Archivo de noticias de 2007

Invasores

21/12/2007, Ester Partegàs realiza un proyecto específico para el programa Producciones del Museo Reina Sofía. La artista se centra en los paisajes de cubos de basura y desperdicios amontonados en las vías públicas.

Madrid, diciembre de 2007
La artista, cuya obra engloba la práctica del dibujo, la fotografía y la escultura, es una ávida observadora del espacio público contemporáneo (calles, aeropuertos, plazas comerciales, etc.) como generador de referentes de nuestros actuales comportamientos.

Invasores se constituye como un amontonamiento y superposición de planchas de metacrilatos, de diferentes colores y transparencias, que, junto con los motivos pintados a mano de los cubos de basura, envoltorios, restos de comida, farolas…, invitan al espectador a adentrarse en un paisaje de arquitecturas de plástico y pintura profundas, casi cavernícolas, donde se adivinan sutilidades entre capas y más capas.

"Nuestra basura es el amontonamiento de deseos gastados, es expresión directa de todo aquello con lo que ya no queremos identificarnos, y al despreciarlo, lo estamos sublimando, estamos creando una relación visceral y emocional con ello." Comenta Ester.

ESTER PARTEGÀS. INVASORES

Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Fechas:
18 diciembre - 18 febrero 2008

París y Barcelona: dos grandes destinos

21/12/2007, El entorno de París, L´lle de France, es el primer foco de atracción turística de Europa, seguido de Barcelona y su entorno catalán, según un estudio de Eurostat y Caixa de Catalunya.

Este escalafón europeo de los grandes destinos es así:

1. Isla de Francia (París) 14.,1 millones de viajeros
2. Cataluña 7,9 millones de viajeros
3. Islas Baleares 6.6
4. Andalucía 5.9
5. Tirol 5.1
6. Canarias 4.4
7. Provenza-Alpes-Costa Azul 3.6
8. Praga 3.5
9. Madrid 3.4
10. Oberbayern (Munich) 2.9
11. Viena 2.8
12. Salzburgo 2.7
13. Comunidad Valenciana 2.4
14. Darmstadt 2.3
15. Roina-Alpes 2.2 millones de turistas.


Resulta destacable que dentro de los 15 principales destinos turísticos europeos aparezcan 6 comunidades españolas (Cataluña, Baleares, Canarias, Andalucía, Madrid y Comunidad Valenciana), lo que confirma el atractivo español en el momento de escoger destinos para pasar las vacaciones. Sin embargo, tanto el mercado español como el francés, clásicos destinos del turismo mundial, ya están muy consolidados y presentan pocas variaciones de año en año.

El turismo en 2007: Tendencias regionales
Los destinos emergentes de Asia y el Pacífico, África y Oriente Medio han sido los principales motores de crecimiento. Aunque muy por encima de sus respectivas medias a largo plazo, las regiones más maduras de Europa y las Américas mostraron un ritmo más moderado.

Aunque las tendencias regionales podrían variar cuando se disponga de nuevos datos, la región de Asia y el Pacífico es actualmente la que ocupa el primer puesto, habiendo registrado un incremento en agosto del 10%, por delante de las de Oriente Medio y África, ambas con un 8%.

El crecimiento en Europa y las Américas se sitúa actualmente en un 4%, un punto porcentual por debajo del nivel de 2006 en el caso de Europa, pero el doble de la tasa de crecimiento del pasado año de las Américas.

Las cifras del gasto turístico continúan aumentando, en paralelo al crecimiento de las llegadas internacionales, y de nuevo destaca el impulso de los mercados emergentes: Brasil (+33%), Argentina (+24%), la República de Corea (+18%) y la Federación de Rusia (+16%) han registrado incrementos de dos dígitos en el gasto.

Niemeyer: cien años

17/12/2007, Oscar Niemeyer cumplió cien años, y con este motivo se ha rememorado su arquitectura y su capacidad creativa. Su nombre estará indisolublemente unido a la modernidad de Brasil.

Brasilia, diciembre de 2007

Recientemente diseñó el museo de Arte Contemporáneo de Niteroi, una de sus obras más interesantes, en las que conjugó la creatividad con el paisaje... Pero su obra estará por siempre ligada a Brasilia, en la que imprimió su sello inconfundible.

Porque Brasilia es hija de tres padres: el presidente brasileño Juscelino Kubitschek, el urbanista Lucio Costa y el brillante arquitecto Oscar Niemeyer, el autor de las obras más emblemáticas de esta nueva urbe, ubicada en la región Centro-Occidental de Brasil.

Pero Niemeyer no para. En Avilés, una población de Asturias, norte de España, que ha pasado por una aguda crisis debido a la reconversión industrial, se está desarrollando un nuevo proyecto del brasileño, un gran centro cultural. “Es el mejor proyecto que he realizado”, dice este hombre a quien los años no han quitado el entusiasmo y la voluntad de seguir haciendo cosas.

Dentro de su concepción clásica, de inspiración grecolatina, en la que el ritmo y la armonía son bases para el hallazgo de la belleza, Niemeyer ha aportado una doble variante. En primer lugar el aprovechamiento de las posibilidades constructivas de vanguardia, la técnica; en segundo lugar una provocación típica del surrealismo: la provocación de la ruptura, la sorpresa.

Brasilia, una de las joyas del patrimonio Universal de la UNESCO, es una muestra de esa doble incorporación: curvas rítmicas, columnas innovadoras, el agua... siempre con un ritmo, una armonía.

Oscar Niemeyer nació el 15 de diciembre de 1907 en Río de Janeiro, y asumió una postura inconformista ante la vida y la arquitectura. Estudió arquitectura y militó en el Partido Comunista brasileño. Sigue siendo un inconformista.

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes; se integró en el equipo de Lucio Costa y más tarde colaboró con Le Corbusier, con quien diseñó la sede de Naciones Unidas en Nueva York.

Ha desarrollado proyectos en Italia, España, Francia... y sobre todo en Brasil. Su obra más notable está en Brasilia, ciudad declarada en 1987 Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Allí realizó notables edificios, entre ellos el Congreso Nacional y la catedral.

Entre los galardones mundiales recibidos por el arquitecto, cabe destacar el premio de arquitectura Pritzker, en 1988, el Príncipe de Asturias, un año mas tarde, y el León de Oro de la Bienal de Venecia en 1998.

Belenes de Navidad

13/12/2007, Muchas ciudades de todo el mundo, se llenan de luces y elementos conmemorativos para celebrar la Navidad.

Oviedo, diciembre de 2007.
No faltan, a lo largo de gran parte de Europa, los mercados navideños, muchas veces a la sombra de las grandes catedrales del gótico, ni los belenes.

En España sobresale la presencia de los belenes, en plazas, templos y casas particulares. Algunos son de gran tamaño, como éste ubicado ante la entrada de la catedral de Oviedo, uno de los excelentes templos góticos del norte de España.

Los belenes son reproducciones de la escena del nacimiento de Cristo, llamados así porque según los relatos bíblicos, éste nació en la ciudad de Belén, cercana a Jerusalén.

El Belén presenta habitualmente un paisaje en torno al portal de ganados en el que nació el niño Jesús. Sumamente popular la escena en tiempos del gótico y renacimiento, se transmitió sobre todo por los países vinculados a la corona de España, tanto el sur de Italia como América Latina.

El belén de la fotografía está en Oviedo, junto a su histórica catedral:

La catedral de Oviedo

El rey Fruela I emprendió la construcción de un primer centro religioso en el siglo VIII; años más tarde su hijo Alfonso II el Casto encargó la prosecución y ampliación de la obra. La llamada Cámara Santa es de este periodo. También queda de la antigua edificación la torre románica, del siglo XI, que continuó siendo torre campanario hasta que se finalizó la torre gótica actual.

El claustro, de época románica, fue sustituido en el siglo XV por otro de factura gótica. El templo actual es básicamente de los siglos XIV y XV y la torre de estos mismos siglos y finalizada en el XVI por Rodrigo Gil de Hontañón. Su terminación, con la complicada cúpula, es original y bella.

En el interior de la catedral hay que ver:

  • El retablo principal es excelente, obra de Giralt de Bruselas, de factura gótica.

  • La Cámara Santa, de la época del prerrománico asturiano. Es parte del complejo palatino de la ciudad regia. Tiene excelente estatuaria, afamadas reliquias y magníficas joyas religiosas. Siempre han sido muy famosas las cruces de Los Ángeles y La Victoria.

  • El Museo, con rica orfebrería, ornamentos, marfiles y pinturas.
  • Casi como nuevo: reciclaje de diseño en Viena

    05/12/2007, La manufactura Trash Design en Viena transforma aparatos eléctricos en piezas de elegante diseño: bolsos, banquetas, llaveros e incluso piezas de joyería.

    Viena, diciembre, 2007.
    La Trash Design Manufaktur Wien muestra cómo, mediante mucha creatividad y destreza artesanal, es posible fabricar piezas de elegante diseño a partir de desperdicios inútiles de chatarra eléctrica. Siguiendo las directrices de artistas y técnicos, se fabrican piezas únicas muy singulares, desde una mesita hecha con el tanque de una lavadora hasta bancos de bar, bolsos y llaveros, o joyería de desperdicios en forma de pendientes, broches, pulseras y anillos.

    Los productos se encuentran a la venta directamente en el taller Trash Design Manufaktur, así como en la tienda del Museo de Artes Aplicadas, MAK Design Shop y en diversas galerías vienesas.

    Broches hechos a mano con piezas de ordenador, collares con teclas de teléfonos móviles... Cadenas hechas de cables de electricidad y depósitos para periódicos hechos con cajas de ordenadores. También los nombres son originales: Hay un cesto para ropa llamado R2-D2 y un atril titulado Speak Up.

    La Trash Design Manufaktur Wien cumple también una importante función socioeconómica. Este proyecto se dedica a la reintegración y formación de personas que llevan largo tiempo en el desempleo, así como de personas con discapacidades.

    Puedes comprar alguna de estas curiosas piezas en:

    Trash Design Manufaktur
    Galerie unik.at
    Ozelot
    Team Idee Shop
    art point
    MAK Design Shop
    Österreichische Werkstätten

    Adquisición de una obra de Robert Delaunay

    05/12/2007, El Pleno del Real Patronato del Museo Reina Sofía ha aprobado la compra de la obra Autorretrato de Robert Delaunay, fechado en 1908, por un valor global de 2.552.000 Euros.

    Madrid, diciembre de 2007.
    La pintura ha sido adquirida por el Ministerio de Cultura, con cargo al 1% cultural del Ministerio del Medio ambiente, según los supuestos que establece la Ley del Patrimonio Histórico, y entrará a formar parte de los fondos del Museo Reina Sofía, tras su adscripción por parte del Ministerio de Cultura.

    La excepcional obra, un óleo sobre lienzo, fue realizada por Robert Delaunay (París, 1885. Montpellier, 941) un poco antes de que el pintor conociera a Sonia Terck, joven artista de origen eslavo, con la que contraería matrimonio en 1910. Ambos tuvieron una estrecha relación con España.

    La obra Autorretrato evidencia los significativos cambios que llevarán la producción de su autor desde los supuestos impresionistas a las posteriores conquistas del Simultaneísmo y la abstracción. La pintura anticipa las constantes del periodo más característico de Robert Delaunay, basado en el protagonismo del color, así como en la aplicación de la ley de los contrastes simultáneos, procedente de los descubrimientos pictóricos de Seurat y Signac. Así, junto a formas geométricas, que apuntan a la abstracción y que actúan de recurso decorativo en el segundo plano del retrato, el rostro acusa un tratamiento del color que adelanta las investigaciones de Delaunay con el cromatismo órfico.

    Procedente de la colección particular de Robert y Sonia Delaunay, la pintura fue heredada por Charles Delaunay y posteriormente por Jean-Louis Delaunay, heredero universal del artista. Además de su indiscutible valor estético y plástico, este Autorretrato tiene una gran relevancia por el hecho de ser uno de los cuatro autorretratos llevados a cabo por Delaunay durante su juventud, fechados entre 1906 y 1909. Uno de los cuatro, el que presentaba mayor influencia de Van Gogh, fue destruido en el pasado, por lo que actualmente sólo se conservan los tres restantes, dos de los cuales -fechados en 1906 y 1909, respectivamente-, fueron donados por Sonia Delaunay al Centre Pompidou de París en el año 1964. Consecuentemente, el Autorretrato de 1908 era el único de este excepcional conjunto de piezas, que podía ser adquirido al haber permanecido hasta este momento en manos de los herederos directos del artista.

    Su aportación a las obras de Delaunay en el Museo Reina Sofía es extraordinaria, reforzando la presencia del artista, que hasta la fecha estaba representado en las colecciones con una pintura de 1915 (El gitano) y otra de 1923 (Retrato de Tristan Tzara).

    El Real Patronato también ha aprobado la adquisición de tres pinturas importantes y representativas de otros referentes de las vanguardias históricas: Paisaje con molino (1913) de Albert Gleizes; Jugador de golf (1933) de Willi Baumeister, y Composición cósmica (1938) de Óscar Domínguez. Estas adquisiciones se complementan con otras propuestas estéticas desde los años setenta hasta la actualidad: Martirologio cromático (2004-2006) de Luis Gordillo, Naturaleza muerta (1984) de Tom Carr, Alteraciones (2007) de Amy Cutler y varias piezas de la serie Tesoros (1972-1973) y dos fotografías (Estoy penetrando en tu vida, 1976 y Buenos días melancolía, 1980) de Carlos Pazos.

    El Arte de los Bodegones en Mentes Creativas

    05/12/2007, Esta exposición en el MNAC (Museu Nacional d´Art de Catalunya) muestra la interpretación de 110 personas adultas con discapacidades mentales sobre naturalezas muertas de grandes artistas.

    Barcelona, diciembre, 2007.
    Mentes Creativas es la exposición temporal del MNAC (Museu Nacional d' Art de Catalunya) que reune los trabajos artísticos de 110 personas con diferentes discapacidades mentales (en edades comprendidas entre los 20 y los 50 años) en una experiencia creadora única que surge de la particular visión de cada uno de ellos sobre las obras de arte que vieron en el museo.

    El punto de partida para esta experiencia pionera nace de la visita que realizan a la exposición Naturaleza muertas. De Sánchez Cotán a Goya realizada a mediados de este mismo año.

    "Las naturalezas muertas han sido un referente que les ha permitido incursionar en elementos cotidianos como las frutas, objetos de cocina, flores, descubriéndolos a través del color y de las formas que ellos reinterpretaron" explica Mar Morón, coordinadora del Proyecto haciendo hincapié que lo más importante "es que de la mano del descubrimiento artístico vimos en ellos un proceso de autoafirmación, de construcción de imagen positiva de ellos mismos, incluso un sentimiento de identidad personal".

    Los talleres se desarrollaron durante los meses de junio y julio, algunas sesiones se llevaron a cabo es sus respectivos centros ocupacionales (ASPACE, Taller Escola Barcelona Barceloneta, TEB Verdum, TEB Castellar i TEB Esctació) y una en el museo, sala de exposiciones y taller.

    La exposición estará abierta en el MNAC hasta el 9 de diciembre. Palau Nacional Parque de Montjuïc, Barcelona.

    Baruj Salinas: resonancias cósmicas

    03/12/2007, El pintor, residente en Estados Unidos y con una importante trayectoria en Europa, presentó una reciente exposición en Miami, “El retorno de las nubes”, en la que de nuevo triunfó con su pintura de resonancias cósmicas.

    Miami, diciembre de 2007
    El crítico Carlos M. Luis, escribe un hermoso artículo sobre la muestra del pintor, en el diario El Nuevo Herald, titulado “Las Nubes de Baruj Salinas". En él narra:

    "Hace poco escuchaba una de mis obras musicales predilectas: Las nubes de Claude Debussy. No pude contener la tentación de repasar, al mismo tiempo, un libro de imágenes de Claude Monet donde todo parece estar musicalizado por el gran compositor impresionista. Pero más aún: todo esto me hizo recordar que muchos años atrás, durante mi estancia en Nueva York, Julian Orbón me hablaba de la relación que estas obras tenían con las ideas de duración y tránsito expuestas por el filósofo Henri Bergson, que a la sazón era lectura de cabecera del compositor cubano. En ese ambiente donde la música, la filosofía y la pintura se unen, parece instaurarse la serie dedicada a las nubes que Baruj Salinas pintara en los años ochenta y que volvemos a tener ocasión de apreciar en la presente exposición en la Galería Farside.

    Las nubes siempre serán objeto de meditación. Juan Eduardo Cirlot en su Diccionario de los símbolos nos dice que uno de sus aspectos es el mundo intermedio entre lo formal y lo informal. Ese aspecto lo descubrimos, de inmediato, en las pinturas de Baruj Salinas las cuales reflejan su morfología ambigua. Es decir, podemos ante la contemplación de una nube, dejar que nuestra fantasía transite por sus constantes cambios, descubriendo en los mismos formas sorpresivas sujetas a toda suerte de interpretaciones. Ahí reside la seducción de ese fenómeno atmosférico y ahí reside también la maestría de Baruj Salinas: haberlo podido capturar en sus pinturas. En las mismas prevalece entonces la aplicación de un color, cuyas tonalidades se adaptan al núcleo grisáceo de las nubes, al mismo tiempo que irradian otra gama de colores que en ciertos amaneceres o atardeceres podemos admirar.

    La nube, como también nos dice Cirlot, es progenitora de fertilidad, luego bien podría ser una de las diosas tutelares de la poesía. Creo que el impresionismo con Monet a la cabeza, sin olvidar su gran antepasado Turner, así lo comprendió. Debussy, por su parte, visualizó en su partitura sobre las nubes lo que Monet quiso poetizar en sus telas. Esa correspondencia entre distintas formas de expresión, cala también en el arte de Baruj Salinas cuyo gusto por ambos maestros me consta que posee.

    Las nubes, por lo demás, se encuentran relacionadas con viejas creencias y tradiciones que nos permiten discurrir sobre las de Baruj Salinas. Las de los filósofos (de acuerdo con Don Pernety) son los vapores que se elevan de la materia hacia lo alto del vaso, donde se condensan y vuelven a caer en lluvia de rocío que los Adeptos llaman Rocío de Mayo. Esa nube aparece en el famoso cuadro de Correggio Júpiter e Io, donde el dios toma su forma para proteger a la sacerdotisa de Hera del celoso Junon. En el Kunsthistoriches Museum de Viena tuvimos ocasión de verlo Baruj y yo, pudiendo constatar frente al mismo el parentesco de sus nubes con las del pintor italiano.

    Uno de lo iniciados del siglo XVIII, Martínez de Pasqually, en su obra Tratado de la reintegración de los seres entra en el misterio de las nubes llamándola la sombra del Creador, que contuvo al faraón y al ejército demoníaco de Egipto privándolo del uso de sus sentidos corporales y espirituales. ''Es así, Israel, como se forman sobre el cuerpo general terrestre las nubes donde procede el maná o la lluvia... (pero) la famosa nube era un cuerpo aparente producido por una multitud de espíritus puros y simples que constituían un aspecto del espíritu divino''. De nuevo la nube se muestra como una entidad protectora que en este caso favoreció, en tanto que forma divina, la salida del pueblo israelita del cautiverio egipcio. ¿Por qué entonces no especular, frente a las nubes de Baruj Salinas, sobre lo que éstas sugieren? ¿No es acaso una de las finalidades del arte, quizá si su verdadera finalidad, el permitirnos soñar? Esa serie de Baruj es una de las más poéticas que haya pintado. Una serie donde se conjuga la ejecución con el poder que posee la imaginación para descubrirnos lo que se encuentra oculto tras las apariencias. El arte, desde luego, no corrige a la naturaleza, pero sí nos ayuda a comprenderla en sus operaciones más secretas viendo en las mismas su lenguaje simbólico.

    Estos cuadros de Baruj Salinas permiten que nos abandonemos a su recorrido, que es el mismo de las nubes, siempre con sus variantes, modificando sus formas hasta el infinito, dejando que nuestra imaginación haga el resto."

    Fitur: de nuevo

    26/11/2007, Ya está de nuevo ante nosotros el encuentro anual del turismo, en IFEMA, Fitur, una feria a medio camino entre el circo y el mercado, anuncia su 28 edición: del 30 de enero al 3 de febrero de 2008.

    La convocatoria alcanzará los mejores niveles históricos de participación, con récord en el área neta de exposición, llegando cerca de los 100.000 metros cuadrados en sus 12 pabellones; con la participación de más de 13.190 empresas de 170 territorios y unas previsiones de 200.000 visitantes, de ellos 150.000 profesionales.

    La vigésimo octava edición de FITUR, en línea con el aumento del movimiento de turistas internacionales en el Mundo (842 millones en 2006, frente a 802 en el ejercicio anterior), se verá reforzada tanto en contenidos como en participación. Varios destinos, como Portugal aumentarán de forma considerable su espacio. La participación española, tanto empresarial como institucional, será extraordinaria, poniendo de manifiesto el interés de toda España por estar presente en un escenario consolidado como marco fundamental para los negocios turísticos.

    La oferta presente en FITUR-08 será muy amplía. Este año será especialmente importante para destinos como China, Suiza y Austria por ser las sedes de importantes acontecimientos deportivos (la XXIX edición de los Juegos Olímpicos y la Eurocopa 2008).

    Asimismo, Zaragoza -España- hará una importante promoción de su Exposición Internacional que bajo el lema "Agua y Desarrollo Sostenible", se celebrará de junio a septiembre.

    En el ámbito internacional, Sudáfrica destacará el próximo Mundial de Fútbol 2010, y Polonia promocionará Varsovia, Gdansk, Poznan y Wroclaw, que serán sede de los partidos de la Eurocopa 2012. Canadá aprovechará la feria para promocionar los Juegos Olímpicos de invierno 2010, en Vancouver, y Londres presentará sus avances en lo referente a los Juegos Olímpicos de 2012.

    Conocer a Velázquez

    26/11/2007, El museo del Prado presenta, hasta el 24 de febrero de 2008 una propuesta extraordinaria para profundizar en el conocimiento del gran pintor sevillano: Fábulas de Velázquez. Mitología e Historia Sagrada del Siglo de Oro.

    Madrid, noviembre de 2006
    Los orםgenes sevillanos, su visiףn naturalista de la mitologםa, sus tiempos romanos, sus cuadros histףricos... Un anבlisis de Velבzquez articulado a lo largo de siete epםgrafes temבticos, en los que se confronta su obra con la de sus contemporבneos.

    La exposiciףn reתne 28 obras de Velבzquez junto a otras 24 de diecisiete artistas diferentes lo que permite apreciar el contexto creativo en el que el sevillano realizף algunas de las pinturas mבs significativas de su carrera. Entre las obras de Velבzquez que pueden admirarse en la exposiciףn se incluyen 12 prיstamos, como la Venus del espejo, de la National Gallery londinense.

    Las 52 obras reunidas en la exposiciףn abarcan temas que proceden de la historia sagrada, la mitologםa o el mundo antiguo, y ellas muestran la originalidad del pintor, su evoluciףn y versatilidad tיcnica en cuatro dיcadas de su carrera. Para ello, las obras del sevillano se enfrentan con otras de artistas diferentes describiendo de manera general la respuesta del artista a los estםmulos creativos externos. Entre estas תltimas, figuran sendas esculturas de Martםnez Montaסיs y Gregorio Fernבndez, pinturas de autores anteriores como Tiziano y Caravaggio, obras de los grandes artistas espaסoles de su generaciףn y la anterior, como el Greco, Ribera y Zurbarבn; y piezas de los principales pintores extranjeros en activo cuya obra conociף y en algתn caso le influyeron como el flamenco Rubens, los franceses Poussin y Claudio de Lorena o los italianos Guercino, Guido Reni o Mבximo Stanzione.

    La selecciףn velazqueסa estב formada por las composiciones de Velבzquez de carבcter sagrado o mitolףgico que conserva el Prado, junto a otras importantes pinturas del artista como Cristo en casa de Marta y Marםa, Inmaculada Concepciףn y San Juan Evangelista, de la National Gallery de Londres; San Pablo del MNAC; La cena en Emaתs, de Dublםn; La tתnica de Josי de El Escorial (que se podrב ver junto a La fragua de Vulcano); o La tentaciףn de Santo Tomבs, de Orihuela.

    Entre las obras de otros autores presentes en la muestra cabe destacar El triunfo de David de Poussin, San Juan Bautista de Martםnez Montaסיs; Josי y la mujer de Putifar de Guido Reni; Demףcrito de Ribera; Inmaculada Concepciףn de Alonso Cano; o Herבclito de Rubens.

    Algunas de las obras mבs representativas se muestran emparejadas con las de otros grandes artistas de temבtica similar, como Los borrachos y Joven con cesto de frutas de Caravaggio, la Venus del espejo y Las tres Gracias de Rubens, o Cristo crucificado y el Cristo yacente del escultor Gregorio Hernבndez.

    Articulada a travיs de un criterio temבtico y cronolףgico, la exposiciףn se divide en 7 secciones que permiten apreciar la evoluciףn del arte de Velבzquez: Sevilla: religiףn y vida cotidiana; Mitologםa y realidad: Los borrachos; El horizonte romano; Devociףn y meditaciףn; El desnudo; La filosofםa y la historia, Y La narraciףn.

    Ficha de la exposiciףn

    Tםtulo: Fבbulas de Velבzquez. Mitologםa e Historia Sagrada del Siglo de Oro
    Fechas: 20 de noviembre de 2007 - 24 de febrero de 2008
    Salas: Edificio Villanueva (acceso desde Sala de las Musas).
    Comisario: Javier Portתs, Jefe del Departamento de Pintura Espaסola del Museo del Prado
    Patrocina: Fundaciףn AXA Winterthur y la colaboraciףn de la Comunidad de Madrid

    Mבs informaciףn:
    www.museodelprado.es

    Las catedrales del vino

    26/11/2007, En los campos de vid de España están surgiendo importantes edificios encargados por los bodegueros, y en los que participan notables arquitectos de todo el mundo que rivalizan en proyectos de indudable proyección artística.

    No hace mucho tiempo llamó la atención el trabajo de Frank O. Gehry, la Ciudad del Vino, de las Bodegas Marqués de Riscal; ahora ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Arquitecturas del vino. Bodega Antión (Sala Norte, desde el 15 de noviembre de 2007 hasta el 6 de enero de 2008)

    Se trata de una muestra que presenta fotografías, maquetas y vídeos del proyecto diseñado por el arquitecto navarro Jesús Marino Pascual para el Grupo Proconsol en Elciego.

    Pascual ha buscado la adaptación de la bodega al paisaje, concibiendo el edificio como una cepa del viñedo, con la parte de producción vinícola ubicada bajo el nivel del suelo, como si fueran las raíces, mientras que en la parte visible, con un color dominante que le permite integrarse en el entorno, el área administrativa, comercial y de representación, incluido un hotel y un restaurante, adquiere mayor presencia.

    Arquitecturas del vino
    Bodega Antión es la cuarta exposición de la serie que ARTIUM dedica a la renovadora actividad arquitectónica que se desarrolla en los últimos años enla Rioja Alavesa, después de las de Bodegas Baigorri, Bodegas Ysios y Bodegas Marqués de Riscal.

    La muestra cuenta con el patrocinio del Departamento de Agricultura del Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Álava, Bodega Antión, Acciona, Europigments y Jesús Marino Pascual y Asociados.

    Bodega Antión se enclava en el Elciego, localidad en la que Jesús Marino Pascual ha ideado un complejo productivo y social que en su mayor parte se encuentra bajo el suelo. El Arquitecto navarro ha adaptado el diseño de las naves al terreno con forma de "L" obtusa "de tal manera que la finca las asuma sin violentarse, como si siempre hubieran formado parte de ella".

    Pascual ha creado espacios soterrados para las zonas de la bodega dedicadas a la elaboración del vino, a la crianza en barricas, y a la crianza en botellas. El primero de ellos, de planta circular y estructurado en cuatro niveles que permiten una cuidada elaboración por gravedad, vertebra todo el conjunto, con la zona de barricas desplegada de forma concéntrica, y la de botellas en un ala tangente al mismo.

    Es precisamente el área administrativa y comercial la que adquiere mayor presencia. Desplegada tangencialmente a partir del volumen cilíndrico principal en un "haz de cuerdas", aquí se ubica el área de visitas y hostelería, con doce habitaciones de alta gama que ofrecen, cada una, una vista distinta del paisaje, y un amplio comedor con una sorprendente perspectiva de la sala de barricas y del área de elaboración.

    Por otro lado, la bodega ha sido diseñada para acoger visitas sin que la circulación de los grupos interfiere con el proceso de producción. La visita permite permite conocer el mundo de la elaboración del vino y finaliza en la sala de catas donde los participantes pueden iniciarse en el conocimiento de los grandes vinos.

    La Sala Norte de ARTIUM, uno de cuyos muros ha adquirido las formas sinuosas que caracterizan los principales volúmenes exteriores de Bodega Antión, recoge una conjunto de fotografías del proceso de construcción de la bodega, así como dos series de imágenes del edificio concluido realizadas, en un caso, por Adriana Landaluce, y en otro por el artista vasco Patxi Cobo, en las que refleja su personal modo de interpretar la arquitectura de la bodega.

    La exposición contiene también una selección de bocetos a mano alzada realizados por el arquitecto así como diversos planos del proyecto.

    En la sala adquieren gran presencia dos maquetas. La primera de ellas ofrece una imagen general de la bodega y de su adaptación a la parcela, mientras que la segunda es una reproducción a escala 1:1 de una porción de la estructura de unión de la fachada con la cubierta, proyectada para ofrecer la imagen de un sólido monolítico.

    Un conjunto de fotografías del proceso de construcción junto con un vídeo permiten al visitante hacerse una idea ajustada del proyecto y de su recorrido, desde los inicios hasta el resultado final.

    Una selección de vinos de Bodega Antión y una reseña de los principales proyectos realizados por Jesús Marino Pascual completan la visita.

    Jesús Marino Pascual, nacido en la localidad navarra de Liédena, ha desarrollado toda su carrera profesional en Logroño. De su estudio han surgido proyectos como la Bodega Irius en Barbastro, en la Denominación de Origen Somontano, Logroño, para Bodegas Darién, y Briones, donde diseñó el complejo del museo-bodega de Dinastía Vivanco, el club naútico y dársena fluvial del Ebro en San Vicente de la Sonsierra, así como numerosas obras de rehabilitación del patrimonio histórico.

    Signoguías

    26/11/2007, El Museo Reina Sofía presenta un proyecto absolutamente innovador, impulsado por la Fundación Orange, que permite la accesibilidad de las personas sordas a los contenidos del Museo.

    El Museo Reina Sofía ya dispone del servicio de "Signoguías", un paso más para lograr la supresión de barreras y facilitar el acceso a las colecciones a todos los visitantes. Constituye éste un proyecto absolutamente innovador que asegura la accesibilidad de las personas sordas y con discapacidad auditiva a los contenidos del Museo.

    El servicio de Signoguías es gratuito y complementa el de Audioguías, disponible para el público en general en varios idiomas. Funciona a través de un dispositivo PDA (Personal Digital Assistant) en el que se han incorporado vídeos con grabaciones en Lengua de Signos Española (LSE) y subtítulos con explicaciones de varias de las obras más importantes de la Colección Permanente del Museo, permitiendo así a las personas sordas realizar un recorrido completamente autónomo.

    Además, para convertir la Signoguía en un instrumento aún más atractivo, interactivo e interpretativo, se han incluido reproducciones de obras de arte que se relacionan con las piezas comentadas, fotografías de sus autores, un plano de localización, un glosario de términos artísticos, los créditos de las obras y distintos sistemas interactivos que permiten al visitante hacer un recorrido participativo y explorar más a fondo estas creaciones, sus detalles y significados.

    A este contenido, más específico, se suma información general del Museo, plano de localización, horarios, servicios disponibles, actividades o la historia del edificio.

    La Signoguía comienza siempre con un mensaje de bienvenida, desde el que se accede a la explicación del funcionamiento del sistema y a las diferentes opciones disponibles para efectuar el recorrido. Por el momento se ha incluido una selección de nueve obras de la Colección Permanente, selección que irá aumentando de manera progresiva:

    La fábrica dormida, Vázquez Díaz, 1925
    Sonia de Klamery, Anglada Camarasa, 1913
    La tertulia del Café del Pombo, Gutiérrez Solana, 1920
    Cabeza de mujer (Fernande), Picasso, 1909
    Violín y guitarra, Juan Gris, 1913
    Guernica, Picasso, 1937
    El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella, Alberto, 1937
    El gran masturbador, Dalí, 1929
    Toros (Tauromaquia), Benjamín Palencia, 1933

    A partir de estas obras se abordan temáticas como "Luz y color", "Sensualidad y refinamiento", "Tradición pictórica española", "Proceso de trabajo", "La cuarta dimensión", "Valor universal de Guernica"; "El pabellón de París de 1937", "Método paranoico crítico" o "Formas orgánicas surrealistas".

    El Departamento de Educación del Museo Reina Sofía se ha encargado del desarrollo de los contenidos de la Signoguía, comprometido siempre con su adecuación con los estándares de calidad y funcionalidad requeridos por la institución para un proyecto tan pionero, trascendente y paradigmático: se ha trabajado en la selección y elaboración de los contenidos, la gestión y pago de los permisos de reproducción de las obras de arte, la propuesta de juegos interactivos, y la coordinación y supervisión de todo el programa.

    El proyecto puede ver la luz gracias al apoyo recibido de la Fundación Orange, que ha financiado el desarrollo y ejecución de esta iniciativa, que se encuadra dentro de su actividad orientada a mejorar la calidad de vida de los colectivos menos favorecidos a través de las tecnologías.

    Por otra parte, ha sido fundamental la participación de la Fundación CNSE (Confederación Estatal de Personas Sordas) para la Supresión de Barreras de Comunicación, entidad responsable de la traducción a lengua de signos española y del subtitulado de los contenidos de las signoguías, que además ha asesorado al Museo sobre las necesidades de las personas sordas y el tipo de adaptaciones que precisan.

    Esta iniciativa se produce unas semanas después del reconocimiento legal de la lengua de signos española. Precisamente, esta norma está llamada a eliminar la existencia de las barreras de comunicación que existen en nuestra sociedad.

    Más información en:
    Museo Reina Sofía

    España, encrucijada de civilizaciones

    23/11/2007, Una muestra organizada por SEACEX, el Museo Arqueológico Nacional de España y el Centro Cultural Palacio La Moneda en el Centro Cultural de Santiago de Chile.

    [[cmsimg 4873]]

    Santiago de Chile, noviembre de 2007
    La exposición se podrá visitar hasta el 24 de febrero de 2008. Según su comisario, Félix Jiménez, el objetivo fundamental es mostrar al visitante, a través de 234 piezas de primera calidad, la enorme variedad cultural del pasado de España y las transformaciones materiales e ideológicas que han convertido a la Península en un mosaico de pueblos y en un privilegiado laboratorio para el mestizaje cultural.

    [[cmsimg 4874]]

    El planteamiento básico de la exposición es cronológico y gira en torno a las consecuencias que tuvieron para los habitantes de la península las sucesivas llegadas de pueblos de muy diversa filiación étnica y cultural. El hilo conductor gira alrededor de los conceptos de mestizaje y cambio cultural, resaltando mediante las piezas, las transformaciones técnicas y sociales más importantes.

    La exposición cuenta con una significativa selección de piezas del Museo Arqueológico Nacional de España, procedentes de seis de sus departamentos científicos: Prehistoria, Protohistoria, Antigüedades Clásicas, Antigüedades Medievales, Edad Moderna, y Gabinete de Numismática y Medallística.

    La muestra se articula a través de cinco apartados que van de la Prehistoria a la Edad Moderna. Con piezas muy notables, desde bifaces líticos a tesoros ibéricos, piezas de la Hispania romana, elementos visigóticos. Y de las culturas musulmana y cristiana.

    [[cmsimg 4875]]

    Ficha técnica

    Organizan: Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX; Museo Arqueológico Nacional, Centro Cultural Palacio La Moneda

    Comisario: Félix Jiménez Villalba. Museo Arqueológico Nacional

    Catálogo: Editado por SEACEX, Museo Arqueológico Nacional, Centro Cultural Palacio La Moneda y Lunwerg

    Fechas y sede: Centro Cultural Palacio La Moneda, Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago de Chile.
    Del 7 de noviembre de 2007 al 24 de febrero de 2008


    Lab Project

    12/11/2007, Seis artistas españoles han sido seleccionados por el comisario César Espada, dentro del programa Lab Project, para trabajar sobre algunos aspectos de la realidad de los Emiratos Árabes Unidos (E.A.U.).

    Sharjah, noviembre 2007.
    El Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas y en colaboración con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), el Museo de Arte de Sharjah y la Embajada de España en los Emiratos Árabes Unidos, presentan Lab Project, un poyecto en el que los artistas españoles Ana Laura Aláez, Sergio Belinchón, Maider López y el grupo Área3 (compuesto por Federico Joselevich, Chema Longobardo y Sebastián Puiggrós), trabajan sobre la realidad y de los Emiratos Árabes Unidos. La exposición se inaugurará el 14 de noviembre en el Museo de Arte de Sharjah, donde estará abierta al público hasta el 15 de diciembre de 2006. Lab Project forma también parte del programa de artistas en residencia de la Bienal de Sharjah.

    Lab Project pretende servir como laboratorio experimental, al invitar a jóvenes artistas españoles a conocer este país del Golfo Pérsico, donde han usado su realidad como fuente de inspiración para sus propuestas. Los artistas han viajado dos veces a los E.A.U. Una primera, en 2006, para conocer el país, recopilar información y pensar cada proyecto y una segunda vez para llevarlo a cabo.

    Aunque los artistas y sus creaciones son muy distintos entre sí, existen ciertas similitudes o denominadores comunes. De alguna forma, todos han trabajado con la idea del espacio, especialmente con la idea de los espacios vacíos, y de cómo la ciudad los ocupa, conquista y modifica.

    Es el caso de Ana Laura Aláez, cuyo vídeo se titula, de hecho, Empty Spaces, refleja la comparación entre los rascacielos en construcción y la construcción de la identidad individual. Sergio Belinchón ha fotografiado los límites de la ciudad, el lugar donde acaba y comienza el espacio vacío del desierto, o, de nuevo, edificios vacíos en construcción. En su proyecto de juego de vídeo interactivo, el grupo Área3 muestra el aspecto efímero de la creación de una enorme ciudad, que existe solo cuando la cámara captura nuestros movimientos y se pierde en el espacio vacío del desierto, tan pronto como nos detenemos. Por último, Maider López recrea un espacio público completamente vacío dibujando las rayas de un campo de fútbol en el que no solo podremos divertirnos jugando, sino que ha creado también una yuxtaposición y confusión de espacios que nos llevan a reflexionar sobre el propio concepto del espacio y sus usos.

    Museo de Arte de Sharjah
    Hasta el 14 de enero de 2008

    Más información en:
    SEACEX

    El Prado: doble ampliación

    12/11/2007, El Museo del Prado ha conseguido dos hitos históricos: ampliar notablemente el espacio expositivo y presentar oficialmente la riquísima colección de pintura española del siglo XIX, atesorada en la gran pinacoteca.

    Madrid, noviembre de 2007
    Y además un tercer hito: presentar un espacio nuevo en el que se aúna modernidad e historia, en el que la austeridad cubista de la arquitectura de Moneo hace resaltar el clasicismo del claustro de los Jerónimos.

    Antaño hubo una gran polémica sobre el proyecto. Ahora se terminó la obra y ha habido dos ganadores: El arte y Moneo.

    Las obras llevadas a cabo en el Prado son las más importantes del museo en sus dos siglos de vida. La reforma se abordó en 1994 y en 1997 se dio el visto bueno al plan que preveía la creación de un entorno museístico que abarcaba a varios edificios: el palacio de Juan de Villanueva, sede de la pinacoteca; el Casón del Buen Retiro; el Claustro de los Jerónimos, y el Salón de Reinos, sede hasta ahora del museo del Ejército que se traslada a Toledo.

    Rafael Moneo ganó, poco antes de finalizar 1998, el concurso para la ampliación. Pero hubo una larga carrera de obstáculos y críticas, que acabaron incluso en el Tribunal Supremo. Al final, la obra está hecha y a la pinacoteca del edificio de Villanueva se añade ahora el inmueble con el claustro. La sede central, edificio de Villanueva, se destina a las exposiciones permanentes y el ámbito de nueva creación a exposiciones temporales y a otras dependencias diversas. Se han ganado 22.000 metros cuadrados.

    La fórmula de ampliación ingeniada por Moneo propone, respetando el antiguo edificio, su entorno y las arquitecturas colindantes (la Iglesia de los Jerónimos y la Academia Española), unir el Museo con un complejo formado por una construcción de nueva planta y el Claustro restaurado de los Jerónimos. La solución dada, que ha permitido al Museo extenderse en la totalidad de la única área disponible en sus inmediaciones, libera además la fabrica original permitiendo que ésta se vea como Villanueva la proyectó.

    Desde el exterior, el enlace entre los edificios antiguo y nuevo queda oculto por una plataforma ajardinada de boj que remite a los jardines del siglo XVIII ofreciendo una perspectiva urbana que se funde con el vecino Jardín Botánico.

    Por su parte, el nuevo volumen de ladrillo y granito edificado en torno al antiguo Claustro de los Jerónimos, se alinea con la fachada de la Iglesia de los Jerónimos dejando ver desde el exterior parte de la arquería restaurada y restituida. Su fachada se abre al nuevo espacio urbano a través de unas monumentales puertas de bronce encargadas por el arquitecto a la escultora Cristina Iglesias.

    En su interior se desarrolla una sorprendente ocupación del terreno disponible: tres plantas de acceso público unidas por una doble escalera mecánica y otras cinco entreplantas para servicios internos del museo. La presencia predominante de piedra de Colmenar y bronce sirve de nexo con las calidades constructivas de la fábrica primitiva de Villanueva.

    Conmemorando este momento histórico se presenta en el Prado, oficialmente, la pintura española del siglo XIX, en las nuevas salas de exposiciones temporales, con una selección de un centenar de obras que resumen la historia del arte español de esta época, desde Goya a Sorolla.

    Se ha dicho que esta es la "fórmula elegida por el Museo para saldar su deuda con estos grandes maestros a los que hasta ahora no se había otorgado el espacio y visibilidad que merecen"

    Con "La marquesa de Santa Cruz", de Francisco de Goya, se inicia el recorrido de la exposición. Luego aparece una extraordinaria colección con algunos de los mejores cuadros de gentes como: Vicente López, José de Madrazo, Alenza, Pérez Villamil, Antonio María Esquivel, Eduardo Rosales, Pradilla, Muñoz Degrain, Antonio Gisbert, Carlos de Haes, Fortuny, Francisco Domingo, Ignacio Pinazo, y Sorolla.

    La recuperación de estas obras, sin duda, permitirá redescubrir la pintura española del XIX y elevar el respeto por ella.

    Del 31 de octubre de 2007 al 20 de abril.

    Arte Moderno en Portugal

    12/11/2007, Hasta el 2 de diciembre 2007, en la Fundación Carlos de Amberes, Madrid, se presenta un recorrido por el arte moderno portugués de la primera mitad del siglo XX.

    Madrid, noviembre de 2007
    El proyecto "Arte moderno en Portugal en la colección del Museo Nacional de Arte Contemporвnea - Museu do Chiado" está organizado conjuntamente por el Museo Nacional de Arte Contemporвnea - Museu do Chiado de Lisboa y Caja Duero.

    En él se propone un recorrido por el arte moderno portugués de las tres primeras décadas del siglo XX, mostrando la evolución del panorama artístico portugués hacia las tendencias estéticas modernas.

    La explosión vanguardista - Años Diez

    El recorrido propuesto comienza con Christiano Cruz, artista que tuvo un importante papel en la actualización del lenguaje artístico por la vía del dibujo y la ilustración y aquí representado por dos obras de su fase de madurez. Sin embargo, cabe a Amadeo de Souza-Cardoso el protagonismo de la determinante explosión vanguardista que, en los años diez, estremeció el panorama artístico portugués. Durante este primer período aparecen también expresiones ligadas al futurismo, en la casi única y excepcional obra de Santa Rita, y al orfismo, en las experiencias de Eduardo Viana

    Modernidad apaciguada - Años Veinte

    La renovación formal de estos años se produce sobre todo a través de referencias a la organización volumétrica de Cézanne y al Picasso clasicista y tiene sus más destacados representantes en el dibujo de José de Almada Negreiros, presente en la exposición con un conjunto de obras ineludibles de su período de madurez, y en la pintura de Viana, Dordio Gomes, Abel Manta, António Soares y Carlos Botelho. En la escultura, Rodin se perfila como la vía de actualización más importante en la fase inicial de los escultores portugueses que después adoptarán caminos propios, en pós de cierto clasicismo, como en el caso de Francisco Franco, o en una particular confluencia de referencias a culturas arcaicas y al decorativismo art nouveau, en el caso de Ernesto Canto da Maia.

    Un puente hacia nuevos retos artísticos - Años Treinta

    En los años treinta, artistas de trayectorias muy diversas contribuyeron, a través de investigaciones individuales, a la renovación y reactualización de los presupuestos plásticos. Entre ellos destacan dentro de la vía del expresionismo, de ascendencia alemana, y de la Nueva Objetividad, Mário Eloy, que cuenta con una crucial y singular obra, Bernardo Marques, desde la práctica del dibujo, y Hein Semke en el campo escultórico. Caminos diferentes abrió el singular António Pedro, con la del puntillismo, revalorizado tardíamente en los años noventa, y, por otro, del surrealismo. Fundamental se revela también la obra de Maria Helena Vieira da Silva, de repercusión internacional.

    La exposición reúne obras procedentes en su mayoría de los fondos del Museo Nacional de Arte Contemporвnea - Museu do Chiado, cuenta además con varias piezas maestras del Museu Colecóão Berardo, de la Fundaóão Arpad Szenes-Vieira da Silva y de dos coleccionistas privados.

    La presente exposición permitirá al público español aproximarse al arte portugués del siglo XX a través de una de sus colecciones más importantes, la del Museu do Chiado. La muestra, que se exhibirá en la Fundación Carlos de Amberes en Madrid hasta el 2 de diciembre, ya se ha presentado en la Sala Caja Duero en Salamanca y viajará a continuación al Museo de Bellas Artes de Badajoz. María Jesús Ávila, es comisaria de la muestra.

    La Fura dels Baus en Madrid

    07/11/2007, El próximo 15 de noviembre a partir de las 21,00h, Madrid será testigo de un espectáculo en el que el ayer y el hoy de oriente se funden bajo la historia del barco que da nombre a la marca de whisky Cutty Sark.

    La Compañía catalana La Fura dels Baus ha desarrollado para Cutty Sark Scotch Whisky un espectáculo sorprendente, en la misma línea de la campaña de comunicación y con los códigos visuales y estéticos de la compañía de teatro catalana. Un espectáculo lleno de color, música, magia y sorpresas garantizado por el sello y la personal visión de La Fura del Baus.

    Más de 4000 personas podrán disfrutar, en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, de la magia y el embrujo de este espectáculo creado por La Fura dels Baus en exclusiva para Cutty Sark Scotch Whisky. Y es que a partir del 5 de noviembre, todo aquel que no se quiera perder la vuelta de La Fura a la capital podrá conseguir su invitación a través de la web de Cutty Sark.

    Con shanghai-london since 1870, la Fura dels Baus vuelve a la capital en un macro-espectáculo de luz, sonido, atracciones visuales y mucha poesía. Para la ocasión, la compañía ha puesto marcha una escenografía de enormes dimensiones creada a medida para este espectáculo: Un escenario de 700m2, 60 actores en escena, 50.000 watios de sonido y un vestuario sorprendente propiedad de la "pera del Liceo son algunos de los datos técnicos de este evento.

    Casi 6 meses de intenso trabajo creativo han sido necesarios para poner en marcha un espectáculo que ha sido específicamente diseñado para el lanzamiento de la nueva campaña de comunicación de Cutty Sark. Un espectáculo inspirado en el emblemático velero Cutty Sark y en el ambiente portuario de ciudades orientales y occidentales, un viaje fascinante con el que la ciudad de Madrid quedará realmente sorprendida.

    ЎЎЎConsigue ya tu entrada!!!:
    Cutty Sark

    Crece el turismo a Croacia

    05/11/2007, El turismo español a Croacia, antaño casi inexistente, se halla en un notable auge. En los primeros 9 meses de 2007, se ha notado un crecimiento de casi un 40 por ciento respecto al mismo periodo de 2006.

    Octubre de 2007
    Croacia ha incrementado de forma significativa su atractivo para el panorama vacacional español. En total han sido 278.936 pernoctaciones de turistas españoles que han decidido pasar unos días de vacaciones en este país mediterráneo, un incremento muy significativo respecto a las 204.741 pernoctaciones de 2006. Y este dato es sólo el principio: las expectativas son muy buenas para 2008 y se espera mantener un crecimiento de dos dígitos para el próximo año.

    Hay varios motivos que pueden explicar este fenómeno. A nivel de las características del país se puede decir que los españoles están descubriendo Croacia, gracias en gran medida a las acciones de la Oficina de Turismo de Croacia en España: un país mediterráneo, que en una extensión parecida a la de Cataluña y la Comunidad Valenciana juntas aúna una bella costa de aguas transparentes, parques naturales, arte, cultura, etc. Además de una excelente gastronomía y una infraestructura turística capaz cada vez más de dar mayor respuesta a las demandas exteriores. No hay que olvidar que, aunque para España esté siendo un destino emergente, otros países europeos como Alemania o Italia llevan años viajando a Croacia.

    A nivel externo, ha sido decisiva la apuesta de las mayoristas españolas por Croacia, algunas de las cuales han llevado vuelos directos durante el verano y las fiestas especiales (Semana Santa y puentes) y de Clickair, que con su vuelo directo entre Barcelona y Dubrovnik que ha estado operando entre junio y octubre ha hecho que el crecimiento de turistas españoles en el sur del país sea especialmente bueno. También los touroperadores croatas apuestan cada vez más por el turismo español, con una asistencia en esta lengua cada vez más completa y preparando productos adecuados al mercado español.

    Por regiones, el crecimiento más espectacular ha correspondido a Dubrovnik, un crecimiento del 50% en lo que va de año, que sólo en septiembre ha sido del 90%, gracias sin duda al vuelo directo desde Barcelona de Clickair. También Zagreb ha vivido un notable aumento en la llegada de turistas españoles, sobre todo por ser punto de partida de muchos viajes por el país.

    Croacia es un país que tiene mucho que ofrecer al viajero: su costa alberga paisajes increíbles desde Istria en el norte hasta Dalmacia en el sur, con un agua de una transparencia difícil de igualar. Se encuentra salpicada de 1.185 islas que pueden visitarse gracias a una extensa red de ferrys.

    El interior alberga parques naturales de gran belleza, ciudades históricas como Split, Dubrovnik, Zadar, Sibenik o Trogir, y una capital, Zagreb que sabe conjugar su aspecto eslavo con un gusto por la vida al aire libre; un modo de vida reconocible y común que se identifica fácilmente con el saber vivir mediterráneo.

    De Tiziano a los maestros modernos en Viena

    28/10/2007, La capital austríaca siempre tienen una interesante oferta de arte. Para este tramo final de 2007 destacamos una muestra sobre Tiziano y otra sobre las relaciones Viena-París en el arte moderno.

    Viena, septiembre de 2007

    La obra tardía de Tiziano en el Museo de Bellas Artes
    La amplia obra tardía de Tiziano, el maestro veneciano del Renacimiento, se ofrece en la exposición "El Tiziano tardío y la sensualidad de la pintura" hasta el 6 de enero de 2008 en el Museo de Bellas Artes de Viena.

    Obras destacadas como Ninfa y Pastor y un Autorretrato de su edad madura demuestran que Tiziano fue un precursor muy avanzado para su época.

    Para poder representar el mundo en su sensualidad, Tiziano desarrolló a lo largo de su carrera artística una forma de pintar abierta, inusual para la época del Renacimiento. Ese estilo se conoció ya en el siglo XVI como "pintura de manchas" por sus grumos de color y tiene rasgos casi expresionistas.

    Con líneas de contorno inexactas y una aplicación más fuerte de la pintura, la superficie pictórica adquiere un efecto sensual. Es algo que se aprecia sobre todo en obras como Ninfa y Pastor, el Autorretrato y Marsyas.

    El Museo de Bellas Artes saca a relucir además un nuevo aspecto: debido a la buena cantidad de encargos que tenía, Tiziano mantuvo un taller en Biri Grande, en Venecia. Йl no no pintaba personalmente todos los cuadros, sino que traspasaba el trabajo de sus pinturas al taller, integrado por un pequeño círculo de siete a diez colaboradores. Entre ellos había miembros de su familia, como su hermano Francesco, su hijo Orazio y su primo Cesare. Otros diez a quince artistas trabajaban de forma temporal para Tiziano, ante la necesidad de responder a una gran demanda.

    La exposición vienesa descifra qué partes de los cuadros fueron pintadas por las manos del maestro y cuáles son obra de su taller.

    Para hacer comprensible el proceso de la creación del cuadro, sobre todo de las composiciones de Tiziano, los esbozos y dibujos previos se hacen visibles bajo las capas de pintura mediante una técnica moderna de rayos x. Esto también arroja nueva luz sobre la creación de Tiziano y promete un descubrimiento interesante de sus obras.

    El Tiziano tardío y la sensualidad de la pintura. Kunsthistorisches Museum. Maria Theresien-Platz, 1010 Viena.
    www.khm.at

    Entre Viena y París
    Viena tambien tiene otra interesante oferta expositiva referida al arte moderno francés y al austríaco, del 23 de noviembre de 2007 al 13 de enero de 2008.

    La exposición "Viena - París. Van Gogh, Cézanne y el arte moderno de Austria" revela el rico intercambio artístico que hubo entre Viena y París durante el período 1880-1960. 250 obras maestras de Cézanne, Van Gogh, Rodin, Gauguin, Léger y Picasso se contraponen a otras de Klimt, Kokoschka, Boeckl y Hundertwasser.

    Francia era el destino de viaje más importante para los artistas de todo el mundo, en el entorno del 1900. Pintores jóvenes austríacos como Herbert Boeckl, Oskar Kokoschka, Carl Moll y Albert Paris Gítersloh fueron también a París para conocer de primera mano el artes francés de vanguardia.

    La relación entre Viena y París resultó aún más polifacética: en 1883 la artista austríaca Tina Blau fue invitada a exponer sus obras en el Salón de París y pintó allí paisajes impresionistas. En el marco de la Exposición universal se presentó en 1900 arte austríaco en París. A partir de 1903 la Secession Vienesa mostró regularmente las nuevas tendencias de Francia y las contrastó con las austríacas. De este modo se formó una influencia dinámica y recíproca.

    Asimismo, arquitectos de Viena y París mantuvieron estrechos contactos. Josef Hoffmann proyectó el Pabellón para la Exposición internacional de arte moderno decorativo e industrial de 1925, Oswald Haerdtl planeó el Pabellón de la Exposición Mundial de París de 1937 y Adolf Loos, que vivió en Paris entre 1924 y 1929, diseñó numerosas mansiones y viviendas de artistas.

    Viena - Paris. Van Gogh, Cézanne y el Arte Moderno Austríaco. Belvedere, Unteres Belvedere y Orangerie, Rennweg 6a.
    www.belvedere.at

    Art in the USA: 300 Años de innovación

    22/10/2007, Con aproximadamente 200 obras y una especial atención a la pintura, la muestra presentada en el Guggenheim ofrece un extraordinario panorama de la diversidad cultural e histórica estadounidense.

    Bilbao, octubre de 2007.
    Las seis secciones que conforman la exposición marcan importantes fases en el desarrollo del país: Colonización y Rebelión (1700-1830), Expansión y Fragmentación (1830-80), Cosmopolitismo y Nacionalismo (1880-1915), Modernidad y Regionalismo (1915-45), Prosperidad y Desilusión (1945-80), y Multiculturalismo y Globalización (1980-momento actual).

    Desde los retratos de líderes civiles y figuras públicas del período colonial norteamericano hasta los magníficos paisajes de la salvaje naturaleza del oeste; desde la popularidad de las pinturas impresionistas francesas de comienzos del siglo XX y las exploraciones post-industriales del Expresionismo Abstracto y el Arte Pop hasta algunas de las obras más interesantes que se han producido en EEUU en la actualidad, la amplitud de esta muestra evidencia las distintas fases del desarrollo histórico, cultural y social norteamericano.

    I. Colonización y Rebelión (1700-1830)
    Las pinturas del período colonial norteamericano constituyen una pequeña parte de la creación artística del país. Los colonos europeos se establecieron en las fronteras de los asentamientos de los nativos americanos que tenían sus propias tradiciones artísticas. A su vez, entre los colonos también se contaban personas procedentes de Asia y África que tenían gustos artísticos no europeos. Por ello, las artes de este período representan los valores de diferentes culturas. Pero cuando la historia política de EEUU se centra en la relación de las colonias con Gran Bretaña, también el arte lo hace.

    Sin embargo, existieron sutiles variaciones en el arte norteamericano desde el principio. Los primeros retratos reflejan la cultura puritana de Nueva Inglaterra y la rigidez de las figuras, símbolo del estricto código moral del ciudadano ideal. Ya en el siglo XVIII, los valores coloniales se habían relajado y los ricos americanos, como los europeos, demandaba retratos que mostraran sus lujosas vestimentas y posesiones materiales. Pero los americanos evitaron los símbolos europeos de nobleza y poder, prefiriendo mostrar sus logros como comerciantes y coleccionistas. Los retratos de los líderes civiles y figuras públicas no pretendían inspirar reverencia o admiración, sino orgullo nacional y decidida ciudadanía.

    II. Expansión y Fragmentación (1830-1880)
    La necesidad de desarrollar una identidad nacional después de la Guerra Revolucionaria (1775-83) animó a los ciudadanos del recién formado país a debatir el significado de ser estadounidense. Ya en la década de 1820 las pinturas que describían la vida contemporánea y el paisaje ofrecían a los artistas americanos una forma de ilustrar su creencia de que los ciudadanos del país eran excepcionales por mor de su libertad económica y personal.

    Las pinturas de género celebraban al individuo normal en un entorno democrático. Estas obras divertían o provocaban el reconocimiento por parte de quienes se veían a sí mismos o a sus vecinos reflejados en escenas anecdóticas de la vida cotidiana. Como tales, las pinturas de género contribuyeron a desarrollar una conciencia nacional entre las variadas gentes del país. Los paisajes que mostraban la impoluta naturaleza y la vasta y casi ilimitada extensión del continente virgen, simbolizaban el potencial de grandeza de la nación. A mediados de siglo, el Destino Manifiesto -la expansión de la democracia y la libertad hacia el oeste por mandato divino- legitimaba, para la mayoría de estadounidenses, el movimiento de la población por todo el continente. Las obras de este período ponen de relieve estos hechos y exploran la evolución y agitación de la época, documentando la diversidad del paisaje americano.

    III. Cosmopolitismo y Nacionalismo (1880-1915)
    El arte estadounidense a comienzos del siglo XX refleja los retos que afrontaba un país que entraba en la escena mundial. Su nueva riqueza permitía a los artistas y coleccionistas dejar su impronta en el extranjero, mostrando una apariencia verdaderamente cosmopolita. Al tiempo, la masiva inmigración a América procedente de todos los confines del globo disipó definitivamente la identidad de EEUU de antigua colonia británica, convirtiendo a ciudades como Nueva York en las más internacionales.

    Era la época del barco de vapor, que llevó a América y su arte al alcance de la comunidad mundial y del crisol de la modernidad. La popularidad del Impresionismo se vio favorecida por los numerosos artistas que trabajaban en París, y por las obras impresionistas francesas que pasaron a formar parte de colecciones norteamericanas. La pintora de más éxito del país, Mary Cassatt, se convirtió en un importante miembro del grupo de impresionistas modernos de París.

    Las nuevas tecnologías, especialmente la fotografía, también tuvieron un poderoso influjo en los artistas norteamericanos, tal y como se refleja en su forma de tratar los temas urbanos. En lugar de las coloristas vistas de la ciudad, propias del Impresionismo, los pintores del estilo Ash Can buscaron la imagen de una palpitante urbe del comercio. Totalmente conscientes de las tendencias modernas, estos pintores creían en su interpretación genuinamente americana del arte moderno.

    IV. Modernidad y Regionalismo (1915-1945)
    En una época de efervescencia política entre las dos guerras mundiales, la lucha de los artistas norteamericanos por afrontar las complejidades nacionales e internacionales de su tiempo contribuyó al surgir de uno de los períodos más diversos y contradictorios del arte norteamericano. La Gran Depresión de los años treinta puso fin a la exuberante era del jazz, llevando el desorden a la vida cultural. Muchos artistas que habían cultivado la abstracción dejaron de atender a cuestiones estéticas para hacer proclamas acerca de la injusticia política y social (el realismo social) y para representar la iconografía regional americana (regionalismo). Los regionalistas describían a EEUU como una nación de gente llana y gran diversidad geográfica, y, además, demostraron que los artistas podían ser independientes de Nueva York. Por su parte, los creadores que vivían en esa ciudad buscaban la innovación artística en el mundo natural y en la geometría de los espacios arquitectónicos plasmada en formas abstractas.

    V. Prosperidad y Desilusión (1945-1980)
    La profunda ambivalencia es característica del país tras la II Guerra Mundial. Pese a su triunfal recuperación de la depresión económica de los años treinta, la preocupación por la vuelta de los malos tiempos perduraba. Pese a que el auge de los suburbios proporcionaba una seguridad nueva, surgieron contraculturas que desafiaban el status quo. El optimismo de la próspera posguerra era contrarrestado por el miedo a la guerra atómica. El desarrollo del Expresionismo Abstracto coincide con el surgir de EEUU como superpotencia internacional. Rompiendo con las convenciones imperantes, tanto en lo relativo a técnica como a tema, las nuevas obras trataban de psiques individuales. El proceso creativo se convierte en fundamental para unos artistas que maniobran con gran espontaneidad e improvisación en lienzos de escala monumental. Las obras de pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell y Mark Rothko, que escapan la clasificación dentro de una categoría, pueden definirse vagamente como estilos muy abstractos cuyo énfasis radica en el gesto dinámico y enérgico o en el interés reflexivo y cerebral por jugar con amplios campos de color.

    Los años sesenta siguieron siendo testigos de dramáticos cambios en el arte americano a medida que el Arte Pop y el Minimalismo acaparaban la atención del mundo del arte. Artistas pop como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y James Rosenquist se inspiraron en la publicidad, las vallas, el cine, la televisión y los envases comerciales para presentar imágenes, a veces transformadas mediante el humor, la ironía, o el ingenio, que pueden ser interpretadas como celebración y como crítica de la cultura popular.

    Contrastando con la fascinación por la sociedad de consumo de los artistas pop, los minimalistas primaron el concepto sobre el material, la idea sobre la cualidad sensorial, a menudo prefiriendo la escultura a la pintura, y buscando alternativas entre estas categorías y más allá. Algunos de estos artistas como Dan Flavin, Donald Judd y Ellsworth Kelly rechazaron la pintura como inherentemente ilusionista y prefirieron crear objetos y estructuras que, siendo tridimensionales, no entraban en la tradicional definición de escultura.

    VI. Multiculturalismo y Globalización (1980-momento actual)
    Desde 1980 los artistas de EEUU han afrontado su herencia del Pop, del Minimalismo, del Arte Conceptual, la performance y el vídeo, llevando estas iconoclasias a extremos aún mayores y a manifestaciones más sofisticadas.

    Durante los años ochenta resurge la figuración en la pintura con un enorme éxito comercial, especialmente gracias al boom económico de esta década y pese a la amenaza de la regresión (Julian Schnabel, Eric Fischl y David Salle). Sin embargo, las obras de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Felix Gonzalez-Torres y Robert Gober, tratan de problemas sociales, desigualdad e incluso de la nueva epidemia del VIH/SIDA que ensombreció la era Reagan, en contraste con el triunfo económico de los años ochenta. La diversidad de prácticas del arte contemporáneo estadounidense continúa cuestionando y redefiniendo el arte y su función, tratando las exigencias de la sociedad actual.

    ART IN THE USA: 300 AÑOS DE INNOVACIÓN
    11 de octubre 2007 a 27 de abril 2008
    Co-organizada por la Solomon R. Guggenheim Foundation y la Terra Foundation for American Art.
    Exposición patrocinada por: Iberdrola.


    Para más información:
    Museo Guggenheim Bilbao

    Ana Alberca en Shangai

    16/10/2007, La galería española de arte Espacio Versátil abre su segunda exposición en Shangai, durante el año de España en China con una muestra individual de la artista madrileña.

    Shangai(China) octubre de 2007
    Esta es además la segunda muestra individual de Ana Alberca en Asia. La primera tuvo lugar en Hong Kong en Mayo de 2004 y fue también organizada en colaboración con Espacio Versátil.

    Ana Alberca es ya un punto de referencia en el campo del grabado en España. Ha participado desde sus inicios, en ESTAMPA (la Feria de Grabados más importante de este país y una de las más famosas en Europa), donde cada año, su trabajo forma parte de la exposición colectiva.

    Esta artista de 37 años ha expuesto en gran parte de España (principalmente en Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia) en Alemania (Frankfurt) y su obra es vendida en los mercados de Italia (Feria Internacional de Bolonia), Nueva York (Art-Expo), entre otros.

    Ana trabaja sobre planchas de cobre con punta seca, incide con fuertes y contundentes trazos, dibujando líneas y marcando ritmos ondulantes que se asemejan a formas caligráficas o firmas nerviosas y reiterativas.

    En su último trabajo el rojo y el blanco son los dos colores elegidos para envolver la simplicidad de los fuertes pero aterciopelados trazos que deja su gesto y grandes piezas de madera sólida y sin pulir son los soportes elegidos para sostener sus esculturas gravadas.

    La galería de arte Espacio Versátil es pionera en dedicarse a la promoción del arte español contemporáneo en la region Asiática. Su misión principal es incentivar el intercambio cultural entre Oriente y Occidente mediante una vía de comunicación bidireccional, que por un lado permita al público Chino disfrutar y apreciar las últimas tendencias dominantes en el arte español, y por otro permita al artista español sumergirse en la vida cotidiana China durante un periodo de tiempo, mediante su programa de artistas en residencia.

    Bólidos chic: Carrozas reales de oro y automóviles de cromo

    16/10/2007, Cuatro ruedas y una carrocería opulenta conforman el tema de dos exposiciones fantásticas que podrán verse en el museo de carruajes Wagenburg de Schönbrunn y en el Museo de Técnica de Viena, del 25 de octubre de 2007 al 2 de marzo de 2008.

    Viena, octubre de 2007.
    La exclusividad y la elegancia son los atributos de los carruajes de lujo de la familia de los aristócratas von Thurn und Taxis. Estos vehículos se pueden admirar en el museo de carruajes “Wagenburg” en Schönbrunn. Gran parte de las carrozas originales de Viena se construyeron especialmente para la princesa Elena de Baviera, hermana de Sisí. Estos carruajes destinados a la ciudad de Regensburg han sido donados como préstamo permanente a Viena por la familia de príncipes Thurn und Taxis, antiguamente propietaria privada de una empresa de correos, que cumplía su servicio bajo el nombre de la familia ( Thurn-und-Taxis-Post).

    En el museo Wagenburg se encuentran también cinco carrozas de la emperatriz Elisabeth (alias Sisí), entre éstas tres carruajes de gala. Hay carrozas extravagantes que dan una idea de cómo era la cultura del transporte en época imperial, como por ejemplo un baldaquín con ruedas, o un carro abierto para ir a cazar, con un cajón que servía de asiento para los perros de caza.

    Desde el Bentley hasta el Mercedes Silberpfeil, hasta el Jaguar tipo E o el Cadillac Fleetwood: Más de tres docenas de automóviles, hoy „oldtimer“ muy valorados por su antigüedad, se presentan en todo su espledor en el museo de Técnica de Viena ( Technischen Museum). Los iconos móviles de la historia del automóvil representan aún hoy puro lujo y reflejan el estátus social de sus primeros propietarios.

    De especial interés son las historias de los vehículos: el Alfa Romeo 8C era en 1938 el más veloz de los autos fabricados en serie, y ya el primer modelo se convirtió en objeto de culto porque su motor tenía la misma técnica que los coches de carrera. El Rolls Royce Silver Ghost se construyó por primera vez en 1906 y, casi sin ninguna transformación, siguió siendo un éxito de ventas durante dos decenios. El ejemplar expuesto, de 1913 , era propiedad de la familia Barbour, que hasta hoy sigue activa en la industria textil. El auto del emperador Karl, hecho en 1914 por la fábrica vienesa de automóviles AG (antes Gräf & Stift), condujo a la familia imperial en 1919 hacia su exilio en Suiza, y fue hallado en 1962 , escondido en un pajar.

    Wagenburg Schönbrunn,
    13., Schönbrunner Schlossstrasse,
    Tel. 525 24-0,
    www.khm.at

    Technisches Museum,
    14., Mariahilfer Strasse 212, Tel. 899 98-6000,
    www.technischesmuseum.at

    Jano. La doble cara de la fotografía

    10/10/2007, Esta exposición continúa la serie iniciada en el Museo hace dos años con "La Visión Impura" y más tarde con "Espacios para Habitar", que tiene como objeto dar a conocer los fondos del Museo Reina Sofía.

    Madrid, octubre de 2007
    La muestra hace referencia en su título a Jano, dios romano representado de forma habitual con dos caras que miran en sentidos opuestos, y se compone de 46 obras de 33 autores, españoles y extranjeros.

    El montaje reúne fotografías realizadas en los últimos veinte años, gran parte de las mismas adquiridas recientemente por el Museo y que, en general, han sido expuestas en escasas ocasiones. En la exposición se aprecia el acelerado desarrollo que ha experimentado la fotografía artística en los últimos 15 años.

    Jano es el dios de las puertas, los comienzos y los finales, capaz de ver el pasado y vislumbrar el futuro. La oposición de los dos rostros simboliza el cambio y la transición, con un carácter híbrido que se utiliza como una metáfora para la intensa transformación que ha experimentado esta disciplina en un corto periodo de tiempo. Tres palabras, señala la comisaria de la muestra Catherine Coleman, bastan para explicar qué ha hecho posible este fascinante periodo de la historia de la fotografía: "color, formato y digital".

    Las fotografías de la exposición (analógicas y digitales) son de gran formato y la mayoría en color. La temática es variada aunque predominan los espacios públicos; aparecen paisajes, motivos arquitectónicos, y también hay un apartado más intimista dedicado a personajes (tanto ausentes como presentes).

    La comisaria explica que "las fotografías seleccionadas se ocupan de las estructuras de poder en el mundo contemporáneo, cómo nos afectan, cómo funcionan y qué grado de importancia tienen. Los fotógrafos que tratan la arquitectura tienden a trabajar en un determinado proyecto en serie, mientras que los artistas que trabajan el retrato se enfrentan a la individualidad de una manera específica que permite un acercamiento a la comprensión de la psicología humana."

    El conjunto que ahora se presenta deja constancia del peso que la fotografía ha alcanzado hoy día, y su paridad en relación a los soportes más clásicos habituales en el arte.

    Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía ha editado un catálogo en el que se incluye, junto a la reproducción de las obras expuestas, textos de Catherine Coleman, Horacio Fernández, crítico de arte y comisario independiente, y biografías de todos los artistas seleccionados.

    Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía del 9 de octubre al 30 de diciembre de 2007.

    "El Greco y su taller" en el Museum of Cycladic Art de Atenas

    10/10/2007, La exposición, que podrá visitarse del 16 de octubre de 2007 al 5 de enero de 2008, reúne una importante selección de obras pertenecientes al periodo español del pintor.

    Atenas, octubre de 2007.
    A comienzos de 1580, El Greco instalado ya definitivamente en Toledo, decide fundar un taller que le permitiera afrontar la realización de dos tipos fundamentales de encargos: grandes retablos y cuadros de devoción, de los que obtendría la máxima rentabilidad económica.

    En Toledo no había pintores que pudieran hacerle sombra desde el punto de vista artístico pero sí económico pues no había una clientela capaz de pagar sus elevados precios. Es aquí donde la actividad del taller revelaría toda su utilidad. El maestro se reservaría la ejecución de las pinturas de los retablos y los grandes encargos, pero el taller se encargaría de realizar en serie copias de éstos – muchas veces firmadas por el propio Greco aunque no hubiera puesto su mano en ellas – que estarían disponibles para su venta a precios asequibles y en gran cantidad.

    A partir de 1590, su hijo Jorge Manuel Theotocopuli fue uno de los pilares en los que se sustentó el Taller y entre 1604-1607 colaboró en gran medida Luis Tristán, siguiendo la manera de trabajar de El Greco.

    La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX y la N.P. Goulandris Foundation – Museum of Cycladic Art, han organizado la muestra El Greco y su taller. La muestra cuenta con el patrocinio exclusivo de Iberdrola Renovables y con la colaboración de los ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, la Embajada de España en Grecia y la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha.

    La exposición, comisariada por Carmen Garrido y José Álvarez Lopera, del Museo Nacional del Prado y por Nikos Hadjinicolaou, Profesor Emérito de la Universidad de Creta, incluye 58 obras de primera calidad, y está dedicada al período español de Domenico Theotocopuli, El Greco (1541-1614).

    Consta de cuadros pintados por el artista, obras realizadas por sus discípulos Jorge Manuel Theotocopuli (1578-1631) y Luis Tristán (ca. 1585-1624), pinturas de Blas Muñoz (último cuarto del siglo XVII) y obras atribuidas a pintores anónimos que trabajaron en el taller. Para finalizar se mostran algunas copias más tardías e incluso falsificaciones del siglo XX mostrando con ello la influencia de El Greco en la Historia del Arte.

    Estas obras proceden de los principales museos españoles y americanos como, por ejemplo, del Museo de El Greco y el Museo de Santa Cruz, ambos de Toledo, el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Metropolitan Museum of Art o la Hispanic Society of America de Nueva York.

    El Retrato Español en el Prado. De Goya a Sorolla

    10/10/2007, La muestra está formada por 64 pinturas pertenecientes a los fondos de la primera pinacoteca nacional entre las que se incluyen obras de Goya, Vicente López, Madrazo o Sorolla.

    Murcia, octubre de 2007
    Tras ser visitada por más de 71.000 personas en su recorrido por Bilbao y Valencia, el Museo del Prado presenta ahora la exposición en la Comunidad Murciana gracias al patrocinio de CAM y la colaboración del Gobierno Regional.

    El Museo de Bellas Artes de Murcia será la sede de la exposición El retrato español. De Goya a Sorolla del 4 de octubre al 2 de diciembre de 2007. Esta importante muestra, organizada por el Museo del Prado dentro de su programa Prado Itinerante, permitirá al público advertir con nitidez la reflexión de los pintores del siglo XIX sobre la gran tradición del Siglo de Oro, principalmente Velázquez, que supone el hilo conductor más claro del retrato español entre Goya y Sorolla.

    La selección realizada (que incluye obras de Goya, Vicente López, Federico y Raimundo de Madrazo, Sorolla...) presenta las diferentes tipologías a través de ejemplos destacados de los sucesivos estilos que adoptó el género a lo largo del siglo XIX: el neoclasicismo, el romanticismo y las diversas orientaciones del último tercio de siglo, entre las que destacan el realismo y el naturalismo.

    El Museo del Prado conserva en sus colecciones un fondo muy amplio de retratos del siglo XIX, que atestigua la importancia que tuvo el género en esa centuria. En él están representados con sus obras maestras los principales artistas españoles del siglo, para la mayoría de los cuales el retrato fue un campo de creación privilegiado. Ello hasta el punto de que algunos pintores destacados, como Vicente López, Federico de Madrazo y su hijo Raimundo de Madrazo, se dedicaron en su madurez casi exclusivamente a aquel género, también cultivado con asiduidad por Francisco de Goya y Joaquín Sorolla.

    El catálogo de la exposición, con 40 páginas y 36 ilustraciones, contiene un ensayo de Javier Barón, comisario de la muestra y Jefe de Departamento de Pintura del siglo XIX, sobre “El arte del retrato en la España del siglo XIX”. 25 € (de venta en la sede de la exposición y en el Museo del Prado)

    El Prado Itinerante materializa la voluntad del Museo de aproximarse al conjunto de la sociedad española promoviendo tanto la visita como el conocimiento de sus fondos fuera de Madrid. Tras su paso por Murcia la exposición continuará su itinerancia a partir de diciembre en Salamanca, Toledo y A Coruña.

    Más información en:
    Museo del Prado

    Dalí inédito

    09/10/2007, La Fundación Caixa Girona, entidad de ahorro de notable actividad en el ámbito expositivo, presenta una exposición novedosa en torno a Dalí: Dalí inèdit. Els dibuixos de Montserrat.

    Girona, octubre de 2007.
    En la muestra se presenta una serie de dibujos inéditos de Salvador Dalí. Se trata de 20 obras sobre papel, algunas de las cuales están dibujadas por ambas caras, con lo que el total de obras presentadas se cifra en 25, y que corresponden a la primera época del artista gerundense.

    Entre los materiales destaca un excelente retrato del padre del artista, de 1925, realizado en carbón y pastel, sobre papel.

    La colección procede del museo de la Abadía de Monserrat, que la recibió hace dos años en donación testamentaria de Dª Josefina Cusí, hija del farmacéutico Joaquim Cusí i Furtunet (1879-1968), familiar y primer mecenas de Dalí.

    Fue Cusí quien en 1818 compró los dos primeros óleos que vendió el pintor en su primera exposición individual, en Figueras. Dalí marchó seguidamente a París, pero Cusí no dejó de adquirir pinturas y dibujos y escribió artículos sobre el pintor.

    La exposición se complemente con la obra “Academia neocubista”, 1926, un óleo que tambien perteneció a la familia Cusí y que fue donado al museo de Montserrat una década atrás. Era otra buena pintura desconocida para el gran público hasta que llegó a la abadía de Monserrat. Hasta ahora sólo había salido del monasterio con motivo de una exposición antológica que en 2004 tuvo lugar en Venecia y Filadelfia.

    Otra obra expuesta en la sede de la Fudación de Caixa Girona es en Estudio para el retrato de María Carbona, de 1905, tambien del fondo de Monserrat.

    Dalí inèdit. Els dibuixos de Montserrat permite conocer al joven Dalí en su “època de Madrid”, pues la obra recogida va de 1922 a 1927, cuando pasó por la Academia de San Fernando y la Residencia de Estudiantes de Madrid, época en que hizo amistad con García Lorca.

    Es la época de sus exposiciones individuales en Galeries Dalmau de Barcelona y la trasformación de su lenguaje del postimpresionismo hacia el surrealismo y el cubismo.

    Aparte de conocer esa evolución y las influencias que recibía por influjo de maestros y ambientes diversos, en la exposición se puede descubrir cómo algunos de estos dibujos inéditos son esbozos de algunas de sus pinturas más conocidas de la época.

    Es una muestra comisariada por Jordi Falgán, historiador de Arte. Hasta el 11 de noviembre.

    Gustave Courbet

    09/10/2007, Gustave Courbet (1819-1877), uno de los grandes pintores del realismo, es el protagonista de una amplia exposición que se presenta en las Galerías Nacionales del Grand Palais, en París.

    Paris, octubre de 2007
    Es una muestra organizada por la Reunión de Museos Nacionales de Francia, en colaboración con el museo d´Orsay, el Metropolitan de Nueva York y la municipalidad de Montpellier/museo Fabre.

    Tras su paso por París, la muestra irá al Metropolitan Museum of Art, del 27 de febrero al 18 de mayo de 2008, y luego al museo Fabre, hasta septiembre.

    La exposición reúne 120 pinturas, 30 obras gráficas, unas 60 fotografías, y es la mayor monografía presentada desde 1977 sobre este autor. Según los organizadores, la muestra permite examinar la comprensión de una obra abundante y compleja, y su aportación a un arte que evolucionaría de forma decisiva a partir de la mitad del siglo XIX.

    Nacido en Ornans, un núcleo rural, Courbet rechazó estudiar Derecho y se inclinó pronto por la pintura. En el Louvre tuvo ocasión de ver a los clásicos, la luz de Caravagio y las calidades de Rembrandt y Velásquez, a quienes copió.

    Pero lejos de buscar las viejas temáticas pronto se aficionó a plasmar lo que veía en realidad, fuesen picapedreros o enterradores. El entierro de Ornans (1850) fue un escándalo por lo innovador. Allí retrató a la gente de su pueblo natal, los campesinos, en un momento doloroso, duro, ante la tumba. Fue un prototipo del realismo, y por ello provocador y rechazado.

    La exposición del Grand Palais se articula sobre ocho secciones: el surgimiento del pintor y sus primeros autorretratos, la relación de Courbet con sus raíces, los manifiestos, los paisajes, la relación con la fotografía, la relación con la modernidad, el desnudo, la caza y su vinculación con lo político.

    Courbet alcanza una calidad técnica excepcional, y sus obras son piezas claves del arte del XIX. Una de ellas, magnifica, es el Entierro en Ornans, su pueblo natal, que está presente en esta exposición. Otro ámbito que también le ha dado fama es el de los desnudos. Pintó los primeros en edad relativamente joven, 1840, y siguió con esta temática, con obras provocadoras por su realismo. L´Origine du monde (1866) presenta provocadoramente el sexo femenino, en un cuadro que ha sido calificado como otro icono del erotismo.

    Bebedor, altivo y desordenado, libertario de la Comuna de París, llegó al final de su vida con problemas por el abuso del alcohol. Había sido nombrado por la Comuna, en 1871, director de museos, pero al final de este periodo político fue represaliado, tuvo que pagar una elevadísima multa y dejar el país. Se trasladó a Suiza y pinto multitud de obras, en serie, para sacar dinero para seguir adelante. En el exilio falleció el 31 de diciembre de 1877.

    Son comisarios de la exposición Laurence des Cars y Dominique de Font-Réaulx, conservadores del museo d´Orsay, Gary Tinterow, del departamento de arte XIX en el Metropolitan Museum of Art y Michel Hilaire, director del museo Fabre de Montpellier.

    La Abstracción del Paisaje

    05/10/2007, El paisaje del siglo XIX y la tradición romántica del norte de Europa y América como origen de la abstracción moderna.

    Madrid, octubre de 2007.
    El nacimiento de la Abstracción pictórica desde el espíritu del paisaje. Ése es el argumento de esta exposición, que quiere mostrar visualmente, a través de la obra de grandes maestros, la progresiva transformación del paisaje desde la incipiente espiritualización de sus formas en el romanticismo hasta su disolución total en el expresionismo abstracto americano.

    Inspirada en la propuesta del célebre historiador del arte Robert Rosenblum (1927-2006), La abstracción del paisaje. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto reúne 124 obras sobre papel de 26 artistas europeos y norteamericanos desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko, y también de algunos europeos contemporáneos como Anselm Kiefer y Gerhard Richter, que mantienen en su obra una peculiar relación con la herencia romántica.

    La muestra que presenta ahora la Fundación Juan March, organizada con la colaboración de numerosos museos europeos y norteamericanos, entre ellos el Kupferstichkabinett de Berlín, vincula, desde dicho argumento, casi dos siglos de historia del arte.

    Se inicia el recorrido con tres paisajes a la sepia de Caspar David Friedrich, que han sido calificados como los incunables del romanticismo alemán. Se trata de tres dibujos del primero de sus ciclos (1803) dedicados a Las Estaciones del Año (Primavera, Otoño e Invierno), perdidos desde 1935 y recien reencontrados. La Fundación expone estos tres paisajes en primicia internacional, sólo precedida por la exposición berlinesa que los ha mostrado una vez restaurados.

    Y la exposición concluye con obras de las principales figuras del expresionismo abstracto norteamericano: Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Barnett Newman o Jackson Pollock, y también de dos pintores europeos en activo (Anselm Kiefer y Gerhard Richter) en los que la pervivencia del paisajismo romántico es esplícita y peculiar. Se muestran también obras de autores como Crus, Biechen, Turner, Constable, Van Gogh, Munch, Klee, Kandinsky o Ernst, entre otros, hasta el total de 26 autores que componen la muestra.

    Con motivo de la muestra se ha editado un fantástico catálogo con textos y ensayos del profesor Werner Hofmann, Hein Th. Schulze Altcappenberg, Barbara Dayer Gallati, Dietmar Elger, Cordula Meier, Bernhard Teuber, Olaf Mörke y Victor Andrés Ferreti. Además, en el catálogo aparece una entrevista que el Departamento de Exposiciones de la Fundación Juan March mantuvo con Robert Rosenblum en 2006, poco tiempo antes de su fallecimiento en diciembre del msimo año. En la entrevista Rosenblum habla de su libro y su posible relación con una exposición, sus éxitos y sus críticas y su visión de todo ello treinta años más tarde. Otros textos, citas de artistas, filósofos, poetas y escritores, además de una bibliografía selecta, completan el catálogo, del que se ha hecho una edición en español y otra en inglés para su distribución internacional.

    "La Abstracción del Paisaje. Del Romanticismo Nórdico al Expresionismo Abstracto".
    Fundación Juan March Madrid
    Castelló, 77
    Lunes a sábado de 11 a 20 hrs.
    Domingos y festivos de 10 a 14 hrs.
    Del 5 de octubre de 2007 al 13 de enero de 2008

    Durero y Cranach

    01/10/2007, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento, Del 9 de octubre de 2007 al 6 de enero de 2008.

    Madrid, Octubre de 2007
    Se trata de una exposición centrada en dos de los más grandes artistas de la época renacentista en territorio germánico y que representaron dos corrientes distintas.

    La exposición recoge 234 piezas de pintura, dibujo, estampas, orfebrería, armaduras y otros objetos decorativos, en lo que puede considerarse la primera muestra que se dedica en España al Renacimiento alemán de forma global.

    La exposición se enmarca dentro del acuerdo de colaboración a largo plazo entre el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. Este acuerdo de colaboración, que abarca actividades expositivas, educativas y de difusión, tiene su principal reflejo en la organización de exposiciones que se distribuyen en las dos sedes, lo que posibilita la realización de muestras de gran formato.

    Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento propone un recorrido por el arte alemán desde finales del siglo XV a mediados del siglo XVI, centrada en dos de sus más grandes artistas, Alberto Durero (1471-1528) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), y en menor medida Hans Baldung Grien (1485-1545) o Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538), junto con otros destacados pintores que siguieron la estela de los maestros. La exposición abarca un periodo y unos artistas poco frecuentes en las exposiciones españolas.

    Uno de atractivos es el de ofrecer una visión del arte de la Alemania del Renacimiento desde un punto de vista global, tanto en lo que se refiere a la diversidad de las manifestaciones artísticas, y la importancia que tenían cada una de ellas en su época, como al papel que jugó el arte en los cambios políticos y religiosos que tuvieron lugar en esa época convulsa.

    Así, la exposición recoge pintura y dibujo, grabados y estampas (haciéndose eco de la importancia que supuso la invención de la imprenta para la difusión del conocimiento), diseños, objetos decorativos, y hasta armaduras y otros útiles de la guerra y la caza. Todo ello en su conjunto da una idea no sólo del arte sino también de la sociedad, la política y la religión de esos años en los que se está produciendo un profundo cambio promovido por la Reforma religiosa y el nacimiento de los grandes imperios transnacionales.

    Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento corresponde a una época de grandes cambios y conflictos sociales y políticos, que tendrán su reflejo en el arte. La exposición destaca la contradictoria coexistencia de opciones artísticas y culturales que nos ofrecen por un lado una imagen medida y controlada de la realidad que tendría su mejor referente en algunos aspectos de la obra de Alberto Durero (sobre todo en sus escritos teóricos) frente al gusto de determinados artistas como Altdolfer, Grünewald, Cranach o incluso el mismo Durero en series como El Apocalipsis, por una representación del mundo como drama y conflicto.

    La exposición pone de manifiesto, también, dos funciones muy distintas de la obra de arte. Mientras que en la primera parte de la exposición se hace hincapié en la función estética, en la segunda se verá cómo, sin perder su valor artístico, la imagen puede adquirir aspectos más prácticos y funcionales relacionados con la religión, la representación política o la guerra.

    Distribución por salas

    Este planteamiento tiene su reflejo en la organización de la exposición, de manera que la muestra está dividida en dos partes diferenciadas: una primera parte denominada Los Artistas y su mundo, ubicada en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, y una segunda parte titulada Un mundo en conflicto, en las salas de la Fundación Caja Madrid.

    Las obras que componen la exposición proceden de muy diversas colecciones públicas y privadas. Dentro de estas cabe destacar la excepcional colaboración del Museo del Louvre, así como el generoso e inestimable préstamo procedente de la Colección del Barón Edmond de Rothschild, los más de 30 grabados de la Biblioteca Nacional, o el préstamo de Patrimonio Nacional, en especial un espectacular tapiz con el tema del Apocalipsis de Durero, de 8 x 5 metros, que raramente ha estado expuesto al público, y ocupará un lugar privilegiado en las salas de la Fundación Caja Madrid. También cabe destacar la rica colección de Renacimiento Alemán que tiene el Museo Thyssen-Bornemisza, algunas de cuyas obras más destacadas han sido seleccionadas para formar parte de la exposición.

    Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.
    Fundación Caja Madrid. Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid.

    Brasil, en ARCO 2008

    01/10/2007, La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, uno de los más destacados eventos artísticos del circuito internacional, tendrá a Brasil como país invitado especial en su nueva edición.

    Madrid, octubre de 2007
    La próxima edición -Número 27- de La Feria Internacional de Arte Contemporáneo tendrá lugar en Madrid del 13 al 18 de febrero de 2008. ARCO será un punto de encuentro de coleccionistas europeos, norteamericanos, asiáticos e iberoamericanos que acudirán a esta cita atraídos por la alta calidad de las galerías y propuestas artísticas, así como por el dinamismo del mercado español.

    La presencia de alrededor de 20 galerías brasileñas -seleccionadas por Moacir dos Anjos y Paulo Sergio Duarte-, junto a la programación de más de una docena de exposiciones dedicadas a relevantes figuras del panorama artístico brasileño, en los principales museos y centros de arte de Madrid, contribuirán a promocionar uno los ejes emergentes más significativos de la escena artística actual.

    El éxito de ventas que registró la pasada edición de ARCO y el exponencial crecimiento del mercado del arte en España, han intensificado el interés de galeristas y compradores internacionales, generando grandes expectativas para la edición de 2008, que acogerá la selección de alrededor de 200 prestigiosas galerías de más de 30 países.

    Junto al Programa dedicado a Brasil, ARCO'08 también será escenario de una gran pluralidad de propuestas que se ubicarán en los nuevos pabellones 12 y 14 de la Feria de Madrid. Este nuevo emplazamiento ha permitido una reestructuración del espacio y del diseño de secciones artísticas muy definidas. En esta nueva edición, las galerías se organizarán en las siguientes secciones:

    Programa General, núcleo central de la Feria que reúne a salas de alto nivel de todo el mundo. La novedad de este último espacio será la segmentación de sus propuestas, que incluirá ARCO40 una selección de galerías que presenten obra reciente de un máximo de tres artistas en espacios fijos de 40m2, aportando una nueva visión de la práctica contemporánea.

    Solo Projects, programa que acoge en cada stand propuestas de un solo artista creadas para la ocasión.

    Expanded-Box, una apuesta por las tendencias más actuales que exploran la influencia de las nuevas tecnologías en el arte.

    y la nueva sección Performing ARCO, dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales con intervenciones de obras en vivo (performances).

    Además de los espacios galerísticos, la feria también acogerá en el programa Grandes Colecciones las propuestas expositivas de aquellas entidades públicas o privadas implicadas en la creación de colecciones de arte contemporáneo.

    BRASIL EN ARCO'08 - GALERÍAS SELECCIONADAS:

    Galeria Amparo 60, Galeria Ana Maria Niemeyer, Galeria André Millan, Galeria Anita Schwartz, Galeria Baró Cruz, Bolsa de Arte de Porto Alegre, Box 4, Galeria Brito Cimino, Galeria Celma Albuquerque, Galeria Fortes Vilaça, Galeria Gentil Carioca, H. A. P., Galeria Laura Marsiaj, Galeria Leme, Galeria Léo Bahia, Galeria Luísa Strina, Lurixs, Galeria Manoel Macedo, Galeria Mariana Moura, Galeria Marília Razuk, Galeria Mercedes Viegas, Galeria Nara Roesler, Galeria Novembro, Galeria Oeste, Galeria Paulo Darzé, Galeria Raquel Arnaud, Galeria Triângulo, Galeria valu Oria, Galeria Vermelho, Galeria Virgilio y Ybakatu.

    Huysmans - Moreau

    01/10/2007, El Museo parisino dedicado a Gustave Moreau presenta la muestra "Huysmans - Moreau. Féeriques visions", del 4 de octubre de 2007 al 14 de enero de 2008.

    París, octubre de 2007
    En 1897, un año antes de morir Moreau, éste indicó en su testamento que la casa donde tenía su domicilio, en la calle Rochefoucauld de París, se entregase al Estado, con su obra. Hoy es allí donde se guarda una gran parte de su legado: el museo Gustave Moreau.

    La pintura de Moreau, nacido en París, en 1926, fue popularizada en gran medida por las críticas que hizo de su obra el escritor J. K. Huysmans.

    En 1848 nació en París Charles Marie Georges Huysmans, quien sería conocido como Joris-Karl Huysmans. Murió en 1907, y ahora, cien años más tarde, se celebra una exposición en la que se vincula su obra a la de Gustave Moreau, a quien admiró.

    Descendiente de artistas flamencos, Huysmans estudió leyes y fue funcionario. Su primera obra apareció en 1874, aunque dos años más tarde empezó a escribir artículos de critica artística y literaria.

    Desde el fin de la década de los setenta, Huysmans expresa ya una ferviente admiración por Moreau, a quien descubre en las exposiciones parisinas y de quien admira súbitamente su utilización del colorido y en aire enigmático y espiritual de sus cuadros.

    El escritor, naturalista y pesimista, que expresa frecuentemente un disgusto con la vida moderna, se siente identificado con el simbolismo, al que vincula con los maestros del renacimiento y con lo mejor del romanticismo.

    A lo largo del tiempo, Huysmans publicaría diversas obras de poesía, critica y novela. En el final de su vida se aferró al catolicismo y entró en un convento de los Benedictinos de París (1900). Murió en la capital francesa en 1907.

    Escribió multitud de elogios del pintor simbolista desde que le descubrió en el Salón de París en 1876, e incluso en sus novelas, en las que no faltan los admiradores de las mujeres enigmáticas que pinta Moreau, especialmente la Salomé del cuadro de La Aparición.

    En la obra A Contrapelo, de 1884, Huysmans dice sobre Gustave Moreau que es único; "un místico encerrado en pleno París en una celda en la que no penetra ni siquiera el rumor de la vida contemporánea. Abismado en el éxtasis, ve resplandecer las visiones fantásticas (féeriques visions), las apoteosis ensangrentadas de otras épocas".

    J. K. Huysmans sólo tuvo la ocasión de hablar con Moreau en un encuentro durante una visita al taller del simbolista, en 1885; parece que hubo simpatía entre ambos, pero no se sabe ciertamente la opinión de Moreau sobre el escritor. Lo que no cabe duda es que ambos compartían una fantástica inclinación por un mundo misterioso.

    Musée national Gustave-Moreau: 14 rue de la Rochefoucauld. Paris
    http://www.musee-moreau.fr/

    Cazadores de sombras

    01/10/2007, 16 artistas españoles muestran sus trabajos en el Museo de Arte Moderno, dentro de Fotográfica Bogotá 2007. II Encuentro Internacional de Fotografía. La muestra se inaugura el próximo 9 de octubre.

    Bogotá, octubre de 2007
    SEACEX, y el FOTOMUSEO, con la colaboración del Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación y el Ministerio de Cultura, organizan “Cazadores de sombras” con la participación de 16 artistas españoles.

    La muestra se inaugura el próximo 9 de octubre, enmarcada en la celebración de Fotográfica Bogotá. II Encuentro Internacional de Fotografía, y se podrá visitar en el Museo de Arte Moderno de la capital colombiana, MAMBO, hasta el 16 de noviembre de este año. España es el país invitado de Honor, en esta edición del certamen.

    Cazadores de sombras contiene obras de Mario de Ayguavives, Sergio Belinchón, Tomy Ceballos, Javier Codesal, Manel Esclusa, Pere Formiguera, Amparo Garrido, Germán Gómez, Dionisio González, Anna Malagrida, Alicia Martín, Begoña Montalbán, Rafael Navarro, Concha Pérez, Xavier Ribas y Juan Urrios. El objetivo al seleccionar la obra de estos 16 autores es, en palabras de su comisaria, Rosa Olivares, “mostrar lo que parece y no es, la duda, la ambigüedad…y, sobre todo, la sombra”.

    A la creencia popular de que la fotografía se basa en la realidad, muchos artistas responden, con sus fotografías, que no hay nada más creíble ni más parecido a la verdad, que la propia mentira. En el desarrollo de la fotografía actual -no solo en sus mejoras técnicas, sino también en la facilidad y libertad de su uso-, las imágenes que se nos ofrecen no son tanto esas del “momento preciso”, como las que indican o sugieren hechos, situaciones, momentos, que todavía no han tenido lugar, que incluso tal vez solamente sean insinuaciones o sospechas.

    Como en el cine, la fotografía ha superado la obligación de la narratividad, mientras que ha ganado en emoción y en inteligencia. La verdad ha dejado paso a la posibilidad y la certeza, a la incertidumbre. La fotografía construye, así, un improbable retrato de personas y lugares, un documento de lo que no existe. La sombra se convierte en la protagonista de una fotografía sugerente, subjetiva, cargada de lirismo y, a la vez, plena de posibilidades narrativas.

    Fotográfica Bogotá. II Encuentro Internacional de Fotografía

    La exposición se enmarca en el programa de Fotográfica Bogotá 2007, II Encuentro Internacional de Fotografía, organizada por iniciativa y dirección del FOTOMUSEO. Este año, el certamen está constituido por 58 exposiciones en diversas salas de la capital colombiana, además de exposiciones de calle -en los módulos itinerantes del FOTOMUSEO y en 111 paradas de autobús-. Junto a los autores españoles y a jóvenes colombianos, en el certamen participan artistas de Alemania, Austria, Suecia, Suiza, Estados Unidos, Argentina, Cuba, México y Venezuela.

    Como parte del programa de Fotográfica Bogotá, se celebrará el seminario “Desbordando la objetividad”, al que han sido invitados conocidos fotógrafos (Andrés Serrano, Joel Peter Witkin, Manel Esclusa, Begoña Montalbán), junto a destacados teóricos colombianos, españoles e internacionales, como Gilma Suárez, Estrella de Diego, Fernando Castro Flórez, Rosa Olivares y Jan-Erik Lundström, entre otros.

    Gustavo Torner en Silos

    27/09/2007, El Museo Reina Sofía organiza una exposición de Gustavo Torner en la Abadía de Santo Domingo de Silos: "Gustavo Torner en Silos. Ni orden ni caos". La muestra podrá ser visitada hasta diciembre de 2007.

    Esta exposición la componen un total de cuarenta y ocho obras: veinte collages, una pintura al óleo, nueve esculturas y dieciocho gouaches. Éstos últimos han sido creados especialmente para esta muestra de Silos, por lo que pueden ser vistos ahora por primera vez. Con ellos retoma la exploración que inició con sus primeros gouaches sobre el orden y caos del mundo.

    Las esculturas (2003-2004), Complementarios torcidos, se caracterizan por sus cuadrados partidos y entrelazados, que dan como resultado unas formas angulosas bañadas en oro y montadas sobre una superficie, en muy variadas combinaciones y con distintas inclinaciones.

    Utilizando la técnica del collage, Torner realizó la serie Vesalio, el cielo, las geometrías y el mar, entre 1964 y 1965. Basada en el libro De humani corporis fabrica (1543) de Andreas Vesalio, se trata de un estudio sobre la condición humana y su relación con la naturaleza. Tanto por parte de la crítica como del propio artista, esta serie está considerada entre lo mejor de su producción.

    Gustavo Torner (Cuenca, 1925), artista autodidacta vinculado a la llamada escuela conquense, fue fundador junto con Fernando Zóbel y Gerardo Rueda del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. En 2004 donó la totalidad de piezas que se hallaban en su estudio al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

    Lugar: Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos).
    Fecha: 11-09-2007 al 16-12-2007
    Horarios: Martes a sábado: 10 a 13h. y 16:30 a 18h. Domingos y festivos: 16:30 a 18:30 h. Lunes cerrado.

    Festival de la cerveza de Pilsen

    24/09/2007, El agua blanda de la ciudad de Pilsen, la cebada checa de más alta calidad, el famoso lúpulo Saaz aromático y la levadura son los ingredientes que con ingenio y acierto mezcló Josef Grol en 1842.

    [[cmsimg 4701]]

    Pilsen, República Checa, septiembre de 2007.
    El popular Pilsner Fest tiene lugar entre el 3 y el 7 de octubre en la cuna de la cerveza rubia, Pilsen. Conciertos, concursos y una gran selección de productos gastronómicos checos aderezan una semana de festejos que conmemoran la elaboración del primer barril de cerveza Pilsner Urquell en 1842.

    Josef Grol fue un visionario que introdujo la luz en un mundo de cervezas oscuras y turbias, y logró cambiar hábitos y paladares, que se han ido decantando por el gusto suave y digestivo de la cerveza rubia.

    Para conmemorar el nacimiento de la ‘lager’, el tradicional festival cultural Pilsner Fest involucra a toda la ciudad de Pilsen con un programa que incluye actividades en las tabernas locales, noches de lecturas literarias en el museo, visitas guiadas por la fábrica, concursos enmarcados en las “Pilsner Urquell Olimpiadas” y música. Tres escenarios acogerán las actuaciones de 35 grupos (Monkey Business, 123 min, Jana Kirschner y otros grupos checos) a lo largo de los cinco días de duración del encuentro.

    La ruta imprescindible enlaza la fábrica-cervecería ‘pivovar’ de Pilsner Urquell, el estadio Viktorie, el Museo de la Cerveza y la Plaza de la República. Estas celebraciones reúnen cada año a más de 60.000 personas que consumen alrededor de 350 hectolitros de cerveza.

    Pilsen se encuentra a tan sólo 90 minutos en tren desde la capital checa y posee un precioso centro histórico situado en la confluencia de cuatro ríos. La ciudad fue fundada en el año 1295 por el rey Wenceslao II y pasó pronto a ser el centro cultural y comercial natural de Bohemia Occidental gracias a su favorable posición geográfica. En el siglo XIX se fundaron las dos empresas que han hecho famosa a la ciudad: Skoda y Pilsner Urquell. Hoy Pilsen es la cuarta ciudad de la República Checa, con más de 170.000 habitantes.

    Para conocer a fondo la cerveza checa, considerada bebida nacional, se puede recorrer la Ruta de la Cerveza czechtourism.com, que descubre la historia de marcas tan reputadas como Krusovice, Budejovicky Budvar, Staropramen o Pilsner Urquell.

    Arte y Caballería en España

    24/09/2007, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX y Patrimonio Nacional han organizado en The Palace Museum de Pekín la exposición Arte y Caballería en España. La Real Armería de Madrid.

    Pekín, septiembre de 2007.
    Esta muestra, que cuenta con el patrocinio exclusivo de la Fundación Caja Madrid, es la última gran exposición del amplio programa promovido por SEACEX con motivo de la celebración del Año de España en China

    La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, ha contado en esta ocasión con la valiosa aportación de Patrimonio Nacional para poder presentar en China la exposición Arte y Caballería en España. La Real Armería de Madrid.

    La muestra cuenta con el patrocinio de la Fundación Caja Madrid y con la colaboración de los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, de la Dirección General de Asuntos Exteriores. Ministerio de Cultura de la República Popular China, del Instituto Cervantes y de la Embajada de España.

    Comisariada por Álvaro Soler, conservador de la Real Armería del Palacio Real de Madrid, la muestra ha reunido una selección de 150 piezas de esta colección, que está considerada como una de las más importantes del mundo en su género. A través de estas piezas, muchas de ellas únicas, el objetivo de la exposición es mostrar al público chino una visión lo más completa de esta manifestación artística, testigo del mundo caballeresco como componente importante de la mentalidad española y europea. Las armas de lujo de la colección proceden de diversos países europeos. Forjadas entre los siglos XV y XX también recogen la importancia de España en la historia continental e ilustran la evolución del arte europeo en este periodo a través de estos objetos excepcionales encargados o remitidos a la Casa Real española.

    Más información en:
    SEACEX
    Patrimonio Nacional

    Brasil en la Noche en Blanco

    24/09/2007, ARCO anticipa en la Noche en Blanco la presencia de Brasil como país invitado en la próxima edición de la feria. El colectivo brasileño Assume Vivid Astro Focus presentó la performance titulada Shada Shada La Chatte en Matadero Madrid.

    Madrid, septiembre de 2007.
    La segunda edición de La Noche en Blanco, que se celebró en Madrid el pasado sábado día 22 de septiembre, ha sido una oportunidad privilegiada para que ARCO adelantase los contenidos de su próxima edición, que contará con Brasil como país invitado. Dentro de la programación oficial de la jornada, la Fundación ARCO presentó en las Naves del Español, dentro del espacio Matadero Madrid, la intervención artística Shada Shada La Chatte del colectivo brasileño Assume Vivid Astro Focus (AVAF), comisariada por Berta Sichel.

    AVAF está conformado por dos artistas brasileños afincados en Nueva York que prepararon para su participación en La Noche en Blanco una performance junto con el grupo francés La Chatte. En el espectáculo multidisciplinar Shada Shada La Chatte reinterpretaron "The Force" un antiguo tema de Droïd, banda francesa de finales de los 70 y principios de los 80.

    AVAF es un proyecto estético que combina la psicodelia con el glam, el pop y el kitsch. Este colectivo brasileño toma su nombre del conjunto indie de finales de los 80 Ultra Vivid Scene y del LP Assume Power Focus de la banda industrial Throbbing Gristle. Este grupo es una clara muestra del mestizaje que caracteriza al arte brasileño, donde se combinan influencias distintas y estéticas antagónicas junto con diversas visiones del mundo actual. Sus obras, tanto performances como instalaciones, collages y murales, han sido expuestas en centros de arte de prestigio internacional como el Whitney Museum of American Art o la sede de la Tate Gallery en Liverpool. Sus obras también forman parte de importantes colecciones como la del MoMA de Nueva York o la Judith Rothschild Foundation Contemporary Drawing Collection.

    Esta presentación es sólo un anticipo de la amplia muestra de arte brasileño que inundará Madrid el próximo mes de febrero. Dentro de la 27ª Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, alrededor de 20 galerías brasileñas (seleccionadas por Moacir dos Anjos y Paulo Sergio Duarte), junto a la programación de más de una docena de exposiciones dedicadas a relevantes figuras del panorama artístico brasileño, en los principales museos y centros de arte de Madrid, contribuirán a promocionar uno los ejes emergentes más significativos de la escena artística actual.

    Esta amplia selección de artes plásticas brasileñas estará reforzada por un variado programa paralelo de actividades que reunirá interesantes muestras dentro de las distintas expresiones de la creación contemporánea. Desde cine a conciertos, pasando por las propuestas creativas más innovadoras, el público madrileño podrá conocer a fondo lo mejor del arte de Brasil el próximo mes de febrero.

    Crece la lista de especies en peligro

    13/09/2007, La Unión para la Conservación de la Naturaleza (IUCN) en su informe anual, destaca que la biodiversidad sigue perdiendo la batalla sobre la faz de la tierra. Uno de cada cuatro mamíferos y un tercio de los anfibios están en riesgo.

    Suiza, septiembre de 2007

    La Lista roja de Especies Amenazadas de la UICN está ampliamente aceptada como la evaluación más fiable de la situación de las plantas y animales del mundo. En ella se clasifican las especies de acuerdo con su riesgo de extinción y se hace resaltar con énfasis el actual decline de la biodiversidad del planeta.

    La Lista incluye ahora 41.415 especies, de las cuales 16.306 están en peligro de extinción, en total, 188 más que el año precedente.

    Uno de cada cuatro mamíferos y un tercio de los anfibios están en riesgo. Las aves también pasan por problemas en una de cada ocho especies y las plantas de la lista roja crecen asimismo en número. Muchas especies están desapareciendo y otras sólo se conocen en cautividad.

    Los parientes del hombre, los grandes simios, desaparecen por efecto de la presión humana. El gorila occidental pasa a ser "especie en peligro crítico" las enfermedades y el consumo humano de su carne lo han llevado a ese lugar. los orangutanes de Sumatra y Borneo también le siguen en el declive. En este caso, la deforestación es clave.

    Los buitres tambien lo pasan mal. En Asia, el buitre de cabeza roja (Sarcogyps calvus) pasó de estar en la categoría de especie casi amenazada a la de especie en peligro crítico, en tanto que el buitre egipcio (Neophron percnopterus) pasó de la categoría de preocupación menor a la de en peligro. La rápida disminución de estas aves durante los últimos ocho años se debe al uso del medicamento llamado diclofenac en el tratamiento del ganado.

    En África, se han reclasificado tres especies de buitres, incluidos el buitre de cabeza blanca (Trigonoceps occipitalis), que ha pasado de la categoría de preocupación menor a la de vulnerable, y el buitre de manto blanco (Gyps africanus) y el buitre moteado (Gyps rueppellii), que han pasado de la categoría de especie preocupación menor a la de casi amenazada. La declinación de estas aves se debe a la falta de alimento como consecuencia de la merma de mamíferos silvestres de pasto, la pérdida de hábitat y los choques con los cables eléctricos.

    En el ámbito de reptiles hay que destacar el declive en América. Como resultado de una gran evaluación de los reptiles de México y América del Norte se han agregado a la Lista Roja de la UICN 723 especies, elevando el total a 738 reptiles de esta región. De ellos, 90 especies están amenazadas de extinción. Dos tortugas de agua dulce de México, la tortuga escurridiza de Cuatro Ciénagas (Trachemys taylori) y la tortuga escurridiza pintada (Trachemys ornata), están en las categorías de especie en peligro y especie vulnerable, respectivamente. Ambas especies están amenazadas por la pérdida de hábitat. También se ha incluido en la Lista a la víbora de cascabel de la Isla de Santa Catalina en México.

    Cocodrilos de India y nepal, peces, corales... la lista de especies en declive es dramática.

    Respecto a las plantas, ahora hay 12.043 en la Lista Roja de la UICN, de las cuales 8.447 están consideradas como especies amenazadas. La begonia de tallo lanoso (Begonia eiromischa) ha sido declarada extinta este año. Esta planta de Malasia se la conoce solo por las recolecciones hechas en 1886 y 1898 en la Isla de Penang. Las búsquedas hechas en los bosques cercanos no han permitido encontrar ningún ejemplar en los últimos 100 años.

    Y una curiosidad botánica. Se ha incluido en la Lista Roja al albaricoque silvestre (Armeniaca vulgaris) de Asia Central, el ancestro directo de los frutales ampliamente cultivados en todo el mundo.

    "Hace cinco años, los gobiernos se comprometieron en la Cumbre de la Tierra en Johannesburgo a modificar la tendencia de la extinción de las especies para el año 2010. Desde entonces, la cifra de las especies que integran la Lista Roja subió un 44 por ciento", dijo un representante del Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF).

    Página web:
    http://www.uicn.org/

    Arcimboldo

    13/09/2007, Hasta el 13 de enero, en el museo de Luxembourg, en París, los amantes del arte podrán conocer un poco más de un artista relativamente misterioso, Giuseppe Arcimboldo.

    París, septiembre de 2007

    El pintor italiano nació hacia 1526 en Milán, donde falleció en 1593, trabajando en el curso de su vida en distintos puntos de Italia, entre ellos Roma. Buena parte de su vida la pasó al servicio de los Habsburgo, en la corte de Praga.

    La muestra reúne un centenar de obras, entre las que están sus famosas cabezas compuestas realizadas con la yuxtaposición de plantas, frutas y otros elementos, procedentes de diversas colecciones. Pero además se cuenta con otros materiales, cuadros, dibujos, tapicerías...

    Algunas obras relacionadas con la vida y obra del artista permiten un mejor acercamiento a Arcimboldo y su producción. Está al frente de la exhibición Sylvia Ferino, del Kunsthistorisches Museum de Viena, donde se expondrá el conjunto a partir de junio de 2008.

    Algunos datos de Arcimboldo:
    Es un artista casi desconocido y singular, cuya obra tiene una rara modernidad que a veces le acerca a pintores como los surrealistas, en especial a Dalí.

    En Praga, a donde llegó en 1552, estuvo al servicio de Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II. Este último le tuvo en particular estima. Retrató a su mecenas como la divinidad romana Vertumno (este cuadro también se exhibe en París). Tras la muerte de Rodolfo II, volvió a residir a su Milán natal.

    Comparado a veces con da Vinci, por sus características de hombre complejo y multidisciplinario, Arcimboldo fue también constructor de máquinas, instrumentos musicales e ingenios diversos.

    Grandes Maestros de los Siglos XVI al XIX

    13/09/2007, El Museo Nacional del Prado y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) presentan en el Shanghai Museum De Tiziano a Goya. Grandes Maestros del Museo del Prado.

    Shangai, 13 de septiembre de 2007.

    La muestra, que se inauguró el pasado 12 de septiembre, ofrece una extraordinaria representación de los grandes maestros de los siglos XVI al XIX que atesora el Museo Nacional del Prado.

    Esta exposición, que ya se ha podido ver en el National Art Museum of China (NAMOC) de Pekín, se inscribe dentro del amplio programa promovido por SEACEX con motivo de la celebración del Año de España en China.

    La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, ha contado en esta ocasión con la valiosa aportación del Museo Nacional del Prado para poder presentar en China la exposición De Tiziano a Goya. Grandes Maestros del Museo del Prado, que se podrá visitar en el Shanghai Museum hasta el 12 de noviembre. La muestra cuenta con el patrocinio especial de BBVA, miembro benefactor del Museo del Prado, de GAMESA y de BERGÉ Automoción, así como con la colaboración de los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, del Ministerio de Cultura de China, del Instituto Cervantes y de la Embajada de España.

    La exposición, comisariada por Juan J. Luna, Conservador Jefe del Departamento de Pintura del S. XVIII del Museo del Prado, reúne cincuenta y dos extraordinarios ejemplos de la más distinguida tradición del arte occidental. Se trata de la primera presentación oficial de un museo nacional español en China y uno de los acontecimientos más destacados del programa de SEACEX en este país.

    La exposición incluye efigies de personajes célebres, temas religiosos, asuntos históricos, anécdotas mitológicas, alegorías profanas, escenas populares, naturalezas muertas y luminosos paisajes que se deben a los pinceles de algunos de los autores europeos más relevantes, comprendidos cronológicamente entre el sólido sentido triunfal renacentista de Tiziano, cima de la escuela veneciana del siglo XVI, y la titánica y expresiva magnitud universal de Goya, apogeo de la tradición pictórica española en la transición del siglo XVIII al XIX.

    La muestra se desarrolla en cinco secciones:

    La primera sala muestra a través de ilustraciones, una visión de la trayectoria histórica del Museo Nacional del Prado y de la composición de sus colecciones.

    La segunda sala está dedicada al siglo XVI, con diversas obras de escuela veneciana como por ejemplo el Retrato de Felipe II y Venus recreándose con el amor y la música; de Tiziano, El joven entre la Virtud y el Vicio de Veronés; Judith y Holofernes de Tintoretto; Los israelitas en el desierto bebiendo el agua milagrosa de Jacopo Bassano, y La dama que descubre el seno de Domenico Tintoretto, así como el Retrato del Emperador Maximiliano II de Antonio Moro perteneciente a la escuela flamenca. También se mostrarán piezas de escuela española representada por Sánchez Coello con el lienzo Las Infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela y por El Greco con las obras Cristo abrazado a la cruz, Fábula, Caballero joven y San Juan Bautista y San Juan Evangelista.

    En la tercera sala se podrán ver varios lienzos de las escuelas italiana, flamenca, francesa y española. De la italiana estarán las obras Santa Margarita resucita a un muchacho de Serodine, San Pedro liberado por un ángel de Guercino y Cleopatra de Guido Reni. El artista más destacado de la escuela flamenca será Rubens del cual se exponen dos obras de tema mitológico: Saturno devorando a un hijo y Ninfas y sátiros. A continuación se ha seleccionado el Retrato del Cardenal-Infante Don Fernando de Austria y La Piedad de Van Dyck, y La familia del pintor de Jordaens, concluyendo con la obra Fiesta Campestre de Teniers. La escuela francesa está representada por Santa Cecilia de Poussin, Paisaje con el entierro de Santa Serapia de Claudio de Lorena y Ciego tañedor de zanfonía de Georges de La Tour. Por último, estimando el papel que tuvo José de Ribera en Italia y en España, se exponen también en esta sección La Magdalena penitente y Escultor ciego (o Alegoría del Tacto).

    La excepcional calidad y originalidad de la pintura de naturaleza muerta en Europa durante el siglo XVII permite exponer, también en esta sala, un grupo de piezas de diferentes pintores como La frutera, de Snyders; Bodegón, de Zurbarán; Cesta, caja y tarros de dulces, de Van der Hamen; Bodegón de uvas, manzanas y ciruelas, de Juan Bautista de Espinosa y Cesta de flores, de Arellano. Cierra esta serie un espectacular Florero, del italiano Belvedere. A la vez, en la misma estancia figuran las obras de Velázquez Supuesto retrato de Francisco Pacheco, Retrato de Doña María de Austria, Reina de Hungría, Retrato del bufón Don Diego de Acedo "El Primo" y Vista del jardín de la Villa Medicis de Roma. Completan este espacio los lienzos Santa Isabel de Portugal, de Zurbarán, El tránsito de la Magdalena, de Antolinez y El Embajador Potemkin, de Carreño de Miranda.

    La sala final alberga la sección del siglo XVIII. De la escuela francesa se expone Vista del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial de Houasse, y Pan y Siringa de Boucher; de la italiana El triunfo de Venus de Tiépolo y de la alemana, Retrato de la archiduquesa María Teresa de Habsburgo-Lorena, de Mengs. En lo relativo a la escuela española hay un Bodegón de Luis Meléndez y el Autorretrato en el estudio, de Luis Paret y Alcázar. Para concluir la exposición se destaca la figura de Francisco de Goya con cinco pinturas: El Quitasol, La gallina ciega, Vuelo de brujas, El Infante Don Carlos María Isidro de Borbón y Aves muertas.

    En esta exposición única se pueden contemplar algunas de las piezas más renombradas de famosos autores, marcadas todas ellas por la culminación de una excelencia artística, que permiten observar cómo épocas y escuelas dispares cristalizaron de manera sensacional y fascinante en el grandioso ámbito de la pintura universal.

    Desnudos ante el glaciar

    11/09/2007, Desnudos ante la nieve. Cientos de personas desnudas afrontan con valor el frío para denunciar los impactos del cambio climático en el Glaciar de Aletsch en los Alpes suizos.

    Berna, septiembre de 2007

    Los voluntarios, de diversas nacionalidades, posaron desnudos para el conocido artista de instalaciones Spencer Tunick, que trabaja en una colaboración extraordinaria con Greenpeace. La última espectacular escultura viva de Tunick crea una conexión entre la naturaleza humana y los glaciares, que se están encogiendo a consecuencia del cambio climático.

    "El cuerpo humano es tan vulnerable como el glaciar que se funde", declaró Markus Allemann, Director de Campañas de Greenpeace Suiza, "Estas personas desnudas afrontan el frío de hoy porque quieren que las fuerzas políticas y económicas tomen inmediatamente medidas radicales y valientes para proteger nuestro clima. Todavía estamos a tiempo, pero se está acabando".

    Si el calentamiento global continúa a la velocidad actual, la mayoría de los glaciares en Suiza desaparecerán completamente para 2080, dejando como rastro nada más que valles y laderas cubiertas de escombros de piedra, según greenpeace.

    En los últimos 150 años, la superficie de los glaciares alpinos se ha reducido aproximadamente en una tercera parte, su masa ha llegado a la mitad, y este retroceso se acelera. El Glaciar de Aletsch se retiró 115 metros en un solo año, de 2005 a 2006.

    Spencer Tunick ha dicho que quiere que las personas se den cuenta de que el cambio global del clima no es un asunto abstracto, sino una amenaza peligrosa que afecta a todos. "Quiero que mis imágenes lleguen más allá de la piel. Quiero que los espectadores perciban la vulnerabilidad de su existencia y cómo ésta está relacionada con los glaciares del mundo", afirmó.

    Dualidad, secuencialidad y pensamiento crítico.

    06/09/2007, Los artistas Luis Gordillo y Manuel Quejido presentan, del 13 de septiembre al 12 de noviembre, sendas retrospectivas de su trabajo en el Museo de Bellas Artes de Caracas.

    Caracas, septiembre de 2007.
    Dualidad y secuencialidad de Gordillo
    Esta muestra reúne un conjunto de pinturas, dibujos, grabados y fotografías que ofrecen una lectura antológica de los últimos cuarenta años de producción artística de Luis Gordillo (Sevilla, 1934). La muestra se compone de cincuenta piezas en las que muestra la importancia que para el artista tiene la serie y la repetición, y su idea de que una imagen sometida a reproducción permanente nunca alcanza un estado definitivo.

    De esta manera, la dualidad y la secuencialidad son una constante en su obra. Gordillo, artista singular y excesivamente forzado a encajar en categorías en las que no termina de adscribirse del todo, ha mostrado siempre un profundo interés por el psicoanálisis. Pasión que se refleja en su trabajo desde los años cincuenta, siempre fiel a un cierto espíritu de pensamiento trágico y existencialista. Galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2007, Luis Gordillo constituye una figura relevante del arte español contemporáneo.

    El pensamiento crítico de Manuel Quejido
    Esta exposición propone una visión retrospectiva de las etapas más importantes de la producción artística de Manolo Quejido (Sevilla, 1946), iniciada con la experimentación vanguardista a mediados de los años 60. Su compromiso con la realidad política y social lo impulsó a buscar una forma de expresión que le permitiera conformar un pensamiento crítico acerca de los acontecimientos más importantes de su país y del mundo.

    La muestra se divide, a modo de retrospectiva en: “La Dificultad” (1964-1974), etapa en la que el autor busca un lenguaje propio; “La Pintura” (1974- 1993), serie de dibujos y cuadros al óleo en los que reivindica su relación con la historia de la pintura occidental y “La Resistencia” (1993-2005), último periodo de su producción, en el que realiza una defensa del acto de pintar en un mundo marcado por la desigualdad en la distribución social de la riqueza y por un consumo compulsivo de imágenes que desactiva la capacidad subversiva de las creaciones artísticas.

    Comisarios
    José Lebrero y Luis Gordillo (Luis Gordillo);
    José Lebrero (Manuel Quejido)

    Organiza
    SEACEX, Junta de Andalucía y Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

    Colaboran
    Ministerio de Cultura y Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación

    Más información en:
    http://www.seacex.com

    Made in China, en el Museo Israel

    05/09/2007, Tras el éxito de "China: Cien Obras Maestras", que presentó joyas de arte chino, desde bronces del neolítico hasta porcelanas de la época Ming, el Museo Israel, Jerusalén, presenta un nuevo capitulo relativo a la modernidad del país.

    Jerusalén, Septiembre de 2007
    “Made in China: Arte Contemporáneo de la Colección Estella” incluye artistas ya reconocidos junto a las estrellas ascendientes en el panorama del arte internacional contemporáneo: Ai Weiwei, Chen Shaoxiong, Huang Yan, Ma Liuming, Qiu Ahijie, Wang Ningde, Zhang huan y Zhang Xiaogang.

    La Colección Estella de Nueva York es una de las más amplias del arte Chino contemporáneo. Los cincuenta y siete artistas presentados en la exposición nacieron antes durante o inmediatamente después de la Revolución Cultural (1966-76) y la atmósfera extremadamente politizada de ese periodo, unida a la tragedia de la Plaza de Tiananmen en 1989, fueron el crisol en que su arte se formo.

    Mientras que algunos de estos artistas viven en la China, muchos de ellos forman parte de la diáspora China, residiendo en los EEUU, Europa y Australia. Los trabajos presentados muestran una vasta paleta de medios de expresión, incluyendo pintura, dibujo, escultura, fotografía, video e instalaciones.

    “La increíble variedad de expresión reflejada en los trabajos de estos artistas es prueba de la fértil creatividad que puede emerger en cualquier encuadre sociopolítico” declara James S. Snyder, director del Museo. “Cada uno de los trabajos en esta exposición refleja el dialogo entre el artista y los temas resultantes de la vida en la China durante este periodo de dramática transformación".

    El Legado de Mao
    El legado de Mao Tse-Tung es evidente en los trabajos de muchos artistas que le sucedieron. Aunque ya han transcurrido treinta anos desde su muerte, la enorme influencia de Mao sobre la cultura China contemporánea y el sello de su imagen en la memoria colectiva de la sociedad China siguen presentes. Durante la época de Mao, la creatividad artística estuvo supeditada al control oficial y obligada a servir los objetivos sociales del estado. La glorificación del obrero, el soldado y, particularmente el mismo Mao, fue típica del estilo socia-realista de su época y sirvió para resaltar el perfil popular del líder. Las imágenes de Mao fueron producidas en masa durante los años de la Revolución Cultural. Varias de las obras presentadas en Made in China son una muestra de ese culto de la imagen y la personalidad: Yue Minjun, en su obra Liu Chunhua- Mao en camino a Anidan, utiliza una de las imágenes mas reproducidas de Mao con un típico paisaje Chino de fondo, elimina la figura de Mao y deja solamente el paisaje; El Manto Legado, una escultura de Sui Jianguo, presenta la chaqueta de Mao, emblemática de su régimen, como una concha hueca; Yu Fan, en su obra El Sacrificio de Liu Hulan presenta a la famosa mártir comunista de la revolución, no en su actitud de desafió en su atuendo a la Mao como aparecía en las esculturas heroicas y panfletos de propaganda, sino como una niña truncada brutalmente, con la dignidad de un individuo más que de un mártir prototípico.

    Dialogo con la Tradición
    Durante la época de Mao, la pintura socio-realista ocupo el lugar público tradicionalmente acordado a la caligrafía que fue condenada por Mao, junto con otras artes clásicas chinas, por ser símbolo del elitismo de la China conservadora. Durante los años transcurridos desde la muerte de Mao, muchos artistas Chinos retomaron el dialogo con esta forma de arte tradicional, ya sea a través de la creación de obras seudo-caligráficas o a través del uso de superficies e instrumentos no tradicionales. Por ejemplo, la instalación La palabra viviente de Xu Bing consiste en mas de 400 caracteres Chinos revoloteando en el espacio- estos ideogramas Chinos representan la evolución de la palabra pájaro a través de distintos periodos históricos, mostrando el desarrollo de la escritura China a partir de simples representaciones hasta los signos más abstractos. En la obra Árbol Genealógico de Áng. Huan, el artista dirige las acciones de tres calígrafos que escriben en su rostro los textos elegidos por el; lo hacen repetidas veces hasta que el significado de la caligrafía desaparece, como también los rasgos de la cara de Áng.

    Tradicionalmente el arte Chino estaba íntimamente relacionado al paisaje, hasta que esta tradición fue abolida durante la Revolución, y actualmente los artistas contemporáneos vuelven a esa tradición en diferentes formas. La obra Paisaje Chino-Tattoo, realizado sobre el cuerpo del artista Huang Yan enfatiza la fuerza vital o qi, que estuvo siempre presente en el paisaje de la pintura tradicional China, y corrobora como el legado cultural Chino ha dejado una marcada huella en su pueblo. El fotomontaje Paisajes No. 1-6 de Liu Wei, alude a la continua presencia de la tradición mientras que entabla un dialogo humorístico con el recalcitrante tabú Chino en lo que concierne a desplegar el desnudo.

    Hacia una Nueva China
    Las extensas reformas llevadas a cabo hoy en China, y la velocidad vertiginosa con que son aplicadas, son cardinales en la creación de muchos artistas. La Vieja China es demolida casi del día a la noche, el país se transforma en un poder económico global, y los vestigios del pasado desaparecen rápidamente. En La Caída de una Urna de la Dinastía Han de Ai Weiwei, el artista toma una obra de arte histórico y destruye su valor nominal al dejarla caer, creando conjuntamente una obra de arte conceptual contemporánea. Shao Yinong y Mu Chen, en sus series Recinto de Asambleas prueban evitar la desaparición de un fragmento del pasado, ilustrando los recintos usados en el pasado para reuniones políticas locales y que hoy en día cumplen funciones totalmente distintas o están simplemente expuestos a un continuo proceso de erosión.

    Con la desaparición de la identidad colectiva instituida por el estado, los artistas Chinos contemporáneos se sienten libres para salir a la búsqueda de una nueva individualidad e identidad. En Serie de Intercambio Cang Xin trae a colación los problemas fundamentales inherentes a los esfuerzos de la juventud en China para crearse una identidad totalmente distinta a la de sus padres. A través del cambio de vestimenta entre personas de distintas ocupaciones, el artista cuestiona el papel que juegan las apariencias al definir nuestra identidad.

    La exposición Made in China fue organizada por el Museo Luisiana de Arte Moderno, Dinamarca y fue comisariada en Jerusalén por Suzanne Landau,

    El Museo Israel, Jerusalén
    El Museo Israel es la institución cultural más grande en el Estado de Israel y es considerado uno de los más importantes museos de arte y arqueología en el mundo. Fundado en 1965, alberga colecciones enciclopédicas cubriendo periodos desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo.

    Expedición África 2007 Los últimos indígenas

    05/09/2007, Una expedición del catedrático de Antropología Francisco Giner Abati se dispone a realizar un viaje de seis meses recorriendo más de 50.000 kilómetros para visitar más de 20 países del continente africano.

    Salamanca, septiembre de 2007
    El principal objetivo de esta expedición consiste en producir documentales cinematográficos de algunas de las más remotas y menos aculturadas sociedades de pequeña escala del África subsahariana. En los 18 años de experiencia en antropología visual en esta región, el equipo ha constatado los problemas y desafíos a los que se enfrentan estas poblaciones, así como la destacable fortaleza y resistencia de sus formas tradicionales de vida, que han existido durante miles de años.

    El propósito general, tanto científico como educacional, es comprender los aspectos universales del comportamiento humano y su diversidad cultural, los cuales, se cree que amplían la perspectiva que tenemos sobre nuestra propia sociedad.

    Diferentes disciplinas se ocupan de estudiar las problemáticas tendencias de nuestra sociedad que afectan nuestra salud física, social y psicológica. Diversas tendencias conducen actualmente hacia enfermedades modernas como la obesidad, insomnio, alcoholismo, drogadicción, hipertensión, estrés, aislamiento y depresión, solo por nombrar algunas. Otras enfermedades y carencias afectan a las poblaciones que va a estudiar la expedición, que pretende llevar a cabo una investigación científica sobre calidad de vida y salud en culturas africanas no industrializadas para su comparación con la de países occidentales. Según Giner Abati es esencial documentar las fortalezas y debilidades de las sociedades tradicionales para aprender de ellas, antes de que los devastadores cambios actuales borren este importante legado de la adaptación humana.

    Esta investigación supone un conocimiento necesario para la cooperación humanitaria. La expedición comenzará con ayuda humanitaria directa con los pueblos con los que conviva. El equipo quirúrgico, medicación y formación en prevención serán los principales instrumentos en su cooperación directa. Los fondos recaudados se usarán en colaboración con las oficinas de la AECI y ONGs que trabajen en cada zona.

    Más información en:
    http://www.usal.es/~africa2007/

    Guia de Estrasburgo

    04/09/2007, La Guía de Estrasburgo se ha enriquecido con una extraordinadia galería fotográfica, en la que están presentes algunos de los mejores detalles artísticos de esta capital europea.

    Estrasburgo, septiembre de 2007.

    Estrasburgo es una de las más bellas ciudades europeas, heredera de tradiciones culturales propias, con reminiscencias francesas y alemanas. En Estrasburgo se sintetiza una visión de la Europa culta, de elevado nivel de vida, respetuosa con la tradición.

    El centro histórico de Estrasburgo está en una isla rodeada por las aguas fluviales de l´Ill. Esto le da al conjunto una fuerte identidad. En este casco urbano se asienta una gavilla de excelentes monumentos, entre los que descuella la catedral.

    La fachada catedralicia es extraordinaria, de gótico radiante, obra maestra de de Erwin Steinbach. Asombra su vigor vertical, sus airosas lancetas y su estatuaria. La torre es altísima. Fue la más alta del mundo, hasta que en el final del XIX le arrebató el título la catedral de Colonia.

    ....Y mucho más, como la Petite France, el viejo y encantador barrio lleno de construcciones tradicionales y de aire jovial.

    Una ciudad para gozar y para aprovechar como punto de partida, por ser capital del valle medio del Rin y lugar-base idóneo para descubrir desde allí Alsacia, Baden, la Selva Negra y los Vosgos.

    Guias de la zona:

    Guia de Estrasburgo
    Guia de Colmar
    Ruta de los vinos
    Guía de Baden-Baden
    Guía de Breisach
    Guía de Friburgo
    La selva negra

    Patrimonio Mundial de la UNESCO

    04/09/2007, Ya van más de treinta años desde que la UNESCO inició su política de distinguir los lugares emblemáticos del Patrimonio Mundial. Ahora los territorios o monumentos distinguidos alcanzan ya la cifra de 851.

    París, septiembre de 2007
    En noviembre de 1972 la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, UNESCO, acordó en una Convención del Patrimonio Mundial, Cultural y Natural el objetivo de dar una protección especial para aquellos enclaves destacados del patrimonio universal.

    La tarea avanzó y este año, el Comité del Patrimonio Mundial reunido en Christchurch, Nueva Zelanda, incluyó los ultimos veintidós sitios en la Lista del Patrimonio Mundial, a la vez que retiró uno de ellos, en una decisión acertada, que condena públicamente la desidia en la conservación de uno de estos lugares.

    Las últimas inscripciones atañen a 16 sitios culturales, cinco naturales y uno mixto (cultural y natural).

    El Comité adoptó una decisión sin precedentes en la historia de la Convención para la Protección del Patrimonio Mundial Cultural y Natural, al retirar de la Lista del Patrimonio Mundial el sitio del Santuario del orix árabe (Omán). Esta medida obedece al hecho de que Omán ha incumplido su compromiso de preservar el valor universal excepcional de este sitio natural.

    Tras las nuevas inscripciones efectuadas este año, la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO comprende ahora 851 sitios en total, desglosados así: 660 culturales, 166 naturales y 25 mixtos.

    El patrimonio inmaterial
    Pero hay otra lista que hay que potenciar, para que tambien tenga un relieve mundial: la del Patrimonio Inmaterial. Existen lenguas, tradiciones, expresiones orales, artes escénicas, prácticas sociales, rituales, acontecimientos festivos, conocimientos y prácticas relativos a la naturaleza y el universo y técnicas artesanales que distinguen a unas culturas de otras y que merecen ser preservados para las generaciones futuras.

    La "Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad" vela por la preservación de estas muestras vivas de la creatividad humana. En 2006 tuvo lugar su entrada en vigor, tras la ratificación del texto por 30 Estados. El número de ratificaciones sigue aumentando a buen ritmo. En junio de 2007, 79 estados habían depositado ya sus respectivos instrumentos de ratificación, aceptación o aprobación.

    Entre los ejemplos significativos de este patrimonio inmaterial, cabe citar las obras maestras del patrimonio oral e inmaterial de la humanidad, que fueron proclamadas en 2001, 2003 y 2005 (un centenar, aprox.). Las tradiciones y expresiones orales de los Pigmeos Aka (República Centroafricana) o de los ifugao en Filipinas (relatos hudhud); el Ballet real de Camboya; el carnaval de Binche en Bélgica, las fiestas dedicadas a los muertos en México, la representación del Misterio de Elche, España...

    El trabajo es amplio. Hay propósitos de potenciar la lista de Patrimonio Inmaterial y complementarla con otra: la lista del inmaterial amanazado, que requiere medidas urgentes de salvaguardia.

    Conoce el Listado del Patrimonio Mundial de la UNESCO en:
    SalvarPatrimonio

    Por las montañas suizas

    03/09/2007, Sin duda, La imagen de Suiza está asociada a un paisaje de lagos y montañas. No es raro, porque en el país hay 48 cimas con una altura superior a 4.000 metros.

    Berna. Septiembre de 2007
    El territorio suizo está caracterizado por la presencia de la cadena montañosa de Los Alpes, que ocupa buena parte del país, especialmente el centro-sur. De esta circunstancia deriva la presencia de numerosos lagos, algunos de ellos de origen glaciar, y de numerosos ríos. Aquí nacen entre otros el Ródano y el Rin.

    Esa geografía atormentada, por las montañas alpinas y del Jura, determina la naturaleza y la historia del país. La propia inaccesibilidad de gran parte del territorio facilitó a los suizos su espíritu de independencia y sus acusadas tradiciones de vida y gobierno.

    Si es invierno, ofrece el país excelentes oportunidades para el turismo de nieve, pero en el resto de las estaciones del año no tiene menor atractivo, por sus poblaciones, paisajes, cultura y gastronomía. Siempre habrá una montaña en el horizonte.

    Según recuerda swiztzzerland.com –publicación oficial de Turismo de Suiza- la montaña más conocida es el monte Cervino (Matterhorn), la montaña nacional de Suiza, con una altura de 4.478 metros, pero que ocupa el número cuatro del ranking de cimas helvéticas.

    Es una cima mítica. El 14 de julio de 1865 un grupo de siete alpinistas, guiados por Edward Whymper de Gran Bretaña, alcanzaron por primera vez la cumbre de la misma. Cuatro de los siete aventureros perdieron la vida en el descenso.

    La silueta del Cervino es tal vez la más fotografiada de Suiza. Un lugar interesante para hacer excursiones por la zona es Zermatt, pueblo del Valais en medio de este mundo de bosques, montañas y glaciares

    Aunque Suiza es conocida mundialmente como el "País de las montañas", la cima más alta de Europa occidental se encuentra cercana, pero en territorio francés. Es el Mont Blanc, 4.809 metros sobre el nivel del mar.

    Las cumbres más altas de Suiza son: Monte Rosa (Dufourspitze, 4.634 m), Dom (4.545 m), Weisshorn (4.506 m) y el monte Cervino (4.478 m).

    No es raro que el pueblo habitado de Europa que se encuentra a mayor altitud esté aquí. Se llama Juf y se encuentra a 2.126 metros. Pertenece al municipio de Avers en los Grisones.

    Aproximadamente 24 habitantes, de seis familias, habitan este antiguo asentamiento Walser ; denominado así porque proviene de una migración llegada del Valais y que sigue hablando alemán, en un territorio de habla originaria retorromana.

    Exhuberante Gaudi

    23/08/2007, Tras el éxito obtenido en Beijing, donde ha recibido más de 170.000 visitantes, la exposición "Cosmos Gaudí. Arquitectura, geometría y diseño" viaja ahora a Shanghai.

    Shanghai, agosto de 2007.

    Según su comisario, Daniel Giralt-Miracle, la exposición trata de acercar al visitante los distintos mundos que constituyen el Cosmos Gaudí, analizando su época, sus edificios, estructuras o materiales, combinando para ello diversos recursos como fotografías, audiovisuales, maquetas, infografías y muebles. La exposición ha sido a cogida con gran interés por el público chino, y prueba de ello son las más de 170.000 personas que la visitaron en el Capital Museum de Beijing, del 31 de mayo al 2 de agosto pasados.

    Frente a la obra de Antoni Gaudí (1852-1926) existe el riesgo de dejarse deslumbrar por la exhuberancia de sus formas, por la riqueza de sus colores o por la magia de su simbolismo. Las postales, los carteles, los libros ilustrados, los audioviuales nos muestran la parte más epidérmica de Gaudí, pero para conocer su obra en profundidad hay que situarlo en su tiempo y penetrar en sus edificios, vivir sus espacios, analizar sus estructuras, los materiales que utilizó y las técnicas que aplicó.

    Más información en:
    SEACEX

    Actividades en la Fundación Juan March

    23/08/2007, Vargas Llosa inicia en septiembre las actividades culturales del próximo curso de la Fundación Juan March en Madrid, donde también se inaugura la exposición "La Abstracción del Paisaje".

    Madrid, agosto de 2007.

    "POÉTICA Y NARRATIVA"
    El escritor hispano-peruano Mario Vargas Llosa hablará, el martes 25 sobre "Escribir una novela" y el jueves 27 de septiembre mantendrá con el escritor y periodista Juan Cruz un "Diálogo sobre la ficción en la novela y el teatro".

    También en esa última semana de septiembre, el miércoles 26 de septiembre comienza la programación musical de esta institución con una Aula de Reestrenos, a cargo del pianista veneciano Brenno Ambrosini, quien interpretará, en homenaje a Scarlatti, con motivo del 250 aniversario de su muerte, obras -todas ellas, estrenos- de Carlos Cruz de Castro, Tomás Marco, Zulema de la Cruz, Javier Jacinto y Juan Medina.

    "LA ABSTRACCIÓN DEL PAISAJE. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto"
    La Fundación Juan March también inicia en Madrid, el próximo 5 de octubre, su temporada de exposiciones con LA ABSTRACCIÓN DEL PAISAJE. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto, que reúne un centenar de obras sobre papel, de treinta artistas europeos y norteamericanos, desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko. La propuesta del recientemente fallecido ensayista Robert Rosenblum -el paisaje romántico decimonónico como origen de la abstracción moderna- inspira esta exposición.

    Efectivamente, basada en el conocido ensayo de Rosenblum, La pintura moderna y la tradición del romanticismo nórdico. De Friedrich a Rothko (1975), esta exposición que va a ofrecer la Fundación Juan March quiere mostrar la conexión pictórica, estética e histórico-cultural, que existe entre la tradición del norte de Europa, especialmente entre el paisajismo del primer romanticismo, y la abstracción moderna europea y norteamericana, mostrando una sugestiva suerte de "nacimiento de la abstracción desde el espíritu del paisajismo romántico". En la tradición de las muestras históricas sobre romanticismo y pintura de paisaje, tan frecuentes, esta exposición vincula, desde dicho argumento, casi dos siglos de historia del arte.

    Organizada con la colaboración de numerosos museos europeos y norteamericanos, entre ellos el Kupferstichkabinett de Berlin, con 35 préstamos, esta muestra, constituida por obras sobre papel, traza un recorrido histórico por más de una treintena de autores desde 1802 hasta nuestros días.

    LA ABSTRACCIÓN DEL PAISAJE. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto está compuesta por más de un centenar de obras, aproximadamente la mitad de autores del siglo XIX y la otra mitad del XX. Inician el recorrido tres paisajes a la sepia de Caspar David Friedrich, de 1802 -primavera, otoño e invierno-, de las cuatro estaciones del primero de sus ciclos de Jahreszeiten, perdidos desde 1935 y recién reencontrados. La Fundación Juan March expondrá estos tres paisajes en première mundial, solo precedida por la pequeña exposición berlinesa que los ha mostrado una vez restaurados. Y se concluirá con obras de las principales figuras del expresionismo abstracto norteamericano: Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Barnett Newman o Jackson Pollock, y también de dos pintores europeos contemporáneos - Anselm Kiefer y Gerhard Richter- en los que la pervivencia del paisajismo romántico es explícita y peculiar. Se muestran también obras de autores como Carl Gustav Carus, Carl Blechen, Turner, Constable, Van Gogh, Munch, Klee, Kandinsky o Max Ernst, así hasta treinta.

    Más información en:
    Fundación Juan March

    Sabores y Lenguas

    23/08/2007, Un acercamiento a la ciudad, su complejidad, diversidad y caos. La ciudad como plato contenedor de todos los gustos del país, como contenedor de la memoria colectiva y de las vivencias e historias de sus ciudadanos.

    Buenos Aires, Agosto de 2007
    Sabores y Lenguas, que se expuso en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires del 26 de julio al 26 de agosto de 2007, muestra la importancia que Antoni Miralda otorga a la manera en que la comida y los ingredientes de la cocina contribuyen a moldear la cultura y el gusto. Para Miralda, la cultura no se encuentra aislada tras las paredes de las instituciones, sino que está en la esfera del dominio público y en los ritos sociales compartidos. Entre estos, en primer lugar, el de compartir la comida.

    Miralda propone un paradigma cultural que apunta a una comprensión alternativa de la globalización como un “punto de encuentro” que, metafóricamente, congrega a la gente en torno a la mesa. Lejos de la sociedad hipnótica del espectáculo, Miralda ofrece una forma participativa de comportamiento social, basada en la particularidad de la interacción humana, y una economía de festivo intercambio. Rechaza el modelo neoliberal imperante de la globalización y advierte que “las antiguas tradiciones culturales (las recetas, los refranes, los ingredientes) están desapareciendo en el mundo moderno de la cultura internacional de comida rápida, las comunicaciones electrónicas...”. Frente a esto, propone algo más que una mera reunión museográfica de información relacionada con la comida.

    El FoodCulturaMuseum, un proyecto de Miralda, en proceso y colaborativo, reúne una enorme cantidad de objetos relacionados con el comer, incluyendo la transformación de la comida en objetos envasados, y la consideración de la relación de la cultura de la comida con el hambre, la escasez de alimentos, y la desnutrición.

    Hay algo antropológico en los proyectos de Miralda y en su deseo de reunir información de distintas ciudades en lo que él llama “la cultura de la comida”. Por ello, en cada ciudad que visita se recopila información para el Archivo FoodCultura y se van creando nuevas obras para la exposición.

    Sabores y Lenguas en un proyecto que se inicia en la Bienal de Estambul de 1997. Se ha presentado en el Food Pavilion de la EXPO 2000 de Hannover y en la Fundación ICO de Madrid en 2002 con la serie 15 Platos Capitales. Actualmente está en proceso la serie de Ciudades Iberoamericanas, la cual parte de la investigación realizada durante 2001 en Miami iniciando su recorrido itinerante en 2004.

    Leonardo da Vinci

    14/08/2007, En Bruselas se organiza una gran exposición sobre la vida y obra de Leonardo de Vinci, sobre una superficie de 3.000 metros cuadrados, bajo el título "Leonardo da Vinci. The European Genius".

    Bruselas, agosto de 2007

    Desde el 18 de agosto de 2007 al 15 de marzo de 2008, conmemorando los 50 años de la firma del Tratado de Roma, en la basílica Koekelberg, en Bruselas, se dedicará esta muestra al genio italiano, reuniendo para ello obras provenientes de América y Europa, de instituciones privadas y publicas.

    Tratará de mostrar a da Vinci desde varias perspectivas: el hombre, el artista, el ingeniero y el humanista. Para ello nos sólo se presentan obras de arte sino diseños y máquinas.

    Se inicia presentando al artista en su Toscana natal, en la que ya puso de manifiesto su interés por la naturaleza; luego nos lleva a sus mecenas como los Médicis y les Sforza de Milan, y nos conduce por sus viajes a Roma y Venecia, antes de partir para el valle del Loira, donde sería protegido del rey de Francia.

    Para todo ello se presentan al publico varios filmes en los que la acción transcurre desde la mirada de Leonardo, completando todo este recorrido con trabajos de artistas de su tiempo.

    La segunda parte se centra en el artista, a la vez pintor, escultor y arquitecto, abordando su labor y su trabajo en las obras maestras; sus proyectos de arquitectura y sus tratados. Trabajos del maestro y de sus colaboradores, provenientes de diversas colecciones, conducen la temática.

    La tercera parte se centra en el ingeniero, y expone proyectos científicos, resultados de su dominio sobre la técnica, fruto de su observación detallada de la naturaleza. Una cincuentena de maquetas provenientes de Vinci y Milán muestran su genio: maquinas militares, instrumentos voladores, el helicóptero...

    Luego se pasa al humanista, con una mirada a documentos, excepcionales; sus planchas sobre la anatomía, sus escritos, sus códigos, en los que apunta observaciones y descubrimientos. En este ámbito destaca la presentación de materiales aún no mostrados en exposiciones de este tipo.

    Varias grandes obras se contemplan en la exposición: desde trabajos como el del vuelo de los pájaros, de la biblioteca de Turín, hecho en 1515 y en el que analiza las técnicas de vuelo. También de la Biblioteca Real de Turín procede el celebre autorretrato realizado en las mismas fechas, en sanguina.

    Estudios, dibujos, diseños, croquis, maquinas ... y pinturas, aunque pocas, porque el maestro dejó muy poca obra. Aquí se pueden ver un par de vírgenes y una casi desconocida Maria Magdalena, que recubre su cuerpo desnudo con una tela transparente. Es un cuadro de da Vinci y uno de sus alumnos, pintado hacia 1515, de notable interés, y procedente de una colección suiza.

    Copias y obras de sus diversos discípulos completan el panorama expositivo.

    LEONARDO DA VINCI

    Nacido en Vinci, cerca de Florencia, en 1452, Leonardo era un joven amante del ejercicio, con grandes cualidades artísticas y -sobre todo- una inmensa curiosidad. Ya a los 17 años entró en el taller florentino de Andrea Verrochio, y entonces, al lado de Boticelli, aprendió pintura y se interesó por otras disciplinas: escultura, geometría, matemáticas.

    Protegido por Lorenzo de Médicis y recomendado por éste para servir al duque de Sforza, en Milán, en 1482 ya se presentó ante éste como ingeniero e inventor. Luego estuvo al servicio de otras aristocracias, terminando en la corte francesa de Francisco I. Murió en Amboise en 1519.

    Fue en vida más conocido como ingeniero que como pintor. Siempre sintió pasión por inventar, por hacer máquinas voladoras, bombardas fáciles de transportar, puentes de todas clases, artificios de paz y de guerra. Dejó escritos cuadernos de estudio e incuso un tratado de pintura, y aplicó innovaciones a sus actividades pictóricas que a veces merecieron el desprecio y las críticas de sus colegas.
    www.cp-expo.be

    Hábitat

    14/08/2007, Arquitectos y artistas reflexionan sobre las nuevas formas de hábitat en una muestra abierta al público en el BAC, Bâtiment d’art Contemporain, de Ginebra, del 23 de junio al 2 de septiembre 2007.

    Ginebra, agosto de 2007

    El Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección General de Relaciones Culturales y Científica y con la colaboración de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) participan en la realización del proyecto Habitat/Variations, organizado por el Bâtiment d'Art Contemporain y la Fondation pour l'Art Moderne et Contemporain, de Ginebra.

    En Habitat/Variations se podrán ver proyecciones, prototipos, maquetas, fotografías, instalaciones e intervenciones de diverso tipo y cuenta con la participación de Alexander Apóstol (Caracas), Pablo León de la Barra (Londres), Ronan y Erwan Bouroullec (París), Raúl Cárdenas (Tijuana), Santiago Cirugeda (Sevilla), Jimmie Dirham (EE.UU.), Didier Fiuza Faustino (París), Yona Friedman (París), Jakob Holding (Berlín), Josep María Martín (Barcelona), Hans-Walter Müller (París), N55 (Copenhague), Maria Papadimitriou (Atenas), Tercer un Quinto (Monterrey, México), Pedro Reyes (México), Gabriel Sierra (Bogotá) y Barbara Visser (Ámsterdam).

    Los diversos proyectos y acciones incluidos en Habitat/Variations proceden de contextos diversos pero que están situados, en su mayoría, en la intersección de la arquitectura y del arte, de la utopía y de la realidad, del espacio individual y el colectivo. Algunos se apoyan en formas urbanas emergentes, muy activas, y plantean cuestiones económicas, políticas y sociales complejas que escapan a las nociones tradicionales de urbanismo.

    Transformar las ciudades y las formas de habitarlas
    Si concebimos la ciudad como “un conjunto de capas y de estilos, de iconos y prácticas culturales que reúne las construcciones del pasado, la tradición, así como estos nuevos proyectos y sus ideas para el futuro”, ¿pueden los diferentes proyectos presentados realmente transformar o, al menos, poner en duda la manera en que la problemática del hábitat es abordada por los especialistas, el Estado y los usuarios? En este orden de ideas, como ha señalado el arquitecto Juan Herreros, “ya no se puede concebir la vivienda social a través de una perspectiva sistemática de expulsión de determinadas poblaciones a las inmediaciones de las ciudades. Los programas de vivienda deben ser motores de transformación del uso y de la imagen del espacio público. Ya no se trata de construir solo inmuebles”.

    El arquitecto Juan Herreros dirigirá un seminario, el sábado 23 de junio, de 14 a 19h, en el Bac, que contará con la colaboración de Santiago Cirugeda, Philippe Rahm, Kees Christiaanse, Salvador Pérez Arroyo, Lacaton & Vassal e Yona Friedman. El público podrá acceder a una biblioteca de referencias que estará situada en la zona de trabajo y pondrá disponer de los libros y documentos de referencia propuestos por los distintos invitados, así como revistas, novelas y otros folletos. Al final del seminario, una publicación, editada y supervisada por María Inés Rodríguez y Catalina Lozano, reunirá los textos más significativos de los participantes.

    Dentro de la programación se incluye, asimismo, la proyección de una serie de vídeos de Alexander Apóstol, Sergio Cabrera, José Luis Guerín, Pablo León de la Barra, María Papadimitriou, Marjetica Potrc y Pia Rönicke.

    En colaboración con el arquitecto Pablo León de la Barra, se ha creado también un espacio de trabajo denominado “Zone d’activation” (Zona de Activación), que integrará todos los elementos constitutivos del proyecto: exposición, biblioteca, mesa de trabajo, espacio de seminario, conferencias y sala de vídeo, siendo cada elemento independiente, aunque formando parte de un conjunto.

    El proyecto se presentará en la Casa Encendida de Madrid, del 20 de septiembre al 5 de noviembre de 2007; la segunda parte del seminario tendrá lugar también en noviembre.

    Sede y fechas
    Bâtiment d'Art Contemporain
    28, rue des Bains
    +41 22 321 92 50/51
    Comisaria
    Maria Inés Rodríguez
    Del 23 de junio al 2 de septiembre 2007
    Abierto de martes a domingo de 11 a 18 horas
    Seminario: sábado 23 de junio, de 14 a 19h

    Guía de Ávila

    10/08/2007, Ávila posee los lienzos de murallas más bonitos de España, encerrando una gavilla de casonas nobiliarias, iglesias y conventos, de valor artístico e histórico.

    La imagen más sorprendente de Ávila se obtiene al caer la noche. El viajero que llega a la ciudad por la carretera de Salamanca debe hacer una parada a la altura del humilladero de los Cuatro Postes, en las afueras de la ciudad, desde donde se goza de la más bella de las vistas de la ciudad amurallada.

    Porque la esencia de Ávila está en las murallas, en esas ciclópeas construcciones en cuyo arranque se pueden detectar piedras reutilizadas de épocas romanas y prerromanas, y sobre cuyas almenas trazan rúbricas indescifrables las golondrinas y los vencejos.

    Ciudad de casonas nobiliarias, conventos llenos de historia, templos donde se goza con bellos detalles del románico y el gótico, especialmente. Patrimonio Mundial.

    Ávila es señorial y mística; aquí pervive el recuerdo de Santa Teresa de Jesús, una de las mujeres más importantes de la espiritualidad española. Pero Ávila es también gozosa para el cuerpo, el descanso y la gastronomía, con una excelente tradición en las tapas de sus tabernas...

    Guiarte.com está actualizando la guía de Ávila, con una selección de bellas fotografías, una selección abierta a los internautas, para que ellos mismos nos envíen sus mejores fotos de la ciudad.

    Guía de Río de Janeiro

    09/08/2007, Guiarte.com ofrece a sus lectores una nueva guía de las ciudades del mundo, dedicada en este caso a un destino excepcional de América del Sur: Río de Janeiro.

    Rio de Janeiro, agosto de 2007
    Río es una de las ciudades más atractivas de América, y uno de los principales destinos turísticos del mundo, por su color, luz, alegría, sus playas, sus fiestas, etc.

    ¿Quién no ha oído hablar de playas como las de Copacabana e Ipanema? ¿o de otros lugares como el Cristo Redentor, recientemente nombrado como una de las maravillas del mundo?...

    Después de una minuciosa visita por esta magnífica ciudad podemos decir que Río es mucho más que todo eso. Para atestiguarlo hemos creado una de las mejores guías que tenemos en guiarte.com, que estamos seguros que ayudará a disfrutar a tope de su oferta turística y a empaparse del animado ambiente carioca. Guiarte.com te conduce desde ahora por esa gran ciudad: Guía de Río de Janeiro.

    La guía de Basilea crece

    09/08/2007, Basilea es una de las mayores poblaciones suizas, y a ella guiarte.com le ha dedicado una de sus guías de ciudades, que ahora se ha ampliado con nuevos contenidos.

    Basilea, agosto de 2007
    Localizada en el noroeste de Suiza, a las orillas del Rín, éste es el "puerto de mar" de Suiza. Aquí se ubican grandes compañías, especialmente de los ámbitos químico y farmacéutico, como Roche, Novartis, Ciba, etc.

    Desde el Renacimiento, esta ciudad tuvo un innegable vigor económico y sobre todo cultural, empuje que sigue hoy ostentando, como lo pone de manifiesto que sea en esta urbe donde se celebra cada año Art Basel, el primer certamen artístico mundial.

    La ciudad está en el límite con Francia y Alemania, por ello la región de Basilea se vincula muy directamente con las de Alsacia y Bade, aunque en el caso de la primera utilice una lengua distinta.

    Basilea, que fue sede de la universidad más antigua de Suiza, fundada en 1460 por el impulso del papado, atesora especialmente en la actualidad un elenco de museos importantísimo.

    Por todo ello, en el capítulo de patrimonio de la ciudad hemos reforzado precisamente el ámbito museístico. Instituciones como el Kunstmuseum -el mejor museo generalista Suizo- la Fundación Beyeler o la Fundación Tinguely merecen una atención especial.

    Hemos renovado el contenido de la ciudad, para que el lector tenga una guía más amplia de esta urbe que pasa por ser una de las grandes ciudades culturales del viejo continente. Basilea merece una visita.

    Lujo en Viena

    07/08/2007, Viena, la capital austríaca, con unos dos millones de habitantes, es una de las ciudades más antiguas de Europa, donde los viajeros pueden encontrar un gran patrimonio artístico y magníficas tiendas, especialmente si aman el lujo.

    Alrededor de la calle Kohlmarkt los aficionados al lujo tanto marcas de lujo de renombre internacional como grandes firmas de tradición austriacas, tales como Haban o Schullin. Y quien quiere encontrar alguna peculiar antigüedad puede darse una vuelta por la casa de subastas Dorotheum. Pero además, tambien puede hacer una búsqueda para encontrar joyería de vanguardia de fama mundial, como la de Florian Ladstätter.

    El recorrido más lujoso en Viena para ir de compras es llamado “la U de oro” , dado que en forma de U se extiende por las callejuelas que llevan desde el palacio imperial Hofburg , pasando por el Kohlmarkt, hasta llegar a las calles peatonales Graben y Kärntner Strasse. En esta zona, donde antaño se establecieron los negocios que abastecían con productos de lujo a la corte imperial, hoy han puesto sus filiales marcas de lujo como Bulgari, Cartier, Chopard y la joyería exclusiva Tiffany.

    La tradicional joyería vienesa Haban ofrece desde hace decenios alta calidad. El joyero vende en dos filiales en la calle Graben y en la calle Kärntner Strasse grandes marcas de joyas y relojes. En el propio taller de joyería se crean anillos de bodas, collares y pendientes, y también se ofrecen arreglos y reparaciones de finas piezas de joyería.

    En Schullin, situado directamente en la calle Kohlmarkt, la fachada de mármol y madera diseñada por el famoso arquitecto Hans Hollein indica que esta es una tienda de diseño moderno y manufactura perfeccionista. La joyería de Schullin atrae por sus formas y colores extravagantes. Por ejemplo se puede apreciar aquí un collar excepcional, realizado con sutiles ramas de corales que se agrupan dejando adivinar una forma como de pimiento.

    Bajo el curioso lema “Apreciar el arte es nuestra pasión desde hace 300 años”, el Dorotheum, la casa de subastas más antigua del mundo, celebra en 2007 sus 300 años de existencia. Aquí no sólo es posible adquirir por subasta joyas curiosas, ya sean de Art Déco o de la época moderna, sino también existe la posibilidad de comprar objetos directamente en la dependencia de la Kärntner Strasse, así como en otras 11 filiales.

    Uno de los principales diseñadores de joyas de la actualidad es el tirolés Florian Ladstätter, cuyas creaciones vanguardistas de joyería, hechas de perlas, cristales de Swarovski, cromo y plástico, se pueden ver hasta el 23 de septiembre en la exposición “Les Fleurs du Mal” en el Museo de Artes Aplicadas (MAK). En la tienda MAK Design Shop además se pueden comprar algunas de sus cadenas y broches.

    Direcciones:

    Bulgari. 1., Kohlmarkt 8–10, Tel. +43–1–532 29 13–0. www.bulgari.com
    Cartier. 1., Kohlmarkt 1, Tel. +43–1–533 22 460. www.cartier.com
    Chopard. 1., Kohlmarkt 16, Tel. +43–1–533 719 719. www.chopard.com
    Tiffany. 1., Kohlmarkt 8–10, Tel. +43–1–535 39 50. www.tiffany.com
    Haban am Graben. 1., Graben 12, Tel. +43–1–512 12 20. www.haban.at
    Haban. 1., Kärntner Straße 2, Tel. +43–1–512 67 30. www.haban.at
    Schullin. 1., Kohlmarkt 7, Tel. +43–1–533 90 07. www.schullin.com
    Palais Dorotheum (Auktionen). 1., Dorotheergasse 17, Tel. +43–1–515 60–0. www.dorotheum.at
    Dorotheum Juwelier. 1., Kärntner Straße 36, Tel. +43–1–513 32 02. www.dorotheum.at
    Florian Ladstätter „Les Fleurs du Mal“. bis 23.9. im MAK, 1., Stubenring 5. Tel. +43–1–711 36–0 , +43–1–711 36–228. (MAK Design Shop) .www.mak.at

    Carlos Pazos. No me digas nada

    07/08/2007, La muestra, que podrá visitarse en la tercera planta del Edificio Sabatini hasta el 8 de octubre de 2007, se compone de más de 300 obras realizadas por Carlos Pazos a lo largo de toda su trayectoria.

    Tras su paso por el MACBA, donde ha cosechado gran éxito de crítica y público, la exposición No me digas nada, dedicada a Carlos Pazos (Barcelona, 1949), llega al Museo Reina Sofía para presentarnos un recorrido a través de los últimos treinta años de su trayectoria que proporcionará por primera vez una visión global del artista. En total se exponen cerca de 300 obras entre las que se incluyen collages, telas, objetos, dibujos, instalaciones, fotografías, esculturas, vídeos, proyecciones de diapositivas e incluso una película. Asimismo, se han incorporado al montaje varias obras que no se pudieron ver en Barcelona, como Nicasso (2006), una de las instalaciones preferidas del artista, Retrato de Carlos Pazos a la manera de los maestros antiguos (2006), Tempestad para náufragos III (1997) o Milonga (1980).

    La exposición está concebida como una peculiar revisión de su obra, rehuyendo cualquier planteamiento exhaustivo. Alejándose del formato convencional de las exposiciones retrospectivas, no sigue una evolución lineal y formal de su trabajo, sino que pretende transmitir las ideas esenciales de su obra y el trasfondo autobiográfico de la misma.

    La obra de Carlos Pazos alude constantemente a diferentes etapas de su vida, de modo que los recuerdos del pasado y, especialmente, las referencias a la infancia, aparecen en forma de objetos e imágenes que acumula y mezcla. Los títulos de las piezas intervienen a modo de juegos semánticos que se entrecruzan con los elementos que las integran, de manera que la inferencia de unos y otros refuerzan la carga conceptual de las obras. Uno no puede dejar de pensar, sin embargo, en que esos guiños constantes a su pasado no dejan de estar "manipulados" por la mano del artista, que juega con ellos, los reinterpreta y transforma irónicamente.

    En este sentido, es interesante recordar las declaraciones del artista con motivo de la concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 2004, cuando explicó "Para mí, mi obra son mis souvenirs de los recuerdos. Yo vivo, corto en trocitos mi vida y los convierto en souvenirs."

    Uno de los aspectos relevantes del trabajo de Pazos es su pasión como coleccionista de objetos. Es casi imposible disociar su faceta de artista de la de coleccionista, de manera que en este proyecto se intenta cuestionar la estructura misma de la exposición, deconstruyendo alguna de las nociones adquiridas sobre autoría, originalidad, cultura, obra de arte o coleccionismo, entre otras. Evitando dar una visión y lectura única de la obra de este artista, la lógica habitual de la distribución de las piezas se quebrará, para mostrar los diferentes impulsos de su trabajo, sus acumulaciones y sus vacíos. Siguiendo una disposición más parecida al almacén del artista, las obras se mostrarán en un aparente "desorden" que sigue en realidad agrupaciones mentales que rigen su trabajo.

    Entre las obras de nueva producción destaca Mnemocine. Película recortable (2006-2007), una pieza concebida a modo de síntesis de su trayectoria. Pensada como una "catalogación audiovisual" de la misma, es una película-collage que juega con la relativa precisión que describe el momento en lo literario y la visión, a menuda borrosa, de la memoria plástica. Producida especialmente con motivo de esta exposición, constituye una sucesión de clips, sketchs y fotomontajes, sin hilo argumental alguno, de manera que cada fragmento tiene su propia lógica narrativa, siguiendo su proceso de trabajo habitual que él mismo, irónicamente, describe como "recorta y pega".

    También se ha editado un catálogo bilingüe que incluye la reproducción de las obras expuestas y textos del comisario Manuel J. Borja-Villel, de Martí Peran, Profesor titular de Teoría del Arte en la Universidad de Barcelona; de Dionisio Cañas, escritor; de Pierre Tilman, artista; de Yvette Sánchez, profesora de literatura en la Universidad de San Gallen, Suiza, y de Pablo Milicua, artista; junto a otro del propio Carlos Pazos.

    El artista
    Carlos Pazos (Barcelona, 1949), Premio Nacional de Artes Plásticas 2004, está considerado como uno de los artistas contemporáneos españoles más singulares. El uso en su creación de la ironía, la utilización absolutamente libre de objetos y elementos vinculados a la cultura popular, las referencias constantes al mundo audiovisual o la mezcla de técnicas, formatos y materiales a favor de la expresividad, son características de un trabajo que, aunque a menudo se ha visto ligado a cierta marginalidad, se ha consolidado como una propuesta necesaria.

    Su formación incluye estudios de arquitectura, diseño gráfico e historia del arte. Asimismo, son fundamentales sus contactos con el mundo artístico de Nueva York, iniciados en los años 70, ciudad donde ha vivido de forma intermitente. Cercano a la idea vanguardista de transgresión y de fusión entre arte y vida, su trayectoria se ha vinculado con el arte dadá, el arte pop o el arte conceptual.

    Artista de gran capacidad productiva, ha expuesto su trabajo en importantes galerías y entidades públicas nacionales e internacionales. Su obra figura también en la colección de la Fundación "la Caixa", el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, el ARTIUM de Álava, el Museo de Teruel, la Fundación Antonio Pérez de Cuenca o el Centro Gallego de Arte Contemporáneo.

    Viajes de meditación por Austria

    07/08/2007, Los caminos de peregrinación y las numerosas ofertas espirituales de monasterios y abadías austríacos atraen a cada vez más personas en busca de su bienestar anímico y espiritual.

    La peregrinación tiene una gran tradición y mucho futuro: Actualmente, quien inicia una peregrinación en busca de nuevas perspectivas y puntos de vista, va a encontrarse con gente nueva, culturas distintas, paisajes naturales intactos y con muchos aspectos religiosos. Andar lejos para encontrarse a uno mismo Ц en nuestros tiempos tan ajetreados son cada vez más numerosas las personas que encuentran en la peregrinación un camino hacia su paz interior y un mayor sosiego.

    Los mejores caminos de peregrinación en Austria:

    Alta Austria

    Vía Nova
    Este camino de peregrinación transeuropeo lleva de Metten en Baja Baviera a St. Wolfgang en Alta Austria. El camino transcurre por los históricos caminos de peregrinación dedicados a San Ruperto y San Wolfgang y establece nuevos puntos de contacto con Franz Jдgerstдtter. Franz Jдgerstдtter era un campesino de St. Radegund que se erigió como una de las figuras más destacadas de la resistencia cristiana contra el nacionalsocialismo, fue capturado y murió el 9 de agosto de 1943 en la prisión de Brandenburg an der Havel. Numerosos tramos del camino de peregrinación Ц algunos en el Salzburger Seenland Ц se pueden realizar en compañía de un guía espiritual.

    Baviera / Alta Austria / Salzburgo / Carintia / Friaul

    Camino de peregrinación para ciclistas: Danubio Ц Alpes Ц Adriático
    Esta ruta es todo un reto deportivo para peregrinos amantes del ciclismo. El camino une los lugares de peregrinación de Nuestra Señora de Passau (Maria Hilf), Grossgmain (Asunción), Altenmarkt, Mariapfarr, Maria Gail en Carintia con el lugar de peregrinación más antiguo de Italia, Barbana, cerca de Grado.

    Salzburg / Tirol
    El camino de Santiago en Austria
    Más de 2.000 km separan Austria de Santiago de Compostela, el punto final del camino de Santiago. Cuenta la leyenda que el osario del santo apóstol Santiago, que da nombre al camino de peregrinación más conocido de Europa, reposa en la catedral de Santiago. Desde principios del sigo XI el camino de Santiago atrae a peregrinos procedentes de toda Europa. Un camino de peregrinación se denomina "Camino de Santiago" si a lo largo del mismo encontramos testimonios arquitectónicos en forma de iglesia o capillas dedicadas al santo, existen documentos escritos, escudos o nombres de poblaciones que demuestren claramente una larga tradición de peregrinaje a lo largo de los siglos.

    Estiria Ц Baja Austria Ц Burgenland Ц Alta Austria Ц Carintia

    Caminos de peregrinación al Santuario de Mariazell
    La red de caminos de peregrinación al Santuario de Mariazell tiene 1100 km de longitud e incluye las provincias de Viena, Baja Austria, Alta Austria, Burgenland, Estiria y Carintia. Consta de diferentes caminos de peregrinación tradicionales y todos acaban en el famoso Santuario de Mariazell.

    El camino de peregrinación al Santuario de Mariazell en Viena / Vía Sacra
    El punto de salida del camino de peregrinación de Mariazell se encuentra al suroeste de la ciudad de Viena en Wien-Rodaun o Perchtoldsdorf. El trayecto transcurre por la parte meridional del bosque de Viena hasta Heiligenkreuz, Mayerling y Maria Raisenmarkt situado al pie del Peilstein. A continuación el camino sube por el monte Hafnerberg hasta el histórico lugar de peregrinación de Kleinmariazell hasta Kaumberg. El camino sigue por Araburg, Kieneck y desciende hasta Rohr im Gebirge y Kalte Kuchl. La etapa final del camino pasa por St. ƒgyd am Neuwalde y la Kernhofer Gschnaid, desciende luego hasta la Walster y el lago Hubertussee, el valle Halltal y termina en el Santuario de Mariazell.

    Hace siglos que el camino de peregrinación de Viena a Mariazell se conoce bajo el nombre de "Vía Sacra". Desde su inicio en los municipios de Gaaden, Heiligenkreuz, Alland, Altenmarkt y Kaumberg, todos situados en el bosque de Viena en paisajes de gran belleza, los peregrinos pueden visitar numerosas obras sacras de gran interés histórico y cultural.

    El camino de peregrinación al Santuario de Mariazell en Baja Austria
    El camino sale de la localidad de Freiwald y lleva al peregrino por los lagos de Kamptal, los bosques de Horner, Gfцhler y Dunkelstein y los Alpes Tírnitzer hasta Mariazell. El punto de inicio del camino se sitúa en la cumbre del Nebelstein, luego el trayecto sigue hasta St. Martin, Rosenau, Zwettl, Ottenstein, Krumau y Wegschneid hasta la fortaleza de Rosenburg. El camino continúa por Tautendorf y Schiltern hasta llegar a Krems an der Donau, luego sigue por el bosque Dunkelsteinwald hasta la capital de la provincia, St. Pцlten. Las últimas etapas del camino son Wilhelmsburg, las montañas de Kaiserkogel y de Hohenstein, el municipio de Tírnitz, el monte Ulreichsberg hasta la Walster o el Tirolerkogel y Annaberg hasta Mariazell.

    El camino de peregrinación al Santuario de Mariazell en Carintia
    En Carintia el camino de peregrinación de Mariazell sale desde la capital de la provincia, Klagenfurt, y pasa por lugares de gran interés histórico y cultural como Maria Saal y Magdalensberg hasta Bríckl en el valle Gцrtschitztal. Desde este municipio el camino sube hasta Diex y sigue hasta Griffen, Lavamínd y la región de Soboth. Continúa por los pueblos de Soboth, Rothwein, Aibl y Eibiswald. Aquí la ruta se incorpora al "camino de peregrinación de Mariazell de Estiria" y acaba en Mariazell.

    El camino de peregrinación al Santuario de Mariazell en Estiria
    A partir de la localidad de Eibiswald los caminos de peregrinación de Mariazell en Carintia y en Estiria se juntan y llevan al peregrino hasta Schwanberg, Deutschlandsberg, Bad Gams y Stainz hasta la capital de la provincia de Estiria, Graz. Saliendo del lugar de peregrinación de Mariatrost el camino sube al Schцckl y desciende luego hasta Passail para continuar por Sommeralm, Strassegg hasta el mesón de "Gasthaus auf der Schanz". Los próximos puntos de peregrinación son Stanglalm, Mitterdorf y la Hundskopfhítte en Rotsohlalm al pie de la montaña Hohe Veitsch. Otra variante del camino asciende por el puerto de montaña del Niederalplpass hasta Schцneben o desde el mesón de "Gasthaus auf der Schanz" hasta Alp. Aquí las dos variantes se juntan y el camino sigue hasta Krieglach, Mírzsteg y Schцneben hasta Mariazell.

    El camino de peregrinación al Santuario de Mariazell en Burgenland
    Saliendo de la capital de la provincia de Burgenland, Eisenstadt, el camino lleva por Grosshцflein hasta la conocida fortaleza de Forchtenstein en las montañas Rosliengebirge y continúa hasta Pitten en el valle del mismo nombre. Sigue luego hasta Wírflach y por el romántico barranco Johannisbachklamm dirección Puchberg am Schneeberg. Ahora el camino atraviesa la Mamauwiese y se adentra en el valle Hцllental hasta Schwarzau im Gebirge. Otra variante del camino lleva al peregrino a la Gscheidlhцhe hasta el Lahnsattel y Terz. El trayecto finaliza con la travesía del valle Obere y Untere Halltal hasta llegar a Mariazell.

    Estiria

    El grupo de oferta "Siguiendo las huellas de peregrinos y romeros" combina los tradicionales caminos de peregrinación y de romería con atractivas ofertas turísticas. Senderos didácticos, rutas temáticas y museos complementan el viaje espiritual y lo convierten en una experiencia aún más completa y satisfactoria. Se pueden visitar lugares de peregrinación por toda Estiria y la parte fronteriza de Eslovenia Ц desde Arnfels con su iglesia parroquial de Santa Maria "Zur heiligen Maria am grínen Waasen" hasta Wildalpen, población que ha sido lugar de descanso de los peregrinos de camino a Mariazell durante los últimos 400 años.

    El camino de peregrinación Hemma de Estiria, "peregrinación en el valle Murtal" El "camino de peregrinación Hemma de Estiria" atraviesa un paisaje lleno de lugares de gran importancia histórica y cultural. La ruta pasa por los pueblos de Mariahof Ц Neumarkt Ц St.Marein Ц Therme Wildbad hasta el castillo de Dírnstein y exige del peregrino una buena condición física.

    Carintia

    El camino de peregrinación Hemma
    La gran veneración por Hemma, declarada Santa en el siglo XX, tiene una tradición centenaria. Hemma fue condesa de Friesach y Zeltschach y se la honra también como la protectora de Carintia. Su figura es conocida mucho más allá de la provincia de Carintia y las buenas obras de la antigua condesa en el campo socio-político y en sus extensas propiedades le valieron un gran reconocimiento tanto en su provincia natal como en Estiria y en Eslovenia. La población de esta región tiene una gran tradición de veneración de Santos. Muestra de ello es el camino de peregrinación de Krain (Krainer Wallfahrt) que tiene su punto de salida en Eslovenia, luego sube por el puerto de montaña de Loiblpass y acaba en Gurk. El peregrino que sigue el camino a Gurk encontrará un gran nombre de lugares conmemorativos en honor a la venerada Hamma. Las puntos más importantes de la ruta principal son: Bleiburg, Globasnitz, Hemmaberg, Vцlklermarkt, St. Kanzian, Diex, Loibl, Ferlach, Maria Rain, Klagenfurt, Karnburg y Magdalensberg.

    Tiempo de monasterio
    En busca del mundo interior propio: semanas de silencio en un monasterio, ejercicios espirituales y de meditación. Recomendaciones para encontrar el camino hacia uno mismo y sentir la existencia de una presencia superior.

    El mundo de los monasterios
    Los monasterios de Austria ofrecen gran número de posibilidades para una estancia espiritual y de meditación. Algunos ofrecen también actividades culturales y de salud. La oferta es muy variada: desde ejercicios espirituales, curas de Kneipp, y hasta "vacaciones en un monasterio".

    Burgenland

    Abtei Marienkron Kurhaus
    El monasterio y el balneario abren sus puertas a todas las personas en búsqueda de tranquilidad, relajación, espiritualidad y descanso. Marienkron programa regularmente cursos dirigidos a personas interesadas en estudiar a fondo la Biblia, cursos de introducción a la meditación y a la oración así como la participación en las oraciones de las monjas y en las misas diarias de la iglesia de la abadía. Para mejorar la salud física hay posibilidad de hacer curas de Kneipp, dietas y curas de ayuno, diferentes masajes curativos, terapias de mejora de la movilidad corporal y una amplia programación de ejercicios de relajación. Las monjas ofrecen durante todo el año cursos temáticos dentro de la programación "Cura y Curso".

    Carintia

    La fuerza del silencio en el monasterio de los salvatorianos de Dom zu Gurk
    Un lugar para encontrar la tranquilidad y sentir la fuerza reparadora del silencio: el monasterio que data del siglo XVII, pertenece a los Salvatorianos desde el año 1932. Los venerables muros y pasillos de la casa de huéspedes Santa Hemma transmiten un ambiente de calma y sosiego que se extiende hasta el jardín del monasterio. La casa de huéspedes ofrece las siguientes posibilidades para una estancia: "vacaciones en un monasterio" bajo el lema simplemente, vacaciones". "Días de silencio" para personas que viajan solas y que quieren disfrutar de la tranquilidad del monasterio y de su catedral, de la naturaleza que rodea el monasterio, que quieren cuidar su espíritu y su alma y que tal vez deseen una orientación espiritual. La programación llamada "tiempo de monasterio" ofrece la posibilidad de conocer un poco mejor el ritmo del propio cuerpo. Los huéspedes que así lo deseen pueden participar en algunas tareas del monasterio. La programación espiritual del monasterio incluye también días dedicados a la práctica de ejercicios espirituales, a la liturgia dirigida especialmente a las mujeres y programas de curación.

    Baja Austria

    Caminos hacia el silencio en el monasterio Pernegg
    El silencio es una necesidad básica para el ser humano. No obstante, hoy en día es cada vez más difícil de encontrar. Pernegg es un lugar idóneo para descubrir el silencio y es un refugio perfecto para personas que quieren salir de su rutina diaria y disfrutar de un tiempo de silencio y de recogimiento. El monasterio se halla rodeado de un "camino del silencio", de unos 5 km de longitud, cuyo recorrido atraviesa el cercano bosque de Pernegg, sigue el curso del arroyo Aumíhlbach hasta la fuente Marienquell y conduce de nuevo al monasterio después de pasar por el pueblo de Pernegg. El camino ofrece numerosos lugares para el descanso y la meditación: las ruinas de la capilla Nikolai, el laberinto de hierbas aromáticas y el jardín filosófico.

    Alta Austria

    Vivir la espiritualidad en el monasterio de St. Florian
    "Al llegar a la puerta principal del monasterio pregunten por el ama de llaves, por favor..." Esto es lo que indica el reglamento interno del monasterio agustino de St. Florian, un lugar que vive la espiritualidad y la cultura sacra desde el año 1071. Así se presenta el monasterio barroco a toda persona ansiosa de encontrar tranquilidad y sosiego durante su estancia, y todo en un ambiente absolutamente incomparable. Destaca el famoso órgano "Brucknerorgel" de la iglesia del monasterio. La tradición musical sigue viva en el coro de los pequeños cantores de St. Florian. La rutina diaria del monasterio viene marcada por las tres oraciones comunes, a las cuales la asistencia de los huéspedes es muy bienvenida. Otras actividades abiertas a los huéspedes son visitas guiadas, exposiciones y conciertos.

    Salzburgo

    Silencio absoluto en la abadía benedictina de Gut St. Aich en St. Gilgen
    Vivir la rutina diaria del monasterio de cerca: los monjes de la abadía benedictina de Gut St. Aich en St. Gilgen ofrecen a sus huéspedes la posibilidad de participar en oraciones, meditaciones, orientación espiritual, días de tranquilidad y semanas de silencio. En las semanas de silencio el día empieza con ejercicios de yoga y de percepción. Durante las comidas reina un silencio absoluto. Tres veces al día se hacen ejercicios de meditación. Se puede pedir una consulta particular de orientación espiritual con alguno de los monjes. Para hacer las horas de silencio un poco más llevaderas existe la posibilidad de degustar alguno de los licores a base de hierbas aromáticas elaborados por los propios monjes.

    Estiria

    Curas de ayuno en el monasterio de Schwanberg
    ¿Por qué no hacer una cura de ayuno en un monasterio? Las curas de ayuno son mucho más que una dieta para perder peso. Las curas de ayuno implican y afectan a la persona en su totalidad: su cuerpo, su mente y su alma. En el sosegado ambiente del antiguo monasterio capuchino de Schwanberg los huéspedes pueden recobrar fuerzas mentales y descubrir nuevas perspectivas lejos de su rutina diaria. El hotel y el balneario del monasterio ofrecen una combinación idónea de terapias y descanso. Otro aspecto muy atractivo del hotel es la posibilidad de hacer tratamientos de salud a base de barro. El barro que se aplica en estas sesiones proviene del pantano de Garanas, el de mayor altitud de Austria, y también el más antiguo del país, con una tradición de más de 6000 años. Las terapias a base de este barro pueden mejorar substancialmente las afecciones reumáticas de las personas.

    Tirol

    Tradición entre los venerables muros del monasterio Ц hotel Klosterbrдu en Seefeld
    Un ambiente acogedor y muy agradable entre gruesos muros históricos: el monasterio de Seefeld se fundó en el año 1516 y tiene una larga tradición como lugar de refugio para viajeros procedentes de toda Europa. Antaño los monjes agustinos dieron cobijo a peregrinos y a los cazadores de la corte imperial. En 1809 el monasterio se disolvió y se vendió a la familia Seyrling. La preservación del histórico edificio central siempre ha sido una prioridad para esta familia, testigo de ello son la bodega de más de 500 años de antigíedad con miles de botellas de vino, y las bóvedas originales en el restaurante y en la bodega. Las habitaciones, las suites y las salas de reunión y de banquetes, en cambio, disponen de los últimos avances tecnológicos. Los eventos especiales como la histórica fiesta del monasterio forman parte de una experiencia para todos los sentidos, igual que la degustación de exquisitos platos en el premiado restaurante del hotel o los relajantes baños en las instalaciones de wellness y de spa del hotel.

    Vorarlberg

    Encontrarle sentido a la vida en la prepositura de St.Gerold
    El valle Grosses Walsertal ofrece a los visitantes un espectacular paisaje alpino lejos del ajetreo de los centros turísticos. La región da la bienvenida a las personas en busca de paz con grandes prados llenos de flores silvestres, densos bosques que cubren las laderas de las montañas, arroyos con aguas cristalinas y mucho aire puro. En este paradisíaco entorno, la Propstei St. Gerold quiere ser un contrapunto a los ajetreados tiempos que vivimos, un lugar de sosiego, de encuentro y, ante todo, un lugar donde uno puede intentar encontrarle de nuevo sentido a la vida. La casa de huéspedes puede albergar hasta 50 personas en busca de paz y ansiosas de enriquecer su mente y su espíritu en los seminarios que aquí se organizan. La Propstei St. Gerold acoge tanto a individuales como también a familias con niños.

    Arte andaluz, en Gastéiz

    01/08/2007, ARTIUM, Centro de Arte de Vitoria, presenta la exposición “De Granada a Gasteiz. Un viaje de ida y vuelta”. del 28 de junio hasta el 16 de septiembre de 2007.

    Vitoria, agosto de 2007

    La muestra que pretende mostrar los nuevos caminos del arte andaluz a través del trabajo de trece artistas. Se trata de una selección de los creadores de toda Andalucía becados por la diputación de Granada en los últimos diez años.

    La exposición muestra obras de distinto formato y técnica, desde la pintura y el collage hasta la animación por ordenador, la fotografía y la instalación de vídeo. Esta exposición es fruto de la colaboración entre el museo vitoriano y el Centro José Guerrero de Granada, en virtud de la cual el Palacio de los Condes de Gabia de la capital andaluza acogerá en 2008 una exposición de los artistas vascos presentes en la última edición de la muestra bienal “Entornos próximos”.

    El Centro-Museo ARTIUM y el Centro José Guerrero comparten desde el comienzo de su andadura una misma filosofía en su compromiso con el arte y, entre sus objetivos, la atención a la creación realizada en su entorno inmediato. En esa responsabilidad se encuadra la presente exposición.

    Un primer contacto con las obras permite comprobar que la mayoría de los autores se encuentra en la treintena, y a pesar de ello sus nombres resultan, por distintos motivos, familiares. No en vano el trabajo de varios de ellos ya se ha visto en distintas muestras en el País vasco y obras de autores como Carlos Aires o Jacobo Castellano forman parte de los fondos de la Colección ARTIUM. Al mismo tiempo, sus reflexiones se citan en la construcción del discurso del arte emergente contemporáneo europeo tanto en exposiciones nacionales como en las firmadas por comisarios extranjeros.

    Salvo uno de los colectivos, disuelto hace ahora unos 5 años, la totalidad de los que han disfrutado de esta beca sigue hoy en activo y participa en esta exposición. Ajenos a una unidad temática o técnica, conforman entre todos ellos un interesante mosaico de los intereses artísticos contemporáneos.

    Las obras, realizadas en su mayoría en este último año, abarcan las más variadas técnicas, materiales y propósitos.

    La exposición se abre con una gran escultura mural de Jacobo Castellano, donde 140 dibujos se ofrecen a modo de oraciones de agradecimiento budistas y que en la muestra representa el acceso a las múltiples realidades observadas por los artistas. Realidades por descubrir y en las que participar como en las instalaciones de Carlos Aires o David López Rubiño, el paisaje futurista de Longobardo o los recorridos de la propuesta de Antonio Sánchez.

    Por su parte, Simón Zabell se sirve de la fotografía y su seriación para construir la sensación de un nuevo espacio. Este medio lo utilizan también José Muñoz, a modo de documento, para reflexionar sobre la historia, y Tucho Molina para sumergir al espectador en una sensual abstracción.

    La pintura se encuentra ampliamente representada por los trabajos de Ángeles Agrela, José Piñar, Paco Pomet, un collage de Carlos Vega y la persona sobre la que ha recaído la última beca, Marina Rodríguez Vargas. Cada uno de ellos utiliza un lenguaje muy particular y todos ellos demuestran la energía con que esta técnica está enraizada en la creación contemporánea.

    Entornos próximos
    La exposición “Entornos próximos” que viajará en 2008 a Granada es una muestra colectiva de ocho jóvenes artistas vinculados con Álava y el País Vasco seleccionados por los comisarios David G. Torres y Enrique Martínez.

    La exposición ofrecerá nuevamente una de las posibles aproximaciones a la creación joven en el entorno cercano al centro-museo vitoriano, en este caso de la mano de Zigor Barayarra, Karmelo Bermejo, Miriam Isasi, Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum, Fermín Jiménez, Ana Lezeta, Héctor Orruño, Javier Soto. La muestra contendrá pinturas, fotografías, cerámicas, dibujos, vídeos e instalaciones, en los que están presentes la poesía, la crítica social y cultural o el mero placer de la creación artística.

    La exposición surge del trabajo sobre los currículums de cerca de 100 artistas que en la actualidad integran la base de datos “Entornos próximos”, fruto de la indagación que el centro-museo realiza permanentemente sobre la creación joven en su contexto más cercano.

    “Entornos próximos” es una muestra de carácter bienal con la que ARTIUM pretende tomar el pulso de la creación en el contexto de Álava y los territorios vecinos.

    Javier González de Durana
    ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
    Francia 24, Vitoria-Gasteiz Telefono 945 20 90 20
    Web: www.artium.org

    Cita con “La Memoria”

    30/07/2007, Cada verano, en una pequeña comarca de León se produce una interesante efervescencia vital, con actos y manifestaciones culturales inesperadas para una geografía de pequeñas aldeas.

    LA MEMORIA es una exposición organizada por la Asociación Cultural Rey Ordoño I, que actúa en la comarca de La cepeda, en las estribaciones de los Montes de León y cuenta con la creatividad de un complejo ramillete de pintores, escultores, escritores y periodistas. La muestra puede verse del 5 al 20 de agosto en el Ayuntamiento de Villamejil.

    La comisaria de esta exposición, Isabel García, ha reunido obra de una veintena de creadores, pintores y escultores, algunos incluso de gran relevancia internacional, vinculados –por nacimiento, vivencias o relaciones personales- con la provincia de León. Ha procurado, además, que la obra aportada por cada uno de ellos no sea una creación cualquiera, sino algo muy entroncado con su concepción del mundo, su arte, su historia... su memoria.

    Luego, ha citado a otro conjunto de escritores y periodistas del territorio y los ha puesto a reflexionar sobre cada uno de los cuadros y esculturas. El conjunto resultante es un asombroso arcoiris lleno de creatividad, emoción artística y belleza. El magnífico catálogo editado para la ocasión, con el apoyo de Caja España, da fe de ello.

    Entre los creadores reunidos hay muchos, la mayoría, profesionales del arte. Otros son, somos, sencillamente aficionados, que toman en las manos los pinceles para reflejar paisajes, seres o sueños. En la pintura de unos y otros está la memoria. Porque la memoria es ese almacén donde guardamos nuestras vivencias, nuestros aprendizajes. Y esa memoria nos moldea, nos condiciona, nos hace interpretar la realidad de una forma u otra.

    La belleza del paisaje, la dureza de la tierra, la forma de ser de nuestros ancestros, las horas pasadas en el aula... todo ese bagaje camina con nosotros a través del tiempo y las distancias y emana en nuestra actividad creativa.

    El mundo mitológico de Eugenio Granell, los rostros expectantes de Juan Martínez, la memoria rural de Escarpizo, la utopía de Alonso Guadalupe, la madera hecha arte de Alonso Santocildes, el pétreo atlante de Guillermo Quirós...

    El cristal roto transformado en flor por Alfredo Omaña, el ensueño de Basilio Machado, el bodegón antimilitar de Luz Blanco Machado, los objetos transfigurados de Berta Alonso, los añorados paisajes de Gago-Z o Gracita Blanco...

    Las aguas del Tuerto en Donillas captadas por Luis Antonio Alonso, las sólidas encinas añoradas desde la lejanía catalana por M. T. Cazcarra, la luz bañezana de Pedro Abajo, el paisaje de ruinas agrarias captado por Santiago Omaña...

    La memoria está en cada una de las creaciones.

    Y para comentar cada una de estos destellos de creatividad, los escritos, en prosa o poesía, de Eugenio de Nora, Angel Francisco Casado, Marta Pérez, Tomás Alvarez, Pedro González, Manuel Alonso Perandones, Rogelio Blanco, Santiago Somoza, Emilio Gancedo, Juan José Domínguez, Ricardo Magaz, Armando Ramos, Pedro Abajo, Amancio Fernández e Isabel García.

    Amancio Fernández, veterano periodista de ABC, en al análisis del paisaje de Santiago Omaña, en el que aparecen una vieja limpiadora de cereal y un trillo entre la maleza, descubre “recuerdos, entre dulces y sudorosos, de un pasado en el que había que ganar el pan con el sudor de la frente. Recuerdos y evocaciones recurrentes, obsesivas, como la dura labor de cada año para juntar en la era una parva suficiente para asegurar el pan para todo el año”.

    A su vez, el poeta Angel Casado, analiza el cuadro de “el Puente de Donillas de Luis Antonio Alonso y descubre la poética realidad del enclave en el que aparece el puente, un horno y el río. “El pan, el agua, el camino que va de una orilla a otra orilla: el nacer y el morir”.

    El novelista Juan Jose Domínguez, analiza el bodegón de balas de Luz Blanco: y descubre “una metáfora artística en honor a la paz. Aunque a primera vista nos parezca un elegante “bodegón” militar, en realidad, no deja de ser una orgía de balas inhiestas listas para eyacular muerte y desolación, como fin último de todas las armas”.

    Pedro González, destacada personalidad del mundo de la televisión, analiza el cuadro de Basilio Machado, en el que una mujer, de espaldas, contempla un enigmático paisaje: “La mujer parece –dice- simbolizar a los humanos, apegados a la tierra, pero conscientes de su pequeñez ante la inmensidad del cielo, del universo entero”

    Eugenio de Nora aporta su poetica de “recordaré primero para complementar una vista de su pueblo, Zacos, pintada por Gago-Z:

    “Recordaré primero
    lo que mis ojos vieron en la aurora;
    un cielo azul y un río profundo...”

    Marta Pérez descubre en las arrugas del rostro de la anciana madre “los surcos de la tierra, tatuados en su rostro tranquilo...” mientras Alonso Perandones describe cómo los pinceles de Escarpizo eternizan la vieja torre que se niega a morir de abandono y soledad.

    Personas, mitologías, paisajes. Arte y palabras para disfrutar en el estío leonés, en el corazón del refrescante territorio de La Cepeda, un ámbito en el que se puede complementar este goce espiritual con la belleza de los paisajes de media montaña y la sencilla gastronomía en los bares de la zona.

    Aunque la muestra se prolonga hasta el día 20 –siempre en horarios de tarde- el domingo 19 de agosto, tendrá lugar la conferencia de clausura, a cargo de D. Laurentino García, experto leonés que ha estudiado a fondo las ruinas de Pompeya, y quien hablará del arte, como memoria de hace 2000 años, en referencia al ámbito de sus investigaciones.

    La Asociación Cultural Rey Ordoño I, agrupación de amigos de La Cepeda que lleva el nombre del monarca que ordenó la repoblación de la zona en la Edad Media, es la organizadora de estos y otros eventos que animan la vida de la comarca. Colaboran en estas tareas el ministerio de Cultura, Caja España, Renfe, Mapfre, Caixa Galicia y el Ayuntamiento de Villamejil.

    Jose Ignacio Agorreta

    27/07/2007, Un pintor de una calidad fuera de lo común, escasamente conocido aún en relación a sus merecimientos, aunque su obra ha sido ya expuesta en Navarra, Zaragoza, Bilbao, Madrid y otros puntos de España.

    Nacido en Pamplona, en 1963, Jose Ignacio Agorreta es un artista que sabe trasladar al lienzo una mirada cargada de matices poéticos, en las que la rama, la casa, la vieja máquina adquieren una extraña espiritualidad y significado.

    Luis Carlos Rueda, catedrático de Filosofía, nos introduce en la obra de este importante autor navarro:

    Arte y concepto
    Cada cuadro encierra una historia compleja que no se deja ver en su totalidad. En la visibilidad pictórica subyacen realidades construidas en el pasado pero no clausuradas. Son entes urbanos, tecnológicos, empresas hace tiempo cerradas y ya derruidas, tapias que esconden misterios, árboles que nacen de la niebla... Estas realidades se reconocen y están esbozadas por un pincel figurativo, no plasmadas por el ojo fotográfico y estático de un pintor realista, sino que remiten a conceptos relacionados con la historia reciente y ayudan a comprender la vida actual.

    Elementos y su unidad: “La historia pequeña”
    Sus cuadros ofrecen múltiples elementos, cada uno como un recorte de la realidad postindustrial, pero, juntos, forman una conexión, una unidad concebida por el pintor desde la cultura y la sociedad. Efectivamente, lo que puede ser percibido a primera vista como fragmentario, no lo es en absoluto, sino que expresa una “pequeña historia” cuyo tema no es describir o resolver sino plantear problemas, provocar de alguna forma al espectador sin tratar de embaucarle.

    La ciudad y la pintura
    Como uno de los temas de este pintor es la ciudad y sus productos (vivienda, empresas destruidas, máquinas en el desguace, etc., analicemos esta interesante relación entre la ciudad y la pintura de Agorreta.

    Tanto la ciudad como la pintura son hechos colectivos, manifestaciones de la vida social en constante movimiento, que se abren a múltiples direcciones y desarrollos a lo largo del tiempo o en un preciso instante. La ciudad es cosa humana, obra humana colectiva, tiempo, experiencia, memoria, valores... La obra pictórica, aunque individual, también es producto y testigo de esta memoria. Y, como el desarrollo de la ciudad camina por diferentes e imprevistas direcciones, se abre a múltiples expresiones y perspectivas pictóricas, entre las cuales se encuentra la de este pintor.

    La pintura de lo urbano que ofrece la obra de Agorreta abarca múltiples trayectorias que se funden en una unidad que les da sentido. Veamos, como ejemplo, el cuadro que tenemos a la vista: un bloque de pisos de cuatro alturas. Sus formas geométricas de color gris oscuro contrastan levemente con el fondo que lo envuelve, especie de niebla que sustenta al edificio y traslada su sombra hasta lo ilimitado. Dos configuraciones superpuestas, aparentemente divididas pero que nos llevan a una interpretación sorprendente de la obra: el fondo –esa neblina que impide la visión del paisaje- y la representación del bloque de viviendas. La niebla semeja a un telón grisáceo que envuelve la forma de lo representado, es de mayor dimensión que la arquitectura. Los pisos no tienen número que identifique su ubicación urbana, ni pertenecen a una calle o ciudad concretas. Tampoco el autor pone nombre al cuadro. ¿No vemos aquí el paso del tiempo, el desgaste material, la huella de una época reciente y el túnel tal vez sin salida de una vida urbana donde todo se esfuma?. Todo parece anónimo y sobrecogedor porque sintetiza múltiples facetas de nuestra vida material y espiritual: este edificio sin nervio, sin luz, sin precisión ni identificación es el edificio de nuestra propia existencia.

    Si hiciéramos un esfuerzo y tratáramos de introducirnos en los interiores de este edificio, también nos sentiríamos inundados por la niebla y percibiríamos las huellas de muchas vidas que habitaron ahí: humedad, miseria, sufrimiento, vanas esperanzas, hacinamiento... un tiempo no lejano para nosotros y todavía actual para otros seres humanos. Ventanas sin cortinas ni protección. Sin transparencias. Es la niebla que persiste y que ha ido borrando la vitalidad, la creatividad, la libertad humanas. No hay sonrisas ni comunicación. ¡Qué bella y trágica metáfora! Esta “pequeña historia” da sentido a la “gran historia” humana. Nos ofrece una verdad parcial, pero esencial para comprender la sociedad actual.

    Luis Carlos Rueda

    Museo de Israel en Jerusalén

    19/07/2007, El Museo de Israel, Jerusalén, abrió sus puertas al público en mayo de 1965. En la actualidad tienen excelente prestigio por sus colecciones y actividades.

    Jerusalén, julio de 2007

    Edificado en la llamada Colina de la Tranquilidad, rodeado por la Kneset (el Parlamento Israelí), la Universidad Hebrea y el Monasterio de la Cruz, el Museo fue construido en un estilo muy moderno que por aquel entonces rompía con la arquitectura tradicional neoclásica de los grandes museos del extranjero.

    En la actualidad, a pesar de su corta historia y gracias al apoyo de sus fundadores y amigos, el Museo de Israel, que de hecho desempeña el papel de museo nacional, ocupa un lugar prestigioso entre los grandes centros del mundo.

    El museo integra varias entidades distintas:

    Departamento Bronfman
    El Departamento Bronfman de Arqueología posee la colección arqueológica más amplia de Israel.

    En las diferentes salas, el público puede admirar hallazgos pertenecientes a las distintas tribus y pueblos que habitaron la tierra de Israel y sus alrededores desde la prehistoria hasta la edad media.

    Esta ala del Museo incluye secciones dedicadas a la escritura hebraica, los objetos de vidrio y las antiguas culturas de los países vecinos.

    Santuario del Libro
    En el Santuario del Libro, edificio de singular valor arquitectónico, se exhiben los Manuscritos del Mar Muerto y entre ellos los textos bíblicos más antiguos del mundo.

    Departamento de Judaica y Etnografía
    El Departamento de Judaica y Etnografía se ocupa, entre otras cosas, de preservar la herencia cultural judía y cuenta en su haber con objetos y vestimentas pertenecientes a comunidades hebreas ya desaparecidas,

    En la sección de judaica, los visitantes pueden admirar la colección de objetos rituales judíos más completa del mundo, así como cuatro sinagogas restauradas pertenecientes a diferentes períodos y países.

    En las salas de etnografía se ven representados el ciclo de la vida, el hogar y los costumbres del los judíos en las diferentes comunidades de la diáspora.

    Arte Bezalel
    El Ala de Arte Bezalel, comprende el complejo más extenso de departamentos, pabellones y salas en el Museo en los que se cubren los siguentes temas principales: grandes maestros, impresionistas, arte moderno y contemporáneo nacional e internacional, grabados y dibujos, fotografía, diseño y arquitectura, arte asiático y arte tribal de Oceanía, Africa y las Américas.

    Jardín de Arte Billy Rose
    En el Jardín de Arte Billy Rose, desde el que se divisa una hermosa vista de la ciudad, se halla expuesta una importante colección de esculturas en la que están representados importantes artistas nacionales e internacionales.

    Sección Juvenil
    La Sección Juvenil a nombre de Rut Rodman Friedman, ofrece cada año una exposición de carácter didáctico destinada a toda la familia, así como una amplia selección de talleres y clases de arte para todas las edades.

    De la mano de los expertos guías del departamento, niños en edad escolar de todo el país - judíos, musulmanes, cristianos - aprenden a conocer las diferentes galerías del museo. Para el deleite de los jóvenes visitantes, una extensa biblioteca y una sala de reciclaje.

    El museo monta, a través de sus diferentes departamentos, varias exposiciones temporales por año, y traslada exhibiciones itinerantes a diferentes partes del mundo. Ademas, organiza eventos especiales, conciertos, seminarios, charlas, festivales y actividades para toda la familia.

    Ruta de los Cátaros

    17/07/2007, El Camí dels Bons Homes. Un sendero cubre los 190 kilómetros que unen el Castillo de Montsegur, en el Ariège (Francia), con el Santuario de Queralt en Berga, provincia de Barcelona, y recuerda una densa época medieval.

    Por Ignacio Lorente Rius
    Barcelona, julio de 2007

    Se vivían los últimos coletazos del siglo IX y principios del X y en el seno de la Iglesia se empezaba a gestar una grieta que amenazaba con hundir el consistente y todopoderoso edificio de las creencias católicas. Grupos de cristianos europeos comenzaban a marginarse y a crear una doctrina separatista, conocida como Herejía Albigense por su origen en la ciudad francesa de Albi.

    Estos cristianos, creadores de una teología de la liberación, rechazaban el Antiguo Testamento (pero no el Nuevo), negaban que Cristo hubiera muerto en la cruz, rechazaban la riqueza de la Iglesia y postulaban que Dios estaba en el interior de la mente de cada persona. En definitiva, pensaban diferente. Pasan los años y esta rama del cristianismo, la de los llamados Cátaros, comenzaba a tomar fuerza y había que pensar en tomar medidas.

    Así transcurren los siglos siguientes en pleno medievo francés y la Iglesia desconfía de los resultados obtenidos por Santo Domingo –Domingo de Guzmán-, que no consigue, tal y como le ordenó el Papa, reconvertir pacíficamente a los Cátaros. Es necesario mitigar este molesto brote y se crea la Santa Inquisición para acometer una persecución sin fatiga y exterminadora contra los seguidores de este cristianismo liberal, los bonshomes u hombres buenos, como ellos mismos se llamaban.

    La persecución es atroz. Se suceden las matanzas en la hoguera en sitios como Béziers (año 1209) y otros lugares para acabar con los hombres buenos del sur de Francia, el noroeste de Italia y Alemania. La matanza más famosa es la que tiene lugar en Montsegur en el año 1244, en la que murieron más de doscientas personas y, como las anteriores, provocó un éxodo masivo hacia zonas más tranquilas. La de Montsegur originó el desplazamiento de los cátaros hacia el sur, al otro lado de las montañas pirenaicas.

    Se abre pues una vía de comunicación a lo largo del Camino que estos Buenos Hombres (Camí des Bons Homes) siguen en su movimiento evasivo hacia Catalunya. Otras matanzas seguro causaron más bajas pero en la hoguera de Montsegur pasaron a mejor vida la jerarquía cátara y los obispos de Toulouse y Razés. En el siglo XIV desaparecieron los Cátaros.

    En la actualidad este camino, sus monumentos, sus iglesias y sus principales lugares de paso han sido recuperados y enlazados a través de un Sendero de Gran Recorrido (GR. 107) que cubre los 190 kilómetros que unen el Castillo de Montsegur, en el Ariège (Francia), con el Santuario de Queralt en Berga, provincia de Barcelona.


    Son necesarias al menos 8 jornadas a pie para cubrir esta distancia y pasar por las localidades de Comús, Ax-des-Thermes, Merens-les-Valls, L’Ospitalet, Porta, y ya en tierras catalanas: Coborriu de la Rosa, Bellver de Credanya, Bagá, Gósol, Peguera, y Berga.

    Pero no sólo se pasan por pueblos y ciudades sino que la ruta se caracteriza por la espectacular naturaleza por la que transita, viéndose obligada a superar los Pirineos por la Portella Blanca d’ Andorra y la impresionante Sierra del Cadí-Moxeiró por el Coll de Pendís. Es un camino largo y tortuoso con múltiples subidas y bajadas por montaña que rodea incluso la mítica mole del Pedraforca y que se puede realizar a pie, en btt o a caballo, ya que existen empresas que ofertan la ruta a través de estas modalidades.

    Entre los principales alicientes de esta Gran Ruta se encuentran las iglesias del románico, fenomenalmente restauradas en el Berguedá barcelonés. El Pont d’en Periques sobre el Llobregat (Puig-reig; siglo XIV), la iglesia de San Vicenç d’Obiols de los siglos IX y XIII (pasado Gironella) o, aunque algo apartada del camino, la singular Ermita de Sant Quirtze de Pedret (s. IX-X), en Berga, cruzando el puente gótico del siglo XIV.

    Una parada obligada es el Centro Medieval y de los Cátaros emplazado en el antiguo palacio de Pinós en Bagà. Vale 5 euros e incluye visita guiada al centro histórico de Bagà, de gran belleza e importante refugio de cátaros.

    Muchos alicientes en esta ruta por las tierras altas catalanas que, realizada en uno u otro sentido, depara lugares mágicos a cada paso y rincones de ensueño tras cada señal blanca y roja a lo largo del Alto Berguedá, la Cerdanya y el Languedoc.

    La distribución en etapas más recomendable partiendo de Berga hacia Francia, sentido contrario al histórico pero también el preferido por muchos es:

    1ª Santuario de Queralt-Gósol. 35 km. 8 h. Dificultad media.
    2ª Gósol-Bagá. 26 km. 6 h. Dificultad media.
    3ª Bagá-Bellver de Cerdanya. 25 km. 7 horas. Dificultad Alta.
    4ª Bellver de Cerdanya-Porta. 39 km. 8 h. Dificultad alta.
    5ª Porta-Merens les Valls. 21 km. 5 h. Dificultad baja.
    6ª Merens les Valls-Orgeis. 18 km. 4 h. Dificultad baja.
    7ª Orgeis-Comús. 23 km. 6 h. Dificultad media.
    8ª Comús-Montsegur. 16 km. 4 h. Dificultad alta.

    Y para los que quieran presumir de camino existe un carnet de ruta que una vez sellado en las diferentes etapas da derecho a recibir un diploma acreditativo de haber realizado esta Ruta de los Cátaros.

    Información:

  • Consejo Regulador del Camí dels Bons Homes. Bagá. Tfno: 93 824 41 51.
  • Centro Medieval y de los Cátaros. Bagà. Tel. 93 824 48 62

    Bibliografía:

    La Ruta de los Cátaros. Topoguía del Camí dels Bons Homes. Editado por Altair.
  • Vitruvio y Agripa

    17/07/2007, Los arquitectos romanos Marco Vitruvio y Marco Agripa pudieron haber sido en realidad una sola persona, según mantiene el especialista en historia antigua y también arquitecto, Carlos Sánchez-Montaña.

    Sevilla, julio de 2007

    La teoría fue expuesta en el Congreso Internacional de Expresión Gráfica Arquitectónica, realizado en Sevilla en mayo-06 y cuyas actas acaban de publicarse.

    En la comunicación al Congreso sobre esta enigmática figura, se afirma que la biografía de Marco Vitruvio Polion se reduce a saber que nació en el siglo I a.C., que su fama se debe en exclusiva al tratado "De Architectura", la única obra de estas características que se conserva de la antigüedad clásica, y que no se conoce ninguna obra proyectada o construida por él.

    Según el investigador son muchas las evidencias que permiten sostener que detrás de Vitruvio se encuentra la figura verdadera del mejor arquitecto romano de la historia: Marco Vipsanio Agripa (Marcus Vipsanius Agrippa).

    La relación detallada de la obra de Agripa ilustra de manera completa cada uno de los diez libros del texto vitruviano, la fundación de ciudades y su actuación como patrono, el conocimiento y uso de los materiales, la construcción de templos, edificios públicos y domésticos, complejos hidráulicos y portuarios, así como la construcción de relojes de sol y máquinas de guerra y trabajo. En la obra de Agripa, afirma el arquitecto, se encuentra el texto de Vitruvio.

    La investigación completa es presentada en tiempo real a través de la red en la página www.vitruvio.es, donde se lee el texto de Vitruvio ilustrado por las obras de Agripa.

    "No es posible imaginar como no pudieron coincidir durante la década prodigiosa de los años veinte del siglo I a.C. dos arquitectos tan excepcionales como Vitruvio y Agripa, en la misma ciudad de Roma y bajo la protección de Augusto, y que mientras uno escribía el mejor y más completo tratado sobre arquitectura clásica, el otro proyectaba y ejecutaba las más grandiosas obras de edificación y urbanismo del mundo romano."

    A través de la web se profundiza en el perfil oculto de este enigma de la antigüedad así como otros aspectos no investigados hasta ahora, como es la Academia de las Artes de la ciudad de Apolonia donde, según el investigador, Vitruvio se formó como arquitecto.

    También se descifra el significado del acrónimo Vitruvio, y se analiza la detallada geometría del mapa Orbis Terrarum, realizado por Marco Agripa y descrito con todo detalle en la obra de Vitruvio.

    Nuevo puerto turístico para Zadar

    17/07/2007, Acaba de ser abierto al público un nuevo puerto turístico para acoger la navegación en el archipiélago de Zadar, en la isla de Ugljan, frente a esta ciudad de la región croata de Dalmacia.

    Zadar(Croacia) julio de 2007

    Se trata de la mayor marina en todo el archipiélago de Zadar ya que puede recibir aproximadamente 225 embarcaciones.

    La Marina Maslina (Ilive Island Marine) se encuentra en la localidad de Sutomišæica, en la isla de Ugljan que está a 20 minutos de recorrido en ferry del centro más estricto de la ciudad de Zadar. Ha sido ubicada en una tranquila bahía entre Sutomišèica i Mali Lukoran y que tiene una posición estratégica para el seguro refugio de las embarcaciones.

    En tierra firme se pueden encontrar toda una serie de servicios para los navegantes: comercios con equipos de navegación, lavanderías, supermercados, talleres de reparación de barcos, etc. También aquí se han ubicado 25 amarres en seco.

    En esta instalación se encuentran cuatro grandes muelles en los que se pueden amarrar 225 embarcaciones. Y en la parte externa de su rompeolas, con una longitud superior a los 260 metros, se puede amarrar un gran crucero cuyo calado no exceda los siete metros de profundidad.

    En el momento de proyectar esta marina los inversores hicieron hincapié en lograr una gran funcionalidad y tomaron en cuenta que todo el archipiélago de Zadar se ha convertido en un popular destino del turismo de navegación. Todos los espacios interiores han sido decorados con gran atención para lograr que los visitantes disfruten del “ambiente de Zadar” y de la alta tecnología que ha sido incorporada a este tradicional ambiente dálmata.

    Zadar y su entorno

    La isla de Ugljen se caracteriza por tener un suave clima mediterráneo. De mayo a octubre, la temperatura media es de 22 grados C. Además, se registran 2.500 horas de sol al año. Su suave viento “maestral” sopla durante el verano ofreciendo así un ambiente fresco. Igualmente, en esta isla se ha logrado conservar el rico patrimonio local y esta es otra de las razones por las que esta instalación espera atraer a un gran número de visitantes.

    Zadar, en Dalmacia. Tiene algo menos de cien mil habitantes y un rico pasado, del que quedan monumentos de interés, incluso de la época romana, en la que fue colonia floreciente.

    Conoció el dominio bizantino, de Croacia, Hungría, Venecia, Austria, Italia...

    Se trata de uno de los principales centros turísticos de Croacia en un territorio especialmente atractivo de la costa adriática, con decenas de islas e islotes y atractivas calas. Cerca hay varios parques nacionales.

    Grandes Diseños del Automóvil

    17/07/2007, Más de 24.600 visitantes descubren en Vitoria los secretos de los "Grandes diseños del automóvil" gracias a Caja Vital y al Museo de la Automoción de Salamanca, que ha cedido catorce de los diecisiete vehículos exhibidos.

    Salamanca, julio de 2007

    Más de 24.600 personas han visitado en Vitoria en menos de un mes la exposición 'Grandes diseños del automóvil'. Organizada por Caja Vital y el Museo de Historia de la Automoción de Salamanca - Fundación Gómez Planche y en colaboración con Motor Gorbea, esta muestra exhibe diecisiete piezas únicas de modelos tan admirables como los Citroën ID-19 Tiburón, Rolls Royce Silver Wraith Serra o el mítico Wolkswagen Escarabajo 1100. Permanecerá abierta al público hasta el próximo 30 de agosto.

    La sala de exposiciones Fundación Caja Vital de Vitoria es desde el pasado 15 de junio el escenario de un recorrido histórico por los grandes diseños que han conseguido hacer de los automóviles verdaderas esculturas en movimiento. Diecisiete piezas únicas, catorce de ellas cedidas por el Museo de Historia de la Automoción de Salamanca - Fundación Gómez Planche, y que en su momento revolucionaron la estética de estos vehículos, integran una muestra que ha despertado un gran interés en la capital alavesa.

    Aunque se podrá visitar hasta el 30 de agosto, más de 24.600 personas han recorrido ya una exposición que posee un discurso basado no tanto en las grandes marcas de la industria, sino en aquellos diseñadores que han aportado su visión estética a la hora de modelar los automóviles, y que han logrado la máxima democratización de la automoción en estos últimos treinta años.

    En los cerca de 1.000 metros cuadrados de exposición los visitantes pueden contemplar modelos como el Ford T Runabout, Citröen ID19-Tiburón, Rolls Royce Silver Wraith Serra, Hispano Suiza HS 21 GTS, JAV X, Biscuter Vosin 200C, Citroën 5CV, Wolkswagen Escarabajo 1100, Ferrari, Porsche, Buick Skylark, Peugeot 204 Cabriolet, o el Mini, obra de Alec Issigonis. Igualmente se puede ver el trabajo de diseñadores de la talla de Bertoni, Louis Renault, Ferdinand Porsche o Farina.

    Paralelamente a la exposición se están desarrollando una serie de actividades lúdicas que pretenden promover la creación artística de niños y jóvenes. La semana pasada, en colaboración con los alumnos del grupo 'Aula 10', pertenecientes a la Escuela de Artes y Oficios Vitoria, se llevó a cabo un taller de arte urbano. Partiendo de un coche del desguace los alumnos de este centro crearon una escultura. Esta transformación pudo ser seguida en directo por el público, y el vehículo se encuentra expuesto en la Fundación Estadio, Sociedad Deportiva de Caja Vital.

    Asimismo, un autobús que circula habitualmente por las carreteras alavesas se convirtió en un gran lienzo rodante sobre el cual los artistas crearon un gran mural. Una vez finalizado este trabajo, el vehículo continua estos días con sus servicios diarios, lo que está permitiendo ser contemplado por todos los habitantes de la provincia de Álava.

    Además se está llevando a cabo un concurso dirigido a los más pequeños, que repartirá importantes premios entre quienes realicen un dibujo en su casa o en la propia sala de exposiciones y lo entreguen a los responsables para ser expuesto durante el tiempo que dure la muestra. Hasta la fecha se han presentado más de 600 dibujos.

    Patinir y la invención del paisaje

    13/07/2007, El Prado presenta la primera exposición dedicada al artista flamenco precursor del paisaje. La muestra cuenta con el patrocinio de Acciona, recientemente incorporado como benefactor del Museo.

    Madrid, julio de 2007.

    Con un total de 48 pinturas, 22 de Patinir y el resto de sus más importantes precursores y seguidores, la muestra permitirá al público contemplar por primera vez reunida la mayor parte de las obras de este singular pintor cuyas composiciones siguen sorprendiendo por su peculiar combinación de fantasía y realidad y por su lírica evocación de la inmensidad de la naturaleza.

    El Museo del Prado presenta así la primera exposición que se dedica a Joachim Patinir, artista flamenco del siglo XVI contemporáneo del Bosco a quién se puede considerar como el padre del género del paisaje. Aparte de la gran importancia de su papel dentro de la historia del arte como iniciador de la pintura de paisajes, Patinir es enormemente atractivo por la poesía y el misterio de su visión de la naturaleza, además de un pintor enigmático debido al reducido número de obras suyas que se conservan y a lo poco que se conoce sobre su vida.

    La muestra concentra la mayor proporción de obras del artista que se ha reunido nunca, la mayoría de las cuales apenas han salido de los lugares en los que se conservan debido a los específicos problemas de conservación que presentan los óleos sobre tabla. Entre las obras del maestro flamenco que estarán presentes, seis corresponden a colecciones españolas (cuatro del Prado, una del Museo Thyssen Bornemisza y otra del Monasterio de San Lorenzo del Escorial.)

    Entre las obras más importantes que participan en la exposición, al margen de las cuatro que atesora el propio Museo del Prado, figuran el Martirio de Santa Catalina y Bautismo de Cristo del Kunsthistorisches Museum de Viena, el Tríptico con la penitencia de San Jerónimo del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el hermoso aunque pequeño, Paisaje con la huida a Egipto del Koninklijk Museum voor Schone Kunster de Amberes y el espectacular Paisaje con San Cristobal de El Escorial.

    Patinir y sus predecesores
    Se desconoce la fecha en que nación Joachim Patinir, aunque probablemente fue entre 1480 y 1485 en lo que hoy es el sudeste de Bélgica. Con mayor certeza puede confirmarse que a partir de 1515 trabajó como pintor en Amberes, y que murió en esa ciudad en 1524. Esta exposición nace con el propósito de aportar claridad sobre su biografía y perfil artístico y, sobre todo, de llamar la atención del público, sobre algunos de los cuadros de paisajes más evocadores y misteriosos que jamás se han pintado.

    Denominado por Durero al inicio del Renacimiento como "el buen pintor de paisajes", Patinir fue considerado como el primer pintor moderno especialista en la pintura del paisaje. La exposición presenta en primer lugar una selección de los pintores que antecedieron al maestro flamenco, en los que se aprecia que ya existía un creciente interés por el entorno naturalista en la pintura. Sin embargo, ni el Bosco, ni Robert Campin, ni Hans Memling, ni Dirk Bouts, entre otros predecesores de Patinir, llegaron a especializarse en la pintura de paisaje, a pesar de ejercer una evidente influencia sobre él. La muestra recorre la obra de algunos de estos artistas anteriores a Patinir en cuya producción el paisaje había dejado ya de ser un fondo para las figuras convirtiéndose en el escenario donde tienen lugar las acciones.

    Patinir y la invención del paisaje
    3 julio - 7 octubre 2007
    Museo del Prado de Madrid

    Art Warming: Arte y Calentamiento

    13/07/2007, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior colabora con la participación española en la muestra colectiva Art Warming/Arte y Calentamiento que se inauguró el pasado 5 de julio en Shanghai.

    Shangai, julio de 2007.
    La exposición Art Warming/ Arte y Calentamiento, comisariada por Ángela Buades, se presenta como una exposición colectiva integrada por artistas españoles y chinos, y que ha sido organizada por el Consulado General de España en Shanghai con la colaboración de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, el Instituto Ramón Llull, la Junta de Andalucía y Greenpeace.

    La muestra se podrá visitar en el Shanghai Duolun MOMA hasta el 25 de julio de 2007

    Representando a España estarán la Fundación Rodríguez (FDZ), Xponja, Norberto Mira Canales, Platoniq y una muestra de video arte andaluz integrada por María Cañas y el Colectivo Zemos 98 y representando a China, participarán con sus obras los alumnos de la Academia China de Bellas Artes-New Media Art Department. Greenpeace también participa con un video sobre los efectos del calentamiento global en el Himalaya.

    Relación de artistas españoles que participan en la muestra:

    FDZ-FUNDACIÓN RODRÍGUEZ
    Colectivo integrado por Ignacio Rodríguez Arakute, Arturo Rodríguez Bornatxea e Ibon Sáenz de Olazagoitia. La Fundación se creó en 1994 como parte integrante de la Selección Vasca de Arte Conceptual. Desde 1999 ha operado como grupo artístico independiente organizando y coordinando diferentes proyectos relacionados principalmente con la cultura contemporánea y el arte new media. Han presentado sus trabajos en diferentes foros, festivales, congresos y simposios como ISEA 2004 en Estocolmo, ISEA 2002 en Japón o en el Caixa Fórum de Barcelona. Para su participación en Shanghai presentarán los siguientes proyectos:

    Intervenciones TV: Iniciativa propuesta y coordinada por FDZ, producida desde hace 7 ediciones por el Festival “Vitoria Territorio Visual”. El proyecto "Intervenciones TV" propone el medio televisivo y la televisión en internet como soporte para propuestas de creación audiovisual y de reflexión sobre el lenguaje televisivo.

    Arte y Electricidad: Proyecto producido por Arteleku, centro artístico basado en Donostia, coordinado por FDZ. (www.arteyelectricidad.net). En él toman parte 20 autores con propuestas teóricas y audiovisuales a través de un proceso en el que surgen colaboraciones, debates y redefiniciones del propio proyecto. Planteado desde la herramienta electrónica como punto de partida, pero no como objetivo final, la apuesta se centró en formular nuevas vías de producción y de distribución de los materiales generados en el proceso. En Shanghai se presentará el CD –Rom de “A&E”.

    Tester: TESTER es un proyecto enfocado a la producción y difusión de propuestas artísticas contemporáneas que propone un sistema de trabajo más que un resultado en sí mismo. Se produce la disolución del comisariado (nodos), colaboraciones y producciones internacionales para un proyecto que centra su atención en aquellos proyectos que adoptan un distanciamiento crítico con respecto al proyecto único del arte y que por su procedencia se sitúan fuera del marco geopolítico dominante. Los seis nodos que trabajan en TESTER son:

    Marina Grzinic (Ljubljana), José Carlos Mariategui (Lima), Hito Steyerl (Berlin), Marcus Neustetter (Johannesburg) y Oliver Ressler (Viena). La función de estas personas ha sido la de dotar al sistema de soporte teórico y conceptual y aportar al proyecto nuevas líneas de transmisión. Esta "comisión" trabaja para hacer posible la red del proyecto que aglutina a más de 50 personas de todo el mundo.

    XPONJA
    Colectivo integrado por Roberto y Javier Gamero y Héctor Sánchez. Juntos desarrollan trabajos multimedia. Hace unos años que trabajan juntos uniendo proyectos propios de narración no lineal interactiva on line y off line de diversos temas: el uso del lenguaje de los juegos para hacer crítica social y experimentar reacciones de los usuarios; el empleo de técnicas de sensores para crear imágenes a partir de sonidos de un espacio y el empleo de la animación digital 2 y 3D para contar historias sugerentes abiertas a múltiples interpretaciones.

    Xponja participará con la instalación Alice y las proyecciones The Tree of Life, Under a Mouse, Xailman, Babel, Hyperlinked y Reset.

    NORBERTO MIRA CANALES
    Este vídeo artista español participará en la exposición con un graffiti interactivo facilitando la participación del público de la exposición.

    PLATONIQ
    Colectivo integrado por Susana Noguero, Olivier Schulbaum e Ignacio García. Platoniq es una plataforma de producción y distribución de contenidos digitales, un sello de net cultura que además se ocupa de organizar actividades gratuitas en espacios públicos. Inspirados en la red y sus formas de habitarla, Platoniq trata de bajar Internet a la calle y difundir, formar o compartir otras formas de actuar sobre la información, el conocimiento y la cultura conectada.

    Platoniq presentará el proyecto Burn Station en Shanghai:

    Burn Station se basa en el desarrollo de un software para el sistema operativo GNU/Linux y un servidor local. Este kit de distribución/difusión libre de audio-texto se comporta como un self service de contenidos digitales. Se trata de una base de datos local para mp3 y texto que automatiza el proceso de selección y grabación-impresión de archivos. El software Burn Station se distribuye bajo licencia libre desde Septiembre del 2004.

    Se instala en un espacio de libre acceso un punto de consulta y descarga de archivos de audio provenientes de diferentes net labels y net-radios. Los usuarios/editores tienen la posibilidad de hacer una selección de archivos y grabarlos en CD-R.

    MUESTRA DE VIDEO ARTE ANDALUZ:
    Representada por María Cañas y el Colectivo Zemos 98.

    María Cañas participa con las videocreaciones Los Dioses del Luto, Land of 1000TV´s, Driver, La Cosa Nuestra y La Vie en Rose.

    El Colectivo Zemos ´98 participa con El Tenista, Peatón Bonzo y con Videoenrecreant.

    Más información en:
    SEACEX

    Don Quijote. Arte Español Contemporáneo

    10/07/2007, La exposición reúne veinte obras originales e inéditas creadas expresamente para la ocasión por algunos de los artistas más representativos de nuestro tiempo.

    Bratislava, julio de 2007.

    Francisco Calvo Serraller es el comisario de esta exposición que ha sido producida por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, SECC y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha a través de la Empresa Pública Don Quijote de la Mancha 2005.

    La muestra, que ya se ha podido ver en el MNCARS, en el Museo Municipal de Albacete, y en Nasjonalmuseet for Kunst, Arkitektur og Design de Oslo, se podrá visitar hasta el 12 de agosto y se enmarca dentro de la exposición internacional Escultura y Objeto XII que se celebra en Bratislava.

    El reto planteado con esta exposición es doble pues, los artistas seleccionados, pertenecientes a varias generaciones, han llevado a cabo interpretaciones personales y, por tanto, sorprendentes y originales, para materializar, mediante sus obras, aspectos muy subjetivos de cómo entender la novela más universal de nuestras letras.

    Esta exposición tiene como fin algo necesariamente inédito: invitar a veinte artistas españoles actuales, de varias generaciones, y por tanto de muy diferentes estilos y técnicas, a realizar una obra nueva inspirada en algún motivo o pasaje de la inmortal novela de Cervantes.

    El reto supone aceptar el desafío de plasmar en imágenes o en objetos de todo tipo, el formidable universo de sugerencias que nos describe Miguel de Cervantes en su más famosa y universal novela.

    La elección de los artistas que forman parte de esta exposición, está basada en un criterio que permite la presencia de varias generaciones, estilos y soportes.

    Todos los artistas están vivos y operativos, todos son postvanguardistas, o postmodernos, lo que supone una relación perpendicular o divergente con la épica constituyente de la modernidad.

    Las obras resultantes de esta singular propuesta constituyen un conjunto único y de gran interés, que tanto por su valor artístico, como simbólico, merecen formar parte de las colecciones de los más importantes Museos e Instituciones dedicadas al Arte Contemporáneo.

    El catálogo cuenta con un texto del comisario que explica, desde un enfoque artístico-histórico, el porqué de los artistas seleccionados haciendo una exhaustiva crítica sobre las piezas producidas para la ocasión. El volumen se completa con un reportaje fotográfico de las obras y las biografías de los artistas presentes en la muestra.

    Sede y fechas:
    Dom Umenia (Bratislava, República Eslovaca)
    Del 29 de junio al 12 de agosto de 2007

    Próximas itinerancias:
    Sociedade Nacional de Belas-Artes (Lisboa)
    Del 12 de septiembre al 11 de noviembre de 2007

    The New Italian Design. El paisaje móvil del nuevo diseño italiano

    10/07/2007, Hasta el próximo día 2 de septiembre de 2007 se podrá visitar esta muestra con lo mejor del diseño italiano actual en el Istituto Italiano di Cultura, en la Calle Mayor, 86. Madrid.

    Madrid, julio de 2007.

    El Istituto Italiano di Cultura y la Fundación Santander Central Hispano presentan la exposición creada y producida por La Triennale de Milán "The New italian design. El paisaje móvil del nuevo diseño italiano". (horario: de martes a viernes de 10,00 a 18,00 horas; sábados y domingos de 11,00 a 15,00 horas; lunes y festivos cerrado; entrada gratuita).

    La exposición, en su primera etapa en el extranjero, llega a Madrid, directamente de Milán, donde permaneció hasta el pasado 25 de abril, para presentar el estado del arte del design actual. Un trabajo que es fruto del resultado de la investigación realizada por la Triennale de Milán en abril de 2006, que ha implicado a proyectistas, art-director, advisor, organizadores de servicios, de comunicación o promotores de procesos sostenibles. Todos ellos de nacionalidad italiana y con una edad media de 35 años: 600 proyectistas que han confluido en la base de datos de la Triennale.

    El diseño se ha convertido en todo el mundo en uno de los principales motores del crecimiento de la economía; su papel ya no es sólo el de resolver problemas estéticos, sino el de inventar nuevos productos, nuevos mercados y nuevas economías. El diseño se está convirtiendo en la "profesión de masa", que es objeto de una atención creciente por parte del sistema formativo.

    El visitante podrá admirar objetos de uso común re-inventados según las nuevas exigencias de la sociedad contemporánea:

    Un tenedor que al mismo tiempo es un par de palillos para comer sushi; un estropajo para la cocina con una fisura en el medio para ser colgada al grifo y limpiar mejor los cubiertos; un exprimidor inclinado; un tendedero con capa para proteger la ropa de la lluvia; un carrito para niños que se transforma en hamaca; un anillo con alas que ayuda a mantener las páginas separadas de un libro mientras se lee; anillos con cactus que crecen de verdad; una bandeja de barro que cuando se rompe se transforma en pequeños platos redondos; una servilleta atada al brazo para limpiarse la boca; un mecanismo para detectar la salida del sol; la galleta dedal para la Nocilla; un plato inclinado para la sopa; la casa de las muñecas que se adapta al crecimiento del niño trasformándose en una estantería o en un portarretratos tridimensional; una lámpara hecha con pajitas; el bolso hecho con bayetas para limpiar el suelo; un desatascador que en el medio lleva una pinza de plástico para recoger los anillos que se nos caen en la tubería; una elegante mesa-piano; joyas y ejemplos de food design; el monociclo como nueva solución para el transporte ecológico; la alfombrilla con zapatillas incorporadas; el reloj de pared que puedes componer como quieras...

    La exposición ofrece también una muestra del diseño industrial más vanguardista representado por el coche Ecobasic y la Trepiuno, el primer prototipo de la nueva 500 de la FIAT, empresa desde siempre intérprete del mejor design italiano; la moto con tres ruedas de la Piaggio, la Mp3, y más objetos y proyectos fruto de una creatividad al servicio del individuo y del ambiente.

    Como en el final de FELLINI 8 y ½ (la música que acompaña la exposición) los protagonistas/objetos desfilan en la pasarela sobre unas cintas transportadoras a modo de un sushi bar en un sugerente y poético montaje del acreditado arquitecto Andrea Branzi.

    Sobre 23 pantallas se proyectarán las diferentes fases de creación, realización, producción y uso de los productos expuestos.

    Nuevas joyas del patrimonio Mundial de la UNESCO

    03/07/2007, Ya hay otros 22 enclaves mundiales que son Patrimonio de la UNESCO, una lista que año tras año se acrecienta con nuevas maravillas.

    Christchurch, Nueva Zelanda, 3 dejulio de 2007

    En este año la inclusión de nuevos espacios ha sido variada: desde una mina de Japón y una vieja fortaleza en Turkmenistán, la Ópera de Sydney (Australia), el emblemático volcán de El Teide, de las Canarias (España) o El campus central de la ciudad universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México.

    La UNESCO, en esta reunión del Comité del Patrimonio Mundial, celebrada en Christchurch, Nueva Zelanda, hasta el 2 de julio, ha eliminado también de la lista mundial al santuario del órix árabe, en Omán.

    El santuario del órix en Omán
    El Comité del Patrimonio Mundial eliminó este bien de la Lista debido a la decisión de Omán de reducir en 90% la superficie protegida del sitio, lo que contraviene las directrices operativas de la Convención. Para el Comité, esa decisión destruye el valor universal excepcional que sirvió de base para la inscripción del sitio en la Lista, en 1994.

    En 1996, la población de órix árabe en el sitio era de 450 ejemplares. En la actualidad, quedan solamente 65 ejemplares, entre ellos sólo cuatro parejas fértiles, lo que hace muy incierta la supervivencia de la especie. Este declive se debe a la caza furtiva y a la degradación del habitat.

    Propuestas con éxito
    En la reunión se presentaron presentado 45 propuestas de declaración, aunque sólo prosperaron la mitad escasamente: 22, el mayor numero, 8 de Asia. La Lista del Patrimonio Mundial alcanza así 851 lugares, 660 de ellos en el apartado cultural; 166 en el natural; y 25 en el mixto.

    África:
    Bosques de Atsinanana (Madagascar), paisaje cultural arcaico de Lopé-Okanda (Gabón), paisaje cultural y botánico de Richtersveld (Sudáfica) y Twyfelfontein, conjunto de arte rupestre compuesto esencialmente por petroglifos (Namibia).

    América del Norte:
    Canal Rideau, en Canadá.

    Asia:
    Ciudad arqueológica de Samarra (Irak), arte rupestre de Gobustán (Azerbaiyán), Karst del sur (China), aldeas de Camping (China), Fuerte Rojo (India), minas de plata de Iwami Ginzan (Japón), paisaje volcánico de la isla de Jeju (Corea del Sur) y fortaleza partas de Nisa (Turkmenistán).

    Europa:
    El Teide (España), el centro histórico de Burdeos(Francia), ciudad vieja de Corfú (Grecia), Gamzigrad-Rmuliana, Palacio de Galerio (Serbia), El puente del gran visir Meehmed Sokolovic en Visegrado (Bosnia y Herzegovina), las terrazas-viñedos de Lavaux (Suiza), los bosques de hayas de los Cárpatos, (Eslovaquia y Ucrania).

    Lationoamerica:
    Campus central de la ciudad universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México

    Oceanía:
    La Casa de la Opera de Sydney (Australia).

    Otras decisiones
    El Comité del Patrimonio Mundial retiró cuatro sitios de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro, tras haber comprobado las mejoras logradas en su conservación. Esos sitios son los siguientes: Parque Nacional de Everglades (Estados Unidos de América), Reserva de Biosfera de Río Plátano (Honduras), Palacios Reales de Abomey (Benin) y Valle de Katmandú (Nepal).

    Debido a las preocupantes amenazas que se ciernen sobre su preservación, el Comité decidió inscribir en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro los sitios de Islas Galápagos (Ecuador), Parque Nacional de Niokolo-Koba (Senegal) y Ciudad arqueológica de Samarra (Iraq).

    El Comité decidió también, en el transcurso de su 31ª reunión, ampliar la extensión del sitio natural Jungfrau-Aletsch-Bietschhorn (Suiza), que está inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial desde 2001.

    Mirame, Mirame

    03/07/2007, Del 11 de julio al 30 de septiembre de 2007 se podrá disfrutar de esta muestra sobre la moda y los complementos en la fotografía española contemporanea en El Museo del Traje de Madrid.

    Madrid, julio de 2007

    El traje y los zapatos son las huellas del cuerpo, repiten sus formas y establecen su presencia, evocando actitudes y maneras de estar o de vivir. Los convencionalismos sociales están presentes más de lo deseable en nuestras vidas y todos queremos conocer los códigos del momento para no quedarnos fuera del tiempo. La industria de la moda se mueve sin cesar planteando nuevas tendencias, actualizando conceptos, reinventando colores, para que la maquinaria no pare.

    En los últimos años son muchos los artistas que han trabajado sobre este aspecto teatral del ser humano y han reflexionado sobre el hecho de que nos vestimos para algo más que proteger nuestro pudor o defendernos de las inclemencias del tiempo.

    Unir los nombres de fotografía y museo parece obvio dentro del mundo del Arte, unir fotografía de arte dentro del mundo de la moda y los complementos es sin duda una de las acciones más interesantes para la fotografía y para el mundo de la moda y los complementos tan arraigado en nuestro país.

    Por todo ello, el Museo del Calzado de Elda y el Museo del Traje. CIPE colaboran en una exposición que reúne fotografías de gran formato basadas en la interpretación y reflexión que sobre el tema de la moda realizan 15 fotógrafos españoles contemporáneos, algunos de ellos Premios Nacionales de Fotografía.

    La selección de fotógrafos en esta exposición propone un recorrido por algunas de las más relevantes propuestas fotográficas españolas que han tomado en consideración el traje y el calzado como una excusa para contar historias y a la vez releer la historia de las imágenes. Los artistas participantes en la muestra son: Carlos de Andrés, Chema Madoz, Ciuco Gutierrez, Daniel Canogar, Estefania Grandio, Alberto García Alix, Isabel Muñoz, José Luis Santalla, Laura Torrado, Manuel de los Galanes, Miguel Oriola, Miguel Trillo, Ouka Leele, Rafael Liaño y Rosa Muñoz.

    La herencia del surrealismo puede ser rastreada en algunos de los artistas presentes en la muestra. El trabajo de Chema Madoz es quizás el que tiene más conexiones con el universo del objeto surrealista, sus connotaciones simbólicas y lecturas plurales. La imagen con un zapato masculino que está anudado con un cordón hecho a partir de cabello trenzado, nos remite al uso del pelo como corbata del cartel de Mimí Parent, pero el modo en el que la fotografía ofrece el zapato desde un encuadre vertical asume las fórmulas de la publicidad, permite adoptar una distancia de objetividad para las simbologías psíquicas que en un primer momento podrían sugerir.

    Las obras de José Luis Santalla pertenecen a la serie Fugas (2002-2004) y en ellas aparecen elementos de vestuario y calzado, que han tomado vida sin el cuerpo que las viste. Es como si los vestidos hubieran decidido fugarse de la tiranía del cuerpo y asumiesen el rol de vida que se les niega en el armario. Más allá de la idea de ciencia ficción del hombre invisible, el vestido se autonomiza, para establecer un paisaje de ausencia para la figura humana. La imagen de unas botas subiendo una escalera remiten sin duda a las visiones oníricas surrealistas, pero contiene también ese cruce de realidad e imaginación de las novelas fantásticas: la fotografía más que reflejar una realidad dada es hoy el vehículo de la imaginación a través de las posibilidades que ofrece un medio que construye lo verosímil pero no exactamente lo verdadero.

    Laura Torrado ha introducido en sus imágenes la atmósfera de lo turbador o de lo inquietante, para iniciar un relato que interrumpe, en su imposible linealidad, la propia imagen. En el autorretrato, en el que la artista aparece en una cocina doméstica, sentada en un silla, vestida de hombre con corbata y una cacerola como sombrero, podemos intuir toda una serie de referencias humorísticas de corte dadaísta pero sobre todo podemos leer una crítica irónica de los roles femenino-masculino a través de sus símbolos tradicionales, que tiene también mucho que ver con los ensamblajes de maniquíes surrealistas.

    Las fotografías de Ciuco Gutiérrez se centran en los escaparates de las grandes ciudades, y realizan una exploración sobre el significado difuso entre un dentro y un fuera. La fascinación de los surrealistas por los escaparates como dioramas de lo fantástico y de lo irreal, se convierte en la mirada de Ciuco Gutierrez en un collage de reflejos que integran los sueños del consumo con la belleza efímera de las mañanas y los atardeceres.

    La obra de Rosa Muñoz presenta un armario repleto de ropa y abierto en mitad de un bosque e invita al espectador a sumergirse en su interior como en un mundo de ficciones. La colisión entre el espacio personal e íntimo del armario y el escenario del bosque, conduce a un espacio de misterio y de ensoñación, en el que un mundo fantástico se abre dentro de la magia del bosque.

    En una de las piezas de Ouka Leele, una gran máquina en el interior de un taller de zapateria aparece como un mecanismo vivo. Entre las vanguardias históricas fue especialmente el futurismo, y en menor medida el surrealismo que subrayaba en su proceso de creación un ensamblaje de objetos diversos mediante procedimientos más artesanales que industriales, los movimientos artísiticos que habían dotado a las máquinas de un aliento de vida, como motores que acompañan los deseos y los sueños de la mente y del cuerpo. En esta imagen zapatos y hormas se integran en los mecanismos de la máquina, en diferentes escalas, y en ella se funden tanto algunos presupuestos de la fotografía publicitaria como recursos propios de la fotografía de creación.

    Ligado a una concepción amplia del bodegón clásico, Manuel de los Galanes, se sumerge desde sus fotografías en una densa atmósfera melancólica: si en la naturaleza muerta con zapatillas de ballet, se entrelazan memoria, recuerdos y tiempo pasado, como un vanitas del arrepentimiento o de la pérdida, en la composición de tres mujeres sobre el fondo de una tapiceria estampada, los elementos y las formas de la publicidad antigua son rescatados para hacerlos revivir en otra historia que los arranque del tiempo.

    Estefanía Grandío, logra establecer una composición gráfica a partir de la imagen repetida y combinada de una pierna femenina calzada con un zapato de tacón. Todas las piernas se tocan en la puntera del zapato, e inevitablemente nos remite a la pieza surrealista La pareja de Meret Oppenheim, actualizando y transformando ese mismo choque-roce de punteras.

    El trabajo de Isabel Muñoz ha estado siempre muy ligado a la estetización de toda puesta en escena y muy en contacto con los presupuestos de la fotografía de moda, pero llevados hasta un elevado grado de abstracción a través de la atención por los detalles. En su pieza, sobre el paisaje difuso de las pirámides de Egipto, se destacan el torso y las caderas de una mujer elegantemente vestida. Una mirada más atenta nos permite vislumbrar que se trata de una bailarina de danza del vientre, y en ese espacio toda la escena parece formar parte de un decorado cinematográfico, incluso teatral.

    Miguel Oriola cuyo trabajo ha estado muy ligado al mundo de la moda y la publicidad presenta dos imágenes que reflejan la soledad del ambiente urbano contemporáneo, muy en la línea de las imágenes que desarrolló la pintura metafísica de De Chirico a principios del siglo XX, pero destacando un estilo de vida que se adpata a los modelos cinematográficos, y donde la desolación parece diseñada y controlada.

    Esa misma sensación de soledad y ensimismamiento aparece en las imágenes de Rafael Liaño, en las que dos personajes avanzan de espaldas a nuestra mirada por un bosque denso y casi impenetrable, como en una metáfora de la vida y sus avatares.

    Las obras de Miguel Trillo y de Carlos de Andrés son las que se integran más decisivamente en el plano de lo documental. Miguel Trillo, cuyo trabajo se ha interesado por la realidad de las tribus urbanas, los personajes de la noche y de los conciertos de rock, presenta una obra de su serie más reciente, realizada en Cuba y muestra la foto de una joven de la noche habanera en su entorno doméstico. Como siempre en sus fotografías, subraya unas formas de identidad que se vehiculan a través del atuendo y en este caso unas formas de vestir que acentúan el mimetismo de los jóvenes cubanos por imitar los modelos norteamericanos del hip-hop como una manera de huida de la dura realidad económica, social y política que vive la isla caribeña, anclada en unas fórmulas anacrónicas de “revolución socialista”. Carlos de Andrés, por su parte, muestra una pareja de jóvenes ataviados con chaquetas de cuero y crestas punkies que observan con atención y muestras de cariño el escaparate de una tienda de trajes de novia. El contraste entre el modelo de vida de la pareja y los símbolos de la boda tradicional del traje de cola, pone de relieve, no solo la pluralidad social actual, si no la coexistencia de un abanico de modas muy diversas entre sí con valores contrarios. En cierto modo la pareja de la foto se detiene ante el escaparate como si estuviera frente al diorama que escenifica un modo de vida extinguido, pero a la vez parece soñar con las promesas del “sí quiero”. O, es que se trata de una broma al estilo “¿te imaginas así vestida?” En realidad todas, y alguna más, son posibles.

    En la fotografía de Alberto García Alix, aparece un zapato solitario que como un icono de identidad grupal muestra un característico diseño que remite a los esquemas modernos de los años 50 y que han sido frecuentemente utilizados por algunas tribus urbanas. El trabajo de este autor fluye por el filo de una navaja que separa muy sutilmente, uniéndolos, el universo simbólico de la generación de los años 70 y 80 y el suyo propiamente biográfico. Por eso los elementos de documentación quedan siempre agazapados o camuflados en una narrativa personal. El zapato solitario queda así como una huella de memoria, una poética de cierto tono melancólico.

    Daniel Canogar ha incorporado en sus últimos trabajos diversas situaciones de carácter lúdico, invitando a participar en sus proyectos a la gente de la calle, especialmente jóvenes. En esta imagen, los zapatos, las mallas y los pantalones hacen un recorrido de color y de modas, mientras tenemos la sensación de un salto en común. Esta exposición reúne a un grupo de fotógrafos españoles que han participado de una u otra manera en esta reflexión sobre el tema de la moda. La paradoja, el símbolo, la metáfora, la evocación, la ensoñación, el objeto de deseo, la teatralidad y la descripción son la materia del discurso narrativo con la que han construido sus imágenes. La muestra no pretende ser un reflejo exhaustivo de cómo se ha tratado el tema en España en los últimos años, simplemente pretende crear un espacio para que el espectador sea cómplice del juego que los artistas le plantean y participe de la diversidad expresiva que el lenguaje fotográfico es capaz de ofrecer.

    Entrada gratuita a la exposición temporal.
    Museo del Traje. CIPE
    Avenida Juan de Herrera, 2
    28040 Madrid

    Amy Cutler. Alteraciones

    03/07/2007, El proyecto que la norteamericana Amy Cutler presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es su propuesta más ambiciosa hasta la fecha.

    Madrid, julio 2007.

    La instalación, formada por más de cien figuras de hidrocal pintadas con gouache, ha sido pensada especialmente para el espacio "Producciones", donde se exhibe.

    Esta es la primera exposición que se hace en España sobre la artista y también la primera con obra escultórica, por lo que se convierte en un hito importante en su carrera.

    El proyecto, que recoge el mundo fantástico y caprichoso que ha caracterizado siempre su obra, consiste en una mesa del s.XIX sobre la que están sentadas sesenta figuras femeninas unas frente a otras. Cada una de ellas está devanando hilo procedente de la ropa de otras figuras femeninas que reptan por el suelo. Es decir, que a cada una de las mujeres que hay sobre la mesa corresponde otra en el suelo, unidas por un hilo. En la sala se exhiben además varias litografías de bocetos de la instalación que ayudan a comprender el proceso creador de la artista y su particular mundo.

    En palabras de Amy Cutler: "Las figuras en el suelo representan varios momentos del deshilachado de su ropa, y solamente muestran la parte superior de su torso. Cada prenda deshilachada representa una parte de la mujer que ya no está ahí. Algunas intentan escapar extendiendo sus brazos, alejándose de la sombra de la mesa, otras son conscientes del origen del deshilachado y agarran los hilos para evitar mayores pérdidas."

    Las extrañas circunstancias en las que se encuentran los personajes de Amy Cutler (siempre mujeres o niñas) hacen pensar en fábulas o cuentos infantiles. Sin embargo tanto las fábulas como los cuentos proponen una moraleja final y estas imágenes no sólo no la ofrecen sino que ni siquiera parecen concluidas.

    La perversa violencia que aparece en su obra se amplifica por el detalle con el que están ejecutadas. Esto contrasta con su sugerente evocación de los sueños, o de lo surreal. Imágenes absurdas que al igual que las de Magritte o Delvaux se resisten a ser interpretadas.

    Amy Cutler nació en Poughkeepsie, Nueva York, en 1974. Se formó como artista en distintos centros de Europa y América, como la Staatliche Hochschule für Bildende Kunste en Frankfurt, o la Cooper Union School of Art de Nueva York. A pesar de su juventud, su obra se encuentra ya en las colecciones de instituciones tan importantes como el MoMA o el Hammer Museum, UCLA, Los Ángeles. Entre sus exposiciones individuales destaca la realizada en el 2006 en el Indianápolis Museum of Art. Actualmente desarrolla su labor artística en Brooklyn, donde reside.

    Como en es habitual en el programa "Producciones", la exposición contará con una publicación específica acerca del proyecto que incluye un cuento de la escritora norteamericana Nicole Krauss.

    Amy Cutler. Alteraciones
    Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
    3 de julio-10 de septiembre

    Guia de Bonn en guiarte.com

    03/07/2007, Bonn adquirió fama por sus “inesperada” capitalidad de Alemania Occidental. La ciudad, ubicada a la orilla del Rin, es agradable. Tiene una población ligeramente superior a los 300.000 habitantes. Guiarte.com publica ahora su guía.

    Tras la segunda guerra mundial, en la zona ocupada por los ejércitos de Estados Unidos, Francia y Gran Bretaña nació la República Federal Alemana, donde se eligió a Bonn como capital provisional. Esta circunstancia favoreció el reencuentro de la ciudad con la prosperidad.

    No es muy elevado el numero de monumentos artísticos, pero tiene Bonn un ramillete de puntos de interés. Su centro histórico y comercial es atractivo y tranquilo. Hay buenos sitios para tomar un café o para gozar de la gastronomía.

    Por el casco antiguo hay algunos lugares artísticos que merece la pena recorrer: la colegiata, el ayuntamiento, la casa de Beethoven...

    También hay magnificas zonas de paseo, como el gran parque que se ubica frente a la universidad, antigua Residencia de los Electores, muy cerca del Rin.

    El músico es emblema local, aunque la vida artística de Beethoven transcurrió, más en Viena. Él es el orgullo de la ciudad, y en la plaza ubicada ante la Colegiata se halla una estatua en la que aparece, altivo, contemplando la vida ciudadana.

    El monumento que le recuerda se inauguró en agosto de 1845, en el 75 aniversario del natalicio del compositor. La estatua de bronce fue encomendada al escultor Ernst Hähnel, ganador de un concurso convocado al efecto.

    Beethoven marca la vocación musical de Bonn; ya tiene una histórica tradición el festival Beethoven de Bonn, que atrae a músicos y amantes de la música de todo el mundo.

    Ver guia de Bonn

    La piel de los hijos de Gea

    26/06/2007, Fotografías y esculturas de las artistas españolas Isabel Muñoz y Maribel Doménech integran la exposición La piel de los hijos de Gea en el Museo de Arte Moderna (MAM) de Río de Janeiro.

    Río de Janeiro, junio de 2007

    Hasta el 15 de julio de 2007, el Museo de Arte Moderna de Río de Janeiro presenta la exposición La piel de los hijos de Gea, compuesta por 50 fotografías de Isabel Muñoz y dos esculturas de Maribel Doménech.

    La muestra está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España y el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana, además de contar con la colaboración del Museo de Arte Moderna de Río de Janeiro.

    El comisario de la exposición, Amador Griñó, ha querido ofrecer dos perspectivas radicalmente diferentes sobre el cuerpo humano. Por un lado Isabel Muñoz, en sus fotografías, es un testigo de la realidad y en ellas refleja su pasión por el cuerpo, el movimiento y su dimensión plástica. Maribel Doménech, por su parte, analiza el vestido como envoltorio de ese cuerpo, de esas formas que tanto le interesan y que tanto condicionan todas sus esculturas – segundas pieles. La ocultación, el sonido, la luz, la introspección, el visto y no visto y el espacio alrededor del cuerpo, son los ejes fundamentales de su producción.

    Richard Estes

    26/06/2007, El Museo Thyssen-Bornemisza abre al público una nueva exposición dedicada a un artista vivo; se trata en esta ocasión del norteamericano Richard Estes, principal fundador y uno de los máximos representantes del fotorrealismo internacional.

    Madrid, Junio de 2007.

    A través de una selección de 33 de sus obras más representativas, la exposición muestra un completo recorrido por toda su trayectoria artística, desde la década de 1960 hasta la actualidad.

    Entre las obras seleccionadas destaca la magnífica aportación de la propia colección privada de Richard Estes, así como de otras colecciones privadas y prestigiosas instituciones como el Art Institute de Chicago, el Whitney Museum of American Art, el Solomon R. Guggenheim Museum, la Galería Marlborough de Nueva York, el Portland Museum of Art y el Toledo Museum of Art.

    Richard Estes, nacido en una pequeña localidad de Illinois en 1936, es uno de los fundadores, junto con Malcolm Morley, Chuck Close y Duane Hanson, del movimiento fotorrealista, surgido a finales de la década de 1960 en los Estados Unidos. Mediante la utilización de la fotografía como fuente visual directa, Richard Estes se especializó en representaciones de paisajes reales. Su obra es admirada por su extraordinaria maestría artística, que pone de manifiesto principalmente en la representación de sus conocidos paisajes de la ciudad de Nueva York, en la que actualmente reside y trabaja.

    Otras ciudades, como Chicago, París, Venecia, San Francisco o Barcelona, han sido también objeto de su mirada, pero nunca con el protagonismo que lo hace la ciudad de los rascacielos: Manhattan, Central Park, Long Island, los puentes sobre el Hudson..., sus edificios, comercios, medios de transporte... la realidad de la gran urbe que el pintor utiliza y manipula para mostrarnos su propia realidad, para ampliar y desarrollar su propia visión artística. Aunque él mismo se ha definido en ocasiones como pintor realista, lo que realmente le interesa es la construcción plástica del cuadro y el impacto visual de la obra.

    El efecto ilusionista de sus composiciones sugiere que han sido copiadas directamente de una fotografía, pero realmente éstas surgen de la combinación de varias tomas fotográficas que él mismo realiza in situ, pero que no le interesa copiar de forma literal, sino manipularlas y reconstruirlas para crear una imagen que, aunque sea científicamente incorrecta, parezca real al ojo humano; una imagen realista pero que no se corresponde en luz, color o elementos casuales a ningún momento determinado.

    Aunque Richard Estes toca puntualmente otros géneros, como puede ser el retrato -del que se incluye algún ejemplo en esta exposición-, su obra más famosa es la que pertenece a las series de paisajes urbanos en las que representa fachadas de edificios, escaparates, escaleras automáticas, automóviles o restaurantes de comida rápida. En sus escenas no aparece apenas la figura humana, por la que no siente interés alguno y, cuando lo hace, es un elemento más del paisaje, que nos transmite en muchas ocasiones una cierta sensación de aislamiento; una atmósfera de objetividad y falta de emoción característica en sus cuadros.

    El fotorrealismo se desarrolló a partir de dos tradiciones artísticas: la pintura trompe l'oeil y la técnica meticulosa de superficies delicadamente acabadas de la pintura holandesa del siglo XVII. Pintores como Vermeer han ejercido gran influencia sobre Estes, con su observación detallada de la realidad y el uso de aparatos técnicos como la camara obscura; pero su obra recoge también la tradición europea de la pintura del paisaje urbano desde sus orígenes en los pintores vedutistas del XVIII, con Canaletto a la cabeza. Precedentes modernos más cercanos a su pintura podemos encontrarlos en Charles Sheeler y en los pintores americanos de los años 1930, que se apoyaban con frecuencia en la fotografía para conseguir mayor precisión en la línea y en la forma.

    A diferencia de otros pintores fotorrealistas, que traspasan directamente la foto al lienzo, Estes la utiliza únicamente como punto de partida; para él es sólo un instrumento que le permite captar el momento y todas sus complejidades. Toma varias vistas del lugar escogido para luego jugar con ellas y plasmar la imagen definitiva en el lienzo, lo que convierte a la imagen representada en una suerte de ilusión óptica, una representación enormemente compleja de la luz refractada. Salvando las distancias, es un proceso similar al seguido por Canaletto para realizar sus famosas vistas de la ciudad de Venecia: ambos mantienen los edificios y las localizaciones reconocibles, pero reorganizan las perspectivas en función del efecto que desean conseguir; y Estes, además, juega también -y de forma magistral- con los reflejos, otro de los aspectos más particulares y destacados de su obra.

    Los efectos de luces y sombras, o la particular textura de las imágenes generadas por cámaras fotográficas, aparecen perfectamente simulados en la obra de Estes; particularmente en la representación de superficies especialmente reflectantes: escaparates, edificios de grandes ventanales, cabinas telefónicas, el agua... Estas superficies, limpias e inanimadas, se convierten muchas veces en el único motivo del lienzo: la realidad de Estes se muestra a través de su reflejo, por lo que el mundo aparece realmente invertido, fragmentado, distorsionado. Otras veces esa realidad se desdobla: una pared divide dos escenas, el interior y exterior de un autobús, de un escaparate, de un barco,... provocando una yuxtaposición de espacios interiores y exteriores, de imágenes reales e imágenes reflejadas, de imágenes reflejadas en el reflejo de otras imágenes.

    Hasta el 16 septiembre, 2007 en las salas 47 y 48 de la colección permanente (planta baja) del Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

    De Tiziano a Goya. Grandes Maestros del Museo del Prado

    26/06/2007, La muestra, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, y el Museo Nacional del Prado, ofrece una extraordinaria representación de los grandes maestros de los siglos XVI al XIX.

    China, junio de 2007.

    SS.MM. los Reyes inaugurarán el día 28 de junio la exposición De Tiziano a Goya. Grandes Maestros del Museo del Prado en el National Art Museum of China, NAMOC. En la inauguración, S.S. M.M. los Reyes estarán acompañados por el Ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Miguel Ángel Moratinos, la Viceministra de Cultura, Meng Xiaosi, el Presidente del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, Rodrigo Uría, el Director del Museo Nacional del Prado, Miguel Zugaza, la Directora General de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, Mª Isabel Serrano y el Director del National Art Museum of China, NAMOC, Fan Di'An.

    También asistirán el Presidente de BBVA, Francisco González, el Presidente de GAMESA, Guillermo Ulacia Arnaiz y el Presidente del Grupo BERGÉ, Jaime Gorbeña, en representación de las empresas patrocinadoras de la muestra.

    La exposición cuenta con la colaboración de los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, del Ministerio de Cultura de China, del Instituto Cervantes y de la Embajada de España en Beijing.

    La muestra, comisariada por Juan J. Luna, Conservador Jefe del Departamento de Pintura del S. XVIII del Museo Nacional del Prado, reúne cincuenta y dos extraordinarios ejemplos de la más distinguida tradición del arte occidental.

    Se trata de la primera presentación oficial de un museo nacional español en China y uno de los acontecimientos más destacados del programa de SEACEX en este país.

    MUSAC & Benicássim

    21/06/2007, En el marco de FIB-Art, una selección de vídeo-creaciones procedentes de los fondos de la colección del museo leonés viajaran al reciento del Festival.

    Benicássim, junio de 2007.

    Por segundo año consecutivo, MUSAC y FIB Heineken, se dan cita en Benicàssim. Durante los días que dura el evento, el arte en movimiento de artistas –tanto emergentes como consagrados- de la talla de Fikret Atay, Patty Chang, Jesper Just, Cristina Lucas, Bjørn Melhus, Fernando Renes o Martín Sastre, podrá ser contemplado por miles de jóvenes que una vez más acudirán a su cita anual con la música.

    Trabajos que captarán la atención del espectador a través de un contenido visual y musical impactante, y que a la vez cuentan con personales discursos que, desde el humor o la ironía, hablan de temas de actualidad como la fabricación de iconos de la música pop, las relaciones del hombre con su entorno natural, pasando por una crítica al mercado internacional del arte y el cine o los últimos avances en el campo de la tecnología.

    Pero este año, el viaje de MUSAC a Benicàssim cuenta con una importante novedad. Si en 2006 el viaje de la institución museística al festival venía marcado por el traslado de un producto netamente reservado a espacios culturales de elite como son los museos, este FIB Heineken 2007 supondrá un viaje de vuelta, un retorno que bien podríamos llamar “Benicàssin en MUSAC”: a través de la construcción de un retrato de este acontecimiento musical destinado al esparcimiento colectivo, el Festival será ahora quien se adentre en esos canales reservados a la “alta cultura”. El proyecto se materializará con una acción multimedia, una publicación y una exposición itinerante.

    Más información en:
    FIB
    MUSAC

    Por Borja Sánchez

    Guía de Aquisgrán

    21/06/2007, Una hermosa ciudad Alemana en la que destaca un centro histórico de gran interés gracias a edificios como la catedral imperial o a elementos sumamente atractivos como el Tesoro Catedralicio.

    Aquisgrán, junio 2007

    Guiarte.com añade a sus guías de ciudades la de Aquisgrán, una hermosa urbe alemana, del estado de Renania del Norte-Westfalia, núcleo de gran interés histórico, vinculado muy estrechamente a la vida de Carlomagno.

    Era ésta, hasta bien entrado el siglo XVI, la ciudad donde se coronaba al emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Entre los coronados aquí, esta Carlos V, en el año 1520.

    De origen romano, el nombre de la urbe en español –Aquisgrán- tiene resonancia latina y de agua: aquae granni. También el nombre alemán. Aachen deriva de la radical hídrica ahha.

    Cuenta con unos 250.000 habitantes y es un lugar activo, en el que destaca su centro histórico, con la valiosa catedral imperial y un ramillete de elementos sumamente atractivos para el turista amante del arte y la historia, en especial el notabilísimo Tesoro Catedralicio. Sigue teniendo fama por sus aguas termales; sus treinta manantiales generan un agua de temperatura elevada que ya mereció el interés de los romanos, quienes construyeron termas y templos.

    El centro de la ciudad es agradable para el paseo y la compra. Hay buenas tiendas y abundantes objetos de recuerdo. Abundan las estatuas y fuentes que embellecen los distintos rincones. En el centro, tranquilas calles y plazas peatonales propicias para deambular o sentarse a tomar un café. Hay buenos restaurantes en la zona.

    Es una ciudad de gran ambiente juvenil, porque en sus centros superiores universitarios estudian mas de 30.000 jóvenes. También es centro de congresos. Mantiene una activa vida cultural.

    Ir a la Guía de Aquisgrán

    Libro Homenaje a Guernica. Concurso de murales de Graffiti

    21/06/2007, La publicación presentada por el Museo Reina Sofía recoge el concurso de graffiti organizado por el Departamento de Educación del Museo Reina Sofía en 2006. Sus textos son una importante contribución a la historia de esta expresión plástica.

    Madrid, Junio de 2007.

    Desde la base de que cualquier acercamiento del Museo a los jóvenes debe respetar sus códigos culturales y estéticos, el Departamento de Educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía tuvo la original iniciativa de dar a conocer Guernica a las últimas generaciones mediante un concurso de murales de graffiti.

    En junio de 2006, coincidiendo con la exposición “Picasso. Tradición y vanguardia” y con el 25 aniversario de la llegada de Guernica a España, los cuatro ganadores del concurso BOA MISTURA, BRAKE1, MAX 501 y SUSO33 materializaron sus proyectos en el patio de la ampliación del Museo, donde permanecieron expuestos durante diez días.

    “Homenaje a Guernica. Concurso de murales de Graffiti” cuenta con el personal testimonio de una de las principales figuras de la escena urbana de nuestro país en los 80 como Pastron#7, además de un texto inédito escrito por Francisco Reyes profesor de la Universidad Complutense de Madrid y autor de una tesis doctoral sobre graffiti, en el que analiza el significado del graffiti y narra su historia desde sus orígenes en Nueva York hasta su llegada a España.

    El atractivo diseño del catálogo ha sido realizado por los graffiteros BOA MISTURA, quienes han desplegado en esta publicación un gran número de imágenes a todo color del evento y de diversas obras clave de la historia del graffiti en nuestro país.

    La publicación cuenta con el Patrocinio de la Fundación Santander.

    Iceberg Tropical

    19/06/2007, El Centro de Arte Reina Sofía presenta una exposición retrospectiva de Luis Gordillo, comisariada por el propio artista, recientemente galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2007.

    Madrid, 19 de junio de 2007.

    La muestra reúne alrededor de 180 obras realizadas a lo largo de toda su trayectoria, agrupadas en un montaje que mezcla en un mismo espacio pinturas y dibujos de distintas épocas y en el que aparecen bloques de piezas de una misma cronología en momentos inesperados.

    Implicado personalmente en la concepción de sus antológicas, Gordillo ha querido en esta ocasión desarrollar un proyecto expositivo diferente en el que ha contado con la ayuda imprescindible de Paco Pérez Valencia. Más allá de la exhibición claramente ordenada de una selección de piezas elegidas en función de su calidad, la muestra ha sido concebida como un espacio vivo, un campo dinámico de acciones y reacciones entre las obras que sacude al espectador. Fiel a la idea de potenciar al máximo la activación de cuadros y espacios, y consciente al mismo tiempo del sentido didáctico que acompaña a una muestra antológica, Gordillo nos propone una exposición muy singular, que se convierte en sí misma en una obra más.

    La antológica incluye trabajos de distintos periodos bajo el denominador común del concepto que, a decir del artista, mejor define su proyecto: el de la "tensión narrativa", y en su base el uso de una cronología heterodoxa. Para Gordillo, la práctica de juntar en un mismo espacio diferentes épocas hace que lo histórico salga en principio malparado, pero, por el contrario, las obras adquieren una juventud nueva, como si se presentaran por primera vez. "La esencia de mi obra genérica -dice el pintor- tiene mucho que ver con este método: emplear la yuxtaposición incluso de opuestos, el collage como concepto, la realización de obras muy distintas en un mismo tiempo, la porosidad en las influencias, el retomar ideas de mi pasado y actualizarlas".

    Luis Gordillo ha desarrollado una trayectoria marcada por la experimentación y la libertad creativa. Utilizando siempre un lenguaje absolutamente personal, esquivo a las catalogaciones, su trabajo reflexiona sobre la realidad de la pintura contemporánea. Siempre en continua evolución, su obra, se abre absolutamente a los nuevos medios como clave para la renovación de una pintura desafiante, que no cede su papel protagonista en el mundo del arte. La ironía, el uso de gamas cromáticas ácidas, las referencias a los mass media, el uso de imágenes múltiples en las que se congela el movimiento, la utilización libre de técnicas y materiales…, son algunos de los rasgos característicos que, tal y como permite ver esta muestra, con diferentes expresiones y combinaciones, aparecen repetidamente en su creación pictórica.

    Coincidiendo con la celebración de la muestra, el Museo ofrece, dentro del programa Lecciones de Arte, un curso de dos sesiones sobre este artista. El martes 2 de octubre el propio Luis Gordillo hablará sobre su obra, mientras que el martes 9 de octubre será Jaime González de Aledo, profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, quien reflexionará sobre el trabajo de este pintor. Las lecciones tendrán lugar de 19.00 a 20.00 horas en las salas de la exposición y en las salas de la Colección Permanente.

    Sobre el artista:

    Luis Gordillo (Sevilla, 1934), comenzó su trayectoria artística a finales de los años 50, de la mano del informalismo y de la pintura abstracta. Su primera exposición individual data de 1959 en Sevilla. Tras una estancia en París, se introduce en los entresijos del psicoanálisis, interés que ha mantenido desde entonces y que le ha ayudado a la construcción ética de su obra. En 1966 es descubierto por Juan Antonio Aguirre, que le incluyó en el heterogéneo grupo Nueva Generación, que reunía a artistas (Jordi Teixidor, Yturralde, Alexanco, Julio Plaza) cuyas obras marcaban una ruptura con el informalismo y la aparición del arte pop y la nueva geometría.

    Tras una importante crisis personal y gracias al descubrimiento de la fotografía, a principios de los 70, comienza una fase creativa en la que experimenta con métodos mecánicos de reproducción y transformación de la imagen y el color. Es en esta época cuando un grupo de jóvenes artistas, (Guillermo Pérez Villalta, Carlos Alcolea, Chema Cobo) y críticos importantes del momento (Fernando Huici, Quico Rivas, Juan Manuel Bonet) le redescubren y reconocen su importancia. En este momento también comienza la proyección internacional de su obra con su participación en la Bienal de Venecia de 1970 y un reconocimiento generalizado, como demuestran las innumerables exposiciones que ha venido realizando desde entonces en galerías privadas y centros públicos.

    El Premio Velázquez 2007 se suma a otros galardones recibidos por el pintor, como el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1981, el Premio de la Comunidad de Madrid a la Creación Plástica y el Premio Andalucía de Artes Plásticas en 1991, el Premio de la CEOE a las Artes Plásticas en 1992, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1996, el Premio Tomás Francisco Prieto de la Casa de la Moneda en 1999, el Premi Ciutat de Barcelona d'Arts Plàstiques en 2000, Premio Aragón-Goya de Pintura en 2003 o la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2004. Asimismo, ha sido distinguido este año con la orden de Caballero de las Artes y las Letras de Francia por el ministerio francés de Cultura y Comunicación.

    TITULO: Iceberg Tropical. Luis Gordillo. Antológica, 1959-2007
    FECHAS: 19 junio-15 octubre de 2007
    LUGAR: MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA (Edificio Sabatini, Sala A1)
    COMISARIO: Luis Gordillo

    Alberto Durero: grabados de la Colección del Städel Museum

    16/06/2007, Del 26 de junio al 9 de septiembre de 2007, el Guggenheim de Bilbao acoge una exposición con algunas de las estampas más importantes de la producción del artista alemán Durero.

    Bilbao, junio de 2007

    El museo de Bilbao, en su décimo aniversario, presenta una selección de 165 de las estampas de uno de los más grandes maestros del grabado de todos los tiempos: Durero (Nuremberg, 1471–1528).

    Pertenecientes a los fondos del Städel Museum, en Frankfurt del Main, los grabados a buril, entalladuras en madera y aguafuertes de gran valor que se exhiben en el Guggenheim Bilbao del 26 de junio al 9 de septiembre serán expuestos por primera vez en una muestra tan amplia y relevante desde que, en el año 1971, se conmemoró el 500 aniversario del nacimiento del artista. Una exposición comisariada por Martin Sonnabend, conservador de la Colección de Grabados y Dibujos del Städel Museum.

    A lo largo de su trayectoria Durero creó pinturas, dibujos y estampas, sin embargo, fue con el grabado con el que dio a conocer en toda Europa su innovadora creación artística. Consciente de la importancia de este medio, el que ha sido considerado por la historiografía como el artista más eminente del Renacimiento alemán, trataba al grabado como una obra artística por derecho propio y no como una mera reproducción de otras obras.

    El grabado en cobre y la entalladura, que se desarrollaron a lo largo del siglo XV y por cuya técnica comenzó a interesarse durante sus años de formación hacia 1490, le ofrecían la posibilidad de desarrollar ideas artísticas propias en mayor medida que las pinturas, realizadas habitualmente por encargo para emplazamientos fijos como iglesias, palacios o residencias privadas; o que los dibujos, que los artistas hacían como estudios y bocetos y casi nunca abandonaban el taller.

    La influencia de Durero
    Las estampas se convirtieron en el principal sustento económico del artista. Por medio de acuerdos con comerciantes itinerantes sus grabados se difundieron mucho en poco tiempo, ejerciendo una influencia artística inmediata no sólo en Alemania, sino también en otros países como Italia donde Giorgio Vasari, en la segunda mitad del siglo XVI, dedicó a Durero extensos pasajes dentro de sus biografías de artistas italianos.

    La obra de Durero sintetiza las tradiciones tardomedievales de su país con las influencias italianas, marcadas por herencia de la antigüedad y el conocimiento científico, y redefine la función social y espiritual del artista bajo el signo del pensamiento humanista. A lo largo de los siglos, sus obras siempre han cobrado nueva actualidad y han influido en el arte incluso hasta en la era moderna.

    La técnica de la estampa
    Cuando Alberto Durero se inició en la estampa la técnica era aún relativamente reciente. Las primeras entalladuras en madera y los primeros grabados en cobre surgieron a principios del siglo XV con funciones modestas como imágenes pías o pequeñas ilustraciones para libros, primero manuscritos y después impresos. Sin embargo, no fue hasta el último tercio del siglo XV cuando Martin Schongauer elevó el grabado en cobre a un nuevo nivel artístico.

    Durero, hijo de un prestigioso orfebre de Nuremberg, aprendió de niño el oficio de la incisión en metal, base del grabado en cobre, y continuó su formación como pintor en otro taller de Nuremberg, especializado además en ilustraciones de entalladura para importantes publicaciones. Al parecer, Durero y, de hecho, tras su formación se hizo famoso con la estampa antes que con la pintura. Los primeros grabados en cobre y entalladuras, como por ejemplo el de Hércules en la encrucijada y El baño de los hombres, tratan temas poco usuales y novedosos y, con los medios gráficos de la línea, consiguen un efecto figurativo que rivaliza con el de la pintura.

    Grandes series gráficas de entalladuras
    La publicación de una serie de entalladuras en forma de libro, El Apocalipsis en 1498, poco antes del cambio de siglo, convirtió al joven Durero en hombre de fama.

    De su primer viaje a Italia viene su fascinación por el desnudo humano, cuya representación supuso una trasgresión en la Alemania tardomedieval, con obras como Adán y Eva, en la que se trata la cuestión de las proporciones ideales; y también por la geometría y el estudio de autores antiguos como Vitruvio y Euclides, que plasmaba en series como La vida de la Virgen.

    Aunque en el primer decenio del siglo XVI Durero estuvo muy ocupado con grandes encargos de pinturas y en 1505/06 viajó por segunda vez a Italia, siguió haciendo estampas y en 1511 concluyó el proyecto, emprendido 15 años atrás, de las grandes series gráficas de entalladuras, al publicar simultáneamente La Pasión grande, La vida de la Virgen, una segunda edición de El Apocalipsis y La Pasión pequeña. En 1512 publicó además su única serie de grabados en cobre, La Pasión a buril.

    Después, Durero ya no crearía más series gráficas de ese género. Sus publicaciones de 1511/12 representan la conclusión de sus actividades como creador y editor de series extensas. En un gesto definitivo, quizá análogo al anterior, en 1513 y 1514 publicó los llamados “grabados magistrales”, El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su celda y la Melancolía. Se considera que con estas obras Durero llevó el grabado en cobre a sus cotas más altas como técnica gráfica.

    Desarrollo de nuevas técnicas
    Sin embargo, esta fama no le hizo abandonar su interés por el grabado y comenzó a experimentar con nuevas técnicas gráficas, como la punta seca y el aguafuerte. A partir de 1512 también prestó sus servicios al emperador alemán Maximiliano I, para el que ejecutó a lo largo de años dibujos y gigantescos proyectos en entalladura, como el Gran carro triunfal de Maximiliano, núcleo de la representación de una enorme marcha triunfal, que nunca llegó a terminarse. En su última época también llevó a cabo algunos retratos de príncipes y sabios.

    Durero dedicó sus últimos ocho años de vida a sus escritos teóricos sobre geometría, construcción de fortificaciones y las proporciones que también ilustró con entalladuras. La última de estas obras, la Varia lección de proporción, apareció poco después de su muerte.

    Van Gogh. Los últimos paisajes

    13/06/2007, El Thyssen, con el patrocinio de Banco Caixa Geral y Fidelidade Mundial, presenta (Hasta el 16 de septiembre de 07) la primera muestra dedicada en exclusiva a la obra del artista en sus dos últimos meses.

    Madrid, junio de 2007.

    El 20 de mayo de 1890, Vincent van Gogh descendió del tren en Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo a una hora de distancia de París. Una semana antes había abandonado el manicomio de Saint-Rémy, tras pasar allí un año entero internado. Venía en busca de un lugar tranquilo en el campo donde recuperar la salud y la calma. Tenía la esperanza de comenzar una nueva vida y un nuevo ciclo en su trabajo como pintor. Pero sólo dos meses después, el 27 de julio, en los campos cercanos al château de Auvers, se disparó un tiro de revólver que le causaría la muerte, tras una larga agonía, en la madrugada del 29 de julio.

    El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta desde el 12 de junio la primera exposición dedicada a la obra realizada por Vincent Van Gogh durante sus dos últimos meses de vida, que el pintor pasa en la localidad de Auvers; un periodo muy breve pero extraordinariamente fecundo. En esas semanas finales de su vida, Van Gogh se vuelve también más consciente de la deuda con sus precursores.

    La exposición, para cuya promoción se ha contado con la colaboración del Consorcio Turístico de Madrid, reúne veintinueve obras (veintiséis pinturas y tres dibujos) procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo. En la muestra se incluyen, además, seis cuadros de los tres grandes precursores de Van Gogh, que habían pintado en Auvers antes que él y cuya presencia Vincent sentía en el paisaje: Daubigny, Pissarro y Cézanne. Todas las obras de Van Gogh presentes en la exposición pertenecen al periodo de Auvers, incluida una de las obras maestras de la Colección del Museo: "Les Vessenots" en Auvers.

    El periodo de Auvers
    En sólo setenta días Van Gogh produjo unas setenta y dos pinturas, treinta y tres dibujos y un grabado. Como si supiera que sus días estaban contados, como en una angustiosa cuenta atrás. Se levantaba a las cinco de la mañana y se pasaba toda la jornada pintando en los campos o en las calles del pueblo. En una carta escribió: "Estos días trabajo mucho y deprisa; al hacerlo así trato de expresar el paso desesperadamente rápido de las cosas en la vida moderna." Ese ritmo frenético se traduce a veces en una ejecución pictórica impulsiva, arrebatada, pero también descubrimos en la obra de este periodo composiciones de una extraordinaria serenidad. Desde siempre se ha reconocido en esa producción algunas de las obras maestras más características del pintor pero, en conjunto, el periodo de Auvers ha sido considerado a veces como un declive y apenas se ha prestado atención a sus rasgos peculiares en contraste con otras etapas del artista.

    Después de su estancia en Provenza, Auvers representa para Van Gogh el retorno al paisaje del Norte en el que había pensado durante tanto tiempo: en Auvers reencuentra los temas rústicos y la comunidad rural de su juventud, que había perdido desde que abandonó Nuenen. Y con los campos de Holanda, recupera también la mirada de los grandes paisajistas holandeses del siglo XVII, que nunca dejó de admirar profundamente.

    Desde el punto de vista estilístico, la etapa de Auvers no supone una ruptura con el periodo anterior, pero su estilo se encuentra en plena evolución. La raíz del estilo de Van Gogh sigue siendo su formación como dibujante durante su etapa holandesa hacia 1880-1882. Todo el repertorio gráfico desarrollado por Vincent desde entonces, su léxico de puntos, trazos cortos y largos, líneas quebradas u ondulantes, ensayado primero con la pluma, será trasladado al lienzo; dibujar con el color es el rasgo dominante de toda su obra tardía. En el periodo de Auvers Van Gogh atiende menos a los detalles naturalistas, su trazo se multiplica y se retuerce, produciendo arabescos en los árboles y las casas, oleajes en los trigales, movimientos y ritmos curvilíneos de una enorme vitalidad dinámica.

    De Saint-Rémy a París
    Entre febrero y abril de 1890 Van Gogh sufrió, en el manicomio de Saint-Rémy-de-Provence, la más larga y profunda de sus crisis mentales. Cuando se recuperó, se sintió convencido de que no debía prolongar su estancia allí, de que el tratamiento no mejoraba su estado y la convivencia con los otros enfermos agravaba sus propios males. Tras una última discusión con el doctor Peyron, director del asilo, se le concedió el alta. Y el 16 de mayo, a pesar de los recelos de su hermano Theo, que temía los riesgos de un largo viaje en solitario, Vincent tomó el tren para París. En la capital francesa pasaría sólo tres días, alojado en casa de su hermano, durante los cuales conoció a la esposa de Theo, Johanna, y al hijo de ambos, el pequeño Vincent Willem. La propia Johanna nos ha dejado una memoria de aquellos días, donde explica cuánto le sorprendió el aspecto de Vincent, que no era el de un hombre enfermo y consumido, sino robusto y saludable. Vincent volvió a ver a algunos amigos artistas, visitó exposiciones. Convivió con su pequeña familia, sin sombras, durante esos tres días. Nadie mencionó Saint-Rémy.

    Pero lo esencial de aquellos tres días en París fue para Vincent la oportunidad de ver reunida (en el apartamento de Theo y en la tienda del Père Tanguy) toda su obra pictórica. En sus cartas siempre había sostenido que para juzgar una sola obra de un artista era esencial conocer la totalidad de su creación. Y ahora, gracias a la exposición improvisada en el apartamento de su hermano, Vincent posee por primera vez en su carrera una impresión directa de toda su creación. Esa perspectiva bastará para imprimir a la creación de Van Gogh en Auvers el valor de una recapitulación, de un epílogo al conjunto de su carrera. Ya no avanza a ciegas; por primera vez sabe de dónde viene y a dónde va.

    Auvers-sur-Oise y la tradición del paisaje
    Theo había estado buscando durante meses un lugar donde su hermano pudiera restablecerse, un sitio tranquilo en el campo pero no muy distante de París, donde llevara una vida independiente pero sometido a la vigilancia amistosa de alguien de confianza. Fue el pintor Camille Pissarro quien, tras declinar hacerse cargo de Vincent, sugirió el nombre de Paul-Ferdinand Gachet, médico y artista aficionado, viejo amigo de algunos pintores impresionistas, como del propio Pissarro, Cézanne, Guillaumin y otros. Gachet pasaba consulta en París tres veces por semana pero vivía en Auvers-sur-Oise, a unos treinta kilómetros al noroeste de la capital.

    Auvers ha conservado todo su encanto milagrosamente intacto (no alterado por los turistas, especialmente japoneses, que viajan hasta allí para visitar el cuarto donde vivió y murió Van Gogh, la tumba donde reposa junto a su hermano y los escenarios donde pintó sus últimos cuadros). El pueblo, de forma muy alargada, se prolonga unos ocho kilómetros a lo largo del curso del río Oise y como agazapado en la cuenca del río. Pero si subimos por las laderas de ese pequeño valle llegaremos a una meseta con extensas llanuras de trigales.

    En la época en que Van Gogh lo conoció, Auvers contaba con unos dos mil habitantes (tres mil en verano) y era un pueblo de granjeros y agricultores, pequeños propietarios que trabajaban su propia tierra. Pero Auvers no era un pueblo como cualquier otro; desde mediados del siglo había atraido a grandes pintores de paisaje, como Daubigny, Pissarro y Cézanne. Daubigny, el gran exponente de la escuela de Barbizon, amigo y precursor de los impresionistas, se construyó un barco-atelier para recorrer el río Oise y pintar sus orillas, y hacia 1860 adquirió una casa en Auvers en la que recibía a menudo a sus amigos artistas de París (como Corot, Daumier, Dupré, Harpignies, Jacque o Berthe Morisot.) En 1866, Pissarro se estableció en Pontoise, muy cerca de Auvers, donde pasaría largas temporadas en el curso de los dieciséis años siguientes. Y fue Pissarro quien convenció a Cézanne de que viniera también a instalarse en la región. Cézanne vivió en Auvers entre 1872 y 1874, donde pintó unas decenas de paisajes del área alrededor de la casa de Gachet, en uno de los extremos del pueblo.

    Lo pintoresco y el color moderno
    Al día siguiente de su llegada a Auvers, Vincent escribía a Theo entusiasmado con las viejas casas pintorescas con tejado de paja, cada vez más raras. "Pero los chalets modernos y las casas de campo burguesas me parecen casi tan bonitos como esas viejas chozas que se caen en ruinas." Este contraste entre las casas de tejado de paja y los nuevos chalets coloristas, entre lo viejo y lo nuevo, será una de las claves de las vistas de Auvers que pinta Van Gogh. Con ello parece querer plasmar su propia evolución como pintor, desde su aprendizaje en la tradición holandesa y pintoresca hasta el colorismo moderno aprendido entre los impresionistas franceses. Van Gogh concebía su creación tardía como una especie de síntesis entre las dos grandes etapas de su carrera.

    El intento de síntesis entre lo pintoresco tradicional y el color moderno domina en muchos de los paisajes de Auvers. En una ocasión, Van Gogh pinta las orillas del río Oise un poco al estilo de Daubigny, con pastos y vacas y campesinos. Pero al mismo tiempo, en un cuadro más ambicioso, pinta un embarcadero en el río con algunos parisienses dispuestos a disfrutar de un paseo en barca, un tema típicamente impresionista, frecuentado por Monet y Renoir. Otro escenario de la pintura de Vincent será el campo abierto: los trigales en la meseta que domina Auvers. En una carta a su madre y a su hermana hacia el 11 de julio, el pintor describe su fascinación por este paisaje: "Estoy absorbido en la inmensa planicie de campos de trigo contra las colinas, ilimitada como un mar [..".

    Chozas y chalets, calles y caminos, riberas y trigales: así irán desfilando por su obra todos los aspectos de la vida rural. Hacia finales de junio de 1890, Van Gogh comenzó a usar en Auvers un nuevo tamaño de lienzo estrecho y apaisado (50 x 100 cm) y pintaría una serie de cuadros, doce paisajes y un retrato, en este formato. La serie está en buena parte dedicada a los campos de trigo, pero también aparecen otros escenarios -bosque, jardín, trigales, camino, casas del pueblo- que recorren todo el mundo de trabajo y ocio en el campo; son una suerte de panorama de la vida campestre. Tres de las pinturas integrantes de esta serie están presentes en la actual exposición, Paisaje al atardecer, del Museo Van Gogh de Ámsterdam, Dos figuras en el interior del bosque, procedente del Cincinnati Art Museum, y El Jardín de Daubigny con un gato negro, prestado por el Künstmuseum de Basilea; tres cuadros fundamentales, cargados de sugerencias simbólicas y referencias a los maestros que Vincent admiraba.

    Venta anticipada de entradas en la taquilla del Museo y a través de:
    www.museothyssen.org/entradas

    Le Corbusier

    13/06/2007, El Reina Sofía presenta una muestra con muchas de las piezas componentes de la colección de obras de Le Corbusier reunidas a partir de finales de los años cincuenta por la galerista Heidi Weber.

    Madrid, junio de 2007

    Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
    Fechas: 5 de junio - 3 de septiembre de 2007


    Propietaria de una galería de diseño interior en Zurich, la galerista suiza Heidi Weber mantuvo una estrecha relación de colaboración profesional e intelectual con Le Corbusier en los últimos años de la vida del arquitecto. El resultado de estos contactos, absolutamente excepcional si se tiene en cuenta el corto periodo de tiempo en el que se desarrollaron (Le Corbusier murió en agosto de 1965), puede resumirse en tres grandes líneas que constituyen las tres partes principales de esta exposición.

    El primer apartado de la muestra se dedica a la reedición y comercialización de muebles de Le Corbusier. Se incluyen varios de sus diseños ya míticos, como, por ejemplo, las sillas de tubos metálicos de los años veinte, que fueron reelaborados por Heidi Weber en un trabajo conjunto con el artista y comercializados en Suiza a partir de 1959.

    El segundo apartado se centra en la colección de obra plástica de Le Corbusier. Heidi Weber ha ido reuniendo desde los años cincuenta, con verdadero apasionamiento personal, un conjunto de pinturas, esculturas, grabados, dibujos, tapices, etc. del artista que compite en importancia con el legado que custodia la Fondation Le Corbusier en París. Muchas de sus piezas se han prestado para diversas exposiciones, pero hasta ahora nunca han sido objeto de una muestra unitaria. Sin llegar a perder el orden cronológico, las obras de esta sección se agrupan fundamentalmente por su temática: los llamados objects à rèaction poétique, toros, mano abierta, mujeres, tótems, las "pinturas acústicas", etc. En ellas es posible encontrar referencias a la obra de Picasso, por quien Le Corbusier sentía un gran interés. La Colección de Heidi Weber logra presentar al público la faceta menos conocida de este creador multidisciplinar, que lejos de ser un mero ejercicio de entretenimiento, era en realidad una faceta a través de la que entender muchas de las claves de su arquitectura.

    Finalmente, el edificio de la Maison de l'Homme de Zurich, actual Museo Heidi Weber. Centro Le Corbusier, protagoniza el tercer apartado. Gracias a la tenacidad de Heidi Weber, Le Corbusier pudo materializar al final de su vida un tipo de edificio con el que llevaba soñando desde el periodo inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial (proyecto Porte Maillot, 1950): un nuevo género de pabellón de exposiciones que materializase el ideal teórico de la síntesis de las artes y la reconciliación entre artes plásticas y arquitectura. Se comenzó a construir en 1963 y no fue terminado, tras numerosas dificultades, hasta 1967. Heidi Weber posee la práctica totalidad de la documentación gráfica del edificio, incluyendo dos de las maquetas originales.

    Con motivo de la exposición se va a editar un catálogo que incluye la reproducción de todas las obras expuestas y los textos del comisario, Juan Calatrava, director de la ETS de arquitectura de Granada, la asesora general Heidi Weber, Pedro Feduchi, arquitecto y diseñador, y Juan José Lahuerta, historiador de arte.

    Arquitecto, urbanista, pintor y escultor, de espíritu inquieto y autodidacta, Le Corbusier (Suiza, 1887-1965) es una de las figuras imprescindibles en la teoría de la arquitectura moderna. Desde su primer proyecto de las casas Dom-Ino (1914 -1915), el artista realizó innumerables obras y proyectos como el Plan Voisin para París (1925), la Ville Savoye en Poissy (1929-1931), la Cité de Refuge del Ejército de Salvación en París (1929-1933), el Ministerio de Educación Nacional de Río de Janeiro (1936), la capilla de Notre-Dame-du-Haut en Ronchamp (1950-1955), el proyecto para Chandigarh, la nueva capital de Punjab, (1951) el convento de Sainte-Marie-de-la-Tourette en Evaux (1953-1959), el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas (1958), el Centro de Artes Visuales Carpenter de Massachussets (1961), o la que es precisamente su última obra: el Museo Heidi Weber. Centro Le Corbusier (1963), entre otras.

    Co-fundador con A.Ozenfant y P.Dermée de la revista de vanguardia L'espirit nouveau (1919-1925), entre sus aportaciones teóricas son imprescindibles La ville radieuse (1935), compendio de sus teorías urbanísticas ya aplicadas a muchos proyectos de toda Europa, o Le modulor (1948), estudio de coordinación modular basado en las medidas y movimientos del cuerpo humano.

    En su fecunda trayectoria, tanto su obra edificada como sus planteamientos teóricos ejercieron una influencia decisiva en la historia del Movimiento moderno. Artista "renacentista", animado por una visión de la arquitectura como solución de los problemas sociales, se interesó por el uso de los nuevos materiales como el hormigón armado y de recursos primarios como el vidrio o el hierro, por la industrialización de la obra, por la descomposición del edificio en elementos simples susceptibles de ser prefabricados, o por el uso de colores puros. Defensor de una funcionalidad imperante, que prescinde de los valores y condicionamientos históricos, su obra logra sin embargo adecuarse magistralmente a su entorno.

    El Cubisme i Tendències Afins

    12/06/2007, "Cubismo y Tendencias Afines" es una interesante muestra que se presenta ahora en el centro cultural de Caixa Girona, la Fontana d´Or, hasta el 14 de julio.

    Girona, junio 2007

    La exposición cuenta con 74 obras de diversos autores, principalmente cubistas, tales como Picasso, Braque o Juan Gris, así como de destacados autores de allende el Atlántico, algo lógico teniendo en cuenta que la muestra se basa en el catálogo del Museo De Bellas Artes y de Arte Contemporáneo de Caracas.

    Pedro Vallenilla Echeverría, que fue un destacado financiero venezolano, dejó una fundación con sus tesoros pictóricos, que hoy es básica en el contenido del Museo de Bellas Artes, contenido que permite no sólo adentrarse en el cubismo sino en el entorno de este movimiento clave de la pintura moderna.

    La selección presentada en El Cubismo y tendencias afines se agrupa en varios ámbitos:

    Cuerpos y Figuras
    Naturaleza y paisaje
    Objetos y naturalezas
    El tránsito del arte abstracto
    Marcel Duchamp


    El conjunto de artistas representados es: Umberto Boccioni, André Lhote, Pablo Picasso, Cundo Bermúdez, Wilfredo Lam, Amelia Peláez, René Portocarrero, Kurt Schwitters, Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Marie Laurencin, Henri Laurens, Fernand Léger, Kasimir Malevich, Alejandro Otero, Georges Valmier, Jacques Villon, Georges Braque, Juan Gris, Emilio Pettoruti, Jean Metzinger, Mario Carreño, Emiliano di Cavalcanti, Oswaldo Guayasamín, Armando Barrios, Carlos Mérida, Roberto Matta, Cándido Portinari, Mariano Rodríguez, Rufino Tamayo, Joaquin Torres García, Oswaldo Vigas, Diego Rivera, Sonia Delaunay, Henry Hayden, Roger de La Fresnaye, Auguste Herbin, Amedée Ozenfant, Ossip Zadkine, Agustín Cárdenas, Julio González, Lidy Prati, Lucio Fontana, Marcel Gromaire y Manuel Rendón.

    A través de estos autores se ve cómo el cubismo -desarrollado básicamente en el entorno inmediatamente posterior a 1907- modula las formas para adecuarlas a la geometría, de volúmenes y planos, rompiendo con lo que quedaba del arte renacentista, seriamente tocado ya a través de las interpretaciones de impresionistas y sobre todo fauvistas y expresionistas. Adiós a la perspectiva y al compromiso con la realidad. El arte se acerca al abstracto, alejado de la figuración y con un lenguaje artístico autónomo.

    Luz Cárdenas, directora del Museo de Bellas Artes de Caracas y comisaria de la muestra reafirmó el valor de esta exposición que sale por primera vez de Venezuela ".

    En el catálogo expresa que “El propósito general ha sido crear un ambiente integrador que permita al espectador penetrar en ese campo de transformaciones donde quedó para siempre alterada la comprensión del hombre sobre sí mismo, su interpretación del universo y su definición de la verdad como una plaza cerrada en sus confines”

    Centre Cultural de Caixa Girona Fontana d´Or
    Calle Ciutadans 19. Girona


    Pagina web:
    http://www.fundaciocaixadegirona.org/

    50 aniversario del grupo El Paso

    07/06/2007, En el Palau de la Musica de Valencia se presenta una buena exposición que conmemora los 50 años del grupo “El Paso”. Organizada por el Palau e Ibercaja, y abierta hasta el 22 de julio.

    Valencia, junio de 2007.

    “Puentes a la abstracción. 50 años del grupo EL PASO”, es una muestra que repasa, en torno a 35 obras, los 50 años de la creación de un grupo que supuso un salto a la modernidad, y un grito al cambio y a la abstracción dentro del panorama artístico español de la época.

    La Presidenta del Palau de la Música, Mayrén Beneyto, el responsable de Actividades Sociales y Culturales de Ibercaja, José Luis Lasala, el artista Rafael Canogar, miembro del grupo y la Comisaria de la exposición, Dolores Durán, presentaron en rueda de prensa esta exposición conmemorativa, producida por la entidad de ahorro aragonesa, con motivo de sus 25 años en la Comunidad Valenciana.

    “Puentes a la abstracción. 50 años del grupo EL PASO” es una exposición heterogénea que gira en torno a un mismo objetivo. La abstracción fue el camino al que se dirigían los artistas que participaron en aquel proyecto, que se fraguó en 1957 y que estuvo vigente hasta 1960 no sólo en el territorio español sino también en el extranjero.

    En esta muestra que acoge el Palau de la Música se presentan las de Antonio Saura, Chirino, Manuel Viola, Pablo Serrano, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Miralles, Manuel Rivera y Antonio Suárez, junto con diversa documentación sobre el grupo, además del manifiesto de creación de “EL PASO” firmado en 1957.

    En opinión de la titular del Palau, se trata de una exposición “de gran trascendencia histórica y artística por la calidad de las obras expuestas”. Por su parte, el representante de Ibercaja, José Luis Lasala, ha anunciado que la entidad quiere seguir creciendo en espacio y en actividad cultural y social en toda el área mediterránea. La Comisaria de la Exposición, Dolores Durán, aseguró que la exposición “no es sólo una forma de homenajear los 50 años del grupo, sino una búsqueda constante para mostrar que esta pintura sigue viva hoy”. Durán señaló que las obras expuestas proceden “en su mayoría de los propios autores o sus familiares, privadas de Ibercaja y de otras colecciones de Madrid y Zaragoza”.

    Por último, Rafael Canogar ha definido el grupo como “la generación que hizo entender su obra y la creación abstracta”. EL PASO quiso transmitir en sus obras una crítica a la situación del país: “Nuestra obra tenía una crítica sociopolítica al régimen. Esos gestos y cortes eran un grito de rebeldía a tal situación, y luchábamos para acabar con la asfixia cultural”.

    El blanco y el negro son habituales en sus lienzos y esculturas, y tanto telas como metales se retuercen en ese intento de escapar, de abstraerse a la contrariedad entre la situación de España y el deseo de cambio de los diez artistas y dos escritores que están representados en la exposición. El propio Canogar reconoce que el arte de “EL PASO” se disfruta “incluso ahora, sale de aquella época, no se encierra en ella como hicieron otras actividades artísticas representativas de entonces, y sigue manteniendo su vigencia y la modernidad de aquel momento”, y concluyó subrayando que el grupo “representó la renovación del arte, la lucha por la defensa del arte abstracto, la huída de academicismos y la necesidad del país por dar cabida a un arte contemporáneo, crear salas de exposiciones, galerías y buenos críticos de arte”.

    Norman Foster presenta la nueva bodega del Grupo Faustino

    07/06/2007, El proyecto, que cuenta con una inversión de 25 millones de euros, se encuentra en fase de ejecución y está prevista su finalización en primavera del año 2008.

    Madrid, junio 2007

    La nueva bodega del Grupo diseñada por Norman Foster tiene una superficie de 11.300m2 y tendrá capacidad para una producción anual de un millón de botellas de vino tinto. Tal y como explicó el prestigioso arquitecto británico el terreno en el que se ubica la bodega es un elemento estratégico del proyecto.

    La bodega está situada en una loma, de forma que parte de sus elementos más importantes están enterrados de forma natural. Asimismo, se ha aprovechado la topografía del lugar para conseguir la máxima eficacia y el menor riesgo de daño para las uvas y el vino.

    El equipo de Norman Foster participó en dos vendimias del Grupo Faustino para conocer de manera exhaustiva el proceso de la elaboración del vino. Así, el diseño en forma de estrella de tres puntas refleja las principales fases de este proceso: fermentación, envejecimiento y conservación. Las distintas necesidades de cada momento, la fermentación en cubas de acero, el envejecimiento en barricas de roble y, finalmente, la armonización y afinamiento de la botella, fijan los tres volúmenes del edificio, controlado por un centro de operaciones situado en el corazón del mismo. Las alas que albergan la bodega con las barricas y botellas se encuentran parcialmente hundidas bajo tierra proporcionando las condiciones más favorables para el envejecimiento. Por el contrario el ala de fermentación está expuesta, permitiendo la expulsión del dióxido de carbono.

    Los materiales usados son también los que están presentes en los procesos de producción del vino: acero, roble y cristal. Sin duda, uno de los elementos más singulares de Bodegas Portia es el concepto de verticalidad con el que ha sido diseñada, de forma que la uva llega a la bodega desde una cubierta transitable a la que pueden acceder los vehículos.

    Otro de los elementos novedosos de Bodegas Portia es el concepto de bodega transparente, con grandes cristaleras en el interior que permiten al visitante un mejor acercamiento al mundo del vino.

    Lynn Davis

    01/06/2007, Exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de las series Iceberg y Persia Antigua realizadas por la fotógrafa norteamericana Lynn Davis en 2000 y 2001 respectivamente.

    Madrid, Junio de 2007.

    Hasta el 29 de julio de 2007 se podrá disfrutar, en el hall central del Museo Thyssen-Bornemisza y con acceso libre, de una muestra de 34 fotografías (18 de la serie Iceberg y 16 de Persia Antigua); imágenes de gran formato y en blanco y negro, como las que caracterizan buena parte de su obra.

    Lynn Davis (Minneapolis, 1944) es una de las figuras imprescindibles en el escenario fotográfico americano desde la década de 1970, y sus series Iceberg y Persia Antigua dos de las más significativas de su producción reciente.

    Heredera de una larga tradición de fotógrafos viajeros surgida en el siglo XIX, y siguiendo la senda de la fotografía americana de paisaje, Lynn Davis viaja por América, Asia, África y Oriente Medio captando en sus imágenes los vestigios y monumentos de la antigüedad y los edificios de los grandes arquitectos del siglo XX; y lo hace con un afán casi enciclopédico por documentar de forma exhaustiva la herencia del pasado, con un estilo que aúna lo minimalista y lo monumental.

    La exposición se enmarca en el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PhotoEspaña que celebra este año su décima edición.

    Más información en:
    Museo Thyssen-Bornemisza

    Ecuador: tradición y modernidad

    01/06/2007, La muestra exhibe piezas que van desde el 3.800 a. C. hasta el año 2003, desde las remotas culturas prehispánicas, hasta ejemplos del arte ecuatoriano contemporáneo.

    Madrid, junio de 2007

    Biblioteca Nacional
    Paseo de Recoletos 20-22. 28071 Madrid
    Tel.: 91 580 78 00
    Del 27 de abril al 26 de agosto de 2007


    La exposición se inicia con una muestra de piezas prehispánicas que reflejan la complejidad cultural y antropológica de la época indígena, abarcando un amplio marco temporal de once mil quinientos años.

    Una segunda parte se centra en el período colonial. Los estudios tradicionales han buscado reconocer en el arte ecuatoriano colonial los estilos europeos, desde el Renacimiento hasta el siglo XIX. Sin embargo, la realidad, como es habitual en América, es mucho más compleja y variada que la de la mera transculturación.

    La llegada de obras andaluzas y posteriormente de artistas peninsulares, daría origen a una escuela local, la escuela de San Andrés, dirigida por el flamenco fray Jodoco Rycke en el convento de San Francisco de Quito, donde se formaron varias generaciones de pintores y escultores indios y mestizos. La escultura exhibe su vinculación inicial con los modelos andaluces, dando lugar a una producción caracterizada por el realismo y una técnica de calidad.

    A partir del segundo tercio del siglo XVIII y de la mano de escultores como Bernardo Legarda y Caspicara, la escultura quiteña desarrolla un perfil propio, cuya importancia trasciende sus fronteras exportando obras incluso a Europa.

    Por su parte la pintura quiteña recibió influencias más variadas, destacando personalidades tempranas como Andrés Sánchez Gallque y posteriormente pintores de la importancia de Santiago, Goríbar, Samaniego y Rodríguez.

    La platería local, desarrollada gracias a las minas de oro y plata de la Audiencia (entre las cuales Zaruma alcanzó importancia), demostró un elevado nivel de refinamiento tanto en Cuenca como en Quito y otras ciudades, de la mano de maestros plateros como Pedro Adrián.

    La exposición concluye con una mirada al arte ecuatoriano de los siglos XIX y XX, es decir, desde los años de la Independencia hasta la actualidad. Se trata de mostrar aquí las modalidades de la permanencia y el cambio de la cultura ecuatoriana, incorporando las manifestaciones de las comunidades indígenas y de los ecuatorianos que han buscado potenciar en su arte las raíces históricas de su cultura.

    Organiza: Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior.

    Guia del archipiélago de Tinharé

    01/06/2007, 23 islas de escaso tamaño integran el archipiélago de Tinharé o de Cairú, ubicado frente a la costa del estado de Bahía(Brasil), y a unos 60 kilómetros al sur de Salvador.

    Guiarte.com te presenta ahora (entre sus guías comarcales) una amplia orientación para visitar este territorio: Archipiélago de Cairú

    Con textos y fotografías de Miguel Angel Alvarez, recorremos este conjunto de pequeñas islas del Atlántico, que engloban una superficie de algo más de 400 kilómetros cuadrados, y que oferta al visitante magníficas playas, y un ambiente natural.

    La capital municipal se encuentra en Cairú, la segunda ciudad más antigua de Brasil. fue fundada en 1608 como Nuestra Señora del Rosario de Cairú. Un viejo monasterio de aire colonial da fe de la historia del lugar.

    Morro de Sao Paulo es el pueblo más grande que hay en la isla de Tinharé y donde se concentran la mayoría de los servicios turísticos del archipiélago de Cairú. Allí abundan las playas y los alojamientos.

    Pero si se quiere tranquilidad, muchos de los visitantes prefieren pasar unos días en Boipeba, huyendo de la oferta explotación turística. Playas magníficas y, cerca, lugares fantásticos para bucear entre peces y corales. Son muy conocidas las piscinas naturales de Moreré.

    Martin Afonso de Souza parece ser que fue el primer europeo en pisar el archipiélago, en la isla de Tinharé. El viajero salió en 1530 de Portugal, al frente de una expedición, porque Juan III le mandó asentarse sobre la región.

    Carlos Franco en Silos

    01/06/2007, La exposición, en la Sala de exposiciones de la Abadía del Monasterio de Santo Domingo de Silos, se compone de 125 obras gráficas, un óleo y un libro ("Arataba-Becum") del propio artista.

    Burgos, junio 2007

    Monasterio de la Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos)
    Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
    Del 17 de mayo - 29 de julio 2007


    Con excepción de sus ilustraciones al aguafuerte para la "Eneida" de Virgilio (Madrid, 1988) la actividad de Carlos Franco como grabador no es muy conocida por el gran público, habiéndose desarrollado en un ámbito muy restringido y manifestado incluso a través de encargos privados. Y sin embargo, no hay quizás nada que explique mejor su estrategia técnica que esta actividad de grabador, con sus distintos procedimientos y sus inagotables posibilidades de superposición y yuxtaposición.

    De hecho, la inclusión de un gran cuadro del artista en esta exposición de Silos tiene como objeto poner precisamente de manifiesto la llamativa coincidencia entre su pintura y su obra gráfica, y no sólo por razones temáticas o estilísticas, como suele ocurrir en la mayoría de los artistas que trabajan en ambos campos, sino también por razones efectivamente técnicas o procedimentales, además de materiales, que de un modo superficial cabría resumir en una misma tendencia al palimpsesto.

    Y es que esa coincidencia no se limita a la superposición de procedimientos, sino a una actitud más intrigante, y eventualmente más perturbadora, respecto al trabajo artístico: una secuencia de etapas -o de fases, como las llama el propio Carlos Franco- que se insinúa tanto en la superficie como en el grosor. Es este trabajo insistente sobre el soporte, que tan característico es del grabado al aguafuerte, lo que ha movido a exponer algunas de las planchas calcográficas, como testimonio elocuente del mismo, y también por sus propias cualidades técnicas y materiales.

    Además de incluir la mayoría de las estampas de Carlos Franco, que no llegan a 150 en su totalidad, la muestra pone al descubierto las distintas técnicas utilizadas por el artista a lo largo de muchos años, desde sus primeras e ingenuas serigrafías hasta sus recientes y complejos experimentos con soportes fotográficos manipulados por ordenador o el uso de insólitas tintas fluorescentes. La exposición se cierra con la última serie de grabados de Carlos Franco sobre la tauromaquia, que puede verse aquí por primera vez.

    Wolfgang Laib en el Palacio de Cristal

    30/05/2007, El viernes 1 de junio de 12 a 21 horas se podrá visitar la pieza de Polen en el Palacio de Cristal del Retiro. la pieza de Polen forma parte de una muestra que invita a la reflexión y meditación.

    Madrid, mayo 2007.

    Wolfgang Laib traslada la pieza de Polen al Palacio de Cristal donde permanecerá un día. Desde las 12,00 horas hasta las 21,00 del viernes el público podrá contemplar la instalación en el Retiro.

    Cuando Wolfgang Laib vio por primera vez el Palacio de Cristal, el espacio le sedujo y se sintió atraído por las posibilidades que esa arquitectura transparente le brindaba para poner en conexión su propia obra con la naturaleza circundante, una naturaleza que envuelve el edificio y que, en esencia, conforma el principio rector de sus propuestas creativas.

    Wolfgang Laib, que ha excavado cuevas en el Pirineo y en Alemania para recubrirlas de cera, que ha buscado piedras en las que intervenir en canteras recónditas de la India y ha indagado en el misterio de los elementos, encontró en el Palacio de Cristal el marco perfecto para resumir toda su trayectoria en armonía con su fuente de inspiración, la naturaleza.

    Sin embargo, la fragilidad de sus obras y las particulares condiciones de exhibición que ofrece el Palacio de Cristal hicieron imposible convertir este deseo en realidad. La exposición se inauguró en otro emplazamiento y se desarrolla actualmente en una de las salas de la primera planta de la sede central del Museo, donde el artista ha realizado un montaje específico que invita a la reflexión y la meditación.

    El deseo de Wolfgang Laib de ver su obra instalada en el Palacio de Cristal ha movido al Museo a organizar una intervención especial, como complemento a la exposición Sin principio-Sin fin, que consistirá en la colocación de la pieza de polen de avellano en este singular espacio.

    Durante el día 1 de junio, si las condiciones meteorológicas lo permiten, el artista trasladará la pieza, de su actual ubicación en la sede principal del Museo, al sugerente escenario del Parque del Retiro. Al finalizar el día, la obra retornará a su actual ubicación.

    Cosmos Gaudí. Arquitectura, geometría y diseño

    29/05/2007, Esta exposición es la cuarta actividad de las nueve que la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, está organizando con motivo de la celebración del Año de España en China.

    Pekín, mayo 2007.

    La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, el Capital Museum de Beijing y el Museum of Contemporary Art de Shanghai, han organizado la exposición Cosmos Gaudí. Arquitectura, geometría y diseño, que se inaugurará el próximo 31 de mayo en Museo de la Capital de Beijing y se podrá visitar hasta el 2 de agosto. La muestra ha sido producida por SEACEX y el Ayuntamiento de Barcelona a través del Institut de Cultura (ICUB) y cuenta además con la colaboración de los Ministerios españoles de Asuntos Exteriores y de Cooperación y de Cultura, de la Embajada de España en China y del Instituto Cervantes.

    Según su comisario, Daniel Giralt-Miracle, la exposición trata de acercar al visitante los distintos mundos que constituyen el Cosmos Gaudí, analizando su época, sus edificios, estructuras o materiales, combinando para ello diversos recursos como fotografías, audiovisuales, maquetas, infografías y muebles.

    Frente a la obra de Antoni Gaudí (1852-1926) existe el riesgo de dejarse deslumbrar por la exhuberancia de sus formas, por la riqueza de sus colores o por la magia de su simbolismo. Las postales, los carteles, los libros ilustrados, los audioviuales nos muestran la parte más epidérmica de Gaudí, pero para conocer su obra en profundidad hay que situarlo en su tiempo y penetrar en sus edificios, vivir sus espacios, analizar sus estructuras, los materiales que utilizó y las técnicas que aplicó.

    Tras su clausura en el Capital Museum de Beijing, la muestra se inaugurará el 19 de agosto en el Museum of Contemporary Art (MoCA) de Shanghai, donde se podrá visitar hasta el 23 de septiembre.

    Secciones de la exposición:

    Un paseo por las obras de Gaudí
    Gaudí debe parte de su reconocimiento internacional a los fotógrafos, que se han sentido atraídos por las enormes posibilidades plásticas subyacentes en los edificios proyectados por este arquitecto, como el fotógrafo Rafael Vargas (Barcelona, 1959) que ha abordado los interiores y los exteriores de Gaudí de un modo extraordinariamente particular, logrando sumergir al espectador en el corazón de su obra, situándolo ambiental, lumínica y cromáticamente en sus espacios, lo que puede constarse en una proyección que nos ofrece una visión inédita de la arquitectura de Gaudí, que Vargas ha captado con una mirada moderna, sugerente y sobre todo inteligente.

    La geometría
    No puede hablarse de Gaudí ni de su arquitectura sin mencionar la geometría del espacio, tan fácil de comprender visualmente, pero tan difícil de explicar con palabras, que apasionó a Gaudí desde su juventud, y le obsesionó progresivamente en el transcurso de su vida, ya que cuando descubrió (que no inventó) las denominadas superficies regladas, compuestas por líneas rectas, que determinan superficies curvas en el espacio, como el paraboloide, el hiperboloide, el helicoide y las que se derivan de ellas, encontró un campo de exploración que le fascinó y llevó a las últimas consecuencias. Porque aunque es cierto que Gaudí se inspiró en las formas orgánicas y en los modelos naturales también lo es que la potente y expresionista morfología que caracteriza su obra esconde una lógica, un cálculo y un sentido de la mesura que funde el arte y la técnica.

    El diseño
    Pese a recibir el encargo de importantes proyectos arquitectónicos, Gaudí nunca renunció a entender sus obras como un todo y por ello se dedicó con el mismo esfuerzo a diseñar el edificio y aquellos elementos que pudieran complementarlo. En todos los casos tenía en cuenta la arquitectura del inmueble o del objeto que dibujaba, su construcción, su decoración y, especialmente a su usuario, su anatomía, su sensibilidad sensorial y su comodidad. Por eso se le ha considerado uno de los precursores de la ergonomía, como puede comprobarse en la selección de muebles y herrajes (tiradores, manillas, mirillas, etc.) y en el audiovisual que forman parte de esta exposición.

    Bienal de Praga

    28/05/2007, La tercera edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Praga se podrá visitar hasta el 16 de septiembre de 2007 en la capital de la República Checa.

    Praga, mayo de 2007

    Bajo el título “Glocal & Outsiders: connecting cultures in Central Europe”, la Bienal ahonda en el laberinto de Europa Central y su memoria colectiva, buscando una aproximación a su cultura y sus historias mínimas a través del arte. Reúne pinturas, fotografías, performances y video-instalaciones de diferentes épocas y artistas, mezclando grandes nombres internacionales con jóvenes talentos.

    [[cmsimg 4057]]

    Dentro del amplio programa destacan la muestra dedicada al minimalismo checo y accionismo eslovaco, y el espacio “Expanded Painting 2” reservado a pintores emergentes, que en 2005 sacó a la luz a artistas de gran interés y cuyo éxito ha reafirmado los vaticinios del comisario. Esta vez, pone el foco sobre los representantes de la Universidad de Arte y Diseño de Cluj, considerada una cantera excepcional en la especialidad de dibujo contemporáneo.

    Asimismo, este año Prague Biennale cuenta con tres invitadas especiales que ya son una referencia en el campo de la vanguardia: la serbia Marina Abramovic, autodenominada “Abuela del arte de la performance” y autora, entre otras obras, de la serie Balkan Baroque; la italiana Vanessa Beecroft, también conocida por sus originales performances en forma de cuadros vivientes, donde colabora en su mayoría con mujeres; y Shirin Neshat, iraní afincada en Nueva York, que ha trabajado sobre los conceptos de condición humana, mundo islámico y mujer en formatos como la fotografía y las video-instalaciones.

    La exhibición repite ubicación en el espacio alternativo Karlin Hall (Thamova 14, Praga). La feria se celebra cada dos años en Praga desde 2003 auspiciada por Giancarlo Politi, director del Trevi Flash Art Museum en Treviso (Italia) y fundador de la revista de arte Flash Art Magazine, una de las publicaciones internacionales más reconocidas en el campo del arte contemporáneo

    Antes y después del Minimalismo

    22/05/2007, La muestra, en el Museu d´Art Espanyol Contemporani de Palma de Mallorca, ofrece una selección de 64 obras, de 41 artistas de distintas nacionalidades, procedentes de la Colección DaimlerChrysler.

    Palma de Mallorca, mayo 07

    La muestra ofrece, hasta el 8 de septiembre, pinturas, obra gráfica y múltiples, esculturas, instalaciones y obras multimedia de artistas alemanes, austriacos, ingleses, irlandeses, suizos, belgas, franceses y norteamericanos. Se exhiben muestras tempranas, de principios del siglo XX, como las de Adolf Hölzel (1853-1934), hasta las de autores actuales como Vincent Szarek (1972).

    La idea de esta exposición es mostrar cómo el minimalismo es más un método que una escuela y cuyos límites cronológicos abarcan un siglo. En definitiva que hay un antes y un después del minimalismo, si pensamos en el Minimal Art norteamericano de los años sesenta.

    La corriente artística denominada Minimal Art, y en especial las instalaciones y objetos de los representantes del Minimal "clásico" de la década de los 60 -artistas como Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd o el recientemente fallecido Sol LeWitt-, han tenido tal impacto que, con cierta frecuencia, se la percibe como un fenómeno autóctono y puramente norteamericano. Con todo, y más allá de la circunstancia americana de su nacimiento, quizá el minimalismo no consista tanto en una corriente temática como, más bien, en una especie de método plural, basado en abstracción, constructivismo y reducción formal.

    Desde ese argumento, la exposición Antes y después del minimalismo. Un siglo de tendencias abstractas en la Colección DaimlerChrysler, muestra los planteamientos formalmente "minimizados" y las abstracciones geométricas características de las obras minimalistas en un contexto esencialmente más amplio. Por una parte, destaca de un modo intuitivo que el origen de los procedimientos y métodos de las prácticas minimalistas debe buscarse también en el ancho caudal de las tendencias abstractas y constructivistas nacidas en Europa a principios del siglo XX. Por otra, muestra los muchos paralelismos existentes entre los procedimientos y los métodos de los artistas europeos y americanos; tanto entre los de la posguerra como entre aquellos contemporáneos que participan de las tendencias minimalistas o invocan como sus precursores históricos la abstracción o el constructivismo europeo.

    En la medida en que se contempla el minimalismo desde esa perspectiva, más metódica que temática, éste deja de ser sólo una corriente americana de los años 60 para emerger como una característica -una especie de "minimal" común denominador- de la obra de artistas de muy diversas épocas y lugares. La exposición, de hecho, la componen obras que encarnan los lejanos ancestros del minimalismo en la pintura abstracta europea de principios del XX -especialmente en el sur de Alemania-, pero también incluye obras que han incorporado las tradiciones y las tendencias abstractas y minimalistas a lo largo de todo el siglo, o que lo siguen haciendo en nuestros días, en dos continentes.

    Una contextualización como esta de las diversas tendencias minimalistas es uno de los aspectos más característicos de la Colección de la Corporación DaimlerChrysler, a la que pertenecen todas las obras expuestas y gracias a cuya colaboración se puede presentar, por vez primera en España, una amplia muestra de figuras pioneras de las vanguardias históricas, antecesoras de las corrientes minimalistas europeas y americanas. En cambio, en la exposición apenas se han querido presentar obras del "clásico" Minimal Art de los años 60, limitándonos a autores como Baer, Sturtevant/Stella y Heizer. Bien representados en colecciones españolas, esos artistas ya han sido mostrados en diversas exposiciones, tanto en España -desde la muestra Minimal Art en la Fundación Juan March (1981) hasta la reciente minimalismos, en el MNCARS (2001)-, como en todo el mundo, como señala Renate Wiehager, que cita las más relevantes en el extenso ensayo introductorio del catálogo virtual de nuestra exposición.

    Presentando los vínculos entre Europa y los Estados Unidos, la exposición muestra todo un panorama de artistas europeos y norteamericanos que han trabajado, o trabajan actualmente, desde la gramática de la abstracción, en las diferentes tendencias minimalistas, reinterpretando diversamente los rasgos esenciales de esas corrientes y acercándolas a otras, que las precedieron -como De Stijl, el grupo "Abstraction-Création", la Bauhaus o los "concretos" de Zúrich- o que, como el "Hard Edge" (el "corte duro") del "Abstract Classicism" californiano o la novísima "Neo Geo", mantienen parte de su espíritu y de sus rasgos metodológicos.

    catálogo virtual: www.march.es/minimalismo

    Las Edades del Hombre, en Ponferrada

    21/05/2007, La basílica de Nuestra Señora de La Encina y la iglesia de san Andrés de Ponferrada acogen de Mayo a Noviembre una nueva exposición de Las Edades del Hombre.

    Ponferrada, mayo de 2007

    La muestra se organiza con abundante material de diversas procedencias, aunque principalmente de la diócesis de Astorga, en la que se engloban territorios de León, Orense y Zamora, y se presenta como la primera de un nuevo ciclo de esta ambiciosa serie de exposiciones de arte sacro.

    El mensaje de la muestra esta vinculado al Camino, en relación con el hecho de que Ponferrada sea paso de la ruta jacobea (pons ferrata era el puente de hierro que superaba el paso del Sil)

    La Fundación "Las Edades del Hombre" ha organizado primero sucesivas muestras de arte religioso en cada una de las sedes episcopales de Castilla y León.

    El primer ciclo de las muestras ha tratado temas monográficos (el arte, la música, los documentos...); posteriormente se centró en otros asuntos relacionados con las propias Diócesis o con acontecimientos que estas celebraban, para concluir en el epílogo de Ciudad Rodrigo con el Señor de la Historia.

    Ahora se continúa en esta tercera etapa, en otros templos o colegiatas diferentes de las catedrales, con un mensaje evangelizador.

    Según fuentes de los organizadores, eran distintas las posibilidades que se le presentaban a "Las Edades del Hombre" para continuar con las exposiciones; ya había sido formalizado un compromiso con la ciudad de Ponferrada, situada en el mismo Camino de Santiago y a un paso de la Comunidad de Galicia. Por este motivo la ruta jacobea adquiría un protagonismo enmarcando la meta, la ciudad y el sepulcro del santo en el itinerario recorrido por millones de peregrinos a lo largo de los últimos diez siglos. Y el verdadero motivo está en el apóstol, que reposa en Santiago y que anima a los peregrinos a dar sentido a su peregrinaje de la vida.

    "Por otra parte -dicen los organizadores- han sido muchos los seguidores del Maestro a través de mensajes, escritos y testimonios; pero la Escritura nos remite a los primeros, los apóstoles. Les dijo: "Vosotros daréis testimonio de esto". Todos estos motivos han sido suficientemente evocadores para que la Fundación haya pensado en iniciar este nuevo ciclo de Exposiciones con los pequeños protagonistas seguidores del Señor de la Historia. "

    Este protagonismo queda plasmado a través del titulo "Yo camino", frase "provocadora, anónima, antigua y nueva, evangélica y actual"

    La imagen ilustrativa de la muestra está tomada de la enjuta izquierda del arco de la portada del sur de la Iglesia parroquial de Santa Marta de Tera, localidad ubicada en el Camino de la Plata, de la provincia de Zamora y perteneciente a la Diócesis de Astorga, comprometida y mentora de esta Exposición de Ponferrada.

    Se trata de una imagen pétrea, empotrada en el muro, de finales del siglo XII, la más antigua representación de Santiago como peregrino, y por tanto con todos los atributos con que se le representa como tal: escarcela o zurrón que cuelga de su hombro, concha aplicada sobre este y bordón. A pesar de encontrarse en el exterior del templo está muy bien conservada y luce el color ocre tomado desde hace siglos de los rayos del sol.

    La distribución de la muestra se organiza así:

    CAPÍTULO I. Red de caminos.
    CAPÍTULO II. El cansancio del camino.
    CAPÍTULO III. Caminos de la Iglesia.
    CAPÍTULO IV. Palabra compartida.
    CAPÍTULO V. Encuentros del camino.
    CAPÍTULO VI. Testigos del camino.
    CAPÍTULO VII. Camino de Santiago.
    CAPÍTULO VIII. Yo estoy con vosotros.

    Datos de interés:

    MAYO A NOVIEMBRE 2007
    Lunes: permanecerá cerrada, excepto festivos
    Martes, miércoles, jueves y viernes: de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas.
    Sábados, domingos y festivos: de 10 a 20 horas, ininterrumpidamente.
    La admisión de público terminará 45 minutos antes del cierre.

    ENTRADA GRATUITA
    Visita guiada (grupo máximo de 20 personas): 35 €
    Duración de la visita guiada: 1 hora 15 minutos aprox.

    INFORMACIÓN
    Correo: Secretaría de la Exposición. Plaza de la Encina, 4. 24400 PONFERRADA (León).
    Teléfono: 987 426 486 Fax: 987 423 128
    E-mail (sede de la Fundación): feh@lasedades.es
    E-mail (exposición): expo@lasedades.es

    La Publicidad en el Museo 2007

    21/05/2007, La Publicidad en el Museo reune en el Centro Reina Sofía al mundo del arte y al de la creatividad publicitaria para premiar los spots de mayor valor artístico.

    Madrid, mayo 2007

    El II Certamen de “La Publicidad en el Museo 2007”, que organiza por segundo año consecutivo el Capítulo Español de la International Advertising Association (IAA), en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ha iniciado la cuenta atrás con la selección del trabajo audiovisual realizado por las agencias de publicidad de España a lo largo del 2006. Un jurado formado por personalidades del mundo de las artes y de la cultura reúne todos los años en una bobina las mejores piezas de cine publicitario desde el punto de vista artístico.

    La presentación de las piezas galardonadas y la entrega de premios a la Excelencia Publicitaria tendrán lugar el próximo 14 de junio, jornada en la que se darán cita artistas y profesionales tanto de los ámbitos de la publicidad como del arte. Los spots ganadores, formarán la bobina que se proyectará en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo audiovisual “La Publicidad en el Museo 2007” del 15 al 18 de junio de 2007. Posteriormente se podrá consultar en el Fondo Audiovisual del Museo del que pasará a formar parte.

    Dos son los jurados encargados de escoger las piezas que integrarán la bobina que se exhibirá en el Museo. En una primera instancia, el Jurado General, realizará una previa selección de la que saldrán las 36 mejores piezas.

    Este jurado está compuesto por profesionales de las distintas áreas que intervienen en la producción publicitaria, como son realizadores, directores de fotografía y cine, escritores, técnicos de sonido, actores, técnicos de efectos especiales, animadores, publicitarios y creativos.

    Con posterioridad, el Jurado de Excelencia, formado por artistas plásticos, críticos de arte y creativos publicitarios, será quien, a la vista de los valores artísticos, decida cuáles son las mejores piezas y otorgue los tres premios a la Excelencia Publicitaria. Los trabajos galardonados pasarán a formar parte del Fondo Audiovisual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

    Esta iniciativa, experimentada en el MoMA de Nueva York desde hace 12 años con gran éxito en la acogida de público y de los sectores profesionales de la publicidad y el arte, fue impulsada en España por la IAA y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2006, al entender que muchos de los trabajos publicitarios desarrollados en nuestro país merecían el reconocimiento artístico.

    Este año, además, se publica un catálogo que, aparte de recoger el palmarés y las piezas finalistas de la edición 2007, incluye ensayos de los críticos Antonio Weinrichter y Eugeni Bonet, así como de la historiadora del Arte y coordinadora en el Museo de este Certamen, Soledad Liaño, donde se analiza la relación y retroalimentación de estos dos mundos, arte y publicidad. Esta publicación se convierte en la primera revisión exhaustiva que se hace en España sobre esta realidad.

    AGENDA

    Entrega de Premios
    14 junio 2007. 20.00 horas Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Entrada por Ampliación. Ronda de Atocha s/n

    Proyecciones
    Viernes 15 junio a las 20.00 horas
    Sábado 16 junio a las 12,00 horas
    Domingo 17 junio a las 12,00 horas
    Lunes 18 junio a las 18,00 horas
    Martes 19 junio a las 20,00 horas

    Auditorio 200 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Entrada por Ampliación. Ronda de Atocha s/n

    Guía de Schaffhausen

    21/05/2007, En el vértice norte de la geografía de Suiza están las mayores cataratas de Europa. Desde la Edad Media, las embarcaciones que surcaban el Rin debían parar allí para salvar el obstáculo. Éste fue el origen de la ciudad de Schaffhausen.

    Es ésta una ciudad pequeña y agradable sobre cuyos tejados aparece la torre dominadora del Munot, vestigio del antiguo recinto defensivo.

    Muy cerca, se puede ver la inmensa catarata. Es un espectáculo contemplar cómo se despeñan unos 700 metros cúbicos de agua por segundo por las rocas, en unos 20 metros de altura.

    En el siglo XI se ubicó allí la abadía benedictina de Todos los Santos. En su entorno creció una ciudad que en XII era dependiente del Imperio pero con un estatus de urbe libre. En los inicios del siglo XVI se integró en la Confederación Suiza.

    Un incendio ocurrido en el siglo XVI destruyó prácticamente la totalidad de la urbe, salvo las construcciones religiosas, de incombustible piedra; Es por esto por lo que el centro histórico cuenta con gran cantidad de edificios de época algo posterior, con lo que Schaffhausen exhibe un magnifico elenco de edificaciones civiles del gótico final y del barroco.

    Iglesias, nobles edificios, museos... Schaffhausen merece una visita.

    Muestra Roy Lichtenstein

    20/05/2007, La exposición, prorrogada hasta el 27 de mayo en la Fundación Juan March, muestra casi un centenar de obras que recrean el complejo proceso creativo de uno de los máximos exponentes del pop americano.

    Madrid, mayo de 2007.

    Hasta el 27 de mayo puede verse todavía, en Madrid, en la sede de la Fundación Juan March la exposición ROY LICHTENSTEIN: DE PRINCIPIO A FIN, que, inaugurada el pasado 2 de febrero, reúne una selección de 97 obras realizadas entre 1966 y 1997 por Roy Lichtenstein (1923-1997), uno de los máximos exponentes, junto con Andy Warhol, del arte pop americano. A punto de ser clausurada, ha sido visitada ya por casi 100.000 personas.

    Esta muestra, organizada en colaboración con la Roy Lichtenstein Foundation de Nueva York y comisariada por Jack Cowart, ilustra y recrea, de principio a fin, el complejo proceso artístico de este pintor, escultor y artista gráfico, y ofrece, por primera vez, una visión completa e inédita de las diferentes etapas de dicho proceso creador.

    Entre el 15 de junio y el 23 de septiembre esta exposición de la Fundación Juan March podrá verse en la Pinacothèque de París.

    Los últimos paisajes de van Gogh

    18/05/2007, En el museo Thyssen Bornemisza de Madid, del 12 de junio al 16 de septiembre de 2007, se puede ver la muestra “Van Gogh. Los últimos paisajes”, de la que es comisario Guillermo Solana, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza.

    Madrid, mayo de 2007

    Van Gogh, el 20 de mayo de 1890, llegó a Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo a una hora de distancia de París. Una semana antes había abandonado el manicomio de Saint-Rémy, tras pasar allí un año entero internado. Venía en busca de un lugar tranquilo en el campo donde recuperar la salud y la calma, con la esperanza de comenzar una nueva vida y un nuevo ciclo en su trabajo. Pero sólo dos meses después, el 27 de julio, en los campos cercanos al château de Auvers, se disparó un tiro de revólver que le causaría la muerte, tras una larga agonía, en la madrugada del 29 de julio. La muestra es un compendio referido a los últimos tiempos del pintor, en el año 1890.

    La exposición reúne treinta obras (veintisiete pinturas y tres dibujos) procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo. En ella se incluyen, además, seis cuadros de los tres grandes precursores de Van Gogh, que habían pintado en Auvers antes que él y cuya presencia Vincent sentía en el paisaje: Daubigny, Pissarro y Cézanne. Todas las obras de Van Gogh presentes en la exposición pertenecen al periodo de Auvers, incluida una de las obras maestras de la Colección del Museo: “Les Vessenots” en Auvers.

    El periodo de Auvers
    En sólo setenta días Van Gogh produjo unas setenta y dos pinturas, treinta y tres dibujos y un grabado. Como si supiera que sus días estaban contados, como en una angustiosa cuenta atrás. Se levantaba a las cinco de la mañana y se pasaba toda la jornada pintando en los campos o en las calles del pueblo. En una carta escribió: “Estos días trabajo mucho y deprisa; al hacerlo así trato de expresar el paso desesperadamente rápido de las cosas en la vida moderna.” Ese ritmo frenético se traduce a veces en una ejecución pictórica impulsiva, arrebatada, pero también descubrimos en la obra de este periodo composiciones de una extraordinaria serenidad. Desde siempre se ha reconocido en esa producción algunas de las obras maestras más características del pintor pero, en conjunto, el periodo de Auvers ha sido considerado a veces como un declive y apenas se ha prestado atención a sus rasgos peculiares en contraste con otras etapas del artista.

    Después de su estancia en Provenza, Auvers representa para Van Gogh el retorno al paisaje del Norte en el que había pensado durante tanto tiempo: en Auvers reencuentra los temas rústicos y la comunidad rural de su juventud, que había perdido desde que abandonó Nuenen. Y con los campos de Holanda, recupera también la mirada de los grandes paisajistas holandeses del siglo XVII, que nunca dejó de admirar profundamente.

    Desde el punto de vista estilístico, la etapa de Auvers no supone una ruptura con el periodo anterior, pero su estilo se encuentra en plena evolución. La raíz del estilo de Van Gogh sigue siendo su formación como dibujante durante su etapa holandesa hacia 1880-1882. Todo el repertorio gráfico desarrollado por Vincent desde entonces, su léxico de puntos, trazos cortos y largos, líneas quebradas u ondulantes, ensayado primero con la pluma, será trasladado al lienzo; dibujar con el color es el rasgo dominante de toda su obra tardía. En el periodo de Auvers Van Gogh atiende menos a los detalles naturalistas, su trazo se multiplica y se retuerce, produciendo arabescos en los árboles y las casas, oleajes en los trigales, movimientos y ritmos curvilíneos de una enorme vitalidad dinámica.

    De Saint-Rémy a París
    Entre febrero y abril de 1890 Van Gogh sufrió, en el manicomio de Saint-Rémy-de-Provence, la más profunda de sus crisis mentales. Cuando se recuperó, se sintió convencido de que no debía prolongar su estancia allí, de que el tratamiento no mejoraba su estado y la convivencia con los otros enfermos agravaba sus propios males. Tras una última discusión con el doctor Peyron, director del asilo, se le concedió el alta. Y el 16 de mayo, a pesar de los recelos de Theo, que temía los riesgos de un largo viaje en solitario, Vincent tomó el tren para París. En la capital francesa pasaría sólo tres días, alojado en casa de su hermano, durante los cuales conoció a la esposa de Theo, Johanna, y al hijo de ambos, el pequeño Vincent Willem. La propia Johanna nos ha dejado una memoria de aquellos días, donde explica cuánto le sorprendió el aspecto de Vincent, que no era el de un hombre enfermo y consumido, sino robusto y saludable. Vincent salía cada día a comprar aceitunas e insistía en que su hermano y su cuñada las comieran como él. Volvió a ver a algunos amigos artistas, visitó exposiciones. Convivió con su pequeña familia, sin sombras, durante esos tres días. Nadie mencionó Saint-Rémy.

    Pero lo esencial de aquellos tres días en París fue para Vincent la oportunidad de ver reunida (en el apartamento de Theo y en la tienda del Père Tanguy) toda su obra pictórica. En sus cartas siempre había sostenido que para juzgar una sola obra de un artista era esencial conocer la totalidad de su creación. Y ahora, gracias a la exposición improvisada en el apartamento de su hermano, Vincent posee por primera vez en su carrera una impresión directa de toda su creación. Esa perspectiva bastará para imprimir a la creación de Van Gogh en Auvers el valor de una recapitulación, de un epílogo al conjunto de su carrera. Ya no avanza a ciegas; por primera vez sabe de dónde viene y a dónde va.

    Auvers-sur-Oise y la tradición del paisaje
    Theo había estado buscando durante meses un lugar donde su hermano pudiera restablecerse, un sitio tranquilo en el campo pero no muy distante de París, donde llevara una vida independiente pero sometido a la vigilancia amistosa de alguien de confianza. Fue el pintor Camille Pissarro quien, tras declinar hacerse cargo de Vincent, sugirió el nombre de Paul-Ferdinand Gachet, médico y artista aficionado, viejo amigo de algunos pintores impresionistas, como del propio Pissarro, Cézanne, Guillaumin y otros. Gachet pasaba consulta en París tres veces por semana pero vivía en Auvers-sur-Oise, a unos treinta kilómetros al noroeste de la capital.

    Auvers ha conservado todo su encanto milagrosamente intacto (no alterado por los turistas, especialmente japoneses, que viajan hasta allí para visitar el cuarto donde vivió y murió Van Gogh, la tumba donde reposa junto a su hermano y los escenarios donde pintó sus últimos cuadros). El pueblo, de forma muy alargada, se prolonga unos ocho kilómetros a lo largo del curso del río Oise y como agazapado en la cuenca del río. Pero si subimos por las laderas de ese pequeño valle llegaremos a una meseta con extensas llanuras de trigales.

    En la época en que Van Gogh lo conoció, Auvers contaba con unos dos mil habitantes (tres mil en verano) y era un pueblo de granjeros y agricultores, pequeños propietarios que trabajaban su propia tierra. Pero Auvers no era un pueblo como cualquier otro; desde mediados del siglo había atraido a grandes pintores de paisaje, como Daubigny, Pissarro y Cézanne. Daubigny, el gran exponente de la escuela de Barbizon, amigo y precursor de los impresionistas, se construyó un barco-atelier para recorrer el río Oise y pintar sus orillas, y hacia 1860 adquirió una casa en Auvers en la que recibía a menudo a sus amigos artistas de París (como Corot, Daumier, Dupré, Harpignies, Jacque o Berthe Morisot.) En 1866, Pissarro se estableció en Pontoise, muy cerca de Auvers, donde pasaría largas temporadas en el curso de los dieciséis años siguientes. Y fue Pissarro quien convenció a Cézanne de que viniera también a instalarse en la región. Cézanne vivió en Auvers entre 1872 y 1874, donde pintó unas decenas de paisajes del área alrededor de la casa de Gachet, en uno de los extremos del pueblo.

    Lo pintoresco y el color moderno
    Al día siguiente de su llegada a Auvers, Vincent escribía a Theo entusiasmado con las viejas casas pintorescas con tejado de paja, cada vez más raras. “Pero los chalets modernos y las casas de campo burguesas me parecen casi tan bonitos como esas viejas chozas que se caen en ruinas.” Este contraste entre las casas de tejado de paja y los nuevos chalets coloristas, entre lo viejo y lo nuevo, será una de las claves de las vistas de Auvers que pinta Van Gogh. Con ello parece querer plasmar su propia evolución como pintor, desde su aprendizaje en la tradición holandesa y pintoresca hasta el colorismo moderno aprendido entre los impresionistas franceses. Van Gogh concebía su creación tardía como una especie de síntesis entre las dos grandes etapas de su carrera.

    El intento de síntesis entre lo pintoresco tradicional y el color moderno domina en muchos de los paisajes de Auvers. En una ocasión, Van Gogh pinta las orillas del río Oise un poco al estilo de Daubigny, con pastos y vacas y campesinos. Pero al mismo tiempo, en un cuadro más ambicioso, pinta un embarcadero en el río con algunos parisienses dispuestos a disfrutar de un paseo en barca, un tema típicamente impresionista, frecuentado por Monet y Renoir. Otro escenario de la pintura de Vincent será el campo abierto: los trigales en la meseta que domina Auvers. En una carta a su madre y a su hermana hacia el 11 de julio, el pintor describe su fascinación por este paisaje: “Estoy absorbido en la inmensa planicie de campos de trigo contra las colinas, ilimitada como un mar [..”.

    Chozas y chalets, calles y caminos, riberas y trigales: así irán desfilando por su obra todos los aspectos de la vida rural. Hacia finales de junio de 1890, Van Gogh comenzó a usar en Auvers un nuevo tamaño de lienzo estrecho y apaisado (50 x 100 cm) y pintaría una serie de cuadros, doce paisajes y un retrato, en este formato. La serie está en buena parte dedicada a los campos de trigo, pero también aparecen otros escenarios -bosque, jardín, trigales, camino, casas del pueblo- que recorren todo el mundo de trabajo y ocio en el campo; son una suerte de panorama de la vida campestre. Tres de las pinturas integrantes de esta serie están presentes en la actual exposición, Paisaje al atardecer, del Museo Van Gogh de Ámsterdam, Dos figuras en el interior del bosque, procedente del Cincinnati Art Museum, y El Jardín de Daubigny con un gato negro, prestado por el Künstmuseum de Basilea; tres cuadros fundamentales, cargados de sugerencias simbólicas y referencias a los maestros que Vincent admiraba.

    Pula: Retorno a la Antigüedad Clásica

    11/05/2007, La ciudad istriana de Pula, en cuya parte central se halla un nutrido número de monumentos de la antigüedad clásica, entre ellos la célebre Arena (siglo I d. C.) recibe todos los años a los turistas con una oferta numerosa de eventos festivos.

    Croacia, mayo 07

    Pula es la mayor ciudad de Istria, península ubicada en el norte del Adriático, en Croacia. Cuenta la ciudad con unos 60.000 habitantes, y conserva importantes restos romanos, pues fue un centro administrativo de la época romana. Entre éstos restos destaca el anfiteatro romano llamado popularmente Arena.

    Una de las primeras manifestaciones festivas del año son “Los días de la Antigüedad Clásica”, manifestación que tiene lugar desde el 17 al 20 de mayo y la cual permite a los visitantes regresar incluso 2000 años atrás, al tiempo de las luchas de gladiadores, conocer costumbres y gastronomía de tiempos pretéritos... La Arena es el centro de las celebraciones, un idóneo escenario.

    Dentro del marco de “Los días de la Antigüedad Clásica” se presentan obras teatrales ambulantes y animaciones callejeras, desfiles de gladiadores y luchas, y otros eventos festivos a la manera de la antigüedad.

    Otro encuentro anual clave será en el mes de septiembre, el período en el que en Pula, por primera vez, se celebrará la manifestación llamada “La tradicional Istria”, en la que los visitantes se ponen en contacto con las costumbres y platos tradicionales y con la forma de vida…

    A pesar de que se celebran manifestaciones culturales y festivas durante las estaciones de primavera y otoño, su mayor número se centra durante el transcurso de la temporada alta. Es entonces cuando en la Arena se organizan numerosos eventos, como lo es, por ejemplo este año 2007, el 54º Festival de Cinematografía (del 12 al 14 de julio), así como toda una serie de conciertos en los que cada año participan célebres personajes de la escena musical internacional.

    Son muchos los atractivos, acontecimientos y manifestaciones que en Pula hacen que los visitantes decidan pasar unos días.

    El número de visitantes fuera del período estival tiende a crecer en los últimos años; debido no sólo a la popularidad e interés de Istria –y Pula en particular- sino en gran medida, según afirma Igor Cvek, director de la Oficina Nacional de Turismo de la ciudad de Pula, por la llegada de vuelos de bajo coste, y en concreto de Ryan Air al aeropuerto de la ciudad, gracias al cual Pula tiene una accesible conexión constante especialmente con la ciudades de Londres y Dublín.

    Informaciones:

    La Oficina Nacional de Turismo de Croacia de la ciudad de Pula
    correo electrónico: tz-pula@pu.t-com.hr
    página web: www.pulainfo.

    X aniversario del Museo Internacional de Títeres de Albaida

    11/05/2007, El Museo Internacional de Títeres de Albaida celebra su aniversario ampliando sus instalaciones. El centro actualiza sus contenidos con la incorporación de iconos del cine y la televisión.

    Valencia, mayo de 2007.

    El Museo Internacional de Títeres de Albaida (Mita) celebra 10 años de trayectoria con la ampliación de sus instalaciones la segunda quincena de junio. El centro cultural, único de sus características en España, actualiza sus contenidos con la incorporación de iconos del cine y la televisión. Así, a las marionetas procedentes de culturas populares de todo el mundo, se suman, entre otras, figuras de Las Noticias del Guiñol, muñecos diseñados por Jim Henson para la serie Fraggle Rock y réplicas de famosos del programa de humor de la televisión autonómica Canal 9 Cuorelandia.

    El Museo Internacional de Títeres de Albaida es un proyecto que comenzó a gestarse en 1992 con la intención de convertirse en uno de los motores culturales de la comarca valenciana. Su inauguración oficial tuvo lugar en 1997 en el Palacio de los Marqueses de Albaida, un bello edificio medieval que consta de una ampliación dieciochesca. "Poner en marcha un museo de marionetas no es una idea tan descabellada como pueda parecer. El teatro de marionetas forma parte de las más antiguas tradiciones culturales y participa al tiempo de distintas formas de creación artística como las artes escénicas, la escultura, la música, la ópera y la pintura", puntualiza el director del Mita, Josep Policarpo.

    Durante el tiempo que el centro está abierto, se ha erigido como punto de referencia para la articulación de un discurso teórico en torno al títere y al espectáculo, por cuanto ha servido de catalizador de iniciativas culturales. Las actividades promovidas han trascendido el ámbito puramente expositivo y se han dirigido a varios campos de investigación histórica, al ensayo y a la literatura. Los cuatro volúmenes editados por Mita Publicacions recogen buena parte de este legado.

    Con la llegada del nuevo siglo, y el décimo aniversario del centro, llega el momento de saldar la deuda con los medios audiovisuales, ya que es un ámbito en el que las figuras han llegado a alcanzar altas cuotas de perfección técnica. "Las marionetas en cine y televisión han participado del fenómeno de la mundialización y han sido reconocidas por millones de espectadores. Son los verdaderos héroes reconocidos por la tribu, por sociedades multiétnicas y pluriculturales", subraya Policarpo.

    En el caso de la televisión, figuras como los personajes de Barrio Sésamo, creados por Jim Henson, se han convertido en referencia generacional para la audiencia y han formado parte de sus procesos de aprendizaje y de desarrollo personal. Mientras que en el caso del séptimo arte, han surgido grupos de especialistas, como los responsables de "La guerra de las galaxias", que han aplicado novedosas tecnologías al mundo de la animación con resultados espectaculares en cuanto al realismo y a la complejidad en la actuación de los muñecos.

    Así, entre los fichajes nuevos del Mita, se encuentran las reproducciones que de la duquesa de Alba, Ricardo Bofill, Rociíto, Antonio David y Yola Berrocal, se nutrió Canal 9 para su programa de humor Cuorelandia, donde se parodiaba a los personajes de la prensa rosa. Otros inquilinos recientes son el muñeco del presidente José Luis Rodríguez Zapatero en las noticias del guiñol de Cuatro, en las que se aporta una visión peculiar de la actualidad política y social española; y tres de los personajes de la serie Fraggle Rock, creados por Jim Henson, Rossi, Dudo y Gobo. Por último, como eslabón entre la creación actual y la generación malograda durante la dictadura franquista, los responsables del museo han decidido incluir los títeres artesanales de un habitual de la compañía histórica de marionetas L'Entaulat, Josep Palanca.

    Los nuevos habitantes del Museo Internacional de Títeres se suman a la colección preexistente. El Mita presenta, desde su inauguración, una amplia colección de marionetas procedentes de las distintas tradicionales populares del mundo, desde las europeas originarias de Gran Bretaña, Francia, Italia y Turquía, hasta las orientales, procedentes de China, India, Indonesia, Pakistán y Japón. Así mismo, cuenta con una importante colección de figuras africanas y una amplia representación de compañías y creadores contemporáneos, procedentes de toda España.

    Entre las primeras adquisiciones del museo se hallan títeres tallados en madera y cuero de la Isla de Java, cuyas varillas para manipularlos son de caparazón de tortuga, y que representan dioses y personajes míticos extraídos del Ramayana y el Mahabharata; o el personaje de Punch, la adaptación inglesa de Polichinela, un héroe italiano del siglo XVII cómico, humilde e ingenioso. De pasado más reciente son los guantes de mano que empezaron a comercializarse en los sesenta, el repertorio de los centros dramáticos nacionales de varios países del Este o piezas de compañías valencianas ambulantes de la primera mitad del siglo XX. Actuaban en la calle y tenían un repertorio tradicional en el que predominaba el espíritu crítico y burlesco.

    El conjunto se completa con un vídeo informativo cuya narración se remonta a la Grecia Clásica, la Edad Media y la Comedia dell'Arte, etapas que sirvieron de base a la integración de las marionetas en las vanguardias del siglo XX. "Es un hecho extraordinario que los títeres estuvieran presentes en los rituales religiosos originarios de cada civilización -expone Policarpo-. De hecho, se puede apreciar una esencia común: todas las religiones han utilizado muñecos inanimados para explicar la metáfora de la creación".

    Más allá de que la iniciativa del museo partiera de la compañía local de teatro Bambalina, la vinculación de la Vall de Albaida con las marionetas venía de antiguo. En la vecina ciudad de Alcoi pervive El betlem de Tirisiti, un retablo navideño de tipo mecánico que se ha convertido en una auténtica reliquia del teatro popular de títeres del siglo XIX, y el gran marionetista Paco Sanz, insigne ventrilocuo de principios del siglo XX que triunfó en América con su espectáculo de autómatas de tamaño natural, nació en la ciudad de Anna.

    Guía de Estocolmo

    08/05/2007, El Wasa, construido por orden deL rey Gustavo Adolfo II, es el único barco del siglo XVII que ha llegado a nuestros días. Hoy es el elemento fundamental del museo más visitado de Suecia.

    Estocolmo, mayo de 2007

    El Wasa fue construido como el mayor buque de guerra del rey escandinavo, con más de 50 metros de altura de los mástiles y decorado con mucho detalle y multitud de esculturas. Se botó el 10 de agosto de 1628, pero tras recorrer 1300 metros se hundió, ante los atónitos ojos de marineros y constructores. Más de 300 años después fue reflotado. Estaba casi íntegro.

    El barco se construyó en dos años, por orden de Gustavo Adolfo II, rey de Suecia. El navío tenía tres palos; podía llevar hasta diez velas; medía 52 metros de la punta del palo mayor a la quilla, y 69 metros de proa a popa. Pesaba 1200 toneladas. Era el navío de guerra más poderoso jamás construido.

    Los planos del Wasa se modificaron una vez comenzado el trabajo. Se hizo bajo la supervisión del holandés Henrik Hybertsson; pero el rey quería añadirle muchos más cañones, por lo que se construyó más alto de lo habitual, con dos cubiertas para cañones. El fondo del navío se cargó con un lastre de piedras, para darle estabilidad. Sin embargo, sus 1.200 toneladas de lastre no fueron suficientes.

    Ver el Wasa es un aliciente más para conocer Estocolmo.

    La guía de Estocolmo, con texto y fotos de Javier París, se ha ampliado ahora con nuevas fotografías y textos adicionales, con objeto de facilitar la visita a los viajeros que recorran esta urbe con más de setecientos años de historia, que destaca por su aire señorial, la limpieza de sus calles y aguas, la variedad de estilos y espacios, y por estar compuesta por un conjunto de islas que le otorgan una especial singularidad.

    Una joya de la arquitectura popular

    07/05/2007, La Cabrera es un paraíso de la arquitectura popular; un paraíso que es necesario preservar para las futuras generaciones. Por fortuna hay diversas personas de elevada calidad intelectual que trabajan día a día para lograr ese magnífico objetivo.

    Por Tomas Álvarez, León, mayo 07.

    José Luis García Grinda ha hecho ahora una aportación excepcional al conocimiento y valoración de la arquitectura popular con su trabajo relativo a La Cabrera, editado por el Instituto Leonés de Cultura; su trabajo es una auténtica joya que pone en valor un patrimonio casi desconocido e insuficientemente valorado.

    En el extremo suroeste de la provincia de León, al sur del Bierzo y al norte de las tierras de Sanabria, hay un país alejado de autopistas y ferrocarriles, un territorio apenas poblado y lleno de belleza; un paisaje de montes recubiertos de robles y matorrales, rasgado por profundos valles, en los que se asientan pequeños pueblos, que aparecen ante nuestra mirada como minúsculas sinfonías de techos de pizarra.

    Pero cuando nos acercamos a esos núcleos descubrimos el valor de una rica arquitectura tradicional basada en los materiales del entorno, en la que brillan las ingeniosas soluciones que el hombre ha ido dando a través de los tiempos a los problemas constructivos más variados.

    La casa cabreiresa más antigua es de una sóla planta, pero la más típica es la de corredor, con dos alturas y escalera de acceso exterior. El piso inferior era habitualmente área de trabajo y de ubicación de los animales domésticos, en tanto que la planta elevada correspondía a la vivienda.

    Esa arquitectura ha ido enriqueciéndose con el paso de los años. En las construcciones más humildes y primitivas aún podemos hallar los rasgos constructivos de hace 2000 años, sacados a la luz por exploraciones arqueológicas de los viejos castros. Pero las construcciones más primitivas coexisten con otras de técnicas más avanzadas, que fueron adquiriendo mayores alturas y refinamientos, a medida que avanzaron los tiempos.

    García Grinda recopila –mediante una fabulosa colección de fotografías- los distintos tipos arquitectónicos, los materiales constructivos, y las soluciones variadas para la construcción de escaleras, ventanales, portones, hornos, chimeneas...

    En su exposición se ve cómo las cubiertas de paja –las habituales desde la prehistoria a la la primera mitad del XIX- fueron sustituidas paulatinamente por la pizarra, especialmente cuando se construyeron casas de dos alturas.

    La Cabrera es una tierra económicamente austera y pobre. Sus suelos son escasamente productivos, aunque ahora se está obteniendo de ellos gran rentabilidad mediante la extracción y comercialización de pizarra, actividad que tiene ciertos detractores por las heridas que genera en el paisaje por tajos y escombreras.

    Esa pobreza, que envió a las gentes a la emigración, hizo que quedaran pueblos enteros –Villar del Monte es un magnífico ejemplo- con una valiosísima arquitectura tradicional prácticamente intacta. Eso los convierte hoy en lugares de gran atractivo cultural y turístico. El abandono ¡Oh paradoja! les ha permitido llegar a nosotros cargados de interés, valor y belleza.

    No obstante, hay que hacer mención del efecto perverso de la incultura y los “nuevos ricos” que retornan al viejo hábitat y construyen horrorosas modernidades que desentonan y empobrecen el valor de conjunto de los pueblos. Arquitecturas horrorosas de fibrocemento o ladrillo, revestimientos de azulejos o de piedras de “quiero y no puedo”, es decir de esas lajas de colores inadecuados que se pegan con cemento sobre la fachada, sin orden ni concierto, y que son un atentado al buen gusto.

    A veces no sólo son los particulares, sino los propios ayuntamientos o instituciones publicas quienes ponen esos edificios inadecuados en medio de los poblados. Es el símbolo de la modernidad más cutre.

    José Luis García Grinda finaliza con una exposición de las aberraciones constructivas modernas y propone criterios de construcción y conservación.

    El libro es una joya para el conocimiento de la arquitectura tradicional, pero especialmente es valioso para La Cabrera. Sería recomendable que la Diputación leonesa lo entregara a todos los niños de La Cabrera e incluso a todos los hogares (apenas habrá unos mil vecinos en el territorio) para que en cada uno de ellos se valore y conserve ese horno volado, esa rústica chimenea, la ventanilla del portón, la vieja cerradura hecha por el herrero, la balconada de madera... Sería bueno divulgar entre los cabrerireres esa obra, para explicar colectivamente que “eso” que tienen desde antiguo es digno de preservar, nunca de sustituir por uralitas o bloques de cemento...

    La provincia de León tiene grandes joyas arquitectónicas, románicas, góticas... hasta gaudinianas. Pero tiene también unas joyitas ocultas, escondidas y escasamente valoradas. El libro de La Cabrera, Cuadernos de Arquitectura, nos alerta de que no sólo hay que conservar las gárgolas y ventanales de las grandes iglesias, sino la arquitectura rural de la Baña, Truchillas, Forna, Villar, Pozos, Trabazos, Pombriego, Corporales, Truchas, Benuza, Odollo, Manzaneda, Robledo, Llamas... de todos los pueblos de La Cabrera.

    Ágatha Ruiz de la Prada: color, caos, concepto

    30/04/2007, Ropa, complementos, marroquinería, perfumería... un interesante repaso a los 25 años que lleva la diseñadora española vinculada al mundo del arte y la arquitectura.

    Burgos, abril 2007.

    Cumplir un cuarto de siglo trabajando con coherencia por crear un estilo propio es una fecha que no está al alcance de cualquiera. Sólo un puñado escaso de diseñadores españoles pasarían el corte de los 25 años; dos décadas después, tan sólo quedan los que más personalidad mostraron.

    Ágatha Ruiz de la Prada es la que más ha luchado por perpetuar una imagen clara de su particular mundo. Un mundo que ahora se acerca a Burgos a través de una Exposición y un Homenaje que retratan la fuerza y el interés tanto socio-cultural como mediático que sus creaciones han despertado a lo largo de los últimos 25 años.

    El Teatro Principal de Burgos acogió el pasado jueves 26 de abril el Homenaje al que acudieron 25 colegas de profesión, uno por cada uno de los años que lleva la creadora diseñando. Nombres históricos como el veterano Elio Berhanyer o Antonio Alvarado o, ganadores de Cibeles como David Delfín o Fernando Lemoniez, jóvenes realidades empresariales como Ion Fiz o Locking Shocking y nombres clásicos de la pasarela española como Amaya Arzuaga, Francis Montesinos, Kina Fernández o Juan Duyos, todos ellos han sido los invitados en una jornada muy especial.

    Además, famosos de la vida social española como la Princesa Beatrice de Orleans, Carla Royo-Villanova, Princesa de Panagyuriste, la modelo Martina Klein, junto a Bibiana Fernández, que presentó el acto, acudieron al evento.

    En la Exposición de Burgos se hace hincapié en el espacio onírico y real en el que vive Agatha. El objetivo es mostrar la primera Exposición que se realiza en nuestro país sobre el mundo de sus ideas y objetos. Al igual que sucediera con las dos anteriores Muestras - Balenciaga en el 99 y Paco Rabanne en el 01/02 - la Asociación del Comercio Textil de Burgos apuesta por un proyecto innovador, original y lleno de gancho.

    Para esta Exposición se han escogido una serie de objetos entre los más representativos de su estilo pero también habrá sorpresas. Más de 400 objetos que ofrecen un amplio panorama de la obra de la creadora: desde la botella de Tio Pepe al toro de osborne, ambos "agathizados" pasando por un coche, bicicleta y así hasta más de 400 objetos, todo ello en un espectacular montaje que simula el juego de la oca.

    Un apartado de la Exposición, es la cercanía de la creadora con el mundo del arte. La pintura contemporánea ha sido fuente fructífera de inspiración, fijándose en las obras del escultor Eduardo Chillida, el pintor Joan Miró o los artistas foráneos Sean Scully, Niky de Saint Phalle y los norteamericanos Donald Judd y Andy Warhol.

    Más información en:
    EstiloyModa.com

    La Justa del Sarraceno

    26/04/2007, ...Y súbitamente inicia la carrera del Caballero, cuyo objetivo es apuntar con su lanza hacia el centro del escudo del enemigo, cuidándose las espaldas del inminente ataque del sarraceno…

    Arrezo, abril 2007.

    ...No puede perder su arma pues todo su empeño habrá sido en vano, ni dejar que el flagelo lo golpee pues su esfuerzo se vera diezmado. Un impacto seguro y potente que incluso destruya su lanza, eso es lo que le garantizara la victoria: la anheladísima Lanza de Oro.

    Un mar de colores. La gente alienta a su barrio favorito: rojo y verde, la Porta Crucífera; amarillo y rojo carmesí, la Porta del Foro; blanco y verde, la Porta S. Andrea; y, amarillo y azul, la Porta S. Spirito. Un arcoiris de sensaciones que se conjugan en la Piazza Grande donde, además, los malabares y destrezas de abanderados que al son del grupo de músicos que con sus instrumentos tocan, animan y llevan a los espectadores en un crescendo de emociones imborrables...

    Esto y más es la Justa del Sarraceno en la ciudad de Arezzo, donde año tras año, desde su reaparición en 1931 (salvo una suspensión del 1941 al 1947), participa la ciudad en la renovación de una antigua tradición medieval.

    Se leía en el 6 de agosto de 1535 “Por mayoría de 26 habas negras contra 3 habas blancas que se juste contra el Buratto en el dia domingo, por un premio de ocho brazos de medida de tela de raso púrpura...”, del texto más antiguo del cual se tiene registro del torneo; no obstante, hay quien asevera que sus inicios pudieron haber sido desde el siglo XIII cuando Arezzo se vio participe de las cruzadas que en el mundo se desarrollaban entonces. Así, de este modo, comenzó este ejercicio de combate, la lucha contra un maniquí que representaba al enemigo: el árabe, el infiel, el Sarraceno.

    Todos aquellos Caballeros que se presentaban en la plaza armados y acompañados de sus padrinos, eran candidatos para el torneo...decía el reglamento encontrado que data del 1677. Sin embargo, en la justa actual participan únicamente dos Caballeros por cada uno de los cuatro barrios antiguos representados de la ciudad.

    La Justa del Sarraceno ve involucrados a todo los aretinos en todos los eventos, quienes no dudan ni un segundo en formar parte de digno evento: el domingo precedente a la competición, los Capitanes de los barrios participantes realizan el Juramento y extracción del turno en una ceremonia solemne. Es aquí cuando la emoción de la competición y la atmósfera medieval comienzan a percibirse poco a poco, viéndose incrementados con el pasar de las horas...

    El día del torneo ha llegado, todos parecen estar preparados para el gran evento. Un desfile ceremonial con alrededor de 350 personas disfrazadas de acuerdo a la ocasión, da preludio a las actividades de la Justa: los actos malabáricos por parte de los abanderados, al son de la música de la época, preceden a la lectura del desafío del “Buratto, Rey de las Indias” que da comienzo la real y verdadera batalla:

    “Y súbitamente inicia la carrera del Caballero cuyo objetivo es puntar con su lanza hacia el centro del escudo del enemigo, cuidándose las espaldas del inminente ataque del sarraceno…”

    AREZZO

    Arezzo es una ciudad italiana, en la la Toscana, subida a una colina y dominada por una ciudadela.

    Tiene unos 100.000 habitantes y fue centro de cultura etrusca. Petrarca, Vasari y Piero della Francesca son personalidades vinculadas al lugar.

    En la Piazza Grande, de casas medievales y torreones, se celebra cada año la Justa del Sarraceno (Giostra del Sarracino)

    Praxíteles: la sombra del genio

    25/04/2007, El museo del Louvre, París, presenta una interesante exposición del 23 de marzo al 18 de junio: "Praxíteles, un maestro de la escultura antigua". La muestra se trasladará luego al Museo Nacional de Atenas.

    París, abril de 2007

    La fama de Praxíteles ha llegado hasta nuestros días. Es un mito del arte... pero lo conocemos sólo por referencias, por historias en las que la verdad aparece emparentada con la leyenda; apenas por sus obras.

    Hace 2400 años, Atenas bullía en lo político, en lo intelectual, en lo artístico; era como un crisol en el que se estaba fraguando la cultura de Occidente. Esa era le época de Praxíteles.

    La muestra del Louvre es una de las más importantes que se han celebrado nunca sobre el autor y una de más interesantes de todo 2007, pero, a diferencia de las tradicionales exposiciones monográficas, apenas se podrá ver la obra del artista: deberá intuirse.

    En el siglo I a.C. Varron ensalzaba la excelencia de su talento; Plinio el Viejo o Pausanias tambien refieren su maestría. Luciano de Samosata describe sus obras con fruición... pero sabemos poco de la vida del maestro de la escultura.

    Parece que nació en torno al año 400 a.C. y que pertenecía una familia de artistas, una familia acomodada. Murió hacia el año 336 a.C.

    Hijo de Cefisodoto, éste le encaminó hacia la escultura, y su habilidad sería tal que los siglos jamás oscurecerían su fama.

    Las referencias nos hablan de sus relaciones con Friné, amiga y modelo, de cuerpo escultural, que sirvió para que Praxíteles se imaginara Afrodita, la diosa del amor.

    Y El escultor, volcó en las obras una sensualidad que sería nueva, rompedora, en el trabajo de los genios de Grecia.

    Se cuenta que Friné quiso saber cuales de las obras del autor eran más apreciadas por él, y un día un criado le anunció ante ella que el taller estaba ardiendo. Él, rápidamente dijo que había que salvar las estatuas del Amor y el Fauno. La segunda estuvo colocada en Atenas (Plutarco relata haberla visto en la Via de los Trípodes) y la otra fue regalada a Friné, que la donó a su ciudad Tespis, donde estuvo hasta ser arrebatada por Nerón.

    Hay varias conjeturas sobre la identidad de las obras citadas. Se estima que una copia de Amor se halla en el Vaticano… del Fauno se han hecho varias hipótesis.

    Se conservan varias copias de Apolos del autor, aunque la obra que mas fama le ha dado es la Venus de Cnido. El escultor la hizo desnuda, saliendo del baño; un prodigio de belleza y sensualidad en el que parece que reflejó a la modelo: Friné.

    Se dice que Praxíteles tenía dos encargos y dos Venus. Los de Cos se llevaron la vestida; quedó la desnuda para los de Cnido. Viajeros de todo el orbe civilizado acudieron a Cnido a contemplar la que se consideró –por Plinio- la mejor escultura jamás hecha. Hoy la conocemos por copias. Pero las copias revelan un cuerpo de mujer lleno de hermosura y dignidad…

    Monedas, copias, pedestales… arqueología en el Louvre para redescubrir en lo posible a un genio del que apenas tenemos algunas obras. De la muestra de París, apenas una de las estatuas se certifica como suya.

    No obstante, la exposición es meritoria... no podemos ver con certeza la obra del genio, pero la intuimos en las sombras.

    El retrato infantil de Ignacio Pinazo

    23/04/2007, El IVAM presenta la exposición “Ignacio Pinazo. El Retrato Infantil” con la que prosigue el ciclo de exposiciones dedicadas a mostrar en su totalidad la obra del pintor valenciano.

    Valencia, abril de 2007

    Cada una de las exposiciones esta organizada en torno a los temas más frecuentados por el artista. Así tras las exposiciones: “Ignacio Pinazo. Inicios de la Pintura Moderna”, “Ignacio Pinazo: Historia, Estudios e Impresiones”, “El paisaje marítimo” y “Periferias” llega ahora esta muestra dedicada a la imagen de la infancia.

    Pinazo que tuvo una infancia difícil y precaria a causa de su temprana orfandad, se vio obligado a desempeñar los más diversos oficios para poder sobrevivir desde muy joven, descubrió con fascinación el universo infantil, durante su segunda estancia en Italia a partir de la experiencia de la paternidad, con el nacimiento, en 1879, de su primogénito José, que le sirvió de inspiración para algunas de sus mejores obras.

    La estancia en Italia le aportó el influjo de la cultura clásica que se aprecia en una serie de obras en las que los niños aparecen bajo la forma de dioses, amorcillos, ninfas y querubines, que evoca la antigüedad pagana, así en obras como Fauno niño, o Juegos ícaros. Pero también cuando desarrolla una pintura más cercana al realismo, los niños protagonizan retratos que muestran escenas de género de ambientación doméstica. Su interés hacia el retrato infantil se desarrolla entonces en su medio más íntimo y familiar, y multiplica las imágenes de José e Ignacio Pinazo en dibujos y apuntes al óleo.

    Las imágenes con un niño en la cuna, en el suelo, dormido, riendo, llorando, comiendo o enfermo, se convierten en un ejercicio estimulante, en una atrayente fuente de inspiración. Con las que traza una biografía de la infancia y adolescencia de sus hijos en una especie de crónica o álbum familiar entre las que destacan obras como Cazando mariposas, Pepito con sarampión, Pompas de jabón o Ignacito llorando

    En estas composiciones Pinazo que fue, sobre todo, uno de los grandes retratistas europeos de su tiempo, analiza del llanto a la risa, de las travesuras, al reposo y el sueño, las alteraciones y rabietas, incluso la enfermedad, parecen en un conjunto de pinturas y dibujos realizados sin presión alguna, creadas por puro placer y capricho, libre de todo compromiso, en los que podemos encontrar el Pinazo más íntimo y auténtico.

    Los retratos infantiles de Pinazo no se circunscribieron a su medio familiar, sino que realizó diversos encargos de retratos infantiles. Aunque, hacia el final de su vida, volvió a su paleta la iconografía infantil realizando unos excelentes retratos de sus nietas María Luisa y Maria Teresa. Personajes que encontramos retratados en las esculturas realizadas por Ignacio Pinazo Martínez, padre de las niñas, que forman parte de la exposición.

    Ignacio Pinazo: El retrato infantil. Del 26 de abril al 23 de septiembre

    Die Brücke en el Albertina

    20/04/2007, Dentro de los atractivos que prepara Viena para este verano está una amplia muestra sobre los artistas de Die Brücke (El Puente) que fueron claves en la pintura moderna alemana.

    Viena, abril 2007

    Los luminosos colores de la asociación de artistas de Die Brücke fascinarán a todo el que visite la exposición “Expresionismo: Die Brücke”, del 1 de junio al 2 de septiembre de 2007 en el museo Albertina.

    Serán alrededor de 250 dibujos, pinturas, grabados y objetos para dar una imagen del movimiento fundado en 1905 con espíritu revolucionario, que ha pasado a ser parte del clásico arte moderno.

    Con el fin de explorar nuevos caminos del arte, Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff se unieron en 1905 en la ciudad alemana de Dresden y luego integraron en su grupo a Emil Nolde y Max Pechstein.

    Su manera de abordar las formas y el color transformó profundamente la pintura de la era moderna. Las formas se redujeron a lo esencial y el color comenzó a aplicarse de manera independiente de la naturaleza, permitiendo que surgieran montañas de figuras triangulares en rojo, azul, verde y amarillo.

    Formaron un conjunto que tiene personalidad propia, aunque forma parte del expresionismo, y trataron de realizar un arte con personalidad alemana, ligándose a la vida real, pero desde una posición alejada de oficialismos y aburguesamientos.

    El grupo, que mantenía contactos habituales, conservó durante su existencia una integración como comunidad de artistas, una especie de gremio artístico aglutinado principalmente en torno a Kirchner, y exponía en muestras colectivas sus cuadros caracterizados por cierto colorismo estridente, caótico.

    También cabe destacar en la exposición que se presenta en Viena los impresionantes grabados en madera de los artistas de Die Brücke, que ponen de relieve la simplificación de las formas. Estas obras figuran hoy entre los más valiosos ejemplos del expresionismo.

    Los jóvenes pintores de Brücke – influidos por gentes tan diversas como Gauguin o Van Gogh- se dejaron influenciar por el arte primitivo de otras culturas, sobre todo de tribus africanas, lo que se refleja en los rostros con carácter de máscaras, o la representación estilizada de cuerpos esbeltos y alargados.

    Entre los temas más destacados figura la representación de la vida pujante en grandes metrópolis como Berlín, que a los artistas procedentes de pequeñas aldeas fascinaba tanto como la contemplación de paisajes montañosos o la belleza de la naturaleza virgen de los mares del sur.

    Web del Albertina: www.albertina.at

    Anselm Kiefer en el Guggenheim Bilbao

    31/03/2007, El Guggenheim Bilbao presenta del 28 de marzo al 3 de septiembre de 2007 una de las exposiciones más relevantes dentro de la programación artística de su Décimo Aniversario: Anselm Kiefer

    Bilbao, abril de 2007

    Se trata de una muestra única que incluye una selección de obras creadas en la última década.. Más de 100 obras creadas en la última década, entre las que se encuentra una pintura de escala monumental creada especialmente para el Atrio del Museo

    La exposición, comisariada por Germano Celant, Curator Senior de Arte Contemporáneo del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, presenta obras pertenecientes a colecciones públicas y privadas, a la Colección del Museo Guggenheim Bilbao y a los fondos del propio artista.

    Esta muestra conjuga el poder emocional de las creaciones de Kiefer con el edificio de Frank Gehry, logrando que el espectador se sumerja en un espacio creativo, donde los grandiosos trabajos de este artista brillan con luz propia. Una de las particularidades es un desolado paisaje de invierno de escala monumental, creado especialmente para el Atrio del Museo, cuya verticalidad —15 metros de altura— interactúa con el singular espacio creado por Frank Gehry.

    De lo particular a lo universal

    Anselm Kiefer nació en 1945 en Donaueschingen, al sur de Alemania. Reconocido internacionalmente como uno de los más importantes creadores de nuestro tiempo, su producción se inicia a finales de los años sesenta, cuando decide abandonar los estudios de derecho para dedicarse a su verdadera vocación, el arte, en el año 1966. Su producción de los años setenta y ochenta gira en torno a la mitología, la historia, la religión y la simbología alemana, temas que el artista investiga profundamente y que utiliza de forma recurrente en sus obras como medio para evitar el proceso de amnesia colectiva ante las brutalidades y tragedias históricas de una Alemania desmembrada por la Segunda Guerra Mundial y en plena lucha por la restitución de su identidad como país. De esta forma, la cábala, los nibelungos, Adolf Hitler, el músico Richard Wagner o el arquitecto del nazismo, Albert Speer, son referencias comunes en su obra de este periodo que ha sido considerada un auténtico “teatro de la memoria”.

    Sus trabajos, en los que se fusionan la pintura, la escultura o la fotografía, mediante técnicas como el collage y el asamblage, subrayan la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado.

    A comienzos de los años noventa, Kiefer, tras una serie de viajes por el mundo, comienza a explorar temas más universales, todavía basados en la religión, los simbolismos ocultos, los mitos y la historia, pero centrándose ahora más en el destino global del arte y de la cultura, así como en la espiritualidad y los mecanismos y misterios de la mente humana.

    Obras monumentales

    La muestra que presenta el Museo Guggenheim Bilbao está organizada temáticamente tomando como base, además de las religiones y la mística, la filosofía, la ciencia, la naturaleza o la alquimia, sus referencias literarias y poéticas, desde la filosofía de Martin Heidegger (1889–1976) y Friedrich Nietzsche (1844–1900) y los escritos de Paul Celan (1920–1970), Jean Genet (1910–1986) o Ingeborg Bachmann (1926–1973), hasta la música de Richard Wagner (1813–1883), figuras a través de las que cuestiona y aborda aspectos fundamentales de la experiencia y condición humana.

    La selección de obras realizada resalta especialmente las intervenciones monumentales de Kiefer, es decir, aquellas obras que el artista concibió para lugares concretos cargados de referencias históricas, religiosas o culturales, entre las que se encuentra su propio estudio en Barjac, estableciendo una fuerte interacción con la arquitectura.

    “Mis obras son muy frágiles y no tan sólo en el sentido literal. Si las colocas juntas en las circunstancias equivocadas, pueden perder completamente su poder”, señalaba el artista en una entrevista concedida a finales de 2006 a la revista Modern Painters.

    Desde 1993 Kiefer vive y trabaja en Barjac, una pequeña villa de Francia, cerca de Avignon, donde este artista ha creado un auténtico laboratorio que le permite testar ideas y materiales y transformarlos en auténticas experiencias artísticas. Reconocido como uno de los más importantes artistas en activo, ha sido el protagonista en la últimas cuatro décadas de exposiciones de pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones en la instituciones y museos más relevantes de todo el mundo y sus trabajos forman parte de las más prestigiosas colecciones de arte públicas y privadas.

    Zhù yi! Fotografía en China

    25/03/2007, Desde el 15 de marzo hasta el 23 de septiembre de 2007, ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición “Zhù Yi! Fotografía Actual en China”

    Vitoria, marzo de 2007

    Se trata de una muestra de los trabajos que las nuevas generaciones de artistas chinos están desarrollando y con los que dan testimonio de la acelerada transformación social y económica que está experimentando el llamado “gigante asiático”.

    La muestra agrupa 120 obras de una treintena de creadores, todos ellos fotógrafos nacidos con posterioridad a 1960, preocupados por cuestiones como la recuperación de la memoria cultural, la identidad propia y colectiva en una sociedad cambiante, la degradación de la naturaleza y del paisaje urbano a los pies del desarrollo económico, así como otros efectos provocados por éste, el interés por la moda o el consumismo irrefrenable entre ellos.

    Desde que la apertura del régimen chino permitiera un incipiente desarrollo de las artes, la fotografía se ha convertido en uno de los medios de trabajo preferidos por los nuevos creadores chinos. Y desde que en 1993 diez artistas chinos “debutaran” en la Bienal de Venecia, occidente ha conocido una rápida penetración en el sistema del arte, con una demanda creciente en el mercado y en los espacios expositivos.

    “Zhù Yi! Fotografía actual en China” es una producción conjunta de ARTIUM (Vitoria- Gasteiz) y el Palau de la Virreina (Barcelona), con el comisariado de Susana Iturrioz.

    La traducción más literal de la expresión “zhù yi!”, tomada del chino mandarín, es “¡atención!”. Siguiendo dos de las posibles interpretaciones del término, la exposición pretende tanto alertar sobre el creciente interés del sistema del arte occidental por los nuevos artistas chinos como mostrar qué es lo que centra la atención de éstos en el difícil paso del comunismo estricto al una sociedad más abierta, especialmente en lo económico y, en distinta medida, en lo social.

    La controlada apertura del régimen comunista iniciada tras la muerte de Mao en 1976 supuso una oportunidad para que los artistas chinos evolucionaran desde el realismo socialista hacia nuevas formas de expresión. El nuevo arte chino conoció diversas etapas, con distintos grados de libertad, a finales de los 70 (“Grupo de las estrellas”), a mediados de los 80 (“Nueva ola”) y a principios de los 90 (con el precendente de la brevísmima exposición de 1989 “China/Avant-Garde”, clausurada por la policía) hasta que los sucesos de la Plaza de Tiananmen marcaron un paso atrás en su camino. Es a partir de entonces cuando una nueva generación de artistas descubre las posibilidades de la fotografía como medio de expresión, de narración y de experimentación.

    La exposición producida por ARTIUM y el Palau de la Virreina presenta la obra de 33 de estos creadores, nacidos con posterioridad a 1960 y que viven y trabajan en China. Muchos de estos artistas han adoptado la fotografía como medio paralela o posteriormente a su trabajo como “performers”, como en el caso de Zhang Huan o Wang Jin, mientras que otros, la mayoría, son pintores de formación, como Wang Quingsong o Miao Xiaochun.

    Arte en un arcabuz

    20/03/2007, ¿Hay arte en la fabricación de los arcabuces? La respuesta está en una muestra que ahora se prepara en Madrid: “Tesoros de fuego. Arcabuceríamadrileña del siglo XVIII”

    Madrid, marzo de 2007

    En las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid, de mayo a julio de 2007, se presentan más de trescientas piezas, entre escopetas, pistolas, accesorios de caza y punzones de arcabucero, tapices, pintura, mobiliario, documentos históricos y libros, en su mayoría nunca expuestos. Son elementos procedentes de las colecciones de Patrimonio Nacional (Real Armería, Palacio Real), del Museo Nacional del Prado, del Museo Municipal de Madrid y de la Fundación Lázaro Galdiano.

    De notable interés, por su carácter inédito, es la recuperación mediante esta exposición de una segunda armería real en Madrid recientemente descubierta, la llamada “Armería de la Real Ballestería”, fundada por Carlos III para albergar armas de caza y destruida por las tropas napoleónicas. También da a conocer la afición de Francisco de Goya por las armas madrileñas, reflejadas con precisión y minuciosidad en su pintura.



    Siete salas se utilizan para esta exposición que pretende difundir la relevancia de Madrid como centro de producción de armas de lujo, hecho en el que incidió su valor como entorno cinegético y la afición de los monarcas españoles por la caza desde la Edad Media.

    No obstante, fue durante el reinado de Carlos II cuando se fijaron los rasgos característicos de la arcabucería madrileña, por lo que su nacimiento puede ser fijado en el siglo XVII. Más tarde, la afición de la dinastía borbónica iniciada por Felipe V hizo que la fabricación de armas de lujo madrileñas alcance todo su esplendor, convirtiéndose en una producción codiciada en toda Europa.

    Por su importancia como protagonista en la producción de arcabuces, la exposición analiza la trayectoria profesional y consideración social del arcabucero madrileño, figura clave en la salvaguarda de la vida del rey. Asimismo, muestra el lugar que albergaba la colección de sus obras, esto es, la “Armería de la Real Ballestería”, cuya existencia ha sido documentada recientemente.En cuanto a las piezas expuestas, por primera vez se muestra una excepcional colección de 257 punzones de arcabucero que, tras su desaparición en el siglo XIX, fueron reencontrados en el año 2000. Pero sin duda, las piezas estelares son las escopetas y pistolas de los siglos XVII, XVIII y XIX, exponentes de la calidad técnica, valor artístico y suntuosidad que llegaron a alcanzar.

    La exposición se cierra con las mejores de ellas, rodeadas de una selección de obras de Francisco de Goya que pretende llamar la atención sobre la relevancia de la arcabucería en su obra pictórica, aspecto desconocido por la crítica moderna. Por último, la figura de Goya se asocia con la Guerra de la Independencia, conflicto que supuso el fin de esta lujosa producción y la destrucción de la Armería de la Real Ballestería.

    Ferias de Pascua en Praga

    16/03/2007, Con motivo de las fiestas de Semana Santa resurgen tradiciones entrañables para los checos, como la de decorar ampliamente hogares y calles con huevos de Pascua.

    Praga, marzo de 2007

    Los visitantes y, en especial, los niños, pueden participar activamente en estas costumbres dando un paseo por sus ferias, coloreando sus propios huevos de Pascua o disfrutando de alguno de los programas culturales que ofrecen museos e iglesias de la capital.

    En Praga tiene lugar la mayor feria de Pascua del país entre los días 24 de marzo y 15 de abril, aportando color y fantasía a una ciudad que en primavera renueva su esplendor. Dos mercadillos llenos de detalles y delicias de la temporada se disponen en La Plaza de la Ciudad Vieja, una de las más bellas de Europa; y en la Plaza de Wenceslao, en la Ciudad Nueva.

    En estos mercados pueden probarse dulces típicos como el pan de jengibre o el cordero esponjoso recubierto de azúcar o chocolate; conocer las diversas técnicas de creación de huevos de Pascua y adquirir todo tipo de elementos decorativos. También hay puestos donde invitan a que cada uno adorne su propio huevo a base de pinturas, varas de abedul y un poco de maña.

    Muchos museos y centros al aire libre aprovechan la llegada de la primavera para programar actividades interactivas.

    El Jardín Botánico de Praga presenta la muestra “Semana Santa, ayer y hoy” entre los días 1 y 9 de abril, con talleres prácticos de decoración para las fiestas, con especial atención a las flores primaverales. A sólo unos pasos se encuentra el Zoo que el 1 de abril celebra el Día del Pájaro y el día 9 organiza una charla y competiciones enmarcadas en su feria primaveral.

    Conciertos de música espiritual

    La música es una de las grandes protagonistas de estas fechas. Muchas iglesias se convierten en salas de conciertos, programando música clásica y sacra en un entorno de lujo. La Basílica de San Jorge de Praga acoge varios conciertos de música clásica (con repertorio de Handel y Bach entre otros) entre el 1 y el 15 de abril, así como una actuación de la banda Rožmberk que representará misales checos y europeos. El 6 de abril la cita es en el Teatro de los Estados de Praga.

    Asimismo, la Filarmónica Nacional ha previsto una serie de conciertos de música clásica y de cámara.

    Excursiones

    Desde Praga bien se merecen una excursión algunos de los múltiples castillos y palacios que renuevan su programación cultural con motivo de la primavera.

    A 90 Km de la capital y cerca de la ciudad de Turnov en Bohemia del Norte, el castillo de Sychrov, que posee una de las mayores colecciones de arte francés de Europa Central, celebra el 31 de marzo un mercadillo y concierto de Pascua. El fin de semana del 7 al 9 de abril, a 40 Km al oeste de Praga, el castillo de Krivoklát mostrará toda su grandiosidad con una feria que incluirá música y representaciones teatrales.

    Páginas web orientativas:

    http://www.guiarte.com/praga/
    wwww.zoopraha.cz
    www.auditeorganum.cz
    www.nd.cz
    www.ceskafilharmonie.cz
    www.zamek-sychrov.cz
    www.krivoklat.cz

    Viena para golosos

    28/02/2007, Viena, la bella capital austríaca, tiene un atractivo especial para quienes aman los dulces. Los bombones de Altmann & Kühne, las tartas Caprese Verdi de Aida y la Sacher original ofrecen alegría para llevar.

    Viena, febrero de 2007

    Y junto al sabor, la delicadeza de las cajas de diseño antiguo que continúan alegrando la vista incluso después de haber consumido el contenido.

    En Viena, la ciudad del placer y la alegría de vivir, no resulta difícil encontrar dulces exquisitos. Los elegantes bombones de Altmann & Kühne, las legendarias tartas Sacher o una tarta Caprese Verdi de Aida se prestan de manera ideal para llevar como recuerdo de las vacaciones.

    Dado que casi nadie resiste la tentación durante mucho tiempo, los dulces recuerdos desaparecen en un santiamén. Por ello se agradece que muchos de los pasteleros y bomboneros vieneses hayan diseñado creativas cajas para envolver estos dulces escandalosamente deliciosos. Así perdura más el recuerdo.

    Altmann & Kühne sigue con la gran tradición de la casa y ofrece bombones en su pastelería del Graben fabricados según recetas originales desde 1928. Los bombones se colocan en deliciosas cajas de cartón hechas a mano con cartón ecológico, en forma de cómodas, costureros y otras formas tradicionales con motivos vieneses o refranes impresos. De esta manera pueden guardarse otros secretos en ellas después de haber degustado sus dulces y secretas delicias.

    En el Sacher-Eck (Rincón Sacher), enfrente de la Opera del Estado y situado en el edificio del legendario Hotel Sacher, los amantes de los clásicos dulces pueden encontrar los productos de la Confiserie Sacher. La estrella del surtido es la tarta Sacher original, hecha según la secreta receta original desde 1832 y que se considera la tarta más famosa del mundo. Se ofrecen diversos tamaños en cajas de madera clara con el emblema de la casa Sacher.

    Actualmente se ofrece también una línea de productos cosméticos: Time to Chocolate® – Body Care by Sacher Spa. Hasta ahora gozar de ser envuelto en chocolate en uno de los Chocolate Treatments estaba reservado sólo a los clientes del hotel.

    Aida es el nombre de una cadena vienesa de pastelerías con 26 sucursales en la ciudad que ya mucho antes de la aparición de Starbucks gozaba de enorme popularidad. El diseño de los años 50, 60 y 70, sus deliciosos dulces, un café excelente y el tradicional color rosa en su decoración son los ingredientes del éxito. Quien compre una de sus delicias, como la Caprese Verdi, no se sorprenderá de que tambien su caja sea de color rosa. También se ofrece una tarta Sacher de Aida y a partir del mes de febrero de 2007 se puede contactar con la tienda online en su divertida página web.

    Confiserie Altmann & Kühne. 1. Am Graben 30. www.feinspitz.com/ak
    Sacher Confiserie. 1., Philharmonikerstrase. www.sacher.com
    Aida. 1., Stock-im-Eisen-Platz 2. www.aida.at

    Dípticos flamencos

    25/02/2007, El museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica, presenta una notable exposición dedicada a los dípticos de primitivos pintores flamencos. Del 3 de marzo al 27 de mayo.

    Amberes, febrero de 2007

    Amberes es una ciudad que merece la visita. Está a 50 kilómetros de Bruselas y tiene unos 500.000 habitantes: Es la segunda ciudad más importante de Flandes y se ubica en la orilla del río Escalda.

    Ha sido desde inicios de la Edad Moderna una gran capital del comercio mundial y conserva valiosos monumentos como su soberbia catedral, el Ayuntamiento y la Plaza Mayor. La ciudad está íntimamente ligada a la vida del pintor Rubens, pero antes que este genio trabajase aquí ya hubo una intensa actividad pictórica.

    La exposición sobre los dípticos flamencos reúne una treintena de ellos, de los siglos XV y XVI

    En aquella época de florecimiento económico, los banqueros y comerciantes, emulando a los nobles, encargaron numerosas obras en los talleres de pintura. El hecho de que las obras muchas veces fueran objeto de devoción, hizo que se expusieran sobre mesas, altares o atriles, a menudo colocados en esquinas o rincones.Esta colocación semiabierta de los paneles permitió a los artistas jugar con el efecto de las dos caras.

    El Museo de Bellas Artes de Amberes ha colaborado científicamente con la National Gallery of Art de Washington y Harvard University Art Museums de Cambridge, Massachussets para ofrecer el resultado de esta exposición.

    Como grandes obras maestras se presentan «El Pecado Original» de Hugo van der Goes, «Madonna con dos ángeles y Cristo despidiéndose de su Madre» de Gerard David y «María en Oración y Cristo Redentor» de Quentin Matsys (éstos últimos provenientes del Museo del Prado de Madrid).

    Algunos dípticos se han podido reunir por primera vez desde hace mucho tiempo, como es el caso de la brillante obra de Rogier van der Weyden «Madonna» (Museo Thyssen Bornemisza de Madrid) y «San Jorge y el dragón » (National Gallery of Art de Washington).

    Páginas de internet :
    www.antwerpen.be
    http://www.kmska.be

    Sun International: premios medioambientales

    24/02/2007, La cadena hotelera Sun International ha sido galardonada con el primer Chairman´s Award en la quinta edición de los premios anuales de Turismo Responsable IMVELO, otorgados por la Federación de Hostelería Surafricana.

    Sudáfrica, febrero de 2007

    Los premios de Turismo Responsable IMVELO destacan el compromiso del sector turístico surafricano con el medio ambiente. IMVELO, que significa “naturaleza” en la lengua Nguni, forma parte de una campaña actual de la industria turística de Sudáfrica para animar a todos los agentes a aceptar las directrices promovidas desde el sector y la OMT, cuyo objetivo es sentar las bases de una legislación común en materia de responsabilidad medioambiental, Un fin apoyado también por el Heritage Environmental Programme, operativo desde hace cinco años, y al que pertenece la cadena hotelera Sun International, junto con otras 64 entidades en Sudáfrica.

    El jurado que premió a Sun International destacó a las empresas o particulares del sector turístico por sus políticas medioambientales responsables y comprometidas con el entorno que les rodea, dirigidas también a preservar el patrimonio y la cultura locales. Un reconocimiento para Sun International que se ha convertido, a lo largo de los años, en un referente en África por su contribución a esta causa.

    De igual manera, el hotel The Wild Coast Sun ha sido premiado en la categoría de “Mejor Programa de Gestión Medioambiental”, por su adecuada combinación de actividades y procedimientos para la conservación de la Naturaleza junto con iniciativas sociales, económicas y otras acciones de comunicación destinadas a crear conciencia ecológica.

    Por otra parte, el Sun City Resort, uno de los complejos de Sun International, ha recibido dos premios en el apartado de “Mejor Programa Individual de Gestión de Recursos”. Uno de ellos, por sus esfuerzos dirigidos al control y a la reducción del consumo de agua en toda su área, y el otro, por su correcta gestión de material residual en el torneo internacional Nedbank Golf Challenge.

    La cadena hotelera Sun International es uno de los principales grupos hoteleros en Sudáfrica, con tres establecimientos de lujo: el Hotel Table Bay en Ciudad del Cabo; Zimbali Lodge, en la costa del Indico y Sun City Resort en la región noroccidental del país. Además del Royal Swazi Spa Valley en el Reino de Swazilandia y el Hotel Royal Livingstone, en Zambia, emplazado a cerca de las cataratas Victoria.

    Web Oficial: www.suninternational.com

    Philippe de Champaigne

    20/02/2007, Philippe de Champaigne(1602-1674) nacido en Bélgica, pero francés de vocación, es un pintor de notable interés, aunque no excesivamente conocido. En Lille (Francia) se presenta este año una importante muestra.

    Lille, Febrero de 2007

    La exposición Philippe de Champaigne. Entre política y devoción se podrá ver en el Palacio de Bellas Artes de Lille del 27 de abril al 15 de agosto. Está comisariada por Alan Tapié, conservador y director del Palacio de Bellas Artes y patrocinada por la entidad francesa Réunion des Musées Nationaux.

    Diversas obras de este pintor figuran entre las piezas destacadas del siglo XVII francés, pero los expertos dicen que no ha sido valorado en su justa medida, en parte porque muchos de sus trabajos –recogidos en espacios religiosos o colecciones privadas- no han sido muy divulgados.

    Entre las obras de Philippe de Champaigne destacan abundantes retratos poco conocidos, muchos en poder de los descendientes de quienes se hicieron retratar hace siglos. E incluso ha habido trabajos que no son retratos y que tampoco han sido conocidos. Entre estos últimos se cita la Anunciación, de la Wallace Colection, recogida en manos privadas hasta después de la Revolución Francesa, y sólo vista por el gran público en el siglo XX.

    Este pintor fue originario de Bruselas pero se integró en la corte francesa, donde gozó del apoyo de Richelieu. Eligió su propia vía para la pintura, renunciando a residir en Roma y a pintar en el taller de Rubens.

    Conocido entre otros cuadros por sus retratos del cardenal protector, actuó en la corte de Maria de Médicis y Luis XIII, a la sombra de los cuales buscaría una identidad propia, barroca pero clásica.Sus convicciones religiosas le influyeron también y en especial el hecho de que su hija estuviese en la congregación jansenista de Port Royal, donde sanó de una grave enfermedad, lo que motivó a Champaigne a realizar diversas obras para la abadía.

    Esta gran retrospectiva del pintor cuenta con 85 obras llegadas de diversos países, como Bélgica, Reino Unido, Estados Unidos y –sobre todo- de diversos museos franceses. Permite captar el sentido de su pintura, en la que nunca renuncia a transmitir un mensaje espiritual, algo que caracterizará su arte especialmente tras su vinculación a Port Royal.

    Pintor de lo sagrado, no renuncia tampoco a otros aspectos como el paisajismo (influido por Jacques Fouquières) o las “vanitas” género barroco que alude a la futilidad de las cosas del mundo.

    Para seguir la trayectoria de este pintor se organiza la muestra en cinco secciones. María de Médicis, orígenes flamencos y el Carmelo (1628-1640); Luis XIII, Richelieu y la construcción de una identidad francesa(1630-1645); Diálogos con Port Royal, la creación de un pensamiento pictórico(1646-1662); Ana de Austria, Claridad y Gracia, la inspiración cartuja(1646-1660), y La consecución de una estética espiritual en la academia(1648-1674).

    De la mano de Nicolas Sainte Fare Garnot, máximo experto actual en la obra de Philippe de Champaigne y comisario adjunto de la muestra, se ha hecho una profunda investigación en torno a las obras de la muestra, lo que ha permitido establecer datos sobre la atribución, el encargo pictórico o la fecha de realización.

    Entre las razones por las que esta exposición se hace en Lille figura la posesión, del museo de Bellas Artes, de una Natividad, proveniente de la Casa del Oratorio de París o un Buen Pastor de Jean-Baptiste de Champaigne, familiar de Philippe.

    Colabora también en la organización del evento el museo de Arte e Historia de Ginebra, poseedor de obra también de Philippe de Champaigne.

    El retrato en el siglo de Picasso

    12/02/2007, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan ahora la muestra “El Espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso”. Hasta el 20 de mayo de 2007.

    Madrid, Febrero de 2007

    Considerado uno de los géneros “clásicos” por excelencia, el retrato ocupa sin embargo un lugar muy destacado en la obra de muchos de los artistas más importantes e influyentes tanto de las primeras vanguardias como de los diferentes movimientos de la modernidad. Así se comprueba en esta exposición organizada conjuntamente con el Kimbell Art Museum de Forth Worth (Texas), donde podrá visitarse también del 17 de junio al 16 de septiembre de 2007.

    Colecciones particulares, museos y fundaciones de todo el mundo han prestado los cuadros -y también algunas esculturas- que forman parte de este importante proyecto y que reúne 145 retratos de hasta 60 artistas diferentes, entre los que se encuentran todos los grandes nombres del arte moderno: Cézanne, Picasso, Van Gogh, Gauguin, Matisse, Freud, Warhol, Miró, Dalí, Giacometti, Modigliani, Kirchner, Munch, Nolde, Kokoschka, Balthus, De Chirico, Bacon, Grosz, Hockney, Malevich, Rousseau, ...

    El principal objetivo de la muestra es estudiar y dar a conocer las transformaciones del género del retrato a lo largo de la mayor parte del siglo pasado, en un marco cronológico en torno a los años de actividad del gran retratista del siglo XX: Pablo Picasso.

    El recorrido de la muestra se plantea como una suma de criterios cronológicos y temáticos; desde el cambio del siglo XIX al XX, con un primer capítulo dedicado a la revisión del género a partir de los modelos establecidos por Cézanne, Gauguin y Van Gogh, para continuar con un completo repaso de los nuevos planteamientos estéticos del retrato en la modernidad, y concluir alrededor de los años 1980, un momento de recapitulación a través de la versatilidad del lenguaje pictórico contemporáneo.

    Museo Thyssen-Bornemisza:

    Ante el espejo

    Arranca la exposición con dos de los pioneros del retrato moderno -Gauguin y Van Gogh-, los primeros que hicieron una verdadera reflexión sobre el género, retratándose principalmente a sí mismos. El autorretrato permitía al artista experimentar -en la soledad de su estudio, frente al espejo o utilizando la fotografía-, nuevas técnicas y lenguajes artísticos. Se incluyen también algunos autorretratos de Picasso o Munch.

    Gesto y expresión

    La necesidad de representar la psicología del retratado motivó un cambio radical en la expresión visual del retrato, acentuando aún más la importancia del gesto, la postura y la actitud o el movimiento del personaje representado como forma de comunicar un mensaje o un sentimiento. Los máximos representantes de este nuevo lenguaje los encontramos en la Viena de principios del siglo XX: Kokoschka, Schiele o Klimt.

    Colores modernos

    Siguiendo la estela de Van Gogh, los jóvenes expresionistas como Kirchner y Jawlensky, o los pintores fauves, como Matisse, Vlaminck o Miró, empezaron a otorgar un nuevo valor a la fuerza del color como medio para dotar al retrato de un aura simbólica, que elevaba al individuo a la categoría de “tipo”.

    Máscaras de lo primitivo

    Los retratos de Madame Cézanne, en los que el ser humano era despojado de la mirada, del habla y de toda elocuencia expresiva para convertirse en un auténtico monumento de piedra, junto a la influencia del arte primitivo, sirvieron igualmente de modelo a Matisse y Derain, pero también a artistas como Modigliani o Picasso, quien realmente acabó sustituyendo los rasgos individuales de la cara por una máscara de facciones abstractas, abriendo así definitivamente el camino hacia la consolidación del retrato moderno.

    El espejo roto

    Durante su etapa cubista Picasso y, detrás de él, otros artistas de la estela del cubismo -Braque, Gris, Severini-, sometieron a sus personajes a la fragmentación formal, aunque manteniendo la disposición vertical y la colocación de la figura propias de la composición del retrato convencional. Es un ejemplo más de cómo los nuevos lenguajes artísticos de las vanguardias se van imponiendo al compromiso figurativo del retrato, y relegan a un segundo plano la identidad de los retratados, situándose ya a un paso de la abstracción.

    Retrato de la sociedad

    Tras la I Guerra Mundial, muchos artistas que habían participado en los grupos de vanguardia se proponen una vuelta a la figuración, que significó no sólo la recuperación de la imagen del retratado, sino también de ciertas convenciones del género que habían sido eliminadas. Así lo muestran los numerosos retratos realizados en el período de entreguerras, de nuevo muy particularmente, por Picasso; pero este retorno a un cierto clasicismo en el género lo vemos también en la obra de Matisse, Dalí o Lipchitz. En esos mismos años, otro grupo de artistas -Grosz, Beckmann, Dix, Schad, Balthus o Freud- trabajan el género recuperando la figuración y también el concepto de retrato de encargo, pero lo hacen con un nuevo enfoque: mostrar una imagen de la sociedad moderna a través de poses acordes con la inestabilidad de los tiempos.

    Sueño y pesadilla

    Los retratos simbólicos de Miró, Dalí, De Chirico o Frida Kahlo, son auténticas metáforas de los personajes; en ellos, las imágenes y las identidades de los sujetos reales se transforman, se disuelven y toman una nueva forma bajo la nueva doctrina de la imagen críptica del surrealismo. Este apartado incluye también algunos autorretratos de Käthe Kollwitz y Felix Nussbaum, en los que se refleja la pesadilla vivida ante la amenaza del nazismo.

    David Hockney. Modelo con autoretrato inacabado. Muestra El Espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso. Fund. Thyssen- Caja Madrid

    Fundación Caja Madrid:

    Identidades metafóricas

    El recorrido por las salas de la Fundación Caja Madrid comienza con un capítulo protagonizado por un importante conjunto de retratos realizados por Picasso -también alguna escultura- en los años centrales del siglo XX; junto a ellos, obras de Dubuffet, Giacometti o Antonio Saura que muestran distintas formas de interpretar el retrato mediante la distorsión de las figuras. A través de una profunda metamorfosis del cuerpo y del rostro, Francis Bacon representó plásticamente la alienación del hombre contemporáneo, su vulnerabilidad. En este apartado, las deformaciones carnales a las que Bacon somete a sus personajes se ponen también en relación con los retratos de artistas como Auerbach o Kossoff.

    Arcilla humana

    Los retratos de Lucian Freud y Stanley Spencer muestran su interés por la representación de la soledad de la existencia humana a través de un mismo motivo: la desnudez del retratado. Para Freud la carne es el elemento que materializa y define el retrato: “Quiero que la pintura funcione como si fuera carne para que mis retratos sean realmente de una determinada persona y no parecidos a ella”. Se incluyen también en este capítulo algunos retratos de Avigdor Arikha y de Antonio López, dos artistas igualmente interesados en la representación objetiva del cuerpo humano.

    Instantáneas: Hockney/Kitaj - Sombras: Warhol

    En el último tercio del siglo XX asistimos a una reinterpretación del retrato como consecuencia de la recapitulación y replanteamiento del género que realizan algunos artistas desde la versatilidad de los lenguajes pictóricos contemporáneos: David Hockney, Ronald B. Kitaj o Andy Warhol, muestran en sus retratos algunos de los mejores ejemplos de esta evolución y diversidad, cerrando con su estilo inconfundible el recorrido de la exposición.

    Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.

    www.museothyssen.org

    Fundación Caja Madrid. Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid

    Crece el turismo en el mundo

    11/02/2007, Con 842 millones de llegadas -un crecimiento de 4,5 por ciento sobre el año anterior- el turismo superó en el 2006 todas las expectativas.

    Madrid, febrero de 2007

    El Barómetro del Turismo Mundial, que publica la Organización Mundial del Turismo, con sede en Madrid, parecen indicar que 2007 se consolidará esa evolución positiva, y se convertirá en el cuarto año de crecimiento sostenido.

    «A pesar de los riesgos a los que se enfrentaba el turismo hace doce meses – en particular el terrorismo, la preocupación sanitaria por la gripe aviar y la subida de los precios del crudo - , 2006 volvió a ser un buen año, con un crecimiento por encima de la previsión del 4,1 por ciento a largo plazo, y con el respaldo de uno de los periodos más largos de expansión económica continuada»,en opinión del Secretario General de la OMT, Francesco Frangialli.

    Una de las características de 2006 han sido los continuados resultados positivos de los destinos emergentes, que han puesto de manifiesto el vínculo existente con el progreso económico. Al ser uno de los sectores más dinámicos de la economía, el turismo tiene una función decisiva entre los instrumentos de lucha contra la pobreza, y se convierte en una herramienta primordial para el desarrollo sostenible.

    Hace tres años, el turismo mundial emprendió una nueva fase histórica de crecimiento al romper la barrera de los 800 millones de llegadas internacionales, y desde entonces ha crecido más de un 20 por ciento.

    África, el continente que más sube

    África superó a todas las demás regiones con cerca del doble del crecimiento mundial en 2006 (+ 8,1 por ciento), después de un 2005 de una progresión ya fuerte.

    Estos resultados notables fueron encabezados por el África subsahariana (+ 9,4 por ciento), mientras que África del Norte (+ 5,8 por ciento) terminaba también el año por encima de la media. Los grandes destinos como Sudáfrica , Kenya y Marruecos siguieron registrando excelentes resultados.

    Asia y el Pacífico (+ 7,6 por ciento) consiguió mantener su extraordinario ritmo de crecimiento gracias a la recuperación de Tailandia y las Maldivas de los efectos del tsunami de diciembre de 2004, y gracias también a los sobresalientes resultados de los destinos emergentes de la región. Las llegadas de turistas internacionales a Asia Meridional crecieron 10 por ciento impulsadas por la India, destino responsable de la mitad de las llegadas a la subregión.

    Europa cumplió justamente su objetivo el año pasado (+ 4 por ciento).

    Alemania se beneficiaba de la Copa Mundial de Fútbol de 2006, mientras que Italia reaparecía con fuerza en escena. Los sólidos resultados de España contribuyeron al desempeño generalmente positivo de la región.

    España se consolidó en 2006 como el segundo país que más turistas recibió en el mundo, con 58,5 millones, tan sólo detrás de Francia, aunque ese segundo puesto mundial será para dentro de poco tiempo para China, por el enorme potencial y crecimiento turístico de este país asiático.

    En Oriente Medio , se estima que las llegadas de turistas internacionales crecieron 4 por ciento en 2006 después de dos años extraordinarios en 2004 y 2005, a pesar de la situación geopolítica general, y de la crisis entre Israel y el Líbano en particular.

    Aunque el crecimiento del 2 por ciento en las Américas pueda parecer decepcionante a primera vista, los resultados varían considerablemente en el interior de la región. La subida de Estados Unidos no fue suficiente para compensar los resultados de Canadá y México. Por otra parte, los resultados de América Central (+ 6,1 por ciento) y del Sur (+ 7,2 por ciento) demuestran que América Latina está en camino de consolidar los positivos resultados de los últimos años: Chile, Colombia, Guatemala, Paraguay y Perú registraron todos crecimientos de dos dígitos.

    Previsión para 2007

    Se calcula que el aumento de las llegadas de turistas internacionales se situará en torno al 4 por ciento, muy cerca del índice de crecimiento anual de 4,1 por ciento previsto a largo plazo hasta 2020. Se estima que ese crecimiento será más sólido, porque las empresas, los consumidores, los gobiernos y las instituciones internacionales como la OMT pueden ya anticipar mejor los golpes y responder con más eficacia a las crisis.

    En conjunto, se espera que la economía mundial mantenga el ritmo de crecimiento del año pasado. Los precios del crudo han demostrado menos tendencia a la volatilidad y no suponen ya el mismo riesgo para la estabilidad económica que el año pasado.

    Sin embargo, persisten ciertas incertidumbres en el frente de la economía mundial, que podrían afectar las previsiones para el turismo. La subida de los tipos de interés en algunos países y regiones podría reducir los ingresos disponibles. Un dólar más débil podría afectar la demanda de viajes al extranjero de los estadounidenses. Por otra parte, un euro más fuerte podría estimular los viajes internacionales de los europeos.

    Trashumancia. Naturaleza y tiempo

    10/02/2007, La trashumancia está en crisis, pero sigue siendo un tema cargado de interés, por sus gentes, sus paisajes, su larga historia.

    Febrero de 2007

    Un bellísimo texto recién editado nos sirve para hacer un recorrido apasionado por montañas, cañadas y dehesas.

    “Cuando llegó el otoño, fundidos en la niebla los rebaños inmensos, dejaban las manadas por los senderos lentos(...) cuando llegó el otoño... fue el dolor de mi tierra sin rebaños ni cielo”. Así describe Eleuterio Prado el inicio del viaje de los rebaños, desde las montañas leonesas hacia el sur, huyendo de los días oscuros, las nieblas, la nieve y los fríos.

    Y desde el norte, camino al mediodía, empieza el avance lento, por paisajes que cambian y se abren como los brazos en cruz, hasta llegar a las tierras de la Extremadura.

    “Trashumancia. Paisajes, vivencias y sensaciones” es un libro múltiple, cargado de emociones y autores, surgido de un proyecto de Manuel Rodríguez Pascual, un leonés experto en agricultura y veterinaria, que desde hace tiempo se dedica al estudio y mejora de los sistemas de explotación ganadera y que ya ha hecho anteriormente varias obras excepcionales sobre la materia.

    Con él colaboran, Fernando Fernández, nacido en Bélgica, licenciado en biología por la universidad de Oviedo, profesional de la fotografía, fundador de la editorial Wenaewe, y sendos amantes de la cultura, la etnografía y el territorio: Angel Fierro y Eleuterio Prado.

    Fotos de Fernando Fernández se acoplan a los magníficos textos, en los que se aúna la precisión de la descripción, con el regusto poético.

    Algunos ejemplos:

    Angel Fierro, describiendo un paisaje otoñal de la montaña leonesa, en los días en los que el ganado parte al sur:

    “Sólo un pincel mojado en la memoria, o mano guiada del viento podrían pintar el sueño del otoño.

    Pero esos colores degradados, esa madeja de ramajes del Puerto de Mental, donde Prioro desangra sus límites, son solamente invitación a la partida.

    ¿Quién mantendrá este sueño en su retina, este cálido fuego de despedida, desde los grises de la dehesa?

    Sólo el dolor de la partida hará indeleble esta acuarela”

    Y Eleuterio Prado, ante una imagen del entorno nevado de Maraña, evoca sí la soledad de un paisaje de rebaños ausentes:

    “Pesa el invierno como losa de mármol sobre el corazón de las aldeas que guardan la memoria y las huellas errantes de rebaños ausentes.

    Todo es paz y quietud sobre los montes cercados por la nieve, como la flor del tiempo.

    Un tiempo detenido en su inocencia. Un tiempo sin fronteras, sin sombras, sin olvido.

    Hay un vacío de pájaros en el aire. Sólo se atreve el sol a bogar en sigilo por el cielo infinito, y en la afligida voz de las campanas pregonando la muerte.

    Hay un vacío de brazos poderosos.”

    Los paisajes del norte, la estepa, el cruce por los entornos de Béjar, la estancia en el su, en las extremaduras...

    Los protagonistas, los pastores, los ganados los mastines...

    Las emociones, los recuerdos los adioses...

    Tras la presentación general del tema, por Manuel Rodríguez, las fotos de Fernando nos conducen por ese universo declinante, en tanto que los textos de Fierro y Prado, llenan nuestra mente de emociones y añoranzas.

    “Se marcharon los rebaños
    y hasta los mayos no vuelven.

    En las lejanas aldeas
    la noche de invierno enciende
    los carámbanos de plata,
    espadas de filo hiriente.
    Y el dolor de las ausencias
    es como el frío perenne
    que se ha enredado en la niebla
    y todo el valle contiene

    Se marcharon los rebaños
    y hasta los mayos no vuelven.

    Tan sólo queda en mi pecho
    su cantar, sólo la nieve...

    Arco: cierre y balance

    03/02/2007, La 26 Feria Internacional de Arte Contemporáneo cerró sus puertas con uno de los balances más positivos de su trayectoria, según fuentes de la organización.

    Madrid, febrero de 2007

    Se destaca el éxito de las ventas realizadas, con un aumento estimado del 15% en la cifra total de negocio, así como un incremento en la presencia de coleccionistas y compradores. Alrededor de un 20% se ha visto aumentada la cifra de profesionales, como consecuencia de la segmentación de la asistencia, y de la ampliación del programa de coleccionistas, por primera vez centrado en exclusiva en dos jornadas y media.

    Unos resultados, a los que se suma la cifra estimada de visitantes, que se consolida en los mismos términos que en ediciones anteriores, con alrededor de 190.000 personas, y que además se han visto coronados sin duda por la calidad de la representación de las galerías participantes (271) que han realizado un enorme esfuerzo en su puesta en escena y en la alta selección de sus programas artísticos.

    De este modo se confirman no sólo las previsiones de la Organización, cuyo esfuerzo en esta nueva edición se ha concentrado en testar distintos aspectos de la Feria de cara a consolidar su proyecto de futuro, potenciando además dos ámbitos esenciales: el coleccionismo y el perfil comercial de ARCO, sino que además se ha constatado la creciente sintonía del mercado español con la tendencia alcista que vive el mercado internacional del arte.

    Esta 26º edición de ARCO, según el balance de los organizadores, ha estado marcada por tres aspectos: su mayor profesionalización, la calidad creciente de su oferta y la consolidación de un emergente coleccionismo local.

    La próxima edición de 2008 contará con la participación de Brasil como país invitado. La edición, con el traslado a los nuevos pabellones de la Feria de Madrid, permitirá una reestructuración del espacio y el diseño de secciones artísticas perfectamente definidas. El coleccionismo se convertirá nuevamente en objeto de la máxima dedicación, dirigiendo una línea de actuación concreta hacia el coleccionismo corporativo como uno de los segmentos de mayor potencial de crecimiento.

    Datos generales

    Grandes galerías de todo el mundo se dieron cita en esta XXVI Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO uno de los acontecimientos comerciales más atractivos del momento. A ello se sumó el amplio despliegue del arte asiático, con Corea como invitado de honor, que mostrará también una nueva dimensión a través de una interesante selección de proyectos de artistas de especial relieve en esta región.

    Un total de 271 galerías de 29 países -84 españolas y 187 extranjeras- participaro en esta 26 edición, cuyo rasgo más significativo fue la importante renovación que se ha producido con la incorporación de un gran número de establecimientos de arte, 49 en total, que acuden por primera vez a ARCO. Europa es el continente con mayor representación, con 193 galerías, y una presencia destacada de Alemania y Austria (país invitado en 2006), así como de Portugal y Europa Central. América también cuenta con una amplia presencia: desde allí llegarán 55 espacios artísticos, encabezados por 23 estadounidenses y por un importante contingente latinoamericano que confirma una vez más a esta feria como el gran mercado europeo del arte latino. De entre ellos, destaca Brasil, que ofrecerá de la mano de 13 galerías un adelanto de la que será su presencia en 2008 como invitado de honor. Por su parte, el continente asiático estuvo representado por 22 galerías. Entre las nuevas presencias destaca Irán, que participo por primera vez en la Feria.

    Un total de 49 galerías se incorporaron por primera vez a ARCO, lo que pone de manifiesto la fuerte apuesta de la feria por centros de arte de alto nivel, que se caracterizan por su apoyo al arte joven y emergente, así como por su calidad y amplia trayectoria internacional, avalada por su presencia en las primeras ferias mundiales.

    Con Corea como país invitado de honor, ARCO dio protagonismo por primera vez al continente asiático, uno de los ejes internacionales más emergentes y de mayor efervescencia artística del momento. El proyecto, diseñado para ARCO por Jung-Wha Kim, directora del Museum Korea de Seúl, y comisariado por Jeong Ah Shin, comisaria jefe de Sungkok Art Museum y profesora de la Dongguk University, brindó la ocasión de mostrar una nueva dimensión del arte coreano a través de una atractiva selección de proyectos de artistas de especial relieve en esta región, y de propuestas creadas tanto desde los medios de producción más convencionales hasta aquellos que incorporan tecnologías de última generación.

    Roy Lichtenstein

    02/02/2007, El viernes 2 de febrero se abrió en Madrid, en la Fundación Juan March, la exposición Roy Lichtenstein: de principio a fin. Una muestra que reúne una selección de 97 obras realizadas por el artista entre 1966 y 1997.

    Madrid, febrero de 2007

    Esta muestra, organizada en colaboración con la Roy Lichtenstein Foundation de Nueva York, ilustra y recrea el complejo proceso artístico de este pintor escultor y artista gráfico, uno de los máximos exponentes, junto con Andy Warhol, del arte pop americano.

    El arte pop, basado principalmente en la elevación de los productos seriados de la sociedad de consumo a la categoría de objeto del arte culto, presenta una apariencia tan sencilla que se diría que carece de método de elaboración. Esta exposición quiere mostrar que lo contrario es lo cierto, y para ello propone una recreación de su complejo proceso artístico de la mano de uno de sus más reconocidos maestros.

    La muestra invita al visitante, con una intención reflexiva, a ser testigo de principio a fin, de todo el itinerario creativo del artista, que culmina normalmente en un cuadro o una escultura, pero que, antes de ello, ha atravesado una larga sucesión de fases, que, junto con la obra final, son las que se muestran: fuentes documentales como cómics o libros, estudios y dibujos, pruebas y esbozos, collages y maquetas.

    Roy Lichtenstein (Nueva York, 1923-1997), uno de los máximos exponentes del arte pop americano, abandonó, entre finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, el camino del expresionismo abstracto para emprender una novedosa incursión figurativa inspirado en las imágenes de la cultura de masas (aunque no exento de referencias a la alta tradición del arte) ese nuevo camino definiría su posterior producción artística y lo haría universal.

    Su interés por los medios de comunicación, las artes gráficas, la publicidad y el cómic; sus procedimientos de cita, apropiación y libre interpretación de las imágenes, tanto las del medio cultural norteamericano como las del canon de los maestros del pasado, se manifiestan en un estilo claro, característico e inconfundible, pero provisto de una ironía sutil y una cuidada sofisticación.

    El proceso de trabajo de Lichtenstein partía frecuentemente de imágenes corrientes, recortes de cómic, anuncios publicitarios, fotografías, ilustraciones, que le servían de fuente de inspiración y que plasmaba en pequeños esbozos, en series de apuntes de figuras, en dibujos de ejecución rápida y estilo suelto en los que se definían ya el tema, el concepto y la composición, elementos que posteriormente trasladaba a sus collages de mayor tamaño, más definidos y precisos.

    Las obras presentadas ofrecen escenarios que revelan las fuentes de Lichtenstein: hay personajes populares del mundo del cómic como Dagwood, Tintín o el Pato Donald; hay protagonistas de tebeos para chicas como Girl`s Romances, Heart Throbs o Secret Hearts; o verdaderos emblemas clásicos como el Laocoonte Helenístico, paisajes de Van Gogh y Cézanne, retratos de Picasso, desnudos e interiores de Matisse y nenúfares de Monet.

    Más información en:
    Fundación Juan March

    Crece la página del megalitismo

    30/01/2007, La página web que dirige el investigador Miguel Moreno, colaborador de guiarte.com, sigue creciendo en contenidos. Recientemente ha incorporado 6 nuevos dólmenes de Asturias y 14 de Granada.

    Burgos, enero de 2007

    Estas nuevas aportaciones se unen a los 800 dólmenes, túmulos y menhires de toda España, de Portugal y de otros países europeos que ya figuraban en la página.

    En los últimos seis meses se han incorporado también otros yacimientos de Francia y de Navarra. Todas las fichas incluyen fotografías del autor y, cuando es posible, se dan las coordenadas GPS para facilitar la localización de los monumentos.

    La web surgió como una iniciativa encaminada a la difusión de los dólmenes de Burgos, a los que se prestó desde el origen una especial atención. Pero también se ha considerado conveniente ampliar el radio de acción geográfico y temático, siempre dentro del Megalitismo.

    En estos momentos, la web cuenta con 940 páginas diferentes en las que se incluyen yacimientos, estudios geográficos, ajuar, bibliografía, cronología y enlaces. En las próximas semanas se añadirán nuevas páginas con túmulos y dólmenes de Asturias, Granada, Málaga y Almería.

    Las ultimas notas introducidas son:

    Monte Areo (Asturias).
    Cerca de Gijón se pueden visitar seis monumentos megalíticos restaurados y señalizados, que se pueden visitar cómodamente. En la zona hay unas treinta estructuras tumulares de difícil localización

    Las Peñas de los Gitanos (Montefrío, Granada)
    Interesante conjunto de galerías dolménicas, varias de las cuales tienen una losa perforada como puerta. El lugar es muy pintoresco, y supone una de las mayores acumulaciones megalíticas de la Península, con casi cien túmulos en total

    Peña Tu
    Túmulos al este de Peña Tu, en el oriente de Asturias

    Poitou (Francia)
    El gran dolmen de Bagneaux, el museo de dólmenes con cúpula de Bougon, fenomenales dólmenes de Montbrillais, menhires de Gennes y otros megalitos de la comarca francesa de Poitou

    Megalitos

    Defensa de las ballenas

    28/01/2007, Activistas de Greenpeace están actuando contra las capturas de ballenas en el “Santuario Antártico” y critican en especial a las actividades de Islandia y Japón.

    Enero de 2007

    La reclamación del Gobierno de Islandia sobre la sostenibilidad de la caza de ballenas ha sido desmontada después de que activistas de Greenpeace descubrieran cerca de 200 toneladas de carne y grasa del amenazado rorcual común almacenadas en cámaras frigoríficas a la espera de ser testadas por contaminación química. Además, 179 toneladas de huesos y entrañas han sido tirados a un vertedero.

    Islandia trata de exportar la carne y grasa de rorcual común a Japón a pesar de las denuncias de los balleneros que las capturaron, de que una parte no es apta para el consumo humano.

    Al mismo tiempo la flota de caza de ballenas del Gobierno japonés se dispone a cazar más de 10 rorcuales comunes y 935 rorcuales aliblancos en el Santuario Ballenero Antártico, a pesar de no haber vendido más de 4.400 toneladas de carne procedente de cazas anteriores que permanece almacenada en congeladores en Japón.

    "Islandia asegura que su caza comercial es sostenible, pero ¿cómo pueden justificarlo si están cazando especies amenazadas a pesar de que no existe demanda para su carne en Islandia y en Japón tienen grandes reservas del año pasado?"- ha declarado María José Caballero, responsable de la campaña de Océanos de Greenpeace.- "Ambos, Islandia y Japón continúan cazando en contra de la oposición nacional e internacional, aún cuando no hay justificación científica, económica o ambiental para hacerlo".

    Greenpeace ha lanzado la acción más grande de adhesión mundial, invitando a decenas de miles de personas para luchar contra la caza de ballenas en sus páginas web (En España http://whales.greenpeace.org/es).

    La primera demanda de este equipo fue que los países contrarios a la caza de ballenas se reunieran para reformar la CBI y rechazaran asistir a la reunión del próximo mes en Tokio, organizada por el Gobierno japonés.

    "Una reciente encuesta de opinión realizada por el Nippon Research Centre (Centro de Investigación Nippon), desvela que el 69% de los japoneses se oponen a la caza de ballenas en alta mar, incluido el Santuario Ballenero Antártico. No es una sorpresa que existan gigantescas reservas de carne de ballena, ya que la misma encuesta revela que el 95% de la población japonesa nunca o casi nunca ha probado la carne de ballena. Es el momento de que los gobiernos se comprometan con las ballenas y no con una obsoleta industria ballenera que cada día tiene menos objetivos", añadió Caballero.

    El barco Esperanza, de Greenpeace, navega por el Santuario Ballenero Antártico, con el objetivo de interponerse entre los arpones y las ballenas, y así detener su matanza.

    Guggen de Bilbao: 10 aniversario

    27/01/2007, El Guggenheim Bilbao celebra el décimo aniversario de su inauguración. Tres presentaciones de la Colección Permanente y cinco exposiciones temporales componen la oferta del museo para el 2007.

    Bilbao, enero de 2007

    El proyecto que se puso en marcha hace más de quince años, como parte de un ambicioso Plan de Regeneración Urbanística, en el que instituciones vascas y ciudadanía depositaron grandes expectativas, ha llegado a la madurez y se ha consolidado, no sólo como motor de trasformación del País Vasco desde el punto de vista cultural, urbanístico, económico y arquitectónico; sino también como referente artístico en el ámbito internacional.

    Cerca de cien exposiciones (42 de Colección Permanente y 42 temporales), que han ayudado a profundizar en el conocimiento del arte moderno y contemporáneo a más de nueve millones de personas; más de 15.400 Amigos del Museo, el colectivo más importante del Estado y uno de los más relevantes de Europa; casi dos millones de participantes en más de 50 programas educativos; cerca de 150 empresas respaldando la actividad del Museo, 1.572 millones de euros en ingresos adicionales para las Haciendas Vascas, y un nivel de autofinanciación de un 75% de media a lo largo de este periodo, ratifican que el denominado “efecto Guggenheim” es hoy una realidad sólida.

    Tres presentaciones de la Colección Permanente y cinco exposiciones temporales componen la oferta expositiva del Museo Guggenheim para el año 2007.

    Magníficas retrospectivas como la dedicada a uno de los máximos exponentes del Neoexpresionismo, Anselm Kiefer o Palazuelo: proceso de trabajo, una amplia selección de trabajos del artista, algunos nunca antes exhibidos en público, convivirán en 2007 con USArt: 300 años de innovación, que reflejará por medio de unas 200 obras de arte la diversidad del panorama cultural, político, económico y artístico de Estados Unidos, y Alberto Durero: obra gráfica en el Städel Museum, una ocasión excepcional para descubrir el significado de la obra gráfica en el conjunto de la creación de este artista.

    En un año tan importante como el 2007, el Museo Guggenheim Bilbao ha querido, además, contribuir al enriquecimiento y dinamización de la actividad artística y cultural del País Vasco, mediante la organización de la exposición Cada uno a su gusto, cuyo objetivo es potenciar la creatividad de los artistas vascos contemporáneos por medio del encargo de obras que se integren en los espacios del Museo y puedan formar parte de su Colección Propia.

    A las dos presentaciones de la Colección Permanente: Instalación y Video Parte I y Cuadrícula: Minimalismo y Arte Conceptual de los años 60 y 70, el Museo ha añadido una serie de exposiciones didácticas, reunidas bajo el nombre Laboratorios, que permitirán a los visitantes y escolares profundizar en las obras de la Colección Propia, contando incluso con la participación de los propios artistas.

    Para conmemorar esta efeméride, el Museo Guggenheim Bilbao ha desarrollado una programación especial que se llevará a cabo a lo largo de todo el año. Entre las acciones conmemorativas programadas podemos destacar la denominada Generación Guggenheim, cuyo objetivo es avivar la memoria histórica y fomentar el intercambio de experiencias y recuerdos en torno al Museo entre los niños que ahora tienen 10 años y los jóvenes de 20, que tenían 10 en los inicios de su andadura; el Microsite Décimo Aniversario (www.gubilbao.es), con información especial sobre el desarrollo de esta celebración; o la acción que la artista Maider López desarrollará con los Amigos del Museo, entre otros.

    La instalación del artista francés Daniel Buren en el puente de La Salve de Bilbao será el principal legado a futuro de la celebración de esta efeméride, junto con otras acciones que pervivirán en el tiempo como el nuevo almacén para obras, la ampliación del restaurante del Museo o la nueva página web.

    El programa se completa con una variada agenda de actividades en las que tendrán cabida la música, el cine, el teatro o la danza, que el Museo desarrollará en colaboración con entidades e instituciones culturales como el Teatro Arriaga, la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO), la Coral de Bilbao, el Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (ZINEBI) o el Festival de Cine de San Sebastián (Zinemaldia), entre otras.

    Árboles, leyendas vivas

    20/01/2007, El Proyecto de catalogación, conservación y divulgación de los árboles más singulares de España presenta, después de tres años de trabajo, una interesante muestra.

    Burgos, enero de 2007

    Actualmente se presenta en hasta el 27 de febrero en Miranda de Ebro. La exposición ha sido promovida por Bosques Sin Fronteras y patrocinada por Obra Social de Caja Madrid.

    Se trata de una gran exposición de carácter eminentemente divulgativo, que recoge los resultados del proyecto y la metodología seguida, destacando las curiosidades y los aspectos más interesantes de las joyas vegetales de nuestro país.

    Todos los árboles recogidos en la exposición, pertenecen a una selección de los ejemplares más viejos, grandes e históricos del territorio. A través de paneles explicativos, troncos, cortes de madera y excelentes fotografías de gran tamaño se plasma como se ha hecho el proyecto "ÁRBOLES, LEYENDAS VIVAS", se aportan datos por Comunidades Autónomas, se destacan los problemas de los árboles singulares y los interesantes estudios de longevidad realizados.

    Además la exposición destaca los ejemplares más viejos, algunos de ellos milenarios, con troncos descomunales, formas imposibles y alturas de rascacielos. Se complementa con algunas historias y leyendas curiosas que ejemplifican la íntima relación entre el hombre y el árbol.

    En ella se recogen datos de árboles de Castilla y León, pudiéndose destacar entre ellos El Castaño de El Campano en Villar de Acero (León), uno de los árboles más gruesos de España, con más de 12 metros de perímetro, El Pino Gordo de Iruelas en Ávila que destaca además de por su perímetro por su gran altura de 36 m. o El Pino de las Mentiras en Fuenteolmo de Íscar (Segovia) que tiene 25 caras de resinación y recibe su nombre de la costumbre de los cazadores de la zona de sentarse junto a él para hacer balance de las piezas cazadas en el día.

    Según los resultados del proyecto Castilla y León es la comunidad autónoma con un mayor número de árboles singulares, habiéndose contabilizado un total de 708, lo que supone casi un 20 por ciento del total. Las provincias con una mayor representación son León y Burgos y las especies más frecuentes son encinas, robles, melojos, castaños, quejigos, pinos piñoneros, tejos, pinos resineros, pinos silvestres y hayas.

    En la Provincia de Burgos destacan árboles como el Roble de La Laguna en Huerta de Arriba con un perímetro de 10.45 m y una altura de 12 m; el Espino de las Brujas (Crataegus monogyna) en Cernégula, célebre por creerse que junto a él se reunían las brujas en tiempos pasados; el Moral de Santa Lucia en Villovela de Esgueva con 9 metros de perímetro, y el Moral de la Iglesia de Villoviado que destacan en todo el territorio nacional por ser los ejemplares de mayor tamaño de esta especie (Morus nigra)

    La exposición es fruto de una exhaustiva labor de investigación y documentación, apoyada por el Ministerio de Medio Ambiente y realizada por un gran equipo de profesionales y la participación de más de 1.000 colaboradores repartidos por toda la geografía española. Sus autores, Susana Domínguez-Lerena directora del proyecto, y Ezequiel Martínez, fotógrafo, han recorrido más de 300.000 kilómetros a lo largo del territorio español buscando las mejores historias y las mejores imágenes, muchas veces en sitios inaccesibles.

    Con esta exposición se pretende contribuir a un mejor conocimiento de nuestros árboles, los cuales forman una parte fundamental de la cultura y la historia de nuestros pueblos.

    Acuarelas de Martínez de Miguelsanz

    20/01/2007, Un establecimiento hotelero segoviano presenta estos dias obras paisajísticas de la pintora Rosa María Martínez de Miguelsanz, nacida en 1953 en Segovia.

    Segovia, enero de 2007

    Del 30 de enero al 15 de marzo, el Eurostars Plaza Acueducto presenta varios trabajos de esta pintora: “Casa de la Moneda”, “Brumas”, “Panorámica”, “Tierras”, “Otoño”, “Verdes”, “El Parral”, “Primavera”, “Árboles” y “Atardecer”.

    Rosa María Martínez se formó en la técnica de la acuarela con el grupo Aqua, de Segovia, factor que la ha llevado a pertenecer a la Agrupación de Acuarelistas de Segovia (ASEDA). Esta creadora define sus pinturas como “figurativas” y señala que su fuente de inspiración es la naturaleza, por lo que gran parte de su obra está realizada al aire libre.

    En lo referente a exposiciones, esta artista ha exhibido sus trabajos en desde 1993 en diversos centros de la provincia. Ha recibido diversos premios a lo largo de su trayectoria artística como el X Concurso Internacional de Pintura Rápida de S. Pedro de Gaillos (2001); el Primer Premio Cartel del Carnaval (Ayuntamiento de Segovia, 2003) y el Primer Premio de Paisaje VI Certamen El Pincel y La Paleta (2004). Asimismo, la obra de Rosa María Martínez ha sido seleccionada en el XI y XII Certamen Ciudad de Ávila (2001-2002); el XIX Certamen de Acuarela Gaudí (Caja Sur, Córdoba, 2003) y el II Certamen Segovia Patrimonio de la Humanidad (2002);entre otros.

    El hotel que alberga la obra de Rosa María Martínez de Miguelsanz esta ubicado a las puertas del casco viejo de Segovia y a los pies del Acueducto, monumento declarado Patrimonio de la Humanidad

    Viena: salchichas y erotismo

    10/01/2007, Viena sorprende al visitante con sus establecimientos y ofertas culturales: hoy un capítulo para los kioscos de salchichas y para el erotismo.

    Viena, enero de 2007

    En Viena, la tradición se conjuga con innovación: los tradicionales kioscos vieneses donde se venden salchichas y otros embutidos están renovándose con nuevas invenciones y ofertas variadas. La gente se encuentra en torno a estas casetas a comer, beber y charlar, ya sea en el puesto de la plaza Am Hohen Markt, abierto hasta muy tarde en la noche, o en el kiosco de refinado gusto culinario, y música de pinchadiscos, en la animada calle Schleifmühlgasse.

    ¿Dulce o picante? .-Pregunta el vendedor en el kisoco vienés de salchichas.

    No es que esté pidiendo al cliente que se decida entre una torta de “Sacher” o un embutido tipo “Käsekrainer“. La pregunta se refiere a la mostaza, a la dulce “Kremser" o a la picante “Estragon“. La salchicha “Käsekrainer” es una invención austriaca, convertida en un plato clásico. Es un embutido de carne de cerdo, ligeramente ahumado y cocido, que lleva de un 10 a un 20 por ciento de queso dentro.

    Los kioscos son en su mayoría pequeños y se encuentran sobre las aceras de la ciudad. Además del conocido embutido “Frankfurter” (también llamada “salchicha vienesa“) o del “Käsekrainer“, “Bratwurst “ o “Hot Dogs” se ofrecen muchas variedades culinarias y una amplia gama de bebidas, desde el zumo de frambuesas hasta cervezas especiales.

    Uno de los kioscos más legendarios se encuentra en la plaza am Hohen Markt, en una isla de tráfico en pleno centro de la ciudad. Durante el día, cuando uno anda paseando o de compras, es un lugar ideal para un bocado rápido. Pero este puesto se ha ganado gran fama sobre todo porque está abierto hasta la madrugada, y se transforma en el lugar de encuentro de los noctámbulos más diversos. Aquí igualen por el apetito desde los funcionarios de banco a los punks.

    Muy diferente es el llamado Kiosk, en el barrio de moda de “Freihaus”. Aquí se ofrece embutido + mostaza + música. La oferta culinaria se parece a la de un clásico kiosco de embutidos vienés, pero hay más variedades, con salchichas del mundo entero. Incluso se piensa aquí en los vegetarianos. Además, a pesar de su nombre, no es un kiosco como los demás, sino que se encuentra en un local de un edificio en una esquina. La juventud se reúne aquí cada noche, cuando el “pinchadiscos” coloca sus discos. Un lugar innovador, que además sigue la buena tradición vienesa.

    Y “La seducción de la mirada erótica”

    Para los viajeros que lleguen este al final del invierno a Viena, otra sugerencia: El erotismo en el arte es el tema de la exposición “La mirada erótica“, que se presenta del 3 de marzo al 22 de julio de 2007 en la sala de exposiciones BA-CA Kunstforum.

    Obras maestras de 35 artistas muestran la fascinación de lo sensual desde finales del siglo XIX hasta nuestros días.

    Las obras de arte se centran tanto en el erotismo corporal como en el deseo, la tentación y el anhelo. El eros es un tema recurrente en el arte, percibido de las formas más diversas por artistas como Dalí, Degas, Klimt, Magritte, Matisse y Picasso, así como Renoir, Schiele o Bacon.

    La mirada distante y fría de la artista Tamara de Lempicka, “femme fatale” de los años 1920 y 30 muestra una faceta completamente diferente del erotismo de las seductoras fotos en blanco y negro de Helmut Newton. Además se presentan desde diferentes perspectivas mujeres en el tocador, erotismo homosexual y muñecas que sirven de juguetes pornográficos, así como escenas de sexo en representaciones gráficas de China. El lado oscuro del amor se ve representado, entre otros, por el “Vampiro” de Munch. Es el temido beso de vampiro de la mujer, apenas insinuado en la fusión de los cuerpos de la pareja. Esta exposición abre la puerta de la sensualidad para goce de la mirada erótica.

    www.kunstforumwien.at

    Silesia, la Perla de la Corona Bohemia

    06/01/2007, Co-organizada por la National Gallery de Praga, el Museo Copper en Legnica y el Instituto de Historia del Arte de la Universidad de Wroclaw(Polonia).

    Praga, enero de 2007

    La exposición, patrocinada por los ministerios de Cultura de Polonia y la República Checa recorre las relaciones artísticas más significativas entre dos regiones históricas, Silesia y Bohemia, durante la Alta Edad Media y los inicios de la modernidad.

    La muestra reúne obras de pintura, escultura, arte y artesanía, y muchas de estas piezas se exhiben al público por primera vez. "Silesia, la Perla de la Corona Bohemia"- Puede verse en la Wallenstein Riding School Gallery, de la National Gallery de Praga.

    La exposición se divide en tres periodos de florecientes relaciones artísticas:

    · La Edad Dorada del Gobierno de Luxemburgo, dedicada al desarrollo del estilo gótico bajo el reinado de la dinastía de Luxemburgo

    · El Glamour de Rudolfine Prague, que presenta el contacto artístico entre Praga y Wroclaw en los siglos XVI y XVII, cuando el arte en Silesia estaba fuertemente influenciado por la obra de artistas manieristas concentrados en torno a la corte de Rodolfo II

    · El "Flamboyance" Barroco de Monasterios y Palacios, que se centra en el arte barroco de Silesia desde el fin de la Guerra de los Treinta Años hasta la anexión del país por parte de Prusia.

    La región histórica de Silesia se reparte entre las actuales Polonia, República Checa y Alemania, a lo largo del río Oder, y posee una de las más extensas y variadas tradiciones culturales de Europa Central.

    Silesia es un amplio territorio, rodeado de montañas, que fue objeto de disputas que ensangrentaron el país numerosas veces en la Edad Media, con diversas alternativas en las que intervinieron casi siempre los dominadores polacos, para pasar en la Edad Moderna al ámbito de Prusia, antes de que por los avatares bélicos del siglo XX quedase en su mayor parte bajo la órbita polaca

    El objeto de la muestra, auspiciada por instituciones tanto checas como polacas, es dar a conocer al público internacional la herencia cultural que comparten ambas sociedades.

    Silesia, la Perla de la Corona Bohemia Wallenstein Riding School Gallery, National Gallery de Praga. Valdstejnská 3, 118 00 Praga 1. Comisarios Vít Vlnas, Jan Klípa y Lenka Stolárová

    http://www.ngprague.cz
    http://www.czechtourism.com
    http://www.guiarte.com/praga/

    Fundacion Yannick y Ben Jakober

    03/01/2007, La fundación está ubicada cerca del municipio de Alcudia, en la costa nordeste de Mallorca. Su principal colección se titula Nins y está formada por más de 140 retratos de niños de la realeza y aristocracia europea de los siglos XVI al XIX.

    Mallorca, enero de 2007

    La fundación Yannick y Ben Jakober está ubicada cerca del municipio de Alcudia, en la costa nordeste de Mallorca. Su principal colección se titula Nins y está formada por más de 140 retratos de niños de la realeza y aristocracia europea de los siglos XVI al XIX.

    En el museo de la Fundación, un antiguo aljibe subterráneo, se puede contemplar una selección de las obras, selección que se cambia una vez al año.

    En el edificio principal de la Fundación, diseñado por el egipcio Asan Fathy, el visitante puede disfrutar de una selección de obras de artistas contemporáneos.

    Cuando el tiempo lo permite, se puede dar un paseo por el Parque de Esculturas de los fundadores Ben Jakober y Yannick Vu, y el Jardín de las Rosas, con más de 100 variedades de rosales.

    Exposiciones actuales:

    Nins: Retratos de niños del siglo XVI al XIX. Muestra de 53 retratos de la colección de la Fundación. La muestra se renovará a partir del 8 de abril de 2007.

    Arte contemporáneo en el Ala Karlweis: instalaciones, esculturas, pinturas y dibujos de diversos artistas: Rebecca Horn, Domenico Gnoli, Vu Cao Dam, Fabricio Plessi y Miralda, entre otros. Exposición permanente.

    Parque de las Esculturas. Más de 20 obras de los fundadores Ben Jakober y Yannick Vu. Se están añadiendo obras nuevas.

    Jardín de Rosas. Antiguo jardín diseñado como un hortus conclusus, con más de 100 variedades de rosales ingleses. Visita aconsejable especialmente en mayo-junio

    Página web de la Fundación

    IVAM: 18 aniversario

    02/01/2007, El Instituto Valenciano de Arte Moderno celebrará su 18 aniversario de funcionamiento con un interesante programa, que refuerza el atractivo de Valencia en este año 2007, en el que la urbe acoge la Copa América

    Valencia, enero de 2007

    La obra de Julio González (Barcelona, 1876 – Arcueil, Francia, 1942)será un atractivo especial

    El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) ha sido una creación básica en el ámbito artístico valenciano. El gobierno de la Comunidad, entonces dirigido por Joan Lerma, impulsó con la acertada gestión de Carmen Alborch, un proyecto que permitió insertar a la ciudad en el ámbito museístico de vanguardia, y que sigue conjugando lo local con la modernidad.

    El Museo Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presentará desde febrero hasta finales de 2007, una oferta artística importante:

    -La Colección Julio González: una exhaustiva selección de obras del escultor.

    -La triple exposición conmemorativa: "Speed 1 - Speed 2 - Speed 3"

    -Una exposición sobre Arte y Gastronomía.

    -Una exposición sobre moda."Manual"

    COLECCIÓN JULIO GONZÁLEZ

    Comisario: Tomàs Llorens

    La obra de Julio González continúa iluminando el desarrollo de la escultura hasta nuestros días. Su lenguaje escultórico ha sabido plasmar los avances e invenciones producidos en el arte desde las primeras décadas del siglo pasado a partir de su descubrimiento de la escultura en hierro.

    Si el ambiente familiar artesano lo introdujo en el trabajo de la forja, su inquietud artística dio un vuelco cuando cultivó las posibilidades que le proporcionaba el dominio de la soldadura. Esta técnica le permitió desarrollar su concepto de dibujar en el espacio a partir de la combinación de planos, líneas y vacíos.

    La Colección Julio González del IVAM se inició en 1985 a partir de adquisiciones y donaciones. En la actualidad está formada por 394 piezas (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves) y está considerada como la más completa de las existentes sobre la obra del escultor. Se presenta una completa selección de obras entre dibujos, escultura, orfebrería y pintura, y se propone como una muestra representativa de la totalidad de la carrera artística de Julio González.

    "SPEED 1-2-3"

    Directores del proyecto: Consuelo Císcar, directora del IVAM y Bigas Luna, cineasta y pintor.

    Esta triple exposición sobre el tema de la velocidad cuenta con la participación de más de 150 artistas nacionales e internacionales, que ilustran la premisa de Milán Kundera: "La velocidad es la forma de éxtasis que la revolución tecnológica ha regalado al hombre".

    El IVAM que como centro abierto pretende fomentar la investigación y la difusión de los nuevos lenguajes artísticos, contribuirá a la búsqueda creativa de la contemporaneidad en torno a la velocidad como temática.

    Comisarios:

    Speed 1: Francisco Calvo Serraller,
    Speed 2: Marga Paz
    Speed 3: Dan Cameron

    Arte, cine, fotografía, música, moda, gastronomía y publicidad se dan cita en un contexto cultural de envergadura formando propuestas de expresión multidisciplinar en las que todas las artes se interrelacionan con el objetivo de ilustrar las diferentes reflexiones socioculturales emergentes qque tienen a la velocidad como característica principal.

    La exposición se despliega en una escenografía integral que comprenderá la arquitectura interior de del museo como extensión del soporte del artista, con un diseño aerodinámico de destacada creatividad contemporánea.

    SPEED 1

    Comisario: Francisco Calvo Serraller

    La exposición se centra en el tema de la Natura Naturata. Velocidad sin movimiento, y reúne las imágenes que en la historia del arte mejor han representado el mundo de los objetos, con el fin de ofrecer creaciones que sintonizan con la vida agrícola y las vivencias dinámicas inherentes al movimiento, de manera que, aún manteniendo el espacio tradicional de la representación pictórica o la concepción tradicional, concede un protagonismo intencionado al movimiento de los miembros del cuerpo humano y animal, con el fin de reflejar el dinamismo que subyace a la naturaleza y sus creaciones.

    La exposición reunirá obras de, entre otros artistas: Lucio Fontana, Cristina Iglesias, Yves Klein, Wolfgang Laib, Richard Serra, Adolfo Schlosser y Cindy Sherman.

    SPEED 2

    Comisario: Marga Paz

    La exposición bajo el título Speed 2: La primera modernidad, tiene como objetivo principal ilustrar la importancia de la relación de los conceptos de espacio y tiempo, en las artes plásticas desde sus primeras manifestaciones hasta las interpretaciones más próximas a nuestra época.

    Entre los artistas expuestos se encuentran: Joaquín Torres-García, Naum Gabo, Kasimir Malevich, Cy Twombly, Antonio Saura, y William De Kooning.

    SPEED 3

    Comisario Dan Cameron.

    Los artistas del siglo XX concibieron la representación de la velocidad de diferentes formas, desde la obsesión de Severini por la estética del ruido y la fragmentación, al impulso de Pollock por crear unas pinturas cuyo tema aparente es la técnica del trazado creada por sí mismo.

    Actualmente, los artistas han regresado al tema de la velocidad asociada al desarrollo tecnológico con una mirada que no es ni crítica ni aduladora. Siguiendo el ejemplo de pioneros como el fotógrafo Edward Maybridge, que utilizó la electricidad para crear imágenes que congelaban el espacio en el tiempo, los artistas de hoy parecen haber aceptado la velocidad como un instrumento susceptible de ser utilizado de múltiples maneras, incluyéndola como herramienta para el análisis.

    Artistas en la exposición: Jim Campbell, Peter Sarkisian, Kim Beom, FENA Mengbo, y Sergio Prego.

    ARTE Y GASTRONOMÍA

    Un laboratorio de la comida del siglo XXI que se complementará con proyecciones e intervenciones que explicarán el origen y proceso que sufren los alimentos en busca de la esencia y la naturalidad de los mismos. -

    En definitiva, se tratará de un montaje donde se pueda mostrar visualmente lo que , en este caso, Bigas Luna como performista, considera necesario para obtener el máximo de placer y salud con la comida.

    Participarán personalidades como el Dr. Valentín Fuster, Nuria Blaya y Masaru Emoto.

    MANUAL: Exposición de moda

    "MANUAL" representa la velocidad adquirida siglo tras siglo desde nuestros inicios a través de un ejercicio tangible y artístico.

    Materiales como el cuero, sus hormas y patrones, nos transportarán al mundo de la moda y del diseño, que junto a nuevos lenguajes reinventarán un microclima fetichista y atractivo que desarrollará un lenguaje innovador.

    París también homenajea al creador de Tintín

    01/01/2007, En el Centro Pompidou se puede ver del 20 de diciembre al 19 de febrero la muestra Hergé, dedicada al famoso creador de Tintín, en recuerdo del nacimiento del artista, cien años atrás.

    París, enero de 2007

    Esta exposición reúne varios centenares de dibujos y planchas originales así como otros documentos del célebre dibujante, con el objeto de resaltar la importancia del cómic en la historia del arte del siglo XX y redescubrir la obra del creador de populares series con personajes Tintín y Milú

    Georges Remí nació en Bruselas el 22 de mayo de 1907. Su nombre nunca sería popular, porque siempre firmaría como Hergé. En 1929 daría a conocer a su famoso personaje: Tintín, que a partir de esta época llegaría a ser popular en todo el mundo.

    Georges Remí falleció en 1983, pero logró llevar a su héroe de cómic por todos los lugares del globo, desde Egipto a Perú... o a la luna.

    Bélgica, y en especial Bruselas, le dedicará este año un amplio programa de homenajes. Sellos, actos, exposiciones, espectáculos, conferencias... El creador de Tintín va a ser recordado por todo lo alto. Tal vez destaque, entre marzo y junio, la exposición Hergé y el Arte, en el Museo de Bellas Artes de la capital.

    Fuera de Bélgica también habrá actos del año conmemorativo. Barcelona celebra la muestra Tintín y los autos, en mayo, en el salón del automóvil; en Estocolmo se presentará la muestra Tintín, Haddock y los barcos, en junio; en París se halla ésta exposición en el Centro Pompidou, desde diciembre...

    La muestra de Parí se organiza conjuntamente por el Centro Pompidou y la Fundación Hergé, y está concebida en dos partes: la vida y la obra del dibujante.

    Cinco espacios resumen los periodos más importantes de la vida de Hergé, mostrando sus primeras inquietudes, cuando dibuja Totor, para la revista Le Boy-Scout, el nacimiento de Tintín, en los años treinta; los periodos difíciles de la época de la II guerra Mundial, con la escased de papel, época en la que aperece el dibjujo de los personajes en color, la cuarta vistrina se refiera e los años cincuenta, con la creación de los Studios Hergé, finalizando con el triunfo de los años sesenta y el reconocimiento de todo el mundo.

    La segunda parte reúne diversos originales en torno a siete temas : notas manuscritas, publicaciones, los personajes, los viajes…

    Webs de interés para conocer mejor Hergé y viajar a París:
    http://www.tintin.com
    http://www.centrepompidou.fr
    http://www.guiarte.com/paris