Archivo de noticias de 2011

Leonardo da Vinci en la Fundación Canal

29/12/2011, La exposición “Da Vinci, El Genio” es un proyecto que nace con el objetivo de mostrar al público los aspectos menos conocidos de uno de los personajes más complejos de la Historia.

SOBRE LA MUESTRA
29 prestigiosas instituciones y museos nacionales e internacionales han cedido obras nunca antes expuestas en España: documentos originales, reproducciones de piezas excepcionales, manuscritos, incunables, y post-incunables, dibujos originales de Leonardo, u obras originales de los discípulos italianos de Leonardo son algunas de las maravillas con las que se encontrará el visitante.

Además, la exposición presenta más de sesenta réplicas de artefactos ideados por Leonardo, construidas por artesanos italianos dirigidos por Modesto Veccia, un experto vinciano radicado en Florencia, que dedicó más de una década al estudio e investigación de los códices de Da Vinci.

Por supuesto, no podía faltar un espacio de honor para uno de los retratos más famosos del mundo, la Monna Lisa, basado en el estudio fotográfico que el ingeniero francés Pascal Cotte, inventor de la primera cámara multiespectral, realizó de la obra. Fotografías de increíble definición y detalle que permiten apreciar rangos ópticos que el ojo humano no puede ver en condiciones normales.

SOBRE EL ARTISTA
Leonardo da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en la localidad toscana de Vinci, cerca de Florencia. En torno a los 14 años entró a trabajar como aprendiz en el taller florentino de uno de los artistas más considerados de la época, Andrea di Cione, más conocido como Verrocchio.

A partir de 1476 Leonardo inició su camino de aprender todo lo que podía ser aprendido. Una de las facetas más originales de Leonardo es su permanente afán de indagar.

Da Vinci no sólo fue un artista brillante que destacó entre sus pares del Renacimiento; también fue un científico e inventor entregado, así como escultor, músico, matemático, ingeniero y arquitecto, entre muchas otras cosas.

La química de los libros

29/12/2011, Hasta el 15 de enero de 2012 se podrá visitar en la Biblioteca Nacional de España, Madrid, la exposición "La química de los libros: ciencia y conservación del patrimonio documental".

Madrid, 29 de diciembre de 2011
Desde principios de los años 70, la búsqueda de soluciones al problema del papel ácido ha sido abordada desde líneas de trabajo muy diferentes entre las que destaca el estudio de las causas que lo provocan. La exposición La química de los libros: ciencia y conservación de patrimonio documental, que se podrá visitar hasta el próximo 15 de enero de 2012 en la Sala de las Musas del Museo de la BNE, muestra las causas de la alteración, los métodos de estudio y algunos de los hitos en la historia reciente de la conservación documental.

La producción de un libro requiere, desde su origen, el uso de procesos químicos. La fabricación de papel y de tintas y la producción de ácidos para blanquear las hojas o eliminar manchas, son algunos de los procesos químicos esenciales en la creación de un libro. Cada vez más, las técnicas se mejoran para que los libros resistan el paso del tiempo. En la primera parte de la exposición –comisariada por el restaurador de la BNE Arsenio Sánchez Hernampérez- se muestran diversas técnicas de producción de componentes de un libro y se recuerda cómo han ido evolucionando con el paso del tiempo.

La segunda parte está dedicada a “La química y las tintas”. En ella se analiza, por ejemplo, la combinación del ácido gálico con el sulfato de hierro o de cobre, mezclados con vino y goma arábica. Este tipo de tintas, utilizadas por Cervantes, Goya o Mozart, tenían como principal problema su agresividad, lo que deterioró con facilidad sus escrituras. Con la Revolución Industrial comenzó la producción de pigmentos y colorantes sintéticos de todos los colores posibles, lo que dio lugar a nuevos instrumentos para escribir, desde la pluma hasta el bolígrafo. Pero también estos soportes tienen problemas de conservación que la exposición trata de anticipar.

La autodestrucción química del papel que fue producido entre los siglos XIX y XX fue, además, responsable de muchas pérdidas de libros. El papel ácido es una preocupación que los técnicos de restauración tienen hace mucho tiempo y exige una continua búsqueda de soluciones.

La pasta de papel, la restauración y los nuevos desafíos, son los temas que ilustran las últimas vitrinas de la exposición, que combina imágenes, textos y fórmulas químicas y que estará abierta al público hasta el

Delicias surrealistas

19/12/2011, Con textos del escritor y periodista Tomás Alvarez e Imágenes del artista Alfredo Omaña, acaba de salir el libro “Las delicias del Tuerto” que es en realidad una delicia surrealista.

León, 19 de diciembre de 2011

El libro, editado por Eje Producciones, fue presentado en la fundación Sierra Pambley de León, y está lleno de arte ironía y humor, en un cóctel que incluye una serie chispeante de relatos breves.

El autor señala que se ha divertido mientras realizaba esta obra, que calificó de loca y surrealista. “No es un libro de ensayo, ni novela, ni un texto gastronómico... Es un caos dentro del cual el lector hallará orden, belleza, humor, perplejidad y, muchas veces, una mirada distinta sobre temas que me preocupan y debieran preocuparnos a todos".

El libro cuenta en cada capítulo con una obra de Alfredo Omaña, un valioso autor leonés afincado en Salamanca, lo que le da al conjunto un halo artístico.

Omaña tiene una aguda impronta surrealista, que se muestra en obras como esa flor hecha de restos de cristales de botella, en la que confluye en sentimiento dule de la flor con la inquietud de los vidrios rotos... o en esa otra en la que presenta una jaula en cuyo interior aparece un espejo.

“El espectador mira al espejo y lo que ve en realidad es su cara tras los barrotes... Es un magnífico juego para atrapar a quien mira e introducirlo en la prisión de los pájaros”, opina Tomás Alvarez

“Más que un libro, el conjunto es una instalación surrealista, un ejercicio artístico”, precisa Alvarez, quien destaca la calidad de la obra de Omaña, que encaja perfectamente con el texto.

Como en una obra artística, en el libro, que edita Eje Producciones, “hay arte porque hay imágenes, acción, confrontación... hay diálogo con el espectador”. El payaso que está en la portada -dice el autor- simboliza en realidad a dos personas: a Alfredo Omaña y a Tomás Alvarez, que dedican al lector su actividad creativa y la escenifican en una sala de exposiciones integrada por un centenar de páginas de papel.

“Sobre ese muro de papel, el espectador-lector hallará montones de imágenes, a veces corrosivas, a veces relajantes, siempre capaces para propiciar la reflexión ...esté o no de acuerdo con el fondo”, afirme Tomás Alvarez.

El argumento

Cuatro amigos transforman la mesa de un camping al lado de la orilla del río, en un retablo en el que confluyen viandas, reflexiones y relatos disparatados...

En ese retablo, el tabernáculo es cada día una gran olla en la que están los sabores de las cocinas de nuestra tierra. Y en torno a ese tabernáculo se escuchan los ecos de la despoblación, la literatura, la religión, el amor o la muerte.

El título -según Tomás Alvarez- se inspiró en una obra de El Bosco: “Tierra, agua, fuego y aire aparecen por estas páginas, al igual que en el cuadro del Bosco(El jardín de las delicias)... y aparece también la destrucción y el demonio, que no es sino una globalización que descompone las sociedades para dejar inerme al hombre y conducirlo a la esclavitud del consumir y no pensar".

“En este mundo de autómatas -agrega- el escenario de la obra es la orilla de un río, un paraíso escondido, en el que se cultivan las ideas, el amor, el diálogo, la amistad; un territorio idílico que contrasta con el que está ahí afuera”.

En ese territorio, Tomás Alvarez deja una serie de relatos que son una medicina que permite “contemplar el negro panorama con cierto humor, en un saludable ejercicio que nos enseña a reírnos de nosotros mismos”.

Historia bajo las aguas

19/12/2011, ¿Sabías que se estima que hay más de 20.000 yacimientos prehistóricos reposando sobre los fondos del Báltico?

París, 19 de diciembre de 2011

La UNESCO ha recordado el décimo aniversario de la Convención para la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático... dando algunas pistas de la riqueza que permanece bajo las aguas. Algunos ejemplos: Cerca de 3 millones de pecios antiguos descansan en el lecho marino; más de 150 ciudades y ruinas se localizan bajo las aguas del Mediterráneo, incluyendo restos de una de las Siete Maravillas del Mundo, y muchos objetos recuperados del mar tienen una edad aproximada de unos 300.000 años.

El lecho marino esconde una historia sorprendente. Para ayudar al público a disfrutar de esta fuente de conocimiento, la UNESCO organizó un evento el 12 de diciembre, a las 19.00, en la Universidad Libre de Bruselas, con motivo del Décimo Aniversario de la Convención para la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático. La Convención es la mayor herramienta legal que protege los yacimientos arqueológicos subacuáticos de los océanos del mundo, los ríos y los lagos.

El encuentro reunió a tres prestigiosos arqueólogos subacuáticos para hablar del Titanic, la flota perdida de Kublai Khan y las ciudades hundidas.

Titanic

El transatlántico de lujo Titanic, hundido en 1912 después de chocar con un iceberg, ha inspirado desde entonces la trama de muchas películas y libros. Con motivo del Centenario del hundimiento del Titanic, ocurrido en abril de 1912, el yacimiento habrá sufrido el expolio de miles de objetos y habrá sido afectado por la intrusión de alrededor de 700 visitantes que descienden al pecio dejando sus restos. Como se encuentra sobre el lecho marino en alta mar sólo la Convención de 2001 pude asegurar su total protección.† †

Ciudades sumergidas

Más de 150 ciudades sumergidas se hallan sólo en las aguas del Mediterráneo. Algunas de ellas son tan grandes como Pompeya y algunas tienen hasta 5.000 años de antigíedad. Igualmente, hay testimonios humanos que tienen más de 12.000 años de antigíedad hallados en Doggerland, el enigmático país que unió una vez la costa inglesa con Europa Continental.

Recientes descubrimientos han encontrado herramientas en los fondos del Mar del Norte que tienen más de 300.000 años. Estos yacimientos están enormemente afectados por el turismo, la pesca, y la pesca de arrastre. La Convención de la UNESCO de 2001 asegura una mitigación del impacto causado por las actividades industriales al mismo tiempo que acrecienta la preocupación de los políticos por este patrimonio.

La flota china.

Kublai Khan fue Gran Khan del Imperio Mongol. En el año 1281 envió dos flotas a conquistar Japón: una impresionante fuerza de 900 naves partieron desde Masan, mientras otra fuerza mayor de 3.500 barcos partió desde la costa sur de China.

El conocido kamikaze, un tifón de increíble fuerza, destruyó las flotas. Esta historia se pensaba que era leyenda hasta que se ha descubierto un pecio perteneciente a una de estas flotas en las costas de Japón.

Normas …ticas de La UNESCO para Buceadores en Yacimientos Arqueológicos Sumergidos

El patrimonio cultural subacuático incluye todos aquellos rastros de existencia humana que tengan un carácter cultural, histórico o arqueológico que estén bajo el agua. Durante siglos, miles de barcos, ciudades enteras, e incluso paisajes han sido tragados por las olas. Constituyen un patrimonio muy valioso que debe ser protegido.

No toque las ruinas y naufragios sumergidos.

El yacimiento de un naufragio o de una ruina sumergida es importante desde un punto de vista histórico. Cuando un objeto o cualquier otro tipo de resto es desplazado sin documentación científica, se le priva de su contexto y pierde parte de su significado. También corre el riesgo de deteriorarse al secarse, ya que su extracción, sin la aplicación de los tratamientos de conservación adecuados, puede llegar a provocar su desaparición. Por la tanto, los buceadores que no participen en un proyecto científico arqueológico no deben tocar los yacimientos.

Acate la protección jurídica de los yacimientos arqueológicos.

Muchos yacimientos arqueológicos subacuáticos están protegidos por ley. Conocer y entender la legislación aplicable antes de bucear puede evitar que se incumpla la ley. Para conocer las ley al respecto en diferentes países, puede consultar: www.unesco.org/culture/natlaws

Solicite permiso para bucear en determinados yacimientos.

Bucear en determinados naufragios o en yacimientos de ruinas requiere, a menudo, un permiso específico. No se sumerja sin permiso en el caso de que éste se requiera, ya que podría poner el sitio o a usted mismo en peligro. Respete también las directivas oficiales relativas a la limitación de buceo en determinadas zonas. Los yacimientos protegidos están, a menudo, indicados en cartas de almirantazgo y marcados mediante boyas o avisos de advertencia en la orilla.

Solo los arqueólogos pueden retirar objetos.

El buceo no científico no debe ser destructivo ni intrusivo. No mueva o retire objetos, salvo en un contexto de trabajo o excavación arqueológica oficial y bajo la supervisión de un profesional de la arqueología autorizado por las autoridades competentes.

No recoja souvenirs

Bucee para disfrutar y / o para involucrarse. Tome fotografías y documente el yacimiento. Sin embargo, no recoja ningún objeto del naufragio o de la ruina sumergida ni remueva el fondo en el que se encuentra. Podría destruir el contexto histórico y dañar el objeto cuando lo lleve a superficie.

Respete las medidas de protección del yacimiento.

Cualquier medida de protección (jaulas de metal, cobertura de arena, boyas sonar), colocadas sobre yacimientos arqueológicos sumergidos por las autoridades responsables salvaguardan al yacimiento de erosión, intrusos irresponsables y saqueos. Estas medidas han de ser respetadas. Aunque no se lleve nada, cualquier intervención en el sistema de facilita dañar el yacimiento. Si buceando encuentra en un yacimiento evidencias de expolio, notifíquelo a las autoridades.

Informe a las autoridades competentes.

Si descubre un naufragio histórico, no lo difunda. Contacte inmediatamente a las autoridades nacionales competentes, las cuales le aconsejarán sobre los pasos a seguir. Si su hallazgo es importante, podría ser designado como un yacimiento protegido.

Entregue los objetos que retire

Si, por riesgo extremo de pérdida, ha retirado un objeto de un yacimiento arqueológico subacuático, informe a las autoridades nacionales competentes tan pronto como sea posible. Cuando descubra un objeto antiguo, aislado, en el agua o en una playa, y se encuentre en peligro de daño o apropiación privada, trate de contactar con las autoridades competentes. Si esto no es posible, entonces recupérelo y entréguelo a la autoridad más cercana. Puede indicar la presencia de algún yacimiento fuera de costa y ofrecer información del mismo.

No venda nuestro patrimonio común.

Los objetos provenientes de un yacimiento arqueológico sumergido no deben tener uso comercial, sino que deben ser protegidos. Gracias a los restos de naufragios y otros restos sumergidos podemos aprender mucho sobre el desarrollo de las civilizaciones y nuestro propio pasado. Dispersar esta herencia nos roba nuestra historia. Si descubre casos de venta ilegal de piezas arqueológicas, comuníquelo a las autoridades competentes.

Documente los yacimientos descubiertos.

Si descubre un naufragio o restos sumergidos, documente su localización precisa y estado. Haga un informe sobre el mismo y acompáñelo con su documentación (fotos, dibujos o notas).

Tenga cuidado cuando tome fotografías.

Cuando tome fotografías procure evitar contacto con el naufragio o yacimiento. Una cámara no da licencia para mover o perturbar el patrimonio cultural. Muchos objetos son frágiles, independientemente de su tamaño. Las técnicas inadecuadas al tomar fotografías bajo el agua pueden dañar elementos sensibles del yacimiento y, podría usted golpear objetos frágiles con la cámara, botella de buceo, aletas o incluso con una mano. Los equipos fotográficos pueden añadir peso o dar flotabilidad. Asegúrese de estar convenientemente lastrado para evitar dañar por contacto.

Permanezca a salvo.

Bucear en naufragios o restos puede ser peligroso. Respete las recomendaciones de seguridad y salud apropiadas para los yacimientos en cuestión. Tenga cuidado con la profundidad, tiempo y corrientes, no entre nunca en una cueva o pecio sin extremar las medidas de seguridad. No bucee nunca sin compañero. Preferiblemente bucee acompañado de un guía profesional cualificado y reúna información de antemano.

Sea un ejemplo a seguir.

Sea un ejemplo para otros buceadores y no buceadores cuando se sumerja en yacimientos sumergidos. Anime a otros buceadores a seguir este Código …tico. Ayude a concienciar a la comunidad local y a otros buceadores en temas relacionados con la conservación.

Apoye la ratificación y cumplimiento de la Convención 2001 de la UNESCO para la protección del Patrimonio Cultural Subacuático.

La Convención 2001 de la UNESCO para la protección del Patrimonio Cultural Subacuático es un tratado internacional que protege el Patrimonio Cultural Subacuático. En él se establecen los principios básicos de protección, las guías internacionales de cooperación y fija normas para la arqueología submarina.

Pablo Picasso, Suite Vollard, París 1930-1937

13/12/2011, Fundación Mapfre y Fundación Santiago, presentan en colaboración con el Metropolitan Museum of Manila, la exposición "Pablo Picasso Suite Vollard París, 1930-1937". Colecciones Fundación Mapfre.


La muestra, que permanecerá en el Metropolitan Museum of Manila hasta el 8 de enero 2012, recoge 100 estampas realizadas por Picasso entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937 por encargo del marchante de arte y editor Ambroise Vollard.

Este conjunto apareció en 1939 en dos formatos: uno grande (760 x 500 mm) sobre papel avitelado, firmado por el artista con lápiz rojo o negro, con 50 ejemplares por plancha; y otro más pequeño (445 x 340 mm) sobre papel verjurado de Montval con la marca al agua “Vollard” o “Picasso”, en tirada de 250 ejemplares.

La complicada historia del origen de la obra, su variedad temática y su diversidad técnica, en la que se reúnen los estilos de elaboración más variados (buril, aguafuerte, aguatinta, aguada y punta seca e incluso combinados) provocaron su dispersión, con lo que actualmente son escasas las colecciones completas existentes.

La "Suite Vollard", adquirida por Fundación Mapfre en 2007 constituye, por tanto, uno de los testimonios histórico-artísticos más importantes de la primera mitad del siglo XX.

Swarovski Innsbruck

13/12/2011, Tras casi 8 meses de trabajos de remodelación, la nueva tienda de Swarovski en el centro histórico de Innsbruck invita de nuevo a sumergirse en un fascinante mundo de brillo cristalino.

Una de la tiendas Swarovski más grandes del mundo luce en el centro de Innsbruck, en pleno ambiente histórico de la ciudad.
La sede central de Swarovski se halla a tan solo 12 kilómetros de Innsbruck, en la tranquila población de Wattens. Aquí los Mundos de Cristal Swarovski invitan a sumergirse en un brillante universo.

La nueva tienda de Swarovski en el centro de Innsbruck es también un lugar de asombro y de fascinación por la magia del cristal. El edificio fue durante siglos una popular taberna. Cuenta con elementos que datan de la época del gótico y es ahora un monumento protegido.

Los arquitectos Daniel Síя und Hanno Schlцgl, responsables de las obras de reforma, han sabido combinar a la perfección elementos nuevos con los elementos antiguos ya existentes: las amplias y luminosas salas se integran con armonía en las históricas bóvedas de cañón del edificio.


Justo al entrar en la tienda, las obras del artista tirolés Thomas Feuerstein nos obligan a ver el mundo de manera distinta, concretamente, a través de los ojos de una mosca del vinagre, Drosophila melanogaster, una especie muy importante en el campo de las ciencias biológicas. El espacio se titula "Im Facettenreich" (En el reino polifacético) y une magistralmente el arte con las ciencias.

Los objetos "Superfly", "Phantom" y "Parts pro toto" invitan a un viaje por el mundo del arte inspirado en el cristal.

La cámara de los milagros de la tienda Swarovski Innsbruck Crystal Matrix lleva a los visitantes a un mundo místico-trascendental hecho de sonido y cristal. El artista austriaco Erwin Redl residente en EEUU creó un fascinante espacio de interacción entre el observador y las instalaciones, pero también entre los mismos observadores. ¿Cómo suena un cristal? ¿Cómo luce un sonido? Estas preguntas hallan respuesta artística en este fascinante mundo de cristal.

En las dos plantas de la tienda Swarovski Innsbruck los visitantes pueden ver y admirar las ya casi legendarias innovaciones hechas de cristal: la pared de espejos, la escalera de cristal o la famosa araña de techo "Cascade", por mencionar tan solo algunas.

Swarovski Innsbruck, en el centro histórico de Innsbruck, abre diariamente de 8 a 19.30 h.
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Durban: pobre balance.

11/12/2011, La XVII Cumbre de la ONU sobre Cambio Climático ha terminado con un balance escasamente positivo, pese a que se amplió su duración para evitar el fracaso absoluto.

Durban, Sudáfrica, 11 de diciembre de 2011

Los intereses de los combustibles fósiles no han permitido sino salvar la cara, permitiendo que los acuerdos de Kioto sigan siendo un objetivo más allá de 2012, año en que expiraba el compromiso.

Del problema es que no hay concreciones y del acuerdo se descolgaron países importantes como Rusia o Canadá, aparte de EE.UU, que no no había formado el protocolo. EE.UU. es, precisamente el país que más monóxido de carbono emite a la atmósfera. Frente a la postura de EE.UU. La Unión Europea se mostró bastante activa en la lucha contra el cambio climático. Con todo, Durban fijó la fecha de inicio del segundo periodo de compromiso de Kioto para 2013, con lo que se evitó un vacío, pero no concretó el desarrollo de esta segunda fase.

En el compromiso de mínimos de la cumbre de Durban también acordó el mecanismo de funcionamiento del Fondo Verde para el Clima.

Poco entusiasmo por parte de la mayoría de los estados, y críticas en el mundo conservacionista.

Para WWF, los gobiernos han vuelto ha fracasar a la hora de demostrar compromiso y ambición para combatir el cambio climático y ofrecer esperanza a los cientos de millones de personas en el mundo que ya están padeciendo sus consecuencias.

Estados Unidos, Rusia, Japón y Canadá, han sido los principales artífices del bloqueo para conseguir un acuerdo.

Samanta Smith, líder de la Iniciativa Global de Cambio Climático y Energía de WWF afirmó que aunque la palabra “catastrófico” puede parecer fuerte, no es lo suficientemente contundente para describir un futuro con un calentamiento por encima de 4 grados Celsius: “Desgraciadamente, los gobiernos han desperdiciado los dos últimos días cruciales, debatiendo sobre términos en los textos de la negociación, en lugar de invertir este capital político en comprometerse a asumir acciones concretas para luchar contra el cambio climático”, concluyó Smith.

WWF considera muy negativo el hecho de que no haya habido avances significativos en cuanto a los recursos económicos con los que se va a dotar el “Fondo verde”, que es una pieza esencial del acuerdo para que los países en vías de desarrollo puedan afrontar los impactos que el cambio climático está teniendo en sus vidas y sus economías, y puedan frenar también el aumento de emisiones.

Sigue sin aclararse la procedencia de los fondos, y además sigue habiendo un vacío entre 2013, cuando acaban los compromisos establecidos, y 2020.

Mar Asunción, responsable del Programa de cambio climático destacó: “En Durban se ha dado un paso, que EEUU y los países emergentes se han comprometido a negociar algún tipo de acuerdo vinculante. Pero esto no entraría en vigor hasta 2020, lo cual es demasiado tarde, ya que los informes científicos nos alertan de la importancia de tomar medidas cuanto antes y que el pico de emisiones globales se alcance antes de 2020 y a partir de aquí empiece a disminuir”.

Greenpeace lamenta que, pese a los esfuerzos de algunos gobiernos por hacer avanzar la negociación, otros hayan llegado a Durban con el mandato de seguir favoreciendo al sector de los combustibles fósiles y a la industria más contaminante.

Para Greenpeace, esta ha sido una nueva muestra de cómo algunos países anteponen los intereses de una minoría frente al clima y a la economía de todos. "Durante años, los países industrializados hemos permitido que la industria más contaminante ocupe la atmósfera con sus emisiones y que se enriquezca con la generación de un cambio climático cuya factura pagamos entre todos", ha declarado Aida Vila, responsable de la campaña de Cambio climático y energía de Greenpeace.

Oro en el Belvedere

08/12/2011, En las salas del museo Belvedere de Viena se podrá ver una amplia exposición temporal dedicada al tema del uso del oro y los tonos dorados en el arte contemporáneo.

La interpretación del uso artístico del oro es sometida a una revisión general en la muestra que tendrá lugar en el Belvedere Inferior y en la Orangerie. Un retrato de momia del siglo II marca el inicio de la exposición, mientras que obras de Giandomenico Tiepolo y William Blake plasman el uso del oro en la pintura de la Edad Moderna.

Numerosos préstamos procedentes de museos y colecciones internacionales, principalmente obras de los siglos XX y XXI, son expuestas junto a objetos de la propia colección como altares góticos o esculturas secesionistas. Obras maestras de Gustav Klimt, Willi Baumeister, Richard Hamilton, Imi Knoebel, Yves Klein, Heinz Mack, Victor Vasarely, Andy Warhol, Franz West o Sylvie Fleury muestran de manera ejemplar el posterior desarrollo artístico hasta nuestros días.

Oro
15.3.-17.6.2012,
Belvedere Inferior y Orangerie
Rennweg 6, 1030 Viena
www.belvedere.at

Brancusi - Serra

08/12/2011, El Museo Guggenheim de Bilbao presenta un dialogo excepcional entre dos de los escultores más importantes del siglo XX: Constantin Brancusi y Richard Serra.

Por primera vez en España se exhibe de forma retrospectiva la obra escultórica de Brancusi. De igual manera, el trabajo de Serra no se había presentado anteriormente con tal extensión y profundidad.

La muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada única a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna.

Brancusi, nacido en Rumanía y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra.

La exposición confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna.

La influencia de la obra de Constantin Brancusi es fundamental en la trayectoria de Richard Serra. Entre 1964 y 1965, el artista obtuvo una beca de la Universidad de Yale para estudiar en París donde pasó varios meses visitando a diario la reconstrucción del taller del maestro que había fallecido siete años antes, dibujando, reflexionando e intentando comprender todo aquello que lo rodeaba.

Esa fue una experiencia que lo marcó profundamente y encaminó su trayectoria hacia la escultura. El taller de Brancusi, lleno de actividad y de formas tridimensionales, de cualidades espaciales y procesos de trabajo, provocó en Serra un efecto que más tarde describiría como "un manual de posibilidades”.

La obra desarrollada por el escultor estadounidense permite admirar desde una renovada perspectiva el singular estilo escultórico de Brancusi y apreciar sus obras y sus aportaciones pioneras, como la construcción de pedestales de varios componentes, la serialidad, el apilado o el corte como línea, desde otra perspectiva: la de una escultura mucho más profunda y trascendental que una mera forma bella.

Treinta obras dispuestas en grupos temáticos dibujan el recorrido escultórico esencial de Brancusi, conformando una retrospectiva de la obra del artista nunca antes vista en España. Una selección que abarca cuarenta años de trayectoria profesional traslada al espectador las claves de su particular universo escultórico, que se plasma en la muestra por medio de sus más relevantes conjuntos escultóricos entre los que se encuentran diferentes variantes de la pieza monolítica El beso (Le Baiser), de las poéticas Cabezas de niños (Tètes d´enfant), Musas dormidas (Les Muses endormies) y los célebres Pájaros en el espacio (Oiseaux dans l´espace), así como de las piezas que causaron cierta controversia en su día como Princesa X (Princesse X), Adán y Eva (Adam et Éve) y la icónica Negra blanca (La Négresse blanche). Así mismo, El niño en el mundo (L´Enfant au monde), denominado “grupo móvil”, ha sido reconstruido a partir de las esculturas de madera originales Copa (II) [Coupe (II), 1917–18] y Francesita (Petite fille française, ca. 1914–18).

La muestra pone de relieve la búsqueda por parte de Brancusi de un ideal artístico por medio de la experimentación con las cualidades de los materiales que utiliza, sus diferentes superficies y su capacidad para reflejar o absorber la luz. A lo largo de la segunda planta sus esculturas en mármol y bronce se intercalan con las realizadas en yeso y madera, permitiendo al espectador percibir las cualidades esenciales de sus obras y de sus principales grupos escultóricos.

El concepto de una presencia ideal en el espacio y la cuestión de la esencia de la escultura se abordan en la muestra por medio de nueve esculturas y una nueva serie de obras sobre papel de Richard Serra, ofreciendo un recorrido único por la trayectoria y evolución del reconocido escultor estadounidense durante los últimos cuarenta años. La selección abarca desde sus piezas tempranas realizadas en caucho y plomo como la seminal Cinturones (Belts, 1966–67) o Castillo de naipes (House of Cards, 1969) hasta sus características esculturas de acero como Circuito (Circuit, 1972), que divide un espacio cuadrado desde sus cuatro esquinas, o 1,2,3,4,5,6,7,8 (1987), que juega con la inversión de la definición de un punto central en el espacio.

El tema de la curva es protagonista en las torsiones elípticas y en las torsiones espirales que conforman la monumental instalación La materia del tiempo, un hito escultórico calificado como la expresión más compleja y ambiciosa del lenguaje formal que este artista haya producido en los últimos 25 años. La instalación ocupa la sala 104 ArcelorMittal del Museo desde 2005 y es uno de los elementos centrales de la muestra.

Las obras que componen la muestra Brancusi–Serra proceden de reconocidas colecciones particulares y museos internacionales entre los que se cuentan el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, el Philadelphia Museum of Art de Filadelfia, el Sheldon Museum of Art de Lincoln (Universidad de Nebraska), la Art Gallery de Ontario, el Centre Georges Pompidou de París, el Muzeul de Arta de Craiova, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Staatsgalerie Stuttgart, el Stiftung Wilhem Lehmbruck Museum de Duisburg y la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, entre otros.

Nuevas restauraciones en el Prado

06/12/2011, Los retratos ecuestres de Felipe III y Margarita de Austria de Velázquez recuperan su calidad y composición original tras la restauración efectuada por Rocío Dávila.

En el marco del proceso de reordenación y mejora de la calidad expositiva de las colecciones del Museo y más concretamente de la colección de Velázquez, cuya reubicación concluyó el año pasado a falta de incluir estas dos obras, se ha procedido a la restauración de Felipe III, a caballo y Margarita de Austria, a caballo.

Las dos emblemáticas pinturas del gran maestro sevillano se muestran ya en la gran sala basilical del Museo (sala de Las Meninas) con sus calidades pictóricas recuperadas.

Los dos monumentales retratos ecuestres fueron realizados por el artista, con ayuda de colaboradores, con destino al Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro como parte de la serie en la que también se incluyen los igualmente célebres retratos ecuestres de Felipe IV, Isabel de Borbón; y el príncipe Baltasar Carlos.

La intervención sobre las dos pinturas, realizada por Rocío Dávila, ha permitido recuperar los valores originales de ambas afectados muy negativamente por la acumulación de suciedad y la alteración del barniz que habían variado las relaciones cromáticas de cada pintura, amortiguando los contrastes y creando un “velo” que reducía los planos espaciales. En el caso de Felipe III, a caballo, anulaba la potencia lumínica del cielo sobre el que se proyectan jinete y caballo.

Además, en las décadas centrales del siglo XVIII se habían añadido a ambos cuadros anchas bandas laterales a izquierda y derecha para adecuar sus tamaños a los de las otras obras de la misma serie, con vistas a su instalación en una sala del recién construido Palacio Real de Madrid. La incorporación de esas bandas afectó mucho la lectura formal de los cuadros, especialmente en el caso de Felipe III, a caballo. Velázquez había optado por una composición en escorzo, que se subrayaba debido al formato marcadamente vertical del cuadro, y que daba como resultado una imagen llena de vigor y dinamismo, a los que contribuía también el luminoso cielo. Con ello, quiso plantear una solución distinta de la que usó para Felipe IV, a caballo. Las bandas laterales añadidas alteraron la idea del artista al otorgar a la obra un formato menos vertical que atenuaba el efecto de escorzo haciendo que la composición perdiera su fuerza y dinamismo originales. En el caso de Margarita de Austria, a caballo, los añadidos también tenían consecuencias para la lectura del cuadro, aunque no tan acusadas. Por una parte, restaban protagonismo al prodigioso caballo; y, por otra, alteraban el paisaje, pues lo que en el original son montañas en la lejanía, con los añadidos se convirtieron en colinas de las que nacían vaguadas.

El hecho de que los añadidos del siglo XVIII fueran pintados sobre una imprimación distinta a la de los cuadros originales ha provocado que el comportamiento de los colores en ambas zonas haya sido distinto a lo largo de estos dos siglos y medio. Por lo tanto, la restauración de ambos cuadros no sólo ha implicado su limpieza, sino también la restitución, en la medida de lo posible, de sus condiciones originales de percepción. Para ello se ha optado por despegar estos añadidos ya que era la intervención menos lesiva a corto, medio y largo plazo, dado que el sistema de unión de las bandas con el cuadro original permitía una intervención muy limpia.

Felipe III, a caballo y Margarita de Austria, a caballo se exhiben ahora en la sala 12 con sus espléndidos valores propios, perdidos parcialmente durante dos siglos y medio por lo anteriormente expuesto. Si hasta ahora no era fácil entender el valor de estas obras dentro del conjunto (más allá del puramente iconográfico), ahora se hace meridianamente claro; y la comparación, por ejemplo, entre los retratos ecuestres de Felipe IV y de su padre muestra ya las dos diferentes formas empleadas por Velázquez para representar la majestad de uno y otro monarca: el sosiego de Felipe IV, representado mediante la impasibilidad de su gesto y el perfil de la composición, frente al dinamismo de Felipe III, que se transmite mediante el escorzo de su caballo y el luminoso cielo ante el que se proyecta. Por todas estas razones, el resultado de esta intervención trasciende a los dos cuadros implicados ampliando sus positivas consecuencias a la comprensión de todo el conjunto.

Águila Imperial

04/12/2011, El águila imperial, especie exclusiva de la Península Ibérica y en grave peligro, está experimentanto un crecimiento notable. De 150 parejas en 2001 se ha pasado a más de 300 en 2011.

Madrid, diciembre de 2011

Es un ave de tonos pardos, con unas zonas blanquecinas en hombros y parte superior de las alas, con gran tamaño: unos 80 centímetros de altura y una envergadura alar de hasta 2 metros.

Para la conservación del águila imperial ibérica, SEO/BirdLife está llevando a cabo diversas iniciativas. Recientemente se celebró un encuentro en el marco del Programa Red de Custodia Alzando el vuelo, con presencia de representes de las cinco comunidades autónomas en las que se distribuye el águila imperial y del Ministerio de Medio Ambiente español.

  El principal compromiso alcanzado ha sido incluir en la próxima revisión de la Estrategia para la conservación del águila imperial ibérica en España la necesidad de que, la reintroducción o reforzamiento de las poblaciones de la especie con aves criadas en cautividad o traslocando pollos de nidos silvestres, se basen en un análisis de viabilidad poblacional que coordinará el MARM. Este estudio no sólo establecería la necesidad de llevar a cabo proyectos de reintroducción, sino que podría ayudar a determinar el tamaño mínimo viable de la población y, por lo tanto, los objetivos poblacionales del propio plan.  

La Estrategia vigente aprobada en 2001 contempla “identificar y cartografiar las áreas con mayor potencial para la recolonización, como un paso previo necesario a la suelta de jóvenes”. Sin embargo como se ha identificado en el Taller la situación ha cambiado de forma positiva a la que existía a finales de los años 90 lo que deberá condicionar su revisión iniciada este año.  

A esta decisión se ha llegado tras analizar que la población y su área de distribución han aumentado, y que ya se cuenta con los conocimientos técnicos para llevar a cabo la reintroducción, si en algún momento se considera necesario.  

La especie ha respondido muy bien a las acciones de conservación llevadas a cabo por las comunidades autónomas (modificación de tendidos, lucha contra el veneno, alimentación suplementaria, etc.) ya que su población se ha multiplicado por dos desde la aprobación de la Estrategia Nacional en 2001. La población ha pasado de 150 parejas en 2001 a 317 en 2011 repartidas de la siguiente manera: 37 en Madrid, 114 en Castilla-La Mancha, 48 en Extremadura, 47 en Castilla y León y 71 en Andalucía.

Además, la especie ha ampliado de forma natural su área de nidificación de forma muy importante una vez eliminadas parte de sus amenazas y con la mejora de la situación del conejo en varias regiones españolas.

De la revuelta a la postmodernidad (1962-1982)

01/12/2011, El Museo Reina Sofía abre al público la parte correspondiente al tercer tramo de su Colección, la que abarca el período que va del año 1962 al 1982.

Madrid, 01 de diciembre de 2011
La Colección del Museo se articula en torno a cuatro ámbitos en función de los momentos clave de la historia del arte del siglo XX y XXI, tanto español como internacional.

El primero, que se exhibe en la segunda planta del edificio Sabatini, que se extiende a lo largo de las décadas de los años veinte y treinta, cuando las vanguardias derivan hacia posiciones de mayor compromiso y antagonismo, y el segundo tramo, que fue presentado hace un año bajo el título ¿La Guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968), que se corresponde con los años cuarenta, cincuenta y sesenta y que se puede visitar en la cuarta planta.

Ahora, ocupando los dos espacios expositivos del edificio Nouvel, se presenta este tercer ámbito de la Colección: De la revuelta a la postmodernidad (1962-1982), que acoge unas 300 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías y material documental.

Se incluyen recientes adquisiciones, donaciones y depósitos aún no vistos por el público. Las salas dedicadas a este período acogerán obras de autores como Sol LeWitt, Dan Flavin, Hélio Oiticica, Luis Gordillo, Gerhard Richter, Pistoletto, Carl Andre, Hans Haacke, Eugènia Balcells, Eulalia Grau, Mario Merz, Marcel Broodthaers, Donald Judd, Moraza, Molero, Yvonne Rainer, Buren, Jo Spence, Guillermo Pérez Villalta, Carlos Alcolea, Carlos Leon, Esther Ferrer, Concha Jerez, George Brecht, Alberto Corazón, Colita, o Nacho Criado, entre otros.

Entre 1962 y 1982 ocurrieron hechos que cambiaron el mundo: la irrupción de nuevas tecnologías, el avance del consumismo, los procesos de descolonización (que se plasman en la disconformidad de la juventud y de las mujeres) y el inicio de la globalización.

Factores decisivos como el acontecimiento de Mayo del 68, la crisis económica a partir de 1973, la muerte de Franco, la transición democrática y la primera globalización a nivel internacional, son algunos de los hitos que marcan esta fase en nuestro país y fuera de él.

un período convulso protagonizado por la guerra de Argelia y la crisis de los misiles en Cuba, el fin de la transición política en España, las figuras de Ronald Reagan o Margaret Thatcher, la caída del muro de Berlín en 1989... Este es un periodo esencial para entender el mundo en el que vivimos.

Esta época supone igualmente el cambio definitivo de paradigma respecto a lo que se consideraba arte desde el Renacimiento. No sólo por la superación de la tradicional delimitación del medio en pintura y escultura, sino por la “ausencia” del autor. Es el punto de inflexión entre modernidad y posmodernidad.

En la modernidad el autor se situaba en el centro, en cambio ahora se proclama su “muerte”. El artista también se muestra disconforme con el aislamiento que supone el estudio y la necesidad de salir a la calle, interpelar a los públicos.

Este nuevo paradigma implica también la contestación radical a un arte entendido como práctica occidental y masculina, apareciendo voces como las del feminismo, las del tropicalismo, o las que protestan y denuncian en un contexto social y político represivo, como es el caso de las dictaduras latinoamericanas y de la española.

ÍNDICE DE SALAS

Nouvel I

01 Revolución y descolonización
02 Resistencias poéticas del arte en Europa
03 Espacios inespecíficos: arte en los Estados Unidos
04 Performance e interacción: Judson Dance Theater
05 Hélio Oiticica. Tropicália, 1967
06 Espacios de vida: las políticas del arte povera
07 La revolución feminista
08 Soledad interrumpida
09 Arte experimental en España

Nouvel 0

01 El arte del concepto: análisis y crítica
02 Projects: Pier 18, 1971/1992
03 Antoni Muntadas. The Last Ten Minutes II, 1977
04 Arte y política al final de la dictadura
05 Activismo artístico en América Latina
06 Grupo Trama, 1974
07 Luis Gordillo
08 Desbordamientos de la razón en una España en época de cambios
09 La toma de la calle: culturas urbanas y nuevos imaginarios populares.
10 Mike Kelley. A Continuous Screening of Bob Clark’s Film Porky’s (1981)…
11 El impulso alegórico
12 CVA: Límite (implosión), 1982
Nuevas salas de la Colección
De la revuelta a la postmodernidad (1962-1982)

Trescientos años de la BNE

01/12/2011, En diciembre, la Biblioteca Nacional de España (BNE) celebra su tricentenario con la inauguración de una gran exposición sobre su historia y con una amplia programación de actividades culturales y académicas.

Madrid, 01 de diciembre de 2011
La exposición "Biblioteca Nacional de España. 300 años haciendo historia", está organizada por la BNE y Acción Cultural Española por motivo del Tricentenario. La muestra se inaugurará el 13 de diciembre.

El día posterior se dedica al ciclo Una cita en la BNE a los Datos enlazados en la BNE y al ciclo Tramas Americanas, que cuenta con la presencia del escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez, en un acto organizado en colaboración con la Embajada de la República de Colombia.

El mes de diciembre termina con la celebración del cumpleaños de la Biblioteca, el día 29, fecha en la que fue aprobado el proyecto de fundación de la Biblioteca por el rey Felipe V.

También la exposición Entre España y Filipinas. José Rizal, escritor, inaugurada en noviembre, podrá verse hasta el próximo febrero en la Sala Hipóstila.

Completan la oferta varios talleres para niños dedicados a la ciencia, la proyección del documental La música en la época de Jovellanos, conferencias dedicadas a la Pieza del mes, con el tema Luces, sueños y amarguras de Jovellanos, una tertulia de ilustración Frente al mito del papel en blanco. Reflexiones de una ilustradora, por Rocío Martínez o un Cuentacuentos para niños: Bashir y la maleta del mundo.

Macabra Viena

29/11/2011, Un cementerio, una cripta funeraria o un museo que de enterramientos son algunas de las curiosidades que los viajeros más morbosos podrán conocer en la ciudad de Viena.

Viena, 29 de noviembre de 2011
El Cementerio Central Vienés se abrió en 1874, cuando el número de habitantes de Viena estaba aumentando de forma vertiginosa y por consiguiente aumentaba la demanda de lugar para enterrar a los difuntos.

Con sus 2,5 km² de superficie, el cementerio, ubicado al sureste de la ciudad, es el segundo más grande de Europa (después del cementerio alemán Hamburg Ohlsdorf), pero es el mayor de todos en número de seputuras, que se eleva a unos tres millones.

Está estructurado en una zona interconfesional y varias secciones para religiones determinadas, entre otros hay un sector para la religión judía, otro para la cristiano ortodoxa, para la musulmana y la budista.

El artista André Heller dijo una vez que el Cementerio Central es un afrodisíaco para necrófilos, pero sobre todas las cosas no cabe duda de que este es un lugar genuinamente vienés.

Hay quienes hacen una excursión familiar para visitar este cementerio con sus numerosas tumbas de honor y para pasearse por las hermosas alamedas (el entramado de calles del cementerio tiene un total de 100 kilómetros de largo).

La iglesia " San Carlos Borromeo" situada cerca de la entrada principal es un edificio construido en estilo modernista "Jugendstil" por el arquitecto May Hegele, quien fue discípulo de Otto Wagner. Su interior está exquisitamente decorado con baldozas, murales y un mosaico en la capilla con un total de 999 estrellas pintadas sobre un fondo azul marino.

La Cripta de los Capuchinos, como parte del Monasterio de los Capuchinos situado en la plaza Neuer Markt en el centro histórico de Viena, es el principal sepulcro de la familia Habsburgo, un lugar colmado de significado, en el que se refleja toda la historia de la dinastía de Habsburgo. Aquí se enterraron todos los emperadores de la Casa de los Austria desde el inicio de su poder en el siglo XVII ( con excepción de Rodolfo II, Fernando II y Carlos I ) . Los sarcófagos y los monumentos de las tumbas están llenos de símbolos religiosos y alusiones a la finitud del poder terreno. Francisco José I (1916) es el último emperador que fue sepultado en este lugar, también llamado Cripta de los Emperadores, en el que yacen en total 150 personas. El 16.7.2011 fueron conducidos a la Cripta de los Capuchinos los restos de Otto Habsburgo-Lorena, hijo del último matrimonio imperial, foramado por Karl y Zita. También los sarcófagos de la Emperatriz Elisabeth (Sisi) y del príncipe heredero Rodolfo se encuentran en la Cripta, que sigue siendo velada por la orden católica de los capuchinos.

El museo vienés de sepulturas, con sus mil objetos en exposición, brinda una clara visión de la cultura funeraria, de los rituales fúnebres y de la peculiar relación de los vieneses con la muerte (se dice que los habitantes de Viena mantienen una relación muy peculiar con lo macabro).

Entre los mil objetos relacionados al culto a la muerte se encuentran los trajes de luto, fajas y otros accesorios que solían usar los sepultores, así como diversos modelos de urnas, sarcófagos y carruajes funerarios. Llaman la atención algunas piezas como la campana de salvación, con la que una persona que había sido dada por muerta, desde su encierro en el sarcófago podía llamar la atención para que la salvaran y poder volver así a la vida de los mortales.

Actividades Navideñas en Bélgica

29/11/2011, Llega la temporada navideña, y con ella los mercadillos, las pistas de patinaje, la plantada de los abetos, los belenes, y otras actividades típicas de la época en las ciudades de Flandes y Bruselas.

CALENDARIO DE FIESTAS DE NAVIDAD Y FIN DE AÑO 2011

AMBERES
www.antwerpen.be/visit

Mercados de Navidad
10-28 de diciembre
Handschoenmarkt, Grote Markt y Suikerrui
10 de diciembre - 8 de enero
Steenplein

Belén
10 de diciembre - 8 de enero
Handschoenmarkt

Domingos de shopping
11 y 18 de diciembre

Pista de patinaje
10 de diciembre - 8 de enero
Steenplein

Fuegos artificiales
31 de diciembre, sobre el Escalda

Wintervuur (fuego de invierno)
2-8 de enero
Hoboken
Festival bienal multidisciplinar. El barrio de Hoboken se transforma en un pueblecito donde sartenes, fuego, sopa y acordeones crean un ambiente muy especial. Grupos musicales, paseos originales, teatro y circo. www.antwerpenopen.be

Drink de año nuevo
8 de enero
Grote Markt y Suikerrui

Abrazo de los abetos de Navidad
14 de enero
Orilla Izquierda, Amberes

BRUJAS
www.brugge.be

Mercados de Navidad
25 de noviembre - 3 de enero
Markt y Simonstevinplein

Pista de Patinaje
25 de noviembre - 3 de enero
Markt

Momentos Mágicos de la Navidad
25 de noviembre - 4 de diciembre
Site Oud Sint Jan, Brujas
El happening de Navidad por excelencia para los amantes de las fiestas tradicionales y las de Fin de Año.

1er MoveBrugge Kerstloop
16 de diciembre, de 20h a 22h
El circuito de la carrera se puede elegir entre 5 y 10 Km. Todos encontrarán su medida.
www.ivandegrieck.be

Festival de Esculturas en Hielo y Nieve
25 de noviembre - 15 de enero
Cerca de la Estación de Tren de Brujas 40 escultores internacionales dan forma a 400 toneladas de hielo y nieve

BRUSELAS
www.visitbrussels.be

El mayor Belén del mundo
3 de diciembre - 15 de enero
Basílica de Koekelberg
www.basilicakoekelberg.be

El Lago de los Cisnes
2-3 de diciembre
Cirque Royal
www.cirque-royal.org

Placeres de Invierno
25 de noviembre - 1 de enero
Por todo el centro urbano
www.plaisirsdhiver.be
Mercado de navidad, animaciones navideñas, pista de patinaje sobre hielo, gigantesco árbol e iluminación especial en la Grand Place.

GANTE
www.visitgent.be

Mercado de Navidad
9 - 30 de diciembre
Sint Baafsplein

Mercado de regalos
11 y 18 de diciembre
Vrijdagmarkt

Patinaje sobre hielo
25 de noviembre - 2 de enero

Navidad Romana
2 de diciembre
Muziekcentrum De Bijloke
www.debijloke.be

Concierto de Navidad
14 de diciembre
Conservatorio

El Cascanueces
18 de diciembre
Capitole Gent

Fuegos Artificiales
31 de diciembre
Portus Ganda

Copa de Año Nuevo
15 de enero
Sint Baafsplein

Festival de la Luz
26-29 de enero
Centro ciudad

LOVAINA
www.leuvensekerstmarkt.be

Belén viviente
9 de diciembre - 8 de enero

Mercados de Navidad
9-18 de diciembre
Ladeuzeplein y Hooverplein

Domingos de shopping
11 y 18 de diciembre

La Casita de Papá Noel
9-18 de diciembre
Especial para los niños. Verán el despacho de Papá Noel con sus listados de regalos, su sala de estar e incluso su dormitorio.

OSTENDE
www.visitoostende.be

Happening culinario «Queen of the Proms»
16-18 de diciembre
Paseo culinario a la orilla del mar, con degustación de las mejores recetas de los comerciantes de la ciudad.

Jardines mágicos de España

25/11/2011, Disfruta de un paseo por los jardines más hermosos de España de la mano de la escritora sueca Anneli Bojstad, del fotógrafo madrileño Eduardo Mencos y de la editorial Blume.

Madrid, 25 de noviembre de 2011
Un viaje mágico por los jardines de España, con más de doscientas fotografías que muestran cuarenta de los jardines más hermosos que pueden encontrarse en la actualidad.

De las canteras de arenisca de Pedreres de s’Hostal en Menorca a las verdes tierras del Pazo de Castrelos en Galicia, y desde el original jardín de cactáceas en las islas Canarias creado por César Manrique hasta el jardín tropical de La Concepción.

Se incluyen espacios públicos (el santuario de belleza y conocimiento que representa el Jardín Botánico de Madrid), así como otros más personales, como el original Park Güell de Gaudí. Se presentan jardines de todas las épocas, desde el jardín habitado más antiguo, el Patio de los Naranjos en Córdoba, del siglo VIII, hasta El Romeral de San Marcos, una sinfonía de colores, luces y sombras creada por Leandro Silva en el siglo XX, así como numerosos estilos, incluyendo los más formales, como el de la Granja de San Idelfonso de Felipe V, con sus caídas de agua, cuevas y lagos.

Una obra llena de tesoros que deleitará a los amantes de la naturaleza, de los jardines y del paisajismo en general. Los jardines, abiertos al público, reflejan la diversidad del clima y del paisaje español.

Sobre los autores
Anneli Bojstad, nacida en Suecia, lleva más de veinte años en España, donde escribe sobre temas tales como arquitectura, interiorismo y jardines. Sus artículos se han publicado en Architectural Digest, Elle Deco, Vogue y Casa y campo; es autora (con Eduardo Mencos) de La gran aventura de los Indianos. Fue comisaria de la exposición Jardines del Alma en el Jardín Botánico de Madrid.

Eduardo Mencos, nacido en Madrid, es un reconocido fotógrafo y diseñador de jardines. Sus fotografías han sido publicadas en National Geographic, Gardens Illustrated, Vogue y Elle Deco; es autor de Jardines secretos de España y Paisajes de España en claroscuro, ambos publicados por Blume.

Europa condena minas leonesas

24/11/2011, El Tribunal de Justicia europeo condenó a España por las minas a cielo abierto que dañan bellísimos parajes monañosos de la provincia de León, habitados por osos y urogallos.

Bruselas/León. Noviembre de 2011

Una sentencia del Tribunal de Justicia de la Comisión Europea, hecha públvica el 24 de septiembre, condena al reino de España por el incumplimiento de las Directivas de Evaluación de Impacto Ambiental y de Hábitats.

España ha autorizado nuevas explotaciones mineras de carbón a cielo abierto en el Alto Sil (León) -en el entorno de la Cordillera Cantábrica- sin realizar una evaluación adecuada de las posibles repercusiones de dichos proyectos y al no haber adoptado las medidas necesarias para evitar el deterioro de los hábitats de especies amenazadas como el oso pardo y el urogallo cantábrico. La sentencia especifica que las explotaciones de “Nueva Julia” y “Los Ladrones” se autorizaron sin realizar una evaluación de impacto ambiental apropiada y sin tener en cuenta los riesgos para el urogallo, y que no se han adoptado las medidas necesarias para evitar la degradación de su hábitat ocasionada por las explotaciones “Feixolín”, “Salguero-Prégame-Valdesegadas”, “Fonfría”, “Ampliación de Feixolín” y “Nueva Julia”. 

Según señala SEO-Birdlife, “una vez más se vuelve a poner de manifiesto la larga lista de incumplimientos de las Directivas Europeas en esta zona de alto valor natural de la provincia de León, declarada como Lugar de Importancia Comunitaria (LIC), Zona de Especial protección para las Aves (ZEPA) y Reserva de la Biosfera, donde sobreviven, entre otras, las mejores poblaciones de urogallo de la Cordillera Cantábrica, tratándose ésta de una especie en peligro de extinción”. 

Juan Carlos Atienza, coordinador de conservación de SEO/BirdLife declaró que “es inaceptable seguir financiando con fondos públicos la extracción de carbón en minas a cielo abierto en zonas de alto valor ecológico, debido a su gran impacto sobre la biodiversidad, e ir en contra de las políticas de lucha contra el cambio climático”.

Además, Atienza solicita “una mayor inversión en políticas de desarrollo rural sostenible y promover en las cuencas mineras desarrollos alternativos basados en un respeto al medio ambiente”. SEO/BirdLife considera que proyectos como estas minas a cielo abierto dificultan la obtención de fondos europeos para la Red Natura 2000 que deben garantizar el futuro de estas zonas. 

No es esta la primera sentencia de la Comisión Europea en este sentido, por lo que SEOBirlife solicita al Gobierno de España y a la comunidad de Castilla y León un cambio decidido en sus políticas ambientales y energéticas que fomente la conservación de espacios naturales de importancia, valorando los mismos como productores de riqueza y bienestar para la sociedad y buscando fórmulas alternativas de desarrollo que no hipotequen estas áreas de alto valor para generaciones futuras.

Entre España y Filipinas

23/11/2011, La Biblioteca Nacional de España acoge la exposición "Entre España y Filipinas. Jose Rizal, escritor", organizada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, con la colaboración de la Biblioteca Nacional de España.

La muestra, comisariada por María Dolores Elizalde (investigadora científica en el Instituto de Historia del CSIC), coincide con el 150 aniversario del héroe filipino, y se encuadra dentro del programa del Tricentenario de la BNE.

José Rizal (1861-1896) fue un gran líder político y social, hombre ilustrado y humanista, estuvo profundamente comprometido con la sociedad filipina, considerado impulsor de la modernización y de la construcción nacional de su país.

Licenciado en Medicina y en Filosofía y Letras, médico oftalmólogo en ejercicio. Investigador de historia y gramática. Políglota (habló más de diez lenguas). Incansable viajero... Más allá de su dimensión política y social, Rizal fue un destacado literato, autor de dos grandes novelas, Noli Me Tangere y El Filibusterismo. También cultivó otros géneros, como la poesía, el ensayo, los artículos periodísticos o los libros de viajes.

El objetivo de esta muestra es profundizar en su faceta como escritor de las letras hispánicas, valorándole como un Galdós de los trópicos y contextualizándole en el ambiente intelectual de aquellas Filipinas ilustradas del siglo XIX.

La exposición desarrollará las siguientes áreas: El marco colonial, Memorias de juventud: los años de formación, Un mundo ilustrado, La sociedad de Rizal, Argumentos para un escritor y Mi último adiós. Revolución y ruptura.

La escalera de la evasión, Joan Miró

23/11/2011, La muestra que se expone en la Fundación Miró reúne más de 170 obras, entre pinturas, esculturas y obra sobre papel, procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Barcelona, 23 de noviembre de 2011
Llega a la Fundación Miró de Barcelona una exposición que examina momentos clave de la trayectoria de Joan Miró, y pone de manifiesto el compromiso del artista con su tiempo y su país.

Joan Miró (Barcelona 1893 – Palma 1983) fue uno de los artistas más representativos de su época. Desarrolló un lenguaje surrealista de símbolos que sugiere un sentimiento de libertad y energía singulares a través de un imaginario fantástico y de colores vivos.

Considerado a menudo precursor del expresionismo abstracto, su trabajo es admirado por el espíritu sereno y colorista que desprende.

Las primeras salas exploran los vínculos con su Cataluña natal, así como la inflexión que supuso su estancia en París y la liberación creativa del surrealismo.

En la sección central de la exposición, el drama de la Guerra Civil española se refleja en el nuevo lenguaje pictórico del artista. Las tensiones que derivaron en el conflicto provocan las protestas más explícitas de Miró.

Durante el régimen franquista, Miró trabajó en España en una especie de exilio interior, mientras en el extranjero crecía el reconocimiento hacia su obra.

Joan Miró. La escalera de la evasión presenta obras clave de un largo periodo de cerca de sesenta años y muestra la sensibilidad y el posicionamiento del artista frente a unos acontecimientos que han marcado la historia del siglo XX.

Joan Miró. La escalera de la evasión se ha presentado previamente en la Tate Modern de Londres, donde ha sido visitada por 303.000 personas, y tras su estancia en Barcelona, viajará a la National Gallery of Art de Washington, donde podrá visitarse a partir de mayo de 2012.

La escalera de la evasión, Joan Miró
Fundación Miró
Parc Montjuïc, S/N, Barcelona
hasta el 18/03/2012
Precio de la entrada: 10 €

Una imagen de España. Fotógrafos estereoscopistas franceses (1856-1867)

23/11/2011, La particular mirada que, gracias al desarrollo de la fotografía estereoscópica, difunden de la España decimonónica tres fotógrafos: Joseph Carpentier, J. Andrieu y Ernest Lamy, y dos editores, Ferrier & Soulier y los hermanos Gaudin.

Madrid, 23 de noviembre de 2011
La exposición reúne un total de 130 piezas, libros de viaje, imágenes de reconocidos fotógrafos, documentos sobre fotografía estereoscópica y una magnífica colección de este tipo de fotografías, así como las cámaras y visores correspondientes.

Como eje central de la exposición se presenta un panorama del Madrid de mediados del XIX (una vista circular prácticamente completa), elaborado a partir de distintas tomas realizadas por Joseph Carpentier desde la antigua torre de la Iglesia de Santa Cruz.

La muestra se completa con reproducciones ampliadas de las fotografías originales y visores que permiten al espectador experimentar la tercera dimensión en fotografía.

Una imagen de España. Fotógrafos estereoscopistas franceses (1856-1867)
Sala Guitarte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
(C/Alcalá, 13, Madrid)

Impresionismo: Colección Clark

21/11/2011, Hasta el 12 de febrero de 2012, CaixaForum Barcelona presenta obras maestras de Manet, Monet, Renoir, Degas… y todo el esplendor del París de principios del siglo XX.

Barcelona 16 de noviembre
Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark, es el título de una muestra que refleja como la pintura francesa de la segunda mitad del siglo XIX representó una encrucijada en la historia del arte.

Fue un período de cambio y experimentación, e incluso de revolución. Mientras que, para algunos pintores, la tradición del «gran estilo» heredada de los antiguos maestros seguía siendo la máxima aspiración artística, otros rechazaban las técnicas y los temas del arte del pasado e intentaban definir un nuevo concepto de pintura, basado en la naturaleza y dedicado a representar las ricas variaciones del mundo moderno.

Entre estos artistas de vanguardia, sin duda los más destacados fueron los impresionistas, y París fue el centro de aquel extraordinario momento inaugural de la historia del arte moderno. La exposición Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark presenta obras maestras de finales del siglo XIX y principios del XX que cubren todo el abanico de estilos y tendencias de este dinámico período: desde los paisajes naturalistas de los artistas de la escuela de Barbizon, hasta un excepcional grupo de pinturas de los artistas más destacados de la época: Manet, Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Morisot y, sobre todo, Renoir.

La muestra refleja los gustos personales de Sterling y Francine Clark, quienes durante cinco décadas reunieron una de las colecciones de obras impresionistas más grandes del mundo. CaixaForum Barcelona es la única parada española de la gira internacional organizada por el Sterling and Francine Clark Art Institute para mostrar las grandes obras maestras de su colección de pintura, coincidiendo con la ampliación de su sede.

La exposición Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark ha sido organizada por el Sterling and Francine Clark Art Institute y producida por la Obra Social ”la Caixa”, y comisariada por Richard Rand, conservador jefe del Sterling and Francine Clark Art Institute.

Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark representa la oportunidad de contemplar las obras de una de las grandes colecciones de Estados Unidos, de revivir el esplendor de principios del siglo XX, cuando París era la capital de la pintura, y de acercarse a algunos de sus artistas más destacados. Muestra un número significativo de obras de los extraordinarios fondos del impresionismo francés y la pintura europea del siglo XIX de esta importante colección americana . un total de 72 pinturas de grandes maestros, entre los que cabe mencionar a Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Pierre Bonnard, Jean-Baptiste Camille Corot, Paul Gauguin, Jean-François Millet, Alfred Sisley, Henri de Toulouse-Lautrec, William-Adolphe Bouguereau y Jean- Léon Gérôme.

Sterling Clark reunió la mayor parte de su colección en París a principios de la primera década del siglo xx. La colección refleja la sofisticación del matrimonio Clark, que gastó gran parte de su tiempo en la adquisición de las obras que les gustaba. Este mecenas concibió su compilación a escala doméstica: las obras formaban parte del entorno cotidiano y se distribuían por la casa según el gusto del coleccionista, que combinaba piezas de diferentes períodos y estilos. Clark buscaba la continuidad entre las creaciones del pasado y del presente, desde una perspectiva que hoy podemos sentir muy cercana. Las obras que adquirió, muchas de ellas de la primera etapa del impresionismo, conviven con las de los maestros antiguos y también con la pintura inmediatamente anterior, sin rupturas. De este modo, la muestra cubre todo el abanico de estilos y tendencias de este dinámico período: paisajes naturalistas de los artistas de la Escuela de Barbizon, cuadros magníficamente elaborados de pintores académicos y de la alta sociedad, y pinturas evocadoras del fin de siglo. Pero el núcleo de la colección de The Clark lo constituye el extenso grupo de pinturas de los artistas más famosos de la época, los impresionistas.

CaixaForum Barcelona será la única sede española del primer tour internacional por Europa, América y Asia de las grandes obras maestras de la colección de pintura organizado por The Clark coincidiendo con la ampliación de su sede. La gira internacional de estas obras maestras de The Clark arrancó el año pasado en el Palazzo Reale de Milán y continuó en el Musée des Impressionnismes en Giverny (Francia). Después de CaixaForum Barcelona, la exposición se instalará en el Kimbell Art Museum de Fort Worth (Texas), la Royal Academy de Londres, y el Montreal Museum of Fine Arts de Canadá, y ya en 2013, la exposición se trasladará a Japón y China.

La colección Clark
Sterling y Francine Clark adquirieron la mayor parte de las pinturas que forman el núcleo de la colección de The Clark. Entre 1910 y 1950, los Clark reunieron una impresionante colección de pinturas, esculturas y dibujos europeos y americanos, así como piezas de plata inglesa y porcelana europea. Aunque The Clark es conocido principalmente por su destacada colección de pinturas de impresionistas franceses —que incluye más de treinta piezas de Pierre-Auguste Renoir—, sus fondos están constituidos por obras de un periodo mucho más amplio, que abarca desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX. La colección se ha ampliado mucho desde la inauguración del museo en 1955, con la inclusión de una muestra de los inicios de la fotografía, entre otras adquisiciones.

Explorador, criador de caballos y experto en arte, Sterling Clark formó su gusto frecuentando galerías de arte y subastas y entablando relaciones con los marchantes de arte, especialmente con la familia Durand-Ruel. Una vez, el propio Clark apuntó: «Me gusta todo tipo de arte si es bueno en su categoría». Tenía muy en cuenta la opinión de su esposa, Francine, que según él era «una excelente jueza, a veces mucho más acertada que yo mismo», e incluso la definía como su «piedra de toque a la hora de juzgar pinturas».

Tapiz de la Creación

21/11/2011, El departamento de Cultura catalán, la Obra Social ”la Caixa” y el obispado de Girona inician la restauración del Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona.

Girona, 21 de noviembre de 2011
Se trata de una obra importante del románico en Cataluña, datada a caballo entre el siglo XI y el XII.

La restauración de esta pieza forma parte del programa Románico Abierto, que impulsan el departamento de Cultura y la Obra Social ”la Caixa” con el objetivo de promover la restauración, mejora y prevención del legado patrimonial.

El proyecto se desarrolla, en el marco del programa Romànico Abierto, por el que la Obra Social ”la Caixa” promueve los trabajos de restauración del tapiz y el acondicionamiento de la sala donde se expone. Esta restauración, junto con la de otras obras de la Catedral suponen una inversión de 152.000 euros

El programa Románico Abierto cuenta con una inversión de 18,2 millones de euros por parte de la Obra Social ”la Caixa” y tiene como objetivo intervenir en 78 monumentos del patrimonio de Cataluña.

El Tapiz de la Creación se trasladará próximamente desde la Catedral de Girona al Centro de Restauración de Bienes Muebles de Cataluña (CRBMC) del Departamento de Cultura, situado en Valldoreix (Barcelona) para llevar a cabo los trabajos de restauración y conservación de esta obra.

Los trabajos del Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona incluyen una restauración completa de la pieza, así como el acondicionamiento de la sala donde se expone.

El Tapiz de la Creación
El Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona es una obra importante del románico en Cataluña, fechada a caballo entre el siglo XI y el XII. Desde el año 1975, la obra se expone al final de las salas del Tesoro de la Catedral de Girona, en el interior de un espacio semicerrado con una gran vitrina de cristal. Es propiedad del Cabildo Catedral de Girona y forma parte de la exposición permanente del Museo Capitular de la Catedral de Girona.

Los historiadores señalan que el tapiz representa tres ciclos iconográficos —el Génesis, el Calendario y la Invención de la Cruz— ordenados del modo siguiente: en el centro del tapiz y presidiendo toda la narración decorativa, hay la figura del Pantocrátor, que se encuentra dentro de un círculo que contiene inscripciones. A continuación, siguiendo la forma circular, está representado el Génesis o la Creación, que ocupa ocho compartimentos, que convergen en forma de cuña en el centro, cada uno explicado con su correspondiente inscripción. La narración del Génesis también está rodeada por un gran círculo con inscripciones.

La composición siguiente se vuelve casi cuadrada, con la representación de los cuatro vientos, que están ubicados uno en cada ángulo del rectángulo, con el nombre que los identifica. Finalmente, todo el conjunto está enmarcado, por la parte superior y los laterales, con el Calendario o Menologio, y por la parte inferior, con la historia de la Invención de la Cruz.

Características formales
El Tapiz de la Creación es una obra de grandes dimensiones (358 × 450 cm), aunque, según un estudio técnico reciente la pieza podría haber tenido originalmente una longitud y una anchura mayores (480 x 540 cm), concretamente una longitud un tercio superior a la actual.

El conjunto habría estado compuesto por siete franjas de tela de la misma longitud —cinco colocadas en sentido vertical y dos en horizontal—, a las que se habrían añadido otras dos más pequeñas en los ángulos superior e inferior de la derecha. En su estado actual, el bordado está realizado sobre seis franjas de tejido de forma rectangular y de las mismas características. La superior, que es la única que se conserva casi entera, da la longitud del telar donde se hicieron las seis franjas (420 cm). Sin embargo, esta franja está colocada horizontalmente, mientras que las otras cinco, verticales y cortadas todas en la parte inferior, solo miden 293,5 cm, y la de la derecha es muy reducida en cuanto a anchura.

Desde el punto de vista técnico, se trata de un bordado, pero recibe la denominación de tapiz porque es el nombre que se le daba en la Edad Media.

Los colores del tapiz son muy variados, vivos y contrastados, con predominio de verdes, amarillos, rojos, terracotas, azules y blancos. El negro sirve para diseñar las figuras, mientras que los demás colores dan vida y componen los fondos. Los botes de los vientos cardinales son amarillos, los fondos de las escenas del Génesis son de color terracota, el ciclo de la Invención de la Cruz presenta verdes intensos y azules oscuros sobre un fondo rojo púrpura, y finalmente, las cartelas de las inscripciones son blancas con letras en amarillo, azul y rosa.

En cuanto a su función, el historiador Manuel Castiñeiras, autor del último estudio realizado sobre el tapiz, considera seriamente como hipótesis que la obra fuera un tapiz de suelo o una alfombra, y no una pieza de tela (colgadura) de pared o una cubierta de dosel. En este sentido, se cree que se usó como alfombra para la celebración de la Pascua y de las fiestas de la Invención y Exaltación de la Santa Cruz.

Historia del Tapiz de la Creación
El Tapiz de la Creación de la Catedral de Girona es una de las obras más enigmáticas del románico europeo. Según los estudios, la obra se elaboró probablemente para la Catedral de Girona y en el ámbito de la ciudad, pero no se sabe con certeza ni el lugar de su producción ni su función original.

En cuanto a su origen, Carmen Masdeu y Luz Morata indican que de la obra solo se ha podido examinar la cara principal, y no se ha observado ningún tipo de sello, ni ninguna huella que denote con claridad su procedencia ni sus artífices. Además, los historiadores señalan que la identificación del tapiz en los inventarios de la Catedral de Girona es difícil, porque se le han asignado varios nombres a lo largo de la historia.

Respecto a las ideas que inspiraron el tapiz, los estudios apuntan hacia el monasterio de Santa Maria de Ripoll y la canónica de Sant Feliu de Girona —dos centros importantes de enseñanza, estudio e iluminación en la segunda mitad del siglo XI— como los espacios en los que se podrían haber encontrado los modelos y las ideas para desarrollar el complejo programa iconográfico que presenta esta pieza. Los historiadores plantean la hipótesis de que el bordado fuera elaborado en un monasterio femenino a la sombra de una gran dama de la nobleza.

Restauraciones previas del tapiz
El Tapiz de la Creación ha sido restaurado en cuatro ocasiones. La primera intervención tuvo lugar en el siglo XIX, a fin de exhibirlo en la Exposición Universal de París. Esta restauración se llevó a cabo en 1878, según el testimonio del historiador Enrique Girbal, aunque según otros historiadores la intervención se habría hecho hacia 1884.

La segunda restauración tuvo lugar en la primera década del siglo XX: unas monjas francesas especializadas recompusieron hasta 28 fragmentos que se habían encontrado. La tercera restauración documentada se realizó entre los años 1951 y 1952, según el historiador Pere de Palol en su libro El Tapís de la Creació de la Catedral de Girona. En esta intervención no se hizo ninguna reintegración: la franja derecha se colocó en su sitio, y toda la obra se fijó sobre un tejido de color marrón claro.

La cuarta y última intervención del tapiz se realizó en 1975 por iniciativa del padre Genís Baltrons, y la llevaron a cabo las monjas Adoratrices de Girona.

Después de varias pruebas, se ha llegado a la conclusión de que el tapiz no reúne las condiciones de estabilidad necesarias para su buena conservación a largo plazo. El Tapiz de la Creación presenta diferentes intervenciones (reparaciones, añadidos, recosidos, zurcidos...). Además, la obra tiene una acumulación importante de suciedad en toda la superficie, retenida entre el tejido. Asimismo, el perímetro del tapiz presenta partes deshilachadas y descosidas de la tela de soporte, conocida como tela de arpillera, y los cosidos que sujetan el tapiz a la tela de soporte provocan muchas tensiones que ponen en peligro la resistencia de las fibras.

El tapiz también presenta pequeñas lagunas irregulares por la pérdida de materia de hilos y tejido, la obra sufre por estar expuesta totalmente en vertical, y el bastidor de madera que hace de soporte rígido de la obra no es suficientemente estable.

Actualmente, el tapiz se encuentra protegido de los visitantes por paneles de cristal que no están cerrados herméticamente y que permiten la entrada de aire húmedo y cargado de vapores, que reaccionan con los materiales orgánicos de la obra.

La Independencia de Colombia

20/11/2011, Un muestra sobre la financiación de la independencia colombiana se presenta, hasta el próximo 30 de julio de 2012 en la ciudad de Bogotá.

Bogotá, 20 de noviembre de 2011
En el marco de las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia de Colombia, el Banco de la República presenta “Financiación de la Independencia”, una muestra que, entre documentos, piezas numismáticas, bonos de valor, acuarelas y pinturas, da cuenta de cómo, a la par del deseo por ser un país independiente, se consiguió el dinero para lograrlo.

La exposición, comisariada por Carlos Delgado Legarda, especialista en legislación económica y finanzas, estará abierta en el segundo piso de la Casa de Moneda.

La Colección Numismática del Banco de la República cuenta con 18.676 piezas. La mayoría de las unidades monetarias de Colombia desde el siglo XVII hasta la actualidad, se encuentran en la colección.

Fueron varios los métodos, formas e inventivas, que los patriotas tuvieron que concebir para costear sus contiendas y afianzar el reconocimiento de Colombia como república independiente. En pro de estos esfuerzos se decidió emitir monedas y billetes, tramitar préstamos dentro y fuera del país, con particulares nacionales o con comisionistas europeos. Estos últimos concretados tras la llegada al viejo continente, hacía 1816, de los agentes enviados por Simón Bolívar.

De ellos el más famoso, quizá, fue Francisco Antonio Zea, quien durante el período de formación de la primera república fue nombrado ministro plenipotenciario y se le encargo tramitar nuevos créditos para financiar la guerra. El primero de ellos, a mediados de 1822, se firmó entre el gobierno de Colombia y la firma de prestamistas privados ingleses Herring, Graham & Powles, por valor de 2.000.000 libras esterlinas. A este le seguirían otros de igual o mayor cuantía.

Es difícil establecer cuál fue el costo exacto de la Independencia, sin embargo algunos estudios indican que la recuperación económica de este período tardó casi hasta finales del siglo XIX, e incluso hasta comienzos del XX. Esta exposición se adentrará, desde la perspectiva económica, en cómo se consiguió la independencia y cómo se establecieron las primeras instituciones democráticas que garantizaron el funcionamiento de la nueva nación.

Otras formas de financiación
Costear lo que hasta entonces no dejaba de ser un sueño romántico, implicó la colaboración de todos los ciudadanos. Luis López Méndez ofreció la Ciudad de Cartagena como depósito en calidad de garantía de créditos. Esta ciudad fue, sin duda, la que más recursos demandó para protegerse.

La gente del común sin recursos en efectivo para aportar a la causa independentista se involucró de diversas formas, especialmente con aportes en especie como víveres, ropa, caballos, ganado y diversos elementos con destino a las tropas. Además se expropiaron bienes, se adelantaron testamentos a favor del Estado y se legalizó la incautación de casas, fincas, ganado, muebles y joyas de españoles y extranjeros.

Crecimiento

19/11/2011, 9.245 personas han visitado en el Botánico la Exposición Crecimiento (Growth), integrada por 70 fotografías, elegidas entre las ganadoras y finalistas de la tercera edición del Prix Pictet.

Madrid, 19 de noviembre de 2011
Crecimiento expone obras del fotógrafo norteamericano Mitch Epstein, que obtuvo el Prix Pictet por su serie de fotografías American Power, en las que documenta los devastadores efectos producidos por la búsqueda de energía, en el entorno y los habitantes de Estados Unidos.

También se exhiben los trabajos de Christian Als (Dinamarca): Kibera–The Shadow City (Kibera–La ciudad de las sombras); Edward Burtynsky (Canadá): Oil (Petróleo); Stéphane Couturier (Francia): Melting Point (Punto de fusión); Chris Jordan (Estados Unidos): Midway: Message from the Gyre (Midway: Mensaje desde la Espiral-gran bolsa de basura en el Pacífico); Yeondoo Jung (Corea del Sur): Evergreen Tower (Torre Evergreen); Vera Lutter (Alemania): Body of work (Cuerpo de trabajo); Nyaba Leon Ouedraogo (Burkina Faso): The Hell of Copper (El infierno del cobre); Taryn Simon (Estados Unidos): An American Index of the Hidden and Unfamiliar (Un índice norteamericano de lo oculto y lo desconocido); Thomas Struth (Alemania): Paradise (Paraíso); Guy Tillim (Sudáfrica): Petros Village, Malawi (La aldea Petros, Malawi); y Michael Wolf (Alemania): Architecture of Density (Arquitectura de densidad).

Esta exposición recoge los mejores trabajos presentados a la última edición del Prix Pictet, el certamen más importante a nivel internacional dedicado a Fotografía y Sostenibilidad. Instituido en 2008 por el banco suizo Pictet & Cie, especializado en banca privada, es el primer premio en constituir una plataforma global para la aplicación del arte a un tema de actualidad, como el de la Sostenibilidad a nivel global.

“Crecimiento”, tercera edición del Prix Pictet
Real Jardín Botánico, Pabellón Villanueva, Plaza de Murillo, 2, Madrid
Hasta el 8 de enero de 2012
Abierta todos los días, excepto 25 de diciembre y 1 de enero, de 10 a 18h.
Acceso gratuito tras abonar la entrada al Botánico

Ski y Naturaleza en Innsbruck

14/11/2011, Ls nueve estaciones de esquí de la Olympia Skiworld invitan a disfrutar del esquí alpino y de la naturaleza que rodea la ciudad austríaca de Innsbruck.

Innsbruck, 14 de noviembre de 2011
Las pistas de las estaciones de Patscherkofel y la de Axamer Lizum son realmente olímpicas, ya que albergaron a los mejores esquiadores del momento durante los Juegos Olímpicos de 1964 y 1976.

Los 85 funiculares y remontes y modernas instalaciones de nieve artificial garantizan la diversión hasta bien entrada la primavera.

Este paraíso del esquí a las puertas de Innsbruck cuenta con un total de 300 km de pistas señalizadas. En el pueblo de Kuhtai, el más alto de Austria, los remontes empiezan a una altitud de 2.000 metros y en el Glaciar de Stubai pueden esquiar en pistas situadas a 3.000 metros y más.

Una zona divertida y variada es el “Nitro Propark”, la estación situada justo encima de Innsbruck en la cordillera norte. Es un paraíso no solamente para snowboarders hay también muy exigentes para esquiadores experimentados y mucho sol para los que quieren disfrutar simplemente de una espectacular vista panorámica desde una cómoda tumbona.

Las estaciones “Mutterer Alm”, “Rangger Kópfl”, “Schlick 2000” o “Glungezer”, son idóneas para familias con niños y ofrecen pistas más fáciles.

El forfait “Olympia World Skipass” incluye las 9 mejores estaciones de la zona además de un servicio gratuito de esquí-bus que permite a los esquiadores llegar cómodamente a las pistas (hasta el mes de abril). El visitante que además pernocte al menos una noche en un alojamiento de Innsbruck o uno de sus 25 pueblos tiene derecho a la tarjeta “Club Innsbruck Card”, que ofrece reducciones en la compra del forfait, en las atracciones turísticas de la ciudad, así como el uso gratuito de guardería de Igls. También está incluida la participación gratuita en las excursiones nocturnas con antorchas.

El forfait “Olympia World Skipass” es válido para 6 días cuesta 191,00 € para adultos, y tiene un precio reducido para adolescentes, niños y pensionistas. A la venta en la oficina de turismo de Innsbruck

30 años del Guernica

13/11/2011, El Museo Reina Sofía se une a la celebración de la llegada del gran mural de Pablo Picasso a España con la celebración de varias actividades durante el mes de noviembre.

Madrid, 13 de noviembre de 2011
En septiembre de 1981 el Guernica aterrizó en España y fue trasladado al Casón del Buen Retiro de Madrid. Con esta obra, Pablo Picasso había querido contribuir al Pabellón de la República española de la Exposición Universal de 1937 (París), alzando su voz contra la barbarie del totalitarismo y sondeando la profundidad mítica del uso de la violencia ciega contra los inocentes.

El largo exilio de la obra, que permaneció hasta el año 1939 en el Museum of Modern Art de Nueva York, simbolizaba la herida abierta por la Guerra Civil, ya que por voluntad de Picasso sólo podría volver a España cuando se vieran restauradas las libertades democráticas.

Desde el año 1992, el Museo Reina Sofía custodia este majestuoso retrato de la barbarie. Ahora, el museo quiere contribuir a la celebración del aniversario de la obra con una reflexión sobre el significado histórico de este acontecimiento que contribuya a difundir y dar a conocer la obra y sus contextos entre sus visitantes.

Con este objetivo se han organizado una serie de actividades que se desarrollarán en el área del pensamiento y la educación. De manera extraordinaria el museo exhibirá el lienzo de gran formato Femme assise dans un fauteuil (Dora) de Pablo Picasso (1938), cedido por la Fondation Beyeler de Riehen/Basel (Basilea). Una oportunidad única ver esta obra, de gran violencia y dramatismo, que explicita a través del cuerpo de su protagonista los sucesos acaecidos en 1938 y 1939, años de guerra en España.

Durante el mes de noviembre se celebrarán también mesas redondas En torno al Guernica:

Fecha: 18 de noviembre
Hora: 11 h y 17 h
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 200
Entrada: gratuita hasta completar aforo
En estos encuentros se pretende reflexionar sobre la doble trascendencia política y artística de una obra considerada símbolo de la paz y denuncia radical de la violencia, desde su punto de partida, el bombardeo de Guernica, hasta su regreso a España en septiembre de 1981 se presentó como el fin simbólico de la Transición. Las complejas negociaciones diplomáticas llevadas a cabo para asegurar el traslado del cuadro de Picasso también constituyeron el primer gran gesto en política cultural del nuevo régimen, uno que marcaba el papel del arte de vanguardia como parte de la cultura oficial de la joven democracia. Con su llegada, pasó de ser el emblema de la disidencia contra la dictadura franquista a ser el símbolo de la sutura de la fractura entre las dos Españas: el signo de la reconciliación sobre la que se sustentaría la nueva sociedad democrática.

11.00h: Contexto político
Juan Pablo Fusi, doctor honoris causa en Humanidades de la Universidad de Nueva York y Catedrático de Historia Contemporánea en la Universidad Complutense de Madrid desde 1988. Sus estudios se centran en la historia de España contemporánea y, especialmente, sobre la formación del País Vasco contemporáneo

Santos Juliá, profesor emérito del Departamento de Historia Social y del Pensamiento político, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Es autor de numerosos trabajos sobre historia política y social de España durante el siglo XX, así como de historiografía. Desde 1994 es columnista de política nacional del diario El País.

Josefina Cuesta es catedrática de Historia Contemporánea de la Universidad de Salamanca Sus estudios versan, en su mayoría, sobre historia social española del siglo XX.

Moderador: Javier Moreno Luzón, catedrático de Historia del Pensamiento y de los Movimientos Sociales y Políticos en la Universidad Complutense de Madrid, especialista en la vida política de la España de la Restauración.

17.00h: La llegada del Guernica
Álvaro Martínez Novillo, consejero técnico de la Dirección General de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid. Entre 1978 y 1981 fue Subdirector General de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura participando personalmente en el traslado a España del Guernica.

José Lladó, presidente de la Asociación Colección de Arte Contemporáneo, es Doctor en Ciencias Químicas y Química Industrial. Ha sido ministro de Transportes y Comunicaciones, ministro de Comercio y embajador de España en Estados Unidos entre 1978 y 1982. Fue el primer presidente del Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Genoveva Tusell, doctora en Historia del Arte, es profesora de Historia del Arte de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Sus investigaciones versan sobre el arte español del franquismo, realizando también estudios sobre las relaciones de Picasso y este periodo histórico.

Moderador: Jesús Carrillo, jefe de departamento de Programas Culturales del Museo Reina Sofía, es profesor titular del Departamento de Historia y Teoría del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Compagina el estudio del imperio y sus representaciones en la temprana Edad Moderna con el análisis crítico de la cultura y el arte contemporáneos.

Además, uno de los historiadores del arte más influyentes del momento, Timothy J. Clark, presentará en dos sesiones nuevas interpretaciones sobre Picasso y su obra. En El pintor y su modelo, primera sesión, analiza las conexiones entre el artista y la monstruosidad. En Otra mirada al Guernica, segunda sesión, revisa la crisis del espacio público en la representación pictórica. Timothy J. Clark (1943) ha sido catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Berkley, California entre 1988 y 2010. Su trabajo, representado en estudios como The Painting of Modern Life: Paris in the Art of Manet and his Followers (1999) y Farewell to an Idea: Episodes form a History of Modernism (2001), inicia una nueva historia social del arte que repiensa un periodo histórico concreto, el del capitalismo burgués y los conflictos de clase, formulando de nuevo la figura del artista, el público, el mercado y las instituciones. En 2012, se espera la publicación de un nuevo libro: Picasso and truth. From Cubism to Guernica.

Estas conferencias magistrales inician un nuevo programa público, en el que un destacado teórico o historiador del arte inaugura la actividad académica del Museo Reina Sofía y los distintos programas universitarios que éste alberga. Al igual que el resto de las actividades del Centro de Estudios del Museo, cuenta con el patrocinio de la Fundación Banco Santander.

Conferencias magistrales, Timothy J. Clark. Otra mirada al Guernica
Fecha: 23 y 24 de noviembre
Hora: 19.30 horas
Lugar: Edificio Nouvel. Auditorio 400
Entrada: gratuita hasta completar aforo

Por último, tendrán lugar visitas guiadas al Guernica para adultos y jóvenes durante todo el mes.
Lunes y jueves: 19:30 h
Miércoles, sábados y domingos: 13:00 h
Visita para jóvenes: viernes 19.30 h
Duración: 25 minutos
Inscripción: en el mostrador de información de la 2ª planta una hora antes del inicio de cada sesión. Actividad gratuita para un máximo de 15 personas.

Permutaciones

10/11/2011, Se presenta la exposición “Permutaciones”, un proyecto colectivo en el que nueve artistas urbanos crean una obra colectiva de 90 láminas partiendo de 9 serigrafias originales.

Boa Mistura, Chylo, Ring, Noaz, Spok, Rosh, Parsec!, NEKO y Vota Dier han unido su ingenio sobre el papel para crear una obra colectiva. El proyecto parte de nueve diseños originales (una serigrafía en tinta realizada por cada uno de los participantes). De cada diseño se hicieron copias que se distribuyeron entre los integrantes del grupo, para ser intervenidas con técnicas y estilos diferentes, formando así un conjunto de 90 combinaciones.

Además de la modificación de las láminas del resto del grupo, cada autor también ha intervenido en su propia lámina, dejando una original como testimonio del proceso de creación y 9 versiones distintas e intervenidas de dicho original.

El resultado de este proyecto (que estará expuesto en La Casa Encendida del 14 al 17 de noviembre) es una original fusión de estilos, la demostración de lo que puede dar de sí, la unión de distintas disciplinas artísticas.

PERMUTACIONES
La Casa Encendida
Ronda Valencia, 2 28012 Madrid
Tfno. 902 43 03 22

La aventura de los Stein

09/11/2011, La aventura de los Stein, Matisse, Cézanne, Picasso... es la convocatoria que se presenta en el Grand Palais, Galerías Nationales, del 5 de octubre al 16 de enero de 2012.

París, 9 de noviembre de 2011
De origen americano, los Stein se instalan en París al principio del siglo XX: Gertrude, escritor de vanguardia, con su hermano Léo; Michael, el hijo mayor, con su esposa Sara. Ellos acogen en su casa a la vanguardia artística y crean una de las colecciones más asombrosas de arte moderno.

La exposición parisina trata sobre la historia de esta familia extraordinaria. Alumbra la importancia de su patrocinio para los artistas y muestra cómo contribuyó imponiendo una nueva norma en de preferencias en el arte moderno, a través de: la mirada de Léo sobre las fuentes de la modernidad, así como sus intercambios con los intelectuales de la época; la amistad de Gertrude con Picasso; su escritura poética y el cubismo; los lazos de Sara con Matisse; las colaboraciones entre Gertrude y los artistas en los años 20 y 30 …

Esta convocatoria reúne un conjunto excepcional de obras de las diferentes colecciones de los Stein: Renoir, Cézanne, Picasso, Matisse, Bonnard, Vallotton, Laurencin, Gris, Masson, Picabia. El trayecto articulado en ocho secciones permite aportar luz sobre cada uno de los miembros de la familia: Leo, Sara y Michael y por fin, Gertrude.

I: los cuatro grandes: Manet, Renoir, Degas, Cézanne, pilares del arte moderno.
Léo Stein, joven americano fascinado por el arte europeo, se instala en París en 1902 y construye su mirada a través de intercambios con teóricos e historiadores del arte tales como Berenson y las exposiciones de París de principios del siglo, educación de la mirada que lo guiará para construir su propia colección según una estética específica: Manet, Degas, Renoir y Cézanne constituyen el zócalo fundador del arte moderno

II La tradición clásica a la prueba de la modernidad.
Léo, reunido con su hermana Gertrude, luego por su hermano Michael y su esposa Sara, está en el origen de sus primeras adquisiciones que parten de un gusto por una modernidad clásica en la línea de Manet y de la gran pintura italiana: Manguin, Vallotton, Mauricio Denis, Picasso del período azul y rosa. Reúne un conjunto que asombra alrededor del tema clásico de desnudo alargado - entre los cuales la obra de Matisse Desnudo azul, memoria de Biskra.

III La revelación "fauve", el salón de Otoño de 1905.

Léo compra a La Mujer al sombrero, la obra de Matisse que generó escándalo en el Salón de Otoño de 1905. Una adquisición emblemática de la audacia de la colección Stein, colocada bajo la línea de vanguardia.

IV Los " Sábados de Stein ".
Michael y Sara Stein habitan con su hijo Allan en el 58 de la calle a Señora mientras que Gertrude y Leo están instalados a 27 calle de Fleurus. Estos dos lugares se convierten en unos salones para el Todo París artístico: extranjeros de paso, intelectuales y artistas parisinos se presentan allí con el fin de ver sobre todo las obras de Matisse y Picasso. Allí se encuentra Duchamp, Man Ray, Gris, Laurencin, Masson, pero también los escritores Hemingway, Sherwood Anderson, Fitzgerald . Allí descubren La Alegría de vivir y Desnudo azul de Biskra de Matisse, El Chico del caballo y Las Tres Mujeres de Picasso, el Retrato de Señora Cézanne de Cézanne y los cuadros de Renoir o de Gauguin.

V Matisse. Una colección sensible y completa.
Sara y Michael Stein se alían a Matisse y serán los primeros grandes defensores de su arte. Reúnen antes de guerra una colección excepcional. Sara lo convence para abrir una academia donde sigue los cursos del dueño al lado de numerosos artistas extranjeros. Sostiene a Matisse en su voluntad de aclarar su arte a través de escritos y enseñanza. En 1914, Stein aceptan prestar diecinueve de sus telas más bellas a Berlín para una exposición en la galería de Fritz Gurlitt. La guerra bloqueará sus obras en Alemania; jamás serán recuperadas. Se instalan en 1928 en una quinta que hacen construir por Corbusier, en Garches, hasta 1935 entonces que decidan retornar a los Estados Unidos frente a la subida de los peligros fascistas

VI Gertrude Stein y Picasso.
Gertrude Stein, a la que Picasso se propone hacer el retrato en 1906, mantiene una amistad verdadera con pintor. Es en aquel momento cuando comienza la escritura de su obra monumental The Making of Americans, profundamente marcada por la pintura de Cézanne, particularmente el Retrato de Mujer comprado en casa de Vollard, y los intercambios con Picasso. Preocupados ambos por la cuestión del realismo y del objeto, cada uno elabora una escritura relativamente hermética - una, literaria, y la del otro, pictórica, sobre la descomposición de los volúmenes.

Así, Gertrude y su hermano acompañan a Picasso durante la aventura del génesis de las Señoritas de Aviñón, adquiriendo una libreta de estudios excepcional y el gran cuadro, Nu а la serviette (1907). Cuando el hermano y la hermana se separan en 1913, Gertrude continúa comprando telas cubistas de Picasso.

VII Años 1920 - 1930: Post-Cubisme y los Neorrománticos.
Después de la guerra, los artistas a los que Stein sostuvieron se volvieron muy célebres, y sus cotizaciones, inaccesibles. Gertrude Stein, próxima de Kahnweiler, sostiene no obstante en los años 1920 la producción "post-cubista" de Gris, Braque, Masson … Mientras que Léo se instaló en Italia, Michael y Sara volvieron a San Francisco, Gertrude comparte su tiempo entre París y su casa en Ain, en Bilignin; defiende un grupo de jóvenes pintores, los Neohumanistas, Francis Rose, Bérard, Tchelitchew, pero también la producción tardía de Picabia, los "Transparentes" y las pinturas hyperrealistas. Desaparece en 1946 no sin haber asistido a la emergencia de una nueva abstracción informal, con las totalmente primeras obras de Atlan.

VIII Gertrude Stein, Retratos y Homenajes.
Desde su compromiso cerca de la Cruz Roja americana con su compañera Alice Toklas durante la guerra, se hizo una figura popular, una celebridad que crece con la publicación en 1933 de La Autobiografía de Alice Toklas. Sus retratos (Vallotton, Cecil Beaton, Man Ray, Jo Davidson, Jacques Lipchitz, Dora Maar, Marcoussis, Picabia, Rose, Tchelitchew, Nadelman) son numerosos y contribuyen a la construcción de un mito.

El Hermitage en el Prado

09/11/2011, Los visitantes del Prado pueden ya disfrutar de esta magnífica exposición de casi ciento ochenta obras de las colecciones del Museo Hermitage.

Madrid, 8 de noviembre de 2011
Sobresalientes piezas de arqueología, artes decorativas y los magníficos fondos de pintura, escultura y dibujo conforman las excepcionales colecciones del museo ruso. La muestra, patrocinada por la Fundación BBVA, constituye además una ocasión única y extraordinaria al tratarse de la selección más importante de obras del State Hermitage Museum que se exhibe fuera de su sede.

Compuesta por casi ciento ochenta obras de las célebres colecciones de pintura, dibujo y escultura del gran museo ruso, y de sus extensas e incomparables piezas arqueológicas y de artes decorativas, además de trajes de época y mobiliario, “El Hermitage en el Prado” podrá visitarse todos los días de la semana durante un periodo excepcional de cuatro meses y medio.

El Prado brinda así a sus visitantes el privilegio de disfrutar de un museo dentro de otro, incluyendo del Hermitage no sólo muchas de las más emblemáticas obras de arte y arqueología que conserva y cuya amplia selección da cuenta de la riqueza de sus colecciones, sino también otras significativas piezas que revelan su propia historia. Con este fin, serán los retratos de los emperadores, Pedro I, Catalina II y Nicolás I; y los cuadros de las espléndidas vistas de interiores del palacio y sus alrededores los que recibirán al visitante al inicio de la exposición. Esta visión palaciega de los orígenes del Hermitage se completará además con una selección de muebles y trajes de corte en otra sala de la muestra.

En cuanto al numeroso e importante conjunto de obras maestras de la pintura, la escultura y el dibujo incluidas en la muestra, destacan ejemplos tan notables como el San Sebastián de Tiziano, el Tañedor de Laúd de Caravaggio, el San Sebastián de Ribera, y el Almuerzo de Velázquez, o las dos obras de la importante colección de Rembrandt que atesora el Hermitage, Retrato de un estudioso y Caída de Haman, entre otras muchas. De su colección de dibujos, se exhiben obras de Durero, Rubens, Watteau e Ingres y, entre las esculturas, destacan el boceto en terracota de Bernini para el Éxtasis de Santa Teresa, y una de las obras maestras en mármol de Antonio Canova, la Magdalena penitente. Como colofón, la exposición cuenta también con notables ejemplos de las célebres colecciones de pintura impresionista y post-impresionista del museo ruso, entre los que están representados genios como Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin o Matisse, éste último con dos pinturas, Juego de bolas y Conversación. De Picasso se muestran tres obras, entre ellas Mujer sentada y Bebedora de absenta, y completan la selección dos iconos de la vanguardia abstracta rusa, la Composición VI de Kandinsky y el misterioso Cuadrado negro de Malevich.

Pero el Hermitage es todavía más y ni siquiera este excepcional conjunto de obras maestras conseguiría transmitir una visión completa de la riqueza de sus fondos, por lo que la exposición incluye también una importante selección de piezas de sus asombrosas colecciones arqueológicas, entre las que destacan por su singularidad el Peine con escena de batalla, obra de oro escita del siglo IV a.C., y las obras de joyería siberiana procedentes de las colecciones de Pedro el Grande. Además y para completar el recorrido por la diversidad de objetos de arte que atesora el museo ruso, la muestra cuenta también con una importante representación de sus colecciones de artes decorativas, en la que se incluyen también piezas tan singulares como la espada decorada con plata, rubíes y diamantes, donada al zar en el siglo XVIII por el embajador indio, y el bellísimo Vaso de flores en cristal de roca, oro y diamantes del joyero de la familia imperial, Carl Fabergé (1846-1920).

Juguetes y hombres

09/11/2011, Del 14 de septiembre al 23 de enero, un mundo de juguetes se exhibe en París, Grand Palais, Galerias nacionales: "Juguetes y hombres".

París, 9 de noviembre de 2011
La exposición está organizada por la Reunión de Museos Nacionales Gran Palais, en colaboración con Les Arts Décoratifs, Paris, y coorganizado por el Helsinki Art Museum. La muestra se trasladará a Helsinki del 21 de febrero al 20 de mayo de 2012.

Mil juguetes de la antigüedad a hoy, reunidos en esta exposición en un conjunto inédito y excepcional por su ambición y amplitud. Muñecas de diversas épocas, trenes, aviones, barcos, autómatas, animales, figuritas de plomo, guerreros de la modernidad, platillos voladores, arcas de Noé... y hasta un papá Noel que viaja en avión.

Juguetes y hombres presenta la historia del juguete occidental y saca a la luz su importancia en la educación del hombre desde su nacimiento. La exposición se pregunta sobre las curiosas relaciones entre los niños y ese mundo en miniatura de sus mayores, cómo se relacionan los pequeños con una realidad a escala imaginada siempre por los adultos, y sobre la evolución de los arquetipos: muñecas, figurines o vehículos...

Esta exposición se realizada en colaboración con el Museo de las Artes aplicadas que conserva una de las colecciones más importantes de juguetes en Europa. Además, otras instituciones culturales prestigiosas francesas e internacionales y gran número de colecciones particulares europeas como el Victoria y Albert Museum en Londres, el Museo del juguete en Nüremberg, etc.

Entre los objetos, algunos producidos en serie y otros por artistas de renombre como Alexandre Calder, Felix Garcia Torres o Benjamín Rabier. Los juguetes nos cuentan el mundo, sus evoluciones, su historia, un panorama que se complementa con cartelería, películas, cuadros o esculturas.

El visitante reconocerá los juguetes de distintas generaciones de niños, mientras recorre los distinto capítulos:

El universo de los animales. Osos de peluche, caballos basculantes, circos, granjas, arcas de Noé...

La ilusión de la vida. Los autómatas, los juguetes mecánicos, el violinista o los robots japoneses que revelan la innovación tecnológica llevada al mundo infantil-

Juguetes de niñas y niños. Desde la antigüedad, los roles se distribuyen en función del sexo. Así, se puede ver en un lado el mundo intimo de las casitas de muñecas frente al mundo exterior de los automóviles, los trenes o los barcos

El tiempo de los medios. Esta sección avanza sobre la relación entre los medios y los juguetes, las muñecas popularizadas por la televisión o los artefactos de la Guerra de las Galaxias...

La exposición interactiva. Dispositivos interactivos e instalaciones de Pierrick Sorin contribuyen a dar una nueva faceta a esta exposición.

Un Greco en Jerusalén

04/11/2011, El Museo de Israel, celebra el 25 aniversario de relaciones diplomáticas y culturales entre España y Israel, presentando un préstamo especial del museo del Prado: San Juan Evangelista, de El Greco.

Jerusalen, noviembre 2011
El Greco, Domenikos Theotokopoulos, pintó al apóstol como como era retratado en general, jóven y algo femenino, con los tradicionales colores verde y rosado, así como su atributo, un cáliz con un dragón, con el que se alude al veneno que se le hizo beber, y que no le causó daño alguno.

La pintura se arraiga en el espíritu de la Contrareforma. Presenta al vengelista con realismo, destacando sobre fondo nebuloso, con vestimentas de todo alegre, y recuerda otras obras del autor, entrre ellas el conjunto pictórico del apostolado creado para la catedral toledana.

El cuadro estará expuesto hasta el 15 de enero.

Renovado en el 2010, el Museo de Israel es la institución cultural más grande del Estado de Israel, y está considerado uno de los museos de artes y arqueología líderes en el mundo entero. Fundado en 1965, sus alas de arqueología, bellas artes, y arte y vida judía albergan colecciones enciclopédicas, incluidas obras que datan desde la prehistoria hasta el presente, y presenta la serie más amplia en el mundo de piezas de arqueología bíblica y de Tierra Santa.

En cuarenta y cinco años, gracias al legado de donaciones y al apoyo de su círculo de benefactores, ha construido una colección de largo alcance, que abarca cerca de 500.000 objetos que representan la gama completa de la cultura universal.

El museo que ha conseguido una cifra cercana al millon de visitantres en su último año de apertura, tiene en estos momentos en cartel o en preparación las siguientes exposiciones:

Life: A User’s Manual
Manual de usuario: Trabajos de artistas prominentes contemporáneos explorando la cultura del “hágalo usted mismo”: Marcel Duchamp, Damian Ortega, Gil Marco Shani, Andy Warhol, Julita Wójcik... Hasta el 18 de febrero

Helmar Lerski: Working Hands
Trabajos del fotógrafo Helmar Lerski, el alias Israel Schmuklerski (1871-1956). Aproximadamente 150 fotografías inéditas que Lerski tomó en Palestina entre 1932 y 1948. Hasta el 22 de octubre.

Made by Ennion
Piezas de cristal de la colección Shlomo Moussaieff, expuestas al público por primera vez. Hasta el 31 de diciembre.

Sands of Time: The Work of Micha Ullman
Nacido en 1939, Micha Ullman logró reconocimiento internacional con la “biblioteca” subterránea en la plaza berlinesa Bebel; biblioteca sin libros, que recuerda el expolio cultural nazi. Justamente allí, los nazis quemaron miles de libros el 10 de mayo de 1933. El museo le dedica una exposición retrospectiva, para la que Ullman ha creado una gran instalación de 200 metros cuadrados. Hasta el 12 de noviembre.

New on Paper: Recent Acquisitions in the Prints and Drawings Collection
La exposición presenta más de setenta trabajos adquiridos durante los diez años pasados. La exposición incluye trabajos por Rembrandt, Paul Klee, Giorgio de Chirico y el grupo Fluxus, así como una selección comprensiva de trabajos por artistas principales israelíes. Hasta el 22 de octubre.

Christian Marclay: The Clock
Notable pieza de videoarte compuesta de miles de extractos de película que iluminan el paso del tiempo mediante referencias relacionadas, entre ellos las imágenes de relojes. Christian Marclay extrajo cada uno de estos momentos de su contexto original para formar un montaje de 24 horas. Hasta el 22 de octubre

Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art
La Linterna Mágica incluye una gama de nuevas adquisiciones y las donaciones recientes de arte internacional e israelí contemporáneo. Del 8 de noviembre al 30 de abril.

Divine Messengers: Angels in Art
A lo largo de los siglos, los artistas han intentado retratar la figura misteriosa del ángel: cupidos, querubines, serafines o arcángeles. Esta exposición presenta trabajos de diversas épocas: Paul Klee N Pieter Lastman, Jacob Jordaens, y Pedro Orrente, copias por artistas alemanes del Renacimiento, o pinturas del arte hispano del Cuzco colonial. Del 20 de diciembre al 14 de abril.

Jewish Avant-Garde Artists from Romania
Del 11 de noviembre al 18 de febrero. Esta exposición de ochenta trabajos de artistas judíos de vanguardia de Rumanía, de entre 1910 y 1938, e ilumina el papel de artistas judíos en el movimiento de vanguardia. Así, Tristan Tzara y Marcel Janco jugaron un papel crucial en el desarrollo del Dadaísmo, y Victor Brauner fue fuerza principal en el movimiento de Surrealista en Rumanía.

Sharon Lockhart: Noa
Del 13 de diciembre al 30 de abril. Se estrena el proyecto más reciente del artista Sharon Lockhart, que está basado en el trabajo del coreógrafo israelí Noa Eshkol. La exposición es un proyecto conjunto con Los Angeles County Museum of Art.

El Museo del Prado abrirá todos los días

02/11/2011, La exposición “El Hermitage en el Prado” contará ya con este nuevo calendario de apertura, por lo que podrá visitarse de lunes a domingo desde su inauguración el próximo 8 de noviembre.

El Museo del Prado abrirá 53 días más al año, una medida que refuerza aún más su posición como el museo público europeo con mayor horario de apertura. El nuevo horario (de 10 a 20h de lunes a sábado; y de 10 a 19h, los domingos y festivos) entrará en vigor a partir del próximo 16 de enero. Además, el próximo año será también el primero a partir del cuál el Prado abrirá ya de forma definitiva todos los días de Semana Santa.

La mejora del servicio público que propiciará la apertura de los lunes se reflejará también en un incremento del horario de acceso general gratuito a las colecciones del Museo, que será de aplicación las dos últimas horas de visita todos los días de apertura. Es decir, de 18 a 20h., de lunes a sábado, y de 17 a 19h, los domingos.

El Real Patronato del Museo adopta estas medidas para contribuir a mejorar la oferta cultural y turística de España. Una medida que además tendrá incidencia directa e indirecta en la economía. pues según un estudio encargado a la empresa Deloitte, la apertura de los lunes podrá suponer un impacto total en el PIB de entre 80 y 90 millones de euros al año, además de la generación y mantenimiento de empleo directo e indirecto.

“El Hermitage en el Prado”
La gran exposición de obras del Hermitage, que se abrirá al público el martes 8 de noviembre, podrá visitarse ya todos los días de la semana. En este caso y hasta que entre en vigor la apertura general del Museo de lunes a domingo el 16 de enero, el horario de visita a la muestra será el mismo que el de la Colección, de 9 a 20h. (incluidos lunes exclusivamente para la exposición).

Picasso y sus aguafuertes en Cuenca

02/11/2011, Se inaugura en Cuenca, en el Museo de Arte Abstracto Español, la exposición Pablo Picasso y "La Obra Maestra Desconocida" de Honoré de Balzac.

Pablo Picasso (1881–1973) está considerado como uno de los grandes maestros del arte del grabado. Aunque utilizó esa técnica a lo largo de toda su vida, en la década de los años treinta realizó varias series de aguafuertes, consideradas desde entonces entre los ejemplos más relevantes de la historia del grabado.

Entre estas series se encuentra la que realizó en 1931 para ilustrar una nueva edición del relato de Honoré de Balzac (1799–1850) Le Chef d’oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida, originalmente publicado en 1831), por encargo de su marchante Ambroise Vollard (1866–1939). Los trece aguafuertes originales realizados por Picasso en 1931 a propósito del texto de Balzac fueron finalmente editados por Ambroise Vollard en una carpeta.

El relato de Balzac se sitúa en el siglo XVII y tiene como escenario el estudio parisino de un anciano artista llamado Frenhofer. Su tema es la obsesión del pintor que trabaja secretamente en un cuadro que lleva años intentando terminar. Cuando finalmente dos artistas admiradores del pintor logran ver la obra, solo encuentran una intrincada masa de brochazos y capas de pintura, del que apenas si sobresale un pie: la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aún del arte más sublime.

El cuento fascinó a Picasso, quien se identificó con Frenhofer (el genio frustrado que crea obras maestras tan adelantadas a su tiempo que nadie las entiende), y aprovechó el encargo de Vollard para homenajear el acto de creación. Las obras, por eso, no son estrictamente ilustraciones exactas del cuento de Balzac, sino el resultado de las divagaciones de Picasso sobre el tema del artista creador y sobre la relación íntima entre el artista y su modelo.

Museo de Arte Abstracto Español Cuenca
Casas Colgadas, 16001 Cuenca
De martes a viernes, de 11 horas a 14 horas y de 16 a 18 horas.
Sábados, de 11 a 14 y de 16 a 20 horas.
Domingos de 11 a 14,30 horas.
Lunes, cerrado.
Hasta el 19 de febrero de 2012

Gran muestra de Delacroix

02/11/2011, CaixaForum Madrid presenta la mayor retrospectiva internacional en medio siglo sobre el genial pintor romántico Eugène Delacroix.

Madrid, noviembre de 2011
La exposición, comisariada por el conservador jefe del Departamento de Pintura del Museo del Louvre, Sébastien Allard, se puede ver en CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36) del 19 de octubre de 2011 al 15 de enero de 2012. Posteriormente viajará a Barcelona

Eugène Delacroix sostenía que lo que provocaba emoción en un lienzo eran sus valores plásticos —materia, luz, color—, más allá de las escenas que se representan. Dar a conocer esta imagen de Delacroix, alejada de su asociación con las grandes composiciones de tema histórico, como un revolucionario enfrentado a las rígidas convenciones del arte neoclásico, es uno de los objetivos de Delacroix (1798-1863).

La exposición organizada por la Obra Social ”laCaixa” y el Museo del Louvre es la más completa realizada jamás sobre la trayectoria del pintor francés en España. Reúne más de 130 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Europa y América, que permiten reconstruir la evolución del artista, desde sus inicios, cuando buscaba la inspiración en creaciones artísticas y textos literarios, hasta la etapa final, marcada por la síntesis del conjunto de su obra.

Uno de los atractivos es poder contemplar obras que se han convertido en referentes de nuestra cultura visual, como Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi, uno de los bocetos de La muerte de Sardanápalo o Mujeres de Argel en sus habitaciones y que Delacroix pintó tras el viaje que hizo por el norte de África en 1832, pasando por diferentes ciudades españolas. Este viaje le influyó profundamente, y la exposición también ahonda en el vínculo de Delacroix con España.

Durante el viaje que realizó a Marruecos en 1832, Eugène Delacroix hizo diversas escalas en España: Algeciras, Cádiz y Sevilla. «Todo Goya palpitaba a mi alrededor», escribió a su amigo Pierret, manifestando su precoz interés por el arte de la península Ibérica. De hecho, Delacroix fue uno de los primeros en Francia en conocer los Caprichos de Goya.

La exposición muestra también la incidencia que tuvo Delacroix en el gran maestro español del siglo XX: Pablo Picasso, quien le honró con una serie inspirada en Mujeres de Argel en sus habitaciones.

La muestra con la que CaixaForum Madrid rinde homenaje al genial pintor francés se convierte en la más completa jamás organizada desde la gran exposición realizada en París, coincidiendo con el centenario de la muerte del artista, en el año 1963.

Esta gran retrospectiva propone una visión completa de la obra de Delacroix y de su evolución pictórica, recorriendo las diferentes etapas de su producción,desde las primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez, en la que el artista repite los temas que trabajó anteriormente, con otra perspectiva, poniendo especial énfasis en sus obras de historia, así como en las de inspiración oriental.

Además de las obras procedentes del Museo del Louvre, la exposición cuenta con numerosos préstamos de instituciones de todo el mundo —Galería de los Uffizi (Florencia), The National Gallery (Londres), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Musée d’Orsay (París), The Art Institute of Chicago, The British Museum (Londres) o el Musée des Beaux-Arts (Burdeos)—, así como de colecciones privadas.

Muestra este evento que el pintor francés conocía profundamente la tradición pictórica de los encargos oficiales y de los temas heroicos de la historia y de la religión, y cómo la reinventó antes de confrontarla con la revolución del realismo a partir de mediados del siglo XIX.

También se centra en aspectos menos conocidos de la producción del artista. El retrato constituye uno de ellos: el gran Retrato de Louis-Auguste Schwiter, que sedujo tanto a Degas que lo compró, muestra el genio del maestro en este campo. El autorretrato también ofrece un interesante campo de análisis, dado que Delacroix solo realizó tres enteramente de su mano, todos ellos presentes en la exposición:

ÁMBITOS DE LA EXPOSICIÓN

Delacroix y el modelo
En la época de Delacroix, el desnudo constituía la piedra angular del aprendizaje artístico. El ciclo de María de Médicis de Rubens, en el Louvre, proporcionó al joven pintor un modelo a seguir.

Las ilustraciones de Fausto
La literatura representó para Delacroix una poderosa fuente de inspiración. Una de sus principales obras como litógrafo fueron diecisiete planchas para el Fausto de Goethe (1828), que proponen una lectura muy personal de esta obra.

El retrato y la influencia británica
Entre los años 1820 y 1830, la obra de Delacroix denota una fuerte influencia de la pintura inglesa, sobre todo a partir del viaje que realizó a Londres en 1825 y después de haber conocido al pintor Sir Thomas Lawrence. Delacroix interpreta el retrato británico de acuerdo con su propia personalidad pictórica.

La inspiración literaria
La imaginación de Delacroix necesita estímulos. «Lo que hace falta para encontrar un tema, sería abrir un libro capaz de inspirar y dejarse llevar por la disposición del momento», escribió en su Diario. En la década de 1820 a 1830, estos estímulos le llegan a través de la literatura. Pero no basta con ilustrar una narración: el artista transcribe las emociones que le provoca la lectura. Lord Byron se convierte en una figura tutelar para el artista, que le sugiere temas exóticos, como Sardanápalo o el combate de Giaur y Hassán, y le proporciona una visión de la historia contemporánea.

El drama de Grecia
«¿Quién se pondrá al frente de tus hijos dispersos? ¿Quién te liberará de una esclavitud a la que estás demasiado habituada?», escribió Lord Byron en su poema narrativo Las peregrinaciones de Childe Harold (1812-1818), tras su primer viaje a Grecia en 1810. Las ideas de Byron calaron hondo en Delacroix, que dedicó varias obras a la guerra de independencia griega.

Recuerdos del viaje a Marruecos
En 1832 Delacroix participó en una misión diplomática francesa en el norte de África, acompañando al conde de Mornay en su visita a Abderramán, sultán de Marruecos. En el transcurso de ese viaje realizó varias escalas en ciudades españolas: Cadis, Sevilla y Algeciras.

La gran decoración
A mediados de la década de 1830, la actividad de Delacroix se multiplica con la realización de grandes decoraciones para edificios públicos, por encargo del Estado

Medea y San Sebastián
A finales de la década de 1830, Delacroix vuelve al clasicismo y pinta grandes óleos de tema mitológico y religioso. Realiza varias versiones de Medea, donde la esposa de Jasón aparece con gesto salvaje, puñal en mano, poco antes de asesinar a sus hijos, y de San Sebastián, donde el santo aparece exánime, mientras santa Irene le retira las flechas del martirio. Ambas obras revelan la influencia de los maestros Andrea del Sarto, Rubens y Van Dyck.

La soledad de Cristo
El sentimiento religioso no es muy relevante en la obra de Delacroix, y la crítica de su tiempo se lo reprochaba. Sin embargo, la figura de Cristo ocupa un lugar muy destacado en su producción.

Series y variaciones
En 1847 Delacroix retoma su diario, interrumpido en 1824. Mientras trabaja en varios proyectos de pintura decorativa, reflexiona sobre su obra y recupera temas literarios que había tratado veinte años atrás. Ahora se muestra crítico con Byron, aunque este le inspira El naufragio de Don Juan o La novia de Abidos. Realiza una serie sobre El rapto de Rebeca, inspirada en el Ivanhoe de Walter Scott, así como diversas variaciones en dibujo, pintura y grabado a partir de un tema shakesperiano: Hamlet y Horacio en el cementerio.

El paisaje, entre la materia y el espíritu
A partir de 1850, paisajes y estudios atmosféricos cobran una importancia creciente, como si el pintor sintiera la necesidad de comprender y explicar este fenómeno. Delacroix pasa temporadas en Dieppe, Normandía. El contacto con el paisaje marítimo le permite experimentar nuevas sensaciones y plasmarlas en el lienzo a través de sombras coloreadas y reflejos que anticipan la búsqueda luminosa de los impresionistas.

Paisajes y brumas

02/11/2011, Fernando Sánchez presenta “Cortinas de niebla. Paisajes en clave de bruma” del 2 al 30 de noviembre en la galería “No te salves; contenedor de arte” en Bejar, Salamanca

Salamanca, 2 de noviembre de 2011

Mónica Sánchez

Fernando Sánchez –Madrid, 1978– acude con veinte retratos de la niebla. Con maestros como Vicente López Tofiño, Jordi Socias, Navia o Cristina García Rodero, el artista confiesa tener un único Dios: Richard Avedon.

En sus trabajos, combina la matemática del que ama su ciencia, con la abrumadora sensibilidad de quien busca nuevos ángulos para derramar su mirada.

Tras las cortinas de niebla (abullonadas, nítidas, frondosas) se esconde un mundo con luz propia. Quien observa la niebla, se adentra en el más frondoso laberinto de los sentidos. Y quien se deja vislumbrar tras ella se apacigua, se serena, se deja llevar por la fuerza de la naturaleza, y hasta pudiera desbocarse y confundirse con una yegua blanca, un perro solitario, una oveja o esa vaca entre las brumas.

Se corre la cortina de niebla y comienza el juego visual. Las luces apagadas, el último brillo como el último canto de un gallo en la espesura. El otoño se revuelve con la pura primavera. Las carreteras cercenan los viejos caminos. Sus flechas indican que hay un mañana quizá no tan interesante como ése que se alza bordeando los montes.

A pie de cerro, la manada de caballos susurra al prado. En las alturas, una manada de nubes cae abrazando a las nieblas, oscureciendo lo nítido, creando sus propias barreras. Tras la niebla, o rodeado de ella, la lente que todo quiere verlo.

Thomas Ruff en el CAC

26/10/2011, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta ma.r.s. de Thomas Ruff, gran referente de la fotografía y el arte contemporáneo y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80.

Málaga 26 de octubre de 2011

Hasta el 29 de enero, la exposición, comisionada por Fernando Francés, mostrará a los visitantes diferentes imágenes del universo todas con un hilo conductor, que muestran espacios aparentemente lejanos, al alcance de la vista del espectador.

El origen de las imágenes pasa a un segundo plano con la intervención de Ruff en todo el proceso creativo. La postproducción es lo que realmente importa en el trabajo del artista alemán, con unos resultados inesperados y con una visión sorprendente de paisajes marcianos.

“La fotografía sólo puede reproducir la superficie de las cosas”. Con esta frase, Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, 1958) resume su interés a la hora de enfrentarse al negativo de una imagen. Persigue ir más allá del instante, del momento que recoge. Se adentra en un mundo paralelo, buscando una lectura diferente a la convencional. El artista multiplica las experiencias visuales del espectador, extendiendo sus marcos de referencia más allá de la superficie de la fotografía, más allá del primer nivel o la primera impresión que dan sus imágenes.

El nombre de la exposición es ma.r.s., acrónimo de mars reconnaissance survey (sonda de reconocimiento espacial). Se compone de treinta y una fotografías, en las que se pueden apreciar diferentes matices y técnicas que el artista ha aplicado a las imágenes. Cuenta con tres series: ma.r.s. (2010-2011), una selección de obras de la serie más amplia jpeg (2004-2010), y Sterne (1992); la primera está dedicada al planeta Marte, la segunda son cohetes y la tercera estrellas. El propio artista se encarga de explicar la unión entre las tres series: la conexión entre las tres partes de la exposición y que se resume en que los paisajes marcianos no se pueden fotografiar sin un cohete, y las estrellas son las que rodean el planeta Marte.

Para la serie ma.r.s. (2010-2011), el artista ha transformado las imágenes captadas por satélite desde un ángulo recto de forma que la perspectiva es similar a la que se puede tener desde un avión que sobrevuela un paisaje. Este juego visual es capaz de producir en el espectador la sensación de que está viendo Marte desde cerca. Además, aplica colores a las fotos, resaltando características de estos paisajes sin alterar su carácter. Dentro de la serie jpeg (2004-2010), elige las imágenes de cohetes, que son obras realizadas en 2007, y que también han pasado por un proceso técnico. Por último, Sterne (1992) (estrellas) representa estampas del universo, que el artista alemán acerca desde el Observatorio Espacial La Silla en Chile.

Para Fernando Francés, director del CAC, “a través del objetivo de Thomas Ruff se inicia una nueva forma de entender esta disciplina artística. Lo que menos importa es la procedencia de las imágenes, cuándo, cómo o dónde fueron tomadas. Experimenta con ellas, manipula los originales, aplica técnicas para resaltar sus cualidades hasta obtener un resultado sorprendente. Como el propio artista ha dicho en más de una ocasión: “….Sólo quiero aprender cómo valorar las imágenes, cómo saber cuánto hay de verdad en ellas”.

Miembro destacado de la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, la trayectoria de Thomas Ruff está vinculada a la generación de los fotógrafos alemanes que promovieron una nueva corriente: Cándida Höffer, Thomas Struth, Axel Hütte y Andreas Gursky, entre otros. Si bien en la actualidad el arte contemporáneo no se concibe sin la fotografía, el mérito de estos artistas es que lograron que sus trabajos tuvieran la consideración de disciplina artística, consiguiendo que se expusieran en galerías y museos.

El trabajo de Thomas Ruff está vinculado al campo de la producción mecánica de imágenes y cómo la técnica puede influir en el resultado final de lo que expresa la fotografía. Las visiones telescópicas del cielo nocturno impresas sobre negativos, los provocativos desnudos extraídos de páginas webs pornográficas, sus coloridas manipulaciones de los cómics manga y sus series jpeg demuestran la constante intención de Thomas Ruff de reinventar imágenes ya existentes.

La sociedad maya

25/10/2011, La sociedad y el tiempo maya es el título de la muestra que se presenta del 27 de octubre de 2011 al 12 de febrero de 2012 en el Museo del Oro, Sala de Exposiciones Temporales.

Bogotá 25 de octubre de 2011
Los grandes logros que alcanzaron en astronomía, matemáticas, arquitectura, escritura y en otras artes, así como su complejo sistema de calendarios que les permitió medir el tiempo -que concebían cíclicamente- hicieron de los mayas una de las sociedades más importantes de la América Prehispánica.

El Museo del Oro presenta La sociedad y el tiempo Maya, una muestra de 96 objetos patrimoniales del Museo Regional Palacio Cantón de Mérida, México, que invitan a explorar una de las cosmovisiones más fascinantes de la historia, y a entender -lejos de la mala interpretación que se hace por estos días- el origen y el sentido de sus profecías.

Según el calendario maya, el 22 de diciembre de 2012 terminará la quinta era del universo, un ciclo de 5.125 años, e iniciará otra al igual que las cuatro veces anteriores.

“Para la civilización maya, el tiempo es una realidad cíclica: tiempo agrario, tiempo cósmico y el tiempo de las dinastías gobernantes, formaban parte de un círculo que cumplía rigurosas etapas, y en donde el final era sólo el comienzo de lo mismo”, explica Alfonso de María y Campos, Director General del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH).

El tiempo maya se registraba simultáneamente con dos calendarios: uno sagrado de 260 días y otro civil de 365 días; ambos constituían la Rueda Calendárica, cuyo ciclo duraba 52 años.

Para calcular períodos más grandes existía además La Cuenta Larga, que se agrupaba en medidas de tiempo denominadas kin (un día), uinal, tun, katun y baktun (de 144.000 días). Trece baktunes constituían una era.

Los calendarios fueron hechos por sacerdotes mayas, quienes basados en sus complejos sistemas matemáticos y en un profundo conocimiento de los astros, podían predecir eventos celestes como solsticios y equinoccios, eclipses y otros hechos astronómicos.

Hacían además profecías y augurios sobre el destino de las personas y las sociedades, sobre desastres naturales o eventos míticos del futuro relacionados con el linaje de sus gobernantes. Para hacer sus profecías, los sacerdotes miraban al pasado, escritos en estelas y códices, dado que por la forma cíclica de contar el tiempo pensaban que los hechos se solían repetir de un ciclo a otro.

La muestra, que estará acompañada por conferencias y talleres, hace parte del programa de exposiciones internacionales del Museo del Oro que en años anteriores ha traído a Bogotá exposiciones patrimoniales de China y Chile.

En la actualidad existen más de cuatro millones de mayas, divididos en nueve grupos étnicos y con cerca de 30 lenguas propias. Son considerados la sociedad indígena más numerosa de toda América.

Paradores... noche gratis

25/10/2011, La emblemática Red de Paradores de España ha estrenado una promoción para sus clientes que recibe el nombre de “Regálate una noche, Paradores te invita”.

Madrid, 25 de octubre de 2001
Los beneficiados serán todos los clientes que se alojen, al menos, dos noches consecutivas en alojamiento y desayuno en el mismo Parador entre el 2 de noviembre y el 29 de diciembre de 2011.

El premio será una invitación para disfrutar gratis de una noche, en régimen de alojamiento y desayuno entre el 2 de enero y 1 de marzo de 2012. La noche de regalo podrá disfrutarse en el mismo Parador, en cualquier otro incluido en el mismo grupo de uso y en aquellos establecimientos incluidos en los grupos inferiores.

La promoción permite además acumular bonos-noche hasta un máximo de tres por estancia. De tal manera que un viajero que se aloje seis noches seguidas, y siempre en alojamiento y desayuno, en un determinado parador, obtendrá tres noches de regalo para utilizar exclusivamente en el periodo indicado.

Una vez finalizada su estancia de dos noches consecutivas en un parador, el cliente recibirá un bono Regálate una noche. En él, además de ver las condiciones generales de la promoción, estarán los 93 establecimientos de la Red divididos en 6 grupos diferentes, para que el cliente sepa en que paradores puede disfrutar su estancia.

Las reservas para esta invitación se podrán formalizar a través de cualquier canal, portal web: www.parador.es, central de reservas, Parador o en sus agencias de Viajes, únicamente haciendo constar que la estancia se abonará con el bono “Regálate una noche”.

Como es habitual, esta promoción no es acumulable a otras que ya están en marcha como son los alojamientos pagados con puntos del Club de Amigos de Paradores, la promoción 2x1, los bonos noches Paradores, las Rutas y las tarjetas regalo (Habitaciones únicas, vive Paradores y Rutas), así como cajas/packs regalo (La vida es bella, Smartbox…). Tampoco es valido para grupos y convenciones.

Red Mundial de Geoparques

18/10/2011, En la X Conferencia Europea de Geoparques, celebrada en Noruega, se acordó ampliar la Red Mundial de Geoparques Nacionales con nueve nuevos sitios.

Esta Red, creada en 2004 bajo los auspicios de la UNESCO, cuenta ahora con un total de 87 geoparques diseminados en 27 países.

La Red Mundial de Geoparques Nacionales se creó en 2004, bajo los auspicios de la UNESCO, a fin de fomentar la cooperación entre expertos y profesionales del patrimonio geológico. Los sitios que aspiran a la denominación de geoparques deben poseer un patrimonio geológico de excepcional importancia por su calidad científica, su interés educativo, su rareza y su valor estético. Tienen que contar con una sólida estructura de gestión y, además, su superficie debe estar bien delimitada y ser lo suficientemente extensa como para garantizar un sustancial desarrollo económico sostenible del sitio, en particular gracias al turismo.

La Red Mundial comprende sitios tan diversos como la isla de Langkawi, donde se puede observar la formación rocosa más antigua de Malasia, el bosque petrificado de la isla de Lesbos (Grecia) o los cráteres volcánicos del sitio de Vulkaneifel (Alemania).

Los nuevos geoparques son:

Geoparque de Hong Kong (China)
Este geoparque pone de relieve los elementos naturales de esta región industrial y, más concretamente, sus 150 km de litoral marino y su topografía formada por colinas intercaladas por llanuras. A pesar de su superficie reducida (49,85 km2), el geoparque de Hong Kong puede enorgullecerse de contar con rocas volcánicas ácidas de importancia mundial y elementos de historia geológica que muestran sedimentos depositados en la era paleozoica, entre 520 y 250 millones de años atrás. Los procesos geológicos costeros han dado por resultado formaciones de erosión y depósitos fosilíferos que permiten comprender el paleoentorno y la evolución biológica, climática y geográfica del sitio.

Geoparque de Tianzhushan (China)
Situado en la provincia de Anhui, el geoparque de Tianzhushan comprende un vasto paisaje montañoso con picos de granito, cuevas, cascadas y fuentes. Cuenta con un rico patrimonio geológico de fósiles de mamíferos y una zona de eclogitas, rocas metamórficas formadas en condiciones extremas de presión e inusualmente densas, que juegan un papel importante en la facilitación de la convección y en el suministro de información sobre los procesos tectónicos que tienen lugar en el manto y la corteza de la Tierra. La riqueza de los elementos ecológicos y culturales de este geoparque es interesante para la investigación científica, la educación y el turismo. El sitio cuenta con itinerarios señalizados para la práctica del senderismo, centros de información turística y museos. En el geoparque se organizan actividades pedagógicas y de investigación destinadas a alumnos de todos los niveles, desde la escuela primaria hasta la universidad. Los conocimientos geológicos se divulgan mediante información fácil de comprender y las comunidades locales participan en las actividades de divulgación (estancias en hogares de la población autóctona y visitas de explotaciones agrarias).

Sierra Norte de Sevilla, Andalucía (España)
El Geoparque de la Sierra Norte de Sevilla comprende una zona provista de un rico patrimonio geológico que permite promover actividades turísticas destinadas a valorizarlo y protegerlo, fomentando al mismo tiempo un desarrollo económico sostenible. Este sitio es uno de los mayores parques naturales de Andalucía. Abarca una superficie de 177.484 hectáreas y está situado en los alineamientos montañosos de la Sierra Morena, entre las zonas geológicas de Ossa-Morena y del sur de Portugal. La mayoría de las rocas datan de los tiempos más antiguos de la historia de la Tierra, iniciada hace 4.500 millones años: desde los tiempos precámbricos, pasando por la era paleozoica (540 millones de años) y el periodo pérmico (290 millones de años) hasta el triásico inferior (258 millones de años). Constituye una excepción la zona sudoriental del sitio, donde se hallan algunos afloramientos de rocas sedimentarias más recientes que datan del Mioceno (20 millones de años). En el geoparque tienen lugar diversas actividades educativas, lúdicas y de sensibilización al medio ambiente, que ofrecen a los escolares y visitantes individuales o en grupo la posibilidad de disfrutar del valor natural, cultural y paisajístico de este lugar excepcional.

Geoparque de las Villuercas, Ibores y Jara, Extremadura (España)
El Geoparque de las Villuercas está formado por un macizo montañoso aislado del sur de la provincia de Cáceres, en Extremadura. Su denominación se debe al nombre de la cumbre más alta de dicho macizo: el Pico de La Villuerca (1.601 metros). Ofrece un magnífico paisaje que comprende el célebre monasterio de Guadalupe. Este sitio, único en su género, se caracteriza por una morfología y un paisaje con plegamientos y fracturas muy acusados. El geoparque abarca un vasto periodo de tiempo geológico y presenta algunas de las rocas más antiguas de Europa, pertenecientes a los periodos Ediacárico, Cámbrico, Ordovícico y Silúrico (entre 650 y 400 millones de años atrás). Su patrimonio natural es también de una gran riqueza, ya que posee especies de aves protegidas, corredores de biodiversidad y árboles monumentales. Además, el sitio cuenta con vestigios de una cultura minera y de pinturas rupestres que datan de las edades del Bronce y del Hierro.

Geoparque de los Bauges (Francia)
Este geoparque forma parte del Parque Natural Regional del Macizo de los Bauges, una zona montañosa de altitud media perteneciente a los Alpes Franceses noroccidentales. Visto desde lejos, el sitio se asemeja a una fortaleza rocosa, que emerge como una isla natural protegida en medio de un mar urbanizado. El macizo cuenta con farallones de caliza resistente y rocas sedimentarias que forman sinclinales suspendidos y le dan un relieve muy particular. Importantes líneas de falla tectónica muestran los potentes procesos de formación del relieve montañoso y el paisaje cárstico lo atraviesan grandes y pequeños desfiladeros, abiertos en la caliza cretácica, que originan humedales, lagos, fuentes y cuevas. El famoso farallón de “La Saboyana” –formado por un impresionante plegamiento de las capas calcáreas en el extremo sur del sitio– debe su nombre a su semejanza con el perfil de una mujer ataviada con el tocado tradicional de las campesinas de la región. Este conocido elemento ilustra el vínculo existente entre la geología y la historia local.

Geoparque de Burren y acantilados de Moher (Irlanda)
Situado en la costa occidental de Irlanda, entre las ciudades de Limerick y Galway, este geoparque abarca un paisaje geológico formado por colinas ondulantes y mesetas calcáreas, acantilados marinos espectaculares y cursos de agua que desaparecen bajo tierra y emergen de una vasta red de cuevas. La zona costera del parque comprende los acantilados de Moher, que se yerguen a 200 metros de altura y son los más célebres de toda Irlanda. La erosión costera ha creado grutas, arcos y riscos marinos, así como playas pedregosas y dunas que confieren a la zona su particular fisionomía. La zona de Burren es mundialmente conocida por la riqueza de sus recursos ecológicos y vestigios arqueológicos. Se encuentran en ella el 70% de las plantas nativas de Irlanda, comprendidas algunas combinaciones insólitas de especies árticas, alpinas y mediterráneas, así como huellas de asentamientos humanos que abarcan un periodo de más 6.000 años.

Geoparque de Katla (Islandia)
La importancia geológica del Geoparque de Katla es evidenciada por la presencia del hoy célebre volcán Eyjafjallajökull, cuya erupción colapsó temporalmente el transporte aéreo europeo en abril de 2010. La región se caracteriza por su morfología volcánica, que comprende cráteres y fisuras de erupción, campos de lava, riscos de hialoclastita y montañas de toba. Su paisaje está dominado por glaciares que cubren las montañas más altas y los volcanes. Cerca de los glaciares se encuentran varios glaciares emisarios, ríos glaciares y otras formaciones de tipo glaciar como morrenas y lagos de contención glaciar. Las inundaciones glaciares súbitas provocadas por las erupciones bajo el hielo han formado planicies aluviales en las tierras bajas. Otros elementos interesantes del sitio son los xenolitos fosilíferos, los pseudocráteres y las capas de tefra, que son especialmente útiles para la datación geológica. En una región donde la vida diaria de la población está muy condicionada por la actividad volcánica, el geoturismo constituye un vector importante del desarrollo sostenible.

Geoparque de los Alpes Apuanos (Italia)
Este geoparque abarca el Parque Natural de los Alpes Apuanos y una serie de zonas adyacentes situadas en este macizo alpino. Se extiende desde el noroeste de la Toscana, esto es desde la parte central de la península italiana, hasta el extremo norte de esta última, donde se halla la zona de transición entre la región biogeográfica de Europa Central y la de Europa Mediterránea. El geoparque alberga numerosas especies endémicas, así como una gran variedad de rocas, minerales, fósiles y estructuras tectónicas. El sitio es célebre por sus mármoles (Carrara), sus profundos desfiladeros y sus grandes cuevas cársticas. La morfología excepcional de los Alpes Apuanos ha atraído a los viajeros desde el siglo XVI. El geoparque ofrece hoy a los visitantes una serie de actividades recreativas, en particular la práctica del alpinismo y del senderismo.

Geoparque de Muroto (Japón)
Situado en la isla de Shikoku, al sudoeste del Japón, el sitio del geoparque de Muroto estuvo sumergido bajo el mar en el pasado. Sus cuevas se formaron en ese entonces y, posteriormente, fueron emergiendo a la superficie debido a la serie de seísmos sucesivos que arrasaban la costa cada 100 o 150 años. Este geoparque es un auténtico laboratorio al aire libre situado en una zona de subducción, esto es, un lugar donde una porción de la corteza terrestre pasa debajo de otra. El sitio constituye un verdadero registro de la dinámica de la Tierra provocada por el desplazamiento de las placas tectónicas. Este proceso tectónico ha dado por resultado una actividad magmática de la que han surgido las rocas gabroicas, toscas y oscuras, que forman la península de Muroto. El ritmo de elevación del cabo Muroto –entre uno y dos metros cada mil años– es uno de los más rápidos de todo el planeta. Además de este notable fenómeno natural, el geoparque permite ilustrar el peligro que representan los seísmos y tsunamis de gran amplitud, proporcionando al mismo tiempo elementos para prever estos fenómenos y precaverse contra ellos mediante el uso de la ciencia y tecnología de vanguardia.

YSL en la Fundación Mapfre

18/10/2011, La Fundación Mapfre presenta la exposición Yves Saint Laurent. Una gran muestra que constituye la primera retrospectiva presentada en España sobre el gran artista y diseñador.

Madrid, octubre de 2011
Once espacios temáticos y una selección de cerca de 150 modelos de alta costura y prèt-a–porter, más de 80 dibujos, fotografías y películas componen esta interesante muestra, que podrá visitarse hasta el 8 de enero de 2012 en la Fundación Mapfre de Madrid (Paseo de Recoletos nº 23).


Desde los comienzos de YSL como diseñador en Dior, hasta el esplendor de sus trajes de noche, la exposición recorre los cuarenta años de creación del modisto francés. A través de los distintos espacios, el visitante puede conocer cuáles fueron las inspiraciones artísticas y culturales de un diseñador que combinó el anhelo de vestir a la gente común, sin renunciar por ello a la confección de un modelo exclusivo para la mujer de sus sueños.

Ambición de la Alta Costura
En 1955 Yves Saint Laurent entra en la casa Dior. Dos años después, tras la muerte de su mentor, da el paso desde una alta costura obsoleta a ser el protagonista de “el reinado del estilo” gracias a su conocida colección “Trapèze”, con vestidos que liberan el cuerpo femenino, inspirados en el espíritu de libertad característico de los sesenta.

Estudio Mental / Estudio real
El estudio mental hace referencia a las corrientes estéticas (pintores, músicos, escritores, etc.) que configuran el imaginario de las creaciones de Yves Saint Laurent. El estudio real, evoca el taller de la Rue Marceau, el lugar donde dichas creaciones cobraban vida.

La revolución de los géneros
Algunas de las prendas que hicieron famoso al creador fueron sus chaquetones, la sahariana, la chaqueta sastre con pantalón, la túnica o el jumpsuit. Un nuevo guardarropa que reflejaba el nuevo estilo de vida, una nueva imagen para una mujer entre lo femenino y lo masculino.

Yves Saint Laurent y las mujeres
Vestir a la mujer para Saint Laurent es ayudarla a vivir lo cotidiano en un mundo en continua transformación. Reemplaza el “total look” por un guardarropa donde cada mujer encontrará su propio estilo. La marca fetiche, Saint Laurent Rive Gauche, lanzada en 1966, constituye un hito en la historia de la moda. Pionera del pret a porter de lujo, conocerá un inmenso éxito que prefigura el de las marcas globales contemporáneas.

Belle de jour, Catherine Deneuve
Esta sala muestra algunas de las grandes piezas del guardarropa de Catherine Deneuve, una de las más importantes musas de Yves Saint Laurent. Desde el vestido empolvado en negro y satén marfil creado para Belle de jour (1967), al vestido de noche largo, en crepé de satén rojo tango (1977).

1971, La colección del escándalo
En verano de 1971, Yves Saint Laurent presenta ante un público consternado una colección inspirada en la década de los cuarenta. El grado de provocación hace que la prensa le condene. Aún así, la colección triunfa entre la juventud, y la calle adopta inmediatamente los postulados de Yves Saint Laurent. La feria de los exotismos
Muchos de sus modelos están inspirados en viajes, reales o imaginados. El diseñador se acerca a culturas y estéticas diferentes, China, Japón, Rusia, España, Marruecos... “Con mi imaginación, viajo a países que no conozco. Detesto viajar. Si leo un libro sobre los indios, con fotografías, o sobre Egipto, donde nunca he estado, mi imaginación me lleva hasta allí. Así es como he realizado mis viajes más bellos”. YSL

Homenajes: diálogo con artistas y escritores
En 1965, Yves Saint Laurent lanza una colección inspirada en Mondrian. Las revistas del mundo entero aplauden estas creaciones que traspasan los límites existentes entre los géneros artísticos, adaptando para la moda un lenguaje propio que había sido pensado para la plástica. El diseñador establece desde ese momento un diálogo con artistas: Mondrian, Wesselman, Poliakoff, Van Gogh, Matisse, Picasso, Braque, Léger, Apollinaire, Aragon, Cocteau, Lalanne...

El último Baile
Una sala que refleja a Yves Saint Laurent como el mago de la noche. Vestidos esplendorosos de una alta costura nostálgica, decadente y llena de glamour.

El smoking
Durante cuarenta años, más de cien smokings salieron de la imaginación de Yves Saint Laurent. Con ellos, el diseñador afirmaba la legitimidad de un traje con el que creía que debía conquistar el mundo y convertirse en pieza emblemática de su estilo.

Los colores de Yves Saint Laurent
El mundo de colores de Yves Saint Laurent. “Adoro el oro, un color mágico, por el reflejo de una mujer, es el color del sol. Adoro el rojo, agresivo y salvaje. Los colores fuertes del desierto”. YSL

La exposición se completa con 81 bocetos originales que ayudan en la comprensión de todos los pasos del genial diseñador, desde la idea inicial, hasta la ejecución final del modelo. A estos dibujos se unen diversas series fotográficas como la que le realizó en 1971 el fotógrafo Jeanloup Sieff para la publicidad de lanzamiento de su primer perfume para hombres “YSL Pour Homme”.

Más sobre moda en: EstiloyModa.com

El Prado presenta su colección de miniaturas

12/10/2011, El Museo del Prado expone por primera vez una parte representativa de su desconocida colección de miniaturas, una de las más relevantes conservadas en los museos españoles.

Madrid, 12 de octubre de 2011
La colección de miniaturas de El Museo del Prado está formada por ciento sesenta y cuatro miniaturas y dieciséis pequeños retratos. Estas diminutas obras de arte se encuentran pintadas al gouache sobre vitela, tablillas de marfil o papel.

La exposición podrá visitarse hasta el 26 de febrero de 2012, en la primera sala de la cámara acorazada (edificio Villanueva, sótano 1) en la que se exhibe de forma permanente el Tesoro del Delfín.

las miniaturas representan la faceta más íntima de la pintura, pues pertenecían a la esfera de la vida privada aunque también desempeñaron una función de Estado, pues los monarcas regalaban joyeles con miniaturas a los embajadores y emisarios extranjeros con motivo de su proclamación, matrimonio o por la firma de tratados. Con una miniatura se reconocían también las buenas acciones militares o el cumplimiento de las misiones encomendadas.

Los visitantes podrán apreciar la delicada técnica empleada por los artistas. El montaje se acompaña, además, de un video en el que se puede apreciar en detalle, mediante imágenes ampliadas, la técnica de ejecución y la gama de colores.

Giacometti en Málaga

05/10/2011, Este otoño, del 17 de octubre al 5 de febrero, se podrá contemplar en el museo Picasso de Málaga, el trabajo creativo de Alberto Giacometti (1901-1966), en una notable exposición.

Málaga, 3 de octubre de 2011
Es la primera retrospectiva consagrada a la obra del escultor Suizo desde hace casi vente años en España. La muestra presentará una selección de piezas sacadas de las ricas colecciones de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, y es resultante de la herencia de la viuda del artista.

Reconstruyendo más de 50 años de búsqueda artística, la muestra de este otoño propone esta vez una lectura más larga del trabajo de Giacometti, insistiendo sobre la gran riqueza y variedad de su obra, a través de 166 obras que se podrán ver en el Palacio Buenavista (75 esculturas, 42 pinturas, 40 dibujos y grabados, 9 obras de arte decorativo) así como diversos escritos, revistas y fotografías que permitirán apreciar el dinamismo y la complejidad de un artista en continua renovación.

Pintor, escultor, dibujante, grabador, creador de objetos decorativos y escritor, Giacometti nunca cesó de explorar nuevos caminos artísticos. El conjunto de la exposición da cuenta de un mundo inquietante y maravilloso, reflejando la coherencia de su posicionamiento estético.

Giacometti, sintetizado muy a menudo a su obra esculpida, estará presentado aquí como un creador pluridisciplinar, cuya obra evolutiva se alimenta de una exploración constante. El recorrido de la exposición volverá a trazar la marcha de este artista mayor del siglo XX, figura ineludible de la vanguardia europeo y amigo cercano de Pablo Picasso. Las correlaciones entre Giacometti y Picasso, estarán exploradas a través de algunos puntos de conexión entre los dos hombres y sus obras.

Ambos, hijos de pintores, dejaron sus países respectivos para instalarse y trabajar en París, entonces capital europea de las artes; ambos se formaron realizando innumerables reproducciones e interpretaciones de famosos maestros de quienes se inspiraron, y practicando su arte con medios muy variados, y ambos mezclaron pintura y escultura volviendo a trabajar sus escayolas o bronces con pigmentos, realzando así los relieves y permitiendo al color de participar a la construcción del espacio.

El comisariado de la exposición corresponde a Véronique Wiesinger, conservadora en jefe del Patrimonio y Directora de la Fundación Alberto et Annette Giacometti, en colaboración con José Lebrero Stals, director del Museo Picasso de Málaga.

Semana de la Arquitectura en la BNE

03/10/2011, Conferencias, ciclos, talleres y exposiciones son algunas de las actividades con las que la Biblioteca Nacional de España (BNE) se une a la conmemoración de la Semana de la Arquitectura del 3 al 9 de octubre.

Madrid, 3 de octubre de 2011

El 6 de octubre, a las 16.30h, el público interesado podrá asistir a la conferencia Juan de Villanueva, del Museo al Observatorio. El lugar como condición y como inspiración, impartida por Pedro Moleón, uno de los mayores expertos en el arquitecto del Museo del Prado y del Observatorio Astronómico.

Villanueva, de quién se celebra el segundo centenario de su muerte (1739-1911) es también el protagonista del ciclo La pieza del mes del Museo de la BNE. Durante todo el mes de octubre, de martes a sábados, de 10:00h a 21:00h, y domingos y día 12 de octubre de 10:00h a 14:00h, se pueden contemplar algunos dibujos y bocetos conservados en la Biblioteca seleccionados por Pedro Moleón.

El Observatorio y las estrellas es un taller escolar y familiar que el Museo dedica a la arquitectura del 4 al 8 de octubre. Los participantes reflexionarán sobre la capacidad de la arquitectura para determinar nuestros entornos naturales o artificiales. Una vez más, Villanueva es el punto de partida y las transformaciones del Observatorio Astronómico el eje principal.

El taller tiene también un espacio para acercarnos a otros ejemplos originales y sugerentes como la construcción de una cabaña en un árbol, el Guggenheim de Bilbao o una base espacial. El taller, que concluye con la construcción de un edificio, está dedicado a colegios de martes a viernes a las 11:00h y a familias el sábado a las 11:30h.

La VIII edición de la Semana de la Arquitectura de Madrid tiene como objetivo presentar al público creaciones y actividades relacionadas con la arquitectura y el urbanismo. Exposiciones, visitas, talleres, conferencias y ciclos son parte de un programa en el que participan bibliotecas, museos, fundaciones, universidades, centros culturales y galerías.

Antonio López... a Bilbao

28/09/2011, Desde el 10 de octubre, hasta el 22 de enero de 2012, el Bellas Artes de Bilbao presentará la exposición de Antonio López que ha batido récords de asistencia en el Thyssen Bornemisza.

Bilbao, 28 de septiembre de 2011
Con 318.169 visitantes, la exposición Antonio López es ya la más visitada de la histoira del Museo Thyssen-Bornemisza. Hasta ahora, el record lo detentaba Gauguin y los orígenes del Simbolismo (septiembre de 2004 - enero de 2005), con 279.591 visitantes, seguida de Van Gogh. Los últimos paisajes (junio - septiembre de 2007), con 237.717. Así, Antonio López , que ha contado con la colaboración de Loterías y Apuestas del Estado, ha hecho historia con sus 3.833 visitantes diarios.   

Los datos que rodean esta exposición son casi todos de récord. Por ejemplo, las entradas vendidas a través de la web han supuesto el 49% del total (la media del año ha sido del 16%) y los visitantes en el horario nocturno (entre las 19.00 y las 23.00 horas) han llegado a 79.137, un 25 % del total. Y se han vendido más de 25.000 catálogos.

  Los interesados virtualmente por Antonio López y su obra, es decir quienes han accedido a la página dedicada a la exposición en la web www.museothyssen.org, han ascendido a 285.456, con una media de 3.207 visitas diarias. En el caso de la Tienda online del Museo, ha recibido 75.265 visitas durante los días en los que la muestra ha estado abierta, una elevada cifra teniendo en cuenta que las visitas entre enero y junio fueron 77.065.

  Antonio López es uno de los artistas más personales del panorama español posterior a la Guerra Civil. Desde la década de los años cincuenta, ha trabajado el dibujo, el grabado, la pintura y la escultura, creando una obra de aire intemporal y gran virtuosismo técnico, centrada en la representación realista de seres y objetos.

Según informa el Bellas Artes de Bilbao, la exposición, comisariada por el historiador Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, y por María López, hija del pintor, reune una completa representación de la obra del artista a través de una amplia selección de 130 obras, dibujos, óleos y esculturas, que representan sus temas más habituales: los interiores, en los que lo fantástico y lo afectivo irrumpen en la vida cotidiana, la figura humana, los paisajes y las célebres vistas urbanas de Madrid y Tomelloso, y las composiciones frutales.

Aunque se expondrán obras fechadas entre 1949 y 2010, el proyecto está centrado, por una parte, en el trabajo de las dos últimas décadas, por lo que reunirá obras tan emblemáticas como sus primeros retratos familiares surrealizantes, las míticas vistas de la Gran Vía madrileña o los dibujos de su estudio. Junto a ello, prestará atención a sus obras recientes, incluso algunas todavía inacabadas y, por lo tanto, inéditas.

Carlos Cruz-Diez, en Malba

28/09/2011, Del 21 de septiembre al 5 de marzo de 2012 se exhibe en Malba la primera gran retrospectiva del artista franco-venezolano Carlos Cruz-Diez, organizada por el Museum of Fine Arts Houston (MFAH).

Buenos Aires, 28 de septiembre de 2011
Malba y el Departamento de Arte latinoamericano del Museum of Fine Arts Houston (MFAH) celebran juntos sus diez aסos con un nuevo intercambio institucional

En abril de 2012, Malba desembarcarב por primera vez en Estados Unidos con cerca de 30 piezas claves de su patrimonio.  

Creados en 2001 con el compromiso de contribuir en la difusiףn y el estudio del arte latinoamericano, Malba - Fundaciףn Costantini y el Departamento de Arte latinoamericano del Museum of Fine Arts Houston (MFAH) celebran juntos su 10 aniversario, con el intercambio de obras de sus respectivas colecciones y la presentaciףn en Buenos Aires de la retrospectiva del artista Carlos Cruz-Diez: El color en el espacio y en el tiempo, del 21 de septiembre al 5 de marzo de 2012.  

Ambas instituciones han mantenido un acuerdo de colaboraciףn desde 2005, con el objetivo de estimular el intercambio de exhibiciones y colecciones y colaborar en la ediciףn de publicaciones y otras iniciativas destinadas a promover el arte latinoamericano en los Estados Unidos y Sudamיrica.

Como parte de este acuerdo, en 2006 el MFAH presentף en Houston Xul Solar: Visiones y revelaciones, una exposiciףn organizada por Malba, y en 2007 se presentף en Malba Gego, entre la transparencia y lo invisible, producida por el MFAH.  

Intercambio de obras
A partir del 21 de septiembre se exhiben 14 obras del acervo del MFAH como parte de una nueva puesta de la colecciףn permanente de Malba titulada Arte latinoamericano 1900 -2010.

Las obras en prיstamo son: Blanco Negro (1971), de Hיrcules Barsotti; Tema Circular no. 1, de Aluםsio Carvדo (1956); Planos en una superficie modulada nro. 1 (1957) de Lygia Clark; Objeto activo (c. 1960) de Willys de Castro; Estructura en colores puros (1929) y Composiciףn abstracta tubular (1937) de Joaquםn Torres-Garcםa; Aplique de reticulבrea (1969) de Gego; Gracia plena (peinador) (1971), de Beatriz Gonzבlez; Relevo espacial (ca. 1960), de Hיlio Oiticica; Coloritmo Nro. 43 (1960) de Alejandro Otero; Cara de niסo (Concentraciףn) (1939) de David Alfaro Siqueiros; Sin tםtulo (1959) y Sin tםtulo (Kinetic Structure of Gemetric Elements) (1956) de Jesתs Rafael Soto y Banderas verdes sobre rosa (c.1957) de Alfredo Volpi. La exposiciףn permanecerב abierta hasta marzo de 2012.

En abril de 2012, la colecciףn de Malba – Fundaciףn Costantini cumplirב con su parte del intercambio y enviarב al MFAH algunos de las obras mבs relevantes de su colecciףn permanente.

Entre otras piezas viajarבn a Houston las obras Autorretrato con chango y loro (1942), de Frida Kahlo; Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral, Retrato de Ramףn Gףmez de la Serna (1915), de Diego Rivera; Composition symmיtrique universelle en blanc et noir, (1931), de Joaquםn Torres-Garcםa; The Disasters of Mysticism (1943), de Roberto Matta; Festa de Sדo Joדo (1936-39), de Candido Portinari y Manifestaciףn (1934), de Antonio Berni.   

Carlos Cruz-Diez
Junto con los prיstamos de la colecciףn permanente del MFAH, Malba tambiיn recibe la exposiciףn Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y en el tiempo, primera gran retrospectiva del artista franco–venezolano Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923).

La exposiciףn presenta una selecciףn de mבs de 120 obras realizadas desde 1940 hasta la actualidad, que acercan al pתblico local la extensa producciףn de un artista central para el arte del siglo XX, gracias a sus contribuciones teףricas y plבsticas sobre la percepciףn del color. Se incluyen pinturas, dibujos, serigrafםas, estructuras y ambientes cromבticos, ademבs de maquetas y un video documental sobre sus proyectos de intervenciones urbanas.

Malba es la primera sede de la itinerancia por Amיrica Latina. Luego la exposiciףn continuarב viaje a la Pinacoteca do Estado de Sדo Paulo, Brasil, del 14 de julio al 16 de septiembre de 2012, y al Museo de Arte de Lima (MALI), Perת, hacia fines de 2012.

Biografםa
Nacido en 1923 en Caracas, Cruz-Diez vive y trabaja en Parםs desde 1960 y dirige ademבs talleres en Panamב, Miami y Caracas. Surgiף como artista a mediados de la dיcada del 50 en Parםs, en pleno apogeo del movimiento Arte Cinיtico. Sin bien fue amigo de varios de los artistas del grupo, nunca fue oficialmente incorporado a יl. Ha dedicado toda su obra a mostrar cףmo el color puede transformarse en un acontecimiento autףnomo capaz de invadir el espacio.

En 1945, Cruz-Diez se graduף en artes manuales y aplicadas en la Escuela de Artes Plבsticas y Aplicadas de Caracas, y comenzף a trabajar en la agencia publicitaria internacional Mc Cann-Erickson. Para cuando cumpliף 25 aסos, habםa ascendido al puesto de director artםstico de la agencia, pero continuף trabajando como artista a tiempo completo y enseסando Historia de las Artes Aplicadas en la Escuela de Artes Plבsticas y Aplicadas entre 1953 y 1955. Luego, en 1957, abriף en Caracas el Estudio de Artes Visuales, un taller de diseסo grבfico e industrial donde iniciף la serie Fisicromםas. En 1958 regresף a la Escuela, donde se desempeסף como profesor y director asistente. En 1960 se mudף a Paris donde ha realizado el conjunto mבs importante de su obra y donde todavםa reside. Entre 1972 y 1973, fue docente en la Universitי d’Enseignement de Recherches y desde 1986 hasta 1993, profesor y director del Art Unit of the Institute of Advanced Studies, IDEA, Caracas.

Las obras de Cruz-Diez integran las colecciones permanentes de instituciones como el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, la Tate Modern, Londres; el Centre Georges Pompidou, Parםs; el Museum of Fine Arts, Houston; el Musיe d’Art Contemporain de Montreal; el Wallraf-Richartz Museum, Colonia; y el Musיe d’Art Moderne de la Ville de Paris, entre otras.

Cézanne y París

23/09/2011, Del 12 de octubre de 2011 al 26 de febrero de 2012 el museo de Luxemburgo presenta una muestra organizada por Reunión de Museos Nacionales-Grand Palais, con préstamos del museo D`Orsay, entre otros.

París 22 de septiembre de 2001
La figura de Cézanne (1839-1906) se asocia generalmente con Provenza, pero gran parte de la existencia del artista transcurre en París y sus alrededores, sobre todo en momentos de madurez, cuando pinta en el entorno del Marne o de Fontainebleau, o hace retratos de algún marchante, de algún crítico o de su mujer.

El joven pintor, en París se enfrentó tanto con la tradición como con la modernidad. Encuentraría allí sus "fórmulas" antes de explotarlas en Provenza. Luego, el ir y venir entre Provenza e Ile-de-France se vuelve constante, especialmente tras 1890, cuando los críticos, los vendedores y los coleccionistas comienzan a interesarse por su obra. Cézanne siente que el reconocimiento sólo puede venir desde París, y forja su estilo que habría de marcar una impronta indeleble en el arte moderno.

El recorrido de esta exposición, con unas 80 obras, tiene varias fases. La primera se centra en su entrada en París, sobre los pasos de su amigo Zola. Llega a la capital en 1861, en contra la voluntad de su padre; frecuenta la academia suiza donde encuentra a otros pintores como Pissarro y Guillaumin, y descubre que frente al academicismo hay una revolución de la vanguardia. Durante estos inicios se apropia las tradiciones antiguas y modernas: sus bocetos atestiguan una mirada atenta sobre los grandes maestros de la pintura como Rembrandt o Delacroix, y de la escultura antigua, clásica y barroca.

Al mismo tiempo, Cézanne participa en el movimiento impresionista sin adherirse a él verdaderamente. Pero el pintor apenas refleja París en su obra. No evoca sus célebres lugares, sino tan sólo alguna mirada desde su ventana, con un fondo de tejados o la calle desierta de los Sauces.

La segunda fase de la exposición se centra en el exterior parisino. El pintor se mueve en los paisajes que rodean la capital gala y trabaja la pintura de paisaje, acercándose en la escuela de pintores como Pissarro y Guillaumin. Pero muy pronto Cézanne se impone como un autor que hace " del impresionismo una cosa sólida”. El cuadro El puente de Maincy es la expresión, alrededor de los años 1880.

El tercer ámbito se define como La Tentación de París y en él se trata de la preocupación del autor por el desnudo. Pinta su espectacular Tentación de san Antonio entre 1870 y 1877, probablemente después de una lectura de Flaubert. En los mismos años, los cuadros con carácter erótico se multiplican: la Moderna Olympia, Orgía, Lucha de amor… Más tarde, Cézanne trabaja en una gran tela de “bañistas”. No busca la dimensión erótica del cuerpo, sino construye una nueva expresión del desnudo e inventa su propio lenguaje pictórico.

En cuarto ámbito se refiere a bodegones y retratos. Para Cézanne, el bodegón es un motivo excelente, como el cuerpo humano o una montaña; es adecuado para la investigación sobre el espacio, la geometría de los volúmenes, la relación entre colores y formas: "cuando el color está en su riqueza, la forma está en su plenitud" decía. Sobre unos 1000 cuadros catalogados, se cuenta con cerca de 200 bodegones.

También aparecen en la obra parisina los retratos, a menudo sobre fondos de papeles pintados. Entre ellos los amigos emblemáticos de sus estancias parisinas: Victor Chocquet, su primer coleccionista, o Ambroise Vollard, el marchante que organiza sus primeras exposiciones.

Las vías del silencio es el título del quinto epígrafe de la muestra. Pasado el año 1888, Cézanne pasa varias temporadas en región parisina después de haberse quedado varios años en Provenza (del 1882 al 1888). Visita a Monet en Giverny en 1894, pero sus lugares predilectos en estos años 1890 son los bordes del Marne hacia Maison-Alfort y Créteil, y la región de Marlotte y de Fontainebleau. La ribera le encanta; encuentra allí frescura, calma y serenidad y sus telas muestran el "silencio" de la naturaleza.

En París, los tonos se afirman alrededor de los azules y los verdes. Tras conquistar su sitio en la capital y adquirido el prestigio de maestros, se retira definitivamente sobre sus tierras provenzales, a las que tanto amó.

Muere el artista Richard Hamilton

14/09/2011, Nacido en Londres en 1922, Richard Hamilton falleció a los 89 años de edad, a punto de preparar una muestra que habría de desfilar por varios puntos de Europa y Estados Unidos.

Londres, 13 de septiembre de 2011
Hamilton, delineante, publicitario, fundador de un grupo de artistas independientes en el Reino Unido, ganó prestigio internacional por ser impulsor de un nuevo concepto artístico: el Arte Pop.

El Arte Pop se caracteriza por su cercanía a la cultura popular, a la tipografía de los medios de masas, al lenguaje de comics y mensajes publicitarios, al mundo de la música, el cine y el glamour.

A veces banal, el Pop es una alternativa al dramatismo del Expresionismo abstracto o a la anarquía de los dadaistas.

La obra “Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?) se tiene casi como un prototipo del Arte Pop y fue precisamente presentada por Hamilton en 1956.

En esta obra aparece la cultura de masas occidental, las revistas, los carteles de publicidad, el televisor, el magnetófono, la lata de conservas o la seductora chica de revista...

Mas tarde, serían Warhol o Roy Lichtenstein quienes acudirían a estos motivos, llenando sus obras de historietas, latas de sopa o sencillamente imágenes de divas del cine o los comics.

La acróbata de la bola de Picasso en Madrid

13/09/2011, El Prado presenta La acróbata de la bola, una de las pinturas más sobresalientes del período rosa de Picasso, que abandonará temporalmente el Museo Pushkin de Moscú para formar parte del programa “La Obra Invitada”.

Madrid, septiembre de 2011
El Museo del Prado presenta La acróbata de la bola de Picasso en su primera visita a España y primera salida de Rusia en 40 años. La acróbata de la bola es una pintura sobresaliente de Picasso, en la que nos muestra una escena llena de vida.

Procedente del Museo Pushkin de Moscú, la obra abandonará su museo por primera vez en 40 años para formar parte del programa del Prado “La Obra Invitada”, patrocinado por la Fundación Amigos del Museo del Prado.

El artista malagueño firmó esta obra maestra durante su denominado periodo rosa, una etapa en la que Picasso buscaba la depuración formal, y en la que se dedicó a indagar en las líneas y volúmenes.

La obra nos muestra a una bella y jóven acróbata, que se encuentra efectuando gráciles movimientos, mientras es contemplada por un musculoso atleta. Al fondo aparece un paisaje borroso, con varias figuras, una mujer junto a un niño, un perro y un caballo blanco pastando.

Picasso desarrolló, durante el periodo rosa, un gran interés por el mundo del circo, retratando a acróbatas y actores en escenas de su vida cotidiana.

Nuevas propuestas de Matadero Madrid

09/09/2011, Matadero Madrid abre la temporada con dos grandes apuestas que no dejarán indiferente a nadie. "Proyecto Juarez", una dura reflexión sobre Ciudad Juárez, y "Categorías", del joven artista gallego Jorge Perianes.

Tanto Categorías como Proyecto Juárez se inauguran el próximo sábado 17 de septiembre, a las 20 horas, en un encuentro que servirá además para celebrar el arranque de temporada de las galerías asociadas en ArteMadrid.

Proyecto Juárez Ciudad Juárez ha sufrido una transformación social en las últimas décadas. Lo que antes era un destino atractivo por sus ofertas de empleo en la industria ganadera y algodonera se ha visto radicalmente cambiado al incorporarse una maquiladora textil, comenzar la guerra contra el narcotráfico y las cifras crecientes de casos impunes de mujeres asesinadas. El resultado ahora es un éxodo masivo y una fuerte presencia militar y las oportunidades laborales de los jóvenes se reducen a estas plantas de ensamblaje, a las filas de policía o a las del crimen organizado.

Aquí nace el Proyecto Juárez, como una reflexión sobre las formas de dominación y discriminación, e interesado en explorar la relación entre la construcción de la masculinidad, el ejercicio de la violencia y las formas de poder vertical. La selección de artistas para el Proyecto corresponde a un acercamiento al tema del género desde la mirada del hombre (entendiendo por masculinidad al conjunto de atributos asociados tradicionalmente a este rol: fuerza, virilidad, triunfo, valentía, seguridad y competición).

Del 2006 al 2007 se estableció residencia para 14 artistas en Ciudad Juárez, donde fueron a vivir y a trabajar, ofreciéndoles un amplio grado de flexibilidad en tiempo y formatos, generándose así una enorme diversidad de perspectivas y métodos. Los artistas son Carlos Amorales, Gustavo Artigas, Artemio, Democracia, Iván Edeza, Enrique Jezik, Ramón Mateos, Yoshua Okón, Antonio de la Rosa, Artur Zmijeski y Santiago Sierra. Los resultados de sus experiencias se exhiben en salas de museo y otras se desarrollan en la Red. Del 17 de septiembre al 13 de noviembre, gracias al comisariado de Mariana David, podemos verlas en la Nave 16 de Matadero Madrid.

Categorías

Nos encontramos con una pieza ambiciosa tanto en cuestiones formales como conceptuales. Perianes trata de aunar en un solo golpe de vista una situación de contrarios, dos conceptos o categorías simbólicas que bien podrían corresponder a un sótano (donde se gesta la vida y se hallan las raíces) y a un desván (donde se guardan los recuerdos y el saber, lugar de reflexión y muerte). En esta instalación Perianes hace un ejercicio sobre el espacio de Abierto x Obras desde las categorías, conceptos filosóficos básicos con los que opera el pensamiento, que al oponerlos a su contrario revelan su estructura íntima.

“Aprendes a mirar los cuadros expuestos en las galerías de pintura como si fueran trozos de pared, de techo, y las paredes, los techos, como si fuesen lienzos en los que sigues infatigable las decenas, los miles de caminos siempre recomenzados, laberintos inexorables, texto que nadie sabría descifrar, rostros en descomposición”. (G. Perec, Un hombre que duerme)

Como en todo inicio de curso que se precie, Matadero Madrid viene cargado de buenos propósitos. El primero, que cambies tu forma de moverte en la ciudad y te ejercites, mediante un programa de actividades en torno a la bicicleta que lleva por título Lo normal es muy raro. El segundo, que encuentres la manera de hacer realidad tus proyectos gracias a la experiencia de los ponentes de las conferencias TEDxMadrid, que tendrán lugar el sábado 24 en la Nave 16. Es la hora. Ponte en marcha.

Goya y Delacroix en Barcelona

08/09/2011, CaixaForum Barcelona celebra su décimo aniversario con una intensa oferta cultural y un programa excepcional de exposiciones, en el que figurarán grandes muestras dedicadas a Goya y Delacroix.

Barcelona 8 de septiembre de 2011
Exposiciones de nueva creación, coproducciones con museos europeos y americanos, conferencias con especialistas internacionales y conciertos protagonizan el programa para la temporada 2011-2012.

Para conmemorarlo el décimo aniversario del centro, CaixaForum Barcelona acogerá dos grandes exposiciones sobre dos figuras indiscutibles del arte de todos los tiempos. De la mano del Museo del Louvre, llegará a Barcelona la muestra más importante que se ha realizado en cuarenta años sobre el pintor francés Eugène Delacroix. La segunda traerá, por primera vez a la Ciudad Condal, una amplia retrospectiva sobre Francisco de Goya, a partir de los fondos que atesora el Museo del Prado, dando continuidad a la colaboración entre ambas instituciones.

La directora general adjunta de la Fundación”la Caixa”, Elisa Durán; el director del Área de Cultura de la Fundación ”la Caixa”, Ignasi Miró, y el director de CaixaForum Barcelona, ValentíValentí Farràs, presentaron la programación para el curso 2011-2012 del centro social y cultural de la entidad en la ciudad, que se regirá por un principio claro: su carácter cívico como espacio de encuentro entre la cultura y la ciudadanía.

La temporada arrancará el próximo 13 de septiembre con una muestra que se adentra en la obra y el contexto creativo de Enric Sagnier, prolífico arquitecto considerado una figura clave en la configuración del urbanismo de Barcelona. La muestra recrea el mundo de ayer de la burguesía barcelonesa y presenta la arquitectura de Sagnier en un montaje inesperado que introduce al visitante en una ciudad en construcción.

La temporada 2011-2012 acogerá luego un conjunto excepcional de pintura francesa del siglo XIX y principios del XX procedente del norteamericano Clark Art Institute. Impresionistas: maestros franceses de la colección Clark profundiza en una etapa pictórica con escasa presencia en los museos del Estado español. Las obras adquiridas por Sterling Clark abarcan desde los pintores realistas de la escuela de Barbizon hasta grandes maestros del impresionismo como Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro o Toulouse-Lautrec, todos ellos presentes en la muestra que se podrá ver a partir de noviembre en CaixaForum Barcelona.

Los primeros meses de 2012 marcarán la llegada de dos exposiciones de excepción centradas en dos grandes maestros de la pintura de todos los tiempos: Eugène Delacroix y Francisco de Goya.

Concretamente, y a partir del mes de febrero, CaixaForum Barcelona acogerá una retrospectiva de Delacroix, incluyendo numerosas obras que saldrán por primera vez del Museo del Louvre. Se trata de la muestra más completa jamás realizada en España sobre el pintor francés y la más importante a nivel internacional que se lleva a cabo desde la gran exposición organizada en París coincidiendo con el centenario de la muerte del artista, en el año 1963.

A partir del mes de marzo, CaixaForum Barcelona acogerá una nutrida e importantísima selección de las obras de Goya atesoradas por el Museo del Prado, en la que será la primera gran exposición sobre este gran maestro de la pintura en la Ciudad Condal.

CaixaForum crece

CaixaForum es un proyecto que crece. En 1993 abrió el primer centro CaixaForum en Palma, en el edificio proyectado por Lluís Domènech i Montaner, y luego vino, en 2002, la apertura de CaixaForum Barcelona, instalado en la antigua fábrica modernista Casaramona (obra de Josep Puig i Cadafalch), y en 2008, de CaixaForum Madrid, en el céntrico Paseo del Prado.

Desde 2009, también las ciudades de Lleida y Tarragona tienen su propio CaixaForum, y este año se ha inaugurado CaixaForum Girona. Les seguirán, los próximos años, Zaragoza y Sevilla, donde ya se están construyendo los nuevos equipamientos.

Aitor Ortiz, en el Guggen

07/09/2011, La cuarta exposición que el Guggenheim Bilbao presenta dentro de la iniciativa Laboratorios: miradas en torno a la Colección Permanente, está dedicada a Aitor Ortiz.

Bilbao 6 de septiembre de 2011
Este artista (Bilbao, 1971) destaca por la utilización de la fotografía como medio de estudio de la arquitectura y del espacio, y su obra estará en Laboratorios entre el 13 de septiembre y el 13 de noviembre de 2011, representada por Muros de luz 011, que el Museo expone por primera vez desde su adquisición.

La iniciativa Laboratorios se inauguró en 2007 con dos muestras dedicadas a los artistas Jesús Mari Lazkano (Bergara, 1960) y Koldobika Jauregi (Alkiza, 1959) y continuó en el 2008 con la presentación de la obra didáctica Tu mundo, tu ciudad, 2003 del artista valenciano Miquel Navarro (Mislata, 1945).

Estas presentaciones, que cuentan con la colaboración activa de los propios artistas en su diseño y producción, tienen como objetivo fomentar la difusión y conocimiento del arte moderno y contemporáneo, acercando al público el proceso de creación de las obras que forman parte de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

Aitor Ortiz es uno de los fotógrafos vascos con mayor reconocimiento y proyección internacional. Su trabajo ha estado estrechamente vinculado a la arquitectura y al estudio del espacio y así, sus fotografías se caracterizan por una novedosa fusión de elementos fotográficos, arquitectónicos, escultóricos y lumínicos que recrean un paisaje inexistente, atemporal, misterioso e impenetrable.

Fotografía y espacio

Muros de luz 011 (2005), adquirida por el Museo Guggenheim Bilbao en el año 2008, pertenece a la serie homónima que el artista desarrolló entre 2004 y 2006. Con una base fotográfica obtenida en la cantera de mármol negro de Markina (Bizkaia), Aitor Ortiz se adentra en el lugar primigenio de donde procede la materia e introduce en él formas ortogonales de pura luz blanca.

Para el artista, el contraste entre el volumen de piedra y el cubículo que construye representa un refugio mental, un lugar inexistente, un símbolo inequívoco "del poder ordenador de la mente y del proyecto artístico sobre la materia prima".

En esta cuarta presentación didáctica Muros de luz 011 se presenta en relación con tres obras realizadas en distintas etapas de la trayectoria artística de Aitor Ortiz, que han sido prestadas al Museo Guggenheim Bilbao especialmente para la muestra. En Destructuras 049 (1995), el artista trabajó con un edificio deshabitado con la intención de abordar el fenómeno arquitectónico desde el punto de vista de la representación. En Modular Mod 015-016 (2002), perspectiva real y ficticia se unen en una imagen dispuesta sobre una estructura bascular que provoca en el espectador un cuestionamiento de la percepción de la imagen fotográfica. Por último, Amorfosis 001 (2009), muestra el interés del artista por explorar la relación entre fotografía, espacio y percepción al trasladar una impresión fotográfica directamente a una gran estructura de aluminio autoportante. La documentación de la arquitectura funciona al mismo tiempo como registro de lo construido así como escenografía de la obra.

Las obras se articulan entre sí a través de material documental como libros, una instalación visual y un audiovisual sobre el proceso de trabajo del artista realizado específicamente para la ocasión.

A lo largo de su carrera profesional Aitor Ortiz ha recibido numerosos premios entre los que destacan el Premio de Artes Plásticas “Ciudad de Palma” (2006); el Premio ABC de Fotografía (2002) y el Gran premio de honor de la Bienal de arte de Alejandría (2001). Además, ha realizado exposiciones individuales en museos y centros de arte como la Sala Rekalde de Bilbao, el Museo Artium de Vitoria o la Sala Koldo Mitxelena de Donostia-San Sebastian y su obra se expone en museos, galerías y ferias de arte de todo el mundo. En otoño de 2011, la editorial alemana Hatje Cantz presentará una nueva y completa monografía sobre el artista.

La relación de Aitor Ortiz con el Museo Guggenheim Bilbao se remonta a 1995, fecha en la que el artista recibió el encargo profesional de documentar fotográficamente la construcción del edificio de Frank Gehry. Esta particular relación con los espacios del Museo tomó un nuevo cuerpo en 2007 con la producción de su obra más ambiciosa hasta la fecha, una intervención temporal realizada específicamente para la sala 304 del Museo, en el marco de la exposición colectiva Chacun à son Goût , con la que el Museo celebraba su Décimo aniversario.

Jorge Obando

07/09/2011, “Gabinete de Jorge Obando: fotografías de un país en transición 1925–1957”, del 7 de septiembre al 16 de enero de 2012 en Bogotá, es un registro excepcional de la Colombia de principios del siglo XX.

Bogotá, 7 de septiembre de 2001
Dos circunstancias hicieron de Jorge Obando uno de los fotógrafos más reconocidos de América Latina durante la primera mitad del siglo XX: su cámara Cirkut Eastman Kodak, una extraordinaria maquina que giraba 360 grados sobre su eje, y su cercanía con el entonces presidente Pedro Nel Ospina, pues era esposo de una de sus sobrinas.

Una muestra de sus fotografías, que retratan la agitación social y la cotidianidad de la clase alta de los años 30 en Colombia, puede apreciarse en la exposición Gabinete de Jorge Obando: fotografías de un país en transición 1925 - 1957, abierta en la Casa de Moneda.

En 1923 Jorge Obando abrió su primer estudio fotográfico en el centro de Medellín, aunque en la ciudad ya existía un negocio de daguerrotipos, rápidamente sus fotografías se destacaron por la cuidadosa composición, especialmente la de los retratos la clase alta de la ciudad.

Sin embargo fue en 1930 cuando registró, con una cámara Cirkut Eastman Kodak que le compró a un turista alemán, la bienvenida que se le dio al entonces candidato del partido liberal Enrique Olaya Herrera en la plaza Cisneros de Medellín, cuando se propagó su fama como fotógrafo.

La imagen panorámica mostró a centenares de personas atiborradas ante las palabras del postulante, que marcaría el fin de la hegemonía conservadora y convertiría a Obando en el fotógrafo oficial de los eventos presidenciales, no sólo de Olaya Herrera, también de López Pumarejo, Santos, Ospina Pérez, Laureano Gómez y Rojas Pinilla.

Sin proponérselo, Obando se convirtió en uno de los pioneros de la reportería gráfica en el país, sus imágenes aparecieron en varios medios nacionales- que recién implementaban y disfrutaban de la popularidad que trajeron consigo las imágenes impresas- y en varios internacionales. Por su lente, quedaron registrados acontecimientos sociales de todo tipo, desde las congregaciones y manifestaciones de la llamada Revolución en marcha que se dieron durante la presidencia de López Pumarejo, el accidente aéreo en que murió Carlos Gardel en 1935 y un decenio de fiestas y eventos religiosos.

Algunos expertos le vincularon al Art Deco. El historiador de arte Carlos Arturo Fernández resalta: “Una de las tantas características del Art Deco es la repetición de motivos que tienden a organizarse en series modulares. Entre cada elemento de la serie, la variante es mínima -si la hay- y su organización general obedece a ejes rectilíneos. Pues bien, es exactamente esto lo que buscó y halló Obando”.

Mejoran el hábitat del urogallo

07/09/2011, En Picos de Europa han finalizado unas obras que beneficiarán el futuro del urogallo: la mejora y soterramiento parcial del tendido eléctrico del entorno de Panderruedas.

Leon, 6 de septiembre de 2011
La colaboración entre SEO/BirdLife, el Parque Nacional de Picos de Europa, la Junta de Castilla y León e Iberdrola ha permitido la retirada del antiguo posteado eléctrico, obras iniciadas en 2010, y que van a beneficiar a la naturaleza en este paraje de inmenso valor medioambiental y paisajistico.

La actuación ha consistido en el soterramiento parcial de la línea de media tensión que atraviesa un área crítica para el urogallo cantábrico reconocida en el Plan de Recuperación del urogallo en Castilla y León. Además se han cambiado las crucetas del tendido en paralelo por un sistema de bóveda y se ha instalado un sistema de salvapájaros en el tramo aéreo de la misma. También se ha desmantelado el antiguo centro de transformación de intemperie en el alto de Panderruedas.

SEO/BirdLife valoró positivamente la ejecución de esta serie de mejoras en una zona que durante los últimos decenios ha constituido un punto negro para la mortalidad de aves por colisión y/o electrocución, en especial el urogallo cantábrico, especie catalogada en peligro crítico.

Este tipo de actuaciones no deben convertirse en excepción ya que todavía queda mucho por hacer, siendo necesario continuar con la colaboración entre los distintos agentes implicados en la conservación del urogallo y su hábitat en la cordillera Cantábrica.

Para ello, el proyecto LIFE+ Urogallo cantábrico en el que participa SEO/BirdLife, pretende eliminar o disminuir en lo posible las causas de mortalidad no natural de la especie. El proyecto, coordinado por la Fundación Biodiversidad, está cofinanciado al 50% por la Comisión Europea a través de los fondos LIFE+, y cuenta como socios con las comunidades autónomas de Galicia, Cantabria, Principado de Asturias y Castilla y León (a través de la Fundación Patrimonio Natural de Castilla y León); el Organismo Autónomo Parques Nacionales y la Fundación Iberdrola.

Casa de la música de Helsinki

02/09/2011, El Musiikkitalo alberga el primer auditorio de Helsinki, creado específicamente para escuchar música clásica, da brillo musical a Helsinki.

Helsinki, 2 de septiembre de 2011
Recientemente se ha inaugurado la casa de la música de Helsinki, un gran complejo situado en el distrito de Töölönlahti, en pleno centro urbano. El edificio de cobre, granito y vidrio ha sido diseñado por el arquitecto Laiho-Pulkkinen-Raunio, y su estudio LPR-Arkkitehdit, un trabajo al que han llamado “Mezza Voce “.

Como responsable de la acústica del centro los directores del proyecto del nuevo Musiikkitalo han contratado al prestigioso japonés Yasuhisa Toyota, creador de auditorios como el Disney Hall de Los Angeles o el Suntory Hall de Tokio, entre otros.

Con una superficie de 36.000 metros cuadrados y un coste de 189 millones de euros el complejo dispone de varios auditorios, sala de exposiciones y cafetería. Construido sobre los VR Warehouse, antiguos almacenes utilizados como zona de exposiciones y conciertos, algunas partes han sido rehabilitadas e integradas en la obra final.

La casa de música es sede de la Helsinki Philharmonic Orchestra (HPO) la Finnish Radio Symphony Orchestra (FRSO) y la Sibelius Academy (SibA), única escuela universitaria de música de Finlandia, en la que se han formado directores de la talla de Esa-Pekka Salonen y Sakari Oramo.

La elección de este edificio para la celebración de los actos de clausura de la Helsinki Design Week 2011, responde a unas características arquitectónicas determinadas que combinan el vanguardismo del diseño finlandés actual, con las construcciones industriales de principios del siglo XX, creando espacios alternativos en los que arte y música se integran de manera natural.

La noche del 17 de septiembre músicos nobeles como la artista sueca Anna Järvinen, despedirán la semana internacional del diseño con conciertos y desfiles de moda que combinarán varias disciplinas artísticas, en una noche titulada Helsinki Design Week Live.

Más información en: http://www.helsinkidesignweek.com

Diez años de arte latinoamericano

01/09/2011, Del 21 al 23 de septiembre, en el marco de los festejos por el 10 aniversario del museo Malba Fundación Costantini, se presenta el seminario internacional "Arte latinoamericano. Diez años de cambios, perspectivas y proyecciones”

Buenos Aires, 1 de septiembre de 2011
El evento se propone presentar al público general y especializado ocho de los proyectos relacionados con el arte latinoamericano que están activos en la producción de muestras, catálogos, congresos, colecciones, bibliografía y centros de estudio y documentación dedicados, exclusivamente o en parte, a trabajar con el arte latinoamericano actual e histórico.

El debate propuesto permitirá conocer la visión de un grupo representativo de curadores, directores y profesionales que han participado en las grandes transformaciones que, en los últimos diez años, han modificado el estatuto del arte de la región en el marco de la globalización.

Entre otros, participan:

- Mari Carmen Ramírez, Curadora Wortham de Arte Latinoamericano y Directora, International Center for the Arts of the Americas, Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Texas, Estados Unidos;

- Hans-Michael Herzog, Curador en Jefe, Daros Latinamerica AG (Daros Museum Zürich / Casa Daros Rio), Zürich, Suiza y Río de Janeiro, Brasil;

- Natalia Majluf, Directora, Museo de Arte de Lima (MALI), Perú;

- Luis Enrique Pérez-Oramas, Curador Estrellita Brodsky de Arte Latinoamericano, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos;

- Marcelo Mattos Araujo, Director Ejecutivo, Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo, Brasil;

- Rodrigo Moura, Curador, Instituto Inhotim, Brumadinhoo, Minas Gerais, Brasil;

- Adriana Rosenberg, Presidente, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina;

- Marcelo E. Pacheco, Curador en Jefe, Malba-Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina;

- Philip Larratt-Smith, Curador, Malba-Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina;

- Florencia Battiti, Curadora, Malba-Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina.  

También se realizarán dos paneles de debate sobre mercado y crítica a cargo de diferentes especialistas y profesionales de la región, que analizarán las estrategias para fortalecer el posicionamiento y la visibilidad del arte latinoamericano a nivel internacional y el rol de la crítica en su difusión.   

Cada una de las jornadas, finalizará con una conversación pública con un artista.

Colors en Shanghái

31/08/2011, En pleno corazón de la megalópolis china, la revista "Colors" presenta en la galería de arte Hong Miao la exposición Transport, con vehículos artesanales de todo el mundo.

Del 6 al 18 de septiembre de 2011, Colors presenta en Shangái una exposición inspirada en el transporte, y explora dónde, por qué y cómo inventa la gente nuevas maneras de viajar de un punto a otro.

Tierra, mar y aire envuelven al planeta en una maraña de tráfico, vehículos y comercio cada vez más tupida. El 90% del transporte se mueve gracias al petróleo, un recurso que se agota rápidamente. En un futuro no muy lejano ya no será posible llenar los depósitos de nuestros coches, ni trasladar de puerto en puerto los barcos y cargueros, ni mantener en el aire los aviones que sobrevuelan el mundo por encima de nuestras cabezas.

Esta exposición, enmarcada en la bellísima Galería Hong Miao (un templo taoísta reconvertido), conduce al visitante en un curioso paseo por los transportes más insólitos del mundo, brillantes inventores y sus ingeniosos medios de transporte que aprovechan al máximo los recursos disponibles, fruto de la pobreza, de las limitaciones materiales locales o, simplemente, del deseo de alcanzar un sueño.

La Fundación Juan March y Leo Castelli

31/08/2011, Aún puedes pasarte por la Fundación Juan March (hasta el 3 de septiembre de 2011) y disfrutar del homenaje en pequeño formato al galerista y marchante de arte Leo Castelli.

La Fundación Juan March ha organizado en su sede de Madrid para este verano un homenaje a Leo Castelli, una muestra que aún podrá visitarse hasta el próximo día 3 de septiembre.

La exposición ofrece nueve grabados de artistas vinculados a la galería del galerista y marchante de arte, Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Richard Serra y Edward Ruscha.

Leo Castelli (Trieste, Italia, 1907 – Nueva York, 1999) fue un destacado galerista y marchante de arte. Su galería neoyorkina supuso la referencia más destacada de las vanguardias contemporáneas (surrealismo, expresionismo abstracto, Pop Art, Minimal Art, etc.) durante cinco décadas.

Malba cumple 10 años

21/08/2011, Malba – Fundación Costantini celebra el 21 de septiembre de 2011 sus primeros 10 años, según recuerda la Institución.

Buenos Aires, agosto de 2011

Fundado con el objetivo de coleccionar, preservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad, en estos 10 años Malba recibió más de 3.200.000 visitantes -un promedio de 350.000 personas por año- y logró instalarse como un espacio de referencia dentro de la escena cultural latinoamericana.

A partir del 21 de septiembre, el museo celebra su 10 aniversario con la retrospectiva del artista cinético Carlos-Cruz Diez y un nuevo recorrido por el arte latinoamericano del siglo XX, con las obras emblemáticas de la colección permanente y 14 piezas claves cedidas en comodato por The Museum of Fine Arts, Houston. Además, se realizará un seminario internacional de arte latinoamericano, con la participación especial de un grupo de curadores y directores de museos que viajarán especialmente para la ocasión.

En esta década, Malba ha fortalecido y diversificado su acervo y, al mismo tiempo, ha sumado a sus tareas de preservación, exhibición y difusión del arte argentino y latinoamericano la misión de convertirse en un ámbito dinámico de convergencia y debate cultural.

Actualmente, Malba cuenta con un patrimonio de más de 500 obras, más del doble de la colección fundacional, gracias al Programa de Adquisiciones y a las generosas donaciones y cesiones al museo.

Desde su inauguración, se organizaron más de 120 exposiciones temporarias de arte argentino, latinoamericano e internacional, moderno y contemporáneo; También han expuesto obra más de 850 artistas en muestras individuales y colectivas, nacionales e internacionales y se editaron más de 70 catálogos.

Desde su apertura, Malba realizó también más de 130 préstamos a otras instituciones nacionales e internacionales.

En el 10 aniversario, se presenta como estratégico el proyecto de ampliación del edificio, que permitirá incrementar los programas culturales y educativos existentes y la capacidad del Museo para producir y recibir exposiciones de mayor envergadura, explicó Eduardo F. Costantini, fundador del museo.

“Malba -dijo- se propone además incrementar su presencia en la escena cultural tanto en el interior del país como en el exterior, estrechando lazos de colaboración e intercambio con instituciones que compartan sus valores, para ayudar al conocimiento y la difusión del arte latinoamericano”.

Posicionamiento internacional

A lo largo de estos 10 años, varias de las exposiciones producidas por el museo fueron presentadas en diferentes museos internacionales, reforzando así la presencia de Malba en el panorama del arte mundial.

Entre otras, Xul Solar. Visiones y revelaciones se presentó en 2005 en la Pinacoteca do Estado de São Paulo y en 2006 en The Museum of Fine Arts, Houston y en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México D.F.

En 2007, Víctor Grippo. Una retrospectiva. Obras 1971-2001 se exhibió en el Miami Art Central(MAC) y en 2009, la exposición Félix González Torres. Somewhere / Nowhere, Algúnlugar / Ningún lugar, fue expuesta en el Museo Rufino Tamayo.

Al mismo tiempo, Malba se transformó en el socio local de prestigiosas instituciones internacionales, para la recepción de exposiciones y para la coproducción de muestras y catálogos. En este sentido, se destaca el acuerdo de colaboración que Malba y el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) mantienen desde 2005. El objetivo de este convenio es estimular el intercambio de exposiciones, obras de las colecciones permanentes y colaborar en la edición de publicaciones y otras iniciativas destinadas a promover el arte latinoamericano en Estados Unidos y América Latina. A partir del 21 de septiembre, se exhibirán en Malba 14 obras de la colección de MFAH como parte de un nuevo recorrido sobre el arte latinoamericano, y, en abril de 2012, Malba desembarcará en Houston con algunas de las obras más relevantes de su colección permanente.

Programas educativos

Desde sus inicios, Malba le dio una importancia central a la educación como herramienta central para construir un ambiente inclusivo y accesible para todos los visitantes. Además de los programas regulares de visitas guiadas por la colección permanente y exposiciones temporarias, y a las propuestas para niños, jóvenes, familias, escuelas y adultos mayores, el museo generó nuevos programas dirigidos a personas con discapacidades motrices y mentales; sordas e hipoacúsicas, ciegos y disminuidos visuales.

Desde 2002, más de 200.000 niños participaron de las visitas para escuelas y familias. Un promedio de 20.000 niños por año, provenientes de escuelas públicas y privadas; estas últimas financian con su entrada a las públicas, que reciben transporte gratuito. Más de 148.000 personas participaron de programas educativos y actividades dirigidas a adultos mayores, personas con discapacidad, estudiantes y docentes.

Cine y literatura

En estos 10 años, malba.cine se consolidó como uno de los espacios más importantes del circuito de exhibición de cine alternativo de la Ciudad de Buenos Aires. Hasta hoy, asistieron a las proyecciones de malba.cine más de 450.000 personas, con un promedio de 50.000 por año. Cada año se estrenan 20 películas producidas en Argentina de la nueva generación de cineastas locales. Además, junto con Filmoteca Buenos Aires y con la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual (APROCINAIN), Malba ha rescatado en 35 mm. 80 films esenciales de la cinematografía nacional e internacional.

Con una programación constante que se despliega semana a semana, malba.literatura convocó en este tiempo a más de 75.000 personas que participaron de cursos y presentaciones. El área desarrolla un promedio de 30 cursos por año, a cargo de importantes narradores y más de 50 actividades abiertas al público con entrada libre y gratuita. Desde 2008, Malba es sede del Festival Internacional de Literatura en Buenos Aires (Filba).

Brancusi–Serra

21/08/2011, El Guggenheim de Bilbao prepara una muestra que refleja un diálogo entre dos de los escultores más importantes del siglo: Constantin Brancusi y Richard Serra.

Bilbao, 21 de agosto de 2011

El Guggenheim ofrecerá del 8 de octubre de 2011 al 15 de abril de 2012 “Brancusi–Serra”, en lo que califica como la exposición más importante hasta la fecha dedicada a dos de los escultores relevantes, en una iniciativa en colaboración con la Fondation Beyeler de Basilea-

La muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada única a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna.

Brancusi, nacido en Rumanía y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra.

La muestra, concebida conjuntamente por el Museo Guggenheim Bilbao y la Fondation Beyeler y comisariada por Oliver Wick, confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna.

La influencia de la obra de Constantin Brancusi es fundamental en la trayectoria de Richard Serra. Entre 1964 y 1965, el artista obtuvo una beca de la Universidad de Yale para estudiar en París donde pasó varios meses visitando a diario la reconstrucción del taller del maestro que había fallecido siete años antes, dibujando, reflexionando e intentando comprender todo aquello que lo rodeaba. Esa fue una experiencia que lo marcó profundamente y encaminó su trayectoria hacia la escultura.

El taller de Brancusi, lleno de actividad y de formas tridimensionales, de cualidades espaciales y procesos de trabajo, provocó en Serra un efecto que más tarde describiría como "un manual de posibilidades”.

La obra desarrollada por el escultor estadounidense permite admirar desde una renovada perspectiva el singular estilo escultórico de Brancusi y apreciar sus obras y sus aportaciones pioneras, como la construcción de pedestales de varios componentes, la serialidad, el apilado o el corte como línea, desde otra perspectiva: la de una escultura mucho más profunda y trascendental que una mera forma bella.

Alcance de la muestra

Los volúmenes escultóricos y las galerías irregulares del edificio diseñado por Frank Gehry ofrecen un espacio aparentemente infinito que interactúa, de forma extraordinaria, con la presentación de las obras más significativas de la trayectoria de ambos artistas.

Treinta obras dispuestas en grupos temáticos dibujan el recorrido escultórico esencial de Brancusi, conformando una retrospectiva de la obra del artista nunca antes vista en España. Una selección que abarca cuarenta años de trayectoria profesional traslada al espectador las claves de su particular universo escultórico, que se plasma en la muestra por medio de sus más relevantes conjuntos escultóricos entre los que se encuentran diferentes variantes de la pieza monolítica El beso (Le Baiser), de las poéticas Cabezas de niños (Têtes d’enfant), Musas dormidas (Les Muses endormies) y los célebres Pájaros en el espacio (Oiseaux dans l’espace), así como de las piezas que causaron cierta controversia en su día como Princesa X (Princesse X), Adán y Eva (Adam et Ève) y la icónica Negra blanca (La Négresse blanche). Así mismo, El niño en el mundo (L’Enfant au monde), denominado “grupo móvil”, ha sido reconstruido a partir de las esculturas de madera originales Copa (II) [Coupe (II), 1917–18] y Francesita (Petite fille française, ca. 1914–18).

La muestra pone de relieve la búsqueda por parte de Brancusi de un ideal artístico por medio de la experimentación con las cualidades de los materiales que utiliza, sus diferentes superficies y su capacidad para reflejar o absorber la luz. A lo largo de la segunda planta sus esculturas en mármol y bronce se intercalan con las realizadas en yeso y madera, permitiendo al espectador percibir las cualidades esenciales de sus obras y de sus principales grupos escultóricos.

El concepto de una presencia ideal en el espacio y la cuestión de la esencia de la escultura se abordan en la muestra por medio de nueve esculturas y una nueva serie de obras sobre papel de Richard Serra, ofreciendo un recorrido único por la trayectoria y evolución del reconocido escultor estadounidense durante los últimos cuarenta años.

La selección abarca desde sus piezas tempranas realizadas en caucho y plomo como la seminal Cinturones (Belts, 1966–67) o Castillo de naipes (House of Cards, 1969) hasta sus características esculturas de acero como Circuito (Circuit, 1972), que divide un espacio cuadrado desde sus cuatro esquinas, o 1,2,3,4,5,6,7,8 (1987), que juega con la inversión de la definición de un punto central en el espacio. El tema de la curva es protagonista en las torsiones elípticas y en las torsiones espirales que conforman la monumental instalación La materia del tiempo, un hito escultórico calificado como la expresión más compleja y ambiciosa del lenguaje formal que este artista haya producido en los últimos 25 años. La instalación ocupa la sala 104 ArcelorMittal del Museo desde 2005 y es uno de los elementos centrales de la muestra.

Las obras que componen la muestra Brancusi–Serra proceden de reconocidas colecciones particulares y museos internacionales entre los que se cuentan el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, el Philadelphia Museum of Art de Filadelfia, el Sheldon Museum of Art de Lincoln (Universidad de Nebraska), la Art Gallery de Ontario, el Centre Georges Pompidou de París, el Muzeul de Arta de Craiova, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Staatsgalerie Stuttgart, el Stiftung Wilhem Lehmbruck Museum y la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, entre otros.

Cruceros por el aire

09/08/2011, Combinando avión y hotel, en Estados Unidos ya hay oferta de “cruceros aéreos”, para ver desde las cataratas del Niágara al Capitolio o la bahía de San Francisco.

Miami, Estados Unidos, 9 de agosto de 20011
Mauiva lanzó su crucero aéreo en mayo, en la principal feria profesional del sector turístico, la feria Pow Wow de San Francisco. Desde entonces la prensa especializada lo ha acogido como una innovación en viajes.

Con el lanzamiento de los dos itinerarios inaugurales este verano –“All-American East Experience” y “Western Wonder Experience”– los turistas cansados de las carreteras podrán finalmente relajarse cuando visiten los escenarios más pintorescos y simbólicos de los Estados Unidos, como las cataratas del Niagara, Washington D.C., el condado de Sonoma, el parque nacional Yosemite y el Gran Cañón, y dejando a un lado los grandes espacios en los que suele primar la monotonía.

La ruta del este combina Nueva York con Toronto y Washington, entre otras ciudades; en tanto que la del oeste va por San Francisco, Monterrey, Los Ángeles, Las Vegas, etc.

Los dos programas del crucero aéreo en ambas costas de EEUU incluyen viajes de grupos acompañados, todos los transportes en un avión privado y en autocar para destinos que se encuentran a menos de 150 km., atracciones y guias locales, alojamiento en hotels de primera categoría, desayuno y cena diarios, así como las tasas.

En meses sucesivos, el concepto se extenderá para incluir atracciones europeas y rutas del Caribe, según anuncia la compañía.

Los turistas que buscan un viaje más personal pueden optar por un paqueteque incluye coche de alquiler en cada aeropuerto, alojamiento y vuelos privados.

En el 2009 la compañía lanzó su primer producto “Mauiva Air tours”, una excursión aérea que ofrece la posibilidad de ver las atracciones de Florida desde el aire.

Machu Picchu

28/07/2011, Se acaban de cumplir cien años del llamado “descubrimiento” de la ciudadela de Machu Picchu, en Perú, lugar declarado Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1983.

Machu Picchu(Perú), 28 de julio de 2011

Según recuerda la UNESCO, el conjunto había permanecido oculto durante siglos hasta que en 1911 el arqueólogo estadounidense Hiram Bingham descubrió esta ciudad inca, por lo que desde el día 7 de julio se celebra en Perú el centenario de este "reencuentro" de la humanidad con parte de su legado e historia.

Sin embargo, esta celebración tiene bastante superficialidad, porque el poblado estaba habitado por dos familias, cuando llegó el arqueólogo, era conocido por las gentes de la región, e incluso en 1902 había sido visitado por un grupo cuzqueño.

La ciudadela de Machu Picchu se encuentra encaramada en una ensillada de la Cordillera de los Andes, a 2.430 metros de altitud sobre el nivel del mar. Se cree que este conjunto monumental desempeñó una importante función ritual en el culto del sol practicado por las poblaciones incaicas que se asentaron en la región entre los siglos XI y XVI.

Además de la extraordinaria belleza de su emplazamiento, Machu Picchu es probablemente la más lograda realización arquitectónica del periodo de apogeo del Imperio Inca. Sus muros, terrazas y rampas están construidos de tal manera que dan la impresión de haber sido tallados en la roca misma de las montañas. Asimismo, esta región de la cuenca alta del Amazonas destaca por la diversidad de su fauna y flora.

La ciudadela estaba escondida en las estribaciones orientales del bosque tropical andino hasta que fue descubierta el 24 de julio de 1911 por Hiram Bingham. No obstante, algunos habitantes de la zona sabían ya de la existencia de Machu Picchu. Sin ir más lejos, cuando Bingham llegó a la antigua ciudad imperial había dos familias de campesinos que vivían en el lugar.

El lugar fue inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1983 por sus valores culturales y naturales. En la actualidad es la mayor atracción turística del Perú. Sin embargo, este éxito acarrea también riesgos para la buena preservación de la ciudadela.

Pintura religiosa en el Thyssen

26/07/2011, Del 2 de agosto al 4 de septiembre de 2011, el museo Thyssen-Bornemisza, presenta en Madrid una selección especial de pintura religiosa, bajo el epígrafe de Encuentros.

Madrid, 26 de julio de 2011

El museo presenta enste iniciativa con motivo de la celebración en Madrid de la Jornada Mundial de la Juventud 2011, reuniendo una selección de nueve obras de su Colección Permanente de Pintura Antigua que ilustran momentos de la vida de Cristo, desde su infancia hasta las apariciones después de su Resurrección.

La muestra incluye piezas de destacados pintores de los siglos XIV al XVIII, como Jesús entre los doctores (1506), de Alberto Durero; Cristo y la samaritana (1310-1311), de Duccio di Buoninsegna; Jesús y la samaritana en el pozo (c. 1640-1641), de Il Guercino y La cena de Emaús (c. 1633-1639), de Matthias Stom, entre otros. El visitante podrá familiarizarse con la obra de estos reconocidos pintores pertenecientes tanto a las escuelas del norte, como la flamenca, holandesa y alemana, como del sur, principalmente la italiana, con estilos que muestran con fidelidad los movimientos artísticos en que se desenvolvieron sus carreras. La instalación de las obras se hará en la sala de exposiciones Contexto, en el Balcón-Mirador de la primera planta del Museo, con acceso directo desde el hall central y entrada gratuita. Coincidiendo además con el horario de verano del Museo, la muestra permanecerá abierta también hasta las 11 de la noche de martes a sábado.

Los encuentros:

El primer encuentro que se recoge es el de Jesús entre los doctores (1506), que se enmarca dentro de su infancia y se ejemplifica en la obra del pintor más importante del Renacimiento alemán, Alberto Durero (1471-1528). Considerada una de las obras maestras de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza, en su original composición destacan rasgos de la pintura italiana, como la representación de las figuras de medio cuerpo, la distribución de las cabezas y el estudio de los gestos.

Entre los diversos pasajes de la vida pública de Jesucristo se incluyen dos destacadas representaciones del encuentro narrado en el Evangelio de San Juan en el que Jesús conversa con la samaritana en el pozo de Jacob. En primer lugar, la pequeña tabla de Duccio di Buoninsegna (activo 1278-1319) Cristo y la samaritana (1310-1311), que formó parte del impresionante altar que el artista realizó para el duomo de Siena. Este mismo tema, que simboliza el bautismo y la conversión por medio de la palabra, aparece en Jesús y la samaritana en el pozo (c. 1640-1641) de Il Guercino (1591- 1666), otra de las obras más importantes de la muestra, donde la atención se centra en los dos protagonistas que dialogan junto al pozo.

Dentro del capítulo de las apariciones de Jesús, destaca La cena de Emaús (c. 1633-1639) de Matthias Stom (c. 1600- después de 1652), que eligió para su lienzo el momento descrito en el Evangelio de san Lucas en el que Cristo desvela su identidad a los discípulos tras bendecir y repartir el pan. Stom es uno de los maestros más destacados de los “caravaggistas” del norte de Europa, y este uno de sus más interesantes cuadros.

Tahití: el 50 aniversario de su perla negra

26/07/2011, En 1961 se efectuó el primer injerto de una ostra en aguas tahitianas, meses más tarde se creó el primer cultivo de ostras en el atolón Hieraku

Tahití, 26 de julio de 2011

De las luminosas aguas de la Polinesia francesa surge el oro negro de Tahití, admirado tanto por su belleza como por su rareza. La sabidoría popular dice que Oro, divinidad polinesia de la guerra y de la paz bajó a la tierra sobre un arco iris para ofrecer una ostra especial a la humanidad. Esta es la ostra bautizada por los científicos como “Pinctada Margaritifera”- variedad Cumungui, que se encuentra en las lagunas polinesias, los atolones de Tuamoku y los archipiélagos Gambier.  

En 1961 Jean-Marie Domard, Jefe del Departamento de Pesca tahitiano, puso en práctica el método de injertos en ostras que aprendió en la granja de perlas del japonés Mikimoto, precursor y toda una eminencia en la materia. Meses más tarde se creaba el primer cultivo de ostras en el atolón Hikueru. La experiencia se trasladó a la isla de Bora Bora en 1962 y tres años más tarde se habían cosechado más de mil perlas de alta calidad.  

La perla de Tahití es el fruto de una combinación animal y mineral, sólo una de cada 15.000 perlas se genera de manera natural. La mano del hombre interviene en este proceso para ayudar a la naturaleza a completar su ciclo y generar el valioso oro negro.  

Cultivo artesanal  

La técnica de la cría de perlas consiste en sumergir un conjunto de ostras jóvenes (Naissain) en aguas de la laguna. Cuando éstas alcanzan la edad adulta, en tres años aproximadamente, las perlas son sembradas; entonces se abre el molusco y se implanta en el cuerpo un núcleo, una pequeña perla fabricada a partir de un molusco de agua dulce.  

En la última fase se sumergen las ostras en la laguna durante un periodo de dos a tres años, vigiladas con gran atención, ya que su nivel de supervivencia no es muy elevado. Si la ostra cosechada es de buena calidad se le practica un segundo injerto y se repite el proceso para obtener nuevas perlas.

Según la oficina de Turismo de Tahití, en la Polinesia francesa hay unas 250 granjas dedicadas a la cría y recolección de perlas negras. Una de las últimas ofertas turísticas de la región permite a los visitantes bucear en busca del codiciado tesoro y hacerse con una perla auténtica. Esta actividad ya es posible en Atolones como el de Fakarava.  

Color y valor de las perlas  

La ostra de labio negro, Pinctada Margaritifera, puede producir una variedad de colores únicos: dorado, plateado, gris, azul, magenta, cobalto o verdoso, cada uno de ellos con un sinfín de matices cromáticos. La diferencia de la perla de Tahití es que la aragonita que segregan y con la que aíslan al cuerpo extraño (el que se implanta durante el proceso de cría) es oscura.  

Resulta casi imposible encontrar dos perlas iguales, tanto el colorido como los brillos y características distintivas de la gema dependen de diferentes factores: la calidad de la ostra, su alimentación, la luz que recibe durante el período de cría, incluso la habilidad del propio recolector, un jardinero de agua salada.

Lucian Freud

22/07/2011, Lucian Freud, destacado representante del arte inglés, famoso por sus retratos cargados de realismo, en los que destaca una notable luz y una peculiar carnalidad, falleció en Londres.

Londres. 22 de julio de 2011

Pintor de notable éxito y elevada cotización, Freud murió en su casa a los 88 años de edad.

De él, pervivirá esa carnalidad de sus desnudos y ese realismo a veces insolente, hasta consigo mismo; un realismo que le granjeó algún disgusto, por retratar gruesa a la gorda, o anciana a la mujer cargada en años... aunque se tratase de la misma reina de Inglaterra.

Este pintor intentó siempre que su pintura perturbase al espectador... y lo consiguió con sus retratos y desnudos, cuyos modelos provienen en muchas ocasiones de su propio entorno: la madre, sus hijos, los amigos, los artistas, las amantes...

Biografía

Lucian Freud nació en Berlín el 8 de diciembre de 1922. Su padre, arquitecto de profesión, era hijo de Sigmund Freud, el fundador del psicoanálisis. La familia emigró a Inglaterra en 1933, pocos meses después de que los nazis se hicieran con el poder. Seis años después, en 1939, Freud adquirió la nacionalidad británica. Ese mismo año se convirtió en alumno del East Anglian School of Painting and Drawing, la escuela de pintura de carácter informal que dirigía Cedric Morris.

Al finalizar su breve formación académica, se enroló en 1941 como marino mercante en un convoy del Atlántico. “Me gustaba la idea de aventura, el personaje del viejo marinero , pero pronto me desilusioné.”

En 1944, la Galería Lefevre presentó la primera exposición individual de Freud, que incluía la obra La habitación del pintor (1943-1944). En 1948 contrajo matrimonio con Kitty Garman, hija de Jacob Epstein, y en 1952 lo hizo con Caroline Blackwood.

En la década de los años cincuenta saltó a la fama en Londres, junto con su amigo Francis Bacon. Tras una estancia en París y, posteriormente, en Grecia, se instaló en Londres.

“Para mí la persona es la pintura”, considera Freud, conocido principalmente por sus inquietantes retratos y desnudos, mucho de los cuales se pudieron contemplar en una excelente muestra retrospectiva organizada por CaixaForum Barcelona.con motivo de la exposición retrospectiva.

Entre las obras clave de aquella muestra, la extraordinaria serie de retratos de la madre de Freud, como La madre del pintor leyendo (1975). La serie comienza en 1972, año en que el padre del artista murió y su madre se sumió en una profunda depresión, y finaliza con el fallecimiento de ésta, en 1989. “Si mi padre no hubiera muerto, nunca la habría pintado”, dice Freud, quien cuatro o cinco veces por semana la iba a buscar para que posara.

Aquella exposición reunió varios desnudos inquietantes, como los de Leigh Bowery, un performer de más de 100 kilos de peso que se convirtió en el primer modelo profesional de Freud, y para el que posó varios días a la semana a lo largo de dos años. “Debo de tener predilección por la gente inusual o de proporciones extrañas, con la que no quiero recrearme en exceso”, dijo Freud.

Hambruna en el Cuerno de África

21/07/2011, Las Naciones Unidas declararon hoy el estado de hambruna el sur de Somalia, y advirtieron que la situación podría agravarse en los próximos meses en un país asolado también por los conflictos bélicos



Nueva York, 20 de julio de 2011

La zona padece la peor hambruna desde hace 20 años, debido a una tremenda sequía, y la ONU demanda "medidas excepcionales" para proporcionar ayuda económica y alimentaria para Somalia, un territorio en el que opera además un grupo terrorista que ha bloqueado la ayuda humanitaria

A las malas cosechas y a la guerra parecen añadirse -como siempre- la deficiente situación sanitaria.

La ONG Acción contra el hambre, ha destacado que la situación afecta a Somalia, Kenya, Djibouti y Etiopía, y define la hambruna como el estadio de mayor gravedad de una crisis humana, el que sigue a una emergencia humanitaria: La última hambruna data de 1992, cuando perdieron la vida 300.000 somalíes.

La crisis actual en Somalia ha sido ocasionada por la combinación de la sequía y el brusco aumento de los precios de los alimentos, agravada por un conflicto prolongado, lo que está provocando una crisis nutricional más aguda aún. Las pobres cosechas anteriores, la escasez de alimentos y la inflación de los precios hacen que un saco de 50 kilos de maíz cuesten actualmente 30 dólares en Wajid (Bakool) y 45 dólares en Mogadiscio, mientras que antes costaban aproximadamente unos 6 dólares: son precios inaccesibles para la gran mayoría de la población y destinados a permanecer en el mismo nivel al menos hasta el próximo año, cuando se produzca una nueva cosecha en enero.

La ONG dice que los desplazados internos que llegan a Mogadiscio están física y mentalmente exhaustos y en condiciones que el equipo de Acción contra el Hambre no había visto nunca: tienen que recorrer largas distancias en condiciones muy duras durante varias semanas y se instalan en las afueras de Mogadiscio donde esperan encontrar un refugio y ayuda. Las condiciones físicas de los niños se deterioran rápidamente.

Más de 420.000 desplazados internos están viviendo en las afueras de la capital Mogadiscio, a la que cientos llegan cada día. La situación en Mogadiscio sigue deteriorándose tan rápido como aumenta el número de desplazados.

Los principales indicadores que definen esta hambruna son:

+ Tasa de desnutrición aguda por encima del 30% (muy por encima de los niveles de emergencia)

+ Elevada mortalidad. Más de 2 fallecimiento por cada 10.000 personas al día (seis personas mueren cada dia por el problema en la zona afectada)

+ Imposibilidad de acceder a los alimentos y muy limitado acceso al agua (menos de 4 litros por persona al día)

+ Desplazamientos masivos de población

+ Mecanismos de adaptación y resistencia agotados. Pérdidas de recursos y activos

+ Dependencia de la ayuda exterior

la ONG ha emitido un comunicado en el que recuerda su presencia en la zona y presenta sus cuentas de ayuda:

BANCO SANTANDER 0049 0001 59 2810090000

CAJAMADRID 2038 1052 44 6000741510

LA CAIXA  2100 2999 93 0200030018

TELÉFONO 902 100 822

La Maja viaja a Barcelona

21/07/2011, La Maja vestida de Goya, saldrá del museo del Prado para ser una de las joyas de la muestra “Goya: Luces y Sombras”que prepara la Obra Social “la Caixa”

Madrid, 21 de julio de 2011

Este es uno de los frutos de un acuerdo firmado por el presidente de "la Caixa", Isidro Fainé; el presidente del Real Patronato del Museo del Prado, Plácido Arango, y el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza.

Por este acuerdo de colaboración, la Obra Social “la Caixa” se convierte en Benefactor del Museo del Prado, renovando un compromiso de colaboración, iniciado en julio de 2009 con la puesta en marcha del programa educativo “la Caixa” – Museo del Prado. El arte de educar. La entidad financiara, a través de su Obra Social, pasa a formar parte del grupo de instituciones “benefactoras” del Museo, al comprometerse a realizar una aportación de 2,5 millones de euros distribuida a lo largo de los próximos cuatro años, con el objetivo de fomentar un mayor conocimiento de las colecciones artísticas de la pinacoteca

Además, en virtud del acuerdo, la Obra Social “la Caixa” se compromete a participar en la organización y producción de exposiciones, concebidas a partir de los fondos del Museo del Prado, que podrán visitarse tanto en los diferentes centros CaixaForum como en otras salas del territorio español en el marco del programa de exposiciones itinerantes de la entidad.

El punto de partida será la exposición Goya: Luces y Sombras, una gran retrospectiva del creador aragonés que podrá visitarse en CaixaForum Barcelona del 15 de marzo al 24 de junio de 2012. La muestra estará comisariada por Manuela Mena y José Manuel Matilla, Jefe de Conservación de Goya y Pintura del siglo XVIII y Jefe del Departamento de Dibujos y Estampas del Museo, respectivamente.

Compuesta por casi un centenar de obras -con ejemplos tan destacados como La maja vestida, El quitasol, Vuelo de brujas o Aún aprendo- la exposición acercará por primera vez a Cataluña una selección de la colección del genial maestro que atesora el Prado, considerada la más importante del mundo.

Durante su estancia en Barcelona, la exposición sobre Goya convivirá con la primera gran retrospectiva en España sobre el maestro de la pintura romántica francesa Eugène Delacroix, con fondos procedentes del Museo del Louvre.

Asimismo, la Obra Social “la Caixa” y el Museo del Prado coproducirán tres proyectos expositivos de contenido por definir a razón de uno por año durante los ejercicios 2013, 2014 y 2015. Cada uno de dichos proyectos será presentado en un mínimo de tres sedes previamente consensuadas por las dos instituciones.

Oro de Colombia en Brasil y España

19/07/2011, Dos exposiciones temporales del Museo del Oro de Bogotá se exhiben actualmente en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, España, y en el Centro Cultural de la Universidad de Fortaleza, Brasil.

Bogotá, 19 de julio de 2011

Las dos muestras exponen piezas arqueológicas de oro y tumbaga (aleación), cerámica y elementos líticos de hasta 2.000 años de antigüedad de varias culturas prehispánicas de Colombia.

En América la metalurgia fue descubierta en la sierra central de Perú hace treinta y cinco siglos. En Colombia, los orígenes se remontan al siglo IV a.C., periodo en el que habitaron sociedades con un amplio dominio del trabajo de los metales. Un proceso que incluía la extracción del metal, su trabajo y simbolización, su uso y, finalmente, su regreso a la tierra como ofrenda.

Durante estos dos mil años de desarrollo metalúrgico en Colombia –interrumpidos por la conquista española en el año 1.500 d.C.– surgieron una docena de estilos diferentes y se combinaron técnicas complejas sobre distintas aleaciones. El resultado en términos estéticos es sorprendente.

Esta riqueza artística y tecnológica se sustentó en una prosperidad económica que permitió a una parte de la población dedicarse a la orfebrería. Su compleja y profunda filosofía, las relaciones de los hombres entre sí y con la naturaleza y el devenir del universo fueron plasmados por los artífices indígenas en diferentes patrones estilísticos. El diseño, la composición y el equilibrio de esta próspera cultura material le confiere un lugar destacado en el arte universal.

En el Centro Cultural de la Universidad de Fortaleza, al nordeste de Brasil, se exhibe Tesouros e simbolismo da Colômbia Pre-hispânica, una exposición que muestra 212 piezas de oro.

A través de estos objetos se indaga cómo el jaguar, las aves y los murciélagos, imágenes comúnmente representadas en piezas y objetos de oro durante el periodo prehispánico como elementos de uso de los chamanes y caciques, persisten en la actualidad tanto en la simbología, como en los mitos y las tradiciones orales de los grupos indígenas que hoy en día habitan Colombia y Brasil.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta una exposición que reune 253 piezas de diversas culturas precolombinas. Una amplia muestra de objetos de orfebrería, cerámica y material lítico –máscaras, pectorales, collares y brazaletes de diversos metales, y otros objetos cerámicos y herramientas de piedra–, seleccionados por su interés histórico y antropológico –algunos objetos tienen más de 2.500 años de antigüedad–, y por su valor artístico.

La muestra se articula en seis secciones –la gente dorada, animales fabulosos, el hombre-animal, abstracción y naturaleza, el universo de las formas, y la metalurgia y las sociedades prehispánicas– que irán mostrando el rico repertorio visual que los orfebres prehispánicos fueron capaces de crear.

Los temas principales, solos o combinados, son la figura humana, los animales, reales o fantásticos, y las formas geométricas, mientras que las formas vegetales son escasas. A través de estos objetos únicos la exposición evocará la riqueza de la cultura prehispánica, capaz de integrar lo sobrenatural y lo natural, lo sagrado y lo profano, el hombre y el animal, el cuerpo y el alma, lo abstracto y lo figurativo, la naturaleza y la cultura, en un corpus de gran interés estético. El eco de los rituales sagrados y de poder, y sus asociaciones simbólicas

Osos de la Península Ibérica

17/07/2011, Después de largo tiempo de declive del oso pardo de España, durante la última década parece consolidarse la posibilidad de salvación de los núcleos que quedan en las montañas Cantábrica y Pirenaica.

León, 17 de julio de 2011

La Fundación Oso Pardo (FOP) estima que hay cerca de 200 ejemplares en la Cordillera Cantábrica, y un reciente análisis publicado por la revista Quercus afirmaba que en los Pirineos viven en la actualidad otros treinta ejemplares, y que parece que la evolución del núcleo es positiva, tras la reintroducción de ejemplares procedentes de Eslovenia.

El oso pardo ocupa buena parte de Europa, Asia y América, de modo que aún hay mas de 200.000 ejemplares, cifra grande para un carnívoro de su talla, según señala la FOP. Se trata de uno de los mamíferos más característicos de los bosques de coníferas del norte de Europa y Siberia, y subsisten pequeñas poblaciones en algunos macizos del sur de Europa occidental.

Frente a los 700 kilogramos de peso de los ejemplares del norte de Asia, los del sur son más reducidos, de modo que los osos ibéricos no superan los 250 kilogramos.

Según la FOP, en España, junto a Italia y Francia, viven las poblaciones europeas de oso pardo más amenazadas. Los osos ibéricos están en peligro de extinción y se enfrentan a constantes amenazas causadas por el pequeño tamaño de sus poblaciones. Las más importantes son la muerte de osos causada por personas, la pérdida y fragmentación del hábitat y la baja diversidad genética de los osos cantábricos.

En España quedan dos poblaciones de oso: una de ellas se localiza en la Cordillera Cantábrica, básicamente sobre los territorios de León y Asturias, y una segunda, que se encuentra en Los Pirineos, sobre ámbitos hispanos, franceses y andorranos.

En la parte Cantábrica hay dos sub-áreas: la más occidental, la más importante, está sobre el alto Sil(León) y oeste de Asturias, es la mejor conservada. En ella habitarían al menos unos 130 osos según estimaciones.

Entre las organizaciones de apoyo al plantígrado también está FAPAS, Fondo para la Protección de los Animales Salvajes, que ha desarrollado una activa defensa del oso en Asturias. En su opinión, la protección de los osos en la Cordillera Cantábrica se ha convertido en todo un reto para un buen número de especialistas, organizaciones como el Fapas y las administraciones. Un empeño que ahora ya en el siglo XXI parece que comienza a tomar un cariz de mayor eficacia. “Aún así -sostiene esta organización- el oso continúa estando gravemente amenazado y territorios como el norte de León, se deterioran bajo la iniciativa de políticos y gestores poco o nada sensibles con la conservación del oso.

Esa deficiente defensa de los plantígrados es especialmente notoria en la otra zona cantábrica, la oriental, donde apenas se están produciendo progresos, y donde a una deficiente gestión de defensa del oso por parte de las autoridades autonómicas de Castilla y León, se unen los expolios de furtivos y otros intereses económicos.

En esta zona, que ocupa territorios de León, Palencia, Asturias y Cantabria, habitarían en la actualidad unos 30 osos, según estimaciones de la Fundación Oso Pardo, aunque hay dos datos que dan pocas alas al optimismo: las escasas hembras reproductoras y los tradicionales hallazgos de osos muertos por acción del hombre.

Un aspecto da algunas esperanzas: hace meses se comprobó que el tradicional aislamiento entre las dos sub-áreas cantábricas se había roto. El vigor de la población occidental, detectado en el centro de Asturias, ha permitido que algún macho haya alcanzado al núcleo de la deprimida zona oriental.

La población de la zona de los Pirineos era de unos 200 osos al inicio del siglo XX pero ha pasado por una gravísima penuria, y se dio casi por extinta en los inicios de este siglo, cuando apenas quedaban unos machos solitarios. Sin embargo se produjo una reintroducción de ejemplares de Eslovenia.

Recientemente, un reportaje de la revista Quercus señalaba que desde 1996, ocho osos de Eslovenia han sido liberados en los Pirineos. Merced a ello, se ha consolidado una nueva población de al menos treinta ejemplares y media docena de hembras reproductoras. Aunque los animales reintroducidos y su descendencia se mueven por todo el ámbito pirenaico, el seguimiento realizado en el sector catalán ofrece una visión esperanzadora sobre el futuro de estos nuevos osos.

Garabito en Malba

14/07/2011, Del 13 de julio al 29 de agosto 2011, se puede contemplar en Buenos Aires la muestra Ricardo Garabito. Selección de dibujos y pinturas


Buenos Aires, 14 de julio de 2011

Malba presenta una nueva exposición temporaria con una selección de dibujos históricos y pinturas recientes del artista Ricardo Garabito (Trenque Lauquen, 1930), uno de los exponentes del arte argentino del siglo XX.  La muestra incluye 32 dibujos realizados por el artista entre 1972 y 1982, prácticamente inéditos. Se trata de obras sobre papel realizadas con diversas técnicas (lápiz, témpera y acuarela), que tienen como tema central la figura humana; retratos cargados de humor e ironía.

Además se exhibe un conjunto de 15 óleos, realizados entre 1998 y 2011, con naturalezas muertas y elementos cotidianos. 
En la selección de dibujos, Garabito busca resaltar el gesto, al que llega luego de una observación profunda de la naturaleza y el comportamiento humano. En palabras de Samuel Oliver -ex director del Museo Nacional de Bellas Artes y amigo del artista- son retratos imaginarios de personas a las que podemos identificar. 

En cierta forma, sus dibujos remiten a la toma fotográfica que sorprende al modelo como si fuera una instantánea periodística. “Dibujo racional por su técnica, imaginativo por la combinación de los elementos, documental porque se refiere a un tema de nuestro tiempo. Dibujo por excelencia”, agrega Oliver. 

Ricardo Garabito 

Artista argentino, dibujante, pintor y maestro. Nacido en Trenque Lauquen en 1930, se mudó a los 18 años a Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja en su taller del barrio Monserrat. 

En los inicios de los años 50, frecuentó la Asociación Estímulo de Bellas Artes, y entre 1953 y 1956 concurrió al taller de Horacio Butler. De allí su encuentro con Samuel Paz quien, junto con Samuel Oliver, sería referente crítico y mentor de su obra. En 1963, hizo su primera exposición individual en la Galería Rubbers, y desde entonces se presentó en numerosas muestras colectivas en nuestro país y el exterior.

Realizó solo once exposiciones individuales, entre ellas las antológicas de la Fundación San Telmo (1982) y de la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta (1998), además de su gran retrospectiva de 2007 en el Museo Nacional de Bellas Artes, con curaduría de Samuel Paz y Victoria Noorthoorn, que reunió más de cien obras del artista, desde los años 60 hasta la actualidad. 

Sus obras integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes, The Jack S. Blanton Museum of Art – The University of Texas at Austin y la Colección de Arte del Banco de la República de Colombia, entre otras colecciones públicas y privadas del país y del exterior.

Adios a Cy Twombly

05/07/2011, Edwin Parker, Cy Twombly, pintor ligado al expresionismo abstracto, conocido por sus pinturas caligráficas y grafitti, murió a los 83 años de edad.

Roma, 5 de julio de 2011.

El autor murió en Roma, donde residía desde los años cincuenta, según informaron diversos medios internacionales. Estaba hospitalizado a causa de un cáncer.

Cy Twombly fue noticia en los últimos tiempos en España por su muestra en el Guggenheim(2009) y la concesión del premio internacional Julio González, concedido por la Generalitat Valenciana a propuesta del presidente del IVAM: de la noticia relativa a este evento es la siguiente biografía:

Cy Twombly nació en Lexinton, Kentucky, en 1928. Estudió arte en las escuelas de Boston, Nueva York y en el Black Mountain College en Carolina del Norte donde estableció contacto con John Cage, Robert Motherwell y Robert Rauschenberg. Como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, Twombly empleó el expresionismo abstracto liberando aleatoriamente el uso de la pintura pero sin sus pretensiones heroicas u objetivos universales. Twombly y sus colegas utilizaron una iconografía de la vida cotidiana (representaciones de números y letras) e incorporó en su trabajo los objetos encontrados.

La obra de Twombly está repleta de referencias a su hogar adoptivo, al igual que a la amplia tradición neoclásica. Él, a través de los títulos y palabras garabateadas en la superficie de sus piezas, a menudo alude a temas mitológicos, grandes maestros de la pintura y lugares o eventos locales.

Asimismo, la inspiración de Towmbly se ha visto alimentada sólidamente por paisajes idílicos y sus connotaciones de placeres orgiásticos. Por ejemplo, la paleta de Untitled, soporta un tenue eco de una pintura del siglo XVIII: una fiesta campestre de Boucher o Fragonard, con su jóvenes sensuales con peinados enpolvados y sus cutis color fresa y nata en una atmósfera cargada de connotaciones eróticas.

En las pinturas de Twombly, la carga sexual explosiva de sus garabatos y manchas se complica mediante un lenguaje hermético de carteles modernos y gráficos, como si, según la crítica de arte Roberta Smith, “un superilustrado bibliófilo, de repente, gráficamente y de forma casi obscena, estableciera un discurso de palabras inconexas”

A mediados de 1950 viaja al norte de África y Europa provocando un cambio en el trabajo realizado en la ciudad de Nueva York; pinturas conformadas por la combinación de abstracción gestual, dibujo y escritura. El fue el primer artista americano que usa el “garabato”. Este tipo de “graffiti” no es una influencia del núcleo urbano sino mas bien de la obra de Jean Dubuffet y Paul Klee así como de la escritura automática de los surrealistas.

A finales de los 50, Twombly se traslada a Roma. Su obra sufre cambios, sus pinturas son mas elaboradas y las superficies pictóricas mas densas y texturadas. Su obra adquiere una apariencia de antiguos muros romanos mezclados con referencias de “lo antiguo” en color y marcas referenciales de Homero y la Iliada. En un mundo épico e intimista el trabajo de este artista está impregnado de referencias a la literatura, el paisaje y en especial a lo mediterráneo.

A comienzos de los 60, sus pinturas experimentan nuevos cambios; telas blancas sobre las que Twombly aplica anotaciones de forma espontánea y furiosa con grafito, lápiz y pintura. Los pigmentos aplicados directamente del tubo aparecen como glóbulos de agua o aceite que cuelgan tenuemente de la superficie y pigmentos como eyaculaciones de pintura que gotean la tela y quedan untados en grafito y lápiz.

La obra de Cy Twombly puede verse en las colecciones permanentes de los museos mas importantes del mundo como el MOMA, Whitney y Guggenheim de Nueva York, Kunsthalle de Berna (Suiza), Zurich, Alemania, en el Pompidou (Paris), Basilea, y Houston (EEUU) etc. Instituciones que le han dedicado exposiciones monográficas retrospectivas.

Edwin Parker, Cy Twombly, pintor ligado al expresionismo abstracto, conocido por sus pinturas caligráficas y grafitti, murió a los 83 años de edad.

El autor murió en Roma, donde residía desde los años cincuenta, según informaron diversos medios internacionales.

Nuevas reservas de la biosfera

01/07/2011, Un total de dieciocho nuevas reservas de biosfera se añaden a la red del Programa sobre el Hombre y la Biosfera de la UNESCO en 2011


París, 1 de julio de 2011

El Consejo Internacional de Coordinación del Programa sobre el Hombre y la Biosfera (MAB) añadió estos nuevos sitios a la Red de Reservas de Biosfera y amplió una de las reservas ya existentes, en una reunión celebrada en París. La Red Mundial totaliza ahora 580 reservas situadas en 114 países.

Según fuentes de la UNESCO, este año se han inscrito en la Red Mundial, por primera vez, reservas situadas en Lituania, Maldivas, Saint Kitts y Nevis, y Togo.

Por su parte, Australia decidió retirar de la Red Mundial la isla de Macquarie, dado que el lugar está totalmente inhabitado y la existencia de población es un requisito establecido desde 1995 para la inclusión en la Red.
Los nuevos reservas de biosfera de la UNESCO son:

1. Lago del Brazo de Oro (Canadá).

Es una vasta extensión de agua salobre que ocupa el centro de la isla de Cabo Bretón, situada en la Provincia de Nueva Escocia. Este “mar interior” comunica con el Océano Atlántico por tres bocanas. La presentación de la candidatura de esta reserva ha sido el resultado de una labor preparatoria en la que han participado conjuntamente representantes de las Primeras Naciones del Canadá, diversos organismos públicos federales y provinciales, ciudadanos y especialistas universitarios. Todas las partes interesadas llevan a cabo una labor conjunta en el marco de la Asociación de la Reserva de Biosfera del Lago del Brazo de Oro, creada en 2005. Esto ha permitido elaborar un plan de gestión global del lago. La zona está habitada por más de 14.000 personas que han adoptado diversas iniciativas para crear nuevos empleos, estimular la creación de empresas y poner en práctica medidas concretas destinadas a solucionar los problemas planteados por el desarrollo sostenible de la reserva.

2. Corredor Biológico Nevados de Chillán – Laguna del Laja (Chile).

Esta reserva está situada en la zona central de Chile, al norte de la región de Patagonia. Es un sitio de gran importancia para la biodiversidad a nivel mundial, que se caracteriza también por poseer una gran abundancia de especies endémicas. El corredor biológico une tres núcleos centrales de la reserva.

3. Montes Mao’er (China).

El paisaje accidentado de esta reserva ofrece panoramas de excepcional belleza con cumbres que sobrepasan los 2.000 metros de altura. El sitio cuenta con bosques subtropicales frondosos de coníferas y bambúes que son el hábitat de dos especies raras de salamandra y rana (hynobius montanensis Maoeri y rana montanensis Maoeri). La reserva de biosfera está poblada por chinos han y varias minorías étnicas (miaos, yaos, zhuangs, dongs, yis y huis), lo que hace de ella una zona de gran diversidad cultural. Gracias a un proyecto financiado por el Fondo para el Medio Ambiente Mundial (FMAM), se han fomentado la protección del medio ambiente y la realización de actividades económicas compatibles con su conservación, entre las que figura el ecoturismo.

4. Trifinio Fraternidad (El Salvador/Guatemala/Honduras).

Es la primera reserva de biosfera trinacional de América Central y su inclusión se considera una contribución mayor a la puesta en marcha de un Corredor Biológico Mesoamericano. Situada en la parte entral de al región, presenta un número elevado de especies endémicas que viven en bosques tropicales húmedos. Sus zonas centrales están a caballo entre los tres países, lo que permite proteger grandes zonas de bosque tropical sin tener en cuenta las fronteras. El río Lempa, que cruza los tres países antes de desembocar en el Océano Pacífico, nace en el seno de la reserva. El río proporciona además sustento a tres millones de personas. La gestión de esta reserva está coordinada por el Plan Trifinio, un organismo de cooperación interestatal bajo supervisión directa de los vicepresidentes de El Salvador, Guatemala y Honduras.

5. Llanura inundable de Volga-Akhtuba (Federación de Rusia).

Esta reserva abarca un ecosistema, único en su género, que está situado en el valle del Volga. La llanura de Volga-Akhtuba ofrece un variado mosaico de paisajes: praderas inundables de alto rendimiento agrícola, zonas de desove, robledales y humedales de gran importancia en el plano internacional. El sitio cuenta con una población estable de unas 45.000 personas y posee un patrimonio histórico y cultural de importancia regional. Entre las principales actividades económicas destacan la agricultura, la pesca, las actividades recreativas y el turismo.

6. Songor (Ghana).

Situada en la zona costera meridional del país, esta reserva abarca una superficie de 51.113 hectáreas. Está constituida por un conjunto, único en su género, de ecosistemas marinos y de estuario de agua salobre y dulce, con manglares, islas y pequeñas áreas dispersas de bosques comunitarios protegidos. Algunas zonas de los ecosistemas marinos son lugares de nidificación de peces, tortugas y aves migratorias. Los principales medios de subsistencia de las comunidades que pueblan la reserva y sus alrededores son la agricultura de subsistencia, la pesca y la recolección de la sal. El asentamiento humano principal es la localidad de Ada Foah que, pese a ser reputada ya por sus actividades turísticas, cuenta con un potencial para desarrollarlas ampliamente inexplotado todavía. La posibilidad de fomentar en la zona el turismo cultural y el ecoturismo puede hacer de esta reserva un modelo de desarrollo compatible con la conservación del medio ambiente.

7. Ramot Menashe (Israel) –  

Contiene un mosaico de sistemas ecológicos que representa la versión mediterránea del ecosistema global de tipo “bosques esclerófilos de hoja perenne y matorral”. La reserva mide 17.000 hectáreas y está gestionada por el Consejo Regional de Megiddo. Su creación es resultado de un largo proceso de consultas que implicaron a 13 explotaciones agrícolas y 10.000 habitantes. Engloba además el sitio del patrimonio mundial de Megiddo y coopera de manera regular con la reserva de biosfera del Monte Carmelo. Ramot Menashe es un sitio piloto en materia de desarrollo sostenible y podría servir de modelo a otras reservas situadas en zonas áridas. Entre las prácticas de desarrollo sostenible practicadas en ella cabe citar un sistema de riego gota a gota que funciona a partir de agua reciclada procedente de explotaciones agrícolas de la reserva, el mantenimiento de ecosistemas “batha” o la generación de ingresos a partir de actividades pastorales.

8. Mujib (Jordania). vEste sitio pertenece a la cuenca del Mar Muerto y al paisaje del río Jordán, que son prolongaciones del Gran Valle del Rift africano. Situado en la orilla oriental del Mar Muerto, el espectacular paisaje de la reserva comprende el punto más bajo de la superficie de la Tierra (420 metros bajo el nivel del mar). En la configuración de muchos de de los hábitats de la reserva han desempeñado un cierto papel algunas actividades humanas como la agricultura, la pesca, la caza, la extracción de piedra en pequeñas zonas situadas en los límites de la reserva, los asentamientos a pequeña escala, la tala de madera para combustible y la recolección de plantas y yerbas medicinales. La reserva cuenta con más de noventa especies raras de plantas a nivel nacional, una especie de pez endémica y veinticuatro especies de mamíferos cuya conservación es importante, tanto en plano nacional y regional como mundial.


9. Zuvintas (Lituania).

Situada en la parte meridional de las tierras bajas lituanas, esta reserva abarca una superficie de unas 59.000 hectáreas y comprende lagos, humedales, fangales, turberas y pinedas. La gran variedad de los hábitats y de la vegetación hace que sea un área de diversidad biológica muy rica. La reserva de biosfera se clasifica en una categoría especial dentro de la legislación nacional de protección de la naturaleza. Entre las principales actividades humanas del sitio figuran la agricultura, la silvicultura y la pesca. También se han desarrollado recientemente el turismo y la agricultura ecológica. La zona cuenta con una población de unos 11.000 habitantes, compuesta por pequeños y grandes propietarios.

10. Atolón de Baa (Maldivas).

Esta reserva alberga en sus numerosos arrecifes una diversidad biológica de interés mundial y es ilustrativa de una larga historia de interacción del ser humano con el medio ambiente. El sitio, que abarca unas 139.700 hectáreas de zonas marinas y costeras, es representativo de la rica variedad de la fauna coralina de las Maldivas: corales pétreos y blandos, especies de peces típicas de las zonas de arrecifes, tortugas marinas, rayas manta y tiburones ballena. La reserva cuenta con 12.170 habitantes y recibe la visita de unos 350.000 turistas cada año. Habida cuenta de que la creación de esta reserva forma parte de un proyecto apoyado por el Fondo para el Medio Ambiente Mundial (FMAM), el sitio posee un gran potencial para demostrar en las Maldivas y en toda la región la viabilidad de un desarrollo sostenible basado en la economía verde.

11. Archipiélago de las Berlengas (Portugal).

Además del conjunto de pequeñas islas e islotes del archipiélago de las Berlengas, esta reserva comprende la ciudad de Peniche, situada en la costa continental. El archipiélago es regularmente frecuentado por turistas, pescadores y científicos que transitan por Peniche para visitar este sitio, único en su género en el plano geofísico y ecológico. Diversas partes interesadas de la ciudad de Peniche participan en la gestión de la reserva de biosfera, a fin de promover el desarrollo sostenible y la conservación de las islas.

12. Reserva de biosfera de Santana Madeira (Portugal).

Se trata de la primera reserva situada en el archipiélago. Aunque se han desarrollado varias actividades turísticas, la agricultura sigue dominando la vida de las comunidades que habitan el sitio. La reserva contiene una flora y fauna muy ricas con un índice elevado de especies endémicas. Con sus ecosistemas  marinos y costeros, su vegetación de altitud y sus bosques de laural, la Reserva es representativa de las principales unidades biológicas presentes en la isla. El archipiélago de Madeira forma parte de la Macaronesia, conjunto del que forman parte también las islas Canarias (España) y las Azores (Portugal), que cuentan ya con varias reservas de biosfera insulares.

13. St. Mary’s (San Kitts y Nevis).

La importancia de este sitio estriba en la riqueza de su diversidad biológica. La reserva abarca bosques nubosos, manglares y arrecifes de coral, así como el Parque Nacional de la Fortaleza de Brimstone Hill, sitio inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial por su especial relevancia histórica, cultural y arquitectónica. Es una de las primeras reservas de biosfera situadas en las pequeñas islas del Caribe, y la participación de la población local en la conservación de este notable mosaico de paisajes culturales y naturales valiosos puede servir de ejemplo en la región.

14. Archipiélago de Blekinge (Suecia).

Situada al sudeste de Suecia, esta reserva comprende la mayor parte de las zonas litorales y grupos de islas de Blekinge. El sitio, que se extiende por una superficie de más de 200.000 hectáreas, abarca paisajes costeros graníticos y una variada serie de islas e islotes. También se caracteriza por poseer un rico patrimonio natural y cultural. Por otra parte, la población local ha contraído el firme compromiso de mantener el dinamismo socioeconómico de la región, gracias a un espíritu empresarial innovador y mediante la utilización de tecnologías eficientes en el plano energético y compatibles con la conservación del medio ambiente. Municipios y universidades están llevando a cabo un estudio conjunto sobre el uso sostenible de los recursos costeros.

15. Paisaje del río Nedre Dalälven (Suecia).

Esta reserva abarca una superficie de 308.000 hectáreas en las que se pueden hallar humedales, cursos de agua, lagos, llanuras inundables y bosques madereros. Comprende en particular el lago Hovran y la bahía de Färnebofjärden, inscrita en la Lista de la Convención de Ramsar. La región se caracteriza por su gran diversidad biológica y el río marca una clara línea de delimitación entre la fauna y la flora características de la zona septentrional de Europa del Norte y las especies animales y vegetales típicas de la zona meridional. Las actividades agrícolas y forestales han evolucionado como consecuencia de los cambios ocurridos en la industria del hierro y el acero. La existencia de más de 100 proyectos “Leader+” para el desarrollo sostenible constituye una prueba del gran dinamismo de la región en este ámbito. Además, la reserva de biosfera se beneficia de la existencia de un sistema de gestión con un alto grado de participación de la población local, así como de numerosas alianzas con universidades y centros de investigación para vigilar la conservación del medio ambiente.


16. Oti-Keran / Oti-Manduri (Togo).

Situada en el norte del país, esta reserva de biosfera comprende el conjunto formado por el Parque Nacional de Keran y la reserva de fauna de Oti-Manduri. Tiene una extensión de 179.000 hectáreas y una población de 16.710 habitantes. Es una zona de esencial importancia porque contribuye a mantener un nexo entre Oti-Keran y el complejo de reservas WAP,1 desempeñando la función de corredor migratorio transfronterizo para elefantes y otros grandes mamíferos como los búfalos. La reserva de biosfera de Oti-Keran / Oti-Manduri abarca diversos ecosistemas: terrenos arbustivos, sabanas, bosques en galería y praderas. Las comunidades han participado en el proceso de planeamiento y gestión de la reserva, especialmente en lo referente a las actividades de observación y vigilancia. Se está llevando a cabo un trabajo de investigación centrado en la dinámica de los ecosistemas, la evolución de la diversidad biológica y los aspectos socioculturales, en colaboración con universidades nacionales y extranjeras.

17. Roztochya (Ucrania).

La superficie total de esta reserva es de 74.800 hectáreas y sus principales actividades económicas son la agricultura, la ganadería y la piscicultura. El núcleo central de la reserva comprende 30.000 hectáreas y está situado en el borde noroccidental de las tierras altas de Podillya, a unos 20 km de la ciudad de Lviv. Los sanatorios existentes en el sitio atraen actualmente a un público de visitantes, y se ha planeado fomentar las actividades empresariales y turísticas. También se ha establecido y se prevé desarrollar una cooperación con Polonia en la región de Roztochya.

18. Bura’a (Yemen).

Esta reserva debe su nombre al impresionante macizo granítico de Jabal Bura’a, que domina toda la región. Situado entre 200 y 2.200 metros de altura, el escabroso paisaje montañoso de la reserva está surcado por varios valles profundos donde crece una gran profusión de especies endémicas de plantas raras y vulnerables. La reserva alberga también una variada fauna compuesta por numerosas especies de aves y varias clases de reptiles, como el lagarto varano del Yemen y tortugas de agua. Los sistemas agroforestales tradicionales de la zona siguen representando una importante fuente de ingresos para las comunidades locales.

Ampliaciones o modificaciones de zonificación de una reserva de biosfera:

Cat Tien (Viet Nam).

Esta es la nueva denominación de la reserva de biosfera de Dong Nai, existente desde 2001. Se han añadido al sitio dos nuevos núcleos centrales, con lo que la superficie total de la reserva se cifra actualmente en 966.563 hectáreas. La ampliación del sitio ha obedecido a una serie de desafíos planteados por el desarrollo socioeconómico. Bajo la dirección del Comité Popular de la Provincia de Dong Nai, una intensificación de la colaboración entre las diferentes partes interesadas contribuirá a mejorar la coordinación y los procedimientos de gestión de la totalidad de la reserva, compatibilizando así los diversos objetivos de la conservación del medio ambiente con las metas del desarrollo económico.

Desde hace cuarenta años el Programa MAB ha venido desempeñando un papel precursor en la empresa de asentar el desarrollo sostenible sobre una base científica. Las reservas de biosfera son lugares reconocidos por el MAB, donde las comunidades locales participan activamente en todas las actividades de administración, gestión, investigación, educación, formación y supervisión que contribuyen, al mismo tiempo, a la conservación de la diversidad biológica y al desarrollo económico. Las reservas son, por lo tanto, sitios para experimentar y aprender prácticas de desarrollo sostenible.

Nuevos sitios Patrimonio Mundial

29/06/2011, Veinticinco nuevos sitios ha sido inscritos en el año 2011 en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, con lo que el número de lugares seleccionados alcanza un total de 936



París, 29 de junio de 2011

El Comité del Patrimonio Mundial inscribió tres sitios naturales, 21 cultural y uno mixto. Dos sitios entraron en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro y uno fue retirado de ésta. La Lista del Patrimonio Mundial tiene ahora 936 sitios: 183 naturales, 725 culturales y 28 mixtos.

Los nuevos sitios inscritos en el 2011 son:

Sitios naturales:
Costa de Ningaloo (Australia).
Islas Ogasawara (Japón).
Sistema lacustre del Gran Valle del Rift (Kenya).

 
Sitios mixtos:
Zona Protegida del Uadi Rum (Jordania).  

Sitios culturales:
Fábrica Fagus en Alfeld (Alemania).
Palafitos prehistóricos en torno al macizo de los Alpes (Alemania, Austria, Eslovenia, Francia, Italia y Suiza).
Centro histórico de Bridgetown y su guarnición militar (Barbados)
Paisaje cultural del Lago del Oeste de Hangzhou (China).
Paisaje cultural del café de Colombia (Colombia).
Sitios culturales de Al Ain: Hafit, Hili, Bidaa Bint Saud y zonas de los oasis (Emiratos Árabes Unidos).
Paisaje cultural de la Serra de Tramuntana (España).
Paisaje cultural de Konso (Etiopía).
Paisaje cultural agropastoral mediterráneo de Causses y Cévennes (Francia).
El jardín persa (República Islámica del Irán).
Centros de poder de los longobardos en Italia –568-774 d.C– (Italia).
Hiraizumi – Templos, jardines y sitios arqueológicos representativos de la Tierra Pura budista (Japón).
Fuerte Jesús de Mombasa (Kenya).
Conjuntos de petroglifos del Altai mongol (Mongolia).
Catedral de León (Nicaragua).

Delta del Salum (Senegal).
Sitios arqueológicos de la isla de Meroe (Sudán).
Aldeas antiguas del norte de Siria (República Árabe Siria).
Complejo de la Mezquita de Selimiye en Edirne (Turquía).
Residencia de los metropolitanos de Bucovina y Dalmacia (Ucrania).
Ciudadela de la dinastía Ho (Viet Nam).  

Extensiones de sitios ya inscritos:
Bosques de hayas primitivos de los Cárpatos y Hayedos antiguos de Alemania (Eslovaquia, Ucrania, Alemania)  

Sitios que han entrado en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro:
Reserva de biosfera de Río Plátano (Honduras)
Patrimonio de los bosques tropicales lluviosos de Sumatra (Indonesia)  

Sitio retirado de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro:
Santuario de fauna salvaje de Manas (India)

Banderas negras

29/06/2011, Desde hoteles monstruosos que dañan la imagen de la costa española a puertos faraónicos o cascadas de aguas residuales... Una denuncia de Ecologistas en Acción.


Madrid, 29 de junio de 2011

Ecologistas en Acción ha presentado el Informe “Banderas Negras 2011. Esto es una barbaridad”. La organización ecologista ha realizado un amplio análisis de las causas primordiales de la degradación de las costas españolas, resumido en un informe de 72 páginas, y ha identificado los principales lugares de esa degradación.

La destrucción de las costas españolas tiene como referencias esenciales la colmatación urbanística, los vertidos orgánicos e industriales, las obras en costas y regeneraciones de playas, así como la desplanificación entorno a los puertos de interés general.  

La organización ecologista ha dicho que las comunidades autónomas de la costa se saltan sistemáticamente la Directiva Marco de Aguas, ya que ninguna  depura y reutiliza sus aguas como la ley contempla. Recientemente el tribunal de la UE condenó a España por verter aguas residuales sin depurar.

La cascada de “la merda”

El Estado español -señala Ecologistas en Acción- fue advertido varias veces y, finalmente, denunciado por la Comisión Europea, lo que llevó  al Tribunal de Justicia de la Unión a condenar a España por el vertido de las aguas residuales de 38 áreas urbanas de más de 15.000 habitantes. El vertido de estas aguas de forma incontrolada supone un riesgo para la salud que infringe la normativa sanitaria y medioambiental.

Los ecologistas han destacado como caso realmente emblemático, otorgando una bandera negra  sin ningún paliativo, la conocida como  Cascada de la Mierda, en el Paque Natural de la Sierra Helada, en el País Valenciano.
 

El boom inmobiliario que se ha desarrollado en España, ha sido otro factor primordial para la degradación de los recursos naturales marinos y de la calidad del suelo, propiciando grandes complejos urbanísticos, orientados al uso y disfrute de unos pocos, no teniendo en cuenta las necesidades de la ciudadanía en cuanto al acceso a una vivienda, destacando las banderas negras otorgadas a las costas de Marbella y Fuengirola como los casos de mayor transformación y degradación por urbanismo en el litoral.

Ecologistas en Acción también denuncia en su informe casos de gran relevancia ambiental relacionados con el bunkering y los vertidos industriales. A este respecto, se  subraya las carencias de la ley de responsabilidad ambiental que dejan a la ciudadanía absolutamente indefensa ante vertidos como el ocasionado por Repsol en la costa de Tarragona, así como los impactos producidos por los vertidos industriales en la costa, destacando la Bandera Negra concedida a la ría de Huelva como el lugar más contaminado industrialmente.
 

Costas y puertos

Otra mirada crítica se ha merecido, a juicio de los ecologistas, la Dirección General de la Sostenibilidad de la Costa y el Mar, debido a una “total falta de sensibilidad ambiental y a su incapacidad para tener una planificación estratégica, lo que le ha hecho incurrir en inversiones de alicatado de la costa por un valor de más de 170 millones”, recuerda Jorge Sáez, responsable del Área Marina de Ecologistas en Acción. “La mayor parte de su presupuesto ha servido para hacer obras y más obras, tales como paseos marítimos, rellenos y regeneraciones artificiales de playas, etc., por ello, este organismo se merece ser rebautizado como  “Dirección General de obras y cimentaciones en la costa”.

Un ejemplo de lo anterior sería la Bandera Negra otorgada a la playa de la Barceloneta como el lugar más transformado y consumidor de dinero público de toda la costa, 60 millones de euros en los últimos 5 años.  

Ecologistas en Acción también denuncia la proliferación de Puertos del Estado por toda la costa. Estos puertos no cuentan con una justificación económica y ambiental y podrían suponer el mayor impacto de la costa española, en el siglo XXI. Los puertos planificados son: Granadilla (Tenerife), Melilla, El Gorguel (Murcia), Ibiza (Baleares), Vigo, A Coruña, El Musel (Asturias), Pasajes (Euskadi), Sagunto y Valencia (País Valenciá).

Marsella: el orientalismo en Europa

25/06/2011, El orientalismo en Europa, de Delacroix a Matisse, es la gran exposición que se puede contemplar en Marsella, en el Centre de la Vieille Charité, hasta el 28 de agosto.

París, junio de 2011  

La exposición está organizada por Rmn-Grand Palais y la ciudad de Marsella en colaboración con los Museos reales de las Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y la Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, en Munich. Ya ha pasado por Bruselas y Munich en fechas recientes.

Matisse, Kandinsky y Klee, hicieron, como otros viajes a Oriente. En sus obras los temas del orientalismo están muy presentes: Odaliscas, paisajes luminosos, ciudades blancas bajo el sol, pero cada uno con su enfoque totalmente personal.

Con más de 120 obras, pinturas y esculturas, de instituciones y colecciones particulares, la exposición El Orientalismo en Europa, de Delacroix a Matisse, ofrece un panorama vasto del orientalismo, no sólo en Francia sino también en toda la Europa.

Al lado de las obras maestras de Ingres, Delacroix, Fromentin, Gérôme, figuran obras de artistas ingleses (Lewis), alemanes, (Bauernfeind, Müller), belgas (Portaels, Evenpoel), españoles (Villegas, Sorolla) italianos, (Fabbi, Simoni), y hasta un orientalista turco, formado en París, Osman Hamdi Bey.

Renoir, Matisse, Kandinsky, Klee, Macke, ilustran el último capítulo de la exposición dedicada al orientalismo modernista, muestra que es preludio de las grandes citas artísticas que Marsella propondrá en el marco del año 2013 como capital europea de la Cultura.

Fascinación por Oriente

La fascinación por Oriente en la historia del arte occidental conoce un auge muy particular en el siglo XIX. Entre la campaña de Egipto de Bonaparte (1798-1801) y la estancia de Matisse en África del Norte (1906), el Orientalismo va a conocer su edad verdadera de oro. Las vistas de Egipto producidas por los artistas que acompañaron a Bonaparte constituyen, con la ilustración de los primeros actos de la leyenda napoleónica, los primeros jalones de un nuevo descubrimiento de la gente oriental por el público europeo.

El Orientalismo está ligado a la expansión colonial europea. La decadencia del imperio otomano, la implantación de las potencias europeas en el Medio Oriente, en África del Norte van a abrir a los artistas las puertas de un mundo que quedaba hasta ahí difícilmente accesible. Este encuentro les abre nuevas perspectivas. En el curso de su viaje en Marruecos en 1832, Delacroix pensará encontrar en la desorientación oriental de las respuestas a su deseo profundo de renovación. Oriente aparece en él como el lugar de la exaltación de los sentidos, y la antigüedad, que es la referencia común de todos estos pintores de cultura clásica, parece resucitar bajo sus ojos con los colores de la vida.

La primera generación de estos artistas fija así las líneas fundamentales de un imaginario que repetirán a lo largo del siglo: así de Ingres a Gérôme, el éxito continuo de la representación fantaseada del Harén confirma la idea de la sensualidad inquietante y oriental. Lejos de las brumas de Europa, la potencia del color y de la luz se expresa en el esplendor de los trajes o la exaltación de los paisajes grandiosos y muy particularmente del desierto.

La falsa oreja de Vincent van Gogh

22/06/2011, La apertura de la exposición “Van Gogh en Amberes y París: Nuevas perspectivas”, en el museo van Gogh de Amsterdam, ha servido para dar una nueva mirada a la oreja del artista.

Amsterdam. Junio de 2011

...Y también ha servicio para crear una nueva polémica sobre la identificación del protagonista de unos de los cuadros: ¿Se trata de un autorretrato del pintor o de un retrato de su hermano Theo?

La presentación de esta exposición estival ha servido para plantear nuevos interrogantes sobre la obra: ¿Era Vincent van Gogh ante todo un genio impulsivo?

¿Cómo han soportado los colores de van Gogh los estragos de tiempo? ¿Hizo Van Gogh una pintura de su hermano Theo?

Comenzaremos con el extraño el caso de Vincent/Theo. Según la opinión predominante, Vincent van Gogh (1853-1890) nunca pintó a su hermano Theo, su confidente y colaborador más leal, y también una persona que tenía rasgos parecidos.

Pero el investigador del museo Van Gogh Louis van Tilborgh está convencido de que uno de los muchos autorretratos hechos por Vincent van Gogh es de hecho un retrato de su hermano Theo.

Esta conclusión está basada en varias diferencias claras entre los rasgos de Vincent y de Theo. El retrato de Theo, hecho en 1887, muestra a un hombre con una barba que no es roja como la de Vincent, sino más ocre. Además, el oído de este hombre tiene una forma mucho más redondeada. Es la oreja la parte del retrato que permite definir quién es el protagonista del cuadro, según los investigadores del museo.

Los organizadores de esta exposición, abierta hasta el 18 de septiembre, afirman que el evento presenta la respuesta a muchas preguntas intrigantes. Esta nueva luz contribuye a mantener actual y fresca la pintura del genio. Es esta una razón por la que el museo Van Gogh, sigue en la labor de investigar su propia colección, según declara el centro museístico.

La exposición de este verano se centra en un estudio exhaustivo de cerca de 100 pinturas realizadas por Van Gogh en Amberes y durante su período parisino. Se sabía que en este este período Van Gogh dejó de escribir cartas a Theo, esto se debió porque los hermanos vivieron juntos durante dos años en París. Este hueco en su correspondencia, ha hecho aún más interesante la investigación.

Una mirada sobre los trabajos, presentes en el museo, revela el desarrollo espectacular que tuvo en el plano artístico van Gogh entre 1885 y 1888. En un breve espacio de tiempo, él se transformó de un pintor realista con una paleta limitada, sombría, en un modernista que se expresó con colores brillantes, vivos.

¿Era Vincent van Gogh un genio impulsivo? Él, supuestamente, se ponía a trabajar espontáneamente, sin planificar y sin cualquier noción preconcebida. Pero bajo la superficie de las pinturas aparece a veces una historia diferente, mostrando que con frecuencia recurría a una preparación meticulosa.

Otro aspecto de su obra en este período no estaba bajo su control. Nos referimos a la calidad de las pinturas. En Amberes y París él usó un nuevo surtido de pinturas de tubo de colores vivos. Lamentablemente, él no supo que algunas pinturas eran menos duraderas que otras, y se decolorarían con el tiempo. Ahora somos capaces de redescubrir y reconstruir los cambios.

El equipo de investigación del museo también hizo nuevos descubrimientos en cuanto a datar el trabajo de van Gogh. Por ejemplo, “El jardín de los enamorados” no estaba en el pueblo de Asnières, como se creía, sino en Montmartre, en París. Y el pájaro que vuela en Wheatfield como una alondra, resulta en realidad ser una perdiz …

Verano en la Fundación Juan March de Madrid

21/06/2011, Aguafuertes de Pablo Picasso y grabados en homenaje al galerista y marchante de arte Leo Castelli se exponen este verano en la sede madrileña de la Fundación Juan March.

Durante estos meses de verano, la Fundación Juan March ofrece dos exposiciones de pequeño formato: PABLO PICASSO Y “LA OBRA MAESTRA DESCONOCIDA” DE HONORÉ DE BALZAC, con trece aguafuertes del pintor malagueño; y UN HOMENAJE A LEO CASTELLI, que ofrece nueve grabados de otros tantos artistas vinculados a la galería del destacado galerista.

PABLO PICASSO Y “LA OBRA MAESTRA DESCONOCIDA”, DE HONORÉ DE BALZAC

Hasta el 23 de julio. Fundación Juan March, Madrid.
Lunes a viernes, de 11 horas a 20 horas.
Sábados, de 10 a 14 horas.
Domingos, cerrado.

Pablo Picasso (1881–1973) está considerado como uno de los grandes maestros del arte del grabado. En la década de los años treinta, Picasso realizó varias series de aguafuertes, consideradas entre los ejemplos más relevantes de la historia del grabado.

Entre sus grabados de los años treinta se encuentra la serie que realizó en 1931 para ilustrar una nueva edición del relato de Honoré de Balzac (1799 – 1850) Le Chef d’oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida, originalmente publicado en 1831), por encargo de Ambroise Vollard.

Los trece aguafuertes originales realizados por Picasso en 1931 a propósito del texto de Balzac fueron finalmente editados por Ambroise Vollard en una carpeta. El relato de Balzac se sitúa en el siglo XVII y tiene como escenario el estudio parisino de un anciano artista llamado Frenhofer. Su tema es la obsesión del pintor que trabaja secretamente en un cuadro que lleva años intentando terminar. Cuando finalmente dos artistas admiradores del pintor logran ver la obra, solo encuentran una intrincada masa de brochazos y capas de pintura, del que apenas si sobresale un pie: la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aún del arte más sublime.

El cuento fascinó a Picasso, quien se identificó con Frenhofer –el genio frustrado que crea obras maestras tan adelantadas a su tiempo que nadie las entiende–, y aprovechó el encargo de Vollard para homenajear el acto de creación. Las obras, por eso, no son estrictamente ilustraciones exactas del cuento de Balzac, sino el resultado de las divagaciones de Picasso sobre el tema del artista creador y sobre la relación íntima entre el artista y su modelo. Es a este último asunto al que dedica la mayor parte de las obras de la serie Le Chef d’oeuvre inconnu.

UN HOMENAJE A LEO CASTELLI

29 de julio al 3 de septiembre. Fundación Juan March. Madrid.
Lunes a viernes, de 11 horas a 20 horas.
Sábados, de 10 a 14 horas.
Domingos, cerrado.

Leo Castelli (Trieste, Italia, 1907 – Nueva York, 1999) fue un destacado galerista y marchante de arte. Su galería neoyorkina supuso la referencia más destacada de las vanguardias contemporáneas (surrealismo, expresionismo abstracto, Pop Art, Minimal Art, etc.) durante cinco décadas. Con motivo de su 90 cumpleaños, su hijo Jean-Christophe Castelli decidió hacerle un regalo especial: un portfolio de nueve grabados realizados por nueve artistas vinculados a la historia de la galería: Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Richard Serra, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Edward Ruscha y Bruce Nauman.

La edición se limitó a 90 ejemplares. A su padre regaló el primero y el último de los ejemplares, y el resto los donó a distintos museos e instituciones relacionados con su padre y con la galería Leo Castelli. A la Fundación Juan March tuvo la generosidad de donar el portfolio número 82/90.

La Fundación Juan March ha tenido durante muchos años una estrecha relación con Leo Castelli y su galería, que ha colaborado con numerosos préstamos para exposiciones temporales. La Fundación presentó en Madrid en 1988 la exposición Colección Leo Castelli, una cuidada selección de 60 obras de de la colección de su galería.

Los nueve grabados (que se exhiben con un texto-colofón y una fotografía de Leo Castelli con su hijo Jean-Christophe, entre otros materiales documentales) son de: Jasper Johns (1930), Ellsworth Kelly (1923), Joseph Kosuth (1945), Roy Lichtenstein (1923 - 1997), Bruce Nauman (1941), Robert Rauschenberg (1925 - 2008), James Rosenquist (1933), Richard Serra (1939), y Edward Ruscha (1937).

Crece el turismo en Buenos Aires

21/06/2011, En marzo se hospedaron 180.982 turistas nacionales en establecimientos hoteleros de la Ciudad de Buenos Aires, un 13% por encima de los valores registrados en marzo de 2010 y un 26,5% más que en marzo de 2009.

Buenos Aires, Argentina, junio 2011
El turismo en la Ciudad de Buenos Aires sigue en crecimiento. Durante el primer trimestre de 2011 ha continuado la tendencia positiva mostrada desde hace más de un año, con las principales variables turísticas en alza.

Los aumentos de turistas nacionales e internacionales en la Ciudad son factores que dan cuenta de la favorable situación del sector en este año. En particular, en el mes de marzo de 2011 llegaron 237.501 turistas extranjeros al Aeropuerto Internacional de Ezeiza y al Aeroparque Jorge Newbery, lo que implica un crecimiento interanual del 16,5% con respecto a marzo de 2010.

En total se registraron 730.902 turistas extranjeros durante el primer trimestre de 2011, lo que representó un aumento del 13,4% con respecto al mismo período del año anterior. El gasto total en el primer trimestre de 2011 fue de U$S 951.772.493, un 6,1% más que en el primer trimestre de 2010. Además, durante marzo de 2011, se destacó la llegada de turistas de Brasil con 71.027 arribos, un 59,4% por encima de marzo de 2010, así como la llegada de turistas de Chile (17.968 arribos), un 50% por encima de marzo del 2010.

Por otra parte, en el mes de marzo de 2011 se alojaron en establecimientos hoteleros y parahoteleros de la Ciudad de Buenos Aires 423.374 turistas extranjeros y nacionales, un 16,6% por encima de marzo de 2010. Del total, el 57% fueron turistas internacionales y el 43% restante correspondió a turistas residentes en el país.

El turismo interno continuó creciendo durante los primeros meses del 2011. En marzo se hospedaron en establecimientos hoteleros y para-hoteleros de la Ciudad 180.982 turistas nacionales, un 13% por encima de los valores registrados en marzo de 2010 y un 26,5% más que en marzo de 2009.

Además, hubo 420.526 pernoctes de turistas nacionales en hoteles y para-hoteles, lo que representa el 42% del total de las pernoctaciones en marzo de 2011 en la Ciudad.

Por otro lado, se registró un aumento del 7% de las compras de los turistas extranjeros a través del Tax Free Shopping en abril de 2011 con respecto a abril de 2010. Los principales aumentos se registraron en los mercados de Paraguay (118%), Venezuela (103%) y Perú (85%).

Además, en abril de 2011 con respecto a abril de 2010, se observó una mejora del 13,55% de la competitividad vía precios con respecto al mercado brasileño. Frente a Chile, la mejora fue del 9,61%, mientras que frente a la Zona Euro, Uruguay y México, se registraron subas del 7,30%, 6,07% y 3,84% respectivamente. Con respecto a EE. UU. se observó una caída del 1,1%.

Una exposición para la ética

21/06/2011, La exposición Ética mundial, se presenta en Bogotá, organizada por la Fundación Ética Mundial Colombia y Banco de la República, del 21 de junio al 11 de agosto, en la Sala de Exposiciones Bibliográficas de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Bogotá, junio de 2011.

La gran revolución de nuestro tiempo, la que acabará con la desigualdad, las guerras, el desastre ambiental y el abuso de poder en todo el mundo, consistirá, según Hans Küng, presidente de la Fundación Ética Mundial, en cambiar la conciencia de las personas. Sus postulados, que recogen los valores comunes en todas las culturas y religiones del mundo, serán el tema central de la exposición Ética Mundial, un proyecto multimedia que entre videos, fotografías, libros, folletos, conferencias y talleres, brindará a sus visitantes saberes prácticos que contribuyan al desarrollo y a la paz, al tiempo que promuevan la dignidad humana y el cuidado del planeta.

La Declaración de una ética mundial, que promulgó el Parlamento de las religiones del mundo de Chicago en 1993, compila, además de la declaración de los derechos humanos, las investigaciones que Hans Küng llevó a cabo durante 40 años en los cinco continentes. Sus conclusiones, recogidas en siete libros de ética, se conciben como una guía práctica para la reflexividad, la autorregulación y la convivencia de los seres humanos y las culturas del mundo, a modo de una ‘ética mundial’, compartida por todos.

Aunque existen –y han existido históricamente- diferencias culturales entre personas y pueblos, el estudio de la ética posibilita la construcción de puentes entre paradigmas disímiles. Para Küng existen dos principios humanistas comunes en todas las corrientes religiosas y filosóficas del mundo: el de reciprocidad, al que él denomina la regla de oro, que indica haz a los demás lo que desees para ti mismo y el del respeto por el otro o “toda persona debe y quiere ser tratada humanamente”.

La exposición Ética Mundial en la Biblioteca Luis Ángel Arango, intentará hacer de los valores inscritos en la ética universal, saberes prácticos aplicables a la vida cotidiana y a todas las esferas de la sociedad: desde la política y la economía hasta la ecología y la comunicación.

Como apoyo a la exposición, semanalmente se programarán talleres y conferencias dirigidas a público general. La primera conferencia, ‘Re-Imaginar el Mundo con ética’, se realizará el jueves 23 de junio y estará dirigida por Carlos Paz, director de la Fundación Ética Mundial Colombia.

Fundación Ética Mundial

Para difundir los postulados de Hans Küng, en 1993 se creó la Fundación Weltethos -en español Fundación Ética Mundial- con capítulos en países de Europa y América que coordinan y articulan proyectos de integración y transformación en el planeta.

Entre sus estrategias de difusión está la publicación del libro Ética Mundial a modo de fascículos coleccionables. En Colombia se realizó con el apoyo de El Tiempo y en unas semanas estará en Internet gracias a una alianza estratégica con Microsoft.

La exposición Ética Mundial, que exhibirá la Biblioteca Luis Ángel Arango, itineró anteriormente por las principales capitales de Europa incluidas París, Berlín, Frankfurt, Zurich y Barcelona, entre otras. Bogotá será su primer destino en América como parte de una gira que incluirá Nueva York, Ciudad de México y Santiago de Chile.

Éxito de la muestra sobre Teotihuacan

20/06/2011, Más de 100.000 personas han visitado la exposición de tesoros arqueológicos de Teotihuacan en CaixaForum Barcelona, exposición que se verá ahora en Madrid.

Barcelona, junio de 2011.

La exposición Teotihuacan, Ciudad de los Dioses, cerró sus puertas el 19 de junio. Pocos días antes había superado las 100.000 visitas. Esto significa que desde que se inauguró la exposición, el pasado mes de abril, una media de más de 1.300 personas la han visitado diariamente.

Teotihuacan, Ciudad de los Dioses, es la más completa muestra que se haya hecho sobre la cultura teotihuacana, con 400 piezas entre las que se encuentran algunas de las obras maestras que se han encontrado en esta ciudad prehispánica durante un siglo de excavaciones arqueológicas.

Teotihuacan fue durante ochocientos años (del siglo II a. C. al siglo VII d. C.) el centro cultural, político y religioso de una potente civilización. Situada a cuarenta y cinco kilómetros de Ciudad de México, llegó a ser la sexta ciudad más grande del mundo en su tiempo y hoy es una de las grandes maravillas arqueológicas, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Los visitantes han podido descubrir esta gran ciudad a través de algunos de los aspectos más notables de su cultura: ideología, poder, arte, sociedad, religión, guerra, tradiciones, vida cotidiana y, por supuesto, la influencia que dejó la civilización teotihuacana en las diferentes culturas prehispánicas.

La muestra, organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México en colaboración con la Obra Social "la Caixa", llegó a CaixaForum Barcelona enmarcada en una itineración internacional que previamente la había llevado, entre otras ciudades europeas, a París, Berlín y Roma. Ahora, la muestra se trasladará a Madrid, donde se podrá visitar en CaixaForum Madrid a partir del próximo 27 de julio.

Anish Kapoor en el Guggen

20/06/2011, El Museo Guggenheim Bilbao adquiere la escultura El gran árbol y el ojo de Anish Kapoor y ha programado ya el ejercicio 2012

Bilbao, junio de 2011

El Patronato de la Fundación del Museo Guggenheim Bilbao ha celebrado hoy su primera sesión del año 2011, bajo la presidencia del Lehendakari, Patxi López, y con la asistencia de los directores de los Museos Guggenheim de Nueva York y Bilbao, Richard Armstrong y Juan Ignacio Vidarte, además de representantes de las instituciones, empresas y entidades que forman parte del máximo órgano de gobierno de la Fundación.

En esta reunión, además de aprobarse las cuentas del ejercicio 2010, el Patronato ha revisado la Programación artística preliminar para el año 2012, que incluye seis exposiciones temporales y una presentación de la Colección Permanente.

El Museo acogerá a principios de año una selección de las obras más significativas de las colecciones de la Fundación “la Caixa” y de la Fundación MACBA, unidas en 2010 y compuestas por 4.450 obras enmarcadas en el ámbito del arte contemporáneo. Un recorrido, por un lado, por el panorama artístico internacional de la década de 1980, especialmente el arte alemán y norteamericano —una de las líneas básicas de la Colección de la Fundación “la Caixa”— y, por otro, por propuestas que incorporan sonido, imagen y luz como materiales de creación prioritarios -uno de los ejes fundamentales de la Colección de la Fundación MACBA.

En primavera se inaugurará David Hockney: El cuadro más grande; un conjunto de obras recientes del artista británico, inspiradas en el paisaje del este de Yorkshire. Aproximadamente 150 trabajos, la mayoría de gran formato y realizados en los últimos seis años, que se expondrán junto con una selección de piezas creadas entre 1956 y 2000.

En el mismo periodo está prevista la apertura de Pierre Bonnard, una muestra que acercará al visitante al universo maravilloso de esta destacada figura del arte europeo. Por medio de sesenta obras, provenientes de museos y colecciones internacionales, la exposición explora la evolución de la trayectoria del artista desde sus inicios, a finales del siglo XIX, hasta llegar a su obra tardía de la década de los cuarenta del siglo pasado, pasando por su período influenciado por el Simbolismo y el Impresionismo.

En otoño el Museo albergará dos exposiciones temporales más: Bauhaus: arte como vida, un recorrido por la interdisciplinaridad y modernidad de este laboratorio de ideas que marcó un punto de inflexión en la historia del arte; y Claes Oldenburg, una antológica centrada en la obra los años 60 y 70 de este artista.

Entre el cielo y la tierra, una muestra que presenta la obra de madurez de la artista Cristina García Rodero, se inaugurará en el inicio del periodo estival. Un centenar de fotografías, entre las más representativas de los últimos veinte años de trayectoria, mostrarán la evolución de su carrera.

En relación a la Colección Permanente, Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao III será la tercera muestra de un ciclo de exposiciones programado para los años 2009 a 2012 en torno a los fondos de la Colección del Guggenheim Bilbao, que se presentará en el mes de septiembre. En esta ocasión la exposición profundiza en el debate artístico de las décadas de 1980 y 1990 por una generación de artistas europeos y americanos que iniciaron su trayectoria a finales de los años setenta.

Adquisición El gran árbol y el ojo

Previa a la sesión del Patronato también se ha celebrado una reunión de la Sociedad Tenedora Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Bilbao en la cual se ha aprobado la adquisición de la escultura El gran árbol y el ojo (Tall Tree &The Eye) 2009, de Anish Kapoor.

El gran árbol y el ojo fue instalada en uno de los estanques del Museo como parte de la retrospectiva que la institución dedicó al artista en 2010. Compuesta por ochenta esferas de acero inoxidable reflectante, colocadas de forma cuasi aleatoria, en un equilibrio sorprendente, e instaladas sobre tres ejes, la escultura genera un juego de reflejos donde la compleja utilización de la luz y las sombras, del volumen y del espacio, hacen pensar en la inestabilidad del mundo visible; el tiempo y el espacio se suspenden y alteran.

A pesar de ser una escultura de grandes dimensiones y cuya estructura es matemáticamente compleja, se presenta como algo ingrávido y efímero. El reflejo del edificio y el tránsito de la gente provocan imágenes que se deslizan por las redondeadas superficies pulidas que, a su vez, parecen expresar la naturaleza fugaz de la apariencia de las cosas.

La obra, creada en acero inoxidable, ha sido adquirida por un precio de 3.500.000 euros. En los próximos meses, aprovechando que el Museo va a desmontar la escultura con el fin de sustituir y reforzar el pedestal para su instalación permanente en el estanque junto a la Ría, el artista llevará a cabo un tratamiento que garantice su perfecta conservación, dadas las condiciones medioambientales en las que va a ser expuesta.

La incorporación de esta pieza a la Colección amplía los parámetros geográficos de los fondos artísticos del Museo más allá del ámbito norteamericano y europeo, y profundiza en la relación de las esculturas contemporáneas con el observador y con las arquitecturas o los espacios en los que se ubican.

Anish Kapoor

Anish Kapoor (Bombay, 1954), reside y trabaja en Londres, ciudad en la que se formó académicamente. Comienza a ser internacionalmente reconocido junto a un grupo de artistas que vinieron a renovar la escultura contemporánea en Inglaterra a partir de los años ochenta. Su obra aúna lo novedoso, la investigación sobre la materia, la forma y la abstracción. En 1990 representó al Reino Unido en la 44 Bienal de Venecia y fue galardonado con el Premio Duemila al mejor artista joven. Al año siguiente obtuvo el prestigioso premio Turner.

Durante los últimos treinta años Anish Kapoor se ha forjado una reputación como uno de los artistas más importantes de su generación. Sus exploraciones, en constante evolución, acerca de la forma y del espacio, y su empleo del color y de los materiales han ampliado, de manera significativa, las posibilidades de la escultura contemporánea. Contraste de masa y vacío, de generación y destrucción, de proceso e impermanencia, las esculturas, instalaciones y proyectos de arte público de Kapoor presentan lugares de encuentro que contienen la inestabilidad del mundo de lo visible.

Kapoor ha trabajado desde los años setenta en diferentes materiales: táctiles, reflectantes, pigmento puro, cera roja, fibra de vidrio, piedra, acero pulido y, más recientemente, cemento. La intervención en el espacio público es una de sus facetas más importantes y quizá su obra más popular y reconocida por el gran público. Su pieza situada en el Millennium Park de Chicago Puerta a las nubes (Cloud Gate ) o Espejo del cielo (Sky Mirror ), cuya exposición se pudo contemplar en el Rockefeller Center de Nueva York en 2007, son ejemplos del interés de Kapoor por crear una escultura de magnitud colosal y urbana. Más recientemente, Kapoor fue seleccionado para diseñar una escultura monumental como celebración de los Juegos Olímpicos a celebrar en Londres en 2012. El gran árbol y el ojo se engloba en esta categoría de obra concebida para un espacio público.

Nuevo Patrimonio Mundial

20/06/2011, Comenzó en París la 35 reunión del Comité del Patrimonio Mundial que tratará sobre la inclusión de 37 nuevos sitios Patrimonio Mundial de la UNESCO

París, junio de 2011

La reunión se prolongará hasta el 29 de junio, y en su apertura, la presidenta dedel comité, Mai bint Muhammad Al Khalifa, ministra de Cultura del Reino de Bahrein, aseguró que “el futuro de la Convención es esencial […] para mantener los esfuerzos llevados a cabo durante casi 40 años de protección del patrimonio de la humanidad”.

La Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, dijo que “En un mundo de cambios, el Patrimonio Mundial es un recuerdo de todo lo que une a la humanidad (…) es también un recuerdo de los lazos entre la cultura, la naturaleza y las sociedades”.

Davidson L. Hepburn, presidente de la Conferencia General de la UNESCO y Eleonora Valentinova Mitrofanova, presidenta del Consejo Ejecutivo de la Organización, subrayaron la importancia de la protección del Patrimonio Mundial para la UNESCO y la comunidad internacional.

El Comité del Patrimonio Mundial examinará estos días el estado de conservación de 169 sitios del patrimonio mundial, incluidos los 34 que forman parte de la Lista del Patrimonio Mundial en peligro. También examinará 37 nuevas candidaturas, que son:

Sitios naturales:

Bosques antiguos de hayas alemanes (Alemania), extensión de los sitios de Bosques primarios de hayas de los Cárpatos de Eslovaquia y Ucrania.

Costa de Ningaloo (Australia).

Parque Nacional de Pendjari (Benin), extensión del Parque Nacional de la W del Níger.

Reserva trinacional de Sangha (Camerún, Congo y República Centroafricana).

Parque Nacional de Wudalianchi (China).

Montes Ghats Occidentales (India).

Zona protegida de Harra (República Islámica del Irán).

Islas Ogasawara (Japón).

Sistema lacustre del Gran Valle del Rift (Kenya).

Reinscripción, en función de nuevos criterios, del Parque Nacional de Phong Nha–Ke Bang (Viet Nam), ya inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial.

Sitios mixtos:

Parque Nacional de las Montañas Azules y del macizo de John Crow (Jamaica).

Zona Protegida del Uadi Rum (Jordania).

Delta del Salum (Senegal).  

Sitios culturales:

Fábrica Fagus de Alfeld (Alemania).

La obra arquitectónica de Le Corbusier, notable contribución al Movimiento Moderno (Alemania, Argentina, Bélgica, Francia, Japón y Suiza).

Palafitos prehistóricos en torno al macizo de los Alpes (Alemania, Austria, Eslovenia, Francia, Italia y Suiza).

Pearling, testigo de una economía isleña (Bahrein).

Bridgetown y el área histórica de Garrison (Barbados).

Paisaje cultural del Lago del Oeste de Hangzhou (China).

Paisaje cultural cafetalero (Colombia).

Sitios culturales de Al Ain: Hafit, Hili, Bidaa Bint Saud y zonas de los oasis (Emiratos Árabes Unidos).

Paisaje cultural de la Serra de Tramuntana (España).

Paisaje cultural de Konso (Etiopía).

Mesetas calcáreas y macizo de los Cévennes (Francia).

El jardín persa (República Islámica del Irán).

Puerta con triple arco de Dan (Israel).

Centros de poder de los longobardos en Italia –568-774 d.C– (Italia).

Hiraizumi – Templos, jardines y sitios arqueológicos representativos de la Tierra Pura budista (Japón).

Fuerte Jesús de Mombasa (Kenya).

Sitios de monedas de piedra yapesas en Palau y Yap (Micronesia / Palau).

Conjuntos de petroglifos del Altai mongol (Mongolia).

Catedral de León (Nicaragua).

Sitios arqueológicos de la isla de Meroe (Sudán).

Aldeas antiguas del norte de Siria (República Árabe Siria).

Mezquita de Selimiye y su complejo social (Turquía).

Residencia de los metropolitanos de Bucovina y Dalmacia (Ucrania).

Ciudadela de la dinastía Ho (Viet Nam).

El Comité del Patrimonio Mundial, órgano encargado de aplicar la Convención de 1972, está integrado por representantes de 21 países elegidos por los Estados Partes en dicha convención, que desempeñan un mandato de cuatro años de duración. Cada año el Comité añade nuevos sitios a la Lista del Patrimonio Mundial.

El Comité del Patrimonio Mundial tiene también por misión examinar informes sobre el estado de conservación de los sitios inscritos y pedir a los Estados Partes que adopten las medidas de conservación y protección que se impongan. Asimismo, el Comité supervisa la asignación de subvenciones del Fondo del Patrimonio Mundial, cuyo importe asciende a más de cuatro millones de dólares anuales. Esas subvenciones se destinan principalmente a las intervenciones de emergencia, la formación de expertos y el fomento de la cooperación técnica. Las funciones de la Secretaría del Comité del Patrimonio Mundial son ejercidas por el Centro del Patrimonio Mundial de la UNESCO.  

Hasta la fecha, la Lista del Patrimonio Mundial comprende 911 sitios de “valor universal excepcional” ubicados en 151 Estados Partes y repartidos así: 704 sitios culturales, 180 naturales y 27 mixtos. La Convención del Patrimonio Mundial ha sido ratificada por 187 Estados Partes.

Aprendiendo a través del arte 2011

15/06/2011, 196 escolares de nueve centros educativos del País Vasco, han desarrollado originales y creativas obras de arte que se expondrán en el Museo Guggenheim de Bilbao.

El programa "Aprendiendo a través del arte 2011", que este año celebra su decimocuarta edición en el Museo Guggenheim Bilbao, acoge en la sala 103B del Museo los trabajos artísticos de 196 escolares de nueve centros de la Comunidad Autónoma Vasca. Los pequeños artistas, con edades comprendidas entre los 6 y 12 años, podrán ver sus obras expuestas hasta el próximo 28 de agosto de 2011.

Niños y niñas han trabajado junto a los profesores de los centros participantes para diseñar y dinamizar los talleres en los que los pequeños han desarrollado inesperadas y personales propuestas artísticas. En total, nueve proyectos, llenos de creatividad e ilusión, cuyo resultado culmina en esta exposición donde se muestran obras irrepetibles y verdaderamente originales.

Desde su puesta en marcha en el año 1998, 2.140 escolares, 28 artistas, 149 profesores de Educación Primaria y 103 centros de todo el País Vasco, han colaborado con los Educadores del Museo Guggenheim Bilbao, en el desarrollo del programa "Aprendiendo a través del arte". El objetivo: reforzar el currículo escolar a través de actividades artísticas que enseñan al niño a mirar el mundo de una forma creativa y personal, y a asimilar valores como el trabajo en equipo, la convivencia con otras culturas o el respeto al medioambiente.

Muestras en el Museo Leopold

15/06/2011, Con motivo de su décimo aniversario, el Museo Leopold, situado en el Museumsquartier (Barrio de los Museos) de Viena, presenta dos nuevas exposiciones: "Egon Schiele: Melancolía y provocación" y "The Excitement Continues".

Viena, Junio de 2011

"Egon Schiele: Melancolía y provocación", a partir del 22.9.2011
El Museo Leopold muestra una nueva presentación de las obras maestras del artista Egon Schiele, todas ellas propiedad de la colección Leopold. La muestra "Egon Schiele: Melancolía y provocación" reúne la colección más importante de obras del modernismo clásico austriaco y la más destacada colección de Schiele, artista venerado por el coleccionista Rudolf Leopold y su esposa Elisabeth. La figura de Egon Schiele y sus obras son hoy reconocidas mundialmente gracias a la labor de Rudolf Leopold.

"The Excitement continues", a partir del 14.10.2011
La segunda gran exposición del Museo Leopold continúa con su labor por dar a conocer la amplia colección Leopold y su importancia clave para el arte austriaco. "The Excitement Continues" muestra de esta manera una selección de arte austriaco e internacional de los años posteriores a 1945, con obras que Rudolf Leopold incluyó en la fundación creada en 1994.

Además se podrán ver por primera vez en público numerosas obras pertenecientes a la colección privada de la familia Leopold, que está en continua ampliación. Durante casi 60 años, Leopold fue adquiriendo, entre otros, pinturas y dibujos de Egon Schiele, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Rischard Gerstl o Alfred Kubin, además de otros lienzos posteriores a 1918, como los de Albin Egger-Lienz, Herbert Boeckl o Anton Kolig, y finalmente también ingresó en la colección el arte austriaco del siglo XIX con Ferdinand Georg Waldmüller, Friedrich Gauermann y Anton Romako.

Leopold Museum.org
Museumsplatz 1, MuseumsQuartier, 1070 Viena

La creadora Elena Asins en el Reina Sofía

15/06/2011, El Museo Reina Sofía presenta la exposición más completa realizada hasta la fecha de la artista madrileña Elena Asins, una de las destacadas del arte por ordenador en España.

Elena Asins es una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España, además de una de las principales representantes del arte conceptual español. Su obra reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información de la década de los sesenta. Su nombre está ligado a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Todos sus trabajos, realizados en un amplio abanico de formatos y medios (desde la poesía concreta al vídeo, pasando por el dibujo, la escultura o la instalación), se caracterizan siempre por el rigor compositivo y la depuración formal.

La investigación y el análisis del lenguaje plástico como sistema y proceso, es una de las líneas de trabajo más importantes de su carrera. Sus obras pueden entenderse como metáforas visuales que contienen siempre aquello que no es inteligible y que permanece como paréntesis o silencio en la teoría estructuralista.

En la muestra podrán verse trabajos de los años sesenta, sus proyectos más recientes y numerosas obras que no habían sido mostradas al público con anterioridad.

Asins, atravesando el arte óptico y el minimalismo, demuestra cómo su producción artística hace visibles una de las certidumbres más obsesionantes del campo de las matemáticas: la teoría de Rampsey, según la cual en el universo el desorden completo es una imposibilidad fehaciente. Asins plantea de forma similar la dimensión semiótica, que estudió en la Universidad de Columbia con Noam Chomsky, en la que, partiendo de un planteamiento neocartesiano sobre la gramática universal, restringe la variabilidad lingíística al uso de conceptos globales.

Fechas: 15 de junio - 31 de octubre de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Organización: Museo Reina Sofía

La magia en la BNE

15/06/2011, La Biblioteca Nacional de España expone, por primera vez en su tricentenaria historia, sus libros sobre la literatura impresa del mundo de la magia, el ilusionismo y la prestidigitación.

Madrid, 15 de junio de 2011
La Biblioteca Nacional de España acoge La Magia en la BNE, una muestra que abarca tanto la evolución, como las diferentes ramas y contenidos propios relacionados con el ilusionismo.

Un fascinante trayecto cronológico y temático, a través del centenar de obras reunidas procedentes en su mayoría de los fondos de la BNE y de la Colección Amieva, nos conduce hacia el conocimiento de ciencias afines, como la mnemotecnia o la física recreativa; u otras más distantes, pero fundamentales en las presentaciones y los juegos de los magos, como la cartomancia y el hipnotismo.

La exhibición se divide en catorce temáticas bien diferenciadas: Juegos de sociedad, Mnemotecnia o arte de auxiliar la memoria, Reglas de juegos, repertorios, pragmáticas y leyes, Cartomancia, arte de echar las cartas y adivinación, Recreaciones científicas (físicas, químicas y matemáticas), Magnetismo, hipnotismo y espiritismo, Antología del robo y del timo, Los garitos del juego, Los peligros del juego, Secretos de la naturaleza y catálogos de tiendas, Biografías de magos e historia de la magia, Pablo Minguet. Engaños a ojos vistas y diversión de trabajos mundanos, Desenmascaramiento, Tratados de juegos de manos (folletos), Libros de ilusionismo, magia y prestidigitación (hasta 1900), Libros de ilusionismo, magia y prestidigitación (desde 1900).

Libros antiguos, publicaciones periódicas, grabados, carteles, juegos, audiovisuales y fotografías permiten al visitante hacer un viaje por la historia de la magia, todo ello a través de obras únicamente en español.

La Magia en la BNE
Desde el 15 de junio hasta el 4 de septiembre de 2011.
Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España

El Rin en llamas

14/06/2011, El Rin siempre es un espectáculo, aunque cuando llega el buen tiempo aún adquiere más esplendor con las celebraciones del Rin en llamas.

Coblenza, junio de 2011

Cada año el mayor río de Renania-Palatinado se engalana en 5 noches mágicas, ofreciendo una combinación excepcional para la vista y el oido.

Este año, además, es muy especial, ya que se lleva a cabo en Coblenza la Exposición Nacional de Horticultura (BUGA 2011). El lema de este año para el Rin en Llamas entre Spay/Braubach y Coblenza es “flower power”.

Pétalos y flores serán protagonistas el 13 de agosto en las ocho estaciones de fuegos artificiales a lo largo del trayecto, concluyendo en el Rincón Alemán con el gran show final de fuegos artificiales, que contará con puntos destacados como la lluvia de flores brillantes y un jardín de palmeras parpadeante, acompañados de conocidos acordes de la época “flower power”.

El recorrido comienza en Spay con fuegos artificiales que simbolizan dalias brillantes blancas y plateadas.

Sobre Braubach (al otro lado del río) se iluminarán hortensias; flores de fuego sureñas arderán sobre Rhens, y efectos florales chinos pintarán el cielo nocturno con composiciones de colores intensos en Lahnstein, en la desembocadura del Lahn.

Una lluvia floral en rojos y verdes destellará sobre la cervecería Maximilians Brauwiesen y sobre la cervecería Königsbacher se iluminarán florecientes peonias en verde, rojo y plata: los colores de este establecimiento. La imponente silueta del castillo Stolzenfels relucirá con una lluvia dorada de chispas de crisantemos y más de mil luces de bengala sumergirán la orilla del Rin en un resplandor carmín.

Los pasajeros a bordo de los 74 barcos que navegan en conjunto los 17 kilómetros del tramo Spay – Coblenza podrán disfrutar las ocho estaciones de fuegos artificiales. Pero quien permanezca en tierra, podrá optar entre una vasta y variada oferta de espectaculos: La exposición BUGA pospondrá el horario de cierre, y el teleférico, que comunica el Rincón Alemán con la fortaleza Ehrenbreitstein, funcionará hasta las 22 horas. Luego de finalizar el show final de fuegos artificiales operará nuevamente.

Por primera vez tendrá lugar en el Rincón alemán un concierto de gala con la orquesta filarmónica de Renania “Staatsorchester Rheinische Philharmonie”. Además en las otras localidades también se ofrecerá una variedad de entretenimientos siguiendo el tema “Flower Power”.

Quien el 13 de agosto no pueda asistir al gran acontecimiento , tiene también la posibilidad de disfrutar de otras 3 noches encantadoras en el Rin, ya que los magníficos eventos del “Rin en Llamas” se celebran en cinco oportunidades. La primera del año se desarrolló en el entorno de Bonn, a lo largo del marco natural de las Sieta Montañas, Siebengebirge”.

Las próximas son:

2 de julio la "Noche de la magia del fuego" en Bingen y Rüdesheim

13 de agosto "El Rin en Llamas" entre Braubach y Coblenza

10 de septiembre la "Noche de los mil fuegos" en Oberwesel

17 de septiembre el "Rin en Llamas junto a Loreley" en St. Goar y St. Goarhausen.

Mas no todo gira en torno al Rin durante el verano en Renania-Palatinado. Los amantes del vino no pueden perderse el Festival del Mosela en Winningen (el festival vinícola más antiguo de Alemania) del 26 Agosto al 4 de septiembre. Para los aficionados a la música acid recomendamos "Nature One" la mayor fiesta de música electrónica de Europa que se celebra al aire libre del 5 al 7 de Agosto en la base de Pydna, Hunsrück (junto al aeropuerto Frankfurt-Hahn). Otro evento para tener en cuenta es el Festival histórico del castillo en Manderscheid el 27 y 28 de agosto .

Abre el Cristóbal Balenciaga Museoa

13/06/2011, El modisto Cristóbal Balenciaga Eizaguirre, uno de los mejores diseñadores de todos los tiempos, contará a partir de ahora con un referente ineludible a la hora de explicar su trayectoria vital y profesional.

Hablar de Cristóbal Balenciaga es hablar de MODA con mayúsculas. Su perfección técnica y su capacidad de elevar la alta costura a categoría de obra de arte cautivaron al mundo entero, e hicieron de él un capítulo aparte en la historia de la indumentaria.

Ahora nace el Cristóbal Balenciaga Museoa, con el objeto de promocionar, difundir y potenciar la trascendencia de la persona y obra del genial diseñador, natural de Getaria, y referencia internacional de primera magnitud en la creación artística en general y en el mundo de la moda y la alta costura en particular.

Las Más de 1.200 piezas, únicas y atemporales, que atesora el Cristóbal Balenciaga Museoa hacen que la visita bien merezca la pena, ya que a través de los diseños de Balenciaga es posible conocer las innovadoras técnicas, formas y materiales que utilizó este genio de la moda de la segunda mitad del siglo XX.

Debido a su valor patrimonial incalculable, el museo ha desarrollado un sistema único de almacenaje y conservación, para hacer frente a los daños que las prendas sufren cada vez que se sacan para ser analizadas, mostradas al público o prestadas a otros museos para exposiciones temporales.

Salas climatizadas, sistemas innovadores de almacenaje... todo cuenta a la hora de proteger los fondos del museo, ya que el mínimo roce y el paso del tiempo pueden provocar grandes males a los delicados tejidos, desde deformaciones hasta la pérdida de botones lentejuelas o pedrería.

El Museo Cristóbal Balenciaga cuenta además con una biblioteca donde archivar y clasificar documentación sobre la vida y obra del creador.

Más información sobre moda en:
EstiloyModa.com

Ayuda al ibis eremita

10/06/2011, La última población salvaje viable del ibis eremita reside en el Parque Nacional de Souss-Massa, en las proximidades de la ciudad de Agadir, costa atlántica de Marruecos

Madrid, junio de 2011

Hay algún ejemplar más en Asia (Turquía y Siria) y otros más en el sur de España, donde está tratando de apoyarse su reintroducción.

SEOBirdLife está apoyando a la conservación del ave y ha lanzado una campaña pidiendo apoyo para las inversiones que lleva a cabo en este sentido.

En 2010 había en el Parque Nacional de Souss-Massa y zonas aledañas, en las proximidades de la ciudad de Agadir, costa atlántica de Marruecos, poco más de 100 parejas reproductoras, cifra que ha ido aumentando a un ritmo sostenido gracias a los esfuerzos conjuntos de la administración marroquí y de la comunidad conservacionista internacional desde hace casi 20 años.

Para que el estado de conservación del ibis eremita se mantenga y mejore eventualmente, sigue siendo necesario el apoyo financiero y técnico de la comunidad internacional.

Diversas instituvciones europeas están apoyando el Programa de Conservación del Ibis Eremita en Marruecos, pero SEOBirdLife ha demandado un esfuerzo mayor de cooperación para asegurar la continuidad de las actividades que están permitiendo la lenta recuperación de la población de Marruecos, que constituye el 98% de la población mundial.

La pieza básica de la conservación del ibis sobre el terreno la constituye el equipo de guardianes dedicados exclusivamente a su protección y seguimiento científico, que realiza esta tarea desde hace más de 15 años con muy buenos resultados.

El proyecto de la Sociedad Española de Ornitología (SEO/BirdLife), junto con sus contrapartes locales que son el Alto Comisariado de Aguas y Bosques y Lucha contra la Desertificación del Reino de Marruecos y el Parque Nacional de Souss-Massa, pretende dar continuidad a estas tareas y al apoyo técnico-científico que provee la asociación con el respaldo de la federación internacional de asociaciones ornitológicas: BirdLife International.

El trabajo de este equipo de guardianes, integrado por habitantes del Parque Nacional y alrededores, es coordinado y supervisado por el personal técnico del Parque en colaboración con SEOBirdLife. Gracias a esta labor, la protección sobre el terreno de los ibis está razonablemente garantizada, lo que junto a otros factores se ha traducido en un aumento constante de su población, que ha pasado de 62 parejas reproductoras en 1998 a las 105 actuales (2010), con un total estimado en torno a los 500 individuos.

Los guardianes aportan datos muy valiosos de la actividad de los ibis eremitas, tanto en las colonias reproductoras como en las zonas de alimentación y en los dormideros, que permiten conocer los problemas de la especie en la zona y actuar consecuentemente para su conservación. Además, también contribuyen a sensibilizar a la población sobre la importancia de la presencia de ibis eremitas, incluyendo las posibilidades de desarrollo económico que puede reportar la presencia de una especie tan singular en la zona.

El Parque Nacional de Souss-Massa fue creado en 1991, debido precisamente a la presencia del ibis eremita, y se extiende a lo largo de una estrecha franja de terreno litoral de unos 72 km, en la costa atlántica al sur de Agadir.

Parece que este pájaro, que alcalza 1,3 metros de envergadura y 0,8 de longitud, ha padecido este serio declive por su carácter confiado. En la Edad Media habitaba hasta en Centroeuropa y aún hace escasas décadas anidaba sobre edificaciones en Marruecos.

Más información sobre el tema en el blog del ibis eremita y SEOBirdlife

SWAB 2011

10/06/2011, SWAB, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, celebró su pasada edición 2011 en la ciudad de Barcelona durante los días 26, 27, 28 y 29 de mayo.

Barcelona, junio de 2011
Swab fue fundada en el año 2006 con el objetivo de dar más visibilidad al arte contemporáneo emergente y acercarlo a los ciudadanos, siendo una plataforma para una nueva generación de galerías tanto nacionales como internacionales. Swab también pretende ser un espacio de conocimiento, diálogo e intercambio de impresiones en relación al mercado del arte contemporáneo.

Desde su primera celebración, en el año 2007 (edición en la que participaron 42 galerías de 13 países distintos y se contó con más de 6.000 visitantes), SWAB ha experimentado un crecimiento y una participación cada vez mayor, aportando, de esta manera a la escena cultural de Barcelona, una importante Feria de Arte Contemporáneo.

En su última edición, Swab Barcelona ha contado con 49 galerías de 13 países distintos, y ha añadido a su programa un gran número de novedades dentro y fuera de la Feria.

De esta manera Swab se ha convertido durante 4 días en un espacio de conocimiento, diálogo e intercambio de ideas en relación al mercado del arte contemporáneo.

Arte argentino

07/06/2011, Del 10 de junio al 29 de agosto, en el marco de los festejos por los diez años de Malba, se presenta una selección de más de 100 obras de 60 artistas argentinos, producidas entre fines de los años ochenta y la actualidad

Buenos Aires, junio de 2011.

Las obras presentadas forman parte del patrimonio institucional de Malba.

El objetivo de la exposición es mostrar un panorama completo del arte argentino actual a partir de las obras de la Colección de Malba, que fueron incorporadas al acervo a través del Programa de Adquisiciones y de las donaciones y comodatos confiados al museo, desde su fundación en septiembre de 2001.

En el centro artístico de Buenos aires se exhiben pinturas, dibujos, fotografías, objetos, instalaciones y videos, que dan cuenta de la variedad en la producción visual de las últimas décadas en el país.

La exposición propone un recorrido por la escena artística de los últimos veinte años en la Argentina. Comienza con la generación de artistas del Rojas y del under de Buenos Aires de fines de los 80, como Liliana Maresca, Feliciano Centurión, Gumier Maier, Omar Schiliro, Marcelo Pombo, Sergio Avello y Alberto Goldenstein; continúa con las generaciones marcadas por los espacios de formación que abrieron el Taller de Barracas y la Beca Kuitca desde 1991 hasta hoy, con Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Román Vitali, Marina de Caro, Nicola Costantino, Fernanda Laguna, Marcos López, Cristina Schiavi, Pablo Siquier y Magdalena Jitrik; hasta llegar a la escena más reciente con artistas como Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Diego Bianchi, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol y Matías Duville, entre muchos otros.

El objetivo de la exposición es mostrar un panorama completo del arte argentino actual a partir de las obras de la Colección de Malba, que fueron incorporadas al acervo a través del Programa de Adquisiciones y de las donaciones y comodatos confiados al museo, desde su fundación en septiembre de 2001. “Montar obras adquiridas, recibidas en donación y otras pedidas en comodato no es un simple acto de inventario sino un gesto de propiedad, es la manera de tomar posesión de las piezas y de los objetos artísticos para poder ofrecerle al público la mayor variedad posible de relatos sobre el arte latinoamericano de los últimos cien años”, explica Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba.

En septiembre de 2001, Malba abrió sus puertas con un conjunto de 228 piezas de arte latinoamericano del siglo XX pertenecientes a la Colección Costantini como patrimonio fundacional. Las obras planteaban diversos recorridos por la historia del arte de la región, desde las vanguardias históricas de 1910 hasta las escenas de los años 70 y 80, con trabajos de países como Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia, México, Cuba, Chile y Venezuela.

A su vez, desde sus primeros meses de existencia, el museo se propuso trabajar en la formación de una colección de arte argentino y latinoamericano dedicada a la producción del arte de los 90. “Los artistas y las obras que constituyen el patrimonio de un museo son las marcas que definen su personalidad y su relación con la comunidad. El trabajo curatorial concentrado en la presentación de su colección permanente es por lo tanto el gesto narrativo más poderoso que un museo puede poner en circulación pública”, afirma Marcelo Pacheco.

Tesoros de Polonia

07/06/2011, Del 3 de junio al 4 de septiembre de 2011, en las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid se presenta la muestra “Polonia. Tesoros y Colecciones Artísticas”

Madrid, junio de 2011.

La formación de las grandes colecciones de arte de Polonia se debe a tres actores fundamentales, la primera de ellas la Corona, cuyas colecciones fueron fruto del patronazgo real, de botines de guerra como el Sitio de Viena, donaciones y regalos diplomáticos.

Otro actor de la recopilación artística ha sido la nobleza, que a lo largo del siglo XIX adquirió piezas de indiscutible valor procedentes de distintos puntos de Europa.

Además de ellos, la Iglesia contribuyó de manera decisiva a la formación de la identidad nacional y europea del país y custodia colecciones de gran calidad.  La exposición incluye 190 obras de variada tipología: pintura, escultura, mobiliario, tapices, artes decorativas y suntuarias, monedas y medallas, libros y documentos. Artistas de renombre entre sus filas como Lucas Cranach o Rembrandt y obras producidas en los mejores talleres europeos como los tapices de Bruselas o las armaduras de Alemania e Italia. 

Entre las obras que forman parte de la exposición, se exhibe por primera vez en España La dama del armiño de Leonardo da Vinci. Se trata de un óleo sobre tabla pintado en torno a 1490. Este cuadro, uno de los más célebres del pintor renacentista, representa a Cecilia Gallerani, joven de 17 años amante de Ludovico Sforza “El Moro”, sujetando en sus brazos un armiño. Es uno de los cuatro retratos de mujer pintados por Leonardo, siendo los otros tres la Ginevra de’ Benci (National Gallery, Washington), La Belle Ferronière y La Gioconda (Museo del Louvre, París).

Junto a la calidad artística de la exposición cabe resaltar su valor didáctico, ya que profundiza en aspectos históricos, geográficos y tradicionales de Polonia.

Ana Alberca: Bruselas

02/06/2011, Desde el 4 de junio hasta el 28 de junio se presenta la nueva exposición de la artista española Ana Alberca titulada “Dualidad” en la galería Artpotheek en Bruselas.

Violeta Medina

En esta apuesta, la artista ha usado materiales muy pocos ortodoxos para enfrentar los lienzos.

Este espacio nuevo de la ciudad Belga, dirigido por Ignacio Galilea y Aída Moreno, trabaja conceptos de arte múltiple que incluye desde performance hasta lo más sugerente del arte actual.

Por primera vez esta reconocida grabadora mostrará sus trabajos en óleos. Son 12 lienzos en los que apuesta por prolongar en esta técnica sus líneas, las que normalmente realiza con contundencia directamente sobre planchas de cobre (técnica de punta seca). También se exhibirán piezas escultóricas y dibujos a plumilla en tinta china.

Sus trazos, marcadas por la energía, la fuerza, aparecen en el óleo en una dualidad que como explica Alberca: “se mantiene en todo momento entre polos opuestos: la luz y sus sombras, la sutileza y lo grueso, lo confuso y lo nítido”.

Comenta que para trabajar el óleo no lo ha hecho de la manera tradicional si no que ha usado espátulas, punzones y materiales no típicos en el trabajo de un lienzo. “Casi de todo menos un pincel”. Dice que su apuesta por el óleo es algo que siempre había estado entre sus aspiraciones y que ahora encontró el momento y el impulso para hacerlo.

Estos últimos años su obra ha estado presente en The Affordable Art Fair (AFF) de Milán, Nueva York, Londres y Bruselas. En su curriculum figuran exposiciones individuales en Shangai, en Hong Kong, y colectivas en Frankfurt, entre otros países. Además de las exposiciones dentro de España en ciudades como Madrid, Sevilla, Barcelona y ferias internacionales del grabado como Estampa.

Galería artpotheek Rue Pletinckx, 60 - 1000 Bruxelles http://www.artpotheek.com/

World Press Photo 2011

24/05/2011, El Centro Cultural Moncloa, Madrid, acoge del 2 al 26 de junio la exposición World Press Photo, el certamen de fotoperiodismo más importante del mundo.

La exposición World Press Photo, que cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid, celebra su segundo año consecutivo en Madrid. Esta edición el certamen cuenta con presencia española, pues han sido 3 los fotógrafos de nuestro país que han resultado ganadores en esta edición: Gustavo Cuevas, Guillem Valle y Fernando Moleres.

Por otra parte, la periodista sudafricana Jodi Bieber recibió el premio a la Fotografía del Año por su instantánea de una mujer afgana desfigurada por su marido y la Mención Especial del jurado ha recaído en una serie de 12 fotografías tomadas por los mineros atrapados en la mina de San José, a 700 metros bajo tierra.

En la edición de 2011 han participado 5.691 fotógrafos de 125 países con un total de 108.059 imágenes. Los premios de las 9 categorías del concurso han recaído en 53 fotógrafos de 26 nacionalidades distintas.

El objetivo principal de World Press Photo es apoyar y fomentar el trabajo de los profesionales del fotoperiodismo, el gran número de visitantes de la exposición en cada una de sus ediciones evidencia el poder de la fotografía para superar las fronteras lingíísticas y culturales a través de las imágenes.

Restauración de El Calvario de Rogier van der Weyden

24/05/2011, Patrimonio Nacional y el Museo del Prado colaboran en la restauración de El Calvario de Van der Weyden, obra maestra de la pintura flamenca del siglo XV.

Madrid, mayo de 2011
El convenio de colaboración se llevará a cabo en el marco del programa de restauración del Museo, patrocinado por la Fundación Iberdrola. Gracias a este convenio se podrá realizar el estudio técnico y la restauración, en los talleres del Museo, de El Calvario de Rogier van der Weyden, una de las grandes obras de la prestigiosa colección de pintura flamenca atesorada en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Rogier Van der Weyden (Tournai 1399/1400-Bruselas 1464) fue, junto a Jan van Eyck, el pintor más importante de los Países Bajos durante los años centrales del siglo XV. La maestría de sus composiciones, la elegancia en las actitudes y proporciones de sus figuras, y el profundo dramatismo de sus gestos, son algunas de las características que han consagrado al artista como uno de los grandes maestros de la pintura universal.

Van der Weyden realizó El Calvario probablemente en torno a 1460, cuatro años antes de su muerte, para la Cartuja de Scheut, próxima a Bruselas. La obra entró en las colecciones reales españolas en el año 1556. En un primer momento Felipe II decidió instalar la obra en la capilla del Palacio del Valsaín (cerca de Segovia), antes de su traslado al altar mayor de la Sacristía de su recién creado Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

El estudio y posterior restauración de El Calvario de Weyden será llevada a cabo por el equipo de restauración del Museo del Prado en colaboración con los técnicos de Patrimonio Nacional, para lo cual el Museo pone al servicio del proyecto los medios técnicos y la experiencia adquirida en la restauración de obras sobre tabla en las últimas décadas, incluida la de El Descendimiento, del mismo autor, intervenida en 1993.

De la tres únicas obras de Rogier van der Weyden que han podido ser documentadas en las fuentes historiográficas, España tiene la fortuna de contar con dos, ambas propiedad de Patrimonio Nacional: El Descendimiento de la Cruz (Hacia 1435), en depósito en el Museo Nacional del Prado, y El Calvario (Hacia 1456-1460) del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. La tercera, el Retablo de la Cartuja de Miraflores, que fue regalo del rey Juan II de Castilla a la misma en 1445, se encuentra hoy en la Gemaldegalerie de Berlín.

Paradores: menú 20.11

21/05/2011, Paradores presenta su nueva iniciativa gastronómica de cocina ecológica “tradicional y de siempre” con degustaciones gratuitas en cinco de sus establecimientos

Madrid, mayo de 2011

Para Paradores de Turismo "innovar también es recuperar lo tradicional". Por eso la firma hotelera ha elaborado una propuesta gastronómica para este año basada en la cocina ‘Cercana y de Siempre’. Se trata de los Menús 20.11, que Paradores de Turismo en colaboración con el Ministerio de Medio Ambiente y Medio Rural y Marino acercará al mayor número de personas posible el próximo 25 de mayo en una jornada de puertas abiertas que tendrá lugar en cinco de sus establecimientos.

En cada uno de ellos, los clientes podrán degustar gratuitamente las recetas ‘de todas la vida’ que compondrán los menús de varios paradores y acceder a un pequeño ‘Mercado de Abastos’ en el que se presentarán los productos más típicos y significativos de cada zona.

No faltarán las demostraciones de cocina en directo llevadas a cabo por parte de los restauradores de cada establecimiento y los elementos típicos de un mercado y una granja ‘de los de antes’.

Los escenarios escogidos para las degustaciones serán los paradores de Santiago de Compostela, León, Alcalá de Henares, Málaga Golf y Mérida, que pondrán a disposición del público no sólo sus propios menús sino los que se podrán encontrar durante 2011 en paradores de su entorno.

Así, el Hostal dos Reis Católicos de la capital gallega ofrecerá su Menú 20.11 así como los de los elaborados por los paradores gallegos de Baiona, Cambados, Monforte, Pontevedra, Ribadeo, Santo Estevo, Tui y Vilalba. Por su parte, la cocina del Hostal San Marcos de León ofrecerá platos de otros establecimientos castellano-leoneses como Villafranca del Bierzo, Puebla de Sanabria o Benavente.

Las personas que acudan al parador madrileño de Alcalá de Henares catarán su menú y los de Chinchón y Sigüenza mientras que quienes pasen por Málaga del Golf encontrarán platos de los menús de Málaga Gibralfaro, Nerja, Ronda, Antequera y Mojácar.

El parador de Mérida, por su parte, hará lo propio con recetas elaboradas para los paradores de Cáceres, Guadalupe, Jarandilla, Plasencia, Trujillo y Zafra.

Una gran puesta en escena

‘Cocina cercana y de Siempre’ es el título que resume la filosofía gastronómica de los Menús 20.11 que podrán encontrarse en los 93 paradores de España al precio de 20,11 euros durante todo 2011. Una propuesta que cada uno defenderá a lo largo del año aprovechando las recetas ‘de toda la vida’ elaboradas con productos de temporada, respetuosos con el medio ambiente, ecológicos y en muchos casos, de producción artesanal.

Con esta iniciativa Paradores amplía su oferta gastronómica y continúa con la labor de poner en valor y promocionar la riqueza culinaria de España y sus regiones. Sin duda significa continuar apostando por la tradición, los productos autóctonos, la historia y el patrimonio gastronómico de nuestro país.

Los 93 Paradores se segmentan para ofrecer diversas propuestas

La propuesta de ‘la Cocina cercana y de Siempre’ responde además al ADN de Paradores, siempre preocupado por preservar y actualizar la gastronomía tradicional de las distintas regiones de España. Junto a esta iniciativa, la empresa ha querido dividir sus establecimientos en este 2011 en tres grupos, en función del tipo de gastronomía:

El denominado ‘Parador de Mesa y Camino’ se convierte en un lugar para reponer y seguir en ruta. En él se englobarán los establecimientos que, debido a su situación cerca de la carretera como Benavente, Lerma, Puebla de Sanabria, Tordesillas o Manzanares, son considerados lugares ‘de paso’ para quienes viajan en coche. Por ello ofrecerán además de la cocina de siempre, una gastronomía ligera, de fácil digestión y servicio ágil y rápido.

El más alto nivel de la cocina en su mesa’ lo tendrán los ‘Paradores Gastronómicos’. Serán los que cuenten con una variedad de platos más amplia y cuidada, así como una carta de vinos muy extensa y selecta.

Por último encontramos el ‘Parador Tradicional’ donde se ofrece ‘Nuestra cocina de siempre’. En este bloque se situarían la mayoría de los establecimientos La gastronomía ofrecida aquí es fresca, autóctona, variada y para todo tipo de clientes.

Ángel Marcos y la lagartija

19/05/2011, “Rabo de lagartija” es el título de la muestra que presenta en Artium el fotógrafo Angel Marcos, del 20 de mayo al 4 de septiembre.

Vitoria mayo de 2011

Marcos es un fotógrafo notable, que alcanza un nivel artístico de gran talla en obras en las que falta el ser humano, aunque no su huella. Su antiguo trabajo sobre el Teatro Calderón de Valladolid es emblemático en este sentido, con espacios vacíos que el artista llenó de un espíritu que está más cerca de lo poético de la objetividad.

Tal vez marcado por su origen (Medina del Campo, 1955) la obra de este artista suele mostrar un contraste casi trágico entre la luz y la sombra, al que añade un mensaje a menudo cercano a lo surrealista, logrando unas creaciones cargadas de sugerencias.

El conjunto que ahora presenta en este centro de arte de Vitoria, Rabo de lagartija, reune una serie de trabajos que invitan a realizar una nueva mirada a mundos conocidos.

Según la presentación de Artium, la columna que vertebra el proyecto se basa en la relación de la parte con el todo, que aplicada a la idea de organismo, reformula conceptos como forma, función, identidad, etc., e introduce otros como adaptación, supervivencia, etc., tan utilizados por el modelo de análisis sociológico basado en el medioambiente.

La lagartija es un todo orgánico con funciones determinadas, tanto de funcionamiento interno como de interacción con el medio que habita. En su todo orgánico, una parte del cuerpo, el rabo, está creado a priori para deshacerse de él en caso de necesidad, manteniendo una aparente vida propia, mientras la lagartija se esconde de agresiones externas. El todo (el organismo) propiciará el crecimiento de un nuevo rabo para restaurar una función concreta en un nuevo estado de excitación extrema.

Tomamos la lagartija como ejemplo por la condición de una parte concreta de su organismo: el rabo. La relación de éste con el organismo entero de la lagartija, y cómo este rabo está diseñado a partir de «la planificación» de futuros, representa ya un sentido de anticipación de lo que está por venir. Considerando que las sociedades son sistemas organizados (organismos sociales) a través de instituciones y/o estructuras perfectamente diseñadas para mantener el «todo social», cabe la sospecha de la existencia de herramientas de camuflaje, de escape, que serán utilizadas cuando el sistema se vea amenazado.

Estas herramientas comunes, a veces son burdas, otras, más refinadas, pero muchas veces son reconocibles por obvias. Algunas de ellas son aceptadas, otras, impuestas y las hay que no son tan evidentes y por lo tanto son ignoradas. Estas, las que no se conocen, son los auténticos «rabos de lagartija», herramientas creadas a la vez que el «todo» pero que de alguna forma no «son» parte fundamental de él, al no intervenir en el funcionamiento interno del «organismo», sino que obedecen a un exterior condicional, y por tanto son prescindibles en condiciones de incertidumbre o catástrofe.

La planificación y diseño de esta herramienta estratégica es la matriz conceptual que articula el proyecto, a partir de una serie de vídeos, fotografías, instalaciones y objetos, de reflexiones sobre el poder y el ejercicio de este, así como de lo estratégico como formulación y aplicación en sociedades donde el que detenta el poder quiere seguir ejerciéndolo. Son estas estrategias las que generan rabos de lagartija, tácticas de camuflajes para mantener la vida cuando esta se ve amenazada.

Beuys. El enseñar como arte

19/05/2011, “Joseph Beuys: el enseñar como arte” es una exposición que se presenta en Colombia, del 19 de mayo al 22 de agosto, referida a este autor polivalente, gran innovador en el ámbito de la pedagogía.

Bogotá, mayo de 2011

Para Joseph Beuys ser maestro fue una extensión de su práctica artística. Su trabajo cambió radicalmente el modo de entender la enseñanza del arte, al que propuso como una herramienta de construcción social, cuya práctica lo convirtió en uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Las ideas radicales de Beuys sobre la enseñanza y sus teorías acerca del destacado rol del artista en la sociedad le han ganado la reputación de ser uno de los artistas más significativos y controvertidos del siglo veinte. "Ser docente es mi más importante obra de arte" dijo Beuys en una entrevista en Artforum en 1977. "Lo demás es un desecho, una demostración".

Beuys enseñó oficialmente en la Academia de Arte de Dusseldorf desde 1961 hasta 1972 y alternativamente en proyectos con la Universidad Libre Internacional (1973 Ц 1988), una idea educacional concebida en conjunto con el escritor alemán Heinrich Bцll (1917 Ц 1985). Enseñando descubrió Beuys una plataforma para sus ideas provocativas y utópicas sobre "el arte como capital social" y para abogar por un acercamiento más amplio y democrático al arte, en el que los individuos participan creando nuevos modelos de arte como una "escultura social".

Hasta hoy Beuys representa un desafío a las convenciones académicas jerárquicas, declarando que cualquier persona podía participar en su clases de arte sin los requisitos exigidos, y elogiando el compromiso directo del arte con la vida.

Su convencimiento de que el arte sea un canal inquisitivo y su impulso para inspirar el debate dentro y fuera del salón de clase se refleja en la premisa de la exposición.

La exposición Beuys y más allá Ц El enseñar como arte, exhibirá un centenar de obras sobre papel del reconocido artista alemán, colección del Deutsche Bank, así como una selección de piezas de seis de sus alumnos más destacados.

Al tiempo, presentará un apéndice especial dedicado al artista y maestro colombiano Danilo Dueñas y a cinco de sus estudiantes más sobresalientes. La muestra se presentará entre el 19 de mayo y el 22 de agosto en la Casa Republicana de la Biblioteca Luis Ѕngel Arango.

Danilo Dueñas

Como profesor de diferentes universidades desde 1990, Danilo Dueñas ha combinado el arte y las actividades educativas a lo largo de su carrera. Su poética y su praxis educativa, expresan su determinada decisión de Сrenunciar a la autoridadТ Цun gesto particular de su trabajo artístico- en defensa de la exploración individual de experiencias perceptivas, intelectuales, sensoriales y emocionales. Este capítulo presentará algunas de sus obras y las de sus alumnos: Rosario López, Lucas Ospina, Franóois Bucher, Bernardo Ortiz y Luisa Ungar

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Alexander McQueen en la memoria

19/05/2011, El Museo Metropolitano de Nueva York (MET), rinde un sincero homenaje al genio de la aguja, el diseñador Alexander McQueen, que se suicidó el pasado mes de febrero de 2010.

Nueva York, mayo de 2011
El fallecido creador de moda, que se suicidó a los cuarenta años de edad tras no poder sobrellevar la muerte de su madre, es el protagonista de una muestra que une moda y arte en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Este londinense, de orígenes humildes, comenzó a llamar la atención de la prensa especializada incluso antes de graduarse. Su particular forma de entender la moda, los controvertidos temas en los que se inspiró y un toque un pelín macabro, hicieron que el genio de McQueen mereciese, ya en vida, la admiración de sus colegas de profesión, y los amantes de la moda en general.

Entre algunas de sus "piezas-obras" más polémicas se pueden encontrar complementos con formas orgánicas, prendas carcomidas y destrozadas de manera intencionada... pero sin duda la mayor de las polémicas la protagonizó una chaqueta que el diseñador confeccionó para el Príncipe Carlos de Inglaterra, en cuyo forro interior McQueen introdujo varios mensajes con frases subidas de tono.

La muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 31 de julio de 2011, celebra la contribución del gran diseñador con piezas pertenecientes a las distintas etapas de su vida, desde su paso por la Saint Martins School, su trabajo en Givenchy y hasta su ultimo desfile, que tuvo lugar en febrero de 2010.

Más información sobre moda en:
EstiloyModa.com

Viaje al interior de la Cultura

17/05/2011, Telefónica ha iniciado una nueva edición de “Viaje al interior de la Cultura”, un acercamiento especial a instituciones culturales como la Biblioteca Nacional de España, el Pilar de Zaragoza, el Liceu de Barcelona o el Tealtro Real de Madrid.

Madrid mayo de 2011

La iniciativa abre a los clientes de la entidad, en el corazón de la noche, las puertas de las instituciones más importantes del país, para vivir una cita única y sorprendente con la cultura.

Esta actividad pionera en España comenzó en 2009, y desde entonces, más de 4000 clientes han disfrutado ya de esta experiencia, acercándose a aspectos del arte, la literatura, la música y la ciencia de una forma intensa y especial.

Este año Telefónica puso en marcha el proyecto los días 16 y 17 de mayo en la Casa de América, creando un viaje en el tiempo, para disfrutar de todos los recovecos del Palacio de Linares y conocer las actividades que la Casa de América realiza actualmente como centro de intercambio cultural entre España y Latinoamérica.

En fechas sucesivas, se realizan visitas al Museo Nacional de Ciencias Naturales de la mano de especialistas del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC); se recorrerá la Basílica del Pilar de Zaragoza; se entrará en los ámbitos más desconocidos de la Biblioteca Nacional de España, así como las intancias e interioridades del Teatre del Liceu de Barcelona, y del Teatro Real de Madrid.

En otoño, comenzará la segunda fase, en la cual Telefónica tiene previstas visitas al Palau de les Arts, Museo Nacional del Prado, Real Academia Española, Museo Guggenheim Bilbao y el Museu Nacional d¨Art de Cataluña.

Telefónica desarrolla importante labor como mecenas de museos, entidades de primer orden y fundaciones artísticas, prestando especial atención a las aplicaciones tecnológicas que amplían el alcance y el acceso de la cultura y el patrimonio español a todo el mundo.

Muestras en la Joan Miró

16/05/2011, You are not alone y Joan Miró. L´escala de l´evasió son las próximas exposiciones que se podrán visitar en la Fundación Joan Miró de Barcelona este año 2011.

You are not alone
A través de la particular visión de 14 artistas contemporáneos de alrededor del mundo, You are not alone aporta una mirada innovadora sobre la causa, las consecuencias y el contexto actual del SIDA así como sobre las formas de combatirlo.

Las obras presentadas nos muestran una visión sobre el SIDA desde la perspectiva de diferentes países y continentes, todos conscientes de la enfermedad en mayor o menor medida. Estas reflexiones incitarán al espectador a renovar la mirada sobre la necesidad de un intercambio de conocimientos y experiencias, para combatir esta enfermedad sin miedo y con generosidad.

La Fundación ArtAids invita a nueve artistas reconocidos internacionalmente que habitualmente no tratan sobre el SIDA a crear obras específicamente pensadas para la exposición. Los artistas seleccionados son: Deimantas Narkevicius (Lituania), Latifa Echakhck (Marruecos), Danh Vo (Vietnam), Christodoulos Panayiotou (Chipre), Lorena Zilleruelo (Chile), Lucy y Jorge Orta (Reino Unido y Argentina), Antonio Miralda (España) y Elmgreen & Dragset (Dinamarca y Noruega). Las obras se presentarán con una selección de piezas recientemente incorporadas a la colección ArtAids de David Goldblat (Sud-àfrica), Otto Berchem (Estados Unidos de Amèrica), Sutee Junavichayanont (Tailandia), Araya Rasdjarmrearnsook (Tailandia) y Juul Hondlus (Holanda).

Al final de la exposición se presentarà un espacio de documentación sobre el SIDA y la problemàtica que deriva, concebido por el artista Matthew Darbyshire (Inglaterra).

Esta exposición podrá visitarse del 01/07/2011 al 18/09/2011 en la Fundació Joan Miró.

"Joan Miró. L’escala de l’evasió"
La muestra ha sido organizada por la Tate Modern y la Fundació Joan Miró de Barcelona, donde se podrá ver a partir del próximo mes de octubre de 2011.

"Joan Miró. L’escala de l’evasió" pone de manifiesto el compromiso político del artista a lo largo de su vida. Su sentimiento catalanista y los lazos que Miró mantiene con su tierra son incuestionables. Así lo demuestran las obras que podrán verse en la exposición, que van desde los paisajes de Mont-roig, como por ejemplo La masia (1921-1922), que perteneció a Ernest Hemingway, amigo de Miró, la magistral secuencia Cap de pagès català (1924-1925), hasta la serie escultórica de Ses Majestats (1974) realizada a partir de objetos provenientes del mundo rural.

Las tensiones que llevaron a la Guerra Civíl Española (1936-1939) provocaron las protestas más explícitas de Miró en obras como la serie de Pintures salvatges (1934-1936), o la Natura morta del sabatot (1937). Exiliado a París, Miró diseña para el Bobierno de la República Aidez l’Espagne i El Segador (Pagès català en revolta) (1937), ubicado en el Pabellón Español de la República, muy cercano al Guernica de Picasso.

Respuestas más íntimas y perturbadoras se manifiestan en obras como les Constel·lacions, sèrie desarrollada entre 1940 y 1941, justo después de estallar la Segunda Guerra Mundial.

Durante el régimen franquista, Miró trabajó en España en una especie de exilio interior, mientras en el extranjero se ganaba una reputación como representante le da abstracción de postguerra. Joan Miró. L’escala de l’evasió muestra también obras clave de esta época, entre las cuales destaca el tríptico L’esperança del condemnat a mort (1974). Ya fuese oscureciendo o incluso quemando sus trabajos, como es el caso de Maig 1968 (1968-1973) y la serie de Teles cremades (1974), Miró supo captar la atmósfera de revuelta de finales de los años sesenta e hizo de testimonio del ambiente político con explosiones de pintura, como en el tríptico dels Focs artificials (1974), expresándose siempre de manera radical y pionera.

La exposición Joan Miró. L´escala de l´evasió podrá visitarse en la Fundació Joan Miró a partir del 13/10/2011.

15 años de IKEA en España

16/05/2011, La compañía sueca presenta una exposición homenaje para celebrar su aniversario: "IKEA Diseño Democrático", hasta el 29 de mayo de 2011 en Matadero Madrid.

Madrid, 16 de mayo de 2011
La exposición, organizada por IKEA en colaboración con la Central de Diseño/ DIMAD, parte de la idea de que el diseño tiene que estar al alcance de todos, y no algo que pueda disfrutar tan solo una minoría selecta. Por este motivo, y desde hace ya 15 años, IKEA apuesta por el Diseño Democrático, de calidad, funcionalidad, respetuoso con el medio ambiente y accesible para todo el mundo.

Una serie de objetos de uso cotidiano y que se han convertido en verdaderos iconos de la compañía se exponen en Matadero Madrid, donde además se podrá visitar la muestra paralela "IKEA al Cubo", un proyecto en el que han colaborado 200 alumnos de 10 escuelas de diseño y universidades de Madrid, que han creado espacios únicos utilizando exclusivamente productos de IKEA.

En la muestra se mencionan algunas de las claves del diseño de IKEA (precio, calidad y funcionalidad, transporte inteligente, sostenibilidad, colaboración del cliente...), a través de las cuales la compañía consigue ofrecer productos de calidad a precios pensados para la mayoría.

Más información en:
Matadero Madrid

Archipiélago

10/05/2011, El artista Jerónimo Hagerman presenta Archipiélago, Sistema Modular, Dinámico, Hexagonal de Islas Vegetales en el Centro de Creación Contemporánea Matadero de Madrid.

Madrid, 10 de mayo de 2011,
Jerónimo Hagerman(Ciudad de México, año 1967) presenta a las 19 horas de la tarde del próximo viernes 13 de mayo, su obra "Archipiélago (Sistema modular, dinámico, hexagonal de islas vegetales)", una intervención callejera que invita al visitante a interactuar con el espacio a través de plantas y geometría.

Hagerman crea una obra, a base de 20 hexágonos móviles de tres distintos tamaños colonizados por plantas trepadoras, en la que lo más importante es "lo que sucede cuando la usa la gente" para descansar, socializar o dejar pasar el tiempo.

Sus jardines e instalaciones vegetales en constante transformación sirven al artista como plataforma desde la que explorar las posibilidades de relación personal y emocional con el exterior y con la naturaleza.

Cuándo: Viernes, 13 de mayo, 19 horas.
Dónde: Paseo de la Chopera, 14 Madrid

Yayoi Kusama en España

10/05/2011, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta este mes de mayo la primera retrospectiva dedicada a la artista japonesa Yayoi Kusama en nuestro país.

Madrid, mayo 2011
La exposición, que podrá visitarse en el Reina Sofía desde el 11 de mayo y hasta el 12 de septiembre de 2011, supone la primera oportunidad que tiene el público español de introducirse en una muestra a gran escala de la artista Yayoi Kusama (Matsumoto, Prefectura de Nagano 1929), considerada la artista viva más reconocida de Japón.

Las casi seis décadas de trayectoria de la artista, iniciada en exposiciones individuales con tan solo 23 años en Japón, le llevan a cruzar las fronteras nacionales hasta Nueva York en 1958, ciudad ya reconocida como epicentro artístico mundial.

Durante su estancia en Nueva York, su obra se situá en un territorio cuya excepcionalidad es única, alejándose de las referencias más habituales, y llegando a convertir a la artista en una de las representantes más habituales de un arte pop y feminista.

Ya de vuelta en Japón (1973), Yayoi encarna el trauma del sujeto globalizado, cuya pérdida de raíces le conduce a episódicas crisis psiquiátricas. A este proceso le acompaña la escritura de su novela Manhattan Suicide Addict (1978). Ya en los ochenta y noventa retoma la producción pictórica y escultórica. En la actualidad, Yayoi Kusama continúa trabajando en su estudio de Tokio.

Esta muestra, organizada en colaboración con la Tate Modern de Londres, refleja la profundidad de la trayectoria de Kusama, así como su contemporaneidad, y recorre su fructífera carrera, acercándose a su pensamiento y a los diferentes materiales y técnicas que utiliza para llevar a cabo sus obras.

No solo Goya

09/05/2011, Una selección de las adquisiciones de obra sobre papel (dibujos, estampas y fotografías) realizadas por el Museo del Prado entre los años 1997 y 2010.

Madrid, 09 de mayo del 2011
El Gabinete de dibujos y estampas del Museo del Prado, instalado en el nuevo edificio de Jerónimos proyectado por Rafael Moneo, alberga la colección de dibujos, estampas y fotografías antiguas que el Prado ha reunido desde el año de su creación.

La obra sobre papel requiere, debido a su gran fragilidad, de especiales condiciones de conservación. Por ello, El Museo del Prado mantiene guardados habitualmente estos tesoros en el Gabinete de Dibujos y Estampas, pues su exposición durante un periodo de tiempo largo pone en peligro la conservación de estas obras. Ahora, y gracias a esta muestra temporal, el público podrá admirar por primera vez las obras más singulares adquiridas durante estos años por el museo.

No solo Goya pone de manifiesto que, si bien la obra de Goya ha constituido uno de los ejes de la política de adquisiciones del Museo, ha habido también una serie muy numerosa de obras ingresadas en la colección del Prado de gran importancia artística.

No solo Goya, Adquisiciones para el Gabinete de Dibujos y Estampas del Museo del Prado (1997-2010)
Museo del Prado, Edificio Jerónimos, 5 de mayo - 31 de julio 2011

Arte románico en Portugal

04/05/2011, La Fundación Ramón Areces y el Corte Inglés presentan Un libro y una exposición fotográfica sobre el románico de Portugal.

Lisboa, mayo de 2011

La iniciativa se ha desarrollado para conmemorar el décimo aniversario del centro comercial en el país luso, y con el apoyo de la Fundación Santa María la Real.

Se trata de una muestra referida a los casi trescientos testimonios románicos que se reparten hoy por territorio portugués, y se engloba bajo el título Românica em Portuga.

La inauguración oficial de la exposición y la presentación del libro tienen lugar el 5 de mayo, en el El Corte Inglés de Lisboa. Para la organización de ambas actividades se ha contado con la experiencia de la Fundación Santa María la Real, institución con sede en Aguilar de Campoo (Palencia), que lleva años trabajando en pro del estudio, restauración, conservación y difusión del Patrimonio, especialmente del románico.

“Arte Românica em Portugal” es el título del libro que recoge en 375 páginas una selección de los principales testimonios románicos del país, ilustrados con casi 50 planos y más de 389 fotografías.

La publicación sigue la línea y la experiencia de una colección mucho más amplia, la Enciclopedia del Románico en la Península Ibérica, en la que la Fundación Santa María la Real, a través del Centro de Estudios del Románico, lleva trabajando varias decádas y que ya cuenta con 35 tomos.

Arte Românico em Portugal es, de alguna manera, un adelanto de lo que serán los tomos de la Enciclopedia lusa. El libro, dirigido por el arquitecto y dibujante, José María Pérez, Peridis, incluye un estudio exhaustivo de 20 de los principales testimonios del románico portugués. Además, añade un anexo con fichas de otros tantos vestigios importantes, ordenados alfabéticamente, y un plano despleglable de localización.

Por el momento, se han editado 1200 ejemplares de la obra, que ha sido financiada íntegramente por la Fundación Ramón Areces.

La exposición:

La muestra, titulada O Românico em Portugal sirve de complemento ideal al libro y responde, igualmente, al interés de los promotores por dar a conocer la riqueza patrimonial del país.

Comprende 13 paneles, con un total de 68 fotografías, que recogen algunos de los elementos y detalles más destacados del románico portugués. Los paneles incluyen además textos informativos sobre el románico en general, sus fundamentos estéticos o su plasmación en la Península Ibérica y, más en concreto, en Portugal.

Además, se ha diseñado un catálogo de la exposición, que se repartirá entre el público asistente, y que recoge en 34 páginas, toda la información, así como 28 fotografías y tres planos. La muestra, que podrá visitarse en el Corte Inglés de Lisboa hasta el día 1 de junio, se completa con un vídeo en el que se dan a conocer otras 150 imágenes del románico de Portugal.

La Fundación Santa María la Real es una entidad privada sin ánimo de lucro fundada en 1994 y con sede en el Monasterio Santa María la Real en la localidad palentina de Aguilar de Campoo. La Fundación tiene como misión fundamental promover iniciativas de desarrollo sostenible, basadas en la valorización del patrimonio.

Cecilia Orueta

04/05/2011, Lejos de la crisis, un reportaje fotográfico de Cecilia Orueta, realizado en los años 2009 y 2010 en Rey Bouba, Camerún, se presenta en el auditorio Ciudad de León.

León, mayo de 2011

Bouba es un poblado de 4.000 personas, situado en una zona alejada de los principales puntos y vías comerciales y de desarrollo, en la frontera con el Chad y la República Centroafricana.

Desde hace más de diez años, un médico español, el pediatra Emilio Sastre, ha dedicado sus vacaciones a atender a los niños de Rey Bouba, en unas instalaciones semiabandonadas, sin ayuda de ningún organismo internacional ni ONG.

Con el tiempo, ha creado una Fundación destinada a conseguir que, médicos de diferentes especialidades, puedan llevar a cabo su trabajo en el pequeño hospital que la Fundación acaba de construir.

La Fundación Mayo Rey nació en la ciudad de Burgos en el año 2007, con el objetivo inicial de construir y poner en marcha es centro hospitalario de Rey Bouba, Camerún. La institución se sostiene con aportaciones económicas de personas particulares y alguna subvención de organismos públicos, y ofrece ya a los habitantes de la aldea de Rey Bouba diversas atenciones médicas tales como pediatría, obstetricia, oftalmología, odontología, traumatología y cirugía infantil y general. Todo ello gracias a la colaboración desinteresada de médicos y enfermeros españoles que dedican sus vacaciones anuales a esa labor.

La muestra fotográfica de Cecilia Orueta se puede ver del 2 al 24 de mayo en el Auditorio Ciudad de León y lleva por título “Lejos de la crisis”, una ácida metáfora para presentar a todo un mundo cargado de carencias.

Orueta ha viajado allá para captar en sus imágenes, cargadas de una luz poética, la desolación del poblado y los rostros de quienes allá malviven, trabajan y reciben atención médica.

Diplomada en Conservación y Restauración de Bienes Muebles, Cecilia Orueta trabajó como restauradora de pintura para entidades privadas y públicas de España, Francia y Alemania, utilizando la fotografía cómo herramienta de trabajo para los informes de restauración. Pero, a partir de 204, ha dado el paso a un desarrollo pleno como fotografa, labor que se ha plasmado en publicaciones y exposiciones diversas.

Cataratas Victoria

04/05/2011, El Hotel Royal Livingstone (Cataratas Victoria, Zambia) propone vivir la gran experiencia del descubrimiento de Zambia “desde la perspectiva del agua”.

Zambia, mayo de 2011

En Zambia, el gran protagonista es el río Zambeze: el cuarto río más lago de África, que nace en el nordeste del país y atraviesa Angola, Botswana, Zimbabwe y Mozambique para desembocar tras 2.500 km. en el océano Índico. El propio nombre del país, Zambia, es un homenaje al río Zambeze, considerado el “río de la vida” y que alberga, según los autóctonos, el espíritu Nyami, que asegura pescado y agua para la fauna y los campos de cultivo.

El salto del Zambeze, de más de 100 metros de caída y 2 km. de ancho, crea así el impresionante espectáculo de las Cataratas Victoria, la mayor caída de agua del planeta y una de las grandes maravillas del mundo. La nube de vapor que sube desde las Cataratas a 1.600 m. de altura y que es visible a 40 km. es la magia que rodea al Hotel Royal Livingstone, con aire colonial, a orillas del río, cerca de las Cataratas Victoria.

El hotel, que cumple ahora diez años, tiene un jardín donde se pueden ver cebras, jirafas y monos.

La propuesta del Royal Livingstone es vivir África desde la perspectiva del agua. Comienza por el traslado en taxi acuático, para llegar al hotel, navegando por el río Zambeze, siendo recibidos los invitados en una terraza flotante de teka por el mayordomo personal que les ofrece un masaje de manos como bienvenida.

Otra de las experiencias es la del safari acuático por el río, a bordo de una pequeña embarcación e inmersos en los sonidos de la naturaleza. Los invitados, acompañados por un guía local, observan la vida animal del río. Con los cocodrilos, hipopótamos y una gran variedad de pájaros de colores, así como elefantes, jirafas, antílopes, cebras, facóceros y rinocerontes que atraviesan el río o que van a beber a él.

El verano es la mejor estación para explorar la Isla Livingstone, situada en medio del río Zambeze a la que se accede en pocos minutos en barco desde el hotel. Desde esta ubicación, se admira el escenario de las Cataratas, cerca del “gran salto”. La pequeña isla puede acoger tan solo a 16 personas para tomar un desayuno o el té vespertino.

Para la puesta de sol, se ofrece un crucero a bordo del African Queen. La embarcación lleva a los visitantes por el río, permitiéndoles observar la vida del entorno, con los animales que lo visitan para beber. Esa hora también es atractiva en la terraza flotante.

Los amantes de los deportes más activos pueden vivir experiencias específicas.

Kuoni propone un paquete de viaje que incluye: vuelo de ida y vuelta Johannesburgo/Livingstone, traslado desde/al aeropuerto, dos noches en régimen de AD en el Hotel Royal Livingstonevisita de las cataratas desde Zambia y mini crucero por el río Zambeze (a partir de 764 euros por persona en habitación doble).

Del Sahara a España

04/05/2011, Cuatro alimoches -Duna, Trigo, Vega y Sahel- han sido controlados en su viaje estacional que les lleva del centro de España al Sahara, para volver luego al interior de la Península Ibérica, en primavera.

Madrid, mayo de 2011

Con la colaboración de la Fundación Biodiversidad, WWF puso en marcha en 2010 el espacio en internet www.elviajedelalimoche.com que ha permitido seguir los movimientos de estas cuatro aves a lo largo de un año y aprender sobre el comportamiento de estas rapaces que sufren serios problemas de conservación.

Casi dos meses después de que comenzara su viaje de retorno el primero de los cuatro, el último en partir, Sahel, ha llegado finalmente a su destino final sin problemas.

Con su llegada, la población de las Hoces del Riaza (Segovia) formada por un total de 8 parejas reproductoras (además de otros individuos jóvenes como Sahel), ya se encuentra al completo iniciando poco a poco la fase de cría.

La ruta seguida por las cuatro rapaces, así como las fotografías, vídeos e información sobre el recorrido están al alcance de cualquier internauta en la página web del proyecto www.elviajedelalimoche.com.

En el viaje entre Mauritania y su destino en España, las cuatro aves recorrían una media de unos 200 km. al día.

La ruta, de unos 3.500 km. en total, les ha llevado a atravesar Mauritania y Marruecos de Sur a Norte, pasando por el oeste de Argelia. Una vez sobrevolado el Estrecho de Gibraltar, los alimoches han atravesado la provincia de Cádiz para acercarse por Extremadura hasta la parte oriental de la Sierra de Gredos, cruzando los páramos de Ávila y Segovia hasta alcanzar los roquedos de las Hoces del Riaza, donde crían cada año.

Hace dos años, desde WWF se inició el programa de seguimiento con tecnología satélite de una muestra de alimoches de la población del Parque Natural de las Hoces del Riaza. Su objetivo es detectar casos de envenenamiento en tiempo real, aprender sobre la ruta migratoria de estas aves y contribuir a conocer la ubicación y magnitud de las principales amenazas para ésta y otras especies de aves migratorias.

Parece ser que los principales peligros no se encuentran en la región africana del Sahel donde los alimoches pasan seis meses cada año. Es al sobrevolar la Península Ibérica y en sus propias zonas de nidificación, donde se ven más expuestos a la presencia de cebos envenenados en el campo, las aspas de los aerogeneradores o los tendidos eléctricos mal diseñados.

Especie en retroceso

El alimoche, (Neophron percnopterus) es una especia falconiforme que habita en África, sur de Europa, Oriente Medio y centro y sur de Asia.

En España ocupa todas las cadenas montañosas, y está ausente en Galicia y las zonas mesetarias llanas, así como buena parte de la orilla del Mediterráneo, según la Enciclopedia de las aves de Seo/BirdLife. Está de forma permanente en Baleares y Canarias, y en las otras partes de España suele permanecer en los períodos más cálidos, para invernar en África.

El alimoche está en peligro y sus censos han bajado en las últimas décadas en la Península Ibérica, especialmente por intoxicaciones y cebos envenenados.

Cristina Piffer

29/04/2011, Malba – Fundación Costantini presenta en Buenos Aires, del 29 de abril al 20 de junio, una selección de obras de la artista Cristina Piffer (Buenos Aires, 1953)

Buenos Aires, abril de 2011

Dentro de su programa Contemporáneo, dedicado al arte actual, local y regional, se exhibe una selección de obras de la artista, realizadas entre 1998 y 2011, que repasan su producción artística, abocada a interpelar la trama histórico-política de la Argentina del siglo XIX.

Por primera vez, se exhibe una obra de allí la serie Neocolonial (2011) realizada especialmente para esta exposición.

La artista propone reflexionar acerca de las tensiones que existen entre el discurso oficial y las voces silenciadas de los protagonistas de distintos episodios de la historia argentina del siglo XIX: los enfrentamientos entre unitarios y federales, la organización y constitución del Estado nacional y los procesos de concentración de la propiedad de las tierras productivas, tras el genocidio indígena durante la Conquista del Desierto.

Al mismo tiempo, Piffer cuestiona el sentido que la historia oficial le ha dado a categorías como identidad, patria y nación.

En sus obras, la artista utiliza diversos materiales orgánicos como grasa, carne, vísceras animales y sangre deshidratada en polvo, sellados en placas acrílicas y exhibidos en asépticas mesadas o fijados con pernos y ganchos de acero.

En ese sentido, la materia orgánica opera como una inquietante metáfora de los cuerpos borrados de la historia. "La violencia encarnada (hecha carne) en los cuerpos y en la historia constituye el tema en torno al cual la obra de Cristina Piffer hace friccionar un conjunto de estrategias poéticas y modos de intervención", explica Fernando Davis, comisario de la exposición.

La violencia y la historia

La obra de Piffer insiste en la presencia de la violencia como una constante en la historia argentina. En Perder la cabeza (1998), sobre una superficie de acero exhibe una serie de cortes de carne encofrada y sellada en resina poliéster y acrílico, en cuya superficie la artista grabó los nombres y las fechas de nacimiento y muerte de personajes de la historia argentina pasados a degüello.

La utilización de las piezas de carne se repite en la serie Neocolonial (2011) -producida especialmente para esta exposición- en la que las piezas de grasa y carne encofrada simulan, en su disposición geométrica, un embaldosado en mármol.

En Lonja (2002), Piffer tensiona el dato de la artesanía criolla con la cita elíptica de la violencia. Se trata de una tira de cuero tensada entre dos ganchos, en referencia al proceso artesanal del cuero crudo

Esta artista, en 41 millones de hectáreas (2010), hace referencia al exterminio de la población indígena de la Patagonia durante la Conquista del Desierto. Piffer cubre una mesa con sangre en polvo, a modo de alusión elíptica al genocidio de los pueblos originarios.

La artista también utiliza la sangre en polvo en sus serigrafías sobre vidrio de la serie Las marcas del dinero, donde toma fragmentos de la iconografía del papel moneda de finales del siglo XIX.

En todos los casos, la artista propone reflexionar acerca de la distancia que existe entre lo visible y lo invisible en los relatos históricos locales y en sus reverberaciones Contemporáneas

Cristina Piffer

Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. En 2001 recibió el subsidio a la Creación Artística del Fondo Nacional de las Artes. En 1998 el proyecto La Cruz del Sur, con Hugo Vidal y Claudia Contreras, fue preseleccionado para el Parque de la Memoria. Hacia 2003 participó en un proyecto de arte público en San Juan de Puerto Rico. Al año siguiente fue convocada por First View para el programa de intercambio cultural Diálogos Berlín- Buenos Aires, para realizar una intervención urbana en dicha ciudad.

En 2004 realizó junto a Hugo Vidal la documentación de proyectos y acciones en el Centro de Documentación e Investigación de la Cultura de Izquierdas de Argentina (CeDinCi).

Formó parte de numerosas exposiciones colectivas tales como Cambio Radical: convulsión política y social en el arte argentino desde los años sesenta, Museo Morsbroich, Alemania (2011); Con la sangre en el ojo, Galería Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo (2010); Promoción de julio en septiembre, Centro Cultural de la Cooperación (2010); Las entrañas del arte, Imago, Fundación OSDE (2008); 30 años, 30 artistas, Centro Cultural Recoleta (2006); Entre el silencio y la violencia, Espacio Fundación Telefónica (2004); Entre el silencio y la violencia, Sotheby’s, Nueva York (2003); Últimas tendencias, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2002) y Como carne y uña, junto a Claudia Contreras, en el Centro Cultural Borges (1998).

Participó en la II Bienal de Bahía Blanca (1997), en la III Bienal Iberoamericana de Perú (2002) y en la Bienal de San Pablo-Valencia, Valencia, España (2007).

Obtuvo el premio al Artista del año, Asociación de Críticos de Arte (2002) y el Diploma de Honor, categoría objetos, Premios Konex, (2002), entre otros. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Trenes con sabor a historia

29/04/2011, Feve “desempolva” un tren de época para crear una oferta turística desde su estación modernista, La Concordia, de Bilbao.

Bilbao, abril de 2011

La empresa ferroviaria ofrece durante los fines de semana la posibilidad de viajar en trenes de época hasta puntos de interés próximos a la red por la que discurre el ferrocarril de vía estrecha.

En 2011 serán dos las excursiones que se realizarán: El itinerario turístico de la Historia y el de las Marismas.

La tarifa, cuyo coste es de 59 euros por persona y 29 euros para los menores de 14 años, incluye, además del viaje y la visita a los lugares de interés y centros de interpretación de los respectivos recorridos, la comida en un restaurante de la zona.

La edición 2011 arranca con el convoy denominado “El Histórico” que es en sí mismo una joya ferroviaria y que ha sido objeto de una profunda renovación, tanto exterior como interior para evocar los viajes de época y hacer aún más confortable el viaje.

Itinerario de la Historia

Salidas: sábados de mayo y junio, última quincena de septiembre y primera de octubre. Existe la posibilidad de contratar trenes especiales para grupos cualquier día de la semana.

Recorrido:

9,05 h.- Salida del tren de la estación de La Concordia en Bilbao. Visitas al casco histórico de Espinosa de los Monteros y Medina de Pomar. A continuación, el grupo disfruta de la visita al Alcázar de los Condestables. Posteriormente, el tren llega a la localidad encartada de Balmaseda para degustar la putxera ferroviaria típica en el interior del Museo de boinas La Encartada, recinto que se visita después. Para finalizar, Museo de la Pasión y paseo por el casco histórico de Balmaseda. 20,00 h. Llegada a La Concordia y fin del viaje.

Itinerario de las Marismas

Salidas: domingos de mayo, junio, segunda quincena de septiembre y primera de agosto. Asimismo, existe la posibilidad de contratar trenes especiales para grupos cualquier día de la semana.

Recorrido:

09,15 h.-Salida del tren de la estación de Bilbao. Visitas al molino de mareas de Argoños y puerto de Santoña. A continuación, paseo en barco por el litoral (ría del Asón) y desembarco en Colindres. Después, comida típica cántabra. Para finalizar, visita al Cristo de Limpias y como último destino; Carranza para visitar las Cuevas de Pozalagua. 20,00 h. Llegada a La Concordia y fin del viaje.

Una joya ferroviaria

Uno de los grandes atractivos de estas excursiones es el conjunto de mejoras introducidas en el convoy acondicionado por Feve para estos viajes: Una auténtica joya ferroviaria; “El Histórico”

El primer coche fue construido por Carde y Escoriaza en 1928. Desde su inauguración se utilizó para trasladar a las autoridades de la época hasta que estalló la guerra civil. Más tarde sólo se volvió a utilizar en dos ocasiones; la primera durante la inauguración del tramo Pedernales-Bermeo y la segunda en la inauguración de la electrificación Amorebieta-Bermeo.

El coche se compone de una sala de juntas, una sala de descanso, servicio de bar, baño y una pequeña cocina. Hay dos áreas netamente diferenciadas: una noble enfocada a reuniones, y un área de servicios.

De esta forma se consigue el espacio ideal para pequeños grupos que pretendan un ambiente apropiado para realizar recorridos turísticos. Desde el año 1997 que se restaura, se utiliza para el turismo.

El segundo coche se fabricó en 1965 y prestó servicio en el Principado de Asturias hasta que en 1972 fue convertido en coche salón (instalándose moqueta, mobiliario, cortinas, etc) con motivo de la inauguración del tramo Vegadeo-Luarca. Actualmente, además de utilizarse como coche de autoridades en el Descenso del Sella, es parte de la oferta de Feve para reuniones, negocios, conferencias, viajes turísticos y otros actos para grupos.

El tercer coche se fabricó en 1966 y prestó servicio en Asturias. Fue convertido en coche salón en los talleres de Feve de Asturias, en el año 2008 y dotado de climatización, megafonía, mesa de reuniones para grupos, pantalla para proyecciones y PC, etc. un vehículo versátil para los distintos tipos de viaje que puede realizar.

Además, el tren histórico incorporó en la temporada 2010 mejoras que confieren al conjunto una imagen renovada tanto interior como exteriormente. De hecho, la pintura exterior evoca a los convoyes de principios del siglo pasado. Los trabajos se centraron también en homogeneizar los coches salón. Así, el vehículo que data de 1965 se ha revestido con paneles de madera y una distribución del mobiliario que invita a disfrutar del paisaje.

También se ha mejorado el acceso a los coches tras modificar el sistema de apertura de puertas en todos ellos y suprimir el número de entradas con objeto de ampliar el espacio útil y el confort.

Colombia: fotografía e historia

29/04/2011, Hasta el 30 de mayo se puede visitar en Bogotá la exposición Historia de Colombia a través de la Fotografía 1842-2010, muestra comisariada por el historiador Malcolm Deas.

Bogotá, abril de 2011

La muestra trata sobre la historia contemporánea de Colombia en registros fotográficos. Es la segunda exhibición que se realiza en el continente como parte del proyecto América Latina en la historia contemporánea, promovido por la Fundación Mapfre y el Grupo Santillana, y puede la Casa de Moneda,

A diferencia de otros países de la región, dónde la llegada temprana de la cámara Kodak –barata y portátil- permitió un amplio registro de conflictos coyunturales como la Revolución Mexicana de 1910, el archivo fotográfico de Colombia es escaso. Sin embargo, casi milagrosamente, sobreviven imágenes de la Guerra Civil de 1877, una serie excepcional sobre la guerrilla conservadora de Los Mochuelos e imágenes de las guerras de 1885 y 1895 y la Guerra de los Mil Días. Todas ellas estarán en exhibición.

El curador de la exposición, el historiador británico Malcolm Deas, experto en historia y política colombiana y de Latinoamérica, seleccionó de los archivos fotográficos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, la Biblioteca Pública Piloto, los archivos de los periódicos El Tiempo y El Espectador, la revista El Gráfico, la Sociedad de Mejoras y Ornato, el Museo Nacional, así como de otras colecciones públicas y privadas, imágenes realizadas desde 1842 hasta nuestros días, que a modo de ensayo visual ilustran siglo y medio de múltiples aspectos de la historia colombiana: escenas de la vida cotidiana, paisajes rurales y urbanos, conflictos bélicos e incluso retratos de algunos de sus personajes más ilustres como José Eustacio Rivera y Rafael Núñez, entre otros.

América Latina en la historia contemporánea

El proyecto, inmerso en las conmemoraciones del bicentenario de la independencia de varios países Latinoamericanos, contempla la realización de exposiciones sobre la historia contemporánea de cada uno de los países iberoamericanos, incluidos España y Portugal, a través de la fotografía.

Leon Golub

27/04/2011, Del 5 de mayo al 12 de septiembre de 2011 se expone en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro la primera muestra retrospectiva del artista Leon Golub, organizada por el Museo Reina Sofía.

Es esta una muestra retrospectiva dedicada a la figura del pintor estadounidense Leon Golub (1922–2004), cuya trayectoria abarca más de cinco décadas, desde los años treinta hasta su muerte.

La retrospectiva, la primera muestra que se realiza en España de este artista, se compone de aproximadamente cien obras, entre pinturas —algunas de gran formato— y dibujos.

El estilo de Golub aunó la tradición pictórica figurativa y el interés por la temática y la iconografía del mundo grecorromano, con un potente imaginario político, dotado de una gran carga simbólica que utilizaba para retratar las huellas del poder en el cuerpo humano.

Más información en:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

La Noche de los Libros en El Prado

27/04/2011, El Museo del Prado celebra el próximo miércoles 27 de abril La Noche de los Libros, una actividad nocturna que une arte y música en el privilegiado entorno de la sala de lectura de su Biblioteca.

El próximo miércoles 27 de abril, el Prado celebrará dos iniciativas llamadas a fomentar la pasión por la lectura entre sus visitantes. La primera iniciativa consiste en la instalación de un punto de venta exterior de publicaciones, con descuentos de un 10%.

En este punto de venta exterior, se ofertarán, al precio excepcional de 20 euros, algunos de los catálogos de otras grandes exposiciones temporales celebradas en el Museo durante los últimos años, como “Juan Bautista Maíno”, “Pasión por Renoir”, “Turner y los Maestros” o “Francis Bacon”, junto a otras publicaciones como 100 obras maestras en edición tela al precio de 25 € o los catálogos de las exposiciones “El Siglo XIX en el Prado” y “Bibliotheca Artis” que costarán 35 y 10 €, respectivamente.

El Museo del Prado celebrará además la actividad nocturna “Arte y música en la Biblioteca del Museo del Prado”. Esta actividad consistirá en una visita guiada a la sala de lectura de su Biblioteca -en la que se encuentra el fresco más sobresaliente que realizó Luca Giordano en España durante el reinado de Carlos II, último representante de la Casa de los Austrias-, seguida de un concierto de música española en el que se interpretarán piezas de Martín y Coll, Gaspar Sanz y Bartolomé de Selva y Salaverde.

Programa del concierto:

. Diferencias sobre las Folías , recopiladas por Antonio Martín y Coll (1660-1734)
. Pavana Al Ayre Español, Gaspar Sanz (1640-1710)
. Fantasía sobre El Canto del Caballero, Bartolomé de Selma y Salaverde, publicado en 1638
. La Españoleta, Gaspar Sanz
. Danza del Hacha, Martín y Coll
. Lantururú, Gaspar Sanz
. Canarios, anónimo-Gaspar Sanz

En directo: la cría del halcón

26/04/2011, Las nuevas tecnologías permiten seguir en directo la nidificación de los animales. SEO/BirdLife muestra la cría de unos halcones en una caja nido ubicada en el Museo de América de Madrid.

Madrid, abril de 2011

El halcón peregrino es una especie incluida en el catálogo de especies amenazadas de la Comunidad de Madrid. Su población en 2008 se estimó en 28 parejas formando dos grandes núcleos: “La Sierra”, situado a lo largo de los montes del Guadarrama, y “La Campiña”, situado a lo largo de los cortados fluviales de los ríos Henares, Jarama, Tajuña y Tajo.

La situación del ave es mala, pues ha tenido un declive enorme, en la campiña, superior al 50 por ciento, y apenas queda población reproductora en la zona.

Existe una pequeña población también dentro del casco urbano de la capital de España, que se ha ubicado en altos edificios. Hay en Madrid cinco parejas, una de ellas es la que cría en el Museo de América, donde saca adelante pollos desde 2007, cuando se instaló una caja nido por SEO/BirdLife en 2007

Según el último censo español de esta especie, realizado por durante 2008, en España hay 2.804 parejas. Sus mayores densidades se encuentran en las provincias de todo el perímetro peninsular y Baleares. Se encuentra asociado a cortados, donde nidifica, de ahí que todos los acantilados costeros y las montañas del borde mediterráneo y norte peninsular tengan buenas poblaciones.

En los núcleos urbanos es escaso y en determinadas ciudades se han conseguido instalar gracias a programas de reintroducción hechos por el hombre, sin embargo la población de la Comunidad de Madrid, se ha instalado de forma más natural, sólo en determinados puntos se le ha ayudado con la colocación de cajas donde puede nidificar, pero se han instalado en esos territorios por iniciativa suya.

En grandes regiones la especie se encuentra estable o en ligero aumento, pero en determinados puntos su situación es muy grave, entre ellas el centro de la Península Ibérica.

Se puede seguir en directo el nido y sus habitantes en la página: http://www.seo.org/programa_seccion_ficha.cfm?idPrograma=3&idArticulo=5666

Buena Semana Santa en Paradores

25/04/2011, A pesar del mal tiempo reinante en España, que motivó cancelaciones a última hora, la Semana Santa ha sido positiva para los 93 Paradores de Turismo de España

Madrid, abril de 2011

Según fuentes de esta red turística, el índice de ocupación durante los días centrales de estas fiestas ha superado el 80 por ciento, suponiendo dos puntos más que el año pasado, gracias a los crecimientos de las noches del miércoles, jueves y domingo.

La venta de habitaciones mejoró con respecto al año pasado en un 3 por ciento, incrementándose todos los días salvo la noche del sábado que prácticamente se mantuvo en el nivel del año anterior.

La mayor tasa de ocupación se registró la noche del Viernes Santo con un 91,16 por ciento de media, seguida de cerca por la noche del Jueves Santo que alcanzó un porcentaje de casi el 90 por ciento. A pesar de las desfavorables condiciones meteorológicas que empezaron a anunciarse desde el comienzo de la semana y que en la mayoría de los casos se han cumplido, los 93 establecimientos de la Red han superado con creces las expectativas marcadas.

De este modo, más del 50 por ciento de la Red ha superado el 80 por ciento de ocupación durante estos días y son numerosos los Paradores que en algún día del período vacacional global (desde el Viernes de Dolores), han situado su coeficiente de ocupación cercano al 100 por ciento. Además, 58 paradores han mejorado la ocupación obtenida durante el mismo periodo del año pasado.

En cuanto a los paradores, los establecimientos de Alarcón y Cuenca tuvieron un lleno absoluto, mientras que los Paradores de Gijón, Hondarribia y Zamora rozaron el 100 por ciento. Además, varios establecimientos superaron el 90 por ciento de ocupación, como es el caso de Arcos de la Frontera, Carmona, Ciudad Rodrigo, Granada, Guadalupe, Málaga Gibralfaro, Mérida, Olite, Puebla de Sanabria, Ronda, Teruel, Tordesillas, Trujillo y Úbeda.

Por Comunidades Autónomas destacan las del norte, con los paradores asturianos, vascos y navarros superando el 91 por ciento de ocupación. Las siguen la Comunidad de Aragón (86,44 por ciento ), Extremadura (86,14 por ciento ), Andalucía (84,99 por ciento ) y Castilla y León (81,97 por ciento )

Buenos datos en gastronomía

Los datos también fueron positivos en los restaurantes. En total se sirvieron 43.490 cubiertos durante los días centrales de Semana Santa, con una media de más de 9.000 cubiertos servidos cada día.

Por otra parte, la propuesta gastronómica de Paradores para este año, los Menús 20.11, han tenido muy buena acogida durante estos días, sirviéndose un total de 3.260 de estos nuevos menús, ecológicos y tradicionales, con platos de distintas regiones españoles como protagonistas.

Quebrantahuesos

21/04/2011, La Fundación Quebrantahuesos, FCQ , que está impulsando la reintroducción del quebrantahuesos en los Picos de Europa, ha sufrido una decepción: la muerte de uno de los dos ejemplares reintroducidos en 2010.

León, abril de 2011

El quebrantahuesos fue un ave habitual en las montañas cantábricas hasta los años sesenta, y los últimos ejemplares anidaron en Cordiñanes, León. Ahora se intenta reintroducir en esta área, sobre los territorios de León, Asturias y Cantabria.

Tras varios días de búsqueda el equipo de seguimiento de campo de la FCQ ha localizado el cadáver de uno de los ejemplares liberados el pasado año 2010 en el Parque Nacional de Picos de Europa.

Se trata del ejemplar con nº de anilla 12137 con el nombre de “Leoncia” (nombre propuesto por el colectivo de pastores de la zona de suelta). El lugar del hallazgo es conocido como la Sierra de Juan Robles en Peña Mellera (Asturias).

El cuerpo se encontraba parcialmente consumido por el efecto del sol y los insectos y en la primera inspección realizada por miembros del Principado de Asturias, SEPRONA de la Guardia Civil, veterinarios del Instituto de Recurso Cinegéticos del Consejo Superior de Investigaciones Científicas y técnicos de la FCQ no se han apreciado indicios significativos de la causa de la muerte.

Se ha encargado una necropsia forense que aportará más datos sobre las posibles causas de la muerte.

Recientemente tres quebrantahuesos, dos adultos y un joven de 2 año en dispersión desde Pirineos, fueron localizados por personal del Parque Nacional y técnicos de la FCQ por la zona sur de la Sierra del Cuera y Parque Nacional de Picos de Europa constituyendo lo que puede ser el inicio del deseado núcleo fundador extra pirenaico que los especialistas en quebrantahuesos y científicos del CSIC consideran imprescindible para reducir el riesgo de extinción de la población española.

La muerte de ejemplares jóvenes durante los primeros años de sueltas en los proyectos de reintroducción son frecuentes y su análisis aporta valiosa información, tanto de aspectos clínicos como ambientales (tendidos eléctricos, disparos, venenos).

La información obtenida permitirá acotar mejor los problemas, aportar soluciones más eficientes y activar programas de vigilancia específica. Con el informe aportado por el equipo forense está previsto activar un plan específico de vigilancia y control de ciertas zonas si finalmente la causa de la muerte fuese artificial

Los grandes restaurantes

19/04/2011, El Noma, de Dinamarca encabeza la lista S.Pellegrino 2011, selección de los 50 mejores restaurantes mundiales, en la que destaca la presencia de restaurantes españoles: dos entre los tres primeros.

Londres, abril de 2011

En esta lista están representados veinte países, entre los que se incluyen Japón, China, México, Perú o Brasil.

El restaurante danés Noma, de Rene Redzepi, ocupa esa posición por segundo año consecutivo, de estos “Óscar” del mundo de la restauración, lo que refleja, según los organizadores, “la permanente pasión que despierta su exclusivo tratamiento de los ingredientes locales y regionales”.

William Drew, editor de la revista Restaurant, ha afirmado, organizadora de estos conocidos premios dijo que “Este año se ha contado con una apasionante lista de restaurantes que abarca una superficie geográfica todavía mayor y se reconoce la influencia de naciones culinariamente en ciernes, como Perú y Rusia”L

Los restaurantes españoles dominan la parte superior de la lista de los 50 mejores restaurantes del mundo de este año. Aunque el legendario El Bulli no se incluyó en la lista porque está previsto su cierre. El Celler de Can Roca y Mugaritz se han hecho con el segundo y tercer puesto respectivamente, planteando un difícil reto a Noma. El Séller de Can Roca, dirigido por los tres hermanos Roca, el más joven de los cuales cuenta tan sólo con 33 años, ha escalado dos puestos en la lista de este año hasta el número dos. Asimismo, dos puestos más arriba se ha situado el tercero, Mugaritz, demostrando claramente que se ha recuperado por completo tras un devastador incendio en 2010.

El restaurante Arzak ha subido un puesto en la lista hasta el número ocho, pero Juan Mari Arzak, ha sido declarado ganador en 2011 del Premio a la trayectoria profesional. El chef español es la tercera generación de una familia que ha desempeñado este cargo en el restaurante Arzak de San Sebastián desde 1897. Desde que se puso al frente del restaurante en 1966, ha recibido elogios permanentes por haber convertido a Arzak en un punto de referencia tanto en la gastronomía nacional como en la internacional.

Juan Mari Arzak ha sido pionero entre aquellos que defienden sus países de origen en la mesa. Los organizadores sostienen que Arzak es un defensor incondicional no sólo de su ciudad, sino también de la cocina vasca en su conjunto. Sus esfuerzos por promocionar la herencia gastronómica del País Vasco condujeron, con el tiempo, a lo que muchos denominan en la actualidad la “Nueva cocina vasca”. Arzak sigue siendo un negocio familiar donde Juan Mari trabaja junto a su hija Elena.

Entre los anteriores ganadores del Premio a la trayectoria profesional de los 50 mejores restaurantes del mundo de S.Pellegrino se encuentran Joël Robuchon, Gualtiero Marchesi, Paul Bocuse, Albert y Michel Roux, Eckart Witzigmann y Alice Waters.

Uno de los galardones premios votado por los Chefs se concedido a Massimo Bottura, cuyo restaurante, Osteria Franciascana, es uno de los más conocidos de Italia. Massimo está cosechando a gran velocidad una gran reputación internacional por su cocina de vanguardia, la cual, aunque descaradamente moderna, refleja las técnicas tradicionales y amplía constantemente los límites del concepto de novedad.

El restaurante brasileño D.O.M ha realizado uno de los progresos más impresionantes: ha ascendido 11 puestos en la lista hasta el número siete. La crítica ha reconocido su creciente influencia en la cocina mundial emitiendo un gran número de votos a su favor.

Conocido por su utilización de ingredientes del Amazonas, el chef Alex Atala está despertando el interés del mundo por la nueva cocina brasileña sostenible.

El primer restaurante de la historia de Perú en figurar en la lista es Astrid Y Gaston, en el número 42. Situado en Lima, el restaurante es conocido por servir alta cocina peruana.

La lista de los cincuenta es la siguiente:

1 Noma. Dinamarca

2 El Celler de Can Roca. España

3 Mugaritz. España

4 Osteria Franciascana. Italia

5 The Fat Duck. Reino Unido

6 Alinea. Estados Unidos

7 D.O.M. Brasil

8 Arzak. España

9 Le Chateaubriand. Francia

10 Per Se. Estados Unidos

11 Daniel. Estados Unidos

12 Les Creations de Narisawa. Japon

13 L’Astrance. Francia

14 L’Atelier de Joël Robuchon. Francia

15 Hof van Cleve. Belgica

16 Pierre Gagnaire. Francia

17 Oud Sluis. Holanda

18 Le Bernardin. Estados Unidos

19 L’Arpège. Francia

20 Nihonryori RyuGin. Japon

21 Vendôme. Alemania

22 Steirereck. Austria

23 Schloss Schauenstein. Suiza

24 Eleven Madison Park. Estados Unidos

25 Aqua. Alemania

26 Quay. Australia

27 Iggy’s. Singapur

28 Combal Zero. Italia

29 Martín Berasategui. España

30 Bras. Francia

31 Biko. Mexico

32 Le Calandre.italia

33 Cracco. Italia

34 The Ledbury. Reino Unido

35 Chez Dominique. Finlandia

36 Le Quartier Français. Sudáfrica

37 Amber. China

38 Dal Pescatore. Italia

39 Il Canto. Italia

40 MomofReino Unidou Ssäm Bar. Estados Unidos

41 St John. Reino Unido

42 Astrid Y Gastón. Peru

43 Hibiscus. Reino Unido

44 Maison Troisgros. Francia

45 Alain Ducasse au Plaza Athénée. Francia.

46 De Librije Holanda

47 Restaurant de l’Hotel de Ville. Suiza

48 Varvary. Rusia

49 Pujol. México

50 Asador Etxebarri. España

Fiestas de primavera en Helsinki

19/04/2011, Miles de finlandeses sacan sus sombreros de graduado y reciben a la primavera durante las celebraciones de Vappu, dos grandes dias de fiesta que llenan las calles y parques de Helsinki.

Helsinki, abril de 2011

Turismo de Finlandia recuerda que con la llegada de la primavera a las ciudades finesas, la temperatura sube, las terrazas abren y la gente se echa a la calle. La fiesta que marca el cambio de estación es Vappu, el mayor festival callejero del país junto con Fin de Año o la noche del solsticio de verano.

El 30 de abril miles de personas se reúnen a las 18:00 hrs para dar comienzo a esta celebración, hoy en día una tradición, pero ilegal hasta 1951.

Comienza oficialmente Vappu: las botellas se descorchan, orgullosos fineses de todas las edades se ponen sus gorros blancos de graduados que, según la tradición, no pueden lavar nunca, y colocan el gorro a Havis Amanda, la famosa estatua de mujer que representa a Helsinki, saliendo de las aguas.

Los festejos pueden alargarse hasta tarde, y el Primero de Mayo la gente se reúne en los parques. Cada año se juntan en el parque de Kaivopuisto más de 70.000 personas para celebrar esta fiesta nacional con un primaveral picnic.

El almuerzo incluye salchichas, ensalada de patatas, rosquillas y “tippaleipä”, una pasta crujiente de buñuelos, regados con aguamiel casera y espumosos.

Los menos campestres, podrán optar por una alternativa de lo más apetecible que es disfrutar del almuerzo Vappu tradicional en un restaurante, con una selección pescados entre los que destaca el delicioso arenque del Báltico. Muchos locales lo sirven pero es necesario realizar una reserva con antelación, porque los sitios más populares se reservan con un año de antelación.

Gehry y su nube de cristal

17/04/2011, Las obras del centro de arte que la Fundación Luis Vuitton intenta construir en pleno bosque de Boulogne, en París, podrán reiniciarse en breve.



París, abril de 2011

El pasado 14 de abril la Corte Administrativa de Apelación de París se pronunció a favor de la continuación de esta obra del arquitecto Frank Gehry, promovida por la fundación Luis Vuitton, y que había sido interrumpida en enero, por una decisión jurídica contraria, motivada en una cuestión técnica.

La construcción de este edificio está cargada de polémica. Por un lado está la poderosa maquinaria financiara del emporio francés, que engloba desde la moda a la alimentación o la comunicación, y por otro una entidad que defiende la integridad del bosque de Boulogne, y que ya ha cosechado éxitos intentando frenar el avance del ladrillo.

Por otro lado, también hay que valorar el interés artístico del proyecto y la siempre prestigiada firma del arquitecto canadiense Frank Gehry, premio Protzker de arquitectura y autor del Guggenheim de Bilbao.

La Asociación para la coordinación de la Salvaguarda del Bosque de Boulogne, ha recordado que este proyecto cubre una importante superficie, recuerda que los edificios autorizados allí no pueden contener más de un piso... y señala que el centro de la Fundación Luis Vuitton alcanzará los 46 metros de altura.

Los promotores dicen que no es un piso completo y juegan con el concepto de “seminiveles” o “entresuelos”; pero los defensores de la naturaleza y del barrio añaden que lo que se pretende es meter hormigón en suelo verde, cuando lo que la capital francesa necesita son espacios naturales.

La Fundación parece tener a favor tanto a la municipalidad como al parlamento francés, que declaró que el edificio es de interés publico.

Este edificio, destinado a acoger la colección de Bernard Arnault, presidente del emporio francés, será un edificio acristalado de unos 46 metros de alto por 150 de largo y tiene un presupuesto de 100 millones de euros. La construcción de este centro de arte, dedicado a obra artística contemporánea, fue anunciada en el 2006, y se dijo que estaría abierto en el 2010.

Después de que la Corte Administrativa de Apelación parisina diese el visto bueno a favor de la continuación del proyecto, todo hace suponer que en el 2013, podría ser inaugurado. De momento, los opositores, a los que Gehry ha llamado toscos y filisteos- parece que no van aún a arrojar la toalla



Turismo y patrimonio submarino

15/04/2011, La UNESCO celebra del 13 al 15 de abril, diversas reuniones para analizar el estado del patrimonio submarino.

París, abril de 2011

La Convención sobre la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático, adoptada en 2001, tiene por objetivo la salvaguardia de los vestigios culturales sumergidos. Los Estados Partes a la convención se reúnen en la UNESCO del 13 al 14 de abril. El día 15, el Consejo consultivo científico técnico abordará la situación actual del patrimonio y de la arqueología subacuática.

Cada vez suscita más interés el conocimiento de los tesoros patrimoniales submarinos, desde los pecios de todas las épocas a las ruinas de asentamientos humanos, e incluso los museos que surgen para presentar embarcaciones antiguas halladas en las profundidades.

Según, la UNESCO, los vestigios de un sinnúmero de edificios y asentamientos antiguos se hallan hoy sumergidos. En general, estos vestigios fueron a parar bajo las aguas a causa de factores como hundimientos de tierras, terremotos, inundaciones, desprendimientos o de la erosión, pero existen algunos casos de edificios construidos sobre el agua, como en la actualidad los kampong en Malasia.


Ruinas

Algunas de las ruinas sumergidas existentes tienen una importancia considerable. Aunque, de momento, la Atlántida continúa siendo sólo un mito, se han descubierto yacimientos arqueológicos subacuáticos del tamaño de Pompeya. Algunas ruinas subacuáticas son vestigios de los primeros asentamientos humanos en una zona concreta, mientras que otras corresponden a edificios construidos en el apogeo de grandes civilizaciones antiguas.

Algunas de las ruinas sumergidas existentes:

- los vestigios del Faro de Alejandría y el Palacio de Cleopatra en la bahía de Alejandría;
- partes del complejo de Mahabalipuram (India), que forma parte del Patrimonio Mundial;
- Dwarka (India), donde se encuentran los restos de un puerto antiguo, templos y asentamientos fechados entre 1500 y 1400 a.C.;
- Port Royal (Jamaica), destruido por un terremoto en 1692;
- los vestigios de Santa Fe la Vieja en Argentina;
- la fortificación de Bulverket en Gotland (Suecia), una fortificación construida en el año 1130 a.C. que se encuentra en el fondo de un lago.


Vestigios de asentamientos de la Edad de Piedra

Algunos vestigios de asentamientos prehistóricos constituyen un testimonio de cómo era la vida hace miles de años. Con frecuencia, en este tipo de asentamientos se encuentran cerámica, canoas y restos de madera. A continuación figuran algunos ejemplos:

- la costa de Dinamarca, donde se han localizado 20.000 vestigios de asentamientos de la Edad de Piedra (por ejemplo Tybrind Vig y Ronæs Skov, en el fiordo de Gamborg);
- La Marmotta (Italia), donde se descubrió un asentamiento sumergido fundado aproximadamente en el año 5700 a.C. y abandonado aproximadamente en el año 5200 a.C.;
- el Mar Negro, donde se encuentran asentamientos mesolíticos de 7000 años de antigüedad.


Vestigios de viviendas en lagos y ríos

También se ha descubierto una gran cantidad de restos de viviendas construidas sobre islotes naturales o artificiales o sobre pilones sumergidos en el agua (como en Venecia). Éstos son algunos ejemplos:

- restos de asentamientos antiguos en el lago de Zúrich y el lago de Constanza;
- los crannogs en Irlanda y Escocia;
- las viviendas medievales de La Colletière (Francia), situadas al borde de un lago;
- un asentamiento sobre pilones en un río cerca de Pompeya (Italia).


Emplazamientos religiosos

Asimismo, se ha descubierto una gran cantidad de restos de emplazamientos religiosos relacionados con el agua, como por ejemplo:

- los restos de los antiguos lagos y canales sagrados de Florida y Grecia;
- los yacimientos de Holme 1 y Holme 2, un verdadero Stonehenge marino descubierto en la costa del condado de Norfolk (Inglaterra). Este tipo de yacimientos está formado por círculos de madera trazados mediante pequeños trozos de tronco de roble que periódicamente quedan sumergidos bajo el agua.

Durante milenios, las aguas han actuado como elemento de separación de las civilizaciones, pero al mismo tiempo las unían. El mar ha sido el escenario de numerosas aventuras humanas, por lo que en su fondo reposan las huellas de los viajantes, los guerreros y los mercaderes que lo han recorrido.

Pecios de navíos

Se calcula que, en la actualidad, en los fondos oceánicos se encuentran más de 3 millones de pecios de navíos, si bien, como es obvio, se trata sólo de una estimación. En cualquier caso, algunos de estos pecios tienen miles de años de antigüedad, por lo que, si el entorno permite preservarlos, nos pueden proporcionar información histórica de lo más valiosa. Por su propia naturaleza, los pecios de navíos son el testimonio del comercio y el diálogo cultural entre pueblos, pero al mismo tiempo nos pueden servir para viajar en el tiempo y contemplar una instantánea completa de cómo era la vida a bordo del navío en el momento del naufragio.

Éstos son algunos de los principales pecios de navíos conocidos:

· el Titanic;
· la Armada Invencible de Felipe II de España;
· la flota de Kublai Jan;
· las carabelas de Cristóbal Colón;
· los galeones españoles que viajaban entre América y España, y
· el pecio de Anticitera.

La carga de algunos de los navíos naufragados puede resultar de gran interés para el mundo de las artes. En pecios antiguos de navíos griegos y romanos se ha encontrado un gran número de estatuas muy valiosas que en la actualidad se encuentran expuestas en museos. A modo de ejemplo, el pecio de Anticitera contenía estatuas de mármol y bronce de gran valor, y, aunque las de mármol habían quedado muy dañadas por la sal marina, las de bronce (incluido el Joven de Anticitera) se pudieron recuperar utilizando técnicas de restauración. Asimismo, varios navíos modernos, como por ejemplo el Vrouwe Maria y el Lusitania, se hundieron cuando llevaban en su interior obras de arte de valor incalculable.


Museos y Turismo

El patrimonio cultural subacuático resulta fascinante por el misterio que genera su ubicación bajo el agua y por su contexto histórico. Con frecuencia, se trata del recordatorio de una tragedia, el final de un viaje y la pérdida de vidas humanas. El descubrimiento de un pecio o unos restos nos permite regresar al pasado y revivir los últimos momentos de una nave y su tripulación.

Exposición in situ: museos y yacimientos arqueológicos sumergidos

Al extraer del agua objetos procedentes de yacimientos arqueológicos sumergidos y exponerlos en tierra firme, se los despoja de su contexto y, con él, de parte de su significado. Es por ello que, en los últimos tiempos, han surgido varias iniciativas que pretenden ofrecer a los visitantes experiencias in situ. Entre estas experiencias figuran las rutas submarinas, los tours subacuáticos sin necesidad de bucear y la construcción de museos submarinos.

· El proyecto de un museo submarino à Alejandria


Museos y exposiciones en tierra firme

Actualmente, muchos museos importantes exponen objetos extraídos de ruinas y pecios sumergidos. Entre las exposiciones y museos de mayor renombre, cabe señalar:

· La exposición del pecio del Vasa en Suecia;
· El Museo de Arqueología Submarina de Bodrum, que se ha convertido en uno de los sitios turísticos más visitados de Turquía;
· El pecio del navío británico Mary Rose; que ha atraído unos 4 Millones de visitantes y
· El pecio del Batavia, en Australia que acoge más de 150.000 visitantes cada año.

Los submarinistas pueden acceder a muchos yacimientos del patrimonio cultural subacuático, pero no a todos, puesto que muchos de ellos se encuentran situados a gran profundidad, están ubicados en zonas de fuertes corrientes o se encuentran sumergidos en una oscuridad casi absoluta. Esto favorece su conservación a largo plazo, pero al mismo tiempo dificulta su disfrute por parte del público. Es por ello que se han puesto en marcha varios proyectos para presentar estos yacimientos al público a través de reproducciones en 3D que permiten explorarlos de modo virtual.

Un marcianito como guía

14/04/2011, Aparte de la Andorra pirenaica, hay otra Andorra en territorio de la provincia de Teruel(Aragón) que promociona la comarca de forma original, con un guía marciano.

Teruel(Aragón) abril de 2011

La comarca de Andorra-Sierra de Arcos acaba de presentar la publicación “La increíble historia de MJ5.8”, una guía turística orientada al disfrute del turismo con niños en la que un marciano cuenta sus aventuras en la tierra descubriendo esta región turolense.

La guía se divide en seis rutas temáticas, en las que se dan indicaciones a los turistas para descubrir los parajes de la comarca andorrana y conocer disfrutar de sus tradiciones, sus pueblos y su patrimonio cultural y natural de una forma didáctica.

La publicación nace con la vocación de fomentar el turismo familiar y ofrecer alternativas de ocio para aquellas familias que desean pasar una jornada diferente y divertida con sus hijos.

Los técnicos de turismo de la comarca han detectado que existe una fuerte demanda por parte de las familias que desean pasar con sus hijos un fin de semana especial y accesible a todos, y que casi siempre se encuentran con que las ofertas están orientadas a un público adulto que hace que los niños se aburran. Para que esto no ocurra, MJ5.8 hace de guía en las tierras andorranas; descubriendo tradiciones, eventos y noticias culturales.

las rutas de MJ5.8

MJ5.8 es un marciano verde que cambia de color según su estado de ánimo. Aterrizó hace incontable tiempo en la región y presenta con sus perspectivas el territorio, a través de seis rutas temáticas, pensadas para realizar cómodamente en una jornada divertida, recorriendo el patrimonio natural, y los pueblos de la comarca.

La ruta 1, llamada “Cuando hace miles de años aterricé por primera vez” nos da a conocer los dinosaurios que poblaron esta zona, las pinturas prehistóricas y los poblados íberos.

La ruta 2, “Cuando convertí mi aterrizaje en un monumento natural” nos acerca al patrimonio paisajístico de la comarca, que pasa por sitios tan sorprendentes como la Sima de San Pedro.

En la ruta 3, “Cuando innumerables misterios me rodeaban por todas partes”, MJ58 nos enseña leyendas y tradiciones de la zona como la Encamisada de Estercuel o la Semana Santa andorrana.

La 4, “Cuando entendí por qué le llamaban el planeta azul” está pensada para concienciar a los niños sobre la importancia de cuidar el entorno y los recursos naturales con que contamos.

La 5 tienen un original nombre: “Cuando el pan sabía a pan y los tomates a tomates”, y nos habla de las costumbres de la zona y acerca a los pequeños a la figura del escultor Pablo Serrano.

Finalmente, la ruta 6, “Cuando los hombres bajaban a lo más profundo de la tierra” descubre de la minería, tan importante para esta comarca.

La comarca de Andorra-Sierra de Arcos cuenta en sus 680 kilómetros cuadrados con importantes atractivos turísticos como el Monasterio del Olivar, la Sima de San Pedro o importantes yacimientos rupestres e íberos. Además, tiene importantes y atractivas tradiciones como la Semana Santa bajoaragonesa y la Encamisada de Estercuel, y espacios tan singulares como el Parque Tecnológico Minero.

Algo destacable de esta guía original es que ha sido diseñada desde el principio pensando en que el público infantil se divierta, y de paso que aprenda. MJ5.8 también tiene una web en la que, además de poder descargarse las rutas, da cuenta de las noticias de actualidad cultural que hay en la comarca, para que los potenciales turistas puedan contar con ellas en su agenda de fin de semana. www.laincreiblehistoriademj58.com. cuenta también con página en facebook y un perfil en twitter.

Frailecillos atlanticos

13/04/2011, La organización ecologista SEO/BirdLife ha recogido numerosos frailecillos muertos en el mar Cantábrico, durante las últimas semanas

Santander, abril de 2011

La alarma saltó en Castro-Urdiales (Cantabria) al aparecer una docena de aves muertas en un tramo costero de pocos kilómetros en los primeros días de marzo. Ante esta situación, un grupo de trabajo de SEO/BirdLife convocó una Inspección Costera de Aves Orilladas (ICAO) con objeto de valorar el alcance del suceso.

En pocos días se movilizó a más de 40 voluntarios, coordinados por responsables de Cantabria y Asturias, y en colaboración con diversas asociaciones locales (Ambar Cetáceos, Arkamurka Natur Elkartea, Centro de Recuperacion de fauna slvestre de Bizkaia, Centro de Recuperacion de fauna slvestre de Cantabria, COA, Itsas Enara Ornitologia Elkartea, Mavea, SEO-Castro, SEO-Cantabria, SEO-Asturias, Sociedade Galega de Ornitoloxía, Sociedad Ornitologica Lanius).

El esfuerzo se concentró en Cantabria y Asturias, pero también se prospectaron playas en puntos de Galicia y el País Vasco. La convocatoria que se caracterizó por la rapidez, alta participación y el esfuerzo de muestreo y la fluidez de la información. Los días 13 y 14 de marzo coincidiendo con los días de máximo esfuerzo de ICAO, se acumulaban hasta 158 frailecillos orillados, de ellos 4 con vida que murieron poco después de su ingreso en los centros de recuperación.

El fenómeno perdió intensidad en la tercera semana de marzo, a excepción de algunos puntos del litoral asturiano que registraron los máximos entonces. Entre las aves orilladas se encontraron dos anilladas, ambas procedentes de las colonias británicas.

El número de aves afectadas podría ser de miles. Según SEO, teniendo en cuenta la precipitación de los acontecimientos, la existencia de servicios de limpieza en playas o el carroñeo de cuerpos, es de prever que el número total de aves orilladas fuera considerablemente más alto. Además, en casos como éste la mayoría de las aves se hunden antes de llegar a la costa. En casos como el del frailecillo, que suele encontrarse lejos de la costa, en las aguas del talud continental, diversos estudios apuntan a que la proporción de aves orilladas puede ser del orden del 10-20% o incluso inferior.

Posibles causas de mortalidad

se pensó que la mortalidad pudo deberse a un vertido deliberado de hidrocarburos en alta mar (“sentinazo”), ya que algunas aves presentaban trazas de hidrocarburos en su sistema digestivo, pero la gran mayoría estaban completamente limpios.

De momento, está pendiente por tanto establecer la causa de mortalidad de estas aves, que podrían haberse visto afectadas por los prolongados temporales atlánticos de las semanas anteriores y la resultante escasez de alimento.

No obstante, la organización recuerda que numerosas actividades humanas representan también una seria amenaza para las aves marinas, entre las que se incluyen la pesca (capturas accidentales) y la contaminación (especialmente la debida al transporte de hidrocarburos), etc. Así por ejemplo, durante la prospección se hallaron 57 cadáveres de otras aves marinas, sumando un total de 8 especies. Entre ellas, por lo menos 3 alcatraces atlánticos y dos cormoranes moñudos presentaban sedales y/o anzuelos visibles, indicando que la causa de su muerte fue la pesca.

El frailecillo atlántico o común (Fratercula arctica) tiene unos colores muy vistosos, por lo que se le ha llamado payaso de los océanos o loro de mar. Cría en el norte del Océano Atlántico y aparece temporalmente por Francia y España, donde no es nidificante.

Robin Dostoyevsky by Andy Hope

12/04/2011, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta Robin Dostoyevsky by Andy Hope 1930, la primera exposición individual en España de uno de los artistas alemanes con proyección internacional.

Málaga, abril de 2011

Nueve pinturas de gran formato y una escultura, todas ellas realizadas entre 2010 y 2011 y nunca expuestas hasta el momento, constituyen el proyecto especial de Andy Hope 1930 para el Espacio 2 del Centro.

El ecléctico repertorio de personajes, símbolos e iconos que caracterizan el trabajo de este amante del cómic y la ciencia ficción queda patente en el propio título de la exposición, resultado de la unión imaginaria entre el joven compañero de aventuras de Batman, Robin, y el escritor ruso precursor del existencialismo, Fiódor Dostoyevski. Con esta desconcertante combinación, Andy Hope 1930 demuestra su capacidad para reinterpretar espacios, personajes y tiempos pasados hasta convertirlos en una nueva realidad.

El trabajo de Andy Hope 1930 es un desafío visual constante para el espectador. El interés de este artista figurativo por traspasar los límites y por crear un universo creativo difícilmente clasificable en una única corriente artística, convierte sus obras en un juego de suspicacias y ambigüedades que provocan en el visitante sentimientos contradictorios y una cierta confusión temática. Ya el título de su exposición en el CAC Málaga, Robin Dostoyevsky by Andy Hope 1930, así como su propio nombre artístico, son buena prueba de ello.

Robin Dostoyevsky es un personaje imaginario creado por el artista como resultado de unir, por un lado a Robin, compañero de uno de los superhéroes más carismáticos, Batman, y cuya unión traspasa para muchos el terreno estrictamente “profesional”. Por otro lado, aparece la figura del escritor ruso, Fiódor Dostoyevski, padre del existencialismo famoso por sus obras que exploran la psicología humana en el complicado contexto histórico, social y político de la Rusia del siglo XIX.

El título de la exposición del CAC Málaga lo completa el nombre del artista (antes conocido como Andreas Hofer); alter ego de Dorian Hope, personaje creado por Arthur Cravan, precursor del Dadaísmo, poeta, boxeador y sobrino de Oscar Wilde, y una fecha, 1930, punto de inflexión de la revolución suprematista defendida por Malevich que abogaba por la ruptura con el arte clásico, así como un año en el que concurren diversos hechos históricos que marcarían la historia contemporánea: la mayor crisis económica y política del siglo XX y el fortalecimiento del partido nazi en Alemania.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “la exposición de Andy Hope 1930 descubre la habilidad de este artista alemán para reinterpretar espacios, formatos, personajes y momentos históricos, con los que produce trabajos atemporales y con los que reflexiona de manera extravagante, y hasta cierto punto siniestra, sobre la historia y la cultura popular, provocando un desconcertante desequilibrio creativo.

Este interés por la historia reciente, y más concretamente por la historia alemana y los símbolos nazis, así como por la transformación social, a la que alude de manera disfrazada, es común en otros artistas centroeuropeos, en cuyas obras se aprecia una extrema sensibilidad hacia eventos políticos de nuestro tiempo, los cuales abordan desde la perspectiva de la creación artística”.

Andy Hope 1930 trabaja deliberadamente distintas disciplinas artísticas (pinturas, esculturas, collages, vídeos…) en una experimentación constante en la que mezcla realidad y fantasía, momentos históricos y géneros literarios, cómic y ciencia ficción, hasta crear obras no exentas de cierta nostalgia y extravagancia con las que reflexiona sobre la historia y sobre los conceptos de autoría e identidad, gracias a los híbridos nominales que tanto caracterizan sus obras.

Además de la importancia que Malevich y Paul Klee han tenido en su trabajo, Hope 1930 también reconoce la influencia que el escritor de ciencia ficción, J.G Ballard, y el ensayista y crítico americano, William Burroughs, han ejercido sobre él.

Las nueve pinturas de gran formato (sobre lienzo, lona y papel) que componen su exposición en el CAC Málaga son un ejemplo de su tendencia a mezclar periodos de tiempo y géneros, ya que recuerdan a la pintura de retratos característica de los siglos XVIII y XIX.

Andy Hope 1930, nombre con el que ya firmaba sus obras en 1997, comenzó sus estudios en la academia de Bellas Artes de Munich, completándolos en el Chelsea College of Art&Design de Londres. En la actualidad vive y trabaja en Berlín. Su reconocimiento internacional llegó tras sus exposiciones individuales, Welt ohne Ende (Mundo sin Fin, 2005), en el Lenbachhaus de Munich y por This is Island Earth (2006) en la galería londinense Hauser & Wirth.

Jan Gossaert, en Londres

12/04/2011, En la National Gallery de Londres se puede contemplar hasta el 30 de mayo una gran exposición dedicada a Jan Gossaert

Londres, abril de 2011

Jan Gossaert, nacido en Flandes hacia 1478 y muerto en Amberes en 1532, es uno de los interesantes pintores del Renacimiento del norte de Europa. Ahora en la National Gallery se puede ver la primera gran exposición dedicada a este artista desde hace más de 40 años, con los resultados últimos de su obra, a la luz de los nuevos descubrimientos técnicos.

Este pintor se conoció en toda Europa por su lugar de su nacimiento: Maubeuge (Mabuse), y se ha considerado como un precursor del barroco.

Gossaert asumió influencias de pintores de Francia y de los Países Bajos, y tomó aspectos de autores como Memling, Van der Weyden, etc. Destacó por sus pinturas brillantes, notables tejidos y relieves, sus brillos de mármol y juegos espaciales

Fue el primer artista del norte que acudió a Italia para dibujar directamente los elementos de la antigíedad, en un viaje en el que acompañó a Felipe de Borgoña para ver al Papa. A partir de entonces, numerosos artistas flamencos viajarían a Italia, y de paso se verían afectador por el manierismo, alterando el devenir de la prestigiosa pintura de la región.

La exposición de la National Gallery presenta más de 80 trabajos, incluyendo muchas de las pinturas más importantes del artista, tales como la Virgen con el niño, de el museo del Prado, Madrid, o el Hércules y Deianeira, del Barber Institute of Fine Arts, Birmingham, así como otros dibujos y esculturas contemporáneas del Renacimiento del Norte.

La National Gallery tiene una de las colecciones más grandes de pinturas de Gossaert en el mundo, con ejemplos como la Adoración de los Reyes, trabajo donde se denota la penetración del influjo italiano.

Esta exposición ha sido organizada por la National Gallery, Londres, en asociación con el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y con el apoyo del Gobierno Flamenco.

Neues Museum: premio Mies van der Rohe

12/04/2011, La rehabilitación del Neues Museum de Berlín, dirigida por el británico David Chipperfield, ha ganado el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe 2011.

Berlín, abril de 2011

El Neues era un edificio que quedó en ruinas en la Segunda Guerra Mundial, y ha sido reconstruido recientemente, llevando ahora tan solo un año en funcionamiento. En él se alberga, entre otras grandes obras, el conocido busto de Nefertiti

El edificio, diseñado por Friedrich August Stüler, se construyó entre 1843 y 1855. Tras el desastre de la Guerra Munial, la reconstrucción se inició en 2003 y duró seis años.

Con el objetivo de devolver al edificio su antiguo esplendor, David Chipperfield, que trabajó en el proyecto en colaboración con su compatriota, el arquitecto Julian Harrap, dio un enfoque totalmente dinámico a su restauración. En vez de intentar ocultar las diferencias entre los elementos antiguos y nuevos, el pasado y el presente se combinan para crear un edificio de múltiples capas.

La reconstrucción ha costado 212 millones de euros y seis años de obras.

La Comisión Europea explicó en un comunicado que en su fallo tuvo en cuenta la forma en que el edificio “combina lo antiguo y lo moderno”. Chipperfield ha comentado que en el proyecto ha trabajado como un arqueólogo, tomando los fragmentos que quedanban, e intentando unirlos para darle un sentido, sin olvidar el origen histórico. De este modo ha elaborado un edificio nuevo basado en lo que había allí antes y en las ruinas, siguiendo un proceso que el ha calificado de “ riguroso y estructurado”.

Los ganadores fueron elegidos de entre 343 obras de 33 países europeos. De ellas, se preseleccionaron seis obras para el premio principal. Los otros finalistas fueron: Teatro Bronks (Bruselas, Bélgica, de Martine De Maeseener, Dirk Van den Brande); MAXXI: Museo Nacional de Arte del Siglo XXI (Roma, Italia de Zaha Hadid, Patrick Schumacher, Gianluca Racana); Concert House Danish Radio (Copenhague, Dinamarca, de Jean Nouvel); Museo de la Acrópolis (Atenas, Grecia, de Bernard Tschumi); Centro de rehabilitación Groot Klimmendaal (Arnhem, Países Bajos, de Koen van Velsen)

Por otro lado, los catalanes Ramón Bosch y Bet Capdeferro recibieron la mención especial Arquitecto Emergente del Premio de Arquitectura Contemporánea de la UE. Ambos le deben esta distinción a su diseño de la Casa Collage, en Girona, y recibirán los galardones en la ceremonia de entrega de premios que se celebrará el próximo 20 de junio en el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona.

El director de la Fundación Mies van der Rohe, Lluís Hortet, señaló que la decisión del jurado fue "extremadamente difícil" debido a la gran calidad de todos los proyectos finalistas.

El Premio de Arquitectura Contemporánea de la UE-Mies van der Rohe fue creado en 1987 y es el galardón más prestigioso de la arquitectura europea. El premio se concede cada dos años y está dotado con 60.000 euros para el ganador y 20.000 euros para la mención especial Arquitecto Emergente.

David Chipperfield, nació en 1953, en Londres, donde tiene su propio estudio. Ha trabajado –antes de abrir el estudio- con diversos arquitectos, entre ellos Norman Foster. Su arquitectura conserva un sentido clásico y se ha calificado de minimalista, por su tendencia a eliminar lo superfluo, llegando a soluciones sencillas y atractivas. Tiene multitud de premios, entre ellos varios del Royal Institute for British Arquitects.

Astorga: Semana Santa

12/04/2011, En Astorga, ciudad de 12.000 habitantes, más de 4.000 son cofrades (1/3 de su población). Este dato revela el interés de urbe por las procesiones cada Semana Santa.

Astorga(León) abril de 2011

Esta ciudad tiene una intensa vida religiosa en todo tiempo, no en vano es ciudad episcopal desde la dominación romana, y alguno de sus monumentos religiosos tienen un valor excepcional.

Entre éstos últimos, la catedral donde se funde el gótico con el barroco, enlazando toda una historia de siglos de arte. En el interior asombra la calidad del retablo principal, máxima obra de Gaspar Becerra, en la que se leen la influencias de Miguel Angel. En el exterior, impresiona la portada occidental, obra maestra del barroco, sólo comparable con la fachada del Obradoiro.

Otro elemento que testimonia la importancia de la arquitectura religiosa astorgana es el palacio episcopal, la principal obra de Gaudí fuera de Cataluña.

En estos días, a ese marco se añade la vitalidad de la Semana Santa. Ocho cofradías, algunas de ellas con más de 300 años de tradición, 14 procesiones en una semana, más de 40 pasos junto con algunos de los actos más particulares que hacen de esta Semana Santa un destino cultural y turístico de gran interés y belleza y singularidad

Algunos de los actos singulares son:

La Carrera de San Juanín

Una escena distinta a cuanto podamos contemplar en el resto de procesiones es la “Carrera de San Juanín”. Una tradición que se viene realizando ininterrumpidamente desde 1674, que asombra a visitantes y levanta de la cama, el Viernes de Pasión, a todos los astorganos.

Cuatro braceros portando sobre sus hombros la figura de San Juanín - o Juanín “el feo”, como le denominan en la propia cofradía - salen corriendo alrededor de la plaza para que el santo pueda comunicar a la Virgen la llegada de Jesús de Nazareno camino del Calvario.

Los 100 metros recorridos a toda velocidad que provocan el asombro de la concurrida asistencia y que se torna aplausos al final de la carrera; ¡nadie ha tropezado! se oye entre la gente y es que en los más de 300 años que se viene realizando el acto ninguno de los cuatros braceros ha caído. Éste acto fue pionero y consecuencia de que surgieran en localidades vecinas tradiciones similares.

Además esta procesión cuenta con la singularidad de las figuras de sus pasos que, destruidos durante la Guerra de la Independicia, fueron nuevamente creados por un artista popular con una estética y “belleza” que incluso hoy, más de 100 años después, siguen sorprendiendo. No en vano mantienen nombre propios como: “La Jacinta”, “El Cañinas”, etc.

Traslado de Jesús atado a la columna

Una procesión nocturna a base de antorchas y hogueras, que señalan cada estación de Via Crucis, intimista y popular que se realiza desde el vecino pueblo de Piedralba hasta Astorga, por el Camino Viejo, y en ella se alternan cantos y rezos en mitad de la oscuridad.

Penitencial

Procesión nocturna por las calles de la ciudad de extrema devoción y austeridad que realizan los cofrades en absoluto silencio. Al término de la procesión, ya de madrugada, y una vez roto el Voto de Silencio, se bendicen las bollas de la Semana santa y se reparten, junto a un vasito de vino dulce, a todos los asistentes.

El Santo Entierro

Quizá la más solemne de cuantas se celebran y en la que destaca el vistoso y sobrecogedor acto del Desenclavo o Descendimiento que se realiza en la Plaza Mayor según documentación antigua que conserva la cofradía.

Las imágenes de San Juan “el Guapo” y Nuestra Señora de la Soledad se colocan a ambos lados del Cristo articulado reproduciendo un calvario mientras el Juez de Penas y algunos hermanos desenclavan la imagen de Cristo que, puesto en la urna, prosigue en la comitiva procesional por las principales calles de la ciudad.

El joven Ribera en el Prado

12/04/2011, El Museo del Prado inaugura una muestra que da a conocer la actividad del pintor español durante su estancia en Roma y los años siguientes a su establecimiento en Nápoles en 1616.

La obra pictórica que llevó a cabo José de Ribera durante su estancia en Roma y los primeros años de su vida napolitana (1610-1622) era hasta hace pocos años una etapa apenas conocida del pintor, que está dando lugar actualmente a un interesante debate sobre la actividad temprana del pintor.

Treinta y dos obras componen esta muestra, que permite al visitante comparar los cuadros más importantes que se relacionan actualmente con este periodo, y profundizar en la importancia que tuvieron para el desarrollo del caravaggismo romano de la segunda y tercera década del siglo XVII.

Durante los últimos diez años se ha investigado sobre los lugares donde residió Rivera, su círculo de clientes y su situación financiera, pero lo más relevante es que el análisis estilístico y los aportes documentales han permitido identificarlo con el hasta entonces anónimo “Maestro del Juicio de Salomón” lo que ha supuesto la incorporación de varias decenas de obras a su catálogo.

El joven Ribera
Museo del Prado, Sala C (Edificio Jerónimos)
Hasta el 31 de junio de 2011

El intervalo luminoso

09/04/2011, El Guggenheim de Bilbao presenta ahora en España de la primera exposición a gran escala de la colección de Dimitris Daskalopoulos.

Bilbao, abril de 2011

La inauguración tendrá lugar el 12 de abril, y la muestra estará abierta hasta el 11 de septiembre de 2011, comisariada por: Nancy Spector, Subdirectora y Curator jefe, Solomon R. Guggenheim Foundation, y Katherine Brinson, Curator Adjunta,

El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection es la primera presentación a gran escala de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes del mundo. La muestra, patrocinada por Iberdrola, incluye, a lo largo de la segunda planta y parte de la primera, aproximadamente 60 obras de unos 30 artistas que trabajan en diversos medios, con una especial atención a la escultura y a las instalaciones de grandes dimensiones.

Fundamentada en un conjunto de piezas que datan de las décadas de 1980 y 1990 a cargo de figuras como Louise Bourgeois, Robert Gober, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Annette Messager y Kiki Smith, la exposición también incluye proyectos de jóvenes talentos como Paul Chan, GuytonWalker, Nate Lowman y Wangechi Mutu.

De esta forma, la muestra sumerge al visitante en un análisis certero de algunos de los desarrollos artísticos más notables de las últimas décadas

El título de la muestra procede de los escritos del filósofo griego Nikos Kazantzakis (1883–1957), cuyo pensamiento ha sido especialmente influyente en la práctica coleccionista de Dimitris Daskalopoulos. Kazantzakis concebía la vida como un “intervalo luminoso” durante el cual, lucha y desintegración son necesarias para la creación y el renacimiento. El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection explora esta coexistencia de esperanza y desesperación en el seno de la condición humana, prestando especial atención a conceptos como alienación, trauma, identidad cultural o el cuerpo humano.

La D.Daskalopoulos Collection refleja el tenor de los tiempos, y muchas de las obras de esta muestra tratan de las crisis y éxitos de la vida contemporánea. Pese a que gran parte de las obras exhibidas derivan o aluden a contextos geopolíticos o sociales concretos, lo que Dimitris Daskalopoulos valora es que también puedan abordar al mismo tiempo cuestiones universales, especialmente la incuestionable capacidad de recuperación del espíritu humano.

Las grandes instalaciones que ocupan galerías enteras son una característica de la D.Daskalopoulos Collection, por lo que la presentación en Bilbao incorpora un número relevante de obras de una escala ambiciosa, tales como la catacumba de Thomas Hirschhorn, realizada con cinta de embalar y cartón, y titulada Hombre cavernícola (Cavemanman, 2002), la pieza en forma de corazón de Annette Messager Dependencia/Independencia (1995), la barroca escena de Wangechi Mutu en torno a los excesos del capitalismo de Exhumando la glotonería (Exhuming Gluttony, 2006/11) o el alucinatorio paisaje multimedia de John Bock Palms (2007). Estos caóticos entornos encuentran su contrapunto en el lenguaje formal opuesto, de contención rígida y límites geométricos, que se ilustra a través de ejemplos como el cubo electrificado de Mona Hatoum, Perturbación de corriente (Current Disturbance, 1996), la retícula de alambre de cuchillas de Kendell Geers, Acrópolis ahora (Akropolis Now, 2004), o la vitrina vacía y los truculentos armarios clínicos de Damien Hirst titulados, respectivamente, El asmático escapó (The Asthmatic Escaped, 1992) y Los amantes (Amantes espontáneos) (Amantes comprometidos) (Amantes desapegados) (Amantes comprometedores) [The Lovers (The Spontaneous Lovers) (The Committed Lovers) (The Detached Lovers) (The Compromising Lovers), 1991].

Muchas de las piezas de la muestra profundizan en las narrativas imperantes sobre la identidad nacional y cultural. El análisis poético de Steve McQueen sobre los conflictos del Congo y de Irak en Gravesend/Sin explotar (Gravesend/Unexploded, 2007); la visión de Rivane Neuenschwander de la disolución de las fronteras continentales titulada Contingente (2008); y las seductoras imágenes de Nate Lowman de Plataformas petrolíferas (Oil Riggs, 2005), tratan, directa o indirectamente, conflictos relacionados con los recursos naturales del planeta.

Otro grupo de obras de la exposición indaga en los aspectos más íntimos de la identidad individual, con un especial acento en el cuerpo humano y sus diferentes estados de represión, fecundidad y descomposición. En algunos casos, ello se logra a través de la creación de siniestros sustitutos, como los lavabos, cunas y cestos transfigurados de Robert Gober, o los vaciados de espacios negativos que aborda Rachel Whiteread como estudios de la experiencia doméstica. En otros, como los inquebrantables esbozos de las funciones corporales de Smith, o el íntimo y ritualístico encuentro de Marina Abramovic con un esqueleto, lo que prevalece es una visceral sensación de inmediatez y cercanía. La exposición también incluye otro tipo de representaciones del cuerpo humano, que lo abordan de forma irreverente y subversiva, como es el caso del desmembrado Cabeza de tomate (burdeos) [Tomato Head (Burgundy), 1994] de Paul McCarthy, o de la sentimental “conejita” derrotada de Sarah Lucas.

Los artistas presentes en la exposición son: Marina Abramovic (Belgrado, Yugoslavia, 1946); Kutlug Ataman (Estambul, 1961); Matthew Barney (San Francisco, EE.UU., 1967); John Bock (Gribbohm, Alemania, 1965); Louise Bourgeois (París, 1911–Nueva York, 2010); Paul Chan (Hong Kong, 1973); Mark Dion (New Bedford, Massachusetts, EE.UU., 1961) y Robert Williams (Liverpool, 1960); Kendell Geers (nacido en mayo de 1968); Robert Gober (Wallingford, Connecticut, EE.UU., 1954); GuytonWalker (Wade Guyton: Hammond, Indiana, EE.UU., 1972; Kelley Walker: Columbus, Georgia, EE.UU., 1969); Mona Hatoum (Beirut, Líbano, 1952); Thomas Hirschhorn (Berna, 1957); Damien Hirst (Bristol, 1965); Mike Kelley (Detroit, EE.UU., 1954); William Kentridge (Johannesburgo, 1955); Martin Kippenberger (Dortmund, Alemania, 1953–Viena, 1997); Nate Lowman (Las Vegas, EE.UU., 1979); Sarah Lucas (Londres, 1962); Paul McCarthy (Salt Lake City, EE.UU., 1945); Steve McQueen (Londres, 1969); Annette Messager (Berck-sur-Mer, Francia, 1943); Wangechi Mutu (Nairobi, Kenia, 1972); Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, Brasil, 1967); Chris Ofili (Manchester, 1968); Gabriel Orozco (Jalapa, México, 1962); Paul Pfeiffer (Honolulú, EE.UU., 1966); Alexandros Psychoulis (Volos, Grecia, 1966); Walid Raad (Chbanieh, Líbano, 1967); Kiki Smith (Nuremberg, Alemania, 1954); y Rachel Whiteread (Londres, 1963).

v The D.Daskalopoulos Collection El ateniense Dimitris Daskalopoulos es un activo mecenas de las artes que ha logrado reunir una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, integrada por más de 400 obras de 170 artistas, de las que más de 140 piezas han sido prestadas a más de 120 museos internacionales de Europa y EE.UU. en los últimos quince años.

La D.Daskalopoulos Collection otorga una especial atención a la escultura y al arte de instalación de gran escala, así como al cine y al vídeo. Muchas de sus piezas más ambiciosas e importantes, incluidas en la exposición del Museo Guggenheim Bilbao, se exhibirán por primera vez desde que fueran adquiridas para la colección. Actualmente Daskalopoulos está embarcado en la búsqueda de un emplazamiento adecuado en Atenas para ser sede permanente de su colección a partir de 2013/14. En él pretende crear un espacio público que fomente las ideas y promueva la importancia del arte contemporáneo y su apreciación, con especial atención a la interacción y la educación.

Imágenes de Australia

08/04/2011, Turismo de Australia ha lanzado una página web con un mapa interactivo, en el que promueve el turismo hacia aquel continente, en español, mediante magníficas imágenes.

Australia, abril de 2011

La página www.nothinglikeaustralia.com/es reúne 3.500 experiencias de viaje, propuestas por los propios australianos para inspirar a los viajeros en sus vacaciones, así como una serie de herramientas para planificar y seleccionar aquellas que más se adapten a sus gustos y compartirlas vía email y redes sociales.

A lo largo de su inmenso territorio y de sus 12.000 islas existen tantas posibilidades que puede resultar complicado decidirse. Con esta nueva aplicación se pueden encontrar aspectos y propuestas firmadas por los propios australianos, en un sugerente mapa interactivo con las pistas más auténticas.

El internauta puede simplemente inspirarse viendo las fotos o bien organizar un viaje a medida afinando la búsqueda en la barra de exploración temática, para descubrir aquellas que mejor encajan con sus gustos. Se acompañan de prácticos links con toda la información que pueda necesitar para crear el viaje único. La aplicación permite además diseñar listas de experiencias favoritas y compartirlas con quien uno quiera vía email o a través de las principales redes sociales.

Las experiencias se engloban en siete grandes categorías: cultura aborigen, las costas y playas, ciudades, viajes por libre, gastronomía, naturaleza y el Outback.

La Oficina de Turismo de Australia, Tourism Australia ha detectado que entre los iconos turísticos que más interesan están las ciudades australianas, la Gran Barrera de Coral, Ayers Rock y el Outback.

Éxito del Carmen Thyssen

08/04/2011, Más de 18.000 personas han visitado las instalaciones y las obras del Museo Carmen Thyssen Málaga en sus dos primeras semanas de existencia.

Málaga, abril de 2011

La mayor afluencia se produjo durante las tres jornadas de puertas abiertas que se proyectaron tras la inauguración con el objetivo de que los malagueños y sus visitantes pudieran conocer la colección que alberga el Palacio de Villalón. Durante esos días especiales, cerca de 11.000 personas se acercaron a conocer el museo.

Los mayores niveles de entrada de visitantes se han dado por las mañanas, aunque durante los fines de semana ha habido un flujo continuo de entrada durante toda la jornada. De hecho, el sábado 2 y el domingo 3 de marzo se registraron casi 1.500 entradas cada día.

Un cuarenta por ciento de los visitantes que han entrado en el museo son de origen extranjero.

El Museo Carmen Thyssen Málaga, inaugurado el 24 de marzo de 2011, que alberga la colección Carmen Thyssen-Bornemisza, se ubica en el Palacio de Villalón, una edificación palaciega del siglo XVI sita en la calle Compañía de Málaga, en pleno centro histórico de la ciudad.

La colección permanente de este museo estará compuesta por unas 230 obras que recorren el arte del siglo XIX español, con especial atención a la pintura andaluza. El conjunto del Museo Carmen Thyssen Málaga cuenta con una superficie total de 7.147 metros cuadrados de los cuales 5.185 son de uso expositivo.

Entre los artistas que protagonizan la colección destacan los malagueños Gómez Gil, Moreno Carbonero o Barrón que convivirán con pintores de la talla de Zurbarán, Sorolla, Zuloaga o Romero de Torres.

El tesoro del Caribe

07/04/2011, El Área Cultural del Banco de la República de Cartagena(Colombia) presenta del 12 de abril al 12 de junio la cartografía de la expedición del brigadier de la Armada Española Joaquín Francisco Fidalgo

Cartagena(Colombia) abril de 2011

A finales del siglo XVIII el brigadier emprendió, por orden de la Corona, una expedición por las costas del entonces Caribe granadino. Su misión: participar en la elaboración de un atlas que le permitiera al Imperio un mayor poder sobre el territorio conquistado y mejores estrategias para afrontar la guerra que sostenía con Inglaterra y Francia.

El conocimiento de las estrellas, cultivado desde épocas antiguas y la posibilidad de medir y relacionar tiempos y distancias con los inventos náuticos de la época, hizo a esta travesía pionera de la cartografía moderna española en el Nuevo Mundo.

La exposición Tiempo y estrellas. La expedición Fidalgo y la cartografía del Caribe granadino, organizada por el Banco de la República y la Universidad Externado de Colombia, exhibirá por primera vez en el país las cartas, mapas y planos elaborados por Fidalgo y que hasta hoy reposan en el Museo Naval de Madrid.

El interés de los imperios europeos por colonizar nuevos territorios, cartografiar los ya descubiertos y establecer nuevas rutas de comercio, propició que la ingeniería naval alcanzara su clímax durante las primeras décadas del siglo XVIII. Aunque la observación y medición de las estrellas y planetas había permitido establecer con cierta precisión las posiciones de latitud, es decir, de norte a sur, la búsqueda incesante por un método igualmente exacto para calcular la longitud, de oriente a occidente, acaparó por más de dos siglos la atención de los monarcas, incluso la de científicos tan destacados como Isaac Newton y Edmond Halley.

La invención del codiciado artefacto se convirtió en una carrera contrarreloj, amenizada por las 20.000 libras esterlinas que ofreció la Corona inglesa como premio al inventor. Finalmente fue el cronometro náutico del inglés John Harrison el que permitió establecer con facilidad y precisión los puntos en longitud. Además, el desarrollo del sextante de reflexión le dio máxima precisión a las mediciones latitudinales.

Hacía 1790 España, en guerra con Francia y con Inglaterra, enfrentó múltiples amenazas al imperio y una fuerte crisis política en la Península y en las colonias. Bajo el mando de los Borbones se ordenaron varias expediciones científicas, que buscaron darle al imperio mayor conocimiento sobre los territorios conquistados en América y mejores estrategias de defensa. Una de ellas, la ‘Expedición para elaborar el atlas de la América septentrional’ estuvo a cargo de los comandantes Cosme Damián Churruca y Joaquín Francisco Fidalgo, el primero estuvo al frente de las Antillas desde Trinidad hasta Cuba y el segundo se encargó de las costas continentales de Venezuela y la Nueva Granada.

Es, precisamente, la Segunda División a cargo de Fidalgo la que se cuenta en esta exposición.

La travesía inició en 1793 en la península de Paria en Venezuela y se extendió, hasta 1803, al archipiélago de San Andrés, Providencia y los cayos circundantes a la Nueva Granada, que para la misma época fueron entregados por España al Virreinato para la defensa insular desde Cartagena.

Se exhibirán las cuatro cartas esféricas (mapas de grandes superficies) hechas por los expedicionarios de Fidalgo, además de numerosos planos de los puertos y las bahías y algunas representaciones de líneas costeras, que hacía el siglo XIX fueron utilizadas como guía de la Comisión Corográfica.

Joaquin Francisco Fidalgo, nacido en Urgel(Lleida) España y muerto en Sevilla en 1820, permaneció en el apostadero naval de Cartagena de Indias durante casi tres años.

Garoña: contaminación térmica

06/04/2011, Greenpeace ha presentado un informe que muestra que la refrigeración de la central nuclear de Garoña (Burgos) produce alta contaminación térmica en el río Ebro.



Madrid, abril de 2011

La organización ha pedido a la ministra española de Medio Ambiente que revoque de forma inmediata la autorización de vertido de aguas de refrigeración de la central nuclear de Garoña. “La central no cumple los criterios de dicha autorización a causa de sus problemas de refrigeración, lo que provoca esa importante contaminación térmica del agua del río Ebro”, dice greempeace.

La autorización del pasado 18 de octubre de 2007 de vertido de aguas otorgada a Nuclenor (titular de la central nuclear) por la Confederación Hidrográfica del Ebro (CHE), organismo de cuenca dependiente del Ministerio de Medio Ambiente, especifica que en el río, el máximo incremento admisible para la temperatura de gradps.

Sin embargo, el informe encargado por Greenpeace a entidades homologadas por la Administración para la recogida y análisis de muestras termométricas concluye que la actividad de refrigeración de la central produce una notable contaminación térmica en el río Ebro que se transmite incluso aguas arriba de la propia central. De hecho, el embalse de Sobrón sufre, en gran medida por esta causa, una gran eutrofización.

De acuerdo con el informe, "la temperatura del río Ebro el día del muestreo era de 6,5 grados y en ausencia de la actividad de la central lo esperable habría sido encontrar a lo largo del río temperaturas de ese orden, y desde luego inferiores a los 10 ºC". Sin embargo, Asimismo la temperatura de las aguas del embalse del Sobrón, tras la zona de dispersión térmica, era de entre 17 y 21 grados. Este notable incremento de la temperatura supera con creces los 3grados permitidos por la autorización de vertido.

El informe señala también que entre la estación de muestreo en el río Ebro a 10 km de la localidad de Frías, aguas arriba de la central, y la del embalse de Sobrón (separadas por 6,8 Km.), se registró un incremento de temperatura de 15,7 ºC, lo que supone un incremento medio de 2,3 grados por kilómetro. El embalse de Sobrón también registraba temperaturas superiores en unos 10 grados a las esperables .

Un informe del Ministerio de Medio Ambiente de fecha 1 de julio de 2009 ya alertaba de los problemas actuales de refrigeración de Garoña y del previsible empeoramiento de esa situación en el corto y medio plazo (el 25 de julio de 2006 la central tuvo que parar por imposibilidad de asegurar la refrigeración).

Greenpeace considera que los datos de temperatura del agua que toma Nuclenor no se ajustan a la realidad y que están orientados a ocultar la enorme contaminación térmica, y la Confederación del Ebro ha reconocido que “no realiza controles termométricos propios en el entorno de la central ya que se consideran suficientes los que realiza el usuario [Nuclenor]".

Greenpeace, además, se ha dirigido por escrito a los ministros de Interior, Defensa, Medio Ambiente y de Industria, para exigirles la realización urgente de los 'stress tests' obligatorios para todas las centrales nucleares y el cierre inmediato de las que no los superen.

Greenpeace señala que estos 'stress test', además de frente a terremotos e inundaciones, deben realizarse para probar análisis de resistencia y grado de vulnerabilidad de las instalaciones nucleares frente a posibles ataques terroristas y sabotajes, frente a ciberataques, impactos de aeronaves o misiles, etc.

El mar de Turner

06/04/2011, El museo de Bellas Artes de Bilbao, en colaboración con el Banco de Santander, dedica su espacio de Obra Invitada a William Tuner.


Bilbao, abril de 2011

Esta iniciativa, que se ha dedicado en ocasiones anteriores a artistas como Tintoretto, Monet, Sorolla, Picasso, Hockney o Rubens, se centra ahora en Mar tormentoso con naufragio, la obra invitada de William Turner (Londres, 1775-1851), uno de los grandes maestros del paisajismo inglés, perteneciente a la Tate Britain y fechada entre 1840-1845.

Esta pintura es de la última etapa de la carrera de Turner, en la que trata uno de sus temas predilectos, el mar embravecido, con una factura absolutamente moderna y casi abstracta con la que consigue una atmósfera muy especial que parece preludiar a los pintores impresionistas, para los que fue motivo de inspiración.

El mar fue uno de los grandes intereses de la carrera artística de Turner, que ocupó con marinas casi un tercio de sus lienzos, pintó vistas del litoral y los puertos para ser publicadas y realizó miles de bocetos y estudios del mar y la costa. Los desastres marítimos, las victorias y derrotas navales históricas y de su época, las travesías oceánicas, la aventura y el comercio, y su propia experiencia marítima fueron el tema de sus marinas

A caballo del romanticismo y el impresionismo, en Turner brilla la naturaleza, y se recrea en la violencia del mar.

En sus últimos años, se centró más en la luz y los reflejos que en la realidad, logrando crear un mundo evanescente donde los objetos dejan de ser reconocibles, en una visión que anticipa la abstracción.

Ya hacia 1830, Turner viajó con frecuencia a la villa marinera de Margate, en el sureste de Inglaterra, un lugar expuesto que ofrece vistas de la cambiante meteorología y que Turner describió como «los cielos más grandiosos de Europa». Esta obra, inacabada aunque en un estado de ejecución bastante avanzado, data de hacia 1840 y fue encontrada en el estudio del pintor tras su muerte. Representa una vista del mar desde la orilla, posiblemente desde Margate.

La forma de color marrón visible en la parte inferior derecha es con probabilidad un embarcadero que sufre la acometida de las olas. El pecio está representado con un contorno inacabado de pintura roja en la parte inferior izquierda; indicio, quizá, de un naufragio que no vemos. En el centro de la imagen, un rayo de luz que penetra a través de un claro en las nubes ilumina una zona de aguas más tranquilas y una vela blanca. Pero ¿ha logrado el barco huir de la tormenta o navega hacia el peligro?

Se ha alabado la frescura de obras como esta, aún inacabadas, precisamente por su cercanía al arte abstracto, y por esa pintura de indudable vigor y atractivo.

Del 5 de abril al 7 de julio en el Museo de Bellas Artes de Bilbao

Praga en Semana Santa

05/04/2011, La República Checa es un destino atractivo y que “se vende muy bien” en Semana Santa, según la opinión de las agencias mayoristas españolas

Praga, abril de 2011

La Oficina de Turismo de la República, recuerda que en esta época se ofrecen paquetes específicos para las vacaciones en vuelos chárter a Praga, por lo que se fletarán aviones desde 15 puntos de la geografía española.

Además de las casi 50 frecuencias semanales que operan las líneas regulares a la República Checa, esta Semana Santa se ha ampliado sustancialmente la oferta para viajar a Praga a través de las plazas reservadas en vuelos chárter por seis mayoristas españolas: Politours, Travelplan, Mapa Tours, Vivatours, Condor Vacaciones e Iberojet.

Los paquetes más comunes ofrecen una media de cuatro noches en Praga en hoteles de 3, 4 y 5 estrellas con un precio de salida de 500 euros. El mayor atractivo reside en la popular feria de Pascua del país, con mercadillos en la Plaza de la Ciudad Vieja y en la Plaza de San Wenceslao entre los días 9 de abril y 1 de mayo, y que son importante reclamo, en especial, para el turismo familiar.

Los vuelos chárter implican vuelos desde un total de 15 aeropuertos españoles. Madrid y Barcelona aglutinan el mayor número de plazas, y le siguen Valencia, Zaragoza, Santiago, Oviedo, Valladolid, Bilbao, Pamplona, Málaga, Granada, Sevilla y León. En las islas, los vuelos directos saldrán desde Las Palmas de Gran Canaria y Palma de Mallorca. “Aunque no se pueda cuantificar el número de plazas por cada touroperador, tenemos constancia de que viajarán a la República Checa más de 10.000 personas desde España durante las fiestas”, explica Marketa Leheckova, Ejecutiva de Marketing de la representación de la Oficina Nacional Checa de Turismo en España.

Programación de verano

Czech Airlines mantiene sus frecuencias semanales desde Madrid y Barcelona, con 12 y 17 vuelos respectivamente. Iberia opera 5 desde Madrid. Entre las aerolíneas low-cost, Smartwings llegará a tener más de 20 vuelos en los próximos meses desde los aeropuertos de Palma de Mallorca, Girona, Málaga, Las Palmas, Ibiza, Tenerife, Valencia, Alicante; y Wizzair dispone de 3 vuelos tanto desde Madrid como desde Barcelona, con salidas los martes, jueves y sábados.

La novedad de la temporada es la apertura de la ruta Alicante – Brno por Ryanair. Brno es la segunda ciudad en importancia de la República Checa y un importante centro empresarial gracias a su competitivo recinto ferial.

El turismo español en 2010

La representación en España de CzechTourism, que celebra actualmente su décimo aniversario, informa que el pasado año, unos 200.000 españoles visitaron la República Checa, una cifra que representa un 3% del total de entradas registradas, más de 6,3 millones. España se mantiene en el décimo emisor de turistas.

La media de la estancia de los españoles fue de 4 días -ligeramente superior a la cifra global de 3,9-, sumando un total de 580.652 pernoctaciones. El gasto diario se situó en unos 51€ por persona.

Praga sigue siendo, sin duda, el destino favorito e indiscutible. La capital recibió más de cuatro millones de turistas internacionales en 2010, seguida por las regiones de Karlovy Vary y Moravia del Sur.

Tolima: 13.000 años de historia

02/04/2011, Del 8 de abril al el 21 de agosto, en la Sala de Exposiciones Temporales del museo del Oro de Bogotá, se presenta la exposición “Tolima milenario, un viaje por la diversidad”

Bogotá, abril de 2011

Esta exposición reúne elementos relativos a los 13.000 años de historia, conocimientos y arte de la región que hoy se conoce como el departamento del Tolima, un territorio diverso tanto en su geografía como en sus formas de vida.

La muestra “Tolima milenario, un viaje por la diversidad” da cuenta, a través de piezas de orfebrería, cerámica, piedra y hueso, de los resultados de investigaciones arqueológicas realizadas en el departamento desde la década de 1940. Estará abierta entre el 8 de abril y el 21 de agosto en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo del Oro de Bogotá, y Héctor Salgado López es comisario de la misma.

Hace poco más de sesenta años, los arqueólogos Julio César Cubillos Chaparro y Gerardo Reichel-Dolmatoff iniciaron las investigaciones arqueológicas en el departamento del Tolima, una tarea que hizo frente al deterioro y a los saqueos de los que las piezas patrimoniales eran objeto desde épocas de la Conquista.

Sus estudios y los de sus continuadores permiten hoy en día narrar una historia de 13.000 años de antigüedad. Excavaciones arqueológicas en los municipios de Chaparral, Roncesvalles y Fresno, han confirmado que los primeros habitantes de la región existieron entre el año 11.000 y 3.500 a.C., y que hacia el año 1000 a.C. comenzó un proceso de trasformación cultural que se caracterizó por la formación de pequeñas aldeas de agricultores y ceramistas que extrajeron oro de la cuenca del río Saldaña e iniciaron la orfebrería

La exposición aborda además aspectos peculiares de estas sociedades, como las urnas funerarias sobre las cuales se representó la figura humana.

Además narra la invasión europea en los siglos XVI y XVII, el establecimiento de instituciones de dominación y el aniquilamiento de los indígenas, así como las etnias y tradiciones que sobrevivieron al tiempo y hoy en día habitan en el departamento.

Estilo Tolima

En la exposición se exhiben varias piezas de orfebrería pertenecientes a la colección del Museo del Oro, cuyos atributos las hacen representativas del Estilo Tolima, un término acuñado por el antropólogo José Perez de Barradas en la década de 1950.

Aunque las investigaciones actuales no han podido establecer el periodo de producción de estas piezas, algunas de las características formales e iconográficas presentan similitudes con el material cerámico encontrada en la región, lo que permitiría suponer que entre el 1000 a. C. y el 800 a. C. se elaboró la orfebrería con oro extraído de la cuenca del río Saldaña en los municipios de Ataco, Chaparral y Rioblanco.

La inmensa variedad de diseños de estas piezas, entre pectorales, colgantes de orejera, cuentas, collares y demás objetos, esquematizan la figura humana mediante ángulos rectos y miembros en escuadra, cuya armonía geométrica aún es asunto de admiración para disciplinas como el diseño y el arte. En ellas son comunes las figuras zoomorfas y antropomorfas, híbridos como peces alados y terminaciones en forma de ancla que evocan colas de felino, así como los pendientes y pectorales con formas esquemáticas de murciélagos.

Información adicional: www.banrepcultural.org/museo-del-oro

Tampere, a tiro de piedra.

31/03/2011, La ciudad de Tampere, en Finlandia, está ahora más accesible mediante vuelos de bajo coste.

Tampere, marzo de 2011

Las ciudades de Málaga y Alicante están ahora conectados con la ciudad finlandesa, gracias a un vuelo operada por la aerolínea Ryanair que admite reservas desde finales de marzo y permite, de esta manera, hacer un paréntesis nórdico y descubrir la tercera ciudad de Finlandia, que combina una animada vida cultural con un entorno de naturaleza tranquila entre lagos y cabañas de madera, alejado de cualquier tipo de turismo de masas.

La Oficina de Turismo de Finlandia recuerda que Tampere es la ciudad interior más grande de Finlandia y de todos los países nórdicos. Está situada en el istmo formado por los lagos Nдsijдrvi y Pyhдjдrvi, al amparo del rápido Tammerkoski, considerado el verdadero "padre" de Tampere, ya que en torno a este torrente de agua se inició el desarrollo industrial de la ciudad.

Actualmente, ambas riberas están conectadas por ocho puentes, de los que tres son de tránsito exclusivamente peatonal.

Es Tempere una ciudad para pasear y también para descansar en sus parques y zonas verdes, que cubren 2.400 hectáreas, aproximadamente: 100 metros cuadrados por habitante.

La Historia de Tampere está ligada a la de sus fábricas y molinos que se desarrollaron con la industrialización de finales del siglo XIX, y que hoy se han reconvertido en originales espacios culturales. En total hay unos 100 museos en Tampere y alrededores, algunos de ellos de lo más insólito, como el Museo del Espionaje o el de Lenin. Йste último se erige en el lugar donde Lenin y Stalin se encontraron por primera vez, en 1905.

Como cuna de la industria finlandesa, una parte esencial de la arquitectura de Tampere está ligada a su patrimonio industrial, aunque también hay ejemplos del Art-nouveau finlandés, como la Casa Tirkkonen, construida en 1906 y restaurada en 1986 por el famoso arquitecto finlandés Lars Sonck.

La Catedral de Tampere destaca asimismo por su bonito interior y los frescos que la decoran.

Pero Tampere es, sobre todo, un destino de naturaleza y paisajes, según recomiendan los gestores del turismo de Finlandia. Recomiendan hacer un crucero por los lagos y pasar un día – o varios- en el bosque, disfrutando de los placeres del verano local: paseando en canoa, pescando, haciendo una barbacoa en la cabaña de madera y, por supuesto, tomando una sauna con chapuzón, todo un clásico de la vida saludable del norte.

A 2,5 kilómetros del centro, el barrio de Pispala está considerado el distrito más bello de la ciudad. Ha sido residencia de artistas, y llama la atención por sus casas, callejuelas, galerías y el paisaje lacustre.

INFORMACI"N PRÁCTICA

Localización: Tampere se encuentra a 180 kilómetros al noroeste de Helsinki, capital de Finlandia, en la Finlandia Occidental, la región de Pirkanmaa.

Ryanair ha abierto varias rutas con la llegada del buen tiempo, y conecta en vuelo directo Málaga con Tampere con salidas los viernes y lunes. Con Alicante, los miércoles y domingos.

La compañía Finnair ofrece vuelos desde varios países, entre ellos España. Desde Helsinki se puede conectar con un vuelo interior de 30 minutos al aeropuerto de Tampere-Pirkkala Airport (TMP). www.finnair.com

Formalidades: Los ciudadanos de la UE pueden entrar al país nórdico con su DNI en vigor.

Idioma oficial: Finés. En otras zonas del país se habla sueco (6%) y sami (unas 1.700 personas).

Moneda: Euro .

Religión: La mayoría de los finlandeses son luteranos (85,6%) y un porcentaje menor, ortodoxos(1,1%)

Sistema político: Finlandia es una democracia parlamentaria.

Población: La población de Finlandia es de 5,3 millones de personas, mientras que Tampere cuenta con 211.544 habitantes

Oficina de Turismo de Tampere - www.gotampere.fi/eng

Es primavera en Bruselas

31/03/2011, La primavera llega a Flandes, y lo hace por todo lo alto, con interesantes eventos culturales con los que celebrar la llegada del buen tiempo durante los meses de abril y mayo.

Joan Miró: El espacio cultural ING, en colaboración con los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica y la Fundación Miró de Barcelona, presenta una exposición de 120 pinturas, grabados, esculturas y dibujos que rastrean la evolución del pintor, a partir de la célebre serie de las Constelaciones ejecutada al comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

24 de marzo a 19 de junio
Espacio Cultural ING
www.ing.be/art

La aventura Publi-art. Y la publicidad descubrió a los artistas de cómic: Aunque la prensa estuviera ligada a la publicidad desde la primera mitad del S. XIX, hubo que esperar hasta 1950 para que una agencia de publicidad fuera creada con la voluntad deliberada de que sus creativos fueran dibujantes de cómic que utilizaran en ocasiones sus propios héroes de papel.

22 de marzo a 2 de octubre
Centro Belga del Cómic
www.cbbd.be

Tutankamon, su tumba y sus tesoros: Espectacular puesta en escena que sumerge al visitante en las profundidades del Egipto antiguo.

20 de abril a 6 de noviembre
Brussels Expo, pabellón 2
www.kingtutbrussels.be/web

Festival de las Artes: El Festival de las Artes presenta espectáculos y artes plásticas tanto de artistas neerlandófonos y francófonos, como de artistas occidentales y no occidentales. El festival tiene lugar en acogedores teatros, centros de arte o espacios públicos de Bruselas. Numerosas instituciones flamencas y francófonas colaboran en este festival con el objetivo de contribuir al diálogo entre las diversas comunidades presentes en Bruselas.

6 mayo – 28 mayo 2011
Diversos lugares
www.kfda.be

Maratón de Jazz Bruselas: A finales de mayo Bruselas dará otra vez la bienvenida al maratón de Jazz. Durante tres días 450 músicos llenarán la ciudad con 160 conciertos en directo, que tendrán lugar al aire libre, como en la Grand Place, y también en pequeños bares y salas.

27 mayo – 29 mayo 2011
Bruselas, diversos lugares
www.brusselsjazzmarathon.be

Las gentes de Marialba

29/03/2011, Las mujeres eran 10 centímetros más bajas que los hombres hace unos 1500 años, según los restos de las tumbas más antiguas de la basílica paleocristiana de Marialba (León)

León, Marzo de 2011

La Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León cuenta ya con el estudio antropológico de 26 (11%) de las 237 tumbas halladas en la última excavación en la basílica paleocristiana de Marialba de la Ribera, y acaba de difundir los primeros datos.

En concreto, el estudio se ha centrado, por su especial interés y buena preservación, en los restos de mayor antigüedad: en los 16 individuos inhumados en tumbas tardoantiguas -14 visigodos y dos en tumbas tardorromanas, de estructura de ladrillo y tipo capuccina- y 10 tumbas altomedievales, con restos de 11 personas. Así, el estudio agrupa los restos humanos de mayor antigüedad del yacimiento. Todos ellos fueron enterrados directamente en la fosa, sin ataúd.

En las inhumaciones tardoantiguas, el 80% de los restos se encontraron completos. La mayor parte de ellos corresponden hombres adultos, aunque hay también cuatro mujeres y niños en la muestra. La estatura media de los hombres en este grupo era de 1,66 metros y la de las mujeres de 1,56 metros.

En las inhumaciones altomedievales estudiadas, el 90% de los restos se encontraron completos. En su mayor parte, eran de hombres adultos, aunque hay tres mujeres, dos jóvenes y un niño.

Patologías

Más del 80% de los individuos estudiados presenta algún signo de patología, que permite extraer algunas conclusiones sobre el estado de salud de la población viva original y sobre sus hábitos de vida.

Se han observado patologías poco comunes en los cráneos, como tumores óseos benignos o perforaciones que algunos autores relacionan con carencia de hierro.

También se da un buen número de patologías orales, tales como caries, pérdidas dentales, signos de infección y sarro muy comunes en este tipo de poblaciones.

La mitad de los individuos analizados refleja alguna patología en las vértebras de tipo degenerativo; tres casos de fusión de la última vértebra lumbar al sacro, algo inusual en poblaciones arqueológicas; también roturas por espondilólisis o manifestación ósea de tuberculosis.

Las enfermedades en los huesos de brazos y piernas, como la artrosis, se revelan más comunes en la población tardoantigua examinada que en la altomedieval: un 43% de los individuos del primer grupo muestran signos de algún tipo de daño articular frente a un 18% de los restos del segundo grupo. En un caso, se han observado alteraciones de los huesos relacionadas con la actividad habitual del individuo en posición de cuclillas y, en otro, por cargar peso excesivo en los brazos y los hombros.

Este análisis antropológico contribuye a reconstruir las condiciones demográficas, biosanitarias y de esperanza de vida de los antiguos habitantes de Marialba de la Ribera.

Además, el estudio actual incluye también una reflexión sobre 18 individuos, 11 hombres y 7 mujeres, todos ellos de cronología medieval, salvo dos de procedencia tardoantigua, exhumados y analizados tras la excavación de los años 60.

Ambos grupos reflejan patologías similares, especialmente en el caso de los problemas dentales, fruto de las deficientes costumbres alimentarias e higiénicas, comunes en la época. También coinciden en los numerosos casos de artrosis, relacionada con el modo de vida y la actividad física de aquella población.

En cambio, la estatura de aquellos hombres superaba en 5 centímetros la de los incluidos en el actual examen antropológico. Esto se debe a que los individuos de aquel estudio procedían de enterramientos en las zonas más importantes de la basílica, por tanto integrantes de las clases sociales más altas, más y mejor alimentados desde niños que los sujetos del estudio actual, enterrados en las zonas adyacentes al templo y por tanto de clases menos pudientes. La estatura de las mujeres coincide en ambos estudios, es más, se corresponde también con la de la población femenina de otros yacimientos de la misma cronología.

Proyecto y colaboración

Este estudio antropológico completa los datos obtenidos en la excavación, el informe arqueológico y la prospección geofísica. Con todo ello, la Fundación del Patrimonio Histórico mejora el conocimiento de este edificio que arranca en época tardorromana y revela información valiosa sobre el tránsito a la Edad Media, además de plantear soluciones para el proyecto global de adecuación para la visita del yacimiento, protección de sus restos y divulgación de su significado histórico, en el que en este momento trabaja. La Fundación del Patrimonio Histórico ha contado con la colaboración del Ministerio de Fomento, a través del 1% destinado a proyectos culturales.

La excavación de la Fundación del Patrimonio Histórico en un superficie de 2.000 m2 aporta más de 5.800 registros específicos que describen todas las acciones en el yacimiento a lo largo del tiempo; 237 enterramientos, con restos de 282 individuos; más de 3.400 fragmentos de cerámica y cerca de 2.500 fragmentos no cerámicos (metal, vidrio, azabache, monedas, decoración, ladrillos, tejas, piedras y fauna). El yacimiento tiene una extensión mucho mayor de la intuida hasta ahora y se entendería casi un kilómetro al norte de la basílica, de carácter monumental, cuyos cimientos alcanzan los dos metros de ancho, que sería visible a gran distancia. En torno al siglo XIII, el complejo religioso estaba desmantelado y en proceso de ruina. En Marialba se reutilizó material constructivo procedente de un asentamiento militar romano en las inmediaciones, de entre los siglos I y III d.C.

Tras la prospección geofísica sobre 8.000 m2 a los pies y en el costado oeste de la basílica, la Fundación del Patrimonio Histórico ha hallado restos de construcciones interesantes soterrados al norte de la zona protegida por la declaración de Bien de Interés Cultural del yacimiento.

La Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León es una entidad privada, sin ánimo de lucro, constituida en 1997 por las cajas de León y de Castilla para fomentar la conservación, restauración y difusión del Patrimonio histórico de estas regiones

El Pritzker, a Souto de Moura

28/03/2011, El Premio Pritzker, creado en 1979, ya tiene este año un nuevo ganador: el portugues Eduardo Souto de Moura.

Oporto, marzo de 2011

El prestigioso galardón, comparado a veces como un Nobel de arquitectura, valora la creatividad y funcionalidad de las obras y el aporte del autor a la disciplina arquitectónica. Es la segunda vez que se concede a un portugués; en el caso anterior el galardonado fue Alvaro Siza(1992) en cuyo equipo ha trabajado tambien Souro de Moura.

El premio conlleva una dotación de 70.000 euros, y el jurado –según recientes informaciones- valoró la capacidad del arquitecto portugués para unir efectos aparentemente contradictorios como el poderío y la modestia.

El galardonado nació en Oporto, en 1952, y se licenció en esta misma ciudad, donde ha sido docente, y donde tiene su propio despacho. Entre 1974 y 1979 colaboró en el estudio de Alvaro Siza.

Su obra muestra notable rigor, solidez y precupación por el entorno. Ama las líneas rotundas y es profundamente innovador. Los amantes del deporte pueden recordar –seguro- una obra suya: el campo de deportes de Braga, construido en una cantera, con gradas sólo en los laterales, y los techos de un lado y otro unidos por tirantes de acero. Al no tener los graderíos de fondo, el estadio encaja con el entorno y permite, desde él, la contemplación de la ciudad. Debajo del mismo hay un espacio-plaza de reunión.

En Braga tiene tambien un mercado, y en otras localidades del norte de Portugal posee obra diversa, como en Braganza, donde es autor del Centro de Arte.

El premio ha tenido pocos ganadores del ámbito iberoamericano: aparte de los dos portugueses citados cabe señalar al mexicano Luis Barragán, en 1980, y al español Rafael Moneo, en 1996.

Inaugurado el Centro Niemeyer

27/03/2011, En Avilés, Asturias, abrió el espectacular Centro Cultural Oscar Niemeyer, obra del notable arquitecto brasileño.

Avilés, Asturias, Marzo de 2011

Un nieto del veterano autor leyó una carta del mismo, deseando que este lugar sea punto para el diálogo de culturas. Para Niemeyer, esta obra –la primera que diseña en España- es también la más emblemática de las que deja fuera de su país.

En la realización del proyecto se ha invertido un presupuesto de 44 millones de euros, según cifras oficiales. En esta cifra está incluida la estabilización del terreno, parcela de la margen derecha de la ría desafectada de usos industriales. Para hacer el suelo más estable se han hincado en él un millar de pilotes de hormigón.

Avilés, una de las ciudades metalúrgicas asturianas padeció duramente la reconversión industrial, cuando cerraron las inmensas instalaciones de ENSIDESA; pero se ha reconvertido en una ciudad más habitable y variada, en la que este centro cultural ha sido pieza muy importante, igual que el Guggenheim lo ha sido en el modelo de reordenación de espacios de Bilbao.

El conjunto inaugurado ahora consta de varias partes independientes, entre ellas una airosa torre mirador que sirve como magnífico punto para ver la ciudad y su ría. También consta de un museo, auditorio y un centro polivalente.

Según los responsables del proyecto, el Centro Niemeyer será una puerta abierta a todas las artes y manifestaciones culturales. La música, el cine, el teatro, la danza, las exposiciones o la palabra son los protagonistas de una programación cultural multidisciplinar.

Nace con la voluntad de ser un referente en la gestión cultural en Iberoamérica y un puente entre todas sus orillas. Por ello, está concebido como un imán capaz de atraer talento, conocimiento y creatividad, pero también como una puerta abierta de Asturias al mundo.

El arquitecto brasileño(103 años) recibió en 1989 el premio Príncipe de Asturias de las Artes, y entonces, en agradecimiento, trazó lo que sería su mejor regalo: el diseño de un edificio, que según Niemeyer es su “obra más importante y querida en el exterior de Brasil”.

La primera piedra fue colocada en abril de 2008, y desde ese momento el Centro comenzó a poner en práctica su filosofía con diferentes actividades culturales de repercusión mundial. Desde 2007 el Centro Niemeyer viene programando actividades culturales en diversas sedes, principalmente en Avilés, pero también ha presentado eventos en Brasilia, Shangai, Cannes, Madrid, Barcelona y Oviedo. Genios del cine, la música, la literatura y la ciencia como Woody Allen, Kevin Spacey, Brad Pitt, Wim Wenders, Carlos Saura, Paulo Coelho, Wole Soyinka, Vinton Cerf , Paco de Lucía, Yo-Yo Ma, Joan Manuel Serrat o Fernando Arrabal han estado en Avilés para participar de este sueño de educación, cultura y paz.

La programación del centro se ha iniciado con una multitudinaria actuación musical de Woody Allen, el dia 25 de marzo. El 27, Kevin Spacey y Joan Manuel Serrat participan en el primer debate en el auditorio para hablar sobre “La cultura en tiempos de crisis”

Esta nueva institución cultural asturiana está ubicada en el centro de Avilés, sobre la margen derecha de la ría, a 500 metros de la plaza España y el Ayuntamiento.

Abre el Carmen Thyssen en Málaga

26/03/2011, Málaga cuenta con un nuevo centro de arte, dedicado principalmente a la pintura del siglo XIX: el Museo Carmen Thyssen.

Malaga marzo de 2011

El acto inaugural contó con la presencia de algún famoso, como Antonio Banderas, y algunos críticos que protestaron por las inmensas inversiones publicas dedicadas al centro

Lo positivo es que en pleno centro malagueño, cerca de la catedral y el museo Picasso, el museo Carmen Thyssen muestra cerca de dos centenares de obras, en las que se refleja básicamente el siglo XIX, con sus paisajes y costumbres, en una selección en la que figuran grandes autores como Sorolla, Fortuny o Zuloaga.

Los días 25,26 y 27 de marzo –los tres primeros de la apertura- las visitas han sido gratuitas. Luego costarán seis euros. Los horarios de visita son de 10.00 a 20.00 horas de martes a viernes, y de 10.00 a 21.00 los fines de semana.

Según informa la web del centro de arte, la colección Carmen Thyssen-Bornemisza, prestada gratuitamente al museo Carmen Thyssen Málaga, presenta un conjunto de extraordinaria coherencia, que arranca con una serie de piezas de maestros antiguos, entre los que destaca la Santa Marina de Zurbarán, y continúa con una serie de capítulos que permiten establecer una sólida historia de los géneros que protagonizaron la pintura española del siglo XIX, con especial atención a la pintura andaluza, el paisaje romántico y el costumbrismo.

Obras de Darío de Regoyos, Joaquín Sorolla, Hermen Anglada i Camarasa, Francisco Iturrino o Ignacio Zuloaga ejemplifican cómo el arte español de fin de siglo se integra claramente en los circuitos internacionales, constituyendo el colofón del rico y amplio recorrido que dibuja la colección.

El museo Carmen Thyssen Málaga se halla en la calle Compañía 10. la web: http://www.carmenthyssenmalaga.org/

Diseño austriaco en Barcelona

25/03/2011, Descubre con "Ingenio Sorprendente" el diseño austriaco más innovador. La muestra podrá visitarse hasta el 28 de abril en las instalaciones del ADI-FAD (Barcelona).

Barcelona, marzo de 2011
Más de 400 metros cuadrados sirven para mostrar una amplia representación del diseño austriaco más actual a través de una cuidada selección de piezas de empresas y diseñadores austriacos, que apuestan por la creatividad y el diseño industrial como valor añadido.

EOOS, Kiska, Spirit Design, Bene, Red Bull, Riedel, Swarovski o Wolford son algunos de los nombres que se encargarán de dar a conocer a los visitantes las nuevas tendencias del diseño de unas empresas muy concienciadas, no sólo por la utilidad de sus propuestas, sino también por la sostenibilidad y el respeto por el medio ambiente.

Una exposición viva y creativa que muestra la aportación de Austria al mundo del diseño industrial de vanguardia, a través de sus productos y proyectos experimentales.

Austria es hoy por hoy un referente ineludible en el mundo del diseño industrial. La inversión, promoción y el apoyo a las empresas y diseñadores han dado como resultado una excelente posición de esta disciplina en el ranking de competitividad a nivel mundial.

A principios del siglo XX (en el año 1903) se creó la Wiener Werkstätte, una asociación de talleres independientes dedicados a la producción de mobiliario, joyería, textil, cerámica y otros productos de uso cotidiano, que bajo un criterio unificado, diseñaban sus productos con una clara visión artística buscando tanto utilidad como estética.

El diseño austriaco actual representa la metodología unida a la meticulosidad, donde lo tecnología punta convive con la creatividad emocional, un diseño inteligente de reconocida calidad, que ha experimentado una metamorfosis radical en los últimos años convirtiéndose en una de las llaves para la estimulación de la economía y la sociedad que representa.

Ingenio Sorprendente
ADI-FAD
Plaça dels Àngels 5-6 Barcelona

La tertulia del café de Pombo

25/03/2011, Tras un proceso de investigación y restauración de la obra de José Gutiérrez Solana, El Museo Reina Sofía halla bajo la pintura una escena de carácter religioso.

Madrid, marzo de 2011
Hace un par de años los restauradores apreciaron que el barniz de la obra había perdido trasparencia en algunas zonas y que en el centro del cuadro aparecían craquelados, por lo que la obra fue trasladada al taller de Restauración el 8 de junio del 2009.

Tras un análisis radiográfico, el escáner dejó al descubierto que bajo las figuras del Café de Pombo hay —y se distingue con absoluta nitidez— una pintura de carácter religioso donde se aprecia un altar barroco y delante una penitente.

En la escena se observa un altar cubierto con un paño que cae por sus lados; sobre él, tres candelabros, varios objetos de culto, y dos cabezas que, por la expresión doliente de una de ellas, probablemente representen bustos relicarios de mártires.

En el fondo aparece pintado un altar con una figura en el centro, posiblemente una virgen Delante se ve con claridad una figura arrodillada, apoyada en una de sus manos y cubierta por ropajes de carácter religioso.

Además, los trabajos desarrollados en el Departamento de Conservación-Restauración han servido para conocer de forma exhaustiva el estado de conservación de la obra y la técnica pictórica del artista, que al parecer aplicaba colores en capas muy empastadas y trabajaba los fondos sumando capas que, en ocasiones, raspaba con una espátula. Esta forma de pintar, formando intensos contrastes de materia, color y sombras grasas, es característica de la técnica del artista.

La utilización de luz ultravioleta mostró las diferentes respuestas fluorescentes que dan los materiales presentes en las capas exteriores. Su intensidad cromática varía dependiendo de las distintas propiedades y de la antigüedad de la aplicación, y permite identificar la presencia de repintes o añadidos posteriores.

La Tertulia del café de Pombo fue realizada por José Gutiérrez Solana en el año 1920, a instancias del escritor Ramón Gómez de la Serna, personaje que está de pie en el centro de la composición rodeado de varios de los asiduos partícipes en la tertulia que los sábados por la noche dirigía desde 1912.

La obra muestra una extraordinaria galería de personajes, tras la naturaleza muerta reflejada sobre la mesa del Café. La composición es simple, equilibrada y estática, y las posturas de los personajes, rígidas. Solamente Ramón Gómez de la Serna y Solana muestran una leve sonrisa. La atmósfera es densa y opresiva, y el pintor hace uso de un clásico recurso, el espejo que cuelga sobre el grupo y que produce un efecto casi surreal y misterioso.

El lienzo retrata a algunos de los tertulianos más habituales y de esta forma nos traslada a un momento singular de la vida intelectual española de los años veinte y da a conocer los rostros de algunos de sus protagonistas: Ramón Gómez de la Serna, Tomás Borrás (1891-1976), periodista, comediógrafo, novelista y autor de cuentos; Manuel Abril (1884-1943), escritor, periodista y crítico de arte; José Bergamín (1895-1983), poeta, crítico, ensayista y autor teatral; José Cabrero, pintor santanderino y único de los personajes retratados por Solana sobre el que apenas se dispone de datos; Mauricio Bacarisse (1895-1931), poeta, novelista y ensayista; el propio autor, José Gutiérrez Solana (1886-1945); Pedro Emilio Coll (1872-1947), escritor venezolano, y Salvador Bartolozzi (1882–1950), pintor y dibujante.

La Tertulia del café de Pombo se muestra al público en la segunda planta del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía, una planta dedicada a la irrupción del siglo XX, más concretamente en la sala 201, titulada Modernidad. Progreso y decadentismo y, dentro de ésta, en relación a la generación del 98, la España negra y las contradicciones de una modernidad que no logra despegarse de los fantasmas del antiguo régimen.

El Antiguo Café y Botillería de Pombo, inaugurado a comienzos del siglo XIX, fue uno de los más conocidos locales de tertulia del Madrid del primer tercio del siglo XX. Este local se encontraba cerca de la Puerta del Sol, en el número 4 de la calle de Carretas.

Allí, en 1912, el escritor Ramón Gómez de la Serna decide fundar su tertulia literaria de los sábados, que se extendía hasta la una de la madrugada. La tertulia se denominaba "La Sagrada cripta del Pombo" y reunía a algunos de los intelectuales (jóvenes promesas) de la época. La botillería cerró definitivamente en 1942.

Sábado en el Museo

25/03/2011, El Museo Manuel Piña muestra y difunde la obra del diseñador manzanareño, figura relevante de la moda española desde finales de los años 70 hasta principios de los 90 del pasado siglo.

Manzanares, 24 de marzo de 2011
El Museo Manuel Piña inicia su programa de actividades para la primavera de 2011 con la actividad “Sábado en el Museo”, una visita guiada que muestra a los visitantes la excepcional colección del museo y su singular edificio de la mano de una historiadora del arte.

La primera edición de esta actividad tendrá lugar este sábado 26 de marzo y habrá dos turnos: a las 18 y a las 19 horas. Las visitas son gratuitas y para asistir es necesaria la previa inscripción a través del 926 621 032 o bien en el correo electrónico museomanuelpina@manzanares.es

Las colecciones que custodia y exhibe el Museo Manuel Piña son fruto de la generosa donación de la familia del creador, así como aportaciones de colaboradores y amigos.

Vestidos y complementos, fotografías y vídeos, conforman una interesante exposición permanente albergada en un espacio singular: las antiguas bodegas de una casa solariega, dentro del Centro Cultural Ciega de Manzanares.

Las creaciones de Manuel Piña son únicas y excepcionales, muchas de ellas artesanales, donde se mezclan la moda y el arte. Sus trajes y vestidos reflejan sus recuerdos e influencias, de La Mancha de su juventud, de las tradiciones y el folcklore. Pero también muestran las nuevas tendencias de una España renovada, de la nueva mujer feminista y de las tendencias culturales y artísticas más novedosas.

Sábado en el Museo
visitas guiadas gratuitas
26 de marzo de 2011, 18 y 19 h.
Virgen del Carmen 14
Manzanares (Ciudad Real)

Naturalezas Muertas en Alcoy

24/03/2011, Después del éxito obtenido con las exposiciones itinerantes dedicadas al retrato español en la Comunitat Valenciana, Alcoy acoge la muestra del Museo del Prado dedicada al género del bodegón.

Alicante, marzo de 2011
Tras su paso por Zaragoza, Tenerife, A Coruña, Valladolid y Murcia, llega a Alcoi la exposición “El bodegón español en el Prado” está formada por 61 obras pertenecientes a los fondos de la primera pinacoteca nacional, e incluye trabajos de Van der Hamen, Zurbarán, Arellano, Meléndez y Goya.

Es esta una exposición de gran importancia, tanto por la extraordinaria calidad de las obras, como por la categoría de los maestros que las realizaron y el amplio abanico cronológico que abarca, desde comienzos del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX.

“El bodegón español en el Prado” constituye una oportunidad excepcional para disfrutar de un recorrido por el sugestivo mundo de los bodegones y floreros de la escuela española de los siglos XVII, XVIII y parte del XIX, apreciando la maestría con la que los pintores españoles representaron los elementos que configuran el mundo doméstico tradicional.

Además de tener cierto significado alegórico y difundir mensajes que van desde el espíritu religioso hasta la expresión material de la prosperidad, la pintura de bodegones nos habla de la imagen histórica de España, a través de la representación de los alimentos, los objetos de cocina y utensilios caseros habituales, así como las relaciones sociales, la gastronomía, e incluso la decoración.

“El bodegón español en el Prado”
Hasta el 26 de junio de 2011
Centre d’Art d’Alcoi (Alicante) Rigoberto Albors, 6

Picos de Europa

23/03/2011, La vertiente sur de los Picos de Europa, un paisaje espectacular enclavado en la provincia de León, contará en el futuro con dos centros de Interpretación e información, ubicados en Posada de Valdeón y Oseja de Sajambre

León, marzo de 2011

La directora del organismo Parques Nacionales, Olga Baniandrés, ha presentado los proyectos de construcción, están incluidos en el conjunto de actuaciones singulares y extraordinarias que promueve la Red de Parques Nacionales, con una inversión de unos 12 millones de euros. Está previsto el comienzo de las obras para finales del presente año.

El Parque Nacional de los Picos de Europa

La Montaña de Covadonga del macizo de Peña Santa, fue el primer Parque Nacional declarado en España, el 22 de julio de 1918. Con el tiempo el Parque se ampliaría hasta constituir el actual Parque Nacional de los Picos de Europa, a caballo entre León, Cantabria y Asturias, aunque es en León donde hay más poblaciones diseminadas.

El Parque Nacional representa los ecosistemas ligados al bosque atlántico.

Los Picos de Europa presentan la mayor formación caliza de la Europa Atlántica, con importantes procesos cársticos, profundas simas, erosión glaciar muy patente y presencia de lagos. Entre sus riscos habita el rebeco; en los bosques los corzos y lobos, con presencia de osos. En el Parque habitan más de 100 especies de aves, entre las que destacan el pito negro y el urogallo, y entre las grandes rapaces el buitre leonado y el águila real. Además, hay siglos de historia escritos en los pueblos, en los valles, en las iglesias, en las cabañas de los puertos y en sus caminos.

Con la construcción y puesta en marcha del Centro de Visitantes en Posada de Valdeón y del Centro de Visitantes en Oseja de Sajambre, se mejorará la infraestructura de atención al público en la vertiente sur del Parque Nacional, y se espera que los centros pueden jugar un papel clave como factor de dinamización socioeconómica de los municipios de la zona.

Centro de Posada de Valdeón

El edificio, con una superficie útil de 2.677,50 metros cuadrados, contará con una zona administrativa de oficinas y otro sector correspondiente a visitantes, además de sala de exposiciones, sala de reuniones, biblioteca y servicios complementarios. Todo ello dispuesto en diversas alturas, adaptadas al terreno y aprovechando el desnivel existente.

Las cubiertas del edificio se plantean planas y ajardinadas, como una prolongación del tapiz verde de los prados del entorno. Los acabados exteriores del edificio serán naturales, acordes con la tipología del lugar.

El presupuesto de ejecución de la obra asciende a casi 6,7 millones de euros. La inversión se completará con otros 3 millones de euros, destinados al proyecto de interpretación.

La Fonseya, en Oseja de Sajambre

El proyecto de este centro supone la rehabilitación del edificio denominado “La Fonseya”, actualmente en muy mal estado. El nuevo edificio está diseñado con acabados exteriores en muro de mampostería, fiel al original, quedando así totalmente integrado con las construcciones tradicionales de la zona.

El nuevo Centro constará de instalaciones administrativas y de información a visitantes, dispuestas en varias plantas, además de un aparcamiento ajardinado. Todo ello se completará con la urbanización exterior para uso de los visitantes, una superficie distribuida en varios niveles conectados y adaptados a la topografía del terreno, con terrazas y jardines que aprovechan las excelentes vistas hacia las montañas.

En total, el edificio tendrá una superficie útil de 952 metros cuadrados, y la urbanización exterior 4.271metros cuadrados.

La inversión prevista en la reconstrucción del edificio asciende a casi 2,5 millones de euros y el importe previsto para los contenidos de interpretación e información estará en torno a 400.000 euros.

Saqueos de obras de arte

15/03/2011, Durante las recientes revueltas en Egipto, se saquearon tumbas en Saqqara y Abusir y se robaron al menos nueve piezas del Museo Nacional del Cairo, según fuentes de la UNESCO.

Paris, marzo de 2011

El tráfico ilegal de bienes culturales es, junto los de drogas y armas, de los de mayor importancia económica del mundo, según la Organización Internacional de Policía Criminal (Interpol). Algunas fuentes calculan que su monto anual alcanza los 6.000 millones de dólares.

El pillaje de sitios arqueológicos, el robo de obras religiosas, el crecimiento sin precedentes del mercado del arte en el mundo, el crimen ligado a la circulación de bienes culturales y a la financiación de actividades terroristas son temas que preocupan a la comunidad internacional.

Según fuentes de la UNESCO, varios países africanos han perdido más de la mitad de sus bienes culturales, hoy dispersos en colecciones públicas y privadas fuera del continente. Otro ejemplo: Desde 1975, centenares de estatuas de Buda del templo de Angkor Vat, en Camboya, han sido arrancadas, mutiladas o decapitadas.

La UNESCO adoptó hace cuatro decenios la Convención sobre las medidas que deben adoptarse para prohibir e impedir la importación, la exportación y la transferencia de propiedad ilícitas de bienes culturales. Ratificada hasta la fecha por 120 Estados, constituyó el primer reconocimiento internacional de que un bien cultural no puede considerarse una mercancía como las demás.

Pero el tráfico ilegal continúa vigente. Esta organización cultural celebra ahora el cuadragésimo aniversario de la Convención con un coloquio que tendrá lugar en París los días 15 y 16 de marzo. En él se analizarán los estragos, se evaluarán las respuestas que se le están dando a nivel nacional e internacional y se propondrán soluciones para mejorarlas.

Algunos datos del problema:

- En América Central cada mes se extraen de excavaciones ilegales al menos 1.000 piezas de cerámica maya por un valor de 10 millones de dólares.

- Durante el conflicto en Iraq se robaron cerca de 15.000 obras del museo de Bagdad. De ellas, se recuperaron 2.000 en Estados Unidos, 250 en Suiza, y 100 en Italia, al tiempo que 2.000 se hallaron en Jordania y otras en Beirut y Suiza. Pero más de la mitad siguen desaparecidas.

- Se estima que desde una excavación ilegal hasta la venta final, el valor de algunas piezas se multiplica por cien, un aumento mayor al de las drogas.

- Algunos museos estadounidenses han ajustado sus políticas de adquisición de obras a la convención de 1970. Museos como el Metropolitan de Nueva York, el Boston Museum o la Getty Gallery han devuelto en torno a 120 objetos a los países originarios de las piezas, entre ellos Italia, Grecia, y Turquía.

Caos y clasicismo en el Guggenheim

14/03/2011, En respuesta a los horrores de la Primera Guerra Mundial, los artistas tienden a la figuración, a la limpieza de líneas y a la forma definida, alejándose de los movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX.

Marzo de 2011
Con más de 150 obras en medios como pintura, escultura, fotografía, arquitectura, cine o moda, la muestra evidencia ese "retorno al orden" (que huye de movimientos de vanguardia como el Cubismo, el Expresionismo y el Futurismo) a través de la obra de 90 artistas, entre los cuales se encuentran algunos de los más grandes maestros modernos.

Entre los años 1918 y 1936, Francia, Italia, Alemania y España, experimentan un período de extraordinaria inquietud creativa, marcado por acontecimientos políticos de gran impacto que influyeron en los artistas de la época de manera tanto positiva como negativa.

La respuesta tras el caos que siguió a la Primera Guerra Mundial es el retorno al clasicismo en plena vanguardia. De esta manera surge un movimiento tendente a la figuración, a la limpieza de líneas y a la forma definida que se aleja de los espacios bidimensionales de la abstracción, las composiciones fragmentadas y los cuerpos desintegrados propios del Cubismo, del Futurismo, del Expresionismo y de otros movimientos vanguardistas. Los artistas buscan la recuperación del cuerpo humano y su representación completa e intacta, en respuesta a los horrores de una guerra propia de la nueva era de la máquina.

Durante la siguiente década y media, el discurso del arte contemporáneo estaría dominado por el clasicismo: una vuelta al orden, a la síntesis, a la norma y a los valores perdurables, en lugar de la innovación a cualquier precio que tan importante había sido en los años anteriores a la guerra.

Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936 realiza un recorrido por este período de entreguerras, desde la idea mítica y poética de la vanguardia parisina hasta el concepto político e histórico de un renovado Imperio Romano imaginado por Benito Mussolini; hasta la elevada modernidad neoplatónica de la Bauhaus; y, finalmente, hasta la escalofriante estética de la naciente cultura nazi. La exposición relaciona los principales movimientos que proclamaron la claridad visual y temática, el Purismo, el Novecento italiano y la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) a través de diferentes temas muy singulares y vinculados entre sí.

Esta gran transformación de la estética de entreguerras en la Europa occidental llegó a la pintura, la escultura, la fotografía, el cine, la moda y las artes decorativas, por lo que la muestra presenta obras de Balthus, Giorgio de Chirico, Jean Cocteau, Otto Dix, Pablo Gargallo, Hannah Höch, Fernand Léger, Henri Matisse, Ludwig Mies van der Rohe, Pablo Picasso o August Sander.

Pese a que España permaneció neutral durante la Primera Guerra Mundial, no fue ajena a los cambios políticos que el conflicto bélico acarreó. En 1931 se produjo la caída de la monarquía española y cinco años más tarde estallaría la Guerra Civil.

Caos y clasicismo
Hasta el 15 mayo de 2011
Museo Guggenheim Bilbao

América Fría. La abstracción Geométrica en Latinoamérica

14/03/2011, La Fundación Juan March presenta una gran selección de obras, que muestran una visión panorámica de las corrientes abstractas latinoamericanas entre 1934 y 1973.º

Madrid, marzo de 2011

Esta exposición pretende mostrar, tanto la influencia en los artistas abstractos de Latinoamérica de la tradición del viejo continente, como la decisiva ruptura con esa tradición: la renovación y el carácter diferenciado que asume la abstracción geométrica en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Uruguay y Venezuela, respecto a la tradición artística europea.

Este proyecto de la Fundación Juan March cuenta con obras de los artistas latinoamericanos de esas décadas, además de textos, reflexiones, manifiestos y publicaciones que ellos inspiraron y propiciaron. En sus convicciones estéticas se vislumbra una Latinoamérica diversa, en la que se entremezclan el exceso expresivo y el calor de lo espontáneo, con lo indígena y lo particular.

Como resultado, podemos hablar de una América "positivamente fría”: objetiva, geométrica, racional... la América de unos artistas que tomaron la distancia de la objetividad respecto de las tradiciones particulares propias y de las ajenas para elaborar una abstracción esencial fascinante.

La exposición presenta unas 300 piezas, entre pinturas, fotografías, y documentos, de 50 artistas seleccionados. Museos y colecciones privadas de Europa, Estados Unidos y América Latina han contibuído a reunir las mejores piezas de las mejores colecciones al servicio de una visión panorámica de las corrientes abstractas americanas, que permitirá a los interesados conocer de cerca el arte de un continente aún muy desconocido para el gran público.

América Fría. La abstracción Geométrica en Latinoamérica
Fundación Juan March (Madrid)
Hasta el 15 de mayo de 2011

Costa Azul: mar, sol y descubrimiento

11/03/2011, La Costa Azul, con sus 120 km de costa y sus 40 km de playas arenosas o de guijarros, ofrece tesoros múltiples que hay que descubrir sin moderación.

Francia, marzo de 2011
Paseos por sendas, cabos, islas, actividades náuticas, baños al sol, 33 puertos de ocio, lujosos yates ... La Costa Azul te ofrece multitud de actividades y sensaciones que vivir y descubrir.

La Costa de Azul ofrece al visitante lugares dedicados al placer, a la búsqueda del completo bienestar, a la relajación del cuerpo y del espíritu y al despertar de los sentidos.

En sus prestigiosos spas encontrarás una auténtica fuente de serenidad, con cuidados exclusivos de belleza, perfumes, aceites, música zen... disfruta y siente.

Si buscas actividades que te permitan disfrutar de los paisajes de la Costa Azul, visita cualquiera de sus 19 campos de golf, abiertos todo el año. Niza, Mónaco, Mandelieu-La Napoule o Cannes, no importa cuál sea tu puerto de amarre, pues en todos ellos podrás lograr un buen swing.

Y por supuesto, la gastronomía, pues La Costa Azul es un lugar en el que se cultiva el arte del buen vivir. Los sibaritas tendrán la oportunidad de satisfacer sus papilas, por muy exigentes que éstas sean, con su diversidad de sabores y productos: las hierbas, las verduras del sol, la aceituna, su aceite con denominación de origen, los vinos, la miel, su confitería fina... Esta mezcla es la que ofrece el encuentro entre Provenza y Mediterráneo.

Plan para Bamiyán

10/03/2011, Expertos internacionales han acordado en Paris un plan para la preservación del sitio del Patrimonio Mundial de los Budas de Bamiyán(Afganistán)

París, marzo de 2011

Varios representantes del gobierno afgano y expertos internacionales diseñaron las directrices para la salvaguardia del Paisaje Cultural y los vestigios arqueológicos del Valle de Bamiyán (Afganistán), en sendas reuniones de trabajo que tuvieron lugar en la sede de la UNESCO, en París el 2 y el 4 de marzo.

Estas sesiones se celebraron en el décimo aniversario de la trágica destrucción de los Budas gigantes de Bamiyán.

Tras escuchar las diferentes propuestas y medidas para la preservación y futura presentación de los nichos de los Budas hechas por varios grupos de expertos de Alemania, Italia y Japón, los participantes en la reunión, entre ellos los ministros afganos de Información y Cultura, Desarrollo Urbano y el gobernador de la provincia de Bamiyán, alcanzaron un acuerdo en los siguientes puntos:

A/ La reconstrucción total de las estatuas de Buda no se considerará de momento como una opción, debido a los datos científicos disponibles, y a las estimaciones sobre los costes de la operación y los recursos disponibles.

B/ El nicho occidental, el más grande, se consolidará y se mantendrá vacío como testimonio de la violencia del pasado. En paralelo, un estudio de viabilidad determinará si la reconstrucción de la estatua oriental es una opción realista de cara a los años venideros.

C/ Existe la necesidad de construir un museo central en Bamiyán y museos de menor tamaño en el propio sitio, para preservar y exponer los hallazgos y descubrimientos hechos en el Valle.

D/ Se llevarán a cabo trabajos suplementarios para salvaguardar el conjunto del paisaje cultural del valle de Bamiyán, teniendo en cuenta todos los componentes arqueológicos y arquitectónicos necesarios para su futuro desarrollo.

E/ Se desarrollará un plan en estrecha colaboración con las autoridades locales para que sirva de marco de referencia para toda futura intervención.

Desde 2003, año de inscripción del Paisaje Cultural y los Vestigios Arqueológicos del valle de Bamiyán en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro, la UNESCO ha dirigido un plan de preservación del sitio en tres fases. El énfasis se ha puesto en salvaguardar los vestigios restantes después de la destrucción deliberada de las estatuas de Buda y hacer del sitio un lugar seguro, con intensas labores antiminas.

En esta reunión, la novena desde la creación del Grupo de Trabajo de Expertos sobre Bamiyán, ha concluido que este sitio del Patrimonio Mundial podría dejar de estar en la Lista del Patrimonio en Peligro de la UNESCO en 2013.

Esta conclusión se alcanzó después de examinar los progresos obtenidos en materia de seguridad, estabilidad estructural de los vestigios de los dos Budas gigantes, la conservación de los vestigios arqueológicos y de las pinturas murales, el desarrollo de un plan de gestión del sitio y del plan cultural en su conjunto.

El arte de la belleza

10/03/2011, Se inaugura una exposición en la Biblioteca Nacional de España que recorre la historia de la industria de la perfumería desde el siglo XIX hasta nuestros tiempos.

Madrid, 10 de marzo de 2011
El arte de la belleza presenta una selección de obras pertenecientes a las colecciones de la Biblioteca Nacional de España relacionadas con la fabricación, la imagen y la publicidad de la industria de la perfumería desde finales del siglo XIX. Además, la muestra nos descubre las campañas publicitarias comenzaron a ejercer en los hábitos de consumo de la sociedad.

Libros, revistas, carteles, etiquetas, prospectos y todo tipo de materiales gráficos proporcionan imágenes de jabones, perfumes, lociones y polvos de arroz que nos sumergen en el universo de la cosmética y la perfumería.

Completan la exposición grabados, fotografías y pequeños impresos que ilustran el mundo de la belleza y el cuidado corporal a lo largo de la historia, con retratos como el de Catalina de Médicis, la reina María Antonieta, Josefina o el mismísimo emperador Napoleón, que nos permiten hablar de su afición por el uso de las fragancias.

El arte de la belleza se divide en varios apartados. El primero se centra en las firmas que se establecieron en España a comienzos del siglo XX como Gal, Myrurgia, Puig y Parera. Se publican entonces libros, tratados didácticos y obras científicas sobre la elaboración de las fragancias. La presencia de materias primas de origen natural como la rosa, el clavel o la flor de azahar, una escena de la siega del heno o un ciervo almizclero ilustran sus procesos de elaboración. Otro apartado recoge una amplia selección de etiquetas de todo tipo de productos de belleza, con la eclosión de motivos de estilo modernista y art déco. Los soportes publicitarios, desde los almanaques, tarjetas y postales hasta los anuncios de revistas, identifican el producto y lo fijan en la memoria colectiva.

Del 16 de marzo al 5 de junio de 2011
Sala Hipóstila de la BNE
Entrada libre a la exposición

¿La década del turismo?

10/03/2011, Los próximos diez años serán “la década de los viajes y el turismo”, según dijo el secretario general de la OMT en la inauguración de la ITB, la feria del turismo de Berlín (Alemania), que se celebra del 9 al 13 de marzo.

Berlín, marzo de 2011

«La primera década del siglo XXI ha sido para el turismo una época de extraordinario crecimiento, pero también de fuertes conmociones: una década que empezó con el 11 de septiembre y terminó con la crisis económica mundial», recordó Taleb Rifai , el secretario de la Organización Mundial del Turismo.

La feria berlinesa se celebra en un contexto de recuperación en cuando las llegadas de turistas internacionales un superan en el 7% a las de un año antes; cuando el mundo se enfrenta a retos diversos y complejos del crecimiento económico desequilibrado, el elevado desempleo, el aumento de los precios del petróleo y los problemas ambientales. Para los líderes mundiales que se enfrentan a estos retos, el turismo puede abanderar “una nueva década de un crecimiento más justo, más fuerte y más sostenible”, manifestó Rifai,

Según su análisis, hay sectores económicos tradicionales que están perdiendo dinamismo, pero una segunda hornada de sectores de servicios y actividades humanas emerge claramente, y entre ellos está el ámbito del turismo y los viajes.

Según los datos de la OMT, el turismo internacional se recuperó fuertemente en 2010. Las llegadas de turistas internacionales crecieron casi un 7%, tras el descenso del 4% en 2009, el año que más acusó la crisis económica mundial. La gran mayoría de destinos en todo el mundo presentó cifras positivas, que lograron compensar las pérdidas recientes o acercarse a este objetivo. Sin embargo, la recuperación llegó a diferentes velocidades, impulsado principalmente por las economías emergentes.

El número de llegadas de turistas alcanzó un total de 935 millones, superando en 58 millones la cifra de 2009 y en 22 millones el nivel máximo de 2008 previo a la crisis (913 millones).

Si bien todas las regiones registraron un crecimiento de las llegadas internacionales, las economías emergentes siguen siendo los principales impulsores de este desempeño. Esta recuperación a dos velocidades, menor en las economías avanzadas (+5%) y más rápida en las emergentes (+8%), es un reflejo de la situación económica global y dominará el 2011 y el futuro previsible.

Respecto a la situación en el norte de África, la OMT ha destacado recientemente su apoyo a las autoridades nacionales de Egipto y Túnez por intentar restablecer la confianza entre los turistas y de los gobiernos extranjeros por actualizar las recomendaciones a los viajeros.

El turismo es un componente central de la economía de ambos países y, si los turistas empiezan a volver, puede desempeñar un papel importante en la recuperación económica en general.

Según la OMT. a medida que la situación en Egipto y Túnez regresa a la normalidad, los agentes turísticos de los sectores público y privado reaccionan en consonancia

Talavera de la Reina con el Turismo Rural

09/03/2011, Talavera de la Reina acogerá del 28 de abril al 2 de mayo la primera feria sobre turismo rural de la región de Castilla-La Mancha. Una iniciativa que coincidirá con la celebración de la feria "Talavera: comarca y territorio".

Talavera de la Reina, marzo de 2011
La I Feria de Turismo de Interior y Rural de Castilla-La Mancha, "Naturcam", quedará enmcarcada dentro de la celebración de la Feria de la localidad, "Talavera: comarca y territorio". Además, su celebración coincidirá con la fiesta de las Mondas, de gran tradición y arraigo en Talavera.

La feria no estará sólo dedicada a profesionales del sector, ya que estará abierta a todo el público que quiera conocer lo que Castilla-La Mancha puede ofrecer a los visitantes: turismo cultural, enoturismo, turismo gastronómico, turismo rural...

El sector turístico se está convirtiendo en un modelo para dar cobertura económica a los municipios con menos densidad de población, ya que es una actividad económica capaza de crear oportunidades en una región con tan amplias zonas rurales como Castilla-La Mancha.

Entre enero y agosto del pasado año, el turismo rural de Castilla-La Mancha recibió más de 100.000 viajeros, y casi 300.000 pernoctaciones para un total de 1.567 establecimientos con más de 10.000 plazas.

De Toulouse-Lautrec a Picasso

08/03/2011, Malba-Fundación Constantini presenta en Buenos Aires, del 18 de marzo al 23 de mayo, Papeles modernos. De Toulouse-Lautrec a Picasso.

Buenos Aires, marzo de 2011

Con esta muestra se abre el calendario de exposiciones 2011. Es una selección de 85 obras sobre papel, pertenecientes a la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).

Organizada esta muestra como parte de los festejos por los primeros diez años de Malba, su objetivo es poner en valor una parte de las obras sobre papel de la escuela europea del MNBA —que no han sido exhibidas como conjunto por más de tres décadas— y destacar la importancia del papel como soporte de la producción de los artistas modernos de los siglos XIX y XX.

Se presentan dibujos y grabados realizados desde la segunda mitad del siglo XIX por artistas europeos como Honoré Daumier y Henri Toulouse-Lautrec, hasta trabajos de mediados del siglo XX de Carlo Carrà, Gutiérrez Solana, Federico García Lorca y Giorgio de Chirico.

También se incluyen obras sobre papel de figuras de la Escuela de París, como Amedeo Modigliani, Marc Chagall y André Lhote, y de pintores independientes como James Ensor, Georges Rouault, Henri Matisse, Pablo Picasso, Käthe Kollwitz, Georges Braque y Paul Klee, entre otros.

“Desde tiempos lejanos, el papel ha sido el gran compañero de los artistas. De él se valen tanto para esbozar la primera idea de una obra como para presentarlo, muchas veces, como elemento fundamental de una pieza definitiva, convirtiéndolo en protagonista”, explica Ángel Navarro, curador de la exposición.

La muestra se organiza en siete núcleos temáticos: los estudios (bocetos y esbozos), los desnudos, la figura individual y los grupos, los retratos, la elocuencia de la imagen (emblemas y alegorías), los paisajes urbanos y el papel como medio de difusión.

Junto con la exposición, Malba editó un catálogo bilingüe (español – inglés) de 200 páginas, que incluye las presentaciones de Eduardo F. Costantini, presidente de Malba, y de Guillermo Alonso, director ejecutivo del Museo Nacional de Bellas Artes; el ensayo El papel del papel, escrito por el curador invitado Ángel Navarro; y el texto Papeles europeos modernos, colecciones y coleccionistas porteños, de Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba. Además, se incluye una sección de notas biográficas de los artistas representados y la reproducción color de cada una de las obras.

Las obras pertenecen al Gabinete de Estampas del MNBA, una de sus áreas patrimoniales más ricas e importantes, cuya existencia se remonta a la época de su fundación. En el siglo XIX.

Dibujos y grabados

Los artistas utilizan el dibujo de diversas maneras: como boceto, por ejemplo, o en estudios parciales en los que estudian cómo resolver un detalle complicado, una pose difícil o los problemas que pueden presentar una o varias figuras de esa nueva obra. Sin embargo, también existen dibujos independientes que los artistas hacen libremente, dedicados a diferentes temas o géneros que no están relacionados con obras en proceso de realización. “Son trabajos que surgen como exploración, experimentación o búsqueda de determinados temas, estudios libres que eventualmente podrían ser usados en una obra futura. También pueden ser dibujos que documentan la pieza que un artista produce, y que éste guarda en su taller”, explica Navarro.

Además de los dibujos, los artistas modernos contaron con el grabado, una técnica que se usó para reproducir la obra con fines de divulgación, pero que también fue utilizada para producir obras independientes. “Muchas de las piezas que aquí se exponen tienen que ver con esta situación, aunque en algunos casos provienen de series que se realizaron como obra independiente y de gran importancia”, sostiene Navarro. Tal es el caso de los grabados de Georges Rouault (1871-1858) presentes en la exposición, que pertenecen a la serie monumental que publicó en 1948 bajo el título Miserere, en la que contempla las trágicas consecuencias de la guerra y la miseria.

El papel se convirtió en el soporte fundamental de los dibujos y grabados de los artistas modernos, al que recurrieron libremente según sus necesidades expresivas. Con Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901), se acrecienta el rol del papel como material expresivo. Entre 1891 y 1901, el artista francés confeccionó una treintena de afiches en los que se anunciaban los artistas de los clubes nocturnos parisinos, que se destacan por su resolución de color, su composición y la representación cálida, humana y sensual de los personajes. Algunos de estos afiches pueden verse en esta muestra.

A su vez, en los dibujos de Henri Matisse (1869-1954), la línea se convierte en protagonista y apela a la valoración del fondo, donde el papel aparece sin ningún tratamiento, tal como puede verse en la obra Desnudo femenino, presente en la exposición, que dibujó con un suave trazo de carbonilla.

El curador destaca que “resulta interesante comprobar cómo en Italia, país donde se generaron movimientos vanguardistas en la primera mitad del siglo XX, las formas tradicionales del dibujo siguen siendo utilizadas por los artistas”. Esto puede observarse en varios de los trabajos que se incluyen en esta exposición: Estudio para una adoración de los pastores, de Felice Carena (1879-1966); Pareja (1943), de Carlo Carrà (1881-1966) –uno de los fundadores del movimiento futurista y mentor, junto con Giorgio de Chirico, de la pintura metafísica–, y Pensativa, de Felice Casorati (1883-1963).

Para Pablo Picasso (1881-1973), el dibujo también fue una práctica cotidiana, utilizada no sólo como apoyo para la preparación de sus obras. Pero además del dibujo, Picasso también hizo del grabado otro medio de expresión de gran importancia, como puede verse en Tres desnudos de pie y estudios de cabezas, de 1927, presente en la exposición.

En el caso de Federico García Lorca (1898-1936), el papel fue un soporte fundamental para mostrar otra faceta de su personalidad artística, tal como lo demuestra su pequeño Paisaje urbano, realizado en la hoja de un cuaderno de notas, presente en la exposición.

Diez años del atentado de Bamiyán

07/03/2011, Los Budas de Bamiyán aguantaron en el cortado donde fueron esculpidos más de 1500 años, hasta que hace 10 años llegaron los intolerantes talibanes y los destruyeron

Afganistán, marzo de 2011

Desde el entorno del siglo V o VI estaban allí, en el valle de Bamiyán, Afganistán, mostrando la grandeza de una obra en la que se mezclaban las influencias del arte budista con la herencia helenística que alcanzó aquel lejano territorio.

Se dice ahora que estos dos gigantescos colosos estaban pintados de tonos brillantes, recubiertos con una delicada pasta de barro. Estudios de la Universidad de Munich (Alemania), aluden al color original. Una de las estatuas portaba túnica rosa, con tonos azul pálido y la del otro era blanca

La UNESCO conmemoró el décimo aniversario de la destrucción de las estatuas gigantes de Buda en Bamiyán con un foro sobre este evento y una reunión de expertos, para hablar sobre las posibilidades de acción para preservar el sitio del Paisaje Cultural y los Vestigios Arqueológicos del Valle de Bamiyán, inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial.

La directora General de la UNESCO, Irina Bokova, instó a la comunidad internacional a preservar el patrimonio cultural internacional contra toda clase de daños o destrucciones, apropiaciones políticas y robos.

“Hace ya diez años que la UNESCO y la comunidad internacional contemplaron impotentes la destrucción de las magníficas estatuas de Buda en Bamiyán. Esas dos grandiosas estatuas se habían mantenido erguidas por espacio de 1.500 años como mudos y orgullosos testigos de la grandeza de nuestra común condición humana. Fueron destruidas en el contexto de un conflicto devastador para Afganistán que mina el poder de la cultura como fuerza de cohesión para el pueblo afgano”, dijo Irina Bokova.

“Desde entonces hemos presenciado otros casos en los que el patrimonio cultural ha sido presa de conflictos, disturbios políticos y apropiaciones ilícitas. Todos nosotros, gobernantes, educadores y profesionales de los medios informativos, debemos sensibilizar a la opinión pública sobre la importancia que tienen las normas de protección de los bienes culturales establecidas en la Convención del Patrimonio Mundial de 1972, en el Convenio de la Haya para la Protección de los Bienes Culturales en caso de Conflicto Armado y su segundo Protocolo, y en la Convención sobre las medidas que deben adoptarse para prohibir e impedir la importación, la exportación y la transferencia de propiedad ilícitas de bienes culturales”.

La UNESCO ha liderado varios proyectos para la preservación del patrimonio cultural en Afganistán. En 2003, por ejemplo, se inscribió el sitio del Paisaje Cultural y los Vestigios Arqueológicos del Valle de Bamiyán en la Lista del Patrimonio Mundial y en la Lista del Patrimonio en Peligro. La UNESCO condujo un proyecto en tres etapas –prácticamente ultimado ya– para preservar los nichos de los Budas de Bamiyán y sus pinturas murales. Japón suministró la mayor parte de los fondos con los que se financió ese proyecto, que permitió además salvaguardar fragmentos de las estatuas destruidas.

Otras iniciativas encabezadas por la UNESCO son: la rehabilitación del Museo Nacional de Afganistán; las obras para salvaguardar el Minarete y los Vestigios Arqueológicos de Jam, el otro sitio cultural de Afganistán inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial en 2002; y la campaña internacional para el retorno los bienes culturales muebles afganos a su lugar de origen.

En principio, la UNESCO no es partidaria de que se reconstruyan las estatuas de Buda, pero quiere estudiar cómo mostrar sus restos y los nichos, preservando al mismo tiempo el paisaje cultural de Bamiyán y las investigaciones arqueológicas.

Este sitio es un exponente de las creaciones del arte búdico de la escuela de Gandhara entre los siglos I y XIII, en las que confluyeron distintas influencias culturales de Oriente y Occidente. Además, comprende varios conjuntos monásticos y santuarios budistas, así como edificios fortificados de la época islámica.

Baruj Salinas: Europa y América

04/03/2011, Baruj Salinas presenta en México una muestra retrospectiva en México: Caminos: 30 años entre Europa y América.

Miami, marzo de 2011

Baruj Salinas es un auténtico artista crisol de culturas. De origen judío, nacido en Cuba(1938), estudiante de Arquitectura en Ohio, influido por corrientes pictóricas de Europa y Norteamérica, practica una arte abstracto cuajado de color.

En la Habana abrió sus ojos a la luz, una luz viva, llena de matices, que jamás habría de perder, aunque desde 1959 se alejara de su isla para asentarse en Miami. También residió algún tiempo en Europa. En Barcelona trabajó al lado de Miró y Tapies... y su pintura ha evolucionado desde inicios figurativos a un abstracto con reminiscencias cósmicas.

La obra de Baruj Salinas está en grandes museos e instituciones artísticas de Estados Unidos, Suiza, España, Francia, Italia Israel, México, Argentina, Colombia, etc.

La muestra, del 9 de marzo al 21 de abril, en el museo Jose Luis Cuevas, de la capital federal mexicana, “consiste en un recorrido por los diferentes estilos y temas que he llevado a cabo, en gran parte mientras estuve viviendo en Barcelona”, según comentó a guiarte.com el artista.

Es una retrospectiva con 30 años de trabajo: Lenguaje de las

Nubes; Volcanes; Pencas de Palma; Claros del Bosque; Archipielagos; y mucha obra totalmente No-figurativa (abstracta). El catálogo lleva un texto de Carlos Monsivais que incide mucho en el Tropico.

Esa pintura expansiva, esperanzada y colorista tiene, en efecto, mucho que ver con el Trópico:

“Quizá el hecho de haber nacido en una isla tropical me influyó decisivamente a la hora de expresarme. Esa luz tropical, intensa, ha sido vital para mi pintura. Sin embargo no soy ajeno a las influencias externas. Fíjate en mi obra realizada en Barcelona, donde imperaban los grises y los blancos, quizá debido a la calidad de la luz, que para mí era tamizada. Aunque debo señalar que lo del color blanco fue influencia directa de María Zambrano, con la cual colaboré en un buen número de libros de artistas realizados con ayuda de Orlado Blanco, de Editart, en Ginebra. Allí conocí a María, en su exilio”.

Baruj Salinas, que estudió arquitectura de Joven, abandonó esta profesión en beneficio de la pintura: “Dejé la arquitectura por falta de espacio para maniobrar. Me refiero a la falta de libertad. Siendo arquitecto uno está supeditado a los asuntos de dinero, a los deseos de los clientes y otros muchos problemas que se te van presentando. En la pintura soy árbitro y ejecutor. Y es excitante ver cómo de un espacio blanco va surgiendo la obra que tienes en la mente. Aunque es cierto que casi nunca lo que tienes en tu mente se traduce en una fiel reproducción al pasarla al lienzo. Y es que el cuadro adquiere vida propia a medida que va desarrollándose”.

Su obra abstracta responde a otra constante vital: el amor a la libertad. “Me fui decantando hacia la abstracción –explica- por una razón básica: la libertad. Para mí fue una revelación temprana el ver la obra de un Pollock o la de Kooning. Sentí afinidad al enfrentarme ante sus obras. Para mí el acto de pintar tiene una relativa espontaneidad”

Turismo romántico.

03/03/2011, Renania Palatinado invita a quedarse... y a gozar de una vida de rey en alguno de sus viejos castillos.

Renania Palatinado. Marzo de 2011

Hace unos 2000 años los romanos se sentían atraídos por las fuentes termales y aguas medicinales de esta región; hoy miles de turistas llegan al estado alemán de Renania-Palatinado atraídos por la multitud de castillos y fortificaciones, sus valles fluviales, los viñedos empinados y sus encantadores poblados medievales.

La región en torno a los ríos Rin y Mosela, en el sudoeste de Alemania, deslumbra con su romántico paisaje y es el escenario ideal para un viaje en familia, con amigos o en pareja, según propone el departamento de turismo de este territorio alemán.

El viajero puede hospedarse en simples pensiones, casas rurales o bonitos hoteles, porque en Renania-Palatinado todo es posible; desde dormir como nobles y reyes en fantásticos castillos hasta hospedarse en lugares poco comunes:

Para vivir unos días de Caballeros y Doncellas nada mejor que alojarse en una antigua fortaleza. En el castillo Shönburg o en el Rheinfels, el más grande del Rin, podrá cumplir el sueño de dormir como un rey. Las habitaciones señoriales y el encanto de los históricos muros proporcionan un ambiente nobiliario.

También puede aprovechar esta experiencia real quien posee un presupuesto más ajustado, ya que varias fortificaciones han sido convertidas en albergues o hostels, por ejemplo el castillo Burg Stahleck en Bacharach o la fortaleza Ehrenbreitstein sobre Coblenza.

Otra opción interesante es descansar en un antiguo monasterio o convento. El ex Convento Marienhöh, en medio de los bosques de Hunsrück, o el Monasterio Maria Laach, junto a la abadía benedictina en un Maar volcánico en Eifel, prometen tranquilidad y distensión.

Los establecimientos vinícolas también invitan a pasar unos días diferentes en un ambiente ameno y familiar. Las bodegas Weingut-Gästehaus Giwer-Greif, Weingut-Gästehaus Claes Schmitt o Winzerhof Gietzen proponen vacaciones rurales con posibilidad de participar en las tareas de recolección de las vides, además de deleitarnos con productos de elaboración propia.

Para quien quiera una escapada aún más rural la oficina de turismo de Renania Palatinado propone el “Heuherberge” (albergue de heno) del Ferienhof Faust que ofrece a sus huéspedes verdaderas camas de heno.

Y para quien, por el contrario, busca adrenalina y velocidad nada mejor que alojarse directamente junto al circuito de F1 “Nürburgring” en el Hotel Dorint.

Otras opciones de alojamiento, sitios de camping y casas rurales se pueden encontrar en el sitio web www.alemania-romantica.info.

Algunas guias de guiarte.com:

http://www.guiarte.com/coblenza/

http://www.guiarte.com/rheintal/

http://www.guiarte.com/abadia-maria-laach/

Exposición del IVAM en Sao Paulo

27/02/2011, La exposición “Identidad Femenina en la colección del IVA" se inauguró en el Memorial de America Latina de Sao Paulo en donde permanecerá en exhibición hasta el próximo 27 de marzo.

Valencia, marzo de 2011

Esta muestra se ha proyectado junto a la organización Woman Together, vinculada a las Naciones Unidas para impulsar los Objetivos del Milenio y, más en concreto, el objetivo que centra su interés en la mujer y desarrollo, informan fuentes del centro de arte valenciano.

La exposición, comisariada por la directora del IVAM, Consuelo Ciscar, y la historiadora y crítica de arte, Barbara Rose, reúne 40 obras de mujeres artistas del siglo XX-XXI que forman parte de la colección del IVAM y que son el resultado de una vindicación de su identidad.

Esta muestra presenta un arte incisivo en el contexto social desde distintas posiciones, visiones y creaciones y cuenta con artistas como: Anni Albers, Diane Arbus, Ida Barbarigo, Carmen Calvo, Mónica Capucho, Elena del Rivero, Sonia Delaunay, Juana Francés, Katharina Fritsch, Chus Gracia Fraile, Cristina García Rodero, Jacinta Gil, Susy Gomez, Roberta González, Natuka Honrubia, Cristina Iglesias, Linda Karshan, Germaine Krull, Carmen Laffon, Eva Lootz, Ariane Lopez-Huici, Cristina Lucas, Angeles Marco, Blanca Muñoz, Natividad Navalón, Aurélie Nemours, Ouka Leele, Vanesa Pastor, Ana Peters, Esther Pizarro, Ana Sério, Soledad Sevilla, Cindy Sherman, Laurie Simmons, Susana Solano, Mar Solís, Grete Stern,Sue Williams, que se encuentran en los mejores museos del mundo junto con otros artistas.

Según fuentes del IVAM, la aproximación a sus obras, pone de relieve un talento extraordinario que la sociedad aprecia y valora de manera coincidente. Su carga histórica, simbólica, sus principios, sus cualidades, filosóficas y existenciales son elementos constructivos en equilibrio que hacen de estas artistas un grupo imprescindible en el imaginario artístico universal. A pesar de las diferentes corrientes y disciplinas artísticas que separan y conectan sus trayectorias, se advierte que todas ellas mantienen un compromiso común que se deja ver en sus obras.

Ese nexo de unión es el sentimiento de innovación, experimentación e investigación que se pone de manifiesto por igual y sin distinción en sus creaciones. Todas ellas, presentan unas obras que encuentran su refugio y su significado en una búsqueda de materiales y técnicas que les permite ir habitando nuevos lenguajes para el arte, alabando su intransferible impronta femenina y apostando por sus intuiciones, creencias, criterios y formas de entender el arte y la vida.

Las mujeres ocupan un lugar preeminente en la colección del IVAM, afirma Barbara Rose, crítica de arte, y experta conocedora de los fondos del museo, desde la colaboración de la cubista Sonia Delaunay con el poeta Blaise Cendrars hasta el trabajo conjunto de la artista paisajista Beverly Pepper con su hija, la poeta Jorie Graham, ganadora de un premio Pulitzer, la colección, señala Barbara Rose, contiene numerosos ejemplos destacados de pintura, escultura e instalaciones firmadas por mujeres artistas de primer nivel. De hecho, las mujeres están representadas de una forma mucho más equitativa en la colección del IVAM que en la mayoría de museos de arte moderno

Omaña: Under My Skin

27/02/2011, Alfredo Omaña presenta "Under My Skin"(bajo mi piel), en la sala de exposiciones de Caja Duero en Valladolid.

Valladolid, marzo de 2011

"Under My Skin" es un proyecto creado para el espacio emergente del DA2 (centro de arte contemporáneo de Salamanca). Se mostró paralelamente por primera y única vez en Salamanca de febrero a abril de 2008 en el DA2 y la galería Benito Esteban.

Ahora inicia una nueva etapa de carácter itinerante. Este primer cuatrimestre visitará las ciudades de Valladolid y Palencia para después dejar abierta la posibilidad de mostrarse en nuevos espacios.

"Under My Skin" es un proyecto presentado básicamente en soporte fotográfico y gira entorno al tema del retrato. El conjunto representa figuras (plano medio) desprovistas de morfología definida en un espacio ambiguo e indefinido que subconscientemente nos remite a la pintura (los retratos barrocos de finales del XVII de corte tenebrista, M.Caravaggio).

El contraste entre luz y oscuridad (figura-fondo) acentúa la naturaleza de los diferentes materiales con los que están construidas las figuras (adobe, ceniza,paja, barro, hilos etc.) y explora las diversas conformaciones de la naturaleza humana, sus miserias y grandezas, sus pequeños orgullos y grandes secretos...

La naturaleza, la experiencia del cambio y la fugacidad de la materia protagonizan estas representaciones que rastrean "bajo la piel" de las apariencias.

La colección completa está compuesta por 15 fotografías en color, en alta resolución, en papel sobre aluminio, 7 impresiones en blanco y negro en papel montadas en vitrina en formato de 1 metro x 1 metro y un video de dos canales.

La exposición está comisariada por Javier Panera Cuevas (coordinador general del DA2,Salamanca) y Mónica Alvarez Careaga (comisaría independiente, Santander).

DA2 Domus Artium 2002 ha editado un catálogo que recoge esta muestra de 75 pg donde aparecen textos de Mónica Alvarez Careaga, David Barro y J. Ramón Palmero con traducciones al inglés bajo el título: Alfredo Omaña. Under my skin.

La muestra que se presenta del 8 de febrero al 31 de marzo en la sala de exposiciones de Caja Duero, Plaza Zorrila.

Proyecto 265

26/02/2011, Annette Merrild presenta "265" en la galería Eva Ruíz de Madrid, un proyecto cuyo eje se centra la descodificación de la figura femenina y la fotografía pornográfica de los años setenta.

Madrid, 25 de febrero,
Con este trabajo, la artista danesa multidisciplinar Annete Merrild demuestra cómo es posible cambiar el código de una serie de imágenes eróticas, dándole una vuelta de 360 grados al significado de la palabra porno.

Merrild re-contextualiza a través del uso de distintas técnicas pictóricas la figura femenina, difuminando, pintando, escribiendo mensajes y usando la oxidación, el collage, los aerosoles y otros materiales, para tranformar una figura inicialmente cargada de un alto contenido sexual, en algo totalmente distinto, que acaba con el erotismo y produce en el espectador una sensanción de confusión y frustrado deseo.

Estos retratos fotográficos han sido escogidos, durante los tres años que ha durado el proyecto de Merrild, de revistas pornográficas de pasadas décadas, para luego ser transformadas con un nuevo enfoque, más personal y profundo, totalmente alejado del deseo y de la belleza.

La exposición, que podrá visitarse en la Galería Eva Ruíz (C/Villanueva, 8, Madrid) hasta el próximo 29 de marzo, nos muestra una selección realizada entre las 265 fotografías que componen el proyecto de la artista, ampliadas a gran formato, y acompañadas de dos video-instalaciones que nos harán sentir como voiyeurs espiando las intimidades de un grupo de jovencitas y de una mujer de mediana edad.

Annette, que en la actualidad reside y trabaja en Barcelona, ha expuesto individualmente en galerías y museos europeos. 265 es su primera exposición individual en nuestro país.

El mochuelo, Ave del 2011

23/02/2011, SEO/BirdLife ha elegido al mochuelo, una rapaz nocturna, como Ave del Año 2011

Madrid, febrero de 2011

El número de mochuelos en España ha descendido más de un 40 por ciento en la última década. Se estima que hay alrededor de 50.000 parejas de mochuelos en nuestro país

Es la primera vez que SEO/BirdLife ha elegido una rapaz nocturna como Ave del Año, y lo hace para llamar la atención sobre su estado de conservación, las amenazas que presenta y cómo todos podemos contribuir a mejorar sus poblaciones.

Asunción Ruiz, Directora Ejecutiva de SEO/BirdLife ha destacado la importancia de llamar la atención año tras año sobre una especie, ya que se ponen en marcha los mecanismos necesarios, no sólo desde el punto de vista científico y técnico, sino también desde las administraciones y desde la sociedad para contribuir a la conservación de la especie.

Durante muchos años el mochuelo se ha beneficiado de las actividades humanas en el sector agrícola y gracias a ello sus poblaciones aumentaron considerablemente. Paralelamente el mochuelo fue y es uno de los mejores aliados del agricultor, ya que combate las plagas de roedores y langostas de forma natural y sin el coste que conlleva la utilización de productos químicos.

Sin embargo, la intensificación agrícola y los cambios del uso del suelo experimentados en las últimas décadas han tenido un efecto completamente negativo, rompiéndose el beneficio mutuo entre el hombre y el mochuelo.

La eliminación de lindes, árboles viejos o setos, en zonas agrícolas, unido al abandono de los cultivos tradicionales y del pastoreo extensivo en otras regiones ha provocado que el hábitat que necesita el mochuelo (lugares abiertos, donde reproducirse y posaderos para acechar a sus presas) se haya modificado. Otros peligros para la especie son el uso de plaguicidas, fungicidas y herbicidas ligados a la agricultura intensiva o el uso de venenos para el control de plagas agrarias; además de los atropellos o la caza ilegal.

Programa NOCTUA

En la temporada de 1997-1998 SEO/BirdLife puso en marcha el programa NOCTUA con el objetivo de obtener información de las tendencias de las poblaciones de las distintas especies de aves nocturnas (rapaces y chotacabras) en España. Se realiza con la participación de alrededor de 600 voluntarios cada año, entre diciembre y junio y el principal objetivo es conocer la evolución de la población de las aves nocturnas y así su estado de conservación. También, se intenta mejorar el conocimiento de la biología y distribución de las poblaciones.

Los ojos y el maullido del mochuelo

Sus grandes ojos amarillos, de expresión sorprendida, constituyen la faceta física más peculiar, enmarcados en una cabeza redondeada con cejas anchas y claras.

El macho suele comenzar a marcar su territorio a principios de febrero desde algún posadero emitiendo su característico canto, que en muchos pueblos llaman el “maullido del mochuelo”. El cortejo se produce a finales de marzo o principios de abril. La hembra es ligeramente de mayor tamaño que el macho y, parece ser, que las parejas permanecen juntas hasta que uno de los dos muere.

El canto del mochuelo y de otras aves nocturnas ha servido de inspiración para la composición musical Noctua de Senen Barreiro, compositor de biomúsica que está disponible en la página web www.seo.org/?avedelano2011

Aves del Año desde 1988

A lo largo de más de veinte años el ave elegida por SEO/BirdLife ha simbolizado algunas de las amenazas más significativas que sufre nuestra avifauna.

El urogallo, la avutarda, el águila imperial o el buitre negro han sido algunas de las más destacadas. Su objetivo año tras año ha sido llamar la atención sobre la delicada situación en la que se encuentra cada una de estas especies y sus hábitats.

Muestra de Beatriz Palomero

22/02/2011, Beatriz Palomero, artista plástica gallega, presenta, con Esquina privada, su universo pictórico en Valladolid

Valladolid, febrero de 2011

La exposición tendrá lugar en la galería La Maleta, desde el 11 de marzo al 16 de abril. La muestra titulada Esquina privada contempla dibujos en tinta china, otros con lápices de colores y litografías en diversos tamaños.

Como en otras ocasiones las mujeres llenan el imaginario de Palomero con figuras femeninas que se mezclan con arañas, con formas de bestiario medieval, con raíces y vegetales o con un código muy propio que ella traduce diciendo “cuando dibujo entro en conexión con mi parte íntima”.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Ha obtenido becas como la de Erasmus para realizar estudios en la Acadèmie Royale de Liège, Bélgica

la de la Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña, Beca de pintura por la Universidad de Salamanca y Premios como el de Estampa por Casa Falconieri de Cerdeña en Italia.

En el 2009 recibe el Primer Premio en VII Premio de Grabado, galería Nuevoarte. Ha realizado, además diferentes cursos de grabado calcográfico, serigrafía, litografía y carborundum.

Su obra está en algunas Instituciones como Fundación CIEC, Calcografía Nacional, Fundación Pilar i Jon Miró, Fundación Casa de la Moneda, Casa Falconieri, Bibioteca Nacional y Museo del Grabado español de arte Contemporáneo, Marbella(Málaga).

Art Madrid 2011 apuesta por el arte joven

15/02/2011, Regresa la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Madrid, con su cita anual con los coleccionistas, profesionales y amantes del arte contemporáneo en general.

La sexta edición de la feria comienza el día 15 de febrero, la jornada estará dedicada a los profesionales y coleccionistas y a la presentación a los medios de comunicación. Del 16 al 20, abrirá sus puertas al público en general.

Art Madrid refuerza su apoyo a los artistas y galerías jóvenes de nuestro país a través del programa Young Art, que encuadra a las galerías y artistas emergentes y que, este año, acoge un total de 13 espacios específicos. Debido al gran éxito de público alcanzado en ediciones anteriores, Young Art se ha consolidado como una de las grandes apuestas de la feria. El programa acoge a galerías que presentan obras de artistas menores de 40 años o aquellas galerías con menos de cinco años de existencia.

Las galerías presentes en Young Art son:

Absolute Art Space, Art Next, Benlliure, Collage Habana, Fernando Latorre (2 espacios), Metro, Moret Art, Paulo Nunes y 3 Punts (4 espacios). Entre los 59 artistas que exponen en Young Art cabe citar a Rafa Macarrón, Hander Lara, José Moñú, Ana Pimentel, Xurxo Gómez-Chao, Efraпm Rodríguez, Ramón Surinyac, André y Montse, Morán Sociedad Artística, Sito Mújica, Xurxo Alonso, Fabio Camarotta o Luis Caruncho, entre otros.

El esplendor del Románico

11/02/2011, La fundación Mapfre presenta la muestra "El esplendor del Románico. Obras Maestras del Museu Nacional d´Art de Catalunya". Hasta el próximo 15 de mayo de 2011 en Madrid.

Madrid, 11 de febrero de 2011
Una cuidadosa selección de casi 60 obras cumbre del arte románico nos adentran en esta época de gran desarrollo comercial y económico, que tuvo lugar entre los siglos XII y XIII. Esta situación hizo favorable el intercambio de ideas y la comunicación entre diferentes culturas.

La manifestación artística de la época, el románico, era ante todo simbólica, para que todo tipo de personajes, sin importar procedencia, estatus social, o conocimientos pudieran captar un mismo mensaje, el de un Dios poderoso y autoritario, pero al mismo tiempo protector. El resultado es un estilo sobrio, austero, enigmático y contundente.

Durante los siglos XII y XIII, la iglesia católica creó una gran red de centros de peregrinación de Compostela a Jerusalén. Estos centros amasaron grandes riquezas, gracias a las donaciones de creyentes y peregrinos. De esa manera, pudieron atesorar obras de arte como pinturas sobre tabla, pinturas murales, esculturas en piedra y madera, orfebrería o esmaltes.

La muestra se divide en cinco secciones: El color de la arquitectura; El poder de las imágenes; Un espacio para la narración; La escultura monumental y El tesoro de la iglesia.

EL ESPLENDOR DEL ROMANICO.
OBRAS MAESTRAS DEL MUSEU NACIONAL D’ART DE CATALUNYA
Fundación Mapfre Madrid
10 de febrero al 15 de mayo de 2011

Asier Mendizabal

08/02/2011, El Museo Reina Sofía presenta una exposición que reúne varios de los trabajos recientes del artista vasco, entre los que se encuentran dos que han sido realizados expresamente para esta ocasión.

Un total de doce obras, entre esculturas, collages, fotografías e impresiones de textos del artista, nos hablan de la especial atención de Mendizabal a las relaciones entre forma, discurso e ideología.

Todas las facetas de nuestra cultura más directa le sirven para configurar su particular mapa de ideas y para reflexionar sobre la ideología como elemento aglutinador de individuos.

Los trabajos de Asier Mendizabal logran que el espectador se cuestione aquello que yace bajo una forma que nos ha venido dada y está aceptada, pero que puede tener soterrados múltiples significados distintos.

Así, las complejas articulaciones que se crean entre la estética y la política, mediante el análisis del signo, de su materialidad como significante y de su habilidad para trascender ciertos significados eventualmente pueden devenir, en opinión del artista, emblemas políticos o sociales.

Mendizabal, que en la actualidad reside y trabaja en Bilbao, estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco (1996), y obtuvo una beca de residencia en de-Ateliers, en Ámsterdam, en el año 2000. Ha estado presente en importantes exposiciones colectivas —Cine y Casi Cine (Museo Reina Sofía, 2003); Después de la noticia (CCCB, Barcelona, 2003); Manifiesta 5 (San Sebastián, 2004)—, y su primera exposición individual fue en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), en 2008. En 2010 obtuvo el premio Ojo Crítico de Artes Plásticas.

El Hermitage y el Prado

07/02/2011, El State Hermitage Museum y el Museo del Prado firman un convenio para la celebración de las exposiciones “El Prado en el Hermitage” y “Tesoros del Hermitage” que se presentarán este año en San Petersburgo y Madrid.

Madrid, 07 de feb. de 2011
En el marco del programa del Año Dual España-Rusia 2011 el Museo del Prado, el State Hermitage Museum y la Sociedad Estatal de Acción Cultural firman un convenio que permitirá un intercambio de colecciones sin precedentes entre ambas instituciones y que se materializará en la celebración de dos grandes muestras.

El Prado en el Hermitage (25 de febrero – 29 de mayo de 2011), presentará en San Petersburgo un conjunto de sesenta y seis pinturas de las escuelas española, italiana y flamenca que permitirán a la sociedad rusa admirar la importancia histórica y artística de la colección del museo español.

Esta exposición estará formada por sesenta y seis pinturas seleccionadas por su altísima calidad estética y su gran representatividad e importancia histórica y datadas entre 1450 a 1820, que permitirán al público ruso recorrer los hitos de las colecciones del Prado y conocer su regio origen.

El retrato de figura entera de Carlos V realizado por Tiziano, Felipe IV pintado por Velázquez, Carlos III y su hijo Carlos IV por Mengs y Fernando VII por Goya, serán algunos de los cuadros que viajarán a San Petersburgo.

Otras obras plasmarán también, y de manera sobresaliente, los distintos géneros representados en las colecciones de la institución española con ejemplos de pintura mitológica, como Venus recreándose con el Amor y la Música de Tiziano o Perseo liberando a Andrómeda de Rubens; importantes bodegones. como la obra maestra de Sánchez Cotán, Bodegón de caza, hortalizas y frutas, el Agnus Dei de Zurbarán y dos obras de Luis Meléndez; obras de Moro, Pantoja de la Cruz, Velázquez, El Greco, Paret y Goya que mostrarán la evolución del retrato en España; y el paisaje y la pintura de género representados por Lorena, Watteau y Joli y el gran cartón para tapiz de Goya, La Vendimia.

Además, la pintura religiosa también tendrá una extensa representación, con obras como La Sagrada Familia del Cordero de Rafael, la Virgen del Rosario de Murillo, Cristo abrazado a la Cruz de El Greco o la Adoración de los pastores de Maíno, pintura que está en estrecha relación con otra obra de este autor del mismo tema en la colección del Hermitage estableciendo así un especial vínculo con el museo ruso que se verá reafirmado en esta muestra con los retratos de Pedro Ivanowitz Potemkin, embajador de Rusia, realizado por Carreño de Miranda y el General José de Urrutia de Goya, condecorado con la cruz de San Jorge otorgada por Catalina la Grande.

Por su parte, Tesoros del Hermitage (8 de noviembre de 2011 – 26 de marzo de 2012) mostrará en el museo madrileño, a través de ciento setenta piezas arqueológicas, objetos de artes decorativas, pinturas, esculturas y dibujos, del museo ruso la variedad y amplitud de sus colecciones desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX.

La exposición que se celebrará en el Prado representa una ocasión única y extraordinaria para conocer los tesoros del Hermitage, centrándose en las colecciones de oro arqueológico, las artes decorativas, y en los magníficos fondos de bellas artes, pintura, escultura y dibujo. La exposición presentará al público los principales protagonistas de la historia del palacio-museo, el esplendor de sus interiores, y las magníficas obras de arte y de arqueología que allí se albergan.

El recorrido pictórico abarcará obras tan importantes como el San Sebastián de Tiziano, el Tocador de Laúd de Caravaggio, el San Sebastián de Ribera, y el Almuerzo de Velázquez. También tendrán cabida dos obras de la importante colección de Rembrandt que atesora el Hermitage, Retrato de un estudioso y Haman reconoce su suerte. De su colección de dibujos, vendrán obras de Durero, Rubens, Watteau e Ingres y, entre las esculturas, pueden destacarse el boceto en terracota de Bernini para el Extásis de Santa Teresa, y una de las obras maestras en mármol de Antonio Canova, la Magdalena en meditación. La exposición contará también con notables ejemplos de las célebres colecciones de pintura impresionista y post-impresionista del museo ruso, en la que estarán representados Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin y Matisse, éste último con dos obras, Juego de bolas y Conversación. De Picasso se incluirán tres lienzos, entre ellos Mujer sentada y Bebedora de absenta y completarán la selección dos obras rusas de la vanguardia abstracta, la Composición VI de Kandinsky y el misterioso Cuadrado negro de Malevich.

Entre las piezas destacadas de las colecciones arqueológicas estarán el Peine con escena de batalla, obra de oro escita del siglo IV a.C. y las obras de joyería siberiana que proceden de las colecciones de Pedro el Grande. En cuanto a los objetos de artes decorativas, se incluirá la espada decorada con plata, rubíes e diamantes, donada al zar en el siglo XVIII por el embajador indio, y el Vaso de flores en cristal de roca, oro y diamantes del joyero de la familia imperial, Carl Fabergé (1846-1920).

Económicos

04/02/2011, El Museo Reina Sofía presenta la exposición temporal “Económicos” dedicada al artista catalán Efrén Álvarez. Una muestra que podrá visitarse hasta el próximo mes de abril.

Esta exposición forma parte de Fisuras, el programa de producciones propias del Museo, que invita a artistas a experimentar dentro de sus espacios.

Efrén Álvarez nos habla de economía y de mercado a través de dibujos, en los que hace uso de la peculiar irreverencia, acidez y frescura que definen su obra. Caricaturas grotescas (algunas referidas a personajes públicos muy conocidos) sirven al artísta como medio para reflejar sus pensamientos, ideas y conversaciones.

A través de aproximadamente 40 dibujos, Efrén ha construido su personal visión del mercado y sus condiciones. Una denuncia a la empresa contemporánea. Sus dibujos se convierten así en un relato descriptivo de la organización socioeconómica. El resultado es un análisis de la economía en su faceta trágica en el sentido más teatral del término, como narración circular, un círculo vicioso abocado a un destino fatal conocido por personajes y por los espectadores, impotentes ante el impulso constante provocado por una fuerza superior que vuelve al ser humano incapaz de romper el ciclo.

Las distintas ilustraciones vienen acompañadas de un pequeño catálogo editado a modo de fanzine donde se recogen los dibujos expuestos acompañados por poemas. Por último, Efrén presenta gifs animados, pequeñas animaciones colgadas en Internet que se pueden ver en dos pantallas expuestas en la muestra.

Licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, Efrén Álvarez ha expuesto recientemente en la galería Àngels Barcelona; en Viennal Leandre Cristòfol, Lleida; en ARCO 09 o en Zona MaCo 09 en México DF. Entre otros premios recibió en 2008 una beca de Entidad Autónoma de difusión Cultural, el Premio Barcelona Producción 08, o el Premio Miquel Casablancas en 2007.

Caligrafía islámica

03/02/2011, En el 1300 aniversario de la invasión árabe en la Península Ibérica, se presenta una interesante muestra en León, sobre la "Caligrafía Islámica", comisariada por la historiadora Margarita Torres.

León, febrero de 2011

La caligrafía es una arte para el mundo islámico: edificios, piezas de metal, tejidos de seda, cerámica, joyas... muestran el bello trabajo del calígrafo, que en el mundo musulmán gozó de gran consideración. Numerosos calígrafos ilustres y numerosos estilos gozaron de merecida fama, desde la época cúfica, siglo VII, denominada así por la ciudad de Kufa donde se empezó a copiar el Corán poco más tarde de la muerte del profeta Mahoma.

Ibn Muqla (866-940) es el gran impulsor de la caligrafía cursiva posterior. Él es el autor del libro Tratado de la ciencia de caligrafía y el cálamo, en el que mostró su maestría en temas como la fabricación de tintas, cálamos y ejercicios para escribir las letras en diferentes estilos.

La escritura de Al Andalus se basó en la influencia de Qayrawan. En Al Andalus se alcanza su plenitud en el siglo XI, una escritura elegante con rasgos cuadrados.

Entre los grandes calígrafos, cabe citar a Ibn Gattus, valenciano, coetáneo de Alfonso IX de León, al que se atribuyen 1000 copias del Corán. Otro nombre famoso es el de la andalusí Aisha ibn Ahmad, que poseyó en el siglo X una extraordinaria biblioteca.

Pero la caligrafía siguió contando con notabilísimos maestros en escuelas como las de Bagdad, El Cairo o Damasco, e incluso Marruecos patria de Mamad ibn al-Qasim al-Qandusi(siglo XIX).

La comisaria de la muestra, Margarita Torres, destaca que el reino de León, en el que convivieron las culturas judía, musulmana y cristiana, es un punto excelente para presentar la muestra, cuando se cumplen 1300 años de la presencia de los árabes a España, una presencia que se ha mostrado siempre desde un prisma conflictivo, olvidando por regla general las contribuciones al arte, la medicina, la literatura, etc, que hicieron de los territorios de Hispania, en la Edad Media, el foco cultural de Europa.

La exposición está compuesta por fotografías en las que se encuentran ejemplos de caligrafía, pero también de otra serie de objetos sobre las que está impresa, como manuscritos o cerámica.

Incluye libros elaborados de la misma forma que los musulmanes de los siglos X al XIII, "encuadernados igual y habiendo seguido todo el proceso de elección, curtido, teñido y montaje de la piel" y de cosido que se seguía en la época, según ha explicado a Efe la comisaria Torres.

Para Margarita Torres, muestras de esa influencia árabe se pueden rastrear en grandes centros de arte como el monasterio de San Miguel de Escalada, de estilo mozárabe, y hasta en algunos capiteles de la Basílica de San Isidoro, joya del románico europeo.

En los escritos de figuras medievales como Santo Tomás de Aquino o San Juan de la Cruz, también abundan las influencias islámicas, ha detallado Torres, quien cita también algunos de los hábitos, heredados, como en el ámbito gastronómico donde primero se come un plato suave, luego la carne, el pescado o la caza y, finalmente, el postre, cuando en el profundo medioevo se comía primero lo mas fuerte.

El uso de desodorante, la conveniencia de utilizar prendas distintas en invierno y en verano o de separar los baños de los hombres de los de las mujeres, o la adopción de la higiene como un hábito son también otras costumbres extendidas hoy en día vinculadas al mundo islámico.

"El arte de la caligrafía en el Islam: de Al-Ándalus a Egipto" estará expuesta en la Casa de las Carnicerías, de la capital leonesa, hasta el próximo 27 de febrero. Luego itinerará a Ponferrada

CAC Málaga: actividades de febrero

01/02/2011, En la ciudad de Málaga, el CAC suele presentar una interesante oferta. Entre los trabajos que se pueden ver en febrero figuran los del portugués Juliao Sarmento.

Málaga, febrero de 2011

EXPOSICIONES:

Julião Sarmento 2000 – 2010. del 10 de diciembre 2010 al 6 marzo 2011

El CAC Málaga presenta una retrospectiva de los últimos diez años de producción del artista contemporáneo portugués de mayor reconocimiento internacional. Los trabajos de Sarmento destacan por su carácter intimista y por su extraordinaria capacidad para plantear cuestiones que van más allá de lo visual, logrando crear una realidad que se mueve entre la experiencia y la memoria.

Pinturas y dibujos semifigurativos y minimalistas, esculturas, videos y collages conforman la exposición de Julião Sarmento en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, en la que se evidencia el carácter ecléctico del artista y su capacidad para abordar casi todas las disciplinas creativas. La exposición, organizada por el CAC Málaga, itinerará el año próximo a Es Baluard, Museu d´Art Modern i Contemporari de Palma.

PASIÓN. COLECCIÓN CARMEN RIERA

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, ofrece una visión representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días. Un recorrido desde al arte pop al conceptual, que permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO

4 de febrero al 3 abril 2011

v JOSÉ MEDINA GALEOTE

11 de febrero al 20 marzo 2011

CINE ITALIANO CONTEMPORÁNEO

El CAC Málaga organiza, en colaboración con la Asociación Cultural Dante Alighieri de Málaga y Cajamar, el ciclo de Cine Italiano Contemporáneo para los miércoles del mes de febrero (2, 9, 16 y 23 de febrero). La entrada es libre y gratuita hasta completar el aforo. Los títulos que se proyectarán son los siguientes:

- 2 febrero: La Dolce Vita, 1960. Dir: Federico Fellini. 167min. V.O.S.

- 9 febrero: Lucia di Lammermoor, 1982. Dir: Kirk Browning. 137min. V.O.S.

- 16 febrero: Le chiavi di casa (Las llaves de casa), 2004. Dir: Gianni Amelio. 106min. V.O.S.

- 23 febrero: Caos Calmo, 2008. Dir: Antonello Grimaldi. 105min. V.O.S.

PERFORMANCE MARC MONTIJANO

Marc Montijano presentará el 17 de febrero a las 19h la quinta de sus performances programadas en el CAC Málaga.

BALANCE 2010

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ha destacado que en 2010 han visitado sus exposiciones y ha participado en alguna de las múltiples actividades culturales y pedagógicas 390.000 personas.

Un total de doce exposiciones temporales (todas ellas de producción propia) y dos colecciones permanentes, Pasión. Colección Carmen Riera y Apocalipsis, han atraído el interés de los ciudadanos por su oferta expositiva. La escasa diferencia con los datos de 2009 (0,40%) evidencia el hecho de que el CAC Málaga asienta sus estadísticas anuales, según el centro.

Reserva ya para San Valentín y consigue ofertas que enamoran

01/02/2011, guiarte.com te propone ¡Un flechazo irresistible! Cupido tendrá mucho trabajao por delante...

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Jasper Johns, en el IVAM

01/02/2011, Jasper Johns. Las huellas de la memoria, es una muestra que presenta el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, del 1 febrero al 24 abril.

Valencia, febrero de 2011

Jasper Johns (Allendale, Carolina del Sur, 1930), es una de las figuras más importantes del arte de mediados del siglo XX, a quien se le ha otorgado recientemente el Premio Internacional Julio González de la Generalitat Valenciana.

La exposición reúne cerca de un centenar de obras que recorren cincuenta años de una de las grandes carreras del arte contemporáneo. Las obras provienen de museos americanos y europeos como National Gallery of Art, Washington ; MFAH, Houston ; Whitney Museum, Nueva York ; The Broad Art Foundation, Santa Mónica; Milwaukee Art Museum ; Centre Georges Pompidou, Paris ; Tate, Londres, entre otros, y de colecciones privadas que muestran la evolución del trabajo del artista. Su presencia se ve complementada por un préstamo de Jasper Johns que incluye la mayor escultura de este creador realizada en 2007, nunca antes expuesta.

El catálogo de la exposición reproduce las obras expuestas y contiene textos de Consuelo Císcar, Martine Soria, Daniel Abadie y Luciano Caprile.

Con motivo de la muestra el IVAM ha organizado un Taller Didáctico dedicado al estudio de las técnicas de encáusticas y ceras empleadas por Jasper Johns en las series de números.

La exposición tiene un carácter retrospectivo especialmente consagrado a la escritura, un tema recurrente en su obra. Los símbolos tipográficos protagonizan esta selección de pinturas y grabados.

Jasper Johns pintó símbolos familiares como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto; símbolos que estaban en el imaginario popular, pero renovados en su propio estilo aplicando gruesas capas de pintura para que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores y ha sido especialmente significativa para la historia del arte estadounidense.

Tinta china sobre plástico y dibujos, complementan esta muestra que quedaría incompleta sin el conjunto de grabados que las acompañan.

La obra gráfica de Johns tanto sobre plancha de cobre como en litografía es inmensa, siguiendo a Picasso y Matisse la labor de estampación es omnipresente en su quehacer cotidiano, y como eminente grabador ha traspasado los límites y ha modificado las técnicas que ha empleado. Muchas de las obras que se muestran en la exposición -en las que confluyen diversas técnicas- ponen su acento sobre símbolos de comunicación no verbal que aparecen de manera recurrente en su trabajo.

Jasper Johns (Allendale, Carolina del Sur, 1930) residió en varias localidades de Carolina del Sur tras el divorcio de sus padres. Allí cursó estudios universitarios, pero ya en 1949 se trasladó a Nueva York e ingresó en una escuela de arte comercial.

Incorporado al ejército, se le destinó al Japón, donde permaneció hasta 1952. Aunque algún débil rastro de influencia japonesa pueda percibirse en algunas obras muy posteriores, es posible que se deba más a la relación que mantuvo con el músico John Cage, uno de los personajes centrales de la vanguardia americana, con interés por el budismo zen.

En 1954 había conocido a Robert Rauschenberg y John Cage, ambos tuvieron gran influencia en su trayectoria artística y le pusieron en contacto con algunas figuras de la máxima importancia en la escena artística neoyorquina e internacional, como el coreógrafo Merce Cunningham o el propio Marcel Duchamp.

Tras instalarse en Nueva York en los primeros años 50, ganó el reconocimiento de la crítica por sus innovadoras imágenes de banderas, dianas, alfabetos y números. la obra de Jasper Johns, desde su origen, impone cierta distancia entre la pintura y su representación.

Tras la adquisición por parte de Alfred Barr en 1958 para The Museum of Modern Art del cuadro Flag (1954-1955) con motivo de la primera exposición del pintor en la Leo Castelli Gallery, coleccionistas, la prensa y el gran público no dejaron de ver en esta pintura un icono de la American way of life, pero el sutil fundador del MOMA había percibido inmediatamente su doble dimensión: la crítica respecto a la abstracción que defendía entonces Clement Greenberg y la invención pictórica que recuperaba el antiguo y lento procedimiento de la pintura a la cera para ofrecer la imagen inédita y desfasada del objeto más inmediatamente reconocible para cualquier americano.

J. Johns a lo largo de su dilatada carrera artística ha explorado, con igual virtuosismo, la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura, y ha sido motivo de numerosas exposiciones individuales en Museos que incluyen el Whitney Museum of American Art (1977); el Kunstmuseum Basel (1979), el Museum of Modern Art, Nueva York (1986), el Philadelphia Museum of Art (1988) y la National Gallery, Washington D.C. (1990).

Su lugar como uno de los artistas americanos más importantes del siglo se vio consolidado con la premiada presentación de nueva obra en la Biennale di Venezia de 1988, y con una magnífica retrospectiva en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1996.

Lujo en Seychelles

28/01/2011, A partir del próximo 1 de mayo, el Sainte Anne, hotel pionero de Beachcomber en Seychelles, se convertirá en el primer “Todo Incluido” de lujo del archipiélago.

Sainte Anne(Seychelles) enero de 2011

Según informa la compañía, este programa permitirá al huésped comer, beber y hacer uso de las instalaciones del hotel sin estar pendiente de la tarjeta de crédito, desde su llegada hasta su salida.

El cambio de modalidad responde a la tendencia actual del viajero de alargar su estancia en Seychelles, y merced al nuevo paquete de lujo, el cliente tendrá acceso gratuito a todos los bares y restaurantes del resort y cenas "a la carta" con una amplia variedad de bebidas de primeras marcas, incluido champán francés.

El programa incluye traslados gratuitos en barco a la isla de Sainte Anne, minibar, snacks, servicio personalizado en piscina y bar, práctica de deportes terrestres (tenis, trekking, volleyball o fútbol) y acuáticos (kayak o snorkelling), centro de Fitness y acceso ilimitado a la sauna, hammam y cardio y miniclub para niños de 3 a 12 años.

La transformación del hotel a los nuevos servicios de Todo incluido se realizará en dos etapas: una primera que se extenderá desde el 1 de mayo hasta el 31 de octubre, donde los clientes podrán elegir entre la opción normal o la de Todo incluido, y una segunda fase, a partir del 1 de noviembre, en la cual el establecimiento sólo tendrá esta última.

Verdadero santuario natural, la isla de Sainte Anne está situada en el corazón de uno de los Parques Marinos más bellos del Indico, creado por el gobierno de Seychelles en 1973.

El resort cuenta con 87 villas de lujo, 29 de ellas con piscina, y unas instalaciones que se extienden en 220 hectáreas de plena naturaleza tropical. Además cuenta con una importante oferta gastronómica en sus 5 restaurantes de cocina internacional y criolla y un Spa de Clarins, de estilo oriental.

Piden investigar la corrupción ballenera

28/01/2011, Greenpeace reclama la reapertura de la investigación sobre corrupción en el tráfico de carne de ballena capturada por Japón como “caza científica”

Japón, enero de 2011

Greenpeace reclama la reapertura de la investigación sobre corrupción en el tráfico de carne de ballena capturada por Japón como “caza científica”

Los ecologistas piden que se reabra la investigación oficial sobre la malversación sistemática dentro del programa ballenero de Japón después de haberse hecho públicas las acciones disciplinarias a funcionarios de ese país por aceptar "regalos" de carne de ballena procedentes de Kyodo Senpaku, empresa que lleva a cabo la caza calificada como "científica"

La Fiscalía de Tokio abrió una investigación sobre la malversación de fondos en base a las pruebas presentadas por Greenpeace Japón en mayo de 2008. En enero de 2008, Greenpeace comenzó a investigar la corrupción dentro de esta industria y dos activistas fueron detenidos luego por hacer públicos estos hechos.

Toru Suzuki y Junichi Sato sufrieron un proceso judicial de más de dos años por haber hecho público el escándalo, lo que les costó una condena de tres años de libertad condicional.

Después de que saliera a la luz la existencia de este fraude, la Agencia de Pesca de Japón (FAJ, en sus siglas en inglés) se ha visto obligado a disculparse por su mala conducta.

Cinco funcionarios aceptaron como "regalos" carne de ballena con un valor total de 3.000 dólares. Otros dos funcionarios clave en esta institución, entre los que se encuentra Junio Yamashita, segundo en la jerarquía de la FAJ y negociador de la Comisión Ballenera Internacional, han recibido amonestaciones.

Las disculpas de la FAJ y el posterior reconocimiento oficial de las irregularidades, implican la asunción por vez primera por parte de las autoridades japonesas de la corrupción existente dentro del programa de caza "científica" que expuso Greenpeace en 2008. Las autoridades japonesas han hecho publico este hecho a través de un comunicado de prensa que fue enviado a algunos periodistas en Tokio.

Para los ecologistas, estos temas no son sino “la punta del iceberg de la corrupción presente en la industria ballenera” que sigue acometiendo la caza del gran pez con una disculpa falsamente científica.

Flandes en Madridfusión

24/01/2011, Durante los días 25, 26 y 27 de enero vuelve Madridfusión. En su novena edición, la cumbre gastronómica homenajeará a Flandes.

Madrid, 24 de enero de 2011
La cumbre gastronómica Madridfusión desarrollará en su nueva edición unas actividades muy ambiciosas bajo el lema "Gestión del Talento".

Se presentarán novedades técnico-culinarias fruto de la colaboración entre cocineros y científicos, y se hablará de las armonías moleculares (Foodpairing).

Además, Flandes, una de las áreas geográficas que marcan más tendencia en la actualidad, estará representada por cocineros de vanguardia, como Kristof Coopens, Dave de Belder, Gert De Mangeleer o Bernard Lahousse.

Flandes contará con un stand própio en el que los visitantes podrán recibir información práctica sobre la gastronomía en el corazón de Europa.

Fuerte crecimiento mundial del turismo

18/01/2011, El turismo internacional se recuperó fuertemente en 2010 según el adelanto del Barómetro del Turismo Mundial de la OMT, que señala un crecimiento mundial del 7 por ciento.

Madrid, enero de 2011

Entre los destinos de crecimientos más vigorosos, tres gigantes: la China, Brasil y la Federación Rusa

Las llegadas de turistas internacionales crecieron casi un 7 por ciento a 935 millones, tras el descenso del 4 por ciento en 2009, el año que más acusó la crisis económica mundial.

La gran mayoría de destinos en todo el mundo presentó cifras positivas, que lograron compensar las pérdidas recientes o acercarse a este objetivo. Sin embargo, la recuperación llegó a diferentes velocidades, impulsado principalmente por las economías emergentes.

Dos velocidades

Impulsado por la mejora de las condiciones económicas en todo el mundo, el turismo internacional se ha recuperado más rápido de lo esperado de los efectos de la crisis financiera mundial y la recesión económica de finales de 2008 y 2009.

Las llegadas de turistas internacionales se incrementaron un 6,7 por ciento en comparación con 2009, con un crecimiento positivo en todas las regiones del mundo. El número de llegadas alcanzó 935 millones, superando en 58 millones la cifra de 2009 y en 22 millones el nivel máximo de 2008 previo a la crisis (913 millones).

Si bien todas las regiones registraron un crecimiento de las llegadas internacionales, las economías emergentes siguen siendo los principales impulsores de este desempeño. Esta recuperación a dos velocidades, menor en las economías avanzadas (+5 por ciento ) y más rápida en las emergentes (+8 por ciento ), es un reflejo de la situación económica global y dominará el 2011 y el futuro previsible.

"La recuperación del turismo internacional es una buena noticia, especialmente para los países en desarrollo que dependen del sector para generar ingresos y empleo", dijo el Secretario General de la OMT, Taleb Rifai. "Ahora el reto será consolidar este crecimiento en los próximos años en medio de un incierto entorno económico mundial".

Asia fue la primera región en recuperarse y la de mayor crecimiento (+13 por ciento ) en 2010. Las llegadas de turistas internacionales a Asia alcanzaron un nuevo récord de 204 millones frente a 181 millones en 2009.

África (+6 por ciento , 49 millones de llegadas), la única región con cifras positivas en 2009, siguió creciendo en 2010, beneficiándose del creciente dinamismo económico y de la celebración de eventos como la Copa Mundial de la FIFA en Sudáfrica.

Oriente Medio volvió a resultados de dos dígitos (+14 por ciento , 60 millones de llegadas), con un crecimiento de 10 por ciento o más en casi todos los destinos.

La recuperación en Europa (+3 por ciento , 471 millones de llegadas) fue más lenta que en otras regiones, debido a la interrupción del tráfico aéreo a raíz de la erupción del volcán Eyjafjallajokull y la incertidumbre económica que afecta a la zona euro.

Aunque el sector cobró impulso a partir de la segunda mitad del año con un desempeño superior al promedio regional en algunos países, esto no fue suficiente para que los resultados generales revirtieran las pérdidas de 2009.

Las Américas (+8 por ciento , 151 millones de llegadas) se recuperaron de la caída de 2009 provocada por las dificultades económicas sufridas en América del Norte y el impacto del brote de gripe A (H1N1). El retorno del crecimiento a la economía de EE.UU. ha ayudado a mejorar los resultados de la región en su conjunto, al igual que la creciente integración regional en América Central y del Sur, así como la vitalidad de las economías latinoamericanas.

El mayor crecimiento se registró en América del Sur (+10 por ciento ).

Los resultados subregionales reflejan claramente esta recuperación a diferentes velocidades.

Algunas subregiones, como África del norte y subsahariana y el sudeste asiático, no se vieron afectadas por la crisis mundial y registraron un crecimiento continuo a lo largo de 2009 y 2010.

Entre las subregiones afectadas por la crisis en 2009, las llegadas en 2010 a Asia del nordeste y meridional, América del Norte y del Sur, el Caribe y Europa occidental, compensaron totalmente las pérdidas anteriores y lograron niveles iguales e incluso superiores a la situación previa a la crisis. Al mismo tiempo, el crecimiento en Europa central y oriental, Europa meridional y del Mediterráneo, así como en América Central, ha sido insuficiente para compensar la pérdida de los flujos turísticos de 2009.

A modo de contraste, el norte de Europa no registró cifras positivas en 2010.

El crecimiento de ingresos por turismo internacional se situó algo por detrás del aumento de llegadas durante el año 2010, acorde con la tendencia durante períodos de recuperación.

Entre los principales mercados turísticos emisores en términos de gasto en el extranjero, las economías emergentes siguen impulsando el crecimiento: China (+17 por ciento ), la Federación Rusa (+26 por ciento ), Arabia Saudita (28 por ciento ) y Brasil (+52 por ciento ).

Entre los mercados emisores tradicionales, se recuperaron Australia (+9 por ciento ), Canadá (+8 por ciento ), Japón (+7 por ciento ) y Francia (+4 por ciento ), mientras que el crecimiento fue modesto (+2 por ciento ) en los EE.UU., Alemania e Italia.

Al otro lado del espectro, en 2010 los gastos en el extranjero desde el Reino Unido seguían con 4 por ciento a la baja.

El 2010 en retrospectiva

La demanda internacional de turismo se mantuvo bien en 2010, a pesar de la persistente incertidumbre económica en algunos mercados importantes, las catástrofes naturales sufridas en algunos países, la inestabilidad política y social en otros, las graves perturbaciones del tráfico aéreo a raíz de una erupción volcánica en Islandia en abril pasado y el problemático estado del tiempo en partes de Europa y en los EE.UU. en diciembre.

"El turismo ha demostrado una vez más ser un sector altamente resistente. Sin embargo, tenemos que trabajar más y mejor hacia una mayor integración y cooperación entre todos los actores involucrados en la cadena de valor del turismo para aumentar nuestra competitividad y responder más eficazmente a los desafíos, como los que surgieron a partir del cierre del espacio aéreo europeo en abril pasado ", dijo el Sr. Rifai.

El año 2010 también vio el surgimiento de la importancia de los mega-eventos - el deporte, la cultura y exposiciones - en términos de su extraordinaria capacidad para atraer a los visitantes y posicionar a los países de acogida como destino turístico atractivo. Ejemplos a destacar incluyen los Juegos Olímpicos de Invierno en Canadá, la Expo de Shanghai en China, la Copa Mundial de la FIFA en Sudáfrica y los Juegos de la Commonwealth en la India.

Confirmando estas tendencias, el Grupo de Expertos de la OMT integrado por más de 300 expertos de todo el mundo, evaluó el rendimiento global en 2010 como muy positivo, superando ampliamente sus expectativas al inicio del año. El Grupo mantiene esta perspectiva positiva para el 2011.

El crecimiento continuará en 2011

Se espera que el crecimiento continúe para el sector turístico en 2011 tras la recuperación mundial de 2010, pero a un ritmo más lento. La OMT prevé que llegadas de turistas internacionales crezcan entre el 4 por ciento a 5 por ciento en 2011, una tasa ligeramente superior al promedio a largo plazo.

Los elevados índices de desempleo siguen siendo una preocupación importante. La gradual recuperación del mercado laboral prevista para 2011 será demasiado débil para compensar los empleos perdidos durante la crisis económica.

La reciente tendencia hacia la introducción y el aumento de los impuestos a los viajes como una forma de equilibrar las cuentas públicas representa un desafío para el sector. "Si bien comprendemos perfectamente la necesidad de consolidación fiscal, la OMT seguirá alertando a los gobiernos de que estos impuestos afectan seriamente la capacidad del turismo para estimular la creación de empleo y el crecimiento económico, con un impacto negativo en sus propias economías y en las posibilidades de desarrollo de las economías emergentes, dijo el Sr. Rifai.

Gérôme en el Thyssen

18/01/2011, El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid ha anunciado, para el próximo mes de febrero una interesante exposición sobre Jean-Léon Gérôme (1824-1904).

Madrid, enero de 2011

El proyecto es fruto de un trabajo conjunto con el J. Paul Getty Museum y el Musée d’Orsay, y supone la primera gran muestra monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, así como su presentación en España por primera vez.

La selección de óleos y esculturas que podrá verse en Madrid es una versión reducida de la gran retrospectiva mostrada en los Ángeles y en París sucesivamente a lo largo de 2010. En las salas del Museo Thyssen-Bornemisza se reunirán cerca de 60 obras, entre las que se encuentran algunos de sus trabajos más emblemáticos y sobresalientes, abarcando todos los aspectos de su larga y prolífica trayectoria artística.

Fundamentado en las investigaciones historiográficas y catalogaciones de su obra realizadas en los últimos años, este proyecto pretende dar a conocer y analizar el arte de Gérôme desde un nuevo enfoque, no sólo como la obra de uno de los pintores más emblemáticos del academicismo francés, sino como la de uno de los grandes creadores de imágenes del siglo XIX, revisando el lugar que ocupa en la pintura francesa de la época.

Bajo este nuevo prisma la exposición explorará el concepto teatralizado de su pintura de historia, su compleja relación con Oriente, el uso de la policromía en sus esculturas, la vinculación con las referencias arqueológicas, su combativa postura contra el anti-academicismo de finales del XIX o el singular destino americano de buena parte de su producción. En el catálogo se analizará también su particular gramática visual que le lleva a veces a la obsesión ilusionista, y su relación con las artes visuales, la estampa, la fotografía e incluso el cine, entonces incipiente.

Gérôme fue uno de los pintores más célebres de su época, aunque fue también objeto de críticas y polémicas a lo largo de toda su carrera. Su popularidad fue en buena medida fruto de su preocupación por la difusión de sus obras, que traspasó las fronteras de Francia y llegó incluso a los Estados Unidos donde, desde la década de 1870, fue uno de los artistas más admirados y coleccionados. Gérôme se familiarizó muy pronto con la nueva creación fotográfica y, como la mayoría de artistas del momento, recurrió a fotografías para componer algunos de sus cuadros y, sobre todo, aprendió a aprovechar este nuevo medio para “vender” su obra.

A petición de su marchante y editor, Adolphe Goupil -que más adelante se convertiría en su suegro-, desde 1859 Gérome empezó a utilizar reproducciones fotográficas y estampas para divulgar sus trabajos y supo adaptar su obra a la política editorial llevada a cabo por Goupil, combinando hábilmente los temas anecdóticos que garantizaban su éxito popular con una composición pensada para su adaptación al formato más reducido del grabado o del revelado fotográfico. Aún con los reproches por parte de la crítica artística del momento, Gérôme logra crear así imágenes impactantes que marcan la memoria del espectador.

De perfecta factura, con una absoluta precisión del dibujo y maestría en el uso de los pigmentos, a pesar de la apariencia academicista en sus temas y composiciones, su obra mantiene con la modernidad una relación más compleja de lo que parece y es en este aspecto donde los análisis historiográficos más recientes se han centrado para la revaloración de su figura y de su arte.

Convivían en él simultáneamente la ambición romántica de reproducir los temas de la Antigüedad clásica, de Oriente o de la historia de Francia, con el impulso racionalista de dar una información veraz, imponiendo incluso ese fin a la exigencia de que la escena fuera inteligible o infringiendo las reglas académicas. En este sentido, destaca el modo en que utiliza la imagen fotográfica para la elaboración de figuras, escenas o paisajes, su afán por ofrecer algo genuino y preciso, basándose rigurosamente en las investigaciones científicas y arqueológicas de su época, su novedosa concepción de la escenografía, adelantándose en el tiempo e inspirando directamente escenas de las grandes producciones cinematográficas de temática histórica, sobre todo las basadas en la Roma clásica de realizadores como Cecil B. DeMille o Mervyn LeRoy, entre otros muchos.

Sin duda, la gran difusión de la obra de Gérôme en Estados Unidos tuvo una gran incidencia en esta fuente de inspiración para el gran cine de Hollywood.

Esta doble identidad de su obra, a la vez científica y popular, es lo que la hace tan valiosa hoy en día para los historiadores del arte y el público en general.

Gérôme, heredero de Ingres y de Delaroche. Los neo-griegos

Jean-Léon Gérôme (1824-1904) ingresa a los dieciséis años de edad en el taller de Paul Delaroche, un estudio muy popular y frecuentado por muchos jóvenes artistas, entre ellos el fotógrafo Gustave Le Gray al que le unirá desde entonces una gran amistad.

El joven Gérôme se sitúa también muy pronto bajo la influencia directa de Jean-Dominique Ingres quien, junto a Delaroche, fueron los grandes defensores de la tradición academicista en la que se enmarca el arte de Gérôme en esta primera etapa de su carera, en la que cultiva tanto el género de la pintura histórica como el retrato.

Con el cuadro Pelea de gallos que presenta en el Salón de 1847, logra un gran éxito, se revela como un nuevo talento para el público, empieza a recibir sus primeros encargos oficiales y es proclamado jefe de filas de una nueva escuela, los neogriegos.

El interés por la Antigüedad, renovado por un deseo de plasmar la veracidad arqueológica, se convierte en pretexto para representaciones costumbristas, agradables y sentimentales, que ponen en escena una Antigüedad humanizada e intimista, casi trivial, y con un estilo a veces arcaizante.

Orientalismo

Gérôme abandona pronto el estilo neo-griego pero su interés por representar algo verídico se extenderá a lo largo de toda su producción. El realismo de la anécdota y el afán por el detalle serán dos de las características principales de su arte, tanto en sus pinturas de temática oriental como en los grandes temas de historia; en los dos casos se evidencia también la misma preocupación por la teatralización. Ya sean escenas de carácter costumbrista, paisajes o personajes, en este grupo de obras el artista muestra una profunda fidelidad en la reconstrucción de los lugares y ambientes, así como un interés en la representación de lo pintoresco en arquitecturas o en indumentarias exóticas.

El asunto representado ya no es el Oriente imaginado de la generación anterior; perfectamente documentada, su obra orientalista se nutre de los bocetos realizados durante sus numerosos viajes por Oriente Próximo, sobre todo a Egipto y Asia Menor, así como de las fotografías tomadas in situ por sus compañeros de viaje.

Gérôme y la historia

El núcleo central de la exposición lo constituye una magnífica representación de su pintura de historia, incluyendo los grandes temas que centraron su atención: la Roma antigua, las escenas napoleónicas y las del reinado de Luis XIV. En todos ellos la originalidad de Gérôme reside en el rechazo al “gran tema” y al papel edificador tradicionalmente asociado a este tipo de obras.

Prefiere representar en sus cuadros de historia no el momento culminante de un hecho histórico sino la anécdota, y lo hace escogiendo para inmortalizar en sus lienzos la escena inmediatamente anterior o posterior; de esta forma les confiere también un carácter marcadamente narrativo, enfatizado por el sentido teatral de la composición y una concepción de la escena prácticamente cinematográfica.

Sus eruditas representaciones de la civilización romana y el culto por el detalle arqueológicamente exacto han servido de referencia para realizaciones cinematográficas del género: óleos como La muerte de César (1867) o Pollice Verso (1872) muestran escenas con un paralelismo evidente en cintas emblemáticas como Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951) o Ben-Hur de William Wyler (1959).

Fantasías y El artista en el taller. Escultura policromada

La carrera de Gérôme como escultor comienza en 1878, en el marco de la Exposición Universal. Considerado en ese momento por la crítica como el modelo del academicismo, el artista sin embargo no duda en defender lo contrario del dogma en cuanto al uso de la policromía en la escultura moderna -expresada en su cuadro-manifiesto Sculpturae vitam insufflat pictura-, y se sitúa en el centro de los debates de la época.

Siguiendo el ejemplo de la Antigüedad clásica, Gérôme da color a sus obras en mármol, con una técnica que mezcla cera y pigmentos. El afán por el detalle y por la verdad arqueológica alcanza en su obra escultórica y pictórica de esos años el ilusionismo y el trampantojo llevados casi hasta la obsesión.

Una de sus esculturas pintadas más famosas, Tanagra (1890), nos muestra también su gusto por la “auto-cita”, en un juego de espejos entre la obra esculpida y la obra pintada. Al final de su vida, la representación del escultor trabajando en su taller se convertirá en tema recurrente de numerosos trabajos, muchos de ellos autorretratos.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Jean-Léon Gérôme (1824-1904)

Fechas: Del 15 de febrero al 22 de mayo de 2011

Organiza: J. Paul Getty Museum (Los Ángeles), Musée d’Orsay (París) y Museo Thyssen-Bornemisza(Madrid)

Comisarios: Laurence des Cars, directora científica de la Agencia France-Muséums, Dominique de Font-Réaulx, conservadora jefe en el museo del Louvre, y Édouard Papet, conservador jefe en el museo D’Orsay.

Coordinación: Leticia de Cos, Área de Investigación y Extensión Educativa del Museo Thyssen- Bornemisza

Número de obras: 57

Publicaciones: Catálogo con textos de los tres comisarios de la exposición y de otros especialistas.

El Stella Australis sale a la mar

18/01/2011, El Stella Australis es el nuevo barco de la compañía Cruceros Australis, que cumple 20 años navegando por la ruta más austral y exclusiva de la Patagonia.

Santiago de Chile, enero de 2011

El navio intenta proporcionar las máximas comodidades para el viajero que busca reencontrarse con la naturaleza en estas tierras deshabitadas del sur del continente americano, en temporadas que van de septiembre hasta abril de cada año, el periodo en el que los rigores climáticos son más soportables.

Cruceros Australis, presente en FITUR en el stand de Chile, informa que el 18 de diciembre fue el viaje inaugural del nuevo barco de Cruceros Australis, el Stella Australis, que incorpora más espacio y confort en su diseño para navegar de manera exclusiva, embarcando en Punta Arenas y/o Ushuaia, por las aguas del Estrecho de Magallanes, Canal Beagle hasta Cabo de Hornos llegando hasta el mítico Cabo de Hornos, declarado Reserva de Biósfera por UNESCO.

Esta nueva embarcación viene a incrementar la flota de esta compañía que ya posee el Mare y el Vía Australis.

El nuevo navío se construyó en Chile, en los astilleros de la ciudad de Valdivia bajo un diseño especialmente pensado para estos viajes, bajo normas actualizadas para navegación oceánica Worlwide certificado por ABS (American Bureau of Shipping), bajo la nominación de "Passenger Vessel".

CARACTERÍSTICAS.

El Stella tiene capacidad para 210 pasajeros distribuidos en 100 cabinas cuyos tamaños son de 16.5 metros cuadrados y 4 cabinas superiores de 20.5 metros cuadrados.

La eslora o largo es de 89,0 metros y su manga o ancho de 14,6 metros. Cada cabina tiene ventanas panorámicas, calefacción independiente, baño privado y teléfono satelital. Cuenta con tres salones equipados con equipos audiovisuales, un comedor, una sala para ejercicios, y una gran terraza descubierta que permitirá observar el paisaje austral.

El Stella Australis incorpora, al igual que los otros dos barcos, la más moderna tecnología al servicio de la preservación del medio ambiente. Se cuentan con sistemas de tratamientos de aguas servidas, aguas oleosas y residuos orgánicos, establecidos por norma por SOLAS (Marpol). Todos los residuos sólidos son separados, compactados y desembarcados en ambos puertos (Ushuaia y Punta Arenas). En la cocina del barco la basura se separa en botes diferentes para evitar la formación de gases tóxicos, entre otras prácticas tendientes de respetar el ecosistema.

En esta línea de impulsar un ecoturismo responsable Cruceros Australis tiene con CEQUA, Centro de Estudios del Cuaternario de Fuego-Patagonia y Antártica, un convenio de cooperación científica y turística para el desarrollo de un turismo científico sustentable de alto nivel

Cruceros Australis es una empresa chilena que opera de manera única en esta ruta desde hace 20 años.

Los itinerarios han ido variando según los años llegando actualmente hasta el mítico Cabo de Hornos, reserva de la biósfera.

Cruza la ruta más virgen de la Patagonia y por eso es un crucero de expedición tanto por la zona que visita como también por haber sido el trayecto de míticos navegantes como Hernando de Magallanes. Realiza, asimismo, la ruta que recorrió Darwin hace ya siglo y medio.

Desde los navíos, diariamente se organizan desembarcos en botes Zodiac para recorrer los bosques nativos cuya flora y fauna van siendo descritas por los guías, se aprecian colonias de elefantes marinos, de pingíinos magallánicos, imponentes glaciares milenarios, el mítico Cabo de Hornos y lugares mágicos como la Avenida de los Glaciares o históricos como la bahía Wulaia antiguo asentamiento indígena que visitaron tanto el capitán Fitz Roy como Darwin.

A bordo se realizan cada día charlas de flora y fauna, glaciología, ruta Darwin, historia de la zona.

En la gastronomía de a bordo destaca la comida chilena, argentina e internacional. Hay un día dedicado a realizar una cata básica de vinos.

www.australis.com

Parador de Úbeda

18/01/2011, Úbeda ya tiene Parador-museo, el sexto parador de la Red que adquiere esta categoría, tras la experiencia de Santo Estevo, Santiago, Granada, Oropesa y Cardona.

Úbeda, Jaén. Enero de 2011

Miguel Martínez, presidente de Paradores, ha dicho que los cinco Paradores Museo que ya están funcionando, han recibido una gran acogida. Reveló, a modo de ejemplo, que más de 3.000 personas visitan mensualmente el Parador-Museo de Granada

Quienes visiten el Parador Museo de Úbeda recibirán un folleto-guía que les permitirá recorrer los rincones del edificio donde, a través de una serie de paneles informativos, conocerán la historia, la arquitectura, las leyendas y su entorno.

El parador está ubicado en el Palacio del Deán de Úbeda, un edificio renacentista diseñado en el siglo XVI por Andrés de Vandelvira

Los visitantes podrán descubrir detalle inéditos sobre los patios del palacio, las esculturas de su fachada, los edificios históricos de la villa e incluso conocer leyendas como las que dieron origen al dicho popular de estar “por los cerros de Úbeda”. L iniciativa permitirá a los huéspedes disfrutar de un recorrido por el interior del monumento, para sumergirse en su historia, arquitectura, arte y leyendas.

El parador de Úbeda reúne muchos atractivos que han llevado a la cadena pública hotelera a realizar el proceso de museización. Fue inaugurado como Parador de Turismo en 1930 por decisión del rey Alfonso XIII, convirtiéndose en el segundo que se ubicaba en un edificio histórico. Contó en sus orígenes con 15 habitaciones, siete de ellas con baño privado, calefacción y agua corriente; un auténtico lujo para la época.

Ubicado en el palacio del Deán de Úbeda, un edificio renacentista del siglo XVI, rezuma historia y arte por todos sus muros. Una riqueza que ahora ha sido puesta al alcance de la mano de todos aquellos turistas que visiten la villa jienense.

El presidente de Paradores resaltó, durante el acto institucional celebrado en el propio establecimiento, por tratarse del segundo parador museo de Andalucía, la comunidad autónoma de toda España que cuenta con un mayor número de Paradores (16 en total). Afirmó además que el Parador Museo de Úbeda va a ser un reclamo turístico de calidad que servirá para atraer a un mayor número de visitantes a esta villa, a la provincia de Jaén y a toda Andalucía

Breve historia del Parador de Úbeda

Este palacio forma parte del extraordinario patrimonio renacentista que el arquitecto Andrés de Vandelvira legó a Úbeda, hoy ciudad Patrimonio de la Humanidad. Fue construido a mediados del siglo XVI por orden de Hernando Ortega, deán de la Catedral de Málaga y capellán mayor de la Sacra Capilla de El Salvador, que quiso establecer su residencia privada junto al templo que regía, siguiendo la tradición de situar la casa eclesiástica junto a la iglesia.

Aunque los documentos no aclaran con exactitud cuándo se iniciaron las obras, éstos apuntan a la década de 1540, ya que se tiene constancia de que diez años después se trabajaba en la soladura y en la carpintería. Al parecer, el Deán Ortega no llegó a habitar la mansión, al fallecer en 1571, justo antes de la conclusión de las obras.

El palacio formó parte de la herencia recibida por Andrés de Ortega-Cabrío, sobrino del deán, que además obtuvo importantes fincas urbanas y agrícolas que su tío había ido acumulando en vida. Las instalaciones del edificio fueron restauradas y mejoradas por los Ortega en el siglo XVII, quienes mantuvieron la propiedad hasta el siglo XIX.

En 1831, Ángel Fernández de Liencres y Pando, primer marqués de Donadío, ex alcalde de Úbeda y caballero de Santiago, adquirió la mansión renacentista, borrando el escudo Ortega de la fachada e instalando el suyo propio. A partir de entonces, el palacio pasó a llamarse de Donadío hasta que, en 1930, se convirtió en Parador de Turismo, bajo el nombre de Condestable Dávalos”.

Tras la inauguración de Santo Estevo (Ourense), Santiago de Compostela, Granada, Oropesa, Cardona y Úbeda, en breve le llegará el turno al Parador de León, que se encuentra en fase de investigación y redacción de contenidos. Después está prevista la continuidad del proyecto en establecimientos como Cangas de Onís (Asturias), Lerma, Plasencia… El objetivo, a medio plazo, consiste en museizar todos los establecimientos de carácter histórico-monumental; es decir, unos 50 edificios.

La hora feliz

14/01/2011, Fnac Plaza Norte (Centro Comercial Plaza Norte, Madrid) presenta la exposición "La hora feliz", con ilustraciones de Ricardo Cavolo y acuarelas de Ximena Meier.

Las ilustraciones de Ricardo Cavolo y las acuarelas de Ximena Meier nos acercan en esta exposición a "La hora feliz", una nueva colección de la editorial Periférica dedicada a libros ilustrados, novelas gráficas y álbumes de historietas.

La muestra consta de 28 originales pertenecientes a los dos primeros títulos de la serie, dos joyas literarias intemporales interpretadas por dos jóvenes autores gráficos: La declaración de George Silverman, de Charles Dickens, ilustrado por Ricardo Cavolo y El jardín, de Constance Fenimore Woolson, con acuarelas de Ximena Meier.

Ricardo Cavolo
Nació en 1982 en Salamanca. Es uno de los jóvenes ilustradores españoles con más proyección, y sus dibujos han aparecido antes en forma de libro en otros países de Europa que en España. Se crió en el taller de pintura de su padre, y dibuja desde niño.

Licenciado en Bellas Artes, posee, además, un título de Técnico Superior de Imagen. Ha trabajado en el departamento de arte de algunas agencias de publicidad, pero actualmente ejerce como ilustrador freelance. Son muchas sus colaboraciones en revistas, libros y fanzines, y ha firmado numerosas portadas de discos de grupos independientes, pero quizá sean más conocidos sus prestigiosos trabajos para AIGA, SM o el Circo del Sol.

Ximena Maier
Nació en Madrid en 1975. Estudió Bellas Artes en Sevilla e Ilustración y Artes Gráficas en Leeds. Desde 1999 trabaja como ilustradora freelance para numerosas empresas, de Nueva York a Singapur. Actualmente vive en Inglaterra. Con un estilo tan elegante como cosmopolita, es una de las profesionales más rigurosas y apreciadas del sector.

Ximena Maier ha colaborado en medios como, entro muchos otros, Vogue, Elle, Marie Claire, Woman, Cosmopolitan, Yo Dona, Viajar o El País Semanal, y ha ilustrado numerosos libros para editoriales como Anaya, Alfaguara, Beascoa, Bruño, Edelvives, El País Aguilar, Mcmillan…

FNAC PLAZA NORTE
San Sebastián de los Reyes, Madrid
Del 11 de enero al 26 de febrero de 2011

Galerías participantes en Art Madrid 2011

13/01/2011, La feria de arte contemporáneo Art Madrid, que acogerá un total de 89 espacios expositivos, celebrará su 6ª edición del 16 al 20 de febrero de 2011, en el pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Madrid, regresa a su cita anual con los coleccionistas, profesionales y amantes del arte contemporáneo.

En su 6ª edición, la feria (una de las más importantes en el mercado del arte contemporáneo en España), contará con un total de 60 galerías del panorama nacional e internacional, que mostrarán obras de los principales artistas contemporáneos.

Las 60 galerías proceden de Cataluña (15), Madrid (14), Castilla-La Mancha (7), Comunidad Valenciana (6), Baleares (4), Galicia (4), Cantabria (1), Vizcaya (1), Murcia (1), Castilla y León (1) y Canarias (1), a las que hay que añadir 4 galerías portuguesas y 1 procedente de Cuba.

GALERÍAS PROGRAMA GENERAL:

A. CORTINA Barcelona
A.B GALERIA D´ART ANTONI BOTEY Barcelona
ALBA CABRERA Valencia
ALEXANDRA IRIGOYEN Madrid
ALONSO VIDAL Barcelona
ANSORENA GALERÍA DE ARTE Madrid
ART LOUNGE Lisboa (Portugal)
ATELIER Barcelona
BAT ALBERTO CORNEJO Madrid
BENLLIURE Valencia
CORDEIROS Oporto (Portugal)
DEL CISNE Madrid
DEL PALAU Valencia
EL QUATRE Barcelona
ESPIRAL Meruelo (Cantabria)
ESTAMPA Madrid
FERNÁN-GÓMEZ ARTE CONTEMPORÁNEO Madrid
FLECHA Madrid
GABRIEL VANRELL Baleares
GÓMEZ TURU GALLERY 2 Barcelona
HISPÁNICA Madrid
IMAGINART Barcelona
JOAN GASPAR Barcelona/Madrid
JOAN GUAITA Baleares
JOAN MELIÁ Baleares
JOAN OLIVER “MANEU” Baleares
JORDI BARNADAS Barcelona
JORGE ALCOLEA Madrid
JUAN GRIS/RAYUELA Madrid
LA AURORA Murcia
MARITA SEGOVIA Madrid
MAY MORÉ Madrid
MIQUEL ALZUETA Barcelona
PERVE Lisboa (Portugal)
PILARES Cuenca
PRINCIPAL ART Barcelona
PUNTO Valencia
RODRIGO JUARRANZ Burgos
SALA DALMAU Barcelona
SANTIAGO ECHEBERRÍA Madrid
SARO LEÓN Las Palmas
SET ESPAI D´ART Alicante
SICART Barcelona
TOLMO Toledo
TRINTA A Coruña
VAL i 30 Valencia
XANON Vizcaya

GALERÍAS YOUNG ART

ABSOLUTE Barcelona
ART NEXT Pontevedra
BENLLIURE Valencia
COLLAGE HABANA Ciudad Habana (Cuba)
FERNANDO LATORRE (2 ESPACIOS) Madrid
METRO A Coruña
MORET ART A Coruña
PAULO NUNES Villa Franca Xira (Portugal)
3 PUNTS (4 ESPACIOS) Barcelona

GALERÍAS ART SHOW

CORDEIROS Oporto (Portugal)
FERNANDO LA TORRE Madrid
MAY MORÉ Madrid
METRO A Coruña
PERVE Lisboa (Portugal)
PUNTO Valencia
SET ESPAI D'ART Alicante
TRINTA A Coruña

ASOCIACIÓN DE GALERÍAS DE CASTILLA-LA MANCHA (AGCM)

ALEPH Ciudad Real
AMMAC Puertollano
JAMETE Cuenca
LA GALERÍA DE GUADALAJARA Guadalajara
LA LISA Albacete
PILARES Cuenca
TOLMO Toledo

FUNDACIONES

FUNDACIÓN FUENDETODOS GOYA Zaragoza
FUNDACIÓ DE LES ARTS Y ELS ARTISTES Barcelona

REVISTAS

ARTE AL LÍMITE
ARTE Y PARTE
AVAM
BONART
DARDO MAGAZINE
HOYESARTE
LAPIZ
967ARTE
TENDENCIAS DEL MERCADO DEL ARTE

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CÁLAMO EDICIONES

OTROS

IKAS ART (Encuentro de Arte Universitario)

Margreiter en el Museo Reina Sofía

13/01/2011, Compuesta por una meditada selección de piezas realizadas durante los últimos siete años, "Descripción" es la primera recopilación importante de la obra de Dorit Margreiter.

Madrid, 13 de enero del 2011
Para Dorit Margreiter las cuestiones relacionadas con la conservación o la destrucción de la arquitectura moderna, constituyen una buena oportunidad para investigar otros asuntos de carácter más general que influyen en el contexto sociocultural actual.

El modo retórico que ha elegido Margreiter para esta exposición no es el de la polémica, sino el de la descripción. Sin embargo, el tono apabullantemente contenido de la artista está modulado por una política de género incisiva que ha articulado de diversas maneras su trabajo durante la última década.

Quizá el reflejo más evidente de esta actitud es la conjunción de temas que se engloban libremente bajo la rúbrica de la arquitectura: la vivienda (pública y privada), el espacio (doméstico y social), los interiores (físicos y psíquicos), la muestra y la exposición (5). Los dilemas teóricos y prácticos implícitos en la dialéctica de la conservación/destrucción a los que aludía Koolhaas se vuelven a plantear en Descripción. Es indudable que con este conjunto de obras la artista los pone en entredicho, pero no los articula como alternativas binarias: los presenta más bien como una incongruencia esencial. Así, abre vías alternativas que permiten conceptualizar estos problemas. Para Margreiter, los modos de representación y, en consecuencia, los términos que se utilizan para trazar el campo de discurso de estas cuestiones, resultan cruciales. En lugar de teorizar o de contextualizar históricamente los problemas de la conservación/destrucción, ofrece modelos alternativos que pueden emplearse como herramientas heurísticas para desmontar las representaciones socioculturales que determinan y gobiernan el entorno construido.

La muestra es la primera individual de Margreiter en España y se compone de una veintena de obras realizadas por la artista desde 2001 hasta nuestros días, entre las que se incluyen películas, vídeos, obra gráfica y fotografías. Hay que destacar que, en esta ocasión, la artista presenta piezas que no se han visto antes y algunas han sido creadas especialmente para esta exposición.

Se mostrarán películas como 10104 Angelo View Drive (2004), Poverty Housing Americus Georgis (2008) y Zentrum (2004-2010), donde Dorit Margreiter explora la arquitectura socialista del “Bruehlzentrum” en Leipzig, construido en los años 60. Además, se podrá ver Pavilion (2009), película creada para la Bienal de Venecia de 2009 y basada en el pabellón diseñado por Josef Hoffman en 1934. Asimismo, la exposición incluirá una serie de fotografías, como Paramount Studio (2002) y Poverty Housing (2006), entre otras.

En la actualidad, Dorit Margreiter vive y trabaja en Viena donde es profesora de vídeo e instalación en la Akademie der Bildenden Künste. Entre sus exposiciones individuales, destacan las realizadas en el MAK, Center for Art and Architecture de Los Ángeles, en la Galerie für Zeitgenössische Kunst de Leipzig y en el Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena.

Del 12 de enero al 25 de marzo de 2011 en el Edificio Sabatini, Planta 3, Museo Reina Sofía

Balance positivo para el Guggenheim

11/01/2011, El Museo Guggenheim de Bilbao ha visto incrementado en el año 2010 su número de visitantes en casi un 6% respecto al ejercicio anterior.

Bilbao, enero 2011
El Museo Guggenheim Bilbao ha atraído en el año 2010 a 956.417 visitantes, cerca de un 6% más que en 2009. El Museo supera así las previsiones para este año de desfavorable coyuntura económica a nivel global.

Como novedad más destacada de 2010, hay que señalar el aumento en 2 puntos de los visitantes extranjeros, situándose en un 62% del total. La audiencia estatal, un 25%, y la del País Vasco, un 13%, se mantiene en cotas similares a las del año anterior.

Por su parte, www.guggenheim-bilbao.es registró en 2010 un total de 1.091.253 visitas, cerca de un 14% más que en 2009, con 4.809.620 páginas vistas, lo que supone un 1,3% más que en 2009.

En la actualidad puede visitarse en el Museo la exposición dedicada al arte holandés y flamenco de la Edad de Oro, una muestra que ha acaparado gran interés hasta la fecha y que se mantendrá abierta hasta el próximo día 23 de enero.

Buenos Aires en el mundo

11/01/2011, La ciudad Argentina de Buenos Aires ha promocionado durante el pasado año 2010 su atractivo turístico con diversas acciones en el mercado.

Buenos Aires, martes 11 de enero del 2011

De las principales intervenciones en el mercado regional Buenos Aires participó durante el 2010 en distintas acciones en Brasil (Workshop CVC, San Pablo; Semana Argentina en San Pablo, Braztoa, Workshops Agaxtur, San Pablo, 14ª. Feria de la Asociación de Agencias de Viajes de Riberao Preto, AVIRRP, en la Ronda de Negocios del Trade en Bahía, Recife y Belo Horizonte, en ABAV 2010 y también en la presentación de la Guía Quatro Rodas dedicada a Buenos Aires en Río de Janeiro, entre otras); en Colombia (Semana Argentina en Colombia, Festival de Tango de Medellín, Vitrina Turística ANATO); en Uruguay (Encuentro de Mercociudades y Workshop Argentina en Montevideo); en Paraguay (3er. Encuentro Latinoamericano de Conventions & Visitors Bureau y FITPAR); en Chile (Encuentro Iberoamericano de Ciudades Turísticas, III Forum Universal de las Culturas en Valparaíso y VYVA). Asimismo se destacaron fuertes participaciones en Lima, Perú (Semana del Arte en Lima, Feria SIT 2010 Destinos Mundiales) y en México (la gira latinoamericana de la muestra del Atlas de Borges y la presencia en FITA 2010).

En el mercado norteamericano destacó la participación en Pinta, en la Semana de la Cultura Latinoamericana en Nueva York, la Convención de Cruceros en Miami y en la Gay & Lesbian Travel Expo en Nueva York, EEUU.

Por su parte, en el mercado europeo, Buenos Aires estuvo presente en numerosos eventos y ferias españolas como FITUR, el Salón Internacional de Ocio y Turismo de Cataluña, el Homenaje a Mercedes Sosa en Madrid, o la Exposición Zaragoza Latina dedicada a la Ciudad de Buenos Aires; También se ha promocionado el turismo a la ciudad en otras actividades de urbes europeas, como la Road Show 2010 de Milano, Firenze y Roma, el IMEX y la ITB de Berlín, Alemania; la Convención Anual Internacional Gay & Lesbian Travel Association de Bélgica y la 2ª European Simposium on Gay & Lesbian Tourism de Suiza.

2011: el año del bosque

11/01/2011, El año 2011 debe tener color verde, porque este ejercicio ha sido declarado por la Asamblea General de Naciones Unidas como el Año Internacional de los Bosques

Nueva York, enero de 2011

El objetivo es concienciar a la opinión pública de los problemas de deforestación salvaje y las reforestaciones equivocadas, que crean auténticos problemas medioambientales. Naciones Unidas tratará este año de informar a la sociedad de los problemas que sufren los recursos forestales, explicando que el bosque es más que madera: es un ámbito de vida.

Dice la FAO que desaparecen anualmente más de 13 millones de hectáreas de bosques en todo el mundo. El causante, el hombre, por la sobreexplotación, la tala ilegal, la transformación del territorio, las infraestructuras, la minería, la contaminación...

Estadísticas que recoge WWF señalan que Los ecosistemas forestales ocupan en la actualidad unos 3.866 millones de hectáreas, casi una tercera parte de las tierras emergidas del planeta, la mitad de la superficie que ocupaban hace unos 8.000 años.

Pero, además, sólo la quinta parte ha llegado hasta nuestros días en un estado de conservación favorable.

Según WWF, en la pasada década se produjo una pérdida neta de superficie forestal de 93,9 millones de hectáreas (5,6 millones de campos de fútbol al año), siendo las plantaciones agrícoclas las responsables del 70% de esta transformación.

Greenpeace tambien ha hecho estos días un llamamiento en relación al Año Internacional de los Bosques: “debe ser un año donde se ponga coto a la deforestación salvaje que están sufriendo, entre otras, las selvas de Indonesia y de la Amazonia, deforestación causante de una pérdida significativa de biodiversidad y de enormes emisiones de CO2”.

En Indonesia, el país con mayor tasa de deforestación del planeta, su presidente Yudhoyono se comprometió en 2010 a establecer una moratoria de dos años para nuevas deforestaciones en zonas forestales.

En la Amazonia brasileña, se debe continuar reduciendo las tasas de deforestación de la mayor selva tropical del planeta. En 2010 se hicieron públicos los mejores datos de deforestación desde que se tienen registros. Entre agosto de 2009 y agosto de 2010 "sólo" se destruyeron 6.451 km2 de selva, un 14% menos que el año pasado, una cifra que sin embargo sigue siendo excesivamente alta.

En lo que respecta a España. Greenpeace centrará sus esfuerzos este año para que el sector del eucalipto deje de ser una fuente de conflictos ambientales y demanda que se trabaje efectivamente contra los incendios forestales, con mayor responsabilidad ciudadana y la persecución efectiva de los incendiarios.

Página de Megalitos

07/01/2011, Nacida como una página dedicada a los megalitos de Burgos, la web megalitos.es ha cumplido sus primeros nueve años, y presenta fichas de monumentos de toda Europa.

Burgos, enero de 2011

En la actualidad, megalitos.es acumula 1.260 dólmenes. Buena parte de ellos corresponden a a Burgos (160 fichas), pero tambien los hay de todo el norte de la Península Ibérica: 126 fichas de Cantabria, 114 de Navarra, 74 de Álava, 67 de Guipúzcoa, etc.

Además, la página incluye monumentos de otros lugares de España, de Portugal, de Francia y del resto de Europa, además de una extensa bibliografía, aplicaciones de sistema de información geográfica, cronología megalítica y otros aspectos de la arqueología relacionados con esta época de la Prehistoria.

La página se actualiza periódicamente, introduciendo nuevos elementos mensuales. Así, en enero de 2011 se refiere a Ribacoba (Vizcaya), señalando que a caballo de las provincias de Vizcaya y Cantabria, cerca de Burgos, hay varios espigones con túmulos de distinto porte. El acceso es bueno a través de pistas forestales, aunque a bastante distancia de las carreteras de la zona. A cambio, las visitas que se disfrutan en días claros son espectaculares, con bosques, pastos e incluso viñedos en la parte más baja de la sierra.

En diciembre, se refirió a los dólmenes de Muiños, en Orense. “En Muiños –señala- abundan los dólmenes. Algunos se encuentran en rutas señaladas, aunque otros son de difícil acceso. La visita más cómoda es la de los dólmenes del pantano de Salas”.

En las actualizaciones anteriores, la página había pasado revista a los cuatro túmulos del municipio de Villaverde de Trucíos (Cantabria), limítrofes en algunos casos con la vecina provincia de Vizcaya, así como a los yacimientos del entorno de Castro Laboreiro de Portugal, especialmente el espectacular dolmen de Penagache

La página megalistos.es está dirigida por el investigador y periodista Miguel Moreno Gallo.

La Sagrada Familia... 50 años más tarde

07/01/2011, Oscar Tusquets, arquitecto y diseñador, encabezó un manifiesto contra las obras de la Sagrada Familia, hace 50 años. Ahora ha lamentado aquella iniciativa.

Barcelona, enero de 2011

El diario El País publicó el 4 de enero, un interesante artículo del prestigioso arquitecto titulado “¿Cómo pudimos equivocarnos tanto?, en el que recuerda que en los sesenta propugnó un manifiesto “abiertamente contrario a la continuación del templo de la Sagrada Familia que contó con el apoyo incondicional de toda la intelligentsia de la época, de Bruno Zevi a Julio Carlo Argan, de Alvar Aalto a Le Corbusier.

Tusquets entona el mea culpa, tras conocer a fondo la situación actual y dice: Si hace 50 años nos hubiesen hecho caso, esta maravilla no existiría hoy

Reconoce que las partes que Gaudí dejó sin definir se presentan dos problemas graves: “uno es que los continuadores -aunque con encomiable entusiasmo han llevado la obra adelante acertando en lo fundamental- no han tenido ni el talento de Jujol para interpretar a Gaudí en lenguaje gaudiniano ni el talento de Scarpa o de Albini para dialogar con él en un lenguaje personal, lo que provoca que casi todos los detalles no definidos por el Maestro choquen.(...) El segundo y más grave problema es la dificultad de encontrar artistas contemporáneos capaces de llevar adelante los proyectos figurativos del Maestro”

Agrega Tusquets: “En las fachadas, Gaudí pretendía, como en las catedrales medievales, explicar en imágenes la Historia Sagrada. Ya a principios del XX esto no era fácil pero el genio de Gaudí lo solventó, rozando el kitsch, en la Fachada del Nacimiento con estos muros que se arrugan formando figuras, muchas de ellas obtenidas sacando moldes de personas y animales reales. El penoso resultado escultórico de la Fachada de la Pasión revela la dificultad de proseguir esta andadura. Queda por levantar la fachada principal, la de la Gloria. Encontrar en el mundo un artista contemporáneo capaz de afrontarla es un desafío tremendo. La figuración está en un momento difícil, la de contenido religioso mucho más, y la capaz de transmitir la Gloria de la Resurrección, extinta. El arte contemporáneo ha dado muchas crucifixiones pero ninguna resurrección notable”.

Tambien rechaza en parte la objeción principal contra la continuación del Templo “que no sabíamos cómo lo habría hecho Gaudí, un arquitecto que improvisaba en obra, que sus planos y maquetas habían sido destruidos al inicio de la Guerra Civil, y que cualquier interpretación constituiría inevitablemente una traición al artista”

Finalmente señala que esto es una verdad a medias: “Gaudí dibujó e hizo maquetas de tres proyectos sucesivos al inicio de la construcción. El primero, al que corresponde la Fachada del Nacimiento y su cubista cara interior, es aún respetuoso con el lenguaje gótico. El segundo es mucho más orgánico. El tercero es absolutamente original, innovador, deslumbrante. De este tercer proyecto, que él consideraba definitivo aunque no lo pudiese ver completado en vida, hizo una maqueta a escala 1/10 por cuyo interior podías pasear. Es cierto que esta maqueta fue hecha añicos, pero existen excelentes fotografías y ha podido reproducirse con muchísima precisión. La fidelidad de esta reconstrucción se ha visto favorecida porque, a pesar de su apariencia aleatoria, esta obra se basa en estrictas geometrías. Parece ser que Gaudí, escarmentado por los problemas que había tenido en la fachada de La Pedrera, decidió recurrir a una rigurosa estructura geométrica en el Templo. Son geometrías complejas -paraboloides hiperbólicos, hiperboloides, polígonos regulares que giran en espiral en ambos sentidos formando los fustes de las columnas...- pero que, una vez definidas, no aceptan interpretaciones, se pueden reconstruir a escala 1/10 o diez veces mayores. Esto es lo que se ha hecho en la nave hoy prácticamente acabada. Si la arquitectura es ante todo espacio y luz, el interior de este templo es Arquitectura en mayúscula, emocionante y grandiosa Arquitectura”