Archivo de noticias de 2008

El buscador de laberintos

24/12/2008, En enero de 2009 se cumple un año de un hallazgo de extraordinario interés relativo a la prehistoria hispana, en las tierras de La Somoza, a la vera del Teleno, montaña sagrada de los astures

Exactamente el veinte de enero de 2008, "el domingo después de San Antonio", Juan Carlos Campos quien se autodefine en su blog como "Aprendiz de muchos oficios, maestro de nada" encontró sendas piedras planas, llenas de petroglifos, incisiones con formas laberínticas, cazoletas y signos cruciformes, previsiblemente de la Edad del Bronce.

Juan Carlos -cuarenta y siete años, casado y con dos hijos- se considera un sencillo aficionado a la historia, aunque nunca llegó a terminar carrera alguna y trabaja en el establecimiento familiar, dedicado a saneamiento y haciendo sondeos en el entorno de Astorga y sus comarcas.

Un año después de aquel descubrimiento se encuentra "satisfecho y desasosegado": satisfecho por haber descubierto una colección de laberintos única en este territorio peninsular e inquieto porque aún no se han hecho los estudios pertinentes, ni se ha adptado protección alguna.

A través de su blog, la tierra de los Amacos, está en contacto con numerosos aficionados a la historia y la arqueología y hoy, un año después del descubrimiento, sigue asombrándose que dos piedras "puedan ser tan importantes y mover tantas conciencias".

En esta región de La Somoza (la sub-montia romana, en alusión al Monte Teleno) un paisaje magnífico sobre el que se asientan pequeños pueblos semidesiertos con una excelente arquitectura tradicional, Juan Carlos ha explorado numerosos vestigios prehistóricos, entre castros astures y explotaciones de oro romanas.

Cuando recuerda el momento del descubrimiento aún se emociona: "Vi desde lejos las dos grandes piedras llenas de cazoletas y el corazón parecía que se me saltaba a medida que me acercaba a ellas y comprobaba la magnitud y cantidad de incisiones".

"No soy historiador ni arqueólogo, sino un aficionado a la historia" dice este astorgano que halló las dos grandes mesas con los laberintos a unos doscientos metros de otra gran formación rocosa, en la que se perciben huellas de la mano del hombre: orificios en su parte cimera o una cobertura que pudiera ser la parte superior de un enterramiento o túnel.

Desde aquel momento han pasado por la zona muchos curiosos y expertos. El arqueólogo de la delegación provincial de la Junta de Castilla y León, Julio Vidal, informó en la Comisión Provincial del Patrimomonio que lo hallado podría corresponder al Calcolítico, periodo de transición entre la Edad de Piedra y la del Bronce.

Luis Grau, director del Museo de León, que ha recorrido la zona, valoró los hallazgos como extraordinarios y cree que son trabajos de hace unos 5.000 a 4.000 años, aunque la datación de los mismos siempre es compleja.

Otra persona que los ha visitado y apreciado su valor es Jesús de Celis, arqueólogo y director del Instituto Leonés de Cultura.

Para Antonio de la Peña, experto en la materia y arqueólogo del Museo de Pontevedra, "de confirmarse la datación del Bronce, el hallazgo tendría una importancia extraordinaria, porque hasta ahora sólo se habían hallado "contadísimos" laberintos similares en la costa, desde Galicia a las Islas Británicas.

El director general de Patrimonio de la Junta de Castilla y León, Enrique Sáiz, anunció recientemente un acuerdo de la Junta con la Universidad de León para llevar a cabo un estudio y poner en marcha una actuación permanente de conservación, al hilo del resultado del estudio científico.

El encargado del estudio, el catedrático Federico Bernaldo de Quirós, espera que pase el invierno para terminar el informe pertinente con una climatología más benigna; él se ha mostrado partidario de dejar los hallazgos en el lugar donde se han descubierto.

Sin embargo, el tema de la protección del lugar sigue siendo asunto polémico y motivo de inquietud. "Ahora estoy relativamente tranquilo, porque con esta climatología -frío y nieves- casi nadie va por allí, pero me preocupa el futuro de los hallazgos, si se protegerán... son elementos únicos y muy valiosos", dice el descubridor.

Juan Carlos Campos no cesa en curiosear cuantas piedras encuentra. En uno de sus ultimos escritos en su blog alude al hallazgo de un alquerque (tablero medieval de juego, similar a las Damas) trazado sobre una piedra "detrás de altar mayor, en un escaño a la izquierda de la tumba de Ordoño II", ...en la catedral de León.

Barceló en el CAC de Málaga

24/12/2008, Uno de los centros de arte contemporáneo importantes es el de Málaga, que llega a fin de año con una programación de lujo, en la que figura una excelente muestra de Barceló y otra de Tracey Emin

El centro, que abre de 10:00 a 20:00 horas de martes a domingo, presenta para las próximas semanas la siguiente proposición artística:

MIQUEL BARCELÓ: Obra Africana. Del 11 de noviembre al 15 de febrero

Málaga es la única sede de España de esta exposición que procede del Irish Museum of Modern Art (IMMA) y comisariada por el propio director del museo Enrique Juncosa. Las obras proceden de colecciones de diferentes partes del mundo.

Esta exposición cuenta con piezas que se muestran por primera vez, como algunas de sus obras en papel, pinturas de pequeño y gran formato, esculturas, cerámica y libros de bocetos. Todas ellas con un denominador común, la relación que mantiene el artista con África occidental. Lugar que supuso un punto de inflexión en su carrera y que le sirve de inspiración como demuestran los temas de sus obras: el ir y venir de mujeres que se ocupan en tareas cotidianas, los trajes indígenas vivamente coloreados o la magnitud de sus paisajes.

TRACEY EMIN, 20 años. Del 28 de noviembre al 22 de febrero

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual en España y gran retrospectiva de Tracey Emin, una de las artistas británicas más famosas e influyentes de nuestros días, además de una figura fundamental de la generación de los Young British Artists (YBAs) que surgió a principios de los 90 y que ha producido algunas de las obras más memorables e icónicas de los últimos quince años.

La artista, que estudió en el Royal Collage of Art de Londres, ha expuesto en todo el mundo y representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 2007, nos muestra por primera vez Tracey Emin.20 años que cuenta con la con la colaboración del British Council.

SIMON ZABELL. REMA. Del 5 diciembre al 15 marzo 2009

El artista malagueño Simon Zabell expone por primera vez en su ciudad natal y lo hace en el Centro de Arte Contemporáneo, CAC, con una instalación creada especialmente para la ocasión que lleva por título REMA y supone la reconstrucción visual de la experiencia de ir al cine.

La obra de Zabell se caracteriza por la invención de lugares figurados a partir de una obra escrita, utilizando una puesta en escena teatral. El artista formado en la Facultad de Bellas Artes de Granada comenzó a utilizar esta particular forma de narrar tras su paso por la Slade School of Arts de Londres.

CURRO GONZÁLEZ: Estudio de Noche. Del 5 de diciembre al 1 febrero de 2009

El CAC Málaga presenta también Estudio de Noche, una exposición individual de Curro González (Sevilla 1960), donde el artista muestra un renovado impulso narrativo que está presente en su escultura para completar así la serie de pinturas de la exposición, haciendo especial incidencia en una interpretación llena de humor sobre su situación personal y su propia trayectoria creativa.

González, que estudió en la Facultada de Bellas Artes de Sevilla, se dio a conocer en los años ochenta mediante obras de carácter expresionista y pasa en la década de los noventa a trabajar en series en cuya elaboración utilizaba técnicas derivadas de las artes decorativas. Con ello, pretendía demostrar que cualquier método plástico, si es bien empleado, puede ser válido para transmitir con eficacia un mensaje artístico.

Ideas para el fin de año y empezar el 2009: Tahití

22/12/2008, Como contrapunto al duro clima del hemisferio norte, la Oficina de Turismo de Tahití ofrece por estas fechas seductoras propuestas para los viajeros, que incluyen paisajes de ensueño, innovadores hoteles, cruceros y yantares exóticos.

Entre las propuestas para gozar de estas islas, dos nuevos hoteles de lujo para dejarse seducir por el hechizo tahitiano

El nuevo complejo Legends Resort Private Villas, en la isla de Moorea, está a tan sólo 30 minutos en catamarán de Tahití. Sus 50 villas de lujo, de 175 y 120 metros cuadrados, se han construido en un frondoso valle tropical de cara a una laguna de azules intensos; una vista que se puede disfrutar relajadamente desde un jacuzzi privado. Apto para parejas y familias que buscan su espacio sin renunciar a las comodidades del hotel más exquisito, como un especial servicio de "catering gourmet", que incorpora en su menú una variedad de quesos franceses e incluso pimientos de piquillo.

Otra novedad se llama Four Seasons Resort Bora Bora, establecimiento recién inaugurado en septiembre de 2008. Abrazados por la naturaleza, la calma y la belleza de la laguna de Bora Bora se levantan en un islote privado 100 bungalows sobre el agua y 7 villas de playa decorados con sabor tahitiano y equipamiento de última generación. Dispone de un Centro de Spa y cuatro restaurantes de cocina-fusión polinesia y francesa, que ofrecen la posibilidad de cenar a la luz de las velas en un reservado al aire libre

Nomadismo en yate

La naviera Bora Bora Cruises ha presentado el nuevo concepto "Nomade Yachting Bora Bora" para sus travesías por el Pacífico Sur. No se trata de un crucero al uso. Sus yates de lujo, el Tia Moana y el gemelo Tu Moana, ofrecen un programa por el archipiélago de la Sociedad; su programa transcurre por Bora Bora, Raiatea, la isla sagrada; Taha'a, la isla de la vanilla; y Huahine, la isla de los poetas. A bordo, todo está pensado para el placer y el bienestar: 37 cabinas de más de 15 metros cuadrados decoradas con muebles elegantes y objetos artesanales. En cada una de las escalas, las actividades propuestas van desde el acercamiento a las tradiciones de los locales, la visita a alguna granja de perlas negras, excursiones para dar de comer a los tiburones, paseos a caballo u otras sugerencias.

Entre pinceles y lienzos o campos de golf.

Entre la oferta de ocio de Le Méridien Tahiti, el hotel ha presentado LіAtelier, un nuevo espacio para la creación artística, exhibición e interacción entre los huéspedes y los artistas locales que exponen sus lienzos, fotografías, esculturas, incluso piezas musicales y de baile. Ubicado cerca de la laguna, LТAtelier ofrece un ambiente acogedor, en el que tradicionalmente se viene impartiendo también un curso de cocina desde hace diez años.

Y golf. Tahití y sus islas ofrecen dos campos internacionales rodeados de una exquisita infraestructura de lujo y servicios 5 estrellas: el veterano campo Olivier Breaud y el Moorea Green Pearl Golf Club, que estrena instalaciones. Desde el año 1982, el Campo de Golf Olivier Breaud Tahití organiza el Abierto Internacional de Golf, uno de los acontecimientos deportivos más relevantes de la isla que pertenece al PGA Tour de Australia y Asia, y atrae, cada año a finales de junio, a grandes estrellas de ese deporte. Este paradisíaco campo está ubicado en primera línea de la costa a 50 kilómetros de la capital, Papeete. Tanto el diseño de sus greens como el entorno en el que está inmerso aportan buenas dosis de emoción. Se trata de un par 72 de 5.950 metros proyectado por el arquitecto Bob Baldock., cuenta con un lago y unos interesantes hoyos par 3.

En junio de 2008 se abrió la totalidad de los 18 hoyos del segundo campo de golf de las islas, el Moorea Green Pearl Golf Club (www.mooreagolf-resort.com), cuyo diseño ha corrido a cargo de la compañía Nicklaus Design. Frente a una playa de más de 650 metros, este idílico enclave se está dotando de una interesante infraestructura hotelera.

El arte y la Gran Guerra

17/12/2008, Una gran muestra artística, organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, que revisa el arte en los días previos a la Primera Guerra Mundial.

Madrid, diciembre 2008
El comisario de la exposición Javier Arnaldo, conservador del Thyssen, ha contado con 222 obras, llegadas de 16 países, para mostrar cómo en el periodo inmediatamente anterior al estallido de la guerra de 1914 coincidió con el de máxima vitalidad de los movimientos de vanguardia, y la manera de comportarse estas vanguardias ante el conflicto. La muestra, que podrá visitarse en Madrid hasta el 11 de enero de 2009, nos trae a algunos de los máximos representantes de los movimientos de vanguardia -cubismo, expresionismo, futurismo, vorticismo, primera abstracción...- entre los años 1913 y 1918, con el drama de la Primera Guerra Mundial como telón de fondo.

Klee, Kandinsky, Marc, Schiele, Brancusi, Chagall, Nolde, Balla, Goncharova, Léger, Severini, Grosz, y otros más, hasta un numero de 68 autores, permiten ver cómo fue la relación entre el arte de vanguardia y la Guerra de 1914 y sus diversas implicaciones: cómo el tema de la guerra aparece en la obra de muchos de estos pintores, cómo el arte se convierte en algunos casos en divisa visual del belicismo o, por el contrario, en denuncia ante el horror de la contienda, cómo trabajan los artistas movilizados en el frente, la adaptación de los nuevos lenguajes artísticos como instrumento de propaganda, o cómo el arte de vanguardia asumió también en ocasiones una misión profética frente a la crisis.

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA:
En trece capítulos se recorre el panorama artístico internacional de los años 1913 a 1918, iniciándose con el epígrafe “El oscurecimiento del mundo”, con obras de Franz Marc, Otto Dix y Schiele, realizadas en los años inmediatamente anteriores a la Gran Guerra, que ofrecen una visión fatalista del mundo

En “la segunda visión” se reincide en el arte como medio de anticipación de la realidad y como promesa de liberación de valores espirituales, con obras del 1913, de Epstein, Brancusi, Souza Cardoso, etc. que responden explícitamente a la capacidad del arte de anticipar acontecimientos lejanos o futuros.

El tercer epígrafe, Los últimos días de la humanidad, se muestran trabajos expresionistas, apocalípticos... con obras de los expresionistas Ludwig Meidner y Jacob Steinhardt, creadores del grupo "Die Pathetiker", junto a lienzos coetáneos de Feininger, Nolde o Boccioni, que muestran también el tema del pavor Milenarista.

La vanguardia a caballo es el titulo del capitulo cuatro, donde el caballo, se refleja como un icono reiterado para presentar la fuerza, la vanguardia, epígrafe en el que se cuentan también con bellas obras, de, entre otros, Kandinsky.

Canción de Guerra es la quinta etapa de la muestra, donde los cuadros presentan al arte como proclama o rebeldía. Léger, Duchamp, Gleizes... con el idioma pictórico del cubismo como principal punto de partida.

La mecanización y el dinamismo inducido por la máquina en la vida moderna ocupa un lugar central en algunas de las manifestaciones de la vanguardia histórica, principalmente en el movimiento futurista. El estallido de la Primera Guerra Mundial puso al descubierto la fuerza destructora de la máquina. Vórtice destructor agrupa en el sexto capitulo al avance de la máquina, con trabajos de May Ran, Epstein, Dix, Sironi y Severini, de los años 1914 a 1917.

En el capitulo siete, Guerra de las Formas, se reflejan energías en tensión, con la abstracción como forma de expresión, en auge. Giacomo Balla. Marc, Filonov, Kandinsy...

El ocho, Carga de profundidad, tiene obras de Paul Klee, Ossip Zadkine y Marc Chagall, que se ocupan de la realidad de la guerra como circunstancia que expresa la desventura humana e invita a la compasión; la muestra reúne en este espacio una selección de dibujos y acuarelas realizados por estos tres artistas durante la guerra, en los que representan los escenarios de los que fueron testigos directos.

FUNDACIÓN CAJA MADRID:
En caja Madrid, está en primer lugar el epígrafe nueve, Apocalipsis de nuestro tiempo. El tema del Juicio Final, tratado abundantemente por algunos artistas de la vanguardia con anterioridad al estallido de la Guerra Mundial, regresa en los primeros meses de la contienda como alegoría del conflicto bélico. Dos buenos ejemplos son el álbum litográfico de Natalia Goncharova Imágenes místicas de la guerra y la escultura de Barlach El vengador.

Artista y soldado es el epígrafe diez. Entre los numerosos artistas que fueron movilizados al estallar la guerra o que se alistaron voluntariamente, hubo algunos -particularmente del entorno expresionista- que escenificaron en sus cuadros su condición de soldados. La representación del artista-guerrero aparece unas veces - principalmente en los pintores expresionistas- como manifestación artística de una disposición provocadora e incluso pendenciera; otras, el artista se pinta a sí mismo como víctima.

En Cubismo en las trincheras, el arte del frente, el de los apuntes y dibujos realizados desde el escenario de la lucha, documenta la relación más inmediata de sus autores con la guerra, convirtiéndose el frente en un lugar particularmente fértil para la creatividad artística. Lógicamente, la obra reunida en este capítulo es sobre papel y algunos de los artistas movilizados durante la guerra aquí representados son: Guillaume Apollinaire, Fernand Léger, Otto Dix, William Roberts, David Bomberg, Wyndham Lewis, Max Beckmann y un largo etcétera.

En el grupo 12, El estigma de la condenación, se muestra como la guerra de 1914 no fue sólo objeto de representaciones entusiastas, sino también tema de visiones del pavor y de la degeneración de lo humano. Con obra de los expresionistas alemanes, como Erich Heckel, Lyonel Feininger, George Grosz y Ernst Ludwig Kirchner, con escenas eminentemente tétricas.

C´est la guerre. Para terminar el recorrido, se presenta en este último capítulo un conjunto de esculturas y pinturas caracterizadas por su intención de denuncia de la guerra. Son trabajos de procedencia muy diversa: artistas como Lehmbruck, Rouault, Vallotton, Johansen, Permeke, Friesz, etc. pero con un denominador común: se trata en buena parte de obras realizadas en condiciones de exilio efectivo o de exilio interior, y todas ellas tienen una fuerte impronta antibelicista.

Tapices de Flandes

17/12/2008, La exposición de Tapices de Flandes para los duques de Borgoña el emperador Carlos V y Felipe II se presenta, hasta el 29 de marzo, en San Pedro de Gante, con una cuarentena de tapices de los siglos XV y XVI.

Bruselas, diciembre de 2008
En las cortes de Borgoña, España y los Habsburgo, las tapicerías eran sinónimo de riqueza, de lujo, La reunión de tantas tapicerías flamencas constituye ahora un acontecimiento inédito, al incluir obras como El Caballero al cisne y La batalla de Zama, que demuestran la riqueza y monumentalidad del arte de la tapicería durante varios siglos

La tapicería flamenca de los siglos XV y XVI tiene mucha importancia en el Patrimonio Nacional de Flandes. Grandes centros flamencos de tapicerías como Bruselas, Oudenaarde, Malinas, Brujas o Tournai ejecutaban con un refinamiento técnico inigualable los modelos o cartones hechos a menudo por pintores famosos.

Bernard de Orley y Michiel Coxcie fueron pintores específicamente de cartones, pero también grandes nombres como Rubens, Jordaens y Rafael suministraban diseños para tapices importantes. Estos tapices son pues la expresión de la renovación del lenguaje formal ocurrida en el Renacimiento.

Para la exposición Tapices flamencos para los Duques de Borgoña, el Emperador Carlos V y el Rey Felipe II se ha seleccionado lo más valioso de este patrimonio artístico de las colecciones españolas presentado junto a los tapices de la Abadía de San Pedro, la única serie todavía existente que en el siglo dieciséis fue fabricada por encargo privado en Bélgica.

Cuarenta tapices de los siglos XV y XVI ilustran la importancia de este género artístico para la Corte de los Habsburgo y sus predecesores españoles y borgoñones. Tanto los Reyes Católicos, como Margarita de Austria, María de Hungría y Carlos V forman parte de los mayores coleccionistas de tapices del Renacimiento.

También la nobleza española y flamenca ha dejado numerosos tapices en iglesias y catedrales. Esto ocurre en Pastrana, Zamora, Palencia, Zaragoza y Lérida entre otros lugares, donde se encuentran algunas de las colecciones de tapices flamencos más importantes de Europa.

Detrás de estas obras de arte hay todo un mundo. Se prestaban extraordinariamente para la vida ambulante tanto en la corte de los Duques de Borgoña como en la de Carlos V y su hijo Felipe II y fueron transportados en carros y barcazas por toda Europa.

Los “frescos móviles” naturalmente no sólo se realizaban para el confort personal, el placer estético o para aumentar el prestigio social del que hacía el encargo. Las variadas composiciones tanto de temas religiosos como históricos, mitológicos o alegóricos tenían la mayoría de las veces una connotación política.

La exposición trata también la gran preocupación que mostraban los Borgoñones y los Habsburgo españoles por la formación de una imagen dinástica, del estado y del soberano.

KUNSTHAL SINT-PIETERSABDIJ (Abadía de San Pedro) Sint-Pietersplein 9 Gent (Gante)

Nomonotono

10/12/2008, Conocidos artistas y creadores emergentes del arte gráfico se unen en una exposición de ilustración en la que la única premisa es el predominio de un color sobre el resto.

Madrid, diciembre de 2008
En un principio Nomonotono fue concebida como una sencilla exposición de ilustraciones. Pero además de querer reunir imágenes maravillosas de artistas tanto conocidos como emergentes, un matiz especial se hizo necesario: cada ilustrador debía preparar una pieza de arte gráfico en la cual predominase un solo color. Una sencilla premisa cromática para los artistas y el público.

En cuanto a la temática, el estilo, las dimensiones y la técnica, cada artista lleva el proyecto a su terreno. El resultado es un rico repertorio de piezas agrupados en el "degradado expositivo" que compone Nomonotono.

Los artistas
Alberto Rodríguez / Stereoplastika · Alex Gutwil / Tuo Catullo · Alex Ostrowski & Hattie Newman · Ana Bustelo · Ana Gomez Hernandez · Bang · Blanca Gómez / Cosas mínimas · BN · Brais Rodríguez · Cecy Meade · Christopher Bettig / The Mountain Label · Clara-tanit · Daniel Brereton · Dave Gamez · David Rubín · Enriqueta Llorca · Eric Collet · El Felix · Fermín Solís · Fernanda Cohen · Irene Alonso · Irene Mala · Jaime Narváez · James Gulliver Hancock · Jan Avendano · Jean Jullien · Jeremy Pettis · Joseba Elorza / Miraruido · Julia Guther · Julia Rothman · Lala Ladcani · Lorena Vigil-Escalera / LoV-E · Manuel León · Mar Hernández / Malota · Marta Botas · Masha Krasnova-Shabaeva · Matt Brossard / Fuzzbelly · Max-o-matic · Merijn Hos / Bfree · Mumps (Oliver Smith & Ceri Jones) · My Tacky Kingdom · Nick Dewar · Noemi Rebull · Nomono · Pablo Amargo · Pablo Lacruz · Paco Pereira Ajenjo / Ketódico · Pep Montserrat · Pepe Medina · Pepon Meneses · Pixelgarten · Puño · Raquel Aparicio · Rebootlab (Tim Faulwetter & Peter Werner) · Regina Heinlein · Roque Romero Rúa · Santiago Talavera · Sauerkids · Silja Götz · Timo Ilola · Valero Doval · Vanesa Carosia / La Muniequera

Nomonotono
Organización: Studio Banana
Comisarios: Christian Fernández Mirón y Andra Piscaer
Hasta el 29 de Diciembre de 2008

Celtas y Escandinavos

05/12/2008, El mundo medieval céltico y escandinavo es el eje en torno al cual gira la exposición que se presenta en París, en el museo Nacional de la Edad Media de Cluny.

Paris, diciembre de 2008
La exposición aborda la cuestión de la permanencia y evoluciones artísticas observadas en los márgenes del norte de Europa entre los siglos VII y XII, en el momento de la cristianización. Esta gran manifestación artística nos propone descubrir o redescubrir algunas de las piezas más espectaculares de los celtas y los países escandinavos.

Si Europa lleva el nombre griego de una princesa fenicia fue en la Edad Media cuando se forjó el concepto y la zona geográfica.

La expansión del cristianismo más allá de las fronteras del Imperio Romano desde el siglo V, implicó a la iglesia en múltiples influencias culturales. En contraste con las regiones cristianizadas bajo la administración romana, la misión eclesiástica en los nuevos territorios no se benefició de un fuerte apoyo político. Ante los retos de la diversidad de civilizaciones y creencias, la Iglesia utilizará el arte como un factor de integración de las diferencias culturales.

Lejos de pretender una amplia exposición exhaustiva de arte y arqueología de las civilizaciones celtas y escandinavas medieval, se trata aquí de exponer como una institución omnipotente en el Occidente, la Iglesia romana, utiliza la creación artística para penetrar en otras culturas y evangelizar a otras gentes.

Una selección de aproximadamente 80 obras (escultura, orfebrería, iluminación), principalmente de las colecciones en Irlanda, Inglaterra, Gales, Escocia, Dinamarca, Suecia y Noruega, ilustran este objetivo.

Su recorrido, geográfico y cronológico, está dividido en dos partes: las Islas Británicas y Escandinavia.

Las Islas Británicas
Cristianizada pronto Irlanda pone su propia creación artística al servicio del cristianismo. Algunas iluminaciones notables ilustran el papel esencial desempeñado por los monjes irlandeses en la difusión de los modelos estéticos a la totalidad de las Islas Británicas. Obras del resto de Inglaterra demuestran la influencia de este patrimonio irlandés, mientras que revelan los detalles propios de cada uno de estos territorios.

Escandinavia
Lejos de ser exclusivamente sanguinarios piratas, comúnmente asociados con los vikingos, los escandinavos son también una nación de comerciantes y exploradores, abierto a las civilizaciones y las religiones del mundo europeo, y también de Oriente Medio. En la muestra se detecta también el temprano contacto escandinavo con objetos característicos del cristianismo.

Son comisarios de la muestra Isabelle Bardiès-Fronty y Xavier Dectot, conservadores del museo de Cluny.
Hasta el 12 de enero de 2009,

Linz, capital cultural europea en 2009

05/12/2008, Linz, la romana Lentia, en el noreste de Austria, es la tercera ciudad del país, con cerca de 300.000 habitantes, pero tendrá un protagonismo especial en el 2009.

Viena, Austria, diciembre de 2008
La ciudad será el próximo año Capital Europea de la Cultura, compartiendo protagonismo junto a Vilnius, la capital lituana.

Tuvo en su importancia histórica cuando se ubicó allí el emperador Federico III, pero al final prevalecieron otras ciudades como Praga y Viena y Linz quedó como una importante urbe provinciana.

Turismo de Austria está promocionando el destino de esta ciudad situada junto al Danubio, que se ha convertido en las últimas décadas en el centro neurálgico entre el este y el oeste del país, transformándose en una capital moderna, con multitud de zonas verdes y una buena calidad ambiental.

Linz es la ciudad donde hermosas fachadas de estuco de épocas antiguas conviven con estilo con edificios de interesante arquitectura e iluminación futurista. Para el año en que la ciudad es capital cultural europea se han construido numerosos edificios que se han integrado con armonía en la imagen de la ciudad. El Ars Electronica Center, el museo del futuro, ha sido ampliado con 6.500 m² y decora ahora la orilla izquierda del Danubio como una construcción de cristal iluminada, la nueva ala sur del Palacio de Linz ofrece una vista impresionante sobre toda la ciudad y la nueva construcción de acero y cristal del centro de visitas y exposiciones de la Voestalpine AG impresionará a partir de otoño de 2009 a sus visitantes.

La ciudad es escenario cultural durante todo el año. Música, teatro, cine y arte; desde clásicos de siempre a la modernidad más actual. Además de las citas fijas en Linz, como el Festival Crossing Europe en primavera, el Pflasterspektakel en julio, o el Festival Ars Electronica en septiembre, en Linz se celebran muchos otros eventos culturales con motivo del año de la capital cultural europea 2009.

La exposición Best of Austria, del 2 de enero al 10 de mayo de 2009 trae a Linz piezas de las colecciones de arte y museos austriacos. Del 2 de marzo al 30 de junio de 2009, la galería “Landesgalerie Linz” dedica una muestra a Henri de Toulouse-Lautrec.

La exposición inaugural de la nueva ala sur del Museo del Palacio, El lazo verde de Europa, estará dedicada al desarrollo de la frontera entre el este y el oeste de Europa. Se celebrará del 2 de julio de 2009 al 8 de enero de 2010.

Tras su periplo por Europa, Hubert von Goisern vuelve a la Linz del 3 al 5 de julio de 2009. El gran Festival Linz Europa conforma el concierto final de su viaje, en el que participarán numerosos artistas de toda Europa.

El 9, 10, 14 y 15 de enero de 2009, se representa en el Posthof de Linz, la ópera teatral de Franz Hummel Fouché, dedicada a la obsesión por el poder y la manía persecutoria de Joseph Fouché, así como a su época de exilio en Linz.

Dentro del proyecto Linz09 80+1, el Ars Electronica Center y la Voestalpine AG mandan a la capital cultural europea 2009 a una vuelta al mundo virtual. En 80 días se visitarán 20 lugares en los que se idea el futuro y se maniobra con éxito, o se evita y destruye. Una conferencia online global que se celebrará el día 81, será el punto culminante del proyecto y del Festival Ars Electronica 2009.

Pero aparte de las ofertas culturales, en Linz mucho que descubrir. La plaza principal, que impresiona por su tamaño, en verano invita a charlar en una cómoda terraza y en invierno a recorrer el mercadillo de adviento. También hay que ver el Pöstlingberg, el monte de los habitantes de Linz, con el santuario, el tren por las grutas y su fantástica vista de la ciudad. La Landstrasse y las calles adyacentes invitan a pasear y recorrer las tiendas decoradas con buen gusto, los tres centros comerciales de la ciudad, con tiendas de marcas internacionales y tiendecillas más pequeñas. Las tabernas, restaurantes y cafés invitan después a gozar de la variedad gastronómica de la ciudad, por ejemplo con un trozo de tarta Linzer, postre apreciado desde hace más de 300 años.

Bizarre Perfection

02/12/2008, Una nueva muestra en el Museo de Israel, en Jerusalén, explora la virtuosidad artística a lo largo del tiempo y a través de las culturas. Desde el 20 de Diciembre de 2008 al 6 de junio de 2009.

Jerusalén, diciembre de 2008
El Museo de Israel presenta Bizarre Perfection, una exposición que celebra el virtuosismo y la maestría artesanal a través de las culturas y a lo largo del tiempo; con cincuenta obras creadas en una variedad de técnicas de trabajo, desde antiguos artesanos desconocidos hasta artistas contemporáneos como Tom Friedman, Liza Lou, Ron Mueck, Roxy Paine y Yoshihiro Suda.

Extraídos de la colección enciclopédica del Museo de Israel y además poniendo de relieve un número excepcional de préstamos internacionales, Bizarre Perfection es la segunda de una serie de exhibiciones diseñadas para resaltar conexiones reveladoras entre las obras de arte a través de las amplias colecciones permanentes del Museo.

“En un mundo inundado con producciones masivas y enamorado de la tecnología, estamos encantados, de ofrecer a nuestras audiencias una celebración de creatividad artesanal y deslumbrante habilidad técnica,” dice el director del Museo de Israel. “Éstos artífices y artistas demuestran una especial reverencia por- y hasta obsesión con- el detalle, produciendo obras tan exquisitas que ellas inspiran asombro y hasta aún incredulidad.”

La exposición, de diciembre hasta Junio de 2009, yuxtapone ejemplos de escultura contemporánea e instalación con micromosaicos Italianos del siglo 19 y collares de oro del siglo IV.

Algunas obras:
“Kitchen”, de Liza Lou (1991-1995), utiliza millones de cuentas de vidrio coloreado para crear un ambiente inspirado por la experiencia suburbana Americana, o “Cinco Rollos” escritos en micrografía en cuatro idiomas por el escriba Aaron Wolf Herlingen (Viena, 1748) es una hoja ilustrada que contiene textos de las escrituras de los cinco rollos bíblicos (Ketuvim): Eclesiastes y Ester en Hebreo, la Canción de Canciones en Latín, Ruth en Alemán, y Lamentaciones en Francés.

“A lo largo del tiempo y a través de todas las regiones del mundo, una gran gama de estímulos han forzado a artistas de diferentes culturas a impulsar sus habilidades creativas al límite”, afirma la comisaria de la exposición, Suzanne Landau. “Posiblemente esto tiene que ver con una intensa necesidad y anhelo de producir cosas tangibles -objetos de la vida diaria— que simultáneamente son imponentes y perdurables y llevar a cabo creatividades que hacen eco con lo divino.”

El Museo de Israel de Jerusalén
El museo de Israel es la mayor institución cultural el Estado de Israel y está considerada como uno de los museos de arte y arqueología líderes del mundo.

Fundado en 1965, el museo alberga colecciones enciclopédicas que van desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo. Incluyen la más extensa posesión en el mundo de objetos arqueológicos Biblicos y de Tierra Santa, entre ellos los Rollos del Mar Muerto.

En algo más de cuarenta años, el museo ha construído una colección que comprende cerca de 500,000 objetos a través de un legado de obsequios y apoyo de mecenas.

Lince: más optimismo

02/12/2008, En el 2002 la Unión Mundial para la Naturaleza dijo que era el felino más amenazado del planeta. Ahora parece que las noticias son más alentadoras, la cifra de ejemplares está creciendo y el peligro de extinción se ve más lejos.

Huelva, diciembre de 2008
De la cifra de unos 5000 ejemplares de lince Ibérico (linx pardinus) a mediados del siglo XX, se llegó a una estimación de 1200 ejemplares hacia 1990, pero a los inicios del siglo XXI se constataba que el lince era cada vez más escaso: se había reducido tal vez a menos de 150 ejemplares, básicamente en un par de pequeños territorios de Andalucía: Sierra Morena y Doñana.

En 2008 ya se han vuelto a superar los 200 linces en Andalucía, y un plan de cría en cautividad va dando frutos. Cada año parece que hay más crías, desde las tres de 2006 a las 13 de 2008, de modo que ya se piensa en empezar a soltar ejemplares en el 2009, en una zona de la Sierra de Córdoba de la que desapareció hace escaso tiempo.

Hace poco, la consejera de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía confirmó que la buena marcha del programa de cría en cautividad permitirá alcanzar la cifra de 60 linces reproductores.

La consejera, Cinta Castillo, afirmó que Andalucía cuenta ya con con una cifra superior a los 200 ejemplares de lince ibérico en libertad, de ellos 163 ejemplares censados en libertad en Sierra Morena. En tanto que la población de lince de la comarca de Doñana, unos 46 ejemplares, estaría mucho más dispersa y menos consolidada. Sobre este área se está trabajando con la suelta de ejemplares machos.

Para preservar esta especie en peligro crítico de extinción la Junta cuenta con el apoyo de la Unión Europea -a través del proyecto Life-, de los gobiernos español y portugués; así como los autonómicos de Castilla-La Mancha y Extremadura. Todos miembros del Pacto Ibérico por el lince.

El Gobierno andaluz, en los inicios del cambio de siglo, ya inició un programa de actuaciones para la conservación del lince ibérico, que dio lugar al primer proyecto Life para la Recuperación de las poblaciones en Andalucía.

Ahora, en Andalucía se desarrolla el segundo proyecto life de Conservación y Reintroducción del Lince Ibérico, del programa europeo Life Naturaleza, que cuenta con un presupuesto de 26 millones de euros, el de mayor entidad concedido a España, y con vigencia hasta el 2011.

Si en 2002 Andalucía elaboró el “Pacto por el Lince”, que supuso el compromiso de la Junta de Andalucía por la conservación de la especie, en 2007 los ministerios de Medio Ambiente de los gobiernos de España y Portugal suscribieron junto a las comunidades autónomas de Extremadura, Castilla-La Mancha y Andalucía el “Pacto Ibérico por el Lince”, para promover la implicación social y ciudadana en estos territorios y lograr la conservación de este felino, a través de labores de divulgación y sensibilización.

Este pacto coincide con el desarrollo de los proyectos para la construcción de centros de cría en cautividad en Cáceres y el Algarve portugués, a los que beneficiará la experiencia andaluza.

Al ambiente positivo, también contribuyen buenas noticias de Castilla- La Mancha, donde parece que se ha detectado una población de unos 15 linces.

Los objetivos generales son son los de aumentar el número de individuos, promover la creación de nuevas poblaciones y aumentar la variabilidad genética de las actuales. Para ello se actúa mejorando el hábitat, favoreciendo la recolonización de territorios, colaborando en los programas de crías en cautividad y sensibilizando a la población.

Recientemente se celebró en Huelva un Seminario de Conservación del Lince Ibérico, con asistencia de expertos de 13 países. La opinión general era la de que se ha superado la fase más aguda del problema. De una expectativa inminente de extinción de la especie se ha pasado a una “situación de vulnerabilidad”.

Un invierno con encanto en Gran Bretaña

24/11/2008, El invierno es una de las estaciones con más encanto a la hora de visitar Gran Bretaña. Desde VisitBritain.es te proponen algunas ideas para que tu viaje sea aún más especial...

Londres, noviembre de 2008

Escápate a Escocia este invierno
Este invierno no faltan razones para visitar Escocia. Además de las conocidas fiestas de Navidad y Fin de Año (Hogmanay), sus festivales hacen revivir la cultura, historia y tradiciones escocesas.

No pierdas esta oportunidad para viajar en temporada baja y disfrutar de sus paisajes espectaculares, castillos encantados y conocer sus mitos y leyendas. Para relajarte, no te olvides de entrar en uno de sus acogedores pubs donde podrás disfrutar de una copa de whisky junto al calor de una chimenea.

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Piezas maestras vuelven a mostrarse en el Prado

19/11/2008, El Museo del Prado vuelve a exponer en su Galería Central el Tablero de mesa de Felipe II y la Mesa de don Rodrigo Calderón tras la restauración de los leones que les sirven de soporte desde 1839.

Noviembre de 2008
Los leones, traídos por Velázquez en su segundo viaje a Italia por encargo de Felipe IV, fueron encargados para la decoración del Salón de los Espejos del Álcazar, e ingresaron en el Prado tras el devastador incendio que destruyó el edificio en 1734.

Las dos mesas no se exponían en las salas del Museo desde el año 2003, debido al alto grado de oscurecimiento y suciedad que presentaban los leones de bronce originales y al mal estado de conservación del león de plomo, estado que motivó la decisión de proceder a un delicado proceso de restauración que, concluido recientemente, ha permitido el regreso de ambos conjuntos a su lugar de exhibición habitual.

El Museo del Prado posee una magnífica colección de artes decorativas y, aunque el fondo más importante es el llamado Tesoro del Delfín, comprende también otras muchas piezas de extraordinaria relevancia como tableros, consolas y decoraciones en piedra dura que se exhiben distribuidas en diferentes salas. Fruto del coleccionismo de la corte española, los conjuntos conservados en el Museo del Prado y el Patrimonio Nacional constituyen una de las principales colecciones de piedras duras en todo el mundo.

Los tableros de mesa que regresan ahora a las salas de exposición del Museo constituyen dos de los ejemplos más notables de esta colección. La pieza de mayor tamaño, el Tablero de mesa de Felipe II, está decorada con motivos abstractos, geométricos y florales sobre fondo negro mientras que la Mesa de don Rodrigo Calderón, sostenida por tres leones originales y la copia de 2004, alude a la victoria de Lepanto.

Tablero de mesa de Felipe II
Enviado desde Roma en 1587 por el cardenal Alessandrino, sobrino del papa Pío V, como regalo para Felipe II, el tamaño de esta pieza supera el de cualquiera de las mesas realizadas exclusivamente con piedras duras que se conocen.

El tablero, sostenido por cuatro leones de bronce dorados, presenta una composición de riquísimos motivos abstractos, geométricos y florales sobre fondo negro en la que solamente se incluyen piedras silíceas.

Mesa de Don Rodrigo Calderón
Perteneciente a Don Rodrigo Calderón, secretario de Felipe III y gran favorito del duque de Lerma, fue adquirida en almoneda por Felipe IV.

Tres leones originales y un fundido de 2004 sirven de soporte a este tablero realizado en Florencia a finales del siglo XVI o principios del XVII decorado con trofeos militares alusivos a la victoria de Lepanto.

Los leones
Se trata de un conjunto de ocho leones: siete leones originales realizados en bronce dorado en 1651-52 por Matteo Bonuccelli (conocido en España como Matteo Bonarelli) y una copia realizada en plomo dorado en 1837. Todos los leones apoyan una garra sobre bolas de caliza color rojizo.

Estas figuras pertenecían a un conjunto de doce, comprados por Velázquez por encargo de Felipe IV en su segundo viaje a Italia para decorar el salón de los espejos del Alcázar de Madrid, donde permanecieron hasta el incendio que sufrió el edificio el 24 de diciembre de 1734.

Los leones fueron realizados en bronce, utilizando un molde a la cera perdida, con un acabado cincelado y finalmente dorados a fuego o de molido. Para su realización Bonuccelli partió de dos modelos simétricos que tenía en su taller, uno para colocar a la derecha y otro a la izquierda, ambos firmados, por lo que el conjunto lo forman dos grupos de seis figuras similares que se diferencian únicamente en el pelo, ya que fueron modelados uno a uno sobre la cera, a partir de los dos ejemplares que presentó para obtener el encargo.

De los doce leones encargados se conservan once, siete de ellos pertenecen a la colección del Museo Nacional del Prado, que conservan su función original como soporte de mesa al sujetar dos tableros de piedras duras, y cuatro se encuentran colocados como esculturas exentas en el Salón del Trono del Palacio Real de Madrid. El león que falta quedó “muy maltratado” en el incendio.

El proceso de restauración de los leones
El análisis químico de la capa oscura que cubría las siete piezas originales, determinó que se trataba de ceras y siliconas endurecidas, posiblemente de productos aplicados a lo largo de los años para su protección, todo mezclado con polvo y sales formadas en la oxidación del bronce.

La limpieza de esta capa permitió conocer el estado real del dorado, con numerosas zonas de desgaste, pérdidas y abrasiones que mostraban las huellas de los avatares e intervenciones sufridas a lo largo de su historia.

Tras los estudios preliminares, se realizó una limpieza superficial suave para evitar producir nuevos pulidos o abrasiones del oro y mantener las pátinas protectoras naturales del bronce. Se estabilizaron focos puntuales de corrosión y por último se aplicó una protección específica para metales sobre la que se realizó una reintegración cromática con pigmentos de base mineral para garantizar la estabilidad del conjunto.

El león de plomo, que se había realizado específicamente para este conjunto en 1837, sufría el denominado “mal del plomo” y hacía necesaria su sustitución. Para lograr una integración perfecta en el conjunto, conseguir el mismo acabado y evolución de los originales, se ha realizado una copia con el mismo material (bronce dorado a fuego).

Colombia, más cerca con Avianca

19/11/2008, La ciudad amurallada de Cartagena, las hermosas playas de San Andrés, las huellas arqueológicas de San Agustín y la exótica selva amazónica, estarán más cerca desde finales de diciembre.

Bogotá, 19 de noviembre de 2008
A partir del 20 de diciembre, Avianca duplica (de 2 a 4) los vuelos directos semanales a Bogotá con salida desde Barcelona.

La ruta Madrid-Cali aumentará de 4 a 6 frecuencias semanales y, desde este destino, la aerolínea ofrece las mejores conexiones del mercado a Medellín, gracias a que se realizan en la misma terminal del aeropuerto, permitiendo que la llegada a la capital de Antioquia sea algunas horas antes del horario habitual; y, como siempre, con los equipajes en destino final.

Junto con los vuelos diarios Madrid-Bogotá, la compañía ofrece un total de 17 vuelos semanales desde España.

Gracias al incremento de frecuencias que Avianca incorpora a su oferta, el pasajero español dispondrá de aún más posibilidades para visitar Colombia, un país de exuberante naturaleza, tierras vírgenes, cultura milenaria y excelente gastronomía.

Además, mediante su excelente red de conexiones vía El Dorado, Avianca lleva al viajero en un abrir y cerrar de ojos a 21 ciudades en Colombia y decenas de destinos en Latinoamérica y Norteamérica, entre ellos Quito, Guayaquil, Lima, Caracas, Valencia, Panamá, San José, Republica Dominicana, Aruba o Curazao.

A partir de finales de diciembre, la aerolínea comienza a operar su ruta Madrid-Bogotá con el nuevo A330-200.

Con una superficie de 1.141.000 kilometros cuadrados –La suma de España y Francia- y una población de 45 millones de habitantes, Colombia ocupa la esquina noroeste de América del Sur. Se trata de un territorio con una acusada diversidad geográfica, de interesantes costumbres y arquitectura. La huella de los pueblos prehispánicos se funde con la herencia de la cultura hispana para integrar un conjunto de notable riqueza. Buena muestra de ello la tenemos en la propia capital, Bogota, poblada por siete millones de habitantes.

Conoce más sobre Bogotá en Guiarte.com

Palladio. 500 años

19/11/2008, A cualquier conocedor de la historia de la Arquitectura que ve las populares imágenes de la Casa Blanca, por ejemplo, le puede venir a la mente un nombre: Paladio.

Vizenza, Italia. Noviembre de 2008
En efecto, muchos de los edificios de aire clasicista que se han hecho en la época neoclásica y posterior han tenido en Palladio un inspirador.

Se cumplen ahora 500 años del nacimiento de Andrea di Pietro della Góndola (Padua 1508 - Vicenza 1580) a quien se ha conocido como Andrea Palladio, uno de los arquitectos más famosos e influyentes de la historia.

Trabajó Palladio básicamente en Italia, Venecia y otros puntos del norte de la península, con una serie de edificios palaciegos y villas de aire clásico que han influido notablemente en las arquitecturas neoclasicistas.

A los trece años ya empezó a trabajar de aprendiz en el taller de un arquitectura y pronto fue escalando puestos tanto en lo social como en lo profesional.

El conde Trissino, que le ayudó a entablar una excelente relación en los círculos sociales y culturales de Italia, fue quien le puso el apellido de Palladio, en el que quiso aludir a Palas(Palas Atenea) protectora de las artes.

Vizenza, Venecia y otras ciudades tuvieron la suerte de contar con Palladio como autor de alguno de sus edificios urbanos, teatros, iglesias o villas campestres en la que dejó un diseño caracterizado por el equilibrio y la armonía.

Andrea Palladio también dejó unos escritos clásicos para el ámbito de su profesión: I libri dell'Architettura, de notable influencia posterior.

La arquitectura neoclásica de Inglaterra -influencia que luego pasaría a otros lugares entre ellos los Estados Unidos- bebió de las fuentes de Palladio y encontró en su arquitectura de unas líneas de sencillez, simetría y equilibrio..

Andrea Palladio 500 años es una muestra que ahora está en Vizenza, Italia, y que luego viajará a Londres y Estados Unidos, articulada en tres ámbitos:

1. La vida de un arquitecto
2. La creación de una nueva arquitectura
3. Un eterno contemporáneo


La muestra está comisariada por Guido Beltramini y Howard Burns, y organizada por el Cisa (Centro Internazionale di Studi Andrea Palladio), en Vicenza, donde podrá ser visitada desde el 20 de septiembre de este año hasta el 8 de enero de 2009.

Las obras presentadas incluyen dibujos originales, modelos arquitectónicos, pinturas, esculturas, medallas, libros y manuscritos de museos europeos y americanos. Entre los trabajos hay unos 90 dibujos autografiados del propio arquitecto.

Turismo en Brasil

06/11/2008, Los turistas extranjeros gastan en Brasil 4.334 millones de dólares en los primeros nueve meses del año. Las cifras superan ya los ingresos totales del año 2006.

Brasil, noviembre de 08
Según los datos divulgados por el Banco Central de Brasil, en el mes de septiembre ingresaron en la economía de Brasil 468 millones de dólares provenientes de los gastos realizados por los turistas extranjeros. El valor, un 36,4% superior a los 343 millones de dólares registrados en septiembre de 2007, posiciona el mes como el mejor septiembre de toda la serie histórica.

Las cifras revelan que el acumulado entre enero y septiembre de este año alcanza los 4.334 millones de dólares. Además de que el volumen aumentó un 20,13% respecto al ingresado en el mismo período de 2007 (US$ 3.608 millones), el importe también supera ya en 18 millones los ingresos totales generados a lo largo del año 2006 (US$ 4.316 millones).

“Los datos facilitados por el Banco Central de Brasil son bastante significativos y demuestran que nuestra principal meta relativa al turismo internacional está evolucionando muy bien. Si bien es importante aumentar el número de turistas extranjeros, es fundamental que estos turistas permanezcan más tiempo en el país, generen más ingresos y visiten más ciudades. Esta es la ecuación que garantiza nuestro principal objetivo: generar divisas, empleo y renta para el país, así como ayudar a disminuir las desigualdades regionales”, ha declarado el Ministro de Turismo, Luiz Barretto, en Río de Janeiro, donde participa en el Congreso Nacional da ABAV – Asociación Brasileña de Agencias de Viajes. “Seguimos trabajando para mantener este ritmo de crecimiento, especialmente en este momento de incertidumbre, con la crisis internacional, intensificando la promoción en el exterior y con un refuerzo especial entre nuestros vecinos de América del Sur”, afirma Barretto.

Los sucesivos record en la entrada de divisas de turistas extranjeros demuestran que la política de promoción internacional de Brasil sigue un buen camino. "Nuestros ingresos están creciendo a un ritmo muy superior a la media mundial, que se sitúa entre el 7% y el 8%, según la Organización Mundial de Turismo. Me muestro muy optimista respecto a los resultados turísticos de este año”, comenta Jeanine Pires, presidenta de EMBRATUR (Instituto Brasileño de Turismo).

Sí se mantiene este ritmo en la entrada mensual de divisas a través de los gastos de los turistas extranjeros en lo que queda de año, se estima que los ingresos turísticos anuales de 2008 alcancen los US$ 5.700 millones. Si se confirma esta cifra, el 2008 registraría el record histórico de la serie iniciada en 1969, superando los US$ 4.953 millones registrados en 2007 (el mejor año hasta la fecha).

Entre dioses y hombres

04/11/2008, Esculturas clásicas del Albertinum de Dresde y del Museo del Prado dialogan en esta exposición, que podrá visitarse del 4 de noviembre de 2008 al 12 de abril de 2009.

La muestra, patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado con la colaboración con la Sociedad Estatal de Acción Cultural Exterior (SEACEX), presenta por primera vez fuera de Alemania el núcleo principal de la colección de esculturas de Dresde, una de las colecciones históricas de escultura clásica más importantes de Europa.

La exposición contará con un calendario de apertura extraordinario, gracias al generoso acuerdo de colaboración suscrito con la dirección de las Staatliche Kunstsammlungen Dresden, el Prado mantendrá abierta durante seis meses esta excepcional exposición compuesta por 46 de las mejores piezas de la colección de escultura clásica de Dresde, junto a otras 20 piezas singulares de su propia colección, que se presentan distribuidas en diez salas del edificio histórico del Museo.

“Entre dioses y hombres. Esculturas clásicas del Albertinum de Dresde y del Museo del Prado” ofrece al público una ocasión única para contemplar piezas tan importantes como las réplicas romanas del Efebo de Dresde, de la Escuela de Policleto, del Zeus de Dresde y de la Atenea Lemnia, ambas de Fidias o la Ménade de Dresde. La muestra se presentará después en el Japanisches Palais de la ciudad alemana.

La exposición, que ocupa diez salas del edificio Villanueva, constituye un acontecimiento inédito, al ofrecer la posibilidad de contemplar dos conjuntos escultóricos frutos del coleccionismo barroco y neoclásico y en los que se integran magníficas versiones romanas de obras griegas y helenísticas, además de originales griegos con policromía antigua y un núcleo excepcional de retratos. Entre la selección podremos disfrutar también del disco de Teodosio de la Real Academia de la Historia, única obra de la exposición ajena a las colecciones de Dresde y del Prado.

Historia de la colección La historia de la colección de Dresde tiene muchos paralelos con la del Museo del Prado. Durante el reinado de Federico Augusto II (1670-1733) llegaron varias colecciones muy importantes de Roma a Dresde: en 1726 la colección de bustos antiguos de Giovanni Bellori como regalo del rey Federico Guillermo I de Prusia a Augusto II; dos años más tarde la numerosa colección del príncipe Agostino Chigi y la exquisita colección del cardenal Albani. Finalmente en 1736 fueron adquiridas de la herencia del príncipe Eugenio las tres Diosas de Herculano. Otro interesante grupo de obras son esculturas originales griegas y helenísticas, adquiridas por el Albertinum durante los siglos XIX y XX. Hasta mediados del siglo XIX, el Albertinum de Dresde albergaba la colección más prestigiosa de esculturas clásicas de Alemania. Por el bombardeo de Dresde y el siguiente traslado a la Unión Soviética (1946-1958), la colección, hasta ahora no publicada dignamente, se quedó un poco olvidada.

Tres grandes apartados representan, cada uno, una época distinta del arte grecorromano además de un tema específico:

Belleza y dicha de los dioses clásicos Una sección protagonizada por algunas de las más afamadas creaciones del arte clásico griego: del siglo V antes de Cristo obras de Fidias, Mirón y Policleto; del IV otras de Praxíteles y finalmente tres originales griegos de la misma época. Los dioses aparecen representados como personajes bellos, eternos y llenos de dicha, ya sea de manera hierática (propia del siglo V) o bien en posiciones de mayor naturalidad y gracia (como era costumbre en el IV).

Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano Entre los siglos III a I a. C se realizan composiciones más complejas, marcadamente realistas y expresivas. Muchas de las esculturas de esta sección son originales, e incluso conservan su policromía antigua. Algunos de los temas predilectos eran los bailes y sacrificios en honor a Dioniso o las figuras femeninas ataviadas con lujosas vestimentas que reflejaban en gusto de la época.

Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio La exhibición de retratos, hombres, mujeres o niños, era una costumbre romana muy típica desde los remotos tiempos de la República. Las obras seleccionadas datan de los siglos II a IV. La exposición concluye con obras del siglo IV, una época en la que convivían las viejas ideas y mitos grecorromanos junto con la nueva religión cristiana, legalizada por Constantino el Grande. Dos retratos de los emperadores Constantino y Macencio se exponen junto a cuatro esculturas de tema pagano y el gran Missorium de plata de la Real Academia de Historia de Madrid.

Paradores de Turismo se moderniza

04/11/2008, Paradores quiere un futuro en el que brille la historia, la naturaleza y la tecnología, según expresó el presidente de la compañía estatal en una reunión con periodistas, tras aprobar el Plan Estratégico.

Madrid, noviembre de 2008
El Plan Estratégico 2009-2012 de Paradores de Turismo, aprobado por el Consejo de Administración de la empresa, dibuja la hoja de ruta que seguirá la empresa pública durante los próximos cuatro años.

El presidente de la compañía estatal, Miguel Martínez ha anunciado que el Plan pretende preservar y potenciar el valor que tienen los edificios históricos y monumentales en los que se ubican muchos paradores pero también apuesta por dotarlos de las últimas tecnologías y de los últimos avances en confort. En definitiva, según Martínez, se trata de mantener como valor principal: "historia, naturaleza y gastronomía con un servicio de la máxima calidad, pero además con la tecnología y el confort de un hotel del Siglo XXI"

Para ello el plan establece una inversión, en los próximos cuatro años, de 168,9 millones de euros para modernizar 19 paradores y la Hostería de Alcalá de Henares. En este cuatrienio, por tanto, se reformará algo más del 20 por ciento de los 93 establecimientos que actualmente tiene la Red.

Son los paradores de Benavente (Zamora), Cervera de Pisuerga (Palencia), León, Segovia, Villafranca (León), Zamora, Aiguablaba (Girona), Arcos de la Frontera (Cádiz), Cádiz, Ceuta, Hondarribia (Guipúzcoa), Jaén, Málaga Gibralfaro (Málaga), Mérida (Badajoz), Puerto Lumbreras (Murcia), Santiago de Compostela (A Coruña), Santillana del Mar (Cantabria), Sigíenza (Guadalajara) y Tortosa (Tarragona).

El Plan tiene dos ejes transversales que impregnan la estrategia para este periodo: la innovación tecnológica y la sostenibilidad (proyecto СParador VerdeТ). La innovación tecnológica afectará a todo el proceso de negocio, desde las instalaciones de habitaciones y zonas comunes hasta la forma de relacionarse con el cliente antes, durante y después de su estancia.

El proyecto СParador VerdeТ establece criterios de sostenibilidad comunes para los 93 hoteles que incluye planes de ahorro energético, reducción en la emisión de gases, uso de energías limpias, reciclado de residuos, utilización exclusivamente de papel reciclado etc.

La empresa está en la actualidad notando los efectos de la crisis económica; de forma que los beneficios son un 3 por ciento menores que los de un año antes.

Aún así, se tiene el objetivo de avanzar con decisión hacia el futuro. La inversión prevista por Paradores para mejorar la Red es importante y también se piensa incrementar el empleo en unas 500 personas.

José de Espronceda, Poeta y Militante

04/11/2008, Una fantástica exposición en la Biblioteca Nacional rinde, con motivo del bicentenario de su nacimiento, homenaje al genio romántico.

El Museo de la Biblioteca Nacional analiza la figura y la obra de Espronceda, con motivo del bicentenario de su nacimiento, en la exposición JOSÉ DE ESPRONCEDA. POETA Y MILITANTE (1808-1842). La muestra se divide en tres apartados –La figura de Espronceda, La obra poética y dramática y Las ideas sociales y políticas– e incluye pinturas, litografías, fotografías, manuscritos y diversas ediciones de las obras del poeta. Entre las piezas expuestas destacan el retrato al óleo firmado por José María Esquivel o la fotografía de Charles Clifford de El cuadro de los poetas, en el que aparecen reunidos los más ilustres representantes del movimiento romántico.

La literatura romántica tiene en José de Espronceda uno de sus más insignes representantes en España. Su temprana muerte no impidió que pasara a la historia de la literatura como uno de los mejores poetas de todos los tiempos.

Rodeado de una leyenda que fomentaron sus primeros biógrafos, se le ha atribuido una vida desordenada y un tanto excéntrica que la investigación histórica ha contribuido a desmentir. No fue un don Juan, como uno de los personajes de El estudiante de Salamanca, pero vivió no pocas aventuras y trances, políticos y personales, y murió el mismo año en que había sido nombrado diputado a Cortes, a los treinta y cuatro años, dejando inacabada su mejor obra, El diablo mundo, un extenso poema, compuesto por seis cantos y una introducción, de carácter filosófico y moral, con una concepción pesimista del universo, en el que intenta desarrollar la idea del hombre en el mundo acechado por todo tipo de pasiones y tentaciones. El amor, la gloria y los bienes no sON más que un engaño puesto ante los ojos del hombre, que termina amargado por la imposibilidad de acceder a todo ello.

Los temas e ideales del romanticismo están presentes en toda su obra: noche, luna, viento y tempestad, Oriente lejano y exótico. El amor y la gloria son las metas del hombre en el romanticismo, pero en la obra de Espronceda destaca el predominio de lo social sobre lo individual, la necesidad de un gobierno capaz de dirigir al pueblo, la importancia de la moralidad en la administración y la vida pública.

Autor de una única novela, de tema histórico, Sancho Saldaña, de numerosos artículos de costumbres y de crítica literaria y de obras de teatro de valor desigual, su verdadero mérito está en la poesía, “auténtica y maravillosa poesía, hecha de música, sentimiento y humor pesimista”.

Desde la publicación de sus Poesías en 1840 fue conocido y admirado por ellas. Sus versos han llegado a nosotros como la poesía popular, que se recuerda, se imita y se recita de memoria, con independencia del nombre de su autor. El Himno al sol, la Canción del pirata, el Canto del cosaco o el Canto a Teresa son poemas sentidos y recitados en nuestros días.

Horario de la exposición:
Martes a sábados: de 10 a 21 h.; domingos y festivos: de 10 a 14 h.; lunes, cerrado.
Último pase media hora antes del cierre. Entrada gratuita.

Joan Miró. Galería de Antirretratos

31/10/2008, La exposición, en el Museo de Arte de El Salvador, MARTE, incluye veintiséis magníficas aguafuertes y aguatintas, así como cuatro esculturas en bronce de gran formato.

El Salvador, octubre de 08
La muestra, comisariada por Rosa Maria Malet, ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX, la Fundació Joan Miró de Barcelona y el Museo de Arte de El Salvador, MARTE y cuenta además con la colaboración de los ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, la Embajada de España y el Centro Cultural de España en El Salvador. Todas las obras proceden de la Fundació Joan Miró de Barcelona.

La trayectoria artística de Joan Miró siempre ha hecho gala de coherencia y originalidad, incluso en el período de mayor vinculación con el Surrealismo. En su madurez, el maestro catalán reveló una profunda apertura frente a las tendencias emergentes, como la Action Painting y el movimiento Informal, así como un renovado interés por las artes gráficas. El "descubrimiento" en 1967 del grabado al carborundum, materia granulosa que sobre la plancha de cobre aumenta la inmediatez del resultado final, despierta su deseo de experimentación. La obra gráfica y la escultura ponen así de manifiesto la relación táctil, física, que el artista establece con la materia.

Las obras que se presentan en esta muestra, abordan el tema recurrente en Miró, del vínculo arcaico con la tierra y con la mitología mediterránea en el que se inscriben figuras antropomorfas, y sobrenaturales, representadas de frente, que fijan en el espectador sus grandes ojos asimétricos. Además, nos permiten valorar dos de los aspectos fundamentales en la creación del artista: el color y la textura. Resulta notable la cualidad vital, vibrante y sobria que tienen los colores básicos de sus grabados, en claro contraste con el negro que nunca adquiere un carácter triste o negativo. Las texturas de las obras presentadas, ponen de relieve la importancia que Miró concedía al sentido táctil en su obra.

La exposición Joan Miró. Galería de Antirretratos, es una clara muestra de la maestría de Joan Miró cuando se expresaba a través de otras técnicas que no fueran la pintura. Afirmaba Miró que él era pintor, pero un pintor a quien le interesaba experimentar con cuanto tenía a su alcance. El resultado es una "galería de antirretratos" que, precisamente, funde estos extraños personajes con las estrellas y con el firmamento. Obras en las que, entre señales negras de trazo firme y notas de encendidos colores, se aglutinan todos los símbolos del lenguaje artístico de Miró.

Sede y fechas
Museo de Arte de El Salvador, MARTE
Colonia San Benito. Final Ave. La Revolución. San Salvador, El Salvador
Tel.: (503)2243-6099
Hasta el 18 de enero de 2009

La máxima evolución en la navegación de pasajeros

30/10/2008, El Queen Mary 2 es el barco de pasajeros más grande, más hermoso y más lujoso jamás construido en la historia naviera.

Se trata un verdadero heredero de la elegancia atemporal, legado e inspiración de los grandes transatlánticos británicos, como el mítico Titanic o el Queen Elizabeth. Su linaje es el de una verdadera reina. No es para menos. El Queen Mary es el barco más fastuoso que navega en el océano. Pertenece a la empresa británica Cunard Line y fue construido en el astillero francés de Saint Nazaire en 2003, con un costo de 800 millones de dólares.

Cuando realizó su primer viaje, el 12 de enero de 2004, no solo era el crucero más caro, sino también el más grande del mundo. Algunos datos estadísticos importantes para tener una idea acerca de las dimensiones del Queen Mary 2 son los siguientes: es propulsado por cuatro motores Wдrtsila, junto con dos turbinas LM2500; su superficie es de 1.957 m2 (en dos cubiertas); su eslora es de 345 m, de manga tiene 41 m, la altura es de 72 m desde la quilla y el calado de 10 m; el desplazamiento es 150.000 t y la velocidad de 30 nudos (55 km/h).

Pero su reinado fue breve: en 2006 la naviera Royal Caribean International sacó a la mar el "Voyager of the Seas" y luego el "Freedom of the Seas". Sin embargo, algunas fuentes aseguran que para el año 2009 ninguno de los tres cruceros será competencia para el Project Genesis de Royal Caribbean International, el cual amenaza ser el crucero más grande jamás construido.

No obstante, eso no desalentó a nadie: ni a sus propietarios, ni a las 1253 personas que componen su tripulación, ni a los más de 2.600 pasajeros que alberga en cada viaje. Este sofisticado monarca aún conserva su orgullo, ya que cuenta con las más modernas comodidades y lujos, desde servicios para el cuidado del cuerpo hasta programas de enriquecimiento intelectual.

Todo está pensado para que los viajeros puedan sentirse como príncipes al cabo de una o dos semanas.

Durante el día, podrán aprovechar el sol en la cubierta, nadar en alguna de sus 5 piscinas, practicar deportes (posee canchas de golf, tenis, baloncesto, etc.), ir al gimnasio o al spa, recorrer el museo de la historia marina, concurrir a la biblioteca que posee más de 8.000 volúmenes en diferentes lenguas, admirar la colección de arte valorada en 5 millones de dólares o llenar sus horas en conferencias y clases.

Por la noche, podrán disfrutar de un ágape en su exclusivo restaurante "Britannia", visitar alguno de sus 14 bares, hacer nuevos amigos en la discoteca, ir al planetario (que a su vez es cine y sala de conferencias), visitar el casino o divertirse en el club nocturno.

Siempre con la posibilidad de navegar solos, en familia, en compañía del ser amado o de la mascota adorada, ya que su majestad cuenta con alojamiento para perros y gatos; este servicio debe reservarse en forma anticipada, pues está sometido a la disponibilidad de espacio.

Las habitaciones constituyen verdaderos santuarios en el mar. Suma un total de 1.310 (920 con vista al mar, 293 al interior y 97 suites), cuya superficie es de entre 18 m2 y 209 m≤. Casi las tres cuartas partes de los camarotes tienen amplio balcón privado, todos poseen decoración de buen gusto, ricos muebles de madera, un mini refrigerador, servicio de habitaciones las 24 horas y turndown service con chocolates. Es necesario ver para creerlo, solo en un mundo de cuentos de hadas puede uno imaginarse tanto lujo y belleza.

El Queen Mary 2 realiza al año gran cantidad de viajes, recorriendo el Caribe, el Mar Mediterráneo, Canadá y Nueva Inglaterra, lugares exóticos (Australia, América del Sur, Asia) y docenas de puertos más alrededor del mundo. Cada día, nuevos horizontes y una aventura por descubrir a bordo de la reina de los océanos.

Redactado por Vayacruceros

Tesoros de papel

21/10/2008, Hasta el 16 de noviembre, el Centro Cultural de Caixa Girona, Fontana d´Or, presenta una bella muestra `Tesoros de papel. Libros, juegos y juguetes de papel´

Girona, octubre de 2008
En el centro cultural Fontana d´or, se reúne 350 piezas: básicamente juegos, recortables, juguetes y libros transformables, creados entre 1810 y el 1930 y que tienen como nexo su belleza, fantasía, creatividad y la materia prima en que se hacen: el papel.

Es comisario de la exposición el propio coleccionista, artista plástico y pedagogo, Quim Corominas, quien ha hecho una revisión de su colección y ha puesto al día las piezas, para presentar un conjunto cautivador, que arranca de pleno siglo XIX, y que completa una visión que tiene valores tanto desde los ámbitos plástico, educativo e incluso histórico, pues permite descubrir tanto la evolución de los diseños y gustos estéticos de las distintas épocas, así como los propios avances en las técnicas de impresión y reproducción relativas a las artes gráficas.

Pero no se trata de una muestra infantil, como dice el propio comisario, Quim Corominas, porque resulta importante para gentes de todas las edades, que tengan interés por la creatividad.

Todo un mundo más o menos colorista, en función de épocas y técnicas, para mostrar encantadores desplegables de paisajes, mundos de circo, guiñoles, modas, arquitecturas, juegos de mesa...

Y en medio personajes de lo más variopinto, vinculados en gran medida al ámbito de los cuentos infantiles: magos, fieras, Popeye, Mickey, Charlott, Búffalo Bill, Cenicienta...

De compras en palacios

21/10/2008, En los palacios de Viena, que servían antiguamente de residencia de familias nobles, se encuentran hoy algunas tiendas interesantes, sobre todo en el casco histórico de la ciudad.

Viena, 21 de octubre de 2008
“Palais” es el nombre que se daba en un principio a una residencia de aristócratas, la cual, a diferencia del castillo, no tenía muros fortificados, y a diferencia de los palacios llamados „Schloss” se encontraba en un centro urbano y no en una zona rural. En Viena, donde vivió la dinastía de los Habsburgo durante siglos, se establecieron cerca de la corte imperial numerosas familias nobles que venían de todos los rincones de la monarquía. Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos palacios vieneses fueron vendidos por sus propietarios originales. Hoy albergan ministerios, embajadas, museos y tiendas.

Sobre todo el primer distrito de Viena es especialmente „denso“ en palacios. En el medio de la amplia plaza Freyung se encuentra el Palais Ferstel, construcción inspirada en el estilo veneciano-florentino del siglo XIV, realizada por Heinrich Ferstel, uno de los destacados arquitectos cuyas obras flanquean la suntuosa avenida del Ring. En el pasaje hay anticuarios y joyerías, así como tiendas con decoraciones para interiores y uno de los mejores negocios que venden exquisito chocolate, llamada „Xocolat“ . Al lado, en el Palais Harrach, también se han establecido tiendas de decorados y mobiliario, así como galerías de arte.

Palacios muy hermosos se pueden ver en la zona peatonal, formada por las calles comerciales Kohlmarkt, Graben y Kärntner Strasse. En el impresionante Palais Equitable en la esquina Kärntner Strasse/Graben tiene su tienda la manufactura de porcelana Augarten. El Palais Dorotheum, erigido donde se encontraba antiguamente el monasterio de las Doroteas, es desde 1901 sede del „Dorotheum“, una de las más importantes casas de subastas del mundo. Unos edificios más allá , en el Palais Dietrichstein, se encuentra la tienda de música Musikhaus Doblinger, uno de los más grandes negocios de partituras de Europa.

Palais Ferstl y Palais Harrach
entre Freyung y Herrengasse, 1010 Viena

Xocolat,
pasaje Freyung, 1010 Viena,
www.xocolat.at

Manufactura de porcelana Augarten
Stock im Eisen-Platz 3, 1010 Viena,
www.augarten.at

Dorotheum
Dorotheergasse 17, 1010 Viena,
www.dorotheum.at

Doblinger
Dorotheergasse 10, 1010 Viena,
www.doblinger.at

Buñuel. Entre dos mundos

14/10/2008, Con motivo de la celebración en México D.F. del Primer Congreso de la Cultura Iberoamericana Cine y Audiovisual en Iberoamérica, se ha organizado la exposición Buñuel. Entre dos mundos.

México, octubre de 2008
La muestra, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales. Filmoteca Española, el Ministerio de Cultura de España y el Centro Nacional de las Artes de México, rinde homenaje a la obra y a la relación con México del cineasta español.

La exposición ha tenido su origen en otra que se inauguró simultáneamente en Madrid y Calanda el pasado mes de julio, coincidiendo con la conmemoración del veinticinco aniversario de su muerte, pero para su presentación en México se ha revisado y ampliado con una visión general de su vida y de su obra. Por ello, para esta ocasión y teniendo en cuenta el contexto en el que se presenta la muestra, los comisarios (Elena Cervera y Javier Espada) han querido destacar el doble carácter de Buñuel, el español y el mexicano, de forma que a lo largo de la exposición quede patente esta doble nacionalidad.

La muestra se ha dividido en cuatro secciones. La primera nos muestra la cara mexicana del director. Está dedicada a las fotografías que realizó para la localización de las películas dirigidas este país y nos muestra un Buñuel fotógrafo, a pesar de que estas fotografías tenían un fin directamente relacionado con su cine, y nos ayuda a entender cómo preparó estas películas, aportándonos una visión nueva de Buñuel.

La segunda sección, dedicada a su biografía nos presenta su vida a través de fotografías, documentos, premios, montajes audiovisuales, etc. y pone de manifiesto tanto su educación española como el peso que tuvo en su obra todos los años que vivió en México. Para ayudar a comprender la importancia de las fotografías en la realización posterior de la película, se acompaña de una proyección ilustrativa.

La tercera sección muestra una visión general de su filmografía; en ella están representadas con ciertos elementos significativos y acompañados de montajes audiovisuales, las treinta y dos películas que dirigió a lo largo de su vida.

En la cuarta se proyectará un documental, preparado para la ocasión, a partir de documentos filmados recientemente en diversos lugares de España y México, donde se propone un acercamiento a la figura y a la obra cinematográfica de Luis Buñuel, siguiendo las conversaciones entre su hijo Juan Luis y su estrecho colaborador Jean-Claude Carrière, en un viaje entre dos mundos en el que ambos protagonistas van peregrinando, siguiendo las huellas de Luis Buñuel, conversando con otros amigos, mientras los visitantes tienen el privilegio de acompañarles.

Sede y fechas
Centro Nacional de las Artes de México (CENART). Galería Central
De martes a domingo de 11:00 a 18:00 hrs
Hasta el 27 de noviembre de 2008
Entrada gratuita
SEACEX

Nancy Spero. Disidanzas

14/10/2008, El Museo Reina Sofía acoge la más completa retrospectiva que se ha realizado en Europa de la artista Nancy Spero, una de las pioneras del arte feminista y de la escena contestataria de Nueva York de los años 60 y 70.

Madrid, octubre de 2008
A través de un conjunto muy significativo de sus obras que van desde algunos de sus primeros trabajos, realizados cuando todavía era estudiante en el Art Institute de Chicago (nunca antes habían sido expuestos), hasta su última presentación en la pasada Bienal de Venecia, “Maypole 2007”, la exposición reúne 178 obras y presenta un recorrido cronológico.

La muestra intenta presentar el trabajo de Nancy Spero como parte de un proyecto vital y unitario en el que las piezas individuales encajan en un todo a la manera de un libro; de hecho, en una entrevista reciente, la autora reconocía que la escritura es parte fundamental de su obra y que en realidad toda ella se puede leer como un libro.

El título de la exposición Nancy Spero. Disidanzas relaciona dos aspectos fundamentales de la obra de la artista: su carácter crítico con la situación político-artística que le ha tocado vivir a lo largo de su carrera y la importancia del movimiento del cuerpo como vehículo de articulación de su discurso.

Nancy Spero crea un lenguaje pictórico específicamente femenino, donde la mujer se comunica a través de la fragilidad del papel. Un soporte sobre el cual las figuras desenmascaran estereotipos y desplazan categorías y jerarquías. El movimiento, el ritmo y el color, llenan de energía el cuerpo femenino, que conquista de este modo el espacio masculino del arte.

LA ARTISTA
En 1959, Nancy Spero y su marido Leon Golub se trasladan a París donde residen de 1959 a 1964, huyendo de la preponderancia de la abstracción en el panorama artístico norteamericano. En esta ciudad Spero entra en contacto con círculos intelectuales más literarios que artísticos y profundiza en lecturas que más tarde serán fundamentales para su trabajo.

Durante esos primeros años la artista realiza una serie de trabajos agrupados bajo el título de Black Paintings (1959-1960). Se trata de obras figurativas, de expresionismo lírico, centradas en temas como la noche, la maternidad o los amantes en las que deambulan personajes sobre fondos oscuros creados laboriosamente mediante la acumulación de capas de pintura.

Spero y Golub vuelven a Nueva York en 1964 justo en el momento en que la oposición a la guerra de Vietnam y el movimiento de los derechos civiles toma protagonismo en su país. El compromiso político se convierte en motivo fundamental en su trabajo. En la serie War (1966- 1970), Spero da rienda suelta a su cólera y repulsión frente a la guerra, a través de manifiestos en los que introduce una explícita imaginería de género y múltiples metáforas sobre la obscenidad y la violencia del poder. Sus obras se inundan de lenguas y bombas fálicas, de helicópteros y hongos atómicos defecantes.

En 1969 Spero se distancia del debate político-militar del momento para crear un conjunto de obras basadas en textos del poeta francés Antonin Artaud, las Artaud Paintings (1969-1970). En ellas cita al poeta de manera compulsiva, para expresar y exorcizar la ira y la alienación que sentía como artista. Como dice la propia Spero: “Estaba realmente furiosa contra el mundo del arte.

La colaboración con acciones de protesta para exigir la paridad de la representación entre hombres y mujeres en los museos conducen a la artista a tratar cuestiones como la tortura y el dolor de las mujeres. Así surge su nueva obra épica Torture of Women (1976), en la que combina imágenes, citas y testimonios aterradores de las atrocidades cometidas por los regímenes dictatoriales suramericanos contra mujeres. La pieza, un rollo de catorce paneles horizontales de 38 metros de largo obliga al espectador a recorrer el espacio de manera poco ortodoxa, fórmula que desarrollará en las obras siguientes.

The First Language (1981) es su siguiente gran obra de tamaño rollo y un punto de inflexión en su carrera. Con ella abandona la palabra escrita a favor del cuerpo femenino como vehículo de lenguaje expresivo.

Hacia finales de los años ochenta Spero se inclina cada vez más por la estampación de figuras y fondos, y expande su léxico a la arquitectura. De esta manera elimina cualquier obstáculo existente entre la obra y el espacio en el que se muestra y obliga al espectador a participar de manera mucho más activa cambiando su mirada y su posición.

Los ochenta y noventa son años en los que realiza numerosas exposiciones y consigue el reconocimiento crítico. A partir de este momento su trabajo se vuelve más exuberante y afirmativo, y expresa, según sus propias palabras, una especie de “utopía, de posibilidad de cambio”. Aun así, no olvida temas y procedimientos que le han interesado desde el principio de su carrera, como el dolor, la destrucción o la violencia, convirtiéndose ambos en dos caras de la misma moneda para su universo artístico y personal.

A finales de los años noventa el color adquiere un mayor protagonismo en la obra de Spero y la monumental Azur (2002) es un buen ejemplo de ello. En esta obra, que toma el título de un poema de Mallarmé, la artista utiliza el color deliberadamente y busca maneras nuevas y sorprendentes de componer, salpicando con criaturas femeninas el espacio y creando una secuencia onírica en la que éstas se mueven sin restricciones temporales sobre un fondo definido por patrones geométricos.

Finalmente en Maypole: Take No Prisoners, (2007), una instalación producida para la Bienal de Venecia, Spero vuelve sobre un tema recurrente en su obra y desgraciadamente en la política de su país; la guerra. La pieza es un Árbol de Mayo provisto de 200 cabezas de aluminio tratadas y pintadas que, en palabras de la artista, ha canibalizado de sus pinturas de guerra de los sesenta.

Todas las historias del arte

09/10/2008, El Museo Guggenheim Bilbao presenta, hasta el 18 de enero de 2009, la primera, más completa e innovadora muestra presentada en España sobre los fondos del Kunsthistorisches Museum de Viena.

La muestra constituye un paseo privilegiado por un extenso período de la historia del arte, que nos permite contemplar una importante selección de piezas artísticas recopiladas por la familia imperial de los Habsburgo a lo largo de varios siglos. Escultura, pintura y artes decorativas, correspondientes a diferentes épocas, estilos, escuelas y movimientos.

Todas las historias del arte presenta piezas tan dispares como pinturas, obras de la Antigüedad, monedas, armaduras, esculturas y objetos de las llamadas cámaras de las maravillas o gabinetes de curiosidades (Kunstkammer), que nos acercan al gusto de los emperadores y archiduques de Habsburgo, ávidos coleccionistas y mecenas de las artes durante más de cinco siglos. La totalidad de la tercera planta del Museo acoge una cuidada selección de 197 obras, que se articulan, según un discurso renovado, en torno a los principales géneros artísticos de la Historia del Arte: Retrato; Historia, religión y mitología; Desnudo; Costumbres; Naturaleza muerta; y Paisaje, ilustrados a través de una interesante yuxtaposición de pinturas y objetos.

Así, de la colección de escultura, merecen destacarse las piezas egipcias y el conjunto de obras realizadas en bronce, mármol, marfil o alabastro, de los siglos XVI y XVII, principalmente.

Por su parte, la muestra pictórica es un magnífico ejemplo de las distintas formas y maneras de abordar la pintura en el Renacimiento y en el Barroco, representadas por obras maestras de los principales autores de las escuelas alemana, española, flamenca e italiana.

La muestra se articula entorno a seis grandes secciones que se corresponden con los principales géneros artísticos de la Historia del Arte, sin limitar los géneros sólo a los ejemplos proporcionados por las tradicionalmente consideradas como "artes mayores", e incluyendo también ejemplos del arte llamado "industrial", "suntuario" o "decorativo".

La exposición incluye obras de grandes maestros como Arcimboldo, Durero, Holbein, Tintoretto, Tiziano, Rubens, y Velázquez, entre otros y adquiere especial relevancia e interés dado el pasado histórico común entre Austria y España y la impronta cultural y artística que ha dejado la dinastía de los Habsburgo en ambos países.

Más información en:
Museo Guggenheim Bilbao

Picasso: pintar pinturas

06/10/2008, El museo nacional Picasso, el museo del Louvre y el museo de Orsay, organizan una importante muestra: "Picasso et les maîtres", en las Galerías Nacionales del Grand Palais, hasta el 2 de febrero de 2009.

Lo clásico y la ruptura, el pasado, los pintores, la arquitectura y la estatuaria... Picasso arrancó de un mundo artístico tradicional para subvertirlo, sentando los pilares básicos del arte moderno con su implantación del cubismo, indica la nota de presentación de esta muestra.

Maestro joven y académico (condecorado con una medalla a la edad de 19 años) y destructor de las formas establecidas, Picasso mantuvo sin interrupción un diálogo con la mejor tradición de la pintura. Su postura no es (como en otros artistas de su generación), el reflejo simple de una época de cambio, sino un elemento motor y constitutivo del mismo, a través de su proyecto pictórico.

Rafael, miguel Angel, Vélazquez, Tiziano y Rembrandt permanencen en el trasfondo de sus obras, en los retratos de majas, músicos o toreros y en su afición al autorretrato. Pero junto a la influencia clásica, tambien hay una revisión a la luz de pintores más modernos, como Delacroix o Manet.

La exposición Picasso y los maestros, en el Grand Palais, reúne unas 210 obras llegadas de las colecciones más prestigiosas, públicas y privadas, nacionales e internacionales y sirve para confrontar pasado y presente.

La exposición presenta un recorrido que vincula -temática o cronológicamente- la obra picasiana y las de El Greco, Vélazquez, Goya, Zurbarán, Ribera, Melendez, Pussin, Le Nain, Dubois, Chardin, David, Ingres, Delacroix, Manet, Courbet, Lautrec, Degas, Puvis de Chavannes, Cézanne, Renoir, Gauguin, Rousseau, Tiziano, Cranach, Rembrandt, Van Gogh. Mestros españoles, franceses, italianos y alemanes forman la trama de influencias.

Picasso practica un "canibalismo pictórico sin precedente" con su "pintura de la pintura". El autor toma el motivo, lo reinterpreta con nuevas formas, lo "destila" para extraer una nueva visión, a veces perversa y otras irónica.

Simultáneamente, se presentan en París otros dos conjuntos temáticos: en el Louvre, se trata de la visión picasiana de Las Mujeres de Argel, de Delacroix; y en el museo de Orsay, alrededor de El almuerzo campestre (Déjeuner sur l´herbe) de Manet.

En el caso de las Mujeres de Argel, se pueden ver unas 20 variaciones debidas a Picasso, (1954-55) a partir de una obra de Delacroix, de 1834.

En el Orsay, son unos cuarenta trabajos de Picasso, de 1954 a 1962, sobre la conocida obra de Manet: El almuerzo campestre, de 1863.

Emil Nolde

02/10/2008, Del 25 de septiembre al 19 de enero, la Galería Nacional del Grand Palais, en París, presenta una notable muestra dedicada a Emil Nolde (1867-1956), uno de los expresionistas alemanes más destacados.

París, octubre de 2008
Emil Nolde aún no había tenido ninguna retrospectiva en Francia, pero ese olvido se remedia ahora con esta exposición en la que se presentan noventa pinturas, entre ellas el políptico La vida del Cristo, conservado en la Nolde Stiftung Seebüll, de Alemania, y setenta acuarelas, grabados y dibujos.

Este conjunto se presenta según un recorrido cronológico, en secciones temáticas (La montaña encantada, Un país, Años de combate, Biblia y leyendas, la Obra gráfica, Las noches de Berlín, Welt, Heimat, Phantasien e " imágenes no pintadas ", El mar).

Para el gran público, será pues un descubrimiento; para los conocedores, una ocasión única de ver reunidos por los cuadros que provienen del todo el mundo e ilustran la totalidad de la obra.

Primero escultor ornamental sobre madera, Nolde llegó tarde a la pintura. Formado en Munich y en París en 1900, se singulariza muy rápidamente por una pintura dura, que retuvo la lección de Van Gogh. Los jóvenes artistas de” Die Brücke” le piden su apoyo: participa en todos frentes para imponer un arte nuevo, hasta su exclusión de la “Secesión”, Berlín 1911.

Dividido entre su arraigo en la tierra de Schleswig, en la frontera de Dinamarca, y su fascinación por la metrópoli, Berlín; entre su gusto por la soledad y el espectáculo de la vida social, este hijo de campesino, a la vez duro y dulce, construye una obra única que suscita mucha perplejidad .

Nolde, que pensaba encarnar el espíritu alemán en la pintura moderna, fue sin embargo muy maltratado en el momento de la llegada de los nazis al poder. Su adhesión tardía al Partido Nacional Socialista en 1934, no le ahorró la difamación pública ni el ser incluido entre los artistas "degenerados" en el momento de la exposición de 1937.

El veterano pintor se negó sin embargo a someterse a las imposiciones estéticas del régimen y fue castigado, en 1941, con la prohibición total de pintar. Recluido en Seebüll, produjo entonces clandestinamente un millar de pequeñas acuarelas, estas “imágenes no pintadas " que se presentan en parte en el Grand Palais.

El reconocimiento internacional llegó en la posguerra, cuando fue consagrado como uno de los pintores más destacados de su tiempo.

La obra de Nolde es notable por sus extraordinarios registros de color, sus trazos, y su inspiración narrativa inigualada. El ser humano es centro de sus preocupaciones, magistralmente restituido en los retratos, las maternidades, las parejas. Los paisajes y los bodegones son sueños coloreados, donde la contemplación de la vida ordinaria, de la naturaleza, se transfigurada por la audacia de la paleta del pintor.

Los temas religiosos tienen una visión particular y el pintor trata en ellos de reencontrar las raíces de una religión primitiva y próxima del hombre.

Duro en el manejo del pincel, atrevido en la utilización de colores estridentes, genial en sus figuras de rostros a modo de máscaras, el espectador a veces reencuentra en sus trabajos los ecos del viajero que acudió durante un tiempo a Nueva Guinea.

Emil Nolde, cuyo verdadero nombre era Emil Hansen, dejó una pintura que impacta y genera un shock emocional. Vivió una vida larga –89 años- y dejó abundante obra. Es comisario de la muestra Sylvain Amic, conservador del museo Fabre, Montpellier

Ecologistas defienden al lobo como regulador del ecosistema

02/10/2008, La proliferación excesiva de ungulados silvestres puede estar contribuyendo a la extinción de especies de aves protegidas como el urogallo y la perdiz pardilla, por lo que el lobo puede ser una especie reguladora del ecosistema.

León, uno de octubre de 2008
Según los censos realizados por ARENA (Asesores en Recursos Naturales SL) para el Parque Nacional de Picos de Europa ( sobre territorios de Cantabria, Asturias y León) durante los años 2004, 2005 y 2006, hubo unas densidades medias de venados que van de 9,4 a 16,2 individuos por kilómetro cuadrado, según los municipios.

El grupo apunta que el lobo es un elemento clave para evitar la expansión incontrolada de los ungulados silvestres, contribuyendo al funcionamiento natural de los ecosistemas de estas montañas, y paliando la crítica situación del urogallo cantábrico y la perdiz.

Gedemol, activo grupo ecologista de la montaña leonesa, informa que los daños causados por el lobo ibérico en la zona de Riaño suponen un coste medio anual para la Junta de Castilla y León de 13.801 € por año en el período 2003-2007, mientras que las indemnizaciones pagadas los ciervos y jabalíes alcanzan una media anual de 122.177 € en el mismo periodo.

A estas cantidades hay que sumar el importe del seguro de accidentes contratado por la Junta de Castilla y León para pagar los daños producidos por la fauna silvestre en accidentes de tráfico y los destrozos en las reforestaciones de los montes.

Recuerda Gedemol que uno de los fines por los que surgieron las Reservas de Caza fue subordinar la caza a la conservación. “Pero la gestión cinegética favorece la expansión de determinadas especies cinegéticas, como ungulados silvestres en detrimento de otras en peligro de extinción o representativas de la calidad del medio: grandes depredadores, galliformes, etc”.

Como modelo de gestión, Gedemol apunta al de la sierra de La Culebra (Zamora), donde anualmente se habilita un pequeño cupo de caza de ejemplares que salen a subasta publica .

Un solo lobo alcanza cantidades de hasta 18.000 euros, con el consiguiente beneficio económico para los pueblos. Esto implica que el valor cinegético de un ejemplar de lobo abatido en Zamora es capaz de pagar los daños propiciados por el depredador durante dos años en la Reserva de Riaño, mientras que para controlar dichos daños en la reserva leonesa se permite la caza de 18 animales.

En la Sierra de la Culebra -dice Gedemol- se ha demostrado que la percepción que la población local tiene sobre el cánido silvestre ha cambiado, pues el lobo deja beneficios económicos en la comarca, tanto por los fondos recaudados en las subastas de caza mayor como por los ingresos que dejan miles de turistas que se acercan a esa sierra zamorana a observar el cánido durante el año.

Según el testimonio de los responsables de varios establecimientos hosteleros de la zona, el turismo lobero es creciente cada año y ocupa entre el 15 y el 50 % del total de las plazas disponibles, atrayendo incluso a turistas extranjeros, dicen los ecologistas leoneses.

Gedemol sostiene que “hay que poner al lobo a producir”. “La planificación cinegética de la Reservas de León debe ser sustancialmente distinta, empleando recursos suficientes en la conservación, seguimiento e investigación de las poblaciones de lobo, y fomentando la puesta en valor del depredador como alternativa cinegética y objeto de turismo verde”

“Entendemos, que es la única manera de cambiar la percepción que se tiene de la especie desde el mundo rural y para la sangría de muertes injustificadas que se producen año tras año en nuestros montes”, indica el grupo leonés.

Rembrandt. Pintor de historias

01/10/2008, Del 15 de octubre al 6 de enero de 2009, el museo del Prado, pone ante los visitantes de la pinacoteca una muestra especialmente interesante sobre el artista.

Madrid, octubre de 2008
Ese interés deriva del hecho de que Rembrandt es uno de los grandes pintores menos representados en el Museo del Prado, pues cuenta sólo con una única obra del maestro holandés, Artemisia (1634).

La exposición está comisariada por Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo.

El museo ha decidido organizar una exposición que permita a su público acercarse a la obra de este artista extraordinario y de tan escasa presencia en España, con alrededor de 35 pinturas y 5 estampas procedentes de los principales museos de Europa y Estados Unidos.

La exposición, patrocinada por BBVA, se centra en torno al tema de Rembrandt como pintor narrador: aunque el maestro de Leiden fue también un gran pintor de retratos y de paisajes, su faceta como pintor de historia muestra con especial claridad la forma en la que su arte emana de la tradición de la pintura renacentista europea y, al mismo tiempo, permite comprobar su originalidad. Es precisamente este aspecto del arte de Rembrandt el que mejor conecta, y al mismo tiempo el que mejor contrasta, con la tradición pictórica que representa el Prado.

Así, se tiene la oportunidad de observar sus obras junto a las de algunos artistas que fueron sus principales fuentes de inspiración, especialmente Tiziano y Rubens, y comparar su respuesta a esas fuentes en el mismo escenario donde se ve a Velázquez, también heredero de esa misma tradición, respondiendo a ellas.

En la exposición se representan todas las fases de la carrera del artista. De sus obras de juventud cabe destacar la presencia del cuadro San Pedro y San Pablo, que presta al Prado la National Gallery of Victoria de Melbourne. También están presentes varias obras maestras de la fase de madurez del pintor, entre 1631 y 1651 aproximadamente, como el monumental Sansón y Dalila del Stádel Museum de Frankfurt. Asimismo de la fase más personal de la carrera de Rembrandt, sus últimos años hasta su muerte en 1669, se cuentan con varias obras características de este periodo incluida una de las más importantes pintadas por el artista en estos años, la Betsabe del Museo del Louvre.

Algunos datos sobre el pintor

Nacido en Leyden, en 1606, en una familia prolífica y próspera, pronto se dedicó a la pintura. Hasta 1631 permaneció ligado a su localidad natal, antes de marchar a Ámsterdam. Su maestría fue entonces ya reconocida; se trata de una época en la que estuvo muy influido por la luz de Caravaggio.

En Leyden, donde era maestro ya a los 18 años, contó con diversos discípulos, entre ellos Gerit Dou. Dou fue considerado pronto más importante que Rembrandt, por lo que se falsificaron cuadros de éste último con la firma de su discípulo.

En 1932 marchó a Amsterdam pintando pronto uno de sus cuadros más célebres, la lección de Anatomía del doctor Pulp. Fue un periodo de grandes y caros pedidos, entre ellos varios cuadros religiosos para Enrique de Orange. En el 34 se casó con Saskia, sobrina de un marchante; una mujer que le aportó dote e inspiración: Rembrandt haría de ella musa alguno de sus cuadros más bellos.

A partir de los años cuarenta se incrementó la tensión dramática de su obra, puso más empastes y tonalidades sombrías. Tras la muerte de Saskia, en 1642, su vida se fue complicando; la muerte de sus hijos y de su nueva compañera, sus deudas...

El último periodo del pintor fue de soledad; los pedidos escasearon y también los discípulos. Un cuadro pedido por el propio ayuntamiento de Amsterdam no fue aceptado y él lo destruyó en su mayor parte.

Falleció en 1669. En su caballete estaba una obra no terminada de Simeón ante el niño Jesús, como un presagio de su propia ancianidad ante la justicia del Señor. Era un Rembrant que había desconcertado a sus contemporáneos, que no comprendían cómo buscaba la cara oculta del hombre en sus retratos; como había espaciado sus pinceladas y cómo se entretenía pintando obras como el Buey desollado, en las que rebosa la atrocidad de un sacrificio doméstico, en una visión que retomarían surrealistas como Bacon. Goya y Delacroix serían sus herederos directos.

¡Viaje con nosotros!

01/10/2008, El comic nació como un medio de masas vinculado a la prensa diaria a finales del siglo XIX y ha sufrido una profunda transformación hasta nuestros días. Una muestra en La Casa Encendida le rinde homenaje.

Madrid, 1-10-08
Actualmente, junto a un sector plenamente integrado en las industrias de la cultura que se dirige al público infantil, el cómic para adultos mantiene alguna cuota significativa de mercado y un cierto carácter masivo en el campo humorístico o satírico.

El cómic norteamericano de superhéroes y el manga japonés en todas sus versiones parecen haber arrasado con lo que en los años sesenta del pasado siglo supusieron las propuestas del cómic underground americano y la vitalidad de algunos autores y editoriales europeos, especialmente del área francófona, que generaron nuevas y creativas propuestas muy próximas a las inquietudes políticas y culturales de esa época.

Una generación de autores del cómic llamado independiente, alternativo o de vanguardia surgió con pujanza en los años ochenta tratando de abrirse camino entre la indiferencia más absoluta tanto de la industria editorial establecida como de los canales de distribución del mercado comercial de la historieta.

Anualmente se celebran en Europa distintas ferias y encuentros que en alguna medida han ido dando cabida a estos autores independientes. En España, al ya consolidado y comercial Salón Internacional del Cómic de Barcelona se han unido, por ejemplo, las ferias de A Coruña y Avilés. También recientemente se creó el Premio Nacional de Cómic, otorgado a Max en su primera edición

Este proyecto expositivo trata de ser una muestra plural del nuevo cómic español surgido en los años ochenta y que ha alcanzado su plena madurez creativa dos décadas después. Una exposición colectiva que toma el viaje como eje temático y está integrada por las obras de GALLARDO, KEKO, MAURO ENTRIALGO, MAX, MICHARMUT y MIGUELANXO PRADO. Seis autores que han logrado un lenguaje personal y que, desde seis focos geográficos distintos (Cataluña, Madrid, País Vasco, Baleares, Valencia y Galicia), dibujan con trazo propio y diverso el panorama actual del cómic español dentro de la escena internacional.

Más información en:
SEACEX

Olvidar lo inolvidable

24/09/2008, Una dentadura postiza, la prótesis de pecho, la casita del perro o un juguete erótico son algunas de las cosas que pierden los clientes de los hoteles, objetos que muchas veces no se reclaman jamás.

Una encuesta realizada en España en los hoteles Holiday Inn y Express by Holiday Inn(InterContinental Hotels Group PLC (IHG), indica que los huéspedes pierden en ocasiones objetos aparentemente inolvidables, aunque lo más habitual es despistarse del cargador del móvil.

Los hoteles están ya acostumbrados a encontrarse objetos perdidos de lo más diversos. Los cargadores de teléfonos son los más comunes, cientos de ellos son encontrados cada año en las habitaciones sin que sean reclamados por sus dueños. Igual sucede con las prendas de vestir, fundas de almohada, libros, medicinas, bolsas de aseo, pijamas, peluches o botellas de alcohol.

“Lo que resulta más incomprensible es que ciertos objetos valiosos como relojes, teléfonos móviles e incluso joyas no sólo sean olvidados sino que además nunca sean reclamados”, apuntan desde Holiday Inn.

Los objetos perdidos se guardan en el hotel durante un periodo de entre tres meses y un año con una referencia al número de habitación y a la fecha de salida, de modo que el cliente pueda reclamarlo. Sin embargo, muchas veces son olvidados para siempre. Los que no se olvidan de algunos objetos perdidos son los propios trabajadores de los hoteles. “

A veces resulta difícil explicarse cómo una persona puede olvidarse su dentadura postiza o su prótesis de pecho sin percatarse de ello”, afirma Mª Carmen Rueda, Gobernanta General del hotel Holiday Inn Madrid, “y hay objetos olvidados que nosotros siempre recordamos con cariño por el buen rato que pasamos comentándolo, como cuando encontramos un frasco de baba de caracol e intentamos averiguar cuál era su utilidad”.

La lista de objetos es interminable y de lo más variopinta, desde una báscula de peso a un cazo de cocina, y las clásicas combinaciones eróticas compuestas normalmente por una película, algún juguete y un disfraz. Una bota de vino junto a unos calzoncillos ha sido, hasta ahora, de las combinaciones eróticas que más debate han provocado aunque entre los objetos más raros está, sin duda, una casita de perro encontrada en una habitación, afortunadamente sin la mascota

InterContinental Hotels Group PLC (IHG) of The United Kingdom es la mayor cadena hotelera del mundo por número de habitaciones. IHG en España —a 30 de junio de 2008— integra 25 hoteles: 2 hoteles InterContinental, 1 Crowne Plaza, 4 Holiday Inn y 18 Express by Holiday Inn.

Un museo subacuático para Alejandría

24/09/2008, La UNESCO ha establecido un Comité Consultivo Científico Internacional para contribuir a la creación de un museo subacuático de carácter innovador en la bahía de Alejandría (Egipto).

Madrid, septiembre de 2008
En la zona se han encontrado vestigios arqueológicos importantes del palacio de Cleopatra y de Pharos, el legendario faro de Alejandría. Según fuentes de esta organización, está previsto que el comité comience sus trabajos preparatorios en noviembre de 2008.

La construcción de este museo, el primero en su género, se efectuará en parte bajo el agua y en parte en la superficie. La parte sumergida del conjunto museístico permitirá a los visitantes contemplar los vestigios arqueológicos en el lecho mismo del mar.

Esto representará un paso importante hacia la creación de exposiciones in situ del patrimonio cultural subacuático. Otras obras de arte rescatadas de las aguas en la bahía de Alejandría y sitios adyacentes se mostrarán al público en espacios de exposición instalados en la superficie.

Entre los sitios arqueológicos adyacentes figura la bahía de Abukir, donde se están excavando los vestigios de dos antiguas ciudades sumergidas: Canopo y Heraclión.

El proyecto del gobierno egipcio de crear un museo subacuático en la bahía de Alejandría se produce en un momento en el que la importancia del patrimonio cultural subacuático es objeto de un reconocimiento creciente.

Hasta la fecha, son dieciocho los países que han ratificado la Convención de la UNESCO sobre la Protección del Patrimonio Cultural Subacuático. Este instrumento jurídico entrará en vigor en breve, tres meses después de que haya sido ratificado por el vigésimo Estado Parte.

El Director General de la UNESCO, Koichiro Matsuura, celebró la iniciativa con estas palabras: “Sin duda, este proyecto contribuirá a aumentar el interés por el patrimonio cultural subacuático y a concienciar al público sobre la urgente necesidad de protegerlo del saqueo. Hasta que la Convención de la UNESCO sobre el Patrimonio Subacuático no entre en vigor, no existirá ninguna ley internacional específica que lo proteja de los cazadores de tesoros. Espero sinceramente que la Convención entre en vigor en los próximos meses”.

La preservación del patrimonio cultural subacuático es también el tema de un nuevo cortometraje documental producido por el Sector de Cultura de la UNESCO. En este filme, centrado en la Convención, se destaca la importancia que reviste la salvaguardia de los bienes culturales sumergidos, habida cuenta de su vulnerabilidad cada vez mayor al saqueo facilitada por el perfeccionamiento y el bajo coste de los equipamientos de buceo.

Entre las secuencias espectaculares de esta película figuran imágenes de las aguas costeras de Alejandría. El filme hace hincapié en las ventajas ofrecidas por las excavaciones y la conservación de los sitios arqueológicos sumergidos in situ, lo cual constituye uno de los objetivos del proyecto egipcio de creación del nuevo museo.

En nuestro país aún se puede aprovechar para visitar la muestra "Tesoros Sumergidos de Egipto", que prolongará su estancia en las instalaciones del Matadero de Legazpi. Debido al gran interés mostrado por el público, la exposición prolongará su estancia en Madrid hasta el próximo 15 de noviembre.
Teléfono de reserva de entradas: 902 400 222

Comienza FIARTValencia

22/09/2008, Valencia se convierte en centro del mundo artístico contemporáneo con la inauguración de FIARTValencia. La feria, integrada en el marco de Habitat Valencia, contará con sorprendentes propuestas de arte.

Valencia, lunes 22 de septiembre
FIARTValencia, la nueva feria de arte moderno y contemporáneo que se celebra en el pabellón 8 de Feria Valencia, arranca el martes 23 de septiembre de 2008, con la clara vocación de convertirse en una feria de referencia a nivel internacional. Hasta el 28 de septiembre, de 9.30 a 21 horas, se podrá disfrutar de las vanguardias más rompedoras en todos los ámbitos del arte, distribuidos a lo largo de los 2400 metros cuadrados expositivos.

Un total de 39 galerías, tanto nacionales como internacionales, participan en este evento que no es sólo una oportunidad para las galerías, los artistas, los coleccionistas y los aficionados al mundo del arte, sino para toda la ciudad. Valenciana de Ferias S.L., empresa organizadora del evento, ha apostado por un certamen con el que dotar a Valencia de una oferta de nivel, a la altura del prestigio alcanzado en estos últimos años por la ciudad que la acoge. FIARTValencia cuenta, además, con el apoyo de instituciones como el Ayuntamiento de Valencia o la Conselleria de Cultura i Esports

Esta primera edición de FIARTValencia contará con sorprendentes propuestas que completan una feria que aspira a formar parte del circuito de los más importantes encuentros del mundo artístico contemporáneo. A lo largo de toda la semana que esta feria tendrá abiertas sus puertas, los graffitis, un arte vanguardista que desde hace más de dos décadas ha saltado de las calles a los museos y galerías, tendrán su espacio en el evento. El colectivo XLF, formado por Deih, End, Xelön, Cesp, Julieta, Sr. Marmota, On_ly y Escif, pintará in situ 36 metros lineales, cubriendo los dos muros portátiles que flanquearán las puertas de FIARTValencia, situado en el pabellón 8, con su arte.

FIARTValencia ofrecerá también otras actividades con las que reflexionar sobre el mundo del arte. Los días 24 y 25 de septiembre, a partir de las 18 horas la sala Alicante del recinto ferial acogerá sendas conferencias bajo el título "Coleccionismo corporativo de arte contemporáneo". Estas jornadas han sido organizadas por el que fuera Director del Museo del Prado Felipe Garín.

Christina Oiticica: arte y tierra

22/09/2008, La artista Christina Oiticica está llevando a cabo un proyecto artístico “Camino Peregrino”, que culminará en 2010, coincidiendo con el próximo Año Santo Jacobeo. Protagonizan el evento ella y la propia tierra de la ruta a Compostela.

Esta artista entierra sus obras en la ruta para recogerlas luego, cuando la pátina de los materiales y el tiempo las ha transformado. Después de haber experimentado con esta técnica en el Amazonas, los Pirineos y en la India, la artista brasileña eligió el Camino de Santiago para llevar a cabo el projecto “Camino Peregrino”, que durará 5 anos.

Christina Oiticica (Rio de Janeiro, 1951) se ha dedicado a una exótica técnica neoconcretista que recuerda al land art y al ecoarte, en tanto permite que los elementos de la naturaleza influyan sobre sus obras.

Este proyecto – que comenzó en el 2006 y se extenderá hasta el 2010 –, se denomina “Camino Peregrino” y consiste en el “entierro” de cien telas a lo largo del Camino de Santiago para permitir la acción de la naturaleza sobre estas obras. A medida que las obras se “desentierran”, algunas quedan expuestas en el Hotel El Peregrino, ubicado en la villa de Puente la Reina. Otras formarán parte de una exposición itinerante por diversos puntos de España.

Christina Oiticica decidió realizar sus obras en diferentes puntos del Camino de Santiago, aprovechando el relieve de las piedras, la intervención de la lluvia y de la nieve, el color de la tierra, pigmentos naturales y cera.

Una vez terminadas, la artista las “planta” o “entierra” en la tierra durante unos meses permitiendo la interacción de la naturaleza, segunda fase del proceso creativo.

La tercera fase consiste en el “desentierro” de estas obras, que quedan expuestas. De este proceso, que combina el land art con la pintura, “emergen telas simbólicas y abstractas que captan la energía del lugar en donde fueron realizadas, y llevan las marcas de los fenómenos naturales – lluvias, sequías, según la época del año en que fueron enterradas; simbolizando así la germinación cultural”.

Christina Oiticica ideó la combinación del land art – que utiliza como soporte a la naturaleza en tanto materia – con la pintura en los Pirineos franceses, hace cinco años, cuando con una tela de unos 10 metros de largo, decidió pintar al aire libre en medio de la naturaleza. Una vez finalizada la obra, la dejó secar allí mismo.

Al día siguiente, al ir a buscarla, descubrió que el polvo, la tierra, las hojas y algunos insectos se habían integrado en la tela. Sin haberlo premeditado, la naturaleza había influido sobre esta pintura.

A partir de entonces, Christina Oiticica decidió que todos sus cuadros pasarían por la misma experiencia. Primero pintó en los Pirineos, luego en la Selva Amazónica y en el Valle Sagrado de Ganespura, India. En 2006, la artista decidió que su próximo enclave geográfico para llevar a cabo este proceso sería el Camino de Santiago, que había recorrido sola, a pie, hacía 20 años. Una experiencia que ya había vivido en 1986 junto a su marido, el escritor Paulo Coelho.

Así fue que, en septiembre del 2006, decidió volver al Camino para enterrar sus lienzos en diversos puntos del recorrido, permitiendo que tanto la naturaleza como los pies de los peregrinos puedan interferir en las telas, transformándolas.

Para situar históricamente su técnica, hay que retroceder a las corrientes artísticas surgidas en Rio de Janeiro en la década del 70, que cristalizaron movimientos experimentales que habían surgido en los años ’50 como innovaciones del neoconcretismo.

La creadora
Christina Oiticica nació en 1951 en Rio de Janeiro, donde comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes a los 18 años. En sus comienzos, decidió inclinarse por la arquitectura, hasta 1990 cuando decidió que su vínculo con el arte era definitivamente la pintura, tras pasar por el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Casada desde hace 28 años con el escritor Paulo Coelho, con quien comparte una espiritualidad y religiosidad, se define como una artista que combina arte figurativo y abstracto.

En 20 años de su carrera artística, las obras de Christina Oiticica se han exhibido en más de 60 galerías de unos 12 países.

Bodies... The exhibition

22/09/2008, A dos semanas de su cierre definitivo, ‘Bodies’ ha recibido más de 210.000 visitantes. La muestra se clausura el 28 de septiembre, tras ocho meses de éxito en Madrid, para trasladarse a Italia.

Madrid, septiembre de 08
‘Bodies… The Exhibition”, la exposición que durante siete meses ha ilustrado a los madrileños sobre los secretos de su cuerpo, está a punto de cerrar sus puertas. El 28 de septiembre, tras haber recibido la visita de más de 210.000 personas, cerrará sus puertas definitivamente para trasladarse a una ciudad italiana. Así que sólo quedan dos semanas para poder sumergirse en ese viaje visual y didáctico por la anatomía humana a través de once cuerpos reales y más de 260 órganos.

La muestra, instalada en el número 5 de la calle Goya, ha sido sin duda una de las exposiciones más exitosas del año y ha levantado una enorme expectación en la capital española. Además de miles y miles de particulares, numerosos grupos de estudiantes de medicina, enfermería, fisioterapia y otras ramas del saber relacionados con la salud han aprovechado esta oportunidad única de conocimiento.

Durante los siete meses que lleva abierta la muestra, han sucedido numerosas anécdotas, y hubo quien incluso quiso llevarse uno de los órganos que estudiantes de medicina enseñan a los visitantes en el espacio denominado “Balcón de la experiencia”. El ‘caco’ aprovechó un descuido para tratar de llevarse un pulmón pero un miembro del staff de la exposición pescó in fraganti al joven, que alegó haber sentido la tentación irrefrenable de llevárselo a casa para coleccionarlo antes de devolverlo pacíficamente al ser descubierto.

Los estudiantes de Medicina que la organización contrató para resolver todas las dudas de los visitantes se enfrentaron en ocasiones a situaciones insospechadas. Una señora se personó con sus análisis médicos para pedirles una opinión alternativa a la de su médico habitual.

Además de los 200.000 visitantes, tres perros vieron la exposición: se trataba de perros guía que acompañaban a sus dueños invidentes o a sus amaestradores. El personal de sala estaba un poco inquieto ante el comportamiento que podían tener los canes, pero se desvelaron como unos visitantes de lo más respetuoso.

Hasta el cierre de la exposición se mantiene la campaña de reciclaje y recogida de radiografías que “Bodies” impulsa en colaboración con Farmacéuticos sin Fronteras (FSF) desde principios de mayo. El visitante que presenta en taquilla al menos una radiografía que ya no necesita obtiene un descuento de 3,50 euros en el precio de la entrada en días laborables. Diariamente se recogen en las taquillas de “BODIES” más de cien placas, lo que significa que hasta la fecha se han recopilado más de 15.000 radiografías.

De cada kilo de radiografías (que contiene entre 15 y 20 placas) puede lograrse, gracias al proceso de purificación de las sales de plata que contienen, hasta 5,5 gramos de este metal noble. Por cada kilo de material radiográfico reciclado se obtiene plata por valor de entre 1,10 y 1,80 euros, es decir, hasta 1.800 euros por tonelada. Los fondos obtenidos con la venta de los lingotes permitirán comprar medicamentos que Farmacéuticos Sin Fronteras enviará a países donde muchos fármacos cuestan más que la plata y son un producto de lujo fuera del alcance de gran parte de la población.

Reapertura de la basílica de San Isidoro

16/09/2008, La basílica, joya de arte enclavada en el mayor complejo monumental leonés, reabrió sus actividades de culto el 6 de septiembre, con una celebración eucarística presidida por el obispo de León.

León septiembre de 2008
La reapertura al culto se produce después de un cierre de cuatro meses durante el cual se han llevado a cabo las labores de limpieza y restauración de su interior, lo que ha permitido sacar a la luz una iglesia monumental insospechada, en la que destacan su fuerza artística junto a las huellas de su larga historia.

En los días previos a la reapertura, el monumento ha estado abierto para contemplación de quienes están interesados en el mismo. La valoración general ha sido de sorpresa al comprobar cómo ha cambiado la luz y el atractivo interior. La última jornada estuvo dedicada a reponer los elementos necesarios para la liturgia.

Los visitantes del "nuevo interior" de San Isidoro no han dejado de mostrar su admiración. Mariano Saez de Miera, arquitecto conservador de la Catedral, comentó al entrar en el recinto: "me había hecho una idea de cómo podría quedar la basílica, pero esto ha superado mis esperanzas. No lo imaginé nunca así"

San Isidoro es un monumento emblemático, una joya cuya recuperación global continúa. Ahora se abordará una nueva fase para la que existe, por parte de la Junta de Castilla y León, un compromiso de total de apoyo, según anunció el titular del Gobierno Autonómico públicamente en León en una visita realizada poco antes de la reapartura.

La próxima fase de recuperación del complejo de San Isidoro afectará a la fachada sur de la basílica, donde están las puertas del Perdón y del Cordero. Durante este verano ya se han hecho los análisis de la piedra y programado las posibles técnicas de restauración.

"Se ha hecho el trabajo de campo y ahora pasarán los informes a los expertos de la dirección general del Patrimonio de la Junta, institución que se encargará se ejecutar las distintas fases del proyecto", según dijo el abad de San Isidoro, Francisco Rodríguez Llamazares.

Como fase siguiente a ésta debería ser la actuación y reordenación del museo de San Isidoro, actualmente el más visitado de los existentes en León. Éste flujo de visitantes –muy alto en los meses de verano- se nutre en gran parte por turistas extranjeros, en su mayoría convocados por el inmenso prestigio de las bóvedas románicas del Panteón de los Reyes.

El museo exhibe una colección medieval a la altura de las mejores de Europa: las extraordinarias pinturas románicas, el cáliz de Doña Urraca, la magnífica arqueta medieval de San Isidoro, excelentes arquetas de Limoges, la cruz de Enrique de Arfe, códices, tejidos medievales, etc.

El entusiasmo del abad tras la última restauración es evidente. "La restauración del interior del templo es un sueño hecho realidad. El cambio -dice- es espectacular, y lo mejor es que el presidente Herrera ha reiterado el compromiso de que los trabajos de recuperación integral del complejo siguen adelante".

Porque San Isidoro es mucho más que la iglesia; es el complejo palatino y religioso central del Reino de León, que está siendo renovado integralmente en un proceso que ya dura trece años.

Francis Bacon

11/09/2008, La Tate Britain le dedica una amplia retrospectiva en el centenario de su nacimiento. La exposición, del 11 de septiembre al 4 de enero próximo, incluye algunas de las más importantes obras del artista, nacido y muerto en Madrid, en 1992.

Londres, septiembre de 2008
Francis Bacon fue uno de los mayores pintores del siglo XX y la exposición recogerá sus pinturas más importantes de en todas épocas de su vida turbulenta. Bacon es famoso de sus imágenes distorsionadas de personas y animales, en las que reitera un tratamiento peculiar del cuerpo humano, los animales, escenas y retratos. En esta exposición hay magnificos ejemplos de sus retratos y estudios.

Francis Bacon es uno de los artistas más sorprendentes del siglo XX. En su obra laten ecos de Rembrandt, Velázquez o Picasso; sus pinturas, brutales o enigmáticas, dejan al espectador sumergido en un estado de inquietud.

A mediados del siglo XX, estaba desplegándose por Europa y América un fortísimo proceso de desintegración estilística manifestado en los gestualismos, las pinturas de acción, el informalismo matérico o las misteriosas pinturas caligráficas. Pero en medio de ese vértigo se estaba incubando, a la vez, el retorno a las fórmulas sistematizadas, mediante las geometrizaciones, el arte óptico y una nueva figuración.

La “Nueva figuración” avanzó desde el desorden compositivo informalista, y del acercamiento a una plasmación convencional del sujeto, generalmente un individuo aislado. La nueva tendencia unió el planteamiento de partida abstracto con la incorporación de imágenes procedentes de la realidad, pero traspasadas al lienzo con unas características eminentemente subjetivas, que otorgan al producto resultante una visión que evoluciona desde lo hilarante a lo burlesco o a lo sencillamente brutal.

En esta nueva línea se encontrarán gentes como Dubuffet, de Kooning y sobre todo, Francis Bacon, pionero y máximo representante de lo que se denominó “Nueva figuración”.

Bacon 1909-1992 aportó un tratamiento esquemático, analítico espacial, un espacio frío, en el que insertó personajes y escenas donde rebosaba la tensión, la brutalidad y la violencia. Bacon retornaba a la realidad para subvertirla.

No se molestó Bacon en extraer de la realidad las imágenes, sino que las tomó prestadas de Velázquez (el Papa Inocencio X), de Rembrandt (El buey desollado) o sencillamente de álbumes y revistas de fotografías. Y esas personas, animales, cosas o paisajes tomados en préstamo fueron ubicados en ese espacio frío que a veces pareciera una cámara de tortura, y plasmados de una forma distorsionada, deforme o nebulosa.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/francisbacon/default.shtm

¿Sueñas Ciudades?

11/09/2008, Un proyecto de Studio Banana que, a través de cuatro cortos documentales sobre el tema de la ciudad utópica, pretende ser foro de reflexión y diálogo para todos los ciudadanos.

Madrid, 11 de septiembre de 2008
El 11 de Septiembre de 2001 todo cambió. El perfil de la ciudad más universal del mundo cambió. Con él, cambiaron otros horizontes, otras siluetas. Cambiamos todos, y con nosotros, nuestra manera de convivir la ciudad. Y nuestra manera de soñar. De soñar ciudades.

Studio Banana - plataforma de creatividad sin fronteras, multidisciplinar e internacional- propone un debate abierto que nos permita seguir avanzando, una reflexión sobre las ciudades, las que vivimos, y sobre todo las que soñamos, a través de una pregunta: ¿Sueñas Ciudades?

El proyecto está formado por cuatro cortos documentales que funcionan de manera independiente respondiendo todos a la pregunta central: ¿Sueñas Ciudades? Bajo el título de cada uno de los documentales se descubren planteamientos que invitan a la reflexión.

Visiones e Inquietudes
Esta pieza ofrece las afirmaciones e interrogantes en la búsqueda del horizonte deseado. La utopía y la distopía y las dudas que el futuro genera.

Máquinas y Hombres
El contraste entre el futuro tecnificado y la eterna búsqueda de la esencia humana. Lo contingente y lo necesario.

Espacios y Elementos
¿De qué están hechas las ciudades? ¿Con qué contamos y contaremos en la ciudad para seguir soñando ciudades?

Sensaciones y Deseos
Hacia dónde queremos ir, qué ciudades soñamos. Cómo imaginamos la ciudad utópica.

Los cuatro documentales se podrán visualizar en La Nube, una estructura flotante creada por Studio Banana para permitir que el ciudadano tenga literalmente “la cabeza en las nubes”, sueñe, imagine, interactúe y reflexione. La Nube quedará instalada en Matadero Madrid desde el 11 de septiembre hasta enero de 2009.

todos los ciudadanos que quieran participar, interactuar y hacerse protagonistas del intercambio que propone ¿Sueñas Ciudades? Por ello, además de La Nube, ofrece una plataforma virtual, www.StudioBanana.tv, en la que poder ver y comentar los documentales, aportando así nuevas visiones de la ciudad utópica.

www.studiobanana.org

USA Today

11/09/2008, 50 artistas contemporáneos norteamericanos exponen en Córdoba bajo el título "USA Today. Una aproximación al Arte Norteamericano del s. XXI" dentro del Festival Eutopía 08 en la Sala Museística de Cajasur.

Córdoba, septiembre 2008
Realizada por Contemporánea y dirigida por los hermanos Mario y Alejandro Martín Pareja, la muestra explora el reciente trabajo de medio centenar de artistas visuales surgidos en la cultura independiente de la década de los 90, en torno a las escenas del skate, surf, graffiti, punk y hip hop.

La muestra incluye piezas de obra gráfica, pintura, vídeo, literatura y música. Se complementa con una instalación, "Miscelánea", compuesta por objetos y productos que dichos creadores han diseñado para conocidas marcas de moda como adidas, Volcom, Element, Emerica, RVCA, Vans o Toy Machine entre otras.

Lo que empezó siendo un movimiento juvenil ha desembocado en un fenómeno social y de ahí ha saltado a la esfera artistica. Muchos de estos creadores ya son considerados valores seguros en el mercado y comienzan a ejercer influencias estilísticas en las nuevas generaciones. Teniendo en cuenta esto, "USA Today" es una guía imprescindible de la que partir para adentrarse en el Arte Norteamericano que va a inundar el imaginario colectivo en las próximas décadas.

Los artistas presentes en la exposición son: Ray Barbee, Todd Bratrud, Scott H. Bourne, Kelsey Brookes, Thomas Campbell, David Choe, Larry Clark, Richard Colman, Matt Costa, Brian Donnelly (KAWS), Cheryl Dunn, Fernando Elvira, Shepard Fairey (OBEY), Futura 2000, Mark Gonzales, Matt Gordon, Tommy Guerrero, Steven Harrington, Evan Hecox, Ben Horton, Jim Houser, Andy Howell, Cody Hudson, Caroline Hwang, Jo Jackson, Rich Jacobs, Todd James (REAS), Andrew Jeffrey Wright, Andy Jenkins, Chris Johanson, Spike Jonze, Harmony Korine, Matt Leines, Thom Lessner, Chris Lindig, Ari Marcopoulos, Geoff McFetridge, Barry McGee, Ryan McGinness, Mike Mills, Andy Mueller, Neckface, Chris Pastras, Don Pendleton, Andrew Pommier, Steve Powers (ESPO), Clare E. Rojas, Mark Ryden, Andrew Shoultz, Jeff Soto y Ed Templeton.

"USA Today. Una aproximación al Arte Norteamericano del s. XXI"
Sala Museística de Cajasur
Ronda de los Tejares, 6, Córdoba
Del 20 de septiembre al 10 de octubre de 2008
De 12 a 14 horas, y de 18'30 a 21'30 horas

Máquinas & Almas

05/09/2008, Una exposición que explora la convergencia entre arte, ciencia y tecnología, profundizando en el hecho de que, a comienzos del siglo XXI, arte y ciencia discurren por caminos paralelos.

Aunque "Máquinas & Almas. Arte digital y nuevos medios", exposición que acoge el Museo Reina Sofía, no es histórica, lineal y totalizadora, sí refleja la historia de las transformaciones que subyacen bajo las prácticas de los artistas representados.

Los nombres presentes en la muestra se sitúan en una encrucijada muy determinada. "De alguna manera, explica José Luis de Vicente -uno de los comisarios de la exposición- representan a la segunda generación que ha definido los límites del discurso del medio, los que lo han situado más allá de sus comienzos especulativos y han afianzado las bases de sus estrategias y lenguajes".

Se incluye el trabajo de 20 artistas escogidos por su capacidad de aunar arte y ciencia, creatividad, sentimiento y misterio. Tienen múltiples características comunes y trayectorias muy distintas. En común, una larga carrera, el hecho de ser tremendamente respetados en sus campos y una madurez creativa propia de quien ha desarrollado su obra a lo largo del tiempo. Les distingue la edad, su formación, los materiales que utilizan y los métodos de trabajo que emplea cada uno; pero todos utilizan la tecnología digital como herramienta. La utilizan de forma diversa, como soporte, como elemento desarrollador, como medio de investigación, como trampolín a sensibilidades nuevas. Aunque -como reflexiona Montxo Algora, comisario de la muestra- "sus ordenadores por sí mismos no crean. Y sin el sentimiento y la creatividad de sus autores, el arte digital no es nada".

El visitante podrá contemplar, desde los retratos interactivos de Rozin, a los robots antropomórficos de McMurtrie, la video-instalación de Farocki, las esculturas de luz de Friedlander, la instalación/denuncia de Muntadas, los ferrofluidos de Sachiko Kodama, el proyecto de Abad que da presencia en Internet a colectivos marginados, el "software art" de John Maeda, las instalaciones interactivas de Rafael Lozano-Hemmer y la de Daniel Canogar, las pinturas digitales de Evru, las "bestias de la playa" de Theo Jansen o el arte inclasificable de David Byrne, Ben Rubin y Mark Hansen, Vuk Cosic, Pierre Huyghe y Natalie Jeremijenko.

La tremenda diversidad de sus obras es bien representativa del arte digital. Un arte aún en sus inicios y con todas las características de un recién nacido: dubitativo, expectante, compulsivo y con un enorme potencial.

LUGAR: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
FECHAS: Del 15 de septiembre al 13 de octubre de 2008

Caballeros andantes en La Noche en Blanco

05/09/2008, La Biblioteca Nacional participa en La Noche en Blanco con la actividad extraordinaria Una noche con Amadís de Gaula, anticipo de la gran exposición que se inaugurará el próximo 7 de octubre.

Madrid, septiembre de 2008
Cinco siglos después de la primera edición conservada del Amadís de Gaula (Zaragoza, 1508) es el momento de volver la vista atrás e intentar comprender qué eran los libros de caballerías, qué historias, personajes y aventuras se esconden en sus páginas para haber sido el género más difundido en su momento, el que se imprimió en francés, portugués, italiano, alemán, inglés, holandés y hasta en hebreo a lo largo de los siglos XVI y XVII.

Durante La Noche en Blanco se exhibirán, en la antesala del Salón del Patronato de la Biblioteca Nacional, tres obras que adelantan lo que será la gran exposición sobre el Amadís: un manuscrito del siglo XVI con las aventuras de Lanzarote del Lago, un ejemplar de la edición del Amadís publicada en Roma en 1519 y una estampa de Durero de hacia 1550, El galán y la dama, en la que la dama, cansada de esperar al enamorado en su palacio, decide tomar armadura y caballo e ir a su encuentro sorteando y superando mil aventuras.

En la escalinata principal de la Biblioteca Nacional se representará "Amadís se acerca", una de las escenas de El Caballero, espectáculo teatral de José Ramón Fernández elaborado a partir de textos relacionados con la figura de Amadís y de otros caballeros andantes, que podrá verse en el Salón de Actos de la Biblioteca Nacional a partir del próximo 17 de octubre.

UNA NOCHE CON AMADÍS DE GAULA
Exposición de tres obras vinculadas a los libros de caballerías.
Antesala del Salón del Patronato.
De 21:00 a 03:00 horas
Último pase 02:50 horas
Entradas gratuitas, numeradas y limitadas.

AMADÍS SE ACERCA
Espectáculo teatral basado en la figura del Amadís de Gaula
Escalinata principal exterior
Pases: 22:00, 23:00, 00:00 y 01:00 h.
Producción: EscenaTe para la Biblioteca Nacional.

Los Villages de Vacances

20/08/2008, Los centros de vacaciones de Francia te ofrecen una alternativa original para unas vacaciones en total libertad, ya sean en familia, con amigos, o en solitario.

Los centros de vacaciones combinan autenticidad, una convivencia agradable y libertad para permitir una inmersión cultural inigualable a todos aquellos que desean conocer y vivir unas vacaciones “a la francesa”.

Los Centros de Vacaciones son perfectos para disfrutar de unas vacaciones a su medida: en familia, en pareja, solo o con amigos, dedicadas al deporte, a las actividades de descubrimiento o sencillamente a descansar y a relajarse. Además de la diversidad de los lugares y de las numerosas actividades, los Centros de Vacaciones le invitan a convivir con otra gente, sin por ello vivir al ritmo de los demás.

Basado en el descanso, la convivencia y el descubrimiento en profundidad del patrimonio regional, el concepto de Centro de Vacaciones está bastante alejado del turismo tradicional. Repartidos por todo el territorio francés al borde del mar, en la montaña o en pleno campo, los Centros de Vacaciones proponen unos espacios de ocio de tamaño humano con una oferta que rara vez supera las 150 camas. Se acabaron las vacaciones en masa: ¡ha llegado el tiempo de las vacaciones en familia y entre amigos!



Los Centros de Vacaciones proponen un amplio abanico de actividades. Todos los centros están organizados siguiendo un principio básico. Además de la oferta de pensión completa que permite a las madres no tenerse que ocuparse de las tareas cotidianas y poder disfrutar de sus vacaciones… Unos equipos de profesionales de la animación proponen: descubrimiento de la región, deportes en todas sus formas, senderismo y paseos, actividades artísticas y hasta noches completamente locas… Hay para todas las edades y para todos los gustos. Los Centros de Vacaciones ofrecen asimismo la posibilidad de elegir una estancia temática: talasoterapia, bridge, clases de inglés…

Estas actividades, a cargo de monitores con el diploma estatal, se suman a la oferta de varias pistas de tenis, ping pong y piscinas con que están equipados la mayoría de los centros. Acogen tanto a las familias como a clientes individuales que desean vivir unas vacaciones diferentes, con numerosas actividades culturales, deportivas y gastronómicas para que cada cual pueda disfrutar de sus pasiones durante su estancia.

Encrucijadas en México

13/08/2008, La muestra "España, encrucijada de civilizaciones" llega a México de la mano de La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España y el Museo Arqueológico Nacional.

México, agosto de 2008
La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), el Museo Arqueológico Nacional de España y el Museo Nacional de Antropología de México han organizado la exposición España, encrucijada de civilizaciones, que se podrá visitar del 12 de agosto al 5 de octubre de 2008 en el Museo Nacional de Antropología en México DF.

La muestra cuenta además con la colaboración de los ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura y de la Embajada de España en México.

Según su comisario, Félix Jiménez, el objetivo fundamental de la exposición es mostrar al visitante, a través de más de 240 piezas de primera calidad, la enorme variedad cultural del pasado español y las transformaciones materiales e ideológicas que han convertido a la Península en un mosaico de pueblos y en un privilegiado laboratorio para el mestizaje cultural.

Las piezas elegidas ilustrarán, a través del tiempo, cómo han ido evolucionando los diferentes aspectos vitales de la cultura, como son la economía, la tecnología, el arte, la sociedad, la guerra y la ideología, resultando de todo ello, una exposición que pretende transmitir una visión de la historia española amena, didáctica y no exenta de un notabilísimo valor estético, acorde con la importancia y calidad de los pueblos que han contribuido a su configuración.

España, encrucijada de civilizaciones
Museo Nacional de Antropología
Pº de la reforma esquina Gandhi s/n. México DF


Más información en:
SEACEX

Arqueología Marítima y el antiguo comercio en el Mediterráneo

13/08/2008, Una conferencia organizada por el Centro de Arqueología Marítima del Instituto Arqueológico de la Universidad de Oxford y prevista para el próximo mes de septiembre en la Universidad Carlos III.

Madrid, agosto de 2008
Las expediciones marítimas fueron durante siglos un vínculo trascendental para el acercamiento entre pueblos y culturas en el Mediterráneo. Los únicos testigos que nos han dejado huella de este pasado son los restos materiales, ya sean de viajes de descubrimiento, comercio o guerra rescatados por los investigadores del fondo del mar.

La arqueología submarina es la ciencia que estudia estos restos e intenta comprender las vidas de los protagonistas de estas aventuras marinas y las de aquellos que se quedaban en el puerto.

Este encuentro, que se celebra por primera vez en España y tendrá lugar en las instalaciones en Getafe de la Universidad Carlos III de Madrid, explorará la contribución de la arqueología submarina al entendimiento del antiguo comercio e intercambio en la región del Mediterráneo. Las ponencias examinarán asuntos como las rutas marinas y modelos de comercio, los naufragios o la economía antigua. Los participantes tratarán sobre la conexión entre los puertos y pecios con las redes de comercio más amplias del Mediterráneo.

Entre los ponentes que participarán en las jornadas se encuentran famosos académicos de diversas disciplinas como las catedráticas Elizabeth Green del departamento Classics de la Brock University de Canadá, que hablará sobre "La interconexión del Este del Mediterráneo; de naufragios a la economía arcaica" y Cheryl Ward del departamento de Antropología de la Florida State University que disertará sobre "Piratas, vinateros y cachivaches en Sicilia".

Por su parte, el catedrático español Josep Padró del departamento de Prehistoria, Historia Antigua y Arqueología de la Universidad de Barcelona tratará en su ponencia sobre "El comercio marítimo entre el este y oeste del mediterráneo entre los años 1200 y 200 antes de Cristo", y Jaime Alvar y Mirella Romero del departamento de Historia de la Universidad Carlos III de Madrid sobre "Arqueología Marítima en España, historia de la antigua navegación."

La conferencia se celebrará en Madrid, coincidiendo con la Exposición "Tesoros sumergidos de Egipto"; esta muestra recoge estatuas, piezas y objetos de los siglos VIII antes de Cristo al VIII después de Cristo rescatados por el arqueólogo submarino Franck Goddio y su equipo en los puertos egipcios sumergidos de Alejandría, Heraclion-Thonis y Canopo.

El Oxford Centre for Maritime Archaeology se creó en 2003 en la Universidad de Oxford en cooperación con Franck Goddio y la Hilti Foundation, que desde hace más de diez años apoya las expediciones arqueológicas de Franck Goddio. El Centro está dedicado a la enseñanza y a la investigación de la arqueología marítima en la Universidad de Oxford. El personal del centro y los estudiantes participan en excavaciones, realizan detallados análisis académicos de las piezas recuperadas y difunden estos nuevos conocimientos y descubrimientos a través de publicaciones especializadas y conferencias académicas.

La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990

13/08/2008, La exposición presenta, por primera vez en España de una forma sistemática, unas 150 obras de 25 artistas conceptuales rusos que trabajaron en Moscú en los últimos treinta años de la extinta URSS.

Madrid, 08 del 08
La Fundación Juan March inaugurará en Madrid, el próximo viernes 10 de octubre, la exposición La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990, que hasta el 11 de enero de 2009, presentará por primera vez en España, de forma sistemática, unas 150 obras de 25 artistas conceptuales que, en el Moscú de los últimos treinta años de la extinta URRS, trabajaron en los márgenes de la sociedad como la soviética.

La muestra ha sido concebida y coorganizada por la Fundación Juan March y la Schirn Kunsthalle de Frankfurt con el comisariado de Boris Groys, el conocido ensayista y especialista sobre el arte y la condición cultural rusa, autor de varios ensayos sobre pensamiento y cultura contemporánea. Nacido en 1947 en el Berlín Oriental, formado en la Unión Soviética y emigrado a Alemania Occidental (entonces) en 1981, es profesor de Filosofía y Teoría de los Medios de Comunicación, es Global Distinguished Professor en la Universidad de Nueva York, ha comisariado numerosas exposiciones y es autor de una decena de libros, entre otros: Sobre lo nuevo. Ensayo de una economía cultural y Bajo sospecha. Una fenomenología de los medios.

¿Se puede imaginar un lugar en el que el sueño de una de las utopías de la Modernidad se haya hecho realidad? ¿Un lugar sin diferencias entre alta cultura y cultura de masas, con artistas trabajando en un mundo que carece oficialmente de mercado de arte, galerías, crítica, coleccionismo, publicaciones o instituciones más allá de las oficiales? ¿Un lugar donde ni siquiera exista el público? Sí. Y la reflexión sobre esa realidad, la vigente en la Unión Soviética, desde al menos los años treinta hasta su disolución en 1991, es lo que muestra esta exposición.

Entre 1960 y hasta 1991, los artistas que Boris Groys incluyera ya en 1979 bajo la denominación de "conceptualistas románticos moscovitas" vivieron y trabajaron en Moscú en los márgenes del contexto cultural impuesto por las condiciones del sistema vigente en la Unión Soviética hasta 1991. O lo que es lo mismo: por las condiciones de una utopía efectivamente realizada según un plan artístico total.

El objetivo de la muestra es hacer una contribución al análisis histórico de una de las estrategias artísticas más pregnantes del siglo XX y de la corriente artística más importante de la Rusia de la segunda mitad del siglo XX, a través de una mirada amplia sobre las posiciones centrales de la primera y la segunda generación de artistas conceptuales de Moscú.

La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990 irá acompañada de un catálogo profusamente ilustrado y con textos inéditos de Boris Groys, Martina Weinhart, Manuel Fontán del Junco, Ekaterina Bobrínskaia y Dorothea Zwirner. Incluirá también escritos de Iliá Kabakov y Andrei Monastyrski traducidos por primera vez al español, además de biografías documentadas de todos los artistas y una cronología de los acontecimientos más significativos de la época.

La Fundación Juan March ofrecerá también en octubre, coincidiendo con la exposición un ciclo de conciertos con músicas de compositores como Alfred Schinttke, Sofia Gubaidulina y Edison Denisov, junto a otros nombres menos conocidos de la segunda mitad del siglo XX ruso, así como un ciclo de conferencias a cargo de historiadores, ensayistas y artistas.

Fundación Juan March

Bienal de Liverpool

30/07/2008, Vuelve el mayor Festival de Arte Visual Contemporáneo del Reino Unido, en el que los mejores artistas británicos compiten por el Premio John Moore de pintura contemporánea.

Liverpool, julio de 2008
El próximo mes de Septiembre, los visitantes de Liverpool disfrutarán como nunca al doblar las esquinas y encontrarse con las obras de algunos de los mejores artistas del mundo por las calles de la ciudad. Este año el festival promete ser más grande y mejor que nunca.

Artes Visuales
Una buena dosis de talento y originalidad ilumina las artes visuales en Liverpool 2008. Después de Londres, es la ciudad con más museos y galerías de Gran Bretaña. Aquí sólo encontrarás obras maestras.

La gloria y el esplendor de su pasado industrial brillan tanto en las colecciones de arte como en los edificios que las acogen, es el caso de la Walker Art gallery, la Lady Lever gallery (Port Sunlight) y el resto de edificios que configuran los Museos Nacionales de Liverpool.

Artistas de todo el mundo estrenarán sus últimos trabajos en la Bienal de Liverpool de 2008, que este año tira la casa por la ventana.

Bluecoat es el edificio dedicado a las artes más antiguo de Gran Bretaña y este año ha reabierto sus puertas para convertirse en un oasis cultural en el centro de la ciudad. En Greenland Street, Afoundation ha creado algunas de las salas de exposiciones más grandes de Gran Bretaña, justo al lado del nuevo Contemporary Urban Centre.

La guinda del pastel la ponen la Tate Liverpool, en la que podrás ver la Colección Nacional de Arte Moderno en el Norte de Inglaterra, Open Eye y su impresionante colección de arte digital y multimedia, y la Foundation for Art and Creative Technology (FACT).

Todo este talento tiene este año una plataforma única de exposiciones y eventos culturales en los que además podrás disfrutar del floreciente cine hecho en Liverpool con proyectos como Digital Departures, un conjunto de películas que se estrenarán a lo largo de 2008.

Artes escénicas
El secreto de la cultura en Liverpool son sus salas. The Empire Theatre, Liverpool Playhouse y Everyman, The Philharmonic Hall, Royal Court, Unity y Bluecoat area son producto del inmenso talento creativo y a su vez son los catalizadores de grandes actuaciones.

Liverpool es una ciudad rebosante de imaginación y necesita expresar sus emociones en forma de danza y teatro.

En los alrededores de Hope Street se respira la energía de las escuelas de arte, de los cafés, las academias y los teatros. Aquí se mima el talento en más de diez academias y escuelas de arte, en teatros como el Everyman y el Unity y con espectáculos como el British Dance Edition.

El festival contemporáneo de música dance Leap y el festival del sudeste asiático Milapfest se suman a la dinámica agenda de espectáculos que también cuenta con la magia del circo de Marruecos y su Homotopia, el festival de artes gay y lésbico y los eventos especiales del 2008, como Liverpool is Burning, Babul and the blue Bear, Contacting the World y Eric’s.

Como complemento, la programación de teatro y danza popular tiene el honor de contar con la presencia de compañías como el Ballet Nacional de Inglaterra y la "pera Nacional de Gales a lo largo del año.

La estrella de las artes escénicas de Liverpool siempre ha sido el teatro. Un poco de comedia, originales guiones y dramas que hielan la sangre. El teatro de Liverpool siempre piensa en la comunidad y la ciudad, por eso la Royal Court actúa por y para el pueblo, y este año con más razón, ya que es el año dedicado a las artes escénicas.
http://www.visitbritain.es

Rembrandt, al museo del Prado

28/07/2008, Rembrandt es uno de los grandes pintores prácticamente ausente de los museos españoles, incluso de la pinacoteca del Prado. Una muestra sobre el holandés va a paliar temporalmente esta ausencia.

Madrid, julio de 2008
Rembrandt (Leiden, 1606- Ámsterdam, 1669) apenas está representado en las colecciones españolas. El Prado cuenta sólo con una única pintura autógrafa del maestro holandés, Artemisia (1634). Por esta razón, el Museo ha decidido organizar una exposición que permita al público acercarse a la obra del artista holandés considerado uno de los más grandes pintores en la historia del arte occidental.

Con unas 35 pinturas y 5 estampas, procedentes de veinte puntos distintos de Europa y Estados Unidos, la exposición, patrocinada por BBVA, se centra en la figura de Rembrandt como pintor narrador.

Aunque el maestro de Leiden fue también un gran pintor de retratos y de paisajes, su faceta como pintor de historia muestra con especial claridad la forma en la que su arte emana de la tradición de la pintura renacentista europea y, al mismo tiempo, permite comprobar su originalidad.

Es precisamente este aspecto del arte de Rembrandt el que mejor conecta, y al mismo tiempo el que mejor contrasta, con la tradición pictórica que representa el Prado. Así, será fascinante tener la oportunidad de observar sus obras junto a las de algunos artistas que fueron sus principales fuentes de inspiración, especialmente Tiziano y Rubens, y poder comparar su respuesta a esas fuentes en el mismo escenario donde se ve a Velázquez, también heredero de esa misma tradición, respondiendo a ellas.

La exposición, en las salas A y B del nuevo edificio de la ampliación del Museo, se ordenará de forma cronológica presentando la evolución de Rembrandt como pintor de temas tomados de la historia, de la religión y de la mitología clásica. Con el fin de ayudar a comprender la peculiar mirada que Rembrandt dirige a estos asuntos como reflejo de su visión del mundo. En la exposición están representadas todas las fases de su carrera como artista.

En su juventud se centra en la manifestación externa de las emociones y los sentimientos humanos, que expresa a través de gestos y expresiones muy animadas. En estos años su mirada hacia el mundo a menudo es burlona y jocosa. A partir de 1645 aproximadamente se observa un cambio en su manera de mirar el mundo y de entender la vida. Los cuadros que pinta a partir de ese momento muestran una emoción más introvertida, adquiriendo una gravedad y transmitiendo una sensación de peso moral que son realmente conmovedoras y que suponen lo más original del pintor.

De sus obras de juventud cabe destacar la presencia del cuadro San Pedro y San Pablo, prestado por la National Gallery of Victoria de Melbourne. También estarán presentes varias obras maestras de la fase de madurez del pintor, como el monumental Sansón y Dalila del Stádel Museum de Frankfurt.

Asimismo de la fase más personal de la carrera de Rembrandt, sus últimos años hasta su muerte en 1669, se mostrarán varias obras características de este periodo incluida una de las obras más importantes pintadas por el artista en estos años, la Betsabé del Museo del Louvre.

La exposición concluye con Autorretrato como Zeuxis, del Wallraf-Richartz Museum – Fondation Corboud de Colonia, pintada sólo cinco o seis años antes de su muerte y última obra en la que el artista, particularmente obsesionado con la representación de su propia imagen, se retrató a sí mismo.

En la muestra también está incluido su Autorretrato con traje oriental, del Petit Palais de París, pintado en 1631, a los 25 años de edad. Su representación como Zeuxis, famoso pintor griego del siglo V antes de Cristo que según la leyenda murió de risa al retratar a una anciana, explica la cómica sonrisa del artista en este último autorretrato con casi 60 años.

Verano en Graz

22/07/2008, Graz es un lugar que inspira tranquilidad. Tras una corta fase como residencia imperial, hace ya casi 500 años, el lugar perdió su importancia política para ganar en apacibilidad. Una ciudad para gente que sabe disfrutar de la vida.

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Austria, julio de 2008
En el siglo XIX pudientes funcionarios de la monarquía austro-húngara se afincaron en la población. Los que en su juventud marcharon regresaban al jubilarse para disfrutar de la belleza, el sol, la cultura y de la vida social de un lugar que acabó recibiendo el mote de "Pensionopolis". Hoy en día ese apodo es sólo un recuerdo, pues la ciudad ha rejuvenecido gracias a los 60.000 estudiantes que residen en ella en la actualidad.

Su carácter abierto y los muchos influjos han hecho de Graz algo especial. Durante siglos la ciudad ha absorbido como una esponja lo italiano con lo panónico y lo eslavo. Algo que le ha sentado muy bien a la población.

Numerosos arquitectos renacentistas italianos dieron en su día a la ciudad el aspecto que hoy tiene, algo que puede verse rápidamente en el "núcleo urbano antiguo mejor conservado de Europa Central". Por ello, Graz forma parte de la lista del patrimonio cultural de la humanidad de la UNESCO.

Además, en la ciudad se come tan bien y tan barato como en pocos sitios, es recomendable probar sus fantásticos vinos blancos, el singular aceite de pipas de calabaza, los deliciosos productos ahumados y sus finos aguardientes. Todos estos productos son la base perfecta para una cultura sibarítica que respeta lo regional integrando desenfadadamente lo internacional.

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Agenda cultural:

Jazzsommer
El festival estival de jazz de Graz se celebra durante los meses de julio y agosto en el extraordinario ambiente de "Kasematten" en la colina Schlossberg. Un ambiente incomparable con música y delicias gastronómicas caracterizan las tibias noches durante el programa estival "Grazer Jazz-Sommer".

La Strada
Fiesta internacional de teatro callejero y figurativo. Del 26 de julio al 2 de agosto todo Graz se convierte en el centro del arte callejero y baila al son que otros tocan.

Picos de Europa: 90 años

20/07/2008, El Parque Nacional de los Picos de Europa cumple 90 años, pletórico de salud y belleza. Uno de los parajes más bellos de España, que cada año recibe la visita de 2 millones de personas.

Por Tomás Alvarez
Los Picos de Europa son como un conjunto montañoso que tiene entidad propia y que se sitúa al norte de la línea por la que discurre la Cordillera Cantábrica. Sus tres macizos y las cabeceras de los ríos Cares, Sella y Deva integran un territorio de 64.600 hectáreas, donde se asientan 12 pueblos de León, 6 de Asturias y 2 de Cantabria.

El Parque Nacional de los Picos de Europa, fue el primero de los creados en España y posee el mayor número de grandes vertebrados. Únicamente falta el lince, de entre los grandes protagonistas de la fauna española. Cumple sus primeros 90 años en un excelente estado, parcialmente ensombrecido por la crisis del urogallo.

HISTORIA
El 22 de Julio de 1918 se declaró Parque Nacional de la Montaña de Covadonga a un paraje montañoso, dentro del cual quedaban incluidos los núcleos habitados de Covadonga (Asturias) y Caín (León), ámbitos de agreste belleza, relacionados con la propia historia de España, que entonces celebraba el 12 centenario de la batalla que inició la Reconquista. Fue la primera declaración en España de este tipo de paraje protegido.

La zona tiene vigor histórico. Poblada desde el paleolítico, cobró relevancia en los inicios del siglo VIII. En Covadonga estaba la cueva desde la que Pelayo derrotó a un destacamento musulmán y cerca de Caín la humilde ermita de La Corona, donde Pelayo fue coronado rey.

El Parque pasó a denominarse de los Picos de Europa en 1995, cuando se amplió a los tres macizos de los Picos y las cabeceras de los ríos, englobando un riquísimo elenco de flora y fauna y 20 poblaciones, donde habitan 1264 habitantes.

La evolución de la población del Parque es descendente, pero más contenida que en el entorno, porque el propio Parque Nacional contribuye a darle atractivo turístico y promueve empleo con sus iniciativas de mantenimiento e información a los visitantes. Quienes visitamos el parque hace doce o quince años y volvemos a él podemos comprobar que van surgiendo hostales, restaurantes y casas rurales, aun que se echa un poco de menos el cuidado del patrimonio, desde las humildes iglesias a los hórreos.

Funcionan en la actualidad los centros para informar a los visitanates en Tama (Cantabria) y Lagos (Asturias) y están en marcha dos más en León: "En Posada de Valdeón contamos ya con terrenos y se está redactando el proyecto, y en Oseja de Sajambre, tenemos ya el proyecto y se busca el emplazamiento para el centro de interpretación. Son obras que en tres años deberían estar en funcionamiento", afirma el director del Parque Nacional, Rodrigo Suárez.

Ha habido años de más de 2.000.000 de visitantes, según datos oficiales, aunque la cifra actual es menor. Ese descenso –sin embargo- no es real, sino debido a que los criterios de contabilidad son más rigurosos ahora.

"Tenemos en la actualidad -afirma Suárez- 1.790.000 visitantes año, según los últimos datos, de 2007, y la cifra puede crecer algo, pero de forma limitada. Hay que compaginar la explotación económica de los lugares con la calidad ambiental. De no ser así, nos cargaríamos el recurso"

VARIEDAD BIOLÓGICA
La ubicación geográfica, las diferencias de altitud -desde los 75 metros sobre el nivel del mar de Peñamellera Baja hasta 2.646 en Torre Cerredo- y las peculiares formaciones geológicas hacen que en este espacio confluyan desde los ambientes alpino y subalpino al bosque atlántico y microclimas mediterráneos.

Entre la fauna, destaca la gran presencia del rebeco, con unos 5.000 ejemplares. También aparece por aquí el oso, el lobo, el urogallo, e incluso el quebrantahuesos, cada vez más asiduo en el parque, aunque no nidificante.

Hay censadas 212 especies de vertebrados. En general con poblaciones en buen estado, si bien en el caso del urogallo es poco halagador.

EL UROGALLO
"En la Cordillera Cantábrica había 582 machos de urogallo censados en 1982, y tal vez no queden en la actualidad 200. La situación es muy difícil e influyen distintos factores", argumenta Rodrigo Suárez. Ç

Las causas del declive son varias: “Están bajando sus recursos tróficos porque los bosques se van cerrando, desaparecen los claros, donde abundaban los arándanos, aumenta el venado que compite por las arandaneras y el jabalí, que depreda las puestas, que están al nivel del suelo..." "De momento hemos empezado a hacer desbroces, para fomentar las arandaneras; poniendo vallados señalizados, para que no se dañe en los días de niebla, porque vuela muy bajo. Está en vigor un plan nacional de cría, con objeto de poner en marcha una población reproductora, con centros en Ladines (Asturias) y Valsemana (León).”

EL QUEBRANTAHUESOS
El quebrantahuesos crió hasta los años 60 y desapareció por la abundancia de venenos y de los disparos. Afortunadamente ha crecido mucho la responsabilidad de la gente.

"Ahora hay presencia habitual de ejemplares que vienen desde Pirineos. Cada vez aparecen más adultos y subadultos". Hay estudios que predicen un asentamiento permenente, aunque los plazos son largos.

OSO Y LOBO
La presencia del oso es creciente. El Parque está en la zona osera oriental, la de menos población; pero es habitual su presencia, El director señala que hace días se vio una osa con sus crías, y algún campesino confirma la presencia osera en estos días

También ha reocupado espacios el lobo, y se pretende hacer compatible su vida con las explotaciones ganaderas, básicas para mantener el uso tradicional del territorio.

Fruto de la presencia ganadera son los magníficos quesos: los Cabrales, Valdeón y el escaso Gamonedo.

El lobo es una especie complicada. Reapareció cuando habían cambiado las costumbres ganaderas.. y hay que hacer compatible la ganadería extensiva con la presencia del animal, consiguiendo sistemas para disminuir su presión, mediante cercados eléctricos y otras iniciativas.

EL REBECO
Del rebeco hay una población elevada, unos 5.000 ejemplares, pero la epidemia de sarna afecta ya al 60 por ciento del parque y está disminuyendo los efectivos.

De momento, se deja que la situación evolucione por libre, por selección natural. El director del Parque desestima medidas duras de control, que no han servido. Tampoco sirve un tratamiento sanitario porque se necesitaría inmovilizar a los animales durante al menos quince días, y eso es imposible...

Tras la llegada de la sarna hay una disminución de efectivos y luego se recuepera la población bastante... además ya se empiezan a ver animales que han superado el ataque.

EL FUTURO
El parque sigue en proceso de crecimiento. En Peñamellera Baja, va a incluirse el río San Estaban, que aporta un espacio de salmón y variedades interesantes de helechos; De Peñarubia (Cantabria) se incluirá el desfiladero de La Hermida, con flora típica de los cañones y un alcornocal. Por ultimo, Peñamellera Alta, que en su día renunció a entrar en el parque, que en febrero de 2008 ofreció, por acuerdo unánime, una importante superficie boscosa para ser añadida al territorio protegido.

El futuro del parque implica la desaparición total de la caza, aún legal en parte que territorio. "Debemos negociar con quienes tienen derechos cinegéticos: hay que buscar alternativas, pero la caza debe quedar prohibida en el Parque. Así lo exige también la homologación internacional".

El secreto de la pervivencia de este espacio está en compatibilizar esta riqueza natural y su explotación por el hombre, manteniendo las señas de identidad.

Es necesario extremar la defensa del patrimonio existente; la construcción tradicional, los hórreos, las ermitas, etc. En caso contrario, este paisaje perderá sus señas de identidad y se transformará –sin más- en un rincón que bien pudiera estar en un punto de Austria o Suiza.

Es muy urgente preparar un plan de defensa de los hórreos, que ahora ya no se utilizan y mueren de viejos sin que nadie les eche una mano.

Andreas Feininger en Cuenca

18/07/2008, Por primera vez en España una retrospectiva de 71 obras de este artista que trabajó en esa frontera difusa entre la fotografía artística, el fotorreportaje y el fotoperiodismo.

Cuenca, julio de 2008
Hasta el próximo 31 de agosto se podrá disfrutar en las salas de exposiciones temporales del Museo de Arte Abstracto Español, (Fundación Juan March), de Cuenca, de una retrospectiva de 71 obras del fotógrafo norteamericano Andreas Feininger (1906-1999), una de las figuras destacadas de la fotografía del siglo XX, que experimentó, en los primeros años de esa centuria, con la fotografía como medio artístico para derivar, en décadas posteriores, a un campo propio, esa frontera difusa entre la fotografía artística, el fotorreportaje y el fotoperiodismo.

Andreas Feininger (París, 1906 - Nueva York, 1999)
Fue el mayor de los hijos de Lyonel Feininger, el conocido pintor americano de origen alemán. En 1908, la familia Feininger viaja a Berlín y de allí, en 1919, a Weimar, donde el padre fue profesor -junto a Le Corbusier, Walter Gropius, Vassily Kandinsky o Johannes Itten- de la recién fundada Bauhaus.

A principios de los años veinte, Andreas Feininger estudió ebanistería en la Bauhaus, y posteriormente continuó su formación como arquitecto. Tanto la obra y las aficiones de su padre, como algunos de los principios de aquella escuela -la importancia de la composición, la claridad, la perspectiva o las proporciones- serán características constantes en el posterior trabajo fotográfico del joven Andreas Feininger. En efecto: el interés por todo lo relacionado con la naturaleza y su representación acabó convirtiendo la fotografía en su gran pasión.

En 1929 su obra aparecía, junto a la de El Lissitzky o Laszlo Moholy-Nagy, en ensayos de vanguardia como el célebre Photo/Auge de Franz Roh. Feininger fue de los primeros de una generación de artistas que descubrió y experimentó con la fotografía como medio artístico en los años que siguieron a la I Guerra Mundial, como muestran algunas de las imágenes de sus inicios, seleccionadas para esta exposición. Cercano a la experimentación fotográfica de los años 20, que después abandonaría, Feininger es sobre todo un "anatomista" (Jean-François Chevrier) heredero de Blossfeldt y de Alfred Renger-Patzsch.

Completados sus estudios, Andreas Feininger trabajó como arquitecto en Hamburgo y, por un breve periodo, con Le Corbusier, en París. En 1933 las autoridades francesas cancelaron su permiso de trabajo y se marchó a Estocolmo. Allí se dedicó del todo a la fotografía, y muy rápidamente adquirió cierta celebridad como fotógrafo de arquitectura. Pero con el inicio de la II Guerra Mundial su situación (Feininger seguía siendo ciudadano americano) se hizo cada vez más complicada y en 1939 emigró a los Estados Unidos junto a su mujer, Wysse Hägg.

Algunos contactos realizados en Europa le facilitaron un contrato con la Black Star Agency, una de las principales agencias de fotógrafos de Nueva York. Fue un periodo duro, en el que compaginó sus trabajos por encargo con su pasión, deambular libremente por la ciudad y retratarla: edificios, calles, puentes, cementerios, comercios; la belleza natural de Central Park, la pobreza del Lower East Side, el "Skyline" de Manhattan o la grandiosidad del puente de Brooklyn: Nueva York fue, siempre, uno de los temas preferidos de Feininger.

Mientras trabajaba en la Black Star conoció a Wilson Hicks, que le ofreció un trabajo como freelance en Life, la revista pionera del fotoperiodismo moderno, cuya única exigencia para sus fotógrafos era la de conseguir fotografías artísticas, originales al máximo y también útiles. Feininger fue uno de los fotógrafos estrella de Life durante largo tiempo, y se hizo célebre con sus famosas "double page", las fotografías a doble página, empleando objetivos de fabricación propia y cuidando al detalle la técnica y la elección de motivos, temas y puntos de vista.

La exposición muestra un gran número de obras de esa prolífica etapa, en la que compaginó sus dos grandes temas: el retrato de la vida urbana (su belleza, más que sus conflictos) y su particular "anatomía" de la naturaleza, con sus fabulosos primeros planos de insectos, flores, conchas, rocas…

El 1945, Hicks propuso a Feininger escribir sobre fotografía. Hasta este momento, Feininger había publicado algunos artículos en Alemania e incluso libros, como el dedicado a Estocolmo, de 1936. Desde su primer libro de teoría y técnica fotográfica (New Paths in Photography, de 1939) hasta su muerte en 1999 Feininger publicó más de 50 libros, algunos de los cuales podrán verse en la exposición, junto a algunas de sus cámaras, revistas y documentos de época. Un año antes de su muerte donó su archivo, sus cámaras y casi todos sus negativos al Center for Creative Photography de Tucson (Arizona).

Para la exposición la Fundación Juan March ha preparado un catálogo, con formato de revista que quiere recordar un ejemplar de la época de la revista Life, profusamente ilustrado y documentado, que presenta la obra fotográfica de Andreas Feininger desde ese espíritu de la revista Life de los años 40, con textos del propio Feininger -"Una filosofía de la fotografía"-, una entrevista a Andreas Feininger por John Loengard y textos de especialistas como Thomas Buchsteiner, Jean-François Chevrier y Juan Manuel Bonet.

ViñaRock 08, todo un éxito

17/07/2008, Una edición más el Viña Rock brilló en su lugar natural y original...

Una edición más el Viña Rock brilló en su lugar natural y original, ese sitio mágico y rockero de la Mancha de cuyo nombre no podemos, ni queremos olvidar. Durante el puente de mayo se llevo a cabo en la localidad de Villarobledo (Albacete) la XIII edición del Festival de Arte Nativo Viñarock, edición marcada en cierta manera por la polémica originada en 2007 por el conato de trasladar este festival a otra ubicación (Benicassin) con un resultado algo negativo.

Dejando las polémicas aparte, la propuesta que presentaba el festival no defraudó a los asistentes, y este año se organizó en cinco escenarios, los casi 50 grupos de muy diferentes estilos, por lo que hubo que ajustarse a estrictamente al horario, que señalaba una hora por concierto, norma que casi ningún grupo pudo saltarse.

Se pudieron escuchar algunos de los grupos míticos e imprescindibles en este y otros festivales, como Soziedad Alkólica, Barricada, Rosendo, Siniestro Total…. También se movio la gente al ritmo de el Bicho, Amparanoia, Muchachito Bombo Infierno, Canteca de Macao…e incluso esta edición tuvimos la oportunidad ver en directo al maestro Peret, que fue una de las aportaciones en la apuesta por la diversidad del festival.

Hablando de diversidad, cabe destacar una apuesta que se erigió uno de los mejores momentos del festival, el gran Emir Kusturica y la No Smoking Band, que animaron lo indecible y la gente bailo sin parar. Un momento mágico donde se tocaron algunas canciones de su ultimo disco Gipsy time, y que te trasladaban al sentimiento de bailar en una fiesta balcánica… o en alguna de sus famosas películas.

Como es complicado hablar de todos los conciertos del Viña Rock 08 y de todos los grupos que se dieron cita en Villarrobledo, resaltamos también el magnífico concierto de Narco, o de Sepultura, y muy animado el de los franceses Le Peuple de L´Herbe y muchos más.

Sólo cabe decir para los que no hayáis podido disfrutar de este Viña Rock, que hay que recomendaros que no dejéis de acudir el próximo año.

nuevos sitios en la Lista del Patrimonio Mundial

09/07/2008, El Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO, que celebró en Quebec su 32 reunión, finalizó el 8 de julio con la inscripción de 19 sitios culturales y la incorporación de ocho sitios naturales a la Lista Mundial.

Los nuevos sitios culturales inscritos en la 32 reunión fueron:

Bloques de viviendas modernistas de Berlín (Alemania);
Sitio arqueológico de Al Hijr – Madain Salih (Arabia Saudita);
Sitio sagrado del templo de Preah Vihear (Camboya);
Tulou de Fujian (China);
Llanura de Stari Grad (Croacia);
Centro histórico de Camagüey (Cuba);
Iglesias de madera de la parte eslovaca de los Cárpatos (Eslovaquia);
Fortificaciones de Vauban (Francia);
Conjuntos monásticos armenios (Irán);
Lugares sacros bahaíes en Haifa y Galilea Occidental (Israel).
Mantua y Sabbionetta (Italia);
Bosques sagrados y kayas de los mijikenda (Kenya);
Melaka y George Town, ciudades históricas del Estrecho de Malacca (Malasia);
Paisaje cultural del Morne (Mauricio);
Villa Protectora de San Miguel el Grande y Santuario de Jesús Nazareno de Atotonilco (México);
Antiguo sitio agrícola de Kuk (Papua Nueva Guinea);
Centro Histórico de San Marino y Monte Titano (San Marino);
Ferrocarril rético en el paisaje de los ríos Albula y Bernina (Suiza e Italia);
Dominios del jefe Roi Mata (Vanuatu);

Los nuevos sitios naturales inscritos en la 32ª reunión son:

Acantilados fosilíferos de Joggins (Canadá);
Parque Nacional del Monte Sanqingshan (China);
Lagunas de Nueva Caledonia: diversidad de los arrecifes y ecosistemas conexos (Francia);
Surtsey (Islandia);
Saryarka – Estepa y lagos del Kazajstán septentrional (Kazajstán);
Reserva de biosfera de la mariposa monarca (México);
Sitio tectónico suizo del Sardona (Suiza);
Archipiélago de Socotra (Yemen):

Las ampliaciones de sitios ya inscritos en la Lista son:

Centros históricos de Berati y Gjirokastra (Albania);
Cueva de Altamira y arte rupestre del norte de España (España);
Ferrocarriles de Montaña de la India (India);
Muro Antonino (Reino Unido).

Los siguientes países ingresaron este año por primera vez en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO : Arabia Saudita, Papua Nueva Guinea, San Marino y Vanuatu. La Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO tiene ahora un total de 878 sitios: 679 culturales, 174 naturales y 25 mixtos en 145 países.

Homenaje y Memoria

08/07/2008, La Fundación Salvador Allende, el Museo de la Solidaridad y el Centro Cultural Palacio La Moneda, en colaboración con SEACEX, organizan una muestra para conmemorar el centenario del nacimiento del presidente Salvador Allende.

Santiago de Chile, julio de 2008
El objetivo de la exposición es recordar y señalar la importancia de un proyecto artístico nacido de la voluntad internacional, con la idea revolucionaria de la solidaridad entre los hombres y los pueblos del mundo y que se consolidó en el Museo de la Solidaridad. Homenaje y Memoria quiere reconstruir la propia historia del Museo, establecer la conexión existente entre las ideas expuestas por muchos de los artistas participantes y el proyecto político del Presidente Allende, trazar el desarrollo internacional del arte en ese tiempo y, por último, ser una propuesta de colaboración entre artistas chilenos y españoles a la que se ha contribuido con la donación de obra ya realizada y con la creación de piezas específicas para esta exposición que pasarán, desde este momento, a ser propiedad del Museo de la Solidaridad de la Fundación Arte y Solidaridad.

La creación del Museo de la Solidaridad se remonta a 1971, en el marco de la llamada “Operación Verdad”, iniciativa que reunió a artistas e intelectuales de todo el mundo que apoyaron la causa del Presidente Allende. La idea inicial de generar un espacio para el arte y la cultura con donaciones de los propios creadores fue del crítico español José María Moreno Galván, quien junto al historiador y crítico brasileño Mario Pedrosa y al artista y director de la Escuela de Bellas Artes José Balmes, la expusieron al Presidente Allende. A partir de ese año, bajo la dirección del Instituto de Arte Latinoamericano de la Universidad de Chile, el Museo de la Solidaridad comienza a recibir cuadros, grabados, tapices, esculturas, fotografías, de renombrados creadores como Pablo Picasso, Joan Miró, Frank Stella, Antonio Tápies, Alexander Calder, Oswaldo Guayasamín, Eduardo Chillida, Roberto Matta, Roser Bru, José Balmes o Guillermo Muñoz, entre otros. Después del golpe militar, se organiza en el exilio la iniciativa de los Museos de la Resistencia, principalmente con la donación de obras de artistas españoles, italianos, nórdicos, franceses y chilenos.

La familia Allende, junto a innumerables colaboradores y con el respaldo del Gobierno del Presidente Patricio Aylwin, reunió el conjunto de las obras y en 1992 se inauguró una primera exposición. La Fundación Salvador Allende generó las condiciones para albergar el Museo de la Solidaridad en su sede definitiva, en calle República. En 2005 la Fundación Salvador Allende hizo entrega al Estado de Chile del conjunto de la colección, que recibió el Presidente Ricardo Lagos. Así se inició una administración conjunta con la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos. El total de las obras bordea las 3.000 piezas.

La muestra en el CCPLM estará integrada por más de 140 obras de los más destacados artistas del mundo, como Joan Miró, Rafael Canogar, Frank Stella, Alexander Calder, Pierre Soulager, Gracia Barrios o Antoni Tàpies entre otros. La exposición termina con una estructura compuesta de 4 módulos, instalada en el hall central del Centro Cultural, en cuyo interior se exponen los proyectos de los jóvenes artistas españoles Pablo Genovés, Daniel Canogar e Isidro Blasco y de la chilena Concepción Balmes, junto a la obra de los también chilenos Pablo Rivera y Víctor Hugo Bravo. Las obras realizadas por estos artistas, a excepción de la de Víctor Hugo Bravo que ya pertenece al Museo, serán las nuevas donaciones que reinicien la colección del Museo de la Solidaridad Salvador Allende mirando al siglo XXI.

Además, la exposición se complementa con una exposición de fotografías y una sala de audio que reproduce discursos del ex mandatario.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 16 de agosto de 2008

Los Tesoros de Egipto en Madrid

08/07/2008, Más de 100.000 personas se han acercado ya hasta el Matadero de Legazpi en Madrid para contemplar las piezas rescatadas por el arqueólogo submarino Franck Goddio y su equipo.

Madrid, julio de 2008
La exposición "Tesoros Sumergidos de Egipto" ha cosechado un rotundo éxito en sus primeras semanas de exhibición en el Antiguo Matadero de Legazpi (Madrid), lo que le convierte en uno de los eventos culturales con mayor afluencia del año. Más de 100.000 visitantes han admirado ya las 500 piezas que el arqueólogo submarino Franck Goddio rescató del fondo de mar Mediterráneo, en Alejandría.

Hasta el próximo 28 de septiembre, las Naves del Matadero de Madrid albergarán piezas únicas que han permanecido más de 2.000 años sumergidas bajo el agua. Entre ellas, destaca la estatua de Hapi, dios de la crecida del Nilo -símbolo de fertilidad y abundancia-, que es la más alta hasta ahora descubierta en Egipto. Con unos 2000 años de antigüedad, también se presentan las colosales esculturas de granito rosa de un rey y una reina ptolemaicos, de más de cinco metros de altura cada una.

A nivel artístico hay piezas espectaculares como la estatua de Arsínoe II, de granito negro (s. III a. e c.), de 1,50 m que representa a una reina ptolemaica y la monumental Estela de Ptolomeo, que fue hallada no lejos de los colosos, al norte del templo de Heraclion. El monolito, de 6 metros y 16 toneladas de peso, es la estela más grande hallada en Egipto hasta la fecha.

Más información:
www.tesoros-sumergidos-egipto.es
www.egypts-sunken-treasures.org

Bienal de Diseño Gráfico en Brno

07/07/2008, Desde 1963 se viene celebrando en Brno, República Checa, una de las muestras de diseño gráfico más interesantes, con una filosofía plenamente moderna.

Brno (Rep. Checa) julio de 2008
En Brno, cada dos años, se hace una radiografía del estado actual de este arte y se presentan los nuevos caminos creativos y las tendencias futuras. El tema de esta 23ª edición versa sobre "Diseño gráfico, ilustración y tipografía en libros, revistas, diarios y medios digitales".

Del 17 de junio al 19 de octubre de 2008 se mostrarán más de una docena de exposiciones en los espacios de la Galería Morava, el segundo museo de arte de la República Checa. La principal recoge los trabajos a concurso, que optan al premio Grand Prix en cinco especialidades de arte visual.

Aparte del certamen, la programación de la Bienal incluye una exposición multimedia del diseñador Abbott Miller; una colección del japonés Fumio Tachibana, ganador del Grand Prix de 2004, y una serie del controvertido director de arte austriaco Stefan Sagmeister, ganador de un Grammy por un trabajo para el grupo musical de David Byrne. Podremos conocer su argumentario en “Things I have learned in my life so far” (Cosas que he aprendido en mi vida hasta ahora).

La sección “Personalidades en el mundo del diseño checo” está dedicada este año a Jiri Rathousky, autor de cartelería, expositores, objetos y tipografías, quien colaboró en la línea gráfica de la República Checa en varias exposiciones universales entre los años 50 y 70.

Entre las exposiciones colectivas destacan “Diseño de magazines y fanzines de 1990 a la actualidad·” y “City’s celebrities!”, sobre graffitis, pegatinas y plantillas como forma de comunicación visual en la sociedad de hoy.

Los eventos y simposios especiales, como el dedicado al futuro del diseño gráfico el 18 y 19 de junio, contará con participantes de países como Gran Bretaña, Japón, Alemania, Francia, EEUU y Eslovenia.

Más información:
http://www.moravska-galerie.cz

Conocer Brno:
http://www.guiarte.com/brno/

Faros de Francia

07/07/2008, Ubicados tradicionalmente en lugares estratégicos, los faros cuentan a la par con la belleza del emplazamiento y ese halo romántico de guardianes de la noche marinera. Francia tiene también una buena colección de faros.

París julio de 2008
En el límite de unas rocas o en el extremo de un cabo, siempre en un lugar avanzado, los faros marcan el paisaje costero de Francia.

Este patrimonio data principalmente de mediados del siglo XIX, pero en ocasiones los emplazamientos se utilizan desde hace 300 años. Por ejemplo, el cabo Fréhel, a 15 km de Pléneuf-Val André (Bretaña), cuyo faro construido en 1950 alcanza los 103 metros de altura, sustituye el “fuego” estratégico ya implantado bajo Vauban y Luis XIV, en un magnífico lugar natural de landas y acantilados. Mucho más modesto y discreto, el faro de piedra de Ploumanach' emerge del célebre caos de bloques de granito rosa, alrededor de Perros-Guirec. Por ello es un lugar famoso y muy fotogénico.

También en Bretaña, a 30 km de Bénodet, el faro de la punta de Penmarch culmina a 60 metros, desde 1897. Esta construcción lleva un nombre más bien curioso para esta región, al ser bautizado "faro de Eckmühl" en homenaje a la mujer que lo mandó construir. En efecto, fue financiado por la heredera de un aristócrata francés, que tenía un título de nobleza de la región de Baviera, en Alemania.

Señalando la entrada del mar interior de Arcachon, el faro del cabo Ferret se yergue hasta los 47 metros, en medio de casas y pinares. Pero se afirma como uno de los escasos belvederes de este litoral arenoso y forestal, rivalizando tan sólo con el relieve natural de lugar: la gran duna de Pyla.

De igual modo, el faro del Espiguette, cerca de Grau-du-Roi, surge con ostentación de las arenas y llanuras de la Camarga.

Las torres genovesas

En Córcega, una sorprendente colección de venerables torres de piedra, solitarias, atraen la atención. Bien conservadas o en ruinas, redondas o cuadradas, más de 60 resisten desde el siglo XVI, al final de cada cabo y promontorio, a menudo perdidas entre una naturaleza salvaje.

Estas torres que se denominan “genovesas” porque fueron construidas en la época de la dominación de la república de Génova, servían de vigías a las poblaciones insulares.

Los vigilantes alertaban a la población de la llegada de piratas “berberiscos” y todo el mundo se refugiaba en las montañas para evitar el pillaje. Como la de Capitello, cerca de Ajaccio, las torres fueron construidas siguiendo el mismo modelo (15 metros de alto, cuatro pisos para seis guardianes) y repartidas en el conjunto de la costa. Un verdadero camino de Garbancito que puede inspirar al aficionado al senderismo a orillas del mar o a los navegantes en un crucero por el litoral

Cien años del Museo Bellas Artes de Bilbao

26/06/2008, El Museo nació para satisfacer el empeño de modernización social y cultural de una ciudad pujante, en los inicios del siglo pasado, y para proporcionar a la comunidad artística modelos históricos ejemplares que sirvieran para su formación.

Bilbao, junio de 2008
El centro cultural se creó, por iniciativa de la Diputación de Vizcaya y del Ayuntamiento de Bilbao, en 1908 y abrió sus puertas en 1914. Desde sus inicios se manifestaron algunas de las características de la pinacoteca que, aún hoy, continúan vigentes: su voluntad de contemporaneidad y el estrecho vínculo entre las instituciones públicas y la sociedad. Prueba de ello han sido las importantes donaciones y legados que, por parte de las instituciones y de particulares, recibió el museo desde sus primeros años de actividad, que determinaron las futuras líneas de crecimiento de la colección.

El edificio antiguo, de estilo neoclásico, se construyó en el ensanche moderno de la ciudad, y fue declarado Monumento Histórico-Artístico en 1962. A comienzos de los años sesenta, se realizó una innovadora ampliación que recoge el influjo de la arquitectura de Mies van der Rohe.

En 1997 se constituyó un Jurado, en el que participaron, entre otros, los arquitectos Rafael Moneo, Norman Foster y Álvaro Líbano, para valorar los anteproyectos presentados al Concurso para una nueva ampliación. El conjunto de estas obras supuso una ampliación aproximada de la superficie del Museo de 6.450 metrpos cuadrados. El Museo reinauguró sus instalaciones 10 de noviembre del 2001.

Tesoros de diez siglos
El Bellas Artes de Bilbao reúne en la actualidad, entre pinturas, esculturas, dibujos, grabados y artes decorativas, más de 6.000 obras, con una cronología que se expande desde el siglo XII hasta nuestros días.

Considerada una de las pinacotecas más importantes de España, reúne entre sus paredes obras de autores como Van Dyck, Tápies, Murillo, El Greco, Bacon, Goya, Zurbarán, Sorolla, Oteiza, Ribera, Martín De Vos, Cézzane, Gauguin, Chillida...

Programa de 2008
De Goya a Gauguin. El siglo XIX en el Museo de Bellas Artes de Bilbao
A lo largo de casi un siglo, el Museo de Bellas Artes de Bilbao ha conseguido reunir una valiosa colección de más de trescientas pinturas y esculturas del siglo XIX. Entre las obras presentes aparecen grandes nombres desde Goya, Cézanne y Gauguin hasta Madrazo, Sorolla y Picasso.
16 junio - 28 septiembre, 2008

El Papel del Arte (VII). Picasso y los libros. Colección Bancaja
La muestra está formada por veinticinco libros que permiten conocer los aspectos más importantes de la faceta menos conocida del autor a través de sus ilustraciones en libros.
Septiembre, 2008

Sorolla.
octubre - 2008 / marzo 2009

Datos de interés

Localización:
Plaza Museo 2. Bilbao

Accesos:
Metro Bilbao: Estación Moyúa.
Autobús: líneas 1, 10, 13 y 18 con parada en la Plaza del Museo. Líneas 13, 27, 38, 46, y 48 con parada en Alameda de Recalde. Línea aeropuerto con parada en la Plaza de Moyúa.
Tren: Estación de Abando (RENFE), estación de Santander (FEVE) y estación de Atxuri (ET/FV).
Autobús: Termibús (estación de Garellano).

Página web: http://www.museobilbao.com/

Turner en Nueva York

24/06/2008, Una gran exposición retrospectiva del artista inglés J. M. W. Turner se presenta en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, del 1 de julio al 21 de septiembre.

Nueva York, junio de 2008
Esta será la primera exposición retrospectiva del famoso británico J. M. W. (1775-1851) de los últimos 40 años en Estados Unidos, y presentará una gama de trabajos inusualmente amplia, con paisajes, temas marinos, asuntos de historia, etc.

Más de la mitad de las aproximadamente 140 pinturas y acuarelas presentadas serán préstamos de la Tate británica, que atesora la colección más amplia de los trabajos de Turner. El conjunto se complementa con trabajos de otras colecciones de Europa y Norteamérica.

La exposición fue hecha posible por diversas instituciones económicas y fundaciones, con los apoyos del Metropolitan de Nueva York; la Galería Nacional de Arte, Washington; el Museo de Dallas de Arte, en asociación con Tate Britain, Londres.

La muestra retrospectiva proporcionará una descripción rica del patrimonio artístico de Joseph Mallord William Turner, documentando la evolución de su estilo personal, con sus magníficas obras paisajísticas que prestigiaron el arte inglés del XIX.

Este artista, caracterizado por su fascinante empleo de la luz, nacido en Londres en 1775, pasó infancia en Covent Garden, donde su padre tenía una peluquería. Pronto, a los 14 años, se dejó llevar por su amor al dibujo y se matriculó en la Royal Academy of Arts Schools. Fue alumno de Joshua Reynolds (1723-92), quien le animó a estudiar las técnicas de los antiguos maestros. Los paisajes de Claude Lorrain sirvieron a Turner como una piedra maestra para su futura carrera.

La muestra aporta muchos de sus trabajos desde los que hizo en su época de estudiante en la Royal Academy. Entre ellos su primer óleo exhibido: Fishermen at Sea (1796, Tate); otras obras presentadas son The Burning of the Houses of Lords and Commons, 16 October 1834 (1835, Philadelphia Museum of Art); Keelmen Heaving in Coals by Moonlight (1835, National Gallery of Art, Washington, D.C) y el famoso Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps (1812, Tate) que se podrá ver por primera vez en Estados Unidos.

http://www.metmuseum.org

Rock in Rio

24/06/2008, El mayor evento de música y entretenimiento del mundo inaugura su primera edición en Madrid. Rock in Rio Madrid se celebrará los días 27, 28 de junio y 4,5 y 6 de julio de 2008.

Madrid, junio de 2008
Esta verdadera ciudad está concebida como un parque musical de ocio y entretenimiento único. La Ciudad del Rock colocará España en el circuito de los grandes acontecimientos culturales y musicales.

Dentro del programa de actividades destaca el proyecto social del festival, que guía la organización del evento desde 2001 y que en España trabajará para que el público se movilice sobre el cambio climático y aprenda la importancia que tienen sus pequeñas acciones diarias para frenar su desarrollo.

LOS ESCENARIOS

Escenario Mundo: Por él pasarán los mejores grupos nacionales e internacionales, Shakira, Lenny Kravitz, Amy Winehouse, Alanis Morissette, Jamiroquai, El Canto del Loco, Jack Johnson, Bob Dylan, Manolo García, The Police...

Electrónica: Preparado para recibir a los mejores Dj´s nacionales e internacionales actuales, este espacio estará diseñado para crear un ambiente donde música y sonido se fundirán en una espectacular fiesta. Carl Cox, David Guetta, Satoshi Tomiie, Dj Vibe, Gerardo Niva, Elio Riso y Cristian Varela son algunos de los artistas confirmados.

Hot Stage: En un ambiente caracterizado por la amplia variedad de estilos, el público acudirá para dejarse sorprender al caer la tarde por Loquillo, Orishas, Zucchero, Draco, Standard, Los Delinqüentes, Mando Diao o The Right Ons.

POR UN MUNDO MEJOR
El aspecto más significativo de Rock in Rio es su vocación social. En su primera visita a España, las alteraciones climáticas serán la base de su Proyecto Social, que cuenta con el apoyo de la Consejería de Medio Ambiente y Ordenación del Territorio de la Comunidad de Madrid, del Ayuntamiento de Arganda del Rey y con el patrocinio de Toyota.

El Festival asume así la misión de sensibilizar y movilizar a los habitantes sobre la necesidad de cambiar ciertos comportamientos. Rock in Rio-Madrid será un vehículo de comunicación que utilizará la convivencia y la música como principal lenguaje para llegar al público asistente.

Rock in Rio Madrid

Festival Summercase 08

20/06/2008, Summercase mantiene su fórmula original en su tercera edición.

FESTIVAL SUMMERCASE 2008 MADRID Y BARCELONA

18 y 19 de julio 2008 Summercase conserva su fórmula original en su tercer año de celebración: un cartel de grandes artistas y grupos consolidados mezclados con nuevos talentos por conocer, dos ciudades y la simultaneidad de su celebración.

Grupos confirmados:
Blondie, Kaiser Chiefs,The Breeders, 2 ManyDjs, Kings Of Leon, Los Planetas, Sex Pistols, Maxïmo Park, Primal Scream, Sons & Daughters, Interpol, The Verve y muchos otros más grupos y artistas del panorama internacional.

Para más información y entradas: http://www.summercase.com/indexes.html

El Prado en El Museu Víctor Balaguer

18/06/2008, El Museu Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, inaugura una nueva sala permanente, la Sala Prado, en la que se exhibirán obras del Barroco español y flamenco realizadas por artistas como El Greco, Goya, Rubens o Murillo.

Vilanova i la Geltrú, junio de 2008
La nueva Sala Prado del Museo Víctor Balaguer exhibirá veinte obras de los grandes maestros de la pintura barroca del siglo de Oro español, y algún ejemplo europeo de la escuela flamenca. Se podrán ver obras de El Greco, Goya, Murillo, Ribera, Rubens y Van Dyck. Las pinturas se han agrupado en cuatro ámbitos temáticos: religión, monarquía, mitos y alegorías, y naturaleza, que incluye el bodegón o naturaleza muerta.

El Museo Víctor Balaguer ha remodelado el área donde se ubicaba anteriormente la sala de artes decorativas para convertirla en el espacio que acogerá de manera permanente obras del depósito actual del Museo del Prado. La nueva Sala Prado exhibirá una selección representativa de este importante fondo, hasta hoy día conservado en su mayor parte en las reservas del Museo, y que sale a la luz pública después de muchos años.

La nueva sala enriquecerá el discurso de la exposición permanente del Museo, considerado uno de los más importantes de Catalunya, ya que reúne también una de las colecciones más destacadas de pintura catalana del siglo XIX.

Más información en:
Museo Víctor Balaguer

Francesc Ruiz en Silos

17/06/2008, El Museo Reina Sofía presenta en las salas de la Abadía de Santo Domingo de Silos una muestra de Francesc Ruiz (Barcelona 1971) concebida ex profeso para la ocasión.

Burgos, junio de 2008

La muestra
El artista, después de su desplazamiento y estancia en el Monasterio, ha desarrollado una serie de dibujos, escenas y situaciones cuya lectura visual nos ofrecen una interesante observación y revisión del mundo propio de Silos.

El proyecto, no hay que olvidar, que se realiza en un monasterio famoso por su claustro historiado con relieves románicos que representa escenas de las Sagradas Escrituras. En esos relieves se ilustraban pasajes fundamentales que servían a los monjes peripatéticos de pautas de reflexión. "La visita guiada" sintetiza, por lo tanto, todo lo que ocurre en ese espacio concreto, es decir, la experiencia que los visitantes tienen, el encuentro con el arte religioso, con el claustro románico… Todas esas vivencias han sido reproducidas por Francesc Ruiz en una publicación con formato de cómic a modo de libro de artista.

La instalación de la exposición consta de una colección de biblias en formato de cómic provenientes de diferentes lugares del mundo y adscritas básicamente a dos tradiciones estilísticas: la americana (Kirby, Marvel) y la oriental (manga japonés, manhwa coreano y sus adaptaciones occidentales). Las biblias, abiertas de para en par, están situadas a la altura de los ojos del espectador, así mismo la publicación realizada por el artista para la exposición se intercala con el resto de las biblias expuestas.

En esta publicación, transformada en esta ocasión en un libro de artista y en parte de la obra instalada, encontraremos un cómic que narra la visita guiada a la sala de exposiciones de Silos. El guía que aparece en el cómic explica a un grupo de visitantes las diferentes biblias que tienen a su lado, centrándose más en el análisis del estilo y de la época que en el contenido religioso de las mismas. El público que aparece en la publicación genera a su vez otra narrativa paralela, donde se cuestionan no solamente las palabras del guía sino que también se van creando pequeñas tramas donde los personajes juegan, se conocen y bromean.

La peculiaridad de esta publicación realizada por Francesc Ruiz es que imita el estilo de las biblias expuestas, de manera que al situarse al lado de éstas, parece que los personajes y elementos que forman parte de la publicación se encuentran en el mismo plano de representación que los de la biblia-cómic.

El catálogo de la exposición será el propio libro del artista que bien se podrá ver en el contexto con las otras biblias expuestas o se podrá leer de manera independiente. Manuel Segade, comisario y programador de exposiciones en el CGAC ha escrito el texto del catálogo donde afirma: "La visita guiada" propone un relato desde dentro, donde su propia experiencia forma parte de la narrativa misma. La experiencia se dobla sobre sí misma: la mismidad de la relación entre el arte y la vida"

El artista
El trabajo de Francesc Ruiz que se centra fundamentalmente desde los años noventa en el dibujo, nos traslada al terreno del cómic y la viñeta. Ruiz utiliza todas las posibilidades del dibujo (claramente influido por el cómic tanto europeo como japonés) para narrar historias a pie de calle, cercanas y cotidianas que, sin embargo, ponen en evidencia y de forma aparentemente ingenua o lúdica, algunos temas que afectan al conjunto de la sociedad.

En sus dibujos, la mayoría de las veces en blanco y negro, utiliza el lenguaje de la tira gráfica o incluso del póster callejero, para presentarnos retratos de cualquier ciudad con infinidad de personajes. Los dibujos de Francesc Ruiz, que en ocasiones invaden las paredes, nos hablan de la cotidianeidad y el entorno que nos rodea y nos cuentan acciones realizadas por múltiples grupos de gentes en diferentes escenarios.

El procedimiento artístico, en otras muestras suyas, ha estado basado en la digitalización de un dibujo que después se ha exhibido en formato de collage de fotocopias pegadas a la pared, lo que el propio autor ha llamado "Cómic expandido"

Aficionado al cómic como lector, Francesc Ruiz lo utiliza como medio de expresión y lo saca de su contexto de exhibición tradicional para presentarlo en un contexto artístico, buscando más su poder metafórico que su capacidad narrativa, a la que tampoco renuncia.

Datos de interés
Francesc Ruiz
Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos)
Del 19 de junio al 31 de agosto de 2008
Organiza Museo Reina Sofía

Seicento Napolitano

17/06/2008, En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, hasta el 13 de julio de 2008 se puede ver esta maravillosa muestra, patrocinada por la Fundación Banco de Santander.

Madrid junio de 2008
Nápoles es una ciudad clave en el arte italiano. Justamente en esta época fue un emporio vinculado a la política española, lo que propició los intercambios culturales entre España y Nápoles. Pero también estuvo muy ligada al arte del resto de la península itálica, especialmente a Roma, y contó con grandísimos artistas, desde Caravaggio a Ribera.

Ésta es una exposición que muestra lo que se ha llamado "el siglo de oro de la pintura napolitana", con medio centenar de lienzos que representan a los principales artistas que pintaron en Nápoles en el siglo XVII, edad dorada de la pintura de la urbe.

Probablemente la importancia de esta exposición radica en que los visitantes puedan conocer lo mejor de la pintura napolitana realizada en el siglo XVII que sintetiza, a su vez, las principales corrientes de la gran pintura italiana de la época: las tendencias caravaggianas, el naturalismo, el clasicismo y el barroco de inspiración veneciana.

La exposición está integrada por obras traídas del Museo di Capodimonte y de otros coleccionistas napolitanos.

En la muestra se dan cita los creadores napolitanos más relevantes, que dieron a la pintura una calidad, una riqueza de luces y sombras, y una variedad de temáticas que han venido a ser verdaderos documentos para el presente. Esta exposición, que parte de un intenso Ecce homo de Giovan Battista Caracciolo, viene a plantear la evolución desde un primer naturalismo hasta la liberación del barroco, y en ella conviven la quietud de escenas silenciosas con el clasicismo más sosegado, o bien la monumentalidad de composiciones arriesgadas, con la intimidad y el detalle de las naturalezas muertas.

Obras de intensa religiosidad, paisajes, bodegones, crónicas de sociedad y escenas mitológicas comparten este espacio, en el que encontramos la firma de gentes como Carracciolo, Ribera, Cavallino, Giordano...

Seicento Napolitano: del naturalismo al barroco
Hasta el 13 de julio de 2008
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid)

Noche áurea

14/06/2008, En el proyecto que Javier Riera presenta en el Museo Reina Sofía, el artista se aleja del procedimiento pictórico y da una vuelta de tuerca al trabajar directamente con otros medios: luz y naturaleza.

Madrid, junio de 2008

LA EXPOSICIÓN
La muestra que el Museo Reina Sofía dedica a Javier Riera se inscribe dentro del programa Producciones a través del cual se propone a determinados artistas la realización de un trabajo específico para ser expuesto en sus salas.

La exposición la integran cuatro cajas de luz y trece fotografías sobre papel, cuyo tamaño no excede los 70x70. En ellas Javier Riera (Avilés, Asturias,1964), despliega una serie de imágenes realizadas en el tiempo posterior a la caída del sol o, en la mayoría de los casos, en horas nocturnas. El paisaje ha sido intervenido con proyecciones de luz que, conformadas como dibujos geométricos, se relacionan con el paisaje con un grado cambiante de integración en él. Se trata de la superposición de dos lenguajes visuales que viven en un tiempo idéntico aludiendo a la definición que Proust hace de la experiencia amorosa.

En la trayectoria de Javier Riera, como se deriva algunas de sus declaraciones, se manifiesta un proceso de depuración de la práctica pictórica desde una pintura más atmosférica y emocional a una obra más descriptiva y concreta, gestionada por una relación dialogante entre razón y emoción. En este proceso aparece constante un interés por la naturaleza desde una "visión interior", cuyos referentes están en una vía que va de Friedrich a Palazuelo. Acercándose a la poética del Land Art, proyecta dibujos geométricos de luz sobre el paisaje nocturno. Un trabajo que nos muestra utilizando la fotografía como soporte.

EL ARTISTA
Javier Riera nació en Avilés, Asturias en 1964. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, en 1988, y en su formación tuvieron gran influencia los talleres de arte actual del Círculo de Bellas Artes; participó en los de Carlos León y Julián Schnabel. En 1993 comienza a exponer en Madrid y desde entonces lo ha venido haciendo regularmente al tiempo que ha participado en numerosas exposiciones colectivas. En 2003 recibe el premio Ángel y desde 2005 imparte clase en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Francisco de Vitoria. Su obra se encuentra presente en colecciones como la de la Fundación Cajamadrid, Fundación Príncipe de Asturias, Colección Banco de España, Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Colección del Museo de Bellas Artes de Asturias, Colección del Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Colección TODISA, Fundación Centro Nacional del Vidrio, Colección Rheinische Hipothekebank, Colection Zurich Financial Services, Ayuntamientos de Almería y Alcorcón, Caja de Ahorros de Segovia, Colección Robayera y en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

DATOS DE INTERÉS
Noche áurea. Javier Riera
Del 12 de junio al 8 de septiembre de 2008
En el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

La potencia creadora de Carmen Conde

13/06/2008, Cien años después de su nacimiento, la trascendencia de la figura y de la obra literaria de Carmen Conde sigue vigente. Esta muestra nos recuerda hoy a una de las voces poéticas más apreciadas de la literatura española del siglo XX.

Madrid, junio de 2008
Poeta, novelista, dramaturga y sobre todo mujer de acción, Carmen Conde (Cartagena, 1907-Madrid, 1996) emprendió iniciativas de trascendencia histórica, como la Universidad Popular de Cartagena, que fundó con su marido, el también poeta Antonio Oliver Belmás, en los años de la República en su ciudad natal.

Desde muy joven, se entregó al cultivo de la literatura, comenzando su poesía no por el verso sino por la prosa, por el poema en prosa que, en aquellos años, sólo los espíritus más selectos cultivaban y que ella llegó a renovar e impulsar a través de sus primeros libros.

Esta muestra reúne casi trescientas piezas entre las que se incluyen parte del legado cultural de la escritora propiedad del Ayuntamiento de Cartagena, así como otros elementos que ayudan a contextualizar su vida: documentos inéditos, manuscritos, cartas, revistas, pequeños impresos, mobiliario y enseres personales, entre otros objetos de interés.

En este sentido cabe destacar, por un lado, la importancia de su biblioteca personal, constituida por 10.000 volúmenes aproximadamente, entre los que existen valiosas primeras ediciones, muchas de ellas con dedicatorias de sus autores y, por otro la correspondencia que mantuvo la escritora con los Premios Nobel de Literatura, Juan Ramón Jiménez, Gabriela Mistral, Vicente Aleixandre, Pablo Neruda, Camilo José Cela, y con otros escritores como Azorín, Jorge Guillén, Dámaso Alonso o Miguel Hernández, entre muchos otros ya que la relación que Conde mantuvo con los autores de su época fue muy intensa. Comenzando por su esposo, poeta, escritor y profesor, con quien participa, desde muy joven, en las revistas más importantes de los años treinta en España.

La exposición recorre la trayectoria vital y literaria de la escritora a través de cuatro apartados:

1. Primeros años. Cartagena y Melilla en el que se evoca la niñez, adolescencia y juventud de la escritora que se abrió camino junto a algunos de los máximos escritores de la España de la época a la vez que impulsaba diversas actividades educativas populares en tiempos de la República.

2. Guerra Civil y posguerra. El segundo apartado de la muestra recrea sus trabajos y viajes durante la Guerra Civil por los frentes republicanos; su persecución durante la posguerra y el desarrollo de su actividad literaria oculta, que publicó con seudónimos en periódicos y revistas así como su supervivencia en el Madrid de los años cuarenta.

3. Etapa de plenitud en la que el visitante se puede asomar a las actividades literarias y culturales que desarrolló en el Medio Siglo cuando escribió su mejor poesía y obtuvo numerosos premios.

4. Carmen Conde, académica. El último apartado de la muestra aborda el quehacer de la Carmen Conde académica que comprende desde su ingreso en la Real Academia Española bajo la presidencia de SS. MM. los Reyes en 1979 hasta su muerte en 1996. Un periodo de público reconocimiento que tuvo además la consiguiente repercusión mediática y popular al ser la primera mujer que ingresó en la RAE.

La exposición se completa con retratos de Carmen Conde, obras de pintores contemporáneos de su colección, esculturas, fotografías y audiovisuales entre los que se incluyen algunas de las entrevistas que la escritora concedió a diversos programas de radio y televisión.

"Carmen Conde. Voluntad Creadora"

Biblioteca Nacional (Madrid)
Del 12 de junio al 17 de agosto de 2008

Hospital del Rey (Melilla)
De mediados de septiembre a mediados de noviembre de 2008

Palacio Consistorial de Cartagena
Del 10 de octubre al 30 de noviembre de 2007

Archivo General de Murcia
Del 26 de febrero al 11 de abril de 2008

Los sabores del mundo

12/06/2008, National Geographic Channel visita los fogones y las despensas de medio mundo para presentar "La Guía del Gourmet", una serie de 19 episodios que nos enseña las diferentes cocinas del mundo y sus sabores.

Un viaje impregnado de los sabores, olores y colores que se apropian de las calles de Italia, Francia, Vietnam, Chile, Estados Unidos, China, Marruecos, etc y que a menudo son el mejor exponente de la cultura de sus pueblos. Con esta idea, NGC emprende un curioso viaje en el que por primera vez no se para a estudiar la fauna o la arquitectura de cada lugar, sino su cocina: sus platos, sus ingredientes y las tradiciones que los hacen posibles.

"La Guía del Gourmet" se presenta como una ocasión única para conocer qué se come y se bebe en los distintos rincones del planeta, en la que las anécdotas y curiosidades que se cuentan, dejarán boquiabierto a más de uno y muy, muy hambriento al espectador sibarita que disfruta con el sugestivo mundo de placeres que se encierra en las cocinas.

National Geographic Channels International propone a los espectadores una forma diferente de ver el mundo y la televisión gracias a una programación original e innovadora. En España se puede ver a través de Digital+, ONO, Imagenio, R, Euskaltel, Orange TV y Jazztelia TV.

Homenaje en La Habana a Pedro Calderón de la Barca

07/06/2008, La exposición Cien años vistiendo a Calderón y la representación de La divina Filotea son dos actividades enmarcadas dentro del Festival Huella de España de La Habana.

La Habana, junio de 2008
La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX, el Museo Nacional de Teatro, la Compañía de Pedro María Sánchez, la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana y la Embajada de España en Cuba, han organizado un homenaje a la figura de Calderón de la Barca compuesto por una exposición de vestuario teatral y la representación del auto sacramental La Divina Filotea.

Calderón de la Barca no es sólo uno de los autores que más se presta a la renovación escénica, sino también uno de los dramaturgos más conocido y representado en toda Latinoamérica, por lo que la presencia de este proyecto en La Habana no hace sino continuar una tradición teatral iniciada por las primeras compañías españolas desde el siglo XIX.

La exposición
La muestra reúne 40 trajes y 10 ploteados de figurines procedentes del Museo Nacional de Teatro, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y de la sastrería Cornejo, que han sido utilizados en diferentes representaciones. La exposición pretende mostrar, mediante la exhibición de indumentaria teatral, la evolución de la puesta en escena de las obras de Calderón de la Barca en los últimos cien años. Desde los primeros movimientos vanguardistas, llegados del centro de Europa de la mano de Burman, Cortezo y Emilio Burgos, pasando por las rupturas barrocas de Nieva y Puigserver, hasta las propuestas más recientes de Miguel Narros y Andrea D’Odorico.

Según su comisario, Andrés Peláez, el objetivo de la muestra es descubrir cómo la indumentaria, a pesar de su inmediatez en la realización, camina en la avanzadilla de las vanguardias artísticas. Ya nadie pone en duda que el traje, sea o no para el teatro, es una expresión artística con derecho propio, y así lo demuestran las grandes exposiciones que sobre el vestuario del teatro o del cine, se programan con verdadero interés en importantes museos del Mundo.

La divina Filotea
La divina Filotea fue escrita por Calderón en 1681 y sigue a la letra los rasgos básicos del auto sacramental: combina equilibradamente la transmisión de unos contenidos doctrinales con la dramatización de una historia. En este caso, trata del asalto a un castillo donde está recluida una mujer requerida por dos pretendientes, trama inspirada a su vez en la literatura caballeresca.

La Camerata Romeu, dirigida por Zenaida Romeu, interpretará la música que fue compuesta por José Nebra, y que se caracteriza por su alegría, vitalidad y emoción. Aparentemente liviana y galante, está cargada de múltiples matices y contrastes, cerca de los estilos sensibles o sentimentales centroeuropeos, sin renunciar al casticismo propio de los géneros populares del siglo XVIII español.

Exposición: Del 5 de junio al 1 de julio de 2008 en el Oratorio de San Felipe Neri
La divina Filotea: Basílica Menor de San Francisco de Asís (Los días 7 y 9 de junio a las 19:00 horas. El día 8 de junio a las 11:00 horas)

http://www.seacex.com

guia de Bratislava

05/06/2008, Bratislava ha retomado protagonismo internacional, como la capital del estado eslovaco desde 1993, y es una ciudad con diversos atractivos... y a un tiro de piedra de Viena.

Eslovaquia, junio de 2008
Bratislava, la antigua Presburgo, tiene medio millón de habitantes, está a unos 60 kilómetros de Viena y a 200 de Budapest, unidas las tres por la historia y un mismo río: el Danubio.

Situada en las estribaciones de los Pequeños Cárpatos, en un territorio tradicionalmente activo en lo histórico y comercial. Su imagen está dominada por el viejo castillo, ubicado sobre un cerro, que domina esta ciudad en la que aún se aprecian edificaciones diversas que atestiguan el pasado, en el que tuvo momentos especialmente florecientes, cuando perteneció al imperio austrohúngaro.

Denominada como Pressburg (Presburgo) por los alemanes, y Pozsony por los húngaros, desde 1919 la ciudad quedó con el nombre de Bratislava.

Poblado céltico antes de la llegada de los romanos, por aquí pasaron sucesivos dominadores desde las tribus germánicas hasta nuestros días. La época de su mayor prosperidad de la ciudad se extendió cuando Bratislava fue centro de coronación de los reyes húngaros, cualidad que impulsó el establecimiento de la aristocracia magiar y el desarrollo urbano e institucional. La urbe fue visitada por artistas como Mozart, Beethoven o Liszt.

Aquí fue donde Napoleón firmó un tratado con Francisco I por el que el emperador austriaco cedía Venecia a Francia, tras la derrota de Austerlitz y aquí crecieron los movimientos independentistas de Eslovaquia.

Frente al castillo, con su mole cuadrangular y su techumbre rojiza, se alza el viejo casco urbano, en el que sobresale la catedral. En torno a la Plaza Mayor se halla la zona de más atractivo artístico y monumental, en la que hay también buenos lugares para comprar o descansar.

Más información en:
http://www.guiarte.com/bratislava/

Polinesia: un sueño a la medida

05/06/2008, Desde 2600 euros es posible realizar uno de los viajes más anhelados: la polinesia.

Viajar a la polinesia no es un sueño irrealizable. Las turquesas aguas, las flores exóticas al bajar del avión y el mundo colorido que pintó Gauguin están más alcance del turista español de lo imaginado.

Martín Sánchez, director de Prestigio Viajes, nos comenta que desde hace cinco años decidió especializar su Agencia en esta zona recóndita y poco conocida en nuestro país. Para eso comenzó a recorrer buena parte de las 118 islas. Nos cuenta que los 5 archipiélagos están divididos en 35 islas llamadas "altas" (por ser montañosas y su intenso verde, Islas Marquesas, las Australes y Gambier) y las 83 islas bajas (compuestas por corales de colores blancos y rosados que forman atolones).

"Es tal la variedad de posibilidades que resulta imprescindible tener el conocimiento de la zona para luego orientar al viajero según sus preferencias, si quiere combinar buceo y cultura es una ruta, si sólo es playa y compras de artesanía y joyas (perlas) es otra, si quiere deportes náuticos con arqueología, todo varia según el tiempo y los gustos".

"Un traje a medida" que, Marín Sánchez asegura, se puede hacer desde 2.600 euros (incluyendo traslado en avión y estadía por unos diez días) ya que gracias al conocimiento y a la red directa de contactos que ha establecido en la zona puede traspasar a los turistas que quieran ir a esa polinesia soñada que conserva el encanto de pequeñas cabañas sobre el mar y de su gente cálida y amable con el visitante.

Para más información ver:
http://www.polinesiaviajes.com/

Arte en Las Rozas Village

05/06/2008, Sus visitantes podrán disfrutar de una exposición de las creaciones de Papin Lucadamo, Ximena Maier, Ángel Schlesser, Thomas Steinborn, Natalia Ruiz Labourdette, el grafitero Karras y Pepa Prieto.

Madrid, junio de 2008
El Centro Outlet Shopping de lujo Las Rozas Village abre sus puertas hasta el 15 de junio, a un espacio único en el que tiene cabida la fusión de las creaciones de las originales y vanguardistas empresas Stone design y Photosoul. El pintor Papin Lucadamo, la ilustradora Ximena Maier, el modisto Ángel Schlesser, el diseñador gráfico Thomas Steinborn, la pintora y fotógrafa Natalia Ruiz Labourdette y el grafitero Karas son los artistas invitados a participar en esta original muestra.

Las jóvenes y emprendedoras empresas Stone Designs y Photosoul, se han unido para recrear propuestas decorativas que van más allá de simples ambientes convencionales. Stone Designs es una compañía vanguardista en sus propuestas para interiores y crea innovadoras colecciones de mobiliario de la mano de Cutu Mazuelos y Eva Prego. Photosoul, su nacimiento se debe a los hermanos Beltrán y Beatriz Pedregal, está especializada en decorar con imágenes aplicando fotografía e impresiones artísticas en materiales, superficies, objetos y edificios.

Esta original y pionera iniciativa llega a Las Rozas Village, a uno de sus espacios donde se realiza una exposición y punto de venta de las creaciones de estas conocidas firmas del interiorismo de última generación. Para potenciar la fuerza expresiva de estas dos firmas se realiza además una exposición de mobiliario a lo largo de las calles del Village.

Más información en:
Las Rozas Village

Ibérica. Ricky Dávila

03/06/2008, La exposición se enmarca dentro del festival Fiesta España, muestra de arte joven español contemporáneo, que se celebra en Bogotá durante los meses de mayo y junio de 2008.

Bogotá, junio de 2008
La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, junto a la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, el Museo Iglesia Santa Clara y la Embajada de España en Colombia, han organizado esta muestra que se podrá visitar en Bogotá hasta el 13 de julio de 2008.

La exposición de Ibérica, reúne 120 fotografías y se presenta como un proyecto que pretende inventariar la actual sociedad peninsular. Crear la cartografía de un espacio vital cuyas líneas maestras aparecen dibujadas a través de los retratos de sus protagonistas.

Testigo de una sociedad pujante y en continuo cambio, el autor combina descripción y metáfora, intención documental y dimensión artística. Todo ello al servicio de un extenso poema visual conformado por retratos que huyen del estereotipo y ahondan en la condición individual de cada uno de nosotros.

Antonio Soler, autor del texto del catálogo, se dirige a Ricky Dávila refiriéndose a los retratados de la siguiente manera: “Los pones contra la pared para un fusilamiento, aprietas un botón o un gatillo y te llevas una parte de esa gente, una parte que ni siquiera ellos mismos están seguros de conocer. Les robas el plano secreto de su alma para que cuando se miren en el retrato se vean distintos y simulen no reconocer a ese extraño que toda su vida los ha habitado casi en secreto. Adivinas los campos por los que han llegado hasta aquí en el trazado del mapa, en los ríos que les bajan por la cara en los campos que siempre dejaron sin sembrar. Disparo a disparo, vas completando el círculo del territorio. A partir de ahora, cuando estés lejos, y mires en los mapas del mundo el nombre de ese lugar en esta tierra, sabrás quiénes son sus habitantes, esa gente que también te habita a ti, y que tú, Ricky Dávila, un día te llevaste en negativo de un laberinto a otro”.

FESTIVAL FIESTA ESPAÑA
Es una gran muestra de arte joven contemporáneo español, cuya intención es enseñar los caminos que sigue actualmente la cultura en España a través de los ojos de jóvenes creadores. Un recorrido para conocer las nuevas manifestaciones artísticas, con especial interés en aquellos lenguajes más recientes e innovadores.

Este programa multidisciplinar se desarrolla a lo largo de 6 semanas durante los meses de mayo y junio de 2008. En este periodo irán sucediéndose de manera continuada actividades de arte, arquitectura, cine, escena, literatura y música, en las que los participantes mostrarán sus últimos trabajos y conocerán y trabajarán con los creadores colombianos residentes en la capital. Un punto de encuentro entre ambas culturas para impulsar, a través de talleres, el trabajo de ida y vuelta y el enriquecimiento en ambos sentidos. Además una exposición se prolongará durante ese período y dará continuidad al proyecto.

El proyecto está organizado por la Embajada de España en Colombia y contempla acuerdos de colaboración con diferentes instituciones españolas y con el Ayuntamiento de Bogotá, como con escuelas y organismos de Colombia especializados en los distintos campos artísticos incluidos en el proyecto.

Ibérica. Ricky Dávila
Museo Iglesia Santa Clara, Bogotá
Del 25 de mayo al 13 de julio de 2008


Más información:
SEACEX

Juan Muñoz: retrospectiva

03/06/2008, Esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos, reunidos en la retrospectiva más importante dedicada en España al artista madrileño, presente en la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

Bilbao, junio 2008
El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 27 de mayo al 5 de octubre, la retrospectiva más importante dedicada en España a Juan Muñoz (Madrid, 1953 – Ibiza, 2001), considerado uno de los artistas contemporáneos más relevantes en el campo de la escultura y la instalación.

Comisariada por Sheena Wagstaff, Curator Jefe de la Tate Modern, esta muestra, organizada por la Tate Modern de Londres en asociación con el Museo Guggenheim Bilbao, reúne en la segunda planta del Museo los trabajos más destacados de la trayectoria de Muñoz, y se implementa con nuevas obras en la presentación de Bilbao, favoreciendo lecturas inéditas de la compleja naturaleza de su proyecto artístico.

Con una selección de cerca de 80 obras —esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos—, la exposición revela algunos aspectos poco estudiados del extenso e innovador registro de este creador madrileño, que cursó estudios de arte en Londres y Nueva York, ciudades en las que residió varios años tras interrumpir sus estudios de arquitectura en Madrid.

A mediados de los años ochenta y principios de los noventa, y tras importantes muestras que exhibe por todo el mundo, Muñoz se consolida internacionalmente como uno de los escultores más relevantes de las últimas décadas. En España, sin embargo, el verdadero reconocimiento le llegaría en el año 2000, cuando recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Desde sus primeras obras arquitectónicas —escaleras, balcones y pasamanos— situadas en ubicaciones imposibles, pasando por sus suelos ópticos en los que se desdibujan los límites del espacio y el tiempo, hasta sus instalaciones, dramáticas y teatrales, formadas por grupos de figuras humanas que evocan la soledad del individuo ante la sociedad, las obras de Muñoz juegan con el espectador, invitándole a relacionarse con ellas, aun creándole sentimientos de desasosiego y aislamiento. Muñoz se definía a sí mismo como “un narrador”, y su capacidad para proponer nuevas formas de contemplación y reflexión, para crear tensión entre lo ilusorio y lo real, le ha convertido en uno de los renovadores de la escultura contemporánea.

En 1984 una pequeña escalera de caracol con una balaustrada en la parte superior y apoyada en una pared, fue presentada en Madrid en la primera exposición individual de Juan Muñoz. Esta obra es la primera pieza de la que el artista recuerda “tener una cierta sensación de identidad”. A lo largo de su carrera este motivo arquitectónico se repetiría. Más de dos décadas después, una pequeña escalera de caracol relacionada directamente con aquella pieza ( Escalera de caracol ( invertida) [ Spiral Staircase ( Inverted)] 1984/99) abre la retrospectiva de este artista en Bilbao.

Un extraño lugar desde el que mirar y ser mirado como los balcones deshabitados de la serie Hotel Declercq I-IV (1986), que, junto a piezas como Doble balcón ( Double Balcony 1986), transforman el espacio en un pequeño e inquietante barrio urbano que se alza en un entorno arquitectónico que le es completamente ajeno.

Se trata de elementos que han sido privados de su funcionalidad, ventanas que no se abren, pasamanos que no nos sirven de apoyo, y trabajos en los que Muñoz inserta objetos cotidianamente ocupados por el hombre en paisajes que normalmente son habitados por él.

En los años noventa la figura humana de Muñoz deja de asemejarse a la realidad, creando conjuntos e instalaciones de una complejidad creciente. Sus célebres Escenas de conversación ( Conversation Piece, 1994) son auténticos estudios escultóricos de interacción social donde los personajes, de pequeño tamaño y con una base esférica, se relacionan entre sí en un mudo diálogo en el que el espectador se siente como un intruso.

La exposición descubre también el interés de Muñoz por el cine, y la influencia que éste tuvo en su obra plástica. Junto a sus obras escultóricas se presenta una nutrida representación de sus dibujos, especialmente su serie Dibujos de espalda ( Back Drawings), 1990, Dibujos de bocas ( Mouth Drawings),1995, y sus Dibujos-gabardina ( Raincoat Drawings), 1989. En estos últimos, realizados con carboncillo blanco sobre tela de gabardina negra, Muñoz representa estancias escasamente amuebladas que normalmente contienen escaleras o puertas que conducen a espacios desconocidos, al tiempo que dejan abierto el camino para imaginar un antes y un después de cada imagen, como si de una instantánea fotográfica se tratara.

Otro de los campos que Muñoz exploraría en su trayectoria son las obras sonoras y radiofónicas. Todas ellas podrán escucharse en el Museo Guggenheim Bilbao.

La muestra se completa con algunos ejemplos de la obra literaria de Juan Muñoz, cuyos ensayos y escritos completan el retrato de un gran narrador, un artista cuyo lenguaje conecta con lo más recóndito de la condición humana y con el que, en escasos veinte años de producción, desarrolló una de las obras más sólidas de nuestro tiempo.

Más información: Museo Guggenheim Bilbao

Brillo glaciar

03/06/2008, Si la belleza del paisaje influye en el ánimo de los jugadores de futbol, la selección española logrará una clasificación fuera de lo común en la Eurocopa, pues tiene como lugar de concentración el valle Stubai, en el Tirol austríaco.

Austria, mayo de 2007
Pero el temor es que el brillo glaciar y la magnificencia floral inciten más a la contemplación que a la furia futbolística, porque ésta es una zona veraniega para disfrutar de los paisajes de montaña, pasear y organizar variadas actividades al aire libre. Y sin prisas.

El valle Stubai de Tirol está cerca de Innsbruck, la capital del Land, y tiene un acceso óptimo con la autopista Brennerautobahn desde Alemania, Austria y Suiza. El valle tiene 35 kilómetros de longitud y está rodeado de 80 glaciares y 103 picos de 3.000 metros con lo que sus cinco poblaciones principales Neustift, Schönberg, Mieders, Telfes y Fulpmes son puntos de destino donde se pueden hacer actividades muy variadas durante todo el año.

Turismo de Austria recomienda este valle de belleza agreste, prados soleados, bosques de verde saturado, arroyos y lagos de montaña, ventisquero blanco cegador.

Hay formas para gozar de las cumbres, sin grandes esfuerzos. Con el funicular Stubaier Gletscherbahn se sube cómoda y rápidamente al hielo eterno en el punto más alto de Tirol. Con tres teleféricos de góndola se asciende al mundo de la alta montaña a los 3.000 metros de altitud. Los visitantes explorarán las altas montañas tirolesas y gozarán de panoramas magníficos. En la zona, el sendero del glaciar por el que se sube en apenas una hora de la estación de montaña Eisgrat hasta Jochdohle, el restaurante de montaña más alto de Austria, es impresionante.

Hay ofertas para toda edad. Como ejemplo el parque alpino de Schlick 2000: en las alturas sobre Fulpmes se extiende una zona para practicar las más diferentes actividades. Los amantes de cumbres prueban su habilidad en exigentes parques de escalada, los que disfrutan del senderismo exploran el camino panorámico y el sendero instructivo sobre plantas alpinas mientras que los niños encuentran su ámbito entre el tobogán de cuerdas, el puente colgante y el parque de escalada infantil.

Todo el valle Stubai celebra el verano con impresionantes ofertas de ocio: pistas de trineo de verano, equitación, ciclismo de montaña, parapente y ala delta…

¿…Y el futbol?

The Home

02/06/2008, BBVA presenta una selección de más de cincuenta de las mejores imágenes del maestro germano-británico Bill Brandt que ilustran las costumbres y la vida cotidiana de los ingleses en los años 30 y 40.

Madrid, junio de 2008
Se ha inaugurado en la sala de exposiciones de BBVA (Pº. Castellana, 81) la muestra The Home (El hogar), una de las mejores series de fotografías de Bill Brandt, considerado figura fundamental de la fotografía británica. Organizada por BBVA y PHotoEspaña, incluye más de 50 imágenes, seleccionadas por el comisario Paul Wombell, procedentes del Victoria and Albert Museum, del Nacional media Museum de Bradford y de colecciones particulares.

Brandt plantea una mirada singular de las costumbres y la vida cotidiana inglesa durante los años 30 y 40 del pasado siglo, un período de gran convulsión social en Gran Bretaña y en Europa.

Bill Brandt (Hamburgo, 1904-Londres, 1983) desarrolló durante más de medio siglo una dilatada carrera como fotógrafo, en la que supo utilizar como pocos creadores de ese momento un expresivo uso de la luz y del espacio. Prolífico en la elección de los temas, Brandt cultivó numerosos géneros: paisajes, retratos, desnudos, escenas sociales y de la vida cotidiana, entre otros, sabiendo captar con su objetivo imágenes de gran valor estético, en un período de grandes cambios sociales.

The Home (El hogar) es una cuidada selección de fotografías centrada en la Inglaterra industrial, que abarca desde los años 30 a finales de la década de los 40, ya que Bill Brandt fue uno de los primeros fotógrafos interesados en la estética industrial y en retratar a la clase trabajadora.

Bill Brandt
Hijo de madre alemana y de padre inglés, Bill Brandt pasó su infancia y juventud entre Alemania, Suiza y Austria. Trabajó durante una temporada en el estudio parisino de Man Ray, uno de los surrealistas más prolíficos, y conoció de cerca el trabajo de Georges Brassai en su libro Paris de Nuit, libro en el que se inspiró para su obra The English at Home, publicado en 1936, cinco años después de instalarse en Londres. En dicha obra Brandt creó una imagen de los ingleses que no se había visto antes en la fotografía inglesa. El autor reflejó con frescura el contraste entre el trabajo y el ocio, el sirviente y el señor, y las diferentes clases sociales, con la mirada de alguien que había vivido en Viena y París.

En Inglaterra trabajó como fotoperiodista. Durante la II Guerra Mundial documentó los bombardeos nazis a Londres por encargo del ministerio Británico de Información. Su abundante y variada obra está recogida en diez publicaciones, entre las que se pueden destacar Shadow of Light (1966), Bill Brandt Nudes: 1945-1980, donde recogió esa serie de composiciones elegantes, influido por el surrealismo y cargado de ecos simbólicos, así como sus retratos de escritores como Ezra Pound, del poeta Eliot o del pintor Magritte, sujetando una de sus pinturas.

The Home. El hogar
Bill Brandt
Comisario: Paul Wombell
Sala BBVA. Pº. Castellana, 81. Madrid
Del 3 de junio al 27 de julio de 2008
Horario: martes a sábados de 11 a 21 horas / domingos y festivos de 10 a 14 h
Entrada gratuita

El retrato del Renacimiento

30/05/2008, El Museo del Prado presenta una gran exposición sobre el retrato europeo de los siglos XV al XVI. La muestra traza el desarrollo de este género artístico y une obras de gran importancia en la historia del arte.

Madrid, junio de 2008
Más de cien obras de arte sirven de hilo conductor al visitante, que con una exhaustividad cronológica y geográfica inédita en los proyectos dedicados hasta la fecha al género, podrá contemplar las creaciones de grandes artistas del Renacimiento como Jan van Eyck, Rubens, Piero della Francesca, Durero, Tiziano, Rafael, Botticelli, Lorenzo Lotto, Holbein o Antonio Moro.

Nunca antes se había reunido una representación tan nutrida de retratos renacentistas, ni de tantos autores y naturaleza tan dispar. En total 126 obras (70 autores) compuestas principalmente por pinturas, pero entre las que también se encuentran esculturas, dibujos, medallas o grabados.

La muestra explora cuestiones fundamentales del retrato, el parecido, la memoria, la identidad... pero también hay lugar en ella para el estudio de los encargos de retratos relacionados con la amistad, el amor y el matrimonio; y se incluyen autorretratos, como el de Durero, que permiten apreciar las distintas formas de enfoque personal que los artistas adoptaron ante la representación de su propia imagen.

La evolución del retrato de corte brinda al espectador la posibilidad de ver reunidas pinturas y esculturas de grandes artistas como Tiziano o Antonio Moro, que a mediados del siglo XVI fijaron un modelo que habría de mantenerse durante dos centurias.

En contraste con los grandes personajes para los que a menudo trabajaron los pintores, se encuentra el "contrarretrato" o la representación del "antiideal". Una sección que incluye retratos de bufones, enanos o representaciones satíricas en las que los artistas podían mostrar sus habilidades y lograr el parecido, alejándose de las restricciones impuestas por la idealización.

La exposición inicia su recorrido haciendo mención a los elementos que contribuyeron al surgimiento del retrato moderno: de un lado la tradición medieval, representada por las series dinásticas, los iconos y el naturalismo del arte gótico; y del otro el redescubrimiento del mundo clásico.

En la muestra se revelan dos constantes en la evolución del retrato. Primera, su progresiva “democratización”. Si al principio sólo se retrataba a individuos pertenecientes a estamentos privilegiados, al final el género acabó abarcando gran parte del espectro social. La segunda es su aumento de tamaño. Hasta muy avanzado el siglo XV el retrato rara vez se colgaba en las paredes o se utilizaba como elemento decorativo. De hecho, los primeros ejemplares estaban concebidos para contemplarse y después ser guardados.

La realización del retrato o el papel de la imprenta en su difusión también son temas tratados en una exposición destinada a mostrar que el Renacimiento no fue sólo un período de inicio y maduración para el retrato, sino también de sofisticación y pleno desarrollo, hasta el punto de explorar y agotar muchas de sus posibilidades formales y conceptuales.

Más información en:
Museo Nacional del Prado

Toque francés, en el océano

27/05/2008, La entidad promotora del turismo de Francia recuerda por estas previas al estío, los territorios franceses ubicados a lo largo de los tres océanos, donde se mezcla el sabor tropical con la influencia gala.

París, mayo de 2008
Porque en distintos puntos del planeta quedan territorios vinculados a Francia. En el océano Atlántico, las islas de Guadalupe, Saint-Martin, Martinica y Guyana; en el océano Índico Reunión y Mayotte, y el Pacífico, la mítica Tahití y sus islas, y Nueva Caledonia.

Por empezar con estos territorios, vamos a centrarnos en el Pacífico.

Y nada mejor que la Polinesia, un ambito famoso, con el emblema de Tahití, donde se refugió Paul Gauguin, pintor, buscador de paraísos, eterno descontento, o donde también estuvo otro excelente pintor como Matisse.

En pleno corazón del océano Pacífico, agrupadas en cinco archipiélagos, Société, Tuamotu, Marquesas, Gambier y Australes, hay 118 islas diseminadas en una superficie comparable a la de Europa. Tahití y sus islas son un destino de ensueño y exotismo total.

Tahití es la isla más grande, con unos 1000 kilometros cuadrados, y habitada por unas 170.000 personas. El monte Orohemna, con 2.200 metros de altura es su punto más elevado. La capital es Papeete y vive básicamente del turismo.

Posibilidades del viaje: deportes marítimos, senderismo, cumbres volcánicas, cataratas en lugares sorprendentes para tomar un baño, submarinismo... leyendas, historia lejana.

Por seguir en el Pacífico, Nueva Caledonia está formada por Grande Terre (Gran Tierra), la isla de los Pinos al sur y de la Lealtad al este. Este territorio tiene unos 19.000 kilómetros cuadrados y está habitado por 250.000 personas.

Nueva Caledonia, en realidad, está en medio de una laguna de coral, en una barrera coralínea de 1600 kilómetros. La circunstancia hace agradable sus playas y sorprendentes las tonalidades marinas.

Tierra apacible del Pacífico Sur, cercana ya a Australia donde conviven diferentes etnias; la riqueza cultural del archipiélago se debe a las tradiciones de sus habitantes. Tierra de múltiples contrastes, Nueva Caledonia seduce por la diversidad de sus paisajes. Nouméa es la capital, una ciudad jardín de unos 100.000 habitantes.

www.nouvellecaledonietourisme-sud.com
www.tahiti-tourisme.es

Mapas Recuperados

27/05/2008, Durante el mes de mayo se ha podido visitar en La Biblioteca Nacional de Madrid de la exposición "Mapas Recuperados". Una colección de piezas de gran riqueza gracias a sus técnicas e historia.

Madrid, mayo de 2008
La cartografía y la elaboración de mapas son actividades anteriores a la aparición del relato escrito. Los mapas se utilizaron desde muy pronto en casi todos los aspectos de la vida: establecer distancias, recorridos y localizaciones, para la guerra y para el comercio, y, aunque los más antiguos se remontan a los babilonios, que los tallaron en tabillas de arcilla, la necesidad de elaborar mapas será pronto universal.

Pero la cartografía se unirá pronto a la historia de los robos de mapas. Durante el siglo XIX y la primera mitad del XX los coleccionistas de mapas constituyen un reducido número de bibliófilos o especialistas. Con el tiempo los mapas se convierten en objeto de adorno, elemento decorativo que ennoblece salas y despachos. Pero la mayoría de los que se conservan no están aislados, ni en hojas sueltas, sino que forman parte de volúmenes manuscritos o impresos que, como piezas históricas localizadas en las colecciones de las grandes bibliotecas, una vez que han perdido su importancia estratégica, pasan a ser codiciadas piezas de coleccionistas.

Lo que interesa es el mapa y, por tanto, los manuscritos e impresos antiguos comenzarán a mutilarse sin contemplaciones. Se diseñan estrategias para acceder a ellos, separarlos del volumen del que forman parte y venderlos.

A lo largo del siglo XX el robo de mapas deja de ser un hecho raro. No conocemos con exactitud la cantidad de documentos que desaparecen cada año, ni el número de obras que en todo el mundo se mutilan con este fin, pero no hay que olvidar que bibliotecas de la importancia de la British Library de Londres, la Haughton Library de la Universidad de Harvard, la Chicago Newberry Library, la New York Public Library, la Biblioteca Pública de Boston, han sufrido robos de mapas de gran magnitud.

La Biblioteca Nacional de España se ha visto también «perturbada» por el robo de mapas de sus colecciones. En agosto de 2007 una comprobación rutinaria detecta la falta de determinadas piezas de la colección. Se inicia, así, un proceso que lleva a exponer las piezas recuperadas recientemente.

Gracias al intenso y magnífico trabajo de investigación dirigido por la Unidad de Patrimonio de la Guardia Civil, los mapas (a miles de kilómetros) fueron localizados y devueltos a la Biblioteca Nacional de España.

Las distancias recorridas y los lugares donde aparecieron aportaron al tiempo información sobre los caminos que recorren los objetos robados y cómo algunas de estas piezas llegan a dar la vuelta al mundo.

BIBLIOTECA NACIONAL
Paseo de Recoletos 20
28001 MADRID
www.bne.es

Luis Gordillo y Manolo Quejido en Sao Paulo

19/05/2008, El próximo 20 de mayo el Museo de Arte de Sao Paulo (MASP) acoge sendas exposiciones de los artistas sevillanos Luis Gordillo y Manolo Quejido. Las muestras se podrán visitar hasta el 15 de julio de 2008.

Brasil, mayo de 2008
Las muestras han sido coproducidas por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC). Ambas han podido verse anteriormente en el Museo de Arte de Zapopan en Guadalajara (México), en el Museo de Bellas Artes de Caracas (Venezuela), y en el Museo de Bellas Artes de la Habana (Cuba).

Luis Gordillo
La muestra ofrece una panorámica del la labor del artista andaluz y reúne pinturas, dibujos y fotomontajes, que permiten configurar el proceso de su trabajo. La exposición refleja, por un lado, la importancia que tienen para Luis Gordillo (Sevilla, 1934) la serie y la repetición y, por otro, su idea de que una imagen sometida a reproducción permanente nunca alcanza un estado definitivo.

Profundamente interesado por el psicoanálisis, el trabajo pictórico de Gordillo tiene una dimensión psicoterapéutica y es fiel a un cierto espíritu de pensamiento trágico y existencialista que surge en los años cincuenta. El artista ha descrito su trabajo como "una necesidad de huir, de sublimar, de exorcizar la angustia, de no sentirse lógico en el mundo" y como "una erótica compensativa que haga salir del pozo del no-sentido personal".

Manolo Quejido
En la exposición se reúnen obras relevantes de los distintos períodos creativos de Manolo Quejido (Sevilla, 1946), subrayando la importancia del cuaderno de dibujos para el autor. Artista reflexivo, inquieto y comprometido socialmente ha encontrado en la pintura su principal medio de expresión.

La trayectoria artística de Quejido se inicia a mediados de la década de los sesenta del siglo pasado y, a lo largo de ella, ha desarrollado una serie de prácticas pictóricas que se relacionan con lo que se podría denominar pintura expandida o pintura en acción. Para Quejido tiene tanta importancia el análisis estructural del signo pictórico como la exploración de las claves modernas en la historia de la pintura.

Tomando como hilo conductor de su trabajo el lema "pintar = pensar", su obra tiene un claro carácter conceptual y un sentido político más o menos explícito, sin renunciar por ello a la exploración de valores estéticos.

Para la exposición itinerante se han editado dos catálogos que incluye una importante selección de la obra de los artistas.

Museo de Arte de Sao Paulo
Av. Paulista, 1578 - São Paulo - SP
tel. (11) 3251.5644 / Fax. (11) 3284.0574
Del 20 de mayo al 15 de julio de 2008

Horizontes de Extrarradio

19/05/2008, Rubén Martín de Lucas, artista perteneciente al colectivo Boa Mistura, presenta su nueva exposición en Palma de Mallorca. Una muestra que rinde homenaje a los paisajes de la periferia.

Palma de Mallorca, mayo de 2008
Esta exposición es un homenaje a la periferia. Al extrarradio donde Rubén Martín de Lucas creció y se forjó como artista. A todo aquello que no se le presta atención porque no parece bello, cuando la belleza no solamente reside en el objeto, sino también en la mirada.

Fruto de la fuerte atracción por el extrarradio que siente el pintor nace esta muestra, en la que se puede observar en palabras de él mismo: "lo que la ciudad escupe, porque no cabe en ella. Las Afueras."

Los vehículos abandonados son testigos yacientes de nuestro mundo de usar y tirar. Desguaces, naves antiestéticas y postes hirientes del horizonte muestran una realidad carente de encanto y olvidada por las personas que residen en las grandes urbes. Paisajes de extrarradio a los que la ciudad da la espalda.

"Sería más fácil retratar lo que ya es bello, pero uno debe ser sincero, y pintar con el estómago." Rubén Martín de Lucas.

Rubén Martín de Lucas fundó el colectivo Boa Mistura en el año 2001. Este grupo multidisciplinar de artistas con raíces en el graf.ti ha intervenido entre otros en el el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Casa Encendida, o El Festival Internacional de las Artes de Castilla León.

HORIZONTES DE EXTRARRADIO
8 a 31 de Mayo de 2008
GALERIA CA’N PINÓS
Palma de Mallorca

Vorarlberg

19/05/2008, Un interesante estado austriaco, con atractivos paisajísticos y culturales. Su privilegiada situación, dentro de Austria pero entre Alemania, Liechtenstein y Suiza, hace de la región un magnífico punto de arranque para bellísimas excursiones.

Viena, mayo de 2007
Este pequeño estado federado austriaco ofrece un paisaje muy variado: al norte, el lago Constanza; al sur, imponentes cumbres montañosas de más de tres mil metros de altitud que nacen de las suaves colinas prealpinas. En Vorarlberg, la cultura y el fútbol se darán la mano durante la celebración de la Eurocopa de Fútbol 2008, del 7 al 29 de junio.

La manera más fácil y cómoda de llegar a Vorarlberg es en avión. Los aeropuertos más cercanos son los de Zúrich (Suiza) y de Innsbruck (Austria).

Senderismo y arquitectura
El senderismo es la actividad preferida por los visitantes de Vorarlberg en verano. Más de 6.000 km. de senderos bien señalizados llevan a los excursionistas a los lugares más atractivos entre el lago Constanza, el Arlberg, Silvretta y Rätikon.

Quienes disfrutan del variado paisaje de Vorarlberg pueden también apreciar la gran variedad de la arquitectura que ofrece el país. Destacan ante todo los elementos contemporáneos integrados en construcciones antiguas o edificaciones nuevas, de líneas claras y sencillas, con una importante presencia de materiales naturales como la madera o el vidrio.

Buena hotelería
La prestigiosa revista alemana GEO SAISON publicó en su número del mes de enero 2008 la lista de los mejores hoteles de Europa elaborada por un jurado de expertos. El primer puesto en la categoría “Wellness” fue para el Hotel Post en Bezau (Bregenzerwald) y en la categoría “Hoteles familiares” ganó el Naturhotel Chesa Valisa en Hirschegg/Kleinwalsertal – ambos en Vorarlberg.

En el ámbito gastronómico también destaca por su gran calidad: Vorarlberg cuenta con un número muy superior a la media de restaurantes galardonados con premios y distinciones por diferentes guías gastronómicas internacionales.

Eventos
El centro cultural Kunsthaus Bregenz celebró en 2007 su décimo aniversario. Desde su inauguración se ha ganado un lugar destacado dentro del mundo de arte contemporáneo y su singular forma cúbica un referente arquitectónico mundial. En la programación de los Festivales de Bregenz (del 23 de julio al 23 de agosto) de este año destacan las representaciones de la ópera “Tosca” de Giacomo Puccini, una intriga operística sobre el amor, el poder y la envidia, interpretada sobre el escenario lacustre. La programación de la edición del festival de este año incluye atractivas interpretaciones de ópera, opereta, conciertos de orquesta, teatro e interpretaciones de música contemporánea dentro de la serie “arte de nuestro tiempo”. www.bregenzerfestspiele.com

La Schubertiade de la pequeña localidad de Schwarzenberg situada en medio de la región del Bregenzerwald, es el acto musical más importante del mundo dedicado a la música de Schubert y su contemporáneos (13 al 22 de junio y 23 de agosto al 7 de septiembre).

La sala “Angelika-Kauffmann-Saal”, con sus famosas vistas sobre las montañas y los verdes prados del Bregenzerwald, acogerá este año artistas de gran renombre y prestigio internacional como Ian Bostridge, Christoph Prégardien, Angelika Kirchschlager, Thomas Quasthoff y Alfred Brendel (www.schubertiade.at). Ofertas especiales para la Schubertiade que incluyen alojamiento y tres entradas de conciertos a elegir en la Oficina de Turismo Bregenzerwald (www.bregenzerwald.at).

Para no perderse ningún partido de la Eurocopa de Fútbol 2008 (7 al 29 de junio), muchas poblaciones de la zona tienen prevista la instalación de pantallas gigantes para la retransmisión pública de los partidos en hoteles, restaurantes o espacios públicos. La pantalla gigante que se instalará en el escenario lacustre de los Festivales de Bregenz tendrá la ubicación más espectacular: más de 5.000 espectadores podrán seguir los partidos rodeados de un escenario natural único. Un sofisticado dispositivo de sonido Dolby-Surround completará el montaje. La segunda televisión alemana (ZDF) tiene prevista ubicar su estudio de retransmisión de los partidos de la Eurocopa en el escenario lacustre.

Más información en:
www.vorarlberg.travel

Adiós a Rauschenberg

19/05/2008, Robert Rauschenberg, primer gran divulgador del Pop Art y uno de los los artistas más influyentes en los jóvenes creadores de las últimas décadas del siglo XX, falleció en Florida a los 82 años.

Tampa (florida) EE.UU. Mayo de 2008
El creador habνa nacido en Port Arthur (Texas), en 1925, y fue un artista multidisciplinar -fotσgrafo, pintor, escultor, grabador...-, prolνfico e innovador. Que mantuvo siempre un mismo espνritu crνtico hacia las normas establecidas y voluntad experimentadora.

Entre 1946 y 1947 estudiσ historia del arte, escultura y mϊsica en el Kansas City Art Institute y, poco despuιs, entrσ en la Acadιmie Julian de Parνs. Fue alumno tambiιn de Josef Albers, Jack Tworkov y Franz Kline en el prestigioso Black Mountain College de North Carolina, una escuela multidisciplinar que, sin duda, contribuyσ al desarrollo de su peculiar lenguaje artνstico. Allν fue compaρero del coreσgrafo Merce Cunningham y del mϊsico John Cage, con quienes colaborarνa desde entonces.

En 1951 realizσ su primera exposiciσn individual en la Betty Parsons Gallery y, un aρo despuιs, viajσ a Italia, Francia y Espaρa. Entre 1954 y 1965 fue el director de escena de la compaρνa de danza de Cunningham, en la que tambiιn colaborσ John Cage.

En 1964, Rauschenberg se convirtiσ en el primer artista norteamericano en obtener el primer premio de pintura de la Bienal de Venecia, contribuyendo de manera decisiva a que el Pop Art se diera a conocer internacionalmente. Mαs tarde, en 1966, creσ junto a varios cientνficos un grupo de experimentaciσn de arte y tecnologνa con el fin de aplicar los ϊltimos avances tιcnicos en el arte.

La trayectoria artνstica de Robert Rauschenberg ilustra la evoluciσn que se produce en las dιcadas centrales del siglo XX desde el expresionismo abstracto dominante hacia las nuevas formas del Pop Art, cuyo punto de partida fue la toma de conciencia de la modernizaciσn tecnolσgica y de sus consecuencias culturales, lo que supuso un replanteamiento del proyecto de modernidad.

Desde sus primeras obras, en la dιcada de 1950, en las que desarrollσ una pintura abstracta monocromαtica con los colores blanco y negro primero, y rojo despuιs, y un marcado interιs por el estudio de las distintas texturas, su obra evolucionσ hacia un arte mαs personal. El contacto con otros grandes nombres del arte contemporαneo y la riqueza de la formaciσn y de sus intereses profesionales, fuerom claves en el desarrollo de sus concepciones artνsticas y en su interιs por las modernas tecnologνas y su incorporaciσn en el proceso de creaciσn artνstica.

De su amistad con Jasper Johns, que comenzσ en 1954, surgiσ una relaciσn artνstica que se tradujo en la experimentaciσn de ambos fuera del expresionismo abstracto dominante, aunque Rauschenberg mantuvo siempre en su obra algunos elementos de este movimiento, a la vez que se rebelaba contra ιl, y nunca quiso desechar por completo la figuraciσn; precisamente, reconciliar ambas tendencias le supuso mαs de una dιcada de anαlisis y experimentaciσn. Johns y Rauschenberg fueron quienes sirvieron de enlace entre la generaciσn de los artistas expresionistas abstractos mαs veteranos y los jσvenes artistas pop.

Hacia la mitad de los aρos 1950, Rauschenberg empezσ a producir sus combine paintings, mezcla de pintura, assemblages y collages de fotografνas y objetos encontrados, generalmente desechos de la sociedad de consumo.

En 1962 comenzσ a experimentar un nuevo tipo de tιcnica artνstica que se convirtiσ en la base de su trabajo en los siguientes aρos: la serigrafνa; tιcnica utilizada tambiιn por primera vez ese mismo aρo por Andy Warhol, aunque la forma de trabajar y la intenciσn de ambos artistas serνa muy distinta. Este mιtodo permitiσ a Rauschenberg incorporar en sus obras imαgenes fotogrαficas ampliadas sobre paneles de seda sensibilizada, que luego transferνa al lienzo, superponiιndolas y mezclαndolas a modo de collage, y completando el conjunto con pintura al σleo. Las imαgenes agrandadas eran reproducciones de fotografνas suyas o de recortes de revistas, con acontecimientos histσricos o de la actualidad y, muchas de ellas, se repetνan sistemαticamente en distintas obras. Al haber sido agrandadas a una escala muy superior a la original, las fotografνas adquieren un aspecto granulado que Rauschenberg explotσ plαsticamente al combinarlas con las gruesas y rαpidas pinceladas al σleo con las que completa los cuadros.

Rauschenberg alcanzσ su primer gran ιxito popular con las pinturas serigrαficas; con ellas, el artista logrσ no sσlo resolver de forma brillante y audaz el problema de la reconciliaciσn entre figuraciσn y abstracciσn, sino tambiιn plasmar todo su universo visual. Las pinturas serigrαficas son autιnticas “cαpsulas del tiempo”, logrando capturar y congelar el momento, el mundo en imαgenes de la persona que viviσ en el momento en que se pintan.

FESTIMAD SUR 2008

19/05/2008, En esta nueva edición del festival, los asistentes podrán disfrutar de una mayor diversidad musical, además de otros eventos como exposiciones, performances y certámenes musicales y artísticos.

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Festimad Sur imprime un nuevo giro evolutivo a su concepto como Festival. Bajo el lema Biodiversidad Musical, el evento acoge de forma explícita valores que ha venido apuntando desde hace años: la pujante demanda social de manifestaciones culturales plurales, diversas, mestizas e innovadoras, que apuesten por la riqueza de la convivencia, el valor de la cooperación, la sostenibilidad social y medioambiental.

En total unos 30.000 espectadores podrán disfrutar de unos 20 grupos y más de 100 artistas de distintos estilos musicales como Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra o el grupo californiano Linkin Park.

FESTIMAD
Festimad nació en 1994 como evento único de referencia y vanguardia en el ámbito de la gestión, la programación y la difusión musical independientes. Como patrimonio y seña de identidad del Madrid Sur, Festimad ha ido evolucionando hasta ser imitado y emulado por centenares de festivales de Rock de toda España, incluso del extranjero.

Con la confianza depositada por los Ayuntamientos de Alcorcón, Fuenlabrada, Getafe, Leganés, Móstoles y Parla y la Comunidad de Madrid, Festimad Sur, siempre se ha adelantado a los acontecimientos ofreciendo a las alternativas musicales independientes un escaparate desde el que llegar al público masivo.

Grupos y artistas nacionales e internacionales de gran renombre han actuado, a precios asequibles para todos los públicos, en Festimad Sur: Metallica, Rage Against The Machine, Queen Of The Stone Ages, The Prodigy, Jamiroquai, Smashing Pumpkins, Deftones, Incubus, Orishas, Dover, Extremoduro, Los Planetas, Macaco, Ojos de Brujo, Amparanoia, Los Delinqíentes...

Ahora, nuevas caras llegan al festival, que apuesta fuerte por la generación de nuevos valores emergentes y por la renovación de alternativas artísticas.

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EL EVENTO
La edición 2008 de Festimad Sur, se celebrará los días 6 y 7 de junio en la Cubierta de Leganés. No faltarán a la cita las actividades de participación habituales del festival: Fotomad, los espacios de muestra de sensibilización social, cultural y ambiental y Graffiti Sur que, tras batir el Record Guiness durante la pasada edición, en ésta se atreve con una recreación actualizada de las Pinturas Negras de Goya a cargo, entre otros, de Beto, Moze, Kool y Mata.

EL CARTEL
Viernes 6 de Junio (Apertura de puertas a las 16:00 h.)
Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra (Serbia), a las 22:30.
El Chojín (Madrid), a las 21:30 h.
Bigg (Marruecos), a las 21:00
Kumar (Cuba-España), a las 20:00 h.
Y los seleccionados en el Festimad Sur Music 2008, a partir de las 16:00 h.)
Vita Imana (Parla)
The Rejects (Getafe)
Rokcinante (Alcorcón)
Nu Eve (Móstoles)
Gizmo (Leganés)
Fetus In Feto (Fuenlabrada)
Day Of Rising (Castellón)

Sábado 7 de Junio (Apertura de puertas a las 17:30 h.)
LINKIN PARK (EEUU), a las 22:00 h.
Lostprophets (Gales), a las 20:00 h
The Blackouts (Gales), a las 19:00
Nunnery (Cataluña), a partir de las 17:30 h.

ENTRADAS
Al ser gestionado por una Asociación Cultural, Festimad es tradicionalmente el festival español con mejor relación calidad/precio. El acceso está permitido a todos los públicos, teniendo que estar acompañados los menores de edad por un adulto.

Las puertas se abrirán sobre las 16:00 horas y los conciertos terminarán sobre las 24:30 h.

Las entradas para Festimad Surґ08 se pueden adquirir en más de 2.000 puntos de repartidos por toda España. FNAC, Carrefour, Tiendas Tipo, Halcón Viajes, Urende, Cajeros automáticos de Servicaixa, Sprint Point, TickTackTicket, Servicaixa.com...

CÓMO LLEGAR
Para evitar esperas y atascos es recomendable el uso del transporte público.

EN METROSUR
Línea 12. Estación ‘Casa del Reloj’ (en la puerta de La Cubierta).

EN AUTOBЪS
Autobuses desde Aluche: 482-491-492. Autobuses desde Metro Oporto: 481-484-485. Autobuses desde zona Sur: 432 Villaverde-Leganés / 450 Getafe-Leganés-Alcorcón / 468 Getafe-Fuenlabrada-Humanes-Griñón / 496 Leganés-Moraleja de Enmedio-Arroyomolinos / 497 Leganés-Moraleja de En medio-Las Colinas / 497 Leganés-Moraleja de En medio-Las Colinas / 491-492 Fuenlabrada-Aluche.

Nocturno: N-42 N-43 N-44.

EN COCHE
Desde Madrid hay acceso directo por la M-40. Desde el este, por la autovía de Toledo, A-42. Desde el sur, por la M-50. Desde el oeste, por el eje del Sureste , una variante de la N-V (Extremadura), desde Móstoles, que cruza Leganés hacia la M-40.

ACCESO DISCAPACITADOS.
Por la puerta 4.1 de La Cubierta.

La historia del Sahara

12/05/2008, Un análisis de sedimentos de un lago africano ha desafiado la idea que la sabana tropical que cubría el Sáhara desapareció rápidamente para generar lo que ahora es el desierto más grande sobre la Tierra.

Según un informe que publica la prestigiosa revista Science el cambio fue gradual, a lo largo de más de 3000 años.

Los monzones de verano que comenzaron hace aproximadamente 12,500 años transformaron el Sáhara de un desierto inhabitable en un paraíso verde y húmedo. Pero hace 7000 años, las cosas volvieron a cambiar debido a la debilidad de los monzones africanos y el Sáhara se desecó poco a poco, en un proceso conocido como aridificación.

Stefan Kröpelin, geólogo de la Universidad de Colonia en Alemania, ha investigado, junto con otros estudiosos, en un área donde ha perdurado un sistema lacustre: en lago Yoa en Chad del norte.

Desde una pequeña plataforma, los científicos cavaron 9 metros en el sedimento y analizaron el registro de restos animales y flora, la deposición de polvo, y la salinidad del lago a lo largo de miles de años.

Los datos revelaron un cambio gradual del ecosistema que ocurrió de 6000 a 2700 años atrás, mostrando que el Sáhara no se desecó tan rápido como muchos estimaban. Kröpelin sostiene que no hay otros lagos saharianos con un registro tan bien conservado y continuo.

El Sahara tiene más de nueve millones de kilómetros cuadrados y es el desierto cálido mayor del orbe. Se ubica en África, ocupando el ámbito más ancho del continente –desde el Mar Rojo al Atlántico- y dividiendo éste continente en dos: al norte queda la zona mediterránea y al sur el África Subsahariana.

Multitud de restos de animales y pinturas prehistóricas nos demuestran que hasta hace tres milenios estuvo habitado por densas colonias de pueblos pescadores y ganaderos, ocupando ámbitos en los que abundaba el agua.

Algunas páginas de guiarte sobre los territorios saharianos:

http://www.guiarte.com/libia/
http://www.guiarte.com/merzuga/
http://www.guiarte.com/tunez/

Obras del Victoria and Albert Museum, en Nueva York

09/05/2008, The Metropolitan Museum of Art de Nueva York ofrece a sus visitantes la posibilidad de contemplar una selección de obras maestras del Victoria and Albert Museum de Londres relativas a la Edad Media y el Renacimiento.

Nueva York mayo de 2008
El Victoria and Albert es uno de los museos más importantes del mundo dedicado al arte decorativo y el diseño, con colecciones de gran diversidad de culturas. Abarca piezas de cerámica, muebles, tejidos, cristal, joyas, orfebrería, fotografía, escultura y pintura. En la actualidad está rediseñando su espacio relativo al tiempo medieval y del Renacimiento, cuyas galerías reabrirán en el otoño de 2009.

Treinta y cinco de las obras maestras del museo Victoria and Albert estarán en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva Cork, en una muestra que comienza el 20 de mayo de 2008, titulada “Medieval and Renaissance Treasures from the Victoria and Albert Museum” y que incluye ejemplos notables de escultura, trabajo en metales, cerámica, y cristal, materiales artisticos que pro primera vez están en Nueva York.

Destacan obras de arte relativamente de pequeña escala pero sumamente apreciadas para su belleza, el valor de sus materiales, y la habilidad exquisita de sus creadores.

Entre ellas, la cubierta de marfil de los Evangelios Lorsch, de époica carolingia; una figurilla de marfil de Cristo crucificado, obra de Giovanni Pisano, Un bronce de Donatello, “Putto con pez” y el Códice Forster I, uno de los cuadernos de Leonardo da Vinci.

La exposición, organizada por Victoria y el Museo de Albert, Londres ha sido posible por la David Berg Foundation, con el apoyo del Consejo Federal sobre las Artes y Humanidades.

Antes de su exposición en el Metropolitano, la muestra ha recorrido algunas ciudades americanas, y aún pasará por otras dos sedes, antes de recalar a las nuevas galerías de la institución museística londinense, al final de 2009.

Medieval and Renaissance Treasures from London's Victoria and Albert Museum
Metropolitan Museum of Art
Desde el 20 de mayo al 17 de agosto
Nueva York
http://www.metmuseum.org


La conquista de la gran ola

09/05/2008, Las olas de Teahupoo, en Tahití, se consideran las más espectaculares (y peligrosas) de los mares. Una vez más, vuelven a ser una cita mundial para los surfistas.

Tahití, mayo de 2008
En mayo Tahití vuelve a convertirse en el centro del surf mundial con la celebración de la décima “Billabong Pro Tahiti”, una de las competiciones más renombradas del circuito internacional.

Los 45 mejores surfistas se disputan el título. Les esperan olas de más de 6 metros de altura en una playa mítica. El enclave de Teahupoo, al sur de la isla de Tahití, es un sitio especial para el surfismo, por la perfección y la fuerza de sus olas. Desde 1999 está en el circuito de la Asociación Profesional de Surfistas (ASP) en el que cada año se decide quién es el líder de este deporte.

Los 45 surfistas clasificados se enfrentan en Tahití a una monumental pared de agua que rompe sobre un arrecife en forma de media luna, a 700 metros de la costa. La ola suele alcanzar los 6 metros de altura, y a veces llega a los 10, por lo que es admirada y temida a partes iguales por su gran verticalidad y su amplio tubo de izquierda que escupe a los surfistas cerca de las escarpadas garras del arrecife.

La competición está prevista del 8 al 18 de mayo, pero puede variar en función del estado de la mar. Allí estará la máxima categoría del surf mundial, con clásicos como Kelly Slater, que ha ganado en dos ocasiones y batió un record en 2005 al conseguir la calificación máxima; o Damien Hobgood, vencedor en 2007.

Billabong, la empresa patrocinadora del evento, es australiana y se dedica a ropa deportiva, entre ella la del surf. Es una de las grandes del sector.

Cómo llegar: Air France vuela varias veces por semana desde España vía París y Los Ángeles, y Air Tahiti Nui conecta París y Nueva York con el aeropuerto internacional Faa’a de Papeete (Tahití).

Golf ante el arte

09/05/2008, El golf es un deporte privilegiado en el que se aúna el ejercicio físico y el goce del paisaje. Si además añadimos el arte, mejor que mejor.

El Escorial, mayo de 2008
El conocido Circuito Rolex de Golf celebrará su quinta etapa, el próximo 10 de mayo, en El Escorial, al lado del grandioso monasterio que mandó construir Felipe II tras la batalla victoriosa sobre los franceses en San Quintín.

El Circuito Rolex, uno de los torneos que más expectación provoca dentro del calendario español de golf, reanuda su actividad en el prestigioso Real Club de Golf de la Herrería.

Este campeonato se integra en un circuito estatal dividido en 24 torneos locales. La emoción y la lucha por llegar a la gran final, que tendrá lugar en el Club de Golf de Valderrama (Cádiz) el próximo 20 de septiembre, serán los alicientes del prestigioso encuentro golfístico.

Rolex, uno de los principales fabricantes de relojes del mundo, fue fundada en 1905. Desde 1927 (cuando una nadadora cruzó el canal de la mancha portando uno de sus relojes) Rolex ligó su imagen a la de los eventos deportivos. Esa actividad ha proseguido en años sucesivos, y en la actualidad patrocina unos 150 grandes eventos de índole cultural y deportiva.

Información sobre El Escorial

Arte Contemporáneo Israelí

08/05/2008, El Museo de Israel, en Jerusalén, presenta una muestra sobre la creatividad contemporánea israelí de los últimos 10 años. Una de las décadas más dinámicas en el desarrollo de la cultura visual moderna del país.

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Jerusalén, mayo de 2008
"Tiempo Real: Arte en Israel 1998-2008" explora los caminos en los cuales artistas emergentes han respondido a los desarrollos locales y globales durante éste período y destaca el notable crecimiento internacional del perfil de los artistas Israelíes.

La exposición presenta una selección de aproximadamente sesenta obras en una gama de medios tradicionales y nuevos de cuarenta artistas, entre ellos Guy Ben Ner, Sigalit Landau, Adis Nes, Yehudit Sasportas, Eliezer Sonnenschein y Gal Weinstein.

Tiempo Real marca la contribución del Museo de Israel a la celebración del 60 aniversario del Estado israelí, explorando los caminos en los cuales jóvenes artistas se han comprometido con el creciente fenómeno global de la población artística," según el director del Museo de Israel.

Entre los trabajos figuran obras de:
Sigalit Landau -esculturas en gran escala de Dining Hall (Comedor), 2007- premiado reciente en el Kunst-Werke-Institute for Contemporary Art in Berlin.

Ohad Meromi - The Boy from South Tel Aviv (El Niño del Sur de Tel Aviv), 2001 - una escultura en escala monumental de un niño adolescente africano cuya presencia fuerza al espectador a enfrentar los interrogantes del lugar que ocupan los trabajadores temporarios del tercer mundo en la sociedad occidental.

Eliezer Sonnenschein - Landscape and Jerusalem (Paisaje y Jerusalén), 2007 - una pintura de complicados detalles que emplea motivos extraídos de la cristianidad y la mitología.

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Sesenta Años de Arte
El Museo presenta Tiempo Real: Arte en Israel 1998-2008 dentro de una iniciativa conjunta de seis de los museos de Israel, celebrando el 60 aniversario de Israel como Estado. Cada uno destaca la producción artística de una década diferente.

Este proyecto revela la creatividad y diversidad del arte Israelí.

Están participando en el proyecto los siguientes centros:
Museo de Israel
Museo de Arte de Ashdod
Museo de Arte de Ein Harod.
Museo de Arte de Haifa
Museo de Arte Contemporáneo de Herzliya
Museo de Arte de Tel Aviv.

Cada una de las exhibiciones está acompañada por un catálogo ilustrado.

El Museo de Israel de Jerusalén
El Museo de Israel es la mayor institución cultural el Estado de Israel y está considerada como uno de los centros de arte y arqueología líderes del mundo.

Fundado en 1965, alberga colecciones enciclopédicas que van desde la prehistoria hasta arte contemporáneo. Ellas incluyen la más extensa posesión en el mundo de objetos arqueológicos Biblicos y de Tierra Santa, entre ellos los Rollos del Mar Muerto.

En algo más de cuarenta años, el Museo ha conseguido una colección de cerca de 500,000 piezas a través de legados de obsequios y apoyo de su círculo mundial de mecenas.

Viva el color

08/05/2008, Artium presenta en Vitoria una muestra dirigida a los más pequeños, para incitarles a reflexionar sobre el mundo de los colores: ¡Viva el color! Hasta el 28 de septiembre.

Vitoria, mayo de 2008
El Centro Vasco de Arte Contemporáneo presenta una exposición destinada al público infantil e integrada por once obras de su Colección Permanente. La muestra gira en torno a la percepción del color en el entorno y a su uso en el arte contemporáneo.

En la selección están materias artísticas de técnicas diversas: la pintura, la escultura, la fotografía y la obra gráfica, entre otras.

Como en otras ocasiones, las obras han sido colocadas a una altura inferior a la habitual, con el fin de adaptar su montaje a la talla de los espectadores más jóvenes. Diferentes preguntas impresas sobre la pared incitan a la reflexión sobre el tema de la exposición, mientras que un taller anexo permite que los visitantes plasmen sobre el papel las conclusiones de su experiencia.

¡Viva el color! es una exposición ideada por el Departamento de Educación de Artium y se entronca en una serie de exposiciones destinadas al público infantil, desarrolladas desde el año 2005.

A Un invierno con mucho arte, abierta en diciembre de ese año, le siguieron en 2006 Niñ@s y en 2007 Lugares aquí y ahora y Todos, animales. Se trata de una experiencia pionera en España con un programa estable de exposiciones infantiles en las que se cuenta con obras reales.

Todas las exposiciones han estado acompañadas, además, de un sólido proyecto educativo, tanto en la sala, con la rotulación sobre las paredes de una serie de preguntas que incitan a la reflexión de los más jóvenes, como en la zona de taller, donde se incentiva la participación en distintas actividades.

La nueva exposición infantil de Artium cuenta con obras de artistas de la talla histórica de Gerardo Rueda, representado con el óleo titulado Dos casas (1948) o Joan Ponç, de quien puede verse su pintura Equilibrio nocturno (1975). La muestra presenta también obras de artistas de generaciones posteriores, como el británico Martin Parr, con una fotografía de su serie Common Sense (1995-99) o el japonés Mitsuo Miura, de quien se exhiben tres serigrafías de la serie En la playa de los Genoveses (1990) y una pieza más Sin título (1992); o como es el caso de la mallorquina Susy Gómez, quien está representada con un dibujo Sin título (2004), la canaria Carmela García, con una fotografía también Sin título (2000) o los británicos Jake y Dinos Chapman, con una obra gráfica llamada Screen (1997). Finalmente, la creación más joven está presente con la pieza Columna (2003), de la artista vasca Maider López.

¡Viva el color! pretende provocar entre los más jóvenes espectadores la reflexión acerca de los colores que llenan el mundo, las cosas y las personas, sobre las diferencias de matiz, las combinaciones posibles y el sentido que pueden adquirir, y sobre los sentimientos, sensaciones e ideas que son capaces de provocar o transmitir. Para conseguirlo, se incita a los pequeños visitantes a observar con atención las diferentes obras y responder a comentarios y preguntas que pueden leer junto a ellas, preguntas sobre qué ocurriría si se alterasen los colores de las obras, sobre qué ocurre si se mezclan colores o sobre la diferencia entre los colores que se ven en los personajes de las obras y los que tiene o lleva el espectador.

El tema y las obras elegidas resultan, además, de gran utilidad desde el punto de vista educativo y son varios los centros escolares que han solicitado realizar actividades en la exposición antes del final del curso. Pero la visita a la exposición puede realizarse también en familia y concluirla con una actividad en el taller de color que se encuentra anexo al espacio de la exposición. ¡Viva el color! servirá también como punto de partida para diferentes actividades que se realizarán en las colonias de verano de Artium, cuya fecha de inscripción se inicia el 5 de mayo.

Más información en:
http://www.artium.org

Rock in Rio Madrid 2008

06/05/2008, Los días 27 y 28 de Junio y 4, 5 y 6 de Julio en Arganda del Rey (Madrid),se celebra el Rock in Rio Madrid.

Los días 27 y 28 de Junio y 4, 5 y 6 de Julio en Arganda del Rey (Madrid),se celebra el Rock in Rio Madrid.

Rock in Rio es el mayor Festival musical del mundo, y que aterrizará en España este verano en la localidad madrileña de Arganda del Rey. Como gran plataforma de comunicación que es, pretende lanzar un mensaje de sensibilazión social acerca del cambio climático.

Para esta edición de ROCK IN RIO, la organización ha creado en la ciudad madrileña de Arganda del Rey la ciudad de la música, un lugar con más de 200.000 km2 donde se celebrará la edición en junio de 2008, esta ciudad se dividirá en zonas donde se podrá disfrutar de diferentes eventos y acitividades:

Escenario Mundo

Una estructura imponente inspirada en los conceptos de la arquitectura contemporánea, donde forma y la luz se entrelazan en un movimiento múltiple. Totalmente revestido con tela perforada de aluminio, dispuesta en formas orgánicas y sinuosas que van a posibilitar la proyección de una iluminación multicolor y de efectos especiales en toda su extensión, garantizando la dinámica visual e interactiva asociada a este tipo de espectáculos. El metal va a permitir efectos de memoria en el Escenario, también durante el día, por el reflejo de la luz natural que será diferente según la posición del sol. El Escenario Mundo en números: 2.100 m2 de escenario; 70 metros de largo; 25 metros de altura; 2.500 m2 de fachada metálica. Sin duda algo único y espectacular.

Carpa Electrónica

La Carpa Electrónica va a recibir los mejores DJ.s de la actualidad en un ambiente totalmente alucinante. Diseño y luz serán los ingredientes que, asociados a la música, van a hacer de la Carpa Electrónica una de las zonas más destacadas de Rock in Río-Madrid 2008. Los miles de fans de las .vibes. electrónicas van a poder bailar hasta la extenuación bajo una maraña espectacular de tubos blancos donde van a ser proyectados focos de luces rítmicas que van a dar forma a la original estructura. La base será una estructura arrojada que, apuntando a todas las direcciones, identifica un movimiento musical global sin fronteras y sin límites. La Carpa Electrónica en números: 1.800 m2; 4.000 metros de tubos con 20 a 30 cm. de diámetro.

Escenario España

Considerando la relevancia de la música nacional y visibilidad internacional del .Rock in Río., habrá un espacio propio con una imagen característica y moderna para la música española.

Espacio Niños

Todo está pensado para que los niños también estén cómodos en la Ciudad del Rock, ya que .Rock in Río. está pensado para toda la familia. Los más pequeños podrán divertirse a lo grande, la zona infantil estará diseñada para albergar todo tipo de actividades donde los educadores, animadores, estarán pendientes de los niños, quienes podrán divertirse con el teatro de títeres, pinturas faciales, cuenta cuentos y muchas sorpresas más. Todo pensado para que los padres puedan asistir a sus espectáculos preferidos sin preocupaciones.

Zona Radical

Para estimular a los más atrevidos, con pista de patinaje en el hielo y pista de nieve para workshops de snowboard en pleno verano, bungee jump y 3 tirolinas que estarán en frente del Escenario Mundo. La Pista de Nieve en números: 50 metros de largo, 12 metros de altura y 10 metros de anchura; producción de 100 m3 de nieve por día.

Zona VIP

Con capacidad para 2000 invitados por día. Un exclusivo ambiente para .ver y ser visto. y al mismo tiempo recuperar las fuerzas entre un show y otro, donde podrás disfrutar de barra libre y tomar un exclusivo y sofisticado cóctel, sea la hora que sea.

ACTUACIONES

La organización ya ha comenzado a hacer pública diversas actuaciones, entre las que se encuentran las de grupos del mejor pop nacional e internacional. Dos de los mejores y más representativos nombres del pop español acaban de confirmar su actuación en Rock in Rio-Madrid. El Canto del Loco y los Hombres G* se presentarán el 28 de junio en una gran noche dedicada a la música española, donde ofrecerán dos espectaculares conciertos, dispuestos a recordar los directos –esta vez por separado- que protagonizaron en el año 2005, ante 50 mil personas, en el Estadio Vicente Calderón.

Hombres G han sido baja y en su lugar actura el artista brasileño Carlinhos Brown.

Otro artista español que actuará en el Festival será Alejandro Sanz, que lo hará el día 5 de julio, coincidiendo con la actuación de una de las bandas inglesas más importantes que harán una parada en su gira para tocar en Rock in Rio, The Police.

Por otro lado, DJ Tiësto también estará en Rock in Rio-Madrid, una confirmación que aumenta los niveles de expectación en torno a la Carpa Electrónica de la Ciudad del Rock. El Dj holandés está considerado como el mejor y más innovador DJ de todos los tiempos, y cerrará el festival con una gran actuación en el escenario mundo el domingo 6 de julio. Pero no será el único DJ que nos hará bailar, previamente, el día 28 de junio otro genio de la música electrónica, Carl Cox, ofrecerá una sesión a la que seguro no falta nadie.

Las últimas confirmaciones llegan del continente americano, por un lado el artista canadiense Neil Young, uno de los artistas más carismáticos y reconocidos del mundo actuará el 27 de junio en el Escenario Mundo, donde también lo hará el norteamericano Jack Johnson. Cerrando así el cartel de este escenario junto con Manolo García y Alanis Morisstte, sin duda de lujo.

El gran artista Bob Dylan, cierra el cártel de Rock in Rio, el cantante y compositor subirá al Escenario Mundo el 6 de julio, el mejor exponente de la música rock, no podía faltar en la Ciudad del Rock Y otra confirmación, la de David Guetta, uno de los 3 mejores djs del mundo que llevará el 27 de junio su mejor house a la Electrónica de la Ciudad del Rock.

PROGRAMA

ESCENARIO MUNDO:

27 de junio: Neil Young, Manolo García, Jack Johnson y Alanis Morissette.

28 de junio: El Canto del Loco, Tokio Hotel, Carlinhos Brown e Ivete Sangalo.

4 de julio: James Morrison, Amy Winehouse, Jamiroquai y Shakira.

5 de julio: The Police, Alejandro Sanz, Estopa y Flamenco All Stars (Antonio Carmona, Rosario Flores, Pitingo y La Negra)

6 de julio: Bob Dylan, Lenny Kravitz, Franz Ferdinand, Chris Cornell y cierre del festival con Tiësto.

HOT STAGE:

27 de junio: Loquillo, The Rights Ons y Lilith.

28 de junio: Mando Diao, Standard y Artista Espacio movistar.

4 de julio: Orishas, Los Delinquëntes y Artista Destino RIR.

5 de julio: Zuccero, Suzanne Vega y The Cabriolets.

6 de julio: Café Tacuba, Draco y Jet Lag.

ELECTRÓNICA:

27 de junio, Co-Hosted by Pacha Ibiza: David Getta, Wally López, Sara Main, Goldfish y Superlush DJ´s (JP Candela & Nano)

28 de junio: Carl Cox, Cristian Varela, Locodice y Elio Riso.

4 de julio: Satoshi Tomiie, Chus & Ceballos, Simon & Shaker, D- Formation y Jose Luis Magoya.

5 de julio: Body & Soul (François K, Danny Krivit, Joe Clausell) y Gilbert L Funk.

6 de julio: Sasha&Digweed, Dj Vibe, Gerardo Niva y Roberto Rodríguez.

ENTRADAS

Día 27 de junio (69 euros)

Día 28 de junio (49 euros)

Día 4 de julio (69 euros)

Día 5 de julio (69 euros)

Día 6 de julio (69 euros)

CADA ENTRADA DARÁ DERECHO A DISFRUTAR DE TODAS LAS ATRACCIONES GENERADAS POR EL ROCK IN RIO-MADRID DENTRO DE LA CIUDAD DEL ROCK.

TICKETS VIP: Los tickets se podrán obtener contactando con El Corte Inglés en el número 902 40 02 22 y serán enviados posteriormente al domicilio de los compradores. El precio de estas entradas VIP es de 275€ por día (gastos de envío no incluidos) y por cada dos tickets adquiridos se reservará una plaza en el aparcamiento reservado para los compradores de este tipo de billete.

ESTARÁN DISPONIBLES EN LOS PUNTOS DE VENTA DE ENTRADAS DE LOS CENTROS DE EL CORTE INGLÉS, O A TRAVÉS DE SU PÁGINA WEB: www.elcorteingles.es

Franck Goddio galardonado

05/05/2008, El arqueólogo submarino, descubridor de los restos de las ciudades pérdidas de Alejandría, Canopo y Heraclion, ha sido condecorado con la Medalla de la Legión de Honor Francesa.

Madrid, mayo de 2008
El embajador de Francia en España, Bruno Delaye entregó el pasado 22 de abril esta distinción al arqueólogo submarino en un acto celebrado en la Embajada de Francia en Madrid. Esta ciudad es testigo, hasta el próximo 28 de septiembre de la exposición "Tesoros Sumergidos de Egipto", que repasa más de 1.500 años de historia del pueblo egipcio, con los restos del legendario Puerto de Alejandría, la ciudad de Heraclion y parte de la ciudad de Canopo, obras que se creían perdidas para siempre y que Franck Goddio rescató de las profundidades.

Nacido en Casablanca en 1947, Franck Goddio estudió en la École Nationale Supérieure de la Statistique et de l´Administration Economique. Después de trabajar como asesor de Naciones Unidas en Vietnam, Camboya y Laos durante 1973 y 1974, fue recomendado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia en 1975 para el Ministerio de Economía y Finanzas de Laos, antes de convertirse en consejero del gobierno de Arabia Saudita y de ayudar a establecer el Fondo para el Desarrollo Saudita. A su vuelta a Francia en 1983, optó por un año sabático, para poder dedicarse a sus intereses personales.

Esto le llevó a investigar las posibilidades de la arqueología marina internacional. Y por una buena razón: Franck Goddio es el nieto de Eric de Bisschop, marinero, aventurero y escritor, que descubrió las antiguas rutas de navegación en el Pacífico Sur y fue el inventor del moderno catamarán.

El Ministerio de Asuntos Exteriores francés le recomendó a las Filipinas, que habían solicitado la colaboracion de Francia en el ambito de la arqueología subacuática; fruto de estas investigaciones fue el descubrimiento del San Diego, un galeón español que se había hundido en 1600. Partes de sus hallazgos se exhiben en el Museo Naval en Madrid.

Otros objetos rescatados por Goddio han sido donados al Museo Guimet de las Artes Asiáticas, en París, y el Museo Nacional de la Marina, en Port Luis (Lorient, Francia), donde se ha creado un nuevo espacio para exhibir estas piezas, contribuyendo a enriquecer la herencia cultural de esta ciudad.

Goddio combina su fascinación por la aventura submarina con técnicas analíticas de sonido. En ese momento, la arqueología marítima era dominio de un puñado de especialistas con muy limitados recursos y Goddio se dio cuenta de que en ese campo había cabida para un Instituto privado que cooperara con los gobiernos -aunque permaneciendo independiente- para desarrollar vías de trabajo y una estrategia apropiada.

En 1987, Goddio fundó el Instituto Europeo de Arqueología Submarina (IEASM), una institución sin ánimo de lucro para la localización, exploración, estudio y restauración de yacimientos sumergidos y para la exhibición de sus tesoros.

En 1992 comenzó a trabajar con el Consejo Superior de Antigüedades de Egipto en un proyecto arqueológico a gran escala que llevó a la cartografía del Portus Magnus de Alejandría y al descubrimiento de los santuarios de Canopo Este, en la bahía de Abukir y de la ciudad de Heraclion-Tonis, situada a unos 7 km. de la costa.

En 2003, Goddio fue miembro fundador del Oxford Centre for Maritime Archaeology (OCMA), vinculado a la Universidad de Oxford.

Más información:
www.tesoros-sumergidos-egipto.es

Alphonse Mucha: Seducción, modernidad y utopía.

01/05/2008, La Obra Social "la Caixa" presenta en CaixaForum Madrid la primera gran exposición que se dedica en España al artista Alphonse Mucha, a partir de más de 200 obras (carteles, joyas, pinturas, fotos, libros y objetos).

Alphonse Mucha creσ una moda y fue precursor de lo que hoy se conoce como merchandising; incluso produjo un jabσn con su propio nombre, algo impensable en su ιpoca. Hoy es uno de los artistas conocidos mαs desconocidos (valga la paradoja) de un periodo clave de la historia cultural reciente, el que va de finales del siglo XIX a la primera mitad del siglo XX.

La Obra Social "la Caixa" presenta la primera gran exposiciσn dedicada a Alphonse Mucha en Espaρa: mαs de 200 piezas atestiguan la prolνfica labor de este artista polifacιtico, entre fotografνas, dibujos, litografνas, carteles, pinturas, joyas, cerαmicas, libros, diarios, revistas, postales, sellos, billetes, cajas de galletas, botellas, jabones... Todo ello bajo la rϊbrica Mucha. La muestra Alphonse Mucha (1860-1939), seducciσn, modernidad y utopνa, fruto de la colaboraciσn entre la Fundaciσn "la Caixa" y la Mucha Foundation, da cuenta en CaixaForum Madrid de todas las facetas de uno de los artistas mαs singulares y conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo art nouveau, pionero en la aplicaciσn del arte a la publicidad y uno de los padres del diseρo grαfico moderno.

Sus carteles y pinturas causaron admiraciσn en Parνs y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegσricos, y crean una atmσsfera de misterio cercana a la poιtica simbolista.

La exposiciσn se podrα visitar en CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36) del 30 de abril al 31 de agosto de 2008. Luego viajarα a Barcelona, Palma, Salamanca y Tarragona.

Alphonse Mucha (1860-1939) consiguiσ su primer gran ιxito como diseρador grαfico en 1894, con el cartel de la obra de teatro Gismonda, de Victorien Sardou, para la compaρνa de Sarah Bernhardt. A partir de elementos del arte bizantino y oriental, combinados con antiguas tradiciones centroeuropeas, Mucha creσ un estilo decorativo que se caracteriza por una exuberante elegancia y una sofisticada languidez. El ιxito fue inmediato. Contratado por Sarah Bernhardt para realizar los carteles de sus obras de teatro, viviσ en Parνs el esplendor del art nouveau y fue uno de sus representantes mαs populares. La influencia de su obra grαfica se dejσ sentir en todo el mundo, y las joyas que proyectσ para el orfebre Fouquet se convirtieron en piezas de colecciσn.

Mucha fue tambiιn un pintor reconocido. En 1904 emprendiσ la aventura americana y viajσ a Nueva York, donde realizσ numerosos retratos. Cuatro aρos mαs tarde regresσ a Praga y puso su arte al servicio de la creaciσn de una mitologνa eslava, fundamento simbσlico del nuevo Estado checoslovaco. Mucha fue iniciado en la Gran Logia Masσnica de Parνs en 1898, y alcanzσ el grado supremo de gran maestro de la Logia de Checoslovaquia. Nunca concibiσ su obra desde la frivolidad, sino desde un espνritu de servicio visionario.

La exposiciσn Alphonse Mucha (1860-1939), seducciσn, modernidad y utopνa muestra todas las facetas de este creador singular a partir de cuatro nϊcleos temαticos (Teatro, Belleza, Misterio y Modernidad) y cuatro capνtulos mαs breves, que sirven de complemento y ayudan a situar su contribuciσn al arte del siglo XX: la metrσpolis como escenario, la fotografνa como herramienta y obra de arte, la ιpica eslava y la difusiσn del modernismo. Mucha aparece como un artista polifacιtico, creador de un estilo fαcilmente identificable, pionero del uso de las artes decorativas en la publicidad, el teatro y la polνtica; pero tambiιn como el creador de una realidad transfigurada, que en un mundo cada vez mαs tecnificado, expresσ la utopνa de una belleza romαntica.

LA EXPOSICIΣN
Alphonse Mucha (1860-1939), seducciσn, modernidad y utopνa
Del 30 de abril al 31 de agosto de 2008

CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36
28014 Madrid

Horario
De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 h

Tel. Informaciσn
91 330 73 00

Entrada gratuita a la exposiciσn

Arte en Cesky Krumlov

29/04/2008, Esta ciudad medieval, a 170 kilómetros de Praga, cuelga oficialmente el cartel de abierto en sus principales galerías y centros culturales a partir de mayo, cuando se da por inaugurada la temporada turística.

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Praga, 29 de abril de 2008
Ésta es una de las ciudades medievales con mayor magnetismo de la República Checa. La llaman la Praga en miniatura. Su casco antiguo concentra los encantos de la capital en un espacio cedido por un meandro del río Moldava a su paso por Bohemia del Sur. Sus callejuelas de cuento y edificios renacentistas y barrocos están al amparo del imponente Castillo y Palacio Estatal de Cesky Krumlov que es, con su característica torre colorida, el segundo mayor de Bohemia tras el de la capital.

Además del entorno de leyenda, la ciudad comparte otras singularidades con Praga: es Patrimonio Mundial protegido por la Unesco y tiene una importante oferta cultural en la que destaca la producción y difusión del arte plástico.

Éstas son las galerías más destacadas:

Egon Schiele Art Centrum. Dirección: Siroka 71. www.schieleartcentrum.cz

Esta galería de 5.000 m2 se fundó en una antigua cervecería renacentista en honor al conocido pintor Egon Schiele, quien vivió en la ciudad y la retrató en sus dibujos. Además de la exposición permanente, que cuenta con obras gráficas originales y objetos personales de Schiele, a partir de mayo de 2008 se podrán visitar varias muestras dedicadas a China: piezas de arte tradicional de la Galería Nacional de Beijing, trabajos contemporáneos de jóvenes artistas chinos y la exposición fotográfica “Caras detrás del muro” del checo Jindrich Streit.

Galería internacional de Arte Cerámico. Dirección: 4º patio del Castillo nacional de Cesky Krumlov. www.virtual-gallery.cz

Cada año, desde mayo a finales de octubre, la Agencia Checa de Diseño de Cerámica organiza una exposición de cerámica en los Sótanos de Wenceslao, un laberinto gótico-renacentista subterráneo ubicado en el Castillo de Cesky Krumlov.

Estudio internacional de arte. Dirección: Na Fortne, Latran 16 www.virtual-gallery.cz

Organiza visitas creativas por la obra de artistas, exposiciones itinerantes y se complementa con un club artístico y exposición exterior de objetos escultóricos, además de una cafetería donde dejar pasar las horas y refugiarse en un buen libro.

Otros centros destacados de venta y exposición son Galerie Doxa y Gallery Art. Se detallan todas las galerías en

http://salvarpatrimonio.org/patrimonio-mundial/cesky-krumlow-unesco.html

Saber viajar “sobre ruedas”

29/04/2008, Nueve de cada diez accidentes de tráfico están causados por alguna imprudencia del ser humano. Es un detalle que conviene recordar para que el placer de viajar no esté tan vinculado con la palabra riesgo.

Madrid, mayo de 2008
Cada año, más de un millón de personas termina violentamente su existencia por accidentes de tránsito, según estadísticas de organismos internacionales. La educación vial y la prudencia en la conducción son esenciales a la hora de prevenir y evitar accidentes.

Con motivo de la llegada de un periodo más vacacional, Cruz Roja recuerda una serie de recomendaciones importantes que ayudarán a salvar vidas:

· Las distracciones provocadas por el uso del teléfono móvil y los dispositivos GPS están presentes en un alto porcentaje de los accidentes de carretera.

· Lo mismo ocurre con el cansancio. Cruz Roja recomienda efectuar paradas cada dos horas o cada 200 kilómetros, estirar las piernas, realizar comidas ligeras antes de emprender el viaje y mantener una ventilación adecuada del vehículo.

· Asegurar que el equipaje no dificulte la visibilidad. Colocar los objetos pesados en el maletero

· Utilizar el cinturón de seguridad, tanto si eres conductor como si eres ocupante de un vehículo; lleva siempre el casco si viajas en moto.

· Recuerda: los niños deben viajar siempre en los asientos traseros y, además, convenientemente sujetos en un dispositivo de retención infantil adaptado a su peso y edad.

· Señaliza las maniobras antes de ejecutarlas para no sorprender a otros vehículos, incluso aunque pienses que no hay nadie cerca.

· Mira dos veces por el retrovisor antes de realizar una maniobra: es posible que no hayas visto una moto que esté oculta en los ángulos muertos de los espejos retrovisores.

· Si conduces una moto, no hagas maniobras que puedan sorprender a los demás vehículos y cuenta con que has de colocarte de forma que siempre seas visible para el resto de los automovilistas.

· Muy importante: señalizar nuestra presencia en los túneles aunque éstos sean de corto recorrido. Para ello encenderemos las luces de cruce. Además, en los túneles, es fundamental respetar la señalización y adecuar nuestra velocidad a las indicaciones de la vía. En caso de accidente, tenemos que salir del coche, dejando el contacto apagado y las llaves puestas, y pediremos ayuda desde los postes de socorro colocados para tal efecto.

· Fundamental: no consumir alcohol ni drogas. La conducción y el consumo de estas sustancias son incompatibles.

· Mantener la distancia de seguridad. En caso de lluvia, ésta debe ser el doble de lo habitual.

· Atención al vehículo. Antes de salir de viaje, revisar el vehículo.

. Y tranquilidad.


El viaje no debe ser tomado como una dificultad, sino como una oportunidad más para disfrutar de la vida, sin agobios ni prisas. Merece la pena con ir sin urgencias. Prueba de vez en cuando a salirte de la ruta y "descubrir" maravillas que están a apenas un cuarto de hora de la autopista.

Hilos de Esplendor: Tapices del Barroco

27/04/2008, La muestra, que podrá ser visitada hasta el 1 de junio en el Palacio Real de Madrid, reune un conjunto de los mejores tapices realizados en Europa entre los años 1590 y 1700.

Madrid, abril de 2008
En otoño de 2007 se inauguró en el Metropolitan Museum de Nueva York la exposición "Threads of Splendor: Tapestry in the Baroque". Una vez clausurada, la muestra viaja a Madrid, donde bajo el título "Hilos de Esplendor: Tapices del Barroco" se presenta una versión adaptada a las Salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real.

Se trata de un proyecto que es posible gracias a la estrecha colaboración entre el Metropolitan Museum y Patrimonio Nacional y en el que sus equipos vienen trabajando de forma conjunta desde el año 2003. El m,ismo se planteó tras enorme éxito que tuvo en 2002 la exposición "Tapestry in the Renaissance: Art and Magnificence" realizada por el Metropolitan Museum bajo la dirección científica del mismo comisario, y que fue declarada exposición del año.

A la posibilidad de contemplar en España estas excepcionales piezas de tapicería (tanto por su extraordinaria belleza y calidad, como por la importancia y cantidad de colecciones de las que proceden), se une el hecho de que con motivo de la exposición se edita un catálogo de tapices de barroco que será referente internacional para los próximos años en la materia.

La exposición
La exposición muestra un conjunto de tapices (alrededor de 50) que se encuentran entre los mejores realizados en Europa entre 1590 y 1700. Especial atención merece la producción flamenca vinculada a Rubens, y se analiza también el desarrollo paralelo del arte de la tapicería en Paris y Roma.

Junto a ellos, se expone un pequeño número de óleos, grabados y aguafuertes como apoyo al discurso científico y técnico.

Las obras proceden de las principales instituciones y colecciones a nivel internacional: Austria (Kunsthistorische Museum), Alemania (Bayerische Natinalmuseum), Italia (Galleria degli Uffizi, Palazzo Pitti, Palazzo Barberini), Francia (Mobilier National, Musée du Louvre) , Inglaterra (Victoria and Albert Museum), Estados Unidos ( The Paul Getty Museum, The Art Instute of Art ) además de obras procedentes de las colecciones de Patrimonio Nacional y del Museo Nacional del Prado.

Ficha de la muestra
Fechas: 12 marzo 2008 – 1 junio 2008
Organización: Patrimonio Nacional, Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Fundación Pryconsa y el Centro de Estudios Europa Hispánica.
Sede: Salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid. Calle Bailén s/n.
www.patrimonionacional.es

Egipto sumergido

24/04/2008, Hasta el 28 de septiembre, en el Antiguo Matadero de Madrid, la muestra Tesoros Sumergidos de Egipto recuerda las maravillas de la civilización del país del Nilo, a través de los hallazgos de yacimientos sumergidos.

Madrid, abril de 2008
La civilización egipcia está directamente emparentada con los aspectos míticos de la historia; tiene capacidad de seducción. Si a ese encanto añadimos el de la búsqueda, la aventura y hasta los dramas de guerras y catástrofes naturales habremos obtenido un producto atractivo. Como la exposición Tesoros Sumergidos de Egipto.

La orilla del Mediterráneo frente a la desembocadura del Nilo siempre tuvo una notable actividad económica, bélica y cultural. Por eso ese ámbito –en torno a la antigua ciudad de Alejandría- es un territorio propicio para los hallazgos arqueológicos. Los que se presentan en la muestras son especialmente sorprendentes.

Unas 500 piezas encontradas en yacimientos arqueológicos submarinos, desde 1996, por Franck Goddio en la bahía de Abukir y en el puerto de Alejandría se presentan a los visitantes. Entre ellas está la estatua más alta conocida hasta ahora de Hapi, dios de la crecida del Nilo, símbolo de fertilidad y abundancia. Con unos 2000 años de antigüedad, rivaliza con las colosales esculturas de granito rosa de un rey y una reina, con más de cinco metros de altura, cada una.

Entre los testimonios de la riqueza de esta civilización también están una cabeza del dios Serapis, con reminiscencias de Zeus y de Osiris; estatuas de Osiris, joyería y monedas de oro; cerámica, en parte intacta; una esfinge con los rasgos de Nectanebo; y – hasta ahora única en su género- un naos con un calendario inscrito.

Decenas de miles de horas de exploración y buceo fueron necesarias para descubrir los antiguos yacimientos sumergidos de Alejandría, Heraclion y Canopo, perdidos bajo el mar como consecuencia de los desastres naturales.

“Fuimos explorando electrónicamente tanto en el yacimiento del Portus Magnus, en Alejandría, como en la bahía de Abukir” explica Franck Goddio, fundador y presidente del Institut Européen d’Archéologie Sous-Marine (IEASM).

Usando sofisticada tecnología geofísica, que incluye un magnetómetro nuclear de resonancia magnética diseñado por la Commissariat à l’Énergie Atomique (CEA), el equipo de Franck Goddio ha logrado restaurar “una realidad topográfica e incluso física” para estas legendarias ciudades, hasta ahora sumergidas.

Ahora sabemos que el antiguo puerto de Alejandría ocupaba unas 600 hectáreas; que la ciudad de Heraclion, descubierta a 7 kilómetros de la actual costa, tenía más de un kilómetro cuadrado de área; y que la parte Este sumergida de Canopo ocupaba 25 hectáreas.

Otro misterio ha sido también resuelto: Heraclion (en griego) y Tonis (en egipcio) fueron, de hecho, la misma y única ciudad. Esto ha sido revelado por las inscripciones jeroglíficas de una estela de granito negro, hallada intacta en el yacimiento de Heraclion.

“El área del puerto de Alejandría muestra la inteligencia, la destreza en ingeniería y el sentido artístico de la gente de la época,” añade el arqueólogo submarino Goddio.

Rememorando 1500 años de la historia del antiguo Egipto, desde el 700 a.C. hasta el 800 d.C., la exposición abarca los periodos de las últimas dinastías faraónicas, de las Épocas Ptolemaica, Romana, Bizantina e inicios de la Islámica.

Los restos descubiertos por un equipo de casi 50 personas entre arqueólogos, expertos, ingenieros electrónicos y buzos, fueron restaurados y conservados en Alejandría, antes de ser transportados por mar y aire a Europa. Cuando regresen a su tierra natal, Franck Goddio confía “en que se puedan agrupar en un único lugar, y ser exhibidos al público egipcio”.

Una costa cambiante
La configuración del delta del Nilo, en la desembocadura del sagrado río de Egipto, ha cambiado a lo largo de los siglos.

La costa este del Mediterráneo se fue hundiendo despacio pero inexorablemente. La inmersión de los lugares arqueológicos fue debida a una combinación de fenómenos naturales:

. El lento hundimiento de esa parte este del Mediterráneo.
. Una elevación del nivel del mar desde tiempos antiguos.
. Derrumbes y deslizamientos de tierra por actividad sísmica
. Fenómenos locales: licuefacción de depósitos locales de arcilla, especialmente en los lugares donde habían sido construidos monumentos pesados. El desencadenante de ello fue el exceso de peso, debido a una inundación devastadora del Nilo o a un maremoto.

La combinación de estos factores produjo una caída del nivel del terreno de unos 8 metros, respecto al de tiempos anteriores.

La moderna Alejandría aún permanece en el lugar de la ciudad fundada por Alejandro Magno, pero no la ocupa por completo: el antiguo puerto, entre otros sectores, ha quedado sumergido.

Además, la ciudad de Heraclion y la parte este de la ciudad de Canopo están ahora sumergidas en la bahía de Abukir.

Conexión de Grecia y Egipto
Grecia y Egipto estuvieron en contacto a través de esta zona estratégica: la desembocadura de la orilla izquierda del Nilo fue la puerta a Egipto para los barcos del mundo griego.

Los griegos habían estado comerciando con Europa desde el siglo VIII a. C. y habían sido establecidas comunidades griegas en Naucratis y en Heraclion-Tonis, en la rama oeste del Nilo. Estas ciudades no sólo fueron centros comerciales, sino también lugares de reunión para intercambios culturales entre las dos civilizaciones.

La fundación de Alejandría por Alejandro Magno, en el 331 a. C., fue el desencadenante real para la expansión de Grecia en el Delta. Este periodo ha sido llamado de distintas formas, Egipto Helenístico, Egipto Ptolemaico y Egipto Lágida: coincide con la Dinastía Lágida, fundada por el capitán macedonio Ptolomeo, hijo de Lagos, quien fue hecho gobernador después de la muerte de Alejandro Magno y se convirtió en rey de Egipto bajo el nombre de Ptolomeo I Sóter.

Caracterizada por una mezcla cultural, la Dinastía Ptolemaica duró hasta el 30 a. C. y la conquista de Egipto por el emperador romano Octavio; la victoria fue el resultado de las alianzas hechas por Cleopatra, primero con Julio César, luego con Marco Antonio, con vistas a salvar un reino desgarrado por disputas dinásticas y amenazado por el conflicto civil de Roma.

La Época Romana estuvo marcada por la ocupación militar y la colonización, una situación muy diferente de la de intercambio y fertilización cruzada que había caracterizado a la Época Helenística.

Alejandría, con su propio espíritu característico, mantuvo un grado de independencia, pero el resto de Egipto fue completamente dominado y explotado por Roma. En el siglo II d. C. el emperador Adriano y los Antoninos hicieron un esfuerzo para revivir la herencia ptolemaica, pero el posterior emperador Caracalla tiranizó a los alejandrinos por negarse a tomar en serio sus pretensiones.

La llegada de Diocleciano en 284 d. C. marcó el advenimiento de la Época Bizantina. La unión administrativa se rompió por la fundación simultánea de provincias y de diócesis cristianas.

Cuando llegaron los conquistadores árabes, en el siglo VII, fueron acogidos como libertadores. Fue en ese momento –en la segunda mitad del siglo VII- cuando una mezcla de fenómenos naturales produjo que los lugares arqueológicos en cuestión se sumergieran.

Tesoros Sumergidos
Durante siglos estos lugares eternos han reposado en el fondo del océano a orillas de Alejandría y en la bahía de Abukir.

Los tesoros sumergidos permanecieron en el fondo del mar, cubiertos por sedimentos llevados por el Nilo y protegidos por los revestimientos que éstos formaron sobre ellos. En 1992 el Institut Européen d´Archéologie Sous-Marine (IEASM) comenzó a realizar excavaciones submarinas bajo la supervisión de Franck Goddio, conjuntamente con el Consejo Superior de Antigüedades de Egipto.

Los hallazgos fueron increíblemente prolíficos y de un valor superior a lo imaginable. Las cerca de quinientas piezas que componen la exposición Tesoros Sumergidos de Egipto son sólo una mínima parte del total, pero aún así, se revelan aquí quince siglos de historia, que nos invitan a un viaje asombroso y nos sumergen en una parte del antiguo Egipto que estuvo en contacto con el mundo mediterráneo de los griegos, romanos y bizantinos, antes de la conquista árabe final.

Estatuas de dioses y esfinges a imagen de reyes y reinas, estelas, objetos litúrgicos y de ofrendas, cerámicas, joyería y monedas, artículos de la vida diaria, adornos de guerreros... una deslumbrante colección de tesoros salvados del mar que nos devuelven las vidas, la cultura y las creencias de la gente que los realizó.

Estos descubrimientos también rehacen la increíble aventura de los arqueólogos submainos que los localizaron con una mezcla de método, disciplina y pasión personal. La exposición presenta estos notables objetos –testimonios de una historia cuidadosamente reconstruida y situada- con toda la majestuosidad que se les debe; pero también está imbuída de toda la emoción de la exploración y de la investigación que la hicieron posible.

Esta extraordinaria colección, nunca vista anteriormente, es ahora propiedad del Estado egipcio. Un acuerdo firmado por las autoridades de Egipto y el IEASM ha permitido que, durante un periodo de dos años, estas piezas puedan mostrarse en exposiciones; primero en Berlín y Bonn, durante algunos meses en París, en la nave del Grand Palais y ahora en Madrid, en el Antiguo Matadero de Legazpi.

Tesoros Sumergidos de Egipto
Antiguo Matadero de Legazpi
C/ Chopera 10
Del 16 de abril al 28 de septiembre de 2008

La Alquimia de los Herreros

24/04/2008, Obras de Julio González, Martín Chirino, Miquel Navarro y Andreu Alfaro integran esta muestra que se podrá visitar hasta el 29 de junio de 2008 en el NUS Museum, Nus Center For the Arts de Singapur.

Singapur, abril de 2008
La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX y el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, han organizado la exposición La Alquimia de los Herreros que recoge la obra de algunos de los artistas imprescindibles del arte español del siglo XX.

La muestra cuenta también con la colaboración de los ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, del NUS Museum, Nus Center For the Arts de Singapur y de la Embajada de España en Singapur.

La exposición pone de manifiesto la importancia de la invención de la escultura en hierro en la obra de Julio González y la influencia que este artista ha proyectado sobre sucesivas generaciones de escultores españoles, como Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro.

La Alquimia de los Herreros muestra una selección de esculturas pertenecientes a la colección del IVAM, y que constituye una representación de los mejores trabajos de estos cuatro escultores. Además, ofrece una descripción de su estética personal y proyecta los puntos de conexión entre ellos. En la muestra se establece un diálogo entre las esculturas y dibujos realizados por estos cuatro artistas cuyas obras, reconocidas internacionalmente, son realzadas mediante esta presentación conjunta.

La escultura moderna española no prescinde de lo telúrico y lo mitológico, y se inspira en la alquimia e influencia de lo minero-metalúrgico en nuestra tradición cultural. Es imposible imaginar la escultura moderna española sin remitirse a esa veta arcaica, animista, mágico primitivista, en la que subyacen indiscriminadamente arte y objetos tecnológicos.

Julio González, (Barcelona 1876 - París 1942), fue el menor de cuatro hermanos de una saga familiar que regentaba un taller dedicado a la orfebrería y forja artística. Julio y su hermano Joan se iniciaron en la actividad familia llegando a obtener una medalla de bronce en la Exposición de Chicago de 1892. En 1900, después de vender el taller, la familia se trasladó a París, donde germinaban las primeras vanguardias artísticas y literarias del siglo XX.

La muerte de su hermano Joan hizo que Julio González se replegara en sí mismo produciendo una obra atípica que no fue paralela al desarrollo de los movimientos plásticos contemporáneos. Inició una producción no muy definida, en la que convivían la pintura, la escultura y el diseño de joyas y objetos decorativos.

Poco a poco se irá definiendo como artista e inclinándose hacia la escultura. Su colaboración con Picasso, y las formulaciones planteadas por Cercle et Carré y Abstraction-Creation sobre el arte abstracto, motivaron un cambio en su obra. Unos años antes de su muerte, en 1942, González realizó su aportación fundamental al arte moderno: la creación de la escultura en hierro. Una formulación innovadora que en los años veinte y treinta supuso una propuesta realista, testimonio de las convulsiones sociales y políticas del momento, y la difícil síntesis entre el cubismo, el constructivismo y el surrealismo.

Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925) ingresó en 1948 en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), donde estudió con una generación que propondría una renovación radical del marco estilístico de la época. Fueron determinantes los viajes que realizó por Europa a principios de los cincuenta, donde despertó su interés por Julio González y escultores como Arp, Brancusi, Moore o Hepworth. Durante los años cincuenta, el artista desarrolla un interés predominante por la abstracción, con un lenguaje muy próximo a la poética de Julio González.

Martín Chirino recurre a la tradición de los herreros rurales y otorga gran importancia a la herramienta como extensión protésica del hombre. Formó parte del grupo El Paso y fue seleccionado junto con Chillida, Oteiza y Serrano, para la exposición que el MoMA de Nueva York dedicaría al nuevo arte español en 1960. Durante la década de los sesenta aparece la espiral, motivo arcaico aborigen, representación del viento y símbolo de la fuerza de la naturaleza con referencia a la cultura guanche.

La extensa producción artística de Martín Chirino está considerada como una de las manifestaciones españolas más sobresalientes de las últimas décadas dentro del arte forjado en hierro. Sus obras han estado presentes en los museos y colecciones más importantes del mundo y ha recibido numerosos galardones que le sitúan como una referencia a nivel internacional.

Andreu Alfaro (Valencia 1929) inició su actividad artística como dibujante y pintor en la segunda mitad de la década de los cincuenta. Desde sus primeras esculturas se evidencia su compromiso con la experimentación formal que le emparenta con la escultura constructivista que se hacía en Europa. En 1959 se integra en el Grupo Parpalló, contribuyendo a su reorientación ideológica hacia un arte analítico que entonces se denominó normativismo.

Artista de una trayectoria cambiante y diversificada, ha mantenido el convencimiento de que la escultura debe servir para simbolizar actitudes o argumentos colectivos. Trabaja en hojalata y alambre y con varillas y planchas laminadas de uso industrial. En estos primeros años la influencia teórica de Oteiza es importante. En la década de los setenta se da a conocer a un público más amplio con unas obras en plexiglás de color, que producen sorprendentes efectos ópticos y cinéticos que integran al autor en estas corrientes.

En la década de los ochenta, Alfaro dio un giro a su producción reflexionando sobre grandes motivos culturales (el cuerpo humano, el Barroco, la figura de Goethe, el tiempo y la memoria, los kuroi), usando materiales más tradicionales como la caliza o el mármol. Destacan también sus grandes esculturas, que, construidas a escalas sorprendentes y con vocación de integrarse en los espacios públicos se encuentran en numerosas ciudades españolas (Madrid, Valencia, Barcelona, Burgos, etc) y alemanas (Colonia, Maguncia, Francfort).

Miquel Navarro (Valencia, 1945) Formado académicamente en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, comenzó su actividad como artista en 1964. Sus primeras obras son retratos expresionistas y estudios de figuras realizados con tinta, así como pinturas de gran colorido.

En 1974 realizó su primera Ciudad que expuso en el Colegio de Arquitectos de Valencia. Las ciudades de Miquel Navarro son instalaciones compuestas de elementos modulares, repetitivos y de formas geométricas que se agrupan en composiciones que simulan el entramado urbano.

Las ciudades de Navarro son generadoras de espacios. El escultor propone una revisión de la noción de espacio, de la construcción de lugares y también del cuerpo como medida singular de lo humano y de la ciudad. Sus paisajes escultóricos, inspirados en el tejido urbano, se componen de elementos arquitectónicos que actúan como vehículos formales en la experiencia del paisaje de la ciudad.

La obra de Navarro invita a reflexionar sobre la noción de la escala humana así como la diferencia y la confluencia entre lo real y lo mental. El orden y el desorden de la sociedad industrial quedan evidenciados en sus esculturas en las que plasma, la dialéctica entre arquitectura y escultura.

http://www.seacex.com

10 años de placer, cultura y gastronomía

23/04/2008, La Posada Real La Casa del Abad de Ampudia, Palencia, celebra en 2008 su décimo aniversario. Un espacio que ha sabido enamorar a los huéspedes e invitados que han pasado por él.

Si hay algo que tiene este lugar es una larga historia que aún se respira entre sus paredes. Sus propietarios, la familia García Puertas, inauguraron esta Posada en 1998. Un lugar útil, bello, funcional, placentero, moderno, antíguo... concebido para ser descubierto y disfrutado.

Hablar de La Casa del Abad supone remontarnos al siglo XVII; originalmente, era la residencia del Abad de la Colegiata de San Miguel de Ampudia, cuya hermosa y característica torre es conocida como La Giralda de Castilla.

Esta casa está ligada directamente a la familia García Puertas. En aquella época, el administrador de la Abadía, cuyo cargo se definía como Chantre, tenía un hermano notario en Madrid, Diego García de Tovar. Cuentan que, harto ya del ajetreo de la vida en la capital, adquirió la Casa que ya pasó a manos de la familia hasta nuestros días.

Ya en el siglo XX, la Casa se había convertido en la residencia de verano de la familia, donde pasaban pequeñas temporadas. Don Jesús García Simón, padre del arquitecto, Ángel García Puertas, habilitó unos doscientos metros alrededor del patio para este fin.

En 1996 el arquitecto le comunicó a su padre su deseo de convertir La Casa del Abad en un hotel. Ese fue el momento en que padre e hijo decidieron compartir el lugar de vacaciones de su familia. Una decisión que fue aprobada y seguida con entusiasmo por el resto de la familia.

Así comenzó la rehabilitación del edificio, para convertirlo en el hotel que es ahora, con la difícil tarea de mantener los elementos originales con el vanguardista concepto de la arquitectura de Ángel García Puertas. “Los elementos antiguos se deben mantener restaurándolos, pero nunca hay que intentar copiarlos y hacerlos de nuevo porque eso es una falta de honestidad. Yo quería ser honesto con lo que hacía y además esos experimentos nunca quedan bien. Los elementos pueden dialogar, como ya sucedía cuando las catedrales comenzaban románicas en su construcción y terminaban góticas”, cuenta el arquitecto.

Tras dos años de arduo trabajo y muchos esfuerzos, se obtuvo un edificio muy rompedor, ubicado en pleno centro de la vetusta villa castellano leonesa de Ampudia, con una base de edificio del siglo XVII en la que ahora había colores muy fuertes y elementos arquitectónicos extremadamente modernos. La convivencia y el diálogo entre la tradición rústica de la zona y la vanguardia arquitectónica ya era todo un hecho.

La Posada Real La Casa del Abad tiene un total de 24 habitaciones, cada una poseedora de un nombre con mucho bagaje detrás. Por ejemplo, algunos hacen referencia a las cosas que ocurrían antes en esa estancia: El Cuarto del Pozo, La Farmacia, La Cuadra, La de las Palomas, La del Trigo...Incluso varias habitaciones poseen el nombre de abuelos y bisabuelos que allí vivieron.

En 2007 se acometió una reforma de ampliación en la cual se añadieron 8 de las actuales habitaciones (cuatro dobles y cuatro suites, de las cuales tres son dúplex); algunas de estas estancias están dotadas de una terraza-solarium con vistas directas a las colinas que rodean al pueblo, mientras que desde otras se ve el magnífico Castillo de Ampudia, que data del siglo XII y donde el Rey Felipe III firmó en 1606 el acta de traslado de la corte de Valladolid a la de Madrid.

La decoración juega con el contraste entre los elementos minimalistas y maximalistas, con señoriales camas cubiertas con dosel, bañeras antiguas con patas, alternadas con equipos HI-FI y todas las comodidades imaginables. Con la ampliación acometida en 2007 se inauguró también el Alabastro Spa, un lugar mágico ubicado en la antigua carpintería, y en el que se puede disfrutar de gran cantidad de tratamientos destinados a cuidar y dar un respiro a los que por allí pasan.

Uno de los buques insignia de La Casa del Abad es su Restaurante El Arambol, que bajo la batuta del prestigioso Chef Joaquín Koerper ha recibido la Estrella Michelin desde Noviembre de 2003 hasta 2008.

La línea culinaria de Joaquín Koerper se adapta a la perfección a las necesidades de un hotel moderno pero con tradición, ya que aúna los sabores de la gastronomía tradicional de la zona con la vanguardia de las texturas y formas actuales.

Más información en:
http://www.casadelabad.com

Viña Rock 2008

15/04/2008, Se va a celebrar el XIII Festival Arte- Nativo Viña Rock 2008, donde se van a juntar un gran elenco de artistas nacionales de la talla de Amparanoia, Kiko Veneno, o la Excepción entre otros.

Se va a celebrar el XIII Festival Arte- Nativo Viña Rock 2008, donde se van a juntar un gran elenco de artistas nacionales de la talla de Amparanoia, Kiko Veneno, o la Excepción entre otros.

Días 1, 2 y 3 de mayo de 2008

El festival retoma su formato habitual, con actuaciones durante el jueves, viernes y sábado en sus cuatro escenarios temáticos (rock, mestizaje, metal y hip hop y reggae) y recupera un quinto espacio para dar a conocer a los artistas noveles más interesantes de Castilla La Mancha. El tradicional mercadillo Arte-Nativo y otras actividades paralelas completan una programación creada exclusivamente con artistas estatales o de ascendencia latina y que en esta decimotercera edición rondará las noventa actuaciones en directo.

Este año encontramos grandes artistas de diferentes estilos en el cartel, como en años anteriores, y aquí os mostramos una lista con la mayoría de los que escucharemos en esta edición. En ella están a Amparanoia, Arianna Puello, Arma Blanca, Barón Rojo, Barricada, Canteca De Macao, Chacho Brodas, El Chojín, Despistaos, Dikers, Dúo Kie, Elbicho, La Excepción, Falsalarma, La Fuga, La Gripe, Habeas Corpus, Hamlet, Huecco, Koma, Kutxi Romero & Jatajá, Narco, Porretas, Quinto Parpadeo, Reincidentes, Rosendo, Savia, Shotta, 7 Notas 7 Colores, Siniestro Total, Sínkope, Skizoo, Sólo Los Solo, Los Suaves, Su Ta Gar, Tote King, El Último Ke Zierre, La Vela Puerca, Violadores Del Verso y Xhelazz

Las entradas del ViñaRock cuestan 70€ anticipada y 80€ en taquilla. Las puedes adquirir en ElCorteInglés y TickTackTicket.

Para más información:
http://www.vina-rock.com/

Los sueños del espejo

15/04/2008, La exposición pretende mostrar la trayectoria cinematográfica de Carlos Saura a través de una importante selección de proyecciones, fotografías, dibujos, cuadernos de rodaje y guiones.

Buenos Aires, abril de 2008
El Centro Cultural Recoleta, dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), el Gobierno de Aragón, la Diputación Provincial de Huesca, el Festival de Cine de Huesca y la Oficina Cultural de la Embajada de España en Argentina, organizan la exposición Carlos Saura. Los sueños del espejo.

A lo largo de su extensa trayectoria cinematográfica, Carlos Saura ha recurrido a determinados mecanismos visuales y narrativos que tienen entre sus objetivos centrales, reafirmar la permanencia de la imagen.

Este deseo de permanecer de las imágenes, más allá incluso de la propia voluntad de su autor, se impone en la narración de este proyecto: una construcción visual de naturaleza laberíntica, en la que el espectador ha de introducirse en una trama de tiempos diferentes y distantes, que convergen o se ignoran para dar luz a las imágenes, rastrear su pasado, reforzar su significado, completar la narración e involucrarse en lo que sienten los personajes de ficción.

Elipsis, metáforas y alegorías son algunos de los artificios que junto con el protagonismo del espejo, que favorece duplicidades, simetrías y saltos en el tiempo, singularizan su aportación al cine y dan carácter a las imágenes turbadoras, de arraigada naturaleza estética por su estrecha relación con la tradición pictórica, poética y musical.

Carlos Saura hace que todo confluya en el espacio fílmico para dejar al descubierto resquicios de extrañeza que sólo el imaginario del espectador podrá resolver.

La muestra traza un recorrido por los temas principales de la filmografía de Saura a través de una estructura laberíntica en la que se reconocen diferentes núcleos: Vidas, Retornos, Músicas, Imagen de España o el denominado El lugar de la memoria, una sección donde se activan los sueños de los espejos a través de una serie de recursos con los que Saura trata de profundizar en las relaciones entre realidad y ficción.

Ficha técnica
Carlos Saura. Los sueños del espejo
Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires)
Del 15 de abril al 18 de mayo de 2008

Pintar en el convento

08/04/2008, El museo Nacional de Port-Royal des Champs presenta, del 10 de abril a 7 de julio, una exposición sobre la obra de la madre Genevieve Gallois, que entró en el convento tras una crisis espiritual.

París, abril de 2008
La Madre Geneviève Gallois, nació en 1888 en Montbéliard y recibió el nombre de Marcelle Gallois. Hija de una madre muy piadosa, y de un padre profundamente anticlerical. Estudió Bellas Artes en Montpellier y estuvo relacionada con excelentes caricaturistas. Marchó a París y expuso trabajos allí y en otras ciudades europeas. Pero en 1917 tuvo una crisis espiritual y entró en un convento de las benedictinas, algo que su padre no le perdonaría.

El doctor Paul Alexandre, el primer coleccionista de Modigliani, descubrió su trabajo en una venta benéfica en 1931. Se hizo su amigo y mecenas de la monja y se le permitió a ésta reanudar con una práctica artística diaria inseparable de su vida religiosa. En 1942 le hizo un gran pedido de una serie de dibujos de la Vida conventual.

La exposición presenta una selección de más de setenta dibujos entre los ciento cincuenta y dos los que componen este ciclo. El arte de madre Genoveva se define por una capacidad efectiva de captar la inmediatez del gesto. La violencia y la dinámica de la ejecución artística tomadas de la caricatura están al servicio de las representaciones de la oración, de la meditación y de las tareas ordinarias de la vida de las monjas.

El museo nacional donde se presenta la obra está próximo a la abadía de Saint-Louis-du-Temple, en Limón, Vauhallan, donde la madre Genevieve vivió del 1951 al 1962, fecha de su muerte.

Paralelamente,. del 10 de abril al 7 de julio de 2008, el museo presenta una instalación audiovisual del fotógrafo Bruno Rotival, fotógrafo, que presenta la vida monacal en la actualidad.

El Museo Arqueológico Nacional en Monterrey

08/04/2008, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España organiza conjuntamente con el Museo Arqueológico Nacional y el Museo del Noreste, MUNE, la muestra España, encrucijada de civilizaciones.

Monterrey, abril de 2008
La muestra cuenta además con la colaboración de los ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, de la Embajada de España en México y del Gobierno de Nuevo León.

El objetivo fundamental de la exposición es mostrar al visitante, a través de más de 240 piezas de primera calidad, la enorme variedad cultural del pasado español y las transformaciones materiales e ideológicas que han convertido a la Península en un mosaico de pueblos y en un privilegiado laboratorio para el mestizaje cultural.

El planteamiento de la exposición gira en torno a las consecuencias que tuvieron para los habitantes de la península las sucesivas llegadas de pueblos de muy diversa filiación étnica y cultural. El hilo conductor de la exposición gira alrededor de los conceptos de mestizaje y cambio cultural, resaltando mediante las piezas, las transformaciones técnicas y sociales más importantes.

La muestra se articula a través de cinco apartados:

El Pasado más remoto. La Prehistoria
Representado por piezas significativas de las transformaciones ocurridas en tan dilatado y complejo período histórico. En este apartado se pueden contemplar ejemplos de la industria lítica y del arte del Paleolítico inferior, como el bifaz del Cerro de San Isidro, del arte mueble del Paleolítico superior, de las primeras manifestaciones de los cambios acaecidos durante el neolítico (agricultura y ganadería), tales como la cerámica, las primeras representaciones de ídolos, y la Edad del Bronce, con los inicios de la orfebrería y los primeros ejemplos de la diferenciación social, las primeras armas de metal, los rituales de enterramiento y las estelas de guerreros.

La Protohistoria
Se inicia con los primeros vestigios de la llegada de nuevos influjos europeos, sobre todo desde el Mediterráneo oriental, y hace un repaso de los importantes cambios propios de este período. Se pueden contemplar piezas netamente peninsulares, así como tesoros que enlazan con las tradiciones atlánticas. Las influencias fenicias, griegas y púnicas, y la aparición de la primera gran cultura peninsular: los iberos. Una síntesis que está representada por su cerámica, y su extraordinaria escultura ceremonial y funeraria.

La Hispania Romana
Una cuidada selección de piezas ilustra el enorme arraigo de la cultura romana en Hispania, fruto de un lento proceso que no abarcó por igual la totalidad del territorio peninsular. Esculturas, fragmentos de mosaicos, sarcófagos, estelas funerarias y objetos cotidianos, que nos muestran el paso de la ideología imperial a las primeras manifestaciones del cristianismo. A través de estas piezas se ilustran aspectos relacionados con la mitología, la política, la sociedad civil, el arte, la economía y la vida cotidiana.

La Hispania Medieval
A) Los reinos visigodos:
Con la llegada de los invasores germanos y la caída del Imperio Romano, la península ibérica comienza una breve etapa que está representada en la exposición por las artes suntuarias y la redefinición de los espacios sagrados, tanto de culto como funerarios.

B y C) La diversidad cultural:
Este doble apartado se concibe como un capítulo unitario. En él se muestra la diversidad cultural española en la Edad Media.

D) Al Andalus, los musulmanes en Hispania:
Desde el siglo VIII al XV, la llegada de los árabes transforma por completo buena parte del territorio peninsular y da lugar a una nueva cultura autóctona: la andalusí. La política, las artes, las ciencias y la literatura, alcanzan una gran perfección. Entre las piezas elegidas se encuentran elementos arquitectónicos, joyas, objetos religiosos e instrumentos científicos, muchos de ellos procedentes del Califato de Córdoba y del palacio de Medina Zahara.

E) La Hispania de los reinos cristianos:
Paralelamente a la cultura andalusí, en la zona norte de la península comienza la expansión hacia el sur de los reinos cristianos. Es el momento en que se desarrollan el arte románico y el gótico, estilos artísticos y corrientes ideológicas europeas que adoptan en España formas peculiares. En este apartado podemos contemplar las profundas transformaciones sociales e ideológicas a través de piezas arquitectónicas, esculturas y elementos de estilos sincréticos como el mudéjar.

La Edad Moderna
La unificación de los reinos de Castilla y Aragón a finales del siglo XV y la conquista del reino de Granada, configuran el mapa geográfico e ideológico de la península en los albores de la Edad Moderna.

A) La España de los Austrias:
Durante el siglo XVI, el gran desarrollo económico-social, la unión de los intereses comerciales de los Reinos de Aragón y de Castilla, la subida al trono del Emperador Carlos I y la incorporación del continente americano y de parte de Asia, convierten a la cultura hispana en el máximo exponente del arte, la literatura y el pensamiento. Dentro de este apartado se ilustran cuestiones relacionadas con la Religiosidad (culto y devoción). El renacer de lo antiguo, los objetos suntuarios y los descubrimientos geográficos y los avances científicos.

B) La España de los Borbones:
Con el cambio de dinastía, a principios del siglo XVIII, se alcanza el punto más alto de la crisis social, económica y política, que se había iniciado a mediados del siglo XVII. Este apartado ilustra, fundamentalmente, el desarrollo industrial y la vida aristocrática en la corte española de los siglos XVIII y XIX.

La exposición España, encrucijada de civilizaciones pretende mostrar una visión universalista de la península ibérica en la que el mestizaje y el cambio cultural se erigen como motores de conflicto y de convivencia. Una visión generalista que busca informar y motivar al visitante, alejándole de las visiones históricas tradicionales.

Fechas y sede
Museo del Noreste de Monterrey
Dr. Coss 445 Sur. Zona Centro. Monterrey. N.L. 64000 México
Tel: (81) 20 33 98 98
Del 11 de abril al 13 de julio de 2008

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Electric Weekend Festival

08/04/2008, Metallica, The Offspring, Rage Against The Machine, Queens Of The Stone Age o Within Temptation son algunos de los nombres que van a sonar en el Electric Weekend de Getafe.

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EL CARTEL:
Durante los próximos días 30 y 31 de mayo se celebrará en Getafe el Electric Weekend Festival. Un evento que cuenta a día de hoy con un cartel espectacular.

Para el viernes día 30 se espera la actuación de: Rage Against The Machine, The Offspring, Queens Of The Stone Age, Iggy & The Stooges, Cavalera Conspiracy, Serj Tankian, Millencolin, Biffy Clyro, From Firs To Last y Nothink.

Para el día 31 (sábado) se contará con nada menos que: Metallica, Machine Head, Within Temptation, At The Gates, The Haunted, Soilwork, Queensryche, Eths y Mos. Tan solo queda confirmar una banda que actuará a media tarde durante esta segunda jornada.

ALGUNAS COSAS QUE DEBES SABER:

El Electric Weekend cuenta con una ubicación privilegiada: el Auditorio John Lennon, una zona al aire libre, asfaltada y habilitada para más de 40.000 personas, situada a escasos 500m de la estación de RENFE de Getafe.

La zona de acampada del Electric Weekend está dentro del Cerro de Los Ángeles, a unos 2 km del recinto de conciertos (atravesando la avda John Lennon). La zona de acampada se abrirá el jueves 29 de Mayo a las 12:00 y permanecerá abierta hasta el domingo 1 de Junio a las 14:00h.

El derecho de acampada se adquiere con la adquisición de cualquiera de las entradas del Electric Weekend, pudiendo acampar en cualquier momento entre las fechas señaladas con la pulsera de acceso. En la zona de acampada se puede introducir tanto comida como bebida, pero está terminantemente prohibido hacer ningún fuego. El aforo de esta zona es limitado.

La zona de aparcamiento del Electric Weekend serán las plazas de aparcamiento de los polígonos industriales de San Marcos y de Los Ángeles, a poco más de un kilómetro del recinto de conciertos.

La apertura de puertas del recinto del Electric Weekend será a las 16:00 horas, tanto el día 30 como el 31 de Mayo.

Toda la música del Electric Weekend se concentra en tres zonas: dos escenarios principales y una zona de Carpas-Electric. Date una vuelta por el recinto para orientarte y localizar los distintos servicios que te ofrece el festival.

En ambos escenarios principales, en los laterales a la altura de las mesas de sonido, habrá una zona elevada para que los asistentes con problemas de movilidad puedan ver las actuaciones.

Habrá un punto de venta de merchandising oficial del Electric Weekend, donde además encontrarás material de todos los grupos que actúan en el festival. Además, en el interior del recinto se encuentra, a disposición del público, un mercadillo en el que se podrán adquirir todo tipo de artículos, desde ropa hasta música.

TU ENTRADA:
Las entradas para el Electric Weekend se podrán adquirir anticipadamente a través de la Red Tick Tack Ticket (FNAC, Carrefour...), en la web www.ticktackticket.com y en el teléfono 902 15 00 25. También se podrán comprar entradas en las taquillas del Electric Weekend los mismos días del Festival, de 13:00 de la mañana hasta las 01:00 de la madrugada.

CÓMO LLEGAR:

El aeropuerto de Barajas acoge vuelos desde prácticamente todos los lugares del mundo y está a unos 30 km de Getafe, y a 12km del centro de Madrid. Hay una parada de metro en el propio aeropuerto, que pertenece a la línea 8. Allí se toma el suburbano hasta la parada de Nuevos Ministerios en Madrid, para hacer trasbordo en la línea 12, conocida como Metrosur, hasta la parada más cercana al recinto del concierto que es Juan De la Cierva.

Otra manera de llegar es tomando los autobuses que llegan desde la mayor parte de las ciudades de España a la estación de avenida América y a la de Méndez Álvaro de Madrid. De allí hay varias líneas de autobuses interurbanos que llevan a Getafe.

El auditorio John Lennon se encuentra en el Paseo del mismo nombre de la localidad madrileña de Getafe, al sur de la Comunidad. Se puede acceder a él desde la carretera M-406, y con conexiones a la citada vía a través de la E-5, la autovía de Andalucía (A-4) y la autovía de Toledo (A-42).

Joan Miró. Galería de Antiretratos

03/04/2008, En abril se inaugura una gran muestra dedicada a Joan Miró en la Real Academia de España en Roma, institución que celebra de este modo sus primeros ciento treinta y cinco años de actividad.

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Roma, abril de 2008
Fundada en realidad en 1873 por el político e intelectual Emilio Castelar, desde 1881 la Academia ha tenido su sede en el antiguo convento franciscano de San Pietro in Montorio. Desde entonces, satisface el interés de los artistas y estudiosos españoles respecto a Italia y su capital, acogiendo a becarios de distintas disciplinas, desde la pintura hasta la música, pasando por la literatura, la restauración, el cine o la arqueología. Desde entonces hasta nuestros días, ha acogido a más de seiscientos residentes.

La Real Academia de España organiza, entre otras actividades, eventos culturales en colaboración con diversas instituciones españolas, acogiendo en sus salas y espacios al aire libre muestras, conciertos, conferencias, presentaciones y congresos.

Para celebrar este importante aniversario, la Real Academia ha optado por uno de los principales protagonistas del siglo XX: Joan Miró. La exposición, realizada con la colaboración del Ministerio de Cultura y del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación de España, ha sido organizada por la Real Academia de España, SEACEX (Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior) y la Fundación Joan Miró de Barcelona de donde proceden todas las obras expuestas.

La muestra incluye veintiséis magníficas aguafuertes y aguatintas realizadas entre 1969 y 1978 así como cuatro esculturas en bronce de gran formato correspondientes a la primera mitad de los años setenta.

Si la trayectoria artística de Miró siempre ha hecho gala de coherencia y originalidad, incluso en el período de mayor vinculación con el Surrealismo, en su madurez el maestro catalán reveló una profunda apertura frente a las tendencias emergentes, como la Action Painting y el movimiento Informal, así como un renovado interés por las artes gráficas.

“No soy grabador ni pintor, sino alguien que procura expresarse por todos los medios”, solía decir Miró. Y el “descubrimiento” en 1967 del grabado al carborundum, materia granulosa que, sobre la plancha de cobre, aumenta la agresividad y la inmediatez del resultado final, despierta el deseo de experimentación. La obra gráfica y la escultura ponen así de manifiesto la relación táctil, física, que el artista establece con la materia.

Las obras que se presentan en las salas de la Academia abordan el tema, recurrente en Miró, del vínculo arcaico con la tierra y con la mitología mediterránea en el que se inscriben figuras antropomorfas, sobrenaturales, representadas de frente, que fijan en el espectador sus grandes ojos asimétricos. Una “galería de antirretratos” que, precisamente, funde estos extraños personajes con las estrellas y con el firmamento. Obras en las que, entre señales negras de trazo firme y notas de encendidos colores, se aglutinan todos los símbolos del lenguaje artístico de Miró.

Miró. Galería de antirretratos
Período: 5 abril 2008 – 25 de mayo de 2008
Lugar: Sala de Exposiciones de la Real Academia de España
Dirección: Piazza San Pietro in Montorio 3, Roma
Horario: martes a domingos, de 10h00 a 13h00 y de 16h00 a 19h00 Lunes, cerrado.
Teléfono: 06.5812806
Entrada: gratuita

Tesoros Sumergidos de Egipto

03/04/2008, A partir del 16 de abril, la exposición Tesoros Sumergidos de Egipto ofrece las maravillas de las profundidades de tres yacimientos sumergidos del antiguo Egipto.

Madrid, abril de 2008
Por primera vez, unas 500 piezas –sólo una parte infinitesimal de los descubrimientos arqueológicos submarinos hallados desde 1996 por Franck Goddio y su equipo en la bahía de Abukir y en el puerto de Alejandría- serán visitadas por el público español.

Entre ellas está la estatua más alta de Hapi, dios de la crecida del Nilo –símbolo de fertilidad y abundancia- hasta ahora descubierta en Egipto. Con unos 2000 años de antigüedad, rivaliza con las colosales esculturas de granito rosa de un rey y una reina, con más de cinco metros de altura, cada una.

Entre los testimonios de la riqueza de esta civilización de entramados culturales hallamos también: una cabeza del dios Serapis, con reminiscencias de Zeus y de Osiris; estatuas de Osiris, joyería y monedas de oro; cerámica, en parte intacta; una esfinge con los rasgos de Nectanebo; y – hasta ahora única en su género- un naos con un calendario egipcio inscrito.

Los hallazgos representan una hazaña arqueológica “equiparable al descubrimiento de Pompeya” según Gereon Sievernich, director del Martin- Gropius-Bau de Berlín, donde la exposición fue presentada entre mayo y septiembre.

Decenas de miles de horas de exploración y buceo fueron necesarias para descubrir los antiguos yacimientos sumergidos de Alejandría, Heraclion y Canopo, perdidos bajo el mar como consecuencia de los desastres naturales.

“Fuimos explorando electrónicamente tanto en el yacimiento del Portus Magnus, en Alejandría, como en la bahía de Abukir” explica Franck Goddio, fundador y presidente del Institut Européen d’Archéologie Sous-Marine (IEASM).

Usando sofisticada tecnología geofísica, que incluye un magnetómetro nuclear de resonancia magnética diseñado por la Commissariat à l’Énergie Atomique (CEA), el equipo de Franck Goddio ha logrado restaurar “una realidad topográfica e incluso física” para estas legendarias ciudades, hasta ahora sumergidas.

Ahora sabemos que el antiguo puerto de Alejandría ocupaba unas 600 hectáreas; que la ciudad de Heraclion, descubierta a 7 kilómetros de la actual costa, tenía más de un kilómetro cuadrado de área; y que la parte Este sumergida de Canopo ocupaba 25 hectáreas.

Otro misterio ha sido también resuelto: Heraclion (en griego) y Tonis (en egipcio) fueron, de hecho, la misma y única ciudad. Esto ha sido revelado por las inscripciones jeroglíficas de una estela de granito negro, hallada intacta en el yacimiento de Heraclion.

“El área del puerto de Alejandría muestra la inteligencia, la destreza en ingeniería y el sentido artístico de la gente de la época,” añade el arqueólogo submarino Goddio.

Rememorando 1500 años de la historia del antiguo Egipto, desde el 700 a.C. hasta el 800 d.C., la exposición abarca los periodos de las últimas dinastías faraónicas, de las Épocas Ptolemaica, Romana, Bizantina e inicios de la Islámica. Comenzará el 16 de abril en el Antiguo Matadero de Legazpi, de Madrid.

Los restos descubiertos por un equipo de casi 50 personas entre arqueólogos, expertos, ingenieros electrónicos y buzos, fueron restaurados y conservados en Alejandría, antes de ser transportados por mar y aire – algunas piezas a bordo de un Airbus Beluga – a Europa. Cuando regresen a su tierra natal, Franck Goddio confía “en que se puedan agrupar en un único lugar, y ser exhibidos al público egipcio”.

En la segunda mitad del siglo VII una mezcla de fenómenos naturales produjo que los lugares arqueológicos en cuestión se sumergieran. Durante siglos estos lugares eternos han reposado en el fondo del océano a orillas de Alejandría y en la bahía de Abukir.

Los tesoros sumergidos permanecieron en el fondo del mar, cubiertos por sedimentos llevados por el Nilo y protegidos por los revestimientos que éstos formaron sobre ellos. En 1992 el Instituto Europeo de Arqueología Submarina (IEASM) comenzó a realizar excavaciones submarinas bajo la supervisión de Franck Goddio, conjuntamente con el Consejo Superior de Antigüedades de Egipto.

Los hallazgos fueron increíblemente prolíficos y de un valor superior a lo imaginable. Las cerca de quinientas piezas que componen la exposición Tesoros Sumergidos de Egipto son sólo una mínima parte del total, pero aún así, se revelan aquí quince siglos de historia, que nos invitan a un viaje asombroso y nos sumergen en una parte del antiguo Egipto que estuvo en contacto con el mundo mediterráneo de los griegos, romanos y bizantinos, antes de la conquista árabe final.

Esta extraordinaria colección, nunca vista anteriormente, es ahora propiedad del Estado egipcio. Un acuerdo firmado por las autoridades de Egipto y el IEASM ha permitido que, durante un periodo de dos años, estas piezas puedan viajar y mostrarse en exposiciones; primero en Berlín y Bonn, durante algunos meses en París, en la nave del Grand Palais y ahora en Madrid, en el antiguo Matadero de Legazpi.

FICHA TÉCNICA

Exposición “Tesoros Sumergidos de Egipto”
16 abril- 28 de septiembre de 2008
Antiguo Matadero de Legazpi Madrid
Paseo de la Chopera, 10- Entrada por la Casa del Reloj
Metro Legapzi (Línea 3)
Horario de apertura: De lunes a domingo de 10 de la mañana a 10 de la noche.

Información:
www.tesoros-sumergidos-egipto.es

Fútbol y placer cultural

03/04/2008, Los excelentes conciertos y las fascinantes exposiciones previstas en Viena durante la celebración del Campeonato Europeo de UEFA 2008 harán que el tiempo pase muy de prisa entre un partido y otro...

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Viena, abril de 2008
La agenda de conciertos en torno a la Eurocopa incluye tres conciertos al aire libre delante del fabuloso Palacio de Schönbrunn: la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Georges Prêtre el 3 de junio; las estrellas operísticas Anna Netrebko, Plácido Domingo y Rolando Villazón el 27 de junio; y un concierto del virtuoso pianista Lang Lang con los Filarmónicos de Viena bajo la dirección de Zubin Mehta el día 28 de junio.

Un día antes de la final de la Eurocopa (28 junio), Elton John visitará el estadio de Hohe Warte. Antes habrá una función de la opereta "La viuda alegre" (27 junio). Otras estrellas de la ópera como Elina Garanca, Edita Gruberova y Ramón Vargas actuarán también durante esta cita futbolística, con el Coro de los Niños Cantores de Viena (23 junio), y las estrellas del pop austriaco, Reinhard Fendrich y Wolfgang Ambros actuarán en el estadio de Hohen Warte el 24 junio.

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Alrededor del gran evento futbolístico, los museos de Viena y las salas de exposiciones ofrecerán una serie de muestras muy variadas: El Museo de Bellas Artes (KHM), que alberga una de las más importantes colecciones de arte del mundo, presentará un programa especial para aficionados al fútbol, bajo el título de "Nosotros somos campeones de Europa".

En la exposición interactiva titulada "Pálpitos del corazón" en la sala del Künstlerhaus (k-haus) se podrá vibrar, sudar y gritar de júbilo mientras que, "Alrededor de la pelota", acercará el mundo del fútbol y sus historias y anécdotas a los niños en el museo Zoom.

El Wien Museum (Museo de Viena) presentará "A donde vuela la pelota" en esta exposición se recordarán los lugares legendarios del fútbol vienés, y el Ayuntamiento presentará la muestra "La elegancia del balón".

La Zona de Arte Karlsplatz ofrecerá, durante el campeonato de fútbol de UEFA 2008, más de 100 eventos fascinantes: teatro, artes plásticas, diseño, instalaciones de luz, música electrónica, canciones vienesas, jazz...

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Jean Nouvel: Premio Pritzker

31/03/2008, El arquitecto Jean Nouvel ha sido galardonado con el Premio Pritzker 2008, en reconocimiento a su trabajo brillante, imaginativo y experimentador.

Chicago, marzo de 2008
El galardón, considerado como el Premio Nóbel de la arquitectura, fue anunciado por la Fundación Hyatt de Chicago y se entregará el 2 de junio en el Congreso de Estados Unidos, edificio situado en Washington.

Al anunciar la decisión del jurado, se destacó en la obra de Jean Nouvel esa permanente búsqueda de originalidad, nuevas ideas y superación de los límites de la arquitectura, con el objeto de dar salidas originales a los problemas clásicos de la arquitectura.

La obra del Instituto del Mundo Árabe (IMA) en París le dio a conocer en la década de los ochenta.

En Europa, algunos de sus otros trabajos importantes son los edificios de la Fundación Cartier (París 1994), el Museo Branly (París 2006), la Torre Agbar (Barcelona 2005), Palacio de justicia (Nantes 2000), Centro de Conferencia (Lucerna 2000), Casa de la Ópera (Lyon 1993), También tiene actualmente en construcción un centro de conciertos en Copenhague.

Aunque la mayor parte de su trabajo esté en Francia, ha diseñado proyectos en todo el mundo: Japón, España, Inglaterra, Países Bajos, Austria, Italia, República Checa, Alemania, Bélgica, Luxemburgo, Corea, México, Israel, Brasil, Qatar, Líbano, Chipre, Islandia, EAU, Taiwán, Malasia, Portugal, Kuwait, Marruecos, Rusia y EE UU. Más de doscientos en total.


Ganadores del Premio en años anteriores:

1979. Philip Johnson. EE.UU.
1980. Luis Barragán. México
1981. James Stirling. Reino Unido
1982. Kevin Roche. EE.UU.
1983. Ieoh Ming Pe. EE.UU.
1984. Richard Meier. EE.UU.
1985. Hans Hollein. Austria.
1986. Gottfried Böhm. Alemania.
1987. Kenzo Tange. Japón.
1988. Gordon Bunshaft. EE.UU. Oscar Niemeyer. Brasil
1989. Frank O. Gehry. EE.UU.
1990. Aldo Rossi. Italia.
1991. Robert Venturi. EE.UU.
1992. Alvaro Siza. Portugal.
1993. Fumihiko Maki. Japón.
1994. Christian de Portzamparc. Francia.
1995. Tadao Ando. Japón.
1996. Rafael Moneo. España.
1997. Sverre Fehn. Noruega.
1998. Renzo Piano. Italia.
1999. Sir Norman Foster. Reino Unido.
2000. Rem Koolhaas. Holanda.
2001. Jacques Herzog y Pierre de Meuron. Suiza.
2002. Glenn Murcutt. Australia.
2003. Jørn Utzon. Dinamarca.
2004. Zaha Hadid. Reino Unido.
2005. Thom Mayne. EE.UU.
2006. Paulo Mendes da Rocha. Brasil.
2007. Richard Roger. Reino Unido.

Goya en tiempos de guerra

31/03/2008, Desde el 15 abril al 13 julio, en el Museo del Prado, se presenta una muestra dedicada a las pinturas de Goya en las que se recuerda la Guerra de la Independencia, iniciada ahora hace 200 años.

Madrid. Abril de 2008
Manuela Mena, Jefe de Conservación de Goya y Pintura Española del siglo XVIII del Museo del Prado, es comisaria de la muestra, coorganizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones culturales, Ministerio de Cultura, con la colaboración de la Comunidad de Madrid.

La gran exposición sobre Goya, que está centrada en torno a los dos grandes lienzos del 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid (actualmente en proceso de restauración y limpieza), estudiará y presentará la figura del artista en un contexto más amplio. Estará compuesta por casi doscientas obras del artista.

“Goya en tiempos de guerra” incluye, además de obras del Prado, más de 65 pinturas procedentes de otras instituciones y colecciones privadas, como Majas al balcón y Retrato de la Marquesa de Montehermoso, ambas de colecciones particulares; Fraile Pedro aporreando a Maragato con la culata de la pistola, del Art Institute de Chicago; El Prendimiento de Cristo de la Catedral de Toledo o el conjunto de nueve pinturas procedentes de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, imprescindible para la articulación de la muestra y que por primera vez se muestra en el contexto de la evolución del pintor.

Es ésta la mayor exposición dedicada al pintor aragonés desde la organizada también en el Prado en 1996. Se inicia en los años finales del siglo XVIII, cuando Goya comenzó una nueva etapa, de mayor independencia creativa y de avances estilísticos y conceptuales, que culminó con la serie de aguafuertes de los Caprichos, en febrero de 1799, y con la Familia de Carlos IV, en 1800. Concluye esta revisión del artista en 1819, año en que pintó su última obra pública: La comunión de San José de Calasanz.

Este período está marcado en el terreno personal por dos enfermedades: la de 1792-1793, de la quedó sordo, con los decisivos años de su recuperación en los que el artista avanzó hacia una mayor independencia artística, y la de 1818, en que Goya estuvo nuevamente al borde de la muerte, que coincidía en el ámbito político con el período de la abolición de la Constitución de 1812 por Fernando VII.

En esos veinticinco años de la vida de Goya se sucedieron en España cambios políticos de gran repercusión en la marcha de su historia y de su sociedad. En el ámbito internacional, la Revolución francesa y sus etapas, la Convención, el Terror, la reacción de Termidor y la evolución hacia el Consulado y el Imperio, afectaron profundamente a la España del reinado de Carlos IV y María Luisa y de su ministro Godoy, que ejerció el poder, salvo el breve período de Jovellanos, hasta el significativo año de 1808.

La guerra de la Independencia fue el acontecimiento fundamental del primer tercio del siglo XIX que, además de la invasión del territorio por tropas extranjeras, de la muerte y el hambre, llevó consigo la liberalización política y social en las dos Españas que resultaron de la invasión: la libre, en Cádiz, con la proclamación de la Constitución de 1812, y la ocupada, desde Madrid, bajo el gobierno progresista del Rey José Bonaparte y sus colaboradores “afrancesados”.

El regreso de Fernando VII en 1814 supuso la abolición de la Constitución y la represión política ejercida por el nuevo gobierno absolutista del Rey. Entre 1795 y 1819 la vida y el arte de Goya evolucionaron desde su ambición cortesana, plenamente alcanzada con su nombramiento de Primer Pintor de Cámara en octubre de 1799, como servidor máximo de la realeza y la aristocracia, hasta la libertad e independencia de sus años posteriores, interesado fundamentalmente en el estudio de la naturaleza humana y sus conflictos. La pintura al servicio de los reyes y la aristocracia dejó paso a un arte de mayor intimidad, centrado cada vez más en los retratos de sus amigos y los cuadros independientes en los que expresó ideas abiertamente progresistas o sátiras contra la maldad, la ignorancia humanas y los defectos y miserias de las sociedad. En ese período fundamental Goya se centró, sobre todo, en sus dibujos y en los aguafuertes, con series como los Desastres de la guerra, la Tauromaquia y los Disparates, y dibujos en los que aparecen asuntos de gran variedad, como la Inquisición y la represión, pero también el engaño o la locura, junto a otros de cierto optimismo en el reflejo de la situación social.

La exposición se divide en varios capítulos, que corresponden a las diferentes etapas de la historia española de ese período que enmarcan la vida de Goya y la evolución de su arte.

Aumenta la flota de Cruceros Australis

25/03/2008, Un nuevo barco de la compañía "Cruceros Australis" se sumará a los dos ya existentes (Mare Australis y Vías Australis) para recorrer la zona virgen de la patagonia chilena argentina entre Punta Arenas-Cabo de Hornos-Ushuaia o viceversa.

Se completa de esta forma el proceso de renovación de esta Compañía que desde 1991 realiza una ruta única atravesando los canales del famoso estrecho de Magallanes y parte del canal Beagle hasta llegar, en la actualidad, al mítico Cabo de Hornos.

El Vía Australis tiene una capacidad de 136 pasajeros distribuidos en un total de 64 cabinas todas con camas bajas, ventanas panorámicas, baño privado, calefacción, y armarios. Sobre sus cubiertas superiores se encuentran amplias terrazas exteriores desde las cuales se puede admirar el espectáculo que ofrecen los bosques vírgenes, los glaciares, la flora y la fauna del paisaje más austral del mundo. Además dispone de bar, amplios salones, sala de juego, una pequeña biblioteca y enfermería.

La ruta del viaje contempla desembarcos diarios en los que se puede visitar bahías como la de Ainsworth desde la cual se puede admirar el paisaje, visitar una colonia de elefantes marinos y realizar caminatas por el bosque magallánico. Se puede navegar por el medio de la "Avenida de los Glaciares", desembarcar en el Cabo de Hornos (cruce de los océanos Atlántico y Pacífico), realizar excursiones en botes zodiac, conocer la Isla Magdalena, colonia de más de 120.000 pingíinos, o recorrer ciudades como Puntas Arenas o Ushuaia.

El itinerario se puede realizar desde 5 días o 4 noches partiendo desde Puntar Arenas o desde Usuahia desde el mes de octubre hasta abril de cada año.

Para más información visitar la web:
http://www.australis.com

Llegar a Pula, más fácil

25/03/2008, Pula es la mayor ciudad de Istria, península ubicada en el norte del Adriático, en Croacia. El interés turístico de la ciudad ha crecido y este año aumenta de nuevo la oferta de pasajes aéreos.

Croacia, marzo de 2008
Cuenta la ciudad con unos 60.000 habitantes, y conserva importantes restos romanos, pues fue un centro administrativo de la ιpoca romana. Entre ιstos restos destaca el anfiteatro romano.

La magnνfica obra, orgullo de la ciudad, es originaria del siglo I antes de Cristo y tiene capacidad para albergar a 20.000 personas. El anfiteatro, uno de los mayores del mundo romano, es lugar donde se celebran numerosos festivales y conciertos. La ciudad, ligada en su origen a la vida de Roma, pasσ por las manos de Venecia en el medievo y finalmente cayσ en poder del Imperio Austro-Hϊngaro. Tras un dominio momentαneo de Italia, acabσ, tras la II Guerra Mundial en el αmbito de Croacia. Hoy tiene cierta vida industrial y turνstica.

El aeropuerto de Pula consiguiσ recientemente un nuevo acuerdo con la compaρνa aιrea irlandesa de bajo coste Ryanair, asν que en primavera inician otra vez los vuelos de precios reducido de Pula a Londres y prσximamente a Dublνn.

Con la compaρνa alemana de bajo coste Germanwings tambiιn se consiguiσ un acuerdo que permite que en mayo comiencen los vuelos de Pula a Kφln (Colonia), y posiblemente a Sttutgart. Ademαs de los acuerdos relativos a los destinos mencionados, el aeropuerto de Pula estα negociando con los paνses escandinavos, con Eslovaquia y Chequνa.

Se estαn planeando tambiιn enlaces con alguna ciudad de Espaρa, asν como con Belgrado.

El director del aeropuerto de Pula destaca que uno de los objetivos de estos vuelos es que los viajeros viajen punto a punto, sin tener que pasar a travιs de Italia para volar a buen coste.

Todos estos proyectos exigen la mejora del estatus tιcnico del aeropuerto y obras en infraestructura. El Estado se estα planeando aumentar urgentemente el nivel de la comodidad de los viajeros asν como efectuar varios saneamientos en la pista, la plataforma y el edificio mismo.

En el aρo 2007 por el aeropuerto de Pula han pasado mαs de 385 000 pasajeros que, en comparaciσn con el aρo 2006, supone una subida del 30%. En el aρo 2008 se espera un aumento de pasajeros adicional.

Diseño Gráfico Holandés

24/03/2008, La Fundación Carlos de Amberes presenta en Madrid "La Edad de Oro del Diseño Gráfico Holandés (1890-1990)". Una muestra con la que aprender más sobre la rica tradición de la comunicación impresa.

Madrid, marzo de 2008
El título La edad de oro del diseño gráfico holandés sugiere un paralelismo con otra edad de oro holandesa, la de Rembrandt y Vermeer. Ambas tienen en común sus grandes avances y su calidad, pero sobre todo la enorme importancia que otorgaron a la libertad y la tolerancia.

René Descartes escribió que sólo en la República de los Países Bajos la gente podía disfrutar de “completa libertad”. De hecho, en Ámsterdam se publicaron libros que fueron prohibidos en el resto de Europa. En esta exposición, esa cultura de la tolerancia está estrechamente vinculada a la libertad de los diseñadores gráficos.

Inspirados, quizás incluso guiados, por un período de progreso y de destrucción, buscaron nuevas formas para la comunicación impresa. En cien años escasos realizaron una serie de experimentos cuyas consecuencias aún perviven.

El diseño gráfico holandés es conocido y alabado internacionalmente por su capacidad de innovación y por su influencia. Respaldado por una larga y única tradición artística, es el producto del extraordinario talento individual de numerosos diseñadores apoyados por un público comprometido y una clientela ilustrada.

Esta exposición ofrece una muestra de esa rica tradición desde 1890, cuando el diseño gráfico entró en un período de gran innovación técnica, hasta 1990. La exposición muestra las obras más destacadas del diseño gráfico holandés del siglo XX. Algunos de los estilos que surgieron en este período fueron el Art Nouveau, De Stijl, el Expresionismo, el Constructivismo holandés y el Racionalismo de posguerra.

Hay piezas de, entre otros, Jan Toorop, Theo van Doesburg, Bart van der Lek, Piet Swart, Paul Schuitema, Willem Sandberg, Dick Elffers, Jan Bons, Pieter Brattinga, Jan van Toorn y Wim Crouwel. Sus logros individuales y colectivos representan una tradición cultural única y sorprendentemente coherente. Muchas de las piezas, gracias a su indiscutible originalidad o sutil complejidad, continúan siendo fuente de inspiración para el diseño gráfico actual.

La Edad de Oro del Diseño Gráfico Holandés (1890-1990)
Del 14 de marzo al 13 de abril de 2008
Fundación Carlos de Amberes

María Antonieta revive en París

24/03/2008, Hablar de Maria Antonieta es hablar de un sino, de un mito, de una tragedia, de una revolución. Del 15 de marzo al 30 de junio, París revive a esta reina de tristes destinos, en una exposición en las Galerías Nacionales del Grand Palais.

París, marzo de 2008
Condenada a muerte y declarada enemiga declarada de la nación francesa, por el tribunal revolucionario que la juzgó en 1793, esta mujer sigue siendo objeto de múltiples interpretaciones, después de haber sido elemento crucial en el desgraciado destino de la monarquía francesa en el tramo final del siglo XVIII.

María Antonia Josefa Juana de Habsburgo-Lorena había nacido en Viena en 1755. Era princesa de Hungría y Bohemia, Archiduquesa de Austria. Recibió una educación esmerada, y tan sólo con 14 años ya se organizó su matrimonio con el Delfín del trono francés, para reforzar una política de alianzas favorable a mantener un liderazgo en Europa, donde se veía el encumbramiento progresivo de Prusia como una amenaza.

Tras renunciar a sus derechos sobre el trono de Austria se casó con el mandatario francés en un ambiente chauvinista en el que se empezó a motejar a la futura reina como “la austríaca”, en medio de un mundo de suspicacias, protocolos, adulterios y liturgias que le resultan difíciles de soportar.

Reina de Francia desde 1774, pronto suscita rechazo y hasta canciones y panfletos hostiles, mientras sus enemigos critican gastos y fiestas, con lo que se gana fama de frívola y dispendiosa, a la par que se le atribuye una vida licenciosa y se le cargan sobre ella todo tipo de maledicencias: se le acusa de que el rey no es el padre de sus hijos y se la involucra en casos escandalosos como el del famoso collar de diamantes que encargó para ella el cardenal de Rohan.

En una Europa en la que se desarrollaban con presteza Inglaterra y Prusia, Francia estaba en un claro estancamiento y las finanzas del país no daban para más. La culpa a la reina: “Madame Déficit”.

Su convivencia con la política francesa se fue haciendo cada vez más difícil y la mujer acabó engullida por la Revolución. Ni siquiera tuvo capacidad para huir a su propio país, en el que la prepararon detalladamente para reinar, mediante unos amplios estudios en los que no faltaron las disciplinas artísticas, el canto y la danza…

Ahora, unas 300 obras reviven el mundo y la personalidad de la reina, procedentes de diversas instituciones de Europa, entre ellas, esculturas, pinturas y objetos de arte. Todo para recordar una vida cargada de fiestas, lujos, contradicciones y sufrimientos.

Entre los artistas que sirven para recordar a la reina, Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, destacada pintora francesa del XVIII, artista favorita de María Antonieta, de quien hizo varios retratos.

Más información en:
http://www.rmn.fr/Marie-Antoinette

Otto Dix

24/03/2008, Del 11 de marzo al 18 de mayo de 2008 en el museo Thyssen Bornemisza podremos aproximarnos a un excelente artista del siglo XX, en el que se perciben las huellas del renacimiento alemán: Otto Dix.

Madrid, marzo de 2008
Una pequeña exposición, “Otto Dix. Retrato de Hugo Erfurth. Técnicas y secretos”, de la serie Contextos de la Colección Permanente, profundiza en el autor y una de sus obras más emblemáticas, realizada en 1926 por uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX.

La exposición, fruto de un proyecto conjunto de investigación llevado a cabo por los departamentos de Pintura Moderna y Restauración del Museo bajo la dirección de Paloma Alarcó, conservadora de Pintura Moderna, y de Ubaldo Sedano, restaurador jefe, se plantea desde una doble perspectiva: Por un lado, estudiar el estilo realista de Dix y analizar la relación del pintor con su amigo Hugo Erfurth, afamado fotógrafo de retratos. La muestra reune algunas obras de ambos artistas para comprobar cómo su mutua influencia fue más allá de la estrecha amistad que les unió y comparar el estilo pictoricista del fotógrafo frente a la técnica casi fotográfica del pintor.

Aunque el conjunto presentado es reducido, permite descubrir al público los secretos de la particular técnica que Otto Dix utilizaba en sus obras. El proceso creativo del artista alemán, quien, superados unos acercamientos a otras tendencias modernas, intenta recuperar las técnicas de los grandes maestros del Renacimiento alemán, como Durero o Cranach.

Otto Dix y Hugo Erfurth se conocieron en el año 1920; por aquel entonces Dix era todavía un pintor joven y desconocido, recién llegado a la ciudad de Dresde (1919) tras cuatro años en el frente. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes y entró en contacto con numerosas personalidades del mundo de la cultura de la ciudad.

Hugo Erfurth era quince años mayor que el pintor y ya destacaba como fotógrafo de las principales personalidades de la Alemania de la República de Weimar; el interés de Erfurth por retratar a la nueva generación de artistas afincada en Dresde -uno de los centros culturales más activos del momento- propició el inicio de su amistad, que continuaría durante algunos años.

Tras algunos experimentos expresionistas, futuristas e, incluso, dadaístas, Dix se decantó finalmente por un lenguaje realista propio que le permitía mostrar de manera crítica su repulsa por la sociedad que le rodeaba y que le convirtió en uno de los máximos representantes de la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit).

Su profundo conocimiento y admiración por los maestros antiguos, muy particularmente de los grandes maestros del Renacimiento alemán, le llevó a cimentar su nuevo estilo en una técnica que recuperaba la forma de trabajar de esos artistas, desde la elección de la tabla frente al lienzo como soporte de sus cuadros o de la técnica mixta (óleo y temple), hasta los más mínimos detalles en la preparación del soporte, en la forma de utilizar los colores, las veladuras o, incluso, su firma en forma de anagrama al estilo del utilizado por Luchas Cranach.

Estos recursos técnicos le ofrecieron, además, el medio principal para lograr en sus obras la preeminencia de la forma sobre el color y la objetividad crítica que buscaba, acentuando el realismo de su estilo y confiriéndole ese tono crítico incluso mordaz a veces, característico de sus cuadros.

La vida del pintor
Otto Dix nació en Untermhausm cerca de Gera, en Alemania. Su padre, Franz Dix, trabajaba como forjador de hierro y su madre, Louise, era una enamorada del arte y la música. Tras seguir un aprendizaje como pintor y decorador en Gera entre 1905 y 1909, continuó su formación artística en el centro del expresionismo al conseguir en 1909 una beca para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Dresde. Allí, además de recibir la influencia de los movimientos expresionistas, estudió a los maestros renacentistas alemanes e italianos en los museos de la ciudad.

En 1914 se alistó voluntario en la I Guerra Mundial cuyos horrores quedarán plasmados en su obra. Acabada la guerra prosiguió sus estudios en la Academia de Dresde, entre 1919 y 1922. Fue uno de los creadores del Dresdner Sezession Gruppe, un grupo radical de escritores y artistas expresionistas y dadaístas.

De 1922 a 1925 residió en Düsseldorf, donde se casó con Martha Koch y se vinculó a la galería de vanguardia de Johanna Ey. Su obra se carga de una violenta crítica social al tiempo que recupera la técnica del temple sobre tabla, propia del Renacimiento, como medio para alcanzar una pintura de ácido realismo. En 1925 fue uno de los participantes de la exposición Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) en Mannheim.

A finales de ese año, Dix, animado por el galerista Karl Nierendorf, se trasladó a Berlín, donde alcanzó una enorme fama como retratista de sociedad. Berlín, una moderna metrópoli, vivía en esos momentos uno de los períodos más creativos e innovadores de su historia, que vendría poco después a desmoronarse con el advenimiento del nacionalsocialismo.

En 1927 fue nombrado profesor de pintura mural de la Academia de Bellas Artes de Dresde y, durante ese período, pintó algunas de sus obras más ambiciosas, como el Tríptico Metrópolis, 1927-1928, una feroz crítica de la sociedad burguesa. En 1926 tiene lugar su primera exposición individual en la Galería Neumann-Nierendorf de Berlín. Por esos años realiza una serie de grandes y representativos retratos, en 1928 participa en la Bienal de Venecia y en la Exposición Internacional de Arte Moderno del Brooklyn Museum de Nueva York.

Con la llegada del nazismo, Dix pierde su puesto de profesor en Dresde y sus obras son confiscadas e incluidas en la exposición Entartete Kunst (Arte degenerado). En 1939 Dix fue detenido acusado de tomar parte en el atentado contra Hitler en Múnich. El 20 de marzo del mismo año se queman en Berlín mas de mil obras de los artistas incluidos en la exposición de “Arte degenerado”; en verano, los nacionalsocialistas subastan una parte de los cuadros requisados. Pese a todo, Dix no quiere abandonar Alemania, se traslada a Hemmenhofen, junto al lago Constanza, que será su lugar de residencia definitivo y donde se dedica a la pintura de paisaje y a la representación de temas religiosos, con un estilo cercano al del pintor alemán del siglo XVI Albrecht Altdorfer.

En 1945, con 54 años, Dix fue de nuevo movilizado y hecho prisionero por el ejército francés en Colmar, donde pintó un tríptico para la capilla del campo de concentración. Tras su liberación, un año después, regresó a Alemania donde llevaría una vida llena de honores, dedicado exclusivamente a la pintura. fallecería el 25 de julio de 1969 en la ciudad de Singen.

Más viajes por Internet

10/03/2008, Internet no sólo nos lleva a los lugares más bellos del mundo a través de artículos y fotografías, sino que también facilita los viajes mediante el comercio electrónico, una modalidad en alza.

Marzo de 2008
Un informe de DBK, titulado "Comercio Electrσnico de Viajes" dice que 2007 ha sido expansivo en este negocio y que en el 2008 se espera un crecimiento de hasta el 30 por ciento en Espaρa. DBK es una empresa especializada en la elaboraciσn de estudios de anαlisis sectorial y de la competencia.

La facturaciσn por venta de viajes a cliente final a travιs de pαginas web propias con contenidos especνficos para Espaρa de compaρνas aιreas, agencias de viaje -virtuales y tradicionales-, cadenas hoteleras, empresas de alquiler de automσviles y de transporte terrestre registrσ un crecimiento del 40 por ciento en 2007, lo que dio lugar a una cifra de 5.200 millones de euros.

Sobresale la venta de billetes de aviσn a travιs de internet, tanto por parte de lνneas aιreas tradicionales como por compaρνas de bajo coste. Asν, las ventas a travιs de las pαginas web de las compaρνas aιreas alcanzaron en 2007 los 2.035 millones de euros, el 21 por ciento de su facturaciσn total. De este modo, este tipo de operadores alcanzσ una participaciσn en el mercado espaρol de comercio electrσnico de viajes del 39 por ciento.

Las agencias de viajes virtuales, tras experimentar un crecimiento del 46 por ciento en 2007, reunieron la tercera parte de la facturaciσn total por ventas de viajes a travιs de internet.

Las cadenas hoteleras facturaron por reservas a travιs de sus pαginas web 790 millones de euros, alcanzando una participaciσn del 15 por ciento con respeto al mercado total, por encima de las agencias de viaje tradicionales (7 por ciento) y de las empresas de alquiler de automσviles y de transporte terrestre, que conjuntamente alcanzaron el 5 por ciento.

Estructura de la oferta
A finales de 2007 se contabilizaban alrededor de 1.000 compaρνas con actividad de venta de productos turνsticos a travιs de internet. En los ϊltimos aρos esta cifra ha registrado un destacado incremento, fruto de la creaciσn de nuevas agencias virtuales, asν como de la incorporaciσn de servicios de comercio electrσnico por parte de agencias tradicionales, de cadenas hoteleras, y de empresas de transporte y de alquiler de automσviles.

A pesar de la desaceleraciσn del consumo privado, la venta de viajes a travιs de internet continuarα mostrando un intenso ritmo de crecimiento en los prσximos aρos, aunque sin alcanzar las espectaculares tasas de variaciσn de la primera mitad de la dιcada, dice el informe.

Paul Delvaux

06/03/2008, La Fundación Carlos de Amberes organiza esta muestra, que acoge la Fundación Picasso en Málaga, para dar al público la ocasión de redescubrir la obra de éste artista de fantasía y poeta pictórico.

Málaga, marzo de 2008
Con tal motivo, la Fundación ha publicado la primera monografía de Paul Delvaux en español. En este libro que acompaña la exposición, ocho especialistas en el arte del siglo XX se acercan a su obra en sus distintas facetas: Estrella de Diego, Delfín Rodríguez, Eduardo Arroyo, Carlos Pérez, Sergio Rubira, Daniel Compère, María Dolores Vila y Sofía Rodríguez Bernis.

La exposición antológica, ideada por la historiadora del arte Ángela Villaverde, reúne más de cien piezas entre óleos de gran formato, gouaches, tintas chinas, dibujos, acuarelas... con la intención de mostrar un amplio repertorio del imaginario delvauxiano, recogiendo sus inicios, su madurez artística y alguna de sus últimas creaciones, en un amplio recorrido que permite conocer a la perfección su singular estilo y su personal universo pictórico.

El recorrido se ha organizado a partir de los temas preferidos del artista, sobre los que volvía una y otra vez: el sabio de Julio Verne, el Museo Spitzner, las amigas, los esqueletos, los trenes y las estaciones, y podrá visitarse en Málaga hasta el 27 de abril de 2008.

EL ARTISTA
Nacido en 1897 y fallecido en 1994, la vida de Paul Delvaux abarca prácticamente en su totalidad el siglo pasado. El artista vió la luz en Antheit, provincia de Lieja (Bélgica), en el seno de una familia acomodada, y comenzó a exponer en Bruselas en la década de los veinte.

Pese a participar, entre otras, en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada por André Breton y Paul Éluard en París en 1938, nunca se consideró un "surrealista", y tampoco su estilo se ajustaría estrictamente a corriente artística alguna.

De sólida formación académica y vasta cultura, Delvaux dominaba a la perfección los diferentes medios artísticos. En los óleos y en las obras sobre papel independientes hace gala de una técnica depurada y exquisita; en los dibujos preparatorios, en cambio, vemos a un Delvaux más espontáneo y fluido, y asistimos con fascinación a su proceso creativo.

Delvaux es un artista de la fantasía, de una realidad onírica, lo que él llamaba la segunda realidad: sus cuadros y dibujos, poblados de seres solitarios inmersos en una atmósfera casi siempre inquietante, revelan un mundo tan personal como inconfundible. En ese universo aparecen reiteradamente, a lo largo de toda su dilatada carrera, algunos temas que son los que articulan esta exposición.

LA EXPOSICIÓN
Paul Delvaux. La segunda realidad
Sala de Exposiciones de la Fundación. Plaza de la Merced, 13.
Hasta el 27 de abril de 2008.

Giordano en el Casón del Buen Retiro

03/03/2008, Los amantes del arte pueden apreciar ya el resultado de la restauración del gran fresco de Luca Giordano que decora la bóveda del salón principal del Casón del Buen Retiro, en Madrid.

Madrid, marzo de 2008
Se presenta así una exposición monográfica, patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, dedicada al artista napolitano en torno al fresco más sobresaliente que realizó en España, la Apoteosis de la Monarquía española. La ocasión se realza con la presentación de un conjunto de setenta y cinco piezas, entre dibujos, planos arquitectónicos, acuarelas, óleos y estampas, con los que ilustra y documenta la pintura del artista de la Bóveda del Casón, su historia, significado, iconografía, y técnica de ejecución.

La presentación de esta muestra en el Casón, en la que se incluyen 56 pinturas del artista napolitano, constituye el último capítulo de una larga investigación comenzada en 2001, momento en que se inició la restauración de la bóveda de Giordano.

Dicha investigación ha estado dirigida por Andrés Úbeda de los Cobos, Jefe de Área de Conservación de Pintura Italiana y Francesa hasta 1700 del Museo y ha sido orientada hacia dos aspectos fundamentalmente: por una parte, la historia de la bóveda y su significado. Por otra, el uso del fresco por parte de Giordano, sus variantes y heterodoxias, que permiten proponerlo como un pintor empeñado permanentemente en la experimentación de nuevos soportes materiales y en la aplicación de novedosas soluciones obligadas por el carácter específico de la arquitectura española.

La Apoteosis de la Monarquía española
La bóveda del Casón fue pintada por Giordano, conocido en España como Lucas Jordán, hacia 1696-7.

El artista había sido llamado por Carlos II en 1692 para decorar la escalera y las bóvedas de la Basílica de El Escorial (1692 – 1694), continuando después en el despacho y dormitorio (destruido) del monarca en el Palacio de Aranjuez; el Casón del Buen Retiro (c. 1697); la sacristía de la catedral de Toledo (1698); la Real Capilla del Alcázar (destruido) y San Antonio de los Portugueses (1699). La llegada de Felipe V en 1701 y el inicio de la Guerra de Sucesión provocó la vuelta de Giordano a Nápoles en 1702. Allí murió en 1705 dejando una obre ingente y una considerable fortuna.

El tema representado en esta bóveda es la Apoteosis de la Monarquía española, pintada durante el reinado de Carlos II, último representante de la Casa de Austria. En ella aparecen distintas escenas que ensalzan la grandeza histórica de España, el dominio sobre vastos territorios, su triunfo sobre la herejía o la fundación de la Orden del Toisón.

El artista
Luca Giordano (Nápoles, 1634 – 1705) es uno de los artistas más influyentes de la pintura barroca italiana y española. Conocido desde su infancia por su talento y rapidez de ejecución, manifestó una especial habilidad en la pintura al fresco, desarrollando un estilo plenamente identificable que avanza características propias de la centuria siguiente. Además, manifestó una sobresaliente habilidad en la imitación de otros artistas, circunstancia que le acarreó críticas de falsario.

Residió en España entre 1692 y 1702, donde fue el pintor más relevante del final del reinado de Carlos II. Aquí asumió tareas de especial importancia, como la realización de siete conjuntos murales, cinco de los cuales han sobrevivido, aunque uno, el Casón, se conserva hoy penosamente mutilado.

Su primera intervención tuvo lugar en El Escorial (1692-94). Después pasó a Aranjuez, donde decoró el despacho de Carlos II (c. 1695-96), recientemente redescubierto. En tercer lugar decoró el Casón del Buen Retiro, del que sólo resta su salón central o de embajadores (c. 1696-97). A continuación pintó la bóveda de la sacristía de la catedral de Toledo (1698) y, de vuelta en Madrid, la capilla real del Alcázar (destruida, c. 1699); la iglesia de san Antonio de los Portugueses (o Alemanes, 1698-1700) y la iglesia de Nuestra Señora de Atocha (destruida, después de 1700).

Además de todo ello, pintó una ingente cantidad de obras al óleo y configuró la imagen del monarca en el tramo final de su vida.

El Casón cerró sus puertas en 1997 para emprender una reforma arquitectónica que puede ahora contemplarse y cuya novedad más importante ha sido la construcción de dos sótanos y la rehabilitación de su salón de embajadores, decorado al fresco por Luca Giordano. Su bóveda es el último vestigio de la decoración mural pintada por el artista napolitano y ha sido restaurada entre 2001 y 2006.

Figuras enigmáticas de Alfredo Omaña

03/03/2008, En Salamanca, se puede ver una nueva serie de trabajos de Alfredo Omaña, un joven artista español de gran personalidad, un auténtico experimentador y transformador de la materia.

Salamanca, marzo de 2008
En Domus Artium 2002, espacio salmantino de arte de vanguardia, Alfredo Omaña presenta UNDER MY SKIN, trabajos de fotografía y vídeo, del 29 de febrero al 13 de abril, donde se muestra cómo a través de materiales primarios el autor genera unas figuras enigmáticas de fuerte impacto en el espectador.

También, del 1 de marzo al 12 de abril, la galería Benito Esteban presenta la tercera exposición en su espacio de Alfredo Omaña, Black & White que se compone de una serie de seis fotografías de mediano formato que funcionan como suplemento a la exposición que se celebra en el Domus Artium 2002 (DA2).

La fuerza de las imágenes viene dada por la conjunción de los materiales en que están elaboradas las figuras y sus formas, entre citas y alegorías, que hacen que múltiples connotaciones se crucen y superpongan en el espectador.

Alfredo Omaña es un artista que nació en 1968, en Riofrío (León) y en sus obras se encuentra una personalidad definida que le ha valido reconocimientos internacionales. Es un auténtico transformador de la materia, a la que transmite ritmo y poesía. La obra de Omaña hace referencia desde sus inicios a la naturaleza, la experiencia del cambio y la fugacidad de la materia.

El artista estudió Bellas Artes en Salamanca y sigue viviendo en el entorno de esta ciudad, aunque -tal vez fruto de su origen- se halla mejor en el medio rural. "No soporto la ciudad como ámbito para vivir. El lugar que ocupo es un espacio industrial rescatado y adaptado a mis necesidades de artista; una nave de dos plantas con mucho espacio para pintar y para habitar, en un paisaje de la ribera del río Tormes".

En los últimos años su obra se ha podido ver en Milán (Italia), La Habana (Cuba), Lisboa (Portugal), Salamanca, Santander, Pamplona, etc. Los trabajos de Omaña ha sido adquiridos por diversas instituciones y han merecido varios galardones, entre ellos la medalla de oro de la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia, en 1997.

En la presentación de sus trabajos de "Under my skin" se señala: "Cuando contemplamos los trabajos de Alfredo Omaña englobados bajo el título "Under my skin", -una serie de fotografías que podríamos calificar de retratos alegóricos-, nos preguntamos cómo ha logrado dotar a cada uno de los estáticos personajes que en ellas aparecen de un hálito de vida, cómo los elementos que los componen despliegan las evocaciones propias de una galería de retratos. La diversidad de lo humano con sus miserias y grandezas encarnadas en los rostros, los pequeños orgullos y los grandes secretos de cada individuo, de cada misteriosa combinación química que, según parece, somos todos y cada uno de nosotros..."·

"Estas obras dibujaban un itinerario de arcanos y ocultaciones a partir del cual Omaña ha explorado las diversas conformaciones de la naturaleza humana. Omaña viste a sus sujetos con los objetos de lo cotidiano simbólico: los botones de colores (expresión de alegría y diversidad), las espinas de rosa (conjunción de tesis y antítesis, de angustia y dolor), los recortes de periódico (moderna representación de la caducidad)... Estos materiales extraartísticos establecen una relación entre lo real y lo imaginario que rescata la forma de operar de los artistas povera. Omaña intentar implantar, insistentemente, puntos de contacto entre el hombre y la naturaleza. Explorando a lo largo de su carrera la conexión entre formas naturales y culturales, su obra mezcla artificio y reino natural, toma igualmente elementos de la alta cultura y de la cultura popular".

GREENWASHING

27/02/2008, La exposición "GREENWASHING, Medio ambiente: peligros, promesas e indecisiones" se inaugurará el próximo jueves, 28 de febrero, en la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín.

Turín, 27 de febrero de 2007

“Mientras los cohetes van a la luna la oscuridad alrededor de la tierra aumenta y se intensifica”.
Robert Smithson


GREENWASHING presenta la obra de 25 artistas y grupos de artistas internacionales cuyas prácticas nos sugieren que la literalidad presente en conceptos anticuados como “ecologismo” o “naturaleza” no está preparada para abarcar el ámbito actual de la ecología. Hoy día estamos lidiando con una situación ecológica –y por ende cultural, política, social y económica- cada vez más presente y apremiante que se ve ensombrecida por un derrumbamiento del ecosistema que podría ser catastrófico. A pesar de ello frente al constante bombardeo de un sentimiento de culpa ecológico relacionado con la economía, los programas empresariales y las medidas políticas que surgen están llenos de auténtica indecisión y falsas promesas en vez de posibilidades de un cambio creativo.

La terminología y las actividades en torno al “medio ambiente” y la sostenibilidad han ido volviéndose cada vez más asimétricas e inmateriales. La compensación por emisiones de carbono, el etiquetado con los kilómetros recorridos por la comida, el marketing medioambiental, la deuda de carbono, la huella ecológica etc. son todos conceptos nuevos y vinculados a la ansiedad producida por la idea de que los procesos y las prácticas de la modernización, la globalización, la industrialización y el urbanismo han causado pérdidas sin precedentes e interferencias en el planeta. Como consecuencia de esto se alude constantemente a limitar el crecimiento, sobre todo en los países en desarrollo. ¿Pero cómo se compagina esto con el hecho de que la preocupación por el medio ambiente sea mucho mayor en los países prósperos en los que las necesidades básicas están cubiertas? ¿Cómo podemos equilibrar de manera más general la responsabilidad personal con el consenso colectivo, lo local con lo global, o los objetivos a corto plazo con las estrategias más visionarias? Esta exposición plantea dichas cuestiones.

Los artistas que participan en GREENWASHING hacen uso frecuentemente de enfoques especulativos y basados en los procesos para articular las transformaciones de la energía y las materias, y estos son mecanismos ecológicos fundamentales. De este modo hay varias obras en la exposición que muestran almacenes de energía –ya sean de residuos, agua o aceite- con formas que revelan técnicas que habían sido ocultadas anteriormente, actualizando de algún modo su significado.

La estrategia común a las diversas prácticas presentes en esta exposición es que no se limitan a lamentarse pasivamente de la degradación de nuestro planeta o a dar soluciones técnicas concluyentes. En lugar de eso articulan activamente las contradicciones y responsabilidades que nos encontramos individual y colectivamente. El arte aquí no proclama una elección ética o verde “correcta”, si no que abre la vía para ampliar y analizar nuestras percepciones y nuestras acciones. Pone en marcha una actitud crítica que interviene, se filtra, reinterpreta y descodifica las relaciones entre humanos, y las de los humanos con la vida no humana.

GREENWASHING
Dónde: Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. Turín, Italia.
Cuándo: 29 de febrero - 18 de mayo de 2008
Comisarios: Ilaria Bonacossa y Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna)
Artistas: Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Lara Almárcegui, Maria Thereza Alves, Ibon Aranberri, Amy Balkin, The Bruce High Quality Foundation, Chu Yun, A Constructed World, Minerva Cuevas, Ettore Favini, Cyprien Gaillard, Tue Greenfort, Norma Jeane, Cornelia Parker, Jorge Peris, Wilfredo Prieto, RAF/Reduce Art Flights, Tomás Saraceno, Santiago Sierra, Simon Starling, Fiona Tan, Nikola Uzunovski, Sergio Vega, Wang Jianwei, James Yamada.

Más información en:
http://www.fondsrr.org
http://greenwashing.lttds.org/

Abadía Klosterneuburg: 900 años

27/02/2008, En el 2008 se celebra en Austria el 900 aniversario de la Abadía de Klosterneuburg, antiguo monasterio al que el emperador Carlos VI (1685 - 1740) impulsó, intentando hacer algo similar al Escorial, pero en barroco.

Viena, febrero 2007
Al noroeste de Viena, muy cerca de la ciudad, se encuentra la Abadía de Klosterneuburg, que llama la atención por su suntuosa arquitectura barroca y sus tesoros de arte sacro, como el "Altar de Verdún".

Es una opción magnífica, para quien visita Viena, ciudad incluída en 2001 en la lista del Patrimonio Mundial de la Unesco, originaria de épocas celtas y romanas y que adquirió un esplendor notable al llegar a ser capital del imperio austrohúngaro.

Una exposición, organizada del 26 de abril al 16 de noviembre de 2008 con motivo de esta conmemoración, presenta el transcurso de 900 años en la historia de este monasterio. Un tema central es el "Altar de Verdún", creado por Nikolaus von Verdun en el año 1181, tiene una superficie hecha de placas de esmalte horneadas con oro, que tuvo que ser restituida en 1330 después de un devastador incendio. También se destaca el árbol genealógico de la estirpe de los Babenberger, que la Abadía mandó realizar en 1485 para representar de forma clara la historia de esta dinastía. El lienzo, de casi 30 metros cuadrados, está distribuido en tres partes. En el centro, enmarcados en círculos, se ven los miembros masculinos de la familia, mientras que a los lados están representadas sus esposas e hijas.

La Abadía de Klosterneuburg fue fundada en 1114 por el conde-marqués Leopoldo III de Babenberger, quien fue canonizado y cuyos restos se encuentran sepultados debajo del altar.

El emperador Carlos VI de Habsburgo (1685-1740) quiso que este edificio fuera reformado al estilo barroco siguiendo el modelo de El Escorial español. La suntuosa Sala Terrena, que comunica el jardín con el vestíbulo, sirve hoy de punto de partida para diferentes visitas guiadas, que permiten recorrer el monasterio desde diferentes perspectivas temáticas.

"El camino sacro" conduce por la iglesia con sus frescos, su órgano monumental de la época del Barroco temprano y el Altar de Verdún. "El camino imperial " describe la evolución del lujo barroco de la alta aristocracia, mientras que el "Camino de la cultura del vino" desciende cuatro pisos hasta las bodegas que datan del siglo XVII.

La Abadía de Klosterneuburg, la mayor y más antigua propiedad de vinos de Austria, ofrece en su vinoteca una buena degustación, así como la posibilidad de comprar vino.

Mi amigo el Lince

27/02/2008, La firma de viajes y aventura Coronel Tapiocca colabora, junto al Ayuntamiento de Almonte, en el Programa de Conservación del Lince Ibérico, especie en peligro de extinción, merced a un “regalo solidario”.

[[cmsimg 5105]]

Almonte, feb 2008.
Coronel Tapiocca ha puesto en marcha una campaña en todos sus establecimientos, para colaborar en la conservación de una de las especies de la península Ibérica que se encuentra en peligro de extinción: el lince ibérico. El lince ibérico (lynx pardinus) es el felino más amenazado del planeta. Su población ha disminuido de unos 1000 ejemplares en los años 80 a menos de 200 ejemplares en la actualidad.

[[cmsimg 5106]]

La presentación nacional del programa tuvo lugar durante la celebración de la Feria Internacional de Turismo (FITUR), en el stand de Almonte.

El objetivo del programa es triple: sensibilizar al comprador y al destinatario del regalo en la importancia de la conservación de la especie y la importancia de la biodiversidad; colaborar directamente con el programa de Cría en Cautividad en Doñana, y ayudar a la creación de puestos de trabajo para personas discapacitadas en la comarca de Doñana.

[[cmsimg 5107]]

El lince ibérico es el felino más amenazado del planeta. Sólo existe en la Península Ibérica. Actualmente quedan menos de 200 ejemplares en la naturaleza y casi medio centenar mantenido en cautividad para futuros programas de reintroducción. La cría en cautividad es una importante herramienta de apoyo, pero no la solución. Este felino es uno de los emblemas del Espacio Natural de Doñana.

Es preciso garantizar su conservación así como promover campañas de concienciación para hacer llegar a los ciudadanos la fragilidad de este bello animal. Por este motivo, el Ayuntamiento de Almonte ha desarrollado la campaña "Mi amigo el lince" consistente en la venta de linces de peluche, cuyos beneficios se destinarán a programas para la conservación del lince ibérico de Doñana.

Coronel Tapiocca ha querido sumarse a esta iniciativa con la venta de los peluches de lince en toda la red de tiendas de la cadena. La compañía donará tres euros de cada ejemplar vendido para colaborar en el programa de conservación del felino.

Legado

22/02/2008, La exposición "Legado: España y los Estados Unidos en la época de la Independencia, 1763-1848", ha examinado el papel de España y México en el nacimiento de los Estados Unidos.

Washington, febrero de 2008.

La muestra, que ha estado abierta al público hasta este mes de febrero en la National Portrait Gallery. Smithsonian Institution de Washington, proponía dar a conocer la ayuda proporcionada por la monarquía española en la formación del estado norteamericano.
Mientras el papel de Francia como importante aliado en la lucha contra Gran Bretaña por la independencia norteamericana es muy conocido, muy pocos saben que este resultado sólo fue posible gracias a la ayuda financiera y militar proporcionada por España.

La exposición reunía un total de 75 piezas entre cuadros, mapas históricos (de Luisiana y Florida) o documentos originales, como el manuscrito original del Tratado de San Lorenzo, firmado por Manuel Godoy y George Washington, entre otros.

Además, en la muestra se pudieron contemplar importantes retratos y documentos originales que revelaban el papel de España en la revolución norteamericana. Comienza la historia en 1763 -con la firma del Tratado de París y España, que controlaba aproximadamente la mitad del territorio que es hoy los Estados Unidos- y continúa hasta 1848, con la firma del Tratado de Guadalupe Hidalgo que finalizó la guerra entre México y Estados Unidos, y la presencia Hispánica al Norte del Río Grande.

Algunos de los individuos retratados por famosos artistas son personajes conocidos de la historia americana: "George Washington" por Charles Willson Peale, "Benjamin Franklin" por Joseph Siffred Duplessis y "Davy Crockett" por Chester Harding. Pero la exposición también muestra las conexiones entre estos líderes y los personajes políticos en España durante la Revolución Americana, así como los individuos, tanto anglo-sajones como hispanos, que gobernaron en la Florida, Luisiana, el alto Mississippi, California y el suroeste.
Por ejemplo, los tres hombres que determinaron la política exterior de España durante estos años: el rey Carlos III, retratado por el pintor de la corte Rafael Mengs; José Moñino, Conde de Floridablanca, que era primer ministro, retratado por Folch de Cardona, y Pedro Pablo Abarca de Bolea, Conde de Aranda, uno de los primeros defensores de la causa americana, retratado por Ramón Bayeu, cuñado de Francisco de Goya.

Más información en:
SEACEX

Cosas del Surrealismo

22/02/2008, Una exposición que, organizada por el prestigioso Victoria & Albert Museum de Londres y coproducida por el Museo Guggenheim de Bilbao, examina la influencia de este movimiento en el mundo del diseño.

Bilbao, febrero de 2008

LA MUESTRA
La exposición Cosas del Surrealismo examina, por primera vez, a través de doscientas piezas, el impacto de este movimiento artístico vanguardista (posiblemente el más influyente del siglo XX) en la pintura, el teatro, el interiorismo, el mobiliario, la moda, el cine, la publicidad y la arquitectura.

En la muestra podremos encontrar desde los objetos diseñados por Elsa Schiaparelli, hasta las obras de Meret Oppenheim o el vestuario creado por Giorgio de Chirico para Le Bal; desde las cerámicas y pinturas de Joan Miró o Jean Arp, hasta las esculturas de Alberto Giacometti; sin olvidar las joyas de Alexander Calder o los muebles de Carlo Mollino entre otros, que podrán verse instalados en el marco de una escenografía única y un diseño temático creado especialmente para el Museo Guggenheim de Bilbao.

Este proyecto constituye una ocasión única para conocer de primera mano estas obras que, recopiladas gracias a la suma de esfuerzos, atestiguan la gran influencia que las ideas de André Breton tuvieron en los procesos creativos y formas de vida de artistas, diseñadores y arquitectos, así como en el gusto popular, que se adaptó con rapidez a sus nuevas y extraordinarias propuestas.

La totalidad de la tercera planta del Museo diseñado por Frank Gehry se transforma por medio de una escenografía inspirada en las apasionantes y sorprendentes puestas en escena de los propios surrealistas, que ha sido especialmente diseñada para Bilbao por el equipo de arquitectos londinense Metaphor. El visitante podrá contemplar, a través de esta espectacular puesta en escena, el desarrollo y trayectoria del movimiento artístico de vanguardia más influyente del siglo pasado, fruto de la ideología política de Karl Marx y del psicoanálisis de Sigmund Freud, en un recorrido por los trabajos más singulares y reconocidos de sus principales protagonistas: Salvador Dalí, René Magritte, Jean Arp, Joan Miró, Giorgio de Chirico, Isamu Noguchi, Eileen Agar, Jean Michel Frank, Frederick Kiesler o Max Ernst entre otros.

EL TÉRMINO SURREALISMO
El término Surrealismo fue acuñado en 1917 por el crítico de arte y poeta Guillaume Apollinaire. En 1924 André Breton lo utilizó para describir un movimiento políticamente radical que aspiraba a cambiar la percepción del mundo.

Durante los años treinta el Surrealismo traspasó los límites de lo que era un movimiento artístico radical de vanguardia y llegó a influir en diferentes ámbitos como el teatro, el diseño, la moda y la publicidad. Para algunos, la asimilación del Surrealismo por parte del mundo comercial debía ser algo aceptado e incluso celebrado, mientras que para otros iba en contra de los principios políticos del movimiento.

Cosas del Surrealismo es la primera muestra que analiza la forma en la que la mayoría de los artistas surrealistas se fueron introduciendo en el mundo del diseño y, de la misma forma, cómo los diseñadores se sirvieron del Surrealismo como fuente de inspiración.

COSAS DEL SURREALISMO
Guggenheim de Bilbao
Del 29 de febrero al 7 de septiembre de 2008
Comisaria: Ghislaine Wood
Exposición patrocinada por BBVA

Más información en:
Guggenheim Bilbao

Artículo sobre el Surrealismo y la moda en EstiloyModa.com

Bombay Sapphire Design Exhibition

21/02/2008, Durante el mes de febrero se ha podido disfrutar en Madrid de una selección de objetos que, según el diseñador Javier Mariscal, han marcado nuevas tendencias durante el último siglo.

Madrid, febrero de 2008
La exposiciףn, que el pasado mes de diciembre iniciף su recorrido por Espaסa en Bilbao, reתne una selecciףn de 50 objetos creados durante el תltimo siglo que, segתn el diseסador, “han ayudado a mejorar nuestras vidas”.

Tras su paso por Madrid en el mes de febrero, la exposiciףn “Bombay Sapphire Design Exhibition, by Javier Mariscal” recorrerב varias ciudades espaסolas. Del 5 al 15 de marzo estarב en el Museo de Arte Contemporבneo de Salamanca y en julio llegarב al Convent dels ְngels de Barcelona.

En la muestra destaca la presencia de objetos como la familia de desechables Bic: los bolםgrafos, maquinillas de afeitar y mecheros fabricados entre los aסos 1950 y 1973.

Entre los preferidos de Javier Mariscal se encuentran los vaqueros Levi´s y la moto Vespa. El diseסador ha calificado como “muy personal” su criterio de selecciףn y ha aסadido que, entre los objetos expuestos, “hay bastantes que me han acompaסado en vida, los he usado y sigo haciיndolo”. Ha dicho que “podrםa haber mבs objetos”, pero que “a los que estבn aquם les doy las gracias por existir”.

LOS OBJETOS:
Javier Mariscal, comisario de la exposiciףn, ha realizado “de forma muy personal” una selecciףn de los 50 objetos “mבs תtiles para la sociedad” creados en el תltimo siglo”.

La exposiciףn rinde tributo a artםculos que hoy forman parte de nuestra vida cotidiana pero que, en su momento, supusieron una revoluciףn en el mundo de la moda, la decoraciףn del hogar, la organizaciףn del trabajo, los medios de locomociףn, la gastronomםa, las tareas domיsticas y, especialmente, en las relaciones sociales y en la mתsica, como nueva forma de entretenimiento.

Entre otros muchos, se podrב admirar de nuevo la primera moto Vespa, de 1946, cedida por un particular de Calabria.

El panorama musical ha vivido una gran transformaciףn desde la apariciףn del LP Vinillo, en 1948, hasta los sofisticados reproductores MP3 iPod, pasando por el Philips Compact Disc, en 1982. En la actualidad, cualquier grupo de mתsica cuenta entre sus instrumentos con alguna guitarra elיctrica igual o parecida a la Fender Stratocaster, que Leo Fender diseסף en 1954.

La apariciףn de la televisiףn portבtil Algol en 1964 llenף de entretenimiento numeroso hogares y el telיfono Ericofon fue testigo de gran cantidad de conversaciones entre personas.

Nuevos utensilios y pequeסos electrodomיsticos para la cocina aportaron grandes soluciones. Es el caso de la vajilla Duralex Picardie Tumblers, de 1950, que sustituyף a los delicados platos de loza blanca. En 1950 aparecieron la Cafetera Bialetti Moka Express y la Batidora Turmix, imprescindibles para elaborar los cafיs y menתs mבs deliciosos.

Por su gran funcionalidad, las vinagreras antigoteo Marquina, de 1961, continתan siendo el objeto de diseסo mבs copiado hoy en dםa.

En 1890 se fabricף el primer pantalףn Levi´s 501 que, aסos mבs tarde, simbolizף una nueva forma de expresiףn para la juventud. Lo mismo ocurriף con el modelo de gafas de sol “Aviator”, de Ray Ban, o con el logotipo I Love NY, que viviף despuיs mתltiples aplicaciones en בmbitos diversos.

El marcador Dymo, de 1958, la maquina de escribir Valentine Typewriter, de1969, y finalmente el ordenador Apple Macintosh Classic, de 1984, cambiaron radicalmente los sistemas de trabajo en la oficina.

La decoraciףn del hogar se llenף de diseסo, con sillas de de variados colores y materiales, con enormes sofבs y tumbonas para el jardםn, con una extensa gama de lבmparas de mesa, suelo y pared y con un sin fin de pequeסos complementos que aportaron nuevos aires a espacios como el baסo.

SOBRE LA FUNDACI׃N BOMBAY SAPPHIRE:
Desde su creaciףn en el aסo 2001, la Fundaciףn Bombay Sapphire trabaja para promover el diseסo como expresiףn artםstica y reconocer los mejores trabajos de artistas nacionales y extranjeros.

Mבs informaciףn en:
EstiloyModa.com

Oscar. Una pasión surrealista

19/02/2008, La vida del pintor surrealista Oscar Domínguez, discípulo y amigo de Picasso, llega a la gran pantalla. Es la primera película del canario Lucas Fernández quien ya anuncia que su próximo filme será la vida de Leonardo Da Vinci.

Madrid, 19 de febrero de 2008
"Oscar. Una pasión surrealista" es la ópera prima del director canario, Lucas Fernández, en la que relata la vida intensa y atormentada del pintor surrealista Óscar Domínguez (también canario), quien fuera discípulo y amigo de Picasso, contertulio de Bretón y de todos los artistas del movimiento surrealista de comienzos del siglo XX.

Confiesa Lucas Fernández que su inspiración le vino no hace muchos años cuando asistiendo a un taller de vanguardias surrealistas le hablaron de Óscar Domínguez, le sorprendió saber que era originario de Tenerife al igual que él y sobre todo "me conmovió ver una foto de un castillo que el padre de Domínguez había construido en un pueblo pequeño donde yo pase mi infancia en la isla. Sobre ese castillo, construido en un arrecife, mi abuelo siempre me decía no juegues ahí que es el castillo del pintor loco".

A partir de ahí empezó un proceso de investigación tan exhaustivo que como dice el protagonista del filme, Joaquim De Almeida "ha transformado a Fernández en el mayor experto en la obra y vida de Óscar Domínguez". La narración está situada en el pasado con los acontecimientos del pintor en París y en el presente a través de una abogada que busca un misterioso cuadro del pintor.

Tras trabajar en el guión este periodista de profesión, que trabajó años en Estados Unidos realizando TV movies de éxito, logró el financiamiento de una productora americana y de Francia.
A los actores y actrices del reparto los convenció uno por uno. En el caso de Victoria Abril logró que aceptara el papel en el descanso de un rodaje con Antonio Banderas; a Joaquim de Almeida, mientras éste cortaba el césped de su Jardín en Santa Mónica en Los Ángeles. Se tropezó a Jorge Perugorría en una galería de arte de Madrid y le ofreció participar en su película. Se confiesa un gran admirador de Emma Suárez, a la que sigue desde su el comienzo de su carrera. Ella también aceptó desde el primer momento. Entre los actores secundarios también hay nombres tan conocidos como Jack Taylor (famoso por su papel de vampiro en los 70), o Toni Cantó, que se combinan con actrices revelación como es el caso de Paola Bontempi.

"Óscar una pasión surrealista", se rodó en cuatro países de Europa. En España (Madrid y Tenerife), Francia (París), Bulgaria (secuencias aéreas de trenes y barcos de época) y República Checa (Praga). Y la película será exhibida en cartelera comercial además de España en: Estados Unidos, Francia, Bélgica, Italia, Canadá, México y Argentina.

El film se estrena el viernes 22 de febrero en la cartelera comercial española.

Más información en:
http://www.oscarunapasionsurrealista.com/

Por Violeta Medina

Modigliani y su tiempo

18/02/2008, Una excelente exposición que está atrayendo el interés de los aficionados al arte. La muestra se presenta en Madrid, del 5 de febrero al 18 de mayo, en las sedes artísticas de la Fundación Thyssen Bornemisza y de la Caja de Ahorros de Madrid.

Madrid, febrero de 2008
Son un total de 126 obras que sirven para analizar la trayectoria artística de una de las grandes figuras del arte del siglo XX, Amedeo Modigliani (1884-1920), desde su llegada a París en 1906 hasta su muerte.

La gran novedad de este proyecto es que, por primera vez, se presentará la obra del artista italiano en diálogo directo, tanto con los grandes maestros que influyeron en él -Cézanne, Picasso o Brancusi-, como con sus amigos de Montparnasse: Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Ossip Zadkine, Tsugouharu Foujita o Jules Pascin, entre otros.

Diálogo con maestros y amigos
Modigliani fue un artista abierto a los principales movimientos de la vanguardia parisiense anterior a la Primera Guerra Mundial pero, a su vez, se mantuvo siempre independiente de todos ellos.

Las obras reunidas en esta exposición proceden de numerosas colecciones privadas, museos e instituciones de todo el mundo. La exposición está estructurada en dos grandes secciones que revisan la relación de Modigliani con sus maestros, reunida en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, y con sus amigos, que se muestra en la sede de la Fundación Caja Madrid, al tiempo que sigue también un discurso cronológico.

Un año después de su llegada a París, Modigliani expone siete de sus obras en el Salon d'Automne de 1907, en el Grand Palais. Las grandes retrospectivas del París de esa época, como las dedicadas a Gauguin (1906) y Cézanne (1907) en el mismo Salon d'Automne, o las de Toulouse-Lautrec (1908) y, de nuevo, Cézanne (1910) en la Galerie Bernheim-Jeune, tuvieron una influencia decisiva en la formación plástica del joven Modigliani; al igual que la obra temprana de Picasso, que pudo conocer en sus visitas a las galerías de Ambroise Vollard y Clovis Sagot.

El contacto con las vanguardias parisinas produjo en el artista italiano un choque entre la impronta de su formación académica y la negación del arte del pasado por parte de las principales corrientes vanguardistas. Las obras reunidas en esta primera sala muestran cómo Modigliani intenta forjar su propio estilo asistido por el ejemplo de todos estos artistas; pero, muy particularmente, de Cézanne, en cuya obra vio resuelto el conflicto entre los maestros antiguos y un lenguaje plástico plenamente moderno.

Desde su llegada a París, Modigliani albergaba el deseo de ser escultor; él mismo referiría en más de una ocasión a sus amigos que su dedicación a la pintura era meramente "alimenticia", a la espera de poder desarrollar su verdadera vocación. Ésta vendría de la mano del descubrimiento del Arte Negro y de su amistad con el escultor rumano Constantin Brancusi, quien le alentó a emprender la talla directa en piedra dejando atrás los remanentes tardo-románticos de su producción temprana.

Derain y Picasso fueron algunos de los primeros artistas de la vanguardia parisina en mostrar su interés hacia el arte negro y ponerlo de manifiesto en su obra. Modigliani, quien posiblemente conoció Las señoritas de Avignon en fecha temprana, estudió el arte negro junto a su amigo y mecenas Paul Alexandre en repetidas visitas a la sección de etnografía del Trocadero ya en 1908; ese mismo año realiza sus primeros estudios de cabezas y cariátides inspirados en modelos africanos, de los que en esta sala se presentan magníficos ejemplos.

Amedeo Modigliani se dedicó a la escultura de forma casi exclusiva durante cinco años; su labor como escultor iluminará toda su obra posterior y será definitiva en la formación de su estilo pictórico maduro.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN
Del 5 de febrero al 18 de mayo de 2008

Organizadores y sedes: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Comisario: Francisco Calvo Serraller

Número de obras: 126 (67 en el Museo Thyssen-Bornemisza y 59 en la Fundación Caja Madrid); 40 ampliaciones fotográficas de originales de la época.

Publicaciones: Catálogo con ensayos de Francisco Calvo Serraller, Kenneth Wayne, Vicente Molina Foix y Juan Ángel López Manzanares; editado en español e inglés. Guía didáctica.

Dentro de las actividades paralelas a la muestra, del 27 de febrero al 30 de abril, en el Museo Thyssen-Bornemisza un curso monográfico en torno al tema de la exposición.

Como complemento a la exposición se organiza un ciclo de cine en torno a la figura de Modigliani. El programa incluirá una selección de películas sobre el artista y su época.

ARCO y el amor al arte

18/02/2008, El valor del arte está en alza, y eso es bueno para la creatividad, para los artistas, para la sociedad… y para las ferias de arte que, como ARCO, siguen en alza pese a los tiempos de desaceleración económica.

Madrid febrero de 2008
El valor de las obras de arte está de moda. Y eso tiene numerosas lecturas. Y lo recuerdo porque en este mes de febrero hemos visto como hasta los ladrones lo ponen de manifiesto. El día 10, en un museo de Zurich fueron robados cuatro cuadros cuyo valor alcanzaba los 180 millones de francos suizos.

Tres delincuentes enmascarados cometieron en el museo Bührle de Zúrich el mayor robo de obras de arte en Suiza. Los lienzos eran: Amapolas en Argenteuil, de Monet; Ludovic Lepic y sus hijas, de Degas; Ramas de castaño en flor, de Van Gogh, y Muchacho con chaleco rojo, de Cézanne.

Y el hecho resultó llamativo porque se produjo apenas dos días después de que sustrajeran dos cuadros de Pablo Picasso propiedad del museo Sprengel de Hannover (Alemania).

Pues en estas incidencias estamos, cuando llega ARCO, una de las mayores ferias de arte del Mundo, en la que este año se han dado cita 295 galerías de 34 países, con Brasil como invitado de honor. Y el comentario general es que el arte no pasa por crisis.

Se ha catalogado como un acierto la inclusión de Brasil como país invitado, por el creciente auge de los creadores de ese gran país. En la feria hay obra de más de un centenar de brasileños, a los que están atentos los coleccionistas.

La presencia de Brasil rebasa las zonas de la Feria. El artista José Damasceno (Río de Janeiro, 1968) presenta la muestra Coordenadas y apariciones en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Esta es la primera exposición individual que un museo español dedica a este artista.

Con mucha presencia de fotografía, los clásicos del arte moderno europeo siguen campando por sus respetos. Entre las joyas una obra, Man at washbasin, de Francis Bacon, que se ofrece por 23 millones de euros. Es la pieza más cara…

Pero en Arco, se presta atención a todo tipo de formatos y ámbitos. Se está atento a África, continente de una gran potencialidad, y crece la presencia de Asia, y de china en concreto. El arte se globaliza.

China, dado el espectacular crecimiento que está experimentando, marcará las tendencias en los próximos años, según se comenta por aquí. El arte contemporáneo chino tiene futuro, por la fortaleza económica del país. Según datos del ultimo informe de la analista francesa Artprice, las ventas en subasta de artistas nacidos después de 1945 supusieron, entre junio de 2006 y julio de 2007, 215 millones de euros en EE.UU, 125 millones en Reino Unido y 105 millones de euros en China, que se ha colocado como tercera plaza en volumen de ventas.

Según fuentes de Arco, el sector cultural y artístico en China está creciendo en tamaño, sofisticación y diversidad en respuesta al crecimiento económico del país y a la emergencia de una nueva clase media urbana, con gustos y costumbres cada vez más abiertos al exterior. Así lo dice un estudio publicado recientemente por el ICEX. "En un ambiente de aumento de precios a nivel global en el mercado del arte, el arte chino es tal vez el segmento del mercado con mayor preponderancia, son 'rock stars' del arte contemporáneo", afirma el informe.

Con un aumento de más del 400% en el valor de sus obras en los últimos cinco años, dentro del top 100 de artistas contemporáneos realizado por Artprice, una cuarta parte son de nacionalidad china y una tercera parte, entre los primeros cincuenta. De hecho, entre los 30 artistas nacidos después de 1945 que más beneficios produjeron en las subastas celebradas entre julio de 2006 y junio de 2007 se encuentran once chinos y dos japoneses. Es decir, más del 30% de los creadores contemporáneos con mayor volumen de ventas provienen del continente asiático.

Lo dicho: en tiempos de crisis, el arte sigue siendo un codiciado refugio. Y la oferta es abundante. El coleccionista tiene para elegir.

Por Curri Rodríguez

Un magnífico año para el Guggen

18/02/2008, Pinturas y objetos de artistas del surrealismo como Salvador Dalí, una retrospectiva sobre Cy Twombly, y una muestra de las obras maestras del Kunsthistorisches Museum vienés son los atractivos del Guggenheim de Bilbao en 2008.

Bilbao, febrero de 2008
Surrealismo
Cosas del Surrealismo es la exposición que del 29 de febrero al7 de septiembre 2008 se verá en el museo bilbaíno. La muestra examina por medio de más de 200 objetos el impacto de este movimiento en la arquitectura, el diseño y las artes decorativas.

El Guggenheim es la tercera y última sede mundial de Cosas del surrealismo, una exposición organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres, y co-producida por el Museo Guggenheim Bilbao, que ocupará la totalidad de la tercera planta del Museo diseñado por Frank Gehry. La exposición aúna pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, cerámica, textiles, fotografía y cine, divididos en cinco secciones temáticas: "El ballet"; "El surrealismo y el objeto"; "La naturaleza se vuelve extraña"; "La exposición del cuerpo"; y "El interior ilusorio".

La muestra rendirá especial tributo al legado de dos de los protagonistas del movimiento surrealista: Salvador Dalí, cuya dilatada producción ocupará una posición destacada a lo largo de toda la exposición, y Peggy Guggenheim, quien reunió una de las colecciones de arte surrealista más importantes que jamás han existido.

Se trata de la primera muestra que explora la influencia del movimiento en el vasto mundo del diseño, incluyendo el teatro, el diseño de interiores, la moda, la arquitectura o la publicidad. Con más de 200 objetos, provenientes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, enfatiza las tensiones surgidas de la creciente comercialización a la que estuvo sujeta la producción estética del Surrealismo. Ghislaine Wood, comisaria de la exposición y conservadora del Victoria and Albert Museum, apunta: "El movimiento surrealista produjo algunos de los objetos visualmente más intrigantes del siglo XX. Esta exposición explora cómo el Surrealismo penetró en el mundo del diseño, creando un nuevo lenguaje visual moderno. Se apoderó de la imaginación popular y su fuerza hoy sigue estando vigente."

Junto a pinturas surrealistas de artistas como René Magritte, Max Ernst, Salvador Dalí o Yves Tanguy, la exposición cuenta con algunos de los objetos más extraordinarios del siglo XX, desde el Sofá en forma de los labios de Mae West (1938) y el Teléfono Langosta (Téléphone-Homard, 1938) de Dalí, a creaciones de la genial diseñadora de moda Elsa Schiaparelli, como sus vestidos de noche Desgarro (Tear ) o Esqueleto (Skeleton ) ambos de 1938, pasando por la Mesa con patas de ave (Tisch mit Vogelfüssen) de Meret Oppenheim (1939). Entre las obras más destacadas de la exposición están los diseños de vestuario y las creaciones escénicas de Giorgio de Chirico para Le Bal (1929) de Diaghilev, y la obra Venus de Milo con cajones (Venus de Milo aux tiroirs, 1936/64) de Salvador Dalí.

Juan Muñoz
Juan Muñoz es el protagonista de otra muestra, del 27 de mayo al 28 de septiembre 2008, la mayor retrospectiva dedicada al artista a nivel internacional, organizada por el Museo Guggenheim Bilbao, en colaboración con la Tate Modern de Londres.

Muñoz es un punto de referencia en la renovación de la escultura contemporánea internacional, con más de 80 creaciones: esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos, algunas nunca antes mostradas. El diseño de la muestra en Bilbao, expresamente pensado en diálogo con los singulares espacios arquitectónicos de Gehry, y la incorporación de reconocidas obras de gran escala, como la Escena de conversación (Conversation Piece), de 1994 o Trece riéndose los unos de los otros (Thirteen Laughing at Each Other) de 2001, le confiere a esta presentación un carácter único y singular.

En el año 1984, una pequeña escalera de caracol con un balcón en la parte superior y apoyada en una pared se presentó en una de las primeras exposiciones individuales de Juan Muñoz (Madrid, 1953-Ibiza, 2001) en Madrid. El artista alude a esta obra como "la primera pieza de la que recuerdo tener una cierta sensación de identidad". A lo largo de su carrera este motivo arquitectónico se repetiría y, más de dos décadas después, una pequeña escalera de caracol invertida abrirá la exposición retrospectiva de este artista, que falleció súbitamente a la edad de los 48 años.

Cy Twombly
Cy Twombly es protagonista de otra retrospctiva, del 21 de octubre al 8 de febrero 2009. será una exposición que permitirá analizar la trayectoria de uno de los artitas más relevantes del siglo XX.

Coincidiendo con el 80 cumpleaños de Cy Twombly, el Guggenheim Bilbao presentará, en colaboración con la Tate Modern de Londres, una de las más importantes exposiciones retrospectivas jamás realizadas sobre la obra de uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, siendo ésta una oportunidad única de analizar su trayectoria.

Organizada de una forma cronológica, la exposición abarca la práctica totalidad de la carrera artística de Twombly, desde los años cincuenta hasta la actualidad, con el objetivo de realizar un análisis de su obra que aborde las claves fundamentales de su carrera.

La exposición profundiza, por un lado, en sus grandes series, entre las cuales se encuentra la perteneciente desde el año 2007 a la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao, Nueve discursos sobre Cómodo, (Nine discurses on Comodus) realizada en el año 1963, que ocupa una posición central, no sólo en su carrera artística, sino también en la historia del arte de posguerra. Por otro, la muestra también subraya la importancia de su obra monumental, de sus esculturas y de sus dibujos, permitiendo vislumbrar la unidad latente en todo su discurso artístico.

Nacido en Lexington, Virginia (EEUU) en 1928, Cy Twombly estudió en Boston y en la influyente Art Students League de Nueva York donde conoció a Robert Rauschenberg en el año 1950. En el año 1951 ingresa en la Black Mountain College, en Carolina del Norte, donde entra en contacto con importantes figuras del arte americano como Ben Shahn, Robert Motherwell y Franz Kline. Junto a Rauschenberg realiza su primer viaje a Europa y a África en el año 1952. A mediados de los cincuenta, Twombly compartió estudio con este artista en Manhattan, trabajando en estrecha colaboración con él. Las obras de esta época revelan zonas dispersas de lápiz y crayón sobre el acrílico o el óleo de sus lienzos.

Cy Twombly se traslada a Italia en el año 1957, marcando una distancia espacial e incluso teórica con las dinámicas artísticas de Nueva York. A partir del año 1959 los números siguen a las palabras, formando imágenes. A ellos añade firmas, que Twombly introduce a comienzos de los años sesenta y que realiza con títulos y anotaciones a lápiz de los lugares y fechas en que completa sus obras. En 1976 retoma la escultura tras una pausa de diecisiete años desde que abandonara esta disciplina en el año 1959. En los años ochenta, y hasta la actualidad, Twombly continúa desarrollando un discurso artístico caracterizado por una gran unidad.

Obras maestras del Kunsthistorisches Museum
Obras maestras del Kunsthistorisches Museum de Viena es otra de las grandes muestras. Se abrirá al publico en octubre de 2008, y permitirá gozar de obras de Tiziano, el Veronés, Tintoretto, Van Eyck, Brueghel o Rubens en una selección única de la colección vienesa

El Kunsthistorisches Museum de Viena posee una de las colecciones más destacadas del mundo. El arte del siglo XVI, las Wunderkammer (o cámaras de las maravillas) del Archiduque Fernando y del emperador Rodolfo II de Habsburgo, así como el arte barroco coleccionado por el Archiduque Leopoldo Guillermo componen el núcleo de su magnífica colección, en la que la pasión por el arte y los gustos de la familia imperial se hacen evidentes aún hoy en día.

La colección abarca desde las antigüedades de Egipto, Grecia y Roma, hasta el arte del medievo o los fondos del renacimiento y el barroco, dividida en ocho secciones diferentes, algunas de las cuales se encuentran albergadas en los palacios Hofburg y Schönbrunn.

Esta muestra está comisariada por la Senior Curator del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, Carmen Giménez, y por Francisco Calvo Serraller, Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid y Miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1999.

La exposición, que se dividirá en seis secciones, pretende realizar un ejercicio de reflexión sobre esta majestuosa colección, a través de la presentación de sus obras maestras de diferentes épocas, estilos y medios. Cada sección se corresponde con conceptos periódicos dentro de la historia del arte occidental. Por un lado, se presenta el retrato, realizando un recorrido sobre la forma y manera artística de presentar el rostro humano desde la antigüedad clásica hasta el renacimiento y el barroco.

En segundo lugar, se presenta la sección del desnudo como una categoría que ha reflexionado sobre el orden y la proporción del cuerpo humano. Otras dos secciones destacadas de la historia del arte que se recogen en esta exposición de la Colección del Kunsthistorisches de Viena son los capítulos dedicados a la naturaleza muerta y al costumbrismo, dos formas de presentar el objeto y la acción cotidiana del hombre.

La quinta sección de la muestra está dedicada a la arquitectura y al paisaje, mientras que la última refleja la recurrencia a la Historia, Religión y Mitología, y cómo los artistas a lo largo de la historia han recogido hechos extraordinarios, concepciones de lo sobrenatural y de lo mitológico.

Instalaciones
Instalaciones, del 29 de abril 2008 a enero de 2009, mostrará la importancia de la instalación como modo de expresión de los artistas más recientes.

La instalación, ganó importancia a principios de la década de los noventa como modo de producción artística centrado en una experiencia física envolvente. Volviendo sus miradas a los pioneros "happenings" de la década de los cincuenta, así como a artistas minimalistas y post-minimalistas como Richard Serra, quien puso en primer término cierta consciencia corpórea de las intervenciones escultóricas, estos artistas expandieron los límites de la obra de arte hacia un entorno multimedia.

La exploración y la interacción sustituyeron el ideal moderno de la observación distante, al tiempo que el espectador se adentraba en mundos construidos a partir del vídeo, el sonido, la escultura, la pintura, y otros medios.

Los trabajos incluidos en esta presentación en el Museo Guggenheim Bilbao, evidencian, por medio de las obras de artistas recientes como Matthew Ritchie o David Altmejd, las diversas posibilidades que ofrece el arte de la instalación como modo de expresión.

Madrid Mirada

10/02/2008, La idea está basada en la propuesta de invitar a catorce artistas latinoamericanos, cada uno de un país distinto, a desarrollar en Madrid durante una semana un proyecto fotográfico sin limitación temática.

Para llevar a cabo la selección para un proyecto de este tipo se pueden adoptar criterios de muy diversa índole, dado que la fotografía está inmersa hoy en día en campos muy diferentes.

En este caso se opto por escoger a personas pertenecientes al campo del arte, con lo que el proyecto no se planteó, por lo tanto, como un reportaje de la ciudad, sino que se trató de convertir Madrid en un lugar de trabajo para artistas, debiendo decidir cada uno con total libertad la presencia que la ciudad debía de tener en su obra, en función de sus propias concepciones.

Las propuestas realizadas, caracterizadas por su diferente naturaleza, ponen de manifiesto la pluralidad de posibilidades que el medio fotográfico aporta al arte en este momento.

Conviven series formadas por fotografías individuales, con polípticos, con objetos fotográficos, con fotografías que interaccionan con sus propias sombras, con imágenes estereoscópicas, con el vídeo o con las reproducciones sonoras y en muchas de ellas con la incorporación de la técnica digital como recurso para dotar a la imagen de una nueva significación.

A pesar de que la descripción de la ciudad no constituye un objetivo del proyecto, vemos que quedan reflejados aspectos tan importantes como el peso de la historia, la especulación inmobiliaria, algunos conflictos sociales, la ciudad como punto de convergencia de culturas, o la existencia de lugares anodinos, capaces de generar estados de ánimo y sentimientos en algunos artistas, y que a la postre acaban convirtiéndose en decisivos para la memoria y el recuerdo de Madrid.

Tras su paso por el Círculo de Bellas artes, la muestra se presentará a través de las Embajadas de España, en distintas capitales de Iberoamérica.
Del 7 al 17 de febrero, 2008

Los Picassos de Picasso

06/02/2008, Del 4 de febrero al 5 de mayo de 2008 se presenta en El Museo Reina Sofía de Madrid una interesante exposición para los amantes del arte moderno y sobre todo del gran maestro: Picasso.

Madrid, febrero de 2008
La organización corre a cargo de dos grandes centros de arte: el Musée National Picasso, de Paris y el Reina Sofía de Madrid y estará comisariada por Anne Baldassari, Directora del Musée National Picasso.

Una muestra extraordinaria
La retrospectiva, una de las más exhaustivas y ambiciosas que se han celebrado hasta hoy sobre Picasso, reúne algo más de 400 obras pertenecientes a esta singular colección, procedentes de la colección personal del artista y de las que no quiso desprenderse nunca, los denominados “picassos” de Picasso. Pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos, grabados, cuadernos de apuntes y una selección de 20 fotografías documentales del archivo del pintor, se expondrán fuera del museo parisino aprovechando las importantes obras de reforma y ampliación que llevarán al cierre parcial del Hôtel Salé.

Dado el gran número de obras, el Museo Reina Sofía ha habilitado tres grandes salas dedicadas a exposiciones temporales y el ala completa de la Colección Permanente en la que se encuentra situado el Guernica. En estos espacios, las obras procedentes del Musée national Picasso se exhibirán en diálogo con las del Museo Reina Sofía.

Otras selecciones de los fondos del Musée national Picasso Paris viajarán con posterioridad a los Emiratos Árabes Unidos, Japón, Canadá, Estados Unidos, Finlandia, Rusia y Australia.

Recorrido expositivo

La exposición, con una ordenación cronológica, ocupa cuatro grandes salas del Museo: En la primera sala, Picasso 1, se exponen las obras realizadas por el artista en el período comprendido entre 1895 y 1924, que muestran la génesis de la obra picassiana mediante lienzos de gran relieve, como La muerte de Casagemas (1901), indicio de su fascinación por el expresionismo, o su Autorretrato (1901) y La Celestina (1904), piezas emblemáticas del período azul.

La sala Picasso 2 se dedica al período 1924-1935, y en ella se exhibe un importantísimo grupo de obras que permite seguir los meandros del período surrealista en la producción del artista malagueño, aspecto en el que la colección del Musée national Picasso es especialmente interesante. Entre las obras que se pueden contemplar, se encuentran El beso, El pintor y su modelo (1925), la pequeña Crucifixion, El Acróbata (1930) o Figuras a la orilla del mar (1931).

En Picasso 3, se exponen obras realizadas entre 1933 y 1951. Allí se exhiben las relacionadas con el compromiso del artista en la lucha que a finales de la década de los treinta asola España: los retratos de Dora Maar, La mujer que llora y La suplicante, que pertenecen a la constelación Guernica (1937) o el Gato atrapando un pájaro (1939). En este espacio se va a enfrentar la obra Guernica a otras obras íntimamente relacionadas con ella. Por otra parte, al periodo de guerra se suman las grandes esculturas alegóricas Cabeza de toro (1942) o El hombre del cordero (1943), denuncia de la nueva matanza consecuencia de la Segunda Guerra.

Finaliza el recorrido de la muestra con Picasso 4, una sala en la que se recogen los trabajos realizados por Picasso en los últimos años, de 1947 a 1972: en primer lugar la secuencia de las pinturas de los años cincuenta, que en palabras de la comisaria, Anne Baldassari, ofrece “una versión totalmente picassiana de la pop culture”. Asimismo, se muestra en este espacio el bestiario inventado en 1950-1951 a partir de desechos y objetos domésticos en yeso, representado por obras como La cabra (1950).

Tahití y sus Letras

06/02/2008, Tahití Tourisme convoca la primera edición del premio periodístico y fotográfico "Tahití y sus Letras" para reportajes publicados en el mercado español durante 2008 en torno a Tahití y sus islas.

Tahití, en la Polinesia Francesa, es una de esas tierras que han sido idealizadas por viajeros. Paul Gauguin ha sido uno de ellos, él nos dejó un bagaje pictórico lleno de misterio, vinculado a este lejano territorio, cada vez más insertado en el mundo actual merced al turismo.

Por aquí anduvo en el siglo XVI el español Álvaro de Mendaña, aunque el descubrimiento de la isla de Tahití se atribuye a británico Samuel Wallis. Los franceses ocuparían el territorio solamente en el tramo final del XIX, en plena fiebre colonialista. En la actualidad es un territorio francés, que goza de autonomía, y donde conviven pacíficamente varias culturas, especialmente la autóctona y la francesa.

El premio "Tahití y sus Letras", organizado por Tahití Tourisme, pretende agradecer la labor periodística en lengua española llevada a cabo en nuestro país, e incentivar la redacción y publicación de artículos que pongan de manifiesto los valores de la Polinesia Francesa, su riqueza histórica, su diversidad cultural y geográfica.

Los premios: para el mejor trabajo literiario y para el mejor reportaje gráfico. El ganador/es recibirá como premio un viaje a Tahití para dos personas, incluyendo billete de avión desde Madrid o Barcelona a Papeete, capital de esta lejana tierra, alojamiento en hotel y desayuno.
El nombre de el ganador/es se dará a conocer en la próxima edición de FITUR 2009 y la entrega de premios tendrá lugar durante el mes de febrero de dicho año en un acto público. Asímismo los trabajos premiados serán expuestos en la página web de Tahití Tourisme.

Tahití y sus islas están compuestas por 118 islas que cubren una extensión, en el Pacífico Sur, similar a la de toda Europa. Se dividen en cinco archipiélagos, encontrándose los destinos más conocidos en las Islas de la Sociedad, con las míticas Bora Bora, Moorea y Tahití; y en las Islas Touamotu, que comprenden 76 exóticos atolones e islotes coralinos.
Fuera de los circuitos turísticos clásicos están las Islas Marquesas, que mantienen un punto salvaje y genuino muy atractivo para los aventureros: y las Islas Australes y Gambler, menos exploradas.

La variedad de paisajes, desde islas volcánicas con montes de más de 2.000 metros a atolones coralinos con más de 400 grupos de islotes; la riqueza de especies de flora fauna, especialmente la vida submarina; sus sensuales playas o los exóticos manantiales naturales... convierten a Tahití en un verdadero paraíso donde vivir experiencias dificilmente repetibles en otro punto del planeta.

Más información en:
Tahítí Tourisme

Turismo de Puerto Rico

05/02/2008, La Compañía de Turismo de Puerto Rico continúa la promoción de la Isla como destino líder en el Caribe a través del desarrollo de experiencias que conectan al viajero con la cultura latina, la gastronomía, la oferta natural y su vasta historia.

San Juan de Puerto Rico, enero de 2008
En 2006, alrededor de 5 millones de visitantes viajaron a Puerto Rico. De esa cantidad el 87% provenía de Estados Unidos, el 3.5% del Caribe, el 1.3% de America del Sur y Central y el 2.9% de Europa.

La industria turísita de Puerto Rico genera un impacto económico de 3.4 billones de dólares, emplea a cerca de 60.000 personas y representa el 7.1% del Producto Nacional Bruto. Viajar desde Estados Unidos es muy fácil ya que Puerto Rico es el único destino del Caribe donde no es obligatorio el pasaporte, lo que convierte a la Isla en un destino muy deseado para escapadas de fin de semana.

Con el objetivo de promover el desarrollo económico de la Isla y atraer nuevos inversores, Puerto Rico ha organizado la primera Conferencia de Inversión Turística de Puerto Rico y al mismo tiempo se ha lanzado, a través de la División de Desarrollo Turístico, el primer Catálogo de Propiedades, en el que se muestran todas las propiedades en manos del gobierno con potencial de convertirse en proyectos turísticos. El catálogo incluye pautas para el diseño y todos los detalles relativos a temas de construcción, medioambiente, posibilidades de la zona, etc. para facilitar la labor a los potenciales inversores.

Nuevos desarrollos en Turismo Sostenible y Eco-Excursiones:

· Puerto Rico continúa protegiendo el medioambiente para las nuevas generaciones. En noviembre de 2007, 4 playas fueron re-certificadas y otra fue incluida en el Programa de Playas de Banderas Azules, el programa medioambiental europeo para la protección y conservación de las playas. Estas son: Seven Seas Beach en Fajardo, El Escambrón, Punta Salinas, La Monserrate, y Carolina.

· Puerto Rico está actualmente desarrollando una reserva ecoturística dado que para Puerto Rico uno de los objetivos es desarrollar un modelo de turismo sostenible en el Caribe. La Isla proporcionará guías y pautas para la promoción de eco facilidades y establecerá un Fondo de Incentivos para el desarrollo de atracciones Eco turísticas.

· El lugar conocido como "PO 29" de herencia Taína en Ponce está siendo preservado para las futuras generaciones. El lugar, deshabitado durante dos periodos (del año 700 al 900 A.D. y del 1200 al 1500 A.D.) fue descubierto en 1985 y recientemente ha sido identificado como un importante asentamiento Taíno que tiene un Batey (juego ceremonial pre-colombino) Además este lugar ofrece la posibilidad de aprender mucho sobre la agricultura Taína, la caza, etc.

· Tour-operadores asociados a la CTPR ofrecen actualmente eco-excursiones y experiencias al interior de la Isla, como aventuras en la selva, excursiones por las Montañas Centrales y escalada en el Cañón San Cristóbal. Nuevos viajes y excursiones a las Bahías Bioluminescentes en Vieques y vida salvaje en Culebra están también incluidas. Recientemente se ha lanzado el " Adventure Trail " en Utuado, ubicado en la región central de la Isla.

· La Isla de Caja de Muerto en la costa sur de Puerto Rico en la zona de Porta Caribe, ha sido re-abierta para que los visitantes puedan explorarla tras la inversión de 300.000 dólares realizada en la zona. Ahora, Caja de Muerto es un destino eco turístico con una reserva natural y muchas rutas escalables. La colaboración entre el Departamento de Recursos Naturales y la Municipalidad de Ponce aseguraran las infraestructuras en la isla.

El turismo en el mundo

05/02/2008, La Organización Mundial del Turismo presenta su balance del 2007, en el que dice que se han superado las previsiones del sector. Las llegadas de viajeros alcanzaron la cifra de 900 millones, con un alza del 6% sobre un año antes.

Madrid, febrero de 2008
Ha crecido en un año la cifra de llegadas en 52 millones y las perspectivas mundiales son positivas para 2008, pesa los nubarrones económicos que se ciernen sobre Europa y América.

Los resultados del año –según la OMT- confirman a la vez la línea de crecimiento sostenido de los últimos años y la resistencia del sector frente a los factores externos. Este desarrollo se ha visto apoyado por una economía mundial fuerte, que ha experimentado su periodo más largo de crecimiento sostenido desde hace más de dos decenios.

Exactamente, las llegadas de turistas internacionales crecieron un 6 por ciento en 2007, al alcanzar 898 millones, en relación con el año 2006. El éxito se basó sobre todo en el auge de los nuevos mercados.

"El crecimiento de la economía y del turismo están impulsados por los mercados emergentes y las economías en desarrollo. Si bien los mercados maduros siguen siendo los primeros destinos mundiales, el crecimiento más rápido de los nuevos mercados confirma el potencial del turismo para el mundo en desarrollo", declaró el Secretario General de la OMT, Francesco Frangialli.

De los 52 millones de llegadas suplementarias en todo el mundo, Europa recibió cerca de 19 millones y Asia y el Pacífico 17 millones. Las Américas crecieron en torno a seis millones, África tres millones, y Oriente Medio cinco millones.

Todas las regiones registraron aumentos superiores a su promedio a largo plazo, encabezando Oriente Medio la clasificación del crecimiento por regiones (+13 por ciento), seguido por Asia y el Pacífico (+10 por ciento), África (+8 por ciento), las Américas (+5 por ciento) y Europa (+4 por ciento).

Distribución mundial

Oriente Medio sumó 46 millones de llegadas de turistas internacionales y sigue representando una de las historias de éxito del decenio hasta ahora, a pesar de las continuadas tensiones y amenazas. La región se está convirtiendo en un destino fuerte al aumentar el número de sus visitantes con mucha más rapidez que el total mundial, y Arabia Saudita y Egipto se cuentan entre los destinos de mayor crecimiento en 2007.

Con un crecimiento fuerte -por encima de 7 por ciento anual desde el año 2000- Asia y el Pacífico impulsan también el turismo internacional, con una cifra de 185 millones de visitantes.

Mientras Japón (+14 por ciento) despegaba como destino, Malasia (+20 por ciento), Camboya (+19 por ciento), Viet Nam (+16 por ciento), Indonesia (+15 por ciento), la India (+13 por ciento) y China (+10 por ciento) seguían mejorando sus índices de crecimiento.

Con un total estimado en 44 millones de viajeros internacionales, África confirmó su dinamismo al sostener el crecimiento de 2006, y registra ahora un crecimiento anual medio de 7 por ciento desde 2000. En 2007, África del Norte (+8 por ciento) parece haber logrado resultados ligeramente mejores que el África subsahariana (+7 por ciento), principalmente por el crecimiento de 14 por ciento de Marruecos. Mientras que en el África subsahariana varios países registraban buenos resultados, la proyección de Sudáfrica seguía aumentando en la preparación de la Copa Mundial de Fútbol de la FIFA, de la que el país será anfitrión en 2010.

La región de las Américas recobró dinamismo y duplicó con creces su índice de crecimiento, después del 2 por ciento registrado en 2006. La región se vio respaldada por la recuperación del mercado receptor de los Estados Unidos (+10 por ciento) y los fuertes resultados de los destinos de América Central y del Sur, que resultaron favorecidos por la fortaleza del euro y por una afluencia turística constante desde los Estados Unidos.

La primera región de destino mundial con una cuota superior a 50 por ciento de todas las llegadas turísticas internacionales, Europa, está creciendo por encima de la media y sumó 480 millones de llegadas de turistas en 2007. Destinos como Turquía (+18 por ciento), Grecia (+12 por ciento) y Portugal (+10 por ciento), o Italia y Suiza (ambos en +7 por ciento) son prueba del positivo efecto de la continuada recuperación económica de la región en 2007. España ha crecido por debajo de la media.

Perspectivas para 2008

El producto interior bruto (PIB) mundial ha experimentado su periodo más largo de crecimiento sostenido desde hace 25 años, con cifras cercanas o superiores al 5 por ciento desde 2004. Son en particular los mercados emergentes y las economías en desarrollo los que vienen impulsando el PIB mundial en la mayor parte de este decenio. Esa pujanza se refleja también en su comportamiento como destinos turísticos emergentes, que en promedio duplican prácticamente el crecimiento de los destinos en los países de ingresos elevados.

Para 2008, la confianza permanece alta, si bien esa percepción podría deteriorarse. En todo el mundo, las economías han acusado un repunte de su volatilidad, y en algunos mercados la confianza se ha debilitado a raíz de la incertidumbre causada por la crisis de las hipotecas de alto riesgo y las perspectivas económicas, en particular de los Estados Unidos, junto con los desequilibrios mundiales y la subida de los precios del crudo.

El turismo internacional podría verse afectado por este contexto mundial. Pero, basándose en la experiencia del pasado y en la demostrada resistencia del sector, y teniendo en cuenta los parámetros actuales, la OMT no prevé que el crecimiento llegue a detenerse.

Ventana al títere ibérico

05/02/2008, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, el Centro de Iniciativas de Tolosa, CIT, el Indira Gandhi National Centre for the Arts y el Ishara Puppet Theatre Trust, organizan la muestra.

Nueva Delhi, 05 de febrero de 2008
La exposición ofrece una amplia panorámica del Teatro de Títeres en la Península Ibérica desde el siglo XVIII hasta nuestros días. La muestra se podrá visitar hasta el 26 de febrero de 2008.

Esta exposición forma parte de la programación del Ishara International Puppet Festival de Nueva Delhi y reúne más de 350 obras de excepcional calidad artística procedentes de España y Portugal. El recorrido comienza con las marionetas del siglo XVIII y finaliza con obras de creadores contemporáneos. Destacan los títeres de la Tía Norica de Cádiz, El Betlem de Tirisiti de Alcoy, Os Bonecos de Santo Aleixo del Alentejo portugués, los de Hermenegildo Lanz, que talló las cabezas de los títeres usados para varios espectáculos dirigidos por Lorca o los realizados por Joan Miró para la obra Mori el Merma, una particular versión del clásico “Ubú”.

Las piezas proceden de diversos prestadores como el Centro Dramático de Йvora, el Ayuntamiento de Alcoy, el Institut del Teatre de Barcelona, el Museo Nacional del Teatro de Almagro, colecciones privadas como la de Gonzalo Cañas y otras muchas.

Podemos afirmar que nos encontramos ante una exposición única en la historia del Títere en España, ya que hasta ahora nunca jamás se vieron reunidos en una misma exposición de las dimensiones y diversidad como la que ahora se presenta.

De finales del siglo XVIII encontramos las obras portuguesas de los Bonecos de Santo Aleixo del Alentejo. También hay que destacar la presencia del Belem de Tirisiti de Alcoy y de los títeres del Institut del Teatre de Barcelona que ha prestado piezas de Juli Pi, Anglés i Guzman, Vergé, Didó, Ingeborg y Josep Guinovart.

De los primeros años del siglo XX la referencia histórica se compone, de una parte, los muñecos y escenografías realizadas en 1927 por Ignacio Zuloaga para el Retablo de Maese Pedro por encargo de Manuel de Falla y, por otra parte, una amplia muestra de la obra artística de Hermenegildo Lanz, cómplice de las inquietudes de Lorca y Falla en la Granada de los veinte y treinta; un hombre comprometido con su tiempo y con su sociedad, profesor de dibujo, grabador, diseñador, escenógrafo, que al mismo tiempo pintó, dibujó y fotografió incansablemente. No siempre se ha hecho justicia a la talla humana y artística de Hermenegildo Lanz, seguramente por su propia modestia pero también porque la luz que desprendían Falla y Lorca y sus azarosas vidas, produjo un sombra que de alguna manera se disipa en esta exposición.

Otra fuente importante que alimenta esta exposición ha sido la colección privada de Gonzalo Cañas, que en los sesenta descubrió su vocación titiritera a la que se entregó en cuerpo y alma y que ha prestado una serie de títeres que van de los años 50 hasta final del siglo XX.

Junto al clasicismo de los títeres anteriormente citados se contraponen las surrealistas obras que Joan Miró creo junto a la Compañía la Claca en 1978 para hacer Mori al Merma, su particular versión del clásico “Ubu”, satirizando en este caso al dictador que durante 40 años había gobernado España.

También tienen representación los títeres construidos en los últimos años, generosamente cedidos por una larga lista de creadores actuales.

Más información en:
Seacex

Guía de Oviedo

05/02/2008, Una de las últimas guías presentadas por guiarte.com se refiere a la capital asturiana: Oviedo.

Oviedo, febrero 2008

Esta ciudad es relativamente poco conocida en relación a su valía. Se trata de una urbe cuidada, con excelentes tiendas, cafés y restaurantes y una oferta artística buena.

Nació Oviedo en el siglo VIII, en torno a un pequeño monasterio, en un ámbito en el que la fragosidad de las montañas cantábricas se atenúa y se transforma en un paisaje de colinas, propicio para el trabajo agrario y la oración.

...Hasta el propio rey Fruela se interesó por este enclave, en el que mandó edificar una residencia, donde nacería su hijo Alfonso II, quien hizo del lugar la capital de su territorio. Oviedo proseguiría su fortalecimiento político hasta el fértil reinado de Alfonso II el Magno, en el que se ampliaron notablemente los dominios. Luego la sede dinástica se trasladó a León.

El viajero que quiere conocer la ciudad debe hacer, necesariamente, dos trayectos. El primero, acercarse a la zona vieja de la ciudad, al barrio que se corona con la catedral gótica, un edificio de notable interés. En el recorrido por el casco antiguo se hallan varios puntos de cierto atractivo, la Universidad, varios templos, algunos palacios, etc.

El otro recorrido de interés para los turistas es el de el extrarradio, en el que podrá visitar los monumentos prerrománicos, Patrimonio de la Humanidad. Unas joya de la arquitectura.

Oviedo en guiarte:
http://www.guiarte.com/oviedo/

Marchando una de anchoas con chocolate

24/01/2008, ARTist13 permite establecer vínculos a artistas alternativos nacionales para una mayor proyección dentro y fuera de nuestras fronteras. En esta ocasión ofrece una muestra colectiva presenta trece artistas nacidos entre 1978 y 1988.

[[cmsimg 5005]]

Madrid, enero 2008
La galería ARTist13 (Núñez de Balboa, 13 en Madrid) celebra la llegada del 2008 dedicando una exposición a trece artistas nacidos entre los años 1978 y 1988. La exposición (que se inaugura el día 25 de enero) se titula "Anchoas con Chocolate" e incluirá obras de pintura, escultura, diseño y multimedia.

"Es importante arriesgarse por lo nuevo, lo alternativo" asegura Rosalía Williams, la directora de la galería. "Estos jóvenes no tienen la trayectoria para estar todavía en un circuito comercial tradicional, pero es importante darles acceso a un público, un público que creemos está deseoso de ver cosas nuevas."

La exposición colectiva incluirá obras de Aida Bañuelos, Marina Couso, Javier Cruz, Derko, Enigma, Nacho Gallego, Luís García, Joel, Luis Lancho, Mónica López, Javier Marimón, Mario Polledo y Rodrigo.

[[cmsimg 5006]] [[cmsimg 5007]]
Los fundadores de ARTist13 cuentan con más de 10 años de experiencia en la representación y distribución de obras de arte europeas en Estados Unidos y Asia. Al contrario que las compañías exportadoras tradicionales, ARTist13 representa artistas contemporáneos con estilos de rabiosa actualidad. Los artistas y las obras de ARTist13 se encuentran a medio camino entre el arte masivo comercial y las galerías de arte más exclusivas.

"Anchoas con Chocolate"
ARTist13
Núñez de Balboa, 13
Madrid
Entre el 25 de enero y el 21 de febrero del 2008

Juan Muñoz. Una retrospectiva

22/01/2008, SEACEX y la Tate Modern coproducen la mayor retrospectiva del artista en el Reino Unido. La muestra se inaugurará el próximo 23 de enero de 2008 en la prestigiosa galería, y se podrá visitar hasta el 27 de abril.

Londres, enero de 2008
En el año 2001, Juan Muñoz recibe el segundo encargo de la Tate Modern para elaborar un montaje para su colosal Sala de Turbinas. Muñoz realizó una alegoría arquitectónica titulada Double Bind constituida por un piso falso, dentro de cuya estructura incluía una puesta en escena escultórica: una secuencia de retablos de inquietantes figuras, parcialmente oscurecidas, con un suelo en trampantojo que resultaba visible a los espectadores situados en la parte de arriba, mientras dos ascensores a escala real subían continuamente y hacían descender el techo a la altura del suelo. En muchos aspectos, este proyecto marcaba la culminación de muchos de los temas que el artista había desarrollado a lo largo de su obra, proyectados a escala integral.

Basada en el notable fenómeno de este encargo, e incluyendo lo que Muñoz habría descrito como una “presencia” de Double Bind, esta retrospectiva será la primera exposición a gran escala de la obra de Juan Muñoz en el Reino Unido.

La muestra incluirá los trabajos fundamentales de todas las facetas de su obra, incluidas sus famosas esculturas e instalaciones, así como los elementos sonoros y de representación, además de los bocetos para los Dibujos-gabardina, entre otras series. Revelará el registro extraordinariamente innovador y extenso del trabajo artístico de Muñoz como escultor, que creó formas totalmente nuevas de contemplación y reflexión sobre nosotros mismos. Asimismo, la instalación y el catálogo, que exploran su habilidad como confeso “narrador” cuyo despertar como artista se debió a su “su pasión por el arte y por el acto de la observación”, demostrarán la extensión de la erudición filosófica y literaria del artista.

EL ARTISTA
Juan Muñoz (1953-2001) está considerado por muchos como uno de los escultores y artistas de instalaciones contemporáneos más importantes.

Muñoz adquirió importancia internacional a mediados de los 80 con una serie de instalaciones escultóricas que situaban la figura humana en entornos arquitectónicos concretos. Su fama se debe a su capacidad para crear una tensión entre lo ilusorio y lo real, los actos contrapuestos de observar y recibir, así como al patético aislamiento del individuo inmerso en un grupo o en la multitud. Su trabajo continuó explorando la dinámica metafórica de los espacios personales, el pensamiento íntimo y los interiores arquitectónicos, al tiempo que ampliaba el número de figuras y materiales en medio de un mobiliario y unos diseños de suelo muy elaborados.

Las instalaciones de Muñoz son dramáticas y teatrales al mismo tiempo. En ellas utiliza la escala y la perspectiva para dar forma al encuentro del espectador con la obra. Sus trabajos integrales incluyen dibujos, piezas sonoras y textos literarios que adoptan la narrativa y la comunicación como punto de partida de las investigaciones sobre la forma y la estructura.

SU OBRA
Las primeras instalaciones de Muñoz desubican los elementos arquitectónicos familiares al importarlos al espacio de la galería. Separados de su entorno natural, a menudo con un cambio sutil de escala o a veces reducidos a un tamaño minúsculo, estos balcones, pasamanos, escaleras y muebles aunque reconocibles, se tornan extraños debido a su aspecto desnudo, a sus ligeras modificaciones o a su ubicación engañosa. Por ejemplo, Minarette for Otto Kurz (Minarete para Otto Kurz), 1985, y Hotel Declercq I-IV, 1986, se presentan de tal forma que sugieren un efecto de vigilancia de un espectador “situado en el nivel de la calle”. En trabajos posteriores, como The Prompter (El apuntador), 1988, y Sara in Front of the Mirror (Sara frente al espejo), 1996, aparecen figuras elaboradas en bronce, terracota o resina de personajes que van desde enanos, apuntadores de teatro, muñecos de ventrílocuos hasta bailarinas.

Estas instalaciones y esculturas juegan con la presencia y la ausencia de un sujeto y a menudo colocan al espectador en el centro dramático de sus ambientes. Asimismo, investigan la comunicación entre el artista, el objeto y el espectador y alteran la dinámica espacial de las habitaciones utilizando suelos con diseños en perspectiva. El efecto combinado consiste en desestabilizar la experiencia del visitante y acentuar la conciencia de la propia identidad. Formalmente, las esculturas de Muñoz recuerdan la escala ambiciosa de la obra de escultores a los que conoció, como Richard Serra, además de hacer referencia a diversas obras de arte históricas, como los cuadros de Velázquez, Goya y Manet, o las estatuas clásicas, y están informadas por una enorme variedad de precedentes literarios, desde García Márquez hasta Samuel Beckett.

Junto a su obra escultórica, la serie de aproximadamente cuarenta dibujos Raincoat Drawings (Dibujos-gabardina) examina espacios interiores domésticos. Al igual que algunos de los más importantes cineastas de su época, Muñoz estaba intrigado por el potencial oculto en la aparente normalidad de estos espacios para dar la “sensación de que algo ha sucedido o va a suceder”. Elaborados con carboncillo blanco sobre tela ennegrecida de gabardina, estos dibujos de habitaciones apenas amuebladas siempre incluyen imágenes de puertas que conducen a otros espacios igualmente desolados.

En los años 90, Muñoz comenzó a crear sus conocidas “escenas de conversación”, reuniones de figuras de pie colocadas cuidadosamente en grupos o conjuntos. Estas figuras, elaboradas con resina o fundidas en bronce, son congelaciones de momentos de contemplación interior o intercambio, sorprendidas con la boca abierta o con gestos a medias, lo cual añade una quietud sobrecogedora y literal al silencio de sus conversaciones.

Conversation Piece Dublin, 1994, y Plaza (Madrid), 1996, podrían considerarse como estudios escultóricos de interacción social, lenguaje corporal y psicología de grupos. No obstante, las figuras no guardan verosimilitud con la figura humana: se han esculpido con bases esféricas o no tienen pies y son de un tamaño un poco más pequeño que el real. Los últimos trabajos de Muñoz continúan utilizando estas figuras y centrándose en representar el encuentro del espectador con ellas en escenarios teatrales y arquitectónicos cada vez más complejos.

LA EXPOSICIÓN
Tate Modern
Bankside. Londres, SE1 9TG
Del 23 de enero de 2008 al 27 de abril

Más información en:
SEACEX
Tate

Fitur anima ya el turismo 2008

22/01/2008, FITUR se acerca y los países están organizando ya convocatorias para potenciar su presencia en esta vigésima octava edición, que se celebrará entre el 30 de enero y el 3 de febrero, en la Feria de Madrid.

Madrid, enero de 2008
FITUR crecerá un 10% respecto a 2007 y ocupará por primera vez una superficie de exposición de 100.000 metros cuadrados, repartidos en 12 pabellones. Se consolida así como uno de los mayores certámenes mundiales en la materia.

Aquí se concretarán las ofertas de 13.300 empresas del sector y los atractivos ofertados por 170 países/regiones, que intentan seducir a los 250.000 visitantes, de los que 150.000 serán profesionales.

En consonancia con las tendencias mundiales turísticas, esta feria mundial del turismo prevé un fuerte incremento de la presencia de las zonas de América y Asia-Pacífico, con un aumento de expositores del 18% y 12% respectivamente. Igualmente, otros lugares, como Portugal, han optado por aumentar considerablemente su espacio de exposición.

Además, este año será especialmente importante para destinos como China, Suiza y Austria por ser sedes de importantes acontecimientos deportivos –la XXIX edición de los Juegos Olímpicos y la Eurocopa 2008-.

En la Feria Internacional de Turismo se darán a conocer, asimismo, detalles sobre la Candidatura de Madrid como ciudad olímpica en 2016; la de Segovia como candidata a capital europea de la cultura 2016; la aspiración de la Torre de Hércules, en La Coruña, de convertirse en Patrimonio de la Humanidad; Cádiz como Capital Cultural Iberoamericana, en el año 2012, etc.

Sudáfrica hará hincapié en el próximo Mundial de Fútbol, en 2010, y Polonia promocionará Varsovia, Gdanesk, Poznan y Wroclaw, que entre otras comunidades, serán sede de los partidos de la Eurocopa 2012. Canadá aprovechará la feria para hacer una especial promoción de los Juegos Olímpicos de invierno de 2010, en Vancouver, y Londres, también presentará sus novedades en lo referente a los Juegos Olímpicos de 2012.

Turismo chileno

Pero las ofertas serán de todo tipo: nuevas líneas aéreas, Nuevas rutas... y no faltará la gastronomía. En este sentido, Chile anuncia la Primera Degustación de Cocina Chilena en FITUR, con sus ricas variantes regionales.

Del 30 al 1 de febrero en el stand de Chile se podrá saborear lo mejor de la comida chilena actual dependiendo de la región que elija el turista que quiera visitar ese país sudamericano. Por primera vez en el stand de Chile en FITUR, se realizará un maridaje inédito hasta ahora entre turismo y la gastronomía de este país.

La apuesta correrá a cargo de una de las chef, Marité Madrid, que mejor interpreta la alta cocina chilena basada en la calidad y variedad de sus productos básicos (pescados, mariscos, carne, frutas y verduras, además de sus reconocidos vinos). Todo en fusión con las modernas tendencias de elaboración propias de la cocina actual internacional.

Durante los tres primeros días, a partir del día 30 de enero, se realizarán cócteles-degustaciones en el que se podrá conocer los platos típicos de las grandes zonas en que se divide este extenso y atractivo país: norte, centro y sur. Dada la diferencia geográfica entre una zona y otra, en el norte el desierto o en el sur volcanes, lagos y hasta glaciares, la variedad de platos resulta rica en diversidad y en sabores.

La actividad está organizada por ProChile, organismo que promueve las exportaciones de este país, en conjunto con Turismo de Chile.

Maestros Modernos del Dibujo

15/01/2008, Hasta el 17 de febrero se puede ver en el museo Thyssen-Bornemisza la exposición Maestros Modernos del Dibujo, una selección de obras de excelentes autores de los dos últimos siglos.

Madrid, enero de 2008
Goya, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Miró, Freud o Warhol, son algunos de los protagonistas, y el interés del evento se realza porque la muestra consta de piezas de la Colección Abelló, que se muestra al público por primera vez en un conjunto tan amplio.

Cabe considerar que desde la época renacentista, el dibujo era como una reflexión previa a la creación de la obra de arte, un elemento primordial que abarca su invención y su estructura, y no sólo su primer esbozo material. Esta concepción como proceso mental, común a todas las artes visuales, sirve para revelarnos lo más íntimo del artista: a través del dibujo reconocemos su sensibilidad, inteligencia, instinto y emociones, su consciente y su inconsciente.

Pero el dibujo pasa a ser como un medio artístico en sí mismo en la época moderna.

Mediante los trabajos presentes en la muestra se puede seguir la evolución del dibujo a lo largo de los siglos XIX y XX, partiendo de Goya y terminando con un artista vivo, el británico Lucian Freud. Un completo recorrido que presta especial atención al último tercio del siglo XIX y primera mitad del XX, momento culminante de las vanguardias, desde el Impresionismo al Surrealismo, y que tiene especial relevancia en lo que concierne al elenco de artistas hispanos.

El recorrido arranca con un retrato a lápiz que Goya realiza de su mujer, Josefa Bayeu, en 1805. El pintor aragonés es el más claro precursor del arte moderno, sobre todo en lo que a su obra gráfica se refiere, con la que alcanzó notoriedad internacional en vida.

La revolución que supuso la liberación de la fidelidad anatómica en la representación del cuerpo está ya anunciada en la que es la obra más importante de la exposición: el pastel de Degas Después del baño o Bañista secándose (c. 1895); si la comparamos con Joven arreglándose el pelo (1939) de Matisse, vemos la enorme distancia recorrida por la modernidad en su alejamiento del modelo natural, que llega todavía más lejos, casi hasta la desfiguración, en Mujer en cuclillas (1917) de Egon Schiele.

Tras el énfasis en el color y la búsqueda de sensaciones y emociones del Impresionismo y del Expresionismo, con nombres como Pissarro, Bonnard, Nolde, Munch o Kandinsky -todos ellos presentes en la muestra-, surgirán los primeros impulsos del dibujo como creación autónoma: desde el sintetista Gauguin, al sofisticado Klimt, el existencialista Giacometti o el mismo Van Gogh, del que se expone Cabeza de una campesina (1884), obra perteneciente a una serie dedicada a los rostros de campesinos que culminaría en la composición Los comedores de patatas.

Entre las aportaciones más señaladas de la Colección Abelló y, por tanto, de la muestra, cabe señalar el formidable conjunto de obra sobre papel de Pablo Picasso; desde Mujer desnuda (c.1903) hasta Escena de corrida (1960), pasando por su Personaje cubista (c.1914-1915), sus Bañistas (1920) o sus Cabezas de caballos (1933). También están presentes otros representantes de la corriente cubista y de sus derivaciones: desde Juan Gris o María Blanchard -una de sus más tempranas seguidoras-, hasta Pablo Gargallo y Torres García.

Destaca también la obra sobre papel de Julio González, figura clave de la escultura del siglo XX no sólo por su contribución en el uso del hierro sino, precisamente, por lo que él mismo denominó "dibujo en el espacio"; uno de los ejemplos más expresivos es su Desnudo atormentado (c.1910-14). En el extremo opuesto, por su simplificación esquemática y su ritmo expresivo primitivista, encontramos Mujer desnuda de pie de Brancusi. El sentido táctil de la forma domina también la obra de otro gran escultor presente en la exposición, Henry Moore, cuya Mujer sentada (c.1937) emerge como un gigantesco ídolo majestuoso.

Otro de los grandes movimientos de la vanguardia del siglo XX, el Surrealismo, se encuentra igualmente muy bien representado en la muestra: desde los españoles Joan Miró, Salvador Dalí -con su obra maestra Retrato del padre del artista y su hermana (1925)- y Óscar Domínguez, hasta André Masson o René Magritte.

Como punto final del recorrido, una pequeña representación del arte de la segunda mitad del siglo XX, con Balthus -Estudio para Katia leyendo (1969)-, Lucian Freud -Cabeza apoyada (1947)- y Andy Warhol -retrato de Jean Cocteau (1980)-; son las obras más cercanas en el tiempo, junto a algunos de los dibujos de Miró con los que cierra la exposición, como su Homenaje a Pollock (1978)

LA EXPOSICIÓN:
Maestros Modernos del Dibujo
Hasta el 17 de febrero de 2008
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8, 28014 Madrid

Stavanger: Capital Europea de la Cultura 2008

15/01/2008, Stavanger es una ciudad del suroeste de Noruega, en un paisaje verde y atractivo en el que confluyen mar y montaña. Es la capital del condado de Rogaland, y cuenta con algo más de 200.000 habitantes.

La población creció especialmente en el XII, cuando adquirió categoría de cabeza de obispado, y creció en siglos posteriores por el tráfico portuario, los astilleros y la industria conservera. Actualmente es la ciudad "petrolera" de Noruega. Los yacimientos del Mar del Norte están a unos 1000 kilómetros y han sacado a la urbe de su economía tradicional.

Esta ciudad, capital Europea de la Cultura, junto con Liverpool, en 2008, tiene una notable serie de antiguas casas de madera y una hermosa catedral de raíces románicas. Destaca por su animado bullicio y amplia vida cultural, en medio de una naturaleza que ofrece playas y fiordos.

Como monumento, destaca la catedral, la Stavanger Domkirke, que tiene un origen del siglo XII. Aunque con visibles incorporaciones de siglos posteriores, especialmente del XIII y el XVII. No obstante, destaca sobre todo su peculiar aire gótico.

El casco antiguo, Gamle Stavanger, cuenta con casi 200 casas de madera, bellamente pintadas de blanco, en calles empedradas. Son originarias del XVII y XVIII.

Ofrece otros atractivos, como el museo Arqueológico, el de la industria de Conservas, el Marítimo, el del Petroleo y el museo de arte de Rogaland.

La ciudad, que antaño vivía de la pesca, se ha enriquecido merced al petróleo. En el museo dedicado a éste se ve cómo la riqueza petrolera ha influido en el país.

Las celebraciones de la capital de la cultura no parecen ser espectaculares, pero intentan ser dignas: teatro, música y danza protagonizarán las animaciones.

En el año que ahora terminó, Luxemburgo y Sibiu, Rumania, fueron las capitales culturales. Ahora toca el turno de Liverpool y Stavanger; el año que viene serán Linz(Austria) y Vilna, y para el 2010 corresponderá la capitalidad da Pecs(Hungría), Essen (Alemania) y Estambul.

SEACEX con el arte español

11/01/2008, Bratislava acoge a Ráfols-Casamada, el Teatro Real de Marrakech muestra las “Visiones de Marruecos”, “Literaturas del Exilio” llega al Museo de Arte Moderno de Santo Domingo y Pilar Albarracín presenta performance en el Bonn Kunstmuseum.

Ráfols-Casamada. Pintura 1950-2005 se expondrá en la Galería Danubiana de Bratislava (Eslovaquia), hasta el 9 de marzo de 2008. Albert Ráfols-Casamada (Barcelona, 1923) es uno de los artistas catalanes contemporáneos más significativos y polifacéticos. Un clásico de nuestros días de indiscutida presencia internacional, no sólo por su amplia trayectoria pictórica, iniciada de manera profesional en 1946, sino también por su trabajo literario y poético. La exposición ha podido verse en Guadalajara (México), Nueva York, Roma y Lisboa.

La muestra Visiones de Marruecos permanecerá hasta el próximo 14 de enero en el Teatro Real de Marrakech. Comisariada por Publio López Mondéjar, muestra la imagen de Marruecos que han captado 10 fotógrafos españoles y otros 10 marroquíes. Desde su inauguración en Sevilla, a finales de 2006, la muestra ha recorrido las ciudades marroquíes de Rabat, Tánger, Casablanca, Tetuán y Fez.

Literaturas del exilio se expondrá en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, en la República Dominicana, hasta el 3 de febrero de 2008. Comisariada por Julià Guillamon, Francesc Abad y Joaquín Jordà, la exposición toma la voz del escritor para reconstruir una experiencia universal que, más allá de la de la vivencia concreta del exilio español, se proyecta a distintos lugares y épocas. Santo Domingo es la cuarta sede de esta muestra, que ya se ha podido ver en Buenos Aires, Santiago de Chile y México.

Por último, SEACEX apoya la participación de Pilar Albarracín en la muestra colectiva “Going staying. Movement, Body, Place in Contemporary Art”, que se celebra en el Kunstmuseum de Bonn, hasta el 17 de febrero de 2008. Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) participa en esta exposición con su vídeo performance Viva España / Long Live Spain, 2004, en la que una mujer (la propia artista) es “perseguida” por la calle por una orquesta que interpreta el pasodoble “Que viva España”.

La exposición “Going Staying” comprende un total de ochenta piezas, entre instalaciones, objetos, vídeos, fotos y dibujos de 36 artistas internacionales, desde clásicos de los años 60 hasta las corrientes más actuales, que hablan del movimiento y de lugares donde el movimiento se detiene. La muestra cuenta con la participación de, entre otros, Mona Hatoum, Marina Abramovic, Tony Oursler, Pipilotti Rist, Helena Almeida, Joseph Beuys, Olafur Eliasson, Kimsooja, Richard Long, Bruce Nauman, Bill Viola o Rachel Whiteread.

Más información en:
SEACEX

Guía de Maastricht

11/01/2008, En 1992, una ciudad europea prácticamente desconocida cobró inmensa relevancia, porque allí se firmó el Tratado de Unificación. Era Maastricht, en español Mastrique.

Holanda, enero de 2008

Surge Maastricht como población vinculada al cruce del un río. Los romanos crearon un puente para cruzar el Mosa y ello determinó el nombre del enclave: Mosae Trajectum (paso del Mosa).

Esta urbe de larga historia, también ha sido protagonista en la literatura. Lope de Vega escribió “El asalto de Mastrique”.

Hoy es una villa animada, agradable, de algo más de 120.000 habitantes donde abunda la juventud, por su cualidad de centro universitario.

Los monumentos nos sirven para comprobar su amplia y agitada historia y contribuyen a dar realce a un conjunto urbano agradable para el paseo. Entre ellos está la basílica de Nuestra Señora Onze Lieve Vrouwekerk. El edificio actual, con un aspecto sumamente primitivo, nos demuestra que es uno de los más antiguos de Holanda.

El viajero puede discurrir por las animadas calle partiendo de la inmensa plaza Vrijthof, de fachadas armónicas y abundantes cafés, donde la gente goza de los placeres de la mesa o la conversación, con el telón de fondo de las torres de las magníficas iglesias de San Servacio y San Juan.

Más información sobre esta ciudad europea en la:
Guía de Maastricht de Guiarte.com

En las entrañas del árbol

11/01/2008, Estar dentro de uno de los grandes espacios de madera abovedados de Andy Goldsworthy (Cheshire, Inglaterra, 1956) puede ser una experiencia increíblemente intensa...

Madrid, enero de 2008.

Sucede algo poderosamente turbador, tanto física como emocionalmente, al entrar por primera vez en estos habitáculos cavernosos. Construidos con ramas y troncos de árbol estrechamente apilados, que dejan entrar poca o ninguna luz del día, la oscuridad resulta desorientadora y los ojos necesitan un rato para acomodarse. La madera puede sentirse opresiva y pesada al ir surgiendo alrededor y por encima de nuestras cabezas. Construidas para autosostenerse por completo, o con las mínimas sujeciones, la aparente inverosimilitud de que estas estructuras se mantengan en pie intensifica el escalofrío inicial. Y aún así, hay también algo claramente confortante en la naturaleza primaria de estas cúpulas, inducido, al menos parcialmente, por su ligero olor o su extraña calidez. Ofrecen una intensa experiencia de interioridad, que, más allá de cualquier vacilación inicial, puede provocar una auténtica sensación de ensueño. Incluso una breve estancia en su interior puede sintonizar de nuevo nuestro instinto con el entorno material natural, que es tan a menudo ensordecido, condicionado o aseptizado.

Goldsworthy construyó su primera gran cúpula de madera en 2005. Anteriormente había construido cúpulas de madera más pequeñas en torno a rocas o a la base de los árboles, o simplemente como estructuras independientes para cercar el espacio. Normalmente, Goldsworthy construía esas estructuras en su mayor parte desde el interior (con lo que la estructura a menudo adquiría una forma estrecha, apretada, conforme iba completando su construcción alrededor, por ejemplo, de una roca). Bajo estas condiciones experimentales subyacía el deseo de Goldsworthy de aumentar el tamaño de las cúpulas para alojar no a una sino a varias personas. Ese deseo tiene su origen también en una de las primeras acciones artísticas que realizó en 1983, en la cual trepaba por un pequeño agujero hecho en la base de un sicomoro. La experiencia de “estar en el estómago del árbol” se grabó profundamente en él y ha tratado de representarla para el visitante. En las entrañas del árbol es uno de sus proyectos con cúpulas de madera más ambiciosos hasta la fecha, en el que desarrolla los dos espacios abovedados que ya había construido antes en Londres y Yorkshire, pero éste incluye tres estructuras unidas. De hecho, la forma de las estructuras de madera se acomoda a la arquitectura del Palacio de Cristal que, a su vez, se convierte en una epidermis de vidrio, una capa del principio de crecimiento que irradia desde el centro.

Andy Goldsworthy es un escultor conocido internacionalmente por su uso exclusivo de materiales naturales como madera, piedra, hojas, arcilla, barro, nieve y hielo. Normalmente, usa estos materiales en el mismo lugar en el que los encuentra o en sus proximidades, sometiéndolos a formas y procesos que revelan y acentúan las propiedades específicas de los mismos, su contexto inmediato o su origen. Aunque quizás sea más conocido por sus esculturas y proyectos efímeros, e incluso momentáneos en su existencia, Goldsworthy también ha producido un significativo conjunto de grandes obras permanentes y ha desarrollado una amplia variedad de instalaciones temporales para galerías, que frecuentemente envuelven a los orígenes “naturales” o materiales de los edificios. En las entrañas del árbol ha sido construido utilizando pino silvestre procedente de la sierra norte de Madrid, un bosque que abastece de madera a una amplia variedad de productos comerciales. Una vez talada, Goldsworthy “pidió prestada” y desvió temporalmente la madera de su ruta comercial. Como ha señalado Goldsworthy, “lo que me interesa es presentar un material en su estado natural (...) se produce un impacto y una sensación de incomodidad... Lo que se usa en la ciudad también es naturaleza, y espero, al hacer una obra en un edificio, conseguir esa asociación”.

ANDY GOLDSWORTHY - En las entrañas del árbol
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Palacio de Cristal
Hasta el 21-01-2008
Horarios: lunes a sábado de 10,00 a 18,00 h // domingo y festivos de 10,00 a 16,00 h // martes cerrado

Megalitos

09/01/2008, Megalitos.es, la página sobre el megalitismo que dirige Miguel Moreno Gallo, experto en arquitectura dolménica, sigue creciendo. En 2007 ha incorporado cerca de dos centenares de monumentos prehistóricos.

Burgos, enero de 2008
Esta página surgió para exponer la arquitectura dolménica burgalesa, pero pronto rebasó su objetivo inicial. En 2007 ha proseguido su enriquecimiento, con incorporaciones de yacimientos correspondientes a Asturias, Granada, Almería, Málaga, Cantabria, Badajoz, Cáceres, León, Lugo, Navarra y Francia.

En estos momentos, la web, que dirige un destacado colaborador de guiarte.com, contiene más de 1.070 páginas y ha sido visitada por más de 115.000 personas en sus seis años de vida.

Últimas incorporaciones
Entre los documentos incluidos en los últimos meses figuran:

Navarra: En esta ocasión se incluye el llamado menhir de Roldán, una piedra con incisiones (las uñas del héroe), que marca el extremo oriental del Valle de Ata, en Madoz, y que fue excavada a comienzos del siglo XX.

Lugo: Una amplia selección de dólmenes y túmulos de Lugo. En diciembre se añadieron los túmulos de Santa Mariña, un excelente conjunto en una loma al sur de Sarriá

León: Una provincia con escaso megalitismo, pero en la que se pueden ver algunos ejemplos curiosos como el menhir de La Uña. También hay una colección interesante en Vegabaño, en Soto de Sajambre.

El megalitismo
Desde el Neolítico hasta un momento indeterminado de la Edad del Bronce floreció en diversas partes del mundo, y en particular en la fachada atlántica europea, un modo de enterramiento monumental y colectivo. Los dólmenes, auténticos panteones funerarios, acogían durante cientos de años a determinados individuos (¿dirigentes tribales, familiares, religiosos...?), llegando a registrar osarios de gran importancia. Los ajuares funerarios son también variados, aunque casi siempre contienen herramientas de sílex, hachas pulimentadas, cuentas de collar y otros adornos, así como herramientas de hueso. La palabra megalito nos habla de grandes piedras, de las lajas que conforman el interior de los dólmenes. Normalmente hay una o varias cámaras (redondas, cuadradas, poligonales) comunicadas con el exterior mediante un corredor, que puede estar también adintelado. El conjunto se protegía con un túmulo de tierra, a veces con corazas de piedras, que daba solidez a la construcción. Como el dolmen tenía vocación de continuidad, el acceso se realizaba por el corredor (aunque a veces era por la misma cámara), que quedaba sellado tras cada enterramiento.

Pero el megalitismo no se agota en los dólmenes de gran tamaño y carácter colectivo. A la vez aparecen otras manifestaciones funerarias y conmemorativas que están relacionadas entre sí. Hay enterramientos individuales, algunos de pequeño porte junto a los grandes dólmenes. También se encuentran cistas (cajas formadas por varias piedras) y túmulos que no tienen estructura lítica. Los menhires, que son arqueológicamente "mudos", porque no transmiten información, también deben relacionarse con el megalitismo, aunque con gran precaución. Es fácil entender el vínculo entre dólmenes y menhires en lugares como Carnac (Bretaña francesa) o en lugares de gran acumulación megalítica. Pero a veces pueden ser confundidos con mojones históricos.

Más información en:
http://www.megalitos.es

Roma S.P.Q.R.

09/01/2008, Hasta el 2 de marzo de 2008 en el Centro Arte Canal de Madrid. Una gran muestra dedicada a la antigua Roma, en la que se presentan 500 piezas procedentes de 29 museos nacionales e internacionales.

Madrid, enero de 2008
"Roma Senatus Populus que Romanus" está concebida como un yacimiento abierto al público, para mostrar los más de 300 años que duró el Imperio: desde su comienzo con Augusto (siglo I a.C.) a su final con Constantino (siglo IV d. C).

La exposición recorre, por tanto, la Roma imperial, la que ya en el siglo I se extendía desde las costas atlánticas del noroeste (finis terrae; Finisterre) hasta Siria y Egipto, teniendo como eje el mar Mediterráneo.

Los tesoros arqueológicos de "ROMA S.P.Q.R." ocupan una planta de más de 2.000 metros cuadrados y su selección se debe a la catedrática de Arqueología de la Universidad Autónoma de Barcelona, Isabel Rodà; mientras que el diseño expositivo se debe al comisario artístico, Manuel Blanco, catedrático de Composición Arquitectónica de la Universidad Politécnica de Madrid.

Fondos arqueológicos

La exposición cuenta con fondos arqueológicos de instituciones extranjeras procedentes de Italia (Antiquarium Comunale, Museo della Civiltà Romana, Centrale Montemartini, Museo di Anchità di Torino, Soprintendenza per i Beni Archeologici di Ostia, Palazzo Altemps, Terme di Diocleziano, Museo Epigráfico, Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo alle Terme, Musei Capitolini y Musei Vaticani); Francia (Musée de Saint Raymond de Toulouse) y Croacia (Arheoloski Muzej Istre de Pula).

Entre los fondos procedentes de instituciones españolas se incluyen los principales museos nacionales: Museo del Prado, Museo de Arte Romano de Mérida, Arqueológico Nacional; y los arqueológicos de Cataluña y Ampuries y los de Córdoba, Cartagena y Sevilla. Además, "ROMA S.P.Q.R." muestra una excelente colección de monedas procedentes del Gabinete Numismático de Barcelona y piezas destacadas de los museos de Zaragoza, Huesca, Segóbriga, Badalona y Mataró; y del Ayuntamiento de Teià.

Los recursos audiovisuales podrán permitir al espectador recrear la vida cotidiana en sociedad y vivir las emociones de un combate virtual de gladiadores en el Coliseo.

Once ámbitos

El recorrido expositivo se presenta como un itinerario abierto a través de once ámbitos vinculados y complementarios: "Grecia en Roma", "Símbolos del Imperio", "Religión", "Sociedad", "Economía", "Arquitectura, paisaje y urbanismo"; "Juegos, fiestas y espectáculos", "La casa y la vida cotidiana"; "El mundo funerario", "El ejército" e "Hispania". Todo ello, para explicar y ofrecer al visitante, una amplia visión de conjunto de la vida en Roma.

Entre las 500 piezas seleccionadas por la comisaria científica, se pueden destacar la Loba Capitolina, que es la mejor réplica que existe de la original (entre el 480-470 a.C.), que ha sido prestada de manera excepcional para esta muestra y que preside actualmente la entrada del Palacio Senatorio de Roma; o los tres impresionantes dioses que reciben al visitante (Cronos mitraico (año 155 d.C.), Minerva (siglo I a.C.) y Venus (siglo II d.C.).

1,5 millones de visitantes
Arte Canal, la sala de exposiciones del Canal de Isabel II, está situada En unos antiguos depósitos de agua madrileños, que conservan un estilo similar al de los viejos aljibes romanos o árabes, con sus sugerentes arquerías.

Desde su inauguración con la exposición "Guerreros de Xi'an", y tras "Faraón" y "M.C.Escher. El arte de lo imposible", la sala del Canal de Isabel II ha conseguido atraer a más de un millón y medio de visitantes.

página web www.romaspqr.es

Tesoros de oro de la tumba de Tutankamón

08/01/2008, Objetos funerarios de oro, plata y bronce del joven faraón se pueden ver del 9 de marzo al 28 de septiembre de 2008 en el Museo de Etnología de Viena, en la exposición "Tutankamón y el mundo de los faraones“.

Viena, enero de 2007
Mas de 150 objetos finamente elaborados permiten hacerse una idea de los sofisticada que era la cultura en las riberas del Nilo. Lo más destacado de la muestra es una réplica exacta de la cámara funeral descubierta en 1922.

Para hacer la vida en el mas allá más agradable al faraón, en la cámara funeraria se colocaron numerosos objetos de gran valor alrededor de su sarcófago. En 1922 fue descubierta la tumba del rey Tutankamón, muerto a la edad de 18 años, cuya momia se ha conservado hasta nuestros días. La réplica fiel de su cámara funeraria llena de tesoros muestra un lujo de oro, plata y alabastro, así como la artesanía de la cultura egipcia.

En la cámara funeraria de Tutankamón se encontraban objetos de uso cotidiano como muebles, utensilios de caza, joyas y vestidos que el rey había utilizado en su vida. Junto con su féretro fueron sepultados también varios carros de combate, sus utensilios para escribir, un abanico dorado con plumas de pavo real, sus sandalias doradas y numerosos recipientes con vino, para que el difunto, tras su muerte,pudiera disfrutar de todos los placeres de la vida. Además se construyeron especialmente para su sepultura varios sarcófagos para cuerpos y vísceras, figuras de guardias de tamaño natural, una combinación de figuras de dioses y un trono de oro.

Museo de Etnologia: Museum für Völkerkunde,
Hofburg, 1., Heldenplatz,
Tel. +43–1–525 24–0 ,
www.ethno-museum.ac.at

Los Grecos del Prado

04/01/2008, Hasta el 10 de febrero, se puede contemplar la exposición "Los Grecos del Prado", en la primera pinacoteca española. Una ocasión excelente para profundizar en el conocimiento sobre este gran autor.

Madrid, enero de 2006
A través del recorrido de la muestra, el visitante descubre la historia del Greco en el Museo y la forma en la que ingresaron sus obras. Una ocasión propicia para llamar la atención sobre este conjunto de obras, la mejor representación del artista que se conserva reunida en el mundo.

Catálogo razonado
La primera exposición monográfica que celebró el Prado, en 1902, estaba dedicada al Greco. Un siglo después, el Museo vuelve a reunir la colección del maestro cretense proponiendo una nueva mirada sobre la misma en paralelo a la publicación de su primer catálogo razonado, dirigido por Leticia Ruiz, jefa del Departamento de Pintura Española del Renacimiento del Prado.

La primera exposición que tuvo lugar a principios del siglo XX incluía una veintena de obras que constituían todas las atribuidas al Greco que pertenecían al museo en ese momento. Por diversas razones, el Prado posee hoy un número bastante mayor de obras del cretense por lo que la exposición actual incluye 37 obras autógrafas del Greco junto a otras 10 de sus seguidores o su entorno. Con ella, el Museo celebra la publicación del catálogo razonado de esta colección proponiendo un recorrido similar al que se refleja en el libro, que toma como punto de partida el origen de los grecos del Museo: desde el primer conjunto, que procedía de las colecciones reales; continuando por las obras religiosas que vinieron a enriquecer este primer germen de la colección, procedentes del desaparecido Museo de la Trinidad; hasta los que corresponden a época más reciente, procedentes de donaciones, legados y compras.

A la treintena de obras del Greco que exhibe el Prado en sus salas habitualmente, se suman ahora otras pinturas suyas o de su entorno, que no se exponen de forma permanente, o que se encuentran depositadas en otras instituciones, como es el caso del San Bernardino, obra maestra del artista depositada en la Casa-Museo del Greco en Toledo y no expuesta en el Prado precisamente desde la muestra de 1902.

El catálogo de la colección que se presenta ahora confirma como obras autógrafas del Greco con la colaboración de su taller 37 de las 47 obras que se exhiben en la exposición. Las otras 10 que se incluyen en la muestra no constan deliberadamente en el catálogo por considerarse obras de sus seguidores o exclusivamente de su taller.

La exposición
La exposición comienza con las primeras obras del Greco que se expusieron en el Museo, las procedentes de la colección real. Se trata de una galería de retratos, entre los que figuran hitos tan representativos como El caballero de la mano en el pecho y que le otorgaron durante buena parte del siglo XIX una notable fama como retratista del caballero español. Junto a estos se expone también La Trinidad, pintada para el retablo de Santo Domingo de Toledo, una de las grandes obras maestras del artista y la primera pintura religiosa con que contó el Prado.

Este origen de la colección del Museo describe también la fortuna crítica del pintor. Hasta 1872 tenía una absoluta prevalencia la imagen del Greco retratista que ofrecía el Prado pero, gracias a la incorporación en 1872 de las 15 composiciones del artista procedentes de los fondos del Museo de la Trinidad, el Greco comenzó a ser cada vez más valorado por sus escenas religiosas, entre las que cabe destacar La Anunciación del retablo de Doña María de Aragón, el único encargo que tuvo en Madrid y protagonista del segundo ámbito de la muestra.

El cuarto espacio de la muestra está dedicado a los legados y donaciones que entre 1915 y 1962 aportaron al Prado otras importantes obras del pintor, como el San Sebastián, donación de la Marquesa de Casa Riera en 1959, o las dos excepcionales esculturas de Epimeteo y Pandora, donadas por la viuda del Conde de las Infantas en 1962. Sus donaciones supusieron un gesto de enorme generosidad ya que en el momento de las mismas el Greco ya era sumamente valorado. Había pasado de ser un artista considerado secundario dentro de la escuela italiana en la época de la fundación del Prado, en 1819, a tener un reconocimiento total en el siglo XX.

La quinta y última sala reúne las obras compradas por el propio Museo o el Estado, y que han servido no sólo para añadir obras tan emblemáticas como La Adoración de los pastores que el Greco realizó para su sepultura, sino para mejorar algunos aspectos de su producción que no estaban representados, o lo están escasamente, en la institución, como las series de apóstoles, la producción no religiosa del cretense a través del magnífico lienzo Fábula, o la etapa italiana. A esa fase corresponde la última de las adquisiciones, La Huida a Egipto, que ingresó en el Prado en el año 2000.