Archivo de noticias de 2012

Alepo, Tombuctú, Damasco…

30/12/2012, Se cierra 2012 con lamentables situaciones para el patrimonio histórico y artístico en importantes lugares del globo, en especial Alepo.

París, 30 de diciembre de 2012

Pero el año ha tenido más puntos oscuros.

Tombuctú

En 1988 Tombuctú fue inscrito en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. La institución valoro la historia y el arte depositados en este rincón de Mali. Tombuctú fue durante los siglos XV y XVI una de las capitales intelectuales y espirituales del Islam y un foco de propagación de esta religión en África. Las tres grandes mezquitas de Djingareyber, Sankoré y Sidi Yahia son testigos de su edad de oro pasada.

En 2012 entró en la lista del Patrimonio en Peligro. Radicales islámicos armados han ocupado, profanado y devastado importantes elementos de valor histórico, artístico y cultural. Se sabe que han destruido varios mausoleos de venerables santones y se teme que hayan destrozado multitud de documentos de épocas pasadas.

La ciudad ya estaba en peligro por el imparable avance del desierto… ahora está en peligro también por la locura del hombre.

Alepo

Alepo está en Siria, sobre el cruce de varias rutas comerciales desde el segundo milenio antes de nuestra era.

La ciudad pasó sucesivamente bajo la dominación de hititas, asirios, árabes, mongoles, mamelucos y otomanos. La UNESCO recuerda que su centro tiene un extraordinario valor. La gran mezquita del siglo XII, la ciudadela del siglo XIII y sus madrazas, palacios, caravasares y baños de vapor (hammam) del siglo XVII forman parte de un tejido urbano armonioso y único en su género, que hoy en día corre peligro a causa de la superpoblación y sobre todo la guerra civil. Está en la lista de la UNESCO desde 1986.

Conflictos como el de Siria siempre causan destrozos gravísimos, pero también son aprovechados para el pillaje, con operaciones planificadas para obtener objetos que en otros momentos serían imposibles de conseguir. El tráfico ilegal de elementos artísticos y arqueológicos es muy ávido.

Hace días, el País publicó un magnífico reportaje sobre la ciudad, en el que denunciaba la apocalíptica conjunción del fuego, las bombas de la aviación y los disparos de artillería y los combatientes que han dejado agostado este conjunto urbano donde el gran bazar y las mezquitas nos hablaban de vida, comercio e historia. Los daños parecen ser inmensos. Y el conflicto sigue.

Ya en el verano pasado, la UNESCO lanzo la voz de alarma. Sabemos que Alepo ha sido seriamente devastada… pero también pesa la preocupación sobre otros sitios del patrimonio mundial de Siria, entre ellos el Crac de los Caballeros, Palmira, los Pueblos antiguos del Norte de Siria…

…... y Damasco.

Según la Convención de 1954 para la protección de los bienes culturales en caso de conflicto armado y sus protocolos, las facciones deben abstenerse de utilizar o dañar sitios del patrimonio cultural en tiempos de guerra… De poco sirve este articulado.

El tráfico ilícito de bienes culturales ocupa el tercer lugar entre las actividades criminales mundiales tras el tráfico de drogas y el de armas, según fuentes de la UNESCO. La guerra es destructora con el hombre ... y con la cultura.

Feliz Navidad

23/12/2012, El equipo de guiarte.com os desea felicidad y buen año 2013… y para celebrarlo os enviamos esta imagen de un portal de Belén lleno de color, naturaleza y ternura, obra de Alfredo Omaña.

El autor hizo este trabajo hace varios años, pero cobra especial gracia en este final de 2012, "“después de que nos desvelaran que la mula y el buey eran una ilusión"”, como afirma el artista.

Cuentan que la celebración del Belén surgió en el siglo XII por una iniciativa de San Francisco de Asís, que representó una escena de la Natividad, recurriendo a lo que tenía a mano, unas personas y unos animales en una humilde cueva.

Por todo el mundo se fue expandiendo esta costumbre. A veces con figuras de madera, otras de cerámica...…

Los reyes de España fueron grandes impulsores del belenismo. Con intereses territoriales en Italia y artistas venidos allí, implantaron estilos, modas y costumbres que también expandieron a América y Asia.…

Hoy el Belén es universal… y su iconografía no dejará de contar con una mula y un buey, pese a que el propio papa Benedicto XVI afirme que estos animales no estaban allí en el momento del nacimiento del Niño.

Antes de las declaraciones papales... Alfredo Omaña ya hacía belenes con ranas y cerditos.

Monumentos Nacionales franceses

21/12/2012, El objetivo del Centro de los Monumentos Nacionales es dar a conocer a los turistas lo mejor del grandioso y emblemático patrimonio francés. Descubre ya mismo lo mejor de Francia.

Francia, 21 de diciembre de 2012
El Centro de los Monumentos Nacionales conserva, restaura, gestiona, anima y facilita la visita de 100 monumentos nacionales que pertenecen a la propiedad del Estado, clasificados como monumentos históricos, entre los cuales se incluyen: la abadía del Mont-Saint-Michel, los castillos de Angers y de Azay-le-Rideau, el castillo y las murallas de la ciudad de Carcasona, el Arco del Triunfo y la Santa Capilla, para citar algunos de ellos.

Mediante su diversidad, todos ellos ilustran la riqueza del patrimonio francés de todos los periodos: abadías, castillos, cuevas prehistóricas, centros arqueológicos…

Fortaleza de Salses
Cerca de Perpiñán, la fortaleza de Salses fue construida entre 1497 y 1504 por los Reyes Católicos, para bloquear el acceso al Rosellón a las tropas francesas. Éstas, sin embargo, lograrán conquistarlo definitivamente en 1642.

El conjunto consta de tres partes: la parte común, el reducto y el torreón, bien protegidos por la imponente muralla. La fortaleza es impresionante, tanto por fuera como por dentro, cuando el visitante se adentra en el vientre del mastodonte; un auténtico laberinto conecta las diferentes partes del edificio, repartidas entre tres y seis niveles.

Testigo de cuatro siglos de historia militar, la fortaleza de Salses es un libro abierto sobre las relaciones entre Francia y España en una región donde los dos países establecieron su destino común.

Castillo de los Condes y murallas de la ciudad de Carcasona
Carcasona, catalogada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y situada en el corazón del Languedoc-Rosellón, es testimonio de un pasado rico. Sus murallas y torres se erigen con valentía y permiten a los visitantes pisar donde lo hicieran los guardianes de la ciudad, recorriendo los caminos de ronda, las vallas y la muralla norte.

El Castillo del Conde y las murallas de la ciudad de Carcasona acogen a visitantes curiosos: figuras monumentales y primitivas de Ugo Rondinone, el artista suizo, que recuerdan tanto a las bestias monstruosas como a los guerreros con su armadura. Ellos hacen que corra por toda la ciudad un aire de emoción que da coraje a los miedosos y alegra el corazón de los temerosos.

Castillo de Azay-le-Rideau, en el Valle del Loira
Construido sobre una isla en el Indre, bajo el reinado de Francisco I en el siglo XVI, el castillo de Azay-le-Rideau es una pura maravilla renacentista que se refleja en las tranquilas aguas del río la fina mezcla de las influencias artísticas francesa e italiana.

Decididamente moderno, el castillo nos hace revivir, todas las noches de verano, la magia de antaño. Niños y mayores están invitados a sumergirse en la magia del lugar, gracias al fabuloso espectáculo nocturno "El espejo encantado".

Recién abierta a los visitantes, la bajocubierta del castillo muestra la magistral estructura de madera del tejado del siglo XVI, la pieza maestra del edificio.

Abadía del Mont Saint-Michel
Lugar de peregrinación de los siglos VIII a XVIII, la abadía benedictina del Mont Saint Michel es uno de los ejemplos más destacados de la arquitectura a la vez religiosa y militar de la época medieval.

La iglesia de la abadía, el claustro, el refectorio de los monjes y el paseo de los monjes forman un edificio audaz que las características específicas de la naturaleza del lugar hacen que sea original y único.

En verano, al caer la noche, la abadía se muestra bajo una luz mágica y enigmática. Decoración de luces e imágenes, ambientes sonoros y musicales, se adueñan del lugar, y sumergen al público en el núcleo de la Maravilla.

Descubre más monumentos franceses en: http://www.monuments-nationaux.fr/es/

Brafa´13, del 19 al 27 de enero de 2013

21/12/2012, La feria de antigüedades y bellas artes de Bruselas contará con ciento veintiocho expositores, una veintena de especialistas que abarcan varios milenios de creación artística, y una nueva decoración inspirada en la arquitectura bizantina.

Bruselas, 21 de diciembre de 2012
A Brafa’13 le sobran atractivos y sorpresas para seducir a los visitantes, cuya asistencia se espera sea más nutrida que la de 2012, que tuvo un récord de 46.000 visitantes. La feria, tradicionalmente clásica, apostará de nuevo por la mezcla de géneros, para atraer la mirada de los mayores entendidos.

La edición 2013 contará con la participación de ciento veintiocho galerías que presentarán al público miles de obras de arte de todos los estilos, de todas las épocas y de todos los orígenes, unidas por una misma exigencia de altísima calidad y de autenticidad.

En esta edición habrá veintiséis galerías más con respecto a la edición 2012. Dieciséis acuden a la feria por primera vez y once regresan tras uno o varios años ausentes. La participación belga se cifra en 53 galerías (41%) frente a 75 galerías extranjeras (59%) de nivel internacional.

La feria pretende ser una ventana abierta al mundo de la creación artística, con obras de todas las épocas y de todos los continentes. Prácticamente están todas representadas, desde la arqueología clásica y precolombina al arte contemporáneo, pasando por pinturas antiguas, modernas y contemporáneas, el mobiliario, las esculturas y objetos de arte de la Alta época al siglo XX; sin olvidar la plata, las joyas antiguas, las alfombras y tapices, los libros antiguos y modernos, los cómics, los objetos curiosos, e incluso, las Artes primitivas, en las que Bruselas sigue destacando como uno de los centros más importantes a nivel internacional.

BRAFA, feria de antigüedades y bellas artes
Del 19 al 27 de enero de 2013
Tour & Taxis, Bruselas
www.brafa.be

Maestros del paisaje nórdico en Zaragoza

21/12/2012, El Museo del Prado, la Obra Social “la Caixa” y el Ayuntamiento de Zaragoza presentan en la capital aragonesa la exposición “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado”, hasta el 24 de febrero de 2013.

Zaragoza, 21 de diciembre de 2013
Formada por 43 pinturas de los más destacados maestros del género que atesora el Museo, “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado” es la segunda muestra de fondos del Museo del Prado que se celebra en Zaragoza.

La exposición nos aproxima, a través de la extraordinaria calidad de las obras que la componen y la categoría de los maestros que las realizaron, a las diferentes tipologías del paisaje que surgieron a lo largo del siglo XVII en Flandes y Holanda.

Un recorrido por el evocador mundo del paisaje nórdico, que nos acerca a la maestría con la que los pintores representaron con fidelidad montañas, bosques, campiñas, ríos, mares, parajes cubiertos de nieve o canales helados, inmersos en una luz naturalista.

Durante la Edad Moderna, los italianos llamaron “nórdicos” a los pintores de las tierras que estaban más allá de los Alpes y fundamentalmente a los de los Países Bajos. Allí, el contexto social y cultural hizo que, a lo largo del siglo XVII, pintores y coleccionistas se apartaran en gran medida de los temas heroicos propios de la pintura de historia en favor de asuntos cotidianos, pero igualmente aptos para la pintura. Entre ellos estaba el paisaje, que pasó a convertirse en un género pictórico independiente en el que el asunto representado se relega a un segundo plano y se convierte en pretexto para representar con fidelidad los elementos de la naturaleza.

Entre los pintores que integran esta exposición figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina, La Abundancia y los Cuatro Elementos y Boda campestre de Jan Brueghel el Viejo, además de La visión de san Huberto que pintó en colaboración con Rubens o Mercado y lavadero en Flandes en colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticos Asedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque de Simon de Vlieger.

Las dos tipologías más características del paisaje nórdico –el paisaje de invierno y el paisaje de agua– están representadas con obras tan delicadas como El puerto de Ámsterdam en invierno de Hendrick Jacobsz Dubbels o Paisaje con patinadores de Joos de Momper el Joven; y por pinturas como Playa con pescadores de Adam Willaerts y Embarcando en una playa de Bonaventura Peeters, que unen el paisaje con la escena de género. Un puerto de mar y Paisaje con desembarco de holandeses en tierras de Brasil de Jan Peeters aluden a las lejanas tierras a las que las rutas comerciales llevaron a los holandeses. Y, por último, está Rubens, el gran maestro flamenco, cuyos paisajes constituyen la parte más íntima, más personal de su producción. De ellos se expone el soberbio Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Caledonia, una de las obras cumbres del paisaje nórdico. La exposición concluye con algunos de los paisajes encargados por el monarca español Felipe IV para decorar el palacio del Buen Retiro de Madrid a Claudio de Lorena, Jan Both y Herman van Swanevelt, los jóvenes pintores nórdicos que iniciaron en Roma el llamado “paisaje italianizante” que en Holanda contó con numerosos seguidores. El más destacado fue Philips Wouwerman, que se especializo en la representación de cacerías como Parada en la venta y Partida de caza y pescadores que adelantan ya el gusto rococó.

La Lonja - Nuestra Sra. del Pilar, s/n / C/ Don Jaime I, 47
De martes a sábado de 10 a 14 h y de 17 a 21 h. Domingos y festivos de 10 a 14 h. Lunes cerrado.

Juan Guas en la catedral de Ávila

19/12/2012, La Fundación del Patrimonio Histórico ha encontrado restos de la tracería calada y piezas reutilizadas originales de la fachada que Juan Guas levantó en el acceso occidental de la catedral de Ávila, en el siglo XV.

Ávila, 19 de diciembre de 2012
Los restos de la fachada del siglo XV estaban ocultos por la fachada que Ceferino Enríquez de la Serna concibió en el siglo XVIII. La FPH, investiga, como estudio previo a su restauración, las capas de enlucido del atrio y la cara interna de la fachada, original de Juan Guas, para comprender la evolución histórica de esta parte de la catedral y favorecer una contemplación mejor del interior de la fachada.

Entre las piezas destacables que han aparecido al levantar el revoco en algunas zonas, está el trabajo de la tracería del tímpano, que ahora permanecía cegada pero, en origen, era calada y tenía vidrieras, técnica inusual en la catedrales góticas castellanas y leonesas, más propia de las francesas.

En el siglo XVIII, la nueva fachada superó en altura a la del siglo XV, se coloca sobre ella y se rellena el espacio entre las dos, por lo que la fachada de Juan Guas queda oculta al exterior, tapada por la nueva, que continuó siendo visible al interior de la catedral.

El alarmante deterioro de las esculturas y elementos decorativos de la portada y el evidente riesgo de desprendimiento de fragmentos y caída a la vía, con peligro para las personas, han hecho necesaria la intervención. La restauración de la fachada occidental de la catedral es importante y necesaria por su estado de conservación, además de ser la entrada para las visitas turísticas al museo, claustro, altar mayor y coro y las previstas a las torres y cubiertas.

La portada de piedra dolomía, flanqueada por dos contrafuertes de granito, tiene problemas graves de disgregación de la piedra. La mayor parte del agua que cae en la terraza del nivel superior se filtra hacia los rellenos de la portada y aflora por la sillería. Al pasar, el agua disuelve las sales y el yeso que, transportados hacia fuera, cristalizan. Esto, sumado al hielo y el viento, causa disgregaciones, descamaciones, fragmentaciones y roturas que pueden llegar a caer a la calle. Las palomas también contribuyen al desgaste y aportan materia orgánica y suciedad, que favorece el ataque de microorganismos y daña la piedra, igual que los líquenes y raíces de vegetación entre los sillares.

El deterioro de las esculturas de la portada, que representan a santos abulenses, Santa Teresa, San Juan de la Cruz o los mártires Vicente, Sabina y Cristeta, resulta prácticamente terminal. Los técnicos aconsejaron bajarlas, para colocarlas en lugar seguro y resguardado.

La catedral de Ávila comienza a construirse en el siglo XII. De origen tardorrománico, mudó al gótico al alargarse las obras hasta el siglo XV. Es entonces cuando se encarga a Juan Guas, arquitecto y escultor español de origen flamenco, uno de los máximos exponentes del gótico tardío castellano, que traslade la portada original gótica de la fachada occidental a una puerta secundaria al norte, con mejor acceso desde el palacio episcopal, y que la sustituya por una nueva y adelantada, de modo que la nave mayor gana, además, un nuevo tramo. Esta portada de Juan Guas se deteriora de tal manera que debe reformarse en el siglo XVIII.

Actividad de la Fundación del Patrimonio Histórico
La Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León es una entidad privada, sin ánimo de lucro, constituida en 1997 por Caja España, Caja Duero, Caja de Burgos, Cajacírculo, Caja Segovia, Caja de Ávila y la Junta de Castilla y León, para fomentar la conservación, restauración y difusión del Patrimonio Histórico castellano y leonés.

En su trayectoria, la Fundación ha desarrollado más de 700 actividades de restauración, de investigación, de formación, de difusión y edición de publicaciones. Entre ellas, son más de 200 las dedicadas específicamente a la restauración y puesta en valor del Patrimonio. Por otro lado, el carácter social de la Fundación y su faceta de entidad generadora de riqueza y de empleo se ponen de manifiesto en la creación de 551 puestos de trabajo a jornada completa entre 2008 y 2012 gracias a la actividad de la Fundación.

La Fundación del Patrimonio Histórico restaurará la fachada occidental de la catedral de Ávila, con una inversión que supera los 300.000 euros y la colaboración con el cabildo catedralicio. La Fundación del Patrimonio aportará el 50% del presupuesto y el Cabildo de la catedral de Ávila el otro 50%.

Oscar Muñoz en Buenos Aires

18/12/2012, Del 21 de diciembre al 25 de febrero, Malba -Fundación Costantini- inaugura la exposición dedicada al colombiano Oscar Muñoz.

Buenos Aires, 18 de diciembre de 2012
  Protografías es la primera gran retrospectiva de Oscar Muñoz (Colombia, 1951) en América Latina. Con casi cuarenta años de producción artística, Muñoz es uno de los nombres más importantes del arte contemporáneo de Colombia.

  Cercana a las técnicas y al quehacer fotográfico, su obra indaga temas que van desde la luz y la fijación de las imágenes hasta la memoria del individuo y la necesidad de crear una memoria colectiva. 

Organizada por el Museo de Arte del Banco de la República (MABR) en Bogotá, con la curaduría de José Roca y María Wills -curadora adjunta del MABR-, la exposición reúne 70 obras, entre dibujos, esculturas, instalaciones, fotografías y videos, que repasan las épocas más representativas de su producción. 

Pensada a partir de la idea de protografía (revés de la fotografía, momento anterior o posterior al instante que la imagen es fijada para siempre), la exposición se organiza a partir de diferentes temas: la imagen en flujo y la imagen inestable, la imagen como impronta y como reflejo, y los soportes como lugar donde la imagen se configura y se deshace. Todo esto articulado en el contexto de la ciudad de Cali, que ha jugado un papel central en su trabajo como ambiente vital, atmósfera y motivo de representación. 

La obra de Muñoz desafía la caracterización mediática, moviéndose libremente entre la fotografía, el grabado, el dibujo, la instalación, el video y la escultura, borrando las fronteras entre estas prácticas a través del uso de procesos innovadores.

Protografías se presentó primero en el MABR de diciembre a marzo de 2012 y de abril a junio en el Museo de Arte de Antioquía, Medellín. La itinerancia culmina en Malba en febrero de 2013. 

Oscar Muñoz (Colombia, 1951). Nació en Popayán, Colombia. Se graduó en 1971 en la Escuelas de Bellas Artes de Cali, ciudad en la cual existía un movimiento cultural intenso y multidisciplinario que incluía a escritores, fotógrafos, cineastas y artistas plásticos, como Carlos Mayolo, Luis Ospina, Fernell Franco o Andrés Caicedo. A lo largo de casi cuarenta años de producción, Oscar Muñoz ha desarrollado una de las obras más sutiles y coherentes del arte colombiano de los últimos tiempos. Utilizando diversas técnicas y experimentando sobre diferentes soportes, este artista ha elaborado una profunda reflexión plástica sobre la naturaleza de las imágenes. Pero es en los primeros años de la década de los años 90 cuando en su trabajo se presenta un replanteamiento radical del ejercicio del dibujo y el grabado, los usos de la fotografía, la relación de la obra con el espacio en que se instala y el rol del espectador y del paso del tiempo en la conformación de la imagen. 

Su obra integra importantes colecciones públicas y privadas como las del Museum of Fine Arts, Houston; The Daros Collection, Zurich, Suiza; The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles; The CU Art Museum, University of Colorado en Boulder; y Tate Modern en Londres. En 2007, Muñoz fue invitado a participar en la 52 Bienal Internacional de Venecia. En la última década ha realizado muestras individuales y colectivas en varios museos e instituciones internacionales, entre los que se destacan O.K. Offenes Kulturhaus, Linz Austria; Pori Art Museum, Pori Finlandia; The Korea Foundation, Seúl Corea; Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz, España; Prefix Institute of Contemporary Art, Toronto Canadá; Institute of International Visual Arts (INIVA), Londres, Inglaterra; Museo Tamayo de Arte Contemporáneo, México DF, Philagrafika: Philadelphia Museum of Art, Filadelfia; Círculo de Bellas Artes, Madrid, España; Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima Japón; Daros Exhibitions, Zurich Suiza; Mori Art Museum, Tokio, Japón; y el PICA Museum, Perth Australia. Oscar Muñoz vive y trabaja en Cali, Colombia. 

Un surrealista diferente

18/12/2012, El MOMA ha preparado para el próximo año 2013 una interesante muestra sobre el artista belga René Magritte (1898-1967) y su etapa surrealista.

Nueva York, 18 de diciembre de 2012
Esta muestra, organizada en colaboración con “The Menil Collection”, de Houston, y “The Art Institute” de Chicago, es la primera dedicada en exclusiva a analizar la evolución de René Magritte a través de sus trabajos surrealistas.

Autor de algunas de las más extraordinarias imágenes del siglo XX, desde el año 1926, Magritte tomó la firme resolución de “Cambiar el mundo real” a través de sus lienzos. Su etapa surrealista terminaría en el año 1938, un momento de la historia significativo, justo antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial.

La forma de interpretar el Surrealismo de Magritte fue única, a diferencia de los demás surrealistas (centrados en representar sus fantasías y obsesiones), él utilizó la pintura con la intención de llamar la atención del espectador, y crear un debate a través de la manipulación de las imágenes cotidianas.

La exposición se centra así en los temas y recursos pictóricos de la etapa más inventiva y experimental de la carrera de este prolijo artista. Desplazamientos, transformaciones, metamorfosis, o representaciones dentro de sus representaciones son algunas de sus innovadoras formas de jugar con la mente del espectador, y proporcionar una visión irónica y aguda de la pintura.

Con alrededor de 80 pinturas, collages, objetos, periódicos y fotografías, esta muestra ofrece una fresca y actual mirada a la identidad de René Magritte, y a su moderna y personal forma de entender la pintura.

Magritte: The Mystery of the Ordinary 1926–1938
Del 22 de septiembre de 2013 al 12 de enero de 2014
MOMA, Museum of Modern Art Exhibition Gallery, sexta planta

Viena, calidad de Vida

18/12/2012, Por cuarta ocasión consecutiva, Viena ocupa el primer lugar entre las ciudades con mejor calidad de vida del mundo, según un conocido baremo internacional.

Viena, 18 de diciembre de 2012
La empresa consultora internacional Mercer elabora cada año un estudio para evaluar el nivel de calidad de vida en 221 metrópolis del mundo entero. En esta ocasión, las ciudades más valoradas han sido:

  • Viena, Austria.
  • Zurich, Suiza.
  • Auckland, Nueva Zelanda.
  • Munich, Alemania.
  • Vancouver, Canadá.
  • Dusseldorf, Alemania
  • Frankfurt, Alemania
  • Ginebra, Suiza
  • Copenhague, Dinamarca
  • Berna, Suiza.

    Los resultados de este estudio dan la mejor nota a Viena por cuarta vez consecutiva, como ciudad de mejor calidad de vida del mundo.

    Los factores evaluados son el clima político, social y económico, así como el acceso a servicios médicos y a la educación, o y la calidad de las infraestructuras, para la que se miden la eficacia y comodidad de la red de transporte público y del suministro de electricidad y de agua. Asimismo se prestó atención al tema del ocio, la oferta de restaurantes, de teatro y de deportes, y se evaluó la disponibilidad de productos de consumo, desde alimentos hasta automóviles, al mismo tiempo que se valoraron también de forma comparativa las condiciones del medio ambiente, para lo que cuentan desde la cantidad de superficies verdes hasta el nivel de contaminación atmosférica.

    Las ciudades europeas dominan esta clasificación internacional, que cierra, en el puesto 221, la capital de Irak, Bagdad.

  • TRAMO: Coches y Motos de Ensueño

    17/12/2012, Del 21 de diciembre al 6 de enero se celebra en Feria de Madrid IFEMA la exposición de automóviles y motos más exclusiva mostrada en España hasta la fecha.

    Madrid, 17 de diciembre de 2012
    Del 21 de diciembre al 6 de enero, el pabellón 2 de IFEMA, acogerá TRAMO, una espectacular exposición de coches y motos de ensueño, que reunirá incluso pequeñas embarcaciones de deportes náuticos, todas ellas piezas exclusivas y de colección.

    TRAMO prestará especial atención al producto nacional, con vehículos deportivos y de lujo construidos por marcas como Hurtan, Tauro y Tramontana, en total, más de 100 vehículos de altas prestaciones, que podrán verse durante todas las Navidades, para el disfrute de niños y mayores.

    TRAMO es la primera exposición internacional de vehículos exclusivos, motocicletas especiales y náutica artesanal que se celebra en nuestro país y pretende convertirse en un referente para los amantes del motor. Las entradas podrán adquirirse anticipadamente en: http://www.ifema.es/web/ferias/tramo/default.html

    TRAMO
    Del 21 de diciembre al 6 de febrero
    De 10:00 a 20:00 horas
    Feria de Madrid. Pabellón 2

    Mil millones de turistas

    17/12/2012, Madrid, la Organización Mundial del Turismo, con sede en Madrid, anunció que ya se ha alcanzado la cifra de mil millones de turistas en diciembre de 2012, lo que supone un nuevo récord para el turismo internacional.

    El dato muestra el valor económico y social de un sector al que se atribuyen 1 de cada 12 puestos de trabajo y el 30 por ciento de las exportaciones mundiales de servicios.

    La fecha simbólica de la llegada del turista milmillonésimo se fijó en el 13 de diciembre de 2012, y sirvió para que la OMT destacara el valor del turismo como fomento del bienestar, la cultura y el patrimonio.

    Como es imposible saber exactamente adónde llegó el turista milmillonésimo, la OMT lo celebró en Madrid (España), ciudad que alberga su sede, saludando a un simbólico turista milmillonésimo en el Museo del Prado, el atractivo turístico más visitado de la ciudad.

    El turismo internacional ha seguido creciendo en 2012, a pesar de la incertidumbre económica mundial, hasta superar los mil millones de llegadas de turistas internacionales. La cifra apuntala la posición del turismo como uno de los mayores sectores económicos del mundo, al que cabe atribuir el 9 por ciento del PIB mundial (efectos directos, indirectos e inducidos), uno de cada 12 puestos de trabajo y hasta el 45 por ciento de las exportaciones de los países menos adelantados del mundo.

    Recordando la repercusión tan positiva, la OMT lanzó su campaña «Mil millones de turistas, mil millones de oportunidades» explicando a los turistas que respetar la cultura local, conservar el patrimonio o comprar bienes del lugar durante los viajes puede suponer una transformación importante. Se pidió así al público que votara por el consejo de viaje que pudiera beneficiar más a las personas y a los entornos que visitase y que prometiera seguir ese consejo cuando viajara.

    El consejo ganador, dado a conocer en la fecha de la llegada del turista milmillonésimo, fue el de comprar artículos locales, que alienta a los turistas a comprar alimentos y recuerdos de la zona o a contratar a guías locales, para garantizar así que su gasto se traduzca en puestos de trabajo e ingresos para las comunidades anfitrionas. El segundo, con poca diferencia, fue el de respetar la cultura local, que insta a los turistas a aprender más sobre las tradiciones de sus destinos, o algunas palabras de la lengua autóctona, antes de volver a casa.

    Guía de Logroño en Guiarte

    17/12/2012, Guiarte actualiza su guía de la ciudad de Logroño, una ciudad de mediano tamaño, poblada por gente abierta, y con aspectos artísticos de interés, además de buenos caldos para el peregrino.

    Íntimamente ligada al Camino de Santiago y a la mejor producción vinícola española, la ciudad de Logroño es capital de la comunidad de La Rioja.

    Situada en el margen sur del río Ebro, Logroño está poblada por unos 150.000 habitantes, y tiene fama de ser una urbe hospitalaria y alegre.

    Su casco antiguo se encuentra rodeado por modernas avenidas, en las que se muestra el vigor comercial e industrial de esta ciudad de mediano tamaño.

    Con el fin de reforzar los contenidos del territorio del Camino de Santiago, en las últimas fechas guiarte.com ha introducido nuevos contenidos de esta ruta milenaria, entre ellos las guías de Pamplona, Nájera y Estella y de otras pequeñas poblaciones de alto interés santiagueño, especialmente del entorno de Navarra.

    Ahora, descubre la Guía de Logroño en Guiarte.com, con textos de Tomás Alvarez y fotos de Jose Holguera.

    Richard Deacon

    16/12/2012, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta las obras realizadas en la última década por el escultor británico Richard Deacon, del 14 de diciembre al 10 de marzo de 2013.

    Málaga, 19 de diciembre de 2012

    En la exposición, comisariada por Fernando Francés, se presentan piezas inéditas de su trabajo más reciente a través de una treintena de esculturas, en las que emplea diversos materiales

    Deacon es uno de los artistas más importantes e influyentes de la escena contemporánea. En 1987 recibió el prestigioso Premio Turner de escultura. Vive y trabaja en Londres.

    “Cambiar los materiales de una obra a otra es una forma de comenzar de nuevo cada vez (y de este modo terminar lo que se ha hecho antes)” cita textualmente Richard Deacon (Bangor, Gales, 1949) sobre su trabajo. El escultor británico justifica de esta manera el empleo de madera, resina de poliéster, cerámica, grapas, acero o cristal en su trabajo. Cualquier elemento u objeto que se pueda encontrar en un ferretería lo emplea en sus piezas con resultados impensables. El artista moldea piezas hasta conseguir esculturas impactantes a los ojos del espectador.

    Para Fernando Francés, director del CAC Málaga y comisario de la muestra: “Sus esculturas salpicadas por el espacio principal del centro envuelven al visitante en una atmósfera especial, la atmósfera que ayudará a analizar con detenimiento lo que se tiene enfrente, la historia de un material desde el origen mismo”

    Richard Deacon pertenece a la generación de la nueva escultura británica, que es un grupo de artistas que se dieron a conocer en la década de los ochenta y que se caracterizaron por el uso ingenioso de materiales que se encuentran en la sociedad post-industrial y consumista británica, así como por el rigor conceptual de su trabajo, que por lo general es abstracto.

    El artista estudió en la Saint Martin School of Art, institución asociada tanto al performance como a la escultura. De hecho, en los años 70 centró su trabajo en la performance con la exposición Objects and Sculpture. Su trabajo evolucionó y en la década de los ochenta empezó a realizar esculturas caracterizadas por su capacidad de interacción con el entorno y la amplia gama de materiales y formas. En este sentido, antes de abordar un trabajo, lleva a cabo un estudio minucioso del material que tiene ante sí y su interacción con el entorno. Por la originalidad de su trabajo, pronto llamó la atención del mundo artístico y en 1987 fue galardonado con el prestigioso Premio Turner.

    En su obra destacan las formas geométricas, empleando materiales orgánicos, que abarcan desde piezas monumentales con un original acabado, hasta pequeñas obras sobre un pedestal y que en su conjunto tienen un significado concreto.

    Richard Deacon es doctor en Literatura, profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de París, profesor invitado en numerosas universidades, miembro de la Royal Academy del Reino Unido, Caballero de las Artes y las Letras en Francia, Comandante del Imperio Británico, y Medalla de la Orden de los Caballeros. La primera exposición individual de Deacon tuvo lugar en1978 en The Gallery, Brixton, Londres. A partir de ahí, ha expuesto en las galerías y museos destacados, entre ellos: Riverside Studios en 1984; Tate Gallery, Londres, en 1985; Whitechapel Art Gallery, Londres, en 1988, Tate Gallery Liverpool en 1999. Fue uno de los tres artistas que representaron a Gales en la 52 Bienal de Venecia.

    Expone regularmente en la Lisson Gallery, Londres, desde 1983 en Marian Goodman Gallery, Nueva York, desde 1986 y en la Galerie Thaddaeus Ropac, París - Salzburg desde 2006.

    Desde 1981, ha participado en numerosas exposiciones colectivas por todo el mundo. Una importante retrospectiva de su obra, titulada The Missing Part, tuvo lugar en el Musée d´Art Moderne et Contemporain, Estrasburgo, en 2010, viajando luego al Sprengel Museum, Hannover, en 2011. La Tate Britain le dedicará una gran retrospectiva en 2014.

    El Prado en el Museum of Fine Arts de Houston

    14/12/2012, El Museo del Prado presenta por primera vez en Estados Unidos cuatro siglos de historia de España a través de grandes maestros como Zurbarán, El Greco, Velázquez, Goya o Sorolla.

    Houston, EEUU, 14 de diciembre de 2012
    Cuatro siglos de la historia de la pintura española, llegan a uno de los museos más importantes de Estados Unidos, del 16 de diciembre al 31 de marzo de 2013. El Museo del Prado presenta en Houston la exposición “Retrato de España. Obras maestras del Prado/Portrait of Spain. Masterpieces from the Prado”, con cien obras de los artistas mejor representados en el Museo.

    La muestra pretende guiar por primera vez al público norteamericano por un recorrido por la historia de España y el arte español, desde el siglo XVI hasta el XIX, a través de un conjunto de obras compuesto por ochenta pinturas y veintidós obras sobre papel de los artistas más importantes de la pintura europea, principalmente maestros españoles, o artistas extranjeros que trabajaron para la corte española.

    La exposición
    Ubicada en las salas del segundo piso del edificio Audrey Jones Beck del MFAH, en ella estarán representados artistas como El Greco, Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo, Paret, Van der Hamen, Meléndez, Goya, Vicente López, Federico de Madrazo, Rosales, Fortuny o Sorolla, además de autores extranjeros que trabajaron en España o influyeron directamente en su pintura, como Tiziano o Rubens.

    Los temas que cultivaron, podrán proporcionar al visitante información, además del devenir estilístico de la pintura española, sobre cómo a lo largo del tiempo cambiaron los intereses temáticos, y se fue ampliando el dominio iconográfico del arte.

    La exposición se articula en tres apartados:

    1550-1770. La pintura en un estado absolutista: Excepcionales retratos, escenas mitológicas, pintura religiosa y bodegones de artistas como El Greco, Velázquez y Zurbarán muestran el esplendor del Siglo de Oro en España cuando el imperio estaba en pleno auge.

    Esta sección persigue poner en contacto al espectador con los artistas más destacados que trabajaron en el país a través de tres temas: el arte cortesano, que se ve representado por los retratos de Isabel Clara Eugenia y Magdalena Ruiz de Sánchez Coello y Felipe IV en traje de cazador de Velázquez, entre otros; la pintura religiosa a través de La Inmaculada Concepción de Aranjuez de Murillo o Cristo muerto sostenido por un ángel de Alonso Cano; y el bodegón, que se ve ampliamente retratado por obras de Juan van der Hamen y León, Luis Meléndez o Juan de Arellano.

    1770-1850. Un mundo que cambia: Con el tumultuoso fondo de la revolución francesa, las guerras napoleónicas y la invasión de los franceses en España, así como el inicio de una serie de devastadoras guerras civiles, los artistas españoles de finales del siglo XVII y principios del XIX se convirtieron en los cronistas de los distintos estamentos de la sociedad española.

    Destaca la obra de Goya, pintor de las cortes de Carlos IV y Carlos V, que representó en sus obras los desastres de la guerra y la locura. Se incluyen en la exposición algunos de sus retratos neoclásicos como los de Manuel Silvela y la marquesa de Villafranca y una importante selección de estampas de las tres extraordinarias series del artista: Los Caprichos (1799) Los Desastres de la Guerra (1810-1815) y Los Disparates (1815-1823).

    1850-1900. Los umbrales de la España moderna: Después de las guerras civiles, la emergencia en ciernes de una identidad nacional española a medios del siglo XIX condujo a un periodo de relativa prosperidad económica. Una transición hacia el Romanticismo conllevó que se reflejaran más los gustos de la clase media, incluyendo paisajes, retratos, escenas históricas y religiosas y desnudos.

    En esta sección destacan las obras de Federico de Madrazo, conocido por su pintura de historia y sus retratos; de Eduardo Rosales que se inspiró en la figura de Velázquez en busca de un nuevo realismo dentro de la pintura española; de Mariano Fortuny, cuya fascinación por el orientalismo quedó patente en sus viajes exóticos y su carrera internacional; de Aureliano de Beruete, uno de los primeros pintores españoles en identificarse con el impresionismo y, por último, de Joaquín Sorolla, cuyas obras realistas representando la vida de los pescadores y los granjeros además del estudio de los efectos de la luz del sol y las sombras empujaron al arte español al umbral de la modernidad.

    El factor grotesco

    13/12/2012, El factor grotesco se propone como un recorrido por los diversos campos de complejidad de lo que, en términos artísticos y de gusto estético, se reconoce como lo grotesco.

    Málaga, 13 de diciembre de 2012
    La exposición del Museo Picasso de Málaga afronta esta ambigüedad semántica y cultural del objeto que en ella se analiza, asumiendo su condición heterogénea, en la que se citan bruscamente el desprecio y la piedad, la risa y el llanto, la empatía y el escarnio, el espanto y la ternura; al fin, el rechazo y el abrazo ante lo que somos.

    La muestra (que podrá visitarse hasta el 10 de febrero de 2013) sigue tres caminos de génesis y maduración; tres «versiones» culturales de lo grotesco: la que se define bajo ciertas formas de la ornamentación, la que se asoma al abismo para ver que nada nos sostiene y la que combate con risas la propia necedad de lo humano.

    El grotesco ornamental tiene el privilegio de ser el que da nombre a estos dominios de la sensibilidad moderna. La anécdota de su procedencia se sitúa en las últimas décadas del siglo XV y bajo el suelo de Roma, donde se descubren –como formando grutas— las paredes pintadas de la Domus Áurea edificada por el emperador Nerón en el siglo I. Se encuentran en estos muros imágenes ingrávidas de seres híbridos, además de composiciones de arquitectura inverosímil. A partir de este hallazgo, las alusiones al estilo pompeyano se extienden progresivamente por toda Europa, por sus países y por sus siglos.

    El segundo linaje de lo grotesco nos asoma a los vértigos de la falta de sentido, llevándonos desde Bruegel hasta los simbolistas y los dadaístas. Esta tradición atraviesa las exigencias que para el humano occidental han satisfecho el carnaval, la máscara, el travestismo o el juego de la verdad y la mentira. Lo grotesco abismático nos descubre, con una carcajada, que ya nada nos ampara, que no somos más que hijos de Prometeo haciendo frente al vacío.

    Lo grotesco cómico posee una orientación más social y moral. Se encuentran aquí la comedia y la sátira, pero también variaciones modernas de la risa social, como la caricatura o la larga tradición de lo burlesco, que culminará en el cine mudo de los cómicos de las primeras décadas del siglo XX.

    Hoy lo grotesco continúa impregnando cada pliegue de lo humano en sociedad. Se podría decir que incluso lo toca todo hasta volverlo vulgar o ridículo. En el filo del siglo XXI, pareciese que, más que nunca, lo grotesco ha alcanzado sus más altas cimas: desde ellas caemos cada día.

    El factor grotesco reúne más de 270 pinturas, esculturas, dibujos, grabados, libros, documentos y fragmentos de películas, obras de 74 artistas reconocidos entre los que se encuentran Francis Bacon, Louise Bourgeois, Otto Dix, James Ensor, Max Ernst, José Gutiérrez Solana, Victor Hugo, Paul Klee, Willem de Kooning, Roy Lichtenstein, René Magritte, Man Ray, Franz Xaver Messerschmidt, Juan Muñoz, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Richard Prince, Juan Sánchez Cotán, Antonio Saura, Thomas Schütte, Cindy Sherman, Leonardo da Vinci, Bill Viola y Franz West.

    La exposición incluye una sección de imágenes en movimiento, que incluye fragmentos de las películas El botones (1918, Buster Keaton y Fatty Arbuckle), El jorobado de nuestra señora de París (1923, Wallace Worsley) y Bedlam (1946, Mark Robson), así como algunos metrajes de Georges Méliès. La selección muestra como desde sus inicios el cine incluyó lo grotesco (lo burlesco) en su modo moderno de contar historias y varios directores participaron de esta mentalidad.

    Mercadillos de Gran Bretaña

    12/12/2012, Castañas asadas, vino caliente, detalles para familiares y amigos, y sobre todo mucha alegría, estas son algunas de las cosas que encontrarás en las mejores ferias navideñas de Gran Bretaña.

    Londres, 12 de diciembre de 2012
    No hay mejor lugar para hincharse a castañas asadas, el típico mulled wine de la Navidad británica (un vino especiado y azucarado que se bebe caliente) y alegría que una feria o mercado navideño tradicional. Compra regalos, disfruta de los villancicos y disfruta...

    Mercado de Navidad de Bath:
    El precioso mercado navideño de Bath ofrece un magnífico marco entre la Abadía de Bath y los mundialmente famosos baños romanos. Cientos de puestos tradicionales de madera parpadean a la luz de las guirnaldas de bombillas y ofrecen regalos artesanales e inusuales, adornos de Navidad y mucho más. Al acabar de comprar, entra en calor en Thermae Bath Spa, el único balneario británico con manantial de agua caliente.

    Mercado de Navidad de Lincoln:
    La ciudad medieval de Lincoln acogió uno de los primeros mercadillos al estilo continental del Reino Unido y sigue creciendo año tras año. Encontrarás una mezcla de regalos, artículos artesanales de gran calidad, alimentos producidos en la zona y espectáculos, todo ello con la catedral gótica y el castillo normando de Lincoln como telón de fondo.

    Mercadillo de Navidad de Birmingham al estilo de Fráncfort:
    El mercado de Navidad de Fráncfort es el mayor mercado navideño del Reino Unido y uno de los mayores de Europa. Disfruta del ambiente de una aldea en el corazón del bullicioso centro de la ciudad, sus pintorescos puestos de madera ofrecen un fabuloso abanico de regalos artesanales y artículos tradicionales alemanes, como juguetes de madera, belenes y marionetas. Por supuesto, también puedes degustar las delicias del "mulled wine" alemán (Gluhwein, otro vino especiado), salchichas a la parrilla y galletas de jengibre.

    Mercado de Navidad de Winchester:
    Situado en torno a una de las más exquisitas catedrales medievales de Europa, este mercado ha sido inspirado por los mercados navideños alemanes tradicionales con un sinfín de puestos de madera con preciosa decoración y un programa de actividades típicas de estas fechas. También hay una zona dedicada a la artesanía británica. Aprovecha para patinar en la pista de hielo, y entra en calor con comida y bebida navideña.

    Mercados de Navidad de Edimburgo:
    En la capital escocesa se organizan cinco mercados navideños diferentes, entre los que se incluyen una tradicional aldea de las Tierras Altas de Escocia, una feria ética y la auténtica feria navideña escocesa, que vende comida y bebida escocesa para entrar en calor, así como regalos y artesanía tradicional. También puedes disfrutar de los enormes festejos navideños de Edimburgo, que incluyen una pista de patinaje sobre hielo, recorridos especiales, una navideña noria, exposiciones, oficios religiosos y, por supuesto, la fiesta de Hogmanay (la Nochevieja escocesa de fama mundial).

    Antoni Tàpies. Colección #4

    12/12/2012, La Fundació Antoni Tàpies presenta en Barcelona, hasta el 17 de febrero de 2013, una nueva selección de obras de Antoni Tàpies pertenecientes al fondo de la Colección.

    Barcelona, 12 de diciembre de 2012
    La muestra incluye diferentes momentos creativos del artista, desde la década de 1940 hasta la actualidad, que ilustran la evolución de tipologías, técnicas y materiales usados por Tàpies.

    El recorrido se inicia con una selección de obras de 1946 y 1947 que muestran el interés inicial del artista por el uso de materiales extrapictóricos como cordeles, cartones, cajas, papel de periódico y papel higiénico, entre otros, un hecho que adelanta lo que acabará siendo una característica distintiva de la obra de madurez de Tàpies: su materialidad.

    Esta naturaleza material de la obra es visible en pinturas como Llit marró (Cama marrón), 1960, Palla i fusta (Paja y madera), 1969, y Blau emblemàtic (Azul emblemático), 1971, en las cuales se evidencia también el interés por un tipo de narratividad diferente de la tradicional y que a su vez pone de manifiesto la construcción del objeto artístico.

    La exposición también hace énfasis en la incorporación del objeto en las obras de finales de la década de 1960 y 1970, apreciable en obras como Caixó de serradures (Cajón de serrín, 1969), Catifa (Alfombra, 1970) y Pantalons sobre bastidor (Pantalones sobre bastidor, 1971), y en el compromiso político en la lucha contra el régimen franquista, presente en obras como Homenatge a Salvador Puig Antich (Homenaje a Salvador Puig Antich, 1974). El itinerario sigue con ejemplos de la década de 1980 en donde el objeto desaparece tras la tela, como se observa en Efecte d’arrrugues i taronja (Efecto de arrugas y naranja, 1979), donde se entreven platos, cubiertos, tijeras y otros objetos de la vida cotidiana, y en la que el barniz se erige como verdadero protagonista (Tres peus (Tres pies), 1981; Gran díptic dels mitjons (Gran díptico de los calcetines), 1987; Gran cadira (Gran silla), 1989, que alude al poema de Edgar Allan Poe The Raven (El cuervo).

    La muestra cuenta con una representación de esculturas de bronce, y se cierra con una muestra de piezas más recientes en las que se confirma el interés de Tàpies por los materiales extrapictóricos (Dues piles de terra (Dos montones de tierra), 2001) y por la naturaleza del arte (Cara i dors (Cara y dorso), 2005).

    Actividades navideñas en el Reina Sofía

    11/12/2012, Las familias que visiten el museo madrileño estos días tendrán la oportunidad de realizar itinerarios temáticos a la Colección y a la exposición Encuentros con los Años 30.

    El Museo Reina Sofía ofrece durante el mes de diciembre de 2012 y principios de enero de 2013 itinerarios guiados temáticos, para conocer y descubrir la colección permanente del museo.

    Val del Omar: La mecánica mística del cine (1942-1982)
    Esta visita comentada propone al visitante adentrarse en el fascinante universo de José Val del Omar (1904-1982), para descubrir a uno de los cineastas más originales y menos conocidos en España.

    Val del Omar consideró el cine como un arte total y trabajó en él desde la experimentación más vanguardista.

    Fechas y horario: sábados 22 y 29 de diciembre de 2012 a las 17:00 h; miércoles 26 de diciembre de 2012 a las 19:15 h
    Duración: 60 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 10 personas
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    Cubismo y Cine
    Cubismo y Cine es un recorrido comentado que aprovecha la disposición actual de la Colección del Museo para analizar el diálogo existente entre la imagen en movimiento (es decir, el cine) y las vanguardias históricas (el cubismo, en este caso).

    Las nuevas maneras de mirar y la experimentación visual que surgen a comienzos del siglo XX quedan reflejadas en piezas como Salida de la fábrica de los hermanos Lumière (1896) o el cine de Buster Keaton.

    Fechas y horario: miércoles 2 de enero de 2012 a las 19:15 h y sábado 5 de enero de 2013 a las 17:00 h
    Duración: 60 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 10 personas
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    Guernica. Historia de una icono
    El objetivo de esta visita comentada es que el visitante pueda conocer cómo y por qué esta obra de Picasso se ha convertido en símbolo del fin de la Transición democrática española así como en un icono reconocido universalmente.

    Fechas: viernes 21, 28 de diciembre de 2012 y 4 de enero de 2013 a las 17:00 h; sábados 22, 29 de diciembre de 2012 y 5 de enero de 2013 a las 12:00 h
    Duración: 30 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 15 personas. Para participar diríjase al informador del punto de encuentro
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    El artista en crisis
    Partiendo de una selección de salas de la Colección 3, el itinerario El artista en crisis aborda los años que van desde la década de los sesenta hasta los primeros ochenta, un momento en el que las transformaciones políticas y las nuevas teorías del conocimiento redefinieron drásticamente la noción vigente del arte y, en particular, el rol del autor.

    Fechas: viernes 21, 28 de diciembre de 2012 y 4 de enero de 2013 a las 19:15 h; domingos 23, 30 de diciembre de 2012 y 6 de enero de 2013 a las 13:00 h
    Duración: 60 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 20 personas
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    Feminismo
    A través de este recorrido por la Colección 1, se reflexiona sobre el papel y la visibilidad de la mujer en la historia del arte, buscando despertar una nueva mirada en el público e incitándole a considerar críticamente las imágenes de dominación masculina, invitándole, en definitiva, a reconocer el trabajo de la mujer en la superación de estos roles y modelos.

    Fechas: lunes 24 y 31 de diciembre de 2012; domingos 23, 30 de diciembre y 6 de enero de 2013
    Horario: 12:00 h
    Duración: 50 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 20 personas
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    Lo Poético
    Lo poético centra la atención sobre las manifestaciones artísticas que se produjeron después de la Segunda Guerra Mundial, los cuales, mediante la apropiación y transformación de los lenguajes creativos tradicionales, evidenciaron procesos ideológicos ocultos y cuestionaron las tendencias oficiales, muchas veces aceptadas de un modo acrítico.

    Fechas: lunes 24 y 31 de diciembre de 2012; sábados 22, 29 de diciembre de 2012 y 5 de enero de 2013
    Horario: 19:15 h
    Duración: 60 minutos
    Participación: gratuita sin inscripción para un máximo de 20 personas
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    A propósito de... Encuentros con los Años 30
    A través de las salas de la exposición Encuentros con los Años 30, el recorrido analiza los principales movimientos artísticos y acontecimientos internacionales que fueron fraguando la personalidad artística de la década, desde el realismo, el surrealismo y la abstracción pasando por las exposiciones internacionales y la consolidación de la fotografía como medio de publicidad y propaganda.

    Fechas: jueves 27 de diciembre de 2012 y 3 de enero de 2013
    Horario: 19:15 h
    Duración: 60 minutos
    Participación: gratuita para un máximo de 20 personas. Necesaria inscripción, 15 minutos antes del inicio de la actividad, en el mostrador del punto de encuentro
    Punto de encuentro: conexión entre los edificios de Nouvel y Sabatini, planta 1

    Época de Calendarios

    11/12/2012, La técnica de la cromolitografía se cultivó en México desde comienzos del siglo XX. Una exposición en el museo Soumaya relata y homenajea estos días la historia del calendario.

    México, 11 de diciembre de 2012
    En el marco del 18 aniversario de la institución, el Museo Soumaya presenta en diciembre una muestra inédita de alrededor de mil obras sobre los procesos industriales del calendario: óleos, fotografías, vídrios, acetatos, láminas de impresión, maquinaria, impresos, y testimonios orales de los artistas y trabajadores de la gran época de los calendarios del siglo XX.

    La industria tabacalera fue el primer escenario de los resplandecientes cromos que dieron lugar a una impresión de gran calidad y pureza en el colorido. Esta modalidad se extendió más tarde a otros negocios, como el cervecero, las embotelladoras o los alimentos.

    La publicidad del calendario, como fenómeno de carácter internacinal, se manifestó simultáneamente en diferentes latitudes del planeta, desde China hasta Latinoamérica, con la incorporación de elementos costumbristas y tradicionales de cada lugar.

    Con antecedentes comerciales de la gráfica mexicana del siglo XIX en las obras de Casimiro Castro y Hesiquio Iriarte, a comienzos de 1930 sobrevino un fenómeno de reproducción de cromos publicitarios gracias a la empresa líder que fundara el inmigrante santanderino Santiago Galas Arce: Galas de México.

    La coyuntura de la mirada empresarial de su propietario y los adelantos técnicos en la maquinaria rotativa del offset, generaron una amplia difusión de la cultura del calendario, que se posicionaría en el entorno cotidiano por más de 4 décadas.

    Una generación de pintores como Jesús de la Helguera, Eduardo Cataño, Ángel Martín, José Bribiesca, Humberto Limón o Aurora Gil, entre otros, se sumaron a técnicos, diseñadores y vendendores, para poblar los hogares mexicanos con aquellas imágenes de ensueño.

    El más antiguo género de la estampa desde la era virreinal fue el de las imágenes devocionales. De la litografía a la calcografía provienen pasajes de la vida de Cristo, la Virgen y los Santos. Galas de México reprodujo de forma ininterrumpida un mosaico de imágenes religiosas que año tras año eran solicitadas por su clientela. Figuras sacras que se resguardaron en billeteras, oratorios domésticos, espejos de automóviles o en las paredes de multitud de talleres.

    Temas patrios, históricos, familiares, costumbristas, deportivos, infantiles, humorísticos o evocadores de la belleza femenina se imprimieron de forma permanente entre 1933 y 1970 año de la muerte de Santiago Galas. Frente a los nuevos conceptos de imagen que trajo consigo la fotografía en la década de los años sesenta (niños, mascotas, frutas, y vistas panorámicas con paisajes) el otrora pujante negocio del calendario estaba por concluir.

    Museo Soumaya
    Plaza Loreto
    Avda. Revolución y Río Magdalena
    Tizapán, San Ángel, México D.F.

    Navidad en París

    10/12/2012, Con las iniciativas "Christmas Shopping" y "Shopping by Paris", la ciudad de la luz celebra el arte de vivir en la capital durante las fiestas navideñas.

    París, 10 de diciembre de 2012
    Durante el mes de diciembre, las calles, plazas y escaparates parisinos se iluminan y se visten con sus mejores atuendos de fiesta para celebrar la Christmas Shopping.

    Las compras navideñas forman parte de la magia de este periodo festivo. Para la ocasión, la Oficina de Turismo y Congresos de París ofrece a todos los visitantes que se den cita en el mostrador de recepción situado en 25 rue des Pirámides en el distrito 1 de París, el Paris City Passport 2012, una tarjeta válida hasta 31 de diciembre que da derecho durante tres días consecutivos a una reducción del 10% en 70 prestigiosas boutiques.

    Y a principios de enero, ya en pleno frenesí de rebajas, París mima a los amantes de la moda que vienen a disfrutar de su deporte preferido. "Shopping by Paris" multiplica las ofertas y atenciones especiales.

    Los alojamientos turísticos ofrecen desayunos especiales, botellas de champán, o entradas a museos. Algunas tiendas obsequian a sus clientes con pequeños regalos... Descubre las ofertas especiales de los 200 colaboradores de la Oficina de Turismo y de Congresos de Paris que han deseado unirse a esta acción.

    Inseparable a la operación Shopping by Paris, sale en enero el Paris Shopping Book. La edición 2013 está dividida en seis perfiles de compradores: Clásico, Trendy, Creativo, Bobo Chic, Ethic-Ethnic, y Creativos o Astutos. Para cada uno un barrio favorito, para cada uno una ruta a medida. Cada ruta se lleva a cabo en seis u ocho etapas combinadas con paradas gastronómicas y culturales.

    El Paris Shopping Book estará disponible gratuitamente en las oficinas centrales de la Oficina de Turismo y de Congresos de París Y en la web www.parisinfo.com

    El Nuevo Tiziano

    10/12/2012, El Museo Nacional del Prado presenta una pequeña exposición "Tiziano. San Juan Bautista", en la que se exhiben tres cuadros de San Juan Bautista firmados por el artista veneciano.

    Madrid, 10 de diciembre de 2012
    El Museo del Prado descubre por vez primera la obra San Juan Bautista, h. 1555, atribuida recientemente a Tiziano y anteriormente catalogada, desde su llegada al Museo en 1872, como anónimo madrileño del siglo XVII. Tras años de estudio y restauración, la obra se ha revelado como un original del artista veneciano, basada en una versión anterior al San Juan Bautista de la Galleria dell’Accademia de Venecia, pintado hacia 1530-32.

    Hasta el próximo 10 de febrero la obra de Tiziano, propiedad del Museo del Prado, permanecerá expuesta en la sala D del edificio Jerónimos junto a las otras dos obras que se conservan del pintor dedicadas a San Juan Bautista y que forman parte del catálogo tradicional del artista; la más temprana, custodiada en la Galleria dell’Accademia de Venecia, y la última, conservada en el monasterio de San Lorenzo del Escorial.

    En octubre de 2007, el Museo del Prado comenzó el estudio de la obra "anónima" y este reveló que no era una copia sino un original del artista veneciano. Características técnicas, como la preparación de albayalde con adición de carbonato cálcico, y la similitud del paisaje con los de otras obras de Tiziano de inicios de la década de 1550, permiten fechar el cuadro del Prado.

    El lienzo llegó al museo en un lamentable estado de conservación. La magnífica restauración ha permitido recuperar la legibilidad de la composición al restablecer el equilibrio de la figura con su entorno. El nuevo San Juan Bautista constata que fue una de las composiciones religiosas de Tiziano más populares en España a tenor del elevado número de copias que se han localizado.

    Cuando pintaba una obra, y previendo eventuales encargos, Tiziano solía realizar simultáneamente una copia. Esta copia se conservaba en la bottega hasta que Tiziano decidía transformarla en una réplica. Para ello introducía pequeños cambios que la diferenciaban de la composición de la que derivaba y convertían la réplica en un nuevo original. En ese momento se hacía una nueva copia, a fin de guardar un ricordo para eventuales réplicas. Este proceso se observa en las radiografías de las obras que se incluyen en la exposición, ya que muestran invariablemente la composición de la que parten.

    El Museo del Oro de Asturias

    10/12/2012, El MOA se encuentra situado en la población de Navelgas (Asturias). Un pequeño pueblo de no más de trescientos habitantes, rico en tradiciones, cultura y oro.

    Navelgas, 10 de diciembre de 2012
    El MOA está ubicado en La Casona Capalleja, una antigua casa solariega de tres pisos, totalmente rehabilitada. En su parte posterior, se encuentra una vieja panera con siglos de historia que supone el sitio ideal para la práctica del deporte local: El Bateo del Oro, actividad esencial para complementar la visita, y disponible para todos aquellos que quieran probar suerte...

    El lugar homenajea al oro, a su valor y al de la historia de los hombres que desde hace siglos han luchado contra la naturaleza para obtener de ella el preciado metal. Historias antiguas y religiosas, avances médicos y tecnológicos e ingenierías magistrales se reúnen en un viaje apasionante en el que se dan cita Astures, romanos, y leyendas de lucha, poder, ritos y símbolos.

    La planta baja del edificio acoge la Recepción de Visitantes y la Oficina de Información Turística. Está oficina es la única que está abierta durante todo el año, y dispensa información de todos los recursos históricos, arquitectónicos y naturales de la zona. En esta planta se encuentran también la sala Enrique Sanfíz Fernández, una sala multiusos para charlas y proyecciones y la panera, con su taller de bateo del oro.

    La Exposición Permanente se encuentra en el primer piso. La muestra se divide en dos partes. Las primeras salas se refieren al Oro de forma general: características, historia, simbología, etc... y las últimas tratan la relación entre el pueblo de Navelgas y el oro: las explotaciones de la zona y el bateo del oro.

    La segunda y última planta está dedicada a las exposiciones temporales y a los talleres educativos.

    Adios a Oscar Niemeyer

    06/12/2012, El más famoso de los arquitectos brasileños, Oscar Niemeyer (Oscar Ribeiro de Almeida de Niemeyer Soares) dejó hoy de existir en Rio de Janeiro, cuando sólo faltaban unos días para cumplir sus primeros 105 años.

    Rio de Janeiro, 6 de diciembre de 2012

    Desde hace meses, el arquitecto –nacido el 15 de diciembre de 1907- estaba gravemente enfermo y había sufrido varios internamientos. Desde el pasado dos de noviembre su salud había pasado por graves momentos, aunque mantuvo la lucidez hasta sus últimos momentos. En su internamiento, aún seguía conversando con los médicos sobre futuros proyectos… hasta ayer tarde.

    Según fuentes periodísticas de Brasil, el velatorio de Oscar Niemeyer tendrá lugar en Brasilia, en el Palacio de Planalto, lugar ofrecido por la presidenta del país, Dilma Rousseff a la familia del arquitecto, el más laureado de Brasil, que recibió premios como el Pritzker y el Príncipe de Asturias.

    Hasta sus últimos años, este fecundo autor ha estado trabajando. Una de sus obras finales fue el museo de Arte Contemporáneo de Niteroi, una de sus obras más interesantes, en las que conjugó la creatividad con el paisaje... Otro trabajo relativamente reciente fue el preparado para Avilés, una población de Asturias, norte de España, que ha pasado por una aguda crisis debido a la reconversión industrial, donde ha creado un gran centro cultural.

    Pero su obra estará por siempre ligada a Brasilia, en la que imprimió su sello inconfundible.

    Porque Brasilia es hija de tres padres: el presidente brasileño Juscelino Kubitschek, el urbanista Lucio Costa y el brillante arquitecto Oscar Niemeyer, el autor de las obras más emblemáticas de esta nueva urbe, ubicada en la región Centro-Occidental de Brasil.

    Dentro de su concepción clásica, de inspiración grecolatina, en la que el ritmo y la armonía son bases para el hallazgo de la belleza, Niemeyer ha aportado una doble variante. En primer lugar el aprovechamiento de las posibilidades constructivas de vanguardia, la técnica; en segundo lugar una provocación típica del surrealismo: la provocación de la ruptura, la sorpresa.

    Brasilia, una de las joyas del patrimonio Universal de la UNESCO, es una muestra de esa doble incorporación: curvas rítmicas, columnas innovadoras, el agua... siempre con un ritmo, una armonía.

    Oscar Niemeyer nació el 15 de diciembre de 1907 en Río de Janeiro, y asumió una postura inconformista ante la vida y la arquitectura. Estudió arquitectura y militó en el Partido Comunista brasileño. Siempre fue un inconformista.

    Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes; se integró en el equipo de Lucio Costa y más tarde colaboró con Le Corbusier, con quien diseñó la sede de Naciones Unidas en Nueva York.

    Ha desarrollado proyectos en Italia, España, Francia... y sobre todo en Brasil. Su obra más notable está en Brasilia, ciudad declarada en 1987 Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Allí realizó notables edificios, entre ellos el Congreso Nacional y la catedral.

    Entre los galardones mundiales recibidos por el arquitecto, cabe destacar el premio de arquitectura Pritzker, en 1988, el Príncipe de Asturias, un año mas tarde, y el León de Oro de la Bienal de Venecia en 1998.

    El centenario de la bella egipcia

    05/12/2012, Hace cien años, entre las arenas de la vieja ciudad de Amarna surgió una pieza que se ha transformado en el gran icono del arte egipcio, el busto de una reina de extraña modernidad: Nefertiti.

    Berlin 5 de diciembre de 2012
    Era un seis de diciembre del año 1912, cuando un equipo de arqueólogos bajo la dirección del alemán Ludwig Borchardt (1863-1938) dio con esta magnífica pieza en las excavaciones de Tell al Amarna, la antigua ciudad de Akhetaton o Ajetatón, entre los restos del taller de un escultor de la corte de Akenatón.

    Se trataba de una pieza casi intacta a la que sólo faltaban unos trozos de las orejas, que se hallaron más tarde, y la pupila del ojo izquierdo, que jamás se halló.

    Se dice que el busto salió de Egipto entre un montón de trozos de cerámica y yeso con destino a Alemania. Desde entonces se puede contemplar en Berlín. Ahora está en el Neues Museum.

    Se cree que este es el busto de la propia reina Nefertiti, esposa de Akenatón, de la XVIII dinastía del Imperio Nuevo, madre de seis hijas y con fama de gran belleza.

    Akenatón fue faraón hacia 1340 antes de Cristo, el décimo de su dinastía, y pasó a la historia como uno de los más singulares dirigentes del imperio egipcio. Fue el que inició el llamado Periodo de Amarna, por el nombre de la capital que él creó, antiguamente denominada Ajenatón.

    No solo cambió la capitalidad, sino que fue un revisionista religioso, que convirtió al dios Atón en deidad única del culto al Estado, en demérito de los demás dioses. Un revolucionario que pagó su osadía con revueltas internas.

    Las ruinas de la ciudad de Amarna, fue uno de los centros que investigó Ludwig Borchardt , quien tuvo la fortuna de encontrar el taller de Tutmose o Tutmosis, donde se halló el busto de la hermosa mujer.

    Este busto presenta a una reina de facciones delgadas y belleza equilibrada, una belleza que corresponde a su nombre, que se traduciría como “la bella ha llegado”. Pero Nefertiti no sólo fue bella, sino que tuvo un gran papel político; de hecho hay estelas en las que aparece en condiciones de igualdad respecto a su marido.

    Tal vez la propia preminencia de esta mujer pudo perderla. Hacia 1336 antes de Cristo desaparece de la historia sin dejar rastro, en un periodo especialmente inestable.

    La fortuna del hallazgo de hace cien años restituyó a la fama la belleza de esta mujer, una fama que sólo empalidecería ante la de Cleopatra.

    En el marco de este centenario, en Neues Museum de Berlín tiene abierta al público, hasta el 13 de abril de 2013 una exposición titulada "En la luz de Amarna. 100 años des descubrimiento de Nefertiti".

    En esta muestra sumamente amplia se presentan elementos de aquella cultura, en un intento por presentar al busto de la bella reina en el marco de su tiempo, ubicando tambien el descubrimiento en los días en que tuvieron lugar las excavaciones

    http://www.smb.museum/smb/kalender/details.php?objID=29934&datum=07.12.2012+00:00

    Lucrecia y el Museo de Bellas Artes de Bilbao

    05/12/2012, El Museo de Bellas Artes de Bilbao incorpora a su colección una obra destacada de Lucas Cranach el Viejo, uno de los pintores señalados del Renacimiento alemán junto con Alberto Durero,

    Bilbao, 5 de diciembre de 2012
    La obra, titulada Lucrecia, fue pintada en 1534 por Lucas Cranach el Viejo (Kronach, Alemania, 1472–Weimar, Alemania, 1553). Procede de una colección particular madrileña y su precio ha sido de 1.400.000 euros, abonados gracias al fondo de adquisiciones dotado por BBVA para la compra de obras de arte.

    En los últimos años el museo persigue una incorporación relevante para la colección de arte antiguo. La aparición de una obra tan destacada de una de las personalidades artísticas más importantes de toda la historia del arte occidental han constituido una ocasión única para este incremento cualitativo del patrimonio artístico de la colección pictórica del museo.

    Esta obra viene, además, a enriquecer sustancialmente la representación de los pintores del Renacimiento del norte de Europa, que cuenta con ejemplos relevantes de primitivos flamencos y holandeses coetáneos al alemán Cranach, como La Sagrada Familia (c. 1525-1530) de Jan Gossart, Piedad al pie de la cruz (c. 1530) de Ambrosius Benson o Lamentación sobre Cristo muerto (primera mitad del siglo XVI) de Pieter Coecke.

    Lucas Cranach el Viejo
    Pintor y grabador, Lucas Cranach el Viejo tomó el sobrenombre de la pequeña ciudad alemana de Kronach (Franconia), en donde nació y recibió, de manos de su padre, las primeras enseñanzas del oficio. Firme partidario de la Reforma protestante, fue amigo íntimo de Martín Lutero, para quien pintó obras religiosas de carácter didáctico y varios retratos. También creó su propio ideal de desnudo femenino, cuyo particular atractivo ha perdurado hasta nuestros días.

    Se conoce poco de sus años tempranos, aunque está documentada su presencia en Viena hacia 1502. El ambiente surgido en esa ciudad en torno a la universidad ejerció gran influencia en Cranach, quien, a partir de entonces, asumiría los ideales humanistas. En 1505 se encontraba en Wittenberg, en donde permaneció hasta 1550 al ser nombrado pintor de corte por el elector Federico III. Allí, y siguiendo el modelo humanista, no sólo sirvió como pintor y grabador sino que también se ocupó de la organización del artesanado, de la supervisión de los proyectos arquitectónicos, del desarrollo de las ceremonias y de todo el ambiente estético relacionado con la corte.

    En 1508 viajó en misión diplomática a los Países Bajos, a la corte del emperador Maximiliano. Desde ese momento se apreciará un cambio en su pintura, que resolverá las figuras mediante un suave modelado. A partir de 1520 su activo taller, en donde trabajaron sus dos hijos Hans y Lucas Cranach el Joven, comenzó a recibir numerosos encargos y, junto a los temas religiosos y los retratos, desarrolló una amplia producción de temas clásicos y mitológicos.

    En los últimos años de su vida Cranach acompañó al exilio al elector Juan Federico I; primero a Augsburgo y más tarde a Weimar, en donde murió en 1553. Su taller que le sobrevivió,y continuó creando versiones de sus obras décadas después de su muerte.

    La Lucrecia del Museo de Bellas Artes de Bilbao
    Según la narración clásica de Tito Livio, recogida después por diversos historiadores y fuente de inspiración para numerosos escritores y pintores, Lucrecia fue una joven virtuosa, casada con un noble romano, pariente del rey Lucio Tarquinio el Soberbio. El hijo del rey, Sexto Tarquinio, se enamoró de su belleza y honestidad e intentó seducirla, pero al no conseguirlo, la violó. Lucrecia confesó la deshonra a su padre y a su esposo, a quines hizo jurar venganza poco antes de clavarse un cuchillo y quitarse la vida en su presencia. Fue su hermano, Lucius Junius, quien lavó la afrenta matando al culpable. Este hecho provocaría el fin de la monarquía romana y la posterior instauración de la república.

    Lucrecia, fechada en 1534 y firmada con el anagrama del pintor (una serpiente alada), es un óleo sobre madera de haya de 50,8 x 35,8 cm, que ha pertenecido durante generaciones a una colección española. Se trata de la familia del marqués de Rafal, exiliado en Viena a comienzos del siglo XVIII por dirigir el levantamiento de Orihuela a favor del archiduque Carlos durante la Guerra de Sucesión (1701–1713). Amnistiado con la Paz de Utrecht, regresó desde su exilio trayendo la obra de Cranach a su palacio de Orihuela. Ya a finales del siglo XIX el cuadro fue trasladado a Madrid, en donde ha permanecido desde entonces salvo los años de la Guerra Civil, en que viajó a Figueras con los cuadros del Museo del Prado. Recientemente fue declarada bien inexportable por la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español, basándose en un informe emitido por el Museo del Prado.

    El cuadro es una obra original autógrafa de Lucas Cranach el Viejo sin intervención de su taller. Recoge un tema profano, que sirve a Cranach como pretexto para pintar uno de los más bellos desnudos de toda su producción. Es uno de los temas predilectos del pintor, del que llegó a ejecutar, solo o con ayuda de su taller, más de sesenta versiones.

    Recortada sobre un fondo oscuro aparece la figura femenina de Lucrecia, representada con la meticulosidad técnica característica del maestro alemán, semidesnuda y en tres cuartos. Le adornan el rico aderezo del cuello y el collar de eslabones que cuelga sobre el pecho, objetos propios de su nobleza, que, junto a la empuñadura de la daga que lleva en la mano derecha, muestran una elaborada ejecución en la representación del trabajo de orfebrería. Sin otros elementos decorativos ni paisaje al fondo, toda la atención se concentra en el personaje de Lucrecia y en la belleza pálida de su anatomía. A las cualidades táctiles de estos elementos se suman las del manto de terciopelo granate con el que se cubre parcialmente y otras mucho más sutiles, como las del cabello o el fino velo que sirve a Cranach para resaltar la sensualidad del desnudo.

    El dibujo magistral, las formas redondeadas y el ritmo ondulante de la silueta con el que Cranach encaja la composición obligan a recorrer con la mirada toda la figura hasta detenerse en la belleza fascinante del rostro y en la expresión ensoñadora de la heroína a punto de morir.

    Luces navideñas en Colombia

    04/12/2012, Más de 26 millones de luces de bajo consumo iluminan ya Bogotá y Medellín, dos de los alumbrados navideños más llamativos y sostenibles de los cinco continentes.

    Bogotá, 4 de diciembre de 2012
    Luz, color y sostenibilidad son las claves de la Navidad en Colombia. Su capital, Bogotá, ha preparado un recorrido de más de 86 kilómetros por lugares emblématicos como la Plaza de Bolívar y la Zona T. Mientras que Medellín, cuyo alumbrado navideño fue catalogado en 2011 como uno de los más hermosos de los cinco continentes por National Geographic, ya ha ‘prendido’ las luces de un recorrido de más de 35 kilómetros, que conduce hasta el río Medellín, pasando por la famosa Plaza Botero.

    Bogotá inaugura las fiestas más familiares del año con ‘La ruta de la Navidad 2012’. Un itinerario diseñado y desarrollado con la intención de enamorar de un solo vistazo y sorprender con un gran despliegue de medios. En total, son más de 86 kilómetros de mangueras luminosas, 220.000 metros de extensión de miniled y 8,5 millones de bombillas de bajo consumo.

    Para esta ocasión se han preparado sorpresas como césped iluminado, árboles interactivos que hablan y relatan los cuentos a los niños, burbujas, nieve, música, luces y agua, que acompañarán al viajero durante todo el itinerario. En total, más de 100 puntos de información y atracciones salpican la ciudad hasta el final de las fiestas, recorriéndola de norte a sur, y de este a oeste.

    Parada obligada, por sus delicadas decoraciones y alegorías luminosas, serán los parques del Tintal y Cayetano Cañizales en la zona sur, así como la Plaza Bolívar, situada más hacia el centro. En el norte destaca la Zona T, conocida por ser el gran epicentro del ocio en la ciudad, así como el Parque Plaza Imperial de Suba, ubicado en el sector más occidental de Bogotá.

    Por su parte, y bajo el concepto ‘Naturaleza, vida y luz’, Medellín también está lista ya para dar la bienvenida a las fiestas navideñas. Más de 18 millones de luces de bajo consumo recrean, en miniatura, los diferentes ecosistemas que conforman la naturaleza colombiana: desde el páramo hasta el Caribe, mostrando la diversidad en flora, fauna, climatología y topografía que hacen de este país el más biodiverso del mundo por kilómetro cuadrado.

    Los leds iluminan un recorrido de más de 35 kilómetros de radio, formado por alrededor de 70 lugares emblemáticos. El punto de partida del itinerario es el Parque del Bicentenario, con final en el río Medellín, pasando por la Plaza Botero, el Parque de los Pies descalzos o el Teatro Pablo Tobón Uribe.

    Museo Kunstkammer, Viena

    04/12/2012, A partir del mes de marzo de 2013, el Kunstkammer Museum de Viena celebrará su reapertura con una exposición sobre la casa de los Habsburgo.

    Viena, 4 de diciembre de 2012
    Los emperadores y archiduques de la casa de los Habsburgo se dedicaron a lo largo de sus vidas a recopilar destacados objetos de arte. Como símbolo de su poder y expresión de sus preferencias personales, reunieron en sus Kunstkammer (cuartos de las maravillas o curiosidades) la naturaleza y el arte, los conocimientos de la técnica y la ciencia, objetos preciosos y poco usuales, convirtiéndose de este modo en el origen de nuestros museos modernos.

    Esta pasión coleccionista, que se mantuvo durante siglos, hizo surgir un cosmos de arte y belleza que resurge a partir del 2013 en el Kunstkammer Viena y, nos cuenta las innumerables historias que se encuentran detrás de estos objetos, desde sus creadores, hasta sus coleccionistas.

    Trabajos de orfebrería únicos, obras escultóricas, estatuillas de bronce, trabajos caprichosos y de filigrana en marfil, vasijas de piedra, valiosos relojes y complicados autómatas de los mejores y más famosos artistas de aquel tiempo, que seducen y asombran desde hace siglos a sus observadores.

    Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio

    03/12/2012, Una muestra que descubre más de 600 piezas, la mayoría nunca vistas en España, procedentes del Museo de Nápoles y de las excavaciones de Pompeya, Herculano, Boscorreale, Nola y Estabia.

    Madrid, 3 de diciembre de 2012
    La urbe romana de Pompeya (cercana a la moderna Nápoles) fue en su época un importante punto de paso de mercancías, y tal y como demuestran los restos hallados, gozó de un gran esplendor económico y cultural. Tal era su fortuna, que algunos textos encontrados hablaban de una ciudad corrupta y depravada, que se ganó su cruel final por haber logrado enfurecer a los mismos Dioses.

    En el otoño del año 79, el volcán del Vesubio cubrió la ciudad y a sus habitantes. La ceniza enterró por completo las ciudades de Herculano y Pompeya, ambas situadas en la base de la montaña. Las dos fueron encontradas mucho tiempo después, en los años 1738 y 1748 respectivamente.

    La exposición “Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio” (en la Sala de Exposiciones Arte Canal de Madrid desde del proximo 6 de diciembre al 5 de mayo de 2013) reúne ahora una notable selección de restos procedentes del Museo de Nápoles y de las excavaciones de Pompeya, Herculano, Boscorreale, Nola y Estabia. También se podrán contemplar piezas arqueológicas del Museo de Cuenca y del Parque Arqueológico de Segóbriga.

    Esculturas, jarras de terra sigilata, objetos de uso cotidiano como un dado, un stilus o una olla de cocina transportarán al visitante a los días en los que Pompeya era un lugar activo y hermoso, días en los que ninguno de sus habitantes sospechaba cuál era el terrible destino reservado a la ciudad.

    Pompeya fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1997.

    Picasso en blanco y negro

    03/12/2012, Hasta el 23 de enero de 2013 se podrá visitar en el museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York la muestra "Picasso Black and White".

    Nueva York, 3 de diciembre de 2012
    "Picasso Black and White" es la primera exposición que explora el uso del blanco y el negro a través de la carrera prolífica del artista español. Pablo Picasso purgó su trabajo, utilizando los colores blanco y negro con el fin de poner de relieve la estructura formal y la autonomía de forma inherente en su arte.

    Su paleta minimalista refleja su obsesivo interés por la línea y la forma. Picasso, a través de tonos planos y repetitivos, desarrolló un complejo lenguaje pictórico y simbólico. De esta manera, el recurrente motivo de negro, blanco y gris, es evidente en sus periodos Azul y Rosa, en los que el malagueño lideró las investigaciones sobre el Cubismo, las pinturas figurativas neoclásicas y el Surrealismo. Incluso en sus trabajos posteriores, que narran las atrocidades de la guerra, en sus bodegones alegóricos, o en sus interpretaciones de obras maestras históricas de artistas como El Greco, José de Ribera, Francisco de Zurbarán, Diego Velázquez o Francisco de Goya, se puede ver como Picasso continuó aplicando una reducción del color.

    Pablo Picasso nació en 1881 en Málaga. Su padre, José Ruiz Blasco, profesor de arte, animó a su hijo a ser pintor, tras descubrir el gran talento que tenía. Picasso se formó en España, y de ahí pasó a París, donde se embarcó en una extraordinaria carrera hasta convertirse en la figura más influyente del panorama artístico del siglo XX.

    La paleta de Picasso revela el desarrollo de un proceso único de trabajo, que persiguió hasta su muerte en 1973 en Mougins, Francia. Sus obras innovadoras en blanco y negro siguen influyendo a los artistas de hoy. Este estudio cronológico, que abarca desde 1904 hasta 1971, incluye pinturas, esculturas y obras sobre papel, en las que destaca la elección del artista por los tonos negro, blanco y gris en lugar de optar por otros colores.

    De pasadizo a palacio

    03/12/2012, De pasadizo a palacio. Las casas de la Biblioteca Nacional, explica la historia de las casas que han alojado a la Biblioteca Nacional desde su apertura, en 1712 como Real Librería Pública, hasta la actualidad.

    Madrid, 3 de diciembre de 2012
    La exposición—n, organizada por la BNE, incluye material grá‡fico especialmente creado para ella a partir de la investigación— realizada, junto con documentos originales de los fondos de la Biblioteca Nacional, así’ como reproducciones de planos de otros organismos y archivos hasta ahora inéŽditos.

    Articulada en tantas secciones como casas ha tenido la Biblioteca Nacional a lo largo de su historia, la muestra refleja la desigual informaci—ón disponible de cada una de ellas, acorde con la desigual permanencia de la instituci—ón en sus respectivas sedes.

    El pasadizo de la Encarnación. Entre 1712 y 1809
    Casa fundacional de la Real Librería Pública creada por Felipe V en el pasadizo que unía la Casa del Tesoro con el Monasterio de la Encarnación. Esta sección trata también sobre otras sedes alternativas que se fueron ofreciendo, siempre sin éxito, para mejorar las condiciones de conservación de los libros y las colecciones que incluía.

    El convento de la Trinidad. Entre 1809 y 1819
    El derribo del pasadizo de la Encarnación obliga a trasladar por orden de José Napoleón I los fondos de la Real Librería Pública al convento de la Trinidad en la madrileña calle de Atocha, donde quedarán alojados durante diez años, aunque el edificio nunca llegó a ser más que mero depósito provisional, sin posible atención o apertura al público.

    El palacio del Almirantazgo. Entre 1819 y 1826
    En este caso estamos ante la sede más efímera de la Real Biblioteca, ya que permaneció en el edificio sólo siete años. Para alojar los fondos se habilitó el piso principal del edificio que había sido proyectado como residencia del Príncipe de la Paz y en él los libros pudieron volver a ser consultados por el público.

    La casa del Marqués de Alcañices. Entre 1826 y 1895
    Estando alojada en este edificio, la fundación de Felipe V pasará de ser Real Biblioteca a ser Biblioteca Nacional. La investigación abierta para la exposición ha proporcionado un buen número de planos inéditos que permiten documentar esta sede con precisién, incluido el nuevo pabellón del jardín, hasta ahora atribuido a Álvaro Rosell cuando en realidad fue obra de Enrique Ma. Repullés y Vargas. Ese pabellón fue el primer edificio de nueva planta del que disfrutó la Biblioteca Nacional.

    El Palacio de Biblioteca y Museos Naciones. Desde 1895
    La sede actual de la Biblioteca Nacional es la mejor documentada y la que más imágenes y argumentos aporta a la exposición. Era sabido que el edificio actual fue iniciado siguiendo el proyecto del arquitecto Francisco Jareño y que sus planos fueron después modificados por el arquitecto Antonio Ruiz de Salces, responsable final del resultado construido. La investigación realizada ofrece novedades sobre las consecutivas propuestas de los dos arquitectos y aporta a la exposición importantes planos que explican las condiciones de partida del proyecto de Ruiz de Salces, el alcance de sus aportaciones y el detalle de lo que se mantiene de las ideas de Jareño.

    Un tesoro para Cartagena

    01/12/2012, Finalmente, el tesoro de fragata Nuestra Señora de las Mercedes, extraído del fondo del Atlántico por la empresa cazatesoros Odyssey, ya tiene un destino. El museo de Arqueología Subacuática de Cartagena, en el sudeste de España.

    Madrid, 1 de diciembre de 2012

    El ministerio español de cultura ha presentado en rueda de prensa el Plan de Actuación de Bienes Culturales de la fragata Nuestra Señora de las Mercedes. Un portavoz ministerial explicó que "ninguna institución ni organismo cultural, tanto a nivel nacional como internacional, se había enfrentado nunca a un reto patrimonial de este calado. Asumir de golpe la gestión de 14 toneladas de monedas de plata, además de otros bienes culturales, supone un reto".

    Las piezas recuperadas del pecio Nuestra Señora de las Mercedes han quedado adscritas al Museo Nacional de Arqueología Subacuática (ARQUA) lo que supone que tendrán la máxima protección que establece la ley de Patrimonio Histórico Español como Bienes de Interés Cultural (BIC). Esto los convierte en bienes de dominio público y como tales en inalienables, inembargables e imprescriptibles. "Al Ministerio -explicó el portavoz- no le interesa el valor económico del tesoro sino su valor cultural o arqueológico. Es un bien al servicio de la humanidad".

    Un caso novedoso

    Fue en mayo de 2007, cuando la empresa Odyssey anunció el hallazgo de un cargamento de monedas de oro y plata, en aguas internacionales. Lógicamente, las miradas se centraron en España, país con un gran imperio colonial en el pasado, y que conserva en sus archivos numerosos casos de buques hundidos con materiales preciados.

    El Gobierno español presentó una demanda legal contra la empresa estadounidense para defender la propiedad del tesoro, formado por más de 500.000 piezas -casi 17 toneladas-. Los tribunales le dieron la razón.

    El pecio pertenecía a fragata Nuestra Señora de las Mercedes que zarpó del virreinato del Perú y fue hundida en 1804 frente a las costas del Algarve (Portugal) por navíos ingleses.

    El tesoro de la fragata retornó a España el pasado 25 de febrero de 2012: un cargamento de 21 toneladas, integrado por monedas de oro y plata, algunas balas de cañón y otros materiales.

    La riqueza de los archivos históricos sirvió para documentar el hallazgo submarino, y para recordar un hundimiento, en el que no sólo se perdió oro y plata sino que Цlo más importante- habían perecido 250 personas.

    Antes del Diluvio. Mesopotamia

    30/11/2012, Las primeras ciudades de Mesopotamia fueron el embrión de nuestra civilización. En ellas se crearon nuevos sistemas de comunicación, nuevas relaciones sociales y productivas.

    Barcelona, 30 de noviembre de 2012
    “Antes del diluvio. Mesopotamia, 3500-2100 a.C.” es una muestra que presenta CaixaForum Barcelona, en la que los visitantes pueden reflexionar sobre este fenómeno ocurrido en el Creciente Fértil, cuando aún faltaban 2.500 años para que se levantaran los primeros dólmenes y menhires en Europa-

    Entonces, Egipto aún no era un estado unificado gobernado por un faraón, pero en lo que hoy es el sur de Iraq, un poblado se convirtió en una gran ciudad de 40.000 habitantes. Fue posiblemente la primera de la historia. La primera gran arquitectura monumental, la primera planificación territorial, la primera escritura de la historia y la primera contabilidad se originaron en Uruk hacia el año 3500 a. C.

    Hace unos 5.500 años, en lo que hoy es el sur de Iraq, los pueblos mesopotámicos que hablaban sumerio y acadio crearon las primeras ciudades. La primera organización territorial surgió, desde principios del IV milenio a. C., en un espacio fértil y al mismo tiempo inhóspito.

    Con la primera ciudad, Uruk, se creó la primera red de comunicaciones, con sus vías, canales y postas, se desarrollaron jerarquías sociales y la división del trabajo, el capitalismo, un poder fuerte (monárquico o imperial), la escritura, el cálculo, las unidades de medida del tiempo y el espacio, el valor de los bienes y el derecho, manifestaciones culturales a través de las cuales el ser humano se fue desmarcando de la naturaleza, al mismo tiempo que la dominaba. La importancia que estos avances han tenido en los siglos posteriores ha hecho que durante muchos años los estudiosos hablasen de Sumeria como la cuna de la humanidad.

    La exposición que presenta CaixaForum Barcelona, hasta el 24 de febrero de 2013 reúne por primera vez un conjunto único de 400 piezas procedentes de treinta y dos museos y coleccionistas de todo el mundo relacionadas con los distintos aspectos de la cultura que se desarrolló en las llanuras aluviales del Tigris y el Éufrates en los milenios IV y III a. C.

    A partir de obras de arte y artesanía, joyas y objetos rituales, textos y símbolos, la muestra presenta las investigaciones más recientes en torno a ese periodo y se interroga sobre la interpretación que han hecho del mismo los historiadores y arqueólogos de distintas épocas.

    La muestra, comisariada por Pedro Azara, arquitecto y profesor titular de estética en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona y con la participación de un comité científico internacional, se completa mediante documentación, entrevistas filmadas y reconstrucciones en 3D, así como obras de artistas contemporáneos, fotografías y filmaciones que son testimonio de la fascinación del viaje a las fuentes de la cultura, o de lo que quede de ella.

    La muestra permite a los visitantes realizar un viaje en el tiempo y el espacio —hasta las marismas del delta de los ríos Tigris y Éufrates en el IV y III milenio a. C.— para conocer las últimas investigaciones sobre los pueblos sumerios, así como para mostrar la enorme influencia de esta primera cultura del Próximo Oriente en nuestra forma de vida actual. Se trata de la primera gran muestra dedicada a un periodo y un espacio cultural descubiertos a finales del siglo XIX, y que en la actualidad son motivo de preocupación, a causa de las recientes guerras, invasiones y pillajes, que han devastado unos frágiles yacimientos arqueológicos.

    Homenaje a Óscar Domínguez

    30/11/2012, Uno de los artistas surrealistas más influyentes es homenajeado en una ocasión única para adentrarse en dos de sus tipos de creaciones: las decalcomanías y los objetos surrealistas.

    Madrid, 30 de noviembre de 2012
    El Museo Reina Sofía dedica a Óscar Domínguez (La Laguna, Tenerife, 1906-París 1957) una gran sala de su Colección permanente que ha quedado temporalmente vacía, y que albergará hasta el próximo septiembre de 2013, treinta y cinco piezas, además de valioso material documental compuesto por revistas, libros, cartas y una maqueta, así como una filmación realizada por Alain Resnais sobre la figura del artista.

    Este espacio que habitualmente está ocupado por importantes obras de Salvador Dalí (que han viajado a París al Museo Georges Pompidou), es ahora utilizado temporalmente para ofrecer al visitante una representación de dos tipos de creaciones del artista relacionadas con la praxis surrealista: los objetos y las decalcomanías.

    Los objetos
    Fue en París, en el año 1936 en la Exposition Surréaliste d'Objets, inaugurada en la galerie Charles Ratton de París, cuando Óscar Domínguez presentó sus primeros objetos. Despojándolos de su significado original, el artista conseguía dotarles de un nuevo sentido próximo al absurdo, que sin embargo y a diferencia del ánimo destructivo inherente al dadaismo, no dejaba de contribuir a la construcción del universo surrealista.

    En otra exposición celebrada también en París, en 1938 en la Galerie de Beaux-Arts –la Exposition Internationale du Surréalisme-, se incluyó un pequeño conjunto de objects trouvés que se presentan ahora en el Museo. Es el caso de Le Tireur, perteneciente a las Colecciones ICO. Además, se muestra Jeux (1937), conservado en el propio Reina Sofía, junto a los cuadros-objeto Pérégrinations de Georges Hugnet (1935). Por último la pieza 1955 (1955), cedida entre otras por el TEA (Tenerife Espacio de las Artes, de Tenerife), cierra este conjunto de obras.

    Tanto André Breton como Paul Éluard reconocieron la importancia de los objetos de Domínguez al incluir reproducciones fotográficas de algunos de ellos en el Dictionnaire abrégé du surréalisme, para la Exposition Internationale de la Galerie des Beaux-Arts.

    Las Decalcomanías
    La decalcomanía fue descrita así por Bretón: «Extended, mediante un pincel grueso, gouache negro más o menos diluido en distintos puntos de una hoja de papel satinado blanco, que recubriréis inmediatamente con otra igual, sobre la que ejerceréis una ligera presión. Levantadla deprisa». Y fue él, junto a Eluard, quien atribuyó al artista tinerfeño la creación de esta técnica pictórica surgida en el seno del movimiento surrealista.

    Estas imágenes que surgen directamente del subconsciente son manchas, figuras, fondos marinos, abruptos paisajes o nubes que atraviesan el cielo. El artista, en su papel de medium o buceador del subconsciente colectivo, queda equiparado, en cierto modo, a un adivino. Bretón consideraría este descubrimiento de Domínguez como un hito excepcional en el contexto del surrealismo y aseguraría que “el automatismo absoluto sólo pudo lograrse tras la aparición de la decalcomanía del pintor tinerfeño…”

    A pesar de que Bretón dataría la invención de la decalcomanía en 1936, el artista canario ya había realizado su primer intento en el año 1934, cuando entró en contacto con el cenáculo surrealista. Domínguez llevaría a cabo su primer ensayo en este terreno al ilustrar la cubierta y la contracubierta de una publicación de Eduardo Westerdahl sobre el pintor Willi Baumeister editada por Gaceta de Arte. Estas ilustraciones se incluyen ahora en la muestra.

    En 1937, Domínguez realiza una de las piezas más célebres llevadas a cabo por medio de esta técnica y que ahora se puede contemplar. Se trata de El árbol también conocido como Drago, “representación de un fósil hallado sobre una superficie mineral, espécimen arbóreo al que Bretón no dudó en atribuir aspecto ‘jurásico’ en 1935, durante su visita a Tenerife.

    Tras las “decalcomanías sin objeto preconcebido” ó “decalcomanías del deseo”, vendría la segunda serie de obras realizadas por este mismo procedimiento, las “decalcomanías automáticas de interpretación premeditada”. En ellas, a la técnica primitiva se le incorporan viñetas, plantillas e incluso algún cartón recortado, que darán como resultado un conjunto de obras con dos motivos principales: un león -especialmente el león-bicicleta, del que se encargará Domínguez - y una ventana, que elaboraría junto al artista Marcel Jean. Participando de diversas combinaciones, estos dos temas se situarán sistemáticamente sobre fondos brumosos y cielos sombríos bajo el título genérico de Grisou.

    El Museo recoge ahora una nutrida selección no sólo de los Grisou de Domínguez y Marcel Jean, sino del resto de la tipología de las decalcomanías creadas en solitario por el artista tinerfeño, hasta un total de una treintena de obras.

    A partir de 1937 Domínguez aplicará al óleo los principios de la decalcomanía. La mayoría de los lienzos que incorporan esta fórmula suelen estar inspirados en motivos que rememoran la isla natal del pintor, bien sean representaciones que evocan la lava volcánica o fragmentos de escenas que semejan tenebrosos océanos. Gracias en su mayoría a la generosa colaboración del TEA (Tenerife Espacio de las Artes, de Tenerife), el Museo Reina Sofía ha reunido para esta ocasión un pequeño pero muy interesante grupo de este tipo de obras del artista: Les siphons (1938), Apparition sur la mer (1939), Apocalypse (1956), Delphes (1957) y Nature morte (1954,).

    Johann Georg Pinsel, en el Louvre

    30/11/2012, “Johann Georg Pinsel, Un escultor barroco en Ucrania en el siglo XVIII” es una de las muestras que se pueden ver en el museo del Louvre hasta el 25 de febrero de 2013.

    París 30 de noviembre de 2012
    El museo parisino presenta por primera vez en Francia una exposición sobre Johann Georg Pinsel, artista activo a mediados del siglo XVIII en Galitzia o Galicia, territorio antaño polaco, hoy incluido en Ucrania.

    La exposición Pinsel se desarrolla en el marco de la política de exposiciones monográficas puesta en marcha por el Louvre, iniciativa que genera al amante del arte el redescubrimiento de personalidades artísticas europeas destacadas. Está organizada en colaboración estrecha con las instituciones ucranias y con préstamos excepcionales de la Galería Nacional de Bellas Artes de Lviv (Leópolis, Llvov o Lemberg, capital de la provincia homónima ucracniana).

    Se presenta una treintena de esculturas policromas o doradas, en su mayor parte de madera, varias con policromía o doradas. Entre ellas, algunas de las más espectaculares del artista, en las que se reconoce el estilo de Pinsel, muy brillante, próximo del de los grandes escultores de la edad de oro del barroco germánico, y en especial a su contemporáneo Ignaz Günther.

    El arte de Pinsel es muy personal, muy gestual (composiciones serpentinas, desequilibrio de los cuerpos, etc.), con una expresividad pronunciada (cejas fruncidas, cabellos y barba libre, musculatura nudosa) y una caracterización muy personal de las pañerías (aspecto centelleante, pliegues angulosos y muy contrastados, con abundancia de planos lisos).

    Johann Georg Pinsel
    No conocemos la fecha, ni el lugar de nacimiento del artista. Su nombre, Pinsel ("pincel" en alemán) podría indicar un origen germánico. Está documentado por primera vez a Buczacz (a unos 150 km de Lviv) en 1751, cuando se casó allí. Allí fue dónde murió, según parece en 1761 o 1762. Pinsel fue protegido por allí por un poderoso terrateniente.

    En colaboración con el arquitecto Bernard Meretyn, trabajó en decorados importantes: Ayuntamiento de Buczacz, altar de la iglesia de Horodenka, coro de la iglesia de Hodowica, fachada de la catedral de San Jorge de Lviv. Durante sus años de actividad, en esta región a los confines meridionales del reino de Polonia, lindando con territorios musulmanes y ortodoxos, Pinsel puso su arte espectacular y sensible al servicio de la Iglesia católica. El impacto de su personalidad artística fue inmenso sobre este territorio y marcó con su huella el desarrollo de la escultura hasta hacia los finales del siglo.

    Es comisario de la exposición Guilhem Scherf, conservador jefe del departamento de esculturas del museo del Louvre.

    Perder la forma humana

    29/11/2012, En Madrid, el Museo Reina Sofía presenta la exposición: "Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina".

    Madrid, 29 de noviembre de 2012
    Perder la forma humana plantea una imagen de los años ochenta en América Latina que establece un contrapunto entre los efectos arrasadores de la violencia sobre los cuerpos, y las experiencias radicales de libertad y transformación que impugnaron el orden represivo.

    Los materiales reunidos muestran no sólo las secuelas atroces de la desaparición masiva y la masacre bajo regímenes dictatoriales, estados de sitio y guerras internas, sino también los impulsos colectivos por idear modos de vivir en continua revolución.

    La exposición rescata experiencias que plantearon formas de resistencia a través de soportes precarios como la serigrafía, la performance, el video, la acción poética, el teatro experimental y la arquitectura participativa. Estas prácticas se pueden agrupar en tres núcleos: las políticas visuales impulsadas por movimientos sociales como las Madres de Plaza de Mayo en Argentina y Mujeres por la Vida en Chile; las desobediencias sexuales, que incluyen experiencias de travestismo y corporalidades que impugnan la construcción tradicional de género; y la escena underground que, a través de la música, la fiesta y la ética del “hazlo tú mismo”, construyó micromunidades que permitieron recomponer los lazos sociales quebrados por el terror.

    Todas estas experiencias llevaron a extraviar la forma humana, tensionando y deformando la concepción humanista de sujeto, y dieron lugar a nuevas subjetividades que pusieron en crisis las formas de existencia conocidas, transformando los modos de entender y hacer política contrahegemónica.

    Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina
    Hasta el 11 de marzo de 2013
    Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3, Madrid
    Museo Centro de Arte Reina Sofía

    El escultor de retratos

    29/11/2012, El artista Alejandro Monge inaugura su primera exposición en solitario en la Galería Carlos Gil de la Parra, en Zaragoza.

    Zaragoza, 29 de noviembre de 2012
    La exposición, que estará abierta al público hasta el 10 de enero de 2013, recoge un total de 34 obras del artista Alejandro Monge (1988), técnico superior de artes plásticas y diseño con la especialidad de escultura en la Escuela de artes de Zaragoza.

    Los retratos de Alejandro Monge trascienden del lienzo. El volumen y profundidad que crea los convierte casi en esculturas que pugnan por liberarse de las dos dimensiones y logran un realismo más que patente.

    En sus esculturas, Monge investiga y experimenta con nuevos materiales: polímeros, resinas, plásticos o fibra de carbono. La escultura de los billetes, que inicia la serie de obras del proyecto “La destrucción como forma de creación”, está hecha de papel petrificado con resinas, y se ha pintado y modelado a mano. El objetivo no es provocar sino hacer pensar a través de la belleza de lo insólito.

    Como escribe Antón Castro en el catálogo de la exposición: "Alejandro Monge intenta ser un artista libre. Abierto al propio ritmo de pintura. Lento y seguro. Busca la contundencia y la belleza. No pretende ser amable. Y no pone títulos a los cuadros porque no quiere que el espectador se sienta condicionado. Al contrario: el cuadro se completa en el corazón y en los ojos del espectador a través de la ciencia de la observación y de la libertad del pensamiento".

    Líneas aéreas Carraca

    28/11/2012, Este es un título humorístico para referirnos a un pequeño pájaro de brillante color azul, que pasa el estío en el sur de Europa y se marcha a invernar al sur de áfrica. Seo/BirdLife lo ha seguido.

    Madrid, 28 de noviembre de 2012
    SEO/BirdLife desarrolla desde 2011, con la colaboración de la Fundación Iberdrola, un programa que incluye el marcado de las aves para su seguimiento migratorio, aprovechando las tecnologías de control remoto.

    Cuatro ejemplares de carraca fueron marcados esta primavera en sus zonas de cría en la Península Ibérica (Madrid, Granada, Ciudad Real y Lleida) con un emisor satélite de tan solo cinco gramos de peso, con el objetivo de estudiar sus viajes migratorios y zonas de invernada, hasta ahora totalmente desconocidos. Gracias a esta novedosa tecnología se puede conocer la posición de cada individuo diariamente y hacerla disponible vía Internet.

    La carraca es un ave insectívora que tiene unos 30 cm. de largo y una envergadura de más de 50 cm. con las alas extendidas. Posee un bello color azulado y ambos sexos son similares. En el verano habita en el sur de Europa u oeste de Asia, pero en invierno migra hacia el sur de África.Ocupa terrenos abiertos y esteparios con arbolado disperso.

    La población española de carraca ha disminuido enormemente en los últimos años, por lo que conocer cuáles son sus áreas de invernada y rutas migratorias es un paso fundamental para precisar mejor las causas de la disminución de su población, poder solucionar sus amenazas y contribuir a su conservación.

    Novedades sobre su viaje migratorio
    Las cuatro carracas marcadas por SEO/BirdLife que portan una mochila en su espalda (emisor satélite), iniciaron su periplo desde las zonas de cría hacia las zonas de invernada en el África subsahariana.

    El mar no fue un impedimento en su viaje, aunque dos ejemplares cruzaron por el estrecho de Gibraltar, la carraca de Granada lo hizo por el mar de Alborán para alcanzar las costas de Marruecos. Mientras que la carraca leridana, alcanzó el continente africano atravesando el mar Mediterráneo por las islas Baleares hasta llegar a Argelia.

    El desierto tampoco resultó un obstáculo, aunque tres de las carracas franquearon estas zonas áridas por la parte más occidental, la marcada en Lleida cruzó el corazón del Sahara, atravesando áreas con condiciones extremas como el desierto del Teneré en Níger.

    Tras más de 3.000 km recorridos, se asentaron en torno a la cuenca del lago Chad, durante los meses de septiembre y octubre.

    Aunque este área de África parecía ser la elegida por las carracas para fijar su lugares de invernada, estás dos últimas semanas las cuatro han emprendido un nuevo viaje rumbo al sur. Atravesando las selvas ecuatoriales del Congo y Gabón, en la actualidad recorren gran parte de Angola por zonas de pastizales, sabanas y selvas semicaducifolias.

    Como una línea aérea regular… después de su asentamiento en el sur del continente africano… harán el viaje de vuelta. Lo contaremos.

    La crisis, en Paradores de Turismo

    27/11/2012, La crisis económica está afectando a una red hotelera emblemática española, Paradores de Turismo, que anuncia la supresión de 644 puestos de trabajo.

    Madrid, 27 de noviembre de 2012
    La dirección de Paradores de Turismo ha presentado ya a los representantes de los trabajadores un plan de medidas destinadas a asegurar la supervivencia de la compañía.

    Según Paradores, la situación financiera de la compañía es insostenible. A la caída de la demanda (pasando de un índice de ocupación del 70% en 2007 a un 52% en 2012) se unen las pérdidas acumuladas de 77 millones hasta 2011, además de las pérdidas previstas para 2012 que ascienden a otros 30 millones. Además, de no tomar medidas, en el 2013 las pérdidas alcanzarían los 139 millones.

    Hasta el momento la dirección ya había aplicado numerosas medidas como la reducción de costes operativos, de consumos y los gastos comerciales así como la optimización de los procesos internos.

    La situación es tan grave –dice esta red hotelera- que se hace imprescindible y urgente acometer nuevas medidas. El plan que la dirección de Paradores pone sobre la mesa de negociación supone la extinción de 644 puestos de trabajo, aproximadamente el 14% de la plantilla.

    Paradores de Turismo es la red hotelera emblemática española, de capital público, que gestiona en torno a un centenar de establecimientos, destacados por su calidad histórica y artística o su ubicación en espacios de gran atractivo natural.

    http://www.parador.es/

    Guía de Pamplona en Guiarte

    27/11/2012, Pamplona, una de las ciudades emblemáticas del norte de España es un lugar de gran interés para el turismo por numerosos motivos: naturaleza, arte, gastronomía… y los míticos sanfermines. Nueva guía en guiarte.com.

    Pamplona, 27 de noviembre de 2012
    Dentro de un plan encaminado a reforzar y actualizar los contenidos de guiarte.com y en concreto del territorio del Camino de Santiago, en las últimas fechas se ha reditado la guía de Estella (Navarra) y las de otras pequeñas poblaciones Navarras de alto interés santiagueño. Un esfuerzo especial se ha dedicado a Pamplona, con una guía en la que se unen textos de Tomás Alvarez con fotografías del grabador y peregrino José Holguera (www.grabadoyestampa.com/)

    Pamplona, Iruña en Euskera, es una de las más importantes ciudades del norte de España. Sus “Sanfermines” son famosos en todo el orbe, merced a su trascendencia en el ámbito literario y mediático. Millares de viajeros de todos los países acuden anualmente a esta cita de notable colorido, muy divulgada por el escritor Hemingway.

    La ciudad, poblada por unos 300.000 habitantes, tiene una densa historia que se remonta a la época romana, por lo que conserva numerosos elementos antiguos, tales como sus restos de murallas y fuertes, la catedral o la iglesia de San Saturnino.

    Otro gran atractivo de la ciudad es su pertenencia al Camino de Santiago. Se trata de la primera ciudad española al sur del puerto de Roncesvalles o Ibañeta y por ello es un lugar en el que muchos de los que recorren la vieja senda hacen parada, para ver monumentos y degustar su buena gastronomía.

    Todo ello nos aconseja una visita detenida: guía de Pamplona.

    "El joven Van Dyck" en el Museo del Prado

    26/11/2012, El Prado presenta una de las mayores exposiciones de Antonio Van Dyck en el mundo y la primera que se celebra en España dedicada a su pintura y dibujos.

    Madrid, 26 de noviembre de 2012
    Antonio Van Dyck demostró ya en su juventud un sorprendente talento. La exposición del Prado se centra exclusivamente en la obra de juventud del artista y abarca a través de más de noventa pinturas y dibujos el periodo comprendido entre 1615, cuando el artista contaba con 15 años de edad, hasta su marcha de Amberes (su ciudad natal) a Italia en 1621. Seis años de producción temprana, en los que el extraordinariamente prolífico Van Dyck pintó unos 160 cuadros, muchos de ellos obras de gran tamaño y ambición creativa, de los que la pinacoteca madrileña posee el conjunto más importante.

    El que fuera el mejor discípulo de Rubens, luchaba ya al comienzo de su carrera por definir su estilo y crear un sello personal, un concepto que era nuevo en aquella época. En sus primeras composiciones se muestra un tanto vacilante en el tratamiento de las anatomías, experimenta con ellas como ocurre en las obras del comienzo de la exposición: La entrada de Cristo en Jerusalén, La Lamentación o el Sileno ebrio muestran su faceta de pintor experimental con una fuerte personalidad que busca nuevos recursos para aumentar el impacto de sus cuadros en el espectador.

    En cambio, en cuadros como La coronación de espinas, Van Dyck refleja la abrumadora influencia que le dejó el tiempo que trabajó para Rubens (1577-1640), y se traduce en esta obra en que las figuras están muy próximas a su mentor, sin impedir, sin embargo apreciar nítidamente cómo lucha una vez más por definir un estilo propio. Por ejemplo, el gusto de Van Dyck por las texturas y unos físicos toscos y muy realistas se alejan de la belleza idealizada con la que retrataba Rubens a sus personajes.

    Dar sentido a la evolución del joven y a menudo contradictorio pintor, además de poner de manifiesto la extraordinaria calidad de su obra ya en este periodo, es el propósito de esta exposición, que evidencia la calidad de la obra temprana de Van Dyck, un artista que, incluso de no haber pintado más que los cuadros de esta etapa, ocuparía también su sitio como uno de los pintores más importantes del siglo XVII.

    Goya: Caprichos y Disparates

    26/11/2012, Hasta el 10 de febrero de 2013 se podrá visitar en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca la muestra "Goya: Caprichos y Disparates", con 102 estampas pertenecientes a la colección de la Fundación Juan March.

    Cuenca, 26 de noviembre de 2012
    Los Caprichos fue la primera colección de grabados preparada por Goya para ser vendida como conjunto. Probablemente su génesis fue lenta y ha de verse ligada a la crisis de su enfermedad desde 1792, que le hizo refugiarse en sí mismo y dar libertad al capricho y a la invención.

    En estos grabados, la realidad queda atrapada en lo que tiene de más singular, de más incisivo, de más irracional, de más difícilmente reductible a razón o a arquetipo. El contenido de las estampas se consideró mordiente y peligroso en su tiempo. Debajo de estas generalizaciones abstractas, sus contemporáneos veían, probablemente con razón, acusaciones más que concretas.

    Los Proverbios, Disparates o Sueños constituyen la serie de grabados más difícil de interpretar. Obra de la vejez del maestro, parece ser inmediatamente posterior a la Tauromaquia, de un ambiente espiritual próximo al de las Pinturas Negras y, como éstas, cabe fecharlas en torno a 1819-1823. Algunas pruebas llevan inscripciones autógrafas, según parece del mismo Goya, que las titulaba Disparates, lo que ha permitido generalizar esta denominación, adecuada a aquello que se suele presentar como extremadamente absurdo e irracional.

    Parece que la interpretación general de la serie ha de intentarse por la vía del tema clásico del absurdo de la existencia, de lo feroz de las fuerzas del mal, del reinado de la hipocresía o del fatal triunfo de la vejez, el dolor y la muerte sobre la vida humana.

    Francisco de Goya (Fuendetodos, 1746 – Burdeos, 1828) comienza su carrera artística como pintor de encargos de frescos religiosos y cartones para tapices. En 1789 es nombrado pintor de cámara de Carlos IV. Sus retratos de la familia de este monarca español, así como de otras figuras de la nobleza, o sus “Majas” –desnuda y vestida– son bien conocidos. La guerra contra los franceses en 1808 y su condición de liberal perseguido por el absolutismo monárquico de Fernando VII, junto a su temprana enfermedad, que le sumirá en la sordera total, marcarán decisivamente su obra. Los Fusilamientos del 3 de mayo, la Carga de los mamelucos o la serie Pinturas Negras, son otras de las obras de Goya universalmente conocidas. En 1823 se exilia a Francia.

    Considerado como el punto de partida hacia el arte de la modernidad, como precursor de algunas de las manifestaciones artísticas más singulares del siglo XX, el arte de Goya posee un valor testimonial, una fuerza que supera la caricatura para convertirse en reportaje gráfico de la España de su tiempo.

    “GOYA: CAPRICHOS Y DISPARATES”
    Museo de Arte Abstracto Español
    Casas Colgadas, Cuenca
    De martes a viernes y festivos: 11-14 h. y 16-18 h.
    Sábados: 11-14 h. y 16-20 h.
    Domingos: 11-14,30 h.
    Lunes: cerrado.
    Hasta el 10 de febrero de 2013.

    Reabren la Sala Tolteca

    24/11/2012, El Museo Nacional de Antropología, una de las grandes instituciones culturales mexicanas, reabrió la Sala Tolteca con nuevas aportaciones, referidas al militarismo y la cosmogonía de aquella cultura.

    Ciudad de México, 24 de noviembre de 2012

    Esta área había permanecido cerrada durante cinco meses, para ser reordenada, actualizada, tras la incorporación de piezas prehispánicas inéditas, algunas de hasta 1,000 años de antigüedad, según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia, de México, (INAH-Conaculta), encargado de la inversión.

    La nueva puesta museográfica presenta 270 piezas arqueológicas e incorpora datos derivados de las más recientes investigaciones, como el militarismo y la cosmogonía toltecas, así como la inclusión de la antigua ciudad de Cantona (Puebla), como una de las urbes antecesoras de esta civilización.

    En el nuevo guión, el recorrido comienza con la caída de Teotihuacan (650 d.C.) y su impacto en los diversos grupos étnicos del centro del país, que provocó reordenamientos poblacionales y disputas por el poder político de la región del Altiplano Central mexicano, según el arqueólogo Stephen Castillo Bernal, curador de la Sala Los Toltecas y el Epiclásico.

    El espacio hace un recuento del origen de los toltecas durante el periodo Epiclásico (650-900 d.C.) con la creación de Tula Chico, hasta su esplendor con su gran capital Tula (Hidalgo), y decadencia en el Posclásico Temprano (900-1250 d.C.).

    De acuerdo con el especialista del INAH, los conflictos bélicos que tuvieron lugar después del declive de Teotihuacan, “fueron el surgimiento del militarismo durante el periodo Epiclásico, que más tarde se consolidó con los toltecas durante su esplendor (900-1250 d.C.), quienes hicieron de esta actividad un ejercicio del Estado, lo que les permitió convertirse en el grupo cultural más fuerte y poderoso de la época”.

    Castillo Bernal señaló que la nueva museografía también expone objetos que hacen referencia a Xochicalco, Cacaxtla-Xochitécatl y Cantona (esta última de reciente inclusión en el guión), como ciudades antecesoras al esplendor tolteca, que se desenvolvieron entre los años 600 y 950 d.C.

    Asimismo, ahora “se aborda la cosmogonía tolteca, la cual dotaba de significado a elementos de la naturaleza, como las fieras a las que representaban con características humanas, en tanto el hombre “adquiría” propiedades de los felinos, como la ferocidad, la valentía, el coraje y la eficacia para matar, elementos necesarios para esta cultura, pues su poderío se basó en las prácticas militares”, explicó el curador.

    Stephen Castillo adelantó que una escultura de cerámica elaborada hace un milenio, conocida como El Creador (de 1.5 metros de alto), relacionada con el origen de las dinastías gobernantes de Xochicalco, será una de las piezas inéditas que dará la bienvenida a los visitantes en la nueva Sala Los Toltecas y el Epiclásico, junto con las reproducciones de los murales de Cacaxtla-Xochitécatl, en los cuales hace 1300 años se plasmaron representaciones bélicas y sacerdotes ataviados.

    “Dicha figura de cerámica con recubrimiento de estuco muestra al personaje arrodillado, barbado y con cabellera larga que le llega a nivel de la cintura; tiene además un tocado triangular, orejeras y brazaletes en ambos brazos; dos largos falos lo circundan, en tanto dos colmillos salen por su boca semiabierta”, describió el arqueólogo.

    Asimismo, abundó, se incluyen piezas inéditas de la Zona Arqueológica de Cantona, entre ellas un caracol de mar que se usó como trompeta entre 600 y 950 d.C., además de objetos de obsidiana —desde lascas hasta artefactos terminados, como puntas de proyectil— que explican la producción lítica desarrollada tanto en dicho sitio (el principal productor de objetos de este material tras la caída de Teotihuacan) como en Tula.

    Un imponente atlante de casi cinco metros de altura, 1.2 de ancho y 1 de espesor, demuestra al público el esplendor de la cultura tolteca. “Esta escultura —que llegó al MNA en los años sesenta—, fue una de las columnas que sostenían el techo de la Pirámide B de Tula, conocida como de Los Atlantes”, destacó el arqueólogo Castillo Bernal.

    La sala incluye la reproducción de la fachada del Palacio Quemado de Tula, del que se observan tres columnas, cinco lápidas de guerreros en la parte superior con representaciones de discos solares y personajes recostados, y parte de la banqueta de esa casa con figuras de gobernantes en procesión.

    La temática de la cosmogonía tolteca se representa con piezas como la Cabeza-coyote, localizada en Tula a mediados de los años cincuenta. La pieza de cerámica plumbate y cubierta con teselas de concha nácar, representa la cara de un personaje barbado que se asoma entre las fauces de un coyote, cuyos dientes están hechos con hueso.

    “La sala concluye con piezas de la Zona Arqueológica de Tenayuca, sitio prehispánico que floreció a la caída de Tula, entre 1200 y 1300 d.C.

    Un paseo por la historia del libro

    23/11/2012, Localizado en el centro de Burgos, en un edificio rehabilitado de cuatro plantas expositivas, se encuentra el Museo del Libro Fadrique de Basilea.

    Burgos, 23 de noviembre de 2012
    El museo, en la Travesía del Mercado, 3 (El Hondillo), plantea su recorrido de manera cronológica por la historia del libro, en un proyecto expositivo global y de diseño didáctico y ameno, adaptado a todos los públicos.

    La visita comienza por los antecedentes del libro, desde sus primeras manifestaciones escritas y la evolución de los soportes, lenguajes y técnicas de escrituras al paso por las grandes civilizaciones de la antigüedad: Egipto, Grecia y Roma.

    Apocalipsis, beatos, biblias o bestiarios puede contemplarse en las vitrinas de la planta dedicada a la Edad Media. La secularización de la cultura, a través de la creación de las universidades, y la proliferación de temas humanísticos nos dejaron gestas, viajes, o tratados de caballería, astrología o caza. Los libros de horas y su personalizada delicadeza completan la época de los manuscritos.

    El invento con tipos móviles y su posterior expansión cambiaron la forma de hacer libros. Los siglos XV al XVIII fueron testigos del nacimiento de los incunables y de la llegada de la ilustración, pasando por los grandes descubrimientos geográficos del siglo XVI y el “Siglo de oro” de las letras.

    La última etapa trata desde la Revolución Industrial hasta el libro electrónico. El libro se convirtierte finalmente en un objeto de masas y de uso meramente funcional.

    Markus Muntean y Adi Rosenblum

    23/11/2012, El Centro de Arte Contemporáneo, CAC, de Málaga presenta Muntean/Rosenblum. The Management of Insignificance del tándem artístico formado por Markus Muntean y Adi Rosenblum.

    Málaga 22 de noviembre de 2012

    Los artistas han realizado para el Centro una instalación compuesta por una cinta corredora de 20 metros de longitud que atraviesa la sala en la que alrededor se han instalado unos bancos, similares a los que se pueden ver en los vestuarios de los gimnasios, orientados hacia las quince pinturas colgadas en las paredes de la sala.

    Algunas pinturas son trabajos que se verán por primera vez en el CAC Málaga, en una estancia que va del 23 de noviembre de 2012 al 20 de enero de 2013.

    La estética de la instalación recrea el juego de ordenador de "Los Sims". Para esta exposición se van a utilizar dos espacios distintos del centro: la Sala Central y el Espacio 5, donde se proyectará un vídeo que se grabará durante una performance que tendrá lugar en la inauguración.

    Muntean/Rosenblum intentan transmitir los dos polos de la vida de cualquier persona: por un lado, el hecho de poder compartir todo tipo de experiencias con un número incontables de personas o seguidores, y por otro lado, la cada vez más acusada soledad del ser humano y falta de empatía con el resto de la sociedad. ?En otras palabras, el exceso de experiencias estéticas está vinculado a una ausencia de sentido personal, lo que desemboca en un sentimiento de hartazgo y vacío?, enfatizan los artistas.

    Para Fernando Francés, director del CAC Málaga: "En el trabajo de Muntean/Rosenblum se ven seres ausentes, como si fueran islas en un mar de gente y bullicio. Las escenas representadas por este tándem de artistas pueden estar sucediendo frente a nosotros, a cualquier hora del día en cualquier parte.

    El dúo Muntean/Rosenblum traslada la despersonificación de los escenarios en el sentido de Marc Augé y su reflexión sobre el no lugar, que es aquel no vital para el ser humano y que está carente de historia, por ejemplo una habitación de hotel o una autopista. Por eso se apoya en la estética de ?Los Sims?, que invierten el sentido de lo real y lo inventado, pero además, carecen de rasgos particulares, son icónicos y genéricos".

    Además de la puesta en escena con un entorno estandarizado y despersonalizado, como el vestuario de un gimnasio, las pinturas son otro elemento que deja constancia de la crítica social de esta pareja artística. Los personajes son jóvenes, en escenas cotidianas, pero transmiten un mensaje a través de frases implícitas que hablan de su soledad, de la crisis social y de identidad que supone el paso de la vida adolescente a la adulta. Son frases que los artistas "coleccionan" y que tienen un significado especial. Las denominan ?conocimiento express?, ya que en otros casos son extractos de literatura de obras conocidas.

    "Más allá de la explosión de los medios de comunicación, lo que en realidad compartimos paradójicamente es el dolor, que de manera intrínseca forma parte de la existencia humana", afirman. Es este sentimiento compartido el que actúa como hilo conductor y sobre el que se invita a reflexionar mientras se contempla su obra.

    En su trabajo, la pintura figurativa está influenciada por la tecnología y los dispositivos ópticos, como la fotografía o el cine. Como referencia, se fijan en modelos adolescentes de revistas de moda y en el cómic.

    Muntean/Rosenblum no da por concluida su intervención en el CAC Málaga con esta instalación. Los espectadores literalmente formarán parte de este entorno y puesta en escena. Además, durante la inauguración, tendrá lugar una performance, que se grabará en vídeo, con alumnos del Conservatorio Superior de Danza de Málaga interpretando gestos conocidos de los personajes de "Los Sims". Posteriormente, la performance se proyectará en el Espacio 5 del centro.

    El hecho de fijarse en este juego de ordenador se justifica porque alude a personajes y escenarios generales, con pocos rasgos individuales y elementos identificativos, que pueden encajar en la vida de cualquiera. El objetivo del juego es conseguir que los personajes siempre estén felices y sólo se alcanza ganando cada vez más dinero, que a su vez invierten en compras materiales, como muebles, ropa o aparatos electrónicos. De esta manera, se establece una relación entre felicidad y adquisición de artículos nuevos, algo que se ve reflejado cada día en la sociedad actual.

    Markus Muntean (Austria, 1962) y Adi Rosenblum (Israel, 1962) forman pareja artística desde 1992. Trabajan a caballo entre Viena y Londres.

    Aunque se centran fundamentalmente en la pintura y el dibujo, otras disciplinas como la fotografía, el vídeo, la instalación o performance también se incluyen en su trabajo. En la última década han expuesto en los museos y salas importantes de diversas partes del mundo: De Appel, Ámsterdam (2002); Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2004); Tate Britain, Londres (2004); Jack Hanley, San Francisco, (2005); Mauren Paley, Londres, (2007); Arndt & Partner, Berlín (2008); Team Gallery, Nueva York (2009); Georg Kargl, Viena (2010) y en Sommer Contemporary Art, Tel Aviv (2011).

    El Titanic llega a Sevilla

    23/11/2012, La exposición del Titanic llega a Sevilla con motivo del centenario del hundimiento del trasanlántico, que hacía por primera vez la ruta entre Southampton (Inglaterra) y Nueva York (EEUU).

    Sevilla, 23 de noviembre de 2012
    “Titanic the Exhibition” podrá ser visitada en el Pabellón de la Navegación de Sevilla hasta el domingo 7 de abril de 2013. La muestra se centra en la terrible historia de este famoso transatlántico, que se hundió en el Atlántico Norte tras chocar con un iceberg en la madrugada del 15 de abril de 1912.

    El hasta entonces más grande y lujoso barco jamás construido zarpó de Inglaterra transportando a 2.228 pasajeros en total. Magnates del comercio, la banca y la industria, artistas, miembros del gobierno, familias que emigraban a Estados Unidos soñando con una nueva vida y una tripulación compuesta por 885 miembros conformaban el pasaje.

    Cuatro días después de su partida, el trasatlántico, que en la época se consideraba prácticamente insumergible, se fue a pique en menos de tres horas, después de que su casco se partiera en dos. Más de 1500 personas murieron ahogadas o por congelación.

    Después de 100 años, algunos de los restos del barco más famoso de la historia pueden ser contemplados en Sevilla. Objetos originales del buque que narran una triste historia, y nos aproximan a la vida de los personajes que vivieron aquella experiencia con mejor o peor fortuna.

    En la muestra se pueden ver maquetas y recreaciones a tamaño natural de estancias del barco que permiten comparar el lujo de los camarotes de primera con la austeridad de los de tercera clase.

    Este año, coincidiendo con el aniversario de su hundimiento, y tras 100 años bajo las aguas, el Titanic quedó protegido por la Convención para la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático de la UNESCO.

    “Titanic the Exhibition”
    Pabellón de la Navegación.
    Camino de los Descubrimientos, 2 (Isla de la Cartuja).
    Hasta el domingo 7 de abril de 2013.
    De 10 a 15 horas y de 16 a 20 horas.
    Entrada 10 euros.

    NO a la moda tóxica

    22/11/2012, Son demasiadas las firmas de moda que utilizan productos tóxicos en la elaboración de sus prendas. El resultado es grave: ríos envenenados, ecosistemas en peligro, y grandes riesgos para nuestra salud.

    Madrid, 22 de noviembre de 2012
    Las marcas de moda no sólo utilizan los ríos públicos de agua como si fueran sus desagües privados, sino que además, un reciente estudio de Greenpeace demuestra que las sustancias químicas que usan para elaborar sus productos son gravemente peligrosas, ya que causan daños a los ecosistemas y a la forma de vida de las personas.

    El último informe de la campaña Detox de Greenpeace analiza las fábricas textiles y la contaminación del agua. La investigación incluye 20 marcas internacionales de moda y los resultados de los análisis de 141 prendas vendidas por firmas tan importantes, como Zara, Calvin Klein, Levi’s, Mango, Armani o Tommy Hilfiger.

    La principal razón
    Desde hace varios años, Greenpeace viene realizando sus informes anuales, para concienciar a la población sobre este problema global. En su último estudio se encuentran firmas de moda femenina, masculina e infantil. Entre otras prendas, se han analizado pantalones vaqueros, ropa interior, camisetas o vestidos. El resultado: substancias tóxicas o cancerígenas en un gran número de productos de firmas como C&A, Mango, Levi’s, Calvin Klein, Zara, Jack & Jones, Marks & Spencer, Tommy Hilfiger, Giorgio Armani o Victoria’s Secret.

    Estas firmas, entre otras, responden a la actual manera de entender la moda. Una moda efímera, que "pasa de moda" rápidamente. Por este motivo, y ante la necesidad de proporcionar al consumidor nuevas tendencias en ciclos cada vez más cortos, las empresas textiles presionan a los proveedores para que entreguen sus productos en plazos cada vez más estrechos, lo que fomenta prácticas irresponsables y recortes en términos laborales y medioambientales.

    El papel de los Gobiernos y de los ciudadanos
    Greenpeace demanda a los Gobiernos que adopten un compromiso político de vertido cero para todas las sustancias químicas peligrosas en el periodo de tiempo que dura una generación (unos 20 años). Este enfoque debe tener como piedra angular el principio de sustitución, de forma que las sustancias peligrosas se sustituyan progresivamente por alternativas más seguras.

    Por su parte, los consumidores también deberían de utilizar su influencia para provocar este cambio. Juntos podemos demandar que los gobernantes y las marcas actúen para evitar que se sigan contaminando nuestros ríos, nuestra ropa y, en última instancia, nuestro futuro. El año pasado, gracias a la presión popular global, Puma, Nike, Adidas y H&M se comprometieron a trabajar con sus proveedores para acabar con el abuso tóxico.

    Sigue y comparte la campaña: http://www.greenpeace.org/espana/es/detox/?utm_source=newsletter-socios&utm_medium=email&utm_term=noticia3&utm_content=11_2012_news21&utm_campaign=Detox

    Marvão, una villa eterna

    22/11/2012, Lo primero que sorprende al visitante recorriendo el casco antiguo de esta localidad portuguesa es el perfecto estado de conservación que presentan sus construcciones.

    Marvão, 22 de noviembre de 2012
    Marvão es historia viva. Una de las pocas villas medievales que ha sobrevivido al paso del tiempo y a las pasadas guerras entre españoles y portugueses, lo que le valió para ganarse el título de "Muy noble y siempre leal villa de Marvão".

    Situada en un promontorio a más de 850 metros de altura en plena sierra del Parque Natural de Sao Mamede, en Marvão se pueden encontrar diversas especies tropicales, como consecuencia del clima tan variado.

    La imponente muralla resguarda un casco antiguo sin igual, donde las casas blancas contrastan con la sobriedad del Castelo de Marvão (1226) una joya arquitectónica del arte medieval que transporta a sus visitantes a épocas de armaduras y espadas.

    Destaca también la Iglesia de Santa María, utilizada actualmente como Museo Municipal, una capilla gótica del siglo XIII que contiene piezas de gran valor de diferentes épocas históricas: Paleolítico, Neolítico, Calcolítico, Edad de Bronce, Edad de Hierro, Periodo Romano y Medievo. También la Iglesia del Espíritu Santo, o la Iglesia de Santiago son edificios que, por su complejidad arquitectónica y su espectacular conservación merecen ser visitados.

    Los alrededores del casco antiguo están granados de murallas defensivas de nueve siglos de antigüedad, puentes y ruinas romanas, casas paleolíticas originales, dólmenes prehistóricos y vestigios medievales que están esperando a que el viajero los descubra. Porque el tiempo no pasa en Marvão.

    Picasso en la Fundación juan March

    22/11/2012, Se inaugura en la Fundación Juan March de Palma de Mallorca la exposición Pablo Picasso y “La Obra Maestra Desconocida" de Honoré de Balzac, con trece aguafuertes que el pintor malagueño realizó en los años treinta.

    Palma de Mallorca, 22 de noviembre de 2012
    Pablo Picasso (1881–1973) está considerado como uno de los grandes maestros del arte del grabado. En la década de los años treinta, el malagueño realizó varias series de aguafuertes, consideradas desde entonces entre los ejemplos más relevantes de la historia del grabado. Entre ellas se encuentra la que realizó en 1931 para ilustrar una nueva edición del célebre relato del escritor francés Honoré de Balzac (1799–1850) Le Chef d’oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida, originalmente publicado en 1831), por encargo de su marchante Ambroise Vollard (1866–1939). Un texto único y ejemplar en el que Balzac expone toda una teoría del arte, con una soberbia calidad narrativa.

    Los trece aguafuertes originales realizados por Picasso en 1931 fueron finalmente editados por Ambroise Vollard en una carpeta. El relato de Balzac se sitúa en el siglo XVII y tiene como escenario el estudio parisino de un anciano artista llamado Frenhofer, que pasa los últimos años de su vida retocando obsesivamente la pintura que nadie ha visto y que él considera su obra maestra.

    Cuando su discípulo, el joven Pussin, ve la obra, solo encuentra un lienzo ininteligible, una intrincada masa de brochazos, en el que la figura inicial ha quedado sepultada bajo capas de pintura. Es la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aun del arte más sublime.

    El cuento fascinó a Picasso, quien se identificó con Frenhofer –el genio frustrado que crea obras maestras tan adelantadas a su tiempo que nadie las entiende–, en cuyo obsesivo afán de perfección reconocía sus propias inquietudes, y aprovechó el encargo de Vollard para homenajear el acto de creación artística. Las obras, por eso, no son estrictamente ilustraciones exactas del cuento de Balzac, sino el resultado de las divagaciones de Picasso sobre el tema del artista creador, el contraste entre la obra soñada y la obra real, y sobre la relación íntima entre el artista y su modelo.

    Pablo Picasso y “La Obra Maestra Desconocida" de Honoré de Balzac
    Hasta el 18 mayo de 2013 en Museu Fundación Juan March, Palma
    Sant Miquel, 11, Palma de Mallorca
    Lunes a viernes: 10-18,30 h.
    Sábado: 10,30-14 h.

    Se descubren dos cantorales del siglo XV

    22/11/2012, La Biblioteca Nacional de España da a conocer dos valiosísimos cantorales del la época de los Reyes Católicos y de fecha anterior a la conquista de Granada.

    Madrid, 22 de noviembre de 2012
    José Carlos Gosálvez, director del Departamento de Música y Audiovisuales de la BNE, explica el hallazgo “se trata de dos cantorales, a los que hemos puesto como títulos uniformes Misas para el propio del tiempo y Antiphonale, que contienen melodías gregorianas, y hasta ahora se encontraban inventariados en un fondo de libros corales".

    Ambos cantorales son de gran formato, y constituyen un enigma, porque carecen de cualquier información que no sea la propia música. De ellos se desconoce totalmente su procedencia, aunque en la BNE creen que podrían haber llegado dentro de las colecciones de fondos desamortizados del siglo XIX. Uno de los cantorales está más decorado que el otro y mucho mejor conservado.

    Según la especialista Elisa Ruiz, "Debieron de ser encargados directamente por los Reyes Católicos para regalar a alguna institución eclesiástica importante. Son similares y sin duda fueron hechos para la misma institución; están decorados con iniciales en pan de oro y con algunas miniaturas de calidad, en el estilo característico de la época con una marcada influencia de la pintura flamenca”.

    La Biblioteca Nacional de España se centrará en su restauración durante los próximos meses, pues están en una situación de bastante fragilidad. Aunque no podrá accederse directamente a ellos durante el tiempo que tarde en realizarse la restauración, tanto los investigadores, como cualquier persona interesada pueden consultarlos en la Web de la Biblioteca a través de Biblioteca Digital Hispánica (BDH).

    Premios BBVA para la Conservación de la Biodiversidad

    21/11/2012, La Fundación BBVA falla sus premios 2011 en sus tres categorías: Actuaciones en Conservación de la Biodiversidad en España y Latinoamérica y Difusión del Conocimiento y Sensibilización en Conservación de la Biodiversidad.

    Madrid, 21 de noviembre
    Hoy viven en la Cordillera Cantábrica unos 190 osos pardos. Hace veinte años no eran más de ochenta, aunque la especie sigue amenazada. Este aumento se deben en gran medida a la labor de la Fundación Oso Pardo, ganadora del Premio Fundación BBVA a las Actuaciones en Conservación de la Biodiversidad en España 2011.

    El jurado ha valorado especialmente “el trabajo de campo realizado y su capacidad para implicar a administraciones, entidades locales, cazadores y otros colectivos”, y resalta su papel decisivo “en la eliminación de algunas de las amenazas más graves para la especie, y para crear un clima de opinión social favorable a la conservación del oso pardo”.

    La mayor alianza mundial de organizaciones conservacionistas, BirdLife International, con presencia en 117 países, ha sido galardonada con el Premio Fundación BBVA a las Actuaciones en Conservación de la Biodiversidad en Latinoamérica 2011 por su proyecto Áreas Importantes para la Conservación de las Aves, “que está siendo de mucha utilidad para el diseño de las redes de espacios naturales protegidos en Latinoamérica, dado que las aves son unos valiosos organismos indicadores de biodiversidad”, señala el jurado.

    El objetivo ha sido identificar, documentar, vigilar y conservar una red de puntos calientes para la conservación de la biodiversidad de las aves, utilizando criterios científicos, estandarizados y reconocidos mundialmente. El esfuerzo concluyó en 2009 con la documentación de 2.345 lugares clave en América Central y del Sur, el continente con mayor biodiversidad aviaria del mundo.

    “Gracias al trabajo científico realizado en coordinación con equipos e instituciones de numerosos países del continente latinoamericano se ha conseguido información de gran valor de más de 2.300 lugares clave en la región geográfica con mayor diversidad de aves del mundo”, ha destacado el jurado. “Esta iniciativa está también sirviendo como catalizador de nuevas estructuras y organizaciones que trabajan, coordinadamente, en conservación en diferentes países latinoamericanos”.

    La periodista Araceli Acosta de Lugo recibe el Premio Fundación BBVA a la Difusión del Conocimiento y Sensibilización en Conservación de la Biodiversidad 2011 “por su amplia trayectoria como responsable de la información medioambiental en el diario ABC y coordinadora del suplemento mensual ABC Natural”. El jurado ha valorado la calidad y el impacto social de sus trabajos, que “aúnan el rigor y una eficaz interlocución con las comunidades científica y conservacionista”.

    En el tiempo transcurrido hasta ahora Acosta ha elaborado casi 2.000 informaciones sobre medio ambiente, noticias, reportajes y entrevistas, además de seguir el día a día de la política y la gestión ambiental. Entre sus trabajos con mayor repercusión está la serie de reportajes publicada en 2005 y titulada “Viaje a la España seca”, sobre la situación en las cuencas fluviales durante un prolongado periodo de sequía. El agua y su importancia también ha llevado a Acosta a espacios naturales emblemáticos, como Doñana, Tablas de Daimiel o Garajonay. Los reportajes allí generados han cubierto desde las actividades de recuperación del lince ibérico al estado de los buitres en Monfragüe; del urogallo en los Picos de Europa y la hubara en Canarias, a las tortugas y cetáceos afectados por el vertido del Prestige.

    Otorgando a esta periodista el Premio Difusión del Conocimiento y Sensibilización en Conservación de la Biodiversidad 2011 el jurado llama además la atención “sobre la conveniencia de la especialización periodística en los medios de comunicación generalistas, para poder trasladar a la sociedad información veraz y contextualizada sobre asuntos de especial relevancia, como es la conservación de la biodiversidad”.

    Las modalidades de Actuaciones en Conservación de la Biodiversidad en España; y Actuaciones en Conservación de la Biodiversidad en Latinoamérica están dotadas con 250.000 euros cada una. El Premio Fundación BBVA a la Difusión del Conocimiento y Sensibilización en Conservación de la Biodiversidad está dotado con 80.000 euros.

    Cartografías contemporáneas, en CaixaForum

    20/11/2012, La cartografía, no sólo se refiere a los territorios físicos, sino que abarca los mentales. Una muestra interesante sobre el tema se puede ver en CaixaForum Madrid, hasta el 24 de febrero de 2013.

    Madrid, 20 de noviembre de 2012

    Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento, es una gran exposición que presenta cartografías elaboradas por artistas de los siglos XX y XXI que interrogan y cuestionan los sistemas de representación que el ser humano ha usado durante siglos para entender el caos que es la vida.

    La muestra reúne más de 140 obras entre instalaciones, videoinstalaciones, pinturas, dibujos, proyecciones, arte digital, mapas, etc., procedentes de un amplio abanico de instituciones y galerías. Se abre con las reflexiones del cartógrafo Franco Farinelli y finaliza con una entrevista al filósofo Alexander Gerner.

    El ser humano cartografía el mundo en un intento de captar la realidad en que vive. Desde siempre, los mapas han representado, traducido y codificado todo tipo de territorios físicos, mentales y emocionales.

    La representación del mundo ha evolucionado en los últimos siglos y, ahora, con la globalización e Internet, se han transformado definitivamente los conceptos tradicionales de tiempo y espacio, así como los métodos de representación del mundo y el conocimiento.

    Con este cambio de paradigma, los artistas contemporáneos se cuestionan los sistemas de representación y ofrecen nuevas fórmulas para clasificar la realidad. Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento propone un mapa de las cartografías elaboradas por artistas de los siglos XX y XXI, con el objetivo último de invitar a los visitantes a interrogarse sobre los sistemas de representación que usamos y las nociones subyacentes.

    La exposición, organizada y producida por la Obra Social ”la Caixa”, está constituida por obras de formatos muy variados -desde mapas y dibujos hasta videoinstalaciones y arte digital-,procedentes de los principales museos de arte contemporáneo, donde conviven nombres esenciales como Salvador Dalí, Paul Klee, Marcel Duchamp, Yves Klein, Gordon Matta-Clark, Richard Hamilton, Mona Hatoum o Richard Long; una amplia representación de artistas actuales que han subvertido el lenguaje cartográfico, como Art & Language, Artur Barrio, Carolee Schneemann, Ana Mendieta, Erick Beltrán, On Kawara, Alighiero Boetti, Thomas Hirschhorn y Francis Alÿs; junto a documentos reveladores de figuras de otros campos como Santiago Ramón y Cajal, Lewis Carroll y Carl Gustav Jung.

    Reunión anual del ICCAT

    20/11/2012, La mejora del stock de atún rojo del Atlántico este y el Mediterráneo, fue la buena noticia de la 18 Reunión Extraordinaria de la Comisión Internacional para la Conservación del Atún Atlántico.

    Agadir, Marruecos, 20 de noviembre de 2012

    El encuentro, celebrado en Agadir (Marruecos) contó con la asistencia de 43 Partes contratantes, cuatro observadores de Partes, Entidades o Entidades pesqueras no contratantes colaboradoras, siete Partes no contratantes, cinco organizaciones intergubernamentales y veinticinco organizaciones no gubernamentales.

    Los hallazgos del Comité Permanente de Estadísticas e Investigación (SCRS) respecto a una posible mejora del stock de atún rojo del Atlántico este y Mediterráneo constituyeron uno de los principales incentivos para los más de 500 participantes en la reunión, pero otros temas como los marlines, la ordenación de los tiburones y el cumplimiento fueron también cuestiones de gran interés para la Comisión.

    La Comisión ha tenido en cuenta el asesoramiento de su comunidad científica, para mantener unas cuotas de atún rojo a niveles que permitan el crecimiento y la recuperación sostenibles del stock reforzando, al mismo tiempo, los mecanismos de control en vigor. También se trató sobre otras especies de tiburones, acordándose reforzar medidas de conservación y ordenación existentes, así como un plan de trabajo futuro, en colaboración con otras organizaciones.

    La próxima reunión anual de ICCAT se celebrará en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, del 16 al 26 de noviembre de 2013.

    Para WWF, el encuentro de 2012 ha sido una buena muestra del compromiso de los miembros de ICCAT en la conservación del atún rojo. "?Estamos satisfechos de que finalmente se haya impuesto el respeto a la ciencia, con la UE a la cabeza, frente a planteamientos de obtención de beneficios a corto plazo basados en niveles de pesca insostenibles"?, señala Raúl García, coordinador de Pesquerías de WWF España.

    El experto conservacionista opinó que existía, en cambio, una frustración ?por la aparente incapacidad de ICCAT para asegurar una verdadera investigación de las denuncias bien documentadas presentadas por WWF sobre pesca ilegal?.

    ICCAT estudió los casos aportados por WWF que incluían actividades probadas de pesca y engorde de atún irregulares en Túnez durante este año, así como el comercio masivo y no declarado realizado durante los últimos diez años a través de Panamá, y para los que aún no se han tomado decisiones proactivas.

    Clotilde... y Joaquín Sorolla

    19/11/2012, En la vida del pintor Joaquín Sorolla (1863-1923) tuvo una importancia especial Clotilde García del Castillo (1865-1929), esposa y modelo del artista, a la que ahora se le dedica una muestra específica.

    Valencia, 19 de noviembre de 2012
    El Museo de Bellas Artes de Valencia acoge una singular exposición dedicada a esta mujer musa y esposa del pintor valenciano . Clotilde era hija del prestigioso fotógrafo Antonio García Peris, mecenas y protector de Sorolla, artista que le dedicaría numerosos retratos y dibujos.

    La historia de amor entre Clotilde y Joaquín Sorolla comenzó en 1879, ambos casi niños, y se mantuvo a lo largo de toda la vida y toda la trayectoria artística del pintor. Por ello, Clotilde es una de las mujeres más retratadas por Sorolla, y su vida puede reconstruirse mediante las pinturas y dibujos de los que es protagonista.

    La muestra que se presenta en el Museo de Bellas Artes de Valencia del 13 de noviembre al 17 de febrero de 2013, está comisariada por Consuelo Luca de Tena, directora del Museo Sorolla.

    Conforman la exposición un total de 20 lienzos, 10 notas de color, 24 dibujos y 38 fotografías. De los 20 lienzos que se exponen 18 son fondos del Museo Sorolla de Madrid, uno ha sido cedido para la muestra por una colección particular y otro es del Museo de Bellas Artes de Valencia.

    Estructurada en cuatro ámbitos temáticos, y a la vez cronológicos, la exposición se inicia con el dedicado a la intimidad, y en él se tratan los primeros años del matrimonio, el nacimiento de sus hijos, la vida familiar. En esa época Sorolla todavía no era un artista de fama internacional, y su casa y su familia eran los motivos constantes de inspiración de unas pinturas en las que Clotilde aparece leyendo, durmiendo, en la playa, paseando o jugando con sus hijos.

    El segundo apartado profundiza en el papel de Clotilde como modelo de Sorolla en numerosos retratos formales, en los que Clotilde posó.

    A lo largo de su vida en común, Clotilde tuvo que adaptarse también al éxito alcanzado por Sorolla. Desde 1900 tuvo que asumir el papel de esposa de hombre famoso y facilitar su trabajo.

    En aquel tiempo, Sorolla llegó a ser el pintor más cotizado en el mundo, merced al atractivo luminista de sus obras. Como mujer de un artista reconocido internacionalmente, hace en esa época una vida más social y acompaña a su marido en viajes y veraneos en lugares de moda. Numerosas fotos y un amplio epistolario entre ambos ilustran ese apartado, "La mujer del artista".

    La muerte de Sorolla en 1923 tras una traumática agonía de la que Clotilde nunca se repuso, ocupa el último espacio de la exposición, en el que se refleja con documentos y recortes de prensa cómo ella fue la artífice del legado al Estado de la casa y la obra de Sorolla y de la apertura del actual Museo Sorolla.

    193 aniversario del Prado

    19/11/2012, Con motivo de su aniversario, el Museo del Prado ofrece acceso gratuito durante todo el día 19 de noviembre a las salas de la colección permanente y obsequia a los menores de 14 años con pases familiares.

    Madrid, 19 de noviembre de 2012
    El Museo del Prado celebra hoy su 193 aniversario con el acceso gratuito a todas las salas de la Colección en las que se podrán contemplar también las presentaciones especiales: “Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864)”, “Las miniaturas en el Museo del Prado” y la exposición “Dibujos de Goya restaurados”.

    Además, el público disfrutará de la oportunidad de visitar la exposición didáctica “Los trípticos cerrados del Museo del Prado. De grisalla a color”, una muestra fotográfica que presenta las imágenes, poco conocidas, que aparecen en los reversos de los trípticos y tablas flamencas del Prado, y de “La Obra invitada”, Retrato de caballero de Velázquez, procedente del Metropolitan Museum de Nueva York que permanecerá en la sala 9A, junto a Las Lanzas, hasta el 27 de enero de 2012.

    El Prado obsequiará con una tarjeta-regalo a los niños menores de 14 años que lo visiten a lo largo de esta jornada. Esta tarjeta podrá ser utilizada por un grupo de hasta cinco personas, de las que al menos una deberá ser menor de 14 años, para acceder gratuitamente al Museo otro día.

    La historia del Museo
    El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, tomó la decisión de destinarla a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas.

    El Real Museo, que pasaría pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y posteriormente Museo Nacional del Prado, abrió por primera vez al público en 1819. El primer catálogo constaba de 311 pinturas, aunque para entonces en el Museo se guardaban ya 1510 obras procedentes de los Reales Sitios. Las valiosísimas Colecciones Reales, germen de la colección del actual Museo del Prado, comenzaron a tomar forma en el siglo XVI bajo los auspicios del emperador Carlos V y fueron sucesivamente enriquecidas por todos los monarcas que le sucedieron, tanto Austrias como Borbones. A ellos se deben los tesoros más emblemáticos que se pueden contemplar hoy en el Prado, tales como El jardín de las Delicias de El Bosco, El caballero de la mano en el pecho de El Greco, El tránsito de la Virgen de Mantegna, La Sagrada Familia conocida como La Perla de Rafael, Carlos V en Mühlberg de Tiziano, El Lavatorio de Tintoretto, el Autorretrato de Durero, Las Meninas de Velázquez, Las tres Gracias de Rubens o La familia de Carlos IV de Goya.

    Del Museo de la Trinidad llegaron importantes pinturas como La Fuente de la Gracia de la Escuela de Jan Van Eyck, Auto de fe presidido por santo Domingo de Guzmán de Pedro Berruguete y los cinco lienzos procedentes del Colegio de doña María de Aragón de El Greco. Del Museo de Arte Moderno proceden gran parte de los fondos del siglo XIX, obras de los Madrazo, Vicente López, Carlos de Haes, Rosales y Sorolla.

    Desde la fundación del Museo han ingresado más de dos mil trescientas pinturas y gran cantidad de esculturas, estampas, dibujos y piezas de artes decorativas por Nuevas Adquisiciones, en su mayoría donaciones, legados y compras. Las Pinturas Negras de Goya llegaron al Museo gracias a la donación del Barón Emile d’Erlanger en el siglo XIX. Compras muy interesantes en los últimos años han sido Fábula y Huída a Egipto de El Greco, en 1993 y 2001, La condesa de Chinchón de Goya en el 2000, El barbero del Papa de Velázquez en el 2003 o, más recientemente, El vino en la fiesta de San Martín de Pieter Bruegel el Viejo en 2010.

    Numerosos legados han enriquecido los fondos del Museo, tales como el Legado de don Pablo Bosch con su magnífica colección de medallas, el Legado de don Pedro Fernández Durán, con su amplísima colección de dibujos y artes decorativas, y el Legado de don Ramón de Errazu con pintura del siglo XIX.

    A lo largo de los siglos XIX y XX el Museo ha tenido que ir acometiendo sucesivas ampliaciones en su sede histórica hasta agotar totalmente las posibilidades de intervención sobre este edificio. Por este motivo, el Prado se ha visto obligado a buscar el camino de su reciente ampliación mediante una solución arquitectónica de nueva fábrica situada junto a la fachada posterior de su sede tradicional y conectada con ésta desde el interior.

    Oro de Colombia, en México

    18/11/2012, Un total de 250 piezas, de delicada manufactura y sentido estético, componen la exposición “Oro, arte prehispánico de Colombia” que se presenta en el Museo Nacional de las Culturas, en México, hasta el 3 de febrero de 2013.

    México, 18 de noviembre de 2012

    La muestra permite acercarse al florecimiento de la metalurgia entre los antiguos habitantes de aquel territorio sudamericano, a lo largo de dos mil años (500 a.C.- 1,500 d.C.).

    La colección, procedente del Museo del Oro del Banco de la República de Colombia (Museo del Oro), aúna una diversidad de estilos producto de la combinación de distintas técnicas sobre diferentes aleaciones que dieron como resultado miles de objetos de calidad excepcional con las más variadas representaciones de hombres, animales y figuras geométricas, que encierran también un carácter mitológico y simbólico.

    Tal riqueza artística se exhibe junto con piezas de cerámica, lítica, concha y hueso, en una muestra organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta) y el Museo del Oro de Bogotá, y se divide en seis ejes temáticos.

    Orfebrería:

    En América, la metalurgia fue descubierta hace 40 siglos, en la sierra sur del Perú, saber que llegó al territorio colombiano hacia el siglo VI a.C. La riqueza artística y tecnológica se sustentó en una prosperidad económica que permitió a una parte de la población dedicarse a la orfebrería, con la que se alcanzaron magnífica cotas creativas en la época prehispánica.

    Gente dorada

    Los conquistadores dieron originalmente el nombre de El Dorado al personaje central de un ritual de los pobladores de las tierras altas de Colombia, que cubierto con oro en polvo y molido, arrojaba desde una balsa a las aguas de una laguna, objetos de oro y esmeraldas como ofrenda a sus deidades. La gente dorada fue representada en infinidad de formas por los orfebres prehispánicos de Colombia. En máscaras, pectorales, narigueras, colgantes, alfileres, poporos, o como figuras votivas para arrojar a las lagunas.

    Animales de fábula

    La variada fauna de Colombia ofrecía al orfebre prehispánico una inagotable fuente de inspiración. Serpientes, ranas, murciélagos, aves, venados, jaguares, lagartos, caracoles, de incontables especies, forman parte de la fauna dorada. Cada animal representado tenía poderosas asociaciones simbólicas para el hombre prehispánico.

    El hombre animal

    Son frecuentes en la orfebrería prehispánica las figuras que combinan rasgos humanos y animales. Hay hombres-jaguar, hombres con cola de simio, hombres-pez y, sobre todo, hombres-ave cuyas piernas humanas se convierten en cola y los brazos, en alas.

    Abstracción y naturaleza

    En la orfebrería prehispánica de Colombia no existe antagonismo entre la representación abstracta y la naturalista. Cada pieza conjuga formas que evocan siempre lo que captan los sentidos, y siempre lo ideal, lo que no adquiere realidad más que en la obra de arte. Inclusive, en las piezas más abstractas hay referencias directas a la experiencia sensorial. Pero en todas las figuras, incluyendo a las más realistas, hay cierto grado de independencia del mundo real, lograda por medio de esquematizaciones, distorsiones y combinaciones imaginarias.

    Universo visual

    El orfebre prehispánico construyó un universo visual de inmensa riqueza, a partir de elementos siempre presentes en la expresión artística: la línea recta, el círculo, el cuadrado, el triángulo, la espiral, y sus combinaciones, sus deformaciones, sus reinterpretaciones y sus proyecciones en el espacio. Es un universo que integra lo natural y lo sobrenatural, lo sagrado y lo profano, el hombre y el animal, el alma y el cuerpo, lo abstracto y lo figurativo, la naturaleza y la cultura, el oro y el cobre.

    Museo Nacional de las Culturas. Sala de Exposiciones Internacionales. C.Moneda 13. Centro Histórico de Ciudad de México, junto al Palacio Nacional

    Salvador Dalí en el Pompidou

    16/11/2012, El Museo Reina Sofía y el Centro Georges Pompidou organizan una de las exposiciones más completas realizadas hasta el momento de la figura del artista ampurdanés Salvador Dalí.

    París, 16 de noviembre de 2012
    La exposición (que podrá ser vista en la capital francesa a partir del 21 de noviembre y después viajará a Madrid, donde abrirá sus puertas el 24 de abril de 2013) pretende revalorizar al Dalí pensador, escritor y creador de una particular visión del mundo.

    El recorrido arranca con una sección dedicada a las primeras obras de Dalí, en la que predominan los elementos que marcaron su infancia, como la familia — Autorretrato Cubista (1923), Retrato de mi padre (1925) o Muchacha en la ventana (1925)— y el entorno que le rodeó en estos años: el mar, el paisaje rocoso de Cadaqués, la luz, los árboles, como por ejemplo en Penya-Segats (1926) o Paisaje de Cadaqués (1923).

    Su encuentro con Federico García Lorca y Luis Buñuel —con quien colaboró en la película Un perro andaluz (1929)—, entre otros, le enfrenta a la Generación del 27, que agrupa poetas, escritores, pintores y cineastas. En este momento Dalí se inspira cada vez más en las vanguardias y coquetea con el cubismo. El imaginario colectivo desarrollado en su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid se refleja en los numerosos dibujos de la serie Putrefactos, de mediados de los años 20. Entre otras importantes obras, en esta parte de la muestra se podrá ver también el conocido Retrato de Buñuel (1924) o Academia neocubista (1926).

    En un momento que podríamos calificar de presurrealista, en el que se observan influencias de Masson, Bataille, Miró y Picasso, Dalí realiza obras como Asno podrido (1928) o Carne de gallina inaugural (1928).

    El período surrealista constituye el núcleo de la muestra, haciendo especial hincapié en el método paranoico-crítico desarrollado por el artista como mecanismo de transformación y subversión de la realidad. El Gran Masturbador (1929), La persistencia de la memoria (1931), Guillermo Tell (1930) o El Espectro del Sex-Appeal (1934) son algunas de las obras representativas de este periodo. El método paranoico-crítico le permite, ante el automatismo pasivo del surrealismo (el dibujo automático, los cadáveres exquisitos...), un método activo basado en el delirio de la interpretación paranoica.

    A continuación se dedican secciones específicas a la relectura que el artista hace del Angelus de Millet; al surrealismo después del 36, con algunos objetos surrealistas, como el conocido White Aphrodisiac Telephone (1936) o Veston aphrodisiaque (1936/77), y al tema de la guerra.

    El recorrido continúa con treinta dibujos originales de los que sirvieron para ilustrar el libro La Vida Secreta de Salvador Dalií, de los años cuarenta, para pasar a los trabajos relacionados con su experiencia en Estados Unidos, a través de la cual revaloriza la teatralidad de su obra —La Tentación de San Antonio (1946)—. Es el momento de los proyectos cinematográficos experimentales y los relacionados con Hollywood (Spellbound) y Walt Disney (Destino).

    La última sección de la exposición muestra el enorme interés del artista por la ciencia. Su pintura se ve profundamente transformada por el fin de la Segunda Guerra Mundial y la catástrofe nuclear de Hiroshima y Nagasaki: Téte nucleaire d’ange (1962). También se podrán ver, entre otras, Cabeza rafaelesca estallando (1951), La máxima velocidad de la Madonna de Rafael (1954) o Cola de golondrina (1983), su última obra, basada en la teoría de las catástrofes de René Thom. La experimentación con las obras estereoscópicas, como Dalí de espaldas pintando a Gala de espaldas eternizada por seis córneas virtuales provisionalmente reflejadas en seis verdaderos espejos (1972-73), cierran el conjunto de su trabajo más delirante y transgresor.

    Matisse: en busca de la verdad pintada

    16/11/2012, El 4 de diciembre se estrena en el Metropolitan Museum de Nueva York la muestra dedicada a Henri Matisse, uno de los artistas franceses más aclamados de la primera mitad del siglo XX.

    Nueva York, 16 de noviembre de 2012

    El crítico Clement Greenberg, escritor de "The Nation" en 1949, lo definía como un "maestro seguro de sí mismo". Pero nada más lejos de la realidad, pues Matisse (1859-1954), a lo largo de su carrera siempre cuestionó, repintó y reevaluó sus obra y repitió sus composiciones, para comparar efectos y tratar de empujar más y más profundamente en la verdadera pintura.

    Mientras su manera de trabajar con pares, trios y series no es ciertamente única, su necesidad de progresar metódicamente de una pintura a la siguiente es llamativa. La muestra del MET presenta este particular aspecto del proceso de pintura del artista, a través de 49 vibrantes obras. Para Matisse, el proceso de creación no era simplemente un medio para un fin, sino una dimensión de su arte que es tan importante como el lienzo acabado.

    Matisse, copió a los antíguos maestros como parte de su entrenamiento académico. El artista admiraba las obras expuestas en el Museo del Louvre, pero al mismo tiempo fue muy receptivo con el arte contemporáneo, y encontró figuras de gran interés en las galerías parisinas de la época. Le intrigaron particularmente los trabajos de Paul Cézanne (1839-1906) y Paul Signac (1863-1935), de ambos tomó prestados algunos elementos estilísticos.

    En su afán por la exploración estilística, Matisse se dedicó a la creación de pares, en los que pintaba personas, paisajes o composiciones con distintos recursos, el francés experimentó con la utilización de los colores, o a través de la deformación de la imagen. Más tarde se decantó por las series, una forma de pintar que causó entusiasmo en él. En su última etapa pictórica, Matisse desarrolló una obra expresiva, vívida y rica pero nunca dejó de cuestionarse su forma de trabajo, ni de evolucionar como pintor.

    Salvar a los grandes simios

    15/11/2012, La Alianza para la Supervivencia de los Grandes Simios (GRASP) ha celebrado una reunión en la sede parisina de la UNESCO, para poner en marcha medidas encaminadas a defender a estos animales, amenazados de extinción.

    París, 15 de noviembre de 2012
    La organización internacional planteó la urgente necesidad de acción, ante el brusco declive poblacional, en el Consejo celebrado en París, del 6 al 8 de noviembre. En el GRASP se integran más de 80 países, las organizaciones de conservación, organismos de las Naciones Unidas, y otras instituciones comprometidas en la protección de los grandes monos de África y Asia.

    El Consejo del GRASP adoptó un Plan de acción prioritario para 2013-2016, que comprende aspectos como el estudio de enfermedades, la lucha contra el comercio ilegal, la conservación en los conflictos, etc., con el objetivo de invertir las tendencias de perdidas de territorio y población de chimpancés, los gorilas, bonobos y orangutanes

    Las poblaciones de grandes monos salvajes han sido devastadas por la pérdida generalizada del hábitat debido a desforestación, la explotación minera, la explotación forestal ilegal, la presión humana y la transformación agrícola. Un informe publicado por el Consejo del GRASP indica que los grandes monos pierden por término medio del 1,2 por ciento de su hábitat cada año.

    "Es extremadamente importante que encontremos un medio de acabar con la pérdida de hábitat, la caza y otras formas de destrucción ilegal de los grandes monos”, declaró Serge Wich, presidente de la Comisión científica del GRASP.

    Por el momento, menos de la mitad de los grandes monos en África y en Asia vive en zonas protegidas. La inmensa mayoría sobreviven en las zonas degradadas y los bosques secundarios, con lo que son muy vulnerables. La caza, las enfermedades y el comercio ilegal les afectan gravemente. El tráfico ilícito en África y en Asia sigue siendo muy elevado. Muchos monos ejecutados por los humanos o robados de sus hábitats, dejan cada año ciento de vástagos huérfanos, indefensos. De ellos, 575 han podido ser acogidos en centros de asistencia a simios entre 2005 y 2011, según las últimas estadísticas del GRASP.

    La ausencia de aplicación de la ley y de rigor judicial agrava el problema. Sólo un pequeño porcentaje de casos acaban con la detención de los delincuentes, y aún más escasas son las condenas. Por otra parte, en la reunión parisina se destacó que el comercio ilegal de los grandes simios “no está arraigado a la pobreza, sino más bien a la corrupción y el poder ", según declaró Ofir Drori, fundador de la Organización Last Great Ape (LAGA), que apeló a condenas disuasivas por parte de los Estados

    El GRASP fue creado en 2001 para responder a la crisis de conservación de los grandes monos, con el fin de parar su amenaza de extinción inminente, poniendo el énfasis en la política internacional, la financiación, la investigación y la colaboración con los medios de comunicación.

    www.un-grasp.org.

    Feriarte 2012

    15/11/2012, La Feria de Arte y Antigüedades organizada por IFEMA, tendrá lugar del 17 al 25 de noviembre, en la Feria de Madrid. El martes día 20 se celebrará la Jornada de Puertas Abiertas, con acceso gratuito a todos los visitantes.

    Madrid, 15 de noviembre de 2012
    El arte más exclusivo para coleccionistas y aficionados vuelve de nuevo a Madrid de la mano de FERIARTE, que tras 36 años de recorrido, se ha consolidado como un gran acontecimiento artístico en el que se reúnen los mejores anticuarios y galeristas españoles, así como una selección de los más prestigiosos del panorama internacional.

    Más de 90 expositores y alrededor de 18.000 piezas que además de su alto valor artístico, representan la expresión de todas las culturas y países. Muebles, antigüedades clásicas, relojes, porcelanas, lámparas, plata, cristal, alfombras y tapices, arte africano, joyas, pinturas, elementos arquitectónicos, instrumentos científicos, mapas y otros objetos de arte confirman la calidad y excelencia de la feria.

    La Feria pone en marcha una nueva iniciativa, la I Jornada de Puertas Abiertas, el martes 20 de noviembre, la cual permite el acceso gratuito a todos los visitantes. El objetivo es el de facilitar el acceso al público, fomentar nuevos aficionados y buscar un relevo generacional en el coleccionismo.

    FERIARTE
    Del 17 al 25 de noviembre
    Pabellón 3 de la Feria de Madrid IFEMA

    Gyenes se despide de la BNE

    14/11/2012, Más de veinte mil personas se han acercado a la Biblioteca Nacional para contemplar la exposición Gyenes. Maestro fotógrafo, que finaliza el próximo domingo, dieciocho de noviembre.

    Madrid, 14 de noviembre de 2012
    Las cifras demuestran el gran interés por la figura de un personaje clave en la fotografía española del siglo XX. El sábado 3 de noviembre fue el día con más visitantes a la muestra, alrededor de mil.

    La muestra se articula en cinco apartados: sus fotos icónicas, las más famosas; su álbum personal, fotos de su vida; retratismo, los retratos menos conocidos; artes escénicas, las fotos vinculadas a la danza, el teatro y la música y las rarezas, las fotos que ayudan a explicar su evolución artísticas y que nunca antes habían sido exhibidas.

    La cámara fotográfica de Juan Gyenes fue testigo de los más importantes acontecimientos políticos, sociales y artísticos de su época. La exposición muestra, además de una interesante selección de su obra, cámaras fotográficas, utensilios personales, piezas de colección, condecoraciones, y diversos materiales escritos y audiovisuales.

    Dos fueron las fotografías que permitieron a Gyenes pasar a la historia: la que muestra a Pío XII saludando a los fieles en la plaza de San Pedro (1950) y el retrato de Franco usado para la serie básica de Correos de 1955. De esta última, el propio Gyenes decía en tono divertido que era la fotografía más reproducida de la historia. Sin embargo, su obra estuvo marcada por los retratos a la sociedad de la época y los artistas.

    Era el fotógrafo favorito de Antonio “El bailarín”, realizó en 1976 la primera foto oficial a los Reyes de España, retrató en numerosas ocasiones a la Duquesa de Alba, captó la primera imagen de Eduardo de Inglaterra con Wallis Simpson… Fue un gran testigo de la época, convirtiéndose para la posteridad en documentalista del teatro español, y de la España de la segunda mitad del siglo XX en general.

    Salamanca todo el año

    14/11/2012, Salamanca, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1988, es una ciudad abierta y amable, en la que conviven historia, arquitectura de gran calidad y una deliciosa gastronomía.

    Salamanca, 14 de noviembre de 2012
    Las empedradas calles de Salamanca dan paso a un elenco de edificios monumentales que albergan numerosas historias y leyendas. Viajar a esta ciudad es sumergirse en un mundo de sueños patrimoniales, culturales, arquitectónicos, históricos, naturales y gastronómicos. Todo un conjunto de grandes tesoros que hacen que esta urbe sea reconocida a nivel internacional.

    El casco antiguo, abierto las 24 horas, enamora a cada paso y a cada rincón. Por estas calles empedradas han vagado personajes relevantes de la Historia universal, como Cristóbal Colón, Antonio de Nebrija o Santa Teresa.

    Visita obligada es su Plaza Mayor, uno de los espacios abiertos más bellos y grandes de España y uno de los monumentos barrocos más destacados del urbanismo y de la arquitectura de nuestro territorio. Este amplio escenario cuenta con una galería de 88 arcos decorados, en la parte superior, con retratos labrados de personajes de la historia de Salamanca. La plaza es lugar de reunión tanto para peregrinos como para los habitantes del lugar. De sobra es conocida la Noche Vieja Universitaria, un evento que se celebra el 13 de Diciembre y donde se congregan los estudiantes para despedir el año con sus compañeros.

    Otros edificios de gran interés para el viajero son el Palacio de Anaya, actual Facultad de Filología; La Catedral Nueva y La Vieja (con la figura del astronauta incorporada en la última restauración); La Casa de las Conchas, un palacio gótico que actualmente es la biblioteca pública de Salamanca; La Universidad Pontificia, fundada por el Rey Alfonso IX de León en 1219; O la histórica Universidad de Salamanca, ubicada en la Calle Libreros, joya del arte renacentista español y una de las construcciones salmantinas más importantes. Allí tiene lugar uno de los reclamos turísticos más destacados, se trata de la famosa ‘búsqueda de la rana’, una actividad que reúne cada día a una gran multitud de curiosos que ansían la suerte de encontrar la figura de este anfibio.

    Para continuar el recorrido, Salamanca ofrece una gastronomía capaz de deleitar los paladares más exigentes. La manera más fácil para descubrir la gastronomía charra es callejear y mezclarse con los salmantinos y vivir la experiencia real del tapeo, donde priman los productos de la tierra y las recetas tradicionales como los embutidos de Guijuelo, la chanfaina o el famoso hornazo, una empanada rellena de chorizo, lomo, jamón o tocino,. Para el viajero ‘tapear’ en esta ciudad es sinónimo de saciar su apetito a un precio accesible para todos los bolsillos.

    Con el estómago lleno se despiertan las ganas de disfrutar de un postre, sentado en alguno de los cafés o terrazas que el viajero encuentra en el paseo. Y más tarde, con las pilas cargadas, es el momento perfecto para conocer la Casa Lis, un edificio contemporáneo de imponentes vidrieras que, actualmente, alberga el Museo de Art Nouveau y Art Decó. También destaca el Huerto de Calixto y Melibea, un jardín que se encuentra en la antigua muralla que da al río Tormes. Un espacio verde muy visitado por los viajeros que fue el escenario imaginario de la historia de los protagonistas de la obra de Fernando de Rojas, ‘Calixto y Melibea’ publicada en 1502.

    Guía de Salamanca: http://www.guiarte.com/salamanca/

    Parques nacionales de Gran Bretaña

    14/11/2012, Gran Bretaña es un destino natural a tener en cuenta en cualquier época del año. Sus parques nacionales son perfectos para unas vacaciones en familia.

    Gran Bretaña, 14 de noviembre
    Desde los bosques de la soleada costa del sur de Inglaterra hasta una de las últimas tierras vírgenes de Europa en las Tierras Altas de Escocia, hay opciones para todos los gustos.

    Protegidos para el disfrute de todos, son varios de los espacios al aire libre más importantes del planeta y están formados por una enorme variedad de paisajes, cada uno de ellos con cultura, gastronomía y estilos de vida propios. Un auténtico respiro al aire fresco, y una forma de comunicarse con la naturaleza y con uno mismo.

    El Distrito de los Lagos
    Con 16 centelleantes lagos, las cinco montañas más altas de Inglaterra, seis reservas naturales nacionales y más de 400 poblaciones, el Distrito de los Lagos ha inspirado a varias generaciones de pintores y poetas.

    Snowdonia
    Las escarpadas cumbres de las montañas galesas y bajos valles crean el marco perfecto para un tranquilo paseo, una difícil caminata por las tierras altas o una escalada fuera de pista en bicicleta de montaña.

    Cairngorms
    Situado en el corazón de las Tierras Altas escocesas, Cairngorms es el mayor parque nacional de Gran Bretaña, abarca 4.528 kilómetros cuadrados (es decir, el 10% de Escocia)...

    South Downs
    El parque nacional británico de creación más reciente abarca 1634 kilómetros cuadrados de onduladas colinas, antiquísimos bosques y espectacular costa.

    Colombia premiada en Londres

    13/11/2012, Destino Colombia ha recibido el premio "Revelación" en la edición 2012 de la prestigiosa feria internacional World Travel Market de Londres.

    Londres, 13 de noviembre de 2012
    El galardón (otorgado por los agentes de viajes y profesionales del sector en Londres a través de sus votaciones en la revista británica Selling Long Haul) reconoce a Colombia como "Destino revelación de larga distancia". Este premio aviva las expectativas de la presencia de Colombia en la próxima edición de Fitur 2013, feria en la que participará con nuevas propuestas.

    “Recibir este reconocimiento nos indica que vamos por el buen camino y nos ratifica el potencial que tienen los productos y destinos turísticos colombianos”, ha señalado la presidenta de Proexport Colombia, Maria Claudia Lacouture.

    La cultura y la naturaleza son base de la propuesta turística con la que Colombia ha sido reconocida en el salón internacional World Travel Market de Londres (una de las ferias turísticas más importantes del mundo). Colombia está reconocido como el país más biodiverso del mundo por kilómetro cuadrado. Pero el país también ofrece una gran oferta turística en cultura, patrimonio, café, salsa, deportes de aventura, ‘sol y playa’..., productos especializados que ofrece en destinos como Cartagena de Indias, Bogotá, Bucaramanga, Cali o el Paisaje Cultural Cafetero, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

    Gráfika. 30 Artistas de la España joven

    13/11/2012, Una exposición que explora el trabajo de un grupo de artistas visuales nacidos en los años 70 y 80, que provienen de diferentes disciplinas como el graffiti, la pintura, el muralismo o la ilustración.

    Toulouse, Francia, 13 de noviembre de 2012
    El Instituto Cervantes y Contemporánea han reunido medio centenar de obras sobre papel cuyo fin es la aproximación al arte español del nuevo siglo, surgido en la cultura urbana alternativa. Una guía imprescindible para conocer de primera mano a los responsables en nuestro país de ese movimiento global denominado "arte urbano".

    Lo que comenzó como un fenómeno alternativo, al margen de la ley, ha alcanzado tal repercusión entre público y especialistas, que ha terminado por ser asimilado en los espacios institucionales y aprovechado por las grandes multinacionales, para las cuales algunos de los artistas colaboran y diseñan productos.

    La intención de esta muestra, que podrá verse en el Instituto Cervantes de Toulouse desde el miércoles 14 de noviembre de 2012, es trasladar lo que está aconteciendo en los muros de las ciudades españolas a otras partes del mundo. Los artistas que integran la exposición son: Rorro Berjano, Javier Calleja, Alex Castañeda, Eltono, Fernando Elvira, Eme, Freak La Notte, Nuria Mora, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano4814, El Niño de las Pinturas, Okuda San Miguel, Carlos Orta, Ima Picó, Silvia Prada, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J.J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai y Zosen.

    Con esta exposición, y otras como "Usa Today. Una aproximación al Arte Norteamericano del siglo XXI", o "Gráfika. A Collection of Prints by the Artists of Beautiful Losers", Contemporánea se consolida como una de las entidades europeas con más vinculación con ese fenómeno que se ha denominado "Arte Urbano" y con sus artistas más representativos, a los cuales distribuye desde www.contemporanea.org.

    INSTITUTO CERVANTES
    31 Rue des Châlets
    31000 Toulouse (Francia)
    Horario: De lunes a viernes, de 14'30 a 18 horas

    Museo del Chocolate de Astorga.

    12/11/2012, En Astorga, el pequeño –y magnífico- museo del Chocolate entra en una nueva época, con el próximo traslado de su sede a un edificio modernista.

    Astorga, 12 de noviembre de 2012

    El maridaje del chocolate y Astorga viene de tiempos lejanos. Se dice que el propio Hernán Cortés, uno de los primeros europeos que probó el chocolate, envió semillas de cacao al poderoso marqués de Astorga, en el siglo XVI.

    Tal vez el propio marqués pudo obsequiar a alguno de los obispos de la sede asturicense con aquel preparado extraño que llegaba del otro lado del Atlántico y que pronto encantó a clérigos y nobles.

    En Astorga, en el siglo XVIII, ya había ocho artesanos chocolateros, según el catastro del marqués de la Ensenada. En los inicios del siglo XX hubo hasta 50 fábricas de chocolate. Ahora quedan unas pocas, que trabajan el chocolate con esmero. Astorga sigue siendo una ciudad chocolatera.

    Además, la ciudad –aparte de una excelente catedral y de un rutilante palacio de Gaudí- posee un coqueto Museo del Chocolate que pasa por ser uno de los mejores en su género, con una magnífica colección de cartelería y litografías: bellos calendarios y carteles publicitarios de los chocolateros de inicios del siglo XX.

    Esos materiales, comprimidos en un marco excesivamente pequeño, van a ser presentados en una nueva sede ubicada en las cercanías de la estación del ferrocarril, donde el ayuntamiento cuenta con un palacete modernista y la contigua fábrica, en la que también funcionó una fábrica de chocolate.

    Diversas instituciones están colaborando en esta operación existosa. Una de las últimas ayudas es la de Caja España Duero que colabora en el Proyecto de la Musealización del Museo del Chocolate de Astorga, a través de su Obra Social con la cantidad de 15.000 euros.

    El Ayuntamiento de Astorga está tratando de “crear un museo vivo que aproveche todo el potencial didáctico y educativo de su colección con el objetivo de atraer e implicar al visitante”.

    El Museo se plantea como un recorrido temático y especializado en la historia, desarrollo y evolución de la industria chocolatera de Astorga desde sus orígenes hasta el momento actual.

    Para Victorina Alonso, alcaldesa de la ciudad, se trata de implicar al visitante, convirtiendo al centro en un espacio lúdico y de conocimiento, creativo e interactivo, capaz de movilizar importantes recursos económicos y de generar riqueza.

    Viena celebra a Verdi y a Wagner

    12/11/2012, En 2013 el mundo de la música celebra el 200 aniversario de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner. Viena, como gran capital musical, celebra eventos en su honor.

    Viena, 12 de noviembre de 2012

    Los teatro de ópera de Viena les dedican una parte esencial de su programación para la temporada de 2012 / 2013, según comunica Turismo de Viena.

    La Ópera del Estado de Viena, Staatsoper, presenta en la temporada 2012/13 las óperas de Verdi Un Ballo in Maschera (con Roberto Alagna), Simon Boccanegra (con Plácido Domingo), La Traviata (con Rolando Villazón) y Rigoletto (con Simon Keenlyside).

    De Wagner se representan, entre otras, Parsifal (con Jonas Kaufmann), Tristan e Isolde, Siegfried y La Valkiria (todas con Nina Stemme).

    En honor a Richard Wagner, en el Theater an der Wien Marc Minkowski y Les Musiciens du Louvre presentan el 5.1.2013 el Concierto de Conmemoración 1863: Hace 150 años Wagner presentó en público por primera vez fragmentos de algunas de sus obras líricas en el Theater an der Wien. En julio de 2013 se podrá ver el Atila de Verdi. Además de óperas y operetas, sobre el escenario de la Volksoper se suelen realizar espectáculos musicales y piezas de ballet. Muchas de las obras son en idioma alemán.

    Después de La Traviata de Verdi , en cartelera en otoño de 2012, llega Rigoletto en primavera de 2013. Y para finalizar con humor, se podrá ver la versión breve titulada El Anillo de Wagner en una velada, de Loriot. Una buena ocasión para reír.

    El italiano Giuseppe Verdi emprendió en 1843 su primer viaje al extranjero, que lo condujo a Viena, para estrenar una de sus óperas por primera vez fuera de su país. El público austriaco pudo ver Nabucco en el teatro de la capital austriaca Kärntnertortheater, un lugar de renombre en su tiempo. Por aquella época Verdi ya admiraba, por su modernidad, a la Orquesta Filarmónica de Viena, que acababan de constituirse. En 1875 Verdi dirigió en Viena Aida y el Réquiem.

    La primera ópera completa de Richard Wagner estrenada en Viena fue Tannhäuser, que se representó en 1857 en un teatro de la periferia de la ciudad. Un año más tarde se llevó Lohengrin al Teatro de Ópera de la Corte. En un concierto muy aplaudido en la sala del Musikverein en 1862 también estuvo presente la emperatriz Elisabeth, más conocida por su apodo Sisí. Wagner en persona se encargó de preparar en 1875 la versión vienesa de Tannhäuser y también la de Lohengrin, que llegó a dirigir él mismo una sola vez en 1876.

    • Staatsoper, Opernring 2, 1010 viena, www.wiener-staatsoper.at •

    • Theater an der Wien, Linke Wienzeile 6, 1060 Viena,www.theater-wien.at •

    • Volksoper, Währinger Strasse 78, 1090 Viena,www.volksoper.at

    Zobernig en el Palacio de Velázquez

    09/11/2012, El Museo Reina Sofía presenta la primera exposición retrospectiva realizada en España dedicada al artista austriaco Heimo Zobernig (Mauthen, 1958).

    Madrid, 9 de noviembre de 2012
    La obra de Heimo Zobernig aborda de forma crítica diversos movimientos del arte moderno, así como la arquitectura, el diseño y el teatro. Zobernig, que ha expuesto en todo el mundo, ha creado un corpus considerable de obras pictóricas, escultóricas, vídeos, instalaciones, intervenciones arquitectónicas y performances, que han hecho de él uno de los artistas más relevantes del panorama europeo actual.

    La muestra, en el Palacio de Velázquez (Parque del Retiro) hasta el 15 de abril de 2013, reúne aproximadamente cuarenta obras (pinturas, esculturas, vídeos, e instalaciones) y recoge desde sus primeros trabajos, realizados a mediados de los años ochenta, hasta los más recientes.

    Para esta ocasión, Zobernig ha propuesto una contundente intervención que modifica de manera sorprendente la experiencia del espacio del Palacio. El artista rompe con lo establecido, interviene en las salas jugando con la arquitectura y la desafía. Muestra lo que normalmente se esconde en un montaje: andamios, salidas de emergencia, cajas de embalaje, pedestales, muros falsos.... Para él, el espacio en sí es parte esencial de la exposición. “El Palacio es un todo, en el que en ocasiones y debido a mi intervención, algunas partes se condensan y otras parecen hacerse más amplias. Con mi propuesta no deseo ocultar las cualidades arquitectónicas del edificio, sino proporcionar al visitante una nueva experiencia del espacio”, añade Zobernig.

    El artista ha eliminado todos los tabiques del Palacio, manteniendo tan sólo algunos muros temporales de la exposición anterior. Los tabiques efímeros constituyen un elemento indispensable de la arquitectura expositiva contemporánea, pues su escala y su materialidad suscitan una sensación de permanencia en las exposiciones. Zobernig en esta ocasión, hace visibles las juntas del falso muro y mantiene el evidente deterioro del paso del tiempo, recalcando así la temporalidad de las cosas a la vez que erige el muro como objeto escultórico. Además de impulsar un diálogo entre la estructura arquitectónica del palacio, dicho tabique interviene en el espacio creando un área íntima en la que se exponen las esculturas más pequeñas y antiguas del artista.

    Heimo Zobernig (1958, Mauthen, Austria) en la actualidad vive y trabaja en Viena. Estudió en la Academia de Bellas Artes de la capital austriaca y en la Universidad de Artes Aplicadas de la misma ciudad. Desde 1999 combina su faceta de artista con la de profesor en la Academia de Bellas Artes de Viena. Ha presentado desde 1980 sus obras en numerosas exposiciones entre las que se incluyen la Bienal de Venecia 1992/1997; la documenta de Kassel, (1997); la Bienal de Sidney, (2005); la Fundación Gulbenkian de Lisboa o el Centro Georges Pompidou en París, (2010).

    Mercadillos de Navidad

    09/11/2012, Con noviembre, llegan los mercadillos navideños, especialmente atractivos en Europa Central. Turismo de Austria nos recuerda el de Hall in Tirol.

    Viena, 9 de noviembre de 2012

    Es un ambiente mágico el que se halla en lugares como Hall in Tirol, muy cerda de Insbruck, oeste de Auatria. Es una cita única y cada año más grande. En el Mercado de Adviento de Hall, lugareños y visitantes se encuentran y se preparan para vivir la Navidad.

    Todos los días de Adviento, se abren los postigos y las puertas de los puestos para ofrecer artesanía tradicional y exquisiteces culinarias, en un marco en el que destacan algunas casas antiguas y el magnífico campanario con su cúpula bulbosa.

    Puede comprarse allí regalos; celebrar reuniones con amigos o ver la cara de felicidad de los niños montando en un poni. El frio reinante en esta temporada no impide una calidez humena especial, con momentos increíbles.

    La oferta expuesta varía prácticamente cada día, debido a que muchos de los puestos son compartidos por varios comerciantes.

    ¿Qué sería de este mercado de Hall sin música que invita a la reflexión? Los coros y los músicos de instrumentos de viento, procedentes de Hall y de sus alrededores, aunque también de Tirol del Sur, se afinan para otorgar un ambiente festivo al mercado.

    El pequeño zoológico en el que se pueden acariciar los animales, la carroza navideña para niños y el cuentacuentos se encargan de divertir a los visitantes más pequeños.

    El martes 6 de diciembre, el casco antiguo de Hall recibe la visita de San Nicolás y su comitiva. Ante todos los visitantes del Mercado de Adviento, leerá su tradicional pregón y cantará villancicos con los niños.

    El viernes 23 de noviembre del 2012, se inaugurará el Mercado de Adviento de Hall en la plaza Oberer Stadtplatz de Hall y permanecerá abierto hasta el 24 de diciembre.

    Chipre medieval, en París

    08/11/2012, El museo del Louvre propone descubrir Chipre medieval. En una muestra que se presenta del 28 de octubre al 28 de enero de 2013.

    París, 8 de noviembre de 2012
    “Chipre entre Binacio y Occidente. Siglos IV-XVI” es el título de la muestra. Iconos, iluminaciones, esculturas, fragmentos de arquitectura, piezas de orfebrería y de cerámica, integran un conjunto de150 objetos que trazan la historia artística de la isla, desde el siglo IV, primer siglo bizantino, que ve triunfar la nueva religión cristiana en todo el Imperio romano, hasta la conquista de la isla por los turcos en 1570, un tiempo en el que se desarrolla en Chipre un arte que testimonia real magnificencia.

    Etapa ineludible de los caminos comerciales hacia Oriente Próximo y Palestina, la isla, provincia del Imperio romano de Oriente, Imperio Bizantino, es una región próspera, clave en el mundo de las Cruzadas, en la que se elevaron basílicas inmensas.

    Varios fragmentos arquitecturales y de mobiliario litúrgico - capiteles de Paphos y de Limassol, placa de cancel de Larnaca, fragmentos de "mesas de altar", lámparas de bronce, etc.- presentados en la exposición, evocan las primeras basílicas cristianas y su organización.

    En cuanto a los decorados monumentales, uno de los medallones de mosaico del arco absidal de la iglesia de Kanakaria de Lythrankomi que representa a San Mateo (Museo bizantino de Nicosia), permite dar cuenta de las expresiones más bellas del primer arte bizantino.

    La riqueza de "Chipre" también se mide al esplendor del tesoro llamado Lamboussa-Lapithos, encontrado alrededor de 1900, hoy principalmente compartido entre Nicosia, Londres y Nueva York. Por primera vez se reúnen en París seis platos de plata de la Historia de David que se reparten el Museo arqueológico de Nicosia y el Metropolitan Museum de Nueva York, así como una mano votiva de bronce.

    Enterrado en el momento de la conquista árabe de la isla, el tesoro de Lamboussa-Lapithos ofrece en cierto modo una conclusión magistral al primer período cristiano de Chipre.

    Goya y el Infante Don Luis

    08/11/2012, La exposición del Palacio Real "Goya y el Infante Don Luis: el exilio y el reino" gira en torno a la figura del Infante Don Luis de Borbón, el hermano menor del rey Carlos III.

    Madrid, 8 de noviembre de 2012
    El Infante Don Luis de Borbón y Farnesio fue el hermano menor del rey Carlos III y quinto hijo varón de Felipe V. La posibilidad de acceso del infante al trono español era, en principio, muy remota, por lo que fue destinado a la carrera eclesiástica.

    Pero una serie de impremeditadas circunstancias le colocaron en el ojo del huracán de la sucesión: la muerte sin descendencia de dos de los cuatro hermanastros y hermanos que le precedían y el hecho de que los hijos de Carlos III no hubiesen nacido ni se hubiesen educado en España (cómo prevenía que debieran hacerlo la Ley Sálica) y su renuncia a la carrera eclesiástica aumentaron sus posibilidades para ser el sucesor al trono.

    La inquietud de la corte solamente se calmó cuando Don Luis fue obligado a contraer un desigual matrimonio con doña María Teresa de Vallabriga. Esta unión anuló sus aspiraciones y derechos.

    La muestra, que podrá visitarse en el Palacio Real de Madrid hasta el 20 de enero de 2013, revela el mecenazgo cultural del Infante Don Luis, primer impulsor de la carrera de Goya, y recrea la “burbuja cultural” de su pequeña corte en la ciudad de Arenas de San Pedro.

    La exposición incluye 17 obras de Goya y cuadros de artistas como Luis Paret, Luis Meléndez y otros pintores representativos del siglo XVIII. Algunas de las pinturas más importantes de la muestran son:

    La familia del Infante Don Luis
    Pintada por Goya en 1784 durante su estancia en el palacio de Arenas de San Pedro. Se trata de una obra compleja que reúne a todos los miembros de la familia junto a su servidumbre y al propio Goya. Hay un total de 14 personas en una conversación nocturna de carácter doméstico, sin el glamour que cabría esperar en un retrato de porte aristocrático.

    El lienzo de Goya muestra un encuentro familiar que tiene lugar en un ambiente informal. Es sorprendente la presencia de los sirvientes, superior en número a los cinco miembros de la propia familia.

    Retrato de María Luisa de Borbón, duquesa de San Fernando de Quiroga
    María Luisa, hija del Infante y de María Teresa, aparece de pie en un cuadro de fondo oscuro. Luce un vestido blanco de talle alto y original peinado con plumas, a la moda francesa. Lleva además la banda de la orden de María Luisa y un brazalete con un retrato en miniatura que podría ser de su madre.

    Retrato de María Teresa de Borbón y Vallabriga, niña, en un jardín
    Goya sitúa a María Teresa (futura condesa de Chinchón) niña en los exteriores del Palacio de Arenas de San Pedro, delante de las montañas de la sierra de Gredos. Al igual que en el retrato ecuestre de María Teresa, el artista hace homenaje a los retratos de los Austrias pintadas por Velázquez que tienen como fondo la sierra de Guadarrama. La protagonista aparece en actitud grácil, imitando la postura de un adulto. No obstante, Goya enlaza el cuadro con el moderno retrato infantil ilustrado que apuesta por una mayor naturalidad.

    Retrato de Luis María de Borbón y Vallabriga, niño, estudiando geografía
    Don Luis María de Borbón, a la edad de seis años, viste el color de los infantes de la Casa Borbón, el azul, remitiendo a la moda surgida durante el reinado de Luis XIV. Aunque haya precedentes iconográficos para la representación de un infante estudiando en un gabinete -su tío, el rey Carlos III, fue retratado por Ranc estudiando botánica- don Luis María aprende geografía, materia preferida de la educación ilustrada. Aparece de pie al lado de su mesa cubierta de mapas y sostiene una pieza de un mapa-puzzle, un novedoso juego pedagógico que se extendió en el siglo XVIII.

    El infante don Luis de Borbón
    El Infante Don Luis y doña María Teresa de Vallabriga se establecen en Arenas de San Pedro en 1779 donde invitan a Goya durante los veranos de 1783 y 1784 para realizar varios retratos de los miembros de la familia.

    Goya retrata al Infante Don Luis de perfil, aprovechando la rugosidad del soporte para sugerir, con tonalidades más oscuras, la flacidez de la piel del Infante entrado ya en años. A pesar del destierro, su efigie deja ver su condición de miembro de la casa real que se retrata con las insignias de su familia. La cinta azul que luce bajo la corbata corresponde a la banda de la Orden de Carlos III y el destello rojo deja constancia de que es portador del Toisón.

    María Teresa de Vallabriga
    En este retrato de María Teresa pintado sobre tabla, Goya consigue enfatizar la exquisitez esmaltada de un cutis blanco y terso, con un chal blanco, que convierte su busto en una luminosa imagen ante el fondo oscuro. Solo su pelo castaño, sin empolvar y recogido con un lazo azul, da un tono medio entre su blancura y el casi negro del fondo.

    Cruceros a Cuba

    07/11/2012, Por primera vez en su historia, Star Clippers navegará en 2014 a Cuba, ofreciendo una espectacular serie de itinerarios para explorar la isla: playas, ciudades coloniales y la histórica ciudad de La Habana.

    La habana, 7 de noviembre
    Los cuatro itinerarios confeccionados por la naviera se llevarán a cabo en el Star Flyer, un majestuoso velero de cuatro mástiles, construido a semejanza de los clíperes de antaño, y con capacidad para 170 pasajeros.

    Los barcos de Star Clippers están inspirados en los barcos de vela de mitad del siglo XIX y su filosofía es la de un hotel con encanto combinado con la navegación tradicional a vela. Durante la travesía se puede participar de la vida a bordo como si se fuera un marinero más, entregarse a la “dolce far niente” o realizar actividades acuáticas gratuitas. La reducida capacidad del velero hace que sea un producto ideal para aquellos que encuentran el lujo en los detalles y huyen de masificaciones.

    Con respecto a los precios, pueden ir más o menos desde los 900 euros y según la duración del crucero y otras variables.

    Las alternativas propuestas son:

    - 2 de febrero de 2014: 14 noches, de Costa Rica a Cuba a través del Canal de Panamá, con escalas en Bahía Drake y Golfito (en Costa Rica); Isla Gamez, Isla Iguana y Balboa (en Panamá); San Andrés y Providencia (en Colombia); George Town y Little Cayman (en las Islas Caimán); hasta Casilda (en Cuba).

    - 16 y 23 de febrero, y 2, 9 y 16 de marzo de 2014: Siete noches desde Cuba a las Islas Caimán, saliendo de Cienfuegos y haciendo escalas en Cayo Blanco, Casilda (por la histórica ciudad de Trinidad), Little Cayman y George Town, Cayo Largo en el Archipiélago de los Canarreos, para regresar a Cienfuegos.

    - 23 de marzo de 2014: Seis noches en un crucero de ida y vuelta desde Cienfuegos, con paradas en el Archipiélago de los Canarreos, Punta Frances, Cayo Largo, Casilda y Cayo Blando.

    - 29 de marzo de 2014: de Cuba a St Maarten, zarpando desde Cienfuegos y haciendo paradas en la Bahía de Montego y Puerto Antonio (Jamaica); Santo Domingo (en República Dominicana); las Islas Vírgenes Británicas; y Philipsburg.

    Galerías devastadas en Nueva York

    07/11/2012, El Huracán Sandy ha dejado a su paso por la ciudad de Nueva York varias galerías y estudios destrozados. Ahora toca hacer recuento de daños y tratar de salvar el mayor número de piezas posible.

    Nueva York, 7 de noviembre de 2012
    La tormenta tropical Sandy, que azotó con furia la ciudad de NY el pasado lunes 29 de octubre, ha dejado buen número de almacenes, oficinas y espacios expositivos del distrito de Chelsea totalmente desolados.

    La crecida de las aguas y los fuertes vientos destrozaron muchas de las galerías del distrito, que horas antes a la tormenta había sido evacuado por las autoridades. El agua inundó locales, y han sido muchas las piezas que no han podido ser rescatadas.

    Para dificultar más las tareas de recuperación de los espacios expositivos, la red eléctrica estuvo cortada durante cinco días, de modo que las labores de limpieza tuvieron que llevarse a cabo aprovechando las horas de luz del día.

    Otras zonas que también se han visto afectadas por culpa del huracán Sandy han sido el Lower East Side y Red Hook, en Brooklyn.

    El MoMA por su parte ha publicado un manual de urgencia en su web (http://www.moma.org/explore/collection/conservation/recovery) para dar instrucciones sobre cómo salvar y recuperar dentro de lo posible las piezas afectadas.

    Orsay en el Munal

    07/11/2012, Hasta el 20 de enero de 2013 se puede ver “El placer y el orden. Orsay en el Munal”, en el Museo Nacional de Arte mexicano.

    México 7 de noviembre de 2012
    La exhibición atiende a un período de conformación de un modo de vida propiamente moderno en las urbes, particularmente en París, así como el impacto que este modo de vida tuvo en los individuos.

    Núcleos temáticos: 

París, ciudad moderna. Libertad y sujeción en el espacio público. Los cuadros pictóricos han sido seleccionados para mostrar diferentes aspectos de la vida cotidiana parisina, en el marco del surgimiento de la modernidad.

    

Las fotografías seleccionadas muestran la renovación de París realizada por Haussman, como una proeza de urbanismo. París se convirtió en una ciudad de arquitectura equilibrada, de grandes bulevares, nuevo medios de transporte y excitante vida cultural.

    Se hace especial hincapié en las Exposiciones Universales llevadas a cabo en esa ciudad a finales de siglo que, acompañadas de nuevas construcciones (como el Grand-Palais y la Torre Eiffel) le dieron el prestigio de capital de la modernidad. 



    Los artistas franceses ya fuera por su origen o trayectoria, se vieron orientados a interpretar los goces de la vida burguesa. El valor de la propiedad, el dinero, el ocio, la creación de un entorno placentero, pero también el cuestionamiento del statu quo burgués, se tradujeron en obras pictóricas. 

La vida moderna, que proveyó de mayor libertad de movimiento a hombres y mujeres, se desbordó en la representación de la individualidad como valor ciudadano, pero también de los usos amorosos de la sociedad parisina. Los nuevos afanes de la libertad alcanzaron, como nunca antes, la representación de la esfera de lo íntimo. 


    El placer y orden. Orsay en el Munal, cuenta con obras de artistas como Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir, Jean Francoise Millet, Georges Seurat, Henri Edmond Cross, Maurice Denis, Edouard Manet, August Rodin, Pierre Bonard, Albert Besnard, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Félix Vallotton, Alexander Falguière, Maximilien Luce, Marie Bashkirsteff, André Devambez, Alfred Stevens, Henri Gervex, León Frédéric, Herni Lemoine, Constant Puyo, Alphonsse Defrasse, Henri Rivière, Owen Jones, Félix Nadar, Paul Boyer y Louis Emile Durandelle. 

    Atún rojo... ilegal

    06/11/2012, Un informe de WWF revela que, entre 2000 y 2010, se comercializaron casi 19.000 toneladas de atún rojo en peso vivo vía Panamá sin haber sido declaradas a ICCAT, el organismo internacional que regula esta pesquería.

    Madrid, 6 de noviembre de 2012
    El ICCAT es la Comisión Internacional para la Conservación del Atún Atlántico, una organización pesquera intergubernamental responsable de la conservación de los túnidos y especies afines en el océano Atlántico y mares adyacentes. ICCAT recopila las estadísticas, coordina la investigación, incluyendo evaluaciones de stock, en nombre de sus miembros, desarrolla asesoramiento en materia de ordenación basado en la ciencia, y proporciona un mecanismo para que las partes contratantes acuerden medidas de organización.

    En este tráfico ilegal estaban implicados, junto a Panamá, varias empresas de países mediterráneos, incluyendo España, Italia y Marruecos, Túnez y Turquía, estaban implicados, además de Japón.

    Basado en datos oficiales de comercio y aduanas, el estudio de WWF ha descubierto que se comercializaron 14.327 toneladas de atún rojo durante una década a través de Panamá, lo que equivale a 18.704 toneladas de pescado vivo.

    Este atún rojo, que no ha sido declarado, ha sido exportado a Panamá desde países de la cuenca mediterránea. Panamá lo reexporta a Japón, hasta alcanzar las 13.730 toneladas de atún rojo procesado. Las anomalías que afectan a empresas de España en esta investigación se detectaron únicamente para el año 2004.

    El comercio detectado alcanzó su momento álgido en 2003 y 2004, con cantidades que oscilan entre 3.000 y 4.000 toneladas al año y esta práctica ha continuado hasta 2010, aunque en menor grado.

    Todos los países involucrados, que menciona el estudio, eran Miembros de ICCAT en el momento en que se estaban produciendo estas operaciones ilegales. Según las reglas de ICCAT aplicadas durante el periodo del informe, cualquier operación comercial internacional relacionada con el atún rojo tenía que estar debidamente declarada, para permitir que sus datos se pudieran cruzar con los de captura.

    El comercio no declarado de atún rojo a través de Panamá, ni siquiera registrado por las aduanas de este país, podría haber tenido lugar sin necesidad de que el pescado fuera físicamente embarcado en Panamá. Simplemente, buques de transporte con la su bandera y compañías intermediarias con base en este país podrían haber mediado entre los países productores y el mercado final en Japón.

    “Es la primera vez que se analiza un caso así y probablemente se trata de la punta del iceberg. Finalmente, hemos conseguido las pruebas de una situación que era conocida desde hace muchos años por el propio ICCAT”, apunta un portavoz de WWF, que añade: “Tenemos serias sospechas de que la pesca y el comercio ilegal sigue siendo una amenaza para la recuperación del atún rojo. Por esta razón, WWF pide que no se aumenten sus cuotas de pesca, siguiendo las recomendaciones científicas, y que se eliminen este tipo de prácticas”.

    Según el ICCAT, las actividades de pesca ilegales, no declaradas y no reguladas de atún rojo, conocidas por sus siglas en inglés como IUU, tuvieron su pico máximo en 2007. Ese año se capturaron unas 61.000 toneladas, lo que suponía más del doble de la cuota establecida. Hay consenso acerca de que las capturas recientes se han reducido significativamente, pero aún se desconoce la cantidad real de pescado que sigue siendo capturada.

    La pesquería de atún rojo en el Mediterráneo ha sido seriamente dañada por la sobrepesca en los últimos años. Un problema impulsado por la demanda japonesa y por el desarrollo masivo de granjas de engorde de atún rojo en la región.1993, afirma WWF

    http://www.iccat.es/es/
    http://www.wwf.es/

    La moda es sueño. 25 años de talento español

    06/11/2012, Hasta el 13 de enero de 2013 se podrá ver en el Museo Cerralbo la exposición La moda es sueño. 25 años de talento español. Con 70 creaciones de grandes figuras del diseño de moda.

    Madrid, 6 de noviembre de 2012
    El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, consciente de la importancia de la moda como una de las industrias culturales más importantes de nuestro país y de su función en el ámbito de las bellas artes, organiza una muestra que reúne 70 creaciones de nombres míticos de la moda española, cedidas por el Museo del Traje y por coleccionistas privados.

    Los salones del Museo Cerralbo, acogen este recorrido por los mejores diseños de grandes modistos de la España del último cuarto de siglo. La muestra parte de los maestros Balenciaga y Pertegaz, transita por los primeros años de las pasarelas Cibeles y Gaudí, a través de Sybilla, Jesús del Pozo, Adolfo Domínguez y Manuel Piña, entre otros, y continúa con una segunda generación liderada por Vitorio & Lucchino, Devota y Lomba, Agatha Ruiz de la Prada, Roberto Verino o Custo Barcelona, a quienes siguen Aníbal Laguna o Miguel Palacio. Finalmente llega hasta la cuarta y última generación de jóvenes creadores, como José Castro, Teresa Helbig y Maya Hansen.

    Este florecimiento de diseñadores y los grandes grupos de distribución, han consolidado la marca Moda de España, que sitúa a nuestro país entre los tres líderes de este sector en el mundo.

    LA MODA ES SUEÑO. 25 AÑOS DE TALENTO ESPAÑOL
    Entrada incluída con la del museo.
    Visitas en horario de museo.
    Hasta el 13 de enero de 2013
    Comisariada por Lucía Cordeiro e Isabel Vaquero

    El anónimo era de Tiziano

    05/11/2012, El San Juan Bautista, cedido a una iglesia andaluza, no era de un autor anónimo madrileño, sino de Tiziano. Ahora se presenta en El Prado

    Madrid, 5 de noviembre de 2012
    San Juan Bautista es la única obra de Tiziano del Museo del Prado que no procede de la Colección Real, sino del Museo de la Trinidad. Llegó en 1872 al Museo como «anónimo madrileño del siglo XVII» y, como tal, fue enviado, catorce años después, a la iglesia parroquial de Nuestra Señora del Carmen en Cantoria, una localidad de Andalucía.

    En un catálogo de la exposición Tiziano en 2003, Miguel Falomir, Jefe de Departamento de Pintura Italiana y Francesa del Museo Nacional del Prado y comisario de la muestra, ya sostuvo que la obra podía ser la copia puntual de un San Juan Bautista de Tiziano perdido. Así, el 3 de octubre de 2007, por orden ministerial, el Museo del Prado levantó definitivamente el depósito para su estudio y este reveló que no era una copia sino un original del artista veneciano.

    Características técnicas, como la preparación de albayalde con adición de carbonato cálcico, y la similitud del paisaje con los de otras obras de Tiziano de inicios de la década de 1550, permiten fechar entonces el cuadro del Prado.

    El San Juan Bautista del Prado llegó al museo en un lamentable estado de conservación. La magnífica restauración de Clara Quintanilla ha permitido recuperar la legibilidad de la composición al restablecer el equilibrio de la figura con su entorno y, en las áreas menos dañadas (celaje y paisaje), apreciar la grandeza y sutilidad del arte de Tiziano.

    La importancia del nuevo San Juan Bautista no es sin embargo tanto estética (ha sufrido demasiado para ello), como documental. De un lado, se ha podido constatar que fue una de las composiciones religiosas de Tiziano más populares en España a tenor del elevado número de copias que se han localizado. Que las más tempranas procedan de Zaragoza y alrededores sugiere que su primer propietario debió residir allí, y probablemente fuera Martín de Gurrea y Aragón, IV duque de Villahermosa (1526-1581).

    En segundo lugar, ofrece un testimonio excepcional sobre el modo como Tiziano replicaba sus composiciones. Finalmente, ofrece información sobre los otros dos San Juan Bautista de Tiziano conservados y, en el caso del procedente del Escorial, apuntala su autoría ticianesca, puesta en duda recientemente.

    La realización de réplicas en la bottega de Tiziano
    Cuando pintaba una obra, y previendo eventuales encargos, Tiziano solía realizar simultáneamente una copia. Esta copia se conservaba en la bottega hasta que Tiziano decidía transformarla en una réplica. Para ello introducía pequeños cambios que la diferenciaban de la composición de la que derivaba y convertían la réplica en un nuevo original. En ese momento se hacía una nueva copia, a fin de guardar un ricordo para eventuales réplicas. El resultado es que no hay dos ticianos idénticos.

    Este proceso se observa en las radiografías de las obras que se incluyen en la exposición, ya que muestran invariablemente la composición de la que parten. La radiografía de la última versión, la del Escorial, muestra una composición diferente a la que se ve en superficie, con un santo más musculoso que viste un chaleco de piel de camello abotonada y descansa su mano derecha sobre el pecho, es decir, reproduce la obra del Prado.

    De la misma manera, la radiografía del Bautista del Prado deja ver el cuadro de la Accademia, el más temprano. Los tres San Juan Bautista proporcionan el ejemplo más dilatado en el tiempo del modo cómo Tiziano realizaba sus réplicas, pues entre la primera versión (Venecia, h. 1530-32) y la última (El Escorial, h. 1565-70), median aproximadamente treinta y cinco años.

    La obra se puede ver, en compañía de los otros dos cuadros citados, en El Prado, hasta el 10 de febrero.

    El Prestige, 10 años después

    05/11/2012, El Prestige, un petrolero monocasco con 77.000 toneladas de fuel oil se hundió hace diez años ente las costas hispanoportuguesas. El desastre aún no se ha borrado.

    La Coruña, 5 de noviembre de 2012
    Fue en 19 de noviembre cuando el buque se hundió enfrente a las costas peninsulares, después de partirse en dos. El desastre alcanzó las costas de varios países de este frente atlántico. Los daños no se han reparado. Diez años después los “Prestige” siguen recorriendo estas rutas atlánticas, y el peligro sigue.

    Greenpeace ha denunciado la situación con un informe titulado “Otro Prestige es posible”. Activistas de Greenpeace localizaron ayer un buque en Bilbao, el Searacer, con bandera de conveniencia de Malta, registrado en Liberia, con armador griego, aseguradora en Bermudas y la misma empresa clasificadora que la del Prestige, ABS. Ante él y con los mensajes los activistas afirmaron que diez años después, muchas de las circunstancias del desastre del Prestige ocurren todos los días porque se continúa protegiendo los intereses de la industria petrolera frente al medio ambiente y a los ciudadanos.

    El informe “Otro Prestige es posible” fue presentado esta mañana en La Coruña. En él se expone que no se han cubierto las responsabilidades en el ámbito económico, legal y político; que se han minusvalorado los impactos ambientales y en la salud, y que existen alternativas al uso del petróleo, que es el origen del problema. Por ello, se reclama un modelo energético al servicio de los ciudadanos, de la salud y del clima, y no de las compañías energéticas.

    Greenpeace considera que los representantes políticos priorizan los intereses personales y políticos sobre los intereses sociales y del medio ambiente; continúan existiendo enormes deficiencias en la legislación y en el régimen de responsabilidad en el transporte marítimos; no se han exigido responsabilidades pues ninguna de las empresas implicadas está afectada por ello, y una sola persona hará frente a todas las responsabilidades de ámbito estatal, y no se ha hecho siquiera un estudio integral los impactos de la marea negra del Prestige.

    No se ha encontrado documentación científica, diez años después, que evalúe de manera global las consecuencias del vertido. Los hidrocarburos del se han acumulado principalmente en el sedimento y en la red trófica bentónica: “Los impactos del Prestige no han desaparecido, los contaminantes pasaron de una bodega de un barco al mar. Y una vez incorporado en la cadena trófica ya está incorporado en el océano, para siempre", ha declarado Sebastián Losada, asesor sobre conservación marina de Greenpeace Internacional.

    Dos anillos dorados

    02/11/2012, El Museo Reina Sofía presenta en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro el último proyecto de Jiří Kovanda (Praga, 1953), figura destacada del arte checo contemporáneo.

    Madrid, 2 de noviembre de 2012
    Kovanda entró a formar parte de la escena internacional europea a finales de los años setenta con diferentes acciones públicas, que realizaba de manera deliberadamente sutil. Sin embargo, a pesar del carácter imperceptible y efímero de sus intervenciones, su objetivo era crear reacciones en su audiencia.

    La obra que ha creado para esta ocasión se inscribe en el tipo de trabajo que el artista ha realizado durante las últimas décadas, instalaciones con objetos cotidianos. Los dos anillos dorados a los que hace alusión el título han sido dispuestos en distintos lugares del Palacio con el fin de indagar sobre lo visible y lo invisible, lo valioso y lo funcional.

    Con ello, el artista reflexiona: "Las cosas sencillas y baratas pueden resultar importantes, extraordinarias, mientras que los objetos caros pueden ser invisibles. Y a veces al contrario. Sin embargo, lo barato y lo caro tienen el mismo valor. Depende sólo de la situación".

    Dos anillos dorados (hasta el 24 de febrero de 2013) llama la atención sobre la relación de los objetos cotidianos que, sin valor aparente, conviven junto a otros altamente apreciados por su coste o material. El valor concedido a los objetos es pura convención y el sistema que lo sostiene, precario y transitorio.

    Kovanda es conocido por sus collages a base de periódicos y revistas que realiza desde los años ochenta, por sus readymades u obras hechas con objetos encontrados y sus pinturas nunca figurativas e instalaciones. En todas sus etapas y creaciones, puede percibirse la atracción del artista por lo efímero y por los ámbitos en los que el arte y la vida cotidiana se confunden. Sus obras posŽen un lenguaje directo y visualmente muy potente, ya que su arma reside en la sencillez, a menudo aderezada con humor e ironía.

    Soria Gastronómica 2012

    01/11/2012, El III Congreso Internacional de Micología, Soria Gastronómica, registra un gran éxito de asistencia durante las actividades programadas por la Consejería de Cultura y Turismo de Castilla y León.

    Soria, 1 de noviembre de 2012
    En palabras del Director General de Turismo de Castilla y León, Javier Ramírez, en la ceremonia de clausura: “La presencia de ponentes y expertos micólogos de otros países, con los que se plantea establecer una Red Internacional sobre especialización micológica con los participantes, nos permitirá un intercambio de conocimientos que nos ayude en la expansión de nuestro producto”.

    Durante los días del Congreso, que tuvo lugar el 29 y el 30 de octubre, se han establecido las bases para un buen desarrollo de la Micología en Castilla y León. Una labor de promoción y comercialización, y de colaboración público-privada en la que quiere incidir la Consejería de Cultura y Turismo, con propuestas como el Mercado de Contratación de Soria Gastronómica, que ha permitido con gran éxito establecer un número importante de contactos y acuerdos comerciales entre empresarios.

    La repercusión del Congreso en los medios de comunicación, y la apertura de actividades a la ciudadanía de Soria como la quedada popular ‘A por setas’ y los Talleres de Micología Gastronómica han conseguido que el Congreso salga a la calle y se abra a la ciudadanía, con la clara intención de que sea el propio ciudadano de a pie el encargado de poner en valor los recursos existentes en Castilla y León.

    Otro de los eventos celebrado de forma paralela durante estos días, y que ha obtenido un gran éxito, ha sido la Semana de la Tapa Micológica, que ha registrado la elaboración total de 75.000 tapas entre el 20 y el 30 de Octubre.

    Un éxito que consolida a Soria como una cita importante a tener en cuenta, tanto a nivel nacional como internacional, desde el punto de vista gastronómico.

    El día de los Muertos

    31/10/2012, Se celebran estos días las fiestas indígenas dedicadas a los muertos, un bien inscrito en la lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, según recuerda la UNESCO.

    México, 31 de octubre de 2012
    Esta celebración tiene una honda entidad cultural. Las fiestas indígenas dedicadas a los muertos están profundamente arraigadas en la vida cultural de los pueblos indígenas de México y en ellas seb funden los ritos religiosos prehispánicos y fiestas católicas llegadas con la colonización, lo que permite el acercamiento de dos universos, el de las creencias indígenas y el de una visión del mundo introducida por los europeos en el siglo XVI.

    La festividad honra a los antepasados y coincide con las celebraciones católicas de los Difuntos y Todos los Santos, los días 1 y 2 de noviembre. No sólo abarca territorios de México sino de otros países centroamericanos y también de EE.UU.

    En la página web de la UNESCO se recuerda estos días que con la fiesta del Día de los Muertos, tal como la practican las comunidades indígenas, se celebra el retorno transitorio a la tierra de los familiares y seres queridos fallecidos. Esas fiestas tienen lugar cada año a finales de octubre y principios de noviembre. Este periodo marca el final del ciclo anual del maíz, que es el cultivo predominante en el país.

    Según recoge la UNESCO, Para facilitar el retorno de las almas a la tierra, las familias esparcen pétalos de flores y colocan velas y ofrendas a lo largo del camino que va desde la casa al cementerio. Se preparan minuciosamente los manjares favoritos del difunto y se colocan alrededor del altar familiar y de la tumba, en medio de las flores y de objetos artesanales, como las famosas siluetas de papel.

    Estos preparativos se realizan con particular esmero, pues existe la creencia de que un difunto puede traer la prosperidad (por ejemplo, una abundante cosecha de maíz) o la desdicha (enfermedad, accidentes, dificultades financieras, etc.) según le resulte o no satisfactorio el modo en que la familia haya cumplido con los ritos.

    Los muertos se dividen en varias categorías en función de la causa del fallecimiento, edad, sexo y, en ciertos casos, profesión. Se atribuye un día específico de culto para cada categoría. Este encuentro anual entre los pueblos indígenas y sus ancestros cumple una función social considerable al afirmar el papel del individuo dentro de la sociedad. También contribuye a reforzar el estatuto político y social de las comunidades indígenas de México

    Con motivo de estas festividades también hay otras actividades en instituciones, tales como exposiciones, talleres culturales, etc.

    Libertad para la orca Morgan

    30/10/2012, El 1 de Noviembre se celebrará un nuevo juicio en Holanda sobre la situación de Morgan, una orca que vive en cautividad en un parque acuático de Tenerife. Su caso ha sido divulgado por las redes sociales.

    Tenerife, 30 de octubre de 2012
    La orca Morgan fue encontrada enferma en junio de 2010 en la costa de Holanda. En un primer momento se pensó en devolverla al mar en cuanto estuviese recuperada. Pero al final acabó en Loro Parque de Tenerife, donde permanece en cautiverio y es exhibida al público.

    El próximo 1 de Noviembre habrá un nuevo juicio en Holanda. Varias organizaciones internacionales que luchan por los derechos de los animales se han unido con la intención de pedir a las autoridades holandesas que devuelvan a la orca a su hogar.

    El impacto de la cautividad en estos mamíferos marinos es terrible: muchos de ellos no sobreviven más de un año, y sufren estrés y enfermedades. Cada día que Morgan permanece en cautividad se reducen sus posibilidades de poder volver a vivir en el mar con los suyos.

    La plataforma Change.org, que invita a ciudadanos de todo el mundo a iniciar y apoyar campañas para lograr el bien social, está promoviendo una petición para conseguir que Morgan deje de ser una atracción turística y regrese a su habitat natural.

    El equipo de Change.org trabaja para lograr cambios sociales a nivel global. Recientemente ha conseguido, con la ayuda de más de 20 millones de personas, liberar a un hombre que sufrió un infarto cerebral de una deuda injusta con su banco, retirar una aplicación que criminaliza a mendigos y músicos ambulantes realizada por Ferrocarrils de la Generalitat de Catalunya, o que un banco español dejase de cobrar comisiones a los ciudadanos por donaciones a organizaciones sociales.

    Para apoyar la petición para ayudar a Morgan: http://www.change.org/es

    Martín Rico y el paisaje realista

    30/10/2012, El Prado presenta una exposición monográfica, en la que ha colaborado el Meadows Museum de Dallas, sobre Martín Rico, pionero en la introducción del paisaje realista en España.

    Madrid, 30 de Octubre de 2012
    La muestra reúne más de cuarenta pinturas que se exponen junto a un numeroso conjunto de acuarelas, dibujos y cuadernos, la mayoría no expuestos nunca antes en España. Tras su paso por Madrid, la exposición viajará a Dallas, donde se exhibirá el próximo año bajo el título “Impresiones de Europa”.

    El paisajista madrileño Martín Rico (Madrid, 1833- Venecia, 1908) fue pionero en la introducción del paisaje realista en España, su especial captación de la luz y de las peculiaridades de las ciudades a las que viajó le dieron un gran reconocimiento en su época, particularmente en EE.UU donde su obra está presente en distintos museos y colecciones particulares. Su proyección internacional se debió a su ambición por labrarse una carrera fuera de España gracias a la oportunidad que le dio, en 1862, obtener una pensión para el estudio del paisaje en el extranjero. Durante más de cuarenta años, hasta su muerte, trabajó en París y Venecia, donde captó la belleza de las dos ciudades y contactó con destacados artistas europeos e internacionales, entre ellos Camille Pisarro, uno de los primeros impresionistas y Daubigny, paisajista francés de la escuela de Barbizon.

    El perfil cosmopolita del artista hizo que sus obras tuvieran mayor éxito fuera de España por lo que, con la excepción del Museo del Prado, es un pintor poco representado en las colecciones institucionales de nuestro país. Por ello, la exposición pretende contribuir a la mejor difusión y conocimiento del artista además de dar continuidad a la línea de recuperación y puesta en valor de los principales maestros de la pintura española del siglo XIX.

    La selección de obras permitirá al visitante un recorrido por todas las fases de la carrera de Martín Rico, desde sus tempranos paisajes de la Sierra de Madrid hasta sus composiciones realizadas en París y finalmente en Venecia. Un total 43 óleos -más un retrato a Martin Rico pintado por Sorolla-, 9 acuarelas, 40 cuadernos de apuntes propiedad del Prado y 9 dibujos cedidos por la Hispanic Society de Nueva York, con las que el público podrá acercarse a la figura del madrileño, y contemplar su trayectoria artística más completa.

    Entre las obras más destacadas incluidas en la exposición figuran Torre de las Damas en la Alhambra de Granada del Museo del Prado, su primer logro en la búsqueda de una armonía entre arquitectura y vegetación, perteneciente a su época en Granada donde coincidió con Mariano Fortuny, decisiva huella en su carrera; la vista El Sena en Poissy, procedente del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, un ejemplo de su paso por Francia donde abordó los motivos de los ríos próximos a París y en los que según su seguidor, Aureliano de Beruete, refleja mejor que en otros paisajes su talento y personalidad; y, Santa Maria della Salute, Venecia, de una colección privada, es el último óleo de la exposición y una de las pinturas más importantes de su período final en el que reunió todos los motivos que le habían interesado a lo largo de sus casi tres décadas en Venecia.

    Las pinturas de la exposición se intercalan con nueve acuarelas, algunas de gran calidad como Sevilla, procedente de The Walters Art Museum de Baltimore, pintada durante su estancia en Sevilla entre 1872 y 1875. Al igual que en sus vistas anteriores de la Alhambra, aquí Rico reunió los testimonios arquitectónicos de resonancias árabes con una vegetación de gran belleza y radiante luz primaveral.

    Por su parte, los cuarenta cuadernos de dibujos de la colección del Museo, adquiridos en 2007, que acompañan a los cuadros de la exposición, invitan al espectador a comprender su proceso creativo y a apreciar su faceta de dibujante. Realizados al natural como muchas de sus composiciones constituyen un valioso testimonio de los aspectos que más le interesaban, los motivos históricos y monumentales que se reflejarían luego en sus pinturas al óleo, dándoles un carácter más profundo a sus vistas de ciudades de España. En ellos utilizó más frecuentemente el lápiz, aunque, al final de su vida, empleó también tinta a pluma en algunos cuadernos venecianos.

    La exposición acaba con la etapa más conocida de su carrera, doce lienzos que pintó desde 1873 a 1902, cuando descubre Venecia y queda deslumbrado por el color, los reflejos y la luz. Es a través de las vistas de la ciudad cuando perfecciona definitivamente su estilo y cuando marchantes internacionales difunden su obra entre las mejores colecciones norteamericanas.

    "El paisajista Martín Rico (1833-1908)"
    Del 30/10/12 al 10/02/13
    Museo del Prado
    Comisario: Javier Barón Thaidigsmann, Jefe del Departamento de Pintura del Siglo XIX del Museo Nacional del Prado

    Organizan el Museo del Prado y el Meadows Museum de Dallas

    Museo del Templo Mayor

    29/10/2012, El 12 de octubre de 1987 se abrió en México el Museo del Templo Mayor. Ahora -25 años después- celebra una exposición conmemorativa.

    México 29 de octubre de 2012
    Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia, una escultura en forma de cabeza de serpiente, creada durante el gobierno del tlatoani Moctezuma I, así como los restos óseos de un ave encontrados en una ofrenda asociada al monolito de Tlaltecuhtli, ambos de más de 500 años de antigüedad, se muestran por primera vez en la exposición “Museo del Templo Mayor. 25 años recuperando nuestro pasado”, abierta el 26 de octubre.

    La exposición se integra por 24 piezas arqueológicas y alrededor de 150 imágenes, haciendo un recuento de más de tres décadas de investigación en torno a la cultura mexica y sobre la creación de este recinto que alberga dos de los monolitos más representativos de Tenochtitlan: la diosa lunarCoyolxauhqui, y la deidad de la tierra Tlaltecuhtli.

    En la muestra, presentada por Carlos Javier González González, director del recinto, destacan dos piezas prehispánicas de gran valor histórico: la escultura de una cabeza de serpiente, única por la excelente conservación de sus pigmentos, y el esqueleto completo de un ibis, ave que según los especialistas fue relacionada por los mexicas con la muerte, los guerreros y el inframundo.

    La primera pieza fue encontrada a finales de 2011. La escultura está tallada en piedra de tezontle rojo y recubierta con estuco, tiene las fauces abiertas de entre las que sale su lengua bífida, así como escamas en la parte inferior y en los laterales, y conserva 80 por ciento de sus pigmentos gracias al baño de cal que la cubría y que ayudó a preservarlos.

    Los huesos del ave fueron descubiertos en 2009 en el predio Las Ajaracas, como parte de la Ofrenda 128 —localizada al oeste de donde se halló el monolito de Tlaltecuhtli tres años antes—, en una estructura escalonada en forma de pirámide invertida que simulaba la entrada al inframundo. Estos restos datan de 1440-1481.

    Museo del Templo Mayor. 25 años recuperando nuestro pasado consta de siete módulos temáticos que versan sobre el origen, características y actividades que realizan cada uno de los departamentos que integran el espacio museístico. La exposición permanecerá montada hasta marzo de 2013.

    El Museo del Templo Mayor se localiza en calle Seminario, No. 8, en el Centro Histórico de la ciudad de México.

    Rumbo al arte moderno

    29/10/2012, 1912: Mission Moderne, en el museo Wallraf-Richartz hasta el 30 de diciembre de 2012, reconstruye la muestra que escandalizó hace ya un siglo a los habitantes de Colonia.

    Colonia, 29 de octubre de 2012
    Más de seiscientas pinturas se expusieron en aquél momento en la mayor muestra sobre Modernismo Europeo celebrada. Entre los artistas se encontraban figuras como Macke, Gauguin, Vincent Van Gogh, Nolde, Signac, Paul Cézanne, Edvard Munch, Schiele, Mondrian o Pablo Picasso. Sus pinturas, llenas de tonos estridentes y deformaciones de la realidad, anunciaban un cambio de mentalidad y de rumbo en el mundo del arte.

    Pero lejos de resultar un exito, la exposición de 1912 se enfrentó a la incomprensión y al desconcierto de sus visitantes, que no entendían que las obras expuestas fueran consideradas "arte".

    Ni los colores de Munch o Van Gogh, ni los desnudos de Faistauer tuvieron buena acogida entre un público acostumbrado a una pintura mucho más sombría y relajada. Para la crítica, las obras expuestas eran más propias de un psiquiátrico que de una exposición artística.

    La muestra actual reúne ciento veinte de aquellas obras maestras, provenientes tanto de colecciones públicas como de coleccionistas privados de todo el mundo, y firmadas por artistas hoy día emblemáticos, pero que en aquel verano de 1912 fueron vistos como polémicos individuos, gracias a sus perturbadoras imágenes.

    El museo Wallraf-Richartz es una pinacoteca que siempre merece una visita. Se trata de la primera pinacoteca abierta en Colonia y una de las primeras de Alemania.

    Merece la pena su visita por ver la colección de pintura medieval, de los años que van de 1250 a inicios del siglo XVI. Es básico este centro para conocer los primitivos pintores de Colonia, entre los que destaca Stefan Lochner.

    Cézanne y el Pasado, Tradición y Creatividad

    29/10/2012, El Museo de Bellas Artes de Budapest presenta una nueva perspectiva sobre la obra del artista francés Paul Cézanne, con obras procedentes de algunos de los museos más importantes del mundo.

    Budapest, 29 de octubre de 2012
    Alrededor de un centenar de obras -entre pinturas, dibujos, carboncillos y acuarelas- del posimpresionista Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - Lauves, 1906) componen esta ambiciosa exposición, que se completa con otras cuarenta obras de artistas de distintas épocas, que marcaron el estilo pictórico del francés.

    Paul Cézanne protagoniza una gran retrospectiva sobre su obra, desde una perspectiva que intenta mostrar su aportación e influencia en el arte moderno. Varias versiones de Los jugadores de naipes, Las bañistas, Harlequín, La montaña de Sainte-Victoire, Mesa de Cocina o el retrato de Madame Cézanne en sillón rojo son algunas de las obras expuestas.

    La exposición se divide en tres secciones, organizadas de manera cronológica: Obras de juventud, en las que se ve la clara influencia que ejercieron sobre él Miguel Ángel, Goya o Braque, (la exposición incluye algunos de los estudios y copias que Cézanne realizó); Paisajismo, su faceta más célebre, que incluye obras de artistas como Nicolas Poussin; y Bodegones y Retratos, con obras de Rafael, Tiziano, Bernini o Van Dyck.

    Guia de Venecia

    27/10/2012, Sobre más de cien islas, unidas por cerca de 500 puentes, está Venecia, una meca del turismo mundial, llena de rincones cargados de belleza.

    Guiarte.com ha renovado la guía de esta ciudad, con nuevas imágenes captadas por la fotógrafa Beatriz Alvarez, que complementan la visión de esta población extendida sobre una laguna pantanosa, lugar patrimonio mundial de la UNESCO desde 1987.

    Ubicada en el norte del Adriático, algo más al norte de la desembocadura del Po, Venecia se sitúa sobre un grupo de islas, en torno a una especie de albufera; espacio de aguas espesas, en las que parece “flotar” un conjunto de edificios cargados de historia... y de decadencia.

    Zonas como el Gran Canal atraen cada año las miradas de millones de personas. Se trata de una gran avenida lacustre, de 30 a 80 metros de ancha, en cuyo entorno se alinean iglesias y palacios en una sucesión sorprendente, llena de belleza.

    Entre los edificios hay magníficas obras de trazas góticas, renacentistas, barrocas, etc.

    Hay una belleza radiante en Venecia, pero también hay un espacio cargado de misterio y melancolía. Es esta una ciudad compleja y apasionante.

    Turismo y arte en Venecia: Guía de Venecia

    Munch: El Grito

    26/10/2012, El MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York, presenta “Edvard Munch: The Scream” desde el 25 de octubre al 29 de abril de 2013.

    Nueva York, 25 de octubre de 2012

    “El Grito” es ya una imagen icónica que nos acerca automáticamente a la obra de Edvard Munch y a al arte moderno noruego. Como toda obra icónica, han debido de juntarse diversas circunstancias para elevarla a ese grado, desde su presentación, recibida por el público y la crítica con diversidad de opiniones.

    El autor fue prohibido en la Alemania hitleriana por practicar arte degenerado; alguna versión del cuadro fue robada, y hasta ha sido reproducida en portadas, en caretas de horror y en la obra de Warhol.

    Esa imagen atormentada e icónica de El Grito está ahora en el MOMA, merced al préstamo de un coleccionista privado. En la actualidad hay otras tres versiones del cuadro, todas ellas en las colecciones de museos en Noruega.

    Los organizadores de la muestra destacan que la sutileza visual y la complejidad de esta composición. Esa figura calva atormentada, apoyada en la barandilla de un puente, en un paisaje de cielo amarillento y naranja ha capturado la imaginación popular desde el origen de la obra.

    El Grito fue expuesto en 1893, dentro de un conjunto de cuadros relativos a distintos estados anímicos titulado Amor, conjunto que presentaba las etapas de un idilio. La angustiosa ruptura, la última fase, es el tema del cuadro.

    Los críticos explican que estamos ante la producción de un artista de vida atormentada, que en el tiempo en que pintaba aquella dura imagen acababa sufrir perdidas familiares y tenía una hermana internada en el siquiátrico. Sus escritos de entonces reflejan ese paisaje y esa angustia.

    Edvard Munch (1863 – 1964) fue vinculado al simbolismo y al expresionismo alemán, en el que causó una notable influencia. La versión de El Grito se presenta en el MOMA con otra serie de trabajos del artista, pertenecientes a la extensa colección del museo.

    Navidad de colores… en el Índico

    26/10/2012, Beachcomber propone disfrutar de una “Navidad de colores” en sus hoteles de lujo de Isla Mauricio y Seychelles

    Isla Mauricio, 25 de octubre de 2012

    Con el lema del Rojo, propone el Dinarobin (cinco estrellas) en el escenario natural más imponente de Isla Mauricio, la península de Le Morne, donde ofrece sus lujosas suites, las exquisitas variedades de la cocina internacional y criolla de sus 4 restaurantes, los cursos de cocina con los secretos de la gastronomía mauriciana o una excursión en barco por la costa sudoeste mauriciana.

    Con el color azul, el agua, presente dentro y fuera del hotel Paradis, con habitaciones, suites y villas con playa privada, pasando por los restaurantes con excelentes vistas al mar o el campo de Golf, hasta el Spa, dónde cobra un protagonismo especial. Emplazado en la costa suroeste, en la Península Le Morne, permite practicar una gran variedad de deportes náuticos y terrestres, con el monte Le Morne como escenario de fondo.

    En naranja, el amanecer rodeado de Naturaleza en el corazón de un Parque Marino protegido, en el Sainte Anne, en Seychelles. Desde su Centro Deportivo, se puede consultar un sinfín de actividades terrestres y acuáticas como senderismo, submarinismo o excursiones a las islas de los alrededores para disfrutar de la Naturaleza en estado puro y descubrir un poco más la historia del archipiélago. Entre otras iniciativas “verdes”, el Sainte Anne colabora con las autoridades en la protección de las tortugas marinas, cuya temporada de puesta de huevos va desde octubre a enero.

    En verde, el primer hotel ecológico de Isla Mauricio, el Trou Aux Biches, con una decoración floral natural, acorde a su carácter sostenible y un estilo moderno. En todos los rincones del hotel, ambiente navideño “tropical” donde la Naturaleza es la protagonista, convirtiéndose en un hermoso decorado a la vista: flores de colores, pájaros tropicales, un mar turquesa de fondo, y una temperatura veraniega envidiable.

    Los precios (por ejemplo en el resort Sainte Anne): Desde 340 euros por persona y noche en media pensión y en una villa garden.

    Seychelles y Mauricio gozan de un clima tropical húmedo. Se recomienda llevar ropa ligera, crema solar, gafas de sol, gorra e impermeable …sin olvidar el bañador.

    Diversidad cultural indígena

    25/10/2012, “México artístico. La diversidad cultural indígena” es el título de la muestra que se presenta desde el 25 de octubre en el Museo Indígena, MI, joven centro de cultura de México D.F.

    México, 25 de octubre de 2012

    La Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI), rehabilitó y reacondicionó el edificio histórico colonial conocido como la ex Aduana del Pulque, para abrir este año un espacio de conservación y difusión de las artes y la cultura de los pueblos indígenas de México.

    En este inmueble, originario del siglo XVIII, se muestra la exposición México artístico. La diversidad cultural indígena, constituida por 115 piezas del Acervo de Arte Indígena de la Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI), contribuyendo a plasmar la imagen multiétnica y pluricultural del país.

    La exposición se divide en cuatro módulos: El primero es una aproximación a la pluralidad cultural de México sustentada en los pueblos originarios, su acervo cultural y patrimonio; Cosmovisiones –el segundo espacio- muestra las diversas formas en que las culturas originarias han percibido el mundo y el sentido de su existencia.

    La Tierra- cuarto módulo- ofrecen un acercamiento a las relaciones de los pueblos con su entorno. Finalmente, Saberes excepcionales presenta obras destacadas por su valor histórico, tecnológico, estético o simbólico.

    El Museo de los pueblos indígenas de México exhibe piezas, que datan desde 1605 a la fecha: textiles, cerámica, máscaras, arte plumario, cartón, metales, papel, pintura, mobiliario, lapidaria, joyería, talabartería, instrumentos musicales, etc. Estas piezas proceden de contextos cotidianos o rituales de los pueblos indígenas de México

    Fukushima: niveles de radiación

    25/10/2012, Las mediciones de radiación que Greenpeace ha efectuado en Fukushima y su entorno arrojan datos radicalmente distintos que los oficiales

    Madrid, 25 de octubre de 2012

    Greenpeace informó que durante la semana pasada, en la ciudad de Fukushima e Itate, ha comprobado que el control oficial japonés de las estaciones de medición subestima sistemáticamente los riesgos de la radiación para la población, y que las labores de descontaminación gubernamentales son incompletas y son insuficientes.

    Más del 75 % de los 40 puestos de control del Gobierno estudiados por Greenpeace en la ciudad de Fukushima mostraron menores niveles de radiación que su entorno inmediato, con niveles de contaminación a menos de 25 metros de estos puestos de control hasta seis veces mayores que en los propios puestos (2).

    "Las estaciones oficiales de control se colocan en las zonas que las autoridades han descontaminado. Sin embargo, nuestras mediciones muestran que a solo unos pocos pasos de ellas los niveles de radiación aumentan significativamente", ha afirmado Dra. Rianne Teule, experta en radiación de Greenpeace Internacional. "Tememos que los datos oficiales le dan al público una falsa sensación de seguridad".

    "La descontaminación puede hacer que exista una diferencia significativa en los niveles de radiación, pero parece que no hay un gran avance en el trabajo de limpieza y permanecen muchos puntos de alta actividad en la ciudad de Fukushima", ha añadido Teule. "Algunas cosas al alcance de la mano, como la descontaminación de las zonas de juegos infantiles y otras áreas necesarias para proteger a los más vulnerables, no han avanzado lo suficiente a pesar de que ha pasado más de un año y medio desde el triple accidente en Fukushima Daiichi".

    Greenpeace también ha tomado mediciones en Itate, donde el Gobierno tiene dividida a la comunidad según distintos tipos de riesgo, para poder preparar el regreso de las personas tras la descontaminación. El equipo de mediciones de la radiación puntos de alta actividad nuclear.

    "A diferencia de la ciudad de Fukushima, en Itate vimos a muchos trabajadores en labores de descontaminación, pero debido a la orografía montañosa de la región, estos esfuerzos están equivocados porque la limpieza es muy difícil y el riesgo de recontaminación es muy alto", ha afirmado Kazue Suzuki, responsable de la campaña Nuclear en Greenpeace Japón.

    Greenpeace ha pedido al Gobierno japonés que destine más dinero y recursos para proteger la salud pública, y que se centre en descontaminar exhaustivamente las áreas densamente pobladas, como la ciudad de Fukushima, en lugar de tratar de limpiar zonas evacuadas, donde los esfuerzos de descontaminación pueden no ser suficientes.

    Tesoros de la Clausura

    23/10/2012, Las Hermanas Franciscanas Clarisas de Chinchón muestran sus tesoros. Desde música sacra hasta una exposición que muestra piezas que adornaron estancias y capillas tras los muros de este convento de clausura.

    Chinchón, 23 de octubre de 2012
    Por primera vez en su historia el Convento de la Purísima Concepción de las Hermanas Franciscanas Clarisas de Chinchón (en la Comunidad de Madrid) abre sus puertas a todos los interesados en descubrir la cultura y el arte que se esconde tras sus muros. Una ocasión sin igual para conocer este convento, que durante el año es prácticamente inaccesible al ser de clausura.

    La exposición "Tesoros de la Clausura" recoge una muestra de las estancias menos conocidas y de las decoraciones más majestuosas, que adornaron habitaciones y capillas tras los muros del convento de la Purísima Concepción en épocas pasadas. Muestras que han llegado hasta nuestros días tras el paso de los siglos y de las guerras en la región. Un recorrido que comienza en la iglesia del convento, desde la cual se accederá a la clausura para, a través de estos lánguidos pasillos, llegar al claustro y al coro bajo, presidido por el impresionante mausoleo en mármoles de los Condes de Chinchón. Pequeñas imágenes, ternos y ornamentos litúrgicos, pinturas y esculturas, entre otros, darán una idea de la riqueza con la que los Condes de Chinchón dotaron a este convento.

    Todos los sábados, domingos y festivos desde el día 28 de Octubre y hasta el 9 de Diciembre se podrá disfrutar de este proyecto único. Si el visitante prefiere disfrutar de la exposición de lunes a viernes habrá de hacerlo poniéndose en contacto con la Oficina de Turismo de Chinchón.

    Además, una serie de conciertos de música religiosa a cargo de varios de los mejores coros del panorama internacional completan este interesante programa de actividades, llamado a acercar al interesado toda la vida cultural y artística de la Iglesia.

    Regarding Warhol

    23/10/2012, Hasta el 31 de diciembre, el Metropolitan Museum de Nueva York (MET) dedica una exposición a la mítica figura de Andy Warhol, conocido por su "Arte apto para todos los públicos".

    Nueva York, 23 de octubre de 2012
    Desde hace décadas, los críticos han observado que Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987) ha ejercido un enorme impacto en el arte contemporáneo, pero que ninguna exposición hasta la fecha había explorado el verdadero alcance y naturaleza de esa influencia.

    A través de aproximadamente 45 trabajos de Warhol, comparados con unas 100 obras de otros 60 artistas, "Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years" se convierte en el primer ejemplo de cómo muchos artistas se han visto atrapados, y han reinterpretado, respondido o reaccionado ante las pinturas, esculturas y películas del artista, máximo exponente del Arte Pop estadounidense.

    Un fascinante diálogo extructurado en cinco secciones temáticas que tocan los temas más abordados por Warhol, desde la sociedad de consumo americana y la representación compulsiva de objetos cotidianos, hasta los retratos a famosas como Mailyn Monroe o Jackie O, pasando por sus colaboraciones con el mundo de la música, el cine o las revistas y periódicos de las décadas de los años 60, 70 y 80.

    Trajes de baño y exposición corporal

    22/10/2012, El Museo del Traje de Madrid presenta una muestra que aborda más de un siglo de moda de baño (del XIX al XXI) con piezas procedentes de Europa y EE UU y una cuidada selección de material gráfico y audiovisual.

    Madrid, 22 de octubre de 2012

    Tras su paso por el Museo Cristóbal Balenciaga, la exposición se podrá visitar ahora y hasta el 13 de enero de 2013 en el Museo del Traje de Madrid. La muestra presenta una selección de piezas pertenecientes a la prestigiosa coleccionista y especialista en indumentaria histórica Beverly Birks.

    La exposición, compuesta de 59 prendas, muestra la evolución en el tiempo de los trajes de baño y la progresiva exhibición corporal de las mujeres desde finales del XIX hasta la actualidad. Un homenaje a la revolucion por la liberación del cuerpo de la mujer, sin la que hubiera sido imposible la evolución de esta prenda. Entre otras piezas, se podrán contemplar desde los primeros modelos hechos con spandex, a los de alta costura confeccionados por diseñadores como Lacroix, Pucci o Alexander McQueen.

    La comisaria de la exposición, Beverley Birks, propietaria de las piezas, es una importante coleccionista de prendas vintage y, desde hace más de 25 años, organiza exposiciones de moda en todo el mundo. Cabe destacar su trabajo para la Universidad de Pensilvania, Katonah Gallery de Nueva York, Lancaster House de Londres o Tokyu Department Store de Tokio.

    Museo del Traje. CIPE
    Avda. Juan de Herrera, 2. Madrid

    El turismo ruso descubre España

    22/10/2012, Las estadísticas de movimientos de fronteras, Frontur, que elabora la administración española detectan en crecimiento masivo del turismo ruso en el año 2012.

    Con las llegadas de turistas rusos en septiembre pasado (191.102 viajeros) en los que va de año 2012 se supera por primera vez el millón de turistas rusos. En dos años se han duplicado las llegadas, ya que en el periodo enero–septiembre de 2010 llegaron alrededor de 500.000 rusos.

    A estas alturas del ejercicio, la llegada de rusos ha superado a la de viajeros de EE.UU.

    En enero-septiembre han llegado a España 46,96 millones de viajeros. Los países que más turistas han aportado son Reino Unido, con 11,2 millones; Alemania, con 7,5 y Francia, con 7,3.

    En septiembre visitaron España 6,2 millones de turistas internacionales, un 5,1 por ciento más que hace un año. Esta subida mantiene la tendencia seguida a lo largo de todo el año, que ha sido de una media del 3,8 por ciento. Reino Unido se incrementó en septiembre levemente, llegando a 1,6 millones de visitas. Baleares, su principal destino este mes, fue partícipe de un importante avance, al igual que Cataluña.

    Alemania se convierte en el principal impulsor del crecimiento del mes, tras el retroceso registrado en agosto. Baleares, su principal destino, concentra en gran medida este mayor flujo de llegadas. Todos los demás destinos principales, excepto la Comunidad de Madrid reciben más turistas alemanes que hace un año.

    Francia protagoniza este mes un incremento del 7,4 por ciento, que se deja notar especialmente en la Comunidad Valenciana. Por el contrario, Italia muestra un importante retroceso del -17,1 por ciento, el cuarto en lo que va de año, tras la positiva evolución de los últimos dos años.

    ÁMBITOS DE DESTINO
    Baleares, que cierra este mes su temporada alta, acapara la primera posición tanto en volumen de llegadas como en incremento registrado respecto al mismo mes de 2011. Alemania, y a menor escala Reino Unido y los países nórdicos, impulsan esta mayor afluencia de turistas al archipiélago.

    Cataluña, segundo destino del mes, registra un crecimiento del 8,2 por ciento, siguiendo con la tónica general del año. Entre los mercados principales, Reino Unido es el que más contribuye a este positivo resultado.

    Andalucía crece por segundo mes consecutivo (+3,5 por ciento), dada la mayor afluencia de turistas nórdicos y alemanes, principalmente. Canarias mantiene prácticamente la misma cifra de llegadas que en septiembre de 2011. La menor llegada de turistas británicos influye en este resultado. La Comunidad Valenciana creció por la mayor llegada de turistas franceses.

    La Comunidad de Madrid retrocedió un 3,4 por ciento, tras el fuerte descenso registrado en agosto. La negativa evolución llevada a cabo por los turistas franceses, británicos y alemanes condicionó este resultado. El resto de comunidades en su conjunto decrecieron este mes un 1,1 por ciento.

    En cuando a modo de viaje, hay que apuntar unos mayores crecimientos de quienes utilizan el avión, un alza mayor de las pernoctaciones hoteleras (frente a viviendas alquiladas y hospedados por amigos) y un mayor crecimiento de quienes llegan sin paquete turístico.

    Madrid capital europea "gay-friendly"

    22/10/2012, La ciudad de Madrid se convierte en la primera capital europea "gay-friendly" con el lanzamiento de LGBT Pride Guides, la guía turística virtual desarrollada para el colectivo.

    Madrid, 22 de octubre de 2012

    La guía turística LGBT Pride Guides es una aplicación innovadora, que ofrece un servicio digital de información y asistencia a turistas y residentes del colectivo Gay y LGBT en Madrid. La APP está disponible para Smartphones y Tablets en Apple Store.

    Madrid es uno de los destinos referentes mundiales para la comunidad de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales. Esta guía turística, disponible en español e inglés, contiene información sobre los puntos de interés más destacados a nivel turístico y cultural de la capital madrileña y sus alrededores, así como una oferta relevante y actualizada de servicios alojativos, gastronómicos, comerciales o de ocio específicamente dirigidos a los turistas y residentes del colectivo LGBT.

    El gran número de visitantes y turistas del colectivo LGBT que visitan cada año la capital española, unido la celebración del conocido día del Orgullo Gay como uno de los eventos de referencia del colectivo a nivel mundial que se celebra en la ciudad a comienzos de cada verano, han consolidado a Madrid como un destino "Gay-Friendly" emblemático.

    Con este proyecto, Madrid incorpora una nueva generación de servicios inteligentes de información y atención a sus turistas y visitantes del colectivo LGBT, mediante soportes y terminales móviles de última generación (Smartphones y Tabletas con GPS), contribuyendo a una experiencia altamente innovadora para el disfrute del patrimonio paisajístico, cultural e histórico del destino, así como la oferta cualificada de servicios complementarios dirigida al público Gay & LGBT.

    Mario Testino en Boston

    22/10/2012, Uno de los fotógrafos de moda y sociedad más reconocidos del panorama actual, Mario Testino, inaugura "In Your Face", su nueva exposición en el Museo de Artes de Boston.

    Boston, 22 de octubre de 2012
    “In Your Face” ofrece una visión subjetiva y provocativa de algunos de los personajes más influyentes de la sociedad actualidad. A través de la lente del afamado fotógrafo y colaborador de revistas como Vogue y Vanity Fair, podemos descubrir el mundo de los famosos. Un mundo en el que la belleza, el estilo, la irreverencia y la contradicción se dan la mano, para lograr imágenes inusuales, protagonizadas por auténticos iconos de la época actual.

    Testino ha retratado a famosos como Kate Moss, Stephanie Seymour, Gisele Bündchen, Brad Pitt, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow, Mick Jagger, Madonna, Lady Gaga o David Beckham. Pero en sus fotografías hay más, sus yuxtaposiciones, sus retratos íntimos o sus juegos de colores crean una sensación única, más allá de la fama y del glamour.

    La exposición, la primera de su categoría dedicada al artista en los Estados Unidos, representa treinta años de brillante carrera, con exquisitas imágenes de super estrellas, modelos y otras celebridades internacionales, capturadas por el objetivo del artista peruano.

    In Your Face. Mario Testino
    Hasta el 3 de febrero de 2013
    Museo de Artes de Boston

    Huellas de Arte, para niños

    20/10/2012, “Tras las huellas del arte” es la nueva sala interactiva para niños de los museos del Banco de la República, en Bogotá

    Bogotá, 20 de octubre de 2012

    Una iniciativa cargada de interés; una sala lúdica que de manera sencilla y amigable permitirá a niños y jóvenes conocer las obras, artistas, movimientos e historias que se encuentran en la Colección de Arte del Banco de la República.

    “Tras las huellas del arte”, es una iniciativa conjunta de Chevron Petroleum y el Banco de Bogotá, con gestión de la Fundación de Amigos de las Colecciones de Arte del Banco de la República, que abrirá sus puertas el próximo 25 de octubre en el primer piso de la Casa de Moneda.

    “Tras las huellas del arte” cuenta la historia de dos niños, Ana y Joaquín, la de su abuelo Tomás, un coleccionista de monedas, y la aventura que juntos emprenderán con el fin de encontrar el origen de una pequeña y vieja moneda de oro que encontraron a orillas del Río Magdalena. Un viaje que los llevará a la Casa de Moneda de Bogotá y de ahí a la Colección de Arte del Banco de la República, un “universo de conocimiento” que los personajes se darán a la tarea de descubrir.

    La nueva sala didáctica se valdrá de los elementos comunes de una casa: sillas, mesas, espejos, tocadores, ventanas, alimentos, etc., para explicar a los visitantes géneros artísticos como el bodegón, el retrato y el paisaje; al tiempo que los motivará a crear sus propias obras de arte..

    La Colección de Arte del Banco de la República

    La Colección de Arte del Banco de la República inició en noviembre de 1957 con la adquisición de obras de artistas colombianos, los primeros Fernando Botero -de quien posee ahora una magnífica colección- y Eduardo Ramírez Villamizar, y con el objetivo de reunir un conjunto de piezas históricas y representativas del arte que dieran una idea muy completa de lo que ha sido la plástica colombiana desde la Colonia hasta ahora.

    En 1960 amplió su carácter al ámbito internacional, incluyendo así nombres importantes del arte latinoamericano y europeo, entre ellos José Luis Cuevas, Roberto Matta, Manuel Felguerez, Fernando de Szyszlo, Armando Morales, Abularach y Vicente Rojas.

    Así a lo largo de 50 años, el Banco ha logrado consolidar un acervo de más de 5000 obras de arte en todos los medios: pintura, escultura, dibujos, grabado, fotografía, libros de artista y más recientemente video e instalaciones.

    Los hermanos Quay en el MoMA

    18/10/2012, Hasta el 7 de enero de 2013 se presenta en el MoMA de Nueva York una exposición sobre el trabajo creativo de los hermanos Quay, los reconocidos gemelos cineastas.

    Nueva York, 18 de octubre de 2012
    El Museo de Arte Moderno de Nueva York dedica una exposición a Stephen y Timothy Quay, los gemelos estadounidenses que dedicaron sus vidas al mundo del cine, el arte, la fotografía, la animación y el diseño entre otras muchas disciplinas.

    Nacidos a las afueras de Filadelfia pero afincados en Londres, los hermanos Quay realizaron su polifacética actividad durante la segunda mitad de los años sesenta. Su trabajo toca todo tipo de campos, desde el largometraje, hasta el vídeo musical, los anuncios televisivos o el cortometraje, hasta la pintura, los carteles y la ilustración.

    Empezando con sus films de estudiantes en 1971, los hermanos Quay han producido cerca de 45 trabajos de imágenes en movimiento. Además, los gemelos diseñaban escenografías y sets de proyección para la ópera, y para conciertos y performances. La exposición del MoMA incluye trabajos no vistos anteriormente, además de dibujos, fotografías y decorados en papel. Una forma de acercarse al animado mundo de los Quai, sus influencias, sus juegos de luces y sonidos y su imaginario.

    Probá Buenos Aires 2012

    18/10/2012, Turistas y porteños disfrutaron de clases magistrales a cargo de renombrados chefs, historias contadas por autores culinarios, degustaciones y promociones en la última edición de Probá Buenos Aires.

    Buenos Aires, Argentina, 18 de octubre de 2012
    Buenos Aires cuenta con una oferta gastronómica sin igual, donde conviven armoniosamente todas las cocinas del mundo. Las jornadas gastronómicas de Probá Buenos Aires, acercan a los habitantes de la ciudad y a sus visitantes a la gastronomía porteña. La última edición, durante los días 5 y 12 de octubre ha sido un éxito.

    Cocineros impartiendo clases de cocina al aire libre, restaurantes, cafés, bares, confiterías y pastelerías artesanales con jornada de puertas abiertas para dar a conocer sus productos más especiales, actuaciones musicales en los rincones más bellos de la ciudad o charlas culinarias han sido algunas de las actividades desarrolladas durante los días del certámen.:

    CONCURSOS

    Concurso Las Recetas Familiares
    Los alumnos de las escuelas primarias de la Ciudad de Buenos Aires han recopilado todas esas recetas familiares que pasan de una a otra generación como un legado culinario. Las mejores recetas tuvieron premio.

    Concurso Fotográfico Bares de Buenos Aires
    Uno de los rituales más emblemáticos del porteño son sus bares y cafés. Este concurso fotográfico ha representado la oportunidad de convertir a los ciudadanos bonaerenses en los primeros fotógrafos de bares y cafés de Buenos Aires.

    CLASES

    Clases Abiertas, Cocina para Todos
    Durante varios días, se han impartido clases de cocina abierta ciudadana en algunos de los espacios emblemáticos de la ciudad.

    EXHIBICIONES, CHARLAS Y DEGUSTACIONES

    Hoy: Pastelería!
    ¿Quién puede negar que las pastelerías acompañan la historia de Buenos Aires desde siempre? Porteña y con identidad propia, la pastelería artesanal de la ciudad tiene sabor y multiculturalidad. Una visita por las pastelerías y confiterías históricas de Buenos Aires nos acerca a su sentimiento nacional y sus propuestas más modernas.

    El "Trago Porteño"
    ¿Cómo olvidarnos de aquellas coctelerías que hicieron historia en la ciudad? Historias, anécdotas y los tragos del momento convivieron en clases abiertas, exhibiciones y degustaciones hasta la madrugada en las mejores barras de Buenos Aires.

    Historias de Café
    Aprender a catar un blend o un café de origen han sido algunas de las claves de esta propuesta, que rinde homenaje a esa costumbre tan porteña del café y el cortado.

    Rivas Vaciamadrid Ciudad Sostenible

    18/10/2012, Rivas Vaciamadrid recibe el premio a la ciudad española más sostenible por la puesta en marcha de diversas medidas de ahorro energético y sostenibilidad.

    Madrid, 18 de octubre de 2012
    La Infanta Doña Elena ha hecho entrega del Premio a la "Ciudad más Sostenible" al alcalde de Rivas-Vaciamadrid, José Masa.

    En el acto de entrega celebrado el miércoles 17 de octubre de 2012 en el Palacio de Cibeles de Madrid, la Infanta otorgó además galardones a la ciudad de Pamplona, como finalista en la categoría de "Ciudad más Sostenible", al municipio barcelonés de Cabrils, en la categoría de gestión de residuos, al Ayuntamiento de Fuenlabrada, como finalista de la categoría de gestión de residuos.

    También fueron galardonados el Consorcio para la Defensa de la Cuenca del río Besòs (Barcelona), en la categoría de la gestión del ciclo del agua, el Ayuntamiento de Tudela (Navarra), en la categoría de eficiencia energética, el Ayuntamiento de Lérida, ganador del premio en la categoría de educación ambiental, y el Ayuntamiento de Inca (Islas Baleares) finalista en la misma categoría.

    En la categoría de movilidad y cambio climático, recibó el máximo galardón la ciudad de Santander El finalista fue el Ayuntamiento de Durango, en el País Vasco.

    Durante la entrega de galardones, el alcalde de Rivas-Vaciamadrid comentó que la ciudad madrileña ha convertido "la sostenibilidad en una seña de identidad de su actividad cotidiana, en un intento por mejorar la calidad de vida de los ciudadanos". Por último, Masa quiso agradecer el galardón, pues "La concesión de premios como este distingue el compromiso de los ayuntamientos y anima a seguir defendiendo, desde los municipios, el planeta".

    Robo en el Kunsthall de Róterdam

    17/10/2012, Siete cuadros de famosas figuras del arte, entre ellos Pablo Picasso, Henri Matisse, Claude Monet y Paul Gauguin, han sido sustraídos del museo Kunsthal de Rotterdam, en Holanda.

    Róterdam, miércoles 17 de octubre de 2012

    El museo Kunsthall de Róterdam ha sido victima del robo de siete obras de gran valor. Las pinturas desaparecidas son: El puente de Waterloo, Londres y El puente de Charing Cross, de Claude Monet (1901), La lectora en blanco y amarillo, de Henri Matisse (1919), Mujer ante una ventana abierta, la novia, de Paul Gauguin (1888), Autorretrato, de Meyer de Haan (1889-1891), Cabeza de arlequín, de Pablo Picasso (1971), y Mujer con los ojos cerrados, de Lucien Freud (2002).

    Según fuentes de la Policía holandesa, que acudió a la pinacoteca al ser alertada por la empresa de seguridad encargada de custodiar el recinto, "la operación, realizada de madrugada, fue muy bien planificada". Al llegar, las obras habían desaparecido. Por fortuna, otras obras de artistas como Van Gogh o Dalí no corrieron la misma suerte.

    Los lienzos formaban parte de la exposición temporal celebrada con motivo del 20 aniversario del Kunsthal. Todas las obras robadas pertenecen a la colección particular de la Fundación Triton, propiedad de la familia holandesa Cordia. Esta era la primera vez que la fundación Tritón exponía sus tesoros al público.

    Velázquez en el Meadows Museum

    17/10/2012, El Museo del Prado presta al Meadows la obra "Felipe IV" de Velázquez, pieza central de la exposición sobre retratos tempranos de la corte española que podrá verse hasta el próximo 13 de enero de 2013.

    17 de octubre de 2012
    El Meadows Museum mostrará al público el retrato de Felipe IV (1623-1627) de Diego Velázquez de la colección del Museo del Prado como protagonista de la exposición Diego Velázquez: The Early Court Portraits. Este préstamo responde al cumplimiento del acuerdo que sellaron en septiembre de 2010 el museo español y la institución norteamericana.

    “Diego Velázquez: Los retratos tempranos de la corte”, es la muestra más importante dedicada al maestro español en los últimos veinte años en EE.UU y la primera que profundiza en su figura como pintor de retratos tras su establecimiento en Madrid. La exposición está protagonizada por el retrato oficial de Felipe IV que atesora el Museo del Prado, al que acompañan obras realizadas en la década de 1620, entre ellas el retrato de Felipe IV perteneciente al Meadows Museum.

    "Felipe IV", realizado poco después de llegar de Sevilla, es una de las primeras pinturas que Velázquez hizo del monarca. El retrato cuenta con los elementos clásicos del retrato cortesano, Felipe IV vestido de negro con cuello ancho, aparece con un papel en la mano derecha, símbolo que alude a la actividad de gobernante. La mano apoyada en la espada sugiere su responsabilidad en la defensa militar de los reinos. 

La juventud del monarca, contrasta con los sucesivos retratos de época madura. El dominio espacial, colocando la figura en una estancia indefinida, está perfectamente logrado y anticipa los mejores retratos del artista, que no obstante, corrigió la posición de los pies y la caída de la capa, para dotar a la imagen de una mayor esbeltez.

    El éxito del acuerdo ha llevado a los dos museos a ampliar su compromiso de colaboración a través de la organización de dos nuevas exposiciones conjuntas que se celebrarán en los próximos dos años, la primera dedicada al pintor español del siglo XIX, “El paisajista Martín Rico (1833-1908)” que tendrá lugar en el Prado del 30 de octubre al 10 de febrero de 2013 para viajar a continuación al Meadows desde el 10 de marzo hasta el 7 de julio de 2013.

    María Blanchard en el Reina Sofía

    16/10/2012, El Museo Reina Sofía presenta una muestra retrospectiva sobre la artista española María Blanchard, figura clave del arte de vanguardia de principios del siglo XX.

    Madrid, 16 de octubre de 2012
    El Museo Reina Sofía, junto a la Fundación Botín, presentan una muestra monográfica dedicada a la trayectoria artística de la pintora María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932). Un recorrido a través de 74 obras, la mayoría de ellas pinturas, que reivindica el trabajo de una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX.

    La obra pictórica de María Blanchard, partícipe excepcional y personal de las Vanguardias de la primera mitad del siglo XX, establece reveladoras conexiones con su trágica existencia además de habilitar a la creadora como figura coetánea, original y decisiva entre otras grandes figuras del arte.

    la retrospectiva, que se podrá ver en el Museo Reina Sofía de Madrid del 17 de octubre de 2012 al 25 de febrero de 2013, narra cronológicamente las tres etapas artísticas de María Blanchard. Su Etapa de Formación (1908-1914), su periodo Cubista (1913-1919), y el retorno a la Figuración (1919-1932):

    Entre 1908 y 1914 transcurre la maduración de una identidad pictórica propia donde se aprecia la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Es la época de las obras tempranas, los estudios en París y sus primeros contactos con pintores como Anglada Camarasa y Diego Rivera.

    A partir de 1913 y hasta 1919 Blanchard, de regreso en París, entra activamente en el círculo cubista de la mano de Rivera. Plena conocedora de los avances estéticos y formales de la nueva vanguardia, se suma con voz propia a este movimiento. Desde 1915 fijará su residencia definitiva en París, donde llegará a ser una figura reconocida, partícipe de las discusiones cubistas y amiga íntima de Lipchitz y Juan Gris. Blanchard lograría un perfecto dominio de la expresión cubista sintética, unida a un orden cromático sentimental lleno de plasticidad poética. Los años finales de la experiencia cubista serán también los del reconocimiento público, con la participación en exposiciones junto a los otros grandes nombres del cubismo.

    Una última Etapa de Retorno al Orden hasta su fallecimiento en 1932 muestra a una artista progresivamente aislada, marcada por sus dolencias físicas y volcada en una pintura que es expresión de sus propias vivencias, y que muestra fuertes acentos espirituales después de 1927, año en que la muerte de Gris conmueve a la artista.

    Junto a las obras de Blanchard se incluyen obras de sus coetáneos Juan Gris, Jacques Lipchitz o Diego Rivera, que dan idea de los nexos de unión entre sus intereses formales, destrezas y planteamientos pictóricos compartidos.

    Arte colonial en Bogotá

    16/10/2012, El Banco de la República abre paulatinamente —entre octubre de 2012 y agosto de 2013— el nuevo montaje de su Colección de Arte.

    Bogotá 16 de octubre de 2012
    Cinco curadurías independientes, recorren los periodos más representativos de las obras. El 19 de octubre, en el segundo piso de Casa de Moneda, se inaugurará la etapa 1 de este nuevo montaje: Los primeros tiempos modernos, una curaduría del historiador Jaime Borja, que resalta los aspectos más relevantes del arte y el orden social de los siglos XVI al XVIII.

    El trabajo curatorial estuvo a cargo de los investigadores: Jaime Borja (Colonia), Beatriz González (s. XIX), Álvaro Medina y Carmen María Jaramillo (primera y segunda mitad del s. XX respectivamente) y permitirá que obras colombianas dialoguen con piezas internacionales y que lo histórico se confronte con lo contemporáneo. Asimismo se incrementará el número de obras expuestas.

    La pintura colonial
    “La pintura colonial tenía tres objetivos: enseñar aspectos de la doctrina cristiana, dogmas y virtudes; mover los sentimientos de los devotos; divertir, esto es, trasmitir las enseñanzas en un espacio estético. El principal reto era representar nociones teológicas abstractas –como la concepción inmaculada o la trinidad- para lo cual los pintores utilizaban las alegorías, los emblemas, o las virtudes encarnadas en santos o personajes virtuosos”, explica Borja.

    Así, a fin de desarrollar estas ideas, la sala se articula alrededor de seis ejes temáticos: La Sagrada Familia, Un arte para enseñar, Un arte para conmover, La vida del martirio y la mortificación, El jardín florido y la Pintura del cuerpo social.

    La selección de obras incluye pinturas, esculturas, grabados y videos. Entre ellas, obras de los pintores neogranadinos Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Joaquín Gutiérrez, Antonio Acero de la Cruz y Victorino García Romero, a quien se le atribuye la serie de las Monjas coronadas que también se ha incluido en la exposición.

    Además, pinturas de los europeos Jan Van Kessel, Pieter y Jan Brueghel, Jacobo Negretti, Angelino Medoro, Giovanni Battista, entre otros, que contrapondrán lo que para la época sucedía en Europa con respecto a América. Así como artistas contemporáneos que desde sus obras dialogan con la iconografía y el contexto colonial, entre ellos, el colombiano Juan Antonio Roda y la serbia Marina Abramovic.

    Jaime Borja es historiador de la Pontificia Universidad Javeriana y Dr. en historia de la Universidad Iberoamericana de México. Ha publicado varios libros, entre ellos: Indios Medievales. Construcción del idólatra y escritura de la historia en una crónica del siglo XVI (Bogotá: ICANH, 2002) y Rostros y Rastros del Demonio en el Nuevo Reino de Granada (Bogotá: Editorial Ariel, 1998). Actualmente es docente en las universidades Pontificia Javeriana y Los Andes de Bogotá.

    El oficio del pintor en la Colonia, según Jaime Borja
    El periodo se caracterizó por la implementación de las tradiciones cristianas españolas, pero asimiladas de acuerdo a las condiciones culturales del Nuevo Reino. Entre sus aspectos sobresalientes se encuentra la necesidad de establecer una sociedad reglamentada y ordenada por las creencias y las normas de vida cristianas para regular los comportamientos. Las artes colaboraban en este proceso: eran el vehículo para la divulgación de las creencias y las normas e instituciones cristianas.

    (…) En el Concilio de Trento, la Iglesia estableció una nueva política sobre el uso de las imágenes que exaltaba la propagación de la fe y su capacidad para conmover los sentidos. Por esta razón, en el Nuevo Reino, pintar era una práctica controlada, generalmente llevada a cabo en talleres familiares donde se aprendía el oficio.

    La mayor parte de las pinturas producidas en los siglos XVII y XVIII fueron ejecutadas por obradores anónimos. Pese a que la mayor parte de esta cultura visual es religiosa, la elección de los temas revela aspectos de la vida colonial. El pintor, como institución de visualización y observador de su sociedad, también narraba aspectos que afectaban a su orden social.

    Cantona, ya tiene museo

    14/10/2012, La ciudad prehispánica de Cantona, en Puebla, al este de México, ya tiene un Museo del Sitio, que explica la vida de aquella gran urbe.

    México 14 de octubre de 2012

    Cantona fue una población del periodo comprendido entre los años 600 a.C. y 1000 d.C., ubicada en el entorno de una ruta comercial que unía la costa del Golfo de México con las tierras altas centrales. Su extensión era inmensa –la mayor de Mesoamérica- y como curiosidad cabe apuntar que contenía más de una veintena de espacios de juego de pelota.

    Según informa el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta), en la apertura de este museo se destacó el papel del arqueólogo Ángel García Cook, que ha dedicado dos décadas de vida para investigar esta antigua ciudad edificada por los cantonenses.

    El museo se construyó con lajas de cantera para no romper la visual del sitio precolombino. También se dotó de mobiliario, tecnología y diseño museográfico, y una Unidad de Servicios.

    Las 598 piezas prehispánicas, rescatadas durante dos décadas de exploraciones, están contextualizadas con información histórica, la recreación de un espacio habitacional y videos que ofrecen un panorama general de lo que fue esta ciudad, la más extensa de Mesoamérica con 14.4 km., y que representa además el sitio arqueológico con mayor número de canchas de juegos de pelota, donde suman 27 las registradas hasta el momento.

    Allí se han hallado objetos de obsidiana, entre los que destacan cuchillos de sacrificio de 2,000 años de antigüedad, que al ser analizados en laboratorio se les encontró restos microscópicos de sangre y tejidos musculares humanos. También se muestran figurillas de barro, instrumentos musicales de caracol y cerámica, y una serie de esculturas fálicas que se encontraron en la escalinata de la pirámide central de la Plaza de la Fertilidad.

    El Museo de sitio de Cantona también da cuenta de la vida cotidiana de los antiguos habitantes del lugar y de su principal actividad, la explotación de la obsidiana.

    El nuevo espacio museístico fue edificado con la intención de mostrar al visitante la importancia de este asentamiento habitado que tuvo su apogeo económico, social y cultural entre los años 300 y 600 d.C., con la explotación de dicho mineral vítreo.

    El recorrido por el museo está planeado en torno a tres temáticas. La primera, dedicada a La ciudad; la segunda, a La explotación de la obsidiana, y la tercera, a La cosmovisión.

    El arqueólogo Ángel García Cook, director del Proyecto arqueológico Cantona, ha explicado que la construcción de la ciudad se adaptó a la superficie natural del terreno, ya sea loma o ladera. En el interior había una compleja red de comunicación: calzadas cerradas, calles, pasillos y callejones privados, que suman alrededor de cuatro mil.

    La explotación de obsidiana

    A nueve kilómetros del sitio se localizan los yacimientos de obsidiana Oyameles-Zaragoza, que fueron los más importantes de Mesoamérica.

    La obsidiana es un mineraloide llamado también vidrio volcánico, por ser una roca ígnea volcánica, que fue muy utilizada desde tiempos primitivos, especialmente en Mesoamérica. Su coloración tiende al negro, pero con matices que van del rojizo al verde en función de su composición.

    La obsidiana de Cantona era de un color gris casi negro, muy utilizada para la fabricación de artefactos, mientras que la de Teotihuacán fue verde y su utilización más dirigida a objetos para las elites urbanas.

    El Museo de sitio de Cantona termina con el módulo La Cosmovisión, que describe algunos rituales, como el autosacrificio con navajillas de obsidiana o las actividades vinculadas a la fertilidad.

    Gauguin en el 20 aniversario

    12/10/2012, “Gauguin y el viaje a lo exótico” se presenta en el Thyssen Bornemisza de Madrid, del 9 de octubre al 13 de enero de 2013.

    Madrid, 12 de octubre de 2012

    La celebración llega cuando el centro museístico cumple sus veinte años de apertura al público.

    Con la huida de Paul Gauguin a Tahití como hilo conductor, la muestra descubre de qué forma el viaje hacia mundos lejanos produjo una renovación del lenguaje creativo y en qué medida esta experiencia condicionó la transformación de la modernidad.

    La exposición presenta 111 obras del propio Paul Gauguin y de otros artistas como Emil Nolde, Henri Matisse, Wassily Kandinsky, Paul Klee y August Macke, cedidas por museos y colecciones de todo el mundo: el State Pushkin Museum of Fine Arts de Moscú, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Museum Folkwang de Essen, entre otros.

    La exposición Gauguin y el viaje a lo exótico aborda tres cuestiones que van encadenándose e interrelacionándose.

    La primera, y fundamental, es la figura de Paul Gauguin, cuya huida a Tahití, donde reconquistó el primitivismo por la vía del exotismo, funciona como hilo conductor de todo el recorrido. Sus pinturas icónicas, creadas a través del filtro de Polinesia, no sólo se han convertido en las imágenes más seductoras del arte moderno sino que además ejercieron una influencia esencial en los movimientos artísticos de las primeras décadas del siglo xx, como el fauvismo francés y el expresionismo alemán.

    La segunda trata del viaje, el viaje como escape de la civilización, que servirá de impulso renovador a la vanguardia, y el viaje como salto atrás a los orígenes, a ese estado edénico, utópico y elemental que anhelaba el primitivismo.

    La tercera, y última, se refiere a la concepción moderna de lo exótico y sus vinculaciones con la etnografía.

    Renacimiento en los países del norte

    11/10/2012, La Oficina de Turismo británica sugiere, entre los temas artísticos de la temporada de otoño, una mirada al Renacimiento en los países del norte.

    Londres, 11 de octubre de 2012
    “El Renacimiento del Norte: de Durero a Holbein” se mostrará en The Queen's Gallery (Galería de la Reina) del Buckingham Palace entre el 2 de noviembre próximo y el 14 de abril de 2013.

    Los siglos XV y XVI fueron un tiempo de cambio dramático de Europa del Norte. Los monarcas compitieron para el poder territorial. Reformadores religiosos indagaron sobre los principios centrales de la iglesia y los eruditos buscaron la comprensión mayor de su mundo. Sobre este telón, los artistas produjeron los trabajos de materia extraordinariamente diversa, mostrando una magnífica destreza, tal como se atestigua en la muestra.

    La exposición reúne más de 100 trabajos de los mayores artistas del norte europeo correspondientes a este período. Entre las estrellas de la muestra, trabajos de Alberto Durero, pinturas mitológicas de Lucas Cranach el Viejo, y dibujos preparatorios de Hans Holbein el Joven mostrados junto a los retratos terminados al óleo.

    Queen's Gallery (Galería de la Reina) es un espacio permanente dedicado a exposiciones temporales de la gran colección de obras de arte y tesoros de la Colección Real. En este caso, aparte de algunos temas religiosos o mitológicos, gran número de las obras son retratos. Cabe recordar que el papel del retrato en el Renacimiento no sólo tenía un carácter de representación del poder sino que en esta época proliferaron entre las cortes los trabajos de tamaño menor, empleados para difundir la imagen familiar o sencillamente para entablar negociados matrimoniales.

    Es la época en la que en las cortes proliferaron los pintores de cámara y en la que monarcas del Imperio, Francia, España o Inglaterra competían por contar con los pinceles de reputados artistas.

    www.royalcollection.org.uk/exhibitions/the-northern-renaissance-durer-to-holbein-BP

    La Shell y el Ártico

    11/10/2012, Más de dos millones de personas ya han firmado para reivindicar la protección de la última frontera intacta del planeta: el Ártico.

    Ámsterdam, 11 de octubre de 2012

    La petrolera Shell no ha logrado en los tribunales el requerimiento judicial con el que pretendía paralizar las protestas que Greenpeace realiza desde el pasado mes de febrero para impedir las extracciones de petróleo en el Ártico.

    Al mismo tiempo, más de dos millones de personas han mostrado su apoyo a la defensa de aquel territorio en www.salvaelartico.es y han firmado la petición de la organización para solicitar la protección oficial de uno de los últimos paraísos naturales, amenazado por el cambio climático, la explotación petrolífera o la pesca industrial.

    Shell está acusando las protestas de los ecologistas ante sus gasolineras. El auto dictado el 5 de octubre por el Presidente del Tribunal de Ámsterdam da a entender que las protestas llevadas a cabo por Greenpeace en las sedes y gasolineras de Shell son pertinentes y apropiadas en la línea de los objetivos de la organización pacifista por acabar con las perforaciones petrolíferas en el Ártico.

    "Una empresa como Shell, que está tomando medidas o planes para tomar acciones que son controvertidas para la sociedad y con las que mucha gente va a objetar, puede y debe esperar este tipo de acciones que se tomarán para tratar de cambiar su forma de pensar", escribió el juez Han Jongeneel.

    La campaña de Greenpeace denuncia la responsabilidad de la industria del petróleo en la desaparición del hielo del Ártico como consecuencia del cambio climático y solicita que sea considerado santuario global. La preocupación de la organización ecologista se vio reafirmada el pasado 16 de septiembre, cuando se alcanzó el mínimo histórico de hielo ártico, según los científicos del Centro Nacional de Datos de Nieve y Hielo de EE.UU.

    El fallo del juez holandés, aplicable para los próximos seis meses, permite a los activistas organizar protestas en las propiedades de Shell de los Países Bajos por un máximo de dos horas sin interrumpir las ventas de combustible más de una hora.

    Shell exigía inicialmente una orden judicial que impidiese a activistas de Greenpeace o simpatizantes en cualquier parte del mundo protestar legalmente a menos de 500 metros de cualquiera de sus propiedades (incluso en terrenos públicos) imponiendo penalizaciones de más de un millón de euros.

    Este año Shell ha seguido una estrategia legal muy agresiva contra Greenpeace y otros grupos ambientalistas: en los Estados Unidos, Greenpeace está sujeto a una medida cautelar que le impide acercarse a menos de 500 metros de cualquier perforación de Shell o buque de apoyo, y en Nueva Zelanda, la policía reclama 467.000 euros por la demanda de Shell contra los activistas, entre ellos la actriz Lucy Lawless, que ocupó una de sus dos plataformas de perforación del Ártico.

    Claes Oldenburg: Los años sesenta

    11/10/2012, Una exposición organizada conjuntamente por mumok Vienna y el Museo Guggenheim Bilbao, que constituye la muestra más amplia dedicada hasta la fecha al trabajo realizado en los años sesenta por Claes Oldenburg.

    Bilbao, 11 de octubre de 2012
    El escultor sueco Claes Oldenburg es una figura fundamental de la historia del arte, y uno de los pioneros del Pop Art. Oldenburg ha alcanzado fama internacional gracias a sus instalaciones a gran escala de objetos de la vida cotidiana.

    Oldenburg (Estocolmo, 28 de enero de 1929) se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en el año 1936, donde se graduó en la Latin School de Chicago. Tras su paso por Yale, abrió su tienda-taller en el año 1961. Allí vendía figuras sobredimensionadas de escayola pintada, con formas de frutas y utensilios domésticos.

    Con estas irónicas representaciones de objetos cotidianos, Oldenburg se erige como uno de los padres del arte pop, la performance y el arte de la instalación. Además, sus proyectos a gran escala representan gigantescos monumentos de objetos de la sociedad de consumo, uno de los temas fundamentales de su trabajo, que reflexiona sobre el objeto como mercancía, que, a través de continuas metamorfosis, se convierte en transmisor de cultura y símbolo de las obsesiones del mundo capitalista.

    La exposición, que podrá verse desde el 30 de octubre de 2012 hasta el 17 de febrero de 2013 en el Museo Guggenheim de Bilbao, brinda una visión única de los ingeniosos procesos de pensamiento del artista y cuenta con trabajos nunca antes expuestos o que solo se han exhibido en escasas ocasiones, acompañados de dibujos, películas y fotografías realizados por el propio artista.

    Blake se despide de Caixaforum

    09/10/2012, El imaginativo y profético William Blake se despide de Caixaforum Madrid. El día 21 de octubre, esta interesante muestra de arte británico cerrará sus puertas al público.

    Madrid, 9 de octubre de 2012
    "William Blake (1757-1827). Visiones en el arte británico", organizada por la Tate Britain y producida por la Obra Social ”la Caixa”, podrá ser visitada aún hasta el próximo 21 de octubre en CaixaForum Madrid.

    La muestra, que se inauguró el pasado mes de julio de 2012, presenta setenta obras del artista, procedentes de la Tate Britain de Londres, y pone especial énfasis en los temas más significativos del visionario arte de Blake: mitologías propias, fantasías y delirios sobre una particular visión del mundo respecto a temas religiosos, políticos y sociales. Completan la muestra 30 obras de destacados artistas ingleses, que demuestran su influencia en el arte británico posterior.

    Blake creó su propio sistema cosmológico con el objetivo de transportar al espectador a un mundo de ensueño, donde las fuerzas del bien y del mal conviven en un conflicto eterno. Su arte tiene un claro carácter imaginativo y profético, descrito a menudo como "visionario". Inspirado por la cultura gótica, sus obras se distinguen por la claridad y la fuerza de sus líneas, que, junto a una gama de colores muy definida, usaba para expresar energías internas y fuerzas de la identidad humana.

    Willia Blake, que también fue poeta, pintor, impresor e ilustrador, fue un artista cautivador. Su onírica y misteriosa obra tiene un sello muy personal, místico, nacido de las influencias que acompañaron a Blake durante toda su vida: la producción de Miguel Ángel y el Renacimiento Italiano fueron claves para el desarrollo de su obra.

    Blake fue grabador de oficio, una profesión bastante demandada en la época. Aún así, su estilo complejo y simbólico provocó el rechazo de sus contemporáneos, ya que consideraban sus imágenes turbadoras y de mal gusto. Grupos de generaciones posteriores como los Antiguos, los Prerrafaelitas o los Simbolistas encontrarían en Blake una figura a tener en gran consideración.

    Arik Levy: Opacidad transparente

    09/10/2012, Los Mundos de Cristal Swarovski abre su recinto de exposiciones de Wattens, cerca de Innsbruck, con nueva vestimenta: “Opacidad transparente”, un reflejo del polifacético mundo de ideas del artista y diseñador israelí Arik Levy.

    Wattens, Austria, 9 de octubre de 2012
    Desde sus comienzos los Mundos de Cristal Swarovski invita periódicamente a artistas y diseñadores a utilizar como espacios abiertos a la creatividad las Cámaras de las Maravillas y el parque, y a poblarlos – de forma permanente o temporal – con obras de arte asociadas al tema del cristal. Después de Toord Boontje, Jim Whiting, Fabrizio Plessi y otros artistas, se ha logrado ahora que el artista israelí Arik Levy, que se mueve libremente entre estilos y géneros, diseñe un espacio cristalino.

    "Opacidad transparente“ sumerge al visitante en el interior de los cristales, y consigue percibir sus más variadas dimensiones y características: es un lugar claro y luminoso, que invita a quedarse y explorar los cristales haciendo uso de diferentes sentidos. El nombre dado a este recinto, “Opacidad transparente”, hace referencia a dos características aparentemente contradictorias del cristal – la transparencia y la impenetrabilidad – y en realidad es un juego de relaciones y formas que se pueden observar y palpar, y en el que se puede interactuar. De forma diferente que en la “Bóveda de Cristal”, que muestra el interior de un cristal tallado con su belleza totalmente proporcionada, Arik Levy muestra en “Opacidad transparente” el crecimiento natural de los cristales, un crecimiento “salvaje y controlado al mismo tiempo”, que contrasta con las formas exactas de las piedras de chatón talladas. Los materiales de que se sirve abarcan desde el cristal y el mármol, hasta el acero e impresiones 3D de plástico. El color blanco, que es el que predomina, lo interrumpen únicamente algunos elementos negros y los suaves colores de algunas fotos.

    El visitante juega un papel de suma importancia, no solo como observador, sino contribuyendo a dar forma a la exposición: dependiendo de la forma en que se mueva por la sala – despacio o deprisa, durante un espacio de tiempo largo o corto, con ropa de colores o con ropa blanca apenas perceptible – dependiendo también de la forma en que contemple, palpe o entienda los objetos, y también de si se concentra en elementos de grandes dimensiones o en una pequeña escultura, influye en la obra de arte y en la impresión que ésta crea. Una obra interactiva de Levy y del músico Leon Milo – una pantalla con motivos gráficos cristalinos que cambian dependiendo del número de personas que tiene ante sí y de cómo se mueven – aumenta las posibilidades de interactuación del visitante en esta exposición.

    Bilbao celebra la exuberancia de Botero

    08/10/2012, Pintor, dibujante y escultor, Fernando Botero es el más conocido de los artistas latinoamericanos en activo. En octubre, el Museo de Bellas Artes de Bilbao propone una revisión a su obra.

    Bilbao, 8 de octubre de 2012
    La exposición "Una Celebración" de Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) reúne 80 obras del artista colombiano realizadas en los últimos 60 años. Botero inició su trayectoria profesional en 1948, como ilustrador para el diario "El Colombiano". Poco después se trasladaría a Bogotá, donde celebró su primera exposición individual.

    La muestra sirve para mostrar al visitante la trayectoria de Botero a través de un nutrido conjunto de obras, en su mayoría procedentes de su colección privada, distribuidas de forma temática. Composiciones vigorosas, formas opulentas y colores exuberantes que celebran la particular visión de la pintura del maestro.

    Botero se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. El colombiano visitó con frecuencia El Prado, así como los museos más importantes de Francia e Italia. Tras su viaje por Europa regresa a Bogotá en 1955 y poco después viaja a México, donde descubre el muralismo mexicano de Diego Rivera y José Clemente Orozco. Al artista también le resultan interesantes la obra de Rufino Tamayo y José Luis Cuevas.

    Pero las influencias desaparecen, para dar paso a un estilo personal, caracterizado por la exaltación del volumen y por un vitalismo burlón con el que plasma motivos que giran siempre en torno a la condición humana: la vida tradicional colombiana, los personajes históricos, el bodegón, la vida burguesa, el circo y los toros, la religión... En 1960 se instala en Nueva York y comienza una serie pictórica dedicada a los grandes maestros de la pintura: Leonardo, Rubens o Velázquez, entre otros.

    Esta condición monumental y la deliberada desproporción y exuberancia de las figuras se suceden también en sus esculturas de representaciones humanas y animales, a las que da inicio en 1973, año en el que fija su residencia en París. A partir de ese momento sus pinturas y esculturas son internacionalmente reconocidas y presentadas al público en ciudades como París, Nueva York, Buenos Aires y Madrid.

    Botero, en declaraciones a Radio Nacional de España con motivo de la muestra, declaró que aún siendo ya octogenario sigue sintiendo la pasión por pintar. "El pintor –dijo- pinta de pie y cuando se cansa lo hace sentado, y si no puede echado, pero el pintor muere siendo pintor". Además, el colombiano declaró que espera ser recordado en la posteridad “Hay unos cinco o seis pintores que se han valorado siempre, genios como Velázquez o Rembrandt, yo espero, al menos durante un tiempo, ser también reconocido y recordado".

    Una Celebración
    Museo de Bellas Artes de Bilbao
    09/10/2012 - 20/01/2013
    De martes a domingo, en horario de 10 a 20 h. Lunes. cerrado

    Autorretratos del siglo XX

    08/10/2012, La exposición más atractiva del otoño danés, está en el centro de arte Louisiana. "El Autorretrato" revisa este género en los siglos XX y XXI mostrando 150 trabajos de 64 artistas desde el modernismo hasta hoy.

    Copenhague 8 de octubre de 2012
    ¿Cómo se representa uno a si mismo? ¿Puede un autorretrato ser una representación objetiva y neutral o representa la complejidad de la mente y la personalidad, así como las condiciones de vida del artista? ¿Puede un autorretrato retratar la identidad compuesta de una persona? Estas son las cuestiones que se abordan en la exposición, cuestiones que refuerzan el atractivo de la multiplicidad de trabajos mostrados, del 14 de septiembre al 13 de enero de 2013.

    El autorretrato es un género clásico de la historia de arte. La exposición muestra principalmente trabajos del siglo XX y permite expresar la historia de las transformaciones de la autorepresentación a lo largo del tiempo.

    Al principio del siglo XX la tradición estaba bajo la influencia de la idea del Romanticismo, del genio creador y del autorretrato como una representación del estado mental, existencial, y social del artista.

    Pero aquella visión cambiaría pronto, entre otras cosas como consecuencia de las teorías psicoanalíticas. Y el autorretrato se hizo más abierto y problemático. Se ha llegado así a un punto en el que el autorretrato tiene el carácter de una investigación más bien que una imagen de una identidad verdadera o absoluta.

    Las 9 categorías de la exposición:
    La exposición está basada en una amplia selección de artistas con 150 trabajos divididos en nueve categorías, basadas más en el aspecto temático que en la cronología.

    Artistas en el estudio, se abre con trabajos de Picasso, Gabriele Münter y Marc Chagall.

    Pioneros; con trabajos de los primeros modernistas, incluyendo Edvard Munch, Richard Gerstl y Frida Kahlo.

    El Curso de la vida muestra autores que pintan sus memorias de vida en el trabajo, como por ejemplo Paula Modersohn-Becker, Giorgio de Chirico y Diego Rivera.

    Simplificación cubre grupo en el que los artistas trabajan el autorretrato de una forma abstracta, como Miró, Jean-Michel Basquiat y Marcel Duchamp entre otros.

    En Disolución el trasfondo de la psicología individual se hace más intenso, sutil y original, y se muestran rostros con rasgos a veces deformados y donde el artista en parte disuelve el sujeto. Así ocurre con trabajos de Francis Bacon y Chaïm Soutine.

    En la categoría Exhibicionismo esta tendencia es intensificada con trabajos como los de Elke Krystufek, que implican una relación dinámica entre la vida privada y la cultura de masas.

    El ámbito de Espejos - con el Artista en el estudio - es probablemente donde se refleja uno de los planteamientos arquetípicos en la autorepresentación del artista visual. En esta sección, trabajos de Helena Chadwick, Sarah Lucas y Kippenberger.

    Moda e Impresionismo

    08/10/2012, El Museo d`Orsay presenta una muestra con obras maestras de Manet, Monet, Renoir o Degas, así como obras de artistas contemporáneos preocupados por la representación de la sociedad y la elegancia.

    París, 8 de octubre de 2012
    "El Impresionismo y la Moda" es una muestra organizada por el musée d'Orsay, Paris, The Metropolitan Museum of Art, New York, y el The Art Institute of Chicago. La muestra cuenta con la participación excepcional del museo Galliera - Museo de la Moda de la Ciudad de París, y con el apoyo de Louis Vuitton y Christian Dior.

    Preocupado por mostrar la vida contemporánea, el impresionismo ha privilegiado la representación de la figura humana, en su entorno cotidiano, y ha captado al hombre "moderno" (de las décadas 1860-1880) en sus actividades habituales, tanto en la ciudad como en el campo.

    Los pintores impresionistas no desatendieron las modas y las actitudes de su tiempo, gracias a su voluntad de captar el instante, el día a día de las mujeres y hombres de la época y, sobre todo, por su atención hacia "la metamorfosis diaria de las cosas externas", utilizando la expresión de Baudelaire.

    Édouard Manet, Edgar Degas, Gustave Caillebotte o Pierre-Auguste Renoir se inspiraron en la luz, el color, la vida al aire libre, y por supuesto, en la moda, para retratar el París de la segunda mitad del siglo XIX, en el que la ciudad bullía de actividad gracias a la moda, el arte y la arquitectura.

    La exposición, que podrá verse en el museo d´Orsay hasta el 20 de enero de 2013, cuenta además con vestuario y complementos femeninos y masculinos, pertenecientes a parisinas y dandys de la época. Trajes que han sido cedidos para poder mostrar de una mejor manera la visión de la moda en la sociedad parisina de entonces y su evolución.

    Las Torres Vigía de Cabo de Gata

    06/10/2012, Por todo el litoral almeriense el viajero descubre un gran número de estas atalayas, antiguamente utilizadas para custodiar la seguridad de las poblaciones cercanas.

    Almería, 6 de octubre de 2012
    Cabo de Gata es un destino mágico con muchas cosas que mostrar y un sinfín de historias y leyendas para contar. Esta región almeriense fue muy codiciada en época de piratas. Por ello, y con el fin de salvaguardar las poblaciones más cercanas, se construyeron atalayas vigía, conectadas visualmente unas con otras mediante fogatas durante la noche y señales de humo por el día. El fuego y el humo eran la forma de comunicación más veloz que tenían los vigilantes para dar el aviso ante el peligro en aquella época.

    Dejamos volar la imaginación y nos trasladamos al litoral de Cabo de Gata en el siglo XVI. Alzamos la vista y divisamos una hilera de luces parpadeantes. Se trata de las torres vigía, que alertaban de las posibles invasiones de piratas genoveses, berberiscos o turcos; ellos eran quienes principalmente atracaban en la costa almeriense para reponer fuerzas y guardar sus tesoros acumulados.

    Estas construcciones, que datan de la época musulmana, han visto cambiar su aspecto y estructura, tras la conquista cristiana, en función de las necesidades de cada tiempo. En la actualidad todo este patrimonio defensivo está considerado como Bien de Interés Cultural por ser Monumento Histórico Artístico Nacional.

    Para descubrir de primera mano todas estas maravillas arquitectónicas, el viajero debe comenzar su recorrido en el pueblo de Retamar y contemplar allí la Torre García, construida en el siglo XVI y ubicada sobre la arena. Cuentan las historias de la zona que en la madrugada de una noche de Diciembre de 1502, el vigía que custodiaba la atalaya encontró la imagen de la Virgen del Mar, patrona de Almería, y la recogió, tal como está reflejado en la lápida que se encuentra en los muros de esta torre.

    Continuando el viaje por el litoral de Cabo de Gata se llega hasta la localidad de La Almadraba de Montevela, donde el viajero descubre, en el alto de una colina a ras de costa, la torre vigía de la Vela Blanca. Una construcción que data del siglo XVII y se ubica al sur de la playa del Mónsul, muy próxima al pueblo de San José. Aquí se encuentra la torre vigía de Cala de Higuera, construida en el siglo XVI. Actualmente esta atalaya, que se encuentra volcada en posición invertida, sólo conserva los cimientos. En este pueblo, San José, parada obligada ya que es una de las urbes con mayor tradición pesquera y ganadera de esta zona almeriense, el viajero podrá descansar y degustar algunos de los mejores platos de la gastronomía almeriense en el Hotel Doña Pakyta, a pie de playa, o en el Hotel Cortijo el Sotillo, en pleno Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar.

    La ‘ruta de las torres vigía’ se extiende también por la población de Rodalquilar, donde se encuentra la torre Los Lobos, construida por los nazaríes, se utiliza como faro desde 1990. Siguiendo el recorrido, el viajero llega hasta la villa de Las Negras para descubrir la torre de San Pedro, que data del XVI aunque fue reconstruida en el XVIII, aprovechando una atalaya musulmana destruida.

    Y al final de esta excursión por el pasado se encuentra el municipio de Carboneras, donde se ubica la torre del Rayo, construida en la época Nazarí y reconstruida en el Renacimiento. Custodiada en sus inicios por dos guardas para años más tarde ser abandonada a su suerte, por el evidente peligro de ser atacados o secuestrados por los piratas berbéricos que atracaban en esta zona.

    La ‘ruta de las torres vigía’ es un delicioso viaje al pasado que se presta a ser disfrutado en compañía, una aventura para conocer una zona de Almería prácticamente virgen y un destino para respirar aire puro y descansar.

    Viaje al corazón del impresionismo

    05/10/2012, Monet, Renoir, Degas, Van Gogh... tienen todos un denominador común: París y su región. Sigue, en pareja o en familia, las huellas de los impresionistas.

    París, 5 de octubre de 2012
    Desde Club France (http://es.rendezvousenfrance.com/) te proponen viajar a París este otoño, siguiendo las huellas de los pintores impresionistas:

    Un día en pareja
    Por la mañana, visita del Nuevo Museo de Orsay cuyo recorrido renovado ensalza las obras maestras de sus colecciones, seguida de un almuerzo en el Café Campana, en la 5ª planta del museo. A los pies del museo, toma la pasarela Leopold-Sédar-Senghor para llegar al jardín de las Tuileries y al museo de la Orangerie que domina la plaza de la Concorde. Entre sus tesoros, las dos salas dedicadas al conjunto monumental de las Nymphéas de Monet. Como los impresionistas, imprégnate de la magia de los cambios de luz en el Sena durante un crucero de una hora en un barco Vedettes de Paris (salida desde la Torre Eiffel).

    Por la noche, seguirás las huellas de los pintores del lado de Montmartre: cena en el restaurante Moulin de la Galette que inspiró a Renoir, siguiendo después con la revista del Moulin Rouge.

    Un día en familia
    Rumbo a Auvers-sur-Oise, al Norte de París, para visitar el pueblo donde Van Gogh vivió los 70 últimos días de su vida. Viaja atrás al tiempo de los impresionistas» con una visita al château d’Auvers; Podrás comer in situ, o elegir la mesa de Van Gogh en la Auberge Ravoux y ver la pequeña habitación donde se alojaba.

    Por la tarde, la Oficina de Turismo te proporcionará el plano del camino de los pintores (disponible en castellano) que permite descubrir los lugares que han inspirado a Van Gogh, sobre todo la iglesia que el artista ha hecho famosa. Te llevará hasta la tumba del artista que linda con la de su hermano Théo.

    Hasta el 21 de Octubre de 2012, el sábado o domingo, podrás disfrutar del tren directo de París a Auvers-sur-Oise:

    10h08, salida de la estación París Gare du Nord
    18h06, salida de la estación de Auvers-sur-Oise

    Jean Paul Gaultier en la Fundación MAPFRE

    05/10/2012, Fundación MAPFRE presenta "Jean Paul Gaultier. Universo de la moda: de la calle a las estrellas" la primera exposición internacional que aspira a iluminar la obra e influencia del diseñador.

    Madrid, 5 de octubre de 2012
    Esta mañana se ha presentado en la Fundación MAPFRE de Madrid (Paseo de Recoletos, 23) la muestra “Jean Paul Gaultier. Universo de la moda: de la calle a las estrellas”. A la rueda de prensa han asistido el Presidente de FUNDACIÓN MAPFRE, Alberto Manzano; el Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, Pablo Jiménez Burillo; Thierry-Maxime Loriot, Comisario de la muestra y Director de Proyectos de Diseño y Moda en el Musée des Beaux-Arts de Montreal; Nathalie Bondil, Directora y Conservadora Jefe de este museo; y el propio Jean Paul Gaultier.

    Esta ambiciosa exposición, producida por el Musée des Beaux-Arts de Montréal (MBAM), se compone de 110 modelos de alta costura y prèt-a-porter y más de 50 bocetos, acompañados de piezas audiovisuales, extractos de desfiles y entrevistas, además de primeros diseños y fotografías, que en su conjunto dan testimonio tanto de las arriesgadas y punteras propuestas de Jean Paul Gaultier, como del virtuosismo y artesanía de sus creaciones.

    INFANCIA
    Jean Paul Gaultier nace en 1952 en Arcueil, una localidad del extrarradio de París, pero su corazón late a la vez al ritmo del París canalla y de la rock attitude de Londres. Durante su infancia, su abuela materna le permitía ver lo que él quería en su televisor, un lujo poco común en Francia durante esa época. Jean Paul Gaultier desarrolló un sentido crítico y analítico de la moda y un vocabulario propio.

    Fascinado por el París de la Belle Époque y de entreguerras, el París de Toulouse-Lautrec y del Moulin Rouge, la muchedumbre colorida de Barbès y, por supuesto, la torre Eiffel, Gaultier crea una nueva silueta y encuentra el encanto en las bellezas más atípicas: «Siendo un niño, siempre me llamaban la atención las mujeres que no eran como las demás».

    Durante su adolescencia, y de manera totalmente autodidacta, comienza a diseñar dos colecciones al año inspirándose en las revistas de moda, las películas de entreguerras y los programas de televisión sobre moda de la década de 1960. En la década de 1970 descubre la tradición y el arte de la alta costura en las casas de Pierre Cardin y Jean Patou. Más tarde, en 1976 se lanza al prêt-à-porter para mujer. Veinte años después, abre su propia casa de alta costura, trabajo que compagina con otras creaciones para Hermès entre 2004 y 2010.

    EL CORSÉ
    Su osito de peluche, Nana, fue testigo de los primeros pasos creativos de Jean Paul Gaultier, al que, ya de niño, le fascinaba el encanto de los corsés. Tanto es así, que dicho muñeco fue engalanado por el jóven Gaultier con un corsé de fabricación casera. El modisto, criado por mujeres fuertes, no cree en el mito del sexo débil y reinterpreta con humor los corsés, signo de reclusión del cuerpo femenino.

    Aunque las mujeres encorsetadas de Gaultier podían parecer la negación de las luchas feministas, en realidad el corsé, lejos de ser un instrumento de tortura que aprisiona el cuerpo de la mujer, encarna el nuevo poderío de lo femenino y viste a la mujer con una pieza que bien podría recordar la armadura del caballero medieval. Muchas estrellas lucirán las versiones de sus corsés con pespuntes concéntricos: Madonna la primera, con los icónicos corsés de la gira Blond Ambition World Tour en 1990, pero también Catherine Ringer, Cindy Sherman, Grace Jones, Dita Von Teese y Kylie Minogue han sucumbido a la fascinación por esta icónica prenda del diseñador francés.

    LA BELLEZA ATÍPICA
    Jean Paul Gaultier siempre se ha revelado contra la dictadura de la delgadez. Para el creador, existe sensualidad en una talla XXL. Su mensaje es formidable: ¡ser uno mismo, cualesquiera que sean las características que la naturaleza y la cultura nos hayan proporcionado!

    De hecho, para sus desfiles, el diseñador ha organizado en varias ocasiones castings abiertos, con los que convoca a sus modelos a través de anuncios como este: «Creador inconformista busca modelos atípicas: caras raras no abstenerse».

    PARÍS
    París es fuente de inspiración constante para Gaultier. París es la ciudad del amor, de la luz, de la moda... por ello, el diseñador reinterpreta sus señas de identidad: la boina, el trench-coat, la camiseta de rayas, la boquilla y la pata de gallo, el cuadro vichy y la baguette. Su parisina puede encarnar, según el momento, tanto a la existencialista de los años cuarenta o a la clienta de alta costura de los años cincuenta.

    Pero no sólo París influye en Jean Paul Gaultier. Un viaje a Londres, en la década de 1970, le descubre la moda transgresora de los punks de Trafalgar Square. La política antimaterialista de este movimiento influye de gran manera en él y le permite explorar una moda inconformista, inspirada en la energía de la calle, la tienda Sex de Vivienne Westwood y Malcolm McLaren, y el movimiento del glam rock, liderado por un David Bowie transformado en su alter ego Ziggy Stardust. La escasez de medios lo obliga a ser creativo; le atraen la rebelión total, el aspecto trash y destroy.

    La muestra podrá visitarse en la Fundación MAPFRE del 6 de octubre de 2012 al 6 de enero de 2013.

    País Vasco en Sevilla

    05/10/2012, Naturaleza, gastronomía, cultura, tradición, gentes e historia integran una propuesta turística que estará presente durante tres días en la Plaza de Cuba de Sevilla: Destinos País Vasco.

    Sevilla, 5 de octubre de 2012
    La propuesta turística de "Destinos País Vasco" es una iniciativa formada por las ciudades de Bilbao, San Sebastián, Vitoria-Gasteiz, Zarautz, Hondarribia e Irun. Un proyecto que reúne lo más destacado del turismo en Euskadi y que mostrará todo su potencial ante el público sevillano, durante los próximos tres días en la Plaza de Cuba, con talleres, exhibiciones musicales y sorteos.

    "Destinos País Vasco" (www.destinospaisvasco.com) difunde una oferta de calidad basada en su patrimonio turístico y promocionar su amplio repertorio de atractivos históricos, culturales, gastronómicos, naturales y deportivos. Destinos complementarios –ciudades y costa-, maridados con el sabor de los vinos vascos, desde el txakoli hasta los de Rioja Alavesa. Y todo ello, en un espacio geográfico reducido y accesible gracias a la moderna red viaria y de transportes que recorre la comunidad.

    Durante la presentación en Sevilla, Esther Virto, Directora del Departamento Información y Gestión de la Visita de Bilbao Turismo, ha destacado “la importancia que tiene un mercado como el andaluz para "Destinos País Vasco", pues se encuentra entre los cinco primeros en número de visitantes”, así como las “infinitas posibilidades y atractivos turísticos que albergan las tres capitales vascas, Vitoria-Gasteiz, San Sebastián y Bilbao, desde su completa oferta cultural hasta la gastronomía, cuya buena fama ha traspasado fronteras”.

    Así, durante los próximos tres días, 5, 6 y 7 de Octubre, todos los sevillanos que se acerquen hasta la Plaza de Cuba podrán disfrutar de la esencia de Destinos País Vasco, gracias a un programa de actividades que incluye diversos talleres de txalaparta (instrumento de percusión tradicional vasco), así como exhibiciones a cargo de músicos experimentados. De igual forma, y gracias a un gran dado, los visitantes podrán participar en el sorteo de un fin de semana en uno de los destinos y de merchandising de todos ellos.

    Este ‘pedacito’ de Euskadi estará abierto al público en horario de 11.00 a 20.00 horas, los días 5 y 6 de Octubre, y de 11.00 a 14.00 el día 7. Los talleres y exhibiciones de txalaparta tendrán lugar de 11.30 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas, los días 5 y 6; y de 11.00 a 14.00 durante la última jornada.

    El vino y la comunicación

    04/10/2012, El turismo enológico y otros aspectos sociales del vino están incidiendo muy directamente en la promoción vinícola, según revela un estudio de la consultora Castro Galiana

    Valencia, 4 de octubre de 2012

    Por poner un ejemplo, los éxitos del futbolista español Andrés Iniesta en el Campeonato Europeo de Selecciones Nacionales de Fútbol y su reciente boda han ocasionado amplios reportajes de interés humano sobre las estrechas vinculaciones que mantiene con su pueblo, Fuentealbilla, y sus inversiones en Bodegas Iniesta, de su propiedad, que ha pasado a ser una de las más conocidas del país.

    Castro Galiana ha publicado un Ranking en su sitio web CastroGaliana.com en el que analiza la promoción de los vinos en España, para el que se han analizados centenares de webs corporativas y 3.600 ejemplares de treinta diarios difundidos entre el 1 de junio y el 31 de agosto de 2012.

    Ribera del Duero, Rioja y Cava copan el 37% de la información y de la imagen que sobre vinos y bodegas proyecta la prensa diaria española de papel. En cuarto puesto destaca la presencia de la Denominación de Origen (DO) Manchuela, una zona sin gran proyección comercial y que debe su reciente notoriedad a Andrés Iniesta.

    Los vinos y bodegas de otras diez DO ocupan casi el 29% del total de la información y de la imagen proyectada. Se trata, por este orden, de Penedés, Rías Baixas, Rueda, Valencia, Alicante, Jerez-Xerés-Sherry-Manzanilla de Sanlúcar de Barrameda, Málaga-Sierras de Málaga, Navarra, Utiel-Requena y Valdeorras.

    En conjunto, las catorce Denominaciones antes citadas ocupan las tres cuartas partes de la información en circulación y de la imagen proyectada en los diarios. Otras 58 denominaciones de zonas de procedencia geográfica se reparten el cuarto de la presión informativa restante.

    Como consecuencia, la prensa apenas destina contenidos a vinos y bodegas amparados en el resto de Denominaciones de Origen, Vinos de Pago, Espumosos, Vinos de Calidad y Vinos de la Tierra, unas cincuenta.

    Unas de las conclusiones más destacadas del Informe es que únicamente un selecto grupo de bodegas y sus marcas pugnan y logran obtener presencia en la prensa diaria. La atomización del sector vinícola español y el gran número de bodegas y marcas existentes en el mercado es lo que hace imposible que esa cobertura informativa sea nacional y generalizada para todos los actores.

    Las bodegas, por otra parte, están intentando fortalecer sus estrategias de comunicación y mejoran los contenidos de sus webs corporativas. También se observa que presentan un mayor interés por tener presencia en los canales de comunicación digitales y redes sociales.

    No obstante, aún son pocas las bodegas que destacan por su trabajo en el mundo digital. Numerosas webs de bodegas apenas son actualizadas y la generación de contenidos propios en blogs, redes y canales digitales son, en la mayoría de los casos, testimoniales.

    El vino, la bebida más social

    Los periódicos presentan el vino como la bebida más social que existe y todo lo relativo a su entorno lo consideran como una referencia cultural de primer orden. Las informaciones sobre los aspectos económicos de esta industria quedan en general bastantes diluidos. Los diarios aprecian las políticas de valores solidarios de las bodegas y las medidas mediambientales que adoptan en la elaboración de vinos.

    Además de la publicidad, los periódicos suelen acoger en sus páginas secciones sobre catas, calificaciones y valoraciones de caldos. También insertan amplios contenidos alusivos a la relación del vino con el enoturismo, la gastronomía y el ocio.

    Las cabeceras de difusión nacional suelen acoger en sus páginas una mayor variación de informaciones de bodegas y marcas de vino, mientras que los diarios de regionales dedican más espacios a “la defensa” de la industria vinícola de su entorno, a la promoción de las DO, bodegas y marcas de su territorio.

    Los diarios no suelen insertar contenidos muy críticos con el mundo del vino, aunque sólo suelen comentar caldos que tienen una cierta calidad. Los periodistas especializados suelen lamentar que zonas que producen vinos de excelente calidad aún sean muy desconocidos por el consumidor español.

    Las Puertas de Europa

    04/10/2012, Los artistas Fernando Hervás y Nina Nikolova exponen en la sala principal del Círculo de Arte de Toledo una muestra que proyecta el diálogo cultural entre España y Bulgaria.

    Toledo, 4 de octubre de 2012
    Del 5 al 31 de octubre la Sala Principal de la ilustre asociación toledana albergará la exposición multidisciplinar del español Fernando Hervás y la búlgara Nina Nikolova. 40 obras a gran y medio formato repartidas en pintura, fotografía, escultura y una vídeo instalación.

    Antropología del olvido
    Los vastos óleos sobre tela y hierro de Fernando Hervás ironizan acerca del pasado y presente de las dos naciones en el contexto histórico europeo. Sus bustos en cera, hierro, madera y cemento transmiten la problemática ruptura con el inconsciente. En colaboración con Nina Nikolova, las impactantes imágenes de la serie fotográfica Extranjeros en el tiempo enseñan enigmáticos habitantes de un origen atemporal.

    La vídeo instalación La casa que nunca vio el mar proyectará sobre la cúpula del viejo templo 270 retratos de María, gitana de los suburbios de Plovdiv. La mirada de Nina Nikolova recurre su infancia hasta una adolescencia rota por el nacimiento de su primer hijo. Cierran el místico círculo del altar las totémicas esculturas de Fernando Hervás. Cuatro camas materializan etapas, emociones y obsesiones que pueden repetirse en cualquier mujer. La sombra masculina entrelazada a un símbolo fijo en el imaginario del artista: lugar de nacimiento, sueño y muerte.

    Welcome to the West
    Además, durante los días viernes 26 de octubre a las 20:30 y domingo 28 a las 19:00 se podrá ver el provocador montaje escrito y dirigido por Fernando Hervás y protagonizado por Eliana Sánchez: Welcome to the West. Las dos únicas funciones tendrán lugar en el ábside de la antigua Iglesia de San Vicente, que se convertirá para la ocasión en un espacio somático del que brota el personaje interpretado por Eliana Sánchez, al tiempo que refleja sus miedos más profundos.

    Las Puertas de Europa
    Sala principal del Círculo de Arte de Toledo
    Del 5 al 31 de octubre de 2012
    De lunes a domingo entre las 11:00 y las 21:00
    Entrada gratuita

    El aroma y el sabor de Colombia en Madrid

    04/10/2012, Colombia acude a Millesime, una de las citas gastronómicas más destacadas del panorama nacional, y lo hace en calidad de país invitado. Hasta el viernes 5 de Octubre, en el Recinto Ferial de la Casa de Campo de Madrid.

    Madrid, 4 de octubre de 2012
    Elaboraciones a base de arepas, tamalitos, guanábanas, dulce de arequipe, leche de coco, papas, patacones, café... se podrán degustar desde hoy y hasta mañana en Madrid, con motivo de la celebración de Millesime. Y es que Colombia acude como país invitado a esta nueva cita del prestigioso salón gastronómico, que ya celebra su sexta edición.

    Colombia desplegará todo su potencial culinario, demostrando ante el público más sibarita que este destino tiene mucho que ofrecer a la gastronomía internacional de calidad. Para ello, contará con tres prestigiosos chefs, responsables de mostrar, en formato showcooking, las nuevas tendencias de la cocina colombiana: Carlos Yanguas, Leonor Espinosa y Mark Raush, chefs y gerentes de algunos de los mejores establecimientos de Colombia, como ‘Leo Cocina y Cava’, y ‘Criterion’, ambos situados en Bogotá.

    El pabellón de La Pipa, en el que se ubica esta nueva edición de Millesime, cuenta con un espacio interactivo dedicado a las demostraciones para grupos reducidos. Bajo el nombre ‘Con los cinco sentidos’, este es el escenario en el que los prestigiosos chefs elaborarán diariamente platos inusuales para el público asistente al salón. Asimismo, destaca la creación del menú ‘Estrellas antes de los 35’, una propuesta de alto nivel creada especialmente para esta ocasión, en la que se ofrecerán seis platos armonizados con cinco vinos diferentes, y que será degustado por los 800 comensales diarios que se prevé acudan a esta nueva edición del salón de Madrid.

    Para ir abriendo boca, algunas de las propuestas que Colombia elabora desde hoy para el público de Millesime son Atún en costra con galleta cuca, Cubo de res en salsa criolla sobre arepa crocante, Pescado blanco de temporada con salsa de leche de coco y chontaduro, cebolla roja, pimentón rojo y ají amazónico, Tartaletas con ensalada de cangrejo y aguacate, Minimontaditos de posta negra sobre patacones,Tartaletas de chocolate y arequipe o Minimerengón de guanábana con reducción de balsámico. Delicatessen con las que Colombia seguro sorprende y enamora a los paladares de los madrileños.

    Infancia y Cultura

    04/10/2012, En octubre, la Biblioteca Luis Ángel Arango, en la capital colombiana, ha programado varias actividades culturales para celebrar el mes de los niños.

    Bogotá, 4 de octubre de 2012
    Entre las propuestas, la exposición Los niños que fuimos: huellas de la infancia en Colombia, la XVI Cátedra de Historia Ernesto Restrepo Tirado cuyo tema girará alrededor de la primera infancia, el Festival del Libro Infantil y Juvenil con programación en torno a la promoción de lectura y el lanzamiento de una página web dedicada al escritor infantil Rafael Pombo.

    A partir del 5 de octubre, en la Biblioteca Luis Ángel Arango, se presentará la exposición Los niños que fuimos: huellas de la infancia en Colombia, un recorrido por la diversidad y las transformaciones de esa vida cotidiana desde la Colonia, pasando por el siglo XIX hasta mediados del siglo XX.

    Esta investigación es el resultado del trabajo de varios años de los historiadores y curadores Patricia Londoño Vega y Santiago Londoño Vélez, quienes emprendieron el reto de hacer una revisión histórica de la niñez colombiana.

    Los días 4, 5 y 6 de octubre la Presidencia de la República, el Ministerio de la Cultura y el Banco de la República realizarán en la Biblioteca Luis Ángel Arango y el Museo Nacional la XVI Cátedra de Historia Ernesto Restrepo Tirado, que este año bajo el título “Primera infancia y participación en ámbitos culturales: historia, experiencias y desafíos”, abordará —entre otros temas— las políticas públicas para la infancia y la primera infancia y la protección, educación y acceso a la cultura de los niños y niñas en Colombia.

    El Festival del Libro Infantil y Juvenil contempla una amplia programación que, en la biblioteca Luis Ángel Arango, incluye actividades de promoción y animación de la lectura tales como los talleres Hospital de Libros, en el cual se enseñará a los más pequeños a reparar y cuidar sus libros y Cómo leer cartas celestes y mapas. Este Festival se realizará entre el 24 y el 31 de octubre.

    A propósito del Año Rafael Pombo 2012, se realizará el lanzamiento de la página web dedicada al multifacético escritor. El sitio presenta diferentes aspectos de su vida y obra como sus poemas románticos musicalizados por la artista Nobara Hayakawa y leídos por Beatriz Robledo; de su faceta como traductor, se publicarán opiniones de varios expertos en el tema y sus famosos cuentos infantiles ilustrados por Kevin Mancera.

    Los usuarios podrán también crear sus propios personajes al mejor estilo Pombo a través de una plataforma interactiva; además, en el sitio se podrá leer un cómic de Powerpaola que de forma anecdótica recuerda aspectos relevantes en la vida del escritor, como su estadía en Nueva York y la ceremonia en la que se le nombró “poeta nacional” en 1905.

    El arte nacido de la tierra

    02/10/2012, “Sueños” es una pequeña exposición de tres ceramistas creativos: Oscar Dueñas, Andrés Oslé y Giovanni Papi, que ponen de manifiesto la relación indisoluble entre arte y cerámica.

    León 2 de octubre de 2012

    ""El arte es el principio de la civilización, la cerámica es el principio del arte"". Con esta frase se presenta en León la exposición titulada "Sueños", en la que tres ceramistas radicados en León y Salamanca muestran cómo el arte emerge desde el mismo barro.

    La cerámica es este año protagonista de las celebraciones de San Froilán, en León, con una gran feria a la que concurren algunos de los mejores ceramistas y alfareros de España y Portugal, y la exposición paralela titulada Sueños, que se exhibe en la sala de exposiciones de San Marcelo.

    Sueños se presentó en rueda de prensa en el Museo de León, en la que Luis Grau, como director del centro museístico, expresó el carácter indestructible de la cerámica. "Como historiador, afirmó que el hierro se oxida y otros materiales se corroen, y lo que queda de las viejas civilizaciones es la cerámica, que así se transforma en elemento de arte y testimonio del pasado"

    La Feria:

    La XXXIII Feria Exposición de la Alfarería y Cerámica se celebra en León, del 3 al 7 de octubre, y es una decidida apuesta por el valor de las creaciones de unos 40 profesionales de prestigio llegados de diversos puntos de España y Portugal, con presencia de autores de prestigioo, como los citados u otros como Dima, Mariscal, etc.Е

    Para los organizadores, este encuentro ha llegado a su XXXIII edición, reforzando su importancia dentro del panorama cultural español. Este año desde la asociación de ACAL (agrupación de ceramistas y alfareros de León) se ha querido ampliar horizontes invitando a prestigiosos ceramistas de otros puntos de España y Portugal, para realzar el evento y tener así un intercambio cultural necesario para la renovación y el enriquecimiento de la feria misma.

    Exposición "Sueños":

    Paralelamente a la Feria, instalada en la plaza de San Marcelo de León, se presenta esta exposición colectiva con piezas realizadas por tres artistas: Oscar Dueñas, de Alba de Tormes (Salamanca); Andrés Oslé, de Cuadros (León) y Giovanni Papi de Cogorderos (León), agrupadas bajo el título de "Sueños".

    Los tres autores implicados en la exposición trabajan con arcillas de la zona donde residen, cavadas y depuradas por ellos mismos, para darles seguidamente la forman, la depuran y le dan forma.

    La tierra, la arcilla, es el eje de la exposición: "La tierra de donde nacimos como ceramistas, y adonde volveremos como hombres. En la tierra quedan nuestras huellas, la firma indeleble de nuestra existencia", afirma Papi, artista toscano radicado en un pueblo leonés desde hace ocho años.

    En la sala se dispondrán las piezas sobre unas bases apoyadas a las paredes; y en el centro, sobre el suelo, se extenderá arcilla seca para recordar al espectador el origen. Además, en las paredes se colgarán piezas de arcilla con huellas de las manos, para significar los momentos de creación y de reflexión; piezas que contribuirán a romper el espacio blanco de las paredes y llamar la atención del publico.

    Los artistas:

    OSCAR DUE—AS .- Nace de una familia de alfareros y se dedica desde muy joven, a la alfarería tradicional. Es en el 2001 cuando empieza en solitario a dedicarse a la cerámica creativa. Desde entonces no ha dejado de experimentar y crear, tocando muchas técnicas. Actualmente su trabajo más personal se desarrolla sobre las tierras sigilatas. Vive y trabaja en Alba de Tormes (Salamanca).

    ANDR…S OSL…. De formación autodidacta, se inicia al arte de la cerámica en el año 89. Desde entonces experimenta diferentes técnicas y participa a innumerables certámenes sobre cerámica. Desde hace unos años se centra finalmente en el Raku, y en las cocciones de leña, de donde salen sus últimas creaciones. Vive y trabaja en Cuadros (León).

    GIOVANNI PAPI. Vástago de una familia de escultores, empieza a estudiar cerámica en Italia, en el año 1979. Se licencia en Bellas Artes en 1992. Desde entonces no deja de trabajar en el campo artístico y participa en muchos certámenes de cerámica creativa. En el año 97 crea su proprio Estudio de Cerámica en compañía de Marta Rivera. Su producción actual y más personal es la cerámica negra bruñida. Vive y trabaja en Cogorderos(León).

    Tradiciones indígenas de Norteamérica

    02/10/2012, El Museo del Oro de Bogotá presenta una muestra sobre la cultura y diversidad de las comunidades indígenas de los Estados Unidos y Canadá.

    Bogotá, 2 de octubre de 2012
    Cestas emplumadas, objetos adornados con espinas de puercoespín, telares verticales que hacen surgir mantas de la tierra, tocados de jefe en plumas de águila dorada, tallas en raíz de álamo o mocasines coloreados con cuentas de vidrio, son algunas de las piezas que forman parte de la exposición Indígenas de Norteamérica, tradiciones y transiciones.

    Son 133 piezas, provenientes de la colección del Museo Bowers de Santa Ana, California, entre objetos de uso cotidiano y ceremonial, en su mayoría de los siglos XIX y XX, que muestran cómo estas comunidades han logrado perpetuar, transformar y renovar sus tradiciones.

    La exposición esta abierta entre el 4 de octubre de 2012 y el 3 de febrero de 2013 en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo del Oro en Bogotá.

    Tradiciones
    La exposición trae objetos de cinco áreas geográfico-culturales: Ártico Norte, Costa Noroeste, California, Suroeste y Grandes Llanuras, territorios que acogen un amplio grupo de comunidades que, aunque pueden tener lenguas, estructuras sociales, prácticas religiosas e ideologías distintas, también han creado vínculos comunes de identidad.

    De este modo, se muestra cómo los indígenas que habitaron y habitan los actuales estados de Nevada, Arizona, Colorado, Nuevo México y Utah, en la región del Suroeste, comparten una misma perspectiva de la vida, esa que enfatiza la relación del individuo consigo mismo, su sociedad y el mundo natural; o cómo los habitantes de las Grandes Llanuras, con la llegada de los caballos, que trajeron los conquistadores europeos, se hicieron nómadas para seguir a las manadas de búfalos, venados, alces y antílopes que habitaban la región y que fueron su principal fuente de alimento y materias primas.

    Son las materias primas otro elemento de unidad en las comunidades indígenas de Norteamérica. Por ejemplo, en todas las sociedades del Ártico fue común el uso de los intestinos y la piel de las focas para la confección de prendas impermeables, que también usaron en la construcción de viviendas cálidas o para hacer agradables aquellas que se hacían con bloques de hielo. Las comunidades de California elaboraron con fibras naturales de la zona una gran variedad de cestos, que decoraban con plumas y cuentas para exaltar la belleza del material. Mientras, el paisaje árido de los desiertos del Suroeste permitió que los pueblos que se asentaron en esta región, hicieran de la arcilla un material importante para su comunidad. Con ella crearon una enorme variedad de recipientes que decoraron con las formas y los colores típicos de su geografía.

    Transiciones
    Se estima que la población indígena de Norteamérica disminuyó en un 90% desde el contacto inicial con los europeos hasta los inicios del siglo XX. Según el censo de 2010, en Estados Unidos existen cerca de 2.900.000 indígenas, mientras que, de acuerdo con el censo de 2006 en Canadá existen 1.172.790. En ambos casos las cifras corresponden a personas que se autoidentifican como tal en comunidades que, inmersas en el estilo de vida occidental, han sabido mantener vivas sus tradiciones.

    Otro de los aspectos que resalta la exposición es la actualidad y vigencia de estos pueblos, particularmente el caso de algunos indígenas que han sido reconocidos como artistas en ámbitos especializados del arte contemporáneo: sus obras, cerámicas mayoritariamente, se exhiben en museos y galerías de arte de todo el mundo.

    Diálogos con el mundo
    La exposición Indígenas de Norteamérica, tradiciones y transiciones se presenta en Bogotá como parte de un intercambio cultural entre el Museo del Oro y el Museo Bowers, el mismo que acogió entre marzo y julio de 2012 en Santa Ana, California, la muestra Oro sagrado: arte prehispánico de Colombia.

    En ocasiones anteriores, también como parte de intercambios culturales, el Museo del Oro mostró en Bogotá tesoros imperiales del Museo de Shanghai, China, y objetos de las sociedades mayas provenientes del Museo Regional Palacio Cantón de Mérida, México.

    Conferencia Internacional sobre Preservación y Digitalización

    02/10/2012, La conferencia celebrada por la UNESCO en Vancouver del 26 al 28 de septiembre, se ha centrado en las estrategias para preservar nuestro patrimonio en soportes electrónicos.

    Vancouver, Canadá, 2 de octubre de 2012
    Muchos de los tesoros documentales que encontramos en museos de todo el mundo podemos verlos en Internet. Los fondos disponibles van creciendo cada día. Es una magnífica solución para permitir la contemplación de estas joyas históricas o artísticas, preservando los originales.

    En la actualidad, la tecnología digital se ha convertido en el principal medio de creación y transmisión del conocimiento, pero la vulnerabilidad del patrimonio documental en formato digital suscita también una gran preocupación.

    En la era digital, solo unos clics bastan para poner ante nuestros ojos innumerables testimonios del pasado de la humanidad, tales como documentos, grabaciones, películas, videos y fotos. Sin embargo, con la misma facilidad, un problema técnico o un virus informático pueden borrar ese contenido y hacer que la memoria histórica caiga en el olvido.

    En Vancouver se habla sobre los desafíos que plantea la preservación de documentos digitalizados: A veces los materiales son demasiado frágiles para ser digitalizados de manera adecuada; otras, las políticas gubernamentales no dan suficiente prioridad a la digitalización como consecuencia presupuestos escasos, personal sin formación específica o falta de mantenimiento de los archivos digitales. p> Según Jonas Palm, responsable del Departamento de Preservación de los Archivos Nacionales de Suecia, “en medio del entusiasmo que despierta la digitalización, se suele pasar por alto la cuestión de los costos, especialmente si se trata de costos a largo plazo para mantener vivos los archivos”. Es difícil estimar el presupuesto, pero hay que calcular que, en promedio, un tercio se utilizará en la digitalización, mientras que los otros dos tercios serán destinados a la organización del material, su catalogación y accesibilidad. Otro factor permanente que incide en los costos es la preservación a largo plazo de los objetos digitalizados.

    Según recuerda la UNESCO; una copia digital, a pesar de ser vital para transmitir el pasado de la humanidad a las generaciones futuras, nunca puede captar plenamente o reemplazar al original. No existe mayor condena al racismo que los documentos del juicio de Rivonia, cuyo resultado fue el encarcelamiento de Nelson Mandela por su oposición alapartheid. Pocas refutaciones del negacionismo del Holocausto son tan elegantes o devastadoras como el cuaderno a cuadros rosa del Diario de Ana Frank. Los documentos originales, reserva de sabiduría intemporal, orientan nuestra búsqueda de un futuro pacífico y sostenible.

    Austria romántica

    01/10/2012, Turismo de Austria nos propone recorrer los 380 kilómetros que separan Salzburgo y Viena haciendo alguna ruta romántica.

    Viena, 1 de octubre de 2012
    Para ello proponen dos posibles caminos, uno que va más hacia el sur que otro, aunque al final sugieren que lo mejor es hacer el bucle, un recorrido que nos lleva por palacios, monasterios, castillos, lagos y montañas llenos de hermosura.

    No sólo Mozart, su nacimiento y sus obras unen Salzburgo y Viena, sino también estos paisajes que integran algunas de las ciudades y poblaciones más bonitas de Austria.

    Dejando a un lado las autopistas, existen estas alternativas, con 25 ciudades y localidades históricamente importantes que se suceden como en un collar de joyas, ofreciendo al turista el goce de los sentidos, no solo en ciudades románticas sino también con paisajes amenos.

    Sobre todo los paisajes – al lado de los lagos en el Salzkammergut, el valle pintoresco Almtal, los valles silvestres y la Wachau conocida como bien cultural, ofrecen pura variedad e invitan a quedarse un rato.

    También la antigua ciudad imperial Bad Ischl, celebre por el festival de operetas o Hallstatt que está muy cerca – toda una época se llama como la ciudad por la mina de sal más vieja de todo el mundo – valen una visita.

    Aquí se encuentra también la cueva de hielo del Dachstein, un paraíso para los espeólogos.

    En cuánto a la cultura hay fiestas folklóricas, festivales, monasterios venerables y cascos antiguos medievales que fascinan al turista en todas las estaciones.

    En verano, una de las atracciones más importantes es el festival de Salzburgo, conocido en todo el mundo, pero también en primavera, cuando en la Wachau los albaricoques están en flor o cuando en el Salzkammergut las procesiones en el Día del Corpus valen una visita.

    Toda la ruta está bien señalizada con numerosos letreros de calle de modo que uno no puede perderse. En una mapa detallado está toda la ruta con sus curiosidades y para los turistas individuales hay paquetes particulares que facilitan la búsqueda de alojamiento.

    Las etapas de este viaje son (las dos rutas)

    RUTA 1: Desde St. Wolfgang a través de Hallstatt, Bad Aussee, el monasterio de Admont, Mariazell y el castillo Schallaburg a Viena.
    SALZBURGO - MONDSEE (27 km)
    MONDSEE – ST. WOLFGANG (34 km)
    ST. WOLFGANG - POSTALM - GOSAU (52 km)
    GOSAU - HALLSTATT (15 km)
    HALLSTATT – OBERTRAUN (4 km)
    OBERTRAUN - BAD AUSSEE (13 km)
    BAD AUSSEE - ADMONT (70 km)
    ADMONT - MARIAZELL (100 km)
    MARIAZELL – CASTILLO SCHALLABURG (24 km)
    CASTILLO SCHALLABURG - VIENA (150 km)

    RUTA 2: A través de Bad Ischl, Gmunden, el valle Almtal, Kremsmünser, Steyr hasta llegar a Viena.
    SALZBURGO - MONDSEE (27 km)
    MONDSEE – ST. WOLFGANG (34 km)
    ST.WOLFGANG - BAD ISCHL (17 km)
    BAD ISCHL – TRAUNKIRCHEN (23 km)
    TRAUNKIRCHEN – GMUNDEN (9 km)
    GMUNDEN – SCHARNSTEIN (16 km)
    GRÜNAU - SCHARNSTEIN – KREMSMÜNSTER (29 km)
    KREMSMÜNSTER – STEYR (28 km)
    STEYR - SEITENSTETTEN - MARIA TAFERL (58 km)
    MARIA TAFERL – CASTILLO SCHALLABURG (24 km)
    CASTILLO SCHALLABURG - VIENA (150 km)

    Información: office@romantikstrasse.at
    www.romantikstrasse.at

    La Isla del Tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney

    01/10/2012, La Fundación Juan March presenta una muestra sobre la extraordinaria dimensión y la considerable vitalidad que conoció el arte británico entre los siglos XVI y XX.

    La muestra, que podrá visitarse desde el 5 de octubre en la Fundación Juan March de Madrid, reúne 180 piezas (pinturas, esculturas, obra sobre papel, libros, revistas y fotografías) realizadas por más de un centenar de artistas, y procedentes de diversas colecciones e instituciones norteamericanas y europeas, principalmente británicas. Un recorrido estético con abundantes referencias literarias: todo un caudal de obras, que abraza más de cinco siglos de arte británico, desde la iconoclastia de los puritanos del siglo XVI y la pintura civil de Hans Holbein, hasta la obra de verdaderos iconos del arte inglés de los sesenta a los ochenta del pasado siglo como Henry Moore, Francis Bacon, David Hockney, Peter Blake, Richard Hamilton o Richard Long.

    El título de la exposción hace eco de la novela homónima del escritor británico Robert Louis Stevenson: la isla tiene un tesoro (su arte, su pintura y escultura) que, como casi todos los tesoros, está aún medio oculto y por descubrir. La perspectiva adoptada para la muestra ha sido la de los lugares geográficos y la idea que subyace a este proyecto es que se gana mayor conocimiento cuando se inquiere dónde estaba y dónde está el arte británico, (en lugar de qué era y qué es) durante sus cinco siglos de historia.

    Lejos de las excesivas rigideces de la pertenencia a escuelas nacionales, a un país, a un estado, una nación o un imperio, una de las primeras sorpresas al acercarse al arte británico es la de comprobar una especie de “localismo universal”; como delatan sus nombres, un considerable número de artistas extranjeros hizo de Gran Bretaña su lugar de residencia y de trabajo. De modo que la crónica del arte específicamente británico lo presenta, de entrada, como sorprendentemente cosmopolita, ya que aun poseyendo innegables rasgos propios, las obras de sus protagonistas han nacido y han evolucionado al compás de los acontecimientos históricos y artísticos del mundo entero.

    Con el objetivo de dar a conocer los tesoros del arte ligados a la isla, La isla del tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney presenta una serie de obras como claves maestras para conocer y entender el arte británico, y con las que se articula un relato que pone de manifiesto la fuerza y significación particular de muchos artistas y de sus obras. Todo el caudal de obras y artistas está organizado en la exposición en secciones, correspondientes a otros tantos cortes de época, desde Destrucción y Reforma (1520-1620) hasta Un mundo feliz (1945-1980).

    Los tesoros escondidos de Perú

    29/09/2012, Turismo de Perú descubre sus tesoros naturales y arqueológicos, así como las rutas más exóticas y misteriosas del país a través de una aplicación.

    Madrid, 29 de septiembre de 2012
    A partir de ahora, descubrir Perú, su cultura y tradiciones de una manera ágil, innovadora y moderna es posible. Todo gracias a una innovadora aplicación desarrollada por Lumata para Smartphones y Tablets (iOS y Android), con la que se puede realizar un viaje virtual a Perú, y visitar sus rincones naturales e históricos más extraordinarios.

    Para Eduardo Fernández, Director General de Lumata España, “El hecho de poder tener una aplicación de esta talla desde la que podemos visitar virtualmente un país tan extraordinario como Perú, con la dificultad que eso conlleva por las maravillas que contiene, nos hace estar especialmente orgullosos por haber dado un paso adelante en el mundo de las aplicaciones turísticas".

    2,7 millones de aplicaciones se descargan al día en nuestro país, además España se ha convertido en el segundo país con mayor penetración de smartphones en Europa, con un total de 18 millones de terminales. Y de los usuarios de Internet móvil, el 71% se descarga aplicaciones.

    Durante dos días (28 y 29 de septiembre), los madrileños podrán descubrir esta nueva aplicación en la Plaza de Callao, y participar en el sorteo de un viaje para 2 personas a Perú.

    Art Weekend en Barcelona

    28/09/2012, El U232 Hotel ha creado el Art Weekend Pack que, además de una estancia exclusiva, incluye la entrada a siete de las instalaciones culturales más admiradas de la ciudad.

    Barcelona, 28 de septiembre de 2012
    El U232 Hotel ha creado el Art Weekend Pack, un completo programa para pasar el fin de semana en Barcelona disfrutando de algunos de sus museos y centros culturales más reputados. La ocasión perfecta para conocer las colecciones permanentes y temporales que se albergan en la ciudad, y relajarse con las instalaciones y servicios que ofrece el establecimiento.

    A pocos metros de Las Ramblas, la ruta del Art Weekend lleva al visitante al Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), donde a parte de la extensa colección de obras de la segunda mitad del siglo XX, hasta enero de 2013 se puede visitar una exposición dedicada al congreso de diseño industrial celebrado en Ibiza en 1971.

    Justo al lado de este museo, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) alberga exposiciones regulares de trabajos artísticos: fotografías, pinturas, esculturas y frescos de todo el mundo y de diversos periodos.

    En el Museu d’Art Nacional de Catalunya (MNAC) el visitante podrá deleitarse con sorprendentes obras del románico catalán, entre otros estilos. No muy lejos de allí, la Fundación Joan Miró es el espacio de referencia del singular artista, además de acoger las últimas tendencias del arte actual.

     La Pedrera es otro de los imprescindibles incluidos en el Art Weekend; este edificio modernista de Gaudí no dejará indiferente a nadie. El pack creado por el hotel U232 concluye con otros dos nombres propios: la Fundación Antoni Tàpies y el Museo Picasso, ambos dedicados a la vida y obra de estos reconocidos artistas españoles.

    Pintura, escultura, arquitectura, fotografía... del románico al arte más innovador, pasando por el modernismo de Gaudí. Este paquete para los apasionados del arte, se completa con una estancia de dos noches en el U232 Hotel, copa de bienvenida en el U232 bar y un completo desayuno buffet.

    http://www.u232hotel.com

    La ciudad de la Edad de Bronce

    28/09/2012, Investigadores de la Universidad Autónoma de Barcelona han encontrado una sorprendente estructura urbana y militar de la Edad de Bronce, en un yacimiento de Murcia (España).

    Murcia, 28 de septiembre de 2012
    Las excavaciones arqueológicas realizadas este año en el yacimiento arqueológico de la Bastida (Totana, Murcia) han sacado a la luz un imponente sistema de fortificación único en su época, que reafirma, junto con el resto de descubrimientos realizados en los últimos años, que la ciudad fue el asentamiento más desarrollado de Europa en términos políticos y militares durante la Edad del Bronce (hace 4.200 años -2200 a. C. -), sólo comparable con la civilización minoica de Creta.

    El hallazgo fue presentado por representantes del departamento de Cultura de la Región de Murcia, junto con Vicente Lull, catedrático de Prehistoria de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), director de la excavación.

    La fortificación constaba de una muralla de 2 a 3 metros de espesor, construida con grandes piedras trabadas con argamasa y reforzada por torres macizas troncopiramidal distribuidas a escasa distancia entre ellas y de unos 4 metros de lado. La altura original del complejo defensivo sería de entre 6 y 7 metros. Hasta ahora se han descubierto seis torres a lo largo de un tramo de 70 metros, aunque el perímetro de la fortificación habría hecho los 300 metros.

    La entrada al recinto se realizaba a través de un pasillo flanqueado por potentes muros, que restaría cerrado con portones encajados entre gruesos postes de madera. Uno de los elementos arquitectónicos más relevantes que se han descubierto es un arco apuntado que remata una puerta secundaria, cercana a la entrada.

    El arco se ha conservado completo y es inédito en la prehistoria europea. Sus precedentes se encuentran en la segunda ciudad de Troya (Turquía) y en el mundo urbano de Oriente Próximo (Palestina, Israel y Jordania), influido por las civilizaciones de Mesopotamia y Egipto. Esto indicaría la participación de gente de Oriente en su construcción, llegada a la Bastida después de la crisis que asoló sus regiones hace 4.300 años.

    Una obra para el combate
    La fortificación de la Bastida impresiona por su monumentalidad, por los conocimientos de arquitectura y de ingeniería que exhibe, por su antigüedad y porque ayuda a conocer un pasado tan lejano en el tiempo.

    Además, supone una innovación en la arquitectura militar. Fue una obra pensada exclusivamente para el combate, a cargo de personas bregadas en luchas desconocidas hasta ese momento en Occidente. Las torres y los lienzos de muralla muestran conocimientos muy avanzados en arquitectura e ingeniería, salvando desniveles de hasta el 40%. Las argamasas utilizadas proporcionaron una solidez enorme a la obra, trabando con fuerza las piedras, haciendo impermeables sus paredes y eliminando cualquier elemento donde los asaltantes pudieran agarrarse. la poterna como acceso recóndito y cubierto exigiría para su encaje en la muralla una planificación previa de todo el conjunto defensivo.

    La primera ciudad de Europa continental
    Las últimas excavaciones y el resultado de varias dataciones de Carbono 14 indican que La Bastida fue probablemente la ciudad más poderosa de Europa continental durante la Edad del Bronce y una plaza fortificada desde sus comienzos, hacia el 2200 antes de nuestra era, con un sistema defensivo insólito en la Europa de su tiempo.

    La fortificación no ha sido el único hallazgo. Entre el 2008 y el 2011, las excavaciones ya habían dejado al descubierto grandes residencias de más de 70 metros cuadrados que se distribuían por las 4 hectáreas de la ciudad. Estas casas grandes, viviendas y edificios públicos se alternaban con otras construcciones de tamaño más pequeño separadas mediante accesos, pasillos y plazas. Una gran balsa dotada de un dique de 20 metros de longitud capaz de almacenar casi 400.000 litros de agua muestra igualmente una complejidad y unas necesidades de la población incomparables en aquel tiempo.

    Los descubrimientos de La Bastida revelan una ruptura militar, política y social: la instauración de un poder violento y clasista, que perduró durante 7 siglos y que condicionó el desarrollo de las comunidades del resto de la Península. En conjunto, replantean lo que se sabe sobre el origen de las desigualdades económicas y políticas en Europa, la formación del estamento militar y el papel de la violencia en la formación de tradiciones identitarias.

    Las excavaciones en La Bastida están dirigidas por el equipo de investigación del Grupo de Arqueoecologia Social y Mediterráneo (ASOME) de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), formado por los profesores Vicente Lull, Rafael Micó, Cristina Rihuete y Roberto Risch.

    La Bastida pretende ser excavada sistemáticamente para ofrecer al público un Parque Arqueológico único en España, que reúna un museo monográfico, un centro de investigación y documentación, y un yacimiento acondicionado para su visita.

    El yacimiento de La Bastida, ya fue dado a conocer hacia 1870. Es un centro de la llamada Cultura Argárica y ocupa un cerro empinado de casi cuatro hectáreas de extensión, en las estribaciones de la sierra de la Tercia, a unos 5 km al oeste del casco urbano de Totana. Fue Rogelio de Inchaurrandieta, un ingeniero de caminos, quien en 1869 realizó las primeras excavaciones atraído por las noticias que señalaban el hallazgo de esqueletos y objetos de metal antiguos. Excavó en La Bastida durante tres días con la ayuda de dieciocho jornaleros y descubrió veinte sepulturas y un número indeterminado de objetos de cerámica, piedra, hueso y metal.

    Envenenamiento de aves

    27/09/2012, La muerte de 40 buitres el pasado fin de semana en el municipio de Villamanín (León) suma ya la escalofriante cifra de más de 200 grandes aves envenenadas en España en este año.

    León, 27 de septiembre de 2012
    El grupo ecologista SEO/BirdLife ha denunciado en España la falta de vigilancia en el campo y la impunidad de los envenenadores, lo que propicia una práctica ilegal que es una de las principales amenazas para las aves

    El año 2012 comenzó con seis águilas imperiales envenenadas en Mudela (Ciudad Real). Hasta el momento y según los datos de los que dispone el proyecto Life+ VENENO, han muerto este año por el uso ilegal de veneno al menos 9 águilas imperiales y 26 milanos reales, ambas especies catalogadas “En peligro de extinción”.

    Ahora, los más de 40 buitres leonados hallados en León se suman a las más de 200 aves intoxicadas registradas en este año. Hay que tener en cuenta además que, las cifras reales son mucho mayores, ya que sólo se encuentran una mínima parte de los animales que realmente se envenenan y, en todos los casos no se cuenta con toda la información.

    A pesar de estas alarmantes cifras, las administraciones no se han tomado en serio aún el problema del veneno. En general, no dedican los suficientes medios a luchar contra una práctica ilegal que, asimismo, representa un grave riesgo para la salud pública.

    El medio rural español esta sufriendo los daños del abandono. Asunción Ruiz, directora Ejecutiva de SEO/BirdLife afirmó recientemente: “Los incendios acaban con nuestras masas forestales, el veneno con nuestras especies, hacemos enemigo al lobo y no es negociable. Las administraciones deben valorar el campo y atender a su población como merecen. Se están tomando medidas equivocadas escudándose, en muchos casos, en la crisis económica”

    SEO/BirdLife recuerda el caso de la reducción de personal y medios de vigilancia y persecución de los atentados contra el medio ambiente, el recorte de ayudas de desarrollo rural y las fórmulas erróneas para la resolución de conflictos con la fauna, como es el caso del control del lobo. Todo ello, propicia que continúen cometiéndose graves atropellos contra el medio ambiente con total impunidad. Estas mismas causas podrían estar detrás también del cuantioso número de incendios que se han registrado en 2012 y la gravedad de los mismos.

    SEO/BirdLife desarrolla un proyecto Life+ VENENO, aún escasamente apoyado por las comunidades autónomas del país. El proyecto Life+ VENENO tiene como objetivo lograr una disminución significativa del uso de veneno en España. El proyecto, con un presupuesto de 1,6 millones de euros, de los cuales la Comisión Europea cofinancia el 40% y la Fundación Biodiversidad el 26%, se desarrolla entre 2010 y 2014.

    www.venenono.org

    Los dioses de barro

    27/09/2012, El Museo Nacional de Antropología de México celebra 48 años desde que fue inaugurado el 17 de septiembre de 1964.

    Mexico 25 de septiembre de 2012
    El Museo Nacional de Antropología (MNA) es uno de los principales museos de América Latina, y presenta una extraordinaria colección de materiales de la época prehispánica. Fue inaugurado en septiembre de 1964.

    Con motivo de esta onomástica, se presenta una muestra de piezas de cerámica de gran formato que fueron elaboradas por diferentes culturas mesoamericanas. En el homenaje se han unido, con préstamos de piezas arqueológicas, el Museo de Antropología de Xalapa y el Museo de Templo Mayor. La selección es prueba evidente del alto grado de maestría que alcanzaron los alfareros para plasmar, con el poder de sus manos y de su intelecto, el rostro de sus dioses.

    Según destaca la institución, hace más de tres milenios que el hombre mesoamericano descubrió la maleabilidad del barro y su transformación en una materia dura por la acción del fuego. Este avance tecnológico fue un gran paso en su proceso de desarrollo, pues le permitió conocer y seleccionar los yacimientos apropiados para obtener la materia prima: el barro. Supo controlar el fuego para conocer la intensidad del mismo en la elaboración de las piezas. Por medio del barro el hombre pudo crear una enorme variedad de objetos, desde utensilios como ollas, cazuelas, vasos, platos y otros más que le servían, por un lado, para satisfacer necesidades cotidianas, hasta cerámicas destinadas a acompañar a los muertos o para ofrendar a sus dioses. Pero fue más allá: por medio del barro pudo moldear la fauna y la flora que lo rodeaba; se retrató a sí mismo y algo muy importante: nos dio la imagen de sus dioses.

    En la exposición, los antiguos dioses de barro se presentan ocupando diferentes regiones cósmicas de acuerdo a su naturaleza.

    El movimiento del sol estaba acompañado del flujo de energías asociadas con los rumbos. De esta forma, el espacio y el tiempo estaban habitados por deidades particulares. En esta muestra, se observa en la región poniente a las diosas Tlazoltéotl y Cihuatéotl, por ser ellas las acompañantes del sol cuando desciende al inframundo.

    Xipe Tótec y K’inich Ahaw, dios solar maya, se encuentran al sur, región que muestra al sol en todo su poderío y que se asocia con el triunfo de los guerreros en batalla. Macuilxochitl y El Dios zapoteco de la máscara bucal de serpeinte, se encuentran al oriente, por ser dioses de regeneración e inicios y estar asociados con el surgimiento de Venus como estrella de la mañana.

    Mictlantecuhtli y el Guerrero de la muerte ocupan la región norte, el lugar más oscuro y profundo del inframundo. En el centro se encuentra Huehuetéotl, el Dios viejo, patrón del fuego y abuelo de los dioses y axis mundi que comunica las tres regiones del cosmos.

    De esta forma, la exposición propone un cosmograma que representa la unión de la superficie de la tierra y el sol en movimiento para formar el tiempo.

    http://www.mna.inah.gob.mx/

    Peridis y el misterio de las catedrales

    27/09/2012, El presidente de la Fundación Santa María la Real, José María Pérez, Peridis, ha presentado en en Cuenca su último libro “La luz y el misterio de las catedrales“.

    Cuenca, 27 de septiembre de 2012
    La obra, editada por Espasa, realiza un recorrido por siete de las seos más importantes de españa y se inspira en una serie con el mismo título, coproducida por la Fundación Santa María la Real y Televisión Española, que se emitirá próximamente en la 2.

    Cuenca ha sido la ciudad elegida por la editorial Espasa y por el arquitecto y dibujante, José María Pérez, Peridis, para presentar su último libro “La luz y el misterio de las catedrales“, que se acerca a las leyendas y secretos, el arte y la historia de siete de las más importantes seos del país.

    Basado en la serie del mismo nombre, el libro nos ofrece un recorrido por los templos de Jaca, Santiago de Compostela, Lérida, Barcelona, Burgos, Cuenca y Oviedo.

    Según ha explicado Peridis, la obra trata de poner de relieve la importancia del patrimonio “que, además de nuestra memoria, es también sinónimo de empleo y riqueza, de innovación y difusión“.

    El libro habla de historia, arquitectura e incluso de la simbología de estos edificios, pero a través de las emociones y de los sentidos de su autor. “Con este libro y con la nueva serie de televisión, hemos dado un salto a la ciudad, a la urbe“, comentaba Peridis, quien recordaba que su anterior programa de televisión, “Las claves del románico“, se centraba más en el mundo rural, en los pueblos.

    Las catedrales supusieron en su momento un gran avance tecnológico. Con ellas se materializó el paso del románico al gótico, del arco de medio punto al arco apuntado, de la bóveda de cañón a la de crucería. “Los edificios tenían menos piedra, la materia que sobraba se convertía en luz y en misterio. Por eso las catedrales eran luz y espectáculo, innovación y tecnología de la época”, continuaba el arquitecto, quien ha comparado las vidrieras catedralicias con “el cine de la época“.

    Encuentros con los años 30

    27/09/2012, El Museo Reina Sofía presenta una de las exposiciones más importantes de la temporada: Encuentros con los años 30. Del 3 de octubre de 2012 al 7 de enero de 2013.

    Madrid, 27 de septiembre de 2012
    El Museo conmemora por todo lo alto el 75º aniversario de la realización de la emblemática obra de el Guernica (1937), por parte del artista Pablo Picasso.

    Encuentros con los años 30 contará con algunos de los artistas más importantes del siglo XX: Joan Miró, Yves Tanguy, Moholy-Nagy, Man Ray, Max Beckmann, Robert Delaunay, André Masson, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Luis Buñuel, Joaquín Torres-García o Mario Sironi...

    Las obras (más de cuatrocientas) proceden de prestigiosas instituciones de todo el mundo, tanto españolas (IVAM, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Filmoteca Nacional y de Cataluña, Fundació Gala Salvador Dalí, Residencia de Estudiantes, fondos del Museo Reina Sofía...); como extranjeras (Centro Georges Pompidou, Museo Pushkin de Moscú, MoMA, Salomon R. Guggenheim de Nueva York, National Gallery de Washington, Museo de Filadelfia, Metropolitan Museum de Nueva York, The Wolfsonian-IFA, International Center of Photography de Nueva York, Nationalgalerie de Berlín...).

    Encuentros con los años 30 se ha estructurado en seis secciones: Realismos; Abstracción; Cultura expositiva: Exposiciones internacionales; Surrealismo; Fotografía, cine y carteles; España: Segunda República, Guerra Civil y exilio.

    En cada una de estas secciones se plasman las principales preocupaciones y problemáticas que marcaron la década desde el punto de vista político, estético y cultural. Se pretende presentar este convulso y apasionante período, no sólo desde las narrativas propagandísticas, sino también desde la manera en la que los artistas tuvieron que trazar su propio camino en un ambiente de creciente violencia.

    Incendios forestales: las claves

    26/09/2012, La Real Academia de Ingeniería de España recomienda que no se amplíen las medidas de lucha contra los incendios forestales, sino que se haga una política forestal

    Madrid, 26 de septiembre de 2012

    La RAI ha definido 14 puntos básicos para conocer el problema de los incendios forestales en España, un problema que - –dice- no se puede erradicar.

    El año 2012 ha sido desastroso en materia de incendios forestales en España, con algunos, como los ocurridos en Valencia y León, que superaron los 10.000 hectáreas quemadas de zonas de altísimo interés. A ellos hay que sumar otros, como el de La Gomera, Islas Canarias, que afectaron a parajes de singularidad única.

    Ante esta situación, la RAI ha elaborado un documento con datos encaminados a definir el problema, sintetizados en catorce epígrafes:

    1) No obedecen a patrones homogéneos

    Los incendios forestales no son un fenómeno sencillo de explicar, ni siempre obedecen a patrones homogéneos a lo largo del territorio. En España existe una amplia variedad geográfica de situaciones, de forma que existen problemáticas diversas en cuanto a los factores. Además, no siempre el riesgo meteorológico conlleva mayor número de incendios.

    2) Desde hace siglos España convive con los incendios forestales

    Su clima, cálido y seco en verano, la hace especialmente vulnerable a la propagación del incendio una vez iniciado el fuego.

    3)Todos los años mueren personas en las labores de extinción

    El año 2012 está siendo especialmente trágico para España en materia de incendios, por la pérdida de 10 vidas y por la gran superficie quemada. Lamentablemente, se desconoce que todos los años mueren personas en las labores de extinción

    4) Cada vez es mayor el riesgo de incendio y de que se propague

    Cada vez hay más bosques y más densos o con abundante matorral por el abandono de la agricultura y la ganadería extensiva y por el declive de los aprovechamientos forestales; y más personas por lo que cada vez es mayor el riesgo de incendio y mayor la probabilidad de que se propague.

    La interfaz-urbano forestal se ha ampliado en las últimas décadas de forma preocupante pues dificulta la identificación de la frontera entre espacios urbanos y forestales, favorece la confusión en la legislación a aplicar, desvincula al ciudadano de la percepción del riesgo de incendio y complica enormemente la gestión de la emergencia cuando se produce el fuego.

    5) Menos del 20% de los incendios son por causa desconocida

    Se ha avanzado de forma significativa en conocer la causalidad de los incendios forestales. Pese a lo que piensa mayoritariamente la población, menos del 20% de los incendios son por causa desconocida.

    6) Ni para urbanizar ni para vender la madera

    Las causas por las que se originan los fuegos son variopintas, pero los montes que arden en España no se queman ni para urbanizar el terreno ni para vender la madera. Cualquier mensaje en esta dirección desvía la atención de los auténticos responsables.

    7) El 95% son intencionados y por negligencias o accidentes

    En España, al igual que en el resto del mundo, el inicio del fuego en los montes y el consiguiente incendio forestal se origina en un 95% de los casos por la acción humana (intencionados y negligencias ó causas accidentales), siendo el 5% restante debido a causas naturales (rayos). En correspondencia lógica, se podrían clasificar respectivamente en evitables (mediante acciones individuales o políticas forestales) e inevitables.

    8) Los pinos no son el motivo de que los montes ardan

    En ningún caso el origen de la masa (masas naturales o repoblaciones) o la especie (pinos y eucaliptos*) son motivos por los que los montes ardan. El incendio casi siempre lo provoca el hombre y todos los montes arden cuando las condiciones ambientales (humedad, temperatura y viento) son especialmente desfavorables. Desde el matorral al alcornocal e, incluso, la laurisilva canaria. La reiterada alusión en los medios de comunicación a las especies “pirófitas” desvía la atención sobre las causas reales.

    9) La concienciación ciudadana es la mejor prevención

    La mejor prevención es la concienciación ciudadana, en especial en lo que se refiere al uso del fuego en el medio agrícola (quema de rastrojos) y ganadero (eliminación o reducción de la talla del matorral y estímulo del rebrote herbáceo o leñoso). Esta es la principal causa de los incendios forestales (número de incendios).

    10) Hacer a los bosques más resistentes a la propagación del fuego

    Una vez concienciada la sociedad, la mejor forma de evitar los daños por incendios es mediante medidas de gestión –del paisaje y de la estructura de la vegetación– que, una vez iniciado el fuego, hagan a los bosques más resistentes a la propagación.

    11) Los montes de Soria, el mejor ejemplo de gestión forestal

    Se debe estimular el consumo de productos forestales. Los montes gestionados que producen beneficios a sus propietarios se queman menos. Soria es el mejor ejemplo.

    12) El gasto de las administraciones en medios de extinción

    No se dispone de información relativa a lo que gastan las administraciones (central, autonómicas y locales) en medios de extinción (brigadas, helicópteros y aviones), pero acusar a las administraciones -las únicas que invierten, poco o mucho, en prevención y en extinción- de haber reducido sus asignaciones presupuestarias es desviar la atención sobre los verdaderos problemas vinculados a los incendios. En 2012 el Ministerio puso a disposición de las Comunidades Autónomas 62 aeronaves y 500 personas, los mismos medios que en 2009.

    13) El esfuerzo económico en extinción no debe aumentar

    El esfuerzo económico en medios de extinción en los últimos años ha sido extraordinario y no debe aumentarse (probablemente tampoco se pueda). La inversión en medios de extinción es una política de corto plazo y los montes necesitan políticas integradas y a largo plazo que se centren en la eliminación de las causas de los incendios.

    14) Objetivo: reducir número de incendios y minimizar su gravedad

    La supresión total de la ocurrencia de incendios forestales en el área mediterránea en la que vivimos no es posible así que debemos trabajar en la prevención (concienciación), lo que reducirá su número, y en la gestión integral (paisajes discontinuos, compartimentados, y con menos biomasa por su aprovechamiento). para minimizar su gravedad

    Día Mundial del Turismo 2012

    26/09/2012, El Día Mundial del Turismo (DMT) de 2012 se celebra el 27 de septiembre bajo el lema de “Turismo y sostenibilidad energética: propulsores del desarrollo sostenible”.

    Madrid, 26 de septiembre de 2012.

    La celebración tiene lugar en un momento de crecimiento del turismo mundial, pese a divosos problemas sociopolíticos, especialmente en los países árabes. En el primer semestre de 2012, se registraron 467 millones de llegadas de turistas internacionales, una cifra sin precedentes, que consolida firmemente las previsiones de alcanzar los mil millones para finales de año, según los datos de la Organización Mundial del Turismo (OMT)

    Precisamente, las celebraciones oficiales de la Organización Mundial del Turismo tendrán lugar este año en Maspalomas, Islas Canarias, un archipiélago que ha tenido dificultades, primero por una explosión volcánica submarina que retrajo la actividad turística en la Isla del Hierro, y luego por el incendio en la Isla de La Gomera, que dañó un espacio ecológico de primera magnitud, el bosque de laurisilva. Además, el propio futuro turístico de las islas peligra, de consolidarse el interés del Gobierno español por permitir la explotación petrolífera de la zona.

    El lema de este año tiene por objeto destacar el papel del turismo en un futuro energético más esperanzador, un futuro en el que la totalidad de la población mundial tenga acceso a servicios energéticos modernos, eficientes y asequibles.

    El turismo es uno de los sectores económicos de mayor volumen del mundo que ha dado ya pasos importantes en este sentido, mejorando la eficiencia energética e incrementando el uso de las tecnologías vinculadas con la energía renovable en sus operaciones. Estos pasos están creando empleo, ayudando a muchas personas a salir de la pobreza y contribuyendo a proteger el planeta, según estima la Organización Mundial del Turismo.

    El Día Mundial del Turismo se celebra cada año el 27 de septiembre. Su objeto es fomentar la sensibilización entre la comunidad internacional respecto a la importancia del turismo y su valor social, cultural, político y económico. El evento intenta contribuir a afrontar los retos mundiales señalados en los Objetivos de Desarrollo de las Naciones Unidas para el Milenio (ODM) e incidir en la contribución que puede aportar el sector turístico para alcanzar estos objetivos.

    Ban Ki-moon, Secretario General, Organización de la Naciones Unidas, declaró en un comunicado con motivo de esta celebración que la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Desarrollo Sostenible (Río+20) destacó que el turismo, cuando se diseña y se gestiona bien, puede contribuir significativamente a la dimensión económica, social y ambiental del desarrollo sostenible. “Cientos de millones de personas de todo el mundo dependen de ingresos procedentes de este sector con una alta demanda energética. La energía sostenible permitirá que el turismo continúe su expansión, a la vez que mitigará sus efectos sobre el medio ambiente”.

    Ideas para un turismo mas sostenible (Fuente: Fundación Biodiversidad):

    - Al planificar tu viaje, elige aquellos proveedores que ofrezcan garantías de calidad y respeto a los derechos humanos y al medio ambiente.

    - Utiliza los recursos naturales como el agua y la energía con moderación.

    - Intenta minimizar la generación de residuos. Y al deshacerte de ellos, hazlo de la manera más limpia.

    - En un espacio natural intenta que la única huella que dejes atrás sea la de tu calzado.

    - Si visitas ecosistemas sensibles, como selvas o arrecifes de coral, infórmate de cómo hacerlo para causar el menor impacto posible y no degradarlos.

    - Al comprar regalos o recuerdos, busca productos que sean expresión de la cultura local. Favorecerá la economía de los pueblos y la diversidad cultural.

    Primera edición de Open Studio

    25/09/2012, Treinta y ocho estudios madrileños abren sus puertas de forma simultánea para que los visitantes puedan contemplar las obras de artistas jóvenes y consagrados.

    Madrid, 25 de septiembre de 2012
    Del 4 al 7 de octubre Madrid celebra la nueva cita del arte contemporáneo: Open Studio, que nace con vocación de promocionar y difundir las artes plásticas y completar la oferta artística de Madrid, ciudad emblemática de creación y exhibición.

    Setenta y siete artistas de once países diferentes, jóvenes promesas y artistas consagrados participan en la primera edición de Open Studio, una iniciativa privada que ha cosechado gran éxito en ciudades como Londres, Nueva York, San Francisco, Hong Kong, Ámsterdam o Berlín

    Para poder asistir a Open Studio los visitantes deberán inscribirse previamente en la web www.openstudio.es y recibirán una invitación con la que tendrán acceso a los diferentes espacios, cuyo aforo es limitado. Además, podrán consultar un mapa de Madrid que incluirá la situación de los estudios por zonas, mapa que también se distribuirá en cada estudio, en las galerías, fundaciones, museos, centros de arte colaboradores y en las oficinas de Turismo.

    Durante cuatro días los visitantes pueden descubrir la forma y proceso de trabajo de los artistas y el entorno en el que lo hacen. Pero la esencia de esta iniciativa es la promoción y difusión de los artistas que trabajan en Madrid. Por primera vez interactúan directamente con su público, los profesionales y coleccionistas, tanto nacionales como extranjeros, y con todos los interesados en el arte contemporáneo.

    Un total de setenta y siete artistas de once países han sido los seleccionados este año entre los que cabe destacar a Darío Villalba, Chema Madoz, Mateo Maté, Abraham Lacalle, Alicia Martín o Marina Núñez. Entre los participantes nos encontraremos con artistas creadores de otros diez países extranjeros con estudio en la capital, Open Studio cuenta con artistas de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Ecuador, Francia, Grecia, Japón, México y Venezuela.

    Además de poder visitar los estudios se han organizado múltiples actividades paralelas como charlas, coloquios con artistas, presentaciones de obra y de artistas invitados, conciertos en directo, intervenciones en vivo, talleres específicos, performances y exposiciones, todas estas actividades tendrán lugar en los estudios y son gratuitas.

    Retratos. Obras maestras. Centre Pompidou

    25/09/2012, Fundación Mapfre presenta una muestra que podrá visitarse en las Salas Recoletos, en el Paseo de Recoletos, 23, en Madrid, desde el 26 de septiembre hasta el 6 de enero de 2013.

    Madrid, 25 de septiembre de 2012
    La exposición propone un variado recorrido por el complejo y rico género del retrato en los distintos movimientos artísticos del siglo XX, a través de una exquisita selección de 80 obras maestras de algunos de los grandes artistas que forman parte de las colecciones del Musée National d’Art Moderne-Centre Pompidou (MNAM-CP) de París.

    El retrato es un género que constituye una de las líneas transversales de la historia del arte. No sólo ha sido receptivo a los descubrimientos formales a partir de las vanguardias históricas, sino que también ha servido de objeto de reflexión sobre la condición humana y la visión del otro, así como de la exploración de la esencia del propio artista.

    La muestra, comisariada por Jean-Michel Bouhours, conservador del MNAM-CP, abarca un periodo cronológico que se inicia con el retrato de Erik Satie, realizado por Suzanne Valadon en 1892-1893, y finaliza con The Moroccan, de John Currin, de 2001. Entre los artistas representados destacan Pablo Picasso, Francis Bacon, Henri Matisse, Robert Delaunay, Antonio Saura, Jean Dubuffet, Joan Miró y Amedeo Modigliani, cuyas obras completan un notable conjunto de óleos y esculturas de gran calidad, reunidas por primera vez en España.

    RETRATOS. OBRAS MAESTRAS. CENTRE POMPIDOU
    26 de septiembre de 2012 al 6 de enero de 2013
    Salas Recoletos, FUNDACIÓN MAPFRE. Paseo de Recoletos nº 23 (MADRID)
    Comisario Jean-Michel Bouhours, conservador del MNAM-CP
    http://www.exposicionesmapfrearte.com/retratos

    Fin de temporada en el Prado

    24/09/2012, Hasta el domingo 30 de septiembre aún se pueden visitar en el Museo del Prado las exposiciones de Murillo y Eduardo Arroyo.

    El próximo domingo, 30 de septiembre, se clausurarán las exposiciones “Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad” y “Eduardo Arroyo. El Cordero Místico” para dar paso a una nueva temporada expositiva que arrancará a finales del mes de octubre.

    Tras su exposición en el Prado, “Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad” se presentará en el Hospital de los Venerables en Sevilla a partir del 9 de octubre y viajará a la Dulwich Picture Gallery de Londres en febrero de 2013.

    La muestra reúne diecisiete obras tardías de Murillo, fruto de su relación con don Justino de Neve, canónigo de la catedral de Sevilla e importante mecenas y amigo personal del artista. Este excelente testimonio de algunos de los proyectos artísticos más importantes acometidos en Sevilla durante el siglo XVII ha contribuido significativamente a la investigación sobre el pintor, que en los últimos tiempos se ha centrado en su relación con sus mecenas, la evolución de su técnica, el coleccionismo de sus obras, y la definición de su catálogo.

    La exposición “Eduardo Arroyo. El Cordero Místico” plantea la reflexión del artista sobre el sentido contemporáneo de la obra de los hermanos Hubert y Jan van Eyck, conservada en Gante, elaborando una reinterpretación desprovista en palabras del propio artista, “de la imitación, de la copia, de la espiritualidad recargada que cae en lo grotesco, de la caricatura o de la crítica”.

    21 dibujos recrean los paneles del Cordero místico, 30 materiales preparatorios alrededor de los mismos y 3 piezas del artista. La muestra se completa con una pantalla interactiva que permite al visitante la comparación de los múltiples detalles y personajes de la tabla flamenca con la visión personal de esta obra creada por el artista madrileño.

    Con la muestra “El paisajista Martín Rico (1833-1908)” y “El joven Van Dyck”, la primera exposición que se le dedica al pintor flamenco en España, se abrirá la nueva temporada expositiva en el museo madrileño.

    "El paisajista Martín Rico (1833-1908)”
    30 de octubre de 2012 – 10 de febrero de 2013

    El Museo Nacional del Prado y el Meadows Museum de Dallas presentarán la primera exposición monográfica sobre Martín Rico, uno de los artistas más importantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XIX en España y pionero en la introducción del paisaje realista en este país.

    Una ocasión extraordinaria para contemplar y conocer un amplio número de obras del pintor, y para mostrar de modo completo su personalidad artística a través de las distintas etapas de su trayectoria. La exposición se expondrá después en el Meadows Museum de Dallas entre el 10 de marzo y el 7 de julio de 2013.

    “El joven Van Dyck”
    20 de noviembre 2012 - 3 de marzo 2013

    Centrada exclusivamente en su obra de juventud, se trata de una de las mayores exposiciones dedicadas al arte de Van Dyck en el mundo y la primera que se celebrará en España. Abarcará el periodo comprendido entre 1613, aproximadamente, cuando Van Dyck contaba 14 años de edad, hasta su marcha de Amberes a Italia en octubre de 1621.

    Compuesta por noventa pinturas y dibujos, la muestra permitirá estudiar en profundidad la carrera del joven artista y poner de relevancia que su talento precoz se manifiesta no sólo en la cantidad, sino también en la calidad sus obras.

    Vive la vendimia con las Rutas del Vino

    24/09/2012, Un total de 21 Rutas que ofrecen todo tipo de propuestas para participar en primera persona de un momento mágico en las tierras vitivinícolas, la vendimia.

    Conoce y participa en los primeros pasos del proceso de elaboración del vino, desde la recogida al pisado; descubre la cultura y estilo de vida de las comarcas vitivinícolas; o disfruta de suculentas catas y maridajes con las Rutas del Vino de España.

    21 Rutas y 21 territorios que articulan un modo de vida que tiene en el vino su razón de ser. Las Rutas del Vino de España se visten de gala para la vendimia, uno de los momentos más importantes para la elaboración de un buen caldo, donde tiene lugar la recogida de la cosecha con la que se prepararán los vinos de la temporada.

    Comenzamos el viaje en Murcia para aprender, gracias a la Ruta del Vino de Bullas y su Taller de Vendimia, todos los detalles de la cosecha: la recogida de la uva, la recepción y clasificación en bodega, el primer prensado... Paseos por viñedos, comidas campestres y una visita al Museo del Vino son otros imprescindibles del viaje, que se pueden combinar también con la Feria de la Tapa (del 28 al 30 de Septiembre) o el mercadillo de artesanía El Zacatín, el 7 de Octubre, dedicado a la vendimia y con demostraciones de despalillado y pisado de uva, así como degustación del primer mosto.

    Sin salir de la región, damos el salto a la Ruta del Vino de Jumilla, con diferentes propuestas, entre ellas las Jornadas Vendimia Abierta, todos los sábados de Octubre, a cargo de Bodegas Luzón, con actividades especialmente enfocadas a los niños para que comiencen a conocer y valorar esta cultura. Bodegas San Isidro, Hacienda El Carche y Viña Elena también disponen de distintas visitas y experiencias complementarias.

    En la Ruta del Vino del Marco de Jerez, el nacimiento del nuevo mosto es el protagonista de un amplio programa de actividades en el que confluyen propuestas culturales, musicales y gastronómicas, además de las tradicionales citas con el flamenco y el caballo.

    Dirigimos la vista hacia Galicia, donde la Ruta del Vino de Rías Baixas aglutina las propuestas de Bodegas Martín Códax, Pazo Baión, Bodegas La Val de Frades o Valmiñor, que abren sus viñedos a los visitantes permitiéndoles entrar en contacto directo con las labores del campo,o BodegasTerras Gauda,que pone a disposición del enoturista un autobús para no perder ni un detalle del trabajo que se realiza para la recolección de la uva. Para los más atrevidos, es posible vivir la vendimia bajo la luz de la luna y dormir en el interior de una bodega. Las localidades de Cambados, O Rosal y Sanxenxo dedican también curiosas fiestas al vino durante Septiembre y Octubre.

    En la Ruta del Ribeiro, las verdes parras sorprenden al visitante por su frescura y tonalidades. La vendimia allí puede seguirse tomando como punto de partida el Casal de Arman, un complejo enoturístico, enclave privilegiado y uno de los mejores miradores sobre el Valle de Avia, donde conocer cómo se realizan las tareas de la vendimia de forma totalmente artesanal. Y para un punto de vista contrapuesto, en el Coto de Gomariz se puede conocer el trabajo de una de las bodegas más vanguardistas de Galicia, que ajusta sus tareas a los calendarios biodinámicos y sigue una filosofía de máximo respeto por la naturaleza o ‘viticultura ecológica’.

    Hacia el oeste, la Ruta del Vino de Rioja Alavesa nos recibe con sorpresas, como la experiencia sensorial 4D ‘En Tierra de Sueños’, un viaje a la comarca de la mano de un ‘Vinfo’ o duende del vino en un cortometraje que ha recibido ya 12 premios internacionales por su calidad y originalidad. A las propuestas de bodegas como Sasazu, Campillo, Valdelana, Cvne o Eguren Ugarte, y los programas de Thabuca Servicios Turísticos para vendimiar en familia, hay que sumar el Enobús, el bus turístico del vino que conecta distintos puntos del País Vasco con Rioja Alavesa e incluye visitas, catas, degustaciones de vinos y gastronomía local, todo ello con la tranquilidad de no llevar vehículo propio.

    La Ruta del Vino de Navarra nos espera con sus propuestas para este tiempo de vendimia, con visitas especiales en Bodegas Macaya, Bodegas Máximo Abete o Señorío de Sarría, talleres gastronómicos y, en Bodega Pagos de Araiz, originales clases de yoga y tai chi al aire libre, trekking por el viñedo o paseos a caballo, así como recorridos por sus instalaciones llenas de obras de arte e imaginativas catas de sus vinos.

    A los pies del Pirineo aragonés nos recibe la Ruta del Vino Somontano, donde podremos participar en un taller sensorial donde las uvas y las características de sus variedades son las protagonistas. Organizado por Bodegas Meler, comienza con la recolección de diferentes racimos en el viñedo familiar, para pasar a la cata, degustación y comparación de los caldos monovarietales de esas mismas variedades. Además, en Bodegas Sers podremos dedicar una jornada a conocer los secretos de la elaboración más tradicional del vino.

    Y, sin salir de Aragón, la Ruta de la Garnacha ha desarrollado un amplio catálogo de actividades que presenta en el programa #Enoaventurate, con actividades que ligan la cultura del vino a otras disciplinas, como la astronomía, que incluye la observación guiada de los astros,talleres de construcción de un reloj solar o cuentacuentos de mitología griega para aprender a localizar las constelaciones. Además, actividades náuticas, como descenso del Ebro en piraguas, equitación entre viñedos, nordic walking, rutas en segway, orientación o rutas en 4x4. Todo ello en una perfecta fusión la historia y el patrimonio, para comprender cómo se ha elaborado el vino a partir de la Garnacha a lo largo de los siglos.

    Cerramos este recorrido con la Ruta del Vino del Penedès, que ofrece, entre otras, un suculento maridaje de vinos y queso, con alojamiento en la casa rural Ca La Florinda, en Bellvei del Penedès. Además, programas relajantes y románticos para hacer en pareja de la mano de la empresa Cava Emotions, que combinan visitas a bodegas con estimulantes masajes de cavaterapia y gastronomía local. También encontraremos visitas especialmente diseñadas para familias y catas a pie de viñedo de más de 25 variedades de uva maridadas con cava.

    La Asociación Española de Ciudades del Vino agrupa a más de 70 localidades que tienen como común denominador la gran importancia del vino en su economía, cultura, patrimonio y desarrollo. Con el apoyo de la Secretaría de Estado de Turismo y el Ministerio de Medio Ambiente y Medio Rural y Marino, ACEVIN trabaja por la promoción del turismo vitivinícola a través del Club de Producto ‘Rutas del Vino de España’, iniciativa que reúne actualmente a 21 Rutas. Bullas, Jumilla, Caminos del Vino de La Mancha, Marco de Jerez, Garnacha-Campo de Borja, Lleida–Costers del Segre, Montilla-Moriles, Navarra, Penedès, Rías Baixas, Ribeiro, Ribera de Duero, Rioja Alavesa, Somontano, Tenerife, Utiel-Requena y El Bierzo son las 17 rutas certificadas, mientras Alicante, Condado de Huelva, Ribera del Guadiana y Rioja Alta están en proceso de certificación.

    www.wineroutesofspain.com

    Nuevos geoparques del mundo

    23/09/2012, España, Hungría, Indonesia y China suman parques geológicos a la Red Mundial de Geoparques, según se acordó en una reunión celebrada en Arouca (Portugal)

    Arouca (Portugal), 23 de septiembre de 2012

    Esta Red Mundial, creada en 2004 bajo los auspicios de la UNESCO, reúne sitios del patrimonio geológico caracterizados por su importancia internacional, su excepcionalidad y su extraordinaria belleza, en los que dicho patrimonio se aprovecha para promover el desarrollo sostenible.

    En 2012 la Red cuenta con 89 miembros en 27 países y trabaja para fomentar la cooperación entre expertos y profesionales del patrimonio geológico. También promueve sensibilización a los riesgos geológicos a fin de atenuar las catástrofes naturales, luchar contra el cambio climático y a la necesidad de llevar a cabo una gestión sostenible de los recursos naturales de la Tierra.

    Los sitios a los que se confiere la denominación de Geoparque Mundial cuentan con una estructura de gestión eficiente y un perímetro claramente delimitado. Además, su superficie es lo suficientemente vasta como para permitir el desarrollo económico sostenible de la zona en que están emplazados, esencialmente gracias al turismo.

    La Red cuenta ahora con 91 geoparques diseminados en 27 países, sus nuevos sitios son:

    Geoparque de la Cataluña Central (España)

    La zona abarcada por este geoparque es la misma que compone el “Parque Geológico y Minero de la Cataluña Central”. Su geodiversidad es importante y cuenta con elementos de interés notable para la estratigrafía, la sedimentología, la tectónica, el estudio de los sistemas cársticos, la paleontología y la paleoantropología. Los vestigios de fauna hallados en las rocas sedimentarias ofrecen múltiples ejemplos de la rica biodiversidad de las eras geológicas de nuestro planeta. Los fósiles más conocidos y abundantes son los de especies marinas que vivían en el mar cálido y poco profundo que cubría la región unos 55 millones de años atrás. Los elementos geodinámicos y mineros del sitio forman parte de una de las áreas de minas de sal de potasio más vastas de Europa: la cuenca potásica catalana. El geoparque ofrece uno de los mejores ejemplos del mundo de sedimentación de rocas evaporíticas en un contexto dinámico, esto es, de depósitos sedimentarios resultantes de la evaporación del agua del mar. El patrimonio legado por la minería es importante. La explotación de la halita, más comúnmente conocida como sal gema, se inició en esta región en el Neolítico y prosiguió hasta los tiempos del Imperio Romano. Algunas actividades tradicionales, como los hornos de cal y la alfarería, representan atracciones turísticas considerables.

    Geoparque de Sanqingshan (República Popular de China)

    El Geoparque de Sanqingshan abarca un macizo montañoso situado al sudeste de China, en la Provincia de Jiangxi. Es notable por la abundancia de sus afloramientos geológicos y por la existencia de formaciones terrestres predominantemente graníticas, típicas de este sitio y conocidas por el nombre de “bosques de picos de granito de Sanqingshan”. La excepcional belleza y la importancia científica del sitio, cuyas formaciones geológicas se remontan a mil millones de años atrás, ya fueron reconocidas universalmente en 2008, año en que se inscribió en la Lista del Patrimonio Mundial. La excepcionalidad del geoparque de Sanqingshan radica en el extraordinario conjunto formado por su geomorfología granítica, su topografía, su flora y su fauna. Su historia cultural, que abarca un periodo de 1.600 años, es un notable ejemplo de la coexistencia armoniosa del hombre con la naturaleza, propiciada por la cultura taoísta tradicional. Los poetas han descrito Sanqingshan como “morada de las nubes y galería de pinos y rocas fantásticas”. El sitio, además de haber inspirado las obras de numerosos pintores, fotógrafos y escultores, se considera es la cuna del género operístico gan y de la danza popular con faroles.

    Geoparque Mundial de Bakony-Balatón (Hungría)

    El Geoparque de Bakony-Balatón se halla al oeste de Hungría, en la parte noroccidental de la Cuenca Carpática centroeuropea, y está rodeado por pliegues montañosos de formación reciente. El sitio engloba la mayor extensión lacustre de Europa Central, el Lago Balatón, conocido también por el nombre de “Mar de Hungría”. El geoparque es un exponente notable del valor geológico de la región, atestiguado por la extraordinaria diversidad de sus farallones abruptos, fuentes termales, volcanes y columnas basálticas, así como por la variedad morfológica de sus diferentes formaciones geológicas. Cuenta con rocas cristalinas antiguas, cuya formación se remonta a varios centenares de millones de años atrás, y también con formaciones rocosas más recientes, entre las que figuran sucesiones de capas de carbonatos triásicos alpinos con abundantes vestigios fósiles. En el geoparque se pueden encontrar rocas de los periodos Jurásico y Cretáceo con huellas de dinosaurios, así como formaciones cársticas tropicales en forma de torre. Los sedimentos antiguos del lago contienen diversas especies endémicas de moluscos, lo cual es un fenómeno único en la historia geológica de los sedimentos lacustres. En los desfiladeros y mesetas kársticas del geoparque hay unas 700 grutas, centenares de pozos, 1.600 manantiales de agua dulce y un laberinto subterráneo de aguas termales de 9 kilómetros de longitud en el subsuelo de una ciudad. Además de todas estas maravillas geológicas, el sitio cuenta con el patrimonio legado por 5.000 años de asentamientos humanos en la región.

    Geoparque de Batur (Indonesia)

    El Geoparque de Batur se halla al nordeste de la isla de Bali, en el centro de dos calderas concéntricas originadas por dos grandes cráteres volcánicos cuya formación se remonta a unos 22.000 años atrás. El Monte Batur es un volcán que forma parte del “Cinturón o Anillo de Fuego” del Pacífico y de una larga cadena de volcanes activos similares existente en Indonesia. La región presenta una topografía macrovolcánica y microvolcánica modelada por las erupciones a lo largo de miles de años. El Batur es un estratovolcán formado por capas alternas de rocas piroclásticas y de corrientes de lava. Las dos erupciones cataclísmicas de su historia geológica formaron las asombrosas paredes de las dos calderas que albergan hoy un lago volcánico de aguas profundas. El cono activo del Batur ha entrado en erupción veintidós veces por lo menos desde los inicios del siglo XIX. Si bien es cierto que la isla de Bali cuenta con numerosos atractivos naturales y culturales para el turismo, este volcán es único en su género debido a sus características geológicas excepcionales y su espléndido paisaje. En el plano cultural, el sitio del geoparque ofrece todo un muestrario de las costumbres locales, sumamente peculiares, vinculadas a la religión hinduista del pueblo balinés

    Praga, más accesible

    23/09/2012, Praga está llevando a cabo diversas acciones para poder hacer de la ciudad un lugar accesible para todos, informa Turismo Checo.

    Praga, 23 de septiembre de 2012

    En el aspecto legal, la ley exige ahora que en todos los nuevos edificios se construyan accesos y rampas para sillas de ruedas.

    También en el transporte, esencial para la vida diaria y más aún si la estancia en la ciudad es por turismo, destaca la iniciativa de Praga a la hora de hacerlo accesible, ya que cuenta con 22 estaciones de metro preparadas, muchas de ellas céntricas, líneas de autobuses, como la 1 y la 3, taxis y minibuses especiales para personas con problemas de movilidad, además de una Web en la que obtener toda la información al respecto: http://www.dpp.cz/en/barrier-free-travel/.

    Muchas de las avenidas y calles de la ciudad de Praga son ya peatonales, y plazas como la de la Ciudad Vieja cuentan con accesos especiales.

    Cada vez son más los centros públicos, museos, galerías, teatros y más edificios que tienen una excelente accesibilidad para gente con problemas de movilidad. Y ya no sólo para acceder a los edificios, sino una vez dentro de ellos, o cuentan con plataformas o con ascensores para poder visitarlos cómodamente.

    La agencia www.accessibleprague.com está especializada en turismo accesible en la capital checa y ofrece, además de mucha información útil, un servicio de asistencia personal.

    Por su parte muchos hoteles son accesibles, como el Barceló Old Town, el Julis, el Jalta o el Corinthia, por citar algunos; todos ellos ofrecen buenas opciones para disfrutar sin problemas de la estancia, en esta histórica urbe.

    Junto con el centro histórico de Telc y Cesky Krumlov, el centro de la ciudad de Praga fue el primero en entrar en el listado de Patrimonio de la UNESCO en República Checa. Construido entre el siglo XI y XVIII, este núcleo ofrece excelentes muestras de arquitectura y arte.

    A unos 300 kilómetros de Viena, 400 de Berlín, 1.000 de París y 2.300 de Madrid se Praga es una ciudad que conserva un notable sabor.

    Guía de la ciudad: Praga en guiarte.com

    Vuelve el tren Al Andalus

    22/09/2012, El Tren Al Andalus reinició en Sevilla la temporada, tras un parón estival, así planificado para evitar unos meses excesivamente calurosos.

    Sevilla, 22 de septiembre de 2012.

    El tren de viajeros más largo de España reinició el pasado dia 16 sumarcha con 60 pasajeros a bordo, llegados de diferentes países para disfrutar de una joya del clasicismo ferroviario y de una ruta ya clásica, con paradas en Sevilla, Córdoba, Baeza, Úbeda, Granada, Ronda, Cádiz, Jerez, Sanlúcar de Barrameda y el Parque Nacional de Doñana.

    La temporada 2012, que finaliza a mediados de diciembre, arroja unos datos de ocupación del 92%. La próxima temporada dará comienzo en marzo de 2013 y la previsión es que no cuente con intermedio estival con la idea de aprovechar esta época del año para realizar el Itinerario Ibérico, un recorrido por las ciudades monumentales del norte de España que comenzaría en Madrid y se extendería por Segovia, Ávila, Salamanca, Burgos, Atapuerca, Haro y sus bodegas, Pamplona y Zaragoza, ciudad de destino tras 6 días y 5 noches de periplo ferroviario.

    Tras casi dos décadas prestando un servicio de alta calidad y ocho años en vía muerta, el Al Andalus vuelve a rodar tras una profunda remodelación emprendida por Feve, empresa líder en la puesta en marcha y explotación de productos turísticos ferroviarios.

    La combinación de refinamiento estético, comodidad, gastronomía y su atractiva galería de destinos hacen que el viajero se sienta como en un hotel de primera clase en el que recibe las mejores atenciones, factor sobre el cual se asienta la reputación inter¬nacional de los trenes turísti¬cos de Feve.

    En la tripulación figuran ca¬mareros, literistas, técnicos de mantenimiento, vigilantes de seguridad, ma¬quinistas, con¬ductores de auto¬car, azafatas, guías acompa¬ñantes, guías locales para las visitas, servicio de cocina… todos bajo la dirección de un jefe de expedición responsable de la atención al cliente y de la marcha del convoy.

    El Tren Al Andalus tiene una capacidad máxima de 64 viajeros distribuidos en 12 suites estándar y 20 suites superior. Cinco de los coches suite se construyeron en Francia a finales de la década de 1920 y fueron utilizados por la monarquía británica para sus desplazamientos vacacionales entre Calais y la Costa Azul. Su espíritu “Belle Époque” ha sido respetado en cuanto decoración y ambiente, y los nuevos añadidos afectan sobre todo a la introducción de avances técnicos de última generación.

    El tren consta, además, de cuatro coches salón, verdaderos tesoros ferroviarios de los años veinte del siglo pasado destinados al ocio común de los viajeros. Hay dos coches-restaurante, Alhambra y Gibralfaro; un coche-bar, Giralda; y un coche-salón de té, Medina Azahara. Todos están climatizados y abiertos las 24 horas del día para que los clientes dispongan de ejemplares de los medios de comunicación, biblioteca, televisión y conexión a Internet.

    Próximas salidas desde Sevilla, en 2012:

    23 y 30 de septiembre

    • 7, 14,21 y 28 de octubre

    • 4, 11, 18 y 25 de noviembre

    • 2 de diciembre

    Erwin Wurm

    22/09/2012, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la muestra Am I a house? de Erwin Wurm, en la mayor exposición del artista austriaco presentada hasta ahora en España.

    Málaga, 22 de septiembre de 2012

    Para esta exposición se utilizan distintos espacios del Centro: la Sala Central alberga una de sus instalaciones, el Espacio Proyectos acoge esculturas y en el Espacio 5 se proyecta un vídeo.

    En torno a la instalación, que es una casa, están las esculturas realizadas expresamente para esta exposición y que son objetos cotidianos y edificios deformados hasta quedar casi irreconocibles. Con un tono, a veces irónico y otras veces crítico, Erwin Wurm quiere resaltar la saturación de mensajes en la sociedad actual, influenciados por los medios y la publicidad, y el valor exagerado que se le concede a la imagen.

    El Foro Cultural de Austria ha colaborado en esta exposición, que se presente entre el 21 de septiembre y el 11 de noviembre.

    Esta cita recoge la percepción de artista austriaco sobre su propio trabajo. Jugando siempre con la realidad y la ficción, imagina e interviene en espacios, objetos, edificios e incluso personas con formas y posiciones nada convencionales. Con el título de Am I a house? el artista ha ideado un discurso a través de la pieza central (The Narrow House, 2010) en el que expone diversos objetos cotidianos, pero deformados o con usos muy distintos a aquellos para los que fueron concebidos. Algo parecido a lo que le sucede al cuerpo humano: con el paso de los años cambian su aspecto y forma física.

    En su trabajo, Erwin Wurm ha empleado materiales diversos y con diferente intencionalidad, pero con el denominador común de resaltar lo efímero de lo material y las formas. Así, ha creado un conjunto de esculturas que se expondrán por primera vez en el CAC Málaga y que son maquetas de edificios, casas o pedestales hechos con polyester, bronce o aluminio (por ejemplo: Small Silver House II, 2012 o Liegen auf Haus Extrau, 2012). En la misma sala de exposición se va a proyectar el vídeo BEAT and TREAT (2012), en el que el artista va a mostrar el proceso creativo de estas piezas, en algunos casos, golpeando sobre ellas una vez que parecen estar finalizadas hasta dejarlas completamente destruidas.

    Erwin Wurm (1954) vive y trabaja en Viena. Empezó a estudiar arte con la intención de ser pintor, pero tras hacer el examen de ingreso, se decantó por la escultura. Se ha formado en la Academia de Artes Aplicadas de Viena y la Academia de Bellas Artes de Viena. Además, ha colaborado con diseñadores, como Walter van Beirendonck en 2011, y con grupos de rock, como Red Hot Chilli Pepper en 2003.

    Entre sus exposiciones individuales más importantes hasta la fecha destacan la que tuvo lugar en la Bass Museum of Art de Miami en 2011; Selbstportrait als Essiggurkerl, Museum der Moderne Salzburg de Austria en 2010; Keep a Cool Head, Central House of Artist de Moscú en 2008; Musée des Beaux-Arts de Rouen (Francia) en 2007; Erwin Wurm – New Sculptures, Baltic Centre for Contemporary Art de Newcastle en 2006; MACRO en el Museo d’Arte Comtemporanea de Roma y I love my time, I don´t like my time en el Contemporary Art Center de Cincinnati en 2005; Photo and Video Sculpture by Erwin Wurm en la Kvadra T Gallery de San Petesburgo en 2004; One Minute Sculptures en el ACCA Australian Center for Contemporary Art de Melbourne en 2003; Centre National de la Photographie de Paris en 2002; Performance Drawings, Drawing Center de Nueva York en 2001 y The Photographers Gallery en Londres en 2000.

    Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos como el de Queensland Art Gallery de Australia, Vancouber Art Gallery en Canadá, Centre Pompidou de Paris en Francia, MAMbo, Museo d`Arte Moderna di Bologna en Italia, National Museum of Art de Osaka en Japón y Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York en USA, entre otros.

    Arquitectura habitada

    20/09/2012, El Guggenheim Bilbao presenta, del 20 de septiembre de 2012 al 19 de mayo de 2013, “Arquitectura habitada”, una muestra en torno al concepto de arquitectura.

    Bilbao, 20 de septiembre de 2012
    Se trata de arquitectura entendida en los términos que planteó en 1881 William Morris, impulsor del movimiento Arts and Crafts: “todo el ambiente físico que rodea la vida humana: no podemos escaparnos de la arquitectura mientras formemos parte de la civilización, porque la arquitectura representa el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en la superficie terrestre, para satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el puro desierto”.

    Por tanto, el Guggenheim se acerca a una arquitectura que abarca no sólo los edificios o construcciones habitables, sino las ciudades, mobiliario y, en definitiva, todo aquello creado por la mano del hombre.

    La exposición incluye seis obras pertenecientes a la colección del museo, de cinco artistas internacionales que reflexionan en torno a la ocupación del espacio: Liam Gillick; Doris Salcedo; Mona Hatourm; Pello Irazu y Cristina Iglesias.

    En la sala 303 se expone la obra “¿Cómo te vas a comportar? Un gato de cocina habla” producida originariamente para el pabellón alemán de la Bienal de Venecia de 2009 por el artista británico Liam Gillick (Aylesbury, 1964) y donada al Museo Guggenheim Bilbao.

    Esta instalación consta de una cocina modular realizada en madera de pino, basada en la cocina Frankfurt, diseñada en los años veinte por la arquitecta y activista antinazi Margarete Schütte-Lihotzky para un complejo de viviendas sociales. En este trabajo, Liam Gillick evoca la utopía moderna del acceso al diseño de calidad y el discurso moderno sobre el espacio habitable, temas recurrentes en su trayectoria artística. Dentro de la instalación, un gato disecado, sentado sobre uno de los módulos, habla al observador de encuentros, relaciones; utopía y melancolía; sueños y desilusiones; el paso del tiempo y la transformación, llenando de sonido el espacio expositivo y la mente del espectador.

    La sala 302 acoge dos obras de Cristina Iglesias y la escultura Sin título (2008) de Doris Salcedo (Bogotá, 1958). El trabajo de la artista colombiana es parte de una serie, aún en curso, iniciada en 1989; la más extensa hasta la fecha. Se trata de un amplio conjunto de ensamblajes en los que el mobiliario doméstico se utiliza como vehículo para explorar la convulsa historia política de su Colombia natal: “todas las obras que he hecho hasta ahora contienen evidencias de primera mano de una víctima real de la guerra en Colombia".

    En la pieza de Doris Salcedo el mobiliario envejecido por el uso se combina de forma híbrida y dislocada, sus cavidades y superficies fraccionadas se recubren de hormigón; a través de sus cualidades materiales, las formas resultantes funcionan como testigos mudos de experiencias traumáticas, tanto personales como colectivas.

    Frente a ella se presenta la obra Sin título (Celosía II, 1997) de la artista vasca Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) en la que reinterpreta el característico enrejado de los confesionarios de las iglesias católicas o de los serrallos musulmanes, pervirtiendo su funcionalidad al impedir que este objeto escultórico pueda ser habitado y, por lo tanto, planteando una visión desierta y unidireccional del exterior al interior de la misma. Estas limitaciones incomodan nuestra curiosidad, plantean una ausencia de interlocutor y, como el título indica con el doble significado de la palabra celosía, nos habla de deseos no cumplidos, recelos e inquietudes y anhelos no correspondidos.

    También de Cristina Iglesias, la obra Sin título (Habitación de alabastro, 1993), suspendida de la pared, presenta una arquitectura abierta y translúcida, en la que el espectador se ve protegido por la consistencia y fragilidad del alabastro. Este delicado y firme refugio nos pone en relación con el entorno, lo modifica y se ve modificado por las condiciones del mismo; la única limitación es la de nuestra historia personal.

    La obra Hogar (Home, 1999) de la artista británica de origen libanés Mona Hatoum (Beirut, 1952), que ocupa la sala 301 del Museo, se compone de una mesa sobre la cual reposan varios utensilios de cocina conectados entre sí mediante pinzas y cables de metal , que a su vez están enchufados a una toma de corriente.

    A través de un programa informático la electricidad alimenta pequeñas bombillas ocultas bajo algunos de los objetos a frecuencia e intensidad variables, mientras el zumbido de la corriente eléctrica se amplifica mediante altavoces. El conjunto queda acotado con una serie de cables de acero horizontales que separan al espectador de estos objetos potencialmente letales. En esta instalación, Mona Hatoum, al igual que en otras obras claves de su trayectoria artística, genera un escenario inquietante y amenazador que contrasta con la imagen de confort y seguridad que acompaña al espacio de lo doméstico e incide en una de sus principales constantes: el deseo de activar una respuesta emocional en el espectador a través de la creación de entornos a medio camino entre la atracción y la repulsión, entre lo conocido y lo extraño.

    Por último, el artista guipuzcoano Pello Irazu (Andoain, 1963) transforma el espacio expositivo con Formas de vida 304 (Life Forms 304, 2003). La arquitectura de la galería 304 forma parte de la instalación mediante una pintura mural que rodea al espectador a modo de pentagrama, modificando nuestra percepción del espacio. Mientras tanto, el objeto construido, que ocupa el espacio central de la sala, se convierte en un refugio intransitable y de apariencia inestable.

    Todas las arquitecturas tienen su historia -de lo doméstico o de lo público, del ser humano aislado o en grupo- pero es siempre una historia de la transitoriedad, de lo vivido en un determinado momento o que está a punto de escenificarse en la visita a esta exposición.

    La exposición se complementa con una selección de audiovisuales, que se podrán contemplar en el pasillo de salida de la galería 303, que tienen como objetivo ilustrar la trayectoria creativa de los cinco artistas presentes en la muestra y las prácticas previas que dieron lugar a sus obras.

    Conversaciones: Jesús del Pozo

    20/09/2012, El Museo del Traje de Madrid organiza un encuentro-homenaje a la figura del desaparecido diseñador de moda Jesús del Pozo.

    El Museo del Traje presenta Conversaciones: Jesús del Pozo, un encuentro directo entre los asistentes y los invitados a la mesa redonda en el que se reflexionará sobre el hombre y el artista, sobre el creador universal; se analizará la figura de Jesús del Pozo en esencia, y todo aquello que le completaba: sus amigos, el arte, España, el silencio, génesis de su obra y de la austeridad que le caracterizó siempre, esencia de su verdad estética.

    Una aproximación a sus procesos creativos, a su plástica, a su armonía estética, a lo depurado de sus formas...; en resumen, a la sencillez, naturalidad y elegancia que respiran cada uno de sus trabajos.

    El evento, que tendrá lugar el próximo 3 de octubre a las 19:00, consistirá en una presentación de la obra de Jesús del Pozo, a la que seguirá una mesa redonda en la que participarán algunas de las personas que mejor lo conocieron.

    Conversaciones: Jesús del Pozo
    3 de octubre de 2012. 19:00 horas
    Museo del Traje. CIPE
    Avda. Juan de Herrera, 2. Madrid

    Ártico deshelado

    20/09/2012, El pasado 16 de septiembre se ha alcanzado un nuevo mínimo histórico de hielo en el Ártico, según fuentes estadounidenses.

    Nueva York, 20 de septiembre de 2012
    El Centro Nacional de Datos de Nieve y Hielo de EE.UU. (NSIDC) informó que en esa fecha, la cubierta helada se redujo a 3,41 millones de kilómetros cuadrados, una reducción de al menos un 45% desde que comenzaron las mediciones en 1979.

    El récord de años anteriores ya se superó este año el pasado 26 de agosto, cuando la extensión del hielo marino del Ártico se redujo a 4,10 millones de kilómetros cuadrados. Esto a su vez suponía una extensión de 70.000 km2 por debajo de la que se registró el 18 de septiembre de 2007, que fue de 4,17 millones de km2.

    El director de este centro científico, Mark Serreze, reconoció que el planeta se calienta y los cambios más pronunciados se observan primero en el Ártico, pero advirtió que “pocos entre nosotros esperaban que fueran así de rápidos".

    "Lo que estamos viendo hoy en el Ártico es un momento histórico para la humanidad", ha declarado desde Nueva York Kumi Naidoo, director ejecutivo de Greenpeace Internacional. "En 30 años -añadió- hemos alterado la imagen que se percibía de nuestro planeta desde el espacio y, según los expertos, el Polo Norte podría quedar libre de hielo en verano en unos pocos años".

    Naidoo, que acaba de llegar del Ártico, ha participado como activista en varias acciones para detener la actividad una plataforma petrolífera rusa, apunta al sector de los combustibles fósiles como el principal culpable de esta crisis y recuerda que este sector

    Por su parte, Julienne Stroeve, científica investigadora del NSIDC actualmente a bordo del barco de Greenpeace Arctic Sunrise liderando una investigación al respecto, ha declarado que este récord de deshielo indica que "el Ártico puede haber entrado en una nueva era climática, en la que la combinación de una capa de hielo más fina y temperaturas más elevadas del aire y del océano impliquen una pérdida de hielo mayor cada año”

    Greenpeace inició el pasado mes de junio una campaña para proteger el Ártico a la que ya se han unido más de 1.800.000 personas para pedir que la zona deshabitada alrededor del Polo Norte sea declarada un santuario y que se prohíba realizar actividades industriales tan insostenibles como las perforaciones petrolíferas en el Ártico.

    Otoño en Vitoria-Gasteiz

    19/09/2012, Con la llegada del otoño, la naturaleza muestra su cara más colorida y bucólica. Disfruta de la estación en Vitoria-Gasteiz, European Green Capital 2012.

    Vitoria-Gasteiz, 19 de septiembre de 2012
    Las tonalidades ocres, propias de esta época del año, se van adueñando poco a poco de los parques y espacios naturales de Vitoria-Gasteiz que, durante 2012, ostenta el título de Capital Verde Europea.

    Se trata, por tanto, de un momento ideal para descubrir los numerosos atractivos de uno de los mejores ejemplos internacionales de desarrollo urbano sostenible.

    Para disfrutar de este fantástico espectáculo natural, el Gran Hotel Lakua (el único cinco estrellas de la ciudad), ha diseñado una serie de paquetes especiales, adaptados a todo tipo de viajeros.

    Visitas guiadas al casco medieval de Vitoria-Gasteiz; rutas por el Anillo Verde de la ciudad, visitando sus puntos emblemáticos, como los Humedales de Salburua o el Parque de Armentia; o paseos en bicicleta son algunas de las actividades que ha organizado el hotel. Una buena forma, sin duda, de recibir el otoño y disfrutar de los atractivos que la capital vasca alberga.

    Acércate a la ciudad, con la guía de Vitoria, en guiarte.com: http://www.guiarte.com/vitoria/

    Experimenta India

    19/09/2012, Los días 20 y 21 de septiembre se realizará la primera edición de esta muestra internacional de música, danza y teatralización de creadores contemporáneos indios y Europeos en Madrid.

    En esta muestra, producida por la Casa de la India, se podrá ver por primera vez en España, la fusión de virtuosos artistas indios y europeos. Una mezcla de sonidos y movimientos tradicionales, que transportará a los asistentes al corazón del país asiático.

    Se podrá apreciar al músico y compositor Ravi Prasad (radicado en Francia) creador de la llamada “polifonía india” que ha dado paso a innovaciones como la sinfonía Mythia, fusión de jazz, clásico y flamenco (presentado en su momento en la UNESCO y en el teatro Olimpia de París) con la actriz, bailarina y corógrafa española Mónica de la Fuente quien durante 7 años estudió danza clásica en el sur de la India y que posteriormente ha adaptado estos lenguajes a contextos contemporáneos con técnicas de teatro y danza contemporánea lo que le ha permitido su reconocimiento en países tan diversos como Francia, Estados Unidos o Inglaterra. Abrirán este evento el 20 de septiembre con un trabajo conjunto que se denomina “La voz del cuerpo”.

    El día 21 de septiembre le tocará al turno al conjunto “Circle of sound” formado por el intérprete de sarod (el laúd indio) Soumik Datta, (Bengala, India) que se une al percusionista Bernhard Schimpelsberger (Austria) para juntos indagar en los mundos de la música india y el teatro contemporáneo. Datta es considerado “el maestro británico del sarod” (Time Out). Es uno de los más aclamados artistas británicos- asiáticos de su generación y ha compuesto la banda sonora de películas como Life goes on (2010) y Tooting Broadway (2011) y ha colaborado con artistas como Talvin Singh, Akram Khan y Nitin Sawhney. Por su parte, el percusionista Schimpelsberger (aka Taalis) toca la batería como un virtuoso de la tabla y mezcla, sin costuras, ritmos indios y occidentales en un estilo de percusión único.

    Programa:

    20 septiembre
    "La Voz del Cuerpo" (música y danza)
    A cargo de Ravi Prasad y Mónica de la Fuente.
    La música y la danza de la India hacia un lenguaje contemporáneo. Un invisible hilo teje dos cuerpos en escena que vibran al unísono. La respiración se hace sonido, voz y canto, movimiento y gesto.
    Lugar: Teatro Fernando de Rojas. Círculo de Bellas Artes (Madrid)
    Hora: 20:00 h.
    Entrada: 15¤/12¤ Amigos Casa de la India, socios del CBA, socios FNAC, Tarjeta Joven y grupos a partir de 10 personas.

    21 septiembre
    "Circle of Sound" (música)
    A cargo de Soumik Datta y Bernhard Schimpelsberger.
    El intérprete de sarod Soumik Datta se une al percusionista Bernhard Schimpelsberger para transportar a los espectadores a un viaje asombroso de descubrimiento a través de la India y Europa. Circle of Sound es la historia de cómo dos hombres derrumban barreras culturales para encontrar un lenguaje musical infinito.
    Lugar: Teatro Fernando de Rojas. Círculo de Bellas Artes (Madrid)
    Hora: 20:00 h. Entrada: 15¤/12¤ Amigos Casa de la India, socios del CBA, socios FNAC, Tarjeta Joven y grupos a partir de 10 personas.

    Brian Duffy en Zaragoza

    19/09/2012, El Centro de Historias de Zaragoza presenta la primera retrospectiva en España del fotógrafo inglés Brian Duffy, hasta el 11 de noviembre de 2012.

    Dentro del marco de "Zaragoza Photo 12", el Centro de Historias de Zaragoza presenta la retrospectiva de Brian Duffy (Londres, 1933-2010), el hombre que cambió el rostro de la fotografía británica y europea gracias a su espíritu libre y rebelde.

    Esta exposición supone el redescubrimiento de las imágenes de un genio fotográfico que convirtió mediante sus instantáneas a los mitos de su época en imágenes clásicas de la historia de la fotografía. Jane Birkin, Jeane Shrimpton, John Lennon o Brigitte Bardot fueron algunas de las personalidades retratadas por Duffy.

    Durante los años 50, 60 y 70 Duffy produjo un extenso y extraordinario conjunto de obras que englobaba todos los géneros fotográficos, desde retratos a reportajes o anuncios publicitarios. La exposición, que se compone de más de un centenar de imágenes originales de Duffy, se estructura en varias secciones organizadas por los diferentes géneros tratados por el fotógrafo: "Rostros" (retratos de celebrities de la época), "David Bowie Series" (Aladdin Sane, Scary Monster, White Sand...), "Moda" (reuniendo los trabajos para Vogue, Elle France y otras publicaciones), y "Publicidad" (Benson & Hedges, Smirnoff, Konika, Johnny Walker, Pirelli y otras marcas).

    La muestra se complementa con textos del autor, varios audiovisuales, el documental que la BBC realizó sobre el artista antes de morir ("The Man Who Shot The Sixties"), una banda sonora que incluye piezas musicales de los grupos y solistas de la época dorada de Duffy y una zona de documentación que incluye cámaras originales del artista, pasaportes, hojas de contactos, manuscritos o revistas de la época con fotografías y anuncios del fotógrafo.

    Centro de Historias
    Plaza San Agustin, 2 - Teléfono: 976 721 885
    Hasta el 11 de Noviembre de 2012
    De martes a sábado de 10 a 14h y de 17 a 21h Domingos y festivos de 10 a 14h Lunes cerrado
    Organiza: Sociedad Municipal Zaragoza Cultural y Contemporánea
    Entrada Gratuita

    Crece el turismo mundial

    15/09/2012, El fuerte crecimiento del turismo chino y ruso está posibilitando un alza notable del turismo mundial, que en 2012 superará los mil millones de llegadas de turistas internacionales.

    Madrid, 15 de septiembre de 2012

    En lo que va de 2012, se consolida un crecimiento del turismo mundial, basado el alza del de turistas llegados al Sudeste Asiático, América Central y del Sur, y a la recuperación de Túnez y Egipto.

    La Organización Mundial del Turismo, ya ha dado las cifras del primer semestre de 2012, que son más elevadas de lo esperado en unos momentos de crisis económica y convulsiones políticas. En el primer semestre dl año se alcanzaron los 467 millones de llegadas de turistas internacionales, una cifra sin precedentes, que consolida firmemente las previsiones de alcanzar los 1000 millones en el ejercicio.

    Entre enero y junio de 2012, las llegadas de turistas internacionales aumentaron en todas las regiones.

    Asia y el Pacífico (+8 por ciento) experimentó el mayor crecimiento, gracias a la recuperación del turismo receptor y emisor japonés, así como a la firmeza y constancia del comportamiento de otros mercados emisores de la región.

    Los destinos de Asia meridional y del Sureste asiático (ambos +9 por ciento) arrojaron algunos de los mejores resultados a escala mundial. Si bien Asia se vio afectada por la crisis económica de 2008-2009 por sus fuertes vínculos con las demás economías, la región se recuperó rápidamente y es actualmente líder de la economía mundial. Ello se refleja claramente en sus cifras de turismo, afirma la Organización.

    Europa (+4 por ciento), el destino más visitado del mundo, consolidó su crecimiento récord de 2011, a pesar de la volatilidad económica constante de la zona euro.

    En Europa Central y del Este, los resultados se situaron por encima del promedio regional (+7 por ciento), y muchos destinos experimentaron incluso un aumento de dos cifras. Lo mismo ocurrió en Europa occidental (+5 por ciento). Por el contrario, en parte a causa de la recuperación de los destinos del Norte de África y Oriente Medio, la demanda en el Sur de Europa y el Mediterráneo (+1 por ciento) se desaceleró, aunque en el punto álgido de un año 2011 con cifras muy elevadas.

    Las cifras de las Américas (+5 por ciento) aumentaron en consonancia con el promedio mundial, registrándose los mejores resultados en América Central (+7 por ciento) y América del Sur (+6 por ciento).

    De hecho, el crecimiento en América del Sur ha sido uno de los más rápidos en estos últimos años. Los destinos de América del Norte registraron un incremento de un 4 por ciento, una tasa relativamente alta al tratarse de una subregión madura, mientras que en el Caribe (+5 por ciento) el crecimiento mantuvo su impulso, consolidándose así los resultados de 2011.

    En lo referente a África (+7 por ciento), el regreso de los flujos de turistas a Túnez se evidencia en los resultados de África del Norte (+11 por ciento). Asimismo, la recuperación de Egipto se refleja claramente en los resultados de Oriente Medio (+0,7 por ciento). Los destinos de África subsahariana (+6 por ciento) siguen mostrando una tendencia fuerte, acorde con los buenos resultados arrojados por esa subregión en años anteriores.

    No obstante, la región puede detener ese crecimiento por la inestabilidad que se observa, en torno a la situación de Siria y movimientos de intolerancia.

    En general, se registra una fuerte demanda de los mercados emisores tanto en el caso de economías emergentes como de economías avanzadas

    En términos de mercados emisores y entre los 10 países que más gastan en turismo internacional, el crecimiento fue notable en China (+30 por ciento), Federación de Rusia (+15 por ciento), Estados Unidos (+9 por ciento), Alemania (+6 por ciento) y Canadá (+6 por ciento).

    El aumento del gasto de Japón (+8 por ciento) en turismo internacional confirma la recuperación de ese importante mercado. Por otra parte, el incremento de los gastos en turismo fue comparativamente lento o negativo en el Reino Unido, Australia, Italia y Francia.

    En 2011, las llegadas de turistas internacionales alcanzaron los 990 millones (cifra actualizada). Con un crecimiento previsto de entre el 3 por ciento y el 4 por ciento en 2012, se espera alcanzar por primera vez el hito histórico de 1000 millones en diciembre de 2012.

    En 2011, los ingresos por turismo internacional, incluyendo transporte internacional de pasajeros (exportaciones del turismo) alcanzaron un total de 1,2 billón de dólares estadounidenses, es decir el 6 por ciento de las exportaciones mundiales.

    Tendencias del Turismo:

    El crecimiento del turismo se consolida. El sector se transforma en un potente eje económico mundial. Se ha pasado de 277 millones de turistas internacionales en 1980 a 528 millones en 1995 y se alcanzará en el 2012 la cifra de 1000 millones.

    • En las últimas décadas crecen los núcleos receptores de turismo masivo, aumentando la competencia con los destinos clásicos de hace medio siglo: Europa Occidental y EE.UU.

    • El crecimiento de economías emergentes potencia nuevos núcleo. El alza de China, por ejemplo, va a dar un protagonismo excepcional al sudeste asiático.

    • Las economías avanzadas crecen, pero con menor fuerza. Se calcula un crecimiento futuro del 4,4 por ciento de la emisión de turistas en países emergentes, hasta 2030, por un 2,2 por ciento en los avanzados.

    Inquietud por conflictos

    14/09/2012, La publicación de un video considerado blasfemo por sectores musulmanes ha reavivado la preocupación entre los turistas occidentales por la inseguridad en el Norte de Africa y Oriente Medio

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    Aunque el tema del video ha afectado espeiclmente a legaciones de EE.UU. en la zona, en medios diversos se teme una creciente inestabilidad, los países occidentales estudian reforzar las medidas de seguridad y alertan a los viajeros que acuden a esos lugares en los que existe manifiesta inestabilidad.

    En España, el ministro de Exteriores ha recordado a los turistas que antes de partir examinen las recomendaciones de los consulados sobre la situación en los distintos países.

    En el caso de Egipto, uno de los principales destinos se dice que es recomendable hallarse, en todo momento, debidamente documentado y disponer de los datos de la agencia de viajes y la embajada para contactar en caso de emergencia. También se recomienda suscribir una póliza de seguro de viaje antes de llegar al país.

    Exteriores sugiere encarecidamente evitar las zonas en las que se han registrado manifestaciones y actos de violencia asociados como la plaza de Tahrir, el Ministerio del Interior, la Oficina del Primer Ministro, la Corniche y la plaza de Abbaseya en El Cairo o las inmediaciones de edificios pertenecientes al Ministerio del Interior o la Policía en Alejandría, Suez, Port Said e Ismailia. Así como mantenerse alejado de las manifestaciones que puedan ser convocadas y, en todo caso, seguir las indicaciones que puedan impartir las autoridades egipcias. Asimismo, conviene extremar la precaución en las inmediaciones de comisarías de policía, sedes de partidos políticos, aquellos lugares en los que se celebren mítines y reuniones de tipo político, así como los colegios electorales en tanto se celebren comicios o consultas populares de diversa naturaleza.

    Es conveniente mantenerse alejado de la zona septentrional de la península del Sinaí y evitar, en particular, el norte de la carretera El Cairo-Suez-Nakhi-Taba. También es de riesgo alto el territorio fronterizo con Libia y Sudán: Se trata de extensas zonas desérticas de difícil control por parte de las autoridades egipcias en las que actúan bandas organizadas dedicadas al tráfico de personas, armas y otros ilícitos. De igual modo, conviene restringir los desplazamientos por carretera en la zona del Medio Egipto. Se desaconseja en general el turismo de aventura y la visita de lugares remotos, sobre todo si se realizan de forma individual y sin el apoyo de una agencia de viajes.

    Ante el riesgo de sufrir actos de delincuencia común, conviene prestar atención a las pertenencias personales, cerrar bien la puerta del lugar de alojamiento o residencia, y cerrar el pestillo del vehículo cuando se conduce, evitando circular por zonas desconocidas, en especial de noche. El nivel de delincuencia en Egipto ha sido tradicionalmente bajo y raramente se producían atracos o robos con violencia. Sin embargo, en los últimos meses se ha observado un incremento. Se recomienda viajar en grupo y mediante agencias de turismo, evitando las visitas a lugares que no estén en los circuitos turísticos habituales.

    Otro aspecto se refiere a los casos de mujeres extranjeras que han sido increpadas, acosadas sexualmente o, incluso, violadas. Se desaconseja que las mujeres viajen solas y fuera de los circuitos turísticos. Se recomienda, además, que vistan cubriendo su cuerpo, con el cabello cubierto si entran en una zona religiosa. A todo ello hay que añadir que las condiciones de salubridad en Egipto son pobres, siendo común la ingesta de agua o comida contaminada y la aparición de cuadros de indisposición intestinal. Se recomienda vigilar la limpieza e higiene de vasos, botellas y boquillas de las tradicionales pipas de agua a efectos de evitar contraer hepatitis.

    En general, se señala que en el Norte de África y Oriente Medio no se puede descartar la posibilidad de algún tipo de agresión terrorista o ataque violento en las vías o lugares públicos, especialmente contra intereses occidentales. En numerosos lugares se aprecia un incremento de robos.

    Conviene estar alerta a las informaciones de cada país, sobre todo si hay conflictos. Dejando ya a un lado el estado dramático de Siria, Irak y otros, hay que ser prudente en los países limítrofes, entre ellos Líbano. A raíz de los enfrentamientos que se registran en Siria y que afectan a las regiones fronterizas con Líbano y en especial a la región y ciudad de Trípoli, a la región de Akkar y al valle de la Bekaa, se recomienda extremar la prudencia en los eventuales desplazamientos a dichas zonas y evitar por el momento viajar a Trípoli, salvo que sea estrictamente necesario. Se recuerda que el norte del valle de la Bekaa y en general sus carreteras secundarias se consideran zona de alto riesgo.

    Respecto a los territorios palestinos, el ministerio español de Asunto exteriores recomienda no viajar a Gaza. Dada la volatilidad política de la zona, es siempre recomendable mantener una atenta precaución en aquellos barrios de Jerusalén, y otros lugares de Cisjordania, donde los controles israelíes pueden provocar enfrentamientos con la población palestina.

    La inestabilidad reinante en Irak, el deterioro de la seguridad en Siria y la volátil situación regional constituyen un riesgo para la seguridad en Jordania, donde hay que mantener la prudencia y evitar las zonas fronterizas. Se recomienda utilizar sólo las carreteras principales. También hay que mantener la debida precaución en los viajes por Israel.

    En Libia, donde estos días se han registrado conflictos graves, se desaconseja todo movimiento. Se recomienda a todas aquellas personas que se encuentren en Libia y no puedan abandonar el país que mantengan medidas de precaución extrema, evitando los desplazamientos, sobre todo a partir de la caída del sol. Hay un gran número de armas circulando en el país y existen células durmientes pro-Gadaffi en las zonas liberadas del país.

    En Argelia, mucha precaución. Evitar el sur. Los grupos terroristas que actúan en la región del Sahel y el Sur de Argelia mantienen como objetivo preferente el secuestro de occidentales, contando para elllo con el apoyo de redes de delincuencia organizada, especialmente vinculadas con el tráfico de armas y contrabando.

    Cien especies en peligro

    13/09/2012, Más de 8.000 científicos de la Comisión de Supervivencia de Especies de la UICN Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza han elaborado una lista con las 100 especies más amenazadas del planeta.

    Jeju, Corea del Sur, 13 de septiembre de 2012
    El perezoso más pequeño del mundo, el unicornio asiático o el correlimos cuchareta son algunos de los incluidos en una lista de las especies más cercanas a la extinción publicada por la Zoological Society of London (ZSL) y la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza.

    El informe titulado ¿Priceless or Worthless? (¿Sin valor o de un valor incalculable?) que recoge estas informaciones, se ha presentado en el Congreso Mundial de la Naturaleza de la UICN que se celebra en Jeju, Corea del Sur, hasta el 15 de septiembre. La publicación tiene como objetivo dar un impulso a la conservación de las especies entre las que cita 100 de los animales, plantas y hongos más amenazados del planeta.

    “La comunidad de donantes y el movimiento a favor de la conservación se inclinan cada vez más hacia un enfoque sobre qué puede hacer la naturaleza por nosotros, según el cual las especies y los hábitats silvestres se valoran y se priorizan con arreglo a los servicios que ofrecen a las personas”, afirma el Profesor Jonathan Baillie, Director de Conservación de la ZSL. “Esto ha provocado que sea cada vez más difícil para los conservacionistas proteger las especies más amenazadas del planeta. Debemos adoptar una importante decisión moral y ética: ¿tienen estas especies derecho a sobrevivir o tenemos nosotros derecho a condenarlas a la extinción?”.

    “Todas las especies enumeradas son únicas e irremplazables. Si desaparecen, no existe cantidad de dinero que las pueda recuperar,” afirma Ellen Butcher, ZSL, coautora del informe. “No obstante, si aplicamos medidas inmediatas podemos ofrecerles la posibilidad de sobrevivir. Pero esto exige a la sociedad su respaldo a la posición moral y ética de que todas las especies tienen un derecho inherente a existir”.

    Sus declives han sido principalmente consecuencia de la acción humana, aunque en casi la mayoría de casos los científicos creen que su extinción todavía puede evitarse si los esfuerzos de conservación se concentran específicamente. Las medidas a favor de la conservación han dado buenos resultados con muchas especies como el caballo de Przewalski (Equus ferus) y la ballena jorobada (Megaptera novaeangliae), salvadas de la extinción.

    Las 100 especies, de 48 países diferentes, son las primeras destinadas a desaparecer completamente si no se hace nada para protegerlas. El perezoso pigmeo (Bradypus pygmaeus) es uno de los animales que se enfrentan a un futuro más sombrío. La Isla Escudo, a 17 kilómetros de la costa de Panamá, es el único lugar del mundo donde pueden encontrarse estos pequeños perezosos. Con la mitad del tamaño de sus parientes continentales, y un peso similar al de un bebé recién nacido, los perezosos pigmeo son los perezosos más pequeños y lentos del mundo y están clasificados como En peligro crítico de extinción.

    De igual manera, el saola (Pseudoryx nghetinhensis) es uno de los mamíferos más amenazados del sudeste asiático. Conocido como el unicornio asiático debido a su rareza, la población de estos antílopes es posible que alcance actualmente tan solo unas decenas de individuos.

    Otros animales de esta lista son el camaleón de Tarzán, de tonos amarillos y verdes brillantes, y que vive en Madagascar; una iguana de rocas de Jamaica o el rinoceronte de Java, rhinoceros sondaicus, del que sólo queda un centenar de individuos.

    La mayor cantidad de especies recogidas son de territorios del sur de Asia, América del Sur y Africa. REl país más afectado, Madagascar.

    “Todas las especies tienen un valor para la naturaleza y, en consecuencia, para los seres humanos”, afirma el Dr. Simon Stuart, Presidente de la Comisión para la Supervivencia de las Especies de la UICN. “Aunque el valor de algunas especies pueda no parecer obvio a primera vista, de hecho todas las especies contribuyen a su manera al funcionamiento saludable del planeta”.

    El Congreso Mundial de la Naturaleza, la UICN ha hecho públicos sus galardones anuales. Sir David Attenborough ha recibido el premio a la conservación más alto de la UICN, la Medalla en Memoria de John C. Phillips, que se ha presentado en todas las Asambleas Generales y Congresos desde 1963. Este galardón se otorga en memoria de la vida y el trabajo del Dr. John C. Phillips, un pionero del movimiento a favor de la conservación y especialista en la clasificación de especies y en genética, como reconocimiento a su excelente servicio en el ámbito de la conservación internacional.

    Entre los anteriores galardonados en otros años con esta medalla se encuentran Indira Gandhi, el Profesor E. O. Wilson y el Dr. Luc Hoffmann.

    Naturalista y difusor británico, Sir David Attenborough ha conseguido llegar a las masas gracias a sus fascinantes programas sobre historia natural, creando conciencia sobre el mundo natural y su vulnerabilidad, y, a lo largo de los últimos 50 años, inspirando a generaciones para proteger y conservar nuestro planeta.

    http://viewer.zmags.com/publication/44234ae6#/44234ae6/116

    Seducción fotográfica

    13/09/2012, “Seduced by Art: Photography Past and Present” es una muestra que se prepara en la National Gallery de Londres, y que luego pasará por los centros de CaixaForum de Barcelona y Madrid.

    Londres, 12 de setiembre
    La National Gallery ha anunciado entre sus grandes propuestas para el otoño la exposición Seduced by Art: Photography Past and Present, que es en realidad la primera gran muestra fotográfica que organiza, y en la que explora las relaciones entre la pintura histórica y las fotografías del siglo XIX y la actualidad.

    Será presentada en Londres desde el 31 de octubre al 20 de enero, como una mirada provocativa que nos llevará al uso por los fotógrafos de las tradiciones de las Bellas Artes, con el fin de explorar y expandir las posibilidades de su propio arte.

    Se presentan trabajos –pinturas y fotografías- del inicio de esta actividad (siglo XIX)junto a los de nuestro tiempo, agrupadas en ámbitos como los retratos, naturalezas muertas y paisajes.

    En la sala central se verán contrastadas las imágenes religiosas de Julia Margaret Cameron, fotógrafa del siglo XIX, y de Hellen Chadwick, con el cuadro de un Campo de batalla de Emile Horace Vernet, de 1821, y la obra de Luc Delahaye, de 2001.

    En el ámbito de retratos se incluyen los retratos sociales de Tina Barney; la obra mordaz de Martin Parr, junto a la obra de Gainsborough El señor y la señora Andrews (1750), al tiempo que las fotos de Craigie Horsfield y del artista victoriano David Wilkie Wynfield muestran la influencia barroca de Anthony van Dyck. ..Y una serie de fotografías de desnudos obligarán a reconsiderar obras del pasado y el presente.

    Otra sala dedicada al paisaje contará con obras de Gustave le Gray y artistas contemporáneos como Jem Southan y Richard Billingham, con un inmenso fotograbado de Tacita Deam.

    La muestra investiga también los métodos artísticos y recurre a las moderas tecnologías digitales… toda una ambiciosa tarea en la que se implican unas 90 fotografías junto a obra que llegan de la propia National Gallery, la Tate, Victoria and Albert Museum y la Obra Social de La Caixa.

    Hope Kingsley, del Wilson Centre for Fotography, y Cristopher Riopelle, conservador de la National Gallery con comisarios de la muestra.

    A partir del 21 de febrero, se podrá ver en CaixaForum Barcelona, hasta el 19 de mayo de 2013.

    Beatriz Milhazes

    11/09/2012, Malb–Fundación Costantini inaugura en Buenos Aires la muestra “Beatriz Milhazes. Pinturas 1999–2012”, del 14 de septiembre al 19 de noviembre, dentro de una iniciativa promovida por la embajada del Brasil en Buenos Aires.

    Buenos Aires 11 de septiembre de 2012
    Se presenta una selección de cerca de 30 pinturas de la producción reciente de la artista, nacida en 1960 en Río de Janeiro, ciudad donde vive y trabaja, además de una intervención escenográfica diseñada especialmente para la galería del segundo piso del museo.

    Se trata de la primera exposición individual de Milhazes en una institución de América latina, fuera de su país, y está producida íntegramente por Malba, bajo la dirección de Frédéric Paul.

    La muestra se concentra en los últimos 10 años de taller de la artista y reúne piezas provenientes en su mayoría de colecciones particulares y públicas de Brasil y Estados Unidos, entre las que se incluyen dos obras prestadas por primera vez por el Museo Guggenheim de Nueva York y una del Museu de Arte Moderna de San Pablo.

    Método de trabajo
    En 1989, Beatriz Milhazes puso a punto una técnica de prórrogas sucesivas, cercana a la calcomanía, en la que cada motivo y capa de color intervienen de modo separado, para conferirles a los cuadros su estructura, su sintaxis y su vibración particular. “Son trasladados a la tela por collages sucesivos de fragmentos pintados con anterioridad sobre hojas de plástico transparente, que la artista ubica y ensambla con extrema precisión antes de fijarlos definitivamente a la totalidad en expansión que el cuadro representa”, explica el curador.

    Entre 1999 y 2012, Milhazes multiplica sus experiencias con otros modos de expresión: serigrafías desde 1996, libros de artista desde 2002, collages desde 2003, encargos arquitectónicos desde 2004 y realizaciones tridimensionales desde 2010, tomadas de las escenografías que comenzó a realizar en 1994 para la compañía de danzas de Márcia Milhazes, su hermana.

    Pintora abstracta
    Milhazes se considera a sí misma una pintora abstracta. La obra de Beatriz Milhazes elabora una serie de referencias latinoamericanas y brasileñas desde la tradición del barroco en el Brasil hasta la apropiación de motivos florales y arquitectónicos.

    Pintora, grabadora y profesora, Beatriz Milhazes se inició en las artes plásticas en 1980, cuando ingresó en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage) -Escuela de Artes Visuales del Parque Lage-, donde después impartió clases y coordinó actividades culturales.

    Participó de las exposiciones de la Generación 80 -un grupo de artistas que buscó reanudar la pintura en contraposición a la vertiente conceptual de la década de 1970- y tiene como característica la investigación de nuevas técnicas y materiales. Su obra tiene referencias al barroco, a los trabajos de Tarsila do Amaral (1886-1973) y de Burle Marx (1909-1994), a estándares ornamentales y al art deco.

    Entre 1997 y 2005 participó del Programa de Artistas Invitados en diferentes universidades de Estados Unidos como, Tylers University (Filadelfia), Yale University (New Haven, Connecticut) y Massachusetts College of Art and Design (Boston) entre otras. En 1995 participó en el Carnegie International, Pittsburgh. En 2003 representó a Brasil en la Bienal de Venecia. Participó de otras Bienales como: en 1998 y 2004 la XXIV y XXVI Bienal Internacional de San Pablo; en 2006 la VI Bienal de Shanghai, China. A partir de la década de 1990 realiza exposiciones internacionales en Estados Unidos y Europa y Asia. Recientemente realizó muestras individuales en Pinacoteca do Estado de Sao Paulo (2008), Fumdación Cartier, Paris (2009), Fundación Beyeler, Basilea (2011), Calouste Gulbenkian Foundation, Lisboa (2012).

    Sus obras integran las colecciones de museos como el Museum of Modern Art (MoMA), Solomon R. Guggenheim Museum y The Metropolitan Museum of Art (Met), en Nueva York, y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España, entre otros.

    Las Puertas del Paraíso

    10/09/2012, Los amantes del arte están de enhorabuena. Las verdaderas Puertas del Paraíso del baptisterio de Florencia se pueden volver a contemplar con su máxima belleza.

    Florencia 10 de septiembre de 2012
    Sin duda, no existen puertas en el orbe con mayor calidad artística que las que realizó Lorenzo Ghiberti en 1452, y que permanecieron en el Baptisterio florentino hasta 1990. Fue el propio Miguel Angel quien las bautizó, al afirmar que tenían tal calidad que merecían ser las Puertas del Paraíso.

    El tiempo fue sometiendo tal obra a un lógico proceso de deterioro. En 1985 comenzaron las obras de restauración; en 1990 se sustituyeron las puertas por una réplica, y hasta ahora -2012- ha seguido la paciente obra de recuperación. Terminada, las puertas se exhiben ya en el museo de la Obra de la Catedral de Florencia.

    La obra es de grandes dimendiones: 5,2 metros de altura y 3,1 de ancho… y sin duda es una de las maravillas del Renacimiento.

    Los restauradores han empleado 27 años en remediar los daños del vandalismo, la polución y hasta las inundaiones, recuperando el brillo del oro y el bronce de los distintos paneles que recogen escenas del Antiguo Testamento, con una belleza netamente renacentista que le ha valido la estima de los mayores críticos de arte de la historia, entre ellos el propio Vasari.

    Lorenzo Ghiberti (1378-1455) hizo con este trabajo su obra más valorada, joya inmensa que ahora se contempla bajo una cubierta de cristal, con objeto de preservarla en condiciones óptimas de contaminación y humedad.

    La restauración ha sido realizada por el apoyo de la ministerio de Bienes Culturales y la agrupación Friends of Florencia, asociación estadounidense sin ánimo de lucro, apoyada por benefactores de todo el mundo.

    http://www.friendsofflorence.org/
    http://museo.operaduomo.fi.it/
    http://www.guiarte.com/florencia/

    Las Vegas… a Madrid

    08/09/2012, El complejo de Las Vegas Sands en Europa irá definitivamente a Madrid, tal como anunció la entidad promotora en un comunicado, publicado en la web de lasvegassands.com

    Las Vegas-Madrid-Barcelona, 8 de septiembre de 2012

    Las Vegas Sands elige a Madrid como lugar preferente para su desarrollo en Europa, dice la nota de las Vegas Sands Corp. en la que agradece los esfuerzos desplegados tanto desde Madrid como desde Barcelona para recibir este impulso inversor enfocado hacia el ocio. "no ha sido una elección fácil" afirma el comunicado.

    Sheldon G. Adelson, máximo responsable de Las Vegas Sands Corp, la mayor compañía mundial en este tipo de negocios, no ha precisado el lugar concreto elegido, aunque en medios madrileños se asegura que se trata de la localidad de Alcorcón, al sur de la capital española.

    La inversión, que puede alcanzar los 17.000 millones de euros, depende aún de otros aspectos, desde la financiación hasta la resolución de la crisis europea, según se alude en la información publicada por Las Vegas Sands.

    Sin embargo, se cree que podría empezar a funcionar el proyecto en torno a 2016, para estar definitivamente desarrollado seis años más tarde, con lo que se movilizaría una ingente cantidad de empleos y se aumentaría la atracción turística de Madrid.

    Este sería el punto europeo de una multinacional que ya ha expandido proyectos similares en Singapur o China, aprovechando una experiencia exitosa en Las Vegas, Estados Unidos, verdadera capital mundial del turismo del ocio.

    La empresa, de gran solidez económica, esta dirigida por Sheldon G. Adelson, un septuagenario hombre de negocios, de ideas conservadoras, que ha exigido a España garantías de diverso tipo, desde exenciones fiscales a ventajas laborales.

    En medio de una situación de crisis económica, las voces contrarias al proyecto Цque aluden al ventajismo legal de los inversores y a las características éticas y sociales del proyecto- han tenido escaso eco, porque se estima que el Eurovegas será capaz de fomentar el empleo y la riqueza en su destino, duramente afectado por la recesión.

    En principio, la propuesta de Las Vegas Sands interesó tanto a Barcelona como a Madrid, y ante las primeras filtraciones, que daban por segura la designación de Madrid, el gobierno de Cataluña ha respondido anunciando que promoverá seis parques temáticos, con apoyo de La Caixa, con un plan de negocio comparable al de los promotores norteamericanos.

    El nombre del proyecto catalán es Barcelona World y se desarrollará en el entorno de Port Aventura, de la mano del constructor valenciano Enrique Bañuelos. De momento se habla de 4.500 millones de euros de inversión; seis grandes recreaciones geográficas, correspondientes a distintos países de Europa, Asia y América, seis enormes hoteles con 12.000 habitaciones y la creación de 20.000 empleos directos y otros tantos indirectos, para atraer una masa de 10 millones de turistas cada año.

    Paisajismo catalán y europeo

    07/09/2012, En Girona, la Obra Social “la Caixa” ilustra la evolución del paisajismo moderno a través de un conjunto de obras de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

    Girona, 6 de septiembre de 2012
    Del 7 de septiembre de 2012 al 5 de enero de 2013, en Caixa Forum de Girona se puede ver la muestra “Rusiñol, Monet, Gauguin, Sunyer. El paisaje en la Colección Carmen Thysse”, un recorrido por la historia del paisaje en la pintura catalana y europea

    El romanticismo convirtió el paisaje en tema pictórico y desde entonces artistas de todas las tendencias y movimientos han pintado campos, bosques, marinas y panoramas urbanos; unos, para exaltar las relaciones de los hombres con la naturaleza; otros, para estudiar los efectos de la luz, los volúmenes o la geometría.

    El paisajismo evoluciona desde los reflejos realistas, que retratan minuciosamente el mundo visible, a paisajes de vanguardia, en los que la pintura adquiere autonomía respecto a la realidad de las cosas.

    Rusiñol, Monet, Gauguin, Sunyer. El paisaje en la Colección Carmen Thyssen realiza un recorrido por la historia del paisaje en la pintura desde el romanticismo de Théodore Rousseau yLluís Rigalt, hasta los paisajes espectrales de Modest Cuixart, Joan Ponç y Antoni Tàpies, que, en la época de Dau al Set, a través del surrealismo, entroncaron con la tradición romántica.

    Y en medio, el simbolismo de Maximilien Luce y Modest Urgell; el impresionismo y posimpresionismo de Claude Monet y Paul Gauguin, Joaquim Mir y Santiago Rusiñol; el retorno al orden de André Derain, Matisse y Pierre Bonnard, de Joaquim Sunyer, Rafael Benet y Josep de Togores; y la visión vanguardista de Georges Braque, Fernand Léger y Joaquín Torres-García.

    Tal variedad de soluciones plásticas evidencia que el paisaje, lejos de una simple imitación del entorno natural, es una construcción cultural acorde con los anhelos y creencias de cada época.

    La exposición pretende poner de relieve los contactos entre la pintura catalana y las grandes tendencias del arte de su tiempo, y muestra la estrecha relación que siempre han mantenido, desde los primeros viajes deMartí i Alsina a París, en la década de 1850, hasta el éxito internacional de Miró o Clavé.

    Últimos días para visitar El último Rafael

    07/09/2012, Tras su clausura en el Museo del Prado de Madrid, donde ha contado con una excelente acogida por parte del público, la muestra viajará al Louvre en París.

    Madrid, 7 de septiembre de 2012
    El próximo domingo 16 de septiembre se clausura en el Museo del Prado la muestra "El último Rafael", que tras doce semanas de apertura ha recibido ya más de 250.000 visitantes (una media de casi 20.500 visitantes semanales). La muestra se presentará en el parisino Musée du Louvre entre el 11 de octubre y el 14 de enero de 2014.

    La muestra, una de las más importantes dedicadas a Rafael y su taller, y la primera centrada en sus años finales, ha despertado un gran interés entre el público, que ha querido conocer muchas obras del artista que no habían sido expuestas antes en España.

    Esta gran exposición monográfica de Rafael (Raffaello Sanzio, 1483-1520) combina sobresalientes pinturas y dibujos de sus últimos siete años de vida, el periodo de su carrera que alcanzaría mayor impacto en el arte europeo posterior.

    El próximo mes de octubre, la muestra viajará al Musée du Louvre con ligeras modificaciones, tras haber recibido en su primera sede en el Prado una importante respuesta de la crítica tanto nacional como internacional:

    Historium Brujas

    05/09/2012, Vive la mágia de la Edad Media con la nueva atracción turística de Brujas. Una experiencia con la que descubrir cómo eran la ciudad y sus habitantes hace seiscientos años.

    Brujas, 5 de septiembre de 2012
    La innovadora atracción turística de Brujas promete ser una experiencia que llevará a los visitantes a vivir el ambiente medieval de la ciudad. Quienes se adentren en sus paredes tendrán ocasión no sólo de conocer cómo era la ciudad en el S. XV, sino de probar, sentir y respirar el ambiente y aromas de la edad de oro brujense.

    Historium muestra a los visitantes cómo vivían los habitantes, qué aspecto tenía la ciudad o cómo resultaba andar por sus calles. Una divertida manera de convertirse en viajeros del tiempo, y adentrarse en una dorada época, en la que Brujas era una urbe grande, llena de vida y de poder, en la que habitaba Jan Van Eyck, uno de los pintores europeos más famosos del momento.

    Historiadores y diseñadores del más alto nivel han unido sus fuerzas junto a la más moderna tecnología para crear este concepto innovador pionero en el mundo que combina cine, decorados, música y efectos especiales. Los audioguías están disponibles en varios idiomas, castellano incluido.

    Historium, situado en un edificio histórico ubicado en la Plaza Mayor de Brujas y abierto 7 días a la semana, contará también con un punto de información turística de la ciudad. Todo ello a partir del próximo 25 de noviembre.

    Más información: www.historium.be

    El Alma del Maestro. Diseños amberienses de Rubens a Panamarenko

    05/09/2012, Una exposición en la ciudad de Amberes con dibujos y esbozos excepcionales de maestros como Rubens, Van Dyck, Jordaens o Bruegel, y de talentos contemporáneos como Jan Fabre o Panamarenko.

    Amberes, 5 de septiembre de 2012
    Para la exposición "El Alma del Maestro. Diseños amberienses de Rubens a Panamarenko", expertos, artistas como Dries Van Noten, Benoît o Kaatje Vermeire, entusiastas del arte, jóvenes y habitantes de Amberes han escogido un total de 100 pinturas de la colección Prentenkabinet (El Gabinete de Estampas).

    Pintar es una actividad íntima. Una pintura captura una primera impresión, una breve pose o una emoción. Es un instante en el tiempo. Es la forma de un artista de recordar sus ideas y ordenar sus pensamientos.

    La exposición engloba dibujos y esbozos excepcionales de los grandes maestros (Rubens, Van Dyck, Jordaens, Bruegel...) así como de talentos contemporáneos (Jan Fabre, Panamarenko..).

    Un encuentro entre el talento contemporáneo y los antíguos maestros de la pintura que tendrá lugar en el Museo Plantin Moretus, la imprenta más importante del S. XVI, hoy reconvertida en museo y Patrimonio Mundial de la UNESCO desde el año 2002.

    Museo Plantin Moretus
    Fechas: 15/9/12 > 16/12/12
    www.museumplantinmoretus.be

    Colores de Calcuta

    05/09/2012, Mujeres artesanas de “la ciudad de la alegría” en Calcuta han trabajado con sus técnicas tradicionales los nuevos diseños propuestos por alumnos de Diseño de Moda de IADE.

    Madrid, 5 de septiembre de 2012
    El 6 de septiembre, durante la Vogue Fashion’s Night Out en Madrid, en la sede de IADE (Institución Artística de Enseñanza, c/ Claudio Coello, 2ª planta) se expondrán por primera vez en España los diseños del taller de mujeres artesanas del programa Colores de Calcuta. Esta iniciativa supone el inicio de la colaboración de IADE con el programa de cooperación al desarrollo Colores de Calcuta en India.

    En un stand se podrá apreciar el resultado del taller profesional de mujeres artesanas del barrio de Pilkhrana, más conocido como la “ciudad de la alegría” en Calcuta. Este proyecto permite rescatar antiguas técnicas de estampación y bordado a mano, como el tradicional batik, inscrito en 2009 por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad.

    Para la coordinadora de Colores de Calcuta, María de Muns, se trata no “sólo de generar una posible fuente de ingresos sino qué permite crear un espacio donde se sientan valoradas y respetadas y puedan desarrollarse como personas. Las mujeres en situación de pobreza suelen tener pocas expectativas laborales y de crecimiento personal”.

    El stand ha sido diseñado por alumnos de IADE de 2º de Diseño de Interiores, y reflejará la evolución de este proyecto y el trabajo realizado conjuntamente por los alumnos de la Escuela y las artesanas en Calcuta.

    Reapertura del Museo Rufino Tamayo

    04/09/2012, Reabre sus puertas el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (México), con la inauguración de la muestra Tamayo/Trayectos.

    El museo, inaugurado en 1981, se cerró el pasado verano de 2011 para ser restaurarado, con la intención de adecuar el emplazamiento para que pudiera mantenerse a la vanguardia de la oferta cultural de la ciudad de México.

    Ahora, tras su reapertura el 26 de agosto de 2012, el museo cuenta con nuevas y ampliadas áreas pedagógicas, salas de exhibición, bodegas de arte, zonas de tránsito y atención al visitante, restaurante y tiendas de arte, auditorio, centro de documentación y oficinas.

    Para celebrar su nueva capacidad, aumentada en un 30%, el Museo presenta la exposición "Tamayo/Trayectos: Temas clásicos en la obra de Rufino Tamayo", una muestra retrospectiva que analiza el desarrollo del artista a lo largo de siete décadas y sus aportaciones estéticas al campo de la pintura.

    La exposición se desarrolla a partir de los géneros clásicos de la pintura: el paisaje, en el que Tamayo experimenta con elementos mexicanos; la naturaleza muerta, en la cual incluye objetos con los que traduce las nociones que animaban el espíritu de progreso de los primeros años del siglo XX; el retrato, centrado en la figura de su esposa Olga; el desnudo femenino; el arte popular; y las escenas de género con las gentes del pueblo mexicano como protagonistas.

    Rufino Tamayo
    Rufino Tamayo fue uno de los artistas más deslumbrantes del panorama Mexicano del siglo XX, encabezando la importante generación de artistas modernos latinoamericanos que hicieron de un motivo sencillo, como la figura humana, las frutas o los interiores, todo un programa de investigación plástica, de donde emanaban los contenidos no narrativos de nuestra identidad moderna.

    Tamayo es reconocido a nivel mundial por su solidez compositiva, y sus valores estéticos y filosóficos. Sus reflexiones en torno a la libertad del arte, su identidad mexicana y sus alcances artísticos, contienen un humanismo universalista, expresados a través de una renovada iconografía y un colorido inédito.

    Tamayo/Trayectos
    Hasta el mes de noviembre de 2012
    Museo Tamayo Arte Contemporáneo
    Paseo de la Reforma y Gandhi s/n
    Bosque de Chapultepec
    México D.F.

    Crisis y turismo rural

    03/09/2012, España, uno de los tres principales destinos del turismo mundial, tiene en el turismo rural uno de sus fuertes atractivos… pero la crisis económica también le afecta.

    Madrid, 3 de agosto de 2012
    Los últimos datos conocidos, recogidos por el Instituto Nacional de Estadística (INE), señalan que el turismo rural en España ha vuelto a sufrir un varapalo respecto al mes de julio de 2011 con un descenso en la ocupación del 7,5 por ciento, y no va peor porque se mantiene bien el flujo de visitantes extranjeros.

    La caída de la ocupación es muy superior a la media del conjunto de los establecimientos extra hoteleros, según estima la Unión de Profesionales y Trabajadores Autónomos (UPTA) a partir de los datos del INE.

    Este sector, que cuenta con más de 15.786 establecimientos y que genera empleo para más de 22.637 personas, se encuentra en una de las peores situaciones desde el inicio de la crisis, aunque el tesón de los autónomos que gestiona estos establecimientos sigue manteniendo estable la contratación aún a coste propio, ya que han descendido los precios en torno al 1 por ciento, afirman fuentes de UPTA.

    Resulta significativo el descenso de las reservas de los residentes en España, -15,6 por ciento respecto al mismo mes del año anterior, frente al aumento de las reservas de los no residentes, que lo hace en un 18,3 por ciento.

    En cuanto al número de plazas ocupadas, el INE observa también una gran disminución, ya que solamente se ocupan el 21,4 por ciento de las plazas (-10,4 por ciento) y un 30,7 por ciento de ellas son de fin de semana, que también sufren un descenso del 2,3 por ciento.

    Desde la organización de Autónomos de Turismo Rural, AUTURAL se viene pidiendo desde hace muchos años medidas específicas de apoyo a este sector, como una fiscalidad acorde a su particularidad. También se reclama un Plan de Promoción del turismo rural en el ámbito internacional.

    En España, el turismo rural es especialmente fuerte en el entorno cantábrico: Asturias, León, Cantabria y Burgos. Otra zona fuerte es la pirenaica, con numerosos establecimientos en Girona, Huesca, Lérida y Navarra. Además, hay también abundantes centros rurales en Madrid y cercanías (Segovia y Ávila).

    En general, las cifras del INE –datos de julio- muestran que el turismo va mal. Las pernoctaciones en apartamentos turísticos disminuyen un 0,2 por ciento en julio. Las de residentes bajan un 5,3 por ciento, mientras que las de no residentes crecen un 2,3 por ciento.

    En campings, igual: las pernoctaciones en registran en julio una bajada interanual del 0,6 por ciento. Las de residentes descienden un 4,1 por ciento, mientras que las de no residentes aumentan un 3,7 por ciento.

    Proteger el Futuro

    03/09/2012, WWF sigue trabajando por la vida de un planeta cada vez más degradado y en peligro. Una dura lucha por conseguir que el ser humano viva en armonía con la naturaleza.

    Madrid, 3 de septiembre de 2012
    Según señala el último "Informe Planeta Vivo" realizado por WWF, si no se cambia la gestión y el modelo de desarrollo actual, la humanidad necesitará 2 planetas en el año 2030, y casi 3 en el 2050 para satisfacer sus demandas.

    El uso sostenible de los recursos y de la biodiversidad y el respeto por nuestro capital natural deberían de ser una prioridad de todos, en nuestro camino hacia un futuro más justo, seguro y limpio.

    Entre otras actividades, WWF seguirá trabajando por reducir las emsiones de CO2 a la atmósfera, y por reclamar a las empresas y organismos gubernamentales el apoyo a las energías renovables en una apuesta por el ahorro y la eficiencia energética.

    WWF es una ONG preocupada por el respeto de los caudales ecológicos de los ríos, por la contaminación del agua, por las amenazas que sufren zonas verdes como Doñana o las Tablas de Daimiel, y por el desarrollo rural respetuoso con el agua y la biodiversidad.

    Si tú también deseas una gestión responsable de los bosques, y quieres unirte a esta lucha a favor del medioambiente y de especies amenazadas como el lince ibérico, el águila imperial, el cachalote, el lobo ibérico o el alimoche, visita la web http://www.wwf.es/ y hazte socio/a.

    Colaborando con WWF lucharás contra las injusticias que se llevan a cabo en nuestro país y fuera de él. Conservar los pulmones que dan vida a nuestro planeta es cosa de todos. Los bosques del Amazonas, La Cuenca del Congo, el Ártico o el Triángulo de Coral son ecosistemas cada vez más frágiles, y que necesitan nuestra ayuda ahora más que nunca.

    Espectros de Artaud

    30/08/2012, El Museo Reina Sofía abre su nueva temporada expositiva con la exposición "Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta", que se inaugurará el próximo 18 de septiembre.

    Madrid, 30 de agosto de 2012
    Esta exposición pretende situar la influencia del dramaturgo, crítico teatral, poeta, novelista, dibujante, pintor, traductor, actor, ensayista y director Antonin Artaud (Marsella, 1896 – París, 1948) en los movimientos de la neovanguardia de la posguerra. La muestra incluirá, además de obras del propio Artaud, trabajos de artistas visuales, escritores, poetas y compositores de Estados Unidos, Francia y Brasil, asimismo interesados por cuestiones relativas al lenguaje, el cuerpo y la participación del espectador.

    Espectros de Artaud se estructurará en varios apartados temáticos y explorará el legado de este creador, desde su reinvención del lenguaje hasta la crítica de la institución psiquiátrica, de la que fue paciente y víctima a lo largo de toda su vida.

    Compuesta por alrededor de trescientas obras, la exposición mostrará el deseo de Antonin Artaud de trascender los confines del lenguaje, tanto hablado como escrito, y cómo este deseo sobrevivió en el trabajo de otros artistas. A través de diferentes medios de expresión —pintura, fotografía, música, cine y poesía— y un excepcional número de documentos, la muestra recorrerá varios frentes, desde los que se podrá rastrear el pensamiento e influencia de Artaud en la obra de Gil Wolman, François Dufrêne o Maurice Lemaître; en la adopción de sus preceptos por destacadas figuras de la vanguardia estadounidense de la postguerra como John Cage, Robert Rauschenberg, el pianista David Tudor o la escritora y poetisa Mary Caroline Richards; o en la aparición de la poesía concreta y la geometría expresiva en Brasil, con obras de Lygia Clark, Ferreira Gullar o Hélio Oiticica.

    Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
    Edificio Sabatini, 3a planta
    18 de septiembre – 17 de diciembre de 2012

    Termina la exposición sobre Piranesi en CaixaForum

    30/08/2012, Las Artes de Piranesi cierra sus puertas al público el próximo día 9 de septiembre. No dejes pasar la oportunidad de ver esta muestra de uno de los mayores ilustradores del siglo XVIII.

    Madrid, 30 de agosto de 2012
    Giovanni-Battista Piranesi (Mogliano Veneto, 1720 – Roma, 1778) fue uno de los dibujantes más importantes del siglo XVIII. La técnica, el detalle, la intensidad y el poder evocador de su obra han tenido influencia posterior en artistas románticos, surrealistas y cubistas.

    El pasado mes de abril, Caixaforum Madrid (Paseo del Prado 36), inauguró la primera gran exposición sobre la obra de Piranesi en España. Una ocasión única para mostrar al público, a través de nuevas e innovadoras formas de observación del grabado, una visión más ámplia y enriquecedora de la obra del ilustrador italiano.

    En la exposición, que aún podrá ser visitada hasta el próximo 9 de septiembre, se puede realizar un recorrido por la trayectoria de Piranesi a través de más de 300 grabados originales del artista, que junto con una representación complementaria de fotografías, figuras y audiovisuales permitirán acercar la obra del maestro al gran público.

    La muestra cuenta con reproducciones reales, en diversos materiales, de mobiliario y piezas de adorno romanos de su serie Antichità Romane, un intenso audiovisual que dota de inquietante profundidad y dimensiones a sus Cárceles de la Imaginación, y fotografías contemporáneas de G. Basilico para su colección de grabados de Vistas de Roma. Unas comparaciones que permitirán al público descubrir la tridimensionalidad, la perspectiva y el detalle de los grabados de Piranesi.

    Bienal de Arquitectura de Venecia 2012

    29/08/2012, La española Marisa González se encuentra entre los pocos artistas plásticos invitados a participar en la 13 edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia.

    Venecia, 29 de agosto de 2012
    El director y comisario de esta edición es el conocido arquitecto británico David Chipperfield que ha elegido como tema central Common Ground (Terreno común), a través del cual pretende "focalizar la mirada en los procesos colaborativos que se producen en la arquitectura actual", con la presencia de artistas plásticos, especialistas universitarios, urbanistas, etc., junto a los propios arquitectos.

    Una sala del Giardini Central Pavilion estará dedicada enteramente al edificio del banco HSBC, que Norman Foster diseñó en Hong Kong a principios de los ochenta y que hoy día se ha convertido en el epicentro de diversos movimientos sociales que tienen lugar en la ciudad. La sala está integrada por maquetas y dibujos originales de Norman Foster, la emblemática fotografía de Andreas Gursky “Hong Kong Bank” y varias videocreaciones inéditas del proyecto “Female open space invaders/Ellas filipinas” de Marisa González.

    El edificio del banco es el sujeto del proyecto desarrollado por Marisa González para la Bienal de Venecia que comprende tanto fotografías como nuevos vídeos, que completan la serie “Female open space invaders/Ellas filipinas”.

    Cada domingo, su día libre semanal, miles de ellas invaden y se asientan en las calles, parques y plazas del centro financiero y comercial de la ciudad, donde construyen sus recintos de intimidad colectiva y desarrollan a lo largo del día actividades relacionadas con el descanso, el ocio y la socialización. El edificio mas emblemático ocupado por estas emigrantes es, precisamente, el Banco HSBC de Hong Kong, de Norman Foster.

    "Female open space invaders/Ellas filipinas" busca comprender la situación actual de la crisis del capitalismo, centrándose en la reutilización y la adaptación de los grandes centros financieros, así como el impacto en Hong Kong del "boom" en la vida y en la economía de las más de 150.000 mujeres filipinas que trabajan en el servicio doméstico en Hong Kong.

    El proyecto, en diferentes formatos, se ha expuesto en galerías y centros de arte contemporáneo internacionales. Ahora podrá contemplarse hasta el 25 de noviembre de 2012, en el Giardini y Arsenale de Venecia.

    Septiembre en la BNE

    29/08/2012, Dos exposiciones, la primera dedicada al fotógrafo hispano húngaro, Juan Gyenes, y la segunda, El libro como... en la que el protagonista principal es el público, marcan la programación cultural de la Biblioteca Nacional de España en septiembre.

    29 de agosto de 2012
    El día 13 de septiembre se inaugurará, "Gyenes. Maestro fotógrafo", una muestra que reúne las imágenes más relevantes de Juan Gyenes (1912–1995), uno de los fotógrafos más importantes de la segunda mitad del siglo XX, cuya cámara fue testigo de los más importantes acontecimientos políticos, culturales y sociales de su época.

    La exposición (hasta el 18 de noviembre), se articula en cinco apartados: fotos icónicas, álbum personal, retratismo, artes escénicas y rarezas. Gyenes retrató en blanco y negro la España del siglo XX, importándole más la luz que las ideologías.

    El jueves 27 se abrirá al público la exposición "El libro como..." (hasta mediados de enero del 2013). En la que se planteará una reflexión sobre el futuro del libro como soporte artístico.

    una intervención interactiva a partir de objetos y libros de artistas de la BNE, cuya percepción será modificada y completada a través de sonidos, imágenes de vídeo y olores, alcanzando la transmisión de experiencias sensoriales por medio de los libros.

    Alemania, destino turístico 10

    29/08/2012, Alemania sigue en auge como destino turístico y gana atractivo entre los viajeros de todo el mundo gracias a su interesante oferta turística.

    Madrid, 29 de agosto de 2012
    Según la Oficina Federal de Estadística, el turismo receptivo en Alemania sigue su tendencia ascendente, con un balance semestral realmente excelente y un aumento de las pernoctaciones de visitantes extranjeros del nueve por ciento. Esta positiva evolución demuestra que, a pesar de la crisis, el destino Alemania ha funcionado muy bien los primeros seis meses del año 2012.

    La posterior evolución del turismo receptivo en los siguientes meses dependerá básicamente de los viajes de negocios, influyendo en el resultado global de todo el año, aunque sólo un tercio de todos los viajes con origen en Europa son de tipo profesional.

    El motivo de este aumento del turismo es que Alemania ofrece cada vez más atractivos para el visitante. Una manera de conocer en familia los secretos y los misterios del bosque, además de su fauna y su flora, es visitar los parques naturales alemanes. Descanso y relax sí, pero sin olvidar el deporte y la diversión, pues se pueden realizar distintas actividades al aire libre, con las que grandes y pequeños se sentirán en comunión con la naturaleza. Alemania cuenta con 104 parques, que ocupan la cuarta parte de la superficie total del país.

    Otras actividades con las que conocer más sobre la cultura y la gastronomía alemanas son:

    Festival Reeperbahn en Hamburgo (Del 20 al 22 de septiembre de 2012)
    En el Festival Reeperbahn, que se celebra en el famoso barrio de entretenimiento de St. Pauli, se celebran más de 200 conciertos a cargo de 100 bandas y 100 solistas, con una asistencia cercana a 20.000 visitantes. Lugares extraordinarios sirven de escenario para el evento del 20 al 22 de septiembre, como por ejemplo una sucursal de la caja de ahorros Hamburger Sparkasse o la barcaza “Heidi”, anclada en el puerto. Los visitantes pueden disfrutar además de la cultura en exposiciones, conferencias, arte callejero y cine, que completan el programa del festival.

    Carrera de Patitos en Tubinga, Baden-Wurtemberg (Del 6 de octubre de 2012)
    La Carrera de Patitos de Tubinga cuenta en su 14 edición con 7.000 patitos de goma para surcar el río Neckar. Para participar hay que comprar antes un patito al precio de 3 euros. Alrededor de un millar de asistentes les animan sin cesar durante los 45 minutos que dura la carrera, hasta que finalmente se conoce al ganador. La recaudación obtenida por la venta de los patitos se destina a ayuda social en la ciudad y en ll extranjero.

    Olimpiada de cocina en Erfurt, Turingia (Del 6 al 9 de octubre de 2012)
    Preparar lo que hay en la cocina: en la Olimpiada de la IKA se dan cita los mejores cocineros del mundo en el recinto ferial de la ciudad de Erfurt. 1.600 participantes de 50 países ofrecen lo mejor de sí del 6 al 9 de octubre de 2012, midiéndose en varios concursos. En cada jornada se servirán 1.700 menús en los diversos pabellones. 1.800 plazas a disposición de los asistentes, que el último día del evento esperan con entusiasmo la proclamación del ganador.

    Festival de las Luces en Berlín (Del 10 al 21 de octubre de 2012)
    En octubre la capital ofrece doce noches seguidas de espectáculos. El 8o Festival of Lights del 10 al 21 de octubre de 2012, recibe la visita de más de un millón de asistentes que admiran las magníficas instalaciones de color y energía. Se iluminan los monumentos y símbolos más famosos de la ciudad, pero también edificios, calles y plazas. En la noche de puertas abiertas se puede conocer lo que se esconde tras las bambalinas, mientras que los deportistas descubren estos secretos mientras participan en la carrera “LightRun“.

    Feria del Libro de Fráncfort 2012, Hesse (Del 10 al 14 de octubre de 2012)
    Barómetro del sector para editoriales y librerías en el recinto ferial. Punto de encuentro para autores, distribuidores, libreros, bibliotecarios, artistas, ilustradores, agentes, periodistas, medios de comunicación y lectores. El país invitado en esta edición es Nueva Zelanda. El miércoles y el jueves, el Departamento de Cultura, en cooperación con las cadenas hr2-kultur y SWR2, convocan a un evento literario en la plaza Römer. Conferencias y charlas con ocasión de la Feria del Libro de Fráncfort en las salas Römer. 16 autores invitados, ambos días a las 20 horas.

    Diálogo pictórico en Bogotá

    29/08/2012, En Bogotá, el Banco de la República abrirá paulatinamente —entre agosto de 2012 y agosto de 2013— el nuevo montaje de su Colección de Arte.

    Bogotá 29 de agosto de 2012 Mediante cinco apartados, comisariados por otros expertos independientes, se aglutinan los trabajos de otros tantos periodos representativos de las obras del museo.

    Este viernes 31 de agosto, en la Casa de Moneda, se inaugurará la etapa primera de este nuevo montaje: “La Colonia. Los primeros tiempos modernos”, que resalta los aspectos más relevantes del arte y el orden social de aquel periodo.

    El nuevo guión curatorial permitirá que obras colombianas dialoguen con piezas internacionales y que lo histórico se confronte con lo contemporáneo. Asímismo incrementará el número de obras expuestas

    La pintura colonial
    "La pintura colonial tenía tres objetivos: enseñar aspectos de la doctrina cristiana, dogmas y virtudes; mover los sentimientos de los devotos; divertir, esto es, trasmitir las enseñanzas en un espacio estético. El principal reto era representar nociones teológicas abstractas –como la concepción inmaculada o la trinidad- para lo cual los pintores utilizaban las alegorías, los emblemas, o las virtudes encarnadas en santos o personajes virtuosos”, explica Jaime Borja, historiador y responsable de este primer montaje.

    Así, a fin de desarrollar estas ideas, la sala se articula alrededor de seis ejes temáticos: La Sagrada Familia, Un arte para enseñar, Un arte para conmover, La vida del martirio y la mortificación, El jardín florido y la Pintura del cuerpo social.

    La selección de obras incluye pinturas, esculturas, grabados y videos. Entre ellas, obras de los pintores neogranadinos Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Joaquín Gutiérrez, Antonio Acero de la Cruz y Victorino García Romero, a quien se le atribuye la serie de las Monjas coronadas que también se ha incluido en la exposición.

    Además, pinturas de los europeos Jan Van Kessel, Pieter y Jan Brueghel, Jacobo Negretti, Angelino Medoro, Giovanni Battista, entre otros, que contrapondrán lo que para la época sucedía en Europa con respecto a América. Así como artistas contemporáneos que desde sus obras dialogan con la iconografía y el contexto colonial, entre ellos, el colombiano Juan Antonio Roda y la serbia Marina Abramovic.

    El oficio del pintor en la Colonia, según Jaime Borja
    “El periodo se caracterizó por la implementación de las tradiciones cristianas españolas, pero asimiladas de acuerdo a las condiciones culturales del Nuevo Reino. Entre sus aspectos sobresalientes se encuentra la necesidad de establecer una sociedad reglamentada y ordenada por las creencias y las normas de vida cristianas para regular los comportamientos. Las artes colaboraban en este proceso: eran el vehículo para la divulgación de las creencias y las normas e instituciones cristianas. La mayor parte de las pinturas producidas en los siglos XVII y XVIII fueron ejecutadas por obradores anónimos. Pese a que la mayor parte de esta cultura visual es religiosa, la elección de los temas revela aspectos de la vida colonial. El pintor, como institución de visualización y observador de su sociedad, también narraba aspectos que afectaban a su orden social”

    Se deshiela el Ártico

    28/08/2012, El hielo del ártico ha alcanzado un record de mínimos este mes de agosto, lo que aviva la polémica sobre el cambio climático y el calentamiento del planeta.

    28 de agosto de 2012
    Según señala el National Snow and Ice Data Center (NSIDC), la superficie de hielo ártico alcanzó el 26 de este mes de agosto los 4,10 millones de kilómetros cuadrados, 70.000 por debajo del mínimo histórico de septiembre de 2007, cuando fue de 4,17 millones de metros cuadrados.

    La superficie deshelada crecerá aún más, por el efecto del calor del verano, hasta mediados de septiembre, según suele comprobarse en las mediciones periódicas de esta entidad estadounidense, que calcula los datos mediante registros tomados por satélite, cada cinco días.

    Esas mediciones se realizan desde 1979, apreciándose una progresiva reducción de la superficie helada, en una línea que no parece estar corrigiéndose, sino todo lo contrario.

    Los datos tomados muestran que el total del hielo ártico se ha reducido en su conjunto un 3 por ciento cada diez años. Esta situación genera novedades como las recientemente publicadas que daban noticias del deshielo masivo en Groenlandia u otras como la creciente navegabilidad del Ártico, lo que sin duda hará crecer el interés económico del norte de los países escandinavos y de Siberia.

    Este deshielo afectará también a otros ámbitos de la tierra, según los especialistas, provocando fenómenos climáticos más extremos, aparte de los daños a unos ecosistemas que están experimentando mutaciones rápidas, con lo que podría generarse un bajón súbito de poblaciones de focas, osos polares, etc.

    Los especialistas aluden también, en su mayoría, al origen del fenómeno, que vinculan al masivo consumo de combustibles fósiles, tema en el que también inciden organizaciones ecologistas.

    Greenpeace afirma que el origen humano del cambio climático que estamos viviendo está fuera de toda duda, y recuerda que los informes de los expertos de Naciones Unidas recomiendan reducir drásticamente las emisiones para alcanzar niveles cercanos a cero a mitad de siglo.

    La principal causa del aumento de las emisiones en la historia moderna es la quema de combustibles fósiles para la producción de energía, en este sentido, la organización lamenta que sea precisamente la influencia de las grandes compañías del sector la que impida poner freno a esta crisis.

    Esta organización está realizando acciones pacíficas en el Ártico desde el pasado viernes, cuando seis activistas, incluido Kumi Naidoo, director ejecutivo de la organización, subieron a una plataforma de la empresa energética rusa Gazprom, la primera perforación permanente en las aguas del Ártico.

    Ruska: explosión de color en Finlandia

    28/08/2012, El comienzo del otoño en Finlandia es mucho más que simple otoño, es Ruska. Una explosión de colores única que sólo se deja ver durante tres semanas al año en septiembre.

    Finlandia, 28 de agosto de 2012
    En Finlandia, un país en que da la impresión de haber dos estaciones muy marcadas a lo largo del año, como son el verano y el invierno, y el paso de un paisaje a otro repleto cubierto de nieve se realiza en sólo un mes, el otoño crea un fantástico conjunto de colores que sólo se puede disfrutar durante este corto periodo de tiempo, este mágico fenómeno recibe el nombre de Ruska.

    La Ruska finlandesa es la mezcla de azules con marrones, amarillos y verdes que sólo se dejan ver reflejados en los miles de lagos del país durante tres o cuatro semanas al año. Una experiencia única que merece ser vivida al menos una vez en la vida.

    Para poder experimentar la Ruska en la Laponia finlandesa, el mejor lugar de todo el país en que disfrutar de este fenómeno, existen diversas opciones de alojamientos. Desde Harriniva, en Muonio, en el que se ofrece la posibilidad de realizar actividades como rafting por ríos rodeados de bosques o frisbee golf, hasta Kilpisjärvi, una pequeña ciudad situada en el norte, en la frontera con Noruega, uno de los pocos lugares del mundo en que se puede disfrutar de la aurora boreal y de la Ruska de forma simultánea.

    Cómo llegar: Finnair e Iberia operan vuelos directos desde España a Helsinki, de una duración de poco más de 4 horas. Al aterrizar hay que añadir una hora más al reloj.

    Información turística para un viaje a Finlandia: VisitFinland.com

    Lisboa en la calle

    27/08/2012, Turismo de Lisboa informa que hasta el próximo 16 de septiembre, la capital portuguesa transforma la cotidianidad de sus calles en cultura, sorpresa, curiosidad y ambiente festivo.

    Lisboa, 27 de agosto de 2012
    Durante 30 días, la ciudad acoge una nueva edición de “Lisboa na Rua”, que permitirá tanto a turistas como a lisboetas asistir gratuitamente a una gran variedad de espectáculos de música, cine y arte en los espacios públicos de la capital.

    Con el apoyo de la Oficina de Turismo de Lisboa, junto al que le brindan otros patrocinadores, la iniciativa pretende, según sus organizadores, “transportar a los viandantes a paisajes de otros tiempos, transformándoles en cazadores de sensaciones y rehenes de su propia imaginación”.

    Dentro de su extensa programación, destacan iniciativas como Los Clásicos a la Calle, con un repertorio renovado para formaciones de música de cámara; El Arte de la Big Band y Meo Out Jazz, con una audiencia cada vez mayor y más fiel; Películas en la Calle, que en esta ocasión rendirán tributo al cine portugués, y el Proyecto Vicente, sobre la historia y el arte urbano.

    Una de las propuestas más vanguardistas es el Festival de Videoarte Fuso, con tumbonas preparadas para acoger noches de verano llenas de experiencias artísticas. El certamen reunirá a algunas de las más prestigiosas instituciones -tanto nacionales como internacionales- del videoarte, sirviendo a los artistas lusos como auténtica plataforma de apertura de fronteras.

    Integrando la danza como obra colectiva, Bal Moderne, de la Bienal Artista na Cidade, es otra de las opciones más llamativas. En este ciclo, bailarines profesionales enseñarán breves coreografías elaboradas expresamente para un público sin experiencia, que culminará en un gran baile grupal presentado al caer la noche.

    Acerca de Turismo de Lisboa
    Turismo de Lisboa es una asociación sin fines lucrativos, formada por entidades públicas y privadas que operan en el sector turístico creada en 1998 y tiene como objetivo principal unir esfuerzos para mejorar y desarrollar la promoción de Lisboa como destino turístico entre los mercados emisores, tanto en la vertiente de viajes de vacaciones como en la de congresos e incentivos.

    Entre los objetivos de sus fundadores destaca la necesidad de potenciar la dinámica creada con la EXPO’98 y dotar al destino turístico “Lisboa” con una entidad que correspondiera exactamente a ese espíritu y que consiguiera superar con éxito los grandes desafíos futuros.

    Guía de Lisboa: http://www.guiarte.com/lisboa/
    Programación de Lisboa na Rua: www.lisboanarua.com

    Pinazo en la Colección del IVAM

    27/08/2012, El último tercio del siglo XIX dibuja uno de los capítulos más brillantes de la pintura valenciana. En semejante contexto, la figura de Ignacio Pinazo se agiganta a medida que profundizamos en su obra.

    Valencia, 27 de agosto de 2012
    Durante este período surge o se afianza un grupo de primeras figuras que imprime un nuevo sesgo a la actividad artística e inicia el camino hacia la modernidad.

    Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916) es sin lugar a dudas uno de los mejores pintores europeos de su época. Su pintura atrapa al espectador que sabe perseverar, y a partir de ese momento cobra extraordinario interés a cada nueva mirada.

    Pinazo fue un hombre de talante introvertido y meditabundo, poco apropiado para la aventura y el viaje, de modo que su retiro en Godella (donde hoy se conserva su Casa Museo) le privó de la proyección internacional que Sorolla conquisto muy tempranamente.

    Se han venido casi a trazar dos perfiles artísticos de Pinazo: uno lo describe como autor de pintura realista, más académico y hasta cierto punto complaciente con las exigencias de una clientela anclada en unos gustos convencionales que podría sentirse identificada con sus pinturas de historia y retratos; el otro lo presenta como un artista moderno y vanguardista, autor de una pintura más abocetada, basada en la primacía de la mancha libre y antiacadémica, que es la que nos desvela al verdadero artista, y a través de la cual se aproxima al gusto contemporáneo.

    Sin embargo, ambas realidades proceden de un mismo tronco y se desarrollan en paralelo enriqueciéndose mutuamente de sus experiencias, aunque con posterioridad el artista, por su propia dinámica vital y de carácter, se sienta más identificado con la práctica de esa otra pintura abocetada en la que triunfan definitivamente sus inquietudes en torno al lenguaje pictórico. Siendo esta última la tendencia dominante en los fondos de la colección del IVAM.

    Pinazo casi siempre parte de un asunto, de una experiencia visual, de un hecho vivido o cotidiano, pero frente al resto de sus coetáneos valencianos, sobre todo a los de su generación, puede trascender la anécdota hasta situarse en los límites de una pintura pura que se recrea en su propia sustancia; puede incluso situarse aparentemente al borde de la abstracción pero nunca rompe el hilo que establece una relación con el mundo de lo concreto. Pinazo rompe con la jerarquía de las artes relativizando el valor de los formatos y de las técnicas. Su pintura transporta al espectador por un universo cuajado de sensaciones que son para el artista el camino del conocimiento.

    Pinazo en la Colección del IVAM
    Hasta el 23 de septiembre de 2012 en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
    Guillem de Castro, 118, Valencia

    UNESCO: preocupación Por Alepo y Tombuctú

    25/08/2012, La UNESCO ha creado un fondo especial para la salvaguardia de los sitios del patrimonio mundial de Mali, país que sufre conflictos internos

    París, 25 de agosto de 2012

    El Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO a sugerencia de la Directora General, Irina Bokova, y decidió crear un fondo especial para apoyar los esfuerzos de salvaguardia de los sitios del patrimonio mundial de Mali, en particular Tombuctú y la Tumba de los Askia en Gao, afectados por el conflicto armado del norte del país.

    Los fondos recaudados se utilizarán para ayudar al gobierno del país a evaluar los daños sufridos por ambos sitios y llevar a cabo trabajos de reconstrucción y rehabilitación tan pronto como lo permita la seguridad en la zona. También se usarán para reforzar las capacidades de los gestores de los sitios y de las comunidades locales de en Tombuctú y Gao.

    ?La etiqueta patrimonio mundial se otorga a los sitios de valor universal excepcional, de importancia para la humanidad en su conjunto. Por eso pido a la comunidad de Estados Miembros de la UNESCO, a las organizaciones regionales de África, a otros organismos internacionales y a ciudadanos de todo el mundo que aporten contribuciones a esta cuenta?, dijo Irina Bokova.

    Los sitios del patrimonio mundial del norte de Mali han sido objeto de ataques destructivos desde que fueron ocupados por grupos rebeldes armados, en abril. En Tombuctú han sido profanados nueve mausoleos, dos de ellos situados en la mezquita de Djingareyber, la más importante de la ciudad.

    Conflicto sirio

    La UNESCO también ha expresado en los últimos días su preocupación por la situación en Siria, y en especial en Alepo, ciudad Patrimonio Mundial.

    Estratégicamente situada en la encrucijada de varias rutas comerciales históricas que unían Oriente a Occidente, Alepo ha conservado un patrimonio monumental muy importante, reflejo de las sucesivas dominaciones de hititas, asirios, griegos, romanos, omayas, ayubís, mongoles, mamelucos y otomanos. La ciudad vieja de Alepo está inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial desde 1986.

    Benito Escarpizo

    23/08/2012, Desde las ventanas de su casa de Otero (León) se contemplan los ámbitos boscosos que preludian el paisaje de La Congosta, un territorio donde anidan las leyendas

    Por Tomás Alvarez

    León, 23 de agosto de 2012

    La Congosta es un estrechamiento roqueño del valle del Porcos, por el que avanza la rumorosa corriente del agua evocando eternidad y poesía. Al lado del río también se escucha el traqueteo de los trenes sobre la vía férrea, un sonido que retumba en eco; son repetitivo y maquinal que nos lleva a un mundo de usinas, cadenas y grúas.

    El verdor inunda al espacio. En el fondo del valle, ramajos, salgueros y choperas conviven junto a mínimos prados. Retamas, encinas, robles y algún pino tapizan las laderas de este valle en el que aún se detectan los muros castreños sembrados de historias y leyendas milenarias de dioses y guerras.

    Desde las ventanas de la casa de Benito, hacía el norte, aparecen los paisajes cargados de sudores y mitos. Hacia el sur se esparce el caserío de Otero, un ámbito en el que resuena el vacío de la desolación y el paso de ese dios asolador de la decadencia que ha arrancado de cuajo la fuerza y la sangre campesinas para entregarlas a la sociedad de la alienación.

    …Y en el interior de casa, el pintor acumula la memoria, sintetizada en multitud de elementos etnográficos: piedras venerables, restos de cerámica sigillata o troncos retorcidos sobre los que no ha resistido la tentación de pasar a modo de caricia alguna brocha cargada de pintura roja o azul. Cuando pinta, Benito tiene ese mundo complejo y profundo a la altura de sus ojos, pero también tiene el aporte de un amor por las formas clásicas, reflejado en jarrones de perfil helénico o arquitecturas renacentistas que enmarcan reflejos de vida: venus, frutas, emparrados, caballos o danzarines.

    Este pintor es uno de esos seres cargados de coherencia que ha sabido dejar la ciudad para pintar desde un rincón idílico, cargado de belleza y también de dolorosas ausencias, en el que vive el presente y el pasado …y donde da vida a óleos en los que libera recuerdos y sueños.

    Antaño, simultaneaba su actividad docente con muestras en numerosos puntos de España y otros países; pero ahora la vida de Benito Escarpizo es más reposada y no por ello menos rica. Raras veces –-ahora es una de ellas- interrumpe esa estabilidad vital para exponer, y lo hace con nuevas creaciones, experimentando formatos.

    En Astorga, casi al lado de casa, este año ha llevado sus “agujeros”, unos óleos de acusados contrastes, en los que conjuga dos espacios: un interior sombrío, de negros violáceos, roto por alguna puerta en la que aparece otro mundo, un horizonte abierto de tonos blancoamarillos, con figuras familiares, el hombre con la guadaña, un crucificado, un acróbata…

    Pero junto a la innovación, Escarpizo vuelve a llevar sus grandes cuadros de amplio formato, cargados de reflexión, sensualidad, arquitecturas clásicas, humanidades y naturalezas. El mejor Escarpizo está en esos cuadros en el los que incorpora los colores vivos, y aúna naturalezas frutales con arquitecturas clásicas, para generar composiciones que parecen deformadas o matizadas por cristales prismáticos o rectangulares, para recrear una sinfonía de tonos cromáticos. Es una forma de pintar en la que encuentro reminiscencias de Lyonel Feininger, en la que vislumbro armonías musicales y poéticas.

    He buscado en la biografía de Benito Escarpizo, esperando encontrar en ella algún antecedente de estudios musicales, y no los he encontrado (Feininguer sí estudió violín) y he llegado a la conclusión de que las mejores armonías de Escarpizo no están sino en su propia vida y en el paisaje que la rodea.

    Exposición en Galería Rama. Astorga. Agosto de 2012.

    Una anciana restaura el "Ecce homo"

    23/08/2012, Cecilia Giménez, una anciana octogenaria, ha alcanzado notable notoriedad, por su restauración del "Ecce homo" de la iglesia del Santuario de Misericordia de la localidad aragonesa de Borja.

    Borja, 23 de agosto de 2012
    Para un lector normal, la primera duda que se plantea es la de si se trata de una noticia real. Para un amante del arte le parecerá surrealista.

    Algunas fuentes han declarado que la "restauradora" ya había hecho gala de sus capacidades desde tiempos pasados y con el conocimiento del párroco de la iglesia del Santuario de Misericordia. algo que ahora ha sido nota tragicómica en redes sociales e incluso en algunos rotativos importantes de Occidente.

    El trabajo "arreglado" se atribuía a un artista valenciano, Elías García Martínez, que fue profesor en la Escuela de Arte de Zaragoza, y tenía aproximadamente 120 años de antigüedad. El autor lo había pintado en muy poco tiempo, durante una de sus estancias en esta localidad.

    Según el concejal de cultura local, Juan María Ojeda, Cecilia Giménez decidió, con toda su buena intención, restaurar el fresco que, según ella, se encontraba en mal estado por culpa del salitre.

    La autora entró en la iglesia y empezó a retocar la obra. El problema es que en esta ocasión se le fue de las manos la restauración, con lo cual el fresco quedó completamente destrozado y oculto por una nueva pintura, nada realista.

    Un equipo de restauradores está preparando un informe sobre la restauración de la pintura, e intentará salvar el verdadero "Ecce homo" de la mano de la restauradora de quien dicen en el lugar que "siempre tuvo pasión por el arte". Y es que no se sabe si intentó restaurar la pintura anterior o quiso hacer un término medio con los cristos de Georges Rouault...

    Los Prerrafaelistas en la Tate

    22/08/2012, La Tate Britain nos acerca al prerrafaelismo con la muestra “Pre-Raphaelites: Victorian Avant-Garde”, que se muestra del 12 de septiembre de 2012 al 13 de enero de 2013.

    Londres, 22 de agosto de 2012
    En español se utiliza tanto la expresión prerrafaelistas como prerrafaelitas para referirse a aquellos pintores del siglo XIX, aquella “vanguardia victoriana” como titula la muestra de la Tate Britain, que pusieron en marcha una iniciativa renovadora.

    Hoy las obras nos parecen clásicas, idealizantes y con un toque romántico, pero en su momento fueron un reto frente al clasicismo tradicional de la pintura británica, que seguía un academicismo acartonado, perpetuando un amaneramiento de raíces italianas con composiciones grandes, teatrales, elegantes pero un tanto carentes de verismo.

    Estos “revolucionarios” renovadores, en sintonía con lo que estaba ocurriendo en el continente, se acercaron a un realismo, pero de la mano de los pintores antiguos. De ahí su nombre de prerrafaelistas, es decir anteriores a Rafael y emparentados con la pintura de flamencos y otros de la escuela continental en los que encontraban otra expresión del detalle, el tema y el color.

    La Hermandad Prerrafaelita fue fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt; duró poco, como tal, pero su iniciativa rupturista perduró décadas, y condicionó la pintura británica.

    A mediados del siglo XIX, los pintores prerrafaelitas –que ahora nos parecen dulces e idealistas- eran unos rebeldes iconoclastas. Para recordar aquel periodo, y a gentes como Dante Gabriel Rosetti, Ford Madox Brown, Millais, Burne-Jones, y otros, se presenta ahora esta muestra en la Tate Britain, en la que se considera como el gran centro de la pintura inglesa, en el que existen grandes colecciones que merece la pena ver, entre ellas también la de Turner.

    Esta exposición juntará más de 150 trabajos, incluyendo la pintura, la escultura, la fotografía y las artes aplicadas. Un motivo más para acercarse a la Tate.

    Viaje a las estrellas

    22/08/2012, El Planetario de la ciudad de Buenos Aires presenta “Viaje a las estrellas (Journey to the stars)”, una experiencia con la que disfrutarán tanto niños como mayores.

    Buenos Aires, 22 de agosto de 2012
    “Viaje a las estrellas (Journey to the stars)” es una experiencia fascinante, creada por astrofísicos y expertos en visualización científica y producción audiovisual del Museo de Historia Natural de Nueva York, con la colaboración de la NASA y más de 40 destacados científicos de distintas nacionalidades.

    Este show astronómico, que fue estrenado con gran éxito en 2009 en el Planetario Hayden de Nueva York, muestra extraordinarias imágenes telescópicas e impactantes simulaciones basadas en principios físicos. Una oportunidad única para realizar un viaje a través del tiempo y el espacio.

    Un recorrido iniciado desde la Tierra, hasta los confines de nuestra galaxia para explorar nuevos misterios celestes y descubrir la fascinante historia que nos conecta con las estrellas.

    Horiarios:
    De martes a viernes: 13; 16 y 17 hs.
    Sábado y domingos: 14; 15; 16; 17; 18 y 19 hs.

    Planetario de la Ciudad de Buenos Aires "Galileo Galilei"
    Av. Sarmiento y Belisario Roldán

    Parador de La Gomera

    21/08/2012, A pesar del incendio que ha sacudido la isla, el Parador de La Gomera no se ha visto afectado y promociona el turismo en este enclave atlántico.

    La Gomera, 21 de agosto de 2012
    Según recuerda la Red de Paradores, en La Gomera, la mayor parte del Parque Nacional Garajonay Patrimonio Mundial de la Humanidad, sigue intacta y abierta para que los turistas puedan disfrutar de sus riquezas naturales, únicas en el mundo.

    Situado en el centro de la Isla de La Gomera, en el archipiélago de las Canarias, este parque natural posee un bosque de laureles que cubre casi las tres cuartas partes de su superficie. La humedad emanada de sus numerosos manantiales y arroyos propicia el crecimiento de una exuberante vegetación análoga a la de la Era Terciaria, que ha desparecido por completo de la Europa Meridional, debido a los cambios climáticos, según explica la propia UNESCO.

    La Gomera es uno de esos sitios mágicos; un destino repleto de naturaleza, siendo su epicentro un gran parque natural en el cual los turistas pueden y disfrutar de una paz absoluta mientras se pierden entre sus senderos y rutas.

    Los últimos días un incendio de gran magnitud ha roto esa magia de la isla y las informaciones que han llegado desde allí eran verdaderamente alarmantes. Recuerda Paradores que “desde el Cabildo nos han asegurado que si bien es cierto que el daño ecológico es importante, hay que destacar la amplia extensión del parque que sigue intacta”.

    Ello implica que casi la totalidad de sus áreas recreativas, miradores, rutas y senderos, zonas de descanso y centros de visitantes siguen en condiciones de recibir a todos los turistas que visitan la isla.

    En lo que al Parador de la Gomera respecta, en ningún momento ha corrido peligro, por encontrarse en el lado opuesto de la isla. La Directora del Parador, Maricel Darias, ha manifestado que “el incendio ha sido un duro golpe para la isla, pero todo el mundo está trabajando duro para volver a la normalidad y recuperar lo antes posible las zonas afectadas por el incendio”.

    Para incentivar las visitas a la isla, el Parador ha activado varias promociones, entre las que se encuentran la posibilidad de disfrutar, sin coste, de una habitación con vistas al Océano (hasta el 30 de septiembre), así como precios especiales para los residentes en las Islas Canarias y los Amigos de Paradores.

    El Hotel San Sebastián, Parador de la Gomera, es uno de los establecimientos con más encanto de la Red. El Parador, de arquitectura isleña, permite a sus clientes disfrutar de su entorno paradisíaco y contemplar espectaculares vistas al Océano, con la isla de Tenerife y el Teide al fondo.

    El interior del hotel se encuentra repleto de alusiones marinas e instrumentos de navegación en recuerdo de las naves colombinas, que partieron de la isla hacia tierras americanas.

    Gerhard Richter en Bogotá

    21/08/2012, 27 obras del pintor alemán, elegidas por el propio artista, repasan todos los periodos de su carrera, hasta el 8 de octubre en el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá.

    Bogotá, 21 de agosto de 2012
    Bajo el título Sinopsis esta retrospectica in nuce, como podría denominarse la exposición, es organizada conjuntamente por el Banco de la República, el Institut für Auslandsbeziehungen —IFA— y el Goethe Intitut.

    Definir la obra de Gerhard Richter (Desde, 1932) no es fácil, por la pluralidad de su estilo, que va de lo figurativo a lo abstracto y del color al blanco y negro. Tampoco es sencillo explicar por qué un pintor es por estos días el artista vivo que mayores ventas registra en los mercados del arte, en una época en la que a la pintura se la daba por muerta.

    Se trata de un pintor clásico, tanto en el ejercicio de la profesión como en la visión que tiene de la pintura. A Richter se le reconoce un continuo afán por revitalizar la pintura, como medio y como lenguaje, a partir de un cuestionamiento constante de sus recursos, que se hace evidente en las distintas y disímiles etapas de su trabajo.

    Las 27 obras que se exhiben en esta Sinopsis fueron elegidas por el propio Richter. “Pedirle al artista que diseñe una exposición como esta, es requerirle una especie de autorretrato, a través del cual él se considere representado a sí mismo y a su obra”, explica Götz Adriani, historiador de arte alemán, en el prólogo de la exposición.

    Las obras repasan todos los periodos en su carrera como pintor, que ya superó los 50 años de trabajo y que hacen evidente su capacidad para reinventarse y reinventar la pintura. Así, se verán desde las ‘foto-pinturas’ de los años 60; las jaulas de colores, la abstracción gestual y el blanco y negro de los 70; la reinterpretación que hace en los años 80 de retratos, episodios históricos y paisajes; así como una de sus comisiones públicas, el Negro, Rojo, Dorado para el interior del antiguo edificio del Reichstag en Berlín.

    La exposición abarca trabajos creados entre 1977 y 2000.

    Góngora parte hacia Córdoba

    16/08/2012, La exposición Góngora: la estrella inextinguible. Magnitud estética y universo contemporáneo, cierra sus puertas el 19 de agosto en la BNE y se trasladará a Córdoba.

    Madrid, 16 de agosto de 2012
    Más de 30.000 personas han podido conocer mejor la figura del poeta cordobés a través de cuadros, manuscritos, grabados, dibujos, cartas, esculturas, instrumentos musicales, tapices y partituras. Un total de doscientas piezas, entre las que se encontraban los tres volúmenes del Manuscrito Chacón o un retrato pintado por Diego Velázquez.

    La muestra, organizada por Acción Cultural Española (AC/E) con la colaboración de la Biblioteca Nacional de España, el Ayuntamiento de Córdoba y la Universidad de Córdoba y comisariada por Joaquín Roses, profesor titular de Literatura Española e Hispanoamericana de la Universidad de Córdoba, se divide en cuatro bloques: En orbe de oro luminosa estrella: vida y contextos, “Aquel que tiene de escribir la llave”: el triunfo de Góngora en el siglo XVII, Motivos cotidianos, poemas estelares, mitos inagotable: sugerencias de la forma, la línea y el color, y La galaxia de Góngora en el siglo XX. Cada uno de los cuales repasa diferentes aspectos de la vida y obra del autor, desde el siglo XVII al XX.

    Ahora, a partir del 13 de septiembre y hasta el 11 de noviembre, la muestra se traslada a Córdoba, concretamente a la Sala Vimcorsa y Centro de Arte Pepe Espaliú, para el disfrute de los visitantes que quieran descubrir un poco más sobre el universo de este complejo escritor, poeta y dramaturgo del siglo XVII.

    Marimekko y Helsinki

    14/08/2012, Marimekko, un icono de diseño de moda en Finlandia será uno de los patrocinadores de la Helsinki Design Week, en el año más importante para el diseño en Finlandia.

    Helsinki, 14 de agosto de 2012
    Tiene helsinki tradicion en el diseño, con nombres en el estrellato de esta disciplina, como Alvar Aalto (1898-1976) uno de los grandes maestros internecionales del diseño y la arquitectura moderna.

    ... O como Eero Aarnio (1932) notable diseñador, que ideó un mobiliario rupturista, en especial con materias de plástico y fibra de vidrio como las sillas burbuja y la silla bola.

    Respecto a Marimekko, la marca finlandesa que significa literalmente “el vestido de Mari”, cabe recordar que fue fundada por Armi y Viljo Ratia, y ha sido un claro reflejo de la evolución empresarial y social de Finlandia. La marca, que saltó a la fama internacional cuando Jacqueline Kennedy, compró ocho vestidos de la casa y los lució durante la campaña presidencial de su esposo en 1960, ha sido un icono de la moda en Finlandia y firmas como la sueca H&M o incluso el mítico diseñador de zapatos Manolo Blahnik, se han hecho eco de los coloridos diseños de Marimekko.

    En la próxima Helsinki Design Week 2012, que se celebrará del 6 al 16 de septiembre, y que tendrá como lema “Co-creation”, Marimekko creará una instalación única en el Old Costumes Warehouse, rediseñando el escenario en colaboración con el artista Sebastián Mahaluf y el propio equipo de diseño de Marimekko. La instalación es una gran oportunidad para trabajar con nuevos aspectos de Marimekko en un entorno único y con algo que Marimekko siente como un reto importante de cara a formar parte de la Semana del Diseño de Helsinki, un público crítico en lo que a diseño respecta.

    La Helsinki Design Week es un festival de la creatividad contemporánea que comenzó en 2005 con el objetivo de inspirar y servir de escaparate de lo último del diseño finlandés en sus distintas manifestaciones industrial, textil, gráfico, decorativo o interiorismo. Además reúne a los artistas locales con la comunidad internacional del mundo del diseño.

    Campaña por el Ártico

    13/08/2012, Greenpeace está demandando apoyos para una activa campaña en defensa del Ártico, que considera una tierra de todos.

    Madrid, 13 de agosto de 2012
    Greenpeace señala la presión de los intereses económicos, en especial por el petróleo, pero alude también a otros aspectos como el dominio político o la pesca.

    Denuncia que el Ártico se derrite: “El hielo del Ártico, del que todos dependemos, está desapareciendo. Y lo está haciendo rápido. En los últimos 30 años hemos perdido tres cuartas partes de la capa de hielo flotante de la cima de la Tierra”.

    Recuerda que durante más de 800.000 años el hielo ha sido una característica permanente del océano Ártico pero que ahora se derrite por el uso excesivo de energías fósiles, con lo que cambia un espacio y peligra el futuro de los pueblos de la zona y fauna como la de osos polares, narvales, morsas, etc.

    Afirman los responsables de la campaña que la “fiebre del Ártico” ha comenzado: Shell, BP, Exxon y Gazprom, entre otros, prefieren arriesgarse a un vertido en el Ártico por poder extraer petróleo. “Las mismas compañías que hicieron que el Ártico comenzase a derretirse están buscando enriquecerse con el deshielo. Quieren abrir una nueva frontera petrolífera para obtener, teóricamente, 90.000 millones de barriles de petróleo. Esto, que significa muchísimo dinero para ellos, solo equivale a tres años de petróleo para el resto del mundo”

    Insisten en que gestionar vertidos de petróleo en aguas semicongeladas es “casi imposible”. Y afirman que si se prosigue en esa tarea de explotar el crudo “la llegada de un vertido catastrófico es sólo cuestión de tiempo”

    Los organizadores demandan la firma para detener esas prospecciones, pero también para evitar la sobrepesca: “Las flotas de pesca industrial están comenzando a pescar con redes de arrastre en aguas del Ártico. Las gentes del lugar han pescado de manera sostenible en el Ártico durante miles de años, pero su actividad podría desaparecer si permitimos que las compañías pesqueras exploten el océano Ártico”.

    Alude a los conflictos políticos por este territorio, y por eso están armándose. “Tanto Rusia como Noruega han anunciado “batallones árticos” para luchar por sus intereses nacionales. Junto a la creciente militarización, seis países están intentando hacerse con partes del Ártico sin reclamar, incluyendo el Polo Norte. Esas zonas ahora nos pertenecen a todos”

    Finalmente resalta que el Ártico Superior no pertenece a ningún país, y así debe seguir siendo. Por ello pide la firma para levantar una bandera de futuro en el Polo Norte, tarea que sabe que es ingente, y anuncia que en Naciones Unidas, pedirán un acuerdo global para proteger el Ártico. “Hace 30 años lanzamos una campaña similar para proteger la Antártida. Nadie creía que iba a tener éxito pero así fue, y conseguimos crear un parque mundial alrededor del Polo Sur”.

    Accesos a las cuevas de Altamira

    09/08/2012, Se inicia ahora un estudio que durará dos años, y en el que se determinarán las condiciones de acceso y conservación de la cueva de Altamira, joya mundial del arte prehistórico.

    Santander 9 de agosto
    Desde 2008, la cueva de Altamira es Patrimonio Mundial de la UNESCO. Este sitio prehistórico fue habitado desde el Periodo Auriñacense. El asentamiento humano se prolongó a lo largo de los periodos Solutrense y Magdaleniense. La mayor parte de los utensilios de piedra descubiertos datan de este último periodo, así como las célebres pinturas de la gran sala, de color ocre, rojo y negro, que representan bisontes, caballos, ciervos y jabalíes, ejecutados con un virtuosismo naturalista extraordinario.

    La cueva, situada en las cercanías de Santillana del Mar, no es visitable en la actualidad, salvo por los científicos, pero cuenta con una magnífica instalación explicativa, con un museo y la reproducción de los elementos pictóricos del interior a escala natural.

    El pleno del Patronato del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, se reunió el pasado día 3 en Santander y aprobó el Programa de Investigación para la Conservación Preventiva y Régimen de Acceso de la cueva.

    La puesta en marcha de este programa supone el inicio de una investigación, cuyas conclusiones serán de aplicación a la conservación de la cueva, cuyo régimen de acceso está condicionado a ofrecer una garantía para su sostenibilidad, conservación, preservación y continuidad.

    La investigación tiene como objetivo determinar el impacto que la presencia humana tiene sobre la conservación de las pinturas rupestres y elaborar un plan de conservación preventiva para la cueva con el fin de decidir si es compatible su adecuada conservación con un régimen de acceso a la misma.

    El plan aprobado desarrollará cinco estudios: proyecto de seguimiento ambiental, proyecto de control del biodeterioro, proyecto de conservación del soporte y policromía, proyecto de accesibilidad y proyecto de valor social. Las conclusiones se interrelacionarán en la elaboración de un Plan de Conservación Preventiva de la Cueva de Altamira.

    El programa contará con una dotación presupuestaria de 953.000 euros. La dirección científica del mismo corre a cargo del especialista en conservación preventiva Gaël de Guichen, consejero del director general del Centro Internacional de Estudios para la Conservación y la Restauración de Bienes Culturales (ICCROM), organización intergubernamental creada por la UNESCO y dedicada a la conservación del patrimonio cultural.

    Más información en la guía de Guía de Santillana del Mar

    Maravillas del mundo

    09/08/2012, Un libro único que incluye una selección de las obras monumentales más célebres de todos los tiempos, dentro del ámbito de la arquitectura, el diseño y la construcción.


    9 de Agosto de 2012

    Desde las pirámides del antiguo Egipto hasta la sorprendente genialidad contemporánea, se traza una ruta que invita a visitar la historia del hombre a través de los testimonios materiales y arquitectónicos más extraordinarios, civiles y religiosos, de diversas civilizaciones.

    Un testimonio de la imaginería de creaciones extraordinarias y de los mundos que les dieron origen: un viaje a lo largo de la arquitectura por los cinco continentes. Un largo y complejo viaje que hace uso de palabras e imágenes, comentarios y fotografías, como herramientas esenciales para captar la esencia y la grandeza de las piezas artísticas: una combinación de pensamiento y realidad visual.

    Los templos de Egipto, los monumentos de los mundos griego y romano, las joyas de la arquitectura europea medieval y renacentista, las maravillosas construcciones de las civilizaciones mesoamericanas y orientales, y las sorprendentes estructuras diseñadas por aclamados maestros son solamente algunas de las obras que se muestran en este análisis de la historia de la creatividad arquitectónica.

    Las pirámides de Guiza, El templo de Karnak, Persépolis, El Partenón, El Coliseo, Santa Sofía, Notre Dame, La Alhambra, La Gran Muralla, El Palacio de Versailles, El Taj Mahal, La Sagrada Familia, El Empire State Building, La Catedral Metropolitana o Las Torres Petronas son algunas de las maravillas seleccionadas para esta publicación, que verá la luz a mediados del mes de agosto.

    Maravillas del mundo
    Grandes obras de la arquitectura, el diseño y la construcción
    Francesco Boccia
    BLUME

    La República Checa y el jazz

    08/08/2012, Turismo Checo nos recuerda que la República Checa es en verano un magnífico destino no sólo por sus ciudades y paisajes, sino por la oferta musical, y en especial el jazz.

    Praga, 8 de agosto de 2012
    Pensar en un país como República Checa trae consigo imágenes de románticas ciudades medievales, aroma a cerveza, paisajes verdes, y un hilo musical que es imposible no reconocer, porque República Checa vibra al ritmo del jazz al pasear por sus calles.

    Desde comienzos de año pero sobre todo durante los meses de verano y otoño, se suceden en el país diversos festivales de jazz de prestigio internacional y con músicos que llegan desde ciudades y pueblos de la misma República Checa, hasta de la mítica Nueva Orleans.

    Desde el Bohemia Jazz Fest que comenzó a principios del mes de julio y que recorrió emblemáticas ciudades como Praga, Brno, Olomouc, Pilsen o Tábor, ofreciendo, además de increíbles muestras de jazz paisajes patrimonio de la UNESCO, hasta el Festival de Jazz de Bohemia del Sur que se celebra este agosto o el Festival internacional de Jazz de Praga ya en octubre. Todos ellos con músicos de primera tanto de talla internacional, como nacional.

    Nombres como Eddi Palmieri, la leyenda del jazz latinoamericano y ganador de un Grammy, que toca el día 10 de agosto en el Festival de Bohemia del Sur, Carmen Souza o Fred Wesley amenizaran el verano. Ya en otoño, otros como Brian Fentress en el Festival Internacional de Jazz de Praga o John Gros y Brian Seeger, procedentes de la mítica ciudad del jazz americana Nueva Orleans, en el festival Jazz Goes to Town, seguirán haciendo sonar el hilo musical checo durante octubre.

    Por ello, los amantes del jazz no pueden perderse estos festivales que concentran en República Checa a lo mejor del jazz del s XXI. Un jazz que, unido a la cerveza, el romanticismo y la cultura, completa una oferta que seduce al más escéptico.

    Gerhard Richter en París

    08/08/2012, Hasta el 24 de septiembre se puede ver en el Centro Pompidou la exposición Panorama, de Gerhard Richter. Un homenaje a una de las grandes figuras del arte de la segunda mitad del siglo XX.

    París, 8 de agosto de 2012
    Esta retrospectiva ambulante de Gerhard Richter tiene como itinerario la Tate Modern (6 oct. 2011-8 enero de 2012), la Nationalgalerie de Berlín (12 fev. 13 de mayo) y el Centro Pompidou (el 6 junio- 24 de sept. 2012).

    El museo del Louvre -socio del acontecimiento - presenta también en estos días más de una centena de obras sobre papel, muestra comisariada por Marie-Laure Bernadac.

    La retrospectiva presente en el Centro Pompidou reúne una selección de 150 obras y propone una lectura cronológica y temática de la obra de Gerhard Richter, desde principios de los años sesenta a hoy, a través de una escenografía original, concebida en complicidad con el artista.

    Nacido en 1932 en Dresde, Gerhard Richter es formado a las Bellas artes de su ciudad natal. Evita en 1961 la RDA y se instala en Düsseldorf donde se réinscrit a las Bellas artes. Es uno de los pintores más importantes de estos cincuenta últimos años. En 1972, representó a la RFA a la Bienal de Venecia

    Richter se define como un artista independiente: "No obedezco a ninguna intención, a ningún sistema, a ninguna tendencia; no tengo programa, ni estilo, ni pretensión. Me gusta la incertidumbre, el infinito y la inseguridad permanente "

    Gerhard Richter posee la facultad para reinventarse, para transformarse y, a cada una de las vueltas que toma su trabajo, defiende una nueva visión de la pintura y de la historia del arte. Experimenta desde el principio de su carrera de los estilos pictóricos muy diferentes: después de las "fotos-pinturas", realizadas a partir de fotografías al principio de los años 1960, Richter coloca, en los años 1970, un tipo de abstracción donde coexisten parrillas coloreadas, una abstracción gestual y monocromos. En los años 1980, reinterpreta de manera erudita e inédita los géneros de la historia del arte: retrato, pintura de historia, paisaje.

    Explora en el mismo momento un nuevo tipo de cuadros abstractos de colores ácidos, donde las formas gestuales y geométricas se entremezclan. En los años 1990, el artista pone a punto a una técnica consistente en extender la pintura todavía fresca con la ayuda de una tabla de madera o metal.

    Su primera exposición en un museo francés había sido organizada en el Centro Pompidou, en 1977.

    La muestra Panorama celebra el 80 aniversario del artista. El catálogo esta dirigido por Camille Morineau, comisario de la muestra.

    Reapertura de El Patio de los Leones

    06/08/2012, Andalucía potencia su atractivo. El Patio de los Leones de la Alhambra, en Granada, ha recuperado su imagen histórica y ya está accesible a los visitantes.

    Granada, 6 de agosto de 2012
    Granada es una ciudad excepcional. El conjunto de la Alhambra, Generalife y Albaicín, están desde 1984 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

    Ahora, después de diez años de recuperación, los ciudadanos podrán disfrutar y apreciar mejor los valores estéticos de las esculturas de los leones y la fuente nazarí que, de nuevo, han vuelto a verter agua en el magnífico patio de la Alhambra.

    El presidente de Andalucía, en el acto de reapertura del famoso Patio de los Leones, afirmó "la Alhambra es el monumento histórico más importante de Europa" y destacó que con la restauración se recupera una parte sustancial de la historia, en una intervención que ha combinado "tradición y modernidad" y que permite ver y escuchar el patio como hace siglos.

    La primera Fase de la Intervención integral en el Patio de los Leones ha sido dirigida por el Patronato de la Alhambra y Generalife en colaboración con el Instituto de Patrimonio Cultural de España y el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico. Junto a estos, ha trabajado también un equipo multidisciplinar, integrado por técnicos de las Universidades de Granada, Córdoba y Sevilla; una veintena de empresas, en su mayoría andaluzas, que han contado con más de un centenar de profesionales especializados, y once especialistas más que han trabajado directamente en el proyecto.

    El proyecto, cuyo coste asciende a 2.243.730 euros, ha permitido recuperar con criterios de autenticidad e integridad la imagen de la fuente y la restitución del sistema hidráulico.

    La intervención integral en el Palacio de los Leones comenzó en 2002 con la retirada del León número 4, la primera de las doce esculturas en ser restaurada. Después, en 2007, se retiraron del Patio el resto de los leones para someterse a un largo proceso de restauración, realizado en los talleres del Patronato de la Alhambra y Generalife, para eliminar las gruesas costras calcáreas, detener la invasión de elementos biológicos, consolidar roturas de diverso origen, y retirar elementos metálicos y adherencias muy perjudiciales como el cemento. La taza, debido a sus grandes dimensiones, tuvo que ser restaurada in-situ en un taller temporal instalado en el propio Patio.

    Posteriormente y a raíz de los trabajos de restauración del circuito hidráulico de la Fuente, en 2011, se realizó por primera vez una excavación con metodología arqueológica, que permitió documentar y preservar los materiales encontrados, además de constatar el hallazgo de restos preexistentes a la construcción del emblemático Palacio de los Leones, edificado en la segunda mitad del siglo XIV por Muhammad V.

    En diciembre de 2011, los Leones regresaron a su Patio, tras casi dos años en la Cripta del Palacio de Carlos V, donde han sido expuestos y visitados por más de un millón de personas, tras su restauración. El principio de autenticidad que ha guiado en la intervención de los leones ha puesto de manifiesto el proceso minucioso y detallista que se siguió en la ejecución de esta joya escultórica.

    Esta fase de intervención integral en el Patio de los Leones ha concluido con la colocación de 250 piezas de mármol para cubrir una superficie de 400 metros cuadrados, con medidas y pesos diferentes que oscilan desde los 50 a los 40 kilos y con características especialmente diseñadas para este espacio. El trabajo ha sido coordinado por el servicio de Conservación del Patronato de la Alhambra bajo la dirección facultativa del arquitecto Pedro Salmerón.

    A partir de ahora, con el objetivo de garantizar un perfecto estado de conservación en los Leones y en la taza, el Patronato de la Alhambra y Generalife va a contar con un equipo especializado y de última tecnología. Entre las medidas que se llevarán a cabo se encuentra la dotación de un equipo de instrumentación ubicado en el propio Patio, para la toma de registros y análisis; una estación meteorológica, que permitirá evaluar comportamientos de los bienes en el microclima del propio Patio de los Leones, y un sistema de seguridad avanzado.

    Con la finalidad de explicar detalladamente al visitante las intervenciones recientes impulsadas por el Patronato de la Alhambra y Generalife en el Palacio de los Leones, está prevista la instalación de una muestra divulgativa en la Cripta del Palacio de Carlos V, compuesta por vídeos documentales de las actuaciones más importantes que se han llevado a cabo en este espacio.

    223 años de prensa en Colombia

    06/08/2012, Del 2 de agosto al 8 de octubre de 2012, en Bogotá se presenta una muestra que presenta la historia de la prensa diaria colombiana.

    Bogotá, 6 de agosto de 2012
    A partir de una selección de noticias, crónicas, investigaciones, entrevistas, columnas de opinión, fotografías, caricaturas e infografías, de distintos periodos de la vida nacional, esta exposición, organizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, recorre la historia de la prensa en Colombia, al tiempo que habla de su papel en los acontecimientos más importantes del país.

    Bajo la dirección de Lorenzo Morales y en el marco de la conmemoración de los 50 años de la Asociación Colombiana de Editores de Diarios y Medios Informativos, ANDIARIOS, la exposición Un papel a toda prueba: 223 años de la prensa diaria en Colombia es una oportunidad para reflexionar sobre las nuevas perspectivas y alcances del periodismo en la actualidad.

    La exposición presentará una selección de trabajos periodísticos -que datan de fines del siglo XIX hasta la actualidad, publicados en medios nacionales y regionales, a partir de los cuales se da cuenta del nacimiento y la consolidación de los géneros periodísticos en el país.

    Por ejemplo, el primer telegrama que se replicó de una agencia internacional en 1886, será uno de los puntos de partida para explicar qué es una ‘noticia’; los trabajo de Emilia Umaña, la primera mujer reportera de Colombia, se adentrarán en el ‘reportaje’; o la editorial del 25 de febrero de 2011 del periódico Vanguardia Liberal que denunció los proyectos irregulares en el Páramo de Santurbán, explicará lo que se entiende por opinión.

    Además se hará referencia a los nuevos escenarios del periodismo que se han consolidado en los últimos años: blogs, foros de los lectores y redes sociales virtuales, se han sumado al nuevo abanico de posibilidades de la prensa.

    La exposición se centra en acontecimientos nacionales, pues es en ellos donde los relatos de la prensa colombiana ofrecen una mirada original. Algunos hechos internacionales aparecen, pero solo cuando contienen un ángulo local. El énfasis será el siglo XX, por ser éste el periodo en que surge y se consolida la prensa moderna e informativa, así como varios de los medios que siguen vigentes hasta hoy, por ejemplo, los periódicos de circulación nacional El Tiempo y El Espectador y los regionales El Colombiano (Medellín), Vanguardia Liberal (Bucaramanga) y La Patria (Manizales).

    Nueva Estación Central de Viena (Hauptbahnhof)

    06/08/2012, En el distrito 10 de Viena está construyéndose un barrio completamente nuevo que contará con la nueva Estación Central, viviendas, edificios de oficinas, un campus escolar y un parque.

    Viena, 6 de agosto de 2012
    La Wien Hauptbahnhof es uno de los mayores proyectos en construcción de la ciudad. En los alrededores de este moderno nudo de comunicaciones, cuya inauguración definitva está prevista para el año 2015, ya pueden observarse ahora algunos cambios.

    La nueva Estación Central de Viena hará posible la conexión de las líneas ferroviarias transeuropeas en sus ejes norte-sur y este-oeste, lo cual significará para los pasajeros comunicaciones más rápidas, una mayor comodidad gracias a la facilidad de transbordo, óptimas conexiones así como la adaptación de las instalaciones para personas discapacitadas según las últimas normativas.

    El lugar escogido para el nuevo centro de comunicaciones internacional de Viena limita con los distritos 3, 4 y 10. En los alrededores de este futuro nudo ya se pueden observar ahora algunos cambios. Enfrente de la futura Estación Central se revitalizó a finales del año pasado la 21er Haus (Casa del siglo XXI), un edificio de alta calidad arquitectónica que alberga un centro de exposiciones de arte austríaco desde 1945 hasta nuestros días.

    Otra de las grandes atracciones turísticas de la ciudad se encuentra a pocos pasos de la futura Estación Central: el Belvedere, que fue erigido como residencia veraniega del príncipe Eugenio de Saboya a principios del siglo XVIII. Esta obra total del arte barroco está formada por dos palacios (llamados Belvedere Superior y Belvedere Inferior) así como por unos magníficos jardines y alberga hoy en día obras del arte austríaco desde la Edad Media hasta el presente, entre las cuales se encuentra "El beso", el mundialmente famoso cuadro de Gustav Klimt.

    Muy cerca se encuentra el Hotel Daniel Wien, que, con su lujo inteligente y su panadería propia, apuesta por los trotamundos urbanos. Un insólito concepto hotelero ha sido desarrollado por Urbanauts, que convierte locales comerciales vacíos en habitaciones de hotel. El primero de los llamados "street lofts" se encuentra en una antigua sastrería del distrito 4, cerca de la futura Estación Central. Urbanauts renuncia a la clásica infraestructura hotelera, cuya función es asumida por escogidos restaurantes, cafés y bares de la zona. En 2012 se crearán otros "street lofts" en el barrio.

    La oferta gastronómica en los alrededores de la Estación Central está ampliándose contínuamente. Entre los locales gastronómicos clásicos se cuentan el típicamente vienés Café Goldegg con su decoración modernista, la elegante tienda de comestibles Opocensky con una exquisita oferta gourmet o el mesón vienés Meixner's Gastwirtschaft, situado en el distrito 10. Las interesantes novedades del distrito 4 están representadas por la minúscula Kaffeefabrik, que vende y sirve café de torrefacción propia, el Zweitbester, un local que destaca por la radical sencillez de su decoración, delicados platos y un amplio programa cultural, así como el Gasthaus Wolf, un revitalizado típico mesón vienés que reinterpreta la cocina vienesa de manera original.

    Además, en las inmediaciones se hallan el barrio del Freihausviertel (famoso por su gran cantidad de bares, restaurantes, tiendas y galerías de arte) y el mercado del Naschmarkt.

    Turismo con sabor de aceituna

    31/07/2012, El mediterráneo encierra una cultura muy vinculada al aceite de oliva. En torno a ella también se puede hacer turismo.

    Madrid. 31 de julio de 2012
    Actualmente existen 1.746 almazaras en España, muchas de ellas ofrecen visitas guiadas y catas. El 5% de toda la superficie de España está ocupada por olivos, unos 2,5 millones de hectáreas. Más allá de su valor económico, el olivar y su mundo constituyen un recurso turístico de primer orden.

    El Programa Europeo de Promoción de los Aceites de Oliva propone conocer las actividades organizadas por los cerca de 100 museos dedicados al aceite de oliva que existen en España. Se trata de acercarse al trabajo artesanal de la recolección del fruto y la elaboración de este ingrediente único, y a actividades como catas, excursiones, talleres, clases de cocina, etc.

    Los museos del aceite de oliva
    Las instalaciones más antiguas dedicadas a la extracción de aceite de oliva se han convertido en muchos casos en museos que ayudan a comprender mejor su cultura y su evolución.

    Andalucía es la comunidad con el mayor número de museos dedicados a los aceites de oliva, más de 30, según recoge la guía Museos del aceite en España, de Francisco Lorenzo Tapia. La mayoría de las almazaras convertidas en museo datan del siglo XVIII y XIX, aunque algunas son incluso anteriores como la del Museo de la Cultura del Olivo Hacienda la Laguna, en Baeza (Jaén), que data del siglo XVII.

    Esta finca de olivares centenarios situada en pleno valle del río Guadalquivir constituye un espacio museístico de primer orden y es referencia de los museos que sobre el mundo del aceite de oliva existen en España.

    En esta misma provincia, en el municipio de Navas de San Juan, puede visitarse el Museo del Arte del Aceite de Navas de San Juan que ilustra las diferentes etapas de la producción del aceite de oliva, desde la recogida hasta la distribución. La Almazara de Nuñez de Prado en Baena (Córdoba), situada en una tradicional casa de labranza andaluza, ofrece la visita a una bodega de tinajas del siglo XVIII y una almazara de 1943 aún en funcionamiento. En Casabaronela (Málaga), el Museo Molino de Los Mizos muestra una antigua almazara del siglo XIX que primero funcionó por tracción animal y posteriormente por tracción mecánica y que estuvo en uso hasta la década de los 60 del pasado siglo.

    Castilla-La Mancha tiene también una gran tradición olivarera. La localidad de Mora, en Toledo, cuenta con el Museo de la Fundación “Patrimonio Comunal Olivarero”, creado en 1999 y uno de los más notables del país. Visitando el museo pueden contrastarse las diferencias entre una almazara del siglo XIX con las almazaras de finales del siglo XX.

    También en la provincia de Toledo encontramos la Almazara de Alcabón, situada en la localidad del mismo nombre, cuyo origen se remonta a la época de la dominación árabe. La almazara cuenta con dos molinos “de sangre” de origen sirio que eran movidos por la fuerza de un animal. Todos los molinos de aceite de la zona han desaparecido a excepción de este.

    Cataluña ha realizado grandes esfuerzos por promover la cultura de los aceites de oliva llegando incluso a crear un parque temático dedicado a este ingrediente único. La Fundación Parc Temàtic de l’Oli (Juneda, Lérida) se constituyó en 1998 para impulsar el aceite de oliva de Les Garrigues. Consta de tres grandes áreas: dos masías (un restaurante y otra antigua convertida en museo del aceite de oliva) y un hotel. El Molí de L’Oli en Tarragona y el Molí D’Oli Maurici Massot en Lérida, son otros dos ejemplos de la tradición olivarera de la zona.

    Extremadura cuenta con un importante número de museos dedicados a la cultura del aceite de oliva. El Museo Etnográfico González Santana (Olivenza, Badajoz) recoge los usos y costumbres de la población de Olivenza, cuya historia está estrechamente ligada al olivar. En la Sala del Aceite puede verse un antiguo molino aceitero completo, recipientes de almacenamiento (bidones, cántaros o zafras), así como muestras etiquetadas e instrumentos de laboratorio. En la comarca de las Hurdes, en Cáceres, se ha creado el Centro de Interpretación del Olivo, que resuelve toda duda que el visitante pueda tener sobre el cultivo y la elaboración del oro líquido.

    En Aragón encontramos el Museo del Aceite El Torno de Buera (Santa María de Dulcis, Huesca), creado a partir de una almazara de los siglos XVII y XVIII, que supone también un viaje por los olivares del Somontano, que permite descubrir su riqueza biológica con más de 20 variedades. El Museo Etnológico Casa Fabián (Alquézar, Huesca) situado en una antigua casa somontanesa del siglo XVII, es asimismo ejemplo del arraigo de la cultura del oro líquido en la comunidad aragonesa.

    La Comunidad Valenciana también ha demostrado un gran esfuerzo por conservar la tradición olivarera de la zona. El Museo Vivo del Aceite de Muro de Alcoy instalado en el Ayuntamiento de la villa, revive todo un método abandonado hace varias décadas.

    Ya en loas regiones de León y Castilla, El Museo del Aceite El Lagar del Mudo en San Felices de los Gallegos, Salamanca, es una perfecta muestra de los antiguos procedimientos de obtención del aceite de oliva. En la almazara, construida en el siglo XVIII, se elaboró este ingrediente único de forma artesanal hasta 1950.

    En Madrid encontramos en Brea de Tajo, la Almazara Museo Oleico y de Costumbres, que muestra los métodos tradicionales de elaboración del aceite de oliva.

    También en Galicia podemos seguir las pistas de la cultura del olivo. El Molino de las Farrapas de Bendilló (Bendilló-Quiroga en Lugo), nos muestra los antiguos procesos de elaboración del aceite de oliva. Antiguos, en este caso, no significa obsoletos, ya que los vecinos del pueblo y de los alrededores siguen moliendo la aceituna de modo tradicional para obtener su propio aceite.

    En las Baleares tenemos la Almazara de Son Torrella y el Museo del Aceite de Deià, ambos en Palma de Mallorca, que ofrecen una visión perfecta del trabajo de la aceituna en esta zona para la obtención del oro líquido.

    En Las Palmas de Gran Canaria encontramos el Museo Molino de Aceite de El Valle, asociado a una producción aceitera de la zona de Santa Lucía de la Isla de Gran Canaria. El museo está declarado Bien de Interés Cultural por el Consejo Canario del Patrimonio Histórico.

    Entre olivares
    Pero el oleoturismo no se agota en los museos. Muchas de las 1.746 almazaras que existen en España ofrecen catas de aceites de oliva virgen extra y otras actividades alrededor de la cultura del olivo. Sin olvidar tampoco que ligado a este cultivo hay una oferta gastronómica que ha hecho de los aceites de oliva su pilar básico.

    Templo del Sol Nocturno

    25/07/2012, El descubrimiento de un magnífico templo maya dedicado al Sol Nocturno, en El Zotz, Guatemala, ha sido una de las grandes noticias arqueológicas del año.

    Guatemala, 25 de julio de 2012
    Este templo dedicado al Dios del Sol Nocturno ha llamado la atención por su magnífica estética y porque parece que revela nuevos datos para el conocimiento de esta cultura.

    El pasado dia 18, el gobierno de Guatemala anunció la localización del Templo del Sol Nocturno, subestructura de la Pirámide de El Diablo, localizada en el Sitio Arqueológico El Zotz, Departamento de Petén, por arqueólogos que trabajan en el sitio.

    La información se dio a conocer en conferencia de prensa en el Palacio Nacional de la Cultura, con la participación de representantes guatemaltecos y los arqueólogos Stephen Houston (Brown University), Thomas Garrison (University of Southern California) y .Edwin Román (TheUniversity of Texas at Austin), quienes hicieron el hallazgo.

    Según informa el ministerio de cultura de Guatemala, este imponente templo fue hallado debajo de la Pirámide de El Diablo, edificio ambiciosamente construido con grandes decorados, presentando fachadas adornadas con estuco modelado y pintado. Esta pirámide fue pintada en un saturado rojo y desde ella se puede observar las cresterías de los templos de Tikal. La Pirámide de El Diablo, se encuentra anclada en un palacio, con una ciudadela defensiva rodeada por precipicios. Está se encuentra a 190 metros sobre el punto mas bajo en el valle y a 160 metros sobre el nivel de la plaza principal de El Zotz. La Pirámide tiene 13 metros de altura, con múltiples niveles, remplazada por otras versiones del edificio, preservando así la estructura interior del agresivo clima de la selva tropical.

    En el año 2009 se realizaron los primeros descubrimientos en ésta área, donde también se realizaron trabajos de conservación. Según el arqueólogo Román la motivación principal para la construcción de este templo, fueron los ciclos eternos y coreográficos del sol.

    El majestuoso Templo del Sol Nocturno data del Clásico Temprano, aproximadamente de los años 350-400 d.C. Se ubica en una escarpa alta, mirando al valle de Buena Vista, en una de las rutas más importantes de comercio entre las zonas este y oeste de la región Maya, conocida además como una ruta de conflicto dinástico, ya que está región actuó como amortiguamiento entre los antiguos reinos de Tikal y Waka,

    La iconografía del templo sugiere una “glorificación al Sol”. En la parte superior de la entrada al templo, posee un espectacular friso, el cual representa las diferentes fases del Sol:

    Fase I: La deidad del Sol representado como un Pez, el cual aparece en el horizonte.
    Fase II: El Sol del medio día, representado como él que bebe sangre.
    Fase III: El Sol nocturno, quien adopta características de jaguar feroz (siendo esta la deidad más representada en los mascarones del edificio).

    En las fachadas del templo se hallaron monumentales mascarones de estuco de 1.50 metros de alto y cada uno de ellos poseía encima otros mascarones de rostros pequeños o glifos. El estilo utilizado para la elaboración de estos mascarones son característicos del clásico Temprano pero ciertos elementos poseen un estilo arcaico, con el fin de “crear la ilusión” de que estos eran muy antiguos.

    Pinturas indígenas en el museo del Oro

    25/07/2012, El 25 de julio se abre en el museo del Oro de Bogotá la exposición temporal Pinturas y retratos de los indígenas colombianos, una particular mirada del fotógrafo inglés, Piers Calvert.

    Bogotá, 25 de julio de 2012
    El autor muestra la presencia cultural de los indígenas colombianos quienes exhiben con orgullo el arte a la vez milenario y contemporáneo de su pintura corporal.

    En un conjunto de retratos finos y respetuosos, colgados en el Museo del Oro del Banco de la República, en Bogotá, Calvert reúne trabajos en los que se muestra ese arte hecho de trazos pintura roja, negra o azul-negra sobre rostros de extraordinaria belleza, a la vez milenarios y actuales.

    Los rostros cubeo y wayuu que las líneas transforman, los cuerpos embera o wounán con diseños tradicionales que les otorgan mágicos poderes de animales, el pulcro vestido amarillo de una joven nukak que hace una generación no necesitaba vestido sino pintura y las manos de los uitoto, teñidas de negro para ocultar lo humano al enmascararse para el ritual, son otras tantas maneras como los indígenas presentan y hacen presencia con su diversidad cultural.

    La muestra impacta por la calidad de las imágenes que se quedan grabadas en la memoria. Fotografiadas con luz natural en ambientes selváticos o urbanos, pero con los fondos que tendría un retrato de estudio, le dan voz a los indígenas retratados en ellas, que con fuerza y sin palabras dicen estamos aquí, así somos ahora

    La exposición fotográfica podrá verse por dos meses en la sala Exploratorio del Museo del Oro del Banco de la República.

    Helsinki y el diseño

    18/07/2012, La capital mundial del diseño, Helsinki, celebra del 6 al 16 de septiembre, una nueva edición de la “Helsinki Design Week”, bajo el lema “Co-creation”.

    Helsinki, 18 de julio de 2012
    La ciudad es el el 2012 Capital Mundial del Diseño, una distinción que antes llevaron Turín y Seul. Y esta capitalidad llegará a su máximo apogeo durante estos 10 días.

    Artek, Marimekko, Iittala, Pentik, Aalto... Andar por Helsinki implica, siempre, respirar diseño por cada poro, pero en septiembre, la Helsinki Design Week conseguirá que todos los asistentes se sumerjan por completo en aquello que ha hecho que la capital finlandesa haya sido nombrada Capital Mundial del Diseño.

    Para ilustrar el lema de “Co-creación” se han organizado diversas actividades, pero una de ellas en particular destaca por incluir mucha creatividad y miles de bloques de LEGO. Durante la Helsinki Design Week, LEGO organizará un evento en colaboración con la Escuela de Arquitectura para la Infancia y la Juventud, Arkki, que unirá a niños, que construirán diferentes edificios, y arquitectos profesionales, que les guiarán en la construcción del mundo del futuro.

    Otros eventos, como el “Open House Helsinki”, en un año en que el lema de la capitalidad mundial del diseño es Helsinki abierta”, tienen como objetivo el abrir las puertas de lugares que normalmente son inaccesibles, tanto para los habitantes de Helsinki como para visitantes, organizando visitas guiadas a espacios y patios interiores en diferentes distritos de la ciudad o a lugares de interés arquitectónico, además de conferencias, exposiciones y talleres para toda la familia.

    La mayoría de las actividades tienen lugar en la antigua Fábrica de Cables de Nokia y todo aquél que quiera participar de forma activa creando un evento y realizándolo dentro del contexto de la “Helsinki Design Week”, aún está a tiempo. Sólo hay que registrar el evento en su página Web y listo.

    La Helsinki Design Week es un festival de la creatividad contemporánea que comenzó en 2005 con el objetivo de inspirar y servir de escaparate de lo último del diseño finlandés.

    Página web : http://www.helsinkidesignweek.com

    Nuevas reservas de la biosfera

    17/07/2012, La Red Mundial de Reservas de la Biosfera se ha ampliado con 20 nuevos territorios, con lo que en 2012 alcanza 598 espacios de 117 países.

    París, 17 de julio de 2012
    El Consejo Internacional de Coordinación del Programa sobre el Hombre y la Biosfera (MAB) se reunió en París para tomar esta decisión, que implicó la inclusión de nuevos países con reservas de este tipo: Haití, Kazajstán y Santo Tomé y Príncipe.

    Las reservas de biosfera son lugares designados por el Programa sobre el Hombre y la Biosfera (MAB) de la UNESCO como sitios de experimentación de diferentes métodos de gestión integrada de la biodiversidad y de los recursos naturales, ya sean terrestres, costeros marinos o de agua dulce..

    Las nuevas reservas recién incorporadas a la Red son:

    Sheka (Etiopía). Esta reserva abarca bosques, cañaverales de bambú, humedales y tierras de cultivo, así como asentamientos humanos y pueblos rurales. El bosque de Sheka, que forma parte de la región forestal meseteña del sudoeste de Etiopía.

    Cuenca del Dordoña (Francia). Esta reserva engloba la totalidad de los 24.000 km2 de la cuenca hidrográfica de este río. La biodiversidad que se da en las zonas montañosas de captación de aguas es muy importante. En la cuenca del Dordoña, que cuenta con uno de los mayores estuarios de toda Europa, no hay grandes núcleos urbanos y la densidad de población es poco elevada

    La Selle (Haití). Esta reserva de biosfera es la primera que se ha creado en Haití. Abarca una amplia gama de ecosistemas de montaña, llanura, costa y bosque seco tropical, y también zonas protegidas como “La Visite” o “Forêt-des-pins” en la que crece una especie vegetal endémica, el Pinus occidentalis. Es una prolongación ecológica de la Reserva de Biosfera de Jaragua-Bahoruco-Enriquillo, perteneciente a la República Dominicana.

    Achanakmar-Amarkantak (India). La variada topografía de esta reserva, situada en la confluencia de varias sierras, comprende zonas montañosas, valles abiertos y llanuras. El 63% de su superficie está cubierta por bosques húmedos de hoja caduca. El sitio es de gran valor para la conservación de especies debido a la riqueza de su biodiversidad.

    Wakatobi (Indonesia). Esta reserva abarca las cuatro islas principales del archipiélago de las Wakatobi: Wangi-Wangi, Kaledupa, Tomia y Binongko. Cuenta con ecosistemas variados y muchas especies marinas y costeras de corales y algas, y también de peces que se capturan para el consumo local o la venta. También posee numerosas especies de aves marinas, tortugas y cetáceos, así como manglares. En el archipiélago hay 396 arrecifes coralinos y 590 especies de peces.

    Aya (Japón). Situada al este de la isla meridional de Kyushu, esta reserva alberga uno de los más vastos bosques de hoja perenne todavía existentes en el Japón. El núcleo central de la reserva lo forma el Parque Seminacional de las Montañas Centrales de Kyushu, un lugar que nunca fue escenario de actividades humanas y que está siendo objeto de estudios científicos centrados en la estructura, función y dinámica de los bosques de hoja perenne.

    Korgalzhyn (Kazajstán). Esta reserva de biosfera es la primera que se ha creado en Kazajstán. Situado al norte de la parte central del país, el sitio abarca un conjunto de lagos salobres y de agua dulce encajados en la estepa árida eurasiática, que constituyen un importante humedal para toda una serie de aves acuáticas migratorias y, más concretamente, para algunas especies en peligro de extinción como la rarísima grulla blanca siberiana, el pelícano dálmata y el pigargo de Pallas.

    Tehuacán-Cuicatlán, México. Situada en una región montañosa árida y de tierras altas, esta reserva de biosfera es uno de los sitios donde se da uno de los más altos grados de diversidad biológica y de presencia de especies endémicas de todo México. Su paisaje milenario es uno de los más emblemáticos de Mesoamérica y su territorio está poblado por ocho grupos étnicos diferentes. La reserva se considera un sitio clave en lo que respecta al origen y desarrollo de la agricultura en la región mesoamericana.

    Isla de Príncipe (Santo Tomé y Príncipe). Esta reserva de biosfera es la primera que se ha creado en este país. La isla de Príncipe es la más Antigua de las tres islas volcánicas del Golfo de Guinea. La reserva comprende la totalidad de la isla, sus islotes anexos y el archipiélago de las Tiñosas. Sus ecosistemas terrestres marinos y terrestres albergan una gran diversidad biológica y constituyen un excelente lugar de reproducción para tortugas de mar, aves marinas y cetáceos

    Ferlo (Senegal). Esta reserva de biosfera tiene una superficie total de 2.058.214 hectáreas. A pesar de las amenazas que suponen la sequía y las actividades humanas para el ecosistema, la fauna y la flora de este sitio son notablemente variadas. Ferlo alberga, en particular, algunas especies animales emblemáticas como el avestruz de cuello rojo y la gacela de frente roja, y también una especie vegetal amenazada: el granadillo negro (Dalbergia melanoxylon).

    La Gomera (España). Esta isla del archipiélago de las Canarias ocupa una posición central entre las islas de Tenerife, La Palma y El Hierro. En el centro de La Gomera se halla el Parque Nacional de Garajonay donde se alza la cumbre del mismo nombre, la más elevada de la isla con sus 1.487 metros de altura. La meseta central de 1.000 metros de altitud y la amplia red de barrancos radiales cavados por una intensa erosión de las aguas dan a la isla su paisaje excepcional. La humedad y las nubes llegadas del mar, al ser detenidas por la masa de la meseta, producen el prodigioso efecto conocido con el nombre de “mar de nubes”.

    Las Ubiñas–La Mesa (España). Situada en la parte central de la Cordillera Cantábrica, esta reserva de biosfera comprende bosques maduros que conservan su estado primigenio y poseen un alto grado de biodiversidad. El sitio alberga también algunas especies animales protegidas como el oso pardo cantábrico y el pájaro carpintero, así como varias especies domésticas únicas en su género.

    Paisaje del este del Lago Vättern (Suecia). Este lago es el segundo de Suecia y el quinto de Europa por su superficie (105.520 hectáreas). El núcleo central de la reserva lo componen varias reservas naturales ya existentes, bosques protegidos y la ribera del lago

    Reserva de biosfera transfronteriza de Polesia Occidental (Belarrús/Polonia/Ucrania). Situada en la región biogeográfica centroeuropea, esta reserva se caracteriza por la presencia de bosques de coníferas boreales y de un bosque templado de hoja caduca en su confluencia. La región cuenta con numerosos lagos, pantanos, praderas y complejos pantanosos y lacustres. Además, posee una fauna y flora peculiares con varias especies raras y en peligro de extinción.

    Salzburger Lungau y Kärntner Nockberge (Austria). Esta reserva constituye un ejemplo representativo de los paisajes intralpinos con altas montañas y valles profundos. Se trata de un paisaje muy estructurado que se escalona desde los 600 hasta los 3.000 metros de altura sobre el nivel del mar y abarca ecosistemas típicos de los Alpes Centrales, como pantanos y fangales de montaña dotados de una gran diversidad biológica.

    Jinggangshan (China). Situada en la zona de los monzones, esta reserva se caracteriza por su clima húmedo subtropical y la presencia de paisajes diversos (montañas, valles, cuencas estructurales y zonas kársticas) que se escalonan desde los 381 hasta los 1.779 metros de altura sobre el nivel del mar. Es la mayor zona continua de bosque primario de hoja ancha de toda la zona subtropical. La reserva alberga 3.415 especies de plantas superiores, entre las que figuran especies mutantes. La población local vive de las industrias forestales y la agricultura

    Niubeiliang (China). Situada en la parte occidental de los Montes Qinling, esta reserva posee un ecosistema mixto de bosque templado de hoja ancha y de bosque de montaña. El 94% de su superficie la ocupan bosques de cuya gestión se encargan conjuntamente tres administraciones locales.

    Mura-Drava-Danubio (Croacia/Hungría). Esta reserva de biosfera comprende el ecosistema de llanura inundable más vasto de Europa Central, así como algunas zonas que formaban parte de esa llanura antes de la regulación de las aguas fluviales. La reserva posee hábitats húmedos muy diversos, entre los que figuran algunos de los que corren más peligro en Europa (bosques aluviales, praderas húmedas, bancos de grava y arena, lagos en herradura, brazos muertos fluviales, etc.).

    Urales bachkires (Federación de Rusia). Situada en la vertiente occidental de los Montes Urales del sur, esta reserva tiene una superficie total de 345.700 hectáreas. Posee una diversidad biológica de gran riqueza y paisajes muy variados: gargantas de ríos, estepas de montaña, pantanos, llanuras inundables y embalses naturales. Además, cuenta con más de 2.000 especies animales y más de 1.650 especies de plantas, de las cuales 44 son endémicas.

    Galloway y Ayrshire meridional (Reino Unido). La superficie de esta reserva de biosfera, que es el resultado de la fusión de dos reservas naturales, totaliza 520.000 hectáreas. Posee paisajes de campo abierto, “lochs”, llanuras anegadizas, tierras arables, pastos y zonas pobladas de árboles. El núcleo central de la reserva consta de varias áreas protegidas, de cuya gestión se encarga su organismo propietario: el Patrimonio Nacional Escocés

    Ampliaciones y nuevas denominaciones y zonificaciones de reservas de biosfera ya existentes:

    Reserva de Biosfera de Fray Jorge (Chile) – Ampliación.

    Reserva de Biosfera de las Islas y el Mar de Iroise (Francia) – Ampliación y nueva denominación (antiguo nombre: Reserva de Biosfera del Mar de Iroise).

    Reserva de Biosfera de Doñana (España) – Ampliación

    Reserva de Biosfera de Sierra Nevada (España) – Nueva zonificación.

    Cólera

    17/07/2012, En los últimos días han surgido informaciones sobre casos de Cólera en Cuba y Malí, aunque han llamado más la atención del primer país, porque no se hallaba tradicionalmente en las áreas donde la enfermedad es endémica.

    Cuba, 17 de julio de 2012
    El cólera es una enfermedad bacteriana intestinal aguda, causada por el Vibrio cholerae. En los casos leves, produce diarrea, mientras que en los graves aparece bruscamente diarrea acuosa profusa con náuseas y vómitos, dando lugar a la muerte.

    Según se informa en la página web del ministerio español de Sanidad, se adquiere a través de la ingestión de agua y/o alimentos contaminados directa o indirectamente por heces o vómitos de personas infectadas. Y su expansión se consigue con el consumo de agua, bebidas y alimentos contaminados. Habitualmente se presenta principalmente en países pobres con saneamientos inadecuados y carencia de agua de bebida controlada, así como en países afectados por guerras, catástrofes o grandes migaciones.

    El riesgo para viajeros internacionales en general es bajo si se adoptan unas sencillas medidas de precaución, incluso en aquellos países donde se producen brotes epidémicos. El riesgo es más alto en personas dedicadas a la ayuda humanitaria que se desplazan a zonas de desastre y en campamentos de refugiados.

    El brote de cólera en Cuba sigue creciendo. El ministerio de Salud Pública de Cuba, en un comunicado publicado en los medios de comunicación oficiales en la mañana del sábado, declaró que el brote se refiera a 158 casos, con tres muertes confirmadas. Fuentes periodísticas añaden cifras ligeramente más elevadas e informan de alertas dadas en países cercanos.

    Otro brote parece estar en Mali. El Fondo de Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) ha enviado allí elementos de saneamiento -pastillas potabilizadoras de agua y recipientes de almacenamiento- para proteger a la población, especialmente en los entornos de las ciudades de Gao y Tombuctú, situadas en el norte del país.

    Acción contra el hambre informa que unas 60 personas han muerto allí recientemente a causa de la epidemia de cólera, agravada por la crisis alimentaria y la sequía. En total, las agencias de Naciones Unidas han registrado ya en 2012 más de 2.800 casos de esta enfermedad en la región. El brote se está propagando sobre todo por los alrededores del río Níger.

    La desnutrición, los desplazamientos de la población maliense huyendo del conflicto de su país y las lluvias forman un escenario perfecto para la expansión del cólera, que está golpeando sobre todo a los más pequeños, afirma “Acción contra el Hambre”, entidad que trabaja en Gao en colaboración con Unicef para tratar de atajar la epidemia.

    El Cordero Místico, Eduardo Arroyo

    13/07/2012, La exposición de Eduardo Arroyo plantea una reflexión contemporánea de la obra de los hermanos Hubert y Jan van Eyck, conservada en Gante. En el Museo del Prado hasta septiembre de 2012.

    Madrid, 13 de julio de 2012

    La muestra
    La exposición "Eduardo Arroyo. El Cordero Místico", que podrá visitarse en el Museo del Prado de Madrid hasta el 30 de septiembre de 2012, está compuesta por 21 dibujos que recrean los paneles del Cordero Místico, 30 materiales preparatorios y 3 piezas del artista que se exhiben en torno a La Fuente de la Gracia (1430), obra también basada en el Políptico de Gante, de la escuela de Jan van Eyck y que ofrece una variación de la época a partir del original.

    Los personajes del Cordero Místico de Gante, se convierten en la obra de Arroyo en protagonistas contemporáneos de nuestra sociedad: Adán y Eva se visten como hombres y mujeres actuales; la Virgen y San Juan leen a Joyce y Stendhal; a su alrededor, los coros evangélicos se transforman en golden girls en “homenaje a todos aquellos que les ponen música a nuestros cuadros”; Caín utiliza un revólver para matar a Abel; el escenario flamenco se traslada a la Puerta de Alcalá y a la Plaza de Castilla de Madrid; los donantes se convierten en Ciudadano Kane y su “esposa” Peggy Guggenheim, y detrás de ambos -los más ricos del mundo según Arroyo-, el artista coloca la sigla del dólar como emblema de la riqueza y la mitología protestante del dinero; entre Kane y Peggy, están los santos juanes que el artista transforma en Van Gogh y Oscar Wilde, “dos suicidados de la sociedad”; y los jueces y caballeros que se dirigen a adorar al Cordero en la parte baja del retablo se modernizan transformándose en dictadores (Mobutu, Pinochet, Pol Pot, Franco etc.), mientras los eremitas y peregrinos de Van Eyck se convierten en emigrantes y exiliados a los que Arroyo siempre ha recordado: Sigmund Freud, Albert Einstein o Walter Benjamin.

    Pero el más relevante de los cambios que marca el Cordero de Arroyo se produce en la tabla inferior central ya que sustituye el cordero, colocado por Van Eyck como salvación y fuente de vida, por un tejido poblado de moscas, asociado inevitablemente a la muerte, modificando así el mensaje de la obra y aportando a la obra una de sus señas de identidad: la mosca.

    La Adoración del Cordero Místico
    Esta obra maestra, fechada en 1432, es el máximo exponente el arte flamenco primitivo. El retablo sobrevivió a las guerras de religión, cayó en manos de Napoleón y fue reclamado por los Nazis en la Segunda Guerra Mundial.

    En la actualidad el políptico descansa en su hogar, la Catedral de San Bavón (Gante), aunque una de sus tablas, la de los "Jueces Integros" se trata de una reproducción, ya que la original fue robada en el año 1934, noticia que fue portada de numerosas publicaciones de todo el mundo.

    Nuevo Museo del Humor de Buenos Aires

    13/07/2012, El pasado mes de junio se inauguraba el MUHU, Museo del Humor de Buenos Aires, una institución cultural para preservar el patrimonio del humor gráfico argentino.

    Buenos Aires, 13 de julio del 2012
    Esta institución reune las obras de los grandes maestros del dibujo, la ilustración y la caricatura argentinos. De esta manera, el museo pretende no sólo ser un lugar donde exponer obras de los maestros y pioneros de este arte, sino también albergar los trabajos de las nuevas generaciones de talentos, conformando una valiosa colección patrimonial del humor gráfico argentino y extranjero.

    Además, el museo organizará muestras transitorias, actividades y programas educativos, con la intención de lograr una activa difusión y acciones de extensión cultural, que integren las diferentes corrientes y artistas gráficos, en la misión de transmitir un patrimonio excepcional de la ciudad y del mundo.

    Conservar, exhibir, comunicar e investigar cobran un sentido estimulante en el marco de un museo inagotable que habita los sueños colectivos. El museo está presidido por una comisión de cinco notables: Quino, Garaycochea, García Ferré, Sábat y Mordillo.

    El patrimonio del Museo abarca dos siglos de humor gráfico argentino, desde el siglo XIX, con el humor costumbrista de los Peinetones de Bacle y los ácidos dibujos satíricos de los periódicos El Mosquito y Don Quijote, pasando por las obras de los grandes caricaturistas e ilustradores de las primeras décadas del siglo XX (Cao, Sirio, Zavattaro, Málaga Grenet y otros) que desarrollaron su oficio en Caras y Caretas, Fray Mocho, Plus Ultra, El Hogar... y las primeras historietas; la llamada Edad de Oro, alrededor de la mitad del Siglo XX, donde muchos de los grandes dibujantes se convirtieron en editores de revistas que marcaron una época irrepetible, como Dante Quinterno con Patoruzú y Guillermo Divito con Rico Tipo; luego, Landrú con Tía Vicenta y Andrés Cascioli con Satiricón y Humor; hasta la actualidad con el reconocimiento internacional de innumerables humoristas como Quino, Ferro, Mordillo o Carlos Nine.

    Museo del Humor
    Av. de los Italianos 851
    Puerto Madero
    Tel. 4516.0944/49 int. 211 / 222
    Horario: Lunes a viernes de 11 a 18 hs. Sábados, domingos y feriados de 10 a 19 hs.

    La conducción en vacaciones

    11/07/2012, En el momento en el que buena parte de los habitantes del hemisferio norte se lanzan a las carreteras, bueno es recordar recomendaciones básicas: desde el cuidado con el consumo de alcohol hasta el uso del cinturón.

    Madrid, 11 de julio de 2012
    Los meses estivales concentran el mayor volumen de desplazamientos por carretera, lo que incrementa el riesgo de accidentes. En el marco de la campaña Prevenir es vivir, Cruz Roja, ha elaborado un listado de recomendaciones para evitar accidentes de tráfico y para saber cómo actuar en el caso de que ocurran.

    El vehículo

    Revisar el vehículo antes de salir de viaje: luces, frenos, neumáticos…

    Colocar el equipaje de forma que no dificulte la visibilidad.

    No colocar objetos en la bandeja posterior del vehículo: En caso de colisión, pueden actuar como proyectiles y provocar lesiones adicionales a los ocupantes.

    Los animales deben ir aislados de la cabina de conducción y si van en jaulas o transportines convenientemente sujetos con los cinturones de seguridad.

    El conductor

    No consumir alcohol ni otras sustancias adictivas.

    Si está tomando alguna medicación, tener en cuenta las especificaciones del medicamento.

    Utilizar siempre el cinturón de seguridad.

    No utilizar el teléfono móvil. Multiplica por diez el riesgo de accidente.

    Los motoristas deben utilizar casco.

    Realizar paradas de descanso cada dos horas o cada 200 kilómetros. La fatiga disminuye los reflejos.

    Mantener la distancia de seguridad. En caso de lluvia, ésta debe ser el doble de lo habitual.

    Extremar la prudencia en las carreteras de un solo carril por sentido, respetando los límites de velocidad y prestar especial atención a los adelantamientos.

    Los ocupantes

    Los niños menores de doce años o que no alcancen los 1,50 metros de estatura deben viajar en sistemas de retención infantil. Éstos pueden evitar tres de cada cuatro lesiones.

    Todos los ocupantes deben llevar puesto siempre el cinturón de seguridad.

    Madrid Procesos 12

    11/07/2012, Los artistas españoles Chus García-Fraile, Rubio Infante, Tomás Pizá y el colectivo Unnoficial Tourist seleccionados en la edición Madrid Procesos 12.

    Madrid, 11 de julio de 2012
    Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM) organiza, con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, la colaboración de la Embajada de España en Berlín y la ayuda de Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, por octavo año consecutivo, el programa Madrid Procesos 12, una iniciativa que potencia la importancia de la creación y de la producción artística como elementos clave en el desarrollo cultural, patrimonial y social.

    Este programa impulsado por AVAM, tiene como objetivo la mejora de las condiciones de producción, creación y movilidad de los artistas plásticos y visuales. La dotación por proyecto para los artistas seleccionados es de 5.000 ¤.

    En cooperación con la Sociedad Karl Hofer de Berlín, por cuarto año, este programa otorga dos ayudas para la producción en residencia en los estudios/vivienda Obersschöneweide. De los 280 dossieres presentados en esta edición, el 85,7% provienen del Estado Español (de estos el 76,2 % de la Comunidad de Madrid) y el resto de países como, Argentina, México, Japón, Francia o Inglaterra, entre otros.

    Concluido el plazo de presentación de dossieres, los proyectos seleccionados de MADRID PROCESOS 12/ Madrid son:

    “Postal Freek!” del colectivo Unnoficial Tourist (Mauro Entrialgo, Jimina Sabadú, Ana Nieto, Iñaki Larrimbe, Macu Viente, Santigo Ochoa, Guillermo de la Madrid, John Tones, Jorge Diez, Adriana Herreros, "Todo por la praxis") sobre una idea de Iñaki Larrimbe.

    Postal Freek! quiere ser una colección de 10 postales que muestren imágenes de Madrid alternativas a las que proyecta la industria del turismo y las narrativas institucionales.

    Varias postales serán seleccionadas de entre todas las recibidas para participar en el concurso Postal Freek! convocado a título particular por el colectivo Unofficial Tourism. El concurso se revela así como una forma eficaz de hacer hablar a los otros.

    “Lampadarios G9” de Chus García-Fraile. El proyecto consiste en la producción fotográfica de 3 lampadarios religiosos donde sustituye las velas clásicas por otras de color formando las banderas de 3 de los países del G9, conjunto de países más industrializados del mundo cuyo peso político, económico y militar es muy relevante a escala global. Reproducciones que serán producidas en cajas de luz de tecnología Led, representando las banderas de Francia, Japón e Inglaterra.

    Las costumbres y aspectos de nuestra cultura son de origen religioso, simplemente por tradición. Sin embargo, Chus García-Fraile plantea la cuestión de si las nacionalidades cargadas de ideologías políticas pudieran ser consideradas las nuevas religiones o al menos éstas están muchas veces asociadas a conceptos religiosos.

    Los proyectos seleccionados de MADRID PROCESOS 12/ Berlín son:

    “Critical+Automatic” de Rubio Infante. Propuesta de una reflexión sobre la actual crisis socio-económica en la Europa Occidental Democrática, cuyo inicio se sitúa en las actividades especulativas relacionadas con la industria inmobiliaria. El discurso del proyecto se articulará en torno a dos conceptos: la construcción de viviendas+el cultivo de cannabis [“activos tóxicos”] y la repercusión en la “economía real” del devenir del “mercado” de valores, ideas que se trabajarán a través de dibujos, fotografías e instalaciones. El proyecto se suma a las corrientes de pensamiento crítico que denuncian que esta no es una crisis coyuntural y cíclica, sino que ha sido propiciada por intereses neoliberales con el principal objetivo de provocar un cambio profundo y regresivo de modelo económico- social. Lo que se cuestiona, a raíz de esta crisis, es la relación, que hasta ahora funcionaba de manera más o menos equilibrada entre el factor capital y el factor trabajo [que en España ha estado vinculado íntima y casi exclusivamente a la construcción]. Se elige la cuidad de Berlín como lugar de destino para realizar parte del proyecto, por ser la capital de Alemania, país cuyo gobierno asume un claro liderazgo dentro de la Zona Euro y por su valor simbólico y ejemplar como una nación que abandera las actuales iniciativas políticas más conservadoras y comprometidas con los mandatos del FMI.

    “Berlín ausgedehnt” de Tomás Pizá. ¿Hasta dónde llega Berlín? ¿Alguien es capaz de trazar los contornos de una ciudad contemporánea?, según muchos autores la ciudad es un fenómeno difuso en el espacio, pero quizás también en el tiempo y en la geografía, quizá las ciudades son la huella que dejan en nuestra mente y que vuelve con nosotros a casa tras un viaje.

    Como la ciudad, la pintura se constituye como un proceso de adición de información que a veces no podemos descifrar pero que acaban configurando un paisaje global. El proyecto tomará como punto de partida un proceso que enlazará los mecanismos de trabajo de la pintura, el urbanismo y el collage y propondrá un feed back con la ciudad retornando parte de ese material a la misma.

    Motherwell y los poetas (Octavio Paz y Rafael Alberti)

    10/07/2012, La Fundación Juan March presenta (20 julio-1 septiembre) una pequeña exposición en torno a la relación que Robert Motherwell mantuvo con Rafael Alberti y Octavio Paz.

    Constituida por fondos propios de la colección, el archivo histórico y la biblioteca de la Fundación Juan March, así como por algunos préstamos de colecciones particulares, esta muestra tiene por objeto mostrar algunas de las relaciones que Motherwell, admirador de la literatura española y latinoamericana, estableció tanto con Rafael Alberti como con Octavio Paz.

    Robert Motherwell (1915-1991) fue una figura decisiva del expresionismo abstracto norteamericano y de la así llamada "Escuela de Nueva York". Motherwell mantuvo siempre un estrecho vínculo con la tragedia de la Guerra Civil española, tema al que rindió homenaje en sus conocidas Elegías a la República española y, como puede verse en la muestra, ilustró con sus grabados poemas de Rafael Alberti, como El Negro Motherwell y A la pintura.

    Esa relación se presenta como un ejemplo muy característico –y muy ligada a la historia del arte contemporáneo y de la poesía en español del siglo XX– de la literatura y la pintura como universos de imágenes que remiten a otras imágenes y de textos que remiten a otros textos. En este sentido, mientras Motherwell "escribe" una suerte de textos, con una grafía abstracta, pero íntima, y visualmente significativa, de los textos de Octavio Paz y Rafael Alberti, éstos se acercan al oficio del pintor queriendo pintar las palabras del poema y del libro, que se convierten a su vez en formas artísticas, en objetos visualmente significativos. Las obras del pintor y de los poetas encarnan también, pues, la secular relación entre la poesía y la pintura.

    Motherwell se licenció en filosofía, iniciando sus estudios en la Universidad de Stanford, y completándolos en Harvard. Aun así, desde su juventud desarrolló su talento artístico, por el que le fue otorgada una beca para estudiar en el Otis Art Institute de Los Angeles. A raíz de un viaje por Europa durante el año 1938, empezó a dedicarse seriamente a la pintura. En 1941, después de un viaje por México junto con el surrealista chileno Roberto Matta, decidió dedicarse a tiempo completo a la pintura y se fue a vivir a Greenwich Village, en Nueva York. Durante la década de los cuarenta, recibió gran influencia de los surrealistas europeos. Su arte muestra su pasión por la historia, la literatura y la condición humana y desde el principio persiguió la idea de evocar una experiencia moral y política a través de sus obras.

    Durante toda su carrera artística Motherwell se inspiró en los escritos de James Joyce para los títulos de sus cuadros, dibujos y grabados. Además, un poema de Federico García Lorca le inspiró a producir más de 200 obras dedicadas al tema Elegy to the Spanish Republic, surgidas a raíz de su preocupación por la Guerra Civil Española.

    A principios de los años 40 entró en contacto con el grupo de artistas de Nueva York que pronto sería conocido como los expresionistas abstractos, y con los que empezó su carrera de exposiciones colectivas e individuales dedicadas a una pintura marcadamente gestual. A finales de los años 60 inició otra serie que se diferenciaba claramente de su pintura gestual: sus Open series, caracterizadas por campos de color delineados mediante carboncillo, que sugieren una puerta o ventana. Hasta el final de su carrera, Motherwell se dedicaría a estos dos modos de pintura: una más expresiva, otra más austera, además de a la creación de collages y a la colaboración con grabadores.

    Fecundo ensayista y poeta, además de profesor, traductor y diplomático, Octavio Paz (1914-1998), colaboró activamente en el impulso de la cultura a través de la fundación y participación en numerosas revistas, como Taller, Plural y Vuelta. El Premio Nobel que recibió en 1990 supuso el reconocimiento universal a su obra. Y el poeta, escritor y dramaturgo español Rafael Alberti (1902-1999), miembro de la Generación del 27, está considerado como uno de los mayores escritores españoles de la llamada Edad de Plata de la literatura española.

    Motherwell y los poetas
    (Octavio Paz y Rafael Alberti)
    20 de julio – 1 de septiembre 2012
    Fundación Juan March
    Castelló, 77. Madrid

    La huída a Egipto

    06/07/2012, En la National Gallery de Londres aún se puede disfrutar del Tiziano más joven, el que pinto su singular cuadro “La huida a Egipto”, recientemente restaurado.

    Londres 6 de julio de 2012

    La obra, perteneciente al Hermitage de San Petersburgo, fue recientemente restaurada y tiene gran interés por ser una de las primeras grandes piezas de Tiziano. Ahora recorre diversos puntos, en su retorno al museo ruso, y uno de ellos es la National Gallery de Londres, donde permanecerá hasta el inicio de septiembre.

    La exposición nos presenta a un talentoso joven que andaría por la veintena quien, tal vez por primera vez aborda un cuadro de gran tamaño.

    Acompañan a esta obra una veintena de trabajos contemporáneos, principalmente de artistas venecianos de aquel tiempo, Bellini, Giorgione, y Sebastiano del Piombo, obras de la colección permanente de la National Gallery, del Hermitage y de otras instituciones. También está representado Alberto Durero, quien estaba en Venecia en el tiempo en que Ticiano comenzaba con este trabajo.

    La huída a Egipto se cree es una de las pinturas más tempranas de Ticiano, realizada sobre una tela de 206 por 336 cm. En la que el paisaje ocupa la mayor parte de la composición, dibujando el ojo del espectador un apacible paisaje verdeante, con un cielo azulado y aguas y montañas… Todo con una sensibilidad colorista típica de las creaciones de los pintores de Venecia y muy destacada también en Tiziano.

    Tiene ese acercamiento a la naturaleza cierto aire ingenuo, más destacable en el tratamiento de los animales, pero muestra a un autor de pincel suelto y colorista.El cuadro se hizo para el patricio Veneciano Andrea Loredan, Fue pintado para el pórtico de su magnífico palacio. Loredan era también el cliente de otros grandes pintores activos en Venecia en aquel tiempo incluyendo a Giovanni Bellini, maestro del propio Tiziano.

    La huída a Egipto ha sido prestado por el museo ruso, tras su larga restauración, y aparece por primera vez fuera de Rusia, después de que en 1768 fuese adquirido por Catalina la Grande a los herederos del conde Heinrich von Brühl

    Mapfre y El Greco 2014

    05/07/2012, Mapfre y Fundación El Greco 2014 firman un acuerdo que convierte al grupo asegurador en patrocinador oficial de la conmemoración del IV centenario del fallecimiento de El Greco.


    Toledo, 5 de julio de 2012
    Mapfre apoyará la realización de este proyecto cultural que está preparando la Fundación El Greco para el año 2014. Se trata de una ambiciosa inciativa que desde Toledo se desarrollará en el ámbito nacional e internacional.

    El acuerdo se ha firmado en el Palacio de Fuensalida, sede de la Presidencia de la Junta de Castilla-La Mancha, en presencia de María Dolores Cospedal, Presidenta de Castilla-La Mancha, Alberto Manzano, Presidente de FUNDACI"N MAPFRE, Antonio Núñez, Vicepresidente de MAPFRE, y Gregorio Marañón, Presidente de la Fundación El Greco 2014.

    La celebración de este aniversario en 2014 ha sido declarada por ley “acontecimiento de excepcional interés público”, lo que permite los mayores beneficios fiscales del mecenazgo privado. La Fundación el Greco 2014 fue constituida el 13 de mayo de 2010, y cuenta con la Presidencia de Honor de SSMM los Reyes de España.

    Rutas Gastronómicas en Las Rozas

    05/07/2012, La Ruta Gastronómica de La Cigüeña María nace para dar a conocer las peculiaridades de las empresas y establecimientos gastronómicos y de ocio en Las Rozas y contribuir a su impulso y reconocimiento.


    Las Rozas de Madrid, 5 de julio de 2012

    Restaurantes, bares, fabricas de productos gastronómicos y tiendas delicatesen demandan realizar diversas actividades culinario/turísticas en Las Rozas periódicamente, y que, a través del turismo receptivo se cree una marca que atraiga clientes y genere negocio.

    Por este motivo nace La Ruta Gastronómica de La Cigüeña María, para seleccionar los mejores restaurantes, bares y tiendas de delicatesen del término municipal de Las Rozas. A través del blog (Ruta Gastronómica Las Rozas) podrás diseñar una ruta a la carta, personalizada, para conocer la población de Las Rozas de una manera diferente.


    Algunas alternativas son:

    LA RUTA DE LAS FÁBRICAS: Todos los viernes por la tarde y los sábados se podrá visitar la recientemente creada fábrica de cerveza artesanal La Virgen, donde después de ver como se elabora la cerveza tendrá lugar una cata y degustación de las distintas destilaciones.

    LAS ROZAS NATURALMENTE: Una ruta que se desarrolla en la zona del parque empresarial y zona alta del Europolis (Canal de Piragüismo, Dehesa de Navalcarbón-Ruta de los Fortines, Parque Empresarial-Ciudad del Futbol) con comida y degustación en alguno de los restaurantes del entorno.

    LA SENDA GASTRONOMICA DE LA CIGÜEÑA MARIA: Esta ruta se realiza por el interior del pueblo. La emblemática Plaza de España, tan peculiar con sus populosas terrazas, es perfecta para tomar el aperitivo, comer al aire libre sin ruidos ni polución, o simplemente degustar un delicioso chocolate con churros. Un lugar con aire añejo y de pueblo, donde citar a los visitantes venidos de fuera.

    En definitiva, una manera muy original de conocer Las Rozas, y disfrutar de sus bares, confiterías, pastelerías, panaderías, chocolaterías, talleres gastronómicos, restaurantes, terrazas y otros deliciosos espacios gastronómicos.

    SOSDelfines

    04/07/2012, El 4 de Julio se celebra el día internacional por la protección de los delfines en cautividad. Con motivo de este día varias ONGs de protección animal inician la campaña SOSDelfines.


    Madrid, 4 de julio de 2012
    Simpáticos, juguetones, divertidos... Pero también tristes y estresados. Existen evidencias científicas que demuestran que los mamíferos marinos sufren considerablemente en cautividad al no poder satisfacer sus necesidades fisiológicas y de comportamiento. Las piscinas, sin ningún tipo de enriquecimiento ambiental, les provocan estrés y agresividad, reducen sus expectativas de vida y les provocan numerosos problemas para su salud.

    En España hay aproximadamente 90 delfines en cautiverio. Estos datos han dado lugar a una campaña, organizada por varias ONGs, para concienciar a la población sobre este tema. El objetivo es informar y sensibilizar sobre la problemática del uso y cautividad de los delfines en zoos, acuarios y delfinarios.

    En la página web de la campaña: SOSdelfines.org, se puede encontrar:

    Vídeo de concienciación y denuncia.

    Una entrevista a Albert López, ex adiestrador de los delfines y de la orca Ulises en el Zoo de Barcelona durante 14 años y actualmente detractor de la cautividad de estos animales.

    Los resultados de una encuesta realizada por Ipsos que expone la opinión de los españoles acerca de la captura de delfines para delfinarios

    Los resultados del análisis de los contenidos de los espectáculos de todos los delfinarios del Estado y que exponen que estos centros sólo dedican una media de 1,5 minutos a enviar un mensaje educativo (algunos sólo 6 segundos).

    Una petición al Ministro de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente, Miguel Arias Cañete, para que exija a los centros con cetáceos que apliquen la Guía de Aplicación de la Ley de Zoos que establece que los parques zoológicos no deberían utilizar a sus animales en espectáculos.

    La campaña SOSDelfines dará el pistoletazo de salida con la proyección en pantalla gigante de un vídeo denúncia protagonizado por Bigas Luna, Fernando Tejero, Macaco, Marina Salas, Nathalie Seseña y Núria Gago. La proyección se podrá ver a través de una pantalla gigante de 10 m2 en las siguientes localidades:

    BARCELONA
    Día: 4 de Julio / de 10 a 14 y de 16 a 20 horas
    Dónde: Moll de Bosch i Alsina. Port Vell.

    VALENCIA
    Día: 5 y 6 de Julio / de 16 a 20 horas del día 5 y de 10 a 14 horas del día 6
    Dónde: Estación del Norte

    MADRID
    Día: 7 de Julio / de 10 a 14 y de 16 a 20 horas
    Dónde: Esplanada Negra del Antiguo Matadero de Madrid (en el aparcamiento al lado del centro de interpretación).

    MÁLAGA
    Día: 9 de Julio / de 10 a 14 y de 16 a 20 horas
    Dónde: Avenida de Andalucía, 4 - El Corte Inglés.

    Francia y España estrechan lazos culturales

    03/07/2012, El IX Prix Diálogo ha sido concedido a los museos del Prado y del Louvre, por su colaboración para el refuerzo de la cooperación entre Francia y España en el ámbito de la cultura.

    Madrid, 3 de julio de 2012
    Tanto la cultura francesa en general, como el arte en particular, han tenido siempre gran presencia en España y viceversa, algo que se mantiene en la actualidad a través de exposiciones temáticas que certifican los lazos de interés cultural de los dos países.

    A lo largo de los años, los museos del Prado y del Louvre han mantenido una relación marcada por la colaboración, pero a partir de 2009 se volvió mucho más estrecha e intensa. Fue en este año cuando el museo español inauguró el programa La obra invitada, con el que pretende acercar a los visitantes obras notables de otros museos para enriquecer la visita y establecer un término de comparación que permita reflexionar sobre las propias pinturas del Prado. La primera de esas obras fue La Magdalena penitente (Georges de La Tour) procedente del Museo del Louvre, que permaneció durante dos meses en el Prado.

    También en 2009 y como parte de su proyecto de ampliación y reordenación de colecciones, el museo madrileño abrió al público la primera sala temática Los primeros Borbones, compuesta por retratos franceses del siglo XVIII.

    Asimismo, se establecieron nuevos proyectos de investigación y exposición conjuntos, que se concretaron en la co-organización de tres exposiciones temporales durante los años siguientes que han estado disponibles tanto en el Prado como en el Louvre. En 2010, se expuso Turner y los Maestros, una extraordinaria selección de pinturas de este pintor romántico junto a aquellos artistas que le inspiraron.

    La siguiente exposición fue El Paisaje Clasicista en Roma, que se celebró en 2011 y en la que se mostraba el desarrollo del paisaje en Roma desde finales del siglo XVI hasta mediados del XVII con pinturas de artistas como Paul Brill, Annibale Carracci, Claudio de Lorena o Poussin.

    La última de estas exposiciones conjuntas previstas es El último Rafael, centrada en la actividad de Rafael en sus años finales, etapa de su producción que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental, al servicio de los Papas Julio II y León X. Esta exposición fue inaugurada en el Prado el pasado 11 de junio y estará disponible hasta el próximo 16 de septiembre, momento en que pasará al Museo del Louvre.

    William Blake

    03/07/2012, CaixaForum Madrid presenta a William Blake, uno de los artistas más representativos e influyentes del arte británico, a través de acuarelas, grabados, dibujos y pinturas al óleo.

    Madrid, 3 de julio de 2012

    Grabador, pintor, poeta. Paradigma del artista integral, William Blake (Londres, 1757-1827), incomprendido y rechazado por el público de su época, ocupa un lugar incuestionable en la historia de la cultura occidental por su original y visionaria concepción del arte, enfrentada a los dogmatismos sociales, religiosos y académicos.

    Inconformismo y misticismo son los rasgos definitorios de su obra. A través de sus grabados, pinturas y textos, Blake interpretó los grandes acontecimientos políticos y sociales de su época cuestionando el statu quo, un inconformismo que derivó en la búsqueda de nuevas técnicas artísticas que le permitieran reflejar sus inquietudes y que le alejaron de las convenciones neoclásicas, asociadas a los valores de la Ilustración.

    Su obra es también inseparable de las visiones que acompañaron al artista a lo largo de toda su vida y que le sirvieron de constante fuente de inspiración. A partir de estas, Blake creó un imaginario único que transporta al visitante a un reino mítico donde las fuerzas del bien y del mal colisionan entre sí en eterno conflicto.

    Visiones en el arte británico, organizada por la Tate Britain propone al visitante un acercamiento inédito a la obra del artista y a su influencia en el arte británico posterior, en una muestra formada por más de 100 piezas, 70 de ellas del propio Blake y las 30 restantes de otros destacados artistas ingleses influenciados por su legado. Es la primera muestra centrada en esta figura Imprescindible que se organiza en España desde 1996.

    William Blake fue rechazado y condenado por el público de su época, pero hoy está reconocido como un artista integral (grabador, pintor y poeta) que, trascendiendo las convenciones neoclásicas del momento, abrió la puerta a una concepción del arte no supeditada a dogmatismos sociales, religiosos y académicos.

    Fue un librepensador, independiente y radical, cuyas creaciones reflejan debates morales y problemas sociales de su época.

    Este inconformismo derivó también en la búsqueda de nuevas técnicas artísticas que le permitieran reflejar sus inquietudes y que le alejaron de las convenciones del arte neoclásico asociadas a los valores de la Ilustración. Para obtener el efecto deseado en las líneas y el color, Blake diseña técnicas propias, a la vez que rechaza rotundamente algunos procedimientos imperantes.

    Blake fue, asimismo, un firme defensor de la imaginación frente a la razón, considerándola no tan solo una facultad del alma, sino la existencia humana en sí misma. También en este sentido fue un creador visionario. Las visiones de otros mundos o del más allá están detrás del elaborado simbolismo y del desbordante misticismo de sus obras. Bebiendo de esta fuente de inspiración, el artista creó un sistema cosmológico único que transporta a un reino mítico donde las fuerzas del bien y del mal colisionan en eterno conflicto.

    Grabador y artista

    Blake fue un artista precoz: tomó sus primeras clases de dibujo a los 10 años, aprendió acuarela y se convirtió en grabador de oficio. A pesar de que existía gran demanda de grabados por parte de la burguesía de la época, sus trabajos, muy personales, no tuvieron suficiente aceptación y Blake no logró nunca vivir de forma acomodada. Su sinceridad, su resistencia a hacer concesiones al gusto contemporáneo, así como la necesidad de expresión personal como motor de la propia obra, le alejaron del público.

    Sus primeros trabajos tuvieron un éxito relativo. Sin embargo, a medida que empezó a definir su estilo, el complejo simbolismo de sus imágenes provocaría el rechazo de los espectadores, que las consideraron absurdas, turbadoras y de mal gusto.

    Libros proféticos

    Blake vivió una época turbulenta. Revoluciones sociales y guerras dejaron huella en sus ideas. Muy crítico respecto al sistema político, religioso y moral del momento, fue un revolucionario. Sus Libros proféticos, producidos en su mayor parte entre 1788 y 1806, son sus obras más complejas y originales: una serie de extensos poemas iluminados que tratan de la actualidad de su tiempo desde una perspectiva simbólica. Blake se inspiró en sus visiones y alimentó sus poemas con elementos procedentes de distintas tradiciones religiosas, fuentes literarias e ideas esotéricas.

    Los grandes grabados en color

    En los grandes grabados en color, Blake experimentó nuevos temas, técnicas y materiales. Son sus obras de mayor formato y están inspiradas en temas tan variados como la Biblia, Shakespeare, la historia moderna y las mitologías personales del artista.

    Blake denominaba a estos trabajos frescos, independientemente de si se trataba de acuarelas, grabados o pinturas al temple.

    De esta forma establecía un vínculo entre su obra y las grandes representaciones murales del Renacimiento italiano. Los frescos de Blake, como las pinturas de Miguel Ángel —su máxima referencia estilística— en el Vaticano, incorporan elementos narrativos con vocación didáctica para el gran público.

    Escenas de la Biblia

    Aunque Blake fue bautizado, contrajo matrimonio y recibió sepultura según los preceptos de la Iglesia anglicana, durante toda su vida mantuvo una actitud muy crítica respecto al poder eclesiástico, integrado en el poder estatal.

    Fue un gran lector de los textos religiosos, en especial de la Biblia y sus libros proféticos, que estudió y analizó desde una perspectiva heterodoxa. Blake llegó a la conclusión de que la Biblia era una recopilación histórica, obra de distintas voces inspiradas por Dios, pero no dictadas por él.

    Un funcionario llamado Thomas Butts se convirtió en su principal mecenas, a pesar de no ser un hombre de gran fortuna.

    Muchos de sus encargos estaban relacionados con los textos bíblicos. Gracias a Butts, Blake pudo disfrutar de una mínima seguridad económica y pudo desarrollar sus ideas libremente.

    Pintura al temple

    A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, que utilizaban la pintura al óleo, Blake desarrolló una innovadora técnica de pintura al temple que le permitía plasmar líneas claras y definidas y obtener colores puros e intensos. En primer lugar, dibujaba los contornos principales con tinta o pintura. A continuación aplicaba los colores y los sellaba con goma, y a veces con cola. Este procedimiento le permitía reflejar sus visiones a través de imágenes muy llamativas y espectaculares.

    Además, uno de los rasgos más característicos de Blake es la forma de representar el cuerpo humano. A su modo de ver, esta representación debía construirse desde la visión interna y no desde la observación de la naturaleza. Tomando como modelo el arte gótico y la pintura de Miguel Ángel, el cuerpo debía expresar valores y estados espirituales. En sus obras, el trazo y la silueta resultan fundamentales, por encima del efecto y el color. Esta elección no responde únicamente a una preferencia estética: es un imperativo moral.

    El Libro de Job

    1818: Blake, con 61 años, vivía una difícil situación económica. Un joven artista, John Linnell, le encargó los dibujos para el Libro de Job y las acuarelas de la Divina Comedia de Dante. Además, compró la mayor parte de sus escritos publicados. La amistad y la colaboración entre ambos duró los últimos diez años de la vida de Blake. El legado de Linnell fue el puente que conectó su obra con las generaciones posteriores. Blake se identificaba, personal y profesionalmente, con la historia de Job: el hombre bueno que sufre, que rechaza la idea de que este sufrimiento sea culpa de sus propios pecados y que, en la defensa de su virtud, llega a enfrentarse al propio Yahvé.

    La Divina Comedia

    A propuesta de Linnell, Blake ilustró la Divina Comedia de Dante. El trabajo comenzó en otoño de 1824 y debía publicarse como una serie de grabados. A la muerte de Blake, en 1827, solo habían sido impresas siete láminas y los diseños se encontraban en distintas fases de realización. Se desconocen las razones por las que la mayor parte de estas acuarelas corresponden al infierno. Tal vez porque Blake no pudo terminar la obra.

    El encargo de Linnell dio pie a una importante producción formada por 102 acuarelas y algunos bocetos originales. La Divina Comedia no es tan solo el más importante de sus proyectos inacabados, sino una de sus obras más significativas, donde puede observarse la amplitud y gran poder de su imaginación.

    Libros iluminados

    Los libros iluminados o miniados, impresos entre 1788 y 1806, marcan el periodo más prolífico de la obra de Blake y son testimonio de su audaz experimentación técnica y conceptual. Sus imágenes no deben ser entendidas únicamente como ilustraciones que adornan el texto, sino como un importante elemento que lo amplía y complementa.

    Imágenes y palabras aparecen grabadas en relieve. Antes de sumergirla en ácido, Blake pintaba la plancha de cobre con una solución resistente. Una vez obtenido el dibujo o el texto en relieve, le aplicaba tinta y lo imprimía utilizando varios colores en la misma plancha. Por ello nunca encontramos dos versiones iguales de la misma imagen, ya que Blake, junto a su esposa Catherine, terminaba los grabados a mano, reforzando las líneas más tenues y otorgando a cada ejemplar un color y una textura únicos.

    Blake atribuyó la invención de esta técnica a su hermano menor, Robert, cuyas aspiraciones artísticas quedaron bruscamente truncadas por su trágica y temprana muerte en 1787. Este suceso tuvo un profundo efecto en Blake, quien sostenía que Robert le visitó en una de sus visiones y le explicó los principios de un nuevo método de grabado en color.

    Los Antiguos

    Los primeros artistas que acusaron la influencia de Blake fueron los miembros del grupo Los Antiguos, jóvenes pintores, algunos de ellos apenas salidos de la academia, que veían a Blake como un sabio, un ermitaño que les indicaba el camino a seguir. Conocieron a Blake a través de John Linnell y se sintieron profundamente atraídos por la miniaturización y el aspecto visionario de su pintura.

    Aunque compartían la pasión por Milton y la Biblia, Los Antiguos eran más convencionales en su interpretación de dichas fuentes. No les interesaban los escritos proféticos ni los complejos sistemas mitológicos de Blake, que consideraban impenetrables e imposibles de reproducir. Las obras de Los Antiguos tampoco comparten ninguna de las vehementes críticas sociales de Blake, ni sus representaciones del horror, ni sus imágenes sexuales explícitas. Su arte era más nostálgico y estaba concebido como una reacción frente a la sociedad industrial.

    Los prerrafaelitas y simbolistas

    Los artistas que integraban la hermandad prerrafaelita eran más radicales en su oposición al establishment artístico que Los Antiguos, y siguieron a Blake de forma más directa al denunciar las enseñanzas y preceptos de la Royal Academy.

    Los prerrafaelitas tomaron de Blake el tratamiento del espacio, el color y la dinámica del cuerpo humano, así como muchos de sus temas: el amor, la muerte y el juicio, la primacía del ojo interno y el cuerpo trascendente. El simbolismo surgió, a finales del siglo XIX, como una reacción esteticista, irreal y poética al materialismo de la cultura europea. Blake fue considerado, retrospectivamente, como un simbolista cuya vigorosa espiritualidad y mitología personal ejercieron una gran influencia en los artistas de dicho movimiento.

    Como Blake, los simbolistas creían que el artista era un visionario, un profeta, y desarrollaron un lenguaje figurativo que revitalizó el género histórico e introdujo la temática psicológica en el arte.

    El principal exponente de esa tendencia fue G. F. Watts, quien, en una serie de obras de gran formato, desarrolló un sistema alegórico personal al servicio de la transmisión de mensajes espirituales arcanos y denunció los abusos de la sociedad contemporánea. A pesar del carácter a menudo impenetrable de sus imágenes, Watts tuvo más éxito que Blake en su época.

    Dante Gabriele Rossetti (1828-1882) fue uno de los miembros fundadores del movimiento de los prerrafaelitas y, junto con John Linnell (1779-1882) y Alexander Gilchrist (1828-1861), una de las piezas clave del «redescubrimiento» de Blake a partir de mediados del siglo XIX.

    La obra de Blake encuentra su eco en los pintores ingleses de las primeras décadas del siglo XX, que recuperan temas y formas del Romanticismo.

    William Blake (1757-1827). Visiones en el arte británico. Fechas: del 4 de julio al 21 de octubre de 2012. Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Organización: Tate Britain. Producción: Obra Social ”la Caixa”. Comisariado: Alison Smith, conservadora de Arte Británico (hasta 1900) de la Tate Britain de Londres.

    La UNESCO eligió a Río

    02/07/2012, Rio de Janeiro, con su entorno urbano y paisajístico, entró a formar parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, según decidió este organismo

    Rio de Janeiro, 2 de julio de 2012

    En el sitio inscrito destaca la dimensión de la ciudad como asentamiento urbano excepcional más que el patrimonio construido que ésta contiene. Une los elementos naturales clave que han inspirado el desarrollo urbano: desde las cumbres de las montañas del Parque Nacional de Tijuca hasta el mar.

    Incluye también los Jardines Botánicos, creados en 1808, la cumbre del Corcovado, con su famoso Cristo, las colinas que rodean la bahía de Guanabara y los amplios paisajes de la bahía de Copacabana, escenario de la cultura viviente de esta espectacular ciudad. Con esta inscripción, se reconoce también a Río de Janeiro la inspiración artística que ha brindado a músicos, paisajistas y urbanistas.

    La Comisión del Patrimonio Mundial lleva varios días de reuniones en esta ciudad rusa, y en la jornada ultima también aprobó otros nuevos sitios:

    Sitios mineros importantes de Valonia (Bélgica): cuatro minas que integran este sitio cultural se extienden desde el este hasta el oeste de Bélgica, a lo largo de una franja de terreno de 170 kilómetros de largo y de 3 a 15 kilómetros de ancho. El sitio lo forman las zonas de minería del carbón mejor conservadas de todo el país, que se explotaron principalmente desde principios del siglo XIX hasta la segunda mitad del siglo XX.

    Granjas decoradas de Hälsingland (Suecia): siete casas de madera situadas al este de Suecia que representan el apogeo de la construcción en madera en la región, una tradición que se remonta a la Edad Media.

    Sitio neolítico de Çatalhöyük, Turquía: dos colinas forman este sitio del sur de la llanura de Anatolia, cuya superficie supera los 137.000 metros cuadrados. El mónticulo de mayor altura, situado al este, contiene huellas de 18 niveles de ocupación neolítica entre los años 7.400 y 6.200 a. de C.

    Lagos de Unianga (Chad): este sitio abarca 18 lagos conexos entre sí que se hallan en el desierto del Sahara, en la región de Enedi. El complejo lacustre abarca una superficie de 62.808 hectáreas y es el más vasto de los existentes en un medio geográfico de aridez extrema.

    Sitio trinacional de Sangha (Camerún, República del Congo y República Centroafricana): en el punto de confluencia de las fronteras del Camerún, la República del Congo y la República Centroafricana, este sitio abarca tres parques nacionales contiguos que totalizan una superficie de más de 750.000 hectáreas, donde las actividades humanas apenas han alterado la naturaleza.

    Sitio fosilífero de Chengjiang (China): una zona de colinas de la provincia de Yunnan, este sitio de 512 hectáreas es todo un archivo fosilífero completo de un conjunto de especies marinas del Cámbrico inferior.

    Ghats occidentales (India): cadena montañosa de los Ghats occidentales, la más antigua que el Himalaya. Presenta rasgos geomórficos de capital importancia, con procesos biofísicos y ecológicos únicos. Los ecosistemas forestales de alta montaña del sitio influyen en el ciclo climático de los monzones. Al moderar el clima tropical de la región, representa uno de los mejores ejemplos del sistema monzónico del planeta. El sitio tiene también un grado excepcionalmente alto de diversidad biológica y endemismo.

    Flandes en verde

    02/07/2012, Bruselas ostenta el título de capital europea más verde gracias a que posee la más elevada proporción de zonas verdes (28%) por habitante. Disfruta de un verano verde en las ciudades flamencas.

    Las ciudades flamencas, sus canales y sus parques, ofrecen un marco incomparable de serenos paisajes. He aquí unos ejemplos de cómo el visitante podrá disfrutar plenamente de un destino refrescante.

    Movilidad sostenible:
    El verde es el gran color de Bruselas, la ciudad más ecológica de Europa. Y la bicicleta, su medio de transporte característico. El nuevo sistema VILLO permite que tanto visitantes como locales alquilen una bicicleta y la pueden aparcar en las 180 estaciones distribuidas por la ciudad.

    Mercados ecológicos:
    Place Sainte Catherine (miércoles), Rue des Tanneurs 58-62 (miércoles, viernes, sábado y domingo), y TAN en la rue de l´Arqueduc 95 (diario). Verdaderos puntos de encuentro de comerciantes y amantes de la vida sana.

    Slow food:
    Numerosos cocineros se han apuntado a la iniciativa que saca a relucir el auténtico valor de los alimentos y el auténtico placer de saborearlos al estilo borgoñón. www.slowfood.be

    Un paseo en verde:
    Un gigantesco cinturón de 63 Km bien señalizados, con parques, bosques y paisajes campestres. El itinerario ha cosechado premios y reconocimiento internacional por su carácter singular y excepcional oferta de servicios.

    Greeters:
    Voluntarios bruselenses, o bruselenses de adopción, que comparten gratuitamente con los visitantes paseos personalizados por la ciudad. Servicio gratuito y muy, muy auténtico. www.greeters.be

    Además, mención especial merece la ciudad de Gante, que en 2009 fue proclamada primera ciudad vegetariana del mundo gracias a haber declarado el jueves como día oficial vegetariano. Esto significa que las escuelas, hospitales, instituciones municipales y restaurantes se suman al proyecto, ofreciendo platos vegetarianos un día a la semana. Para ello, la ciudad impartió diferentes workshops en los que se formó a los restauradores en la rica variedad de productos y recetas vegetarianas. La ciudad ha publicado un nuevo plano en elque se muestran los mercados, tiendas y restaurantes donde el visitante encontrará las mejores direcciones suscritas al Veggie Day. ¿El objetivo? Llegar a ser en 2050 una «»climate neutral city».

    Mirar y Pensar Balenciaga

    02/07/2012, Hasta el 16 de septiembre, El Museo del Traje de Madrid acogerá la exposición Mirar y pensar Balenciaga, con fotografías de Manuel Outumuro.


    Madrid, 2 de julio de 2012
    Tras su paso por San Sebastián, Biarritz y Santiago de Compostela, el Museo del Traje acoge la exposición de fotografías Mirar y pensar Balenciaga, una muestra de los fondos del Museo Balenciaga de Guetaria realizadas por el prestigioso fotógrafo Manuel Outumuro, con ocasión de la apertura del Museo Balenciaga en 2011..

    La exposición es un recorrido por todas las etapas creativas del afamado modisto, desde 1935 hasta 1968, a través de sesenta fotografías convertidas en obras de arte, vistas a través de la lente del fotógrafo gallego.

    Estas imágenes de gran formato plasman el carácter casi escultórico de los vestidos diseñados por el modisto guipuzcoano, quien siempre se caracterizó por emplear telas con peso y textura gruesa en sus diseños. En palabras de Cristóbal Balenciaga: “Un buen modisto debe ser: arquitecto para los patrones, escultor para la forma, pintor para los dibujos, músico para la armonía y filósofo para la medida” .

    La exposición permite tener una visión de todas las etapas del modisto (desde algunas de sus piezas realizadas para Eisa B.E., marca utilizada por Balenciaga en sus casas de San Sebastián, Madrid y Barcelona entre 1935 y 1936, hasta las mejores creaciones de la firma en París) y sus líneas creativas (desde los trajes de inspiración histórica a los vestidos baby doll o las faldas globo).

    Algunas de las piezas de la muestra pertenecieron a sus más fieles clientas: Meye Allende de Maier (su hija, la fallecida Meye Maier donó más de cuarenta trajes de su colección al Museo Balenciaga); Rachel L. Mellon; María Sonsoles de Icaza, Marquesa de Llanzol, una de sus grandes coleccionistas españolas; su hija, Sonsoles Díez de Rivera; o Mona Bismarck. Entre la selección de fotografías también se encuentra la del vestido de novia que Fabiola de Mora y Aragón lució el día su boda con el rey Balduino de Bélgica.

    Más sobre Cristobal Balenciaga

    Belén, en el Patrimonio Mundial

    30/06/2012, El lugar donde nació Cristo es Patrimonio Mundial de la UNESCO, junto con otros múltiples enclaves de interés de todo el orbe, según se aprobó en una reunión celebrada en San Petersburgo (Rusia)

    San Petersburgo (Rusia) 29 de junio de 2012

    Se trata del primer sitio propiamente “palestino” inscrito como patrimonio mundial de la humanidad, lo que ha generado cierta controversia política. Pero esta ha quedado sumida entre el interés por otros muchos lugares que se están añadiendo a la lista desde el 28 de junio, entre ellos Rabat, en Marruecos, o la legendaria Xanadú (China).

    El Comité del Patrimonio Mundial inscribió el viernes en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO a los siguientes lugares:

    El Lugar de Nacimiento de Jesús: Iglesia de la Natividad y ruta de peregrinación en Belén (Palestina) . Fue inscrito en la Lista como Patrimonio en Peligro, puesto que está sufriendo daños debido a infiltraciones de agua. El sitio inscrito está situado a 10 km al sur de Jerusalén en el lugar en el que los cristianos creen que nació Jesucristo. En el 399 d.C. se construyó una primera iglesia, que fue sustituida por otra en el siglo VI tras ser sustituida por un incendio. En la iglesia actual se conservan suelos de mosaico muy elaborados procedentes del edificio original.

    Sitio de evolución humana del Monte Carmelo: cuevas del Nahal Me’arot/Uadi Al Mughara (Israel)- Situado en la ladera occidental del Monte Carmelo, el sitio comprende las cuevas de Tabun, Jamal, Al Uad y Skhul. Abarca 54 hectáreas y contiene vestigios culturales que constituyen un testimonio de 500.000 años de la evolución humana con restos de lugares de enterramiento, arquitectura primitiva en piedra y de la transición del modo de vida humano basado en la caza y la recolección a la práctica de la agricultura y la ganadería.

    Laguna meridional de las Islas Rocosas (Palau). Este sitio micronesio de 100.200 hectáreas comprende 445 islotes calcáreos de origen volcánico, totalmente despoblados, que en muchos casos tienen forma de hongos rodeados por lagunas de aguas color turquesa y arrecifes coralinos.

    Paisaje cultural de Bali: el sistema subak como expresión de la filosofía Tri Hita Karana (Indonesia). El paisaje cultural de Bali se extiende por una superficie de más de 19.500 hectáreas y comprende cinco terrazas de cultivo del arroz con sus correspondientes templos de agua, que son el eleme

    nto central de un sistema de gestión de los recursos hídricos mediante acequias y represas, denominado subak, cuyos orígenes se remontan al siglo IX. En el territorio de este sitio cultural también se alza el Templo Real de Pura Taman Ayun, que fue construido en el siglo XVIII.

    Rabat, capital moderna y ciudad histórica (Marruecos). Situada en el litoral atlántico, al noroeste de Marruecos, la ciudad de Rabat es producto de una simbiosis fecunda de la tradición árabe-musulmana y del modernismo occidental. El sitio inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial abarca la llamada "ciudad nueva", proyectada y construida entre 1912 y el decenio de 1930, en tiempos del protectorado francés, y también algunas zonas más antiguas del casco urbano que datan del siglo XII en algunos casos.

    Sitio de Xanadú (China). Situado al norte de la Gran Muralla de China, este sitio se extiende por una superficie de más de 25.000 hectáreas y contiene los vestigios de la capital legendaria de Kublai Khan, planeada en 1256 por Liu Bingzhdong, un consejero chino de este soberano mongol. Este sitio constituye un testimonio excepcional de la tentativa de fusión de la cultura nómada de los mongoles y de la cultura han china.

    El país bassari: paisajes culturales bassari, fula y bedik (Senegal). está situado al sudeste del país e incluye tres áreas geográficas: la zona bassari-salemata, la zona bedik-bandafassi y la zona fula-dindéfello, cada una con características morfológicas específicas. El paisaje bassari se caracteriza por sus terrazas y arrozales en las que se intercalan pueblos, aldeas y sitios arqueológicos.

    Grand-Bassam (Costa de Marfil). Primera capital colonial de Costa de Marfil, es un ejemplo de ciudad colonial de finales del siglo XIX y principios del XX con una planificación que incluye barrios especializados en el comercio, la administración, la vivienda para europeos y la vivienda para africanos. El sitio incluye el pueblo de pescadores africanos de N’zima,

    Las deliberaciones del Comité del Patrimonio de la UNESCO continúan en la ciudad rusa hasta el 6 de julio.

    El mercurio... Patrimonio Mundial de la UNESCO

    30/06/2012, Las minas de mercurio de Almadén (España) e Idrija (Eslovenia), han sido incluidas en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO

    San Petersburgo (Rusia) 29 de junio de 2012

    La 36 Sesión del Comité de Patrimonio Mundial, reunido en San Petersburgo (Rusia) ha incluido el 30 de junio de 2012 en la Lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, la candidatura conjunta de las Minas de Almadén (Ciudad Real - España) y de Idrija (Eslovenia) para reconocer su valor como ejemplos únicos de la explotación del mercurio a lo largo de los siglos

    El Comité ha reconocido su valor como las minas de mercurio más grandes del mundo. Asimismo, ha destacado que estas minas conservan un rico patrimonio material que refleja las diferentes etapas del desarrollo científico aplicado para la extracción de este mineral.

    Las características geológicas específicas de los depósitos de mercurio de Almadén e Idrija las han convertido en ejemplos excepcionales de esta minería. Actualmente, el cierre de las minas ha provocado la transformación adecuada de este recurso económico industrial en recurso patrimonial cultural.

    Ambas minas son los lugares más representativos de la explotación del mercurio a lo largo de la historia. Su importancia radica no sólo en el material que extraían, sino en el papel clave que el mercurio tuvo en la obtención de plata a partir del mineral en bruto y, que se utilizó desde el siglo XVI en los yacimientos españoles de América.

    La candidatura se presentó conjuntamente con el nombre de Patrimonio del Mercurio Idria y Almadén. Para reconocer la esencia de la minería del mercurio. La de Almadén, ya se aprovechaba en tiempos romanos, tal como queda en testimonios de la época, en tanto que la mina de Eslovenia se empezó a explotar en el siglo XV.

    En el caso de España, con Almadén, son ya cuarenta y cuatro los bienes inscritos en la Lista de Patrimonio Mundial, lo que refleja el reconocimiento al más alto nivel internacional de la abundante diversidad y riqueza de España en patrimonio cultural y natural.

    Para ver más sobre Almadén: http://www.guiarte.com/almaden/

    Dolcey Vergara

    26/06/2012, "Dolcey Vergara, pintor del Valle del Cauca" es una interesante muestra abierta al público hasta el 26 de agosto de 2012 en el Área Cultural del Banco de la República de Cali (Colombia)

    Bogotá, 26 de junio de 2012

    El area Cultural del Banco de la República de Cali presenta 77 de sus pinturas en la exposición Dolcey Vergara, pintor del Valle del Cauca, dedicada a este artista colombiano, de amplio recorrido dentro y fuera del país, que reflejó en obras temas históricos, de paisajes y costumbres, tanto en óleos como murales.

    Dolcey Vergara (1909-1993) fue un pintor romántico que, con caballete, oleos, telas y pinceles bajo el brazo, inmortalizó paisajes pintando in situ. En sus obras capturó los colores, la geografía y los ambientes del Valle del Cauca, obras de gran calidad técnica que son hoy testimonio valioso de la pintura colombiana del siglo XX. La exposición que ahora se presenta está comisariada por Juan Camilo Sierra Restrepo.

    En cinco años Dolcey Vergara ganó tres premios del Salón Nacional de Artistas: en 1941 obtuvo la medalla de bronce por su pintura El trapiche, en 1942 recibió la medalla de plata por el cuadro La danza y en 1946 se llevó el Primer Premio de Pintura con Currulao en Buenaventura. Las tres obras son representaciones de figura humana, en donde con magistralidad técnica capturó el movimiento.

    "Tres premios en tan breve tiempo, deberían valerle para seguir inscrito como parte del canon principal de la pintura en Colombia, pero ocurrió lo contrario. Hoy sólo unos pocos recuerdan el nombre de Dolcey Vergara y casi ninguno conoce sus cuadros; Dolcey Vergara es un pintor olvidado, perdido entre los nombres de otros contemporáneos de su época", explica Juan Camilo Sierra Restrepo, comisario de esta exposición.

    Vergara fue un pintor de oficio, estudio la luz como lo hicieron los impresionistas, pintando un mismo paisaje Цsu Valle natal- a distintas horas del día. También fue un estudioso de la técnica, en dos ocasiones viajo a Estados Unidos, una para estudiar acuarela y paisaje en la Universidad de Michigan, otra para aprender la técnica del esmalte en Nueva York,. estadías de las que quedaron un par de paisajes urbanos de invierno y que le sumaron credenciales a su currículum para ser director de la Escuela de Bellas Artes y docente en distintas facultades de la Universidad Nacional.

    "Esta exposición, a través de la selección de obras que conservan su familia y algunos coleccionistas privados, pretende hacer un reconocimiento al trabajo pictórico de un artista, que dejó como legado una obra que debe tener, por derecho propio, un lugar en la memoria artística del país", explica Juan Carlos Calle Holguín, gerente de la sucursal del Banco de la República de Cali.

    Acerca del artista:

    Dolcey Vergara, nació en Buga y se formó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, en Bogotá, donde llegó para estudiar Derecho. Un año más tarde, en 1928, decidió hacerse pintor. Entre sus profesores estaba Ricardo Borrero Ѕlvarez. Varios fueron sus temas de interés; la gran mayoría de su obra está compuesta por paisajes del Valle del Cauca, su tierra natal.

    Pintó también algunas composiciones de figura humana, como las premiadas en el Salón Nacional de Artistas, bodegones de frutas tropicales, unos cuantos retratos, paisajes urbanos de Estados Unidos, algunos cuadros de carácter histórico, figuras religiosas y tres murales en clínicas del entonces Instituto Colombiano de Seguros Sociales, en Palmira, Buga y Tuluá.

    Dolcey Vergara pintó hasta el final de sus días, en 1993, cuando, a los ochenta y cuatro años de edad, falleció en Bogotá. También enseñó su oficio desde la docencia académica. Pintó y enseñó a pintar, dedicado siempre, de lleno a su trabajo. Esta muestra re`para un importante olvido.

    Fracaso político en Cumbre de Rio

    23/06/2012, Después del paso de una pléyade de mandatarios de todo el mundo en la Cumbre de Rio sobre el clima queda una convicción: la mayoría de los gobernantes ha venido a hacer turismo.

    Rio de Janeiro, 22 de junio de 2012

    Después del paso de una pléyade de mandatarios de todo el mundo en la Cumbre de Rio sobre el clima queda una convicción: la mayoría de los gobernantes ha venido a hacer turismo.

    Con un texto devaluado se cerró la Cumbre sobre Desarrollo Sostenible (Río+20) y los observadores parecen deducir que quienes están forzando la mejora del medio ambiente son las organizaciones sociales, porque la clase política ha dado señales de inoperancia. Los responsables de gobierno que por allí han pasado -un centenar- solo llenaron su boca de proclamas sobre sostenibilidad. Poco práctico.

    El documento "El futuro que queremos" es com una "encíclica papal", en verde; carente de compromisos y plazos, y en el que se han evitado los aspectos más polémicos, según los observadores.

    Criticas conservacionistas

    Para, WWF la Conferencia ha sido otra oportunidad malgastada y el texto acordado no encamina al mundo hacia el desarrollo sostenible. Sin embargo, fuera de la sala de negociaciones se alcanzaron algunos importantes compromisos.

    Jim Leape, director General de WWF Internacional, ha declarado “Ha sido una conferencia para enfrentarnos al desafío urgente de construir un futuro sostenible. Pero por desgracia, los líderes mundiales aquí reunidos han perdido el rumbo de este propósito”.

    WWF destaca el liderazgo motivador en las comunidades, ciudades, gobiernos y empresas, que están sentando las bases para proteger nuestro medio ambiente, aliviar la pobreza y encaminarnos hacia un planeta sostenible. Pero para conseguirlo se necesitan también acciones de los individuos, los pueblos, las ciudades, los países, las pequeñas y grandes empresas y las organizaciones de la sociedad civil. Todos ellos se deben apropiar de la responsabilidad que los líderes del mundo no fueron capaces de asumir en Río.

    Según WWF, entre de los grandes compromisos presentados fuera de la sala de negociaciones en Río destaca que Maldivas anunció la creación de la reserva marítima más grande del mundo. Todas sus 1192 islas se convertirán en una reserva marina en el 2017.

    Tambien se han presentado compromisos de otros países, como Mozambique, Reino Unido o Indonesia, con acciones “verdes” e incluso iniciativas de instituciones financieras. En el fracaso, los escasos avances en la gobernanza de los océanos o la falta de un compromiso institucional de la ONU por el Medio Ambiente.

    Greenpeace dice que la reunión de Rio pasará a la historia por la falta de ambición de los Gobiernos participantes y por sus buenas palabras vacías de contenido. Prueba de ellos es que las organizaciones civiles allí presentes la han bautizado como la cumbre de Greenwashing+20, del maquillaje verde carente de compromiso y de medidas reales para cambiar la situación del planeta. Del texto de la declaración final de la cumbre no se pueden extraer decisiones ni pasos adelante para comenzar la transición hacia un modelo de desarrollo que pueda hacer frente a la actual crisis económica, ambiental y de equidad.

    Esta organización conservacionista lamenta que incluso antes de comenzar la cumbre EEUU, Venezuela, Rusia y Canadá formaran una surrealista alianza que dio al traste con la propuesta de que esta cumbre lanzara un mandato para la protección de las aguas internacionales. La posibilidad de mejorar la gobernanza mundial en materia de medio ambiente a través de la conversión en una agencia de Naciones Unidas el actual Programa de la ONU para el Medio Ambiente (UNEP), también fue rechazada. Pese a los innumerables llamamientos de la comunidad internacional para poner fin a las subvenciones a los combustibles fósiles, los Gobiernos presentes en Río+20 no han querido aprobar un nuevo párrafo que recuerde que el desarrollo sostenible solo será posible cuando se acaben los subsidios a las energías sucias y se apoyen decididamente las energías renovables.

    Greenpeace ha presentado su campaña para la protección del Ártico, ha denunciado la política errada de la presidenta brasileña Dilma Rouselff en materia de lucha contra la deforestación y también ha expuesto la necesidad de abordar la próxima gran crisis ambiental, la de los océanos.

    Lista Roja de las especies

    21/06/2012, Casi 20.000 especies están amenazadas de extinción, según la última Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN, Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza.


    Gland (Suiza) 21 de junio de 2012
    La UICN, creada en 1948, mantiene actualizada su lista roja de especies amenazadas, que se considera como un termómetro de la biodiversidad del mundo.

    La última actualización de la Lista Roja de Especies Amenazadas™ de la UICN, dada a conocer en vísperas de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Desarrollo Sostenible en Río de Janeiro, Brasil, muestra que de las 63.837 especies evaluadas 19.817 están amenazadas por la extinción, incluyendo el 41% de los anfibios, 33% de los corales formadores de arrecifes, 25% de los mamíferos, 13% de las aves y 30% de las coníferas.

    Dice la UICN que aunque la mayoría de las personas en los países ricos dependen principalmente de las especies domesticadas para sus necesidades alimenticias, muchos millones de personas dependen de las especies silvestres. Los ecosistemas de agua dulce se encuentran bajo considerable presión por la expansión de las poblaciones humanas y la explotación de los recursos hídricos.

    Los peces de agua dulce, importante fuente de alimento, están amenazados por las prácticas pesqueras no sostenibles y la destrucción del hábitat a causa de la contaminación y la construcción de represas. Aunque una cuarta parte de las pesquerías del interior se encuentran en el continente africano, el 27% de los peces de agua dulce en África enfrentan amenazas, incluyendo el Oreochromis karongae, una fuente muy importante de alimento en la región del lago Malawi que ha sido sobreexplotado inmisericordemente. También se está estudiando la situación en otras regiones, y en la última actualización de la Lista Roja de la UICN el arenque del Mekong (Tenualosa thibaudeaui), un importante pez comercial endémico de la parte baja del río Mekong, en la región indo-birmana, ha sido clasificado como Vulnerable, como resultado de la sobrepesca y la degradación del hábitat.

    En algunas partes del mundo, el alimento y los ingresos de hasta el 90% de las poblaciones costeras provienen de la pesca; sin embargo, la sobrepesca ha reducido algunas poblaciones de peces comerciales en más del 90%.

    El 36% de las rayas están amenazadas por la extinción, incluyendo la raya leopardo (Himantura leoparda), de gran valor comercial, que está clasificada como Vulnerable a causa de la extensa degradación del hábitat y la fuerte presión pesquera. Más de 275 millones de personas dependen de los arrecifes de coral para su alimento, para la protección costera y para los medios de subsistencia.

    A nivel mundial, la actividad pesquera de arrecifes de coral se estima en USD 6800 millones al año. La sobrepesca afecta a un 55% de los arrecifes del mundo, y de acuerdo con la Lista Roja de la UICN, el 18% de los meros, una familia económicamente importante de peces de arrecife grandes, están amenazados. Los arrecifes de coral deben gestionarse con responsabilidad para que puedan continuar proporcionando el alimento esencial del que millones de personas dependen como fuente de proteínas.

    Los parientes silvestres de los cultivos, tales como la Beta patula, un pariente silvestre de la remolacha cultivada, que está clasificada como En Peligro Crítico, son de vital importancia para la seguridad alimentaria y la agricultura, toda vez que pueden ser utilizados para producir nuevas variedades de cultivos.

    La producción de por lo menos un tercio de los alimentos del mundo, incluyendo 87 de los 113 cultivos alimenticios más importantes, depende de la polinización realizada por insectos, murciélagos y aves.

    Según la Lista Roja de la UICN, el 16% de las mariposas endémicas de Europa están amenazadas. Los murciélagos, que también son importantes polinizadores, también están amenazados, un 18% de ellos a nivel mundial. La última actualización de la Lista Roja muestra que cuatro miembros de la familia del colibrí que es conocida por sus servicios de polinización, se encuentran ahora en un mayor riesgo de extinción con el colibrí diamante golarosa (Heliodoxa gularis) clasificado como Vulnerable. Además de sus vitales funciones polinizadoras, los murciélagos y las aves también ayudan a controlar las poblaciones de insectos que de otro modo podrían destruir las plantas agrícolas de importancia económica.

    Especies exóticas
    Las especies exóticas invasoras constituyen una de las amenazas más importantes y de más rápido crecimiento para la seguridad alimentaria, la salud humana y animal y la biodiversidad.

    Un reciente análisis de los datos de la Lista Roja de la UICN señaló las especies exóticas invasoras como la quinta amenaza más grave para los anfibios y la tercera para las aves y los mamíferos. Junto con el cambio climático, se han convertido en una de las amenazas más difíciles de revertir.

    El jacinto acuático (Eichnornia crassipes), por ejemplo, es una planta acuática nativa de la cuenca del Amazonas, pero en África su rápida propagación supone una amenaza significativa a las fuentes hídricas y al uso de las aguas continentales para la pesca o el transporte. Los impactos económicos pueden ser altísimos en el continente africano. Es necesario implementar soluciones que contemplen medidas de sensibilización y prevención, así como sistemas de alerta temprana y respuesta rápida que incluyan programas de contención, control y erradicación, tanto a escala regional como mundial, con el fin de reducir los efectos negativos de las especies exóticas.

    Serpientes y anfibios
    La última Lista Roja de la UICN muestra que el 10% de las serpientes endémicas de China y el sudeste asiático están amenazadas por la extinción. Las serpientes son utilizadas en la medicina tradicional y en la producción de suero antiofídico, como alimento y como fuente de ingresos por la venta de su piel.

    Cerca del 43% de las especies de serpientes endémicas del sudeste asiático incluidas en la categoría de En Peligro y Vulnerable están amenazadas por el uso insostenible. La serpiente venenosa más grande del mundo, la cobra real (Ophiophagus hannah), está clasificada como Vulnerable por la pérdida de hábitat y la sobreexplotación con fines medicinales.

    La pitón de Birmania (Python bivttatus), más conocida en Occidente como especie invasora del parque nacional Everglades de Florida, también está considerada como Vulnerable en su área de distribución natural, siendo el comercio y la sobreexplotación para la obtención de alimento y pieles, sobre todo en China y Vietnam, la principal amenaza para la especie. A pesar de su designación como especie protegida en China, las poblaciones allí no muestran señales de recuperación, y la explotación ilegal persiste.

    En algunos países, las plantas medicinales y los animales proporcionan la mayor parte de los fármacos utilizados por las personas, e incluso en países tecnológicamente avanzados como los EE. UU., la mitad de los 100 fármacos más recetados provienen de especies silvestres. Los anfibios juegan un papel vital en la búsqueda de nuevos medicamentos por cuanto en la piel de muchas ranas se pueden encontrar compuestos químicos importantes. Sin embargo, el 41% de las especies de anfibios están amenazadas por la extinción, incluyendo la rana Anodonthyla hutchisoni, de Madagascar, que actualmente se considera En Peligro.

    Plantas y medicina
    Más de 70.000 especies de plantas se utilizan en la medicina tradicional y moderna. La actualización de la Lista Roja de la UICN incluye una serie de plantas del sudeste asiático que se utilizan en la alimentación y la medicina.

    El cardamomo (Amomum tsao-ko) está clasificado como Casi Amenazado por la sobreexplotación de sus frutos comestibles con fines comerciales. En varios casos, la explotación excesiva combinada con la pérdida de hábitat por deforestación y otras amenazas, ha dado lugar a la inclusión de especies en alguna categoría de amenaza. Dos familiares de la cúrcuma - Curcuma candida y Curcuma rhabdota - están clasificadas como Vulnerables, y el Zingiber monophyllum, una especie silvestre de jengibre, está clasificado como en Peligro de Extinción.

    Otros servicios importantes brindados por las especies incluyen la mejora y el control de la calidad del aire a través de las plantas y los árboles. Un frondoso árbol maduro produce tanto oxígeno en una temporada como el que 10 personas inhalan en un año. Limpian el suelo, actúan como sumideros de carbono y limpian el aire. Los moluscos bivalvos y muchas plantas de los humedales prestan servicios de filtración de agua para proporcionar agua potable, mientras que los caracoles ayudan a controlar las algas.

    En África, el 42% de todos los moluscos de agua dulce están amenazados a nivel mundial y en Europa el 68% de los moluscos de agua dulce endémicos se encuentran globalmente amenazados por la pérdida de hábitat, la contaminación y la construcción de represas.

    Cuestiones relacionadas con la supervivencia y la conservación de las especies serán abordadas en el Congreso Mundial de la Naturaleza en Jeju, República de Corea, del 6 al 15 de setiembre de 2012.

    Museo Sorolla: dos invitadas

    21/06/2012, El Museo Sorolla va a contar este verano con dos piezas invitadas de gran importancia en la obra del pintor valenciano: los retratos de Elena en la playa y María vestida de labradora.

    Madrid, 21 de junio de 2012
    Se trata de sendos retratos de sus dos hijas. Elena en la playa podrá contemplarse durante los próximos tres meses y María vestida de labradora valenciana se exhibirá hasta el mes de mayo de 2013 .

    María Vestida de labradora valenciana, realizado en 1906, es uno de los retratos más extraordinarios y audaces del pintor realizado en el exterior. María aparece vestida con el traje típico de las labradoras valencianas y situada debajo de un árbol, en penumbra, otorgando así el protagonismo a la frondosa y sugerente vegetación iluminada por el sol. Sorolla al referirse a esta obra en una carta a su amigo Pedro Gil Moreno de Mora, futuro comprador del cuadro, lo describe como “una sensación de luz” en la que está trabajando para la exposición de la Galería Georges Petit de París.

    Elena Sorolla en la playa está dominada por el color azul del mar y del vestido de la joven, blanco teñido de azul por efecto de la luz del atardecer y del reflejo del agua. Pintado en 1909, se ha considerado siempre como la pareja de la obra Paseo a orillas del Mar, en el que aparecen Clotilde y María, las otras dos mujeres de la familia Sorolla, paseando por la misma playa. Ambos cuadros no se habían expuesto juntos desde las exposiciones de Chicago y Sant Louis celebradas en 1911.

    El Museo ha programado unas visitas explicativas de las obras durante el mes de julio a las 12 de la mañana, sin necesidad de reserva previa.

    En el Museo (en Martinez Campos 37, Madrid) reune objetos que Sorolla reunió en vida, junto con abundante obra del artista, pintura y dibujo. Es la colección más amplia y representativa que se conserva. Proviene de las donaciones que su mujer y sus hijos entregaron al Estado Español para crear el Museo, y resultó acrecentada en 1951 con la entrega de todos sus bienes por parte del hijo varón de Sorolla, Joaquín Sorolla García. Desde 1982 ha sido incrementada con adquisiciones efectuadas por el Estado Español para completar la colección

    El arte más antiguo

    19/06/2012, Los hombres pintaban ya en Altamira, cerca de la costa cantábrica, hace 40.000 años... y cabe la posibilidad de que los primeros artistas fueran neardentales.


    Nueva York, 19 de junio de 2012
    La revista Science publica una información que puede revolucionar los conocimientos del arte humano, al matizar que varias cuevas estudiadas en el norte de España, entre ellas la de Altamira, son la expresión más antigua del arte pictórico.

    Las investigaciones señalan que algunos trabajos rebasan los 40.000 años de edad… y que en ese periodo habitaban por allí los hombres de Neandertal, con lo que se abre la hipótesis de que estos participasen ya en esta grandiosa creación.

    La prestigiosa revista científica afirma que las pinturas estudiadas son al menos 5.000 años más antiguas de lo que hasta ahora se creía. Los trabajos se han realizado por un equipo de la universidad de Bristol con participación de investigadores de España y Portugal.

    Las imágenes de la portada corresponden a la propia cueva de Altamira, pero dentro se informa de estudios realizados en 11 cuevas, incluyendo las de Altamira, El Castillo y Tito Bustillo, de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

    Los estudios realizados indicarían que las obras tienen una antigüedad que va mas del periodo auriñacense.

    Los análisis se realizaron mediante la datación con uranio y corresponden a medio centenar de muestras, certificándose que alguna huella de manos rojizas tendrían casi 41.000 años, las huellas de figuras claviformes alcanzarían los 35.600 años y las figuras humanas algo menor antigüedad, entre unos 35.000 y 30.000 años.

    ¿Salvado Cabo Pulmo?

    19/06/2012, La petición de salvar del turismo masivo a Cabo Pulmo, México, parece que ha tenido éxito. El presidente mexicano ha anunciado la cancelación del megaproyecto.


    México, 19 de junio de 2012
    Ubicado en el sur de la península de California, Cabo Pulmo está incluído en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, junto con territorios de la zona, pero su futuro natural peligraba por los permisos concedidos a la empresa española Hansa Urbana, para construir allí.

    Los ecologistas lanzaron un SOS contra el turismo que destruye los ecosistemas y que pone los intereses particulares por encima del bien común. Más de 200.000 personas se han sumado en poco tiempo a la petición de salvar la reserva marina de Cabo Pulmo, a través de votos emitido en una página web "Salvemos Cabo Pulmo" y en mesas de votación establecidas en ciudades mexicanas.

    Greenpeace ha llevado esta campaña desde marzo, pidiendo a la ciudadanía su voto para la conservación de Cabo Pulmo, y la semana pasada entregó a la presidencia de México 220.000 firmas de ciudadanos que exigían que el gobierno detuviera esta iniciativa.

    Otra organización ecologista, WWF, tambien ha estado sumamente activa contra la iniciativa constructora, y recogió mensajes de niños de una veintena de países, expresando la preocupación por la conservación del arrecife de Cabo Pulmo y solicitando la cancelación del proyecto.

    El presidente, Felipe Calderón, anunció la cancelación del proyecto porque no se ha demostrado científicamente su sustentabilidad medioambiental, recogiendo las inquietudes de las comunidades locales, los académicos y las organizaciones ambientalistas. No obstante… el proyecto podría ser “replanteado” de nuevo por la empresa promotora, con nuevo diseño.

    Cabo Cortés es un proyecto aprobado en 2008, pretendía construir en este espacio privilegiado más de 27.000 habitaciones de hotel, campos de golf, puerto deportivo y otras infraestructuras. Se trata de una capacidad habitacional casi igual a la de todo Cancún, planeada en una zona semidesértica que tradicionalmente ha tenido muy escasa población. El proyecto pone en grave riesgo el Parque Nacional de Cabo Pulmo, un arrecife coralino protegido desde 1995, y declarado por la UNESCO Patrimonio Natural de la Humanidad. Se trata de uno de los arrecifes con mayor cobertura coralina de todo el Golfo de California.

    El Cabo Pulmo está protegido como Patrimonio Mundial de la UNESCO dentro del área Islas y áreas protegidas del Golfo de California, sitio seleccionado por el organismo internacional en el 2005.

    Según la UNESCO, el Mar de Cortés y sus islas son un laboratorio natural para el estudio de la especiación y el conocimiento de los procesos de evolución oceánicos y costeros, ya que casi todos ellos se dan en sus parajes. El sitio inscrito es de una excepcional belleza y ofrece a la vista paisajes espectaculares, en los que la cegadora luz del desierto y el color turquesa de las aguas hacen resaltar los acantilados escarpados de las islas y las playas de arena. Alberga además 695 especies botánicas y 891 ictiológicas, de las cuales 90 son endémicas. El número de especies vegetales es muy superior al registrado en los demás sitios insulares y marinos inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial. Asimismo, este sitio alberga el 39% y el 33% del total mundial de las especies de mamíferos marinos y de cetáceos, respectivamente.

    Sophie Calle

    19/06/2012, Del 20 de junio al 17 de septiembre se pueden ver en Bogota trabajos de la prestigiosa artista francesa Sophie Calle, en el museo de Arte del Banco de la República.


    Bogotα, 19 de junio de 2012
    Sophie Calle, nacida en 1953, se centra en las intimidades personales que muestra a travιs de diversos formatos, desde las fotografνas a los videos y las instalaciones.

    En Bogotα presenta “Historias de pared”. Es una muestra que la artista francesa concibiσ especialmente para Colombia, el segundo paνs de Amιrica Latina –despuιs de Brasil- donde exhibe su obra.

    Calle seleccionσ cuatro obras de distintos periodos de su carrera (Los ciegos, 1986; No sex last nigth, 1992; Dolor exquisito, 2003, y Ver el mar, 2010). Son dos instalaciones y dos videos, dos basadas en episodios biogrαficos y dos en experiencias de otros.

    Sophie Calle describe sus Historias de pared.

    -Los ciegos
    En la obra se aprecia el retrato de una persona ciega, junto a un cuadro con su testimonio escrito, y debajo una fotografνa a color de aquello que la persona ha nombrado como su impresiσn subjetiva de la belleza. “A mν me daba miedo la crueldad implνcita en preguntarle a una persona ciega por la belleza, pero nunca fue asν, por el contrario cuando los interrogue me contestaron sin titubear, sin detenerse a pensar demasiado. A veces les preste mi cαmara para que ellos mismos hicieran las fotos, otras los acompaρι a hacer el registro o lo hice por ellos”.

    -No sex last night
    Sophie Calle y Gregory Shepard, entonces pareja de la artista, se unen para filmar una road movie. Armados con cαmaras de video, viajaron al Oeste de Estados Unidos en su Cadillac convertible para producir y documentar una suerte de diario personal donde cada uno habla de su relaciσn. “Ιl era mi novio y querνa hacer una pelνcula, yo querνa estar con ιl asν que accedν a filmarla. Antes de salir de viaje compramos las cαmaras y aprendimos a manejarlas en el camino leyendo las instrucciones. Para entonces nuestra relaciσn era un desastre y ninguno sabνa nada de lo que el otro pensaba, porque ya no hablαbamos. En Las Vegas el decidiσ desposarme, yo no entendν por quι. Despuιs de la ediciσn supe que ιl lo hizo para darle clνmax a la trama. Al final cada uno obtuvo lo que querνa, ιl una pelνcula y yo un marido”.

    -Dolor exquisito
    Hace el recuento de un viaje al exterior, la pιrdida de un amor, el sufrimiento y su consabida catarsis. “Tome un tren desde Parνs hasta Nueva Delhi, donde pasados tres meses de viaje me encontrarνa con quien era mi novio. El nunca llegσ y yo solo lo supe hasta el dνa en que debνamos encontrarnos, sentν que nunca en mi vida habνa sufrido tanto como ese dνa en India. Decidν tomar distancia del dolor y con las fotos de la travesνa hice una cuenta regresiva del dolor. De regreso en Parνs, para relativizar mi sufrimiento, les pregunte a varias personas cuαl habνa sido su momento mαs doloroso. Asν en tres meses me cure”.

    -Ver el mar
    Filmados por Caroline Champetier, renombrada cinematσgrafa francesa, Sophie Calle registra los primeros e impresionantes encuentros de estas personas que nunca han visto el mar. “Cuando estuve en Estambul encontrι un artνculo de periσdico que hablaba de gente que vivνa en esta ciudad rodeada por el mar y que nunca lo habνa visto. Invite a 14 de ellos a verlo por primera vez. Los filme de espaldas porque no querνa que nada se interpusiera entre ellos y el mar”.

    Verano olímpico en Londres

    14/06/2012, Quedan unas pocas semanas para que empiecen los Juegos Olímpicos de Londres 2012 Incluso si no tienes entradas, hay muchísimas formas de disfrutarlos.


    Londres, 14 de junio de 2012
    Desde pruebas olímpicas gratuitas hasta acontecimientos culturales especiales. Que Londres sea el destino de moda este verano no quiere decir que tengas que arruinarte para disfrutarlo.

    Pruebas gratuitas
    Varias de las pruebas de Londres 2012 se disputarán al aire libre y en lugares públicos, eso quiere decir que cualquier persona puede acudir a verlas gratis. Las pruebas también se podrán ver en directo en pantallas gigantes, colocadas en más de 20 sitios de todo el Reino Unido.

    Triatlón
    En Hyde Park se organizará el circuito del triatlón olímpico. Los espectadores podrán ver a corredores, nadadores y ciclistas moverse a ritmo vertiginoso. Los atletas darán vueltas al parque a pie y en bicicleta y nadarán en el famoso lago Serpentine. El triatlón masculino tendrá lugar el sábado 4 de agosto y el femenino el 7 de agosto.

    Ciclismo
    Las pruebas olímpicas de ciclismo en carretera se disputarán en algunas de los rincones de mayor belleza de Londres. La ruta comienza en The Mall para las pruebas en carretera (los días 28 y 29 de julio), pasa por el Palacio de Buckingham, Richmond Park, el Palacio de Hampton Court y el Museo de Historia Natural. Las pruebas contrarreloj (1 de agosto) se disputarán en el Palacio de Hampton Court.

    Maratones y marcha
    Los maratones del 5 y 12 de agosto verán a multitud de corredores pasar por Saint James Park, la Catedral de San Pablo, la Torre de Londres y el Parlamento. Las pruebas de marcha atlética se celebran el 4 y el 11 de agosto, con la salida y la meta en The Mall.

    Vela
    Las profundas aguas azules de la Bahía de Weymouth y el Puerto de Portland acogerán 10 pruebas de vela a lo largo de 14 días durante los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Londres de 2012. Estos acontecimientos gratuitos ofrecerán a los aficionados la emoción de ver a los equipos competir en las preciosas, a la vez que difíciles, aguas de la costa sur de Inglaterra. Las pruebas de vela se disputarán del 29 de julio al 11 de agosto.

    Alojamientos económicos
    Si buscas un sitio para alojarte sin arruinarte, echa un vistazo a estas magníficas opciones a buen precio en Londres y otros puntos del país:

    Summer Camping
    Las acampadas resultan ecológicas, asequibles y muy divertidas. Pero lo más sorprendente es que hay gran cantidad de campings a pocos kilómetros del propio Parque Olímpico. El Camping and Caravanning Club va a montar cuatro campings temporales durante el verano de 2012. Haz tu reserva ahora para garantizarte una parcela en Gravesend, Ebbsfleet, Leyton o Havering, todos ellos a tan solo 15 minutos del recinto olímpico. También puedes probar el camping Camp in London, a tan solo 10 minutos del Estadio Olímpico. Un camping de lujo con tiendas de campaña ya instaladas, pantallas gigantes y espectáculos nocturnos.

    Residencias universitarias
    Numerosas universidades londinenses ofrecen habitaciones con una buena relación calidad-precio que se pueden alquilar durante las vacaciones de verano. University College, Goldsmiths, London School of Economics y muchos más centros de estudios ya aceptan reservas para el verano de 2012.

    Albergues
    Londres cuenta con casi 100 albergues de diversos precios, en diversas ubicaciones y con diversos niveles de lujo. La Youth Hostelling Association (YHA) cuenta con siete albergues en Londres y hay docenas de opciones independientes por toda la capital. Para encontrar las mejores ofertas, utiliza un sitio web de reservas como hostelbookers.com.

    Fuera de Londres
    Una de las mejores maneras de ahorrar dinero en alojamiento es hospedarse fuera de Londres. El Reino Unido es compacto y resulta muy fácil desplazarse. Eso quiere decir que puedes disfrutar del esplendor histórico de Oxford o del encanto de Canterbury, la joya medieval del condado de Kent construida en torno a su espectacular catedral, y estar a solo una hora de toda la acción londinense. Podrás visitar más lugares de Gran Bretaña y ahorrar en alojamiento. Otras magníficas opciones a aproximadamente una hora en tren de Londres incluyen Brighton, el centro más "cool" de la costa sur repleto de tiendas y con un gran ambiente nocturno, y Cambridge, con su antiquísima universidad y fantástica arquitectura.

    Vladímir Lébedev

    14/06/2012, El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca organiza la primera exposición dedicada en España al artista ruso Vladímir Lébedev (1891-1967).


    Cuenca, 14 de junio de 2012
    A partir del viernes 15 de junio, y hasta el 9 de septiembre de 2012, se exhibe en el Museo de Arte Abstracto Español, en Cuenca, la exposición "Vladímir Lébedev (1891-1967)", con más de un centenar de obras, entre dibujos, cartelería revolucionaria y libros infantiles ilustrados, que muestran la larga carrera de este artista de la vanguardia revolucionaria.

    Lébedev, cuya obra forma parte de las principales colecciones y museos del mundo, es conocido fuera de su país solo fragmentariamente. Este proyecto está organizado en torno a su indudable talento como dibujante y grafista revolucionario, además de contar con significativas muestras de su trabajo en el campo de la ilustración de libros infantiles, quizá el aspecto de su obra más conocido fuera de Rusia.

    Esta exposición se han concebido como una ventana a través de la cual asomarse al universo artístico de una relevante figura de la vanguardia rusa, el arte revolucionario soviético y el arte moderno del último siglo.

    Formado en San Petersburgo, el talento de LÉBEDEV como dibujante se manifestó ya tras la Revolución de Octubre de 1917 y el establecimiento del régimen soviético. Fue entonces, entre 1920 y 1922, cuando empezó a dibujar sus célebres carteles producidos para la oficina regional del norte de la ROSTA (el popular acrónimo de la agencia telegráfica soviética, en cuya sede de Petrogrado Lébedev fue jefe adjunto del departamento de carteles). Estos carteles o "ventanas" revelan los primeros experimentos del artista con el cubismo, el futurismo, decisivos en su carrera mixta de vanguardista y revolucionario, de cultivador tanto de la abstracción como del realismo.

    La exposición incluye también una amplia serie de dibujos a tinta que muestran la enorme destreza del artista en el así llamado “dibujo pictórico”, tanto en el campo del comentario y la crítica social como en su atención al cuerpo femenino.

    La faceta quizá más conocida de la obra de Lébedev –su magnífico trabajo como ilustrador de libros infantiles– cuenta con una amplia presencia en la muestra. Como director de arte de la Imprenta Detgiz ya en el Leningrado de entre 1924 y 1933, Lébedev no solo encargó ilustraciones a muchos artistas, sino que él mismo, en una larga y prolífica relación con el escritor Samuil Marshák (1887-1964), ilustró decenas de libros infantiles con textos de este, la mayoría de los cuales se incluyen en esta muestra.

    Las obras proceden de colecciones privadas y públicas, fundamentalmente de los fondos del coleccionista estadounidense Merrill C. Berman y de la colección de la Bibliothèque de L’heure joyeuse de París. Esta exposición se ha exhibido anteriormente, en Palma, en el Museu Fundación Juan March.

    El Algarrobico

    14/06/2012, El Tribunal Superior de Justicia de Andalucía ha emitido una sentencia que restablece la zona del Algarrobico, en la costa de Almería, como espacio protegido no urbanizable.


    Madrid, 14 de junio de 2012
    Esta sentencia es un paso más contra la edificación de un macrohotel de mas de 400 habitaciones y 20 plantas, en terrenos del parque natural de Cabo de Gata-Níjar (Almería), trabajos que estaban suspendidos desde 2006 de forma cautelar, y que habían soliviantado a los amantes de la naturaleza.

    La sentencia anula definitivamente el Plan de Ordenación de los Recursos Naturales del Parque Natural Cabo de Gata-Níjar (PORN) de 2008, que reducía el nivel de protección de la zona donde se sitúa el hotel y que abría la puerta a su legalización.

    El hotel, propiedad de Azata del Sol, ha dado lugar a numerosas resoluciones judiciales sobre su ilegalidad ya que fue edificado dentro del Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar, invadiendo la servidumbre de protección del dominio público marítimo-terrestre (100 metros desde la orilla del mar). Después de años de sentencias favorables a la demolición y muy especialmente la sentencia no recurrible del Tribunal Supremo de marzo de 2012 que afirma que el hotel invade la playa, es el momento de dar fundamento al acuerdo para recuperar la playa de El Algarrobico, publicado en el BOE nº 293 de diciembre de 2011.

    En este acuerdo se establece que la Administración General del Estado se hará cargo de la demolición física del hotel y la Junta de Andalucía del desescombro y la restauración ambiental de la zona, "tan pronto sea posible, y al amparo de lo que en su caso resuelvan los órganos judiciales competentes, deben contribuir a la inmediata demolición del hotel denominado El Algarrobico".

    Por otra parte, se ha celebrado una rueda de prensa en la que n'UNDO (equipo técnico de arquitectos y expertos en medio ambiente) y Greenpeace han presentado un informe pionero sobre cómo abordar ambiental, social, técnica y económicamente la compleja situación de la playa de El Algarrobico (Carboneras, Cabo de Gata, Almería), donde se levantó el hotel ilegal.

    El informe El Algarrobico, la oportunidad bajo los escombros (1) propone una alternativa constructiva a la demolición del hotel: el desmantelamiento, la recuperación de la playa con un enfoque socioeconómico basado en la participación local, la formación y la generación de empleo. Su presupuesto es de 7.320.646 euros, muy inferior al estimado por la Administración General del Estado, entre 100 y 300 millones de euros, y un millón de euros más barato con respecto al que calculaba la Junta de Andalucía (8,5 millones) que solo incluía la demolición sin la restauración ambiental.

    Para su desmantelamiento se llevarían a cabo más de 60 actividades por lo que se convertiría en un modelo de referencia de innovación y desarrollo. Tras la finalización del proyecto se habría conseguido un proceso participativo único en España, lo que en cifras supone: 379 puestos de trabajo, 530 horas de cursos, 150 personas formadas, 39.210 m3 de material recuperado (el 98% del edificio), 45.900 km de transporte ahorrado (por primar la gestión local de los residuos) y, en resumen, la playa recuperada y con ella la desaparición del peor ejemplo de ilegalidad y destrucción de la costa.

    n'UNDO formula el desmantelamiento selectivo, más la gestión de residuos, más la recuperación ambiental con un enfoque que reduce costes en un 11 % frente a la demolición tradicional.

    Para la elaboración de este documento, tras seis meses de trabajo, los arquitectos han accedido a los 224 planos del edificio que están disponibles en el Tribunal Superior de Justicia de Andalucía.

    Greenpeace ha enviado el proyecto a la Junta de Andalucía, al Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente y al Ayuntamiento de Carboneras, administraciones responsables del derribo del hotel y de la restauración del parque natural.

    Aprendiendo a través del arte

    13/06/2012, El Guggenheim Bilbao celebra del 12 de junio al 26 de agosto una interesante muestra que acerca a los escolares al mundo del arte.


    Bilbao 13 de junio de 2012
    Se trata de la decimoquinta edición del programa educativo “Aprendiendo a través del arte, por el que 112 escolares de entre seis y doce años, pertenecientes a centros educativos del País Vasco, han desarrollado varias obras de arte que se expondrán en la sala 103B del Museo.

    Un original calendario 1997-2012, una poesía visual dedicada al Museo, un trofeo conformado por “15 manos”, postales conmemorativas o un vídeo titulado ¡Felicidades, Guggen! son algunas de las creaciones con las que los 112 pequeños artistas que en el curso 2011-2012 han participado en el programa Aprendiendo a través del arte: “Zorionak, Museoa!” han querido felicitar a la institución por la celebración de su XV aniversario.

    En esta ocasión han sido los artistas Elssie Ansareo, Naia del Castillo, Ibon Garagarza, Maider López, Manu Muniategiandikoetxea y Jorge Rubio los que, junto con los profesores de seis colegios de la Comunidad Autónoma Vasca, han diseñado y dinamizado los talleres en los que se han gestado estas inesperadas y personales propuestas artísticas.

    Nueva York-Bilbao

    Desde 1999, Aprendiendo a través del arte ha facilitado a escolares, artistas y profesores participantes la posibilidad de desarrollar un intercambio cultural a través de la educación artística entre colegios de Educación Primaria del País Vasco y de Nueva York.

    Desde su puesta en marcha en el año 1998, 2.252 escolares, 28 artistas, 159 profesores de Primaria Educación Primaria de 109 centros de todo el País Vasco, han colaborado activamente con los Educadores del Museo Guggenheim Bilbao, en el desarrollo del programa Aprendiendo a través del arte.

    Este programa educativo tiene su origen en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. En el año 1970 la mecenas Natalie K. Lieberman lo puso en marcha como respuesta a la eliminación de la enseñanza de las artes en las escuelas públicas de Primaria de la ciudad.

    El objetivo: reforzar el currículo escolar a través de actividades artísticas que cubren cualquier materia, desde Conocimiento del Medio hasta Matemáticas, Lengua y Literatura, enseñando a los escolares, al mismo tiempo, a mirar el mundo de una forma creativa y personal, a desarrollar capacidades como la escritura y la expresión oral, y a asimilar valores como el trabajo en equipo, la convivencia con otras culturas o el respeto al medioambiente.

    Arte y Salud

    13/06/2012, Por primera vez un hospital español acoge un congreso científico sobre la influencia del Arte en la Salud.


    Dénia, 13 de junio de 2012
    Humanistas y Científicos se dan la mano en el I Congreso Internacional de Espacios de Arte y Salud. El Congreso, que se celebrará en el Hospital de Dénia entre los 14 y 15 de junio, se estructura en torno a temas que van desde la Arquitectura hasta la Neuroestética, pasando por la Música, la Creatividad, la Educación y la Salud.

    El encuentro trata de buscar una aproximación científica de cómo el arte puede influir en el estado anímico de los pacientes y mejorar su estancia hospitalaria. En este Congreso también se abordarán otras cuestiones como la nueva concepción de la arquitectura sanitaria o cómo algunos facultativos se han especializado en el tratamiento y rehabilitación de determinadas patologías propias de artistas.

    En este Congreso, el primero de su clase que se celebra en España, participarán especialistas de reconocido prestigio internacional, como el director del Centro de Lenguaje y Música de la Universidad de Nueva York, Gary Marcus, o la especialista en Neurobiología, Mara Dierssen.

    El último Rafael

    07/06/2012, El Museo del Prado presenta una muestra, coorganizada con el Musée du Louvre y patrocinada por la Fundación AXA, con más de 70 obras de la etapa tardía del artista italiano.


    Madrid, 7 de junio del 2012
    La muestra podrá verse desde el 12 de junio y hasta el 16 de septiembre de 2012. Después se trasladará al Museo del Louvre, que acogerá la exposición como segunda sede. Esta exposición, la más importante dedicada al artista y su taller y la primera centrada en la etapa tardía de su producción, ofrece un recorrido cronológico por la actividad del maestro de Urbino en sus últimos siete años de vida, desde el inicio del pontificado de León X (1513) hasta su muerte en 1520 a los 37 años.

    La selección expuesta incluye obras tan célebres como el cuadro de altar de Santa Cecilia (Bologna, Pinacoteca Nazionale) o el retrato de Baldassare Castiglione, del Louvre. Además, destaca la amplia representación de obras de sus principales discípulos: Giulio Romano (h. 1499-1546) y Giovanni Francesco Penni (1488-1528), que, bajo el estricto control de Rafael, participaron activamente en sus últimos encargos de taller y completaron, junto a otros ayudantes, los trabajos que el artista dejó inacabados.

    La etapa tardía de la producción de Rafael Sanzio (1483-1520) fue la que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental. La exposición reúne un total de cuarenta pinturas y treinta dibujos, presentados en un recorrido cronológico por la actividad del maestro de Urbino en sus últimos siete años de vida, y en los que se puede ver claramente el estilo tardío de Rafael, la importancia del paisaje, el interés por los contrastes lumínicos o el gusto por las composiciones piramidales, como consecuencia de su reencuentro con Leonardo en Roma entre 1513 y 1516.

    El último Rafael
    12 junio - 16 septiembre 2012
    Salas A y B. Edificio Jerónimos
    Sala 49. Edificio Villanueva
    Museo del Prado, Madrid

    Festival comercial de Viena

    07/06/2012, Viena, la hermosa capital austríaca, promociona sus establecimientos comerciales, como un elemento importante para activar y rentabilizar el turismo.


    Viena 7 de junio de 2012
    No sólo el centro de Viena es un buen lugar para ir de compras. Cada distrito posee una calle comercial propia o un atractivo mercado.

    El festival de las calles comerciales vienesas traerá aún más vida a las arterias de la ciudad entre el 20 y el 22 de septiembre. El evento se caracteriza por una decoración común, concursos, Goodie-Bags, descuentos y vales así como fiestas callejeras.

    La marca conjunta de "Wiener Einkaufsstrassen" (calles comerciales vienesas) agrupa 84 zonas comerciales y 17 mercados. La Cámara de Comercio apoya la promoción de los comercios situados en estas zonas y la mejora de calidad de la oferta.

    Durante el “Late-Night-Shopping“, que se celebrará el día 21de septiembre, en el marco del Festival, todas las tiendas permanecerán abiertas hasta las 22 horas.

    Con este festival de las calles comerciales vienesas, la ciudad quiere fomentar a los numerosos comerciantes y sus atractivas ofertas.

    Nuevo Patrimonio de la UNESCO

    06/06/2012, El Comité del Patrimonio Mundial se reunirá del 24 de junio al 6 de julio en San Petersburgo para examinar 36 candidaturas de inscripción en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.


    San Petersburgo, 6 de junio de 2012
    Es la reunión numero 36 del Comité, un órgano independiente formado por 21 Estados Partes en la Convención del Patrimonio Mundial (1972), presidida por Eleonora Mitrofanova, Embajadora y Delegada Permanente de la Federación de Rusia en la UNESCO. Por primera vez en su historia, el público y los medios informativos podrán seguir los debates del Comité mediante una retransmisión en vivo por Internet.

    Cinco sitios naturales son candidatos a la inscripción. Se trata de los Lagos de Unianga (Chad), el sitio fosilífero de Chengjian (China), el Trinacional Sangha (Congo, Camerún y República Centroafricana), los Ghats Occidentales (India) y el Parque Natural de las columnas de Lena (Federación de Rusia).

    El Comité examinará también tres candidaturas de sitios mixtos, es decir, con valores naturales y culturales. Se trata de los Sitios de evolución humana del Monte Carmelo: cuevas de Nahal Me’arot y Wadi el-Mughara (Israel), la Laguna sur de las islas Chelbacheb (Palau), y el Paisaje Mediterráneo de Plasencia, Monfragüe y Trujillo (España).

    Finalmente, las 28 candidaturas de sitios culturales son:

    · la Ópera del Margrave en Bayreuth (Alemania),
    · Schwetzingen, residencia veraniega del príncipe elector (Alemania),
    · Pearling, testimonio de una economía insular (Bahrein),
    · los Sitios mineros mayores de Wallonia (Bélgica),
    · Río de Janeiro, paisajes cariocas entre la montaña y el mar (Brasil),
    · Paisaje del gran Pré (Canadá),
    · sitio de Xanadú (China),
    · Centro histórico de Grand-Bassam (Côte d’Ivoire),
    · Conjunto sagrado de las ruinas del foro romano de Zadar (Croacia),
    · la Cuenca minera de Pas de Calais (Francia),
    · la Cueva ornamentada de Chauvet-Pont d’Arc (Francia),
    · los Fuertes de las colinas de Rajastán (India),
    · el Paisaje cultural de la provincia de Bali: el sistema Subak como manifestación de la filosofía Tri Hita Karana (Indonesia),
    · Masjed-e Jāmé de Isfahán (República Islámica del Irán),
    · Gonbad-e Qābus (República Islámica del Irán),
    · el Paisaje vinícola del Piamonte: Langhe-Roero y Monferrato (Italia),
    · el Patrimonio arqueológico del valle de Lenggong (Malasia),
    · Rabat, capital moderna y ciudad histórica: un patrimonio compartido (Marruecos),
    · la Iglesia de la Natividad en Belén, lugar de nacimiento de Jesús y ruta de peregrinación (Palestina),
    · la Guarnición y ciudad fronteriza de Elvas y sus fortificaciones (Portugal),
    · el Sitio arqueológico de Al Zubarah (Portugal),
    · los Kremlins rusos (Federación de Rusia),
    · el País basari: paisajes culturales de Basari, Fula y Bedik (Senegal),
    · el Patrimonio del mercurio: Almadén e Idrija (Eslovenia y España),
    · las Granjas decoradas de Hälsingland (Suecia),
    · el Sitio arqueoastronómico de Kokino (ex República Yugoslavia de Macedonia),
    · el Sitio neolítico de Çatalhöyük (Turquía),
    · Kiev: catedral de Santa Sofia y edificios monásticos adyacentes (como ampliación del sitio ya inscrito y conocido como Kiev: catedral de Santa Sofía, conjunto de edificios monásticos y laura de Kievo-Petchersk).

    Tanto la Cueva ornamentada de Chauvet-Pont d’Arc (Francia) como la iglesia de la Natividad en Belén, lugar de nacimiento de Jesús y ruta de peregrinación (Palestina), se examinarán siguiendo un proceso de emergencia, por lo que la documentación relativa a ambos sitios aún no está disponible.

    Chad, Congo, Palau, Palestina y Qatar podrían conseguir en esta ocasión sus primeras inscripciones en la Lista del Patrimonio Mundial.

    El Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS) es uno de los órganos asesores que colaboran con el Comité del Patrimonio Mundial para decidir sobre la posible inscripción de sitios culturales. Sus evaluaciones sirven de base par a las decisiones del Comité.

    La Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN), es el órgano asesor que evalúa las candidaturas de sitios naturales. Sus exámenes sirven igualmente al Comité para tomar decisiones.

    Los sitios “mixtos” candidatos a la inscripción en la Lista del Patrimonio Mundial por sus valores a la vez naturales y culturales son examinados tanto por ICOMOS como por la UICN antes de pasar al dictamen final del Comité.

    Palestina, que se convirtió en miembro de la UNESCO en octubre de 2011 y ratificó a continuación la Convención del Patrimonio Mundial, presenta por primera vez una candidatura de inscripción en la Lista del Patrimonio Mundial.

    Además, el Comité examinará los avances en el estado de conservación de 35 sitios actualmente inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro. Además se examinará el estado de otros 105 sitios inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial.

    La Lista del Patrimonio Mundial, creada en virtud de la Convención para la Protección del Patrimonio Mundial, natural y cultural, cuenta actualmente con 936 sitios inscritos por su “valor universal excepcional”. Son 725 sitios culturales, 183 naturales y 28 mixtos en 153 Estados.

    Fotomontaje de Entreguerras 1918-1939

    06/06/2012, La Fundación Juan March de Palma presenta más de cien obras de temática diversa, de artistas y diseñadores de trece países, que incuye fotocollages, maquetas, carteles, postales, revistas y libros.


    Palma, 6 de junio del 2012
    El próximo miércoles 13 de junio se inaugura en el Museu Fundación Juan March, de Palma, la exposición "Fotomontaje de Entreguerras 1918-1939", que ofrece un panorama conciso y representativo del origen del fotomontaje como forma artística y su desarrollo en distintos ámbitos, especialmente en la Alemania y la Unión Soviética de los años veinte.

    La exposición, que podrá verse en el Museu Fudación Juan March de Palma hasta el 8 de septiembre, y en Ottawa, Canadá, en la Carleton University Art Gallery, del 15 de octubre al 16 de diciembre, está compuesta casi en su totalidad por préstamos de la colección del estadounidense Merrill C. Berman.

    En manos de artistas como EL Lissitzky (1890-1941), Aleksandr Ródchenko (1891-1956) o Gustavs Klucis (1895-1938), el fotomontaje se convirtió en la Rusia soviética en una poderosa herramienta política. La inmediatez significante de la imagen fotográfica fue muy utilizada en la creación de carteles para la propaganda del régimen soviético, los productos del país o los mitos de Lenin y Stalin. En la proximidad de maestros como Serguéi Eisenstein (1898-1948) o Dziga Vértov (1896-1954), los hermanos Stenberg -Vladímir (1899-1982) y Gueórgui (1900-1933)- combinaban con maestría el fotomontaje precisamente en el ámbito más específico del montaje de imágenes en movimiento -el cine-.

    Casi al mismo tiempo, en Alemania, artistas como Kurt Schwitters (1887-1948) colocaban el fotocollage y el fotomontaje en el centro de su práctica artística, y otros como John Heartfield (1891-1968) o Max Burchartz (1887-1961) lo incorporaban a su obra para criticar al régimen nacionalsocialista, en pleno ascenso en los años treinta.

    Los holandeses César Domela-Niewenhuis (1900-1992), Paul Schuitema (1897-1973) o Piet Zwart (1885-1977), aprovecharon la extrema eficacia del fotomontaje para sus anuncios publicitarios de los productos más diversos y para el diseño de publicaciones y revistas.

    "Fotomontaje de Entreguerras 1918-1939" es seguramente la exposición históricamente más relevante dedicada a este procedimiento artístico, y muestra al visitante el enorme poder que el fotomontaje ejerció en la política, la agitación social, la publicidad y el mercado, al mismo tiempo que hace visible su generalizada utilización por las vanguardias durante esas dos décadas.

    Los Angry Birds

    05/06/2012, Los populares Angry Birds son algo más que personajes de videojuegos: ya hay un parque temático en Finlandia para verles.


    Tampere (Finlandia) 5 de junio de 2012
    Estos Angry Birds –pájaros furiosos en español- son personajes de un videojuego creado en 2009 por una empresa de Finlandia y se han hecho inmensamente populares en todo el mundo.

    Los famosos pájaros ya han viajado por muchos lugares, desde Rio al espacio. Pero no hace falta irse hasta tan lejos para poder disfrutar de la experiencia real de este entretenimiento. Para todos aquellos amantes del videojuego y de los parques de atracciones nada mejor que disfrutar en familia de Angry Birds en Tampere, Finlandia.

    El videojuego más famoso desde la creación de los smatphones cuenta ya con una zona dentro del parque de atracciones Särkänniemi, en Finlandia, su país natal.

    Aunque abrió sus puertas el pasado 28 de abril, no se terminará de ultimar hasta el ocho de junio, que es cuando se abrirá oficialmente al público.

    Como si fueran héroes de película, los Angry Birds alcanzan la culminación del estrellato. Con figuras y atracciones basadas en los personajes de Rovio, la empresa que lo creó, el parque cuenta también con pantallas táctiles para que tanto adultos (que son de los que más han jugado a Angry Birds) como niños se entretengan destrozando bloques. Además, se puede comprar todo tipo de recuerdos como peluches tanto de los pájaros como de los malvados (pero simpáticos) cerdos, llaveros, o incluso probar la bebida oficial de Angry Birds.

    Finlandia es un país conocido por varios atractivos: desde el diseño finlandés, que este año tiene un papel muy importante en Helsinki (WDC 2012), Papá Noel, o el sol de medianoche. No faltan iniciativas curiosas como su campeonato de lanzamiento de teléfonos móviles o de carga de esposa. Ahora añade el primer parque temático oficial de Angry Birds.

    www.sarkanniemi.fi/www/index.php?lang=fi

    Fotogramas de Posguerra 1946-1962

    04/06/2012, Un recorrido por la historia del cine, un paseo por la luz y la sombra, por el color y el blanco y negro, por lo público y lo privado, por el interior y el exterior del mundo cinematográfico.

    Madrid, 4 de junio de 2012
    En el Archivo de Cineteca se muestran algunos de los entresijos de la industria editorial y del cine en el franquismo, y asimismo, se pretende contextualizar la experiencia de los espectadores. Para ello se han reunido documentos de gran valor informativo, histórico, cultural y sentimental, cuya base es el fondo del archivo Fotogramas, que se expone por primera vez al público y que se complementa con una colección de programas de mano de salas de cine, revistas cinematográficas de la época, artículos de opinión e informes de censura.

    Una sugerente selección de las portadas de Fotogramas más interesantes y representativas cierra y completa la exposición en el Hall. El público tendrá oportunidad de deleitarse con la serie completa de los primeros números de la revista, con su característica saturación de color, que traducen a la perfección el auge que el Technicolor vive por estos años, y de ahí, pasarán al juego nostálgico del blanco/negro y rojo, en los retratos de Ava Gadner, Marilyn Monroe, Sara Montiel o Clark Gable, emblemas de este imaginario del star system cinematográfico.

    Un recorrido por “postales de cine” que evoca, asimismo, los estereotipados ideales de galán, heroína y pareja, que mostraba la revista, una lectura subyacente reflejo de los patrones culturales del período que nos ocupa. Una manera de convertirnos en espectadores privilegiados de una época paradójica: de propaganda y reacción.

    Hasta el 30 de Junio en el Archivo y Vestíbulo de Matadero Madrid
    Paseo de la Chopera, 14
    De miércoles a viernes de 16 a 22 h. Sábados y domingos de 11 a 22 h.
    Entrada libre

    Los niños y Bruselas

    04/06/2012, Bruselas es la ciudad perfecta para los amantes de los destinos más cool, pero también es la ciudad perfecta para disfrutar en familia de un viaje inolvidable.

    Bruselas, 4 de junio del 2012
    El Museo del Juguete, www.museedujouet.eu, y Scientastic, www.scientastic.be, tienen una gran ventaja: son lugares para ver, tocar y jugar. En cambio, en la Galería de los Dinosaurios del Museo de Ciencias Naturales, www.sciencesnaturelles.be, incluso los adultos se sentirán pequeños. ¿Ganas de soñar con damas y caballeros? El lugar indicado es la Puerta de Hal, un pedacito de antigua muralla desde cuyo camino de ronda resulta fácil imaginar al enemigo ataviado de caballo y armadura. Pero las emociones más fuertes tendrán lugar en el Museo de Arte Fantástico, www.maisonbizarre.eu, donde parece que sea Halloween durante todo el año.

    Si lo que se busca es actividad al aire libre hay que participar en el Roller Parade de los viernes veraniegos, www.belgiumrollers.com, en el Minigolf de los estanques de Mellaerts, o visitar la deliciosa granja del Parc Maximilien, www.lafermeduparcmaximilien.be. Un oasis en pleno centro.

    En las afueras de Bruselas es recomendable tomar un tranvía hasta Heyzel para visitar el Atomium, www.atomium.be, el parque temático de Europa en miniatura, www.minieurope.be, y la playa más cálida del país: Océade, www.oceade.be, para poder disfrutar de actividades acuáticas a temperaturas tropicales.

    Si a todo esto le sumamos una atractiva ruta del cómic, y dos museos dedicados al tema, buena oferta hotelera con condiciones especiales para familias e interesantes productos para viajar con niños, como el de la agencia Trip Trup, www.triptrup.com, el éxito de las vacaciones está asegurado. Ah!!! y todo bañado de delicioso chocolate belga!!!

    Diez vinos de España

    04/06/2012, El tinto Vega Sicilia Único está a la cabeza de los vinos que mejor imagen tienen en España, según una clasificación que elaboran los analistas de Castro Galiana, tras un análisis de contenidos de los principales medios escritos del país.

    Valencia, 4 de junio de 2012
    Los diez vinos que mejor imagen alcanzan en la prensa española junto con su ámbiotpo de origen y precio son:

    Tinto Vega Sicilia Único. 200 euros (R. del Duero)
    Fino Tío Pepe. 6 euros. (Jerez)
    Codorníu Pinor Noir. 13,9 euros. (Cava)
    Tinto Remírez de Ganuza GR 2004. 180 Euros. (Rioja Ca.)
    Blanco Raimat Terra. 7,5 Euros (C. del Segre)
    Tinto Martúe 2009. 7 euros. (Pago C. de Guardia)
    Tinto Sangre de Toro. 12 euros (Penedès)
    Raventós i Blanc. 25 euros. (Cava)
    Evohé tempranillo 2010. 5 euros (VT Ribera del Gállego-C. Villas),
    Tinto Finca Morenillo 2009. 35 euros (Terra Alta)

    El análisis de Castro Galiana llega a esta conclusión después de analizar 496 noticias de vinos y bodegas publicadas en 900 ejemplares de periódicos diarios y revistas, entre el 19 de Febrero hasta el 14 del mes de Mayo de 2012.

    Los periódicos monitorizados han sido todos los que venden más de cien mil ejemplares de media diaria [Control Mayo 2012] o bien se pueden adquirir en quioscos de toda España.

    La selección representa casi el 54% de la difusión de prensa diaria de información general y económica de España e incluye a los siguientes medios: El País, El Mundo, ABC, La Vanguardia, El Periódico de Catalunya, La Razón, La Gaceta de los Negocios, Expansión, Cinco Días y El Economista.

    El Ránking se ha elaborado utilizando tres parámetros básicos: Espacio ocupado por cada contenido en los medios, difusión del medio, y calidad de la imagen de marca trasladada por el autor de cada información.

    Castro Galiana

    Día Mundial del Medio Ambiente

    04/06/2012, Se celebra el 5 de junio en todo el mundo el Día Mundial del Medio Ambiente, establecido por la ONU en 1972, que sirve para hacer un listado de graves problemas pendientes que están dañando al planeta.

    Por Artemio Artigas

    Este año las organizaciones ecologistas hacen un especial énfasis en la celebración porque estamos ante el 40 aniversario y siguen pendientes muchas incógnitas de futuro. Aún falta una respuesta adecuada ante el cambio climático, ante el agotamiento de las energías fósiles, o la gravedad del problema de las centrales nucleares…

    La destrucción de especies es grave también. Cada año se extinguen en el planeta entre 10.000 y 50.000 especies. Las principales causas: la destrucción de hábitats, la sobrexplotación, la introducción de especies invasoras… y el comercio ilegal. Tampoco hay una respuesta decidida a este problema.

    El cambio climático es otra causa de la desaparición de especies. Los científicos de WWF han estimado que la mayoría de ellas tendrían que moverse más de 1000 metros por año si quieren estar en la zona climática que ellos necesitan para sobrevivir. Muchas especies no serán capaces de redistribuirse lo suficientemente rápido para mantener el ritmo de los cambios venideros

    En medio de tanto desastre, felizmente aumenta la concienciación de la sociedad y el rechazo a iniciativas destructoras.

    Entre las reacciones, una interesante es la de implicar a las grandes marcas en la salvación del ecosistema. Defensoras a ultranza de una buena imagen corporativa, las grandes marcas temen el dedo acusador por su colaboración con los esquilmadores del planeta. Greenpeace nos ha presentado en las últimas semanas dos iniciativas de estas.

    La primera de ellas es la vinculación de la cadena de comida rápida KFC en la deforestación de los bosques de Indonesia y la destrucción del hábitat de especies protegidas por su relación comercial con la papelera Asia Pulp & Paper (APP), que suministra los materiales de sus empaquetados de pollo frito, arroz o patatas fritas.

    También se hace lo mismo con Coca Cola, por su vinculación con la Shell, petrolera de negro prestigio contaminante.

    En Internet los ecologistas denuncian a Shell por participar en iniciativas petroleras en el Ártico, una operación con grandes posibilidades de riesgo, máxime teniendo en cuenta las dificultades de la zona, y la experiencia de riesgos en el Golfo de México, donde causaron un grave daño a la comunidad mundial.

    La batalla tiene una amplia difusión en Internet, que se está revelando como un aliado de iniciativas sin grandes medios económicos. Mientras que las TVs o los grandes medios escritos están en poder de grandes corporaciones con estrechas vinculaciones financieras o industriales, multitud de webs, blogs, etc. mantienen una posición independiente. Esto permite fortalecer campañas contra agresiones diversas.

    Activistas diversos están lanzando mensajes para la defensa de territorios importantes como la Amazonía, una inmensa selva pulmón de la tierra que se está depredando día a día por intereses de grandes propietarios…

    En México, se demanda la salvación de Cabo Pulmo, Área Natural Protegida de la Baja California Sur que podría ser gravemente afectada por la construcción del enorme complejo turístico que está incluido en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

    En el punto más sureño de la Península Ibérica, el conflicto que se destapa es Valdevaqueros una playa de Andalucía con extraordinarias dunas, en una zona relativamente virgen y magnífica para el surf, en la que se quiere hacer otra gran urbanización.

    El apartamento de la princesa

    01/06/2012, Hasta el 11 de Noviembre de 2012, en la nueva exposición “El apartamento de la princesa”, se mostrarán en el Castillo Esterházy objetos históricos nunca antes vistos de la emperatriz Sisí y el emperador Francisco José I.

    Viena, 1 de junio del 2012
    El castillo Esterházy es el patrimonio cultural más importante de Eisenstadt. Este palacio, de estilo barroco, se utilizó durante más de 300 años como residencia principal de la familia principesca, aunque sus orígenes derivan de una fortaleza del siglo XIII.

    El Castillo Esterházy fue un edificio fastuoso, en el que la nobleza celebró flamantes fiestas y en cuyas habitaciones se alojaron ilustres visitantes. En los meses de verano, la nobleza y la familia imperial de Habsburgo se acercaban al palacio, para hacer soportables y entretenidos los días de calor.

    Ahora, y hasta el 11 de Noviembre de 2012, se podrá visitar en este emplazamiento la exposición “El apartamento de la princesa”, una muestra que deslumbra al visitante con objetos históricos nunca antes vistos de la emperatriz Sisí y el emperador Francisco José I. Una forma de acercarse a las vidas de la familia Esterházy y de la familia imperial, y de conocer sus costumbres, anécdotas y biografías, además de descubrir el papel que jugaba la mujer noble en el siglo XIX.

    El apartamento de la princesa
    Castillo Esterházy
    Esterházyplatz 5
    Eisenstadt, Viena

    20 fotógrafos para una rosa

    01/06/2012, Lancôme presenta "Rôses by...", una exposición de imágenes excepcionales firmadas por veinte de los mejores fotógrafos del mundo. Del 6 al 12 de junio en Nave Terneras (Pº de la Chopera, 10. Madrid).

    Madrid, 1 de junio del 2012
    La rosa representa al mismo tiempo el color y la luz, la frescura y la voluptuosidad, el nacimiento y la madurez, la inocencia y la pasión, la emoción y la seducción Para rendir un homenaje a esta significativa flor, veinte fotógrafos internacionales, como Peter Lindbergh, Patrick Demarchelier, Sølve Sundsbø o Nick Knight, han realizado una interpretación personal del que viene siendo emblema de la firma Lancôme desde 1935.

    El resultado: veinte obras en color o en blanco y negro, potentes y emocionantes, hiperrealistas o simbólicas con las que da comienzo la Feria Internacional Madrid Foto. Los fotógrafos participantes en esta muestra son: Ruven Afanador, Jeff Burton, Patrick Demarchelier, Koichiro Doi, Nathaniel Goldberg, Dominique Issermann, Nick Knight, Brigitte Lacombe, Peter Lindbergh, Jennifer Lund, Eric Maillet, Chen Man, Raymond Meier, Tom Munro, Josh Olins, Dusan Reljin, Mark Segal, Carter Smith, Sølve Sundsbø, Warren du Preez y Nick Thorton Jones.

      La escenografía de « Rôses by… » ha sido concebida por Joseph Dirand, un joven arquitecto francés varias veces premiado. Su trabajo, fusión de reminiscencias arquitectónicas del pasado y de minimalismo abstracto, le ha convertido en una de las grandes figuras del nuevo clasicismo francés.

    "Rôses by...", 20 fotógrafos para una rosa.
    Del 6 al 12 de junio
    Nave Terneras
    Paseo de la Chopera, 10. Madrid

    Patrimonio en peligro

    31/05/2012, Conflictos y desastres naturales son siempre momentos difíciles para la conservación del patrimonio cultural, como se ha puesto de manifiesto recientemente en Mali, Libia o Italia.

    París, 31 de mayo de 2012
    La UNESCO viene haciendo llamamientos para que este patrimonio sea defendido tanto en los conflictos armados como tras las catástrofes naturales.

    Hace escasos días, la directora General de la UNESCO, Irina Bokova, pidió protección para la Ciudad Vieja de Gadamés, en Libia, inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1986.

    Preocupada por la información según la cual la ciudad libia había sido objeto de ataques con proyectiles de mortero, pidió a los implicados que detengan los actos hostiles que podrían causar daños adicionales a esta ciudad excepcional, inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial

    La ciudad vieja de Gadamés, conocida como “la perla del desierto”, constituye un ejemplo notable de asentamiento humano tradicional. Es también una de las ciudades presaharianas más antiguas situadas en el eje norte del desierto que va desde Libia a Mauritania.

    Otro acto que reclamó la atención de la UNESCO fue el ataque al mausoleo de Sidi Mahmoud, en Tombuctí, Malí, perpetrado el pasado 4 de mayo por el grupo Ansar Din.

    Las mezquitas de Tombuctú y sus 16 mausoleos son testigos de la edad de oro de Tombuctú en el siglo XVI, y de la enseñanza universitaria del islam que tuvo lugar en esos lugares. Desde el estallido del conflicto en el norte de Malí, la UNESCO ha hecho repetidos llamamientos a la protección del patrimonio cultural y al aumento de la vigilancia contra el tráfico ilícito de elementos del patrimonio.

    Los conflictos suelen coincidir con los robos y saqueos de patrimonio para el comercio ilegal.

    Se afirma que el tráfico de bienes culturales es, junto a los de drogas y armas, uno de los de mayor importancia económica del mundo, según la Organización Internacional de Policía Criminal (Interpol).

    Recientemente, la UNESCO recordaba que el pillaje de sitios arqueológicos, el robo de obras religiosas, el crecimiento del mercado del arte en el mundo, el crimen ligado a la circulación de bienes culturales y a la financiación de actividades terroristas son temas que preocupan a la comunidad internacional. Varios países africanos han perdido más de la mitad de sus bienes culturales, dispersos en colecciones públicas y privadas fuera del continente. Otro ejemplo: Desde 1975, centenares de estatuas de Buda del templo de Angkor Vat, en Camboya, han sido arrancadas, mutiladas o decapitadas. La UNESCO dice que este tipo de actos vandálicos suceden al menos una vez al día.

    Además de los daños por conflictos, están los desastres naturales, que se están cebando con antiguos monumentos, como se ha puesto de manifiesto recientemente con los terremotos en el norte de Italia, a donde la organización envía una misión para evaluar los daños sufridos por los sitios del patrimonio mundial y otros edificios culturales.

    Jitka Hanzlová en la Fundación Mapfre

    31/05/2012, Jitka Hanzlová es una de las fotógrafas más reconocidas del panorama internacional actual. La Fundación Mapfre presenta una retrospectiva de la artista, que podrá visitarse hasta el 2 de septiembre de 2012.

    Madrid, 31 de mayo de 2012
    Jitka Hanzlová nació en 1958 en Nachod, República Checa. Con 24 años abandona su país huyendo del régimen comunista y se instala en Essen (Alemania), donde estudia tecnologías de la comunicación en la Universidad de la ciudad. Su condición de exiliada marcará de modo fundamental su obra: una investigación constante de la relación del individuo con el contexto en el que habita y cómo éste modela su identidad.

    Sus fotografías ponen de manifiesto la relación y las tensiones invisibles que se establecen entre las personas, la naturaleza y los objetos, a través de unas imágenes directas, llenas de veracidad e intesidad. Hanzlová reflexiona sobre sus propias experiencias vitales, y nos proporciona su visión personal de determinados lugares o explora cómo se han representado diversos temas en la Historia del Arte.

    Esta retrospectiva reúne de manera cronológica nueve de sus series fotográficas. Una selección que ofrece una lectura coherente de los últimos veinte años de su trabajo:

    Rokytník (1990 - 1994)
    Rokytník es el pueblo en que el Jitka Hanzlová creció. En 1982 se exilió en la República Federal Alemana y sólo regresó a Rokytník en 1990. En esta serie de carácter melancólico aparecen ya los motivos que han marcado su trabajo: retratos, instantáneas de animales y paisajes e imágenes de la vida cotidiana.

    Bewohner (1994 - 1996)
    Frente a la naturaleza y el mundo rural de Rokytník, las imágenes de Bewohner, que en alemán significa habitante, ponen de manifiesto la soledad, la incomunicación y la pérdida de raíces de una gran ciudad, que en ocasiones es Berlín, en otras París, Colonia, o la ciudad en la que vive y trabaja desde que se exilió en 1982, Essen, en la región del Ruhr.

    Brixton (2002)
    Brixton es la capital afrocaribeña de Londres. En 2002 la Photographer’s Gallery invitó a Jitka Hanzlová a realizar un proyecto sobre este barrio. Una serie en la que se entremezclan objetos domésticos, urbanos y las personas que pueblan esos espacios. Las fotografías de mujeres, exentas de cualquier crítica social o sentimentalismo, de diferentes generaciones surgieron de los encuentros casuales, breves e intensos con desconocidas.

    Forest (2000 - 2005)
    Forest supone un giro en la fotografía de Jitka Hanzlová: la naturaleza desplaza al hombre y el bosque de su infancia cobra todo el protagonismo. Las instantáneas de Forest representan la vuelta a las raíces de la fotógrafa y manifiestan el lado extraño y siniestro del bosque, al que debía enfrentarse cuando acudía a fotografiar siempre sola, en silencio, envuelta en la niebla o en la oscuridad.

    Here (1998, 2008 - 2010)
    Al igual que en algunas de las fotos de Bewohner, la ciudad de Essen vuelve a ser protagonista, en esta ocasión para mostrarnos la yuxtaposición del ser humano y la naturaleza, del desarrollo urbano y el paisaje. Sus instantáneas captan el detalle de una ciudad industrial carente de vitalidad, o transmiten la opresión que soporta la naturaleza, cuyo desarrollo a menudo es coartado por la acción del hombre. Sin embargo, los retratos contagian una sensación de serenidad y relajación, potenciada por unos fondos de frondosa y rebosante vegetación de parques o jardines.

    Cotton Rose (2004 - 2006)
    Cotton Rose es el resultado de un viaje a Japón. Trascendiendo del arquetipo, Jitka Hanzlová desvela la naturaleza, las personas y la arquitectura japonesa, y lo consigue a través de unas imágenes reposadas y penetrantes en donde el hombre está en armonía con el entorno.

    There is Something I Don’t Know (2000 - 2012)
    El rostro muestra las señas de identidad distintivas del ser humano. En la historia del retrato existe la pretensión de ir más allá de la mera representación para comunicar el sustrato profundo de la individualidad. Jitka Hanzlová se instala en la tradición renacentista que pretendía describir los rasgos personales de un individuo a través de su fisionomía.

    Horses (2007 - )
    Una serie que capta la especial atracción por los caballos que siente la artista. Aún cuando estas imágenes muestran tan sólo un detalle de sus cuerpos, podemos imaginar el caballo completo, mientras bebe o se alimenta. Asimismo son eficaces en el modo en que transmiten la cualidad orgánica del animal, mostrando incluso su lado más impuro, aquel que suele evitarse en sus representaciones pictóricas y fotográficas. Es por esta cercanía que estas fotografías tienen tanta fuerza y transmiten tanta energía.

    Flowers (2008 - )
    Flowers (todavía en proceso), enlaza con la tradición de las naturalezas muertas de flores que, recuerdan la caducidad de la vida y la perennidad de la muerte. Es fruto del interés de Jitka Hanzlová por el ciclo de los fenómenos vitales y la conciencia de la intemporalidad de la existencia, pero también está relacionada con la influencia, una vez más, de los retratos renacentistas italianos. Estas fotografías muestran plantas marchitas o que van secándose paulatinamente y que parecen sobresalir de las tinieblas por la acción de una fuente de luz mágica. El entorno se mantiene oculto para que penetremos en el “interior” de la fotografía.

    Décimo aniversario del Belgrade Beer Fest

    30/05/2012, El Belgrade Beer Fest es el festival de cerveza más grande en el sudeste de Europa y consiste en una serie de eventos muy interesantes.

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    Se celebra su décimo aniversario por lo que los organizadores tienen planeados varios eventos para asegurar que sus más de 500.000 visitantes se lleven muy buenos recuerdos.

    Belgrado se está preparando para llevar a cabo uno de sus mayores eventos este verano. Las fechas establecidas para el Beer Fest este año son del 15 al 19 de agosto en un gran área verde que se encuentra en frente de la confluencia de los ríos Sava y Danubio.

    La popularidad de este festival se debe mayormente a sus principios básicos: entrada libre, un programa musical diverso y una gran variedad de cervezas domésticas y extranjeras.

    El Festival de Cerveza de Belgrado comenzó en el año 2003. A lo largo de nueve años, el festival ha entretenido a más de 4.650.000 personas en más de 450 presentaciones musicales sin coste alguno, quienes degustaron más de 90 marcas de cerveza y tomaron parte en sus múltiples campañas sociales.

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    Este Festival ha recibido numerosos reconocimientos. Entre estos se encuentra la recomendación del periódico británico The Independent, donde el Belgrade Beer Fest fue colocado entre los 20 eventos mundiales que deberían ser atendidos y el reconocimiento de evento de mercadotecnia del año que la revista Taboo le otorgó en el 2009. Este último se lo ganó gracias a su campaña social Yo decido Reciclar. El fin de esta campaña era el de crear una conciencia ecológica en Serbia y comprar contenedores de reciclaje para las escuelas primarias de Belgrado.

    Gracias a su popularidad, se ha establecido como uno de los acontecimientos más importantes en la oferta turistica de Serbia y como un evento que promueve y mejora la imagen del país.

    El evento es organizado principalmente por Beogradska Kulturna Mreza (Red Cultural de Belgrado). Para mayor información puede visitar la página:

    Además cabe señalar que Belgrado es una ciudad con mucho ambiente nocturno, no en vano ha sido nombrada como "la nueva capital de lo cool", como podéis ver aquí.

    Hallazgos prehispánicos en Chalcatzingo

    29/05/2012, Investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia hallaron un altar prehispánico y una estela en el sitio arqueológico de Chalcatzingo, en Morelos, Mexico.

    México 29 de junio de 2012
    Chalcatzingo es un notable yacimiento arqueológico en el interior de Mexico, que arranca del siglo XV a.C. alcanzando su apogeo en torno al VI a.C.

    Los hallazgos señalados ahora son resultado de los trabajos de exploración que realizan investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta), y su antigüedad se ha calculado en unos 2,500 años, periodo asociado con la cultura olmeca.

    Según informaciones del Instituto Nacional de Antropología e Historia, el altar es de forma rectangular con grabados de patrones comunes en otros monumentos detectados en el lugar (como los denominados 1, 9, 13 y 36), con símbolos abstractos de elementos relacionados con la lluvia. El monumento precolombino, de 50 cm de ancho por 40 de altura, se estima fue creado entre 800 y 500 a.C.

    A unos metros de dicho altar, los arqueólogos del Centro INAH-Morelos también hallaron una estela en proceso de grabado, que sus creadores no terminaron de cincelar, cuyas dimensiones aproximadas son de 1.70 metros de altura por 60 cm. de ancho. Se calcula que podría tener la misma antigüedad que el otro monumento descubierto.

    Hace menos de un año, en este sitio prehispánico fueron hallados un altar de forma cilíndrica y un relieve con la representación de tres felinos, que también se ha calculado datan de alrededor de 2,500 años.

    La arqueóloga Carolina Meza Rodríguez informó que las piezas monolíticas recién descubiertas se encontraron en el área monumental de Chalcatzingo, en la plataforma denominada PC4, durante la excavación de un conjunto residencial detectado en esta área, que por sus características corresponde al periodo Clásico Tardío (700 a 900 d.C.).

    De acuerdo con la investigadora, la diferencia de temporalidad del altar y la estela con la del área donde se descubrieron, indica que hubo una reutilización arquitectónica y desuso de este tipo de elementos que, si bien fueron importantes para el periodo Preclásico, para el Clásico Tardío fueron sepultados dentro de los edificios, como una manera de desacralizar el valor ritual que tuvieron durante la etapa cultural anterior.

    Con el hallazgo de este par de monumentos, suman ya 44 los descubiertos en la Zona Arqueológica de Chalcatzingo, entre relieves, altares y estelas, considerados los más antiguos del Altiplano Central y los únicos del Preclásico Medio (800-300 a.C.) en la región.

    Asimismo, en otro punto de estudio, donde se realizan exploraciones arqueológicas para la conservación de las escalinatas del lado poniente de la Estructura 2 (un altar-adoratorio), los arqueólogos del INAH también descubrieron una cista con un entierro múltiple, acompañado de una ofrenda compuesta por seis vasijas de cerámica.

    Carolina Meza abundó que en el interior de la cista, elaborada en mampostería con paredes planas y cubierta con lajas de piedras de mayor dimensión, se encontraron los restos de dos individuos, cuyo contexto indica que originalmente fueron sepultados en otro lugar y luego de un tiempo se trasladaron al altar-adoratorio. Esta práctica antigua respondía a la creencia de que las construcciones tenían vida, y por ello se les realizaban ofrendas.

    Los huesos humanos estaban acompañados de seis vasijas que “seguramente contuvieron elementos orgánicos que ya no se pueden ver. Es necesario restaurarlas para poder identificar de qué tipo de cerámica se trata, y con ello fechar la ofrenda y determinar su filiación cultural”, comentó la arqueóloga.

    Sin embargo, adelantó, por el tipo de arquitectura del área donde se encontraron, podrían corresponder al periodo Posclásico Temprano, que va de 1200 a 1300 d.C.

    Por otra parte, en un tercer punto de excavación se localizó otra ofrenda, integrada por núcleos de obsidiana; se ubicó en el interior de una unidad residencial de la época temprana del periodo en que habitaron los olmecas, de manera que, tentativamente, la antigüedad de la oblación se calcula entre 800 y 500 a.C.

    Egipto apuesta por el turismo

    29/05/2012, Tras una brusca bajada de turistas con los movimientos políticos de 2011, Egipto intenta recuperar la vitalidad turística, un elemento clave de sus finanzas.

    El Cairo, 29 de mayo de 2012
    En enero-abril llegaron 3,6 millones de viajeros al país. Los datos de los primeros meses de 2012 son positivos en relación con los de un año atrás, cuando bajaron drásticamente las visitas a raíz de las revueltas internas. Ahora, se espera que tras las elecciones se emita una imagen de país tranquilo que posibilite recuperar niveles de viajeros elevados.

    Asentado ya el prestigio icónico de las grandes pirámides, Egipto quiere divulgar que posee muchos más atractivos, con objeto de atraer a más de los 14 millones de turistas que dejaron divisas en el año 2010.

    Situado en el extremo nordeste de África, Egipto es uno de los países del mundo que recibe un mayor número de turistas. Dueño del legado de una civilización emblemática.

    Sus principales atractivos turísticos son lugares como El Cairo, Luxor, Asuan, Karnak, Hurgada, Abu Simbel, Sharm el Sheik y el Valle de los Reyes. También tiene gran clientela los cruceros por el Nilo y la zona del mar Rojo, enclave perfecto para el submarinismo

    La vieja ciudad de El Cairo
    Constituida hace más de un milenio, El Cairo es el vivo reflejo de los intensos contrastes que tienen lugar en el país. En sus callejuelas se mezclan rascacielos y tradicionales casas de adobe, automóviles de última generación y carros tirados por animales que transportan las pesadas mercancías de sus dueños.

    Frente al Cairo más occidentalizado se salvaguardan los orígenes del mundo medieval que tuvo lugar en la ciudad. La zona islámica, además de ser una de las más pobladas de todo Oriente, es uno de los barrios que más monumentos posee. Sus calzadas aún son atravesadas por pastores con sus rebaños, y los camellos y burros son el medio de transporte de muchos egipcios.

    La ruta por estas vías comienza en la famosa calle Muski, que acoge dos mezquitas situadas en ambos lados de la calzada: la madraza de Ashrafiya y la mezquita de Al-Mutahhar.

    Junto con el zoco, la calle Muski forma parte de la zona más comercial de la ciudad. Otras mezquitas como la de Iben Tulun (una de las más grandes del mundo) templos, museos, monumentos históricos y tesoros islámicos abundan en esta zona.

    Entre mezquita y mezquita, tropezaremos con el bazar Khan al-Khalili, mercado tradicional de visita indispensable donde podemos comprar productos artesanales.

    La Ciudadela de El Cairo es otro de los lugares que no podemos perdernos cuando se visita El Cairo. Se trata de una gran fortaleza medieval que fue sede del poder egipcio durante 700 años y que alberga en su interior tres mezquitas y varios museos.

    Luis Gordillo en CAC Málaga

    28/05/2012, El Centro de Arte Contemporáneo (CAC) de Málaga presenta Horizontalia, muestra del artista sevillano Luis Gordillo, del 25 de mayo al 26 de agosto.

    Málaga 28 de mayo de 2012
    Esta exposición, comisariada por Fernando Francés, mezcla el trabajo más reciente del artista, con obras anteriores de las décadas de los sesenta y noventa. Sus conocidos polípticos y dípticos comparten espacio con una representación de sus trabajos con fotografías igualmente centradas en la serie como proceso de trabajo.

    Luis Gordillo es uno de los artistas andaluces más representativos e importantes del arte contemporáneo en el panorama español.

    En el trabajo de Luis Gordillo es una constante la sensación de continuidad y linealidad de los colores, trazos, y formas. No hay un final, al menos de forma intencionada.

    El CAC Málaga presenta una selección de las piezas más recientes del trabajo del artista sevillano, con otras obras que se hicieron con anterioridad, como son series fotográficas de la década de los setenta (Autorretrato con ojos artificiales, (David Seaton), 1974) y sus conocidas series de la década de los noventa (Malestar óptico, malestar épico, 1994).

    Para Fernando Francés, director del CAC Málaga: “No tuvo que ser fácil para Luis Gordillo cuando a mediados del siglo pasado decide dar rienda suelta a su vocación y después de estudiar Derecho, comienza a formarse en Bellas Artes y empieza a pintar. En un escenario desalentador, abrirse camino no era tarea fácil. Hizo las maletas y puso rumbo a Paris, donde tomó contacto con otras corrientes. Se interesó por la obra de Fautrier, Wols y Dubuffet, entre otros, y empezó a pintar sus primeras obras, influenciado por el informalismo, con tintes surrealistas y también en algunos momentos recuerdan a Tàpies.

    Constantemente hace guiños al Pop Art, con el uso de colores ácidos, serigrafías, series y el empleo del acrílico en sus polípticos (A vista de pájaro, 1993), dípticos (Mechor Voyeur, 2007) y sus litografías (Los pulmones no son almas de versiónmontaña, 1996)”.

    A través del psicoanálisis, terapia a la que el artista recurrió al atravesar una profunda crisis personal a principios de los setenta, Luis Gordillo reflexiona sobre la multitud de posibilidades que tiene un lienzo o una cámara fotográfica, instrumento que llegó más tarde a sus manos, pero que incorporó a su trabajo en una serie de retratos, autorretratos y series.

    Como indica el título de la exposición que presenta el CAC Málaga, Horizontalia, es más que una forma o manera de representación física, es una técnica artística que sintetiza su necesidad de continuar con un trabajado inacabado, más allá de los límites. Resultado de esta exploración de los límites son los dípticos y polípticos. Obras formadas por otras, como Serie Limo (1990), compuesta por 64 piezas, Serie Alambique (1991), con un centenar de pequeños cuadros, o la más reciente Manet SA, (2004), compuesta por 16 piezas.

    El artista reconoce que a veces el límite a su capacidad de creación se lo pone el espacio donde va a estar expuesto su trabajo. “A veces –dice- pinto un cuadro y una vez terminado siento la necesidad de rebosarlo en un cuadro situado al lado”

    En cuanto al color, emplea tonos cromáticos de una gama parecida en un intento de mantener cierto equilibrio, llamar la atención sobre algo que parezca tener sentido en el cuadro más allá de las formas. En sus trabajos fotográficos recurre también a las secuencias de imágenes, en ocasiones repetidas, personales y que provienen de archivos periodísticos. Para el artista, la fotografía fue un descubrimiento, un nuevo medio sobre el que hay que trabajar.

    Serigrafías, litografías y dibujos son otras técnicas que el artista ha empleado en los trabajos que expone en el CAC Málaga.

    Luis Gordillo nació en Sevilla en 1934. Después de estudiar Derecho, comienza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. A lo largo de su trayectoria, Luis Gordillo ha recibido numerosos reconocimientos y premios. El último ha tenido lugar este año con el reconocimiento como Hijo Predilecto de Andalucía. Otros galardones que cabe destacar son el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (2007) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981).

    Sus obras se encuentran en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España), el Museo de Bellas Artes de Bilbao, IVAM (Valencia, España), Fundación La Caixa (Barcelona, España),, MACBA (Barcelona, España), Fundación AENA y Museum Folkwang (Essen, Alemania), entre otros espacios.

    Marcha nórdica en Chequia

    28/05/2012, La oficina de turismo de la República Checa nos sugiere la práctica del nordic walking o marcha nórdica en este país centroeuropeo.

    Praga, 28 de mayo de 2007
    La marcha nórdica es una actividad de creciente implantación. Consiste en caminar –como la marcha normal- con sendos bastones diseñados para este tipo de paseo, con lo que el ejercicio pone en funcionamiento el 90 por ciento de la musculatura corporal, lo que es recomendable desde el punto de vista de la salud, puesto que mejora los músculos y la circulación sanguínea.

    Turismo Checo propone esta combinación de deporte y relajación, con rutas para disfrutar de la marcha, complementadas con magníficos tratamientos de spa después, en un conjunto que apuesta por la salud del cuerpo y la mente.

    La marcha nórdica exige andar a un ritmo relativamente rápido, ayudado por dos bastones similares a los utilizados en el esquí, utilizando la mayor parte de los músculos del cuerpo. Es un deporte que surgió en el final del siglo XX y se expandió desde Finlandia donde se practicaba como método de entrenamiento de verano entre los practicantes del esquí de fondo

    República Checa cuenta con numerosas rutas para realizar esta actividad, andando praderas o por montes, como las Montañas Gigantes que tienen un terreno ideal para este deporte debido a sus crestas planas, y que reciben numerosos turistas de forma anual, bastantes de ellos para practicar esta actividad.

    Según Turismo Checo, además, por los beneficios que conlleva para la salud, muchos balnearios incluyen la marcha nórdica en su oferta de salud. Algunos como Konstantinovy Lázně, han sabido utilizar de la mejor forma su entorno natural, ofreciendo rutas especiales para practicar este deporte a la vez que ofrecer unas increíbles vistas. En el recinto del balneario Teplice nad Bečvou existen rutas señaladas varias dificultades, baremadas por la longitud y el desnivel del recorrido.

    Aunque en un principio no hay necesidad de tener conocimientos previos para la práctica de la marcha nórdica, en ciudades-balneario como Teplice v Čechách, es posible disponer de un instructor, para sacar el máximo partido de esta marcha con bastones que desentumece de forma agradable todo el cuerpo, robustece las piernas y las partes superiores del cuerpo, excelente para desbloquear la columna vertebral, aumentar la forma y mejorar considerablemente el flujo sanguíneo.

    Rostros y manos en la pintura germánica

    27/05/2012, Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna se presenta en el museo Thyssen Bornemisza, del 22 de mayo al 2 de septiembre de 2012.

    Madrid, 27 de mayo de 2012

    Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Thyssen-Bornemisza ha puesto en marcha diversas actividades para conmemorar su apertura. En este contexto se inscribe Miradas cruzadas, un ciclo expositivo cuyo objetivo es incentivar en los visitantes un juego de conexiones y divergencias entre obras de distintas épocas y estilos, para lo que se recurre a obras de las colecciones del propio Museo.

    A partir del 22 de mayo se presenta, en la sala mirador de la primera planta -con entrada libre-, la segunda entrega de esta serie, con el título “Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna”.

    La muestra es interesante. Recoge tan sólo 10 cuadros, y con ellos propone una confrontación entre el Renacimiento germánico y el Expresionismo y la Nueva Objetividad, que surgen en Alemania tras la Primera Guerra Mundial, con obras de Alberto Durero, Lucas Cranach el Joven, Otto Dix o Max Beckmann, entre otros.

    Tanto en el Renacimiento como en el siglo XX los artistas de estos movimientos se interesaron por el hombre y su imagen, así como por su exaltación a través del arte. Para estos ideales el retrato era el vehículo perfecto, lo que contribuyó al gran auge que tuvo en ambas épocas.

    El retrato constituye uno de los géneros pictóricos de mayor calidad y cantidad de la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza. Su importancia dentro de la tradición pictórica alemana explica la preferencia por este género del primer barón Thyssen-Bornemisza y de su hijo y fundador del Museo, Hans Heinrich.

    Una mirada atenta a la selección de obras que se presenta en este nuevo montaje permitirá al espectador advertir la influencia que los maestros antiguos alemanes ejercieron sobre artistas como Otto Dix o Max Beckmann a principios del siglo XX. A pesar de su lejanía en el tiempo, es posible observar su proximidad técnica y teórica en aspectos como la similitud en los esquemas de representación, el interés por el detalle y el realismo, así como la obsesión por retratar la personalidad y la psicología de los personajes a través de los rostros y de las manos.

    Rostros y manos que acaparan la atención, llegando a ocupar a veces la totalidad de la superficie pictórica; como en Cristo entre los doctores, obra maestra de la colección, en la que Durero intensifica la expresividad a través del gesto rozando incluso lo grotesco.

    También el rostro y la mano de Beckmann en su Autorretrato o de Max Schmidt, en el retrato realizado por el austríaco Oskar Kokoschka, se convierten en el centro de las miradas y cobran un papel protagonista para representar la psicología de los personajes. Otto Dix, figura clave de la Nueva Objetividad, refleja también en su obra una evidente influencia de la tradición pictórica germánica, recuperando la técnica de pintura sobre tabla o las veladuras de los maestros renacentistas. La puesta en escena de sus cuadros, como vemos en Hugo Erfurth con perro, muestra igualmente un gran paralelismo con obras de maestros del Renacimiento, con la figura humana destacada sobre grandes cortinajes y fondos en diferentes gamas de azul. Así lo vemos, por ejemplo, en Retrato de Ruprecht Stüpf, de Barthel Beham (1528). En ambos casos, como en otras obras reunidas temporalmente en esta selección, la abundancia de detalles y el realismo permiten al artista transmitir la psicología del retratado o resaltar elementos u objetos que nos hablan de su estatus social, su oficio o su personalidad.

    Datos:
    Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna
    Fechas: Del 22 de mayo al 2 de septiembre de 2012
    Número de obras: 10
    Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, 8. Madrid.

    Ernst Ludwig Kirchner en la Fundación Mapfre

    24/05/2012, Fundación Mapfre presenta la exposición Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), que podrá visitarse en la Salas Recoletos (Paseo de Recoletos, 23, Madrid) hasta el día 2 de septiembre.

    Madrid, 24 de mayo
    La exposición, compuesta por 153 obras, comprende óleos y piezas sobre papel y esculturas, además de una selección de 35 copias modernas de las fotografías con las que Kirchner documentó su vida y su proceso creativo.

    Ernst Ludwig Kirchner fue uno de los máximos representantes del expresionismo alemán, Kirchner se licenció en arquitectura en la escuela de Dresde en el año 1905. En el mismo año fundó junto a us compañeros Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff el famoso grupo Brücke, que con el tiempo fue admitiendo a nuevos miembros como Otto Müller, Cuno Amlet, Kees van Dongen o Emil Nolde entre otros.

    A finales de 1911, Kirchner se trasladó a Berlín, donde entró en contacto con escritores y filósofos, y donde conoció a su musa y compañera sentimental Ema Schilling. El mundo industrial se convirtió en tema de inspiración para el artista, cuyas obras se tornaron angulosas y estridentes.

    Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, Kirchner sufre el ingreso, en varias ocasiones, en diversos sanatorios por problemas físicos y psicológicos. Aún así sigue activo, y continúa realizando esbozos, dibujos, e incluso pinturas de gran formato.

    Finalmente, el artista se traslada a Suiza, en un entorno rural, en las montañas de Davos. Allí tiene nuevas fuentes de inspiración, y la forma de enfrentarse al lienzo cambia, sus pinceladas nerviosas se tranquilizan, y comienza a experimentar con otras técnicas, como el bordado y el tejido.

    En Davos, en el año 1925, se produce un punto de inflexión en la obra de Kirchner, que adopta el lenguaje abstracto, estático y ornamental, dominado por la fuerza del color.

    En 1938, Ernst Ludwig Kirchner se suicida, pues las noticias que llegan a Suiza son desalentadoras, y se habla de una posible invasión alemana, algo que, junto a sus problemas personales y de salud, resultó ser demasiado para la mente del artista.

    La muestra cuenta con la colaboración especial del Kirchner Museum Davos además de otros 26 museos y colecciones privadas de gran prestigio internacional (como el MNAM Centre Georges Pompidou de París, la National Gallery de Washington DC, el Legado Ernst Ludwig Kirchner, la Galerie Henze & Ketterer de Wichtrach-Berna, la Nationalgalerie de Berlín, el Folkwang Museum de Essen, las Staatliche Staatsgemäldesammulungen de Dresde, la Hamburger Kunsthalle, el Städel Museum de Fráncfort y el Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen, entre otros).

    Sol de medianoche en Finlandia

    23/05/2012, Con la llegada del verano, toda Finlandia sale a las calles para disfrutar del buen tiempo y sobre todo, del sol de media noche que hace que los días nunca terminen.

    Helsinki, 23 de mayo de 2012
    Finlandia es más que nieve, frío, renos y Papá Noel. Con la llegada del buen tiempo el país sale al aire libre para disfrutar de los cientos de actividades que se pueden hacer. La Oficina de Turismo de Finlandia recuerda ahora que en la costa oeste de Finlandia se preparan actividades de todo tipo para esta estación.

    Con la llegada del solsticio de verano, los días son cada vez más largos hasta llegar, en zonas como la Laponia finlandesa, a haber días de 24 horas completas de sol, en lo que se denomina “Sol de Medianoche”. Así, en la costa oeste de Finlandia, tanto en los archipiélagos, en que se puede ir en bici de isla en isla, disfrutando de sus increíbles paisajes de agua y bosques, como en las ciudades del país de los mil lagos, se puede disfrutar de un verano diferente.

    Para los amantes de la música, en julio tendrán lugar varios eventos musicales como el afamado Ruisrock, que comenzó su andadura en 1970, en la misma ciudad de Turku, y que contará con alrededor de 60 artistas tanto del país como del exterior. http://www.ruisrock.fi/en/home

    Otra cita: el Pori Jazz festival, en Pori. Este es el festival de jazz más importante de Finlandia y celebrará su 47 edición en 2012, del 14 al 22 de julio. Ccontará con artistas como D’Angelo y Jools Holland entre otros. http://www.porijazz.fi/en/frontpage

    Finnair e Iberia operan vuelos directos desde España a Helsinki, de una duración poco más de 4 horas. Al aterrizar hay que añadir una hora más al reloj. Los ciudadanos de la Unión Europea necesitan únicamente el DNI en vigor. El euro es su moneda oficial desde 1999.

    Más información turística para un viaje a Finlandia: VisitFinland.com

    Klimt: en el Belvedere

    22/05/2012, Viena prepara una nueva exposición de Gustav Klimt, en el Belvedere, para celebrar el 150 aniversario del nacimiento de este singular artista

    Viena, 22 de mayo de 2012
    La exposición “Obras maestras en primer plano: 150 años de Gustav Klimt” exhibe todas los trabajos del pintor con los que cuenta esta casa, que es la institución con mayor bagaje de obras del famoso autor de la Sezession vienesa.

    A diferencia de la mayor parte de exposiciones de años recientes, esta no tratará sobre las relaciones estilísticas o contextos históricos de su arte, sino que se centrará en los trabajos individuales como tales, en el mensaje cada una de estas obras maestras transmite al espectador.

    Viena es un lugar idóneo para conocer a Gustav Klimt (1862-1918), el pintor simbolista, protagonista de la llamada secesión vienesa, la vertiente modernista de esta populosa y bella ciudad.

    El pintor creó unas obras en las que se respira el ideal romántico unido a una sensualidad desbordante y un cromatismo muy especial, en el que destaca el erotismo la suntuosidad de los dorados y un aire que frecuentemente recuerda a lo bizantino.

    En ese periodo en el que se iba agostando el liderazgo político y artístico de la capital austriaca, Klimt fue un personaje popular de la vida artística y social, que recibía encargos de notable alcance económico para sociedad burguesa de Viena.

    El Belvedere posee la mayor colección de pinturas de Gustav Klimt, entre las que se encuentra el famosísimo cuadro de El Beso, además de otros notables trabajos como el retrato de Fritza Riedler o Judith.

    También se podrán contemplar otras dos de las obras maestras de Klimt, "Girasoles" y "Familia", las cuales recibió el Belvedere en marzo de 2012, provenientes del legado del coleccionista de arte Peter Parzer.

    La muestra se abre el 12 de julio y permanecerá hasta el 6 de enero de 2013
    > Oberes Belvedere. Prinz-Eugen-Straße 27. Viena.
    Página web: http://www.belvedere.at/

    Ampliación de la Colección II del Museo Reina Sofía

    22/05/2012, El Reina Sofía renueva la Colección II. ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945–1968), ubicada en la planta 4ª del edificio Sabatini, con la incorporación de obras de Claes Oldenburg o Val del Omar entre otros.

    Madrid, 22 de mayo de 2012
    El Museo Reina Sofía presenta importantes novedades dentro de la Colección II ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968), ubicada en la 4a planta del edificio Sabatini, tanto en lo que respecta al discurso expositivo como a la incorporación de nuevas obras, muchas de ellas no expuestas antes, escasamente exhibidas o recientemente incorporadas a través de compras, daciones o depósitos.

    Destaca el importante depósito y donación de la obra de Val del Omar, que incluye sus películas más representativas, collages, utensilios y material documental, además de su laboratorio PLAT, en el que arte y tecnología se dan la mano.

    Las salas dedicadas a los Realismos se han ampliado incluyendo un espacio donde se representa un realismo de corte expresionista heredero del informalismo, combinando obra nacional e internacional de autores como Bacon, Guston, Villalba, Kitaj o Gordillo.

    La figuración política española tiene mayor representación ahora, tras la adquisición de la serie “Spain is Different” de Joan Rabascall y la instalación de otros trabajos representativos de este momento, como los de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o Juan Genovés.

    Importante destacar el valioso depósito de siete obras de Claes Oldenburg, realizado por la colección Sonnabend, de Nueva York, que se podrán ver por primera vez en el Museo y que, junto a la obra de Rauschenberg, ofrecen una nueva visión del arte americano de principios de los 60 anteriormente no representado en la colección. Junto a ello, se expone la emblemática obra de Vostell 6 TV Dé-Coll/age (1963).

    Otra de las novedades radica en el montaje de una nueva sala dedicada a la fotografía neorrealista española que reúne el mayor número de fotógrafos españoles de los años 50 y 60, algunos de cuyos trabajos son inéditos en el museo: por ejemplo la serie “Neutral corner” de Ramón Masats, o las fotografías de Gabriel Cualladó, y Oriol Maspons, por citar sólo algunos nombres. Este espacio se ha puesto en relación con la sala dedicada a Antonio López y Carmen Laffón.

     Asimismo, como homenaje al recientemente fallecido Cy Twombly su obra se ha puesto en relación con las experiencias radicales de Fontana a principios de los 60.

    Por último, la sala donde se exhibe la obra del artista argentino Alberto Greco cuenta con una nueva adquisición de un importante óleo realizado en España.

    Anclados al ancla

    18/05/2012, Miembros de Greenpeace bloquean en Brasil los movimientos de un barco cargado de mineral de hierro, en demanda de protección para los bosques amazónicos.

    Rio de Janeiro 18 de mayo de 2012
    Según fuentes de los ecologistas, su barco, el Rainbow Warrior, sigue en Brasil denunciando la situación de la Amazonia y los peligros derivados de la posible aprobación del nuevo Código Forestal.

    Algunos de sus tripulantes han cambiado sus quehaceres diarios y están participando en una acción de bloqueo del barco Clipper Hope en el puerto de Sao Luis (estado de Maranhão). Los ecologistas ya llevan más de 70 horas amarrados a la cadena del ancla del barco.

    En esta ocasión, este barco, el Clipper Hope, iba a ser cargado con 311.000 toneladas de lingotes de mineral de hierro, materia prima que se exporta a los Estados Unidos para fabricar acero destinado a la fabricación de vehículos de empresas tan conocidas como BMW, Ford, General Motors, Mercedes, Nissan o Jonh Deere. La obtención del mineral de hierro (arrabio) es una de las causas de deforestación porque para su producción es necesario el uso de carbón vegetal que se consigue quemando grandes cantidades de árboles. Los árboles son llevados a remotos campamentos de carboneo para que ardan y se conviertan en el carbón vegetal.

    Muchos de estos campamentos son clandestinos, sin licencia, operando en espacios protegidos o en comunidades indígenas (como los Awá). Y muchas de las personas que trabajan en esto se hallan en condiciones de esclavitud, según denuncia Greenpeace..

    Este carbón vegetal producido a costa de la deforestación es comprado por empresas como materia prima clave para la fabricación del acero en marcas mundiales. Y es que en la región de Carajás (estado de Maranhão) se encuentra la mina de hierro más grande del mundo controlada por ValeSA, la segunda compañía minera más grande del mundo. Una gran devoradora de carbón vegetal para alimentar los 43 altos hornos de las 18 empresas.

    Los ecologistas dicen que es urgente que la Presidenta brasileña, Dilma Rouseff, vete el nuevo texto para garantizar que no se merma ni una pizca la protección de la Amazonia y de las personas que la habitan.

    Tiergarten. Jardín romántico

    18/05/2012, Una bella muestra fotográfica se presenta en el Museo Nacional del Romanticismo de Madrid, del 23 de mayo al 2 de septiembre de 2012: Tiergarten. Un jardín romántico alemán.

    Madrid, 18 de mayo de 2012
    El Ministerio español de Educación, Cultura y Deporte, presenta la exposición dentro del marco de PhotoEspaña 2012.

    Durante un año completo, Amparo Garrido fotografió el jardín romántico berlinés de Tiergarten, un entorno artificial diseñado cuidadosamente para suscitar en el espectador la experiencia de la naturaleza más agreste, virgen y exuberante.

    A través de las instantáneas de la serie y de un video, que recoge el proceso creativo del proyecto, la artista refleja el tránsito de las estaciones, incorporando la dimensión del tiempo a este Edén. Con ello el jardín termina de cobrar su auténtico sentido, presentándose como una obra completa que sugiere, potenciadas, todas las sensaciones proyectadas por los paisajistas románticos: libertad, anarquía, incertidumbre, cambio, vida, muerte.

    Las fotografías de Garrido exploran e inciden en los principales elementos del jardín romántico: la imitación de los paisajes naturales para crear la apariencia de una naturaleza anárquica.

    Para conseguir este caos natural, los paisajistas románticos recurrieron a senderos tortuosos, a amplias praderas decoradas con distintas especies de árboles y arbustos, que potencian el desorden y el contraste cromático, y a lagos artificiales. Toda esta explosión natural planificada está diseñada para intensificar los sentidos y provocar distintas sensaciones en el espectador, empequeñecido ante la majestuosidad natural desplegada ante sus ojos. Todas estas sensaciones descritas se potencian en esta serie fotográfica porque engloba una serie temporal.

    “Pasear por el Tiergarten, es como estar metida dentro de un cuento. Un lugar para la fantasía y por eso mágico, donde surgen antiguos miedos y temores... como la angustia de la soledad, de sentirse perdida y abandonada... o como la atracción fatal que tiene la mirada de la belleza, dice la fotógrafa.

    Amparo Garrido (Valencia, 1962) es artista visual y reside en Madrid. Después de sus estudios de Arte Dramático y su dedicación al cine, comienza su carrera profesional en el mundo de la fotografía tras recibir el III premio en el Certamen Nacional de Fotografía: “Los jóvenes vistos por los jóvenes”, otorgado por el Ministerio de Cultura en el año 1986. Este premio hizo posible que la artista dedicara su vida a la fotografía. En el año 2000 el Ministerio de Fomento le otorgó el primer premio del certamen Arquitectura y Fotografía. Un año más tarde, se alzó con otro galardón, el II Premio ABC de Fotografía.

    Entre los principales trabajos fotográficos realizados por Amparo Garrido, encontramos sus series, entre las que pueden destacarse: “Sobre perros, la mirada y el deseo”, 1998; “Ventanas, papeles y el Hombre del saco”, 2000; “Una casa es un texto”, 2004; o “De lo que no puedo hablar”, 2006. Algunas de sus obras, han pasado a formar parte de importantes colecciones en nuestro país como la del Museo Reina Sofía, los fondos de la Comunidad de Madrid o la Fundación Coca-Cola...

    Los españoles y el arte

    17/05/2012, Según una encuesta realizada por la página web Artelista, durante el año 2011 los españoles visitaron una media de tres exposiciones.

    Barcelona, 17 mayo de 2012
    Los españoles visitan una media de tres exposiciones al año, compran regalos en las tiendas de los museos y adquieren pinturas realistas, de paisajes y abstractas por debajo de los 1.500 euros. Son las principales conclusiones de la encuesta realizada por Artelista sobre consumo de arte durante el primer semestre de 2011.

    El estudio pretende definir el perfil del usuario interesado en el arte, examina sus tendencias de compra y analiza sus principales aficiones e intereses en el mundo de la cultura y el entretenimiento. Según la encuesta, el perfil es el de un hombre de mediana edad, con formación universitaria, que vive en un entorno urbano. Sus principales aficiones son la visita a museos, la lectura, navegar por Internet, ir al teatro, al cine y a conciertos, y se caracteriza por un escaso interés por los deportes y la televisión.

    Pese a la crisis generalizada, el perfil del consumidor en España es bastante activo: el 20% de los españoles compra más de un cuadro al año y el 90% lo hace para decorar su casa o lugar de trabajo y para regalar a familiares y amigos. Además, el 70% de los encuestados prefiere comprar obra única y el 30% está interesado en las reproducciones. Del total de usuarios que consumen arte, el 58% son hombres, superando a las mujeres en 16 puntos porcentuales.

    Delacroix supera los 220.000 visitantes

    17/05/2012, La exposición de Delacroix en CaixaForum Barcelona, organizada por la Obra Social "la Caixa" y el Museo del Louvre, cerrará sus puertas este domingo día 20.

    Barcelona, 17 de mayo de 2012
    La Obra Social "la Caixa" cerrará este domingo las puertas de la exposición Delacroix (1798-1863) en CaixaForum Barcelona. La muestra abrió sus puertas el pasado 16 de febrero y finalizará tres meses después habiendo superado los 220.000 visitantes.

    Delacroix (1798-1863) es la retrospectiva más completa que se ha hecho nunca sobre la trayectoria del pintor francés en España. Reúne más de 130 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Europa y América, que permiten reconstruir la evolución del artista, desde sus inicios hasta la etapa final. Uno de los atractivos ha sido poder contemplar obras que se han convertido en referentes de nuestra cultura visual, como Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi, uno de los bocetos de La muerte de Sardanápalo o Mujeres de Argel en sus habitaciones.

    Con esta exposición y "Goya. Luces y sombras" hasta el 24 de junio, la Obra Social "la Caixa" celebra el décimo aniversario de CaixaForum Barcelona. De forma excepcional, el próximo sábado y coincidiendo con la Noche de los Museos, CaixaForum Barcelona abrirá sus puertas hasta la una de la madrugada.

    Turner inspirado

    16/05/2012, Joseph Mallord William Turner está considerado como uno de los grandes del paisajismo. Una exposición en la National Gallery nos acerca a sus pinturas, en especial al origen de su luz.

    Londres, 16 de mayo de 2012
    La muestra sobre este pintor, abierta hasta el 5 de junio, lo analiza en función la relación con uno de sus maestros, el francés Claudio de Lorena.

    Turner Inspired: In the Light of Claude presenta a este pintor, valorado como una figura crucial de la pintura del paisaje y precursor del impresionismo, como hechizado por la luz del francés, cuyos cuadros conoció y estudió personalmente.

    Turner (1975-1851) ha sido valorado en especial por esa luz viva que no es sino la eclosión de la luminosidad vibrante que ya encontramos en Claudio de Lorena. Siempre se ha dicho que Turner no cejó en imitar y medirse a los maestros de los que tomó notas abundantes, pero buscando ir mucho más allá de la simple imitación.

    Cuando Turner se formaba ya mostró interés por autores como Poussin y Lorena, y pudo ver sus obras en la tierra de los maestros franceses durante los viajes que hizo por el continente europeo. Pero su aportación no fue solo tomar nota de la maestría de los autores del XVII, sino desarrollar las potencialidades descubiertas en ellos.

    Grandes obras como el Embarque de la reina de Saba(1648) o el Desembarco de Eneas en el Lacio(1675) causaron huella imborrable en el espíritu y el arte del inglés

    La muestra no ha sido muy bien acogida por algunos críticos, que dicen que se ha exagerado el parentesco entre Claudio de Lorena y Turner, en lugar de mostrar más las diferencias y los logros de Turner. Otros han recordado que la Tate ya ha explorado –en 2009- ese mismo tema y de una forma más amplia y profusa, vinculando el paisajismo del inglés al de los pintores franceses, a los holandeses e incluso a los clásicos venecianos.

    No obstante la muestra es notable, con obras de distinto formato, grabados, cuadernos de notas, óleos de gran formato, etc, y en la misma junto a la luz destaca otro elemento que Tuner también trató con acusada personalidad el agua …y el mar, lo que nos hace recordar el indudable influjo de las escenas portuarias de Claudio de Lorena.

    Ese influjo fue reconocido por el propio Tarner quien, en su testamento, Turner donó dos de sus obras a la National Gallery con la condición de que quedasen expuestas junto a otras dos de Claudio de Lorena.

    Cascos Históricos

    16/05/2012, La Habana acoge, del 15 al 18 de mayo, el X Encuentro Regional sobre Manejo y Gestión de Centros Históricos en América Latina y el Caribe, según informaciones de la UNESCO.

    El encuentro tiene como eje temático “La sostenibilidad económica del centro histórico, una responsabilidad compartida”.

    Esta edición de los debates sobre centros históricos ha sido convocada por la Oficina del Historiador de La Habana y la Oficina Regional de Cultura para América Latina y el Caribe de la UNESCO, y coincide con las celebraciones de los 40 años de la Convención sobre la protección del patrimonio mundial, cultural y natural (1972) y del 30 aniversario de la inscripción de La Habana Vieja y su sistema de fortificaciones en la Lista del Patrimonio Mundial

    Unos 200 especialistas en la materia celebran talleres y asisten a conferenciase sobre asuntos relativos a las industrias culturales, las relaciones público-privadas, los instrumentos fiscales y los mecanismos económicos y financieros relacionados con la defensa y restauración de los cascos históricos. Además, se presentan diversas publicaciones sobre los centros históricos cubanos.

    A los asistentes se les muestran asimismo las iniciativas de gestión y conservación que se llevan a cabo en el centro histórico de la Habana Vieja.

    La gestión de los viejos centros urbanos es un tema de notable actualidad, porque entra de lleno en la conservación de muchos edificios que ya no cumplen un servicio para el que fueron diseñados, pero que constituyen unos magníficos contenedores –en muchos casos en ruina- que son reaprovechables para nuevos fines, y que deben ser salvados de la desaparición porque suponen un activo patrimonial histórico y artístico.

    Estos edificios, en muchísimos casos, son mucho más que un elemento constructivo, porque forman parte de la imagen y aún del alma de la ciudad, de forma que los expertos abordan los desafíos de garantizar la pervivencia y compatibilizarla con el disfrute de los ciudadanos, para lo que hay que reformular las funcionalidades del edificio, articulándolo en el funcionamiento y el flujo urbano.

    La BNE y los museos de Madrid

    14/05/2012, El 22 de mayo la Biblioteca Nacional de España inaugura simultáneamente en diez museos madrileños la muestra Otras Miradas, obras de la BNE salen de la Biblioteca para establecer un diálogo con otros museos de la capital.

    Madrid, 14 de mayo de 2012
    Otras miradas supone la expansión de la BNE por los museos de la capital, gracias al préstamo a otras instituciones de distintas obras, como una litografía de Benjamín Palencia, manuscritos de Ramón Gómez de la Serna o Leopoldo Alas “Clarín”, aguafuertes de Rembrandt y Goya, plano de la ciudad de Ceuta de 1765, comedia de Calderón de la Barca…

    Dos exposiciones más: El imaginario de Leonardo. Códices Madrid de la Biblioteca Nacional de España (se inaugura el día 28), Góngora: la estrella inextinguible (30), y un concurso fotográfico con motivo del Día Internacional de los Museos, son algunas de las actividades de la BNE en el mes de mayo.

    La muestra sobre Da Vinci permite conocer los Códices Madrid (I y II), que pertenecen al periodo más productivo del artista. Estamos ante un tratado de mecánica y estática, y otro de fortificación, estática y geometría. Dos obras que suponen un auténtico compendio de saberes paracientíficos y que ilustran la capacidad de un solo hombre para adelantarse a su tiempo.

    En cuanto a la exposición sobre Luis de Góngora, exhibe más de doscientas obras ( cuadros, manuscritos, grabados, cartas, carteles, libros…) que permiten recorrer el universo gongorino a través de cuatro siglos, del XVII al XX.

    El día de los museos, el 18 de mayo, en la BNE
    Al igual que en años anteriores, y coincidiendo con el Día de los Museos, la Biblioteca Nacional de España celebra en este 2012, exactamente el 18 de mayo, desde las 19,00 a las 21,00 horas, la Noche de los Museos, a la que se añaden otras actividades, entre las que destacan el ciclo de cine De las vitrinas a la pantalla (17, 18 y 19 de mayo) y un concurso de fotografía, coorganizado con la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, cuyos ganadores se conocerán el mismo día 18, y que en esta ocasión lleva el lema de Museos en un mundo cambiante. Las cinco fotografías ganadoras se expondrán en el Museo de la BNE a partir del 18.

    Arte en el metro de Viena

    14/05/2012, Bajo la Karlsplatz de Viena, están remodelando un antiguo pasaje subterráneo, para convirtirlo en un “pasaje cultural” con murales, pinturas, esculturas e instalaciones de vídeo.

    El artista austríaco Peter Kogler es el autor de la última aportación al arte en el metro vienés. Sus paneles de cristal diseñados con serigrafías se encuentran desde finales de febrero de 2012 en una de las plantas intermedias de la amplia estación de metro de Karlsplatz. Esta instalación muestra una especie de red entrelazada hecha a base de tubos, generados por computadora, y hace referencia a la función de transbordo de este nudo de comunicaciones.

    Está previsto que las obras de remodelación y acondicionamiento, comenzadas en 2010, finalicen durante el año 2013. El nuevo pasaje cultural Karlsplatz se presentará entonces al público mucho más luminoso y práctico. Está previsto también que el pasaje sirva de plataforma de presentación a las instituciones culturales cercanas como Wien Museum, Kínstlerhaus, Secesión y Kunsthalle.

    La decoración de calidad del espacio del transporte público goza en Viena de una larga tradición. Ya la planificación del sistema anterior al metro actual, el llamado Wiener Stadtbahn (tren urbano vienés), se encargó a finales del siglo XIX al arquitecto austríaco más importante de la época: Otto Wagner, el cual diseñó no sólo los grandes elementos (puentes y estaciones) sino numerosos detalles, tales como letreros, barandillas o farolas. Gracias a esta creación homogénea, el tren urbano se convirtió en una convincente obra de arte total.

    Cómplices del Arte español contemporáneo

    14/05/2012, Una exposición de artes plásticas en la que 23 personalidades, destacadas por su contribución y apoyo al arte contemporáneo español, proporcionan una insólita visión del mismo.

    Madrid, 14 de mayo de 2012
    La Fundación Canal de Isabel II presenta una muestra en la que colaboran 23 invitados que destacan por su apoyo al arte contemporáneo español. Galeristas, coleccionistas, críticos, gestores culturales, personalidades pertenecientes al sector académico y al sector de la comunicación forman este grupo de invitados, cuyo papel proporciona una visión del Arte contemporáneo español nunca antes vista.

    La función de estos 23 personajes es elegir una obra, fundamental a su juicio para el arte contemporáneo español. Las obras seleccionadas estarán presente en la exposición, y además, se explicará en un reportaje producido y dirigido por la cineasta Chus Gutiérrez, el por qué de la elección de esa obra en concreto.

    Cómplices del Arte español contemporáneo
    Entrada libre
    Hasta el 22 de julio de 2012
    Laborables y festivos: de 11:00 a 20:00 h.
    Miércoles de 11:00 a 15:00 h.
    Fundación Canal, Mateo Inurria,2, Madrid

    la noche del CAC

    14/05/2012, 9.000 personas acudieron durante la Noche en Blanco al Centro de Arte Contemporáneo de Málaga para visitar sus exposiciones y para participar en las actividades programadas para la ocasión.

    Malaga, 14 de mayo de 2012
    Durante la velada se dio a conocer el ganador del certamen Málaga Crea 2012, en la modalidad de Artes Visuales y Videocreación Jóvenes Andaluces. Además, se programaron otras actividades culturales como la actuación en directo de los grupos malagueños Stone Pillow y Plaza Sur.

    La Noche en Blanco comenzó en el CAC Málaga con la inauguración a las 20.00 horas del certamen MálagaCrea 2012 en la categoría de Artes visuales y Videocreacion Jóvenes Andaluces, organizada por el Área de Juventud del Ayuntamiento de Málaga. En esta edición el ganador ha sido el artista José Luis Bongore con la pieza de video 1.808-2.011.

    La edición de 2012 de la Muestra de Artes Visuales ha contado con la participación de 177 artistas, que han presentado un total de 374 obras.

    La Muestra Joven de Artes Visuales de MálagaCrea tiene como objetivo dar a conocer y potenciar a los jóvenes artistas, con edades comprendidas entre los 15 y los 35 años, a los que se les pide que presenten obras originales, innovadoras y experimentales, con temática, técnica y medidas libres, dentro de distintas modalidades de pintura, grabado, escultura, instalación, grafitis y videoarte.

    La exposición podrá visitarse hasta el 03 de junio en el Espacio Proyectos del Centro de Arte Contemporáneo.

    A continuación, 22:00 horas, Plaza Sur, ofreció en el salón de actos del centro un concierto caracterizado por su estilo Pop melódico. Y por último, a las 00:00 horas, fue el turno para el grupo Stone Pillow, ganadores de Espaciu en vivo 3, finalistas del concurso San Miguel Unique´s para telonear a Franz Ferdinand y actuaciones en diversos festivales (Wild Weekend, Ojeando Festival, Granapop). Ambos conciertos superaron las expectativas del centro al completar el aforo del salón de actos tan solo unos minutos después de abrir las puertas para el acto. Durante esa noche, también se pudieron visitar las exposicionestemporales y permanentes del CAC Málaga: William Kentridge, Marcel Dzama, Apocalipsis y Pasión. Colección Carmen Riera.

    Port Aventura: Shambhala

    13/05/2012, Shambhala es la montaña rusa más alta del continente europeo que se acaba de abrir en el parque temático Port Aventura, en Tarragona (España).

    Tarragona(España), 13 de mayo de 2012.

    El punto más alto de la montaña rusa alcanza los 76 metros de altura. Es una obra de gran envergadura pues se desarrolla con 1.600 metros de recorrido, para lo que se han empleado 1.600 toneladas de acero, con una estractura que tiene hasta 18 metros de cimentación bajo el suelo.

    Los directivos del parque aseguran que la nueva montaña rusa provoca sensaciones muy fuertes y potentes no sólo para los que se quieran subir en ella sino también para el público en general, que podrá contemplar las ascensiones y descensos de los trenes desde la nueva zona temática de alrededor de Shambhala.

    En esta atracción se ha pretendido buscar los ingredientes de una gran expedición: ascensiones a las cotas más altas, caídas abismales propias del rappel, pasos por oscuros túneles, lagos de montaña, y todo en una atracción que recuerda a la silueta de una cordillera.

    La nueva montaña rusa esta situada en el área de China junto al Dragon Khan, que hasta ahora dominaba la parte más alta del parque. Además de la propia montaña rusa, el proyecto de PortAventura recrea la ambientación de este reino imaginario del Himalaya en un área de más de 14.000 m2 de espacios tematizados.

    Los diseñadores del proyecto se han inspirado en la arquitectura de esta cordillera, y muy especialmente de Bhutan, uno de los países más aislados y menos conocidos del mundo. La decoración / tematización de Shambhala se ha pensado como un gran atractivo no sólo para aquellos que prueben la nueva atracción sino también para los espectadores que se acerquen a este espacio. De hecho, pueden pasear muy cerca de la estructura de la montaña rusa, ver los detalles de la decoración de los edificios anexos e incluso acercarse al lago de la atracción, uno de los puntos cruciales del recorrido donde los vagones entran en contacto con el agua.

    No obstante, el principal atractivo de la experiencia en Shambhala es la propia montaña rusa. Esta nueva atracción está llamada a convertirse en el nuevo icono de PortAventura, pues su figura modifica completamente el skyline del parque, visible desde muchos kilómetros de distancia.

    Datos técnicos

    Se caracteriza por tener un gran tamaño y altura, así como un largo recorrido, y una velocidad impresionante.

    El recorrido de la atracción es de algo más de 1.650 metros, y lleva más de 1.600 toneladas de acero en la estructura. Se han utilizado más de 4.000 metros cúbicos de hormigón para las cimentaciones.

    La atracción bate tres records europeos: Montaña rusa más alta de Europa (76 metros), Montaña rusa con la caída más larga de Europa (78 metros), y la más rápida, pues alcanza 134 km/h en la primera bajada.

    Cuenta con cinco elevaciones durante el recorrido, la más baja con una altura equivalente a un edificio de 7 pisos. En cada uno de estos ascensos el viajero experimentará el efecto conocido como air time, perdiendo el contacto con el asiento, parecido al cambio de rasante de una carretera pero mucho más intenso.

    Se dispone de 3 trenes, con 32 plazas cada uno, que pueden estar operando en la atracción al mismo tiempo.

    Goya y la Constitución de 1812

    11/05/2012, El Museo del Prado presenta diez dibujos de Francisco de Goya y Lucientes en torno a un ejemplar de la Constitución de 1812 perteneciente a la Biblioteca del museo.

    Madrid, 11 de mayo de 2012
    El Museo del Prado conmemora el bicentenario de la Constitución de 1812 a través de la mirada de Francisco de Goya, que abordó en algunas de sus obras asuntos vinculados con las reformas sociales y políticas derivadas del ideario constitucional plasmado primero en el Estatuto de Bayona de 1080 –carta otorgada por Napoleón a los españoles- y poco después en la Constitución de 1812, conocida popularmente como “La Pepa”, promulgada por las Cortes españolas el 19 de marzo en Cádiz.

    Esta exhibición muestra, en torno a un ejemplar de la Constitución de 1812 de la Biblioteca del Museo del Prado, una cuidadosa selección de las obras de Goya realizadas entre 1810 y 1815 que revelan la visión crítica, la intensidad del pensamiento y el arte del maestro aragonés, además de su compromiso con el pueblo español.

    El pintor, que vivió en Madrid durante la Guerra de la Independencia (1808-1814), mostró en sus dibujos algunas de las ideas fundamentales expresadas en el Estatuto y en la Constitución, como la necesidad de abolir la Inquisición o la carga económica que las órdenes religiosas suponían para el pueblo en dibujos como Muchos an acabado asi o No sabias lo que llebabas a questas?, y otras que manifiestan la alegría suscitada por las reformas y sus consecuencias como Lux ex tenebris o [Triunfo de la Justicia].

    Años más tarde, el regreso a España del rey Fernando VII en 1814 supuso la abolición de la Constitución y la represión de sus partidarios y de los afrancesados. Dibujos para la serie de los Desastres de la Guerra como Murió la Verdad o Esto es lo verdadero, expresan simbólicamente la brusca desaparición de las modernas libertades: el fin de la soberanía nacional, de la separación de poderes y de la libertad de imprenta.

    Los dibujos expuestos forman parte de las colecciones del Museo del Prado, y permanecerán durante tres meses en la sala 38 del edificio Villanueva, ya que por motivos de conservación este tipo de obras sobre papel habitualmente están guardadas en los depósitos del Gabinete de Dibujos y Estampas, ubicado en el nuevo edificio de Jerónimos.

    Vida, de Ricardo Cavolo

    11/05/2012, En Vida, la exposición de Ricardo Cavolo, cada pintura es una persona, cada persona un terreno; y cada terreno tiene su propia historia ilustrada.

    Espacio Valverde presenta la exposición de Ricardo Cavolo ‘Vida’, una muestra rebosante de imaginación y que acumula “miles de millones de ideas por metro cuadrado”. Cavolo imagina hombres y mujeres invadidos interior y exteriormente por la naturaleza: animales, bosques, hongos, flores...

    Según el ilustrador madrileño “Intento enseñar lo bello de la cara extraña y rara de la vida”. Sus lienzos muestran exhuberancia, fantasía, y captan la atención del observador, que intenta quedarse con cada uno de los pequeños detalles que conforman la llamativa y original obra de Ricardo.

    Espacio Valverde (C/ Valverde 30, Madrid)
    Hasta el 3 de junio de 2012
    Entrada libre

    Esther Ferrer. En cuatro movimientos

    11/05/2012, Inaugurada el pasado 27 de enero, la muestra retrospectiva de la artista ganadora del Premio Nacional de Artes Plásticas 2008, se prorroga hasta el próximo mes de junio.

    Palma, mayo de 2012
    "Esther Ferrer. En cuatro movimientos" está organizada por Es Baluard y Acción Cultural Española (AC/E) y coproducida con ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo y Centro Galego de Arte Contemporánea. La exposición podrá visitarse hasta el 3 de junio en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma.

    Una manera de visualizar los conceptos esenciales que han presidido y presiden la trayectoria de la artista guipuzcoana, es decir, el tiempo, el infinito, la repetición y la presencia. La exposición se construye, por tanto, a partir de estos cuatro conceptos, representado cada uno de ellos mediante diferentes obras de Esther Ferrer: piezas de carácter objetual (fotografías, cuadros, objetos), instalaciones realizadas en la propia sala y obras performáticas. Estas últimas se presentan, en cada caso, mediante documentos de diversos tipos (dibujos, fotografías, vídeos).

    Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) es una de las principales figuras del arte español contemporáneo y ha hecho de la performance su principal forma de expresión desde 1965, momento en que las realiza tanto individualmente como formando parte del grupo ZAJ (hasta su disolución en 1996) y con las que ha conseguido un amplio reconocimiento internacional. Su trabajo siempre se ha orientado hacia las acciones efímeras más que hacia un tipo de producción artística permanente. Esther Ferrer ha realizado performances y participado en festivales en España, Alemania, Italia, Suiza, Bélgica, Francia, Dinamarca, Noruega, Reino Unido, Holanda, Polonia, Eslovaquia, la República Checa, Hungría, Bulgaria, México, Brasil, Cuba , los Estados Unidos, Canadá, Tailandia, Japón, Corea, etc.

    Paradores de turismo: mayo

    08/05/2012, Pese al mal tiempo, los paradores españoles registraron una sorprendente mejora de ocupación en el tradicional puente del Primero de mayo, según datos suministrados por la cadena estatal.

    Madrid, 8 de mayo de 2012
    La Red hotelera registró un índice de ocupación total del 69,68% durante el puente del primero de mayo; el número de habitaciones vendidas ha aumentado un 19,71% respecto al mismo periodo del año pasado, con un total de 20.089.

    Ha sido un buen Puente de Mayo para los 93 Paradores de Turismo que hay en España. El índice de ocupación ha superado el 75% en los días centrales, suponiendo casi dos puntos más que el año pasado, gracias a los crecimientos de las noches del sábado, domingo y lunes. La venta de habitaciones mejoró con respecto al año pasado en un 19,71%, incrementándose todos los días.

    La mayor tasa de ocupación se registró la noche del sábado 28 de abril con un 83,36% de media, seguida de cerca por la noche del lunes que alcanzó un porcentaje de casi el 77%.

    A pesar de las desfavorables condiciones meteorológicas que empezaron a anunciarse desde el comienzo de la semana y que en la mayoría de los casos se han cumplido, los 93 establecimientos de la Red han superado con creces las expectativas marcadas.

    De este modo, más de 30 de los establecimientos de la Red ha superado el 80% de ocupación durante estos días y son numerosos los Paradores que en algún día del período vacacional global (desde el viernes 27 de abril), han situado su coeficiente de ocupación cercano al 100%.

    En cuanto a los paradores, los establecimientos de Granada, Jaén, Carmona, Alarcón tuvieron un lleno absoluto, superando el 90% de ocupación los Paradores de Arcos, Málaga, Úbeda, Cuenca., Ronda, El Saler o Trujillo

    Por Comunidades Autónomas destacan las ocupaciones medias de Andalucía con un 85,84%, Aragón, 72,87%, Castilla la Mancha, 71,08%, Navarra 84,65%, Valencia, 84,23% y Extremadura con un 81,94%.

    Los datos también fueron positivos en los restaurantes. En total se sirvieron 38.973 cubiertos durante los días del puente, con una media por encima de los 7000 cubiertos servidos cada día, lo que ha supuesto un incremento del 5,34% sobre los cubiertos servidos el pasado ejercicio.

    Los “agentes colaboradores” de Nacho Criado

    08/05/2012, Del 4 de mayo al 1 de octubre de 2012, el Palacio de Velázquez y el Palacio de Cristal (Parque del Retiro, Madrid), presentan esta muestra del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

    El Palacio de Velázquez reúne una amplia selección retrospectiva del trabajo realizado por Nacho Criado durante cuatro décadas, a pesar de que, en cierta manera, este corpus de obras se resiste a ser leído de manera literalmente retrospectiva, pues se mantiene - tal y como pretendía el artista-, activo, en proceso. Es decir, muchas de estas piezas continúan evolucionando, debido a la acción de los característicos agentes colaboradores usados por el artista.

    El recorrido expositivo realiza una amplia revisión de la trayectoria de Criado, aunque sin seguir una progresión perfectamente cronológica. Las primeras obras, realizadas entre 1966 y 1970, exploran las formas de inserción espacial de una escultura fuertemente reduccionista. En esa época, el artista comienza a trabajar sobre la percepción del tiempo y, en concreto, sobre los aspectos de cambio, proceso, movimiento o duración. Maderas apolilladas o carcomidas, como en la obra YZ (1968); pintadas como las de la serie Luna (1969); o hierros flexibles, como los recreados en Excentricidad (1968), son los principales materiales utilizados por Criado en este periodo.

    Nacho Criado ha usado diversas técnicas a lo largo de su carrera, como la fotografía, en la que incide sobre la idea de "proceso en el tiempo", como en la obra Escalera (Rastreo) (1971-2009) o la dedicada al grupo de arte experimental Zaj, con el que el artista tuvo relación: Excavación Zaj (1972), que se pueden ver en el Palacio de Velázquez.

    La exposición incluye una de las obras procesuales más relevantes de Criado: In/digestión (1973-1976), en la que el artista expone una revista de La Gazeta del Arte a la acción devoradora de las polillas.

    El cuerpo y la naturaleza son elementos importantes en sus obras a principios de los setenta, entre las que destacan sus performances, documentadas mediante fotografías y filmaciones, como es el caso de la serie Cuerpo de acción (1974): Blanca (Despellejamiento) y Blanca (Blanca y Javier comiendo manzanas). Ambas se pueden ver junto a otra de sus filmaciones: In the corner (Jim y Reyes) (1977).

    Nacho Criado combinó; su faceta artística con trabajos más relacionados con el mundo de la arquitectura. Entre los diseños y maquetas que se exponen, destaca el proyecto diseñado para la Bienal de Venecia de 1978, Intersección (1975).

    Durante la década de los noventa, la producción de Nacho Criado se centra en materiales como el hierro y el cristal, como la obra LSD (1990-1995). Entre los trabajos que realizó; a finales de los noventa destacan la instalación de gran formato De trampas y mentiras (1999) y la obra dedicada al músico Glenn Gould y al escritor Samuel Beckett, Entre la partida y la llegada la única aventura posible es el naufragio (1997).

    Por otra parte, el Palacio de Cristal alberga 7 obras expresamente diseñadas y realizadas para este espacio. Los trabajos del Palacio de Cristal muestran la permanencia y evolución de los intereses de Criado en el ecuador de su carrera. En 1991, el palacio abría sus puertas para la exposición de Nacho Criado: Piezas de agua y cristal. Ahora, 21 años después, el mismo espacio acoge de nuevo siete de las obras que conformaron esa muestra y que fueron realizadas expresamente para ser expuestas en este lugar.

    El conjunto está presidido por el vidrio, un material que enhebra el largo recorrido de Nacho Criado y que reverbera sobre la propia arquitectura del Palacio, generando una nueva tensión: el cristal roto, la obra en estado de ruina. Piezas como Ellos no pueden venir esta noche (1991) o La herida alpina (1991) reflexionan de esta forma sobre el destino y el devenir.

    Algunas de las obras que se pueden ver en el Palacio son reelaboraciones monumentalizadas de obras anteriores. Uno de los proyectos más complejos que realizó fue Bésale el culo al mono (1991), en el que trabajó durante casi diez años. En esta pieza Criado reflexiona sobre la acción de brindar y beber hasta el fondo. Lo anecdótico es elevado a una secuencia narrativa donde todo queda bañado por una gran dosis de ironía y una presentación escenográfica.

    75000 visitantes en el Tricentenario de la BNE

    08/05/2012, La exposición Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia, clausurada el pasado domingo 29 de abril, ha batido records de asistencia, llegando a los setenta y cinco mil visitantes en cuatro meses.

    Madrid, 8 de mayo de 2012
    El record de un solo día se produjo el pasado 21 de abril, coincidiendo con la jornada de Puertas Abiertas de la BNE, y se contabilizaron 1727 visitas.

    En comparación con exposiciones anteriores, podemos recordar que fueron 55.920 las personas que recibió Rembrandt: la luz de la sombra (22-3-2006 al 11-6-2006), que se cifraron en 32.500 las de Leonardo Da Vinci y la música (27-2-2003 al 15-4-2003), y en 26.967 las de la muestra Del amor y la muerte: dibujos y grabados de la Biblioteca Nacional ( 5-3-2001 al 12-5-2001).

    La muestra estaba dividida en tres espacios: el primero, una muestra de la historia y de los trescientos años de la BNE, presentando especial atención a sus colecciones y a la variedad de sus fondos.

    El segundo hacía un recorrido por los trabajos que diariamente se realizan en la Biblioteca, y un repaso a los cambios tecnológicos que han ido ofreciendo nuevas posibilidades para la conservación y difusión de los fondos.

    El tercer espacio planteaba un recuerdo a los autores. “A los escritores que están en el origen de la memoria escrita; el escritor que está en los autógrafos, en los archivos personales, en los materiales previos al texto definitivo”, según aseguró el comisario de la exposición, José Manuel Lucía.

    También en la última sala, se proyectó el documental Biblioteca Nacional de España: la memoria del mañana. A lo largo de 55 minutos, el visitante se sumergía en los 300 años de historia. Vargas Llosa, Ana María Matute, Miquel Barceló y Juan Luis Arsuaga eran el eje central para acercarnos a los grandes clásicos, al depósito de Bellas Artes, a la música, a las voces… y conducirnos hacia la relevancia de la BNE, el valor de sus fondos y sus trabajos de conservación, catalogación y difusión, así como su capacidad de adaptación a los cambios y nuevos tiempos.

    Gala: Tagore 150 años

    03/05/2012, El territorio de la India y Bengala tiene para muchos resonancias poéticas asociadas a Rabindranath Tagore, quien este año ha tenido un protagonsimo especial en la cultura.

    [[cmsimg 9724]]

    Madrid, 3 de mayo de 2012
    Gitanjali, al igual que el título del famoso libro de Tagore, es el nombre de la gala a beneficio de Colores de Calcuta que se realizará en el Teatro Lara y que se unirá en danza, teatro, música, performance, poesía en honor al 150 aniversario del poeta indio y cerrando su año de conmemoración.

    El 7 de mayo se realiza en el Teatro Lara de Madrid la gala Gitanjali , homenaje al poeta indio, Premio Nobel, Rabindranath Tagore (2011/2012 ha sido el año Tagore declarado por la UNESCO, día aniversario de su nacimiento) y a beneficio del programa de cooperación al desarrollo Colores de Calcuta.

    Esta gala será una muestra de la danza y la música tradicional india presentada por la actriz Ruth Gabriel. En ella se podrá disfrutar de la danza-teatro (Escuela Nataraya) de una adaptación de la novela Chandalika de Tagore, de la performance de Asthanga Yoga (los actores y profesores de Mysore House, José Carballal y Violeta Pérez) mezclada con poesía y de la danza Bharata Natyam (grupo Bhakti) una de las formas más antiguas de danza de la India, vinculada al culto que realizaban las devadasis, bailarinas sagradas, en los templos como parte de la liturgia a los dioses.

    La gala es organizada por Colores de Calcuta de Fundación Ananta y con apoyo de Casa India y Casa Asia.

    [[cmsimg 9725]]

    Según explica la coordinadora del programa Colores de Calcuta, María de Muns “se trata de unir en la figura de Tagore la cultura con la solidaridad, ya que este poeta en su vida luchó por la educación pensando siempre en su gente, no hay que olvidar que parte de su Premio Nobel lo destinó a apoyar Santiniketan la escuela que a comienzos del siglo XX había fundado en las afueras de Calcuta y que continua hasta hoy”.

    Colores de Calcuta lleva 8 años trabajando en Calcuta en cooperación con la ONG india Seva Sangh Semiti, fundada hace 42 años por el sacerdote francés Padre Laborde, personaje que da vida al protagonista de la novela La ciudad de la alegría de Dominique Lapierre.

    Trabajan en el área de salud con un centro médico en Pilkhana (uno de los mayores suburbios de Calcuta) con más de 20 mil atenciones médicas al año y con un programa de atención a niños desnutridos de la zona. En educación hay una guardería para niños de 2 a 4 años, una casa de acogida para 30 niñas y un taller de mujeres artesanas.

    Para el futuro cercano, María de Muns comenta que esperan abrir un colegio en la zona de Pilkhana más conocida por la novela y el filme como la “ciudad de la alegría”.

    Guggenheim+

    03/05/2012, El Museo Guggenheim Bilbao presenta un recorrido único que permitirá al visitante acceder de manera exclusiva a los rincones más secretos del Museo bilbaíno.

    Bilbao, 3 de mayo de 2012
    Este recorrido, que ha contado con la colaboración de BASQUETOUR a través del programa “Experiencias TOP de Euskadi”, es un complemento a las actuales visitas artísticas que ofrece el Museo, y está destinado a aquel público que quiere vivir una experiencia única descubriendo el antes y el después de la organización de una exposición, buceando en la trastienda de un restaurante de alta cocina o admirando desde las alturas el juego de volúmenes escultóricos del edificio construido por Frank Gehry.

    Un viaje experiencial de dos horas y media, en el que el visitante descubrirá cómo se planifica una muestra accediendo de forma privilegiada a los espacios donde se concibe, el tránsito de una obra de arte desde su origen hasta su exhibición en las salas, o se sumergirá de una forma lúdica en la forma de entender el arte y su contexto.

    Una visita disponible en tres idiomas (español, francés e inglés), que ofrecerá a los participantes la posibilidad de visitar las instalaciones del Museo que albergan los recursos técnicos necesarios para facilitar el bienestar y la seguridad de los visitantes y que pueden resultar de gran atractivo por su dimensión y singularidad.

    El visitante también podrá acercarse de una forma privilegiada a la propuesta gastronómica creativa y de vanguardia del Restaurante Nerua, recientemente galardonado con una estrella Michelin, y adentrarse en aquellos espacios donde se gesta de primera mano la visión particular de la alta cocina de Josean Alija.

    INFORMACIÓN GUGGENHEIM +
    Viernes (en inglés), sábados (en español) y domingos (en francés), hasta el 30 de diciembre de 2012.
    De 10:00 a 12:30 horas.
    Imprescindible la reserva de la actividad, a través de la página www.guggenheimplus.es o del teléfono 944 35 90 90 (en horario de lunes a viernes, de 09:00 a 14:00 horas). Fecha límite: lunes anterior a la visita.
    75 euros / 60 euros Amigos del Museo, niños (de 12 a 18 años) y jubilados. Este precio incluye entrada al Museo, visita guiada de dos horas y media de duración por lugares inaccesibles para el visitante habitual y aperitivo basado en una experiencia culinaria en el Restaurante Nerua.

    Malba, en Estados Unidos

    29/04/2012, Del 22 de abril al 5 de agosto de 2012, el Museum of Fine Arts, de Houston (MFAH), presenta la exposición Obras maestras Modernas y Contemporáneas de Malba - Fundación Costantini.

    Buenos Aires , 29 de abril de 2012

    Se trata de una selección de 39 piezas claves del patrimonio de Malba que por primera vez se exhiben en forma conjunta en Estados Unidos. Incluye trabajos los artistas más reconocidos de la región, como Tarsila do Amaral, Antonio Berni, Jorge de la Vega, Frida Kahlo, Wifredo Lam, Emilio Pettoruti, Diego Rivera y Xul Solar, entre otros grandes nombres

    Con la dirección de Mari Carmen Ramírez, curadora Wortham de Arte Latinoamericano del MFAH y directora del Centro Internacional para las Artes del Continente (ICAA) del MFAH, la exposición presenta artistas muy reconocidos en Sudamérica, algunos relativamente poco conocidos para el público estadounidense.

    Obras maestras modernas y contemporáneas de Malba - Fundación Costantini representa una etapa del acuerdo de intercambio y colaboración que Malba y el MFAH mantienen desde 2005. Como parte de esta alianza, en 2006 el MFAH presentó en Houston Xul Solar: Visiones y revelaciones, una exposición organizada por Malba, y en 2007 se presentó en Malba Gego, entre la transparencia y lo invisible, producida por el MFAH.

    Durante septiembre de 2011, Malba y el Departamento de Arte latinoamericano del Museum of Fine Arts Houston (MFAH) celebraron juntos su décimo aniversario, con el intercambio de obras de sus respectivas colecciones. En Buenos Aires se exhibieron 14 obras del acervo del MFAH como parte de una nueva puesta de la colección permanente de Malba, titulada Arte latinoamericano 1900 -2010. Además, Mari Carmen Ramírez fue la curadora de “Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y en el tiempo”, la primera gran retrospectiva del artista franco- venezolano, exhibida en Malba desde el 21 de septiembre de 2011 al 11 de marzo de 2012 y visitada por más de 170.000 personas.

    Para la responsable de la muestra, Mari Carmen Ramírez, exhibir las obras maestras latinoamericanas de Malba es importante para los visitantes del centro artístico norteamericano: “Muchos en los Estados Unidos reconocen a Frida Kahlo y a Diego Rivera -y esta exhibición presenta excelentes ejemplos de sus trabajos-, pero también invitamos al público a descubrir y explorar otros movimientos latinoamericanos significativos como la Antropofagia, el Vibracionismo, el Surrealismo y la Otra Figuración. Esta es una gran oportunidad para apreciar en los Estados Unidos algo que, de otra manera, los visitantes necesitarían viajar a Buenos Aires para experimentar”.

    Piezas destacadas de la exposición

    Una obra fundamental de Malba presente en la exposición es Abaporu, de Tarsila do Amaral, una pintura de 1928, pieza central de la identidad nacional brasileña e iniciadoradel movimiento Antropofágico en Brasil. También se exhibe Retrato de Ramón Gómez dela Serna (1915), uno de los primeros trabajos cubistas del mexicano Diego Rivera, que se encuentra entre los grandes pintores del siglo XX.

    Autorretrato con chango y loro (1942), de Frida Kahlo seguramente será una de las principales atracciones para el público norteamericano. Se exhiben también dos de los principales trabajos del cubano Wifredo Lam: una pintura Sin título de la colección personal de Eduardo Costantini, y La mañana verde (1943).

    Varias obras del artista uruguayo Joaquín Torres-García, fundador del Constructivismo Universal, integran la exposición, incluyendo su Composition symétrique universelle en blanc et noir (Composición simétrica universal en blanco y negro) (1931). También se incluyen dos trabajos de su amigo y coterráneo Rafael Barradas, incluido Quiosco de Canaletas (1918). El pintor y escultor argentino Xul Solar -quien fue objeto de una retrospectiva del Malba que viajó al MFAH en 2006- está representado en esta exhibición por Troncos (1919).

    Además, pueden verse varios ejemplos de la prolífica carrera de Antonio Berni, incluyendo el mural Manifestación (1934), La gran tentación (1962), y uno de sus “monstruos” alegóricos tridimensionales. También se exhiben obras de Emilio Pettoruti, integrante del movimiento Futurista en Italia, quien se esforzó por llevar el Modernismo a la Argentina. Además de Festa de São João (1936-1939) del brasilero Cándido Portinari, y Anunciación (1931), del argentino Alfredo Guttero.

    MALBA en Estados Unidos

    29/04/2012, Del 22 de abril al 5 de agosto de 2012 el Museum of Fine Arts de Houston (MFAH) presenta la exposición Obras maestras Modernas y Contemporáneas de Malba - Fundación Costantini.

    Buenos Aires , 29 de abril de 2012

    Se trata de una selección de 39 piezas claves del patrimonio de Malba que por primera vez se exhiben en forma conjunta en Estados Unidos. Incluye trabajos los artistas más reconocidos de la región, como Tarsila do Amaral, Antonio Berni, Jorge de la Vega, Frida Kahlo, Wifredo Lam, Emilio Pettoruti, Diego Rivera y Xul Solar, entre otros grandes nombres

    Con la dirección de Mari Carmen Ramírez, curadora Wortham de Arte Latinoamericano del MFAH y directora del Centro Internacional para las Artes del Continente (ICAA) del MFAH, la exposición presenta artistas muy reconocidos en Sudamérica, algunos relativamente poco conocidos para el público estadounidense.

    Obras maestras modernas y contemporáneas de Malba - Fundación Costantini representa una etapa del acuerdo de intercambio y colaboración que Malba y el MFAH mantienen desde 2005. Como parte de esta alianza, en 2006 el MFAH presentó en Houston Xul Solar: Visiones y revelaciones, una exposición organizada por Malba, y en 2007 se presentó en Malba Gego, entre la transparencia y lo invisible, producida por el MFAH.

    Durante septiembre de 2011, Malba y el Departamento de Arte latinoamericano del Museum of Fine Arts Houston (MFAH) celebraron juntos su décimo aniversario, con el intercambio de obras de sus respectivas colecciones. En Buenos Aires se exhibieron 14 obras del acervo del MFAH como parte de una nueva puesta de la colección permanente de Malba, titulada Arte latinoamericano 1900 -2010. Además, Mari Carmen Ramírez fue la curadora de "Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y en el tiempo", la primera gran retrospectiva del artista franco- venezolano, exhibida en Malba desde el 21 de septiembre de 2011 al 11 de marzo de 2012 y visitada por más de 170.000 personas.

    Para la responsable de la muestra, Mari Carmen Ramírez, exhibir las obras maestras latinoamericanas de Malba es importante para los visitantes del centro artístico norteamericano: "Muchos en los Estados Unidos reconocen a Frida Kahlo y a Diego Rivera -y esta exhibición presenta excelentes ejemplos de sus trabajos-, pero también invitamos al público a descubrir y explorar otros movimientos latinoamericanos significativos como la Antropofagia, el Vibracionismo, el Surrealismo y la Otra Figuración. Esta es una gran oportunidad para apreciar en los Estados Unidos algo que, de otra manera, los visitantes necesitarían viajar a Buenos Aires para experimentar".

    Piezas destacadas de la exposición

    Una obra fundamental de Malba presente en la exposición es Abaporu, de Tarsila do Amaral, una pintura de 1928, pieza central de la identidad nacional brasileña e iniciadoradel movimiento Antropofágico en Brasil. También se exhibe Retrato de Ramón Gómez dela Serna (1915), uno de los primeros trabajos cubistas del mexicano Diego Rivera, que se encuentra entre los grandes pintores del siglo XX.

    Autorretrato con chango y loro (1942), de Frida Kahlo seguramente será una de las principales atracciones para el público norteamericano. Se exhiben también dos de los principales trabajos del cubano Wifredo Lam: una pintura Sin título de la colección personal de Eduardo Costantini, y La mañana verde (1943).

    Varias obras del artista uruguayo Joaquín Torres-García, fundador del Constructivismo Universal, integran la exposición, incluyendo su Composition symétrique universelle en blanc et noir (Composición simétrica universal en blanco y negro) (1931). También se incluyen dos trabajos de su amigo y coterráneo Rafael Barradas, incluido Quiosco de Canaletas (1918). El pintor y escultor argentino Xul Solar -quien fue objeto de una retrospectiva del Malba que viajó al MFAH en 2006- está representado en esta exhibición por Troncos (1919).

    Además, pueden verse varios ejemplos de la prolífica carrera de Antonio Berni, incluyendo el mural Manifestación (1934), La gran tentación (1962), y uno de sus ?monstruos? alegóricos tridimensionales. También se exhiben obras de Emilio Pettoruti, integrante del movimiento Futurista en Italia, quien se esforzó por llevar el Modernismo a la Argentina. Además de Festa de São João (1936-1939) del brasilero Cándido Portinari, y Anunciación (1931), del argentino Alfredo Guttero.

    Gotthard Schuh

    29/04/2012, Del 18 de abril al 16 de julio, en el museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, se presenta una exposición en torno a la obra del famoso fotógrafo suizo Gotthard Schuh

    Bogotá, 26 de abril de 2012

    La muestra comprende 113 fotografías, noventa y tres de Gotthard Schuh (que datan entre 1929 y 1956) y veinte adicionales de otros fotógrafos que formaron parte del Kollegium de Fotógrafos Suizos

    La expresividad emocional, la densidad de ambientes y la sensibilidad psicológica, que caracterizaron las imágenes de Gotthard Schuh (Berlín, 1897 - Zúrich, 1969) lo convirtieron en uno de los fotógrafos suizos más importantes del siglo XX.

    Una selección de su trabajo más representativo –que va del fotoperiodismo a los diarios de viaje-, muestra comisariada por Peter Pfrunder, director de Fotostiftung Schweiz de Winterthur (Suiza), se podrá ver en el museo de Arte del Banco de la República, en una iniciativa de la Fundación Mapfre y el Banco de la República.

    El autor

    Gotthard Schuh interrumpió a los 33 años una prometedora carrera de pintor para dedicarse a la fotografía. En el fotoperiodismo descubrió la oportunidad para poner en práctica sus ideas plásticas. Desde 1932 fue uno de los colaboradores fijos de la revista Zürcher Illustrierte que marcó la pauta en el reportaje gráfico.

    En 1941, se retiró del fotoperiodismo y a los cuarenta y cuatro años fue nombrado redactor gráfico del periódico Neue Zürcher Zeitung. En el suplemento que contribuyó a fundar, Das Wochenende, tuvo la oportunidad de presentar reportajes propios y trabajos de jóvenes talentos y de fotógrafos reconocidos internacionalmente como Robert Frank o Brassaï. A partir de entonces publicó una parte considerable de su propia creación fotográfica en forma de libros.

    Siempre buscó posibilidades para escapar de la cotidianidad del reportero. A principios de los años treinta pasó varias temporadas en París, donde superó el rígido programa de la «nueva visión» y desarrolló un estilo que podría describirse como «realismo poético».

    La exposición

    La muestra gira alrededor de cinco ejes temáticos:

    Años tempranos. Este eje recoge sus primeros trabajos como fotoperiodista en la revista Zürcher Illustrierte, para la que realizó reportajes gráficos en toda Europa: cubrió temas sociales, culturales, deportivos y políticos, entre ellos la subida al poder de los nazis en Berlín. Un periodo donde estuvo muy ligado a la revolución estética de la “nueva visión”. Además se podrán apreciar trabajos posteriores, de los primeros años de la década del cuarenta, cuando ya era redactor gráfico de la revista Neue Zürcher Zeitung.

    El realismo poético de los años treinta. En los años treinta, tras varias estancias en París, Schuh se inspira en la ciudad luz para realizar una serie más personal, fotografías a las que se les calificó como ‘realismo poético’. Imágenes donde retrato personas: mujeres y parejas, así como escenas callejeras y cotidianas. Como parte de este eje, además se presentará una serie dedicada a Zúrich, la ciudad donde vivía y trabajaba la mayor parte del tiempo.

    Isla de los dioses: hechos y fantasías. En marzo de 1938 Gotthard Schuh viajó a Singapur, Java, Sumatra y Bali durante once meses. Las imágenes, que a primera vista parecen un gran reportaje documental, revelan un relato de viaje subjetivo, una mezcla de informe y observación íntima, de hechos y fantasías.

    Encuentros: en busca de una verdad interior. Recoge algunas de las fotografías que publicó como parte del libro Encuentros (1956), en él combinó fotografías antiguas y recientes en una composición de asociación libre, organizadas en torno al tema del encuentro: el encuentro de hombre y mujer que se buscan mutuamente (o que se separan), o los encuentros del fotógrafo con personas, paisajes y cosas.

    La fotografía como expresión. En 1950 Gotthard Schuh funda, conjuntamente con otros fotógrafos, la asociación Kollegium Schweizerischer Photographen. La asociación, difunde una fotografía de autor con expectativas artísticas. Como parte de este eje de la exposición se presentaran imágenes de Robert Frank, Werner Bischof, Jakob Tuggener y René Groebli, algunos de los fotógrafos suizos más importantes de su tiempo, todos ellos miembros del Kollegium en los años cincuenta.

    Piranesi

    25/04/2012, El centro cultural CaixaForum presenta en Madrid una muestra sobre Giovanni Battista Piranesi, atrquitecto y grabador italiano.

    Madrid, 25 de abril de 2012
    Nacido en Treviso en 1720 y muerto en Roma en 1778, Piranesi destacף como grabador que nos dejף unas magnםficas imבgenes de arquitectura y elementos artםsticos, y tambiיn como diseסador.

    La muestra destaca la contemporבneidad de Piranesi, como creador moderno y comprometido con la renovaciףn de la arquitectura, y recurre a las tecnologםas mבs avanzadas para descubrir la riqueza de la obra del italiano, su eclecticismo y su excיntrica vena creativa.

    La Obra Social ”la Caixa” presta una atenciףn preferente a las grandes figuras de la arquitectura de todos los tiempos. Son ejemplos de ello las muestras dedicadas a Mies van der Rohe y el maestro renacentista Andrea Palladio. Precisamente el tratado de arquitectura de este תltimo fue una referencia en la producciףn juvenil de Piranesi, quien, en esta nueva exposiciףn, se presenta como muestra como uno de los grabadores mבs importantes del siglo XVIII.

    En 1740, Piranesi (Venecia, 1720 – Roma, 1778) llegף por primera vez a Roma en el sיquito del embajador de Venecia en los Estados Pontificios. El descubrimiento de la antig�edad romana le provocף una fascinaciףn sin lםmites, acompaסada de una sensaciףn de impotencia ante la incapacidad de imitar la grandeza de los antiguos. Piranesi sustituyף entonces las herramientas de arquitecto por el buril de grabador, que le permitםa exponer sus ideas arquitectףnicas e influir en el gusto contemporבneo con la misma libertad que pintores y escultores.

      Ahora, en la exposiciףn se reתne mבs de 250 grabados originales, prototipos de ocho objetos que Piranesi ideף y diseסף, pero que nunca antes fueron fabricados, un vםdeo en 3D de las Carceri d'invenzione, y fotografםas de Gabriele Basilico (Milבn, 1944) que ha recorrido con su cבmara los lugares que Piranesi retratף en Vedute di Roma y Diffיrentes vues de Pesto (Vistas de Roma y Diferentes vistas de Paestum

      Piranesi anticipף, con sus mיtodos de trabajo el papel de los arquitectos y diseסadores de la actualidad. “Las Artes de Piranesi. Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseסador” ha sido concebida por Michele De Lucchi, producida por la Fondazione Giorgio Cini, junto con Factum Arte, y organizada por la Obra Social ”la Caixa”.

    La muestra se abre del 25 de abril al 9 de septiembre de 2012, con el siguiente comisariado: Giuseppe Pavanello, director del Istituto di Storia dell’Arte de la Fondazione Giorgio Cini; Michele De Lucchi, director del estudio de arquitectura aMDL (Milבn), y Adam Lowe, director de Factum Arte.

    Un Gaudí en la subasta

    25/04/2012, Este mes de mayo se subastarán en la sala Balclis, Barcelona, sendos dibujos de Antonio Gaudí, sobre un templo que no llegó a terminarse nunca.

    Barcelona 25 de abril de 2012
    La subasta, del 16 y 16 de mayo, afecta también a diversos elementos artísticos, desde relojes a cerámicas, pinturas, tapices, etc. que se expondrán previamente del 7 al 15 de mayo.

    Los dibujos de Antonio Gaudí se refieren a las perspectivas exterior e interior de la iglesia proyectada de la Colonia Güell de Barcleona, y parten de un precio de salida de 275.000 euros.

    Se trata de dos dibujos a carboncillo, acuarela y gouache sobre fotografía heliográfica, realizados hacia 1898-1908, que ya habían sido reproducidos en alguna ocasión en España y el exterior.

    También fueron mostrados por primera vez en una exposición conmemorativa del cincuenta aniversario de la muerte de Antoni Gaudí celebrada en Barcelona en junio 1976.

    Los trabajos, que tienen unas dimensiones de 59x46 cm. y 61x47 cm. han pasado por una existencia azarosa y se dieron en algunas ocasiones por perdidos, hasta que fueron rencontrados en una carbonera barcelonesa.

    El proyecto de la iglesia fue encargado a Gaudí por Eusebi Güell. Las obras comenzaron pero sólo se llegó a elaborar la cripta, pues se paralizaron los trabajos al morir el mecenas del arquitecto.

    Buenos Aires... en bicicleta

    24/04/2012, Hace pocos días publicábamos la guía de la ciudad de Buenos Aires. Ahora te proponemos una forma divertida y sana de conocer los puntos de interés de esta urbe, montado en una bici eléctrica.

    Buenos Aires, 24 de abril de 2012

    Buenos Aires es la gran ciudad de Sudamérica y una de urbes más interesantes del mundo. En sus calles perviven destellos de riqueza económica y cultural. Destellos que los visitantes podrán contemplar... montados sobre bicicletas eléctricas y en la compañía de un guía.

    La tarifa del recorrido es de 15 dólares y tiene una frecuencia diaria de 2 veces por día, todos los días. La duración de los recorridos es de 2 horas. Durante este tiempo, el visitante podrá descubrir los monumentos y jardines más interesantes (en la salida de la mañana de 10.30 a 12.30). El visitante que prefiera optar por el horario de tarde (de 14.30 a 16.30 horas), disfrutará del circuito de museos, parques y jardines.

    Cada grupo tiene un máximo de 15 personas y está acompañado por un guía bilingíe y un asistente.

    Las reservas se realizan enviando un correo electrónico a turismoendosruedas@buenosaires.gob.ar y el pago del ticket se realiza sólo en efectivo en el Planetario, lugar desde el que comienzan las expediciones.

    Guía de Buenos Aires en Guiarte.com:
    http://www.guiarte.com/buenos-aires/

    Picasso y la Suite Vollard

    24/04/2012, El MUICO expone hasta el 20 de mayo de 2012 la Suite Vollard de Pablo Picasso, una de las pocas series completas que hay en el mundo de esta obra cumbre del grabado del siglo XX. Un conjunto que forma parte de las Colecciones ICO.

    Los grabados que integran esta serie fueron realizados por Pablo Ruiz Picasso entre septiembre de 1930 y junio de 1936. A las 97 piezas que componían la obra originariamente, se añadieron en 1937 tres retratos de Ambroise Vollard, que vinieron a completarla hasta los 100 grabados finales.

    El nombre de la serie proviene de Ambroise Vollard, marchante y amigo personal de Picasso desde 1901. La colaboración entre Vollard y Picasso llega a su punto álgido con la Suite Vollard que, sin embargo, no fue un encargo del marchante al artista sino, más bien, fruto de un intercambio amistoso y comercial: Vollard obtuvo la serie inicial de 97 cobres grabados a cambio de un número importante de pinturas de su propiedad que Picasso deseaba para su colección privada.

    Los temas de la Suite Vollard
    La Suite Vollard es el reflejo de uno de los momentos de mayor creatividad del pintor malagueño. Los años 30 del siglo XX suponen el periodo de plena madurez de Picasso. En esta etapa, a modo de diario íntimo, va desarrollando sus obsesiones personales, que quedarán reflejadas en los temas de la Suite Vollard.

    Rembrandt, La batalla del amor, El estudio del escultor, El Minotauro, los Retratos de Ambroise Vollard y sus preocupaciones estéticas, entusiasmos amorosos y estados anímicos habituales de Picasso son algunas de las temáticas de la serie.

    MUICO C/ Zorrilla, 3, 28014, Madrid

    El regreso del águila

    20/04/2012, Las seis águilas calzadas que han pasado el invierno en África controladas por un proyecto de Seo BridLife e Iberdrola, ya han regresado a la Península Ibérica, superando más de 3000 kilómetros de distancia.

    Madrid, 20 de abril de 2012

    Con una longitud de unos 45 centímetros, una envergadura de algo más de un metro, aproximadamente y un peso de 0,7 a 1,1 kilogramos, el águila calzada es una de las rapaces viajeras que anida en la Península Ibérica.

    Desde hace dos años, SeoBirdlife está haciendo un interesante estudio sobre las migraciones anuales de estas aves hacia África, y acaba de constatar que los seis ejemplares marcados ya están de vuelta, tras pasar el invierno en zonas más cálidas.

    En 2011 SEO/BirdLife puso en marcha en colaboración con la Fundación Iberdrola un novedoso programa para conocer las migraciones de las aves y sus zonas de invernada, en el que se incorporaron las últimas tecnologías en sistemas de geolocalización y seguimiento remoto para conocer con mayor detalle los movimientos de las aves dentro y fuera del país.

    A mediados de septiembre de 2011 las águilas calzadas abandonaron sus zonas de reproducción en España para comenzar su migración anual hacia África. Tras unos 20 días de viaje atravesando el estrecho de Gibraltar y el desierto del Sahara llegaron a sus áreas de invernada en el África subsahariana a principios de octubre.

    Han pasado los meses de invierno a más de 3.000 kilómetros de sus nidos, concretamente en Mali, Mauritania, Niger, Nigeria, Sierra Leona y Guinea.

    A mediados de marzo de este año las seis águilas calzadas comenzaron su vuelta a casa, ciclo que han terminado ahora. La distancia entre el área de cría y la de invernada ha sido de una media de 3.148 km

    El seguimiento de aves

    Según informa SeoBirdlife. hace ya casi un siglo que se inició el marcaje de las aves con anillas para estudiar sus movimientos migratorios. Ahora, la mayoría de lo que se sabe actualmente de la migración, se ha ido desvelando en buena medida a partir del anillamiento.

    En las últimas décadas se está comprobando cómo muchas especies han ido cambiando su comportamiento migrador y parte de la población de algunas de ellas en España acorta sus movimientos y no cruzan a África (cada vez es mayor el número de cigüeñas blancas, cigüeñas negras, aguilillas calzadas, etc. que pasan el invierno en la costa mediterránea o en el curso bajo del río Guadalquivir).

    Se piensa que estos cambios son debidos, al menos en parte, al cambio climático, originando inviernos más suaves en las áreas de cría y, por tanto, mayor disponibilidad de alimento en esa época desfavorable. Por ello, también es importante conocer cuanto antes el comportamiento migrador de cada especie, pues sin esa información perderemos el registro de lo que ha existido y no se dispondrá de la información básica para comprender la evolución de su biología.

    Afortunadamente, el avance de la ciencia pone a disposición de los estudiosos nuevas tecnologías que permiten utilizar sistemas de seguimiento mucho más precisos y con mucha más información que el anillamiento, sistema de marcaje que sigue siendo útil para este asunto y para numerosos otros aspectos de las aves.

    Los nuevos sistemas de marcaje establecen la localización del ave varias veces al día durante varios años, por lo que permiten conocer cuánto tiempo permanecen exactamente en sus áreas de cría e invernada, cuándo inician su migración, por dónde la realizan, sus velocidades, sus altitudes, cómo los agentes meteorológicos, el relieve del terreno, los mares, el desierto, etc. condicionan sus movimientos, qué puntos y hábitat utilizan para reponer energía en sus migraciones, etc. Aspectos, todos ellos, que permitirán trabajar mejor en su conservación.

    El águila o aguililla calzada habita en el entorno de los países del Mediterráneo y algunas zonas de Asia. Pasa la invernada en zonas de la India y el África Subsahariana. España acoge la mayor parte de la población europea y recientemente la población española se ha estimado en unos 18.500 territorios.

    Su distribución está determinada por la presencia de formaciones boscosas con claros y zonas abiertas

    Es una especie territorial, aunque el tamaño de sus territorios es pequeño y permite el paso de otros congéneres por ellos. El nido, colocado mayoritariamente en la horquilla del árbol o pegado al tronco, es construido o arreglado el de la temporada anterior tapizándolo con ramas verdes. La puesta consta principalmente de 2 huevos. Las aves son las principales presas del águila calzada; le siguen los reptiles, como el lagarto ocelado, y los conejos

    En la Península Ibérica, las poblaciones son migradoras, salvo en las Islas Baleares. Las águilas suelen volver de África a mediados de marzo e irse en septiembre. Hay un notable paso migratorio por el estrecho de Gibraltar: entre marzo y mayo en primavera y en septiembre y octubre durante otoño

    Los peligros: destrucción y degradación de formaciones boscosas (incendios, apertura de pistas, trabajos forestales en periodo reproductor, etc.), caza ilegal y colisión y electrocución en tendidos eléctricos. El incremento de la superficie forestal en España debería de favorecer a esta especie.

    Más sobre la migración de esta especie: www.migraciondeaves.org

    Botero: 80 años

    19/04/2012, El famoso artista colombiano celebró este 19 de abril de 2012 su 80 cumpleaños, en medio de un amplio reconocimiento a su labor artística.

    Bogotá, 19 de abril de 2012

    Prolífico autor de figura exuberantes, cargadas de sensualidad y color, Botero vive a lo largo del mundo: Italia, Mónaco, Nueva York…...pero tiene claras sus raíces colombianas.

    Activo tras casi 65 años de iniciativa artística, Botero ha donado gran parte de su obra a instituciones de su país natal, y está mereciendo el homenaje de medio mundo. Ayer fue condecorado por la Cámara de Representantes de Colombia con la Orden de la Democracia Simón Bolívar, Gran Cruz Extraordinaria, por su carrera plena de éxito.

    Hoy, 19 de abril Fernando Botero tiene previsto festejar sus 80 años en el Museo Botero del Banco de la República de Bogotá, en compañía de un grupo de niños y niñas, alumnos de varios colegios, que compartirán con él su torta de cumpleaños y el recital que el Cuarteto de Saxofones de Bogotá ofrecerá en su honor.

    Este día, el Museo abrirá sus puertas hasta las 10:00 p.m. y ofrecerá visitas temáticas por sus colecciones durante toda la jornada.

    Hay otras iniciativas de cumpleaños en todo el mundo. En su localidad natal, Medellín, el artista abrió hace días una la exposición titulada "Viacrucis: La Pasión de Cristo", en el Museo de Antioquia, en la que aparece el crucificado con una estética acorde con los trabajos del autor: es decir, un Cristo fuerte, carnal, en un paisaje ajeno al de la tragedia.

    Botero ha sido generoso con Medellín, ya que le ha regalado abundente obra, especialmente esculturas.

    Pero la principal muestra temporal que se puede ver ahora está en México, donde el museo del Palacio de Bellas Artes, presenta la exposición "Fernando Botero. Una celebración", la mayor retrospectiva de este gran artista.

    Los visitantes podrán acercarse a diversas temáticas abordadas por el pintor, tales como su obra temprana, su visión de Latinoamérica, la religión y el clero. Para ello, se resentan 177 obras, entre pintura, acuarela y escultura en bronce. El recorrido está organizado a partir de diez núcleos temáticos y la exposición está abierta del 29 de marzo al 10 de junio de 2012.

    La muestra mexicana se realiza comisariada por Lina Botero, hija del artista, quien ha diseñado un panorama de los trabajos del autor a lo largo de sus más de sesenta años de trayectoria artistica.

    Fernando Botero nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín se caracteriza por una obra en la que rebosa la abundancia, la carnalidad, la alegría de vivir, tanto si pinta desnudos (le encanta) como si recurre a temas de la flora, retratos, costumbres o a la misma vida de la guerrilla.

    Esa visión sensual, no sólo ha la vertido sobre sus creaciones, sino sobre variaciones elaboradas a partir de obra de grandes maestros.

    Londres low cost

    18/04/2012, Faltan 100 días para iniciar los juegos olímpicos de Londres (27 de julio 2012). Los británicos ya celebran el evento que congregará millones de espectadores.

    Londres, 18 de abril de 2012

    El año va a ser muy fuerte en cuanto a las cifras del turismo en el Reino Unido, especialmente en Londres, que contará con 120.000 habitaciones disponibles para el evento.

    Pero el 2012 va a ser un año especial para Gran Bretaña, según recuerda la Oficina de Turismo: Se celebra el Jubileo de Diamante de Isabel II; el Día Internacional del Orgullo Gay (WorldPride 2012) en Londres; los Juegos Olímpicos y Paralímpicos; la Olimpiada de la Cultura y muchos otros eventos y festivales en toda Gran Bretaña.

    Visit Britain recuerda que hay ofertas para todos los bolsillos. Para muchos eventos no hace falta pagar entrada y también habrá pantallas gigantes por todo el país para seguir los espectáculos en buena compañía.

    Además, en un amplio informe sobre los juegos, Visit Britain señala 12 formas de divertirse en Londres sin gastar dinero”

    1.) El cambio de la guardia. Palacio de Buckingham

    Una de las tradiciones británicas más antiguas y más atractivas. De mayo a julio, todos los días, a las 11 am (a las 10 am los domingos) se realiza el cambio de guardia en el palacio de Buckingham. Dura aproximadamente una hora y los miembros de la guardia pertenecen a cinco regimientos: la guardia escocesa, la guardia irlandesa, la guardia galesa, la guardia Grenadier, y la guardia Coldstream. (www.royal.gov.uk/RoyalEventsandCeremonies/ChangingtheGuard/Overview.aspx)

    2.) Galerías de arte. Tate Britain, Tate Modern, National Gallery

    No es ningún secreto que Londres tiene unas galerías de arte insuperables y gratuitas. Tate Britain está en Millbank, y Tate Modern está Bankside. Entre las dos se reparten lo mejor del arte británico desde el siglo XVI hasta el presente. Además, la famosa National Gallery, situada al norte de Trafalgar Square, cuenta con una impresionante colección de arte europeo moderno y contemporáneo. (www.tate.org.uk/britain / www.tate.org.uk/modern / www.nationalgallery.org.uk)

    3.) Primrose Hill

    Primrose Hill está en la parte norte de Regents Park y ofrece unas vistas inigualables de Londres, especialmente al atardecer. El parque está compuesto por 410 acres y fue diseñado en 1811 por el famoso arquitecto John Nash. Cuenta con su propio campo de fútbol, una cancha de baloncesto, un campo de rugby y lugares para jugar al croquet. Además se puede alquilar una barca para remar en el lago, escuchar a una banda en el templete o disfrutar del jardín de rosas. En los alrededores no faltan pubs, cafeterías y famosos. Primrose Hill es perfecto para un picnic, una proposición de matrimonio y, si sobra tiempo, para intentar ver a algún famoso. (www.royalparks.gov.uk/The-Regents-Park.aspx)

    4.) Museo Británico

    No sólo las galerías de arte son gratis: muchos museos, también. El Museo Británico fue fundado en 1753 por el Parlamento y la colección se compone de casi 2 millones de piezas de todo el mundo. Hace falta más de una visita para poder verlo todo. (www.britishmuseum.org)

    5.) Covent Garden

    Covent Garden siempre está lleno de vida. Hay espectáculos callejeros, restaurantes íntimos, tiendas acogedoras y muy personales en las que comprar algo inolvidable. Covent Garden es un lugar que enamora a primera vista y que no se olvida nunca. (www.coventgardenlondonuk.com)

    6.) Los parques reales. Jardines de Kensington

    Los parques reales son perfectos para disfrutar de la naturaleza en plena ciudad. Suele haber eventos y actividades para toda la familia, como la zona de juegos dedicada a la princesa Diana en los Jardines de Kensington, que está inspirada en Peter Pan. Perfecto para una tarde de domingo (y muy cerca de Nottinghill). www.royalparks.gov.uk

    7.) Londres de noche

    Nada más romántico que un paseo de noche junto a las casas del Parlamento y el puente de Westminster Bridge. Desde aquí las vistas al London son espectaculares, especialmente desde el St. Thomas Hospital. Las luces del Parlamento y del Big Ben reflejadas en el Támesis son algo que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida. (www.parliament.uk/visiting)

    8.) Chinatown en domingo

    Chinatown en domingo es cualquier cosa menos aburrida. Hay tiendas y supermercados y 78 restaurantes entre los que elegir. (www.chinatownlondon.org)

    9.) Domingo en UpMarket y Backyard Market. Brick Lane

    La moda más innovadora y diferente no está en un centro comercial sino en los mercadillos Sunday UpMarket y Backyard Market. Están escondidos y sólo los londinenses los conocen. Ambos son únicos. Backyard Market se dedica a la artesanía y a ropa de futuros diseñadores. Sunday UpMarket ofrece deliciosas cupcakes y delicias gastronómicas exóticas – Ўcon degustaciones gratis! (www.sundayupmarket.co.uk)

    10.) Granjas de ciudad

    Londres tiene muchas granjas de ciudad y lo mejor es que se pueden visitar. En Vauxhall City Farm se puede aprender a montar y dar paseos en burro. MudChute Park and Farm es la granja urbana más grande de Londres (34 acres). Muchas de las granjas tienen zona de juegos para los niños y tiendas donde comprar productos frescos. (www.vauxhallcityfarm.org / www.parliament.uk/visiting)

    11.) Teatro Nacional

    Conciertos de jazz y de folk gratis todos los viernes y sábados a las 5:45 p.m., y los sábados a mediodía a la 1:45 p.m. (www.nationaltheatre.org.uk)

    12.) Nottinghill Arts Club

    Lleva 11 años mostrando lo mejor de lo que todavía no se ha hecho famoso. El escenario es pequeño y el ambiente íntimo y acogedor. Los sofás simplemente son el detalle perfecto para que el público se sienta como en casa. (www.nottinghillartsclub.com)

    Fiesta del patrimonio checo

    17/04/2012, Este año 2012 se cumplen 20 años de la presencia de la República Checa en la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, según recuerda la oficina de Turismo de este país.

    Praga, 17 de abril de 2012

    En la actualidad, la república Checa cuenta ya con 12 monumentos inscritos en la lista de Patrimonio Mundial de la Humanidad, por lo que los checos celebran el evento con un complicado lema "2012 - 20 años - 12 monumentos - 1 país".

    Ceský Krumlov, una pequeña ciudad que se construyó en torno a un castillo del s. XIII a orillas del Moldava, en la región de Bohemia del Sur, ejemplo de ciudad medieval del centro de Europa, fue la primera de República Checa en ser inscrita en el listado de la UNESCO.

    Junto con el centro histórico de Praga y de Telc, que también fueron inscritos en 1992, Ceský Krumlov abrió el camino que hizo que hoy en día, en 2012, cuando se cumplen 20 años de este reconocimiento, República Checa cuente ya con hasta 12 monumentos, centros históricos, paisajes culturales, castillos, arquitectura y jardines, que han sido reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

    Esta pintoresca ciudad es, además, famosa por su fiesta de la Rosa de los cinco pétalos en que todos sus habitantes, y la ciudad en sí, se transforman para dar vida de nuevo a las costumbres medievales, con sus caballeros y damiselas. Un folclore que se deja ver tanto en las tradiciones y festejos, como en la arquitectura y el arte de Ceský Krumlov, con elementos arquitectónicos del barroco, como el famoso teatro barroco, que es uno de los más importantes del centro de Europa, góticos y renacentistas.

    Desde los ya mencionados hasta el Barrio judío y basílica de San Procopio de Trebíc, que se inscribieron en la lista en 2003, sin dejar de lado algunos como la recientemente renovada y reabierta al público Villa Tugendhat en Brno, la columna de la Trinidad de Olomouc, el castillo renacentista de Litomyšl o el recinto de Lednice-Valtice.

    Toda esta lista monumental es un patrimonio testigo de la Historia, que no hace sino confirmar la riqueza cultural que posee República Checa y, que en 2012, pondrá especial énfasis en celebrarlo.

    Amancio González

    17/04/2012, La madera en sí tiene ya la belleza sublime de lo natural. Amancio Gonzalez la ennoblece con el genio del artista.

    Tomás Alvarez

    León, 17 de abril de 2012

    Este autor autodidacta, nacido en Villahibiera (León) en 1965, ha sido siempre un extraordinario artífice que partiendo de la pieza de olmo, manzano o pino, encuentra y revela mundos imaginarios, tiernos, líricos, pero dejando que la madera siga compartiendo el protagonismo de la creación.

    Amancio, que actualmente expone en la galería Armaga, León, trabajó un tiempo con un pintor de su tierra, Alejandro Vargas, pero pronto centró su tarea en la madera, en la que ha realizado sus mejores creaciones.

    El escultor no maltrata la madera, al contrario, la trabaja con dulzura. Y el amor que pone en el trabajo de la materia se lo devuelve esta con creces, mostrando en todo su esplendor los dibujos de sus veteados y su aroma inconfundible.

    Entrar en la pequeña galería en la que el autor muestra ahora alguno de sus últimos trabajos -de mediano y pequeño formato- es, en este sentido, una formidable experiencia. La primera sensación es olfativa; flota en el aire el perfume de la materia. Luego, la segunda, es una sensación de gozo al descubrir un mundo personal, onírico y enigmático, cargado de ternura.

    La muestra presenta también trabajos en hierro, alabastro y mármol, pero lo mejor del autor se halla en su encuentro con la textura del roble o del olmo, cuyas esencias le ayudan a mostrarse no como artesano, sino como artífice: hacedor de arte.

    Este artista, escasamente conocido en relación a su calidad, ha hecho últimamente trabajos para lugares tan dispares como México o Turquía, y está trabajando en su taller de las afueras de León con una amplia colección de bustos de los mejores literatos.

    Amancio González es un personaje humano cargado de sencillez que apenas se ufana de sus crecientes triunfos, alguna vez ha declarado respecto a su profesión "tropecé con el arte".

    Ese "tropecé con el arte" se muestra en sus obras, donde trata de mantener el valor de la propia materia. El trabajo "El ladrón de Perlas II" muestra a un ser mitad humano mitad pez, que flota sobre una madera cuadrada de olmo. Si la creación es audaz y misteriosa, las formas del olmo le añaden una extraña belleza caligráfica.

    También está cargada de poesía y misterio su "Hombre pájaro con globo terráqueo" un trabajo hecho prácticamente con una pieza única de olmo, que refleja una cierta veta surrealista que a veces asoma en los trabajos de Amancio González.

    ...Y un párrafo más para hablar de las serigrafías, para destacar el valor de ese dibujo lineal del ser humano poderoso, muy típico del autor, en el que a veces aparecen resonancias de los hombres y minotauros picassianos.

    En síntesis, una bella exposición de la obra pequeña ...de un artista grande.

    Cima da Conegliano

    16/04/2012, Del 5 de abril al 15 de julio, en el Museo de Luxembourg, París, se puede contemplar una interesante muestra que nos acerca al maestro renacentista Cima da Conegliano.

    París, 16 de abril de 2012

    El pintor, nacido y muerto en Conegliano (Treviso) (1459-1517) destaca en su tiempo por un buen color, una magnífica técnica aunque un cierto envaramiento de los personajes.

    Es uno de los principales representantes de la pintura veneciana del fin del XV y de principios del siglo XVI. Sus composiciones sabiamente equilibradas se iluminan por colores brillantes, sobre paisajes poéticos e inspirados de su país natal.

    A través de más de treinta obras, la exposición desenvuelve el hilo cronológico de la carrera de Cima da Conegliano y permite comprender la evolución de su pintura, poniendo de manifiesto papel fundamental en la pintura veneciana y europea de finales del siglo XV.

    Conegliano era una ciudad situada al pie del macizo montañoso de los Dolomitas. El padre del pintor era un empresario de tejidos, y la familia le permitió una educación excelente, que pronto le permite viajar a Venecia, donde adquirió prestigio. Al lado de Giovanni Bellini (1425-1516) y de Vittore Carpaccio (1460-1526), Cima alcanza un lugar entre los grandes pintores venecianos.

    A finales del siglo XV, la ciudad era uno de los polos más brillantes del Renacimiento italiano, Allí, la pintura de Cima era apreciada por una clientela exigente, por la perfección de su arte, fundado sobre el detalle del dibujo, su control de la pintura al óleo (técnica relativamente nueva), así como a la intensidad de su paleta de colores. Su virtuosismo le permite una precisión excepcional en la representación de los detalles: la cinceladura de una joya, la textura tornasolada de un paño.

    Pero Cina fue sobre todo reconocido por la manera con la que describe las caras, las expresiones y las miradas, a menudo melancólicas, lo que confiere sobre sus pinturas una humanidad profunda.

    El éxito de Cima reside también en su receptividad a las ideas nuevas y en su capacidad extraordinaria de asimilación.

    En el apogeo de su carrera, Cima influye sobre la pintura de Giorgione y va a ser el maestro de la generación de Lorenzo Lotto, Tiziano y Sebastiano del Piombo. Son así varias generaciones de artistas la que, alrededor de Cima, no cesan de relacionarse entre ellas.

    En su pintura, Cima explora efectos de composición inéditos, mezclando la naturaleza y la arquitectura. Introduce asimetrías y escapadas insólitas, encuentra aperturas sorprendentes. Por todas partes se transparenta su amor de los espacios amplios, exaltados por la luz.

    Encuadrados por montañas y por colinas, sus paisajes evocan los relieves de su región natal. Da así un soplo nuevo a la pintura de paisaje. Nadie antes de Cima, supo pintar Venecia y su región con tal poesía. La exposición Cima da Conegliano, maestro del Renacimiento veneciano reúne obras excepcionales, entre los que están los grandes cuadros de altar que por primera vez son presentados fuera de Italia.

    Comisariado de la muestra: Giovanni Carlo Federico Villa, profesor en historia del arte moderno y en museología, Universidad de Bérgamo

    Censo de la carraca europea

    13/04/2012, Con motivo de la declaración de la carraca europea como Ave del Año 2012, SEO/BirdLife ha convocado una iniciativa voluntaria para censar y conocer este ave.

    Madrid 13 de abril
    Con motivo de la declaración de la carraca europea como Ave del Año 2012, SEO/BirdLife ha convocado una iniciativa voluntaria para censar y conocer este ave.

    La organización ecologista ha invitado a los voluntarios españoles a realizar recorridos del 15 de abril al 15 de mayo, en el comienzo del celo, el momento en que es más fácil localizarla.

    La carraca ha sido elegida Ave del Año 2012 para divulgar las amenazas que acechan a esta especie migratoria que cada día es más escasa. Su pequeña población y el declive experimentado por la especie en los últimos quince años, justifican su categoría de amenaza actual como “vulnerable” en el Libro rojo de las aves de España, y está protegida a nivel estatal y europeo.

    En la península Ibérica este declive se calcula próximo al 40 por ciento y en la actualidad se reproducen entre 2.000 y 6.000 parejas.

    Su distribución global va desde la península Ibérica y el norte de África, hasta las estepas rusas. Falta en todos los países centroeuropeos y en los del este tiene poblaciones muy inferiores a las de España, salvo en el caso de Rusia y Turquía.

    La carraca europea (Coracias garrulus), tiene una longitud de 30-32 cm y envergadura de 66-73 cm. Es una especie estival (invernada en África) y cría en zonas esteparias con arbolado disperso, cultivos tradicionales de secano y sotos fluviales.

    Es sin duda una de las aves más bellas. Su nombre proviene de su canto, que es similar al sonido que produce una carraca de madera (cra-cra-cra-cra-cra). Las carracas crían en huecos de árboles, edificios y cajas nido colocadas para tal fin, donde la hembra pone entre 3 y 5 huevos. Con un mes de edad los pollitos están listos para abandonar el nido.

    La dieta de las carracas es principalmente insectívora (saltamontes, escarabajos, libélulas...) y se complementa con la captura de animales pequeños como ratones y lagartijas que mata gracias a su fuerte pico.

    Sus principales amenazas son:

    La eliminación de setos y arbolado disperso, normalmente asociados a la transformación en regadío y el aumento del uso de plaguicidas, que inciden sobre la disponibilidad de sus presas potenciales y favorecen la acumulación de residuos contaminantes en su organismo que produce una peor condición física de la especie.

    El abandono de la ganadería extensiva implica una disminución de los invertebrados asociados a ella o bien favorece la aparición de matorrales en los pastizales propicios para encontrar su alimento

    La disminución de agujeros donde anidar, tanto por la desaparición de las olmedas en el pasado a causa de la grafiosis, de otros árboles típicos de linderos y riberas en los que nidifica actualmente -chopos, encinas, almendros o alcornoques-, así como por el derrumbe de construcciones aisladas en terrenos agrícolas.

    El Titanic, con protección de la UNESCO

    13/04/2012, Después de 100 años bajo las aguas, el 15 de marzo, el Titanic queda protegido por la Convención para la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático de la UNESCO.

    El Titanic, que fue el mayor barco de pasajeros de su época, salió de Southampton (Inglaterra) el 10 de abril de 1912 en ruta a Nueva York. El 14 de abril chocó con un iceberg, hundiéndose el día 15, en trágico suceso que costó la vida a 1517 personas.

    Esta convención, firmada en noviembre de 2001, contiene principios básicos para la protección del patrimonio cultural subacuático, un sistema de cooperación entre Estados detallado, así como una normativa práctica aplicada al trabajo arqueológico realizado sobre los yacimientos sumergidos. La Convención subraya la preservación y la cooperación entre Estados, pero no regula la propiedad de los pecios ni redefine las zonas marítimas.

    La Convención se aplica a todos aquellos testimonies de existencia humana que tengas un carácter cultural, histórico o arqueológico los cuales han estado bajo el agua al menos 100 años

    Este instrumento legal es un hito de la respuesta de la comunidad internacional a la destrucción de los yacimientos arqueológicos subacuático por la actividad comercial de los cazadores de tesoros. Igualmente refleja el reconocimiento de la necesidad de asegurar la misma protección a los pecios antiguos que aquella otorgada ya al patrimonio terrestre.

    En el caso del Titanic, la reciente protección acordada significará que todos los Estados Parte a la Convención prohibirán el expolio, la venta y la dispersión del pecio y de los materiales hallados en él. Los Estados Parte deben tomar las medidas en su poder para poder proteger el yacimiento, así como asegurar el respeto dado a los restos humanos que pudieran hallarse en el yacimiento. Ya que el Titanic está localizado en aguas internacionales, ningún Estado tiene una jurisdicción exclusiva sobre el sitio del naufragio.

    Como norma general, los Estados sólo tienen jurisdicción sobre sus propias naves y sobre sus compatriotas.

    Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad

    12/04/2012, El Museo del Prado presenta en Sevilla una muestra que reunirá un conjunto de obras tardías de Murillo, fruto de su relación con don Justino de Neve, canónigo de la Catedral de Sevilla, importante mecenas y amigo del artista.

    Sevilla, 12 de abril de 2012
    El Museo del Prado, la Fundación Focus-Abengoa y la Dulwich Picture Gallery de Londres han presentado esta mañana en Sevilla la exposición “Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad”. La muestra, que podrá visitarse a partir del 26 de junio en El Museo del Prado, y a partir del 11 de octubre en el Hospital de los Venerables de Sevilla, se centra en el creativo dinamismo de la relación entre Murillo y Justino de Neve, que generó un conjunto de pinturas de extraordinaria belleza y calidad, todas de las últimas dos décadas de actividad del artista.

    Compuesta por casi 20 pinturas, grandes encargos y retratos, así como alegorías y pinturas de devoción, la muestra “Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad” estará organizada en varios apartados: el Autorretrato del pintor se muestra junto con el retrato de 1665 de su amigo y mecenas (ambos de la National Gallery de Londres); luego se reúnen las obras concebidas para la iglesia de Santa María la Blanca de Sevilla (Prado, Louvre y Faringdon Trust, Buscot Park, Oxfordshire); las obras hechas para la Catedral y el Hospital de los Venerables Sacerdotes (el gran Bautismo de Cristo de la Capilla de San Antonio, y la Virgen y el Niño distribuyendo pan a los saerdotes hoy en el Museo de Budapest) y las pinturas realizadas para la colección personal de Justino de Neve, entre ellas las tres pequeñas obras devocionales realizadas sobre obsidiana mexicana que se juntan por primera vez desde el siglo XVII, y una miniatura sobre cobre, recientemente identificada como obra del maestro sevillano. Cinco obras han sido restauradas en el Prado para esta exposición: tres propias, una de la Catedral de Sevilla y otra del Faringdon Trust.

    Justino de Neve (1625-1685), nacido en Sevilla de familia flamenca, fue ordenado presbítero en 1646 y fue nombrado canónigo de la Catedral de Sevilla en 1658. Hombre culto y enérgico, su amistad con Murillo desde por lo menos el principio de la década de los sesenta fue clave para que el artista obtuviese alguna de sus comisiones más importantes: la decoración de la iglesia de Santa María la Blanca (1664-1665), la decoración de la Sala Capitular de la Catedral (1667-68) y el remate del retablo de San Antonio (con el Bautismo de Cristo) en la capilla del santo (1667-68). Además, Justino de Neve encargó al pintor varias obras para su fundación para presbíteros jubilados, el Hospital de los Venerables Sacerdotes, y tuvo en su propia colección algunas de las obras más excepcionales del artista. Murillo pintó su retrato en 1665 (National Gallery, Londres) –presente en la exposición- como prueba de su amistad, añadiendo la inscripción “obsequium desiderio pingebat” (pintado con el deseo de regalarlo), y  le nombró ejecutor de su testamento en 1682.

    Libros Mutantes 2012 en La Casa Encendida

    12/04/2012, Más de cuarenta artistas y editores internacionales se reúnen en Madrid para una semana de actividades dedicadas al mundo de la autoedición y las publicaciones artísticas.

    La Feria Editorial Independiente Libros Mutantes vuelve a Madrid con una ambiciosa programación. Talleres, conciertos, conferencias y actividades se sucederán a lo largo del fin de semana del 20-22 de abril con el objetivo de mostrar y difundir las publicaciones más creativas y originales de la escena internacional.

    La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid (Ronda de Valencia, 2) será la sede del evento. En el Patio Central, transformado para la ocasión en un campamento compuesto por muebles autoeditados, se darán cita más de cuarenta proyectos editoriales independientes que, por primera vez, presenta un marcado carácter internacional, con la participación de editores y artistas de países como Alemania, Suecia, República Checa, Reino Unido, Francia, Italia, Turquía, Bélgica, Portugal, México y, por supuesto, España.

    Todos ellos proponen un empleo experimental e innovador de las publicaciones impresas en su sentido más amplio: fanzines, revistas de diseño, publicaciones artísticas o proyectos de dibujo. Aunque enormemente atractivas, muchas de estas publicaciones tienen tiradas limitadas y una distribución muy restringida, por lo que Libros Mutantes supondrá una ocasión única para disfrutar de ellas en Madrid y conocer personalmente a sus creadores.

    Libros Mutantes pretende ser un foco de difusión y divulgación de las posibilidades expresivas de la cultura autoeditada. En esta ocasión, dicha vocación se materializará en actividades y talleres dirigidos a todo tipo de públicos. En el plano más especializado, el ciclo Perspectivas Mutantes ofrecerá conferencias y charlas impartidas por figuras internacionales. A su vez, el ganchillo y las labores de costura protagonizarán el taller Contenidos Textiles, impartido por Lidia G; y el equipo de la publicación The Plant Journal organizará un taller de intercambio de esquejes botánicos. La música también contará con un gran protagonismo: hoy en día existen artistas y sellos independientes que apuestan por producir grabaciones a pequeña escala y distribuirlas empleando soportes como el vinilo o el cassette. AMDISCS (Rep. Checa), Félicia Atkinson (Francia) y Heatsick (Reino Unido) ofrecerán conciertos integrados en la programación de Libros Mutantes.

    El domingo 22 de abril, último día de la Feria, tendrán lugar dos actividades abiertas al público. Por la mañana, niños y familias podrán acudir a La Casa Encendida para una innovadora actividad coordinada por Onyva. Por la tarde, el centro cultural madrileño acogerá una nueva edición de Fanzine para Llevar, un circuito donde todos los asistentes podrán construir su propio fanzine mediante la experimentación con cinco técnicas gráficas. Sin duda, es un modo idóneo de demostrar la vigencia de la edición independiente y sus posibilidades a la hora de difundir la creación más innovadora y original de nuestro tiempo.

    Novedades en el Museo del Traje de Madrid

    09/04/2012, El Museo del Traje renueva sus vitrinas a través de la rotación de sus fondos. Un cambio con un doble objetivo: conservar las piezas y que el público conozca las colecciones del Museo.

    Madrid, 9 de abril de 2012
    La vitrina Tesoros del pasado es una de las elegidas para este cambio, y a partir de ahora en ella se exhibirá un tapiz chino perteneciente a la colección de tejidos históricos del diseñador Mariano Fortuny y Madrazo.

    La pieza, datada entre 1775 y 1800, está realizada en seda policromada y oro. Se trata de una de las obras nunca expuestas más sobresalientes de la colección del Museo del Traje, tanto por el tema de origen oriental, como por su exquisita ejecución.

    La Pasarela (espacio significativo en el recorrido del Museo) también cambia de look. La nueva rotación presenta una donación de la Asociación de Creadores de Moda de España (ACME) compuesta por diez de los diseños que formaron parte de la exposición 20 trajes para Rusia. Diseñadores dialogan con la literatura, organizada por el Instituto Español de Comercio Exterior, el Ministerio de Cultura, el Instituto Cervantes y la Asociación de Creadores de Moda de España en el Museo de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares de Moscú; en 2011.

    El público podrá; contemplar los modelos de Loewe, Hannibal Laguna, Devota&Lomba, Ágatha Ruiz de la Prada, davidelfin, Miriam Ocariz, Ailanto, Custo, Amaya Arzuaga y Ángel Schlesser.

    Etiopía Cara a Cara

    09/04/2012, Una exposición fotográfica organizada por el Ateneo de Madrid, con imágenes de Beatriz Bollo y Jorge Carrión, sobre los rostros, grupos étnicos y costumbres de los habitantes de Etiopía.

    Madrid, 9 de abril de 2012
    La exposición `Etiopía Cara a Cara´ nos intenta acercar a una visión diferente, alejada de términos como "hambre" o "sequía", tópicos que suelen asociarse sin remedio con este castigado país africano.

    Etiopía es un país cubierto en gran parte por tierras verdes y fértiles; y habitado por pueblos con un enorme patrimonio cultural y una diversidad asombrosa de etnias y costumbres.

    Esta muestra nos enfrenta en un “cara a cara” con la fascinación de los autores Beatriz Bollo y Jorge Carrión por los rostros y miradas de sus gentes, en un recorrido de retratos que va desde los monjes cristiano-ortodoxos de las tierras altas, hasta los aislados grupos étnicos del sur con su particular forma de vida preservada a lo largo de los siglos.

    Exposición Fotografía Ateneo de Madrid. Espacio Prado

    Del 13 al 27 de abril. Abierta de lunes a viernes de 17 a 21.00 horas

    Cinco siglos de cartas en la Biblioteca Nacional

    09/04/2012, La exposición "Me alegraré que al recibo de esta. Cinco siglos escribiendo cartas", recorre la historia de la carta entre los siglos XVI y XX. Hasta el 17 de junio de 2012.

    El origen de la carta es tan antiguo como el de la escritura, según demuestran diferentes testimonios epistolares de Mesopotamia y el antiguo Egipto, por no hablar de la importancia que el género tuvo en el mundo clásico. No obstante, sin olvidar esos antecedentes y aún menos su desarrollo en época medieval, es indiscutible que a partir del siglo XVI la carta se convirtió en un medio de comunicación amplio y generalizado. A ello contribuyó, por un lado, la mayor alfabetización de la población, el desarrollo de las escuelas y, por supuesto, del correo; y, por otro, la movilización general de ciertos sectores de la sociedad, ya sea por las guerras, las misiones diplomáticas, los viajes de eruditos o la emigración a América, situaciones que desencadenaron la necesidad de comunicarse mediante cartas.

    La exposición Me alegraré que al recibo de esta. Cinco siglos escribiendo cartas, recorre la historia de las misivas entre los siglos XVI y XX. La muestra analiza en cinco vitrinas la evolución de la carta y otros productos similares, como puede ser la tarjeta postal.

    El itinerario gira en torno a dos ejes: en el primero, se muestra el desarrollo cronológico, con misivas de la época moderna, la democratización del sector en los siglos XIX Y XX, la correspondencia de escritores y escritoras, la llamada “república de las letras” y la evolución de la tarjeta postal. Un segundo eje se refiere a los manuales epistolares en esos cinco siglos. Se podrán contemplar cartas de Quevedo, Santa Teresa, Zorrilla, Moratín, Valle Inclán, Alfonso XIII, Pablo Iglesias y María Teresa León, entre otras.

    En palabras de su comisario, Antonio Castillo Gómez, Profesor Titular de Historia de la Cultura Escrita en la Universidad de Alcalá, “la exposición, a través de los fondos de la BNE, presenta una aproximación a la historia de la carta y de las prácticas epistolares. Se trata de mostrar cómo ha evolucionado la escritura de misivas y de otros productos similares, como puede ser el caso de las tarjetas postales. Teniendo en cuenta que en la historia de la comunicación epistolar se produce un desarrollo notable en el siglo XVI, partimos de ahí y acabamos a mediados del XX".

    Saqueos del patrimonio sirio

    06/04/2012, Las riquezas del patrimonio de Siria parecen estar siendo dañadas a causa de los conflictos internos que afectan al país, según diversas fuentes.

    París, 6 de abril de 2012

    El pillaje parece estar afectando a lugares clave, de los que se roban piezas de museos y se extraen sin control materiales artísticos y arqueológicos.

    Como en otras ocasiones similares, muchas de las piezas acaban nutriendo el comercio clandestino de arte, que compite con el de la droga en volumen económico.

    Medios periodísticos internacionales afirmaron en las últimas horas que riquezas arqueológicas de lugares como Palmyra y Afamia estaban siendo saqueadas a pico y pala.

    La agencia AFP publicaba ayer que en la ciudadela de Shaizar, encaramada sobre el río Oronte, ha sido perjudicada, mientras que al sur, en Apamea, una estatua romana en mármol has sido robada, según los expertos. Las piezas sustraídas, que transitan por Líbano y otros países vecinos, son en seguida vendidas en el mercado negro. También saqueada, la ciudad antigua de Ebla, en la provincia noroccidental de Idleb. Hace unos días, la UNESCO ya había dado la voz de alarma."Dañar el patrimonio de un país equivale a dañar el alma y la identidad de un pueblo", dijo la directora General de la UNESCO, Irina Bokova, quien pidió protección para el patrimonio cultural de Siria.

    Seis sitios sirios: Damasco, Alepo, Palmira, Bosra, el Crac de los Caballeros y el Castillo de Saladino y los pueblos antiguos del norte de Siria están inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Otros muchos figuran en la Lista indicativa, como por ejemplo Apamea, donde según informes de prensa que cita la UNESCO la ciudadela de Madheq está siendo objeto de bombardeos.

    La UNESCO advirtió a principios de año a las autoridades sirias de que son responsables de garantizar la protección del patrimonio cultural. "La situación se va haciendo más crucial hora tras hora", aseguró Irina Bokova. "Pido con urgencia a las autoridades sirias que respeten las convenciones internacionales que han firmado, en particular la Convención de 1954 para la protección de los bienes culturales en caso de conflicto armado, la Convención de 1970 sobre las medidas que deben adoptarse para prohibir e impedir la importación, la exportación y la transferencia de propiedad ilícitas de bienes culturales y la Convención del Patrimonio Mundial de 1972".

    En el marco de la Convención de 1970, la directora General se ha puesto en contacto con la Organización Mundial de Aduanas, con INTERPOL y con los cuerpos de policía especializados en patrimonio de Francia e Italia para alertarles de la posibilidad de que objetos robados en Siria hagan su aparición en el mercado del arte. También ha pedido la movilización de todos los socios de la UNESCO para salvaguardar el patrimonio sirio.

    El Tapiz de la Creación regresa

    05/04/2012, El Tapiz de la Creación regresó a la Catedral de Girona tras ser restaurado en el Centro de Restauración de Bienes Muebles del departamento de Cultura del gobierno de Cataluña

    Girona, 5 de abril de 2012

    La restauración ha sido posible gracias a la inversión de la Obra Social "la Caixa" en el marco del programa Románico Abierto impulsado por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya la Obra Social ”la Caixa” con el objetivo de promover la conservación y restauración del patrimonio de Cataluña.

    La obra, que se ha estudiado y restaurado desde mediados de noviembre de 2011, vuelve a la catedral tras una intervención compleja en cuanto a conservación. El tapiz se presentará a partir de ahora con un nuevo bastidor construido con perfiles de aluminio, con un listón exterior de madera regulable, al que se adaptarán unos paneles de policarbonato que harán de lecho.

    La intervención en el bordado ha proporcionado nueva información sobre su constitución interna y su estado de conservación: ha dejado al descubierto los colores originales y se han podido localizar y documentar inscripciones que se habían descolorido y desgastado.

    El Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona vuelve a la catedral después de una intervención compleja en cuanto a conservación, en la que se han eliminado los elementos que le eran nocivos y se han aligerado las tensiones que causaban las restauraciones previas de la obra.

    La restauración del bordado ha proporcionado información nueva sobre su constitución interna y su estado de conservación. Después de un amplio reportaje fotográfico y radiográfico y del estudio de fotos de archivos históricos, el Centro de Restauración de Bienes Muebles inició los trabajos por el reverso de la obra, una vez retirada la arpillera que lo cubría desde 1975. Esta primera actuación dejó al descubierto los colores originales y se pudieron localizar y documentar, en una detallada cartografía, inscripciones que se habían descolorido y desgastado, que no se podían ver por la parte delantera, así como 265 parches de 12 tipologías diferentes y de épocas diversas.

    Esta documentación ha ayudado a conocer una parte de la historia de la pieza hasta hoy desconocida, y ha servido para saber cuáles son las partes originales y cuáles se añadieron con posterioridad. Además, a partir de la lectura de varias inscripciones se han podido extraer nuevos datos iconográficos. Por ejemplo, se ha descubierto una inscripción gracias a la cual ha sido posible confirmar que el personaje que hasta hoy se creía que era Abel es la constelación de Hércules.

    El Tapiz de la Creación. Descripción

    El Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona es una obra capital del románico en Cataluña, fechada a caballo entre los siglos XI y XII. Desde 1975, la obra se expone al final de las salas del Tesoro de la Catedral de Girona, en el interior de un espacio semicerrado con una gran vitrina de cristal. Es propiedad del Cabildo de la Catedral de Girona y forma parte de la exposición permanente del Museo Capitular de la Catedral de Girona.

    Los historiadores señalan que el Tapiz de la Creación representa tres ciclos iconográficos: el Génesis, el Calendario y la Invención de la Cruz, ordenados del modo siguiente: en el centro del tapiz y presidiendo toda la narración decorativa, hay la figura del Pantocrátor, que se encuentra dentro de un círculo que contiene inscripciones. A continuación, siguiendo la forma circular, está representado el Génesis o la Creación, que ocupa ocho compartimentos, que convergen en forma de cuña en el centro, cada uno explicado con su correspondiente inscripción. La narración del Génesis también está rodeada por un gran círculo con inscripciones. La composición siguiente se vuelve casi cuadrada, con la representación de los cuatro vientos, que están ubicados uno en cada ángulo del rectángulo, con el nombre que los identifica. Finalmente, todo el conjunto está enmarcado, por la parte superior y los laterales, con el Calendario o Menologio, y por la parte inferior, con la historia de la Invención de la Cruz.

    El Tapiz de la Creación es una obra de grandes dimensiones (358 × 450 cm), aunque, según un estudio técnico reciente de las restauradoras Carmen Masdeu y Luz Morata, encargado por el CRBMC, la pieza podría haber tenido originalmente una longitud y una anchura mayores (480 × 540 cm), concretamente una longitud un tercio superior a la actual. El conjunto habría estado compuesto por siete franjas de tela de la misma longitud —cinco colocadas en sentido vertical y dos en horizontal—, a las que se tendrían que añadir otras dos más pequeñas en los ángulos superior e inferior derecho.

    En su estado actual, el bordado está realizado sobre seis franjas de tejido de forma rectangular y de las mismas características. La superior, que es la única que se conserva casi entera, da la longitud del telar donde se hicieron las seis franjas (420 cm). Sin embargo, esta franja está colocada horizontalmente, mientras que las otras cinco, verticales, y cortadas todas en la parte inferior, solo miden 293,5 cm, y la de la derecha es muy reducida en cuanto a anchura.

    Desde el punto de vista técnico, se trata de un bordado, pero se ha denominado tapiz porque es el nombre que se le daba en la Edad Media.

    Bye Bye American Pie

    05/04/2012, Del 30 de marzo al 4 de junio, Malba – Fundación Costantini inaugura en Buenos Aires su calendario de exposiciones 2012 con la muestra Bye Bye American Pie

    Buenos Aires, 5 de abril de 2012

    Se muestra una selección de más de 110 obras de siete destacados artistas estadounidenses: Jean-Michel Basquiat, Larry Clark, Nan Goldin, Jenny Holzer, Barbara Kruger, Paul McCarthy y Cady Noland.

    Comisariada por Philip Larratt-Smith y concebida como continuación de su exposición anterior en Malba, Andy Warhol, Mr. America (2009-2010), Bye Bye American Pie explora las transformaciones de la cultura estadounidense desde los años setenta hasta el presente a través de la producción de siete de los artistas más importantes de los Estados Unidos de los últimos 40 años.

    Esta investigación reúne piezas claves de cada artista, provenientes de importantes colecciones públicas y privadas internacionales.

    Se incluyen pinturas y obras en papel de gran formato de Jean-Michel Basquiat, uno de los mejores pintores norteamericanos de los años 80; la serie Tulsa (1963-1971) de Larry Clark que rompió la definición de lo aceptable en la historia de la fotografía; y la célebre Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia sexual, 1978-1996), de Nan Goldin. También las yuxtaposiciones de texto e imagen de Barbara Kurger que adaptan las estrategias de la propaganda política a la ideología consumista; las pinturas serigrafiadas y obras de LED de Jenny Holzer; y la impactante escultura mecánica Train (2003–2009) de Paul McCarthy.

    La selección de obras responde tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales de los artistas en diversos medios. “Así, el documentalismo duro de las fotografías de Clark y el tono de diario íntimo de las presentaciones de diapositivas de Goldin se alterna con la crítica implícita en las “redaction paintings” de Holzer y la yuxtaposición de texto e imagen en la obra de Kruger. La asimilación de Basquiat de códigos de la cultura negra urbana y formas vernáculas como el grafitti con la tradición de la gran pintura europea dialoga con la puesta en escena que lleva a cabo McCarthy de la política cultural en el plano del ello”, explica Larratt-Smith.

    La exposición toma su nombre de la canción American Pie de Don McLean sobre la pérdida de la inocencia de la generación de los años 60. La exhibición conjunta de este grupo de artistas permite ofrecer un panorama de una tendencia particular de la historia cultural de los Estados Unidos, surgida cuando el apogeo de la civilización estadounidense -que Warhol celebró tan brillantemente- dio paso a la crítica y a la deconstrucción, y cuando una única cultura dominante fortalecida por la televisión y el cine de Hollywood se fragmentó en múltiples subculturas.“La producción de estos artistas profetiza la decadencia gradual de los Estados Unidos, no solo en su hegemonía económica y política, sino también como cultura y como ideal”, resalta el curador.

    Acompaña la exposición un volumen crítico exhaustivo que incluye el ensayo “El malestar en la cultura” del curador Philip Larratt-Smith, y colaboraciones preparadas especialmente para la muestra del novelista y crítico cultural estadounidense Gary Indiana (“La caída de la casa del Ratón Mickey”) y del escritor y filósofo británico John Gray ("El sueño electrográfico"). Los ensayos son acompañados por una línea de tiempo visual con imágenes del cine, la política y la historia estadounidense, compilado especialmente por el curador. El catálogo incluye también una sección completa con la reproducción de las obras y textos breves sobre cada uno de los artistas en relación con la tesis curatorial.

    Matisse, pares y series

    05/04/2012, En el Centro Pompidou de París se presenta hasta el 18 de junio la muestra Matisse, pares y series. Luego viajará a Copenhague y Nueva York.

    París, 4 de abril de 2012

    Del Siete de marzo al 18 de junio, el visitante del centro de arte parisino puede ver en “Matisse. Pares y series” uno de los aspectos más singulares de la obra de Enrique Matisse: el ensayo sobre el mismo tema, del mismo motivo, que le permite a Matisse investigar sobre la misma pintura, a veces con renovaciones parciales, marcados por el dibujo o los colores.

    . La exposición reúne una selección excepcional de obras maestras que provienen de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas en el mundo: sesenta pinturas, así como una treintena de dibujos, a veces reunidos y confrontados por primera vez desde la época de su creación.

    Es todo obra del artista que permite descubrir así, con sus interrogaciones, sus rupturas y cambios, sus avances. La exposición invita al visitante a comprender como su trabajo contribuyó a crear y nutrir la pintura moderna, interrogando sin cesar la representación, la noción de realismo, la relación entre el dibujo y el color, entre la superficie y el volumen, entre la interioridad y el exterior.

    Estudiando nuevos procesos creativos, rexaminando cada uno de sus avances plásticos, Matisse se nos presenta como un pensador profundo de la forma.

    Del método puntillista al cual Matisse se ejercita en verano de 1904 -Luxe, Calme et Volupté et Le Goûter se encuentran excepcionalmente reunidos para la ocasión- a los ambiciosos “papiers découpés” de los años cincuenta - la serie célebre Nu bleu de 1952 - pasando por el conjunto de dibujos de Temas y variaciones, los grandes períodos del pintor son representados en un trayecto cronológico.

    La exposición permite así una nueva perspectiva del génesis de cada obra presentada.

    Esta exposición está organizada por el Centro Pompidou, en colaboración con la National Gallery de Dinamarca, Copenhague. y el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York. Se presentará del 14 de julio al 28 de octubre de 2012 Copenhague y del 4 de diciembre de 2012 al 17 de marzo de 2013, en el MOMA de Nueva York.

    El catálogo Matisse. Pares y series está publicado por las el Centro Pompidou, bajo la dirección de Cécile Debray, comisario de la exposición y conservador del Museo nacional de arte moderno.

    La exposición del Tricentenario se prorroga hasta finales de abril

    03/04/2012, La exposición Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia se prorroga dos semanas más. Una última oportunidad para sus visitantes de contemplar los grandes tesoros de la BNE.

    La exposición, que se abrió al público el pasado 13 de diciembre en la sala Recoletos, ha tenido hasta ahora más de 55.500 visitantes. Centenares de personas pasan diariamente por la Sala Recoletos de la BNE para conocer la historia, el día a día y el futuro de la institución cultural pública más antigua del país.

    Un recorrido por más de 240 obras, entre las que están los Códices Madrid de Leonardo Da Vinci, el manuscrito de Las siete partidas de Alfonso X el Sabio, Las Cantigas de Santa María, el Breviario de Isabel la Católica, el Beato de Liébana, el manuscrito Cosmographia de Ptolomeo, una primera edición de El Quijote, grabados de Goya, Velazquez, Durero o Rembrandt, mapas, fotografías, carteles, partituras…

    Una de las novedades de la muestra es la posibilidad de bajarse (de manera gratuita) una aplicación específica en AppStore y en Android, donde se amplían los datos de la exposición. Por otro lado, también se ha creado un código QR para poder ir directamente a la visita guiada de la exposición.

    Castellón, sus fiestas y sus gentes

    03/04/2012, El artista Pepe Mora presenta una exposición en Benicàssim que tiene fines solidarias, ya que parte del dinero recaudado se destinará a los enfermos de Alzheimer.

    El pintor y miembro de Amart Pepe Mora recala en Benicàssim para presentar su última serie pictórica y de indumentaria ‘Castellón sus fiestas y sus gentes’ coincidiendo con la festividad de la Semana Santa. Además de los temas dedicados a las fiestas fundacionales de la capital de La Plana, Mora ha incluido algunos trabajos inspirados en los paisajes y monumentos del municipio benicense.

    La muestra podrá visitarse hasta el próximo 15 de abril en la sala de exposiciones del teatro municipal. Mora, nacido en Viver pero afincado en Castellón, tiene con la festividad de la Magdalena una relación muy estrecha desde hace décadas. Desde hace algunos años Pepe Mora se ha volcado en su afición a la pintura donde ha plasmado los temas más recurrentes del programa festivo.

    En esta exposición se pueden contemplar cuadros de técnica mixta dedicados a la romería, la ‘Encesa de gaiates’, la Ofrenda a la Mare de Déu del Lledó, la traca, el mundo de la pirotecnia y grupos de castelloneras. Una vez más Mora ha contado con la colaboración de Alejandrina Pitarch que ha cedido para la muestra indumentaria costumbrista. Los guiños a Benicàssim son reconocibles en parajes naturales como el Desert de les Palmes o monumentos como el Torreón, las torres vigía o las villas del Voramar.

    Peligro para Tombuctú

    03/04/2012, La Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, expresó hoy su preocupación por el riesgo que corre el sitio del patrimonio mundial de Tombuctú, al norte de Mali, debido a los combates en ese país.

    París, 3 de abril de 2007

    Según fuentes de la UNESCO, Bokova recordó la obligación, internacionalmente reconocida, que los países tienen de salvaguardar su patrimonio en tiempos de guerra: “Pido a las autoridades de Mali y a las facciones en guerra que respeten el patrimonio del país y el compromiso que tienen con él como firmantes de la Convención del Patrimonio Mundial de 1972.

    “Las mezquitas de Djingareyber, Sankoré y Sidi Yahia son valiosas muestras de la arquitectura de adobe que deben salvaguardarse. Al igual que los 16 cementerios y mausoleos que alberga Tombuctú, son esenciales para la preservación de la identidad del pueblo de Mali y de nuestro patrimonio universal, agregó la Directora General.

    Inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial en 1988, el sitio fue testigo de la edad de oro que Tombuctú vivió en el siglo XVI y de una historia que se remonta hasta el siglo V de nuestra era.

    Según la Convención de 1954 para la protección de los bienes culturales en caso de conflicto armado y sus protocolos, las facciones deben abstenerse de utilizar o dañar sitios del patrimonio cultural en tiempos de guerra.

    Según informes recientes, facciones rebeldes han penetrado en el sitio y disparado. Además de Tombuctú, Mali posee otros sitios inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial: las ciudades antiguas de Djenné, los Farallones de Bandiagara (País de los dogones) y la Tumba de Askia.

    Buena noticia para el lince

    01/04/2012, Un año después de entrar en funcionamiento el Centro de Cría en Cautividad del Lince Ibérico de Zarza de Granadilla (Cáceres), llegaron buenas noticias: el primer parto.

    Cáceres, 1 de marzo de 2012

    El 28 de marzo de 2011 se inauguraron las instalaciones, tras invertir 5,6 millones de euros, en una iniciativa que contó con la cofinanciación comunitaria del Fondo Europeo de Desarrollo Regional (Feder).

    El centro está ubicado en la finca “Las Correderas”, tiene 450 hectáreas de extensión, y las instalaciones disponen de tres módulos independientes destinados a usos clínicos, de oficina y de cría de cachorros. Además, cuenta con un área de cuarentenas para que los animales recién ingresados se aclimaten, con un edificio adicional para las actividades más ruidosas y con 16 recintos de jaulones.

    El Centro de Cría en Cautividad del Lince Ibérico de Zarza de Granadilla, que forma parte de la red de centros de cría encuadrada bajo el marco de la Estrategia Nacional para la Conservación del Lince Ibérico, recibió el pasado 16 de marzo de 2011 los primeros ejemplares de este felino considerado el más amenazado del mundo.

    El estado español y distintas comunidades autónomas están realizando grandes esfuerzos para evitar su desaparición. En este sentido, destaca la reintroducción, una técnica de conservación para especies amenazadas de extinción. El Programa de Conservación Ex-situ se plantea como un esfuerzo multidisciplinar y solidario, integrado dentro de la Estrategia Nacional para la Conservación del Lince Ibérico, y en el que colaboran entidades autonómicas, nacionales e internacionales.

    Las tres metas principales del programa de cría consisten en asegurar la conservación del material genético de la especie, crear nuevas poblaciones de lince ibérico a través de programas de reintroducción y tener un reservorio de población cautiva por si ocurriera algún incidente que conllevara la extinción de las poblaciones silvestres.

    Con la apertura de este nuevo centro de cría en Zarza de Granadilla, ya funcionan tres centros en España (los otros dos son El Acebuche, en Huelva, y La Olivilla, en Jaén) y otro en Portugal (Sintres), con el objetivo de salvar al lince.

    Justamente un año después de la inauguración oficial, se dio a conocer que en el centro habían nacido ya trees cachorros. En la madrugada del pasado 24 de marzo, la lince Fárfara había dado a los tres primeros cachorros de lince ibérico. Tanto para Fárfara como para Génesis, el macho que copuló con ésta, ha sido el primer año como reproductores.

      Hembra primeriza, ha sorprendido por su tranquilidad e instinto maternal desde el primer momento, cuidando perfectamente de sus cachorros. Encamada en el cajón de habitación paridera, no se separó de ellos hasta pasadas 40 horas, cuando salió a beber y comer. Continúa hasta ahora de la misma manera, pasando escasos momentos en el exterior del cajón y siempre pendiente de las crías.

      El centro, dependiente del Organismo Autónomo de Parques Nacionales del ministerio de Agricultura está gestionado por TRAGSATEC. La semana que viene se realizará el test para el diagnóstico de gestación de Fábula, la otra hembra que copuló en este centro esta temporada y para la que estaría previsto el parto a mediados de abril. El resto de hembras del centro son jóvenes de un año de edad, por lo que no se consideró oportuno emparejarlas este año.

    Dibujo itinerante en América Latina

    31/03/2012, La escuela peripatética: dibujo itinerante en América Latina, se presenta del 28 de marzo al 4 de junio de 2012, en Bogotá, museo de Arte del Banco de la República,

    Bogotá, 31 de marzo de 2012

    La exposición reúne obras de nueve artistas latinoamericanos (Brígida Baltar, Tony Cruz, Raimond Chávez, Gilda Mantilla, André Komatsu, Mateo López, Jorge Macchi, Ismael Randall y Nicolás Paris) que adoptaron el nomadismo como una estrategia para explorar la vida contemporánea de su continente y al dibujo como una herramienta eficaz para darle forma a las experiencias, personas y lugares que encontraron durante su recorrido.

    La escuela peripatética: dibujo itinerante en América Latina, comiosariada por Tanya Barson, estará abierta en el segundo piso del Museo de Arte del Banco de la República.

    Las obras exploran la idea del paisaje, sea urbano o rural, y las maneras como nos movemos en él. Son artistas que a menudo emprenden viajes o acogen residencias como una forma de nomadismo estético, buscan desplazarse (ya sea por el barrio, la ciudad, o el continente entero), adentrarse y vivir los territorios (sean selvas, montañas, desiertos o pampas) mientras registran sus experiencias con dibujos. Acciones que evocan la deambulación metropolitana de los surrealistas, los borgianos y los situacionistas.

    Su exploración también alcanza al dibujo en sí mismo: pensar sus parámetros y posibilidades. En estas obras son evidentes las búsquedas de estrategias no convencionales para “dibujar”, por ejemplo, aquellas donde el papel se convierte en un objeto escultórico, las líneas se vuelven videos, o donde el dibujo se desplaza de los soportes establecidos para vincularse al espacio.

    La exposición

    La exposición, que antes de su exhibición en Bogotá se presentó en el Darwing Room de Londres, incluye –entre otras obras- Flora del Sertão (2008) de Brígida Baltar, una “replica”de un patrón vegetal de un piso de baldosas que Baltar reproduce en tierra (de ladrillos rojos de la casa que habitó en Río de Janeiro) por medio de stencil.

    Dibujando América(2005-2008), de Raimond Chávez y Gilda Mantilla, es una serie de dibujos realizados antes, durante y después de varios viajes por diferentes lugares de América Latina, en palabras de los autores es “un retrato subjetivo del continente”.

    Diarios de un hombre errante (2011) de Mateo López, es una instalación que simula el estudio de un artista viajero, lleno de dibujos y objetos que hablan de los intereses y las actividades que encontró en su camino.

    Por su parte Jorge Macchi y André Komatsu exploran, a partir de series de dibujos, sus ciudades de origen, Buenos Aires y Sao Pablo respectivamente. Macchi con obras inspiradas en la literatura de dos de los más grandes escritores bonaerenses: Jorge Luis Borges y Julio Cortazar, y Komatsu con un trabajo un tanto irónico y absurdo que devela los entornos arbitrarios, caóticos y un tanto surrealistas de su megalópolis.

    En Bogotá, además, se exhibe una selección de dibujos de viajeros del siglo XIX que hacen parte de la Colección de Arte del Banco de la República. Obras de gran complejidad y detalle, en su mayoría elaboradas durante expediciones científicas, que registran la topografía, la flora y la fauna, los pueblos, las costumbres y los trajes, las sociedades y la arquitectura, que estos viajeros/dibujantes se fueron encontrando en el camino. Será un diálogo entre dibujos del siglo XIX y del siglo XXI, una posibilidad para generar debates y propiciar análisis sobre el paisaje y las formas de representar el territorio

    Marcel Dzama en el CAC

    31/03/2012, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta Con razón o sin ella/With or Without Reason del artista canadiense Marcel Dzama, del 30 de marzo al 17 de junio.

    Málaga, 31 de marzo de 2012

    La exposición comisariada por Fernando Francés es la más importante hasta la fecha del artista en España, ya que se han reunido cincuenta piezas que repasan el trabajo más reciente de Dzama, algunas inéditas, y un diorama que se compone de más de trescientas figuras de cerámica, la obra más grande que ha realizado nunca.

    Sus conocidos dibujos, dioramas de papel, collages, pinturas, esculturas y su último vídeo completan la exposición.

    “Me gusta cuando todo se conjuga para crear algo misterioso y mitológico” cita textualmente Marcel Dzama (Winnipeg, Manitoba, Canadá, 1974). El artista crea un mundo fantástico a partir de figuras que recrean un espacio más cerca de algo soñado que de la propia realidad. Con elementos reconocibles, en sus dibujos plantea ambientes cargados de símbolos que hacen referencia a la violencia y a la guerra, bien sea por el uniforme militar que visten sus figuras, o por coreografías cuyos bailarines portan armas.

    La paleta de colores apagados sobre fondo de papel en blanco pasa por el rojo, marrón, verde, caqui, gris y negro. Dzama interpreta y reinterpreta personajes infantiles, vuelca sus miedos y pesadillas en sus obras.

    Entre las piezas que componen la exposición están las esculturas de cerámicas realizadas en Guadalajara (México), ciudad a la que está muy unido el artista y en las que pasa largas temporadas trabajando. Estas cabezas de cerámicas y hojalata son obras inéditas que verán la luz por primera vez en Málaga. En cuanto al vídeo A Game of Chess (2011), los personajes que aparecen se reconocen en otras de sus obras. El vestuario y la coreografía también los ha diseñado el propio artista. El ajedrez deja de ser un simple juego para convertirse en una historia en la que todos los personajes van muriendo poco a poco. El propio artista ha declarado en más de una ocasión que estar continuamente escuchando noticias sobre guerras, violencia y muerte acaba influyendo en su obra.

    Otra de las piezas clave de esta exposición es el diorama ‘On the Banks of the red river’ (2008), que fue el primero que realizó y que marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Con más de trescientas figuras, está realizado de madera, esculturas de cerámica y metal. El diorama recoge las versiones en cerámica de personajes anteriormente representados en sus dibujos y collages.

    La influencia del dadaísmo está presente en su trabajo a través de la danza, con referencias a Duchamp y al Ballet Triádico de Oskar Schelemmer. Entre los clásicos, Goya es otro de los referentes para Dzama, hasta tal punto que para el título de la exposición (Con razón o sin ella/With or Without Reason) está inspirado en el trabajo del pintor español y cómo interpretaba que es la ausencia de razón la que lleva al ser humano a la guerra. Tampoco es casualidad que el artista recurra al español para titular o incluir frases en sus collages, ya que conoce la poesía de Lorca y ha leído textos del mexicano Juan Rulfo.

    Marcel Dzama es un artista multidisciplinar. Su trabajo ha ilustrado portadas de discos, como Guero de Beck o Reconstruction Site de The Weakerthans y The Else por They Might Be Giants, entre otros. También ha formado parte de vídeos musicales  como “When the Deal Goes Down” de Bob Dylan o “No One Does It Like You” de Departament of Eagles, vídeo que también codirigió y “The People Tree” de N.A.S.A.

    Marcel Dzama nació en Canadá en 1974, donde también llevó a cabo sus estudios universitarios. Actualmente, vive y trabaja en Brooklyn. Entre sus exposiciones individuales más recientes destacan las de 2011 en el el Gemeentemuseum, en Holanda y la de Kunstverein Braunschweig en Alemania. En 2010, tuvo lugar la mayor exposición individual hasta el momento del artista en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal en Canadá. Otras exposiciones importantes son las de la Pinacoteca de Arte Moderno en Múnich (2008), la de la Ikon Gallery en Birminngham en Inglaterra (2006) y la de Le Magasin, en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Grenoble en Francia (2005).

    El trabajo de Dzama también forma parte de las colecciones permanentes de galerías y museos de todo el mundo, como las de la Galería de Arte Corcoran en Washington, el Museo de Arte de Dallas, el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Tate de Londres y la Gallería de Arte de Vancouver.

    En la pasada edición de ARCO Madrid, el artista canadiense recibió el premio de la comunidad por el diorama Rebellion lay in her way (2011), obra que forma parte de la exposición del CAC Málaga.

    Rechazan turismo masivo en área UNESCO

    28/03/2012, Más de 83.000 personas han respaldado en dos semanas la petición de salvar Cabo Pulmo, en México, del turismo masivo.

    México 28 de marzo de 2012

    Se trata de un solitario punto del extremo sur de la península de California, que está incluído en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

    Activistas de Greenpeace desplegaron una inmensa pancarta frente al Palacio Nacional, en la plaza del Zócalo de México DF, para exigir al presidente la cancelación inmediata y definitiva de los permisos concedidos a Cabo Cortés, de la empresa española Hansa Urbana. Los activistas fueron detenidos por la Secretaría de Seguridad Pública y posteriormente liberados.

    Cabo Cortés es el mayor proyecto turístico autorizado durante la administración de Calderón, por lo que los ecologistas afirman que, si no revoca el permiso otorgado a este inmenso complejo turístico, pasará a la historia como el presidente que impuso una política de turismo depredador que destruye los ecosistemas mexicanos y que puso los intereses particulares por encima del bien común.

    Más de 83.000 personas se han sumado en solo dos semanas a la petición de salvar la reserva marina de Cabo Pulmo de los intereses del turismo. A través de la página web "Salvemos Cabo Pulmo", y en mesas de votación establecidas en más de diez ciudades mexicanas, los ciudadanos están enviando un mensaje a favor de la conservación de este paraíso, amenazado por el proyecto turístico Cabo Cortés.

    Cabo Cortés es un proyecto presentado por la empresa española Hansa Urbana y actualmente propiedad de la Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM), que está a punto de ser absorbida por el Banco Sabadell. Aprobado en 2008, pretende construir más de 27.000 habitaciones de hotel, campos de golf, puerto deportivo y otras infraestructuras.

    Se trata de una capacidad habitacional casi igual a la de todo Cancún, planeada en una zona semidesértica que tradicionalmente ha tenido muy escasa población. El proyecto pone en grave riesgo el Parque Nacional de Cabo Pulmo, un arrecife coralino protegido desde 1995, y declarado por la UNESCO Patrimonio Natural de la Humanidad. Se trata de uno de los arrecifes con mayor cobertura coralina de todo el Golfo de California.

    El Cabo Pulmo está protegido como Patrimonio Mundial de la UNESCO dentro del área Islas y áreas protegidas del Golfo de California, sitio seleccionado por el organismo internacional en el 2005.

    El sitio abarca 244 islas, islotes y zonas litorales del golfo de California.

    Según la UNESCO, el Mar de Cortés y sus islas son un laboratorio natural para el estudio de la especiación y el conocimiento de los procesos de evolución oceánicos y costeros, ya que casi todos ellos se dan en sus parajes. El sitio inscrito es de una excepcional belleza y ofrece a la vista paisajes espectaculares, en los que la cegadora luz del desierto y el color turquesa de las aguas hacen resaltar los acantilados escarpados de las islas y las playas de arena. Alberga además 695 especies botánicas y 891 ictiológicas, de las cuales 90 son endémicas. El número de especies vegetales es muy superior al registrado en los demás sitios insulares y marinos inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial. Asimismo, este sitio alberga el 39% y el 33% del total mundial de las especies de mamíferos marinos y de cetáceos, respectivamente.

    El rencuentro de las Giocondas

    28/03/2012, Después de una restauración de 18 meses reaparece en París el gran cuadro que Leonardo da Vinci dedicó a Santa Ana.

    París, 28 de marzo de 2012

    La Virgen y el Niño con Santa Ana es una de las composiciones más ambiciosas de Leonardo de Vinci. Fruto de una meditación larga que ocupó los veinte últimos años de la vida del maestro, este cuadro, célebre desde el génesis de su diseño, levanta todavía muchas interrogaciones sobre su encargo, su elaboración o incluso su historia.

    Recientemente varios descubrimientos históricos y científicos han dado indicaciones preciosas, pero sin aclarar no obstante todas las dudas.

    La exposición tiene el objetivo de concretar el entorno apasionante de esta obra maestra por fin restaurada, reuniendo, por primera vez desde la muerte del artista un conjunto de elementos vinculados a la misma.

    Ciento treinta obras son presentadas ahora, entre las que están los préstamos excepcionales del cartón de Burlington House de National Gallery de Londres y el de veintidós dibujos que pertenece a la Colección de la Reina Isabel II, permitiendo explorar el camino intelectual y artístico que condujo a Leonardo a este legado artistico, cuya influencia fue considerable en la evolución de las artes, desde principios del siglo XVI al siglo XX.

    La génesis lenta y compleja del cuadro de Santa Ana, dejado inconcluso a la muerte del artista en 1519, es vuelta a trazar en la exposición mediante la reunión excepcional de documentos de archivo, esbozos de composición, dibujos preparatorios, estudios de paisaje y versiones de taller mostrando las diferentes soluciones formales e iconográficas sucesivamente contempladas por Leonardo. La presentación de otras obras pintadas en la misma época por Leonardo de Vinci permite mostrar que Santa Ana es el resultado real de las investigaciones múltiples y diversas del artista sobre la naturaleza y el arte.

    Con el fin de dar dimensión al carácter innovador de esta obra, la exposición se relaciona con la tradición iconográfica ligada a su sujeto (la Trinidad de Santa Ana) y se interesa por la resonancia que tuvo inmediatamente sobre el arte italiano.

    Los homenajes más recientes que le rindieron Delacroix, Degas o Max Ernst demuestran la influencia perdurable de esta obra maestra.

    La restauración de La Virgen y el Niño con Santa Ana es llevada a cabo desde junio de 2010, permitió devolver a la obra una legibilidad dañada por las alteraciones de numerosos repintados y la superposición de capas superpuestas espesas y desiguales de barniz.

    Al mismo tiempo que se destaca la increíble técnica pictórica de Leonardo, el cuadro encuentra una profundidad y un relieve casi escultural, con su paleta intensa de azul lapislázuli que juega sobre lacas rojas, de gris y de pardos vibrantes.

    En el marco de esta exposición, se incluyen otros trabajos, entre ellos la Gioconda de Madrid, realizada en el taller de Leonardo, recientemente redescubierta al retirar capas de pintura negra.

    La obra radiante de la Gioconda de Madrid proporciona no sólo la belleza leonardiana recién recuperada, sino también un interrogante que algún día se desvelará:

    ¿Cómo son los colores que hay realmente debajo de la capa amarillenta de la Gioconda del Louvre?

    La muestra está en el museo parisino, del 29 de marzo al 25 de junio de 2012. Comisario de la exposición: Vincent Delieuvin, conservador en el departamento de las Pinturas, el museo del Louvre.

    El Patrimonio de la humanidad

    27/03/2012, La editoriar Blume presenta un libro con descripciones y mapas de localización de los novecientos trenta y seis sitios declarados Patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

    La famosa Lista del Patrimonio Mundial incluye 936 sitios en 153 países de todo el planeta. Durante 40 años, la Convención y su Lista se han confirmado como herramientas de incalculable valor para fomentar la identificación, protección y conservación del patrimonio cultural y natural en todo el mundo, considerado de valor extraordinario para la humanidad.

    Esta guía única contiene información de cada uno de los sitios Patrimonio de la humanidad, que incluye desde los lugares más famosos del mundo a otros menos conocidos. Desde la antigua ciudad nabatea de Petra en Jordania, pasando por la legendaria Acrópolis de Atenas, hasta la pequeña localidad de El Jem, en Túnez, donde se halla el coliseo más grande de áfrica.

    Sitios escogidos por un comité intergubernamental electo de 21 miembros en base a una serie de criterios que van desde su importancia en la historia de la humanidad hasta su aportación de un testimonio único de una tradición cultural, pasando por los fenómenos naturales superlativos o de gran belleza, o que constituyan ejemplos notables representativos de procesos ecológicos o biológicos eminentes.

    La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) nació el 16 de noviembre de 1945. El objetivo de la Organización es construir la paz en la mente de los hombres mediante la educación, la cultura, las ciencias naturales y sociales y la comunicación. La Organización también desempeña un papel de centro de intercambio de información y conocimiento.

    La Vanguardia Aplicada

    27/03/2012, La Fundación Juan March presenta una historia visual del impacto de los ideales de la vanguardia histórica en los ámbitos de la tipografiá y el diseño gráfico.

    Madrid, 27 de marzo de 2012
    La exposición "La Vanguardia Aplicada, 1890-1950", estará en la Fundación Juan March de Madrid del 30 marzo al 1 julio. Con más de 700 obras -entre diseños originales, fotomontajes, libros, revistas, carteles, postales, folletos, maquetas y bocetos preparatorios-, la muestra presenta la historia visual del impacto de los ideales de la vanguardia histórica en los ámbitos de la tipografía y el diseño gráfico, desde sus antecedentes en la última década del XIX y durante la primera mitad del siglo XX.

    Antes de que en el siglo XVIII advinieran las estéticas modernas y, con ellas, la autonomía de las bellas artes, puede decirse que todo arte fue, originariamente, "diseño", es decir, arte "aplicada" a una función. Las artes, en efecto, han sido históricamente "artes aplicadas" a las más diversas funciones: religiosas, políticas, sociales... desde el culto y la celebración, la representación del poder, la religión o la riqueza hasta la decoración y el descanso.

    Más adelante, algunos movimientos nacidos entre finales del XIX y principios del XX como la Secession vienesa o el movimiento "Arts and crafts" y, sobre todo, las vanguardias históricas -desde el futurismo y la Bauhaus al neoplasticismo, pasando por el constructivismo-, supusieron no solo una acentuación de la moderna autonomía del arte, sino también un intento generalizado y radical de volver a llevar el arte a todas las esferas de la vida, ésta vez no tanto para representarla u ornamentarla como más bien para transformarla y configurarla desde el ideal de lo nuevo.

    La Vanguardia quiso devolver el arte y su poder transformador al ámbito político y social, al mundo doméstico y al de la decoración y también a los textos del libro, la revista y el cartel, vehículos para la difusión de las ideas, de los que nunca había salido del todo, pero del que las estéticas y políticas del arte puro, el esteticismo y el ideal de l`art pour l`art le habían alejado.

    Las obras de esta muestra provienen de dos importantes colecciones internacionales especializadas en diseño y tipografía de vanguardia, que por su criterio en la selección de obra y su amplitud pueden considerarse de rango museístico: la del estadounidense Merrill C. Berman y la del santanderino José María Lafuente.

    El Rainbow Warrior en la Amazonia

    26/03/2012, En un acto en la Amazonia, a bordo del Rainbow Warrior, Greenpeace se unió a la sociedad civil y a líderes de comunidades en demanda de una Ley de Deforestación Cero.

    Rio de Janeiro, 25 de marzo de 2012

    La iniciativa busca 1.400.000 firmas de brasileños para conseguir esta ley que acabe definitivamente con la destrucción de la Amazonia.

    El Rainbow Warrior, buque insignia de Greenpeace, inicia una expedición desde el corazón de la Amazonia y bajará por la costa de Brasil hacía Río de Janeiro. El barco zarpa tres meses antes de que se centre la atención mundial en la presidenta Dilma, que será anfitriona de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Desarrollo Sostenible en Río de Janeiro.

    La expedición documentará casos de deforestación, destacará ejemplos de soluciones sostenibles y se recabarán apoyos de votantes para la ley de Deforestación Cero.

    "Actualmente, Brasil es la sexta economía más grande en el mundo, el mayor exportador de carne y el segundo de grano. Este hecho coincide con años consecutivos de una bajada en la deforestación en la Amazonía", ha afirmado Kumi Naidoo, director ejecutivo de Greenpeace Internacional a bordo del Rainbow Warrior. "Brasil debe ser el referente de desarrollo sostenible sin destrucción forestal para otros países con importantes bosques, como Indonesia y el Congo".

    "Brasil podría ser un ejemplo de potencia económica que sigue creciendo sin destruir sus bosques. Sin embargo, iniciativas realizadas el año pasado por la presidenta Dilma y el Congreso brasileño muestran que hay un riesgo de que esto no se haga realidad", afirma Paulo Adario, director de la campaña de Amazonia de Greenpeace Brasil. "Sólo con un marco legal fuerte Brasil tendrá las herramientas necesarias para continuar luchando contra la deforestación."

    Código Forestal

    La propuesta de ley es una iniciativa que comenzó con una amplia oposición pública a la reforma que el Gobierno ha propuesto al Código Forestal. Esta reforma está influenciada por el sector agropecuario. La selva amazónica brasileña actualmente se encuentra presionada por los ranchos de ganado, el sector agrario, las madereras y los proyectos de grandes infraestructuras que amenazan la actual normativa que ha ayudado a proteger los bosques de Brasil durante años.

    La cuenca amazónica cubre un área aproximada de 6,5 millones de kilómetros cuadrados, lo que comprende el 5% de la superficie de la Tierra. Alberga el mayor río del planeta, con cerca de la quinta parte del volumen total de agua dulce del mundo. Los efectos de la deforestación y el cambio climático en la Amazonia amenazan con llevarla a un punto de no retorno en el que se transformaría en sabana al final de este siglo.

    El viaje del águila

    26/03/2012, El águila calzada, una rapaz de mediano tamaño, es una de las aves migratoria que pasan los inviernos en África. SeoBirdlife ha espiado sus movimientos, sobre dos continentes.

    Madrid, 26 de marzo de 2012

    Esta ave, de tonos marrones y blanquecinos, se alimenta de mamíferos pequeños, avecillas, lagartos… y habita en terrenos en los que alterna el bosque y el matorral, en espacios de Asia, Europa y África.

    SeoBirdlife marcó el año pasado a seis ejemplares con emisores satélite GPS, y ha controlado sus movimientos por la Península Ibérica y África, en un programa realizado en colaboración con la Fundación Iberdrola destinado a conocer las migraciones de las aves.

    El objetivo del mismo es averiguar las fechas de inicio y fin de sus migraciones, los lugares de parada y puntos de alimentación, el tiempo que tardan en realizar esos viajes, si se repiten en la migración primaveral y otoñal, las principales áreas de invernada y dispersión, y si las rutas son iguales año tras año.

    En España, en 2012 se marcaron seis ejemplares, cuatro fueron por personal de SEO/BirdLife y otras dos por expertos de la Junta de Extremadura, que colabora en este programa. Los dispositivos empleados para su seguimiento registran la localización geográfica del ave y quedan disponibles vía web, prácticamente en tiempo real y con gran precisión.

    El impresionante viaje

    A mediados de septiembre de 2011 las águilas calzadas abandonaron sus zonas de reproducción en España para comenzar su migración anual hacia África. Tras unos 20 días de viaje atravesando el estrecho de Gibraltar y el desierto del Sahara llegaron a sus áreas de invernada en el África subsahariana a principios de octubre.

    Han pasado los meses de invierno a más de 3.000 kilómetros de sus nidos, concretamente en Mali, Mauritania, Níger, Nigeria, Sierra Leona y Guinea.

    A mediados de marzo de este año las seis águilas calzadas han comenzado ya su vuelta a las zonas de cría. Alguna de ellas se encuentra en este momento sobrevolando el desierto del Sahara en su regreso a casa y su viaje de vuelta se puede seguir día a día en la página web del programa La Migración de las Aves www.migraciondeaves.org

    Programa pionero

    Gracias a este programa pionero en el mundo se podrán conocer con detalle los movimientos de la mayoría de las aves que visitan en algún momento España, sus rutas migratorias y zonas de invernada. Se sabe que el declive de muchas especies de aves puede deberse a problemas en estas zonas, por lo que su conocimiento es prioritario para su conservación.

    De momento las águilas calzadas continúan aún su viaje y en breve desvelarán por dónde volverán a sus nidos. En pocos días completarán su migración y se podrá conocer un ciclo completo de la vida de cada uno de los ejemplares marcados. Pero el viaje continúa. Los emisores funcionarán aproximadamente cuatro años y facilitarán información hasta ahora no disponible sobre la vida de esta especie y su migración a África.

    SEO/BirdLife, organización decana de las ONG de conservación de la naturaleza en España, con más de 50 años de actividad ininterrumpida, cuenta en la actualidad con más de doce mil socios que respaldan hoy su labor y colaboran en sus actividades. La Fundación Iberdrola, por su parte, centra su actividad en tres grandes áreas de actuación: avance hacia un modelo energético sostenible, desarrollo cultural de los países en los que el Grupo Iberdrola desempeña su actividad y cooperación al desarrollo y solidaridad.

    Castillos en el aire

    23/03/2012, Hasta el 23 de julio de 2012, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la muestra "Castillos en el aire", del artista de origen alemán, Hans Haacke.

    Hans Haacke está considerado pionero y uno de los principales representantes de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años sesenta. Su trabajo explora los mecanismos de construcción y transmisión del poder a través de la institución como estructura reguladora de todas las dinámicas económicas, artísticas, políticas y sociales.

    A lo largo de 2011, Hans Haacke (Colonia, 1936) ha estado trabajando en un nuevo proyecto que aborda las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria, desde el mercado y los efectos de la globalización, hasta las relaciones entre arte y poder.

    Otros trabajos a destacar de la muestra son aquellos que hacen referencia a los mecanismos de representación, para los que el artista se sirve de los gráficos que usa la sociología o el urbanismo. Estas piezas de investigación, resueltas con simplicidad minimalista y gran eficacia visual, estudian la relación entre perfiles demográficos e ideológicos/económicos.

    La exposición se cierra con una serie de obras que aluden a la crisis actual, y presenta una obra a la que Haacke ha recurrido en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera, un cúmulo de tierra donde crece la hierba que funciona como contrapunto orgánico a los flujos económicos, sociales y políticos en los que se centra la obra de Haacke.

    David Hockney en el Guggen

    21/03/2012, Del 15 de mayo al 30 de septiembre de 2012 se presenta en Bilbao, en el Guggenheim, una gran muestra sobre David Hockney, el mayor paisajista británico de nuestro tiempo.

    Bilbao, 21 de marzo de 2012

    Son comisarios de la muestra bilbaםna Edith Devaney, comisaria de proyectos de arte contemporבneo de la Royal Academy of Arts, Londres, y Marco Livingstone, comisario independiente.

    Organiza esta exposiciףn la Royal Academy of Arts en colaboraciףn con el Museo Guggenheim Bilbao y el Museum Ludwig de Colonia. Su tםtulo, “David Hockney: una visiףn mבs amplia”

    Se trata de la primera gran muestra dedicada en Espaסa sobre el papel que el paisaje desempeסa en la trayectoria de este artista, y el nתcleo de la exposiciףn corresponde a paisajes inspirados en Yorkshire, su condado natal, realizados a partir del aסo 2004.

    En conjunto, se exhiben cerca de 190 trabajos —pinturas al ףleo, carboncillos, dibujos realizados con iPad, cuadernos de bocetos y vםdeos digitales—, la mayorםa de ellos llevados a cabo en los תltimos ocho aסos. La exposiciףn ofrece una visiףn תnica del universo creativo de Hockney y evidencia su relaciףn emocional con el paisaje de su juventud.

    Una selecciףn de trabajos, desde 1956 —durante sus dםas de estudiante en Bradford—, hasta 1998, contextualiza sus תltimos paisajes, y revela la temprana preocupaciףn de Hockney por la representaciףn del espacio, el uso del color y el tratamiento de la perspectiva para reflejar el mundo natural.

    Asם, una de las grandes salas acoge obras tempranas de Hockney, provenientes de diferentes colecciones internacionales pתblicas y privadas, realizadas por el artista a finales de los aסos cincuenta, cuando aתn era de estudiante: Flight into Italy – Swiss Landscape, 1962, una estilizada representaciףn de las cimas alpinas. Junto a ellas se exhiben dos de sus famosos collages fotogrבficos de los ochenta como Grand Canyon Looking North, Sept. 1982 y Pearblossom Highway, 11–18 April 1986.- 1, una obra donde una carretera guםa al observador hacia el cuadro, poniendo de relieve la experimentaciףn de Hockney en torno a la perspectiva y a la representaciףn del espacio pictףrico en el Cubismo.

    El este mismo espacio de paredes curvilםneas lucen sus dos pinturas del Gran Caסףn, realizadas en el aסo 1998, entre las que se encuentra el espectacular paisaje de mבs de siete metros de largo. Del mismo aסo es Garrowby Hill, 1998, una obra creada de memoria en su estudio a partir de la evocaciףn tras su vuelta a Yorkshire en el aסo 1997 para pasar tiempo junto a su amigo Jonathan Silver, que se encontraba en fase terminal de una enfermedad, y que siempre le habםa apoyado en su carrera. En el camino entre la casa de su madre y el lecho de muerte de su amigo en la localidad de Wetherby, el artista se rencuentra de nuevo con los paisajes de su juventud, y empieza a sentir por ellos un profundo interיs y un gran afecto por sus elementos caracterםsticos.

    Paisajes recientes

    A lo largo de las salas clבsicas del Museo, punto de arranque del recorrido por la exposiciףn, se exhiben seis conjuntos de obras, creados entre 2005 y 2009, que revelan la profunda curiosidad y la energםa de Hockney a la hora de valerse de las distintas posibilidades de representar el paisaje, tanto cuando pinta del natural como cuando utiliza sus recuerdos y su imaginaciףn en el estudio. Como el propio artista afirma “vemos psicolףgicamente” a travיs del filtro de nuestros recuerdos personales.

    La primera sala acoge una amplia serie de ףleos y acuarelas de pequeסo formato creadas por el artista en los aסos 2004 y 2005 del natural, tras la publicaciףn en 2001 de El conocimiento secreto: el redescubrimiento de las tיcnicas perdidas de los grandes maestros, una publicaciףn que recogםa su hipףtesis de la enorme influencia que la visiףn a travיs de la cבmara tuvo en la pintura desde el siglo XV.

    Cuando volviף a la pintura tras este perםodo de investigaciףn, Hockney rechazף la influencia de la cבmara deliberadamente y saliף al campo para pintar directamente lo que veםa. Fue un perםodo prolםfico en el que el artista captף numerosas escenas de los paisajes de Yorkshire como Path Through Wheat Field July, 2005, Woldgate, 27 July 2005 o Friday thorpe Valley, August 2005, que pueden contemplarse en esta primera sala. Junto a sus acuarelas y ףleos se exhibe la representaciףn de una pequeסa pista forestal a la que el artista se refiere como “el tunel”, sito en el Este de Yorkshire. La carretera o camino es un motivo recurrente en sus paisajes recientes y es tambiיn una reminiscencia de alguna de sus primeras pinturas.

    El compromiso emocional del artista con el pasaje de su niסez y juventud queda tambiיn patente en las series de obras The Woldgate Woods y Thixendale Trees, creadas entre los aסos 2006 y 2008, y expuestas en la segunda sala clבsica del Museo. En ambos grupos de obras, Hockney emplea la disciplina del trabajo en el contexto de una serie y, al hacerlo, centra su atenciףn en las condiciones cambiantes del paisaje y en las sutiles modulaciones de la luz.

    La תltima sala muestra una representaciףn del ciclo de la naturaleza al completo, por medio de una serie de obras creadas por Hockney, tanto del natural y de memoria, como en el estudio a partir de su imaginaciףn: desde el grupo llamado Hawthorn Blossom, donde anticipa la llegada de la primavera por medio del florecimiento del espino blanco, hasta la serie Trees and Totems, en la que obras como Winter Timber, 2009, de mבs de 6 metros de ancho, muestran a los בrboles ya talados, sin vida.

    En el mismo espacio se encuentran tambiיn una pequeסa selecciףn de dibujos al carboncillo de בrboles y “tףtems” que el artista realizף directamente del natural y a los que recurriף para recrear el mismo tema en el estudio.

    La llegada de la primavera

    Dominando una de las enormes e irregulares salas del Museo se despliega la monumental La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire en 2011 ante la cual el observador siente cףmo la emociףn de esta estaciףn se expande a su alrededor. Este glorioso homenaje a la naturaleza es una instalaciףn compuesta por una gran pintura de 32 lienzos rodeada por 51 dibujos realizados con iPad e impresos sobre papel que registran la transiciףn desde el inverno hasta el final de la primavera en un pequeסo sendero de East Yorkshire, y en la cual se puede apreciar la experiencia de Hockney en el diseסo de escenografםas para ףpera.

    Las tres pinturas de Woldgate que tambiיn se exponen en esta sala fueron realizadas en el estudio, partiendo de la memoria del artista, y se detienen en lo que el propio Hockney considera como un “motivo menor”, pero en el cual se percibe una cierta sensaciףn dramבtica de la naturaleza.

    El sermףn de la montaסa

    Desde paredes de curvilםneas de otro de los mבs imponentes espacios del Museo, envuelve al espectador el deslumbrante ףleo de mבs de siete metros de largo titulado Un mensaje mבs amplio. En diciembre de 2009, durante una visita a The Frick Colecciףn en Nueva York, Hockney se sintiף atraםdo por la obra El sermףn de la montaסa, pintada en el aסo 1656 por el artista francיs Claude Lorrain. La fascinaciףn que siente por este trabajo no estriba tanto en la escena bםblica que retrata, sino en efecto espacial que su creador consigue.

    Posteriormente, el artista realizף una transcripciףn de aquella pintura a tamaסo real y, despuיs, una serie de estudios, algunos muy fieles al original y otros mבs estilizados. El proyecto culminף en el ףleo sobre 30 lienzos titulado Un mensaje mבs amplio. Aunque mucho mayor que el original, esta obra conserva la composiciףn de la de Lorrain, pero, al aplicar su propia tיcnica, Hockney transforma el tema en una pieza monumental, que trata del artificio existente en la representaciףn del espacio.

    El mismo interיs en la captaciףn del paisaje sublime que encontrף Hockney en la obra de Claude Lorrain tambiיn ha incitado al artista a tomar el Parque Nacional de Yosemite, en EE. UU. como motivo. Hockney ya conocםa esta zona de gran belleza natural, pero solo tras su prolongada concentraciףn en el paisaje de Yorkshire pensף que podrםa ser un tema apropiado para sus obras mayores. Su habilidad con el iPad le permitiף capturar velozmente la teatralidad de la luz y de las condiciones atmosfיricas, y adaptar su tיcnica para poder imprimir esas imבgenes, que representan las obras mבs recientes de la exposiciףn, a mayor tamaסo, tal y como se exhiben en este mismo espacio.

    El artista

    Nacido en Bradford en 1937, David Hockney asistiף a la Bradford School of Art antes de entrar en el Royal College of Art, donde permaneciף entre 1959–1962. Entre sus condiscםpulos se encontraban Peter Blake y R.B. Kitaj.

    La celebridad de Hockney le llegף mientras aתn estudiaba, cuando su obra fue incluida en la exposiciףn Young Contemporaries, que marcף el surgir del arte pop britבnico.

    A comienzos de los aסos sesenta visitף Los ֱngeles y poco despuיs se estableciף en aquella ciudad. Con frecuencia se le asocia al sur de California y a las numerosas obras que produjo allם a lo largo de varias dיcadas. En 1991 David Hockney fue nombrado miembro de la Royal Academy.

    David Hockney: una visiףn mבs amplia pone de relieve la curiosidad y la energםa de Hockney a la hora de adoptar las innumerables posibilidades que ofrece el arte del paisaje. Hockney trabaja del natural y a partir del recuerdo y de la imaginaciףn, con el apoyo de herramientas visuales y tecnolףgicas; su virtuosismo con diversos medios y su enfoque siempre innovador le permiten crear imבgenes que constituyen poderosas evocaciones del espacio y el paisaje y lograr “una visiףn mבs amplia”.

    Su profundo conocimiento de los maestros del pasado y la influencia de estos en su obra son igualmente evidentes en la exposiciףn, como lo demuestra el uso de la escala para ampliar la visiףn del paisaje. Por encima de todo, la muestra sitתa a Hockney sףlidamente en la tradiciףn de los grandes paisajistas britבnicos, como Constable, que suelen asociarse con un lugar particular de gran belleza natural.

    David Hockney y su proceso creativo

    Como complemento a la exposiciףn, la segunda planta del Museo acogerב varios espacios didבcticos donde los visitantes podrבn acercarse al proceso de trabajo de David Hockney.

    Un primer espacio mostrarב una serie de textos y materiales educativos sobre sus principales tיcnicas de trabajo, desde las acuarelas y la fotografםa hasta las mבs innovadoras aplicaciones para iPads.

    Completa ese espacio una muestra de los diseסos de escenografםas para ףpera, faceta presente en su producciףn desde los aסos setenta, y el audiovisual titulado “A Bigger Picture” dirigido por Bruno Wollheim. Un segundo espacio ofrecerב una extensa bibliografםa sobre el artista y su obra para consulta.

    Visiones de la india

    21/03/2012, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una selección de pinturas, grabados y manuscritos del sur de Asia que muestran la evolución de la pintura india desde el siglo XII hasta mediados del siglo XIX.

    106 piezas seleccionadas componen la muestra, con la que el visitante podrá comprobar la extraordinaria capacidad de estos artistas para adaptarse y modificar sus estilos tradicionales sin perder el carácter inconfundiblemente indio.

    Creada por Edwin Binney (1925-1986) y con cerca de un millar y medio de piezas, esta excepcional colección ofrece una visión panorámica de la historia del arte indio. Según uno de los primeros expertos en arte indio, el profesor Pramod Chandra, de la Universidad de Harvard: "Abundan en ella obras de primera calidad, por sí mismas y porque iluminan de manera excepcional las cualidades de un estilo. No conozco ninguna otra colección reunida por una sola persona en la se haya logrado ese objetivo, que tiene tanta dificultad y exige tanta reflexión".

    La pintura india presenta considerables variaciones según las regiones, épocas y estratos sociales, aunque ofrece también algunas caracterésticas comunes que se mantienen en el tiempo y en el espacio, como la ya señalada capacidad de adaptación de sus artistas y, sin duda la más sobresaliente, el detallismo y minuciosidad de su trabajo.

    El uso de pinceles extraordinariamente finos, incluso de tan solo dos pelos, y de lupas, permitía a los artistas realizar una labor prácticamente de miniatura que invita a contemplar las obras con detenimiento para poder apreciar la cantidad de detalles con que se representan figuras, fondos y paisajes. La larga dedicación a tan minucioso trabajo hacía que muchos artistas perdieran la vista a edad temprana y tuvieran que abandonar su actividad. También la continua exposición a algunos productos tóxicos de los pigmentos que utilizaban, como arsénico, plomo o mercurio, terminaba afectando a su salud.

    El trabajo en los talleres de pintura estaba organizado según los distintos niveles de especialización y maestría. Por ejemplo, en los dedicados a la iluminación de manuscritos, el maestro esbozaba primero la composición; después, los pintores noveles aplicaban las primeras capas de color y los especialistas en rostros, árboles y otros motivos añadían estos elementos; finalmente, la obra volvía a manos del maestro para darle los últimos toques. Una vez terminada, se bruñía con una piedra de ágata, lo que compactaba las diversas capas de pigmento y le proporcionaba un brillo muy especial, que es otra de las características distintivas de la pintura india.

    El trabajo de los artistas, determinado por la tradición familiar o la pertenencia a una casta concreta, solía ser anónimo. Sin embargo, en algunos casos, principalmente bajo el mecenazgo del emperador mogol Akbar (siglo XVI) y de sus sucesores, algunos pintores llegaron a destacar y su obra fue muy apreciada por los coleccionistas.

    La exposición, organizada en cuatro secciones, sigue un recorrido cronológico, empezando en el siglo XII con algunos ejemplos tempranos de la iluminación de manuscritos de estilo autóctono, hasta llegar a mediados del siglo XIX, con el traspaso del poder del Imperio Mogol al Raj, el sistema británico de administración colonial.

    Ford Madox Brown

    21/03/2012, El Museo de Bellas Artes de Gante presenta una muestra dedicada al artista Ford Madox Brown, un pionero del movimiento prerrafaelista. Hasta el próximo 3 de junio de 2012.

    Ford Madox Brown (1821-1893) es considerado como uno de los prerrafaelistas más excéntricos. Madox, uno de los artistas más representativos del movimiento inglés, centró su interés en una combinación de modernismo y compromiso social, así como de arte medieval y tradiciones religiosas.

    Esta peculiar mezcla dió lugar a la creación de obras maestras como "Trabajo" o "El íltimo de Inglaterra". Brown además firmó fantásticos paisajes, retratos y escenas históricas, que sorprenderán al público por su originalidad.

    Los mejores trabajos del artista se reúnen en esta exposición restrospectiva, compuesta por 85 dibujos, pinturas y acuarelas, y recopilada por la Manchester City Art Gallery. En Gante, la exposición se completa con obras de sus contemporáneos belgas, ya que después de todo, Brown estudió en la Academia de Brujas, Gante y Amberes antes de hacer carrera en Inglaterra.

    Israel promociona el buceo en sus aguas

    20/03/2012, Israel está intentando promocionar las actividades acuáticas en el entorno de Eilat y del Mar Muerto.

    Madrid, 20 de marzo de 2012

    La Oficina Nacional Israelí de Turismo participa por primera vez en la feria del buceo “Dive Travel Show” que tiene lugar en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid los días 24 y 25 de marzo.

    Durante este fin de semana en el que se dará cita todo el mundo del buceo, profesionales y amateurs, el departamento israelí dará a conocer la riqueza submarina de Israel (Eilat y el mar Muerto) y las últimas novedades. La ciudad de Eilat constituye una buena elección para practicar el submarinismo. Situada en el extremo sur de Israel, a orillas del mar Rojo, se halla entre irregulares montañas rojizas y aguas cristalinas acariciadas por la brisa del norte. Su clima cálido y seco todo el año atrae no sólo a turistas, sino que también alberga a multitudes de especies endémicas de corales (250) y peces de la bahía (1.200 especies).

    En Eilat se practican actividades subacuáticas de nivel internacional que se pueden combinar con otras actividades como excursiones al desierto del Negev, y disfrutar de la oferta de ocio de la ciudad.

    A destacar:entre la oferta el observatorio marino (www.coralworkd.com/eilat/eng) y el original restaurante bajo el agua “Red Sea Star”, en el que ser puede comer mientras se contemplan ciento de criaturas marinas www.redseastar.com

    Su reserva natural cuenta con un arrecife de más de 1.200 metros de longitud. Se trata del punto más septentrional del mundo en el que existen corales.

    Cuatro de los mejores lugares son:

    Los jardines japoneses, que ofrecen una hermosa inmersión de más de 40 metros con gran cantidad de peces y corales. En el punto más profundo de la inmersión, a unos 50 metros de profundidad, se encuentra un pecio. El pecio 'Satil' con más de 30 metros de longitud, se encuentra a una profundidad de 24 metros.

    Las Cuevas albergan a cientos de peces denominados “barrenderos”, que nadarán muy cerca del espectador en sus desplazamientos por los arrecifes

    El arrecife Delfín donde los buceadores pueden sumergirse en una zona segura con un grupo de delfines en su hábitat natural.

    Eilat ofrece un ambiente bueno para aprender submarinismo, pues el mar siempre suele estar en calma, con una brisa ligera y una excelente visibilidad.

    El Mar Muerto

    El mar Muerto es el punto más bajo de la Tierra, a 425 metros bajo el nivel del mar y con una concentración salina tal alta que hace que sea imposible hundirse en sus aguas. Por ello resulta especial la experiencia que Dead Sea Divers ofrece: sumergirse y bucear en el mar Muerto. Es una aventura única, pues la mayoría de los buzos ni se imagina sea posible. El increíble paisaje bajo el agua, con las formaciones de sal es impresionante. En un día claro se puede ver los cristales de sal que brillan como diamantes. La mejor descripción es, probablemente, la reacción de uno de los buzos justo después de su inmersión: "Está todo cubierto de blanco es como sumergirse en un océano de hielo, pero la temperatura y el peso que llevas sobre ti, te recuerdan que no lo son"-

    La temperatura del agua varía entre 18 grados en enero a una franja de 28 a 35 en agosto. La visibilidad, desde 1 hasta 20 metros. La temporada de buceo es durante todo el año.

    Y a tan sólo 1 hora del mar Muerto… una inmersión de historia visitando Jerusalén

    Bogotá, Ciudad de la Música de la UNESCO

    19/03/2012, La UNESCO designó recientemente a Bogotá como “Ciudad de la Música”, dentro de la Red de Ciudades Creativas de la Organización.

    París, marzo de 2012

    Según la institución cultural, el nombramiento viene a reconocer el rápido crecimiento del sector musical bogotano y su dinamismo como escenario central de la creación musical en América Latina.

    De acuerdo con la misión de la Red de Ciudades Creativas, Bogotá promoverá la música como herramienta para el progreso socioeconómico y la diversidad cultural. Dado su perfil único como centro de intercambio nacional y regional, se espera que Bogotá aumente las oportunidades de cooperación en el seno de la Red.

    La capital colombiana posee importantes infraestructuras para la creación y promoción de todo tipo de géneros musicales, desde lo clásico a lo popular, así como numerosos espacios culturales públicos y privados capaces de acoger conciertos y actuaciones musicales. Bogotá ha demostrado de manera clara su sólida experiencia en la celebración de eventos relacionados con la música: desde festivales a ferias comerciales con participación tanto del sector público como del privado.

    Con Bogotá, la Red de Ciudades Creativas de la UNESCO tiene ahora 30 miembros. Sevilla, Bolonia, Glasgow y Gante son las otras cuatro Ciudades de la Música de la Red.

    La Red de Ciudades Creativas pone en contacto a ciudades de manera que puedan compartir conocimientos, saber hacer, experiencia, habilidades directivas y tecnología. Las ciudades pueden solicitar la admisión a la Red y adherirse al programa, asegurándose así la posibilidad de jugar un continuo rol como centros de excelencia creativa apoyando al mismo tiempo a otras ciudades, especialmente a aquellas pertenecientes a países en desarrollo, a cultivar su propia economía creativa.

    Recientemente, Reykjavik fue designada como Ciudad Creativa de la UNESCO de Literatura . La Red incluye –además de ciudades de la música y de la literatura- a las del cina, arte popular, diseño, arte digital y gastronomía.

    Felix Curto

    18/03/2012, Nacido en Salamanca en 1967, Felix Curto ha desarrollado una interesante actividad fotográfica en América. En el MUSAC, presenta ahora otros trabajos, de notable calidad.

    Tomás Alvarez

    El MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de León, presenta una serie de obras que resumen una prospección de Curto en el espacio fronterizo de lo hispano y lo anglo de los Estados Unidos, recogiendo materiales frecuentemente de desecho con los que hace al espectador partícipe de otra realidad, en la que aparecen paisajes, sueños y canciones.

    Curto, ha realizado estudios e investigaciones en España, México Y Berlín, y entre sus series fotográficas son bien conocidas aquellas referidas a los paisajes desolados de México o el sur de Estados Unidos o de las tradicionales comunidades menonitas americanas.

    La muestra de León no se refiere a la fotografía, sino a la instalación, al “objet trouvé” con el que reformula la realidad. Una vieja rueda, el capot de un automóvil, unos dólares roídos por los ratones, la antigua nevera o la pila de jaulas de madera con las que evoca el hotel de aire cubista… En esos objetos deja otros símbolos de la cultura del consumo o de la política, desde las estrellas que se identifican con el paisaje o la bandera a las canciones de rock.

    Curto utiliza una y otra vez técnicas surrealistas para provocar al espectador, como hace con una enorme plataforma de madera a la que pone un gran pasador en el centro, para engañar la percepción sugiriendo una doble puerta que jamás existió.

    Junto a todo ello, algunos cuadros interesantes, realizados con técnicas de driping, que difuminan emociones, inscripciones y realidades

    La guía del MUSAC que explica la exposición a los asistentes, tras destacar el valor de Curto como fotógrafo, define la muestra algo así como la obra “menor” del artista. Un error, porque en realidad en el amplio espacio expositivo se halla lo mejor del autor, que capta una realidad o la reinventa no a través del objetivo de una cámara fotográfica, sino merced a unos objetos recogidos a veces de la basura o de la chatarra y primorosamente reeditados.

    Así, el techo azul de un automóvil, envejecido y oxidado se transforma en una tormenta negra y metálica que se abate sobre un paisaje desértico, identificado por dos líneas blancas que semejan un horizonte y un par de esbozos de saguaros… o una nevera atemporal, con letras de neón en su puerta, se transforma en un hostal o un bar de carretera, sumido en un espacio y un tiempo tan lejanos como indefinibles.

    Y en una esquina de la muestra, un montón de hojas y dólares destrozados por los ratones puede parecer al visitante el fruto del descuido del encargado de la limpieza, que olvidó retirar la basura con el recogedor… pero no. Estamos ante otra metáfora de la existencia: al final, la naturaleza acaba transformando la creación en polvo: las hojas muertas y los billetes de banco, se identifican a la postre por lo que son: materia muerta. El roedor no comulga con los valores de la sociedad de nuestro tiempo.

    En la presentación que hace el MUSAC del artista se explica que la exposición Chatarra americana toma su nombre del título homónimo del libro Chatarrra americana [American Chrome] de Edwin Gilbert, novela que muestra los juegos perversos de la industria norteamericana del automóvil en el siglo XX. Este título alude, a su vez, al sobrenombre popular que reciben muchos objetos norteamericanos que, ya en desuso en los Estados Unidos, continúan transitando por buena parte de América Latina. Objetos populares tales como chapas de coches, neveras frigoríficas o radios, que son coleccionados por el artista, quien posteriormente los va interviniendo en el taller para componer objetos, instalaciones o esculturas. Junto a estos artefactos, Curto recuerda una y otra vez la lírica de autores diversos, la cinematografía estadounidense y la música moderna de autores ya clásicos o actuales.

    La muestra estará en el MUSAC hasta el 9 de septiembre de 2012

    Viena y el lujo

    13/03/2012, El casco antiguo de Viena es una elegante zona con el encanto añadido de contar con tiendas de firmas de gran categoría, y a finales de 2013 contará con una nueva zona peatonal.


    La esquina de la Bognergasse con Tuchlauben, en el casco antiguo de Viena, se halla todavía en obras. En una antigua sede bancaria se está construyendo un nuevo centro comercial para artículos de marcas de alta calidad, cuya inauguración está prevista para el verano de 2012.

    El principal inquilino es la marca francesa de lujo Louis Vuitton, que abrirá una tienda insignia de cuatro plantas. Dior se trasladará en 2012 a la tienda actual de Louis Vuitton del Kohlmarkt. Además, la marca Miu Miu, que pertenece a Prada, también se instalará en el conjunto de edificios situado en uno de los mejores lugares de Viena.

    Junto a unas 15 tiendas habrá también oficinas y apartamentos. Y en el edificio situado enfrente del centro comercial se están adaptando las localidades para una joyería exclusiva.

    Con este nuevo templo comercial se amplia la zona de lujo de Viena, formada en la actualidad por las calles Kärntner Strasse, Graben y Kohlmarkt. La zona peatonal ya existente se prolongará hasta finales de 2013 en las inmediaciones del nuevo centro comercial.

    A unos metros de distancia está previsto que se inaugure un nuevo hotel de lujo en 2013: el Park Hyatt, de 143 habitaciones, abrirá sus puertas en la plaza Am Hof.

    Mateo Maté en Santo Domingo de Silos

    13/03/2012, La Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos) albergará desde el martes 13 de marzo y hasta el 27 de junio la exposición "Mateo Maté. Universo personal", organizada por el Museo Reina Sofía.


    El artista madrileño utiliza objetos cotidianos ligados a su propia rutina doméstica, para explorar cómo en la modernidad tardía los espacios que habitamos están atravesados por tensiones y violencias en las que lo íntimo y lo social, lo político y lo existencial, lo individual y lo colectivo se entremezclan y confunden.

    Maté crea espacios escultóricos y performativos que a la vez que nos resultan familiares, nos generan un profundo desconcierto, como si estuvieran plagados de peligros latentes, de enigmas perturbadores. En sus trabajos, el artista plantea que en un contexto como el actual, en el que nuestros entornos más inmediatos se han convertido en geografías indescifrables y llenas de amenazas e incertidumbres, tenemos que repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar nuestra mirada y devolverle la concreción a los espacios y objetos que nos rodean.

    Universo personal es una instalación que Mateo Maté ha concebido específicamente para el Monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos), una abadía románica en la que aún vive una pequeña comunidad de monjes benedictinos que sigue organizando su vida cotidiana según la estricta lógica cíclica que establecieron los fundadores de la orden.

    Mateo Mate? ha concebido una obra expresamente para el espacio expositivo del monasterio. En la instalación, diversos objetos cotidianos -unos zapatos, unas gafas, un libro de oraciones, una lámpara de escritorio...- forman una extraña constelación flotante que tiene una envoltura esférica.

    Para hacernos partícipes de ello, el artista utiliza imágenes que recuerdan a las de peliículas de ciencia-ficción que todos conocemos (La Guerra de las Galaxias o Mars Attacks!) e invita al espectador a contemplar un viaje espacial a través de lo que va grabando una cámara que recoge lo que contiene la sala expositiva.

    El artista ha viajado hasta la abadía burgalesa en varias ocasiones para tomar contacto con sus habitantes y definir el proyecto. Con la contemplación de esta obra se establece una especie de dialéctica entre el ancho mundo y ese otro mundo que, contraído, explora el espíritu de la lentitud.

    Marc Chagall en el Thyssen

    13/03/2012, El artista cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo.


    El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan la primera retrospectiva en España dedicada a la obra del artista ruso Marc Chagall. Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo mundo, reunidas en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo XX; un creador singular, con un estilo personal e inconfundible, que ocupa un papel clave en la historia del arte.

    El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico: la primera parte, "El camino de la poesía", transcurre por las salas de Museo Thyssen-Bornemisza desde los inicios de su obra en Rusia y sus primeros años en París hasta su exilio forzoso en Estados Unidos, incluyendo su experiencia en la Rusa Revolucionaria y su regreso a Francia en 1920. En "El gran juego del color", en las salas de Caja Madrid, la atención se enfoca en su evolución artística posterior a 1950, con los grandes asuntos que centraron el interés del artista en las últimas décadas, como la Biblia o el Circo, su relación con los poetas contemporáneos y su producción escultúrica y cerámica.

    Marc Chagall
    procedente de una familia sencilla, Marc Chagall se trasladó a San Petesburgo, donde entró en la escuela de Bellas Artes. En 1910 se instala en Monmartre (París), donde conoce a personajes como Delaunay y Modigliani. Aprende a arrojar sobre el lienzo la luz del fauvismo, y estudia la aplicación del cubismo, aunque nunca llegará a ser un cubista. Lo que nunca olvidará es el país de origen, que tiñen sus trabajos de lirismo y nostalgia. Nunca dejará de lado los tipos de su infancia.

    En 1912 expone en el salón de los Independientes, en el 1914 lo hace en Berlín y luego marcha a su ciudad de origen donde se casa con Bella, que será la gran musa de su producción. El tema de la pareja será otro de los asuntos importantes de su pintura.

    Es nombrado director de Bellas Artes en Vitebsk (Rusia). Pero pronto, en 1922, ya está de nuevo en París, donde consigue la nacionalidad francesa. Sólo cambia de residencia en los días de la segunda Guerra Mundial, para huir del nazismo.

    Es cierto que hasta el fin de sus días siguió trabajando en una línea artística sumamente personal. Ni se adhirió al fauvismo o el cubismo en su primera visita a París, ni se alió al suprematismo en la vuelta a su país natal, ni lideró el surrealismo, de vuelta a Francia.

    París recuerda a Sert

    08/03/2012, La muestra “José María Sert, le Titan à l’oeuvre (1874-1945)” recuerda en París, Musée des Beaux-Arts de la Ville, la obra de un notable muralista español, muy admirado en su tiempo.

    París 8 de marzo de 2012

    La monumentalidad de su obra y la potencia de su personalidad hicieron de Sert un artista unánimemente admirado en su época. El Petit Palais propone redescubrirlo, mostrando la fuerza de su arte y la originalidad de su método.

    Pintor decorador, Sert sirvió incansablemente ambiciosas demandas y trabajó para clientes de Europa y América.

    Nacido en Barcelona, pronto se trasladó a París, donde empezó sus trabajos muralistas en la exposición Universal de 1900, época en que recibió otro importante encargo para la catedral de Vic, en su Cataluña natal. Recibió numerosos encargos, y su obra se expandió por el orbe, con ejemplos en puntos como la Sociedad de Naciones en Ginebra o el Centro Rockefeller de Nueva York.

    Se le ha definido como " barroco moderno ", y es cierto que en su obra se alimenta de la tradición, desde los tenebristas a Goya.

    El taller es el hilo conductor de esta exposición, que permite recuperar la imagen de un artista hoy casi desconocido para el gran público. Se trata de un enfoque inédito, que quiere hacer comprensible un método de creación original y rigurosa.

    La muestra se articula con cerca de 120 obras desde cuadros a esbozos, maquetas, etc. Documentos y fotografías permitirán al visitante descubrir los secretos de un taller.

    la muestra sobre José María Sert está en cartel del 8 de marzo al 5 de agosto de 2012.

    Lewis Hine en Madrid

    07/03/2012, Fundación Mapfre presenta en Madrid una selección de imágenes del fotógrafo norteamericano Lewis Hine, figura clave dentro de la estética del documentalismo social. Hasta el 29 de abril de 2012.


    Esta exposición retrospectiva se compone por 170 imágenes que nos ofrecen un recorrido por la trayectoria fotográfica del fotógrafo autodidacta Lewis Hine. Un recorrido que va, desde los primeros retratos de inmigrantes desembarcando en Ellis Island (1904-1909, 1926), hasta los niños trabajadores (1903-1913), pasando por su labor en Europa con la Cruz Roja, a finales de la Primera Guerra Mundial (1918-1919), o por su seguimiento de las obras de construcción del Empire State de Nueva York (1930-1931). El recorrido se ve enrriquecido con documentación y publicaciones de la época.


    Hine trató a lo largo de toda su carrera de impulsar causas sociales. Formado en el campo de la docencia, y especializado en sociología, Hine denunció cámara en mano, las injusticias sociales, y sirvió como testimonio a la hora de hablar sobre los niños explotados, los inmigrantes, la pobreza, los marginados... Sus trabajos ilustraron revistas, carteles y diapositivas que sirvieron de apoyo a distintos movimientos que buscaban un cambio social, y la renovación de la legislación del momento.

    Tras la Primera Guerra Mundial, Lewis Hine viaja a Europa para documentar las operaciones de auxilio a los refugiados. Las imágenes que tomó durante su estancia en el viejo continente muestran una vez más su disposición a ayudar a las victimas más desfavorecidas, resultantes de los trastornos mundiales. A su vuelta a los EEUU se ve un cambio en su forma de trabajar, con imágenes que muestran una nueva actitud de exaltación del trabajo y de los trabajadores. Es entonces cuando realiza sus fotografías de la construcción del Empire State, y cuando publica el libro Men at Work.

    A finales de la década de 1930 el mundo de la reforma social y de la fotografía eran otros. Hine era un hombre de otra época, por lo que el fotógrafo pasó sus últimos años de vida dependiendo de la beneficencia.

    Rodin, en el museo Soumaya

    06/03/2012, Se inició el 1 de marzo, en el Auditorio de Museo Soumaya Plaza Loreto, un ciclo de conferencias sobre un artista liberador de la escultura moderna: Auguste Rodin.

    Mexico, 5 de marzo de 2012

    El ciclo consta de trece conferencias sobre la vida y obra del creador de volúmenes como El pensador y El beso, junto con una visita guiada a la sala La era de Rodin de Museo Soumaya. Plaza Carso.

    Esta institución museística posee una extraordinaria colección de trabajos de Rodin, la segunda más grande del mundo fuera de Francia. Un conjunto esculturas que permiten acercarse a la modernidad de este maestro.

    Con el propósito de acercar al público a la vida y obra del escultor francés, se articula este ciclo, del 1 de marzo al 21 de junio, los jueves, bajo el lema Rodin: de pasión y de arte, con conferencias coordinadas por Victoria Koloffon y la asesoría académica de Adriana Cortés.

    El curso brindará a la audiencia un panorama de las artes, la sociedad y la cultura de fines del siglo XIX y los albores del XX. Se abordarán temas como la Belle Époque, las artes, el arte de las catedrales francesas, el teatro, la literatura, el esplendor arquitectónico y la música.

    Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917) llevó la escultura del siglo XIX hacia la modernidad con formas libres y expresivas. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de París y conoció de manera profunda la anatomía del cuerpo humano, logrando traducir el volumen en sentimientos, verdad, carácter y sinceridad creadora.

    Gran Bretaña, de moda en 2012

    04/03/2012, La reina Isabel II es la segunda monarca británica que llega a los 60 años de reinado. Las celebraciones de este evento, junto con los Juegos Olímpicos, harán que la Gran Bretaña sea en 2012 un país de moda.

    Londres, 4 de marzo de 2012

    Las celebraciones del 60 aniversario arrancan desde febrero, con ocasión del aniversario 60 de la ascensión al trono de la reina, tras el fallecimiento de su padre, el rey Jorge VI. Fue un 6 de febrero de 1952; la nueva mandataria contaba con 25 años de edad.

    Se espera que millones de personas de todo el mundo vean o participen en las celebraciones de 2012. Aunque habrá acontecimientos a lo largo de todo el año con ocasión del 60 Aniversario, el programa oficial principal tendrá lugar los días 10, 11 y 13 de mayo en Windsor, con un Desfile del 60 Aniversario, y del sábado 2 de junio al martes 5 de junio, con actividades de celebración en todo Reino Unido y la Commonwealth.

    En general, las celebraciones se agrupan en tres ámbitos:

    Celebraciones oficiales

    El momento principal de las celebraciones oficiales será la primera semana de junio, cuando se cumple el aniversario de la coronación de la Reina, en 1953. Entre los acontecimientos habrá un desfile de barcos que remontarán el Támesis, el encendido de miles de faros por todo Reino Unido y el mundo, y un concierto delante del Palacio de Buckingham. También habrá un “Desfile Real” a lo largo de tres noches con más de 500 caballos y 800 participantes en el Castillo de Windsor a mediados de mayo, solo unas semanas antes del fin de semana central.

    Este año, la Reina y otros miembros de la familia real viajarán a menudo por Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte y varios países más para conmemorar el 60º Aniversario de Su Majestad.

    Exposiciones y proyectos relacionados

    Se organizarán exposiciones especiales en todos los palacios de la Reina y en muchos otros castillos y museos que han tenido relación con la realeza a lo largo de los siglos. Se ha creado una nueva fundación benéfica y se están plantando 60 nuevos “bosques del 60 Aniversario” de 24 hectáreas como mínimo por toda Gran Bretaña.

    Al municipio londinense de Greenwich se le va a conceder el estatus de Municipio Real en reconocimiento a sus estrechos vínculos históricos con la monarquía, y está previsto otorgar a varias localidades de toda Gran Bretaña la categoría de ciudad, lo que les dará mayor relevancia en el mapa turístico de Gran Bretaña.

    Celebraciones comunitarias

    Cientos de ciudades y pueblos de todo Reino Unido planean sus propias fiestas y para conmemorar el 60 Aniversario de su Reina, al igual que hicieron durante los aniversarios 25 y 50 en 1977 y 2002 (durante el 25 Aniversario de la Reina más de 10 millones de personas participaron en celebraciones comunitarias).

    Muchas de estas festividades coincidirán con los actos oficiales de principios de junio como parte de la iniciativa de la "Gran comida del Aniversario". También habrá celebraciones por toda la Commonwealth británica y en muchos otros países que mantienen relaciones estrechas con Gran Bretaña. Según VisitBritain, la cultura y el patrimonio de Gran Bretaña atraen actualmente un gasto anual aproximado de 4.500 millones de libras, de los 17.000 millones de libras gastadas en total por los visitantes extranjeros. De este gasto, aproximadamente 500 millones de libras van a parar directamente a atracciones y acontecimientos que guardan relación con los monarcas británicos del pasado y del presente, es decir, con el patrimonio real.

    Carnaval y cultura universal

    04/03/2012, La UNESCO ha hecho una importante tarea para mantener al mundo del Carnaval como una celebración variopinta y de interés universal, mediante el reconocimiento internacional de esta celebración.

    París, 4 de marzo de 2012

    Brasil, Alemania, España, Croacia… el carnaval es siempre una fiesta que podemos encontrar por todo el mundo, un evento que refuerza la cohesión de las comunidades a través de una parodia que invierte el orden social.

    Las festividades suelen extenderse a lo largo de varios días y el conjunto de la sociedad se reúne con motivo de esta fiesta de calle llena de humor, burla y exuberancia, que alcanza su paroxismo durante una gran procesión. Profundamente anclados en el pasado, los carnavales se mantienen muy vivos y continúan evolucionando.

    La inscripción por parte del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de los elementos del carnaval en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad es un reconocimiento a su papel social fundamental. El carnaval, transmitido de generación en generación, es recreado constantemente por las comunidades y los grupos y sus prácticas evolucionan a lo largo del tiempo.

    La UNESCO recuerda en estos días En estos días su lista de los carnavales y las festividades inscritos en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La inscripción en esta lista contribuye a asegurar una mayor visibilidad del patrimonio cultural inmaterial, a sensibilizar sobre su importancia y a fomentar el diálogo en el respeto de la diversidad cultural. Festividades de este tipo destacadas por la UNESCO:

    El carnaval de Aalst, Bélgica

    Cortejos por las casas y máscaras de carnaval en los pueblos de la región de Hlinecko, República Checa

    El Carnaval de Negros y Blancos, Colombia

    Fiesta de los busós de Mohács: carnaval enmascarado tradicional del final de invierno, Hungría

    Marcha de los campanilleros de la región de Kastav en el carnaval annual, Croacia

    El carnaval de Oruro, Bolivia (Estado Plurinacional de)

    El carnaval de Barranquilla, Colombia

    El carnaval de Binche, Bélgica

    La procesión con danzas de Echternach, Luxemburgo

    Visiones de La India

    20/02/2012, El Thyssen Bornemisza presenta Visiones de la India, Pinturas del sur de Asia, del San Diego Museum of Art, del 28 de febrero al 20 de mayo de 2012.

    Madrid, 20 de febrero de 2012

    Se trata de una selección de pinturas del sur de Asia del San Diego Museum, de California; exposición que ofrece una buena oportunidad para contemplar la evolución de la pintura india desde el siglo XII hasta mediados del siglo XIX a través de 106 piezas; pinturas, grabados y manuscritos en los que el visitante podrá comprobar la extraordinaria capacidad de estos artistas para adaptarse y modificar sus estilos tradicionales sin perder el carácter inconfundiblemente indio.

    Integrada en los fondos del San Diego Museum of Art, la Edwin Binney Collection está compuesta por más de un millar y medio de piezas que permiten, dado su caracter enciclopédico y académico, ofrecer una visión panorámica de la historia del arte indio.

    La exposición esta organizada en cuatro secciones -Iluminaciones sagradas, Visiones líricas, Recorrido por la historia de la pintura mogola y Al estilo de la Compañía.

    Esta muestra marca un recorrido cronológico, empezando en el siglo XII con algunos ejemplos tempranos de la iluminación de manuscritos de estilo autóctono, hasta llegar a mediados del siglo XIX, con el traspaso del poder del Imperio Mogol al sistema británico de administración colonial.

    Adquisiciones del CAC de Málaga

    20/02/2012, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ha adquirido 9 nuevas obras de arte en la feria ARCOmadrid, con destino a la colección permanente del museo, que suma ya más de 650 piezas.

    Málaga, 20 de febrero de 2012

    El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, institución dependiente del Ayuntamiento de Málaga y única de Andalucía con exposición propia en la feria de arte, informó huy sobre sus adquisiones:

    Las obras son una fotografía de la artista Pilar Albarracín “Serie 300 mentiras”, 2009 (190 x 125 cm) de la galería Filomena Soares de Lisboa; pinturas de Erwin Bechtold “Bild 93/31”, 1993 (106x 94 cm); de Owanto “Where are we going Londres 1/3”, 2009 (157,5 x 160 cm) y de Nicholas Woods “S/T”, 2011 (157 x 212 cm), todas de la galería MAIOR de Pollensa; cuatro fotografías del artista Richard Long de la serie “Being in the moment”, 1999 (68 x 212 cm) de la galería JM Javier Marín de Málaga; y la escultura “Secuencia Ridícula”, 2002-2004 (150x80x60 cm/ud.) de MP & MP Rosado de la galería Alfredo Viñas.

    Las piezas formarán parte de la colección permanente del CAC Málaga.

    Desde que el museo abriera sus puertas en 2003, ha adquirido más de 520 obras de arte, que forman parte de sus fondos propios. A estas incorporaciones hay que sumarle las 128 que el centro tiene cedidas a largo plazo por coleccionistas privados españoles y extranjeros, algunas directamente y otras a través de convenios con el Ayuntamiento de Málaga.

    El conjunto de las obras que conforman actualmente la colección permite realizar un recorrido por los diferentes movimientos y tendencias artísticas del siglo XX, prestando especial atención a las últimas décadas.

    En la colección destaca la presencia del periodo de creación comprendido entre los años cincuenta y la actualidad, contando con obras de artistas de gran relevancia internacional como Louise Bourgeois, Art & Language, Olafur Eliasson, Thomas Hirschhorn, Damian Hirst, Julian Opie, Thomas Ruff o Thomas Struth.

    Del mismo modo, se presta una especial atención al arte español desde la década de los ochenta, incorporando obras de artistas locales que contribuyen a la difusión del arte andaluz. Destacan entre la selección de artistas españoles nombres como Victoria Civera, Juan Muñoz, José María Sicilia, Miquel Barceló, Santiago Sierra, Juan Uslé.

    William Kentridge

    Por otro lado, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta hasta el 13 de mayo "William Kentridge: ¿No se unirá usted al baile?", la primera exposición de tapices en España del artista sudafricano. Mosaicos, esculturas, bocetos, collages, vídeo y sus inconfundibles dibujos son otros trabajos que pueden verse en la exposición comisariada por Fernando Francés.

    La pieza central es un tapiz basado en un mapa del siglo XIX de Málaga y que se podrá ver por primera vez en el CAC Málaga. La exposición repasa el trabajo más reciente de uno de los artistas más prolíficos e influyentes del arte contemporáneo.

    Ai Weiwei : Entrelacs

    20/02/2012, Hasta el 29 de abril de 2012, se puede ver en París, Jeu de Paume, la muestra « Ai Weiwei: Entrelacs »

    París, 20 de febrero de 2012

    En los años ochenta, Ai Weiwei (Pekín, 1957) eligió Nueva York como terreno de expresión, fotografiando allí diariamente el mundo que le rodeaba. Continuó con esta práctica en Pekín, a donde vuelve en 1993, mostrando los aspectos múltiples de la realidad urbana y social de China. Sus fotografías testimonian el capitalismo anárquico que se desarrolla en su país y las contradicciones de la modernidad.

    Arquitecto, escultor, fotógrafo, blogger y adepto de los nuevos medios de comunicación, Ai Weiwei se convierte rápidamente en uno de los artistas mayores de la escena artística independiente china, produciendo una obra prolífica, iconoclasta y provocadora.

    En la presentación de la muestra, se señala que Ai Weiwei es un artista generalista y un crítico social que se propuso agitar la realidad y contribuir dándole forma. Es un observador perspicaz de la realidad y de los problemas sociales de hoy, un partidario de la comunicación y de las redes, y un artista quien sabe introducir la vida en el arte y el arte en la vida.

    Aborda de frente la cuestión de las condiciones sociales en China y en otros países entregando su testimonio sobre los trastornos que sufre Pekín en nombre del progreso, adoptando en sus Estudios de perspectiva una actitud irrespetuosa con respecto a los valores establecidos o rompiendo con el pasado en obras compuestas de viejos enseres reencontrados. La idea que lo guía es la misma: liberar la potencias del presente y el futuro; reforzando sus posiciones personales gracias a las decenas de miles de fotos y de textos difundidos sobre su blog o por Twitter.

    “Ai Weiwei: Entrelacs” es la primera gran exposición en Francia dedicada a este artista y comunicador, que observa el estado del mundo, lo analiza y teje lazos con sus semejantes por canales múltiples. La exposición, que también presenta vídeos del artista, está centrada sobre las fotografías de Ai Weiwei mediante las que da cuenta de mutaciones profundas en el paisaje urbano de su país, las cuales también dan muestra de una vocación en el plano artístico y en el comunicativo

    Por la riqueza de su iconografía, esta exposición dedicada a Ai Weiwei tiende a mostrar la diversidad y la complejidad del personaje y su manera de ser constantemente en relación con el mundo. De ahí proviene la idea del título, entrelacs, lazos que no dejan de tejerse más allá de las fronteras y los obstáculos.

    El artista fue detenido el pasado 3 de abril de 2011 por las autoridades chinas, liberado bajo fianza el 22 de junio de 2011, pero con la condición de salir del territorio. La muestra esta comisariada por Urs Stahel y coproducida por Fotomuseum Winterthur y el Jeu de Paume, París.

    http://www.jeudepaume.org/

    Moda, modernidad y arte

    15/02/2012, Museo Soumaya. Fundación Carlos Slim presenta su colección de moda en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato en la ciudad de León, dentro del complejo Forum Cultural Guanajuato.

    Ciudad de México, 15 de febrero de 2012

    Del 16 de febrero al 22 de abril de 2012, La exposición Moda y Modernidad está conformada por ochenta y cuatro vestidos, prendas masculinas, ropa íntima, accesorios, joyería, revistas, mobiliario y obras de arte, de 1780 a 1930, y muestra el vestido en el marco de la cultura moderna y sus valores.

    Hasta fines de la Edad Media y principios del Renacimiento la moda surge, cual manifestación del deseo social, por el cambio constante y la búsqueda de una mayor democratización del atuendo. El vestido, además de proteger el cuerpo, salvaguardar la modestia y el pudor, comenzó a vivirse como emblema de lo singular.

    En la exhibición sorprenden el preciosismo de la hechura, las tallas de los hombres y mujeres que utilizaron esas prendas, o hasta el largo lapso que tomaba el arreglo personal cotidiano.

    Textiles de seda natural, drapeados de esmerada confección, ornamentaciones y suntuosos materiales como hilos de oro y plata, conviven con pinturas, gráfica y mobiliario de la colección del Soumaya.

    En la colección destacan piezas como los chalecos masculinos de 1780; suntuosos vestidos del siglo XIX con crinolinas amplísimas o con polisones que llegaban a pesar hasta cuatro kilos; vestidos franceses de lamé de plata, ejemplo de los talles diminutos e imposibles hoy en día, por el entonces uso cotidiano del corsé; trajes charleston para coctel, calzado atrevido para 1890, botas barretes que permitían ver el empeine hasta la pantorrilla, así como Costureros antiguos, patrones de la posguerra y otros instrumentos de la industria de la moda.

    EL RECORRIDO

    La historia del vestido es referencia central de la moda, una pauta de cambio que impregnó distintos sectores con rapidez: el mobiliario, los objetos decorativos, el lenguaje y las formas, los gustos y las ideas, la música, los artistas y las obras culturales. En palabras del sociólogo francés Gilles Lipovetsky la moda es dispositivo social caracterizado por una temporalidad particularmente breve, por virajes más o menos antojadizos […]. También es cierto que hacia los siglos XVIII y XIX la indumentaria ya encarna el proceso de la moda, sus caprichos, la fugacidad y la contingencia como ningún otro objeto.

    En este contexto, los ámbitos expositivos son:

    Lo efímero. Valores de la modernidad

    El deseo sin fin de novedad. Vestidos con imponentes crinolinas y cantidades enormes de lienzos y encajes. Elegantes vestidos de noche que debido al corsé y sus larguísimas caudas daban al cuerpo la apariencia de un de reloj de arena hasta flappers de cortes tubulares para bailar charleston o asistir a un coctel, que mostraban piernas, brazos y hombros.

    Las reglas de etiqueta. Democratización de la indumentaria

    Los atuendos buscaron democratizarse en los ritos cotidianos y encontraron en los manuales un sentido de pertenencia. Las mujeres, apoyadas por sus familias, deseaban casarse de blanco como la reina Victoria en 1840 y también siguieron sus rigurosas tradiciones en cuanto al luto. El vestir en función de la moda ya no era privativo de la aristocracia sino que se ajustaba a los presupuestos del resto de la sociedad.

    Seducción femenina y masculina

    Las fantasías se transforman a lo largo de los siglos. Sobresalen los trajes y chalecos masculinos de 1780 con ornamentos de seda y los accesorios femeninos como abanicos y pañuelos, ambos con entrañable lenguaje secreto.

    El comercio de la moda

    En la moda el binomio creación-producción es inseparable. Por un lado existe un profesional –llámese modisto, costurera, o diseñadora– que busca la belleza en el atuendo y el arreglo personal. Muchos de estos artífices, han triunfado no sólo por su buen gusto y sentido de vanguardia, sino en algunos casos también por su talento en las relaciones personales y en el mundo de los negocios. Ellos fueron el vértice de una pirámide. Pequeños creadores y comerciantes han seguido las innovaciones promovidas por la alta costura hasta llegar a la gran población, en donde hábiles, y talentosas manos dejaron huella. Tanto unos como otros pueden apreciarse en la exhibición.

    En este núcleo se exhiben objetos relacionados con tres aspectos fundamentales: casas de alta costura, que eran los principales emisores de las novedades; grandes almacenes, que buscaban repetir los modelos en boga a costos más accesibles que el de los diseñadores y, por último, confección en casa, que seguía las tendencias universales a través de patrones de moda y revistas, con recursos propios.

    Moda y arte

    Una última sección donde podemos ver la dramática e impactante transformación del vestido femenino a partir de 1840 y hasta 1920 en donde se encuentran cruces con el arte e importantes cambios culturales.

    Forum Cultural Guanajuato | Museo de Arte e Historia de Guanajuato Prolongación Calzada de los Héroes No. 308. León, Gto. http://forumcultural.guanajuato.gob.mx

    Llega ARCO 2012

    14/02/2012, ARCO 2012 llega para ser de nuevo el punto de encuentro del arte: un total de 215 galerías de 29 países presentan al público una amplia oferta de arte contemporáneo, con obras de 3.000 artistas

    Madrid, 14 de febrero de 2012

    Profesionales del arte contemporáneo de todo el mundo acuden a esta 31 edición de ARCOmadrid, que organiza IFEMA, del 15 al 19 de febrero en Feria de Madrid. Galeristas, comisarios, críticos, directores de museos, artistas y coleccionistas se darán cita durante cinco días para participar tanto en el programa expositivo, como en las diferentes actividades e iniciativas que completan las propuestas de la Feria.

    Los pabellones 8 y 10 de la Feria de Madrid reúnen las propuestas de 160 galerías internacionales en el Programa General, y 62 en los programas comisariados. De esta manera, FOCUS PAÍSES BAJOS acoge la participación de 14 galerías neerlandesas; OPENING, una selección de 25 europeas, y SOLO PROJECS: FOCUS LATINOAMÉRICA, 23 galerías del Continente Americano.

    ARCOmadrid quiere ser espacio de intercambio entre Latinoamérica y Europa. En este sentido, una de las grandes novedades que será polo de atracción de personalidades del arte, será el I Encuentro de Museos de Europa y Latinoamérica, dirigido por Agustín Pérez-Rubio –director del MUSAC, León- y Marcelo Mattos Araujo –director ejecutivo de la Pinacoteca de Sao Paulo-. Dicho encuentro reunirá nombres como Chris Dercon, Director de la Tate Modern, Londres; Manuel Borja-Villel, Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Hans-Michael Herzog, Director y Comisario de la Colección Daros Latinamerica, Zurich; Alfred Pacquement, Director, Musée national d'art moderne/Centre de création industrielle, Centre Pompidou, París, y Graciela de la Torre, Directora, Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, México.

    Igualmente, el Foro Coleccionismo atraerá a destacados profesionales como Han Nefkens; Mera y Don Rubell; Joop van Caldenborgh; Farhad Farjam y Eugenio López, y los Encuentros Profesionales, a personalidades del arte de primera línea como Marc-Olivier Wahler, director del Palais de Tokio; James Lingwood, co-director, Artangel de Londres; Bartomeu Marí, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba); Lynne Cooke, subdirectora de conservación, investigación y difusión del Museo Reina Sofía; Inti Guerrero, director artístico de TEOR/éTica, de San José (Costa Rica), y RMS La Asociación, junto con Tania Pardo, comisaria independiente.

    Junto a estas presencias, y gracias a las iniciativas de ARCOmadrid orientadas a fomentar el encuentro e impulsar la Feria como plataforma para el mercado del arte, se ha organizado el Programa de Coleccionistas Internacionales, que contempla la invitación a alrededor de 200 coleccionistas en activo de todo el mundo, a propuesta de las galerías participantes, así como a los principales consultores de arte. A ellos se suma también la presencia de grupos internacionales de Museos, cuyos patronos y amigos han sido invitados a visitar la Feria.

    El fomento del coleccionismo centrará también el Programa First Collector, que coordinado por Elisa Hernando, de la consultora Arte Global, ofrecerá por segundo año consecutivo en el marco de la Feria asesoramiento para iniciar colecciones y adquirir obras en ARCOmadrid.

    ARCOmadrid 2012 reúne las propuestas de 160 galerías en su Programa General, a las que se suman 62 de los programas comisariados. Un total de 215 galerías, de 29 países, que muestran lo mejor del arte contemporáneo.

    Países Bajos, invitados de honor en ARCOmadrid

    Uno de los principales atractivos de esta edición de la Feria viene de la mano de FOCUS PAÍSES BAJOS, un proyecto que ha contado con la colaboración de Mondriaan Fund y de la Embajada de los Países Bajos en España, así como con la participación del comisario Xander Karskens, responsable de la colección y del programa de arte contemporáneo internacional del Museo Hallen en Haarlem, que ha sido el encargado de la selección de las 14 galerías neerlandesas que participan en el programa País Invitado.

    Este proyecto, que sirve para acercar a Madrid a los agentes más relevantes del coleccionismo, el comisariado y la crítica de arte de los Países Bajos, se completa con The Dutch Assembly, comisariado por la oficina curatorial Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna). Un espacio específico en ARCOmadrid, que acoge la participación de instituciones culturales y artísticas neerlandesas, y donde se celebran performances, charlas y proyecciones, entre otras actividades orientadas a fomentar la interacción con los visitantes.

    Además, la presencia de arte de los Países Bajos en Madrid se extiende por los principales museos y centros de arte de la ciudad con exposiciones, ciclos y propuestas, como la que acoge el Museo Reina Sofía, con la exposición del pintor René Däniels, en el Palacio de Velázquez, y una performance de Falke Pisano, en el propio museo; La Casa Encendida, con una exposición colectiva de artistas neerlandeses; el Museo Museo Thyssen-Bornemisza, con Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa; Matadero Madrid, que acoge la muestra de Navid Nuur y una proyección de obras de Nathaniel Mellors y Gabriel Lester, en la Cineteca; y el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, la exposición del artista Aernout Mik.

    Por último, Países Bajos también tiene presencia en el nuevo proyecto AfterARCO, que ofrece actividades en diferentes espacios de Madrid (proyecciones, actuaciones musicales, etc.).

    Opening – Jóvenes galerías europeas

    En esta nueva edición, la Feria presenta nuevamente la sección Opening: jóvenes galerías europeas, dirigida a galerías de distintos países de Europa con menos de siete años de trayectoria. Este programa tuvo un gran éxito en la edición pasada y un buen número de las galerías emergentes que participaron han solicitado repetir su presencia en la Feria. En esta ocasión la selección de galerías ha sido realizada por Manuel Segade, comisario y crítico de arte, quien ha escogido un total 25 galerías de diez países europeos, incluyendo dos neerlandesas, propuestas por el comisario Xander Karskens.

    Solo Projects – Latinoamérica

    Por su parte, la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica será una buena oportunidad para conocer las creaciones y proyectos de jóvenes artistas latinoamericanos.

    En esta edición, el programa se plantea, más que nunca, como un espacio de investigación de la creación en América Latina, gracias a la complicidad del equipo de seis comisarios colaboradores de ARCOmadrid: Cauê Alves (Brasil), Sonia Becce (Argentina), Patrick Charpenel (México), Alexia Dumani (Costa Rica), Manuela Moscoso (Colombia/Ecuador) y José Ignacio Roca (Colombia), quienes han seleccionado 23 artistas de once países latinoamericanos, junto a la colaboración de la AECID, Agencia Española de Cooperación Internacional para el desarrollo.

    Las torres verdes

    11/02/2012, Majuelos, madroños, robles, perales silvestres… son algunos de los árboles que crecerán en sendos bosques verticales que están naciendo en la ciudad de Milán.

    Milán, 10 de febrero de 2012

    El estudio arquitectónico Stefano Boeri está creando un proyecto de arquitectura “verde” en la ciudad italiana, con el título de “Bosco Verticale”, que pretende ser un “proyecto de forestación metropolitana que contribuya a regenerar el ambiente y la biodiversidad urbana, sin implicar la extensión de la ciudad en el territorio”

    Se trata de construir en altura edificios verdes, en el interior de la ciudad, un sistema conservacionista de la naturaleza, enfocado especialmente para la superpoblada Europa.

    Recientemente, el Financial Times, definió el proyecto milanés como las torres más apasionantes de la arquitectura actual.

    Bosco Verticali tiene en marcha la construcción de dos torres, de 110 y 76 metros de altura, dentro de una zona denominada Porta Nuova en el entorno del barrio milanés de Isola, y donde se plantarán 900 árboles (de hasta nueve metros de altura) además de numerosos arbustos y plantas florales.

    Según los promotores, esta cobertura vegetal de las torres equivale a una superficie arbolada de unos 10.000 metros cuadrados

    El estudio destaca que esta construcción verde optimiza la habitabilidad de las residencias, creando un microclima propio. Filtra los rayos solares en verano, y deja pasar la luz en invierno; filtra la polución del ambiente urbano, regenera el aire al capturar el CO2, disminuye la sonoridad acústica proveniente de la ciudad, y hasta logra constituir una cortina vegetal para evitar el efecto del viento.

    El capítulo energético también se complementa con otros aspectos relativos a las placas solares y sistemas de energía geotérmica. La gestión del conjunto será centralizada y confiada a una agencia que generará una información que puede ser conocida por el público y que constituirá un elemento de divulgación de los efectos de este proyecto innovador.

    http://www.stefanoboeriarchitetti.net/

    Dorotea Tanning

    08/02/2012, Dorotea Tanning, destacada artista especialmente vinculada al surrealismo, murió en Nueva York, localidad en la que residía desde hace tres décadas. Contaba con 101 años.

    Nueva York, 8 de febrero de 2012

    Esta mujer de notable cultura, fue mucho más que una pintora, pues abordó la realización de esculturas, decorados e incluso publicó obras literarias. A la hora de su fallecimiento se ha recordado que era la viuda de Max Ernst.

    Nacida en Illinois, en 1910, Dorotea Tanning se interesó pronto por el surrealismo, especialmente tras visitar una muestra sobre surrealismo y dadaísmo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Luego viajó a París para encontrarse con los surrealistas… mas encontró una ciudad de la que muchos de los artistas habían huido. La sombra del gran conflicto bélico supuso el abandono masivo de artistas de la capital gala, que a partir de entonces dejaría el liderazgo del arte en manos de Nueva York.

    Tras su viaje fallido, Dorotea Tanning residió algún tiempo en Suecia para retornar poco después a Estados Unidos.

    De modo que el encuentro de Dorotea Tanning con los grandes del surrealismo ocurrió más tarde, en Nueva York. Ella, que se había dado a conocer como pintora con obras como Maternity, conocería a Max Ernst en la ciudad de los rascacielos, cuando este ayudaba a su esposa de entonces, Peggy Guggenheim, en la búsqueda de obras surrealistas, para una gran exposición que se iba a celebrar en la galería Art of This Century.

    En la muestra de la galería de Peggy Guggenheim, Dorotea presentó un magnifico cuadro, Cumpleaños, que asombró a Ernst. En el mismo aparece una joven –tal vez ella misma- cubierta con una extraña camisa que deja los pechos al aire, y con una especie de capa de algas a la espalda, abriendo una puerta que conducía a un espacio largo de puertas abiertas… Un ser extraño -mitad gato, mitad murciélago- está ante sus pies descalzos. Un mundo onírico propio del mejor surrealismo.

    Dorotea y Ernst se casaron en 1946, los dos residieron en Francia hasta la muerte del pintor surrealista en 1976. Luego, la artista retornó a Estados Unidos donde residió hasta su muerte.

    La pintura de Dorotea Tanning evolucionó hacia otros ámbitos más simbolistas o abstractos… y también se refugió en la escritura, especialmente la poesía, con una producción que ha sido notablemente apreciada.

    Ella misma rechazaba que la encasillaran en el surrealismo, porque –decía- esto la hacía sentirse como un fósil. Murió en su domicilio de Manhattan el 31 de enero de 2012.

    Web de la Fundación Dorotea Tanning: http://www.dorotheatanning.org/index.php

    Pintura holandesa en el Thyssen

    08/02/2012, Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el ThyssenBornemisza pone en marcha una nueva actividad expositiva que, con el título genérico de miradas cruzadas. Esta vez sobre pintura holandesa.

    Madrid, 8 de febrero de 2012

    El centro presentará periódicamente una instalación especial de algunas obras procedentes de sus colecciones, con la intención de potenciar la idea de museo como lugar de conocimiento, dando la oportunidad al espectador de desarrollar un tipo de mirada pausada y reflexiva que pueda despertar nuevas interpretaciones.

    Para inaugurar el ciclo, a partir de 7 de febrero y coincidiendo también con ARCO 2012 dedicado este año a los Países Bajos, la muestra Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa propone un dialogo visual entre algunas obras de Piet Mondrian y de sus colegas del grupo neoplasticista De Stijl, Theo van Doesburg y Bart van der Leck, con una selección de pinturas del Siglo de Oro holandés de los fondos del Museo.

    Esta confrontación permitirá apreciar que, a pesar de la lejanía en el tiempo, existe una proximidad conceptual entre el arte de los miembros de De Stijl y la pintura holandesa del siglo XVII, compartiendo ciertos elementos comunes, como la equilibrada y armoniosa resolución de la composición pictórica o la tendencia a trabajar la superficie de la pintura como un plano pictórico frontal, bidimensional, organizado geométricamente.

    La pintura holandesa del siglo XII constituye uno de los capítulos más significativos de la colección permanente; por otro lado, el Museo Thyssen Bornemisza es el único museo español que posee un conjunto de obras de Piet Mondrian y del grupo neoplasticista holandés. Tal y como expresaron en sus escritos teóricos – publicados en la revista De Stijl, fundada por Van Doesburg en 1917-, a pesar de su novedoso lenguaje, los pintores neoplasticistas veían su obra como la culminación del arte del pasado. El desafío de sus cuadros, el juego de planos y líneas sobre la superficie pictórica, no supuso una ruptura tan radical con la tradición; al ponerlos en relación con las pinturas de los artistas holandeses del siglo XVII en este nuevo montaje, cobrarán seguro un nuevo sentido para el espectador

    FICHA DE EXPOSICIÓN E INFORMACIÓN PRÁCTICA

    Título: Mondrian, De Stjil y la tradición artística holandesa

    Fechas: Del 7 de febrero al 6 de mayo de 2012

    Organizada: Museo Thyssen-Bornemisza

    Comisaria: Paloma Alarcó, jefe de conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza

    Número de obras: 7

    Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00; sábados hasta las 11.00.

    Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, 8. Madrid.

    Acceso gratuito

    Fallece Antoni Tàpies

    06/02/2012, Antoni Tàpies, uno de los grandes del arte español, falleció en Barcelona a los 88 añosde edad.

    Barcelona, 6 de febrero de 2012

    El artista catalán, personalidad innovadora y comprometida tanto en lo artístico como lo intelectual, estaba ya bastante delicado, aunque aún intentaba desarrollar actividad artistica. Tapies falleció año y medio después de reinaugurar Fundación que lleva su nombre.

    Esta es la crónica que escribió para guiarte.com en el ochenta cumpleaños del artista nuestro colaborador, Tomás Alvarez

    Tàpies, nacido el 13 de diciembre de 1923 en Barcelona, ha llegado a la cifra mágica de los ochenta años, en medio de un prestigio internacional creciente y con una buena capacidad de trabajo.

    Son más de sesenta años de práctica artística los que han llevado su producción a todos los lugares clave del planeta del arte. Antonio Tàpies, pintor, escultor, autor de litografías y grabados, está considerado hoy como uno de los mayores representantes europeos del arte abstracto de posguerra.

    También se valora su elaboración teórica, que ha desgranado en publicaciones y artículos a lo largo de una vida en la que también ha figurado la polémica. En su ultimo ensayo L´Art i els seus llocs (El arte y sus lugares), de 1999, critica el canon artístico occidental y se muestra proclive al encuentro de las distintas culturas, en paridad.

    Biografía

    Nacido en el seno de una familia catalana de tradición liberal, cursó la carrera de Derecho, pero pronto la abandonó para dedicarse por entero al dibujo y a la pintura. En 1948 se unió al grupo de artistas y literatos fundadores del movimiento de vanguardia "Dau el set" y, dos años más tarde, obtuvo una beca para estudiar en París.

    Tapies asegura que abandonó pronto el surrealismo, porque los artistas de este movimiento, "aunque cambiaron la situación, continuaban haciendo pintura académica" y él decidió tirar "por otros caminos". La beca en