Archivo de noticias de 2010

Alejandro Magno en el Centro de Exposiciones Arte Canal

30/12/2010, Más de 330 piezas marcan el recorido por la grandiosa história del conquistador Alejandro Magno, su proyección en la cultura y las ciencias, y la potencia de su alcance económico.

"Alejandro Magno. Encuentro con Oriente" es el nombre de la actual exposición que podrá visitarse hasta el próximo mes de marzo en el Centro de Exposiciones Arte Canal, de Madrid.

La muestra reúne más de 330 piezas provenientes de 40 museos como los de Atenas, Basilea, Berlín, Bruselas, Dresde, Copenhague, Lisboa, Londres, Moscú, Munich, Nápoles, París, Roma, Sofía, Tesalónica, Stuttgart y Viena, entre otros. Un compendio insuperable de objetos que ofrecen historias de diversas culturas en un solo recorrido, un paseo... un viaje en el tiempo por recónditos lugares del planeta.

Entre las piezas destacadas se encuentran retratos de Alejandro, conservados en copias romanas o en monedas, esculturas, bronces, armas del famoso ejército macedónico, relieves en ladrillos esmaltados babilónicos, cerámicas... muchas de las piezas se podrán contemplar por primera vez en nuestro país.

Alejandro Magno (Pella, Macedonia, 21 de julio del año 356 a.C. - Babilonia, 13 de junio del 323 a.C.), es un personaje que ha hechizado a lo largo de la historia a grandes y pequeños, e inspirado a conquistadores de la talla de Julio César o Napoleón Bonaparte.

A pesar de su muerte a la edad de 33 años, Alejandro se convirtió en uno de los grandes iconos de la Antigüedad, llegando a cambiar, en los 13 años que duró su reinado, la faz del mundo conocido, dando lugar a una época de extraordinario progreso e intercambio cultural.

Los distintos mitos creados desde su nacimiento, su capacidad para la batalla, su interés por la cultura, tanto por la própia como por la de los lugares que conquistó, y su muerte en plena flor de la vida, han hecho de la figura de Alejandro Magno una leyenda, un mito, e incluso un Dios, pues así llegó a presentarse en algunas de las regiones que conquistó durante su campaña.

La exposición propone un viaje por la vida y obras de Alejandro: Su sueño por lograr las más altas metas; Persia, el monumental arte aqueménida y su influencia en la cultura Griega; La llegada a Babilonia, centro intelectual de todo Oriente y residencia real de los aqueménidas, El imbatible ejército macedónio, compuesto por 35.000 hombres y ordenado en falanges infranqueables; El fuerte de Kurgansol, uno de los seis fortines construídos para proteger las comunicaciones; El desarrollo de una cultura mixta en las zonas de Asia Central con el establecimiento de soldados veteranos del ejército de Alejandro; La aparición de una iconografía que unía elementos Helénicos y Budistas y que ilustra la profunda penetración del helenismo tras la campaña en Oriente y por último la llegada de la fama del conquistador hasta tierras hispánicas.

Se completa el recorrido con proyecciones en 3D sobre Alejandría, Babilonia, o el fortín de Kurgansol. Todos los audiovisuales han sido realizados por "El Ranchito", empresa especializada en efectos especiales y postproducción digital, ganadora de varios galardones nacionales e internacionales.

Se recupera el turismo

30/12/2010, La trigésima primera edición de FITUR, que se celebra del 19 a 23 de enero de 2011, comienza a reflejar la recuperación del sector turístico.

A un mes de la inauguración del Salón, FITUR ha confirmado la participación de más de 10.500 empresas, originarias de 166 países y/o regiones. De esta forma, la oferta del certamen ocupará 10 pabellones de la Feria de Madrid, lo que hace confiar en la recuperación del mercado. El incremento de las compañías participantes se refleja en la Feria con el regreso de algunas firmas como el proveedor tecnológico AMADEUS, el grupo hotelero ACCOR y la compañía de alquiler de coches NATIONAL ATESA, entre otros. A ellos se suma la vuelta a FITUR con stand propio de IBERIA, la aerolínea de referencia para el mercado español.

Asimismo, FITUR 2011 acoge la llegada, por primera vez, de algunos destinos, como REPЪBLICA DEL CONGO y PAKISTÁN, además de nuevas representaciones oficiales como las de NUEVA ZELANDA, LÍBANO y SUDÁFRICA

En los datos que se desprenden del informe realizado con motivo de la reunión del Comité Organizador de FITUR 2011 se refleja también la evolución turística de determinadas áreas emergentes. Entre otras, crece la participación en algunos de los mercados que mejor comportamiento han manifestado durante la recesión económica, como ocurre con Asia-Pacífico, que incrementa su presencia un 4%; y el Norte de África y Oriente Próximo, que aumenta un 3%. Junto al desarrollo de la presencia de las industrias turísticas más incipientes, destaca el crecimiento también de la participación de mercados más consolidados, como el europeo, cuya representación sube un 5%.

Las numerosas novedades y actividades preparadas para la próxima edición, hacen prever una convocatoria donde se reflejará la dinamización del mercado y su recuperación, y donde la Feria servirá como plataforma multiplicadora de negocio.

Los días dedicados a los profesionales, del miércoles 19 y el viernes de 21 de enero, FITUR 2011 abrirá sus puertas en horario ininterrumpido de 10.00 a 19.00 horas. Mientras que con la llegada del público general el sábado 22 y el domingo 23 de enero la Feria amplia una hora su horario: de 10.00 a 20.00 horas.

Fin de año en Flandes

13/12/2010, Con motivo de las fiestas de fin de año se presenta la ocasión ideal para regalarse una estancia navideña en Flandes y Bruselas. Exposiciones, festivales, gastronomía... y mucho más!!!

Flandes, diciembre 2010
Magia, calidez y grandes momentos para vivirlos en pareja, entre amigos o en familia. Pistas de patinaje, mercadillos... y muchos lugares y actividades por descubrir.

Arte moderno y contemporáneo
Delvoye superstar
El artista de Amberes presenta monumentales catedrales de metal, Cristos retorcidos, vidrieras obscenas y torres de acero en el Bozar de Bruselas. Una exposición para los amantes de lo gótico.
Hasta el 31 de enero, www.bozar.be

Jóvenes
Party chic y anárquica en Bruselas
El tercer viernes de cada mes hay una cita en el nuevo lugar trendy de la ciudad, K-nal, que da paso a noches inolvidables. DJ´s, música electrónica, beautiful people, precios de entrada razonables... uno de los mejores planes para salir de marcha por Bruselas. La contraseña: «be chic but anarchic». www.anarchic.be

Niños
Un festival escarchado
300.000 kilos de hielo cristalino, 400 toneladas de nieve fresca, una temperatura constante de -5ºC y 40 artistas internacionales profesionales a pie de obra. ¿Cuál es el resultado? Una aldea de hielo impresionante que impactará tanto a niños como a adultos.
www.sculpturedeglace.be

Gayfriendly
Nochevieja en Amberes en el Red & Blue
El mayor club gay de todo el Benelux reune todos los ingredientes necesarios para dar una colorida bienvenida al nuevo año con su tradicional «New Year´s Eve Party»: Drag Queens, bailarines, fuegos artificiales...
www.redandblue.be

Gastronomía
Speculaas, la estrella de la navidad
Sin ellas, las fiestas de fin de año no tendrían el mismo sabor... Los speculaas, galletitas tradicionales, son invitados de honor en todas las celebraciones. Son fácilmente reconocibles gracias a su color tostado, su textura granulosa y crujiente y por su olor a canela.
Encontrarás la receta en http://www.flandes.net/secretos_de_flandes/recetas

Cancún: clima de esperanza

11/12/2010, Representantes de casi todos los países del orbe, reunidos en la conferencia del clima de Cancún (México) han dado un paso adelante en la estrategia de controlar el cambio climático.

Cancún, México. diciembre de 2010

La cumbre se ha sellado con un acuerdo de todos –salvo Bolivia- que supera las posturas muy enfrentadas de países como EE.UU. o China, y devuelve la esperanza de combatir el calentamiento global tras el fracaso de la cumbre de Copenhague. Ahora se espera que la próxima cumbre en Durban, Sudáfrica, remate el avance logrado por consenso.

Bolivia fue el único país que se opuso al acuerdo. Para los bolivianos, el texto carece de ambición real para la lucha contra el calentamiento global y faltan propuestas en ese sentido.

En Cancún se ha acordado el diseño de un “fondo climático”, se incluyen anunciaron medidas para limitar la deforestación, el fomento de las energías limpias y el apoyo a los países en desarrollo a adaptarse al cambio climático.

Para los ecologistas, la declaración final es positiva. WWF considera que quedan importantes retos políticos sin abordar y mucho trabajo por delante para llegar a un acuerdo final en Sudáfrica.

A pesar de que los gobiernos no han acordado una segunda fase del Protocolo de Kioto como reclamaba WWF, la organización valora positivamente el compromiso para llevarlo a cabo el año próximo en Durban.

”Los países industrializados miembros del Protocolo de Kioto han reconocido finalmente que es necesario reducir sus emisiones del 25 al 40% para el 2020. También han manifestado que se requiere mucho más que las actuales promesas de reducción realizadas en el Acuerdo de Copenhague para alcanzar una meta compartida que permita limitar el aumento de la temperatura a 2°C”, recuerda WWF.

WWF considera que es imprescindible mayor liderazgo por parte de la Unión Europea, y considera que Estados Unidos debe redoblar sus esfuerzos para reducir emisiones con transparencia y llegar a Durban en condiciones de apoyar un acuerdo global legalmente vinculante.

Juan Carlos del Olmo, Secretario General de WWF en España, ha declarado: “Lo positivo de Cancún es que, a diferencia de Copenhague, donde se impuso la ley del más fuerte en el último momento, aquí se ha demostrado que con voluntad política y negociación se puede llegar a un acuerdo dentro del marco de Naciones Unidas, el único posible”. Y añadió: “Lo negativo es que, a pesar de los avances en Cancún, aún no tenemos un acuerdo vinculante que obligue a reducir las emisiones en la magnitud necesaria”.

Greenpeace considera que los gobiernos han tomado la decisión correcta en Cancún, decantándose por el consenso en los temas clave en lugar de priorizar posiciones polarizadas, y han empujado al mundo hacia el acuerdo justo, ambicioso y legalmente vinculante que el clima necesita.

Según la organización ecologista, la Unión Europea ha sido constructiva en este proceso y reconoce su esfuerzo conciliador y el valor de actitudes como la de España -de anunciar su apoyo ala reducción del 30% en esta cumbre- que, según la organización, ha aportado un espíritu positivo a la negociación.

Greenpeace recuerda que este año ha estado marcado por las graves consecuencias del cambio climático -récord de aumento de temperaturas, fenómenos meteorológicos extremos y un deshielo del Ártico sin precedentes. Y, por esta razón, la cumbre del año que viene en Durban, Sudáfrica, no puede ser otra parada en el camino.

Greenpeace sisntetiza los principales elementos del acuerdo:

· Necesidad de que los países industrializados asuman un compromiso conjunto de reducción de emisiones del 25 al 40%, tal como recomiendan los científicos y reconocimiento de los compromisos de reducción de emisiones que están actualmente sobre la mesa para evitar el límite infranqueable de los 2C.

· Financiación: los gobiernos han establecido el fondo climático internacional que debe vehicular las aportaciones que los países industrializados deben poner a disposición de los países en desarrollo para que estos reduzcan sus emisiones y detengan la deforestación. Sin embargo, las fuentes de las que provendrá el dinero y otros detalles del fondo y quedan por determinar durante el próximo año.

· Lucha contra la deforestación: se ha avanzado en el establecimiento del mecanismo de protección de los bosques tropicales contra la deforestación, tomando en especial consideración los derechos de las poblaciones indígenas y la biodiversidad. Sin embargo, los detalles de este mecanismo llamado REDD (1) deberán definirse a lo largo del próximo año.

Julião Sarmento

10/12/2010, El CAC Málaga presenta Julião Sarmento 2000–2010, una retrospectiva de los últimos diez años de producción del artista contemporáneo portugués de gran reconocimiento internacional.

Málaga, diciembre de 2010

Los trabajos de Sarmento destacan por su carácter intimista y por su extraordinaria capacidad para plantear cuestiones que van más allá de lo visual, logrando crear una realidad que se mueve entre la experiencia y la memoria.

Esta dicotomía está muy presente en sus obras, con las que suscita en el espectador la disyuntiva de tener que elegir entre espiritualidad y erotismo, moralidad y sexualidad o narrativa y palabra.

Pinturas y dibujos semifigurativos y minimalistas, esculturas, videos y collages conforman la exposición en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, en la que se evidencia el carácter ecléctico del artista y su capacidad para abordar casi todas las disciplinas creativas.

La exposición, organizada por el CAC Málaga, itinerará el año próximo a Es Baluard, Museu d´Art Modern i Contemporani de Palma.

Julião Sarmento 2000 – 2010 descubre la etapa más prolífica, en lo que a recursos técnicos se refiere, de este artista conceptual. Detrás de cada obra se encuentran las obsesiones de un individuo que de manera constante se interroga sobre el placer, el tiempo, el deseo, la ausencia y la palabra.

El artista recurre al lenguaje, a la literatura y al cine, como herramientas fundamentales, e incorpora citas o alusiones que adquieren el carácter de imágenes. Referencias más o menos explícitas en inglés, latín o portugués a Bataille, Borges, Joyce, Flaubert, Pessoa, Foucault y expresiones propias (Bukowski, 2008, Slowly Dying, 2005 o Under My Breasts, 2005) atraviesan de manera recurrente su trabajo, frases sacadas de su contexto de forma intencionada para dejar en manos del espectador el esfuerzo de buscar una nueva realidad, de ejercitar su mirada y de encontrarles un sentido diferente.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “Julião Sarmento indaga en temáticas e inquietudes contemporáneas, recurriendo a técnicas que navegan entre la figuración y la abstracción, donde la contención y la sobriedad son los elementos claves de su proceso creativo. Sarmento muestra sin dejar ver, anuncia instantes que no terminan de llegar, provoca cierta inquietud que retrasa la consumación del placer, leitmotiv de toda su obra. La influencia de las vanguardias europeas y americanas se aprecian en su interés por combinar distintos fragmentos de la realidad, utilizando para ello recortes de revistas, diarios o fotogramas sobre los que pinta o interviene para dotarlos de un nuevo significado, tal y como se aprecia en Poppy o Kathie, ambas de 2006”.

El trabajo de Julião Sarmento aborda de manera constante la complejidad de las relaciones interpersonales, recurriendo a aspectos como la interacción psicológica, la sensualidad o la transgresión.

En todo ello está muy presente la imagen de la mujer, a la que muestra a través de siluetas monocromáticas y líneas depuradas, y a la que envuelve en un halo de misterio (Women´s Physical Contact, 2002 o Even Though, 2004). También actrices internacionales, cánones de belleza, sensualidad y magnetismo aparecen en una serie de collages, realizados en 2006 (Veronica Lake en Janet o Lauren Bacall en Nora) como exponentes del significado de su obra, pues conjugan imagen y texto, esto es, fotogramas de sus películas y la última frase que cada una de ellas pronunciaron en las mismas.

Completan la exposición tres videos (Cromlech, 2010, Toile, 2006 y Voyeur, 2007) y otras tantas esculturas, Forget Me (with bucket), 2006, Kiss Me (with foam), 2005 y Guibert, 2007-2008.

Julião Sarmento (Lisboa, Portugal, 1948) estudió pintura y arquitectura en la Escola Superior de Belas Artes de Lisboa, donde se gradúó en 1976.

Es uno de los contados creadores portugueses que han expuesto en el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, en el George Pompidou de Paris o en la Bienal de Venecia, además de en importantes galerías de todo el mundo.

Bora Bora. Laguna y océano

06/12/2010, Bora Bora se promociona por Turismo de Tahití como un magnífico punto para disfrutar del submarinismo, con diversos espacios fascinantes.

Tahití, diciembre de 2010.

¿Ha pensado que el buceo en unas aguas cálidas, transparentes y plenas de belleza puede ser una alternativa para la Navidad de frio y nieve?

Bora Bora ofrece un entorno natural magnífico para el submarinismo y dispone de cinco centros con diferentes productos según el nivel de cada buceador: desde el recorrido interactivo Eco Snorkelling en la laguna a inmersiones en las aperturas de la barrera coralina, donde se concentran especies pelágicas; con cursos PADI por unos 390€ aproximadamente.

La empresa Diveasy ha desarrollado el primer recorrido interactivo bajo el agua en Bora Bora llamado “Eco Snorkelling”. Este sistema accesible a todo el mundo gracias a que equipan al buceador con un tubo de respiración especial, permite combinar la experiencia del snorkel con una audioguía con música y comentarios sobre la flora y la fauna, mientras se recorren los corales y se pueden ver las especies de esponjas, crustáceos y peces de mil colores como los mariposa, doncella, damisela, jureles, salmonetes de roca, percas, doradas, barracudas e incluso pequeños tiburones de punta negra.

Por otro lado, aquellos buceadores experimentados o que deseen sacarse el Certificado PADI Open water en unos de los fondos marinos más espectaculares del planeta pueden hacerlo en uno de los cinco centros de buceo con los que cuenta la isla.

Los principales puntos para disfrutar del submarinismo en la isla son Toopua, Anau – Fafapiti y Aquarium, en la laguna; el paso de Teavanui, donde se juntan las aguas de la laguna con el océano con una explosión de vida; y ya en el océano Haapiti, Tupitipiti, Turiroa, Muri Muri, también llamado el Valle Blanco por ser un precioso banco de arena blanca cuajado de corales, y Tapu, punto famoso por la gran variedad de tiburones limón que se arremolinan junto a los buceadores.

Durante la inmersión en mar abierto se pueden ver de cerca mantas raya, delfines, tiburones limón, grises y de arrecife, barracudas, atunes, peces napoleón, pargos, peces cirujano, morenas, jureles así como con tortugas marinas en las lindes de la pared del arrecife, cuajado de corales, esponjas y gorgonias.

Bucear en Bora Bora sólo requiere unas gafas y unas aletas, y permite disfrutar de espectaculares formaciones coralinas, como las de la variedad cerebro, cuerno de ciervo o de fuego.

Cómo llegar: La aerolínea de bandera, Air Tahiti Nui, ofrece varias frecuencias semanales desde París a Papeete (Tahití), con escala en Los Ángeles.Air franca tambien opera en esta ruta también. Air Tahiti conecta 41 islas desde el aeropuerto internacional de Papeete. El “salto” a Bora Bora dura poco más de una hora.

El ramo de Navidad

05/12/2010, Frente a quienes sostienen que el árbol de Navidad es una costumbre del interior de Europa, hay un dato que rompe la teoría: la existencia de otra especie de “arbol” en el noroeste de España

León, diciembre de 2010

En los escaparates de muchos establecimientos de León aparece estos días el "Ramo Leonés de Navidad" siguiendo una costumbre de raíz pre-cristiana, cristianizada a partir de la Edad Media y que, cuando estaba a punto de desaparecer, ha retornado con fuerza a iglesias y hogares.

Aún cuando recibe el nombre de Ramo, la estructura semeja más a un arbolillo esquemático, en el que se colocan adornos florales, frutas y velas.

El Ramo -Ramu Llïonés de Nadal- consiste en un soporte de madera, con estructura triangular, circular o trapezoidal -según las comarcas- en el que se cuelgan lazos, hilos de lana, puntillas, rosquillas y frutas, y que se ofertaba a la Virgen María durante la Misa del Gallo, en Nochebuena.

El etnógrafo Joaquín Alonso sostiene que esta costumbre tiene un origen votivo, precristiano, y que fue incorporándose al culto cristiano, bien de forma directa o a través de una derivación de las "pastoradas" autos de Navidad realizados en las iglesias de muchos territorios, como Asturias, León o Zamora.

A lo largo del tiempo, el ramo votivo original en el que colgaban frutos y adornos, acabó siendo sustituido por una estructura de madera que hacía las mismas funciones, "quizá por el mismo tenebrario (candelabro triangular) que existía en las iglesias", según Alonso.

De hecho, hasta hace unos treinta años, en los pueblos leoneses, en la Misa del Gallo, las mozas elaboraban uno de estos ramos y luego organizaban por medio de la nave de la iglesia una pequeña procesión, en la que uno o varios mozos llevaban hacia el altar el ramo, mientras éstas cantaban estrofas que se modificaban de año en año, en las que se aludía a la natividad y a la vida local.

Estudios, investigaciones y publicaciones de intelectuales como Jose Luis Alonso Ponga, Alejandro Valderas y Concha Casado han puesto de actualidad esta costumbre, que estaba en declive por el propio derrumbe demográfico del ámbito agrario, y esto ha hecho que el ramo haya saltado de los templos a las instituciones y hogares, sustituyendo al árbol de Navidad.

En la actualidad, el ramo ha pasado ya de los templos a los comercios leoneses e incluso a los grandes almacenes, donde se venden cada vez más.

Alonso Ponga señala que el ramo también se utilizaba en otros momentos "para pedir lluvias, para conjurar las plagas, cuando había enfermedades que atacaban a los ganados... Había otros de acción de gracias por algún o algunos favores recibidos."

Alonso Ponga recalca el aspecto religioso de "marcado carácter femenino", que se refuerza con su dedicación a la Virgen, a quien se alude en los cánticos, y en el destino de la ofrenda que "al final se subastaba y lo recaudado era para el culto a la imagen".

Existen diversos colectivos que construyen los ramos, desde las escuelas a la los artesanos de la Asociación de Cultura Tradicional Leonesa "Raigañu" o la Asociación Leonesa de Amigos y Familiares de Enfermos Mentales, que los vende con fines benéficos.

Baselitz para el Guggenheim

04/12/2010, El Guggenheim de Bilbao acaba de comprar una serie de trabajos del artista alemán Georg Baselitz, según ha anunciado la institución.

Bilbao, diciembre de 2010

El museo refuerza de este modo sus contenidos de arte moderno alemán, del que tiene obra de gentes como Joseph Beuys, Anselm Kiefer o Gerhard Richter.

La adquisición del centro bilbaíno integra una serie de 16 pinturas, bajo el título conjunto de “La Sra. Lenin y el ruiseñor”, que han merecido un elogio general de la crítica. La operación había sido aprobada hace meses, con un montante de cuatro millones de euros.

La serie “La Sra. Lenin y el ruiseñor” se terminó en el año 2008, y los lienzos de gran formato, tienen la particularidad de que ocho se realizaron sobre fondo blanco y tonos de alegre colorido, en tanto que los otros ocho son sobre fondos negros con tonos que varían del blanco a los grisáceos.

En el conjunto se repite una misma temática, dos hombres sentados, uno junto al otro, con las manos reposando sobre las rodillas, en una imagen que recuerda una obra de Otto Dix, “Los padres del artista”, aunque aquí Baselitz pone a los protagonistas cabeza abajo y entre sus piernas muestra sus atributos sexuales.

El autor nació en 1938 en lo que sería la Alemania del Este y se trasladó a Alemania del Oeste, donde alcanzó un enorme prestigio desde los años sesenta, después de un escándalo pictórico: hizo un “autorretrato” en el que pintó un muchachito masturbándose.

Tanto en este ejemplo como en la obra adquirida por el Guggenheim, volvemos a ver este aspecto provocativo y en el que no faltan las connotaciones sexuales, en una actitud que tiene relación con la propia educación del artista, que conoció desde niño los postulados comunistas y anticomunistas, y las rigideces del pensamiento y la moral.

Considerado un neoexpresionista, Baselitz construye deconstruyendo. Le gusta tomar aspectos conocidos del arte y reformularlo. “Cualquier artista debe rescatar lo que murió y hacerlo vivo y actual”, dice.

Hans Georg Kern, Baselitz, es sin duda uno de los grandes artistas europeos de la segunda mitad del siglo XX tanto en pintura como en escultura. Ha expuesto sus obras en diversas galerías y museos de ciudades como Munich, Colonia, Hamburgo, Nueva York, Chicago, Londres, París, Florencia, Barcelona y Madrid. El Guggenheim Museum de Nueva York presentó su primera gran retrospectiva en un museo americano en 1995

II Bienal Iberoamericana de Diseño

03/12/2010, Una muestra de los mejores trabajos de Iberoamérica, España y Portugal, organizada por la Central de Diseño y DIMAD (Asociación Diseñadores de Madrid y Fundación Diseño Madrid),

Madrid, lunes 03 de diciembre del 2010
La BID_10 destaca aspectos sociales del diseño iberoamericano y difunde los vínculos del diseño y los diseñadores con el desarrollo de los países iberoamericanos. En esta segunda edición participan un total de 23 países.

La BID_10 recoge los trabajos realizados en los últimos 3 años (2007 - 2010) por diseñadores de Latinoamérica, España y Portugal. Los temas transversales de la presente edición son “Diseño para todos” y “Diseño para el desarrollo” ya que uno de los principales objetivos de la II Bienal Iberoamericana del diseño es el de atender a producciones que incorporen estos valores ofreciendo nuevos parámetros que posibilitan soluciones innovadoras acordes con la realidad específica de Iberoamérica.

Hasta el 14 de Febrero en la Central de Diseño en Matadero Madrid.

León vive la magia de la navidad

02/12/2010, El Festival Internacional de Magia de León reúne del 25 al 30 de diciembre los mejores magos del mundo, que llegan dispuestos a hacer soñar a grandes y pequeños.

León, diciembre de 2010
Este año la navidad leonesa será más mágica que nunca. El Festival Internacional de Magia de León celebrará a finales de diciembre su VII edición con la participación de 22 de los mejores profesionales mundiales de esta disciplina.

Mag Lari, Gare Copper, Donald B Ienh, o el Director Artístico del Festival, Juan Mayoral son algunos de los nombres de un programa que tiene previstas más de 200 representaciones.

Durante las fechas navideñas se espera la llegada a la ciudad castellana de unos 100.000 visitantes, que podrán disfrutar de las actividades y propuestas de Magia León en los diferentes escenarios habilitados con ocasión del festival. El Auditorio, las carpas distribuidas por el centro histórico, y las calles más emblemáticas de la ciudad leonesa serán algunos de los puntos de encuentro entre habitantes, visitantes y magia.

León se convertirá así durante 6 días en el lugar perfecto para la celebración de este festival gracias a sus dimensiones, y su espíritu acogedor y abarcable para el paseante. Hasta su frío invernal le confiere el romanticismo propio de este tipo de eventos.

Las entradas están ya a la venta a precios comprendidos entre los 12 y los 15 euros.

Más información en:
León vive la magia.

El árbol de Navidad y el roscón de Reyes

01/12/2010, Seguro que nunca te has preguntado de dónde viene el nombre del roscón de Reyes, o el por qué de un árbol decorado con motivos navideños. Todo empezó en Francia...

Alsacia, 1 de diciembre del 2010
El árbol de Navidad
Alsacia es la cuna del árbol de Navidad, la existencia de árboles decorados en Alsacia se remonta a la Edad Media. El 24 de diciembre, con motivo del pecado de “Adam y Eva”, un abeto se colocaba en el coro de las iglesias. Representaba el árbol del paraíso lleno de manzanas recordando la fruta de la tentación.

Con el paso del tiempo se le irían añadiendo hostias, símbolos eucarísticos y frutos de la redención. Es así como, poco a poco, los feligreses fueron reemplazando en sus casas las ramas de abeto por todo el árbol decorado de esta manera, sobre todo a comienzos del siglo XVI.

Los primeros abetos estaban suspendidos en una plataforma con una manzana en la base, o decorados de pequeñas manzanas rojas llamadas “christkindle”. Desde finales del siglo XVI se añaden rosas y otras flores, a veces hojas de metal doradas que recuerdan al árbol de Jessé que representa la filiación de Cristo, pero también la Rosa de la Navidad. Más tarde, a finales del siglo XVII, principios del XIX se añadirán a la decoración las nueces doradas y plateadas. Las hostias se irán cambiando poco a poco por las galletas de navidad “Bredele” y las confiterías con espuma de azúcar, pasta de almendras y pan de anís.

En la segunda mitad del siglo XIX se extiende el uso de imprimir y de prensar imágenes brillantes, cortadas y embutidas en relieve, que se pegan sobre objetos de azúcar y chocolate. Se inventa el azúcar glaseado y se bañan las galletas de navidad con granulado de colores. Desde entonces los panes de especia se decoran con azúcar y se imprimen imágenes.

Por último, y a finales del siglo XIX aparecerán las figuras de cera, en su mayoría angelotes, vestidos con finas hojas de metal dorado o plateado, con los que se confeccionan guirnaldas o estrellas; se doran los piñones; se decoran las bolas, las campanillas…

El roscón de Reyes
Durante el mes de enero, se vende en las panaderías la galette des Rois, torta de hojaldre que suele estar rellena de pasta de almendras. Algunos creen que todo comenzó un día de la Epifanía en el que el cocinero de la Corte de Luis XV, rey de Francia, quiso entregar un espléndido obsequio a su monarca.

Para ello quiso inventar algo que sorprendiera, así que introdujo en un roscón la joya que pretendía regalarle y así se la entregó. Al rey francés le encantó la idea así que la puso en práctica entre la aristocracia de su época, y no sólo entre la francesa sino que también ayudó a que se extendiera al resto de Europa.

Al llegar a España, allá por el siglo XVIII, se generalizó de tal manera que no sólo disfrutaban del dulce momento sorpresa los de alta alcurnia, sino que el pueblo comenzó a fabricar sus propios roscones con regalo.

Otros, sin embargo, opinan que el origen de este roscón es aún más antiguo, que se remonta a los tiempos de la Antigua Roma, concretamente a la celebración dedicada al dios Saturno, que consistía en ocultar una haba en cualquier lugar de la vivienda y conceder el premio de la libertad temporal, sólo mientras durara las “Saturnales“, al esclavo que consiguiera encontrarla.

En nuestros días esta costumbre se ha modificado ligeramente. En el mismo roscón existen un haba y una figurita de regalo, además, dentro de la caja del roscón viene una corona de cartón. El que encuentra la figurita es coronado como rey, mientras que aquel que da con el haba se hace cargo de pagar el roscón.

Inari y la cultura sami

28/11/2010, Los samis son el único pueblo indígena de los países nórdicos, con una rica cultura que se ha transmitido desde sus antepasados, según recuerda Turismo de Finlandia.

Finlandia, noviembre de 2010

La región de Inari ofrece un sinfín de actividades donde conectar con las raíces sami, una experiencia sin igual de disfrutar del halo impoluto que envuelve a la Laponia Finlandesa

Los samis son el pueblo indígena más septentriponal de Europa y el único que habita los países nórdicos. Sus orígenes son inciertos y se pierden en el tiempo, aunque algunas teorías apuntan a que pudieron llegar desde Asia hace unos 3.000 años y después, haber sido expulsados hacia el norte por los vikingos.

Se sabe que su lengua deriva de la familia ungrofinesa, que comparte origen con el finés.

Curiosamente, el genotipo Sami es diferente de los otros genotipos nórdicos, así como muchos rasgos de su cultura y tradiciones. Si bien no hay un censo claro, se estima que hay de 50.000 a 100.000 samis viviendo en Finlandia- unos 4.000-, Suecia, Noruega y Rusia.

En Finlandia esta cultura está considera una importante faceta del país y por ello se preserva su lenguaje y forma de vida.

Se concentran en tres de los municipios situados más al norte del país, en la Laponia: Enontekiö, Inari y Utsjok, donde la mayoría de su población tiene descendencia sami.

La creencia religiosa sami es animista o chamanista y por ello todos elementos de la Naturaleza ya sean animales, vegetales o minerales tiene un alma.

Actividades estacionales

Conocer de cerca esta cultura merece la pena por su autenticidad, la nobleza de sus gentes y lo espectacular y extremo de sus paisajes. En un entorno donde la climatología puede resultar feroz y el terreno hostil para la agricultura, la supervivencia ha dependido del respeto y uso inteligente de los recursos. Por ello, junto con la caza y la pesca, la cría de renos ha sido uno de sus pilares.

En Inari existe la posibilidad de visitar una auténtica granja familiar sami, donde los naturales reciben al viajero vestidos con sus llamativos trajes de colores, para alimentar a los renos, escuchar las historias de los pastores nómadas o intentar echar el lazo a los animales.

Durante los meses invernales, también es posible subir en un trineo tirado por renos por la nieve. Las visitas en invierno se realizan bajo petición, en los hoteles de Inari o a través del email inari@visitinari.fi.

Por otro lado, el Museo de Siida en Inari acoge una variada muestra cultual de este pueblo como galerías de fotos de la fauna y bellas pinturas Sami.

En los meses de verano, se despliega una exposición al aire libre donde los visitantes pueden hacerse a una idea de su estilo de vida visitando las viviendas sami y aprendiendo sus métodos de caza y pesca. Además se pueden realizar excursiones de senderismo, bicicleta, pesca, ornitología y otras actividades en los impresionantes espacios naturales de la Laponia Finlandesa

Para ahondar en las creencias de este pueblo, merece la pena la mística isla Ukko, una de las 3.318 islas del Lago Inari. La isla es un ancestral lugar de culto al dios sami Ukkonen, cuyo punto más alto revela al viajero unas impresionantes vistas del que antaño fuera lugar de sacrificios.

Durante los meses fríos los amantes de las emociones fuertes pueden cruzar las aguas heladas del lago en motos de nieve. Con el deshielo, un crucero de 2 horas sale cada día junto al Museo de Siida a las 13h, desde la segunda semana de junio hasta mediados de septiembre.

Restauración Adan y Eva de Durero

28/11/2010, En el museo del Prado se ha procedido a la restauración de un notable conjunto pictórico: Adan y Eva, de Durero

Madrid, noviembre de 2010

La tarea ha durado dos años y el equipo de restauración del Museo del Prado ha limpiado la capa pictórica, eliminando barnices oxidados, repintes posteriores, polución, etc. tambien se han restaurando grietas y zonas sin pintura.

Ahora, el conjunto puede ser contemplado en una de las galerías centrales de la pinacoteca junto a una exposición audiovisual que explica el proceso de restauración.

El equipo de restauración ha afirmado que existen documentadas varias restauraciones desde el siglo XVIII, cuando las dos tablas aún formaban parte de la Colección Real. Tras ingresar en el Museo en 1827, se restauraron a mediados del siglo XIX y está registrado que Adán tuvo una nueva intervención cuando se procedió al engatillado del soporte, ya en el siglo XX.

La superposición de estas intervenciones terminó por mostrar una imagen plana y dura, alejada del acabado esmaltado original que había concebido Durero.

Las antiguas restauraciones afectaron también al soporte, produciendo multitud de grietas longitudinales, especialmente en el de Adán, cuyo grosor se rebajó para adherirlo a una estructura rígida que imposibilitaba el libre movimiento de la madera original. En el de Eva se atornillaron, desde la capa pictórica, tres travesaños nuevos para eliminar su curvatura natural. El inevitable movimiento de la madera había causado deformaciones y alabeos que producían sombras e irregularidades en la superficie pictórica y distorsionaban las formas representadas por Durero.

En 2004, el Museo del Prado organizó una reunión internacional sobre el proyecto de restauración de Adán y Eva en la que participaron restauradores de diversas instituciones para plantear la mejor forma de enfrentarse a tan delicado trabajo al que se dio inicio a finales de 2008.

La restauración del soporte se ha integrado dentro de la llamada Panel Painting Initiative, puesta en marcha por la Getty Foundation de Los Ángeles para la difusión del conocimiento y la formación de jóvenes restauradores de soportes.

Atun Rojo, en peligro

27/11/2010, El atún rojo sigue con el futuro en el aire, después de que los países pescadores no dieran un paso decidido en su conservación

París, noviembre de 2010

Cuarenta y ocho países pescadores de atún rojo decidieron en París (27-11-10) una cuota de pesca para 2011 de 12.900 toneladas, cifra escasamente más baja que la de un año antes. ONG ecologistas abogaban por una reducción de la cuota hasta las 6.000 toneladas.

Según in informe de WWF, después de más de 3.000 años de explotación, el atún rojo del Atlántico oriental y Mediterráneo está al borde de su extinción comercial a causa del comercio internacional y un exceso de capturas, en una buena parte ilegales.

En poco más de una década, el desarrollo descontrolado de la industria de pesca al cerco y engorde de atún en el Mediterráneo ha llevado a esta especie al borde del colapso. La pesquería se agota sin que, de momento, la Unión Europea y resto de países implicados hayan actuado para salvarlo.

Hasta la fecha los gobiernos han ignorado las denuncias de pescadores artesanales, científicos, cocineros, comercializadores de pescado, cadenas distribución, numerosas ONG – con WWF a la cabeza - y decenas de miles de ciudadanos.

En el año 2006, WWF estimó que se pescaban entre 50.000 y 60.000 toneladas, casi el doble de la cuota establecida entonces por la Comisión Internacional para la Conservación del Atún Atlántico (ICCAT, en sus siglas inglesas), es decir, 32.000 toneladas; siendo flotas como la francesa, italiana, turca o libia las más implicadas en la pesca ilegal.

Tras la reunión de la XVII reunión de la Comisión Internacional para la Conservación del Atún Atlántico (ICCAT), Greenpeace ha acusado a los gobiernos participantes en la reunión de seguir con la pesca destructiva de una especie al borde del colapso.

En París, informan, no se han aprobado las medidas necesarias para proteger el atún rojo (Thunnus thynnus). Es cierto que la cuota supone una pequeña reducción nominal (4 por ciento) respecto a la de un año antes, pero eso no garantiza la recuperación de la especie.

Este resultado –dice Greenpeace- demuestra la incapacidad de la ICCAT para actuar en su propio mandato. La palabra "conservación" debería eliminarse del nombre de este organismo", ha declarado la responsable de la Campaña de Océanos de Greenpeace.

Abre el Parador de Villafranca del Bierzo

27/11/2010, El parador de Villafranca del Bierzo, de la Red de Paradores, reabre sus puertas al público tras 18 meses de obras en que se han modernizado sus instalaciones y se le ha dotado de mayor capacidad de negocio.

Villafranca del Bierzo, noviembre de 2010

El establecimiento ha renovado su decoraciσn, en la que se incluye el mural Feria de San Antonio de los artistas Robιs y Juan Carlos Mestre, dedicado al poeta local Antonio Pereira

Segϊn fuentes de la compaρνa, el resultado final de la obra de reforma permite decir que el de Villafranca es un modelo de parador del Siglo XXI: monumental, moderno, accesible y verde, medioambientalmente sostenible.

La reforma, con una inversiσn de cerca de siete millones de euros (6,9 millones), ha supuesto una transformaciσn total del establecimiento, de sus accesos y de sus zonas exteriores. Sin embargo, los arquitectos encargados del proyecto, Josι Ignacio y Eduardo Paradinas, han mantenido las caracterνsticas esenciales del edificio y su aire de Parador histσrico.

Miguel Martνnez ha comenzado su visita reuniιndose con los trabajadores del parador a los que ha instado a convertir el establecimiento en la referencia hotelera y gastronσmica del Bierzo.

Ampliaciσn de espacios

El establecimiento cuenta en la actualidad con 51 habitaciones, doce mαs que antes de la reforma. Habitaciones mαs amplias, modernas y confortables. Destacan entre ellas tres junior suites y otras dos suites con salσn independiente.

Asimismo se ha ampliado la capacidad para eventos y celebraciones con un nuevo salσn multifuncional panelable de 280 metros cuadrados y capacidad para 250 personas. Un espacio que completa a la perfecciσn otros espacios tambiιn modernizados como la cafeterνa, el restaurante, un salσn chimenea y dos salas para reuniones y eventos.

Otra de las novedades destacables es la construcciσn de dos piscinas. Una exterior para el verano y otra interior climatizada que permitirα su disfrute durante todo el aρo. Junto a ella se ha habilitado una zona de relax que cuenta con sauna, fuente de hielo y duchas tιrmicas.

El nuevo Parador de Villafranca tambiιn gana en espacio de recreo, ya que ahora cuenta con una amplia terraza con vistas a las montaρas. El aparcamiento tambiιn ha sido ampliado hasta alcanzar una capacidad de 42 plazas de estacionamiento.

Sin duda la novedad mαs destacada en cuanto a decoraciσn es el mural La Feria de San Antonio situado en el salσn Pedro de Toledo. Se trata de una espectacular obra de 9x2 metros creada por los artistas Juan Carlos Mestre y Robιs en homenaje al poeta berciano que da nombre al parador, Antonio Pereira. En ιl confluyen de una manera mαgica la fotografνa y la pintura, amparando el resultado final las nuevas tιcnicas digitales.

Otra obra destacada es el retrato al σleo de Antonio Pereira de medio cuerpo que se ha colocado en la entrada del parador. Se trata de una obra del artista berciano Josι Sαnchez Carralero.

En la imagen, el presidente de Paradores, Miguel Martνnez se dirige a los trabajadores del nuevo parador de Villafranca del Bierzo. A sus espaldas, el mural Feria de San Antonio, en el que ha trabajado Juan Carlos Mestre, notable artista plαstico y Premio Nacional de Poesνa.

Guνa de Villafranca, histσrica poblaciσn del Camino de Santiago:

http://www.guiarte.com/villafranca/

Let Us Face the Future

25/11/2010, Se presenta en la Fundació Joan Miró de Barcelona una panorámica del arte británico desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta los últimos años sesenta.

Barcelona, noviembre de 2010
El recorrido de la muestra "Let Us Face the Future" se inicia con obras de Henry Moore y Francis Bacon reflejando la situación de Gran Bretaña y de Europa inmediatamente después de la contienda.

La exposición describe así una apasionante trayectoria que desemboca en el esplendor imaginativo del pop. Por medio quedan artistas y movimientos tan emblemáticos como la audacia pictórica de David Hockney, Anthony Caro y su revolucionario concepto de la escultura, las pinturas ópticas de Bridget Riley o la fotografía de Bill Brandt y Tony Ray-Jones.

En la exposición se puede contemplar además el trabajo de Richard Hamilton Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing (“Exactamente, ¿qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan distintos, tan atractivos?”, 1956), considerado el germen del movimiento pop británico.

Otras secciones reflejan la gran variedad del arte producido en Gran Bretaña en este período: los artistas de St. Ives (pueblo de pescadores de Cornualles donde se estableció una importante colonia de artistas), entre ellos Peter Lanyon y Roger Hilton; los constructivistas británicos con Victor Pasmore a la cabeza, o el resurgimiento de la pintura figurativa de Lucian Freud, Leon Kossoff y Frank Auerbach, entre otros.

En total, ochenta y ocho obras procedentes de las colecciones del British Council, el Arts Council, la Tate y la Pallant House Gallery de Chichester, así como de otras públicas y privadas.

Let Us Face the Future
Fundació Joan Miró Barcelona
27/11/2010 - 20/02/2011

20 aniversario Reina Sofía

23/11/2010, En 1990 el Centro de Arte Reina Sofía era reinaugurado como Museo Nacional. Veinte años después, el Museo celebra su aniversario propiciando nuevas lecturas tanto de las exposiciones como de la colección.

Madrid, noviembre del 2010
El 20 aniversario del Reina Sofía se propone como una conmemoración de la historia reciente pero también como una mirada al futuro cambiante del museo. Artistas, investigadores e historiadores han sido invitados a reinterpretar junto al público las exposiciones y la colección a través de diferentes formatos, desde visitas y conferencias hasta performance y conciertos.

¿La Guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968)
Con motivo del aniversario, el museo presenta una nueva lectura de la parte de la colección permanente correspondiente a los años 40, 50 y 60. Aproximadamente mil obras componen esta relectura, que triplica el espacio expositivo (ubicado en la 4ª planta del edificio Sabatini) dedicado a este periodo del arte de vanguardia.

Un importante número de piezas se exhiben por primera vez, algunas de ellas procedentes de importantes legados y donaciones, y otras adquiridas directamente por el Museo. Esta presentación cuenta con el patrocinio de la Real Asociación de Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Entre las obras expuestas destacan las que componen los importantes legados de Brassai y Morris Louis, así como las compras recientes realizadas por el Museo: el archivo de Alberto Greco en España, una importante serie de dibujos arquitectónicos de Roberto Matta, un numeroso material letrista y situacionista o las famosas fotografías realizadas en España en los años 50 por el fotógrafo Eugene Smith.

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Entre las obras que han sido cedidas en depósito al Museo en los últimos años y que también se podrán ver en la muestra, destaca el depósito de la Colección Onnasch que ha cedido al Museo 27 obras de autores de la talla de Clyfford Still, Franz Kline, Rauschenberg, Christo o Georges Brecht. También hay que mencionar el depósito de Millares y Rivera, o el de la Colección Cisneros Fontanals Art Foundation, (con piezas de arte concreto latinoamericano entre las que destacan las de Lygia Clark o Franz Weissmann). Por otro lado, se podrá contemplar la Colección de François y Mady Letaillieur, sobre letrismo.

Además, la 4ª planta acogerá una mejor y más completa representación del informalismo de los años 60, (Tàpies, Saura, Millares, el Grupo de Cuenca...) y de la figuración política española (Arroyo, Equipo Crónica y Equipo Realidad). Se trata de ofrecer una visión novedosa con obras fundamentales de estos artistas que no han sido exhibidas anteriormente.

Esta presentación concede especial importancia al material fotográfico y al cine. Con películas de cine letrista, piezas del Hollywood de los 50, como La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock, que alude a la hegemonía de la cultura de masas en ese periodo, o películas situacionistas como la emblemática de Debord, La sociedad del espectáculo. Otra película, en esta ocasión Bienvenido Mr. Marshall, (1953) del recientemente fallecido cineasta Luis García Berlanga, se proyecta en una sala identificada con una cierta españolidad popular. Dos películas del director francés Alain Resnais, Noche y niebla (1955) y La guerra ha terminado (1966), abren y cierran el recorrido.

Museo del Chocolate

18/11/2010, En el 2019 se cumplirán 500 años del descubrimiento por los europeos del chocolate. Es un producto que en Astorga tiene un museo singular.

Tomás Alvarez

Hernán Cortes y sus hombres probaron en México el chocolate. No les gustó, por su sabor amarguizo. Unas monjas, en Oaxaca, le añadieron azúcar. Nació así una combinación que ha inundado el mundo.

El museo del Chocolate de Astorga, abierto en 1994, ha sido tenido como el primero de Europa en su género. Es pequeño –en breve pasará a otro edificio- pero tiene una extraordinaria colección de materiales, en su mayoría proveniente de la región, una de las más chocolateras de Europa.

El consumo del producto ya se detecta en América Central hace unos 3.000 años. Tanto mayas como aztecas conocían el brebaje e incluso había una festividad anual al dios del cacao, Ek Chuah.

El propio Cortes – el gran divulgador del chocolate en España- se dio cuenta del valor energético del mismo: "cuando uno lo bebe, puede viajar toda una jornada sin cansarse y sin tener necesidad de alimentarse".

Aceptado de buen grado por las damas de la corte, la bebida tuvo problemas con la Iglesia, porque tenía fama de afrodisíaca. Para más complicaciones, los teólogos debatieron sobre su posible consumo en los viernes de cuaresma. Según algunos era una grasa, y como tal rechazable...

Afortunadamente, la Iglesia recapacitó y acabó permitiendo aquel producto que ya se había infiltrado en los conventos y en los salones de las casas más respetables y nobles de Europa. El papa Clemente VIII dictaminó en 1594 que no era pecado tomar chocolate, pues no rompía el ayuno.

Hoy el consumo está extendido en todo el mundo, y derivados como los bombones son una tentación universal. Familias de chocolateros han creado emporios económicos (Lindt, Nestlé, etc.) aunque los astorganos han seguido siendo humildes productores, eso si, con una tradición de siglos.

El maridaje del chocolate con Astorga nació con el propio Cortés, quien tuvo contactos con el Marqués de Astorga, a quien mandó este producto que arraigaría en el territorio. En el catastro de Ensenada, siglo XVIII, se constata que hay 8 artesanos chocolateros en Astorga. En 1914 había en la ciudad 49 fábricas del producto.

Una razón que apoyó el negocio del chocolate fue la red de arrieros maragatos que transportaba productos desde el Cantábrico y Atlántico a Madrid, especialmente. Los arrieros fueron distribuidores de este producto típico de la zona por buena parte de España.

Otro elemento decisivo fue la tradición gastronómica diocesana. El clero de la diócesis de Astorga –que engloba territorios de León, Orense y Zamora- siempre fue goloso cliente de las fábricas chocolateras.

En consecuencia, se han detectado hasta 279 fábricas / artesanos de Astorga y su entorno que se han dedicado al negocio de la producción chocolatera. Hoy quedan apenas cinco, que siguen elaborando un producto auténtico, que se puede degustar y comprar en el propio museo.

A la puerta del centro, una vitrina muestra al visitante las mazorcas o maracas de cacao, y a partir de ahí se presentan las máquinas dedicadas al tostado, las piedras en las que se muele y funde, las artesas en las que mezclaban la pasta con azúcar de caña, los moldes... El museo posee una buena colección de maquinaria, documentos y utensilios vinculados a la producción y el consumo doméstico del producto.

Sin embargo, la joya del centro radica en la sección gráfica. La sala de imprenta y litografía cuenta con una magnífica colección de piedras litográficas y planchas de cinc, relacionadas con la producción de los envoltorios. La colección de carteles publicitarios y calendarios es sumamente valiosa y en ella se muestra la influencia del arte de cada momento. Los testimonios más espectaculares son los de la fábrica Granell, en cuyas instalaciones correteó el joven Eugenio Granell, genio del surrealismo. Algunos carteles de aire modernista son especialmente bellos.

Así pues, un consejo. En su viaje a Astorga no deje de detenerse en este centro, escasamente conocido, que se halla en un pequeño callejón del casco histórico( Calle de José Maria Goy, 5)

ARTFUTURA

15/11/2010, El festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

ARTFUTURA

Desde Enero de 1990, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

Sus actividades incluyen conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo.

En esta pasada edición, ArtFutura cruza fronteras y por primera vez las conferencias y exposiciones principales tendrán lugar entre el 4 y el 7 de Noviembre en Buenos Aires (Argentina), en cuatro espacios de referencia: El Museo MALBA - Museo de Arte Latinoamericano, el Centro Cultural Recoleta, el Espacio de Fundación Telefónica en Buenos Aires y el Centro de Cultura de España en Buenos Aires.

En el Espacio de Fundación Telefónica en Buenos Aires, la directora del Concurso Internacional Arte y Vida Artificial, Mónica Bello, charlará sobre el concurso, poniendo de relieve la importancia en Latinoamérica de la categoría de Incentivos, con miembros del jurado como José Carlos Mariátegui y Rodrigo Alonso y con artistas premiados como Leo Núñez y Martín Bonadeo.

En Madrid, el área de Arte y Tecnología de Fundación Telefónica llevará a cabo la proyección de un programa audiovisual con los mejores trabajos de animación 3D, motiongraphics, demos y efectos especiales. Se emitirá así mismo, en primicia, el documental We Live in Public, un extraordinario film sobre las redes sociales y la privacidad en Internet, ganador de la pasada edición de Sundance y parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de nueva York (MOMA).

Estos programas se han seguido en el auditorio del edificio de Telefónica (acceso por calle Valverde) los días 6, 7, 11, 12, 13 y 14 de noviembre (consultar programa).

Más información en:

http://www.fundacion.telefonica.com/arteytecnologia/

http://www.artfutura.org

Tres acuarelas y doce aguafuertes

15/11/2010, Hasta el próximo 26 de febrero del 2011, el Museu Fundación Juan March, de Palma, expondrá una pequeña pero representativa selección de naturalezas muertas del artista boloñés Giorgio Morandi.

Las obras, fechadas entre 1927 y 1962, comparten un foco temבtico comתn: la naturaleza muerta. Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), naciף en el seno de una familia de clase media y, tras un breve perםodo en el que trabajף en la empresa de su padre, estudiף en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En 1910 viajף a Venecia y Florencia, donde descubriף la obra de grandes artistas del Renacimiento italiano (Giotto, Masaccio, Piero de la Francesca, Paolo Ucello), pero quien mבs le influyף fue Paul Cיzanne, especialmente en su larga serie de bodegones.

En el aסo 1913, el pintor comienza a relacionarse con los futuristas por mediaciףn de su compaסero de estudios Osvaldo Licini, quien le pone en contacto con Marinetti, Russolo y Boccioni. En los meses siguientes, Morandi asiste con cierta frecuencia a las reuniones del grupo y presenta dos obras a la Primera Exposiciףn Futurista Libre, celebrada en Roma en 1914. Aתn asם, mantiene su independencia frente al movimiento Futurista, liderado por Marinetti y se va aproximando al cubismo.

La Primera Guerra Mundial estalla y Morandi es llamado a filas en 1915. El artista enferma gravemente y es internado en un hospital, viendo su carrera como grabador interrumpida de brusca manera. Aunque de esos aסos se conservan escasas obras, los problemas de salud no le impiden llevar a cabo un profundo proceso de reflexiףn que desemboca en 1918 en el llamado perםodo metafםsico.

Entabla amistad con Giorgio de Chirico, por quien serב tambiיn muy influido, y quien asociaba la obra de Morandi con lo que llamף “la metafםsica de los objetos mבs comunes” Parte de la iconografםa del pintor boloסיs son vasos, botellas, etc., que, colocados sobre una mesa, se convierten en los principales protagonistas de sus cuadros. Morandi seguםa asם a su admirado Cיzanne en la elecciףn de los bodegones sencillos como medio de expresiףn de su pintura.

En 1945 celebra, en la galerםa Fiore de Florencia, su primera exposiciףn individual. Entre 1930 y 1956 fue profesor de grabado al aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Fue galardonado con el Primer Premio de la Bienal de Venecia de 1948 y con el gran premio de la Bienal de Sao Paulo de 1957. Giorgio Morandi falleciף en Bolonia en 1964. En 2001 abriף sus puertas el Museo Morandi en una secciףn del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

Haunted

06/11/2010, El Museo Guggenheim Bilbao acoge más de 70 trabajos de artistas consagrados como Marina Abramovic, Sophie Calle, Richard Prince, Robert Rauschenberg, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto y Andy Warhol.

Bilbao, 6 de noviembre de 2010
Desde el 6 de noviembre de 2010 hasta el 13 de marzo de 2011 el Guggenheim de Bilbao presenta Haunted, un análisis que subraya el poder único de las técnicas de grabación y que plasma la obsesión por acceder al pasado, tanto de forma colectiva como individual.

Gran parte de la fotografía y el video contemporáneos parecen embrujados por el pasado, por la historia del arte, por apariciones fantasmales que cobran vida a través de las técnicas de grabación en performances en directo y en el mundo virtual. Empleando diversos recursos estilísticos, temas y tecnologías que están anticuados, pasados de moda o casi extintos, este arte encarna un anhelo melancólico por un pasado irrecuperable.

Por medio de la fotografía fundamentalmente, pero también de otras formas de expresión artística como pintura, vídeo, cine, performances e instalaciones, creadas desde los años sesenta hasta la actualidad, Haunted revela la extraordinaria calidad de la obra fotográfica y en nuevos medios de las Colecciones Guggenheim.

La exposición muestra algunas adquisiciones recientes de artistas como Marina Abramovic, Sophie Calle, Tacita Dean, Gregory Crewdson, Thomas Demand, Roni Horn, Christian Marclay, Richard Prince, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto o Jeff Wall. Así mismo, incluye obras realizadas en las décadas de 1960 y 1970 por artistas como Andy Warhol, Bernd y Hilla Becher, Joan Jonas, Robert Rauschenberg, Martha Rosler y Robert Smithson.

Haunted se distribuye en cinco categorías formales y conceptuales en torno a las diferentes maneras de comprender y abordar el pasado de los distintos artistas que componen la muestra: Apropiación y archivo; Muerte, publicidad y política; Documentación y reiteración; Paisaje, arquitectura y el paso del tiempo; y Lo traumático y lo siniestro.

Algunas obras incorporan temas y recursos estilísticos que parecen anticuados, pasados de moda o casi extintos; otras reflejan momentos traumáticos del pasado histórico; en algún caso, la obra recrea una anterior, de tal manera que parece perseguida por un original perdido o distante; hay imágenes fantasmales e iconos mórbidos del pasado como ruinas y paisajes apocalípticos y, finalmente, se muestran creaciones que analizan el papel de los archivos en la memoria colectiva y la obsesión personal.

Parador de Cruz de Tejeda

29/10/2010, El parador de Cruz de Tejeda abre el uno de noviembre su nuevo balneario urbano con tratamientos de productos naturales canarios.

Las Palmas de Gran Canaria, octubre de 2010

Gran Canaria contará así con un spa urbano de primera categoría. La carta de tratamientos incluye masajes con Aloe Vera canario y piedras volcánicas de la isla de Gran Canaria

El espacio del balneario urbano cuenta con servicios como tumbonas térmicas, jacuzzi, sauna y baño turco, etc.

El parador canario de Cruz de Tejeda amplía su oferta turística poniendo a disposición del público su nuevo balneario urbano. A la privilegiada ubicación del establecimiento, a 1.560 metros de altitud en el centro de la isla de Gran Canaria y sus impresionantes vistas a la montaña y el océano Atlántico, se suman ahora otras comodidades y servicios relacionados con el relax y la belleza.

Entre las propuestas del nuevo spa destacan varios tratamientos que aprovechan la riqueza natural de las Islas Afortunadas. Los clientes que se acerquen al establecimiento podrán beneficiarse de las propiedades exfoliantes, regeneradoras y revitalizantes del Aloe Vera o disfrutar del relax y los aromas que provocan los cambios de temperatura de las piedras volcánicas de la isla gracias al tratamiento Tejeda Stone Experience.

La carta de este nuevo espacio incluye terapias exfoliantes con miel y aceites esenciales; e incluso se atreve a desafiar al paso del tiempo con el Desafío Facial Antiedad en el que intervienen aminoácidos naturales de colágeno y vitaminas antioxidantes.

También hace un guiño a las técnicas tradicionales como los Hammam (baños turcos) con un tratamiento de jabón negro tradicional; y se centra en la liberación de la tensión y el estrés gracias a un Masaje Bioenergético con técnicas de reflexología tradicionales; el Aromasoul, centrado en la utilización de aceites calmantes; o el Diamond Ritual, con polvo de diamante micronizado y aroma de lavanda.

Como servicios tradicionales,el balneario de Cruz de Tejeda cuenta con un circuito acuático que pone a disposición del cliente sauna, baño turco, pediluvio, distintas duchas, jacuzzi, tumbonas de hidromasaje y térmicas, diferentes chorros, zona de musculación y terraza-solarium exterior.

Pasión por Renoir en El Prado

27/10/2010, El Museo del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute de Massachusetts coorganizan la primera exposición monográfica de Renoir en España.

Durante más de tres meses, los visitantes del Prado podrán descubrir la amplitud de las propuestas de Pierre-Auguste Renoir, uno de los artistas más destacados del Impresionismo, que cultivó los géneros del retrato, la figura femenina, el desnudo, los paisajes, la naturaleza muerta y las flores.

Renoir (1841-1919) se sentía heredero de la gran tradición pictórica de los siglos anteriores, por lo que prestó gran atención a maestros como Rubens, Tiziano o Velázquez. Su pasión por la pintura le llevó a gozar de un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos.

La muestra, que podrá visitarse en El Museo Nacional del Prado de Madrid hasta el próximo 6 de febrero de 2011, reúne 31 obras del artista, que forman parte del conjunto del coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark, fundador del Sterling and Francine Clark Art Institute.

Para los Clark, Renoire representaba la quintaesencia de la pintura del último cuarto del siglo XIX, por lo que no dudaron en adquirir más de 35 de sus pinturas, entre las que se encuentran varias de sus creaciones más importantes. Autorretrato, Retrato de Madame Monet, Palco en el Teatro, Peonías, Cebollas (la obra preferida del señor Clark) o Bañista Peinándose son algunas de las grandes obras pertenecientes a la colección y que se podrán contemplar en la muestra.

La colección permite mostrar las etapas más destacadas de la trayectoria de Renoir, entre 1874 y 1900. Su profundo interés por la figura humana y por la figura femenina en especial, los desnudos, de gran tradición en la pintura europea, los bodegones florales, de gran colorido y pinceladas rápidas, o el género del paisaje, interpretado de manera delicada y sugerente.

PASIÓN POR RENOIR
De martes a domingo de 9:00 a 20:00 horas
Acceso por la puerta alta de Goya
Sala 16 b del edificio Villanueva
Patrocina BBVA

Tàpies, Viladecans, Guinovart y Clave

27/10/2010, La Galería de Arte Dolors Junyent presenta hasta el 30 de noviembre, en su Espacio A, obras de Tàpies, Viladecans, Guinovart y Clave sobre tela, cartón y papel.

Barcelona, octubre de 2010
La Galería de Arte Dolors Junyent, especializada en maestros de la pintura y escultura de los siglos XIX-XX, vanguardias históricas y artistas contemporáneos de prestigio internacional, presenta la exposición “Arte abstracto: técnicas diversas” con importantes obras de artistas como Tàpies, Viladecans, Guinovart y Clave.

La filosofía de la galería es ofrecer obras de máxima calidad que por sus años y épocas son poco comunes en los circuitos comerciales, como es el caso de la pieza excepcional “situación 66” de Josep Guinovart, pintura y collage sobre madera, que se expuso en el Musee d'Art Moderne de París y que ahora se expone también en la galería.

Obras llenas de matices, espacios y juegos de luces de artistas como Tàpies, uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo y considerado uno de los artistas más destacados del siglo XX. Obras de Guinovart, pintor y grabador reconocido internacionalmente que se caracteriza por su contundencia expresiva y por su trazo, gesto y color que definen su agitado y original mundo interior. Piezas de Clave una de las grandes figuras de la pintura de este siglo, que de inicios figurativos evoluciona, pasando por diferentes etapas, hacia la abstracción. Y finalmente también se expondrán piezas de Viladecans, que se inició con obras en las que combinaba la pintura con objetos cotidianos, para realizar más tarde una pintura densa en los materiales, aplicados mediante diversas técnicas.

Turku, Capital de la Cultura 2011

27/10/2010, Turku, la que fuera capital de Finlandia hasta 1812, acogerá durante el próximo año junto a la ciudad estonia de Tallin la capitalidad europea de la cultura.

Finlandia, octubre de 2010

Turku es una ciudad de 175.738 habitantes –unos 300.000 en su conurbación- situada al suroeste del país, a 160 km. de Helsinki. Fue la primera capital de Finlandia hasta 1812, y hoy se caracteriza por su ambiente universitario, animada vida en torno al río Aura y amplia oferta de museos.

La universidad de Turku es la más antigua del país y arranca del siglo XVII.

Entre los monumento antiguos, su catedral, originaria del XIII y el castillo, de la misma época, que es el más veterano de los de Finlandia.

Los más de cien eventos de la capitalidad cultural serán la muestra de cómo la cultura, en su más amplio sentido, influye directamente en el bienestar físico y mental del ser humano.

La Fundación Turku 2011 es la responsable de planificar el programa anual de la ciudad, cuajado de eventos de todo tipo, la mayoría de ellos gratuitos.

Segun Turismo de Finlandia, las actividades se basarán en una amplia visión de la cultura y su relación con el bienestar físico y mental de las personas. Para ello, se hará énfasis en aspectos alternativos como la gastronomía, el ejercicio, la ciencia, los encuentros multiculturales y, por supuesto, las artes creativas.

Cinco temáticas clave

La programación de Turku 2011 se dividirá en cinco temas principales: Transformations, Take Offs, Explore the Archipelago, Personally, y Memories and Truths.

Los temas profundizan en todos los aspectos, desde los encuentros con la cultura en la vida cotidiana hasta las diferentes identidades y cuestiones relacionadas con la mente humana.

También se ponen en el centro de atención importantes aspectos culturales e históricos de la ciudad como su naturaleza marina en relación con el archipiélago, el mar Báltico y el río Aura, así como visiones de la Turku del futuro.

”El programa presentado por Turku 2011 representa los diferentes dominios de la cultura y busca proveer experiencias únicas”, dice su director Suvi Innilä, prometiendo un fascinante elenco de eventos para visitantes de todas las edades entre los que se incluyen funciones circenses, conciertos bajo el agua, acrobacias aéreas, sauna, exhibiciones espectaculares, ópera contemporánea y teatro.

Además de destacar las artes creativas, el programa también se centra en la gastronomía, el ejercicio físico y el encuentro multicultural. En la actualidad hay más de un centenar de eventos previstos en el calendario, que irán aumentando de aquí a finales de año.

Las celebraciones darán comienzo con una verdadera explosión cultural el 14 de enero de 2011, durante los tres días del fin de semana que se prevé que será el evento más importante del año. Estarán organizadas por la empresa británica Walk the Plank, especializada en organización de emocionantes actuaciones internacionales al aire libre en los principales eventos culturales y deportivos, como la inauguarción de Liverpool Capital of Culture en 2008. El programa incluirá acrobacias aéreas, música, luces , pirotecnia y fuegos artificiales; y la temática se llamará Communication y estará inspirada en la historia de la ciudad.

Los paisajes americanos de Durand

04/10/2010, La Fundación Juan March de Madrid presenta la primera exposición monográfica del artista americano Asher B. Durand en Europa.

En junio de 1840 Asher B. Durand (1796-1886) embarcó, en compañía de un grupo de amigos y colegas, en el puerto de Nueva York con destino a Londres y con la idea de recorrer las principales ciudades de la vieja Europa, con el sólo propósito de instruirse y conocer las obras de los maestros europeos (entre sus preferidos se encontraban Rubens, Rembrandt, Claudio de Lorena, Constable o Turner).


170 años después, Durand regresa a Europa, por medio de 140 obras Цentre óleos, dibujos y grabados-, una cuidadosa selección que pretende presentarnos a uno de los paisajistas americanos más influyentes de su tiempo.

Asher Brown Durand, vivió 90 largos años entre Nueva York y sus frecuentísimas estancias en las montañas y los valles de su tierra. Su figura acompañó la práctica totalidad del siglo XIX norteamericano y constituye por ello un mirador eminente al que asomarse para conocer con perspectiva y de primera mano la cultura americana de la época.

Tanto sus bucólicos paisajes de las montañas Catskill o las Adirondack, los valles y vistas del río Hudson, como sus "paisajes intelectuales" (retratos de presidentes y grandes figuras de la sociedad americana, grabados de la Declaración de la Independencia...), nos muestran la América espiritualizada y naturalista de Thoreau, Emerson y Whitman, la de la emergente conciencia de nación con un destino y la del creciente cosmopolitismo del Nueva York de 1800.

Los lienzos, dibujos y grabados presentes en la exposición provienen en su inmensa mayoría de la colección de la New York Historical Society, pero la obra del artista está presente también en algunas de las más importantes colecciones públicas y privadas de EE UU. Además, sus pinturas han formado parte de relevantes exposiciones colectivas, nacionales e internacionales, dedicadas a la pintura norteamericana del paisaje.

La muestra, la primera exposición monográfica que se le dedica a Durand fuera de las fronteras de su país, estará en Madrid, en la sede de la Fundación Juan March, entre el 1 de octubre de 2010 y el 9 de enero de 2011.

CAC Málaga: programa

03/10/2010, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, siempre es una alternativa cultural interesante en la ciudad andaluza.

Málaga, octubre de 2010

En este otoño, el CAC mantiene un horario ininterrumpido de 10 a 22 horas. Cierra los lunes. Sus muestras son:

DEXTER DALWOOD.

10 de septiembre al 28 de noviembre de 2010

El Centro presenta la primera exposición de Dexter Dalwood en España. Una retrospectiva compuesta por pinturas y collages que reúne trabajos de la última década y que recoge su particular visión de algunos de los acontecimientos y personajes que marcaron el siglo XX. Un recorrido, a través del arte, por hechos políticos y sociales que permanecen en la memoria colectiva.

Dexter Dalwood recurre al pasado para tratar de explicar el presente y cómo éste puede llegar a condicionar la imaginación y la cultura contemporáneas, así como las de generaciones futuras. Esta exposición, por la que el artista ha sido nominado al prestigioso Turner Prize, está organizada por la Tate St Ives en colaboración con el CAC Málaga y el FRAC Champagne-Ardenne. Tal acuerdo implica que la Tate acogerá también una exposición producida por el CAC Málaga.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “visitar la exposición de Dexter Dalwood es realizar un recorrido histórico, a través del arte, por algunos de los episodios sociales y políticos que han marcado el siglo XX; baste como ejemplos Birth of UN, 2003, Bay of Pigs, 2004 o The Brighton Bomb, 2006, en alusión al atentado que sufrió Margaret Thatcher en octubre de 1984 a manos del IRA. Pero Dalwood no sólo retrata hechos y lugares sino que en sus obras también alude a personajes en cuyas vidas, aparentemente ricas y glamurosas, la tragedia y el dramatismo han estado muy presentes JOHN BOCK

24 de septiembre al 14 de noviembre de 2010

Título exposición: Nöle

Nöle es la primera exposición individual del artista alemán John Bock en España. Una selección de películas y videoinstalaciones, algunas de las cuales se han producido específicamente para el Espacio 2 del centro, que trasmiten el espíritu poco convencional, incluso caótico, de este creador considerado como uno de los más influyentes de una generación entre los que también se encuentran otros coetáneos como Jonathan Meese o Matthias Weischer, quienes ya han expuesto en el CAC Málaga con anterioridad.

El trabajo de Bock destaca por su naturaleza performativa y teatral, donde nada es lo que parece y donde el carácter personal que le imprime hace difícil que pueda clasificarse en alguna disciplina concreta.

APOCALIPSIS

El CAC renueva por quinta vez su colección permanente.

Apocalipsis es un reflejo de la sociedad, una sociedad que a lo largo de su historia se ha visto invadida por sentimientos encontrados que van desde la desesperanza, la desolación de la guerra, la muerte o la destrucción, a la incertidumbre, la soledad y la inquietud. Artistas consagrados y de proximidad conforman esta nueva muestra del CAC Málaga, una declaración de intenciones que manifiesta el eterno compromiso del mundo del arte contemporáneo con los problemas sociales y políticos más graves. Una mirada del caos como sinónimo de crisis.

La muerte y las reacciones que ésta provoca, los horrores de la guerra, la pobreza y el poder económico, la violencia de género o el terrorismo, son los ejes fundamentales sobre los que gira Apocalipsis, en clara alusión a los sentimientos y emociones que suscitan en los artistas determinados momentos históricos del último siglo. Frente al olvido y la volatilidad del tiempo, el compromiso y la implicación del mundo de la creación.

PASIÓN

Colección Carmen Riera

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, nos ofrece una visión muy representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días.

Un recorrido desde al arte pop al conceptual, que nos permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo. El pasado mes de agosto se incorporó a la misma un video de Bill Viola, The Innocents, 2007.

ACTIVIDADES CULTURALES:

El CAC mantiene tambien ciclos de cine, como el que en octubre dedica a la producción italiana; programas de conferencias, y otras iniciativas artísticas, así como talleres orientados a alumnos escolares.

Helsinki y San Petersburgo

03/10/2010, Un nuevo tren de alta velocidad va a unir las ciudades de Helsinki y San Petersburgo, lo que proporcionará un atractivo adicional a la capital finlandesa.

Helsinki, octubre de 2010

El tren de alta velocidad Allegro comenzará a operar el 12 de diciembre de 2010 enlazando la capital finlandesa, Helsinki, con la antigua capital imperial rusa en sólo tres horas y media.

Los viajeros pueden ahorrar dos horas de viaje gracias a trenes dotados de tecnología punta que circulan a una velocidad de 220 km/h. Además de la mejora de vías y servicios, se han puesto en marcha nuevos procedimientos para agilizar los trámites aduaneros entre los dos países.

De esta manera, Occidente y Oriente están cada vez más cerca, según Turismo de Finlandia, que recuerda que Helsinki es conocida como la "Hija del Báltico" por su estratégico emplazamiento sobre una roca rodeada de mar, bosques, islotes e islas como la fortificación de Suomenlinna, declarada Patrimonio Mundial de la Humanidad de la Unesco en 1991.

El Allegro cuenta con 334 asientos en Primera y Segunda clase, así como plazas reservadas para viajeros en sillas de ruedas y espacios para animales domésticos.

A bordo, el viajero contará con servicios de calidad, con facilidades tales como cambio de divisas (euros y rublos) o reembolsos ‘tax-free’.

El tren también dispone de vagón - restaurante, un compartimento para conferencias y una sala de juego para niños.

El precio de un billete de un trayecto entre Helsinki y San Petersburgo es de 84 euros en Segunda Clase, mientras que los billetes en Primera Clase cuestan 134 euros e incluyen un refrigerio, prensa diaria, y autoservicio de café y té.

El Allegro saldrá diariamente de Helsinki a San Petersburgo a las 10:00 hrs. y 15:00 hrs; y de San Petersburgo a Helsinki a las 6:40 hrs. y a las 15:25. En el verano de 2011 se prevé ampliar el número de frecuencias diarias de dos a cuatro.

Mayores ciudades, más pobreza

03/10/2010, La FAO ha alertado del crecimiento de la población urbana que concentra el crecimiento de la pobreza... y propone el fomento de las “ciudades verdes”

Roma. Octubre de 2010

Para 2025, más de la mitad de la población del mundo en desarrollo -unos 3 500 millones de personas- vivirá en las ciudades. Para los encargados de elaborar las políticas y los responsables de la planificación urbana, que las ciudades sean más verdes podría ser la clave para asegurar la provisión de alimentos.

Para el año 2020 –dice la FAO- la proporción de la población urbana que vive en la pobreza podría llegar al 45%, o 1 400 millones de personas. Para entonces, el 85% de la población pobre de América Latina y casi la mitad de la de África y Asia se concentrarán en los centros urbanos.

Esa perspectiva se ha denominado la nueva bomba demográfica y una pesadilla para la gobernanza: ciudades que se desparraman, degradadas y empobrecidas, con numerosos sectores de la población socialmente excluidos, vulnerables, jóvenes y sin empleo.

Conforme crecen las ciudades se pierden valiosas tierras agrícolas a causa de la construcción, la industria y la infraestructura, y la producción de alimentos frescos se aleja más hacia las zonas rurales. El costo del transporte, el embalaje y la refrigeración, las malas condiciones de las carreteras rurales y las fuertes pérdidas durante el tránsito se suman a la escasez y el costo de la fruta y las hortalizas en los mercados urbanos.

Nueva bomba demográfica

"A lo largo de la historia en las ciudades se han encontrado oportunidades, empleo y mejores condiciones de vida -indica Shivaji Pandey, Director de la División de Producción y Protección Vegetal, de la FAO-. Pero en muchos países en desarrollo lo que impulsa el acelerado crecimiento urbano no son las oportunidades económicas, sino las elevadas tasas de nacimientos y la llegada de masas rurales en busca de evadir el hambre, la pobreza y la inseguridad."

Reinventar la ciudad verde

El reto estriba en desviar la urbanización de su ruta actual e insostenible, para dirigirla hacia ciudades más verdes que ofrezcan a sus habitantes opciones, oportunidades y esperanza. Una solución es la horticultura urbana y periurbana, indica la FAO.

No es una novedad la producción de cultivos en y alrededor de las ciudades. La ciudadela inca de Machu Picchu, en el Perú, tenía una zona residencial y otra de terrazas intensamente cultivadas.

La FAO estima que 130 millones de pobladores de los centros urbanos de África y 230 millones en América Latina practican la agricultura, sobre todo la horticultura, a fin de proporcionar alimentos a sus familias o para obtener ingresos de la venta de sus productos.

"La horticultura urbana ofrece una salida de la pobreza", indica el Dr. Pandey, y menciona los costos iniciales bajos, los ciclos cortos de producción y el alto rendimiento por unidad de tiempo, tierra y agua. Los alimentos urbanos, muchas veces compuestos de grasas baratas y azúcar, son responsables del incremento de la obesidad, el exceso de peso y las enfermedades crónicas asociadas a la dieta, como la diabetes.

La producción de fruta y hortalizas, las fuentes naturales más ricas de micronutrientes, en las ciudades y sus alrededores aumenta el suministro de productos frescos y nutritivos y mejora el acceso económico de las personas pobres de las ciudades a los alimentos.

Apoyo a los horticultores urbanos

Gobiernos de 20 países han pedido ayuda a la FAO en los últimos 10 años para eliminar obstáculos y dar incentivos, insumos y capacitación a "horticultores urbanos" de bajos ingresos. La FAO también ha aportado herramientas, semillas y capacitación a fin de establecer cientos de huertos escolares, un medio comprobado de promover la nutrición de los niños, en más de 30 países.

Desde las florecientes metrópolis del África occidental y central hasta los barrios pobres de Managua, Caracas y Bogotá, la FAO ha ayudado a los gobiernos a promover una horticultura comercial en la periferia urbana, sencillos microhuertos hidropónicos en zonas de barrios marginales y azoteas verdes en los centros urbanos densamente poblados.

En la República Democrática del Congo la FAO recomendó medidas que regularizaron los títulos de propiedad de 1 600 hectáreas de zonas verdes que trabajaban unos 20 000 agricultores de tiempo completo en cinco ciudades. Este proyecto introdujo variedades mejoradas de hortalizas e instaló 40 estructuras mejoradas de irrigación, que amplían la disponibilidad de agua durante todo el año.

Para garantizar la calidad e inocuidad de los productos se dio capacitación a 450 asociaciones de productores en buenas prácticas agrícolas, incluido el uso de fertilizantes orgánicos y bioplaguicidas. Los huertos comerciales de la capital, Kinshasa, hoy producen alrededor de 75 000 a 85 000 toneladas de hortalizas al año, o un 65% del suministro de la ciudad.

Última temporada del Royal Princess por Tahití

03/10/2010, De septiembre de 2010 a mayo de 2011, la naviera Princess Cruises organiza 13 cruceros por Tahití y sus islas a bordo de su barco Royal Princess.

Tahití. Octubre de 2010

Esta será la última oportunidad de recorrer las islas y atolones tahitianos en el navío, debido a que al finalizar la temporada será sustituido por otro barco del grupo.

Frente al frío del hemisferio norte, se presenta la oportunidad de gozar de las excelentes condiciones náuticas del Pacífico Sur y del exotismo de unas islas marcadas aún por exploradores y navegantes como James Cook o pintores como Paul Gauguin.

Las islas de Tahití, Moorea, Bora Bora y Huahine, en el Archipiélago de la Sociedad; y el atolón de Rangiroa, en el Archipiélago de Tuamotu, son las escalas de este crucero de 10 días, con ida y vuelta a la ciudad de Papeete, capital de Tahití.

La ruta da la oportunidad al viajero de conocer la diversidad de los paisajes tahitianos, al poner en contraste la exuberante vegetación de las islas volcánicas con las playas vírgenes repletas de palmeras del atolón. Además, los pasajeros podrán disfrutar de dos jornadas completas en tierra en la isla de Bora Bora, famosa por su bella laguna de intensos colores turquesas.

El Royal Princess tiene una capacidad para 710 pasajeros en 355 camarotes. Entre otros equipamientos, dispone de una variada oferta de restaurantes, un spa, un gimnasio, una colección de arte internacional, boutiques, piscina, casino y un espacio para el golf.

SAMSUNG LED 9000, la obra maestra de SAMSUMG

01/10/2010, Os presentamos este nuevo televisor que cuenta con un espectacular diseño y la última tecnología en imagen y sonido.

Samsung sinónimo de elegancia e innovación, se supera una vez más con el nuevo y sofisticado televisor LED TV 9000. La compañía coreana ha puesto todos sus esfuerzos en crear el televisor más delgado del mundo, con tan sólo 7.98 milímetros de grosor y tecnología 3D integrada.

Para que el consumidor no se pierda ningún detalle, Samsung ha apostado por la creación de un microsite en el que se muestran, de forma original y muy completa, todas las particularidades del televisor, tanto de su elegante diseño como las novedades más técnicas. Con tan sólo mover el ratón del ordenador, la imagen del televisor se va moviendo para mostrar el producto desde todos los ángulos.

Tecnología punta

La serie 9000 dispone de tecnología Clear Motion Rate 800 y un procesador 3D integrado. También incluye unas gafas 3D activas que permitirán disfrutar de todas sus prestaciones tanto con películas, como juegos en 3D. Para conseguir el efecto 3D, la TV debe sincronizarse con las gafas mediante un emisor de infrarrojos.

Además, este nuevo modelo de Samsung también está preparado para manejar diferentes tipos de imágenes 3D, e incluso para disfrutar de una visión en 3D a partir de las imágenes grabadas en 2D, ya que lleva un procesador que puede convertir las imágenes 2D a 3D, logrando una sensación de profundidad espectacular.

El televisor Samsung LED 9000 también te permite compartir las fotos, vídeos o canciones que más te gusten, puesto que permite traspasar fácilmente los archivos desde tu ordenador o dispositivo móvil de forma inalámbrica y sin ningún tipo de esfuerzo.

Y si esto te parece poco, amplía al máximo tus sensaciones y relájate con el mejor audio que jamás hayas imaginado. Home Cinema, gafas 3D, adaptador inalámbrico, Blu ray 3D, esto y mucho más es lo que te ofrece este magnífico aparato.

Más allá del televisor: un mando a distancia único

La gran novedad que tiene este televisor y que no tiene ningún otro de la competencia son los mandos a distancia. Con el televisor van incluidos dos; uno pequeño, y sencillo, que sólo permite manipular las funciones básicas: volumen, canales y fuente. El otro, un sofisticado mando con pantalla táctil de tres pulgadas, nos brinda un mundo de nuevas posibilidades.

El mando, con una pantalla táctil de tres pulgadas, se conecta al televisor vía Wi-Fi, y es el televisor el que recibe, gracias a su doble sintonizador, los dos canales y envía la imagen y el sonido de uno de ellos al Touch Control. Además, siendo inalámbrico, ni siquiera es necesario permanecer frente al televisor y podremos interponer paredes sin que se pierda la señal.

Además de las funcionalidades de mando a distancia universal con el que puedes controlar todos tus aparatos, para el uso de Internet el mando tiene un teclado QWERTY completo.

Detalles y belleza impecable

Sin duda el televisor Samsung LED 9000 es una obra maestra. Con sólo 7.98 mm de grosor, compite con las marcas más exclusivas del mercado. La pantalla utiliza tecnología SPVA, lo que le proporciona una elevada calidad en la reproducción de color desde cualquier ángulo, con retroiluminación LED periférica.

El monitor, de estilo vanguardista, tiene un pie transparente aporta ligereza y finura. El acabado de su marco en aluminio pulido contribuye a darle el toque de elegancia que se consigue gracias a los controles ocultos en una bandeja motorizada y las conexiones agrupadas en la parte posterior e izquierda y muy poco visibles. En la parte posterior se reúnen la toma de antena, cuatro conexiones HDMI, las salidas óptica y jack de audio y, mediante cables adaptadores, las de video y DVI para conectar un ordenador. En el lateral queda la ranura para tarjetas de canales de pago y dos puertos USB, a los que podremos conectar dispositivos de almacenamiento, ya sea para ver su contenido o para grabar los canales de televisión.

En tu mesa preferida, el sofisticado Samsung LED 9000 te abre las puertas a infinitas ideas de decoración, para que tu hogar vaya acorde con las últimas novedades del mercado en diseño y calidad.

Ferias Internacionales de arte

24/09/2010, Conceptos como el de The Affordable Art Fair permite a artistas como la grabadora Ana Alberca dar a conocer su obra a nivel internacional y contar con una alternativa de mercado en tiempos de crisis.

Violeta Medina

Madrid, septiembre de 2010

Para la grabadora Ana Alberca la maleta se está transformando en parte de una prolongación más de su taller. Desde hace unos tres años, su obra que ya estaba en el circuito internacional, ha comenzado a ser exhibida en ferias y galerías de países cercanos o tan remotos como China, donde en septiembre de 2007 se realizó una exposición individual en Shangai en la galería Espacio Versátil.

Este año su obra ha estado presente en The Affordable Art Fair (AFF) de Londres, Bruselas y desde el 29 de septiembre al 3 de octubre en la AFF de New York que reunirá a galerías de ciudades tan diversas como París, Buenos Aires, Cambridge, Medellín, Gibraltar, Barcelona, Toronto, entre otras muchas.

Para Alberca el mercado internacional es una oportunidad. “Este tipo de ferias son un gran escaparate, posibilitan que un público masivo y heterogéneo interesados en el arte puedan conocer mi obra.

Son canales muy potentes por los que me interesa y apetece transitar”, comenta y lo hace llevando sus trazos que logra con la técnica de la punta seca que le permite crear estas “líneas puras de fuerte carga minimalista”.

Será la única artista de la Galería StandARTE de Madrid que acuda en persona a esta cita en Nueva York y que fue seleccionada en la anterior Affordable Art Fair de Londres.

María Correas, directora de StandARTE quien ha hecho una apuesta por este concepto de feria itinerante, creado hace doce años en Londres explica que este nuevo modelo “ha permitido acercar el mundo del arte no sólo a la gente entendida, a los coleccionistas o millonarios sino que también a la gente que quiere tener arte en su casa”.

Este concepto cuenta que está funcionando en el circuito internacional y permitiendo también a los galeristas abrir fronteras no sólo de público, de mercado, sino también de redes internacionales muy vivas. Las próximas citas de este evento serán en ciudades como Singapore, Milán, Sydney, entre otros.

Importante descubrimiento en El Prado

23/09/2010, El Museo ha identificado una obra hasta ahora desconocida de Pieter Bruegel ‘el Viejo’, figura capital de la pintura flamenca del siglo XVI.

Madrid, septiembre de 2010
Tras varios meses de estudio y restauración en sus instalaciones, El Museo ha atribuído la obra "El vino de la fiesta de San Martín" (en proceso de restauración), al artista flamenco Pieter Bruegel el Viejo (1525/1530-1569).

Esta identificación es uno de los descubrimientos de mayor relevancia que se realiza en muchos años respecto a la obra de este gran pintor, cuya figura supera incluso a Quintin Massys y Joachim Patinir, artistas que, junto con él, conforman la triada de pintores flamencos más destacada de su centuria.

Un descubrimiento de trascendental importancia para la historia del arte. Pieter Bruegel ‘el Viejo’, el “nuevo Bosco”, como se le consideraba en su época, es la figura más importante de la pintura flamenca del siglo XVI. Reconocido en vida, tras su temprana muerte en 1569, sus escasas obras (sólo se conservan pinturas de su mano fechadas entre 1557 y 1568, poco más de una década) fueron buscadas obsesivamente por los coleccionistas.

El vino en la fiesta de San Martín, propiedad de una colección particular española, podría incorporarse próximamente a las colecciones del Museo del Prado. Con esta adquisición, el Museo del Prado sumaría a la única pintura del artista que se conserva en España, El triunfo de la muerte (cat. 1393, Museo Nacional del Prado. Óleo sobre tabla, 117x162cm.; h. 1562), obra maestra del pintor procedente de la Colección Real, la que a partir de este momento pasa a formar parte del restringido conjunto de pinturas autógrafas de Brueghel ‘el Viejo’–la mayoría firmadas- que se aceptaban hasta ahora como tales.

El hilo de la memoria

23/09/2010, La exposición El hilo de la memoria. España y los Estados Unidos muestra, por medio de documentos únicos, el importante legado que dejó la presencia española en los actuales estados norteamericanos que estuvieron bajo su soberanía.

Fueron 309 años que dejaron una huella decisiva en la arquitectura y la urbanización, la agricultura, la ganadería y el comercio, promoviendo la introducción de nuevas formas económicas y culturales y, sobre todo, promoviendo el español en el que están escritos los primeros documentos que hablan de estos territorios.

A través de los fondos del Archivo General de Indias, y más concretamente a través de las 138 obras que componen la exposición, "El hilo de la memoria" nos invita a adentrarnos en la historia y a descubrir el legado que dejó nuestro país en norteamérica.

Entre las obras presentadas en la muestra destaca el préstamo por parte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando del magnífico retrato de George Washington, obra del pintor veneciano Josef Perovani, que fue encargado directamente por el entonces representante de España en la nueva nación, Josef Jaúdenes, como regalo para Manuel Godoy.

La exposición se divide en diez secciones que comprenden los distintos episodios que transcurren entre el primer contacto en 1513 y la firma del Tratado Guadalupe-Hidalgo en 1848: la fisionomía de Norteamérica; tierras nuevas, viejos mitos; la conquista del espíritu: las misiones; la defensa de la frontera y el sistema de presidios (guarniciones militares); avances y retrocesos en el siglo XVII; el reparto de Norteamérica: Luisiana española; ciencia y política: el peligro ruso y las últimas expediciones de descubrimiento; surge un nuevo país: los Estados Unidos de América; y por último, la expansión de los Estados Unidos.

El hilo de la memoria. España y los Estados Unidos está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), el Ministerio de Cultura y The New Mexico History Museum, y cuenta con la colaboración de las Embajadas de España en EE.UU. y de EE.UU. en España y con el patrocinio de la Fundación Rafael del Pino.

Nieve en Finlandia

22/09/2010, En Finlandia, las estaciones de esquí sacan el mayor partido de los meses de frío y algunas mantienen abiertas sus instalaciones desde finales de octubre a junio.

Helsinki. Finalndia, septiembre de 2010

Turismo de Finlandia nos recuerda algunos centros de invierno del país.

Ruka, la temporada más larga de esquí

El 2009, las pistas de Ruka (Laponia finlandesa), fueron las primeras en abrir de toda Europa, el 13 de octubre. Aquí la temporada puede durar 200 días.

Posee 29 cuidadas pistas de distintos niveles, con áreas especiales para niños y principiantes. Los “snowboarders” tienen su punto de encuentro en el completo Battery Park, y el esquí de fondo también es excelente.

Levi, la parada boreal

Situada a 170 km al Norte del Círculo Polar Ártico, es la estación más famosa de Finlandia. Alberga cada año y desde 2004 una prueba del Mundial de Esquí, que en esta ocasión tiene lugar el 13 de noviembre.

La temporada de nieve se alarga desde mediados de octubre a junio, y tanto el esquí como el snowboard se complementa con actividades que prometen diversión para todas las edades: trineos de huskies, renos, safaris en moto de nieve, pesca en hielo, patinaje, paseos con raquetas,etc.

Ylläs, el centro de invierno más grande

No sólo es el más grande de Finlandia; también tiene las pistas más largas del país: la mayor mide 3.000 metros. De éstas 62 pistas, la mitad cuenta con iluminación artificial para que la jornada de esquí no acabe con el ocaso.

Una red de senderos de 300 km animan a probar el esquí de fondo, que nació precisamente en los países nórdicos como medio de desplazamiento y es considerado uno de los deportes más completos, porque se ejercitan casi todos los músculos importantes del cuerpo.

Tahko, la joya de los Lagos

Dispone de 23 pistas de esquí y 65 km de senderos de esquí de fondo. Esto, sumado a su céntrica situación y las buenas conexiones por aire y tierra, convierten a Tahko en un valor seguro en plena Región de los Lagos.

La imagen de paz que transmite la nieve y las inmensas superficies congeladas no tiene parangón. Puede uno descubrirlo con esquís, trineos, motos de nieve, a caballo o, incluso, al volante de un coche de rally, según Turismo de Finlandia.

Vuokatti: los viajes activos

Tanto en invierno como en verano, es un destino para el turismo al aire libre y activo. Uno de sus mayores atractivos es un túnel para practicar snowboard de 80 metros de largo y 20 de ancho que está abierto todo el año.

Su centro deportivo Vuokatti Sports Institute se distingue por la innovación y una oferta complementaria en salud y bienestar.

Messilä, un refugio cerca de la capital

Encaramado entre una cadena bosques y el lago Vesijärvi, cuesta creer que el idílico asentamiento de Messilä se encuentre sólo a una hora de Helsinki. Incluso en estas latitudes, la estación tiene nieve todo el invierno y, entre bajada y bajada, merece la pena visitar una mansión centenaria reconvertida en restaurante.

La oferta hotelera engloba hoteles, cabañas de madera con sauna privada, antiguos almacenes reconvertidos y un camping a orillas del lago.

Pyhä, escapada al corazón de Laponia

A 90 minutos del Círculo Polar Ártico, Pyhä combina el confort de los hoteles y centros de Spa con el grandioso número de aventuras que se pueden vivir en su entorno natural, que permanece intacto.

También se pueden visitar el Parque de Huskies y Renos, y la Mina de Amatista. Este noviembre inauguran nuevas instalaciones y un telesilla ultrarrápido para 6 personas, que permite llegar a la cima en sólo 4 minutos.

La temperatura media del mes más frío (enero) es de 15 grados bajo cero en Laponia, y de 3najo cero en el sur del país. No obstante, la sequedad del clima permite que incluso las temperaturas muy bajas no sean demasiado insoportables.

Pablo Sobisch

21/09/2010, Nueva exposición del pintor argentino, radicado en Madrid, Pablo Sobisch que esta vez indagando con las formas rígidas busca lo sensorial

Violeta Medina

Madrid, septiembre de 2010

“Geometría efímera” es el nombre de la nueva exposición del pintor Pablo Sobisch que abarca 4 óleos, 22 dibujos y la sutileza de unas formas y colores que hablan desde la emoción, desde la necesidad de olfatear lo geométrico, lo lineal, desde la intuición, desde la piel.

“Mi acercamiento arranca lejos de lo científico, de lo matemático. Esta geometría efímera es más un elemento humanístico, de extracción filosófica, de poesía”. Admite además Sobisch que es imposible no recordar la impronta de Mark Rothko con el que dice comparte objetivos parecidos, pero del cual se aleja en la composición, en la construcción del cuadro.

Este nuevo trabajo muestra un Sobisch irreconocible con sus líneas anteriores que pasaban del figurativo, cercano a veces al comic y tocando temas de incomunicación, a un abstracto de colores intensos. Este cambio lo explica porque en “la representación literaria, la figuración, llegue a estar incómodo, me sentí repitiendo discursos”. Y ahora dice que se siente en un mundo más político porque la igualdad, la justicia, el equilibrio en la forma son conceptos que parten de la geometría y aterrizan en lo humano, en lo social. “Y eso sí me interesa mucho”.

La exposición se puede ver en la Galería Marita Segovia (c/Lagasca, 7 en Madrid) durante todo este mes y hasta mediados de octubre.

Murakami en Versalles

17/09/2010, Se inaugura una polémica exposición en el Palacio de Versalles. El protagonista es el artista neo-pop Takashi Murakami, apodado el Andy Warhol japonés.

Francia, septiembre de 2010
La polémica está servida, pues para muchos, la moderna obra del artista, inspirada en el arte japonés tradicional, no debería de ser expuesta en este emblemático lugar. De hecho, « Versailles mon amour », colectivo formado por amantes del palacio, ha recogido firmas para evitar la inauguración de la muestra.

Aún así, Murakami se muestra satisfecho de la que en su opinión, ha sido su exposición más complicada de llevar a cabo, dada la dificultad que supone confrontar dos estilos artísticos tan diferentes entre sí.

« Para un japonés como yo, el Palacio de Versalles es uno de los símbolos más importantes de la historia occidental ». Comentaba el artista, que añadía que ha creado en Versalles un País de las Maravillas digno de la misma Alicia. Un viaje a lo onírico y lo irreal, de la mano de un Murakami que dice ser un guía disfrazado de gato de burlona sonrisa.

La exposición se podrá visitar hasta el próximo 12 de diciembre del 2010.

Más información en:
Chateau Versailles
EstiloyModa.com

Todo o nada. Mario Testino

14/09/2010, Por vez primera en España, en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, se podrá contemplar la obra del consagrado fotógrafo de moda peruano Mario Testino.

Madrid, septiembre de 2010
Llega a Madrid una muestra que sin duda atraerá por igual a los amantes de la fotografía y de la moda. Por vez primera en España, en el Museo Thyssen Bornemisza, se podrá contemplar la obra del consagrado fotógrafo peruano Mario Testino.

En Todo o nada se podrán ver 54 obras del fotógrafo, realizadas para revistas internacionales de la talla de Vogue, Vanity Fair, V Magazine, Allure o The Face. Pero además, la muestra nos sirve para ver una cara más personal e íntima de las celebridades que Testino ha fotografiado.

Gisele Bündchen, Kim Basinger, Naomi Campbell, Cameron Díaz, Elizabeth Hurley, Lindsay Lohan, Madonna, Kate Moss, Catherine Zeta-Jones, Lady Gaga... todas las mujeres que Testino capta con su objetivo tienen algo en común: son mujeres fuertes e independientes que se mueven en extremos completamente opuestos, de ahí el título de la exposición, todo o nada.

Testino comenzó su andadura en el mundo de la fotografía realizando books y portafolios para aspirantes a modelos, con el tiempo, el artista ha logrado alcanzar tal fama, que hoy en día se le considera uno, si no el mejor, de los mejores fotógrafos de moda. Sus trabajos y campañas publicitarias para las marcas de moda más selectas y las revistas internacionales más prestigiosas confirman este hecho.

Todo o nada. Mario Testino
Museo Thyssen Bornemisza
Del 21 de septiembre de 2010 al 9 de enero de 2011


Más información en:
EstiloyModa.com

La noche en blanco

09/09/2010, El sábado 11 de septiembre se celebra la 5ª edición de La noche en blanco, una oportunidad para disfrutar del madrid nocturno y visitar las actuales exposiciones del Prado o El Reina Sofía entre otros.

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MATADERO MADRID
El próximo sábado 11 de septiembre Matadero Madrid se suma a la cita de La noche en blanco abriendo sus puertas a más de una decena de actividades que tienen como protagonista el Juego, leitmotiv de la velada.

Una cita con la cultura que incluye diferentes actividades: instalaciones públicas pensadas para los más pequeños, documentales sobre cine o danza, y exposiciones como "Once upon a time Super Mario" o "La Gesta Imposible".

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera 14, Madrid
www.mataderomadrid.com


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MUSEO REINA SOFÍA
El Museo Reina Sofía celebra La Noche en Blanco ofreciendo el acceso gratuito a sus visitantes hasta las 00:00 horas de la madrugada. Además, el público podrá disfrutar de visitas guiadas a diversos espacios de la Colección y a la exposición "Nuevos Realismos: 1957-1962". Al amanecer del domingo 12 de septiembre, el Ayuntamiento de Madrid ofrecerá un desayuno ceremonial en el contexto de la exposición Miralda. De gustibus non disputandum en el Palacio de Velázquez del Retiro.

El público podrá complementar la visita con una agradable velada al aire libre. El jardín del Edificio Sabatini y las terrazas de Nouvel disponen de una barra de bar, para tomar una copa hasta las 00:00 horas. Además, también estará abierto el bar-restaurante de Nouvel hasta la misma hora.

MUSEO REINA SOFÍA
Calle de Santa Isabel 52, Madrid
www.museoreinasofia.es


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EL PRADO
El Museo Nacional del Prado abrirá de 20:30 a 01:00h y de manera extraordinaria y gratuita las nuevas salas dedicadas a Velázquez, inauguradas el pasado mes de junio como último avance del proyecto La Colección. La otra ampliación. Además, durante la noche del sábado 11 de septiembre, se podrán visitar de forma gratuita las salas de la primera planta dedicadas a Goya, Ribera, Murillo y la pintura italiana del siglo XVIII.

Una oportunidad de acercarse a Velázquez con una nueva mirada ya que, además de los cambios introducidos en la gran sala basilical, que continúa siendo presidida por Las meninas, pero que se dedica ahora en exclusiva a “El retrato real”, podrá contemplar la nueva presentación de Las hilanderas, situadas en una sala contigua con un montaje especial que restituye la obra a su tamaño original (ocultando el añadido posterior que desvirtuaba la composición dada a esta pintura por el propio Velázquez), así como la nueva instalación de La rendición de Breda (o Las lanzas) y otros cuadros del artista dedicados al tema de “La guerra”.

MUSEO NACIONAL DEL PRADO
Acceso por puerta de Goya alta


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BNE
La Biblioteca Nacional de España ofrecerá a los ciudadanos de Madrid el próximo sábado 11 de septiembre, con motivo de La Noche en Blanco, el espectáculo Poemas en danza, organizado en colaboración con el Conservatorio Superior de Danza “María de Ávila” y con la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Los pases serán a las 21:30, 22:30, 23:30, 00:30, 01:30 y 02:30.

Permanecerá abierto también el Museo de la Biblioteca. A través de sus salas el visitante podrá deleitarse con algunas de sus mejores piezas y con la muestra Del códice al libro electrónico. También se podrá contemplar el recién restaurado arcón de Carlos II y las piezas musicales de “Música para una calle: la Gran Vía”, que festejan el centenario de esta arteria madrileña a ritmo de zarzuela.

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Paseo de Recoletos, 20
bne.es/es/

Paradores mantiene buena ocupación

08/09/2010, En lo que va de año, la ocupación en la Red de Paradores de España se sitúa en el 60 por ciento, punto y medio más que en 2009

León/Madrid septiembre de 2010

Las ventas se han incrementado en cerca de 3 millones de euros respecto a 2009, y la previsión para el último cuatrimestre confirma la tendencia positiva: “Son datos que nos hacen estar moderadamente satisfechos pero que , sobre todo, nos llevan a ser optimistas de cara al futuro” afirmó en León el presidente de Paradores, Miguel Martínez.

El presidente de la cadena pública hotelera resumió los datos que la empresa ha obtenido durante este verano, en una rueda de prensa ofrecida en el Parador Hostal de San Marcos de León:

Las cifras de ocupación, restauración e ingresos que Paradores ha obtenido durante los meses de julio y agosto son “prácticamente idénticas” a las del verano de 2009, lo cual ha permitido a la cadena pública consolidar los buenos resultados con que había cerrado el primer semestre del año.

Desde el 1 de enero hasta el 31 de agosto “Paradores ha mejorado sus resultados de ocupación, restauración y facturación con respecto al mismo periodo de 2009 y ha crecido el número de clientes, especialmente el de extranjeros. Por ello el presidente de Paradores concluyó que “se trata de datos que nos hacen estar moderadamente satisfechos pero que, sobre todo, nos llevan a ser optimistas de cara al futuro”.

Datos del verano

La media de ocupación de los Paradores de Turismo durante julio y agosto se sitúo en el 77,5 por ciento. Un resultado casi idéntico al del mismo periodo de 2009 y que Miguel Martínez valoró como “positivo”. A ese dato hay que sumar otro indicador muy destacado: por primera vez desde que estalló la crisis económica, Paradores ha incrementado el precio medio de sus habitaciones en cerca de un punto y medio.

Este incremento ha permitido a la empresa pública hotelera aumentar sus ingresos, respecto al verano de 2009, en algo más de 130.000 euros.

Otro dato destacable es el incremento durante julio y agosto de clientes extranjeros en un porcentaje del 5 por ciento.

Balance global de los primeros 8 meses del año

Los datos de este verano han permitido a Paradores consolidar la tendencia positiva con que cerró el primer semestre del año. Desde el 1 de enero al 31 de agosto de 2010 la ocupación media supera ligeramente el 60 por ciento (60,12 por ciento), un punto y medio más que en el mismo periodo de 2009.

Eso se traduce en un incremento de 18.000 clientes, de los que 3.000 son españoles y 15.000 extranjeros, lo que supone un crecimiento del 6 por ciento en el número de viajeros llegados desde fuera de nuestras fronteras. Entre ellos, destaca el crecimiento de turistas japoneses en un 24 por ciento, estadounidenses en un 9 por ciento, británicos en un 7 por ciento y franceses un 4 por ciento.

En los restaurantes de Paradores la actividad también ha crecido considerablemente durante estos 8 primeros meses de 2010. En total se han servido 27.600 cubiertos más y 38.000 desayunos más que en 2009.

El precio medio, tanto de las habitaciones como de los cubiertos, experimenta un ligero crecimiento de medio punto porcentual. Ello ha permitido a Paradores incrementar su facturación en 3,1 millones de euros. Esta subida se distribuye casi al 50 por ciento entre la subida de ingresos por alojamiento y restauración.

En estos momentos, el 18,13 por ciento del total de reservas, las realizan los clientes directamente en la web de la empresa. Ese porcentaje se ha más que duplicado en sólo 20 meses. En enero de 2009 sólo 8 de cada 100 clientes realizaban sus reservas a través de la web.

El último dato que ofreció el presidente de Paradores fue el de previsión de reservas para el último cuatrimestre del año. Esa previsión prevé un incremento de ventas de 10.000 habitaciones más que en los últimos cuatro meses de 2009. “De confirmarse estas cifras pero, sobre todo, con la realidad con la que ya contamos en este inicio de septiembre, puedo decir que Paradores prevé cerrar este difícil ejercicio de 2010 con mejores datos de ocupación, restauración e ingresos que el pasado año” concluyó Martínez.

Guía De la Pintura Española del Románico al Renacimiento

08/09/2010, Tras la reciente ampliación y nueva presentación de esta parte de sus fondos, El Museo del Prado publica su primera guía de las colecciones de pintura española del Románico al Renacimiento.

Madrid, septiembre de 2010
El Museo del Prado publica una nueva guía de visita dedicada en exclusiva a la pintura española medieval y renacentista. El Museo intenta así facilitar al público un mejor conocimiento de las obras expuestas y de los nuevos criterios de ordenación y presentación de las mismas.

“Pintura española del Románico al Renacimiento” recoge 130 obras ilustradas con los comentarios de las conservadoras Pilar Silva, Jefe del Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte (1400-1600) y Pintura Española (1100-1500), y Leticia Ruiz, Jefe de Departamento del Área de Pintura Española, e incluye obras maestras como Santa Catalina de Fernando Yañez de la Almedina, La crucifixión de Juan de Flandes o las pinturas murales de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo.

Esta publicación constituye el segundo volumen de las guías de las colecciones de pintura del Museo del Prado, tras la edición de la guía dedicada a “El siglo XIX en el Prado”, y se suma a las primeras guías oficiales editadas por el Museo, como “La Guía del Prado” (publicada en ocho idiomas), la “Guía de Visita” y la guía “100 Obras Maestras”.

La guía está ya a disposición del público en las tiendas del Museo del Prado y en www.tiendaprado.com

José Villa en el IVAM

07/09/2010, La exposición reúne trece esculturas realizadas en acero de la reciente producción del escultor cubano procedentes de colecciones particulares y de la propia colección del artista.

Valencia, 07 de septiembre del 2010
Entre el minimalismo y la abstracción matérica, José Villa realiza esculturas sobrias y sencillas. Expresividad de formas, equilíbrio y un riguroso dominio de la técnica otorgan a la forma resultante un concepto geométrico muy personal.

En algunas de las obras del artista resaltan el carácter totémico y la verticalidad, lo que las convierte en piezas monumentales, aún y cuando sus dimensiones no lo sean, logrando una imagen inconfundible y siempre sorprendente.

La monumentalidad en la obra de Villa es más un concepto que una dimensión, pues piensa su producción como aspecto de la cotidianidad y acompañamiento de la vida diaria. Esta fuerza y conciencia de la belleza en su estado puro, y el carácter totémico de sus obras, se convierten así en la seña de identidad del artista.

Villa propone arte con verdadera vocación ambientalista. Sus monumentos urbanos, a veces de carácter conmemorativo o puramente ambiental, establecen un diálogo constante y activo con los diferentes espacios de la arquitectura, el contexto de la ciudad o los paisajes naturales donde se emplazan.

José Villa Soberón (Santiago de Cuba, 1950). Se formó como escultor, en la Escuela Nacional de Arte y superiores en la Academia de Artes Plásticas de Praga, Checoslovaquia. Ha recibido la Distinción por la Cultura Nacional, la Medalla Alejo Carpentier y la Medalla José María Heredia, de Santiago de Cuba.

Profesor de escultura en el Instituto Superior de Arte (ISA) desde 1976. Miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas desde 1982, y Vicepresidente desde 2008 del Consejo Asesor para el Desarrollo de la Escultura Monumentaria y Ambiental (CODEMA) y de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP). En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, Consejo Nacional de Artes Plásticas, La Habana.

Del 7 de septiembre al 24 de octubre del 2010
Martes a domingo de 10.00 h a 20.00 h
Teléfono de información: 96 391 05 96
IVAM

Por la campiña checa

02/09/2010, Disfrutar de unas vacaciones en plena naturaleza y del turismo rural es una forma diferente de descubrir la República Checa, lejos de los circuitos turísticos más explotados.

Praga, septiembre de 2010

Algunas de las alternativas de alojamiento son las casas de campo, pequeños hoteles, campings incluso mansiones de lujo.

Según Turismo Checo, en República Checa existen 100 establecimientos “verdes” que han recibido la certificación otorgada por el Centro Europeo de Agroturismo Ecológico (ECEAT), miembro de la organización ECEAT International, teniendo en cuenta la aportación de estas empresas al desarrollo sostenible.

Las principales regiones que ofertan este tipo de turismo rural son principalmente la de Sumava, cuyos paisajes son ideales para el senderismo y cicloturismo, otras partes de Bohemia del Sur y, más recientes, otras como Vysocina, Cesky raj o Valassko.

El canto de los pájaros, paseos a caballo y alimentos frescos y naturales, como quesos, leche y huevos recién recogidos, sustituyen a las exigencias de la vida diaria en las ciudades, renovando cuerpo y mente.

Los visitantes pueden colaborar en las fincas a la hora de alimentar a los animales o en la huerta, comprar productos ecológicos o aprender tareas tradicionales como el tratamiento de lana de oveja o el tejido de cestos de mimbre. Algunas de las bio-fincas que disponen de este tipo de actividades son Slunecná www.biofarma-slunecna.cz, Belina www.biofarmabelina.cz, Sasov www.biofarma.cz, Javorice Lhotka www.javorice.cz o la finca familiar Vojetice www.biofarmavojetice.cz.

En las inmediaciones de Praga se halla el barroco Hotel Adalbert www.hoteladalbert.cz, en el área del Monasterio de Brevnov y el primero de República Checa en recibir en 2006 la ecomarca; cerca de Ceský Krumlov está el Sporthotel Záton www.sporthotel-zaton.cz; y en Kvilda el hotel de montaña Šumava Inn www.sumavainn.cz.

Para unas vacaciones ecológicas en plena naturaleza y a buen mejor precio, una opción es el camping Autocamp Oasa www.campoasa.cz en Stankov, cerca de Trebon.

El hotel Chateau Mcely www.chateaumcely.com/en es una mansión reconstruida del siglo XVII, situada en el bosque de San Jorge a sólo una hora de viaje desde el centro de Praga. Se trata del primer hotel "verde" de cinco estrellas de la República Checa. Además, fue declarado en 2008 como el mejor hotel ecológico del mundo gracias al galardón mundial de World Travel Awards. Este año está de nuevo nominado.

No hay que perderse las terapias herbales de su famoso spa llamado Miel, Seda y Perlas, su experiencia gourmet a base de recetas secretas de la antigua aristocracia y los mágicos elixires que prepara su Club del Alquimista

La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca

31/08/2010, Aproximadamente 130 obras maestras de más de 80 artistas como Jan Vermeer, Rembrandt, Frans Hals, Peter Paul Rubens, los Brueghel o Jan van Goyen en el Museo Guggenheim de Bilbao.

El Museo Guggenheim Bilbao acoge en otoño una completa muestra de los fondos del Städel Museum de Frankfurt, fundado en 1816. Una magnífica selección de pinturas del siglo XVII, que ofrece al visitante una visión única de un período de gran importancia historiográfica y artística.

El Städel Museum de Frankfurt es una relevante institución que acoge una de las colecciones de pintura holandesa y flamenca del siglo XVII más importantes de Europa. Este estilo artístico ocupó un lugar prioritario en la formación de la colección de Johann Friedrich Städel (1728-1816), el origen de los fondos del museo que hoy lleva su nombre.

La exposición presenta aproximadamente 130 obras emblemáticas de los principales maestros de la Edad de Oro (Jan Vermeer, Rembrandt, Frans Hals, Peter Paul Rubens, los Brueghel, Jan van Goyen...), generando una interesante reflexión sobre cómo esta época de extraordinario interés historiográfico y artístico, promovió el desarrollo de nuevos géneros pictóricos y la redefinición de otros clásicos como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta o la pintura de historia.

Hans Peter Feldman

28/08/2010, El Museo Reina Sofía dedica una exposición antológica a Hans-Peter Feldman, uno de los artistas más representativos de la escena alemana de los años sesenta y setenta.

Durante años, Feldmann ha coleccionado, clasificado, recortado y pegado imágenes que componen su propio museo: fotos de aficionado, fotocopias, postales, juguetes... Y es que Feldmann elige entre las cosas que nos rodean y las expone a nuestra atención utilizando procedimientos muy sencillos.

Buscando en lo cotidiano una fuente de inspiración, el artista toma imágenes de objetos como herramientas, aviones, rodillas, o de hechos insignificantes, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana.

Hans Peter Feldman muestra un gran interés en las series de imágenes, en las agrupaciones, creando una especie de álbumes de fotos o de colecciones de souvenirs.

Su trabajo se podría agrupar en dos etapas, separadas por diez años de silencio. La primera fase de actividad artística se desarrolla entre 1968 y 1980, periodo en el que se dedica a coleccionar imágenes y objetos.

Su actitud crítica frente al mundo del arte y la cultura, le llevan en 1980 a abandonar el circuito artístico y a abrir una tienda de recuerdos, curiosidades, objetos de segunda mano y antigüedades en Düsseldorf, su ciudad natal.

Diez años después, Feldmann retoma su vocabulario habitual para cuestionar la iniquidad de las imágenes, de los valores culturales, y en general, de los sentimientos que se producen masivamente.

El Museo Reina Sofía muestra en esta exposición piezas seleccionadas de sus dos etapas, con influyentes series fotográficas de los años 70 como “Sunday Pictures”, “Time series”, “Car radios” o “Fotos from hotel windows”.

También se exhiben las imágenes y esculturas coloreadas de los años 80, su producción fotográfica de los años 90 y 2000 como “Bookshelves” o “100 years” y cuatro instalaciones, entre ellas, su conocida “Shadow Play”.

Nuevas ofertas del Guggenheim

20/08/2010, El Museo Guggenheim Bilbao presenta en otoño varias novedades de interés para sus visitantes.

Bilbao, agosto de 2010
La muestra "Haunted" recorre las diversas formas en que la fotografía se ha incorporado al arte desde los años sesenta, aunque muchas de las obras de esta muestra fueron creadas a partir de 2001.

Gran parte de la fotografía y el vídeo contemporáneos parecen embrujados por el pasado, por la historia del arte, por apariciones fantasmales que cobran vida en medios de reproducción, en performances en directo y en el mundo virtual. Empleando diversos recursos estilísticos, temas y tecnología desfasados, anticuados o casi extintos, este arte encarna el anhelo melancólico por un pasado irrecuperable.

La exposición –según fuentes del museo bilbaíno- plasma esta obsesión al analizar las múltiples maneras en las que la iconografía fotográfica se ha incorporado en el arte reciente a través de distintas formas de producción artística: fotografías individuales y series, instalaciones, esculturas y pinturas que incorporan elementos fotográficos, vídeo -tanto desde monitores como proyecciones-, cine, performances e instalaciones, que han sido concebidas especialmente para su exposición en Bilbao.

09 noviembre 2010 - 06 marzo 2011

Otra muestra que podrá contemplarse este otoño en el Museo Guggenheim es "La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum".

Fundado en 1816, el Städel Museum alberga una de las colecciones de pintura holandesa y flamenca del siglo XVII más importantes de Europa. Este estilo artístico ocupó un lugar prioritario en la formación de la colección de Johann Friedrich Städel (1728-1816), origen de los fondos del museo que hoy lleva su nombre.

La exposición del Guggenheim presenta obras emblemáticas de los principales maestros de la Edad de Oro, generando una interesante reflexión sobre cómo esta época de extraordinario interés historiográfico y artístico, promovió el desarrollo de nuevos géneros pictóricos y la redefinición de otros clásicos como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta o la pintura de historia.

La pieza El geógrafo, 1668-69, de Jan Vermeer van Delft, sirve como punto de partida de la muestra, en la que no faltarán trabajos de maestros como Rembrandt, Peter Paul Rubens, Dirk van Baburen o Frans Hals.

08 octubre 2010 - 13 febrero 2011

Museo de Israel

19/08/2010, El Museo de Israel en Jerusalén inauguró su campus renovado de 80.000 metros cuadrados, que presenta nuevas galerías, instalaciones de orientación y espacios públicos.

Jerusalén, agosto de 2010

El proyecto multianual de expansión y renovación está destinado a realzar la vivencia del visitante ante el Museo y su paisaje circundante, complementando la arquitectura y el diseño original del campus, según informa el Centro de Arte

Dirigido por James Carpenter Design Associates de Nueva York y Efrat-Kowalsky Architects de Tel Aviv, el proyecto incluye también la renovación y reconfiguración completa de las tres alas de colecciones del museo: Arqueología, Bellas Artes, y Arte y Vida Judía y la reinstalación de sus excepcionales Colecciones Enciclopédicas.

El Museo abre –desde el fin de julio- sus transformadas galerías con una serie de exhibiciones que presentan las nuevas adquisiciones y obras maestras de sus colecciones enciclopédicas, entre ellas Las Selecciones de los Artistas, una muestra especial en tres partes curada por los renombrados artistas Zvi Goldstein, Susan Hiller y Yinka Shonibare.

El campus exhibe también dos nuevas obras monumentales especialmente encargadas: Cuando aparece el arco iris, de Olafur Eliasson, y El mundo al revés, Jerusalén, de Anish Kapoor, que responden directamente al paisaje del Museo y a su nueva arquitectura.

Cuarenta y cinco años después de que el Museo de Israel abriera por vez primera su bellísimo Campus, se ha completado un proyecto de renovación

El Museo de Israel ha experimentado un crecimiento increíble desde 1965, año de la inauguración de su campus original, diseñado por Alfred Mansfeld y Dora Gad como una referencia modernista a las aldeas mediterráneas en las cimas de las colinas.

La impronta arquitectónica del museo se ha decuplicado desde su apertura, y sus colecciones han crecido significativamente a lo largo de su historia, particularmente en la década pasada. El nuevo proyecto, iniciado en junio de 2007, abarca 7.800 metros cuadrados de nuevas construcciones y 19.000 metros cuadrados de espacios renovados y expandidos para galería dentro de los 58.000 metros cuadrados cubiertos de arquitectura ya existentes en el museo.

Nueva arquitectura

Diseñado por James Carpenter Design Associates, Nueva York, para armonizar y afianzar el plan del campus original, la nueva arquitectura del proyecto ofrece al visitante una experiencia integral de arte y arqueología, paisaje y diseño arquitectónico. Con la conclusión del proyecto, los visitantes son acogidos ahora en el Museo a través de tres nuevos pabellones de ingreso, revestidos en vidrio, que albergan las boleterías, servicios de información, venta al público y un restaurante.

En consonancia con la geometría modernista de los edificios originales del museo, estos pabellones de vidrio cuentan con persianas de terracota destinadas a suavizar y difundir la intensa luz mediterránea y a alentar el diálogo entre el espacio exterior y el interior del campus.

Después de pasar por los pabellones de ingreso, los visitantes pueden ascender por el reconstruído Paseo Carter, o entrar por la recientemente construida ruta de acceso cubierta, situada directamente debajo del Paseo.. Ésta ruta, que conduce a los visitantes hasta el corazón del campus del Museo, es un hito del diseño de James Carpenter destinado a realzar la vivencia del visitante y aclarar la circulación por el campus. La ruta está flanqueada a un lado por una pared de vidrio translúcido con una caída de agua que corre junto a su borde superior, visible también arriba desde el Paseo Carter antes mencionado.

La ruta de acceso conduce a los visitantes hasta el nivel inferior del nuevo pabellón de tres niveles de ingreso a las galerías, que ofrece un acceso centralizado a las tres alas de colecciones y galerías de exhibiciones temporarias en el piso principal, al tiempo que también permite a los visitantes la llegada a la Plaza Crown en el piso superior. Al igual que las nuevas instalaciones de ingreso, el pabellón de entrada a las galerías es un edificio revestido de vidrio con persianas de terracota, que brinda un contrapunto visual a los edificios originales del museo, con fachadas revestidas de piedra.

Como parte integral del proyecto de la renovación del campus, el Museo ha reconfigurado y reinstalado todas las tres alas de sus galerías de colecciones: el Ala de Arqueología Samuel y Saidye Bronfman, el Ala de Bellas Artes Edmond y Lily Safra, y el Ala de Arte y Vida Judía Jack, Joseph, and Morton Mandel.

Una series de exhibiciones inaugurales, presentando la amplitud y profundidad de las colecciones enciclopédicas del Museo están a la vista en la nueva galería Harry and Bella Wexner para exhibiciones temporales y en las tres alas renovadas de colecciones del Museo.

Los puntos destacados incluyen:

Selecciones de los Artistas: Zvi Goldstein, Susan Hiller, Yinka Shonibare

Hasta enero de 2011, Galería Harry y Bella Wexner

Esta exhibición en tres partes está curada por los renombrados artistas Zvi Goldstein, Susan Hiller y Yinka Shonibare, cada uno de los cuales ofrece una mirada fresca a través de las pertenencias enciclopédicas del Museo y yuxtapone obras de sus tres alas de colecciones. Singular por su alcance y carácter, este proyecto exhibe obras maestras de las colecciones del Museo y presenta diálogos entre las colecciones y los propios artistas.

Quieto / En Movimiento

Hasta abril de 2011, Ala de Bellas Artes Edmond y Lily Safra

Explorando el uso del movimiento lento y meditativo en una variedad de medios, incluida la instalación, el vídeo y la fotografía, Quieto/En Movimiento extrae piezas de las amplias pertenencias del Museo de Arte Contemporáneo y presenta obras de artistas tales como Carlos Amorales, Olafur Eliasson, Mona Hatoum, Junya Ishigami y Bill Viola.

Una Donación Infrecuente: Colección de fotografías Noel y Harriette Levine

Hasta octubre de 2010, Ala de Bellas Artes Edmond y Lily Safra

La Colección de Fotografías Noel y Harriette Levine, considerada como una de las colecciones de fotografías más refinadas en manos privadas, fue donada al museo en 2008. Esta primera exhibición comprende 117 trabajos que abarcan más de 170 años y se presenta aquí en su primera exhibición pública.

Encargos específicos

El nuevo campus presenta también dos nuevas y monumentales obras encargadas específicamente: Cuando aparece el arco iris de Olafur Eliasson, un trabajo de 2,3 metros de ancho que consiste en 360 pinturas individuales, instalada al final de la ruta de acceso cubierta recientemente diseñada, y El Mundo al Revés, Jerusalén de Anish Kapoor, un escultura de cinco metros de alto de acero inoxidable pulido en la Plaza Crown, el punto exterior más elevado del campus. Éstas obras a gran escala responden directamente al paisaje del Museo y su nueva arquitectura, y continúan su larga tradición de colaboraciones específicas con artistas contemporáneos.

Los siete palacios celestes

18/08/2010, El libro de los siete palacios celestes (Sefer Hechaloth, 2002), del alemán Anselm Kiefer, expuesto actualmente en el CAC Málaga, viajará hasta Bilbao para ser la Obra Invitada del Museo de Bellas Artes, informa el centro malagueño.

Málaga, agosto de 2010

Con esta iniciativa, el CAC Málaga cede de forma temporal una de sus obras a través de un programa que el Museo de Bellas Artes de Bilbao puso en marcha en 2001 y en el que ya han participado una treinta de obras procedentes de otras instituciones.

El próximo 4 de octubre de 2011 el Museo de Bellas Artes de Bilbao presentará como Obra Invitada El libro de los siete palacios celestes obra que estará expuesta al público hasta el 8 de enero de 2012. La obra, de los fondos del CAC Málaga, forma parte actualmente de la colección permanente Apocalipsis.

Este trabajo de Kiefer destaca por sus dimensiones (381,6 de alto x 280,6 cm de ancho) y por estar inspirado en el misticismo judío, en la literatura cabalística que aborda la vida futura. También es una defensa de los libros como medio para alcanzar la libertad, ya que en la obra una escalera de libros que nos conduce hasta la Sabiduría.

Esta defensa permanente de la producción de libros le valió en 2008 el Premio de la Paz de la Asociación de Editores y Libreros Alemanes que desde 1950 reconoce a personalidades de las letras, las artes o las humanidades que hayan destacado por su compromiso por la paz y el entendimientos entre los pueblos. Anselm Kiefer ha sido el primer artista plástico en recibir este galardón.

La obra de Kiefer es compleja y tiene sus fuentes de inspiración en la mitología germánica y mesopotámica, la Cábala y la Biblia, la alquimia y la filosofía, la autobiografía, la historia reciente de su país y las civilizaciones del pasado. El artista se alza contra la amnesia histórica y cree en el poder del arte como medio para establecer un diálogo entre pasado y presente que sea un camino de reconciliación y de afirmación de la identidad cultural y personal.

Sus obras son solemnes, de grandes dimensiones que atraen no sólo por su contenido sino también por sus cualidades táctiles, por la violencia de su pincelada y por su opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales como plomo, alambre, paja, barro, ceniza o polvo.

Parador de Alcalá de Henares

18/08/2010, Un año después de su inauguración oficial, el Parador de Alcalá de Henares supera todas las expectativas de ocupación y restauración, según un balance de esta red estatal

Alcalá de Henares, Madrid. Agosto de 2010

El Parador de Alcalá de Henares abrió sus puertas al público en octubre de 2008, aunque la inauguración oficial no se produjo hasta el 23 de julio de 2009. Ese día se celebró un gran acto en el que participó el presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero, acompañado por la presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, y el presidente de Paradores, Miguel Martínez.

Desde aquellos primeros pasos que se dieron en octubre de 2008, el parador de Alcalá ha respondido a la pretensión de ser una apuesta por el avance, el servicio y la innovación de la cadena hotelera. Así lo demuestran las buenas cifras que está cosechando en ocupación y restauración, informa Paradores.

Este primer semestre de 2010 se ha cerrado con un notable incremento respecto al mismo periodo del pasado año. Concretamente la ocupación se ha situado en el 47,26%, un 4,29% más que en 2009. Igual de llamativo es el crecimiento en los cubiertos servidos, tanto en el restaurante del Parador como en la Hostería del Estudiante: en total, en los seis primeros meses del año, han sido 41.221 cubiertos, un 23,2% más que en el mismo periodo de 2009.

Parte de este éxito lo cosechan menús elaborados con productos de primera calidad y ofertas originales como el Arte Breve de Cocina, un menú degustación que aúna la historia culinaria de la región con las mejores técnicas de la cocina actual, que se puede degustar en el parador hasta finales de este año. Estos buenos datos han permitido mejorar las cifras de facturación en este semestre en un 38,65%.

Con 128 habitaciones, el Parador de Alcalá de Henares es el segundo más grande de la Red, sólo superado por el Hostal San Marcos de León, que cuenta con 232 habitaciones. Por las del hotel madrileño han pasado en lo que va de año cerca de 10.133 huéspedes, procedentes en su mayoría de ESpaña. Aunque también hay que destacar cerca de un 20% de clientes internacionales que se trasladan, en su mayoría, de Reino Unido, Francia y Alemania.

Además de un exterior espectacular y un interior cuidado al detalle, el parador de Alcalá cuenta entre sus atractivos con ser un edificio moderno y funcional. Con más de 1.000 metros cuadrados de salones (con 12 salas bañadas de luz natural y un salón paraninfo de 500 metros cuadrados) y 8.000 metros cuadrados de jardines, el edificio se ha convertido en un atractivo para la realización de reuniones de empresa, convenciones y todo tipo de eventos.

Desde su apertura han sido aproximadamente 18.000 personas de casi 700 empresas las que han elegido el parador madrileño como escenario para realizar sus encuentros. Igualmente, el establecimiento alcalaíno se ha convertido en sede de cumbres políticas nacionales e internacionales, entre las que destacan las tres conferencias de ministros que se han celebrado bajo la presidencia española de la Unión Europea.

Sus salones también han sido el lugar elegido por más de 100 parejas para celebrar su boda. Más de 1.100 invitados han asistido a ellas.

Ubicado en el Colegio de Dominicos de Santo Tomás de los Ángeles, se trata de uno de los colegios históricos de la Universidad Cisneriana complutense. Fundado en 1529 por el deán de la Catedral de Toledo, Don Carlos de Mendoza, fue un inmueble de alto valor arquitectónico construido en ladrillo visto sobre zócalo de sillería de piedra.

En 1836 fue desamortizado y transformado en prisión y taller penitenciario, con zonas destinadas a imprenta, telares y carpintería.

Nuevos datos sobre Marialba

15/08/2010, La basílica paleocristiana de Marialba se elaboró en parte con material constructivo procedente de un asentamiento militar romano en las inmediaciones, de entre los siglos I y III d.C.

León, agosto de 2010

La Fundación del Patrimonio Histórico tiene ya un informe arqueológico sobre la excavación en la basílica paleocristiana de Marialba de la Ribera, que aporta una gran cantidad de datos, que dan cuenta sobre los sondeos practicados en un superficie cercana a los 2.000 m2, con más de 5.800 registros específicos que describen todas las acciones en el yacimiento a lo largo del tiempo; los 237 enterramientos que han salido a la luz, con restos de 282 individuos; los más de 3.400 fragmentos de cerámica y cerca de 2.500 fragmentos no cerámicos (metal, vidrio, azabache, monedas, decoración, ladrillos, tejas, piedras y fauna) que han aparecido, y se han estudiado e inventariado.

Los restos del edificio, ubicado al sur de la ciudad de León, se han consolidado para evitar su deterioro y han quedado protegidos, al concluir la excavación.

La investigación pone de manifiesto que el edificio se construyó sobre un lugar sin ningún tipo de construcción o asentamiento previo y aislado, es decir que la basílica no formó parte de otro complejo, como una villa romana, tal como indicaban algunas hipótesis.

Los hallazgos arqueológicos actuales acrecientan el carácter monumental del edificio, como una construcción muy ambiciosa, exenta, muy visible a una gran distancia y próxima a la vía romana que salía de Legio hacia Lancia y la meseta.

La basílica se dotó con unos cimientos de una potencia inusual, de 2 metros de ancho, que sólo tiene parangón en las grandes obras públicas del Alto Imperio. Obras similares sólo se encuentran en murallas tardías, de finales del siglo III o inicios del siglo IV, en León, Astorga y otras ciudades del noroeste.

De hecho, se han detectado indicios de paradas en la obra, por motivos desconocidos, la primera de ellas, tras la construcción de los cimientos.

El aspecto más novedoso de esta investigación es el estudio de la secuencia histórica de ocupaciones en un gran yacimiento arqueológico que revela una extensión mucho mayor de la supuesta hasta hoy, llegando hasta 750 o 1.000 metros hacia el norte del templo, según confirman también los vecinos de la zona al colocar sobre un mapa los hallazgos casuales de las últimas décadas.

En la zona excavada en esta campaña, los restos más antiguos corresponden al siglo IV y los más recientes al siglo XIII.

Las investigaciones apuntan un uso religioso y funerario del edificio desde sus primeros momentos, dado que las primeras evidencias claras en la excavación de los estratos son dos sepulturas tardorromanas al suroeste de la basílica. Se trata de dos tumbas de tipología singular, una de ellas cubierta por un tejadillo de teja de doble vertiente, poco común. Estos dos enterramientos alumbran la posibilidad de una nueva área de cementerio de esta época aún por explorar. En adelante, las sepulturas se van sucediendo, desde la época visigoda hasta la Baja Edad Media, con tipologías diversas que evolucionan de acuerdo con su cronología.

En cuanto a las áreas habitadas, la excavación ha dado con restos, no documentados en excavaciones previas, que indican que la zona aledaña a la basílica pudo estar habitada y cultivada desde la Alta Edad Media, bien como explotación agrícola bien como parte de una comunidad religiosa ligada a la basílica.

Se han descubierto muros que pudieron formar parte de un asentamiento agrario anexo al templo, un pozo con brocal e, incluso un horno, quizá de uso metalúrgico dentro de lo que fue la basílica.

Los arqueólogos piensan que, en torno al siglo XIII, comienza a desmantelarse el complejo religioso, dado que han hallado materiales procedentes de la construcción en enterramientos de esta época, lo que indica que para entonces, al menos una parte de la basílica estaría arruinada, al igual que la instalación de ese pequeño horno en su interior.

Cabe destacar, además, un buen número de hoyos, entre los que los investigadores distinguen dos tipos: los profundos, destinados al abastecimiento de agua para la población, y los más superficiales, que pudieron servir para almacenar alimentos.

En Marialba de la Ribera se reutilizaron piezas de construcción procedentes de algún asentamiento militar romano próximo, de entre los siglos I y III, aunque no pueden precisar su ubicación exacta. Los arqueólogos llegan a esta conclusión tras identificar fragmentos de tejas con sellos incompletos de la Legio VII.

Los ladrillos hallados en Marialba siguen los patrones de medidas romanas y también cabe intuir la existencia de un taller cercano, dado que en muchos de ellos se repiten las mismas inscripciones con trazos, aspas y letras.

Resulta significativo el hallazgo de más de 400 cuentas de vidrio enhebradas en collares en siete tumbas, todas ellas medievales y de niños. Esto podría revelar una costumbre funeraria, dado que los enterramientos medievales de adultos suelen estar limpios de adornos.

La excavación del yacimiento ha permitido mejorar el conocimiento de este edificio que arranca en época tardorromana y reveló información valiosa sobre el tránsito a la Edad Media. Este estudio se ha realizado con la colaboración del Ministerio de Fomento, a través del 1% destinado a proyectos culturales.

Los sábados del Reina Sofía

11/08/2010, Durante todos los sábados de los meses de agosto y septiembre hasta las 23:00 horas, el Reina Sofía abrirá sus puertas para aquellos visitantes que quieran disfrutar de las exposiciones temporales del museo madrileño.

Madrid, agosto de 2010
El Museo Reina Sofía invita al visitante a disfrutar en horario nocturno de las exposiciones más importantes de la temporada durante los sábados de agosto y septiembre. Con este nuevo horario de verano, el público podrá, no sólo ver las exposiciones temporales de manera gratuita, sino también disfrutar de una agradable velada en sus terrazas. Además podrá terminar la noche tomando una copa en el jardín de Sabatini (hasta las 23:00 horas) o en el bar–restaurante de Nouvel hasta la medianoche.

Con esta nueva iniciativa, se amplía el horario gratuito del Museo (de lunes a viernes de 19:00 a 21:00 horas y los fines de semana, a partir de las 14:30 horas del sábado y de las 10:00 horas del domingo) viéndose incrementado los sábados de 21:00 a 23:00h con la posibilidad de disfrutar de la noche madrileña en las terrazas, en el jardín o en la cafetería del Museo.

LAS MUESTRAS
“Principio Potosí”, una de las revelaciones de la temporada, resulta una propuesta expositiva nada convencional por su montaje rompedor y novedoso. La exposición reúne ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas de diferentes países a los que se ha invitado para encontrar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo.

“Manhattan, uso mixto” es una ocasión única para que el visitante se adentre en la ciudad de Nueva York, desde los años setenta hasta la actualidad. 400 fotografías componen esta exposición que se podrá visitar en el Museo hasta finales de septiembre.

Robert Rauschenberg, Yves Klein, Allan Kaprow, Martial Raysse, Christo, Piero Manzoni, Jean Tinguely y Andy Warhol, entre otros, son los protagonistas de la exposición "Nuevos Realismos: 1957-1962. Estrategias del objeto, entre readymade y espectáculo", que se podrá ver hasta el 4 de octubre. La muestra es de gran envergadura, ya que reúne un gran número de artistas de renombre para la ocasión y además, pone de manifiesto la importancia y el papel catalizador que jugaron todos ellos en un periodo muy concreto de la historia del arte en la década de los sesenta.

"Desvíos de la deriva: Experiencias, travesías y morfologías", investiga, a través de diferentes propuestas brasileñas y chilenas, algunos proyectos arquitectónicos que fueron ideados para ciudades latinoamericanas que permanecieron al margen de la narrativa oficial del llamado Primer Mundo.

Os presentamos el elegante Hotel Niwa Tokyo

10/08/2010, Una buena elección para descansar en la capital nipona por su buen servicio, elegancia y óptima ubicación.

El elegante Hotel Niwa está ubicado en pleno corazón de Tokyo, capital de Japón y goza de una excelente ubicación al norte de la zona de Chiyoda, a pocos pasos de la estación de tren Suidobashi (Japan Railways y metro) y del conocido barrio Bunkyo y su famosa Tokyo Dome, el parque de atracciones y su parque acuático LaQua.

A tan sólo 10 minutos tenemos el Palacio Imperial con sus extensos jardines, el Castillo de Edo, Yasukuni Shrine y Nippon Budokan gracias al excelente servicio de transportes públicos japoneses.

Sus habitaciones están climatizadas y decoradas con materiales nobles y refinados, disponen de televisión parabólica y televisión bajo pago, conexión a Internet libre acceso, caja de seguridad, preparador de té/café, plancha y secador.

Además cuenta con dos restaurantes, uno francés que nos invita a saborear una cocina regional hecha a base de hierbas perfumadas, su aceite de oliva y abundantes legumbres, sin olvidar los deliciosos asados de carne y mariscos, y el otro japonés especializado en la cocina kaiseki, así como una sala de fitness, un espacio para el relax y un hermoso jardín típicamente japonés.

Su copioso desayuno buffet está compuesto de especialidades europeas, americanas y japonesas, para comenzar con energía cada nueva jornada.

EL Hotel Niwa Tokyo es una excelente elección para hospedarnos en la capital del país del sol naciente.

Para más información puedes entrar aqui: Hotel Niwa Tokyo

El Palacio de Velázquez reabre sus puertas

07/08/2010, Tras 5 años de restauración, el Palacio de Velázquez, situado en el Parque de El Retiro de Madrid, vuelve a abrir sus puertas para que el público que se acerque tenga la oportunidad de contemplar, de manera gratuita, sus exposiciones.

Madrid, 07 de agosto del 2010
Dado el mal estado general en que se encontraba el edificio, han sido necesarios cinco años de obras y un proyecto de ejecución de conservación y restauración. Substitución de cubiertas; cambio del solado del Palacio; ampliación del sótano para ubicar nuevos cuartos de instalaciones, revisión y actualización de todas las instalaciones existentes de climatización, iluminación, fontanería, saneamiento, protección contra incendios y seguridad han sido algunas de las tareas que se han realizado durante estos años.

El Palacio de Velázquez fue construido en 1883 por el arquitecto Ricardo Velázquez Bosco, por encargo del Ministerio de Fomento, para ubicar el pabellón principal de la Exposición Internacional de la Minería, Artes Metalúrgicas, Cerámica, Cristalería y Aguas Minerales. Fue realizado siguiendo las líneas maestras de la arquitectura de hierro y cristal tan de moda en Europa a raíz de la exposición Universal de Londres de 1851.

El Palacio tiene planta rectangular con cuatro torreones en las esquinas y una nave central transversal terminada en una amplia bóveda de medio cañón de mucha altura. La planta es de gran amplitud y luminosidad y cuenta con claraboyas y ventanales en las bóvedas. La fachada está realizada en ladrillo de dos colores y en ella destacan los elementos decorativos en relieve y, sobre todo, en cerámica, realizada por Daniel Zuloaga.

Desde su construcción el edificio ha albergado importantes muestras: Anish Kapoor, Martín Chirino, José Manuel Broto, Juan Muñoz, Cindy Sherman, José María Sicilia, Cristina Iglesias, Andreas Gursky, Nan Goldin, Kuitca, Juan Uslé, Axel Hítte o Julian Schnabel, son algunos de los artistas cuya obra se ha exhibido en el Palacio de Velázquez desde finales de los ochenta.

Ahora, y hasta el 11 de octubre el público podrá visitar la primera gran retrospectiva de Antoni Miralda (Tarrasa, Barcelona, 1942). La exposición “Miralda. De gustibus non disputandum” propone un recorrido por su amplia trayectoria partiendo de un contexto histórico y artístico global, desde sus primeras obras y ceremoniales públicos realizados en París en la década de los sesenta, hasta las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon (1986-1992), para llegar al FoodCulturaMuseum (2000-2010), su proyecto más reciente. La muestra se compone de instalaciones, montajes fotográficos, proyecciones de películas, esculturas/monumentos, objetos y dibujos preparatorios.

En otoño abrirá sus puertas una exposición dedicada al fotógrafo Mylayne y en mayo de 2011 el Palacio acogerá la obra del pintor Leon Golub.

Ibon Aranberri. Gramática de meseta

30/07/2010, Ibon Aranberri utiliza en sus trabajos referencias de carácter histórico o artístico con las que trata de llamar la atención del espectador para inducirle a la reflexión.

Santo Domingo de Silos, Burgos, 30 de julio de 2010
La exposición "Gramática de meseta" de Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Guipúzcoa, 1969) surge de la fenomenología compleja asociada a la destrucción del patrimonio por efecto de megaproyectos, y la recuperación puntual y descontextualizada de dichas ruinas para usos simbólicos.

El itinerario se concentra en una secuencia de 50 diapositivas de formato mediano obtenidas por el autor en los archivos de empresas que protagonizaron la construcción de infraestructuras públicas: autopistas, embalses, estaciones de esquí... intercaladas con otras de nueva factura obtenidas en esos mismos escenarios.

Junto a la proyección se despliegan una serie de fotografías en papel que desvelan leves trazos de los materiales reubicados o de los lugares donde éstos se produjeron. Encontramos también planos y dibujos que esclarecen las técnicas de desmontaje y montaje.

Gramática de meseta propone una inversión entre lo documental y lo formalista, o una disolución de la narratividad como efecto de esa inversión. El documento pierde parte de su capacidad literal y la repetición modular es la que compone la partitura abstracta de forma que no es posible distinguir entre figura y fondo, entre documento y escultura.

Ibon Aranberri se licenció en Bellas Artes en 1994 por la Universidad del País Vasco, Bilbao. Asistió a mediados de los 90, a los talleres de Arteleku en San Sebastián. Amplía sus estudios en CCAKitakyushu, Japón y, en 2000, colabora con el proyecto Consonni, Bilbao. Participó en la Manifesta 4 de Frankfurt 2002.

Entre sus últimas exposiciones destacan On working with (Ir.T.nº 513), Iaspis project room, Estocolmo, 2006 y su participación en Documenta 12, Kassel 2007, año en el que expuso Integration en la Kunsthalle Basel, Basilea, 2007; Disorder, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2008; y la 16th Biennale of Sidney, 2008. Actualmente prepara una exposición individual en la Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, 2011.

FECHAS: Hasta el 14 de noviembre de 2010
LUGAR: Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos)

Calvé gana el “Good Egg Award 2009”

19/07/2010, Esta ONG británica ha otorgado dicho premio internacional a la conocida marca de mahonesa Calvé por la utilización de huevos de gallinas camperas

Y es que los huevos de gallinas camperas son uno de los secretos de la Mahonesa para conseguir el auténtico sabor Calvé. Las mismas son criadas en un hábitat natural con acceso al aire libre, por lo que viven a su aire; pasean, comen cuando quieren, descansan…y viven en buenas condiciones.

Gracias a esta iniciativa, en 2009 la marca recibió el premio internacional "Good Egg Award 2009", y es que este es un premio otorgado por la ONG británica "Compassion in World Farming" que busca la protección y mejor calidad de los animales de granja.

La organización decidió otorgarle a Calvé por tomar la iniciativa y elaborar su mahonesa única y exclusivamente con huevos de gallina camperas.

Cabe destacar además, que Calvé tiene otros secretos en el resto de la gama. Por ejemplo, el Ketchup está elaborado con tomates de la huerta y no contiene ni conservantes ni colorantes. Las salsas para ensalada, están elaboradas con ingredientes cuidadosamente seleccionados y tampoco contiene ni conservantes ni colorantes.

Y es que Calvé tiene el compromiso de ofrecerte productos auténticos y deliciosos, que seguro te van a dejar con la boca abierta.

Puedes encontrar más información en www.calve.es

Memoria de los moriscos

13/07/2010, La BNE acoge esta exposición en el marco del programa de actividades que conmemora el IV Centenario de la expulsión de los moriscos por Felipe III.

Madrid, julio de 2010
La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Biblioteca Nacional de España, organizan la exposición "Memoria de los moriscos. Escritos y relatos de una diáspora cultural", Una muestra que une los testimonios escritos y gráficos que los últimos musulmanes españoles dejaron escondidos en sus casas tras abandonar España o que fueron secuestrados por la Inquisición.

La exposición, que se enmarca dentro del programa de actividades para recordar el IV Centenario de la expulsión de los moriscos por Felipe III, se podrá visitar en la Biblioteca Nacional de España, hasta el próximo 26 de septiembre.

La muestra reúne por primera vez los manuscritos más importantes en escritura aljamiada, exhibe la belleza de las ilustraciones que los adornan y ofrece los principales testimonios de esta tradición escondida: desde comentarios del Corán hasta leyes musulmanas de la vida cotidiana pasando por recetas para curar el dolor de cabeza, conjuros para enamorar, fábulas de princesas con manos cortadas o la expulsión del paraíso del “Discurso de la Luz” del poeta Mohamed Rabadán.

La mayoría de los libros moriscos aparecieron al derribar casas antiguas en el Valle del Jalón, en Aragón, envueltos en paños de lino y con piedras de sal, y ocultos entre los muros por los moriscos cuando se vieron forzados a marcharse de allí en 1610. Parecían escritos en árabe, pero no era árabe, y cuando los primeros arabistas se enfrentaron con ellos pensaron que estaban escritos en turco o en alguna lengua africana. Sólo mucho más tarde descubrieron que, en realidad, estaban en lengua castellana, pero escritos con las letras árabes que transcriben el sonido de las palabras españolas. Es lo que se llama “escritura aljamiada”, del árabe “aljamí”, “extranjero”. El español se suma así a las otras lenguas que se han escrito en letras árabes y en letras latinas en diferentes momentos de su historia, como es el caso del turco.

Memoria de los moriscos. Escritos y relatos de una diáspora cultural
Hasta el 26 de septiembre de 2010.
Martes a sábado de 10:00 a 21:00 h., domingos de 10:00 a 14:00 h.
Entrada libre (último pase 30 minutos antes del cierre).
Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España.

Tarde de terrazas en Viena

13/07/2010, Cuando brilla el sol, los vieneses y los visitantes de la ciudad se sientan en las terrazas (llamadas “Shanigarten”), para disfrutar de un rato de relax.

Viena, julio del 2010
El "Schanigarten" se convierte con la llegada del verano en un verdadero oasis de placer, en el que pasar un rato agradable con buena compañía. Estas terrazas, se suelen encontrar en plazas, zonas peatonales o en aceras, siempre y cuando éstas sean lo suficientemente amplias. Y siempre están junto al propio local.

Del 1 de marzo al 15 de noviembre, cuando comienza a hacer buen tiempo, se abren alrededor de 1.800 terrazas de este tipo en toda Viena. En lugar del cerco de un jardín, se marca el perímetro de la terraza con macetas de flores, mientras que algunas sombrillas protegen del sol.

Estas terrazas ofrecen la oportunidad de disfrutar de un rato de descanso, y de relajarse viendo pasar a la gente y dejándose ver. Quien pasa por allí cae fácilmente en la tentación de tomar asiento, mientras que el que está sentado se deleita observando a los transeúntes.

La primera terraza "Schanigarten" fue abierta por Johann Jakob Taroni en la calle Graben en el centro de la ciudad de Viena en 1754. Era un kiosco donde se vendía limonada al aire libre. Fue el pionero del Shanigarten, por lo que bien merece un brindis en su honor. Salud!!!

FEVE nos lleva a la Montaña Leonesa

04/07/2010, Los paisajes atractivos y rotundos de la Cordillera Cantábrica, en su vertiente sur, están al alcance de todo tipo de viajeros, merced a una iniciativa de FEVE.

León, julio de 2010

Desde el inicio de julio al 11 de septiembre, se recorrerá el llamado “Itinerario de la Montaña Leonesa” que realizará el Tren Costa Verde todos los sábados

El “Itinerario de la Montaña Leonesa”, con salida y llegada a la ciudad de León, ofrece una incursión en la extraordinariamente bella montaña leonesa con toda su riqueza natural y paisajística.

El viaje comprende visitas a las imponentes Hoces de Vegacervera, a las impresionantes Cuevas de Valporquero, a las legendarias explotaciones mineras de Vegamediana en las orillas del río Esla, y a las ciudades de Sabero, con su revelador Museo de la Minería y Siderurgia, y de Cistierna, con su evocador Museo del Ferroviario.

El apartado gastronómico, como no podía ser de otra forma, incluye, además de la gastronomía local, la degustación de los exquisitos embutidos leoneses en una de sus artesanales fábricas.

El precio de la excursión sobre raíles es de 54 euros por persona, 27 euros los menores de 14 años, e incluye el viaje en tren, los traslados en autocar, las visitas guiadas, la comida basada en la gastronomía típica, y la asistencia permanente del personal de Feve.

El “Itinerario de la Montaña Leonesa” se realiza a bordo del “Tren Costa Verde”, un precioso tren de época especialmente acondicionado para el turismo compuesto por cinco vehículos con capacidad para 290 personas, y que cuenta con servicio de cafetería y barra de bar, mesas entre los asientos, climatización, hilo musical, etc.

Programa de viaje del “Itinerario de la Montaña Leonesa”.

· A las 9:05 horas, salida del Tren Turístico de la estación de Feve de León.

· Desde Matallana, desplazamiento en autocar a Vegacervera, atravesando las Hoces que el río Torío excavó en la roca caliza.

· Visita a las Cuevas de Valporquero, donde la naturaleza nos mostrará las maravillas del paso del tiempo en sus impresionantes conjuntos de estalactitas y estalagmitas.

· Visita a una fábrica de elaboración artesanal de embutidos en Vegacervera.

· Regreso al tren y desplazamiento en el mismo hasta la moderna villa de Cistierna, donde se almorzará a base de gastronomía típica leonesa en un restaurante de la zona.

· Tras la comida, siguiendo la ribera del río Esla y contemplando la vista panorámica de las antiguas instalaciones mineras de Vegamediana, llegada a Sabero donde se visitará el Museo de la Minería y la Siderurgia.

· La última parada se realiza en Cistierna, cuna ferroviaria, donde se visita el evocador Museo al Ferroviario.

· A las 19:30 hs. comienza el viaje de vuelta en la estación de Cistierna llegando a León en torno a las 21:05 hs.

El CAC de Málaga en verano

04/07/2010, Para los visitantes de la Costa del Sol, Málaga ofrece buenas alternativas de arte, entre ellas el Museo Picasso y el CAC de Málaga

Málaga, julio de 2010

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) Málaga tiene un horario del 26 de junio y hasta el 10 de septiembre de 10h a 14h y de 17h a 21h. Los lunes cierra..

EXPOSICIONES:

-- VICTORIA CIVERA. Atando el cielo. 28 de mayo al 29 de agosto de 2010

Atando el cielo es un recorrido por la trayectoria pictórica de la última década de Victoria Civera y en la que se incluyen obras nunca expuestas hasta el momento. Una selección de pinturas realizadas en distintos formatos y con materiales diversos.

Las creaciones de Victoria Civera abren su particular espacio femenino en el mundo del arte para expresar la condición de la mujer y su realidad. Trabajos que oscilan entre la abstracción y la figuración y en los que vuelca sus sentimientos, emociones y experiencias vitales, confiriéndoles gran expresividad y una fuerte tensión emocional.

-- GAVIN TURK. 25 de junio al 12 de septiembre de 2010

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta En Face, la primera exposición individual de Gavin Turk en España. Un conjunto de 72 bustos realizados en arcilla y que son el resultado de una performance interactiva en la que un grupo de personas manipularon el material aún húmedo hasta transformarlo en un surrealista “cadáver exquisito”.

Una instalación que pone de manifiesto el interés de este británico por cuestionar el papel del artista contemporáneo, del arte en general y de sus espectadores.

-- APOCALIPSIS.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga renueva por quinta vez su colección permanente. Apocalipsis es un reflejo de la sociedad, una sociedad que a lo largo de su historia se ha visto invadida por sentimientos encontrados que van desde la desesperanza, la desolación de la guerra, la muerte o la destrucción, a la incertidumbre, la soledad y la inquietud. Artistas consagrados y de proximidad conforman esta nueva muestra del CAC Málaga, una declaración de intenciones que manifiesta el eterno compromiso del mundo del arte contemporáneo con los problemas sociales y políticos más graves. Una mirada del caos como sinónimo de crisis.

La muerte y las reacciones que ésta provoca, los horrores de la guerra, la pobreza y el poder económico, la violencia de género o el terrorismo, son los ejes fundamentales sobre los que gira Apocalipsis, en clara alusión a los sentimientos y emociones que suscitan en los artistas determinados momentos históricos del último siglo. Frente al olvido y la volatilidad del tiempo, el compromiso y la implicación del mundo de la creación.

En definitiva, el CAC Málaga exhibe con Apocalipsis la implicación de los artistas contemporáneos en los problemas más dramáticos e inquietudes que invaden la sociedad de nuestros días, a través de una amplia representación de fórmulas que pasan por la escultura, la pintura, la instalación, el video y especialmente la fotografía.

-- Pasión. Colección Carmen Riera.

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, nos ofrece una visión muy representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días. Un recorrido desde al arte pop al conceptual, que nos permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo.

ACTIVIDADES PEDAGÓGICAS:

--TALLER DE VERANO: El taller comienzó el martes 29 de junio y tiene como objetivo acercar a los niños de entre cinco y doce años los movimientos artísticos más actuales de una forma amena y divertida.

El taller está dedicado a los menores de entre cinco y doce años con el fin de que conozcan y se familiaricen con las diversas formas de creación presentes en el arte contemporáneo.

Para ello, está prevista su asistencia durante una semana de verano a la sala de exposiciones y los talleres del CAC Málaga, donde realizarán actividades bajo las directrices del Departamento Pedagógico del Centro.

El taller se desarrollará de martes a viernes en horario de 11.00 a 12.30 horas durante los meses de junio, julio y agosto, excepto la semana de feria, que quedará interrumpido. Se realizará un único turno, con capacidad de 30 niños. El taller se desarrollará en dos espacios diferentes: en primer lugar los niños visitarán las salas de exposiciones, en donde realizarán juegos y talleres guiados por el Departamento Pedagógico. A continuación pasarán a la zona de los talleres, donde los participantes realizarán su propia obra de arte.

-- PROGRAMA DE VISITAS GUIADAS CONCERTADAS:

Dirigido a todo tipo de colectivos, asociaciones y grupos que estén interesados en profundizar en el arte contemporáneo. Estas visitas son gratuitas y están adecuadas a las características de los participantes. Estas actividades podrán ser concertadas por los grupos interesados al Departamento de Actividades Pedagógicas.

Brujas Central | Festival urbano 2010

04/07/2010, Cada cinco años, la ciudad de Brujas realiza un gran festival cultural: En 2010 se trata de Brujas Central.

Brujas, julio 2010

Cada cinco años, la ciudad de Brujas realiza un gran festival cultural: En 2010 se trata de Brujas Central.

La ciudad será invadida por personas creativas nacionales y artistas provenientes de Europa central: Alemania, Polonia, Estonia, Letonia, Lituania, Eslovenia, República Checa, Croacia, Eslovaquia,Rumania, Serbia, ...

Durante cuatro meses, el festival Brujas Central le va a ofrecer conciertos, eventos, películas, representaciones escénicas y exposiciones. El programa es variado e intenso. Combina Oriente y Occidente, el presente y el pasado, la confrontación y la armonía.

Los puntos principales de este evento de gran renombre son el recorrido artístico contemporáneo ‘Luc Tuymans: Una visión de Centroeuropa’, y la exposición de arte histórico ‘Van Eyck a Durero’.

Del 22 del octubre al 23 de enero de 2011: Luc Tuymans: Una visión de Centroeuropa.

Luc Tuymans es uno de los principales artistas contemporáneos de su generación. Su fascinación por la agitada historia de Europa central se traduce en una peculiar exposición. Una treintena de prestigiosos artistas de esa región, presentan sus obras con una visión bastante clara sobre la sociedad. Al igual que Tuymans no evitan temas tales como guerra, violencia y traumas.

Uno de los puntos de enfoque es la película de animación, un género artístico que tiene mucho arraigo en Europa central, y que se adentra cada vez más en el mundo del arte. Aquí se podrán observar obras de artistas de la animación de esta región de renombre internacional.

Antes de esta exposición, se podrá apreciar flotando sobre la ciudad de Brujas la llamativa obra ‘Balloon’ de Pawel Althamer.

La exposición se realiza en puntos diferentes

Acceso

Forum+ [Concertgebouw], ‘t Zand 34, 8000 BruggeArentshuis, Dijver 16, 8000 Brugge

Memling in Sint-Jan - Hospitaalmuseum, Mariastraat 38, 8000 Brugge

Stadshallen, Markt 7, 8000 Brugge

Grootseminarie, Potterierei 72, 8000 Brugge

Abierto

09:30 - 18:00

Cerrado

Lunes

Todas las instalaciones, salvo la Arentshuis son accesibles a usuarios de sillas de ruedas (Stadshallen previa solicitud por teléfono)

Tickets www.brujascentral.be

+32 50 44 46 60 (lunes > viernes: 10:00 > 17:00)

Officina de Información [Concertgebouw]

Forum+ [Concertgebouw], Arentshuis, Memling in Sint-Jan, Stadshallen, Grootseminarie: únicamente venta el día mismo

€ 11: visitantes individuales

€ 9: visitantes a partir de 65 años | grupos a partir de 15 personas | titulares de descuentos

€ 1: jóvenes hasta 25 años

Del 29 de octubre al 30 de enero de 2011: Van Eyck a Durero.

En el siglo XV, los Primitivos Flamencos realizaron una revolución artística en Europa central. Grandes pintores como Jan van Eyck, con una visión genial para el detalle, renovaron el arte pictórico desde el punto de vista técnico.

Su influencia se extendió rápidamente y sirvió de inspiración para muchos artistas, entre ellos, Alberto Durero – pintor, dibujante y grabador.

Van Eyck y Durero son grandes maestros del periodo comprendido entre 1420-1530. Una influyente exposición reúne obras de ambos pintores y otros artistas de su época y muestran la interacción entre los Primitivos Flamencos y el arte de Europa central.

Se trata de obras de arte de gran calidad provenientes de importantes colecciones europeas y norteamericanas. Uno de los principales eventos culturales de 2010.

Acceso

Groeningemuseum, Dijver 12, 8000 Brugge

Abierto

09:30 - 18:00

Cerrado

lunes

Se ha previsto el acceso y facilidades para usuarios de sillas de ruedas.

Tickets

www.brujascentral.be

+32 (0)50 44 46 60 (lunes > viernes: 10:00 > 17:00)

Officina de Información [Concertgebouw]

Groeningemuseum: únicamente venta el día mismo

€11: visitantes individuales

€9: visitantes a partir de 65 años | grupos a partir de 15 personas | titulares de descuentos

€1: jóvenes hasta 25 años

Paradores se exhibe en Ginebra

04/07/2010, Se celebraron en la sede de la ONU en Ginebra (Suiza) unas exitosas Jornadas Gastronómicas bautizadas como Paradores y su cocina tradicional española en Naciones Unidas.

Ginebra, julio 2010

Las jornadas comenzaron el 21 de junio, y ya han permitido a más de 12.000 personas disfrutar de platos típicamente españoles. El éxito de esta muestra de cocina tradicional ha ido creciendo con el paso de los días. En la cafetería/comedor han sido frecuentes las colas para poder disfrutar de la muestra gastronómica mientras que en el restaurante de delegados ha sido casi imposible reservar una mesa con menos de 72 horas de antelación.

En este marco, Miguel Martínez, presidente de Paradores, ofreció la una conferencia en lugar privilegiado: la sala de los Derechos Humanos conocida mundialmente por ser el símbolo de la ONU en Europa y también por su magnífica cúpula decorada por Miquel Barceló.

El acto comenzó con una intervención del máximo responsable de Naciones Unidas en Europa. Sergei A. Ordzhonikidze, Director General de la Oficina de Naciones Unidas en Ginebra, y del embajador Representante Permanente de España ante las Organizaciones Internacionales, Javier Garrigues.

Miguel Martínez inició su intervención recordando los logros de un modelo que nació en 1928, fecha en que el Rey Alfonso XIII inauguró el primer Parador en la Sierra de Gredos.

“82 años después, Paradores es una empresa rentable que, con los ingresos que obtiene de sus clientes, persigue tres objetivos fundamentales: preservar y restaurar el patrimonio histórico artístico español; ser la imagen de España y de su turismo dentro y fuera de nuestras fronteras. Buscando, en todo momento, atraer un mayor número de turistas nacionales y extranjeros a nuestro país. Y en tercer lugar constituir una fuente de riqueza y empleo para las ciudades y regiones en que se ubican nuestros establecimientos”.

Martínez también hizo hincapié en los beneficios que genera la apertura de un nuevo parador en la región en que se ubica:

“Paradores –sostuvo- cumple un objetivo de creación de empleo y riqueza. Cuando se abre uno de nuestros hoteles en una zona turísticamente poco desarrollada, provoca inmediatamente un incremento de turistas. Y por ello, muy pronto, comienzan a abrirse nuevos negocios que crecen a la sombra del parador. Los paradores son, por tanto, una fuente de riqueza y de generación de empleo directo e indirecto incluso en tiempos de crisis”.

De hecho, Martínez anunció que “en un momento en que, debido a la crisis económica mundial, el sector turístico está perdiendo empleo, pero Paradores no sólo ha mantenido su plantilla de más de 4.500 profesionales, sino que también ha creado cerca de 350 nuevos puestos de trabajo.

Martínez incidió en que el Modelo Paradores se corresponde con la actual política turística que desarrolla el Gobierno español: “desde hace varios años, España está incorporando a su oferta inicial de sol y playa, la de los valores que nos hacen únicos e inimitables. Y entre esos valores destaca sobre todo nuestro Patrimonio Histórico-Artístico.

Para conquistar los paladares que se dan cita en la ONU en Ginebra, Paradores ha elaborado platos tradicionales y ha combinado la gastronomía clásica con la demanda más vanguardista. Los responsables del éxito han sido los jefes de cocina de los paradores de Málaga Gibralfaro, Bartolomé Rodrigo; de Granada, Juan Francisco Castro Cervilla; y de El Saler, Bruno Fraga Pérez. Todos ellos coordinados por uno de los más veteranos y notables expertos en gastronomía de Paradores: Benito Ortiz.

La muestra ha puesto a disposición de las más de 4.000 personas que trabajan en la ONU, platos como el zancarrón de gallo de corral en pepitoria, zarzuela de pescado y marisco, terrina de cordero al estilo castellano, paella valenciana o lomo de ternera a la riojana.

No ha faltado el tradicional gazpacho andaluz con guarnición, ajoblanco malagueño, asadillo de pimientos con ventresca, escalivada catalana con anchoas o ensalada de perdiz escabechada para los entrantes. Como platos principales han degustado pollo campero al chilindrón, suquet de pescado y marisco al azafrán, fideuá de Gandía, etc.

Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia

02/07/2010, Un recorrido por el arte florentino del S. XV con un punto de partida: el Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, uno de los iconos de la colección permanente del Museo Thyssen-Bornemisza.

Domenico Ghirlandaio pintó esta obra maestra indiscutible del arte florentino entre 1489 y 1490. En torno a ella, se reúne un conjunto de 60 obras selectas, que comprenden tanto pinturas como esculturas, dibujos, manuscritos iluminados, medallas y objetos diversos.

La muestra ilustra tres ámbitos fundamentales del arte y la cultura en la Florencia de finales del siglo XV: el género del retrato, el tema del amor y el matrimonio, y la iconografía religiosa.

La cautivadora imagen de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, pintada hace más de 500 años, nos abre una ventana a la civilización florentina del primer Renacimiento; un viaje en el tiempo para conocer con más detalle cómo era la vida en la Florencia del siglo XV, las relaciones sociales y comerciales, las creencias religiosas, la vida doméstica...

En este retrato se representan algunos detalles, como las joyas o el libro de horas, que hacen referencia a momentos cruciales de la vida de la joven dama, entre ellos la historia de su boda. En 1486 Giovanna degli Albizzi, nacida en 1468 en una de las familias más importantes de la ciudad, contrajo matrimonio con Lorenzo, otro jovencísimo noble de la localidad, de la familia Tornabuoni y emparentado con los Médici.

El enlace se celebró por todo lo alto, augurando una vida llena de fasto y de felicidad que, sin embargo, se vería prematuramente rota tras la muerte de Giovanna, embarazada de su segundo hijo. El joven viudo encargó entonces a uno de los grandes maestros del momento y amigo de su familia, Domenico Ghirlandaio, un retrato que le permitiera recordar y honrar para siempre la memoria de su esposa, y que reflejara no sólo su belleza exterior sino también la interior.

El encargo de los Tornabuoni, a quien le unía un vínculo muy especial, llevó a Ghirlandaio a sacar lo mejor de sí mismo. Gracias al magnífico estado de conservación de la tabla, su contemplación nos permite apreciar el gran esmero con el que fue ejecutada: el rostro, las manos, la ropa y los objetos que rodean a Giovanna están pintados con enorme belleza y delicadeza.

La obra pasaría a ocupar un lugar de honor en uno de los aposentos más importantes de Lorenzo Tornabuoni en el Palazzo de la familia, uno de los más suntuosos de Florencia junto al de los Médicis.

El Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni es uno de los mejores ejemplos que se conservan de retrato femenino, un género de gran importancia en la Florencia de finales del siglo XV. La representación de la figura en riguroso perfil sigue un modelo arcaico, basado en ejemplos de la Antigüedad clásica y en la medallística, y responde a una voluntad evidente de idealización y dignificación del personaje representado; a ello contribuye también el tratamiento lineal de la figura y de la composición, el estilizado cuello o las inexpresivas y perfectas facciones de la retratada, todo ello acorde con el carácter póstumo del cuadro y con las características del encargo.

Este modelo de retrato, muy en auge durante el Quattrocento, compartía protagonismo con el retrato de medio perfil o tres cuartos, más realista y de influencia flamenca, que triunfaba principalmente entre la alta sociedad florentina del momento. La exposición reúne un significativo conjunto de obras que muestran ambos modelos.

Ghirlandaio, convertido pronto en el pintor de la burguesía florentina, fundó su taller en torno al 1490, en un local junto al Palazzo Tornabuoni. Existen una gran cantidad de retratos innovadores en cuanto a composición y estilo surgidos de su taller: innovaciones en cuanto a la relación entre figura y fondo, en la presencia de influencias de los pintores flamencos o en la manera en que se implica al espectador en la representación; todos ellos brotaron sin duda de la mente del maestro, cuya principal labor sería la concepción de la obra, mientras que la ejecución corría, a menudo, a cargo de sus ayudantes.

En la muestra se pueden contemplar varias tablas atribuidas al taller de Ghirlandaio, en el que trabajaban su hermano David, Sebastiano Mainardi, Francesco Granacci e, incluso, el joven Miguel Ángel.

Otras grandes obras maestras y objetos diversos nos permiten conocer, a lo largo de la muestra, la cultura de la élite florentina y los criterios imperantes sobre temas como el amor, la belleza, la fidelidad, las tradiciones y los valores e ideales sociales.

LA EXPOSICIÓN
Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia
Del 23 de junio al 10 de octubre de 2010
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Salas de exposiciones temporales (planta baja)
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. La taquilla cierra a las 18:30h
Los meses de julio y agosto las exposiciones temporales permanecen abiertas hasta las 11 de la noche de martes a sábado

Turner en el Museo del Prado

22/06/2010, Una muestra que pone de manifiesto el alcance de los vínculos del artista J.M.W. Turner con otros maestros de gran relevancia histórica y el modo en que asimiló su influencia.

Madrid, 22 de junio de 2010
“Turner y los Maestros” llega al Museo del Prado tras su paso por Londres y París. Entre las novedades respecto a las dos sedes anteriores, cabe destacar la presencia exclusiva en la muestra del Prado del Naufragio de un carguero, Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, Paz. Entierro en el mar, Sombra y oscuridad: la tarde del Diluvio, y Luz y color (la teoría de Goethe): la mañana siguiente al Diluvio, todas ellas obras maestras absolutas de Turner.

Es esta la primera muestra de grandes proporciones que se dedica en España a Joseph Mallord William Turner (1775-1851), uno de los maestros más reconocidos de la historia del arte universal, del que no se conserva producción significativa en nuestro país. La muestra cuenta además con el aliciente de ser la primera en la que se considera al artista británico en relación con los maestros que más le influyeron y con los coetáneos con los que compitió. Por ello, junto a las más de cuarenta obras de Turner incluidas en la exposición, el público podrá admirar también numerosas obras maestras de artistas como Rubens, Rembrandt, Claudio de Lorena, Watteau, Canaletto o Constable, entre otros muchos.

Poder contemplar todas estas obras en un mismo espacio permitirá a los visitantes comprender de qué manera el acercamiento y las respuestas de Turner hacia otros artistas tuvieron como fin no sólo rendirles homenaje, sino también aproximarse a ellos mediante una sutil forma de transformación original de sus enseñanzas.

La gran influencia que Turner ejerció durante el siglo XIX, como uno de los cauces más relevantes en la modernización del paisaje gracias a la novedad de sus concepciones, se ve avalada por el profundo estudio que realizó de los maestros antiguos.

Desde sus inicios, el artista sintió la necesidad de formarse en el conocimiento tanto de la gran pintura anterior como de la de su tiempo. En la creación de su propio estilo desempeñaron un papel relevante tanto la gran pintura veneciana del siglo XVI (Tiziano, Veronés) como, sobre todo, el paisaje clasicista francés (Claudio de Lorena, Poussin), cuyos ejemplos siguió el artista de modo muy próximo. A esa doble tradición, muy apreciada en los círculos académicos británicos, el artista sumó la influencia de la pintura del norte, tanto de la escuela holandesa (Rembrandt y Ruysdael entre otros), como de la flamenca (Rubens, Teniers), y de Watteau y otros pintores británicos ya próximos, como Gainsborough y Wilkie.

Por otra parte, el interés de Turner hacia la pintura antigua le llevó a rendir homenajes explícitos a algunos artistas destacados (Rafael, Ruysdael, Watteau, Canaletto) introduciendo explícitamente sus asuntos en sus cuadros o haciéndoles protagonistas de ellos. Especial relevancia tiene también, a lo largo de la trayectoria de Turner, la propia comparación con los artistas de su tiempo, con los que se midió en las exposiciones de la Royal Academy, apreciándose esa confrontación de forma muy significativa respecto a otro gran paisajista británico, John Constable.

Finalmente, el propio Turner realizó, al final de su carrera, obras en las que la profundización de su propia trayectoria sobre la doble influencia del paisaje clasicista (Claudio de Lorena) y del naturalismo holandés (Ruysdael) le llevó a una extrema intensidad pictórica que consigue una verdadera transformación del arte del paisaje.

La exposición ha sido organizada por la Tate Britain de Londres, en colaboración con la Réunion des Musées Nationaux de Francia, el Musée du Louvre de París y el Museo del Prado. Además, la muestra cuenta con el fundamental apoyo económico de la Fundación AXA, y de la Comunidad de Madrid.

Ruta estival en el archipiélago de Turku

20/06/2010, Llega el verano, desaparece el hielo y las vías marinas se abren. Turismo de Finlandia propone una visita al achipiélago de Turku.

Finlandia, junio de 2010

La Ruta del Archipiélago es como una delicada flor de temporada: bella y efímera. Se despliegan ante el viajero nuevos horizontes en una travesía por tierra y mar que conecta los cientos de islas de la costa suroeste de Finlandia.

Este recorrido, sólo disponible del 1 de junio al 31 de agosto, conecta las islas del Archipiélago de Turku mediante 12 puentes y 9 transbordadores a lo largo de 190 km. de carreteras y 50 km. de vías acuáticas.

La ruta en coche puede realizarse en un día, o bien, si uno se siente aventurero y quiere disfrutar al máximo de las agradables temperaturas, puede recurrir a la bicicleta.

El Archipiélago de Turku se caracteriza por un escarpado paisaje. A lo largo de la ruta se descubren un sinfín de pintorescos pueblos y puertos marineros, playas salvajes y exuberantes zonas verdes, donde valores como la ecología y un riguroso respeto al medio ambiente siguen inspirando su día a día y su desarrollo turístico. No en vano gran parte de su área terrestre y marina es Parque Nacional.

La gastronomía local es interessante, con excelente pescado fresco y abundante ganado en los pastos isleños.

Probar el sushi aquí es una experiencia, ya que se prepara con el marisco fresco recogido por los pescadores locales. Abierto durante los meses de verano, Samurai Sushi es un restaurante en el puerto Nauvo al que tanto turistas como locales se acercan para disfrutar del sol y el sushi fresco en su terraza. Además, hace entregas a las islas cercanas o a los yates de la zona.

Para alojarse, hay variedad de opciones desde un hotel en la ciudad o una casa rural en el Báltico. Por otro lado, en la mayoría de las islas hay zonas de acampada donde aparcar una caravana, alquilar una pequeña cabaña o montar una tienda de campaña.

Santiago de Compostela – Kiev

13/06/2010, 47 ciudades y 4.500 kilómetros a través de Europa recorrerá el “Via Mobil” en los próximos cinco meses como mensajero sobre ruedas de la 3ª Exposición de Sajonia, promocionando una vía medieval.

Dresde, junio de 2010

La Vía Regia era una de las rutas de comunicación en la Europa Central, que comunicaba ciudades como Cracovia y Frankfurt del Main, y que constituía un eje por el que también se canalizaba la peregrinación a Santiago de Compostela

Un año antes del inicio de la Exposición de Sajonia, titulada "Via Regia – 800 años de movimiento y encuentros", la Ministra de las Ciencias y el Arte, Sabine von Schorlemer, ha dado la salida en Görlitz a este viaje publicitario internacional: "A lo largo de su viaje el Via Mobil debe ser el mensajero de Sajonia y de sus gentes, despertar la curiosidad por este Estado Libre como destino cultural y de viaje, como centro económico y de innovación e incentivar el interés del mayor número posible de personas hacia la Exposición.

En su viaje desde Santiago de Compostela hasta Kiev, pasando por Görlitz, la "exposición móvil" desea transmitir la historia y el futuro de la que en otros tiempos fue una importante ruta comercial. A partir de marzo del próximo año se proyecta iniciar un segundo viaje por 50 localidades en un radio de hasta 200 kilómetros en torno a Görlitz.

El vehículo está equipado con una estación de medios interactivos. El programa de acompañamiento del “Mobil” incluye ponencias y debates en los lugares en los que efectúa sus paradas. Participan en el viaje también reporteros gráficos que grabarán en una película sus experiencias a lo largo de la ruta con el objetivo de mostrar una imagen moderna de la "Via Regia" y su historia, documental que será parte de la 3ª Exposición de Sajonia.

La Exposición titulada "Via Regia – 800 años de movimiento y encuentros" tendrá lugar del 21 de mayo al 31 de octubre de 2011 en Görlitz, que es la ciudad más oriental de Alemania, y se halla al lado de la frontera polaca. Para su preparación y ejecución se ha encargado a las Colecciones Estatales de Arte de Dresde (SKD). "El objetivo de la Exposición es analizar la historia y la cultura de la región en el contexto europeo. Muy importante es también intensificar la presencia de Sajonia en el foco de atención del público como país de la ciencia y el arte.

La Via Regia es una de las rutas de comunicación entre oriente y occidente más antiguas e importantes de Europa Central. Como parte de la red de caminos que unía Santiago de Compostela y Kiev fue durante siglos una de las rutas comerciales más significativas. La histórica vía se extendía desde Frankfurt del Main hasta Cracovia. Aparece citada por primera vez como "strata regia" en 1252.

En su recorrido surgieron ciudades, plazas comerciales e iglesias que aún hoy recuerdan en parte la importancia que la via regia tuvo en otro tiempo. También Görlitz debe a la "Via Regia" su auge como importante plaza comercial en aquel tiempo.

El tema de la 3ª Exposición de Sajonia está dedicado a la vida en torno a la ruta comercial y en sus márgenes, cuenta la historia de las personas, mercancías, arte y cultura que un día se pusieron en camino literalmente sobre ruedas, a hombros o en las mentes de los viajeros. "La Exposición presentará el tema de la ruta de forma muy expresiva y emotiva, tal y como se produce en la calle. Para ello cuenta con casi 400 objetos y piezas de primera categoría." afirma la directora del proyecto Bettina Probst.

La exposición invita particularmente a los visitantes más jóvenes a reflexionar sobre su región y su identidad, pero también a analizar sus propios móviles, lo que les impulsa a abandonar su tierra y buscarse otros destinos.

El Estado Libre de Sajonia encargó la concepción, planificación y ejecución de la Exposición de Sajonia a las Colecciones Estatales de Arte de Dresde (SKD) en el 2007. El tema de la Exposición "Via Regia" ya estaba predeterminado por la candidatura de Görlitz como Capital Europea de la Cultura 2010. El lugar de la Exposición es el bastión defensivo Kaisertrutz, de finales del siglo XV, que en su origen marcaba la puerta de entrada a la ciudad.

www.landesausstellung-viaregia.museum

El Año Santo anima caminos y hoteles

13/06/2010, El parador de Santiago de Compostela ha subido en 25 puntos su ocupación en lo que va de año, en una línea ascendente que contagia –aunque en menor medida- a los paradores que están en el Camino de Santiago.

León. Junio de 2010 Los paradores de León –el más grande de la Red- y de Santo Domingo de la Calzada –también entre los más santiagueños- son testigos, asimismo, de esa mejora de cifras que beneficia en conjunto a más de los 22 de paradores que la Red tiene ubicados en el Camino o su entorno.

Estos datos fueron suministrados por Miguel Martínez, presidente de la red de Paradores de España, durante su participación en el Foro Quevedo dedicado al Camino de Santiago, encuentro que organizan la Agencia EFE y la Asociación de Prensa de León en el Hostal San Marcos, cada mes, para examinar los temas de actualidad.

La previsión es que esta tendencia de alza, tanto en pernoctaciones como en ocupación de los restaurantes siga en los próximos meses en función del "alto número de reservas, que ya superan con creces las de 2009".

Otro participante en el debate fue Juan Carlos Pérez, presidente de la Asociación de Amigos del Camino de Santiago de Astorga y titular de uno de los principales albergues del Camino Francés, quien señaló que el incremento de pernoctaciones ha sido del diez por ciento respecto a 2009.

Pérez destacó que es cierto que ha habido un cambio del modelo del peregrino medio en los últimos años, pero indicó que el espíritu de la peregrinación continúa. También reconoció cierto auge de la delincuencia en el Camino, en este Año Santo, pero no le dio excesiva trascendencia a un hecho que –dijo- está siendo controlado.

Un aspecto interesante que señalo, es que los propios peregrinos deben ser agentes de promoción del Camino, y sugirió que en lugar de acudir a Ferias de Turismo para promocionar las rutas, se destinen las inversiones a actividades en los enclaves del Camino, y a la mejor atención al viajero.

El director general de Patrimonio de la Junta de Castilla y León, Enrique Saiz, abogó por la protección de las que ha denominado "tres P" del Camino del Santiago: "patrimonio, paisaje y paisanaje"

La concejala de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de León, Evelia Fernández, ha destacado el esfuerzo, pese a la crisis económica, y anunció la próxima apertura de un centro de interpretación de las culturas en Puente Castro, que será el primer punto de recepción del Camino Francés en León.

El catedrático de Historia Medieval en la Universidad Autónoma de Madrid, Vicente Álvarez, y comisario de una exposición que se mostrará en Ponferrada, sobre el temple y el Camino, durante este verano, ha abogado por el trato respetuoso al peregrino y el mantenimiento de un ámbito digno de la ruta, para que las retinas de los transeúntes puedan seguir grabando imágenes como una tarde de otoño en los viñedos de Villafranca, visiones que "una feria no podrá mostrar jamás".

El Foro Quevedo es un encuentro mensual propiciado por la Agencia EFE, la Red de Paradores y la Asociación de Periodistas de León, que coordinan, alternativamente Tomás Álvarez, delegado de EFE, o Francisco Martínez Carrión, titular de la asociación periodística leonesa

Heiva i Tahiti

12/06/2010, Heiva i Tahiti 2010, el mayor festival folclórico del Pacífico Sur, se celebra en julio y permite una Inmersión en las raíces culturales y tradiciones culturales polinesias.

Tahití

Al son de los tambores y el ukelele, se celebran espectaculares competiciones de danza y cánticos ancestrales, y exhibiciones de actividades tradicionales como la producción de copra, carreras de piraguas o pruebas de tiro al coco.

Las ceremonias Heiva se celebraban en templos marae antes de su abolición por la presión de misioneros cristianos, por considerarlas impuras. Hoy el pueblo tahitiano se reúne para celebrarlas con orgullo y volver a reavivar la fuerza y belleza de sus raíces culturales.

En el anfiteatro Place To´ata en la capital, Papeete, se concentran los mejores espectáculos de este encuentro folclórico, que cumple 128 ediciones en 2010.

Este exótico carnaval da comienzo con bailes escolares y otras representaciones en junio, pero alcanza su punto de mayor esplendor del 8 al 23 de julio con las galas de grupos de “tamure” e “himene”.

Las “tamure” son las sensuales e hipnóticas danzas tahitianas, interpretadas por grupos de hasta 150 bailarines en coreografías de gran simbología.

Los “himene” son cánticos de delicadas composiciones polifónicas, que fusionan las raíces religiosas británicas con el misticismo maorí.

Otras actividades y competiciones en el marco del Heiva i Tahiti son las muestras de artesanía, lanzamiento de jabalina, levantamiento de piedras típico de las Islas Australes y tiro al coco desde una distancia de 22 metros, típico de las Tuamotu.

Aunque sin duda, la estrella de las citas deportivas es la espectacular carrera de canoas, el deporte rey en Tahití y sus islas, y que reúne a más de 1.000 remeros.

Bienal Internacional de Diseño Gráfico

12/06/2010, La nueva edición de la muestra de diseño gráfico más antigua del mundo, que acoge la ciudad checa de Brno, gira en torno a los pósters y la identidad corporativa en su vertientes informativa y publicitaria.

Brno , República Checa. Junio de 2010-

Establecida en 1963, esta convocatoria, 24 edición, se celebra en la Galería Morava del 22 junio al 24 de octubre en Brno, la segunda ciudad más importante de República Checa.

Está dedicada en esta ocasión a la temática "Posters, identidad corporativa, diseño informativo y publicitario" y constará de un apartado abierto a la participación internacional.

En la exhibición del concurso de este año se han inscrito más de 600 obras de 181 artistas procedentes de 32 países.

Tomando el relevo de Peter Bilak y Abbott Miller, este año el Comisario invitado es el británico Rick Poynor, crítico de diseño, escritor y teórico de la cultura visual.

Su desafío será presentar la actualidad del diseño gráfico desde su propio punto de vista con la exposición titulada "Lo Siniestro: Surrealismo y Diseño Gráfico" junto a reconocidos artistas checos como Karel Teige, Švankmajer Jan, Styrsky Jindrich, Zdenek Ziegler así como otras figuras clave del arte provenientes de EEUU, Gran Bretaña, Francia, Noruega o Polonia.

La exposición, que se celebrará en el Palacio Prazák, será un “must” para los amantes de las artes gráficas y el diseño, así como para aquellos que muestren inclinación por el misterio, la realidad onírica y la fantasía.

Como tercer pilar de la bienal, cabe destacar los simposios que cuentan con una importante participación internacional y que este año se centran en el tema "¿Basta con una idea?".

Más información: www.moravska-galerie.cz

Guia de brno: http://www.guiarte.com/brno/

Salón del senderismo

12/06/2010, En Barcelona se prepara el Salón del Senderismo, Trek&Walk, que se celebrará los días 19, 20 y 21 de noviembre.

Barcelona, junio de 2010

Los organizadores han acumulado experiencia de dos ediciones anteriores, en las que han constatado un creciente interés por el senderismo, y han recogido ideas sobre sugerencias y necesidades tanto de los expositores como de los visitantes.

Con todo ello están trabajando en el nuevo Salón de Senderismo, denominado Trek&Walk, que pretende ser un salón independiente y especializado, ampliando la gama desde el simple paseo al trekking, organizando además Jornadas para profesionales y talleres dedicados a visitantes.

Según los organizadores, se pretende disponer de un Salón especializado en temas de senderismo como ocurre en Alemania Tournatur (Düsseldorf), en Francia Destination Nature (París), en Inglaterra Outdoor Show (Birmingham) y en Holanda Fiets & Wandelbeurs (Amsterdam).

En las dos primeras ediciones del salón del Senderismo se constató que la edad media de los visitantes era de 44 años, de los que un 63,7 por ciento decían hacer senderismo, al menos una vez al mes aunque muchos de ellos lo hacían habitualmente los fines de semana.

De los senderistas, abundan los que hacen paseos de dos horas a un día, aunque sólo el 10 por ciento hace rutas de más de un día.

En general, los que llegan al salón buscan orientaciones en vacaciones o materiales.

Son interesantes las respuestas de los visitantes que no se declaran caminantes, el 10 por ciento. Aducen varios motivos: unos dicen que les apetece el senderismo pero no tienen con quién hacerlo, otros han intentado hacer algún itinerario pero han acabado mal, perdidos, finalmente están los que no saben cómo empezar

Feve promociona Asturias.

12/06/2010, Feve presentó en Gijón el “Tren Estrella del Cantábrico” y los itinerarios de la “Biosfera” y del “Alto Aller”

Gijón, junio de 2010

La empresa ferroviaria Feve ha presentado en Gijón la temporada asturiana de los Trenes Turísticos del Norte que realiza el “Tren Estrella del Cantábrico” en dos itinerarios: el de la “Biosfera” y el del “Alto Aller”.

Los viajes, de una jornada completa, serán los sábados en el “Alto Aller” y los domingos en el de la “Biosfera”, desde el 12 de junio al 12 de septiembre. Las tarifas, cuyo coste es de 54 euros por persona y 27 euros para los menores de 14 años, incluyen el viaje en tren, la visita guiada con el acompañamiento de un autocar a los lugares de interés y centros de interpretación de los respectivos recorridos, y la comida en restaurantes de la zona basada en la gastronomía autóctona.

El “Tren Estrella del Cantábrico” está compuesto por dos coches-salón y un coche-cafetería y dispone de una capacidad para 120 personas. Está climatizado y cuenta con megafonía, música ambiental y servicios totalmente equipados. Uno de los coches, además, está perfectamente adaptado para personas de movilidad de reducida, incluido el cuarto de baño. El tren recorre de junio a septiembre tierras asturianas con dos propuestas distintas:

El “Itinerario del Alto Aller” propone una inmersión a los mitos y leyendas del valle del río Aller. Se llega hasta él bordeando los ríos Nalón y Caudal, y pasando por localidades como Trubia, Soto de Ribera o Mieres.

El viaje comprende visitas a pozos mineros en explotación en Caborana o Moreda, a monumentos prerrománicos como la Iglesia de San Vicente de Serrapio, o a parajes naturales como las Foces del Río Aller o la Senda Verde Foyoso. Incluye por supuesto esta ruta la degustación de la gastronomía típica de la zona, en torno a la trucha.

Este itinerario se realiza todos los sábados entre el 12 de junio y el 11 de septiembre con salida a las 9:30 hs desde la Estación de Feve de Oviedo y regreso a las 21:00 hs a la capital asturiana.

El “Itinerario de la Biosfera” ensambla perfectamente el desarrollo industrial asturiano de mediado el siglo XIX y la riqueza natural del centro-oriente del Principado. En este sentido, este viaje comprende desde la visita guiada al Museo de la Minería de San Vicente a un recorrido por el Parque Natural de Redes; desde la visita a la Colegiata de Sta. Mª de Tanes a un recorrido por la Cueva Deboyu; desde la visita al Museo de la Madera a un recorrido por la Calzada Romana y el Puente Romano.

En cuanto al apartado gastronómico, incluye la degustación del queso “Casín” típico de la zona en la localidad de Campo de Caso.

Este itinerario se realiza todos los domingos entre el 13 de junio y el 12 de septiembre con salida a las 9:20 hs desde la Estación de Feve de Gijón y a las 9:50 hs desde la Estación de Feve de El Berrón para los viajeros procedentes de Oviedo. El regreso es a las 20:20 hs a El Berrón y a las 20:50 hs a Gijón.

Roman Signer

10/06/2010, Un proyecto experimental del artista suizo Roman Signer, que coincidiendo con PHotoEspaña, prepara una selección de trabajos relacionados con el fuego y que podrán ser vistos en Matadero Madrid hasta el 25 de julio.

Madrid, diez de junio del 2010
Desde el comienzo de la trayectoria artística de Roman Signer el tiempo se ha configurado como un tema constante en su obra, no solo como concepto sino también como material susceptible de ser utilizado en la creación de lo que suele designar eventos, es decir, esculturas que se constituyen en el tiempo o que son transformados por él. Esta Film Installation es pues una escultura que persiste en la exploración de lo físico, el volumen y las formas de los materiales y de los objetos, sometidos ahora, no obstante, a los efectos de la reconfiguración perceptiva y plástica proporcionada por el tiempo.

Por otra parte, en el trabajo de Roman Signer el acto artístico asume un carácter predominantemente experimental, lo que implica valorar las nociones de contingencia, duración e imprevisibilidad. Todo esto se hace con una simplicidad desconcertante, con un imaginario que oscila entre la sensación de absurdo, violencia y melancolía, pero de donde, a la vez, emana una energía inocente y un sorprendente humor.

En este contexto, la película (y recientemente el vídeo) ha sido un medio privilegiado de realización o documentación de los eventos. En esta exposición se muestra una selección de 10 películas en 16 mm que Roman Signer realizó en las décadas de los 70 y los 80. Esta selección se ha centrado en trabajos que están relacionados con el fuego, lo que debe ser entendido como una respuesta del artista a las características de la sala Abierto x Obras, concretamente a la presencia de vestigios de un incendio que sucedió en el pasado.

Roman Signer nació en 1938 y vive en St. Gallen. Es uno de los más importantes artistas suizos de la actualidad y su itinerario de exposiciones incluye algunos de los más importantes eventos y museos de arte tales como Documenta de Kassel, Bienal de Venecia, Walker Art Center y Hamburger Kunsthalle.

Desde el 10 de Junio al 25 de Julio
Precio: Entrada libre.

http://www.mataderomadrid.com

Europa en vivo 2010

06/06/2010, "Europa en Vivo 2010: cuarenta músicos, tres culturas y un sueño" se presenta como un viaje musical a través de la diversidad, que se celebrará entre el 23 y el 26 de junio en Madrid.

Madrid, Junio de 2010
Estrella Morente, Niño Josele, Márta Sebestyén y Philip Catherine son algunos de los cerca de 40 músicos que participarán en el festival "Europa en vivo 2010" (23-26 de junio), un laboratorio musical promovido por la Presidencia española de la UE y enmarcado en el llamado Eutrio, formado por España, Bélgica y Hungría.

La convivencia entre los grupos y artistas procedentes de los tres países tendrá lugar en el Real Sito de San Ildefonso (Segovia) durante los días 23, 24 y 25 de junio, donde se desarrollarán intensas sesiones de trabajo y confrontación musical en las dos sedes seleccionadas: Casa de las Flores y Real Fábrica de Cristales. Los ensayos estarán abiertos al público.

Las conclusiones artísticas de este gran encuentro e intercambio cultural se mostrarán el sábado 26 de junio en el Escenario Puerta del Ángel de Madrid, mediante un macro concierto con todos los músicos participantes, igualmente gratuito hasta completar aforo (19.00h).

España aporta a este viaje por la diversidad musical europea a cuatro de los más grandes exponentes de la cultura popular: la cantaora Estrella Morente, el guitarrista igualmente flamenco Niño Josele, la cantante y gaitera gallega Mercedes Peón, y el grupo de folk castellano La Musgaña.

Hungría, por su parte, suma al programa a la cantante Márta Sebestyén, la voz de Muzsikás, el grupo de jazz contemporáneo Plastic Septet y esa banda donde la música festiva, gitana y balcánica se impone, Cimbaliband, liderada por el cimbalista Balázs Unger.

La música belga, por último, estará representada por ese jazzista universal que es el guitarrista Philip Catherine, el grupo multicultural Pantha Rhei y el trío femenino procedente de la localidad flamenca de Kalmthout, Laïs, compuesto por las cantantes Jorunn Bauweraerts, Annelies Brosens y Nathalie Delcroix.

"El flamenco, el jazz, el rock, el folk contemporáneo, la música tradicional, la cultura celta... La programación de todas estas músicas se darán cita en Europa en Vivo", comentó en rueda de prensa el director artístico del festival, Luis Martín, para quien la experiencia "no tiene ningún ingrediente de oportunismo y sí de aventura". "Se trataba de estimular espacios conjuntos donde mostrar la diversidad cultural europea", según Concha Hernández, directora y principal ideóloga del proyecto, "porque el proyecto busca algo más que músicas, busca el sueño europeo".

La embajadora en España de Hungría, Edit Bucsi-Szabó, se sumó a la necesidad de compartir y contrastar las culturas europeas para dar cuenta del verdadero espíritu comunitario, "gracias a iniciativas como Europa en Vivo o la exposición 20 trajes para Europa, que en Budapest está gozando de tal éxito que se han prolongado hasta finales de agosto".

Semejantes argumentos emplearon Yves Wantens, representante de la Comunidad Flamenca, y Johan Swinnen, embajador de Bélgica en España, para defender la organización de este tipo de iniciativas culturales. En concreto, para Swinnen la cultura "es un ingrediente esencial para la integración y unificación de Europa, por lo que debemos impulsar esta ambición cultural europea".

Del mismo modo, José Luis Vázquez, alcalde del Ayuntamiento del Real Sitio de San Ildefonso, y Félix Palomero, director del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, subrayaron que la apuesta conjunta europea pasa por “la creación y el patrimonio”.

Tanto el laboratorio musical “Europa en Vivo 2010. Un viaje musical a través de la diversidad”, como el concierto del día 26 tienen una perspectiva cultural, musical, política y social. Además, el festival quiere apoyar y hacerse eco de diferentes modelos de desarrollo sostenible. No en vano la organización ha decidido emplazar las tres jornadas de Laboratorio Musical en la localidad de El Real Sitio de San Ildefonso (Segovia), que la Unión Europea ha destacado por su esfuerzo para aglutinar de forma ordenada la gestión sostenible de su patrimonio natural y artístico. Esta localidad cuenta con numerosos premios en esta materia, como el Premio Europa Nostra 2010, el Premio Internacional de buenas prácticas de Dubai "Best Practice por Naciones Unidas" 2008, o su reciente candidatura a Reserva de la Biosfera ante la UNESCO.

Asimismo, “Europa en vivo 2010” tenderá puentes de colaboración con el “Solar Decathlon”, el certamen internacional de casas solares que se celebrará, por vez primera, en España (18-27 de junio), con el concurso de veinte universidades internacionales. El festival, igualmente, sirve para clausurar la programación cultural desarrollada por la Presidencia española de la UE.

Arte y Moda

05/06/2010, Le Salón D´Apodaca presenta la obra del creador Ángel Lozano, una exposición de grabados sobre tela que el diseñador ha convertido en vestidos. Una performance que combina arte, moda y estética.

En el evento participan modelos y actrices, que a modo de performance, lucen las creaciones y las últimas tendencias en peluquería y maquillaje. Todo un reto para los profesionales, que pretenden así aunar arte, moda y belleza.

Ángel Lozano, comenzó su trayectoria profesional como pintor y rotulista en 1987. Artista autodidacta, se inspiró en su entorno y en la expresión del vestir para crear un bolígrafo láser para grabar tejidos. De este modo, la tela grabada pasa del bastidor a convertirse en un vestido, creado como obra de arte.

Tras tiempo de perfección de la técnica y varias exposiciones, el creador Ángel Lozano presenta su trabajo en un espacio a la altura del vanguardismo y creatividad que caracterizan su obra.

Le salón D´ Apodaca
Hasta el 30 de Junio de 2010
Calle Apodaca 1. Madrid (metro Tribunal)

Más sobre moda en:
EstiloyModa.com

Seguimos viajando

03/06/2010, Según un reciente estudio presentado por la compañía educativa privada Education First (EF), los españoles siguen viajando a pesar del actual panorama económico y de la temida crisis.

Barcelona, junio de 2010
Mientras la industria del viaje se resiente en el actual clima económico, se observa una tendencia creciente en la que los españoles están cambiando sus vacaciones de ocio por unas "vacaciones inteligentes" alternativas.

La idea consiste en combinar viajes al extranjero y cursos de formación académica y laboral. Vistas las estadísticas de empleo en España muchos estudiantes y jóvenes profesionales han decidido internacionalizar su currículum realizando estancias de inmersión lingíística y otros cursos académicos en el extranjero durante el verano. El dominio de un idioma extranjero otorga una clara ventaja a la hora de encontrar trabajo en España y abre a estos jóvenes estudiantes las puertas del mercado laboral europeo.

Es patente la necesidad de diferenciarse en un mercado más competitivo, donde el dominio de idiomas extranjeros supone un requisito imprescindible. Por ello cada vez más españoles están optando por unas vacaciones inteligentes que implican viajes, visitas turísticas y culturales y otras actividades de ocio con el aprendizaje de un idioma.

Eduardo Rubio, Director General de Education First en España señala, "Experimentamos un crecimiento de un 20% con respecto al año pasado en estancias de verano y en programas de inmersión lingíística en el extranjero. Hablamos de escolares con familias esforzándose por invertir en su educación hasta jóvenes profesionales o universitarios que aprovechan un período de inactividad para aprender un idioma, mayormente inglés. Es sorprendente encontrarnos en máximos históricos en un año como éste pero es una satisfacción colaborar en mejorar la educación de las personas."

Giorgio Morandi

01/06/2010, La Fundación Juan March presenta una selecta muestra de pequeño formato dedicada a las naturalezas muertas del artista boloñés Giorgio Morandi.

Giorgio Morandi naciσ en Bolonia en 1890, en el seno de una familia de clase media y, tras un breve perνodo en el que trabajσ en la empresa de su padre, estudiσ en la Academia de Bellas Artes de Bolonia.

En 1910, en sus viajes a Venecia y Florencia, descubriσ la obra de grandes artistas del Renacimiento italiano (Giotto, Masaccio, Piero de la Francesca, Paolo Ucello), pero quien mαs le influyσ fue el francιs Paul Cιzanne, especialmente en su larga serie de bodegones.

En 1913, el pintor comienza a relacionarse con los futuristas Marinetti, Russolo y Boccioni. En los meses siguientes, Morandi asiste con cierta frecuencia a las reuniones del grupo y presenta dos obras a la Primera Exposiciσn Futurista Libre, celebrada en Roma en la primavera de 1914. Pero mantiene su independencia frente al movimiento liderado por Marinetti y, sin perder la impronta cezanniana, se va aproximando al cubismo.

Morandi, que en 1912 habνa comenzado una importante actividad como grabador, ve su carrera interrumpida bruscamente por la Primera Guerra Mundial. Es llamado a filas en 1915, enferma gravemente y es internado en un hospital. Aunque de esos aρos se conservan escasas obras –pinta poco y destruye la mayor parte de su trabajo-, los problemas de salud no le impiden llevar a cabo un profundo proceso de reflexiσn que desemboca en 1918 en el llamado perνodo metafνsico.

Entabla amistad con Giorgio de Chirico, por quien serα tambiιn muy influido, y quien asociaba la obra de Morandi con lo que llamσ “la metafνsica de los objetos mαs comunes” Parte de la iconografνa del pintor boloριs son vasos, botellas, etc., que, colocados sobre una mesa, se convierten en los principales protagonistas de sus cuadros. Morandi seguνa asν a su admirado Cιzanne en la elecciσn de los bodegones sencillos como medio de expresiσn de su pintura.

En 1945 se celebra su primera exposiciσn individual, en la galerνa Fiore de Florencia. Entre 1930 y 1956 fue profesor de grabado al aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Fue galardonado con el Primer Premio de la Bienal de Venecia de 1948 y con el gran premio de la Bienal de Sao Paulo de 1957.

Giorgio Morandi falleciσ en Bolonia en 1964. En 2001 abriσ sus puertas el Museo Morandi en una secciσn del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

Exposiciσn: Giorgio Morandi
Lugar: Fundaciσn Juan March, Castellσ, 77 – Madrid
Fechas: hasta el domingo 18 de julio

Manhattan en el Reina Sofía

28/05/2010, Organizada por el Museo Reina Sofía, coincidiendo con Photoespaña 2010, "Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente" presenta la obra de alrededor de 40 artistas norteamericanos.

Madrid, viernes 28 de mayo
El Museo Reina Sofía presenta la exposición "Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente". Alrededor de 400 fotografías componen esta muestra, que se podrá visitar hasta finales del verano de 2010.

Se trata de una importante selección de trabajos sobre la ciudad de Nueva York realizados a finales de los setenta, coincidiendo con el intenso periodo de desindustrialización, con el contrapunto de fotografías más recientes de artistas que, estando al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad norteamericana.

David Wojnarowicz, Alvin Baltrop, Matthew Buckingham, Zoe Leonard, Sharon Hayes, Peter Hujar, Joan Jonas, Sol LeWitt, Robert Longo, Danny Lyon, Gordon Matta-Clark, Steve McQueen o Cindy Sherman, entre otros, son los artistas que participan en la exposición.

Importantes series componen el núcleo central de la exposición: las fotografías nocturnas de Peter Hujar, tomadas en 1976 en el West Side de Manhattan, desde el Meat Packing (antiguo distrito carnicero) al distrito financiero; las de los muelles del río Hudson hechas por Alvin Baltrop, entre 1975 y 1985, muchas de las cuales se muestran aquí por vez primera; el trabajo de David Wojnarowicz Rimbaud in New York (Rimbaud en Nueva York), de 1978-79; y varios proyectos fotográficos de Zoe Leonard realizados a partir de finales de los noventa, que incluyen las series Tree + Fence (Árbol + Valla) y Bubblegum (Chicle).

Estos trabajos vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad, mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos.

Tapices en el Prado

28/05/2010, El próximo uno de junio se inaugura la primera exposición dedicada a los tapices en el Museo del Prado de Madrid: "Los amores de Mercurio y Herse. Una tapicería rica de Willem de Pannemaker".

Madrid, mayo de 2010
Willem de Pannemaker, activo desde 1535 hasta 1581 y miembro de una de las más afamadas familias de tejedores asentadas en Bruselas, fue el gran tapicero del Renacimiento flamenco.

El artesano trabajó para la nobleza y las principales casas reales europeas del siglo XVI y surtió de obras maestras a la corte de Carlos I de España (Carlos V de Alemania) y de su hijo Felipe II.

Su monograma de tapicero y la marca de calidad de la ciudad de Bruselas y del ducado de Brabante, obligatorias desde 1544, figuran en la serie de los Amores de Mercurio y Herse, procedente de la Casa Ducal de Medinaceli.

El Museo del Prado reunirá por primera vez, desde su dispersión en 1909, en sus salas los ocho tapices mitológicos que integraron esta magnífica serie, que hoy en día se encuentran repartidos entre importantes colecciones e instituciones particulares, como la Fundación Ducal Medinaceli, la Casa de Alba, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, y el propio Museo del Prado, donde se conservan dos paños de esta tapicería ( nunca antes expuestos), que transcribe en hilos de oro y seda los versos de Ovidio sobre los amores del dios Mercurio, hijo y mensajero de Júpiter, con Herse, hija del rey de Ática.

Veranea en una cabaña finlandesa

20/05/2010, Turismo de Finlandia propone un veraneo “de campo”, en alguna de sus 4.000 casas rurales, que se alquilan por precios de entre 140 y 1.475 euros el fin de semana

Alquilar un "mokki", como se llaman las cabañas rurales en finés, es una sugerencia estupenda para disfrutar de los largos días del verano nórdico y saborear la vida relajada del campo, sin la presión del reloj y respirando aire fresco.

Hay cabañas para todos los gustos y bolsillos: casas en islas privadas, refugios perdidos en la naturaleza e incluso una antigua estación de bomberos.

Para los finlandeses, escaparse a una cabaña a desconectar es calidad de vida. En todo el país existen medio millón de estos alojamientos vacacionales, escondidos mayormente entre bosques, en la ribera de un lago o en algún punto de la costa, gracias a la baja densidad de población todo el país.

Disfrutar de una sauna y de un baño refrescante en el lago, con acceso directo desde la terraza de la cabaña y en la tranquilidad de un entorno boscoso, es la esencia en sí misma de lo que los finlandeses entienden por felicidad estival. Por supuesto, en compañía de sus amigos y lejos del turismo masivo.

Villa Fregatti: el lujo

Situada en la isla privada Aateli en el hermoso Lago Nauasjдrvi, la villa tiene tres dormitorios, chimenea, sauna, hidromasaje, home cinema y terraza acristalada. Se puede llegar a ella a bordo de dos barcos, de los cuales el General Jermu se puede alquilar para salidas de pesca y otras actividades acuáticas. Gracias a su helipuerto, también se accede en helicóptero o jet privado.

El precio de un fin de semana oscila entre los 1.295 euros y los 1.475 euros, según fechas; y la semana completa asciende a 8.950 euros. Los servicios de catering y limpieza se adaptan a las necesidades del cliente.

Wanha Paloasema: lo original

Se trata de una antigua estación de bomberos reconvertida en una villa. Se encuentra en los terrenos del Hotel Patruunantalo, 110km al este de Helsinki. Sus interiores han sido completamente reformados y sólo el aspecto exterior y antiguas fotos recuerdan sus primeras funciones.

La cabaña puede albergar a 10 personas, y dispone de una sala de estar, cocina y cuartos de baño. Una sauna con bañera a orillas del lago están disponibles por un cargo extra. El precio semanal es de 1.100 euros y el fin de semana 420 euros.

Koron Korsu: una casa lapona

Una cabaña escondida tras una loma de arena en la orilla de la laguna cristalina de Korsulampi, en Posio, a 130km al sureste de Rovaniemi. Esta cabaña está decorada en estilo rústico, dispone de una habitación con capacidad para tres personas y una sauna privada.

La filosofía de la casa es dejar atrás al exigente mundo moderno y relajarse en la fusión con la naturaleza: se ilumina con velas, el baño se encuentra en el exterior, el agua potable proviene directamente del manantial que hay junto a la cabaña. El cercano cañón Korouoma ofrece un escenario perfecto para practicar senderismo y pesca. Su precio es de 70 euros la noche.

Tejiendo el tiempo

14/05/2010, El nuevo trabajo de la joven artista Beatriz Palomero profundiza a través del dibujo sus permanentes señas de identidad: mujeres, erotismo y naturaleza.

Hasta el 31 de mayo en Brita Prinz Arte, en el espacio showroom, se realizará la exposición individual de dibujos de Beatriz Palomero “Tejiendo el tiempo”.

Es la primera vez que esta artista reconocida por su obra gráfica (grabados, serigrafías, entre otros) muestra su faceta creativa a través de los dibujos que mantienen el sello de mujeres marcadas por el erotismo, pero esta vez acompañadas por formas que enlazan o arrancan de la naturaleza.

Según explica Palomero la idea “De tejer el tiempo, de ovillarlo con la vegetación tiene que ver un poco, aparte del tema de la mujer, con el hecho de que el dibujo es una búsqueda de uno mismo, pero además suma referencias de mi propio pasado familiar juntándose también con la vulnerabilidad que puedas tener en la cabeza”.

El dibujo es donde siempre se ha sentido más cómoda, más auténtica y es la técnica en la que siempre ha estado trabajando esta joven artista que viene de exponer en Cerdeña (Italia) y cuya siguiente exposición, a finales de mayo, será en Sevilla donde obtuvo el VII Premio de Grabado Galería Nuevo Arte, Sevilla (2009).

Tesoros de las Culturas del Mundo

14/05/2010, El Centro de exposiciones Arte Canal ha acogido durante cinco meses esta muestra, que ha recibido la visita de más de 92.000 personas deseosas de disfrutar de los tesoros del Museo Británico.

El Centro de exposiciones Arte Canal ha conseguido atraer a 92.305 personas que han disfrutado de la muestra “Tesoros de las Culturas del Mundo”. Esta exposición, organizada por el Canal de Isabel II en su sala de Plaza de Castilla, se ha exhibido por primera vez en Europa, después de haber visitado por países como Canadá, China o Japón.

“Tesoros de las Culturas del Mundo” era un recorrido por 30.000 años de Historia, desde la Edad de Piedra hasta el mundo actual, a través de 250 piezas pertenecientes al Museo Británico, casi en su totalidad, y del Museo de América de Madrid, distribuidas geográfica y cronológicamente en siete ámbitos.

La pretensión tanto de la Comunidad de Madrid como del Canal de Isabel II con esta exposición era acercar y mostrar el contraste de civilizaciones y logros culturales y sociales alcanzados con el paso del tiempo.

Desde su inauguración en noviembre de 2004, el Centro de exposiciones Arte Canal ha albergado seis exposiciones con 2 millones de visitantes, desde entonces. Esas seis muestras, además de la finalizada de “Tesoros de las Culturas del Mundo”, han sido “Guerreros de Xi’an” (2004), “Faraón” (2005), “M.C. Escher. El arte de lo imposible” (2006), “Roma SPQR” (2007), “Madrid, 2 de mayo de 1808-2008. Un pueblo, una nación” (2008) y “Star Wars. The Exhibition”.

Pierre Huyghe

05/05/2010, El Palacio de Cristal del Parque de El Retiro acoge la exposición dedicada al artista Pierre Huyghe, uno de los artistas franceses con mayor proyección internacional.

La exposición, La estación de las fiestas/La saison des fêtes, que se podrá ver hasta el 31 de mayo de 2010, consiste en una instalación realizada para el Palacio de Cristal en la que, por primera vez, entrarán en este espacio flores, plantas y árboles en floración.

El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes plantas vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año, que el artista colocará en círculo, favoreciendo así una lectura a modo de reloj. Rosas, violetas, crisantemos, palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, o abetos, marcarán las diferentes estaciones del año y convivirán en un mismo espacio y tiempo.

Pierre Huyghe (París, 1962) en la actualidad vive y trabaja entre París y Nueva York. El artista se formó en la Escuela Superior de Artes Gráficas y Decorativas en París. Ha participado en diversas exposiciones individuales tales como en el Guggenheim Museum, New York (2003), en la Neue Nationalgalerie, Berlin (2002); el Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (2001); el Museum of Contemporary Art, Chicago (2000); y en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (1998).

También ha participado en numerosas Ferias internacionales tales como Documenta XI (2002); La Bienal de Estambul (1999); la Carnegie International, Pittsburgh (1999); Manifesta 2, Luxemburgo (1998); la segunda Bienal de Johannesburgo (1997); y en la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon (1995).

En 2001, Huyghe recibió una mención especial del Jurado en la Bienal de Venecia, donde el artista representó a Francia.

Picasso en el Metropolitan

03/05/2010, Una exposición emblemática compuesta por 300 obras de Pablo Picasso, que brinda una oportunidad sin precedentes de contemplar una de las colecciones más importantes del mundo de la obra de este artista.

Se trata de la primera muestra que se centra exclusivamente en la extraordinaria colección que el Met atesora de Picasso. La exposición, hasta el 1 de agosto de 2010, presenta la colección completa, nunca antes vista en su totalidad, que el Museo posee del artista: pinturas, dibujos, esculturas y cerámicas, así como un número significativo de sus grabados.

La exposición abarca los temas clave por los que Picasso es tan bien conocido: los arlequines pensativos de sus épocas Rosa y Azul, las figuras y bodegones descompuestos en diferentes facetas de sus años cubistas, las cabezas monumentales y los bañistas clásicos de los años 20; los toros enfurecidos y los desnudos soñadores de los años 30; así como los gallardos mosqueteros de los últimos años de su vida.

Picasso in The Metropolitan Museum of Art pondrá de relieve 34 pinturas, 58 dibujos, una docena de esculturas y cerámicas, y una amplia selección de grabados (aproximadamente 200 de un total de 400), todos ellos adquiridos por el Museo a lo largo de los últimos 60 años. Es importante destacar que la exposición incluye un gran número de obras en papel realizadas por Picasso que o bien nunca han sido presentadas en el Metropolitan con anterioridad a esta exposición, o lo han sido en contadas ocasiones.

La colección del Metropolitan refleja con total amplitud el genio polifacético de Picasso tal y como lo confirma su propia obra en el transcurso de su larga y acreditada carrera. Las composiciones varían en fechas desde un apuesto autorretrato de 1900 (Self-Portrait "Yo") realizado por el joven español de 18 años de edad, al fantástico Standing Nude and Seated Musketeer (1968), ejecutado cuando el artista tenía 87 años.

Para la preparación de esta exposición, toda la obra de Picasso en la colección ha sido sometida a un estudio riguroso, y muchas obras han sido restauradas y conservadas con la finalidad de revelar las intenciones del artista o recuperar su integridad física.

La exposición revelará asombrosos descubrimientos que han tenido lugar durante este proceso de investigación y conservación. Con la ayuda de radiografías y reflectografía infrarroja aplicadas sobre varios lienzos de Picasso, como por ejemplo La Coiffure (1906), se han descubierto imágenes ocultas tras las pinturas, sacando a la luz nueva información acerca del proceso de trabajo del artista. Como parte de la exposición, se incluirá la presentación de videos sobre las recientes fotografías de la labor de investigación del museo para ilustrar cómo Picasso revisaba sus composiciones, estilos y temática mientras rehacía determinados cuadros.
Hasta el 1 de agosto del 2010 en las salas para exposiciones especiales, 2º piso, Metropolitan Museum

Exposiciones en la Biblioteca

25/04/2010, La Biblioteca Nacional de España presenta las muestras "Europa en papel" y "Gregorio Marañón 1887-1969. Médico, humanista y liberal". Ambas abiertas hasta el próximo mes de junio.

Madrid, abril del 2010
Europa en papel
Coincidiendo con la presidencia española de la Unión Europea durante el primer semestre de 2010, la exposición "Europa en papel" nos muestra una selección de algunos de los ejemplares más emblemáticos que se conservan en la Biblioteca Nacional de España, que ilustran la historia del continente ahondando en las raíces históricas del proyecto común europeo.

Más de un centenar de piezas, como manuscritos, documentos, libros, periódicos, mapas, planos, dibujos, grabados, estampas, fotografías o archivos sonoros, permiten reflexionar sobre el desarrollo de la historia y la idea de Europa desde la época clásica, pasando por el sueño imperial de Carlos V, la dominación hegemónica de Napoleón y la Alemania nazi, hasta llegar al proceso de construcción de la Europa actual y la consolidación la Unión Europea.

En la exposición pueden contemplarse manuscritos, como el Beato de Liébana, fechado en la primera mitad del siglo X, o el Tratado de estática y mecánica de Leonardo da Vinci, de entre los siglos XV y XVI; e incunables, como el Catholicon de Johannes Balbus impreso en Maguncia en 1460; o la Odisea de Homero, fechada en Florencia en 1488. Se exhibe también la edición francesa, del año 1930, del Ulises de James Joyce; el grabado de Wenzel Hollar sobre la proclamación de la Paz de Westfalia, fechado hacia 1648, y El sueño de la razón produce monstruos, de Francisco de Goya, perteneciente a la serie de Los Caprichos de 1799.

Litografías de Picasso; fotografías de la Primera y la Segunda Guerra Mundial; partituras, como Don Giovanni de Mozart, impresa hacia 1801, o el Concierto para piano y orquesta compuesto por Beethoven para el Archiduque de Austria en 1811; mapas, que muestran la evolución de Europa desde el siglo XVII hasta la actualidad; y periódicos, que recogen acontecimientos destacados de la historia reciente del continente, completan el conjunto de obras que forman parte de esta exposición que podrá visitarse en la Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España hasta el 6 de junio de 2010.

Lugar: Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España.
Horario: Martes a sábado de 10:00 a 21:00 horas, domingos de 10:00 a 14:00 horas
Entrada libre


Gregorio Marañón 1887-1969. Médico, humanista y liberal
Con motivo del cincuentenario del fallecimiento de Gregorio Marañón, la exposición Gregorio Marañón 1887 – 1960. Médico, humanista y liberal, da a conocer la vida y la obra de una de las figuras más brillantes del siglo XX.

Científico, médico, historiador y humanista, Gregorio Marañón fue miembro de la Real Academia Española, de las de Medicina, Historia, Ciencias Exactas, Físicas y de la de Bellas Artes de San Fernando.

La exposición ofrece un recorrido por su biografía, la estrecha amistad que mantuvo con algunos de los intelectuales más destacados de la época, su compromiso político, los años del exilio, así como la importancia de su legado científico y humanista a través de una selección de fotografías, manuscritos, cartas, periódicos, libros de Gregorio Marañón o sobre él y su tiempo, material científico y médico y obras de arte.

Lugar: Sala Recoletos de la Biblioteca Nacional de España
Horario: Martes a sábado de 10:00 a 21:00 horas, domingos de 10:00 a 14:00 horas
Entrada libre

Henri Rousseau

25/04/2010, El Museo Guggenheim Bilbao rinde homenaje a Henri Rousseau con una exposición que subraya, en el centenario de su fallecimiento, la relevancia de este artista francés como uno de los principales precursores del arte moderno.

Bilbao, Abril 2010
Su importancia va más allá del cliché que aún se conserva en algunos círculos de artista naif y algo extraño. Henri Rousseau revolucionó la pintura de su época utilizando formas novedosas de construir el mundo visual que tuvieron una gran influencia en los jóvenes artistas de su tiempo.

Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Fondation Beyeler, la exposición Henri Rousseau presenta alrededor de cuarenta obras que reflejan la gran variedad temática de la obra del artista francés: desde sus conocidas “pinturas de la jungla”, tan características en su última etapa hasta las vistas de París y sus alrededores, figuras, retratos, alegorías y escenas costumbristas.

Esta variedad temática fue tratada por el artista de una forma original e inaudita para su época. El estilo peculiar de Rousseu consistía en crear composiciones mediante el método de “cortar y pegar” elementos independientes preexistentes. Este proceso compositivo, que podría considerarse un collage pintado, sirvió de fuente de inspiración para artistas de la vanguardia como Picasso, Léger y Max Ernst.

La muestra, que está organizada tanto de forma temática como cronológica, presenta significativas yuxtaposiciones de pinturas con la intención de subrayar las claves estéticas de la obra del artista francés: la combinación de aspectos de la civilización y la naturaleza en una sola imagen, tanto en las pinturas de escenas exóticas como en contextos locales franceses; o la distribución cuasi simétrica y hierática de las figuras, animales, plantas y otros elementos en escenas de temática muy diferente.

Estas yuxtaposiciones pictóricas reflejan claramente las cualidades surrealistas de la obra de Rousseau y, al mismo tiempo, ayudan a que el espectador perciba la unidad conceptual en obras que parecen muy diferentes entre sí, pero que únicamente lo son desde el punto de vista temático.

25 de Mayo–12 de septiembre 2010
Guggenheim Bilbao

Martín Ramírez, marcos de reclusión

23/04/2010, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la primera exposición que se celebra en un museo europeo de la atractiva y desconocida obra del artista mexicano Martín Ramírez.

La muestra incluye cerca de 62 obras en papel, algunas de las cuales nunca se han exhibido públicamente, y es una oportunidad única para que el visitante se adentre en el universo personal de este artista que pasó 32 años de su vida en un hospital psiquiátrico en Estados Unidos.

Martín Ramírez (1895-1963) creó a lo largo de estas tres décadas, en las que permaneció completamente aislado de su familia, sin conocer el idioma del país, cerca de 450 dibujos de una asombrosa claridad visual y una gran fuerza expresiva.

A pesar de que a lo largo de los años, Ramírez ha sido clasificado principalmente como un «artista esquizofrénico», la muestra que se presenta en el Museo, va más allá de este limitado diagnóstico de enfermedad mental, para analizar así, la calidad y el valor de la producción artística del autor mexicano.

Los dibujos de Ramírez se caracterizan por su inventiva y su sencillez, por sus extraordinarias manipulaciones espaciales y por un variado repertorio de referentes visuales donde se fusionan los motivos mexicanos y la cultura popular americana de mediados de siglo, el entorno de la reclusión y la experiencia del artista como mexicano que vivió en la pobreza y el exilio en Estados Unidos.

Interno del DeWitt State Hospital en Auburn, California, Ramírez dibujaba en una sala que compartía con docenas de hombres, también confinados por sus incapacidades mentales y físicas, y quizás porque eran indigentes, pobres y desempleados. El espacio de trabajo de Ramírez estaba en un rincón del pabellón. Guardaba sus dibujos bajo el colchón, para protegerlos. Sus herramientas artísticas se apilaban en una mesita de noche. Recluido en aquel espacio compartido se embarcó en su aventura de artista autodidacta.

Con materiales y recursos muy limitados, el artista se reveló como un maestro a la hora de utilizar hábilmente el material que tuviera a mano, e inventó un estilo artístico singular que, basado en estructuras lineales flexibles, componía espacios cuyas topografías complejas inscriben múltiples puntos de vista.

Hasta el 12 de julio de 2010 en el Edificio Sabatini, Planta 3. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Una escapada por el Mediterráneo

18/04/2010, Los veleros de Star Clippers regresan al Mediterráneo para esta temporada de primavera- verano, con cruceros de 3, 4, 7 o 10 noches.

Abril de 2009

Star Clippers programa salidas desde Atenas, Cannes, Roma, Venecia y Rodas, de una navegación clásica, a bordo de sus tres veleros inspirados en las goletas de mitad del siglo XIX – de cuatro y cinco mástiles- que navegan a vela y motor recorriendo los más bellos enclaves mediterráneos con las comodidades de los yates más modernos

El concepto de navegación de los cruceros Star Clippers reúne a amantes del mar en un ambiente internacional para disfrutar de su pasión por la vela más tradicional. Aquellos pasajeros que lo deseen pueden ayudar a gobernar el barco, entregarse a la “dolce far niente” durante la travesía o disfrutar de la oferta de actividades acuáticas.

Durante el viaje, el barco hace escala cada día en una bahía diferente acercando a los pasajeros a tierra para disfrutar de las playas, hacer compras o excursiones.

Star Clippers ofrece actividades supervisadas por monitores multilingües como vela, windsurf, esquí acuático, buceo en apnea, paseo en zodiac o contratar sus prácticas de submarinismo.

Los camarotes están climatizados, con ducha privada, teléfono móvil y lujosamente decorados en madera de teca, caoba y mármol. Para garantizar la estabilidad a bordo, existe un sistema que consiste en dos depósitos unidos entre ellos que recogen las masas trasladadas de agua de un lado al otro por los movimientos del barco.

Dos piscinas de agua salada al aire libre, salones, comedor, una acogedora biblioteca con chimenea, bares y una tienda están en la disposición de los pasajeros. Además, en el Royal Clipper los pasajeros podrán deleitarse en su exclusivo centro de spa con vistas al fondo marino y equipado con baño turco, cuidados estéticos, sala de musculación y cabina de masaje.

El Royal Clipper es el velero más grande del mundo, alberga a 227 pasajeros a bordo en sus 134 metros de eslora y 1.800 m2 de cubierta, destinado durante esta temporada a las rutas del Mediterráneo Occidental, con paradas como Sorrento, Capri, Corfú o Dubrovnik; los gemelos Star Clipper y Star Flyer, con capacidad para 170 pasajeros y 115 metros de eslora, recorrerán el Mediterráneo Oriental, con rutas por Grecia, Italia, Croacia, Mónaco, el sur de Francia o Turquía

Jonathan Meese en el CAC Málaga

18/04/2010, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la exposición individual más importante realizada hasta el momento en España por Jonathan Mece.

Abril de 2009

El artista fomenta la reflexión sobre el arte y sus actores o sobre lo que él mismo califica como “dictadura del arte”, en la que el poder no recae en el creador ni en el museo, sino en el arte como ente autónomo.

Jonathan Meese se ha definido a sí mismo como un “exorcista cultural”, alguien difícil de encuadrar en una determinada corriente artística pero que tiene en el expresionismo alemán una de sus fuentes de inspiración.

Del 9 de abril al 20 de junio, pinturas, collages, fotografías, proyecciones de performances, esculturas y un inédito conjunto de cerámicas componen la propuesta escenográfica de Meese en el CAC Málaga.

La obsesión, el caos, el desconcierto, la decadencia, el desencanto de la religión... son algunos de los planteamientos a través de los cuales Jonathan Meese cuestiona la realidad, recurriendo a alusiones figurativas de personajes históricos alemanes como Wagner o Hitler, actores y actrices de Hollywood, cómics o películas de terror.

Consigue llevar hasta límites insospechados su resistencia psíquica, plasmando en sus obras los horrores de la guerra, el descontento social y, en definitiva, la historia del arte germánico.

En sus trabajos, Meese repite de manera casi obsesiva determinados temas y motivos, que producen entre público y crítica un primer rechazo, desasosiego y controversia.

En sus obras, Meese, en un acto de posesión casi demoníaca, asume distintas actitudes para llevarlas al terreno de lo grotesco y lo ridículo; gracias al uso del autorretrato como elemento esencial de su creación, tal y como se aprecia en la serie de collages y fotografías, Dr. Gomilk, Meese adopta múltiples personalidades.

Sus pinturas de gran formato están realizadas con una gran resolución y poder. Son imágenes hechas muy rápidamente: la forma en que se contemplan, es como han sido concebidas por el artista. Por otro lado, se presentan proyecciones de performances, una de las cuales se rodó en su estudio el 15 de marzo de 2010, siendo el CAC Málaga el primer lugar donde se exhibe.

La extensa y variada selección de trabajos que engloba la exposición del CAC Málaga abarca la última década, así como un grupo de fotos realizadas en 1998 que aportan una visión de su trabajo de aquella época.

Cuenta, además, con un manifiesto escrito para la ocasión por el artista, incluído en el catálogo, que refleja el desorden, la acumulación y el exceso que definen el trabajo artístico de Meese.

Jonathan Meese (Tokio, 1970) se dio a conocer internacionalmente gracias a la primera Bienal de Berlín en 1998, en la que se reunieron distintos artistas bajo la denominación de “nuevo activismo”, que recuperaba la tradición transgresora de las corrientes alemanas contemporáneas (Anselm Kiefer o Georg Baselitz) y del accionismo vienés.

Amigo de artistas de la talla de Daniel Ritcher o Tal R, que ya han expuesto en el centro y con quienes ha realizado alguna exposición conjunta (Mor, 2006, video que formaba parte de Teenager Beach de Tal R en el CAC Málaga) comparten esa mirada en la que el arte se independiza de los intereses y las pasiones humanas.

Para Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, “Jonathan Meese explora en su trabajo barroco y apabullante, en ocasiones exagerado y estridente, la función del arte, de la política y de los sistemas ideológicos, pero también del sexo y de la basura, de la belleza y de la escatología.

3 x C = CIRCUSSYS CERAMICUSSUS CALIGOLOSSOZ (Once upon a time in Fort Knoxoz), título de la exposición de Jonathan Meese, condensa el doble sentido, la ironía y el sentido del humor que caracteriza el trabajo de Jonathan Meese y representa una gran oportunidad para disfrutar de uno de los sólidos valores del arte alemán de la actualidad..

Los límites de la transparencia

14/04/2010, La Fundación Canal presenta una selección de obras del escultor vasco Jorge Oteiza, realizada ex profeso por Pilar Oteiza, sobrina del artista y comisaria de esta muestra.

Madrid, abril del 2010
La exposición integra 34 esculturas, 4 de ellas de gran formato, ubicadas en el exterior del edificio y en el jardín de la fundación. El título de la muestra "Los límites de la transparencia" alude, según Pilar Oteiza, "a la frontera donde se separan y se unen el espacio construido y el espacio natural".

Las obras que componen esta muestra corresponden a los años más importantes de su producción, con la culminación del proyecto denominado "Propósito experimental", con el que Jorge Oteiza obtuvo en 1957 el Primer Premio de Escultura de la IV Bienal de São Paulo (Brasil) y su consagración internacional.

Jorge Oteiza fue un pensador y creador multidisciplinar que concibió su obra desde el vínculo entre el individuo y el universo. La producción de sus esculturas es inseparable de un trabajo intelectual previo, que lo acompañó hasta el final de sus días, y que junto con sus poemas, escritos y reflexiones forman una cadena con diferentes eslabones que configuran un proyecto vital.

Esta selección de trabajos ilustra el proceso de experimentación que el maestro llevó a cabo con las geometrías esféricas y los cubos, hasta lograr la máxima expresión de sus tesis en sus cajas metafísicas.

Las esculturas de Oteiza delimitan el vacío. Sus creaciones se sustentan en el espacio, en su interior y en su derredor; tal como puede verse en obras como Homenaje a Leonardo o Retrato de Espíritu Santo. Obras que nos explican la fase final de un proceso creativo que había comenzado en los años 30, cuando comenzó su interés por vaciar las formas, desocupándolas de contenido, hasta destilar las unidades mínimas que inducen la forma sin opacidad, transparentemente.

Los límites de la transparencia. Jorge Oteiza
Entrada libre
Laborables y festivos: 11:00 a 20:00 horas.
Miércoles: Cerrado a partir de las 15:00 horas.
Fundacion Canal
Calle de Mateo Inurria, 2
28036 Madrid
91 545 15 06

John Singer Sargent en el Prado

09/04/2010, Llega al Museo del Prado de Madrid la obra invitada "Las hijas de Edward Darley Boit", del artista norteamericano John Singer Sargent, procedente del Museum of Fine Arts de Boston.

"Las hijas de Edward Darley Boit" de Sargent, inspirada en "Las Meninas" de Velázquez, llega al Prado como obra invitada. El museo ofrece así al público la irrepetible ocasión de contemplar reunidas ambas obras maestras.

"Las hijas de Edward Darley Boit" es una de las pinturas más sobresalientes del Museum of Fine Arts de Boston (MFA). Su fuente directa de inspiración es la obra "Las Meninas" de Velázquez, que el artista norteamericano copió en el Prado durante su primera estancia en Madrid.

Sargent supo recrear el carácter misterioso del espacio velazqueño y su gama cromática, así como el juego de miradas dirigidas al espectador. Ambas pinturas comparten, además de una semejanza puramente formal, una conexión temática. El protagonismo, en la composición de Velázquez, lo adquiere la princesa de cinco años, la infanta Margarita, que es casi la imagen especular de Julia Boit de cuatro años. Además, mientras la infanta aparece rodeada por los miembros de su corte, las hermanas mayores de Julia giran en torno a ella.

El viaje a España de la obra maestra de Sargent constituye un acontecimiento inédito y de singular importancia ya que ésta apenas ha abandonado el Museum of Fine Arts (MFA) de Boston, al que fue donada por sus protagonistas en 1919, siendo ahora la primera ocasión desde la muerte del artista en la que se exhibe en una ciudad europea distinta a Londres, donde Sargent se estableció los últimos años de su vida.

Wyndham Lewis en la Fundación Juan March

07/04/2010, Desde la antológica que le dedicara la Tate en 1956, un año antes de su muerte, esta es la muestra más completa realizada nunca sobre Wyndham Lewis, además de ser la primera exposición del artista presentada en España.

A través de más de 150 obras y de sus más de 60 publicaciones, se ofrece un exhaustivo recorrido por la obra artística y literaria de Wyndham Lewis (Amherst, Nova Scotia, 1882 - Londres, 1957). Este polifacético y controvertido artista fue una de las figuras clave del modernismo internacional de la primera mitad del siglo XX.

Creador en 1914 del Vorticismo, el único movimiento inglés de vanguardia, Wyndham Lewis fue pionero de la abstracción, pintor de guerra, gran retratista (de célebres escritores contemporáneos suyos, como Ezra Pound, T. S. Eliot, James Joyce, Rebecca West), novelista, ensayista, editor, crítico literario y de arte; y creador de revistas de vanguardia como Blast o The Enemy.

Lewis fue una suerte de “Vanguardia en un solo hombre”, “la personalidad más fascinante de nuestro tiempo”, como escribió T. S. Eliot en 1918: un artista fascinante y aún por descubrir por el gran público. La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con la colaboración de Paul Edwards, comisario invitado y el principal conocedor de Wyndham Lewis en el mundo, además de la ayuda de otros especialistas en Lewis como Richard Humphreys, Alan Munton o Yolanda Morató, entre otros. Las obras proceden de numerosos museos y galerías de Europa, Estados Unidos y Canadá, así como de coleccionistas privados.

La exposición tiene la pretensión de interrumpir el “estruendoso silencio” (Hugh Kenner) que ha rodeado y rodea aún una de las figuras pictóricas y literarias más vigorosas de la primera mitad del siglo XX.

Praga en abril

02/04/2010, Todo abril, empezando por la Semana Santa, Praga ofrece interesantes alternativas. Turismo Checo nos propone cinco:

Praga abril de 2010

1) Mercadillos de Pascua para toda la familia

Si hay algo típico durante la Semana Santa son sus maravillosos mercadillos en las Plazas de la Ciudad Vieja y Wenceslao. Se podrán comprar regalos únicos y productos típicos en sus puestecillos hasta el 11 de abril.

Además, en estas fechas el abanico de actividades culturales no tiene parangón: hay espectáculos de folclore, música popular y baile en escenarios al aire libre, y talleres infantiles para confeccionar figuritas con ramas de sauce trenzadas o a pintar sus propios huevos de Pascua. 2) La exposición “El arte del ajedrez” en el Centro DOX de Arte Contemporáneo

Este novedoso centro para el arte moderno inaugura una muestra dedicada al ajedrez desde el prisma de 15 consagrados artistas como Damien Hirst, Barbara Kruger, Rachel Whiteread, y Jake y Dinos Chapman.

Las personales -y a veces extravagantes- creaciones se acompañan de un programa paralelo con exhibiciones del gran maestro ajedrecista Boris Spassky. Del 1 de abril al 29 de junio. www.doxprague.org

3) Celebraciones primaverales en el Castillo de Krivoklat

A una excursión de 40 km a las afueras de Praga se halla el castillo gótico de Krivoklat, que data del siglo XII, donde pequeños y mayores podrán disfrutar de sus Fiestas de Pascua Principescas, con mercadillo, conciertos, misas y representaciones teatrales (www.krivoklat.cz/history/).

Otro de los castillos y palacios que muestran todo su esplendor con la llegada de la primavera es el de Karlstejn.

4) ¡Vivir la Música en salas singuares!

En el mismo lugar donde se estrenó mundialmente la célebre ópera de Mozart "D.Giovanni" en 1787, el Teatro de los Estamentos, hay un concierto de Antonio Vivaldi el 2 de abril (www.narodni-divadlo.cz). ¿E Imaginas cómo puede sonar la iglesia de San Simón y San Judas?

Hasta el 14 de marzo se celebra el Festival de Pascua de Praga, con nueve conciertos en excepcionales ubicaciones (www.fok.cz).

Para escuchar jazz, recomendamos el nuevo local Jazz Dock frente al canal, en Smichov (www.jazzdock.cz), y para bailar hasta tarde, Mecca es el club más 'underground', situado en una fábrica abandonada en el distrito industrial Holasovice (www.mecca.cz).

5) Encontrar un regalo que marque la diferencia: cristal y porcelana de diseño

El punto de referencia del diseño en Praga lo marcan la tienda/estudio Qubus (www.qubus.cz) y Futurista Universum (www.futurista.cz). Abarcan diseño decorativo, gráfico, muebles, porcelana, etc., con modernos articulos, originales y 100% checos.

La opción de lujo, especializada en cristal, corresponde a Artel Design Shop (www.artelglass.com).

Henri Rousseau: centenario

01/04/2010, El Museo Guggenheim Bilbao rinde homenaje a Henri Rousseau con una exposición que subraya, en el centenario de su fallecimiento, la relevancia de este artista francés como uno de los principales precursores del arte moderno.

Bilbao, abril de 2010

Rousseau nació en Laval, valle del Loira, en 1844 y murió en París en 1910. Ayundante de un bufete, soldado, funcionario de aduanas, recaudador de arbitrios, se retiró a los 49 años para dedicarse a su vocación, la pintura, en la que hizo una obra de sabor naif llena de poesía.

Imaginativo, fantasioso, amante de la naturaleza, Henri Rousseau innovó en la pintura de su época utilizando formas novedosas de construir el mundo visual que tuvieron una gran influencia en los jóvenes artistas de su tiempo.

Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Fondation Beyeler, la exposición Henri Rousseau presenta alrededor de cuarenta obras que reflejan la gran variedad temática de la obra del artista francés: desde sus conocidas “pinturas de la jungla”, tan características en su última etapa hasta las vistas de París y sus alrededores, figuras, retratos, alegorías y escenas costumbristas.

Esta variedad temática fue tratada por el artista de una forma original e inaudita para su época. El estilo peculiar de Rousseu consistía en crear composiciones mediante el método de “cortar y pegar” elementos independientes preexistentes. Este proceso compositivo, que podría considerarse un collage pintado, sirvió de fuente de inspiración para artistas de la vanguardia como Picasso, Léger y Max Ernst.

La muestra, que está organizada tanto de forma temática como cronológica, presenta significativas yuxtaposiciones de pinturas con la intención de subrayar las claves estéticas de la obra del artista francés: la combinación de aspectos de la civilización y la naturaleza en una sola imagen, tanto en las pinturas de escenas exóticas como en contextos locales franceses; o la distribución cuasi simétrica y hierática de las figuras, animales, plantas y otros elementos en escenas de temática muy diferente.

Estas yuxtaposiciones pictóricas reflejan claramente las cualidades surrealistas de la obra de Rousseau y, al mismo tiempo, ayudan a que el espectador perciba la unidad conceptual en obras que parecen muy diferentes entre sí, pero que únicamente lo son desde el punto de vista temático.

Henri Rousseau, en el guggenheim de Bilbao, del 25 de Mayo al 12 de septiembre de 2010.

Joya románica en peligro

01/04/2010, Un templo emblemático de románico mudéjar español, en pleno Camino de Santiago, está en grave peligro y lleva dos años cerrado. Hay dineros para propaganda, pero no para arreglarlo

Sahagún abril de 2010

Por Belén Molleda.

En medio del Camino de Santiago, Sahagún es uno de los lugares de mayor interés, especialmente por su arte románico mudéjar, pero también por su historia, vinculada a la principal abadía cluniacense de España. Una pena que su patrimonio esté descuidado por la incuria de las administraciones.

Los millares de peregrinos que contemplen este año jacobeo una de las grandes joyas del arte románico mudéjar español que posee Sahagún, San Lorenzo, van a quedar este año defraudadas al descubrir un edificio que permanece apuntalado desde hace año y medio, desplomado en parte en su interior y en peligro de que el deterioro avance.

Es un templo de principios del siglo XIII, uno de los prototipos del denominado románico mudéjar y su párroco, Jenaro Barriales, ha dicho que, desde el repentino desplome de uno de los arcos del interior del templo, el 13 de agosto de 2008, la Junta de Castilla y León encargó unos trabajos de emergencia para apuntalar la iglesia, pero, desde entonces, no se ha vuelto a hacer más.

Este edificio cerrado desde aquel tiempo, goza –en teoría- de la máxima protección por parte de la Junta de Castilla y León, ya que está declarado Bien de Interés Cultural (BIC). En fuentes de la Junta no han precisado cuando se va a resolver esta situación.

El portavoz del PSOE en Castilla y León en materia de Patrimonio, José Ignacio Benito, ha dicho que el templo parece abandonado a su suerte. Su grupo presentó hace más de un año y medio una iniciativa para pedir explicaciones por este derrumbe y, desde entonces, la Junta "no ha hecho nada".

El párroco de Sahagún ha explicado que el tejado de la parte norte de la iglesia está muy mal: tiene goteras, que van en aumento: "Cada vez está entrando más agua y sobre todo los arcos de la fachada principal de fuera del pórtico corren peligro de que se caiga alguno", ha añadido.

Y ha advertido: "si se cae uno de estos arcos, se cae todo el pórtico (que es posterior al siglo XIII) y puede empujar la pared del templo de la iglesia hacia fuera", lo que aún "sería más grave".

El párroco ha explicado también que ha mandado un escrito a la Dirección General de Patrimonio de la Junta para advertirles de la situación, y a día de hoy no les han dado una solución.

Y mientras tanto, este edificio de inicios del siglo XIII, de gran belleza, peligra. Es una estructura de amplias dimensiones, mayor que la de San Tirso, otra de las joyas locales, aunque construida totalmente en ladrillo. Su torre es bella y poderosa, abrazada por los tres ábsides de cabecera, con bellas arquerías de herradura y alfiz.

Cuando a algunos políticos se entusiasman con la promoción internacional del Camino de Santiago, y gastan millones de euros pregonando esta ruta medieval por París y Nueva York... hay que advertirles que aparte de hacer propaganda, deben conservarla.

Anish Kapoor

23/03/2010, Del 16 de marzo de 2010 al 12 de octubre de 2010 el Guggenheim Bilbao presenta una muestra dedicada a Anish Kapoor, bajo la dirección curatorial de Alexandra Munroe.

Bilbao, marzo de 2010

Se trata de la primera muestra monográfica a gran escala dedicada en España a la obra de Anish Kapoor, uno de los artistas más reconocidos e influyentes de su generación, concebida en estrecha colaboración con el artista.

La exposición incluye obras creadas a lo largo de treinta años de trayectoria, desde la década de 1970 hasta la actualidad.

El artista, que ha colaborado activamente en el montaje de la exhibición, ha encontrado en las galerías de la institución un buen lugar para una muestra de escultura y grandes instalaciones en la que continente y contenido se complementan.

Durante los últimos treinta años Anish Kapoor se ha forjado, a nivel internacional, una reputación como uno de los artistas más importantes e influyentes de su generación. Su exploración acerca de la forma y del espacio, y su empleo del color y de los materiales han ejercido una profunda influencia en el curso de la escultura contemporánea.

Organizada por la Royal Academy of Arts de Londres y el Museo Guggenheim Bilbao, la muestra ha sido concebida e instalada en estrecha colaboración con el artista y ofrece una reflexión acerca del método de trabajo y proceso creativo de Kapoor por medio de veinte obras de varias series que abarcan desde los años setenta hasta la actualidad.

A lo largo de la segunda planta del Museo, la muestra propone al visitante una sucesión de experiencias visuales y psicológicas, con la intención de atraerlo hacia el lenguaje escultural poético del artista.

Obras de pigmento

La serie escultórica más temprana que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao se compone de obras realizadas con pigmento en polvo aplicado a formas geométricas que parecen surgir de las paredes y del suelo.

Completado entre 1979 y 1984, este conjunto de obras comenzó a modo de experimentación con el color como material a través del empleo de pigmento. Como resultado surge la serie de obras 1.000 nombres ( 1000 Names). La claridad y pureza de estas piezas tuvo un efecto inmediato. Naturales y abstractas en su forma, estos objetos parecen surgir del suelo y de las paredes de la sala, dando lugar a la idea de obras "auto-generadas", que existen sin necesidad de un autor. "Intentaba llegar a algo que fuera como no realizado, como si se manifestase a sí mismo, como si existiera por su propio deseo", afirmaba Kapoor.

Sobre el vacío

Tras las primeras piezas de pigmento, Kapoor decide excavar el objeto. Adán ( Adam, 1988Ц89) y Sin título (1990), incluidas en esta exposición, son dos ejemplos clave de las primeras exploraciones del artista sobre la idea del vacío. La noción de que el vacío puede hacer que el espacio esté más lleno fue un descubrimiento conceptual fundamental para Kapoor. "Parece como si vaciando la forma, quitándolo todoЕ de algún modo el espacio no se vaciara, más bien como si se llenara. Y creo que fue una gran sorpresa para mí. Sentí que era el momento de un gran descubrimiento. Que vaciar era llenar, en realidad, y que lo que lo llenaba era una especie de oscuridad. Una oscuridad de masa, una oscuridad del interior y, desde luego, una especie de oscuridad psicológica".

Amarillo ( Yellow, 1999)

Amarillo ( Yellow, 1999) es una pieza monumental en la que Kapoor emplea el color como instrumento para abarcar y subvertir la forma. Un gran hueco se hunde en la pared amarilla. La mera escala de la obra y su monocromía llenan la visión del espectador, desdibujando los límites entre espacio y forma, entre lo que creemos conocer y lo que percibimos. Es como si el color existiera como estado o condición del ser.

No objetos

El deseo de Kapoor por ampliar el ámbito de la escultura más allá de sus límites físicos lo condujo a crear piezas reflectantes. Una gran sala diseñada por Gehry acoge una instalación de esculturas realizadas en acero inoxidable pulido, que sólo parecen cobrar vida como objetos reales cuando la imagen activa del visitante se refleja en su superficie. En obras como Poniendo el mundo del revés, Oro ( Turning the World Upside Down, Gold, 2009), las superficies cóncavas de los espejos invierten los reflejos de los visitantes y distorsionan las ondas de sonido que las rodean, transformando el espacio que ocupan.

Mi patria roja ( My Red Homeland, 2003)

Mi patria roja ( My Red Homeland, 2003) es un vasto paisaje rojo que consta de un aspa de metal que, movida por un motor, gira de forma casi imperceptible dentro de un contenedor circular abierto que contiene veinticinco toneladas de cera de color rojo sangre, generando en el espectador una ilusión óptica, como si la masa de cera roja se desbordara del interior hacia el exterior de la instalación.

Disparos en el rincón ( Shooting into the Corner, 2008Ц09)

Esta pieza fue exhibida por primera vez en Viena, la ciudad en que Freud creó el psicoanálisis. De manera inexorable y repetida, un cañón dispara proyectiles, a intervalos de 20 minutos, contra un rincón. Los restos de cera se van acumulando en el suelo de la sala durante el período de exposición, llegando a alcanzar unas treinta toneladas. La acción dramática de Disparos en el rincón ocurre en un lugar aparte, en una especie de espacio ritual en el que acontece un simbólico acto de violencia.

Una vez más, se prescinde de la mano del artista, que es sustituida por una máquina, poniendo aún más de relieve la libertad que el creador otorga al espectador para que interprete estas obras. En la tradición duchampiana, Kapoor considera que la interpretación del espectador es esencial para la obra de arte.

Greyman grita, Shaman muere, volutas de humo, belleza evocada ( Greyman Cries, Shaman Dies, Billowing Smoke, Beauty Evoked, 2008Ц09)

Este conjunto de esculturas de cemento, la obra más reciente de Kapoor, ha sido generado mediante un proceso tecnológico, específicamente desarrollado, en el que una impresora tridimensional controlada por un ordenador extrude cemento según un diseño previamente formulado por el artista. De esta manera, se subvierten las formas de producción. Los objetos resultantes desafían la tradicional noción de forma. Desde lo arquitectónico a lo arcaico, desde lo corpóreo a lo escatológico, estas piezas parecen más objetos naturales que fabricados siguiendo un diseño concreto.

El gran árbol y el ojo ( Tall Tree & the Eye, 2009)

Situada en el estanque norte del Museo Guggenheim Bilbao, junto a la ría, se erige la deslumbrante obra El gran árbol y el ojo ( Tall Tree & the Eye, 2009). Consistente en casi ochenta esferas de acero inoxidable, El gran árbol y el ojo refleja y multiplica su entorno produciendo reflejos fractales. Cada esfera no sólo se refleja en las contiguas, sino que también se funde con el paisaje, reflejando la silueta del Museo y la arquitectura circundante en un proceso sin fin.

El ángulo de las imágenes va cambiando a medida que la mirada de espectador sube por la escultura. De esta forma, el artista expresa la naturaleza fugaz del aspecto de las cosas y, mediante una compleja utilización de luz y sombras, de volumen y espacio, nos hace pensar en la inestabilidad del mundo visible, trayendo a la tierra las nubes y el cielo.

El artista

En 1973 Kapoor se trasladó a Londres para estudiar arte, donde reside y trabaja desde entonces.

Graduado en el Hornsey College of Art y la Chelsea School of Art and Design, su primera exposición en solitario tuvo lugar en la Patrice Alexandra de París en 1980, y su reputación internacional quedó rápidamente establecida. Kapoor representó al Reino Unido en la 44 Bienal de Venecia de 1990 y fue galardonado con el Premio Duemila al mejor artista joven. Al año siguiente ganó el prestigioso Premio Turner. Ha expuesto en todo el mundo, recientemente en la Royal Academy of Arts de Londres, en el Deutsche Guggenheim de Berlín, en el MAK de Viena y en el Institute of Contemporary Art de Boston.

Esta exposición itinerante que acoge el Museo Guggenheim Bilbao es su primera gran exposición en solitario en España.

La muestra se complementa con la sección Didaktika que se centrará en los proyectos urbanos de Anish Kapoor, en los que la relación entre la arquitectura, el entorno, la obra de arte y el espectador es crucial.

Las Meninas en el Prado

23/03/2010, El Museo del Prado propone un nuevo acercamiento a la obra maestra de Velázquez, a través de una exposición en la que se muestran tres de sus interpretaciones más memorables, correspondientes a Goya, Picasso y Richard Hamilton.

La exposición, hasta el 30 de mayo del 2010, ofrece al público la posibilidad de adentrarse en el proceso de meditación personal, experimentación y trabajo de creación de tres grandes artistas que no renunciaron a su libertad individual en la interpretación de una de las obras maestras del arte español.

En la muestra se presenta por primera vez al público el proceso creativo de la estampa que el artista británico Richard Hamilton, uno de los padres del Pop Art, realizó en 1973 para la carpeta Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso), editada con motivo del noventa cumpleaños del pintor malagueño. Se trata de cinco dibujos preliminares y preparatorios, y seis pruebas de estado que culminan en la estampa definitiva, un tributo a Picasso a través de la reinterpretación que éste hizo de la obra maestra de Velázquez.

Acompañan a este conjunto un dibujo y tres pruebas de estado de Goya, que muestran a su vez el duro proceso desarrollado por el maestro aragonés entre 1778 y 1779 para conseguir la perfección en su también personal interpretación de Las Meninas.

La selección se completa con el primer esbozo realizado por Picasso en 1957 para su serie sobre la obra, que se presenta aquí como eje de unión entre Velázquez, Goya y Hamilton.

Tesoros de la corona de España

23/03/2010, Una exposición que muestra, de forma comprensiva, el momento de mayor calidad artística de la historia del tapiz flamenco renacentista.

La muestra "Tesoros de la corona de España. Tapices flamencos en el Siglo de Oro" se articula desde el doble punto de vista de la función y del coleccionismo, con las consecuentes implicaciones en el ámbito de la monarquía hispánica desde finales del siglo XV a comienzos del XVI, aunque no lo restringe exclusivamente a dichas colecciones.

La historiografía, desde Vasari, ha resaltado y estudiado con mucho mayor empeño las manifestaciones pictóricas, escultóricas o de la arquitectura, relegando a las consideradas artes suntuarias o decorativas, y por tanto menores, a una categoría secundaria. Sin embargo, su relevancia fue mucho mayor, sobre todo en los siglos XV y XVI. Esta importancia se debía a que el tapiz permitía el desarrollo de programas iconográficos complejos, del mismo modo que las vidrieras, la pintura al fresco o el mosaico, con las que el tapiz comparte el componente de magnificencia, y la ventaja, única de este medio, de la transportabilidad, fundamental para las cortes itinerantes de la época.

De este modo, la tapicería reunía las condiciones para una expresión del lujo y la riqueza, de devoción y ornato, didáctica y móvil, que la convirtieron en objeto de coleccionismo desde la corte de los reyes Católicos, reforzando el entronque dinástico con la rama Habsburgo, hasta el reinado de Felipe II, con el especial protagonismo del coleccionismo femenino de Isabel la Católica, Margarita de Austria y María de Hungría.

La exposición muestra a través de sus distintos apartados las relaciones de Castilla con Flandes, consolidadas con la unión de las dinastías Trastamara y Habsburgo -a su vez emparentadas con los duques de Borgoña-, cuyo eje fundamental era Bruselas-Madrid, lo que daba lugar a que en el territorio español existiera uno de los mejores conjuntos de tapices renacentistas de toda Europa, tanto en colecciones reales como en los ejemplares donados por la nobleza a iglesias y catedrales.

Desde el punto de vista formal, la exposición presenta la imagen del mundo a fines de la Edad Media y su evolución hacia lo clásico-heroico de la corte imperial, así como los conflictos religiosos de principios del XVI. Muestra también el final de una época, con el advenimiento del nuevo siglo, a través de tapices, pintura, escultra y estampas (dibujos y grabados).

Galerie des Gobelins
París (Francia)
14 abril - 4 julio 2010

Individuo e Identidad

22/03/2010, El MIAC inaugura una muestra cedida por el TEA Tenerife Espacio de las Artes, perteneciente a la Colección Ordoñez-Falcón de Fotografía (COFF), depositada en el museo tinerfeño desde el pasado año.

"Individuo e Identidad" propone una visión del retrato que no sólo pone de manifiesto al sujeto observado, sino que plantea una lectura en profundidad sobre la identidad y las fisuras que las cuestiones identitarias producen en las sociedades contemporánea.

Esta muestra es una pequeña parte de la amplia Colección Ordóñez-Falcón de Fotografía, que cuenta con más de 1.100 obras, datadas desde los años 20 del siglo pasado hasta la actualidad, en un recorrido por la fotografía universal con autores como Stieglitz, Adams, Sander, Weston, Rodchenko, Abbot, Brassaп, Penn, Avedon, Doisneau, Warhol, Sherman, Ruff, Hцffer, Olaf, Fontcuberta y un larguísimo listado de igual relevancia.

De ese magnífico conjunto se han seleccionado 21 imágenes, la serie Family Tree, del año 2000, compuesta por nueve fotografías de 230 x 180 cm., de Zhang Huan; 8 fotografías de Céline van Balen, de 1998, de 155 x 125 cm.; dos retratos, Antonio y Eladio, de la serie Utópicos, del francés Pierre Gonnord, y dos personajes de la serie América, del neoyorquino Andrés Serrano, bajo el título América (Boy Scout John Schenieder, Troop 422) y Bello Nock (América's Best Clown), ambas obras de 2003.

El trabajo de Zhang Huan (China, 1965) se compone de una serie de nueve fotografías de gran formato donde aparece un primer plano directo de su rostro. En progresión creciente su cara se va cubriendo con los nombres de sus antepasados, quedando plasmado sobre su cara todo el árbol genealógico familiar; así, cuando los nombres de todos los que hicieron posible la existencia del individuo se hacen patentes, la identidad de la persona queda sepultada e irreconocible.

La artista holandesa Céline Van Balen (Holanda, 1965) presenta ocho retratos de jóvenes musulmanas posando en idéntica actitud y a la misma distancia de la cámara. A pesar de las diferentes procedencias, genealógicas o geográficas, todas se igualan por el pañuelo que cubre sus cabezas, un elemento que las uniformiza, motivado por un imperativo religioso.

Las dos imágenes de Pierre Gonnord (Francia, 1965) -Antonio y Eladio- muestran personajes en toda su miseria física, pero sin buscar en ello el dramatismo. Ancianos vapuleados por la vida que poseen una poderosa personalidad y mantienen la dignidad en situación de indigencia.

Las obras de Andrés Serrano (Nueva York, 1950) incluidas en su serie América, retratan los estereotipos americanos de finales del siglo XX a través de personajes carismáticos cuya suma de todos configuraría, según Serrano, el retrato de la América actual.

Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC
Castillo de San José - Lanzarote
Del 19 de marzo al 14 de mayo
Horario: de lunes a domingo de 11.00 a 21.00 H

Spa a 110 grados bajo cero

20/03/2010, Turismo de Finlandia, propone como otro de los atractivos de la visita al país nórdico un Spa a 110 grados bajo cero

Finlandia marzo de 2010

Es el producto estrella del lujoso Haikko Spa, situado en la localidad de Porvoo: la terapia Cryo, donde el cuerpo se somete durante los primeros minutos a temperaturas de -30 y – 60 grados Celsius en las salas aisladas antes de exponerse al tratamiento de frío a –110 grados.

Desde la primera sesión –señala- se percibe el aporte de energía resultado de la reducción de tensión muscular y el alivio de dolores y enfermedades.

Haiko Spa fue pionero en 2003 en ofrecer tratamientos Super Cold en Finlandia, en el entorno de Porvoo, a 41 km de Helsinki. Asimismo, fue el primero en el mundo en aplicar una tecnología específica que combina electricidad y nitrógeno líquido para producir temperaturas extremadamente bajas. Este sistema único dota de humedad al aire de la sala y, por ello, facilita la respiración y mejora la piel.

La terapia Cryo se desarrolló en Japón a finales de 1800. Originalmente este tratamiento se empleaba para aliviar dolores de reuma. Un siglo más tarde médicos deportivos redescubrieron esta terapia y lo aplicaron en sus tratamientos rutinarios a los atletas y en rehabilitaciones. Poco después, especialistas en salud reconocieron los efectos positivos de los tratamientos de frío en casos de insomnio, estrés y enfermedades de la piel, entre otras.

Únicamente provistos de bañador, gorro, guantes y calcetines, los clientes del Haiko Spa han de caminar por dos habitaciones aisladas térmicamente con temperaturas de -30 y –60 grados antes de entrar en la sala Super Cold de –110 grados, donde pasan de uno a tres minutos, dependiendo del tratamiento.

Personal cualificado de Haiko Spa supervisa todas las sesiones y las reacciones del cuerpo, que bajan a temperaturas en torno a los a 3 –4 grados. Este descenso termal estimula el sistema nervioso y genera reacciones positivas en los sistemas circulatorio, inmunológico, endocrino y central. La primera sesión aporta una sensación de placer y ánimo físico, y los tratamientos de enfermedades específicas necesitan al menos tres sesiones para conseguir resultados permanentes.

Arte Breve de Cocina

20/03/2010, Después de la iniciativa del Menú Aniversario, en el 2010, la red de Paradores pone en marcha otra que a buen seguro tendrá éxito.

Marzo de 2010

La propuesta gastronómica estará disponible en toda la Red durante 2010 y mezcla cocina e historia.

El objetivo de Paradores es el de ofrecer a sus clientes un recorrido por la historia gastronómica de cada región española mediante una iniciativa bautizada con el nombre de ‘El Arte Breve de Cocina’. El 23 de marzo, se ofrece una presentación en todos los paradores, acompañada de un breve espectáculo, recordando la tradición histórica de cada menú.

De esta manera, el gratinado de quesos, la fabada y la merluza de la costa asturiana se amenizan en el Parador de Cangas de Onís con la actuación de la Banda de Gaiteros de la localidad o en algunos paradores andaluces moriscos y cristianos participan recibiendo a los invitados.

El Arte Breve de Cocina estará disponible en los restaurantes de los 93 Paradores hasta finales de 2010. Esta fusión de historia y gastronomía se pone sobre la mesa a un precio muy asequible: todos los menús tienen un precio que oscila entre los 27 y los 29,50 euros (Impuestos incluídos).

Para la composición de cada menú se ha tenido en cuenta la historia de los edificios en que se ubican los paradores (castillos, pazos, monasterios, etc.), los platos más emblemáticos de cada zona (la huerta, la caza, la pesca, etc.), los hechos o personajes históricos cuya influencia se ha dejado sentir en la cocina, así como la investigación y la autenticidad de los productos autóctonos de cada lugar.

De esta manera se han elaborado menús con un sentido histórico como La Mesa Señorial de los Pimentel del Parador de Benavente: Un recorrido por La Historia de la Cocina de Benavente expresada en breves bocados para saborear la Cultura y Tradición de sus productos.

Y asó en el resto de España, con menús como el del Parador de Santillana, La Mesa Pasiega, o El reino gastronómico de León, en el emblemático Palacio de San Marcos.

La Mesa en el Siglo de Oro estará en la Hostería del Estudiante de Alcalá de Henares; El Legado Gastronómico de Ziryab, en el parador de Córdoba, o El Reino Nazarí Culinario, en Granada. Las sugerencias son múltiples: Otros ejemplos significativos son La gastronomía del siglo II a.C. en Zamora, A táboa do Xubileo en Santiago de Compostela, La Gastronomía del Torcal en Antequera, la Cuina de la Sal del parador de Cardona en Barcelona o la rica Despensa de las Indias en el Parador de Cruz de Tejeda en Gran Canaria.

Cada una de las 93 propuestas se compone de tres bocados que combinan tanto los productos locales que confieren la identidad culinaria de cada zona como la ecococina, arraigada en Paradores desde sus orígenes y entendida como el equilibrio entre la cocina y la conservación del entorno.

La degustación comienza con un entremés tradicional a base de verduras, conservas, quesos o embutidos como protagonistas. Los comensales podrán comer en Ferrol chicharrón y chipirones; en Mérida criadillas de tierra y queso cremoso; en el Parador de la Gomera las papas arrugás y el mojo rojo; o en el de Mojácar el tomate y la mojama.

A continuación toca el turno para la segunda parte de la degustación que se ha denominado Plato con historia. Como su nombre indica, es un plato realizado en base a la investigación de una receta de antaño y que se identifica con la cocina que da nombre al menú. Así, encontramos El guiso de los leñadores en Soria (Ajo carretero de cordero con piñones y hongos); la propuesta Dels pescadors en mar i en terra de Aiguablava con suquet de pescado de la Costa Brava; la comida De los pastos tradicionales de los Larrea en Argómaniz con rabo de toro con patatas y gratinado de queso Idiazábal, etc.

El postre dulce cierra la degustación con platos como las polkas de torrelavega en Santillana de Mar, el requesón con miel de Cardona o los dulces de leche de Olite.

Ideas Gantesas para una Primavera Florida

12/03/2010, Tras la lluvia sale el sol, y qué vida se respira en Flandes! Pasear en bicicleta, disfrutar de los parques, y cómo no, degustar unas cervecitas en las numerosas terrazas son algunas de las interesantes opciones.

He aquí algunas propuestas para conocer Gante durante esta temporada:

FLORALIAS EN GANTE
Una cita internacional que tiene lugar tan solo cada 5 años. El ambiente, los olores, los colores, la creatividad y el arte contemporáneo son los ingredientes de la edición 2010.

Por un lado, los especialistas de la horticultura muestran sus creaciones y sus pequeños tesoros. Por otro, los arquitectos, floristas de renombre internacional, paisajistas y artistas combinan las flores y plantas hasta la emoción final. La reputación de las Floralias gantesas data de hace 200 años. Estas son las cifras que la avalan:

4.5 hectáreas de jardines interiores, la mayor extensión mundial en este tipo de eventos
2 Km de itinerario floral
300.000 visitantes
60.000 invitados a los eventos nocturnos
500 concursos
305 expositores
24 artistas florales
440m2 de estanques
8 fuentes espectaculares

Las Floralias son, sin duda, el punto de encuentro de los amantes de los jardines. La cita es en Gante, del 17 al 25 de abril.

Más información en: Floralias Gante

DESCUBRIR GANTE EN BICICLETA
Gante «Het Verzet», la tienda de alquiler de bicicletas más grande de Flandes, lleva las bicicletas al lugar deseado. Su oferta es muy variada e ideal para descubrir Gante y sus alrededores: bicicletas clásicas, tándem, de carretera... incluso bicicletas de montaña (en Flandes también hay «montañas», el punto más alto, Remersdaal, ¡mide 287,5m!). La web www.hetverzet.be contiene información sobre precios y sugerencias de recorridos para grupos. Los que prefieran combinar la visita de la ciudad con explicaciones de un guía turístico pueden dirigirse a www.gidsenbond-gent.be, www.gandante.be o www.vizit.be.

Recomendamos seguir el cauce del río Leie, que atraviesa zonas pintorescas, recorrer la zona del Canal de Gante o disfrutar de las delicias gastronómicas en el paseo «Amuse Gueule en bicicleta». En la Oficina de Turismo local informan también sobre todas estas rutas.

Y si hablamos de flores, de paseos y de Gante, tenemos que mencionar el ROOMER. Se trata de un licor artesanal 100% gantés, elaborado a base de flores de saúco y que últimamente es el aperitivo de moda en la ciudad. Para sumergirse en la historia y los secretos de la «bebida de las flores flotantes», nada mejor que visitar la fábrica RoomeR.

Los turistas más tradicionales pueden optar por la cerveza; la ciudad ha desarrollado diferentes paseos cuyo tema principal es esta bebida. Hay varias fórmulas: un paseo cervecero que descubre las propiedades de la cerveza, otro itinerario combina la bebida con una experiencia culinaria, y otro sigue las huellas del pasado cervecero de la ciudad a través de sus famosas cervecerías y cafés tradicionales. El punto final es la nueva fábrica artesanal de la ciudad: GRUUT (nombre original de la mezcla de hierbas que aromatizaba la cerveza en la Edad Media). ¡Salud! o... Gezondheid!

El arte del poder

12/03/2010, El Museo del Prado presenta la exposición "El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte", una excepcional ocasión para contemplar obras del Museo del Prado y de la colección de armaduras de Patrimonio Nacional.

Partiendo de la muestra presentada en la National Gallery of Art de Washington el pasado año, la exposición “El Arte del Poder” se presenta ahora en el Museo del Prado con un proyecto más completo que gira en torno al verdadero significado de las piezas de armería y su representación en la pintura explorando expositivamente un tema inédito, tratado únicamente hasta ahora de forma accesoria en algunos estudios relacionados con la historia del retrato.

Este proyecto expositivo establece una comparación directa entre los retratos de corte pintados por los grandes maestros, como Tiziano y Rubens, y las piezas de armadura que vestían los monarcas para simbolizar su imagen de poder en el momento de máximo esplendor de la Corona española.

Treinta y cinco pinturas se enfrentan a veintisiete piezas y conjuntos de la Real Armería de Madrid –considerada, junto con la imperial de Viena, la mejor colección del mundo-, para narrar la evolución y el impacto que tuvo el retrato de corte entre los siglos XVI y XVIII. Cabe destacar la exhibición conjunta de Carlos V, a caballo en Mühlberg de Tiziano junto a la impresionante armadura ecuestre del emperador, auténtica obra maestra realizada por Desiderius Helmschmid, uno de los armeros más importantes del siglo XVI.

El arte del poder. La Real Armería y el retrado de corte
Museo Nacional del Prado
Del 9 de marzo al 23 de mayo de 2010

De lo privado a lo público

10/03/2010, Esta exposición explora la historia de la colección de la Fundación Solomon R. Guggenheim, reuniendo obras de arte esenciales, desde pinturas del siglo xix a innovadoras instalaciones de los años noventa.

Pasar de ser una colección privada a convertirse en museo público constituye una metamorfosis verdaderamente extraordinaria. En el caso del Museo Guggenheim el cambio comenzó en 1937, cuando Solomon R. Guggenheim constituyó una fundación con el objetivo de inaugurar un museo en el que preservar y exponer al público su colección de arte moderno.

Desde entonces, la colección fundacional del Solomon R. Guggenheim Museum se ha visto ampliada con importantes donaciones y adquisiciones procedentes de otros pioneros que compartían el mismo espíritu de Guggenheim. Estas adquisiciones incluyen los fondos de Expresionismo Alemán y del primer Expresionismo Abstracto reunidos por el eminente galerista Karl Nierendorf; la colección de pintura y escultura abstracta y surrealista de Peggy Guggenheim, sobrina de Solomon; el conjunto de obras maestras del Impresionismo y Posimpresionismo, y del incipiente arte moderno de Justin K. Thannhauser; e importantes obras procedentes de los respectivos patrimonios de dos mujeres visionarias, Hilla Rebay y Katherine S. Dreier.

Fiel a su misión original de promover "el arte del mañana", la Guggenheim Foundation persevera en su compromiso de ampliar su colección de arte contemporáneo. Adquisiciones tan importantes como la donación de la Bohen Foundation le permiten presentar el arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva transversal, que resulta vital y dinámica.

De lo privado a lo público
Museo Guggenheim Bilbao
Hasta el 02/05/2010

El buitre negro

03/03/2010, El majestuoso buitre negro es el ave rapaz más grande de España. Ahora, SEO/BirdLife la elige como ave del Año 2010

Cáceres, febrero de 2010

El buitre negro, en los años setenta llegó a ser una especie muy escasa y amenazada, con menos de 200 parejas reproductoras. Desde entonces su población se ha multiplicado por diez, llegando a superar las 2.000 parejas en la actualidad. De hecho, cada vez es más frecuente observar a los buitres negros planeando sobre nuestras sierras y dehesas en muchas partes de la geografía española.

A pesar de estos datos tan esperanzadores, algunas amenazas, como el veneno, siguen causando demasiadas muertes, y otras, como la reducción de sus fuentes de alimento, parecen estar incidiendo con mayor importancia en los últimos años.

Estos problemas son comunes a otras especies de rapaces que se alimentan de animales muertos, como el buitre leonado, el alimoche, el quebrantahuesos y los milanos. Por todo ello SEO/BirdLife ha elegido al buitre negro como ave del año 2010, para poner de manifiesto las amenazas sobre ésta y otras especies de rapaces carroñeras, la limitación que supone para sus poblaciones y las medidas y el trabajo a realizar entre todos los sectores implicados con el fin de que estos factores de amenaza desaparezcan.

La mayor parte de la población europea de buitre negro vive en España, donde su área de nidificación se encuentra limitada al cuadrante suroeste de la Península Ibérica y al norte de la isla de Mallorca. En 2006, cuando se realizó el último censo nacional la población española estaba formada por 35 colonias y 5 parejas aisladas que sumaban entre 1.845 y 2.440 parejas reproductoras.

Sus colonias se localizan en el Sistema Central en Madrid, Segovia y Ѕvila, en las sierras del norte de Cáceres y sur de Salamanca, sierras de Monfragíe y sierra de San Pedro en Extremadura, Montes de Toledo, sierras de Canalizos y Alcudia en Castilla-La Mancha, Sierra Norte de Sevilla, Hornachuelos, Andújar y Sierra Pelada en Andalucía, y por último, en Baleares, en la sierra de Tramuntana.

Extremadura es la comunidad autónoma con mayor número de ejemplares, concretamente en la provincia de Cáceres, según el último censo de 2006 hay 847 parejas, el 45% de la población de buitre negro de toda España. También hay que destacar las poblaciones de Ciudad Real (365 parejas), Ѕvila (129 parejas) y Salamanca (71 parejas).

Principales amenazas

Posiblemente la mayor causa de mortalidad del buitre negro es el uso ilegal de cebos envenenados utilizados en fincas cinegéticas o ganadería. Se han encontrado cerca de 500 buitres negros envenenados entre 1996 y 2001, pero dado que sólo se localiza un pequeño porcentaje de las aves que mueren envenenadas, la cifra debe ser mucho mayor.

La eliminación sistemática del ganado muerto en el campo, a raíz de las estrictas medidas preventivas adoptadas durante la última década contra ciertas enfermedades, y la aparición de algunas enfermedades del conejo, han reducido la cantidad de alimento disponible para las aves carroñeras.

Otras amenazas específicas para el buitre negro son la realización inapropiada de determinados trabajos y aprovechamientos forestales, así como la gestión inadecuada de los montes como la apertura de pistas, cortafuegos, accesos a excursionistas, etc. Algunas muertes se deben a incendios forestales. La colisión con tendidos eléctricos y la electrocución es poco importante en el buitre negro, pero podría aumentar por la proliferación de tendidos asociados a parques eólicos en muchas áreas de España.

Aves del Año

A lo largo de cerca de veinte años el ave elegida por SEO/BirdLife ha simbolizado algunas de las amenazas más significativas que sufre la avifauna.

El paíño europeo, la alondra ricotí, la avutarda, el águila imperial o el urogallo han sido algunas de las más destacadas. Su objetivo año tras año ha sido llamar la atención sobre la delicada situación en la que se encuentra cada una de estas especies y sus hábitats.

Monet y la abstracción

02/03/2010, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan la exposición Monet y la abstracción, un recorrido por la obra del gran pintor impresionista francés.

Desde sus etéreos paisajes londinenses hasta las monumentales representaciones de su jardín de Giverny, donde pasó los últimos cuarenta años de su vida, la muestra analiza la permanente obsesión de Claude Monet por captar la instantaneidad, que le llevó a desdibujar la representación pictórica y le condujo prácticamente a las puertas de la abstracción.

Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell, Adolph Gottlieb, André Masson, Philip Guston o Gerhard Richter, fueron algunos de los pintores abstractos americanos y europeos que volvieron la vista hacia Monet, y le encumbraron como profeta indiscutible de las corrientes matéricas de la abstracción, situándole definitivamente en el lugar fundamental que hoy en día ocupa en la historia del arte.

Esta exposición muesta el arte de Claude Monet bajo una nueva luz, y permite analizar la importante influencia del pintor francés en el desarrollo de ciertos aspectos de la abstracción de la segunda mitad del siglo XX y, por tanto, su papel fundamental en el desarrollo de la modernidad.

En total, más de un centenar de obras se han logrado reunir para este nuevo proyecto conjunto del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, que ha contado también en esta ocasión con la imprescindible colaboración del Musée Marmottan Monet de París, donde se presentará la muestra en el verano de 2010, tras su paso por Madrid.

El museo parisino ha cedido para la ocasión una magnífica selección del importante legado del pintor francés que conserva en sus fondos. Destacan igualmente los préstamos de numerosos museos y colecciones particulares de todo el mundo, principalmente de Europa y Estados Unidos.

Monet fue sin duda el más representativo y prolífico de los impresionistas franceses, pero fue también el más independiente e innovador. Su preocupación por cuestiones como la percepción de la naturaleza, o la necesidad de expresar su experiencia personal por medios meramente pictóricos, llevaron a Monet a desdibujar la representación pictórica convirtiéndola en una atmósfera prácticamente abstracta.

Su muerte, en diciembre de 1926, pasó prácticamente desapercibida en el ambiente artístico contemporáneo; sus Grandes Decorations de la serie Nenúfares, donadas al Estado francés por el propio pintor en 1918 e inauguradas en 1927, un año después de su fallecimiento, permanecieron durante décadas olvidadas en el Musée de l’Orangerie de París.

El redescubrimiento de Monet no se produce hasta mediados del siglo XX, cuando los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto americano comenzaron a contemplar sus obras con una nueva mirada. La materialidad de su pintura, su técnica “all-over”, sus pinceladas sueltas y sus formas desdibujadas fueron una auténtica revelación tanto para la joven generación de abstractos americanos como para los seguidores de los informalismos europeos.

Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8, 28014 Madrid
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas
Venta anticipada: 902 760 511
Fundación Caja Madrid
Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas
Entrada libre
Más información: 902 246 810

El Expreso, en Ferrol

27/02/2010, Ferrol ha sido una de las ciudades costeras del norte elegida por Feve para presentar a los medios de comunicación el tren nuevo turístico de la Compañía: El Expreso de La Robla”.

Ferrol, febrero de 2010

La presentación corrió a cargo del presidente de Feve, Ángel Villalba, y del gerente de Trenes Turísticos de la Empresa, José Antonio Rodríguez, quienes destacaron que con “El Expreso de La Robla” nace un nuevo estilo de viajar, un turismo ferroviario que pudieron conocer con detalle los representantes de los medios de comunicación, y los profesionales del sector de viajes y turismo en la jornada de puertas abiertas que Feve organizó en su Estación de Ferrol.

“El Expreso” ofrece un crucero sobre raíles durante cuatro días y tres noches, con múltiples opciones históricas, culturales, artísticas, paisajísticas y gastronómicas, por tierras gallegas, asturianas, cántabras, leonesas, castellanas, y vizcaínas. Es un tren de nueve coches con capacidad para 54 viajeros que mezcla clasicismo y modernidad: cuenta con salones de viaje para disfrutar del paisaje desde ellos, restaurante, bar, office, salón-pub con grandes pantallas de proyección, y el alojamiento se realiza en compartimentos equipados con dos camas-literas, armario ropero, portamaletas, luz de lectura, climatización, hilo musical y telefonía, y cuarto de baño completo con ducha de hidromasaje.

Inicialmente se han diseñado tres itinerarios en esta temporada 2010: el Itinerario de La Robla, el Itinerario Jacobeo, y el Itinerario Taller del Románico. Todos ellos con precios competitivos, y con ofertas especiales de lanzamiento, que incluyen tres noches de alojamiento a bordo del tren, tres cenas y tres comidas de gastronomía típica, tres desayunos a bordo con buffet libre, excursiones programadas con las entradas y visitas incluidas, prensa diaria y revistas, guía multilingüe durante todo el recorrido, servicio de seguridad, y desplazamientos en un moderno autocar que acompañará al tren durante todo el recorrido.

El Itinerario Jacobeo (Gijón-Santiago de Compostela-Gijón) estará operativo a partir del 24 de junio y hasta mediados de septiembre. El viaje (de jueves a domingo) se ha diseñado a modo de “peregrinación sobre raíles” siendo la capital gallega el objetivo principal del recorrido aunque no el único.

Este Itinerario incluye también las ciudades de Ribadeo, Viveiro, Ortigueira, Cariño, Cedeira, Ferrol, A Coruña, Foz y Mondoñedo. Entre las visitas programadas destacan la Catedral de Santiago de Compostela y el Casco Antiguo de esta ciudad, la desembocadura del Eo, el Cabo Ortegal, el Santuario de San Andrés de Teixido, la coruñesa Torre de Hércules, o la Catedral de Mondoñedo, entre otros atractivos parajes y paisajes de la geografía galaico-asturiana.

El Itinerario de La Robla (Bilbao-León-Bilbao) se inaugura el 1 de abril y estará operativo hasta el 25 de noviembre. Discurre por las provincias de León, Palencia y Burgos, con incursiones a Vizcaya. El viaje (de jueves a domingo) comienza y termina en Bilbao, en un trayecto que comprende paradas en ciudades y localidades como Balmaseda, Espinosa de los Monteros, Sotoscueva, Mataporquera, Vado Cervera, Cistierna, Boñar, Matallana, o León. Un sugerente recorrido a lo largo del cual se visitan el complejo Kárstico de Ojo Guareña, el Museo de la Minería y la Siderurgia de Sabero, el Embalse del Porma, la Catedral y la Basílica de San Isidoro de León, las Hoces de Vegacervera, las Cuevas de Valporquero, el Alcázar de los Condestables de Medina de Pomar, o el Castillo de la Torre de Loizaga que alberga la mayor colección del mundo de Rolls Royce.

El Itinerario Taller del Románico combina viaje en tren, visitas a emblemáticas muestras del Románico, y conferencias sobre este estilo artístico de los siglos XI, XII y parte del XIII, que alcanzó en Castilla y León cotas inigualables al amparo de la ruta de peregrinación jacobea. Se han programado inicialmente cuatro viajes: 25 de marzo, 27 de mayo, 30 de septiembre, y 28 de octubre. Este Itinerario comienza y termina en León de jueves a domingo, y discurre por tierras de León, Palencia, Burgos y Cantabria. Entre las visitas programadas destacan la Iglesia de Santa María del Mercado, la Colegiata de San Isidoro, la Iglesia de Santa Marina en Villanueva de la Torre, el muy representativo Monasterio de Santa María La Real, o las iglesias de San Lorenzo de Vallejo de Mena, la de Santa María en Siones, y la de San Juan Bautista de Vivanco de Mena.

Buenos Aires sede del COI

16/02/2010, Buenos Aires ha sido elegida sede de la Asamblea General del Comité Olímpico Internacional para 2013. Esto revela los resultados de la estrategia de posicionamiento de la capital como destino relevante a nivel internacional.

El ministro de Cultura y presidente del Ente Turismo de Buenos Aires, Ing. Hernán Lombardi, destacó la rápida recuperación de la actividad turística de la Ciudad y la importancia de proyectar al mundo una imagen positiva que siga posicionando la capital como marca mundial de excelencia a nivel cultural, turístico y deportivo.

En el marco de la designación, Lombardi subrayó además que la designación de Buenos Aires como sede del COI implica recibir a representantes olímpicos; a jefes gubernamentales y a miles de periodistas. Este acontecimiento permitirá mostrar al mundo los festivales, actividades y las infinitas opciones culturales de Buenos Aires.

Tras destacar la importancia económica que este tipo de nominaciones tiene para una ciudad, Lombardi celebró también el creciente flujo turístico que ha recuperado la capital, con altos promedios de ocupación, que oscilará entre el 55% y el 60% durante los dos primeros meses del año, lo que implica que el incremento respecto de 2009 será de entre el 12% y 22%. Esto significa una cifra estimativa no inferior a 45.000 turistas internacionales más que en enero y febrero del 2009.

Impresionismo. Un nuevo Renacimiento

16/02/2010, Una exposición que recorre la historia del más importante movimiento artístico francés a través de las 90 grandes obras maestras del Musée D´Orsay. Hasta el 22 de abril de 2010 en la Fundación Mapfre.

Por primera vez, un conjunto de obras impresionistas de primera magnitud se presentan en España, en la Fundación Mapfre, en una ocasión única para contemplar una visión global de este movimiento artístico, que cambió la percepción de la modernidad.

Lejos de presentar este movimiento como una ruptura radical con el arte tradicional, la muestra nos introduce en el París de los años 70 del siglo XIX, en el que convivían dicho movimiento artístico junto a otras artes como el academicismo, el decorativismo o el simbolismo.

Manet se convierte en el hilo conductor de la historia, personificando todas las riquezas y contradicciones de este movimiento. El artista, gran admirador de las figuras de Goya y Velázquez, se convirtió en el gran animador de los jóvenes artistas que conformarían la "Escuela de Batignolles", y que animarían las primeras exposiciones impresionistas.

La historia del impresionismo se recorre en esta exposición a través de artistas y obras imprescindibles para la historia del arte. Se abre brillantemente con El pífano de Manet, que convive con las obras presentadas en los salones oficiales, entre las que destacan las pinturas de Puvis de Chavannes (Le pigeon, Le ballon y Mujeres a orillas del mar).

Monet se presenta como el artista más virtuoso, tal como se pondrá de manifiesto en obras como La gare Saint-Lazare, Les regates à Argenteuil o La rue Montorgueil: Frente a Monet, Renoir aparece como el más sensual, por el magnetismo de sus desnudos y por su paleta veneciana, que destaca especialmente en La balançoire. Sisley, por su parte, destaca por su gran rigor compositivo, demostrado en sus obras como La neige à Louvenciennes. Pisarro y Cézanne enfatizan la solidez estructural de los elementos de sus obras, algo que se observa desde las primeras obras de Cézanne, como La maison du pendu, hasta las últimas, como Le pont de Maincy.

Degas representa la renovación del clasicismo, a través de obras tan emblemáticas como Le Défilé, La Pedicure o La classe de danse. Su gran amiga, Berthe Morisot, resume con su obra Le berceau el lugar que ahora adquieren las mujeres artistas.

La exposición cierra con las últimas obras de Manet: L´asperge, el retrato de Clemenceau o L´evasion de Rochefort, demuestran el entusiasmo por la modernidad que inició y vertebró brillantemente el artista.

Impresionismo. Un nuevo Renacimiento
Fundación Mapfre. Paseo de Recoletos, 23. Madrid
91 581 61 00
Lunes de 14.00 a 20.00
Martes a sábado de 10.00 a 20.00
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00
Entrada gratuita

Úbeda: 80 años del parador

14/02/2010, El Parador de Úbeda, ubicado en un palacio renacentista del siglo XVI, celebra su 80 aniversario.

Џbeda, Jaén. Febrero de 2010

El 14 de enero de 1926, Alfonso XIII, con ocasión de su viaje por las tierras de Jaén, llega a Џbeda en compañía del general Primo de Rivera, presidente del Consejo de Ministros. Allí se le ofrece un almuerzo en el Palacio de la Marquesa de la Rambla, y en su transcurso, y a modo de comentario, las autoridades locales se lamentan de no disponer de un hotel para poder atender adecuadamente a visitas ilustres.

A este fin, la marquesa solicita del rey ayuda para solucionar el asunto y el Ayuntamiento ofrece uno de los palacios de la ciudad, adquiriendo entonces el Palacio de los Ortega a los marqueses del Donadió. La marquesa de San Juan de Buenavista, que formaba parte del Patronato de Turismo, intercede entonces para que el establecimiento sea cedido al Estado con el objetivo de convertirse en Parador.

El Parador de Џbeda abre sus puertas al público en 1929 aunque la inauguración oficial no tiene lugar hasta el 10 de noviembre de 1930, como lo refleja la revista de la época "Don Lope de Sosa". Al acto asistieron ilustres personalidades, entre las que se encontraban el presidente del Patronato de Turismo, el Conde la Cimera; el alcalde, Baltasar Lara Navarrete, así como la promotora del establecimiento hotelero, la Marquesa de San Juan de Buenavista. Para el almuerzo inaugural se dispuso de una mesa central en el comedor, servida por cuatro camareras con el traje típico de la ciudad.

La citada revista recoge asimismo que la vajilla utilizada para la ocasión era copia de una del siglo XVII, propiedad de las monjas trinitarias de Andujar, algunas de estas piezas con la inscripción "Soy del Condestable Dávalos". El menú consistió en huevos fritos, arroz a la valenciana, ternera a la jardinera, barbarois, compota, frutas, yemas del país, café, licores y habanos.

Las características del establecimiento fueron recogidas en distintos medios de la época y en los folletos turísticos, de la siguiente manera: "Además de un amplísimo patio destaca la instalación de un cuarto de estar, amueblado con sencillez y lujo, un comedor aireado y alegre, amplias dependencias para vestuario y tocador de señoras y caballeros, además de una clásica bodega, instalada en los sótanos, que sin olvidar las características de siglo XVII, cuenta también con un moderno bar y una dependencia destinada a garaje".

"Los dormitorios, situados en el piso superior, tienen fachada a la calle con vistas de singular belleza sobre monumentos históricos del mayor realce y otros dan al jardín tranquilo. Con un total de 15 habitaciones, ocho cuartos de baño, de los cuales siete están comunicados con las habitaciones y uno aislado, para servir de cuarto de baño a los huéspedes que no cuenten con esa pieza adjunta al dormitorio. Todas las habitaciones disponen de calefacción central y tanto el comedor como la sala de estar disponen de chimeneas. Las habitaciones cuentan todas con agua corriente caliente y fría".

Parador Condestable Dávalos

El Parador está ubicado en la bella plaza imperial renacentista de Vázquez de Molina, formada por los mejores edificios de la época: iglesias de El Salvador y de Santa María de los Reales Alcázares y Palacio de las Cadenas.

El edificio fue conocido como Palacio de los Ortega o del deán y se construyó hacia 1550 por el gran Arquitecto del Renacimiento, Andrés de Vandelvira. Un siglo después se efectúan algunas modificaciones, pero que prácticamente no afectan a su estructura externa, que como tal ha llegado a nuestros días.

La fachada, de estilo renacentista y que sufre una inclinación debida al terremoto de 1795, ostenta sobre la puerta principal un friso con el escudo de los Ortega sujetado por unos ángeles. El patio principal está edificado sobre dieciséis columnas de mármol, con una pret superior de la misma factura, aunque con columnas más pequeñas que soportan los arcos de piedra. Posee grandes y majestuosos artesonados por galerías y pasillos, así como por salones y habitaciones.

Para el nombre del Parador se decidió el del Condestable don Ruy López Dávalos, privado de Juan II, padre de Isabel la Católica, que vivió en Џbeda habitando la que más tarde sería la Casa de las Torres.

En 1942 se hace la primera renovación de instalaciones como Parador, que afecta a su estructura inicial, ampliando su capacidad, así como modificando su mobiliario y decoración. Sucesivas mejoras de instalaciones configuran la actual imagen del Parador, que sufrió una importante obra de mejora en la década de los 80, que supuso el cierre total de la instalación en abril de 1985 y, tras dieciocho meses de obras, reabrió con una imagen renovada, diseñada por los arquitectos Manuel Saínz de Vicuña y Eduardo Ammann. Un establecimiento hotelero cargado de historia que ha ocupado un lugar destacado en el marco del sector turístico español, siendo referente en el desarrollo del sector servicios en España.

Como anécdota cabe mencionar que el precio de los diferentes servicios del establecimiento, en la época de apertura, era de 35 pesetas por la "pensión máxima o completa". El desayuno tres pesetas y siete el almuerzo; ocho pesetas la comida; tres el baño y dos el garaje...".

Oferta aniversario

En el año de su aniversario ha sacado una curiosa oferta gastronómica: el menú, de 19Т30 euros, que coincide con el año de apertura del Parador e incluye una selección de elaboraciones de la zona-

Un menú de lujo, con historia y por menos de 20 euros. Esa es la propuesta gastronómica que acaba de lanzar el Parador de Џbeda para celebrar el 80 aniversario de su apertura. El menú contará con una cuidada selección de platos de la zona y podrá degustarse durante todo 2010. Su precio se corresponde con el año en que se inauguró el Parador de Џbeda, 1930, y por tanto costará 19, 30 euros.

Los visitantes que se acerquen a disfrutar de este menú comenzarán con una degustación de, nada menos, que diez entrantes. Diez pequeños platos pero muy elaborados entre los que se encuentran la Empanada de Ochio con morcilla en caldera, Espinacas esparragadas al estilo de Џbeda, Andrajos de Џbeda, Ajo blanco de almendra, Asadillo de pimientos, Croquetas de gallina cebada y el clásico Salmorejo Andaluz.

El plato principal será durante las primeras semanas una deliciosa carrillada. Este plato variará según la temporada, al igual que lo harán algunos entrantes. El menú se completa con postres elaborados en el obrador del Parador, tales como las Milhojas de hojaldre y el helado con aceite de oliva.

Robert Rauschenberg: Gluts

14/02/2010, Del 13 de febrero al 12 de septiembre de 2010, el Guggenheim de Bilbao presenta Robert Rauschenberg: Gluts

Bilbao, febrero de 2010

Formada por cerca de sesenta obras, la muestra, con la que el Museo rinde un homenaje póstumo al artista, explora la obra en metal de Robert Rauschenberg, en la que éste nos enfrenta a la propia basura de la civilización.

Para la creación de esta serie, Rauschenberg se inspiró en la recesión económica que provocó en su Texas natal un excedente ( glut) en el mercado petrolífero en la década de los ochenta.

Los Gluts son relieves murales y esculturas exentas realizadas con señales de tráfico, tubos de escape, parrillas de radiador, persianas metálicas y otros restos de chatarra, que recuerdan a su famosa serie Combines.

Año y medio después de la muerte de Robert Rauschenberg, el 12 de mayo de 2008, el Museo Guggenheim Bilbao rinde un homenaje póstumo a este gran artista americano acogiendo una exposición formada por cerca de sesenta trabajos, que presenta un aspecto poco conocido de su obra de metal por medio de fondos del patrimonio de Rauschenberg y préstamos de instituciones y colecciones privadas de varios países.

En noviembre de 1998 el Museo Guggenheim Bilbao acogía la retrospectiva más completa dedicada hasta la fecha al artista. Una muestra que destacó en el panorama expositivo internacional por la gran calidad y cantidad de las obras mostradas. Once años más tarde, el Museo Guggenheim Bilbao cierra el círculo abierto por aquella gran retrospectiva acogiendo sus Gluts, la última serie de esculturas que produjo el artista.

En una trayectoria de casi sesenta años Robert Rauschenberg (Texas, 1925–Florida, 2008) redefinió el arte de nuestro tiempo, convirtiéndose en un personaje decisivo en el arte contemporáneo. Creador de obras en múltiples materiales y medios, y utilizando, más ningún otro artista de los siglos XX o XXI, las técnicas más variadas, para el artista de Texas pintar no sólo implicaba tomar el pincel, sino también serigrafiar, realizar collages, transferencias o impresiones, y así lo hizo con numerosos materiales: desde el lienzo, la tabla, la seda y el nylon hasta la plancha de metal, el metacrilato, el yeso o el papel.

Rauschenberg ha sido considerado precursor de prácticamente todos los movimientos que surgieron en el arte estadounidense tras el Expresionismo Abstracto y, sin embargo, a lo largo de su vida, permaneció totalmente independiente de cualquier categorización específica.

Desde los inicios de su carrera el artista mostró un entusiasmo ilimitado por los objetos que otros habían desechado, con el objetivo de darles nuevos usos, a menudo mejorados, y así resucitarlos y otorgarles una segunda vida. El propio Rauschenberg mostró en numerosas ocasiones su especial atracción hacia los desechos: “me atraen los objetos abandonados, por eso trato de rescatarlos cada vez que me es posible”, dijo.

En 1964, a la edad de 38 años, Rauschenberg recibió el Gran Premio de Pintura en la 32 Bienal de Venecia, consiguiendo así una reputación internacional. Este acontecimiento también puso de manifiesto la rivalidad entre Nueva York y París por el liderazgo de las artes visuales. Al ganar el Gran Premio, el artista interrumpió la sucesión de galardones concedidos tras la Segunda Guerra Mundial a maestros europeos anteriores a ella. Alan Solomon, comisario del pabellón estadounidense, llevó a Venecia veintidós obras de Rauschenberg, entre las que se encontraban pinturas serigrafiadas icónicas y sus Combines.

En la década de 1980 la atención artística de Rauschenberg dio un giro hacia la exploración de las propiedades visuales del metal y Gluts constituyó su primer conjunto de obras de este nuevo material .

Susan Davidson, Conservadora Senior para Colecciones y Exposiciones del Museo Guggenheim de Nueva York, afirma que, ya fuera ensamblando objetos metálicos encontrados o experimentando con serigrafías de sus propias fotografías sobre aluminio, acero inoxidable, bronce, latón o cobre, el artista intentaba “capturar las posibilidades reflectivas, texturales, escultóricas y temáticas del material ”.

El origen de los Gluts se encuentra en un viaje a su Texas natal con motivo de la celebración de la muestra Robert Rauschenberg, Work from Four Series: A Sesquicentennial Exhibition en el Contemporary Arts Museum de Houston, con la que se celebraba el 150 aniversario de la independencia del estado de Texas de México.

A mediados de la década de 1980 la economía de Texas, basada fundamentalmente en la industria de producción de petróleo, agonizaba por la recesión económica ocasionada por un excedente en el mercado petrolífero. Rauschenberg se sorprendió de cómo un “exceso” había sido el causante de la devastación económica de esta zona de la costa del golfo, trasformando el paisaje rural en uno decadente, salpicado de gasolineras cerradas, automóviles abandonados y barriles oxidados.

De vuelta en Florida, Rauschenberg comenzó a recopilar en un desguace cercano a su hogar, a las afueras de Fort Myers, restos similares a los que poblaban los paisajes desolados de Texas, cuyas imágenes no pudo borrar de su mente: señales de tráfico, tubos de escape, parrillas de radiador, persianas metálicas, etc., En su estudio de Captiva transformó esta chatarra, aparentemente inservible, en relieves murales y esculturas exentas que denominó Gluts y que recordaban a su famosa serie Combines de 1950 en la que trasladó el objeto encontrado de tres dimensiones al ámbito de la pintura. Cuando la Leo Castelli Gallery de Nueva York mostró esta serie en público por primera vez en 1986, Rauschenberg manifestó en relación a su significado: “ Es tiempo de excesos.

La codicia es desenfrenada. Tan sólo la expongo, tratando de que la gente abra los ojos . . . Simplemente quiero que se enfrenten a sus ruinas. Les estoy ofreciendo souvenirs sin nostalgia. Su verdadera misión es ofrecer a la gente la oportunidad de observr las cosas y descubrir sus múltiples posibilidades”.

El artista no sólo escogió estos objetos por su cotidianidad, sino también por sus propiedades formales. Tanto desde un punto de vista individual como colectivo, este tipo de materiales suponen el fundamento último de su vocabulario artístico. Durante los siguientes cuatros años los Gluts se exhibieron también en numerosas galerías tanto de Estados Unidos como del resto del mundo. Los críticos comentaban con regularidad: “ el Rauschenberg de antes ha vuelto”.

La exposición está comisariada por Susan Davidson y David White, conservador del Estate of Robert Rauschenberg. La muestra, que en mayo de 2009 se presentó en la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y posteriormente en el Museum Tinguely de Basilea, se presenta en Bilbao ampliada con una veintena de obras más, específicamente prestadas para la sede bilbaína, que, respondiendo a los grandes espacios del Museo, son de una escala significativamente mayor que las que hasta ahora habían configurado la muestra.

La muestra se complementa con la sección Didaktika, que pone de relieve el compromiso social de Robert Rauschenberg y sus colaboraciones con otros creadores. Rauschenberg viajó a Bilbao en numerosas ocasiones: estuvo presente en la inauguración del Museo en 1997 y volvió, no sólo para asistir a la presentación de su propia retrospectiva, sino para la que la institución dedicó a su gran amigo, el artista pop James Rosenquist. Cada viaje le dio la oportunidad de fotografiar la ciudad y de experimentar, de forma directa, la presencia transformadora de la obra maestra arquitectónica de Frank Gehry en la ciudad.

Artistas chilenos

08/02/2010, Del 4 de febrero al 5 de marzo, Madrid puede disfrutar de una interesante muestra de arte chileno: “Ni pena ni miedo”

Febrero 2010

La exposición “Ni pena ni miedo” toma por título una impresionante obra de Raúl Zurita, poeta de fama internacional, ubicada en el desierto de Atacama, 57 kilómetros al sur de Antofagasta.

La frase fue escrita en ese territorio con letras enormes (el alto de cada una es de 250 metros) y se trata de una de las intervenciones de land-art más impactantes en América Latina.

A la contundencia de la intervención se une la potencia de lo enunciado. Porque en esas cuatro palabras yacen las coordenadas del sorprendente arte chileno surgido luego del golpe militar de Pinochet y hasta la fecha.

Alrededor de esa poderosa imagen, otros ocho artistas chilenos revelan por primera vez al público español uno de los secretos mejor guardados de la escena artística latinoamericana actual.

Para la exitosa primera Trienal de Chile, realizada en 2009, Fernando Castro Flórez comisarió la muestra “El terremoto de Chile”. Ahora en la galería Blanca Soto de Madrid él selecciona a destacados artistas chilenos, sin intención de hacer ninguna definición “generacional”.

Lo importante es mostrar la vitalidad y energía del arte chileno que empieza a imponerse internacionalmente, como lo anunciara también el imponente libro de Gerardo Mosquera “Copiar el Edén”.

Los incluidos en la muestra (abierta hasta el 5 de Marzo) son: Eugenio Dittborn, sin duda uno de los más prestigiosos artistas latinoamericanos que participara en la exposición “Cocido Crudo” en el MNCARS y realizara una importante retrospectiva en el New Museum; Fernando Prats, con su singular forma de “pintar” con humo, fijando las huellas de lo fugitivo; Nicolás Franco, joven e inquieto creador que va de la instalación a la fotografía; Claudio Correa, preocupado por la marginalidad; Diego Opazo, fotógrafo de lo ruinoso; Patrick Hamilton, alegorista de la arquitectura y la violencia; y Demian Schopf, con un planteamiento en el que confluyen la cibernética, la filosofía y la revisión de la pintura tradicional desde criterios fotográficos.

Para esta exposición el artista Arturo Cariceo ha desarrollado una serie de intervenciones en un blog que estará operativo desde el mismo día de la inauguración.

La muestra, patrocinada por la Embajada de Chile, es una ocasión excepcional para conocer la obra de artistas capaces de crear obras, con rigor y compromiso crítico, en un país que soportó la crueldad de la dictadura y que ha experimentado importantes transformaciones culturales, sociales y políticas. Sin ningún género de dudas, el arte chileno merece atención especial, en el contexto del interés reciente de algunas instituciones museísticas españolas por las contribuciones latinoamericanas al debate estético contemporáneo.

Para cita romántica.

30/01/2010, Turismo de Tahití propone para el día de los enamorados, 14 de febrero, San Valentín, una cita en lo que califica como el hotel más romántico.

Tahití, enero 2010

Se refiere al Hilton Moorea Lagoon que ha sido galardonado por una importante web de recomendaciones turísticas como “el hotel más romántico del mundo”, con sus bungalows sobre el agua, en la bella isla de Moorea.

Para Turismo de Tahití, si hay un lugar en el mundo para abandonarse al romanticismo más absoluto, ésa es la isla tahitiana de Moorea, un refugio se halla en el Pacífico Sur, en el archipiélago más conocido de Tahití y sus islas, el de la Sociedad.

El Hilton Moorea Lagoon, en el norte de la isla entre las bahías de Opunohu y la de Cook, está rodeado por el idílico entorno de montañas verdes y la laguna turquesa, con cuatro hectáreas de agua cristalina frente al mar; sus bungalows se hallan sobre el agua, en la playa o en el jardín, ofrecen las comodidades modernas y están decorados con un exótico interior en madera, al estilo polinesio.

Su oferta gastronómica presenta una exótica mezcla de sabores tahitianos y franceses, donde el pescado y marisco fresco son los reyes de mesa.

Sin duda, descansar ante una espectacular puesta de sol tomando un cóctel en la terraza, sintoendo cerca el arrullo de las aguas, es una tentación. .

El resort es asimismo un magnífico punto de partida desde el que disfrutar de las actividades que ofrece la isla, como entrar en contacto con las mantas raya y peces de colores infinitos durante unas sesiones de snorkel.

Se puede recorrer el interior de la isla en jeep, quad, a caballo o serpenteando sus colinas a través de plantaciones de piñas y bosques de castaños.

El spa del centro ofrece tratamientos relajantes y curativos tradicionales de las islas con productos autóctonos como la leche de coco, jengibre, flores de tiaré y aromática vainilla.

Moorea ha sido escogida por gran número de pintores, escritores y artistas contemporáneos por su medio ambiente, paisajes de cumbres verdosas y blancas playas, con una temperatura media de 26 grados durante todo el año.

La isla está a tan 17 km de Tahití, en cuyo aeropuerto Faa´a aterrizan los vuelos internacionales, y conectada por un ferry de media hora de trayecto.

Eric Fischl

30/01/2010, El CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, presenta la primera exposición individual en un museo español de Eric Fischl

Málaga, enero 2010

Se trata de uno de los pintores de la figuración americana más importantes de la segunda mitad del s. XX junto a Alex Katz.

El artista neoyorquino presenta acuarelas y pinturas de gran formato que conforman su primera tauromaquia realizada tras asistir a la Goyesca de Ronda en 2007.

Corrida en Ronda, título de la exposición comisariada por Fernando Francés, resume gran parte de las claves de su pintura. Destacan de forma especial cómo el contraluz dibuja los lances toreros y cómo el artista dota a las obras de una impronta personal

Sólo un total de diez obras de gran formato (seis óleos y cuatro acuarelas) han sido necesarias para resumir de una forma espectacular y para crear un clima esclarecedor de cómo el pintor Eric Fischl ha entendido su primera tauromaquia, uno de los temas más clásicos del arte español de los últimos siglos.

Corrida en Ronda es una colección de sensaciones, de vibraciones, de emociones, compendio de un tema clásico y una mirada renovadora.

Inconformista desde sus comienzos, Eric Fischl siempre se ha caracterizado por su curiosidad y deseo de experimentación, por lo que no es de extrañar que quedara impresionado ante una de las tradiciones taurinas más reconocidas del mundo, la Goyesca,

Corrida en Ronda sorprende por la fuerza expresiva donde la luz es uno de los elementos más significativos.

Lejos de composiciones equilibradas o previsibles, sus cuadros son encuadres fotográficos; en Corrida en Ronda se puede cruzar un torero por delante del objetivo u otra figura puede aparecer cortada o desenfocada. A Fischl parece no interesarle el fondo y, para recrear el coso taurino, escoge un punto de vista alto que fija a los personajes en el suelo, impidiendo desarrollar un paisaje.

Fischl (Nueva York, 1948) comienza sus estudios en el California Institute of Arts, en Valencia (California). Tras ser profesor durante cuatro años, hace su primera exposición individual en 1975 en la Dalhousie Art Gallery de Hallifax, Canadá. Si bien sus primeras obras están cercanas a la abstracción, a partir de 1976 introduce elementos figurativos, derivando a finales de los 70 hacia un estilo realista de fuerte carácter expresivo, con influencia de los expresionistas o pintores de la tradición naturalista norteamericana.

Su temática se centra principalmente en la sexualidad, con abundantes representaciones de cuerpos desnudos, en actitudes eróticas, pero con cierto aire enigmático, angustioso u opresivo. Así, Fischl llama la atención sobre la desvirtuación de los valores morales en la moderna sociedad norteamericana.

Del artista es conocida, sobre todo, su creación pictórica, pero también cabe destacar su trabajo como escultor y fotógrafo.

Por otra parte Eric Fischl ha realizado especialmente para el CAC Málaga una litografía a cuatro tintas (Sin título, 2009, 70 x 100 cm), cuya serie está a la venta en el mismo centro y en la página web: www.cacmalaga.org.

Carnaval en Praga

30/01/2010, Frente al frío, la fiesta. En Febrero, Praga se viste con trajes de época y revive el barroco en el Bohemian Carnevale.

Praga, enero 2010

Se trata de un festival de alegorías medievales que tiene como punto álgido un desfile de máscaras por el centro de la ciudad.

Este año, como novedad, se instalará una oficina de información ad hoc en la zona del Castillo, donde se podrán adquirir los exclusivos antifaces de Franzis Wussin para que todos puedan enmascarase y participar en esta fiesta de la magia y la fantasía.

El Bohemian Carnevale contempla, entre el 5 y el 16 de febrero de 2010, numerosos eventos y actividades en espacios públicos, museos, palacios, teatros e incluso restaurantes.

Además del desfile de disfraces, no faltarán el baile real en el majestuoso Palacio Clam-Gallas, la tarde carnavalesca de domingo para los niños o el festival gastronómico Cuisine d'Alchimiste en bares, restaurantes y hoteles, en los que se podrá degustar un menú especial con sabor a carnaval.

Los visitantes podrán recoger la programación del Bohemian Carnevale en una oficina de información instalada en la Callejuela de Oro (barrio del Castillo), y elegir entre las máscaras del taller de Franzis Wussin. En el taller del artista checo también alquilan trajes de época y selectos disfraces bajo petición para aquellos que quieran vivir la experiencia del Bohemian Carnevale al completo.

Otros carnavales en Ciudades UNESCO

Varias ciudades Patrimonio Mundial de la Unesco celebran fiestas de carnaval durante el mes de febrero:

Lednice, en Moravia del Sur, lo vincula a un festival gastronómico en torno al cerdo (www.lednice.cz);

Telc lo celebra el día de los enamorados, el 14 de febrero (www.telc.eu).

Por su parte, Cesky Krumlov (www.krumlov.info) acoge el 16 de febrero el popular desfile de disfraces.

Guía de Prega: http://www.guiarte.com/praga

Prestige Hotels of the World by Keytel

26/01/2010, Prestige Hotels of the World by Keytel presentó la primera edición del Directorio Internacional de hoteles 2010 en la trigésima edición de Fitur, la Feria Internacional de Turismo.

Йsta es la tercera edición en la que la marca especializada en la representación de hoteles de prestigio participa en el certamen madrileño con un stand propio en el que cuentan con presencia 27 de sus establecimientos miembros.

En la actualidad, Prestige Hotels of the World by Keytel cuenta con un portafolio de 102 establecimientos repartidos en España (53 hoteles) y a nivel internacional (49). La nueva edición del Directorio PHW incorpora 16 nuevos establecimientos respecto al Directorio de hace un año, en el que se recogen una exclusiva selección de hoteles distribuidos en 4 continentes y cuyo denominador común es su reconocido prestigio en su ámbito geográfico gracias a su historia, ubicación, nivel de servicio o especialización.

A nivel nacional, Barcelona (9) y Sevilla (6) son los destinos que gozan de una mayor cobertura. En el ámbito internacional Italia (10) es el país con mayor representación, seguido de Portugal (6).

El portfolio de la marca se divide en cinco líneas de especialización que definen de un modo más preciso la oferta de sus establecimientos: PHW Gourmet, incluye los hoteles con una amplia y selecta oferta de restauración servida en un entorno único; los hoteles enmarcados en el sello PHW Golf sobresalen por ofrecer los mejores campos e instalaciones para que sus huéspedes disfruten de la práctica de este deporte; PHW Wellness distingue a los establecimientos dotados de spa con un exclusiva oferta de servicios de salud y belleza; los amantes de los deportes de aventura encontrarán su establecimiento ideal en PHW Sports & Leisure – Lugares Ъnicos. Por último, PHW Events engloba los hoteles con instalaciones perfectas para la celebración de todo tipo de congresos, convenciones e incentivos.

Prestige Hotels of the World by Keytel es la primera marca española de hoteles de alta gama a nivel internacional cuya misión es la de transmitir valores de exclusividad y excelencia de servicio que priman en cada uno de los hoteles afiliados y que permiten hacer sentir a sus clientes estancias únicas.

Para formar parte de Prestige Hotels of the World by Keytel, los establecimientos deben pertenecer a una tipología de producto de alta gama, disponer de un mínimo de 30 habitaciones, responder al concepto de prestigio y cumplir unos estrictos estándares de calidad. Para garantizar esos estándares, la marca realiza una auditoria exclusiva de más de 600 parámetros sobre la gestión global de las cinco áreas operativas de un hotel: zonas exteriores, recepción, zonas comunes, habitaciones y restaurante-desayuno.

Keytel, Grupo Hotusa, es una compañía española de representación hotelera, que comenzó su trayectoria empresarial en el año 1973. Desde sus sedes de Barcelona y Madrid, se prestan servicios exclusivos de comercialización, marketing y distribución a los cerca de 1.700 hoteles que representa en todo el mundo.

www.prestigehw.com

SITAC VIII–Puntos ciegos/Blind Spots

24/01/2010, Basta observar el funcionamiento del órgano de la visión para advertir que la ceguera no es un defecto sino una condición presente en la mirada.

“La Mancha ciega “o “Punto ciego” de Mariotte es una mancha situada en la retina donde la recepción de los rayos luminosos no ocurre debido a la ausencia de fotoreceptores. El VIII SITAC propone una reflexión sobre aquellos discursos y prácticas radicales tales como el feminismo, el cine y el performance, que han generado puntos ciegos en la crítica y la teoría del arte contemporáneo.

Partiendo de la crítica a la razón teleológica podría sostenerse, para la incomodidad de muchos, que el feminismo es en buena medida responsable de haber revertido la visión estrechamente formalista del modernismo, según la cual el contenido emerge de la forma y cada medio tiene una especificidad propia. No es casual que el feminismo haya operado valiéndose de prácticas híbridas como la imagen-movimiento y el performance para mostrarnos una visualidad alternativa a la tradición de las bellas artes, abrir circuitos al margen de los museos y mostrar tanto realidades como sujetos periféricos.

La notoria influencia del cine en las artes visuales contemporáneas se sigue argumentando en base a un paradigma crítico más propio de los ismos del cine moderno europeo, en especial del cine de Jean Luc Godard; y aún hoy sólo admite referencias episódicas e intermitentes al trabajo de un reducido grupo de cineastas “totales”; como son Lars von Trier, Wan Kar Wai, Lucrecia Martel, Apichatpong Weerasethakul y Amos Gitai, entre otros. La discusión sobre imagen-movimiento que proponen articular durante el SITAC VIII aspira a considerar el cine dentro de prácticas artísticas radicales influidas por el feminismo, los estudios de género y la teoría poscolonial.

Imagen Movimiento (1983) e Imagen Tiempo (1985), dos volúmenes publicados por Gilles Deleuze, dieron cuenta del intento del filósofo de llevar el cine más allá de los límites discursivos a los cuales se le confinó a partir de la doble condición de invento cuasi científico y medio de entretenimiento. Esta aproximación también tomará en cuenta experimentos como el realizado en 1962 por Jean Rouch y Edgar Morin en Chronique D’un Eté. Ello, con el fin de examinar el trabajo de artistas contemporáneos que han logrado reactivar ciertas preocupaciones y contenidos, ya presentes en el trabajo teórico adelantado por Deleuze.

Si bien el movimiento de arte feminista fue radical, diverso y fracturado, para muchos su presencia se reduce a la década de los 1970s, cuando se manifiesta la mayoría del activismo anglófono occidental. No obstante, la actividad feminista abarca a más de tres generaciones; desde aquellas artistas que se iniciaron con el modernismo y emprendieron individualmente prácticas de estudio sin siquiera contemplar el lenguaje del activismo de género ni los privilegios de su colectividad. Hoy nos preguntamos si sería posible para un artista activo, sin importar su género, hacer intervenciones feministas, bajo el peligro de ser encasillado(a) en un ghetto, prescindiendo de la teoría o de las ideas de la política sexual. ¿Bastaría con los estudios de género para tomar conciencia de este estigma de inscripción?

La aparición y desarrollo del performance o body art –como una expresión híbrida y extrema, que fusiona danza, música, poesía, pintura, escultura, fotografía, video arte, teatro experimental, pantomima y activismo; y que tiene lugar en calles, galerías, casas y espacios alternativos manejados por artistas–, se sitúa históricamente en los años 1960 y 70. Sin embargo, en años recientes, la inevitable adecuación del performance a la profesionalización de los artistas, a las demandas del mercado y a los requerimientos del espacio institucional de los museos y los centros de arte; ha producido cambios visibles, no sólo en la manera de abordar nuevos roles y exigencias.

Cada vez se legitiman más malversaciones y/o ficciones discursivas a la hora de la (re)presentación e interpretación de la documentación de performances, ya históricos, realizados en el momento fundacional de esta expresión. Este simposio propone examinar los puntos ciegos tanto de la historiografía como de la crítica que han transformado al performance en una práctica canónica y a su historia en teatro.

SITAC VIII - Puntos Ciegos/Blind Spots
Octavo Simposio Internacional de Teoría Sobre Arte Contemporáneo
4, 5 y 6 de febrero, 2010
Teatro Julio Castillo
Unidad Artística y Cultural del Bosque s/n
Polanco, México. D.F.

Soldes by París

18/01/2010, París celebra la temporada de rebajas de invierno con un tour compuesto por siete trayectos de compras temáticas alrededor de la moda, la cultura y las salidas gastronómicas.

París se sitúa como destino obligado gracias a "Soldes by París", una sugerente invitación a visitar las calles de la ciudad, y a descubrir, hasta finales de febrero, sus maravillosos rincones y secretos.

Existen varios itinerarios a seguir según el perfil del visitante: Clásico, Trendy, Creativo, Bobo Chic y Fusión fashionworld. Cada trayecto comprende una cincuentena de direcciones repartidas entre tiendas (hombres, mujeres, niños), sitios culturales y pausas gourmandes (degustación) a través de la capital.

Otra novedad es que el tour se completa este año con dos nuevos circuitos: Los Astutos, que detalla las buenos oportunidades de la capital, y el recorrido del Embajador de la operación, Jean-Claude Jitrois, quien confía sus flechazos y sus direcciones parisinas favoritas.

En las oficinas de acogida de la Oficina de Turismo y Congresos de París podrás hacerte gratuitamente con la "París Shopping Book", una guía bilingue (francés-inglés) que presenta las mejores direcciones para tu shopping por la capital francesa. También podrás descargarla en la web shoppingbyparis.com.

¡Felices compras en París!

Más información sobre moda en: EstiloyModa.com

Musac: a por el millón

16/01/2010, El MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo, con sede en León, ha alcanzado los 772.000 visitantes desde su apertura en abril de 2005.

El MUSAC, museo de Arte Contemporáneo, ubicado en León, ha alcanzado ya lor 772.390 visitantes desde el 1 de abril de 2005, cuando fue inaugurado. El desglose es así: 653.250 visitantes a las exposiciones, 63.201 personas en actividades paralelas, y 55.939 visitantes en las exposiciones de la Colección MUSAC producidas por el museo y presentadas en otras instituciones: Mucsarnok Kunsthalle de Budapest, MNBA de Buenos Airesy MACRO de Rosario (Argentina)Festival Periferias de Huesca

En la cifra de 2009 hay una ligare bajada respecto al 2008. Las causas, la recesión general en el turismo, aunque en León se ha notado menos que en otras zonas de España, y el hecho de que en 2008 se celebraron en MUSAC tres ciclos expositivos anuales, mientras que en 2009 se han celebrado sólo 2 ciclos.

En el año 2009 hubo 186.424 visitantes, desglosados así: 112.284 visitantes en las exposiciones en MUSAC, 18.021 personas participando en las actividades paralelas (conciertos, simposios, ciclos de cine, conferencias, etc.) y 55.939 visitantes en las exposiciones de la Colección MUSAC producidas por el museo de arte contemporáneo de Castilla y León en otras instituciones.

Merece la pena visitar al MUSAC. Por un lado, el centro suele tener atractivas exposiciones. Ahora por ejemplo han tenido una extraordinaria de Hugo Rondinone.

Pero además, el edificio del museo es una obra notable. Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla diseñaron este centro que ha tenido importantes reconocimientos internacionales, entre ellos el Premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea. 2007.

Menos presión sobre el oso

16/01/2010, Parece que merma la presión sobre el oso pardo, por lo menos se detecta que en las zonas oseras ha disminuido el número de lazos retirados por la Fundación Oso Pardo (FOP)

Santander, enero de 2010

2009 ha sido el año que menos lazos han retirado las patrullas en el occidente de Asturias y León (la zona osera por excelencia): un total de 48, frente a los 187 de 2008.

En Asturias, las Patrullas-Oso de la FOP han retirado en 2009 un total de 34 lazos ilegales, lo que supone un afortunado descenso con respecto a 2008, año en el que se retiraron nada menos que 180 lazos; de hecho, la cifra de lazos de 2009 es la más baja de los últimos cinco años.

En esta región cabe destacar la denuncia presentada contra un vecino de Cangas del Narcea en mayo 2009, en un operativo con el Servicio de Protección de la Naturaleza (SEPRONA) de la Guardia Civil, por colocación de lazos ilegales, lo que se suma a las cuatro denuncias presentadas anteriormente en Asturias por la FOP contra laceros, tres de los cuales han resultado ya condenados.

Por otra parte, y también en 2009, la FOP retiró en el Alto Sil leonés14 lazos ilegales, lo que indica que, aunque con menor intensidad que en la vertiente asturiana, el problema persiste en esta importante zona osera.

Para la detección y retirada de lazos se ha contado con la colaboración de las Sociedades de Cazadores asturianas con las que la FOP mantiene convenios de colaboración.

Desde el año 1993, y hasta diciembre del 2009, la FOP ha retirado 1.399 lazos y ha denunciado a 18 furtivos sorprendidos mientras colocaban o revisaban lazos ilegales (13 en la parte leonesa y 5 en la asturiana).

Los lazos se destinan habitualmente para cazar jabalíes, corzos o ciervos, pero también atrapan a los osos. Suelen ser colocados en pasos en el bosque utilizados por la fauna o en el entorno de praderas, de siega y diente, y en cultivos. Su colocación es un delito que puede ser castigado con penas de cárcel de 14 a 24 meses (sustituida por multa económica en caso de ausencia de antecedentes), además de la inhabilitación para cazar durante un periodo entre 2 y 4 años.

La lucha contra el furtivismo, y especialmente la localización y retirada de los peligrosos lazos ilegales, continuará siendo una prioridad para las Patrullas- Oso que operan en el occidente cantábrico gracias al patrocinio de la Obra Social Caja Madrid y de la Fundación Biodiversidad.

Otra entidad activa en defensa del oso es FAPAS, Fondo para la protección de Animales Salvajes, que realiza una magnífica actuación en Asturias, y que es parte del éxito de la política osera del Principado.

En su página web suele haber bellas informaciones. Esta semana seleccionamos una titulada ¿Quién se mueve con Villarina?

Villarina es una osezna devuelta a la libertad en Asturias, y que resiste con vida en el monte, explotando los recursos alimenticios que el valle produce, desde frutos secos, plantas, carroñas, insectos....

Una cámara permite ver que hace a veces la osezna. Pero los pasados días de nieve, Villarina se retiró a descansar y la cámara captó bellas escenas del bosque: los zorros, los lobos...

Este tipo de informaciones (fapas.es) contribuyen a acercar al hombre y a las especies de la fauna salvaje... y ayudan a la conservación.

Vuelos a Grecia

16/01/2010, Aegean Airlines se ha convertido en sólo 10 años en la aerolínea griega de bandera en vuelos tanto nacionales como internacionales

Atenas, enero de 2010

La compañía ha crecido un 65 por ciento en tráfico de pasajeros en los últimos 5 años y vuela a 17 destinos en Grecia y 24 en Europa.

Esta primera aerolínea griega en tráfico de pasajeros, amplía su red y añade más destinos europeos desde Atenas, con el objetivo de responder a la creciente demanda. En concreto, el grupo añade a su oferta de rutas las ciudades de Tel Aviv y Belgrado, con vuelos diarios desde Atenas.

Las nuevas rutas, operativas desde el 1 de enero de 2010, cuentan con una frecuencia de siete vuelos semanales, de lunes a domingo.

Aegean Airlines vuela de Eleftherios Vénselos hacia Ben Gurión a las 11:00 de la mañana y regresa del aeropuerto de Tel Aviv hacia Atenas a las 13:55 horas. Los vuelos son cubiertos por las nuevas aeronaves Airbus A320, con 168 butacas.

En referencia a la nueva ruta Atenas-Belgrado, el avión parte de Eleftherios Vénselos hacia la capital serbia a las 07:30 de la mañana y regresa desde el aeropuerto Nikola Tesla a las 18:20 horas. Los vuelos Atenas-Belgrado se realizan con aviones Avros, que cuentan con capacidad para 112 pasajeros. Estos aviones son utilizados en los vuelos hacia aquellos aeropuertos de pistas reducidas donde no pueden despegar ni aterrizar los Airbus.

En España, la compañía tiene previsto aumentar el número de frecuencias en 2010, en respuesta al crecimiento de la demanda. Aegean Airlines comenzó sus operaciones en España en 2009 y en la actualidad opera la ruta Madrid-Atenas con un vuelo diario y Barcelona-Atenas con cinco vuelos semanales.

Asimismo, la compañía tiene previsto añadir nuevas rutas en 2010 que conectarán la capital griega con más destinos internacionales. En concreto, el próximo destino previsto es Atenas–Moscú.

El grupo Aegean Airlines, que en 2009 ha celebrado su décimo aniversario, es la primera aerolínea griega en tráfico de pasajeros y la que muestra un crecimiento más dinámico de todas las que operan en los Balcanes. En 2008, el grupo transportó a 6 millones de pasajeros.

Tan sólo cuatro años después de iniciar su expansión internacional, el grupo vuela a 17 destinos en Grecia y 24 en Europa, como Londres, París, Lárnaca, Roma, Milán, Madrid, Munich, Barcelona, Frankfurt, Dusseldorf, Sofia, Bucarest, Tirana, Cairo, Berlín, Venecia, Pafos, Bruselas, Stuttgart o Viena; y ahora Tel Aviv y Belgrado.

Tras la recepción de 27 nuevos Airbus A320/321, la empresa opera actualmente una flota de 31 aviones con una antigíedad media de 2 años en sus vuelos regulares. Asimismo, Aegean Airlines está en proceso de adhesión con Star Alliance.

En 2008, Aegean Airlines facturó 612 millones de euros, un 27 por ciento más que el año anterior, y logró unos beneficios de 39,9 millones de euros. Aegean Airlines fue fundada en 1999 por cinco inversores griegos y cotiza en la Bolsa de Atenas desde 2007.

Un carnaval popular

16/01/2010, Villar del Arzobispo, en la comarca de la Serranía, a unos 50 kilómetros al oeste de Valencia, España, posee unos carnavales divertidos y populares

Villar del Arzobispo(Valencia), enero de 2010. Eduardo López

Durante la dictadura franquista el Carnaval estuvo prohibido, perdiendo con los años su popularidad, hasta que hace años recobró su interés en Villar del Arzobispo. En 1981, un reducido grupo de personas decide rescatar la fiesta del olvido y durante el invierno maduró la idea de recuperar el Carnaval, comenzando a recopilar información de los ancianos del lugar para saber cómo se celebraba. Éstos comentaron que la costumbre era disfrazarse de "botargas" con el objetivo de provocar, ocultándose bajo un atuendo común a todos y creado con prendas del hogar: sábanas, cestas y almohadas.

Era el único día del año en que la gente se desinhibía. Las botargas (mayoritariamente hombres) en algunos casos iban desnudas o ligeras de ropa bajo un disfraz que les deformaba la figura y les ocultaba el rostro. Llevaban a modo de barriga y trasero unas almohadas atadas para deformar la figura y una cesta de vendimiar cubriéndoles la cabeza y cuyas rendijas les permitía tener una visión suficiente para caminar y observar a quienes se acercaban; por último, una sábana o cubre de cama se dejaba caer desde lo alto de la cesta y recogida con las manos tapaba todo el cuerpo.

El grupo de botargas desfilaba por las calles del pueblo acompañadas de una charanga (acordeón, caja y guitarras) y sin dejar de incordiar a las personas que encontraban a su paso; cuando deseaban meterse con alguien se acercaban y les gritaban deformando la voz: "guruguruguru que no me conoses, que no me conoses"; este grito, de tipo gutural (sin que haya fuentes de investigación que lo atestigüen) parece una reminiscencia del grito de las mujeres bereberes (antiguas pobladoras del lugar). Famosa por su impacto en aquel momento y mantenida en la tradición oral por las personas más mayores del pueblo, fue una comparsa de botargas que, subidos a un carro tirado por un burro, recorrieron las calles del pueblo (escasamente iluminadas en esa época) mostrando a sus convecinos y de manera intermitente las partes pudendas, al grito de "¡vendemos puerquicos!". Corría el año 1935 y la cuadrilla se llamaba "del ñudo" (del nudo) e iban acompañados del "Tío de la higuica", personaje popular vestido a la antigua usanza y con capa, quien, portando una caña larga de la cual pendía un hilo en cuyo extremo llevaba atado un higo seco, provocaba a los niños para que intentaran comerla, pegando un golpe de caña cuando éstos estaban a punto de hincarle el diente y poniéndola lejos de su alcance.

Evolución de la fiesta

En el año 1982 se disfrazó solamente la peña que ideó rescatar del olvido el Carnaval. No obstante, hasta conseguir completar el programa de fiestas actual, las diferentes comisiones han ido incorporando progresivamente nuevos festejos. Desde entonces es una fiesta que con el paso de los años gana protagonismo dentro del ámbito de la provincia de Valencia. La celebración del Carnaval de Villar se ha caracterizado por ser creativa e innovadora, y así ha sufrido cambios, incorporando diversos elementos festivos que dieran mayor amplitud a la celebración del Carnaval, en algunos casos similares o con algún referente a los realizados en otros lugares y, en otros, de nueva creación. Todo ello de manera escalonada, de tal manera que ha ido creciendo no sólo en actos sino en días festivos:

1. Velatorio de la Morca(morcilla)

Desde 1993 el jueves pasa a constituirse como el primer día de la fiesta. Desde sus inicios, la Morca ha sido transportada hasta su cremación por hombres. Con la institución de este noche festiva se daba la participación también a las mujeres, pues desde esa fecha son quienes transportan la Morca, desde el taller (local de la Comisión de Carnaval donde ha sido construida) hasta un local donde esperará hasta el sábado, día de su entierro.

En ese lugar será velada por los miembros masculinos y femeninos de la Comisión y acompañada de quienes deseen asistir al velatorio. Para acompañar la noche se cuenta con una verbena amenizada por una orquesta, mientras se reparte entre los presentes "congretes" y cazalla.

Tiene lugar el viernes por la tarde, a la caída del sol y después de dispararse el chupinazo (cohete) que anuncia el comienzo propiamente de la fiesta. Las botargas recorren las calles del pueblo en nutrido grupo y acompañados de una charanga, instando al público a unirse a la comparsa festiva que, como ya se ha dicho, no cesa de importunar a las personas que encuentra a su paso. Hasta 1996 la comparsa fue acompañada del "Tío de la higuica", personaje representado por Miguel Antón Molina y que murió en esa fecha.

Posteriormente no ha sido si no de manera intermitente que se ha recuperado este personaje.

3. Concurso de Murgas

Se instituye 1986, a la manera de las que se celebran en Cádiz y en otros lugares de España. Tiene lugar el viernes por la noche y es uno de los actos más esperados por la población, dado que en las letras se vierten los hechos más significativos acontecidos durante el año, tanto a nivel local como nacional e internacional. Las letras de las murgas, festivas, ocurrentes, maliciosas o irónicas se trasladan a un librito que es repartido esa noche entre los numerosos asistentes para que puedan seguirlas y tararearlas.

Paralelamente y desde el Colegio Público Fabián y Fuero, se colabora en el Carnaval Infantil, trabajando desde las aulas en la confección de una "morca" más pequeña cuyo entierro se celebraba el viernes por la tarde tras el desfile, de una "murga" por ciclo educativo (sus letras, mayoritariamente, trataban sobre temas de la Escuela) que luego competían en un Concurso (la ganadora participaba por la noche en el Concurso de murgas "mayores"); los niños también participan en un concurso de Carteles infantiles.

Desafortunadamente esta dinámica se truncó en 2002 con la desaparición del concurso de murgas infantiles (los demás actos continúan celebrándose), aunque el Instituto de Educación Secundaria de la Serranía está colaborando junto a la Comisión Organizadora del Carnaval para poner en marcha en este año 2010 el primer concurso de Murgas Juveniles.

4. Desfile de Carnaval

El es el único acto que se ha celebrado desde los inicios de la fiesta y con el cual nació. Da comienzo a las 16:30 horas con la concentración de comparsas y del público en general a las puertas del local de la Comisión, desde donde y acompañados de ocho bandas de música intercaladas entre la multitud inician el desfile por las calles del pueblo.

El Desfile de Carnaval es el acto (con diferencia) más multitudinario, tanto en participantes como en espectadores, habiendo alcanzado cuotas de visitantes cercanas a los 25.000 en los últimos años de la década de los 80 y primeros de la década de los 90; en la actualidad se cifra entre10.000 y 15.000 visitantes. Por otra parte, dadas las fechas en que se celebra (mayoritariamente en el mes de febrero) y la situación geográfica de nuestro municipio, en cuanto a la climatología hemos tenido de todo y jamás se ha suspendido: nieve, frío, viento y lluvia; sin alejarnos nada en el tiempo, en la edición de 2004 el desfile se realizó bajo una pertinaz lluvia que, no obstante, no amedrentó a nadie y se realizó hasta el final.

5. Quema del Chinchoso

Hasta 1985 la fiesta únicamente contaba con un acto, el desfile de Carnaval que iba acompañado de una banda musical para animarlo. Este año se incorpora un nuevo personaje: el "Chinchoso", un muñeco a escala natural que toma la figura de una persona (internacional) que represente los valores más negativos mostrados en sus acciones; en la edición de 2004 dicho honor recayó en el presidente George Bush. Paseado por las calles del pueblo dentro de una jaula es conducido hasta la hoguera que arde desde la noche anterior en el centro del pueblo y allí es quemado acompañado de los atronadores gritos de la gente y del estruendo de una música infernal, con el deseo de que las llamas purifiquen los efectos de dichas acciones.

A continuación tiene lugar el reparto gratuito de "entrepanes de morcas" (alrededor de 1.500 bocadillos, conteniendo dos morcillas que han sido preparadas semanas antes por la Comisión, primero fritas y después metidas en la jarra con el mismo aceite) y de un vaso de vino de la tierra; aunque las hay de carne, arroz, pan y cebolla, tradicionalmente se hacen de esta última, por ser las más populares.

6. Entierro de la morca

Tomando como referencia el famoso entierro de La Sardina (Murcia) se constituyó el Entierro de La Morca; las morcas en Villar del Arzobispo es el nombre que recibe una clase de embutido, las morcillas. Son típicas de nuestra gastronomía y determinaron que sería un buen homenaje a éstas. Cada año y por su caracterización mínima (no se viste, sólo se pinta su cara y algún elemento adicional: lazo, pañuelo, sombrero…), adopta un "personaje" diferente: pirata, coqueta… Después del desfile es el acto que más público congrega. Tiene lugar a la medianoche, con las luces de las calles del recorrido apagadas. Un desfile de antorchas abre la comitiva hasta la Morca que, llevada en andas por miembros de la Comisión es acompañada por un grupo de plañideras y una pequeña banda que interpreta dos ritmos diferentes: uno lento y acompasado que se une a los llantos de las mujeres, y otro frenético y acompañado de alaridos que se aprovecha para zarandear las andas con movimientos dislocados (hacia arriba y hacia abajo, y hacia ambos lados). Así hasta llegar a las puertas del local de la Comisión donde es incinerada tras el disparo de un castillo de fuegos artificiales; tradicionalmente, la morca iba repleta de cohetes que salían enloquecidos cuando ésta empezaba a arder, pero tras el cambio de normativa hace tres años ya no se ha vuelto a realizar.

A continuación tiene lugar la verbena, amenizada por dos grupos, cuyo final tiene lugar al amanecer, momento en que se recogen las cenizas de la Morca y se llevan al Balsón (embalse de origen árabe situado a la entrada del pueblo) donde son lanzadas a sus aguas. Por último, la comisión obsequia con chocolate y magdalenas a quienes han aguantado hasta esas horas. Ha finalizado la fiesta… hasta el año siguiente.

La Comisión de Carnavales

Surge con la idea de mantener en activo la realización de la fiesta año tras año a partir de 1982, cuando se rescata del olvido. Cada año, en la verbena del sábado, se propone un listado de personas del pueblo, peñas y grupos de amigos de todas las edades para que se hagan cargo de la realización de la fiesta para el año siguiente. Esta Comisión se reúne todas las semanas y toma decisiones para obtener los medios económicos suficientes y así luego poder hacerse cargo del pago de los gastos ocasionados para poner en funcionamiento la fiesta: loterías, rifas, venta de camisetas, conciertos, verbenas, fiestas de disfraces, concursos, solicitud de subvención al Ayuntamiento de Villar del Arzobispo y a la Diputación (SARC), aportaciones económicas de los comercios colaboradores, concursos...

En 1996, el Ayuntamiento cedió a la Comisión de Carnavales un local para la realización de reuniones, confección de "La Morca", almacén... y todos los actos que acarrea la realización de la Fiesta. Posteriormente se adquirió un equipo informático y los materiales necesarios para la realización de los eventos. No obstante, no sólo la Comisión de Carnavales es la encargada de acarrear con todo el esfuerzo necesario si no que muchos colectivos y asociaciones del pueblo son colaboradores. Como es el caso de la Asociación de Las Amas de Casa que fríen todo el embutido para el reparto de los bocadillos durante la celebración del Carnaval; el alumnado del Centro Ocupacional de Disminuidos Psíquicos "Los Serranos" de Villar que realiza con mucha ilusión el Chinchoso; también hay que agradecer al gremio de los carniceros que aportan las morcillas para hacer los bocadillos; y a la empresa Bodegas Comeche de Villar que contribuye con vino de la tierra. Por otra parte, diversos pubs ceden sus locales para realizar allí las fiestas durante el año. Además, todos los vecinos colaboran indirectamente, puesto que son ellos los que a lo largo del año compran las loterías realizadas para recaudar fondos.

Durante el verano se realiza un Concurso de Carteles. El cartel ganador es utilizado por la Comisión para anunciar la Fiesta y es divulgado por todos los lugares posibles, como Centros de Información Juvenil, los pueblos más cercanos, por Valencia (Universidades, paradas de autobús...), medios de comunicación... Todas las comisiones, a parte de reunirse para recaudar fondos también lo hacen para aportar nuevas ideas que hagan del Carnaval de ese año algo inolvidable y para que atraiga al mayor número de visitantes.

Datos de interés:

Municipio: Villar del Arzobispo

Comarca: La Serranía

Provincia: Valencia

Nº de habitantes: 3.928 (población de la comarca de La Serranía que posee mayor número de habitantes)

Superficie: 40 Km2.

Altitud: 520 metros sobre el nivel del mar

Acceso: Está situado a 49 Km. de la ciudad de Valencia, su acceso se realiza únicamente a través de la Autovía de Ademuz.

Su núcleo urbano está ubicado a escasos 4 Km. de la CV-35 (Valencia-Ademuz), en el cruce con la CV-395 (Requena-Segorbe) que pasa por la población.

Teléfonos de interés:

Ayuntamiento de Villar del Arzobispo: 96 272 00 02 - 96 272 05 00

Agencia de Empleo y Desarrollo Local: 96 272 00 02

Oficina Municipal de Turismo: 96 272 00 02

PAISAJE

El paisaje lo constituyen elevados cerros y una gran llanura en la parte más baja del término municipal. Coronando el pueblo se alza el cerro Castellar, a 690 m.s.n.m. y desde el cual se ofrece una fantástica panorámica hasta el mar. Además, Villar, cuenta con dos rutas, "La Huella del Hombre" y "Ruta Monumental" que permiten al visitante conocer más de cerca nuestro pasado, a la vez que recorren estas tierras de interior. Posee un entorno ideal para practicar deportes de naturaleza y aventura, ofreciendo al visitante la posibilidad de montar a caballo, hacer parapente, ala delta...

DATOS HISTÓRICOS Estas tierras estuvieron pobladas durante la Edad de Bronce, también por los íberos y por los romanos (a quienes debe su nombre actual, El Villar = conjunto de villas), prueba de ello son los numerosos hallazgos pertenecientes a dichas civilizaciones. Los árabes también se asentaron (a ellos debe su primer nombre, Benaduf = "el que toca el pandero", derivado de la tribu bereber que aquí se estableció). Posteriormente, Jaime I donó la población en señorío a D. Fernando Díaz en 1236, dependiendo de la Baronia de Andilla, hasta que en 1300 pasó a formar parte de la Baronia de Chulilla y con ello patrimonio de la Mitra Valentina. Su Palacio Arzobispal fue propuesto al emperador Carlos V como residencia para curar su enfermedad. Lleva el sobrenombre "del Arzobispo" porque el 7 de mayo de 1.795 se lo concedió el rey Carlos IV al tiempo que le otorgaba el título de villa real. Durante las guerras carlistas, en el siglo XIX, el conjunto de la torre de la iglesia y del palacio fue cuartel general de las tropas carlistas. En la guerra civil española se situó la retaguardia del frente de Teruel y tuvo hospital de campaña y aeródromo militar. A lo largo de los siglos el crecimiento de la villa se ha debido al intenso laboreo de las tierras más cercanas (la mayoría fuera de su término), hasta los comienzos del siglo pasado, en que la industria minera del sílice y caolín se instalan a los pies del cerro Castellar y los lavaderos ocupan las ramblas al oeste de la población. EDUARDO LÓPEZ GÓMEZ www.carnavaldevillar.es

Patinaje, con salchichas

16/01/2010, Viena ofrece una alternativa para combatir la frialdad de enero: patinaje sobre hielo, ponches, vino caliente y salchichas

Viena, enero de 2010

El Sueño vienés de hielo es en Europa una de las mayores pistas de patinaje sobre hielo al aire libre y se instala cada año en pleno centro de la ciudad austríaca.

En la tarde del 22 de enero se inaugura delante del Ayuntamiento de Viena un evento que es como una leyenda invernal: una superficie de hielo de 5.400 metros cuadrados brinda diversión sobre el hielo para toda la familia.

El “Sueño vienés de hielo” (en alemán “Wiener Eistraum”) está abierto todos los días desde las 9 de la mañana hasta las 23 horas, invitando a patinar al ritmo de la música y haciendo piruetas.

Una “senda de ensueño“ de 430 metros de largo serpentea por el Parque del Ayuntamiento, comunicando entre sí las dos grandes pistas de patinaje situadas en la Plaza del Ayuntamiento, sobre la Avenida del Ring.

También hay tres pistas para jugar a un juego parecido a las bochas sobre hielo, llamado “scurling” o Eisstockschützen.

El año pasado acudieron alrededor de 470.000 visitantes a esta pista de patinaje gigantesca. No sólo disfrutaron del deporte, sino también de la gran oferta de comidas y bebidas calientes como té, un tipo de ponche llamado “punsch”, vino aromático caliente y salchichas, productos que se ofrecen en numerosos kioscos aquí instalados.

Y música en Pascuas

Ya se anuncia el Festival llamado “OsterKlang Wien2010“, que presenta música clásica en la temporada de Pascuas.

El festival “OsterKlang“ ( que significa “Sonido de Pascuas“) se celebra del 27 de marzo al 5 de abril en los lugares más hermosos de Viena, como las salas de conciertos del Musikverein, en el Theater an der Wien, en el Konzerthaus o en la Hofburgkapelle , capilla del antiguo palacio imperial.

Este festival se inaugura, como de costumbre, con dos conciertos de la Filarmónica de Viena en la Sala Dorada del Musikverein. www.osterklang.at.

Buen balance del Guggem/Bilbao

16/01/2010, 905.000 visitantes tuvo el Guggenheim de Bilbao en 2009; una buena cifra, y una buena inyección económica para la ciudad vasca.

Bilbao, enero de 2010

El alza del número de visitantes de Vizcaya, Cataluña y Madrid ha hecho que la institución compense en gran medida la baja de visitas extranjeras. En conjunto, El número de visitantes locales y estatales ha aumentado 6 puntos respecto al ejercicio anterior.

El Museo ha atraído en el año 2009 a 905.048 visitantes, un 4,73% menos que en 2008. Pese a este ligero descenso, el centro ha cumplido en un 100% las estimaciones previstas para este ejercicio por lo que el balance puede considerarse positivo en un año de desfavorable coyuntura económica y de un acusado descenso del flujo de turismo internacional a la Comunidad Autónoma Vasca.

Es reseñable el incremento de aquellos procedentes de la Comunidad Autónoma Vasca, básicamente de Vizcaya, que suponen un 14%, cuatro puntos más que en 2008 y más del doble que en 2007 (6%). También crece en seis puntos el numero de los visitantes procedentes del resto del Estado, un 40% frente al 34% del ejercicio anterior.

Esta captación de un creciente número de visitantes locales y estatales ha permitido al Museo equilibrar el descenso de visitantes extranjeros en 2009, un 60% del total, frente al 66% de 2008. Un porcentaje, no obstante, que se continúa manteniendo en niveles muy elevados puesto que casi dos de cada tres visitantes del Museo son extranjeros. De este colectivo, los franceses siguen siendo los que más acuden al Museo (19%), seguido de ingleses (7%), alemanes (7%), estadounidenses (5%) e italianos (5%).

También se consulta más la página de internet del museo. Hasta el 31 de diciembre de 2009 www.guggenheim-bilbao.es registró un total de 958.702 visitas (21,8% más que en 2008) y 4.747.380 páginas vistas (13,9% más que en 2008).

Durante el pasado ejercicio, 571.795 personas, un 20,93% más que en 2008, han participado en alguno de los cincuenta programas educativos que el Museo Guggenheim Bilbao pone a disposición de diferentes públicos: educadores, niños, familias, jóvenes, Amigos, colectivos desfavorecidos socialmente, etc.

Respecto al análisis del impacto económico de las actividades del Museo Guggenheim Bilbao en la economía del País Vasco durante el año 2009, cabe destacar: El total de gasto directo como consecuencia de la actividad del Museo en Euskadi en el año 2009 ascendió a 204.506.729 euros, lo que implica un gasto medio de 225,97 euros por visitante.

La actividad del Museo Guggenheim Bilbao durante el año 2009 ha supuesto una generación de riqueza de 185.576.062 euros de PIB.

Esta actividad económica ha supuesto unos ingresos adicionales para las Haciendas Públicas Vascas de 25.273.604 euros. Esta actividad ha contribuido al mantenimiento de 3.695 empleos.

Finalmente, el Guggenheim Bilbao se consolida un año más entre las instituciones culturales europeas líderes en relación a su nivel de autofinanciación que se sitúa, al igual que en 2008, en torno al 65%, lo que se traduce en que dos de cada tres euros son generados por el propio Museo.

Entre los temas que ofrece el centro en estos momentos, figura una muerta dedicada al arquitecto Frank Lloyd Wright, una exposición sobre la relevancia del pensamiento espacial de Wright y el gran impacto que éste ha tenido en la organización de la vida moderna.

De lo privado a lo Público: las colecciones Guggemheim es otra oferta en curso. Esta exposición explora la historia de la colección de la Fundación Solomon R. Guggenheim, reuniendo obras de arte esenciales, desde pinturas del siglo XIX a innovadoras instalaciones de los años noventa.

Citas obligadas para el 2010

15/01/2010, Coincidiendo con FITUR, las ciudades de arte Flamencas desvelan su agenda anual de acontecimientos para el año 2010, llena de exposiciones, conciertos y multitudinarios festivales.

Frida Kahlo y su mundo

Muestra de la obra de la artista en el contexto cultural mejicano. Contribuciones de Diego rivera, Siqueiros, Orozco y Tamayo.
Bozar (16 de enero a 18 de abril)
Bruselas

El Angel Exterminador

Un espacio para el arte contemporáneo español.
Bozar (29 de abril a 20 de junio)
Bruselas

De Van Eyck a Durero

Gran exposición que muestra la influencia de estos dos artistas sobre los pintores Primitivos Flamencos. Aparte de las obras de Van Eyck, Durero, Campin, Roger de la Pasture, Van der Goes y Memling, se podrán admirar trabajos de otros maestros europeos: pintura, escultura, miniaturas en manuscritos...
Museo Groeninge (29 de octubre 2010 a 30 de enero 2011)
Brujas

Simbolismo

Exposición basada en el eje de artistas como Khnopff, Rops o Delville, artistas que trazan la evolución del simbolismo y que hicieron de Bruselas una de sus capitales.
Museo de Bellas Artes (26 de marzo > 27 de junio)
Bruselas

Ensor

En el marco del 150 aniversario del pintor, de la presidencia belga de la UE y del 180 aniversario de Bélgica, el Palacio de Bellas Artes penetra en el universo mental de este genio fascinado por la luz y la muerte.
Bozar (Junio a Octubre)
Bruselas

Luz en la ciudad. Día y noche en Gante

Primera exposición del STAM, el nuevo museo municipal situado en la renovada abadía de Bijloke. Gante fue la primera ciudad belga que elaboró un plan de iluminación a medida, en relación con el color, los monumentos y el agua.
STAM (octubre 2010)
Gante

Ambiorix, rey de los Eburones

La exposición muestra las raíces de la tribu que hizo frente a las tropas de Julio César.
Museo Galo Romano (hasta el 3 de junio)
Tongeren

Edvard Munch – El amor y el miedo a vivir

La obra de Munch se expone en el marco de Noruega, invitada de honor del Palacio de Bellas artes en otoño.
Bozar (octubre 2010 a enero 2011)
Bruselas

Puedes consultar el calendario completo en: Citas Obligadas Flandes 2010

Las ciudades flamencas se llenan de color cada año gracias a festivales de música, procesiones históricas, fiestas populares, jornadas de puertas abiertas y otras citas obligadas.

Floralías: Gran cita de los paisajistas y floristas internacionales
Del 17 a 25 abril en Gante

Reales Invernaderos de Laken
Durante abril y mayo en Bruselas

Concurso de Piano Reina Elisabeth
Mayo en Bruselas

Procesión de la Santa Sangre
13 mayo en Brujas
http://www.holyblood.com

Festival Internacional de Teatro al Aire Libre
22-23 mayo. Lovaina

Modo Bruxellae: Cada dos años Bruselas se transforma en la meca de la moda.
Finales de octubre en Bruselas

Festivales musicales: Los amantes de la buena música encontrarán en estos festivales una cita ineludible del verano: Couleur Café, Jazz Middelheim, Maanrock, o el revolucionario Laundry Day de los Dj´s.
Junio, julio, agosto. Diversas ciudades

Para consultar el programa íntegro: Citas Obligadas Flandes 2010

The Soft Book of Men

15/01/2010, La ilustradora Paula Sanz Caballero demuestra su inquietud por expresar las imperfecciones, las incongruencias, los anhelos, y los enigmas de la condición humana a través de un lenguaje propio.

Barcelona, 15 de enero de 2010
"The Soft Book of Men. La guía de la desorientación de un hombre contemporáneo" es una inquietante y refinadísima forma de hacerse preguntas. Un tránsito por la culpa, la vanidad, el poder, el miedo, la violencia, el sexo, el fracaso, la tristeza, la soledad, el amor, y la muerte. Una sesión concentrada de psicoanálisis, tejida con sutileza y sarcasmo.

El protagonista de esta historia es un hombrecito, como síntesis o símbolo, a veces irónico, a veces descarnado y desconcertante de la insignificancia humana, y de los pliegues más oscuros del alma. El hombrecito transita por la vida como desorientado, y en cada página se enfrenta a un enigma, una escena irresuelta que interpela al espectador.

Paula Sanz Caballero analiza la figura del hombre occidental (sus dudas, equívocos, falsas apariencias...) con una disección y un sarcasmo contínuos. Pero no solo él se ve sujeto a este análisis, sino que también aparecen otros personajes que complementan su figura: la madre, la mujer, el psicoanalista, Dios...

Personajes cargados de narrativa que representan el vacío y la inconsistencia de la vida de nuestra sociedad opulenta, cuyo símbolo son unas maletas cargadas de fracasos, errores y culpas, y unas figuras sofisticadas, ausentes y siempre fuera de contexto.

La muestra, que podrá visitarse del 15 al 31 de enero en el Centro de arte Santa Mónica (Barcelona), reúne, además de las páginas del "Soft Book of Men", óleos de gran tamaño, pequeños corpóreos en tres dimensiones, dibujos y collages.

EstiloyModa.com

Brasil en FITUR

15/01/2010, El Instituto Brasileño de Turismo (EMBRATUR) participa un año más en la Feria Internacional. En el marco de la trigésima edición de este evento, Brasil cuenta con importes novedades.

En 2010 su capital, Brasilia, celebra su 50 aniversario, y sus sorprendentes destinos serán presentados en esta cita internacional. Junto a ellos, Brasil promocionará sus variadas posibilidades de turismo: ecoturismo, turismo de negocios, sol y playa, cultura y deporte, así como los eventos internacionales deportivos de los que ha sido elegida anfitriona: el Mundial de Fútbol de 2014 y las Olimpiadas 2016.

Este año, Brasilia, capital de Brasil y ciudad Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, cumple su cincuenta aniversario. En 1960 Río de Janeiro dejó de ser la capital de Brasil para ceder el testigo a Brasilia, ciudad que fue construida, en su mayor parte, por el arquitecto Óscar Niemeyer, por lo que en Fitur recibirá un cálido homenaje.

Además de Brasilia, en el stand de Brasil estarán representados la mayoría de los 26 estados brasileños: Amazonas, Bahía, Paraíba, Mato Grosso do Sul, Iguazú, Río de Janeiro, Santa Catarina, Sao Paulo, Paraná, Minas Gerais, Ceará, Maranhao y Pernambuco. Muchos de ellos mostrarán a lo largo de la feria las bellezas e infraestructura de los destinos que representan, su artesanía, danzas populares, así como la replicas de sus monumentos, entre otras muchas cosas.

Negocios
Brasil presenta su oferta turística de negocios y eventos. En este segmento, y según la ICCA (International Congress and Convention Association), Brasil ocupa el 7º lugar en el ranking de los destinos que organizan más eventos internacionales en el mundo, gracias a una sólida infraestructura, que le permite organizar simultáneamente numerosos congresos, ferias y reuniones de asociaciones internacionales.

Turismo sostenible
Con el objetivo de tener destinos de calidad internacional, competitivos y respetuosos con el medio ambiente, Brasil promociona 65 destinos turísticos basados en la sostenibilidad, como Fernando de Noronha o la reserva de Mamirauá, en Amazonia.

Actividades en FITUR
Embratur presentará a lo largo de toda la feria nuevos productos turísticos brasileños y distintas atracciones culturales. También se divulgarán las acciones que Embratur realizará para apoyar la comercialización de destinos brasileños.

El martes 19 de enero, a las 19h, en el Hotel Rafael de Atocha, se celebrará un Workshop de Brasil para que tour operadores y periodistas del área turística conozcan el destino Sensacional que reúne diversidad cultural, natural y económica, incluyendo manifestaciones populares, patrimonios naturales y edificados, playas e innumerables oportunidades de negocios. También se presentarán las novedades del Plan Aquarela 2020 (Plan que define estrategias, metas y objetivos del marketing internacional del turismo brasileño y de las acciones que serán implementadas en la próxima década).

El 20 de enero, a las 17h, en el stand de Brasil en Fitur tendrá lugar un cóctel de productos típicos brasileños amenizado con Música Popular Brasileña.

Nuevos monumentos en megalitos.es

08/01/2010, La página http://www.megalitos.es ha incorporado durante el año 2009 otros 72 dólmenes de España, Malta y Portugal, que se han venido a sumar a los más de mil que ya estaban registrados

Burgos, enero de 2010

Todos los monumentos registados figuran con fotografía y coordenadas GPS.

Megalitos.es comenzó siendo una página dedicada a los dólmenes de la provincia de Burgos, pero ha ido progresivamente ampliadno el espacio de actuación, y en estos momentos hay registrados yacimientos de otras 37 provincias, prácticamente la totalidad de las que albergan monumentos megalíticos.

También hay dólmenes de Portugal, Francia, Italia, Holanda, Inglaterra, Grecia y Malta.

La página incluye también estudios de arqueología y paisaje, denuncias de agresiones al patrimonio y una extensa bibliografía sobre Megalitismo.

Entre los últimos artículos añadidos figuran:

Can Gol (Barcelona)

En La Roca del Vallés, al norte de Barcelona, hay una ruta arqueológica que permite ver algunos dólmenes y una curiosa piedra agujereada, La Roca Foradada, que se corresponde, al parecer, con el mismo proceso megalítico de la comarca.

Leiza (Navarra)

El municipio de Leiza tiene inventariados varios enterramientos megalíticos, pero la vegetación de los montes es muy tupida, por lo que su localización resulta muy complicada. El más accesible es el de Sasain-Bizkar.

Llaves (Cantabria)

Al este del desfiladero de La Hermida, en los prados más altos de estas etribaciones de los Picos de Europa, hay un collado en el que se localizan siete monumentos megalíticos, incluyendo un menhir.

Sun City: naturaleza y lujo

08/01/2010, Durante el mes de diciembre, la cadena hotelera sudafricana de lujo Sun International celebró el 30 aniversario de la inauguración del resort Sun City, uno de sus buques insignia.

Johannesburgo, enero de 2010

Situado en la provincia noroccidental del país, a dos horas de Johannesburgo, su emplazamiento en medio del cráter de un volcán de 100 kilómetros de longitud, es una de las principales características del complejo, desde que el 7 de diciembre de 1979 abriera sus puertas, The Sun City Main Hotel, después de año y medio de construcción con una inversión de más de 2 millones de euros de la época.

Su oferta de alojamiento, la extensa gama de actividades para el ocio y el descanso y su gastronomía de alta calidad, lo han erigido como un destino en sí mismo a lo largo de estas 3 décadas, tanto para viajes en familia o para el sector de los viajes de incentivos, eventos y reuniones.

El complejo Sun City está formado por cuatro hoteles de lujo que suman en total 1.301 entre habitaciones y suites: The Palace of The Lost City, cinco estrellas Gran Lujo, miembro de "The Leading Hotels of The World", cuya arquitectura evoca a los antiguos reinos africanos; The Cascades 5 estrellas, The Sun City Main Hotel 4 estrellas y The Cabanas 3estrellas.

Entre sus instalaciones deportivas, destacan los campos de golf internacionales Gary Player y The Lost City y en su oferta de ocio y actividades, la playa artificial del Valle de las Olas, safaris en 4x4 en el Parque Nacional de Pilanesberg, excursiones en elefante, globos aerostáticos, casino, spa y gimnasio.

Además, Sun City ha sido reconocido por su política sostenible, y de gestión de recursos, por sus iniciativas de ahorro de energía, agua y reciclaje de residuos.

En su oferta gastronómica, en el hotel The Palace destacan el restaurante Villa del Palazzo con gastronomía italiana con un toque sofisticado y una gran carta de vinos del país; The Crystal Court Restaurant con cocina internacionaly vistas al exuberante jardín y a la piscina que rodea el hotel. El hotel The Cascades ofrece cocina internacional con especialidades locales en su restaurante The Peninsula y lo mejor de la gastronomía mediterránea acompañado de buena música en el restaurante Santorini.

El complejo también integra un centro de convenciones con más de 20 salas para eventos y la Sala Superbowl, con una capacidad para 6.000 personas sentadas.

Sun International es uno de las principales grupos hoteleros en Sudáfrica, con un total de 26 propiedades, entre las cuales destacan: The Table Bay Hotel en Ciudad del Cabo; The Palace, en el Sun City Resort; el Royal Swazi Spa Valley en Swazilandia y The Royal Livingstone, en Zambia, emplazado a tan solo unos pasos de las cataratas Victoria.

El CAC: 392.638 visitas

08/01/2010, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ha cerrado el año 2009 con un nuevo record de visitantes.

Málaga, enero de 2010

Un total de 392.638 personas visitaron el centro a lo largo del año que acaba de finalizar para contemplar los trabajos de artistas tan significativos como Miquel Barceló, Ilya &Emilia Kabakov, Tracey Emin, Jack Pierson, Robert Mapplethorpe, Chema Cobo o Wilhelm Sasnal, entre otros.

El número de visitantes creció en un 8,6%, respecto a 2008. Las exposiciones organizadas directamente por el Centro de Arte Contemporáneo (lo que deja fuera, por tanto, la muestra de Sorolla) han supuesto un aumento de más de 40.000 visitantes, lo que lo sitúa, de nuevo, a la cabeza de Andalucía en museos o centros de arte con mayor número de asistentes.

Durante 2009 en el centro dirigido por Fernando Francés han podido verse 15 exposiciones, además de las dos permanentes,

El público local es el que acude mayoritariamente a visitar el CAC Málaga. Tanto es así, que el 65% de sus visitantes proceden de la provincia, lo que pone de manifiesto la identificación cada vez mayor con la ciudad y su entorno.

Los valores totales recogidos por el centro demuestran que el 79% de sus visitantes son españoles, mientras que el 21% restante son extranjeros.

Además de las exposiciones, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga también organiza actividades culturales con muy buena aceptación entre la ciudadanía. Un total de 21.543 personas participaron en alguna de ellas. Ciclos de cine, conferencias, actuaciones musicales, presentaciones de libros o seminarios son las más habituales y las que, sin duda, más público y seguidores tienen.

Las actividades llevadas a cabo por el departamento pedagógico constituyen otro pilar fundamental del día a día del CAC Málaga. Talleres pedagógicos, Tardes en el CAC, visitas guiadas o talleres infantiles de vacaciones llamaron la atención de 25.228 personas, muchas de ellas niños, niñas y jóvenes que desde una edad muy temprana se inician en el interés y el estudio de las tendencias artísticas contemporáneas.

El centro está especialmente orgulloso de contar con programas y grupos de integración social que han hecho posible que casi 1.100 personas se sientan partícipes y pongan de manifiesto su compromiso social con todos los ámbitos de la sociedad.