y hasta un bello cuadro de Vela Zanetti, de temática pastoril.

En el centro se presentan también exposiciones monográficas. En la actualidad (2013) se presenta un conjunto interesante de "carrancas" de los mastines.

El mastín leonés era el perro que utilizaban los pastores, famoso por su lealtad y poderío. El principal enemigo de los rebaños eran los lobos, a los que se enfrentaba con asiduidad. Estos atacaban a los perros hincando sus dientes en la garganta, para procurarles la muerte. Con el fin de proteger la garganta de los mastines de la dentellada del lobo, los pastores les colocaban unos espectaculares collares provistos de grandes pinchos. En el centro de Torre de Babia se presenta una gran colección de las mismas.

Tal vez por el gran contenido de la exposición, los elementos aparecen un tanto "acumulados" en las dos plantas de la exhibición, por lo que es recomendable hacer la visita sin prisas, si se quieren ver realmente los contenidos.

Torre de Babia es una localidad ubicada a 1300 metros de altitud y su término local supera en algunos puntos los 2.100 metros de altitud. La climatología es muy dura en invierno, por lo que el museo sólo está abierto en los momentos de clima bonancible.

Extremadura acuática

12/08/2013, Desde turismoextremadura.com proponen al turista mil y una formas refrescantes de disfrutar de este verano.

Badajoz, 12 de agosto de 2013
Extremadura es un destino perfecto para disfrutar de deportes náuticos, piscinas naturales, pantanos, arroyos, cruceros fluviales o descensos por ríos como el Alagón.

Además, la Comunidad Autónoma, con más de 1.500 kilómetros de costa de agua dulce, es la primera con el prestigioso distintivo de Bandera Azul otorgado a una playa fluvial, la de Orellana.

Algunas de las opciones son:

Piscinas naturales
Comenzando por una de las joyas del Valle del Jerte, la Reserva Natural Garganta de los Infiernos, en la provincia de Cáceres, conocida como Los Pilones, debido a las erosiones en las rocas que han generado durante siglos una suerte de bañeras naturales llenas del agua cristalina que baja de la Sierra de Gredos.

Las propuestas de piscinas naturales, pozas, cascadas, arroyos y gargantas de agua en Extremadura comprenden más de 60 atractivas zonas de baño, algunas escondidas entre montañas y otras abiertas y accesibles desde los pueblos de la zona.

La Vera, el Jerte, el Ambroz, Las Hurdes y Gata son las comarcas cacereñas que más de estos rincones atesoran, mientras que en Badajoz se puede disfrutar de ellas en La Siberia o Don Benito.

Orellana
Esta playa fluvial en plena dehesa extremeña consigue, desde 2010, una Bandera Azul gracias a la calidad de sus aguas y su espacio protegido.

Ubicada en la comarca de La Serena, en Badajoz, la playa de Orellana ofrece la posibilidad de bañarse entre olas de agua dulce y cuenta con chiringuito, un pequeño puerto deportivo y socorristas.

El embalse de Alqueva
Hasta el próximo 14 de Septiembre se celebra en las localidades pacenses de Cheles, Villanueva del Fresno, Olivenza, Táliga y Alconchel el ciclo de actividades ‘Aventuras acuáticas en Alqueva’, todas ellas relacionadas con el gran lago de Alqueva.

Entre estas actividades destacan el paseo en velero y observación de estrellas, el safari fotográfico en kayak, la multiaventura con actividades en tierra y agua y el descenso en piraguas.

Navegar por el Tajo
Un total de 50.000 hectáreas de espacio protegido, 47 especies de mamíferos y 181 de aves, son solo algunas de las cifras que justifican una visita al Parque Natural del Tajo Internacional, un proyecto conjunto de España y Portugal que espera ser reconocido en el futuro como Reserva de la Biosfera.

A bordo de un crucero fluvial. ‘El Balcón del Tajo’, los turistas podrán disfrutar de una fantástica gastronomía, patrimonio artístico, rutas turísticas y fantásticas postales de paisajes.

Descenso del río Alagón
El descenso del río Alagón, Con un recorrido de 18,8 kilómetros que va desde el Puente de la Macarrona en Riolobos hasta la población de Coria, en la provincia de Cáceres, pone en valor el entorno y promociona el turismo activo y sensibilizando sobre su cuidado.

Baños y aguas termales
El agua de Extremadura es apreciada desde la Antigüedad por sus cualidades mineromedicinales. En la región existen diversos centros termales que ofrecen mucho más que remedios a determinadas dolencias y se han convertido en auténticos centros de bienestar, lugares donde descansar y disfrutar de la gastronomía, la naturaleza, la historia, la cultura y la arquitectura, ya que algunos están construidos sobre vestigios de época romana y árabe.

Barranquismo en el Valle del Jerte
En el Valle del Jerte, en Cáceres, se localiza una zona inmejorable para la práctica de barranquismo a través de los saltos de agua y pozas denominadas gargantas en la zona.

Tres de ellas, las Nogaledas, los Hoyos y los Papúos, están equipadas con anclajes, desviadores, posibilidad de pasamanos y rápeles guiados.

Pesca deportiva
Entre los pantanos de la Comunidad encontramos también opciones interesantes para los aficionados a la pesca deportiva. En pantanos como los de Alange, Orellana, García de Sola y Cíjara en la provincia de Badajoz o los de Alcántara, y Gabriel y Galán en Cáceres, se encuentran especies como el lucio, la carpa, el black bass, el barbo o la tenca.

Lusiberia
La ciudad de Badajoz cuenta con un parque acuático situado a poca distancia de la frontera con Portugal.

‘Lusiberia’ tiene toboganes, piscina con olas, área infantil y terrazas, una oferta de ocio pensada para todos los públicos.

Practicar vela
En Extremadura existe un total de cuatro clubes náuticos, tres de ellos en Cáceres (Tajomar, Lago Gabriel y Galán y Barlovento, situados en los pantanos de Alcántara, Gabriel y Galán y Borbollón, respectivamente) y uno en Badajoz, el Guadiana Club Náutico, en el embalse de Orellana, donde se ubica también una escuela de vela que organiza numerosas regatas locales, territoriales y nacionales, así como diferentes eventos relacionados con este deporte.

Los destructores de paraísos

09/08/2013, El ansia de los constructores, con la colaboración de responsables políticos débiles o corruptos, ha ocasionado una invasión de cemento en la playas españolas: la Comunidad Valenciana también encabeza este triste escalafón.

Madrid, 9 de agosto de 2013

Greenpeace ha presentado en rueda de prensa la decimotercera edición del informe Destrucción a toda costa (2013) en el que, por primera vez y mediante el uso de imágenes de satélite, se analiza la situación de los primeros 500 metros de costa, municipio por municipio.

El informe muestra también las tendencias de ocupación del suelo litoral para el año 2030 y expone cómo la costa mediterránea sufrirá un colapso total en 124 años si se sigue construyendo como hasta ahora. Concluye que la ocupación de la primera línea de costa ha sido masiva y que este proceso se verá reforzado por la nueva Ley de Costas del Gobierbno español, dictada en beneficio de los urbani8z

Los 25 municipios más destruidos de España

Greenpeace ha identificado los 25 municipios peores de España a partir de distintas variables analizadas. Entre ellas, la mayor superficie absoluta artificial, la mayor superficie artificial en la franja de los primeros 500 metros respecto a la total del municipio, los municipios que más rápido han crecido y los que antes dejarían de tener suelo natural.

Calp (Alicante)

Calvià (Mallorca)

Chiclana de la Frontera (Cádiz)

Cubelles (Barcelona)

Cullera (Valencia)

Los Alcázares (Región de Murcia)

Marbella (Málaga)

Mogán (Gran Canaria)

Oliva (Valencia)

Orpesa (Castellón)

Pilar de la Horadada (Alicante)

Puerto del Rosario (Fuerteventura)

Rota (Cádiz)

Sagunt (Valencia)

San Roque (Cádiz)

Sant Lluís (Menorca)

Sanxenxo (Pontevedra)

San Bartolomé de Tirajana (Gran Canaria)

Sant Josep de sa Talaia (Ibiza)

Telde (Gran Canaria)

Torredembarra (Tarragona)

Torrevieja (Alicante)

Vera (Almería)

Vinaròs (Castellón)

Zierbena (Bizkaia)

De estos 25, Greenpeace ha destacado los diez peores. El "Top 10" de la destrucción son, por orden alfabético:

Calp(Alicante),

Calvià (Mallorca),

Chiclana de la frontera (Cádiz),

Cubelles (Barcelona),

Oliva (Valencia), Orpesa(Castellón)

San Bartolomé de Tirajana (Gran Canaria)

Sant Josep de sa Talaia (Ibiza)

Vera (Almería)

y Zierbena(Bizkaia).

Desprotección por regiones

Para entender la magnitud de la destrucción basta con señalar que la franja de los primeros 500 metros de costa representa tan solo 0,55% de la superficie de suelo del Estado. Con los datos del informe se denuncia que la tasa de destrucción de suelo natural en tan solo la franja de los primeros 500 metros de costas, entre 1987 y 2005, fue de dos hectáreas diarias. La Comunidad Valenciana tiene un 51% de la franja costera ocupada, seguida de Cataluña con el 44% y Andalucía (36%).

Por otro lado, la que porcentualmente ocupa menos su costa es Asturias (9%), seguida deCantabria (14%) y Euskadi (15%).

De entre las provincias que con más rapidez han destruido suelo costero durante los años de burbuja inmobiliaria han sido Castellón (un 74% de destrucción costera en 18 años), Valencia (71%) y Almería (39%).

A escala municipal, Alboraia (Valencia), Alcalà de Xivert (Castellón), El Poble Nou de Benitatxell (Alicante), Borriana (Castellón) yCasares (Málaga) serían los cinco municipios de España que más rápido han destruido su patrimonio natural. Por otro lado, si añadimos el valor del porcentaje de superficie construida: Marbella (Málaga) con el 90% de su costa urbanizada, Mijas (Málaga) con el 91%, Fuengirola (Málaga) con el 95% o Finestrat (Alicante) con el 100%, serían por tamaño de municipios los que más suelo artificial tienen en los primeros 500 metros.

La costa más protegida

Greenpeace señala positivamente municipios como Ispaster (Bizkaia), Caravia (Asturias), Albuñol (Granada) o Fuencaliente (La Palma) con apenas un 3,2% de ocupación en la franja de los 500 metros y que se encuentran entre los 155 municipios que han construido menos en su primera línea de costa.

Frente a aquellos municipios que han destruido el litoral, otros han optado por proteger una parte importante de su costa. Níjar (Almería), Almonte (Huelva),Cadaqués (Girona), Sant Carles de la Ràpita (Tarragona) y Tarifa (Cádiz) son los cinco municipios con más porcentaje de suelo protegido. Sin embargo, muchos municipios, como Níjar o Tarifa, ven en la protección ambiental un escollo económico y promueven activamente la desclasificación de los espacios protegidos.

Cambio climático

La construcción de urbanizaciones e infraestructuras en la costa aumenta exponencialmente el riesgo por efecto del cambio climático y mayor exposición a inundaciones o a torrentes.

La conservación del estado natural de la franja de los primeros 500 metros es esencial, ya que actúa como barrera de protección. Municipios con especial riesgo de inundación como Isla Cristina (Huelva), Pedregalejo (Málaga), Empuriabrava (Girona) o Marina de Port d Aro(Girona) han quedado amnistiados y fuera de protección ante estos factores gracias a la nueva Ley de Costas.

Previsiones para 2030

Aunque muchos municipios ya tienen urbanizado más del 90% de su costa, otros todavía disponen de buena parte sin urbanizar. La nueva Ley de Costas permite que se reduzca la protección de 100 a 20 metros en determinados tramos, lo que significa que si se sigue construyendo en estas zonas, la costa mediterránea sufrirá un colapso total en 124 años.

En este periodo de tiempo, la franja de los primeros 500 metros estaría construida y en 158 años la del primer kilómetro.

"A pesar del parón absoluto de la construcción a partir de 2008, la principal amenaza actual es la cantidad de suelo declarada como urbanizable aunque no urbanizadal. Además, con la excusa de la crisis económica y debido a los recortes, existe el riesgo de que cualquier proyecto de construcción pueda ser aprobado por unos controles más laxos o inexistentes. Ya lo hemos visto con la nueva Ley de Costas", ha declarado Pilar Marcos, responsable de la campaña de Costas.

La nueva Ley de Costas, lejos de fortalecer la protección del litoral, permite nuevas formas de explotación. La costa, que en la anterior ley se contemplaba como un recurso natural finito, se transforma en este nuevo texto en una superficie de desarrollo económico. Sin embargo, todavía existe una oportunidad si se empiezan a tomar medidas municipio por municipio.

Greenpeace propone las siguientes medidas: los municipios deben declararse insumisos en la aplicación de la nueva Ley de Costas y la UE debe parar esta nueva Ley; los planes urbanísticos municipales deben ser revisados para no permitir más construcciones; los parques naturales deben ser respetados; no se debe construir en zonas de riesgo por cambio climático y además se debe promover una fiscalidad verde para favorecer a los municipios mejor conservados

Grandes cifras de peregrinos a Santiago

09/08/2013, Arrecia la peregrinación a Compostela. en julio de 2013, en la Oficina de Peregrinaciones se recibieron 36.559 peregrinos, casi cuatro mil más que en el mismo mes del años 2012.

Santiago de Compostela, 10 de agosto de 2013

Esta cifra inusualmente elevada sigue a la de junio de 2013, mes que en la Oficina de Peregrinaciones de Santiago de Compostela se recibieron 29.374 peregrinos, lo que representó casi cinco mil más respecto al mismo mes del año anterior.

De las estadística de la peregrinación se deduce que en julio pasado llegaron 17.331 (47,41%) mujeres y 19.228 (52,59%) hombres. A pie han llegado 32.357 (88,51%).Para encontrar una cifra tan elevada de peregrinos tenemos que remitirnos a julio de 2010 (Año Santo), cuando llegaron 42.472.

Tipologías de los peregrinos.

Por edad, el grupo de menores de 30 años se integró por 15.432 peregrinos (42,21%); y de entre 30 y 60 fueron 17.846 (48,81%). Los mayores de 60 años fueron peregrinos (8,97%). Frente a otros meses en los que los jóvenes son menos, proporcionalmente, en julio destaca el grupo de los estudiantes con 12.199 (33,37%). Luego aparecen los empleados con 6.202 (16,96%); profesores con 4.428 (12,11%); técnicos con 3.335 (9,12%);liberales con 2.774 (7,59%), y jubilados con 2.410 (6,59%)

La motivación principal para el viaje es de índole cultural y religiosa, y la procedencia muy variada. Los españoles fueron 22.470 (61,46%) y los extranjeros: 14.089 (38,54%). Por orden de países: Italia, Estados Unidos, Alemania, Portugal, Francia, Irlanda, Reino Unido, y Polonia.

Los puntos más destacados como arranque del camino han sido: Saint Jean Pied de Port, Cebreiro, Tui, León, Astorga, Ponferrada, Roncesvalles y Oporto. Todos con cifras superiores al millar de peregrinos.Hay quien busca lugares especiales como punto de arranque, tales como vezelay, Fátima o la Cruz de Ferro... pero hay que señalar que los viajeros llegan de toda Europa, contabilizándose gentes que empezaron en Irlanda o Eslovaquia

Como es habitual, la inmensa mayoría han seguido el camino francés; en torno al 70 por ciento.

Tradicionalmente, el flujo de peregrinos alcanza su nivel más alto en agosto. En este mes, de nuevo, se superarán con creces los 40.000 viajeros. Este jueves pasado, por poner uno dato final, llegaron 1765 peregrinos a Compostela.

Deshielo ártico

08/08/2013, A finales de julio, la extensión del hielo marino en el Ártico era de 8,5 millones de kilómetros cuadrados, menos de la media, aunque por encima de la cifra del año anterior, en la que hubo un mínimo histórico.

Boulder (Colorado) 8 de agosto de 2013

Según el National Snow and Ice Data Center (NSIDC), después de una rápida pérdida de hielo en la primera quincena de julio, el ritmo de retroceso del hielo estacional se desaceleró el resto del mes, en parte debido a la devolución de un patrón de clima tormentoso en el centro del Océano Ártico.

La extensión del hielo marino en el Ártico de julio 2013 fue de 8,5 millones de kilómetros cuadrados. Esa superficie de hielo de julio de 2013 era menor en 1,25 millones de kilómetros cuadrados que la media del mes en el periodo 1981-2010. En el mapa se puede ver la línea de color magenta que muestra la extensión media en los últimos años.

La extensión del hielo decrece en el lado del Atlántico, y se halla cercana al promedio en los mares de Beaufort (norte de Alaska) y de Chukchi (norte de Bering) así como en gran parte de la costa euroasiática.

Por otro lado, la fusión de la superficie de nieve y la capa de hielo de Groenlandia comenzó este año más lentamente, pero rápidamente se extendió sobre un área significativa, a partir de mayo. La fusión superaba ya la media de los últimos años en el inicio de agosto.

Página web del National Snow and Ice Data Center: http://nsidc.org/

La lenta muerte de un paraíso

08/08/2013, La industria minera australiana planea construir el complejo carbonero más grande del mundo atravesando uno de nuestros más valiosos tesoros ecológicos: la Gran Barrera de Coral.

Australia, 8 de agosto de 2013
La Gran Barrera de Coral es el organismo viviente más grande del planeta, con un área de 348.000 kilómetros cuadrados que incluye aproximadamente 2.500 arrecifes individuales y más de 900 islas. Es el hogar de 400 tipos distintos de corales, 1.500 especies de peces (entre ellas las ballenas jorobadas, o los delfines de aleta chata australianos), 4.000 tipos de moluscos, unas 240 especies de aves y varias clases de esponjas de mar, anémonas, gusanos marinos y crustáceos. En total, un cuarto de todas las especies que habitan en nuestros océanos.

En las últimas tres décadas, la Gran Barrera de Coral (declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco) ha perdido la mitad de sus corales y el ritmo de devastación se está acelerando. El cambio climático es una de las causas, junto con el auge de la industria minera australiana, que impulsada por la creciente demanda de carbón de los mercados asiáticos, está atrayendo a miles de empresas inversoras.

A pesar de las terribles consecuencias que tiene esta violación del mundo marino y de la naturaleza, la industria minera planea construir un gigantesco sistema de puertos al noreste de Australia para facilitar la exportación de carbón. Esto implicaría doblar el número de barcos que pasan por encima de este paraíso de arrecifes de coral, y destruir tres millones de metros cúbicos de vegetación del frágil fondo del mar. Si el puerto se construyese, Australia triplicaría sus índices de contaminación actual. Pero además, el aumento del movimiento de barcos conllevaría el terrible riesgo de derrames de petróleo.

Desde la UNESCO han expresado gran preocupación por el cuidado de esa zona de inigualable belleza, y han comentado que de seguir adelante con el proyecto, el Comité del Patrimonio Mundial podría verse obligado a colocar la Gran Barrera en su lista de Patrimonio de la Humanidad en peligro.

Hallan un friso maya excepcional

08/08/2013, En Holmul, un yacimiento arqueológico maya localizado en el noreste de la región del Petén, se ha localizado un friso espectacular, en una pirámide maya del año 600.

Guatemala, 8 de agosto de 2013.

Según informa el Ministerio de Cultura guatemalteco, se trata de una obra de ocho metros de larga por dos de ancho, y el hallazgo de la misma fue realizado por el arqueólogo Francisco Estrada-Belli y su equipo, durante la búsqueda de indicios relativos a una tumba encontrada en la temporada anterior.

Las investigaciones actuales fueron llevadas a cabo con el aval del Ministerio de Cultura y Deportes de Guatemala y financiadas con fondos de la fundación guatemalteca PACUNAM y las fundaciones estadounidenses Alphawood, Maya Archaeology Initiative, National Geographic Society y el aval académico de la Universidad de Boston.

El friso o relieve estucado se extiende por 8 metros de largo y 2 metros de alto en la parte superior de un edificio rectangular. La composición incluye tres personajes principales vistiendo ricos atavíos de plumas de quetzal y jade, sentados sobre cabezas de monstruos witz (cerro).

El personaje central se identifica como Och Chan Yopaat por los signos jeroglíficos en su tocado y en el texto debajo de su imagen. Desde la boca del monstruo central se desprenden serpientes emplumadas de las cuales emergen los ancestros y cerros laterales. Entre ellos están las figuras de dos dioses ancianos, otorgándole al personaje central un objeto identificado por un signo jeroglífico como “primer tamal”.

Arriba de los personajes corre una banda de símbolos astrales conocida como ‘banda celestial’ que indica que las figuras representadas se encuentran en el mundo celestial de dioses y ancestros.

Se trata de un hallazgo extraordinario (...…) una gran obra de arte que también nos proporciona mucha información sobre la función y significado del edificio, lo cual era el enfoque de nuestra investigación, dijo Francisco Estrada-Belli.

El friso representa la imagen de dioses y gobernantes divinizados y da sus nombres. El texto dedicatorio abre una ventana sobre una fase muy importante en la historia de la época Clásica, explica el investigador.

La inscripción se compone de unos 30 signos jeroglíficos. El texto, de difícil lectura por su antigüedad, fue descifrado por Alex Tokovinine epigrafista de la Universidad de Harvard y colaborador de este proyecto de investigación. Tokovinine afirma que el edificio fue dedicado por Ajwosaj, rey de la vecina ciudad de Naranjo y vasallo del poderoso Reino Kan.

El texto aporta datos históricos para el conocimiento de esta región, muy próxima al centro de Tikal.

Francisco Estrada-Belli es un arqueólogo guatemalteco, doctor de arqueología de la Universidad de Boston, actualmente afiliado como docente de la Universidad de Tulane y como investigador en la Universidad de Boston y en el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, EEUU.

Desde el año 2000 dirige el Proyecto Arqueológico Holmul que reúne un equipo de profesionales y estudiantes de arqueología y disciplinas afiliadas como la biología, ecología y geología.

Los primeros americanos

07/08/2013, Cerca de 30 osamentas humanas, fechadas en torno al segundo milenio a.C. y halladas en la cueva de La Sepultura, en el estado de Tamaulipas (México), podrían estar emparentadas con los primeros pobladores del continente americano.

Ciudad de México, 7 de agosto de 2013

Así se deduce de un estudio genético encabezado por expertos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), según revela ahora este organismo mexicano.

Con base en estudios osteométricos, de ADN antiguo y pruebas de radiocarbono aplicados a los restos óseos recuperados en el municipio de Tula, en la Sierra Madre Oriental, se “demostraría que en esta área se encuentran indicios de uno de los linajes genéticos más antiguos de América”, asociados con el de los hombres primitivos que cruzaron por el Estrecho de Bering.

El proyecto de exploración y excavación de cuevas mortuorias en Tamaulipas busca “comprender mejor el origen, desarrollo, calidad y estilo de vida de las culturas milenarias que se establecieron en la región”, informó el antropólogo físico Jesús Ernesto Velasco González, del Centro INAH-Tamaulipas.

El experto dijo que los estudios de morfología craneal, de ADN antiguo y radiocarbono realizados a los materiales obtenidos, “van a permitir profundizar en el conocimiento sobre la extensión y prácticas culturales de los cazadores recolectores”, y su relación con otros grupos sedentarios que practicaban la agricultura.

Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), los resultados preliminares de la investigación, iniciada en 2009, indican que el ADN de los restos esqueléticos de cerca de 30 individuos, rescatados en 2011 en la cueva de La Sepultura, “podría ser muy antiguo, pues estos linajes se remontarían a grupos de diez y doce mil años antes de Cristo”.

Los fechamientos por radiocarbono de los restos óseos (dientes) y un fragmento de petate hallado en la misma cueva, los ubican entre los años 1387 a 1195 a.C. y 1313 a 914 a.C.

Velasco González precisó que estudios anteriores de ADN, realizados en el Paleo-DNA Laboratory of Lakehead University, de Ontario, Canadá, a muestras de un ejemplar momificado procedente de la cueva Escondida o Encantada, rescatado en 2008 por el arqueólogo Gustavo Ramírez, han permitido identificar el linaje mitocondrial (perfil genético) de estas poblaciones.

El perfil de ADN antiguo encontrado en la muestra de La Escondida “indica que pertenece al haplotipo C (conjunto de variaciones de ADN), el cual se ha asociado de manera general a diversos grupos que poblaron de manera temprana el continente americano”.

El antropólogo dijo que éste y otros análisis, como los que actualmente se llevan a cabo en los laboratorios Nacional de Genómica para la Biodiversidad (Langebio-Cinvestav), Unidad Irapuato, de Genética Molecular (de la Escuela Nacional de Antropología e Historia) y el de Antropología Genética (del Instituto de Investigaciones Antropológicas (IIA)), traerán certeza sobre el origen de los grupos prehistóricos del Noroeste mexicano y su dispersión a través del tiempo.

Arqueología en cuevas

Para explorar la vasta región de las sierras Madre Oriental y de Tamaulipas, donde hay gran cantidad de cuevas prehistóricas y manifestaciones grafico rupestres, se formó un equipo interdisciplinario, con la participación de especialistas del del Instituto de Investigaciones Antropológicas, de la Universidad de Córdoba(España) y del Centro INAH-Tamaulipas.

Los trabajos comenzaron en 2009, en la cueva de La Sepultura, ubicada en el municipio de Tula. En septiembre de 2010, los arqueólogos Tonantzin Silva y Carlos Vanueth Pérez, informaron que se lograron rescatar 15 cráneos y huesos de al menos tres individuos, además de una muestra interesante de material perecedero, fragmentos de petates y objetos de madera con ataduras, determinándose que se trataba de fardos funerarios.

En octubre de 2011 se rescataron restos óseos de entre 26 y 30 individuos. El mismo año se inició el reconocimiento de otras cavidades ubicadas en el municipio de Tula, entre ellas la cueva de los Muertos, en la Sierra de Naola, donde se encontraron más restos óseos, así como cerámica y lítica.

Los huesos de la cueva de los Muertos fueron fechados entre 850 y 794 a.C., “pero la cerámica arrojó un fechamiento tardío: 200 a 600 después de Cristo, por lo que pensamos que hubo una reutilización posterior del mismo espacio”, detalló el arqueólogo Vanueth Pérez.

Uno de los hallazgos más recientes de restos mortuorios y cerámica se registró en la cueva de la Chamacuera, en el municipio de Jaumave, donde se halla un abrigo rocoso, conocido como Mesa de los Bueyes, de 120 metros de largo, “y también hay manifestaciones gráfico-rupestres”, agregó a su vez el antropólogo Jesús Ernesto Velasco.

En la pasada temporada, que culminó a finales del 2012, nuevamente se excavó en la cueva Escondida, municipio de Victoria, muy cercana la capital de Tamaulipas, donde se rescató una momia y otros dos esqueletos de niños, los cuáles serán analizados para saber su antigüedad.

Finalmente, se han ubicado otras oquedades en las sierras de Tamaulipas con gran potencial, como las cuevas del Tepozán, en el municipio de Bustamante, con presencia de arte rupestre; del Guano y el Fraile, en el municipio de Victoria, asociadas también a pinturas en abrigos rocosos y restos mortuorios.

Aragón y los deportes de aventura

07/08/2013, La Comunidad Autónoma más económica para practicar deportes de aventura es Aragón, mientras que el País Vasco se revela como la más cara para la práctica de este tipo de actividades al aire libre.

Zaragoza, 7 de agosto de 2013
El verano es la época perfecta para disfrutar del tiempo de ocio al aire libre. Para ello, muchos españoles dedican sus fines de semana o vacaciones a la práctica de deportes de aventura.

En el ranking de los 10 deportes de aventura más practicados, el 32,2% de los españoles prefieren las rutas a caballo, una actividad que se mantiene entre las más practicadas durante todo el año.

Por otra parte, los deportes acuáticos son de los más solicitados en verano, con el buceo en cabeza(13,2%), seguido por los paseos en barco (8%), las motos de agua (6,8%), las rutas en kayak (6,6%) o el rafting (5,9%).

En cuanto a los deportes en los que la adrenalina es la verdadera protagonista, los más demandados son el puenting (9%), el paracaidismo (7,2%), el barranquismo (5,9%) y el parapente (5,1%).

Las 5 provincias españolas en las que más deportes de aventura se practican son, por este orden, Madrid (37%), Barcelona (30%), Alicante (14,3%), Girona (9,7%) y Málaga (8,5%).

A la hora de buscar las mejores opciones para nuestro bolsillo, en Aragón, Castilla-La Mancha y Asturias, la media de todos los deportes de aventura que allí se practican supone un desembolso de los 86¤, 88¤ y 96¤ respectivamente.

De los 5 deportes de aventura más practicados, las rutas a caballo son más económicas en Guadalajara, con una media de 20¤ por persona. El buceo es más barato en las Islas Canarias, con un precio medio de 25¤.

El salto de puenting es más barato en Gran Canaria, con un gasto medio de 16¤. Los paseos en barco suponen un menor gasto en Lleida, 22,5¤, y los saltos en paracaídas, son más baratos en Albacete, con un coste medio de 218¤.

Los datos se extraen de un estudio realizado por el portal de deportes de aventura Yumping.com.

Una guía para consumir atún

06/08/2013, Greenpeace ha publicado una guía para consumir atún, en la que critica la información y métodos de pesca de las marcas de España, país líder en consumo y exportación.

Madrid, 6 de agosto de 2013

La guía evalúa la sostenibilidad de 14 marcas correspondientes a las principales empresas del sector de la conserva de atún en España, para concluir que, en general, el sector en su mayoría se provee de atún procedente de pesca no sostenible y en ocasiones ilegal.

Sotiene que el sector pecda con cerco usando dispositivos agregadores de peces (FAD), objetos flotantes que se sitúan en el agua creando un hábitat artificial que atrae a distintas especies de peces, entre ellas atunes (juveniles y adultos) y también tiburones y tortugas marinas. Además cita casos en la flota atunera española de multas por pesca Ilegal.

Greenpeace recuerda que el atún es uno de los pescados más demandados a nivel mundial y que para su protección es clave el cómo y cuanto se pesca. Además, España lidera la producción, exportación y consumo per cápita a nivel europeo de atún, por lo que el papel de la industria española es muy importante para el futuro de estas pesquerías.

La organización ecologista ha analizado 14 marcas de atún, tanto privadas como marcas blancas, en función de siete criterios: trazabilidad; sostenibilidad del origen y los métodos de pesca; pesca ilegal; equidad social; política de compra; información y transparencia hacia el consumidor; e iniciativas adicionales para potenciar el cambio.

El análisis sitúa a las marcas en en tres rangos de color:

Rojo (insuficiente):

Ortiz, Salica, El Corte Inglés, Albo, Eroski, Conservas Garavilla, Mercadona, Lidl.

Naranja (debe mejorar):

Frinsa, Carrefour, Jealsa-Rianxeira, Alcampo, Calvo, Consorcio.

Verde (bien):

Ninguna marca.

Del análisis se concluye que, en general, las empresas tienen una buena trazabilidad desde el mar hasta el punto de venta, aunque no todas saben a qué barco o stock corresponde el atún de cada lata. La mayoría incorporan criterios de equidad social en su actividad pesquera y productora. Sin embargo, aún queda mucho por avanzar en cuanto a la sostenibilidad de los métodos de pesca, dado que la mayoría del atún que se consume en España procede de la pesca de cerco con FAD.

Del mismo modo, las empresas deben mejorar sus políticas, adquiriendo compromisos claros y definidos en el tiempo. Como ejercicio de transparencia, estas políticas deben ser públicas. La lucha contra la pesca ilegal es fundamental para el futuro de la pesca.

La organización concluye que otro punto fundamental a mejorar por las empresas es el etiquetado de los productos. Pese a la buena trazabilidad, el etiquetado actual es muy deficiente y, salvo raras excepciones, el consumidor no conoce el origen ni el método de pesca, datos básicos para evaluar la sostenibilidad de un producto antes de adquirirlo.

http://www.greenpeace.org/espana/es/Trabajamos-en/Defensa-de-los-oceanos/Atun/Guia-de-Atun-2013/

SOS Virunga

03/08/2013, Virunga, en África oriental, es una tierra de un valor fuera de lo común, el hábitat de los gorilas de montaña, un lugar que peligra por las ambiciones de las petroleras.

República del Congo, 3 de agosto de 2013

La UNESCO –-que desde 1979 incluyó a Virunga en su lista de patrimonio mundial- destacó este sitio por la incomparable diversidad de hábitats: pantanos, estepas, planicies de lava, sabanas en laderas de volcanes y cumbres nevadas del macizo de Rwenzori, que se eleva a más de 5.000 metros de altura, así como la riqueza de su fauna.

Ahora, WWF ha lanzado una campaña para defender este territorio, el parque nacional más antiguo de África, que se extiende al este de la República Democrática del Congo sobre 7.800 kilómetros cuadrados de paisajes subyugantes de sabanas y volcanes.

Se trata de una de las mayores áreas salvajes del mundo. Entre su rica vida salvaje se encuentra el mayor conjunto de gorilas de montaña que sobreviven en libertad, 700 especies de aves, 109 especies de reptiles y 78 especies de anfibios. En Virunga viven 216 especies de animales y 141 de plantas que no se encuentran en ningún otro lugar del mundo.

Las petroleras

El Gobierno de la República Democrática del Congo ha dado permisos para buscar petróleo en el 85% de la superficie del Parque Nacional de Virunga. La petrolera británica SOCO ya ha empezado a trabajar en ello, y podrían empezar con la exploración área en cualquier momento.

Según WWF La explotación del petróleo enterrado bajo el suelo de Virunga supondría un impacto enorme y aumentaría la presión sobre la asombrosa vida salvaje del parque. Además, se pondría en peligro el medio de vida de más de las más de 50.000 personas que dependen de Virunga para conseguir agua, comida, madera o pescado del lago Eduardo.

Sostiene este fondo de defensa de la naturaleza que hay algunos lugares tan especiales que no pueden ser explotados de este modo y reclama que se mantengan las petroleras fuera de Virunga.

Para ello plantea una alternativa que se basa en desarrollar la economía local de forma sostenible: el Parque Nacional de Virunga tiene el potencial de crear 45.000 puestos de trabajo permanentes desarrollando la energía hidroeléctrica, la industria pesquera y el ecoturismo. Según un informe publicado por WWF, el parque nacional podría generar 1.100 millones de dólares al año con un desarrollo sostenible.

Su quieres participar en la campaña de firmas entra aquí: http://wwf.panda.org/#help

Contra el tráfico ilícito del patrimonio

02/08/2013, La inauguración de una muestra que expone tesoros jesuíticos recuperados y una reunión encaminada a la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales han sido noticia en Paraguay.

Asunción, 2 de agosto de 2013

La UNESCO y la Interpol están trabajando para fortalecer las capacidades de lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales de Brasil y del Cono Sur. Entre el 23 y 25 de julio ha tenido lugar la Segunda reunión de especialistas en la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales en la región, organizada por la Interpol y la UNESCO, con el apoyo de la Secretaría Nacional de Cultura y el Ministerio del Interior de Paraguay en el Archivo Histórico de Asunción.

El evento forma parte de los esfuerzos conjuntos para cooperar en la lucha contra el tráfico de bienes culturales y es un seguimiento de la reunión organizada en Buenos Aires en 2012, dirigida a capacitar a los representantes de la policía, las aduanas, el poder judicial y funcionarios de Cultura. La formación fue impartida por expertos de alto nivel de la Interpol, la UNESCO, Policía del patrimonio de España y Argentina.

Más de 50 participantes de Argentina, Brasil, Chile, Paraguay y Uruguay asistieron a este encuentro, y una sesión de trabajo se dedicó a la creación de una red subregional con los participantes para fortalecer y ejecutar actividades de cooperación en el futuro. En el transcurso del encuentro se destacó la participación de organismos internacionales y en particular, de la Policía argentina del patrimonio, en la reciente recuperación casi completa de una colección de más de 100 piezas de arte religioso, proveniente de las Misiones de Paraguay.

El Retorno. Los caminos de un acervo recuperado

El día 26 de julio se inauguró la muestra "El Retorno. Los caminos de un acervo recuperado" con una selección de obras que, en gran parte, habían sido robadas a la colección Duarte-Burró y, luego, recuperadas. La exposición estará abierta hasta el 16 de agosto,

La muestra expone parte de las piezas pertenecientes a una colección de arte religioso procedente de los talleres misioneros del Paraguay. El acervo, formado entre los años 1968 y 1990 por el matrimonio de Pilar Burró y Manuel Duarte A. Pallarés, constituye en su género una de las colecciones privadas más importantes del Paraguay. La misma había ido reuniendo piezas seleccionadas a partir de criterios de calidad determinados por el gusto y la intuición de los coleccionistas. Sin embargo, y a pesar de que no fue conformado según un sistema orgánico de tendencias históricas o estilísticas, el conjunto da cuenta de una notable variedad, capaz de ilustrar el proceso del arte religioso desde sus orígenes coloniales hasta nuestros días.

Entre el 14 y el 16 de enero de 2012 fue robada una parte considerable de este patrimonio, que logró ser recuperada en su casi totalidad el 6 de diciembre del mismo año. El saqueo no sólo significó un riesgo del patrimonio histórico cultural, sino que puso en evidencia la vulnerabilidad de las instituciones destinadas a su cautela.

http://www.museodelbarro.org/

La gula humana… acaba con los pangolines

31/07/2013, El pangolín chino (Manis pentadactyla) peligra por el excesivo consumo humano... y su declive está acarreando el declive del resto de pangolines del mundo.

Singapur, 31 de julio de 2013

Este mamífero está siendo objeto de una fortísima comercialización por su valor gastronómico. Habita en una franja de Asia, desde Nepal a Taiwán, incluyendo el sur de China y el norte de Indochina. Es un animal escamoso, habitualmente nocturno, de poco más de medio metro de largo, con grandes ojos y extremidades de cinco dedos. Trepan, nadan y aman las termitas... y no dudan en enrollarse como una bola en caso de peligro.

Según informa la IUCN, este pangolín, uno de los ocho pangolines existentes u oso hormiguero con escamas como también se les conoce, está cada vez más cerca de la extinción, por el consumo de su carne y el comercio de sus escamas. Por desgracia, el agotamiento de esta especie ha animado el comercio de los restantes pangolines, que se buscan ávidamente en otros puntos de Asia y África.

Esta dramática situación se ha puesto de manifiesto en una Conferencia mundial celebrada en Singapur y convocada por primera vez para defender la conservación de los pangolines, con el apoyo de la Comisión de Supervivencia de Especies (de la UICN), grupos expertos en el ámbito de los pangolines, fundaciones defensoras de la vida salvaje de diversas continentes y Wildlife Reserves de Singapur, entidad anfitriona del encuentro.

Dan Challender, Co-Presidente del Grupo de Especialistas de Comisión de Supervivencia de Especies de UICN, estudioso del comercio de pangolines en Asia por el Instituto Durrell de Conservación y Ecología de la Universidad de Kent, afirmó que los pangolines integran el primer grupo de mamíferos salvajes más comercializados a nivel mundial. Además explicó que tras el dramático descenso del pangolín chino, el resto de los pangolines están siendo arrasados tanto en Asia del Sur como en África para satisfacer la demanda de Asia oriental.

Han sido más de 40 conservacionistas de 14 países los que se reunieron en la conferencia para trazar soluciones ante la disminución mundial de estos animales.

Recuperada obra del siglo IV

30/07/2013, La gente del lugar (Quintana del Marco, León) pensaba que en el campanario de la iglesia estaba una estatua de San Pedro... pero era un busto romano del siglo IV, que fue robado y ahora acaba de ser recuperado.

León, 30 de julio de 2013

La Guardia Civil ha anunciado la recuperación de esta obra romana, hecha en mármol, y ha anunciado que en la operación, practicada en Sevilla, se han detenido a seis personas.

El pasado mes de febrero unos ladrones escalaron con cuerdas y un arnés el campanario de la iglesia parroquial de Quintana del Marco (León), para sustraer la cabeza de este trabajo artístico. La operación de recuperación concluyó ahora con la detención de los presuntos autores de varios delitos contra el patrimonio histórico (robo y daños) y de blanqueo de capitales.

Entre otros bienes culturales, los agentes han intervenido la cabeza de mármol del siglo IV, perteneciente a un busto - según algunas fuentes perteneciente al Emperador Marco Aurelio- sustraída en el mes de febrero de 2013 de la iglesia parroquial de Quintana del Marco.

En la inspección ocular realizada tras el robo, los agentes habían hallado en el lugar diversos objetos de escalada (arneses, cuerdas, polea, etc.), utilizados por los autores para acceder a lo alto del campanario donde se encontraba la cabeza sustraída. A raíz de las pruebas e indicios obtenidos en la inspección ocular, las investigaciones se trasladaron a la provincia de Sevilla, al encontrarse en esta ciudad un gran centro comercial donde los presuntos autores del robo habían adquirido el material de escalada empleado en el robo.

Tras diversas gestiones las sospechas sobre la autoría de los hechos se centraron sobre varias personas residentes en una barriada de Alcolea del Río (Sevilla), averiguándose que intentaban contactar con posibles compradores para proceder a la venta de la citada escultura. Durante la vigilancia a la que fue sometido el grupo, se observó como en sus desplazamientos o citas con posibles compradores del bien cultural, adoptaban importantes medidas de seguridad y contravigilancia para detectar posible presencia policial.

En el mes de junio y mientras la investigación seguía su curso, una patrulla de la Guardia Civil de Córdoba procedió a la identificación de un vehículo y sus ocupantes. Tras ser inspeccionado, en el interior del maletero se halló una cabeza de mármol que fue intervenida al no acreditar su titularidad las personas que la trasladaban. Realizadas gestiones sobre el objeto intervenido, se supo que era el coincidente con el bien cultural sustraído en la provincia de León y buscado por los investigadores.

Quintana del Marco

En la antigua Vía de la Plata, cerca de La Bañeza, está Quintana del Marco, que fue un importante enclave romano. Un kilómetro al norte del pueblo, en el pago de las Villas, se descubrieron en 1899 las ruinas de una magnífica villa, con excelentes mosaicos, bustos de marmol y otros elementos, material que en parte se halla en el Museo Arqueológico Nacional y en el de León.

Gran parte de todo aquello quesó asolado. Como elemento romano visible en el lugar perduraba el busto romano ubicado en la flecha de la iglesia parroquial, y conocido por el vecindario como San Pedro.

De época medieval es es el palacio-castillo del lugar, vinculado a los Quiñones, en el que destaca la alta torre de homenaje, coronada por garitas y nidos de cigüeña.

El Monte Etna

29/07/2013, El mítico Monte Etna, en Italia, es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Este sitio emblemático abarca una zona despoblada de 19.237 hectáreas situada en la parte más alta del Monte Etna, que se yergue en la costa oriental de la isla de Sicilia.

El Etna es el monte isleño más alto de la cuenca del Mediterráneo y el estratovolcán más activo del planeta. Se pueden rastrear las huellas de sus erupciones en el pasado hasta medio millón de años atrás y se han documentado por lo menos 2.700 años de actividad volcánica.

El carácter prácticamente continuo de sus erupciones sigue alimentando los conocimientos de diversas disciplinas de las ciencias de la tierra, como la vulcanología y la geofísica, entre otras. El Etna alberga también importantes ecosistemas terrestres con una fauna y flora endémicas, y su actividad lo convierte en un laboratorio natural para el estudio de diversos procesos ecológicos y biológicos.

La variedad y accesibilidad de toda una serie de formaciones volcánicas, como cráteres de cumbre, tobas y corrientes y grutas de lava, o la depresión del Valle de Bove, han hecho de este sitio un punto de destino de primera importancia para los investigadores y educadores.

Vacaciones en Bohemia

29/07/2013, Praga, Cesky Krumlov Karlovy Vary, Litomysl, Kutná Hora... y hasta la cerveza de Pilsen. Turismo Checo recomienda unas vacaciones en Bohemia.

Praga, 29 de julio de 2013
De entre todas las regiones checas, Bohemia es la que más territorio abarca y, por lo tanto, la que mayor cantidad de tesoros culturales e históricos esconde. Para disfrutar de unas vacaciones y sacarles el mayor partido hay unos imprescindibles que no cabe dejar pasar de largo.

Para empezar, nada como la mágica Praga. La capital. La ciudad dorada. Romántica por excelencia y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Jazz, un crucero por el Moldava, los cafés, Kafka, el Puente de Carlos, la Torre de la Pólvora, la casa danzante, el castillo… Praga es un todo que no puedes perderte.

Si te ha gustado Praga, casi seguro que te gustará Cesky Krumlov, la Praga en miniatura. Si una ciudad pudiera haber salido literalmente de un cuento de hadas, probablemente se llamaría Cesky Krumlov. Esta pequeña ciudad medieval fue la primera de República Checa en inscribirse en el listado de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Para relajarte durante este verano, nada mejor que Karlovy Vary. Rodeada por un increíble paisaje de montañas, es la ciudad balneario por excelencia del país. Fue fundada en el s XIV por el rey Carlos y es famosa no sólo por sus termas, sino también por su cristal, sus rosas petrificadas y su prestigioso festival internacional de cine.

Para disfrutar de una ciudad con historia musical, Litomysl es en sí una joya. La ciudad que vio nacer al genio Smetana. El palacio también es Patrimonio de la Humanidad y cuenta con un teatro del S.XII en el que Smetana debutó al piano de niño.

¿Y para dormir? Por qué no descansar durmiendo en un palacio. En República Checa hay más de dos mil castillos y palacios que muestran la larga historia de este pequeño país del corazón de Europa, y muchos de ellos han sido reconvertidos en hoteles de lujo. Desde habitaciones en construcciones góticas, residencias de estilo renacentista, palacios barrocos hasta castillos neogóticos.

Y por continuar hablando de estilos arquitectónicos, la variedad de estilos arquitectónicos de sus pueblos y ciudades convierte a Bohemia del Sur en un auténtico museo al aire libre, con pueblos tan pintorescos como Holasovice, muestra única del barroco rural, Patrimonio de la UNESCO desde 1998.

Y la cerveza. Y hablar de cerveza es hablar de Pilsen. Cuna de la famosa Pilsner Urquell, la ciudad es mucho más que eso y lo demuestra el haber sido nombrada Capital Europea de la cultura para 2015.

Tampoco hay que perderse Kutná Hora, cuyas minas de plata consiguieron que llegara a competir con la misma Praga en importancia allá en el siglo XIII y cuenta con monumentos Patrimonio de la UNESCO como la Iglesia de Santa Bárbara o la catedral de Nuestra Señora de Sedlec y con curiosos lugares como el Osario de Sedlec.

Por último, para el amante de la naturaleza, Turismo Checo recomienda la oportunidad de visitar la Suiza Checa. El Parque nacional de Ceské Svycarsko ("la Suiza Checa") se encuentra en la frontera con Alemania adentrándose unos 80 km2 en la República Checa. La parte checa es conocida también como la "ciudad de las rocas de piedra arenisca" por sus representativas formaciones rocosas de aspectos singulares: puertas, torres, paredes, cañones, desfiladeros... Un paisaje que ofrece innumerables posibilidades de disfrute de la naturaleza y ocio activo.

Las huellas de los naufragios del Caribe

26/07/2013, Frente a costas de Quintana Roo, el Banco Chinchorro ha sido una trampa para la navegación. Allí yacen restos de numerosos naufragios que ahora están siendo catalogados por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) mexicano.

Ciudad de México, 26 de julio de 2013
Desde hace siglos, en este atolón, ante las costas de Quintana Roo, han naufragado innumerables embarcaciones. El núcleo de la zona emergida está rodeado por una gran barrera de coral, sumergida pero a escaso nivel de la superficie. Una trampa para la navegación.

Chinchorro forma parte del Sistema Arrecifal Mesoamericano, la barrera de arrecifes más grande de México que corre paralelo al litoral caribeño de México, Belice, Guatemala y Honduras.

Los especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) realizaron el registro, liberación y toma de muestras de algunos naufragios, entre ellos el del sitio “40 Cañones”, quizá el más famoso, localizado al norte de esta barrera arrecifal.

Desde un ancla aislada, hasta amplias áreas donde se dispersan los restos de navíos y sus cargamentos, en esta reserva de la biosfera, la Subdirección de Arqueología Subacuática del INAH ha registrado 69 sitios culturales que yacen bajo las aguas caribeñas y son la mansión de corales, esponjas, caracoles rosados, langostas, medusas, anémonas, erizos y rayas.

En junio el equipo se centró en el sitio “40 Cañones” para continuar con la investigación de los vestigios sumergidos. En el lugar se hallan 36 piezas de artillería, cargamento que al parecer provenía de una fragata que varó en este lugar en la segunda mitad del siglo XVIII, explicó la arqueóloga Laura Carrillo, responsable de este proyecto de investigación.

En este punto también se localizan restos de la estructura del casco, un ancla, municiones de mosquete y otros materiales dispersos a lo largo de 38 m y 24 m de ancho, sobre un eje este-oeste.

De momento se ignora la identidad del navío sumergido, aunque se piensa que debe ser una fragata española o tal vez inglesa.

En la reciente temporada de campo se continuó el monitoreo fotográfico de pecios volcados que asoman en el espejo de agua, se trata de seis cargueros y un remolcador que datan del siglo XX, entre ellos Tropic, Casell, Hubba y Emily.

En un par de estos pecios los procesos de deterioro son acelerados porque tienen buena parte de su cuerpo a la intemperie, y dos huracanes, apuntó Laura Carrillo, han azotado esta zona desde 2006.

Los trabajos de la expedición, realizada del 5 al 17 de junio, contemplaron además análisis de corrosión en el sitio de “Caldera” que corresponde a un vapor de fines del siglo XIX o inicios del XX, así como “Ladrillos”, un pecio de la centuria pasada, del que se conservan la quilla, la sobrequilla y unos tablones del forro del casco, de éste también se tomaron muestras de las arcillas y de la madera.

Bajo las aguas de Banco Chinchorro yacen también naufragios de lo que se tiene referencia por fuentes históricas, pero que siguen sin ser identificados por los arqueólogos subacuáticos, uno de ellos es “Tetis”, una fragata española del siglo XVIII, o bien, sitios a los que únicamente saben llegar los pescadores de Mahahual y Xcalak, quienes son parte fundamental en el trabajo de registro arqueológico.

La Virgen de la leche de Berruguete

26/07/2013, La Virgen de la leche, una de las mejores obras de Pedro Berruguete, se expone en el Museo del Prado, gracias al acuerdo suscrito entre la pinacoteca y el Ayuntamiento de Madrid.

Madrid, 26 de julio de 2013
Este acuerdo permitirá al Museo del Prado exhibir durante al menos cinco años esta obra maestra, procedente del Museo de San Isidro de Madrid, en el que se exponía desde 2008. La Virgen de la leche se ubicará en la sala 57B de la pinacoteca nacional.

LA OBRA
En 1951, el historiador Manuel Gómez Moreno atribuyó esta tabla a Pedro Berruguete, después de que fuera hallada entre maderas viejas e imágenes en unos almacenes del Ayuntamiento de Madrid sin que se supiera su origen.

Es posible que proviniera del hospital de la Concepción, popularmente conocido como ‘hospital de la Latina’, en referencia a Beatriz Galindo, apodada ‘la Latina’, preceptora de latín de la reina Isabel la Católica. Se piensa que la tabla pudo ser hecha para "la Latina" para dicho hospital o, teniendo en cuenta su pequeño formato, destinarla en origen a su devoción privada y donarla al hospital años después.

La composición nos presenta a María en el interior de un templete, coronada como reina de los cielos y entronizada, ofreciendo el pecho a su hijo. Berruguete hace gala de su dominio de la composición en este templete, una estructura compuesta por elementos arquitectónicos góticos, mudéjares y renacientes, con la que traduce de forma magistral la indefinición estilística del arte castellano en torno a 1500.

Los elementos arquitectónicos que rodean a la Virgen revelan su condición de castellano, a la par que su conocimiento del arte italiano del Quattrocento. El efecto general que se consigue es de un verismo extraordinario, consecuencia de la delicada conjunción de los valores pictóricos y de la elaborada estructura arquitectónica. Sin embargo, el esquema de la perspectiva geométrica subyacente tiene sus imperfecciones. Berruguete, como casi todos los maestros del norte hasta Durero, aplica de forma empírica los conceptos básicos de la perspectiva, pero desconoce las leyes de la geometría científica. El dominio de la perspectiva aérea y el empleo de la perspectiva empírica evidencian que su formación fue más flamenca que italiana.

BERRUGUETE EN EL PRADO
El Prado reúne entre sus fondos diecinueve obras de Pedro Berruguete. Las de mayor calidad e interés para la historia de la pintura llegaron al Prado procedentes del convento dominico de Santo Tomás de Ávila, sede de la Inquisición, cuyas obras dirigía el inquisidor Torquemada y costeaba la reina Isabel la Católica.

Nueve tablas pertenecientes a los retablos de San Pedro Mártir y de Santo Domingo, que Berruguete llevó a cabo para la iglesia del convento de los dominicos de Ávila, ingresaron en la institución con los fondos del Museo de la Trinidad, donde se recogieron obras procedentes de la desamortización. Otro tanto sucedió con las sargas de San Pedro y San Pablo y las otras dos en que se representa la Adoración de los Magos, que evidencian su deuda con el arte italiano del Quattrocento. La más famosa de todas las pinturas procedentes de los dominicos de Ávila –el Auto de fe, fiel estampa de la vida castellana en tiempos de Isabel la Católica–, se adquirió por Real Orden el 10 de abril de 1867 con destino al Museo de la Trinidad, desde donde asimismo pasó al Prado.

De menor calidad son otras dos tablas de Berruguete que ingresaron después en el Prado, Santo Domingo y los albigenses –que repite el mismo tema del retablo procedente de Santo Tomás de Ávila–, entró con el legado Vaamonde en 1898. En 1966 ingresó en el Prado La Resurrección de Cristo que formó parte de la colección Suma y fue adquirida por la Junta de Exportación.

Gracias al legado Várez Fisa el Prado ha podido enriquecer su colección de obras de Pedro Berruguete este mismo año 2013 con dos tablas en las que se representan los cuatro padres de la iglesia occidental –San Gregorio y San Jerónimo en una y San Ambrosio y San Agustín en la otra-, que formaron parte de la predela de un retablo –por el momento desconocido–, en los que se aprecia el dominio que Berruguete tuvo en la representación de esas figuras, que se imponen casi con valor de retratos, como se constata en la predela del retablo de Santa Eulalia de Paredes de Nava, una de sus obras maestras.

Vik Muniz: “más acá de la imagen”

24/07/2013, En Bogotá se presenta una muestra retrospectiva de Vik Muniz, uno de los nombres más importantes del arte americano actual. Del 2 de agosto al 28 de octubre en el Museo de Arte del Banco de la República.

Bogotá, 24 de julio de 2013
Vicente José de Oliveira Muniz (Vik Muniz) naci´pn en 1961 en Sao Paulo,y reside principalmente en Nueva York, y gusta de retilizar obras de artistas famosos para rehacerlas con cremas o mermeladas.

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci ha sido una de estas experiencias...que el espectador puede descubrir entre el centenar de fotografías que el artista brasileño Vik Muniz exhibe en Bogotá como parte de “Más acá de la imagen”.

Muniz, considerado como uno de los artistas contemporáneos más destacados, utiliza en sus obras materiales e imágenes de todo tipo, en ellas cuestiona, con ironía y sentido del humor, la gramática, función y sentido de la fotografía en la actualidad, así como su relación con otros medios.

La exposición es organizada por el Banco de la República, con el apoyo de Fundación Amigos de las Colecciones de Arte del Banco de la República, Cine Colombia, Lan, The Orchids Hotel, Invest in Bogota, Embajada de Brasil, Instituto Distrital de las Artes – IDARTES- y Distrito Brasil.

Fríjoles, espaguetis, chocolate, caviar, azúcar, motas de algodón, hilo, alambre, diamantes o basura; cualquier material es válido para Vik Muniz. Con las imágenes sucede algo parecido, bien pueden ser personajes de la cultura popular como Drácula, Frankenstein o Elizabeth Taylor, obras de arte de pintores como Edward Hopper, Paul Cézanne, Caravaggio o Warhol, e incluso imágenes con una alta connotación política como fotografías de la Guerra de Vietnam.

“Trabajo mucho con los iconos y con la familiaridad del público hacía ciertas imágenes. Yo hago siempre la mitad de la obra, la otra mitad la pone el espectador y su proceso al ver la pieza. Procuro que haya una interactividad dirigida hacia el bagaje visual del espectador. Iconos o arquetipos. Que tenga la impresión de haber visto eso antes y encontrar a su vez algo distinto en ella. Un cortocircuito, una discrepancia que hay que ajustar. Y ese ajuste es una especie de conversación consigo mismo. No se trata solo de ver, sino de negociar con lo que se ve”, explica el artista.

En Vik Muniz: “más acá de la imagen” el artista revisa veinte años de su producción artística. En la exposición que presentará en Bogotá ha incluido buena parte de sus obras y series más representativas: Lo mejor de Life, Equivalencias, Imágenes de alambre, Niños de azúcar, Imágenes de hilo, Imágenes de tierra, Imágenes de chocolate, Después de Warhol, Imágenes de earthworks, Imágenes de nubes, Mónadas, Jeroglíficos, Imágenes de diamantes, Imágenes de caviar, Imágenes de revistas, Imágenes de chatarra, Imágenes de desechos, Imágenes de pigmentos, Imágenes de basura, Imágenes de papel y Rompecabezas gordianos.

Barómetro del Turismo Mundial

24/07/2013, El Barómetro del Turismo Mundial muestra una buena actividad del sector: durante el primer cuatrimestre de 2013 viajaron 12 millones de turistas internacionales más.

Madrid, 24 de julio de 2013
Según el informe de la Organización Mundial del Turismo (OMT), entre enero y abril de 2013 viajaron un total de 298 millones de turistas internacionales en todo el mundo, 12 millones más que durante el mismo periodo del pasado año. Las perspectivas para la presente temporada alta de turismo siguen siendo positivas y se prevé que unos 435 millones de turistas viajen al extranjero entre mayo y agosto.

Las llegadas de turistas internacionales crecieron un 4,3% durante los primeros cuatro meses de 2013 hasta alcanzar un total de 298 millones, antes 286 millones, a pesar del incierto entorno económico mundial.

Los resultados fueron positivos en todas las regiones, registrándose el mayor crecimiento en Asia y el Pacífico (+6%), Europa (+5%) y Oriente Medio (+5%) y el menor en las Américas (+1%) y África (+2%).

Por subregiones, Asia del Sudeste (+12%), Asia Meridional (+9%) y Europa Central y Oriental (+9%) fueron las que mejores resultados obtuvieron.

“El turismo internacional sigue mostrando un dinamismo extraordinario” según el secretario General de la OMT, Taleb Rifai. “El crecimiento del 4% en el número de turistas internacionales que cruzaron fronteras durante los primeros meses de 2013 confirma que el turismo es en la actualidad uno de los sectores con mayor crecimiento, contribuyendo de manera decisiva a la economía de un creciente número de países”, agregó.

Mayor crecimiento de las economías emergentes
El crecimiento fue más fuerte en destinos de economías emergentes (+4,6%) en comparación con las economías avanzadas (+3,3%), una tendencia que ha caracterizado al sector desde hace ya muchos años. Por regiones, el crecimiento fue positivo en todas, pero con resultados relativamente desiguales.

Asia y el Pacífico (+6%) registró el mayor crecimiento relativo impulsado por las llegadas a Asia del Sudeste (+12%) y Asia Meridional (+9%).

Las llegadas de turistas internacionales a Europa, la región más visitada del mundo, aumentaron un 5%; un resultado excelente a tenor de la situación económica de la región. Europa Central y Oriental (+9%) sigue liderando el crecimiento, aunque Europa del Mediterráneo y Europa Meridional (+5%) también obtuvieron buenos resultados.

África (+2%) y las Américas (+1%) registraron un crecimiento relativamente débil durante el primer cuatrimestre de 2013, aunque después de los importantes avances de 2012 (+6% y +5%, respectivamente).

A escala subregional, los resultados fueron bastante planos en todas las subregiones de las Américas, salvo en América Central (+4%). En África, el crecimiento del 3% de África Subsahariana contrasta con los resultados uniformes de África del Norte.

En Oriente Medio se estima un crecimiento del 5%, aunque esta cifra debe tomarse con cautela puesto que se basa en un número relativamente reducido de datos disponibles.

Se prevé que 435 millones de turistas viajen al extranjero durante la temporada alta del turismo. Para todo el año 2013 se prevé que las llegadas de turistas internacionales aumenten entre un 3% y un 4% en línea con la previsión a largo plazo de la OMT estimada en el 3,8% anual para el periodo de 2010 a 2020.

La cola del dinosaurio

23/07/2013, Paleontólogos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) están recuperando los restos de un hadrosaurio, un enorme herbívoro de hace unos 72 millones de años.

Ciudad de México, 23 de julio de 2013
El equipo ha estado trabajando en el desierto de Coahuila, en el municipio de General Cepeda, donde ha recuperado 50 vértebras completas de una espectacular cola articulada, la única cola de dinosaurio que hasta ahora se ha descubierto en México.

De manera muy lenta para no romper lo que la naturaleza mantuvo intacto desde hace millones de años, los paleontólogos quitaron la roca sedimentaria que cubría las vértebras del animal y descubrieron la larga cola, que alcanza cinco metros, con sus 50 vértebras que permanecen unidas entre sí.

Este dinosaurio poseía entre 50 y 70 vértebras caudales. Además del esqueleto de la cola, se han recuperado huesos largos y de la cadera. Las características de las vértebras caudales y sacras han permitido distinguir que se trata de un hadrosaurio o pico de pato con cresta —nombrado científicamente como Lambeosaurino—; aunque aún no es posible especificar la especie porque se necesita encontrar más huesos.

La paleontóloga del Centro INAH-Coahuila, Felisa Aguilar, quien dirige la excavación conjuntamente con su colega de la UNAM René Hernández; explicó que la cola equivale a la mitad del esqueleto, lo que quiere decir que prácticamente se conservó articulada media parte del cuerpo del hadrosaurio, cuya longitud total se calcula en unos 12 metros.

Asimismo, Felisa Aguilar destacó que en el lugar de la excavación se han encontrado otras partes del esqueleto, entre éstas los huesos de las extremidades, y piensan que debajo de la cola está el resto del ejemplar.

El esqueleto fue hallado a principios de mayo de 2005. En junio de 2012 fue reportado al INAH, y luego de una inspección para corroborar el hallazgo se procedió a elaborar el proyecto de rescate.

La temporada de campo para recuperar el esqueleto del hadrosaurio comenzó el 2 de julio; se trata de un rescate que ha requerido de sumo cuidado para no perder la articulación de los huesos, por lo que se sigue una técnica que en paleontología se conoce como “de cantera”. Dicho procedimiento consiste en remover la roca sedimentaria de los fósiles siguiendo un plano horizontal por capas; además, mientras se van liberando los materiales se revisa el contexto: la orientación de los restos fósiles y el tipo de sedimento que compone cada estrato que circunda los vestigios a excavar.

El hadrosaurio se descubrió en el municipio de General Cepeda, a 15 kilómetros del sitio Las Águilas y a 20 kilómetros de Rincón Colorado, que son los más importantes yacimientos paleontológicos de Coahuila, lo que va complementando el mapa de distribución de los dinosaurios.

Señaló que por razones de conservación es imposible dejar la cola del hadrosaurio en el lugar donde se encontró. Se trasladará a la cabecera municipal, a un espacio que se acondicionará como laboratorio para limpiarla, consolidarla y realizar la identificación de cada hueso. Este laboratorio se dejará abierto para que la gente del entorno conozca el proceso de trabajo.

Sorolla y su producción en América

23/07/2013, El Instituto de Cultura de Fundación Mapfre presenta el proyecto "Sorolla y América", una exposición organizada por The Meadows Museum, The San Diego Museum of Art y Fundación Mapfre, con la contribución de la Hispanic Society of América.

Madrid, 23 de julio de 2013
La exposición presentará el gran triunfo de Joaquín Sorolla en Estados Unidos y reunirá en España un grupo importante de obras (nunca antes expuestas en nuestro país) que fueron expuestas por el artista en sus muestras americanas y adquiridas por coleccionistas e instituciones de Estados Unidos, entre las que destacan la Hispanic Society of America, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Brooklyn Museum de Nueva York, la Morgan Library de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, el Art Institute de Chicago, la Washington University Gallery of Art, de Saint Louis o The J. Paul Guetty Museum de Los Angeles.

En 1909, cuando Sorolla ya había logrado todos los grandes premios y honores a los que un pintor de su época podía aspirar, realiza su primera exposición en Nueva York, en la Hispanic Society of America. Después, bajo el patrocinio de esta institución, presenta sus obras en diferentes ciudades americanas como Boston, Buffalo, San Louis y Chicago.

Sorolla enamoró a los coleccionistas americanos con sus escenas de playa, sus patios y jardines. El pintor obtuvo un gran éxito, gracias a su pintura optimista, su fuerza y su modo de ver y sentir la pintura. Tanto es así, que muchas de las personalidades más influyentes de la sociedad americana solicitaron que les realizara retratos para la posteridad.

La exposición reunirá, por primera vez, estas obras, proponiendo un interesante recorrido que permitirá disfrutar del mejor Sorolla y profundizar en la enorme proyección internacional de este artista.

FECHAS:
The Meadows Museum: Del 13 de diciembre de 2013 al 20 de abril de 2014

The San Diego Museum of Art: Del 30 de mayo al 26 de agosto de 2014

Fundación Mapfre: Del 23 de septiembre de 2014 al 4 de enero de 2015

Reapertura al mundo de Walter Scott

23/07/2013, Abbotsford, la casa de uno de los escritores románticos más grandes de Escocia, Walter Scott (1771-1832), se ha reabierto al público después de una amplia transformación.

Londres, 23 de julio de 2013
Abbotsford está en la región de Borders, sur de Escocia, y allí habitó el novelista romántico, quien creó en 1824 una edificación llena de sabor medieval, acorde con el espíritu del autor de Ivanhoe, Waverley y otros notables trabajos.

Situada en el paisaje que inspiró la poesía y las novelas de su creador, Abbotsford encarna una representación del movimiento romántico. Allí pervive una gran colección de elementos históricos, armas y armaduras, así como una biblioteca con más de 9.000 volúmenes.

La propia reina inglesa asistió a la reapertura después 22 meses del cierre del edificio para una restauración. La casa lleva casi dos siglos abierta, exactamente desde cinco meses después de la muerte de Scott.

La reapertura de Abbotsford se ha efectuado tras una campaña surgida hace cinco años para salvar a la propiedad histórica y sus colecciones después de la muerte de Jean Maxwell Scott, última descendiente de Scott que habitaba en esta casa. A su muerte, en 2004, la piedra de Abbotsford se estaba desmoronando, el número de visitantes estaba disminuyendo y la restauración y reacondicionamiento se presentaba como una necesidad.

El proyecto de salvamento se ha resuelto con unas inversiones de más de 12 millones de libras esterlinas. El trabajo de restauración ha sido financiado por subvenciones y donaciones de fuentes privadas y públicas, especialmente de Escocia.

Más de 4.500 objetos de las colecciones de Scott han sido devueltos a la casa después de su catalogación, limpieza y, en algunos casos, la reparación. Dos nuevas salas se han añadido a la gira pública y a pocos metros de la casa histórica, un centro de visitantes recibe a los viajeros con una exposición que muestra la vida y el legado del autor.

Más información en http://www.scottsabbotsford.co.uk/

Chagall, en Liverpool

22/07/2013, Hasta el 10 de octubre, la Tate Liverpool muestra la evolución pictórica de Marc Chagall desde sus orígenes folk y naif hasta sus trabajos relacionados con los movimientos de vanguardia.

Liverpool, 22 de Julio de 2013
Marc Chagall (1887-1985) es uno de los artistas más conocidos y estimados del siglo pasado, y “Chagall: Modern Master” es la primera gran exposición de la obra del pintor ruso en el Reino Unido en los últimos quince años.

La exposición muestra a Chagall como un visionario apasionado y pionero de la vanguardia, que combina su propia respuesta a los movimientos artísticos de la época, con una exhibición abierta de su vinculación con la Rusia natal y la herencia judía.

“Chagall: Modern Master” se presenta como una oportunidad para ver a un importante conjunto de trabajos que demuestran la profundidad y diversidad del arte de Chagall, y su maduración durante los años cruciales de 1911 a 1922.

Para ello, la exposición reúne más de setenta pinturas y dibujos procedentes de las principales instituciones y colecciones privadas de todo el mundo; trabajos presentados en un orden cronológico, con grupos temáticos que permiten ver los encuentros de Chagall con los movimientos artísticos de vanguardia, destacando cómo se combinan estos nuevos lenguajes pictóricos con sus propios motivos, para generar sus obras innovadoras y expresivas.

Un hito importante de la exposición es la presentación poco frecuente de los siete grandes murales diseñados por Chagall para el Yiddish Teatro de Cámara Estatal de Moscú en 1920, cedidos por la Galería Estatal Tretyakov, Moscú.

Chagall: Modern Master arranca con el surgimiento de Chagall como artista en su Vitebsk natal, en la actual Bielorrusia, y su posterior formación en San Petersburgo. Pasa luego a examinar los tres años cruciales pasados en París (1911-1914), donde exploró la relación personal con los nuevos movimientos de vanguardia del cubismo y el orfismo en pinturas como Tres y media (El Poeta), de 1911, y París a través de la ventana, de 1913. La exposición muestra como Chagall respondió a los traumas de la guerra y la persecución religiosa tras el regreso a su Rusia natal en el estallido de la Primera Guerra Mundial (se incluyen Partida hacia la Guerra, de 1914, y Judío en rojo, de 1915). Los ocho años Chagall se vio obligado a pasar en Rusia antes de que pudiera volver a París estuvieron marcadas por un ritmo enérgico de su producción artística y la consolidación de un estilo pictórico, mostrado con algunas de las principales obras de esta época, como En cualquier lugar del mundo, de 1915, y Promenade, de 1917-1918.

La exposición también explorar el interés del artista por el teatro. Su encargo para decorar el interior de la Cámara Yiddish Teatro Estatal de Moscú fue un trabajo sorprendente realizado durante los trastornos políticos, sociales y culturales de la Revolución Bolchevique, que tuvieron gran impacto en su vida y obra.

Chagall: Modern Master está organizado por el Kunsthaus Zürich en colaboración con la Tate Liverpool.

Los secretos del parque Shebenik-Jabllanica

22/07/2013, Veinte cámaras ocultas colocadas por un equipo de control de vida silvestre de UICN en el Parque Nacional Shebenik-Jabllanica, en Albania, han mostrado una impactante eclosión de vida.

Gland, Suiza, 22 de julio de 2013
Colocadas las cámaras en junio, en apenas un mes, se han retratado ante ellas ejemplares de oso pardo, lobo, zorro, tejón, el gato montés y jabalí mostrado la riqueza de la fauna del parque.

Los resultados obtenidos por el equipo de la UICN (Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza) serán utilizados para para preparar un plan de gestión para el área protegida, aumentar la conciencia pública y realizar el seguimiento a largo plazo de la vida silvestre en el Parque Nacional.

El parque Shebenik-Jabllanica (Parku Kombëtar Shebenik-Jabllanicë) se halla en Albania, lindando con Macedonia y tiene más de 30.000 hectáreas, en las que se hallan importantes especies de fauna y flora, entre ellas las ya citadas y el lince.

El uso de este tipo de cámaras para controlar la vida silvestre se ha utilizado en todo el mundo en los últimos años para la investigación y el registro de la presencia de ejemplares. Sus principales ventajas son la escasa perturbación de la fauna silvestre y la posibilidad de confirmar y demostrar la presencia real de determinadas especies en el área. Al mismo tiempo, la captura de imágenes permite determinar el comportamiento y las pautas de actividad de animales, así como facilitar información cuantitativa sobre las poblaciones de fauna.

El Arenal de Namib

22/07/2013, El Arenal de Namib (Namibia) es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Namib, Namibia, 22 de julio de 2013
Este sitio, que abarca un territorio de más de tres millones de hectáreas y una zona tampón de 899.500 hectáreas, es un desierto brumoso costero, único en su género, que cuenta con vastas extensiones de campos de dunas.

Según informa la UNESCO, el Arenal de Namib está integrado por dos sistemas de formaciones de dunas: el más arcaico, semiconsolidado, se superpone al más reciente, que es mucho más activo.

Este desierto es excepcional debido a que sus dunas se han formado con materiales transportados a lo largo de miles kilómetros por la erosión fluvial y los vientos desde el interior del continente africano, así como por las corrientes marinas.

El sitio comprende también llanuras de grava, arenales costeros, cerros testigos que emergen del arenal, una laguna costera y cursos de agua efímeros.

Todos estos elementos confieren al paisaje una belleza excepcional. La fuente primordial de agua de este sitio es la niebla, que contribuye a la creación de un entorno único en su género, en el que las especies endémicas de invertebrados, reptiles y mamíferos se adaptan a una gran variedad de microhábitats y nichos ecológicos.

Recuerdos mágicos de Oshida

20/07/2013, El arte de Osamu Oshida cuenta en imágenes la poesía de la infancia, algo especialmente tentador en medio del acelerado mundo de hoy.

Ginebra, 20 de julio de 2013
El artista japonés Osamu Oshida presenta una exposición desde el 20 de julio 20 al 1 de septiembre en la Cité du Temps, de Ginebra. Son 25 cuadros acrílicos que conducen la imaginación sobre los caminos felices de la infancia. Escenas llenas de poesía generan la calma gracias a las historias evocadoras.

El artista, sexagenario, une sus recuerdos personales con sus observaciones de los juegos de los niños, fuentes fértiles de inspiración, para crear unas obras que revelan un mundo mágico donde la imaginación y la nostalgia juegan en armonía.

La paleta de colores utilizada, rica y luminosa, refleja la claridad de los ojos de un niño en medio de un mundo sin penumbra, más allá de la racionalidad. Cielos, pájaros manzanas, nieves, gatos dormidos, buhos sonrientes... una invitación a un mundo proclive para la ensoñación.

Nacido en 1950 en Morioka, capital de la prefectura japonesa de Iwate, Osamu Oshida descubrió la pintura a la edad de 55 años. Desde entonces, ha pintado y he vendido cientos de obras. Su carrera está guiada por un claro instinto de la alegría compartida. Ha expuesto en París y varios lugares en Suiza. Actualmente vive y trabaja en Clarens, en el cantón de Vaud.

Dos leopardos persas ...rusos

19/07/2013, Por primera vez en 50 años, dos cachorros de leopardo persa han nacido sobre suelo ruso, en un parque nacional, dentro de un programa para reintroducir la especie.

Sochi, Rusia, 19 de julio
Los cachorros nacieron en el Centro de Cria y Rehabilitación del Leopardo Persa, en el Parque Nacional de Sochi, al suroeste de Rusia, y el objetivo es el de lograr una nueva población del leopardo en las montañas del Cáucaso, dijo Natalia Dronova, coordinadora de especies de WWF-Rusia.

"Aún es demasiado pronto para saber el sexo de los cachorros. De momento, están en con su madre, y el personal del centro no quieren molestarlos", dijo Umar Semyonov, jefe del centro de cría.

Los padres Zadig y Andrea fueron llevados al parque en 2012 desde un zoológico de Lisboa.

Un leopardo recién nacido tiene unos 15 centimetros de largo, en promedio, y pesa entre 500 y 700 gramos. Los recién nacidos empezaran a ver hacia el día siete. Al principio, la madre se encarga de alimentarlos con comida semidigerida, pero a medida que crecen comenzarán a comer presas por sí mismos.

El leopardo persa (Panthera pardus Tulliana) está en peligro de extinción según la Lista Roja de la UICN; con menos de 1.300 individuos maduros que viven en Irán, el este de Turquía, las montañas del Cáucaso, el sur de Turkmenistán y oeste de Afganistán.

El programa ruso de reintroducción del leopardo persa está a cargo de la Secretaría de Recursos Naturales y Medio Ambiente de la Federación Rusa con la participación del Parque Nacional de Sochi, la Reserva Natural del Cáucaso, el instituto Severtsov de Ecología y Evolución, WWF y el zoológico de Moscú.

Tianshan en Zinjiang Tianshan (China)

19/07/2013, Tianshan en Zinjiang Tianshan (China) es uno de los sitios que entró a formar parte de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2013.

Tianshan, provincia de Xinjiang, China, 19 de julio de 2013
Este sitio comprende cuatro componentes –Tomur, Kalajun-Kuerdening, Bayinbukuke y Bogda– que totalizan una superficie de 606.833 hectáreas y son parte integrante del sistema orográfico de Tianshan. Se halla en en el Asia Central; este sistema forma una de las mayores cordilleras del mundo.

Según informa la UNESCO, además de poseer características fisiogeográficas únicas en su género, el sitio de Tianshan, en la provincia de Xinjiang, cuenta con zonas de gran belleza paisajística: montañas nevadas, picos rematados por casquetes de hielo, bosques y praderas vírgenes, ríos y lagos de aguas cristalinas, y cañones de fondo rojo.

El contraste visual entre estos paisajes y las vastas extensiones desérticas adyacentes es sobrecogedor: zonas cálidas y frías, áridas y húmedas, inhóspitas y exuberantes de vegetación.

La geomorfología y los ecosistemas del sitio se han conservado intactos desde el Plioceno y ofrecen un ejemplo notable de procesos biológicos y ecológicos que todavía se hallan en curso de evolución.

El territorio del sitio se extiende también por el Taklamakán, uno de los desiertos más vastos y altos del mundo, renombrado por sus vastas formaciones de dunas y sus gigantescas tormentas de arena. Además, el Tianshan de Xinjiang es un hábitat de gran importancia para especies vegetales endémicas y arcaicas, algunas de las cuales son sumamente raras y se hallan en peligro de extinción.

Avance de Otoño en el Reina Sofía

19/07/2013, Descubre las propuestas más interesantes de la programación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de cara a los próximos meses.

Madrid, 19 de julio de 2013
El MNCARS presentará próximamente nuevas obras de la colección correspondiente a los años 80 y 90, así como varias muestras dedicadas a la fotografía social, y al arte figurativo español. Además, la institución seguirá con su programa Fisuras, que da a conocer las corrientes artísticas actuales, y presentará una exposición en Japón dedicada al Informalismo español.

Dando continuidad a las presentaciones de distintos tramos de la Colección, la muestra "Mínima resistencia. Entre la identidad y la globalización" explora los lenguajes artísticos de los años 80 y 90, tanto en España como en el resto del mundo. Los 80 y 90 constituyen un periodo de profundas transformaciones sociopolíticas que tuvieron su reflejo en las prácticas artísticas del momento, a través de la convivencia de experiencias simultáneas y contradictorias. Gran parte de las obras no han sido vistas nunca en las salas del Museo al ser nuevas adquisiciones o depósitos.

"Formas biográficas. Construcción y mitología individual" examina el modelo constructivo de la biografía en el arte moderno, a partir de elementos documentales o ficticios; es también un análisis de las formas experimentales adoptadas por la cuestión del sujeto biográfico, sobre todo a partir de la década de los 50, con el despliegue en el arte de la autobiografía como mitología individual. Reunirá unas 250 obras de autores de la talla de Edvard Munch, Paul Klee, Max Ernst, Alberto Giacometti, Andy Warhol, Frank Kafka, Robert Bresson, Maruja Mallo o Pepe Espaliú.

La muestra "Chris Killip trabajo / work" narra a través de 107 fotografías en blanco y negro el desgarro social que afrontó la clase obrera británica a causa del desmantelamiento de la gran industria entre 1968 y 2004.

Por su parte, el eslovaco Roman Ondák, desarrollará un proyecto específico para el Palacio de Cristal, en el cual, como viene siendo habitual en él, invita al espectador a que sea parte activa de las obras.

"Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80", es una exposición ensayo que reúne un conjunto de pinturas realizadas entre 1978 y 1984 por cinco artistas españoles cuyo nexo común es la vuelta al arte figurativo: Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano, Ferrán García Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido.

El programa Fisuras dará a conocer el trabajo de los creadores Maria Loboda, Manuel Saiz, Gabriel Acevedo Velarde y Alejandra Riera, quienes han elaborado una producción específica para la ocasión.

Finalmente, con motivo de la inauguración del Año Dual España -Japón, el Museo presenta la exposición "Dentro y fuera. Las dos caras del Informalismo español en la Colección del Museo Reina Sofía", que podrá visitarse en Tokio y Nagasaki entre octubre y marzo de 2014 y que agrupa obras de Antonio Saura, Antoni Tàpies, José Guerrero y Esteban Vicente.

Un mecenas para la Catedral

18/07/2013, La Catedral de Santiago busca mecenas para la financiación de las obras de restauración y conservación necesarias para la conservación del conjunto monumental.

Santiago de Compostela, 18 de julio de 2013
Este plan de mecenazgo, propuesto por el equipo de la Fundación Catedral de Santiago, supone una alternativa para conseguir fondos, ante la escasez de ayudas públicas.

El objetivo de la Fundación es la de implantar un plan de gestión eficiente, así, la Catedral de Santiago ha actualizado sus procesos de administración y control, de manera que, actualmente, la gestión diaria de la Catedral se ha modernizado, gracias, entre otros aspectos, al trabajo de un equipo profesional.

Ello ha permitido cubrir las necesidades operativas básicas y el mantenimiento ordinario, que se financian con recursos procedentes de las aportaciones de los fieles, los alquileres de locales y los visitantes del Museo Catedral.

Plan de mecenazgo
El plan de mecenazgo, además de recaudar de dinero, pretende concienciar a la sociedad sobre la necesidad de conservar un monumento de la magnitud de la Catedral de Santiago.

El dinero recaudado será destinado a las necesarias obras de conservación y rehabilitación de la Catedral, contempladas en su plan director, un documento oficial que establece la hoja de ruta, con los costes y la programación de las actuaciones necesarias para la conservación integral de la Catedral. El Plan Director es vital para que las actuaciones en la Catedral tengan un hilo conductor y una programación lógica en función de la prioridad de las intervenciones previstas.

El Plan de Mecenazgo se articula en varios ejes:

Programa de Amigos, dirigido a personas individuales que se quieren implicar en el proyecto de la Catedral con una aportación anual.

Colaboradores y Benefactores de la Catedral, pensado para pequeñas empresas que realicen aportaciones de hasta 15.000 euros.

Protectores de la Catedral, dirigido a grandes empresas, tanto nacionales como internacionales, con las que la Catedral formalizará un convenio de colaboración.

Para contribuir en el proyecto se ha habilitado una web: www.ayudaalacatedral.es. También se puede acceder desde la página web oficial www.catedraldesantiago.es.

La Catedral
La construcción de la Catedral Románica comenzó en el año 1075, bajo el reinado de Alfonso VI. Tras esta etapa inicial, diversos avatares ralentizan las obras hasta que toman un nuevo impulso en el año 1100. Poco a poco la construcción de la Catedral irá avanzando a lo largo del siglo XII. En 1211 se celebra la consagración de la Basílica con la presencia de Alfonso IX.

Aunque la estructura medieval se ha mantenido en lo fundamental, a lo largo de los siglos la Catedral ha ido variando su fisonomía con la construcción en el Renacimiento del Claustro y sus espacios anejos y, sobre todo en el Barroco, en que se realizan obras como la capilla mayor, los órganos, el cierre de la cabecera o la fachada del Obradoiro. Durante el Neoclasicismo se realiza la nueva fachada de la Azabachería y en los últimos cien años se han seguido realizando diversas actuacion.

La Fundación Catedral de Santiago
Se constituyó el 23 de julio de 2008 y sus fines son la promoción, fomento y difusión de la Catedral de Santiago de Compostela, de su entorno y de su patrimonio artístico y cultural; así como la gestión y explotación, a efectos de su puesta en valor, de las infraestructuras de la Catedral compostelana, de su entorno y de su patrimonio artístico y cultural.

La Fundación Catedral de Santiago está formada por un equipo de profesionales expertos en las diversas áreas competenciales de la Catedral: economistas, técnicos especialistas en museos, técnicos especialistas en gestión cultural, documentalistas, restauradores, administrativos y profesionales de la comunicación, entre otros.

El Galeón de Manila

17/07/2013, Un documental mexicano recuerda el drama del "San Felipe" y la importancia de la primera línea comercial regular que unió el oriente de Asia con América y Europa, a través de Acapulco.

Ciudad de México, 17 de julio de 2013
Entre dunas que mudan con el viento, investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) mexicano buscan las pistas del “San Felipe”, el galeón de Manila que hace 437 años, en el verano de 1576, varó en las costas de Baja California con toda su tripulación diezmada por el escorbuto.

La tragedia de una de las primeras naos de China, de las más célebres de la historia naval, así como el rastreo que hacen arqueólogos e historiadores náuticos mexicanos y estadounidenses, llegó a la pantalla en el II Ciclo de Documentales de Arqueología Subacuática, en el Museo Nacional de Antropología.

según informa el INAH, entre la arena de una desolada playa bajacaliforniana, se encuentran láminas de plomo que forraban el navío, monedas de la Corona española, figuras de bronce y también fragmentos de grandes ánforas llamadas de Martabán y de porcelana china de la Dinastía Ming, esta última decorada con figuras de ave fénix, plantas, flores y dragones.

Desde 1999, más de millar y medio de estos materiales, muchos de ellos tesoros asiáticos que nunca llegaron a puerto, han sido recuperados por un equipo de investigadores de la Subdirección de Arqueología Subacuática (SAS) del INAH, en colaboración con reconocidos especialistas, como el historiador náutico Edward Von der Porten.

Un Galeón de Manila, documental de la Dirección de Medios de Comunicación del INAH, lleva al espectador en un viaje por el Océano Pacífico, de las Islas Filipinas al puerto de Acapulco, para luego contar la historia del infortunado buque “San Felipe” y su tripulación.

El Galeón de Manila o de Acapulco (como también se le conocía) no sólo era un barco, sino el nombre de una ruta que durante 250 años, de 1565 a 1815, convirtió a la Corona española en cabeza del comercio, no sólo con América sino también con Asia.

El arqueólogo Roberto Junco, investigador que dirige este proyecto de la SAS, repara en este punto, porque si el tornaviaje de fray Andrés de Urdaneta inauguró en 1565 este largo trayecto, “el San Felipe representa uno de los primeros naufragios de los galeones de Manila, los cuales son muy escasos, por lo que esta iniciativa cobra interés internacional”.

Los fragmentos de fina porcelana, la gruesa superficie de los martabanes, bloques de cera, figurillas de Perros de Fo en bronce, todo ello “nos habla de la amplia conexión en esta parte del Pacífico, entre chinos, japoneses, pueblos de Siam y otros, que confluían en Manila con cargamentos tan variados y ricos”.

El documental Un galeón de Manila narra cómo el “San Felipe” fue construido en un astillero de la Nueva España y luego arribó a Filipinas, donde se rearmó la embarcación; contaba con tres mástiles y medía 115 pies de largo (alrededor de 35 m).

Partió de Filipinas rumbo a Acapulco, llevado por corrientes traicioneras y una tripulación que comenzó a padecer males dietéticos, explicó el maestro en arqueología Roberto Junco.

En el sitio, ubicado al sur de Tijuana y al norte de Cabo San Lucas —refirió Junco—, “tenemos ambas cosas, el cargamento y pequeñas partes de lo que fue el casco de este galeón de Manila”.

Lo que más abunda “es parte del cargamento, la porcelana, la cera, algunos objetos suntuarios, pero también tenemos parte del buque, láminas de plomo que recubrían el casco, pernos y clavos de hierro, y un poco de madera fosilizada”.

La exploración en un sitio como éste no es fácil porque las dunas se modifican por efecto del viento, por lo que se extimpa que los restos más completos pueden hallarse a mayor profundidad de la analizada actualmente.

El laberinto de Pablo Picasso

17/07/2013, La Minotauromachie (1935): Picasso en su laberinto. Una muestra de la obra gráfica de Pablo Picasso, que podrá verse hasta el 31 de agosto en la Fundación Juan March de Madrid.

Madrid, 17 de julio de 2013
Desde el miércoles 17 de julio y hasta el 31 de agosto puede verse en la sede de la Fundación Juan March una pequeña muestra articulada en torno a la pieza central de La Minotauromachie (1935), obra principal de la producción gráfica de Picasso (Málaga, 1881-Mougins, Francia, 1973), considerada por algunos especialistas como la estampa más importante de todo el siglo XX.

Pablo Picasso realizó numerosas estampas a lo largo de toda su trayectoria artística, que constituyen un capítulo fundamental de su producción plástica. El malagueño trabajó en series, ejercitándose en temas y procedimientos, con un constante afán investigador y experimental y un dominio absoluto de todas las técnicas. Tal era la calidad de sus trabajos, que a día de hoy es considerado uno de los más extraordinarios grabadores de todos los tiempos.

Desde la Antigüedad clásica, el Minotauro (un ser mitológico mitad hombre, mitad toro) y el laberinto en el que fue encerrado, se han convertido en arquetipos de los que se han nutrido las artes plásticas y la literatura a lo largo de los siglos, generando múltiples interpretaciones. El

La figura del Minotauro aparece por primera vez en la obra de Picasso en un dibujo de 1928, pero será en la década de los treinta cuando se convierta en tema recurrente en su iconografía. En la Suite Vollard trabaja sobre el motivo del Minotauro en quince de los grabados. Los temas clásicos no eran ajenos a Picasso, que ya los había tratado al ilustrar La Metamorfosis de Ovidio o la Lisístrata de Aristófanes. Pero en la Suite, Picasso reinterpreta el mito, alejándose de la representación clásica y acercándolo a su biografía personal, identificándose con él y haciendo en él eco de las circunstancias de su vida artística, de sus relaciones amorosas y de sus experiencias conyugales. Así, La Minotauromachie puede “leerse” como un diario artístico de los complejos avatares de su vida durante la década de los treinta –“la peor época de mi vida”, llegó a decir el propio Picasso‒.

Las estampas dedicadas al Minotauro en la Suite Vollard se pueden dividir en cuatro grupos. En el primero de ellos, el Minotauro disfruta y bebe en el taller del escultor junto con el artista y sus modelos. A estas escenas báquicas siguen otras más violentas, en las que Picasso muestra la naturaleza animal del Minotauro. Finalmente, los grupos tercero y cuarto representan al Minotauro vencido; en uno de ellos, ese ser mitad hombre y mitad animal aparece moribundo; en el otro, ciego.

La Minotauromachie (1935): Picasso en su laberinto
Fundación Juan March
(Castelló, 77, Madrid)
Horario: de lunes a viernes, 11-20 horas.
Sábados, 11-14 horas.
Domingos y festivos, cerrado.

El ocaso del pez gigante

16/07/2013, La supervivencia del Pez Gato, uno de los peces más grandes de agua dulce -del que apenas quedan unos centenares de ejemplares- está amenazada por represa en el río Mekong, según un reciente informe de WWF.

Tailandia, 16 de julio de 2013
La construcción de represas en el bajo río Mekong es una nueva amenaza para la supervivencia del Pez gato del Mekong o siluro gigante del Mekong, uno de los mayores y más raros peces de agua dulce del mundo, incluído en la Lista Roja de la UICN como "en peligro crítico".

El estudio de WWF arroja nueva luz sobre el estado del siluro gigante del Mekong (Pangasianodon gigas), incluyendo datos sobre el número de ejemplares y su distribución, y las medidas necesarias para evitar su desaparición.

El siluro gigante del Mekong es un pez de la familia de los bagres (Siluriformes), que tiene el récord mundial de de tamaño entre los capturados en agua dulce: 3 metro y para 300 kg de peso.

Si bien es difícil saber el número exacto de ejemplares que viven en estado salvaje, se estima que son sólo unos pocos cientos. Las principales razones de este descenso son la sobrepesca, la disminución de la calidad del agua y la construcción de presas a lo largo del río Mekong y sus afluentes.

La pesca para el siluro gigante del Mekong es ilegal en Tailandia, Laos y Camboya, pero las prohibiciones parecen ineficaces.

Según este estudio, la proyectada presa de Xayaburi, en el brazo principal del Mekong en el norte de Laos será un obstáculo insuperable para la migración del pez gato gigante que puede ayudar a reducir o incluso la extinguir la especie. esta presa, de realizarse, podría interrumpir o bloquear el desove e incrementar la mortalidad de esta especie por el efecto de las turbinas.

En el río Mun, el mayor afluente del Mekong, una presa ya los bloquea la migración del pez gato gigante del Mekong y aisla esta cuenca del Mun respecto al resto de la cuenca del Mekong.

El siluro gigante del Mekong es un buen indicador ecológico del río Mekong, y la reposición de su presencia es una parte importante de la gestión sostenible de la cuenca del Mekong, sostiene WWF.

"El Pez gato del Mekong se puede conservar, pero se requiere un alto nivel de compromiso por parte de todos los países del bajo Mekong, y las organizaciones internacionales" afirma el Dr. Li Lifeng, director del programa de agua dulce de WWF.

Dulce verano en París

16/07/2013, “La Ciudad de la Luz” sorprende al visitante con su energía y belleza. Un punto de partida desde el que descubrir todas las maravillas de la “Douce France”.

París, 16 de julio de 2013
París es una de las ciudades Europeas que, lejos de pasarse de moda, siempre sorprende al visitante con nuevos atractivos.

Notre Dame no sólo es el emblema de la ciudad, es el lugar a partir del cual se miden los kilómetros de las grandes carreteras francesas. Su armonía la convierte en una de las catedrales más bellas de Francia.

La Sainte Chapelle es una joya deliciosa. Se trata de una capilla de pequeñas dimensiones, en un estilo de gran pureza, destinada a acoger la corona de espinas de Cristo. Un precioso edificio que merece una visita con tiempo.

La Torre Eiffel es otro de los iconos de esta ciudad francesa, un monumento que supone el triunfo del industrialismo. Miles de visitantes acceden diariamente a esta torre para divisar la Ciudad de la Luz a sus pies.

Los museos de París son magnígicos, el Louvre, el Museo d`Orsay y el Centro Pompidou son visitas obligadas, pues albergan algunas de las obras de arte más importantes y bellas que jamás ha realizado el ser humano.

El Canal de Saint Martín une el Parque de la Villette con el Puerto del Arsenal en el río Sena. Nació como un proyecto en el siglo XIX para resolver el abastecimiento de agua de la ciudad. Recorrer este canal en barco en verano es una delicia, los reflejos verdosos del agua invitan al relax y al disfrute.

En las islas de Saint Louis y la Cité, en pleno centro de París, encontramos el Palais de la Cité, primer palacio de los reyes de Francia, la Conciergerie utilizada como prisión durante la Revolución Francesa, conserva patios, celdas y corredores donde pasaron sus últimos días personajes como María Antonieta y Robespierre.

El barrio del Marais es uno de los barrios más pintorescos de París, con sus estrechas calles y edificios históricos. La Place des Vosgues, construida por Enrique IV fue la primera plaza real. El barrio del Temple nos recuerda el origen de la orden de los templarios.

Para aquellos que disfrutan con la comida, en cualquiera de los mercados de la ciudad se puede degustar gastronomía típica. Junto a los puestos de frutas y verduras podemos encontrar cavas, panaderías, tiendas de especias, quesos deliciosos, tartas dulces y saladas... para saborear París con todos los sentidos.

Descubre la Guía de París en Guiarte

Picasso acerca Málaga a Bilbao

12/07/2013, La Red Nacional de los Ferrocarriles Españoles, Renfe, ha anunciado una mejora en sus servicios entre Bilbao y Málaga durante el verano, con nuevos trenes y mejores tiempos de viaje.

Madrid, 12 de julio de 2013
El servicio entre la ciudad cantábrica y la mediterránea se renueva renueva con el nuevo tren Picasso, que circulará desde el 12 de julio hasta el 8 de septiembre y lo hará en horario diurno de martes a viernes y en horario nocturno los viernes y domingos.

El tren Alvia puede circular tanto por vías convencionales como por líneas de alta velocidad, ofreciendo así mejores tiempos de viaje. En el caso del servicio diurno, el tren Picasso saldrá de Bilbao a las 7.42h (los martes y jueves) y de Málaga a las 10.05h (miércoles y viernes). Circulará a través de Logroño, con paradas intermedias en Miranda de Ebro, Logroño, Tudela de Navarra, Calatayud, Córdoba y Antequera-Santa Ana. El tiempo de viaje entre Bilbao y la capital de la Costa del Sol en este tren diurno será de 9h 13minutos y de 8 horas en el caso del trayecto Bilbao-Córdoba.

Por su parte, el servicio nocturno saldrá los viernes de Bilbao a las 22.20h y los domingos de Málaga a las 20.35h. En este caso, circulará vía Valladolid, con paradas en Miranda de Ebro, Burgos, Valladolid, Córdoba y Antequera. El tiempo de viaje Bilbao-Málaga en este tren nocturno será de 10h 8minutos y de 9 horas para el Bilbao-Córdoba.

Renfe comercializa el nuevo tren Bilbao-Córdoba-Málaga con tarifas promocionales que ya están a la venta y que permitirán viajar entre Bilbao y Málaga desde 29,70 euros.

El nuevo tren Bilbao-Málaga tiene una capacidad de 296 plazas en clase única, con butacas reclinables que pueden recostarse hasta 138 grados. Disponen de controles individuales de respaldo y piernas, reposacabezas orientable en altura, sistema de audio individual con cuatro canales, mesa auxiliar de madera, toma de corriente eléctrica y elementos de seguridad para el equipaje. El tren cuenta también con cafetería, aire acondicionado y acceso para personas con movilidad reducida.

Renfe tiene un compromiso de puntualidad: garantiza la devolución del 25% del importe en caso de retraso superior a 20 minutos, del 50% en retrasos de más de 40 minutos y del 100% si el retraso supera los 60 minutos.

Colección de Arte del Banco de la República

12/07/2013, Más obras... y más diálogo. La Colección de Arte del Banco de la República, en Bogotá, se presenta a los amantes del arte con una nueva estructura.

Bogotá, 12 de julio de 2013
La nueva propuesta contempla cinco curadurías independientes que revisan la historia del arte colombiano y lo confronta con obras y artistas latinoamericanos e internacionales, alternando piezas de distintos periodos históricos a fin de establecer relaciones temáticas y estéticas.

A diferencia del montaje anterior que exhibía alrededor de 300 obras, esta exposición presentará más de 800 piezas de 250 artistas diferentes, que datan del siglo XV a la primera década del siglo XXI, en formatos que van desde pintura y escultura hasta fotografía e instalaciones.

Las curadurías: Los primeros tiempos modernos (s. XV al XVIII) a cargo del historiador Jaime Borja, Rupturas y Continuidades (s. XIX) de la artista e investigadora Beatriz González, La revolución vanguardista (1910-1950) del historiador del arte Álvaro Medina y Clásicos, experimentales y radicales: Itinerarios del Arte en Colombia (1950-1980) un trabajo conjunto de las historiadoras del arte Carmen María Jaramillo y Sylvia Suárez, ocuparán 16 salas de la Casa de Moneda y estarán abiertas desde el 26 de julio. La quinta curaduría a cargo de los investigadores Carolina Ponce de León y Santiago Rueda, que abarca la producción artística desde la década del 80 a los primeros años del siglo XXI, abrirá en los últimos meses de 2013 en la Casa Republicana de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Las curadurías establecen ciertos contrapuntos, ya sean temáticos, técnicos, de contexto político o social; propiciando posibilidades y lecturas diferentes para los visitantes. De esta manera es la primera vez que el Banco de la República exhibe sus tres colecciones de arte juntas: la colombiana, latinoamericana e internacional; que además enriquece con piezas arqueológicas del Museo del Oro y manuscritos, fotografías, mapas históricos, registros de prensa y material bibliográfico de las colecciones de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

“La Colección de Arte es el corazón de la Manzana Cultural del Banco de la República —que acoge la colección numismática de Casa de Moneda, el Museo Botero, las exposiciones temporales del Museo de Arte y los laboratorio artísticos de El Parqueadero—, además, es vecina de la Biblioteca Luis Ángel Arango y su sala de conciertos y está a unas pocas cuadras del Museo del Oro. De esta manera Bogotá, al igual que sucede en Washington con el Instituto Smithsonian o en Berlín con la Isla de los Museos, cuenta con un gran complejo cultural en su centro histórico, un oasis de arte y conocimiento para el deleite de sus ciudadanos y visitantes”, afirma Efraín Riaño, Director de la Unidad de Artes y otras Colecciones del Banco de la República.

La Colección de Arte estará abierta todos los días –excepto los martes-, el ingreso será gratuito y contará con programación de apoyo permanente, entre talleres, visitas guiadas y conferencias.

La Colección del Banco de la República se inició en noviembre de 1957 con la adquisición de tres obras: Mandolina sobre silla de Fernando Botero, Ángel volando en la noche de Cecilia Porras y El Dorado N° 2 de Eduardo Ramírez Villamizar.

Los primeros tiempos modernos. Siglos XV al XVIII
Entre los siglos XV y XVIII en el territorio que hoy es Colombia la cultura visual predominante se desarrolló a partir de temas religiosos. En su curaduría: Los primeros tiempos modernos, el historiador Jaime Borja señala cómo en las obras coloniales pueden identificarse los rasgos de la modernidad, al tiempo que identifica sus remanentes en el arte contemporáneo.

La selección de obras incluye pinturas, esculturas, grabados. Entre ellas, obras de los pintores neogranadinos Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Joaquín Gutiérrez, Antonio Acero de la Cruz y Victorino García Romero, a quien se le atribuye la serie de las Monjas coronadas que también se ha incluido en la exposición.

Además, pinturas de los europeos Jan Van Kessel, Pieter y Jan Brueghel, Jacobo Negretti, Angelino Medoro, Giovanni Battista, entre otros, que contrapondrán lo que para la época sucedía en Europa con respecto a América. Así como artistas contemporáneos que desde sus obras dialogan con la iconografía y el contexto colonial, entre ellos, los colombianos Juan Antonio Roda, Juan Camilo Uribe y la serbia Marina Abramovic.

Rupturas y continuidades. Siglo XIX
La artista e investigadora Beatriz González indaga que tanto incidió la Independencia en el arte nacional y que aspectos de la plástica virreinal sobrevivieron en el siglo XIX. Su curaduría Rupturas y continuidades resalta cómo la Expedición Botánica y la figura de Humboldt cambiaron los paradigmas visuales de la época, cómo los modelos religiosos se sustituyeron por los próceres independentistas y qué impacto tuvo en la formación de los artistas la creación de la Academia de Bellas Artes y la figura de Andrés de Santa María.

A mediados del siglo XX una pregunta encendió el debate entre los historiadores del arte colombiano: ¿qué tanto se transformó el arte nacional al pasar de la Colonia a la Independencia? Dos posiciones opuestas sobresalieron en la discusión, por un lado la que afirmó que ninguna huella del arte colonial neogranadino fue evidente en el siglo XIX; por el otro, la que insistía en que salvo simples variantes formales e innovaciones técnicas, la situación no varió de un siglo a otro. En Rupturas y continuidades Beatriz González retoma la discusión, identifica qué cosas perduraron, que cambiaron e indaga el porqué de ambas situaciones.

La revolución vanguardista. 1910 - 1950
A principios del siglo XX el arte colombiano, con el pintor Andrés de Santa María a la cabeza, se insinuaba como precursor del modernismo en América Latina, un impulso que duró pocos años. ¿Qué sucedió? ¿Qué caminos tomo la plástica nacional? y ¿cómo asimilaron las vanguardias los artistas locales? Estos son temas que aborda el historiador del arte Álvaro Medina en La revolución vanguardista, una curaduría que indaga el arte colombiano entre 1910 y 1945.

En 1911 el pintor Andrés de Santa María (1860-1945) dejó su cargo de director en la Escuela Nacional de Bellas Artes y se mudó definitivamente a Europa. Entonces, sin ser del todo consiente, su estilo ya era de corte post impresionista y sus obras se erguían como unas de las más singulares y “modernas” de toda América Latina. “Se puede pensar que las condiciones estaban dadas para que en Colombia hubiera triunfado, gracias a Santa María, una escuela libre de ataduras decimonónicas, pero no fue así. El desarrollo posterior fue sinuoso y lleno de altibajos, Colombia fue reticente a las vanguardias y de lenta asimilación de las nuevas tendencias”, explica Medina.

La revolución vanguardista se exhibe a lo largo de cuatro salas, presenta más de cien obras, entre pinturas, esculturas, acuarelas y fotografías.

Clásicos, experimentales y radicales: itinerarios del Arte en Colombia. 1950 - 1980
A partir de seis ejes temáticos, que identifican intereses y tendencias recurrentes entre varios artistas colombianos y latinoamericanos, las historiadoras del arte Carmen María Jaramillo y Sylvia Suárez revisan la producción plástica colombiana entre 1950 y 1980, sin duda uno de los periodos más activos e interesante en el arte nacional.

Su curaduría Clásicos, experimentales y radicales: Itinerarios del Arte en Colombia, se exhibe a lo largo de seis salas y reúne más de 300 obras. Los seis ejes temáticos propuestos son: Itinerarios y resonancias; Geografías: cuerpo y territorios; Realidades abstractas; Fragmentación, parodia e ironía; Graficario y Mirada Urbana.

Solo quedan 55 delfines de Maui

11/07/2013, Los expertos en el ámbito de la fauna marina muestran "preocupación extrema" por la supervivencia de los delfines de Maui en Nueva Zelanda, e instan al gobierno a tomar medidas inmediatas para garantizar la "protección completa".

Nueva Zelanda, 11 de julio de 2013
Según informa WWF de Nueva Zelanda, el Comité Científico de la Comisión Ballenera Internacional (CBI) reconoció en su informe de 2013, publicado estos días, que el delfín de Maui puede darse por extinto en menos de 20 años, a menos que se proteja su existencia de las redes de enmalle y de arrastre. La comisión ya advirtió de esta dramática situación el año pasado.

WWF presentó un documento a la 65 reunión del Comité Científico de la Comisión Ballenera, en Jeju, Corea, en junio, en el que puso de relieve que sólo quedan unos 55 ejemplares en la actualidad, y sostuvo que cada año unos cinco Maui mueren atrapados a las redes pesqueras, un índice que la población actual de delfines no puede soportar.

El director Ejecutivo de WWF-Nueva Zelanda, Chris Howe, protestó por la falta de medidas: "Un año después de la Comisión Ballenera instase a tomar medidas inmediatas para proteger a los delfines en peligro de extinción, es inaceptable que los Maui estén todavía en riesgo de morir innecesariamente mientras esperamos a que se cumpla con la protección adecuada". "El gobierno tiene que hacer todo lo posible para salvar a los delfines de Maui", añadió.

El gobierno de Nueva Zelanda anunció medidas provisionales de protección en junio de 2012, pero la actividad de la pesca dañina todavía se permite en algunas zonas de hábitat del Maui.

Este pequeño delfín habita la costa noroeste de la isla norte de Nueva Zelanda, y tiene unos 130 centímetros de longitud. En el año 2008 ya se incluyó en la Lista Roja de la IUCN como especie en peligro, al detectarse su súbito declive.

El agua en Viena

11/07/2013, El agua juega un importante papel en la ciudad de Viena, sobre todo durante el verano, ya sea a través de sus históricas fuentes del casco antiguo o del paraíso del ocio de la isla del Danubio.

Viena, 11 de julio de 2013
La ciudad de Viena ofrece numerosas posibilidades para refrescarse en el caluroso verano. Junto a las bellas fuentes del casco antiguo, como la "Donnerbrunnen" de la plaza Neuer Markt o la "Austriabrunnen" de la plaza Freyung, se disfruta de una agradable temperatura y del bullicioso ir y venir de los ciudadanos vieneses.

Las modernas fuentes que se encuentran en numerosos puntos de la ciudad permiten beber agua de manantial de primera calidad, procedente de los Alpes.

Para los que quieren gozar aún más intensamente del agua existen 30 baños y playas públicos veraniegos, así como algunos idílicos parajes naturales en los que relajarse y abandonarse al placer que supone escuchuchar el sonido del agua y el canto de las aves.

Los lugares preferidos para tomar el sol y practicar deportes acuáticos se encuentran tanto en la Isla del Danubio como en las zonas del Viejo y del Nuevo Danubio. Un entorno perfecto para bañarse, preparar una barbacoa, remar, practicar la vela, patinar, caminar, ir en bicicleta, practicar el esquí acuático o sentarse en una de las numerosas terrazas de las orillas.

La Isla del Danubio, de 21 kilómetros de longitud, fue creada a partir de los años setenta aprovechando los trabajos de regulación del Danubio y realizada con el material excavado para la construcción del canal de descarga que protege la ciudad de las inundaciones. La isla y el nuevo brazo lateral del río llamado Nuevo Danubio, al igual que el Viejo Danubio (antiguo brazo del río), se han convertido en verdaderos paraísos del ocio y son de fácil acceso gracias a que están muy bien comunicados con la red de metro.

En la zona de la Isla del Danubio situada entre los puentes Floridsdorfer Brücke y Reichsbrücke se tiene acceso gratuito a internet gracias al servicio público de WLAN.

Otra alternativa con la que disfrutar Viena desde el agua es mediante uno de los barcos turísticos. Desde el Canal del Danubio, en pleno centro de la ciudad, el NationalparkBoot permite a los interesados en la naturaleza acceder a la verde "selva" de la Lobau, que forma parte del Parque Nacional de los Humedales del Danubio. La empresa DDSG Blue Danube realiza viajes por el Canal del Danubio y el Danubio con diversos barcos turísticos, mientras que el Twin City Liner comunica los centros históricos de Viena y Bratislava mediante catamaranes de alta velocidad.

Siete obras de la Fundación ICO en el MNCARS

10/07/2013, Siete obras de seis destacados artistas españoles, pertenecientes a las Colecciones ICO, formarán parte temporalmente de los fondos del Museo Reina Sofía.

Madrid, 10 de julio de 2013
El convenio de depósito en comodato realizado por la Fundación ICO al Museo Reina Sofía ha establecido un periodo de cesión de cinco años, siendo renovable al término de este tiempo. Las obras seleccionadas para ser depositadas en la institución son dos trabajos de Juan Gris y Óscar Domínguez -pertenecientes a las vanguardias históricas- una escultura de Eduardo Chillida y otra de Martín Chirino, de la década de los años 50, y una de las primeras piezas de Juan Muñoz, fechada en 1982. A estas esculturas se suman el depósito de una pintura de gran formato de Carlos Alcolea y un dibujo de Juan Muñoz.

LAS OBRAS
Arlequín (1923), de Juan Gris, es una obra única del pintor madrileño quien, tras abordar directamente la práctica de la escultura cubista con la ayuda de su amigo el escultor Jacques Lipchitz, y realizar Arlequín de 1917, se enfrentó en esta obra a una nueva representación del mismo tema desde una estética ligada al nuevo clasicismo, que por esos años también ocupaba a Pablo Picasso.

Le Tireur (1934), de Óscar Domínguez, fue presentada en la Exposition Surréaliste d'Objets de París, en 1936. En concreto esta pieza se ha podido ver recientemente en el Museo Reina Sofía formando parte de una escogida muestra dedicada al artista canario.

Tanto la escultura de Martín Chirino, Homenaje a Lissitsky (1957-58) como la de Eduardo Chillida, Plano oscuro (1956), son exponentes de las corrientes formalistas que, afianzadas en los años 50, darán un nuevo sentido autónomo a la escultura.

Raincoat Drawing (Dibujo impermeable) de Juan Muñoz, pertenece a una serie compuesta de unas cuarenta escenas de interiores domésticos realizados con tiza blanca sobre fondo negro a finales de los ochenta. De Muñoz también queda depositada la escultura Sin título realizada en los primeros años de la década.

La obra de Carlos Alcolea, Finisterre (1988-89), es un díptico de gran formato que el artista dedicó a su Galicia natal y que fue pintado tras un viaje de Alcolea a Costa da Morte.

LOS AUTORES
Juan Gris (Madrid, 1887 – Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) es uno de los más reconocidos resentantes del cubismo. Entre 1904 y 1906 estudió en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. Desde los primeros años veinte comienza centra su actividad pictórica en el cubismo. Su propuesta cubista es cada vez más autónoma e independiente respecto a las tesis de Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963). Sus obras se construyen a partir de una síntesis de las conquistas del cubismo pasadas por el tamiz de un clasicismo que contrasta con el experimentalismo formal de los años previos y donde vuelve a explorar la dimensión estética y poética de la pintura.

Óscar Domínguez (La Laguna, 1906-París, 1957) es un artista esencial en el panorama plástico español e internacional de la primera mitad de siglo XX. Está considerado como uno de los máximos representantes españoles del surrealismo junto con Salvador Dalí y Joan Miró. Domínguez lleva a cabo una producción que alberga influencias de múltiples creadores: Pablo Picasso, Victor Brauner, o el propio Salvador Dalí... Una aportación significativa de Domínguez son sus objetos surrealistas. La obra de Domínguez se encuentra representada en el Museo Reina Sofía con un conjunto de 14 obras.

Carlos Alcolea (La Coruña, 1949-Madrid, 1992). A los 18 años y tras abandonar los estudios de derecho se introduce plenamente en el ambiente artístico de la capital. Su pintura, bajo la influencia de Luis Gordillo, cuya obra será un referente para Alcolea, se sitúa en el movimiento figurativo. Alcolea pertenece, con otros pintores como Pérez Villalta o Carlos Franco, a la Nueva Generación Madrileña, un movimiento en línea figurativa impulsado por la necesidad de reaccionar ante el pensamiento conceptual imperante desde la década de los 60. En 1971 realiza su primera exposición individual y a partir de entonces se revelará una corta pero intensa carrera artística llena de reconocimientos. A título póstumo recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Martin Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925), está considerado como uno de los escultores españoles más destacados de las últimas décadas y goza de un gran reconocimiento internacional. Se dedica a la escultura partir de 1944. Completa su formación en la School of Fine Arts de Londres y cuando regresa a Canarias, en 1954, estudia con Manuel Millares las inscripciones aborígenes guanches, iniciando un conjunto de obras inspiradas en la tradición indígena canaria y africana. Conoce el expresionismo abstracto en Barcelona, en la III Bienal Hispano-Americana de Arte de 1955, y tres años más tarde, Chirino realiza su primera exposición individual y se integra en el grupo "El Paso", junto con Saura, Canogar, Feito, Millares, Ayllón, Juana Francés, Serrano y Rivera. Es Premio Nacional de Artes Plásticas en 1980 y en 1985 recibe la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

 Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002) abandonó en 1947 los estudios de arquitectura por la escultura y pasó los dos años siguientes en el Colegio de España de la Ciudad Universitaria de París; Allí coincidió con el pintor madrileño Pablo Palazuelo, y Conoció al escultor Brancusi, al que visitó en su taller, y cuya escultura le emocionó y le sirvió para afrontar dos cuestiones esenciales de su propio arte: el espacio y la materia. Ha recibido numerosos reconocimientos a lo largo de su vida: de la Bienal de Venecia al Kandinsky, del Wilhem Lehmbruck al Príncipe de Asturias, del Kaiserring alemán al Premio Imperial en Japón. Su obra está presente en museos de todo el mundo.

Juan Muñoz (Madrid, 1953 - Santa Eulària des Riu, Ibiza, 2001) es uno de los escultores españoles con mayor proyección internacional de los últimos años. Se formó en Londres y Nueva York y realizó su primera exposición individual en 1984, en la galería Fernando Vijande de Madrid. A comienzos de los 90 comenzó a producir obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional-. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, Además de en la escultura, Muñoz se interesó en la creación de carácter auditivo. En el 2000 se le concede el Premio Nacional de Artes plásticas y en el 2009 el Museo Reina Sofía le dedicó una importante antológica.

El Prado bajo una nueva luz

10/07/2013, La Fundación Iberdrola se incorpora como Benefactor del Museo del Prado. Gracias a esta colaboración, se renovará el sistema de iluminación de las salas de exposición permanente y se restaurará El expolio del Greco.

Madrid, 10 de julio de 2013
El pasado 8 de julio, tuvo lugar la presentación en el Museo del Prado del nuevo acuerdo entre Iberdrola y la institución madrileña. Esta colaboración permitirá una mejor presentación y conservación de las colecciones del Prado, con la sustitución integral del actual sistema de iluminación de sus salas expositivas por uno con tecnología led. Este nuevo sistema de iluminación permitirá a la institución incorporarse en políticas sostenibles. Esta nueva iuminación intensificará el color y provocará la correcta sensación de volumen, generará efecto de profundidad sin distorsionar la composición y mejorará la nitidez de la visión. La ejecución del proyecto se realizará en doce fases de trabajo y se prolongará hasta mayo de 2017.

Durante el acto, la institución presentó un San Jerónimo, recientemente atribuido a Ribera, que se muestra por primera vez en sus salas tras su restauración, realizada también con el apoyo de la Fundación Iberdrola. Así mismo, se han destacado otras dos importantes restauraciones recientes: la de El triunfo de San Hermenegildo de Herrera el Mozo, y la de María Luisa de Parma con tontillo de Goya. También se anunció la próxima intervención sobre El expolio del Greco, procedente de la Catedral de Toledo.

Restauraciones recientes
El San Jerónimo escribiendo, de José de Ribera, se encontraba depositado en la Casa-Museo Colón de Las Palmas de Gran Canaria, atribuido al pintor valenciano Esteban March. Recientemente, Gianni Papi, especialista en pintura caravaggista, lo identificó y publicó como obra temprana de José de Ribera. Las razones que avalan esa atribución se basan en sus estrechas similitudes compositivas y estilísticas con varios cuadros realizados por ese pintor en torno a 1615, como alguno de los que integran la serie de “Los Sentidos”. Con ellos comparte una precisión descriptiva y un uso muy tenebrista de la luz, que tiene su origen en una asimilación muy personal de los modelos de Caravaggio.

El cuadro llegó al Museo con problemas en todo su perímetro, debido a humedades y a un antiguo ataque de xilófagos, y con una superficie pictórica de aspecto anómalo, debido a la oxidación de sus barnices, a las irregularidades de su superficie que produjo una antigua forración, y a una limpieza anterior. Durante su proceso de restauración se han asentado y regularizado sus bordes, se han eliminado la polución y los barnices oxidados, se han reintegrado algunas faltas puntuales, y se ha sometido el cuadro a una limpieza que ha dado como resultado la recuperación de numerosos planos espaciales y, con ella, de la corporeidad del santo.

El triunfo de san Hermenegildo, de Herrera el Mozo, es una de las obras fundamentales de la historia de la pintura española del Siglo de Oro. Pintado en 1654 para el altar mayor de la iglesia de los Carmelitas Descalzos de Madrid, inaugura en la pintura española la tendencia hacia un dinamismo y un cromatismo plenamente barrocos, que marcará decisivamente la obra de los artistas madrileños y sevillanos de la segunda mitad del siglo.

Se trata de una de las primeras obras adquiridas para el museo del Prado, en el que ingresó en 1832. Su estado general de conservación es bueno, pero el tiempo había oxidado sus barnices, que recubrían a su vez una capa de polvo y colas incrustadas entre el relieve de la pincelada. Todo ello había dado como resultado un ensombrecimiento general de la obra, lo que afectaba vivamente la lectura de una pintura que su creador concibió como un alarde lumínico, cromático y espacial.

María Luisa de Parma con tontillo, de Goya, es uno de los retratos reales más pensados y técnicamente más elaborados de Goya. Realizado en diciembre de 1789, inmediatamente después del acceso al trono de los nuevos monarcas, presenta a la reina a la manera francesa con una amplia falda o tontillo y un espectacular tocado que cubre su cabeza con gasas y plumas.

La obra ha mantenido la perfecta conservación de los empastes, que han conservado todo su relieve y con ello procuran la sutil distribución de la luz pensada por Goya. Con la limpieza de la gruesa capa de barnices amarillentos, se ha recuperado la belleza del colorido y sus gradaciones e intensidades, como en las telas o en la delicadeza de las carnaciones. Goya demuestra aquí toda su capacidad para representar la realidad de todas las materias: sedas, oros, joyas…, en una de la obras de mayor modernidad en la variedad y abstracción de las pinceladas.

El avión solar cruzó Norteamérica

09/07/2013, El Solar Impulse, el prototipo de avión solar de los suizos Bertrand Piccard y André Borschberg, aterrizó con éxito en el aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York estableciendo un nuevo hito en la historia de la aviación.

Nueva York, 9 de Julio de 2013

Por primera vez, un avión capaz de volar día y noche impulsado exclusivamente por energía solar ha cruzado los EE.UU. desde el oeste a la costa este sin usar una sola gota de combustible.

André Borschberg, cofundador de Solar Impulse, aterrizó en el aeropuerto JFK de Nueva York, el sábado 6 de julio a las 23:09 GMT, tres horas antes de lo previsto con un rasgón en la tela de la parte inferior del ala izquierda del prototipo, tras un vuelo de 18h 23min, con una salida de Washington Dulles a las 04:46 am del sábado.

"Esta última etapa fue especialmente difícil debido a los daños del tejido del ala izquierda (...) pero este tipo de problemas son inherentes a la tarea experimental. Al final, no nos impidió tener éxito en nuestra misión y proporciona una experiencia de aprendizaje muy valiosa en la preparación para vuelta mundial en 2015 ", dijo André Borschberg poco después de aterrizar.

Piccard y Borschberg iniciaron el viaje a través de Norteamérica el pasado 3 de mayo.

Este avión revolucionario ultraligero hizo su primera etapa de vuelo entre San Francisco y Phoenix, Arizona. Luego el prototipo solar continuó con escalas en Dallas, St. Louis, Cincinnati y Washington DC.

El aparato mide algo más de 63 metros de una esquina a otra de sus alas, y está cubierto de paneles que capturan energía solar y dispositivos de almacenamiento.Su vuelo pone de manifiesto la posibilidad de futuro de la energía limpia para el transporte aéreo.

Más información:

http:// www.solarimpulse.com

Obama y África

09/07/2013, Preocupados por temas como el cambio climático o el aprovisionamiento de la energía, los países aún dan una atención insuficiente al exterminio de la fauna salvaje.

Tanzania, 9 de julio de 2013
En la reciente visita del presidente norteamericano a Tanzania, Obama dejó claro un mensaje de apoyo a la lucha contra las mafias que trafican con la fauna salvaje, con el marfil de los elefantes o los cuernos de los rinocerontes, y que están provocando un masivo exterminio de ejemplares.

En Tanzania, Obama anunció la puesta en marcha de las medidas contra el trafico ilegal y las bandas criminales. Anunció un grupo de trabajo para elaborar una estrategia contra las bandas, y una financiación inicial importante para la capacitación y asistencia técnica a los países africanos, en el objetivo de combatir el tráfico de vida silvestre.

El marfil –o los cuernos de rinoceronte- valen mucho dinero y los traficantes los obtienen matando a los animales, con lo que bajan las existencias …y aumenta el precio. Bandas armadas están en este comercio, y con ello no solo exterminan a la fauna sino que crean pobreza, inestabilidad, financian guerras y envilecen al ser humano. Es un cáncer de África, especialmente.

La demanda de productos como cuernos de rinoceronte y marfil están diezmando tanto a los elefantes como los rinocerontes. Esa demanda procede especialmente de Asia. Organizaciones como WWF han hecho llamamientos a los gobiernos - y en particular los de los países de gran demanda, tales como China, Vietnam, Tailandia y los Estados Unidos - para parar a las redes de comercio ilícito. y ahora han mostrado su apoyo a la actitud de EE.UU.

Carter Roberts, Presidente y Director General de WWF-Estados Unidos, denunció que las especies más magníficas del planeta están siendo masacradas por algo tal fútil como baratijas y recuerdos vacacionales, dudosos remedios médicos y falsas promesas de curas milagrosas. El dirigente añadió que los sindicatos criminales "están robando las riquezas de África". y anunció su apoyo a la iniciativa de Obama.

La Secretaría de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) anunció también en un comunicado su satisfacción por la Orden Ejecutiva sobre la Lucha contra el Comercio de Vida Silvestre emitida por el Presidente de los Estados Unidos, el 1 de julio de 2013.

Barroco exuberante, en el Guggen

09/07/2013, Organizada conjuntamente por la Kunsthaus Zürich y el Museo Guggenheim Bilbao, “Barroco Exuberante: De Cattelan a Zurbarán” `presenta un diálogo entre obras del siglo XVII y creaciones contemporáneas.

Bilbao, 9 de julio de 2013
La muestra. Hasta el 6 de octubre, pone énfasis en la exuberante pero incierta naturaleza de la existencia, e intenta desvincular el concepto del Barroco de su percepción estética tradicional, distanciándose de clichés como la ornamentación, los ricos adornos y los dorados..

Para ello, se contrapone la obra de grandes artistas de los siglos XVI y XVII como Pieter Aertsen, Giovanni Battista Langetti, Alessandro Magnasco, José de Ribera, Jan Steen, David Teniers El Joven, Simon Vouet o Francisco de Zurbarán, y la de creadores contemporáneos de la talla de Maurizio Cattelan, Robert Crumb, Urs Fischer, Glenn Brown, Tobias Madison, Paul McCarthy o Cindy Sherman, entre otros, tratando de evitar analogías temáticas y formales superficiales y presentado realidades diferentes, pero afines, que colisionan, se inspiran y se retroalimentan mutuamente.

Barroco Exuberante no es -segúnBice Curiger, comisaria de la muestra- un festival de obras maestras”, ni tampoco proclama la existencia de una “Corriente estilística neobarroca” sino que intenta acercar un arte del que nos separan varios siglos al terreno común de lo comprensible, al mundo de las vivencias. “Los impulsos del presente pueden ayudarnos a descubrir nuevas interpretaciones del arte antiguo”.

A lo largo de la tercera planta del Museo se despliegan más de cien obras, explorando desde múltiples vertientes lo rústico, la grosería, la religiosidad y la sensualidad, lo grotesco, lo cómico y la virilidad, un abanico de temas habituales en el Barroco, con obras de antaño y actuales.

La exposición incluye préstamos procedentes de la Kunsthaus Zírich así como de los principales museos de arte antiguo de Europa como el Museo de Bellas Artes de Bilbao, El Museo del Prado, el Kunsthistorisches Museum de Viena o el Stдdel Museum de Frankfurt.Asimismo, cuenta con una serie de obras de gran valor procedentes de colecciones privadas.

Lo bucólico y lo cómico
La muestra se inicia en las salas clásicas con una serie de obras que reflejan el vicio, el libertinaje, lo pecaminoso y la pasión, un universo temático alegre y desenfadado desarrollado en el siglo XVII para satisfacer los gustos de la aristocracia y la burguesía, una nueva clase de compradores emergente en las ciudades entre los comerciantes acaudalados.

Escenas bucólicas y cómicas que encarnan una cotidianidad llena de tentaciones sensuales y carnales como Banquete de boda en una taberna campesina (ca.1665) de Jan Steen o Bodegón con cerdo (La Porchetta), de José de Ribera, se alternan con imágenes de la pobreza, inmundicia y violencia presentes en la sociedad de la época como Dos campesinos peleando junto a un barril(1625–1638) de Adriaen Brouwer. Trabajos con los que los artistas reflejan motivos mundanos con todos sus matices que intentan al mismo tiempo predicar una moralidad latente, que no se evidencia.

Bajo este mismo epígrafe se muestra la obra de Juergen Teller en la que dos amigas suyas aparecen fotografiadas paseándose por el museo del Louvre vacío y posando ante la Mona Lisa o El Hermafrodita dormido o Borghese. El acercamiento de la vida al arte —y viceversa— resulta ligeramente perturbador y surrealista en esta pública intimidad.

En un sentido totalmente distinto, se nos muestra la realidad de las fotografías tomadas por Boris Mikhailov en áreas marginales de la actual sociedad postsoviética, una comunidad sobre la que se superpuso el consumismo occidental y que ahora presenta unas circunstancias agobiantes y opresivas.

El mismo espacio acoge la obra de Dana Schutz Cómo bailaríamos(How We Would Dance) (2007) que conjuga lo fantástico y lo reflexivo al evocar, por medio de una figura que cae hacia atrás, según declaraciones de la propia artista, la figura de San Pedro crucificado al revés de la obra de Caravaggio Crucifixión de San Pedro.

Mitología y exaltación de la virilidad masculina
En un orden social patriarcal, las dinastías dominantes apelan conscientemente a la mitología o a los héroes de la Antigíedad para legitimar su propio linaje y poder. Así pues, el Hércules retratado por Francisco de Zurbarán no solamente simboliza la virilidad por antonomasia, sino también el ideal de la virtud de los gobernantes. La aleccionadora escenificación de los vicios humanos y la modélica descripción de una vida de virtud giraban en torno a un mundo de hombres. A los casi siempre disimulados elogios de los encantos femeninos se oponía la exaltación de la virilidad y el heroísmo masculino.

La historia de Susana y los viejos(ca.1745-50), que muestra la violencia sexual infligida a una hermosa joven por dos viejos lascivos de Francesco Capella es una tema habitual que satisface los deseos voyeuristas de los compradores, en un contexto que carece de control moral. También Negra del mundo (Nigger of the World),(2011). Glenn Brown nos muestra a Susana sin cabeza y con el cuerpo lacerado: su atractivo se ha perdido y también han desaparecido los ancianos que la observaban.

En esta dirección apunta también la extremadamente inquietante escena de género, conocida como “La violación de la negra”,(1632) de Christiaen van Couwenbergh, que nos permite contemplar la brutal escena de la violación de una esclava negra a manos de tres hombres blancos.

Igualmente nos sumerge en la complejidad de la representación artística de las relaciones sexuales un trabajo de la serie Pinturas problemáticas(Problem Paintings) de Urs Fischer. El artista superpone frutas, verduras, herramientas, etc. sobre los rostros de actores de Hollywood, en una exploración de los clásicos géneros de la historia del arte como el retrato y el bodegón.

Por su parte, Maurizio Cattelan introduce con frecuencia en su trabajo indicios de vida que suelen estar excluidos del espacio artístico. Por ejemplo, Sin título (2007) muestra a dos perros disecados que vigilan a un pollito y que parecen representar la idea barroca de que la vitalidad también puede ser indicador de la precariedad de la vida, de su naturaleza frágil y efímera.

Lo burlesco y lo grotesco
También eran del gusto de la época las representaciones, tanto de conductas groseras e impulsivas que trasgredían las normas como de lo anómalo, lo feo y lo discordante, en oposición a la sublime armonía clásica. Mediante la desfiguración y la exageración se abordaban temas como el cuerpo y la sexualidad con una mirada distanciada.

El retrato que Juan Carreño de Miranda hace del cuerpo desnudo de Eugenia Martínez Vallejo nos descubre a una “monstrua” que el artista representó tanto vestida como desnuda. En otras obras como Escena burlesca de Faustino Bocchi o La alegre compañía de Bartolomeo Passerotti observamos también el gusto del Barroco por lo raro, por la “bruteza”.

Algunos trabajos contemporáneos transmiten la realidad contemporánea de un mundo lleno de excesos e hiperconsumismo como es el caso de Under Sided, el teatro escultural en el que se muestra Temp Stop, 2009-10, una videoinstalación de Ryan Trecartin y Lizzie Fitch que muestra una cultura juvenil oscura y obsesiva.

Mitología
Una de las grandes salas con forma de pétalo del edificio de Frank Gehry acoge obras de temática mitológica que nos invitan a penetrar en un rico universo de referencias literarias, fantasía y erotismo como La Venus durmiente observada por ninfas y sátiros (ca.1925) de Nicolas Poussin o Escena alegórica (1680–1690) de Dominicus van Wijnen Asimismo, en la pintura de Simon Vouet El rapto de Europa (ca.1640)la descripción del apetito sexual adquiere un matiz humorístico por la expresión del toro, cuya lengua cuelga lasciva, mientras sus ojos, abiertos de par en par, miran con lujuria hacia el pecho desnudo de Europa.

Igualmente alude a la lascivia y a lo grosero la irreverente obra Noisette (2009) de Urs Fischer en la que una lengua de silicona de aspecto sumamente realista asoma por un orificio de la pared del Museo.

Caravaggio y la oscuridad
La muestra continua con una serie de pinturas que siguen la técnica del claroscuro con la que Caravaggio revolucionó el mundo del arte en el siglo XVII logrando intensificar un dramatismo en el que se imponen lo sagrado y lo profano, lo cotidiano y una sensual corporeidad. Esta tendencia se extendió por toda Europa, en particular en el Norte, especialmente a través de los caravaggistas de la Escuela de Utrecht. San Sebastián atendido por Santa Irene y su criada (ca. 1615–1621) de Dirck van Baburen, ofrece en su plástica sensualidad un claro ejemplo de humanidad y emotividad religiosa.

Asimismo, cabe destacar la especial influencia de Caravaggio en los pintores españoles. En la audaz composición San Sebastián curado por las santas mujeres (ca. 1621), José de Ribera, que con su estilo realista interviene en el desarrollo del Barroco italiano en Roma y Nápoles, se deja inspirar por el tratamiento caravaggesco de la luz y retoma el tema del martirio de San Sebastián con un estilo pictórico directo y elemental.

Por su parte, la obra Carnaval (Carnival)(2011) de Glenn Brown también utiliza la iluminación, en este caso por medio de una potente luz azul, para intensificar el dramatismo de una cabeza de caballo de más de tres metros de envergadura. Si uno se acerca, las pinceladas se funden en una ordenada maraña de perturbadores trazos y manchas de color sorprendente e inquietante.

En el Barroco tardío, los temas inspirados en la noche y la oscuridad adquieren un matiz inquietante con las tétricas visiones de Alessandro Magnasco y de sus monjes y bandidos (Monjes junto al hogar, ca. 1725) que pueblan cual espectros una pintura rápida y nerviosa.

Las representaciones de brujas y del tormento de san Antonio expresan lo fantasmagórico de la tentación. En las misteriosas pinturas de Monsщ Desiderio, a quien se ha considerado como un precursor temprano del Surrealismo, contemplamos arquitecturas clásicas, casi siempre carentes de presencia humana, que se desmoronan, explotan o arden en la espectral luz de la noche. Junto a ellas se encuentran las intervenciones toscas, precarias y agresivas de Oscar Tuazon, que aluden de forma poética tanto a la historia de la escultura moderna como a la contracultura de la década de 1970 y a otras ideas especulativas o utópicas que exploran los temas de la vivienda, las estrategias de supervivencia y el refugio.

Vanitas o la manifestación de los excesos
En el último apartado de la exposición se agrupan diversas alegorías y retratos, además de obras inspiradas en un tema conocido desde la Antigíedad y muy popular en el Barroco: las vanitas.

Las guerras y catástrofes acaecidas en el siglo XVII convirtieron a la muerte en algo omnipresente, que encuentra su reflejo en un sinfín de símbolos, como las calaveras –Vanitas y naturaleza muerta con calavera, candela y reloj de sol de bolsillo (ca.1620) de un maestro alemán-, y también en motivos pictóricos como los barcos sacudidos por las aguas turbulentas que tan bien representa Jacob van Ruisdael.

En este contexto, adquiere una significación especial la naturaleza muerta. Las frutas cortadas o las piezas de caza abatidas muestran una ambigíedad erótica, mientras que las espléndidas mesas, las magníficas flores y la belleza de los valiosos objetos nos recuerdan que la decadencia y la transitoriedad constituyen nuestro destino como muestra la obra Naturaleza muerta con flores, frutas y mono (ca. 1685) de David de Coninck.

También quiso reflejar el exceso y la exuberancia Marilyn Minter en las cuatro imágenes hiperrealistas, que se encuentran en la misma sala y que deleitan y al mismo tiempo inquietan al espectador.

De la proximidad del arte a la cruda realidad de la vida habla también la gran instalación de vídeo de Diana Thater dedicada a Chernóbil y a la catástrofe acaecida el 26 de abril de 1986 en el reactor 4 de la central nuclear situada en las proximidades de la ciudad ucraniana de Prípiat, una de las regiones más contaminadas del mundo. La película de Thater nos transmite lo inquietante, la melancolía y la amenaza de este lugar abandonado.

El arte de la época y su contexto
La exposición se completa con un espacio didáctico en el que se presentan una serie de términos que definen el Barroco y que tienen a la vitalidad y la proximidad a la vida como eje central. En este espacio también se propone un juego imaginario, a modo de diagrama, de las posibles interconexiones entre dichos términos. Además, siguiendo con el espíritu de divertimento presente en la época, se podrá disfrutar de una selección de música barroca realizada por el historiador del arte Michael Glasmeier así como de reinterpretaciones actuales a cargo del músico Frieder Butzmann.

El cambio climático se acelera

05/07/2013, El nivel del mar aumentó unos 3 mm por año, entre 2001 y 2010, el doble de la tendencia observada durante el siglo XX, dice un informe de la Organización Meteorológica Mundial (OMM).

Ginebra 6 de julio de 2013
Esta organización internacional creada por la ONU para coordinar la cooperación entre los servicios meteorológicos mundiales y unificar acciones y métodos de control, acaba de presentar un informe decenal titulado “El estado del clima mundial 2001-2010. Un decenio de fenómenos climáticos extremos”. En el mismo dice que en el decenio 2001-2010 se produjeron fenómenos climáticos extremos de gran impacto y sin precedentes en todo el mundo.

Este decenio fue el más cálido jamás registrado desde que se empezaron a realizar mediciones en la época moderna hacia 1850, al que siguió un largo período de calentamiento mundial acentuado. Se batieron más récords de temperatura a nivel nacional que en ningún otro decenio anterior, señala la Organización Meteorológica Mundial (OMM).

En el informe se analizaron las temperaturas y precipitaciones mundiales y regionales así como los fenómenos extremos como las olas de calor que se produjeron en Europa y Rusia, el huracán Katrina en Estados Unidos de América, el ciclón tropical Nargis en Myanmar, las sequías en la cuenca del Amazonas, Australia y África oriental y las inundaciones en Pakistán.

El decenio de 2001-2010 fue el más caluroso en ambos hemisferios y respecto de las temperaturas de la superficie de la tierra y del océano. El calor récord estuvo acompañado por una rápida disminución del hielo marino del Ártico y una aceleración de la pérdida de la masa neta de las capas de hielo de la Antártida y Groenlandia y de los glaciares del mundo. Como resultado de este derretimiento generalizado y de la expansión termal del agua del mar, la media mundial del nivel del mar aumentó unos 3 mm por año, aproximadamente el doble de la tendencia observada durante el siglo XX, de 1,6 mm por año. El nivel medio del mar a nivel mundial es ahora unos 20 cm más alto que en 1880, según el informe.

En el informe de la OMM se determina que se había producido un aumento de la concentración atmosférica de gases de efecto invernadero. La concentración atmosférica media mundial de dióxido de carbono alcanzó 389 partes por millón en 2010 (un aumento del 39% desde el inicio de la era preindustrial en 1750), el metano llegó a 1 808,0 partes por mil millones (158%) y el óxido nitroso a 323,2 partes por mil millones (20%).

En el informe de 100 páginas y su correspondiente resumen ejecutivo se incorporan los resultados de una encuesta única dirigida a 139 Servicios Meteorológicos e Hidrológicos Nacionales y los análisis y datos socioeconómicos de varios organismos y asociados de las Naciones Unidas.

"Los servicios climáticos son más necesarios que nunca para ayudarnos a hacer frente a los cambios mundiales de nuestro clima, que se ven acentuados a escala regional y nacional” señaló el Secretario General de la OMM, Michel Jarraud

Temperaturas
Se estima que la temperatura anual mundial en la superficie de la tierra y del océano durante el decenio de 2001-2010 fue de 14,47 °C, es decir, 0,47 °C por encima de la media mundial respecto del período comprendido entre 1961 y 1990 y +0,21 por encima de la media mundial registrada entre 1991 y 2000.

La tasa de aumento decenal de la temperatura mundial se aceleró entre 1971 y 2010. Se estima que durante ese período la temperatura mundial aumentó a un promedio de 0,17 ºC por decenio, mientras que la tendencia durante el período comprendido entre 1880 y 2010 fue de solo 0,062 ºC por decenio.

Todos los años del decenio, salvo 2008, se contaron entre los 10 años más cálidos de los que se tiene registro. El año más cálido jamás registrado fue 2010,

En la mayor parte del mundo se observaron temperaturas superiores a lo normal durante el decenio de 2001-2010, lo que se puso especialmente de relieve en las latitudes altas del hemisferio norte. Groenlandia registró la mayor anomalía de temperatura decenal, de +1,71 ºC por encima de la media a largo plazo y una temperatura en 2010 de +3,2 °C por encima de la media.

Inundaciones… y sequías
El decenio de 2001-2010 fue el más húmedo desde 1901. El año 2010 fue el más húmedo jamás registrado a nivel mundial desde que comenzaron a emplearse instrumentos de medición.

La mayor parte de la tierra registró precipitaciones superiores a las normales durante el decenio. El este de Estados Unidos de América, el norte y el este de Canadá, y numerosas partes de Europa y Asia central registraron condiciones particularmente húmedas.

Según la encuesta de la OMM, las inundaciones fueron el fenómeno extremo que se registró con mayor frecuencia a lo largo del decenio. El este de Europa se vio especialmente afectado en 2001 y 2005, India en 2005, África en 2008, Asia (en particular Pakistán, donde fallecieron 2.000 personas y 20 millones se vieron afectadas) en 2010, y Australia, también en 2010.

La sequía afecta a muchas más personas que cualquier otro desastre natural debido a su gran escala y a su carácter duradero. Durante el decenio de 2001-2010 se produjeron sequías en todo el mundo. Algunas de las sequías más duraderas y de mayor impacto se produjeron en Australia (en2002 pero también en otros años), África meridional (2004 y 2005, que se tradujeron en pérdidas de vidas y escasez de alimentos) y la cuenca del Amazonas (2010), que tuvieron consecuencias negativas para el medio ambiente.

Ciclones tropicales
Entre 2001 y 2010 se produjeron 511 fenómenos relacionados con ciclones tropicales que se tradujeron en un total de casi 170.000 víctimas mortales, más de 250 millones de personas afectadas y daños económicos estimados en 380.000 millones de dólares de Estados Unidos.

Según el Centro Nacional de Datos Climáticos de la Administración Nacional del Océano y de la Atmósfera (NOAA), 2001-2010 fue el decenio en el que la actividad de los ciclones tropicales alcanzó el nivel más elevado registrado en la cuenca del Atlántico Norte desde 1855. Se registró un promedio de 15 tormentas con nombre al año, muy por encima del promedio a largo plazo de 12 tormentas con nombre al año.

El ciclón tropical más mortífero registrado durante el decenio fue Nargis, que se formó al norte del océano Índico y asoló Myanmar a principios de mayo de 2008. Se señaló que más de 138.000 personas fallecieron o desaparecieron, ocho millones de personas se vieron afectadas y se destruyeron miles de hogares.

Balance de desastres
Según los datos facilitados por el Centro de investigación de la epidemiología de los desastres (CRED), durante el decenio de 2001-2010 fallecieron más de 370.000 personas como consecuencia de las condiciones meteorológicas y climáticas extremas, incluidas olas de calor, períodos fríos, sequías, tormentas e inundaciones.

Esa cifra era un 20% superior a la registrada entre 1991 y 2000. Ese aumento se debe principalmente a las olas de calor producidas en 2003 en Europa y en 2010 en Rusia que contribuyeron a un aumento de más del 2000% del número de víctimas mortales en el mundo a causa de las olas de calor (de menos de 6 000 en el período comprendido entre 1991 y 2000 a 136.000 durante el decenio de 2001-2010).

Por otro lado, se registró un menor número de víctimas mortales como consecuencia de las tormentas y crecidas, en gran medida gracias a la mejora de los sistemas de alerta temprana y a un mayor grado de preparación.

Según se desprende del Informe mundial de evaluación de 2011, el promedio de personas expuestas cada año a las crecidas aumentó un 114% a nivel mundial entre 1970 y 2010, período en el que la población mundial aumentó un 87%, y pasó de 3.700 millones a 6.900 millones de personas. El número de personas expuestas a tormentas violentas casi se triplicó en las zonas propensas a ciclones, habiendo registrado un aumento del 192% durante el mismo período.

Se están llevando a cabo nuevas investigaciones sobre la posibilidad de atribuir fenómenos extremos individuales al cambio climático más que a la vulnerabilidad natural. Los científicos cada vez están más convencidos de que la probabilidad de que se produzca un fenómeno como el de la ola de calor que afectó a Europa en 2003 aumenta considerablemente con el aumento de las temperaturas mundiales. Por consiguiente es importante seguir realizando nuevas investigaciones para reforzar la ciencia climática y utilizarla para mejorar los servicios climáticos con el fin de ayudar a la sociedad a adaptarse al cambio climático.

Informe en: http://library.wmo.int/pmb_ged/wmo_1119_en.pdf

Precio récord por un Greco

05/07/2013, Cuando van a cumplirse 400 años de la muerte del Doménikos Theotokópoulos, El Greco, (Candia, 1541 - Toledo, 1614) una de sus obras rompió récords en Sotheby´s de Londres.

Londres 6 de julio de 2013
La subasta de obras de Viejos Maestros del pasado día tres concitó el interés de coleccionistas de 33 países, con acusada presencia de nacionales de Asia y Oriente Medio. En este encuentro se ofertó la obra de “Santo Domingo en oración”, ejecutada por El Greco en Toledo a principios del siglo XVII.

Los licitadores pugnaron tenazmente por este trabajo que aparecía en una subasta por primera vez. Partiendo de un precio inicial de 3 millones de libras se llegó en la subasta a las 9.154.500, (10.780.375 euros) el precio más alto pagado por una obra de los antiguos maestros españoles.

El récord anterior quedó establecido en 2007, cuando en esta sala londinense fue adquirido por la fundación sevillana Focus-Abengoa un cuadro de Diego Velázquez, Santa Rufina, por 8,4 millones de libras.

En la subasta de esta semana se presentaron obras de otros conocidos maestros, tales como Jan Brueghel el Viejo, Rachel Ruysch, Tiépolo… Del propio Greco se adjudicó otra obra, un Cristo crucificado en 3.442.500 libras (4.053.902 euros).

El cuadro de Santo Domingo pertenecía a la colección del alemán Gustav Rau y se subastó a beneficio del comité alemán de UNICEF. Se trata de un trabajo de tamaño mediano, con el inconfundible sello del maestro, en el que aparece el santo absorto, en oración, ante un crucifijo, en un paisaje sobrio dominado por la presencia luminosa de las nubes, en un cielo tormentoso.

Kemble por Kemble

04/07/2013, Del 12 de julio al 2 de septiembre, Malba – Fundación Costantini presenta la muestra temporal: Kemble por Kemble, realizada quince años después del fallecimiento del artista argentino.

Buenos Aires, 4 de julio de 2013
Esta exposición antológica con cerca de 30 obras producidas entre 1953 y 1995, apunta a rescatar las decisiones y selecciones que el propio Kenneth Kemble (Buenos Aires,1923 -1998), realizó sobre su producción, a partir del estudio de sus textos.

Se incluyen pinturas, collages inéditos –piezas históricas que nunca fueron exhibidas hasta ahora, objetos y un video con un registro documental de la exposición Arte destructivo, experiencia colectiva realizada en la galería Lirolay en 1961.

Las obras provienen de la colección personal del artista y de colecciones particulares y públicas, como las pinturas Totempicololo (1993) del Palais de Glace, gran premio adquisición del LXXXIII Salón Nacional de 1994, y La auténtica esencia de la naranja (1995), del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez, Entre Ríos.

La exposición se propone como parte de un proyecto editorial sobre la obra de Kemble, que prioriza la mirada, el posicionamiento y los diversos modos de intervención del artista, volcados tanto en sus artículos de crítica de arte, como en los prólogos, presentaciones y textos que él mismo escribió sobre su obra.

Kenneth Kemble nació en 1923 en Buenos Aires. Inició sus estudios artísticos con el pintor Raúl Russo en 1950. Entre 1951 y 1954 residió en París, donde estudió con André Lhote. Luego se trasladó a Los Ángeles y finalmente, en 1956, retornó a Buenos Aires. Fue uno de los artistas más radicales del movimiento informalista. Trabajó series de collages con papeles, trapos, maderas y chapas, todos materiales toscos y vulgares ajenos a la práctica artística tradicional. También desarrolló una intensa labor docente y como crítico de arte. Falleció en 1998 en Buenos Aires.

Mengs y Azara. El retrato de una amistad

04/07/2013, El Museo del Prado recrea la relación de amistad y estrecha colaboración artística del pintor neoclásico Antón Rafael Mengs y el destacado representante de la Ilustración española, José Nicolás de Azara.

Madrid, 4 de julio de 2013
Con motivo de la reciente incorporación a las colecciones de la pinacoteca del Retrato de José Nicolás de Azara, realizado por Antón Rafael Mengs, el Museo del Prado inaugura una muestra “de gabinete”, que permanecerá en la sala 38 del edificio Villanueva hasta el 13 de octubre.

Retrato de José Nicolás de Azara
Es esta una de las obras más singulares de Mengs desde el punto de vista artístico e histórico. el Retrato de José Nicolás de Azara, fue pintado en 1774 en Florencia, y ofrece una visión íntima y marcada por su sencillez.

Esta obra supone un ejemplo magistral del clasicismo del artista, y se ajusta fielmente al gusto de su tiempo, como reflejo de la más pura expresión neoclásica de este género, del que Mengs fue uno de sus máximos representantes. El modelo está captado con una sublime dignidad y naturalidad, su mirada revela su pureza intelectual y pone de manifiesto su carácter.

La leve sonrisa en sus labios representa, a la manera griega clásica, el movimiento interior del alma. Esta expresión sirve al pintor para comunicar la amistad entre él y el retratado. La sensibilidad y la pasión del modelo por la literatura se evidencia a través del libro que Azara sostiene en la mano.

La exposición
La exposición está compuesta por 24 obras, entre pinturas, esculturas, obra gráfica, medallas y libros, procedentes, de las colecciones del Prado y de colecciones particulares. Las piezas seleccionadas se centran en la afinidad de las ideas estéticas y la estrecha colaboración artística que nació de la amistad de estos dos personajes, así como en su representación retratística, el coleccionismo de Azara y su papel como impulsor de la difusión de la obra de Mengs.

Azara y Mengs
La relación entre ambos dejó sus primeras huellas en 1765, cuando Azara reclamó la colaboración de Mengs para diseñar la medalla conmemorativa del enlace de los príncipes de Asturias.

José Nicolás de Azara (Barbuñales 1730 - París 1804) tuvo una amplísima proyección nacional, desde su primer cargo como oficial de la Secretaría de Estado en 1760, e internacional, por sus puestos diplomáticos en Roma durante más de treinta años; y en París, de 1798 a 1803, como embajador durante la delicada situación política del último decenio del siglo XVIII y los primeros años del siglo XIX. Sus numerosas amistades de altísimo nivel cultural y político, le muestran en contacto con personajes de la relevancia de Winckelmann, teórico del arte antiguo, y del famoso tipógrafo Bodoni, pero también del papa Pio VI y políticos, como Godoy en España o Napoleón y Talleyrand en Francia, entre otros.

Antón Rafael Mengs (Aussig 1728 – Roma 1779), formado con su padre Ismael Mengs en Dresde, había estudiado en Italia ante las obras de Rafael, Miguel Ángel y Carlo Maratti, así como de Correggio, los Carracci, Guido Reni y Ticiano, y fue nombrado en 1751 primer pintor de cámara por el elector de Sajonia, Federico Augusto II. Durante su residencia en Roma entre 1752 y 1761 desarrolló sus pensamientos y escritos sobre la belleza ideal y sobre la recuperación de la perfección del arte a través del estudio de los grandes modelos clásicos. En 1761, después de haber concluido la obra neoclásica por excelencia, el fresco del Parnaso en la Villa Albani, fue llamado a Madrid por Carlos III para dirigir la decoración del Palacio Real. Nombrado primer pintor de cámara en 1766, introdujo en España las nuevas corrientes artísticas y promovió pintores españoles como Maella, los hermanos Bayeu y Goya. Como encargo de Carlos III, pintó en 1770 en Florencia los retratos de la familia de los grandes duques de Toscana (Museo Nacional del Prado). En Roma fue nombrado príncipe de la Academia de San Luca y recibió importantes encargos de pinturas para el Museo Clementino y la basílica de San Pedro. Murió de tuberculosis en Roma en el año 1779. Su obra pictórica abarca pinturas de historia, obras religiosas, frescos con asuntos religiosos, mitológicos y alegóricos, y un importante conjunto de retratos.

Llega el período crítico de los bosques

03/07/2013, El verano es el periodo crítico para los bosques del ámbito del Mediterráneo. Los incendios vuelven en estos días tórridos... de la mano del hombre.

Madrid, 3 de julio de 2013
La mano del ser humano está detrás del 96 por ciento de los incendios forestales, explica un informe que ha sido presentado por WWF España y la Fundación AXA. En estudio revela graves datos: la escasa gestión de bosques y el alarmante crecimiento de los Grandes Incendios Forestales (GIF). En 2012, en el 0,2% de estos grandes siniestros ardió el 64% de la superficie total afectada.

“Bosques vulnerables a grandes incendios” muestra que es fundamental recuperar el aprovechamiento económico de bienes y servicios forestales y el papel protector del bosque.

El informe de este año de WWF, presentado con el apoyo de la Fundación AXA como parte de la campaña “No arriesgues tu bosque”, analiza el riesgo de los bosques españoles a sufrir grandes incendios forestales. Estos siniestros son el claro síntoma del estado de vulnerabilidad que presentan nuestras masas forestales y que se está viendo agravado por los efectos del cambio climático.

Aunque el aumento de la eficacia de los medios de extinción ha logrado reducir considerablemente la media anual de superficie afectada por incendios, el origen del problema continúa sin ser resuelto: el elevado número de siniestros, 16.500 al año. También el aumento de su intensidad e impacto, por la especial incidencia de los Grandes Incendios Forestales en 2012, en el 0,2% de los incendios ardió el 64% de la superficie total afectada. En los últimos años, de media, en el 0,2% de los incendios ardió el 41% de la superficie total.

El riesgo de sufrir un gran incendio está relacionado con la orografía y las condiciones meteorológicas, pero también con la cantidad de combustible presente en los montes. El abandono del medio rural y el cese de las actividades forestales, así como la ausencia de planificación –sólo el 13,1% de la superficie forestal nacional cuenta con planes de gestión- han convertido los montes en un polvorín.

En el informe, WWF ha analizado la superficie afectada por incendios por especies. El 58% de la superficie afectada por incendios corresponde a masas de coníferas, que sólo ocupan el 32% de la superficie forestal total. Las masas de eucaliptos, que apenas constituyen un 3% de la superficie forestal total, concentran el 19% de la superficie afectada por incendios.

Pero los culpables de los incendios no son las especies en sí, sino la gestión aplicada sobre las masas forestales: el 60% de los grandes siniestros suceden en zonas donde la especie dominante ha sido introducida o potenciada, formando masas más o menos homogéneas. Cuanto más grande es el incendio, mayor es la probabilidad de que se produzca en una masa forestal fuertemente alterada: el 85% de los incendios mayores de 5.000 hectáreas se dan en masas de este tipo.

“WWF lleva más de 10 años alertando sobre el riesgo de los incendios forestales y la necesidad de cambiar el enfoque para luchar contra ellos. Es vital que las administraciones no recorten en la lucha contra el fuego”, ha declarado el Secretario General de WWF España, Juan Carlos del Olmo.

“Gastamos mucho en apagar incendios y muy poco en evitar que se produzcan. Las inversiones en prevención y en extinción de incendios deberían ir en paralelo”, ha apuntado Del Olmo.

El arte en la época de Altamira

03/07/2013, En colaboración con British Museum de Londres, la Sala de Exposiciones de la Fundación Botín presenta la muestra "El arte en la época de Altamira", del 3 de julio al 29 de septiembre de 2013 en Santander.

Santander, 3 de julio de 2013
La muestra se centra en la época de Altamira, periodo en que surgieron nuevas técnicas, distintos estilos y un característico abanico de arte decorativo y figurativo. Durante este periodo fue palpable el notable desarrollo del arte de Europa occidental y el renacimiento de la pintura como se puede apreciar en los grandes frisos de las famosas cueva-santuario de Altamira y Lascaux (Francia).

La exposición incluye grabados, utensilios decorados y esculturas procedentes de España, Gran Bretaña, Francia y Alemania que muestran el despertar de todas las formas de arte y técnicas artísticas que hacen posible la identificación de artistas individuales, expertos en producir obras valiosas y significativas.

Una oportunidad para ver creaciones excepcionales con una antigüedad de entre 22.000 y 12.000 años, como los renos nadando procedentes del British Museum; la cabeza de íbice esculpida de Tito Bustillo cedida por el Museo Arqueológico de Asturias (Oviedo); o la singular escultura que muestra a un glotón del Jarama II, uno de los tesoros del Museo Arqueológico Nacional (Madrid).

Además, estos tesoros se verán junto con obras de época moderna de Miró, Matisse, Hecht y Pasmore, con el fin de romper una barrera temporal que nos permita observar la similitud de conceptos y técnicas que no han cambiado, salvo por lo que se refiere a su contexto cultural. Una manera de descubrir las capacidades cognitivas y creativas del hombre de la Edad de Hielo.

Las pinturas rupestres se exhibirán en una instalación especial, creada para revelar la extraordinaria destreza artística de santuarios como el de Altamira, al mismo tiempo que proporciona la sensación de ser parte del espectáculo del arte subterráneo. Con esta instalación, los visitantes pueden entender la experiencia de crear arte bajo tierra con la ayuda de luz artificial, y descubrir las técnicas y conceptos empleados por aquellos artistas del pasado.

Novedades en la Lista Roja

02/07/2013, La Lista Roja de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza, ha incluido nuevas actualizaciones, con lo que evalúa ya a más de 70.000 especies.

Gland (Suiza), 2 de julio de 2013
Según las últimas noticias de la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN se observan disminuciones preocupantes de coníferas —los organismos más antiguos y más grandes del mundo— los camarones de agua dulce, los caracoles cónicos y la marsopa sin aleta del Yangtsé.

El eslizón gigante de Cabo Verde, una especie de lagarto, el pececito de Santa Cruz y una especie de camarón de agua dulce se han declarado en extinción.

Las últimas actualizaciones de esta lista han implicado el incremento de 4,807 especies controladas, con lo que el total de especies evaluadas asciende actualmente a 70.294, de las cuales el 20.934 está amenazado de extinción.

Una síntesis de estos datos es la siguiente:

Especies evaluadas = 70.294
Total de especies amenazadas = 20.934
Extintas = 799
Extinta en estado silvestre = 61
En peligro crítico de extinción = 4.227
En peligro = 6.243
Vulnerable = 10.464
Casi amenazada = 4.742
Bajo riesgo = 241 (categoría que se retira)
Preocupación menor = 31.846
Datos insuficientes = 11.671

Jane Smart, Directora Global del Grupo de Conservación de la Biodiversidad de la UICN, afirmó que “el panorama general es alarmante. Debemos utilizar estos conocimientos al máximo —aplicando esfuerzos de conservación bien dirigidos y eficientes— si verdaderamente queremos detener la crisis de extinción que continúa amenazando a las formas de vida sobre la Tierra”.

Coníferas
Los datos actualizados incluyen la primera reevaluación mundial de las coníferas. Según los resultados, el 34% de los cedros, cipreses, abetos y otras plantas con conos o piñas del mundo actualmente están amenazadas por la extinción: un aumento del 4% desde la última evaluación exhaustiva realizada en 1998.

El estado de conservación de 33 especies coníferas ha disminuido, incluyendo el pino de Monterrey de California (Pinus radiata), valorado por su rápido crecimiento y las cualidades de su pulpa. El árbol ha pasado de la categoría Preocupación menor —utilizada para las especies con un riesgo de extinción relativamente bajo— a En Peligro, con amenazas importantes debido a cabras salvajes y ataques por parte de un patógeno invasivo. Otra especie conífera anteriormente clasificada como Preocupación menor, el cedro del Atlas (Cedrus atlantica) autóctono de la cordillera del Atlas de Argelia y Marruecos, ha pasado a estar En Peligro debido a la sobreexplotación. Su reducida población se ve amenazada por varias plagas.

Por otra parte, la acción a favor de la conservación ha conseguido mejorar la situación del ciprés de Lawson (Chamaecyparis lawsoniana).

Las coníferas son las especies más antiguas y más grandes del planeta. El pino longevo (Pinus longaeva), por ejemplo, puede vivir hasta casi 5.000 años, y la secuoya roja (Sequoia sempervirens)puede alcanzar una altura de hasta 110 metros. Sin tener en cuenta los humedales, las coníferas capturan más carbono que cualquier otro bioma, tres veces la cantidad capturada por los bosques tropicales y templados. Su valor económico es inmenso; las coníferas se utilizan en la producción de madera y papel, y el agente anticanceroso Taxol® se obtiene de la corteza de muchas especies de tejo.

Camarones, caracoles, pécaris…
Asimismo, los datos actualizados de la Lista Roja de la UICN ofrecen resultados de la primera evaluación global de camarones de agua dulce, de las cuales un 28% está amenazado con la extinción.

El 10% se utiliza para consumo humano, como el langostino gigante de río (Macrobrachium rosenbergii), además de constituir una parte importante de la red alimentaria de agua dulce. La contaminación, la alteración del hábitat y la comercialización para acuarios son algunas de las principales amenazas a las que se enfrentan estas especies.

También se ha evaluado por primera vez a los caracoles cónicos, de entornos marinos tropicales, con un 8% de su población amenazada con la extinción. Como depredadores que son, constituyen un elemento importante del ecosistema marino y son muy apreciados por sus toxinas letales, utilizadas en el desarrollo de nuevos fármacos para paliar el dolor en condiciones incurables. Además, estos animales tienen preciosas conchas que se han recogido desde hace siglos; algunas de ellas, de las especies más raras, se intercambian por miles de dólares. La pérdida de hábitat y la contaminación representan las amenazas más importantes para estas especies.

Asimismo, se ha evaluado la marsopa sin aleta del Yangtsé(Neophocaena asiaeorientalis spp. Asiaeorientalis), una subespecie de la marsopa lisa sin aleta y uno de los pocos cetáceos de agua dulce restantes en el mundo, que habita en el río Yangtsé y dos lagos adyacentes, Poyang y Dongting (China). Su población, estimada en unos 1.800 individuos en 2006, se ha ido reduciendo en más de un 5% anualmente desde la década de los 80 y ha sido clasificada como En peligro crítico de extinción. Las crecientes amenazas que pesan sobre estas marsopas incluyen: la pesca ilegal, el tráfico marítimo intenso, la extracción de arena y la contaminación.

El Pecari de Labios Blanco (Tayassu pecari) —perteneciente a la familia de los cerdos y que habita en América Central y Sudamérica— ha reducido su población en un 89% en Costa Rica y en un 84% en México y Guatemala: su estado se considera ahora como Vulnerable. La caza y la pérdida de hábitat explican en parte este declive, pero, en muchos casos, se ha documentado la desaparición misteriosa de esta especie en diversas regiones, y se cree que la enfermedad podría ser la causa principal.

Especies extintas
Tres especies se han declarado Extintas. Visto por última vez en 1912, el eslizón gigante de Cabo Verde (Chioninia coctei) —un lagarto que estuvo restringido a una única isla y a dos islas más pequeñas— se ha extinguido como consecuencia de la introducción de ratas y gatos; el pececito de Santa Cruz (Cyprinodon arcuatus) —que habitaba en la cuenca hidrográfica de Arizona— está actualmente extinto debido a la disminución del agua, y el camarón de agua dulce (Macrobrachium leptodactylus) fue víctima de la degradación del hábitat y del desarrollo urbano.

“Los datos actualizados de la Lista Roja de la UICN nos transmiten noticias preocupantes”, afirma Simon Stuart, Presidente de la Comisión para la Supervivencia de las Especies de la UICN. “Sin embargo, hay señales de éxito. Por ejemplo, en Costa Rica se han realizado mayores esfuerzos de indagación con los que se han descubierto nuevas subpoblaciones de rana de arroyo y de rana de ojos verdes del país. Lamentablemente, queda mucho por hacer ya que la tendencia general hacia la extinción persiste para muchas especies”.

Promoción para el turismo rural

02/07/2013, La Unión de Profesionales y Trabajadores Autónomos ha demandado una mayor atención hacia el Turismo Rural en España, un sector castigado en los últimos años por la crisis económica.

León, 2 de julio de 2013
En todo el año 2012, el turismo rural decreció un 2,5 por ciento en toda España. Castilla y León fue la primera comunidad en esta actividad turística, con 587.798 viajeros y 1.350.090 pernoctaciones contabilizadas.

Según datos oficiales, en el pasado mes de mayo, en España, y por comunidades autónomas, Castilla y León fue el destino preferido con 88.995 pernoctaciones, un 3,9% más que en mayo de 2012. Dentro de la comunidad, León es la mayor provincia por potencial turístico. En dicho mes, las Islas Baleares alcanzaron el mayor grado de ocupación, con el 50,8% de las plazas ofertadas.Por zonas turísticas, la isla de Mallorca fue el principal destino, con 69.741 pernoctaciones y una ocupación del 53,1% de las plazas ofertadas.
En los destinos preferidos por los amantes del turismo rural se ha notado también las consecuencias de la crisis. Tanto es así que muchos alojamientos rurales han tenido que verse obligados a bajar sus precios para incrementar las pernoctaciones.

Este hecho se denuncia desde la UPTA: “Pedimos medidas específicas de apoyo al sector, como una fiscalidad acorde a su particularidad o la puesta en marcha de la cotización en el RETA a tiempo parcial, medida esta última que debería de haber entrado en vigor el pasado 1 de enero, pero que el Gobierno ha retrasado hasta 2014”, explica César García, secretario ejecutivo de Política Sectorial de UPTA.

En la actualidad existen 15.413 alojamientos de turismo rural, con 145.049 plazas, que dan trabajo a 21.945 personas.

La maravilla del Paisaje Cafetero Colombiano

01/07/2013, El Paisaje Cultural Cafetero de Colombia podría convertirse el próximo mes de septiembre en la Octava Maravilla del Mundo.

Colombia, 1 de julio de 2013
Durante estos meses, Turismo de Colombia promociona la candidatura del Paisaje Cultural Cafetero para este concurso internacional convocado por Virtualtourist.com.

El país colombiano cuenta con lugares de singular belleza, como es el caso del Paisaje Cultural Cafetero, una región declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 2011, y que se encuentra formada por los departamentos de Caldas, Quindío, Risaralda y el norte del Valle del Cauca.

Su incalculable valor y singularidad hacen que este lugar se encuentre entre los 330 destinos aspirantes a convertirse en la Octava Maravilla del Mundo. Del resultado de los votos se decidirá cuál de estos sitios deberá integrar la lista de Maravillas del Mundo Moderno, formada por el Taj Mahal (India), Machu Pichu (Perú), La Gran Muralla China, La Ciudad de Petra (Jordania), El Coliseo (Roma), Chichén Itzá en Yucatán (México) y el Cristo Redentor de Río de Janeiro (Brasil). De las Siete Maravillas del Mundo Antiguo tan solo se mantiene en pie la Gran Pirámide egipcia de Giza.

El Alcazar de Sevilla, su Catedral y el Archivo de Indias; la ciudad de Buenos Aires; la Isla de Pascua; el Empire State Building, las fuentes del Hotel Bellagio de Las Vegas; el set de rodaje de Hobbiton en Nueva Zelanda; el cartel de Hollywood; las Islas Galápagos; las Cataratas del Niágara; la isla de Santorini; los monumentos neolíticos de Stonehenge; el Parque Nacional de Tikal en Guatemala; el Museo bajo el agua de Cancún o el Palacio de la Alhambra y el Generalife de Granada son algunas de las otras aspirantes a convertirse en la Octava Maravilla del Mundo.

Para apoyar a los participantes solo hay que entrar en la web de viajes Virtualtourist.com, organizadora del concurso, y votar por la región preferida antes del 30 de Septiembre: http://goo.gl/9ZTUj.

Vacaciones en Bohemia

29/06/2013, Praga, Cesky Krumlov, Karlovy Vary, Litomysl, Kutná Hora... y hasta la cerveza de Pilsen. Turismo Checo recomienda unas vacaciones en Bohemia

Praga, 28 de junio de 2013

Praga, Cesky Krumlov Karlovy Vary, Litomysl, Kutná Hora... y hasta la cerveza de Pilsen. Turismo Checo recomienda unas vacaciones en Bohemia

De entre todas las regiones históricas checas, Bohemia es la que más territorio abarca y, por lo tanto, la que mayor cantidad de tesoros culturales e históricos esconde. Para disfrutar de unas vacaciones y sacarles el mayor partido hay unos imprescindibles que no cabe dejar pasar de largo.

Para empezar, Turismo Checo propone la mágica Praga. La capital. La ciudad dorada. Romántica por excelencia y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Jazz, un crucero por el Moldava, los cafés, Kafka, el Puente de Carlos, la Torre de la Pólvora, la casa danzante, el castillo… Praga es un todo que no puedes perderte.

Si te ha gustado Praga, casi seguro que te gustará Cesky Krumlov, la Praga en miniatura. Si una ciudad pudiera haber salido literalmente de un cuento de hadas, probablemente se llamaría Cesky Krumlov. Esta pequeña ciudad medieval fue la primera de República Checa en inscribirse en el listado de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Para relajarte durante este verano, nada mejor que Karlovy Vary. Rodeada por un increíble paisaje de montañas, es la ciudad balneario por excelencia del país. Fue fundada en el s XIV por el rey Carlos y es famosa no sólo por sus termas, sino también por su cristal, sus rosas petrificadas y su prestigioso festival internacional de cine.

Para disfrutar de una ciudad con historia musical, Litomysl es en sí una joya. La ciudad que vio nacer al genio Smetana. El palacio también es Patrimonio de la Humanidad y cuenta con un teatro del S.XII en el que Smetana debutó al piano de niño.

¿Y para dormir? Por qué no descansar durmiendo en un palacio. En República Checa hay más de dos mil castillos y palacios que muestran la larga historia de este pequeño país del corazón de Europa, y muchos de ellos han sido reconvertidos en hoteles de lujo. Desde habitaciones en construcciones góticas, residencias de estilo renacentista, palacios barrocos hasta castillos neogóticos.

Y por continuar hablando de estilos arquitectónicos, la variedad de estilos arquitectónicos de sus pueblos y ciudades convierte a Bohemia del Sur en un auténtico museo al aire libre, con pueblos tan pintorescos como Holasovice, muestra única del barroco rural, Patrimonio de la UNESCO desde 1998.

Y la cerveza. Y hablar de cerveza es hablar de Pilsen. Cuna de la famosa Pilsner Urquell, la ciudad es mucho más que eso y lo demuestra el haber sido nombrada Capital Europea de la cultura para 2015.

Tampoco hay que perderse Kutná Hora, cuyas minas de plata consiguieron que llegara a competir con la misma Praga en importancia allá en el siglo XIII y cuenta con monumentos Patrimonio de la UNESCO como la Iglesia de Santa Bárbara o la catedral de Nuestra Señora de Sedlec y con curiosos lugares como el Osario de Sedlec.

Por último, para el amante de la naturaleza, Turismo Checo recomienda la oportunidad de visitar la Suiza Checa. El Parque nacional de Ceské Svycarsko ("la Suiza Checa") se encuentra en la frontera con Alemania adentrándose unos 80 km2 en la República Checa. La parte checa es conocida también como la "ciudad de las rocas de piedra arenisca" por sus representativas formaciones rocosas de aspectos singulares: puertas, torres, paredes, cañones, desfiladeros... Un paisaje que ofrece innumerables posibilidades de disfrute de la naturaleza y ocio activo.

Quinientos años del Mar del Sur

29/06/2013, El próximo 25 de septiembre se celebrará el V centenario del descubrimiento del Mar del Sur (Océano Pacífico) por el extremeño Vasco Nuñez de Balboa. Ya han comenzado celebraciones del evento.

Trujillo, 29 de junio de 2013

La ciudad de Trujillo, en Extremadura, alberga la exposición "Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur", organizada conjuntamente por el Ministerio español de Educación, Cultura y Deporte a través del Archivo General de Indias de Sevilla y la Comisión Extremeña para el V Centenario del Descubrimiento del Océano Pacífico.

Con esta exposición, que permanecerá abierta hasta el próximo 11 de agosto, en el Conventual de San Francisco de la citada localidad, España quiere conmemorar el V Centenario del Descubrimiento del Océano Pacífico por Vasco Núñez de Balboa.

La exposición se centra en el descubrimiento y la exploración del Océano Pacífico, y se divide en cinco bloques diferentes: Un mundo incompleto; América, el continente inesperado; El descubrimiento de la Mar del Sur; La exploración del Océano Pacífico; y De la estela al camino: el Pacífico, puente entre continentes.

A través de escenografías, audiovisuales y la reproducción e interpretación de más de 50 documentos originales de los archivos estatales españoles, la exposición escenifica la transformación del océano desconocido para el hombre, en una vía de comunicación para los pueblos.

Entre las reproducciones de documentos expuestos se encuentran, por ejemplo, el facsímil de la primera noticia que se dio en Europa sobre el descubrimiento de la Mar del Sur o el documento en el que se nombra a Vasco Núñez de Balboa como Adelantado de la Mar del Sur.

Fondo documental

Comisariada por Antonio Fernández Torres y Antonio Sánchez de Mora, "Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur" quiere difundir el riquísimo fondo documental sobre el Océano Pacífico contenido en los archivos españoles, con el Archivo General de Indias de Sevilla a la cabeza, y propiciar la apertura de una nueva etapa en el conocimiento de un pueblo que decidió hacerse a la mar impulsado por una idea más fuerte que el miedo: navegar rumbo al oeste hasta alcanzar el este.

Tras su paso por Trujillo, la muestra viajará al National Museum of Philippines, en Manila (Filipinas) para seguir su recorrido durante 2014 y 2015 por otros países del Pacífico. La muestra en Manila será simultánea a otra que se realizará en septiembre de 2013 en el Archivo General de Indias de Sevilla con los documentos originales.

222 sitios naturales Patrimonio Mundial

28/06/2013, Cinco áreas naturales emblemáticas se añaden al listado del Patrimonio Mundial: desiertos de Namibia y México, territorios de montaña de China y Tayikistán y el Monte Etna de Italia.

Nom Pen 28 de junio de 2013
Con estas incorporaciones los lugares naturales Patrimonio Mundial alcanzan los 222. Los cinco sitios añadidos en 2013 son:

El Tianshan de Xinjiang (China)
Monte Etna (Italia)
Reserva de biosfera “El Pinacate y Gran Desierto de Altar” (México)
Arenal de Namib (Namibia)
Parque Nacional Tayiko – Cordillera del Pamir (Tayikistán)

A estos lugares se unen otros sitios como el Monte Fuji, también elevado este año a la lista del Patrimonio Mundial, en el que se unen los componentes paisajistico, cultural y religioso.

Los grandes lugares naturales, patrimonio Mundial de 2013:

Arenal de Namib (Namibia)
Este sitio, que abarca un territorio de más de tres millones de hectáreas y una zona tampón de 899.500 hectáreas, es un desierto brumoso costero, único en su género, que cuenta con vastas extensiones de campos de dunas. El Arenal de Namib está integrado por dos sistemas de formaciones de dunas: el más arcaico, semiconsolidado, se superpone al más reciente, que es mucho más activo. Este desierto es excepcional debido a que sus dunas se han formado con materiales transportados a lo largo de miles kilómetros por la erosión fluvial y los vientos desde el interior del continente africano, así como por las corrientes marinas.

El Etna (Italia)
Este sitio emblemático abarca una zona despoblada de 19.237 hectáreas situada en la parte más alta del Monte Etna, que se yergue en la costa oriental de la isla de Sicilia. El Etna es el monte isleño más alto de la cuenca del Mediterráneo y el estratovolcán más activo del planeta. Se pueden rastrear las huellas de sus erupciones en el pasado hasta medio millón de años atrás

Tianshan en Zinjiang (China)
Este sitio comprende cuatro ámbitos –Tomur, Kalajun-Kuerdening, Bayinbukuke y Bogda– que totalizan una superficie de 606.833 hectáreas y son parte integrante del sistema orográfico de Tianshan. Situado en el Asia Central, este sistema forma una de las mayores cordilleras del mundo. Además de poseer características fisiogeográficas únicas en su género, el sitio de Tianshan, en la provincia de Xinjiang, cuenta con zonas de inusitada belleza paisajística.

Parque Nacional Tayiko (Tayikistán)
Este sitio montañoso y poco poblado abarca una superficie de 2,5 millones de hectáreas y está situado al este del Tayikistán, en el centro del llamado “Nudo del Pamir”, lugar donde convergen las cadenas de montañas más altas del continente eurasiático.

El Pinacate y Gran Desierto de Altar (México)
Las 714.566 hectáreas de este sitio abarcan dos partes distintas: al este, el escudo del volcán inactivo El Pinacate, formado por pavimentos desérticos y corrientes de lavas negras y rojas; y al oeste, el Gran Desierto de Altar con sus dunas vivas de formas variadas que llegan a alcanzar una altura 200 metros. El paisaje del sitio ofrece un espectacular contraste entre las formaciones de dunas lineales, parabólicas y estrelladas, y una serie de macizos graníticos de hasta 650 metros de altura que emergen como islas del mar de arena circundante.

Hallan una nueva ave en Nom Pen

27/06/2013, En la populosa ciudad de Nom Pen -1,5 millones de habitantes- había un vecino desconocido hasta ahora, un ave pequeña y colorista.

Nom Pen, 27 de junio de 2013
El entorno de Nom Pen es rico, abundante en aguas por la confluencia de ríos, el principal el Mekong. Allí se ha detectado la nueva especie, descrita por ornitólogos de BirdLife International y la Wildlife Conservation Society, que han publicado el hallazgo en la revista Forktail.

La especie, Orthotomus chaktomuk, se une a las aproximadamente 10.000 aves catalogadas por la ciencia, y tiene llamativo plumaje y sonoro canto.

El ave, denominada vulgarmente pájaro sastre camboyano se ha detectado en varios puntos de la ciudad de Nom Pen y del entorno; tiene un llamativo capirote naranja y un plumaje gris y negro; ocupa zonas húmedas y cubiertas.

Los descubridores tienen la intención de proponerla como especie de la “lista Roja” de la UICN, dado que su hábitat de matorral húmedo está en recesión.

El autor principal del estudio publicado en Forktail, es Simon Mahood, de la Wildlife Conservation Society (WCS), quien detectó la nueva especie cuando un compañero de WCS, Ashish John, fotografió en unas obras de Phnom Penh un ejemplar del pájaro sastre

"El descubrimiento de una nueva especie de ave sin describir dentro de los límites de una gran ciudad populosa -a 30 minutos de mi casa- es extraordinario", dijo Mahood. "Esto indica que todavía se pueden encontrar en lugares conocidos e inesperados nuevas especies de aves”.

Más información: http://www.birdlife.org/community/2013/06/hiding-in-plain-sight-new-species-of-bird-discovered-in-capital-city/

La persistencia de la geometría

27/06/2013, El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de México, acoge la exposición La persistencia de la geometría, formada por 95 obras del MACBA y de la Fundación la Caixa.

México, 27 de junio de 2013
Hasta el 26 de enero de 2014, los visitantes del Museo Universitario Arte Contemporáneo de México podrán contemplar una selección de 95 obras de 29 artistas procedentes de las colecciones del MACBA y de la Fundación la Caixa.

La muestra "La persistencia de la geometría" se trata de la primera gran exposición fuera de España organizada a partir de los fondos de ambas instituciones con el objetivo de ofrecer una interesante lectura sobre uso de la forma geométrica en el arte de las últimas décadas.

La geometría ha sido en todas las épocas un símbolo de pureza, inteligencia y perfección. En la antigua Grecia, se la identificó con las nociones de perfección, belleza, razón y equilibrio. Su herencia en la cultura occidental ha sido una fuente inagotable de inspiración, y se le han atribuido funciones metafísicas, científicas, cosmológicas, estéticas y místicas.

En el arte, la geometría ha estado siempre presente, aunque no fue hasta el siglo XX cuando más se teorizó sobre su uso. En las primeras décadas del pasado siglo estuvo ligada a los conceptos de abstracción y modernidad, y fue vehículo de idealismos y utopías.

En los años sesenta, la geometría experimentó un nuevo desarrollo con las retóricas formalistas que adoptaron sus figuras más simples y esenciales y las libraron de todo contenido simbólico, para centrarse en cuestiones relativas a la percepción, el contexto y el cuerpo.

En la época actual, las propuestas con la geometría se despliegan en diferentes vías y estrategias compositivas, y sirven al artista como plataforma para adentrarse en el trazado de lo social y su dimensión política.

Vermeer y la música

26/06/2013, “Vermeer y Música: The Art of Love and Leisure (arte de amor y ocio)” es una muestra que presenta del 26 de junio al 8 de septiembre la National Gallery londinense.

Londres, 26 de junio de 2013
Esta muestra explora los pasatiempos musicales de los Países Bajos del siglo XVII a través de esta exposición, que combina el arte de Vermeer y sus contemporáneos con instrumentos musicales, libros de canciones y música en vivo.

Por primera vez en la Galería Nacional dos pinturas de Vermeer, A Young Woman standing at a Virginal (mujer joven ante un virginal) y A Young Woman seated at a Virginal (mujer sentada ante el virginal) se reúnen con el Guitar Player (tañedora de guitarra), que se presenta como préstamo excepcional procedente del Legado Iveagh, de Kenwood House.

Junto a cinco obras de Veermer, aparecen también trabajos de Gerard ter Borch, Gabriel Metsu, Jan Steen, Pieter de Hooch, etc.

Tres días a la semana, los visitantes pueden disfrutar de espectáculos en vivo en el espacio expositivo, con la Academy of Ancient Music; de modo que cabe disfrutar a la par de las pinturas y la música de la época.

Betsy Wieseman, curador de pinturas holandesas en la Galería Nacional afirma que "esta exposición presenta una oportunidad maravillosa para comprender el papel clave que la música en el arte holandés del siglo XVII y en la sociedad”

La música fue uno de los temas más populares de la pintura holandesa, y la presencia de instrumentos musicales es relativamente habitual. En los retratos, un instrumento musical o un cancionero podrían sugerir la educación o posición social del retratado; en las escenas cotidianas, la presencia de la música puede significar tanto una metáfora de la armonía o un símbolo de la fugacidad.

La exposición muestra virginales (clavicémbalos) del siglo XVII, guitarras y laúdes. Estos, junto con las pinturas ofrecen una visión especial de los instrumentos representados por los pintores, y permiten observar las diferencias entre los instrumentos reales y la forma en la que los pintores los representaron.

Malba: muestra sobre Yayoi Kusama

26/06/2013, Malba – Fundación Costantini abre el 30 de junio la muestra “Yayoi Kusama. Obsesión infinita”, primera retrospectiva en América Latina de la mayor artista japonesa viva.

Buenos Aires, 26 de junio de 2013
Del 30 de junio al 16 de septiembre, Malba – Fundación Costantini presenta “ Yayoi Kusama. Obsesión infinita”, primera muestra retrospectiva en América Latina de la mayor artista japonesa viva.

Organizada en colaboración con el estudio de la artista, la exposición presenta un recorrido exhaustivo a través de más de 100 obras creadas entre 1949 y 2013, que incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones.

Comisariada por Philip Larratt-Smith (Vice Curador en Jefe, Malba, Buenos Aires) y Frances Morris (jefa de colecciones internacionales de Tate Modern, Londres, y curadora de la retrospectiva de Kusama en esa institución), la exposición presenta la trayectoria de esta artista que va desde el ámbito privado a la esfera pública, desde la pintura a la performance, del estudio a la calle.

“Yayoi Kusama. Obsesión infinita” incluye las series más importantes de sus casi seis décadas de producción artística. Se destacan sus Infinity Nets (Redes infinitas) de los años 50 y las Accumulations sculptures (Esculturas de acumulación), sus performances y happenings neoyorquinos de los años 60, presentes en series como Self-Obliteration (Autoborramiento), y sus pinturas e instalaciones recientes, como I’m Here, but Nothing (Estoy aquí, pero nada, 2000-2013), Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (Sala de espejos del infinito - Plena del brillo de la vida, 2011) y The Obliteration Room (La habitación del borramiento, 2002-2013), cuarto blanco que el público intervendrá con stickers de colores a lo largo de la muestra.

También se presenta una intervención con sus icónicos lunares rojos sobre la fachada de Malba y sobre un conjunto de árboles de la Avenida Figueroa Alcorta.

En ocasión de la muestra, Malba publica un volumen especial editado en español e inglés. El libro incluye una sección de ilustraciones en color de las obras presentes en la exposición, ensayos de Larratt-Smith (“Canción de una adicta al suicidio”) y Frances Morris (“Yayoi Kusama. Mi vida, un punto”) y una cronología visual de la vida de la artista.

El mundo de Yayoi Kusama
Yayoi Kusama nació en Matsumoto, Japón, en 1929. Después de un poético conjunto de obras semi-abstractas en papel que marcaron sus comienzos en los años 40, creó la célebre serie Infinity Net a fines de los 50 y comienzos de los 60. Estas obras originalísimas se caracterizan por la repetición obsesiva de pequeños arcos de pintura que se acumulan en grandes superficies siguiendo patrones rítmicos. El traslado de Kusama a Nueva York en 1957, donde conoció a Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenburg y Joseph Cornell, marcó un hito en su carrera artística. De la práctica pictórica pasó a las esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones) y luego a performances en vivo y happenings, claros exponentes de la cultura alternativa neoyorquina con los que ganó reconocimiento y notoriedad en la escena artística local.

En 1973 volvió a Japón y en 1977 se instaló voluntariamente en una clínica psiquiátrica, en la que reside desde entonces. A la marcada peculiaridad psicológica de su obra, se suma un amplio espectro de innovaciones formales y reinvenciones que le permiten a la artista compartir con un público amplio su singular visión, a través de los infinitos espacios espejados y las superficies obsesivamente cubiertas de puntos que le han dado fama internacional.

En obras más recientes, Kusama ha recuperado el contacto con sus instintos más radicales en instalaciones envolventes y piezas que invitan a la colaboración, obras que la han convertido en la artista viva más célebre de Japón.

Abuso animal en México

25/06/2013, La Fundación FAADA une sus fuerzas con Care for the Wild International y The Born Free Foundation en una petición internacional para que México prohíba el uso de animales salvajes en sesiones fotográficas con turistas.

México, 25 de Junio de 2013
Las organizaciones internacionales se hacen así eco de las centenares de quejas recibidas por turistas de todo el mundo, que a su llegada a algunos de los destinos más populares de la costa Mexicana, suelen ser asaltados por personas que les ofrecen la posibilidad de fotografiarse con cachorros de animales a cambio de un “donativo”.

Normalmente se les dice que estos animales son huerfanos y que su dinero se utilizará para poder cuidar de ellos, cuando la realidad es que la mayoría de estos animales suelen ser separados de sus madres al nacer, y sufren mutilaciones en sus garras y dentaduras para evitar daños a las personas. Después de ser explotados durante meses son abandonados a su suerte.

Estas actividades sirven para engañar a centenares de turistas cada año, al mismo tiempo que ponen en peligro la vida de los animales involucrados. Por este motivo, las tres organizaciones presentan una petición para modificar la legislación vigente y prohibir las sesiones fotográficas con cachorros de felinos en las costas de México.

Lee y firma la petición en: http://www.change.org/es/peticiones/secretaria-de-turismo-de-méxico-stop-al-abuso-de-animales-en-sesiones-fotográficas-con-turistas

Las villas mediceas toscanas, Patrimonio Mundial

24/06/2013, La Toscana guarda en su campiña diversidad muestras de la estética, el arte y el poder de los Medici. Ahora, la UNESCO las ha incluido en la lista de Patrimonio Mundial.

Nom Pen 24 de junio de 2013

En la reunión que la UNESCO celebra en Camboya se ha incluido en esa lista a un sitio bajo el nombre de "Villas y jardines Medici en Toscana (Italia)", compuesto por doce villas diseminadas por la campiña toscana y dos jardines de recreo, que constituyen un testimonio de la influencia ejercida por los Medici en la cultura europea de la Edad Moderna gracias a sus mecenazgos artísticos.

Edificadas entre los siglos XV y XVII, las villas Medici son representativas de un sistema original de construcciones rurales, armónicas con la naturaleza circundante, que estaban dedicadas al esparcimiento y al cultivo de las artes y el pensamiento.

Esas villas encarnan la función y forma innovadoras de un nuevo tipo de mansión principesca, diferente a la vez de las haciendas rurales de la clase pudiente florentina de aquel entonces y de los castillos señoriales, emblemáticos del poderío militar.

Según informa la UNESCO, las villas mediceas fueron un primer ejemplo de conexión entre el hábitat, los jardines y la naturaleza y se convirtieron en un elemento de referencia constante para las mansiones de soberanos de Italia y Europa. Sus jardines y su integración en el entorno natural contribuyeron a fomentar la valoración del paisaje característica del Humanismo y el Renacimiento.

En el listado inscrito están los jardines de Boboli (Florencia) y Pratolino (Vaglia, Florencia); y las villas de Cafaggiolo (Barberino di Mugello), Il Trebbio (San Piero a Sieve), Careggi (Florencia), Fiesole (Fiesole), Castello (Florencia), Poggio (Prato), La Petraia (Florencia), Cerreto Guidi (Florencia), Palacio Seravezza (Lucca), La Magia (Quarrata, Pistoia), Artimino (Carmignano, Prato) e Poggio Imperiale (Florencia).

La Lista del Patrimonio Mundial cuenta en adelante con un total de 981 sitios en 160 Estados Partes en la Convención del Patrimonio Mundial: 759 sitios culturales, 193 sitios naturales y 29 sitios mixtos. Fiji y Qatar lograron este año sus primeras inscripciones.

Cinco sitios naturales inscritos en la reunión de 2013 han sido:

• El Tianshan de Xinjiang (China)

• Monte Etna (Italia)

• Reserva de biosfera “El Pinacate y Gran Desierto de Altar” (México)

• Arenal de Namib (Namibia)

• Parque Nacional Tayiko – Cordillera del Pamir (Tayikistán)

También han sido incritos otros sitios culturales.

• Bergpark Wilhelmshöhe (Alemania)

• Estación ballenera vasca de Bahía Roja (Canadá)

• Paisaje cultural de los arrozales en terrazas de los hani de Honghe (China)

• Ciudad histórica portuaria de Levuka (Fiji)

• Fuertes de las colinas del Rajastán (India)

• Villas y jardines Médici en Toscana (Italia)

• Fujisan, lugar sagrado y fuente de inspiración artística (Japón)

• Centro histórico de la ciudad de Agadez (Níger)

• Tserkvas de madera de la región de los Cárpatos (Polonia/Ucrania)

• Universidad de Coimbra – Alta y Sofía (Portugal)

• Sitio arqueológico de Al Zubarah (Qatar)

• Palacio de Golestán (República Islámica de Irán)

• Monumentos y sitios históricos de Kaesong (República Popular Democrática de Corea)

• Ciudad antigua del Quersoneso táurico y sus "chôra" (Ucrania)

Se han ampliado otros sitios preexistentes

• Monte Kenya - Conservatorio de fauna salvaje de Lewa (Kenya), extensión de sitio Parque Nacional/Bosque Natural del Monte Kenya

• Sitio transfronterizo del patrimonio mundial Maloti-Drackensberg (Lesotho/Sudáfrica)

• Reales minas de sal de Wieliczka y Bochnia (Polonia)

El Fuji, Patrimonio Mundial

23/06/2013, El monte Fuji, icono del Japón, el pico más elevado de este país, entró finalmente en la lista de la UNESCO en 2013, después de que su candidatura fuera rechazada en 2007.

Nom Pen, 23 de junio de 2013

Con 3.776 metros de altitud, se encuentra este emblemático cono volcánico entre las prefecturas de Shizuoka y Yamanashi en el Japón central y es considerado como un lugar sagrado.

Fujisan o Monte Fuji, con su cima cubierta de nieve, se yergue solitario dominando aldeas, lagos rodeados de árboles y las orillas del mar. Es lugar de peregrinación y fuente de inspiración de artistas y poetas desde hace muchos siglo.

El arte de Japón lo ha representado desde el siglo XI, pero fue sobre todo a partir del siglo XIX cuando las estampas xilográficas hicieron de él un símbolo internacional del Japón con una profunda influencia en el arte occidental de esa época.

En el siglo XII, el monte Fuji llegó a ser un núcleo central de las actividades de iniciación al budismo ascético, que comprende elementos sintoístas.

El sitio inscrito comprende 25 elementos que son un exponente del carácter sagrado del monte y su paisaje circundante. Se han incluido en el sitio los caminos de peregrinación y los santuarios de los cráteres situados en los últimos 1.500 metros de esta cumbre de 3.776 metros de altura.

También forman parte del sitio diversos componentes culturales como los santuarios sengen-jinja y las posadas tradicionales oshi, y toda una serie de elementos naturales como formaciones volcánicas, árboles moldeados en la lava, fuentes y cascadas, que se consideran sagrados

El monte Fuji es un volcán activo, aunque la última erupción fue registrada en 1707

Fuertes de las colinas del Rajastán (India)

22/06/2013, El Comité del Patrimonio Mundial, reunido en Nom Pen, incribió en la Lista de Patrimonio de la UNESCO, seis recintos fortificados de Rajastán, estado en el noroeste de la India.

Nom Pen, 22 de junio de 2013
Situado en el Estado de Rajastán, este sitio está integrado por una serie de componentes y comprende seis fuertes majestuosos en Chittorgarh; Kumbhalgarh; Sawai Madhopur; Jhalawar; Jaipur, y Jaisalmer, cuyo perímetro de circunvalación llega a medir hasta 20 km en algunos casos.

El eclecticismo arquitectónico de estas construcciones militares constituye un testimonio del poderío los estados señoriales de los rajás que prosperaron en la región del Rajput entre los siglos VIII y XVIII.

Dentro de sus recintos amurallados hay núcleos urbanos importantes, palacios, centros comerciales, diversos edificios y templos que con frecuencia fueron construidos antes de la edificación de las fortificaciones y que, al amparo de éstas, contribuyeron a la creación y el desarrollo de una cultura cortesana, base del fomento de la enseñanza, la música y las artes.

Algunos de los núcleos urbanos cercados por las fortificaciones han perdurado hasta nuestros días y en ellos se encuentran muchos de los templos y edificios religiosos del sitio. Para la construcción de los fuertes se aprovecharon las defensas naturales ofrecidas por los cerros, ríos, desiertos y bosques frondosos. Hoy en día, se siguen utilizando todavía las grandes estructuras de captación de agua creadas para el abastecimiento de estas construcciones militares.

Dos museos para Tàpies

21/06/2013, La Fundació Antoni Tàpies y el Museu Nacional d’Art de Catalunya presentan conjuntamente una exposición que se despliega al mismo tiempo en las salas de las dos instituciones.

Barcelona, 21 de junio de 2013
Tàpies. Desde el interior ha sido concebida exclusivamente a partir de las obras conservadas en casa del artista y en la Fundació Antoni Tàpies, y siguiendo dos líneas de trabajo diferenciadas: por un lado las grandes composiciones murales; por la otra, los objetos cotidianos y los materiales pobres.

En el Museu Nacional d’Art de Catalunya se muestra la evolución de las composiciones murales a través de un recorrido que abraza toda su producción artística, desde mediados de los años cuarenta hasta el 2011, desde la pastosidad y el grumo de la pintura de los primeros años hasta la experimentación con nuevos materiales, como el barníz, el làtex y las planchas de metal, de las dècadas siguientes.

La muestra trata el interès constante de Tàpies por la materia con dos enfoques diversos pero complementarios: como rechazo del lenguaje artístico tradicional, y como sinònimo de canvio y de transformación.

En la Fundació Antoni Tàpies la muestra se centra en una serie de obras del 1946 al 2009 que evidencian el interès de Tàpies por los materiales pobres y por los objetos: desde el uso del cartón, los hilos y los cordeles de las obras primeras hasta el ensamblaje y la incorporación de objetos en la superfície de la tela que se hacen más manifiestos a partir de finales de la dècada de 1960.

La selección de la Fundació pone en relieve la voluntad de Tàpies de magnificar lo que se considera pequeño e insignificante, para mostrar que todo aquello que se concibe como marginal puede sugerir ideas esenciales.

Antoni Tàpies:
Inicia sus tanteos artísticos durante la larga convalecencia de una grave enfermedad. La creciente dedicación al dibujo y a la pintura le empujan a abandonar los estudios universitarios. En la década de 1940 ya expone sus obras, de marcada personalidad, que lo destacan en la panorámica artística del momento. Es cofundador de la revista Dau al Set (1948). Influenciado por Miró y Klee incrementa entonces el factor iconográfico y la temática mágica. Poco a poco incorpora elementos geometrizantes y estudios de color que desembocan en un interés por la materia, el cual se traduce en telas de textura intensa y de grandes posibilidades expresivas y comunicativas. Con estas obras Tàpies logra, hacia mediados de los años cincuenta, el reconocimiento internacional.

Ficha técnica:
Tàpies. Des de l’interior
21 junio 2013 – 3 noviembre 2013
Comisario: Vicent Todolí
Organiza: Fundació Antoni Tàpies i Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC).

Iglesias de Madera de los Cárpatos, Patrimonio Mundial

21/06/2013, El Comité del Patrimonio Mundial, reunido en Nom Pen, incribió en la Lista de la UNESCO una serie de iglesias de madera incluidas en los Cárpatos de Ucrania y Polonia.

Nom Pen, 21 de junio de 2013

Situado en los confines orientales de Europa Central, este sitio transnacional está compuesto por una selección de 16 tserkvas, iglesias de madera construidas entre los siglos XVI y XIX, hechas con troncos de árbol dispuestos horizontalmente, por las comunidades religiosas ortodoxas orientales y católicas.

Según la UNESCO, Las tserkvas encarnan la expresión cultural de cuatro grupos etnográficos y de los cambios formales, decorativos y técnicos que adoptaron a lo largo del tiempo. Son el testimonio de una técnica de construcción anclada en la tradición ortodoxa que intercala elementos del lenguaje arquitectónico local y referencias simbólicas a la cosmogonía de las comunidades.

Las tserkvas están construidas en un plano con tres partes cubiertas de cúpulas y ocupando un espacio cuadrado u octogonal. Se caracterizan también por la presencia de campanarios de madera e iconostasios, por la decoración interior policroma y por sus típicos camposantos.

Además, estas viejas iglesias están ubicadas en unos espacios con gran riqueza natural, en este territorio montuoso y boscoso de Europa oriental, de notables valores etnográficos

Otras inscripciones en la Lista del patrimonio Mundial, hasta hoy en la 37 reunión del Comité del Patrimonio Mundial:

El Tianshan de Xinjiang (China)

Arenal de Namib (Namibia)

Monte Kenya - Conservatorio de fauna salvaje de Lewa (Kenya), extensión de sitio Parque Nacional/Bosque Natural del Monte Kenya

Monte Etna (Italia)

Parque Nacional Tayiko – Cordillera del Pamir (Tayikistán)

Reserva de biosfera “El Pinacate y Gran Desierto de Altar” (México)

Fuertes de las colinas del Rajastán (India)

Rennell en la Lista del Patrimonio en Peligro

20/06/2013, Rennell es Patrimonio de la Humanidad desde 1998, ahora la UNESCO lo incluyó en su lista de Patrimonio en Peligro, por la explotación de sus bosques.

Nom Pen, Camboya - 20 de junio
El sitio de Rennell Este abarca el tercio meridional de la isla Rennell, la má‡s austral del archipiŽlago de las Salomó—n, que tiene 86 kil—metros de largo por 15 de ancho. Rennell es el atoló—n de coral elevado má‡s grande del mundo.

El sitio de la UNSECO comprende una superficie terrestre de 37.000 hectá‡reas y una zona marina de tres millas, con numerosos islotes que albergan especies endŽémicas. Lo m‡ás espectacular, los densos bosques, cuyo dosel alcanza una altura de 20 metros por tŽérmino medio. Con estas condiciones climá‡ticas, caracterizadas por la frecuencia de fenó—menos cicló—nicos, el lugar es un autéŽntico laboratorio natural para los estudios cientí’ficos. La propiedad y administraci—ón del sitio se rigen por el derecho consuetudinario.

El ComitŽé del Patrimonio Mundial estima— que la explotación— forestal de la isla amenaza al valor universal excepcional de Rennell Este y pidió— a las autoridades nacionales que hagan un estudio sobre el impacto de la explotación—, aunque Žesta tenga lugar fuera de la zona central del sitio.

La UICN, ó—rgano asesor a la UNESCO en materia de patrimonio mundial sobre la naturaleza, habí’a advertido de este deterioro, así’ como de los problemas en otros dos puntos de la lista de Patrimonio Mundial: el lago Turkana de Kenia y los bosques ví’rgenes de Komi en Rusia, que no se han añ–adido a la Lista en Peligro.

Segœún el informe de la UICN, la extracció—n forestal y la introducció—n de especies invasoras por el trafico de naví’os, están deteriorando tanto al bosque como a las especies del sitio de Rennell.

Los destinos más populares de Colombia

20/06/2013, Cartagena de Indias, Bogotá, Santa Marta y Cali figuran en el ranking ‘Lo mejor de 2013’ y están entre las mayores receptoras de viajeros internacionales en Colombia.

Bogotá, 20 de junio de 2013
El ranking ha sido elaborado por el portal de viajes TripAdvisor, y en él se han elegido Cartagena, Bogotá, Santa Marta y Cali, por este orden, como cuatro de los 25 mejores destinos de Latinoamérica. Los motivos son diversos: por la excelencia de su casco histórico, por su restauración genuina o por la exuberancia de su naturaleza son algunas de las razones principales.

Los atractivos de las cuatro ciudades han sido reconocidos y elegidos por los internautas del portal.

De Cartagena destacaron su arquitectura colonial que permite viajar al pasado y sus excelentes playas.

En Bogotá destacan la visita al Museo del Oro, que evoca la leyenda de El Dorado, y sus cientos de restaurantes y bares genuinos.

La búsqueda de una ciudad perdida en la Sierra Nevada de Santa Marta, hace de este lugar un enclave ideal para los amantes de la naturaleza.

Por su parte, Cali se configura este año como "el epicentro deportivo de Colombia" por haber sido nombrada como sede de los Juegos Mundiales de 2013 y ofrece a sus visitantes una ámplia gama de deportes de aventura, perfectos para practicar en los parques, las montañas y los desiertos locales.

Hallan nuevo sitio maya, bautizado como Chactún

19/06/2013, Un equipo de expertos encabezado por el arqueólogo Ivan ¦prajc, ha bautizado como Chactún, “Piedra Roja” o “Piedra Grande”, a una antigua ciudad maya nunca antes reportada.

México, 19 de junio de 2013
Esta nueva ciudad está localizada en el sureste de Campeche, según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Según la información de este instituto mexicano, se trata de uno de los sitios más grandes registrados en las Tierras Bajas Centrales de esta antigua civilización.

Se cree que la urbe fue el centro rector de una vasta región hace 1.400 años, entre 600 y 900 d.C., tal como informó el investigador que dirige la expedición apoyada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Tal hi`´otesis se basa en la gran extensión del sitio —de más de 22 hectáreas— y la cantidad de monumentos, al menos una decena de ellos con inscripciones.

La iniciativa de exploración, con la aprobación del Consejo de Arqueología del INAH, es financiada por la National Geographic Society, y las empresas austriaca Villas y la eslovena Ars longa.

A lo largo de los últimos siglos, Chactún permaneció oculta en la selva del norte de la Reserva de la Biosfera de Calakmul. De acuerdo con ¦prajc, forma parte de un área superior a los 3,000 kilómetros cuadrados, ubicada entre las regiones Río Bec y Chenes, un espacio que ha permanecido como “una laguna en el mapa arqueológico del área maya.

“Es uno de los sitios más grandes de las Tierras Bajas Centrales, comparable por su extensión y la magnitud de sus edificios con Becán, Nadzcaan y El Palmar, en Campeche”, destacó el investigador del Centro de Investigaciones Científicas de la Academia Eslovena de Ciencias y Artes.

La milenaria metrópoli maya es uno de los cerca de 80 sitios que han sido detectados por el Proyecto de Reconocimiento Arqueológico en el Sureste de Campeche, que comenzó en 1996. La localización de estos lugares se ha basado principalmente en el reconocimiento por medio de fotografía aérea de gran escala. Algunos sitios como Uxul y Pared de los Reyes habían sido previamente descritos por exploradores como Karl Ruppert, en los años 30 del siglo XX. Sin embargo, Chactún permaneció ignorado por las expediciones científicas hasta ahora.

El sitio comprende tres complejos monumentales. El Oeste, que cubre una superficie de más de 11 hectáreas, mientras que los Sureste y Noreste suman en conjunto otra extensión igual.En estos espacios se dispersan numerosas estructuras de tipo piramidal y palaciego, incluyendo dos canchas de juego de pelota, patios, plazas, monumentos esculpidos y áreas habitacionales. Mientras que la pirámide más alta, de 23 m de altura, se localiza en el Complejo Oeste, lo más impresionante del lugar son los volúmenes constructivos que presentan muchos edificios.

No obstante, son las estelas y altares —algunos de los cuales aún conservan restos de estuco— los que mejor reflejan el esplendor de la ciudad en el llamado periodo Clásico Tardío (600-900 d.C.).

Seducidos por el arte en CaixaForum

19/06/2013, Del 19 de junio al 15 de septiembre de 2013 CaixaForum Madrid descubre la apasionante relación entre los grandes nombres de la historia de la pintura, los pioneros de la fotografía y los fotógrafos contemporáneos.

Madrid, 19 de junio de 2013
A lo largo del siglo XX, pintores y escultores usaron la fotografía como herramienta auxiliar, pero también como medio de expresión artística. La fotografía ayudaba a fijar las composiciones y a dotar de realismo a las escenas, pero al mismo tiempo los artistas comprendieron las posibilidades expresivas de esta nueva técnica y decidieron experimentar con ella con una clara voluntad estética.

La nueva exposición de CaixaForum Madrid contrapone la fotografía contemporánea con obras maestras de la historia del arte y las primeras imágenes de la historia de la fotografía. Gracias a las asociaciones propuestas el visitante descubre cómo los pioneros de la fotografía asumieron como propios los temas tradicionales de la pintura y cómo, a su vez, los fotógrafos contemporáneos han revisitado y reinterpretado los contenidos subyacentes en las imágenes de sus predecesores.

Esta mirada sobre la influencia que ha ejercido la pintura de los grandes maestros en la fotografía reúne un total de 130 obras, en las que se pueden contemplar los géneros tradicionales del retrato, el desnudo, la naturaleza muerta, la religión y el paisaje entre otros.

El visitante encontrará diálogos sorprendentes entre obras de grandes maestros como Turner, Gainsborough, Ingres, Vernet y Fantin-Latour, artistas contemporáneos como Craigie Horsfield, Rineke Dijkstra, Thomas Struth, Richard Learoyd, Ori Gersht y Beate Gütschow, y pioneros de la fotografía del siglo XIX como Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray o Roger Fenton.

Seducidos por el arte. Pasado y presente de la fotografía.
Fechas: del 19 de junio al 15 de septiembre de 2013.
Lugar: CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36).
Organización y producción: The National Gallery (Londres) y Obra Social ”la Caixa”.

La resurrección de Bam

18/06/2013, La ciudad de Bam y su paisaje cultural fue declarado Patrimonio de la Humanidad, pero la UNESCO lo incluyó en la Lista del Patrimonio en Peligro, dado que su situación era caótica.

Nom Pen, 18 de junio de 2013
El 26 de diciembre de 2003 un terremoto destrozó la antigua ciudadela de Bam, en Irán. Los muros de barro cayeron sobre la población y murieron decenas de miles de personas. Al año siguiente Bam entró en la Lista de Patrimonio Mundial.

El Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO decidió ayer que las mejorías observadas en la gestión, conservación y recuperación de este sitio de la República Islámica de Irán, permiten ya retirarlo de la Lista de Patrimonio en Peligro.

Bam, con unos dos milenios de historia, alcanzó su época de apogeo entre los siglos VII y XI. Y los expertos de la UNESCO han estimado ahora que sus vestigios, están suficientemente estabilizados por lo que el sitio se considera ahora a salvo.

El Comité del Patrimonio Mundial está celebrando su 37 reunión en Nom Pen y Siem Reap y a lo largo de esta semana se inscribirán nuevos sitios en la Lista.

Especies en peligro por el cambio climático

18/06/2013, El cambio climático será especialmente dañino en zonas como la cuenca del Amazonas, y afectará gravemente a capas sociales menos favorecidas, según un reciente estudio sobre la materia.

Gland, Suiza, 18 de junio de 2013
La Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) publica un resumen del informe en el que se señala que la mayoría de las especies que corren mayor peligro a causa del cambio climático no se consideran actualmente prioritarias en materia de conservación

Este amplio estudio, realizado por la UICN y publicado en el periódico científico PLOS ONE, introduce un método innovador para evaluar la vulnerabilidad de las especies al cambio climático. Es un trabajo de los más extensos en su género, y se basa en la labor efectuada por más de un centenar de científicos durante un período de cinco años.

Según el estudio, un número de especies que puede alcanzar el 83% de las aves, el 66% de los anfibios y el 70% de los corales identificados como muy vulnerables a los impactos del cambio climático no se consideran actualmente amenazadas de extinción en la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN. Por ende, es improbable que se les dediquen medidas de conservación.

“Los resultados revelan algunas sorpresas alarmantes,” dice la directora del estudio, Wendy Foden, del Programa Mundial de Especies de la UICN. “No pensábamos que tantas especies y áreas que no nos preocupaban anteriormente iban a resultar tan vulnerables al cambio climático. Está claro que si todo sigue como antes, sin tomar en cuenta el cambio climático, no podremos ayudar a muchas de las especies y zonas que más lo necesitan.”

Hasta el nueve por ciento de todas las aves, el quince por ciento de todos los anfibios y el nueve por ciento de todos los corales que demostraron ser muy vulnerables al cambio climático están ya amenazados de extinción. Muchas especies están amenazadas por una explotación forestal insostenible y por la expansión agrícola, pero también necesitan de medidas de conservación urgentes a raíz del cambio climático, según los autores.

El enfoque novedoso del estudio examina las características biológicas y ecológicas específicas que hacen que las especies sean más o menos sensibles o adaptables al cambio climático. “Es un gran avance para la conservación,” dice Jean-Christophe Vié, Director Adjunto del Programa Mundial de Especies de la UICN y coautor del estudio. “Además de identificar mucho más precisamente a las aves, anfibios y corales más amenazados por el cambio climático, también conocemos ahora las características biológicas que son sus “puntos débiles” ante dicho cambio, lo que constituye una gran ventaja para responder mejor a sus necesidades de conservación.”

El estudio presenta asimismo los primeros mapas a escala mundial de la vulnerabilidad al cambio climático de los grupos de especies evaluados; los cuales ponen de manifiesto que la región amazónica alberga las mayores concentraciones de aves y anfibios más vulnerables al cambio climático, y que la mayoría de los corales vulnerables al cambio climático se encuentran en el Triángulo de Coral del Océano Índico central y del Pacífico occidental.

“Como es siempre incierto prever el futuro, necesitamos una variedad de métodos para evaluar los riesgos que enfrentamos,” señala Simon Stuart, Presidente de la Comisión de Supervivencia de Especies de la UICN. Cuando diversos métodos dan los mismos resultados alarmantes, debemos prestar mucha atención y tomar medidas para evitarlos.”

Una zona que ha recibido un análisis especial es la región de la falla Albertina, en África central y oriental, muy rica en especies, identificando a las plantas y animales importantes para el uso humano y que arriesgan un declive a causa del cambio climático. Dichas especies incluyen 33 plantas usadas como combustible, materiales de construcción, alimentos y medicamentos, 19 especies de peces de agua dulce que son una importante fuente de alimentos e ingresos y 24 mamíferos utilizados principalmente para la alimentación.

“El estudio muestra que la población de la región depende considerablemente de las especies silvestres como medios de existencia, y el cambio climático trastornará dicha situación,” dice Jamie Carr, del Programa Mundial de Especies de la UICN y autor principal del estudio sobre la falla Albertina. “Ello reviste particular importancia para las poblaciones más pobres y marginadas, que dependen más directamente de las especies silvestres para satisfacer sus necesidades vitales.”.

El Parlamentarismo, Memoria Mundial de la UNESCO

18/06/2013, La convocatoria del Estado Llano realizada por primera vez en el reino de León en la Edad Media se acredita como punto de arranque del Parlamentarismo, y se ha incluido hoy en la lista de Memoria Universal.

París, 18 de junio de 2013

Junto a este evento, aparecen en 2013 otras 53 inscripciones en el Registro Memoria del Mundo de la UNESCO

La colección de documentos sobre la vida y obra de Ernesto Che Guevara: de los manuscritos orginales de su adolescencia y juventud al Diario de Campaña en Bolivia, presentada por Bolivia y Cuba; el conjunto de testimonios de las víctimas del Holocausto que se conserva en el Memorial Yad Vashem de Jerusalén, presentado por Israel;el archivo de Oscar Niemeyer, o las piedras de registro de la pagoda de Maha Lawkamarazein o Kuthodaw, presentadas por Myanmar figuran también entre las 54 nuevas inscripciones en el Registro Memoria del Mundo aprobadas hoy por la UNESCO, Irina Bokova.

Estos nuevos elementos del patrimonio documental, propuestos por 40 países y por el Servicio Internacional Investigaciones (International Tracing Service, ITS) fueron inscritos a raíz de la recomendación favorable hecha por el Comité Consultativo Internacional del Programa Memoria del Mundo, que se reúne en Gwangju, República de Corea, del 18 al 21 de junio.

Israel, Myanmar y Nepal obtuvieron sus primeras inscripciones en el Registro, al igual que el ITS.

El Registro Memoria del Mundo cuenta en adelante con 299 documentos y colecciones documentales procedentes de los cinco continentes, que se conservan en todo tipo de soportes, de la piedra al celuloide y del pergamino a las grabaciones audiovisuales.

En el transcurso de la reunión, el Comité anunció también el ganador del Premio UNESCO/Jikji Memoria del Mundo, que ha recaído en la asociación ADABI (Apoyo al Desarrollo de Archivos y Bibliotecas), de México un organismo sin ánimo de lucro del que se ha reconocido el enfoque innovador para favorecer la conservación, la digitalización y la accesibilidad de los archivos así como por sus programas educativos y de formación. Esta asociación trabaja para alentar a las comunidades del país a desempeñar un papel activo en la conservación de los archivos y para sensibilizar al público respecto a la importancia de este patrimonio.

Dotado con un monto de 30.000 dólares, el premio se concede cada dos años a las instituciones o individuos que hayan contribuido de manera significativa a la preservación del patrimonio documental y al acceso al mismo.

Inscripciones en el Registro realizadas en el 2013

Archivo del arquitecto Oscar Niemeyer

Archivos de la CODESA (Convención por una Sudáfrica Democrática) 1991-1992 y Archivos del proceso de negociación multipartidaria, 1993

Archivos de la Universidad de Lovaina (1425-1797): Patrimonio universitario de trascendencia mundial

Archivos del Servicio Internacional de Búsquedas

Archivos de “Saemaul Undong” (Movimiento Nueva Comunidad)

Atlas Geográfico de Vakhushti Bagrationi y "Descripción del Reino de Georgia"

Babad Diponegoro o la Crónica autobiográfica del príncipe Diponegoro (1785-1855), noble javanés, héroe nacional indonesio y panislamista

Censo de Islandia de 1703

Colección Arthur Bernard Deacon (1903-1927), MS 90-98

Colecciones del siglo XIX de la Societé Historique et Littéraire Polonaise / Biblioteca Polaca de París/ Museo Adam Mickiewicz

Colección de manuscritos del poema de Shota Rustaveli "El caballero de la piel de pantera"

Colección de mapas de Irán de la época Qajar (1193 - 1344 del calendario lunar / 1779-1926 del calendario gregoriano)

Colección de manuscritos mamelucos del Corán de la Biblioteca Nacional de Egipto

Colección de notas manuscritas y música cinematográfica del compositor Aram Jachaturian

Colección “Hojas de Testimonio”, Yad Vashem, Jerusalén, 1954-2004

Colección permanente del Proyecto “Documentos de Eleanor Roosevelt”

Colección Sophus Tromholt

Colecciones de poesía popular chilena impresa: “Lira popular”

Crónica Laurenciana (1377)

Descubrimientos de Semmelweis

Dhakhira-yi Kharazmshahi

Diario del primer viaje de Vasco da Gama a la India, 1497-1499

Disco celeste de Nebra

Documentos oficiales tibetanos de la dinastía china Yuan (1304-1367)

Documentos relativos a los viajes del emperador D. Pedro II en Brasil y el extranjero

El descubrimiento de la insulina y su impacto en el mundo

El Libro de viajes de Evliya Çelebi en la Biblioteca del Museo del Palacio Topkapi y la Biblioteca de Manuscritos Süleymaniye

El nacimiento de una nación: momentos decisivos (Timor Oriental)

“Kanjur” escrito en nueve piedras preciosas

La "Bula de Oro" - el original de los Archivos Estatales de Austria (HHStA) y el manuscrito de lujo de la Biblioteca Nacional de Austria (OeNB)

Legado del festival de jazz de Montreux

Llibre del Sindicat Remença (1448)

Libri Prohibiti: Colección de periódicos de la samizdat checa y eslovaca (1948-1989)

"Libros de minutas del Consejo de la Sociedad de Siam", registros de cien años de cooperación internacional en investigación y divulgación del conocimiento en las artes y las ciencias

Lorsch Pharmacopoeia (Biblioteca Estatal de Bamberg, Msc.Med.1)

Los “Decreta” de León de 1188 – El testimonio documental más antiguo del sistema parlamentario europeo

Maha Lawkamarazein o inscripciones de los santuarios de Kuthodaw

Manifest der Kommunistischen Partei, hoja borrador manuscrita y Das Kapital. Erster Band, ejemplar personal anotado por Karl Marx

Manuscrito Nisvasattatvasa?hita

Manuscrito Susrutamhita (Sahottartantra)

Materiales relativos a la misión Keicho a Europa (Japón y España)

Midokanpakuki: el diario manuscrito original de Fujiwara no Michinaga

Miscelánea Rothschild

Nagarakretagama o “Descripción del país” (1365 d. C.)

Nanjung Ilgi: Diario de guerra del almirante Yi Sun-sin

Noticiero cinematográfico y fotografías del Istituto Nazionale L.U.C.E.

Primeras ediciones peruanas y sudamericanas (1584-1619)

“Protocolo ambulante de los conquistadores” o “Libro becerro”

Qiaopi y Yinxin: Correspondencia y comprobantes de inmigrantes chinos

Repertorio Bibliográfico Universal / Répertoire Bibliographique Universel

Shantinatha Charitra

Solicitudes de afiliación (Circulares de los candidatos)

Tratados de paz (ahdnames) concluidos entre la segunda mitad del siglo XV y finales del siglo XVIII entre el Reino (o República) de Polonia y el Imperio otomano

Dia Mundial de Lucha contra la Desertización

17/06/2013, El 17 de junio se celebra el Día Mundial de Lucha contra la Desertización, jornada establecida en 1994 por la Asamblea General de las Naciones Unidas.

Madrid, 17 de junio de 2013
El agua dulce es un elemento finito y distribuido desigualmente en el orbe. La mayor cantidad de agua se concentra en los ámbitos fríos: casquetes polares, glaciares, hielos polares... En el resto del planeta se halla en los lagos, ríos, arroyos... En muchos lugares, la demanda es mayor que la existencia, algo que se manifiesta habitualmente en las tierras más secas. La falta de agua equivale a penuria y pobreza.

El tema de esta jornada en 2013 es "No dejes que nuestro futuro se seque", y nos recuerda que el agua dulce es valiosa. El eslogan se orienta a destacar la necesidad de instrumentar medidas para preparar y anticipar la escasez de agua, paliando la desertificación y la sequía. La idea es que todos somos responsables de la conservación y del uso sostenible del agua y de la tierra.

En un mensaje especial ante este día, Ban Ki-moon, Secretario General de las Naciones Unidas, pone de relieve que los costos sociales, políticos y económicos de la sequía son evidentes desde Uzbekistán al Brasil, del Sahel a Australia. En mayo, Namibia declaró el estado de emergencia nacional a causa de la sequía y el 14% de su población sufría inseguridad alimentaria. En 2012, los Estados Unidos de América padecieron su peor sequía desde los años cincuenta, que afectó al 80% de las tierras de cultivo. En 2011, la sequía en el Cuerno de África —la peor desde principios de los años noventa— afectó a casi 13 millones de personas.

Añade que en el último cuarto de siglo, ha aumentado la propensión a la sequía en el mundo y se prevé que, como consecuencia del cambio climático, las sequías afectarán a más zonas y serán más intensas y frecuentes. Los efectos a largo plazo de la sequía prolongada en los ecosistemas son profundos y aceleran la degradación del suelo y la desertificación, lo que conlleva el empobrecimiento y el riesgo de que se produzcan conflictos por el control de los recursos hídricos y las tierras productivas.

"Es difícil evitar la sequía, pero sí se puede mitigar sus efectos. Dado que la sequía rara vez respeta las fronteras nacionales, exige una respuesta colectiva. El precio de estar preparados es mínimo en comparación con el costo del socorro de emergencia".

Nuevo Patrimonio Mundial de la UNESCO

17/06/2013, Como cada año, el Comité del Patrimonio Mundial inscribirá nuevos sitios en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en su reunión del que se celebrará hasta el 27 de junio en Nom Pen y Siem Reap.

Nom Pen y Siem Reap (Camboya), 17 de junio de 2013
En el encuentro se examinarán 32 candidaturas de inscripción en la Lista del Patrimonio.Las candidaturas presentadas por los Estados Partes en la Convención del Patrimonio Mundial son:

Sitios naturales:
Tianshan en Zinjiang Tianshan (China); Parque Nacional Gran Himalaya (India); Monte Etna (Italia); Monte Kenya-Conservación de la fauna salvaje (extensión del Parque nacional/Bosque natural del Monte Kenya); Reserva de biosfera de El Pinacate y Gran Desierto de Alta (México); Mar de Arena de Namib (Namibia); Santuario de fauna y flora salvajes de la cadena del Monte Hamiguitan (Filipinas); Parque Nacional Tayiko (Cordillera del Pamir), Tayikistán; Parque Nacional Cat Tien (Viet Nam).

Sitios mixtos (naturales y culturales):
Pimachiowin Aki (Canadá), Archipiélago de las Bijagós – Motom Moranghajogo (Guinea Bissau); Parque Nacional Sehlabathebe (Lesotho) (extensión de uKhahlamba – Parque de Drakensberg, Sudáfrica).

Sitios culturales:
Estación ballenera vasca de Red Bay (Canadá); Paisaje cultural de los arrozales en terraza de los hani de Honghe (China); Monumentos y sitios históricos de Kaesong (República Popular Democrática de Corea); Ciudad portuaria histórica de Levuka (Fiyi); Estanques y estatua de Hércules del Bergpark Wilhelmshöhe (Alemania); Fuertes de la colina de Rajastán (India); Palacio de Golestán (Irán); Paisaje cultural de Maymand (Irán); Villas y Jardines de los Médici (Italia); Monte Fuji (Japón); Villa y castillo de Vianden (Luxemburgo); Zoma de Isandra (Madagascar); Agadés (Centro histórico de Agadés), Níger; Reales minas de sal de Wieliczka y Bochnia (extensión de “Minas de sal de Wieliczka”, Polonia), Tserkvas de madera de la región de los Cárpatos en Polonia y Ucrania (Polonia / Ucrania); Universidad de Coimbra – Alta y Sofía (Portugal); Sitio arqueológico de Al Zubará (Qatar); Complejo arqueológico e histórico de Bolgar (Federación de Rusia); Centro histórico de Alanya (Turquía); Ciudad antigua y chora de Quersoneso en Táurica (siglo V a. de C. – siglo XIV d. de C., Ucrania).

Cinco de estos sitios ya habían sido presentados con anterioridad: Fuertes de la colina de Rajastán, (India); Sitio arqueológico de Al Zubará, (Qatar); Monumentos históricos y sitios de Kaesong, (República Popular Democrática de Corea); Complejo Histórico y Arqueológico de Bolgar, (Federación de Rusia); Parque Nacional Tayiko, (Tayikistán).

La expedición de Carlos V a Túnez, en Viena

14/06/2013, Hasta febrero de 2014, los viajeros que visiten Viena pueden contemplar una interesante muestra que recuerda la captura de Túnez por el emperador Carlos V, en el Kunsthistorisches Museum.

Viena, 14 de junio de 2013
En junio de 1535, el emperador Carlos V zarpó de Cerdeña al frente de una flota con 400 barcos y más de 30.000 soldados, para conquistar el reino de Túnez, en poder de los otomanos.

El ataque se había decidido, después de que Barbarroja depusiera a Muley Hassan, vasallo de España. El emperador y rey de España convocó cortes para demandar ayudas para la conquista y reunió la flota en Barcelona. Luego se realizó aquella dura expedición que conquistó durante un tiempo el país norteafricano.

Con el fin de documentar la campaña y su previsible victoria, el poderoso gobernante fue acompañado no sólo por historiadores y poetas, sino también por su pintor de cámara, Jan Cornelisz Vermeyen.

En 1543, once años después, el artista flamenco recibió el encargo de hacer los cartones para un total de doce monumentales tapices en recuerdo de la campaña. Los diseños fueron desarrollaos sobre la base de numerosos bocetos y dibujos que habían traído del norte de África.

Los cartones son del mismo tamaño que los tapices tejidos después a partir de ellos: De los cartones de antaño muy pocos suelen llegar hasta nosotros; pero en este caso, el Kunsthistorisches Museum de Viena conserva diez de los doce originales “Cartones de Túnez”.

Estos materiales han sobrevivido porque fueron apreciados como obras de arte autónomas, y más tarde fueron incluso atribuidos a Tiziano, pintor estimado por Carlos V. Ejecutados en carbón y acuarela, son obra de Vermeyen y otro artista flamenco, Pieter Coecke van Aelst. Su representación topográficamente exacta de diferentes lugares y las descripciones detalladas, nos acercan a aquellos turbulentos acontecimientos. Cada historieta ofrece uno o más eventos de la campaña.

El programa probablemente fue ideado por el historiador y cosmógrafo español, Alonso de Santa Cruz, quien no viajó a Túnez, pero escribió una historia muy respetada de la campaña basada en testimonios de testigos de aquella.

Los cartones son el centro de la exposición, que además comprende un buen número de objetos notables de distintas colecciones de la Kunsthistorisches Museum Wien: armaduras, cuadros, etc., elementos adicionales que ayudan a revivir los dramáticos acontecimientos de 1535. Muestra comisariada por Katja Schmitz-von Ledebur.

Un acercamiento al japonismo

14/06/2013, en el siglo XIX, el japonismo fue un una estética que influyó en innumerables artistas occidentales, una muestra titulada "Japonismo. La fascinación del arte japonés", en CaixaForum Barcelona, nos acerca a esa influencia en el ámbito hispano.

Barcelona, 14 de junio de 2013
Nacido a partir de la apertura de los puertos de Japón durante la década de 1860, el japonismo se convirtió en uno de los ingredientes más importantes y esenciales de la modernidad artística de la Europa de la segunda mitad del ochocientos, aportando temas, motivos, composiciones, técnicas, formatos y, en definitiva, una imaginación poética y una visión del arte que hicieron cambiar los gustos y revelaron nuevas ideas, formas y colores, de donde bebió el arte occidental de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

La exposición que presenta la Obra Social ”la Caixa” constituye la primera presentación de la fascinación europea por el arte y la cultura de Japón, que también arraigó en la Península Ibérica y, de forma muy especial, en Cataluña. Más de trescientas piezas expuestas, muchas de ellas inéditas y mostradas de forma excepcional por primera vez, nos aproximan a una historia apasionante de descubrimientos e intercambios que tiene sus orígenes más remotos en la llegada de los primeros misioneros durante el periodo namban, hace ahora más de cuatrocientos años.

La exposición ofrece una visión panorámica de todas las manifestaciones artísticas que formaron parte de este fenómeno: pintura y gravado, dibujo e ilustración, joyería y decoración, literatura y cine. Presenta muchas obras nunca expuestas que permitirán descubrir la fascinación que Japón despertó entre artistas tan variados como Marià Fortuny, Pablo Picasso, Alexandre de Riquer, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Adolfo Guiard, Oleguer Junyent y Joan Miró, así como también entre ilustradores, joyeros, cineastas, escenógrafos, ceramistas y poetas.

Japonismo arranca en el siglo XVI, momento de los primeros intercambios comerciales y culturales entre España y Japón, y se alarga hasta la Guerra Civil española. Así, pasa revista a los antecedentes de la relación entre Occidente y Japón, en la época de las misiones religiosas a Oriente, y pone el acento especialmente en el interés por Japón que se extendió durante la segunda mitad del siglo XIX y que dejó su huella en la obra de artistas del impresionismo, postimpresionismo, simbolismo e, oncluso, la vanguardia. También reconstruye por primera vez el proceso vivido en España cuando artistas como Marià Fortuny sintieron la atracción de aquel lugar y empezaron a dibujar y pintar fantasías japonesas.

Japonismo.La fascinación por el arte japonés se presenta del 14 de junio al 15 de septiembre de 2013. Se trata de una muestra organizada por la Obra Social ”la Caixa” y comisariada por Ricard Bru i Turull.

Fotografía y naturaleza

14/06/2013, La UICN -Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza- y SOS -Save Our Species- presentan una exposición en la Cité du Temps, de Ginebra, con las fotografías ganadoras del concurso " Melvita Nature Image 2012".

Ginebra, 14 de junio de 2013
Esta competición gráfica internacional, que podrá verse desde el 14 de junio y hasta el 22 de julio de 2013, está organizada por la revista Terre Sauvage y Melvita en colaboración de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza y atrae las miradas de todos rincones del planeta.

Las imágenes muestran la belleza de la naturaleza y de la relación del hombre con el entorno natural, y su objetivo es colaborar a la defensa de la naturaleza y las diferentes especies.

Los premios “Melvita Nature Image” están abiertos a los fotógrafos profesionales y aficionados, y en 2012 comprendían ocho categorías, con series dedicadas a capítulos como “La gente y la naturaleza" y la "fotografía artística". De ese conjunto variopinto de imágenes emerge una visión fascinante y una llamada a la acción en defensa de las especies en peligro.

La Cite du Temps (Ciudad del Tiempo) es un punto de referencia de la ciudad de Ginebra, y ocupa el edificio construido en 1840 para abastecer las fuentes de la ciudad y que fue restaurado en 2005 por el Grupo Swatch. En el mismo se acogen eventos y exposiciones temporales.

El concurso de fotografía para 2013 ya está abierto, y cuenta con un Gran Premio 2013 de todas las categorías, y 8 series dedicadas a: insectos, mamíferos, aves, naturaleza en la ciudad, otra naturaleza, hombres y la naturaleza, historias de especies, y serie artística. Se puede consultar en la página web http://www.natureimagesawards.com/

Otras páginas de posible consulta:
http://www.natureimagesawards.com/palmares-2012
http://www.citedutemps.com
http://www.natureimagesawards.com/

Las Cortes de León y la Memoria del Mundo

13/06/2013, El Comité del Programa Memoria del Mundo, de la UNESCO, estudiará la integración en esa lista mundial del origen del parlamentarismo, vinculado al Reino de León (España).

París, 13 de junio de 2013
El encuentro del Comité se celebrará del 18 al 21 de junio en Gwangju, Corea, para estudiar en total 84 candidaturas de inscripción en el Registro Memoria del Mundo presentadas por 54 países y una organización internacional.

Entre las candidaturas al Registro figuran también la colección de manuscritos del Corán mameluco de la biblioteca nacional de Egipto, los archivos de la Universidad de Toronto relativos al descubrimiento de la insulina (Canadá), la colección de manuscritos originales de juventud de Ernesto Che Guevara (Bolivia y Cuba) o el conjunto de testimonios de Yad Vashem (Israel).

El origen del parlamentarismo mundial está vinculado a la corona del Reino de León. Como referencia, la UNESCO incluirá en la Memoria del Mundo, previsiblemente en su encuentro de Corea, los “Decreta de León de 1188” como “la más antigua manifestación documental del sistema parlamentario europeo”

Los Decretos de León de 1188 consisten en un conjunto de documentos que contienen la información más antigua escrita sobre el sistema parlamentario europeo. Tiene su origen en la España medieval y se basó en la celebración de la Curia Regia (Consejo Real) durante el reinado de Alfonso IX de León (1188-1230). Son el reflejo de un modelo original de gobierno y administración en el marco de las instituciones medievales, donde por primera vez se halla la presencia institucional de la gente común en la toma de decisiones de alto nivel, junto con el rey, la iglesia y la nobleza, a través de los representantes electos de los pueblos y ciudades.

Con Alfonso IX se convocaron Cortes en 1188, con participación del tercer estado, y en ella se trataron temas de gran interés como inviolabilidad del domicilio y la necesidad del rey de convocar el Consejo para hacer la guerra así como otros derechos personales o colectivos.

El Comité del Programa Memoria del Mundo está compuesto por 14 miembros, y hará sus recomendaciones a la Directora General de la UNESCO, quien decidirá las inscripciones en el Registro. Los miembros del Comité son expertos internacionales destacados por sus conocimientos en materia de preservación del patrimonio documental.

Creado en 1997, el Registro Memoria del Mundo busca proteger elementos importantes del patrimonio documental. Contiene actualmente 245 colecciones. El Comité se reúne cada dos años para estudiar las propuestas de inscripción.

En el transcurso de su reunión, el Comité anunciará también al ganador del premio UNESCO/ Memoria del Mundo. Dotado con 30.000 dólares, que se falla cada dos años para recompensar a instituciones o individuos que hayan contribuido de manera significativa a la preservación de esta memoria mundial.

Las candidaturas que se presentan este año a la Memorial del Mundo proceden de: Alemania, Armenia, Austria, Bélgica, Brasil, Bután, Bolivia, Canadá, Camboya, China, Chile, Coste de Marfil, Cuba, Dinamarca, Ecuador, Egipto, España, Estados Unidos, Federación de Rusia, Georgia, Grecia, Hungría, India, Indonesia, Islandia, Israel, Italia, Japón, Jordania, Kazajstán, Madagascar, Malasia, Mauricio, México, Mongolia, Myanmar, Nepal, Noruega, Países Bajos, Perú, Polonia, Portugal, República de Corea, República Checa, Reino Unido, República de Irán, Serbia, Singapur, Sudáfrica, Suiza, Tailandia, Timor, Turquía y Vanuatu.

Giacometti. Terrenos de juego

13/06/2013, La Fundación Mapfre presenta la exposición “Giacometti. Terrenos de juego. De las maquetas surrealistas a la Chase Manhattan Plaza”, en la Sala Recoletos (Pº de Recoletos, 23. Madrid) hasta agosto de 2013.

Madrid, 13 de junio de 2013
Del 13 de junio al 4 de agosto de 2013 podrá visitarse, esta muestra dedicada a Giacometti, que plantea las relaciones espaciales que el artista establece entre sus esculturas. La exposición recorre la obra del artista a lo largo de una trayectoria de 40 años, y reúne cerca de 190 piezas, entre esculturas, pinturas, dibujos, grabados y fotografías, procedentes de 32 prestigiosas colecciones internacionales públicas y privadas.

Giacometti desarrolla, dentro de su vinculación al surrealismo, a principios de los años 30, esculturas horizontales, concebidas como maquetas de lugares. En estas esculturas, el espacio se ofrece, obra y pedestal se entrecruzan y tanto el espacio real, como el tiempo real se convierten en parte de la escultura. Estas primeras obras recuerdan, por su tamaño y su carácter, a tableros de juego, en los que el escultor “juega” y donde el espectador se convierte en una ficha más.

Los juegos que se desarrollan giran en torno al erotismo, a la vida y a la muerte, y, tanto en las esculturas como en los dibujos preparatorios que se presentan, se pone en evidencia como el artista experimenta con las distancias y los elementos.

En 1934, Giacometti rompe con el surrealismo para reflexionar en torno a la distancia, la dimensión y la interrelación entre los diferentes elementos de su escultura. Más tarde, en 1945, las figuras de Giacometti evolucionan hacia formas híper estilizadas. En estos años, presenta estas figuras formando conjuntos interrelacionados sobre planchas de bronce, que interpretan lugares urbanos y espacios naturales.

En 1958, Giacometti recibe el encargo de diseñar la explanada que se extiende ante el Chase Manhattan Plaza en Nueva York. Tiene, por fin, la oportunidad de crear una gran plaza en un espacio público. Sobre la mesa de su taller, con la ayuda de una maqueta arquitectónica, Giacometti desarrolla el grupo de figuras para la gigantesca plaza. Modela el hombre que camina, la gran cabeza y la mujer de pie como figuras diminutas, experimentando una y otra vez su ubicación.

El hombre que camina puede interpretarse como esencia de la vida que continúa, de la búsqueda permanente. Tal como él mismo decía, “la gente confluye y se separa, después se aproxima para acercarse unos a otros. De este modo, se forman y se transforman sin cesar composiciones vivas de una complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que me gustaría representar en todo lo que emprendo”.

Basilea: Wall Street del arte

12/06/2013, La 44 edición de Art Basel, que convierte a Basilea en centro mundial de arte por unos días, se celebra en esta ciudad suiza del 13 al 16 de junio.

Basilea 12 de junio de 2013
Art Basel se está internacionalizando, con ediciones en diversos territorios de otros continentes. Hace apenas tres semanas celebró exitosamente su primer encuentro en Hong Kong, pero Basilea sigue siendo el foco neurálgico de la feria.

Basilea es un buen ámbito para la cultura, pues junta un gran pasado cultural a una excelente realidad geográfica y económica. Un detalle: Es la ciudad suiza que tiene más museos. Y en esta ciudad nació ese encuentro comercial del arte impulsado por la burguesía local, y en concreto por la iniciativa de Ernest Beyeler

Entre las novedades de este año, un nuevo recinto expositivo diseñado por Herzog & De Meuron, equipo de arquitectos con sede en esta ciudad y que han diseñado desde bodegas a grandes estadios (el Allianz Arena de Múnich o el Estadio Nacional de los Juegos Olímpicos de Pekín).

En esta edición participan 304 galerías de 39 países de cinco continentes, entre los stands seleccionados aparecen por primera vez centros de Singapur y Filipinas.

La selección es dura, porque cada año se rechazan cientos de galerías que también querrían estar en esta selecta cita, una cita que se enriquece con otras muestras y actividades paralelas en la siempre activa urbe suiza.

En esta oferta de la creación moderna se cuenta con stands de Alemania, Sudáfrica, Argentina, Austria, Bélgica, Brasil, Canadá, Chile, China continental, Colombia, Corea del Sur, Dinamarca, Emiratos Árabes Unidos, España, Francia, Grecia, Hong Kong, Islandia, India, Irlanda, Italia, Japón, Líbano, México, Mónaco, Noruega, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumania, Singapur, Eslovenia, Suecia, Suiza, Turquía, Reino Unido y Estados Unidos.

Lista de galerías: https://www.artbasel.com/basel/gallerieslist

Ilustraciones de la India

12/06/2013, Más de cien ilustraciones en miniatura, creadas entre los siglos XII al XIX, integran la muestra "Visiones de la India. Pinturas del sur de Asia del San Diego Museum of Art" que se puede ver en la capital mexicana.

México, 12 de junio de 2013
Son ilustraciones en pequeño formato reconocidas mundialmente por su riqueza gráfica y a la confluencia de valores estéticos e ideales indios y europeos, que se presentan a partir del 13 de junio y hasta el 8 de septiembre en el Museo Nacional de Antropología (MNA), según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Manuscritos iluminados budistas, jainitas e hinduistas; libros ilustrados de poesía persa, álbumes reunidos por los soberanos de la corte mogola, y hojas sueltas pintadas para los colonos ingleses, dan cuenta de una gran creación artística a lo largo de más de 700 años. La muestra —curada por Sonya Rhie Quintanilla, especialista en arte asiático— es organizada por el San Diego Museum of Art, en colaboración con el INAH, a través de la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones (CNME).

Sergio Raúl Arroyo García, director general del INAH, destacó que con la muestra Visiones de la India, la institucion mexicana reanuda la tradición de seguir albergando exposiciones de diversas culturas del mundo, y fortalecer la alianza con otras instituciones, en este caso con el San Diego Museum of Art.

La representante del San Diego Museum of Art detalló que la curaduría de la muestra es producto de ocho años de trabajo; las 104 ilustraciones pertenecen a una de las mejores colecciones de arte de la India en el mundo, la cual se compone de alrededor de 2.000 pinturas que Edwin Binney III logró reunir a lo largo de su vida. Se trata de uno de los conjuntos más importantes del museo, cuyo acervo asciende a 18.000 obras artísticas provenientes de los cinco continentes.

Las 104 ilustraciones —con motivos religiosos, épicos, costumbristas y naturalistas— son miniaturas que provienen de libros para la meditación, poemarios u hojas sueltas; su realización era por encargo, y los talleres se ubicaban en las cortes imperiales y en los templos.

Esta exposición se divide en cuatro núcleos temáticos: Iluminaciones sagradas: pintura autóctona de la India en los libros religiosos; Visiones líricas: ilustraciones de obras literarias persas para una élite cultivada; Recorrido por la historia de la pintura mogola: la fusión de las tradiciones y el gusto imperial; y Al estilo de la Compañía: pintura para la clase comerciante.

El primer módulo muestra la pintura nativa devocional de los siglos XII al XV, cuando los creyentes del budismo, jainismo e hinduismo encargaban que se iluminaran los textos religiosos, como una manera de embellecerlos, para luego donarlos a los templos e incrementar sus indulgencias; las obras más antiguas eran de hoja de palma y de un formato horizontal que se conservaría después de la introducción del papel.

La segunda sección se sitúa en el siglo XV, cuando coleccionar libros ilustrados era un símbolo de riqueza y sabiduría; debido a que el Corán no podía ilustrarse, los textos que se iluminaban eran considerados profanos. Una tradición que se extendió desde Turquía hasta Asia Central fue que los mecenas mandaban hacer versiones ilustradas de obras maestras en la India. En este apartado se presentan algunos de los títulos más populares de la literatura épica y romántica en lengua persa.

El tercer módulo muestra pinturas creadas durante el dominio del imperio mogol, del siglo XVI al XIX, ilustraciones que por su riqueza gráfica cautivaron a los soberanos y a sus círculos cortesanos. En este periodo destaca el taller imperial del mecenas Akbar, donde maestros iraníes e indios crearon un nuevo estilo, dotado de realismo al gusto del emperador.

Finalmente, el cuarto apartado refiere a los comerciantes británicos de la Compañía de las Indias Orientales (mediados del siglo XVIII) que encargaron a artistas locales pintar la exuberante flora y fauna, además de algunas vistas del país, obras que llevarían a su regreso a Inglaterra. Estas ilustraciones son de mayor tamaño y su factura parece europea, lo que habla de la capacidad de sus creadores para adaptarse al gusto extranjero.

California defenderá su vaquita

11/06/2013, En el norte del Golfo de California vive la vaquita marina (Phocoena sinus), una especie en gravísimo peligro de la que apenas quedan unos 200 ejemplares, y a la que se intenta salvar de la extinción.

México, 11 de junio de 2013
La vaquita marina es un cetáceo -una marsopa- de tamaño muy pequeño, una especie tímida que no se aleja de la costa y que está en peligro de extinción porque frecuentemente son capturadas por la redes de enmalle.

Este cetáceo, endémico de esta zona californiana, mide hasta 1,5 metros de longitud y su peso no va más alla de los 50 kilogramos. Según WWF Mexico, La principal amenaza es su captura incidental y muerte por ahogamiento en las redes de enmalle utilizadas para pescar camarones, tiburones, rayas y otros peces. Lo es también la pesca ilegal de totoaba, un pez en peligro de extinción que se sigue pescando con redes de enmalle en las cuales mueren vaquitas.

Gobierno mexicano ha aprobado una norma para proteger a la vaquita. Esta disposición proponela sutitución progresiva de los chinchorros de línea, arte de pesca que la atrapa, en un periodo de tres años, por artes de pesca selectivas que no afecten a este cetáceo, y que permitan a los pescadores seguir asegurando su actividad.

En los meses pasados, más de 38.000 firmantes de 127 países apoyaron una petición de WWF al presidente de México, Enrique Peña Nieto, pidiéndole medidas que salven a la vaquita y permitan a los pescadores seguir viviendo de la pesca sustentable. El documento demandaba la sustitución del uso de redes de enmalle por artes de pesca seguras para esta especie en el Alto Golfo de California.

De heladerías por Viena

11/06/2013, Los helados son una tradición vienesa. Los primeros heladeros llegaron allí en el siglo XIX desde Italia. Hoy existen en la ciudad unas 100 heladerías, entre ellas una vegana, inaugurada a finales del mes de mayo.

Viena, 11 de junio de 2013
La llegada del verano nos empuja a viajar y a disfrutar del turismo. Pero el calor nos pide en ocasiones que lo combatamos a base de refrescantes helados. Viena cuenta en la actualidad con más de 100 heladerías, para que estés en el distrito que estés, puedas tomarte un delicioso capricho artesanal, y seguir descubriendo la ciudad con energías renovadas.

La nueva heladería "Veganista" está situada en el séptimo distrito de la ciudad, y vende exclusivamente helados veganos, producidos sin productos animales, sin aromas y sin colorantes artificiales. Otras heladerías clásicas de Viena también han incluido helados veganos en su oferta, como el Eis-Greissler (en el casco histórico de Viena), que elabora alrededor de la mitad de sus helados en base a productos veganos. Por otro lado, se pueden encontrar helados hecho de frutas exóticas del Amazonas, como acerola o umbu en la heladería Summer Samba en la plaza Yppenplatz.

Y naturalmente ha llegado asimismo a Viena la moda de los yogures helados, que se pueden degustar en Kurt Frozen Yogurt, en el casco antiguo de la ciudad y en Foxy Frozen Yogurt en el distrito 4 de Viena. Por su parte, Schoko Company, situada en el mercado Naschmarkt ha comenzado a ofrecer cuatro variantes de helado de chocolate de la fábrica austriaca orgánica y de comercio justo "Zotter".

Entre el centenar de heladerías vienesas hay muchas que son gestionadas por descendientes de inmigrantes italianos. Se trata de empresas familiares que de generación en generación se han ido pasando recetas secretas. Las más conocidas se encuentran en el casco antiguo de la ciudad, entre las clásicas figuran Eissalon Tuchlauben, Eissalon am Schwedenplatz, la Gelateria Hoher Markt y Zanoni & Zanoni en Lugeck.

En la mayor calle comercial de Viena, la Mariahilfer Strasse, hay tres filiales de Paolo Bortolotti, mientras que la heladería tradicional vienesa Tichy ofrece su "Palais de Glace" y sus famosas "bolas heladas de albaricoque" en su local de la plaza Reumannplatz, en el distrito 10.

Algunas direcciones para los adictos a los helados:

Veganista Ice Cream, Neustiftgasse 23, 1070 Viena, www.veganista.at
Eis-Greissler, Rotenturmstrasse 14, 1010 Viena, www.eis-greissler.at
Summer Samba, Yppengasse 1/Yppenplatz, 1160 Viena, www.summersamba.eu
Kurt Frozen Yogurt, Schultergasse 2, 1010 Viena, www.kurtfrozenyogurt.com
Foxy Frozen Yogurt, Faulmanngasse 1, 1040 Viena, www.foxyfrozenyogurt.at
Schoko Company, kiosco del Naschmarkt 326-331, 1060 Viena, www.schokocompany.at
Heladería Tuchlauben, Tuchlauben 15, 1010 Viena, www.eissalon-tuchlauben.at
Eissalon am Schwedenplatz, Schwedenplatz/Franz-Josef-Kai 17, 1010 Viena, www.gelato.at
Gelateria Hoher Markt, Hoher Markt 4, 1010 Viena, www.gelateria-hohermarkt.at
Zanoni & Zanoni, Lugeck 7, 1010 Viena, www.zanoni.co.at
Paolo Bortolotti, Mariahilfer Strasse 22, 66 + 94, 1070 Viena, www.bortolotti.at
Tichy, Reumannplatz 13, 1100 Viena, www.tichy-eis.at

Una visión atrevida de los santos

10/06/2013, El artista británico Michael Landy (1963) presenta en la National Gallery una muestra dedicada a rememorar el mundo de los santos y sus símbolos: Saints alive, exposición abierta hasta el 24 de noviembre.

Londres, 10 de junio de 2013
Landy parte de las representaciones pictóricas de los bienaventurados para construir una visión desenfadada de ellos, mediante imágenes y esculturas cinéticas conectadas directamente con las visiones que dejaron plasmadas los artistas desde el Renacimiento.

Cuerpos, ruedas, muelles nos acercan a las imágenes de los santos recogidas en los cuadros clásicos del museo, en una visión irreverente y fresca, en la que el visitante halla elementos que les recuerdan el martirio de Santa Catalina de Alejandria o la incredulidad del apóstol Tomás.

Las representaciones clásicas de los santos
Como en otros grandes museos, las paredes de la National Gallery presentan numerosos cuadros de santos y escenas religiosas.

Para los hombres de los siglos pasados, en estas pinturas se presentaban elementos simbólicos que les permitían identificar a los protagonistas de las telas. Sin embargo, hoy muchos de esos detalles pasan desapercibidos para el visitante, tal vez alejado de las lecturas e iconografías cristianas.

Los mártires fueron, en el cristianismo temprano los primeros mortales elevados a los altares. Morían por negarse a dejar la religión de Cristo y los cristianos los veneraban, recordando elementos relativos a su sacrificio.

San Esteban fue el primer mártir cristiano, apedreado; otros murieron asaeteados como san Sebastián; a otros mártires se les cortaron miembros de su cuerpo…. Todas esas historias permanecen en los cuadros en los que se representan.

En esos cuadros aparecen una serie de elementos, los atributos, que nos identifican al protagonista. A San Jerónimo se le representa a veces junto a un león, recordando la leyenda de que el santo sacó una espina de la pata de un león mientras vivía en el desierto.

Otros se representan por objetos. Un jarrón a menudo se utiliza para significar Santa María Magdalena, recordando que esta llevaba un frasco de ungüento para ungir los pies de Cristo.

A Santa Catalina de Alejandría se la pinta junto a una rueda rota. La historia recuerda su martirio, en el siglo IV. Cuando se le aplicó una máquina de ruedas con cuchillas afiladas, artefacto que se destrozó al contactar con el cuerpo de la santa.

San Roque muestra una llaga en su cuerpo, recordándolos que el ayudó a muchos afectados por la peste… Todos estos temas se hallan en la pinacoteca y algunos de ellos se toman como ejemplo para esta fresca reinterpretación desarrollada por Michael Landy.

Frontera Verde: Haití-República Dominicana

07/06/2013, Los dos estados que conviven en la Isla Española –Haití y la República Dominicana- han establecido un acuerdo para luchar contra la degradación del medio ambiente en su línea fronteriza y la mejora de la situación de sus habitantes.

Santo Domingo, 7 de junio de 2013
Haití y la República Dominicana comparten una misma isla en el Caribe: Haití, el país más pobre en el Hemisferio Occidental, y República Dominicana, un país de ingresos medios. El mayor punto de contacto entre las dos poblaciones, y con la probabilidad más alta de tensiones y conflictos entre ellas, se encuentra en sus 380 km. de frontera. Es también allí donde se encuentra la mayor oportunidad de producir un impacto positivo sobre la compleja relación entre los dos países.

La frontera entre Haití y República Dominicana presenta un contraste intenso en la situación de riqueza y del medioambiente de los dos países. El área fronteriza ha estado experimentando una degradación medioambiental crónica prolongada, que alcanza niveles especialmente graves en el lado haitiano de la frontera.

En muchas áreas, esta degradación está socavando los medios de subsistencia y aumentando la vulnerabilidad ante el desastre, mientras que las grandes disparidades entre los dos países condujeron a un comercio ilegal transfronterizo de recursos naturales, a tensiones a nivel local y a una invasión de suelo dominicano por parte de inmigrantes haitianos indocumentados en busca de oportunidades económicas. Por estos motivos, ambos gobiernos solicitaron al Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) llevar a cabo una evaluación de la zona fronteriza que identifique las prioridades clave para estabilizar la situación y las necesidades actuales, con el objetivo de garantizar las metas de desarrollo.

Tras la publicación del estudio de evaluación de la zona fronteriza, realizado en de 18 meses, ambos países han acordado la puesta en marcha de las iniciativas que marca. El informe identifica cuatro temas clave:

La pobreza de Haití, la inseguridad alimentaria y el subdesarrollo afectan prácticamente todas las partes de la zona fronteriza.

La erosión del suelo, la deforestación y la degradación del entorno marino son indicativos de la creciente degradación del medio ambiente.

La débil gobernanza afecta a la economía y la sociedad en la zona.

Las desigualdades económicas y de recursos son causa de muchos problemas en las zonas fronterizas.

Achim Steiner, Subsecretario General de la ONU y Director Ejecutivo del PNUMA, declaró en referencia al acuerdo entre Haití y la República Dominicana que "abordar conjuntamente el tema de la degradación ambiental es una de las bases para la transición hacia una economía verde, con su potencial para superar la pobreza, generar empleos y sostener los medios de vida ahora y en el futuro. PNUMA está dispuesto a ayudar a ambos países en el logro de esta transición".

Las diez recomendaciones planteadas en el estudio, financiado por los Gobiernos de Noruega y Finlandia, se aplicarán a un costo estimado de 136 millones de dólares en un período de cinco años. Son las siguientes.

Protección y el aumento de la cubierta vegetal.

Promoción del desarrollo agrícola sostenible.

Reducción de los riesgos de inundación transfronterizos.

Mejora de la sostenibilidad del comercio transfronterizo y los mercados binacionales.

Desarrollo y diversificación de la economía de la zona fronteriza.

Control de la contaminación de los ríos transfronterizos.

Mejora de los mecanismos de cooperación transfronteriza en las cuestiones ambientales y de cuencas hidrográficas transfronterizas.

Promoción de la gobernanza ambiental para regular y controlar el comercio de carbón y otros productos forestales.

Fortalecimiento de la gestión de los recursos marinos y costeros.

Análisis de la inundación del lago Azuei y del Lago Enriquillo.

Vicente Nieto: el don de elegir y de leer

07/06/2013, El pasado mes de abril falleció en Madrid Vicente Nieto Canedo. Sus fotografías son una magnífica aportación para el conocimiento de la España del siglo XX. Rogelio Blanco nos acerca a este excelente fotógrafo.

Centenario fallece el fotógrafo Vicente Nieto Canedo. Natural de Ponferrada; de origen humilde, sus padres regentaban un estanco en la Plaza de la Encina. Ya en Ponferrada, a los 14 años, tiene sus primeros contactos con la fotografía e impresiones con los efectos de la luz.

En 1928 se traslada a Madrid. Vive con su hermana y cuñado, José López Guzmán, encuadernador, fundador de la primera agrupación socialista creada en el Bierzo. Así, Nieto entra en contacto con ambientes socialistas y, en la reiterada coincidencia de los primeros pasos del citado movimiento, se emplea como aprendiz de tipógrafo en El Socialista. Comparte las obligaciones laborales con los estudios, en concreto de taquigrafía.

En los almacenes Sepu (1933) compra, por 13 pesetas, una cámara Kodak Baby Brownie de baquelita. Instrumento que sólo exigía “apretar el botón”, más Nieto aporta la luz y la intuición. Desea aprender y logra dignas fotografías, algunas aún conservadas.

Cuando estalla la contienda “incivil” de 1936, Nieto se incorpora voluntario a la afamada y cuestionada columna del “general” Mangada. Dado sus conocimientos se le asciende a sargento de la 32 Brigada Mixta. Destinado cerca de Madrid, recupera su Kodak Baby y fotografía la vida militar y a los civiles. De esta época se conservan numerosas fotografías, un vivo testimonio del drama bélico y expresión de la realidad en la retaguardia.

Terminada la guerra, logra emplearse como taquígrafo-mecanógrafo. Conocedor de la represión de los vencedores abandona toda actividad pública, sólo practica la fotografía en privado. En 1954 descubre la revista Arte Fotográfico, en ella se anuncia la Real Sociedad Fotográfica (RSF) y la convocatoria de concursos para aficionados. Logra colaborar con la Revista e ingresar, en 1955, en la RSF y, a su vez, alcanza ciertos reconocimientos en los citados concursos.

En la RSF entra en contacto con otros profesionales y madura conocimientos, enlaza intuiciones y práctica durante marchas organizadas. Sigue apostando por la luz y sobre todo por la presencia de la “figura humana”, sin poses, al natural. De ahí, no es extraño que se detenga en los niños tras la búsqueda de lo espontáneo.

Adquiere una máquina Rolleiflex. Monta su propio laboratorio en casa. Consigue premios y reconocimientos. La década, 1956-1966, será la más productiva. Escribe textos propios sobre fotografía y también poéticos. Publica con nombre propio y pseudónimos. Se incorpora al colectivo La Colmena. A partir de 1967 abanado la intensidad fotográfica para dedicarse, como representante de material fotográfico, de la empresa Oliver Sollevas. Desmonta el laboratorio. A partir de 1982, ya jubilado, retoma los contactos. Publica alguna fotografía. En 2002 consigue una exposición individual (Guadalajara). En 2005, una colectiva con la RSF. En 2009 otra individual, organizada por el Instituto de Estudios Bercianos, en Ponferrada. Y en 2011, en Salamanca, una antológica y extensa, organizada por el Ministerio de Cultura a través de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas. El motivo de esta exposición fue la actuación generosa de Vicente Nieto donando al Estado su fondo fotográfico: miles de fotografías que suponen un testimonio vivo de la historia. El fondo está depositado en el Centro Documental de la Memoria Histórica (CDMH) en Salamanca.

Este archivo fotográfico queda agregado a otros logrados, y también de grandes fotógrafos leoneses: Bernardo Villarejo, Manuel Martín de la Madrid y Manuel A. Martín Martínez. Adquisiciones que se enriquecen con el fondo Centelles y que se suman a los ya existentes. Con tales acopios el CDMH se convierte en un contenedor fotográfico singular. En fechas próximas está prevista otra magna exposición del fondo Nieto en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Lugar y local que generaban gran ilusión en Vicente.

La sencillez y el ocultamiento, la autoformación y la intuición acompañaron a Vicente Nieto en su larga vida que culmina con el desprendimiento, la generosidad, la donación de su colección al pueblo español. Un acto singular en el que estuvo presente y activo su amigo, también fotógrafo y leonés, Amando Casado. Del solar leonés se destaca su esplendor y aportación creativa a las letras españolas tras nombres reconocidos en todos los géneros literarios, pero es de justicia recordar los nombres de grandes fotógrafos: Villarejo y Manuel Martín(padre e hijo), Vicente Nieto y el de los más jóvenes, García Alix y Amando Casado, sin olvidar los tanteos del músico Manuel Quijano.

Con frecuencia se ha considerado a la fotografía como un arte menor; reciente, y más en los últimos años, ha tomado el espacio que le corresponde. Su valor y reconocimiento están al alza por su valor estético, creativo, ético y documental. Si España es tierra de creadores en los entornos de la pintura no lo es menos en fotografía. Además de los nombres señalados el elenco sería amplio. Es una suerte que los depósitos documentales del Estado alberguen grandes colecciones, una manera firme de preservar y de que la ciudadanía pueden acceder a ellos.

El acopio proveniente de la donación de Nieto supone ocupar el espacio proveniente de un creador intuitivo y amante de la luz, que combina tensión y paz en cada escena, que logra introducir al espectador en el escenario. Sus fotografías no dejan indiferentes. Provocan sonrisa contenida ante el drama de la pobreza captada y la alegría de vivir de sus personajes, pues casi nunca posan y más bien se muestran activos en su sencillez, en sus tareas. Este resultado Nieto nos lo ofrenda “sin complejos”, pues actúa como aficionado a sabiendas de que dispone de “el don de la mirada” (Amando Casado). Y mirar es más que ver, es entrar en la vida y devolverla como espejo a fin de que el observador sea lector, reciba su efecto: el espectáculo dado. Este suceso se brinda en los escenarios de una guerra fraticida, tras las ventanas y en las calles de aldeas humildes, en la alegría de los niños y, siempre, en la colaboración del ser humano en todo escenario.

La figura humana es central en la obra creativa de Vicente Nieto, su elección está impulsada por el firme compromiso con el género humano y debidamente mantenido. Aunque el creador que careció de recursos técnicos y de conocimientos académicos, -hecho frecuente en nuestra historia-, los suplió con su inteligencia, empeño, intuición y mirada electora y lectora.

Elegía y leía los sucesos que le rodeaban y saber elegir es un don propio de los grandes creadores. Vicente Nieto Canedo, leonés por origen y madrileño por elección, supo leer y elegir, acto que engrandeció con la generosidad expresada.

Por Rogelio Blanco Martínez

Retratos y Retratos

06/06/2013, Más de cien obras, entre pinturas, dibujos, esculturas y fotografías, muestran el prolífico trabajo del artista Eduardo Arroyo en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

Cuenca, 6 de junio de 2013
Las pinturas, dibujos y esculturas proceden de distintas colecciones públicas y privadas, españolas e internacionales, y las fotografías, en su mayoría inéditas, pertenecen a la colección particular del autor. La muestra está centrada en dos aspectos muy presentes en su trabajo durante gran parte de la carrera de pintor: el retrato y la fotografía.

Arroyo ha sido, desde sus inicios, un pintor de retratos, interesado tanto por personajes de ficción como por personajes históricos y muy reales. Estos últimos han sido el objetivo principal a la hora de seleccionar las obras para esta exposición. Las 33 pinturas y dibujos y las ocho esculturas que integran esta muestra conforman una galería de retratos de personajes de la historia nacional e internacional: figuras históricas como Isabel la Católica; figuras de la vida pública, que van desde Napoleón a la Reina de Inglaterra pasando por Carmen Amaya; escritores como Franz Villiers; boxeadores como Manuel Cerdan; poetas como Hölderlin; pintores como Soutine, Van Gogh, Rembrandt o Richard Lindner o santos mártires como San Sebastián. La selección incluye piezas de finales de los años 50, fecha de su marcha a París, hasta el año 2012.

Pero Arroyo ha sido, también, un artista enormemente interesado por la fotografía como medio de soporte de la memoria familiar y social; en última instancia, su poder narrativo. A Arroyo le han interesado las viejas fotografías de los rastros y los mercadillos, los desechos de los álbumes familiares y las fotografías de autor desconocido y gentes anónimas, sobre cuyo soporte y cualidades ha intervenido –pintándolas, cortándolas, fragmentándolas, yuxtaponiéndolas a dibujos, pinturas o papeles de calco, haciendo foto-collages y seriándolas como más convenía a sus intereses pictóricos. Las 70 fotografías que completan esta exposición testimonian su trabajo con la fotografía.

Eduardo Arroyo: retratos y retratos
7 de junio – 6 de octubre de 2013
Museo de Arte Abstracto Español Cuenca
Casas Colgadas
Cuenca

Protección para la Isla Grosa

05/06/2013, El Gobierno de la Región de Murcia anunció en 2006 la protección de la Isla Grosa, en el Mar Menor… no se ha hecho nada.

Murcia, 5 de junio de 2013
El Mar Menor –en el Sudoeste de la Península Ibérica- tiene aún interés, pese a las agresiones medioambientales. Observaciones recientes denotan la existencia de áreas en buen estado con gran población de nacra (Pinna nobilis), catalogada como “vulnerable” en todo el país, así como varias poblaciones de caballito de mar… pero necesita una defensa más activa.

En ella están algunas organizaciones como World Wildlife Fund (WWF) y la Asociación de Naturalistas del Sureste (ANSE), que han desarrollado una campaña “Juntos por el Mar Menor” que concluyó con una reivindicación bajo el agua para reclamar la protección de Isla Grosa como Reserva Marina, tal y como prometió el Gobierno de la Región en 2006. Los conservacionistas han desplegado una pancarta submarina con una petición muy clara: “Isla Grosa, reserva marina”.

En octubre de 2006, se anunció la inminente declaración de “Isla Grosa como Reserva Marina” para “poner en valor” una zona muy importante desde el punto de vista ambiental. Desde entonces, el único avance ha sido el plan de gestión de la ZEPA puesto en marcha en 2010, pero apenas desarrollado. A esto hay que sumar que la falta de regulación de actividades pesqueras y de vigilancia lleva a que aún se encuentren pescadores ilegales en los alrededores, según denuncian los ambientalistas.

El profesor de Ecología de la Universidad de Murcia José Antonio García Charton, quien ha colaborado con algunas actividades de la campaña, declaró que “la cercanía de Isla Grosa con la reserva marina de Cabo de Palos-Islas Hormigas podría facilitar la gestión conjunta de estos espacios y contribuir a mejorar la protección de ambos, con beneficios demostrados para la pesca y el turismo”.

Isla Grosa no es la única cuenta pendiente con el Mar Menor y su entorno. La campaña, realizada a bordo de los barcos de las organizaciones, Else y WWF Solar, ha puesto de relieve que no se puede dar por perdida la recuperación de la mayor laguna litoral de España, una tarea para la que se necesita la implicación de las administraciones, pescadores, investigadores, clubes de buceo y población local, entre otros.

Con el Instituto Español de Oceanografía (IEO) se han realizado muestreos en una de las zonas mejor conservadas de la laguna costera, con resultados muy positivos: se ha constatado el buen estado de los hábitats de parte de los fondos de arena de la zona norte del Mar Menor y la existencia de una gran población de nacra (Pinna nobilis), catalogada como “vulnerable” en todo el país. También se ha comprobado que muchos de estos animales aparecen arrancados del fondo como consecuencia del fondeo incontrolado de embarcaciones. Además, a través de reuniones con otros sectores y de las inmersiones realizadas, se ha constatado la existencia de poblaciones de caballito de mar en algunos puntos y una aparente recuperación en el conjunto de la laguna.

Durante la campaña se ha presentado también la primera “Guía de flora y fauna del Mar Menor”, con fotografías y texto de Javier Murcia. Se trata del primer documento de estas características que se elabora para el Mar Menor.

En definitiva, la campaña “Juntos por el Mar Menor” ha mostrado la voluntad de cambio de sectores implicados y la necesidad de impulsar los compromisos de conservación y recuperación prometidos por diversas administraciones.

El Mar Menor ha sufrido una intensa degradación durante las últimas décadas. Esas agresiones han consistido en un proceso de urbanización masiva, puertos deportivos, playas artificiales…que ha acabado con buena parte de sus arenales costeros.

Los vertidos mineros contribuyeron a la contaminación de su costa interior y de algunas ramblas, y a las sedimentaciones que han mermado la superficie; la apertura del Canal del Estacio, especialmente, ha propiciado la “mediterranización” del Mar Menor, y la llegada de grandes cantidades de nitratos de origen agrícola disueltos en las aguas de escorrentía genera problemas de eutrofización (exceso de nutrientes) y superpoblación de medusas.

Para responder a los problemas, el esfuerzo conjunto es imprescindible.

Piensa. Aliméntate. Ahorra

05/06/2013, El lema de este año del Día Mundial del Medio Ambiente sirve para concienciar sobre el uso responsable de los alimentos, un bien que en algunos sitios es escaso y en otros se malgasta.

Madrid, 5 de junio de 2013
Hoy se celebra el Día Mundial del Medio Ambiente, una jornada que se viene celebrando desde el 5 de junio de 1973, y con la que este año se propone una reflexión sobre una realidad abrumadora que hay que combatir: el uso irresponsable de los alimentos.

Según datos de la FAO (Organización de Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación), cada día van a la basura alrededor de 1,3 billones de toneladas de comida y más de 20.000 niños menores de 5 años mueren de hambre diariamente. Mientras, en los países desarrollados, la tendencia es la de la obesidad. Unos datos que reflejan el gran desequilibrio existente.

En España, uno de los muchos países que se encuentra sumido en una recesión económica, es un buen momento para pensar en la necesidad de un uso mejor y más eficiente de nuestros recursos. De esta manera, al tiempo que se reducen los desechos y las pérdidas de alimentos, lograremos respetar y conservar el Medio Ambiente.

Con la intención de concienciar a la población, la FAO ha desarrollado el programa Save Food: La Iniciativa Mundial sobre la Reducción de Pérdidas y el Desperdicio de Alimentos. Un proyecto en el que colaboran donantes, organismos bilaterales y multilaterales e instituciones financieras y socios del sector privado (la industria del envasado de alimentos) para desarrollar e implementar el programa sobre la reducción de pérdidas y desperdicio de alimentos.

Manet, de vuelta a Venecia

04/06/2013, “Manet. De vuelta en Venecia” es el título de la muestra que la Fundación Museos Cívicos de Venecia acoge hasta el 18 agosto en el monumental Palacio Ducal.

Venecia, 4 de junio de 2013
Se trata de una exposición de unas ochenta pinturas, dibujos y grabados, elaborada principalmente con la colaboración del Museo D'Orsay, la institución que conserva el mayor número de obras maestras de este extraordinario pintor parisino (1832 – 1883), autor clave del Impresionismo.

La exposición surgió de la necesidad de un estudio crítico de los modelos culturales que inspiraron al joven Manet durante los años de su inicio temprano a la pintura. Estos modelos, hasta ahora se centraban casi exclusivamente a la influencia de la pintura española en su arte, especialmente Velázquez y Goya, pero eran muy cercanos también a la pintura del Renacimiento italiano.

Para esto, la muestra presenta al lado de obras maestras de Manet algunas de la pintura veneciana del siglo XVI: de Tiziano, Tintoretto y Lotto en particular.

El itinerario de la exposición, que ofrece al espectador la posibilidad de contemplar obras maestras como El Pífano (1866), La lección (1865/73), El balcón (1869), Retrato de Mallarmé (1876 ca.), se abre con una serie de interpretaciones liberales de antiguas pinturas, frescos y esculturas que Manet vio durante sus dos primeros viajes a Italia en 1853 y en 1857.

A lo largo del recorrido se trata de reencontrar las inspiraciones italianas tanto en los aspectos constructivos como cromáticos. A este aspecto, se repara en especial en temas clásicos de Manet como El desayuno en la Hierba y Olimpia, en los que se hallan influjos evidentes de Tiziano. Son dos citas claras de una serie de relaciones de la obra del pintor francés con Venecia, Florencia y Roma.

La muestra está comisariada por Stéphane Guéga.

Nuevas Reservas de Biosfera de la UNESCO

04/06/2013, El Programa de la UNESCO sobre el Hombre y la Biosfera agregó esta semana 12 nuevos sitios a la Red Mundial de Reservas de Biosfera, que cuenta ahora con 621 sitios repartidos por 117 países.

París, 4 de junio de 2013
Las reservas de biosfera son lugares que el Programa sobre el Hombre y la Biosfera ha elegido para que sirvan de laboratorios en los que experimentar distintos planteamientos de gestión integrada de la diversidad biológica y los recursos terrestres, marinos, costeros y de agua dulce. También son lugares de experimentación y aprendizaje del desarrollo sostenible.

Según informa la UNESCO, las nuevas reservas son:

Alakol (Kazajstán)
Esta reserva de biosfera, situada en el corredor de migración de las aves de Asia Central y la India, ocupa una superficie de 193.089 hectáreas. En ella se han repertoriado 678 especies vegetales, seis de ellas endémicas. Se trata de una zona húmeda de importancia mundial, que sirve de hábitat a numerosas especies de aves acuáticas, algunas de ellas raras y amenazadas, como el pelícano ceñudo (Pelicanus crispus) o la espátula común (Platalea leucorodia). La economía regional reposa básicamente en la agricultura, la cultura y la ganadería.

Bosque de enebros de Ziarat (Pakistán)
Este sitio acoge la mayor extensión de bosques de enebros del Pakistán. El ecosistema forestal de enebros reviste sumo valor para la conservación de la biodiversidad, así como gran importancia ecológica, hecho que genera beneficios a escala local, regional y mundial.

Gochang (República de Corea)
Esta reserva de biosfera, situada en el sudoeste del país, cubre una superficie de cerca de 670 kilómetros cuadrados y acoge ecosistemas forestales, costeros y de agua dulce. En las marismas del sitio hacen escala aves migratorias como diversas aves picudas de Asia o el chorlito real. En el sitio se han implantado y desarrollado una serie de actividades económicas como el ecoturismo, la agricultura ecológica o la cosecha de sal.

Gran Nicobar (India)
Esta reserva de biosfera insular, de una superficie total de 103.870 hectáreas,se caracteriza por su pluviselva tropical de hoja perenne. La fauna está formada por 1.800 especies, entre las que destacan 200 especies de meiofauna censadas en la zona costera. Históricamente la isla ha estado habitada por la tribu Shompen, formada por cazadores seminómadas que viven en las tierras de interior, y por la tribu Nicobarese, instalada en el litoral, que vive esencialmente de la pesca y la horticultura. Los 6.831 habitantes de la reserva extraen del medio natural muy diversos recursos biológicos, como plantas medicinales y productos forestales no leñosos.

Isla de las Serpientes- Monte Laotie (China)
Esta reserva de biosfera, situada al este del distrito Dalian Lushunkou, cubre una superficie total de 9.808 hectáreas e incluye un área montañosa terrestre y la isla de las serpientes, hábitat natural de la Gloydius shedaoensis, una especie endémica de serpientes de la familia de las Viperidae, cuyo veneno tiene propiedades curativas e inscritas desde 2004 en la lista de animales en peligro de extinción en China. Esta reserva es también el hogar de 307 especies de pájaros y es un lugar importante en la ruta migratoria de más de diez millones de pájaros.

Macizo del Cajas (Ecuador)
Esta reserva de biosfera, situada en el sudoeste del Ecuador, contiene no sólo ecosistemas de alta montaña (4.380 metros de altitud), sino también zonas marinas y costeras que bordean el Pacífico. La reserva comprende el Parque Nacional del Cajas y el Área Nacional de Recreación Quimsacocha, que cumplen una importante función en el suministro y la regulación de los recursos hídricos. El Parque Nacional del Cajas, que también alberga una importante biodiversidad endémica norteandina, es asimismo una zona de importancia para la conservación de las aves (IBA: Important Bird Area). En esta reserva de biosfera se encuentra también el centro histórico de Santa Ana de los Ríos de Cuenca, inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial.

Marais Audomarois (Francia)
Esta reserva de biosfera, situada en el norte de Francia, comprende la ciudad artística e histórica de Saint-Omer y sus pantanos. Sus 22.300 hectáreas de superficie total dan cobijo a más de 1.700 especies de flores, aves y setas y más de un tercio de las especies acuáticas presentes en Francia. El sitio, donde vive una población permanente de 69.000 habitantes, representa uno de los dos últimos jardines flotantes de zonas pantanosas que quedan en Francia. Estos jardines, dotados de un sistema específico de wateringues (unidades de gestión del agua), cumplen una función primordial para la prevención y gestión de las inundaciones. Además, el sitio constituye un polo recreativo y turístico muy concurrido.

Mariñas Coruñesas e Terras do Mandeo, Galicia (España)
Esta reserva de biosfera, situada en el litoral de la región cantábrica y atlántica, cubre alrededor de 116.000 hectáreas y alberga una población de cerca de 190.000 habitantes. Engloba las cuencas de dos grandes ríos, el Mero y el Mandeo, y posee ecosistemas costeros y de montaña que dan cobijo a una gran diversidad biológica. Esta zona concentra asimismo una gran diversidad cultural ligada al uso de recursos naturales (abonos, producción de miel, etc.), que ha hecho posible el mantenimiento de comunidades y la conservación de razas autóctonas de ganado.

Tierras del Ebro, Cataluña (España)
Esta reserva de biosfera, de 367.729 hectáreas de superficie, cuenta con una población de 190.000 habitantes. Se encuentra en la región de Cataluña y abarca el delta y la cuenca del Ebro, que es el río más caudaloso de España. Alberga numerosos ecosistemas tanto interiores como costeros. La mayor parte del sitio está dedicada a la ganadería. También se han desarrollado en él las energías alternativas (eólica, solar o hidráulica), prestando atención al respeto del medio ambiente y el paisaje.

Sitio real de San Ildefonso-El Espinar (España)
Este sitio, que cubre 35.414 hectáreas y aloja a una población de cerca de 14.000 personas, se encuentra en la provincia de Segovia, a 50 km de Madrid. La montaña de Valsaín, que es una de las grandes zonas arboladas del país, reviste considerable valor a la vez ecológico, económico, estético y social. La industria vidriera, el turismo y la agricultura a pequeña escala son las demás actividades económicas que alberga el sitio. En la reserva están instalados varios centros de investigación, que se dedican principalmente a la investigación forestal.

Monteviso/Territorio de biosfera del Monviso (Italia)
Esta reserva de biosfera está situada en la parte norte de la región alpina de Italia, cerca de la frontera francesa. La reserva contiene un mosaico de ecosistemas escalonados que cubren un importante desnivel, pasando de los 450 a los 3.841 metros sobre el nivel del mar. El sitio ocupa una superficie total de 293.916 hectáreas e incluye el macizo del Monviso, el bosque de Alevè, compuesto principalmente de pinos cembro (Pinus cembra), y el valle fluvial del Po. En esta zona vive de manera permanente una población de 266.474 habitantes. Entre sus actividades económicas figuran la agricultura y la fabricación de productos tradicionales de calidad de madera, tales como mobiliario, juegos o harpas.

Mont-Viso / Territorio de biosfera Mont-Viso (Francia)
El territorio francés de la reserva de biosfera de Mont-Viso recibe las influencias alpina y mediterránea, por lo que se presenta como un circo glacial rodeado de fondos de valles, de clima soleado y seco. La región posee un carácter insular marcado por la presencia de numerosas especies endémicas. Se caracteriza por la presencia de lagos de altitud, de paisajes forjados por el pastoralismo y por una importante riqueza ecológica y biológica. El territorio se compone de una decena de hábitats, marcados en particular por bosques, formaciones rocosas y zonas acuáticas. Aunque el principal motor económico de la región es el turismo, la agricultura, la silvicultura y la artesanía también están presentes.

Ampliación:

Ordesa-Vignemale, Aragón (España)
Esta reserva de biosfera, designada en 1977, se encuentra en los Pirineos Centrales (Aragón, España) y contiene el Parque Nacional de Ordesa y Monte Perdido, el monumento natural de los glaciares pirenaicos y el sitio del patrimonio mundial “Pirineos – Monte Perdido”, así como circos y cañones. La extensión concierne al valle y las zonas urbanas que circundan el área central de la zona protegida. La reserva de biosfera cubre ahora una superficie total de 117.364,03 hectáreas y cuenta con unos 6.000 habitantes.

El Thyssen intenta revitalizar a Pissarro

03/06/2013, El Museo Thyssen‐Bornemisza presenta la primera exposición monográfica en España del impresionista Camille Pissarro (1830‐1903) del 4 de junio al 15 de septiembre de 2013.

madrid 8 de mayo de 2013
El objetivo de esta muestra es posicionar a la figura de Pissarro (Jacob Abraham Camille Pissarro), injustamente debilitada ante las de otros grandes artistas entre los que fue considerado como maestro e impulsor del Impresionismo.

Para ello se reunen 80 obras prestadas por museos y coleccionistas de todo el mundo, una colección en la que el paisaje es elemento que centra el recorrido, articulado en orden cronológico, en función de los lugares donde el pintor residió y trabajó.

Comisariada por Guillermo Solana, la exposición se presenta primero en Madrid, del 4 de junio al 15 de septiembre de 2013, y a partir del 15 de octubre en CaixaForum Barcelona.

Camille Pissarro nació en las Antillas, de una familia con sangre portuguesa, judía y dominicana. Fue una figura importante del Impresionismo y, a la vez. de las menos reconocidas. Su carrera sería eclipsada por el inmenso éxito de su amigo Claude Monet. Para hacerle justicia, en esta exposición se intenta restaurar la reputación de Pissarro no sólo como "el primer impresionista", sino también como maestro de los pioneros del arte moderno.

El maestro
Camile Pissarro ha sido descrito como el "decano" o el "patriarca" del Impresionismo debido a que era el de mayor edad del grupo y el de mayor autoridad entre los artistas más jóvenes.

Pissarro fue puente entre los grandes pintores franceses de mediados del siglo XIX y los artistas postimpresionistas del final de siglo. Entre otros, dos grandes pioneros de la modernidad, Cézanne y Gauguin, fueron en alguna medida discípulos suyos: Ambos trabajaron temporadas junto a él y aprendieron mucho de sus consejos.

Pissarro enseñó a Cézanne la técnica impresionista cuando pintaban juntos a orillas del Oise, hacia 1873‐1874. Después llegaría Gauguin quien heredó de él el sentimiento de la vida rústica. También se beneficiaron de su apoyo Seurat, Signac y los jóvenes pintores neoimpresionistas.

Pintor de la naturaleza rústica
De ideas reivindicativas en lo social, Pissarro se interesó por el campesinado. Desde las primeras apariciones públicas del grupo impresionista, la crítica le consideró como un paisajista rural, oponiéndolo al refinamiento parisiense de Monet y otros.

Así como los paisajes de Monet, Renoir y Sisley suelen representar los escenarios del ocio de la burguesía, los de Pissarro, en cambio, suelen tener como protagonista, explícito o implícito, el trabajo rural. En vez de pintar praderas prefiere los campos arados, en vez de los jardines decorativos, huertos inspirados muchas veces en el de su propia casa.

En uno de los primeros comentarios sobre la pintura de Pissarro, …mile Zola escribía sobre sus cuadros: "En ellos se oyen las voces profundas de la tierra, se adivina la vida poderosa de los árboles".

Si hay un motivo dominante en la pintura de Pissarro, es el del camino. Carreteras, calles de pueblos y modestos senderos que cruzan los campos, invitan a adentrarnos en el espacio del cuadro. A veces el camino se presenta en una perspectiva recta; otras, el pintor se complace en la senda que bordea un huerto o en la curva de una carretera, motivos que multiplican las posibilidades pictóricas. En ocasiones, el curso de un río hace el oficio de un camino, sirviendo de nuevo para permitir al espectador ingresar en el espacio pictórico.

Más tarde, también en sus paisajes urbanos, se concentrará en las grandes vías en perspectiva, como en sus vistas del Boulevard Montmartre o de la Avenida de la ”pera. Sin embargo, en estas vistas tiene presencia clave la naturaleza: los árboles, la nieve que enfría el espacio.

Tras décadas de entrega al paisaje rural, en los años 1880 Pissarro comienza a explorar el mundo del paisaje urbano y el último tramo de su carrera (1893‐1903) está dominado por las vistas de ciudades: París, Londres, Rúan, Dieppe y El Havre.

No duda en reclamar también el valor de las calles urbanas anodinas, aparentemente. En una carta se entusiasma con "estas calles de París que se tiene la costumbre de llamar feas, pero que son tan plateadas, tan luminosas y tan vivas".

En 1896 y 1898 se instala en Rúan y pinta sus puentes y los nuevos aspectos industriales de una ciudad de la era gótica. En julio de 1903, su última serie estuvo dedicada al puerto de Le Havre, el mismo al que había arribado casi medio siglo antes en un vapor que venía de América.

Una autobiografía breve
Escribió Pissarro: "Esta es mi biografía: nacido en St‐Thomas (Antillas danesas) el 10 de julio de 1830. Vine a Paris en 1841 para entrar en la pensión Savary en Passy. Al final de 1847 regresé a St‐Thomas, donde comencé a dibujar mientras estaba empleado en una casa de comercio ‐en 1852 abandoné el comercio y partí con Fritz Melb¤e, pintor danés, para Caracas(Venezuela) donde me quedé hasta 1855, [en que regresé a Parí a tiempo para pasar tres o cuatro días en la Exposición Universal. A partir de entonces me establecí en Francia. En cuanto al resto de mi historia de pintor, está vinculada al grupo impresionista."

Sin motivo aparente: out of the blue

03/06/2013, Hasta el 29 de septiembre de 2013 se puede visitar en el CA2M una muestra singular, de arte inesperado, y desarrollado de manera fortuita, sin atarse a ningún discurso concreto.

Madrid, 3 de junio de 2013
El Centro de Arte 2 de Mayo presenta una muestra cuya idea central es que las obras de arte no tengan que ceñirse a una trama discursiva concreta, evitando la tiranía curatorial y la imposición narrativa. De este modo, la exposición se vertebra y sustenta en un aparente vacío, funcionando de manera independiente en la mente del espectador.

Sigue, así, una de las aportaciones más importantes del artista estadounidense Lawrence Weiner al arte de nuestro tiempo: la posibilidad de que el arte “no tenga por qué ser construido”, que pueda funcionar sólo como idea y que sea el receptor el que active finalmente su significado.

Esta idea de "arte público" invita a explorarnos a nosotros mismos como receptores de arte. Las obras reunidas no pierden su significado original por separado, pero juntas se ilustran unas a otras, llamando a una reflexionando sobre cómo nos movemos en el espacio, el modo en que estamos en el arte.

Sin motivo aparente se nutre también del legado del artista francés Robert Filliou, que sostenía que no hace falta ser un genio para producir arte, pues las únicas herramientas necesarias son la inocencia y la imaginación. El arte por el que aboga Filliou es el arte de la seducción y la espontaneidad, el del juego y la poesía.

La exposición cuenta con obras de Ignasi Aballí, Jesse Ash, Silvia Bächli, Alejandro Cesarco, Étienne Chambaud, Jeremy Deller, José Díaz, Jason Dodge, Lara Favaretto, Robert Filliou, Peter Fischli/David Weiss, Ceal Floyer, Fernando García, Tamar Guimaräes, Fermín Jiménez Landa, Runo Lagomarsino, Joachim Koester, Carlos Maciá, David Maljkovic, Mark Manders, Helen Mirra, Guillermo Pfaff, Kirsten Pieroth, Dan Rees, Jorge Satorre, Nedko Solakov, Daniel Steegmann Mangrané, Julia Spínola, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres y Lawrence Weiner.

Fundación Banco Santander y PHotoEspaña 2013

03/06/2013, La Fundación Banco Santander presenta en el Círculo de Bellas Artes de Madrid tres exposiciones enmarcadas dentro del festival internacional de fotografía y artes visuales PHotoEspaña.

Madrid, 3 de junio de 2013
El Círculo de Bellas Artes acoge, a partir del 3 de junio, tres exposiciones organizadas por la Fundación Banco Santander, que se une a este proyecto nacido en 1998, y cuyo objetivo es el de ofrecer una ocasión extraordinaria para conocer proyectos fotográficos, videos e instalaciones de los fotógrafos y artistas visuales nacionales e internacionales más destacados así como el trabajo de nuevos creadores.

Él, ella, ello. Diálogos entre Harry Callahan y Edward Weston
Dos de los grandes maestros americanos de la fotografía en una exposición dedicada al desnudo que evita los tópicos de la fotografía erótica. Una selección de ochenta fotografías en las que la visión del cuerpo está llena de subjetividad y afecto.
Sala Goya. Del 3 de junio al 28 de julio

MUJER. La vanguardia feminista de los años 70. Obras de la SAMMLUNG VERBUND
Se exponen por primera vez en España una selección de los fondos de la colección de la SAMMLUNG VERBUND, centrada en el arte feminista de la década de 1970. Más de 200 obras de 21 artistas que cambiaron radicalmente la iconografía femenina.
Sala Picasso. Del 3 de junio al 1 de septiembre

Fernando Brito. Tus pasos se perdieron con el paisaje
La serie ganadora del Premio Descubrimientos PHE 2011 presenta fotografías de cadáveres y escenas de crímenes fruto de la violencia con la que se convive en México. Imágenes que destacan por su tratamiento limpio, sereno y distante y que llaman a la reflexión sobre la violencia, la muerte y la desaparición.
Sala Minerva. Del 3 de junio al 1 de septiembre

Pintura Europea en el MET

31/05/2013, El Metropolitan Museum de Nueva York reinaugura sus salas dedicadas a la Pintura Europea, tras una exhaustiva reforma de las mismas.

Nueva York, 31 de mayo de 2013
El Museo Metropolitano reinaugura sus salas dedicadas a la colección de pinturas de viejos maestros europeos. En ella se pueden encontrar importantes ejemplos, desde el siglo XIII hasta principios del siglo XIX. Esta es la primera actualización importante de las galerías desde 1951 y la primera reinstalación total de la colección desde 1972. El espacio acoge hoy más de 700 pinturas, que se ubican a lo largo de 45 galerías, incluyendo una galería dedicada a las exposiciones especiales.

Las galerías están organizadas de forma cronológica y geográficamente para proporcionar una visión general de la pintura en Italia, Francia, España, Holanda, Bélgica, Alemania y Gran Bretaña. Escultura, medallas, cerámica y otras artes decorativas se han incorporado juiciosamente para añadir mayor significado a la muestra de pinturas. Además, algunas de las obras más fundamentales se han conservado o adornado con marcos de época, y algunos préstamos importantes han sido añadidos para complementan la colección permanente.

La colección de cuadros flamencos, italianos y franceses tempranos del Museo Metropolitano es muy amplia e incluye fotos históricas, mientras que la de la escuela holandesa es una de las mejores y más completa del mundo. En cuanto a artistas individuales, las obras de Rembrandt, Rubens, Vermeer, Poussin, Velázquez o Goya, son fantásticas y representativas.

La reinstalación también trata las contracorrientes históricas entre los países y los contactos entre artistas mediante la colocación de obras en las habitaciones contiguas, lo cual representa la colección del Museo en una progresión más coherente y natural que nunca. La nueva configuración de las galerías permite seguir la historia de la pintura en los Países Bajos de Jan van Eyck a través de Bruegel y el desarrollo del paisaje en el siglo XVII a través de Frans Hals, Rembrandt, Vermeer, Rubens y Van Dyck.

La historia de la pintura italiana, desde Giotto y Duccio de Tiepolo, se cuenta en galerías organizadas de forma cronológica y por regiones como Florencia, Siena, Venecia o Roma. con salas dedicadas a temas como el arte nacional y el retrato.

La banca africana, inquieta por la fauna salvaje

31/05/2013, El Banco Africano de Desarrollo (BAD) y WWF pidieron el compromiso de los gobiernos y de otras instituciones para combatir la plaga del tráfico ilícito de especies salvajes de fauna y de flora.

Marrakech (Marruecos), 31 de mayo de 2013

El llamamiento se ha hecho ayer en Marrakech, en una cumbre del banco, en la que se advirtió que las redes criminales que están actuando cada vez más salvajemente en África contra la fauna destruyen los recursos naturales africanos y constituye una amenaza incluso para la estabilidad y la economía del continente.

En las reuniones anuales del Banco, se ha dedicado un espacio a las repercusiones de la circulación de especies salvajes de fauna y de flora sobre el desarrollo en África, en el que han intervenido Donald Kaberuka, presidente del BAD, y Jim Leape, director general del WWF Internacional, al lado del Presidente gabonés Ali Bongo para pedir un compromiso al nivel más alto contra esta plaga.

En un “compromiso de Marrakech” se señala que la actividad de bandas criminales está aniquilando a los elefantes, los rinocerontes y otras especies africanas. “Decenas de millares de elefantes son víctimas de la caza furtiva a través de África cada año.

Las poblaciones de elefantes de los bosques cayeron más de 60 por ciento en la cuenca del Congo en el curso de la última década. La caza furtiva de rinocerontes aumentó en algún país hasta el 5000 por ciento desde el 2007. La circulación de especies salvajes amenaza numerosas especies de fauna y de flora”

“No se trata de un fenómeno simple y local. Redes criminales internacionales controlan esta circulación y los beneficios sirven a veces para comprar armas y para financiar conflictos civiles o el terrorismo”, advierte la declaración.

La criminalidad ligada a la explotación ilegal de las especies salvajes también fue tratada esta semana en una reunión del Consejo de seguridad de la Organización de las Naciones Unidas, en Nueva York. En un informe hecho público a esta ocasión por el Secretario general de las Naciones Unidas, Ban Ki-Moon, el tráfico ilícito de las especies salvajes de fauna y de flora es declarado como “un crimen grave que requiere una atención inmediata”.

El bestiario romano de Lod

31/05/2013, Lod, en territorio de Israel, es la antigua ciudad romana de Lydda; allí se descubrió 1996 un extraordinario mosaico que ahora se presenta en el Louvre, hasta el 19 de agosto.

París, 31 de mayo
El hallazgo se produjo durante la construcción de una carretera entre Tel Aviv y Jerusalén. Se trataba de un gran pavimento que adornaba el piso de una noble casa, con una decoración en la que abundan los animales, insertados en un marco geométrico.

El Louvre presenta esta joya de tiempos romanos en una sala cerca de los nuevos espacios dedicados al Oriente Mediterráneo en el Imperio Romano. Luego volverá a Lod, a un museo en construcción.

Un gran mosaico en perfecto estado de conservación
Recuperado por la arqueóloga Miriam Avissar en el sitio de la antigua Lydda, este mosaico pertenecía a un pavimento más ancho, del que constituía la parte esencial de la decoración. Se ignora el uso de la pieza y la identidad de sus ocupantes. Algunos restos de yeso pintado encontrados en las excavaciones, reproduciendo los colores del mármol, muestran que las paredes de la habitación habían recibido una decoración, y hacen pensar a los arqueólogos que este lugar podría ser una pieza de recepción.

El conjunto mide 7,84 x 4,26 metros, y las teselas son de mármol y piedra caliza. El estado de conservación este conjunto es excelente. En virtud del contexto arqueológico puede fecharse el pavimento alrededor del año 300 después de Cristo.

Un bestiario intrigante
La decoración del mosaico se divide en tres zonas: una parte central, casi cuadrada, flanqueada por dos paneles rectangulares. El mundo animal está representado en toda su diversidad y con precisión: peces, aves y cuadrúpedos, de especies identificables, aparecen en este marco geométrico.

Salvo el monstruo marino del medallón central y la parte baja, el directorio animal se trata aquí con un realismo notable que muestra el dominio del arte musivario.

La figura humana no se muestra, pero la actividad humana está evocada por dos barcos que navegan en el medio de la fauna marina.

El medallón central octogonal es especialmente impresionante, un espectáculo de animales exóticos (elefante, jirafa, tigre, rinoceronte...) que parecen vivir en armonía, bajo la protección de los tranquilos leones. Todo esto, y las escenas marinas nos dan una imagen de los conocimientos, variedad y calidad de vida de aquella sociedad de Lydda

Situado en la continuidad de las salas de la antigüedad romana, el mosaico se inscribe también junto a un espacio en el que aparece un conjunto de mosaicos del Oriente Medio recientemente restaurados. El mosaico de Lod está excepcionalmente expuesto en París antes de retornar a su lugar de origen. Es comisaria de esta presentación Cécile Giroire, del Departamento de Antigüedades griegas, Etruscas y Romanas del Louvre.

Obras maestras del Barber Institute

30/05/2013, En la National Gallery de Londres se presenta hasta el 1 de septiembre una muestra especial, dedicada al Instituto Barber de Birminghan: “Birth of a Collection: Masterpieces from the Barber Institute of Fine Arts”.

Londres, 30 de mayo de 2013
La colección del Instituto Barber de Bellas Artes de la Universidad de Birmingham ha estado vinculada en su origen a la propia National Gallery, En este excelente conjunto artístico hay una abundante obra de antiguos maestros, pintores del Renacimiento y hasta de época moderna.

Con la muestra “Birth of a Collection: Masterpieces from the Barber Institute of Fine Arts” (Nacimiento de una colección: Obras maestras del Barber Institute of Fine Arts) el instituto de Birminghan, colaborador de la National Gallery, celebra uno de sus puntos fuertes de su 80 aniversario.

Como parte de ese evento conmemorativo, se presentan las doce primeras adquisiciones, obras que van desde los viejos maestros italianos a los vanguardistas del siglo XIX, y que fueron adquiridas por el profesor Thomas Bodkin para el Henry Barber Trust, mientras ocupaba el puesto de director original del Instituto Barber.

Entre la fundación del instituto en 1932 y la inauguración oficial del edificio en el que ubicó su sede, el 26 de julio de 1939, las obras adquiridas por su primer director, el profesor Thomas Bodkin, fueron almacenados o exhibidas en la National Gallery de Londres, merced al apoyo y la amistad con el director de la National Gallery, Kenneth Clark.

Bodkin, ex director de la Galería Nacional de Irlanda, forjó la base de lo que se ha calificado como una de las mejores galerías pictóricas británicas, y en el momento de la apertura contaba con obras de Lancret, Wilson, Manet, Tintoretto, Turner, Cima da Conegliano, Hals, Monet, Poussin, Jacob van Ruisdael y Simone Martini, así como una crucifixión toscana del siglo XIII.

Por primera vez después de más de 70 años, la exposición presenta este grupo de pinturas excepcionales en la institución de Trafalgar Square.

La exposición está organizada por la National Gallery en colaboración con el Instituto Barber de Bellas Artes.

El Instituto Barber está situado en el campus de la Universidad de Birmingham, en un edificio de Art Deco, una de las mejores obras del arquitecto británico Robert Atkinson (1883-1953).

http://barber.org.uk

Acercamiento a la cultura muisca

29/05/2013, El Museo del Oro presenta hasta el 20 de octubre una muestra temporal que nos permite el acercamiento a la cultura muisca: “Historias de ofrendas muiscas”

Bogotá, 29 de mayo de 2013
Los muiscas crearon ofrendas de oro y cobre que enterraron en lugares sagrados de Cundinamarca y Boyacá, para comunicarse con los dioses, pedir favores o dar gracias. Ahora, el Museo del Oro, a partir de investigaciones realizadas junto al Instituto de Arqueología del University College de Londres, cuenta la historia detrás de trece de ellas, al tiempo que le permite a sus visitantes descubrir la orfebrería, la cultura y la vida de este grupo indígena.

En 1625 Fray Pedro Simón, cronista de las Indias, narró la forma en que los muiscas hacían sus ofrendas: “cuando tenía alguna necesidad hombre o mujer, la comunicaban con el jeque (o sacerdote), él ordenaba a los que querían hacer la ofrenda los días que habían de ayunar. Cuando se iban acabando, mandaba el jeque se hiciese de oro, cobre, hilo o barro la figura que habían de ofrecer”. 375 años después, en 2001, en la vereda Charquira del municipio de Carmen de Carupa, al norte del departamento de Cundinamarca, un campesino encontró tres pequeñas figuras de orfebrería –ninguna supera los 1,5 cm de alto-, que por sus características iconográficas y el lugar donde se hallaron fueron identificadas como una ofrenda muisca. Hoy en día estas piezas, junto a otras 80 ofrendas más, se preservan en la colección del Museo del Oro.

Desde hace algunos años el Museo del Oro desarrolla con el Instituto de Arqueología del University College de Londres una investigación sobre las ofrendas muiscas, incluidos los tunjos de Carmen de Carupa y la balsa muisca. Un estudio científico que valiéndose de microscopios electrónicos, con mejor resolución que los ópticos, y de espectrómetros que determinan la composición química de los objetos de orfebrería, descubre las técnicas utilizadas por los artistas muiscas. Inclusive los estudios han logrado identificar el estilo personal de quince orfebres individuales, que crearon tunjos fundiendo a la cera perdida.

“El estudio detallado de varias ofrendas nos ha permitido a los investigadores develar factores simbólicos y culturales muiscas que determinaban los materiales y las técnicas con los que debían elaborarse los objetos. Es interesante ver cómo, aunque se trata de piezas muy pequeñas que podrían pasar desapercibidas para los visitantes del Museo, al mirarlas con suficiente atención descubrimos en ellas historias de caciques y sacrificios, de guerreros, madres y cunas, de momias ofrendadas”, explica María Alicia Uribe, directora del Museo del Oro y arqueóloga que lidera esta investigación.

Los muiscas fueron un pueblo religioso que hizo de las ofrendas su forma de relacionarse con los dioses. A diferencia de un regalo, la ofrenda es más cercana a la noción de sacrificio, pues implica el desprendimiento de algo para ser ofrecido a seres sobrenaturales de los que se espera un favor o a quienes se paga una promesa.

Como si se tratara de la libreta de un investigador, valiéndose de notas al margen y gráficas explicativas, esta exposición cuenta aspectos desconocidos del pasado prehispánico. “Todavía hoy hacemos ofrendas; es más, uno de los apartados de la exposición está dedicado precisamente a la formas de ofrendar en la actualidad, por lo que al visitar la muestra nos sentimos cercanos a los muiscas de hace 500 años”, afirma Eduardo Londoño, jefe de divulgación cultural del Museo del Oro.

Emmet Gowin

29/05/2013, Fundación Mapfre presenta, hasta el 1 de septiembre, la exposición fotográfica más ambiciosa dedicada al norteamericano Emmet Gowin hasta la fecha en España.

Madrid, 29 de mayo de 2013
Emmet Gowin está considerado uno de los fotógrafos más originales e influyentes de los últimos cuarenta años. Nacido en Danville, Virginia, hace setenta y dos años; su vocación artística estuvo marcada desde su niñez.

En 1955 comenzó a desarrollar un gusto espontáneo por el dibujo, animado por la belleza que encontraba en la naturaleza, en la flora y la fauna de su entorno. En 1961 comenzó una licenciatura en Artes Gráficas en Richmond. Se apasionó con diversas manifestaciones artísticas y cultivó con entusiasmo el dibujo, la pintura, y sobre todo, con la fotografía.

Sus primeras influencias fotográficas las recibió a través de libros y catálogos de grandes nombres como Robert Frank, Henri Cartier Bresson, Eugène Atget o Walker Evans. Pero tan sólo dos años después de empezar a trabajar con su primera Leica, una cámara de 35 mm adquirida en 1962, Gowin se planteó la necesidad de crear su propio estilo.

Los primeros porfolios que elaboró en 1965, antes de de ingresar en la Rhode Island School of Design se componen de imágenes técnicamente sencillas y de temática cotidiana: niños, jóvenes o adultos en escenas de la vida diaria, automóviles, iglesias antiguas, paisajes o retratos de su esposa, Edith Morris.

En 1967 Gowin cambió su cámara de 35 mm por una de fuelle de 4 x 5 pulgadas, que aportaba un punto de vista diferente, un trato de mayor consideración hacia el objeto y una mirada más paciente y acogedora sobre el mismo. Hay que destacar la influencia que en este proceso pudo ejercer sobre él Harry Callahan, quien dirigía el posgrado que Emmet Gowin estaba cursando.

Poco tiempo después le ofrecen un puesto de profesor en el Dayton Art Institute, por lo que Gowin y su mujer se mudan a Ohio poco antes del nacimiento de Elijah, su primer hijo. Como artista, los cuatro años en Dayton le permitieron una evolución conceptual intuitiva e introspectiva, una simplificación o reducción radicales, hasta detener su foco de atención directamente sobre Edith, protagonista de gran parte de su nueva obra. Las imágenes de esta época constatan ya una visión artística completamente propia y personal.

Más adelante, Gowin volvió a sentir la llamada de la naturaleza y los paisajes, y se interesó por la devastadora fuerza de la acción humana sobre la tierra: los círculos de irrigación en Kansas que consumen millones de litros de agua donde no la hay, los desiertos de Nevada que asemejan un paisaje lunar por la acción de las pruebas nucleares, o las minas de carbón a cielo abierto y las centrales térmicas de Checoslovaquia que contaminan un enorme territorio en rededor.

En los últimos años, Gowin ha reflejado también en su obra la fascinación que desde siempre han ejercido los insectos sobre él. Con el propósito de adquirir conocimientos en biología tropical y de realizar un trabajo científico de catalogación, viajó a Latinoamérica, donde ha fotografiado miles de mariposas nocturnas. A lo largo de este proceso, encontró una silueta de Edith en su cartera y decidió convertir de nuevo a su mujer en el tema central de sus creaciones. De esta fusión de dos de sus pasiones nace la serie Mariposas nocturnas: Edith en Panamá.

Por último, hace tan sólo unos meses, Emmet Gowin quiso detener su objetivo sobre las tierras andaluzas, dando lugar a algunas de las fotografías aéreas de la muestra, exclusivamente creadas para la ocasión.

SALA AZCA
Entrada gratuita
DIRECCIÓN
Avda. General Perón, 40. Madrid 28020
Teléfono: 91 581 16 28
Fechas
Del 29 de mayo al 1 de septiembre de 2013
HORARIOS
Lunes de 14.00 a 21.00 hrs.
De martes a sábado de 10.00 a 21.00 hrs.
Domingos y festivos de 12.00 a 20.00 hrs.

Los niveles de CO2 en máximos

28/05/2013, Los niveles de CO2 atmosférico están alcanzando 400 ppm en el registro del Observatorio de Mauna Loa, en reiteradas ocasiones durante la segunda quincena de mayo.

Mauna Loa, Hawaii, 28 de mayo de 2013
El hecho de que los niveles de dióxido de carbono (CO2) en la atmósfera alcancen reiteradamente las 400 partes por millón (ppm) es nuevo en la historia de la humanidad, y marca un punto crítico en la ruta hacia niveles impredecibles en materia de cambio climático.

El Observatorio de Mauna Loa (National Oceanic and Atmospheric Administration) ha sido elegido como un punto de referencia porque está situado lejos de cualquier continente, en un punto donde la muestra de aire es un buen indicador para el Pacífico. Sus mediciones están controladas desde 1956.

La voz de alarma se dio el 9 de mayo, cuando se sobrepasó la cota 400, pero desde aquel día al menos otros siete se ha alcanzado el promedio de los 400 ppm hasta ahora. Así pues, la medición no es una rareza sino que parece instalarse como valor normal. Otros observatorios del pacífico han coincidido en revelar las elevadas mediciones de CO2 en la atmósfera, este mes.

"La necesidad de reducir estas emisiones nunca ha sido más fuerte" en opinión de Samantha Smith, líder de la Iniciativa Global de Clima y Energía de WWF.

“Las leyes de la física nos dicen que entre más CO2 tengamos en la atmósfera, el planeta se tornará más caliente. La última vez que la atmósfera de la tierra tuvo tanto CO2 como el que tiene actualmente, el mundo era entre 3 y 4 grados Centígrados más cálido que lo es hoy. Y la última vez que el mundo estuvo a esa temperatura, el nivel del mar fue entre 5 y 40 metros más elevado de lo que lo es en la actualidad”, agregó.

“Si los niveles de CO2 continúan elevándose, podemos esperar ser testigos de cómo los récords en altas temperaturas se vuelven los nuevos promedios del verano; las sequías extraordinarias se convierten en la norma, y las tormentas extremas e inundaciones pasan a ser eventos frecuentes”, afirmó Smith.

Un jugador de pelota... de mil años de antigüedad

28/05/2013, Una estela grabada con la efigie de un jugador de pelota fue descubierta en el sitio prehispánico de Piedra Labrada, en el municipio de Ometepec, Guerrero, según un informe el Instituto Nacional de Antropología e Historia.

México, 28 de mayo de 2013
El elemento formaba parte de uno de los cinco espacios registrados en el área, dedicados a la práctica de este antiguo ritual, y que son de los más grandes hasta ahora localizados en la región de la Costa Chica.El hallazgo tuvo lugar hace unas semanas, cuando miembros de la comunidad asentada en las inmediaciones del lugar instalaban un tubo de agua.

El arqueólogo Pablo Sereno Uribe, responsable de la investigación en Piedra Labrada afirmó que “se trata de la representación de un jugador de pelota decapitado, tiene los brazos cruzados sobre el pecho y las piernas están un poco encorvadas; se observan atavíos como un casco, un yugo a la altura de la cintura y piedras redondas o chalchihuites en las orejas”.

la estela —labrada en granito— se halló partida. Sus dimensiones totales son de 1.65 m de largo y 50 cm de ancho. Por la cercanía de Piedra Labrada con Oaxaca, se estima que la filiación cultural del monumento es mixteca; aún no se ha precisado su fechamiento exacto, sin embargo, se estima que podría pertenecer al periodo Epiclásico, alrededor de 600 d.C., Según informa el INAH.

El elemento se descubrió en la sección norte de la zona, donde se ubica uno de los juegos de pelota más grandes, se trata de una cancha en forma de “I”, cuya longitud de cabezal a cabezal es de 40 m, aproximadamente. El personaje tiene una base que denota que estuvo empotrado a dicho espacio como parte del paisaje arquitectónico, y posteriormente fue decapitado y sepultado durante un ritual efectuado en tiempos prehispánicos.

En Mesoamérica una gran cantidad de elementos escultóricos y ofrendas fueron objeto de diversos ritos, la mayoría vinculados con el cierre de ciclos, donde las piezas eran pintadas de rojo y después las fragmentaban y enterraban, refirió Pablo Sereno.

Dada la importancia de la pieza y del contexto que la rodea se propondrá al Consejo de Arqueología del INAH un proyecto para excavar el área a fin de ubicar materiales cerámicos que contribuyan a ampliar el conocimiento sobre su temporalidad y origen.

El sitio prehispánico de Piedra Labrada, según Pablo Sereno, tiene una extensión oscila en dos kilómetros cuadrados, donde desde hace año y medio se desarrolla un mapeo a fin de conocer sus características principales, como las dimensiones de sus construcciones, la distribución de sus plazas y los materiales escultóricos que yacen en la zona. Hasta la fecha se han identificado cerca de 50 edificios de medianas proporciones (3 a 5 m de altura) que se distribuyen sobre diversas plataformas; además de cinco juegos de pelota y más de una veintena de esculturas de proporciones diversas, correspondientes a cabezas de serpiente, caracoles y figuras antropomorfas.

David Bowie is

27/05/2013, Hasta el mes de agosto de 2013 se puede disfrutar de una retrospectiva dedicada a David Bowie en el Museo V&A (Victoria and Albert) de Londres.

Londres, 27 de mayo de 2013
Para tener una comprensión de cómo David Bowie se ha convertido en una de las estrellas pop más influyentes de su generación El Museo V&A accede al archivo del artista, y presenta la la primera retrospectiva internacional dedicada a la extraordinaria carrera del excéntrico genio británico.

David Bowie está considerado como uno de los artistas más vanguardistas e influyentes de los tiempos modernos. A través de esta muestra, se exploran los procesos creativos de Bowie como innovador musical e icono cultural, siguiendo su estilo y su forma de reinventarse a sí mismo a través de cinco décadas.

La exposición, que podrá verse en el V&A hasta el 11 de agosto, reúne más de 300 objetos que se podrán contemplar por primera vez juntos y que revelan la evolución de las ideas creativas de Bowie. Letras escritas a mano, trajes originales, fotografías, escenografías, instrumentos del mismísimo Bowie e incluso ilustraciones originales pertenecientes a los álbums del artista. A través de estos objetos se explora la amplia gama de colaboraciones de Bowie con artistas y diseñadores en los campos de la moda, el sonido, los gráficos, el teatro, el arte y el cine.

Para acompañar la exposición, el V&A ha desarrollado cinco cortometrajes que exploran el genio y examinan las múltiples facetas de David Bowie, así como la fascinación por su producción creativa a través del tiempo.

David Bowie is
Victoria and Albert Museum
Cromwell Road
London SW7

Cildo Meireles en el Reina Sofía

27/05/2013, A través de más de cien piezas, entre instalaciones, dibujos, pinturas, esculturas y piezas sonoras, el espectador podrá adentrarse en la obra de uno de los creadores latinoamericanos más comprometidos del momento.

Madrid, 27 de mayo de 2013
Considerado uno de los pioneros en el desarrollo internacional del arte conceptual, Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) realiza instalaciones y esculturas bajo la premisa de la asunción del arte como experiencia sensorial, haciendo a menudo referencia al cuerpo en el espacio y en el tiempo.

Desde finales de los años 60, ha desarrollado en su trabajo nuevas posibilidades de redefinición del arte conceptual, partiendo de una relación con la experiencia sensorial del espectador, del uso crítico de sistemas de circulación ideológicos y económicos y de una conexión ética con el mundo, que es la base de su permanente interpretación crítica. La obra de Meireles amplía el campo de una pionera revisión de la modernidad que aconteció en América Latina, y especialmente en Brasil con las obras de Hélio Oiticica, Lygia Clark o Lygia Pape, en la segunda mitad del siglo XX.

La exposición que ahora le dedica el Museo Reina Sofía está integrada por obras e instalaciones presentadas por primera vez, así como por otras menos conocidas del artista. Muchas de las piezas que se pueden ver en la exposición son un comentario crítico sobre el concepto de territorio, cuestionando la historia como narrativa de una dominación colonial del mundo. La exposición muestra también otras series históricas que cuestionan la idea de valor, del objeto artístico, y de nuevo del territorio, como son Arte Física o Inserciones en Circuitos Ideológicos.

Los aspectos formales y conceptuales del trabajo de Meireles no se pueden separar de su actitud crítica. La relación de los materiales utilizados en sus obras con la vida cotidiana, así como la confrontación estructural entre formas y significados revelan una posición poética e ideológica ante el mundo.

Las obras de Meireles ofrecen al visitante ambientes particularmente ricos en sus condiciones de percepción del tiempo y del espacio, confrontándole con la desmaterialización del objeto de arte y con una reinvención semántica de categorías lingíísticas y de realidades perceptivas. Las ya conocidas series como Cantos: Espacios Virtuales o Volúmenes Virtuales son ejemplos de una muy personal redefinición de los lenguajes de la abstracción. La sinestesia es otra de las figuras constructivas del universo del artista; la asociación y coincidencia de diferentes percepciones sensoriales se manifiesta en numerosas obras, desde la asociación del plano del sonido al plano visual, o de la asociación de la visión a percepciones térmicas o gustativas, como ocurre en Entrevendo. De este modo el Meireles amplía las posibilidades del arte como experiencia humana del mundo.

Esta exposición es una ocasión única para descubrir nuevos aspectos de la obra de uno de los más celebrados artistas contemporáneos, como lo demuestra la concesión del Premio Velázquez en 2008 o sus múltiples presentaciones en importantes exposiciones internacionales como la dOCUMENTA de Kassel, o las Bienales de São Paulo y de Venecia. Además, sus obras forman parte de diferentes colecciones de museos como es el caso de la Tate Modern de Londres, el Museo Serralves de Oporto, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, el Stedelik Museum de Ámsterdam, el MACBA de Barcelona, el ARTIUM de Vitoria o el Museo Reina Sofía de Madrid.

España: caída del turismo urbano

24/05/2013, El balance turístico de Madrid y Valencia fue muy malo en 2012, en contraste con el de Barcelona, en un año caracterizado por los malos resultados para el turismo urbano español.

Madrid, 24 de mayo de 2013
Exceltur, asociación empresarial del turismo, ha elaborado un balance del turismo por municipios, en el que se registra una caída general del turismo urbano, y sólo ciertas mejoras en algunas localidades costeras. El mal estado del turismo interior pesa en este balance general, en el que se acusa una pérdida general de empleo.

En el ámbito urbano el índice de rendimiento por habitación descendió un 4,6%, acompañado de una caída de empleo turístico del 3,8%. Los ingresos tan sólo aumentan en 7 de las 54 ciudades analizadas en este balance de 2012.

Dentro de las grandes capitales, Barcelona sigue destacando en 2012 por la contínua mejora en sus indicadores de negocio y de empleo (+3,3% en rendimiento +0,2% en empleo turístico), situándose como la ciudad española con mayor rentabilidad empresarial (78,3 euros de RevPAR, respecto a los 46,9 euros de media del conjunto de destinos urbanos). Estos resultados están vinculados al acertado y estratégico posicionamiento internacional de la ciudad por mercados, segmentos de demanda y productos tanto en el turismo lúdico como el de negocios, gracias al liderazgo ejercido en la gestión turística por Turismo de Barcelona desde hace décadas.

Las tres capitales vascas cierran 2012 con un balance moderadamente positivo, favorecidas por el esfuerzo en regeneración urbana y el creciente posicionamiento internacional de San Sebastian y Bilbao.

Ciudades de menor tamaño y con una importante presencia de turistas internacionales debido a su atractivo vinculado a iconos culturales o a su proximidad a zonas vacacionales del litoral, algunas de ellas posicionadas en el sector de cruceros, han cerrado 2012 con un favorable balance, que no se ha podido plasmar en todos los casos en una mejora del empleo turístico. Entre ellas se encuentran, Granada, Palma de Mallorca, Cádiz, y Jerez de la Frontera.

Lo peor, Madrid y Valencia. Madrid pierde un 8,2% en rendimiento por habitación y un 4,4% en empleo turístico y Valencia cede un 8,2% en rendimiento y 6,7% en empleo turístico. Madrid acusó la debilidad de la demanda interna y por una caída de los viajes de los extranjeros muy afectados por los menores niveles de accesibilidad aérea por la subida de tasas aeroportuarias. En Valencia la elevada presencia de turistas españoles en su estructura de demanda y los menores niveles de escapadas de ocio y viajes de negocios no ha podido ser compensado por el leve avance de la demanda extranjera.

Los principales destinos urbanos gallegos y asturianos, muy dependientes del comportamiento del gasto turístico de los españoles, han sufrido en 2012 intensas caídas en sus niveles de rentabilidad con variaciones interanuales negativas por encima del 10%.

En general, en muchas ciudades del interior y el noroeste español se han experimentado caídas en los ingresos por encima del 10% y en el empleo turístico por encima del 5% durante 2012. Tal es es el caso de Pontevedra, Ciudad Real, Albacete, Huelva, Teruel, León, Oviedo, Valladolid, Segovia, La Coruña, Mérida, Alicante, Palencia, Lérida Badajoz, Gijón, Cuenca, Jaén, Salamanca y Zaragoza.

Los destinos vacacionales del litoral mediterráneo y los archipiélagos de Baleares y Canarias, con una mayor presencia de demanda extranjera paquetizada y/o los que han comenzado a renovar parte de su oferta, han apostado por un producto diferencial de mayor categoría e invertido en la rehabilitación de sus espacios públicos, apostando por la diferenciación y un reposicionamiento hacia clientes de mayores niveles de gasto en destino presentan los mayores niveles de rentabilidad en 2012. Esto se observa en puntos como Ibiza, lugares de la costa catalana y la isla de Tenerife, especialmente. Mayores atonías o bajadas se registran en la costa valenciana y en el entorno de la Costa del Sol.

El avión solar... tiene futuro

24/05/2013, El avión Solar Impulse realizó el jueves un trayecto de más de 1,500 kilómetros, el más largo sin escalas realizado por una aeronave de esta clase, entre Phoenix y Dallas (EE.UU.).

Nueva York, 24 de mayo de 2013
Este avion solar, pilotado por Dr. Bertrand Piccard y André Borschberg, inicio esta semana un programa de vuelos encaminado a completar el recorrido de California a Nueva York, cruzando Estados Unidos del Pacífico al Atlántico y poniendo de manifiesto la posibilidad de futuro de la energía limpia para el transporte aéreo.

El Dr. Piccard fue en 2012 uno de los seis ganadores del premio campeones de la Tierra, del Programa Ambiental de las Naciones Unidas (PNUMA) (UN Environment Programme (UNEP)) galardón que se entrega a aquellos cuyas acciones de liderazgo han tenido un impacto positivo en el medio ambiente. Ganó en la categoría de Acción para aumentar la conciencia mundial de las posibilidades de transporte de energía impulsada por renovables.

Campeones de la Tierra, es una iniciativa lanzada en 2005, como premio ambiental emblemático de las Naciones Unidas.

Este avión revolucionario ultraligero, capaz de volar día y noche sin combustible, había hecho su primera etapa de vuelo entre San Francisco y Phoenix, Arizona. El resto del viaje consta de etapas que terminan en Dallas, Texas, St. Louis, Missouri, Washington DC y, finalmente, Nueva York.

El aparato mide algo más de 63 metros de una esquina a otra de sus alas, y está cubierto de paneles que capturan energía solar y dispositivos de almacenamiento.

El doctor Piccard, heredero de una familia de pioneros, inició su proyecto del avión solar impulse en 2003, después de un vuelo en globo alrededor del mundo. En el 2010 completó una experiencia de vuelo de 26 horas seguidas (dia y noche) y ha seguido buscando records en el uso de la energía solar, volando por el sur de Europa y África. En 2012 hizo su primera travesía transcontinental (2.500 kilómetros) entre Madrid y Rabat. El objetivo final del proyecto Impulse es dar la vuelta al mundo en 2015 con la aeronave de segunda generación, ahora en construcción.

Desde el Programa Ambiental de las Naciones Unidas (PNUMA) se ha destacado la necesidad de esfuerzos como este para luchar contra el alto nivel de las emisiones de gases de efecto invernadero y tratar de contener el aumento de la temperatura global.

Historia de la fotografía en Burgos

23/05/2013, La sala de exposiciones Cultural Cordón de Caja de Burgos acoge "Una historia portátil de la fotografía. Colección Lola Garrido", con trabajos de los grandes maestros de la Fotografía.

Burgos, 23 de mayo de 2013
Hasta el 25 de agosto se podrá visitar esta muestra en Burgos, la primera que realiza una selección tan nutrida de la colección Lola Garrido. A través de este centenar de imágenes (de sesenta y tres autores diferentes), se aborda la práctica totalidad de la historia de la fotografía universal, desde mediados del siglo XIX hasta la década de los noventa del siglo XX.

Entre los fotógrafos destacan pioneros como Julia Margaret Cameron, Edward Steichen y Alfred Stieglitz; los grandes autores europeos y americanos de los años 20 y 30 como André Kertész, Lotte Jacobi, Alexander Rodchenko o Lee Miller; los indispensables del fotorreportaje como Elliott Erwitt, William Klein, Garry Winogrand y Walker Evans; creadores vanguardistas como Man Ray, René Magritte, Harold Edgerton y Raoul Hausmann; los célebres fotógrafos de moda Lillian Bassman, Irving Penn y Horst P. Horst, o los artistas actuales Philip-Lorca diCorcia, Cindy Sherman, Richard Misrach y Nan Goldin. Los nombres de Robert Mapplethorpe, Henri Cartier-Bresson, Diane Arbus, Madame Yevondé o Inge Morath acrecentan el extraordinario elenco de autores presentes en la exposición.

"Una historia portátil de la fotografía. Colección Lola Garrido" invita al espectador a explorar semejanzas, paralelismos, diversidad y discordancias. Las grandes áreas que animan a descubrir esas relaciones sensoriales recogen conceptos como la abstracción y la experimentación, un espacio en el que tienen cabida muchas de las poéticas artísticas de las que ha sido testigo la fotografía; el protagonismo del rostro, los gestos y los inquietantes juegos de miradas; la figura y el cuerpo como permanente reclamo; la presencia de la ciudad, tanto de la construcción en sí como de la vida urbana; y la naturaleza como desafío espiritual al materialismo.

La colección Lola Garrido comprende más de 700 imágenes, y constituye una de las series internacionales más reputadas, requerida con frecuencia en diferentes museos e instituciones de todo el mundo.

Historia portátil de la fotografía. Colección Lola Garrido
Hasta el 25 de agosto de 2013
Sala de Exposiciones Casa del Cordón
Caja de Burgos
Plaza de la Libertad, s/n
Burgos

Cinco tesoros de Inglaterra

23/05/2013, Existen muchas obras de arte legendarias en Gran Bretaña, pero con tan sólo detallar cinco ejemplos desearás viajar para poder conocer y disfrutar de estas maravillas en directo.

Reino Unido, 23 de mayo de 2013
Las galerías y museos británicos atesoran desde cuadros prerrafaelistas hasta tallas vikingas, pasando por la cama más grande que jamás habrás visto. Disfruta de un país que encierra multitud de obras de arte legendarias, llenas de curiosidad, belleza e historia.

La gran cama de Ware, 1590. Victoria and Albert Museum, Londres
Tal es la fama de esta cama de dosel de tres metros de ancho que se menciona en una obra de Shakespeare, "Noche de Reyes". Cubierta de intrincados relieves, se puede ver el graffiti y los sellos de cera de numerosos bellos durmientes que pasaron la noche en ella. Se supone que la cama se creó como objeto curioso para atraer a los clientes a una de las posadas de Ware, en el condado de Hertfordshire.

Whaam! de Roy Lichtenstein, 1963. Tate Modern, Londres
Esta es una de las piezas más características y fascinantes del Museo Tate Modern de Londres. Whaam! está considerado como uno de los mejores dibujos del artista norteamericano Roy Lichtenstein. Sus vivos colores, la caligrafía al estilo de los cómics y la onomatopeya "Whaam" que describe a un caza disparando a otro avión, son puro arte pop.

Cristo de San Juan de la Cruz de Salvador Dalí, 1951. Kelvingrove Museum and Art Gallery, Glasgow, Escocia
Esta interpretación surrealista de la crucifixión tiene una perspectiva desconcertante y sobrecogedora, que muestra a Jesucristo estirado, sin clavos ni heridas, volando sobre un plácido fondo azul.

Ajedrez de la isla de Lewis, siglo XII-XIII. Museo Nacional de Escocia, Edimburgo, Escocia
Halladas en Lewis en 1831, estas exquisitas tallas constituyen uno de los hallazgos arqueológicos más famosos de Escocia. Las piezas de ajedrez consisten en marfil de morsa y dientes de ballena profusamente trabajados con forma de reyes y reinas sentados, obispos, caballeros en sus monturas y otras figuras. Se cree que fue elaborado por artesanos escandinavos, tiene un gran encanto y permite entrever la cultura vikinga y escocesa.

Lo último de Inglaterra de Ford Madox Brown, 1855. Birmingham Museum and Art Gallery y Museo Fitzwilliam, Cambridge
Una conmovedora representación de la emigración que muestra a una joven familia abandonando Gran Bretaña con los acantilados blancos de Dover desapareciendo al fondo. Hay dos versiones del cuadro, una en Birmingham y otra en Cambridge.

Día Mundial de la Tortuga 2013

23/05/2013, El 23 de mayo se celebra el Día Mundial de la Tortuga (World Turtle Day), un animal del que se estima que existen más de 300 especies distintas y cuya principal causa de desaparición es el ser humano.

23 de mayo de 2013
El "Día Mundial de las Tortugas" es un evento patrocinado por la American Tortoise Rescue, una Organización sin ánimo de lucro que utiliza este día para concienciar a las personas de la necesidad de proteger a las tortugas y sus hábitats naturales. Desde 1990, ATR ha dado protección en sus centros especializados a cerca de 3.000 tortugas terrestres y galápagos, y ha proporcionado información útil y referencias a las personas para que puedan ayudar a las tortugas enfermas, olvidadas o abandonadas.

Este día sirve para mejorar el conocimiento de las personas sobre las tortugas, y para educar en el respeto a su existencia y a su hábitat.

Las tortugas habitan en los cinco continentes. Son animales con una gran capacidad de adaptación, que pueden vivir durante mucho tiempo en diferentes climas y territorios, desde ríos y mares, hasta montañas o bosques, o incluso en condiciones desérticas.

Su resistente caparazón las protege y actúa como un escudo en el que refugiarse ante peligrosos depredadores. Sus tamaños son variados, y la más grande conocida actualmente es la especie Laúd, que puede llegar a medir casi dos metros de longitud y pesar más de 750 kilos.

Pero a pesar de su resistencia y de su capacidad para adaptarse, las tortugas están muy amenazadas por culpa del ser humano. Por eso, desde la American Tortoise Rescue hacen algunas recomendaciones a tener en cuenta:

  • No comprar tortugas en tiendas de animales.
  • Respetar a las tortugas que encontremos en bosques o playas, y no interferir en su camino, a no ser que veamos que estén heridas o cruzando por un lugar muy transitado por gente o vehículos.
  • Informar de actos crueles o de la venta ilegal de tortugas o galápagos.
  • Tratar de sensibilizar a otras personas y organismos públicos sobre la necesidad de proteger a estos animales.

40 años de EUROPARC

22/05/2013, En 1973 nació en Basilea EUROPARC, la federación que acoge y coordina los parques y humedales principales de Europa. Ahora celebra su 40 aniversario bajo el tema "40 años trabajando por la Naturaleza".

Basilea, 22 de mayo de 2013
La Federación EUROPARC, conocida como la "Federación de Parques Naturales y Nacionales de Europa", fue fundada con el objetivo de ayudar a que las áreas protegidas cumplan su papel como conservadoras de la belleza natural de Europa en toda su variedad y fomentar la cooperación y el intercambio entre sus directivos y el personal, para promover su trabajo efectivo en toda Europa.

La Federación divide sus actividades en tres oficinas: la sede está en Regensburg (Alemania), pero tiene despachos en Bruselas y Roma. En este momento reúne 420 miembros de 35 países, y es reconocida en todo el mundo como una organización profesional de las áreas protegidas de Europa.

Los miembros de la organización son todos ellos responsables de la gestión de cientos de áreas protegidas (parques nacionales, parques naturales, Red Natura 2000, parques regionales, reservas de la biosfera y muchas otras denominaciones) distribuidas por todo el continente, y representan una gran fuente de conocimientos en todos los campos relacionados con la protección de la naturaleza.

En octubre, se celebrará la Conferencia Anual de la Federación EUROPARC. "40 años trabajando para la Naturaleza" será el lema de este encuentro que tendrá lugar en el Parque Nacional de Hortobágy (Hungría) donde se celebrará el 40 cumpleaños de ambos organismos. La ocasión servirá para seguir explorando métodos prácticos para la gestión integrada y sostenible de las áreas protegidas.

Este parque, el primero de Hungría, ha sido inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial en 1999 y es el área de protección natural más extensa de Europa, con enormes pastizales naturales, Abarca 2.300 kilómetros cuadrados y aúna el aspecto faunístico y las sociedades pastizales, proporcionando una buena experiencia de interacción. El lugar, en el este del país, es una vasta extensión de llanuras y pantanos, donde durante más de dos mil años, el ser humano ha mantenido el uso tradicional de la tierra para el aprovechamiento ganadero.

Fotogenio 2013

22/05/2013, La séptima edición de Fotogenio, el mayor encuentro de fotografía de España para aficionados y profesionales de la imagen, se celebrará del 31 de mayo al 2 de junio en Mazarrón.

Mazarrón, Murcia, 22 de mayo de 2013
Fotogenio 2013 contará con una zona de exhibición de más de 5.000 m2, donde se desarrollarán diversas actividades, entre las que se incluye un programa de conferencias diarias impartidas por figuras de la fotografía como Chema Madoz, Gervasio Sánchez, Antonin Kratochvil, Outomuro y VuThéara Kham.

Esta séptima edición contará también con un área comercial de expositores, donde los asistentes encontrarán todas las novedades dentro del mundo de la imagen, conferencias en el área comercial, actividades exteriores, concursos y otras propuestas.

El principal objetivo de Fotogenio, desde que empezó a celebrarse en el año 2006, es enriquecer el conocimiento de la población sobre la fotografía y el vídeo, no solo como una expresión artística o profesional, sino también como una actividad lúdica accesible a todo el mundo, y que se puede disfrutar en comunidad tanto por profesionales como por aficionados.

Este año es posible acceder a descuentos para la inscripción y actividades. El precio de la entrada para los 3 días es de 40¤ y 25¤ para cada día.

Más información en: http://www.fotogenio.net

El dibujo en el antiguo Egipto

21/05/2013, Una de las muestras del museo del Louvre, hasta el 22 de julio, versa sobre un tema relativamente poco examinado: el “arte” del dibujo en el antiguo Egipto.

París, 21 de mayo de 2013
Este asunto no suele ser motivo de exposiciones en centros de arte, especialmente por una razón filosófica. Ni los egiptólogos ni los historiadores del arte le han prestado atención especial a esta actividad de la era de los faraones. No se suele atribuir una autoría ni una calidad artística al trabajo manual de estas realizaciones que tienen milenios de antigíedad. Hay admiración por esos dibujos… pero no se habla de artistas.

Con una serie de grandes prestamos -80 obras- de se revisa este conjunto a la luz de la definición del dibujo dada por Giorgio Vasari como "el padre de nuestras tres artes, la arquitectura, la escultura y la pintura", ilustrándolo en las evidencias arqueológicas reunidas en el museo.

El dibujo es, de hecho, un componente esencial del arte en el antiguo Egipto, y punto arranque en el desarrollo de otras técnicas artísticas como la pintura, relieve, las artes decorativas y la arquitectura. El dibujo se considera aquí como “el arte de contorno”. Diseñadores y pintores suelen ser designados como "escribas de los contornos" o "los que trazan las formas."

La exposición, de unas 200 obras, busca explorar la complejidad del arte egipcio, con sus convenciones, técnicas, prácticas, funciones y usos.

Mediante la exploración de los vínculos estrechos entre la escritura y el dibujo en el antiguo Egipto se puede analizar la compleja naturaleza de la creación y las características de esta civilización que creó estas obras, y que ocupa un lugar importante en la historia del arte mundial.

Los egipcios siempre dieron importancia a las formas y figuras llenas o no colores sólidos. Pero su función no es la misma que en la cultura actual. Siempre hubo un vínculo especial entre la escritura y el dibujo egipcio. Una prueba de la relación de la escritura y el dibujo está en el ámbito lingíístico: los egipcios tenían un mismo término –el verbo "Sesh"- para significar dibujar, escribir y pintar.

Es comisario de la exposición: Lanoл Guillemette Andreu, director del Departamento de Antigíedades egipcias del Louvre..

Si al oso de Pirineos

21/05/2013, Organizaciones de Francia y España han puesto en marcha una campaña de recogida de firmas para presionar a los gobiernos en defensa del oso de la cordillera pirenaica.

Oviedo, 21 de mayo de 2013
Los Pirineos, forman una cordillera en el norte de la Península Ibérica, sobre los territorios de España y Francia, ocupando una franja de más de 400 kilómetros de extensión y hasta 150 de anchura, entre el Mediterráneo y el mar Cantábrico.

En ese amplio espacio, antes abundante en osos, sólo queda una veintena de estos, lo que no es suficiente para permitir la conservación de la especie.

Según informa FAPAS, Fondo para la Protección de Animales Salvajes, ninguno de los dos núcleos actuales es viable. El del Pirineo central es insuficiente, a pesar de las sueltas. Y el del Pirineo occidental, compuesto por sólo dos machos, está al borde de la extinción.

La supervivencia del oso en los Pirineos exige de ahora en adelante una política voluntariosa y ambiciosa y las organizaciones firmantes solicitan a los gobiernos una acción contundente y duradera para la recuperación de una población de osos viable en los Pirineos, a través de planes de conservación y de recuperación de la especie, concertados y armonizados.

Estos planes deben incluir:

• El reforzamiento inmediato de ambos núcleos de la población de osos.
• Una mejor protección jurídica del oso pardo en Francia y en España.
• Una mejor protección de su hábitat en Francia y en España.
• Una política voluntariosa de valorización de este patrimonio natural excepcional a favor de los habitantes.
• Medidas eficaces que favorezcan la cohabitación, prevención y compensación de daños a la ganadería pirenaica.

El colectivo firmante está compuesto de 29 asociaciones, de ellas 19 francesas y 10 españolas:

Por parte de España: Acció Natura, ADENA -WWF España, Amigos de la Tierra Aragón, Asociación naturalista de Aragón (ANSAR), (DEPANA) Lliga per a la Defensa del Patrimoni Natural, Ecologistas en Acción Aragón, Fondo natural, Fondo para la Protección de los Animales Salvajes (FAPAS), Fundación para la Conservación del quebrantahuesos (FCQ), GURELUR (Fondo Navarro para la Protección del Medio Natural.

Por parte de Francia: Altaïr Nature, Animal Cross, Association Pyrénéenne des Accompagnateurs en Montagne du département Pyrénées-Orientales (APAM 66), Association Nature Comminges (ANC), Comité Ecologique Ariégeois (CEA), Conseil International Associatif pour la Protection des Pyrénées (CIAPP), FERUS (Groupe Loup France/ARTUS), Fonds d'Intervention Eco-Pastoral – Groupe Ours Pyrénées (FIEP), France Nature Environnement (FNE), France Nature Environnement Hautes Pyrénées (FNE 65), France Nature Environnement Midi-Pyrénées (FNE Midi-Pyrénées), Mille Traces, Nature Midi-Pyrénées, Nature Midi-Pyrénées comité local Hautes-Pyrénées, Pays de l'Ours-ADET (Association pour le Développement Durable des Pyrénées), Société d'Etude de Protection et d'Aménagement de la Nature dans le Sud Ouest - Pyrénées-Atlantiques (SEPANSO 64), Société Française pour l'Etude et la Protection des Mammifères (SFEPM), Sours, WWF France.

Se puede firmar la petición (en castellano o en francés) en internet en: http://www.avaaz.org/es/petition/Petition_Ours_Pyrenees_Peticion_oso_Pirineos/

Crece el negocio turístico mundial

21/05/2013, Tailandia (+25%) e India (+22%) fueron los países en los que más creció el negocio turístico en 2012, año en el que el la actividad económica del sector creció una media del 4 por ciento en el mundo.

Madrid, 21 de mayo de 2013
La Organización mundial del Turismo (OMT) ha dado los datos económicos del año pasado, en el que los grandes países receptores de turismo han seguido siendo Estados Unidos, España y Francia, por este orden, y en el que se aprecia una buena coyuntura en América y una difícil situación en Oriente Medio.

Los ingresos derivados del turismo internacional en destinos de todo el mundo crecieron un 4% en 2012 hasta alcanzar la cifra de 1,075 billones de dólares de los EE.UU. Este crecimiento es igual al incremento de las llegadas de turistas internacionales, que alcanzaron la cifra de 1.035 millones en 2012. Otros 219.000 millones de dólares en ingresos derivados del transporte internacional de pasajeros elevaron el valor total de las exportaciones generadas por el turismo internacional en 2012 a 1,3 billones de dólares.

Según el último Barómetro OMT del Turismo Mundial, los ingresos por turismo internacional batieron un nuevo récord en 2012, llegando a aproximadamente 1,075 billones de dólares (837.000 millones de euros) en todo el mundo, un 4% más en términos reales, partiendo de 1,042 billones de dólares (749.000 millones de euros) en 2012.

El secretario General de la OMT, Taleb Rifai afirmó que “teniendo en cuenta que el turismo es una exportación clave para muchas economías del mundo, este resultado es una buena noticia, ya que proporciona reservas de divisas a los destinos y contribuye a la creación de empleo tanto en el turismo como en sectores económicos afines”.

Por regiones, el conjunto de las Américas (+7%) registró el mayor incremento de los ingresos, seguida de Asia y el Pacífico (+6%), África (+5%) y Europa (2%). Los ingresos en Oriente Medio mantuvieron el signo negativo (-2%), si bien se observó una mejoría gradual en comparación con el declive registrado en 2011.

En valores absolutos, Europa obtuvo 457.000 millones de dólares en ingresos turísticos (356.000 millones de euros), equivalentes al 43% de los ingresos totales por turismo del mundo, siendo esta la mayor cuota por región. Los destinos de Asia y el Pacífico (323.000 millones de dólares o 251.000 millones de euros) se llevan al 30% de los ingresos por turismo internacional, y las Américas (215.000 millones de dólares o 167.000 millones de euros) el 20%. En Oriente Medio (con una cuota del 4%), los ingresos turísticos totales alcanzaron los 47.000 millones de dólares (36.000 millones de euros) y en África (con una cuota del 3%) se registraron 34.000 millones de dólares (26.000 millones de euros).

A excepción de los ingresos por turismo internacional (la partida «viajes» de la balanza de pagos), el turismo genera también ingresos por exportaciones a través del transporte internacional de pasajeros. Este último concepto ascendió según los cálculos a 219.000 millones de dólares en 2012, con lo cual el total de ingresos generados por el turismo internacional alcanzaría los 1,3 billones de dólares, un promedio de 3.500 millones de dólares al día.

El turismo internacional (viajes y transporte de pasajeros) representa el 30% de las exportaciones mundiales de servicios y el 6% de las exportaciones globales de bienes y servicios. Como categoría de exportación, a escala mundial, el turismo ocupa el quinto puesto, después de los combustibles, los productos químicos, los productos alimentarios y la automoción, aunque son muchos los países en desarrollo en los que se sitúa a la cabeza.

Crecimiento saludable en destinos de economías avanzadas y emergentes.

La clasificación de los diez principales destinos en términos de ingresos prácticamente no registró cambios en 2012, siendo los primeros los Estados Unidos, España, Francia, China e Italia, seguidos de Macao (China), Alemania, el Reino Unido, Hong Kong (China) y Australia.

Algunos de los destinos turísticos más maduros del mundo que figuran entre los diez primeros en términos de ingresos obtuvieron resultados notables: los Estados Unidos (+11%), Francia (+7%), Alemania (+6%), el Reino Unido (+5%) y Hong Kong (China), (+14%). Otros destinos de economías avanzadas con índices de crecimiento por encima del 10% fueron Suecia (+17%), Japón (+33%), la República de Corea (+14%) y Finlandia (+16%).

Entre los destinos de economías emergentes, los que registraron un mayor crecimiento fueron Tailandia (+25%), India (+22%), Polonia (+13%), Sudáfrica (+18%), Egipto (+14%), Vietnam (+18%) y Ucrania (+13%).

La conquista del Everest

20/05/2013, Editorial Blume presenta un libro conmemorativo del sesenta aniversario de la primera ascensión al Everest con fotografías originales de este viaje legendario.

Londres, 20 de mayo de 2013
La fascinaciףn por el Everest llevף, el 29 de mayo de 1953, a Edmund Hillary y Tenzing Norgay a plantarse en su cima. Ellos fueron los primeros en completar la ascensiףn a la mבs majestuosa de las montaסas, localizada en el Himalaya, y con una altura de 8848 metros sobre el nivel del mar.

Anteriormente, el 8 de junio de 1924, los montaסeros britבnicos George Mallory y Andrew Irvine habםan intentado la ascensiףn a esta gran montaסa que marca la frontera de China y el Nepal, una aventura de la que ninguno regresף con vida.

La publicaciףn que ahora presenta la Editorial Blume recoge la crףnica de la historia desde su interior y capta el drama de la expediciףn asם como de la personalidad de sus participantes. Ademבs, supone un autיntico tesoro fotogrבfico y un fantבstico acceso a los archivos privados de George Lowe, fotףgrafo de la expediciףn.

Una verdadera experiencia relatada a travיs de impresionantes paisajes, retratos y escenas de acciףn que ilustran los momentos decisivos de esta expediciףn histףrica. Asimismo, se incluye una narraciףn del extraordinario viaje desde el punto de vista de Lowe, desde su primer encuentro con Hillary y sus primeras aventuras juntos hasta las vicisitudes de la propia ascensiףn, tanto de la escalada como de la fotografםa, y el modo en que influyeron en sus vidas.

Sobre los autores del libro:
George Lowe es explorador, montaסero, fotףgrafo y realizador cinematogrבfico. Nacido en Nueva Zelanda, fue un destacado escalador en grandes altitudes en la expediciףn britבnica al Everest de 1953, en la que su mejor amigo, Edmund Hillary, y el sherpa Tenzing Norgay se convirtieron en los primeros en hacer cumbre en el pico mבs alto del mundo. Ademבs de tomar fotografםas en todo el viaje, Lowe dirigiף el documental nominado para los ׃scar La conquista del Everest y, al aסo siguiente, acompaסף de nuevo a Hillary en el Himalaya. Fue el fotףgrafo oficial de la Expediciףn Transantבrtica de la Commonwealth que, entre 1955 y 1958, no solo atravesף la Antבrtida sino que fue la primera en llegar al polo Sur por vםa terrestre desde que lo hiciera el capitבn Scott en 1912. En los aסos siguientes trabajף como maestro en Chile e Inglaterra, y fue fundador y primer presidente del Himalayan Trust UK.

Huw Lewis-Jones es historiador de exploraciones, doctor por la Universidad de Cambridge. Fue conservador del Scott Polar Research Institute y del National Maritime Museum. En la actualidad se dedica a escribir y ha obtenido diversos premios. Asimismo, da conferencias sobre aventuras y artes visuales. Escalף el Himalaya cuando era estudiante en Cambridge. Entre sus libros se encuentran Arctic, Ocean Portraits, In Search of the South Pole y Mountain Heroes, que ganף el premio Libro de aventuras del aסo del ITB World, Alemania.

Peces raya y turismo interactivo

20/05/2013, Un estudio reciente demuestra que el tan de moda turismo interactivo provoca un gran impacto negativo en la vida salvaje marina.

Islas Caimán, 20 de mayo de 2013
Ofrecer un trozo de comida a un animal cautivo es un pequeño gesto que puede provocar grandes cambios en sus hábitos. Científicos del Instituto de Investigación Guy Harvey de la Universidad Nova Southeastern de Hollywood y de la Universidad de Rhode Island (EEUU) han comparado el comportamiento de peces raya salvajes con los que habitan en la Stingray City Sandbar, unos bancos de arena de las Islas Caimán (UK) que reciben más de un millón de visitantes al año para nadar entre peces raya.

Los resultados de esta investigación de dos años, han concluido que las rayas de las Islas Caimán muestran costumbres diferentes a las naturales de su especie debido a la interactuación con los turistas. Estas variaciones se pueden observar en su biorritmo, en el modo de buscar comida y en el apareamiento. Las rayas habitan en aguas poco profundas cerca siempre de la costa y en zonas de clima templado. Se alimentan de noche y raramente se cruzan en el camino de otros ejemplares. El reciente estudio muestra que las rayas alimentadas por turistas comen de día, descansan de noche y llegan a atacarse entre ellas. Incluso la época de apareamiento ha variado, prolongándose durante todo el año.

Entre las actividades que se ofrecen a los turistas está incluso permitido montar encima de estos peces. Este acercamiento ha hecho que las rayas no se preocupen en buscar comida, ya que esperan recibirla de los seres humanos. El hecho es que este tipo de turismo tiene como consecuencia que los animales pierdan, por muy paradójico que suene, su instinto animal, algo que puede poner en riesgo la supervicencia de la especie.

Fuente de la información: Turismo Responsable con los animales - FAADA

El grabador del Camino de Santiago

18/05/2013, José Holguera (León, 1965) ha iniciado la publicación de una gran serie de reproducciones sobre el Camino de Santiago, con la carpeta dedicada a Navarra, en la que incluye imágenes de Saint Jean Pied de Port a Viana.

León, 18 de mayo de 2013
Monumentos, detalles de arquitectura popular y paisajes quedan eternizados en esta gran labor, que ha estado precedida de un detenido recorrido de los lugares, en los que el grabador quiere encontrar –según sus propias palabras- “el alma del Camino”

José Holguera siempre amó el dibujo. A los siete años le dieron su primer diploma en el concurso de dibujo de su colegio. Ya muy joven comenzó a trabajar en una planta química, pero simultaneó su actividad laboral con estudios de Delineación e Ingeniería.

Guiado por su amor a la expresión pictórica, trabajó primero la pintura (carboncillo, óleo y pastel) pero posteriormente acabó centrándose en el grabado, para lo cual instaló su propio taller en el casco antiguo de la ciudad de León.

Durante cierto tiempo realizó numerosas obras que no comercializó, hasta que el propietario de una destacada galería de arte salmantina, tras descubrir sus trabajos, le hizo un amplio pedido conjunto. Desde entonces, sus obras se han comercializado y él dejó de lado su trabajo en Antibióticos S.A. para centrarse en su tarea artística.

En la actualidad se dedica sólo al grabado, con labores en aguafuerte, aguatinta, punta seca… labores que son admiradas por quienes pasan ante el escaparate de su taller, ubicado en la calle Puerta Moneda, al lado de la iglesia románica del Mercado, lugar por el que indefectiblemente caminan los peregrinos que avanzan a Santiago de Compostela.

Muchos de estos caminantes tienen un acusado sentido artístico. Por su taller han pasado desde directivos del MOMA a familiares de Picasso, que dejan signado su paso en un libro de firmas que tiene abierto para los viajeros. Y muchos le demandan también obras sobre monumentos del Camino.

Tal vez por esto e incluso por la afición peregrina de alguno de sus amigos, como su excompañero laboral Constantino Álvarez, José Holguera se ha ido interesando cada vez más por el Camino, y acabó recorriéndolo de forma detenida y callada. Ahora publica su primera carpeta dedicada a Navarra.

“Mi vivencia como peregrino me ha llevado a grabar este trozo de Camino, de Saint Jean Pied de Port a Viana, en 11 páginas, con 38 planchas (16 de cobre, 15 de zinc y 7 sellos secos) sobre los aspectos arquitectónicos, históricos y naturales que más me llamaron la atención. La obra está realizada totalmente a mano, tanto el grabado (Aguafuerte y Aguatinta) como la estampación, realizada en un tórculo siguiendo modelos calcográficos del siglo XVI”, escribe Holguera en la introducción de la carpeta.

Terminada la tarea sobre Navarra, José Holguera ya trabaja en una carpeta sobre el Camino en La Rioja.

“No tengo prisa –dice- tal vez tarde cinco años en hacer la obra completa”

De momento, para ir financiando la obra completa, Holguera piensa comercializar algunas páginas individualizadas, reservado también otra parte para quienes quieran tener la carpeta entera de cada territorio, e incluso para quienes se interesen por todo el Camino.

http://www.grabadoyestampa.com/

La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny

16/05/2013, El próximo 21 de mayo el Prado inaugurará la gran exposición “La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny”, un recorrido histórico-artístico por las obras de pequeño formato pertenecientes a la colección del Museo.

Madrid, 16 de mayo de 2013

En la muestra se podrán contemplar 280 obras, de finales del siglo II d.C a los umbrales del siglo XX, pertenecientes todas al Museo del Prado, unidas por el formato íntimo del cuadro de gabinete y del boceto preparatorio.

Este conjunto de obras cobra un inédito protagonismo en la exposición gracias a su tamaño, que permite una contemplación más íntima e invita al espectador a adentrarse en la extraordinaria belleza que encierran.

La muestra se inicia con ejemplos del siglo XIV centrados en los oratorios portátiles y las predelas de los cuadros de altar, que también serán las obras representativas del siglo XV junto a los cuadros de devoción, intensos y cercanos de los maestros flamencos, italianos y españoles, o los de asunto mitológico de los frontales de arcas de matrimonio de Italia.

Del siglo XVI se incluyen las obras que son testigo de la aparición del paisaje, de la utilización de materiales nuevos, como los soportes de pizarra o de cobre, y de las copias preciosistas de grandes cuadros importantes destinados a una clientela exquisita.

Al pasar al siglo XVII, la exposición incorpora el retrato, la naturaleza muerta, o las obras seriadas, con ejemplos de Teniers o de Murillo, junto a los bocetos preparatorios, que tienen su estallido genial en Rubens. Finalmente, el siglo XVIII mostrará la importancia del cuadro de gabinete con ejemplos de Watteau, Goya y Paret y cierran la muestra los artistas españoles del siglo XIX como Vicente López o Mariano Fortuny.

Para un mejor análisis por parte del público, la exposición contará con recursos expositivos diferentes a los habituales, con los cuales se podrá disfrutar en detalle de estas pequeñas y exquisitas obras de arte.

Paisajismo. Colección Carmen Thyssen

16/05/2013, El paisaje pictórico clásico de los siglos XIX y XX, es el eje de la muestra que se presenta en CaixaForum de Lleida hasta el 28 de junio.

Lleida, 16 de mayo de 2013
Bajo este complicado título, la Obra Social ”la Caixa” aborda básicamente la evolución del paisajismo catalán, en relación con la evolución estilística moderna europea, a través de un conjunto de 49 obras pertenecientes a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

En el XIX, el romanticismo volvió los ojos del arte y de la literatura al paisaje. Desde entonces, los artistas se han centrado muy a menudo en la belleza o la espectacularidad de los campos, bosques, marinas, así como los panoramas urbanos, tendencia que cobró un vigor extraordinario en el Impresionismo.

A veces, unos artistas exaltan las relaciones de los hombres con la naturaleza; otros, estudian los efectos de la luz, los volúmenes o la geometría… Se han sucedido visiones distintas: paisajes realistas, que retratan minuciosamente el mundo visible, y paisajes de vanguardia, en los que la pintura adquiere autonomía respecto a la realidad de las cosas.

En la muestra que se presente en esta ciudad catalana se puede realizar un recorrido por la historia del paisaje en la pintura catalana y europea: desde el romanticismo de Théodore Rousseau y Lluís Rigalt, hasta los paisajes espectrales de Modest Cuixart, Joan Ponç y Antoni Tàpies, que, en la época de Dau al Set, a través del surrealismo, entroncaron con la tradición romántica.

En medio, el simbolismo de Maximilien Luce y Modest Urgell; el impresionismo y posimpresionismo de Claude Monet y Paul Gauguin, Joaquim Mir y Santiago Rusiñol; el retorno al orden de André Derain, Matisse y Pierre Bonnard, de Joaquim Sunyer, Rafael Benet y Josep de Togores; y la visión vanguardista de Georges Braque y Joaquín Torres-García.

Tal variedad de soluciones plásticas evidencia que el paisaje, lejos de una simple imitación del entorno natural, es una construcción cultural acorde con la estética, los anhelos y las ideologías de cada época.

La exposición pretende poner de relieve los contactos entre la pintura catalana y las grandes tendencias del arte de su tiempo, y muestra la estrecha relación que siempre han mantenido, desde los primeros viajes de Martí i Alsina a París, en la década de 1850, hasta el éxito internacional de Miró o Clavé. Es comisario de la misma Juan Ángel López-Manzanares, conservador de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

Ópera de Sidney, 40 años

15/05/2013, Se cumple en 2013 el 40 aniversario de un edificio que ha revolucionado la imagen y el atractivo de Sidney, Australia, y que fue un revulsivo en la arquitectura de su tiempo: la ópera.

Sidney, 15 de mayo de 2013
La ópera de Sidney es una de las obras arquitectónicas más importantes del siglo XX y desde 2007 está incluida en la Lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO. Su edificio es todo un compendio de múltiples corrientes creativas e innovación.

Jørn Utzon (1918 - 2008) es el autor. Este arquitecto danés siempre estudió a fondo la integración de sus edificios con el paisaje. Así, la ópera, ubicada en un paisaje marítimo excepcional, al extremo de una península que se adentra en el puerto de Sidney, semeja una inmensa escultura urbana, un cuadro cubista que nos recuerda la velas hinchadas por el viendo de una flotilla de embarcaciones.

Esta grandiosa escultura urbana ha ejercido una influencia indudable en la historia de la arquitectura.

El edificio está compuesto por tres grupos de “valvas” abovedadas y entrelazadas que albergan las dos salas principales de espectáculos y conciertos, así como un restaurante. Esta estructura en forma de valvas se asienta en una vasta plataforma, rodeada de amplias terrazas, que cumplen la función de paseos peatonales.

Para hacer la ópera de Sidney se convocó un concurso en 1956 y el jurado internacional adjudicó la obra al arquitecto danés Jørn Utzon, subyugado por el planteamiento rupturista. Esta obra sería la que daría una fama universal al autor, que tiene obra también en lugares tan diversos como Irán o España, además de la propia Dinamarca, donde nació. Utzon fue el ganador del Premio Pritzker en 2003.

El proyecto de Sidney resultó un desafío. El Concurso despertó interés mundial y el gobierno de Nueva Gales del Sur se arriesgó al desechar otros trabajos para aceptar poco más que un boceo de un autor poco conocido, que aventuraba una incierta realización, por los problemas estructurales que planteaba la construcción.

La edificación se hizo en tres etapas. El podio se acabó en 1961, las bóvedas aconchadas en 1967, y las paredes de vidrio y el interior en 1973. La inauguración oficial sería en octubre de aquel año.

Hubo problemas de opinión pública tras la adjudicación, la obra elegida era poco más que un boceto, y no aportaba consultoría alguna de ingeniería. El Gobierno de Nueva Gales del Sur también se enfrentó a la presión de la opinión pública, que quería un arquitecto australiano... Hoy el edificio es imagen de Sídney y de la propia Australia, un foco de cultura y turismo y un orgullo del país.

Destruyen una pirámide maya

15/05/2013, En pleno siglo XXI, una nueva barbaridad asombra a las gentes sensibles: la destrucción de una pirámide maya para obtener áridos y construir caminos.

Belice, 15 de mayo de 2013
El hecho ocurrió en Belice, el pequeño estado limítrofe con México y Guatemala, que perteneció al área maya. En el norte del país, lindando con México existe un yacimiento denominado Nohmul donde había una gran pirámide de más de 2300 años de antigíedad, que acaba de ser prácticamente destruida por la maquinaria de una empresa de construcción, que decidió emplear los materiales en la construcción viaria.

La destrucción fue detectada por el propio director del Instituto de Arqueología de Belice, Jaime Awe, que pudo obtener imágenes gráficas del desastre, cuando ya sólo quedaba en pie una parte del centro de la pirámide maya.

Fue un golpe horrendo dijo este responsable cultural, conmocionado por el descubrimiento de esta destrucción, quien calificó la acción como fruto de la ignorancia y falta de sensibilidad. Asimismo, anunció que el Instituto de Arqueología está preparando un informe, que será presentado a la policía para su investigación y el enjuiciamiento correspondiente.

La pirámide tenía unos 30 metros de alto y se alzaba en un entorno relativamente llano. Los responsables de la destrucción argumentaron que creían que era una colina natural, algo que queda absolutamente descartado sólo con observar las hiladas regulares de las piedras del monumento.

En declaraciones a 7NewsBelize.com, Jaime Awe declaró que cuando acudió al lugar del desastre esperaba encontrar algo salvable, pero no hay esperanzas. “Lamento tener que decir esto, pero creo que el 80 por ciento o más de este edificio está destruido; simplemente no hay manera o ninguna esperanza de que podamos intentar cualquier tipo de preservación de este. Lo único que queda ahora es ver la última parte derrumbarse con la llegada de la temporada de lluvias, y de ir allí y tratar de salvar las piezas que quedan dispersas por todo el lugar”.

El medio beliceño decía en su web que D-Mars, la compañía, que estuvo extrayendo áridos de relleno para los caminos en este centro arqueológico parece que se ha retirado de la zona.

La ley del país protege por sistema los vestigios prehispánicos… pero el salvajismo, la ambición y la incultura no.

Del mar… el mero

14/05/2013, La Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) ha publicado un estudio en el que informa que la presión sobre algunas especies de mero está causando la extinción de las mismas.

Gland, Suiza, 14 de mayo de 2013
La Comisión de Supervivencia de Especies de la Naturaleza, de la UICN, alude a que son al menos un 12 por ciento de las especies de mero las que están en peligro, pero el porcentaje global de meros amenazado podría ser mayor ya que no hay datos suficientes para el 30 por ciento de las especies.

Se denominan meros a varios grupos de peces de cuerpo robusto, gruesa cabeza y fuertes mandíbulas, habituales en zonas rocosas de aguas templadas y cálidas, y muy apreciados para el consumo.

El estudio apunta a la pesca excesiva y el gran crecimiento del comercio internacional de pescados y mariscos de lujo como las principales amenazas para la supervivencia de algunas especies, y para los medios de vida de las personas que dependen de ellas para su alimentación e ingresos.

"La situación en algunas pesquerías de mero es alarmante" afirma Yvonne Sadovy, del grupo de especialistas que está estudiando el tema, quien afirma que la capacidad natural para reproducirse no es suficiente para sostener la creciente demanda. El comercio internacional en rápido crecimiento está reduciendo gravemente sus poblaciones.

Según el informe de IUCN, más de 300.000 toneladas de meros - 90 millones de ejemplares - fueron capturados a nivel mundial en 2009, sobre todo en Asia, donde son especialmente codiciados para el comercio de restaurante de lujo. Los meros son la base del pescado vivo de arrecife centrado en Hong Kong y en crecimiento en la China continental, donde los consumidores están dispuestos a pagar hasta más de 200 dólares por kilogramo de la especie. También son peces muy apreciados en países en desarrollo como Indonesia y Filipinas, donde la presión para exportar peces de arrecife está creciendo, según los autores.

Estos peces, además, son muy vulnerables por la pesca debido a su longevidad, maduración sexual tardía y el hecho de que se agrupan en grandes grupos de apareamiento en los conocidos “sitios de desove”.

Pocas pesquerías de mero son monitoreados regularmente y la mayoría están en declive. En el Caribe, el mero de Nassau (Epinephelus striatus), que comúnmente se pescó durante sus períodos de reunión ha sido casi eliminado. De las varias docenas bien documentadas de criaderos, sólo dos continúan con gran número de ejemplares, aunque también en declive.

En el sudeste de Asia y el Pacífico, varias especies se consideran amenazadas por el comercio internacional, incluyendo el mero troncón (Plectropomus areolatus), también capturado en sus sitios de desove.

El informe aboga por un mayor y mejor control de la gestión de los países de origen, dando prioridad a las consideraciones de la seguridad alimentaria local, así como un urgente seguimiento y control del comercio internacional, a fin de permitir la reducción de las amenazas a estas especies.

Yacimiento islámico de San Esteban

14/05/2013, El yacimiento de San Esteban, un barrio islámico del siglo XII y XIII, en la ciudad de Murcia, está en una deficiente situación de conservación según denuncia la asociación que defiende su puesta en valor.

Murcia, 14 de mayo de 2013
Según la Asociación Amigos del Yacimiento de San Esteban, la zona arqueológica es única por su extensión y tipos de viviendas que la forman, así como por sus edificios públicos, como mezquita, necrópolis, baños, hornos, etc.

Este enclave arqueológico está en el antiguo arrabal de la Arrixaca y ocupa más de 10.000 metros cuadrados, con un conjunto de elementos que dan claves de la vida medieval en una zona urbana islámica de la Península Ibérica.

Se trata de “un barrio islámico (…) cuyo valor es reconocido en la España con pasado musulmán (…) donde las viviendas, las calles y su primitivo aparato urbano se conservan de un modo legible y comprensible, siendo una auténtica aportación al urbanismo islámico medieval de Murcia, pero también de toda España y al resto del mundo”, sostiene la asociación defensora del enclave, ubicado en una zona céntrica de la ciudad murciana, que en la Edad Media fue un centro floreciente, e incluso cabeza de un estado islámico.

La Asociación Amigos del Yacimiento de San Esteban ha denunciado el deficiente estado de conservación del yacimiento en un video, en el que se puede observar acumulación de basura, desprendimientos de paredes de sus edificios y deficiente estado de la valla protectora.

Enlace al video: http://www.youtube.com/watch?v=IDl0nBgGggY&feature=youtu.be

De turismo en Padua

13/05/2013, Padua es una ciudad con arte e historia, una ciudad activa, propicia para hacer turismo, gozando de sus monumentos, en los que hay obra muy importante de artistas como Giotto o Donatello.

Padua, 13 de mayo de 2013
La ciudad tiene mucha tradición cultural. Por su prestigiosa universidad pasaron gentes como Dante, Petrarca, Galileo, Copérnico, san Juan Nepomucemo, William Harvey o Vesalio; en La ciudad trabajaron artistas como Giotto, Donatello o Tiziano y en ella nació el filósofo Marsilio de Padua, un extraordinario adelantado en materia de teoría del Estado.

Por su posesión lucharon los romanos, Bizancio, los longobardos, Venecia, Austria...

Y es la ciudad de San Antonio de Padua, a cuya memoria se dedica una espectacular basílica del siglo XIII y un convento con cuatro bellos claustros, donde se puede contemplar un excelente arte Románico, Gótico y un altar Mayor con grandes trabajos de Donatello.

Cerca de la basílica, preside la vida urbana otra gran estatua de Donatello, dedicada al condottiero Erasmo de Narni, conocido como Gattamelata, quien dominó en algún momento del siglo XV la ciudad.

Guiarte.com te conduce a este lugar de italia, muy cercano a otras dos extraordinarias ciudades: Venecia y Verona.

Guia de Padua

Lecturas del Averno

13/05/2013, En la Casa del Lector de Madrid se puede disfrutar de una muestra de carácter documental sobre las distintas representaciones explicativas del infierno clásico.

Madrid, 13 de mayo de 2013
Esta selección de representaciones explicativas del Infierno están construídas desde la última modernidad en adelante, a partir de la hibridación de los legados intelectuales del mundo grecolatino y del Cristianismo.

Exceptuando unas pocas obras pertenecientes al siglo XIX, las reproducciones son representaciones contemporáneas basadas en el Infierno arquetípico occidental que primero Dante (La divina comedia 1304-1321) y luego John Milton (El paraíso perdido, 1667) construyeron con la ayuda de la Biblia.

Los contenidos han sido seleccionados por su carácter cartográfico; por su condición de intento representacional de una idea tan abstracta y metafísica como viene a ser el Infierno.

El objetivo es mostrar al espectador la profundidad representacional del Inframundo, que nos remite indefectiblemente a las gravísimas cuestiones filosóficas que siempre nos han acompañado en el camino, y que nos habla de nuestro presente y pasado, y de la necesidad de fomentar un pensamiento mínimamente crítico respecto a nosotros mismos como individuos y colectividad y respecto a las grandes cuestiones del Ser Humano.

Lecturas del Averno
Casa del Lector
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 10
28045 Madrid

Arte y literatura: Los habladores

12/05/2013, Inspirados por libros, escritores y textos y tomando como escenario una biblioteca, la Luis Ángel Arango de Bogotá, 17 artistas reinterpretan como obras de arte algunas de las famosas historias de la literatura.

Bogotá, 12 de mayo de 2013
En “Los habladores: narrativas en el arte contemporáneo internacional”, una curaduría de Selene Wendt en colaboración con Gerardo Mosquera, los poemas de Neruda y Arthur Rimbaud, así como los laberintos de Jorge Luis Borges y Octavio Paz, las ciudades de Italo Calvino, los héroes de James Joyce y el realismo mágico de García Márquez, entre otras historias, adquieren forma en instalaciones, esculturas, fotografías, películas, pinturas y dibujos que desde una perspectiva plástica las reinterpretan.

La exposición está organizada por el Banco de la República con el apoyo de Fritt Ord Foundation, Norsk Kulturfond y Ministerio de Relaciones Internacionales de Noruega. Abierta del 16 de mayo al 15 de julio

En El hablador, el mítico y mágico relato de Mario Vargas Llosa que inspiró el nombre de esta exposición, dos narradores, uno que es el propio escritor y otro, un contador de historias itinerante, relatan desde la perspectiva particular de cada uno mitos tradicionales de los indígenas machiguengas del Perú. Así, igual que sucede con varias de las obras de esta exposición, dos “habladores” -escritor y artista- narran a su modo particular una misma historia o, en algunos casos, la reinterpretan de una manera totalmente diferente.

“Lo que define a una gran historia es que pueda contarse una y otra vez sin perder nunca su poder. Todos conocemos el placer de tomar un libro de la estantería para releerlo años, y hasta décadas, más tarde. En cada lectura nueva de un libro atesorado, el lector encuentra sus recompensas. La experiencia de volver a leer un libro marca un retorno al pasado y la búsqueda de un nuevo significado”, explica Selene Wendt.

Si bien las 21 obras que se exhiben como parte de Los habladores están inspiradas por la literatura o por textos tan reconocidos como El manifiesto comunista o El paraíso en el nuevo mundo, una crónica sobre los conquistadores en América escrita en el siglo XVII, no se trata de interpretaciones literales ni de ejercicios ilustrativos, sino de relatos autónomos que se cruzan, superponen, subyacen o dialogan con las historias escritas. “Algunas de las obras evolucionan desde viajes personales, otras son más analíticas o teóricas en su enfoque, pero todas cuentan historias que son a la vez personales y universales”, afirma la curadora.

Así, por ejemplo, Nina Yuen hace una referencia directa a El barco ebrio, uno de los más famosos poemas de Arthur Rimbaud y ejemplo perfecto de su estilo, para crear un video en el cual ella –de un modo un tanto infantil- actúa, se disfraza y evoca versos del poema. La narrativa de Rimbaud, título de la obra, se lee como una breve historia de la ascensión y caída de algunos de los más grandes autores de todos los tiempos: Ralph Ellison, Arthur Rimbaud, Paul Valéry y Herman Melville.

Por su parte, Elida Tessler se vale de una frase de James Joyce, “El hombre y la mujer, el amor, ¿qué son? Un corcho y una botella” y del hecho que fue en Dublín -ciudad que decidió recorrer a partir de los lugares que son descritos por Joyce en Ulises -donde la evocó, para crear una instalación que a partir de esta metáfora sobre el amor y valiendose de más de 4.000 botellas de vino, entreteje palabras del libro con imágenes del río Liffey de Dublín.

Mientras tanto en Migración de Fabio Morais el libro, como objeto y símbolo, sirve para indagar la relación entre las palabras y las imágenes. La obra presenta esculturas de mariposas talladas en libros, una metáfora cautivadora que hace referencia a estos como una fuente inagotable de inspiración y admiración.

Entre los artistas incluidos en Los habladores se encuentran figuras reconocidas como William Kentridge, así como Mónica Bengoa, Ernesto Neto, Monika Bravo, Maria Magdalena Campos-Pons, Cristina Lucas, Rosana Ricalde, Eder Santos, Young-hae Chang, Valeska Soares, el colectivo Eloísa Cartonera y las colombianas Liliana Angulo y Milena Bonilla.

La curadora, Selene Wendt, es historiadora de arte y escritora; actualmente directora del Museo Stenersen de Oslo, Noruega.

Con las Aves Migratorias

11/05/2013, El Día Mundial de las Aves Migratorias es una celebración global destinada a poner de relieve la necesidad de una mayor protección de las aves migratorias y sus hábitats.

Madrid, 11 de mayo de 2013
Esta celebración se realiza desde el año 2006, durante el segundo fin de semana de mayo, promovido por el Secretariado de las Naciones Unidas UNEP/CMS (Convención sobre la conservación de las especies migratorias). En esta edición de 2013 el lema es Creando redes para conservar las aves migratorias.

Para muchos seres humanos, la llegada de las avefrías, las golondrinas o de las cigüeñas tiene un significado, un tiempo, incluso un mito. La vida del hombre –especialmente la de aquellos con sensibilidad hacia la naturaleza- tiene un ritmo que no sólo se marca por las estaciones del año, los días y las lunas… sino por los pájaros.

Las aves migratorias siempre han tenido en torno a ellas un cierto misterio, un misterio que las ciencias y la tecnología van revelando.

Estas aves pueden volar miles de kilómetros cada año. Cruzan fronteras geográficas y políticas. La migración más larga es la del charrán ártico (Sterna paradisaea) que vuela desde el Ártico donde se reproduce en verano a las áreas de invernada de la Antártida. Al cabo del año habrán volado más de 80,000 kilómetros.

Sin embargo, existen preocupaciones acerca de las disminuciones observadas en algunas poblaciones migradoras: como el correlimos cuchareta (Eurynorhynchus pygmeus) cuyas parejas han disminuido de unas 2.800 en 1970 a unas 100 parejas reproductoras en la actualidad.

Las causas de este dramático descenso han sido atribuidas a la pérdida de hábitats de escala a lo largo de las rutas de migración en Asia, que van desde Rusia a Bengala para la invernada. Esta pequeña ave recorría 16.000 kilómetros en su migración de ida y vuelta. Las organizaciones conservacionistas temen que esta especie, con su pico en forma de espátula, y unos 15 centímetros de largo, podría extinguirse en una década.

La pérdida de hábitat, y el cambio de uso de la tierra, la caza y la contaminación son responsables de la disminución de las cifras de población de algunas migratorias. Esta disminución es preocupante ya que las aves son un excelente indicador de la salud del medio ambiente y su desaparición indica que existen problemas ambientales que deben abordarse.

Para tratar sobre este tema, organizaciones como IUCN(Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza) han anunciado que en consonancia con el lema del año, están conectando sus redes/iniciativas con otras organizaciones como el propio Banco Mundial para iniciativas como el apoyo a la salvación del correlimos cuchareta.

En España, SEOBirdLife, recuerda en esta conmemoración los grandes avances de su programa Migra, que en colaboración con otras entidades como Iberdrola y la Fundación Biodiversidad, estás consiguiendo detectar rutas migratorias antes desconocidas. Una de ellas es la de la carraca. Desde 1950 se habían marcado con anillas 4.000 ejemplares y no había habido ninguna recuperación de anilla en África. Ahora, gracias al programa Migra, ha sido posible equipar con emisores satélite a cuatro carracas y conocer al detalle su viaje completo desde España hasta el sur de África. Lo mismo se está consiguiendo como otras especies, como el carricero tordal (cerca de 30.000 aves marcadas desde 1950 hasta la actualidad y con sólo cuatro recuperaciones en África), abejero europeo, autillo, etc.

El día 9 de mayo, como inicio de la celebración del Día Mundial de las Aves Migratorias, quedó marcado con un emisor GSM un ejemplar de milano real. El milano real es endémico de Europa y su área de distribución queda constituida por 20 países. Alemania, España, Francia, Reino Unido, Suecia y Suiza acogen más del 90% de la población mundial, que se ha estimado en 21.000-25.000 parejas. Está creciendo su presencia en Europa central y nórdica, pero desciende rápidamente en Europa Sur.

SEOBirdLIfe señala que se está comprobando cómo muchas especies han ido cambiando su comportamiento migrador y parte de la población de algunas de ellas acorta sus movimientos. Por ello, también es importante conocer cuanto antes el comportamiento migrador de cada especie, pues sin esa información se perderá el registro de lo que ha existido y no se dispondrá de la información básica para comprender la evolución de su biología.

Viena es Música, este verano

10/05/2013, Viena sigue siendo una ciudad de atractivo musical, y en este verano los viajeros podrán disfrutar de la música en sus diversas modalidades.

Viena 10 de mayo de 2013
La tradición musical vienesa es inmensa, desde el siglo XVI, apoyada por el poder de los Habsburgo y el florecimiento de la artes (especialmente el opulento Barroco). El nombre de Viena está asociado a gentes como Mozart, Schubert, los Strauss…

La oficina de Turismo de Austria nos recuerda ahora que este verano los viajeros tienen oportunidad de gozar de la música clásica, ópera, pop, jazz o danza contemporánea. Muchos eventos se realizarán con entrada gratuita.

El Palacio de Schцnbrunn y sus jardines barrocos forman el impresionante decorado del Concierto de una noche de verano de la Orquesta Filarmónica de Viena (Wiener Philharmoniker) que se celebrará el 30 de mayo.

La actual edición de este concierto gratuito al aire libre se centrará en la música de Guiseppe Verdi y Richard Wagner. Lorin Maazel dirigirá la orquesta seguramente más famosa del planeta sobre un escenario erigido delante de la Fuente de Neptuno.

El programa del Jazz Fest Wien reúne música de jazz, blues, soul, worldmusic y downbeat desde el diecisiete de junio al diez de julio. Los momentos culminantes del festival son las actuaciones de Helge Schneider y sus invitados (27/6.), la cantante noruega Rebekka Bakken (4/7) y la del guitarrista norteamericano George Benson (6/7).

Lo que en 1983 empezó siendo una pequeña fiesta cultural familiar, se ha convertido en el mayor festival gratuito al aire libre de Europa, con más de tres millones de espectadores. La Fiesta de la Isla del Danubio celebra en 2013 su trigésima edición y ofrece un denso programa entre los días 21 y 23 de junio, en el que destacan, entre otros, los cantantes de austro-pop Wolfgang Ambros y Reinhard Fendrich, el icono de la música electro house Mike Candys y la brasileña Djane Joyce Muniz.

Igualmente gratuito es el Festival de cine musical que tiene lugar ante el Ayuntamiento de Viena. Todos los días, del 29 de julio al 1 de septiembre, se proyectan tras el ocaso famosas filmaciones de conciertos, óperas y ballets en una pantalla gigante al aire libre.

Obligatoria para cualquier amante de la ópera es la representación de la ópera de Verdi Attila en el Theater an der Wien. El estreno tiene lugar el día 7de julio. La obra se canta en italiano (con subtítulos en alemán) bajo la dirección de Riccardo Frizza.

Al igual que la Fiesta de la Isla del Danubio, también el festival internacional de danza y performance ImPulsTanz celebra este verano su trigésimo aniversario. Del 11 de julio al 11 de agosto actuarán en Viena, entre otros muchos, el filósofo de la danza Jérфme Bel, la canadiense Marie Chouinard y su compañía y la pionera belga Anne Teresa de Keersmaeker.

Para los que quieran disfrutar de la joven generación pop vienesa, se recomienda la Popfest. Del 25 al 28 de julio se realizan actuaciones gratuitas al aire libre en el escenario de la Karlsplatz.

Para ampliar la información sobre estas manifestaciones musicales

www.wienerphilharmoniker.at

www.sommernachtskonzert.at

www.viennajazz.org

www.donauinselfest.at

www.wien-event.at

www.theater-wien.at

www.impulstanz.com

www.popfest.at

Adriana Varejão, en Buenos Aires

10/05/2013, Más de 15.000 personas han visitado ya la exposición de Adriana Varejão “Historias en los márgenes”, que se puede ver en Malba hasta el 10 de junio.

Buenos Aires, 10 de mayo de 2013
Los organizadores de la muestra están satisfechos del éxito de la la muestra, desde su apertura el 8 de abril. Se trata de la primera exposición panorámica de Adriana Varejão, una de las pintoras más importantes de su generación.

Organizada por el Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), la exposición incluye una selección de 40 obras, reunidas por primera vez para esta ocasión. Abarca varios períodos de su carrera, desde los años 90 hasta hoy, con importantes piezas provenientes de colecciones públicas y privadas de Brasil y del exterior, como el MAM San Pablo y la Fundación “la Caixa” de Madrid.

Dirigida por Adriano Pedrosa, la muestra está organizada en forma cronológica y presenta por primera vez en Buenos Aires las series más significativas de su trabajo: Terra incógnita [Tierra incógnita], Proposta para uma catequese [Propuesta para una catequesi, Acadêmicos [Académico, Irezumis, Línguas e Incisões [Lenguas e incisione, Ruínas de charque [Ruinas de charqu, Mares e Azulejos [Mares y Azulejo, Saunas, y Pratos [Plato.

También se incluyen los trabajos que la artista presentó en la 22 Bienal de San Pablo, Extirpaçao do mal (1994) y en la 24 Bienal de San Pablo, la instalación Reflexos de um sonho de outro expelo (1998).

En sus obras, Adriana Varejão representa y hace referencia a la expansión y transformación de la identidad cultural mediante el colonialismo, la historia de Brasil, el folklore, las tradiciones espirituales y de género. Su trabajo se integra en numerosas colecciones internacionales, como Guggenheim Museum de Nueva York, Tate Modern de Londres, Inhotim Centro de Arte Contemporânea de Brasil, La Fondation Cartier de París y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, entre otras.

Dentro de las actividades complementarias, el domigo 19 de mayo a las 17:00 se realizará una visita por la muestra con intérprete de lengua de señas para sordos e hipoacúsicos y el miércoles 5 de junio a las 18:30, como actividad de cierre, el encuentro Artistas x Artistas "Entrenando estilos para mirar y sentir una exposición", a cargo de Mónica Girón.

La artista Mónica Girón ofrecerá al público un “entrenamiento” para observar la exposición Adriana Varejao. Para generar esta experiencia, invitará a los visitantes a realizar pequeños recorridos por las salas de exhibición, orientados por diferentes consignas, que concluirán en un análisis conjunto.

Benicàssim Negre 2013

10/05/2013, La localidad castellonense acoge durante el segundo fin de semana de Mayo talleres y proyecciones enmarcadas en el festival cultural de género negro.

Benicàssim, 10 de mayo de 2013
Desde talleres de guión, de dirección y de interpretación cinematográfica hasta proyecciones de largometrajes en el Teatre Municipal, Benicàssim Negre propone una serie de actividades que se engloban dentro de la celebración de ‘Castelló Negre’, un festival de literatura, arte y cine negro que convierten durante este mes a la capital y las localidades de Benicàssim y Burriana en sedes del género policíaco.

El viernes, 10 de Mayo, se desarrolla un taller de guión cinematográfico a cargo de Democa Productions (Local Botavara (Playa Els Terrers), desde las 12,30 horas). A pie de playa, aficionados y escritores recibirán indicaciones para adaptar sus historias a la gran pantalla. Esta actividad enseñará los procesos para realizar el guión, así como las técnicas y temáticas más idóneas para la adaptación al mundo del cine. A las 17.30h, la playa de Voramar acogerá la experiencia del director de cine Antonio del Real (‘La conjura del Escorial’, ‘Trileros’, ‘El Río que nos lleva’) a través de un taller de dirección. Los participantes podrán descubrir cómo se hace una película y cuáles son los secretos de la industria del cine español. La noche del viernes dará paso al re-estreno del largometraje ‘Ni pies ni cabeza’, comedia policíaca de Antonio del Real. La proyección está programada para las 21.30h en el Teatre Municipal.

El sábado, 11 de Mayo, comenzará con el taller de interpretación impartido por Blanca Jara en el clásico Hotel Voramar, a las 12.00h. La actriz enseñará las claves de la actuación en diferentes géneros cinematográficos, como la comedia, el drama o el suspense.

La tarde y noche del sábado y del domingo están reservadas a las sesiones de cine, con la proyección en el Teatre Municipal de la versión original subtitulada de la película ‘Gangster Squad (Brigada de Élite)’, con dos pases por jornada en horario de 19.30h y 22.30h.

Matanza de elefantes en República Centroafricana

10/05/2013, Al menos 26 elefantes fueron masacrados en el Dzanga Bai lugar Patrimonio de la Humanidad, en la República Centroafricana, por una banda de diecisiete individuos armados con rifles Kalashnikov, según fuentes de WWF.

Yaoundé, Camerún, 10 de mayo de 2013. guiarte.com

La banda criminal atacó el lunes pasado este espacio único de elefantes del bosque, conocido por "pueblo de elefantes", un claro donde diariamente se reúnen de 50 a 200 efectivos para tomar nutrientes presentes en las arenas. WWF indicó que allí se han encontrado al menos 26 cadáveres de elefantes.

Cuatro de los elefantes muertos eran jóvenes y las fuentes informantes comentaron que en el lugar había pobladores locales comenzando a llevarse la carne de los cadáveres.

El pasado lunes, según fuentes de la WWF, una banda de 17 individuos armados entró en el Parque Nacional Dzanga-Ndoki y se dirigió a Dzanga Bai. Este enclave está en la lista del Patrimonio Mundial de la Unesco, incluido en el Sitio trinacional de Sangha, ubicado en la cuenca norocidental del río Congo, en el punto de confluencia de las fronteras del Camerún, la República del Congo y la República Centroafricana

El sitio de la UNESCO incluye tres parques nacionales contiguos que totalizan una superficie de más de 750.000 hectáreas, donde las actividades humanas apenas han alterado la naturaleza. Cuenta con una vasta gama de ecosistemas de bosque tropical húmedo, y también con una flora y fauna muy ricas. Esta última comprende especies como el cocodrilo del Nilo y un gran predador: el pez tigre Goliat. En los claros de bosque crecen especies herbáceas, y la región de Dzanga alberga una población considerable de elefantes de bosque, así como gorilas de las planicies occidentales (en grave peligro de extinción) y chimpancés (una especie también amenazada).

Las fuentes informantes han manifestado que tras la marcha de los furtivos, el lugar parecía un cementerio de elefantes. El área se considera aún insegura y se teme que las matanzas puedan continuar.

Jim Leape, Director General de WWF Internacional, dijo que la República Centroafricana debe actuar inmediatamente para proteger "este único sitio Patrimonio de la Humanidad. La violencia brutal que estamos presenciando en Dzanga Bai amenaza con destruir uno de los grandes tesoros naturales del mundo"

Tambien afirmó que la comunidad internacional debe actuar para salvaguardar la población y su patrimonio natural. El dirigente de WWF afirmó que la matanza de Dzanga Bai debe impulsar a los Gobiernos de China y Tailandia para actuar en sus compromisos para cerrar los mercados de marfil.

Los acontecimientos en Dzanga Bai son un dramático recordatorio de la amenaza que enfrentan los elefantes del bosque en África Central. Las poblaciones de esta especie se han desplomado 62 por ciento en los últimos diez años.

Escalada de las matanzas de elefantes

El Secretario General de CITES (Convención sobre el comercio internacional de especies amenazadas de fauna y flora silvestres) ha demandado también una acción urgente para proteger a los elefantes del Parque Nacional Dzanga-Sanga ante las acciones de grupos armados.

John E. Scanlon expresó su profunda preocupación por los recientes informes sobre las condiciones de deterioro en la República Centroafricana, donde están actuando bandas criminales que tratan de cazar los elefantes del bosque que se hallan en un territorio Patrimonio de la Humanidad ubicado en la esquina sudoccidental del país en el límite con Camerún y la República del Congo.

La Secretaría de la CITES ha instado a todos los gobiernos de la zona y de las Naciones Unidas y a otros organismos internacionales a tomar medidas urgentes para prevenir la matanza de la población de elefantes que viven en el parque. CITES argumenta que es muy preocupante la noticia, ya que refleja una nueva tendencia en el continente africano, donde los cazadores furtivos fuertemente armados con armas sofisticadas diezman la fauna de forma sistemática, amenazando incluso a áreas como ésta relativamente protegida y controlada.

El mes pasado el parque ya había sufrido repetidos ataques y fueron saqueados de los edificios de la administración.

CITES informó a la 16 reunión de la Conferencia de las Partes en Bangkok, en marzo pasado, del aumento de los incidentes de caza furtiva en los sitios del patrimonio mundial en África. En agosto de 2012, la Secretaría inició conversaciones con la UNESCO para explorar áreas de cooperación, en particular con respecto a la caza furtiva de elefantes y el comercio ilegal de marfil.

Informes de los Estados del área están mostrando un aumento progresivo de la matanza ilegal de elefantes y rinocerontes africanos y el comercio ilegal relacionado en marfil y cuernos de rinoceronte.

Datos recopilados de la CITES confirman el continuo aumento de los niveles de matanza ilegal de elefantes desde 2006. En el año 2011 se alcanzaron los más altos niveles de caza furtiva desde que los registros se comenzaron a elaborar en 2002. Estos resultados son compatibles con la información disponible en otros informes, que coinciden en señalar que la cantidad de marfil confiscado ha seguido aumentando hasta alcanzar niveles máximos.

Las grandes masacres

Las grandes cifras de masacres de elefantes por el marfil están siendo cada vez más preocupantes, con participación del crimen organizado y en algunos casos de milicias rebeldes armadas. Por ejemplo, en el Parque Nacional de Bouba N'Djida, en el norte de Camerún, 450 elefantes murieron a manos de grupos rebeldes de Chad y Sudán en febrero de 2012. El marfil se utiliza, al parecer, para financiar la compra de armas y municiones. Entonces, el Gobierno de Camerún desplegó hasta 150 soldados en el Parque Nacional en apoyo a los guardaparques para poner fin a la matanza ilegal.

Otro ejemplo de este tipo de caza furtiva planificada fue la matanza ilegal de 22 elefantes en el Parque Nacional de Garamba, República Democrática del Congo en abril de 2012. Al parecer los criminales dispararon desde un helicóptero, llevándose inmediatamente el marfil.

La capacidad de los guardaparques ha sido superada por la acción y los recursos de las bandas criminales. El aumento de los niveles de caza furtiva en todas las subregiones de África demanda una acción enérgica que no solo afecta a los países y organizaciones, sino a una colaboración conjunta de las partes que van desde la defensa de los recursos, in situ, a las acciones en marcos legales.

Las joyas del coro

09/05/2013, En muchas de las grandes iglesias del orbe perviven centenarias joyas bibliográficas: los libros del coro o cantorales. En México hay un buen elenco de estos.

México, 9 de mayo de 2013
Especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia mexicano (INAH) trabajan en la conservación de las 90 obras de este tipo, pertenecientes al Museo Nacional del Virreinato. Son joyas de gran formato que datan de los siglos XVI al XIX y contienen los textos y música de las misas y el oficio divino que celebran las comunidades religiosas de la época virreinal.

El Museo Nacional del Virreinato (MNV) posee 90 ejemplares de los siglos XVI al XIX, que están siendo es sometidos a labores de conservación, catalogación y digitalización, a fin de garantizar su preservación y difundir su contenido que ha permanecido resguardado durante siglos entre enormes pastas de madera.

El trabajo comenzó con la atención a 14 obras de gran valor artístico y musical, en un proyecto interdisciplinario gestionado por el INAH, en colaboración con el MNV y el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical del Instituto Nacional de Bellas Artes, en el que participan restauradores, musicólogos, historiadores de arte y un fotógrafo.

La tarea se prolongará hasta octubre próximo, ya que se tiene contemplado atender toda la colección del museo.

Los libros son de gran tamaño, uno de los que se revisan ahora mide aproximadamente 60 cm. de ancho, casi un metro de largo. El espesor oscila entre los 10 y 15 cm. Suelen componerse con alrededor de cien folios de pergamino escritos a mano con tinta ferrogálica, y las letras capitulares son de gran tamaño, decoradas e iluminadas profusamente.

Estas obras —que pesan entre 20 y 30 kilogramos— fueron cosidas con hilos muy gruesos, y las tapas de madera con recubrimientos de piel tienen