Archivo de noticias de 2009

Nochevieja en Sidney

27/12/2009, Una de las propuestas para entrar cálidamente en el año nuevo –y además pronto- es viajer a Sidney (Australia) y recibir el Año Nuevo desde la playa

Sidney, Australia, diciembre de 2009

Durante su verano Sídney es un crisol de gentes de diversas culturas dispuestas a disfrutar, cuyo punto álgido es Fin de Año. De hecho, el año pasado se congregó alrededor de la bahía de Sídney más de un millón de personas.

Frente a la estampa tradicional de la “blanca Navidad” europea, aquí se rompen los esquemas cambiándola por un magnífico bronceado.

Durante el día 31 de diciembre los espectáculos se suceden desde las 13h con fiestas y conciertos por toda la ciudad. Pero es a partir de la caída del sol cuando la animación es total con la ceremonia aborigen Indigenous Smoking y, coreografiado con una bella banda sonora, el magnífico espectáculo de pirotecnia Family Fireworks desde los barcos del puerto.

Tras los fuegos artificiales, Harbour of Light Parade es un desfile de más de 50 veleros iluminados en mil colores de operadores y ONGs que proyectan una imagen sin par de la bahía. Por último, la medianoche llega a Sídney 9 horas antes que a Europa, con uno de los espectáculos pirotécnicos más fascinantes y famosos del mundo.

Fuegos artificiales lanzados desde los barcos, los rascacielos y desde el Puente del Puerto realizan extravagantes figuras que inundan la ciudad de mil colores. Dos puntos privilegiados para observarlo son el parque del Bicentenario en Glebe Point o el parque Pyrmont Point, si no se opta por la exclusiva opción de reservar un crucero.

Navidad y tardes de vino caliente

21/12/2009, Los mercados de Navidad alegran desde noviembre las plazas de las ciudades centroeuropeas, ofreciendo a los paseantes todo tipo de productos, desde artesanía al apetecible vino caliente.

Bonn, finales del 2009
Diciembre es tradicionalmente un mes frío. En Bonn, por ejemplo, el servicio meteorológico predice para la semana de Navidad máximas de siete grados bajo cero... pero no por ello deja de vivirse la Navidad.

Al igual que muchas ciudades de Europa Central, el ambiente está en el entorno del centro de la ciudad, donde se presenta una multitud de puestecillos en toda la zona peatonal, en los que se venden productos de artesanía, artículos navideños, ropas de abrigo... y sobre todo magníficos puestos en los que se saborea el vino caliente, o la cerveza, con unas sustanciosas raciones de carnes guisadas o salchichas, con patata o revueltos de col verde.

Frecuentemente, esos mercados se centran en el casco viejo, en torno a los principales monumentos. Asi ocurre en Praga, en Estrasburgo o mil otras ciudades grandes y pequeñas, donde las flechas del templo mayor cobijan la animación urbana.

En Bonn, las plaza central de la ciudad está dominada por las aguzadas flechas de la iglesia de San Martín, la colegiata que se halla desde el siglo XIII en el propio escudo de la ciudad, edificada en tiempos románicos sobre las tumbas de los santos Casio y Florencio, y en la que se funden elementos de diversos estilos, principalmente romanico y gótico.

Al lado de la nave, un claustro del siglo XII, tan silencioso como severo, es el contrapunto al bullicio de la plaza, que preside una gran estatua del hijo más famoso de esta pequeña ciudad alemana: Beethoven, el gran compositor, que residió en la ciudad durante sus primeros 22 años de existencia.

En torno a la estatua, diversiones y puestos de venta, desde un carrusel para los más pequeños a excelentes establecimientos de venta de comida y bebida.

El vino caliente es magnifico como aperitivo. Se hace con vino -obvio- clavo, canela, un poco de nuez moscada y un chorrito de brandy. Se calienta en la olla pero no se deja hervir, porque en la ebullición se va el alcohol. Se toma con alguna picada, un sustancioso condumio de carnes o una buena salchicha troceada, en son de amistad y buen humor.

Al frio hay que combatirlo con la calidez del contacto humano, que se activa con una prudente jarra de dulce jarabe.

Por Artemio Artigas

Aeropuerto de Ciudad Real: un año

21/12/2009, El Aeropuerto Central Ciudad Real cumplió su primer aniversario con más de 53.000 pasajeros desde que el pasado 18 de diciembre de 2008 inició las operaciones.

Ciudad Real, diciembre de 2009
Se trata del primer aeropuerto privado de uso público de España que abría sus puertas con dos aerolíneas comerciales, Air Nostrum y Air Berlin, que conectaban la capital manchega a más de 30 destinos nacionales e internacionales.

A lo largo de este año, el aeropuerto ha ido iniciando diferentes unidades de negocio como el parking de aviones de larga estancia, la atención a la aviación ejecutiva, así como el inicio de las operaciones de la terminal de carga, con Transportes Aéreos Mar de Vigo y la compañía danesa DSV Air & Sea Spain.

En este apartado, y desde el 6 de julio de 2008, el aeropuerto ha movilizado exactamente 1.085.385 kilos de mercancías, principalmente llegada de la ruta regular de las Islas Canarias, así como de otros vuelos esporádicos procedentes del norte de Ѕfrica y de la República China.

Estos datos del primer año de funcionamiento sitúan al aeropuerto por encima de una docena de aeródromos en viajeros y entre los veinte primeros cargueros de las 48 infraestructuras gestionadas por el ente público AENA.

Escolástico González, director general de la empresa aeroportuaria ha dicho que "mientras dure la crisis económica global, protagonizada especialmente por la escasez de liquidez crediticia, el Aeropuerto Central Ciudad Real crecerá en la medida que el mercado lo permita, como aeropuerto regional para, pasado unos años, dar el salto internacional con la parada del AVE en la terminal del aeropuerto y atender un área de casi 10 millones de habitantes".

El directivo de la compañía aboga por continuar "creyendo por este motor económico importante para la región que no ha hecho nada más que iniciar una larga carrera de fondo", y apeló a las administraciones públicas "a un compromiso firme y decido para que esta infraestructura siga en crecimiento".

Navidad en el Prado

21/12/2009, El Museo celebra la Navidad con actividades para niños y mayores. Los adultos podrán disfrutar de forma muy especial sus exposiciones temporales, y los niños podrán visitar el Museo con las nuevas audioguías creadas para ellos.

Madrid, 21 de diciembre de 2009
El Museo del Prado aprovechará las vacaciones escolares para presentar sus primeras audioguías dirigidas al público infantil. El nuevo sistema de guiado para niños, que incluye comentarios sobre casi veinte obras de la colección, se pondrá en marcha el próximo miércoles 23 de diciembre. Para celebrar esta puesta en marcha, las audioguías infantiles podrán ser disfrutadas de forma gratuita durante el mismo día de su lanzamiento, y el día siguiente, 24 de diciembre.

Noches de Navidad
Por otra parte, todavía quedan entradas disponibles para las Noches de Navidad en el Museo, una propuesta que consiste en la visita nocturna a las exposiciones temporales actualmente abiertas en el Museo: “Juan Bautista MAÍNO”, “Holandeses en el Prado” y la Obra Invitada procedente del Rijksmuseum de Ámsterdam. El recorrido incluye también la posibilidad de acceder al Claustro de los Jerónimos, uno de los espacios más emblemáticos de la reciente ampliación del Museo. Con el fin de dar un carácter todavía más excepcional a la visita de las exposiciones temporales fuera de su horario habitual de apertura, el recorrido a la exposición “Juan Bautista MAÍNO” será guiado por un especialista y prestará especial atención a dos de las obras cumbre del pintor relacionadas con la temática navideña: Adoración de los Magos y Adoración de los pastores.

Las entradas para estas visitas excepcionales se pueden adquirir a través del tel. 902 10 70 77 y servicio de venta online -www.museodelprado.es- al precio de 10 € (2 euros más que las entradas en horario general de apertura, dado que incluye asistencia de guía y garantiza un recorrido exclusivo, restringido a 20 participantes por pase).

Otras actividades
El Museo del Prado completa su programa de actividades navideñas con un programa de cuatro conciertos de villancicos que se celebrarán en el auditorio los días 22, 23, 29 y 30 de diciembre, a las 19h. Las entradas (gratuitas) para asistir a estos conciertos se pueden recoger ya en las taquillas 1 y 2 del Museo. Entradas disponibles hasta completarse el aforo.

Además, el Museo invitará a todos sus visitantes a participar en la explicación de La Natividad de Pietro da Cortona, artista italiano del siglo XVII, que ha sido recientemente restaurada y que se incorpora por primera vez a la colección expuesta. Las explicaciones de esta escena navideña, pintada sobre venturina -piedra semipreciosa-, tendrán lugar de lunes a viernes, del 15 al 30 de diciembre (excepto festivos y 24 de diciembre), a las 12h., en la primera sala del Tesoro del Delfín, donde quedará expuesta la obra de forma permanente.

Otra iniciativa de la que podrán beneficiarse todos los visitantes del Museo durante el período navideño, será la posibilidad de realizar un itinerario centrado en las obras de las colecciones del Museo que ilustran el ciclo de la Navidad con la ayuda de un folleto específico, que podrá recogerse a partir del 22 de diciembre en los puntos de información.

Inicio de temporada en MUICO

15/12/2009, La Fundación ICO estrena año con la primera retrospectiva que se realiza en España sobre la pareja de arquitectos finlandeses Raili y Reima Pietilä. Junto a ésta, se expone la ‘Suite Vollard’ de Pablo Picasso.

Madrid, 15 de diciembre
Del 17 de diciembre de 2009 al 21 de febrero de 2010 El Museo Colecciones ICO inaugura nueva temporada 2010 con una exposición doble. ‘Raili y Reima Pietilä. Un desafío a la arquitectura moderna’ y ‘Suite Vollard de Picasso’.

La exposición sobre los Pietilä busca acercar al público español la obra de estos arquitectos finlandeses que lograron su prestigio y reconocimiento internacional en los años 60 y que han diseñado iconos de la historia de la arquitectura.

‘Raili y Reima Pietilä. Un desafío a la arquitectura moderna’ es una exposición del Museo de Arquitectura Finlandesa y ha contado con la colaboración de la Embajada de Finlandia en España y del Instituto Iberoamericano de Finlandia.

Simultáneamente, el MUICO revive una de las joyas de su Colección Permanente, la ‘Suite Vollard de Picasso’. Se trata de una serie de grabados realizada como fruto de la colaboración con el marchante Ambroise Vollard, una de las figuras clave en la vida del artista español.

MUICO
La Fundación inicia esta etapa con la creación de MUICO, una nueva marca para el museo, que quiere convertirse en su seña de identidad. El Museo Colecciones ICO (MUICO) acoge los fondos artísticos del Instituto de Crédito Oficial, centrados en artistas españoles contemporáneos y estructurados en sus colecciones de escultura, pintura y grabado.

La actividad del MUICO se completa con la organización y presentación de exposiciones temporales de arte contemporáneo, con especial dedicación a la arquitectura, la fotografía y el diseño.

El MUICO (Zorrilla, 3), situado muy próximo al denominado Paseo del Arte, ofrece a madrileños y visitantes de la ciudad la posibilidad de disfrutar del ARTE JUNTO AL ARTE, representando una parada destacada dentro del circuito cultural de la capital.

Gustav Klucis en la Sala Cajasol

15/12/2009, "Gustav Klucis. En el frente del arte constructivista" es una exposición organizada y producida por Cajasol Obra Social en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba y VIMCORSA.

Sevilla, diciembre de 2009
Cajasol presenta la primera exposición antológica sobre el artista constructivista Gustavs Klucis que se realiza en nuestro país. La muestra reúne más de 120 obras principalmente de los fondos del Museo Nacional de Arte de Letonia que se complementan con importantes piezas de la Colección Costakis del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica y del IVAM.

La exposición, comisariada por la Dra. Iveta Derkusova, conservadora del Museo Nacional de Arte de Letonia y máxima especialista en el tema, presenta dibujos, fotomontajes, fotocollages, diseños, construcciones y otros materiales del artista.

Gustavs Klucis nació en 1895 en Letonia pero su trayectoria artística se desarrolló en la Rusia soviética, de cuya vanguardia llegó a ser uno de los máximos exponentes. La biografía de Klucis y su ejecutoria artística son inseparables del turbulento momento político que le tocó vivir. Armado con un fusil participó en el asalto al Palacio de Invierno, en octubre de 1917 y posteriormente realizó bocetos al natural de Lenin en el Kremlin. En el curso de los años veinte y treinta, décadas intensamente productivas, formó parte de la emergente élite intelectual junto a artistas como Malévich, Ródchenko, El Lissitzky, Popova y Tatlin.

La figura de Gustavs Klucis prefigura el destino singular y trágico de muchos de los mejores creadores de la vanguardia soviética, como Mayakovski o Meyerhold, que apoyaron con entusiasmo la revolución bolchevique y terminaron devorados por el totalitarismo.

La exposición se estructura en siete grandes bloques que permiten un recorrido cronológico y temático por la trayectoria del artista, desde los primeros años de experimentación y la búsqueda de una forma artística adaptada a los nuevos tiempos que culmina en el diseño de carteles en los que plasma todos sus hallazgos artísticos para la promoción de objetivos ideológicos.

En los años veinte, Klucis, que había sido alumno de Malévich, abandona la pintura sin objeto para convertirse en un activo partícipe del movimiento constructivista y centrarse en el diseño de la nueva sociedad comunista a través del arte aplicado a la vida y a la construcción social. Klucis apuesta en su arte por la formación del nuevo hombre soviético y la producción de objetos funcionales. Con ese objetivo realiza sus más famosas construcciones: tribunas de oradores, quioscos de agit-prop y escenografías para actos políticos. Son arquitecturas efímeras al servicio de la propaganda y los actos de masas que se hallan extensamente documentadas en esta exposición. Se destacan también en la muestra su labor como profesor en los VKhUTEMAS (Talleres Estatales Superiores Artístico-Técnicos) y sus importantes contribuciones al diseño de los pabellones soviéticos en exposiciones internacionales.

La exposición hace especial hincapié en la relación del artista con el constructivismo y en su trabajo como miembro distinguido de la «brigada de choque de fotomontajistas». Miembro fundacional del Grupo «Octubre», Klucis era el responsable de la sección de fotomontaje y dedicaba sus esfuerzos al fortalecimiento del papel de esta nueva técnica como arte de masas, convirtiendo lo inmediatamente presente en un medio de agitación y propaganda. Klucis es el pionero y el gran maestro del fotomontaje, técnica que utilizó con resultados magistrales en sus eficaces carteles de propaganda al servicio de los programas del naciente estado soviético.

Con la proclamación del Realismo Socialista como única norma de creación en la URSS y la prohibición del arte de vanguardia, considerado elitista y minoritario. Klucis, como muchos de sus colegas, vio reducido su trabajo a la esfera privada al no poder conciliar la experimentación con los encargos estatales. En enero de 1938 fue arrestado bajo la falsa acusación de formar parte de un supuesto grupo terrorista armado letón y un mes más tarde fue fusilado en Moscú, víctima de las grandes purgas de Stalin contra los intelectuales.

Con un fuerte contenido audiovisual (documentales de la época, fragmentos de películas y otros documentos) la muestra pretende contextualizar al artista y evidenciar la complejidad del momento que le tocó vivir. De un lado, la calidad objetiva de las producciones de Klucis es deslumbrante. De otro, su pensamiento y su trayectoria, la caída de su sueño utópico, invitan a reflexionar sobre las paradójicas y difíciles relaciones entre el poder, el compromiso del artista, su sentido de la responsabilidad social y su implicación en propaganda política.

Completan la exposición cuatro reproducciones de diferentes construcciones desaparecidas de Klucis basadas en dibujos originales del artista: una tribuna de oradores con pantalla, un «radio-orador» y dos stands de exposición.

Del 26 de noviembre de 2009 al 28 de febrero de 2010
Sala Cajasol (Calle Imagen, 2)
Sala Villasís del Centro Cultural Cajasol (c/ Laraña, 4)

Horarios:
De martes a sábado, de 11.00 h a 13.30 h y de 18.00 a 21.00 h
Domingos y festivos, de 11. 00 h a 13.30 h
Lunes cerrado

Visitas concertadas: información y reservas
Tel. 955 11 36 99

BAC! 09 Pandora´s Box

12/12/2009, La décima edición del BAC! rinde homenaje a las mujeres artistas de todo el mundo, que a lo largo de la historia quedaron en el anonimato o que firmaron sus trabajos con nombres masculinos.

Barcelona, diciembre 2009
El arte contemporáneo desarrollado por mujeres es el leiv motiv que anima la 10ª edición del Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona, una edición en la que más de cien artistas presentan su particular mirada sobre la creatividad femenina, la sexualidad, la política, los hombres, los sentimientos, etc...

Bajo la denominación Pandora’s Box, el Festival abre sus puertas hasta el próximo 3 de enero en el CCCB (Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona). Las artistas contemporáneas participantes, de procedencia nacional e internacional, una particular reflexión sobre los temas que más les preocupan, una visión fresca de las muy variadas temáticas que ocupan hoy a las artistas sin caer en tópicos como el feminismo o la discriminación de género, aunque también están presentes.

Creadoras de diferentes disciplinas artísticas (pintura, videoarte, ilustración, net.art, fotografía, graffiti...) las artistas participantes en el BAC! 09 Pandora’s B expresan su exclusiva aportación, redefinen sin temor, y a veces sin conciencia, la estética y el pensamiento contemporáneo.

Por otra parte, en esta convocatoria BAC! Pandora’s Box presenta una novedad importante en cuanto a su espacio expositivo. La Fundación Miró presenta la sección audiovisual “Mujeres Indomables”, una recopilación de obras realizadas en las últimas cuatro décadas, y que procura espacio y tiempo a un importante elenco de artistas que transmiten rasgos esenciales de la libertad creativa de la mujer y sus posibilidades, abarcando diversas propuestas de contenido y forma.

Festival Internacional de Arte Contemporáneo, BAC!
CCCB (Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona)
Hasta el 3 de enero de 2010

Helsinki, Diseño 2012

02/12/2009, El Consejo de Sociedades de Diseño Industrial (Icsid) anunció, en el marco del Congreso Mundial de Diseño celebrado en Singapur el pasado 25 de noviembre, que la Capital Mundial del Diseño 2012 será Helsinki.

Helsinki, diciembre de 2009

La candidatura de Helsinki, que se ha impuesto ante la otra finalista Eindhoven (Holanda), se basa en el lema “Open Helsinki - Embedding Design in Life” - Helsinki abierta, incorporando el diseño en la vida diaria, a través del que se anima a mirar al proceso mismo del diseño como un usuario, cuya decisión puede contribuir a un mundo mejor.

Durante el 2012 el proyecto finlandés estará arropado en Helsinki por un programa de actividades para acercar el diseño al día a día de la gente; encuentros con diseñadores de todo el mundo, así como eventos "satélite" en otros países.

El principal encuentro será en la sala Casa Finlandia, diseñada por Alvar Aalto en la capital finlandesa.

“Es un logro magnífico para Helsinki: un reconocimiento importante tanto para nosotros como para las localidades colaboradoras de Espoo, Vantaa, Kauniainen y Lahti, además de las organizaciones y personas implicadas”, comentó el alcalde de Helsinki, Jussi Pajunen.

De acuerdo con este concepto de invitación a Helsinki, se acogerá en la ciudad a 1.000 jóvenes diseñadores de todo el mundo con el objetivo de que proporcionen 1.000 soluciones con vistas a desarrollar una efectiva colaboración internacional. Se ha calculado, además, que 100.000 personas acudan a las celebraciones durante todo el año 2012.

La Capital Mundial de Diseño es un proyecto de promoción que se otorga cada dos años, tomando en consideración la sensibilidad de los entornos urbanos al diseño de sus espacios comunes y privados, con el fin de mejorar la vida de los que en ellos habitan.

Para la designadicón de 2012 se han presentado 46 ciudades de 27 países, y finalistas quedaron Helsinki y Eindhoven. Actualmente la ostenta Turín (Italia).

El diseño en Finlandia tiene como fecha de referencia 1871, con el establecimiento de la Escuela de Esculturas en Helsinki, previa a la Escuela de Artes Aplicadas.

El funcionalismo triunfó a través de Alvar Aalto (1898-1976), el diseñador más aclamado del país. Desde entonces, el diseño finlandés se ha caracterizado por una búsqueda de la eficacia formal y funcional, así como el respeto al medio ambiente y sus materiales, con un predominio claro de las formas orgánicas.

www.worlddesigncapital.com

EL CAC, en el cambio de año

01/12/2009, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga programa diversas actividades y visitas para este periodo de fin de año, en el que siempre es buena opción acordarse del arte.

Málaga, diciembre de 2009

El horario de apertura del CAC Málaga es de 10:00 a 20:00 horas de martes a domingo. El lunes 7 de diciembre (festivo) el centro permanecerá abierto; por su parte el 25 de diciembre, día de Navidad, el CAC cerrará sus puertas.

EXPOSICIONES:

-- WILHELM SASNAL . 27 de noviembre de 2009 al 24 de enero de 2010

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta, en colaboración con el Instituto Polaco de Cultura en Madrid, la primera gran exposición individual en un museo español de Wilhelm Sasnal. Su obra, tanto pictórica como cinematográfica es un juego libre y variado de estilos, técnicas y modos de representación. Trabaja una gran diversidad de medios, desde el dibujo y el cómic hasta el cine, la fotografía y la pintura. Una obra que va de la abstracción a la figuración; la vida cotidiana y su relación con el mundo como tema central de la muestra y el objeto de todo su trabajo.

-- CHEMA COBO. 9 de octubre de 2009 al 24 enero de 2010

Como cada año, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la obra de un artista español con el objetivo fundamental de reposicionarlo en el panorama artístico nacional e internacional. En esta ocasión, el CAC Málaga acoge la primera gran exposición individual del siglo XXI de Chema Cobo, una exposición en apariencia serena pero llena de ilusionismo, tensiones, mensajes ocultos, guiños perversos, juegos malabares e ironía.

Out of frame es una selección de 33 obras realizadas en los últimos diez años. En ellas encontramos a un Chema Cobo preocupado en liberar la obra de todo aquello que distrae, es el espectador el que debe ser hábil y perspicaz para descubrir que las cosas no son lo que parecen. De ahí que estemos ante una secuencia de obras, donde el orden y el sentido los determinarán el propio visitante.

-- DE LA PIEL A LA MÉDULA

Una selección de fondos de la colección permanente del CAC Málaga permite profundizar en los aspectos sensibles del artista. Se han seleccionado obras del expresionismo pero también de otras tendencias como la abstracción, el conceptual y el pop art en las que los sentimientos del artista y su posición ante el mundo adquieren una notoriedad manifiesta. Kiefer, Polke, Almeida, Baselitz, Cobo, Barceló o Nara se dan cita en esta presentación con muchas obras inéditas a los ojos del espectador.

Con este recorrido se hace un repaso desde los sentimientos hasta las ideas, desde el expresionismo de Melgaard, Barceló, Polke , Kiefer, que entre otros representaría la piel, los sentimientos a lo que sería el arte más pop, el de las ideas, representado por la médula, donde destacan artistas como Susy Gómez, Nara, Bourgeois.

-- PASIÓN. COLECCIÓN CARMEN RIERA

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, nos ofrece una visión muy representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días. Un completo recorrido desde al arte pop al conceptual, que nos permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo.

ACTIVIDADES CULTURALES:

-- Ciclo Bocados de Cine:

El CAC Málaga organiza para el mes de diciembre el ciclo Bocados de Ciner a las 20.00 horas en el salón de actos del CAC Málaga, con entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

- Jueves 3 diciembre: Proyección de Udon, 2006. V.O.S. Katsuyuki Motohiro (Japón). 134 min.

- Jueves 10 diciembre: Proyección de Yin Shi Nan Nu, 1994 (Comer, Beber, Amar). V.O.S. Ang Lee (Taiwán-EEUU). 123 min.

- Jueves 17 diciembre: Proyección de The Spitfire Grill, 1996 (La historia de Spitfire Grill). V.O.S. Lee David Zlotoff (EEUU). 117 min.

-- Concierto Caradefuego:

Presentarán su espectáculo Iberian Notes, un proyecto hispano brasileño que evoca canciones del ideario cultural andaluz y, además, interpretarán canciones inéditas de su actual trabajo. El proyecto está liderado por la cantante y compositora María Rayo y ha sido concebido para construir puentes que unan los ritmos elegantes y las melodías de nuestros abuelos con el espíritu de nuestro tiempo. El concierto será el viernes 18 de diciembre a las 20.00 horas en el salón de actos del CAC Málaga, con entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

ACTIVIDADES PEDAGÓGICAS:

-- TARDES EN EL CAC MÁLAGA: El día 15 de septiembre se abrió el plazo de inscripción para las “Tardes en el CAC”. Esta actividad es un taller de continuidad que se desarrolla durante todo el curso escolar 2009/10, es gratuito y está ideado para niños y niñas de entre cinco y doce años. Se pretende acercar el arte a los más pequeños de una forma amena y divertida. Se realiza los miércoles y los viernes a las 17.00 horas, con una duración aproximada de una hora. La inscripción en estos talleres puede hacerse a través de la dirección de correo electrónico pedagogico@cacmalaga.org o en el teléfono 952 12 00 55.

-- TALLERES PEDAGÓGICOS: El CAC Málaga organiza talleres orientados a los alumnos de educación infantil, primaria, secundaria y bachillerato. Las visitas consistirán en un recorrido guiado por las exposiciones del centro. Los alumnos trabajarán posteriormente en un taller que girará en torno a las exposiciones visitadas.

Los centro educativos interesados en esta actividad deberán ponerse en contacto con el Departamento de Actividades Pedagógicas en el teléfono 952.12.00.55.

-- PROGRAMA DE VISITAS GUIADAS CONCERTADAS: Dirigido a todo tipo de colectivos, asociaciones y grupos que estén interesados en profundizar en el arte contemporáneo. Estas visitas son gratuitas y están adecuadas a las características de los participantes. Estas actividades podrán ser concertadas por los grupos interesados al Departamento de Actividades Pedagógicas.

-- PASEOS POR EL CAC: Todos los miércoles a las 18.00h se realizará una visita guiada por las exposiciones temporales. La visita es gratuita y tiene una duración aproximada de 30 min. No es necesario inscribirse. El punto de encuentro será la recepción del CAC.

-- TALLER DE NAVIDAD: El CAC Málaga organiza un taller de Navidad para niños entre cinco y doce años que este año se centrará en la exposición permanente, Pasión. Colección Carmen Riera. Esta actividad gratuita se realizará los días 23, 29 y 30 de diciembre. Con una duración de una hora y media aproximadamente, el taller se desarrolla en dos fases: una primera en sala, con juegos y ejercicios adaptados a las obras de la exposición; y una segunda fase que se desarrolla en los talleres, donde se fomenta la creatividad e imaginación de los participantes con la utilización de pinturas y materiales de reciclado, para finalmente crear su propia obra de arte. Esta actividad navideña se realizará en dos turnos: de 10.30 a 12.00 y de 12.00 a 13.30 horas. Cada grupo reunirá a un máximo de 30 niños. Los padres que deseen inscribir a sus hijos e hijas pueden hacerlo a partir del 9 de diciembre en el teléfono 952 12 00 55 o a través de la dirección electrónica pedagogico@cacmalaga.org.

Verano en las ciudades australianas

23/11/2009, Durante nuestro invierno, el hemisferio sur da la bienvenida al estío y las principales urbes australianas se convierten en refugios ideales para huir del frío, según propone Turismo de Australia

Sidney, noviembre de 2009

Las temperaturas rondan los 25 grados en Sídney y los 33 en el clima tropical de Darwin. Es momento de disfrutar de su inconfundible ambiente costero, compras exclusivas y planes culturales como la vanguardista obra "Fire", que conmemora 20 años de la compañía aborigen Bangarra.

DARWIN >> Naturaleza extrema en la estación de abundancia tropical

Darwin es una excelente base para visitar enclaves icono como Kakadu y Top End.

El cambio de estación es aquí todo un espectáculo: el agua se apodera de la naturaleza y provoca una explosión vegetal en crecidos ríos, cataratas y pantanos, congregando un sinfín de aves y fauna.

Merece la pena visitar el Parque Nacional de Lichtfield, A 1h.30min. con bellísimas cascadas como Wangi o Tolmer, y bañarse en sus piscinas naturales rodeadas de una lujuriosa vegetación tropical. De regreso a la ciudad, se puede descubrir la bahía a bordo de un crucero a la hora del ocaso.

BRISBANE >> Vivir la experiencia de abrazar a un koala

A un paso de la Costa Dorada, el carácter subtropical de Brisbane se palpa en la amplia oferta de ocio, cultura y marcha, especialmente en el barrio bohemio de Fortitude Valley.

Alquilar unos patines en línea es una original fórmula para descubrir su Jardín Botánico y amplios parques (un 25 por ciento de la ciudad está arbolado). De noche, son interesantes las vistas de los rascacielos y el río desde el acantilado de Kangaroo Point mientras se practica escalada o rápel.

Sin duda, uno de los mayores atractivos es la Reserva de koalas de Lone Pine, donde fotografiarse con un koala en brazos.

SЌDNEY >> Surf en la playa más famosa de Australia

Sídney no sólo es la mítica Casa de la ”pera y el Puerto. Las playas de la ciudad son un hervidero de actividad y nadie se resiste al encanto de Bondi, la más famosa de Australia, donde aprender a surfear las olas del Pacífico y relajarse en la arena dorada.

Además, la original muestra Sculpture by the Sea (29/10-5/11) expone esculturas vanguardistas en la arena y el paseo que va de Bondi a Bronte, con vistas espectaculares. Otro plan con vistas es la escalada Ц de 3 horas- a lo alto del puente más famoso de Sídney, el Harbour Bridge.

MELBOURNE >> Shopping por la ciudad más vanguardista

Ir de compras es uno de sus atractivos, sobre todo en tiempos pre-navideños. "Paris end" es la zona de las firmas internacionales; Chapel Street y Toorak Road, de boutiques de diseñadores locales; y en Brunswick Street Fitzroy hay magníficos objetos de decoración retro y joyas artesanales.

Delicatessen del país se encuentran en el Queen Victoria Market, que organiza Foodies Tours de 2h por su sección gourmet. Para cenar de lujo mientras se recorre Melboune, se recomienda el histórico tranvía Tramcar Restaurant. La Copa de Melbourne, "la carrera de caballos que paraliza el país", es una cita ineludible de noviembre, así como la puesta en escena de "Fire" (6-14/11), con el que la compañía teatral aborigen Bangarra celebra 20 años.

ADELAIDA >> Una ruta gourmet por las colinas

Adelaida, "la ciudad de los 20 minutos", es un bellísimo enclave sureño. Merece la pena alquilar un coche y acercarse a Adelaide Hills, cómo no, a sólo 20 minutos. Es un destino tranquilo que ha inspirado a generaciones de artistas, famoso por sus productos (manzanas, cerezas, fresas, puerros, panes, fiambres y, especialmente, sus quesos gourmet, aceitunas y mermeladas, reconocidos internacionalmente).

Numerosas rutas en bicicleta o a pie descubren la gastronomía local en acogedoras bodegas como Hahndorf Hill Winery, The Lane o Longview Vineyard; o excelentes pubs y restaurantes. El novedoso Lobethal Bierhaus, considerado el mejor restaurante de Australia Meridional, elabora cervezas artesanales.

PERTH >> Disfrutar de los deportes acuáticos en la ciudad más soleada de Australia

Su belleza natural y su magnífico clima la convierten en el destino idóneo para disfrutar de la vida al aire libre de los australianos. En su río Swan se puede navegar en velero, alquilar un catamarán o practicar parasailing sin salir del distrito central; si se tiene tiempo, coger el ferry a la reserva natural de Rottnest Island para hacer una eco-excursión, submarinismo o snorkel en sus aguas turquesas, o el tour Wadjemup Dreaming Indigenous para descubrir más sobre la herencia aborigen.

Además, el Perth Upmarket (29/11) reúne a grandes talentos del arte, diseño y gastronomía australianos.lia

Nace el parador-museo

22/11/2009, El presidente de Paradores, ha presentado recientemente en Santiago de Compostela el proyecto de museización de la cadena pública hotelera.

Santiago de Compostela, noviembre de 2009

La mayoría de los Paradores de Turismo que se encuentran ubicados en edificios históricos se convertirán, muy pronto, en Paradores Museo.

El motivo que ha llevado a Paradores a iniciar este proyecto es, según Martínez, muy sencillo: “sabemos que nuestros paradores poseen una riqueza histórica, artística y arquitectónica muy importante. Una riqueza que, sin embargo, pasaba desapercibida, al menos en parte, para muchos de nuestros clientes y también para los propios ciudadanos que viven en lugares donde hay un parador. Y pasaba desapercibida porque no existía ni la información ni los medios necesarios para poder conocer toda esa grandeza.”

El monasterio de Santo Estevo en Orense se ha convertido en el primer Parador Museo de la historia. Para llegar a ello se ha realizado una profunda investigación histórico-artística que se ha plasmado en una serie de placas informativas distribuidas estratégicamente por el establecimiento. Un sencillo pero completo folleto-guía permite a los visitantes recorrer los lugares clave del Parador y conocer a fondo su historia, su arte e incluso las leyendas que lo rodean.

Martínez anunció que el segundo Parador Museo será el propio Hostal de los Reyes Católicos de Santiago de Compostela. El proyecto está ultimado para inaugurarse en el mes de enero coincidiendo con el inicio del Xacobeo.

Tras Santo Estevo y Santiago los siguientes Paradores Museo serán los de Granada en Andalucía, Cardona en Barcelona, Úbeda en Jaén, León, Oropesa en Toledo, Sigüenza en Guadalajara, Hondarribia en Guipúzcoa, Plasencia en Cáceres y Santo Domingo de la Calzada en La Rioja.

Esta primera fase dará paso a una segunda en la que la museización alcanzará cerca de 50 paradores.

Convirtiendo los Paradores en Paradores Museo se ontenta conseguir tres objetivos. Primero ofrecer un aliciente más a los clientes. Segundo contribuir a la difusión del arte y la historia de España. Y tercero atraer a más visitantes españoles y extranjeros.

“En definitiva conseguiremos generar más cultura y también más riqueza y más empleo para las regiones en que se ubican nuestros paradores”, dijo el titular de la Red estatal.

El proyecto Parador Museo está siendo desarrollado de forma interna por la cadena, que realiza una investigación histórica de cada establecimiento, así como acerca de los principales hitos y etapas de su arquitectura.

El proyecto, una vez realizado, incluye también un plan de formación para que los empleados del establecimiento conozcan el contenido de la visita y las claves necesarias para asesorar a los clientes que demanden información sobre el recorrido.

Paradores cuenta con alrededor de 50 establecimientos ubicados en edificios históricos de importancia, muchos de ellos conventos, palacios, monasterios, castillos u hospitales de peregrinos.

SANTO ESTEVO

A partir de este mes de noviembre, los clientes que se alojen en Santo Estevo tienen la posibilidad de disfrutar del primer recorrido museizado de Paradores. En el establecimiento se han instalado un total de 33 paneles informativos que se distribuyen por todo el Parador y se ha impreso una primera tirada de 25.000 ejemplares de la guía de visita.

Asimismo, el contenido del Parador Museo se adentra también en el entorno de la Ribeira Sacra, aportando detalles de sus principales monumentos, o explicando curiosidades sobre los afiladores, la producción de vino en las terrazas del Sil o las antiguas leyendas mitológicas que atribuyen el origen de los cañones a los celos de la diosa Juno.

Praga: 20 años de libertad

22/11/2009, Diversas muestras y actividades recuerdan en la República Checa el 20 aniversario del fin del régimen totalitario. Una razón más para acercarse a Praga

Praga, noviembre de 2009

Aún cuando se vivía en un régimen comunista, en Checoslovaquia se notaba el ansia popular por romper el dominio del Partido Único.

En los años sesenta Alexander Dubcek se lanzó a una política de descentralización y democratización en el Partido Comunista, la popular “Primavera de Praga”, que fue destrozada por los ejércitos del Pacto de Varsovia(URSS y bloque comunista) en agosto de 1968.

Pero hace ahora 20 años, en noviembre de 1989 se produjo otra revolución, la de “Terciopelo”, que condujo al país hacia el Estado de Derecho y la Economía de Mercado.

Varias exposiciones que documentan el periodo de totalitarismo y un concierto en el lugar donde se escribió la historia de la Revolución de Terciopelo en noviembre de 1989, conmemoran los 20 años de la caída del telón de acero en la República Checa.

Entre las muestras:

Exposición “Be Free”. En el nuevo edificio del Museo Nacional de Praga. 17/11/ 09 al 6/0710. www.nm.cz

Esta exposición muestra el ambiente del Estado comunista, con objetos cotidianos y grandes instalaciones. Por ejemplo, un globo aerostático del que se arrojaron folletos de la Radio Europa Libre, un banquillo de los acusados usado en procesos políticos, un taller de publicaciones clandestinas samisdat o un piso entero de la época.

Exposición fotográfica “Érase una vez el Este”. Praga. Hasta enero de 2010. www.ghmp.cz

Del 28 de octubre al 3 de enero, la Casa de la Campana de Piedra de Praga acoge “Érase una vez el Este”, una selección de fotografías que ponen el acento en la vida cotidiana en una época de restricciones y ausencia de libertad.

Museo del Comunismo. Praga. www.muzeumkomunismu.cz

Situado en el centro de Praga, su exposición permanente presenta diferentes aspectos del régimen totalitario: desde la vida cotidiana, la política, la propaganda mediática hasta la enseñanza y las artes. Como curiosidad, se muestra cómo eran una tienda típica, una escuela, un taller obrero y también una oficina donde el Servicio de Seguridad del Estado realizaba interrogatorios.

Monumento conmemorativo Vojna. Pribram. www.muzeum-pribram.cz

Siguiendo la nueva tendencia de “turismo oscuro“, los turistas pueden visitar los lugares de pasado trágico. En una localidad cercana a Praga, Pribram, se halla el Monumento Conmemorativo “Vojna” (Guerra) y el Museo de las Víctimas del Comunismo. Este último, situado en un antiguo campo de trabajos forzados, que se convertiría después en una prisión para oponentes del régimen comunista.

Villarina gana una batalla

22/11/2009, Hace un año que la osezna Villarina fue devuelta a su medio natural en las montañas del Parque Natural de Somiedo y actualmente se encuentra perfectamente integrada en la naturaleza

Oviedo, noviembre de 2009

Pese a que la osezna Villarina había sido mantenida en cautividad para poder recuperarla de las heridas que tenía después de haberla encontrado en la cuneta de una carretera y que técnicamente, parecía poco probable que pudiera ser devuelta a la naturaleza con garantías de sobrevivir, Villarina ha demostrado durante todo este año la capacidad de adaptación de los osos a las situaciones más adversas, informa FAPAS. Villarina a sobrevivido a uno de los inviernos más duros de los últimos años, aunque se encontraba sola y no tenía experiencias para saber cómo comportarse en su medio natural. Aún así, supo elegir los lugares más seguros donde evitar situaciones de enfrentamientos con otros animales. Ha sabido localizar la comida a lo largo del valle donde se soltó, e incluso supo excavar una osera donde pasar los meses más fríos con intensas nevadas. Los trabajos de vigilancia y seguimiento mediante emisores de telemetría, permitieron durante un periodo de tiempo, seguir día a día las evoluciones de la osezna, pero en cuanto se ha desprendido de los emisores, su control solo ha sido posible a través de los avistamientos y las fotografías captadas por las cámaras automáticas colocadas en el área donde se mueve. Un año después de su liberación, las cámaras automáticas que el FAPAS utiliza en el control de la población de oso pardo en la Cordillera Cantábrica, han permitido comprobar que la osezna se encuentra en perfectas condiciones físicas, bien alimentada y gorda, quizás con unos cincuenta kilogramos de peso. Además de rascándose, cosa muy normal en los osos ya que siempre van acompañados de una buena población de pulgas, Villarina ha sido fotografiada alimentándose de bellotas en el interior del bosque. Las bellotas de roble, junto con la fruta de los castaños, son en el otoño y principios del invierno el principal alimento que consumen los osos antes de retirarse a las cuevas a hibernar. Es posible que Villarina pronto inicie su proceso de aletargamiento, pero de momento y aprovechando la excelente climatología de este invierno, Villarina, al igual que otros muchos osos de la Cordillera Cantábrica, aún continua recorriendo los bosques alimentándose de sus frutos. Las buenas condiciones físicas de la osezna y su buen tamaño podría facilitar que Villarina entrase ya en celo a partir del año 2010, si fuera así y pudiera ser comprobado mediante el seguimiento que se hace del ejemplar, ya que no se desplaza mucho del área donde ha sido liberada, daría lugar a uno de los procesos de mayor éxito de la conservación del oso en Europa, puesto que la reintegración de oseznos a la naturaleza, está considerado como uno de los trabajos más difíciles de conseguir cunado se trata de manejar osos salvajes. El Fondo para la Protección de Animales Salvajes, FAPAS, está haciendo una gran labor que se nota en la evolución positiva del oso en Asturias, junto con el apoyo popular al plantígrado. El oso se ha revelado como una ayuda al desarrollo rural y turístico.

Ciudad Real: aeropuerto y caza

22/11/2009, El Aeropuerto Central Ciudad Real ha recibido más de 180 vuelos de aviación ejecutiva desde que comenzara la temporada de caza -a principios de octubre- hasta el 15 de noviembre, el 70 por ciento de ellos de destinos internacionales.

Ciudad Real, noviembre de 2009

El Aeropuerto Central Ciudad Real ha recibido más de 180 vuelos de aviación ejecutiva desde que comenzara la temporada de caza -a principios de octubre- hasta el 15 de noviembre, el 70 por ciento de ellos de destinos internacionales.

Informa la institución que pese a una temporada de caza afectada también por la crisis y por las malas condiciones meteorológicas, la infraestructura manchega ha gestionado alrededor de 4 vuelos diarios, al margen de los vuelos comerciales, de carga y de aviación deportiva y de escuela que siguen programados.

Por países, los vuelos con salida y llegada el Reino Unido han copado casi un tercio del tráfico de la aviación ejecutiva con 36 operaciones (29 por ciento de los vuelos del extranjero), seguido de Francia, con 33, Italia (10) y Marruecos (8). En total, el aeropuerto ha gestionado vuelos de 23 nacionalidades como de Estados Unidos, Canadá, Croacia, Rusia, Alemania, Bélgica, Portugal, Suiza, Israel, Finlandia, Emirato Árabes, entre otros.

Esto ha provocado que hubiera días, como el pasado 8 de noviembre, con un volumen importante de tráfico, como las 26 operaciones que se alcanzaron en ese mismo día, la mayoría de vuelos relacionados con la aviación ejecutiva y la actividad cinegética. Para dar respuesta a esta actividad, el Aeropuerto Central Ciudad Real ha diseñado un servicio especializado con una serie de ventajas para dar la mayor comodidad y agilidad tanto a los pasajeros como a la tripulación. Entre estos destaca, el acceso a parking privado para aparcamiento o traslado de pasajeros y/o tripulaciones junto a la puerta de acceso directo a plataforma; utilización de salas VIP; servicio completo de café o refrescos; transporte de pasajeros y tripulación entre aeronave y terminal; acompañamiento de pasajeros por personal de atención al cliente en todo momento; traslado de equipajes entre aeronave y transporte terrestre; traslado de armas entre aeronave y transporte terrestre pasando por control de armas; gestión de reservas de hotel, etc.

A mediados de noviembre, el aeropuerto alcanzó los 50.000 pasajeros a falta de un mes para conmemorar el primer año de funcionamiento, además de las 3.500 operaciones y los más de 750.000 kilos transportados.

El Aeropuerto Central Ciudad Real es el primer aeropuerto internacional privado de España que ofrece un gran abanico de servicios: aviación comercial nacional e internacional (vuelos regulares y charter); instalaciones específicamente diseñadas para carga (perecederos y carga seca); instalaciones exclusivas para la aviación privada y deportiva; servicios de mantenimiento de aeronaves; una zona de estacionamiento para aeronaves de larga duración y helipuerto; así como una amplia zona logística de más de 800 hectáreas que complementa y aprovecha las sinergias de todas las instalaciones aeronáuticas.

Gracias a la Estación de AVE situada al lado de la terminal de pasajeros, sus usuarios se encontrarán a tan sólo 45 minutos de Madrid y Córdoba.

Delhy Tejero

22/11/2009, Unas 200 obras de Delhy Tejero ilustran una exposición que ha iniciado su andadura por las capitales leonesas y castellanas, en una muestra que ha producido Caja España.

León, noviembre de 2009

Son 20 obras prestadas por Museos y Colecciones públicas y otras 175 prestadas por la familia Vila Tejero, que van desde 1930 (ilustraciones para cuentos) hasta 1967 (Trinos y Autorretrato), que fue el penúltimo de la vida de Delhi Tejero. También se muestran por primera vez 13 proyectos para murales.

En el epígrafe Pórtico se incluyen obras de Museos y Colecciones públicas, como pórtico a la exposición, que ha reunido por primera vez el conjunto de obras de Delhy Tejero que actualmente pertenecen a las instituciones de España.

El grupo, La escena de los sueños, presenta claves del mundo íntimo, secreto, de Delhy: un sentimiento de trascendencia religiosa, que le provocó continuas tensiones espirituales y artísticas; una renuncia a abandonar la infancia propia, lo que la motivó a prestar gran atención a los niños; una visión del hombre y del universo a través del espejo de lo mágico, de los sueños, la imaginación y los símbolos, y un amor muy especial a los animales, a los relatos maravillosos y a los libros.

El siguiente epígrafe, Delhy Tejero, pintora, tiene como principal objetivo contemplar con ojos de hoy la trayectoria completa de la pintura de Delhy Tejero, procurando situar a la artista en el lugar que le corresponde tanto en la renovación de la pintura figurativa tradicional, que ella emprendió desde la década de 1930, cuanto en las poéticas de las segundas vanguardias, desarrolladas en la posguerra. En esta sección se sigue el proceso estilístico que discurre desde el realismo hasta el arte abstracto

En las pinturas murales examina la obra de Delhi con relación a la pintura mural. La exposición presenta numerosos proyectos generales, bocetos y pruebas técnicas de trece grandes obras murales de Delhy, concebidos para templos y edificios civiles de las comunidades de Madrid, Castilla y León, y Andalucía.

Biografía:

Delhy Tejero nació el 22 de febrero de 1904 en Toro, Zamora, ciudad que dejaría en ella una profunda huella humana, cultural y espiritual. Allí se inició como ilustradora en el periodismo local.

En 1925 se instaló en Madrid y estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Real Academia de San Fernando. En 1930 comenzó a desarrollar su carrera profesional de ilustradora en ABC, Blanco y Negro, La Esfera y Crónica. En 1931 viajó a París y a Bruselas para especializarse en pintura mural. A su regreso fue nombrada profesora de Técnicas Murales en la Escuela de Artes y Oficios de la calle de La Palma en Madrid. Al año siguiente recibió la medalla a las Artes Decorativas en la Exposición Nacional de Bellas Artes. En 1933 celebró su primera exposición individual en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En 1936 viajó a Marruecos. A su vuelta, realizó encargos de obra mural en Salamanca y en Burgos. Durante la Guerra Civil viajó a Florencia para ampliar estudios de muralismo. En 1938 residió cinco meses en Capri. Entre 1938 y 1939 residió en París, donde estudió teosofía y conoció a Óscar Domínguez, quien la introdujo en el círculo surrealista.

En la posguerra desarrolló una intensa actividad como muralista, en la que le interesó especialmente la ejecución de la decoración mural del Ayuntamiento de Zamora. En 1952 participó en la célebre y rupturista Exposición de Arte Abstracto, de Santander.

En 1954 fue invitada a concurrir a la Bienal Hispanoamericana. En 1955 celebró su exposición personal más importante, organizada por la Dirección General de Bellas Artes.

En el último decenio de su vida (1959-1968) prosiguió su labor de muralista, realizando varios encargos de retablos para iglesias de los pueblos del Instituto Nacional de Colonización en Andalucía, llevo a cabo uno de sus principales murales: el del Colegio de los Padres Mercedarios en la Ciudad de los Ángeles, Madrid, y, ya muy enferma, trabajó en sus murales últimos –los de la sede de Tabacalera de Sevilla– y en sus obras finales de narradora e ilustradora publicadas por ABC y Ya. Falleció en 1968 murió en Madrid.

La ronda por las capitales de la Meseta Norte se inicia en el Edificio Botines(Gaudí) de León, y continuará hasta septiembre de 2010 por Salamanca, Zamora, Segovia, Ávila, Soria, Valladolid, Burgos y Palencia.

Ver el cielo en Tahití

21/11/2009, La Asamblea General de la ONU declaró el 2009 como Año de la Astronomía, en el 400 aniversario del uso del telescopio como instrumento astronómico por Galileo. En Tahití también se recuerda el evento

Tahitν, noviembre de 2009

Turismo de Tahitν sugiere que si este aρo hemos mirado mαs que nunca al cielo por el Aρo de la Astronomνa, un lugar para verlo en toda su inmensidad en el αmbito mαs remoto del Pacνfico, un atolσn de Tahitν y sus islas.

En Manihi, el ϊnico hotel de lujo de la isla incluye entre sus actividades semanales una excursiσn guiada por una gran conocedora de las constelaciones del hemisferio sur.

Manihi es conocida como la Isla de las Perlas en honor a la perla negra de Tahitν y la industria perlera que se desarrollσ allν. Es un atolσn para estar alejado del resto del mundo y disfrutar de los placeres cercanos: una buena compaρνa, un lujoso hotel con todas las atenciones y deliciosos bungalows sobre el agua; una exσtica gastronomνa a base de pescado fresco y marisco; y otras propuestas idνlicas, como la de asistir al mαgico espectαculo de las estrellas en el brillante cielo de Tahitν y sus islas.

Alejados de cualquier interferencia lumνnica o elemento contaminante, es como mejor se puede sentir verdaderamente cerca del mundo exterior.

El Manihi Pearl Beach Resort pertenece a una cadena local y cada miιrcoles organiza salidas para ver las estrellas del hemisferio sur, comentadas por Cιline Kiihapaa. Durante una hora, Celine ayuda a desentraρar los secretos del firmamento y encontrar estrellas de evocadores nombres como Cruz del Sur, Vega, Castor, Pollux... La experiencia tiene lugar en la pista de aterrizaje del aeropuerto de Manihi, que no tiene actividad nocturna y garantiza el mejor punto de observaciσn.

A poco mαs de una hora de vuelo de Tahitν, los atolones del archipiιlago de Tuamotu son un mundo aparte, promontorios de coral coronados por palmeras y arbustos de un verde vibrante, con lagunas marinas interiores que en ocasiones parecen mares, por su extensiσn. Los atolones mαs importantes ofrecen una variedad de alojamientos y actividades como dar de comer a los tiburones, travesνas en yate, pesca en alta mar y la prαctica del submarinismo.

Cada uno tiene alguna faceta singular que le distingue de los demαs: Manihi apenas tiene 1.000 habitantes, y es conocida porque aquν se fundσ la primera granja de perlas negras del archipiιlago. Los turistas pueden visitarlas, conocer el laborioso proceso de producciσn y elegir in situ uno de los recuerdos mαs valiosos del viaje.

Descubre Buenos Aires

03/11/2009, Es plena primavera en Buenos Aires (Argentina), un momento perfecto para conocer la historia de Buenos Aires: su arquitectura, su música, su naturaleza, su modernidad y sus tradiciones.

Buenos Aires, noviembre de 2009
La ciudad de Buenos Aires es la capital de la República Argentina, ubicada en el hemisferio sur del continente americano. La ciudad se extiende sobre un terreno llano, y tiene una superficie de 202 km cuadrados. Viven allí aproximadamente 3 millones de personas. Sumando la población del área metropolitana, la población total supera los 10 millones de habitantes, lo que la convierte en uno de los 10 centros urbanos más poblados del mundo.

El Río de la Plata y el Riachuelo son sus límites naturales hacia el este y el sur. La avenida de circunvalación General Paz, que bordea la ciudad de norte a oeste, completa el límite de la ciudad. Esta avenida enlaza de manera rápida la capital con el Gran Buenos Aires, una franja de alta concentración de habitantes y fuerte actividad.

Buenos Aires fue fundada dos veces. La primera en 1536. Don Pedro de Mendoza, colonizador español, estableció el primer asentamiento. Lo nombró: Ciudad del Espíritu Santo y Puerto Santa María del Buen Ayre. La segunda –y definitiva–, en 1580. Juan de Garay denominó el sitio Ciudad de Trinidad.

En el siglo XIX el puerto fue el punto de llegada de la gran corriente inmigratoria promovida por el Estado argentino para poblar la nación. Españoles, italianos, sirio-libaneses, polacos y rusos imprimieron a Buenos Aires el eclecticismo cultural que la distingue.

A lo largo del siglo XX, sucesivas migraciones —internas, de países latinoamericanos y de Oriente— terminaron de conformar a Buenos Aires como una ciudad cosmopolita en la que conviven personas de diversas culturas y religiones.

Barrios porteños:
El barrio de Boedo y el tango; la memoria española a lo largo de la Avda. de Mayo; los museos y jardines de Belgrano; la cultura y el color del barrio de La Boca; la modernidad del barrio de Puerto Madero a metros del río o el eclecticismo de San Telmo, entre sus antigüedades, sus bares de siempre y sus nuevos hoteles, son algunas propuestas para experimentar más de cerca la ciudad.

Las visitas son gratuitas, se realizan a pie con un guía especializado y duran aproximadamente 1 hora y media. No necesitan reserva previa y se suspenden por lluvia.

Contra el Guernica

03/11/2009, Indignación fue el sentimiento más extendido en España en 1982 cuando se publicó por primera vez Contra el Guernica, una obra que, a pesar de la contrariedad e incluso la ira de algunos, no ha perdido actualidad con el paso de los años.

Madrid, 03 de noviembre 2009
La obra de Antonio Saura denuncia el “griterío demente” que albergó la llegada de la obra más emblemática de Pablo Picasso a España, su posterior instalación en el Casón del Buen Retiro en Madrid, y su traslado al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 1992.

Con ironía y humor el autor vuelca en el libro su vehemente rechazo por la ignorancia cultural de España e incluso por sí mismo: “Desprecio al pintamonas en ejercicio Antonio Saura, admirador de Picasso”, al tiempo que alaba al pintor malagueño: “Detesto esta letanía, que debiendo haber sido un réquiem para el caduco Guernica puede tomarse para muchos como en encendido elogio frente a su resurrección en la blancura.”

Contra el Guernica, editado conjuntamente por Archives Antonio Saura, Ediciones La Central y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, sale al mercado tal como fue publicado por Ediciones Turner en 1982, e incluye Réquiem para el Guernica, redactado para Il giornale dell’arte y El País en 1992, y La règle du jeu en 1993. Además, se incluye un artículo Para salvar el Guernica, publicado en El País en 1997 y, posteriormente, en Crónicas, en el que Saura se muestra en contra de las pretensiones del gobierno vasco de trasladar el Guernica al Museo Guggenheim de Bilbao.

ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). Empieza a pintar y escribir en Madrid, mientras permanece inmovilizado durante cinco años, enfermo de tuberculosis. Realiza numerosos dibujos y pinturas de carácter onírico y surrealista. Emplea la técnica del grattage, tras su primer viaje a París en 1952, adoptando un estilo gestual con una pintura radicalmente abstracta, colorista, de concepción orgánica y aleatoria. Aparecen las primeras formas que pronto se volverán arquetipos del cuerpo de la mujer o de la figura humana. Funda en Madrid el grupo El Paso en 1957. A partir de 1959 desarrolla una obra gráfica prolífica y se distingue como ilustrador. Al año siguiente empieza a esculpir obras que representan la figura humana, personajes y crucifixiones. Realiza varias escenografías para el teatro, el ballet y la ópera. En 1983 emprende una nueva e importante serie de retratos titulada Dora Maar o Dora Maar visitada. A partir de esa fecha, y hasta su prematura muerte, retoma y desarrolla magistralmente el conjunto de sus temas.

Joëlle Tuerlinckx: Crystal Times

29/10/2009, la exposición Joëlle Tuerlinckx. Crystal Times. Reflexión sin sol/ Proyecciones sin objeto, transforma el Palacio de Cristal con un trío de “rayos” que crean, una modulación luminosa que anima el espacio.

Las experiencias de espacio y tiempo Чaunque en representaciones específicas más que como modalidades generalesЧ son fundamentales en la práctica artística de Joлlle Tuerlinckx. Por eso aceptó entusiasmada cuando el Museo Reina Sofía la invitó a realizar un proyecto para el Palacio de Cristal, un espacio de grandes dimensiones y dotado de iluminación natural. Lo que terminó proponiendo, sin embargo, fue una puesta en escena en dos partes: una intervención específica en el luminoso pabellón acristalado y un escenario ficticio Чa la vez estudio, galería y archivoЧ en tres pequeñas salas del edificio Sabatini del museo.

Compuesto de obras antiguas y recientes, entre las que se incluyen películas, libros, esculturas, dibujos, material de referencia y una maqueta, este conjunto, que funciona a modo de archivo, constituye el contrapunto de la instalación alojada en el Palacio de Cristal: Crystal Times. Reflexión sin sol/Proyecciones sin objeto.

Entre las características espacio-temporales que determinan esta instalación destacan el marco temporal, que comienza en otoño y termina en invierno (del 9 de octubre de 2009 al 22 de febrero de 2010, las diecinueve semanas que dura la exposición,) y un área expositiva de unos 1.153 metros cuadrados diáfanos. Los elementos que introduce la artista Чbrújulas y rayos de luz materializadaЧ proporcionan un medio peculiar de gestión del inmenso interior de este edificio decimonónico. Tan evasivas, insustanciales y modestas son las intervenciones de Tuerlinckx que, a primera vista, parece que el lugar está vacío. Sólo cuando el visitante comienza a avanzar se revelan súbitamente los rayos de sol, y sólo cuando se aproxima a cada uno de ellos se hace plenamente visible la brújula colocada en su base. Una de las brújulas es un modelo de época que Tuerlinckx encontró mucho antes de comenzar este proyecto, y se puede ver expuesta en una vitrina junto con una antigua mesa en cuya superficie salpicada de pintura se distingue la planta del edificio, aunque ésta se podría interpretar también, y de una forma igualmente plausible, cual signo o constelación astrológica. Las que están dispuestas en el suelo son todas representaciones: versiones artesanales, improvisadas. Como la esfera de cada brújula marcará el norte en una dirección distinta, ninguna de ellas será fiel. Es decir, ninguna sirve para orientarse en este espacio o cartografiar el emplazamiento. Hay que recurrir a otras formas de percepción.

Cada uno de los tres haces de luz está hecho de un material diferente: hilo de nylon negro de varios grosores, fibra naranja, y tubo fino de plástico transparente. Y cada uno está levantado del suelo formando un ángulo diferente. En su recorrido, la luz del sol incide en ellos en diferentes momentos del día, y en las raras ocasiones en las que los tres están directamente iluminados por la luz solar se produce un efecto mágico: una iluminación visionaria fruto de la casualidad. Cuando la luz proyecta una sombra en la superficie de un reloj de sol, se puede calcular con bastante precisión la hora del día. Aunque en Crystal Times la combinación de un rayo de sol y una brújula podría servir teóricamente de reloj, igual que un reloj de sol, en realidad nunca llega a ser un medio fiable. En lugar de las formas mecánicas de calibrar el paso del tiempo, éste se percibirá aquí de una manera experiencial. Arraigado en la memoria, en las expectativas, en los procesos sensoriales y corporales, se experimentará como duración, pasará a ser una cuestión de reflexión y proyección, de especulación y conjetura. La obra de Tuerlinckx propone así alternativas a la dependencia de las herramientas científicas. Orientarse y, por consiguiente, determinar la posición de uno en el mundo, requiere unas formas de conocimiento adicionales, unas alternativas a lo que se viene utilizando puramente con instrumentos del pensamiento.

En el edificio del museo, las dos pequeñas galerías en las que la artista ha construido su archivo están unidas por una tercera cuyas paredes están cubiertas por retículas de líneas de grafito. Los trazos repetitivos recuerdan cierta técnica de sombreado utilizada en dibujo para dar volumen y visibilidad a las formas bidimensionales. Al igual que lo demuestran ésta y otras técnicas de sombreado, el dibujo de esta pared viene a afirmar que la penumbra y la oscuridad son tan necesarias a la visión como la luz, esa luz que caracteriza la instalación del Palacio de Cristal. Dado que, según Joлlle, todo está creado Чdado que lo que se recibe entraña una serie limitada de condicionesЧ la producción artística supone necesariamente un acto de representación. La re-presentación puede consistir en hacer visible como volumen escultórico el espacio de la galería, revelando así las condiciones básicas del hecho de ser espectador. La representación, en cambio, requiere cierto grado de distancia, ya que inventar cualquier tipo de equivalente Чya sea copia, simulacro o substitutoЧ conlleva reconocer la diferencia. La traducción, otra forma de representación, asume también el deslizamiento: los juegos lingíísticos son así un contrapunto del juego visual. Hace unos meses Tuerlinckx construyó en su estudio una maqueta a escala de estas tres galerías a fin de planificar la exposición. La transposición de las ideas propuestas en ese contexto miniaturizado a la realidad de Madrid acarreará inevitablemente cambios imprevistos: la eliminación de ciertos objetos, una nueva disposición de los otros, la adición de textos o su modificación... y, probablemente, la modificación de algo de lo que aquí se describe.

El juego, y no sólo el más sofisticado, sino también el más simple, impregna la manera en la que Tuerlinckx aborda el léxico de las obras de arte y de los libros de referencia acumulados en este archivo. Materiales cotidianos comunes, objetos coleccionables sin valor, libros anticuados y descatalogados, recortes de materiales de construcción, envases vacíos, muebles de segunda mano: nada parece tener mucha significación por sí solo. Su convergencia se encargará de revelar su elocuencia. En este lúdico proceso, el lugar se transformará de estudio transitorio (la producción futura) en galería (la recepción presente) y en archivo (la preservación del pasado). El ingenio visual, la rima y los juegos de palabras, que rozan a veces el absurdo y la contradicción, son el sello de la artista.

Fecha: 9 de octubre de 2009 - 22 de febrero de 2010
Lugares: Palacio de Cristal y Edificio Sabatini, Planta 3, Sala 305
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Brasil Now

29/10/2009, Después de gran éxito en Estados Unidos y América del Sur, Europa es objeto de promociones de los principales destinos brasileños. El mejor momento para visitar Brasil es ahora!!!

Río de Janeiro, octubre de 2009
Con el programa Brasil Now, que a partir de ahora tendrá carácter permanente, los operadores y agentes de viajes que comercializan paquetes de destinos y productos brasileños en Europa tendrán condiciones especiales ofrecidas por compañías aéreas, hoteles y empresas de turismo. El principal objetivo es, en períodos especiales, mantener el crecimiento de la demanda de viajes a Brasil.

"Los descuentos proporcionados por Brasil Now aumentarán el atractivo del País en el mercado europeo. Los buenos resultados de la primera fase demostraron que la asociación común del sector público, como inductor del programa, y del sector privado, como operador de las ventas, dio resultado", evalúa el ministro de Turismo de Brasil, Luiz Barretto.

Para que el programa tenga visibilidad entre los turistas europeos, se ha creado un sello que identifica a los participantes de Brasil Now, difundiendo la campaña en diversos países europeos e incorporando publicidad en portales de Internet de todo el mundo.

Hasta ahora, el programa cuenta con la participación de las compañías aéreas TAM y TAP, además de algunas de las principales asociaciones del sector, incluyendo la Asociación Brasileña de Resorts (ABR), el Forum de Operadores Hoteleros de Brasil (FOHB), la Asociación Brasileña de la Industria de Hoteles (FOHB) y la Asociación de Turismo Receptivo en Brasil (BITO).

Frank Lloyd Wright en el Guggenheim

29/10/2009, Frank Lloyd Wright, en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 14 de febrero de 2010, es la muestra más amplia y exhaustiva dedicada al arquitecto americano de todas las que se han celebrado hasta el momento en Europa.

Bilbao, 29 de octubre de 2009
Cincuenta años después de la inauguración del célebre Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, diseñado por Frank Lloyd Wright, el Museo Guggenheim Bilbao se une a la celebración de las bodas de oro de este icónico edificio por medio de la presentación de Frank Lloyd Wright , la muestra más amplia y exhaustiva dedicada en Europa a uno de los grandes maestros de la arquitectura del siglo XX.

A lo largo de esta exhaustiva muestra, integrada por maquetas, dibujos, fotografías, libros y animaciones, podemos descubrir la esencia de un arquitecto que, en todos sus proyectos (viviendas, oficinas, edificios públicos, templos religiosos, teatros…) introdujo criterios avanzados e innovadores basados en su teoría de que la forma y la función son inseparables.

Su decisiva aportación arquitectónica refleja la importancia de los espacios interiores –a los que Wright concede transparencia visual, luz y amplitud– y la proyección de éstos a las formas exteriores de los edificios, que son integrados magistralmente en sus propios espacios naturales, respetando y potenciando al mismo tiempo el entorno que los acoge.

Todo ello dota a sus construcciones de una unidad y armonía únicas, de las que se desprende el afán de Wright por transmitir libertad, equilibrio y belleza, características de un estilo propio e inconfundible, que le han convertido en uno de los grandes de la historia de la arquitectura y referente constante para muchas generaciones y escuelas de arquitectos en todo el mundo.

La exposición reúne 63 proyectos visionarios que abarcan desde residencias privadas, edificios municipales y gubernamentales, espacios religiosos y escénicos, así como megaestructuras urbanas nunca ejecutadas.

Un recorrido único que permite apreciar la heterogeneidad de los proyectos que Wright concibió por medio de cerca de 200 dibujos originales del reconocido arquitecto, muchos nunca antes exhibidos, así como 12 nuevas maquetas y animaciones digitales que recrean sus proyectos no realizados.

Jan Van Eyck: grisallas

24/10/2009, El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta una exposición dedicada a una de las joyas que alberga el Museo, ejemplo importante de pintura en grisalla: el Díptico de La Anunciación de Jan Van Eyck.

Madrid, octubre de 2009

Extendida y apreciada a finales del siglo XIV y en siglos posteriores, la técnica conocida como grisalla está basada en la aplicación graduada de un único color, generalmente gris o algún color neutro, utilizando el modelado por sombras, con lo que se produce un efecto de relieve escultórico.

Junto a la obra maestra de Van Eyck, la exposición reúne 18 representaciones en grisalla de la Baja Edad Media, tanto dibujos como pinturas, marfiles, miniaturas y textiles. El objetivo es mostrar una panorámica del uso de esta técnica en los siglos XIV y XV, así como presentar un completo estudio de sus implicaciones artísticas, sociales y funcionales, no sólo gracias al selecto conjunto de piezas y a través de los ensayos publicados en el correspondiente catálogo.

De entre las obras cedidas de forma excepcional para la muestra destaca la tabla Santa Bárbara de Van Eyck, una obra maestra que en muy contadas ocasiones ha salido de las salas del Koninklijk Museum voor Schone Kunsten de Amberes y que por primera vez se presenta en España, así como otras dos tablas fundamentales que forman La Anunciación de Hans Memling, procedente del Groeningemuseum de Brujas. Destaca, igualmente, el conjunto de manuscritos que se ha logrado reunir en la muestra, entre los que se incluyen magníficos ejemplares con algunas de las mejores iluminaciones miniadas en grisalla que se conservan.

El término “grisalla” procede de la palabra gris. En los siglos XV y XVI se utilizaban otros términos para designar este tipo de obras, tales como de negro y de blanco, “color lapidum” (pintura de color piedra), etc.

En la Baja Edad Media la grisalla se consideraba una categoría creativa independiente y su uso aparece en una gran variedad de soportes y técnicas, desde la pintura mural o al fresco, hasta pinturas sobre tabla, lienzo, textiles o cristal, miniaturas, dibujos,… Se trataba además de una técnica enormemente valorada, pues se consideraba más próxima al proceso creativo del artista y por lo tanto, muy adecuada para lucir su talento y virtuosismo.

Existen fundamentalmente en esos años dos tipos de representaciones en grisalla: los trabajos pictóricos que pretenden imitar esculturas en color piedra -habitualmente, obras sobre tabla- y las grisallas frecuentes en las miniaturas. En el primer grupo, destacan las imágenes de esculturas simuladas adornando la parte exterior de las hojas de retablos y trípticos, muy frecuentes en la tradición de la pintura flamenca y, a partir del último tercio del siglo XV, con gran difusión también en las escuelas francesa y alemana. Se trata normalmente de composiciones bastante sencillas que representan en muchos casos la escena de la Anunciación o estatuas de santos, situadas sobre sus basamentos dentro de sus correspondientes hornacinas, todo ello pintado, por lo que pueden considerarse ejemplos tempranos de la pintura de trampantojo.

El segundo grupo, el de las miniaturas, se caracteriza principalmente por el uso exclusivo de la técnica de la grisalla para representar las figuras, destacándolas de este modo de los coloreados fondos y detalles no figurativos de los espacios o interiores en los que aparecen representadas: elementos del paisaje, edificios, altares, tronos, etc.

En el capítulo de la iluminación de libros, la muestra reúne ejemplos destacados de los principales miniaturistas del momento, tanto franceses como de los Países Bajos. La exposición incluye también un pequeño grupo de esculturas que permite comparar la representación figurada de piezas escultóricas en pintura con ejemplos coetáneos tallados en piedra y, por último, una mitra decorada con tinta china sobre seda blanca como muestra del uso de la grisalla sobre textiles.

Del 3 de noviembre de 2009 al 31 de enero de 2010, en el Thyssen-Bornemisza

El Transcantábrico, en Andalucía

24/10/2009, Málaga y Sevilla son este año los últimos lugares en los que se mostrará la exposición conmemorativa de los 25 años del tren turístico Transcantábrico.

Málaga, octubre de 2009.-

Málaga y Sevilla son este año los últimos lugares en los que se mostrará la exposición conmemorativa de los 25 años del tren turístico Transcantábrico.

La estación de Málaga-María Zambrano acoge desde el viernes 16 de octubre en su vestíbulo principal la exposición conmemorativa del vigésimo quinto aniversario de El Transcantábrico que se cumplió el pasado año, y en la que se recoge la historia del emblemático Tren Turístico de Feve. La muestra, que ya se ha exhibido en Madrid, Barcelona y Valencia, podrá ser visitada en la capital malagueña hasta el próximo día 4 de noviembre y luego se traslada a Sevilla.

“El Transcantábrico, 25 años de Turismo de Calidad” es una exposición sobre el principal tren turístico de Feve que fue inaugurada en 2008 en León. Con más de un cuarto de siglo a sus espaldas, El Transcantábrico es el Tren Turístico más veterano de España, y recientemente ha sido seleccionado como uno de los 25 mejores trenes del mundo por la Sociedad Internacional de Viajeros en Ferrocarril. Fue creado en 1983 por un grupo de profesionales de Feve, con la idea de recrear el ambiente nostálgico de los viajes en tren, un medio de transporte tan evocador como literario.

El éxito y la fama de El Transcantábrico ha venido creciendo desde entonces, a la vez que este tren también cambiaba y se modernizaba, pero sin perder ni un ápice de su encantador aroma a otros tiempos, en los que viajar era algo más que desplazarse de un lugar a otro e importaba no sólo el destino, sino también el trayecto.

La exposición repasa la historia de este tren, a lo largo de una serie de paneles que retratan los inicios en la década de los ochenta, el cambio de ruta y la renovación de los compartimentos en los noventa, el nacimiento de El Transcantábrico II en el año 2000, y la consolidación y mejora del producto en los últimos años.

El Transcantábrico es un buque insignia de Feve. El tren recorre la costa del Cantábrico, por las provincias de A Coruña, Lugo, Asturias, Cantabria y Vizcaya, para introducirse después hacia las tierras de la Meseta por Burgos, Palencia y León. Los viajeros realizan un recorrido de una semana de duración, disfrutando del paisaje, la cultura y la gastronomía inigualables del norte de España.

La temporada regular transcurre desde la primavera hasta bien entrado el otoño (ver www.transcantabrico.com). Fuera de la misma, El Transcantábrico se alquila para viajes chárter o de grupo que se confeccionan a medida del cliente, y para los que se puede diseñar el recorrido, la duración, las actividades, etc. Además de los coches cama el tren dispone de cuatro vagones en los que el cliente puede charlar o conocer a otros compañeros de viaje.

La exposición “El Transcantábrico. 25 años de Turismo de Calidad” llegó a Málaga después de haber estado en Madrid, Barcelona, y Valencia, y de la capital malagueña pasará a Sevilla (7 noviembre-27 noviembre) donde finalizará su periplo por España, siendo las estaciones de Adif en esas capitales las elegidas para exponer esta muestra sobre la historia y el presente de este tren lleno de encanto.

Josep Renau: Compromiso y Cultura

22/10/2009, La exposición, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España y el Centro Cultural Universitario Tlatelolco de México, recorre la trayectoria artística, intelectual y política del artista.

México, octubre de 2009
Josep Renau mantuvo una presencia especialmente intensa en la cultura artística de la Segunda República, tanto a través de la amplia diversidad de su producción plástica como con sus escritos de carácter teórico y crítico. Pero también con un compromiso político explícito y militante. De hecho, fue el impulsor de intensas polémicas acerca del papel del artista y el intelectual en los procesos revolucionarios que siguen constituyendo un punto de referencia historiográfico inexcusable.

A través de 250 obras la muestra pretende rendir un merecido homenaje y contribuir a restituir la figura de Renau al lugar que le corresponde en la memoria colectiva. Su producción abarca casi todos los géneros de la expresión visual contemporánea, desde pinturas de caballete a fotomontajes, mostrando una prodigiosa versatilidad sintonizando siempre con las diferentes tendencias estéticas de los sucesivos momentos históricos que le tocó vivir. Por ello, a través de la obra de Renau nos embarcamos en lenguajes visuales que recorren territorios estéticos que van desde el Art Déco y el surrealismo de cuño telúrico hasta el constructivismo, pasando por la Nueva Objetividad, la figuración geométrica o los diversos modos estéticos que utilizó el Agit-Prop de su tiempo. A todo esto hay que añadir su enorme habilidad para utilizar los instrumentos del diseño gráfico como vehículo de comunicación de masas.

Pero la exposición no sólo conmemora al artista y al diseñador gráfico, sino también a quien con su escritura polemizó sin descanso, descendiendo siempre en estratégico picado sobre momentos especialmente cruciales de nuestra historia cultural. Y, muy especialmente, a quien afrontó responsabilidades políticas en tiempos de crisis con una brillantez que difícilmente ha vuelto a ser igualada. El pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937 y sus excepcionales contenidos, el salvamento del tesoro artístico español amenazado por los bombardeos de los sublevados o la creación del Consejo Nacional de la Música y la Orquesta Nacional son tres referentes titánicos del apenas año y medio que permaneció en el cargo de director general de Bellas Artes.

Esta muestra fue inaugurada en Valencia en el año 2007, centenario del nacimiento del artista. Desde entonces, la exposición se ha expuesto en Madrid, Sevilla, Las Palmas y Zaragoza. Ahora y gracias a la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX, inicia su periplo internacional en México, país que acogió al artista durante la primera fase de su exilio.

Para su presentación en México, se ha ampliado la presencia de la obra realizada durante su exilio en este país entre 1939 y 1957. Esta aportación está compuesta por pinturas sobre caballete, obra gráfica de diversa índole, carteles cinematográficos y abundante documentación sobre las dos grandes empresas de pintura mural acometidas en México por Renau: la decoración del Sindicato Mexicano de Electricistas y la del Casino de la Selva de Cuernavaca.

Ciudad de México (México)
Centro Cultural Universitario Tlateloco
13 octubre 2009 - 10 enero 2010

Francesco Lo Sabio

20/10/2009, Hasta el próximo 11 de enero de 2010 se podrá contemplar en la sala de Protocolo del Edificio Sabatini la primera muestra que se realiza en España del artista italiano Francesco Lo Savio.

Madrid, octubre de 2009
La obra de Francesco Lo Savio (Roma, 1935 – Marsella, 1963) ha permanecido durante décadas sumida en una relativa oscuridad, debido no sólo a su prematura muerte (se suicidó a los 28 años), sino también a la difícil clasificación de un trabajo cuya radicalidad no fue entendida en su época. La exposición, además de ser una ocasión única para conocer el importante legado del artista italiano (pintura, escultura, arquitectura, diseño y urbanismo), cuenta con más del ochenta por ciento de las obras realizadas por Lo Savio en sus cinco años de actividad.

Lo Savio se ha impuesto paulatinamente como una de las figuras más importantes de la escena artística de la segunda mitad del siglo XX. En apenas cinco años, no sólo contribuyó con cuadros magníficos a un informalismo todavía dominante en los tiempos en los que debutaba como artista, sino que también rompió radicalmente con esa gran tradición de inventar un nuevo lenguaje que prefiguró, con bastantes años de antelación, las investigaciones americanas, particularmente minimalistas, que marcarían la década de los sesenta.

La muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica a Francesco Lo Savio es la primera que sobre él se realiza en España, y en ella se presentan pinturas de su primera época, monocromos, los filtros, los metales, las Articolizioni totali y una serie de trabajos relacionados con la arquitectura, disciplina que apasiona al artista en los últimos momentos de su vida. Precísamente, se suicidó en una casa construida por Le Corbusier en la Cité radieuse de Marsella.

A pesar de su prematura muerte, su obra fue tan prolífica que hoy se le considera, no sólo como uno de los precursores más importantes del minimalismo americano, sino también del arte conceptual en Europa. Siempre fue muy respetado por artistas y un pequeño grupo de seguidores leales. Hoy sus trabajos merecen la misma consideración que los de algunos de sus coetáneos, como Piero Manzoni o Yves Klein.

Muy preocupado por la luz y la instalación, sus esculturas, pinturas, monocromas y trabajos sobre planchas de metal están influenciados por Lucio Fontana. Al borde de la monocromía, hizo las pinturas tituladas Spazio-Luce, las investigaciones que titula Filtri y también los fantásticos Metalli, cuyo negro profundo combina pintura y escultura, con pliegues y curvas casi barrocas para jugar de modo extraordinario con la luz. Por último, con las Articolizioni totali, expuestas a finales de 1962, Lo Savio realiza una innovación tan decisiva que pocos comprendieron entonces.

Francesco Lo Sabio
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Sabatini, Planta 4, Salas 406 y 407
13 de octubre 2009- 11 de enero 2010

Art of Samurai

20/10/2009, The Metropolitan Museum de Nueva York presenta una muestra dedicada a los samurais. Una exposición en la que se podrán contemplar armaduras y piezas representativas de este arte japonés.

Nueva York, octubre 2009
"Lo que Japón era se lo debía a los samurai. Ellos no fueron sólo la flor de la nación, sino también sus raíces." Bushido: The Soul of Japan by Inazo Nitobe (1907)

The Metropolitan Museum of Art's presenta un ambicioso proyecto "Art of the Samurai: Japanese Arms and Armor (1156-1868)", que reúne 214 obras maestras, incluyendo 34 Tesoros Nacionales, 64 Importantes Propiedades Culturales, e importantes objetos de arte, que no habían salido hasta ahora de Japón.

Destacan finos ejemplares de armaduras, espadas, accesorios, equipos ecuestres, arcos... así como banderas decoradas o pequeñas representaciones de guerreros samurais. La muestra explora así el grandioso arte japonés, con piezas de gran belleza, que proceden de colecciones públicas y privadas del país, y que completan la mayor exposición que se ha hecho del tema hasta la fecha.

La exposición, organizada por The Metropolitan Museum of Art, La Agencia de Relaciones Culturales del Gobierno de Japón, y el Museo Nacional de Tokyo, ha contado con más de diez años de preparación, y ofrece a los visitantes una experiéncia única, gracias a preciosos objetos y trabajos, que han sido vistos en contadas ocasiones o que incluso se mantenían ocultos al público en antíguos templos japoneses.

The Metropolitan Museum of Art
Nueva York
Hasta el próximo 10 de enero de 2010

Premio de Escultura Caja España

14/10/2009, El premio de Escultura Caja España, edición 2009, ha recaído en la obra “White cube”, de la artista vallisoletana Pilar Álvarez.

León, octubre de 2009

Este galardón se instauró en el año 1.961 y se convoca con carácter bienal. Está dotado con 21.000 euro, concedido por la Obra Social de Caja España y valorado por un jurado compuesto por expertos que analizaron con su criterio las obras presentadas.

Pilar Álvarez es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y ha sido premiada en diferentes ocasiones, entre ellas las convocatorias 2005 y 2007 del certamen de Jóvenes Artistas de la Junta de Castilla y León.

Su obra ha podido ser contemplada en salas tan relevantes como DA2 de Salamanca, Pantallas Sensibles de Burgos, Patio Herreriano de Valladolid o en PhotoEspaña 2008.

La obra ganadora, White cube, alude al manido concepto del “cubo blanco” como espacio museístico, a la relación con los trabajadores de ese espacio y la utilización del video, la escultura o instalación para reflexionar sobre el arte contemporáneo actual. En definitiva, una metáfora sobre los contenedores del arte, sus agentes y el propio lenguaje artístico.

El jurado decidió conceder una mención especial a la obra, sin título, presentada por el artista abulense, aunque residente en Zamora Juan Antonio Gil Segovia.

Estos premios, primero y mención especial, junto a otras dieciséis obras serán mostradas, de forma itinerante, en diversas salas de la Obra Social de Caja España.

Realismo español en Londres

13/10/2009, La National Gallery de Londres presenta del 21 de octubre al 24 de enero una muestra sobre el realismo español del siglo XVII

Londres, octubre de 2009

Lo Sagrado Hecho Real presenta toda una revelaciףn del arte religioso espaסol de la Edad de Oro, con trabajos creados para lanzar una llamada de atenciףn de los sentidos y mover el espםritu.

Las pinturas, incluyendo obras maestras de Diego Velבzquez y Francisco de Zurbarבn, se muestran aquם por primera vez fuera de Espaסa, junto a notables trabajos escultףricos de madera policromada.

Los artistas religiosos de siglo XVII Espaסa persiguieron una bתsqueda del realismo con el celo inflexible y el genio, creando trabajos para inspirar la devociףn de los creyentes. Comparando diversos trabajos, la exposiciףn explora el diבlogo intenso entre las obras de arte de escultura y pintura, revelamdo entre ellos enlaces e interdependencias.

Los escultores a menudo alcanzaron mayores niveles de realismo, introduciendo ojos de cristal y lבgrimas, asם como dientes de marfil y el pelo humano en sus esculturas. A ello se aסadiף la habilidad de los policromadores, capaces de aסadir a la obra excelentes tonos de la carne humana.

Lo Sagrado Hecho Real presenta la oportunidad de ver una forma de arte raras veces mostrada fuera de Espaסa, destacando la presencia de maestros de escultura como Pedro de Mena, Juan Martםnez Montaסיs y Gregorio Fernבndez. Al mismo tiempo, muestra cףmo los pintores de la Edad de Oro espaסola fueron capaz de alcanzar el mismo realismo sobre sus ףleos.

La exposiciףn estב organizada por la National Gallery de Londres y la National Gallery of Art de Washington.

“The Sacred Made Real. Spanish Painting and Sculpture 1600 – 1700”, estב en la Nacional Gallery del 21 de octubre al 24 de enero

Navidad en Renania Palatinado

12/10/2009, Bosques, sierras y ríos integran un espacio atractivo del Centro-oeste de Alemania: Renania Palatinado

Coblenza, octubre de 2009

Desde Alemania, se recuerda a los viajeros que Renania-Palatinado se prepara para deslumbrar a sus visitantes en Navidad, aunque en realidad las cinco regiones del Estado -Eifel, Hünsrück, Mosela, Naheland y Rin Central, invitan a la visita en cualquier estación del año.

Para sentir la magia de las tradicionales navidades alemanas, nada mejor que sumergirse, durante el período de Adviento, en medio de los pequeños pueblos medievales de la encantadora región. Los Edificios colmados de historia son iluminados por miles de lucecitas, mientras el aroma a galletas de jengibre flota en el ambiente.

Los tradicionales mercadillos navideños ofrecen una gama caleidoscópica de adornos, especias y cocina de estación, sin mencionar artesanías tradicionales como juguetes de madera o

Algunas citas:

Mercado de Navidad de Coblenza: 20 Nov al 22 Dic 2009

Este tradicional Mercado de Navidad tiene lugar en el casco antiguo de la ciudad en un entorno animado: más de 130 puestos festivamente decorados enmarcados por un colorido programa, con conciertos, pista de trineos, repostería navideña y otras atracciones.

Bernkastel-Kues: 32 Mercado de Navidad en la ciudad medieval” del 21 Nov al 20 Dic 2009

El mercado navideño de esta pequeña ciudad medieval encanta gracias al maravilloso escenario de construcciones de entramados de madera, así como por las callejuelas y esquinas románticas con sus establecimientos cuidadosamente decorados.

Kastellaun: “Mercadillo de Navidad Histórico” el 05 y 06 de Dic 2009

Para disfrutar del resplandor de las luces, del aroma del “Glühwein”, vino caliente con especias, y del belén viviente en las ruinas del castillo.

Mercadillo Navideño de Monschau: 28 Nov al 20 Dic 2009 (viernes, sábados y domingos)

En torno a la plaza del mercado y en las calles y callejones de la pequeña ciudad medieval encandilan las casitas de madera decoradas con juegos de luces, románticos árboles alumbrados, y decoración navideña en las fachadas de entramado de madera.

Bad Münster a.S.: Mercado de Navidad Romántico 28 Nov al 20 Dic 2009 (fines de semana)

En el parque Kurpark de Bad Münster am Stein-E tiene lugar el mercado de Navidad más romántico de la región de Nahe. Un mar de luces dan la bienvenida al caer la noche.

A lo largo del año en Renania-Palatinado, hay numerosos eventos para el visitante. Ahí se citan algunos:

“Pan y Circo”. Es el nombre del famoso espectáculo romano que se celebra el segundo fin de semana de Agosto en Tréveris, la ciudad más antigua de Alemania. – 13 al 15 de Agosto 2010.

“Natur One”, la mayor fiesta tecno de Alemania, se celebra durante 3 días en la base de Pydna, en Hasselbach. – 30 Julio al 01 Agosto 2010.

El aeropuerto de Frankfurt-Hahn es un buen punto de partida para un viaje por Renania-Palatinado.

Concurso de fotografías de montaña

12/10/2009, Un concurso de Fotografía de Montaña, abierto a aficionados y profesionales, ha sido convocado por la web alua.es.

El I Concurso de Fotografía FOTOALÚA 2009 se enfoca a cinco temas relacionados con la montaña y la naturaleza, con un primer premio de 500 euros en material de montaña y un premio de 100 euros para la mejor foto de cada categoría, así como un premio en material para la foto más votada.

La fecha de finalización del concurso será el 31 de diciembre de 2009.

Las categorías del certamen son:

Paisajes de montaña: Fotografías de paisajes naturales.

Deportes de montaña: En esta categoría entrarán aquellas fotos relacionadas con todos los deportes de montaña (senderismo, escalada, trekking, alpinismo, espeleología, barranquismo, parapente, mountain bike, etc.).

Cambio climático: la convocatoria indica que este problema no sólo afecta de forma global a la vida en nuestro planeta sino también de forma directa a los deportes de montaña como el alpinismo, o el esquí, donde se ven in situ los efectos del cambio en la escasez de nieve, temperaturas mas elevadas, retroceso de glaciares,etc. En esta categoría entrarán aquellas fotografías que reflejen la incidencia del Cambio Climático en nuestro planeta y en nuestros entorno, o que conciencien acerca del mismo.

Camino de Santiago: En esta categoría entrarían aquellas fotos realizadas con cualquiera de las rutas de peregrinación y senderismo que van hacia Santiago de Compostela.

Anécdotas: Aquellas fotos de anecdóticas de o historias divertidas, relacionadas con los deportes de aventura.

Hay más información en www.alua.es y www.fotoalua.es

Mejoras de Paradores en Andalucía

12/10/2009, Paradores invertirá 34 millones de euros en construir el nuevo Parador de Cádiz y mejorar los de Córdoba y Jaén

Cádiz, octubre de 2009

El Presidente de Paradores de Turismo, Miguel Martínez, ha realizado una gira por ciudades andaluzas en la que ha anunciado diversas obras de mejora en las que la empresa pública hotelera invertirá un total de 34 millones de euros.

En la rueda de prensa que celebró en el Parador de Cádiz, ha detallado el proyecto del nuevo parador de la ciudad y el calendario para su construcción. “Vamos a invertir cerca de 20 millones de euros y dos años de trabajo para que Cádiz tenga el Parador que se merece; un Parador moderno, funcional, dotado de las últimas tecnologías y de los mayores avances en confort”, dijo

Se espera que la nueva instalación hotelera esté lista para los actos de celebración del Bicentenario de “La Pepa” (Constitución de 1812)’ que se celebrarán en 2012. El Presidente de Paradores reconoció que el calendario para derribar el actual edificio y construir el nuevo establecimiento es “muy ajustado” pero aseguró que “hemos puesto mucho esfuerzo, una estricta planificación y 20 millones de euros sobre la mesa para lograr nuestro objetivo”.

Será un edificio que tendrá cuatro plantas, una entreplanta, una planta principal a nivel de calle y un sótano. De la planta primera a la cuarta se situarán las 124 habitaciones de que dispondrá el nuevo Parador. De ellas 17 son suites y una más tendrá la categoría de Suite Presidencial. Todas las habitaciones dispondrán de vistas al mar y a la ciudad puesto que el edificio se va a construir perpendicular a la costa.

La piscina ocupará 250 metros cuadrados, dispondrá de dos zonas diferenciadas para niños y adultos y contará con una terraza-solarium de 450 metros cuadrados y con un bar; se situará sobre la cubierta de la planta baja, lo que le dará intimidad, al tiempo que permitirá a los bañistas disfrutar de unas excepcionales vistas sobre el mar

El edificio contará con un área de salud y relax, con una piscina cubierta; más de 1.000 metros de salas de reuniones; un restaurante con vistas a la bahía; una Galería en la que se celebrarán actos culturales, exposiciones, cócteles y cualquier tipo de evento, un jardín exterior de 1.200 metros cuadrados y una gran cocina, la mayor de los 93 establecimientos que tiene la Red de Paradores

Córdoba: nueva Escuela de Golf y zona deportiva

En Córdoba, Miguel Martínez anuncio unas inversiones de dos millones de euros para dotar al Parador de nuevas instalaciones. Se construirá: Una Escuela de Golf que contará con un campo de prácticas, tres pistas de tenis y dos de pádel, etc.

El objetivo es atraer a un mayor número de turistas españoles y extranjeros y generar nuevos puestos de trabajo.

El Presidente de Paradores señaló que, además, durante los próximos dos años se va a proceder a la redecoración de todas las habitaciones y a la renovación de determinadas instalaciones de fontanería y electricidad que, de paso, permitirán ahorrar agua y electricidad.

Otra inversión importante: doce millones de euros para modernizar y ampliar la capacidad de Jaén

Para el presidente de Paradores, el establecimiento jienense es una de las joyas de nuestra Red y además es una valiosa herramienta para la promoción turística de Jaén, de Andalucía y de toda España.

El coste de la reforma va a ascender a doce millones de euros que van a servir, en primer lugar, para incrementar su capacidad de alojamiento en un 21%. El Parador pasará de las 45 habitaciones que tiene en la actualidad, a contar con un total de 57.

Igual de importante va a ser la renovación de todas las instalaciones de fontanería, electricidad, voz y datos que servirá para mejorar notablemente la calidad del servicio que se presta a los clientes. Paralelamente también se van a reformar todos los espacios del establecimiento (zonas comunes, habitaciones, restaurante etc.) para mejorar su operatividad y modernizar su imagen procediendo a una redecoración completa de todas las estancias.

La reforma va a tener además otras dos prioridades: facilitar la accesibilidad a las personas discapacitadas e implantar medidas para convertirlo en un parador verde, medioambientalmente sostenible.

La reforma incluirá dos acciones más. Por un lado se realizará una amplia actuación para renovar y mejorar las instalaciones de la piscina. Además se van a culminar las obras de rehabilitación de las balconadas del Parador, unos trabajos que ya han comenzado.

Paradores tiene previsto iniciar el proyecto y los trámites de obras a principios del próximo año. La fase más importante de la reforma obligará a cerrar, a finales de 2010, durante unos meses el Parador.

Conservacionistas contra autopista

12/10/2009, La autopista que uniría las zonas occidentales de Asturias y León está siendo cuestionada por organizaciones ecologistas, por el altísimo valor ecológico del territorio

WWF y SEO/BirdLife han enviado una carta al Ministro de Fomento explicando los graves problemas ambientales que entrañaría la construcción de una vía de alta capacidad cruzando tres espacios protegidos de enorme valor ecológico. La zona ha sido declarada Parque Natural, Reserva de la Biosfera y se encuentra dentro de la Red Natura 2000 de la Unión Europea.

Según el Gobierno asturiano se va a incluir en la revisión del PEIT (Plan Estratégico de Infraestructuras y Transporte) el proyecto de una autovía que discurre a través del eje La Espina (Asturias) – Ponferrada (León). Esta carretera atraviesa diversos espacios protegidos de gran importancia ambiental como el Alto Sil o las Fuentes del Narcea, Degaña e Ibias. Por esta razón, WWF y SEO/BirdLife han escrito al ministro de Fomento, José Blanco, analizando los graves problemas que podría causar la obra.

Dentro de estos espacios naturales habitan las poblaciones de oso pardo y urogallo cantábrico más abundantes de la Península, dos especies emblemáticas y muy amenazadas.

En la evaluación ambiental realizada sobre la zona asturiana del eje La Espina-Ponferrada, bajo el nombre de Vía Rápida Suroccidental, quedó patente el grave impacto que esta carretera tendría sobre el urogallo cantábrico, al afectar a numerosos cantaderos de este ave, unas áreas críticas para su reproducción.

El Alto Sil es una zona de gran valor natural que actualmente se encuentra con numerosos problemas ambientales, principalmente ocasionados por la minería a cielo abierto.

WWF y SEO/BirdLife recuerdan al Gobierno que este tipo de agresiones a espacios y especies altamente amenazados, incluidos dentro de la Red Natura 2000, conllevaría serias dificultades para cumplir con la normativa europea de protección de la naturaleza.

Según las organizaciones, la creación de esta autovía sería, sin duda alguna, la obra con mayor impacto ambiental de las realizadas en las últimas décadas en toda la Cordillera Cantábrica.

WWF y SEO/BirdLife están de acuerdo en que dada la alta sensibilidad en la zona, serían necesarias algunas actuaciones encaminadas a mejorar la carretera actual de modo que resulte más segura para los conductores y con menos impacto para el oso pardo.

Juan Carlos Atienza, director del Departamento de Conservación de SEO/BirdLife indica: “La política de transportes debe ser el resultado de una auténtica planificación que tenga en cuenta todos los factores incluidos en el medio ambiente y no la suma de promesas realizadas por un ministro. Las urgencias para llevar a cabo el gasto público no deben suponer una pérdida irreversible de nuestro patrimonio natural “

Caspar David Friedrich: Arte de Dibujar

05/10/2009, La Fundación Juan March inicia, el próximo 16 de octubre, su temporada artística con la exposición "Caspar David Friedrich: Arte de Dibujar", que incluye 68 obras del pintor de paisajes más importante del romanticismo alemán.

Madrid, octubre de 2009
A comienzos del siglo XX, mientras estudiaba la obra de su compatriota Johan Christian Dahl, el noruego Andreas Aubert tropezó de modo casi fortuito con un pintor prácticamente caído en el olvido: Caspar David Friedrich (1774-1840). Aubert fue plenamente consciente de haber redescubierto a un gran artista. Poco después publicaba en la revista Kunst und Künstler un artículo sobre el artista, ilustrado con reproducciones de acuarelas, dibujos y sepias.

No parece casualidad que, al año siguiente, 1906, Friedrich estuviera representado en la Jahrhundertausstellung deutscher Kunst, en la Nationalgalerie de Berlín, no sólo mediante varios óleos, sino también con numerosos dibujos. En ese momento la producción del artista apenas era conocida. Habrían de pasar más de sesenta años hasta que, en 1974, se presentaran, en Hamburgo y Dresde, las primeras y principales retrospectivas de su obra, acogidas con gran interés por el público. Olvidado desde hacía mucho, Friedrich emergió de pronto como uno de los pintores más significativos del Romanticismo temprano.

A partir de ese momento, el número de publicaciones sobre Friedrich no ha dejado de aumentar y el interés que despertó este gran paisajista romántico no ha decaído hasta el día de hoy. Además de atraer a un número creciente de expertos, la obra de Friedrich también ha captado la atención del público, convirtiendo al pintor romántico del norte de Alemania en un artista reputado más allá de sus fronteras.

Esta exposición presenta al público la obra sobre papel de Caspar David Friedrich, con unas 68 obras sobre papel en diversas técnicas (lápiz, gouaches y acuarelas) y estados (bocetos iniciales hasta obras "finales" agrupadas en los motivos y temáticas más recurrentes en Friedrich: árboles, paisajes, edificaciones y arquitecturas o ruinas, entre otros).

La muestra, que podrá visitarse hasta enero de 2010, se centra en el proceso creador del artista romántico y resalta tanto la belleza sustantiva del dibujo, como la función de dibujos y bocetos como estudios compositivos previos para sus obras pictóricas.

El POP ART en la colección del IVAM

05/10/2009, La muestra, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) y el Instituto Valenciano de Arte Moderno, se podrá visitar hasta el 22 de noviembre de 2009 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

Buenos Aires, Argentina, octubre de 2009

Esta co-producción, que cuenta con la colaboración de la Embajada de España en Argentina y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, reúne 59 obras de diferentes técnicas y soportes que incluyen pinturas, fotografía, obra sobre papel y esculturas. Estas obras han sido seleccionadas de la extensa exposición dedicada al Pop Art que tuvo lugar en el IVAM en 2007 y que tras su exhibición en San Juan de Puerto Rico y Fortaleza (Brasil) se presentará en los próximos días en Buenos Aires.

Los numerosos artistas que se incluyen en este recorrido expositivo son figuras representativas de esta corriente que surgió en el Reino Unido, pero que alcanzó toda su dimensión en Estados Unidos. Entre ellos figuran: Richard Prince, Equipo Crónica, Eduardo Arroyo, John Baldessari, Alberto Greco, Richard Hamilton, Jaspers Johns, Robert Rauschenberg, Josep Renau, Antonio Saura, Cindy Sherman, Juan Antonio Toledo, James Rosenquist, Claes Oldenburg y Juan Genovés.

La colección del IVAM propone una mirada amplia y exhaustiva sobre el Arte Pop y la presencia de su legado en la creación contemporánea más reciente. Su enfoque se centra en aquellos artistas que influyeron en el desarrollo de la creación de vanguardia en España, incluyendo la importante contribución realizada por los propios artistas españoles a esa 'tendencia'. Y hablamos de tendencia por la existencia de diversas manifestaciones internacionales del Arte Pop que tuvieron lugar simultáneamente en países diferentes más que de algo irradiado desde un origen único. Unas manifestaciones susceptibles de agruparse en categorías que irían de los precursores del Pop art como Richard Lidner o los artistas del Independent Group con Hamilton o los precursores estadounidenses Jasper Johns y Robert Rauschenberg, o Claes Oldenburg a los artistas del Nuevo Realismo como Martial Raysse, y de la Nueva Imagen con obras de James Rosenquist, y la Figuración Narrativa con obras de Gilles Aillaud, Hervé Télémaque Valerio Adami y Eduardo Arroyo, también el apartado del Realismo Crítico representado por la obra de Equipo Crónica, Equipo Realidad y Juan Genovés, entre otras tendencias incluyendo además el legado que ha perdurado en las fotografías de referencia cinematográfica de Cindy Sherman, o John Baldessari.

Sea como fuere, el Pop Art no fue nunca un movimiento programático dirigido por un grupo coherente que expresara su posición en manifiestos, sino más bien un nexo entre grupos y posiciones críticas diferentes que recurrieron a la imagen de la producción masiva como punto de partida y que presentan variaciones significativas según cual fuera su contexto geográfico y cultural.

Aunque en muchos aspectos es heredero de las vanguardias históricas, el Pop brinda uno de los primeros ejemplos de práctica artística posmoderna gracias, precisamente, a la apropiación que realiza de imágenes ya existentes. El collage y el fotomontaje constituyen, junto con los ready-mades de Marcel Duchamp u obras similares o creaciones del Surrealismo, importantes antecedentes artísticos. De hecho, una serie de artistas Pop fueron directamente vinculados a ese último movimiento (Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Hervé Télémaque). Pero, por encima de cualquier otra cosa, el Pop fue fruto del crecimiento de la sociedad de consumo registrado en las décadas de los años cincuenta y sesenta del pasado siglo: la nueva realidad que centró la atención de la generación más joven.

Las estrategias del pop ofrecieron un marco (no solo visual, también intelectual) que a partir de las contradicciones inscritas en esta enciclopedia iconográfica, suponían un punto de partida para la reflexión política y social del presente. Este punto de partida facilitó que el pop perviviera en formulaciones post o neo. El pop art, en su sentido más amplio, legó a las vanguardias una narrativa que aún hoy sigue siendo vital para las aspiraciones de los movimientos artísticos emergentes.

Del 6 de octubre al 22 de noviembre de 2009
Museo Nacional de Bellas Artes
Avda. Libertador 1473. (C1425AAA) Ciudad de Buenos Aires

Hawaiki Nui Vaa

27/09/2009, Desafío, deporte y paisaje. El mayor atractivo del deporte en el Pacífico Sur rinde tributo a las grandes migraciones en piraguas

Tahití, septiembre de 2009

En honor a los primeros pobladores de Tahití y sus islas, que realizaron viajes oceánicos y extendieron su influencia gracias a básicas embarcaciones y sorprendentes conocimientos de navegación hace más de 600 años, se organiza anualmente una carrera de piraguas tradicionales Va´a entre Huahine, Raiatea, Tahaa y Bora Bora.

Unos 700 remeros participan este año en el 18 encuentro, del 4 al 6 de noviembre de 2009.

Hawaiki Nui Vaa es una competición donde prima la emoción del deporte, ya que implica un gran esfuerzo físico y se desarrolla en un entorno de paisajes espectaculares, pero también tiene un significado especial para todos los tahitianos, un trasfondo histórico y cultural que le otorga relevancia.

Va´a es el nombre en tahitiano para el tipo de canoa con balancín, es decir, con barras a los lados para equilibrar y mantenerlas a flote

La práctica del Va´a es una marca de identidad y representa el fuerte vínculo que el polinesio tiene desde sus orígenes con el mar. El arte de la navegación, el conocimiento del mar, el cielo y las estrellas condicionó el destino de los primeros asentamientos humanos en el Pacífico Sur.

La carrera, un espectáculo visual

El espectáculo de la Hawaiki Nui Vaa empieza en la isla de Huahine el 4 de noviembre, y finaliza en la famosa playa de Matira de Bora Bora tras disputar tres duras etapas a lo largo de 130 km de travesía.

En la primera fase, más de 120 piraguas luchan durante cuatro horas contra el oleaje oceánico en dirección a Raiatea, llamada místicamente en sus leyendas ‘Hawaiki’ y considerada sagrada, por ser la primera isla poblada, sede del antiguo poder político y religioso y el punto de partida de las grandes migraciones hacia el triángulo polinesio.

La segunda fase discurre en las tranquilas aguas interiores que separan Raiaitea de la Isla de la vainilla, Tahaa, protegidas por un arrecife a pocos kilómetros de la costa.

En esta laguna marina los remeros tendrán que aplicarse en una carrera de velocidad.

La prueba más espectacular es la última, el tramo hasta llegar a Bora Bora y la entrada por la laguna hasta la línea de meta, donde aguardan numerosos simpatizantes. La fiesta está asegurada tras la coronación de los ganadores con guirnaldas de flores, acompañados de cánticos y tambores.

Hay diferentes modalidades de carreras de canoas en Tahití y sus islas: regatas de canoas con velas y regatas con piraguas V3, V6, V16 (esto significa que son de 3, 6 y 16 ocupantes.). Las que combinan alta mar, como la Hawaiki Nui Vaa, siempre son V6.

Otra carrera famosa se celebra conjuntamente con el festival folclórico Heiva i Tahiti, cada año en julio. Consiste en la ida y vuelta entre Tahití y Moorea.

En familia, en el Valle de Stubai

19/09/2009, Turismo de Austria inicia su oferta de invierno proponiendo una bella sugerencia: Vacaciones en familia en el Valle de Stubai, en el Tirol

Austria, septiembre de 2009

El valle de Stubai se encuentra cerca de la ciudad de Innsbruck, capital de Tirol; tiene 35 kilómetros de largo y está rodeado de 80 glaciares y 103 cumbres de más de 3000 metros de altura.

Las principales poblaciones del valle de Stubai son Neustift, Fulpmes, Telfes, Mieders y SchШnberg. La zona del glaciar, una de las más grandes de Austria, ofrece más de 110 kilómetros de pistas de esquí perfectamente preparadas.

Según Turismo de Austria, el Valle de Stubai ofrece unas perfectas vacaciones de esquí en familia, con todo lo que ellas componen, servicio de guarderías con profesionales, prestación de servicios prácticos para la comodidad del esquiador, variedad en sus pistas para expertos y principiantes. Por ello, el Glaciar de Stubai ha sido destacado como zona para esquiar para familias.

Niños menores de 10 años acompañados de un adulto van gratis en los teleféricos del valle. Más de 140 Km. De pistas repartidas en las cuatro estaciones de esquí esperan para conquistar.

El Valle de Stubai, ha reaccionado como uno de los primeros en Tirol, para que los esquiadores de mayor edad y las familias no tengan dificultades con el esquí. Para ello se ha construido una nueva pista la pista Nr.7 en Daunferner en el glaciar, especialmente preparada para familias y personas mayores. Una pista sumamente ancha donde todos pueden practicar el esquí fácilmente y sin ningún riesgo

Desde 2008 el campamento de esquí en el glaciar se ocupa de los más pequeños y no tan pequeños. Monitores profesionales ofrecen clases de esquí, acoplándose perfectamente a la capacidad del joven o niño, enseñándoles a sentirse seguros en las pistas. Cuatro alfombras mágicas, teleféricos y carrusel divierten aprendiendo. Con un servicio especial Kinderline, en el que los niños de las escuelas de esquí tienen prioridad ante los demás visitantes y no tienen que esperar. Para mimarlos por las posibles caídas que puedan tener los más pequeños, siempre hay una señorita (Kindertante) que se ocupa del pequeño esquiador, mientras el grupo puede seguir. Todos los participantes en las competiciones reciben su diploma y medalla.

En Ronny┤s Kinderland en el centro de esquí Schlick 2000 jóvenes y niños pueden hacer sus primeros pinitos en esquí, mientras los padres se toman el tiempo para ellos. Con un cuidado especial, la guardería se ocupa de sus hijos, incluso en edad muy temprana, a partir de los 3 meses. En la misma escuela de esquí de Stubai en la estación media Froneben, se encuentra este servicio.

Y diversión para el snowboard en el nuevo parque del glaciar MOREBOARDS en Stubai Zoo. En la parte alta del glaciar, una pendiente ideal para la practica de este deporte, En la Kickerline se puede entrenar todos los trucos y ejercicios del snowboard.

Además, 60 kilómetros de pistas de trineo para toda la familia, repartidas en diez zonas diferentes. Diversión garantizada en la nieve fuera de las pistas de esquí.

La ruta natural más larga de Tirol tiene más de nueve kilómetros con 800 metros de pendiente.

En Fulpmes, en Neustift o en la pista natural de hielo en Mieders, también hay instalaciones para disfrutar del patinaje sobre hielo.

Dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII

16/09/2009, Una muestra de la Biblioteca Nacional que recoge dibujos españoles, franceses, italianos y alemanes, de arquitectos como Sabatini, Ventura Rodríguez, Churriguera, Ardemans o Juvarra.

La exposición Dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII reúne cerca de dos centenares de originales procedentes de los fondos de la Biblioteca Nacional. Un conjunto da a conocer la riqueza artística de la arquitectura del siglo XVIII, en la que destacan proyectos como el Palacio Real Nuevo, verdadero laboratorio de prácticas e ideas en el que se fraguó lo mejor de la arquitectura de la Ilustración, o la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Esta muestra se inscribe en un proyecto de más amplio alcance, patrocinado por la Fundación Banco Santander, gracias a la cual durante tres años un equipo de especialistas ha restaurado, estudiado, catalogado y descrito la totalidad de los fondos de esta naturaleza conservados en la BNE. El resultado de estos trabajos se ha plasmado en el catálogo completo, con más de mil doscientos dibujos, y que cuenta con estudios críticos de la mayoría de las piezas, firmados por los más destacados especialistas en la materia. Los dibujos de arquitectura van a pasar así a engrosar el patrimonio artístico y cultural de los españoles.

En la exposición figuran algunos de los más bellos dibujos de arquitectura, proyectos, bocetos y otros apuntes que ayudan a explicar la cultura de los arquitectos de esa centuria y su manera de entender la idea y la práctica de su profesión.

Además de dibujos aislados, fruto de proyectos o de levantamientos y vistas de edificios ya construidos y de ciudades, también se exponen álbumes de dibujos de diferente carácter que ayudan a explicar las diferentes formas de uso y relación del arquitecto con ese instrumento disciplinar tan decisivo que es la representación gráfica.

De este modo, se exponen álbumes que representan secuencias características en la cultura académica de restituciones de edificios clásicos, en otras ocasiones, los libros de dibujos son entendidos como cuadernos de la memoria de viajes o estancias de formación en lugares como Roma o Nápoles, tan prioritarios en el siglo por excelencia del Grand Tour. También hay libros de dibujos que funcionan como una colección de diferentes proyectos y bocetos realizados por un mismo arquitecto a lo largo de sus años de actividad, añadiendo incluso dibujos de otros colegas cercanos o simplemente admirados.

En esta rica tipología de libros de dibujos que conserva la Biblioteca Nacional tampoco faltan los que resultan de la encuadernación de un proyecto concreto (plantas, alzados, secciones, detalles, etc.) o los que sirvieron para preparar ediciones de estampas de fiestas y otros acontecimientos efímeros, sin olvidar el género de los tratados de arquitectura y fortificación.

La cultura de los arquitectos del siglo XVIII, con un carácter general y muy amplio, está representada a lo largo de toda la exposición a través de instrumentos de dibujo y retratos grabados de los más relevantes arquitectos del momento, además de una pequeña biblioteca de los tratados y colecciones de estampas de arquitectura más usados en la época.

Dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII
Exposición en la Biblioteca Nacional de España
Del 18 de septiembre al 22 de noviembre de 2009

Tren Turístico del Alto Aller

16/09/2009, A partir del sábado 19 de septiembre, un nuevo tren turístico de Feve ofrece en una jornada los mejores recursos paisajísticos, culturales y gastronómicos del concejo de Aller, en Asturias.

Oviedo, septiembre de 2009

Dejarse seducir por la magia del paisaje es la clave para disfrutar plenamente del viaje a bordo de “El Tren del Alto Aller” que Feve pone en funcionamiento desde el 19 de septiembre. Se trata de un nuevo Tren Turístico que ofrece conocer en once horas de viaje los mejores recursos paisajísticos, culturales y gastronómicos del Concejo de Aller.

Un cóctel imponente de riqueza natural, histórica y artística, ribeteado de leyendas nacidas en sus frondosos bosques y sazonadas por el legendario espíritu minero.

“El Tren del Alto Aller” ofrece una excursión de un día en el Tren Costa Verde que va acompañado por un autocar que acercará a los pasajeros a los distintos puntos de interés del recorrido, así como un guía turístico que va explicando los distintos lugares incluidos en el programa del viaje: Las Foces del río Aller, los Castilletes Mineros, la Torre de Soto, la Ermita de la Virgen de Miravalles, un paseo por la Senda Verde Foyoso, o el Molín de Peón.

El programa incluye asímismo una comida típica de la zona con productos autóctonos.

El viaje comienza a las 9:30 hs en Oviedo desde donde El Tren del Alto Aller va recorriendo los valles de los ríos Nalón y Caudal pasando por Trubia, Soto de Ribera y Mieres hasta llegar al apeadero de Caborana donde esperan el autobús y el guía turístico.

A partir de ahí se ofrece un recorrido por varios Castilletes Mineros situados en Cabonara y Moreda hasta llegar a Santana desde donde se visitan La Torre de Soto (del siglo XI), La Ermita de la Virgen de Miravalles (del siglo XVIII), La Iglesia de San Vicente de Serrapio (de origen prerrománico y declarada Monumento Histórico Artístico) y Las Foces del Río Aller donde se realiza un paseo de media hora antes de la comida que se sirve en un restaurante típico de la zona.

Tras almorzar a base de pote asturiano, truchas del Alto Aller o caza autóctona, y “El Panchón” que es el postre típico del Concejo de Aller, el viaje continúa hacia Cuevas donde se visita la fábrica Miel Río Aller.

A continuación se recorre un tramo de la Senda Verde Foyoso y después se muestra el “laboratorio piscícola” de El Molín de Peón gestionado por la Asociación de Pescadores “El Maravayu” donde concluye la excursión. Tras esa visita se regresa a Moreda donde El Tren del Alto Aller parte a las 19:30 hs hacia Oviedo. Concluyen así once horas de puro espectáculo paisajístico en una zona de Asturias caracterizada por su impresionante patrimonio natural: picos de más de 2.000 metros de altura, verdes valles, bosques de castaños y hayas, y rica fauna con presencia de rebecos, venados y jabalíes.

El precio por persona es de 48 € (incluyendo el viaje, la comida, el autocar para los traslados y la guía turística), y es fruto de las colaboraciones del Principado de Asturias a través de su Consejería de Turismo, y del Municipio de Aller.

El Tren del Alto Aller tiene programados viajes los sábados de septiembre y los del mes de octubre con salidas a las 9:30 hs desde la estación de Oviedo y regresos a la misma estación a las 20:15 hs.

Las reservas se pueden realizar por teléfono en el 902.555.902, o a través de la web www.trenesturisticosdelnorte.com

Fotos de Robert Mapplethorpe

13/09/2009, El CAC Málaga presenta una selección de algo más de un centenar de fotografías en blanco y negro de la prolífica obra de Robert Mapplethorpe, cuando se cumplen 20 años de su fallecimiento.

Málaga, septiembre de 2009

Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946 – Boston, 1989) es autor de una obra en la que las fotografías muestran una cuidada conjunción de luz y el predominio del blanco y negro, dotándolas de una gran fuerza, que las convierten en perdurables en el tiempo 20 años después de que fueran captadas a través del objetivo de su cámara.

Son trabajos rebosantes de belleza que muestran su gran preocupación por la estética y que encumbran a Mapplethorpe como uno de los fotógrafos contemporáneos más notables del mundo.

Su infancia estuvo marcada por una fuerte educación católica. Estudió en el Pratt Institute de Brooklyn de 1963 a 1970 donde produjo obras inspiradas en diversas disciplinas artísticas y ya utilizaba imágenes fotográficas en sus composiciones, imágenes que extraía de revistas y libros.

MappIethorpe comenzó a realizar fotografías con una Polaroid. Sus primeras fueron autorretratos y una serie de retratos realizados a la cantante-artista-poeta Patti Smith, amiga y musa a lo largo de su vida, y cuyas fotografías son un testimonio de cariño y complicidad.

La obra de Robert Mapplethorpe ha estado marcada por la controversia; sus fotografías de la anatomía humana, las escenas sexuales y las imágenes de personalidades le valieron su reconocimiento como símbolo de la libertad artística y de la libre opción sexual en las décadas de los 70 y los 80. Fotógrafo de estudio, controlaba la técnica hasta la perfección de la imagen, desde su composición hasta la textura, la luz, las posturas de los cuerpos… sus fotografías podían catalogarse como esculturas y rompieron los prejuicios sociales de una época polemizando sobre el sexo, la raza y la religión.

A principios de los años 80, la obra de Mapplethorpe evoluciona hacia temas más formales y de belleza clásica. De esta época son sus trabajos con flores y esculturas, así como los retratos a celebridades que no dudaron en posar para un artista que entendía la fotografía de manera honesta y directa, y que se convertiría en todo un referente de la historia de la fotografía de finales del siglo XX. Lisa Lyon, primera campeona del mundo de culturismo en 1980, adoptó para la cámara de Mapplethorpe distintos roles y actitudes, y sus retratos son un exponente claro de este periodo.

La vida de Robert Mapplethorpe cambió radicalmente en septiembre de 1986 cuando le fue diagnosticado el virus del sida. A partir de ese momento su actividad se volvió incesante, sacaba fotografías a diario; muchos de los trabajos de este periodo son autorretratos, con los que el artista quería captar la decadencia de su enfermedad. El 27 de mayo de 1988, 10 meses antes de su fallecimiento, crea la Robert Mapplethorpe Foundation para favorecer el reconocimiento de la fotografía como disciplina artística, apoyar a los museos que promuevan la exposición de fotografías y alentar y financiar proyectos en la lucha contra el sida.

El 9 de marzo de 1989 fallece en Boston. Para entonces ya había recibido el reconocimiento de público y crítica en exposiciones llevadas a cabo en el Centro Georges Pompidou (Paris, 1983), Institute of Contemporary Arts (Londres, 1983), Whitney Museum of American Art (Nueva York, 1988) o la National Portrait Gallery (Londres, 1988), entre otros museos.

11 de septiembre - 15 noviembre 2009

Éxito en Paradores

08/09/2009, Buen balance de la Red de Paradores en este verano: buena ocupación media, crecen las plazas ocupadas y mejoran los datos de la restauración.

León, septiembre de 2009

El secreto de esta campaña; una activa política comercial para afrontar la crisis, y la oferta de unas promociones competitivas que han permitido incrementar los usuarios, tanto extranjeros como –sobre todo- españoles.

En el emblemático parador de San Marcos de León, joya del plateresco, Miguel Martínez, presidente de la Red, dio a conocer los números: la cadena vendió 275.704 habitaciones, 15.000 más que en 2008, y los clientes extranjeros crecieron en un 2,55% en tanto que los españoles un 11,40%

Crece el número de turistas alemanes, franceses, japoneses y estadounidenses y decrecen los visitantes llegados del Reino Unido. Mejora la venta de cubiertos que alcanzan los 514.054 y los desayunos que superan los 443.000.

También han influido en los resultados las aperturas (o reaperturas) de los establecimientos de Argómariz, en el País Vasco; Antequera, en Málaga, y el de Alcalá, Madrid.

Ha sido un buen verano para los 93 Paradores de Turismo de España. “Estamos satisfechos porque se demuestra que, en estos tiempos difíciles, la marca Paradores no sólo mantiene, sino que incrementa su prestigio y solidez dentro y fuera de nuestras fronteras”, dijo el presidente de Paradores, entidad que alcanzó en julio y agosto una ocupación total del 77,84%, dos puntos más que el pasado año.

En total fueron 296.204 clientes los que se alojaron entre julio y agosto en los 93 Paradores que tiene la Red. Eso supone 24.306 clientes más que el pasado año.

Estos datos, junto a los buenos resultados obtenidos en el área de restauración, han permitido a Paradores obtener unos ingresos de explotación de 58.627.204 euros, mejorando en medio punto los ingresos del pasado año.

Los cuatro paradores que han logrado un 100% de ocupación durante julio y agosto han sido los de Hondarribia, Gijón, Aiguablava y Mazagón. Muy cerca le siguen con ocupaciones superiores al 95% los establecimientos de Javea y Ribadeo.

Sin embargo también han sido muy demandados los paradores de montaña y los que se encuentran en lugares de alto interés históricoartístico. De ellos destacan, entre otros Bielsa, en el pirineo de Huesca, que rozó el 100% o los establecimientos de Soria, Puebla de Sanabria y Argómaniz que se situaron entre el 90 y el 95%.

Merece una mención especial los resultados cosechados por el parador de León, por ser el más grande de toda la Red de Paradores con sus más de 200 habitaciones. Este establecimiento ha alcanzado una media del 73,29%, diez puntos más que en el verano de 2008 donde se quedó en el 63,74%.

Junto a las Cataratas Victoria

07/09/2009, Sun International, uno de los grandes grupos hoteleros del sur de África nos propone un programa especial… en el hotel The Royal Livingstone.

Zambia, septiembre de 2009

Una sorpresa para los recién casados en un paraje idílico a orillas del río Zambezi, a escasos metros de una de las maravillas naturales del mundo, las Cataratas Victoria.

Bajo el cobijo del árbol centenario Monkey Tree, la pareja degustará un suculento menú “gourmet” que combina platos locales e internacionales con todo el sabor de las raíces africanas, preparados en exclusiva para ellos por el chef del hotel, Alexander Coupy.

A la luz de la luna y con el fluir de las aguas del río como sonido de fondo, The Royal Livingstone prepara para los enamorados una mesa adornada con un centro de flores de colores, en un ambiente íntimo en el jardín de la piscina, inundado de aromas e iluminado por velas y antorchas.

Desde los variados entrantes hasta los deliciosos postres, los comensales tendrán a su servicio a un camarero en exclusiva, que atenderá todos sus deseos y peticiones para que disfruten de una auténtica pasarela culinaria en una velada que jamás olvidarán.

El broche de oro perfecto en un hotel que ha sido elegido en varias ocasiones como uno de los mejores del mundo por prestigiosas revistas de viajes como “Conde Nast Traveler” o “Travel+Leisure”. Sus 17 lodges coloniales evocan grandes viajes del siglo XIX y cuentan con servicio de mayordomo.

Entre sus propuestas, las parejas podrán tomar un cóctel en la hermosa terraza de teka sobre el río o cenar a bordo de un tren restaurado de los años 20, mientras recorren la sabana zambiana. Además de disfrutar de un romántico crucero al atardecer en el barco African Queen mientras se admira una increíble puesta de sol o hacer un divertido safari a lomos de un elefante.

Sun International es uno de las principales grupos hoteleros en Sudáfrica, con 4 hoteles de lujo: The Table Bay en Ciudad del Cabo, The Palace, en el Sun City Resort, que en 2009 celebra su 30º aniversario; el Royal Swazi Spa Valley en Swazilandia y The Royal Livingstone, en Zambia, emplazado a tan solo unos pasos de las cataratas Victoria

www.suninternational.com

Fantin-Latour 1836-1904

07/09/2009, Del 29 de septiembre de 2009 al 10 de enero de 2010, el Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta Fantin-Latour 1836-1904, la primera gran exposición monográfica que se dedica en España al pintor francés.

Madrid, septiembre de 2009

Está organizada esta exposición en colaboración con la Fundaóao Calouste Gulbenkian de Lisboa donde pudo verse a lo largo del verano.

La muestra ofrece una amplia selección de su obra formada por 70 piezas, entre pinturas, dibujos y grabados, procedentes de museos e instituciones de todo el mundo.

Siguiendo la cronología de su producción a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX, la exposición muestra algunas de sus obras más destacadas que van desde retratos colectivos, de familiares o amigos, a interiores con figuras y naturalezas muertas de vocación realista, pasando por alegorías y fantasías musicales.

Discípulo de Courbet durante una breve temporada, compañero de Whistler y amigo de Monet y Degas, Henri Fantin-Latour (Grenoble, 1836 Ц Buré 1904) ocupa un lugar difícil de encajar en la historia de la pintura francesa de la segunda mitad del siglo XIX. Sus retratos de grupo, concebidos casi como manifiestos, harían pensar en un ferviente defensor de la renovación pictórica; sus bodegones, en un realista; y sus escenas mitológicas y alegóricas, en un hombre cercano al simbolismo academicista.

Su producción pictórica coincidió con el nacimiento y desarrollo del impresionismo, pero se negó a exponer en la primera muestra del grupo y no llegó nunca a participar en este movimiento como miembro activo, aún compartiendo con ellos muchas de sus aspiraciones estéticas.

Quizás por todo ello, la obra de Fantin-Latour ha sido menos estudiada y celebrada que la de sus colegas impresionistas y apenas se le han dedicado grandes exposiciones en las últimas décadas.

Esta retrospectiva, la primera que se exhibe en la Península Ibérica, busca reivindicar y difundir la figura y la obra de este autor francés, cuya producción artística ha podido quedar injustamente eclipsada y no ha logrado pasar a la historia del arte como uno de los grandes pioneros de la modernidad. Su ilustre contemporáneo, el escritor …mile Zola, dijo que sus lienzos "no provocan una atracción inmediata; es necesario observarlos detenidamente, introducirse en ellos para que su conciencia y la sencillez de su verdad nos atraigan completamente y nos atrapen".

…ste es el objetivo de la exposición, tratar de hacerle justicia y descubrir al público no sólo a un pintor exquisito, sobrio y elegante, sino también a un artista de gran calidad, lleno de matices y de una profunda sensibilidad. A ello responde igualmente la ambiciosa selección de obras realizada por Vincent Pomarиde, conservador del Museo del Louvre y comisario de la exposición, que se presentan con un doble criterio cronológico y temático a lo largo de diez capítulos:

1. Por sí mismo

Los autorretratos ocupan, sobre todo, los primeros años de la actividad de Fantin-Latour, constituyendo una práctica constante entre 1854 y 1861. Este ejercicio introspectivo, que recuerda a otros artistas como Rembrandt o Durero, dio lugar a unas 50 obras, entre pinturas, dibujos y grabados, que muestran la profunda investigación sobre la expresión de emociones que realizó el artista a partir de su propia imagen.

2. °Al Louvre!

La actividad de Fantin-Latour como copista estuvo motivada no sólo por una necesidad de subsistencia en los inicios de su carrera, sino que, como le ocurrió a otros pintores de su generación como Manet o Degas, también se reveló como un motivo preferencial de estudio, de interpretación y de creación. La presencia del artista llegó a ser casi cotidiana en el Museo del Louvre, donde ejecutó encargos de copias de grandes maestros, entre los que destacan Tiziano, Veronese, Rubens y Delacroix, su "maestro espiritual".

3. Retratos íntimos

En estos retratos, muchas veces femeninos, se respira silencio, contención o melancolía y se presenta un espacio de intimidad entre el pintor y el modelo. Estos lienzos incluyen los de su círculo familiar, como sus hermanas Marie y Nathalie, a las que representa con frecuencia, y los de algunas figuras célebres, como su amigo Manet, al que retrata con la sobriedad que le es característica cuando no está sujeto a los imperativos impuestos por obras de encargo.

4. Rosas blancas y ramas de azucenas

La representación de flores es un motivo que acompaña toda la obra de Fantin-Latour y podría decirse que es el género que mejor dominó. Especialmente aplaudido en Inglaterra, se caracteriza por la elaboración de composiciones equilibradas, elegantes y disciplinadas, construidas a través de una meticulosa asociación de formas y de colores. Esta dedicación casi exclusiva estuvo motivada en gran medida por razones comerciales, ya que, a partir de un determinado momento, dedicaba todos los veranos a pintar cuadros de flores que su marchante inglesa, Ruth Edwards, pasaba a recoger en octubre. Sin embargo, nunca se dejó arrastrar totalmente por los imperativos comerciales.

5. Estudios y lecturas

Estos retratos íntimos, que transmiten misterio y complicidad, se convierten en verdaderas escenas de género herederas de la austera tradición holandesa del Seiscientos. Son obras formalmente realistas, casi fotográficas, pero detrás de su aparente orden, esconden un inesperado desorden representado en la actitud de sus protagonistas, absortos y ensimismados, que parecen ocultar un misterio. Son, de alguna forma, sugestiones de sentimientos.

6. Las reuniones de amigos

Fantin-Latour fue autor de algunos de los más notables retratos colectivos de la historia de la pintura, retomando, a finales del siglo XIX, una lección de Rembrandt y de Frans Hals. Buena muestra de ello es el gran lienzo Un rincón demesa, cedido por el Musée dТOrsay de Paris y una de las cuatro grandes composiciones realizadas por el pintor como celebración de la pintura, la literatura y la música, y que son verdaderos manifiestos artísticos.

7. La música del futuro

Henri Fantin-Latour amaba la música casi tanto como la pintura. Lejos de suponer una competencia castradora, esta pasión enriqueció constantemente sus fuentes de inspiración pictórica, estableciendo una íntima relación entre ambas artes, imbuida aún de sentimientos románticos pero que ya anunciaba sus convicciones simbólicas. Estas "adaptaciones" musicales en pintura constituían el único tema pictórico susceptible de hacerle abandonar temporalmente los temas realistas para dedicarse a la creación de universos imaginarios, poéticos y totalmente originales. Schumann, Brahms, Berlioz y, sobre todo, Richard Wagner alimentaron esa inspiración.

8. Austeros y elegantes retratos de amigos

Si durante las dos primeras décadas de su carrera Fantin-Latour estudió su propia imagen y la de sus allegados, los retratos de las décadas siguientes muestran una nueva perspectiva más distante y de mayor maestría. En esta nueva etapa se encuentran los lienzos que reflejan a personajes de su círculo de amigos, entre los que se hallan los más conseguidos, aquellos en los que mejor sobresale su incomparable calidad de figuración realista. El Retrato de Mr. y Mrs Edwards (1875), gran difusor de su obra en Inglaterra, fue el primero en recibir públicos elogios durante su presentación y, junto a otros retratos de la década de 1880, como el de su cuñada Charlotte Dubourg y su amigo Léon Maоtre, se cuenta entre sus obras maestras.

9. Simbolismos

La obra de Fantin-Latour, inicialmente deudora del romanticismo, más tarde asociada al realismo y a los "pintores de la vida moderna", conoce, a partir de 1880, una aproximación a los primeros defensores del simbolismo. Al regresar a los "temas de imaginación" al final de su carrera, el pintor retomó su objetivo de contribuir a la "pintura del futuro", reivindicando, también él, a través de obras motivadas por temas religiosos, mitológicos y alegorías puras, la primacía del sueño en el arte.

10. Џltimos ramos

Las últimas representaciones de flores de Fantin-Latour, producidas a partir de 1876 en la casa de su mujer Victoria, en Buré, en la región francesa de Orne, se caracterizan por un distanciamiento de los modelos más elaborados de su juventud, influenciados por la pintura holandesa del siglo XVII. En estos últimos ramos, que representan en su mayoría variedades tradicionales de rosas, resulta evidente su preocupación por la simplicidad de la composición y el recogimiento,algo que también refleja su propio temperamento contemplativo.

HENRI FANTIN-LATOUR (1836 Ц 1904)

Hijo de Theodore Fantin, pintor y profesor de dibujo, Henri Fantin-Latour nació en Grenoble el 14 de enero de 1836. En 1841 su familia se trasladó a París y allí se formó como pintor, primero en el taller de Lecoq de Bosbaudran y después en la Escuela de Bellas Artes. También trabajó durante un mes en la "Escuela del Realismo" de Courbet pero, al parecer, sus enseñanzas las extrajo sobre todo del Louvre, donde realizó múltiples copias. En 1859 fue por primera vez a Inglaterra en compañía de Whistler. Volvería allí -donde encontró su mejor clientela- en 1861 y 1864. En 1863 participó en el Salón de los Rechazados y en 1864 expuso el Homenaje a Delacroix, primero de sus retratos de grupo con escritores, pintores y músicos. Pese a sus relaciones de amistad con los impresionistas, en 1874 se negaría a exponer con ellos en la primera muestra del grupo. Sus composiciones sobre temas musicales le relacionarían con las corrientes simbolistas. Retirado desde 1876 en su casa de campo de Buré(Orne), murió allí el 25 de agosto de 1904.

Y Sorolla vuelve a Valencia

06/09/2009, La muestra sobre Joaquin Sorolla en el Prado se clausura el domingo 13 de septiembre con un balance de 450.000 visitantes, lo que la situará como la exposición más visitada de la última década en este museo.

Madrid, septiembre de 2009

Dada la excepcional afluencia de visitantes, los organizadores han tenido que ampliar es sus ultimos días el horario de apertura hasta las 24h porque todas las entradas disponibles ya habían sido vendidas.

Se trata de la tercera iniciativa excepcional que se adopta durante el período de apertura de la muestra, todas ellas motivadas por la fuerte demanda de visita registrada desde su inicio. La inclusión del conjunto de las “Visiones de España” de Sorolla pintado para la Hispanic Society of America ha sido clave para esta gran acogida. A los que no han conseguido verlo le quedará uuna alternativa: a partir del 1 de octubre en Valencia, punto final de su itinerancia por la geografía española.

Evolución de las visitas

Las distintas novedades puestas en marcha por el Museo con motivo de esta exposición en atención a la gran demanda de visita generada desde su inicio han propiciado una distribución homogénea de sus 450.000 visitantes sin que se hayan dado apenas diferencias significativas entre el volumen de público semanal registrado a lo largo de todo su calendario de apertura, exceptuando únicamente el incremento de visitantes durante julio, agosto y, previsiblemente, septiembre, relacionado directamente con las distintas iniciativas de prolongación horaria adoptadas.

Por meses de apertura, la distribución de los 450.000 visitantes ha sido la siguiente: mayo, 25.922 visitantes; junio, 106.437 visitantes; julio, 126.280 visitantes; agosto, 130.383 visitantes; septiembre, 61.000 visitantes (dato previsto por número de entradas ya distribuidas más las nuevas entradas ofertadas).

Por semanas, el volumen de público registrado ha ascendido a 28.125 visitantes semanales. Por su parte, la iniciativa también pionera de bonificar con un descuento de un euro el coste de las entradas adquiridas por Internet o por teléfono ha cumplido su objetivo de fomento del uso de este servicio de venta anticipada. Casi un tercio del público de la exposición (alrededor de un 32%) ha elegido este sistema.

La reforma de la Hispanic Society de Nueva York ha sido un feliz evento para poder gozar en España de parte importante de la obra de Joaquín Sorolla, incluida la atesorada en Nueva York.

El pintor valenciano, que fue el más cotizado del mundo en algún momento de su vida, sigue siendo uno de los artistas más atractivos por su luminosidad, tal como han comprobado los visitantes en el Museo del Prado donde se presenta la gran antológica que se ha dedicado, donde están presentes más de un centenar de pinturas del artista, que ofrecen un ambicioso recorrido en el que se dan cita todas sus grandes obras maestras, incluido el conjunto de paneles de sus Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America y traídos a España con el apoyo de Bancaja.

Palladio y Richard Rogers

06/09/2009, CaixaForum, en su Centro Social del Paseo del Prado, Madrid, presenta una serie de iniciativas culturales para este otoño/invierno, entre las que figura una muestra sobre Palladio

Madrid, septiembre de 2009

El centro tiene desde el 9 de julio al 18 de octubre la muestra “De la casa, a la ciudad”. La exposición ilustra la fascinación de Richard Rogers, arquitecto británico, por el Movimiento Moderno a través de la concepción del edificio como máquina y de su interés por una arquitectura clara y transparente.

Esta muestra monográfica, comisariada por el propio Rogers y Ab Rogers –quien ha realizado también el diseño– que fue presentada en el Centro Pompidou de París coincidiendo con el 30 aniversario de su apertura, consiste en una revisión detallada de los trabajos de Richard Rogers, desde sus primeros años con Norman Foster en la década de los sesenta, con el diseño del Centro Georges Pompidou (1971-1977) y repasando los numerosos proyectos desarrollados a partir de 1977 hasta la actualidad desde el estudio de arquitectura Rogers Stirk Habour + Partners, ilustrados con todo tipo de materiales: maquetas, dibujos, fotografías, filmaciones o escritos del arquitecto.

Del 7 de octubre de 2009 al 17 de enero de 2010 estará abierta la exposición “Palladio, el Arquitecto”

Palladio ejerció la arquitectura como una profesión de importancia singular. Democratizó la arquitectura al reivindicar la supremacía de las estructuras domésticas, poniendo de manifiesto que cualquier edificio podía ser bello sin necesidad de utilizar materiales costosos.

Se cumplieron en 2008 500 años del nacimiento de Andrea di Pietro della Góndola (Padua 1508 - Vicenza 1580) a quien se ha conocido como Andrea Palladio, uno de los arquitectos más famosos e influyentes de la historia, que trabajó básicamente en Italia, Venecia y otros puntos del norte de la península, con una serie de edificios palaciegos y villas de aire clásico que han influido notablemente en las arquitecturas neoclasicistas.

A los trece años ya empezó a trabajar de aprendiz en el taller de un arquitectura y pronto fue escalando puestos tanto en lo social como en lo profesional.

El conde Trissino, que le ayudó a entablar una excelente relación en los círculos sociales y culturales de Italia, fue quien le puso el apellido de Palladio, en el que quiso aludir a Palas(Palas Atenea) protectora de las artes.

Vizenza, Venecia y otras ciudades tuvieron la suerte de contar con Palladio como autor de alguno de sus edificios urbanos, teatros, iglesias o villas campestres en la que dejó un diseño caracterizado por el equilibrio y la armonía.

Andrea Palladio también dejó unos escritos clásicos para el ámbito de su profesión: I libri dell'Architettura, de notable influencia posterior.

La arquitectura neoclásica de Inglaterra -influencia que luego pasaría a otros lugares entre ellos los Estados Unidos- bebió de las fuentes de Palladio y encontró en su arquitectura de unas líneas de sencillez, simetría y equilibrio.. Hasta la Casa Blanca tiene inspiración de este magnífico arquitecto

A través de más de 200 obras, esta exposición recorre la trayectoria profesional de Palladio, desde su época adolescente de cantero en Padua hasta los tiempos de intelectual y arquitecto reconocido. La exposición explora también la influencia que sus libros y edificios han venido ejerciendo en las posteriores generaciones de arquitectos, un interés que se prolonga hasta la actualidad tal como nos explican, en proyecciones audiovisuales, arquitectos como Arata Isozaki, David Chipperfield, Richard MacCormac, Toh Shimazaki o Jiménez Torrecillas entre otros.

Exposición organizada en colaboración con la Royal Academy of Arts, Londres, y el Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio, Vicenza, con la participación del Royal Institute of British Architects, Londres.

Otra iniciativa en torno a Hannah Collins, del 19 de noviembre de 2009 al 21 de febrero de 2010, reune tres films en pantalla múltiple de Hannah Collins y una serie de fotografías relacionadas.

La programación incluye conciertos y ciclos de conferencias como “En la frontera: Diálogos de un mundo que cambia”, otro sobre la Música y el Cine,, uno dedicado a Pensadores españoles y otro a Relñigiones del Mundo Antiguo

Una mina histórica: Llamas de Cabrera

06/09/2009, Entre las joyas de la minería que se conservan en el noroeste hispano, una de las cuales –las Médulas- ya ha entrado en el listado de Patrimonio Mundial de la UNESCO, figura otra mina de oro: la de Llamas de Cabrera

León, septiembre de 2009

Roberto Matías, ingeniero de minas que la descubrió hace siete años, afirma que es la más notable de las explotaciones subterráneas auríferas que pusieron en marcha los romanos. Se halla cerca de la localidad de Llamas de Cabrera, en el ayuntamiento de Benuza, dentro de una comarca occidental leonesa, La Cabrera, notablemente accidentada.

El hallazgo de este yacimiento tuvo lugar durante las actividades que desarrolla la asociación cultural leonesa Promonumenta para conservar limpios los canales de Las Médulas, en julio del 2002.

El complejo minero se llevó a cabo mediante técnicas de minería hidráulica superficial combinadas con importantes trabajos de minería subterránea.

Según Matías, el objetivo de estas antiguas labores mineras fue el oro presente en los filones de cuarzo de un yacimiento desconocido hasta esa fecha, tanto en el ámbito geológico como en el de la arqueología.

Por su importancia, el descubrimiento de esta importante mina de oro romana supuso un antes y un después en los conceptos sobre la historia de la minería romana del entorno.

La infraestructura hidráulica construida para el desarrollo de las explotaciones mineras de Llamas de Cabrera consta de más de 10 depósitos de almacenamiento y distribución de agua, además de seis canalizaciones propias, con más de 26 km de recorrido, de los que se ha efectuado el análisis detallado de la topografía y las características hidráulicas de los canales de abastecimiento con resultados sorprendentes en cuanto a los datos de nivelación y caudales aportados.

Las excavaciones a cielo abierto fueron realizadas mediante técnicas de minería hidráulica, aplicando directamente la fuerza del agua sobre derrubios de ladera, coluviones y la zona meteorizada de los filones de cuarzo aurífero.

Tan solo en la zona de “La Corta” se llegaron a mover más de 500.000 metros cúbicos de materiales auríferos.

Con posterioridad a los trabajos de superficie, en un amplio sector del yacimiento se realizaron más de 20 labores subterráneas que superan en muchos casos los 50 metros de profundidad, conformado un conjunto estructurado de pozos y galerías que se concentran principalmente en el paraje conocido como "La Casarina", en una ladera de la montaña a lo largo de 350 m de desnivel.

Tanto en los pozos inclinados como en las galerías transversales se conservan gran número de lucernarios, así como las huellas de los útiles metálicos utilizados para trabajar la roca, pudiéndose apreciar también en algunos puntos de estas galerías las cunetas de desagüe y el pulimento del suelo como consecuencia del tránsito de los mineros. No se han encontrado vestigios apreciables de otros trabajos de origen moderno.

Estas labores constituyen la principal evidencia al día de hoy de la utilización intensiva de minería subterránea en un yacimiento aurífero primario del territorio Astur durante la época romana.

Su excelente estado de conservación y el hecho excepcional de que, a diferencia con otras zonas mineras romanas, no se han realizado trabajos mineros en épocas posteriores, hacen de este complejo minero un lugar de referencia a nivel mundial sobre explotaciones subterráneas de minería aurífera romana, todavía no suficientemente investigado.

http://www.traianvs.net/textos/llamas.php

Frank Lloyd Wright

06/09/2009, Del 23 de octubre de 2009 al 14 de febrero de 2010, organizada por la Frank Lloyd Wright Foundation, la Solomon R.Guggenheim Foundation y el Museo Guggenheim Bilbao, tiene lugar en Bilbao la exposición dedicada a Frank Lloyd Wright

Bilbao, septiembre de 2009

Frank Lloyd Wright es la muestra más amplia y exhaustiva dedicada al arquitecto americano de todas las que se han celebrado hasta el momento en Europa, y presenta 63 proyectos visionarios del destacado arquitecto representados con cerca de 200 dibujos, originales, maquetas, nuevas e históricas, animaciones digitales, y otros contenidos que podrán contemplarse en el icónico edificio de Frank Gehry.

La exposición Frank Lloyd Wright, ha sido diseñada para conmemorar el 50 aniversario del magnífico edificio que alberga el Museo Guggenheim de Nueva York, obra maestra del arquitecto norteamericano.

En la presentación de la muestra se destaca el hecho de que un museo emblemático como éste de Bilbao, obra capital del también genial arquitecto Frank Gehry, acoja esta exposición sobre Wright supone devolver de alguna forma la muestra sobre Gehry que se pudo ver hace unos años en el Guggenheim de Nueva York, completando así un diálogo irrepetible en ambas direcciones —como contenidos y como continentes— de dos de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Desde dentro hacia fuera

Frank Lloyd Wright pone de manifiesto las pioneras aportaciones de Wright a la redefinición del espacio arquitectónico, subrayando la importancia del espacio interior de los edificios sobre la configuración y el planteamiento de su estructura exterior, lo cual constituyó un tema central en su obra.

Pocos diseños en la obra de Wright ilustran tan bien el concepto de diseñar “de dentro afuera” como el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, en el que la forma interior modela el exterior del edificio.

Cuando abrió sus puertas el 21 de octubre de 1959, el museo suscitó tanto críticas como admiración, pero lo que era incuestionable es que Wright había reinventado el concepto de Museo de Arte.

A lo largo de una extensa carrer de más de 70 años, Frank Lloyd Wright (1867–1959), que falleció sólo seis meses antes de la inauguración del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, trabajó de manera libre, con un estilo único y personal alejado de sus contemporáneos, lo que le permitió desarrollar un nuevo sentido de la arquitectura, que ha servido de influencia para muchas generaciones de arquitectos, en el que la forma del edificio quedaba supeditada a la función para la que éste era concebido.

En sus primeros proyectos, como el Edificio de oficinas Larkin Company (Búfalo, Nueva York, 1902– 06) y el Templo Unitario (Oak Park, Illinois, 1905–08), Wright deconstruyó las habituales formas cuadrangulares utilizadas por sus contemporáneos europeos, eliminó las esquinas y levantó paredes a modo de ligeras mamparas que únicamente delimitaban los sosegados espacios interiores. La arquitectura de Wright es una traslación de su concepción de la sociedad al lenguaje espacial; puede ser comprendida de manera intuitiva y mejorar la experiencia cotidiana. Si bien la gran belleza de sus obras ha llevado a otras personas a seguir desarrollando este lenguaje.

Alcance de la muestra

A lo largo de toda la segunda planta del Museo Guggenheim Bilbao Frank Lloyd Wright plantea un recorrido prácticamente cronológico por los proyectos más destacados de la producción del arquitecto.

La exposición comienza con una sala dedicada a los diseños de las dos viviendas del propio Frank Lloyd Wright, Taliesin y Taliesin Oeste en Spring Green, Wisconsin y Scottsdale, Arizona, respectivamente, utilizados hoy día como campus de la Escuela de Arquitectura Frank Lloyd Wright. Esta galería acoge, además, un original telón de 1952 procedente del Teatro Hillside de Taliesin, cuyo diseño evoca el paisaje del Wisconsin natal de Wright.

La muestra prosigue con una visión general y cronológica de su obra, en las denominadas salas clásicas, en la que no faltan algunos de los diseños más celebrados llevados a cabo por el arquitecto como el demolido Edificio de oficinas Larkin Company; el Templo Unitario; el Mirador y Planetario Gordon Strong (Sugarloaf Mountain, Maryland, 1924), que no se llegó a construir; el Edificio de oficinas y Torre de Investigación S.C. Johnson & Son, Inc., (Racine, Wisconsin, 1936–50); la Universidad del Sur de Florida (Lakeland, Florida, 1945); la Casa de Reuniones de la Primera Sociedad Unitaria (Shorewood Hills, Wisconsin, 1946–52), el Club deportivo / Área de Recreo Huntington Hartford (Hollywood, California, 1947), que tampoco se llevó a cabo; la Sinagoga Beth Sholom (Elkins Park, Pensilvania, 1953–59), o el Centro Cívico Marin County (San Rafael, California, 1957-62), entre otros.

Frank Lloyd Wright también dedica una sala a la visión que tenía el arquitecto de los proyectos residenciales y de viviendas, como su célebre Casa de la Cascada (Mill Run, Pensilvania , 1934–37) o las dos viviendas que realizó para Herbert Jacobs; mientras que otro de los sinuosos y amplios espacios creados por Gehry muestra la visión ideal que tenía Wright de la ciudad y el medio urbano por medio de sus proyectos urbanísticos, como la nunca construida Living City, en la que arquitectura y naturaleza se integran en entornos naturales espaciosos y abiertos.

En esta galería se presenta también el proyecto que Wright llevó a cabo para la ciudad de Bagdad en 1957, uno de los últimos diseños que realizaría. Otros proyectos urbanos que se exhiben en esta muestra y no llegaron a realizarse son Crystal City (Washington, D.C., 1940) o el Centro Cívico Pittsburgh Point Park (Pittsburgh, Pensilvania, 1947).

Por último, el Museo Guggenheim Bilbao dedica una galería en exclusiva a una de las obras cumbre del genial arquitecto: el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, 1943–59).

Australia y los elementos

06/09/2009, Turismo de Australia propone algunas ideas exóticas para atraer viajeros a este territorio isleño

Australia, septiembre de 2009

Este pequeño continente, de 7.686.850 kilómetros cuadrados, poblado por unos 20 millones de habitantes posee una gran diversidad de costas y un interior en su mayor parte poco habitado.

Turismo de Australia presenta una promoción “romántica” diseñada sobre los cuatro elementos: Tierra. Fuego, Agua y Aire.

FUEGO

La exclusiva cena Flames of the Forest en un bosque pluvial

Situado en el bosque pluvial de Daintree, que ostenta el título de Patrimonio Mundial, Flames of the Forest combina una romántica experiencia gastronómica sin igual con un viaje ancestral. La magia se siente cenando entre la luz de cientos de velas que iluminan una antigua selva de árboles.

La "Escalera a la luna" en Cable Beach

Pasear sobre un majestuoso camello y ver el sol cayendo sobre Cable Beach, en Broome. En este mágico momento se produce el fenómeno natural llamado la "Escalera a la luna", cuando la luna llena se refleja en las marismas expuestas tras la marea baja, y se crea la bella ilusión óptica de unas escaleras que suben a la luna.

TIERRA

Shopping de diamantes por el Outback

Dicen que los diamantes son los mejores amigos de la mujer y símbolo del compromiso y el romance. En Argyle Diamonds se pueden conseguir diamantes rosados, los más raros y exclusivos, para un alguien único y especial.

Recorrer los viñedos de Barossa Valley en limusina

Adentrarse en una exclusiva limusina vintage por los viñedos de las famosas bodegas de Barossa Valley, y almorzar entre los viñedos, degustando los famosos caldos de la región y sus delicias culinarias.

AGUA

Relajarse en un spa de los manantiales de Daylesford

A poca distancia en coche de Melbourne, se halla la ciudad de Daylesford entre impresionantes paisajes, maravillas históricas y un sinfín de manantiales de aguas minerales naturales. Descansar unos días en alguno de sus bellos spas es un bálsamo para el cuerpo y la mente.

Tomar el sol sobre la arena más blanca del mundo

La arena más blanca del mundo está en la idílica playa de Hyam, en la costa sureña de Nueva Gales del Sur, según el Libro Guiness de los Récords. Es el destino ideal para parejas que desean escapar de un agitado estilo de vida y disfrutar de la intimidad que ofrece este especial lugar.

AIRE

Divisar desde el cielo Heart Reef

Heart Reef, junto a las islas Whitsunday, es un bello arrecife de coral cuya caprichosa forma natural es un corazón. Sobrevolarlo ha provocado un sinfín de propuestas de matrimonio en la historia. El culmen del romanticismo es observar a vista de pájaro estas maravillosas islas en helicóptero privado y aterrizar en una isla desierta para deleitarse con un almuerzo gourmet brindando con champán.

El Outback desde un globo aerostático

Recorrer el cielo en un globo al amanecer sobre el agreste y espectacular paisaje del centro rojo australiano. Es una experiencia sin igual divisar a los canguros desde las alturas y a las águilas en el cielo, mientras se sobrevuelan los picos de las ancestrales cordilleras MacDonnell, en el corazón de Australia.

Greenpeace estudia en Groenlandia los impactos del cambio climático

23/08/2009, Greenpeace está realizando una campaña en el Ártico desde principios de verano, para estudiar el cambio climático.

Los equipos trabajan ahora a bordo del barco rompehielos de la organización ecologista, Arctic Sunrise, sobre los impactos del cambio, durante su navegación por el fiordo de Sermilik, en Groenlandia.

Desde que la expedición comenzó el pasado mes de junio, los científicos que acompañan a Greenpeace en el Ártico han llegado a la conclusión del posible colapso del glaciar Petermann, uno de los más grandes del mundo. Debido a las elevadas temperaturas, podría fragmentarse, lo que dejaría a la deriva una superficie helada equivalente a la isla de Manhattan.

Greenpeace recuerda que una subida de la temperatura media global por encima de 2 grados Celsius supone el riesgo de que se deshiele gran parte de las zonas permanentemente heladas como Groenlandia, cuyo deshielo haría subir el nivel medio mundial del mar 7 metros.

“Los impactos del cambio climático van a una velocidad de vértigo”, dice Raquel Montón, responsable de la campaña de Cambio climático y Energía de Greenpeace. “Los gobiernos del mundo deben acordar reducir las emisiones de CO2 que lo provocan a la misma velocidad”.

Un equipo de Greenpeace España está en la expedición: con él, el diputado y secretario de Medio Ambiente y Desarrollo Rural del PSOE, Hugo Morán, que podrá comprobar in situ las consecuencias de las políticas que se están llevando a cabo en materia energética y de medio ambiente.

En este sentido, Greenpeace ha apelado a la responsabilidad del presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero, para que personalmente acuda a la cumbre climática de Copenhague y apoye un acuerdo que contemple para 2020 reducciones de las emisiones de gases de efecto invernadero de los países desarrollados del 40%, respecto a 1990, así como la financiación a los países en desarrollo para que sean capaces de combatir el cambio climático y detener la deforestación en el Amazonas, el Congo e Indonesia para 2015.

En el equipo de Greenpeace están, durante la primera quincena de agosto, los doctores Arne Sorensen y Jason Box, y el explorador experto en glaciares, Eric Philips. Durante la segunda quincena de agosto, los equipos científicos de la Dra. Fiamma Staneo -que está elaborando un estudio oceanográfico del fiordo de Sermilik e investigando la llegada de aguas subtropicales cálidas a Groenlandia- y del Dr. Gordon Hamilton -que está estudiando el glaciar Helheim, al noroeste del fiordo de Sermilik.

Más Sorolla

09/08/2009, El gran éxito de público de la exposición en El Prado, visitada ya por 250.000 personas, ha propiciado la prorroga de la exposición sobre Sorolla, hasta el 13 de septiembre.

Madrid, agosto 2009

El museo del Prado ha adoptado esta decisión de común acuerdo con Bancaja, en su calidad tanto de entidad patrocinadora de la exposición, como de prestadora de una de las grandes obras maestras presentes en la misma, Triste herencia, además de promotora de la exhibición en España de los catorce monumentales paneles de la Hispanic Society of America, Visiones de España.

Estas obras culminarán su itinerancia en Valencia inmediatamente después de su paso por el Prado.

El pintor valenciano, que fue el más cotizado del mundo en algún momento de su vida, sigue siendo uno de los artistas más atractivos por su luminosidad, tal como los gozan los visitantes que acuden al Museo del Prado donde se presentará desde de mayo la mayor antológica que se ha dedicado nunca a Joaquín Sorolla.

En la muestra estan presentes más de un centenar de pinturas del artista, que ofrecen un ambicioso recorrido en el que se dan cita todas sus grandes obras maestras, incluido el conjunto de paneles de sus Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America y traídos a España con el apoyo de Bancaja.

La exposición “Joaquín Sorolla (1863-1923)” ofrece, del 26 de mayo al 13 de septiembre de 2009 la oportunidad de contemplar reunidas más de un centenar pinturas del gran maestro valenciano que permiten presentar el recorrido más ambicioso trazado hasta ahora sobre lo mejor de su producción.

Entre los 102 lienzos reunidos, procedentes de museos y colecciones de todo el mundo, estan presentes todas las obras maestras del artista y aquellas que más fama le dieron, como La vuelta de la pesca (1894), procedente del Musée d’Orsay de París: Cosiendo la vela (1896), de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venecia; ¡Triste herencia! (1899) de la Colección Bancaja; Sol de la tarde (1903) de la Hispanic Society of America de Nueva York, obra que regresa por primera vez a España con motivo de esta exposición desde que fuera vendida a Nueva York por el propio artista; El fotógrafo Christian Franzen (1903) de la Colección Lorenzana; o Desnudo de Mujer (1902) y El bote blanco. Jávea (1905), ambas de colección particular.

La selección incluye también los cuadros de su producción conservados en el propio Museo del Prado, entre los que se incluyen ¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894) o Chicos en la playa (1909), y un gran número de obras del Museo Sorolla de Madrid, como El baño del caballo (1909), Paseo a la orilla del mar (1909) o La bata rosa (1916), entre otras.

Además, la muestra cuenta también con el deslumbrante de los catorce monumentales paneles de las Visiones de España pintados por Sorolla para la Hispanic Society of America de Nueva York, desde donde han viajado por vez primera en su historia para su exhibición en España. Recorrido de la exposición

El recorrido de la exposición, fundamentalmente cronológico, se estructura en varios ámbitos que ponen de relieve la importancia que adquirieron las distintas temáticas en cada período de la carrera del artista.

En un espacio se reunen los cuadros de pintura social que le dieron su primera fama en las últimas décadas del siglo XIX. A continuación, un amplio conjunto de retratos y un desnudo ponen de manifiesto la profunda influencia de Velázquez en sus composiciones durante los primeros años del siglo XX.

En otro ámbito se exhiben sus mejores escenas de playa, pintadas en 1908 y 1909.

Debido a su particular significación y gran formato, los catorce paneles de las Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America ocupan una sala completa de las cuatro en las que se presenta la exposición.

Este espectacular conjunto constituye el más fastuoso proyecto decorativo de la fecundísima carrera de Sorolla, además del verdadero epílogo y síntesis de toda su producción.

La muestra concluye con la pintura de paisaje.

Del Rin a Santa Fe

09/08/2009, El primer documento escrito de la historia de América –las Capitulaciones de Santa Fe(Granada)- ha entrado a formar parte de los documentos llamados Memoria del Mundo.

Barbados, agosto de 2009

Junto a el, otra gavilla de textos han pasado a tener esa consideración, entre ellos la leyenda medieval de los Nibelungos, el Diario de Ana Frank y el Registro de esclavos del Caribe británico (1817-1834).

El Comité Asesor Internacional del Programa "Memoria del Mundo" de la UNESCO, a propuesta de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura, acordó incluir las "Capitulaciones del Almirante don Cristóbal Colón" (1492) -conocidas popularmente como "Capitulaciones de Santa Fe"-, junto a otros treinta y dos documentos y archivos como integrantes del "Registro Memoria del Mundo", destinado a la preservación y difusión de los testimonios documentales de excepcional valor y relevancia del Patrimonio Documental Mundial.

El documento, suscrito el 17 de abril de 1492 entre Fernando de Aragón e Isabel de Castilla y el navegante genovés Cristóbal Colón en el campamento militar ubicado en las proximidades de Granada, constituye uno de los documentos de la serie de acuerdos y capitulaciones suscritos por los monarcas hispanos en la localidad granadina de Santa Fe de la Vega (Granada) entre los años 1491 y 1492, entre los que sobresalen los establecidos con el monarca nazarí Boabdil el Chico (Muhammad XI) para la entrega y capitulación de Granada y el documento suscrito con Colón, considerado por algunos especialistas como el primer documento escrito de la Historia de América.

En los capítulos de las "Capitulaciones de Santa Fe" de 1492 se establecieron las condiciones con las que partirá Colón en el viaje que supuso el descubrimiento de América. El texto del documento original se conoce a través de la copia coetánea del Registro de Cancillería de los monarcas aragoneses, conservada actualmente en el Archivo de la Corona de Aragón, en Barcelona, y diversas copias notariales custodiadas en la Sección Patronato Real del Archivo General de Indias, en Sevilla. Además, se conoce también el texto a través de la carta de confirmación de las "Capitulaciones de Santa Fe", suscrita por los Reyes Católicos en Burgos el 23 de abril de 1497, documento del que hay constancia en el Registro General del Sello de la Cancillería castellana en el Archivo General de Simancas (Valladolid), así como también en el Archivo General de Indias, en Sevilla.

El Director General de la UNESCO, Koichiro Matsuura, anunció la aprobación de las inscripciones de esos archivos y documentos, recomendadas por un grupo de expertos, después de la clausura de la reunión del Comité Consultivo Internacional del Programa Memoria del Mundo, que se reunió del 29 al 31 de julio en Bridgetown (Barbados).

En el Registro "Memoria del Mundo" se consignan todas las obras y colecciones del patrimonio documental mundial aprobadas por el Director General de la UNESCO a propuesta del Comité Consultivo Internacional. Este Comité selecciona los archivos y documentos que cumplen con criterios basados en el interés cultural que puedan ofrecer al conjunto de la humanidad.

Las nuevas inscripciones en el Registro "Memoria del Mundo":

El Cantar de los Nibelungos, poema épico de la Europa medieval (Alemania): El Nibelungenlied (Cantar de los Nibelungos) es sin duda el poema épico más famoso escrito en alto alemán medio. Es comparable a epopeyas célebres como la de Gilgamesh (Babilonia), el Mahabharata (India) o el Heike Monogatari (Japón). En este cantar se narra la historia de Sigfrido, el vencedor del dragón, desde su infancia y sus desposorios con Krimilda hasta su asesinato y la subsiguiente venganza de su esposa, que culmina con el exterminio de los burgundos o nibelungos en la corte de Atila, rey de los hunos.

El Catecismo Corticu Ц Primer catecismo escrito en papiamento (Antillas Neerlandesas): El papiamento es una lengua criolla cuyo léxico emana del portugués, el español e idiomas africanos, entre otros. Es hablada actualmente por unos 250.000 habitantes de las Antillas Neerlandesas, pertenecientes a toda clase de medios sociales, razas y etnias. Las traducciones del catecismo de la Iglesia Católica al Papiamento efectuadas en 1826 y 1837 tuvieron una importante repercusión en la historia de las llamadas Islas ABC (Aruba, Bonaire y Curazao). Ese catecismo es el libro impreso más antiguo subsistente en papiamento y su publicación marcó un hito en la evolución de esta lengua, contribuyendo a transformarla de habla popular en lenguaje oficial de las tres islas.

Manifiesto del Partido Laborista de Queensland a la población de Queesland de 1892 (Australia): Este manifiesto es una de las bases documentales sobre las que se desarrolló el movimiento laborista en Queensland y en Australia, y puede describirse como uno de los documentos fundadores del Partido Laborista Australiano. Recoge los problemas del partido, en particular con la clase dirigente de la época, que el laborismo consideraba contraria a unas condiciones de trabajo mejores y a una mayor prosperidad económica.

Diario de Farquharson (Bahamas): Se trata del diario manuscrito de Charles Farquharson, propietario de la plantación de algodón de Prospect Hill, situada al este de la Isla Watlings, bautizada actualmente con el nombre de San Salvador. Este documento, escrito día a día desde el 1Ї de enero de 1831 hasta el 31 de diciembre de 1832, ofrece una descripción única en su género de la vida en una plantación.

Registro de esclavos del Caribe británico (1817-1834) (Bahamas, Belice, Dominica, Jamaica, Reino Unido, Saint Kitts y Nevis, y Trinidad y Tobago): Este registro se ideó para controlar la importación ilegal de esclavos al Caribe, después de que la Gran Bretaña aboliera en 1807 la trata de esclavos africanos en las Antillas. Entre los siglos XV y XIX los africanos reducidos a la esclavitud constituyeron la gran mayoría de los emigrantes que cruzaron el Atlántico y la trata de esclavos transatlántica sigue constituyendo, todavía hoy en día, un tema delicado por sus múltiples implicaciones de índole ética.

Archivos de la Federación de las Indias Occidentales (Barbados): La Federación de las Indias Occidentales (1958-1962), agrupación de diez territorios de las Antillas de habla inglesa, marcó el principio de la nueva era de descolonización posterior a la Segunda Guerra Mundial en esta región. La historia de las Indias Occidentales está indisolublemente unida a la de otras ex colonias británicas. Los documentos relativos a la Federación son de gran importancia internacional, en la medida en que muestran la conexión reciproca entre las ex colonias e ilustran uno de los periodos decisivos del siglo XX, cuando los territorios sujetos al régimen colonial británico empezaron a mostrar su fuerza política y a tratar de convertirse en Estados-naciones dotados de gobiernos independientes.

Colección Nita Barrow (Barbados): Este vasto fondo documental ilustra la vida y la época de Ruth Nita Barrow (1916-1995), enfermera, educadora, diplomática y feminista. Contiene documentos relativos a acontecimientos mundiales tan diversos como la Revolución Cubana, la caída del Muro de Berlín y el régimen del apartheid en Sudáfrica. En su condición de presidenta de la Asociación de Jóvenes Cristianas Ц YWCA (1975-1983), del Consejo Mundial de Iglesias Ц CMI (1983-1991) y del Consejo Internacional de Educación de Adultos Ц CIEA (1989-1990), Nita Barrow estuvo vinculada directa o indirectamente a todos esos acontecimientos.

Archivos de los Radziwill y colección de la Biblioteca de Niasvizh (Nieswiez) (Belarrús, Federación de Rusia, Finlandia, Lituania, Polonia y Ucrania): Esta colección fue constituida entre los siglos XV y XX por miembros de la familia Radziwill, una de las familias aristocráticas más eminentes del Gran Ducado de Lituania y de la Mancomunidad Polaco-Lituana. Muchas personas de esta familia ostentaron cargos oficiales muy encumbrados y desempeñaron un papel importante en la historia del Reino de Prusia, del Imperio Ruso y de la República Polaca. De hecho, los archivos de los Radziwill fueron los archivos oficiales del Gran Ducado de Lituania y contienen tanto documentos de Estado y tratados internacionales como correspondencia privada de la familia.

Archivos de la "Boedelskamer" de Amberes (Bélgica): Los archivos de la "Boeldelskamer" (Cámara de Fondos Insolventes o Cámara de Quiebras) de Amberes contribuyen a la comprensión de las relaciones e interacciones internacionales en la Edad Moderna (1500-1800). Contienen información sobre decenas de firmas importantes de esta ciudad belga con sucursales en toda Europa y, además, ofrecen una visión excepcional de las relaciones comerciales con algunos países como China y Brasil. Estos archivos permiten el estudio de una vasta gama de temas económicos, desde la contabilidad hasta las distintas clases de comercio y seguros.

Archivos del Museo del Genocidio de Tuol Sleng (Camboya): Estos archivos contienen los documentos y fotografías del Museo del Genocidio instalado en Tuol Sleng, la tristemente célebre "Cárcel S-21". Esta prisión fue el centro de interrogatorio y detención de más 15.000 personas, de las que sólo sobrevivió un puñado. Los archivos poseen fotografías de más 5.000 presos y numerosos documentos con sus "confesiones", muchas de ellas arrancadas por medio de la tortura. También cuentan con fichas biográficas de reclusos, guardianes y funcionarios del aparato de seguridad estatal.

"Vecinos", de Norman McLaren (Canadá): Norman McLaren es uno de los artistas más importantes de la historia de la animación. Su archivo consiste en 82 películas y 52 fragmentos de prueba realizados entre 1933 y 1985, época durante la cual McLaren realizó un trabajo constante de investigación y experimentación.

Negativos originales del Noticiero ICAIC Latinoamericano (Cuba): Los noticieros cinematográficos latinoamericanos del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) se produjeron cada semana durante treinta años (1960-1990). Son documentos históricos únicos en su género porque muestran las guerras de independencia de muchas colonias africanas y otros eventos internacionales de ese periodo, ilustrativos de la creciente bipolarización del mundo. Estos noticieros constituyen el archivo cinematográfico más exhaustivo de la historia de la Revolución Cubana, pero su alcance internacional les hace cobrar también una importancia mundial.

La Colección Arnamagneana de manuscritos (Dinamarca e Islandia): El erudito y coleccionista de antigíedades Ѕrni Magnússon (Arnas Magnéus), que vivió entre 1663 y 1730, dedicó gran parte de su vida a constituir una colección de manuscritos tempranos escandinavos, que hoy se considera la más importante del mundo. La colección consta de unos 3.000 ejemplares. Los más antiguos datan del siglo XII y todos ellos constituyen fuentes documentales inestimables de la Edad Media, el Renacimiento y los primeros tiempos de la Edad Moderna en Escandinavia y gran parte de Europa. En la colección figuran numerosos manuscritos con sagas, narraciones medievales islandesas en prosa, célebres en el mundo entero, que todavía se siguen leyendo y traduciendo a otros idiomas en nuestros días.

Capitulaciones de Santa Fe (España): Las Capitulaciones de Santa Fe figuran en un documento de la Real Cancillería de los monarcas de Aragón. Consignan los acuerdos que suscribió el 17 de abril de 1492 el navegante Cristóbal Colón con el rey Fernando II de Aragón y la reina Isabel I de Castilla en la localidad de Santa Fe de la Vega, pocos meses después de la toma de Granada. En las Capitulaciones se establecen las condiciones del primer viaje de Colón, que condujo al descubrimiento de América por parte de los europeos en ese mismo año. Se puede considerar que éste es el primer documento escrito de la historia de América.

Colección de filmes y vídeos de John Marshall sobre los bosquimanos ju/'hoansi (1950-2000) (Estados Unidos de América): Esta colección de filmes y vídeos, conservada en los Archivos Cinematográficos de Estudios Humanos del Instituto Smithsoniano, es fruto de uno de los proyectos de antropología visual más importantes del siglo XX. Ofrece una documentación, única en su género, sobre más de medio siglo de la historia del grupo cultural africano de los ju/Тhoansi, pobladores del desierto del Kalahari, al nordeste de Namibia. La colección constituye un fondo documental histórico sin precedentes sobre las costumbres tradicionales de un pueblo indígena y sus vínculos con la tierra natal, así como sobre la transformación de su modo de vida por la rápida evolución política y económica ocurrida durante la lucha de Namibia por su independencia.

La Cadena Báltica Ц Cadena humana entre tres Estados en su lucha por la libertad (Estonia, Letonia y Lituania): Documentos relativos a la larga cadena humana de 600 kilómetros formada por los habitantes de los tres Estados bálticos el 23 de agosto de 1989, fecha conmemorativa del quincuagésimo aniversario de la firma del Pacto de No Agresión Germano-Soviético y de su protocolo adicional secreto. Esa cadena constituyó una manifestación pacífica excepcional que unió a los tres países en su lucha por la libertad.

Biblioteca de la abadía cisterciense de Clairvaux en la época de Pierre de Virey (1472) (Francia): La biblioteca de Clairvaux posee una de las colecciones de manuscritos más vastas de toda la cristiandad occidental. Esta colección fue objeto de un inventario realizado bajo la dirección del abad Pierre de Virey en 1472. En esa época, la biblioteca del monasterio poseía 1.790 manuscritos, de los cuales se conservan 1.115 actualmente. Por el volumen de sus fondos y el excelente estado de conservación de los manuscritos, la biblioteca medieval del monasterio de Clairvaux es hoy en día la más importante de Francia.

János Bolyai: "Appendix, scientiam spatii absolute veram exhibens". Maros-Vásárhelyini, (1832) (Hungría): Durante más de 2.000 años, muchos de los mejores matemáticos del mundo trataron de probar el postulado o axioma de las paralelas de Euclides. János Bolyai estableció por completo nuevas bases para resolver el problema, inventando la geometría absoluta o neutral, que es independiente del paralelismo. Bolyai fue el padre de la geometría no euclidiana, enunciada clara e impecablemente en su Appendix. Su descubrimiento no sólo fomentó la invención de nuevos conceptos espaciales de importancia fundamental para la física moderna, sino que impulsó la evolución del pensamiento matemático contemporáneo. El ejemplar del Appendix inscrito en el Registro "Memoria del Mundo" perteneció en vida a su autor y cuenta con notas, carátulas, cifras e imágenes manuscritas del autor y de su padre, Farkas Bolyai.

Archivo Csoma de la biblioteca de la Academia de Ciencias de Hungría (Hungría): El erudito húngaro Alexander Csoma de Korцs (circa 1784-1842) fue el primer europeo que efectuó una interpretación del patrimonio cultural del pueblo tibetano. Fue el compilador del primer diccionario tibetano-inglés de valor científico, así como de una gramática de la lengua tibetana (1834), y sentó las bases de los estudios occidentales sobre el Tíbet.

Documentos administrativos de Astan-e Quds Razavi en la Era Safávida (República Islámica del Irán): Esta colección reúne documentos de las organizaciones caritativas Astan Quds Razavi que suman unas 69.000 páginas. Producidos entre 1589 y 1735, esos documentos se refieren a una vasta zona geográfica que abarca tanto el Irán Цen particular, la provincia de JorasánЦ como el Afganistán. Contienen información sobre temas administrativos, sociales, económicos, agrarios, religiosos y de otro tipo, proporcionado a los estudiosos una visión de lo que fueron la ciudad de Mashhad y la vida de la gente en la época de la dinastía de los Safávidas.

Archivos Reales (1824-1897) (Madagascar): Además de los archivos reales propiamente dichos, el fondo de esta colección de documentos está integrado por publicaciones antiguas, registros de los "sakaizambohitra" (jefes de aldea) y documentación de los registros civiles. Este fondo documental es un elemento clave de la creación de la identidad nacional. Cuenta con documentos escritos procedentes de la recuperación de archivos de eminentes personalidades del Reino de Madagascar que se llevó a cabo en 1895, en las postrimerías del reinado de Ranavalona III.

Batu Bersurat de Terengganu (Piedra con inscripciones de Terengganu) (Malasia): Esta piedra con inscripciones, hallada en Terengganu, constituye la prueba más antigua del uso de la escritura jawi Цbasada en el alfabeto árabeЦ en el mundo musulmán malayo de Asia del Sudeste. La piedra atestigua la difusión del Islam, proporciona una visión de la vida de la gente de la época y describe el desarrollo de la cultura islámica sujeto a un conjunto de normas religiosas.

Colección del Centro de Documentación e Investigación de la Comunidad Ashkenazi de México (siglos XVI-XX) (México): Esta colección consta de 16.000 volúmenes escritos en su mayoría en yiddish y hebreo. También posee obras relativas a la cultura ashkenazi redactadas en húngaro, lituano, polaco, ruso y otros idiomas. Gracias a este fondo documental se conserva y se da a conocer una cultura judía europea prácticamente desparecida en la época nazi. El fondo salvaguarda también la memoria de la comunidad judía emigrada a México desde Europa Central y Oriental.

Diario de Ana Frank (Países Bajos): Este diario narra la vida cotidiana en los Países Bajos durante la Segunda Guerra Mundial, vista por una adolescente judía, y muestra las repercusiones de la ocupación nazi. El diario describe la vida de la autora y de su familia, así como la de otras cuatro personas judías, durante el periodo en que vivieron escondidas para evitar la persecución de los nazis, antes de que fueran delatadas y deportadas a campos de concentración. El diario de Ana Frank es uno de los diez libros más leídos en el mundo.

Archivos del Terror (Paraguay): Los Archivos del Terror son documentos oficiales sobre la represión policiaca durante los 35 años de la dictadura de Alfredo Stroessner. El fondo documental de estos archivos aporta datos sobre la Operación Cóndor. Esta operación formó parte de la campaña de represión política, jalonada de asesinatos y actividades de los servicios secretos, que emprendieron en 1975 las dictaduras derechistas imperantes en el Cono Sur latinoamericano.

Archivos del Instituto Literario Polaco de París (1946-2000) (Polonia): Estos archivos reúnen una documentación completa sobre las actividades de Instituto Literario Polaco de París en el periodo 1946-2000. Su excepcional fondo documental muestra la labor realizada por una institución sin parangón dedicada a la emigración y por su revista Kultura. Gracias a la visión política e intelectual de sus fundadores y directores, este instituto desempeñó un papel esencial en la victoria pacífica sobre las dictaduras comunistas de Europa Occidental y en la superación de la división del mundo en dos bloques políticos hostiles.

Carta Magna otorgada en 1215 (Reino Unido): A menudo considerada como el fundamento de las libertades, la legislación y la democracia inglesas, la Carta Magna sigue ejerciendo una influencia perdurable a nivel internacional. La importancia esencial de la Carta estriba en que, por primera vez, impuso por escrito limitaciones precisas al poder real en lo referente al régimen tributario, los derechos feudales y la justicia. También sancionó la fuerza de las prácticas consuetudinarias para limitar el modo de proceder injusto y arbitrario del monarca, convirtiéndose en un símbolo de libertad y democracia en el mundo entero.

Donguibogam: Principios y prácticas de la medicina oriental (República de Corea): Se trata de una enciclopedia de conocimientos y tratamientos médicos, compilada y publicada en Corea en 1613 por Heo Jun con el concurso de un conjunto de expertos médicos y letrados, de conformidad con las instrucciones impartidas por el poder real. Esta obra documenta la evolución de la medicina en el Asia Oriental y otras partes del mundo. En lo referente al sistema de salud, estableció principios de medicina preventiva y atención médica y sanitaria por parte del Estado que fueron prácticamente desconocidos en el resto del mundo hasta el siglo XIX.

Libro de bautismos de esclavos (1636-1670) (República Dominicana): Este libro es una valiosa fuente de información sobre la esclavitud en América, y más concretamente en la República Dominicana. Proporciona información sobre aspectos poco conocidos del sistema esclavista colonial, en particular la transición de una sociedad de esclavos a una sociedad con esclavos, y de un régimen de plantaciones de esclavos a un esclavismo patriarcal. Este último sistema, originado por la crisis económica que afectó a la colonia española en el siglo XVII, se adoptó porque no era tributario del sistema de mercado mundial y servía para consolidar la estratificación de la "sociedad criolla".

Patrimonio documental sobre la resistencia y la lucha por los derechos humanos en la República Dominicana (1930-1961) (República Dominicana): Desde 1930 hasta 1961, la República Dominicana fue víctima de uno de los regímenes políticos más opresores de la historia de América Latina: la dictadura de Rafael Leónidas Trujillo. Miles de dominicanos y extranjeros fueron encarcelados, torturados y asesinados. Algunos fueron mutilados y otros quedaron con secuelas físicas o mentales permanentes. El patrimonio documental inscrito en el Registro "Memoria del Mundo" da fe de esas atrocidades y contiene abundantes pruebas de la resistencia del pueblo dominicano y de su lucha por la democracia, la libertad y el respeto de los derechos humanos.

Fondo documental de Sir William Arthur Lewis (Santa Lucía): Esta colección de documentos ilustra la carrera académica de Sir William Arthur Lewis, así como su labor de asesor económico de numerosas comisiones internacionales y diversos gobiernos de Ѕfrica, Asia y el Caribe. El fondo comprende documentos biográficos, expedientes sobre países, actas de reuniones, informes y documentación diversa, así como notas de preparación de cursos y artículos relacionados con la actividad de Sir William Arthur en su calidad de profesor y vicerrector de la Universidad de las Indias Occidentales. La colección cuenta también con material audiovisual sobre una serie de conferencias pronunciadas por Sir William y sobre el acto solemne de entrega de los premios Nobel de 1979, año en que fue galardonado con el Premio Nobel de Economía.

Archivos de la transformación de Siam por el rey Chulalongkorn (1868-1910) (Tailandia): La Tailandia actual debe mucho a las políticas y reformas aplicadas por el rey de Siam Chulalongkorn el Grande (1868-1910). El fondo de estos archivos documenta diversos aspectos de las decisiones adoptadas por medios pacíficos y jurídicos: supresión de los juegos de azar; establecimiento de un sistema de instrucción pública elemental; reforma de la "shanga", la institución monacal budista; y fomento de la producción agraria, de la economía de mercado y de las instituciones financieras y tributarias. Todas estas medidas contribuyeron a que Siam pudiera, excepcionalmente, conservar su independencia política en la época del colonialismo occidental.

Planchas xilográficas de la dinastía de los Nguyen (Viet Nam): Las 34.555 planchas xilográficas de la dinastía de los Nguyen (1802-1945) contribuyeron a registrar la literatura e historia oficiales del país, así como a imprimir libros clásicos e históricos. Su valor es documental y artístico a la vez. Además, su técnica de fabricación marca un hito en el desarrollo del grabado y la impresión en madera en Viet Nam. La importancia y gran valor de estas planchas indujeron a las dinastías feudales y las autoridades estatales a prestar una atención cuidadosa a su conservación a lo largo de la historia.

Archivos de la Sociedad de Naciones (1919-1946) (Oficina de las Naciones Unidas en Ginebra - ONUG): La idea de crear la Sociedad de Naciones surgió en 1919, poco después de haber finalizado la Segunda Guerra Mundial. Sus archivos atestiguan la voluntad de crear por primera vez en el mundo una organización intergubernamental dedicada a salvaguardar la paz y fomentar la cooperación entre los Estados, lo cual indujo un cambio fundamental en las relaciones internacionales, encauzándolas hacia su "institucionalización". Este fondo documental, único en su género, muestra los esfuerzos realizados por los diplomáticos, los representantes oficiales y los primeros funcionarios internacionales para promover la cooperación entre las naciones y garantizar la paz y la seguridad.

Archivos fotográficos y cinematográficos de la OOPS sobre los refugiados palestinos (Organismo de Obras Públicas y Socorro de las Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en el Cercano Oriente Ц OOPS): Desde la creación de la OOPS Цhace ya sesenta añosЦ la Oficina de Información Pública de este organismo ha producido fotografías y filmes que abarcan todos las etapas de la historia de los refugiados palestinos: el establecimiento de los campos de albergue en el decenio de 1950, el segundo éxodo ocasionado por la guerra de 1967, la guerra civil en el Líbano, el turbulento periodo de la segunda mitad de los años ochenta y la subsiguiente etapa de inestabilidad que dio comienzo en el año 2000. La OOPS ha producido y acopiado un conjunto exhaustivo de documentos fotográficos y cinematográficos que muestran numerosos aspectos de la vida e historia de los refugiados palestinos.

Moravia: Sendas del Vino

09/08/2009, Turismo Checo propone unas rutas del vino por Moravia, una de las tres grandes regiones checas, ubicada al norte de Austria.

República Checa, agosto de 2009

Más de 1.200 km de senderos serpenteando a través de la región checa de Moravia son el mágico enclave de esta ruta en la que se pueden descubrir los singulares sabores de los vinos de la región, en sus más de 600 bodegas.

Las Sendas del Vino Moravo son diez rutas que transcurren por 300 ciudades vinícolas de la región de Moravia del Sur, en la República Checa. Cada una de ellas, conectada con la red principal que une Znojmo y Uherské Hradiste.

En total hacen más de 1.200 km entre hermosos viñedos y espectaculares monumentos como el Palacio de Lednice-Valtice o el Parque Nacional de Podyji, donde los amantes del vino, la bici y la naturaleza pueden disfrutar de una diferente y bella escapada en un entorno único.

Para escoger la ruta que mejor se adapte a las condiciones personales de cada uno, se editan mapas y cada sendero cuenta con señalizaciones específicas donde se ofrece información sobre la duración de cada itinerario, la altitud, el estado de la carretera y los servicios y cuestiones de interés.

Además, se alquilan bicicletas en más de una decena de estaciones de tren así como, en todos los recorridos, existen hoteles con la certificación de “Ciclista Bienvenido”, que hará mucho más cómodo el viaje.

Durante el recorrido, los visitantes se pueden acercar a las bodegas y cooperativas vinícolas para realizar catas y adquirir vinos in situ. Las condiciones ambientales de la región hacen que estos peculiares vinos tengan una compleja escala de intensos aromas y sabores. Las marcas más solicitadas son Veltlínské zelené, Müller-Thurgau o Muškát moravský, en los blancos; y Frankovka o Svatovavrinecké, en los tintos.

Si se visita esta zona en Septiembre, el mes del Vino, durante el fin de semana del 11 al 13 se encontrarán con celebraciones pintorescas.

En Znojmo preparan grandes desfiles históricos, uno de noche y otro por la tarde, torneos de caballeros y el mercado histórico. En diferentes escenarios actuarán tanto estrellas de la música pop checa como grupos regionales. El año pasado acudieron a esta fiesta unas 80.000 personas.

También en Mikulov se degustarán durante tres días vinos y el mosto llamado "burcak". Esta ciudad de Moravia del Sur ofrecerá a los visitantes un rico programa cultural y folclórico, además de puestos callejeros de comida y un mercado de artesanía. La fiesta se desarrollará en la plaza, el anfiteatro y el parque del Palacio de Mikulov.

De Moravia procede la primera alusión acerca del cuidado de la vid en el año 1.101 en los documentos del monasterio benedictino de Trebíc.

Esta región vinícola produce en la actualidad el 96 % de la producción de vino checo, y se divide en las comarcas de Znojmo, Mikulov, Velkopavlovická y Slovácká.

Hoy en día, los vinos de Moravia gozan de reconocimiento en todo el mundo, prueba de ello son los premios que han ido obteniendo en los más prestigiosos certámenes internacionales.

Teruel/Foto

08/08/2009, Teruel vuelve a convertirse en un museo fotográfico por segundo año consecutivo.

Teruel, agosto de 2009

La celebración del Festival Internacional de Fotografía Teruel Punto Photo transforma la ciudad durante el verano en un escenario donde se suceden exposiciones, cursos, conferencias, rallys, proyecciones nocturnas y actividades de animación vinculadas a la fotografía aptas para todos los públicos.

Un programa que aumenta el atractivo turístico de su centro histórico. Teruel Punto Photo 2009, que se inauguró oficialmente el próximo 30 de julio por la tarde, comenzó su agenda de cursos y conferencias el lunes día 20 y se prolongará hasta el 31 de agosto.

Organizado por la Sociedad Fotográfica Turolense y patrocinado por el Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Teruel, el festival pretende convertirse en punto de encuentro y referencia internacional entre culturas, artistas y público con el pretexto de la Fotografía.

Los Premios Nacionales de Fotografía ‘pasarán’ el verano en el II Festival Internacional de Fotografía Teruel Punto Photo 2009: Quince exposiciones de reconocido prestigio repartidas en salas muy exclusivas del centro histórico.

La fotografía española reconocida nacional e internacionalmente es la invitada de honor en Teruel Punto Photo 2009.

Para rendir homenaje a artistas y a amantes de este arte, la Sociedad Fotográfica Turolense exhibe en el Museo Provincial la exposición Premios Nacionales de Fotografía, de la Colección Alcobendas.

La muestra ofrece la oportunidad de admirar muy de cerca y bajo un mismo techo obras de quienes han hecho historia en España con su cámara: como Bleda y José Mª Rosa, Manuel Vilariño, Pablo Pérez- Mínguez, Bárbara Allenda -Ouka Leele-, Ramón Masats, Carlos Pérez

Siquier, Joan Colom, Tony Catany, Chema Madoz, Alberto García-Alix, Joan Fontcuberta, Humberto Luis Rivas Ribeiro, Cristina García Rodero, Javier Vallhonrat y Gabriel Cualladó. Nombres que tienen en común haber contribuido al enriquecimiento del patrimonio cultural de España desde 1994, año en el que el Ministerio de Cultura comenzó a otorgar los Premios Nacionales de Fotografía.

Se da la circunstancia de que Bleda y Rosa, Premio Nacional de fotografía 2008, recibieron el galardón de manos de los Príncipes de Asturias hace apenas un mes en Teruel.

Según la Sociedad Turolense de Fotografía: “las exposiciones de este año, dedicadas a España, reúnen varias propuestas. El lujo de tener a todos los Premios Nacionales de Fotografía, la maravillosa conexión de las imágenes de Chema Madoz y el surrealismo turolense, los viajes oníricos de Díaz-Maroto, Andrés Fernández y Pilar García Merino, o la crítica social de Daniel Zolinsky”.

CAC Málaga: en verano

02/08/2009, El CAC Málaga, el principal centro de arte moderno del sur de Andalucía, suele se un lugar atractivo para intercalar el arte con el descanso en esta parte de España.

málaga agosto 2009

En agosto, el programa incluye las siguientes exposiciones:

JACK PIERSON

Del 19 de junio al 27 de septiembre de 2009. Jack Pierson realiza su primera gran exposición individual en un museo español en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, donde muestra una selección de su obra más reciente y cada vez más abstracta con lo que intenta así que sus obras no dependan tanto del idioma y su significado, sino que sus famosas word sculptures comuniquen y conmuevan por su apariencia estética y con ello, romper las posibles barreras del idioma que tenían sus obras.

La exposición se completa con algunas de las obras clave de Pierson (Massachusetts, 1960), lo que hacen más completan y explícita, creando así un entorno que permita apreciar la evolución de su trabajo desde la narración y la poesía más legible a una abstracción más interior e intelectual.

-- TAL R

Del 25 de junio al 6 septiembre 2009. Tal R (Israel, 1967) muestra una vez más en esta instalación, Teenager Beach , el característico estilo que lo ha encumbrado al panorama internacional al dividir el plano del cuadro en bandas horizontales para mostrar cada pintura como una realidad bidimensional en la que abstracción y figuración se entremezclan, donde los objetos ganan presencia por su simplicidad formal, las ideas se convierten en formas.

Teenager Beach se compone de una selección de su obra reciente, entre la que se encuentran pinturas, dibujos y un vídeo.

-- MATÍAS SÁNCHEZ

Elegidos para la gloria. 25 de junio al 15 noviembre 2009. Matías Sánchez expone por primera vez individualmente en un museo español, el CAC Málaga con Elegidos para la gloria, donde el artista español nacido en Alemania, es ejemplo paradigmático por su ironía mediterránea y, por ser uno de los artistas expresionista más representativo del arte emergente español.

Sus discursos son siempre pictóricos, para él, lo importante es pintar. No busca a los personajes, los personajes lo buscan a él, son el reflejo del pueblo en los medios de comunicación, la telebasura, la prensa sensacionalista…

-- DE LA PIEL A LA MÉDULA

Una selección de fondos de la colección permanente del CAC Málaga permite profundizar en los aspectos sensibles del artista. Se han seleccionado obras del expresionismo pero también de otras tendencias como la abstracción, el conceptual y el pop art en las que los sentimientos del artista y su posición ante el mundo adquieren una notoriedad manifiesta.

Kiefer, Polke, Almeida, Baselitz, Cobo, Barceló o Nara se dan cita en esta presentación con muchas obras inéditas a los ojos del espectador.

Con este recorrido se hace un repaso desde los sentimientos hasta las ideas, desde el expresionismo de Melgaard, Barceló, Polke , Kiefer, que entre otros representaría la piel, los sentimientos a lo que sería el arte más pop, el de las ideas, representado por la médula, donde destacan artistas como Susy Gómez, Nara, Bourgeois.

-- PASIÓN. COLECCIÓN CARMEN RIERA

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, nos ofrece una visión muy representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días.

Un completo recorrido desde al arte pop al conceptual, que nos permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo.

Helsinki Design Week

02/08/2009, El país de Alvar Aalto (1898-1976) un maestro funcionalismo, tiene una feria del diseño: Helsinki Design Week, que se celebra en el mes de septiembre

Ceské Svycarsko

02/08/2009, El Parque nacional de Ceské Svycarsko se encuentra en la frontera con Alemania y dividido entre los dos países, adentrándose unos 80 kilómetros cuadrados en la República Checa.

República Checa, agosto 2009

El primer destino con el que la República Checa participa en el proyecto europeo EDEN, que nació con el fin de dar a conocer "tesoros escondidos" y apoyar el desarrollo sostenible de destinos turísticos emergentes, es este parque natural en el noroeste del país, donde la concienciación y los programas medioambientales se desarrollan a la par que un turismo responsable, manteniendo intacta la belleza de la zona.

El Parque nacional de Ceské Svycarsko, “la Suiza Checa”, se encuentra en la frontera con Alemania y dividido entre los dos países, adentrándose unos 80 km2 en la República Checa. Toma su nombre de los jóvenes pintores alemanes y suizos que solían inspirarse en sus paisajes en la época del Romanticismo.

La parte checa es conocida también como la “ciudad de las rocas de piedra arenisca” por sus representativas formaciones rocosas de aspectos singulares: puertas, torres, paredes, cañones, desfiladeros... Un paisaje que ofrece innumerables posibilidades de disfrute de la naturaleza y ocio activo.

Su peculiaridades naturales, así como el exitoso modelo de gestión aplicado en una zona protegida en el desarrollo de una industria del turismo, le han otorgado el título "Destino Europeo de Excelencia" de la República Checa, en el primer año que el país Centroeuropeo participa en esta iniciativa de la Comisión Europea.

Según el Ministro de Desarrollo Local, Rostislav Vondruska, el jurado ha valorado los resultados de la activa "cooperación entre una ONG y la administración del parque nacional en los planes de desarrollo". Entre otros programas, se han puesto en marcha talleres de educación ecológica para los colegios, de concienciación entre la población local y paseos con guías acreditados para orientar las visitas.

En total, dentro de las fronteras de la República Checa se presentaron 21 proyectos para optar al título de destino excelente. Para concursar bajo el tema convocado en 2008, "Turismo y áreas protegidas", estas zonas debían compartir los valores que han inspirado la creación de la plataforma Destinos Europeos de Excelencia ("EDEN",en sus siglas en inglés), esto es, un compromiso firme en la sostenibilidad social, cultural y medioambiental en el desarrollo del turismo, implicando a empresarios, comunidad local y entidades públicas.

Incendios y cambio climático

27/07/2009, Los graves incendios que han asolado España en el inicio del verano, están relacionados con el cambio climático, dice Greenpeace.

Los datos meteorológicos revelan un año extremadamente seco y mucho más caluroso de lo normal.

Prácticamente toda España está con un balance hídrico negativo y las temperaturas medias de los ultimos meses han sido muy elevadas.

La Agencia Estatal de Meteorología decía al finalizar junio que la climatología había tenido un carácter extremadamente cálido para el conjunto de España Peninsular y Baleares sobre el período de referencia 1971-2000. La anomalía media fue de +2.53 ºC, sólo superada en tres de los últimos años: 2003 (+3.95 ºC), 2005 (+3.49 ºC) y 2004 (+2.89 ºC).

En meses previos la tónica fue similar.

La organización ecologista señala que los efectos provocados por el cambio climático contribuyen a que sean más habituales los fuegos de gran magnitud

Mientras una la ola de incendios forestales recorre España, Greenpeace alerta que este tipo de fuegos de gran magnitud -aquellos que superan las 500 hectáreas- se van a convertir en algo habitual en el país, ya que las condiciones climáticas hacen casi imposible la labor de los equipos de extinción.

Según los últimos datos de la organización, el perfil de los incendios está variando y si bien las mejoras producidas en las labores de extinción hacen que haya disminuido la extensión quemada, las hectáreas que son pasto de los fuegos de gran intensidad suponen hasta dos terceras partes del total.

A pesar de que tanto en 2007 como 2008 se redujo la superficie quemada -en gran medida debido a que las condiciones climáticas fueron poco favorables para el fuego- desde principios de los años 90 se puede apreciar la presencia de este tipo de incendio que arrasa grandes superficies de terreno, cuya virulencia y poder destructivo es muy alto debido a la intensidad del fuego, su comportamiento externo y la imposibilidad de acabar con ellos con los medios actualmente disponibles.

Numerosos estudios apuntan a que este cambio de tendencia en el perfil de los incendios está relacionado con el calentamiento global y la alteración del régimen de precipitaciones, por lo que es de esperar que si no cambian las condiciones climáticas este tipo de incendios se convierta en algo más habitual en las estaciones secas.

"Ante un escenario como éste, es necesario que los poderes públicos tomen cartas en el asunto y dediquen mayores esfuerzos a la prevención de incendios, que va desde la mejor gestión de las masas forestales hasta la adopción de medidas para frenar el cambio climático", ha declarado Juan López de Uralde, director de Greenpeace.

Patrimonio de la Humanidad

09/07/2009, La retirada del Valle del Elba, en Dresde, de la Lista de la UNESCO fue la nota de impacto en la última reunión del Comité del Patrimonio Mundial, que declaró 13 nuevos sitios Patrimonio de la Humanidad

La 33 reunión del organismo se celebró en Sevilla y en ella tres países –Burkina Faso, Cabo Verde y Kirguistán– lograron inscribir por primera vez sitios de reconocido valor universal excepcional en la Lista.

Sitios naturales inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial

El Mar de las Wadden (Alemania / Países Bajos) agrupa el Área de Conservación del Mar de las Wadden de los Países Bajos y los Parques Nacionales del Mar de las Wadden de los lands alemanes de la Baja Sajonia y Schleswig-Holstein.

La cadena montañosa de los Dolomitas (Italia), está situada en la parte septentrional de los Alpes italianos, esta cadena montañosa cuenta con 18 cumbres que se yerguen a más de 3.000 metros de altura.

Sitios culturales inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial:

Palacio Stoclet (Bélgica). En 1905, cuando Adolphe Stoclet, banquero y coleccionista de obras de arte, encargó la construcción de este edificio a Josef Hoffmann, uno de los arquitectos más destacados del movimiento denominado Secesión de Viena, no le impuso condiciones estéticas ni financieras de ningún tipo.

Ruinas de Loropeni (Burkina Faso) - Este sitio es el primero de Burkina Faso que ingresa en la Lista. En él se hallan los impresionantes muros de piedra de la mejor conservada de las diez fortalezas existentes en la zona de Lobi.

Cidade Velha, Centro histórico de Ribeira Grande (Cabo Verde) - La ciudad de Ribeira Grande, bautizada de nuevo con el nombre de Cidade Velha a finales del siglo XVIII, fue el primer establecimiento colonial europeo asentado en la zona tropical.

El Monte Wutai (China) es una cumbre sagrada del budismo con cinco mesetas planas. El paisaje cultural inscrito en la Lista comprende 53 monasterios, así como la gran sala del Templo de Foguang

La Torre de Hércules (España) - sirve como faro y emblema de la entrada al puerto de La Coruña (noroeste) desde el siglo I de nuestra era, cuando los romanos lo construyeron con el nombre de Farum Brigantium.

El sistema hidráulico histórico de Shushtar – Puentes, presas, canales, construcciones y molinos de agua del pasado y el presente (Irán), inscrito como obra maestra del ingenio creativo, se remonta a los tiempos de Darío el Grande (siglo V a.C.)

Montaña Sagrada de Sulamain-Too (Kirguistán). Este sitio domina el valle del río Fergana y forma el telón de fondo de la ciudad de Osh, en la encrucijada de importantes rutas de la seda del Asia Central. Durante más quince siglos, la montaña Sulamain-Too fue un verdadero faro los viajeros y un lugar sagrado y venerado

La Ciudad Sagrada de Caral-Supe (Perú) – es un sitio arqueológico de 5.000 años de antigüedad que abarca 626 hectáreas. Está emplazado en una meseta desierta y árida que domina el valle verdeante del río Supe. Sus orígenes se remontan al periodo arcaico tardío de los Andes Centrales

Puente-canal y canal de Pontcysyllte (Reino Unido). El canal de Pontcysyllte, que surca el nordeste del País de Gales a lo largo de 18 kilómetros, es una auténtica proeza de la ingeniería civil de la época de la Revolución Industrial. Su construcción se remonta a principios del siglo XIX

Las tumbas reales de la dinastía Joseon (República de Corea) - son un conjunto de 40 tumbas está diseminado en 18 lugares. Las sepulturas reales fueron construidas a lo largo de cinco siglos, entre 1408 y 1966.

El sitio La Chaux-de-Fonds / Le Locle – Urbanismo de la industria relojera (Suiza) consiste en dos ciudades situadas en terrenos poco aptos para la agricultura de una zona apartada de las montañas del Jura. Las dos localidades vecinas ilustran con su urbanismo las necesidades de organización racional de la industria relojera.

Ampliaciones de sitios del Patrimonio Mundial ya inscritos:

Levoca, Spišský y monumentos culturales anejos – (Eslovaquia) La extensión del sitio de Eslovaquia incluye ahora el centro histórico de Levoca, fundada en los siglos XIII y XIV y rodeada de fortificaciones.

El Parque Natural de los Arrecifes de Tubbataha (Filipinas) - se añadió a la Lista como ampliación del Parque Marino del Arrecife de Tubbataha, inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial en 1993.

Las Grandes Salinas de Salins-les-Bains (Francia), de donde se extrae sal desde la Edad Media, se inscribió como ampliación del sitio Salina Real de Arc-et-Senans, del arquitecto Claude-Nicolas Ledoux.

Otros cambios en la Lista del Patrimonio Mundial:

Por segunda vez en la historia de la Convención sobre la protección del patrimonio mundial, cultural y natural, adoptada por la UNESCO en 1972, un sitio fue retirado de la Lista del Patrimonio Mundial cuando el Comité decidió que el Valle del Elba en Dresde (Alemania) no puede continuar conservando esa condición de sitio de valor universal excepcional. Esta decisión se debe a la construcción de un puente de cuatro carriles en el centro del paisaje cultural del valle.

Las mejoras en la preservación de la Ciudad amurallada de Bakú, con el palacio de los sahs de Shirvan y la Torre de la Virgen (Azerbaiyán) permitieron retirar este sitio de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro.

La decisión de inscribir en la Lista en Peligro la Red de reservas del arrecife de barrera de Belice se debe sobre todo a la destrucción de sus manglares y al excesivo desarrollo observado en el sitio.

El Parque Nacional de los Katíos ingresó en la Lista del Patrimonio en Peligro a pedido de Colombia, para poder así movilizar un mayor apoyo internacional para la preservación del sitio, amenazado en particular por la deforestación en algunas de sus áreas y por la tala ilegal.

Los monumentos históricos de Mtskheta, Georgia, fueron inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro debido a las preocupaciones por su estado de conservación.

Paradores remodela su centro de Villafranca

05/07/2009, El presidente de la Red de Paradores, anunció la remodelación total de su centro en Villafranca del Bierzo, una pequeña ciudad emblemática del Camino de Santiago.

Villafranca del Bierzo, julio 2009

El parador tendrá 12 habitaciones más, salones con capacidad para 200 personas y una piscina climatizada que podrá utilizarse durante todo el año. La obra comenzará en julio, durará 10 meses durante los cuales permanecerá cerrado al público y costará algo más de 6 millones de euros

“Cuando terminen las obras, dentro de poco más de diez meses, Villafranca y todo el Bierzo tendrán un parador de cuatro estrellas, accesible para todos, ecológico, moderno, cómodo y con mucha mayor capacidad para alojar viajeros y albergar eventos y celebraciones”, dijo el presidente de Paradores, Miguel Martínez.

La reforma supondrá una transformación total del establecimiento, de sus accesos y de sus zonas exteriores. Sin embargo, los arquitectos encargados del proyecto, José Ignacio y Eduardo Paradinas, mantendrán las características esencias del actual edificio y su aire de parador histórico.

El edificio será más moderno y monumental. El establecimiento contará con una decoración más actual y con las últimas tecnologías. La fachada se revestirá de granito para acentuar su elegancia y monumentalidad.

El presidente de Paradores recordó que desde su apertura en 1959, el Parador de Villafranca ha sido una referencia turística y gastronómica muy importante, pero concluyó que “Ahora, con estas obras de modernización, queremos que el Parador de Villafranca se convierta en el centro turístico, gastronómico y de realización de celebraciones y eventos, más importante del Bierzo”.

Villafranca tiene larga historia. Fue en el 1822 capital de la provincia del Bierzo. Conserva un cierto aire capitalino, que se percibe en su apacible ambiente urbano.

En la ciudad perviven restos del pasado, desde la iglesia de Santiago, con su portal del Perdón, verdadera sucursal de la Seo compostelana; la gran Colegiata; la calle del Agua, de bellas mansiones señoriales, o el desvencijado palacio de los marqueses de Villafranca...

Conocer a Darwin

04/07/2009, Una línea de cruceros explica, con expertos, el itinerario de Darwin en la Patagonia y Tierra del Fuego que se conserva casi como lo vio el científico en su largo viaje por la región austral.

Chile, julio de 2009-07-04

Cruceros Australis ha programado para el próximo mes de octubre dos viajes especiales con la presencia a bordo de expertos mundiales sobre Darwin, los investigadores y escritores John Woram (USA) y Gerardo Bartolomé (Argentina).

De esta manera, la empresa de cruceros conmemora los 200 años del nacimiento del famoso científico inglés y los 150 años de la publicación "El origen de las especies por medio de la selección natural".

Woram es autor de 9 libros entre los cuales destaca "Darwin slept here" o "Here be giants" (acerca de la Patagonia y Tierra del Fuego). Por su parte, Bartolomé ha publicado libros como "Patagonia a través de los ojos de Darwin" en conjunto con otros investigadores. Con anterioridad había escrito una novela histórica sobre Darwin en la región.

Los dos barcos de la compañía (Vía y Mare Australis) recorren la ruta que en su momento hizo el científico en su larga expedición de 5 años a bordo del Beagle. De ese tiempo dos años fueron para recorrer las aguas de Patagonia y Tierra del Fuego.

Actualmente la visión de esos paisajes es la misma que vio e impresionó a Darwin, ya que sigue siendo una zona virgen a la cual sólo se puede acceder en este viaje único que empieza en Punta Arenas (Chile) o en Ushuaia (Argentina) hasta cabo de Hornos, navegando por estrechos, canales, archipiélagos y que se realiza desde septiembre hasta abril.

Estos viajes con los expertos se llevaran a cabo el del 10 al 13 de Octubre de Ushuaia a Punta Arenas y del 13 al 17 de Octubre de Punta Arenas a Ushuaia.

www.australis.com

Moorea

28/06/2009, Con 132 kilómetros cuadrados, 1200 metros de alitud máxima y 11.000 habitantes, Moorea es una bella isla situada junto a Tahití, un buen lugar para el turista, especialmente desde mayo a octubre.

Tahití, junio 2009

Fue descubierta por por el inglés Wallis en 1767, que la llamó isla de York, y cinco años más tarde, el español Bonechea la llamó Santo Domingo. Actualmente es un territorio autónomo vinculado a Francia.

Turismo de Tahití promociona Moorea como el rincón del mundo que representa la más pura imagen del paraíso terrenal. Blancos puros, de la arena de sus playas; azules turquesa, de la laguna; verdes vivos, de sus cumbres y negros brillantes, de sus raras perlas.

Sus propuestas sibaritas –Spa, gastronomía exótica, compras- se complementan con una oferta de aventura en su espectacular naturaleza.

Esta isla ha inspirado los sueños de pintores, escritores y artistas por su belleza y genuino sabor. Hay hoteles para diversas posibilidades. Hoteles de alta gama, villas de lujo; bungalows tradicionales de hotelitos con encanto y pensiones familiares.

Durante el día, se puede tener el primer contacto con su espectacular naturaleza en la playa, con unas sesiones de snorkel con las cariñosas mantas raya y peces de colores infinitos. El interior de la isla se puede conocer en jeep, quad, a caballo, o en rutas senderistas de nivel medio que transcurren por caminos serpenteantes, a través de plantaciones de piñas y bosques de castaños (mapes) hasta un mirador privilegiado que hay sobre las bahías de Cook y Opunohu, dos cortes abruptos que se abren hacia el mar en el norte de la isla.

En la carretera que rodea la isla, Tahití Turismo sugiere varias paradas: la galería del artista Philipe Dubois, desde cuya casa frente a la laguna capta los vivos colores tahitianos y escenas de la vida isleña; la fábrica de Zumos de Moorea, donde refrescarse con un buen jugo de piña; y el Centro de bienestar Helene Spa, pionero en Tahití y sus islas, donde disfrutar de tratamientos con productos de la tierra y masajes.

Y al atardecer, ver la espectacular puesta de sol tomando un delicioso cóctel en el bar del Hilton de Moorea o en el bar del Hotel Tipaniers en Haapiti refugio de los kitesurfers tras sus jornadas surcando las olas. El restaurante La Plantation es el lugar para cenar pescado y marisco fresco.

Como recuerdo, una perla, un pareo pintado a mano o un tatuaje. Tahia Collins vende joyas de originales diseños con las exclusivas perlas negras de Tahití.

Los europeos empezaron a llegar a esta isla en el XVIII, y en 1842 se inició el protectorado francés. En 1984, la Polinesia Francesa accedió al estatuto de autonomía, con su Asamblea Territorial y Gobierno.

La Polinesia Francesa tiene en conjunto un territorio de 4.167 kilómetros, sobre una multitud de islas pobladas por unos 300.000 habitantes. Papeete, situada en la isla de Tahití, es la capital. Se habla francés y polinesio.

Algunas páginas web de los establecimientos reseñados:

www.legendsresortvillas.com

www.mooreafaremiti.com

www.farevaihere.com

www.helenespa.com

www.lestipaniers.com

www.laplantationmoorea.com

www.tahiacollins.com

El Bodegón español en el Prado

25/06/2009, Tras el éxito de la primera edición de Prado Itinerante en la comunidad gallega llega a A Coruña una exposición itinerante del Museo del Prado dedicada al género del bodegón.

La muestra "El bodegón español en el Prado", está formada por 60 pinturas pertenecientes a los fondos de la primera pinacoteca nacional, e incluye obras de Van der Hamen, Arellano, Meléndez y Goya.

La presentación de esta importante selección de bodegones en A Coruña, tras su paso por Zaragoza y Tenerife, donde han podido ser admirados por más de cincuenta y cinco mil personas, ha sido posible gracias a la colaboración de Fundación Caixa Galicia que ya incluyó en la programación desarrollada en 2006-2008 en la comunidad gallega, dos excepcionales exposiciones del Museo del Prado, "El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya" y "El retrato español en el Prado. De Goya a Sorolla", siendo esta última la segunda exposición más visitada de la temporada en Galicia.

"El bodegón español en el Prado" (A Coruña, 24 de junio - 20 de septiembre de 2009) es una exposición de gran importancia, tanto por la extraordinaria calidad de las obras que la componen, como por la categoría de los maestros que las realizaron y el amplio abanico cronológico que abarca, desde comienzos del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX.

Una oportunidad excepcional para disfrutar de un recorrido por el sugestivo mundo de los bodegones y floreros de la escuela española de los siglos XVII, XVIII y parte del XIX, apreciando la maestría con la que los pintores españoles representaron los elementos que configuran el mundo doméstico tradicional.

La pintura de bodegones contribuye a establecer una de las múltiples facetas de la imagen histórica que se tiene de España, merced al punto de vista que ofrecen sus temas del día a día, en este caso los alimentos, los objetos de cocina y los utensilios caseros habituales, así como ciertas formas de las relaciones sociales, la gastronomía, las cocinas e incluso el ámbito de la decoración; además goza de una especial significación en razón de la carga simbólica que gran parte de sus obras poseen, debido a las alegorías que encarnan y a los mensajes que difunden, que van desde el espíritu religioso hasta la expresión material de la prosperidad.

La exposición está compuesta por obras de 27 artistas diferentes, entre los que se incluyen los pintores más destacados de la escuela española que cultivaron el género, como Van der Hamen, Ramírez, Fernández "el Labrador", Zurbarán, Hiepes, Camprobín, Pereda, Ponce, Arellano, Meléndez, Paret y Alcázar, Castillo, Goya, Espinós, Parra y Lucas. La notable calidad y variedad de las obras seleccionadas ha sido posible, entre otras razones, debido a la reciente adquisición por parte del Museo de cuarenta naturalezas muertas españolas procedentes de una colección privada, muchas de las cuales forman parte de esta exposición.

Alberto Campo Baeza en Tokio

25/06/2009, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, inaugura una muestra que recorre el proceso creativo de uno de los arquitectos más puros y radicales de nuestro tiempo.

“Campo Baeza. El árbol de la creación” se podrá visitar hasta el próximo 29 de agosto en la Gallery Ma de Tokio. La exposición, comisariada por Manuel Blanco, repasa el trabajo de Campo Baeza a través de los dibujos que han generado sus obras, escenificando para ello un gran árbol en el que, hoja a hoja, crecen y se transforman los edificios más significativos de su producción.

Con esta exposición se trata de proyectar la obra de uno de los arquitectos españoles de referencia y de subrayar, según Manuel Blanco, la pureza de las creaciones de Campo Baeza, así como su particular lenguaje.

Esta muestra cuenta con la colaboración de los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores, Cooperación y Cultura y de la Embajada de España en Tokio y podrá visitarse del 24 de junio al próximo 29 de agosto en la Gallery Ma (Toto Nogizaba 3F, 1-24-3 Minami Aoyama, Minamo-Ku).

Drawign Life

25/06/2009, El 1 de julio se inaugura en el Design Museum de Londres la exposición Drawign Life, que presenta una selección de los trabajo de Mariscal y su estudio a lo largo de su trayectoria profesional.

El Design Museum es un espacio consagrado al diseño en todas sus manifestaciones, situado a orillas del río Támesis y vecino de la Tate Modern. La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, coorganiza esta exposición que muestra una selección de los trabajos de Javier Mariscal y Estudio Mariscal a lo largo de su trayectoria profesional.

Drawing Life no es una exposición retrospectiva, en el sentido de que la obra no se estructura cronológicamente, sino agrupada por conceptos y distribuida en seis espacios expositivos, algunos planteados como una instalación, que pueden recorrerse de forma aleatoria.

Muros collage, cortinas gráficas, objetos, dibujos, bocetos, audiovisuales y teatritos sirven para mostrar las claves, la evolución y la metodología del lenguaje personal de Javier Mariscal. Se ha hecho una recopilación exhaustiva de su archivo físico y digital para seleccionar los más de 2.000 objetos e imágenes que se muestran.

Drawing Life se ha planteado como una reflexión sobre el trabajo hecho a lo largo de más de treinta años de trayectoria profesional de Javier Mariscal, de cómo han evolucionado su lenguaje y su iconografía, de cómo ha utilizado sus obsesiones y su actitud vital para dar forma y contenido a su obra artística y a todas las disciplinas del diseño en las que se ha implicado.

Design Museum
Shad Thames
London SE1 2YD
Horario
de 10 a 17.45 horas todos los días
Teléfono de información al público
020 7940 8790
Reservas
020 7940 8783

Libertad, Igualdad y Fraternidad

24/06/2009, Del 24 junio al 23 de agosto de 2009 se presenta en Zaragoza una nueva exposición relativa al Bicentenario de la Guerra de la Independencia

Zaragoza, junio de 2009

La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, el Ayuntamiento de Zaragoza y la Fundación Zaragoza 2008 han organizado la exposición LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD a la que se ha invitado a 15 artistas españoles, 14 franceses y 2 portugueses a presentar una obra que plantee el estado de desarrollo de estos tres ideales de convivencia de la sociedad moderna nacidos al calor de la Revolución Francesa en 1789.

Son comisarios de esta exposición el francés Bernard Marcadé y la española Isabel Durán.

Este encuentro reúne las propuestas de los siguientes artistas: Antoni Abad, Jean-Michel Albérola, Elizabeth Ballet, Christian Boltanski, José Manuel Broto, Jean-Marc Bustamante, Daniel Canogar, Rui Chafes, Chema Cobo, Ninar Esber, Joan Fontcuberta, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Cristina Lucas, Annette Messager, Franóois Morellet, Jean-Luc Moulиne, Antoni Muntadas, Francis Naranjo, Marina Núñez, Bruno Peinado, Gonóalo Pena, Jaume Plensa, Bernardí Roig, Fernando Sánchez Castillo, Alain Secas Bruno Serralongue, Niele Toroni, Tatiana Trouvé, Eulalia Valldosera y Yan Pei-Ming.

Dos de los convocados, Dionisio Cañas y Carlos Edmundo de Ory, están presentes en la exposición con poemas.

En 2008 se cumplió el bicentenario de la invasión de España por las tropas napoleónicas. Este acontecimiento, que sigue produciendo todavía hoy no pocos interrogantes de carácter histórico, está lejos de tener un significado unívoco. En la España atrasada de hace dos siglos, el ejército de Napoleón Bonaparte podía proponerse como el emisario de la libertad, y de la nueva modernidad surgida en la Francia de la Revolución.

A la vez, y en otro sentido, es cierto que los grandes lemas que inspiraron la Revolución Francesa de 1789, y que con el tiempo se convertirían en la divisa nacional de Francia, Liberté, Йgalite, Fraternité, siguen siendo todavía hoy la expresión de un ideal político, moral y humano. Un ideal aún no alcanzado, en su sentido más pleno.

Es importante llamar la atención sobre el hecho de que el título de la exposición está en español, algo que no es meramente una traducción. En Francia estas tres palabras han cobrado una vida oficial, su presencia está vinculada a la bandera, a todos los documentos que representan al estado, ligada a sellos, entradas de ministerios, colegios públicos, ayuntamientos… En español pierden ese perfil convirtiéndose plenamente en ellas mismas, en su historia y actualidad.

Con estas ideas previas, y buscando superponer a la lógica militar la voluntad de diálogo entre los pueblos, se ha concebido esta exposición que plantea el estado actual de estos tres ideales de convivencia en uno de los ámbitos más intenso de enriquecimiento humano: el arte.

Francia y España, España y Francia, antiguos contendientes, hoy hermanos. La participación en la muestra de dos artistas portugueses supone un guiño, un ajuste necesario con la historia ya que Portugal fue un país también hermano en aquellos acontecimientos y en la actualidad.

El catálogo que se ha editado incluye, además de dos textos de los comisarios, breves declaraciones de los artistas hechas expresamente para la ocasión. Palabras que agudizan su mensaje y pensamiento.

A este encuentro de artistas plásticos se han unido dos poetas: Carlos Edmundo de Ory y Dionisio Cañas. Su aportación es central en el mensaje LIF. La poesía es un vehículo generoso e iluminador de comunicación. Habla con palabras que se ven. La imagen poética es elocuente y crea en LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD una carga de sentido intenso que humaniza y trasciende los propios conceptos.

La conclusión: un conjunto de propuestas nada optimistas. Más de doscientos años después aquellos objetivos no están logrados, no existe la libertad plena, no nacemos todos iguales y el sentimiento fraterno es excepcional. Pero, la sociedad ha avanzado, los derechos del hombre son ahora más reales y sigue existiendo la ilusión de un mundo mejor.

Jack Pierson en el CAC Málaga

24/06/2009, El CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, presenta la primera gran exposición individual en un museo español de Jack Pierson,

Málaga, junio de 2009

Se trata de uno de los artistas brillantes del arte americano de nuestros días, que ha sabido combinar la herencia del arte pop y del arte conceptual, cuya obra tiende cada vez más a la abstracción, sin perder de vista la esperanza, tema central de esta muestra y el objeto de todo su trabajo. Del 19 de junio al 27 de septiembre

Jack Pierson reúne por primera vez en el CAC Málaga una selección de su obra más reciente, sus famosas word sculptures, frases o palabras resultantes del ensamblaje de letras procedentes de letreros desechados de diferentes materiales -plástico, madera, cristal, metal o neón- que el artista transforma en esculturas murales de grandes dimensiones y que tienden cada vez más a la abstracción, para intentar con ello que sus piezas no dependan tanto de su significado, sino que sus esculturas de texto comuniquen y conmuevan por su apariencia estética, rompiendo con ello cualquier barrera idiomática.

Junto con las obras abstractas recientes se muestran algunas esculturas de texto anteriores creando así un contexto que permita apreciar la evolución de su trabajo desde sus construcciones más poéticas hasta esta nuevas más abstractas y ornamentales. La exposición se completa con once fotografías de gran tamaño, en las que el mar, las palmeras, el cielo y la arena tienen un papel predominante.

“Con la palabra como llave de su arte –según el director del CAC Málaga, Fernando Francés- Pierson realiza un ejercicio de recodificación conceptual y de reciclaje verdaderamente necesario no sólo desde un aspecto sostenible de búsqueda del equilibrio entre el desarrollo y la naturaleza sino también desde la necesidad de explorar nuevos espacios prácticamente prohibidos del arte contemporáneo. Territorios donde el artista profundiza en los límites entre lo personal y lo social, entre lo poético y lo comprometido, sin escapar de otras preocupaciones como los paisajes urbanos, las imágenes que retratan la América en la que se formó su escenario cultural, la naturaleza o la homosexualidad y de ésta, los ritos y los tópicos más hermosos y estéticos”.

Jack Pierson (Plymouth, Massachusetts, 1960) comienza en los noventa su faceta de fotógrafo, la más conocida, concretamente en Miami, captando imágenes de famosos, flores, amigos, hoteles o playas en las que fusionaba lo público y lo privado, todo ello cubierto con un halo nostálgico e intimista en el que el artista parece un mero observador de la realidad.

Su interés por la fotografía lo acercó al mundo de la publicidad en el que trabajó durante varios años fotografiando a alguna de las modelos más famosas del mundo.

Pero su prestigio a nivel mundial vino de la mano de sus famosas word sculptures, descritas en el catálogo del Whitney Museum (Nueva York) como ready-mades, son palabras esculpidas o esculturas de palabras que, con el paso del tiempo, se han convertido en uno de sus sellos más distintivos. Concebidos para expresar la nostalgia del sueño americano, son letras procedentes de antiguos letreros de publicidad, restaurantes, cines, cabarets, tiendas, sin importar el tamaño, el color, la textura o el volumen, son consideradas por el artista como reliquias del paisaje americano, reensambladas por él mismo como quien juega al scrabble.

Empeñado en no añadir imágenes que no existieran ya en el mundo dirige su arte a reorganizar aquello ya creado pero descartado por la mano del hombre, empleando las técnicas del collage y el ensamblaje, él artista norteamericano consigue infundir a estos vocablos un significado totalmente nuevo.

Al inicio de su carrera Pierson obtenía las letras para sus obras de las calles de Nueva York, mientras que hoy día se puede permitir recorrer todo el país en busca de estas palabras descartadas, para infundirles un sentido totalmente nuevo, que en ocasiones recuerdan a abalorios o adornos indígenas e incluso a exóticas caligrafías, aunque su colorido nunca pierde de vista el arte urbano de rótulos.

Para Pierson “las nuevas obras –abstractas- intentan resistirse a la narración y depender principalmente del modo en que la superficie, el color y la forma actúan por sí mismos, creando una nueva iconografía”.

Pierson estudió en el Massachussets College of Art de Boston, en la actualidad vive y trabaja entre Nueva York y el sur de California, ha sido objeto de numerosas exposiciones en Europa, Asia y Estados Unidos entre las que destacan el Whitney Museum of American Art, Nueva York; el Contemporary Arts Center, Nueva Orleans, Los Ángeles; el MoMA, PS1, Long Island City, Nueva YorkY; el ICA, Boston, Massachussets; el Contemporary Art Santa Monica, California; el Museum of Contemporary Art, Chicago o el AIDS de Dallas, Texas. Además, su obra está presente en las colecciones permanentes de importantes museos de arte contemporáneo del mundo, como el Guggenheim Museum de Nueva York, el MoMA el Museo de Bellas Artes de Boston o el San Francisco Museum of Modern Art, entre otros.

Verano en las montañas de Salzburgo

24/06/2009, Turismo de Austria, como todos los años, oferta recorridos por paisajes plenos de verdor y belleza, en el verano del entorno alpino. En este caso, la región de Salzburgo.

Salzburgo. Junio de 2009

En la Región Salzburgo Turismo de Austria sugiere un sinfín de actividades para pasar unas vacaciones de verano de ensueño: practicar el senderismo en un desfiladero, merendar en los refugios alpinos, bañarse en los ríos cristalinos o cantar el "yodel" en la cima de una montaña.

Verano alpino de Tennengau

La región Tennengau fue premiada por su queso artesanal “Tennengauer Almkäse”, elaborado en sus pastos alpinos. Para dar a conocer la gran cultura del queso de esta región, se ofrecen numerosas actividades turísticas y paquetes vacacionales especiales. Uno de ellos incluye 3 noches con media pensión en un hotel de tres estrellas, una ruta de senderismo por los pastos alpinos acompañado por un sommelier de queso, una visita a una de las queserías tradicionales donde se elabora el “Tennengauer Almkäse”, una degustación de quesos regionales con vino y un obsequio especial.

Tourismusregion Lammertal Dachstein-West: T+43/(0)6245/4040-0 | www.lammertal.info

El saúco y los lagos Fuschl y Wolfgang

Entre las delicias que se pueden degustar en las laderas alpinas de los lagos Fuschl y Wolfgang figuran especialidades derivadas del saúco, uno de los productos tradicionales de esta región. Destacan por ejemplo las flores de saúco fritas, la compota de bayas de saúco o el aguardiente de saúco.

Un paquete especial “Vacaciones en el Lago Fuschl” incluye tres noches con desayuno en un hotel-granja, masaje con aceite de saúco, un mapa de senderismo de la región Fuschl y una merienda tradicional en los pastos alpinos.

Fuschlsee Tourismus T: +43/(0)6226/8384-0 www.fuschlseeregion.com

Wolfgangsee Tourismus T: +43/(0)6138/8003 www.wolfgangsee.at

Semanas de la Rosa de los Alpes

Una visita al Valle de Großarl desde mediados de junio hasta mediados de julio significa poder disfrutar de la belleza de los pastos alpinos cuando está en flor la Rosa de los Alpes. En esta época se celebran además numerosos acontecimientos tradicionales, como por ejemplo el Encuentro de Músicos o la Fiesta del Solsticio de Verano. Hay ofertas de rutas de senderismo guiadas para descubrir la variedad de la flora alpina y excursiones hasta el Parque Nacional del Valle de Großarl. Un paquete vacacional incluye 7 noches con media pensión en un hotel de cuatro estrellas, un viaje ida y vuelta con el funicular panorámico de Großarl, una merienda tradicional y una ruta guiada por los pastos alpinos para descubrir su flora, y una ruta guiada por los distintos refugios-restaurantes de la zona,

Tourismusverband Großarltal T: +43/(0)6414/281 www.grossarltal.info

Granja ecológica

Un paquete de “Vacaciones ecológicas” nos presenta la oportunidad de vivir de cerca el mundo de la agricultura ecológica. El paquete incluye 7 noches en una granja ecológica certificada de la región, una ruta de senderismo con merienda en un refugio alpino, una visita temática bajo el título "Elaboro mi pan con mantequilla", una entrada para todos los parques temáticos del Parque Nacional Hohe Tauern (WasserWunderWelt, Desfiladero de Krimml y Serrería de Mühlau), un menú de degustación de las delicias del Parque Nacional, y transporte en el tren del Parque Nacional.

Ferienregion Nationalpark Hohe Tauern T: +43/(0)6562/40939 ferienregion@nationalpark.at | www.nationalpark.at

Región Hochkönig

Pasar las vacaciones en la Región Alpina Hochkönig permite vivir de cerca la tradición de esta región: acontecimientos folklóricos destacados como las fiestas de los Pastos Alpinos, la Fiesta Gastronómica de la región, la Fiesta de Solsticio de Verano y otras fiestas tradicionales. También puede participar en una de las numerosas rutas guiadas de senderismo, como por ejemplo la Ruta del Amanecer o la Ruta de la Música, o bien asistir a las numerosas degustaciones de quesos y aguardientes artesanales. Un paquete especial incluye 7 noches con desayuno (habitación doble), tres rutas guiadas de senderismo, y entrada libre a numerosos acontecimientos

Información: Region Hochkönig | T: +43/(0)6584/20388 | region@hochkoenig.at | www.hochkoenig.at

Otras ofertas corresponden al Valle del Río Saalach ( Tourismusverband Salzburger Saalachtal | T: +43/(0)6588/8321-0 www.lofer.com ) o del hotel-granja Zittauerhof de Bad Hofgastein, histórico edificio con más de 400 años de antigüedad, ubicado en un tranquilo valle a tan solo 5 minutos de las Termas de Gastein y del funicular ( Zittrauerhof, Fam. Schwaiger, Bad Hofgastein, www.tiscover.at/zittrauerhof)

Viena: Escuchar Haydn

11/06/2009, Franz Joseph Haydn (1732-1809) es protagonista de la actualidad de Viena, ciudad que recuerda al compositor en el 200 aniversario de su fallecimiento.

Viena, junio de 2009

Turismo de Austria informa que la música del gran compositor se puede escuchar en distintos lugares de la ciudad con motivo del Año de Haydn 2009.

En el patio interior de la Casa de la Música, el Cuarteto Imperial Vienés ( Wiener Imperial Quartett) presenta cada sábado de junio, julio y agosto "conciertos en un "oasis de Haydn", de entrada gratuita.

En este mismo lugar se puede ver la exposición extraordinaria "Un trabajo de Haydn", que da a conocer en detalle la creación musical de este clásico de la música.

Para los aficionados a Haydn resulta muy interesante subir al tercer piso de este museo del sonido único en Viena. Aquí hay una sala pequeña dedicada al gran compositor, en la que se puede ver cómo administraba Haydn sus jornadas, y también se pueden conocer detalles de su vida.

Todos los cuartetos de cuerda de Joseph Haydn se presentan en un gran ciclo durante el año entero en la iglesia y el monasterio de St. Michael, los intérpretes son los músicos del renombrado Haydn Quartett. La Iglesia de San Miguel es un lugar auténtico de Haydn, dado que aquí el compositor tocaba el órgano a la edad de 17 años.

La música del compositor se puede escuchar asimismo en 2009 en la Basílica barroca Maria Treu. En la"Iglesia de Piaristas",en el distrito 8 de Viena, fue donde se estrenó en 1796 la "Missa in tempore belli", conocida también como la "misa de timbales", y en aquella ocasión fue el mismo compositor quien dirigió la batuta. La agenda de conciertos conmemorativos incluye en MariaTreu grandes obras de Haydn, y también su popular Cuarteto Imperial. El restaurante K.u.K Piaristenkeller se encuentra adosado como parte de la construcción barroca. Aquí se ofrecen especialidades culinarias de los tiempos de Haydn en "Veladas de Haydn" que también incluyen placeres musicales.

Haus der Musik. Seilerstätte 30, 1010 Viena www.hdm.at

Exposición extraordinaria "Un trabajo de Haydnt", hasta el 1.10.2009, patio interior de la Casa de la Música (Haus der Musik) – entrada libre

"Conciertos del oasis de Haydn",cada sábado a las 15,00 en junio, julio y agosto de 2009, Patio interior de la Casa de la Música (Entrada libre)

Iglesia de San Miguel. Michaelerplatz, 1010 Viena

St. Michael Refektorium (monasterio) Habsburgergasse 12, 1010 Viena. www.haydn4strings.at

Iglesia de Piaristas (Piaristenkirche) Maria Treu, Jodok-Fink-Platz, 1080 Viena. www.mariatreu.at

K.u.K. Restaurant Piaristenkeller. Piaristengasse 45, 1080 Viena www.piaristenkeller.at/haydn2009

CAC: junio 2009

06/06/2009, En el momento en que llegan las vacaciones estivales, una visita a Málaga y a la Costa del Sol es recomendable. Tambien allí hay un excelente centro de arte, el CAC

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga abre de10:00 a 20:00 horas de martes a domingo. La exposiciones que ahora tiene son:

SUSY GÓMEZ

El timón de mis almas: 3 de abril al 21 de junio 2009

El Centro presenta por primera vez una exposición exclusivamente fotográfica de Susy Gómez, uno de los valores más firmes de la escena artística española, desde que saltó a la fama a mediados de los 90, y cuyas obras más destacadas son los fotomontajes a partir de revistas femeninas.

El timón de mis almas se compone de 17 fotografías de gran formato, de producción específica para el centro. Para reflexionar en torno a la toma de conciencia, descodificando las distintas relaciones que se establecen entre el sujeto y el contexto en el que se ve inmerso, la artista ha trabajado sobre fotografías de la revista Vogue de los últimos veinte años.

JACK PIERSON

Jack Pierson: 19 de junio al 27 de septiembre de 2009

Jack Pierson realiza su primera gran exposición individual en un museo español en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, en la que muestra una selección de su obra más reciente y cada vez más abstracta con lo que intenta así que sus obras no dependan tanto del idioma y su significado, sino que sus famosas word sculptures comuniquen y conmuevan por su apariencia estética y con ello, romper las posibles barreras del idioma que tenían sus obras.

La exposición se completa con algunas de las obras clave de Pierson (Massachusetts, 1960), lo que hacen más completan y explícita, creando así un entorno que permita apreciar la evolución de su trabajo desde la narración y la poesía más legible a una abstracción más interior e intelectual.

Tal R

Teenager Beach: 25 de junio - 6 septiembre 2009

Tal R (Israel, 1967) muestra en esta instalación el característico estilo que lo ha encumbrado al panorama internacional al dividir el plano del cuadro en bandas horizontales para mostrar cada pintura como una realidad bidimensional en la que abstracción y figuración se entremezclan, donde los objetos ganan presencia por su simplicidad formal, las ideas se convierten en formas. Teenager Beach se compone de una selección de su obra reciente, entre la que se encuentran pinturas, dibujos y un vídeo.

Matías Sánchez,

Elegidos para la gloria: 25 de junio al 15 noviembre 2009

Matías Sánchez expone por primera vez individualmente en un museo español, el CAC Málaga donde mostrará Elegidos para la gloria, el artista español nacido en Alemania, es ejemplo paradigmático por su ironía mediterránea y, por ser uno de los artistas expresionista más representativo del arte emergente español. Sus discursos son siempre pictóricos, para él, lo importante es pintar. No busca a los personajes, los personajes lo buscan a él, son el reflejo del pueblo en los medios de comunicación, la telebasura, la prensa sensacionalista…

De la piel a la médula

La colección permanente se renueva por cuarta vez. Una selección de fondos de la colección permanente del CAC Málaga permite profundizar en los aspectos sensibles del artista. Se han seleccionado obras del expresionismo pero también de otras tendencias como la abstracción, el conceptual y el pop art en las que los sentimientos del artista y su posición ante el mundo adquieren una notoriedad manifiesta. Kiefer, Polke, Almeida, Baselitz, Cobo, Barceló o Nara se dan cita en esta presentación con muchas obras inéditas a los ojos del espectador.

Con este recorrido se hace un repaso desde los sentimientos hasta las ideas, desde el expresionismo de Melgaard, Barceló, Polke , Kiefer, que entre otros representaría la piel, los sentimientos a lo que sería el arte más pop, el de las ideas, representado por la médula, donde destacan artistas como Susy Gómez, Nara, Bourgeois.

ACTIVIDADES CULTURALES:

· Todos los miércoles de junio (3, 10, 17, 24) a las 20:00 h: Ciclo Cine ‘50 años de Nouvelle Vague’

· 15 de junio a las 20:30 h: Actividad organizada por el Aula Rafael Pérez Estrada: Conferencia del Sr. D. Juan Madrid presentan el Sr. D. Antonio Soler y el Sr. D. Juvenal Soto.

· 19 de junio a las 20:00 h: Inauguración de la exposición Jack Pierson (19 de junio – 27 de septiembre 2009)

· 25 de junio desde las 9:00 h de la mañana: celebración del Congreso Internacional de Museos (organiza “Agenda. Communicating the Museum” FR ).

· 25 de junio a las 18:00 h: Inauguración de la exposición Teenager Beach del artista Sr. D. Tal R ( 25 de junio – 6 de septiembre de 2009)

· 25 de junio a las 20:00 h: Inauguración de la exposición Elegidos para la Gloria del artista Sr. D. Matías Sánchez (26 de junio – 15 de noviembre de 2009).

--PASEOS POR EL CAC MÁLAGA

Itinerarios guiados gratuitos por las exposiciones del centro. Todos los días a las 12.00 horas y los martes y jueves a las 18.00 y a las 19.00 horas. Sin necesidad de inscripción previa.

Afganistán en el Metropolitan

06/06/2009, El Metropolitan Museum of Art, Nueva York, presentará desde el 23 de junio al 20 de septiembre una muestra dedicada a Afganistán

Nueva York, junio de 2009

“Tesoros ocultos del National Museum, Kabul” es el título de esta exposición que acerca al visitante a un territorio, Afganistán, cruce de caminos de rutas comerciales, por donde pasaron complejas culturas, migraciones nómadas y ejércitos conquistadores.

Los Tesoros Ocultos del Museo Nacional, Kabul, muestran ese papel del país, como receptor de elementos diversos culturales y como el creador de los estilos distintivos de arte desde la Edad de Bronce.

La exposición destaca una selección de materiales de cuatro sitios arqueológicos. Todos los trabajos pertenecen al Museo Nacional de Afganistán en Kabul: trabajos de tiempos prehistóricos, elementos helenísticos, obras de marfil, oro, bronce y cristal, joyería, ornamentos de tumbas de nómadas...

La muestra ha sido organizada por la National Geographic Society y la National Gallery of Art, de Washington, en asociación con el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, el Asian Art Museum de San Francisco, y el Museum of Fine Arts, de Houston.

En 1978, los arqueólogos que trabajaban en el sitio de Tillya Tepe en el norte de Afganistán hicieron un descubrimiento sin precedentes: las tumbas de los nómadas antiguos que no habían sido tocadas durante dos mil años. Enterrado había un jefe nómada y cinco mujeres que llevan adornos suntuosos.

En este tumultuoso país, los hallazgos se perdieron pero en el 2003, se supo que aquellos vestigios habían sido localizados intactos en una bóveda dentro del palacio presidencial en Kabul, guardados a salvo de la guerra por algún grupo de afganos conscientes del valor del pasado.

"Cuando miramos estas obras de arte frágiles y delicadamente trabajadas, no podemos por menos que asombrarnos de su supervivencia”, comentó Thomas P. Campbell, Director del Metropolitan.

La exhibición comienza con objetos de Tepe Fullol en el norte de Afganistán, donde en 1966, los agricultores descubrieron las pruebas de una civilización de Edad de Bronce en la región.

La segunda sección se centra en Aï Khanum, una de las mayores ciudades de influencia griega fundadas en esta región de Asia que había sido conquistada por Alejandro Magno, en cuyos trabajos se denota la influencia helénica mezclada con la oriental.

Las excavaciones de Begram, el tercer sitio, aportan trabajos de esta ciudad fortificada por Alejandro Magno que se convirtió en la capital de verano del Imperio Kushan en el siglo I, y donde se han hallado multitud de elementos que testimonian las influencias del Este y Oeste, testimoniando su vinculación a la llamada Ruta de la Seda.

La cuarta sección de la exposición se dedica a Tillya Tepe e incluye objetos de oro encontrados en las seis tumbas nómadas que fueron descubiertas allí, correspondientes a las tribus nómadas que invadieron Bactria y acabaron con los reinos greco-bactrianos

Golf a la media noche

03/06/2009, Turismo de Finlandia ofrece para este verano el atractivo de los numerosos torneos de golf, que comienzan o finalizan bajo el sol de medianoche.

Finlandia, junio de 2009

Este fenómeno natural es observable en latitudes próximas los círculos polares, donde en las fechas próximas al solsticio de verano el sol es visible las 24 horas del día.

Durante los meses estivales, los amantes del golf tienen en Finlandia una original propuesta para disfrutar de su deporte favorito. El sol brilla 21 horas al día en el sur del país y más cerca del Círculo Polar Ártico, el sol no se oculta en absoluto. Este fenómeno natural permite acceder a los Green a cualquier hora del día o de la noche, por lo que no todo el mundo quiere comenzar a jugar al mismo tiempo y los jugadores están más tranquilos.

En la actualidad, hay 128 clubes de golf y más de 150 campos de golf en todo el país. Finlandia ofrece paisajes únicos gracias a su naturaleza boscosa y al sinfín de lagos que salpican el país, lo que marca profundamente el diseño de los campos. Los cursos de 18 hoyos son en su mayoría más amplios que en otros lugares y las tarifas son bastante razonables. Además, las temperaturas en verano son agradables y rondan los 20-25 ºC.

Algunos campos

Levi Golf

Campo de 18 hoyos ubicado en un precioso paisaje junto a un lago. Durante los meses de verano, está abierto las 24 horas. Green fee 50€ (adulto) y 30€ (junior). www.levigolf.fi

Arctic Golf

Campo de 9 hoyos situado a 4 km del centro de Rovaniemi, con diferencias de altitud y una hermosa vista hacia el delta de los ríos Kemijoki y Ounasjoki. Green fee 40-45€ (adulto) y 30€ (junior).

Kemi Golf

Campo de 9 hoyos que ofrece un circuito interesante, pero no muy complejo por lo que es el más adecuado para principiantes. Green fee 22-27€ (adulto) y 10-12€ (junior).

wwwkemi.fi/golf

- www.visitfinland.com

- www.golf.fi

Guggenheim: De lo privado a lo público

31/05/2009, Del 26 de junio al 10 de enero de 2010, en el Guggenheim de Bilbao, se puede ver la muestra “De lo privado a lo público: Las colecciones Guggenheim”

Bilbao, junio de 2009

La exposición, que explora el origen de la Colección Permanente de la Solomon R. Guggenheim Foundation, está comisariada por Tracey Bashkoff, Conservadora Adjunta de Colecciones y Exposiciones y Megan Fontanella, Ayudante de Curatorial.

La muestra refleja, por medio de un centenar de obras, la naturaleza y evolución de la Colección de la Solomon R. Guggenheim Foundation a través de los paralelismos entre siete colecciones privadas. Se trata de una curiosa lectura de los orígenes del arte moderno y de la transición hacia el siglo,XXI por medio de obras maestras de artistas como Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Vasily Kandinsky, Alexander Calder, Jackson Pollock, Sophie Calle o Hiroshi Sugimoto, entre otros.

El motivo de este programa es la celebración del 50 aniversario de la apertura del Museo Guggenheim de Nueva York. Esto ha motivado una dobre muestra, la que llega ahora y otra que estará dedicada al arquitecto Frank Lloyd Wright, artífice de la sede de la Fundación, exposición que se inaugurará el próximo mes de octubre de 2009.

El montaje de la muestra ofrece al visitante una interesante lectura de los orígenes del arte moderno y de la transición hacia el siglo XXI. Las tres salas clásicas de la tercera planta del Museo presentan un recorrido por seis de las siete colecciones representadas en esta exposición - Solomon R. Guggenheim, Justin K.Thannhauser, Hilla Rebay, Katherine S. Dreier, Peggy Guggenheim y Karl Nierendorf-, mediante una cuidada selección de pinturas y esculturas de los movimientos artísticos más representativos del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX.

La exposición se completa con una treintena de obras realizadas en diferentes medios (video, arte conceptual, fotografía, etc.), a partir de la década de los años 1990, provenientes de la donación de la Fundación Bohen a la Solomon R. Guggenheim Foundation en 2001.

Hilla Rebay y el origen de la Colección

La conversión de las colecciones particulares en museos públicos constituye una metamorfosis extraordinaria. Esta transformación ocurrió en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1937, cuando Solomon R. Guggenheim estableció una Fundación con el fin de instaurar un museo en el que exponer públicamente y conservar sus obras de arte no-objetivo.

Solomon R. Guggenheim proviene de una humilde familia judía de origen suizo que emigra a Estados Unidos con el objetivo de prosperar económicamente. Su padre, Meyer Guggenheim, logra amasar una gran fortuna en la minería de cobre y plata, creando un auténtico imperio económico que seis de sus once hijos ayudaron a consolidar. Uno de ellos, Solomon, un empresario industrial casado con Irene Rothschild, comienza a interesarse por el mundo del arte en la década de 1890 y a coleccionar obras de los maestros antiguos: paisajes americanos, la Escuela Francesa de Barbizon y el arte primitivo de mediados de 1890. Sin embargo, sus prioridades artísticas cambian radicalmente en 1927, con 66 años de edad, cuando su mujer Irene encarga, proféticamente, a la joven Hilla Rebay la realización de un retrato suyo.

Hilla Rebay (1890-1967) va mucho más allá de retratar a Solomon R. Guggenheim. Esta artista de origen prusiano y gran talento, que vive y trabaja por toda Europa antes de mudarse a Nueva York en 1927, cambia su interés en el arte, hasta el punto de transformar la naturaleza de su colección, introduciéndole poco a poco en el arte no objetivo, un método de abstracción con aspiraciones espirituales y utópicas. Gracias a ella, Solomon e Irene Guggenheim conocen en 1930 al artista ruso Vasili Kandinsky en su estudio de Dessau, un encuentro que se traduce en la adquisición de más de 150 de sus obras. También coleccionan en profundidad las pinturas abstractas del artista alemán Rudolf Bauer, amigo íntimo de Rebay desde sus comienzos en Berlín.

Los sueños de Guggenheim y Rebay para su fundación se hacen realidad en 1939 con la apertura del Museo de Pintura No Objetiva en la calle 54 Este de Nueva York, siendo Hilla Rebay nombrada su primera directora y conservadora, cargo que ostenta hasta 1952. En 1949 la colección se traslada definitivamente al número 1071 de la Quinta Avenida y, diez años más tarde, en 1959, se inaugura el edificio de Frank Lloyd Wright, sede actual del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

La extraordinaria colaboración entre los artistas, Solomon R. Guggenheim y Hilla Rebay dio lugar a una de las colecciones del movimiento moderno de principios del siglo XX más espectaculares del mundo.

Visionarios con un nexo común

El origen de la Colección Guggenheim es, básicamente, la historia de varias colecciones privadas, reunidas bajo un mismo techo: la colección del propio Solomon R. Guggenheim; el inventario de expresionismo alemán y arte expresionista abstracto primitivo del destacado galerista Karl Nierendorf (1889–1947); la colección de Peggy Guggenheim (1898–1979) de pintura y escultura abstracta y surrealista; la serie de impresionismo, post-impresionismo y obras maestras modernas primitivas de Justin K. Thannhauser (1892–1976); y varias obras importantes del patrimonio de Hilla Rebay (1890–1967) y Katherine S. Dreier (1877–1952), ambas influyentes en la promoción del arte moderno en Estados Unidos.

Por medio de obras maestras de estas colecciones fundamentales, De lo privado a lo público explora también los intrigantes paralelismos entre un grupo diverso de amantes del arte cuyas vidas se cruzaron durante varias décadas. Aunque sus prioridades como coleccionistas y gustos personales diferían, pueden encontrarse muchos hilos conductores comunes entre estas seis colecciones modernas. Por ejemplo, todas ellas contienen obras, tanto de Paul Klee como de Kandinsky. De hecho, fue Klee quien convenció a Nierendorf —un ex banquero— de que entrara en el comercio del arte en su nativa Colonia tras la I Guerra Mundial.

Además, varias obras presentes en la muestra comparten procedencia e incluso historial de propiedad. La vaca amarilla de Franz Marc (1911) y La ciudad de Delaunay (1911) se exhibieron en la primera exposición del grupo “El Jinete Azul” en la Moderne Galerie, regentada por Heinrich, padre de Thannhauser, en diciembre de 1911 y, posteriormente, fueron adquiridas por la Fundación Solomon R. Guggenheim. Igualmente, la galería de Nierendorf en Nueva York vendió muchas obras a Hilla Rebay, Solomon R. Guggenheim y Peggy Guggenheim en los años cuarenta, antes de que la Fundación adquiriera su patrimonio y la colección de su galería al completo en 1948.

Estos influyentes mecenas, desde Karl Nierendorf a Hilla Rebay, contribuyeron al reconocimiento social de algunos de los artistas más significativos del siglo XX y, con su visión y entendimiento, ayudaron a definir el alcance de la Colección Guggenheim. Justin K Thannhauser, galerista de profesión y responsable de la primera gran retrospectiva de Picasso en 1913, otorgó un primer apoyo crucial a artistas desconocidos o todavía no respetados en los círculos artísticos. Por su parte, entre los artistas integrantes del museo-galería Art of this Century, abierta por Peggy Guggenheim entre 1942 y 1947, se incluían líderes futuros de la Escuela de Nueva York de la talla de Jackson Pollock o William Baziotes.

Más aún, la Société Anonyme de Dreier, fundada en 1920 por Katherine S. Dreier junto a Marcel Duchamp y Man Ray, fue la primera colección de Estados Unidos a la que se denominó “Museo de Arte Moderno“, a pesar de que nunca tuvo un espacio expositivo permanente.

Cada una de estas extraordinarias colecciones personales se ha ido incorporando con el paso de los años a la Colección Guggenheim hasta conformar una selección exhaustiva del arte de vanguardia de finales del XIX y del siglo XX.

Impulsando “el arte del mañana”

Fiel a la misión original de Solomon R. Guggenheim de promocionar “el arte del mañana”, la Fundación que se estableció en 1937 se ha comprometido en la actualidad a aumentar sus fondos de arte contemporáneo y ejerce de catalizadora de la producción artística mediante un programa ambicioso y único de encargos artísticos en el Deutsche Guggenheim de Berlín, así como por medio de la concesión de galardones a artistas vivos como el Premio Hugo Boss bianual.

Por otro lado, la Fundación adquiere obras, tanto de artistas reconocidos, como de jóvenes promesas que trabajan en diversidad de medios. El resultado es una colección internacional ricamente estratificada, que se compone de 7.000 trabajos y que prácticamente ha duplicado su tamaño desde 1990, gracias a la adquisición de obras de arte en su mayoría realizadas a partir de 1970.

Junto a una presentación de las colecciones del museo de arte moderno temprano, del impresionismo al surrealismo, también podrá admirarse en esta muestra una selección de obras contemporáneas de la Donación de la Fundación Bohen, una organización privada de obra social, liderada por Frederick B. Henry desde 1984, que encarga a artistas la creación de nuevas obras de arte poniendo especial énfasis en el cine, el vídeo y los nuevos medios. Iniciada en 1958 en Iowa (Estados Unidos), por el abuelo de Henry, Fred Bohen, la Fundación Bohen comenzó siendo una institución familiar tradicional que concedía becas para apoyar diversas causas comunitarias locales. Bajo el mandato de Frederick B. Henry se dedicó en exclusiva al patrocinio del arte contemporáneo, y sus recursos se extendieron a escala nacional por medio de un sistema único de patrocinio a través del cual la Fundación Bohen encarga obras de arte y dona estos encargos a grandes instituciones.

En 2001, la Fundación Bohen aportó generosamente a la Fundación Guggenheim su colección al completo, con 277 obras de 46 artistas como Pierre Huyghe, Sophie Calle o Jac Leirner. La donación de la Fundación Bohen ha enriquecido inconmensurablemente y expandido la Colección Guggenheim de arte contemporáneo, especialmente en el campo de los nuevos medios y la fotografía. En el Museo Guggenheim Bilbao se mostrará una selección de fotografía, video, pintura e instalación desde los años noventa hasta finales del siglo XX procedente de esta colección.

Cesky Krumlov: 700 años

27/05/2009, Cesky Krumlov, también conocida como la Praga en miniatura, es la perla de la región de Bohemia del Sur. Cumple ahora 700 años.

Praga, mayo de 2009

Uno de los festejos más vistosos de la República Checa se celebra entre los días 19 y 21 de junio en las históricas calles de Cesky Krumlov, Patrimonio Mundial protegido por la Unesco.

Las fiestas de la Rosa de los Cinco Pétalos transcurren entre un maratón de actividades y actuaciones de juglares, bufones y fakires, y unas procesiones de caballeros y doncellas que nos transportan directamente a la época de mayor esplendor de la ciudad.

Coronando la ciudad de Cesky Krumlov se encuentra lo que un día fue la fortaleza-residencia de los Rozmberk, quienes la gobernaron del año 1302 al 1611. Su emblema familiar, una rosa con cinco pétalos, es una marca indiscutible que aún puede verse en cada esquina, y que da nombre a uno de los festejos más espectaculares de todo el país.

El tema central de su 23 edición son los 700 años que cumple la ciudad este 2009 y se festejará, como va siendo habitual, con actuaciones callejeras, muestras de teatro, ferias de gastronomía, exhibiciones de esgrima y espectáculos musicales.

La Plaza de la Concordia, en pleno casco histórico, es el escenario principal de la mayoría de las actuaciones, y donde desemboca la famosa procesión de antorchas en las que los locales y aficionados se visten y disfrazan de personajes de época.

Las fiestas concluyen el domingo con un pintoresco juego de ajedrez viviente que se organiza en los jardines del castillo sobre un tablero de 12 x 12 metros, y un espectáculo de fuegos artificiales al caer la noche.

Más información: www.ckrumlov.cz

Cesky Krumlov, también conocida como la "Praga en miniatura", es la perla de la región de Bohemia del Sur. Mezcla de estilo barroco y renacentista, su arquitectura conforma un espectacular conjunto urbano, declarado Patrimonio Mundial de la Unesco desde 1992. Posee el segundo mayor castillo del país.

SEACEX en Buenos Aires y Costa Rica

27/05/2009, La Sociedad estatal para la Acción Cultural Exterior inaugura en los próximos días tres exposiciones en Buenos Aires y Costa Rica: ¡Viaje con nosotros!, Cartografías disidentes y 300% Spanish Design.

Las diferentes muestras tratan sobre el diseño español de los últimos 100 años, el cómic y el videoarte.

¡Viaje con nosotros!
Buenos Aires. Centro Cultural Recoleta
Del 28 de mayo al 11 de junio de 2009

La exposición muestra la trayectoria durante más de veinte años de seis de los más importantes autores del cómic español actual y se inaugura dentro del 2º Festival Internacional de la Historieta de Buenos Aires VIÑETAS SUELTAS

Comisariado por Jorge Díez, este proyecto expositivo trata de ser una muestra plural del nuevo cómic español surgido en los años ochenta y que ha alcanzado su plena madurez creativa dos décadas después. Una exposición colectiva que toma el viaje como eje temático y está integrada por las obras de Gallardo, Keko, Mauro entrialgo, Max, Micharmut y Miguelanxo Prado. Seis autores que han logrado un lenguaje personal y que, desde seis focos geográficos distintos (Cataluña, Madrid, País Vasco, Baleares, Valencia y Galicia), dibujan con trazo propio y diverso el panorama actual del cómic español dentro de la escena internacional.

Exposición organizada por SEACEX, la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, el Centro Cultural de España en Buenos Aires – AECID, el Centro Cultural Recoleta y el 2º Festival Internacional de la Historieta de Buenos Aires VIÑETAS SUELTAS.

Con motivo de la exposición se publica una pieza singular y complementaria del proyecto ¡Viaje con nosotros! realizada en coedición con la editorial Sin sentido. Incluye una historieta de cada autor sobre el viaje realizada especialmente para la ocasión.

Cartografías disidentes
Buenos Aires. Centro Cultural San Martín
Del 28 de mayo al 4 de julio de 2009

En el proyecto, dirigido por José Miguel G. Cortés, participan siete artistas individuales y dos colectivos, que realizan ex-profeso nueve vídeos sobre otras tantas ciudades iberoamericanas: Alexander Apóstol, sobre Caracas; Antoni Abad + Gloria Martí, sobre Sao Paulo; Hannah Collins, sobre Barcelona; Minerva Cuevas, sobre México D. F.; Carlos Garaicoa, sobre La Habana; Carmela García, sobre Madrid; Grupo de Arte Callejero, sobre Buenos Aires; Mario Navarro, sobre Santiago de Chile e Itziar Okariz sobre Bilbao.

Los diversos artistas han trazado sus propios mapas de diferentes ciudades, en los cuales han dado voz y visibilidad a todo un conjunto de personas y sectores sociales, étnicos, culturales, sexuales... que, generalmente, están privados de voz o de imagen y que no tienen reflejo en los mapas ni en las guías turísticas. De este modo, con estas Cartografías Disidentes cada espectador se podrá trazar su propio mapa, más o menos global, más o menos subjetivo y parcial, de todo aquello que hoy en día constituye y conforma una gran metrópoli.

La muestra Cartografías Disidentes está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) junto a la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, el Centro Cultural San Martín y la Embajada de España en Buenos Aires.

300% Spanish Design
Costa Rica. Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José
28 de mayo al 12 de julio de 2009

A través de 100 sillas, 100 lámparas, 100 carteles, y de una variada selección de objetos significativos del diseño, el objetivo que pretende su comisario, el prestigioso arquitecto y diseñador Juli Capella, es mostrar la rica aportación española a la cultura creativa mundial durante los últimos 100 años. Así, la exposición cuenta con piezas de los más destacados artistas y diseñadores españoles como Picasso, Gaudí, Miró, Dalí, Tusquets, Mariscal, Moneo o Hayón, entre otros.

Con motivo de la exposición, se ha editado un completo catálogo que reúne con detalle todas las piezas de la muestra y contiene ensayos desde diversos lugares del mundo comentado el diseño español.

300% Spanish Design ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX). La Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales (SEEI) ha producido la exposición, que originalmente se concibió como parte del programa cultural del Pabellón de España en la Exposición Universal Aichi 2005 (Japón), y que se expuso en el Museo de Arte Moderno de Saitama. En la muestra también han colaborado los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura y la Embajada de España en Costa Rica.

Pablo Serrano: centenario

26/05/2009, En el centenario del nacimiento del artista aragonés, Ibercaja le rinde homenaje con una exposición que ha recorrido buena parte de España.

Zaragoza, mayo de 2009

La muestra permanecerá abierta en el Museo de León del 10 de junio al 12 de julio. 47 esculturas -5 de ellas de gran formato- 19 dibujos y 5 cuadernos, 2 proyecciones audiovisuales y paneles con la biografía del artista son las piezas que componen la exposición “Las huellas del caminante” con la que la Obra Social de Ibercaja, en colaboración con la Junta de Castilla y León, conmemora el evento.

La muestra se verá posteriormente en Valencia y Rabat (Marruecos).

La exposición inició su andadura en Barcelona, en febrero de 2008, y hasta la fecha ha sido visitada por más de 53.000 personas en 9 localidades.

LAS OBRAS

Pablo Serrano fue uno de los artista españoles más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. El escultor de Crivillén adquirió una enorme dimensión, reforzada por su compromiso con el arte y con la sociedad española. Miembro fundador del Grupo el Paso, fue también uno de los artistas más activos en expresar públicamente su opinión sobre la situación política del momento.

La exposición se abre con la obra “Hombre andando por la playa” de 1953, la única que inicialmente recuperó el escultor de sus trabajos en Uruguay. Simboliza la voluntad de iniciar un camino nuevo y en esta exposición, el inicio del descubrimiento de su “huellas” por el camino artístico.

El primer bloque agrupa trabajos realizados entre 1956 y 1959 en España. Consta de 11 esculturas y de 4 dibujos y son ejemplos de las series “Hierros Encontrados”, “Ordenación del Caos”, “Quema del Objeto” y “Ritmos en el Espacio”.

El segundo bloque agrupa 10 bronces y algunos dibujos, piezas realizadas entre 1962 y 1976 de las series “Bóvedas para el Hombre”, (con las que representa a España en la Bienal de Venecia de 1962), “Hombres Bóveda”, “Hombres con Puerta”, "Lumínicas” y “Unidades Táctiles”.

Las “Unidades Yunta” comprenden el tercer bloque, compuesto por dibujos y por 5 esculturas de bronce y de mármol.

En el cuarto bloque se inician las referencias figurativas que el escultor alternó con las obras abstractas durante toda su carrera. Las piezas más interesantes son las “Interpretaciones al Retrato” que realizó para amigos como Machado o personajes admirados. En esta sección figuran 6 retratos: “Aranguren”, “Gaya Nuño”, “Alberto Portera”, “Michel Tapié”, “Westherdal“ y el retrato monumental de “Antonio Machado”.

De la serie “Divertimentos en El Prado”, fruto de la aproximación o revisión pictórica de los grandes maestros, la muestra incorpora 6 obras: “Familia de Carlos IV “, “Duquesa de Alba”, “Príncipe Baltasar Carlos a caballo”, “Retrato de Carlos V”, “Retrato de Carlos III cazador” y “Maja desnuda “.

Dentro de la faceta de Pablo Serrano como escultor monumental, se pueden observar las maquetas de los monumentos “Unamuno”, “Galdós”, “Ponce de León”, “Juan March”, “Labradora Turolense” y “Encuentro”. Este bloque se acompaña de un audiovisual que ayuda a comprender el trabajo preparatorio de estudio y su definición final en el entorno.

PABLO SERRANO (Crivillén, Teruel, 1908 - Madrid, 1985)

El 10 de marzo de 1908, Pablo Serrano nace en Crivillén (Teruel). Se traslada a Zaragoza para realizar sus estudios y después a Barcelona, donde aprende escultura hasta su marcha en 1929 a América del Sur. Llega primero a Buenos Aires, a finales de año a Rosario de Santa Fe (Argentina) y a mediados de 1935 se traslada a Montevideo (Uruguay).

En Montevideo se une en 1939 a la agrupación “Paul Cezanne” e inicia sus contactos con la abstracción. En 1954-1954 obtiene el primer premio Nacional del Salón de Bellas Artes de Montevideo por sus esculturas. El año 1955 consigue el Gran Premio en la Bienal de Montevideo, dotado con una beca de estudios de dos años en el extranjero. Esto le permite viajar por Europa, conocer las últimas tendencias del arte y regresar a España, logrando ese mismo año el Gran Premio de Escultura en la Bienal Hispano - Americana de Barcelona.

En el año 1957 se afinca definitivamente en Madrid y es miembro fundador del Grupo “El Paso”. Expone en el Ateneo de Madrid obras figurativas (retratos) y abstractas (hierros). Posteriormente lleva su obra por toda Europa y América.

En el año 1962 presenta en el Pabellón Español de la XXXI Bienal de Venecia, 23 obras con el título “Bóvedas para el Hombre”, con lo que obtiene un gran éxito de la crítica. Actualmente poseen obras suyas el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo del Ermitage de San Petersburgo, Museo de Arte Contemporáneo de la Villa de Paris, Museo Guggenheim, Fundación Gulbenkian de Lisboa, Middelheim de Amberes, Museo Vaticano, etc.

Murió el 26 de noviembre de 1985 en Madrid. Sus obras fueron legadas al Museo Pablo Serrano de Zaragoza, del que procede el grueso de las piezas de esta exposición. Producida por la Obra Social y Cultural de Ibercaja y el Museo Pablo Serrano, ha contado con el apoyo de la familia del escultor.

Dioses Transformados

25/05/2009, En el Japanische Palais de Dresde, Alemania, se presenta una exposición extraordinaria sobre la escultura clásica, hasta el próximo 27 de septiembre

Dresde, Alemania, mayo de 2009

“Esculturas Clásicas del Museo del Prado en Dresde” es una exposición del Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, el Museo Nacional del Prado de Madrid y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX.

En Madrid, los visitantes se rindieron a los pies de los Dioses. Alrededor de 270.000 personas visitaron la exposición “Entre dioses y hombres. Esculturas Clásicas del Albertinum de Dresde y el Museo Nacional del Prado”, presentado en el famoso Museo del Prado, de renombre mundial, entre noviembre de 2008 y abril de 2009.

Los medios de comunicación españoles dieron amplia cobertura a la inauguración de esta exposición. Una versión ligeramente modificada, “Dioses Transformados – Esculturas Clásicas del Museo del Prado en Dresde”, llega ahora a la metrópolis sajona del arte.

La exposición podrá visitarse durante cuatro meses en el Japanische Palais, y huelga decir que se trata de la exposición de escultura más importante presentada en Dresde en los últimos tiempos.

Las colecciones de escultura del Museo Nacional del Prado y del Staatliche Kunstsammlungen de Dresde son dos de las más notables colecciones antiguas que pueden encontrarse fuera de Italia. Puesto que tanto Augusto el Fuerte como el rey español Felipe V adquirieron colecciones completas de antigüedades con las que decorar sus residencias reales, ambas incorporan importantes obras de escultura clásica y son similares en cuanto a la diversidad de sus piezas.

Las excepcionales piezas de ambos museos permiten una extensa presentación de obras clave que datan desde el período clásico hasta el clásico tardío del arte romano. “Esta exposición es un excelente ejemplo de las ventajas de la cooperación internacional entre museos. Descubrimos interacciones entre las historias de las colecciones, publicamos colaboraciones de nuevas investigaciones y conseguimos complacer al público en dos destinos diferentes mediante exposiciones extraordinarias. Tras el gran éxito conseguido Madrid, esperamos impacientes la inauguración de este magnífico evento artístico de Dresde”, afirmó el Dr. Martin Roth, Director General del Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las más de 60 esculturas expuestas se realizaron durante el período del Imperio Romano (finales del s. I a.C. – s. IV d.C). No sólo son testigos de la cultura y arte romanos en sí, sino que también constituyen una representación de los precedentes griegos perdidos. La exposición del Japanische Palais también presta atención a las obras de arte propiamente dichas. Cuando se encontraron estatuas antiguas, los escultores del Barroco del s. XVII sustituyeron las partes extraviadas en un intento de restaurarlas, modificando así su naturaleza. Más tarde, en la estela de posteriores investigaciones arqueológicas, se eliminaron los elementos que habían sido añadidos con el fin de restaurar los clásicos originales devolviéndolos a su forma original. Actualmente, estos añadidos del Barroco han sido parcialmente reconstruidos, por lo que en la exposición se expondrá el clásico original junto a la escultura modificada a través de la mirada de Augusto.

“Partes de las obras de arte de Dresde han sido objeto de una importante restauración sólo para la exposición, a partir de una investigación científica y una interpretación parcialmente novedosa. Muchas de las antigüedades de Dresde, tales como la Mujer de Herculano o el Zeus de Dresde, aparecen bajo una nueva luz”, afirmó el Dr. Moritz Woelk, Director del Skulpturensammlung (Colección de Escultura) en Dresde.

El título, “Dioses transformados” hace alusión a los cambios sufridos por la imagen de los dioses en la Antigua Grecia y Roma. Mientras que durante el período de la Grecia Clásica las estatuas de los dioses están rodeadas de un aura de dignidad y seriedad, las representaciones posteriores enfatizaban fundamentalmente su gracia y elegancia. Más tarde, los romanos tomaron las imágenes tradicionales de los dioses como modelos y las dotaron de rasgos humanos, apropiándose así de los poderes y atributos de los dioses.

Existen numerosos paralelismos entre las dos colecciones de este proyecto de exposición colectiva en cuanto a la diversidad y origen de las obras de arte. En 1724, el rey Felipe V adquirió antigüedades de las colecciones de Livio Odescalchi para llevarlas a Madrid. En 1728, Augusto el Fuerte compró esculturas pertenecientes a las colecciones de Albani y Chigi.

La exposición de Dresde establece un vínculo entre la historia de la colección de antigüedades de Dresde, que entre 1786 y 1890 haría del Japanische Palais su hogar. Algunos de los objetos que se presentarán fueron expuestos en este mismo palacio hace 200 años.

Finlandia, en familia

24/05/2009, Turismo de Finlandia presenta como reclamo para la visita al país nórdico el atractivo de regalar a los hijos una en torno a los parques de atracciones

Helsinki, mayo de 2009

La llegada de los largos días de verano, llenos de luz, hacen que durante los meses estivales el país nórdico se llene de energía, con de un sinfín de actividades para los más pequeños. Pasar el día en el parque de atracciones de Helsinki o participar en el Pori Jazz Kids Festival son algunas de las divertidas propuestas de Finlandia para estas vacaciones.

Turismo de Finlandia presenta como reclamo para la visita al país nórdico el atractivo de regalar a los hijos un día lleno de diversión en cualquiera de los parques temáticos de Finlandia, que fusionan emocionantes atracciones con la naturaleza.

El parque de atracciones Linnanmäki, que existe en Helsinki desde hace 60 años, ofrece entrada gratuita durante todo el verano. Al lado, el acuario Sea Life permite ver de cerca, en sus más de 50 tanques de agua, cientos de fascinantes criaturas marinas como tiburones, pirañas o caballitos de mar.

En la ciudad de Tampere, y junto al hermoso lago Näsijärvi, está el Särkänniemi Adventure Park, con más de 700.000 visitantes al año. Dispone de 35 atracciones, un acuario, un delfinario, un planetario, un zoo para niños, un museo de arte y una torre de observación.

Más al norte, el Ranua Wildlife Park es un precioso zoo situado al sur del Círculo Polar que ofrece la oportunidad de ver animales del Ártico en su hábitat natural, como osos pardos y polares, búhos de las nieves, lobos y zorros. Entre las actividades para niños de este verano ofrecen paseos a caballo y la oportunidad alimentar a los animales.

Además, los más pequeños pueden formar parte de dos festivales muy especiales. En el Pori Jazz Kids Festival, en la pintoresca ciudad de Pori del 11 al 15 de julio, podrán participar gratis en más de 90 talleres musicales, conciertos y actuaciones de blues, jazz, gospel y armónica, en torno al tema “Vuelta a las raíces”. El Festival de Helsinki acercará el arte a los niños con espectáculos de teatro, marionetas y clown durante el mes de agosto.

Una original y emocionante forma de conocer la capital finlandesa y sus 300 islas es a bordo de pequeños cruceros por la costa, visitando la fortaleza marítima de Suomenlinna, las villas de verano, el Canal Degerö, el zoológico Korkeasaari, y diferentes rompehielos y puertos.

www.visitfinland.com

Pintura pompeyana

24/05/2009, En Nápoles, el Museo Arqueológico Nacional abrió de nuevo al publico su magnífica muestra de pintura pompeyana

Nápoles, Mayo de 2009

Los frescos rescatados desde el siglo XVIII bajo la capa de lava del Vesubio vuelven a ser admirados por los amantes del arte.

El Vesubio entró en erupción hace prácticamente dos milenos, mostrando súbitamente el poder trágico de la naturaleza. La muerte sorprendió de repente a los habitantes de las ciudades de Pompeya y Herculano. Apresados bajo la lava, quedaron los testimonios de la vida diaria y del arte de aquellas cultas urbes desaparecidas.

Muchos de los tesoros de aquellas ciudades se han recogido en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, que alberga magníficas piezas esenciales para el estudio de aquella sociedad que dejó de existir en agosto del año 79 d.C.

Conocemos aquella tragedia por sendas cartas de Plinio el Joven a Tácito, en las que relata los aconteceres de aquellos 24 y 25 de junio, en la costa sudoeste de la península itálica, catástrofe en la que falleció Plinio el Viejo, tío y padre adoptivo suyo, Procurador de la Hispania Citerior, culto, moralista estricto y ecléctico, que dejó numerosas obras, hoy perdidas todas menos su Historia Natural.

Según el relato, el 24 de agosto era caluroso. Cayo Plinio (Plinio el joven), de 18 años, se hallaba con su madre y su tío (Plinio el viejo) en una villa de la ciudad de Miseno, en la bahía de Nápoles, a unos 30 kilómetros del Vesubio.

Entonces, el monte entró en erupción. Plinio el viejo, a la sazón jefe de la flota imperial allí atracada, murió mientras intentaba salvar a quienes se hallaban en peligro en las inmediaciones del volcán. Se dio cuenta de la catástrofe y decidió cruzar la bahía con algunos barcos en misión de rescate. No pudo desembarcar en ningún lugar cercano a la montaña a causa del calor y la lluvia de cenizas y piedra pómez. Por ello, se dirigió a aun punto situado a 5 kilómetros al sur de Pompeya, donde se refugió en casa de un amigo. Desde allí podían ver el Vesubio, del que surgían en ”varios puntos extensas capas de fuego y llamas impetuosas, a cuyo resplandor contribuía la oscuridad de la noche". Permaneció Plinio en la casa del amigo y al amanecer del día siguiente intentó infructuosamente volver al barco. Murió por efecto de los fuegos y un ataque de asma.

Desde hace unos 200 años, no han cesado de sorprender las apariciones de aquella tragedia y que nos documentan sobre el arte romano.

Desde el 30 de abril, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles pone ante el publico unos 400 frescos de gran valor, en una muestra que es lo mejor de la pintura conservada desde los días de Roma.

Estos frescos han sido objeto de un proceso de restauración durante una década y ahora se presentan de nuevo, como la mejor colección de pintura romana del mundo, en una exposición que ha sido organizada por Mariarosaria Borriello y Valeria Sampaolo, que recurren a una presentación cronológica de los materiales, extraídos de las paredes de casas como las de los Dioscuros o Villa Boscoreale.

Toda una sucesión de obras de arte que nos permite acercarnos a los estilos, las técnicas, los rituales, los mitos, y revivir de este modo el esplendor de una ciudad, sobre la que cayó la inesperada tragedia.

Las labores de limpieza, conservación y restauración han permitido recuperar los colores antiguos y algunos detalles no observados con anterioridad, a la vez que profundizar en el estudio de las técnicas y los géneros artísticos.

Museo Archeologico Nazionale. Piazza Museo Nazionale, 19. Napoli

Carnaval a la tahitiana

24/05/2009, La capital de Tahití acoge del 9 de junio al 25 de julio el mayor encuentro folclórico de Tahití y sus islas, al que acuden grupos y seguidores de todos los cinco archipiélagos

Tahití, Mayo de 2009

Durante el Heiva i Tahiti se puede disfrutar de los famosos concursos de danza y cánticos tahitianos, así como de un sinfín de actividades tradicionales como exhibiciones de producción de copra, carreras de piraguas o pruebas de tiro al coco.

Las tamure, bellas y sensuales coreografías cargadas de simbología ancestral, están interpretadas por grupos de bailes de hasta 150 participantes y son el espectáculo estrella del festival, que se desarrolla en el anfiteatro Place To’ata en la capital Papeete.

Este carnaval a la tahitiana va abriendo boca en junio con bailes escolares y otras representaciones, pero es del 10 al 18 de julio cuando la competición llega a su punto álgido. Los participantes, con golpes de cadera y movimientos sincronizados, competirán por galardones como el de Mejor Grupo, Mejor Bailarín y Bailarina, Mejor Vestimenta o Mejor Orquestra.

El jurado valora la innovación y expresión corporal, así como la interpretación de bailes clásicos inspirados en una historia o leyenda polinesia.

Entre los concursos de cánticos himene destaca la actuación especial de la agrupación ganadora del Heiva 08. Los himene son composiciones polifónicas que fusionan las raíces religiosas británicas con el misticismo maorí, que recuerdan leyendas y constituyen parte importante del acervo cultural tahitiano.

En el apartado deportivo, se retoman costumbres como el lanzamiento de jabalina y tiro al coco, a una distancia de 22 m., una práctica típica de las Islas Tuamotu; o el levantamiento de piedras, de las Islas Australes. Junto a ello, las carreras de canoas, consideradas el deporte rey en Tahití y sus islas.

Siglos atrás, los Heiva eran celebraciones oficiadas en los templos maraes de Tahití y sus islas, acompañadas de bailes, cánticos y mimos. Fueron abolidos por los misioneros cristianos, por considerarlos impuros. La recuperación de aquellas costumbres fue gradual: primero ligándolas a los festejos por la Toma de la Bastilla instaurados por los franceses en 1882, después bajo el nombre de Tiurai (julio) y más tarde rebautizados como Heiva i Tahiti en 1845, cuando las islas proclamaron su autonomía.

Hoy el pueblo tahitiano, orgulloso de su cultura y tradiciones, muestra al mundo su riqueza y fuerza.

Glosario básico

Tamure (danza)

Otea: danzas acompañadas de percusión y movimientos rápidos.

Aparima: bailes gestuales.

Hivinau: toma protagonismo la orquesta, alrededor de la que se baila en semicírculo.

Paoa: se bailan sentados acompañados por música y cánticos.

Himene (cánticos)

Ru'au: cantos a capela y coros de ritmo lento.

Tarava: complejas estructuras musicales creadas por conjuntos de 60 a 80 personas.

Ute: composiciones de ritmo rápido interpretadas por 2 ó 3 personas, normalmente con instrumentos más modernos, como la guitarra, el ukelele, la armónica o el acordeón.

Patrimonio y Música

23/05/2009, La Fundación Patrimonio Histórico de Castilla y León, integrada por las cajas de ahorro de la Comunidad Autónoma, organizan un ciclo que une patrimonio artístico y música.

Mayo de 2009

Esta fundación, que financian Caja España, Caja Duero, Caja de Burgos, Cajacírculo, Caja Segovia, Caja de Ávila, junto con la Junta de Castilla y León, inicia el próximo 5 de junio la décima edición de su ciclo de conciertos, con el objetivo de acercar el patrimonio a la sociedad, valiéndose de la música, otro de los valores del legado cultural.

“Las Piedras Cantan” se ha convertido en un referente dentro de este tipo de actividades de difusión cultural, a lo largo de las nueve ediciones anteriores en las que más de 72.000 personas disfrutaron de estos conciertos.

La Fundación programa este año nueve conciertos de nueve agrupaciones diferentes, uno en cada provincia y cada fin de semana, desde el 5 de junio hasta el 31de julio. Todos ellos tomarán como escena una selección de iglesias y edificios históricos que forman parte del Patrimonio de Castilla y León, en la mayoría de los cuales ha intervenido la Fundación.

El programa diseñado por la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León se refleja en la siguiente relación:

- Viernes 5 de junio, en el Centro Cultural de San Agustín El Burgo de Osma, concierto de folk-jazz de Taper Duel, con el patrocinio del Ayuntamiento de El Burgo de Osma.

- Sábado 13 de junio, en la Colegiata de Toro, concierto de jazz fusión de Serrano y Lechner, con el patrocinio del Ayuntamiento de Toro.

- Sábado 20 de junio, en el Auditorio del Parador de La Granja, concierto de Tres por el Jazz, con el patrocinio del Ayuntamiento del Real Sitio de San Ildefonso y el Parador de la Granja.

- Sábado 27 de junio, en la iglesia de Santa María de Ledesma, repertorio lírico ofrecido por la soprano Inmaculada Pérez y Quito Gato, con el patrocinio de la Diputación de Salamanca.

- Viernes 3 de julio, en la iglesia de Santa María de Medina de Rioseco, concierto de Música vocal española del siglo XVI de Nova Luz Ensemble, con el patrocinio del Centro de Iniciativas Turísticas Ajújar de Medina de Rioseco.

- Sábado 11 de julio, en la iglesia de Santa María del Azogue de Valderas, concierto de música de cámara de Cuarteto Almus, con el patrocinio del Instituto Leonés de Cultura de la Diputación de León.

- Viernes 17 de julio, en la Colegiata de San Miguel de Ampudia, concierto de música italiana del siglo XVII de Raquel Andueza y Jesús Fernández Baena, con el patrocinio del Ayuntamiento de la Villa de Ampudia.

- Sábado 25 de julio, en el Espacio Cultural de San Martín de Arévalo, concierto de flamenco fusión de Raúl Olivar Grupo.

- Viernes 31 de julio, en la Excolegiata de Santa Ana de Peñaranda de Duero, concierto de música vocal de La Colombina, con el patrocinio de la Diputación de Burgos.

Todos los conciertos empezarán a las 21:00, horas y la entrada es libre, hasta completar en aforo. Prácticamente todos permiten, además, apreciar el resultado de las restauraciones de la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León.

Es el caso del retablo mayor de la iglesia de Santa María de Medina de Rioseco, el espacio cultural en la iglesia de San Martín de Arévalo, la iglesia de Santa María de Ledesma, el retablo mayor de la iglesia de Santa María de Azogue de Valderas y el sepulcro de los Señores de Ampudia de la Colegiata de San Miguel de la localidad palentina.

El Thyssen y las ciudades

23/05/2009, El Thyssen Bornemisza presenta un ámbito virtual para conocer los paisajes del mundo, tal y como fueron pintados y tal y como son en la actualidad

Mayo de 2009

Las calles de Berlín, Rouen o Glasgow, los paisajes de San Sebastián, Trieste o Palermo, los edificios de Venecia, Utrecht o Londres protagonizan algunas de las grandes obras de las colecciones del Museo-Thyssen-Bornemisza.

Son 45 de estas pinturas las que tienen un sitio virtual, ahora, en Flickr.com bajo el nombre Tu ciudad en el Thyssen. Allí se puede ver una imagen del cuadro, acompañada de un texto explicativo, con vínculos a fotos recientes de ese lugar que un día inmortalizó un artista y que en la actualidad son los usuarios de Flickr.com quienes las han ido colgando.

Además, se incluyen enlaces con entradas de Wikipedia o con la web del propio Museo mediante las cuales se puede completar la información sobre el autor, la obra, la ciudad en cuestión.

Este recorrido tiene otro camino de llegada, a través de un Mapa en donde están marcadas las localidades del mundo que tienen su reflejo plástico en las Colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza: se accede entonces a la obra y al resto de los vínculos.

Tu ciudad en el Thyssen es un proyecto de promoción turística que busca propiciar visitas presenciales y virtuales a las Colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza a través de los resortes afectivos que actúan sobre una persona cuando descubre que el paisaje, la casa o el lugar en el que ha vivido está representado en una obra de arte. Por ello, es una iniciativa abierta a quien quiera fotografiar esa calle o esa playa y compartirla con otros usuarios de las redes sociales.

Prague Biennale Art 4

21/05/2009, La cuarta Bienal de Praga instaura desde este año una sección dedicada a la fotografía

Praga, mayo de 2009

En esta muestra, consolidada cita con el arte de vanguardia, se incorpora, por primera vez, una sección de fotografía procedente de Europa Central y EEUU: Prague Biennale Photo 1

Desde el 14 de mayo hasta el 26 de julio, la muestra dirigida por Helena Kontova y Giancarlo Politi enfocará los últimos acontecimientos de la pintura internacional, como el arte checo 20 años después de la caída del muro de Berlín o el novísimo concepto checo White Paper Black Bride concebido por la prometedora figura de Edith Jerabkova y el reconocido artista checo Jiri Kovanda.

La sección Expanded Painting, con más de 120 pintores, ofrece este año la mayor convocatoria de jóvenes talentos jamás presentada en una muestra internacional. Como novedad contará con la presencia de pintores insólitos de Alemania, Polonia, Rumania, Italia, China y los “países del Tsunami”, esto es, Indonesia, Filipinas, Malasia, y Singapur.

La oferta cultural este año se amplía con Prague Biennale Photo 1, organizada por el antiguo director del Instituto checo de Fotógrafía de Arte Vladimir Birgus. En esta primera edición se mostrará una descripción del arte fotográfico de Europa Central y los Estados Unidos.

En total, en esta cita con las vanguardias artísticas habrá más de 230 autores de todo el mundo para una de las exposiciones más importantes de la República Checa. El catálogo de la bienal estará disponible en inglés, a todo color.

La cuarta bienal de Praga, como viene siendo tradición, se podrá visitar en el espacio alternativo Karlin Hall (Thamova 14).

La feria se celebra cada dos años en Praga desde 2003 auspiciada por Giancarlo Politi, director del Trevi Flash Art Museum en Treviso (Italia) y fundador de la revista de arte Flash Art Magazine

www.praguebiennale.org

WWF propone derribar presas de los ríos

21/05/2009, La organización conservacionista WWF propone desmantelar 20 presas de los ríos de España, para devolver a los ríos su estado natural

Madrid, mayo de 2009

WWF presentó su campaña “Liberando ríos”, que propone desmantelar presas que sean obsoletas, estén en ruinas o causen un grave impacto ambiental sobre los espacios naturales protegidos.

Por primera vez, identifica las presas españolas que se podrían demoler según la legislación vigente. La organización ha señalado que, en una primera etapa, se deberían desmantelar veinte obstáculos de los más de 8.000 analizados en toda España.

La campaña de WWF pretende “liberar” los ríos para mantener su biodiversidad, mediante la restauración de los ecosistemas afectados por la presencia de una serie de presas. Con este objetivo, ha realizado un análisis pionero para detectar cuáles son los obstáculos que deberían desaparecer de forma inmediata y ha recordado que las presas también tienen fecha de caducidad.

El objetivo de “Liberando ríos” es lograr que se cumpla la Directiva Marco del Agua, eliminando los graves impactos que generan ciertas presas en determinadas condiciones sobre el medio ambiente. Por ejemplo, la fragmentación de los ríos y la amenaza a las especies que no pueden completar su ciclo vital, como es el caso del salmón que se encuentra con esta barrera artificial cuando intenta alcanzar sus lugares de desove.

WWF ha analizado las 1.231 grandes presas y más de 7.000 pequeños obstáculos, entre diques y azudes, existentes en España, el país con más presas per capita del mundo. El resultado del informe ha sido que casi un centenar deberían ser derribados contribuyendo a lograr una verdadera “economía verde”, basada en una gestión sostenible y unas infraestructuras razonables.

La primera etapa de este proyecto nacional propone desmantelar de forma inmediata veinte presas representativas de las diferentes situaciones que deben darse para permitir las demoliciones. En este sentido, WWF ha seleccionado presas con la licencia caducada, como la de Molló (Cataluña), Bujioso (Castilla-La Mancha) y Barbellido (Castilla y León), en estado ruinoso, como la de A Baxe (Galicia), o que afecten a espacios protegidos, como la de Las Librerías (Castilla-La Mancha).

Por otra parte, WWF afirma que los programas autonómicos más completos para la demolición de presas se encuentran en el País Vasco, Navarra, Galicia, Extremadura y Cataluña.

“Liberando ríos”, de WWF, señala los obstáculos que se deberían desmantelar y su justificación, además de los mecanismos de actuación para realizarlo. Por primera vez, se plantea el derribo de estas infraestructuras de forma sostenible.

Juan Carlos del Olmo, Secretario General de WWF España, declaró: “creemos que el tabú contra los derribos tiene que desaparecer, ya que el proceso de eliminación de presas no sólo sirve para restaurar ecosistemas dañados, sino también para generar empleo ambientalmente sostenible. En la mayoría de los casos, tal como se desprende del informe, es más barato derribar una presa que mantenerla o repararla”.

Además, WWF ha remitido una carta a la Ministra de Medio Ambiente, y Medio Rural y Marino, Elena Espinosa, así como a los presidentes de las conferencias hidrográficas y a los de las Comunidades Autónomas afectadas. En ella, ha pedido que consideren la oportunidad que supone la demolición de presas en España. Esto se lograría mediante un plan de obras sostenibles integradas en los futuros planes hidrológicos.

Alberto Fernández Lop, experto del Programa de Aguas de WWF España, concluyó que “la campaña “Liberando ríos” se enmarca dentro de un movimiento mundial que tiene por objetivo identificar las presas que son verdaderos obstáculos para los ríos. En Estados Unidos, se han demolido más de 700 presas por motivos de seguridad y económicos y, en la Unión Europea, Francia ha sido el país pionero con la eliminación de varios obstáculos en la cuenca del Loira”.

PRESAS AFECTADAS

1. Presa de las Librerías. Pesca protegida

2. Presa de Los Tilos. Pesca protegida

3. Presa de La Tosca. Pesca protegida

4. Presa de El Torcón. No funcional. Obsoleta

5. Presa del El Torcón II. No funcional

6. Presa de Gil García. En desuso

7. Azud de Barbellido. Ilegal

8. Presa de Buijoso.Obsoleta

9. Presa de Mezalocha. Existen alternativas

10. Presas de Alcalá del Río y Cantillana. Peces migradores

11. Azud del Nacimiento. Impacto pesca protegida

12. Presa de El portillo. Mantenimiento inviable.

13. Presa de San Clemente. Sobredimensionada

14. Azud de Pikoaga. En desuso

15. Azud de Santiago. En desuso

16. Azud de Mendaraz. En desuso

17. Presa de Molló. Sin concesión

18. Dique del Granaíno. Pesca protegida

19. Presa de A Baxe. Problemas legales

20. Presa de Arganzo. Migración Salmón

Novedades en El Museo del Prado

28/04/2009, Se presenta la primera edición del programa de exposiciones “La obra invitada”, con La Magdalena penitente de Georges de La Tour, y la instalación de la nueva sala dedicada a los primeros Borbones.

El pasado lunes, 27 de abril, El Museo del Prado presentaba en rueda de prensa su primera "obra invitada", procedente del Museo del Louvre, y la nueva sala temática "Los primeros Borbones. Pintura francesa del siglo XVIII", dedicada al retrato borbónico. Ambas acciones forman parte del plan de reordenación y ampliación de las colecciones del Museo.

La obra seleccionada para ser protagonista de la primera edición del programa de exposiciones "La obra invitada", ha sido La Magdalena penitente del artista francés Georges de La Tour y procedente del Museo del Louvre. La instalación fue inaugurada oficialmente con la visita al Museo del presidente de la República francesa y su esposa, acompañados por Sus Majestades los Reyes de España.

La Magdalena penitente de Georges de La Tour se exhibirá durante dos meses en la sala 5, mientras que será la sala 39 la que albergue la selección de pintura francesa dedicada a los retratos de los primeros Borbones.

El Programa de reordenación y ampliación de las colecciones del Museo del Prado cuenta con el apoyo de y patrocinio de la Fundación AXA.

Juan Gris, Ilustrador

26/04/2009, El Centro Cultural de Caixa Girona acoge hasta el 14 de junio una exposición de dibujos de Juan Gris, de la colección de Emilio Ferré.

Girona, abril de 2009

Son 61 dibujos originales de Juan Gris ( Madrid 1887- Boulogne sus Seine, Francia, 1927) quien en 1906 ya estaba en Paris, colaborando tanto con revistas ilustradas de la capital francesa, así como con las de Madrid o Barcelona, antes de entrar a formar parte de la elite de los cubistas.

La labor como dibujante e ilustrador de prensa de Gris había comenzado en la revista Papel de Estraza, en Madrid, durante 1904, con 17 años, y se desarrolló posteriormente con más intensidad durante los primeros años de su estancia en Francia. En su periodo inicial, Juan Gris efectuó más de 650 dibujos y viñetas tipográficas

Es cierto que el Juan Gris dibujante quedó eclipsado por el pintor; el propio artista parece que ayudó a correr un velo sobre la obra anterior al 1912, época en la que empezó a mostrar sus pinturas. Sin embargo, una serie de investigadores y coleccionistas han ido revelando el contenido de sus trabajos en prensa y revistas.

Juan Gris marchó a París buscando un buen mercado para sus trabajos, una sociedad menos rígida y –también- escapar al servicio militar. Tardó prácticamente un año en empezar a publicar en medios franceses, aunque mantuvo contactos con los de España.

En agosto de 1907 hizo su primer trabajo para l´Indiscret, y poco más tarde publicó en Le Temoin, iniciando una tanda de tareas que llegaron también a Alemania, aunque sólo con los lienzos, en 1912, encontraría una actividad más regular y rentable.

En efecto, a partir de este momento, Juan Gris (José Victoriano González Pérez, de nombre real) sería junto con Picasso y Braque uno de los grandes maestros del cubismo.

Las obras reunidas en la Colección Emilio Ferré" son una importante parte de los dibujos que se conservan en la actualidad de aquella época de Gris ilustrador.

En total, el artista colaboró en 24 publicaciones, básicamente españolas y francesas, además de una de Alemania.

Como pintor, Juan Gris tambien ha sido bastante olvidado. En su lugar de origen, España, hasta 1985 no se dedicó una retrospectiva. Ese olvido también alcanza a las colecciones del país, en cuyos museos e instituciones no estuvo presente hasta la llegada de la democracia.

La rebelión del Bounty

26/04/2009, 220 años después de la famosa rebelión del Bounty, Tahití promociona lugares que recuerdan aquella histórica situación.

Tahití, abril de 2009

Recodaremos que el barco pertenecía a la armada inglesa y transportaba frutos del pan desde Tahití al Caribe. Su capitán, Willian Bligh le llevó –en lugar de por la ruta del Cabo de Hornos- bordeando África del Sur. Llegó diez meses más tarde (mucho mas tarde de lo previsto)

No se podían recoger entonces los frutos del pan. La tripulación del Bounty tuvo que esperar seis meses hasta la recogida del fruto; tiempo en que conocieron el paraíso y quedaron embriagados por los paisajes de Tahití, el tranquilo estilo de vida y la belleza de sus mujeres.

Finalmente los marinos zarparon para el Caribe el 4 de abril de 1789, pero pocos días más tarde –el 28 de abril- hubo una rebelión y la mayor parte de la tripulación quedó en el Bounty, en tanto que se dejó en un bote al capitán y algunos de los que le apoyaban.

Los amotinados acabaron instalándose en una isla del archipiélago de Tahití, donde aún habitan sus descendientes.

Turismo tras el mito del Bounty

La rebelión ha sido objeto de varias versiones cinematográficas y tema principal de infinidad de libros. E resultado ha sido ampliamente retratado en las pantallas por estrellas como Anthony Hopkins, Mel Gibson o Marlon Brando.

La apasionante historia de la Bounty vive aún en Tahití y sus islas, y puede descubrirse recorriendo sus escenarios más significativos.

Saliendo de la capital, Papeete, y bordeando la costa noroeste, nos acercamos a la cercana localidad de Arue, donde se sitúa el museo y antigua residencia del escritor estadounidense James Norman Hall, autor de la conocida novela “Rebelión a bordo” que narra lo ocurrido en la famosa embarcación.

Muy cerca de allí, el mirador de Tahara ofrece una magnífica vista de la isla de Moorea y la Bahía de Matavai, escenario de películas como la famosa “Motín a bordo” protagonizada por Marlon Brando.

Es también parada obligatoria el ‘Point Venus’, donde se encuentra el único faro de la isla y un monolito conmemorativo que marca el lugar donde el Bounty arribó por vez primera a Tahití. Es llamado así porque el famoso navegante James Cook lo eligió como el lugar idóneo para estudiar el paso de Venus ante el sol en 1769.

Conduciendo hacia el valle de Papeeno se puede apreciar el tipo de vegetación selvática que crece en este archipiélago y los ‘uru’, árboles del pan cuyo fruto, según los planes del gobierno británico en 1788, servirían de alimento a los esclavos de las colonias del Caribe.

La última parada de la ruta, el atolón de Tetiaroa a 42 km de Tahití, tiene que ver precisamente con Marlo Brando. La isla fue cedida por 99 años al actor americano como un regalo tras rodar la película y el año que viene se abre allí un eco-hotel que su hijo construye y al que llamará “The Brando”.

El monasterio de Santa María en 3D

23/04/2009, Si los monjes del Monasterio románico de Santa María de Ripoll levantaran la cabeza… la bajarían de nuevo tranquilos al saber que su legado resistirá el paso del tiempo y llegará a las generaciones futuras.

Todo ello gracias a un proyecto de realidad virtual dirigido por el ingeniero Pere Brunet, académico de la Real Academia de Ingeniería que coordinó una sesión sobre cómo preservar el Patrimonio Histórico de la Humanidad mediante nuevas tecnologías, este mes de abril, en la que participaron destacados especialistas de España, China y Japón.

Se trata de un trabajo desarrollado junto con el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC). Sólo hay otros dos proyectos como el de Ripoll a nivel mundial: el David de Miguel Ángel y el Partenón.

El modelo virtual del pórtico de Ripoll es de una fidelidad submilimétrica, según ha explicado el profesor Brunet, quien también es vicepresidente de la RAI, Real Academia de Ingeniería de España. El proceso se inició con el escaneado de los 12 por 7 metros de fachada mediante técnica láser, “con una precisión de décimas de milímetro que permitió captar hasta la granulosidad de la piedra”.

El siguiente paso consistió en encajar los más de 2.000 fragmentos (redes virtuales de unos 30 cm x 30 cm cada uno) de este gran rompecabezas 3D: un volumen de información equivalente a más de un millón de páginas de libro. El resultado ha sido la reproducción virtual del conjunto con la misma percepción que tendríamos si estuviéramos frente al monasterio.

Este modelo 3D permite moverse y “volar” ante el pórtico para observar con técnicas estereoscópicas detalles desde perspectivas que serían completamente imposibles en el mundo real. La imagen se acompaña además con información didáctica, textual e histórica sobre el contexto, el significado y la evolución temporal de los materiales utilizados para la construcción del pórtico.

Pere Brunet explicó el proyecto en una sesión sobre Patrimonio y técnicas de conservación (realidad virtual, microbiología...) que tuvo lugar en Madrid, con motivo del XV Aniversario de creación de la RAI (Real Academia de Ingeniería)

Pere Brunet es ingeniero industrial en la ETSI Industriales de Barcelona, UPC y doctor ingeniero industrial, premio extraordinario (1976) en la Universidad Politécnica de Cataluña. Es catedrático de Lenguajes y Sistemas Informáticos de la Universidad Politécnica de Cataluña. Es responsable del grupo de investigación en Modelado, Visualización e Informática Gráfica de su Universidad, y ha sido Vicerrector de Investigación de la Universidad Politécnica de Cataluña entre 1988 y 1992.

Empezó a trabajar en el campo dela informática en 1967, e inició su actividad investigadora dentro de la informática gráfica en el año 1979 tras diversos trabajos en el área de la automática y de tratamiento de la señal.

Sus intereses de investigación incluyen el diseño geométrico asistido por ordenador, el modelado de sólidos, las representaciones geométricas jerárquicas y la realidad virtual. Su grupo trabaja activamente en distintos proyectos y actividades de investigación en realidad virtual y modelado de sistemas muy complejos en diversos campos como el geo-modelado, el diseño industrial, la simulación de la herencia cultural o el modelado y visualización de volumen en aplicaciones en el campo de la medicina.

Banyan Tree entra en América a través de México

18/04/2009, Banyan Tree Hotels and Resorts, grupo líder en gestión y desarrollo de hotelero en la región de Asia-Pacífico, entra en México

México, marzo de 2009

Desde marzo, Banyan Tree Hotels and Resorts, grupo líder en gestión y desarrollo de hotelero en la región de Asia-Pacífico, cuenta con una nueva propiedad en México: Banyan Tree Mayakoba, en la Riviera Maya, en Quintana Roo.

Además, el grupo inaugurará el próximo otoño el hotel Banyan Tree Cabo Marqués, en Acapulco.

Se trata de la primera inversión del grupo en México y en el mercado norteamericano dentro de un proyecto hotelero en el que se construirán 4 nuevas unidades.

Ambos establecimientos se inspiran en la villa asiática adaptada al entorno que la rodea y basada en los conceptos de “espacio, exotismo y lujo de acuerdo a la filosofía del grupo”, según informa la organización.

En el mismo corazón de la Riviera Maya, en Quintana Roo, abre sus puertas el establecimiento del área de la Península del Yucatán, Banyan Tree Mayakoba, rodeado de exuberantes manglares tropicales y enmarcado entre canales y lagos.

La arquitectura y decoración de sus 132 villas con piscina, combinan el estilo mexicano con las influencias asiáticas. Todas ellas están dotadas también con amplias terrazas, algunas de ellas ubicadas en su espectacular playa con vistas al Caribe Mexicano.

La oferta gastronómica del hotel tiene como referente el restaurante Saffron, marca de la casa en el sudeste asiático, rodeado de la belleza natural del lugar. El Spa cuenta con un equipo de terapeutas cualificados, traídos de la Academia de Banyan Tree en Tailandia, además de un circuito de hidroterapia.

La playa privada, cuenta con 1 km de extensión, mientras que los aficionados al golf pueden disfrutar del nuevo campo “El Camaleón” diseñado por Greg Norman y sede del PGA Tour, torneo de alto nivel realizado fuera de Estados Unidos y Canadá.

Mirando al Pacífico y a la bahía de Acapulco, sobre un acantilado, se ubicará Banyan Tree Cabo Marqués, que estará formado por un total de 46 villas, cada una con piscina. Junto con la lujosa oferta de alojamiento, el nuevo hotel, de toques modernos e influencias indígenas, incluirá un centro de Spa, 3 restaurantes con vistas al Pacífico mexicano, un club de playa privado y una amplia oferta de actividades, entre ellas el avistamiento de ballenas, e instalaciones para practicar deportes acuáticos como el kayaking y la pesca de altura.

Otto Wagner en 26 estaciones

18/04/2009, Un mapa de la ciudad de Viena conduce a los visitantes a los edificios más importantes de Otto Wagner, el célebre arquitecto del estilo modernista vienés “Jugendstil”.

Viena, abril de 2009

Wagner (1841-1918) destacó como arquitecto en distintos momentos, pues evolucionó en función de las tendencias artísticas y los materiales de construcción de la época.

Surge como un arquitecto tradicional, tras la estela de Karl Friedrich Schinkel, luego se incorpora la tendencia modernista y termina utilizando el acero y el cristal, e influyendo en toda una nueva generación de profesionales del país, desde 1894, cuando asumió la cátedra de Arquitectura de la Academia de Bellas Artes de Viena.

En Viena, donde murió, hay edificios de todas sus épocas, desde sus primeras obras de aire clásico hasta las de final de siglo e inicio del XX, cuando se inscribe en el modernismo, dejando excelentes ejemplos constructivos como la estación de metro de la Karlplatz, la Majolika Haus, con su innovadora decoración sobre líneas cargadas de sencillez, o el edificio de la Postparkassenamt, con su innovadora estructura metálica.

El arquitecto supo adecuarse a su tiempo y a la vida de una sociedad moderna. Veintiséis de los principales edificios de Otto Wagner en Viena figuran en un nuevo plano de la ciudad, que nos permite seguir su estela.

El “Mapa urbano de Otto Wagner” se ha realizado mediante la cooperación de cuatro instituciones culturales vienesas: el Centro de Arquitectura de Viena (AzW), la Iglesia de Steinhof, el museo de la Caja Postal Wagner:Werk Museum Postsparkasse y el museo de historia de Viena, Wien Museum.

Según informa Turismo de Austria, el plano con sus descripciones en alemán e inglés se puede adquirir por 4 euros en estas cuatro instituciones, así como en la tienda online del AzW

Además hay un ticket combinado por 12 euros para entrar en las cuatro instituciones culturales vienesas que han elaborado el mapa urbano de Otto Wagner . El billete sirve para las siguientes instituciones, así como para exposiciones: "a_schau. Arquitectura austriaca de los siglos XX y XXI" en el Centro de Arquitectura de Viena, Iglesia de Steinhof, Wagner:Werk Museum Postsparkasse y el pabellón de Otto Wagner en la Plaza de San Carlos.

Centro de Arquitectura de Viena : Architekturzentrum Wien MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Viena, www.azw.at

Iglesia de Steinhof Baumgartner Höhe 1, 1140 Viena

Wagner:Werk Museum Postsparkasse Georg-Coch-Platz 2, 1010 Viena, www.ottowagner.com

Pabellón de Otto Wagner en la Plaza de San Carlos Karlsplatz, 1010 Viena, www.wienmuseum.at

Viaja como el emperador Francisco José

15/04/2009, Pocos medios de transporte poseen el encanto y la elegancia de los antiguos trenes de lujo del siglo XIX y principios del XX. Ahora tienes la oportunidad de vivir la experiencia con el "Majestic Imperator" a Innsbruck.

El excelente servicio, la rapidez con la que cubrían grandes distancias y la gran comodidad de sus vagones permitieron a los viajeros visitar ciudades y países lejanos en condiciones inmejorables. Los trenes más famosos de Europa son sin duda el "Orient Express" de París a Constantinopla (ahora Estambul) y el "Lloyd Express" que cubría el trayecto de Hamburgo a Génova. Algunas casas reales europeas, como el la del emperador Guillermo II y el emperador Francisco José disponían de elegantes trenes propios provistos de todos los lujos y comodidades de la época.

El lujoso tren de Francisco José y Sisi se tomó como modelo para el Majestic Imperator Train de luxe que circula de abril a octubre entre Viena y Munich y que tiene parada en la estación de Innsbruck. Los ocho vagones del tren, con una espléndida decoración hecha con maderas nobles, gruesas cortinas de terciopelo y cómodos asientos de felpa, garantizan un viaje inolvidable y único. El tren dispone también de cafés, bar y restaurante además de un vagón especial para la celebración de seminarios y reuniones.

Aunque el Majestic Imperator se convierta en parte muy importante del viaje, no hay que perder de vista el destino del mismo. Para que la estancia en Innsbruck tenga el mismo aroma nostálgico que el viaje en tren, el hotel de cinco estrellas "Grand Hotel Europa" de Innsbruck ofrece un paquete especial que une el placer del viaje con una inolvidable estancia en su establecimiento. El Imperial Package de luxe comprende un viaje en tren con el Majestic Imperator de Munich a Innsbruck (ida y vuelta), dos noches con bufete-desayuno en el Grand Hotel Europa y una visita guiada de la ciudad de Innsbruck. Precio de la oferta: a partir de € 469.- por persona en habitación doble. Así que, vía libre para unos inolvidables días que le harán sentirse como un rey.

Más información en Innsbruck Tourismus
Tel. +43-512-59850

En los confines de un mismo mar

15/04/2009, Coincidiendo con el II Foro de la Alianza de Civilizaciones en Estambul, el Palacio de Topkapi acoge la muestra En los confines de un mismo mar. Los palacios de la Alhambra y Topkapi en la fotografía del Viaje a Oriente.

Estambul, abril de 2009
La muestra
Comisariada por Javier Piñar y Carlos Sánchez, el objetivo de la exposición es mostrar un diálogo simultáneo entre la Alhambra y Topkapi a través de una selección de imágenes del siglo XIX realizadas, entre otros, por los fotógrafos Laurent y Abdullah Fréres. La exposición invita al espectador a introducirse en el interior de ambos espacios, partiendo de sus magníficos entornos urbanos y adentrándose en sus patios, estancias y detalles decorativos, prestando especial atención al modo en que los dos palacios fueron representados por la fotografía comercial.

La muestra está dividida en cuatro secciones denominadas “Viajes, monumentos y memoria fotográfica”, “Palacios en la ciudad”, “Palacios en el tiempo” y “La mirada precisa”. A lo largo del recorrido de la exposición las panorámicas urbanas dialogan con el registro fotográfico detallado de los palacios, del mismo modo que algunos objetos actúan como referentes reales de las copias fotográficas que los reprodujeron y difundieron por el mundo. Para todo ello, se han reunido un total de 126 piezas entre fotografías, mapas y planos, litografías, libros de viaje, maquetas, reproducciones de yeserías y piezas originales de época nazarí y otomana.

Dentro del variado conjunto de imágenes, destacan especialmente las vistas panorámicas de Granada y Estambul, donde los dos palacios constituían referencias imprescindibles de su paisaje. Se han seleccionado piezas de especial valor, como las fotografías realizadas por James Robertson o Abdullah F. sobre Estambul o las panorámicas de Granada elaboradas por J. Laurent. También se exponen otros preciosos materiales fotográficos procedentes de la colección del Sultán Abdul-Hamid, custodiada actualmente por la Universidad de Estambul, así como otras imágenes y objetos de alto contenido simbólico para ambos palacios, como la espada original del Sultán Mehmed –conquistador de Constantinopla y constructor de Topkapi- y la reproducción fotográfica a escala natural de la espada de Boabdil, último monarca nazarí de Granada.

Alhambra-Topkapi Sarayi: Una cierta identidad en la distancia
La Alhambra y Topkapi constituyen dos palacios próximos en el tiempo y en los presupuestos políticos y simbólicos que los impulsaron. Construidos respectivamente en los siglos XIV y XV, ambos han sobrevivido a su propia función original de ciudades palatinas, siendo hoy emblemas de sus respectivos países, focos de irradiación cultural y testimonios de una civilización sincrética. Al mismo tiempo, han dejado de ser en exclusiva espacios monumentales, para reinventarse como destinos turísticos.
Concebidos desde su origen como enclaves autónomos dentro de la propia ciudad, se conformaron como espacios rotundamente delimitados; Topkapi Sarayi se erige sobre la colina donde se asentó la primitiva Bizancio, deja a sus espaldas la ciudad y se proyecta sobre el Bósforo y el Cuerno de Oro. La Alhambra domina la medina de Granada desde la altura de la colina de la Sabika, proyectándose visualmente hacia la vega y aislándose del colindante barrio del Albaicín mediante un potente cinturón de murallas que refuerzan el foso natural del valle del río Darro.

En la trayectoria temporal de ambos conjuntos y en su propia configuración como espacios complejos de poder es posible distinguir puntos de contacto, evidencias de emparentamiento estético explicitadas en la propia imagen fotográfica, coincidencias en sus procesos de conversión en espacios monumentales. Sin duda, también contraponen rasgos diferenciales, caminos propios que los han conducido desde orígenes distintos y geografías distantes a un estado actual caracterizado por la similitud funcional.

Sin embargo, lo que los viajeros decimonónicos percibieron y lo que los fotógrafos del Viaje a Oriente reflejaron en los frágiles papeles a la albúmina no es sino el inicio de unos cambios que estaban por venir. Si el presente de ambos palacios y su divergente trayectoria como decadentes espacios de poder los hacía entonces escasamente comparables, la visión orientalista los dotará de una potente dimensión evocadora; más que las similitudes formales, serán apreciaciones estéticas y simbólicas las que acabarán emparentándolos. Sin duda, La Alhambra y Topkapi comparten numerosos rasgos tipológicos propios de la arquitectura civil islámica, pero probablemente fue más determinante para su difusión la concepción de ambos palacios como compendios magistrales del arte islámico y, por extensión, del arte oriental.

Ambos se prestaban magníficamente a la ensoñación poética, a la recreación historicista y a la imagen múltiple, porque contenían todos aquellos ingredientes evocadores que la cultura europea asignaba a un mundo oriental redescubierto ahora por el romanticismo europeo.

El viaje fotográfico a Oriente
El viaje fue uno de los factores impulsores de la fotografía a lo largo del siglo XIX. El motor que impulsaba esta demanda de imágenes no era otro que una creciente curiosidad por lo lejano y por lo exótico, propia de un mundo que comenzaba a ensancharse a pasos agigantados; y la fotografía se mostraba como un espectáculo visual sustitutivo del viaje propiamente dicho y socialmente más accesible.

La exposición ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX, el Instituto Cervantes, el Patronato de la Alhambra y el Generalife junto al Topkapi Palace Museum de Estambul.

Hasta el 31 de mayo de 2009

Arte y Derecho

09/04/2009, Los robos de arte, las búsquedas de galeones, las donaciones y los mecenazgos son temas que van a estar en el eje del análisis de un interesante seminario internacional sobre Arte y Derecho.

Málaga, abril de 2009

Estas reuniones están organizadas, en Málaga, del 7 al 9 de mayo, por el Colegio de Abogados de Málaga, la Unión Internacional de Abogados, y el Museo Picasso, con la participación entre otros de la Fundación Arte y Derecho.

Expertos nacionales e internacionales del arte, la cultura y el derecho se darán cita en el Museo Picasso de Málaga para participar en el seminario El Arte y el Derech, con el fin de abordar diferentes aspectos de la relación entre estos ámbitos y responder a dudas relacionadas con la propiedad intelectual de las obras artísticas, las acciones legales que deben emprenderse en caso de robos de arte o falsificaciones, así como las implicaciones del mecenazgo y las donaciones, entre otros asuntos.

La jornadas comenzarán el jueves 7 de mayo con una recepción de bienvenida a los participantes en el jardín del Palacio de Buenavista. El viernes 8 de mayo empezarán las sesiones de conferencias en las que intervendrán expertos llegados de instituciones, universidades y bufetes de abogados de diferentes partes del mundo.

El Patrimonio Cultural: concepto, presente y perspectivas de futuro será la primera de las ponencias, en la que intervendrán Almudena Gomiz, de la Universidad Antonio de Nebrija (Madrid); Irene Biglino, de la Universidad de Turín y Richard Regner, abogado vienés. A continuación, el historiador del arte estadounidense Konstantin Akinsha y la abogada belga Julie Goffin profundizarán en los problemas derivados del robo de obras de arte, mientras que Bernardo Ruiz Lima, abogado del equipo Garrigues, España, ofrecerá una conferencia bajo el título de Galeones españoles hundidos, de plena actualidad tras los últimos descubrimientos realizados en Perú y las disputas legales con la americana Odissey.

Ese mismo día, los abogados Charles Goldstein (Nueva York), Thierry Massis (París) y Michela Cocchi (Bolonia) expondrán sus experiencias en litigios relacionados con el arte. Michela Cocci intervendrá también junto a la conservadora y comisaria Valeria Brunori (Embajada de Estados Unidos en Roma) para hablar de las buenas prácticas en la conservación y restauración de yacimientos arqueológicos.

Las sesiones del sábado estarán dedicadas a los museos. Tras la introducción de Pablo Suárez, director general de Museos de la Junta de Andalucía, el abogado belga Benoit van Asbroeck indagará en las auditorias a las que deben someterse de forma periódica estas instituciones. Museos de arte moderno y contemporáneo: estructura y organización es el título de la ponencia que ofrecerá Cristian Valsecchi, de la Asociación de Museos de Arte Contemporáneo Italianos.

La vertiente más comercial del arte también será tratada durante las jornadas, especialmente en la ponencia de Lara Facco, del Museo de Arte Moderno de Bolonia, y Benoit van Asbroeck, quienes hablarán asimismo sobre el mecenazgo, patrocinio y donaciones. El Museo del siglo XXI será el título de la conferencia de Francisco Pimentel, abogado lisboeta, y Relaciones entre artistas y expositores la de Javier Gutiérrez Vicén, de la Fundación Arte y Derecho, encargado de cerrar las jornadas.

Joaquín Sorolla (1863-1923)

09/04/2009, La reforma de la Hispanic Society de Nueva York ha sido un feliz evento para poder gozar en España de parte importante de la obra de Joaquín Sorolla, incluida la atesorada en Nueva York.

Madrid, abril de 2009

El pintor valenciano, que fue el más cotizado del mundo en algún momento de su vida, sigue siendo uno de los artistas más atractivos por su luminosidad, tal como comprobarán los visitantes que acudan al Museo del Prado donde se presentará desde el próximo mes de mayo la mayor antológica que se ha dedicado nunca a Joaquín Sorolla.

En la muestra estarán presentes más de un centenar de pinturas del artista, que ofrecerán un ambicioso recorrido en el que se darán cita todas sus grandes obras maestras, incluido el conjunto de paneles de sus Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America y traídos a España con el apoyo de Bancaja.

La exposición “Joaquín Sorolla (1863-1923)” ofrecerá, del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2009 la oportunidad de contemplar reunidas más de un centenar pinturas del gran maestro valenciano que permitirán presentar el recorrido más ambicioso trazado hasta ahora sobre lo mejor de su producción.

Entre los 102 lienzos reunidos, procedentes de museos y colecciones de todo el mundo, estarán presentes todas las obras maestras del artista y aquellas que más fama le dieron, como La vuelta de la pesca (1894), procedente del Musée d’Orsay de París: Cosiendo la vela (1896), de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venecia; ¡Triste herencia! (1899) de la Colección Bancaja; Sol de la tarde (1903) de la Hispanic Society of America de Nueva York, obra que regresa por primera vez a España con motivo de esta exposición desde que fuera vendida a Nueva York por el propio artista; El fotógrafo Christian Franzen (1903) de la Colección Lorenzana; o Desnudo de Mujer (1902) y El bote blanco. Jávea (1905), ambas de colección particular.

La selección incluirá también los cuadros de su producción conservados en el propio Museo del Prado, entre los que se incluyen ¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894) o Chicos en la playa (1909), y un gran número de obras del Museo Sorolla de Madrid, como El baño del caballo (1909), Paseo a la orilla del mar (1909) o La bata rosa (1916), entre otras.

Además, la muestra contará también con el deslumbrante de los catorce monumentales paneles de las Visiones de España pintados por Sorolla para la Hispanic Society of America de Nueva York, desde donde han viajado por vez primera en su historia para su exhibición en España.

Según fuentes de El Prado, el gran número de obras maestras del artista reunidas, todas las consideradas como tales por la crítica especializada, conferirá a la muestra un carácter no sólo excepcional sino también irrepetible.

Recorrido de la exposición

El recorrido de la exposición, fundamentalmente cronológico, se estructurará en varios ámbitos que pondrán de relieve la importancia que adquirieron las distintas temáticas en cada período de la carrera del artista.

En un espacio se reunirán los cuadros de pintura social que le dieron su primera fama en las últimas décadas del siglo XIX. A continuación, un amplio conjunto de retratos y un desnudo pondrán de manifiesto la profunda influencia de Velázquez en sus composiciones durante los primeros años del siglo XX.

En otro ámbito se exhibirán sus mejores escenas de playa, pintadas en 1908 y 1909.

Debido a su particular significación y gran formato, los catorce paneles de las Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America ocuparán una sala completa de las cuatro en las que se presentará la exposición.

Este espectacular conjunto constituye el más fastuoso proyecto decorativo de la fecundísima carrera de Sorolla, además del verdadero epílogo y síntesis de toda su producción.

La muestra concluirá con la pintura de paisaje.

Catálogo

El catálogo de la exposición, con edición en español y en inglés, incluirá los siguientes ensayos: “Joaquín Sorolla, pintor”, de José Luis Díez y Javier Barón, comisarios de la muestra; “Sorolla y la pintura española de su época”, de Francisco Javier Pérez Rojas; Sorolla y la pintura internacional de su tiempo, de Carlos Reyero; y “La personalidad artística de Sorolla”, de Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del pintor.

Además de estos ensayos y de las correspondientes fichas de obra, el catálogo incluirá cuatro apéndices, uno dedicado a “La fortuna crítica de Joaquín Sorolla”, de Felipe Garín y Facundo Tomás, la “Cronología biográfica de Joaquín Sorolla”, también de Blanca Pons-Sorolla, junto con un apéndice bibliográfico y otro en el que se relacionan las exposiciones celebradas en torno al artista.

Exposiciones del CAC Málaga

05/04/2009, El CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo, organiza la primera exposición de Susy Gómez en Andalucía, hasta el 21 de junio.

SUSY GÓMEZ

El timón de mis almas

3 de abril al 28 de junio 2009

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, del Ayuntamiento de Málaga presenta por primera vez una exposición exclusivamente fotográfica de Susy Gómez, uno de los valores más firmes de la escena artística española, desde que saltó a la fama a mediados de los 90, y cuyas obras más destacadas son los fotomontajes a partir de revistas femeninas.

El timón de mis almas se compone de 17 fotografías de gran formato, de producción específica para el centro. Para reflexionar en torno a la toma de conciencia, descodificando las distintas relaciones que se establecen entre el sujeto y el contexto en el que se ve inmerso, la artista ha trabajado sobre fotografías de la revista Vogue de los últimos veinte años.

ILYA & EMILIA KABAKOV

Bajo la nieve

27 de febrero al 31 de mayo 2009

El CAC de Málaga presenta por primera vez en España Bajo la Nieve una exposición de Ilya & Emilia Kabakov, dos de los artistas rusos más importantes e influyentes del mundo, además de un emblema del arte conceptual ruso, que se vieron obligados a abandonara la Unión Soviética, para poder exponer en público su obra.

La exposición se compone de veintitrés pinturas de gran formato treinta y cinco acuarelas y dibujos a lápiz que, según Ilya Kabakov (Dnipropetrovsk, Ucrania, 1933), no se pueden considerar meros estudios preparatorios, sino obras independientes por derecho propio. Este conjunto de pinturas y obras en papel, de delicados colores, reúne varios géneros: abstracción, paisajes e historia. Lo que supone toda una novedad teniendo en cuenta que el artista se ha dedicado fundamentalmente a las instalaciones desde 1990.

Muestra sobre Alejandro Magno

05/04/2009, El Instituto Bíblico y Oriental organiza en León una notable muestra sobre la figura de Alejandro Magno y las religiónes.

Tomás Alvarez

En 1944, Francisco Antonovich halló en las afueras de Alejandría, Egipto, un gran tesoro de monedas de la época de Alejandro Magno y los Ptolomeo; fue el inicio de una vocación que le ha llevado a ser uno de los mayores coleccionistas del mundo, parte de cuyas joyas se exhiben desde marzo en León, en una muestra sobre Alejandro Magno.

Esos tesoros, "junto con piezas de algunos amigos" -según explica a EFE el coleccionista- integran la exposición "Alejandro Magno. El itinerario religioso", que fue presentada a la Reina de España el 11 de marzo cuando visitó León para inaugurar el Instituto Bíblico Oriental.

La muestra se encuentra en la sede del Instituto, en el complejo monumental de San Isidoro, y tiene un enfoque religioso, acorde con la institución que la exhibe.

Alejandro Magno -para Antonovich- es un dirigente profundamente influido por la religión, como lo demostró con una carta que envió a su preceptor tras una de sus conquistas. "Que sepas -escribió Alejandro- que me he hecho dueño del país de las especias. Te envío mirra e incienso para que dejes de ser tacaño con los dioses."

Pero Alejandro no se ceñía a una divinidad concreta: "era un hombre religioso y en su ruta, en sus batallas siempre adoraba a los dioses de cada región. En Egipto, a los egipcios; con su madre, a los griegos; en Persia, a los dioses persas, y en el Gándhara, a Ganesh".

De aquella vinculación a las divinidades, hay muchos detalles en la exposición, donde abundan los retratos de Alejandro con cuernos, como el dios Amón a cuyo oráculo acudió.

"Tienes la vocación para la conquista de Egipto, serás el faraón del Alto y Bajo Egipto" respondió el oráculo, según señala Antonovich -egipcio de nacimiento- quien recuerda el cariño de Alejandro, por el país del Nilo y en especial por el oasis de Siwa.

Para Antonovich, la educación que Alejandro recibió de su madre fue también sincretista, como lo era la visión religiosa de buena parte de la sociedad griega del siglo IV a.C.

El coleccionista destaca que el dirigente impulsó el griego como lengua del imperio pero trató de asimilar dioses y costumbre de cada país: "En el Gándhara se vistió como indio e hizo a los nobles de indios ponerse el kitón griego; en Bactria y Ghandara instaba a sus militares a casarse con mujeres del territorio, como él hizo con Roxana".

De todos estos territorios hay excelentes muestras de arte, tanto de los días de Filipo de Macedonia y Alejandro como del mundo helenístico posterior, con piezas provenientes desde el Indo hasta Roma, desde representaciones del líder griego como el dios Ganesh hasta imágenes cristianas. La presencia de éstas últimas tienen una lógica: "la propia iconografía de Alejandro Magno pasó desde Grecia al cristianismo, a la hora de representar a Cristo", dice Antonovich.

Entre las piezas, el coleccionista no destaca una especial: "siempre -dice- la más querida es la última adquisición" pero tiene especial predilección por las monedas provenientes de Afganistán: "son las más bellas monedas del mundo griego", argumenta.

También destaca la selección de imágenes provenientes de Macedonia, entre ellas una diadema (corona real) de oro y discos de oro con los rayos macedónicos.

De Egipto figuran vasos, bajorrelieves y estatuillas; tampoco faltan los cálices, vasos de la liturgia báquica que también practicaba Alejandro, así como retratos del dirigente griego y de su sucesor Alejandro IV, uno egipcio y otro de época romana.

Desde el día en que encontró las primeras monedas alejandrinas, Antonovich sintió interés por este héroe griego, una fascinación que se sintetiza en esta muestra: "son objetos que representan cincuenta años de coleccionista; los he comprado poco a poco".

Aún cuando en la vida de Alejandro hay acciones dramáticas, tanto en la guerra como en sus borracheras báquicas, Antonovich destaca su sensibilidad: "Alejandro era también poeta y amaba al arte y a quienes lo practicaban. por eso cuando arrasó Tebas la única casa que dejó en pie fue la de Píndaro".

Versos y prosas para recorrer el Camino de Santiago

05/04/2009, Javier Gómez-Montero, catedrático de Lenguas Románicas de la Universidad de Kiel(Alemania) presentó en Madrid una interesante Cartografía Literaria del Camino de Santiago.

Las Marquesas recuerdan a Jacques Brel

28/03/2009, Turismo de Tahití informa del homenaje de las Islas Marquesas al cantante Jacques Brel, quien se retiró a este ámbito lleno de encanto, cuando se le descubrió una grave enfermedad.

Tahití, marzo de 2009

El 8 de abril de 2009 Jacques Brel habría cumplido 80 años. El cantante, actor y cineasta se retiró a las Islas Marquesas al final de su carrera y allí fue donde vivió sus últimos días y fue enterrado. En su memoria se ha creado un museo y aeródromo en Hiva Oa, una de las islas más salvajes y remotas de este archipiélago tahitiano.

En Hiva Oa es recordado con cariño como el “cantante volador”. Cuando Brel se instaló en las Islas Marquesas - a 1.400 kilómetros al noreste de Tahití- tras serle diagnosticado un cáncer de pulmón, se compró una avioneta para ocupar su tiempo libre y acabó ayudando al pueblo que le acogió, transportando cartas, medicinas, gafas e incluso a enfermos a otras islas, sin importarle las horas de vuelo.

Como homenaje al artista, se expone desde hace unos meses su primer avión “Jojo”, perfectamente restaurado, en un pequeño museo de la localidad de Atuona que lleva su nombre. Esta es una primera parada para el visitante que quiera conocer más sobre su figura.

Desde allí se puede ir andando al cementerio donde fue enterrado, construido en terrazas sobre la bahía y donde también descansa el pintor Paul Gauguin. A ambos les encandiló el carácter salvaje del paisaje y de sus gentes, considerados hospitalarios y desprejuiciados, y especialmente habilidosos con los bailes y la artesanía, esculpiendo, pintando sobre tapa (tela vegetal) o tatuando.

También rodea a Hiva Oa un aura mística reflejada en sus montañas y abruptos acantilados que se hunden en el mar, donde se encuentran desperdigados los tikis más grandes de Tahití y sus islas, unas misteriosas estatuas con que los antepasados representaban a sus dioses.

Tanto por Brel como por Gauguin, Hiva Oa ha sido marcada de por vida como uno de los lugares más especiales para dejar volar la imaginación y buscar nuevas inspiraciones.

Las Islas Marquesas constituyen el archipiélago más septentrional de Tahití y sus islas. Toman su nombre del explorador español Álvaro de Mendaña, quien las bautizó así en 1595.

Para llegar a Hiva Oa, se puede volar desde Tahití con la aerolínea interinsular Air Tahiti (www.airtahiti.pf) o aventurarse a vivir la experiencia del Aranui 3 (www.aranui.com), mitad crucero, mitad carguero de mercancías que zarpa de Tahití cada dos semanas.

Furtivismo en la montaña

26/03/2009, En el Parque Natural de la Montaña Palentina, coincidiendo con la entrada de la primavera se puede observar un incremento de circulación de vehículos en determinados caminos y carreteras vecinales, especialmente al atardecer.

Palencia marzo de 2009

En esta época, es el Corzo (Capreolus capreolus) la pieza codiciada por el furtivismo.

Ecologistas en Acción ha mostrado su preocupación por este tipo de actividades, una práctica habitual, tanto en el Parque como en el resto de la provincia, que se ven como algo habitual entre los vecinos e incluso entre las administraciones responsables, que lo califican con “infracción administrativa”, cuando el código penal parece claro al respecto.

En la última reunión de la Junta Consultiva de la Reserva Regional de Caza de Fuentes Carrionas se reconoció la delicada situación de este ungulado en la Reserva Regional y se decidió disminuir su caza, en espera de lo que diga el Plan de Ordenación Cinegética que va a presentarse en la reunión de este miércoles.

Agrega el grupo conservacionista que a pesar de las teorías sobre predación del lobo, inviernos duros y competencia con ciervos y jabalíes, obviar el furtivismo es obviar, probablemente, la más preocupante y más relevante causa de muerte no natural de esta especie en la provincia de Palencia

Reciente (15-01-09) es la denuncia a un vecino de Castrejón de la Peña al que se le decomisaron: 2 cabezas de ciervo, 5 cabezas de corzo y una piel de tejón, por actividades ilícitas y, seguramente, punta de un iceberg de mayor dimensión.

Desde la organización se indica que la Junta de Castilla y León también debería castigar de forma contundente estas actividades y derivar a los Juzgados aquellas actuaciones en las que vea indicio de delito penal, como exige la Ley 42/2007 de Patrimonio Natural y de la Biodiversidad.

Ecologistas en Acción pide un mayor esfuerzo de coordinación entre los distintos cuerpos y que se incremente la vigilancia en aquellos puntos más sensibles con el objeto de prevenir posibles casos de este furtivismo, tan estacional y tan centrado en el corzo, en el Parque Natural y en toda la geografía provincial palentina.

El peligro de los parques eólicos

26/03/2009, SEO/BirdLife ha presentado un manual que permitirá una mejor evaluación ambiental de los parques eólicos

Madrid marzo de 2009

Un estudio realizado por SEO/BirdLife demuestra el bajo nivel de los estudios de impacto ambiental y los resultados de los planes de vigilancia confirman que los parques eólicos en funcionamiento suponen un impacto inasumible para las aves.

Para intentar solucionar este problema, SEO/BirdLife ha editado un manual para hacer una adecuada evaluación de impacto de los parques eólicos y así reducir su afección ambiental. La organización pedirá su utilización en el procedimiento de impacto ambiental.

El manual se titula "Directrices para la evaluación del impacto de los parques eólicos en aves y murciélagos". Su aplicación por parte de los promotores y administraciones ambientales asegurarían un menor impacto sobre estas especies. La publicación ya se ha presentado a la Asociación Empresarial Eólica (AEE) y a la Dirección General de Calidad Ambiental.

Deficiente evaluación

Hasta el momento, por un lado existe una desidia por parte de las administraciones a la hora de exigir estudios de impacto ambiental de calidad y por otro lado no existen unas directrices comunes para evaluar el impacto ambiental de los parques eólicos. De ello ha resultado la aprobación de parques eólicos con unos estudios que no permiten conocer un impacto.

SEO/BirdLife ha analizado 116 estudios de impacto ambiental demostrando su baja calidad (un resumen se incluye en la página 10 del manual aquí presentado).

Impacto sobre las aves y los murciélagos

Como resultado de la autorización de parques eólicos mal evaluados se está produciendo un grave impacto sobre especies amenazadas de aves y murciélagos. Los resultados de los planes de vigilancia han mostrado este impacto. Algunos ejemplos:

1) Solo en Soria se han encontrado muertas bajo los parques eólicos más de 80 especies de aves entre las que se encuentran algunas tan amenazadas como: buitre negro, alondra ricotí, milano real, cernícalo primilla y alimoche; y otras tan emblemáticas como águila real, buitre leonado o grulla.

2) En las comarcas de Els Ports y Alt Maestrat (Castellón) debido a la gran mortalidad de buitres leonados se ha abierto un proceso penal en el que hay imputados altos cargos de la Consejería de Medio Ambiente y responsables de la empresa promotora.

3) En Navarra un estudio realizado en 2000 y 2001 estimó que los parques eólicos podían matar entre 3 y 64 aves por aerogenerador.

En el apéndice I del manual se incluye una tabla con la mortalidad de fauna en parques eólicos.

Peticiones de SEO/BirdLife en relación a la evaluación de parques eólicos:

1) Adopción por parte de las CCAA de este manual como directrices obligatorias para evaluar el impacto de los parques eólicos, o en su defecto unas similares que aseguren la calidad de los estudios de impacto ambiental.

2) Planificación autonómica de la implantación de la energía eólica que incluya una evaluación ambiental estratégica y unas zonas de exclusión que aseguren la conservación de aves y murciélagos.

3) Transparencia por parte de las administraciones y promotores para conocer el impacto real de la energía eólica.

4) Que no se permita la fragmentación de los proyectos y que todos aquellos que tienen más de 50 MW sean evaluados por el Ministerio de Medio Ambiente, Medio Rural y Medio Marino.

Posición de SEO/BirdLife sobre la energía eólica

SEO/BirdLife está a favor del ahorro energético y el empleo de energías renovables con el objeto de luchar contra el cambio climático. No obstante, muchos proyectos de energías renovables son proyectos industriales que pueden tener un impacto negativo sobre la biodiversidad y el territorio que debe ser evaluado y minimizado al máximo.

El documento de posición completo de SEO/BirdLife sobre la energía eólica puede ser consultado en: http://www.seo.org/programa_seccion_ficha.cfm?idPrograma=24&idArticulo=1421

Paisajes nevados de Finlandia

26/03/2009, Turismo de Finlandia nos propone unas jornadas de Semana Santa practicando sobre un trineo de huskies

Finlandia, marzo de 2009

A medida que uno avanza por los bosques y lagos cubiertos de nieve de la Laponia finlandesa con el único ruido de los jadeos de los perros y el crujir del hielo, la mente se relaja hasta olvidar cualquier tipo de rutina.

Una experiencia refrescante que no implica pasar frío: el mono térmico va incluido en la excursión.

Más de 100 centros ofrecen en el norte de Finlandia la agradable experiencia de dar un paseo en trineo tirado por huskies. Estos perros eran antiguamente la única manera de transporte en el Ártico, una práctica que empezó hace 4.000 años, y ahora se han convertido en una de las actividades estrella para adentrarse en la naturaleza salvaje de las regiones de Rovaniemi, Kuusamo o Ranua, en la Laponia finlandesa.

En las excursiones turísticas estos simpáticos animales esperan moviendo la cola hasta que los participantes se enfundan el mono térmico que les aísle del frío. Se prepara el trineo, encabezado por un grupo de 4 a 8 perros, y comienza la aventura a velocidades que llegan hasta los 50 km por hora, aunque eso lo decide el viajero o el guía que lidere la expedición.

Existe la posibilidad de contratar desde rutas de una hora a safaris más extensos de hasta cinco días en los que se tiene la oportunidad de hospedarse en ‘lodges’ en medio de la naturaleza y preparar comidas en hogueras al aire libre.

En 2008 se creó una asociación para representar a los empresarios del negocio, un gremio que acoge tanto a los conductores de trineos como a los huskies que tiran de estos particulares “vehículos” de milenaria tradición.

Algunas webs:

SafarisHusky Karde www.huskysafaris.com

Safaris Ranua Wildlife www.wildlifesafaris.fi

Safaris Ruka www.rukasafaris.fi

Saija www.saija.fi

Rukapalvelu www.rukapalvelu.fi

Campo Oulanka www.basecampoulanka.fi

Cai Guo-Qiang: Quiero creer

16/03/2009, La muestra, en el Museo Guggenheim de Bilbao, recorre el vocabulario visual y conceptual del artista, que abarca los dibujos realizados con pólvora, proyectos de explosión, instalaciones y proyectos sociales.

Bilbao, marzo de 2009
El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 17 de marzo al 6 de septiembre de 2009, Cai Guo-Qiang: Quiero creer, una muestra patrocinada por BBVA que recorre, en toda su complejidad conceptual, el espectro completo del arte multimedia de este artista de renombre internacional.

Cai Guo-Qiang es un artista, comisario y creador de proyectos de explosión a gran escala, reconocido a nivel internacional por su participación de manera activa en exposiciones, bienales y celebraciones públicas desde hace veinte años. Esta completa retrospectiva es la primera muestra en solitario que los Museos Guggenheim dedican a un artista chino.

La exposición explora, a lo largo de la segunda planta y el Atrio del Museo, la creación por parte del artista de un lenguaje visual y conceptual distintivo a través de cuatro elementos: dibujos con pólvora, proyectos de explosión, instalaciones y proyectos sociales.

La muestra examina, a través de más de 50 obras, desde la década de 1980 hasta la actualidad, las notables contribuciones formales y conceptuales de Cai Guo-Qiang al arte contemporáneo internacional, al tiempo que establece su influencia como productor cultural de obras de arte para audiencias masivas, provocativas desde una perspectiva social.

EL ARTISTA
Cai Guo-Qiang nació en 1957 en Quanzhou, una ciudad costera de la provincia de Fujian, en el sudeste de China. La rica historia de la ciudad portuaria ha constituido una fuente esencial de inspiración para el artista. Durante el régimen de Mao, en Quanzhou sobrevivieron algunas costumbres prohibidas en otras regiones, lo que supuso un estímulo para Cai en su infancia.

En la década de 1980, Cai estudia escenografía en Shanghai. En 1986 se traslada a Japón y en 1995 a Nueva York, donde reside en la actualidad. El artista se define como un verdadero “ciudadano del mundo”, lo que explica esa debilidad de las barreras culturales tan esencial en su obra.

Cai ha alcanzado la fama internacional a través de sus exposiciones en solitario y sus proyectos de explosión al aire libre de grandes dimensiones, así como por su contribución artística a las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de 2008.

Para más información:
Museo Guggenheim Bilbao

Julio González en en el Museo Reina Sofía

13/03/2009, La exposición, la retrospectiva más amplia realizada hasta la fecha en nuestro país del escultor, ha sido coproducida con el Museu Nacional d`Art de Catalunya (MNAC).

Esta antológica ha sido organizada con el objetivo de mostrar, no sólo el alcance de la producción de este escultor, sino también su destacado papel en las vanguardias artísticas como pionero de la escultura en hierro y como creador de un lenguaje muy personal con el cual contribuyó a la renovación de la escultura del siglo XX.

Julio González (Barcelona, 1876- Arcueil, 1942) está considerado como uno de los grandes nombres de la escultura moderna. Se formó como artesano en la metalistería artística que su padre tenía en Barcelona. Su trabajo con el hierro, con el que creó un lenguaje propio, ha sido valorado como una de las aportaciones más valiosas de las vanguardias de los años treinta, aunque sólo dedicó una década de su vida a la creación con este metal.

González empezó a trabajar el hierro a finales de la década de los veinte, cuando tenía ya más de cincuenta años, y aunque ya había trabajado el metal para crear joyas y diversos objetos decorativos fue entonces cuando comenzó a realizar pequeños relieves en cobre repujado y, más tarde, a experimentar con pequeñas planchas, creando cabezas y figuras de mujer.

Fue el contacto con Picasso, con quien colaboró entre 1928 y 1932, lo que le permitió reparar en las posibilidades que tenía el hierro para la escultura. El artista malagueño, le pidió en 1928 colaboración técnica en la creación de una serie de obras de hierro, entre ellas una escultura para un monumento en homenaje a Apollinaire y Femme au jardin.

Sus orígenes artesanos, el conocimiento de las posibilidades que le ofrecía el hierro, junto a una gran libertad imaginativa y a la sensibilidad propia de un gran artista, le permitieron crear un lenguaje nuevo, muy personal. En la década de los treinta, cuando tenía más de cincuenta años, se incorporó a la vanguardia con nuevas y potentes formas escultóricas y un lenguaje propio, calificado de abstracto, que tuvo como objetivo esencial el maridaje entre formas y espacio.

En sus esculturas, el espacio forma parte de la misma obra, iniciando un camino que después siguieron muchos otros escultores como David Smith o Eduardo Chillida. El propio González aplicó el término "dibujar en el espacio" a una parte de su obra, la que realizó con barra o varilla de hierro. Las esculturas filiformes o lineales -lo que él mismo denominaba dibujar en el espacio-, las testas volumétricas o las figuras biomórficas son el resultado de un trabajo de gran rigor técnico y conceptual que le abriría las puertas al reconocimiento como uno de los grandes escultores del siglo XX.

Carlos Cruz-Diez: El Color Sucede

13/03/2009, Hasta el 27 de junio, puede verse en el Museu d´Art Espanyol Contemporani, de Palma, una exposición que muestra las investigaciones sobre el color que durante los últimos cincuenta años ha realizado el pintor venezolano.

La exposición, con una veintena obras realizadas en los últimos cincuenta años, muestra por vez primera en España las investigaciones sobre el color, llevadas a cabo por este artista venezolano, afincado en París, y considerado como una figura muy relevante dentro y fuera del movimiento cinético

Entre las primeras obras se incluyen las realizadas durante la temporada que pasó en España, en el pueblo catalán de Masnou, antes de trasladarse a París, ciudad en la que vive desde hace muchas décadas. Se ofrece también una parte documental con catálogos, fotografías y algunos ejemplos sobre sus procesos de trabajo, así como muestras de su labor como diseñador gráfico. Las obras proceden de la colección del artista, Atelier Cruz-Diez, de la Fundación Allegro, del Musée national d´Art Moderne, Centre Georges Pompidou de París y del MUBAG, de la Diputación Provincial de Alicante.

Sus obras han estado presentes en las grandes exposiciones europeas que desde los años sesenta se han dedicado al cinetismo, al arte latinoamericano o a las corrientes cinéticas, pero nunca en una individual como ésta que se presenta en una institución museística, o en realidad en dos, puesto que, tras ser exhibidas en Palma, las obras de Carlos Cruz-Diez viajarán al Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, donde estarán entre el 17 de julio y el 15 de noviembre.

Las experimentaciones de Carlos Cruz-Diez han ampliado considerablemente las nociones sobre el color, hasta el punto de que hoy podemos entender que las percepciones de los fenómenos cromáticos no tienen porqué estar asociadas necesariamente a la forma, sino que puede conformar una realidad totalmente autónoma. Sus "Fisicromías", "Cromosaturaciones" "Transcromías" e "Inducciones cromáticas", todas ellas presentes en este proyecto, asumen el color como cuerpo propio, como conducta, como realidad física y sensitiva: como permanente mutación.

Semana Santa en Sudáfrica para toda la familia

02/03/2009, El grupo hotelero Sun International propone una Semana Santa “auténticamente africana” en su conjunto Sun City, situado en la provincia noroccidental de Sudáfrica.

Johannesburgo, marzo de 2009

La propuesta es sugerente. El centro se halla en las inmediaciones del Parque Nacional Pilanesberg, con 55.000 hectáreas de salvaje naturaleza: vegetación, paisajes y animales emblemáticos.

El complejo hotelero está construido en el área de un cráter volcánico de 150 kilómetros de longitud. Una ubicación original cerca del Parque Nacional de Pilanesberg donde se vivirá la experiencia del safari de primera mano y podrán contemplarse animales como el búfalo, león, rinoceronte, leopardo y elefante.

Un destino para realizar excursiones en el tradicional jeep para safaris o sobrevolar el paisaje en globo; un mundo de diversión y entretenimiento para toda la familia en medio de la sabana.

El complejo propone una variada gama de actividades en sus instalaciones: desde recorridos por los jardines y los verdes campos de golf en los denominados “Segway Tour” hasta una visita a los poblados autóctonos del Pueblo Cultural, sin olvidar las compras en su mercado de artesanía.

Los más pequeños podrán divertirse en cualquiera de sus dos parques acuáticos: El Valle de las Olas y Waterworld, además de entretenerse con la variedad de juegos colectivos propuestos en el MiniClub Kamp Kwena (para niños de 0 a 12 años), como la Búsqueda del Tesoro. Los adolescentes de 13 a 17 años también tienen su centro de reunión y ocio para conocer nuevos amigos.

Entre las ofertas, cabe optar por excursiones montando en bici, a caballo o a lomos de un elefante en la Reserva Nacional de Pilanesberg y los aficionados al golf “cliniques” en el campo Gary Player, número 1 en Sudáfrica.

Masajes, gastronomía...

Sun International es uno de las principales grupos hoteleros en Sudáfrica, con 4 hoteles de lujo: The Table Bay en Ciudad del Cabo, The Palace, en el Sun City Resort, que en 2009 celebra su 30 aniversario; el Royal Swazi Spa Valley en Swazilandia y The Royal Livingstone, en Zambia, a tan solo unos pasos de las cataratas Victoria.

Para volar a Sudáfrica, desde Madrid, IBERIA ofrece 5 vuelos semanales regulares a Johannesburgo con una duración aproximada de 10 horas.

Huevos pintados y marionetas en la República Checa

01/03/2009, La Semana Santa y la Pascua son festividades extendidas por toda Europa. Uno de los elementos más festivos viene asociados a los huevos, que se decoran bellamente en toda Europa.

Praga, marzo de 2009

También, la tradición se extiende a la república Checa, que cuando empieza a alumbrarse la primavera ofrece posibilidades variopintas al turista. Con la primavera resurgen las fiestas de Pascua en todo el país y los mercadillos al aire libre, llenos de colores, olores y sabores tradicionales.

Algunos de los más pintorescos se celebran en castillos y palacios, que estrenan la temporada turística en abril, aunque los de Praga siguen siendo los más famosos. Ahora los niños pueden colorear huevos de Pascua y también, montar marionetas e incluso hacer una a su imagen y semejanza.

Los castillos y palacios del país celebran la primavera programando diferentes actividades entre sus murallas. Abren la programación dos destacados palacios de la región de Moravia, el de Kromeriz (Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO) y el de la ciudad de Telc, conocida como la Venecia de Moravia, donde acogen sendos mercadillos el fin de semana del 3 y 4 de abril.

El castillo de Krivoklat, en Bohemia Central, prepara actuaciones de músicos y actores que amenizarán el paseo de los visitantes por su mercadillo de Pascua, entre el 11 y el 13 de abril.

Durante estos días se pondrá en marcha un tren histórico que efectuará el trayecto desde la estación de Praga- Branik hasta Krivoklat.

En Praga tiene lugar la mayor feria de Pascua del país, con mercadillos en la Plaza de la Ciudad Vieja y en la Plaza de San Wenceslao entre los días 28 de marzo y 19 de abril.

Los visitantes, y en especial los niños, pueden divertirse con el teatro de títeres o pasear por las casetas para degustar las golosinas típicas, como las roscas de Judas con miel. También conocerán cómo se elaboran los huevos de Pascua pintados y decorados con diversas técnicas llamados “kraslice”.

Una marioneta personalizada

En un edificio barroco del corazón de Mala Strana, “la ciudad pequeña”, el taller Pod Lampou da la posibilidad de crear una marioneta a nuestro gusto, ensamblando piezas de hasta 20 modelos diferentes, y con un poco más de tiempo se puede fabricar incluso una réplica personal.

Ofrece, además, visitas guiadas por el taller para conocer los pormenores de la producción de marionetas y contemplar la colección del artesano Pavel Truhlar, creador de este original espacio.

www.guiarte.com/praga

www.guiarte.com/brno

www.guiarte.com/kutna-hora

www.prague-info.cz

www.marionety.com

CAC Málaga: más de un millón y medio de visitantes

20/02/2009, El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga celebra su sexto aniversario, después de haber recibido 1.594.926 visitantes desde el día en que fue oficialmente inaugurado, el 17 de febrero de 2003.

Málaga, febrero de 2008

El CAC acumula también premios y distinciones y desde hace tres años, la revista alemana Capital, sitúa al CAC Málaga entre los 150 centros y museos de arte contemporáneo más influyentes del mundo, y Art news paper, prestigioso periódico de arte internacional, apuesta por el CAC Málaga como uno de los diez centros más importantes del mundo. Igualmente, Artfact incluye al centro como uno de los 100 centros de arte más importantes.

“Ello se debe básicamente -afirma el director del CAC Málaga, Fernando Francés- al programa de exposiciones y la mirada diferente del resto de los centros de arte contemporáneos de España, durante las 102 exposiciones que hemos realizado, hemos atendido a los grandes nombres del arte mundial como Tony Cragg, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Alex Katz, Art & Language o Lawrence Weiner. Artistas cuyo trabajo reflexiona sobre los aspectos más recurrentes del debate del arte contemporáneo global y que supone fundamentalmente el eje de su trabajo como Kara Walker, Roni Horn, Yoshitomo Nara, Thomas Hirschhorn, Julian Opie, Liam Gillick, Santiago Sierra, Paul McCarthy, Jason Rhoades, Raymond Pettibon, Rachel Whiteread, Jaume Plensa, Tracey Emin, Runa Islam, Jake y Dinos Chapman”.

El centro, desde su apertura, se caracteriza por incidir con una voluntad no casual en los nuevos aspectos de la pintura, con artistas como Juan Uslé, Neo Rauch, Daniel Richter, Miquel Barceló, Jason Martin, Matthias Weischer, Peter Zimmermann o Anne Berning. Y además dedicándole una especial atención a los artistas de proximidad como Curro González, Gillermo Paneque, Javier Calleja, Simon Zabell, Antonio Yesa, Nono Bandera, Luís Bisbe, Nuria Carrasco, Chema Lumbreras, Chema Alvargonzález, Diego Santos o Cristina Martín Lara, entre otros.

Según fuentes del museo, el mayor éxito ha sido “la involucración social y el compromiso con el lugar donde desarrollamos nuestro trabajo, conseguir que cada año más de 50.000 personas desde dos años hasta nivel universitario participen en nuestras actividades, tanto pedagógicas como culturales, es un éxito sin precedentes del que nosotros no podemos hacernos protagonistas sino que lo sería cada uno de los visitantes que lo hacen posible con su complicidad”.

La gestión de un centro de arte de estas características requiere de una gran libertad técnica por la que el Ayuntamiento de Málaga ha apostado desde el principio, dando un ejemplo al resto de organizaciones públicas. La no intervención política es una de las grandes reivindicaciones de los directores de los centros de arte.

El CAC Málaga ha colaborado durante estos seis años con los museos y centros de arte más importantes de mundo. El MoMA y el Whitney Museum de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, el Centro Pompidou de París, o el IMMA de Dublín, por ejemplo.

El centro –que mantiene todo el año una excelente oferta- acaba de clausurar la gran exposición dedicada a la experiencia africana de Miquel Barceló, comisariada por Enrique Juncosa y organizada en colaboración con el Irish Museum of Modern Art, que recibió durante algo más de tres meses, desde 11 de noviembre de 2008 hasta el 15 de febrero, más de 40.000 visitantes.

Francis Bacon en el Prado

20/02/2009, Francis Bacon está en el Prado, con una gran exposición conmemorativa del centenario del nacimiento del artista, en una muestra organizado por la Tate de Londres, el Metropolitan de Nueva York con la colaboración de la pinacoteca madrileña.

Ana Alvarez

Hasta el 19 de abril, un gran conjunto de obras –78- presentan al Bacon más singular, con algunos de sus trípticos más memorables y lienzos inspirados en el famoso retrato de Inocencio X de Velázquez.

La muestra se organiza en varios apartados que sintetizan obsesiones del pintor: Animalidad, Aprensiones, Crucifixión, Crisis, Archivo, Retrato, Memorial, Épico, Final... con obras que van desde su inicio en los años cuarenta al final de su vida.

Francis Bacon es uno de los artistas más sorprendentes del siglo XX. En su obra laten ecos de Rembrandt, Velázquez o Picasso; sus pinturas, brutales o enigmáticas, dejan al espectador sumergido en un estado de inquietud.

A mediados del siglo XX, estaba desplegándose por Europa y América un fortísimo proceso de desintegración estilística manifestado en los gestualismos, las pinturas de acción, el informalismo matérico o las misteriosas pinturas caligráficas.

Pero en medio de ese vértigo se estaba incubando, a la vez, el retorno a las fórmulas sistematizadas, bien mediante las geometrizaciones, el arte óptico y una nueva figuración.

La “Nueva figuración” avanzó desde el desorden compositivo informalista, y del acercamiento a una plasmación convencional del sujeto, generalmente un individuo aislado. La nueva tendencia unió el planteamiento de partida abstracto con la incorporación de imágenes procedentes de la realidad, pero traspasadas al lienzo con unas características eminentemente subjetivas, que otorgan al producto resultante una visión que evoluciona desde lo hilarante a lo burlesco o a lo sencillamente brutal.

En esta nueva línea se encontrarán gentes como Dubuffet, de Kooning y sobre todo, Francis Bacon, pionero y máximo representante de lo que se denominó “Nueva figuración”.

Bacon 1909-1992 aportó un tratamiento esquemático, analítico espacial, un espacio frío, en el que insertó personajes y escenas donde rebosaba la tensión, la brutalidad y la violencia. Bacon retornaba a la realidad para subvertirla.

No se molestó Bacon en extraer de la realidad las imágenes, sino que las tomó prestadas de Velázquez ( el Papa Inocencio X), de Rembrandt (El buey desollado) o sencillamente de álbumes y revistas de fotografías. Y esas personas, animales, cosas o paisajes tomados en préstamo fueron ubicados en ese espacio frío que a veces pareciera una cámara de tortura, y plasmados de una forma distorsionada, deforme o nebulosa.

Mediante técnicas como el dripping (chorreo o goteo de la pintura del pincel, de la cuchara o bote sobre el lienzo, componiendo una sinfonía de salpicaduras), el artista moderno condenó al espectador de la obra a hacerle responsable de la obtención de un mensaje. Boticelli ya había comentado muchos siglos atrás que el simple hecho de arrojar una esponja empapada de pintura contra una pared permitía interpretar no una mancha sino un hermoso paisaje.

Pero mediante la “Nueva figuración”, Bacon no permitirá tal libertad, al conducir al espectador -mediante la manipulación y distorsión de las figuras- a una percepción brutal, atormentada o grotesca. Son pinturas de individuos, pero detrás está la masa, descarnada, con sus miedos e incongruencias; detrás está también la propia conciencia del pintor, que transmite sus carencias ancladas, procesos, problemas y temores.

BIOGRAFÍA DE BACON

Francis Bacon nació en Dublín el 28 de octubre de 1909 en una familia aristocrática inglesa y a los 21 años puso su primer taller como pintor en Londres, para dedicarse casi exclusivamente a la pintura.

Sus inicios en la pintura fueron surrealistas, como muestra su primera "Crucifixión" (1933), pero progresivamente derivó hacia un expresionismo. Aquella obra religiosa primera, y otra que representaba a Cristo vendado y amortajado, fueron destruidas pronto por el pintor. ¿Por qué razón se inició con estos temas? Parece que Bacon conoció por entonces el maravilloso retablo de Insenheim (de 1515), actualmente en un museo de la ciudad francesa de Colmar, donde Matthias Grunewald logró un alucinante patetismo no reñido con la grandiosidad.

Al propio Bacon le gustaba el tema del sufrimiento y la crucifixión, por lo que tenía de emotivo y –frecuentemente- de evocación de los propios sentimientos y sensaciones (algo que también le pasó en algún momento a Picasso).

Su primera exposición individual tuvo lugar en la galería Hannover de Londres en 1949, más tarde en Nueva York (1953) y en la Bienal de Venecia (1954), y desde entonces expuso en numerosas galerías y sus cuadros se exhiben en numerosos grandes museos e instituciones de todo el mundo.

El artista británico falleció en Madrid en 1992 a la edad de 82 años

Las últimas retrospectivas de Bacon fueron en la Tate Gallery de Londres, en 1985, en la galería Tetriakov de Moscú, en 1988, y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) en junio de 1990, que fue celebrada con motivo de su 80 aniversario y que recogió toda su producción.

Peppiatt, amigo del pintor, dice que Bacon tenía un puñado de grandes temas como la vida, la muerte, el amor y el arte, temas que gustaba atacar una y otra vez.

Hábil conversador, amante de la espontaneidad y de la literatura, ateo, bebedor empedernido, Bacon sufrió desde joven por su violenta disparidad de carácter con su padre. Éste, militar autoritario, descubrió un día a su hijo probándose la ropa de su madre. Cuando el joven Bacon tenía apenas 16 años, su padre le envió con un pariente a Berlín, con la esperanza de que “curara” a su hijo de la homosexualidad. La experiencia debió ser traumática porque al parecer el pariente acabó seduciendo al muchacho y abandonándolo luego en un Berlín difícil y agitado.

Tal vez ese desajuste de Bacon con la sociedad en la que la tocó vivir hizo que mediante el uso de los pinceles erosionase lo que parecía eterno sostén de la civilización, desde las efigies papales hasta el mismo concepto del ser humano, que definía mediante unos brochazos cargados de espontaneidad y movimiento, que reducía la representación a tan sólo unos colores y unos gestos, con unas cabezas que parecen diluirse en torno a una boca por la que pudiera evadirse un grito o un último suspiro.

El uso simbólico de la crucifixión y los sucesivos retratos del Papa, siempre con esas pinturas violentas y deformadoras, llenas de tensión no encierran –según sus conocedores- un ataque a la figura papal, sino tal vez un ataque, una agresión a una sociedad a la que quiso zaherir. No estamos ante un acto impío, sino directamente ante una trasgresión.

Bacon mantuvo interés por lo religioso, lo mítico. “Siempre que pinto, tengo la impresión de seguir una llamada de la antigüedad”. Su conocimiento de los temas religiosos, su formación sobre la cultura clásica y la tragedia griega pesaron sobre su obra.

3 de febrero – 19 de abril 2009. Comisaria: Manuela Mena, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya. Organizada por la Tate Britain de Londres y el Metropolitan Museum de Nueva York; en colaboración con el Museo del Prado. Sala: Edificio Jerónimos

Guggenheim: programa 2009

15/02/2009, Un total de 951.369 personas visitaron el Guggenheim de Bilbao a lo largo del año 2008, un 5 por ciento menos que el año anterior. El 2009, se inicia en el museo con una mirada a Asia

Bilbao. Febrero de 2009

El balance de visitantes del centro de arte supera ya los 11 millones, desde su inauguración en 1997, con una media de un millón de visitantes al año. Bilbao se consolida como una ciudad que atrae la mirada del amante del arte.

Respecto al programa para el 2009, hay que apuntar una mirada hacia Asia, como muestras dedicadas al japonés Takashi Murakami y al chino Cai Guo-Qiang; así como la exposición que recuerda el 50 aniversario del edificio del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, rindiendo homenaje a su arquitecto, Frank Lloyd Wright

Murakami

Comisario: Paul Schimmel

Sedes: Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Angeles; Brooklyn Museum de Nueva York; museum Für Moderne Kunst de Frankfurt y Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 17 de febrero-31 de mayo 2009

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha al japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962), uno de los artistas contemporáneos más influyentes que han emergido del panorama artístico asiático del pasado siglo.

Organizada por The Museum of Contemporary Art (MOCA), en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, esta muestra, que ocupa íntegramente la tercera planta del Museo nos permite realizar un recorrido inédito por el trabajo artístico del artista nipón. Con una completa selección, la exposición revela el particular universo de este artista. El Museo acogerá a lo largo de más de 2.000 metros uadrados obras en distintos medios como pintura, escultura, diseño industrial, animación y moda, trazando la carrera de Murakami en un recorrido cronológico en el que sus trabajos adquirirán una nueva dimensión, en conjunción con los sinuosos y luminosos espacios del edificio de Frank Gehry.

La muestra se inicia con una serie de trabajos que reflejan el intento de Murakami de explorar su propia identidad a través de una concienzuda investigación sobre su propia marca que continúa hasta la actualidad, a la vez que, tras sus icónicas imágenes, recrea auténticos autorretratos de sí mismo. Junto a sus pinturas, la muestra del Museo Guggenheim Bilbao también acogerá sus controvertidas figuras escultóricas, sus películas de animación, sus productos de merchandising, y algunos de sus más importantes proyectos de colaboración.

Takashi Murakami se formó en el estilo pictórico tradicional japonés.

La relación con el anime (animación) y el manga (comic) resulta central en la concepción estética de este artista que emerge en la década de los noventa del pasado siglo.

Cai Guo-Qiang: Quiero creer

Comisarios: Thomas Krens y Alexandra Munroe

Sedes: Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York; Museo Nacional de Arte de China en Beijing; Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 17 de marzo-6 de septiembre 2009

Después de su enorme éxito en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y en el Museo Nacional de Arte de China en Beijing, llega al Museo Guggenheim Bilbao Cai Guo-Qiang: Quiero creer, una muestra que examina la trayectoria de esteista que ha explotado, literalmente, los parámetros aceptados de la producción artística contemporánea.

Cai Guo-Qiang (Quanzou, 1957) vivió en Japón desde 1986 a 1995, momento en el que se trasladó a Nueva York. Desde entonces, ha desarrollado una iconografía estética singular, inspirada en la mitología antigua, la historia militar, la filosofías taoísta y budista, los avistamientos de extraterrestres, la tecnología relacionada con la pólvora, la medicina china y los conflictos globales contemporáneos.

La muestra en Bilbao se ha concebido como una espectacular instalación de ubicación específica dentro de la arquitectura del edificio diseñado por Frank Gehry.

Cai Guo-Qiang: Quiero creer explora la creación del lenguaje visual y conceptual del artista mediante cuatro formas de arte: dibujos con pólvora; proyectos de explosión efímeros, que son presentados a través de vídeos; instalaciones de ubicación específica, y proyectos sociales en los que involucra a comunidades en la creación de eventos artísticos por todo el mundo. La exposición en Bilbao incluye Dibujo para pisadas de la historia ( Drawing for Footprints of History, 2008) un dibujo con pólvora panorámico realizado recientemente para la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos.

Asimismo, el Atrio del Museo ganará protagonismo con Inoportuno: primera etapa (Innoportune: Stage One, 2004), una instalación en la que ocho coches de fabricación estadounidense, de cuyas carrocerías sobresalen tubos de luz, están suspendidos.

Ganador del León de Oro en la 48 edición de la Bienal de Venecia, Cai es el primer artista nacido en China al que se le ha dedicado una retrospectiva en los Museos Guggenheim.

Frank Lloyd Wright

Comisarios: Thomas Krens, Philip Allsopp, Bruce Brooks Pfeiffer, Oskar Muñoz y Margo Stipe.

Sedes: Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 6 de octubre de 2009-enero 2010

El Guggenheim Bilbao celebra el 50 aniversario del edificio del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York rindiendo homenaje a su visionario arquitecto, Frank Lloyd Wright, con una exposición que ocupará la totalidad de la segunda planta del Museo en el otoño de 2009 y que analizará la importancia del pensamiento del arquitecto acerca del espacio y su enorme impacto en la vida moderna.

Con más de 80 proyectos, desde encargos de residencias particulares, edificios de oficinas, gubernamentales o religiosos, hasta auditorios y megaestructuras urbanas nunca realizadas, la muestra explora la obra de Wright como arquitectura democrática que construye y fomenta la interacción social. Además, revela la espiritualidad e idealismo de los proyectos del arquitecto, concebidos y realizados en armonía y equilibrio con el entorno natural.

Esta presentación de su innovadora obra, que culmina con la célebre rotonda del edificio del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, trata de inspirar en los visitantes la contemplación de la arquitectura como extensión de la vida cotidiana.

Frank Lloyd Wright presenta un amplio abanico de disciplinas que incluyen más de 200 dibujos originales; maquetas históricas y otras construidas recientemente; fotografías, entre las que se cuentan algunas nuevas realizadas en gran formato para la exposición y su catálogo; libros, revistas, correspondencia y otros materiales impresos relacionados con la muestra.

Instalaciones II: Vídeo de las Colecciones Guggenheim

Comisario: Nat Trotman

Fechas: 3 de marzo 2009-2010

Como continuación de la presentación del pasado año Instalaciones: Selecciones de las Colecciones Guggenheim, la muestra Instalaciones II: Vídeo de las Colecciones Guggenheim indaga en las diversas formas en que los artistas contemporáneos utilizan el vídeo para crear entornos de inmersión y descubrimiento.

Los trabajos incluidos en esta presentación en el Museo Guggenheim Bilbao son obras recientes de los artistas Slater Bradley, Mika Rottenberg, Ryan Trecartin, Isaac Julien, Mariko Mori, Douglas Gordon y Philippe Parreno y en ellas se evidencian las posibilidades del vídeo como medio de expresión.

De lo privado a lo público: Las Colecciones Guggenheim

Comisaria: Tracey Bashkoff y Megan Fontanella

Fechas: 30 de junio 2009-enero de 2010

Esta exposición nos acerca a la historia de la formación de las Colecciones Guggenheim, concretamente del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y de la Colección Peggy Guggenheim de Venecia que, teniendo su origen en el coleccionismo privado, han ido creciendo a través de diferentes adquisiciones y donaciones, hasta su exhibición pública en un museo.

El origen de las Colecciones Guggenheim se remonta a 1937, cuando Solomon R. Guggenheim, un industrial coleccionista de arte, estableció una fundación con el objetivo de abrir un museo para poder exponer públicamente y conservar sus obras de arte. Asesorado por la pintora alemana Hilla Rebay, Solomon R. Guggenheim compró arte no objetivo, pero también, obras de Marc Chagall, Amedio Modigliani y Henri Rousseau.

Desde entonces, las Colecciones Guggenheim se han enriquecido con grandes adquisiciones y donaciones de particulares que comparten el espíritu Guggenheim como el inventario de Expresionismo alemán y Expresionismo abstracto de Karl Nierendorf, la colección de pintura y escultura abstracta y surrealista de Peggy Guggenheim, las obras maestras del Impresionismo, Posimpresionismo o modernidad temprana de la colección Thannhauser o los fondos de arte contemporáneo de la Bohen Foundation.

Ruka, Finlandia: amor entre hielo

14/02/2009, Para el romántico excéntrico, que quiera celebrar su boda en medio de una iglesia de hielo, hay un lugar: Ruka, en Finlandia

Finlandia, febrero de 2009

Ruka no sólo es la estación de esquí más popular de Finlandia, sino uno de los pocos lugares del mundo donde puede casarse en una capilla de insólita arquitectura: está únicamente construida a base de nieve, el producto local más abundante durante los seis meses de invierno. Un territorio para dar un “Sí quiero” bañado por las luces de la Laponia finlandesa, especialmente bellas en esta temporada del año.

Laponia, que atrae a los chicos con Papa Noel, presenta –para atraer a los novios- originales e innovadoras como la inauguración el pasado mes de enero de una capilla de 100 metros cuadrados, construida en nieve en la estación de esquí de Ruka, situada muy cerca del Círculo Polar Ártico en la región de Kuusamo.

Para dar forma a la capilla se necesitaron 300 metros cúbicos de nieve, con los que se moldearon sus paredes, de 4 metros de altura; y la zona para la celebración de ceremonias, de 17 metros de profundidad. El resultado es un espacio blanco que transmite paz y tranquilidad, y ecológico.

La capilla, que está abierta a todas las confesiones, al tratarse de un templo ecuménico, conservará su apariencia hasta mediados de abril, mes en el que las temperaturas comienzan a sobrepasar los cero grados.

El paisaje en la Laponia finlandesa se mantiene cubierto de nieve alrededor de 200 días durante el invierno y es especialmente conocido por su luz, que puede dar lugar a fenómenos naturales como las auroras boreales. Los privilegiados observarán cómo el cielo se tiñe de colores ofreciendo formas abstractas e instantáneas únicas.

Unos datos de Finlandia

Esta república se halla al norte de Europa, limitando con Noruega y la antigua URSS, sobre un territorio de 338.145 kilómetros cuadrados, y con una población de algo más de 5 millones de habitantes.

Helsinki es la capital de este país, en el que se utilizan las lenguas finesa, sueca y lapona. Se trata de una república parlamentaria con una constitución vigente desde 1919.

Uno de cada cuatro finlandeses viven en Helsinki o su entorno, a la orilla del Golfo de Finlandia, el centro logístico del país, de aíre básicamente moderno.

Al norte del país, Laponia que se extiende a través de frios bosques que gradualmente van perdiendo densidad, a mkedida que llegan al círculo polar. Es la tierra del personaje más popular del país: Papá Noel.

Finlandia es un país de lagos y grandes bosques, relativamente despoblado. Habitado por cazadores y pescadores, en la Edad Media cayó en poder de Suecia, hasta que en el inicio del XIX fue invadido por Rusia, periodo que concluyó con la autonomía concedida por la revolución socialista de 1917.

Mecánica, electrónica(Nokia) y los derivados de la madera, básicamente papel y cartón, son sus principales producciones. El país es miembro de la Unión Europea y pertenece a la zona euro desde el 1 de enero de 1999.

Alas para el quebrantahuesos

14/02/2009, En los años sesenta, los venenos causaron un gravísimo problema en la fauna ibérica. Uno de los damnificados fue el quebrantauesos, que prácticamente se asomó a la sima de la extinción.

Tomás Alvarez

En los años sesenta, el declive del quebrantahuesos fue fatal. Desapareció de Andalucía y dejó de criar en la Cordillera Cantábrica. Sólo quedó un mínimo reducto en Los Pirineos.

Desde entonces las cosas han mejorado algo, y ya hay prácticamente un centenar de parejas reproductoras. El reto, ahora, es lograr que críe en otras áreas, para permitir unas mayores posibilidades de supervivencia a este pájaro emblemático.

De cinco a siete kilogramos de peso y una envergadura media de 2,5 m, es, este animal, Gypaetus barbatus, tiene dorso y las alas de color negro, cabeza y vientre blancos, normalmente de tono anaranjado, y tiene en los huesos la base de su dieta, es la única ave “osteófaga” (comedora de huesos) del planeta.

Se calcula que necesita diariamente entre 250 y 500 gramos de huesos. Los toma en su pico y los suelta luego desde gran altura sobre un roquedo, para romperlos –de ahí el nombre de quebrantahuesos- y comer la médula de su interior.

Un equipo de biólogos está trabajando ahora en los Pirineos para recuperar huevos y crías de quebrantahuesos que se van a perder, y que serán el origen del núcleo de quebrantahuesos que se podría soltar en los Picos de Europa este mismo año, si las autoridades autonómicas dan su apoyo al proyecto de reintroducción del ave.

El quebrantahuesos es una especie en peligro de extinción en España, porque apenas tiene cien parejas reproductoras, y todas en el mismo núcleo, los Pirineos, aunque hasta los años sesenta también se reproducía en la Cordillera Cantábrica.

El director del proyecto de recuperación del quebrantahuesos en los Picos de Europa, Gerardo Báguena, declaró a EFE que el próximo día 25 comenzará a operar en Aragón el Centro de cría de quebrantahuesos en cautividad, con los huevos y crías que se están recogiendo en los Pirineos.

Se trata de un centro que opera con la misma técnica que han utilizado los biólogos para recuperar tanto el cóndor de California como el andino: “hemos recuperado ya una puesta, algo que puede parecer escaso, pero que hay que tener en cuenta que proviene de una nidada que no iba a salir adelante”.

Es un trabajo complicado, porque hay que hacer un seguimiento a los ejemplares adultos y en cuanto se detectan problemas (muertes, accidentes, u otros) se sigue un protocolo para recoger en buen estado los embriones, con la colaboración de la Guardia Civil de Montaña.

Este año también por primera vez se va a intentar rescatar con vida a pollos que estaban destinados a morir. “Esta especie –dijo Báguena- a veces pone dos huevos; el primer pollo en nacer mata al segundo, en cuanto eclosiona el huevo, lo que se conoce como fratricidio”.

“Hemos detectado ya dos nidos con dos huevos y estaremos pendientes de su situación, para que antes de que se produzca la agresión -desde mediados de febrero a primeros de marzo- recuperemos con vida a los pollos, para incorporarlos al centro de cría, con objeto de soltar los pájaros en Ordesa o Picos de Europa en un futuro inmediato”, declaró Bágena.

En el centro de Cría, los jóvenes ejemplares permanecerán unos 50-60 días y luego se trasladarán al Pirineo, junto a la población silvestre: “Lo que hacemos es aproximarlos en jaulas especiales, cerca de los comederos a donde va el quebrantahuesos, en el Parque de Ordesa”, señaló el Biólogo.

“Se produce así- señaló- un proceso de aprendizaje más natural y a finales de junio los animales –tras otros cien días de aprendizaje- se liberaran”

La especie está en crecimiento, aunque sigue en riesgo de extinción: “Para que una especie se aleje de este umbral debiera haber 500 parejas reproductoras, y aquí estamos por debajo del centenar, aunque la población crece. En los últimos diez años ha duplicado su población, algo que es único en España”, opinó Báguena.

Es básico diversificar la población: “el primer factor de riesgo es que la población se concentra en una única cordillera; hay que consolidar una dispersión, para asegurar otros núcleos reproductores que sean garantía de futuro”, afirmó.

Para Rodrigo Suárez, director del Parque Nacional de Picos de Europa, es objetivo del Parque que el quebrantahuesos vuelva a sus viejos dominios “queda que las comunidades aprueben sus planes de recuperación por ser una especie en peligro de extinción; tiene que haber un plan específico, y la comisión mixta (del Parque) debe dar el visto bueno al plan final”.

Para Suarez, es necesario cumplir los plazos y la legalidad y se está trabajando en todos los ámbitos, aunque “no sé si habrá tiempo hasta junio”, momento en que se soltarían las crías de quebrantahuesos.

Pastores y guardas conocen los lugares de Picos donde criaba el quebrantahuesos hasta los sesenta; el último nido estaba en el entorno de Cordiñanes(León). Ahora se están viendo zonas de Sotres(Asturias), Cordiñanes (León) y Bejes(Cantabria), como propicias para la reintroducción.

Para Suarez, el quebrantahuesos puede vivir bien en la zona, porque han cambiado las circunstancias pasadas: “Si se extinguió en los sesenta fue por los venenos (…) pero ahora hay condiciones para la supervivencia, porque, además, hay una buena presencia de ungulados y de ganado domestico”.

ARCOmadrid_2009

05/02/2009, Galeristas, coleccionistas y profesionales del arte de todo el mundo se darán cita del 11 al 16 de febrero en ARCOmadrid_2009, Feria Internacional de Arte Contemporáneo.

Madrid, febrero de 2009
ARCO reunirá en torno a su 28ª edición, organizada por IFEMA, las propuestas de 244 galerías de 31 países, con una especial apuesta por los mercados emergentes así como por los principales centros artísticos del panorama internacional. La Feria brindará a coleccionistas e inversores la oportunidad de encontrarse con la mejor creación artística nacional e internacional, y con una interesante oferta que llega de la mano de India, cuya presencia como país invitado cobra especial protagonismo por la alta representación de galerías y artistas de primer nivel.

202 galerías han sido seleccionadas por el Comité Organizador para el Programa General, que incluye nuevamente un segmento con interesantes presencias dedicado al arte de más reciente creación: ARCO40. Asimismo, un equipo de reconocidos comisarios internacionales presentará una selección de propuestas para las secciones SOLO PROJECTS y PERFORMING ARCO, además del programa EXPANDED BOX que este año contará con una subsección, CINEMA, dedicada especialmente al videoarte.

ARCOmadrid vuelve a suscitar el interés del mercado con una selección en la que cobran especial relieve la presencia de los tres grandes mercados artísticos: Nueva York, Londres y Alemania, además de China, Brasil e India como los ejes internacionales más emergentes y de mayor efervescencia artística en la actualidad. Los mercados emergentes son, precisamente, uno de los puntos clave de la mayor estabilidad del arte contemporáneo frente a otros ámbitos de inversión, como demuestran los datos registrados en los últimos 12 meses, en los que el arte contemporáneo ha alcanzado una progresión del +12,5% en su índice de precios.

ARCOmadrid_2009 tendrá lugar en los pabellones 6, 8 y 10 del la Feria de Madrid. Todos los espacios estarán ubicados al mismo nivel con el fin de presentar una muestra más integrada y en diálogo directo con el público.

India, la potencia emergente
El programa PANORAMA INDIA constituirá una destacada herramienta para la divulgación de la producción india contemporánea en las plataformas internacionales. En los últimos meses, India se ha convertido, sin duda, en la gran estrella del mercado del arte. La pujante situación económica del país, la constante revalorización de sus artistas y el auge del coleccionismo privado, hacen del mercado indio uno de los escenarios más prometedores para el arte contemporáneo del siglo XXI.

El público madrileño podrá acercarse un poco más al panorama del arte indio a través de exposiciones, ciclos de cine, conciertos y actividades que se presentarán en los principales museos y centros de arte de Madrid.

ARCO40
Por segundo año consecutivo, el público podrá acercarse al arte más joven y emergente en ARCO40, que se ha convertido ya en el punto de referencia de la producción más reciente y en la puerta de acceso de nuevas galerías de prestigio a la Feria. En él se presentarán 55 galerías unidas bajo el criterio de su aportación de una nueva visión de la práctica contemporánea, con obras realizadas en los últimos tres años de un máximo de tres artistas, y presentados en espacios de cuarenta metros cuadrados.

SOLO PROJECTS, EXPANDED-BOX y PERFORMING ARCO
Por segundo año consecutivo, el género de la performance contará con un espacio de excepción. A través de PERFORMING ARCO el público podrá acercarse a la presentación de tres actuaciones en vivo, además de las performances de tres creadores indios seleccionados, que contribuirán a ampliar la visión del arte contemporáneo presente en ARCOmadrid y transmitirán al público las principales tendencias de las artes performativas que se están desarrollando en el panorama nacional e internacional.

Por otra parte, el programa SOLO PROJECTS, mostrará la diversidad de la escena contemporánea a través de la propuesta de 35 proyectos artísticos procedentes de los ejes artísticos más emergentes de la creación actual.

Completa el círculo la propuesta curatorial EXPANDED-BOX, que desde su especialización en arte y nuevas tecnologías, continúa su apuesta por reflejar el proceso de imparable expansión de las prácticas artísticas hacia nuevos formatos y contextos. Este programa presentará 16 proyectos artísticos vertebrados en torno a dos ejes: STANDS, espacio dedicado a las instalaciones de múltiple formato, y CINEMA, el monográfico dedicado al videoarte.

Foro de Expertos
Un año más, el Foro Internacional de Expertos de Arte Contemporáneo reunirá a reconocidos expertos, profesionales y teóricos del mundo del arte en torno a temas de interés actual.

Junto con el programa de conferencias se desarrollarán distintas tertulias, en las que se darán cita artistas, comisarios internacionales y asesores de grandes colecciones, entre otros profesionales, para intercambiar sus visiones del mercado del arte y la creación contemporánea.

La Costa Azul está de fiesta

05/02/2009, Los meses de febrero y marzo son sinónimo de alegría y de sol en la Costa Azul: fiestas alrededor de las mimosas y del limón y batallas de confetis en un ambiente de Carnaval.

Fiesta de la Mimosa

Del 13 al 22 de febrero Mandelieu rinde homenaje a su flor emblemática decorando los más diversos lugares, a la vez que se suceden desfiles y fanfarrias llenos de flores que llenan de animación el final de la tarde y las noches con carrozas iluminadas.

Mandelieu es un lugar fundamental en la ruta de la mimosa que se extiende a lo largo de 130 km y permite descubrir los encantos de la Costa Azul en invierno.

Central de Reservas de la Oficina de Turismo de Mandelieu:
Tel: + 33 (0)4 93 93 64 64

Carnaval de Niza

A lo largo de dos semanas (del 13 de febrero al 1 de marzo), numerosas actividades festivas llenarán de animación la localidad: desfiles de carrozas de carnaval con cabezudos, elegantes batallas de flores, conciertos de rock o de música tecno, espectáculos y fuegos artificiales...

El tema de 2009, “el Rey de las Mascaradas”, evoca el arte de trasformación en todas sus acepciones: llevar una máscara, como interpretar a un personaje... Siendo así el Carnaval el reino del simple disfraz e incluso del cambio completo de apariencia, todo ello expresado a través de una fantasía moderna y delirante.

Programa y billetes en www.nicecarnaval.com

La Fiesta del Limón en Menton

Mentón celebra las músicas del mundo del 13 de febrero al 4 de marzo. Motivos gigantes formados por cítricos en los Jardines Biovès, desfiles de frutas de oro con carrozas decoradas con naranjas y limones... Son algunos de los elementos destacados de esta fiesta. Tampoco hay que perderse el Festival Internacional de las Orquídeas y el Salón de las Artesanías del País Mentonnais que se celebran, al igual que cada año, en el Palacio de Europa.

Consulta el programa y reserva tus billetes en www.feteducitron.com

Josiah McElheny en el Palacio de Cristal

02/02/2009, El Museo Reina Sofía presenta en el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro la exposición Josiah McElheny. Espacio para un Universo Isla.

La exposición dedicada a Josiah McElheny (Boston, Massachussets, 1966), –que se podrá visitar hasta el 30 de marzo- consta de una instalación en el Palacio de Cristal y una película que se proyecta en la 4ª planta del Museo Reina Sofía.

La instalación se compone de cinco elementos escultóricos que se corresponden respectivamente con cinco universos diferentes: violencia a pequeña escala, estructura helada, explosión heliocéntrica, estructura direccional y emergencia tardía. Cada uno de ellos consta de una esfera de la que parten radios de diversa longitud, rematados por una luz o por discos y esferas de cristal, aislados o asociados en racimos (clústers).

El punto de partida de esta obra son los candelabros de la Metropolitan Opera House (Nueva York), diseñados por Lobmeyr en 1965, el mismo año en el que se presentaron los primeros datos apoyando la teoría del Big Bang como origen del universo. Para idear esta obra, que funciona como modelo de esa teoría y de las convenciones actualmente aceptadas sobre la misma, McElheny ha colaborado con el científico David Weinberg.

A través de esta instalación el artista continúa explorando lo que ha sido su principal campo de interés en estos últimos años: cuestionar el legado de la modernidad desde lugares en los que el diseño, la ciencia, la historia del arte y de la cultura entran en contacto, es decir, lugares especialmente fructíferos y ambiguos.

Acompañando a la instalación se presenta, en la planta 4ª del Museo Reina Sofía, la película Conceptual Drawings for a Chandelier, 1965, (“Dibujos conceptuales para un candelabro, 1965”, 2005-2008) filmada en la Metropolitan Ópera House de Nueva York.

La obra de McElheny se ha visto en multitud de espacios y museos, habiendo sido expuesta en The Art Institute of Chicago (1998), la Bienal del Whitney Museum (2000), el Centro Galego de Arte Contemporáneo (2002), MoMA (2007). Por otro lado, ha recibido el premio de la Fundación Louis Comfort Tiffany (1995).

La bella durmiente

02/02/2009, El próximo 24 de febrero, el Museo del Prado abrirá al público durante tres meses la exposición "La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce".

Madrid, febrero de 2009
Durante tres meses, el Museo del Prado podrá enriquecer temporalmente la visita a sus colecciones presentando una selección de pintura inglesa del siglo XIX procedente del Museo de Arte de Ponce, propietario de una de las colecciones más respetadas del arte occidental por la extraordinaria belleza y calidad de sus obras.

Bajo el título "La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce", esta exposición ofrecerá al público español una ocasión única para contemplar lienzos tan célebres como Sol ardiente de junio de Frederic Leighton y la monumental obra maestra de Edward Coley Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón.

La exposición, patrocinada por BBVA y organizada gracias a la generosidad del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico (coincidiendo con la clausura por reforma de sus instalaciones), contribuirá a paliar temporalmente la escasez de pintura británica en las colecciones del Prado y en el conjunto de las colecciones españolas motivada por razones históricas.

La exposición estará compuesta por 17 obras -10 pinturas y 7 estudios preparatorios sobre papel- que proporcionarán al público la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, dar a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño, fundado en la ciudad de Ponce por Luis A. Ferré, empresario, coleccionista de arte y célebre personaje en la historia económica, política y cultural de Puerto Rico.

Dos de las obras más importantes de la muestra, El sueño del rey Arturo en Avalón y Sol ardiente de junio, llegarán a Madrid procedentes de Londres, donde se han exhibido como parte de una colaboración entre el Museo de Arte de Ponce y la galería Tate Britain. La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy- basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

Entre las espléndidas obras que conforman la exposición, cabe destacar la reconocida como obra maestra de Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón, por tratarse de una pintura que, a excepción de su reciente participación en la exposición de Londres, no había salido de Puerto Rico desde que Ferré la adquirió para el Museo de Arte de Ponce en la década de los 60. La obra no había sido prestada antes tanto por su importancia para la colección ponceña como por las dificultades de su traslado dado su gran formato, con más de seis metros de ancho. Se trata de una pintura, fruto de la fascinación de Burne-Jones por la leyenda del Rey Arturo -compartida por otros colegas contemporáneos como Rossetti o William Morris-, a la que el artista dedicó los últimos años de su vida, trabajando en su constante reelaboración hasta el día anterior a su muerte. Esta gran tela estará acompañada en la exposición por una serie de bocetos y dibujos preparatorios que ayudarán a entender cómo trabajó el pintor hasta plasmar su imagen de ensueño.

Actualmente la colección del Museo de Arte de Ponce reúne alrededor de 3.800 obras que abarcan los períodos del siglo XIV al siglo XXI e incluye ejemplos de piezas italianas y españolas del Barroco, prerrafaelitas inglesas y latinoamericanas contemporáneas.

La crisis del turismo seguirá en el 2009

01/02/2009, La Organización Mundial del Turismo prevé un pequeño descenso de viajeros en el 2009, pero avisa que Europa es la zona más perjudicada

Madrid, febrero de 2009

En 2008, las llegadas de turistas internacionales llegaron a 924 millones –16 millones más que en 2007–, lo que representa un crecimiento del 2 por ciento.

La demanda turística fue disminuyendo significativamente a lo largo del año bajo la influencia de una economía mundial extremadamente inestable (crisis financiera, aumento de los precios de los productos básicos y del petróleo, bruscas fluctuaciones en los tipos de cambio, etc.), minando la confianza tanto de los consumidores como de las empresas y llevando a la actual recesión económica mundial.

En la segunda mitad de 2008 el crecimiento se detuvo y el número de llegadas internacionales se redujo ligeramente, una tendencia que seguramente continuará en 2009.

Demanda muy débil.

El crecimiento general del 2 por ciento del turismo internacional en 2008 se debe a los notables resultados de la primera parte del año, antes del derrumbe de los mercados financieros. En la segunda mitad del año, la tendencia cambió bruscamente y las llegadas de turistas internacionales se mantuvieron estables y empezaron a dar muestras de decrecimiento en cada uno de los seis últimos meses de 2008. En general, el crecimiento del 5 por ciento registrado entre enero y junio dio paso a un declive del 1 por ciento en la segunda mitad del año.

Aunque sin duda no es inmune a las penurias de la economía, el turismo ha resistido inicialmente mejor a la desaceleración económica que otros sectores como la construcción, el sector inmobiliario o la automoción.

Como todo apunta a que el turbulento escenario económico se mantendrá en 2009 y probablemente después, la previsión inicial de la OMT para este año es aún más modesta. Según el número de enero de 2009 del Barómetro OMT del Turismo Mundial, se prevé que el turismo internacional se estanque o incluso se contraiga ligeramente durante el año. No obstante, todavía existe un alto grado de incertidumbre y su comportamiento dependerá en gran parte de la evolución de las condiciones económicas.

Si la economía comienza a mostrar signos de una pronta recuperación, el turismo internacional puede crecer ligeramente en 2009, pero si la economía continúa deteriorándose, la previsión actual podría tener que revisarse a la baja. Ante la incertidumbre global y con previsiones económicas que se revisan continuamente a la baja, la OMT tendrá que seguir de cerca la situación a fin de suministrar los análisis más precisos posibles.

Resultados diversos por región en 2008

Para el año en su conjunto, todas las regiones mostraron resultados positivos, salvo Europa, que sufrió un estancamiento del número de llegadas. Los mejores resultados fueron los de Oriente Medio (+11 por ciento), África (+5 por ciento) y las Américas (+4 por ciento), debido en este último caso a la fortaleza de los viajes a los Estados Unidos hasta agosto y al comportamiento favorable de la mayoría de los destinos de América Central y del Sur.

Las cifras fueron negativas en los últimos seis meses de 2008 tanto en Europa (-3 por ciento) como en Asia (-3 por ciento). La caída es aún más significativa en Asia, que había experimentado un crecimiento de dos dígitos en 2007 y había obtenido excelentes resultados en la primera parte de 2008 (+6 por ciento).

Por otra parte, las Américas (+1 por ciento), África (+4 por ciento) y Oriente Medio (+5 por ciento) siguieron arrojando resultados positivos en la segunda mitad del año, aunque con una significativa ralentización frente al periodo comprendido entre enero y junio.

A pesar de la desaceleración general, en 2008 varios destinos del mundo obtuvieron resultados muy positivos en todas las regiones, entre los que cabe destacar a Honduras, Nicaragua, Panamá, Uruguay, la República de Corea, Macao (China), Indonesia, India, Egipto, el Líbano, Jordania, Marruecos y Turquía.

Estos resultados reflejan únicamente las llegadas de turistas internacionales. En lo que concierne el turismo interno, cuya importancia es significativa para muchos países, la OMT espera que muestre una tendencia a la ralentización más o menos similar. Los resultados para los ingresos por turismo internacional serán presentados más adelante. Sin embargo, la experiencia de años anteriores sugiere que el crecimiento de los ingresos tiende a estar correlacionado con el de las llegadas.

Previsiones para 2009

La previsión para 2009 está vinculada a la situación económica mundial. La desaceleración en las economías avanzadas, que se enfrentan a una contracción del producto interior bruto por primera vez desde la Segunda Guerra Mundial, se está extendiendo ya a los grandes mercados emergentes como China, la India y Brasil.

La OMT espera que en 2009 los resultados del turismo internacional se muevan en una horquilla de entre el 0 por ciento y el -2 por ciento. Junto con las Américas, Europa será la región más afectada en términos de resultados generales del turismo, ya que la mayor parte de sus mercados emisores están ya, o están entrando, en recesión.

En Asia y el Pacífico, se espera obtener resultados positivos, aunque el crecimiento seguirá siendo mucho más lento en comparación con los resultados de la región en años precedentes. Lo mismo cabe decir de África y de Oriente Medio.

A pesar de esta estimación, la OMT incide en el hecho de que el debilitamiento del crecimiento del turismo internacional se produce después de cuatro años de resultados sin precedentes.

El crecimiento medio entre 2004 y 2007 fue de un 7 por ciento anual, muy por encima de la tendencia a largo plazo del 4 por ciento.

Una mirada a la España del XIX, con ojos ingleses

31/01/2009, Centenares de viajeros románticos mitificaron en el siglo XIX una idea romántica de España, que ratificaron decenas de pintores

León, febrero de 2009

La Obra Social de Caja España acaba de abrir su temporada de exposiciones con una que lo demuestra: "Pintores románticos ingleses en la España del XIX".

Washington Irving, Gautier, Dumas, Christian Andersen... centenares de escritores recorrieron la España del XIX en busca de bandoleros, toreros y raíces moriscas, en un peregrinaje motivado más por la emoción romántica y estética que por la búsqueda del conocimiento del país real.

Entre los viajeros, más de un centenar de británicos dejaron escritos sobre una España, redescubierta tras la Guerra de la Independencia, en la que hallaron esencias sorprendentes, en lo estético, las más de las veces relacionadas con lo norteafricano en la luz, la arquitectura y el paisaje de palmeras.

Esos escritores quedaron prendados especialmente de Andalucía; viajeros como Ford, Taylor o el vendedor de biblias George Borrow se asombraron especialmente ante lo sureño, a veces incluso menospreciando los territorios del Norte.

Borrow reencuentra en Sevilla un "paraíso terrenal (...) donde los antiguos griegos y romanos colocaron los Campos Elíseos", en tanto que aborrece la frialdad de ciudades como León: "Nada notable hay en León, ciudad vieja y tétrica, salvo la catedral que en, en muchos respectos, un duplicado de la de Palencia...".

¿Y los pintores?

Obnubilados por los paisajistas Turner y Constable, en España no se conoce en bien el amplio elenco de pintores que se hicieron a la mar para viajar tras la emoción romántica y lo exótico, para lo que recorrieron ámbitos de Grecia, Turquía, el Norte de África y España, donde algunos de ellos llegaron a quedarse.

La Exposición Pintores Románticos Ingleses en la España del siglo XIX presenta una gavilla de cuadros, cuarenta, de distinto formato seleccionados de una colección de ochenta y dos obras, que es según la comisaria, la mejor de España en su género, y que pertenece a una vallisoletana, Aurora Marín.

La autora, que se aficionó a la puntura inglesa cuando residía en el Reino Unido, ha proseguido reuniendo obra romántica "con esfuerzo económico y tenacidad" una tarea en la que se ha encontrado apoyada por su marido, Joaquín Blasco, y que le ha permanecido reunir una amplia pinacoteca que tiene repartida entre Inglaterra, Zaragoza y Málaga.

Oleos de John Bagnold Burgess, Edwin Long, John Phillip, Trevor Haddon y Robert Kemm llenan de luz la planta sótano y sala de exposiciones del palacio de Botines, edificio de Antonio Gaudí y sede de Caja España; junto a ellos, una excelente serie de acuarelas de Apperley, en las que el pintor se deja embrujar por Granada.

Para la comisaria de la exposición, Marisa Oropesa, la muestra es valiosa por lo artístico, por lo costumbrista y por ser testimonio del propio cambio de España, que antaño seducía a los pintores ingleses que encontraban el exotismo desde el ámbito de los curas hasta los braseros, y que ahora verían en España un país cercano, acercado por los propios influjos de la globalización.

La colección, que se exhibió en la Casa de Vacas de Madrid, en 2008, próximamente se presentará en Valladolid, donde llevará la luminosidad captada por los artistas ingleses y esos personajes típicos hispanos, muchos de ellos niños, como lo que aparecen en uno de los cuadros de John Bagnold Burgess, ante la portada de un viejo templo, el preferido por la dueña de la colección.

Tahití y sus islas, por San Valentín

31/01/2009, El ente de Turismo de Tahití sugiere que el día de San Valentín puede celebrarse con algo más que flores y bombones.

Polinesia Francesa, febrero de 2009.

Aquellas parejas que busquen un plan especial –dice Tahití Turismo- lo encontrarán sin duda en Tahití y sus islas, que ofrecen paisajes de extraordinaria belleza en islas como la sensual Bora Bora, y una amplia oferta de hoteles y planes entre los que figura una de las actividades estrella: snorkel entre tiburones –no muy romántico, por cierto- y otras especies marinas.

No es casualidad que Tahití y sus islas sea uno de los destinos turísticos favoritos de los enamorados. Muchos eligen este lugar para disfrutar de algo tan especial como una luna de miel, pero la oferta de estas joyas del Pacífico Sur atrae cada año a parejas que simplemente buscan un ambiente íntimo donde relajarse con todas las comodidades.

Uno de los mayores reclamos de Tahití y sus islas son los exclusivos bungalows de lujo sobre el agua, refugios románticos con impresionantes vistas.

Y es que viajar a cualquiera de estas islas presupone un abanico de experiencias apetecibles para compartir entre dos, desde planes para los más aventureros (como nadar entre los tiburones) hasta una boda según los ritos tahitianos para los más románticos.

Se puede conocer las islas de Moorea y Bora Bora entre otras, a bordo de un crucero de lujo o a través de una ruta de senderismo por la exuberante naturaleza de relieves volcánicos, lagunas y cascadas. Aquellas parejas que sin embargo buscan el más absoluto relax, pueden visitar uno de los muchos spas de la zona y probar un tratamiento de belleza con el producto más conocido de la zona: el aceite de monoi.

Otro atractivo posible para el día de San Valentín puede ser uno de los 'picnics-gourmet' que ofrecen los establecimientos hoteleros para pasar una jornada en un islote. Acompañados por un chef que prepara el ambiente, decora la mesa y cocina el almuerzo con especialidades francesas y tahitianas, los enamorados disfrutarán de un baño en las aguas de la laguna y gozarán de las impresionantes puestas de sol.

Sin duda, un plan inolvidable ...si además hay amor

La Polinesia francesa está en el Pacífico Sur e integrada por un conjunto de más de cien islas y atolones distribuidos en cinco archipiélagos (Sociedad, Islas Australes, Tuamotu, Gambier e Islas Marquesas). La zona tiene una mezcla de culturas, la autóctona, la china y la europea, y su economía se basa en el turismo y alguna otra producción, como azúcar y ron.

Este territorio tiene 4.167 kilómetros cuadrados y algo menos de 300.000 habitantes; la capital es Papeete, en Tahití, y el lenguaje oficial es el francés junto con el polinesio.

La Purificación de María en el templo

27/01/2009, La pieza central del Retablo del Mariscal Diego Caballero, la Purificación de María en el templo, realizada por Pedro de Campaña para la Catedral de Sevilla, permanecerá expuesta en el Museo del Prado hasta el 8 de marzo de 2009.

Madrid, enero de 2009
Tras un largo y complejo proceso de restauración llevado a cabo en sus talleres, el Museo del Prado presenta temporalmente en la sala 56 B una de las obras fundamentales del Renacimiento realizada en suelo español: la Purificación de María, obra del flamenco Peeter de Kempeneer -Pedro de Campaña- en 1556. Concebida como pieza central del Retablo del Mariscal Diego Caballero para la catedral de Sevilla es una obra monumental, perfecto ejemplo de la influencia de Durero y Rafael en la obra de su autor.

Pedro de Campaña (Bruselas, 1503-1587) había llegado a Sevilla en 1537, formado ya como pintor y tras pasar un tiempo en Italia. En la ciudad hispalense permaneció veinte años, haciéndose cargo de importantes encargos, entre los que el de la catedral de Sevilla fue uno de los más influyentes y alabados.

La Purificación presenta una compleja composición que se basa en parte en una estampa de Durero, especialmente para la concepción del monumental espacio, en el que introduce un elegante y sinuoso cortejo de figuras cercanas a la obra de Miguel Ángel y Rafael. Precisamente debido a su gran tamaño, la obra se realizó con paneles de roble armados en sentido horizontal, un montaje inusual que ha propiciado un permanente problema de conservación de la obra y obligado a la compleja restauración, recientemente concluida, por parte de los especialistas del Museo del Prado.

La sala donde se exhibe cuenta con paneles explicativos sobre el pintor, la obra y su restauración. Además, en la misma sala, se puede visionar un vídeo ilustrativo de los trabajos realizados durante la intervención de la obra en los talleres del Museo.

Una vuelta por Austria

27/01/2009, Disfruta de la primavera en las ciudades austriacas. Este 2009, Innsbruck, Salzburgo, Graz y Viena se preparan para el turismo con nuevas atraciones culturales y festivales de música.

Austria, enero de 2009

  • VIENA

    Nuevas atracciones en el Prater
    Si bien es cierto que de forma oficial el parque de atracciones vienés del Prater deja de funcionar a finales de octubre, la verdad es que cada vez hay más juegos que permanecen abiertos también durante todo el invierno. Sobre todo la plaza de la Noria Gigante se está convirtiendo en un lugar de diversión para el año entero. Alrededor de la Noria, que gira cada día, se han instalado algunas atracciones que se mantienen abiertas también en las estaciones frías del año.

    La novedad más importante desde el punto de vista gastronómico en la plaza de la Noria Gigante es la taberna Eisvogel, que ofrece exquisita cocina vienesa y vinos de alta calidad. Enfrente hay otras dos nuevas atracciones. Las "Vienna Airlines" invitan a un vuelo espectacular para disfrutar de Viena con todos los sentidos, mientras que el cine 5 D llamado "Miraculum" enseña a los visitantes el arte de la magia. También hay que hablar de la "Praterdome", la discoteca más grande de Austria, con cuatro pistas de baile en un área de 3.500 m², que permite a unas 4.000 personas disfrutar y divertirse también en los 12 bares de la discoteca.

    1070 Viena – un distrito de moda
    El 7º Distrito de Viena se conoce como el barrio creativo por excelencia. Cerca de la calle comercial Mariahilfer Strasse, en las calles y callejuelas de este distrito ha surgido en los últimos años un ambiente colorido de moda. 30 de estos negocios se han asociado en una presentación conjunta en la página web www.7tm.at, en la que los propietarios de las boutiques pueden dar a conocer novedades y eventos.

    La amplia paleta abarca desde locales especiales de diseñadores locales hasta marcas internacionales de "Streetwear" y formas mixtas, como tiendas de ropa combinadas con peluquerías y talleres de diseñadores con mostradores de venta.

  • SALZBURGO

    Bajo el título "Salzburg goes Napoli", el director Riccardo Muti hace ver la larga tradición y los estrechos lazos que unen la cultura austriaca y la napolitana. El director artístico del Festival de Pentecostés de Salzburgo (29.5.-1.6.2009) se dedica desde el año 2007 al barroco napolitano y al neoclasicismo.

    La inauguración del festival de este año tendrá lugar el día 29 de mayo con la ópera "Demofoonte" de Niccolò Jommelli, uno de los compositores más extraordinarios de la Escuela Napolitana. Riccardo Muti dirigirá la Orchestra Giovanile "Luigi Cherubini" para este evento en la Casa para Mozart.

    En el Mozarteum veremos conciertos como "Il faraone sommerso" o "La tentazione del male". Por otro lado, podremos disfrutar de veladas bajo el título "Si los ángeles supieran hablar..." con arias y piezas instrumentales de Nicola Porpora, Johann Adolph Hasse, Leonardo Vinci y Leonardo Leo. La obra que cerrará el Festival de este año será la "Missa defunctorum" con Riccardo Muti, el Coro Balthasar-Neumann y la Orquesta Giovanile Luigi Cherubini, que tendrá lugar en la Escuela de Equitación.

  • INNSBRUCK

    Vacaciones sin barreras arquitectónicas en Innsbruck
    Verena Ischia, propietaria del Hotel Innsbruck, ha invertido en los últimos años muchos esfuerzos en convertir su hotel en un lugar apto para sillas de ruedas. Ahora, con la adaptación de las instalaciones a las necesidades de personas con discapacidad visual, el Hotel, en colaboración con la asociación tirolesa de ciegos y deficientes visuales y la Oficina de Turismo de Tirol, ha elaborado un baremo de control para alojamientos aptos para personas con discapacidad visual. Este proyecto piloto ha permitido establecer los criterios básicos para futuras obras de adaptación de otros establecimientos hoteleros.

    El Hotel Innsbruck, situado en el centro de la capital de Tirol, destaca no solamente por ser el primer establecimiento hotelero certificado de Tirol apto para personas con discapacidad visual, cabe mencionar también que su área de wellness está desde hace poco tiempo perfectamente apta para personas en sillas de ruedas.

  • GRAZ

    SPRINGNINE: Festival for electronic art and music (20 – 24 de mayo de 2009)
    El mayor festival de arte electronico y música en Austria vuelve a convertir a Graz en una animada metrópolis con una candente cultura de pop: internacionales top acts electronicos tocarán con la nueva generación de DJs y héroes del underground de Graz convirtiendo todas las ubicaciones dignas de mención en la ciudad en zonas de fiesta por todo lo alto.

  • Madrid CowParade

    21/01/2009, El centro de la capital amanecía el pasado viernes 16 de enero lleno de color gracias a esta gran exposición de arte público, que permanecerá en nuestras calles hasta el 21 de marzo.

    Madrid, enero de 2009
    Las calles del centro de Madrid son ya un prado en el que pastan las 105 vacas de todos los colores que componen la manada de CowParade. En la noche del jueves 15 de enero, todas las vacas fueron colocadas en lugares tan emblemáticos como la Puerta de Alcalá, la plaza de Cibeles, Colón, la Plaza Mayor, la Gran Vía, la calle Alcalá, Preciados, Lavapiés, el paseo Recoletos o la calle Serrano.

    Las vacas, realizadas en fibra de vidrio y decoradas por diversos artistas, compartirán calles y plazas con los madrileños hasta el 21 de marzo, antes de que las mejores de ellas sean seleccionadas para una subasta benéfica que tendrá lugar el 16 de abril en el Palace.

    Durante el cocktail de inauguración, que tuvo lugar en el Pabellón de los Jardines Cecilio Rodríguez del parque del Retiro, el Alcalde Ruiz Gallardón descubrió la Vaca "Madrid 16", que ha patrocinado el Ayuntamiento de Madrid y que representa el sueño olímpico que comparten los madrileños.

    CowParade es un evento internacional que reúne arte, diversión y solidaridad y que nació en 1988 en Zurich. Desde entonces unas 5.000 vacas "han pastado" en 50 ciudades de los cinco continentes, como Nueva York, Londres, París, Sao Paulo o Tokio, y más de 200 millones de personas han disfrutado de la exposición. Este enorme éxito ha permitido destinar cerca de 13 millones de euros a causas sociales. El patrocinio de empresas, que 'adoptan' a cada vaca, hace posible que este evento llegue a los ciudadanos de forma gratuita.

    Star Wars, The Exhibition

    19/01/2009, Descubre la fantástica muestra dedicada a la saga de La Guerra de las Galaxias en el Centro de exposiciones Arte Canal... Y que la fuerza te acompañe!!!

    El Centro de Exposiciones Arte Canal está ya más que reconocido gracias a sus imponentes exposiciones. Por sus salas han pasado los "Guerreros de Xi’an", la muestra "Faraón", "M. C. Escher. El arte de lo imposible" o "Roma SPQR". Todas ellas han logrado las mejores críticas y records de asistencia.

    Ahora, y tras su paso por París, Lisboa, Londres, Bruselas y Suecia, llega a Madrid "Star Wars, The Exhibition" una exposición que hará soñar a los pequeños y logrará emocionar a los más grandes, que han vivido la evolución, a lo largo de más de 25 años, de la saga de Lucas.

    Cabe citar que, para esta ocasión, la exposición se ha rediseñado y se han adecuado sus contenidos a las características de un espacio de personalidad única como es el Centro de exposiciones Arte Canal. El resultado de ambientación y los detalles, tales como los carteles describiendo los personajes o sus naves, bien merecen una visita.

    Star Wars, conocida en español como La Guerra de las Galaxias, es una saga de películas de ciencia ficción creada por George Lucas. La saga de Star Wars empezó en 1977, con el estreno de La Guerra de las Galaxias (rebautizada posteriormente como Episodio IV: Una Nueva Esperanza). Fue un tremendo éxito. Le seguirían El Imperio Contraataca (1980) y El Retorno del Jedi (1983).

    Posteriormente, Lucas narraría lo sucedido años antes de la llamada "trilogía clásica": La Amenaza Fantasma (1999), El Ataque de los Clones (2002) y La Venganza de los Sith (2005). En ellas utilizó los últimos avances tecnológicos y digitales.

    La Guerra de las Galaxias fue pionera en el uso de maquetas y efectos sonoros y visuales, revolucionando los efectos especiales en el mundo de la ciencia ficción. En la exposición se exhiben 245 piezas originales utilizadas en las películas y que ya forman parte de nuestro imaginario colectivo: naves espaciales, vehículos, personajes, vestidos, escenarios, bocetos, maquetas...

    Como complemento a la exposición, el visitante tiene la opción de acudir a una sesión de entrenamiento en la Escuela Jedi. Una pequeña obra de teatro de 15 minutos aproximadamente, que sirve para que los asistentes reciban su formación como Jedi y luchen contra el mismísimo Darth Vader. Una actividad gratuita y que merece la pena, pues los actores hacen a los asistentes pasar un rato muy divertido y ameno.

    DATOS DE LA MUESTRA

    Fecha y lugar:
    Hasta el 15 de marzo de 2009
    Centro de exposiciones Arte Canal
    Paseo de la Castellana, 214
    Metro plaza Castilla
    Madrid

    Información:
    91 545 15 00
    http://www.starwarstheexhibition.com

    Horario:
    Todos los días de la semana, de 10:00 a 21:00 horas

    Venta de entradas:
    – Taquilla del Centro de exposiciones Arte Canal
    http://www.entradas.com
    – Teléfono 902 22 11 34
    – Cajeros Caja Madrid

    Arte y fiesta en Chequia

    17/01/2009, La República Checa ofrecerá en los proximos meses diversos atractivos al viajero, que van desde una iluminacion especial de Praga hasta el carnaval bohemio.

    Praga, enero de 2009

    Instalación visual “Transparency”

    Praga. Hasta el 30 junio 2009

    Una iluminación especual para las calles de Praga, con motivo de la presidencia checa de la UE, con la que se hacen partícipes a todos los viandantes de las creaciones seis artistas internacionales de renombre.

    A través del arte visual se presenta a Praga como una una ciudad vital, abierta la mundo y con muchas ganas de vivir. Los edificios de la Plaza de la Ciudad Vieja, el Museo Nacional, la Sinagoga española, la sala Rudolfinum, el Museo de Smetana, y otras localizaciones curiosas como el río Moldava, son los escenarios de esta exhibición al aire libre que continúa hasta finales de junio.

    Carnaval Bohemio

    Praga. Del 13 al 24 febrero 2009

    Festival carnavalesco con desfiles de máscaras por el centro de Praga. El carnaval, llamado ‘masopust’, se celebraba en tierras checas desde el Medievo, y ahora se recrea en un encuentro creativo, de alegría y desenfreno. También forma parte de estas celebraciones un festival gastronómico que se organiza conjuntamente en hoteles, restaurantes y bares praguenses, donde se podrán degustar manjares tradicionales de estas fechas.

    Tutankamon, su tumba y tesoros en Brno

    Brno. 16 Octubre 2008 -15 Marzo 2009

    La leyenda de Tutankamon sigue fascinando a la gente por su prematura muerte y su impresionante legado. La ciudad de Brno acoge en esta exposición una réplica exacta del complejo sepulcral y más de 1.000 objetos del ajuar funerario del rey.

    Se trata de una gran ocasión para conocer algo más de esta civilización que nació a orillas del Nilo y sigue asombrando por sus creaciones.

    Esquí Nórdico en la ciudad de Liberec

    Liberec (Bohemia del Norte), 18 febrero – 1 marzo 2009.

    Es el mayor evento deportivo del año en la República Checa, y uno de las 15 competiciones más importantes a nivel mundial, un encuentro que reúne a los mejores esquiadores del planeta.

    Como novedad, este año se estrena el recinto de esquí de fondo de Vesec con dos circuitos, uno de 5 kms y otro de 7,5 kms de largo.

    La ciudad de Liberec, a 102 km de Praga, ofrece a sus visitantes otros atractivos como su Jardín Botánico o el centro de ocio Babilón.

    www.wartprojects.com

    2009 www.carnevale.cz

    www.tut-vystava.cz

    www.liberec2009.com

    Arte en Flandes: 2009

    13/01/2009, El surrealismo tiene una cita importante en 2009 en Bélgica, en torno a uno de los grandes genios de esta corriente artística, y tal vez el pintor moderno más conocido del país: Rene Magritte.

    Bruselas, enero de 2009

    A partir del 2 de junio, los visitantes que viajen a Bruselas podrán disfrutar de la rehabilitación de un edificio de 5 plantas dotadas de la más nueva tecnología, el Magritte Museum, que aspira a convertirse en uno de los más modernos y prestigiosos museos europeos.

    En el centro se expondrán más de 170 obras de este autor que juega permanentemente con imágenes de doble significado en un lenguaje brillante, colorista y poético.

    Siguiendo las huellas del pintor encontraremos también su casa museo en Bruselas, y aún podremos profundizar en el surrealismo si visitamos en Koksijde, Flandes occidental, el museo de Paul Delvaux, expresionista reconvertido al surrealismo influenciado en gran medida por el propio Magritte y autor de oníricos desnudos femeninos.

    Y un gran Clásico: Van der Weyden

    Rogier van der Weyden, maestro de pasiones es el titulo de una muestra notable que se presentará en Lovaina, donde reabre el museo de la ciudad el 19 de septiembre, con nueva sede.

    La muestra será de gran interés y ofrecerá hasta el 6 de diciembre obras originales del genial pintor del siglo XV, confrontadas a las de sus contemporáneos y sucesores.

    Rogier van der Weyden (1400-1464) revela la originalidad de este artista a traves de mas de cien obras mestras de diversas colecciones de Europa y América, cuadros, esculrturas, tapicerías y dibujos.

    Nació el artista en Tournai, y aprendió pintura con Robert Camping; pronto adquirió renombre y fortuna. Detallista, colorista, riguroso y realista, produce unas figuras de auténtico sabor escultórico y sabe organizar escenas de hondo dramatismo, como el extraordinario descendimiento de El Prado. Murió en Bruselas.

    Y el Cómic:2009

    Otro atractivo bruselense en el año –como siempre- es el mundo del cómic. En 2009 esta relación se hace aún más visible gracias a la celebración del Año del Cómic en la ciudad.

    El hecho de que el Centro Belga del Cómic celebre su 20 aniversario, Bruselas sea patria de Tintín y Spirou y que sea en esta ciudad donde se creara la primera escuela de cómic de Europa han tenido seguro mucho que ver en la elección del tema.

    El evento ofrece 2 grandes exposiciones así como numerosos atractivos paralelos: balloon day parade, inauguración de la Casa Nero, apertura de los ateliers de los artistas, itinerario de fachadas, festival del Dibujo Animado, etc.

    Grafika

    13/01/2009, Grafika: una colección de obras de los artistas de "Beautiful Losers" y producida por Contemporánea. Del 16 de enero al 16 de febrero de 2009 en Flow (San Sebastian).

    San Sebastian, enero de 2009
    "Grafika" es una exposición de obra gráfica, objetos y ediciones varias que explora el trabajo de un grupo diverso de artistas visuales surgidos en la cultura urbana alternativa en torno a las escenas del skateboard, graffiti, punk y hip hop en Estados Unidos.

    El proyecto inicial que los agrupó, "Beautiful Losers", fue un proyecto de Christian Strike y Aaron Rose.

    Contemporánea y Christian Strike reúnen en Flow medio centenar de piezas de disciplinas artísticas tales como serigrafía, escultura, fotografía, revistas, fanzines, camisetas y objetos realizados por esa treintena de artistas que han emergido en la última década del s. XX y son descendientes directos de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat y Keith Haring.

    Lo que empezó siendo un movimiento juvenil ha desembocado en un fenómeno social. De hecho, algunos de ellos ya son considerados por el mundo del arte como valores seguros y ejemplos a seguir dentro de las nuevas corrientes culturales de nuestro siglo y realizan diseños para marcas como Marc Jacobs, Calvin Klein o RVCA.

    Los artistas presentes en la exposición son: Thomas Campbell, Henry Chalfant, Larry Clark, Cynthia Connolly, Cheryl Dunn, Brian Donnelly (KAWS), Shepard Fairey (OBEY), Glen E. Friedman, Evan Hecox, Wes Humpston, Jo Jackson, Andy Jenkins, Chris Johanson, Harmony Korine, Ari Marcopoulos, Geoff McFetridge, Barry McGee, Ryan McGinness, Mike Mills, Stephen Powers, Terry Richardson, Clare E. Rojas, Rostarr, Ed Templeton, Craig R. Stecyk III y Tobin Yelland.

    Flow
    C/ Legazpi, 1
    San Sebastian (Spain)
    Tel.: +34 943 471 945
    Horario: De Lunes a S?bados, de 10'30 a 13'30 horas, y de 16'00 a 20'30 horas.
    http://www.theflowstore.com

    Contemporánea
    http://www.contemporanea.org

    Tarsila do Amaral

    13/01/2009, A partir del 6 de febrero, en Madrid, en la Fundación Juan March se presenta al público la primera muestra individual de la artista brasileña Tarsila do Amaral (1886-1973).

    Madrid, enero de 2009
    La Fundación Juan March inaugura en Madrid, el próximo viernes 6 de febrero, la primera muestra individual dedicada en España a la artista brasileña Tarsila do Amaral (Capivari, Sâo Paulo, 1886-Sâo Paulo, 1973), el gran nombre de la pintura brasileña y una de las figuras clave de la vanguardia de Brasil, cuyas contribuciones más significativas son -en opinión de Juan Manuel Bonet, comisario de esta exposición- de lo más importante que ha dado el continente americano a la cultura moderna.

    Esta muestra, que es también una de las primeras y más completas dedicadas a Tarsila do Amaral en Europa, estará en Madrid, en la sede de la Fundación Juan March, hasta el 3 de mayo de 2009 y entre el 15 de mayo y el 31 de julio en Santiago de Compostela, en la Fundación Caixa Galicia, con quien se ha co-producido la exposición.

    La exposición se centra en la producción del deslumbrante periodo central de Tarsila do Amaral, entre mediados de los años veinte y treinta, que es el periodo en el que llegan a Brasil las vanguardias, que habían surgido, una década antes, en Europa. Son los años veinte vividos por Tarsila do Amaral entre Sâo Paulo y París, con un final simbólico en la URRS (viajó a Moscú en 1931). Es la época de sus conexiones vanguardistas en París, de su relación con pintores como Léger o poetas franceses como Blaise Cendrars, con quien mantuvo una gran amistad. Es el momento del nacimiento del "modernismo" brasileño en general y paulista en particular y del que será estandarte más de un cuadro suyo. Figura central del movimiento antropófago -la manifestación brasileña de vanguardia más clara-, Tarsila do Amaral concilia en su obra lo aprendido en Europa con una mirada al Nuevo Mundo redescubierto.

    Europa y América, cubismo y tropicalismo, geometría y vegetación, campo y ciudad son algunas de las antítesis sobre las que se fundamenta el excepcional trabajo plástico de Tarsila do Amaral, "caipirinha vestida por Poiret", según el célebre verso de Oswald de Andrade, marido que fue de Tarsila do Amaral, y uno de los grandes poetas latinoamericanos de ese tiempo de vanguardias. Se exhiben en esta muestra unas cien obras de la artista brasileña, entre pinturas y dibujos, procedentes la mayoría de museos y colecciones particulares brasileños (con la excepción de una obra del Musée de Grenoble, otra del Hermitage de San Petersburgo y un boceto y un cuadro pertenecientes al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid). Además de documentar así la etapa más fructífera y decisiva de Tarsila do Amaral, esta exposición de la Fundación Juan March incide en el contexto brasileño de esos años veinte -se incluyen trabajos de algunas de las más destacadas figuras del modernismo brasileño- y se completa con otros materiales documentales y con otras obras que enriquecen la muestra y el conocimiento de la artista brasileña: algunos ejemplos de cerámica marajoara, plumaria amazónica, objetos de arte colonial, cartografía, fotografías y una selección de obras de artistas europeos que viajaron a Brasil entre los siglos XVII y XIX.

    Fundación Juan March
    Castelló, 77 - 28006 Madrid

    Magnífico balance del CAC malagueño

    10/01/2009, El CAC, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, cierra el ejercicio 2008 con un magnífico balance de exposiciones y visitantes: más de 600.000.

    Málaga, enero de 2009

    Miquel Barceló, Joaquín Sorolla, Kara Walker, Roni Horn, Yoshitomo Nara, Jason Martin, Juan Uslé, Tracey Emin, Lawrence Weiner, Matthias Weischer y Daniel Richter entre otros, han hecho posible que el Centro de Arte recibiera 657.271 visitantes en el ejercicio.

    Esta cifra supone un crecimiento del 137 % por ciento en relación a 2007, es decir, 376.582 asistentes más a las visitas del centro que el año anterior, cuando se registró una afluencia de 280.689 personas.

    El CAC Málaga dirigido por Fernando Francés se convierte así en el centro de arte español que más ha incrementado sus niveles de asistencia, lo que pone de manifiesto la consolidación del centro como un referente en el panorama artístico internacional, motivo por el que que ha coincidido con la consideración de Mejor Institución Cultural del 2008 otorgada por "El Público" de Canal Sur Radio, considerando al CAC Málaga como "la punta de lanza de las vanguardias artísticas en España".

    Durante el año 2008 han podido verse en el Centro un total de 20 exposiciones, entre las cuales destacan las de artistas tan importantes como Miquel Barceló, Kara Walker, Yoshitomo Nara, Juan Uslé, Roni Horn, Jason Martin, Tracey Emin, Lawrence Weiner, Matthias Weischer, Daniel Richter y Joaquín Sorolla entre otros.

    Un total de 49 artistas han expuesto en el centro a lo largo del año, en el programa de exposiciones temporales de los cuales 32 han sido artistas malagueños entre las exposiciones individuales de Javier Calleja y la colectiva Málaga Crea que han tenido lugar durante el año. Además de otros 66 artistas que han formado parte de las dos exposiciones de la colección permanente.

    De todas las asistencias recibidas a lo largo del pasado año, 603.225 corresponden a visitas a las exposiciones, de la cuales, las más visitadas han sido Lawrence Weiner, Joaquín Sorolla, Miquel Barceló, Kara Walker y Daniel Ritcher.

    En cuanto al perfil –según se deduce de un estudio estadístico realizado por el propio centro durante todo el año- del público que asiste al centro por sus exposiciones el 68 % es visitante habitual, lo cual supone un notable ascenso respecto al año anterior en el que el porcentaje era de un 56%, mientras el 32 % corresponde a público nuevo.

    A lo largo del año el CAC Málaga ha procurado tener una actividad cultural constante y del nivel que sus exposiciones requieren, así entre seminarios, jornadas, ciclos de cine, presentaciones de libro o música en sus diferentes versiones, han tenido lugar durante el año 465 eventos a los que han asistido 25.893 visitantes. De los cuales el 98 % consideró las actividades interesantes o muy interesantes.

    El 88 % afirma que acudirían a próximas actividades y declaran interés por asistir a las conferencias el 75 %, y a los ciclos de cine el 69%. Respecto a las profesiones, el grupo mayoritario es el de estudiantes que representan el 46%, lo que supone un aumento considerable respecto al 24 % del año anterior.

    El CAC ha incorporado este año 34 nuevas obras a la colección permanente del centro entre cesiones y adquisiciones de entre las que destacan obras de artistas como Jason Martin, Richard Long, Sigmar Polke, Louise Bourgeois, Richard Serra, Anselm Kiefer o Yoshitomo Nara.

    La sombra y el arte

    10/01/2009, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan una propuesta interesante, del 10 de febrero al 17 de mayo de 2009: la primera gran exposición dedicada a la representación de la sombra en el arte occidental.

    Madrid, enero de 2007

    La muestra reúne alrededor de 140 obras de más de un centenar de artistas -entre pintura, fotografía y proyecciones cinematográficas-, con el objeto de poner en relieve y profundizar en el amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones suscitado por la representación de la sombra en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días.

    Una antigua fábula de Plinio el Viejo(siglo I d.C.) sitúa el origen de la pintura en Corinto, donde una joven muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, habría trazado el contorno de su amante, sobre una pared, ayudada por la luz de una vela.

    “La sombra” como tema artístico ha estado indivisiblemente unida a la historia del arte occidental; su intencionalidad ha sido fundamentalmente naturalista, al subrayar la verosimilitud de lo representado, pero cada época la ha dotado de connotaciones diferentes.

    La presente exposición, la primera gran monográfica sobre el tema, se propone llamar la atención del público sobre la existencia de caminos transversales y mostrar los hilos, a veces ocultos, que unen diferentes épocas y artistas pese a la distancia cronológica que les separa.

    El discurso expositivo se realiza a través de las dos sedes de la muestra, en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid.

    En el Thyssen

    En las salas del Museo se presentan las obras que van desde el siglo XV hasta fines del siglo XIX, en un recorrido por algunos de los principales artistas que han representado y utilizado la sombra proyectada en sus composiciones. Tras un primer espacio de introducción dedicado a mostrar el mito de la sombra en el origen de la pintura, la muestra arranca con algunos ejemplos destacados de su estudio y utilización en la creación de perspectivas por parte de los artistas del Renacimiento, así como de las connotaciones simbólicas que tuvo en la época.

    El itinerario continúa con la obra de los pintores tenebristas del Barroco y su espectacular uso de luces y sombras; sigue con su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica, hasta llegar a la representación de la sombra y la luz en el Impresionismo y el Simbolismo.

    Están presentes, entre otros, artistas como Jan Van Eyck, Lorenzo Lotto, Rembrandt, George de La Tour, Francisco de Goya, Camille Pissarro, Claude Monet, Édouard Vuillard, Félix Valloton o Santiago Rusiñol.

    En Caja Madrid

    El siglo XX centra el contenido de las salas de exposición en la Fundación Caja Madrid, con especial atención a su utilización por parte de diversos artistas que, vinculados al denominado “retorno al orden” de los años 1920, recuperan en su obra el protagonismo de la sombra – Giorgio de Chirico, Edward Hopper o Pablo Picasso, entre otros-, y a la importancia de la sombra en los juegos de proyección de los pintores surrealistas, sobre todo René Magritte y Salvador Dalí.

    Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecen un panorama del tema a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, con obras de Susan Rothenberg, Claudio Parmiggiani, Andy Warhol y Roy Lichtsntein, entre otros, y a la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las instalaciones actuales de Christian Boltanski, pasando por las experiencias cinematográficas de Murnau o Peter Greenaway.

    FICHA DE LA EXPOSICIÓN

    La Sombra

    Fechas: Del 10 de Febrero al 17 de Mayo 2009

    Organizadores y sedes: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

    Comisario: Victor I. Stoichita, Catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Friburgo

    Número de obras: 140

    Publicaciones: Catálogo con ensayos de Victor I. Stoichita, Santos Zunzunegui, José Ramón Esparza Estaun, Fernando Marías, Sergiusz Michalski, Hans-Georg von Arburg. Editado en español con apéndice en inglés.

    El Titanic llega a Madrid

    08/01/2009, Por primera vez en España se muestra la exposición Titanic. Objetos reales, historias reales. Un viaje atrás en el tiempo que hará sentir al visitante como un pasajero del mítico buque.

    Madrid, enero de 2009

    Un viaje sin regreso
    Hace 96 años, en la madrugada del 15 de abril de 1912, el barco más grande y lujoso jamás construido, el RMS Titanic, se hundió en su trayecto inaugural después de colisionar con un iceberg en el Atlántico Norte. El buque había zarpado de Inglaterra sólo cuatro días antes, transportando a 2.228 pasajeros en total, incluyendo magnates del comercio, la banca y la industria, artistas, miembros del gobierno, familias que emigraban a Estados Unidos soñando con una nueva vida y una tripulación compuesta por 885 miembros. El trasatlántico, que en la época se consideraba prácticamente insumergible, se fue a pique en menos de tres horas, después de que su casco se partiera en dos. Más de 1500 personas murieron en la catástrofe.

    Los restos del barco más famoso de la historia durmieron en el lecho marino hasta que la empresa RMS Titanic. Inc. logró los derechos para tratar de rescatar la memoria de la nave y preservarla para la posteridad. Madrid acoge en el número 5 de la calle Goya -Plaza Colón- la exposición "Titanic. Objetos reales, Historias reales" un emotivo viaje a la tragedia y las historias de los pasajeros cuyas vidas quedaron para siempre alteradas aquel 14 de abril.

    Vivir la historia
    La exposición, que ya ha sido visitada por más de 18 millones de personas en todo el mundo, y que llega por vez primera a España, está enfocada tanto en las cautivantes historias de los pasajeros que se encontraban a bordo y que han ido quedando en la memoria de nietos y familiares así como en los más de 230 objetos auténticos encontrados en las profundidades del mar, rescatados por la empresa RMS Titanic Inc. y que son expuestos para el deleite del público.

    Frascos de perfumes pertenecientes al perfumista Adolf Saafeld, que viajaba a Nueva York para vender las muestras y que todavía conservan el olor, pese a los más de 90 años que estuvieron sumergidos en el océano, un fragmento del casco del buque, piezas de la vajilla de porcelana grabada con el logo de la compañía naviera más puntera del momento, la White Star Line, e incluso una botella de champán que nunca fue descorchada. Estos y otros muchos objetos auténticos, entre ellos efectos personales de los pasajeros del Titanic, ofrecen unas evocadoras conexiones emocionales hacia las vidas de los que se encontraban a bordo aquella noche.

    Una vez a bordo, los visitantes de la muestra se sentirán como en el año 1912. Al comprar su entrada cada uno recibirá una réplica de los billetes del Titanic, para comenzar el viaje cronológico a través de la vida del trasatlántico, desde la construcción del barco, la vida en el buque, su trágico hundimiento, y los sorprendentes objetos rescatados después. Se van a poder maravillar con las recreaciones de las cabinas de primera y tercera clase y disfrutar de una bebida en el Café Verandah, un espacio inspirado en el café de la clase más lujosa, sintiéndose como parte del pasaje de aquel fatídico trayecto entre Southampton y Nueva York.

    La muestra trata de que el visitante pueda experimentar las sensaciones de aquel viaje. Así podrá presionar las palmas de la mano contra el hielo de un iceberg de ocho metros mientras aprenden historias sobre heroísmo y humanidad. El sumergible con el que se realizan las expediciones a los restos del buque que permiten rescatar los objetos expuestos es otro de los valiosos materiales que pueden verse en la muestra.

    Sobre RMS Titanic Inc.
    La exposición "Titanic' está organizada por RMS Titanic Inc., la única compañía que tiene legalmente reconocidos los derechos para recuperar y preservar objetos de los restos del Titanic, sumergidos a 3.800 metros en el Atlántico Norte. Desde 1994, cuando los tribunales reconocieron el derecho de RMS Titanic Inc. a tratar de salvaguardar la memoria del buque recuperando artefactos del lecho marino, se han realizado siete expediciones en las que se han recobrado más de 5.500 objetos.

    Información
    Lugar: Plaza de Colón, c/ Goya 5-7 (Pasaje Carlos III)
    Horario: TODOS LOS DÍAS (domingos y festivos incluidos) de 10.00 a 20.30 horas (La exposición cerrará las puertas a las 22.30 horas para los visitantes de la última sesión)

    Patinar sobre hielo en Viena

    05/01/2009, Piruetas sobre el hielo en Viena. El Sueño de hielo vienés es el nombre de una de las mayores pistas de Europa para patinaje sobre hielo al aire libre.

    Enero de 2009

    Durante el invierno vuelve a establecerse en pleno corazón de la ciudad de Viena la gran pista de hielo.

    El “Sueño de Hielo vienés” tiene una superficie de 5.400 metros cuadrados, lo que es incluso una superficie mayor que la del año pasado. En esta pista gigantesca de patinaje sobre hielo es posible patinar todos los días desde las 9 de la mañana hasta las 23 horas, haciendo piruetas al ritmo de la música, saltando o simplemente deslizándose por la superficie helada.

    Un Sendero de ensueño helado se extiende a lo largo de 400 metros a través del Parque del Ayuntamiento, en una serpentina de ida y vuelta que se inicia en la mayor superficie de patinaje sobre hielo, atravesando el parque sobre la Avenida del Ring. También hay seis pistas para competir en curling.

    No es indispensable llevar consigo los propios patines porque existe la posibilidad de alquilarlos en el lugar, como también de alquilar cascos para los más pequeños patinadores. v Para reponer fuerzas después de disfrutar del deporte hay varios kioscos con una variada oferta gastronómica, en los que se puede comprar comida y bebidas calientes como el “Punsch” y el vino aromático caliente “Glühwein” , así como embutidos varios.

    Sueño de Hielo vienés. „Wiener Eistraum“. Todos los días de 9 a 23 horas. Plaza del Ayuntamiento, Rathausplatz, Viena. www.wienereistraum.at

    Megalitos de España y del mundo

    03/01/2009, La página de Megalitismo (megalitos.es) que realiza el experto burgalés Miguel Moreno Gallo, ha seguido creciendo en 2008, y ofrece en enero de 2009 información sobre 965 dólmenes.

    Burgos, enero de 2009

    Megalitos analiza principalmente los monumentos dolménicos de España, a lo largo de 1.134 páginas en las que también se puede encontrar bibliografía, arqueología y cronología del mundo del Megalitismo.

    A lo largo de 2008 se han incorporado datos de nuevos dólmenes de Navarra, Álava León, Asturias, Burgos, Portugal, Lérida, Grecia y Cádiz. Como siempre, además de la fotografía se incluyen las coordenadas UTM tomadas con GPS para facilitar la localización de los monumentos.

    La web de Miguel Moreno, colaborador de guiarte.com, comenzó su andadura en enero de 2002 para dar a conocer el Megalitismo de la provincia de Burgos, de la que se incluyen 185 yacimientos, pero a lo largo de estos siete años ha ido creciendo con otros datos. Cabe señalar que hay 225 páginas del País Vasco, 113 de Navarra, 100 de Cantabria, 19 de Asturias, 61 de Galicia, 84 de Castilla y León (más las 185 de Burgos), 56 de Extremadura, 81 de Andalucía, 42 de Cataluña, 27 de Aragón, 11 de la Rioja y 15 de otras Comunidades, además de 15 de Portugal, 19 de Francia y 6 de otros países europeos.

    La portada de megalitos aporta ya en su información de enero de 2009 datos del dolmen de Alberite, en la provincia de Cádiz, uno de los monumentos megalíticos más sobresalientes del sur de España por la espectacularidad de sus dimensiones. La restauración del mismo ha incluido una sorpresiva cúpula de diseño y un muro de hormigón periférico a la galería. Para completar la visita, merece la pena ir al Museo de Cádiz, donde se exhibe parte del ajuar, incluido un prisma de cuarzo.

    En el mes de diciembre informó de un conjunto de diez dólmenes en la provincia de Lérida. En general se trata de monumentos de pequeño tamaño, aunque hay alguno, como el de Llobera, que está considerado el más grande de Cataluña.