Archivo de noticias de 2006

Tintoretto: una muestra excepcional

20/12/2006, El Museo del Prado presentará a partir de enero de 2007 la mayor exposición sobre Tintoretto que se celebra desde la organizada en el Palazzo Pesaro de Venecia en 1937.

Del 30 de enero al 13 de mayo de 2007, la exposición “Tintoretto” contará con cerca de 70 obras procedentes de los principales museos e instituciones europeas y norteamericanas que conservan trabajos del artista y constituye la primera antológica dedicada a Tintoretto en España además de la única monográfica que se celebra en el mundo desde la presentada en Venecia hace setenta años.

Se trata de un riguroso recorrido por la dilatada carrera de Tintoretto, con el que se culmina una larga y exhaustiva investigación que tendrá su reflejo en el catálogo de la misma.

La exposición, comisariada por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado, brindará una oportunidad probablemente irrepetible para acercarse al artista definido por Giorgio Vasari como «el cerebro más terrible que haya tenido nunca la pintura».

A pesar de ser uno de los grandes nombres de la historia de la pintura, Jacopo Tintoretto ha merecido escasa atención por parte de los museos e instituciones. Por un lado la escasez de exposiciones dedicadas a él se explica por razones logísticas, ya que muchas de sus obras maestras son lienzos de gran formato y se encuentran en Venecia en los edificios para los cuales fueron concebidas. Por otro, también hay motivos filológicos, teniendo en cuenta su enorme producción, a menudo confundida con la de discípulos e imitadores. Tales dificultades han retraído a museos y, tras 1937, Tintoretto sólo ha sido objeto de muestras parciales.

El Museo del Prado ha intentado paliar estas deficiencias después de una ardua labor de investigación en la que han participado especialistas procedentes de Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Italia, Austria y España, que además han colaborado en la rigurosa selección de obras que conforman la exposición.

La exposición

Con una selección de cuarenta y nueve pinturas, trece dibujos y tres esculturas, la exposición mostrará la amplitud de registros del pintor y su dedicación a todos lo géneros, pero hará especial hincapié en su dimensión como pintor narrativo religioso, donde alcanzó sus mayores logros.

La muestra permitirá volver a contemplar juntas por primera en 400 años dos de sus obras maestras de temática religiosa, pintadas para la iglesia de San Marcuola: la Última Cena (Iglesia de San Marcuola, Venecia) y el Lavatorio del Museo del Prado. Reunirá asimismo algunas de sus principales composiciones mitológicas (Venus, Vulcano y Marte, Munich, Alte Pinakothek; Origen de la Vía Láctea, Londres, National Gallery) y ejemplos de su actividad como retratista: autorretratos del Philadelphia Museum of Art (Filadelfia), del Museo del Louvre (París), y el retrato de Lorenzo Soranzo del Kunsthistorisches Museum (Viena).

La exposición ahondará especialmente en el proceso creativo del pintor, concediendo gran importancia al “disegno”, entendido como instrumento de aprendizaje, experimentación y composición, así como a los aspectos técnicos, plenamente integrados al discurso expositivo. Tintoretto concedió una importancia excepcional al dibujo y una selección de los mismos se incluirá en la exposición. Éstos son de tres tipos: los que realizara de esculturas clásicas y de Miguel Ángel a partir de pequeños modelos junto a los que se mostrarán, los dibujos preparatorios de composiciones enteras (se mostrará el único conservado, el realizado para Venus y Vulcano que se encuentra en Berlín, en el Staatliche Museen zu Berlin), y dibujos preparatorios para figuras aisladas, a menudo reutilizados para varias composiciones.

El criterio seguido para la selección de las obras, ya sean pinturas o dibujos, ha sido el cualitativo. Tintoretto fue un pintor tan prolífico como irregular y ello ha obligado a ser extraordinariamente selectivos. El primer sacrificado ha sido el propio Museo del Prado, algunas de cuyas obras atribuidas a Tintoretto han sido excluidas de la exposición por carecer de la calidad deseada. Ello no quiere decir que todas las obras presentes en la exposición sean enteramente suyas. La noción de autoría en el siglo XVI era distinta a la que tenemos ahora y los talleres contaban con ayudantes y colaboradores. En algunas de las obras incluidas, sobre todo en las tardías, es perceptible la participación de ayudantes, como en el Entierro de Cristo de la Iglesia de San Giorgio Maggiore, en Venecia, pero sin que ello vaya en detrimento de la calidad o socave la fortísima personalidad artística de Tintoretto.

La destrucción creadora: Gustav Klimt

18/12/2006, En la Fundación Juan March, Madrid, hasta el próximo 14 de enero se puede contemplar la exposición “La destrucción creadora”. Gustav Klimt, El friso de Beethoven y la lucha por la libertad del arte. Más de 100.000 personas la han visitado ya.

Madrid, diciembre de 2006

En el centro de la exposición, el Friso de Beethoven del Belvedere, acompañado de dibujos, estudios preparatorios, cuadernos de dibujo y otros documentos que testimonian el protagonismo de Klimt en los cambios e innovaciones que tuvieron lugar en la Viena de finales del XIX y principios del XX

Esta exitosa muestra se inauguró el pasado 6 de octubre en Madrid, y está centrada en la obra del artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) con la pretensión de contar, visualmente, el bullir de los grandes cambios culturales, sociales e históricos que se produjeron en Viena, en los años en torno al fin del siglo XIX.

A Gustav Klimt le tocó estar en el centro mismo de esa mudanza de épocas, que se mantendría hasta la quiebra histórica de 1918, con la desaparición del imperio austro-húngaro. 1918 fue, precisamente, el año en que murió, pero unos años antes, entre 1894 y 1907 sobre todo, Klimt acometió su trabajo encarnando como pocos esa “destrucción creadora”, que popularizara el también vienés Joseph Schumpeter. Esa paradójica “creación por la destrucción” –una idea que provenía de Nietzsche y de Schopenhauer, dos pensadores muy estimados por Klimt- le llevó, en esas décadas, de ser el artista vienés más prometedor de finales del XIX y maestro de la pintura historicista, a abanderar “la obra de arte total”, que pregonaría la Secesión, el movimiento renovador del que fue fundador; en un momento, además, en que el artista estaba llevando a cabo varios proyectos encargados por el propio Estado, como las monumentales pinturas para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena.

Esta vuelta de tuerca a la que se sometió él mismo y a su obra y, por extensión, al arte del momento provocó polémicas, censuras y debates, a cuyos efectos no fue ajeno el propio artista: Klimt sufrió una profunda crisis personal que le llevaría, al final, a abandonar todo encargo público y a refugiarse en el ámbito de lo privado, convirtiéndose en un pintor de retratos y paisajes.

La exposición se centra precisamente en ese momento de efervescencia y de cambio, uno de cuyos máximos ejemplos es esa “obra de arte total” realizada por Klimt en 1902 para la XIV Exposición de la Secession: la pintura mural dedicada a Beethoven. Y es precisamente la copia del Friso de Beethoven del Belvedere, acompañada de algunos de los dibujos preparatorios para sus figuras –que hacen visible el surgimiento de esa obra maestra- la que constituye la clave del relato expositivo.

A la copia del Friso la acompaña el busto de Beethoven por Max Klinger, una versión reducida de la estatua que, nacida también la mano del maestro, fuera el centro de la exposición de la Secession de 1902.

La exposición presenta también una selección de unos cincuenta dibujos y estudios preparatorios de los cuadros de las tres facultades: Medicina, Jurisprudencia y Filosofía. Estas monumentales pinturas de casi cuatro metros de altura y tres de ancho fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial, y la exposición las presenta en reproducciones de época ampliadas al tamaño original. Documentos, cuadernos de dibujo de Klimt, litografías, relieves decorativos, ejemplares de la revista Ver Sacrum, originales para los carteles de diversas exposiciones de la Secession, bocetos preparatorios y una muestra de óleos de Klimt y de artistas contemporáneos y antecesores relacionados con el tema de la muestra, completan, entre otros objetos y documentos, la exposición.

El catálogo de la exposición lo ha publicado Prestel, una de las más importantes editoriales alemanas en el campo de la edición de arte. Se han hecho tres ediciones (en español, inglés y alemán) y contiene, además de un ensayo de Stephan Koja, conservador del Museo Belvedere de Viena y de una amplia selección de textos de contemporáneos de Klimt como Hermann Bahr, Berta Zuckerkandl o Ludwig Hevesi; textos de Alice Strobl (autora del catálogo razonado de dibujos de Klimt), Franz J. Szabo y Manfred Koller, además de un glosario de Rosa Sala Rose, una biografía de Klimt, a cargo de Verena Perhelfte.

Como complemento al catálogo y la exposición, la Fundación Juan March ha editado también el libro Contra Klimt, de Hermann Bahr, que reúne el debate y las polémicas de la época en torno al artista. Publicado en 1903 no se había vuelto a editar en alemán y es la primera vez que se edita en España. Bahr, periodista cultural, escritor y testigo de aquel ardoroso enfrentamiento cultural y social, en la Viena de entonces, entre “antiguos” y “modernos”, fue también una persona muy próxima a Klimt.

SEACEX: exposiciones de arte español en el mundo

15/12/2006, Dentro de las actividades culturales de SEACEX, se puede ver en la actualidad importantes eventos, en puntos distintos del planeta, desde el Guggenheim de Nueva York hasta el Australian National Maritime Museum, Sydney.

Madrid, diciembre de 2006

Pintura Española, del Greco a Picasso, se presenta en Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (EE.UU.) hasta el 28 de marzo de 2007. La exposición pretende acercarse a la pintura española de los últimos cinco siglos a través de sus artistas más emblemáticos. Una excelente selección de maestros.

La obra del Equipo Crónica en la Colección del IVAM se muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana, Cuba) hasta el 30 de enero de 2007. Luego pasará a Santo Domingo. En el Museo de Arte Moderno se verá hasta marzo de 2007. El Equipo Crónica (1964-1981) fue un ejemplo significativo del pop art español, que no se limitó a participar de ese movimiento característico de los años sesenta, sino que intervino en él con una muy marcada personalidad, reconocida internacionalmente. Estuvo compuesto por los pintores Rafael Solbes (1940-1981) y Manuel Valdés (nacido en 1942) y se deshizo a la temprana muerte del primero

En el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina), hasta el 11 de febrero de 2007 se presenta la exposición Literaturas del exilio, comisariada por el escritor y crítico literario Julià Guillamon, el artista conceptual Francesc Abad y el cineasta Joaquim Jordà, se acerca al exilio republicano español a partir de un caso particular: la historia de un grupo de escritores catalanes que en enero de 1939 abandonaron Barcelona huyendo del fascismo y la muerte. Se completa con diversas actividades literarias, musicales, de cine, etc.

Expediciones españolas en el Pacífico Sur es el evento que se puede ver en el Australian National Maritime Museum, Sydney (Australia) hasta el 4 de marzo de 2007. La exposición se integra en el programa de conmemoraciones del IV Centenario de las expediciones al Pacífico de Váez de Torres y Bernaldo de Quirós, cuando tiene lugar el primer avistamiento de Australia por parte de los navegantes españoles.

En Megaron, Atenas (Grecia), hasta el 30 de diciembre se puede ver 300 % Spanisch Design, muestra que luego se presenta en China. Esta exposición quiere mostrar al espectador el potencial creativo del diseño mobiliario, industrial y gráfico español dando a conocer a sus artistas, marcas y empresas. Tarea que se ha llevado a cabo explicando la variedad, calidad y riqueza de estilos y productos. Mariscal, dalí, Picasso, Gaudí... todo un lujo de creadores.

El Imaginario Colonial se presenta en el Museo Nacional de Filipinas, Manila (Filipinas), hasta el 28 de febrero de 2007. Es la primera exposición monográfica sobre el desarrollo de la fotografía en Filipinas durante el siglo XIX. La muestra se compone de 134 imágenes, en su mayoría inéditas, que evocan la sociedad colonial y la herencia cultural española

El artista Luis Gordillo es protagonista de la muestra que se exhibe en el Museo de Arte de Zapopán, Guadalajara (México), hasta el 14 de enero de 2007. Es una retrospectiva de la obra del artista andaluz a través de pinturas, fotografías, collages y dibujos.

Una bella muestra fotográfica es Visiones de Marruecos que se puede contemplar en la Fundación Tres Culturas (Sevilla) hasta el 14 de enero de 2007. Luego viajará por diversas sedes del norte de África: Rabat, Casablanca, Marrakech, Fez, Tetuán y Tánger. Es un retrato de la realidad social de Marruecos, con obras de los fotógrafos Toni Catany, Juan Manuel Castro Prieto, Isabel Muñoz, José Manuel Navia, Ricky Dávila Joseph Marando, Bruno Barbey, Alí Chraibi, Jamal Mehsani, Daoud Aoulad-Syad...

En la Biblioteca Nacional de Túnez la exposición Ibn Jaldún, el Mediterráneo en el siglo XIV: Auge y declive de los imperios, se puede ver hasta el proximo mes de enero. en el cuarto centenario de su muerte, lo que fue la vida y obra de Ibn Jaldún

Juan Muñoz protagoniza la muestra del K21 Kunstsammlung, Düsseldorf (Alemania), hasta el 14 de febrero de 2007. Un recorrido por la obra más representativa de Juan Muñoz (1953-2001). Pueden verse instalaciones y esculturas, individuales o en grupo.

Otras Muestras:

Museo de Arte de Zapopán, Guadalajara (México). Hasta el 14 de enero de 2007, retrospectiva de Manolo Quejido.

Museo Afrobrasileiro, São Paulo (Brasil). Hasta el 31 de marzo de 2007, La piel de los hijos de Gea, con los trabajos de la fotógrafa Isabel Muñoz y de la escultora Maribel Doménech.

Artium (Vitoria, España) presenta hasta el 14 de enero una exposición que refleja la trayectoria del artista vallisoletano Eugenio Ampudia

Buro DC (Colonia, Alemania). Hasta el 31 de diciembre presenta a Juan Pérez Aguirregoikoa, con dibujos y óleos llenos de humor y sarcasmo.

Dibujo español en la Hispanic Society

14/12/2006, Dibujos españoles en la Hispanic Society of America. Del Siglo de Oro a Goya, es una muestra que se puede ver en el Museo del Prado hasta el 4 de marzo 2007.

Madrid, diciembre de 2006

La exposición presenta en primicia al público los ejemplos más sobresalientes de la colección de dibujos de la Hispanic Society de Nueva York. El corazón de la muestra lo constituye el conjunto de obras de Goya que no se habían presentado juntas nunca y de las que solo se habían mostrado temporalmente dos de ellas.

Articulada en cuatro grandes apartados cronológicos, desde el siglo XVI al XVIII, la exposición permite un recorrido por la historia del dibujo en España a través de algunos de los principales artistas del Siglo de Oro, como Alonso Cano, José de Ribera, Claudio Coello o Bartolomé E. Murillo.

Tras el reciente cambio de sus estatutos para poder mostrar fuera de su sede las obras de su importante colección, la Hispanic Society of America, de Nueva York ha colaborado generosamente con el Museo del Prado con el préstamo de los 82 dibujos que componen la exposición Dibujos españoles en la Hispanic Society of America. Del Siglo de oro a Goya. Una oportunidad única para contemplar la riqueza de estas singulares obras de arte que permiten ampliar significativamente el corpus de cada artista y a la vez muestran lo más íntimo y personal de su proceso creativo.

Además de la presencia destacada de los diez pertenecientes a los álbumes de Francisco de Goya de la colección de la Hispanic Society of America, entre las ochenta y dos obras que componen la muestra se incluye un notable conjunto de dibujos de una colección particular de Nueva York que todavía no pertenece a la Hispanic Society aunque le han sido prometidos en donación. Las obras de este conjunto también se muestran al público en su mayoría por primera vez.

El recorrido de la exposición se ha organizado atendiendo a la cronología de las obras y por ámbitos geográficos. En primer lugar se muestran los dibujos del siglo XVI, de marcada influencia italiana, un grupo reducido pero de notable importancia. Entre ellos pintores italianos llegados para trabajar en la decoración de El Escorial. También figuran obras de artistas españoles que viajaron a Italia, como Alonso Berruguete, que a través de “Estudio de cadera y pierna” refleja el incipiente manierismo que absorbió durante su estancia en dicho país.

Sigue un importantísimo conjunto de dibujos del siglo XVII –el más numeroso de la exposición- en el que están presentes los principales focos de actividad artística española, Sevilla y Madrid, sin olvidar figuras individuales como Jusepe Ribera.

El siglo de la Ilustración está bien representado en la exposición con obras de los artistas académicos más importantes –como Francisco Bayeu, Maella o Castillo– o vinculados al mundo de la imprenta, ya que durante el último cuarto del siglo XVIII, las ilustraciones al libro desempeñaron un papel muy relevante. Entre ellos, están los mejores dibujantes del país, como Antonio Carnicero, que realizó las ilustraciones para las dos ediciones del Quijote de la Academia de 1780 y 1782.

Finalmente se exponen los dibujos de los álbumes de Goya, que merecen un apartado individual en el recorrido de la muestra. Expuestos por primera vez en su conjunto, estos dibujos constituyen la obra más privada del pintor, donde pudo expresar con total libertad su peculiar visión del mundo, a modo de diario visual.

Su regreso a España es un acontecimiento artístico, máxime si lo hacen al Museo del Prado, donde se custodia la mayor colección de dibujos del artista. Para celebrar este regreso temporal, se ha querido dar a estas diez hojas un tratamiento especial, en el que se ha tratado de realzar la innata luminosidad, formal y conceptual que caracteriza los dibujos de Goya, convirtiendo el conjunto en el corazón de la exposición.

Priscilla Muller, conservadora emérita de la Hispanic Society, es comisaria de la muestra.

El estilo Biedermeier

13/12/2006, El museo Albertina prepara una muestra 350 obras de arte en las que recupera un tipo de arte y diseño de inicios del XIX: el estilo Biedermeier que tuvo su auge desde 1820 a 1850.

Viena, diciembre de 2006

Esta muestra se presentará en colaboración con el Milwaukee Art Museum, the Deutsches Historisches Museum de Berlin, y el Louvre de Paris, del 2 de febrero al 13 de mayo de 2007.

El estilo Biedermeier (del adjetivo bieder = sencillo) fue desarrollado por alemanes y austríacos, refleja un estilo de vida de la clase media; se caracteriza por una notable sencillez, sobriedad y practicidad, con cierta influencia de estilos neoclásicos.

Este estilo alcanzó difusión en la decoración, el arte y la arquitectura. Al igual que en el resto de las manifestaciones, en la pintura el estilo Biedermeier refleja el ámbito burgués, sencillo, gozoso, afable y conformista.

En la exhibición del Albertina, mobiliario, artesanía, dibujos, litografías y pinturas dan una clara idea de lo que es el „Biedermeier“, estilo que realza la estética de la belleza natural y tiene influencia en el arte y el diseño contemporáneos.

A comienzos del siglo XIX la burguesía exigía algo que hasta entonces había estado reservado a un selecto círculo de consumidores: deseaba objetos con estilo propio, hechos de diversos materiales, lo que fue posible gracias a la mejora de los sistemas de producción. Así surgió una oferta de amplia gama, que abarcaba desde los costosos bienes de lujo hasta los sustitutos baratos.

El atractivo de numerosos objetos prácticos de aquella época está en sus formas sencillas y claras, abstractas y ornamentales, así como en sus materiales naturales, ya sea en la platería, porcelanas, textiles o tapices.

Entre las 350 piezas de la exposición del museo Albertina se destacan las pinturas de Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Schinkel y Friedrich von Amerling, así como sofás, sillas y escritorios.

Albertina, 1., Albertinaplatz 1
www.albertina.at

Una enciclopedia para El Prado

01/12/2006, La Enciclopedia del Museo del Prado ha sido editada por la Fundación Amigos del Museo del Prado; cuenta con 6 volúmenes en los que han colaborado unos cien especialistas, y presenta 1.646 biografías de artistas vinculados a la pinacoteca.

Madrid, diciembre de 2006

La Enciclopedia del Museo del Prado ha sido editada por la Fundación Amigos del Museo del Prado; cuenta con 6 volúmenes en los que han colaborado unos cien especialistas, y presenta 1.646 biografías de artistas vinculados a la pinacoteca.

Se trata de una auténtica novedad editorial mundial ya que ninguna otra institución museística dispone de una publicación de estas características, dirigida a un amplio espectro de público ya que tanto su contenido como la presentación del mismo, se ha formulado en distintos niveles que facilitan al usuario su consulta.

Tras cinco años de intenso trabajo, esta magna obra recoge de forma clara y sencilla, la más completa información del Museo del Prado.

El trabajo esta dirigido por Francisco Calvo Serraller, y avalado por sendos comités de honor y Científico. En la redacción de sus ensayos y entradas han participado 130 autores de todo el mundo, especialistas en las distintas áreas que aborda la enciclopedia.

La obra aborda diversos aspectos del Museo como la historia del mismo y del edificio que lo cobija, la actividad bibliográfica de la institución y una exhaustiva cronología. Además, sus 2.363 voces incluyen las biografías de todos los pintores representados en el Museo, una selección de obras maestras, información sobre sus colecciones, las residencias reales, todas las donaciones y legados, la proyección del Museo tanto en el arte como en la literatura de los siglos XIX y XX, su arquitectura, biografías de sus directores, historia de su patronato, entradas referentes a conservación y restauración, todas las exposiciones temporales realizadas en la pinacoteca y curiosidades varias.

La Enciclopedia del Museo del Prado nace con la vocación de convertirse en una herramienta fundamental para el estudio y conocimiento tanto de las colecciones como de la historia de la Pinacoteca. Se divide en dos partes: temática y alfabética. La primera de ellas está constituida por un volumen que contiene cuatro ensayos dedicados a la historia del Museo del Prado, al edificio que lo cobija y a los escritos que sobre la institución y sus colecciones se han publicado desde su creación. Estos textos van acompañados por una exhaustiva cronología que abarca desde el año 1785 hasta el cierre de la edición

La parte alfabética la componen cinco volúmenes que contienen un total de 2.363 voces que proporcionan información sobre las más diversas áreas temáticas. Ofrece entradas correspondientes a las biografías de todos aquellos artistas de los que el Prado posee pinturas o esculturas, junto con una selección de los que están representados por dibujos o grabados. Igualmente, el lector hallará entradas que responden a una selección de obras maestras de la pinacoteca (pinturas, esculturas y dibujos).

 

Navidad en Graz

25/11/2006, A unos 200 kilómetros al sur de Viena, no lejos de Eslovenia, está Graz, ciudad que ofrece interesantes atractivos en los días navideños.

Diciembre de 2006

A unos 200 kilómetros al sur de Viena, no lejos de la frontera eslovena, en un territorio verdeante y hermoso, está Graz, ciudad que es capital de la región de Estiria, y que cuenta con unos 250.000 habitantes.

La urbe fue capital cultural europea en el 2003 y tiene algunos monumentos, como el Schlossberg, el viejo castillo, en buena parte derruido en siglos pasados o el magnifico Kunsthaus, y el Eggenberg, de aire escurialense, que es museo del Estado de Estiria, y centro de muestras y exposiciones.

Como muchas ciudades de la Europa Central, en Navidad, la ciudad tiene un encanto especial, con sus iluminaciones y mercados. El centro de Turismo de Austria nos recomienda Graz en estas fechas, por los siguientes atractivos:

Iluminación navideña

Graz es fiel a su genial concepto de iluminación artística y sigue siendo innovadora. Su iluminación navideña es única. Técnicas modernas, motivos dinámicos y juegos artísticos con rayos de luz sumergen al centro de Graz en luces mágicas de Adviento. Estrellas, manchas de luces y otros motivos navideños adornan las fachadas de la Herrengasse e iluminan casas y tejados.

Belén de hielo en el patio del Landhaus

La monumental obra de hielo situada en el patio del Landhaus se ha convertido en los últimos años en un verdadero imán de admiradores. Durante el Adviento volverá a crear el conocido artista de hielo, Gert J. Hödl y su equipo internacional formado por 6 personas un precioso Belén de hielo. Inicio de la obra: 1 de Diciembre

El Belén de hielo consiste en 50 toneladas de puro hielo y promete sorprender de nuevo a sus admiradores, aunque que lamentablemente es arte de corta vida.

Coros de Estiria

La obra de hielo al mismo tiempo sirve como escenario para las funciones musicales prenavideñas. El Belén de hielo esta iluminado y acompañado por suaves melodías de Navidad interpretado por coros, equipos de música de viento, los visitantes tienen la oportunidad de descansar un poco de la frenética actividad diaria.

Y más

Cada tarde el Ayuntamiento de Graz se convierte en una postal de adviento gigante, y los mercadillos de Navidad abundan por diversos puntos de la ciudad

Graz Tourismus: www.graztourismus.at, info@graztourismus.at

 

Del Greco a Picasso, y un robo de arte

24/11/2006, La exposición “Pintura española de El Greco a Picasso” presenta 135 obras maestras en el Museo Guggeheim de Nueva York, el robo de una pintura de Goya le ha dado una relevancia especial

Nueva York, noviembre de 2006

La exposición “Pintura española de El Greco a Picasso” presenta 135 obras maestras en el Museo Guggeheim de Nueva York, el robo de una pintura de Goya le ha dado una relevancia especial.

Comisariada por Carmen Giménez y Francisco Calvo Serraller, la exposición ofrece una visión transversal del arte español entre los siglos XVI y el XX, que permite ver juntos a El Greco, Velázquez, Goya, Picasso, Miró y Dalí, entre otros

En los días previos al evento, ocurrió un drama. La obra “Niños en el carretón” de Goya, desapareció durante el traslado desdede el museo de Arte de Toledo(Ohio) al Solomon R. Guggenheim de Nueva York.

El hecho ocurrió el 8 de noviembre, cuando desapareció de un camión de transporte de arte aparcado en hotel de Pensilvania el cuadro que iba a integrarse en la muestra “Pintura española desde El Greco hasta Picasso. La exposición se inauguró el 17 de noviembre, con una obra menos de las que estaba previsto mostrar. Por suerte pocos días mas tarde se localizó el cuadro, sin daños. El evento quedó sumergido en cierto misterio. Pero sobre todo asombra la chapuza de los transportes de arte. La furgoneta quedó con el tesoro artístico en un aparcamiento, sin vigilancia, durante ocho horas...

“Pintura española de El Greco a Picasso: El Tiempo, la Verdad y la Historia”, reúne obras de los mejores maestros españoles, procedentes de más de 70 grandes colecciones institucionales y privadas de todo el mundo. La muestra está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la Fundación Solomon R. Guggenheim, y se podrá visitar en el museo neoyorquino hasta el 28 de marzo.

Aunque ha habido alguna crítica a la coherencia de la exposición, en ella se ofrece una panorámica del arte español, sin constreñirse a los límites cronológicos convencionales, ofreciendo por el contrario una visión transversal del mismo y mostrando en 15 grandes capítulos y tres subcapítulos, cómo los grandes artistas contemporáneos españoles han mantenido a lo largo del tiempo una serie de lazos artísticos, de huellas simbólicas, con los maestros del pasado. Así, no sólo se combinan ejemplos de diferentes siglos, sino que la muestra se articula en torno a una serie de motivos iconográficos repetidos a lo largo de la historia, como serían los bodegones, los desnudos, paisajes, los niños, los retratos, cuadros de costumbres, etc.

Al presentar de forma conjunta obras de grandes maestros de la pintura española como El Greco, Murillo, Ribera, Zurbarán, Velázquez, Goya, Solana, Picasso, Gris, Miró o Dalí, entre otros, la exposición permite al visitante familiarizarse con características españolas distintivas, tanto formales como culturales, que abarcan desde la historia, la religión o la mitología, hasta la vida cotidiana.

Sede y fechas: Museo Solomon R. Guggenheim. 1071 Fifth Avenue. New York, New York 10128-0173. Del 17 de noviembre de 2006 al 28 de marzo de 2007

 

Guía de Venecia

12/11/2006, Góndolas, máscaras, historias, arte... Una ciudad en la que se atrapa la intensidad del pasado y conmueve la fragilidad del futuro. Guiarte.com presenta la guia de Venecia: http://www.guiarte.com/venecia/

Venecia, noviembre de 2006

Góndolas, máscaras, historias, arte... Venecia es una ciudad en la que atrapa la intensidad del pasado y conmueve la fragilidad del futuro. Guiarte.com añade a sus páginas la guia de Venecia

Artemio Artigas es el autor del texto que presenta a nuestros lectores a una de las ciudades más evocadoras de Europa, la ciudad de los canales, asociada íntimamente a personajes como los Bellini, Giorgione, Tintoretto, Tiziano, Vivaldi o Marco Polo.

Ubicada en el norte del Adriático, Venecia está íntimamente ligada al agua. Nació como punto en el que los vénetos se refugiaron para protegerse de incursiones de tribus belicosas tras la caída del imperio romano. Los islotes entre cañaverales lagunares eran lugar relativamente seguro. Los barcos no podían entrar tampoco desde el Adriático por las barras de arena...

Se dice que Venecia se extiende sobre unas 120 islas. Los canales las dividen y las unen. Y éstos son como sinuosas avenidas y calles por las que discurren embarcaciones diversas, entre ellas las pequeñas góndolas

Amparados en las máscaras, los carnavales venecianos sirvieron para transgredir costumbres y permitir excesos. En la antigüedad se podía llevar máscara prácticamente en todo el invierno, hasta la Cuaresma, aunque en el siglo XV se prohibió esa costumbre para evitar escándalos. La fiesta más popular de Venecia vuelve a ser el Carnaval, anclado en las costumbres locales desde la Edad Media.

Pero Venecia es arte, con maravillas como San Marcos o el palacio Ducal, donde se aprecia a la par la brillantez de los creadores locales y el poder de rapiña de una ciudad que se enseñoreó por el Mediterráneo durante siglos.

Y Venecia es inquietud, ante unas aguas que han sido génesis y pueden ser final de su historia. Todo está en guiarte.com/venecia

Jean-Honoré Fragonard

10/11/2006, CaixaForum presenta Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).Orígenes e influencias. De Rembrandt al siglo XXI. Del 10 de noviembre de 2006 al 11 de febrero de 2007

Barcelona, noviembre de 2002

CaixaForum presenta Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).Orígenes e influencias. De Rembrandt al siglo XXI. Del 10 de noviembre de 2006 al 11 de febrero de 2007

Se trata de una exhaustiva exposición que reúne 120 obras de Fragonard y otros artistas

Maestros como Rubens, Van Dyck o Rembrandt, contribuyeron al arte de Jean-Honoré Fragonard, aunque su notable talento le permitió desarrollar un estilo delicado, de luces de nácar matizadas por sombras, con figuras perfiladas por un trazo de pincel vigoroso. Menospreciado a principios del siglo XIX e idolatrado más tarde, Fragonard es un artista de gran valor plástico, que ocupa un lugar relevante en la historia de la pintura, aunque poco conocido por el público.

Con motivo del bicentenario de su muerte, la Obra Social ”la Caixa” contribuye a la difusión de su obra y a romper los tópicos que lo convierten en pintor de corte a través de una exposición que reúne sus obras más conocidas y que plantea algunas de las cuestiones que han salido a la luz recientemente.

La muestra reúne entre pinturas y dibujos procedentes de coleccionistas particulares e instituciones como el British Museum, el Museo del Louvre, la Tate Britain, la National Gallery de Londres, la National Gallery de Washington, el Museo del Ermitage, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, entre otras. Confronta las telas de Fragonard con obras de Rembrandt, Tiepolo, Fabritius y Ruisdael, entre otros, que fueron modelos a seguir, a fin de invitar a apreciar las afinidades. También permite al público acercarse a la posteridad artística de Fragonard con pinturas de su cuñada Marguerite Gérard y su hijo Alexandre-Evariste, así como de pintores del siglo XIX de la talla de Daumier y Monticelli.

El broche lo ponen dos artistas contemporáneos, el nigeriano Yinka Shonibare y el británico Glenn Brown, cuyas obras demuestran que la huella del artista sigue dejando su impronta en los creadores de hoy.

La exposición Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). Orígenes e influencias. De Rembrandt al siglo XXI, comisariada por Jean Pierre Cuzin, se puede visitar en CaixaForum (av. del Marquès de Comillas, 6-8, Barcelona), del 10 de noviembre de 2006 al 11 de febrero de 2007.

Ésta es la primera exposición del artista que se lleva a cabo en España, y la más importante después de la gran retrospectiva que se presentó en 1987 en el Grand Palais (París) y en el Metropolitan Museum (Nueva York).

Junto a Watteau y Chardin, Fragonard es uno de los pintores franceses más populares del siglo XVIII, ligero y placentero, y el que mejor ilustró el placer de vivir y la libertad de costumbres del ancien régime, justo antes de la Revolución. Las últimas dos décadas de investigaciones han permitido conocer mejor la personalidad y el trabajo de Fragonard, que en vida estuvieron rodeados de incertidumbres. La falta de una cronología precisa de su obra y el hecho de que, a lo largo del siglo XIX, se le atribuyeran numerosas pinturas y dibujos, le han privado de ser reconocido como uno de los primeros artistas modernos.

Adelantándose a su época, Fragonard pintó directamente del natural. Incluso cuando abordó motivos religiosos, históricos y mitológicos, el tema fue un pretexto para poner en juego valores pictóricos. Su estancia en Roma le proporcionó un conocimiento profundo de la tradición artística. El pintor forma parte de la generación de artistas que fueron contemporáneos de la creación de los museos y que entendieron el legado del pasado como un terreno de aprendizaje y experimentación. Fascinado por la obra de los grandes maestros del Renacimiento copió, hizo pastiches y reinterpretó los grandes temas clásicos desde una perspectiva que hoy resulta moderna.

La muestra está dividida en los siguientes apartados:

La Escuela de los Discípulos Protegidos
En el palacio Mancini de Roma
Realismo y alegría de vivir
Retratos y figuras de fantasía
El litigio con Bergeret de Grancourt
Fragonard, pintor religioso
Un final poco conocido
El clan Fragonard
Fragonard en el siglo XXI

 

Muestra sobre La Cabrera, paraíso de la arquitectura popular.

02/11/2006, La Cabrera es una de esas comarcas olvidadas por el Dios del progreso, en las que perviven rincones cargados de arcaísmo. Severino Carbajo y Pilar Ortega dedican a esta tierra una muestra en el Museo Etmográfico de Castilla y León (Zamora)

Zamora, octubre de 2006

La Cabrera es una de esas comarcas olvidadas por el Dios del progreso, en las que perviven rincones cargados de singular arcaísmo y belleza. Severino Carbajo y Pilar Ortega presentan en el Museo Etnográfico de Castilla y León(Zamora) una bellísima muestra de este tesoro escondido.

El museo Etnográfico merece una visita. Está ubicado en el centro histórico de la ciudad, en la calle Sacramento, muy cerca del Parador; en él se presentan destacados elementos del patrimonio popular de la Comunidad, una colección cedida por Caja España y albergada en un magnífico edificio en el que se conjuga la tradición y la modernidad.

Si el viajero visita ahora este lugar tiene una excelente exposición temporal para disfrutar, hasta el próximo 26 de noviembre. Está integrada por 37 dibujos a lápiz de grafito de Pilar Ortega y 13 óleos de los que es autor Severino Carbajo.

Los óleos de Severino Carbajo tienen un virtuosismo fuera de toda duda. Los paisajes de Villar del Monte, Saceda o Forna, no sólo reflejan una inusual arquitectura popular, sino que están cargados de luz y poesía.

Severino es un buen pintor, recluído –junto con Pilar- en la minúscusca aldea de Truchillas, en un paraje de verdor y tranquilidad, desde donde ambos realizan una excelente labor artística y un denodado empeño por concienciar a las gentes del valor del patrimonio territorial.

Tal vez en un escape de ese mundo apartado, al pintor le encanta reflejar en sus cuadros paisajes exóticos, pero lo que ahora presenta no lleva ninguna carga de exotismo, sino un realismo a lo Antonio López, pero en ruralidad. Excelente.

Para la obra de Pilar Ortega tampoco se pueden escatimar elogios. Ella refleja con su lapiz detallista los balcones, los hornos, los viejos carros o las cerraduras de las antiguas casas que se esparcen entre los recónditos pueblos de La Cabrera: Trabazos, Villar, Robledo...

Pilar capta perfectamente el interés del patrimonio constructivo de esta comarca del sur de León. Desde el detalle arcaico y a la vez funcional de cualquier vieja cerradura, hecha por el herrero del pueblo, a las vetas de la madera del viejo corredor, cargadas de años y dignidad. Puro virtuosismo.

La obra de ambos aúna el interés artístico al testimonio.

El experto en arquitectura tradicional José Luis García Grinda destaca en el catálogo de la exposición que el trabajo de Pilar Ortega y Severino Carbajo muestra la realidad olvidada de la arquitectura popular de La Cabrera, una arquitectura que hay que salvar de la destrucción y el olvido.

Tomás Alvarez

Nuevos bodegones del Prado

02/11/2006, Del 24 de octubre al 7 de enero de 2007, el Museo del Prado expone la colección de bodegones de Rosendo Naseiro adquirida recientemente

Madrid, noviembre de 2006

Del 24 de octubre al 7 de enero de 2007, el Museo del Prado expone la colección de bodegones de Rosendo Naseiro adquirida muy recientemente

Esta es la colección especializada principal de su género y se encontraba en manos privadas. Con su incorporación, el Museo se convierte en referencia básica del Bodegón español al contar con representación de la práctica totalidad de los maestros que han abordado este género desde los precursores como Sánchez Cotán hasta Goya.

“Lo fingido verdadero. Bodegones españoles de la colección Naseiro” presenta en primicia al público las 40 pinturas de esta colección, añadidas a la colección de la pinacoteca el pasado mes de julio tras su aceptación por parte del Ministerio de Hacienda como dación en pago de impuestos de BBVA.

El título de la exposición, Lo fingido verdadero, está tomado de una comedia de Lope de Vega en la que, al igual que ocurre con la naturaleza muerta, se reflexiona sobre la realidad y su representación y sobre cómo ésta puede llegar a convertirse en una segunda realidad.

La colección está expuesta siguiendo un agrupamiento que combina el criterio tipológico con el cronológico. Entre las obras más significativas destacan las de Van der Hamen, Espinosa, Labrador, Camprobín o Arellano, que se exhiben de manera singularizada. El recorrido de la exposición se inicia con una selección de cuadros de pequeño formato que reproducen frutas o flores copiadas probablemente del natural, con representaciones de racimos de uvas, una de las tipologías más antiguas del bodegón español. Más adelante se exhibe una amplia sección de “bodegones de mesa” y el recorrido culmina con la pintura de flores. Como complemento, el público podrá completar la visión del género de la naturaleza muerta visitando la sala colindante a la exposición dedicada al bodegón del siglo XVII.

Los cuarenta bodegones que componen la muestra están realizadas por diecinueve autores españoles, y muestran aspectos importantes del devenir del género desde principios del siglo XVII hasta mediados del XIX. Conforman un conjunto irrepetible que permite asistir a buena parte de la historia de la naturaleza muerta en España. La colección incluye algunas obras maestras del género como el Bodegón con alcachofas y ciruelas firmada en 1627 por Juan Van der Hamen. El conjunto se completa con otras obras excepcionales de Juan Fernández “El Labrador”, Juan de Espinosa, Tomás Hiepes, Pedro Camprobín, Juan de Arellano, Luis Meléndez y de ejemplos de extraordinaria calidad de otros diez artistas no representados hasta ahora en el Prado.

La colección Naseiro

La colección de bodegones y floreros españoles de D. Rosendo Naseiro, iniciada hace tres décadas, constituía el conjunto más importante de obras de este tipo en manos privadas. Consta de alrededor del centenar de cuadros fechados entre los siglos XVII y XIX. Predominan los realizados durante el siglo XVII, la época dorada del género en España; y hay también un énfasis en las obras de pintores valencianos. Se trata de la colección particular de pintura antigua española con un nivel de especialización más alto.

La incorporación de las piezas más importantes de esa colección constituye para el Museo del Prado una oportunidad única de completar la visión que ofrece de la pintura española.

Las dos grandes fuentes que han nutrido el Prado han sido las Colecciones Reales y el Museo de la Trinidad. En aquéllas, la presencia del bodegón español era por lo general bastante escasa, salvo excepciones como las series de Meléndez o algunas piezas de Van der Hamen, Espinosa, Arellano, etc.. La monarquía española prefirió orientar sus intereses hacia la naturaleza muerta de otras zonas europeas, preferentemente Flandes. En cuanto a la Trinidad, el hecho de que se nutriera mayoritariamente de bienes eclesiásticos desamortizados es causa de que su aportación en lo que se refiere al bodegón español haya sido poco numerosa.

Filipinas colonial

02/11/2006, La exposición “El imaginario colonial” muestra en Manila el pasado colonial español, desde el 27 de noviembre, en el Museo Nacional del Pueblo Filipino.

Manila, noviembre de 2006

La exposición “El imaginario colonial” muestra en Manila el pasado colonial español, desde el 27 de noviembre, en el Museo Nacional del Pueblo Filipino.

“El imaginario colonial” es la primera exposición monográfica sobre el desarrollo de la fotografía en Filipinas durante el siglo XIX. La muestra se compone de 134 imágenes, en su mayoría inéditas, que evocan la sociedad colonial y la herencia cultural española en las islas, y en concreto, el final de ésta, a raíz del surgimiento de políticas de identidad nacional que reclamaban la independencia.

Por “imaginario” se entiende aquello que sólo existe en la imaginación, pero también se refiere al creador de imágenes decimonónico; de ahí la metáfora que sirve de inspiración a esta narración visual sobre un pasado y una memoria compartida entre España y Filipinas.

En la exposición, por otra parte, se hace especial hincapié en el estallido revolucionario y en la guerra hispano-norteamericana, que supondría el inicio de un segundo periodo colonialista bajo la tutela de los Estados Unidos.

La exposición se divide en siete apartados temáticos: Claroscuros de una sociedad colonial; Un paisaje natural y cultural; Las primeras Bellas Artes filipinas; Identidad mestiza; Exposición de Filipinas; La Revolución Katipunan y 1898.

Como complemento de la exposición se ha organizado un programa de vídeo documental y de creación titulado “Filipiniana”, en el cual se plantea un recorrido por el pasado y presente de Filipinas.

Ficha técnica

Museo Nacional del Pueblo Filipino. Manila. Del 27 de noviembre de 2006 al 28 de febrero de 2007

Comisario, Juan Guardiola

Organizan. Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX; Ministerio de Cultura y Casa Asia, Barcelona.

Colaboran el Museo Nacional de Filipinas, el ministerio español de Asuntos Exteriores y de Cooperación y el Instituto Cervantes en Manila

Arte en espacios urbanos

30/10/2006, Pasead con los ojos abiertos y la naturaleza os brindará el arte

Las Rozas, Madrid, Noviembre de 2006

Por Tomás Alvarez

Una sugerencia: Pasead con los ojos abiertos y la naturaleza os brindará el arte.

“No existe el arte, sólo los artistas”, comenzaba diiendo E.H. Gombrich en su clásica Historia del arte. Yo iría más allá. No existe el artista, únicamente el intérprete –activo o pasivo- del arte.

Paseemos por un rincón olvidado de un apartado lugar. Allí, en la esquina polvorienta de la cocina de una casa abandonada queda, rota, una botella de cristal verdoso, que antaño pudo ser utilizada cientos o miles de veces por los antiguos moradores de la ahora silenciosa mansión. Alguien ha recogido los pedazos y los ha colocado en torno al trozo mayor... queda en el suelo una extraña flor de cristales rotos. ¿ha sido un artista quién reunió el material de desecho, tal vez sin otra pretensión que evitar que alguien se hiriese al pisar los cristales? ¿es un artista quien interpreta el conjunto y ve en él una imagen cargada de belleza, significado o inquietudes?

Conozco multitud de gentes que no resisten la tentación de recoger del suelo objetos singulares que le producen algún tipo de emoción: una piedra horadada por algún fenómeno natural, un trozo de raíz retorcida, una desgastada caracola marina que muestra sinuosas geometrías... objetos que acaban en algún estante del trastero o del mismo salón.

A veces, algún artista no duda en exponer estos materiales y aún otros más vulgares en alguna exposición antológica, e intenta que trasciendan al mundo del arte mediante el simple etiquetado: “objets trouvés”... Su intervención artística no está en el objeto, sino en el descubrimiento. Por cierto que al bautizarlos en otra lengua, como “objets trouvés” también refleja un deseo de oscurecer el lenguaje procurando su alejamiento del espectador, en un pobre intento de aparecer como “iniciado”. Es un complejo extendido en muchos ámbitos de la cultura (en comunicación, por ejemplo escriben “ los media” para referirse a medios de comunicación, y en medicina...)

Marcel Duchamp y los dadaístas fueron pioneros en sorprender al espectador –y sobre todo al crítico de arte- con esta presentación vanguardista o desafiante del objeto vulgar como elemento artístico. La lección sería asimilada con fervor por los surrealistas.

Picasso o Miró utilizaron una y otra vez objetos de desecho para crear esculturas que hoy están en los muesos. Dalí provocó deliciosamente con su Teléfono-langosta... Hizo arte, al descubrir que la langosta era arte, podría ser interpretada, podría generar un shock en el espectador. No olvidemos que la generación de este choque sorprendente es premisa del surrealista.

Los surrealistas buscaron un mundo de contradicciones donde engarza la realidad con los sueños; el surrealista crea una nueva cosmovisión donde aparecen nuevos seres hijos del sueño y de la modernidad: relojes viscosos, máquinas inútiles, tigres armados de fusil. A partir de un paisaje o un objeto vulgar, el surrealista provoca otra realidad, subvirtiendo la lógica y las doctrinas burguesas.

Comencé hablando de los cristales de botella, porque me vinieron a las obras de Alfredo Omaña, flores de vidrios cortados, unas imágenes netas que se imponen al espectador por su concepción límpida y eficaz resolución. Este joven artista español, galardonado en importantes encuentros internacionales, reutiliza el elemento vulgar de desecho para sacar arte de la belleza de los matices de color y la agresividad de los cortes del vidrio roto.

El artista ve el arte en la colocación de los vidrios rotos, aunque la colocación de los mismos haya sido absolutamente fortuita. Pero es artista tanto el que coloca concientemente los objetos, como el paseante que descubre algo a través de ellos. Es tan artista el creador como el capacitado para ver la creación.

Baumeister, escribió en 1947, “Lo desconocido en el arte”, allí dice “Desde la posición del pintor, la pintura es el arte de poder hacer visible algo que, precisamente a través de ella, se hace visible por primera vez, algo que hasta ese momento pertenecía al dominio de lo desconocido”.

Land art

En los últimos tiempos, perdido el esquema del arte según la interpretación del Renacimiento, el hombre ha buscado nuevas vías y expresiones artísticas cambiando materiales, medios, lenguajes y significados. El arte mudó de significación. Ya un es sólo arte la obra pictórica o escultórica que refleja fielmente un modelo o la airosa portada monumental.

Uno de los campos donde el hombre ha buscado el arte es en relación directa con la naturaleza; primero trabajando directamente en ella, como los impresionistas, luego, directamente, buscando nuevas experiencias directas de la relación hombre-entorno. Durante el último tramo del siglo XX, numerosos artistas, en especial japoneses, norteamericanos y europeos, comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. El paisaje es así soporte o materia de la obra. Muchas veces el artista realiza innovaciones en lugares poco accesibles, fuera de la mirada de la masa. Generalmente ese arte incluye entre los supuestos el valor efímero de los materiales. Filmaciones, fotografías y bocetos son testigos de aquellas manifestaciones o realizaciones, y se presentan así en centros de arte o ferias.

La playa, el campo, los bosques, los roquedos, son lugares para el trabajo e investigación. Muchos pasan por esos lugares sin ver algo más que flora y fauna; pero quien tenga capacidad artística –sea artista profesional o no- encontrará también ARTE.

Ah! ¿ Por qué escribo esto?: Por la mañana, muy temprano, marché a pasear al parque. Me sorprendí al descubrir un círculo de elementos blancos en una pradera, rodeando un joven cedro. Pensé que algunos muchachos habrían hecho el círculo de piedras e incluso sospeché de algún “ritual” en torno al árbol. No pude resistir la tentación y me dirigí a contemplar la obra. Cuando me acerqué mi sorpresa aún aumentó: todo era natural. Tras las recientes lluvias, un círculo de setas blancas había surgido de forma espontánea, creando la imagen geométrica.

Fue mi gozo artístico en esta mañana de lluvias.

Año para recordar a Tintín, en Bruselas

16/10/2006, No sólo personajes de la talla de Mozart o Cervantes gozan de un año de predicamento universal. En 1907 vamos a estar muy pendientes de Tintín, porque en Bélgica se celebra el centenario de Hergé, el creador del famoso personaje de comics

Bruselas, octubre de 2006

No sólo personajes de la talla de Mozart o Cervantes gozan de un año de predicamento universal. En 1907 vamos a estar muy pendientes de Tintín, porque en Bélgica se celebra el centenario de Hergé, el creador del famoso personaje de comics.

Sellos, actos, exposiciones, espectáculos, conferencias... El creador de Tintín va a ser homenajeado por todo lo alto. El programa provisional ya se conoce. Todo ello hará que el creador belga adquiera una notoriedad amplia, hasta ahora muy eclipsada respecto al personaje del comic.

Georges Remí nació en Bruselas el 22 de mayo de 1907. Su nombre nunca sería popular, porque siempre firmaría como Hergé. En 1929 daría a conocer a su famoso personaje: Tintín, que a partir de esta época llegaría a ser popular en todo el mundo.

Georges Remí falleció en 1983, pero logró llevar a su héroe de comic por todos los lugares del globo, desde Egipto a Perú... o a la luna.

El programa que Bruselas prepara para este centenario incluye:

Enero de 2007: se presenta un fresco sobre Tintín, en la estación de Midi.

Marzo-junio de 2007. Exposición Hergé y el Arte, en el Museo de Bellas Artes.

Mayo de 2007. Homenaje en el centenario, y emisión de sellos conmemorativos.

Junio de 2007. El rastro de la plaza Jeu de Balle se dedica a Tintín

Fuera de Bélgica también habrá actos del año conmemorativo. Barcelona celebra la muestra Tintín y los autos, en mayo, en el salón del automóvil; en Estocolmo se presentará la muestra Tintín, Haddock y los barcos, en junio; en París habrá una muestra en el centro Pompidou, en diciembre...

No faltarán ediciones especiales, catálogos, biografías, etc., que recordarán a Hergé y a sus personajes populares.

http://www.tintin.com

http://www.guiarte.com/bruselas/

 

Pintura veneciana en el Kunsthistorisches de Viena

13/10/2006, La pintura veneciana tuvo una trascendencia especial durante el Renacimiento. El Museo de Bellas Artes de Viena presenta la exposición Bellini-Giorgione-Tiziano, del 17 de octubre al 7 de enero de 2007

Viena, octubre de 2006

La pintura veneciana tuvo una trascendencia especial durante el Renacimiento. El Museo de Bellas Artes de Viena presenta la exposición Bellini-Giorgione-Tiziano, del 17 de octubre al 7 de enero de 2007.

La muestra, organizada por el Kunsthistorisches Museum y la National Gallery of Art de Washington cuenta con 50 obras de estos tres pintores magistrales, correspondientes a un periodo comprendido entre 1500 y 1530.

Con el maestro Bellini, los pintores Giorgione y Tiziano aprendieron alrededor del año 1500 una nueva forma de tratar la pintura al óleo, llamada el “sfumato”.

La introducción de los nuevos colores al óleo hacia 1450 hizo posible por primera vez utilizar diferentes capas de color, una encima de la otra, de manera que las capas inferiores se transparentaran hacia la superficie. De esta forma se conseguía un efecto de profundidad muy peculiar, que fascina en estos lienzos.

Gracias a la escala natural de colores, que van desde tonos cálidos a tonos fríos, se percibe la perspectiva a medida que uno se aleja del cuadro. Además, se logra la ilusión de tacto en superficies que representan terciopelo y seda.

Entre las obras maestras de Bellini, Giorgione y Tiziano, en esta exposición se pueden ver retratos femeninos y masculinos, mitos y alegorías, así como obras sacras, obras que influenciarían a famosos artistas posteriores.

Fue Bellini quien desarrolló esta técnica que revolucionó la pintura tradicional y dio gran renombre al arte de Venecia, una ciudad que con su riqueza fomentó las ciencias y las artes , convirtiéndose en meca de numerosos artistas.

Museo de Bellas Artes. 1., Maria-Theresienplatz 1. www.khm.at

Expresionismo alemán. La colección Thyssen-Bornemisza

Tambien. entre el 28 de septiembre de 2006 y el 10 de enero 2007, el Leopold Museum muestra 50 obras relevantes del expresionismo alemán, pertenecientes a la colección del Barón Hans Heinrich.

Están representados tanto el grupo “Brücke“ (El Puente), con los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Emil Nolde, como “El Jinete Azul“ (“Der Blaue Reiter“), con Franz Marc, August Macke y Paul Klee.

Diferentes grupos de artistas, como los de “Brücke“ y “Der Blaue Reiter“, crearon a principios del siglo XX diversas corrientes del expresionismo alemán. Fundado en 1905, „Brücke“ buscó nuevas sendas artísticas. Por un lado redujo la forma a lo esencial, y, por otro, separó el color de la naturaleza. Así surgieron brillantes pinturas con montañas verdes y rojas en forma de triángulos, calles de muchos colores y cielos verdes.

“El Jinete Azul“ fue fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Múnich, en 1911. Junto a August Macke y Paul Klee avanzaron por la senda de la abstracción mediante un idioma propio de imágenes que puede verse tanto en la vaca amarilla y el caballo azul de Franz Marc como en las composiciones geométricas de Kandinsky.

Leopold Museum, 7., Museumsplatz 1, www.leopoldmuseum.org,

 

Gabarrón en Manhattan

12/10/2006, Cristóbal Gabarrón llevó sus esculturas sobre Colón a las calles y museos de Manhatan, en Nueva York. La serie ya se presentó en Madrid y luego se trasladará a Miami, Venecia y Tel Aviv

Nueva York, Octubre de 2006

El artista murciano Cristóbal Gabarrón llevó sus esculturas sobre Colón a las calles y museos de Manhatan, en Nueva York. La serie ya se presentó en Madrid y luego se llevará a Miami, Venecia y Tel Aviv.

El conjunto escultórico “Los silencios de Colón” se integra por diez piezas de gran tamaño, en fibra de vidrio, creadas por el pintor y escultor murciano para conmemorar el quinto centenario de la muerte, en Valladolid, del gran navegante y descubridor.

La serie, que pudo verse hasta hace unas semanas en el paseo del Prado de Madrid, inaugurada ahora en la que es considerada la capital mundial del arte contemporáneo completa un proyecto de arte público de la ciudad de Nueva York que fue iniciado hace unos meses con la instalación de Christo y Jeanne-Claude.

La obras pueden verse en Columbus Circle, junto a la estatua del descubridor; la Plaza Simón Bolívar; el Central Park, o cerca de la sede de la Hispanic Society.

“Los silencios de Colón” rastrea en los misterios, claroscuros y compleja personalidad del navegante italiano que, desde España, amplió la visión del mundo a finales del siglo XV. Se trata de una serie de piezas abstractas con el habitual e intenso colorido de las últimas series de Gabarrón –como las dedicadas al Quijote con motivo del quinto centenario de la publicación de la célebre novela– que el año pasado fueron mostradas también en la ciudad norteamericana.

El artista nacido en Mula hace 62 años cierra con esta muestra una intensa temporada que comenzó a finales del pasado año con la antológica del Chelsea Museum de Nueva York, que más tarde pudo verse en el IVAM de Valencia; la temporada ha continuado, entre otras manifestaciones, con una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y la exhibición de las piezas colombinas en el Paseo del Prado, y tiene su última capítulo en la muestra “Gabarrón íntimo. Sentido del paisaje”, abierta hace días en la sala de Columnas del Palacio del Almudí y en la sala El Martillo de la CAM, en Murcia.

 

La República Checa presenta Jazz en Otoño

08/10/2006, Desde mediados de octubre hasta finales de noviembre la República Checa se viste de jazz: las ciudades de Karlovy Vary, Hradec Králové, Cheb, Praga y Slany acogen sus respectivos festivales internacionales

Praga, octubre de 2007

Desde mediados de octubre hasta finales de noviembre la República Checa se viste de jazz: las ciudades de Karlovy Vary, Hradec Králové, Cheb, Praga y Slany acogen sus respectivos festivales internacionales, que se convierten en una excusa inmejorable para planear una escapada al país.

La temporada de festivales comienza en Karlovy Vary, con el encuentro de jazz tradicional y moderno Jazzfest, que tiene lugar entre los días 4 y 10 de octubre en el marco aristocrático de la ciudad - balneario, con conciertos en los salones del Grandhotel Pupp, entre otras salas. Le siguen el Jazz Jamm en la vecina localidad de Cheb del 19 al 21 de octubre, y el popular Jazz goes to town de Hradec Králové, del 16 al 21 de octubre, celebrando su 12 edición por todos los rincones de la hermosa ciudad, desde sus plazas hasta sus clubes, bares, iglesias, teatros, cines y galerías.

Pero sin duda el más famoso de los encuentros es el Festival Internacional de Jazz de Praga que vivirá su 30 edición del 27 de octubre al 2 de noviembre en dos de los mejores locales de la capital, Lucerna Music Bar y Reduta Jazz Club.

El broche de oro lo pondrá el Festival Slany Jazz Days el más antiguo del país, cuya 40 edición tendrá lugar entre los días 17 y 19 de noviembre en la localidad de Slany, situada en los alrededores de Praga.

Estos festivales reúnen cada año a las formaciones y artistas más importantes del momento, y en anteriores ediciones han contado con las actuaciones de auténticas leyendas del jazz como Acker Bilk, Albert Mangelsdorff, Buddy Rich, Count Basie, Herbie Hancock, Chick Corea, Wynton Marsalis, Dave Brubeck, John Scotffield o Rhoda Scott, entre otros.

Tradicionalmente, los amantes del jazz tienen una ocasión ineludible en la República Checa, un país en el que este estilo musical goza de una posición privilegiada. Ciudades como Karlovy Vary, Cheb, Cesky Krumlov, Slany, Prerov, Hradec Králové, Liberec, Pisek, Jesenik o Brno ofrecen regularmente importantes conciertos de Jazz, y en Praga se pueden encontrar grupos consagrados y clubes de renombre internacional como Reduta ó Agharta Jazz Centrum que celebran sus propios festivales y programan actuaciones durante todo el año.

Cabe destacar también el Jazz Boat, un barco que surca las aguas del Moldava con actuaciones en vivo.

www.czechtourism.com
www.kr-karlovarsky.cz
www.mestocheb.cz
www.jazzgoestotown.cz
www.jazzfestivalpraha.cz
www.jazzclubslany.cz
www.redutajazzclub.cz
www.agharta.cz
www.jazzinprague.com

 

La exposición Sargent / Sorolla

03/10/2006, La exposición Sargent / Sorolla, organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presenta en paralelo las carreras de dos pintores - John Singer Sargent y Joaquín Sorolla.

Madrid, octubre de 2006

La exposición Sargent / Sorolla, organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y el Ministerio de Cultura, reúne un total de 128 obras para presentar en paralelo las carreras de dos pintores - John Singer Sargent y Joaquín Sorolla -, contemporáneos en su producción artística aunque diferentes por nacimiento, educación y personalidad.

La muestra se presenta simultáneamente en el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, del 3 de octubre al 7 de enero. Luego, a partir del 12 de febrero de 2007, viajará a Francia, donde podrá visitarse en el Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la Ville de París hasta el 13 de mayo.

Esta exposición, resitúa a sendos pintores, relativamente olvidados hoy, respecto a su prestigio de antaño, mostrando el paralelismo existente en ambos. Tomás Llorens es comisario de la muestra

John Singer Sargent (1856-1925) y Joaquín Sorolla (1863-1923) trabajaron en un periodo en el que el Impresionismo alcanzó una difusión universal. A pesar de que se mantuvieron siempre lejos de ese movimiento, han sido considerados a veces como impresionistas. Uno de los motivos es, precisamente, una de las características que les une: el interés por los efectos de la luz y del color. Ambos se proponen hacer una pintura moderna, pero de una modernidad muy personal y que parte de la tradición naturalista; fue ese credo naturalista el que les llevó a compartir con algunos pintores impresionistas la atracción por Velázquez, centrada en el uso del color y la luz como medios expresivos propios de la pintura, y basada también en un virtuoso manejo del pincel.

Ambos artistas disfrutaron de un notable éxito comercial y social y distinguieron su pintura de la del Impresionismo, en cuya estela se sitúan, convirtiéndose en alternativa a sus contemporáneos postimpresionistas. Además de alentar su propensión natural por el virtuosismo, la búsqueda del éxito les llevó hacia tres tipos de temas considerados tradicionales, no muy bien vistos por los artistas de vanguardia: la pintura de género, el retrato y los encargos decorativos.

Los grandes ciclos decorativos realizados por Sargent y Sorolla para importantes instituciones públicas, emprendidos con enorme entusiasmo, merecen parte destacada de la exposición.

Las obras reunidas en esta exposición proceden de más de 50 prestadores diferentes, tanto museos como colecciones particulares de todo el mundo. Destacan por el número de obras los préstamos realizados por el Museo Sorolla de Madrid, el Museum of Fine Arts de Boston o la Hispanic Society de Nueva York, así como el Metropolitan de Nueva York, la Tate, el Victoria & Albert Museum y la National Gallery Portrait de Londres, o los Museos D´Orsay y Petit Palais de París.

El museo Thyssen-Bornemisza presenta lis seis primeros epígrafes de la exposición, arrancando de los inicios de los artistas y avanzando por aspectos tan cruciales como el retrato o el mar.

Sargent: Ocio y trabajo. Interiores. Retratos tempranos (c.1878-1890)

Sorolla: Temas sociales (c.1880-c.1882)

Sargent: Pinturas españolas y venecianas tempranas (c.1880-c.1882)

Sorolla: Trabajo y ocio en el mar (c.1901-1909)

Sargent: Retratos individuales

Sorolla: Retratos individuales

En la Fundación Caja Madrid se presentan, entre otros aspectos, los proyectos para las grandes instituciones

Sargent y Sorolla: Retratos de grupo y de aparato

Sargent: Proyectos para instituciones de Boston (c.1891-1914)

Sorolla: Proyectos para la Hispanic Society (c.1911-1918)

Sargent y Sorolla: Pinturas de figuras (c.1905-1920)

Sargent: Acuarelas (c.1903-1918)

Sorolla: Estudios de jardines (1909-1920)

Joaquín Sorolla y Bástida

Nació en Valencia en 1863, en el seno de una familia modesta. A los dos años queda huérfano y es acogido por sus tíos maternos. Los estudios no le llaman la atención, sintiendo gran inclinación por el dibujo y la pintura. Finalmente se matrícula en la Escuela de Artesanos de Valencia, donde asiste a las clases nocturnas de dibujo del escultor Cayetano Capuz y, posteriormente, en la de Bellas Artes de San Carlos. Una visita en 1881 al Museo del Prado provoca su admiración por Velázquez, Ribera y El Greco. En 1884 obtiene una pensión de la Diputación de Valencia para estudiar en Italia, donde vive desde 1885 a 1889.

Durante su época de estudiante conoce al fotógrafo Antonio García, que se convierte en su protector y con cuya hija, Clotilde, se casa en 1888. Entre 1889 y 1895 nacen sus tres hijos, María, Joaquín y Elena. En 1890 se instala en Madrid. A partir de ese momento pone en marcha un activo plan de promoción profesional participando en gran número de exposiciones nacionales e internacionales, avaladas por importantes marchantes y galerías. En 1900 gana una medalla de honor en la Exposition Universelle de París. En 1906 presenta una exposición en la Galerie Georges Petit de París, que lo convierte en la gran figura de la temporada, lo que significaba su consagración definitiva en Europa. Siguen una serie de muestras en Berlín, Colonia y Dusseldorf con éxito de crítica y de ventas.

En 1908 se celebra una exposición individual en la Grafton Gallery de Londres, organizada por los marchantes Chesser Mundy y Holt y apoyada por los pintores Beruete y Sargent. En 1909 y 1911 realiza exposiciones en diversas ciudades de Estados Unidos avaladas por el hispanista Archer M. Huntington, que se convierte en su gran protector y le encarga la decoración de la biblioteca de la Hispanic Society de Nueva York, con escenas de diferentes regiones españolas. Para realizar este encargo Sorolla viajó infatigablemente por España, actividad que va minando su salud hasta que, en 1920, sufre un ataque de hemiplejía que le imposibilita seguir trabajando hasta su muerte tres años después.

John Singer Sargent

Nació en Florencia en 1856. Su padre, un médico norteamericano de éxito, y su madre, hija de un próspero comerciante, se habían instalado en Europa de forma permanente aunque con frecuentes cambios de residencia. Recibe sus primeras lecciones de pintura con Carl Welsch, paisajista germano-norteamericano; en 1873 se matricula en la Accademia delle Belle Arti de Florencia. Poco después su familia se traslada a París y Sargent empieza a acudir al estudio de Carolus-Duran donde se pondrá en contacto con los impresionistas, interesándose especialmente por Manet.

En 1879 viaja por España, donde realiza frecuentes visitas al Museo del Prado de Madrid y copia varias obras de Velásquez que siempre estará en su punto de mira junto a otros maestros del pasado como Goya y Frans Hals. Sus deseos de establecerse como retratista en París se ven truncados por el escándalo que provoca su retrato de Virginie Gautreau –conocida como Madame X- en el Salón. En 1885-1886, Sargent se instala en la colonia de artistas y escritores ingleses de Broadway, Worcestershire, Inglaterra; en poco tiempo se convierte en el retratista más mimado de la alta sociedad británica y norteamericana: magnates como Rockefeller Vanderbilt, presidentes como Theodore Roosevelt, intelectuales como Robert Louis Stevenson o Henry James...

En 1890 le encargan la decoración mural de la Boston Public Library, que quedó definitivamente instalada en 1916. El artista rechaza la oferta de pintar el retrato de coronación del rey Eduardo VII; en 1907 el gobierno británico le propuso otorgarle el título de Sir, honor que no pudo aceptar debido a su nacionalidad norteamericana. Entre 1903 y 1912 Sargent recorrió España, Italia y Francia, y en 1905 visitó Siria y Palestina.

Al estallar la guerra de 1914 acude al frente en Francia en calidad de artista de guerra oficial. En esos años el Metropolitan Museum of Art adquiere Madame X; Sargent rechaza la presidencia de la Royal Academy. En 1919 volvió a Boston, pues le habían encargado la decoración del Museum of Fine Arts de la ciudad. En 1924 se celebró una importante exposición de sus obras en las Grand Central Art Galleries de Nueva York. Sargent murió mientras dormía el 15 de abril de 1925 en Londres. El 24 de abril se celebró su funeral en la abadía de Westminster.

PARA EVITAR COLAS

Cerca de 120.000 personas han visitado ya la exposición Sargent / Sorolla en la sede del Museo Thyssen-Bornemisza en los casi dos meses que lleva abierta al público, lo que significa que la muestra está camino de ser una de las más visitadas de las organizadas por la institución.

Ante la demanda y afluencia de público –que, además, se espera que aumente en las próximas festividades navideñas y puente de la Constitución- y, sobre todo, con el fin de mejorar la calidad de la visita, el Museo ha puesto en marcha un nuevo sistema de venta de entradas en taquilla en el que se establecen turnos cada 15 minutos para entrar a visitar la exposición. De esta forma se evitan las colas en la entrada a la muestra, ya que el visitante conoce la hora de su visita desde que adquiere la entrada en taquilla y, al mismo tiempo, se regula el flujo de público en las salas de exposición, evitando las aglomeraciones frente a las obras de arte y facilitando la contemplación de las mismas.

En la Fundación Caja Madrid las visitas han alcanzado también una cifra récord - 80.000 personas- por lo que, sumando los 120.000 visitantes en el Museo Thyssen-Bornemisza, la exposición Sargent /Sorolla ha sido visitada hasta el momento por 200.000 personas.

Guías de Rheinfelden y Vejer

01/10/2006, Guiarte.com añade otras dos pequeñas ciudades con encanto a su listado, una de Suiza y la otra de Andalucía. Desde ahora, los lectores pueden disfrutar de la guía de Rheinfelden y la guía de Vejer.

Octubre de 2006.

Guiarte.com añade otras dos pequeñas ciudades con encanto a su listado, una de Suiza y la otra de Andalucía. Desde ahora, los lectores pueden disfrutar de la guía de Rheinfelden (http://www.guiarte.com/rheinfelden/) y la guía de Vejer (http://www.guiarte.com/vejer/)

A la vera del Rin

El viajero que recorre el entorno de la ciudad suiza de Basilea no debe perderse una tranquila ciudad de unos diez mil habitantes que se ubica a la orilla del Rin, a apenas 20 kilómetros al este.

Es éste un lugar en el que se aúna la belleza de las cuidadas ciudades suizas, con la tradición y un entorno apacible; todo ello de Rheinfelden un ámbito propicio para el paseo y el descanso.

Esta pequeña ciudad, fundada en el año 1130 por el duque Conrado de Zähringen, es la más vieja urbe del cantón de Argovia. En el ano 1330 cayó en manos de los Augsburgo, y la ciudad quedaría bajo el control de Austria durante casi 500 años.

Punto occidental del poder austriaco; la pequeña urbe fue una permanente fortaleza frente a las ambiciones francesas, lo que se tradujo en distintos avatares y asedios.

Rheinfelden mantiene un conjunto urbano lleno de encanto, en el que perviven restos que acreditan el pasado medieval, en un punto donde la corriente del Rin es notablemente vigorosa, muy próximo también a los restos de la ciudad romana de Augusta Raurica.

Y Vejer

Al lado de la carretera que une Cádiz y Algeciras, encaramada en un altivo cerro, en el que conserva restos de su larga historia, aparece una ciudad llena de encanto: Vejer de la Frontera.

Desde el paleolítico, esta zona –el entorno de la laguna de La Janda- tuvo interés, como lo atestiguan diversos restos. Dominando el entorno estaba el cerro sobre el que se asienta Vejer, que ya contaba con fortificaciones en la edad de Bronce.

Tal vez esta es la Besaro romana, que habría de vivir avatares históricos pasado el tiempo, porque en el 711 tuvo lugar aquí la batalla de la Janda en las que cayó el ejercito del rey Rodrigo, con lo que entró la Península Ibérica bajo el control árabe.

Vejer estuvo en la zona “frontera” entre cristianos y árabes y fue varias veces disputada en el siglo XIII, En el final del mismo, 1285, pasaría definitivamente al dominio de la corona unificada de Castilla y León.

Hoy permanece Vejer ostentando con orgullo las señas de su pasado, que le han hecho merecedor de ser calificado como Conjunto Histórico Artístico.

 

Africa en el Guggenheim Bilbao

22/09/2006, Del 12 de octubre de 2006 hasta febrero de 2007, el Museo Guggenheim Bilbao acogerá la exposición 100 % África

Bilbao, octubre de 2006

Del 12 de octubre de 2006 hasta febrero de 2007, el Museo Guggenheim Bilbao acogerα la exposiciσn 100% Αfrica, una muestra que ilustra la diversidad y riqueza de los modos de expresiσn artνstica contemporαnea africana, por medio de la visiσn de veinticinco artistas, provenientes de mαs de quince paνses del Αfrica subsahariana, lugar donde han concebido y realizado sus obras.

Esta exposiciσn, patrocinada por Seguros Bilbao acoge las obras mαs significativas de la Colecciσn de Arte Africano Contemporαneo (Contemporary African Art Collection —CAAC—), propiedad del coleccionista Jean Pigozzi. La CAAC es la colecciσn de arte africano contemporαneo mαs extensa del mundo. La muestra incluye algunas piezas creadas en exclusiva para su exhibiciσn en el Guggenheim Bilbao.

A lo largo de su recorrido la muestra aϊna diferentes disciplinas artνsticas (pintura, escultura, fotografνa, dibujo, instalaciσn, vνdeo, etc.), proponiendo al visitante una visiσn poco conocida e igualmente poco habitual de la creaciσn contemporαnea en Αfrica. La exposiciσn estα comisariada por Andrι Magnin

En el marco de una escenografνa firmada por el prestigioso diseρador italiano Ettore Sottsass, junto con Marco Palmieri, esta selecciσn alberga obras de artistas de renombre internacional, como el gran retratista Seydou Keοta, los pintores Chιri Samba, George Lilanga o Richard Onyango, el enciclopedista y universalista Frιdιric Bruly Bouabrι o los inclasificables Bodys Isek Kingelez y Romuald Hazoumι; junto a otras de jσvenes y prometedores creadores como Abu Bakarr Mansaray, Titos Mabota, Pathy Tshindele o Calixte Dakpogan.

La Colecciσn de Arte Africano Contemporαneo

"Antes de 1989 no tenνa ni idea de que pudiese existir en Αfrica una creaciσn contemporαnea de tal riqueza". Con esta afirmaciσn, el coleccionista italiano Jean Pigozzi hacνa referencia a la histσrica y controvertida exposiciσn internacional Magiciens de la terre, celebrada en el Centro Georges Pompidou de Parνs en esa fecha, que reunνa por primera vez a artistas contemporαneos de varios continentes, en un intento de reivindicar una mirada occidental multidireccional de la historia del arte contemporαneo.

A partir de este acontecimiento el filαntropo Jean Pigozzi, con el apoyo del conservador Andrι Magnin, comenzσ a crear la Colecciσn de Arte Africano Contemporαneo. Desde hace quince aρos dicha colecciσn se ha convertido en un referente a nivel internacional, no sσlo por su diversidad, sino tambiιn por su exigente, riguroso e independiente trabajo de investigaciσn en todos los paνses del Αfrica negra.

La CAAC, con sede en Ginebra, organiza y participa en exposiciones individuales y colectivas de museos de arte moderno y contemporαneo de todo el mundo.

El prisma occidental

La nociσn misma del arte africano contemporαneo ha estado durante dιcadas sesgada por la mirada occidental. En el aρo 1914, prαcticamente la totalidad de Αfrica habνa sido repartida y sometida al rιgimen colonial europeo. El dominio de estas potencias se manifestσ, no sσlo en el aspecto polνtico y econσmico, sino tambiιn en el cultural. De esta forma, la producciσn artνstica africana, al igual que ocurriσ en otros paνses “subdesarrollados”, quedσ relegada a la condiciσn de folklore y artesanνa, reservando la categorνa de arte contemporαneo para los paνses occidentales. Sin embargo, en Αfrica tambiιn existνa un arte moderno surgido de las academias, producto de la enseρanza colonial y poscolonial, aunque su existencia y calidad no estuviesen internacionalmente reconocidas.

No fue hasta finales de los aρos ochenta cuando desde occidente comenzσ a abordarse el arte contemporαneo desde un punto de vista universal, buscando relaciones interculturales entre todos los continentes. A partir de 1986, se emprende una exploraciσn sistemαtica de la producciσn artνstica de los “continentes olvidados”: Αfrica, Amιrica del Sur, Asia y Oceanνa. Estas investigaciones hicieron posible la histσrica exposiciσn Magiciens de la terre, que descubriσ al mundo obras completamente desconocidas, sorprendentes y libres. Desde entonces, toda una parte ignorada de la creaciσn contemporαnea comenzσ a ocupar el lugar que se merecνa en la historia mundial de las artes.

Un arte intimista

La exposiciσn que exhibe el Museo Guggenheim Bilbao aϊna creadores reconocidos internacionalmente y jσvenes promesas; artistas que residen en el corazσn de barrios cosmopolitas, en convivencia con las ϊltimas tendencias junto con otros provenientes de αreas rurales que beben de las mαs arraigadas tradiciones africanas; autores que inventan autιnticas “mαquinas intergalαcticas” para soρar y evocar otros mundos, y otros, sobre todo escultores, que viven enraizados en su tierra natal y se nutren de las tradiciones, creencias, cuentos y leyendas africanas.

El nexo comϊn de todos ellos es que sus creaciones estαn impregnadas y ligadas νntimamente a la realidad africana y, sin embargo, aspiran a la legitimidad universal y merecen, por su extraordinaria calidad, un reconocimiento en la historia del arte contemporαneo.

Entre los autores presentes en esta muestra que alberga el Guggenheim Bilbao se encuentra el artista de Costa de Marfil Frιdιric Bruly Bouabrι, creador del Alfabeto Bιtι en 1958, un sistema de ideas, elementos lingόνsticos y pictogramas que documentan la tradiciσn oral de su pueblo. Se trata de una de las obras esenciales de este creador para el que las tradiciones y la realidad africana “poseen una radiante belleza que merece ser interpretada y presentada con orgullo para informar e instruir a los hombres”.

En este mismo sentido de autoafirmaciσn de la idea de comunidad, que al mismo tiempo quiere romper barreras y fronteras, se fundamenta la obra de uno de los mαs cιlebres pintores congoleρos presente en la exposiciσn, Chιri Samba, fundador junto con Chιri Chιrin, Mokι y Bodo de la “pintura popular zaireρa”. “Mi arte estα impregnado de mi entorno, viene del pueblo, concierne al pueblo y se dirige a ιl. Sean cuales sean sus orνgenes un artista debe ser comprendido en todo el mundo”, sentencia este autor.

Por su parte, el artista Bodys Isek Kingelez, que reside en el corazσn de la caσtica megalσpolis Kinshasa (Repϊblica Democrαtica del Congo), asume por medio de su obra un compromiso estιtico y poιtico con el arte africano, por medio de sus “ciudades visionarias y utσpicas”, mediante las cuales proyecta la creaciσn de un nuevo mundo abierto a su comunidad,

De la historia, cultura, creencias y tradiciones africanas se nutre el creador de Benin Romuald Hazoumι, cuyo reconocimiento mundial se debe a sus famosas «mαscaras-bidσn». En sus obras, los bidones de gasolina extraνdos de los basureros —que simbolizan el consumismo— son transformados en mαscaras, en un acto de denuncia de la corrupciσn de su continente y de la estigmatizaciσn de la polνtica de los paνses occidentales hacia Αfrica, a la que, segϊn el artista, estos utilizan como “vertedero”.

El arte sagrado africano tambiιn estα presente en la exposiciσn de la mano del artista malgache Efiaimbelo, recientemente fallecido, considerado el mαs prestigioso de la isla por su capacidad de transmitir a las generaciones mαs jσvenes de Αfrica conocimiento ancestral de su pueblo. Sus “aloalos” son esculturas tradicionales que adornan las tumbas de un difunto adinerado o de un jefe espiritual africano, mediante a las cuales el autor rinde un tributo a la vida mαs que a la muerte.

Pese a que la fotografνa africana no obtuvo un reconocimiento internacional hasta los aρos noventa, el Museo Guggenheim Bilbao exhibe en 100% Αfrica algunas instantαneas de sus figuras mαs representativas como Keοta, Sidibι, Ojeikere o Depara, cuyas obras son autιnticos testigos de la historia de su paνs.

 

Casas: cartelista del modernismo

14/09/2006, Ramón Casas fue prototipo de los cartelistas españoles del final del XIX; trabajó influído por Toulouse-Lautrec, desarrolló un lenguaje sencillo, llamativo, sumamente eficaz desde el punto de vista de la comunicación

Girona, septiembre de 2006

Por Artemio Artigas

En 1864 nació Toulouse-Lautrec, el más emblemático de los cartelistas franceses; en ese tiempo, 1866, vio la luz Ramón Casas, el que sería prototipo de los cartelistas españoles del final del XIX. Ambos desarrollarían un lenguaje sencillo, llamativo, sumamente eficaz desde el punto de vista de la comunicación.

Es curioso comprobar cómo, pasado un siglo desde que ambos artistas realizaran sus mejores obras, éstas siguen teniendo un sentido sumamente moderno, y una inmensa calidad publicitaria.

De Toulouse-Lautrec, se han hecho diversas exposiciones en los últimos años, especialmente al conmemorarse en el 2001 el centenario de su muerte. Éstas han sido ocasión para recordar su elenco de carteles, en los que promocionó los cabarets parisinos del tramo final del XIX, y especialmente el que dedicó al Moulin Rouge en 1891.

De Casas se han visto también diversas exposiciones, básicamente en Cataluña, pues no en vano fue uno de los grandes del modernismo catalán. Caixa Girona presenta ahora otra muestra muy atractiva, dedicada al Casas cartelista, exposición abierta hasta el 12 de noviembre de 2006, y en la que se reúnen unas 90 obras: carteles, postales, portadas de revista, en las que se muestra su carácter de pionero del cartelismo y el diseño gráfico.

El cartelismo en España

España siempre ha sido un país con tradición cartelista, vinculada –más que a su economía- a sus tradiciones festeras.

En España, desde 1770, la comunicación en el mundo taurino está vinculada al cartel. Aún hoy, en muchos rincones de las ciudades y pueblos de la Península Ibérica se ven –sobre todo en el estío- esos carteles alargados, dominados por tonos rojo y oro, en los que se convoca al publico para la asistencia a la corrida de toros; carteles que por desgracia han caído en un excesivo amaneramiento.

También otras citas –fallas, exposiciones, fiestas diversas- fueron publicitadas desde el XVIII mediante el cartel, aunque éste –por las técnicas tipográficas- no alcanzaría un desarrollo extensivo sino a partir de la segunda mitad del siglo XIX.

Hay momentos especialmente interesantes en este arte. Se dice que Toulouse Lautrec fue el creador del cartel moderno, en el tramo final del XIX. Por esas fechas el modernismo catalán, con Casas, brilló también con luz propia.

El cartel, pasado éste periodo y apoyado en las innovaciones técnicas, continuó su progresión en los inicios del siglo XX. En la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa fue utilizado de forma masiva. Tanto rusos como norteamericanos aplicaron de lleno un sistema de comunicación que estaba demostrando suma eficacia también en el plano comercial

Se dice que en la Primera Guerra Mundial se elaboraron más de 10.000 carteles diferentes, algunos de los cuales han adquirido gran fama, como aquel en el que el tío Sam reclama la ayuda para acudir al frente.

La Alemania hitleriana y la Italia de Musolini seguirían utilizado este elemento de comunicación de una forma efectista, en un universo en el que también se popularizaba la utilización de la radio y el cine, instrumentos todos que –sobre todo en Alemania- sirvieron para manipular hábilmente a las masas. En España, el cartelismo tambien alcanzaría una edad de oro en los días de la Guerra Civil (1936-39) con artistas como Josep Renau, de quien se cumple en el 2006 el centenario de su nacimiento, y quien tal vez sea el más destacado de los cartelistas hispanos de todos los tiempos.

Pero a partir de los años cuarenta, el cartelismo ya perdió esa preminencia comunicativa: llegaba la era de lo audiovisual.

Modernismo, impresionismo, cubismo... el arte ha ido influyendo en el cartel, aunque el movimiento que más habría de influir sería el del surrealismo, con su mensaje de sorpresa y provocación, tan querido por los publicistas modernos.

Ramón Casas

Ramón Casas es figura clave del modernismo. Nació en Barcelona el año 1866, y pronto demostró gran interés por el dibujo, vocación que propició la familia, cuyo poder económico facilitó que el joven acudiera a diversos talleres tanto en Barcelona como en París, a donde viajó en 1881, cuando la ciudad era un hervidero de arte, y capital del impresionismo.

Ya en 1883 presentó en un salón oficial su autorretrato vestido de flamenco, cuadro que fue aceptado. Paris y Barcelona fueron sus lugares de residencia habituales. En 1890, residía en el Moulin de la Galette, con Santiago Rusiñol y Miquel Utrillo. Era una época en la que se popularizaba la obra de Toulouse Lautrec, que sería uno de sus inspiradores en materia de cartelismo

Ya en los noventa, y vuelto a Barcelona, Casas destaca como animador social y cultural. Ese carácter original y creativo ya se había mostrado eventos como el de 1889, cuando recorrió Cataluña en carro, junto con Santiago Rusiñol.

En Barcelona exponía en la sala Parés, temas de diversa indole, desde escenas sencillos a pintura social; fue tambien animador de “Els Quatre Gats”, taberna de vanguardia, donde se presentan exposiciones, conciertos, lecturas, ets. Allí se vió, por ejemplo, obra de Nonell y Picasso.

Las revistas "Els Quatre Gats" y "Pèl & Ploma" fueron cauce de su obra, mientras destacaba tanto en el plano publicitario como dibujante y retratista. En el ámbito del retrato- entre una multitud de trabajos- realizó un retrato ecuestre de Alfonso XIII

Hasta su muerte, en 1932 mantuvo una notable actividad artística y social, que le llevó por diversos puntos de España, Europa y Estados Unidos

Los carteles de Anís del Mono, Codorniu y Cigarrillos París son tres ejemplos de trabajos premiados en los que se muestra el valor comunicativo del artista, su magnífico uso del dibujo y el color, la sencillez del mensaje (lo que agranda su penetración), así como la utilización de la mujer en el ámbito de la publicidad.

El curioso, en este sentido, el permanente empleo de la imagen femenina en el cartel de Casas. Hasta los reclamos taurinos que se deben a su mano tienen en primer término una bella mujer dominando la escena del ruedo.

En el catálogo de la exposición presentada por Caixa Girona, Daniel Giralt-Miracle escribe que Casas fue el cartelista de moda; anunciador de marcas comerciales, revistas, libros, eventos culturales, etc. “...reconocido como un gran pintor y un gran dibujante, sus dotes y voluntad de emplear las técnicas más modernas del cambio de siglo (cromolitografía y fototipia) lo abocaron al cartelismo, un medio al que se dedicó con entusiasmo, consciente de que, a pesar de ser efímero en su vida física, tenía un gran poder de penetración en la sociedad, aparte de permitir una multiplicidad vedada a la pintura al óleo o al dibujo al carbón”

Arte en Alabastro

11/09/2006, La Asociación de Artistas Plásticos Goya organiza en Zaragoza la exposición ALABASTROARTE, dedicada a trabajos realizados en esta piedra trslucida de larga historia en el arte de Aragón

Zaragoza, octubre de 2006

La Asociación de Artistas Plásticos Goya organiza la exposición ALABASTROARTE en su sala de la Avda. Goya, 87-89 de Zaragoza.

El alabastro es una piedra fácil de tallar que ha sido sumamente utilizada en la historia del arte, como lo atestiguan vasos del antiguo Egipto; relieves y placas del ámbito mesopotámico... Y también en Aragón ha tenido amplio uso, como lo prueba el magnífico retablo de Damián Forment en el Pilar de Zaragoza.

Precisamente, en Aragón hay buenos yacimientos de esta piedra traslúcida y de pequeño tamaño del grano, que tiene una textura que recuerda a la del mármol.

La muestra presentada ahora recoge una selección de esculturas de artistas que han participado en las distintas convocatorias del Simposio Internacional de Alabastro que se celebra en Albalate (Teruel), lugar conocido por poseer uno de los buenos yacimientos de alabastro.

Creadores de distintas procedencias, 12 en concreto, dan su peculiar forma al alabastro desde lo conceptual a lo figurativo, pasando por los juegos de texturas y las sugerentes transparencias que caracterízan a esta piedra noble que es el alabastro.

Pedro Ania - Omar Arraez - Mónica Díaz - Tomás García - Patxa Ibarz - Veredas López - Ramón Masramón-María Sol Rey - Lluis Ribalta - Mario Romero - José Luis Soria - Elena Vicente.

La exposición se complementa con un Ciclo de Conferencias en el Salón de actos del Centro Cultural de Ibercaja ACTUR, en torno al mundo del alabastro y el arte.

-9 de Octubre: "Geología y localización del alabastro en Aragón". José Gisbert Aguilar. Geólogo.

-16 de Octubre: "Patrimonio artístico de Alabastro en Aragón". Mª Bárbara Serrano Canto. Licenciada en Hª del Arte.

-23 de Octubre:" Alabastro y escultura contemporánea" Pedro Ania Gerez, escultor y Elena Vicente Herranz, Licenciada en Bellas Artes.

-30 de Octubre:"Arquitectura y alabastro". Rafael Laboreo González. Arquitecto.

La Asociación de Artistas Plásticos Goya Aragón presenta esta muestra en el empeño de conocer y valorar este material aragonés en el arte actual, según comunica la nota de presentación de la muestra

 

Feriarte: 30 edición

10/09/2006, Entre el 25 de noviembre y el 3 de diciembre, FERIARTE, Feria Internacional de Arte y Antigüedades, celebra en Madrid su 30 edición

Madrid, septiembre de 2006

Entre el 25 de noviembre y el 3 de diciembre, FERIARTE, Feria Internacional de Arte y Antigüedades, celebra en Madrid una nueva edición, cuando cumple tres décadas de vida, fomentando la cultura del arte y las antigüedades en España.

En su próxima convocatoria volverá a convertirse en un encuentro con el mejor arte del pasado, interesante para coleccionistas, interioristas, aficionados y público en general, que pueden ver excelentes obras de la mano de los 189 anticuarios y galerías participantes.

Durante la celebración, exhibirá para su venta directa más de 16.000 piezas de alta calidad, únicas, de diversos estilos, épocas y especialidades, con al menos cien años de antigüedad, excepto los estilos Art Nouveau, Art Deco y la pintura y la escultura de autores contemporáneos. La oferta reunida en este salón incluirá desde muebles, arqueología, pintura –antigua y contemporánea-, escultura, joyas, relojes, hasta arte religioso, porcelana, lámparas, plata, arte oriental, arte africano, etc..Como novedad, a partir de esta edición, esta feria presentará sectorizada la pintura de los siglos XIX y XX, mostrándola en una misma área expositiva.

Junto al elevado nivel de los anticuarios y galeristas españoles presentes, en esta edición el certamen ofrece una importante participación internacional, con anticuarios procedentes de Portugal, Alemania, Holanda, Francia y Bélgica.

En los días previos a la apertura de la feria, una comisión integrada por destacados especialistas en distintas disciplinas del arte, se encargará de revisar las piezas expuestas, para contrastar que su antigüedad, calidad y nivel de restauración son los admitidos por el certamen.

Como es habitual, FERIARTE volverá a albergar, junto al área comercial, una exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas. Concretamente, en esta ocasión, coincidiendo con el treinta aniversario del certamen, se inicia un nuevo ciclo en la temática de las exposiciones, que a partir de ahora realizarán un recorrido por las artes decorativas de diversos periodos de la historia. El Renacimiento será el estilo elegido para iniciar el nuevo ciclo.

 

De Capodimonte a Madrid

03/09/2006, A partir del día 29 de septiembre, en las Salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid se presenta una interesante muestra: Obras Maestras del Museo de Capodimonte.

Madrid, septiembre de 2006

Organizado por Patrimonio Nacional (España), se exhibirá a partir del día 29 de septiembre en las Salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid la muestra: Obras Maestras del Museo de Capodimonte.

La exposición -del 29 de septiembre al 10 de diciembre de 2006)- se inscribe en la línea marcada por Patrimonio Nacional por mostrar al gran público obras de primera calidad que tienen conexión con su historia.

Esta muestra ofrece el privilegio de contemplar un excepcional conjunto de 54 pinturas del Museo de Capodimonte, seleccionadas por su director y comisario Nicola Spinosa.

La herencia común de la antigüedad grecolatina y los diferentes personajes de la monarquía, la nobleza, y diversos ámbitos españoles que vivieron en Nápoles, contribuyeron a consolidar los lazos políticos y culturales con España a lo largo de los siglos.

El origen del Museo de Capodimonte se remonta a la colección de arte de los Farnesio, una de las familias más poderosas de la Italia del siglo XVI. Más tarde, Carlos de Borbón (futuro Carlos III de España) ampliaría la colección, instalándola en el actual edificio situado en la colina de Capodimonte.

El edificio fue inicialmente concebido como su residencia privada, y finalmente sería el palacio real en el que habitaron las diferentes familias que reinaron en Nápoles.

En la época en la que el joven Fernando IV sucedió a su padre en Nápoles, la colección continuó ampliándose. A su fama contribuirían los visitantes que llegaban año tras año a Nápoles atraídos por los yacimientos de Pompeya y Herculano y por su interés en el Gran Tour . El enclave artístico sobrevivió a la ocupación napoleónica, a pesar de que ésta obligó al Monarca a desplazarse a Palermo.

Con la contraofensiva borbónica, parte de las obras se trasladaron a la Iglesia de San Luis y a París, pero pronto fueron recuperadas por Fernando IV.

Tras la caída de los Borbones y la llegada de los Saboyas, y una vez constituida Italia como estado unitario, cambia la denominación de la colección, pero se mantienen su importancia y su crecimiento mediante adquisiciones y donaciones privadas. Finalmente en el año 1957 el museo se abre al público.

La muestra que se presenta en las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid recoge artistas paradigmáticos como Mantenga, Tiziano, El Greco, Van Dyck o José de Ribera. En ella encontramos la convivencia entre la pintura y la poesía, la pintura y la vida.

Están presentes el hortus inclusus y la urbe, la naturaleza y las vivencias de interiores humanizados. Escenas representativas de la mitológica clásica y pasajes de la Historia Sagrada se nos ofrecen en esta Exposición junto con retratos, crónicas de la vida social y naturalezas en los fondos de extraordinarias composiciones.

Cuatro siglos recordados mediante obras de espléndidos matices, que resumen decisiones políticas o religiosas, tendencias artísticas de cada momento y un sinfín de simbologías que intrigan al visitante. Historias también de mecenas, monarcas y familias sin cuya cultura y creencia en el arte, tales joyas, tales huellas de humanidad no hubieran podido llegar hasta nuestros días.

Dicha exposición podrá visitarse en las Salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid (c/ Bailén)

 

Arte y fiesta en Viena

02/09/2006, Arte, música; champagne, vino y buen yantar. Turismo de Austria presenta unas atractivas propuestas para el viajero, cuando el verano ya declina

Viena, septiembre de 2006

Arte, música; champagne, vino y buen yantar. Turismo de Austria presenta unas atractivas propuestas para el viajero, cuando el verano ya declina.

Viena y Vino

Del 1 de octubre al 30 de noviembre, la iniciativa “Viena & Vino“ invita a descubrir el vino joven vienés y el de los mejores años. En Viena no sólo se encuentra la única cocina del mundo que tiene el mismo nombre que la ciudad, sino también el único vino del mundo que se cultiva y prensa en una urbe con millones de habitantes. El vino de los viticultores vieneses es de primera clase y por eso se ofrece también en los restaurantes.

Entre los vinos blancos clásicos de Viena se encuentran: el Riesling, el Weissburgunder y el Grüne Veltliner. También tintos como el Zweigelt, Blauburgunder, Merlot y últimamente el Syrah, cada vez están más en boga.

Unos 320 viticultores cultivan unas 700 hectáreas de viñedos en las zonas de Kahlenberg, Nussberg, Bisamberg y Mauer, donde el Danubio y los cercanos Bosques de Viena crean un microclima ideal. Entre los vinateros de más éxito destacan Christ, Cobenzl, Wieninger y Zahel.

Del 1 de octubre al 30 de noviembre, la acción “wien & wein“ (viena & vino) invita a descubrir el “Junger Wiener” - los vinos vieneses jóvenes - así como las mejores cosechas a través de eventos como degustaciones, paseos guiados por los viñedos o un jazz-brunch ( desayuno-comida con música de jazz en vivo) . Durante la fiesta de San Martin (11-11) se come el famoso asado de ganso y se prueba la nueva cosecha.

(Información en: www.wien.info así como a partir de octubre en un folleto y en la Información Turística situada en Albertinaplatz)

Ópera y Champán

Si no ha conseguido entradas para la ópera en Viena, le consolará visitar “La Divina“. En este bar puede disfrutar de una copa en un palco, imitación de los palcos de la Ópera del Estado de Viena ( Staatsoper).

Cada noche proyectan sobre la pantalla plana con revestimiento dorado una versión de las óperas en cartel – en verano también ballet o jazz. Cada jueves ofrecen música en vivo, una oportunidad en la que los músicos jóvenes demuestran su talento.

Con el palco rojo, un piano, espejos en los paredes, un bar en forma de violín, fundas de discos originales y más de 120 autógrafos este bar parece casi un escenario operístico. De hecho, la decoración fue diseñada por el decorador de escenarios de la Opera. La idea y las tarjetas de autógrafos son de Marianne Kohn, una conocida gastrónoma que desde hace más de un cuarto de siglo es reina de la vida nocturna de la capital. Como amante de la ópera, con “La Divina“ le rindió homenaje a la diva Maria Callas. Con ello se cumplió un sueño de su vida: de joven, Kohn era una asidua diaria a las plazas de pie de la Opera del Estado de Viena.

Incluso a los que no son fanáticos de la música se ven seducidos por el encanto dramático y el aire operístico de“La Divina“ , donde se puede disfrutar bebiendo vino, champán o una buena cerveza acompañada de entremeses frescos. Recomendado el cóctel “La Divina” a base de vermut y licor de cerezas, dulce y amargo como la vida de la gran diva Maria Callas.

La Divina, I, Hanuschgasse 3, www.ladivina.at.

Otros locales de música en Viena:

Café Oper Wien, I, Opernring 2, www.cafeoperwien.at,
Peters Operncafé Hartauer, I, Riemergasse 9.
Santo Spirito, I, Kumpfgasse 7.



Expresionismo alemán. La colección Thyssen-Bornemisza

Entre el 28 de septiembre de 2006 y el 10 de enero 2007, el Leopold Museum muestra 50 obras relevantes del expresionismo alemán, pertenecientes a la colección del Barón Hans Heinrich.

Están representados tanto el grupo “Brücke“ (El Puente), con los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Emil Nolde, como “El Jinete Azul“ (“Der Blaue Reiter“), con Franz Marc, August Macke y Paul Klee.

Diferentes grupos de artistas, como los de “Brücke“ y “Der Blaue Reiter“, crearon a principios del siglo XX diversas corrientes del expresionismo alemán. Fundado en 1905, „Brücke“ buscó nuevas sendas artísticas. Por un lado redujo la forma a lo esencial, y, por otro, separó el color de la naturaleza. Así surgieron brillantes pinturas con montañas verdes y rojas en forma de triángulos, calles de muchos colores y cielos verdes.

“El Jinete Azul“ fue fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Múnich, en 1911. Junto a August Macke y Paul Klee avanzaron por la senda de la abstracción mediante un idioma propio de imágenes que puede verse tanto en la vaca amarilla y el caballo azul de Franz Marc como en las composiciones geométricas de Kandinsky.

Leopold Museum, 7., Museumsplatz 1, www.leopoldmuseum.org,

Muestra de Carmen Calvo, en Sao Paulo

01/09/2006, El museo Afro Brasil de Sao Paulo muestra una importante selección de obras de la artista española Carmen Calvo, desde el 22 de agosto de 2006

Sao Paulo, septiembre de 2006

El museo Afro Brasil de Sao Paulo muestra una importante selección de obras de la artista española Carmen Calvo, desde el 22 de agosto de 2006, tras haberse expuesto en el Centre Pasquart de Biel (Suiza) y el Centro Dragao do Mar de Arte e Cultura de Fortaleza (Brasil).

El ministerio español de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas y en colaboración con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), inauguró el 22 de agosto de 2006 la exposición de la artista valenciana Carmen Calvo en el Museo Afro Brasil de Sao Paulo. La muestra se podrá visitar hasta el 22 de octubre de 2006.

Osbel Suárez y Barbara Rose, comisarios de la exposición, han seleccionado un conjunto de obras (técnica mixta con barro, cuerdas, acrílico, cristal, caucho o dorado, collages, fotografías, objetos diversos, una instalación, dibujos pequeños y grandes) que ofrecen una retrospectiva de toda la producción artística de Carmen Calvo.

A través de esta muestra, en la que predominan obras con las que actualmente experimenta la artista, se saca a la luz la capacidad renovadora de su lenguaje pictórico.

La artista

Carmen Calvo (Valencia, 1950) inició su carrera artística en los años 60, en un momento en que el pop art ejercía una fuerte influencia a través de las obras de Equipo Crónica. Sus pinturas, con relieve y ciertas influencias postminimalistas, su trabajo con cerámica y esa mirada melancólica que dirige a todo cuanto está destinado a desaparecer y ella trata de salvar, dan ciertas pautas sobre las que se puede rastrear el universo de la artista

Es muy importante en sus composiciones plásticas el uso del barro cocido, elemento que se ha convertido, con el paso del tiempo, en un icono de su trabajo.

Carmen Calvo se interesó desde los comienzos de su trayectoria profesional por la pintura, en su vertiente tridimensional, creando un universo plástico con el cual sentó las bases de una renovación constante, hasta redondear un compromiso inequívocamente experimental que ha servido para configurar una de las propuestas más representativas del arte español de hoy.

Sin embargo, su obra sufre un viraje radical a finales de la década de los noventa cuando empieza a introducir la imagen fotográfica en sus composiciones: fotografías ampliadas, manipuladas, pintadas, recuperadas y anónimas donde la figura humana siempre tiene un papel predominante.

Carmen Calvo cuenta en su haber con una amplia lista de exposiciones individuales y, además, ha representado a España en la Bienal de Arte de Venecia de 1997.

 

América, en Asturias

01/09/2006, Pese a que el día de América es el 12 de octubre para muchas de las ciudades españolas, Oviedo mantiene una celebración especial, en pleno septiembre.

Oviedo, septiembre de 2006

Por Violeta Medina

Pese a que el día de América es el 12 de octubre para la generalidad de las ciudades españolas, Oviedo mantiene una celebración especial, en pleno septiembre.

Y no es casual que Asturias recuerde a América. Si es habitual encontrar asturianos o descendientes al otro lado del Atlántico, recorriendo el territorio astur se pueden detectar tambien las huellas de esa relación.

En el siglo XIX, la emigración asturiana hacia el Nuevo Continente adquirió el carácter de masiva. En el periodo comprendido entre 1840 y 1940, unos 300.000 asturianos abandonaron su tierra para establecerse en Cuba, Argentina, México, Estados Unidos, Uruguay, Chile, Brasil, Venezuela, Perú o Puerto Rico.

La presencia que estos esforzados trabajadores tuvieron en la vida de Asturias fue, pese a la distancia, absolutamente decisiva en sectores como la economía, la cultura o la propia vida social. El retorno de muchos de ellos, nos pocos enriquecidos y la mayoría con unos modestos ahorros, y el envío de dinero a sus familias favorecieron el desarrollo de la región con la llegada de prácticas e ideas nuevas, la construcción de casas campesinas más amplias y cómodas, acceso a la propiedad de la tierra para muchos colonos, la edificación de escuelas, la instalación de fuentes y lavaderos, la apertura de carreteras, o la organización de sindicatos agrarios.

En muchos lugares bellos del Principado aparecen, airosas aún, mansiones edificadas por “indianos” que nunca quisieron perder el nexo de unión con su tierra.

Septiembre en Oviedo es una época atractiva. La climatología aún es benigna y durante un par de semanas, la ciudad ofrece una amplia gama de actividades. Ovetenses, asturianos y turistas se mezclan en un torbellino festivo. Como el solsticio de verano, San Mateo es la frontera que separa el mundo de la ilusión y el de la vida cotidiana.

En los años 80, y tras una evolución paulatina de los eventos profanos en el desarrollo de la fiesta, se creó el molde del San Mateo que hoy conocemos, al trasladar parte de los festejos a la calle para que el público disfrutara al aire libre de manera continuada. Hoy se preparan las plazas del casco antiguo para albergar los bulliciosos chiringuitos y se potencian las actuaciones musicales y el teatro en la calle. Las terrazas y casetas caldean el ambiente y también ayudan a reponer fuerzas a los incansables mateínos. En el centro de la ciudad, y de forma especial en su casco histórico, San Mateo se convierte en una fiesta para disfrutar y vivir a pie.

Una de las jornadas importantes de San Mateo es el Día de América. El emigrante asturiano tiene el 19 de septiembre un espectáculo en su honor. Se celebra por todo lo alto y de forma multitudinaria el tradicional desfile. La mañana se viste de música y colorido con los grupos folklóricos y fanfarrias de toda la región. Por la tarde, una cabalgata rebosante de carrozas y folclore procedente de Cuba, Colombia, México, Brasil, Argentina… recorre las principales calles de la ciudad. Las aceras están atiborradas de público, lo mismo que los balcones; y el paso de la cabalgata va dejando tras de sí una estela de confeti y serpentinas. En este desfile no faltan ningún año los populares «haigas»: coches ostentosos y antiguos que circulan por la calles de Oviedo.

El Día de América en Asturias se viene celebrando desde 1950 y es fiesta declarada de Interés Turístico Nacional. Además de carrozas, grupos folclóricos y coches lujosos, en Oviedo recalan ese día gentes venidas de todos los países de América, así como representantes y delegaciones de países americanos.

Pero aparte de esta época de fin del estío, Oviedo es una bella ciudad para visitar siempre, culta, cargada de historia. Su catedral gótica; su ramillete de edificios medievales, contribuyen a dar atractivo a la capital asturiana, donde se practica además una excelente gastronomía.

 

Fiestas del vino y la cerveza en la Republica Checa

28/08/2006, En septiembre la República Checa celebra las fiestas de la vendimia en la región de Moravia, con las tradicionales degustaciones de vinos y productos locales y otras atracciones

Republica Checa, Sepiembre de 2006

En el mes de septiembre la República Checa celebra las fiestas de la vendimia en la región de Moravia, con las tradicionales degustaciones de vinos y productos locales y otras atracciones.

En estas fiestas no falta el desfile del folclore y la artesanía checa, en Mikulov, Uherské Hradisté, Znojmo y Karlstejn. A estos eventos se suman otras dos importantes fiestas de la cerveza en las ciudades de Zatec y Plzen, esta última cuna de la famosa marca Pilsner Urquell.

La localidad de Mikulov (www.mikulov.cz) celebra sus fiestas del Vino de Pálava del 8 al 9 de septiembre. Le siguen las fiestas de Uherské Hradisté (www.mesto-uh.cz) del 10 al 11 de septiembre, las de Znojmo (www.znojmocity.cz) los días 15 y 16 y las de Karlstejn (www.hradkarlstejn.cz), entre los días 23 y 24.

Los programas festivos cuentan con la degustación de vinos procedentes de las bodegas locales, incluyendo pequeñas fábricas caseras que elaboran vino para consumo familiar. Entre las especialidades de Moravia destacan las variedades Ludmila, Moscatel, Morava y Rulandske bílé, y durante las fiestas es tradicional un vino joven llamado “burcak”. Durante estos días los pequeños pueblos moravos son toda una muestra del folclore checo, con desfiles, teatro callejero, mercadillos de artesanía, fuegos artificiales, música y bailes regionales.

Septiembre también es una oportunidad para vivir las fiestas de la cerveza. En los días 1 y 2 tiene lugar el Hop Harvest Festival en la localidad de Zatec (www.mesto-zatec.cz), y entre el 29 de septiembre y el 1 de octubre se celebra la 164 edición del popular Pilsner Fest en la ciudad de Plzen (www.pilsnerfest.cz), para conmemorar la elaboración del primer barril de la famosa cerveza Pilsner Urquell en 1842. Estas últimas celebraciones, con competiciones y conciertos de música pop - rock en el recinto de la fábrica de Pislner Urquell, reúnen cada año a más de 60.000 personas que consumen alrededor de 350 hectolitros de cerveza.

Para conocer a fondo la cerveza checa, considerada bebida nacional, se puede recorrer la Ruta de la Cerveza (www.czechtourism.com), que descubre la historia de marcas tan reputadas como Krusovice, Budejovicky Budvar, Staropramen o Pilsner Urquell.

 

Dos siglos del Arco de Triunfo

01/08/2006, El famoso Arco de Triunfo parisino cumple dos siglos, dos siglos en los que ha sido uno de los emblemas del poderío napoleónico, pues fue el belicoso emperador quien ordenó su construcción para su gloria y la del ejército Francés

París, agosto de 2006

El famoso Arco de Triunfo parisino cumple dos siglos, dos siglos en los que ha sido uno de los emblemas del poderío napoleónico, pues fue el belicoso emperador quien ordenó su construcción para su gloria y la del ejército Francés.

La zona de París en la que se encuentra, fue urbanizada en el transcurso de los últimos cinco siglos. En 1616, la reina María de Médicis ordeno plantar una serie de alamedas en lo que hoy son los Campos Elíseos, transformando unos fangales en una continuación de los jardines de Tullerías. Todo su entorno sufrió sucesivas transformaciones que le llevaron a ser un lugar de lujosos palacetes, en el XIX, y una gran avenida de amplios comercios y centro de los grandes desfiles militares, en el XX.

Al fondo de los Campos Elíseos aparece la plaza de l’Etoile con el magnífico Arco de Triunfo mandado construir por Napoleón. La primera piedra se puso el 15 de agosto de 1806 y fue terminado en 1836, en el llamado Segundo Imperio, cuando el arquitecto Haussmann transformó buena parte del urbanismo de París.

El arco, de 50 metros de alto, tiene algún grupo escultórico de calidad, como La partida de los voluntarios de 1792, obra de Rude conocida como La Marsellesa, ubicada frente a los Campos Elíseos.

En sus muros aparecen grabados los nombres multitud de batallas reñidas por las tropas napoleónicas.

La construcción del arco monumental fue encargada a Jean Francois Chalgrin, y estuvo inspirada en la grandiosidad romana. Se determinó su ubicación en un lugar visible: una colina al fondo de los Campos Elíseos, un espacio rural y deshabitado que pronto se integraría en una urbe próspera y dinámica.

Dos años costó levantar los cimientos, pero Napoleón quería verlo en pie y por ello en una ocasión se realizó una estructura de madera para asombro de los ciudadanos. Las derrotas y cambios políticos sucesivos no contribuyeron al progreso de la obra. Fue terminada en 1836 en tiempos de Luis Felipe.

Desde entonces el lugar ha sido centro de conmemoraciones, desde el velatorio de los restos mortales de Victor Hugo hasta el paseo militar victorioso tras las guerras mundiales. Allí está también, desde 1919, la tumba dedicada al “soldado desconocido”

Es éste, junto con la Torre Eiffel, el monumento más visitado de París.

El arco es visitable de cerca. A él se accede por un paso subterráneo.

http://www.guiarte.com/paris/

 

Nuevo Patrimonio Mundial de la UNESCO

27/07/2006, La ciudad minera de Sewell, en Chile; los palacios genoveses; el Puente Colgante de Vizcaya, en España, y los castillos Crac de los Caballeros y Fortaleza de Saladino, en Siria son algunos de los monumentos que forman ya en la lista del patrimonio mu

Vilna, julio de 2006

La Ciudad Minera de Sewell, en Chile; los palacios genoveses; el Puente Colgante de Vizcaya, en España, y los castillos Crac de los Caballeros y Fortaleza de Saladino, en Siria son algunos de los monumentos que forman ya en la lista del patrimonio mundial de la UNESCO

Los sitios inscritos en el año 2006, por los 21 miembros del Comité del Patrimonio Mundial reunidos en Vilna (Lituania) son:

Aapravasi Ghat, en Mauricio

El Arte rupestre de Chongoni, en Malawi

El monumento de Behistun, en Irán

Los Círculos Megalíticos de Senegámbia, Gambia, Senegal

El Crac de los Caballeros y el Castillo de Saladino, en Siria

Los Palacios de los Rolli, en Génova, Italia

El Hall del centenario de Wroclaw, en Polonia

Harrar Jugol, villa fortificada de Etiopía

El paisaje de agaves y antiguas instalaciones industriales de Tequila, México

El paisaje minero de Cornualles y del oeste de Devon, Reino Unido

El puente colgante de Vizcaya, España

Lugares de arte rupestre de Kondoa, en Tanzania

Los sistema de riego de Aflaj, en Oman

La ciudad Antigua de Ratisbona, en Alemania

La villa minera de Sewell, en Chile

El lugar arqueológico de Yin Xu, en China

Sitios naturales

Santuarios del gran panda, en Sicuani, China

El Santuario de fauna y flora de Malpelo, en Colombia

El comité aprobó también la ampliación de

El sitio de los monumentos medievales de Kosovo, en Serbia

El archipiélago de Kvarken /Costa Alta, de Finlandia y Suecia

página web: http://whc.unesco.org/ 

La Tate Modern crece

25/07/2006, La Tate Modern, el museo de arte moderno más importante del Reino Unido, próximamente será un centro aún más emblemático por su estructura ampliada.

Londres, 25 de julio de 2006-07-25

La Tate Modern es el más importante museo de arte moderno del Reino Unido, próximamente será un centro aún más emblemático por su estructura.

La superficie del museo se ampliará un sesenta por ciento, merced a una espectacular pirámide de cristal de formas asimétricas, que dará cabida a la gran masa de visitantes que llega allí cada día, porque éste tiene a gala ser el centro de arte contemporáneo más visitado del mundo.

Situado en una antigua central eléctrica, el museo ofrece exposiciones de arte moderno desde trabajos de 1900 a la actualidad, incluyendo obras de los más destacados artistas del siglo XX.

La Tate Modern fue diseñada para recibir 1,8 millones de visitantes al año y recibe cuatro millones, afirmó el director del Grupo Tate, Nicholas Serota, en el acto de presentación del proyecto. El grupo Tate abarca cuatro museos destacados del Reino Unido (Modern, Tate Britain, Tate St Ives y Tate Liverpool).

El proyecto de ampliación fue encargado al estudio de arquitectos suizos Herzog & de Meuron, el mismo que ubicó hace pocos años la Tate Modern en la estructura de una vieja central eléctrica. El nuevo presupuesto de obra es de más de 300 millones de euros. El objetivo es que el nuevo edificio este listo para el 2012, fecha de los Juegos Olímpicos de Londres. De momento, la financiación aún está en el aire.

Herzog & de Meuron ganaron en el año 2001 el premio Pritzker de arquitectura por la rehabilitación del edificio de la Tate Modern, cuya chimenea y su sala de turbinas mantienen el recuerdo de la utilidad que tuvo el edificio original.

La nueva pirámide de la Tate Modern es irregular. Está formada por bloques rectangulares que albergarán diferentes galerías. De hecho, el arquitecto Jacques Herzog la definió como un montón de cajas. La ampliación añadirá al museo 7.000 metros cuadrados de espacio.

Los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron se han caracterizado tradicionalmente por la utilización de soluciones innovadoras, sin arrumbar la tradición. La trayectoria de los arquitectos, ambos nacidos en 1950 y formados en Zurich, se ha caracterizado por su capacidad para unir nuevas soluciones sin destruir lo anterior, como se ha puso de manifiesto en la Tate Modern Gallery de Londres

Ganaron el premio Pritzker en la edición 2001, en un jurado presidido por J. Carter Brown, director de la National Gallery of Art y de la Comisión de Bellas Artes de Estados Unidos, e integrado por notables críticos, profesores, arquitectos e incluso magnates de la industria. En la concesión del premio, influyó decisivamente la relativamente reciente inauguración de la Tate Modern Gallery, en Londres, obra de notable repercusión mediática, incluida entre los acontecimientos de la celebración del Milenio en la capital inglesa. Herzog y De Meuron han transformado una vieja central eléctrica de Bankside en un museo vanguardista, de imagen vigorosa y extraordinaria luminosidad interior.

http://www.tate.org.uk/modern/

 

Ràfols-Casamada, en Nueva York

21/07/2006, Del 20 de julio a 29 de septiembre de 2006 se puede ver en Nueva York una exposición de 52 0bras de Ràfols-Casamada, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX)

Nueva York, julio de 2006

Del 20 de julio a 29 de septiembre de 2006 se puede ver en Nueva York una exposición de 52 0bras de Rаfols-Casamada, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX)

La muestra Se presenta en el Queen Sofía Spanish Institute (684 Park Avenue. New York, NY 10021) y es comisariada por José Francisco Yvars

Texto del Comisario José Francisco Yvars

Albert Rаfols-Casamada es, sin duda, uno de los ejemplos más destacados de la cultura artística hispana de los últimos años. Su pintura es el modelo de la eficaz visualización de una vieja aspiración clasicista: la obra bien hecha, firmemente anclada en la tradición artística catalana que aleteaba, de manera más o menos encubierta, durante sus años de formación: el noucentisme. Sin embargo, la obra plástica de Rаfols se tiñe de una sorprendente diversidad que lo diferencia de sus excepcionales compañeros de generación.

Es una figura singular en el horizonte artístico de los últimos sesenta años. Siempre elegante, discreto, atento; en ocasiones silencioso, en otras suavemente mordaz, solo o en compañía de Maria Girona - artista destacada también-, el pintor representa un signo de nuestro imaginario sensible que con el paso del tiempo se nos ha hecho cotidiano: poeta, melómano, lector voraz y exigente, activista cuando toca, espíritu alerta en todo momento. Para mí, debo dejarlo claro de entrada, Rаfols-Casamada presenta el incisivo perfil de esa quimera romántica que llamamos todavía el artista completo.

Rаfols ha sabido transformar en su obra lo que pudiéramos llamar los estímulos imaginativos del noucentisme Цsu padre fue un respetado paisajista- en una gama compleja de opciones artísticas muy activas en la evolución de su pintura. Además, nuestro artista ha tenido la fortuna de pertenecer a una generación de grandes nombres de la pintura hispana: Picasso, Miró, Tаpies, el grupo Dau al Set, Hernández Pijuan, Cuixart, Esteban Vicente, Palazuelo, Saura, el grupo El Paso, el pop artЕ, una auténtica edad de plata artística de la que sólo con el paso del tiempo comenzamos a vislumbrar su envergadura real.

Hombre público de criterio y prudencia reconocidos, Rаfols-Casamada ha sido un artista cosmopolita y viajero.

Formado en el París que salía de la crisis de identidad cultural existencialista, en la soledad forzada de la bohemia del Quartier Latin, ha sabido captar como pocos en su tiempo la nueva sensibilidad que deslumbraba todavía en Picasso, Braque y Miró, pero también en la tradición díscola y rupturista de la pintura-pintura: el materismo, la nueva figuración, el expresionismo abstracto norteamericano, la abstracción lírica, el legado desconcertante de la pintura metafísica, el arte técnico y la pintura popular.

Rаfols hace suyo el alegato clásico que activa con original vehemencia:

"Aspiro en mi pintura a la perfección, pero a una perfección triple que disimula una locura, también, triple: loco yo mismo, loco mi lenguaje y loca mi pintura... Busco en todo momento una voz... Llegar al final, a la pura locura: la obra de arte completa". Para Rаfols, un deslumbrante universo de formas que la luz multiplica y la composición transforma en enigmáticos signos de arte. Qué cerca del viejo Cézanne, tan próximo a las convicciones de nuestro artista:

- Savoir voir. Sentir...

- Je crois que le peintre apprend а penser. Sur nature, il apprend а voir.

Habiendo alcanzado ya su octava década, es posible encontrar una vitalidad imaginativa y un dinamismo intelectual admirables en el estimulante proceso creativo del artista catalán. Sin duda, un clásico para nuestro tiempo.

Seacex

La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) se constituyó en el año 2000. Su finalidad es mostrar, a través de las distintas manifestaciones artísticas, la realidad cultural española, tanto la pasada como la actual, contribuyendo a facilitar un mejor entendimiento entre los pueblos y al diálogo entre las naciones.

En Nueva York, SEACEX ha puesto en marcha importantes iniciativas y tiene otras importantes en proyecto:

JOS… CABALLERO Х Spanish Institute Х febrero - abril 2003

MANOLO MILLARES Х Chelsea Art Museum Х septiembre - noviembre 2003

GERARDO RUEDA Х Chelsea Art Museum Х enero - marzo 2004

ЅLVARO DELGADOХ Spanish Institute Х marzo - abril 2005

OTEIZA: MITO Y MODERNIDAD Х Solomon R. Guggenheim Museum Х junio - agosto 2005

DE EL GRECO A PICASSO: EL TIEMPO, LA VERDAD Y LA HISTORIA Х Solomon R. Guggenheim Museum Х noviembre 2006 - febrero 2007

IBN JALDЏN, EL MEDITERRЅNEO EN EL SIGLO XIV Х diciembre 2006 - enero 2007

 

Homenaje al cartelismo español

20/07/2006, A punto de cumplirse el 100 aniversario del nacimiento de Josep Renau, el mayor cartelista español, la Asociación Cultural Rey Ordoño I organiza en Villamejil (León) una muestra dedicada al cartelismo de los tiempos de la Guerra Civil española

Villamejil(León), Julio de 2006

A punto de cumplirse el 100 aniversario del nacimiento de Josep Renau, el mayor cartelista español, la Asociación Cultural Rey Ordoño I organiza en Villamejil (León) una muestra dedicada al cartelismo de los tiempos de la Guerra Civil española.

Esta asociación cultural, casi sin medios económicos, y en una comarca leonesa deprimida, suele organizar anualmente interesantes actividades culturales, emblemáticas entre las de su provincia. El 5 de agosto organiza la velada poetica Versos a Oliegos, de la que edita un libro de poesía; del 8 al 20 presenta la muestra del cartelismo, y además promoverá otras iniciativas y conferencias.

Con la serenidad que da el paso del tiempo, y que hoy nos permite una mirada pausada y reflexiva sobre el pasado, pese a todos los dramatismos que éste encierra, la Asociación Cultural presenta en el año 2006 una nueva exposición cargada de interés histórico y artístico, elaborada merced a la ayuda del Ministerio de Cultura, que ha permitido el acceso a sus fondos documentales.

En la muestra se puede detectar el dramatismo del conflicto que desgarró durante tres años a España, pero también el valor artístico que desplegaron los bandos combatientes para convencer a las masas a través de un sistema de comunicación que estaba alcanzando su punto máximo en el siglo XX: el cartel, un sistema de comunicación que ha ido evolucionando en la medida que lo hacía la técnica.

El cartelismo en la historia

España siempre ha sido un país con tradición cartelista, vinculada –más que a su economía- a sus tradiciones festeras. Los primeros carteles taurinos en los que se combinó texto e imagen, se publicaron hacia 1.770. En España, desde entonces, la comunicación en el mundo taurino estaría vinculada al cartel.

También otras citas –fallas, exposiciones, fiestas diversas- serían publicitadas desde entonces mediante el cartelismo, aunque éste –por las técnicas tipográficas- no alcanzaría un desarrollo masivo sino en la segunda mitad del siglo XIX.

Hay momentos especialmente interesantes en este arte. Se dice que Toulouse Lautrec fue el creador del cartel moderno, en el tramo final del XIX. El artista recibió encargos para hacer la cartelería de la mayoría de cabarets parisinos. El primero lo realizó en 1891 para el Moulin Rouge.

También en el modernismo catalán se aprecia un momento de brillo del cartel. Más tarde, con la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, el cartelismo fue utilizado de forma masiva.

Tanto rusos como norteamericanos aplicaron de lleno este sistema de comunicación que estaba en auge en el plano comercial

La Alemania hitleriana y la Italia de Musolini seguirían utilizado este elemento de comunicación de una forma efectista, en un universo en el que también se popularizaba la utilización de la radio y el cine, instrumentos todos que –sobre todo en Alemania- sirvieron para manipular hábilmente a las masas.

Se dice que en la Primera Guerra Mundial se elaboraron más de 10.000 carteles diferentes, algunos de los cuales han adquirido gran fama, como aquel en el que el tío Sam reclama la ayuda para acudir al frente.

Modernismo, impresionismo, cubismo... el arte fue influyendo en el cartel, aunque el más clásico fue el que tomó una perspectiva del Realismo Social soviético, que influenciaría el cartelismo alemán y más tarde al español, aunque con ciertas diferencias.

Curiosamente, todos ellos suelen acudir a prototipos de cuerpos más fuertes que seductores, vistosidad, grandiosidad y gestualidad, con toques a veces futuristas.

El cartel en una España en lucha

En España, el momento álgido del cartelismo se vivió en los días de la Guerra Civil (1.936 a 1.939). En el caso español, es muy evidente la influencia rusa, aunque también es palpable una mayor espontaneidad artística.

El cartel trasmite todo tipo de mensajes: valor para el combate, disciplina en el frente y la retaguardia, mentenimiento del sistema produtivo, apoyo a la infancia, ánimo a la resistencia... Se enaltece la fortaleza y el heroísmo de personas y pueblos

En el cartel republicano se aprecia una notable fuerza, si bien el mensaje va perdiendo rotundidad a medida que se alarga el conflicto y la victoria va apareciendo cada vez más utópica. La desmoralización también trasciende al cartel.

Enfrente, el falangismo acusa una falta de originalidad. Junto a algunos carteles de factura salvable abundan los de una excesiva simplicidad. En años posteriores, el franquismo iría perfeccionando la capacidad para el cartelismo, aunque con cierta falta de espontaneidad.

Los cartelistas republicanos estaban vinculados previamente al cartelismo comercial Cabe destacar en particular al conjunto de los levantinos, catalanes y valencianos.

Josep Renau

A la cabeza de todo ellos, Josep Renau, pero muchos otros destacaron también como Bardasano, Alloza, Bas, Ballester, Goñi, etc.

Josep Renau es sin duda el más famoso de los cartelistas españoles, y al que la muestra de la Asociación Cultural Rey Ordoño I, rinde un homenaje especial en el centenario de su nacimiento. Nació en Valencia en 1907; estudió Bellas Artes en la capital valenciana y pronto trabajó para revistas y cartelería. En 1936 fue nombrado director general de Bellas Artes, y se encargó la tarea de defender el patrimonio artístico en la guerra. Él fue quien encargó importantes acciones de salvaguarda patrimonial.

Exiliado en México, en 1939, trabajó allí con Alfaro Siqueiros. Tras una corta estancia en Nueva York, en 1958 marchó a Berlín Este (R.D.Alemana). En su etapa berlinesa realizó importantes murales y participó en la Bienal de Venecia. A partir de 1976 viajó diversas veces a España para presentar obra en galerías de arte. Murió en Berlín, en 1982.

La muestra

La muestra que organiza la Asociación Cultural Rey Ordoño I en Villamejil, presenta une selección de carteles de los años de la Guerra Civil, elegidos por su significado o valoración artística, y articulados en los siguientes aspectos:

· Personajes

· El campesino

· El frente

· La retaguardia

· Mensajes para el mundo exterior

· Renau

La exposición esta abierta del 8 al 20 de agosto en el salón plenario del Ayuntamiento de Villamejil. En horario de tarde. El título de la muestra, Rojo y Oro, intenta aludir al sangriento conflicto que se vivió hace siete décadas y que coincidió con una edad de oro del cartelismo en España.

La Guia de Nueva York, en guiarte.com

10/07/2006, Guiarte.com ha añadido a su colección de grandes guias de ciudades una dedicada a Nueva York, realizada con interesantes textos y bellas fotografías de Miguel Angel Alvarez.

Nueva York, julio de 2006

Guiarte.com ha añadido a sus grandes guias de ciudades una dedicada a Nueva York, realizada con interesantes textos y bellas fotografías de Miguel Angel Alvarez.

Metrópoli de la modernidad, Nueva York es una ciudad que adquirió en el siglo veinte una suerte de capitalidad mundial; en la política, en la economía, en el arte...

En la Política, Nueva York es sede de la Organización de Naciones Unidas; en la economía, Wall Street significa bolsa y corazón del capitalismo mundial; en el arte, esta ciudad acabó con el liderazgo de París, ciudad de la que huyeron los artistas plásticos con ocasión de las dos guerras universales.

A todo ello, hay que añadir que ésta es ciudad de mezclas, sajona y latina; ciudad de experimentación urbanística; ciudad rascacielos...

Puerto de comercio con Europa, a esta urbe llegaron en el curso del XIX innumerables gentes de todo el universo, en busca de fortuna y oportunidades.

En torno a una ciudad portuaria surgió una gran ciudad financiera e industrial que creció hasta alcanzar la inusitada cifra de tres millones de habitantes cuando declinaba el siglo.

Italianos, germánicos, hispanos, chinos... la ciudad siguió creciendo en el siglo XX, convirtiéndose en la mayor de las urbes del planeta, título que le arrebataría Tokio, actualmente con una conurbación de unos 30 millones de habitantes.

De todo ello, el lector encontrará información en http://www.guiarte.com/nuevayork/ una nueva guía que se incorpora a el gran elenco de guiarte.com, y que han hecho de este medio uno de los más consultados por viajeros y amantes del arte de todo el mundo.

La alquimia de los herreros, en China.

10/07/2006, Julio González, Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro son los maestros de la exposición “La alquimia de los herreros”, que se exhibe hasta el 31 de agosto en Shangai (China),

Julio de 2006

Julio González, Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro son los maestros de la exposición “La alquimia de los herreros”, que se exhibe hasta el 31 de agosto en el Shangai Urban Planning Exhibition Center (SUPEC) de Shangai (China), y es el resultado de un convenio de colaboración entre el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y el Shangai International Culture Association (SICA).

La exposición, organizada por el IVAM con obras de Julio González, Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro pertenecientes a su colección, pone de manifiesto la importancia de la invención de la escultura en hierro en la obra escultórica de Julio González y la influencia que ha proyectado sobre sucesivas generaciones de escultores españoles que han empleado de manera recurrente el hierro, como Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro.

El catálogo de la exposición esta ilustrado con reproducciones de las obras seleccionadas para la muestra y contiene textos de Consuelo Císcar, Ángel Kalenberg, Tomàs Llorens, Vicente Jarque y Francisco Calvo Serraller.

Desde la constitución del IVAM, la obra de Julio González configura el núcleo fundacional de la colección del museo. Su obra introdujo nuevas referencias en la escultura, no sólo en España sino también en otros países, como demuestra el número de trabajos suyos que se encuentra en museos de todo el mundo. Junto a la obra de Julio González, la colección del IVAM alberga 18 obras de Andreu Alfaro, y tras la reciente donación del escultor Miquel Navarro que ha aportado 530 obras entre pinturas, collages, dibujos, esculturas y libros del artista, recientemente se han incorporado cinco obras donadas por Martín Chirino.

La Alquimia de los Herreros muestra una selección de los mejores trabajos de estos cuatro escultores. Además ofrece una descripción de su estética personal y proyecta los puntos de conexión entre ellos. En la muestra se establece un diálogo entre las esculturas y dibujos realizados por estos cuatro artistas fundamentales en la colección del IVAM y cuyas obras, reconocidas internacionalmente, son realzadas mediante esta presentación conjunta.

La península Ibérica fue un centro minero y metalúrgico de los más importantes del mundo. Y desde siempre, tanto en España como en China, la mística metalúrgica y la alquimia han experimentado relaciones de contigüidad. Por ello no puede resultar extraño que la mitología, que viene desde la Edad Media, rodeara a los herreros.

Es imposible imaginar la escultura moderna española sin remitirse a esa veta arcaica, animista, mágico primitivista, en la que subyacen indiscriminadamente arte y objetos tecnológicos. Así, las esculturas filiformes de Picasso poseen casi imperceptibles características antropomórficas, mientras Julio González con sus esculturas en chatarra enfrenta a la sociedad tecnológica moderna al apropiarse de sus procedimientos tecnológico-industriales y, paradójicamente, evocar el mundo mágico del herrero ibérico.

En los últimos años, Andreu Alfaro practicó una escultura que privilegiaba los contornos antropomorfos y era predominantemente lineal, inscribiéndose en la tradición de González de considerar a la escultura como “dibujo en el espacio”.

Martín Chirino se vincula con el trabajo de la forja del hierro: sus primeras esculturas son similares a herramientas y, entre las últimas, se encuentran tributos explícitos también en sus títulos:“Homenaje a Julio González”

Entre tanto, alguna de las “Ciudades” de Miquel Navarro, al valerse de huellas de desechos industriales, como perfiles de hierro y clavijas para estantes, testimonian su voluntad de inscribirse en la tradición de Julio González.

 

Crece megalitos.es

02/07/2006, La página megalitos.es continua creciendo de la mano de Miguel Moreno, colaborador de guiarte.com y notable experto en temas de arqueología

Julio de 2006

La página megalitos.es continua creciendo de la mano de Miguel Moreno, colaborador de guiarte.com y notable experto en temas de arqueología

En su última actualizaciónm presenta un recorrido por el valle de Aguas Tuertas, en el que se pueden contemplar más de veinte dólmenes, cromlech y menhires. También se acerca a Tella, a Villanúa y a otros valles pirenaicos. Por último, realiza otro pequeño recorrido por la sierra de Guara, para ver los dólmenes más meridionales de esta provincia.

En total, la página web http://www.megalitos.es/ incorpora 27 nuevos dólmenes, túmulos y menhires de la provincia de Huesca, que se unen a los casi 800 yacimientos de toda España, de Portugal y de otros países europeos.

Todas las fichas de monumentos incorporan fotografía y, siempre que es posible, se facilitan las coordenadas de GPS para una rápida localización de los monumentos.

La web http://www.megalitos.es/ nació para difundir los dólmenes de la provincia de Burgos, a la que continúa prestando un interés preferente. De hecho, 185 yacimientos corresponden a este ámbito geográfico. Pero también hay 60 dólmenes de Álava, 81 de Cantabria, 52 de Guipúzcoa, 85 de Navarra, 27 de Cáceres, 35 de Granada, 41 de Salamanca, además de otros ejemplares de Almería, Asturias, Ávila, Badajoz, Baleares, Castellón, Coruña, Gerona, Guadalajara, Huelva, Madrid, Málaga, Murcia, Orense, Palencia, Pontevedra, La Rioja, Segovia, Sevilla, Soria, Toledo, Valladolid, Vizcaya y Zamora.

 

Colección del BBVA, al IVAM

01/07/2006, Se presenta en el Instituto Valenciano de Arte Moderno(IVAM, hasta el 27 de agosto,la interesante colección Arte español del siglo XX de la colección BBVA

Valencia, julio de 2006 Se presenta en el Instituto Valenciano de Arte Moderno(IVAM, hasta el 27 de agosto,la interesante colección Arte español del siglo XX de la colección BBVA

Son 59 obras, entre pinturas, dibujos y esculturas, que ilustran el devenir plástico del arte español de los últimos 70 años del siglo XX, obras de pintores como Miró, Palencia, Saura, Tàpies, Antonio López, Carmen Laffón, Barceló, Manolo Valdés y escultores como Alfaro, Oteiza, Chirino, Schlosser o Leiro

La exposición, tras su estancia en Madrid, se presenta en el IVAM de Valencia, para viajar posteriormente a Oviedo, A Coruña y Sevilla, entre otras ciudades españolas. En la muestra se incluyen las dos últimas adquisiciones de la colección BBVA: un dibujo de Julio González y una arpillera de Manuel Millares

En los últimos años, y con el objetivo de difundir los principales fondos de la colección BBVA, se han organizado dos muestras: Del Gótico a la Ilustración y Del Romanticismo a la Modernidad, que han itinerado por varias ciudades españolas. Ahora, continuando con las dos exposiciones citadas anteriormente, se presenta Arte español del siglo XX en la colección BBVA, comisariada por el catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense, Francisco Calvo Serraller, y por Raquel Gutiérrez, directora Técnica Artística del IVAM, que han seleccionado 59 obras, casi todas pinturas, pero también dibujos y esculturas, que abarcan desde la década de los treinta hasta mediados de los noventa del siglo pasado, y que permite seguir la evolución de los artistas españoles durante más de medio siglo de plástica española.

La exposición arranca cronológicamente con artistas de la generación de la Segunda República y finaliza con obras de la segunda mitad de los años noventa. El recorrido comienza con algunos ejemplos de la vanguardia histórica española, representada localmente por obras de José Caballero, del que se presenta Día nada; de Pancho Cossío, con un puerto brumoso de 1957, cercano a lo informal; Díaz Caneja y un desolado paisaje castellano; y Benjamín Palencia, del que se exhibe un bodegón de 1930, que revela ese mundo íntimo que invita a la evocación. A éstos habría que unir aquellos que triunfaron fuera del país: Miró, con el gouache Gat i ma, 1970; Domínguez, y su visión esquemática en Pájaros mecánicos, 1952; Julio González, con un dibujo de 1941, titulado Mano y Cabellos, recientemente adquirido, en el que el artista barcelonés demuestra que nunca abandonó la representación más académica de la mujer; así como el collage de Esteban Vicente de 1981, en el que consigue equilibrar la calidad de las texturas con los elegantes tonos cromáticos elegidos. Todos ellos son una referencia obligada para ver la evolución del mejor arte español del siglo XX, ya que aportaron luz en el devenir cultural español.

Las corrientes de la segunda mitad del siglo XX

Tras la posguerra española, y más en concreto en la década de los cincuenta, se empezaron a dar las condiciones mínimas para incentivar el contacto con el exterior y que el arte que se hacía en España adquiriese una nueva pujanza, como la que supuso el informalismo o el grupo El Paso, muy bien representado en la colección BBVA con obras significativas de Saura, Millares, Rivera, Feito, Canogar o Martín Chirino. Otros nombres importantes presentes en la muestra son Lucio Muñoz, Palazuelo, Chillida, Oteiza y José Guerrero, que contribuyeron decisivamente al reconocimiento internacional del arte español de los años 50 y 60, superando el aislamiento de la década de los cuarenta. Este núcleo de artistas enlazó con la acreditada Escuela Española y con la experimentación de la abstracción, que se desarrolló activamente en Europa y Estados Unidos.

Sin embargo, y a la par que la vanguardia internacional de esos años se iba haciendo más compleja, algunos creadores españoles como Eusebio Sempere, Andreu Alfaro o Pablo Palazuelo, por citar tres artistas presentes en la exposición, optaron por una visión abstracta de carácter “normativo”, más constructiva y geométrica, mientras los escultores de ese período como Oteiza, Chillida o Martín Chirino, se emplazaron entre lo normativo y lo informalista, con rasgos muy diferenciados entre sí, aunque trabajando el hierro, que enlaza con el precedente de Pablo Picasso y Julio González.

En esas décadas de los 50 y 60 también se dio una tercera corriente, la de los llamados realistas, entre los que cabría destacar a Carmen Laffón, Antonio López García y Amalia Avia, entre otros, que también forman parte de la muestra. Todos ellos aúnan virtuosismo y una sensibilidad moderna para crear atmósferas que incitan a una variada experimentación.

Durante los años 60 y 70 continuaron su labor todos los creadores mencionados anteriormente, y a ellos se sumaron los artistas pop como Eduardo Arroyo y el Equipo Crónica, compuesto por Rafael Solbes y Manolo Valdés, y algunos creadores tan importantes como Manuel H. Mompó, Ràfols Casamada, Alfredo Alcaín o Luis Gordillo, que representan las principales corrientes internacionales de ese período. Un panorama más rico y plural, que se intensificó con la aparición de artistas conceptuales que cuestionaban la visión más formalista y ecléctica de otros grupos plásticos. Así, en la selección de Francisco Calvo Serraller, se pueden mencionar las piezas de Soledad Sevilla, Nacho Criado, Adolfo Schlosser, Eva Lootz, Miquel Navarro, Navarro Baldeweg, Broto, Carmen Calvo, Teixidor, Alcolea, Quejido, Carlos Franco, Pérez Villalta, Salinas o Juan José Aquerreta, que siguieron con notable actividad en las décadas siguientes.

Por último, ya en los ochenta y noventa puede señalarse la irrupción de una nueva generación de artistas, entre los que sobresale el triunfo internacional de Miquel Barceló, junto a otros creadores cosmopolitas que transitaban sin complejos como Sicilia, Víctor Mira, Juan Carlos Savater, Leiro, Urzay, Amat, Álvarez Basso, Mateo Charris o Martín Begué.

IVAM Institut Valencia d’Art Modern. Guillem de Castro, 118. Valencia. Del 23 de junio al 27 de agosto de 2006

 

Seacex

01/07/2006, Seacex, la sociedad estatal española para la promoción exterior, mantiene una notable actividad en todo el mundo, en la que figuran muestras interesantes

Madrir, julio de 2006

Seacex, la sociedad estatal española para la promoción exterior, mantiene una notable actividad en todo el mundo, en la que figuran muestras como las siguientes:

Albert Ràfols-Casamada

Sede: Queen Sofia Spanish Institute (Nueva York, EE.UU.)
Duración: hasta el 29 de septiembre
Sede anterior: Guadalajara (México)
Próxima sede: Roma (Italia)

La exposición acerca al espectador la obra de Albert Ràfols-Casamada, nacido en Barcelona (1923) y uno de los artistas catalanes contemporáneos más significativos y polifacéticos. Un auténtico clásico de nuestros días de indiscutida presencia internacional, no sólo por su amplia trayectoria pictórica, iniciada de manera profesional en 1946, sino también por su trabajo literario y poético

Don Quijote, arte español contemporáneo

Sede: Nasjonalmuseet for Kunst, Arkitektur og Design (Oslo, Noruega)
Duración: hasta el 13 de agosto
Sedes anteriores: Madrid y Albacete (España)

La exposición está formada por obras de nueva creación de veinte artistas españoles, de varias generaciones, y por tanto de muy diferentes estilos y técnicas, e inspiradas en algún motivo o pasaje de la inmortal novela de Cervantes.

INTOUCHABLE: L´IDÉAL TRANSPARENCE

Sede: Villa Arson (Niza, Francia)
Duración: hasta el 15 de septiembre
Próxima sede: Valladolid (España)

En la muestra, basada en la arquitectura transparente y de colores como demostración de la transformación política y moral de los individuos y de la sociedad, participan los artistas españoles Ignassi Abassí y Dora García.

La idea de esta exposición nace tras una proyección de diapositivas acompañada por la lectura de distintos capítulos del libro La arquitectura de cristal de Paul Scheerbart, un manifiesto de 1910 que defendía la arquitectura transparente y de colores como demostración de la transformación política y moral de los individuos y de la sociedad, y en el que se mezclaban tanto la utopía como la distopía.

Bernardí Roig

Sede: Kunstmuseum (Bonn, Alemania)
Duración: hasta el 27 de agosto
Sede anterior: Salamanca (España)
Próximas sedes: Praga (República Checa), Ostende (Bélgica)

La exposición comisariada por Pilar Ribal, reúne una selección 33 obras realizadas por el artista entre 2000 y 2005, en las cuales destaca el empleo de la luz de neón como recurso expresivo.

Ibn Jaldún. El Mediterráneo en el siglo XIV: Auge y declive de los imperios

Sede: Real Alcázar (Sevilla, España)
Duración: hasta el 30 de septiembre
Próximas sedes: Nueva York (EE.UU.), París (Francia)

Esta muestra tiene como objetivo conocer mejor, en el cuarto centenario de su muerte, lo que fue la vida y obra de Ibn Jaldún, el “padre” de la sociología de la historia, paradigma de encuentros y desencuentros, auges y declives, en todo tiempo y lugar.

Pedro Almodóvar

Sede: La Cinémathéque Française (París, Francia)
Duración: hasta el 31 de julio

La exposición propone un recorrido a través de diferentes objetos fetiche de la obra de Pedro Almodóvar como carteles, fotografías, anuncios, decorados, efectos sonoros y extractos de películas. Una lectura vívida y lúdica sobre una de las obras visuales y plásticas más estimulantes del cine contemporáneo.

Equipo Crónica

Sede: Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO (Bogotá, Colombia)
Duración: hasta el 9 de julio
Sedes anteriores: Montevideo (Uruguay), Asunción (Paraguay), Buenos Aires (Argentina), Rosario (Argentina), Santiago de Chile, Säo Paulo (Brasil)

Lienzos, acrílicos, obra gráfica y escultura son los protagonistas de esta muestra para la que se han seleccionado un variado número de obras de la Colección del Equipo Crónica que posee el Instituto Valenciano de Arte Moderno, la más importante que existe

 

El atún rojo desaparece del Mediterráneo

20/06/2006, La pesca del atún rojo en el Mediterráneo está en un momento crítico. La sobrepesca ha llevado a una situación insostenible. WWF/Adena apuntó en uno de sus estudios que la población de la especie ha descendido en un 80 por ciento en las últimas tres

junio de 2006

La pesca del atún rojo en el Mediterráneo está en un momento crítico. La sobrepesca ha llevado a una situación insostenible. WWF/Adena apuntó en uno de sus estudios que la población de la especie ha descendido en un 80 por ciento en las últimas tres décadas.

El barco Esperanza, de la organización ecologista greenpeace, ha visitado algunos de los principales caladeros de atún de la región, incluyendo las Islas Baleares, el Norte de Egipto y el sur de Turquía. Esta organización ha analizado la actividad de las principales flotas en el Mediterráneo, especialmente la francesa, española y turca, ha hablado con los capitanes de los barcos pesqueros y ha constatado las evidencias del mal estado de la pesquería en toda la región.

La situación es muy preocupante. El Esperanza pasó una semana con las flotas francesa y española y éstas apenas encontraron atún. La flota turca está preocupada por el descenso en el tamaño del atún que capturan, que es evidente pese a que sólo han estado pescando en esta zona durante los últimos cinco años.

"La industria pesquera no ha aprendido nada del agotamiento del bacalao en Terranova o del atún rojo en el Atlántico occidental. Simplemente repiten los mismos errores del pasado en una carrera por capturar los últimos atunes. Puede que ahora estemos presenciando el colapso de la pesquería de atún rojo en el Mar Mediterráneo", -afirmó Sebastián Losada, responsable de la campaña a bordo del Esperanza. "La intensa sobreexplotación del recurso en la pasado década por parte de empresas sin escrúpulos ha provocado una crisis aguda y la Comisión Internacional para la Conservación del Atún Atlántico (ICCAT), encargada de regular la pesquería, ha mostrado ser completamente incapaz de hacer cumplir las normas".

En mayo, Greenpeace publicó un informe denunciando el grave agotamiento del atún rojo en el Mediterráneo y demostrando que hasta 45.000 toneladas de atún rojo podrían haber sido capturadas en 2004 y 2005, pese al hecho de que sólo 32.000 toneladas pueden capturarse legalmente. Durante el pasado mes, los pescadores con los que Greenpeace ha hablado admitieron que las cuotas no se respetan y que no existe un control efectivo sobre la pesquería.

Otras evidencias de la mala gestión de la pesquería encontradas por Greenpeace incluyen la presencia de palangreros japoneses faenando al Sur de Sicilia en el mes de junio, en el que la pesca de atún rojo está prohibida, o actividades de trasbordo de pescado que proporcionan una puerta abierta para que las capturas ilegales puedan llegar al mercado sin ser debidamente controladas

Greenpeace demanda a los países del Mediterráneo la protección del atún rojo en sus zonas de reproducción así como medidas que garanticen un control efectivo de la pesquería :

- Un programa de recuperación del atún rojo a largo plazo basado en el principio de precaución, que incluya una reducción sustancial de la cuota de atún rojo y la protección de las zonas de reproducción de la especie.

- Un nuevo tamaño mínimo de captura que se ajuste a la edad de madurez sexual de la especie.

- La expansión del cierre de la pesquería para garantizar un descenso inmediato y controlable del esfuerzo pesquero sobre la población.

- Un programa independiente de observadores tanto a bordo de los buques atuneros como en las granjas de engorde de atún que registre y comunique las capturas para asegurar que no se capturan juveniles, que la cuota es respetada y que la información necesaria para gestionar de forma sostenible la pesquería está disponible.

Las autoridades políticas van tomando nota del problema. Andalucía, cuyas pesquerías atuneras ya tenían fama hace 2000 años, constata la bajada del negocio. El consejero de Agricultura y Pesca del gobierno regional pidió a la UE un plan de recuperación del atún rojo para que las cuatro almadrabas andaluzas puedan seguir instaladas y dar empleo, trabajo y, sobre todo, proporcionar un producto transformado con el valor añadido.

El problema de las granjas de engorde

Una nueva práctica en el Mediterráneo (el engorde de atún) está amenazando al atún rojo.

Esta especie –dice WWF-Adena- ha sufrido durante años una considerable presión y su población ha ido disminuyendo. En estos momentos, el engorde de atún ha abierto una nueva sección en el mercado japonés, que ha supuesto un aumento mayor de la demanda de atún rojo, y ha incrementado, aún más, la amenaza sobre sus poblaciones salvajes.

El rápido aumento de esta actividad ha modificado las estrategias de pesca en el Mediterráneo. Casi todas las capturas de la flota de cerco de atún, en lugar de venderse directamente, ahora se transfieren a las jaulas de engorde. Esta nueva práctica ha deteriorado notablemente la fiabilidad de las estadísticas de captura (un grave problema que dificulta en gran medida los esfuerzos para gestionar la población de atún rojo del Atlántico Oriental).

El aumento en la demanda está incrementando la presión pesquera por parte de las flotas de cerco (flotas industriales y altamente tecnificadas) hasta el punto de que tanto la industria de extracción como de engorde sufren ya claramente un problema de sobrecapacidad. Esta situación está promovida y apoyada por subsidios públicos proporcionados por la UE a las granjas de engorde y a las flotas.

La demanda de pequeños peces pelágicos del engorde de atún ha aumentado, por otra parte, la presión sobre sus stocks. Algunas de estas pesquerías están mal reguladas y afectan a poblaciones ya en declive, como la anchoa. Esto se ve agravado por ser la actividad del engorde de atún altamente despilfarradora debido al bajo factor de conversión del atún (se necesitan elevadas cantidades de alimento para producir un kilogramo de atún), lo que acarrea un importante impacto ecológico.

WWF/Adena advierte ahora que, a menos que la presión pesquera disminuya de forma significativa y el engorde de atún sea regulado por los organismos responsables de su gestión, el stock de atún rojo del Atlántico oriental podría desaparecer comercialmente en los próximos años.

 

Durero y La fiesta de la guirnalda de rosas

18/06/2006, La capital checa acoge la muestra “Alberto Durero, La fiesta de la guirnalda de rosas. 1506 - 2006", en conmemoración de los 500 años de la creación de esta obra maestra de la pintura

Praga, 18 de junio de 2006

La capital checa acoge la muestra “Alberto Durero, La fiesta de la guirnalda de rosas. 1506 - 2006", en conmemoración de los 500 años de la creación de esta obra maestra de la pintura.

Hasta finales de septiembre la Galería Nacional de Praga reúne más de 100 obras góticas y renacentistas en torno a la pintura "The Feast of the Rose Garlands", incluyendo cuadros, dibujos y grabados del propio Durero, así como de su círculo artístico.

La exposición está dividida en cuatro secciones, correspondientes a las diferentes etapas que ha atravesado esta renombrada obra a través de la Historia: desde su elaboración en Venecia en 1506 hasta la adquisición de la pintura por parte del estado checo.

La fiesta de la guirnalda de rosas es una obra clave del arte europeo, que en su momento brindó fama y reconocimiento al pintor flamenco, hoy en día considerado uno de los grandes maestros de la pintura del Renacimiento.

Datos del pintor

Durero (1471-1528) nació y murió en Nuremberg, uno de los centros culturales más importantes de Alemania, íntimamente ligado a los inicios de la imprenta y al desarrollo del grabado. Su padre era un destacado orfebre, proveniente de Hungría, lo que ya le condicionó sobre el ambiente cultural de los inicios de su vida (El padrino del pequeño fue Antón Koberger, destacado impresor). Pronto despuntó por su capacidad para el dibujo y trabajó como aprendiz en el taller de Michel Wolgemut, notable grabador de la ciudad, donde dominó la técnica de la xilografía.

Era el año 1490 cuando partió de su ciudad natal en su gira hacia los Países Bajos y la región del Rin. A lo largo de dos años visitó centros como Nordlingen, Colmar, Basilea y Estrasburgo. Su viaje a Colmar estaba guiado por el interés de ver a Martín Schongauer, destacadísimo grabador. Pero llegó poco tiempo después de su muerte. Aún así, los hermanos de Schongauer –que mantenían abierto el taller- le permitieron conocer a fondo la obra del maestro de Colmar.

Después de un tiempo radicado en Estrasburgo, en 1493 volvió a Nuremberg, cuando sus padres formalizaron su compromiso matrimonial. De ésta época es un magnífico autorretrato, de pose arrogante. El matrimonio no fue bien, y poco después de la boda se marchó a Italia, donde quedó influido por la obra de Mantenga y de Bellini.

Estos viajes fueron cruciales para el artista de Nuremberg. En Italia quedó impresionado por el colorido y por los volúmenes de las figuras. Se interesó por la estatuaria clásica, y comenzó a investigar los temas de la perspectiva y la proporción. En estos periplos tomó magníficas acuarelas sobre sencillos motivos paisajísticos. Realmente magistrales, aunque él no soliera firmarlas, al considerarlas meros apuntes.

Durero tomaba apuntes de todo: flores, objetos, animales... hasta pintó un rinoceronte con testimonios ajenos. También se interesó por la pintura al óleo sobre lienzo (en lugar de la tabla). Con todo el amplio bagaje de conocimiento, en 1494 ya abrió un taller en su ciudad natal, que pronto tuvo notabilísimo prestigio y una fecunda actividad. El propio elector de Sajonia, protector de Lutero, viajó a Nüremberg para encargarle un retrato y una obra religiosa. Pero, aparte de los óleos, en esta época cobraría una inmensa fama como grabador, merced a las xilografías del Apocalipsis.

Fuerza, intensidad y fantasía se juntan en estos trabajos que despertaron un inusitado interés en una Alemania convulsa por los problemas religiosos que iban a dar paso a la reforma protestante. Eran las vísperas de la temida fecha del 1.500, cuando muchos milenaristas estaban agitados ante el previsible Juicio Final... Durero tenía una intensa religiosidad, y no estaba ajeno a aquella proliferación de predicaciones.

Con ocasión de una gran peste, en 1505, deja su ciudad para volver a Venecia, donde triunfa como pintor, aunque es mal recibido por los artistas locales que ven en él a un peligroso intruso. Luego viaja a Florencia y Roma. Tiene oportunidad de conocer la obra de Leonardo, que le influiría también, y la de Rafael. En 1507, ya de vuelta del viaje, pinta Adán y Eva, obras cruciales porque revelan cómo está preocupado por los cánones de belleza y armonía.

En los cuadros de Adán y Eva alarga su canon anterior e –influido por los italianos.- otorga mayor carnalidad a las figuras. Es destacable la capacidad franca y directa con las que aborda el tema del desnudo, aunque aún late en él la reflexión moral, con la cartela que pone al lado de Eva, recordando a la Virgen madre, la nueva Eva (el mundo gótico late bajo el Renacimiento). Estos cuadros fueron propiedad del ayuntamiento de Nuremberg y acabaron en la corte española, regalados por la reina Cristina de Suecia. Hoy están en el museo del Prado.

La fama del artista sigue creciendo y en 1514 el emperador Maximiliano I le encargó obra, otorgándole una pensión vitalicia que en 1520 refrenda su sucesor, Carlos I, a quien ve en Aquisgrán con ocasión de su coronación.

A partir de esta época, el tema religioso sería uno de los que agitaría el alma de Durero, como a la sociedad alemana. El pintor se mostró favorable a le revolución espiritual, pero las convulsiones sociales y políticas se tradujeron en alguna obra como su acuarela con el sueño del fin del mundo. En 1528 Durero murió. En ese mismo año se publicaría su gran tratado sobre proporciones.

La Fiesta de la guirnalda de rosas

La Fiesta de la guirnalda de rosas es una de las obras más atractivas de Albarte Durero, pintada en Venecia en 1506. En ella –sin duda- se une la tradicional maestría de Durero con un colorido especial, sin duda influido por los maestros venecianos.

Un siglo después de ser pintada, la obra fue adquirida por Rodolfo II y trasladada a Praga. Quedó deteriorada por algunos avatares históricos (entre ellos la guerra de los 30 años, y ha sufrido varias restauraciones.

El emperador Rodolfo II la instaló en 1606 en el castillo de Praga, luego pasó por diversas manos privadas hasta que el estado checo la adquirió en 1930.

Se dice de la obra que es una de las mejores del artista de Nuremberg, pues en ella aúna la precisión y fuerza del dibujo y la cálida suntuosidad del color veneciano.

Sede de la muestra: Escuela de Equitación Waldstein de la Galería Nacional de Praga, desde el 21 de junio hasta el 1 de octubre 2006, todos los días de 10:00h a 18:00h (lunes cerrado)

 

Klimt

17/06/2006,

  

Las mujeres de Kimt

15/06/2006, La exposición “Gustav Klimt 1862 – 1918. Mujeres” ha sido traída a Madrid por la Fundación Mapfre, y constituye un buen paso para adentrarse en el complejo mundo femenino que tanto gustó a este pintor simbolista austriaco

Madrid, junio de 2006

Por Ana Alvarez

La exposición “Gustav Klimt 1862 – 1918. Mujeres” ha sido traída a Madrid por la Fundación Mapfre, y constituye un buen paso para adentrarse en el complejo mundo femenino que tanto gustó a este pintor simbolista austriaco

La exposición se inauguró el 15 de junio y estará abierta hasta el 3 de septiembre. Es comisaria Annette Vogel. Está en la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre (Avd. General Perón, 40, Madrid)

La muestra presenta un centenar de dibujos de Gustav Klimt, centrados exclusivamente en la imagen de la mujer. La mayor parte de ellos son desnudos, con un carácter fuertemente erótico.

Las bellas mujeres dibujadas comparten el espacio con desnudos demujeres ancianas y embarazadas y con estudios preparatorios para sus grandes lienzos. La exposición se completa con un conjunto de retratos femeninos

Los dibujos representan una parte esencial de la obra de Gustav Klimt; permiten asistir al proceso de creación de sus obras más importantes y, gracias a ellos, compartimos con el artista sus anhelos, sus rectificaciones y sus hallazgos.

Gustav Klimt representa, sin duda, el capítulo más brillante del arte vienés de finales del siglo XIX e inciios del XX. Nació en el entorno de Viena, ciudad en la que estudió, en la escuela de Artes y Oficios, y donde también aprendió artes decorativas

fundador de la Secesión, Klimt acostumbra a pintar mujeres desnudas o recubiertas por curiosos elementos decorativos en los que no falta la profusión del oro, flores y misteriosas geometrías. Esas mujeres, un tanto hieráticas y etéreas, parecen a veces semidiosas, bañadas por ese extraño y colorista oropel.

Amado y criticado –especialmente por una sociedad que veía obscenidades y subversiones en su arte, fue el máximo exponente vienés del Art Nouveau. Su pintura combina un exquisito preciosismo con intelectualidad y hondura en el sentimiento. Sus lienzos, escrupulosamente preparados, aún consiguen conmovernos profundamente, quizás porque son la expresión más sincera del momento histórico que le tocó vivir: un periodo de tensiones, y de cambios, del que nacerá el mundo moderno, y en el que también se transformará el arte y la percepción del mismo.

Si sus lienzos llaman la atención por su aire preciosista, mural y decorativo, los dibujos destacan por su inmediatez y espontaneidad. Resultan, por tanto, la expresión más sincera del temperamento apasionado del artista.

El carácter fuertemente erótico de la mayor parte de sus dibujos le valió en muchos momentos el apelativo de artista obsceno. De hecho, en sus dibujos aparecen de forma explícita buena parte de los tabúes sexuales de la época. Esto propició una infinidad de leyendas en torno al ambiente de relajación sexual que se respiraba en el taller del artista, e incluso provocó que el propio Klimt se alejara de la vida pública.

Sin embargo, los dibujos de Klimt son mucho más que una mera representación del profundo erotismo que se respiraba en los ambientes artísticos de la Viena finisecular (Es una Viena también en la que Freud aporta sus análisis en los que el sexo es un motor primario de la acción humana).

El recorrido por la exposición comienza con un conjunto de dibujos al carboncillo, que responden al periodo más académico de Klimt. Un segundo grupo de obras significativo está compuesto por dibujos preparatorios para sus grandes lienzos. Cabe destacar un espléndido boceto para uno de los personajes de La Medicina, uno de los polémicos paneles que Klimt realizó para la Universidad de Viena, así como otro estudio preparatorio para Tragedia.

Klimt prestó una inusitada atención a la belleza femenina en decadencia. Así, destacan diversos dibujos de mujeres ya ancianas, con los cuerpos ajados, muchos de los cuales le servirían como ensayo para Las tres edades de la mujer.

También retrató, con extrema delicadeza, una serie de mujeres embarazadas, algunas de las cuales remiten a su famoso lienzo Esperanza.

Los retratos femeninos, que ocupan una parte fundamental de la producción pictórica del artista, se plantean sobre el papel a través de una serie de mujeres sentadas con poses que denotan una fuerte libertad. Los rostros, apenas esbozados, destacan los labios carnosos, y permiten adivinar la impenetrabilidad de estas mujeres.

Los desnudos ocupan, sin duda, el grupo de mayor importancia. La obra sobre papel de Klimt está protagonizada por mujeres desnudas, de pie o tumbadas, distantes y ensimismadas, abandonadas a su intimidad más absoluta. No miran al espectador, salvo excepciones, aparecen naturales y lejanas a la vez, tal vez sorprendidas en su desnudez por el artista convertido en voyeur

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El paraíso de Tintoretto

07/06/2006, Del 8 de junio al 27 de agosto, y con el título “Tintoretto. El Paraíso”, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición organizada conjuntamente con el Museo del Louvre y los Musei Civici Veneziani

Madrid, junio de 2006, por Ana María Alvarez

Del 8 de junio al 27 de agosto, y con el título “Tintoretto. El Paraíso”, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la exposición número 19 de la serie Contextos de la Colección Permanente, organizada conjuntamente con el Museo del Louvre y los Musei Civici Veneziani.

La pequeña muestra gira en torno al gran lienzo de Tintoretto perteneciente a la colección Thyssen y habitualmente expuesto en el hall central del Museo, y al concurso convocado para decorar la gran sala del Consejo del Palacio de los Dux de Venecia, en el siglo XVI.

A finales del Siglo XVI, Venecia se encontraba sumida en una mala racha: Una peste acababa de diezmar considerablemente su población, y se había llevado entre otros a un pintor muy estimado de la época: Tiziano.

Poco después, un incendio en el Palacio de los Dux destruyó por completo la sala del Gran Consejo, la más representativa del edificio. Para suplir el fresco que presidía el salón se convocó en el año 1582 un concurso en el que se presentaron también algunos de los artistas más importantes de la última mitad del siglo XVI, como Francesco Bassano, Palma el Joven o Veronés.

El concurso dio como resultado a dos ganadores: Veronés y Francesco Bassano. La muerte de Veronés y el hecho de que Bassano tuviera dificultades para abordar un proyecto de tal magnitud fue aprovechado por Tintoretto, que presentó una nueva propuesta distinta a la primera. En el primer boceto del artista se puede observar un orden celeste, mientras que en su segundo boceto la composición es más confusa y caótica.

La presente exposición permite al visitante observar las formas de interpretación y resolución, por parte de tres artistas distintos, de un mismo tema con sus limitaciones espaciales y basándose en el gusto e iconografía de la época. Tambien permite ver la evolución de la propia pintura de Tintoretto, de su primera propuesta a la ultima.

Tras su paso por el Museo del Louvre y su presentación en Madrid – donde cuenta con el patrocinio del Banco Simeón y Fidelidade–, la exposición podrá verse en el propio Palacio Ducal de Venecia.

Tintoretto. El Paraíso reúne los trabajos ganadores del concurso, de Veronés y Bassano y que conocemos gracias a los bocetos conservados en el Museo de Bellas Artes de Lille y el Museo Ermitage de San Petersburgo, respectivamente, junto a la composición de Palma El Joven, procedente de la Biblioteca-Pinacoteca Ambrosiana de Milán, y los dos realizadas por Tintoretto, pertenecientes a las colecciones del Louvre y del Museo Thyssen-Bornemisza.

La inauguración oficial, el día 7 de junio, contó con la narración de La historia de El Paraíso del palacio de los Dux de Venecia, a cargo de Jean Habert, conservador jefe del Departamento de Pintura del Museo del Louvre.

 

Picasso en El Prado y el Reina Sofía

04/06/2006, Picasso ya está en el Prado, pero por un evento especial, la gran exposición conmemorativa del XXV aniversario de la llegada del Guernica a España.

Madrid, junio de 2006

Picasso ya está en el Prado, pero por un evento especial, la gran exposición conmemorativa del XXV aniversario de la llegada del Guernica a España.

Esa llegada –dice la ministra de Cultura española en el catálogo de la muestra- es un símbolo de la culminación de la transición política española, y por ello se ha convocado a los dos grandes museos nacional de la capital española –el Prado y el Centro de Arte Reina Sofía- para abordar una muestra que presenta al artista malagueño como enlace entre vanguardia y la tradición.

Un sueño de Pablo Picasso era que su obra conviviera con los clásicos. Con Picasso. Tradición y vanguardia"(6/6/2006 - 3/9/2006) muestra en la que colaborarán el Museo del Prado y el Reina Sofía, lo consigue.

En ambas sedes, más de un centenar de obras representan a las distintas etapas del artista. Lo novedoso es la profunda relación que muestran entre lo clásico y la modernidad.

En la calería central del Prado, Picasso se “enfrenta” a los grandes maestros del pasado; en tanto que en el centro de Arte Reina Sofía, en torno al Guernica, el amante del arte examina la relación del artista con la violencia, en una mirada que relaciona al propio artista malagueño con Goya.

La directora del Reina Sofía, Ana Martínez de Aguilar, destacó que estamos ante una muestra irrepetible.

El director del Prado, Miguel Zugaza, dijo que la exposición permitirá mostrar a Picasso como un gran maestro clásico, visitar un Prado más moderno que nunca y un Reina Sofía en el que se podrá apreciar cómo entre Francisco de Goya y Picasso empieza y culmina la pintura moderna.

Zugaza tambien calificó de especial el encuentro de Picasso con Las meninas, cuando nos hallamos ante el 350 aniversario de la realización de esta magnífica obra de Diego Velázquez.

UN RECORRIDO MAGNÍFICO

El recorrido de la exposición, coproducida por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Estatales(SECC), comienza en el Prado, que exhibe en su Galería Central un grupo de obras maestras del pintor español flanqueadas por una selección especial de obras de los maestros antiguos representados en sus colecciones. Entre las pinturas que podrán contemplarse en este inédito diálogo de Picasso con el pasado se incluirán La Vida (1903) del Cleveland Museum of Art y El niño con el caballo (1906) del Museum of Modern Art de Nueva York; Panes y frutero con frutas sobre una mesa (1908-1909) y El aficionado (1912) del Kunstmuseum de Basilea; Autorretrato con paleta (1906) y Tres músicos (1921) del Philadelphia Museum of Art; La flauta de Pan (1923) del Musée Picasso de París; La alborada (1942) del Centre Georges Pompidou de París o Las Meninas (1957) del Museu Picasso de Barcelona.

Por su parte, en Museo Reina Sofía, la exposición adquiere un carácter monográfico en torno al Guernica y su legado, reunidos ahora junto a otras obras relevantes de la respuesta artística de Picasso a las dramáticas circunstancias de las guerras contemporáneas como El Osario (1945) del Museum of Modern Art de Nueva York, y la Masacre en Corea (1951) del Musée Picasso de París. En este marco excepcional el Reina Sofía ha convocado a otros dos de los iconos contemporáneos de la condena a la violencia, la Ejecución de Maximiliano (1868-1869) de Edouard Manet, del Städtische Kunsthalle de Mannheim, y Los fusilamientos del 3 de mayo (1814) de Francisco de Goya, del Museo del Prado, que junto al Guernica compondrán una imagen irrepetible sobre los desastres de la Guerra.

La exposición está comisariada por Carmen Giménez y Francisco Calvo Serraller

 

Juan de Bolonia, en Viena

03/06/2006, La belleza de las esculturas de Juan de Bolonia entusiasmaba a los Medici en el siglo XVI:, ahora, ese arte se podrá admirar del 27 de junio al 17 de septiembre de 2006 en el Museo de Bellas Artes de Viena

Viena, junio de 2006

La belleza de las esculturas de Juan de Bolonia entusiasmaba a los Medici en el siglo XVI:, ahora, ese arte se podrá admirar del 27 de junio al 17 de septiembre de 2006 en el Museo de Bellas Artes de Viena.

La muestra se realiza en colaboración conjunta con el museo Florentino de Escultura y el Nacional del Bargello, aportando en conjunto una importante selección de obras, desde monumentales piezas de mármol y bronce a trabajos de pequeño formato de este artista que, afanado por conseguir la imagen humana ideal y la pose perfecta, marcó el arte escultórico europeo hasta bien entrado el siglo XVII.

Se presentan esculturas de tamaño real, además de numerosas figuras de bronce pequeñas, entre ellas “La Venus después del baño“, así como modelos de cera y terracota. Aparecen en esta exposición, la más importante sobre el autor celebrada en los últimos 30 años, préstamos privados de todo el mundo, en parte nunca mostrados al público,.

Juan de Bolonia

Nacido en Douai en 1529, Juan de Bolonia, Jean Boulogne o Giambologna, se trasladó a Mons para aprender junto a Jean Dubroecq. Viajo a Italia en 1550, con objeto de conocer el arte de la antigüedad, paso tiempo en Roma y sobre todo en Florencia, donde murió en 1608.

Su estancia en Italia le permitió entrar con el arte antiguo y también con Miguel Angel, de quien aprendería bastante en el tratamiento de la figura humana.

El artista figuró entre los escultores de más éxito del Renacimiento tardío. Consiguió triunfar en la corte de los Medici, tan interesados por el arte, quienes se asombraron ante los impactantes en mármol y bronce plenos de gracia y movimiento que hacía este artista que en buena medida, ocupó un espacio que quedó vacío en La Toscana con la marcha de Miguel Angel.

En Florencia ejerció notable influencia. Allí dejó "El Rapto de la Sabina", una de sus obras cumbre, en la que se descubre su genio en el tratamiento del movimiento, con ese sentido helicoidal de la estatua, reforzado por la posición de las manos de la mujer desnuda raptada, cuyo ademán parece una súplica a los dioses. Más que un rapto, el conjunto pareciera una danza. Rastros manieristas, gestos ampliados, figuras alargadas, confluyen con el movimiento de las tres figuras, para generar una obra que ha sido estudiada e imitada durante mucho tiempo.

Realizó otras esculturas de temas religioso y profano: Mercurio, Venus... siempre con ese estilo ágil e innovador.

Kunsthistorisches Museum(Museo de Bellas Artes), I, Maria-Theresien-Platz.
www.khm.at
Tel. +43–1–525 240

 

Bruegel y Bruselas

31/05/2006, Pieter Bruegel el Viejo(1525-1569) es una de las glorias de Bélgica. Este año se le rinde un homenaje múltiple del que pueden disfrutar los viajeros a este pequeño país europeo

Bruselas, mayo de 2006

Pieter Bruegel el Viejo(1525-1569) es una de las glorias de Bélgica. Este año se le rinde un homenaje múltiple del que pueden disfrutar los viajeros a este pequeño país europeo.

Las escenas costumbristas de este pintor, llenas de gracejo e ironía, siguen despertando la admiración en nuestro tiempo. En sus cuadros está lo eterno, lo vulgar, lo pícaro. Es un genio del siglo XVI, que a veces recuerda a las obras de El Bosco.

De familia de artistas, Bruegel retrata escenas costumbristas de la vida cotidiana que rayan en lo absurdo y vulgar pero con la calidad de un gran maestro. Es, sin duda, uno de los más grandes artistas flamencos del siglo XVI.

Su pintura se ha comparado a veces con la de El Bosco, quien comparte a veces un sentido moral y dramático de la existencia, como lo prueba su obra El triunfo de la Muerte.

Pero más que por este tipo de cuadros, Bruegel es conocido por sus escenas costumbristas llenas de comicidad, como se pone de manifiesto en obras como La boda o Los proverbios.

No se conoce en exceso su vida. Se sabe que viajó a Italia y que no tuvo un prestigio muy grande en su época, aunque si influyó en diversos artistas. Viajo a Italia y de su periplo dejó diversos dibujos. De hecho, otra línea habitual de trabajo del artista es la de las actividades campesinas y los paisajes. Una de las obras de esta clase, Paisaje nevado, es sumamente popular cada año entre las felicitaciones navideñas.

De mayo a septiembre, Bruselas presenta cinco exposiciones con Bruegel como protagonista.

BRUEGEL, el museo imaginario (Biblioteca Real de Bélgica, Bruselas - Galería Houyoux. Mont des Arts.1000 Bruselas. Tél. + 32 (0)2-519 53 98) conduce al visitante hacia el universo del pintor, en una muestra que consta de reproducciones de cuadros originales a tamaño natural.

BRUEGEL, en blanco y negro (Biblioteca Real de Bélgica, Bruselas - Capilla de Nassau) presenta una serie de dibujos originales, que dieron lugar a aguafuertes y grabados, en los que se descubre el universo mental de este pintor del XVI

BRUEGEL y su época, (Castillo de Gaasbeek Kasteelstraat 40 1750 Gaasbeek Tél. +32 (0)2-531 01 30). En este edificio, que perteneció al conde de Egmont, vinculado a la lucha antiespañola, se recuerdan los aspectos del territorio en el siglo XVI, referidos a la cultura popular y la situación política y confesional, así como la revuelta contra la dominación española.

BRUEGEL inspirador (Hof van Melijn, Tervuren. Melijndreef 6 3080 Tervuren. Tél. +32 (0)2-769 20 13). La difusión de estampas propició el conocimiento de Bruegel entre las distintas capas sociales, nobles, eclesiásticas y popular. Esta exposición muestra como los trabajos del artista influyeron en el arte del territorio desde el fin del XVI al siglo siguiente, en cuadros de género y paisajes.

BRUEGEL revisitado(Dominio de Bouchout, Jardín Botánico Nacional de Bélgica, Meise. Nieuwelaan 38. 1860 Meise. Tél. +32 (0)2-260 09 70) Mediante fotografías, instalaciones, videos, etc. un grupo de artistas belgas de nuestro tiempo se plantean cómo serian las obras de un Bruegel del siglo XXI.

Guía de bruselas: http://www.guiarte.com/bruselas/

Pagina web sobre las exposiociones: http://www.brueguel06.be

 

Max Beckmann en el Guggenheim

28/05/2006, Dominio técnico, color y una visión más amable de la vida son algunas de las características de la obra de Max Beckmann que expone el Guggenheim de Bilbao hasta el 17 de septiembre

Dominio técnico, color y una visión más amable de la vida son algunas de las características de la obra de Max Beckmann que expone el Guggenheim de Bilbao hasta el 17 de septiembre.

La sobresaliente producción artística de Max Beckmann se ha destacado en numerosas exposiciones importantes durante las últimas décadas pero todavía queda por realizar una valoración de Beckmann en tanto que “pintor sobre papel”.

En esta exposición que se prolongará hasta el 17 de septiembre el Museo Guggenheim Bilbao presenta cerca de 70 acuarelas y pasteles, algunos de gran formato, y brinda la oportunidad de contemplar piezas que han estado diseminadas y a menudo escondidas que subrayan la importancia que estas obras tienen para el artista y revelan aspectos esenciales de su método de trabajo a través de una técnica que con frecuencia se describe como “efímera”.

En contraste con sus pinturas, en las que a menudo aparecen condensados los problemas de la historia y de la existencia humana, las acuarelas de Beckmann dejan traslucir el humor del artista, su lado más amable, y una espontaneidad cautivadora, revelando nuevos aspectos de este gran maestro del arte moderno que habían sido poco apreciados hasta ahora.

Los comisarios de la exposición Mayen Beckmann —nieta del artista— y Siegfried Gohr, autores también del catálogo razonado que acompaña a la muestra, explican que: “La elaboración del catálogo razonado de las obras sobre papel de Beckmann, que se ha prolongado más de diez años, ha demostrado que estas piezas no parafrasean ni complementan las pinturas del artista, sino que a menudo anuncian algo nuevo. En ellas el pintor se retira y nos hallamos ante un creador que trabaja con una cierta ligereza, admite el humor y sabe cómo sucumbir a la magia del momento. Por ello, la imagen de un artista que sufre por los problemas de la historia y de la existencia humana se enriquece con nuevas y sorprendentes facetas. Y, por último, pero no por ello menos importante, las obras sobre papel de Beckmann ilustran su formidable dominio técnico de un modo especialmente impresionante”.

Inspirándose en la historia contemporánea, la mitología y en su biografía personal, Max Beckmann (Leipzig, 1884–Nueva York, 1950) creó un conjunto de obras que se encuentra entre los logros creativos iconográficos más importantes del arte moderno. Sin embargo, hasta 1980 su obra no logró el reconocimiento que le ha hecho merecedor del renombre que tiene hoy en día. Retrospectivas recientes realizadas en Nueva York, Zúrich y París han suscitado un nuevo interés por la obra de Beckmann.

Max Beckmann realizó pinturas y dibujos, pero no acuarelas y pasteles, en todas las fases de su carrera. Desde sus inicios hasta 1914 casi toda su energía artística se concentró en la pintura. Plasmó la terrible experiencia vivida en la guerra en dibujos y grabados. Él fue voluntario en el servicio médico en 1915 y estuvo de permiso tras sufrir un colapso nervioso antes de que lo dieran definitivamente de baja del ejército.

Atormentado por sus recuerdos, Beckmann llevó a cabo una radical transformación estilística hacia un arte expresivo en el que la deformación y la incertidumbre se hicieron manifiestas en la técnica del artista y en sus medios de representación, por ejemplo en la descomposición del espacio pictórico y de la perspectiva central, en la fragmentación y en el choque violento de líneas expresivas. Para poder asimilar los incidentes presenciados durante el infierno de la guerra, Beckmann recurre frecuentemente a temas del cristianismo como en la serie compuesta por cinco guaches de 1918 que tienen que ver con la historia del Hijo Pródigo.

A esos inquietantes años y a su expresión en obras llenas de violencia, caos y desesperación, le siguió una etapa fundamental de cambio que se fraguó a partir de la década de 1920. Beckmann, que se había establecido en Frankfurt en 1917, empezaba entonces a encontrar su lugar en el mundo burgués. Desde 1925 y hasta que fue depuesto por los nazis en 1933, ocupó una cátedra en la Städelschule y tuvo un papel destacado en la vida cultural de la República de Weimar. Esa consolidación personal se manifestó tanto en la elección de temas como en el modo de representarlos. Reemplazó las sombrías acusaciones rodeadas de polémica por retratos, naturalezas muertas, bañistas, desnudos femeninos y otros motivos: “la vida que esta ahí” (Beckmann). Sin embargo, en lugar de la cruda violencia, Beckmann empezó a sondear el doble rasero de los “salones”, las mascaradas y los juegos de rol, así como el aislamiento del hombre como un problema acuciante de la sociedad.

Sin embargo, hasta mediados de la década de 1920 las obras sobre papel a color fueron una excepción a la regla y por ello no pueden ser consideradas como un grupo de obras con peso específico aparte de las pinturas, dibujos y grabados. El número de este tipo de obras se acrecentó sólo a partir de finales de la década de 1920 y su configuración se parecía a la de las pinturas de gran formato. En pasteles como Encuentro en la noche (Begegnung in der Nacht), de 1928, Beckmann abordó un nuevo enfoque contentándose con unas pocas figuras y dejando que los cuerpos plásticos con contornos concisos dominaran el plano pictórico, un planteamiento que sería de suma importancia especialmente para sus trípticos. La despedida (Abfahrt), el primer tríptico de Beckmann de 1932/33, marca un punto de inflexión en la obra del artista por su inmersión en el mundo del mito. Beckmann pasó de ser un observador que mantenía una distancia crítica con respecto a una sociedad que se venía abajo, a convertirse en un artista que intentaba evadirse mediante un disfraz mitológico pero que al mismo tiempo recurría a la mitología para poder considerar el mundo desde una perspectiva histórica y temática más amplia. Las acuarelas que se asemejan a pinturas como Ulises (Ulises y la sirena) [Odysseus (Odysseus und Sirene)], El rapto de Europa (Raub der Europa) y Hermanos (Geschwister) constituyen una de las primeras culminaciones del arte de la acuarela de Beckmann. Las acuarelas de 1933 reflejan una nueva aproximación al color, que Beckmann empieza a utilizar como un elemento con poderes inherentes que el pintor ya no reprime como en obras anteriores sino que aprovecha.

En la década de 1930 y 1940 las acuarelas a veces le daban la posibilidad de relajarse de la tensión que le provocaba pensar en los complicados trípticos que estaba elaborando mediante la elección de temas como los paisajes bávaros, las escenas de playa del Mar del Norte, naturalezas muertas o retratos. Además, la técnica comparativamente espontánea de la acuarela avivaba el gusto por lo iconográfico y la experimentación, lo que trajo consigo soluciones pictóricas inusuales incluso para Beckmann. A los dibujos a pluma y tinta inspirados en el Fausto II de Goethe les siguieron obras que exhibían complicadas combinaciones de pluma y tinta, acuarela, guache, carboncillo, etc. realizadas en su exilio de Ámsterdam después de 1945, y sobre todo en su exilio americano después de 1947.

Desvelando un excitante contraste con sus pinturas, su obra gráfica y sus estudios compositivos dibujados, la obra de Beckmann sobre papel a color muestra a un artista experimentando, relajado u observando atentamente su entorno. Sin embargo, lo que más atrae de este tipo de obras es el hecho de que asistimos a un soliloquio que nos fascina tanto por su inmediatez como por su carácter íntimo y que sigue siendo apasionante incluso por sus secretos.

Fiestas en Cesky Krumlov y Olomouc

26/05/2006, Dos ciudades checas patrimonio de la UNESCO, Cesky Krumlov y Olomouc, celebran en el mes de junio sus atractivas fiestas populares

Mayo de 2006

Dos ciudades checas patrimonio de la UNESCO, Cesky Krumlov y Olomouc, celebran en el mes de junio sus atractivas fiestas populares

Entre los días 16 al 18 de junio la hermosa localidad bohemia de Cesky Krumlov conmemora el Reinado de los Rosenberg en las Fiestas de la Rosa de Cinco Pétalos. Por su parte la ciudad monumental de Olomouc, en Moravia, celebra las Fiestas de Santa Paola entre los días 12 y 18, en el evento anual Olomoucke Benefice.

Una semana idónea para descubrir dos de los city breaks estrella propuestos por CzechTourism en 2006.

Durante tres días Cesky Krumlov reúne a todos los representantes de las ciudades de Bohemia del Sur que tienen en su escudo el símbolo de la Rosa de Cinco Pétalos, emblema de los señores de Rosenberg, para competir en el Torneo de las Rosas, en los jardines del Castillo.

Tanto los habitantes como numerosos turistas visten trajes de época y participan activamente en el programa de actividades, que incluye desfiles diurnos y marchas nocturnas por las calles del centro histórico, conciertos de músicos ambulantes, actuaciones de juglares, bailarines, malabaristas, espadachines y teatro callejero.

En el centro histórico, declarado Patrimonio UNESCO, se sitúa también un mercadillo medieval donde se pueden adquirir productos de la época y contemplar muestras de oficios tradicionales.

Por su parte en la localidad morava de Olomouc se sucede durante la semana del 12 al 18 de junio el festival Olomoucke Benefice, en honor a Santa Paola, patrona de la ciudad. Las fiestas incluyen un intenso programa cultural con conciertos y espectáculos, además de un importante mercadillo de artesanía.

La pintoresca ciudad de Cesky Krumlov, también conocida como la "Praga en miniatura", es la perla de la región de Bohemia del Sur. Mezcla de estilo barroco y renacentista, su arquitectura conforma un espectacular conjunto urbano. Cesky Krumlov presenta el segundo castillo mayor del país, después del Castillo de Praga, una joya que está incluida en la lista UNESCO, al igual que el casco histórico de la ciudad.

Olomouc es la metrópoli de Moravia Central, la reserva monumental más grande de Moravia y la segunda del país, después de Praga; en el curso de los siglos en la ciudad creció un impresionante complejo de templos parroquiales, hospicios y otras construcciones religiosas de todas las órdenes conocidas del Medievo, incluyendo la Orden de los Jesuitas, y actualmente es sede del arzobispado de Moravia y centro de peregrinación internacional. Su Columna de la Santísima Trinidad, erigida como símbolo de la iglesia y fe católicas, está inscrita en la lista de monumentos de la UNESCO

Más información sobre temas turísticos checos:
www.ckrumlov.cz;
www.olomouc-tourism.cz
www.czechtourism.com
http://www.guiarte.com/praga/
http://www.guiarte.com/praga2/

 

Retrato español, en Salamanca

22/05/2006, Se presenta en Salamanca la exposición itinerante del Museo del Prado. La muestra, denominada El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya, está formada por 63 pinturas

Salamanca, julio de 2006

Se presenta en Salamanca la exposición itinerante del Museo del Prado. La muestra, denominada El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya, está formada por 63 pinturas pertenecientes a los fondos de la primera pinacoteca nacional

Entre las obras se incluyen obras del Greco, Velázquez, Murillo o Goya. Tras su paso por Santiago de Compostela, donde ha sido visitada por más de 50.000 personas, el Museo del Prado presenta ahora la exposición en Salamanca, gracias al apoyo de Caja Duero.

El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya se mostrará del 22 de junio al 21 de agosto, constituye la primera gran exposición del Museo del Prado que se presentará en cinco comunidades autónomas españolas inaugurando el programa Prado Itinerante.

Con esta primera muestra, el Museo ha realizado un importante esfuerzo para presentar fuera de su sede un notable conjunto de pinturas que ofrecen una completa visión del desarrollo del retrato en España, desde su origen hasta los umbrales de la edad contemporánea. Gracias a la riqueza y variedad de los fondos del Museo del Prado, la exposición se completará el año que viene con la celebración de una segunda muestra, El retrato en el Prado. De Goya a Sorolla, dedicada a la evolución del género en la pintura española del siglo XIX, que se presentará en las mismas comunidades autónomas que están acogiendo la primera: Galicia, Castilla y León, Comunidad Valenciana, Castilla-La Mancha y País Vasco.

El Prado Itinerante materializa la voluntad del Museo de aproximarse al conjunto de la sociedad española extendiendo su actividad fuera de Madrid. Para ello, además de las exposiciones, el programa contempla la realización de actividades complementarias en cada uno de los puntos geográficos previstos en la itinerancia.

La exposición

Comisariada por Leticia Ruiz, jefe de departamento de pintura española del Museo, El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya cuenta con una completa selección de obras dado que el Museo del Prado, como principal depositario de las colecciones pictóricas de la monarquía, conserva un fondo fundamental de retratos en el que están representados los mejores artistas españoles y europeos de los siglos XVI al XVIII.

El Greco, Velázquez, Murillo o Goya conformaron una parte sustancial de la pintura nacional, destacando en sus respectivas carreras su condición de retratistas. De ellos, la exposición cuenta con importantes ejemplos de su producción, como Un caballero del Greco, Felipe IV de Velázquez y cuatro obras más de su taller, Nicolás Omazur de Murillo y hasta un total de seis retratos de Goya: Doña Tadea Arias de Enríquez, Carlos III cazador, El General Don Antonio Ricardos, Retrato de Carlos IV, Retrato de la Reina María Luisa de Parma y la Infanta Doña María Josefa.

Pintores de retratos también fueron Luis de Morales, con el magnífico retrato de San Juan de Ribera en la exposición; Alonso Sánchez Coello, del que se incluyen Autrorretrato y La dama del abanico; Juan Pantoja de la Cruz, representado con La Infanta Isabel Clara Eugenia, el Retrato del Emperador Carlos V (copia de Tiziano) y otros dos excelentes ejemplos; Juan Bautista Maino, con Retrato de Caballero (el único retrato firmado por el artista que se conoce); Juan Carreño de Miranda, con Doña Mariana de Austria y tres pinturas más; Claudio Coello, con El Padre Cabanillas; Luis Paret, con su Autorretrato; y Mariano Maella o Agustín Esteve, con dos retratos en la muestra cada uno. Todos estos artistas, junto con otros nombres menos célebres representados también en la exposición, contribuyeron de forma decisiva a dar continuidad al género del retrato convirtiéndolo en la espina dorsal de la historia del arte en España. Una historia cuya conformación y desarrollo no podría entenderse sin la participación de pintores extranjeros. El más sobresaliente de todos fue desde luego Tiziano, aunque la lista se completa, entre otros, con Luca Giordano o Anton Rafael Mengs, presentes ambos en la exposición con destacadas producciones como Doña María Ana de Neoburgo, Reina de España, a caballo y Carlos II, a caballo, del primero, y El Infante Don Gabriel de Borbón, María Carolina de Lorena y María Luisa de Parma, del segundo.

Casi todos estos artistas, con las excepciones del Greco o Murillo, fueron los encargados, como pintores del Rey, de fijar la imagen del monarca y su familia, asumiendo tácitamente un cúmulo de tradiciones y múltiples referencias heredadas que, sin embargo, fueron transformándose a lo largo del tiempo. La exposición describe este devenir del retrato español bajo el hilo conductor que conforma la Corona española.

El montaje expositivo se ha organizado a través de siete secciones: El inicio del retrato moderno, La creación del retrato de Corte y La tradición del retrato en Toledo, dedicadas al siglo XVI; Velázquez y la madurez del género y El retrato fuera de la Corte. Otras tipologías, que corresponden al siglo XVII; y,finalmente, La incorporación de los modelos europeos durante el siglo XVIII y Goya: tradición y modernidad, que concluyen el recorrido de la exposición con las obras del siglo XVIII.

 

Antonio López, Premio Velázquez

20/05/2006, Antonio López ganó el Premio Velázquez de las Artes Plásticas, dotado con 90.000 euros, y concedido por el ministerio de Cultura de España, en reconocimiento al conjunto de su obra

Madrid, mayo de 2006.

Antonio López ganó el Premio Velázquez de las Artes Plásticas, dotado con 90.000 euros, y concedido por el ministerio de Cultura de España, en reconocimiento al conjunto de su obra.

El premiado alcanzó el galardón después de una selección entre 34 candidatos, que han premiado su calidad en los trabajos desarrollados en diversas disciplinas, partiendo de una concepción vinculada al mejor realismo

El galardón incluye, anunciado el 24 de mayo de 2006, además, una exposición retrospectiva en el centro Reina Sofía, de Madrid.

Antonio López quedó emocionado por la noticia, que le llegó en pleno trabajo, un cuadro para la Asamblea de Madrid. De hecho, La ministra de Cultura, no pudo felicitar al pintor porque esta tarde éste se encontraba trabajando y sin teléfono móvil.

En 1936, cuando España estaba a punto de iniciar su guerra civil, Antonio López vio la luz en Tomelloso, Ciudad Real. Pasó por un seminario y de allí marchó a Madrid, donde estudio Artes y oficios y Bellas Artes.

Realizó su primera exposición en 1951, en su localidad natal, y seis años mas tarde ya expondría en Madrid

En los años sesenta impartió enseñanzas en la cátedra de Preparatorio de Colorido de la Escuela de San Fernando, de Madrid, de la que fue profesor encargado desde 1964 hasta 1967, mientras ya iba catalogándose como uno de los grandes pintores realistas españoles.

Hizo dos primeras exposiciones en Nueva York, en 1965 y 1968. Ya en 1983 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes y dos años mas tarde obtuvo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Ha proseguido desde entonces con muestras excelentemente valoradas en diversos países y numerosas distinciones, valorándose siempre su magnífico realismo.

Pero también ha habido momentos curiosos, como en 1992 cuando anunció a la directora del Reina Sofía que renunciaba a exponer una muestra antológica en este Museo, al no estar representada la corriente artística que él representa, el realismo, en la colección permanente del centro. La muestra acabaría celebrándose en el 1993.

En ese año de 1993 fue elegido académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

No ha dejado en todo tiempo de recibir distinciones. Se le considera el máximo exponente del realismo, tratando la cotidianeidad con precisión y detallismo, tanto en retratos como en sus paisajes urbanos o esculturas

 

Holbein y Matisse, en Basilea

17/05/2006, El Kunstmuseum de Basilea presenta del 1 de abril al 2 de julio de 2006 una muestra dedicada a la obra de Hans Holbein el Joven, uno de los más destacados artistas europeos de la primera mitad del siglo XVI y estrechamente vinculado a esta ciudad sui

Basilea, mayo de 2006

El Kunstmuseum de Basilea presenta del 1 de abril al 2 de julio de 2006 una muestra dedicada a la obra de Hans Holbein el Joven, uno de los más destacados artistas europeos de la primera mitad del siglo XVI y estrechamente vinculado a esta ciudad suiza.

De 1515 a1532, Holbein vivió y trabajo aquí, y el Kunstmuseum, primera pinacoteca suiza, posee parte importante de su obra.

Esta exhibición se complementa con otra que, de septiembre de este año a enero del que viene, se presentará en la Tate Britain en Londres. Si en la primera se contempla el periodo de Basilea, en la segunda se analiza con detenimiento la madurez.

Es la primera vez que se une una magnifica muestra que presenta los dibujos, retratos y obras religiosas en un conjunto que permite rivalizar con la obra de otros gran contemporáneo, Durero. Comisario de la muestra Christian Müller.

El artista alemán es uno de los grandes del Renacimiento, artista polifacético que estudio el grabado, la joyería, la vidriera, etc. Nacido en Augsburgo, en 1497, heredó la vocación pictórica de su padre, Hans Holbein el Viejo.

Muy pronto, en 1515, el joven Holbein marcho a Basilea, centro en su tiempo de una activa vida cultural. Desde aquí paso a conocer Italia y sus pintores, lo que influyó en su visión artística.

En este periodo de juventud, desplegó una gran actividad creadora, si bien la Reforma ocasionó una merma del negocio, lo que animó a Holbein a dejar Suiza para trasladarse a Inglaterra, donde acabó siendo pintor de Corte. Murió en Londres en 1543, en una epidemia de peste.

Más información:

http://www.kunstmuseumbasel.ch/en/exhibitions/current/holbein

Matisse

Complementando el atractivo pictórico de esta ciudad suiza, en la Fundación Beyeler se puede contemplar también otra excelente exposición relativa a “Matisse. Figura, color, espacio”, que profundiza en el conocimiento de este artista moderno francés.

Del 19 de marzo al 9 de julio, la Fundación presenta una retrospectiva –la primera en suiza desde hace dos décadas- sobre este pionero de la modernidad pictórica, que exploró nuevas composiciones cromáticas y formales desde sus primeros años.

Presenta la muestra un conjunto de 160 pinturas, esculturas dibujos y estampas de todas las épocas de trabajo de Matisse, trabajo realizado por la Fundación en colaboración con otras instituciones americanas y europeas, bajo la dirección de Christoph Vitali.

Más información:

http://www.beyeler.com/fondation/f/html_01start/01_sta__main.php

 

Reinfall: el gran espectáculo del Rin

15/05/2006, Uno de los grandes espectáculos de la naturaleza en Europa es el de las cataratas del Rin, en las cercanías de Schaffhausen, capital del cantón más norteño de Suiza; una visita recomendada para esta época en que se junta la dulzura del clima y un ele

Schaffhausen, mayo de 2006

Uno de los grandes espectáculos de la naturaleza en Europa es el de las cataratas del Rin, en las cercanías de Schaffhausen, capital del cantón más norteño de Suiza; una visita recomendada para esta época en que se junta la dulzura del clima y un elevado caudal del río

A esta altura del Rin, aún en territorio suizo y sin recibir muchos de sus grandes afluentes, el caudal medio es ya de unos 700 metros cúbicos por segundo, es decir, más que tiene el Ebro en su desembocadura o más de cuatro veces el caudal del Guadalquivir en Sevilla.

Un espectáculo grandioso el de las cataratas de Reinfall, las mayores de Europa: ante ellas, Goethe exclamó impresionado que eran las fuentes del Océano

El río viene a esta altura muy rápido; con un cauce de unos 150 metros de anchura con un caudal que varía de 500 a 1200 metros cúbicos por segundo, y que alcanza sus mayores niveles en el final de la primavera, con los deshielos de las montañas helvéticas.

Las aguas, que corren apresuradas hacia el oeste, se despeñan desde algo más de una veintena de metros, formando un atormentado mundo de remolinos y espumas. Todo espectacular, incluso para aquellos que ya conocen otros fenómenos de este tipo, como las Victoria o Iguazú.

Se pueden contemplar desde ambos lados del río, aunque recomendamos acceder por el castillo de Laufen, en el margen izquierdo de la corriente. El pequeño castillo es ahora un restaurante; En la parte trasera tiene una tienda de recuerdos, desde la que se accede (pagando una módica entrada) a unas escaleras que conducen hacia las cataratas: A medida que se desciende se tienen unas perspectivas diferentes y siempre atractivas.

El viaje se puede aprovechar para conocer Schaffhausen, ciudad con poco mas de 30.000 habitantes, pero de indudable interés. Las cataratas de Reinfall han sido claves en su historia y prosperidad.

En efecto, desde la antigüedad los barcos que descendían por el Rin no podían pasar los rápidos ni las cataratas de Reinfall, por lo que en el lugar se establecieron almacenes para las mercancías, generando una actividad comercial y hostelera.

El Rin; que zigzaguea en este entorno de suaves montanas, discurre a la vera de la ciudad, aunque ésta no se asoma apenas al río. El alma de la urbe está en torno a la Vordergasse, territorio propicio para la gastronomía, el paseo o el comercio, pero sobre todo para la contemplación de ese magnifico elenco de edificios que testimonian el poderío de la burguesía local.

 

Segundo año del Musac

06/05/2006, El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) lleva poco más de un año abierto y ya ha recibido unas 180.000 visitas desde su día inaugural, el 1 de abril de 2005

León, mayo de 2006

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) lleva poco más de un año abierto y ya ha recibido unas 180.000 visitas desde su día inaugural, el 1 de abril de 2005.

Ahora, en el museo leonés se presenta Globos Sonda, una muestra con varios artistas innovadores del panorama nacional e internacional. Son comisarios de la misma Yuko Hasegawa, Agustín Pérez Rubio y Octavio Zaya, y estará abierta del 6 de Mayo al 10 de Septiembre, 2006.

En la presentación de la muestra, Zaya explicó que se ha mantenido una atención permenente hacia el arte emergente y figuras de reciente consagración, y citó entre ellas a la alemana Josephine Meckseper, al danés Jesper Just o a la estadounidense Banks Violette.

En la exposición están presentes jóvenes autores españoles, como Nuñez Pombo, Fernando Renes, etc.

El título de la muestra obedece tambien a ese deseo de lo experimental, proponer nuevas corrientes y propuestas desafiantes, para ver la reacción del espectador.

Dice Agustín Pérez Rubio, Conservador Jefe de MUSAC y uno de los tres comisarios de esta nueva propuesta, que "el MUSAC, con este proyecto, además de festejar su año de apertura y de celebrar los buenos resultados obtenidos que superan con creces todas las espectativas iniciales, pretende poner su granito de arena aún más allá, sin desviarse del mas acá, de su propio proyecto, de su idea de Colección, asumiendo, en definitiva, el plan museográfico bajo el que se sustenta.

Así, con mucho riesgo, Globos Sonda prueba a reflexionar en dos direcciones: por un lado en torno a la re-generación del evento artístico donde el museo es el protagonista capital, y por otro, adentrándose en nuestras obsesiones sobre lo emergente y novedoso, sobre la fugacidad y rapidez dentro de la sociedad vigente, y más concretamente en aquella que atañe al arte contemporáneo.

Es muy importante Цagrega- que el MUSAC realice, como institución, una apuesta de este tipo siendo fiel al presente, mostrándose como un nuevo modelo de museo para el Siglo XXI. De esta manera, el proyecto da un paso más y autoreflexiona sobre la institución como generador de energías y colectividades dentro de un sector como el artístico".

Luis M. Mansilla (1959) y Emilio Tuñón (1958) son los autores de este edificio que ya ha adquirido notoriedad por su estructura y colorido, y en el que se ubica un museo que nace con la pretensión de ser protagonista del arte del presente, del siglo XIXI.

 

Rafols-Casamada, en México

01/05/2006, Desde el 2 de mayo de 2006, se presenta en Guadalajara, México, una exposición de Albert Rafols-Casamada dentro de las actividades programadas por el Festival Cultural de Mayo

México, mayo de 2006

Desde el 2 de mayo de 2006, se presenta en Guadalajara, México, una exposición de Albert Rafols-Casamada dentro de las actividades programadas por el Festival Cultural de Mayo

La muestra, en el Instituto Cultural Hospicio Cabañas de Guadalajara, está organizada por el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España, a través de la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas junto con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX). El Festival Cultural de Mayo cuenta a España como invitado de honor.

Son 45 obras de este importante artista catalám, en una exposición de la que es comisario José Francisco Ivars. Abierta hasta el 1 de julio.

Según J. Yvars, Albert Ráfols-Casamada (Barcelona, 1923) es uno de los artistas catalanes contemporáneos más significativos y polifacéticos. Un clásico, tanto por su amplia trayectoria pictórica, iniciada de manera profesional en 1946, como también por su trabajo literario y poético. Su Dietario y su Poesía completa son dos obras fundamentales para comprender la modernidad estética catalana, de fuerte presencia en las letras hispanas.

Después de abandonar la carrera de arquitectura en 1948, Albert Ráfols-Casamada fue alumno de la Academia Baixas, dónde conoció a la que sería su mujer, la pintora María Girona. Anteriormente había formado parte del grupo Els Vuit, con el cual expuso por primera vez en Barcelona en 1946. Su primera muestra individual se presentó en la Galería Pictórica de Barcelona en 1947.

Becado más tarde en París, donde residió tres años, viajó por los Países Bajos, Holanda e Inglaterra, en un proceso de formación visual que lo aproximó a las estéticas del informalismo y la abstracción.

Al margen de su actividad pictórica, desde 1961 Ráfols-Casamada ha desarrollado una importante actividad docente como profesor de las escuelas de diseño Elisava y EINA, en Barcelona, dedicadas especialmente a la proyección gráfica. Es miembro del patronato de la Fundación Joan Miró y Medalla de las Bellas Artes entre otros numerosos reconocimientos.

Ráfols-Casamada inició su trayectoria artística con la figuración, evolucionando hacia la abstracción, caracterizada por el juego de color y la creación de una cierta estructura geométrica, hasta finales de los años cincuenta e inicios de los sesenta, época en que introdujo una cierta austeridad cromática con predominio de los blancos, coincidiendo con la aparición de sus primeros collages.

Posteriormente, volvió a incorporar en su hacer unos esencializados signos cromáticos, de carácter simbólico y estético que equilibran las obras del artista, activa y fascinante hasta nuestros días, ya en sus gloriosos 80 años.

Festival Cultural de Mayo

El Festival Cultural de Mayo abre sus puertas desde 1998 a las más selectas expresiones artísticas de nuestro país y del extranjero, en un esfuerzo constante por promover y difundir espectáculos de calidad. El Festival tiene lugar en los principales teatros, casas de cultura y plazas públicas del Estado de Jalisco, lugares en donde se tiene la oportunidad de vivir de cerca la creatividad de los artistas participantes, seleccionados bajo el criterio único de la excelencia.

A lo largo de nueve años el Festival ha contado con la participación de cientos de artistas de diversas nacionalidades. En esta edición es invitado de honor España cuyos representantes tienen la talla de la Compañía Nacional de Danza de Nacho Duato o la bailarina Belén Maya, la pianista Rosa Torres, la directora de orquesta Gloria Isabel Ramos, o el guitarrista José María Gallardo del Rey.

 

Perú en el Petit Palais

15/04/2006, París ha recobrado en el 2006 un lugar de interés: el Petit Palais, un lugar ideal para recordar el espíritu de la exposición parisina de 1900.

París, abril de 2006

París ha recobrado en el 2006 un lugar de interés: el Petit Palais, un lugar ideal para recordar el espíritu de la exposición parisina de 1900.

En estos días, se expone allí, además una muestra de arte que refleja la diversidad de culturas precolombinas que hubo en el territorio del actual Perú, desde los chavines, en torno al año 1.500 antes de Cristo, hasta los Incas

El edificio está en una de las zonas emblemáticas de París: los Campos Elíseos, ámbito urbano que comenzó a tener interés en el inicio del siglo XVII, cuando la reina María de Médicis ordeno plantar una serie de alamedas, transformando unos fangales en una continuación de los jardines de Tullerías.

Todo este entorno sufrió sucesivas transformaciones que le llevaron a ser un lugar de lujosos palacetes, en el XIX, y una gran avenida de amplios comercios y centro de los grandes desfiles militares, en el XX.

Cerca de Concorde están los palacios, el Petit y el Grand Palais, que fueron construidos para la exposición de 1900, y actualmente sedes de museos. Al fondo aparece la plaza de l´Etoile con el magnífico Arco de Triunfo mandado construir por Napoleón para glorificar su memoria.

El edificio es obra de Carles Girault (1851-1932), y en él se ubicó uno de los museos municipales parisinos desde 1902.

Para adaptarlo a museo hubo que prescindir de uno de sus encantos, la luminosidad. Se tapiaron ventanas, se instalaron falsos techos, etc. La luminosidad dejó paso a un ámbito sombrío... hasta ahora.

Tras cinco años cerrado, 28 meses de obras le han devuelto la luz original y hoy vuelve a ser este lugar una muestra notable del arte francés del final del siglo XIX... y además se ha ganado espacio expositivo, para presentar unas colecciones variadas.

Los trabajos, iniciados en enero de 2001, y acabados en junio de 2005, han permitido volver a mostrar sus techos decorados, ganar algunos espacios y hasta crear un auditorio bajo el jardín interior.

En el museo se presentan dos espacios. Uno, al lado de los Campos Elíseos, se dedica a colecciones permanentes, y el otro a exposiciones temporales. En las muestras permanentes, arte desde la época grecorromana hasta nuestros días, con especial referencia al XIX.

En la actualidad en el Petit Palais se puede ver la exposición de arte Perú, del arte de Chavín a los Incas, donde se refleja la diversidad de culturas precolombinas que hubo en el territorio del actual Perú, desde los chavines, en torno al año 1.500 antes de Cristo, hasta los Incas, cuando llegaron allí los españoles. Unas doscientas piezas para conocer algo de estas viejas culturas

Pagina web: www.petitpalais.paris.fr

 

Expresionismo en Viena

07/04/2006, Los amantes de Schiele y del expresionismo tienen en Viena una buena cita: la Galería Austríaca del Belvedere muestra del 14 de junio al 24 de septiembre la exposición "La Mesa Redonda, Egon Schiele y su grupo"

Viena, abril de 2006

Los amantes de Schiele y del expresionismo tienen en Viena una buena cita: la Galería Austríaca del Belvedere muestra del 14 de junio al 24 de septiembre la exposición “La Mesa Redonda – Egon Schiele y su grupo”, con 120 obras de Schiele y de compañeros como Gustav Klimt y Oskar Kokoschka.

Estos artistas se juntaron en 1909 para organizar innovadoras exposiciones de sus propias obras. El grupo resultante asemeja a lo que hoy llamaríamos una red de contactos. Retratos conocidos demuestran la importancia de la cara y los gestos en las obras de los nuevos artistas. La armonía y los dorados del Jugendstil se convirtieron en el Expresionismo temprano en inquietud interior, conflicto entre géneros y dudas existenciales.

Scheile(1890-1918) es un destacado expresionista austríaco, que se caracteriza por un atormentado tratamiento del desnudo. Sus temas eróticos le llevaron a la prisión por obscenidad

En su obra se encuentra el influjo de otro hombre muy conocido en el arte aurtíaco, Gustav Klimt, quien le proporcionó modelos y clientes, incluso. Su estilo se caracteriza por un dibujo lineal y una aplicación posterior del color. Todo con gran crudeza.

Erotismo y muerte están presentes en sus trabajos de una forma general. Pero el sexo no tiene contenidos de optimismo, sino de angustia, como todo el trabajo de Schiele. Murió en Viena, muy joven, deprimido y desestimado. Galería Austríaca del Belvedere(3., Prinz-Eugen-Straße 27. www.belvedere.at

Mozart

...Y tambien hay que hacer espacio para el año Mozart. Los Festivales de Viena en el Año Mozart, del 12 de mayo al 18 de junio, comienzan con un espectáculo al aire libre gratuito en la plaza del Ayuntamiento.

Destacan por su variedad artística: 32 producciones de 15 países. Daniel Harding lleva la batuta en “La flauta mágica” y “Così fan tutte” en el Theater an der Wien. En el Jugendstiltheater representan la escenificación de Peter Sellars de la opereta “Zaide” (El serrallo) de Mozart y la compositora Olga Neuwirth hace un comentario contemporáneo en el Año Mozart con “El complejo de Don Juan”.

La escenificación de Jürgen Gosch de “Macbeth” de Shakespeare, la transformación de la obra “Schändung” (Deshonra) de Botho Strauss por Luc Bondy y “Motortown” de Simon Stephen siguen temáticamente la huella de la destrucción. “¿Quién teme a Viriginia Wolf” de Albee trata de pasiones y obsesiones no liberadas.

Durante toda la duración del festival, una iniciativa novedosa: “5000 cartas de amor”. Un viaje en el tiempo a través del sentimiento. En zonas habilitadas de cinco cafeterías vienesas se pueden escuchar cartas de amor escritas desde 1890 hasta hoy.

 

Buenas noticias para el oso pardo

07/04/2006, Tras largos tiempos de declive, parece que hay algunas buenas noticias para las poblaciones del oso pardo en España, especialmente en el área de la Cordillera Cantábrica

Artemio Artigas.

Abril de 2006

Tras largos tiempos de declive, parece que hay algunas buenas noticias para las poblaciones del oso pardo en España, especialmente en el área de la Cordillera Cantábrica.

Recientes informes indicabann que se está recuperando la población osera de la cordillera Cantábrica, tanto en la vertiente occidental como en la oriental. La población osera en la parte occidental de la cordillera (León, Lugo y Asturias) está ya en el entorno de los 140 ejemplares, más del doble de las estimaciones hechas hace diez años. También parece que se registran buenos niveles de nacimientos anuales.

En la zona oriental de la cordillera (Palencia, Santander, León y Asturias) sobrevive una población de unos 25 a 30 osos pardos, también en línea de recuperación.

El presidente de la Fundación Oso Pardo, Guillermo Palomero dijo recientemente que la población oriental de osos era, por su reducido número y baja fecundidad, una de las más amenazadas de Europa y permanecía aislada del núcleo más numeroso del occidente cantábrico.

En la mitad de los años noventa estuvo a punto de desaparecer, porque quedaba sólo una o dos hembras reproductoras. Los datos actuales hablan, más que de estabilidad, de ligero incremento, aunque muy ligero", aseguró Palomero, quien indicó que está creciendo el territorio habitado por el plantígrado.

Según la fundación Oso Pardo también hay un repunte en la reproducción de la población oriental. La buena noticia del 2005 fue el nacimiento de 5 oseznos, aunque el grupo sufrió en el mismo año dos bajas no naturales, causadas por el hombre en la montaña palentina (un envenenamiento y una muerte por disparos)

El peligro persiste y hay que mantener los esfuerzos, sobre todo en la zona oriental. Además persiste el problema de incomunicación entre las dos poblaciones cantábricas, aunque algún informe habla del paso de individuos de una a otra. La normalización de una conexión entre ambos núcleos es clave para garantizar la viabilidad genética y asegurar la recuperación.

Persiste, aunque más controlado, el problema criminal de envenenamientos y lazos de acero, y se temen algunas intervenciones urbanizadoras del hábitat.

La educación en general, el apoyo del mundo rural a la conservación del oso y la concienciación de los colectivos de cazadores son vitales para proseguir la mejora

Situación muy difícil en el Pirineo

Es interesante también reseñar la iniciativa del gobierno francés de soltar 5 ejemplares de oso pardo, procedentes de Eslovaquia, en el Pirineo. Esta medida apoyada por los Gobiernos de España y Andorra representa la última oportunidad para esta especie en la zona y por ello WWF/Adena reclama a las Comunidades Autónomas implicadas su máximo apoyo y el mayor esfuerzo posible.

Según Adena, en el Pirineo tan sólo sobreviven unos quince osos, repartidos en dos sub-poblaciones. La población occidental, se extiende por la región francesa de Verán, fronteriza con Navarra y Aragón y cuenta con 4 ejemplares, todos ellos machos tras la muerte en Octubre de 2004 de Canelle la última osa fértil autóctona de todo el Pirineo, abatida a tiros por un cazador. La otra población, la oriental, se extiende por Cataluña, Aragón y Francia y cuenta con un total de 10-12 ejemplares, todos ellos de origen eslovaco, tras la reintroducción realizada en 1996.

Estas poblaciones tan reducidas y aisladas (especialmente la occidental) son especialmente sensibles a cualquier tipo de amenaza, tanto de origen natural (como incendios o enfermedades) como artificial (disparos, venenos o destrucción del hábitat). Por ello su probabilidad de extinción es muy alta y, en este momento, su única posibilidad de supervivencia a medio plazo pasa por desarrollar un programa de refuerzo poblacional a través de introducciones de nuevos ejemplares

En este contexto, el apoyo que de España y las comunidades autónomas pirenaicas a la iniciativa francesa son clave para el futuro de la especie, puesto que los animales que se liberen en la vertiente francesa sin duda transitarán por territorio español.

Según Adena, es importante que las comunidades autónomas (que son quienes tiene las competencias), desarrollen medidas de apoyo a las explotaciones ganaderas y continuen con las políticas de prevención y de indemnización de daños.

Para Luis Suárez, responsable de Especies de WWF/Adena está claro que: “Estamos ante un momento crítico para el futuro del oso pardo en el Pirineo y sólo con un apoyo decidido de todas las instituciones implicadas se podrá garantizar el éxito de esta medida de emergencia”. “La convivencia entre el oso y el hombre es posible hoy en día, tal y cómo nos lo demuestra la experiencia de la Cordillera Cantábrica donde viven más de un centenar de osos en un medio con una gran presencia humana”.

 

Iniciativas de Románico Norte

06/04/2006, Cezura, Mudá, Villabellaco y Rebolledo de la Torre son cuatro lugares en los que se inician trabajos de recuperación patrimonial, dentro de la iniciativa Románico Norte

Aguilar de Campoo, Palencia, abril de 2006

Cezura, Mudá, Villabellaco y Rebolledo de la Torre son cuatro lugares en los que se inician trabajos de recuperación patrimonial, dentro de la iniciativa Románico Norte.

La Consejería de Cultura de la Junta de Castilla y León, a través de la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León y la Fundación Santa María la Real-Centro de Estudios del Románico, con la colaboración de las Diócesis de Palencia y Burgos y la implicación de Ayuntamientos y entidades locales, desarrolla en el período 2005-2012 un ambicioso plan de intervención que supone actuaciones en cincuenta y cuatro iglesias románicas en el norte de las provincias de Palencia y Burgos, en el territorio que en su día constituyó la antigua Merindad de Aguilar de Campoo.

Cezura, Palencia

La iglesia de Santiago en la localidad palentina de Cezura, situada a siete kilómetros al noroeste de Aguilar de Campoo, es un nuevo objetivo del plan. El edificio, originario del siglo XII, presenta diversas patologías que han deteriorado su imagen global.

El edificio muestra diferentes patologías que hacen que su estado de conservación sea deficitario: mal estado de la cubierta, grietas visibles en el ábside, mal estado de los contrafuertes y humedades.

Otro de los aspectos a restaurar está en la torre que muestra una serie de grietas y desplomes que requieren de una intervención inmediata, ya que el entablado interior se encuentra en un estado deplorable.

El proyecto de restauración cuya ejecución comienza ahora, pretende actuar sobre cada una de estas patologías, con el objetivo de devolver al templo y su entorno cercano su antiguo esplendor.

Iglesias de Mudá y Villabellaco.

Una primera fase de rehabilitación se centrará en los retablos mayores de los templos de Mudá y Villabellaco, en el extremo norte de la provincia de Palencia.

En la iglesia de San Pedro Apóstol de Villabellaco se está restaurando el retablo mayor. Una pieza del siglo XVIII, muy propia del gusto barroco de la época: decorada con policromía y revestimientos de pan de oro, con predominio de los elementos vegetales.

A pesar de su deficiente estado de conservación, el retablo no presenta daños estructurales de importancia. No obstante, sí se registran numerosas alteraciones que aconsejan una doble intervención tanto preventiva como curativa.

Entre los daños más fácilmente observables está el intenso ataque de insectos xilófagos, que han producido abundantes orificios en la superficie de la pieza, debilitando el soporte. Por todo el retablo son numerosas las faltas de policromía y revestimiento dorado, además de pequeñas fracturas. Aunque son, sin duda, las superficies más bajas de la pieza, siempre más accesibles, las que registran mayores y más graves alteraciones.

También se está interviniendo en el retablo de la iglesia San Martín, en la localidad de Mudá. La pieza presenta una extraña factura debida a la mezcla de estilos que la conforman. Un factor que hace pensar que tal vez se trate de una estructura de reciente construcción, elaborada para sustituir el retablo precedente, probablemente destruido durante la Guerra Civil.

Rebolledo de la Torre

La Comisión Territorial de Patrimonio Cultural de Burgos dio luz verde al proyecto presentado por la Fundación Santa María la Real, para restaurar la iglesia de San Julián y Santa Basilisa en Rebolledo de la Torre, declarada Bien de Interés Cultural.

La iglesia, uno de los trece templos burgaleses incluidos en el Plan de Intervención «Románico Norte» en la antigua Merindad de Aguilar de Campoo, se sitúa en el extremo septentrional del pueblo, en un punto elevado sobre el caserío, con la sierra y Peña Amaya como fondo. Muy cerca está la gran torre medieval, hoy semiderruída y la tardogótica casa del sacerdote, que junto a la iglesia de San Juan y Santa Basilisa con su extraordinario pórtico hacen de Rebolledo uno de los rincones burgaleses donde más atractivo y presente se hace nuestro pasado medieval.

El edificio se levanta en irregular sillería arenisca y caliza. Se dispone en planta cuadrada, con dos naves y una sola cabecera cuadrangular situada en el extremo de la nave principal. En el muro sur se abre un magnífico pórtico, sin duda la parte más interesante del conjunto.

La restauración del templo de San Julián y santa Basilisa requiere una intervención de nivel medio ya que aunque se encuentra en un estado de conservación que no implica ningún riesgo para su estabilidad estructural, sí requiere algunas operaciones necesarias para conseguir mantener, tanto el templo como su entorno inmediato, en un correcto nivel de conservación.

Los grandes Palacios Reales de España

05/04/2006, El palacio de invierno, el de primavera, el de verano y el de otoño. Como en un cuento de hadas, los reyes de España tuvieron palacios para todas las estaciones del año. Guiarte.com te lleva por ellos en una nueva guía: la de los palacios reales.

Madrid, abril de 2006

El palacio de invierno, el de primavera, el de verano y el de otoño. Como en un cuento de hadas, los reyes de España tuvieron palacios para todas las estaciones del año. Guiarte.com te lleva por ellos en una nueva guía: la de los palacios reales.

Los grandes Palacios Reales de España

En la Edad Media, resultaba extraño el concepto actual de ciudad capital de un estado. Los reyes –los máximos mandatarios- estaban habituados a mudar de residencia con notable frecuencia, durante el ejercicio de su cargo, y habitaban en todo tipo de mansiones.

Los Reyes Católicos, en la monarquía hispana, son un claro ejemplo de monarcas viajeros, que asientan su sede regia en ciudades como Segovia, Toledo... o que llegan a crear una ciudad como Santa Fe, al lado de Granada, para permanecer allá mientras durase la guerra que terminó con el último enclave musulmán en la Península Ibérica... Poco tiempo más tarde, la historia nos cuenta cómo estos monarcas recibieron a Colón en el Palacio Real barcelonés, residencia de los condes de Barcelona desde el siglo XIII, en el magnífico salón del Tinell.

Aquellos reyes residieron en lugares como Burgos, Toledo, Sevilla, medina del Campo, Segovia... En total, tuvieron -según algunos historiadores- 65 residencias reales.

Palacios y poder de las monarquías

Pero con el avance de los siglos, el tema cambió. En la Ilustración proliferaron los grandes palacios para realzar el poder de las grandes monarquías europeas. En torno a Madrid hay cuatro inmensos recintos palaciegos, cargados de arte que responden a esa nueva filosofía y a los nuevos estilos.

Aranjuez, El Escorial, La Granja de San Ildefonso y el Palacio Real de Madrid. La familia real española tenía un palacio para cada estación.

Guiarte.com te los presenta su ruta de los grandes palacios reales de España, con textos de Tomás Alvarez y fotografías de guiarte.com.

 

Cumbre de la biodiversidad

04/04/2006, Finalizó la Conferencia de las Partes del Convenio de Diversidad Biológica de la ONU en Curitiba (Brasil) con pocos motivos para la satisfacción.

Brasil, abril de 2006

Finalizó la Conferencia de las Partes del Convenio de Diversidad Biológica de la ONU en Curitiba (Brasil) con pocos motivos para la satisfacción.

20 al 31 de marzo, en Curitiba se dieron cita los 188 países miembros del Convenio sobre Diversidad Biológica, con dos objetivos básicos: evitar la destrucción de los recursos naturales y coordinar esfuerzos internacionales encaminados a la conservación de la biodiversidad. Apenas ha habido un compromiso de mínimos de la comunidad internacional para impulsar una norma internacional contra la biopiratería, y la recomendación a todos los países de que conserven al menos el 10 por ciento de los espacios, marinos y terrestres, considerados de valor ecológico.

Los países que participaron en este encuentro han reconocido que es conveniente alcanzar una norma internacional que regule el acceso y la utilización de los recursos genéticos, para garantizar la defensa de la biodiversidad y permitir que los beneficios derivados de su explotación recaigan en las comunidades indígenas donde se encuentran esos recursos.

Sin embargo no se acordó más que un propósito de definir una norma internacional antes del año 2010. Ahora se trata de ponerse a trabajar, porque la próxima conferencia de la biodiversidad se celebrará en Alemania en el 2008.

Fue un acuerdo muy trabajado, porque Brasil, país anfititrión de la cumbre, no quería que ésta terminase sin al menos una fecha límite para aprobar el establecimiento de un régimen internacional de recursos genéticos.

Para los ecologistas hay puntos tristes en este encuentro desarrollado durante la última quincena de marzo en Curitiba. Han sido dos semanas perdidas.

Críticas de los ecologistas

Fuentes de greenpeace declararon que han fracasado las negociaciones para trazar un camino para detener la biopiratería, dotar de financiación adicional a las áreas protegidas, establecer reservas marinas en aguas internacionales y prohibir las talas ilegales y el comercio vinculado a ellas.

Lo único que se consigue con este nuevo retraso en definir la normativa internacional –dice esta organización- es que las empresas farmacéuticas y de biotecnología ganen tiempo para asegurar sus patentes sobre la vida bajo el régimen de la OMC.

En la anterior cumbre, los estados firmantes del Convenio acordaron establecer una red global de áreas protegidas con el fin de proteger la vida en la tierra y evitar la explotación industrial de la biodiversidad del planeta a expensas de las futuras generaciones. Los países ricos prometieron asignar fondos para establecer dicha red.

"Esta conferencia ha quedado eclipsada por el anuncio de que EE.UU, el mayor contribuyente al Fondo para la Biodiversidad de la CBD, va a reducir sus contribuciones a la mitad", dijo Miguel Ángel Soto, de greenpeace. "Hace cuatro años los líderes del mundo se comprometieron a asegurar la defensa de la vida en la tierra para 2010. Hay muchos planes y programas en marcha, pero el apoyo financiero nunca llega a los países pobres que necesitan proteger su biodiversidad".

Al comienzo de la Cumbre, esta organización ecologista presentó una propuesta de protección de los últimos bosques primarios del planeta y las áreas marinas más sensibles, con los que pretendían convencer a los gobiernos para que pasaran a la acción. Sin embargo, los políticos han hecho oídos sordos a la propuesta. La Cumbre tampoco ha sido capaz de encontrar soluciones a un asunto vital para todos los países: el fin de actividades pesqueras y forestales ilegales o destructivas.

Artemio Artigas

 

Homenaje a Ana Pérez

03/04/2006, La Asociación Artistas Plásticos Goya-Aragón organiza una exposición homenaje a Ana Pérez (1950-2005), del 3 de Abril al 4 de Mayo del 2006, en Zaragoza

Zaragoza, abril de 2006

La Asociaciσn Artistas Plαsticos Goya-Aragσn organiza una exposiciσn homenaje a Ana Pιrez (1950-2005), artista desaparecida prematuramente.

La muestra estα coordinada por Pilar Morι y con el apoyo de Julio Cristellys. Colabora el Ayuntamiento de Zaragoza. Del 3 de Abril al 4 de Mayo del 2006, en Zaragoza (Avda. Goya 87-89)

DIBUJAR SONRISAS A LAS NUBES

Decir adiσs, sea en palabra o en papel, siempre es duro y difνcil. Plasmar el recuerdo y la despedida no lo es menos, queda amortiguado por el consuelo del afecto, del homenaje que le tributamos a Ana Pιrez, mujer llena de vida, artista que llenσ papeles y sueρos con sus manos, con sus trazos, con sus cuadros.

Compaρera de compaρeros, formσ parte de la Asociaciσn de Artistas Plαsticos Goya-Aragσn durante unos aρos para seguir despuιs distintas rutas plαsticas y vitales. Hoy desde la inesperada distancia nos falta su risa, su complicidad, su alegrνa, su compaρνa en las inauguraciones, en las pinceladas, en los encuentros.

Nos deja su recuerdo y su obra. Y ademαs, remomorando "Casablanca", siempre nos quedarα Parνs, en nuestra memoria destella el viaje a la capital de la luz, en Mayo del 97 siguiendo los pasos del Aniversario de Goya en la muestra colectiva de la Asociaciσn en Belville, en su Ayuntamiento, los paseos, los cuadros, las prisas, los francos, el olor a σleo y aguarrαs. Tantos momentos, ϊnicos, irrepetibles.

El carboncillo deslizαndose breve y certero por el papel que la envolvνa y atrapaba sus sombras, sus personajes, el propio universo de su obra, sus matices, la estela de su cometa personal, que sin darnos cuenta se iba despacio, se escapaba entre los dedos de su propia vida.

Pero estamos seguros de que desde donde estι lo comprende todo y con un guiρo cσmplice sigue dibujαndoles sonrisas a las nubes. Desde esta Asociaciσn, con el apoyo del Ayuntamiento de Zaragoza y la inestimable colaboraciσn de Pilar Morι, rendimos un cαlido y merecido Homenaje a esta mujer, a esta artista, Ana Pιrez que ha formado parte imprescindible de nuestras vidas y de nuestra Asociaciσn.

Αngela Ibαρez. Presidente Asociaciσn Artistas Plαsticos Goya-Aragσn

 

Arte español en Nueva York

01/04/2006, Se ha firmado un acuerdo entre la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la Fundación Guggenheim, para celebrar en Nueva York una gran muestra: "Pintura española de el Greco a Picasso"

Madrid, abril de 2006

En la sede del ministerio de Cultura español se firmó un convenio entre la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la Fundación Solomon R. Guggenheim, para celebrar en Nueva York la exposición Pintura española de el Greco a Picasso: la herida del tiempo (Spanish Painting from El Greco to Picasso: The Wound of Time).

Carmen Giménez conservadora del Guggenheim y Francisco Calvo Serraller, historiador de arte, son los comisarios de la muestra que plantea una revisión de la historia del arte español desde El Greco a Picasso, que no va organizada en función de cronología, sino de temas.

Se cuenta con una estructura de 17 ejes -Caballeros y Fantasmas, Sangre y Arena, Vírgenes y Madres o Mujeres llorando, desnudos, etc.- que refleja no sólo el peculiar trasfondo cultural que define los criterios ideológicos y las razones del gusto que forjaron artísticamente la Escuela Española, tal y como empezó a distinguirse entre fines del XVI y el XVII, sino su revalidación posterior por otros artistas españoles hasta llegar a la generación vanguardista de Picasso.

La ministra de Cultura, Carmen Calvo, presidió la firma del acuerdo y dijo que , es el mejor proyecto expositivo que España ha hecho para Estados Unidos.

En el acto estuvieron el director de la Fundación Solomon R. Guggenheim, Thomas Krens, y la presidenta de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural en el Exterior, SEACEX, Carmen Cerdeira. Explicaron que aunque todavía están por cerrarse algunos préstamos, la exposición va a contar con unas 150 obras procedentes de los más importantes museos y colecciones de España, Estados Unidos, Canadá, México y otros puntos europeos. Sobresalen las aportaciones del Prado y el centro de Arte Reina Sofía.

Trabajos de Picasso, Dalí, El Greco, Ribera, Goya... y otros grandes maestros darán una notable dimensión del arte español, aunque –en función de la temática, el entendido en arte puede dudar sobre la idoneidad de la división temática, tal vez excesivamente tópica.

 

Semana Santa en Praga

29/03/2006, La capital checa propone para la Semana Santa tres importantes exposiciones en memoria de tres personalidades vinculadas a la ciudad: Franz Kafka, el emperador Carlos IV y Mozart

Praga, marzo de 2006

La capital checa propone para la Semana Santa tres importantes exposiciones internacionales en memoria de tres ilustres personalidades vinculadas a la ciudad: el escritor Franz Kafka, el emperador Carlos IV y el músico W. A. Mozart.

Además de este programa cultural, Praga celebra en estas fechas las fiestas tradicionales de Pascua, con costumbres populares como los huevos decorados.

En la semana del 10 al 16 de abril la capital checa cuenta con una importante actividad en sus principales museos y galerías. El centro Hergetova Cihelna acoge la exposición “La ciudad de K. Franz Kafka y Praga” (www.kafkamuseum.cz), un recorrido por la visión particular que el escritor tenía de su ciudad natal. Al mismo tiempo la sala de exposiciones del Castillo de Praga acoge la muestra “Carlos IV, el emperador de la voluntad de Dios” (www.karel-IV.cz), organizada en colaboración con el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

También podrán visitarse las exposiciones sobre Mozart “Las óperas de Mozart para Praga”, ubicada en el Teatro de los Estamentos desde el 27 de enero, y la muestra “La vida musical en Praga a finales del siglo XVIII”, que albergará desde el 1 de marzo el Museo de la Música. Ambas muestras forman parte del proyecto Mozart Prague 2006 (www.mozartprague2006.com), que conmemora el 250 aniversario del nacimiento del genial compositor, cuya vida, obra e inspiración artística están esencialmente ligadas a la capital checa.

Los melómanos podrán disfrutar de la música de Mozart en directo, en los conciertos que, dentro de este proyecto, tendrán lugar el martes 11 y el sábado 15 de abril, en la Iglesia de San Simón y San Judas y en el Teatro Bertramka respectivamente.

La cultura checa conserva diversas tradiciones populares en la época de Pascua. Además de las celebraciones religiosas propias de la comunidad cristiana, el país cuenta con otras tradiciones de carácter pagano que celebran la llegada de la primavera.

Entre otras costumbres los checos arrojan un muñeco de paja al río, símbolo del invierno que muere, y el lunes de Pascua reparten huevos decorados, como símbolo de vida. En estos días pueden adquirirse en mercadillos tradicionales productos típicos como bizcochos con forma de cordero, y ramitos de sauce, símbolo de salud y vitalidad.

 

Homenaje a Chillida

28/03/2006, El Guggenheim de Bilbao presenta, a partir del 5 de abril una muestra en la que notabilísimos creadores homenajean a Chillida

Marzo de 2006

El Guggenheim de Bilbao presenta, a partir del 5 de abril una muestra en la que notabilísimos creadores homenajean a Chillida, uno de los artistas vascos más importantes de la segunda mitad de siglo XX.

A lo largo de su carrera, Eduardo Chillida realizó numerosos homenajes a artistas diversos con los que tuvo algún tipo de vinculación —Calder, Braque, Miró, Balerdi, y un largo etcétera— como muestra de amistad y respeto, y también como ensayos de interpretación de la pintura o escultura de aquellos; también dedicó homenajes a escritores (poetas, filósofos) y músicos que le cautivaron; y a amigos y familiares. Su fallecimiento en 2002 puso de relieve el inmenso aprecio y respeto que el colectivo de artistas de su edad o más jóvenes le tenían.

Esta exposición es ejemplo y resultado de esa afinidad y de esa memoria visual hacia Eduardo Chillida y su obra. Diversos artistas actuales, de Valdés a Serra, de Baselitz a Rauschenberg expresan en el marco de esta muestra su homenaje de una forma semejante a la que Chillida empleó para con otros artistas.

Un vacío en el arte, desde 2002

Desde agosto de 2002, Eduardo Chillida uno de los genios de la escultura moderna descansa bajo un magnolio, en un recoleto espacio de Chillida Leku, el territorio-museo del artista, en el País Vasco. El silencio, el respeto, la amistad y la música de Bach le dieron un cariñoso adios. La familia del escultor cumplió con la voluntad del artista, enterrando sus cenizas en el lugar de Zabalaga, donde la naturaleza arropa una gran muestra de su obra escultórica.

Chillida, escultor, grabador, dibujante y académico honorario de la Real de Bellas Artes de San Fernando, recibió los premios más prestigiosos del mundo. Nació en San Sebastián el 10 de enero de 1924. Fue guardamente de la Real Sociedad, tarea que dejó por una lesión; luego estudió arquitectura, en Madrid, sin llegar a finalizar los estudios. Realizó su primera obra, un jinete arcaizante, en 1948. Es en esa época cuando comienza a tallar torsos en bloques de yeso, influido por las esculturas del arte griego arcaico. En trabajos posteriores utilizó ya la fragua, el hierro, granito, madera, hormigón, tierra, alabastro y acero.

Luego residió en Francia. Expuso por primera vez -un torso- en el Salón Mayo de París en 1949 y al año siguiente participó en la exposición "Les mains éblouies" de la galería Maeght. En 1950 regresó al País Vasco y se instaló en Hernani donde realizó su primera obra en hierro Ilarik, 1951. Durante diez años trabajó en hierro, inlcuídas las puertas de la basílica de Aranzazu (1954) y hacia 1960 volvió a las grandes esculturas de granito.

Expuso en los mejores museos del mundo y tuvo distinciones y premios de numerosos países. Entre sus obras más significativas figuran: Gure Aitaren Etxea (La casa del padre), monumento que inició en 1986 e inauguró en 1988; Elogio del Aire, 1956; Del Borde, 1957; Rumor de Límites, 1960; Estela a Salvador Allende, 1974; Iru Zulu, 1975; Arquitectura heterodoxa, 1978, Homenaje a Luca Pacioli, 1986; Consejo al espacio, 1987;, Besoa III, 1989, etc. Además destacan: La sirena varada, instalada en Madrid; El elogio del horizonte, ubicada desde 1990 en Gijón; Puerta de música, situada en 1994 en Santiago de Compostela y la enorme escultura de hormigón que el creador vasco realizó a finales de los ochenta en memoria del 50 aniversario del bombardeo alemán de Guernika durante la guerra civil española. En abril de 1992 inauguró en Sevilla su Monumento a la Tolerancia, que conmemora la expulsión de los judíos en 1492 y que se ubicó en el Muelle de la Sal y en 1993 participó en la celebración del 1.200 aniversario de la fundación de la ciudad alemana de Münster con la inauguración de la escultura Tolerancia para el diálogo", obra comprada por el Banco del Estado de Renania-Westfalia y cedida al municipio como "préstamo a perpetuidad. En 1994 su obra Besarkada(Abrazo), homenaje al pintor fallecido Rafael Ruiz Balerdi se ubicó en un emplazamiento que domina la bahía de la Concha en San Sebastián. En 1998 inauguró su tercera obra en Barcelona, un mural-mosaico que con el nombre Barcelona creó para la plaza del Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad Condal (MACBA) y desde abril de 2000 su obra Enparantza II, un homenaje a San Ignacio de Loyola, se exhibe en la plaza de la basílica de Loyola en Azpeitia (Guipúzcoa).

Durante los últimos años, Eduardo Chillida mostró sus obras por todo el mundo. En 1998 el Reina Sofía de Madrid rindió homenaje al escultor vasco con la retrospectiva "Chillida 1948-1998", y en 1999 esta muestra se expuso en el Guggenheim de Bilbao.

Los lenguajes de Chillida y de sus compañeros

En la obra de Chillida destaca la modulación de los espacios y la orquestación de lo no dicho, del vacío, adquiere la categoría de signo. Su estilo se basa en la simplicidad, en la eliminación de los excedentes retóricos de la imagen. Este homenaje también se basa no en la retórica de las palabras sino en la sencillez de unas obras que hablar a Chillida en el lenguaje particular de cada uno de los artistas presentes.

En el momento en que fallece Eduardo Chillida en agosto de 2002, se desconoce la existencia de homenajes de otros artistas hacia él. Ello movió a la galería Colón XVI de Bilbao a concebir un tributo al escultor realizado por artistas que sentían agradecimiento y afinidad hacia Chillida y su obra, expresándolo en el marco de una exposición y articulándolo a través de la total involucración, de manera desinteresada, de la fundación del Grupo Urvasco, al que pertenecen todas las obras de la muestra. Para ello se seleccionó a una serie de creadores contemporáneos internacionalmente reconocidos y se les encomendó realizar una obra que sirviera de tributo y homenaje a Eduardo Chillida. La exposición está comisariada por Kosme de Barañano.

En mayo de 2003 el proyecto ya estaba muy avanzado gracias a la respuesta rápida de los artistas. Entre ellos se cuenta una primera generación coetánea de Eduardo Chillida —Anthony Caro, Ellsworth Kelly, Antoni Tàpies, Ráfols-Casamada, Pablo Palazuelo, Sol LeWitt, Ron Kitaj, Pierre Alechinsky, David Hockney, Robert Rauschenberg y Zao Wou Ki— cuyas obras son de distinta índole y que, en todas las generaciones, se pueden clasificar como obras de inmediata respuesta, obras referidas y obras generalistas.

Por ejemplo, Caro realiza una mesa en tierra chamota (material utilizado por Chillida) con el excepcional maestro ceramista Hans Spinner en el sur de Francia, en memoria de la mesa de carnicero que Chillida tenía en el salón de su casa y de unas herramientas que remiten al uso, por parte de Chillida a principios de los cincuenta, del hierro pudelado de instrumentos laborales para componer sus piezas escultóricas; o el artista franco-chino Zao Wou Ki crea un paisaje de casi dos metros de longitud con una visión de los Peines del viento de San Sebastián titulado explícitamente Homenaje a Chillida.

Otros artistas de la selección realizaron una obra referida, es decir, una pieza de su repertorio de trabajo pero relacionada o conectada en algún aspecto con el concepto de Chillida; tal es el caso de Pie izquierdo (Linker Fuss) de Baselitz quien tras observar con suma atención los dibujos de manos de Chillida, concibió su homenaje con una representación de un pie como contrapunto. Por contra, Günter Förg realizó Dos manos directamente como homenaje. También es una obra referida la pieza del artista egipcio-suizo Yves Dana, que realizó una gran barca de piedra y madera, Ofrenda (Offrande) en memoria de las mesas que Chillida dedicó, por ejemplo, a Luca Paccioli, a modo de barcos varados. Por su parte, Anish Kapoor realizó una de sus Pool en acero y laca, que pintó de color negro como la obra de Chillida.

Finalmente, otras obras de la muestra son generalistas, es decir, no evocan ni se acercan al mundo visual de Chillida; tal es el caso de las piezas de Christo o Magdalena Abakanovizc quienes, como le ocurría al artista vasco, no pueden acoplar su obra a un determinado encargo o fecha debido, por ejemplo, a la naturaleza de su discurso artístico. En este grupo se engloban también las piezas de Richard Serra, de Ron Kitaj o de Gonzalo Chillida, hermano del artista cuya obra remite a su mundo más personal, a su unívoca forma de mirar la playa, al universo central de su obra.

El último en entregar una obra personal y referida a Chillida fue Miquel Barceló quien, rompiendo sus innatas cualidades para el color, remitió una obra sobria casi en blanco y negro, como la de Chillida. Con un juego de manchas con diferentes tipos de negro y con dos blancos muy metálicos crea un espacio de orificios y concavidades en el que flotan unas caracolas, que para él son las imágenes de la música de Bach, tan querida para el escultor vasco.

En total se sumaron a este homenaje cuarenta y tres artistas y como colofón, se solicitaron unas breves líneas a los arquitectos que habían colaborado alguna vez con Chillida: I. M. Pei, John Pawson, Norman Foster, Frank Gehry, Arata Isozaki, Zaha Hadid y Jean Nouvel.

Los grabados de Rembrandt

25/03/2006, Este año se celebra el 400 aniversario del nacimiento de Rembrandt y con este motivo, la Biblioteca Nacional de España presenta una colección de magníficos grabados del pintor holandés.

Madrid, marzo de 2006

Este año se celebra el 400 aniversario del nacimiento de Rembrandt y con este motivo, la Biblioteca Nacional de España presenta una colección de magníficos grabados del pintor holandés.

Del 22 de marzo al 11 de junio, se muestra en la sede de la institución (Recoletos 20, Madrid) un conjunto de trabajos (grabados y pruebas de estado) que permiten ver cómo trabajaba uno de los grandes grabadores de la historia del arte.

“Rembrandt. La luz de la sombra” se integra con planchas, un libro y 146 grabados seleccionados por su rareza y extraordinaria calidad, muchos de ellos pruebas de estado y todos estampados por el propio Rembrandt. Proceden de los fondos de las bibliotecas nacionales de España y de Francia. Patrocina la Fundación Caixa Catalunya y son comisarias Gisele Lambert y Elena Santiago.

La exposición presenta la permanente investigación de Rembrandt en el campo del grabado, mostrando en muchos casos todo el proceso de creación de una imagen a través de las pruebas que el artista iba estampando para comprobar el estado de su trabajo sobre la plancha. Un ejemplo muy claro es la estampa con el retrato de Saskia, la mujer del artista, llamada La gran novia judía.

Rembrandt, uno de los grabadores más grandes de todos los tiempos, y magnífico dibujante, trabajaba directamente sobre el barniz que cubría las planchas con una punta de grabar, a menudo sin boceto previo y, una vez que con la mordida del aguafuerte había conseguido crear la imagen, la retocaba y completaba con la punta seca y el buril. También estampaba pruebas con tintas y papeles diferentes, hasta lograr asombrosos efectos lumínicos, espaciales y compositivos y, de esta manera, profundizar en su significado simbólico

Entre los ámbitos expositivos figuran los retratos y autorretratos. Rembrandt es uno de los artistas que más se autorretrató. Se conservan más de 40 pinturas, 30 estampas y varios dibujos de este tema. En los comienzos de su actividad como grabador, Rembrandt no sólo utiliza su rostro como modelo para sus estudios de expresión y de iluminación, sino también los de las personas más próximas y que mejor conocía, sus padres.

Otro ámbito se refiera al arte sacro, con abundancia de temas bíblicos. Destaca su trabajo de “Las tres cruces”, una de las estampas más dramáticas de la historia del grabado, en la que los contrastes lumínicos juegan un papel fundamental.

Entre los grabados tambien hay referencia al paisaje. Capta los efectos atmosféricos, el frío, la paz y el silencio, con una percepción directa, espontaneidad de ejecución, y un magnífico sentido para captar la luz. Merece la pena contemplar “Los tres árboles”, un paisaje famoso de Rembrandt que sugiere el anuncio de un cambio atmosférico, la llegada de una tormenta

Entre las obras también hay escenas de caza y desnudos. En los desnudos femeninos de Rembrandt no hay ni estilización ni idealización. Su maestra es la naturaleza y él la representa de la manera más directa. A veces disfraza sus desnudos de mujeres de diosas paganas como la Diana en el Baño o de personajes bíblicos como la mujer de Putifar, pero todas son copias de modelos de una inmediatez y un realismo que chocaron con los gustos de su época

Corrado Giaquinto

20/03/2006, Los amantes del arte tendrán una buena ocasión para conocer mejor la obra de Corrado Giaquinto, del 5 de abril al 25 de junio de 2006, en las salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid

Madrid, marzo de 2.006

Los amantes del arte tendrán una buena ocasión para conocer mejor la obra de Corrado Giaquinto, del 5 de abril al 25 de junio de 2006, en las salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid.

Pese a ser conocido por sus frescos decorativos, la obra de este artista del Alto Barroco no es muy popular en España, pese a vivir un tiempo en Madrid, relación que facilitó la presencia de alguna de sus obras en manos de la corona hispana.

Corrado trabajó con temas alegóricos, mitológicos y religiosos, ganando a lo largo de su vida (1703-1765) fama como uno de los pintores italianos más importantes de su siglo.

Estuvo estrechamente ligado a España, pues permaneció en este país diez años al servicio del rey Fernando VI, realizando una extensa labor como fresquista en los palacios de la Corona.

Tuvo una decisiva influencia sobre los jóvenes artistas españoles discípulos suyos, -tanto en Roma, antes de venir a España, como en Madrid a su llegada-, pues fue nombrado por voluntad real director de la recién creada Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Patrimonio Nacional, que posee uno de los más importantes conjuntos de su obra, tanto en frescos como en lienzos, organiza esta exposición bajo el comisariado del profesor Pérez Sánchez, para mostrar la completa y compleja personalidad de este gran artista.

Además de los cuadros del propio Patrimonio Nacional, se exhiben también un importante conjunto de cuadros del Museo del Prado, que conserva numerosas obras del maestro procedentes en su mayor parte de las colecciones reales, así como del Museo de Capodimonte, y de otros museos españoles y europeos; además de un selecto grupo de obras de colecciones privadas, italianas y españolas.

La exposición presenta a través de unas 75 obras, una visión completa del artista en sus diversos aspectos: decorador brillante, pintor mitológico de delicada sensualidad rococó; pintor religioso de lenguaje expresivo y teatral; paisajista de amplio vuelo y, en ocasiones, retratista cortesano.

Se pretende mostrar todas las facetas del arte del pintor, tanto durante su etapa de formación y primera madurez en Nápoles y en Roma, como en sus años españoles, donde quizás culmine su arte exquisito. Para ello la muestra se articula en varios espacios: primero obras de procedencia italiana que representan la producción de Giaquinto en su Apulia natal, en Roma y en Nápoles.

La producción española se organiza en varias secciones mostrando su labor de fresquista, -a través de los bellísimos bocetos que se conservan para la cúpula de la capilla de Palacio y la bóveda de la escalera-, y el conjunto de lienzos de los Oratorios del Rey y de la Reina, por fortuna íntegros.

Por último, un conjunto de lienzos de diversas procedencias que dan cuenta de su labor como pintor de caballete para atender diversas demandas de particulares e instituciones, incluyendo bocetos para templos españoles no necesariamente ligados a su actividad para Palacio.

 

Dia forestal mundial

19/03/2006, El 21 de marzo, cuando en un hemisferio empieza la primavera y en el otro el otoño, se celebró en todo el mundo el día forestal mundial. Los ecologistas alertaron del deterioro del ecosistema

Marzo de 2006

El 21 de marzo, cuando en un hemisferio empieza la primavera y en el otro el otoño, se celebró en todo el mundo el día forestal mundial.

Es un evento que se celebra desde 1971, cuando los estados miembros de la FAO crearon esta jornada Forestal Mundial, con el fin de destacar la importancia de los bosques como territorios que proveen de bienes y servicios esenciales para el hombre y el mantenimiento de un ecosistema habitable.

Según WWF-Adena, los bosques ayudan a regular el ciclo del agua y el clima, fabrican oxígeno y retiran el dióxido de carbono de la atmósfera -, controlan las inundaciones, evitan la erosión y retienen el suelo fértil, ofreciendo al hombre madera, alimentos, medicamentos y otros muchos recursos naturales.

”Hace unos 10.000 años – dice la organización conservacionista - la mitad de la superficie del planeta estaba cubierta por bosques. Debido a la acción del hombre cada semana desaparece una superficie forestal superior al equivalente a 325.000 campos de fútbol; ya hemos perdido la mitad del total y sólo está protegido menos del 6% de los bosques del mundo.

El hombre ha eliminado a lo largo de este siglo grandes extensiones de valiosos bosques autóctonos para sustituirlos por especies de crecimiento rápido. Además, los incendios forestales, la desaparición de los usos tradicionales, la especulación urbanística, las grandes obras públicas y el empleo de prácticas selvícolas abusivas; están motivando la pérdida de calidad forestal y la acelerada desaparición de los bosques viejos y maduros, así como la extinción de la flora y fauna forestal más valiosa.

Greenpeace llama la atención sobre bosques y océanos

En este día, Greenpeace advirtió, en la Octava Conferencia de las Partes de la Convención sobre Diversidad Biológica en Brasil. Que se están destruyendo los preciosos bosques nativos primarios a una tasa sin precedentes.

“Un área del tamaño de un campo de fútbol es desforestada cada dos segundos", indicó la organización ecologista en un comunicado divulgado en el encuentro que se celebra en Curitiba, Paraná.

Coincidiendo con la Cumbre sobre Biodiversidad (CBD) de Brasil, Greenpeace presentó dos informes con los mapas más precisos hasta la fecha de las áreas de bosques y océanos más valiosas de la Tierra, y demandó la creación de una red global de áreas forestales y marinas protegidas.

La actual velocidad de extinción de la vida terrestre y marina, sin precedentes en la historia, ha motivado a Greenpeace a diseñar y presentar mapas detallados sobre biodiversidad. La desaparición de especies animales y vegetales es, aproximadamente, 1.000 veces mayor que en épocas anteriores a la aparición del ser humano y las predicciones apuntan a que en 2050 esta tasa sea 10.000 veces mayor. Entre los datos extraídos destaca que menos del 10 por ciento de los bosques del planeta permanecen intactos.

La cartografía ha sido realizada utilizando imágenes de satélite de alta resolución de los bosques del planeta y los últimos datos y técnicas para ubicar la vida marina en los océanos. Con ello se ha creado un escenario más preciso de cómo pueden actuar los gobiernos para proteger los ecosistemas más importantes del planeta.

Los mapas de los océanos identifican las áreas marinas que necesitan protección inmediata ante la sobrepesca, la pesca irresponsable, las prospecciones y la contaminación.

Los mapas de los bosques revelan los efectos que están teniendo en los últimos bosques primarios del planeta actividades humanas como las talas ilegales, las prácticas forestales destructivas y la deforestación para la expansión agrícola.

El lanzamiento de los mapas coincide con campañas de Greenpeace para sacar a la luz la crisis global de la biodiversidad. Greenpeace está en el corazón de la Amazonia exponiendo la deforestación de la selva para implantar cultivos de soja; también ha establecido una estación de resistencia en los Bosques del Paraíso, en Papúa Nueva Guinea, para proteger sus selvas de las talas ilegales; mientras que en el mar, uno de los barcos de Greenpeace, el MY Esperanza, está llevando a cabo la expedición de más de un año "En defensa de los océanos", que estos días está centrada en detener las pesca pirata.

Artemio Artigas

Primavera en Viena

11/03/2006, Modelos estridentes, famosos, modas y ritmos: el Life Ball 2006 en el Ayuntamiento de Viena,es ya una cita festiva ya clásica en la primavera vienesa.

Viena, marzo de 2006

Modelos estridentes, desfile de modas y ritmos: el Life Ball 2006 en el Ayuntamiento de Viena, es una cita festiva ya clásica, que este año tendrá lugar el 20 de mayo.

Es el evento de lucha contra el SIDA más estridente de Europa. Desde 1993 Viena culmina su temporada de bailes con él, desplazando en popularidad a otros ya célebres, como el Baile de la Ópera.

Famosos, desfiles de moda, vestidos de gala.... el Ayuntamiento se trasforma en un palacio para la alegría de vivir. El lema para 2006 es: “A Choir of Love against an Army of Ignorance“(Un coro de amor contra una armada de ignoracia). Delante de la sede municipal se construye una pasarela gigante para que 30.000 espectadores disfruten gratuitamente del placer de un espectáculo de primera.

La cita festiva tambien está en el barrio de los museos. El “Verano en el MuseumsQuartier de Viena“ empieza a partir del 4 de mayo con baile y música, enmarcado por los dos puntos culminantes del mundo de la moda “MODEPALAST 06“ y “SHOP ZONE“.

El programa comienza con la actuación del bailarín Elio Gervasi, un programa musical variado así como una divertida fiesta brasileña.Hasta septiembre, el patio principal, rodeado del Museo Leopold, el pabellón Kunsthalle Wien, el Museo de Arte Moderno/Fundación Ludwig Wien y quartier 21, se volverá a convertir en uno de los lugares más animados.

Arte y placer

A la atracción clásica de los museos vieneses, la Viennafair 2006, la joven Feria de Arte de Europa Central y del Este. Del 6 al 9 de abril de 2006 se presentan 99 galerías de 19 países de Europa Central en el Messezentrum de Viena.

Entre los aproximadamente 1.500 artistas se encuentran estrellas de renombre como los escultores Richard Serra y Tony Cragg, o artistas austriacos como Franz West, Peter Kogler y Herbert Brandl. Más de la mitad de las galerías participantes muestra arte proveniente de Europa Central y del Este – desde Croacia y Chequia hasta Rusia y Lituania, pasando por Serbia y Rumanía. Es una ocasión ideal para conocer y comprar obras de artistas centroeuropeos.

Y para los sibaritas: el Festival mundial de vino Palais Coburg, con los productores de vino más importantes a nivel internacional, que convierte a Viena en capital del placer, del 19

Durante el Festival mundial de vino presentan más de 60 viticultores internacionales de primer orden sus mejores vinos.

Y a todo esto... también habrá festivales musicales en el año Mozart...

El Prado Itinerante

09/03/2006, Se inauguró en Santiago de Compostela la primera gran exposición del Museo del Prado que itinerará por España, integrada por 63 pinturas: "El retrato español".

El retrato español en el Prado, itinerante.

Santiago de Compostela, Marzo de 2006

La Fundación Caixa Galicia inauguró en su sede de Santiago de Compostela la primera gran exposición del Museo del Prado que itinerará por España, integrada por 63 pinturas.

La muestra presenta varios de los ejemplos más notables del retrato español que conserva la pinacoteca nacional de El Prado, con obras del Greco, Velásquez, Murillo y Goya.

“El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya” se verá en Santiago de Compostela, del 10 de marzo al 14 de mayo de 2006) constituye la primera exposición del programa Prado Itinerante con el que el Museo se propone acercar regularmente parte de sus fondos a las distintas comunidades autónomas. Además de Caixa Galicia, Caja Duero, Caja Castilla La Mancha (CCM), Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM) y Bilbo Bizcaia Kutxa (BBK) harán posible la rotación de la exposición por otras cuatro ciudades españolas entre mayo de 2006 y abril de 2007: Salamanca, Toledo, Alicante y Bilbao, por este orden.

Además, la riqueza y variedad de los fondos del Museo del Prado ha permitido la programación de una segunda exposición, El retrato en el Prado. De Goya a Sorolla, dedicada a la evolución del género en la pintura española del siglo XIX, que se celebrará posteriormente en las mismas comunidades autónomas.

Según fuentes de la pinacoteca madrileña, El Prado Itinerante materializa la voluntad del Museo de aproximarse al conjunto de la sociedad española extendiendo su actividad fuera de la capital española. Para ello, además de las exposiciones, el programa contempla la realización de actividades complementarias en cada uno de los puntos geográficos previstos en la itinerancia.

El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya

Comisariada por Leticia Ruiz, jefe de departamento de pintura española del Museo, la exposición cuenta con una completa selección de obras dado que el Museo del Prado, como principal depositario de las colecciones pictóricas de la monarquía, conserva un fondo fundamental de retratos en el que están representados los mejores artistas españoles y europeos de los siglos XVI al XVIII.

Entre otras obras destacadas, la exposición cuenta con importantes ejemplos como Un caballero del Greco, Felipe IV de Velázquez y cuatro obras más de su taller, Nicolás Omazur de Murillo y hasta un total de seis retratos de Goya: Doña Tadea Arias de Enríquez, Carlos III cazador, El General Don Antonio Ricardos, Retrato de Carlos IV, Retrato de la Reina María Luisa de Parma y la Infanta Doña María Josefa. Pintores de retratos también fueron Luis de Morales, con el magnífico retrato de San Juan de Ribera en la exposición; Alonso Sánchez Coello, del que se incluyen Autrorretrato y La dama del abanico; Juan Pantoja de la Cruz, representado con La Infanta Isabel Clara Eugenia, el Retrato del Emperador Carlos V (copia de Tiziano) y otros dos excelentes ejemplos; Juan Bautista Maino, con Retrato de Caballero (el único retrato firmado por el artista que se conoce); Juan Carreño de Miranda, con Doña Mariana de Austria y tres pinturas más; Claudio Coello, con El Padre Cabanillas; Luis Paret, con su Autorretrato; y Mariano Maella o Agustín Esteve, con dos retratos en la muestra cada uno. Todos estos artistas, junto con otros nombres menos célebres representados también en la exposición, contribuyeron de forma decisiva a dar continuidad al género del retrato convirtiéndolo en la espina dorsal de la historia del arte en España. Una historia cuya conformación y desarrollo no podría entenderse sin la participación de pintores extranjeros. El más sobresaliente de todos fue desde luego Tiziano, aunque la lista se completa, entre otros, con Luca Giordano o Anton Rafael Mengs, presentes ambos en la exposición con destacadas producciones como Doña María Ana de Neoburgo, Reina de España, a caballo y Carlos II, a caballo, del primero, y El Infante Don Gabriel de Borbón, María Carolina de Lorena y María Luisa de Parma, del segundo.

Casi todos estos artistas, con las excepciones del Greco o Murillo, fueron los encargados, como pintores del Rey, de fijar la imagen del monarca y su familia, asumiendo tácitamente un cúmulo de tradiciones y múltiples referencias heredadas que, sin embargo, fueron transformándose a lo largo del tiempo. La exposición describe este devenir del retrato español bajo el hilo conductor que conforma la Corona española.

Las sesenta y tres pinturas seleccionadas, obra de un elenco de treinta y seis artistas diferentes, muestran ese desarrollo del retrato en España durante tres siglos, con sus distintas tipologías y los cambiantes significados de estas. El montaje expositivo se ha organizado a través de siete secciones que vertebran las tres centurias: El inicio del retrato moderno, La creación del retrato de Corte y La tradición del retrato en Toledo, dedicadas al siglo XVI; Velázquez y la madurez del género y El retrato fuera de la Corte. Otras tipologías, que corresponden al siglo XVII; y,finalmente, La incorporación de los modelos europeos durante el siglo XVIII y Goya: tradición y modernidad, que concluyen el recorrido de la exposición con las obras del siglo XVIII.

 

Fra Angelico. La Virgen de la Humildad

06/03/2006, El museo Thyssen-Bornemisza presentó su exposición número 18 de la serie "Contextos de la Colección Permanente", con el título la obra de Fra Angelico. La Virgen de la Humildad

Madrid, marzo de 2006

El museo Thyssen-Bornemisza presentó su exposición número 18 de la serie de exposiciones Contextos de la Colección Permanente, con el título "Fra Angelico. La Virgen de la Humildad", sobre esta bellísima joya pictórica fechada entre 1433 y 1435

Esta tabla del maestro italiano está ubicada habitualmente en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) y ahora se presenta en Madrid, después de su participación en la exposición del Metropolitan Museum de Nueva York, dedicada a Fra Angelico, que conmemoró el 550 aniversario de la muerte del pintor.

La pintura de Fra Angelico está arropada por doce tablas, de altísima calidad, procedentes de la Colección Permanente del Museo y del depósito en el MNAC. Este último grupo, inscrito dentro del Trecento, resulta el más novedoso para los visitantes.

La muestra analiza dos imágenes con amplia difusión dentro de la historia del arte, dos tipologías que cuentan con buenos ejemplos de gran riqueza en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza: la Virgen de la Humildad y la Virgen entronizada con el Niño. A estos dos temas se añaden antecedentes que ilustran la postura que adopta la Virgen de la Humildad, procedentes de las Adoraciones del Niño, así como otros episodios marianos que presentan a María como Reina de los Cielos.

Al nombre de Fra Angelico hay que unir los de los florentinos Cenni di Francesco y Lorenzo Monaco, el del sienés Giovanni di Paolo, así como los de otros artistas vinculados a estos focos artísticos como Bartolomeo Bulgarino, Niccolò di Tommaso y la interesantísima tabla, con una Virgen de la Humildad, de un pintor desconocido de órbita veneciana, fechada hacia 1360.

La Virgen de la Humildad

Esta tabla, datada al inicio del periodo de madurez del artista, es una de las obras maestras de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza. La pintura que ha tratado de identificarse, sin éxito, con una pieza del Palazzo Gondi de Florencia, perteneció a la colección del rey Leopoldo I de Bélgica. Permaneció en la colección Pierpont Morgan de Nueva York, entre 1909 y 1935. A finales de este mismo año, el temple estaba ya en Villa Favorita. Tras la muerte del barón Heinrich Thyssen-Bornemisza, en 1947, la pintura pasó, por herencia, a su hija la Condesa Margrit Batthyány, siendo recuperada para la colección, en 1986, por el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza.

Esta Virgen de Fra Angelico, ideada por sus proporciones para la devoción, reúne todas las características que hicieron célebre a este beato artista. La sencillez compositiva con la que presenta el tema, no es excusa para que pintor aplique en esta tabla los preceptos más innovadores vigentes en la pintura florentina del momento.

María, cubierta por una intensa mancha de azul con la que se ha construido su manto, destaca por un colorido vivo y puro al que hay que añadir la volumetría de la figura y el espacio que crea con su cuerpo y postura y que nos abre las puertas al Quattrocento. Los dorados de los halos, del paño de honor que sostienen los ángeles y de los adornos de los vestidos, más que un motivo vinculado a la tradición con connotaciones arcaicas, hay que interpretarlos como un enriquecimiento con el que Fra Angelico presenta al espectador a esta Madonna con Jesús.

El artista ha utilizado en esta obra algunos recursos con los que había experimentado en otras pinturas como es el caso del paño de honor con cuyos pliegues aumenta la profundidad. El pintor también nos hace llegar su mensaje a través del simbolismo de las flores al elegir las azucenas, alusivas a la pureza de María, junto a las rosas blancas y rojas que nos hablan de la Pasión que tendrá que afrontar el Niño.

Biografía de Fra Angelico (c.1395-1455)

Fra Angelico, cuyo nombre antes de tomar los hábitos era Guido di Piero da Mugello, nació cerca de Vicchio, hacia 1395-1400. Entre 1418 y 1421 ingresó en el convento de San Domenico de Fiésole, lugar donde el artista pasó la mayor parte de su vida y donde intensificó su producción artística.

En esta etapa temprana se inscriben sus trabajos como miniaturista junto a sus primeras obras dentro del campo de la pintura. Fra Angelico, en estos años, participó en reuniones capitulares y actuó como vicario en ausencia del superior del convento, alternando sus labores religiosas con otras de talante secular como su papel de juez valorando la calidad de las obras de otros artistas.

En agosto de 1441 Fra Angelico se encontraba ya en el convento de san Marco, en Florencia, lugar que había sido encomendado, en 1436, a la orden de dominicos donde procesaba. Para este edifico el religioso realizó, junto con sus ayudantes, unos cincuenta frescos decorando diversas estancias del recinto entre las que se encontraban las celdas de los frailes. Entre los temas que trató, y que estaban destinados a incentivar la piedad de los monjes de su comunidad, se encuentran episodios de la vida de la Virgen y de la de Cristo, entre ellos la Anunciación, la Coronación, la Oración en el Huerto, la Flagelación y varias crucifixiones.

Fra Angelico también trabajó en el Vaticano, llamado por el Papa Nicolás V. Para este pontífice decoró al fresco, entre 1447 y 1450, una capilla con escenas de las vidas de san Esteban y san Lorenzo con momentos como la Ordenación de san Esteban, san Esteban repartiendo limosna, san Esteban predicando, la disputa de san Esteban con el sanedrín o la ordenación de san Lorenzo. El artista murió en Roma, en 1455, siendo enterrado en la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva.

 

París redescubre a Ingres

05/03/2006, París, que en el 2004 dedicó una muestra a examinar la relación de Ingres con Picasso, dedica ahora una gran retrospectiva, en el Louvre, a aquel artista que vivió a caballo de los siglos XVII y XIX.

Por A. Artigas

París, febrero de 2006
París, que en el 2004 dedicó una muestra a examinar la relación de Ingres con Picasso, dedica ahora una nueva gran exposición, en el Louvre, a aquel artista clásico, que vivió a caballo de los siglos XVII y XIX.

Si la exposición del 2004, presentada en el museo Picasso, enfrentó al clasicista con la modernidad del gran pintor malagueño, buscando en éste la huella de aquel, ahora lo que se pretende es hacer la mayor monográfica sobre Ingres, reuniendo en la retrospectiva 80 pinturas y 104 dibujos, presentando al pintor como el rival de Delacroix, y afirmando su visión sensual y apasionada, así como sus vetas de precursor. Del 24 de febrero al 15 de mayo de 2006.

Jean Auguste Dominique Ingres nació el 20 de agosto de 1780 en Montauban, una ciudad que cuenta en su atractivo con un museo de Ingres, que ocupa el antiguo palacio episcopal de esta ciudad francesa, y que cuenta con un valioso legado del pintor neoclásico.

Hijo de pintor, su padre era artista de la Academia de Bellas Artes de la cercana Toulouse, y allí estudió arte y música el muchacho. …ste pronto demostró una cualidad innata para el dibujo, y una atracción especial por Rafael, hasta que fue a París, donde estudió en el taller del neoclásico David.

Ya independizado Цy enfrentado a David- destacó inmediatamente y fue becado para trabajar y estudiar en Roma. En el camino se detuvo para ver la pintura florentina, donde se instaló, aunque seguía enviando obras a los salones oficiales de París, donde el triunfo se resistió hasta 1824, por lo que se trasladó de nuevo a la ciudad francesa

Ya en 1826 se le contrató para decorar unos techos del Louvre, y el éxito le acompañó: presidente de la escuela de Bellas Artes de París, director de la Escuela de Francia en Roma(donde estuvo becado)... la Exposición Universal de París del 1855 le desdicó una retrospectiva...

Murió en 1867, en su ciudad natal, después de haber pintado magníficos retratos, escenas religiosas e históricas, desnudos cargados de sensualidad, escenas míticas, bañistas... Le gustaba el exotismo. Abordó con éxito temas exóticos como la Odalisca o El Baño Turco, en los que denota su sensibilidad, precisión estilística y capacidad para el tratamiento del desnudo.

Supeditaba la realidad física a la belleza, algo que rechazaban los críticos de su tiempo, pero que dota a sus obras de una innegable poesía.

La huella de Rafael, de los neoclásicos y la veta romántica conviven en su obra. Sorprenden aspectos contradictorios, como su obsesión por modificar la realidad en los desnudos (alargando cuellos, dulcificando formas) con su rigor con la historia. Sus cuadros se hacían después de tomar múltiples apuntes de elementos arqueológicos.

Dejó indudable influjo en pintores posteriores, desde románticos a simbolistas, impresionistas o el mismo Picasso. Se ha citado que en los estudios de los pintores cubistas las imágenes de la Odalisca y El Baño Turco de Ingres empezaron a compartir pared con las máscaras africanas y las obras de El Greco, Cézanne o Seurat.

Considerado tradicionalmente como un artista académico y conservador, Ingres fue redescubierto por estos nuevos pintores, que repararon en sus imposibles distorsiones anatómicas y en la organización espacial de sus trabajos.

La muestra de Ingres será el acontecimiento artístico de la primavera. La anterior retrospectiva del autor hace ya 40 años que se hizo, y hoy se conoce mucho mejor la obra del artista de Montauban.

Dividida en seis secciones cronológicas, la exposición alterna dibujos y pinturas, obras que en gran parte pertenecen a la gran pinacoteca francesa, pero que también vienen del museo de Montauban, de instituciones de Europa y América y colecciones privadas. La obra de Ingres es amplia. …l trabajó durante 70 años.

Organiza la exposición la Réunion des Musées Nationaux, junto con el Museo Ingres de Montauban.

 

La flor del cerezo

04/03/2006, La zona de Plasencia, en especial el valle del Jerte, cobra interés especial en el final de marzo, cuando comienzan a cubrirse de blanco la ramas de los cerezos esparcidos por este paisaje serrano

La zona de Plasencia, en especial el valle del Jerte, cobra interés especial desde la segunda quincena del mes de marzo, cuando comienzan a cubrirse de blanco la ramas de los cerezos esparcidos por este paisaje serrano del norte de extremadura

En las empinadas laderas, el blanco de la floración empieza a extenderse desde el 20 de marzo, aunque la fecha evoluciona según lo hace la climatología, y durante unos diez días permanece el paisaje con esta albura insólita.

Todo el valle es especialmente atractivo, aunque la zona mejor conservada es la más norteña, hacia Tornavacas. Aunque abundan las moderneces constructivas que afean lo pueblos, aún se conservan bellas casas con sus atractivos corredores de madera.

Cada año, por estas fechas, se organiza en el valle una serie de eventos, con motivo de la floración. Este año se abren el día 21 en Cabezuela del Valle. (el programa se puede consultar en http://clientes.vianetworks.es/personal/jerte/cerezo00/)

El Jerte discurre en dirección NE, al lado de la carretera que lleva desde Plasencia a Avila, pasando por Navaconcejo, Cabezuela del Valle, Jerte y Tornavacas. El Puerto de Tornavacas marca el límie entre las provincia de Cáceres y Ávila. Al lado de la carretera, no lejos de Plasencia, quedan otros núcleos:El Torno, Rebollar, Valdastillas, Piornal, Barrado, Cabrero y Casas del Castañar. El conjunto merece un recorrido en la primavera, que se puede complementar en junio, cuando las cerezas han tomado su color rojo y están “para comérselas”

¿Qué más ver en la zona?

Plasencia es una bella ciudad (http://www.guiarte.com/plasencia/) de algo más de 30.000 habitantes: Es la capital económica del norte de la provincia de Cáceres y la ciudad más monumental del norte de Extremadura.

Casi en paralelo al valle del Jerte, pero un poco más al oeste, transcurre la Vía de la Plata (http://www.guiarte.com/viadelaplata/) que cruza el bello valle del ambroz, verdeante y prolífico en belleza y cigueñas.

Un lugar interesante de la vía es Cáparra, que fue una de las colonias romanas más importantes en Lusitania. Queda como testigo un sólido arco, sobre la ruta, y alguna zonas en las que se perciben las huellas de la ciudad romana.

Continúa el viejo camino romano en dirección Noreste, casi en línea recta, por el Valle del Ambroz, pasando unos cuatro kilómetros al sur de Zarza de Granadilla . Luego aparece Aldeanueva del Camino , un tranquillo y alegre lugar, con balcones floridos, dos iglesias del siglo XVI, Santa María del Olmo y San Servando, un pequeño puente romano. Muy cerca está otra población muy interesante: Hervás.

Camino romano y carretera Nacional se unen de nuevo a partir de Aldeanueva para continuar por una geografía verdeante y húmeda, en ligero ascenso, hasta Baños de Montemayor . Es la última localidad extremeña de la Vía de la Plata. Ubicada a la falda del puerto, la localidad ya tuvo atractivo en la época romana por sus fuentes termales.

Recomendable el territorio para un fin de semana

Oficina de Turismo del Valle del Jerte en Cabezuela del Valle, en la Nacional 110, dirección Jerte, en el edificio de la Mancomunidad de Municipios del Valle del Jerte. Fono927 47 25 58. informacion@turismovalledeljerte.com

 

De ferias de turismo

04/03/2006, La ITB de Berlín, la primera del mundo en materia de Turismo, ha celebrado su 40 edición con una elevada presencia de ofertas, entre ellas las de la India, sudeste asiático, países árabes y Sudámerica

Marzo de 2006

La ITB de Berlín, la primera feria del mundo en materia de Turismo, ha abierto con una elevada presencia de ofertas atractivas. Entre las que pujan fuerte, las de la India, sudeste asiático, países árabes y Sudámerica.

Los alemanes son grandes viajeros y gastan 71.000 millones de euros anualmente en este sector. España, Turquía, Grecia, Túnez y Marruecos están entre sus destinos favoritos. El interés por este gran mercado turístico germánico es una razón básica del éxito de la feria.

Ha habido 183 países representados, del 8 al 12 de marzo, en un certamen – el 40 de su historia- con 10.500 expositores, sobre una superficie de 150.000 metros cuadrados. Ocho de cada diez expositores son extranjeros.

Los organizadores han resaltado un evento de gran interés y atractivo para el país: el Mundial de Fútbol 2006. Un año después de los maremotos del sudeste asiático, los países de aquella zona han reforzado su presencia en la feria. También ha crecido la oferta del turismo para gays y lesbianas. Agencias y ciudades especializadas, como Berlín, Viena y Ámsterdam, estuvieron sumamente activas.

Mucho movimiento, y presencia abundante de famosos, entre ellos la tenista rusa Anna Kournikova que promocionó el torneo de golf Mallorca Classic.

En el aire, el temor a la gripe aviar. También otra realidad: el problema del integrismo, que genera pérdidas económicas a diversos países, entre ellos Turquía y Egipto, que acaban padeciendo la crisis por la publicación de las viñetas de Mahoma. Siempre se beneficia alguien y en este caso es la ribera norte del Mediterráneo occidental: Francia, Italia y España, sobre todo.

Es sorprendente acudir a estos grandes certámenes y encontrar a veces a minúsculos enclaves que hacen un esfuerzo sobrehumano para acudir no se sabe con qué rentabilidad. Eso sí, el alcalde de la ciudad de turno y algunos adjuntos se permiten un viajecillo a Alemania con cargo a los presupuestos municipales con tal motivo.

Hay certámenes gigantescos – como la ITB o Fitur- y otros más modestos pero interesantes también, y tal vez más efectivos para el fomento de determinado tipo de turismo.

Málaga ya promociona su Feria Internacional del Turismo Cultural, que llega este año a su tercera edición, del 21 al 24 de septiembre, con la idea de potenciar la desestacionalización de los destinos

Asimismo, y con la idea de crear un centro activo de intercambio empresarial, la organización de la feria también tiene por objetivo conseguir implicar a los agentes turísticos privados, como agencias de viajes y hoteles, con el fin de que utilicen la Feria Internacional del Turismo Cultural como una herramienta que promueva el negocio de sus establecimientos en épocas de menor afluencia turística.

El elemento diferenciador que ha distinguido a la Feria Internacional del Turismo Cultural se refuerza aún más esta edición. A los ya conocidos grupos de trabajo de turismo cultural y turismo idiomático, zona de operación, seminarios, conferencias y reuniones profesionales, este año se añade la zona de presentación, emplazamiento en el que los expositores darán a conocer ante la prensa y profesionales del sector las características y elementos diferenciadores de sus productos.

También para esta tercera convocatoria está previsto reforzar el número de compradores internacionales que acuden al workshop organizado por Turespaña, debido, principalmente, a los excelentes datos con los que saldó 2005, en el que se realizaron más de 1.900 citas.

En este ámbito de negociación participaron 40 operadores especializados de diferentes países junto a 50 vendedores. El 80% de ellos valoraron el resultado final del encuentro entre muy satisfactorio y satisfactorio, motivo que justifica el aumento para 2006.

En lo que a expositores se refiere, casi el 90% de los que acudieron en la segunda edición han confirmado su presencia en la tercera, si bien se han añadido otros nuevos, como Xacobeo – producto turístico cultural declarado gran itinerario europeo por la Unión Europea – o República Dominicana, que aunque se asocia inicialmente al segmento de sol y playa está promocionando su atractivo cultural, no en vano fue Santo Domingo una primera capitalidad hispana en el continente.

Turespaña, Turismo Andaluz, Patronato de Turismo de la Costa del Sol y Ayuntamiento de Málaga, junto con las entidades empresariales, trabajan conjuntamente para hacer de esta feria el encuentro internacional del segmento turístico cultural.

Toledo peligra por el “pelotazo” del ladrillo

03/03/2006, El propio rey de España ha intervenido en defensa del patrimonio toledano, cuando está en proyecto un plan masivo de urbanización que destrozará el encanto visual que la ciudad conservó durante siglos

El propio rey de España intervino en defensa del patrimonio toledano, cuando está en proyecto Цcon el entusiasta apoyo de la alcaldía- un plan masivo de urbanización que destrozará el encanto visual que la ciudad conservó durante siglos.

En la milenaria ciudad hay un duro debate sobre el tema, pues el alcalde, José Manuel Molina, del Partido Popular, ha llegado a afirmar que "Toledo seguirá siendo igual con el título de Ciudad Patrimonio de la Humanidad o sin él"

Enfrente, socialistas e Izquierda Unida defienden la conservación de los valores artísticos e históricos de la histórica urbe, que " de milagro" ha conservado esa imagen urbana que hace siglos dejó plasmada en sus cuadros El Greco.

El asunto se destacó el reciente -2 de marzo de 2003- con ocasión de la entrega de los premios de la Real Fundación de Toledo, creados hace diecisiete años para distinguir a las personas o instituciones que destacan por la salvaguarda y revitalización del patrimonio histórico.

El presidente de la Real Fundación de Toledo, Gregorio Marañón, mostró la gravedad del el futuro Plan de Ordenación Municipal (POM) de la ciudad, que "provocará inevitablemente la destrucción del paisaje de Toledo".

Ese plan, que rodea buena parte el casco histórico de un cinturón de ladrillo y cemento, destruye el entorno urbano, al sostener apenas como conservable el centro histórico, olvidando la importancia paisajística, geográfica y arqueológica de las Vegas, protegidas desde 1968.

El discurso de Marañón fue acogido con entusiasmo, frente a la frialdad del del representante municipal: El propio rey de España lanzó un llamamiento a la conservación de ese valioso legado.

Por cierto, el alcalde destacó el importante papel que tuvo el rey Juan Carlos para parar la intentona del el golpe de Estado de hace 25 años, en tanto que muchos de los asistentes le agradecieron mentalmente el esfuerzo por parar el golpe al patrimonio que ahora se prepara con el apoyo municipal.

En la última edición de los premios, han merecido distinciones la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo por su contribución al estudio y conservación del Patrimonio Histórico de la ciudad; la restauradora Concha Cirujano, por su contribución a la conservación del patrimonio histórico español y toledano; a los musicólogos Carlos Martínez Gil y Michael Noone por sus trabajos de investigación y difusión del patrimonio musical de la Catedral, y la Fundación Aga Khan, por su contribución a la conservación y revitalización de las ciudades históricas del mundo islámico.

También hubo un premio especial al equipo de integrado por Primitiva Bueno, Rosa Barroso y Rodrigo de Balbín, de la Universidad de Alcalá de Henares (Madrid) por sus trabajos arqueológicos en el Valle de Huecas, en la provincia de Toledo.

Toledo, a 70 kilómetros de Madrid, con un inmenso atractivo histórico, autopista y tren de Alta Velocidad, seguirá siendo un inmenso negocio en ciernes. ¿Hasta donde podrán resistir los intereses de la cultura frente a los especuladores?

Artemio Artigas

 

Reabre el Atomium de Bruselas

22/02/2006, El Atomium, un monumento símbolo de la capital belga, ha vuelto a abrir al público, después de casi dos años de obras de remodelación

El Atomium, un monumento símbolo de la capital belga, ha vuelto a abrir al público, después de casi dos años de obras de remodelación.

¿Edificio? ¿Escultura monumental? El Atomium representa una molécula de acero, con sus 9 átomos aumentados 150.000 millones de veces, 102 metros de altura y 2.400 toneladas de peso.

Al igual que pasó con la torre Eiffel, vencedora de un concurso convocado para la exposición de París de 1889, y de la que se preveía que sólo durara el tiempo dedicado a la exposición, el Atomium concebido como emblema de la Exposición Universal de Bruselas en 1958 tenía como destino la desaparición. Pero pasó el tiempo y se transformó en emblema de la ciudad y un símbolo de progreso y modernidad, y también de alusión al uso pacífico de la energía nuclear.

Fue creado por el arquitecto André Waterkeyn y trabajaron en él 15.000 personas, durante tres años hasta finalizar el monumento. Se encuentra a las afueras de la ciudad, en el barrio de Heizel, dentro del Bruparck, y junto al estadio de fútbol y al parque Mini-Europe, que alberga representaciones en miniatura, en proporción de 25/1, de los símbolos más característicos del continente.

La nueva “cara” del Atomium ha costado 27,5 millones de euros, financiados por el Gobierno belga, la Municipalidad y donantes y empresas mecenas.

Las brillantes esferas, de 18 metros de diámetro cada una de ellas, estaban recubiertas por una capa de aluminio que fue deteriorándose. Ahora se las ha dotado de una cobertura de acero inoxidable.

Esas esferas van interconectados por tubos equipados de escaleras mecánicas, que también han sido recubiertos. Los viejos paneles de aluminio han sido vendidos en buena parte como recuerdos.

Se ha elegido el acero inoxidable porque permite mayor resistencia a la corrosión, mejor aislamiento respecto al ruido de golpes, menor incidencia de la polución, mayores posibilidades de mantenimiento y una buena consecución del efecto de “multiespejo”

En el espacio interior se puede ver un centro de conferencias, una muestra sobre la Exposición Universal del 1958, un restaurante, una sala de exhibiciones temporales, un “hotel” para niños y hasta un espacio alquilable para eventos y fiestas privadas. Desde la bola de la cima, se divisan excelentes perspectivas de la zona.

Se recordó estos días el impacto de la inauguración, en el ecuador del siglo XX, cuando recibió la visita de gentes como Walt Disney o Chaplin; el río de visitantes, que alcanzaba la cifra anual de medio millón, y su elección como icono para las fotografías tanto de los turistas como de los recién casados belgas...

Desde el 18 de febrero, el edificio-escultura está abierto a los visitantes. Se espera alcanzar la cifra de un millon por año.

Una pena que André Waterkeyn, el creador de esta curiosa obra, no haya visto su remozamiento: murió en octubre de 2005.

http://www.atomium.be/

 

Vanguardias rusas

14/02/2006, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan, del 14 de febrero al 14 de mayo de 2006 una exposición titulada Vanguardias rusas, de la que es comisario Tomàs Llorens

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan, del 14 de febrero al 14 de mayo de 2006 una exposición titulada Vanguardias rusas, de la que es comisario Tomàs Llorens

La exposición ofrece un recorrido por la génesis y desarrollo del arte ruso de vanguardia durante el primer tercio del siglo XX. En contra de lo que tradicionalmente se ha considerado como un único movimiento, la muestra pone de manifiesto –de ahí el plural de su título- la diversidad de tendencias, contenidos y estilos que se encuadran dentro del experimento cultural que supusieron las “Vanguardias rusas”.

La muestra se centra principalmente en la pintura y la escultura, aunque también incluye dos secciones especiales, una de fotografía y otra de diseño, arte gráfico y artes aplicadas. El arco cronológico de la misma va de 1907 hasta1930, un periodo de convulsión política y cultural en el que la vida artística se vio sacudida por cientos de exposiciones de grupo, declaraciones y manifiestos, trama que ha atraído la atención de los historiadores durante las últimas décadas.

El recorrido se inicia con de la búsqueda de un nuevo arte nacional basado en las tradiciones populares rusas a comienzos de siglo. Un segundo apartado está dedicado a los primeros intentos por entroncar con el arte internacional europeo, principalmente con el Futurismo. Más adelante se analiza la trayectoria de artistas fuertemente personales como Chagall, Kandinsky o Filonov. La exposición prosigue con la abstracción organicista de los años de postguerra. Finalmente, el capítulo más extenso está dedicado al afán de superar el arte tradicional y de convertirlo en un medio de construcción del hombre nuevo, recurriendo a medios tan diversos como la pintura, la escultura, la fotografía o el arte de propaganda.

Con más de 280 piezas entre pinturas, esculturas, fotografías, carteles, cubiertas de libros, tejidos, cerámicas y otros objetos de uso corriente, este amplio montaje expositivo ha sido posible gracias a la colaboración especial del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo y de otros museos rusos como la Galería Estatal Tretiakov y museos provinciales, el Centro Georges Pompidou de París y el IVAM de Valencia, que ha prestado parte de su colección de fotografía del siglo XX. Asimismo, se han reunido obras de diversas colecciones privadas de todo el mundo.

RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN

El recorrido, que comienza en la sede del Museo Thyssen-Bornemisza y finaliza en la Fundación Caja Madrid, se divide en cinco secciones:

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

1. La lección de los bárbaros se centra en los años 1907-1912, un periodo en el cual los artistas de vanguardia se movieron por el sueño de una nueva cultura rusa, revitalizada por el ejemplo de una gran variedad de tradiciones populares o “primitivas”. La sección se divide en dos partes; la primera está dedicada a la imagen de una Rusia imaginaria, llevada a cabo por Kandinsky y Jawlensky desde Munich. La segunda, más extensa, se centra en Goncharova y Larionov, aunque también incluye obras de Mashkov y del primer Malevich. Pirosmanachvili, el pintor naif georgiano, también está representada en ella.

2. Un torbellino de energía recoge las innovaciones formales del periodo 1912-1915. También está dividido en dos partes. La primera presenta de manera conjunta el desarrollo del “rayonismo” y el “cubofuturismo”. La segunda se centra en el problema de representar el espacio e interactuar en él empleando diferentes materiales. Incluye obras tempranas de Tatlin, Baranov-Rossiné, Kruchenyk y Rozanova.

3. Experimentos individuales trata de presentar la intensa investigación artística llevada a cabo por artistas individuales, los cuales eligieron trabajar al margen de formaciones colectivas y de las cambiantes asociaciones de artistas de la época. La sección se divide en tres partes, dedicadas respectivamente a Chagall (1912-1922), Kandinsky (1914-1922) y Filonov (1914-1930).

4. El movimiento orgánico ofrece una presentación sumaria de la tradición de “orgánica” que desarrollaron en torno a Matiushin, Elena Guro y los hermanos Ender.

FUNDACIÓN CAJA MADRID

5. La construcción del hombre nuevo es la sección más extensa de la exposición. Intenta mostrar la dialéctica entre vanguardia artística y cambio político-social durante los primeros años tras la Revolución. Está dividida en cinco apartados:

5.1. Suprematismo y Constructivismo recoge las investigaciones en la representación del espacio, los volúmenes y la geometría de los creadores de estos movimientos como Malevich, Popova, Rodchenko o El Lissitzky, con experimentaciones en el campo de la pintura y la escultura. En relación con este apartado, se incluye una reproducción virtual a gran escala del Monumento a la III Internacional, de Tatlin.

5.2. Fotografía ofrece una amplia visión de conjunto de la fotografía de la época, caracterizada por una ambivalencia entre fotografía social y fotografía experimental, en la que se buscan nuevos enfoques, nuevas perspectivas y una especial atención a la estética de las máquinas. Este apartado cuenta con un importante conjunto de fotografías del IVAM.

5.3 y 5.4. Diseño gráfico y arte y propaganda. Estos dos ámbitos constituyen ejemplos del interés por las artes aplicadas que caracterizó a buena parte de la vanguardia durante los años veinte, en concreto por las publicaciones y el diseño gráfico. Destacan las cubiertas de revistas y libros, y en particular la extensa producción de carteles, sobre todo políticos, pero también de otros géneros.

5.5. Arte de la vida cotidiana, recoge algunos ejemplos de la estética del movimiento moderno aplicada a los objetos de la vida diaria, con muestras de tejidos estampados, cerámica, vajillas, bandejas o tinteros.

Arte en las pasarelas

14/02/2006, La creatividad hispana, que ha destacado en los últimos tiempos en todos los campos, también tiene su vertiente en el ámbito de la moda, aunque la principal de las pasarelas, Cibeles, no está a la altura de los creadores hispanos

La creatividad hispana, que ha destacado en los últimos tiempos en todos los campos, también tiene su vertiente en el ámbito de la moda, aunque la principal de las pasarelas, Cibeles, no está a la altura de los creadores hispanos.

Sin el glamour de las grandes citas de la moda, sin capacidad para trasladar a la capital española el interés por el mundo de los grandes diseñadores, sin unificar siquiera la oferta de las grandes firmas del país, un año más abrió la pasarela Cibeles, cuando cerraba Arco, un certamen que si se ha ganado un puesto en el mundo del arte.

Así como en Arte, la feria madrileña es capaz de codearse con dignidad con los grandes –Basilea, Nueva York, etc- en moda no. La mítica pasarela parisina, Londres, Milan o Nueva York están en otra galaxia... y no por deméritos de la moda española, que siempre ha sacado a la luz nombres propios.

Los organizadores intentan conseguir alzar esta muestra de moda entre las más importantes. Y han hecho un esfuerzo. La carpa ubicada junto al pabellón número uno ha permitido ampliar el espacio de la pasarela; crecen otros ámbitos complementarios... siguen fallando ámbitos como el de la comunicación.

En la primera jornada el encargado de la inauguración de esta edición fue, Lemoniez, con un estilo clásico y sobrio, y luego Francis Montesinos, que inundó sus diseños de referencias y motivos marineros. En el trasfondo, la mitología del Mediterráneo.

Con Angel Schlesser, de nuevo los sesenta han sido fuente de inspiración; Ágatha Ruiz de la Prada, como siempre: volúmenes excesivos que se ven incrementados gracias a las superposiciones y aplicaciones que intentan causar gracia y revuelo, y Elio Berhanyer, con instinto de renovación. Para esta ocasión, el veterano maestro vuelve a trabajar con el joven creador Roberto Diz.

La segunda jornada fue muestra de buena costura, desde la aparición de la colección de Devota & Lomba, que triunfó con una buena muestra y recursos tradicionales...

Y a seguir, porque en total son treinta y uno los diseñadores, que han de presentar sus propuestas para el próximo otoño-invierno en la Pasarela. Entre ellos lo más granado del país

La cuarenta y tres edición de la Pasarela cuenta también con casi 60 modelos de diversos países, muchos periodistas invitados de todo el mundo etc. A ver si esta vez se promociona también la feria en el exterior, porque los triunfos son escasos. Por cierto, refiriéndose a esto, en la web del diario El Mundo se dice:

"Prensa extranjera. Los más mimados por la organización. Los llevan, los traen, los alimentan, los entretienen... Aunque ojeando las biblias de la moda (las que cuentan), jamás he visto una referencia a Cibeles..."

Ana Alvarez estiloymoda.com

 

Adiós a Juan Soriano

12/02/2006, El notabilísimo pintor mexicano Juan Soriano falleció en México a la edad de 85 años de un paro cardiaco, en el Instituto Nacional de Nutrición, donde había ingresado con neumonía y otros problemas de salud

Mexico, 10 de febrero de 2006

Artemio Artigas

El notabilísimo pintor mexicano Juan Soriano falleció en México a la edad de 85 años de un paro cardiaco, en el Instituto Nacional de Nutrición, donde había ingresado quince días antes con neumonía y otros problemas de salud.

Soriano fue un artista polifacético que trabajó en pintura y escultura. Mereció en 2005 el Premio Velázquez de las Artes Plásticas, preciado galardón anual que concede el ministerio español de Cultura, por su valía, trayectoria artística y su aportación a la cultura iberoamericana.

Fue el primer latinoamericano que ganó el Premio Velázquez de Artes Plásticas, galardón que toma su nombre del genial pintor Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660).

El artista se inició en el arte en su tierra natal cuando tenía ocho años, muchos le llamaron "el Mozart de la pintura". Formó parte del taller de Francisco Rodríguez “Caracalla” a los 14 años. Con éste participó en una exposición colectiva. Llegó en 1935 a la Ciudad de México y poco más tarde presentó su primera exposición individual, en la que se denotaban influencias expresionistas.

Frecuentó los ámbitos de Diego Rivera y Frida Kahlo y entró en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, una organización que abandonó por su búsqueda de la independencia y su inconformismo.

También se relacionó con numerosos escritores: Maria Zambrano, Octavio Paz, Cortázar, Cernuda, Carlos Fuentes.. Y emprendió viajes por Europa con objeto de profundizar en las culturas clásicas.

Si en el inicio de los cincuenta se empapó de arte del renacimiento e incluso del primitivo griego, pocos años mas tarta tuvo una temporada en la que se obsesionó por la abstracción. Siempre le interesó el dibujo y en las últimas décadas también el género escultórico. fue siempre amigo de explorar y construir con libertad y lirismo.

Soriano, que vivía entre México, París e incluso Varsovia, vivió hasta su vejez en pleno vigor creativo. Su trayectoria artística no se limitó a la pintura, ya que actuó igualmente sobre el grabado, la cerámica, la escultura, el trabajo en barro... y hasta las escenografías y vestuarios teatrales.

El Premio Nacional de Arte en 1987, en México; diversas grandes exposiciones, y finalmente el Premio Velázquez de Artes Plásticas, coronaron una vida fecunda.

 

La Colección Annick y Anton Herbert

12/02/2006, El Museu d´Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y Kunsthaus Graz, Austria presentan en Barcelona la muestra más extensa realizada hasta ahora de obras de la Colección Annick y Anton Herbert, de Gante (Bélgica),

Barcelona, 10 de febrero de 2006

El Museu d´Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y Kunsthaus Graz, Austria presentan en Barcelona la muestra más extensa realizada hasta ahora de obras de la Colección Annick y Anton Herbert, de Gante (Bélgica), aún poco conocida por el gran público, dado que sus propietarios han sido siempre reticentes a su exhibición.

En esta exposición, que ocupa más de dos plantas del museo barcelonés, se presentan unas ciento cincuenta obras, entre esculturas, pinturas e instalaciones, de destacados artistas asociados al minimalismo, el arte conceptual y el arte povera. Del 8 de febrero al 1 de mayo de 2006. Comisariada por Manuel Borja-Villel, director del MACBA.

Para Annick y Anton Herbert el coleccionismo de arte constituye una forma de compromiso y, a la vez, un modo de participar en las estructuras sociales. Los Herbert iniciaron su colección en 1973 planteando una postura radical, impulsados por una búsqueda de profundidad y compromiso en relación con sus adquisiciones, escogieron aquellos lenguajes que rehuyen la grandilocuencia y el triunfalismo. En la Colección Herbert no hay lugar para la espectacularidad: no han entrado los artistas pop, ni los neoexpresionistas, ni los representantes del “gesto apasionado” o enfático. Tampoco las estructuras difusas, como los happenings, el movimiento Fluxus, el accionismo vienés o la performance.

Annick y Anton Herbert, comprometidos defensores del reductivismo del minimalismo, el arte conceptual y el arte povera, convirtieron la salvaguarda de lo que es “esencial” –no “superficial” – en una de las directrices de su colección. Sus primeras adquisiciones fueron obras de Carl André, On Kawara, Dan Graham, Lawrence Weiner y Daniel Buren, entre otros. Los Herbert, sin embargo, no representaban un caso aislado con su actitud: galeristas como Konrad Fischer, Fernand Spillemaeckers, Jack Endler, Arte & Project y Nicholas Logsdail desarrollaron una línea de trabajo similar prestando apoyo a determinados artistas, que acabó consolidándose como una forma de posicionamiento.

Entre los artistas representados en esta colección destacan también Art & Language, Marcel Broodthaers, Luciano Fabro, Gilbert & George, Dan Graham, Douglas Huebler, Donald Judd, Martin Kippenberger, Mike Kelley, Joseph Kosuth, Jannis Kounnellis, Sol LeWitt, Richard Long, Mario Merz, Bruce Nauman, Michelangelo Pistoletto, Gerhard Richter, Robert Ryman, Jan Vercruysse o Franz West.

Las obras de la Colección Herbert pueden organizarse en torno a dos momentos, 1968 y 1989, fechas que evocan experiencias políticas de gran importancia: la revuelta estudiantil del 1968 –con su acento en la emancipación y en la liberación del individuo– y el fin del comunismo y el comienzo de una era de revoluciones tecnológicas. Los acontecimientos políticos que marcan estas dos fechas otorgan a esta colección un perfil político inconfundible: el movimiento juvenil contrarrevolucionario, la rebelión contra las tendencias de restauración de los años de la posguerra, la reconsideración de las relaciones entre los sexos, la sensibilidad de una generación ante las estructuras de poder en la vida en sociedad.

Citando a Anton Herbert, su espíritu podría quedar explicado con una frase: “No hemos coleccionado obras de arte, sino una nueva forma de pensar.”

Hasta el momento, solamente se habían realizado dos presentaciones parciales de la Colección Herbert, en el año 1984 en el Van Abbemuseum de Eindhoven y en 2000, en el Forum d´Art Contemporain de Luxemburgo. Después de la estancia en el museo barcelonés la muestra viajará a Graz (Austria), donde se exhibirá del 9 de junio al 3 de septiembre

 

Otto Dix

11/02/2006, La fundación Juan March presenta en España, 10 de febrero al 14 de mayo, una interesante retrospectiva de Otto Dix (1891-1969), uno de los principales representantes de la “Nueva Objetividad”

Madrid, febrero de 2006.

Ana Alvarez

La fundación Juan March presenta en España, 10 de febrero al 14 de mayo, una interesante retrospectiva de Otto Dix (1891-1969), uno de los principales representantes de la “Nueva Objetividad”.

Se trata de la primera gran exposición dedicada al pintor alemán que se puede ver en Madrid y incluye 84 obras – óleos, guaches, acuarelas y dibujos- de quien vivió los principales acontecimientos que marcaron el siglo XX: la República de Weimar, el nacionalsocialismo y las dos guerras mundiales.

Otto Dix es un pintor de gran interés. Con él se conoce la cultura y la sociedad alemana de su tiempo. Su obra pictórica va de 1914 hasta 1969 y conoció la gloria y el desprecio, en función de los avatares que le tocó vivir, especialmente las dos guerras mundiales y el nacionalsocialismo hitleriano, que le incluyó en la nómina de artistas “degenerados”

Pasó por todos los istmos del siglo XX, pero se puede decir que él fue el realista más crítico de su tiempo, según explicó Ulrike Lorenz, una de las grandes especialista en la obra de Otto Dix.

A través de 35 óleos, 27 guaches y acuarelas y 22 dibujos, la muestra recorre prácticamente toda la obra de Dix desde 1914 hasta 1969, año de su muerte, con especial énfasis a los años 20 y 30, pasados en Berlín y en Dresde y que constituyen la época más importante de su carrera artística.

Entre los atractivos expuestos destaca el gran estudio preparatorio para el tríptico Metrópolis (184 x 405 cm), de 1927-28, su obra más importante junto a La guerra (1932).

La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con el asesoramiento de Ulrike Lorenz, directora del Kunstforum Ostdeutsche Galerie de Regensburg (Ratisbona), especialista en Otto Dix y autora del catálogo razonado de los dibujos del artista, así como de todos los textos que recoge el catálogo de esta exposición.

Otto Dix fue uno de los pocos pintores de la modernidad que se atrevieron a pintar la decadencia corporal. Se movió en el límite entre lo feo, lo repulsivo incluso,y lo cómico. La decrepitud, la dualidad de eros y muerte fueron los dos polos de su mundo y tema central en su obra.

Tambien se movió entre la ruptura de los ismos(desde el dadá al surrealismo) y la fidelidad al renacimiento, entre lo abyecto y lo sacro.

Los temas clásicos están en su obra. Incluso la pintura religiosa. En sus autorretratos se detecta: En Autorretrato con musa aparece ésta como un Juan Bautista femenino, en San Lucas pintando a la Virgen aparece él, sobre la iconografía eterna mariana y evangélica... y en el Autorretrato con Jan podemos ver un San Cristóbal. Él es el porteador de la vida y su hijo, de dos años, parece bendecir al universo.

Pintor realista hasta hallar la profundidad de la humanidad, aparenta ser un poeta de lo revulsivo y de lo feo. Poco antes de su muerte, en 1969, decía: “No es que yo me obstinase en mostrar lo feo. Lo que ocurre es que todo lo que he visto me resulta bello”. Para Dix, las categorías de lo “bello” y lo “feo” no tenían validez.

“A lo largo de su vida, Dix atravesó casi todas las etapas del ‘siglo de los ismos’”, señala Ulrike Lorenz en su ensayo del catálogo. “Realista, expresionista, dadaísta, maestro antiguo, pintor a la moda y ecléctico, obseso de la constatación y visionario, moralista o cínico... todo esto y mucho más fue Otto Dix. Celebrado como acontecimiento fundamental, calificado de pintor reaccionario de temas oscuros, desacreditado como inventor de obscenidades contrarias a la moral; él mismo se autocalificó de proletario soberano.”

“Como hombre realista, Dix siempre fue contemporáneo y testigo de su tiempo, afectado y observador. Sus cuadros son espejos y comentario a la vez. Dix elaboró y plasmó en ellos sus propias experiencias sobre la guerra y la gran ciudad, y sobre todo sus vivencias contradictorias con personas en situaciones extremas de todo el espectro social. En cuanto pintor, confiaba en lo visible... y en su aguda mirada: Ver solamente lo que está ahí, lo externo. Lo interno se patentiza espontáneamente. Dix toma la palabra a la apariencia, la desfigura hasta el borde de la reconocibilidad y la desenmascara como un contrasentido o engaño... no sin un gusto por lo grotesco.

Sus retratos reflejan a la perfección el carácter del retratado. Sus grandes composiciones constituyen un diagnóstico implacable de su época.

Durante toda su vida el artista se vio entre dos aguas. Su obra fue contemplada y valorada siempre desde ángulos opuestos: por la derecha y por la izquierda, en el Este y en el Oeste. Lo alabaron y lo malinterpretaron, lo condenaron y aniquilaron. Hoy, Dix está considerado uno de los más relevantes artistas alemanes del siglo XX. Su realismo comprometido y ambivalente continuará siendo explosivo.”

Adolfo Schlosser

10/02/2006, El Centro de Arte Reina Sofía presenta una retrospectiva dedicada al artista austriaco Adolfo Schlosser (Leitersdorf 1939 - Madrid 2004), autor de una obra de notable interés.

El Centro de Arte Reina Sofía presenta una retrospectiva dedicada al artista austriaco Adolfo Schlosser (Leitersdorf 1939 - Madrid 2004), autor de una obra variada y de notable interés, desde el plano de la plástica al de la poesía.

Adolfo Schlosser 1939-2004 sobrevuela sobre su vida y trayectoria profesional. Materiales diversos, como paja, madera, piedra, resinas, pieles... evocan una visión “natural” del arte, en una ambiciosa presentación, en la que el comisario de la muestra, Francisco Calvo-Serraller, pretende reunir las distintas etapas creativas del autor, y donde se incluye, aparte de su producción escultórica, obra sobre papel, tapices y material fotográfico. Estará abierta hasta el próximo 16 de mayo

Según Calvo Serraller, Schlosser ha hecho una de las tareas más interesantes de los últimos 40-50 años, viviendo al margen de la actualidad y de sus compromisos.

El autor

Schlosser nació en Austria. El haber sido hijo de un ceramista, podría considerarse una influencia en su sensibilización inicial hacia el arte. Los primeros años de su trayectoria artística vienen definidos por la formación en pintura en la Escuela de Gratz, y en escultura en la Academia de Bellas Artes de Viena; la pintura abstracta de estos primeros años estará aún lejos de lo que después veremos en España. A los 19 años emprende viaje a Islandia, donde residirá durante cuatro años; dicha estancia le marcará considerablemente en su evolución posterior. Por una parte, supondrá el inicio de casi toda una década dedicada a la escritura, poesía y algo de teatro. Por otra, el contacto directo con la naturaleza, con el paisaje y la fauna ártica, se convertirán en constantes a lo largo de los años.

Tras este paréntesis vuelve a su país, pero sólo por tres años, puesto que saldrá huyendo del reclutamiento militar y sólo volverá a tierras austriacas una vez más, con su entonces mujer, María Rosa Arija. El largo periplo en el que se embarca junto a Eva Lootz, tendrá diferentes paradas hasta, finalmente, llegar a España en 1967, donde vivirá hasta su muerte. Entre los diversos trabajos que llevará a cabo durante estos primeros años, cabe destacar el que desempeña en una fábrica de tapices de Vallecas. Este hecho es importante en su trayectoria profesional, puesto que entre 1970 y 1973 realizó una serie de tapices en lana con motivos geométricos que posteriormente se expusieron en la galería Ovidio en 1973; hoy sólo se conservan cuatro ejemplares. De esos mismos años también quedan varios dibujos coincidentes en los motivos de abstracción geométrica y que, igualmente, fueron presentados en la muestra arriba mencionada.

Sin embargo, lo más destacado de esta época y que se convertirá en una constante en toda su evolución posterior, será la recuperación de la escultura como principal forma de expresión. Coherente con sus dibujos y tapices, en estos años también recurrirá a la abstracción geométrica. Su creciente interés por el espacio y la tensión, le llevará a experimentar con materiales como el plástico o metacrilato y la cuerda o la goma elástica. Un buen testimonio de esta producción lo constituye la exposición de la galería ibicenca Carl Van der Voort en 1973.

En los años siguientes evolucionará hacia formas y materiales muy diferentes a los previos, aunque la época anterior, de forma sutil, a menudo estará presente. A partir de ese momento comienza a experimentar con materiales orgánicos extraídos directamente de la naturaleza, como pieles, ramas y maderas, hollín, etc. Su residencia en Bustarviejo, un pueblecito de la sierra madrileña, se convierte en la principal cantera para su obra. De ese paisaje extrae la mayoría de la materia prima que, sin apenas manipularla, se convertirá en la espina dorsal de sus esculturas. “Naturaleza y vida palpitantes –escribe el comisario, Francisco Calvo Serraller, en el catálogo que acompaña la muestra- marcadas por el estigma físico y existencial del tiempo, el transcurrir. Elementos y fuerzas naturales que nos condicionan y nos limitan, pero a través de los cuales somos capaces de trascender lo visible y adentrarnos en las misteriosas raíces de lo real”

Toda esta obra será expuesta, desde un principio, en la galería Buades. En ese espacio tendrá la oportunidad, no sólo de exponer sus creaciones y compartir vivencias con los otros artistas de su generación, sino también de llevar a la práctica varias performances entre los años 1977 y 1979. Cabe destacar el concierto celebrado en 1979 con instrumentos musicales de su propia factura que será después retransmitido por Paloma Chamorro en TVE1.

En la década de los ochenta comenzará a trabajar en sus grandes instalaciones, siempre basándose en elementos orgánicos. Felices ejemplos de esta producción son La rosa de los Vientos, Fata morgana, Steinbruch o Parásito. De igual forma, no abandona el trabajo escultórico, que forma siempre parte de toda su producción posterior.

Su gran aportación al arte contemporáneo internacional se le reconoce oficialmente con la concesión del Premio Nacional de Artes plásticas de 1991.

En los últimos años su espíritu inquieto le llevó a experimentar con nuevas técnicas. Con el apoyo del fotógrafo Enrique Carrazoni realizó varios montajes fotográficos, algunos de ellos adoptando formas escultóricas. Su destreza para el dibujo se ve potenciada por el uso de materiales “extraños”, como el vino.

Adolfo Schlosser, en definitiva, es un artista polifacético que cultiva diferentes vías de expresión, pero que, a pesar de tal heterogeneidad técnica y formal, en su trabajo siempre subyace un hilo rector integrado por su sensibilidad e integridad. Por esta misma razón, es difícil someterlo a una clasificación artística; no son pocos los movimientos a los que se le ha intentado vincular (land-art, arte cinético, conceptual, minimalista), sin embargo, Schlosser sólo se ha regido por su capacidad creativa y sus propias leyes emocionales. En palabras del comisario de la muestra “dando un nuevo soporte a la descuartización irónica del lenguaje artístico, salir del ensimismamiento artístico. Volver a empezar. Simbolizar, que es reunir dos partes separadas”.

 

El Prado restaura un importante Murillo.

07/02/2006, El Prado acaba de restaurar una interesante obra de Murillo procedente del Hospital de la Santa Caridad de Sevilla, el trabajo, que representa un milagro de San Juan de Dios, estará expuesto del 7 de febrero al 7 de mayo

Por Ana Alvarez

El Prado acaba de restaurar una interesante obra de Murillo procedente del Hospital de la Santa Caridad de Sevilla, el trabajo, que representa un milagro de San Juan de Dios, estará expuesto del 7 de febrero al 7 de mayo.

Se trata de una de las únicas cuatro obras que se conservan en España de la magnífica serie de ocho realizada por Murillo para la Hermandad de la Santa Caridad de Sevilla

Giuseppe Finaldi, director de Conservación del Prado, dijo que el conjunto de San Juan de Dios es de los más importantes del Barroco español. Su fama hizo que fuera un patrimonio codiciado durante la guerra de la Independencia, por las tropas napoleónicas.

Rafael Alonso, autor de la restauración, destacó la dificultad del trabajo, debido al mal delicado estado del lienzo, que había sufrido tres intervenciones desafortunadas en 1815, 1862 y 1902. Tambien puso de manifiesto que se han empleado técnicas reversibles al cien por cien con lo que siempre se podría eliminar con disolventes lo restaurado.

Esta restauración se ha llevado a cabo en contraprestación a un préstamo temporal de un cuadro de Valdés Leal que la Hermandad de la Santa Caridad le hizo al Prado.

La pintura es una de las obras en las que el artista jugó de manera más efectista con los contrastes lumínicos y formó parte de uno de los proyectos más importantes de su carrera: la decoración de la iglesia del Hospital de la Santa Caridad de Sevilla, para la que pintó ocho grandes lienzos en los que se ejemplificaban las diferentes obras de misericordia. Su extraordinaria calidad y fama las convirtió en piezas codiciadas y propició su dispersión durante la Guerra de la Independencia.

Como el resto de obras de la serie, cuatro de las cuales se sacaron de España durante la contienda, el que se presenta ahora en el Prado tuvo que sufrir numerosos avatares que afectaron a su estado de conservación.

Tras su restauración en el taller del Museo, consistente en la eliminación de los viejos repintes, la integración de las faltas mediante las actuales técnicas reversibles y la limpieza de los barnices, la obra ha recuperado el clímax dramático conseguido por Murillo a través de los efectos del claroscuro quedando en perfectas condiciones, para volver a integrarse, tras su paso por el Prado, en uno de los interiores religiosos mejor preservados que se conservan del Barroco español

Una serie dispersa

En 1665, Murillo ingresó en la Hermandad de la Santa Caridad, de Sevilla, y al poco tiempo inició para su iglesia el ciclo de ocho grandes lienzos en los que se describen las obras de misericordia a través de episodios de los Evangelios y de la vida de los santos: Milagro de los panes y los peces, Moisés en la peña de Horeb, Santa Isabel de Hungría y San Juan de Dios, únicas que se conservan todavía en la iglesia, junto con Curación de un paralítico (Londres, National Gallery), Regreso del Hijo Pródigo (Washington, National Gallery of Art), Abraham recibe a los tres ángeles (Ottawa, National Gallery) y Liberación de San Pedro (San Petersburgo, Ermitage), que se dispersaron fuera de España a raíz de la Guerra de la Independencia.

San Juan de Dios, terminada por Murillo hacia 1672, narra el siguiente milagro ocurrido al santo en Granada: una noche recogió a un pobre y lo cargó en sus hombros con objeto de darle cobijo en su convento pero el peso de la carga hizo que diera con sus rodillas en tierra, lo que provocó la aparición milagrosa del arcángel Rafael, que le ayudó a incorporarse.

El tema dio ocasión a Murillo para jugar con los efectos de claroscuro, que utilizó para construir un clímax dramático muy emotivo, convirtiendo en protagonistas del cuadro los gestos delicados de sus personajes. A crear ese clima contribuye también la escala de los personajes y la manera como los envuelve la oscuridad. Al fondo, a la derecha, se narra el momento en el que el santo lava los pies de Cristo creyendo que atendía a un pobre.

Aunque la obra corrió mejor fortuna que las cuatro de su misma serie que salieron de España, San Juan de Dios también sufrió daños al haber pasado por tres destinos diferentes desde 1810 hasta su devolución en 1815 al Hospital de la Caridad. En 1810 fue depositada por los franceses en el Alcázar de Sevilla, desde donde fue trasladada al ex convento del Rosario en Madrid, pasando después por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando que la devolvería en 1815 al Hospital de la Caridad.

Actuación sobre pinturas tardogóticas

06/02/2006, Se están efectuando importantes labores de restauración en la iglesia de San Cornelio y San Cipriano, de San Cebrián de Mudá (Palencia) que tiene unas interesantes pinturas tardogóticas

El Plan del Románico Norte, que restaura un amplio número de iglesias y ermitas del norte, en Palencia y Burgos, está interviniendo en la iglesia de San Cornelio y San Cipriano, de San Cebrián de Mudá (Palencia) que tiene unas interesantes pinturas tardogóticas.

La restauración de los bienes de la iglesia de San Cornelio y San Cipriano, en San Cebrián Mudá (Palencia), constituye el tercer punto de actuación dentro del Plan de Intervención del Románico Norte. Se está actuando sobre dos pequeños retablos clasicistas, consagrados a San Antonio y a la Inmaculada, y sobre las pinturas murales.

El plan financiado por la Consejería de Cultura de Castilla y León, se prolongará hasta 2012 y pretende la restauración integral de 41 iglesias y ermitas en Palencia y 13 en Burgos. La Fundación Santa María la Real – Centro de Estudios del Románico se encarga de la ejecución de los trabajos, en colaboración con los obispados de ambas capitales.

Las pinturas

La iglesia de San Cornelio y San Cipriano alberga en su interior un pequeño gran tesoro, las pinturas murales que decoran el ábside del templo, atribuidas al Maestro de San Felices. Un autor tardogótico, que tuvo gran actividad a finales del siglo XV, en la Montaña Palentina y Sur de Cantabria.

Dicho conjunto mural, realizado al temple sobre un enlucido de cal y arena, fue descubierto y documentado en una intervención anterior desarrollada en la década de los noventa por la Fundación Santa María la Real. Por aquel entonces ya se constató la existencia de restos de otras pinturas en los muros del la iglesia, que aparecían cubiertos por una capa de cal.

La intención del actual proceso de restauración es recuperar y documentar las pinturas de los muros. Por lo que se refiere al estado de conservación, presentan zonas con gran inestabilidad del enlucido y la película pictórica subyacente.

La causa principal de estas alteraciones fue, sin duda, la humedad, provocada por infiltraciones a través de la cubierta. Además se registran algunas grietas, debidas a movimientos de la estructura arquitectónica y se detecta falta de estabilidad de los pigmentos y pérdida de cohesión en los morteros.

Para que puedan recuperar su presencia, en primer lugar se ha procedido a efectuar un control de las condiciones de humedad y temperatura en el interior de la iglesia. Posteriormente se realizarán distintos tratamientos de conservación, destinados a lograr la consolidación del conjunto mural. El siguiente paso será la restauración propiamente dicha, mediante la limpieza de la pintura, eliminando los materiales ajenos a ella y procurando la reintegración cromática de las lagunas.

Por el momento, el equipo de restauradores ha podido sacar a luz la imagen de un San Cristóbal, queda por determinar si pertenece también al maestro de San Felices de o es obra de otro autor desconocido. Tampoco se descarta la posibilidad de encontrar más pinturas.

Retablos de San Antonio y de la Inmaculada.

El segundo punto de la intervención, son dos pequeños retablos de tipo clasicista, tallados en madera de pino y posteriormente policromados. Presentan grandes similitudes, lo que hace pensar que fueron encargados y construidos al mismo tiempo. Ambos se componen de un banco o predela, sobre el que se desarrolla un único cuerpo dividido en tres calles. Cada una de ellas está ocupada por una talla exenta.

Los retablos se están restaurando in situ, mientras que las seis tallas han sido trasladadas al taller de restauración de la Fundación Santa María la Real.

Web del Plan Románico Norte:
www.romaniconorte.org

Año de la Cultura Judía, en Praga

30/01/2006, El año 2006 marca el 100 aniversario de la creación del Museo Judío de Praga, una de las instituciones más visitadas del país, que recoge la historia de este pueblo en la República Checa

El año 2006 marca el 100 aniversario de la creación del Museo Judío de Praga, una de las instituciones más visitadas del país, que recoge la historia de este pueblo en la República Checa.

Con este motivo el Museo inaugura la exposición “2006, Año de la Cultura Judía – 100 Años del Museo Judío de Praga” con la colaboración de las principales instituciones culturales del país.

El proyecto comprenderá exposiciones de arte, funciones de teatro, proyecciones de cine, conciertos, lecturas y conferencias que se sucederán durante todo el año para promocionar las actividades del Museo y fomentar la difusión de la cultura judía por todo el territorio checo. En él participan las principales instituciones culturales del país tales como el Castillo de Praga y la Universidad de Carlos, museos y galerías, así como embajadas y centros culturales extranjeros.

El Museo Judío es el más visitado de la República Checa, atrayendo entre 500.000 y 600.000 visitantes al año. Ubicado en el popular Barrio Judío de Praga, fue fundado por esta comunidad para conservar valiosos restos de las sinagogas demolidas durante la reconstrucción del barrio que tuvo lugar a principios del siglo XX. En 1939 cerró sus puertas tras la ocupación alemana, pero en 1942 fue restablecido por los propios nazis como el Museo Central Judío, para albergar los objetos confiscados a las familias exterminadas y las sinagogas de toda la región ocupada.

Como resultado, el Museo cuenta con un extenso archivo que documenta la historia del Holocausto, dentro del fondo documental que abarca desde antiguos vestigios de los primeros asentamientos judíos en Bohemia y Moravia hasta la actualidad. Hoy es una organización no gubernamental administrada por la comunidad judía de la República Checa y lleva a cabo una intensa actividad para la conservación y difusión de su cultura.

El Barrio Judío de Praga (de guiarte.com/praga)

Al norte de la llamada Ciudad Vieja, ocupando un recodo junto al cauce del río, aparece el viejo barrio judío, de trascendencia histórica.

Cerca del viejo Ayuntamiento judío, está una serie de sinagogas que encierran un espacio en forma de ele mayúscula que es un antiguo cementerio, en el que se apiñan millares de lápidas.

Es un punto singular. Aquí, desde 1478 se enterraban a las gentes judías(era el único lugar donde se les podía enterrar) y estuvo en activo hasta finales del XVIII. Se calcula que puede haber enterrados allí 100.000 cuerpos. Algunas lápidas de nobles y rabinos tienen cierto interés.

Este es un lugar caótico. La falta de espacio hace que se apilaran los enterramientos hasta en doce niveles y las estelas se agolpan unas a la orilla de otras, hasta 12.000.

Entre las sinagogas de interés esta la Staronová, que es la más vieja de Europa; lugar de culto desde 1270.

Es de estilo gótico relativamente primitivo, y aparte de su interés histórico y arquitectónico alberga importantes manuscritos hebreos y el famoso estandarte de los judíos de la ciudad.

Hay otra serie de sinagogas en el barrio. Entre ellas la Pinkas, Maisel y la Española.

Lindante con el cementerio está el Museo de Artes Decorativas, con elementos modernistas, y no muy lejos está el convento de Santa Inés.

El convento fue fundado por una hermana del rey Wenceslao I, en el siglo XIII. Tienen unas bellas dependencias góticas y alberga una excelente colección de arte checo del siglo XIX.

Todas las actividades del Museo Judío en su web: www.jewishmuseum.cz

Para visitar Praga: http://www.guiarte.com/praga/

 

El año Rembrandt

26/01/2006, Este año no sólo se celebra el aniversario de Mozart. Holanda tiene su mirada puesta en el 400 aniversario del nacimiento de Rembrandt

Este año no sólo se celebra el aniversario de Mozart. Holanda tiene su mirada puesta en el 400 aniversario del nacimiento de Rembrandt.

El programa Rembrandt 400, vinculado a los principales museos de Amsterdam y Leiden, localidad natal del pintor, integra veinticuatro exposiciones y acontecimientos

El Rijksmuseum tienen una presencia estelar. Hasta el 19 de febrero reúne sus magníficas pinturas del gran autor en una sola sala: “All the Rembrandt paintings in the Rijksmuseum”. Son 19 de las pinturas, con la famosa Novia Judía, un curioso autorretrato de joven o la magnífica escena de La ronda de noche.

Rembrandt-Caravaggio. Es otro importante tema. El Rijksmuseum y el Museo Van Gogh presentarán desde el 24 de febrero y hasta el 18 de junio otra de las principales muestras del aniversario, una confrontación entre dos genios del barroco, Rembrandt y Caravaggio. Unas 25 obras de diversos museos mundiales proviocarán emoción y pasión en esta muestra que sólo se presenta en las salas del Van Gogh Museum de Ámsterdam

Really Rembrandt? Es visible del 9 de marzo al 24 de mayo- El Rijksmuseum presentará pinturas originariamente atribuidas a Rembrandt y de las que ahora hay razonables dudas sobre su autoría.

Pero aún hay más: Nightwatching by Peter Greenaway(2 Junio - 6 de agosto), All the Rembrandt drawings in the Rijksmuseum(11 de agosto a 31 de diciembre)... Rembrandt sobrevolará todo el año

También el museo casa Rembrandt acogerá uno de los notables eventos del aniversario, la retrospectiva "Rembrandt-La búsqueda de un genio", del 1 de abril al 2 de julio, con cincuenta cuadros, dibujos y aguafuertes que servirán para revisar la vida del genio, en tanto que el Museo Municipal De Lakenhal, en Leiden, acogerá desde octubre otra exhibición dedicada a los paisajes de Rembrandt.

Algunos datos sobre el pintor.

Nacido en Leyden, en 1606, en una familia prolífica y próspera, pronto se dedicó a la pintura. Hasta 1631 permaneció ligado a su localidad natal, antes de marchar a Ámsterdam. Su maestría fue entonces ya reconocida; se trata de una época en la que estuvo muy influido por la luz de Caravaggio.

En Leyden, donde era maestro ya a los 18 años, contó con diversos discípulos, entre ellos Gerit Dou. Dou fue considerado pronto más importante que Rembrandt, por lo que se falsificaron cuadros de éste último con la firma de su discípulo.

En 1932 marchó a Amsterdam pintando pronto uno de sus cuadros más célebres, la lección de Anatomía del doctor Pulp. Fue un periodo de grandes y caros pedidos, entre ellos varios cuadros religiosos para Enrique de Orange. En el 34 se casó con Saskia, sobrina de un marchante; una mujer que le aportó dote e inspiración: Rembrandt haría de ella musa alguno de sus cuadros más bellos.

A partir de los años cuarenta se incrementó la tensión dramática de su obra, puso más empastes y tonalidades sombrías. Tras la muerte de Saskia, en 1642, su vida se fue complicando; la muerte de sus hijos y de su nueva compañera, sus deudas...

El último periodo del pintor fue de soledad; los pedidos escasearon y también los discípulos. Un cuadro pedido por el propio ayuntamiento de Amsterdam no fue aceptado y él lo destruyó en su mayor parte.

Falleció en 1669. En su caballete estaba una obra no terminada de Simeón ante el niño Jesús, como un presagio de su propia ancianidad ante la justicia del Señor. Era un Rembrant que había desconcertado a sus contemporáneos, que no comprendían cómo buscaba la cara oculta del hombre en sus retratos; como había espaciado sus pinceladas y cómo se entretenía pintando obras como el Buey desollado, en las que rebosa la atrocidad de un sacrificio doméstico, en una visión que retomarían surrealistas como Bacon.

Goya y Delacroix serían sus herederos directos.

 

Llega ARCO

25/01/2006, ARCO, celebrará su vigésimo quinta edición del 9 al 13 de febrero de 2006, con un programa expositivo altamente representativo del panorama artístico mundial, y Austria como país invitado especial

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, celebrará su vigésimo quinta edición del 9 al 13 de febrero de 2006, con un programa expositivo altamente representativo del panorama artístico mundial, y Austria como país invitado especial.

La presencia de destacadas galerías de 35 países, la concentración de alrededor de 3.000 artistas de todo el mundo y la aportación de un amplio equipo de comisarios en torno a nuevas áreas de creación y grandes centros de producción, proponen una convocatoria de notable calidad y de extraordinario atractivo para los numerosos coleccionistas y profesionales del arte.

Esta 25 edición coincidirá con la despedida de su directora, Rosina Gómez-Baeza, artífice durante casi veinte ediciones de la configuración de un modelo que se ha convertido en uno de los acontecimientos artísticos de mayor atractivo e identidad para la comunidad internacional.

ARCO presenta como novedad el programa “Dieciséis Proyectos de Arte Español” cuyo contenido ha sido encomendado a María del Corral, ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía –MNCARS- y reconocida crítica y comisaria de exposiciones.

También innovador es un segundo proyecto expositivo, con el que ARCO plantea una incursión hasta ahora inédita en los circuitos oficiales del arte, con una muestra que concentra algunas de más destacadas referencias del arte urbano, enmarcadas en ámbitos de la cultura del graffiti, el hip hop y el street art, que se mostrará en Madrid de la mano de los comisarios Pedro Alonzo y Peter Doroshenko, en el programa “on youthculture”.

Austria, país invitado

Coincidiendo con la presidencia austriaca de la Unión Europea en el primer trimestre de 2006, Austria estará presente en ARCO como invitado de honor, con un programa ampliamente representativo del panorama artístico de este país, caracterizado por un reciente proceso de internacionalización.

Por este motivo la muestra, que reúne a 22 prestigiosas galerías todas ellas fundadoras del mercado artístico austriaco, así como a una amplia nómina de artistas que lideran la escena creativa del país, se ha percibido a nivel gubernamental como una ocasión única de dar visibilidad a la creación austriaca y de consolidar su mercado en el ámbito mundial.

Presentar a Austria como un país multifacético, creativo e innovador en el entorno artístico ha sido el objetivo, no sólo de la selección sino también del programa paralelo de exposiciones en las principales instituciones de Madrid, ambos dirigidos por el Secretario de Estado de Cultura austriaco, Franz Morak, en colaboración con un Comité de expertos integrado por Eckhard Schneider, de la Kunsthaus Bregenz, Christine Frisinghelli, de la Camera Austria Graz, Martin Sturm, del OK-Centrum für Gegenwartskunst de Linz, Silvia Eiblmayr, de la Galerie im Taxispalais Innsbruck, Tayfun Belgin, de la Kunsthalle Krems y Ricky Renier, como coordinadora de la Cancillería Federal austriaca.

 

Las medallas del Prado

24/01/2006, El museo del Prado ha publicado el catálogo razonado de su notable colección de medallas. Con este motivo también presenta en sus salas un conjunto de 55 medallas pertenecientes a esta colección que no se exponía desde hace más de treinta años

El museo del Prado ha publicado el catálogo razonado de su notable colección de medallas. Con este motivo también presenta en sus salas un conjunto de 55 medallas pertenecientes a esta colección que no se exponía desde hace más de treinta años

A través de la publicación, el Museo da a conocer tanto la historia rigurosa como un estudio monográfico en profundidad de esta valiosa colección fechada entre los siglos XVI y XX. Con ella, da cuenta de la catalogación científica de otra importante y apenas conocida parte de su colección de artes decorativas, la correspondiente a las medallas españolas.

Esta valiosa colección procede en su mayoría del legado de Pablo Bosch y Barrau (1915) que incluía 500 medallas europeas, 228 de ellas españolas y estudiadas por tanto en esta publicación junto con otro pequeño conjunto correspondiente a una adenda de medallas del siglo XX que fueron donadas al Museo posteriormente.

La catalogación ha sido realizada por Marina Cano Cuesta, especialista con amplia experiencia en el campo de la medalla, que ha realizado un largo proceso de investigación que culmina con la edición de este volumen. La publicación incluye, además, una extensa introducción que trata la historia de la medalla española aportando documentación inédita. Este texto profundiza también en el coleccionismo de medallas que cultivaron personajes como María de Hungría, tía de Felipe II.

La colección de medallas españolas del Museo del Prado

La mayoría de las monedas que se incluyen en esta publicación de más de 450 páginas siguen las técnicas de fundición y acuñamiento, y están realizadas en metales como bronce, plata, plata dorada y, en menor medida en plomo y oro. El conjunto más destacado corresponde al de las medallas de artistas españoles que coinciden con la llegada de los Borbones en el siglo XVIII, período en el que surgen nuevas tipologías y en el que hay importantes piezas de grabadores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando como Tomás Francisco Prieto y Jerónimo Antonio Gil.

Del siglo XIX destacan escultores como Mariano Benlliure y Pablo Gargallo y del XX el escultor Enrique Pérez Comendador, autor además de medallas, de la placa conmemorativa del 150 aniversario de la inauguración del Museo.

La selección expuesta

Distribuidas en dos vitrinas, la selección de medallas que ahora se expone coincidiendo con la publicación del catálogo, ha seguido distintos criterios dentro de la amplia temática por la que se agrupa el campo de la medallística. Por un lado están expuestas medallas que se enmarcan en la secuencia histórica de la Historia de España, desde Fernando el Católico hasta Alfonso XIII; por otro, las que incluyen personajes relevantes españoles como el arquitecto Juan de Herrera; las dedicadas a personalidades destacadas de la política, las artes y las ciencias como Emilio Castelar, Enrique Borrás o Ramón y Cajal; las dedicadas a exposiciones universales y nacionales de Bellas Artes; las conmemorativas de centenarios como el del Quijote; y por último las medallas de condecoración como la de Amadeo I de Saboya.

 

Samaná, nueva referencia caribeña

22/01/2006, La Republica Dominicana está promocionando este año el destino turístico de Samaná, con el objeto de convertirlo en uno de los referentes del Caribe.

La Republica Dominicana está promocionando este año el destino turístico de Samaná, con el objeto de convertirlo en uno de los referentes del Caribe. Se anuncia la apertura de un nuevo aeropuerto y las obras de varios complejos hoteleros.

Con ocasión de FITUR, la feria internacional del turismo de Madrid, se ha informado de que el grupo Piñero prepara cuatro complejos de lujo, y que el nuevo aeropuerto internacional, en El Catey, operará a partir de noviembre próximo.

En el año 2005, la República Dominicana recibió a 3,6 millones de turistas, y tuvo unos ingresos de 3.527 millones de dólares. Su primer mercado turístico es Estados Unidos, seguido de Canadá, Francia, España y Alemania.

El país cuenta con 64.000 habitaciones hoteleras, de las que 3.500 corresponden a Samaná, un lugar muy atractivo, ubicado a 245 kilómetros de Santo Domingo, en una costa conocida porque cada año se concentran más de 3.000 ballenas jorobadas en el ritual de apareamiento.

En Samaná, el nuevo aeropuerto está situado a pocos kilómetros de la ciudad, famosa por su Santuario de las ballenas jorobadas, y en una de las regiones más bellas del país, de playas aún vírgenes y una atractiva biodiversidad que se puede disfrutar en lugares como Las Galeras, Playa Bonita, Las Terrenas o atracciones muy cercanas a la región.

Según fuentes turísticas de la República Dominicana, el aeropuerto Internacional El Catey de Samaná, por sus características, está llamado a ser en los próximos años el eje del desarrollo turístico de la zona, y uno de los de mayor importancia del país.

El Catey tendrá capacidad para operar aeronaves de gran tamaño como Boeing 747 y Airbus 640, en vuelos directos provenientes de importantes destinos como Europa, USA o Canadá, por sólo citar algunos ejemplos, ya que estará provisto de la más alta tecnología, así como el suministro de combustible del cual podrán abastecerse estas aeronaves, sin necesidad de hacer escala en otro lugar.

El aeropuerto ha sido diseñado con una arquitectura tropical y un hermoso estilo victoriano, característico de Samaná. Cuenta con una pista de 3,000 metros de largo y 45 de ancho, una terminal de dos niveles con capacidad para manejar adecuadamente la salida y entrada de un promedio de 1,500 pasajeros por hora y otras facilidades, concebidas para recibir aeronaves de cuerpo ancho y gran cantidad de pasajeros, comúnmente usados por tour operadores internacionales y transportadores aéreos.

La Secretaría de Estado de Turismo anunció que está decidida a impulsar el desarrollo turístico de Samaná y sus hermosas playas; el sector hotelero comprometido con ampliar su oferta de habitaciones, y el aeropuerto listo para operar a partir del primero de noviembre, con elevados estándares de seguridad, calidad y eficiencia. Estará dirigido por AERODOM, empresa concesionada por el Estado Dominicano para operar por un periodo de 30 años los aeropuertos internacionales de Santo Domingo, Puerto Plata, Barahona y Samaná.

Atractivos del Guggen para el 2006

21/01/2006, Max Beckmann, Chillida, el arte africano y –sobre todo- el arte ruso, son propuestas artísticas que incrementarán la atracción permanente del Guggenheim de Bilbao en el año 2006

Max Beckmann, Chillida, el arte africano y –sobre todo- el arte ruso, son propuestas artísticas que incrementarán la atracción permanente del Guggenheim de Bilbao en el año 2006.

El panorama expositivo del año incluye los siguientes grandes eventos:

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: ¡Rusia!

Comisarios: Thomas Krens, Valerie Hillings, Evgenia Petrova, Lidia Iovleva y Zelfira Tregulova

Sedes: Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 29 de marzo-3 de septiembre 2006

¡Rusia! es una muestra que incluye grandes obras maestras del arte ruso desde el siglo XIII hasta la actualidad así como pinturas y esculturas de Europa occidental de colecciones particulares y de las colecciones de la Rusia imperial desde el siglo XVIII hasta el XX que proceden, tanto de los museos más importantes del país —Museo Estatal de Arte Ruso, la Galería Estatal Tretiakov, el Museo Estatal del Ermitage y el Museo del Kremlin— como de museos regionales, coleccionistas particulares y algunos museos y colecciones fuera de Rusia.

Un significativo número de piezas se han expuesto en contadas ocasiones o nunca antes habían salido del país hasta esta exposición.

La muestra desvela, a lo largo de capítulos ordenados cronológicamente según los momentos más importantes de la historia del arte ruso, el coleccionismo en Rusia y la historia de aquel país. La primera sección está dedicada al arte religioso ortodoxo ruso y abarca desde el siglo XIII hasta el XVII, destacando notables ejemplos de artes decorativas del Museo del Kremlin, elaboradas esculturas de madera y objetos litúrgicos, una selección de algunos de los iconos más impresionantes representativos de los principales temas, incluidos unas tablas de los afamados artistas Andrei Rublev y Dionisii, y la reconstrucción de un iconostasio que reúne paneles que fueron separados en diferentes colecciones durante la era soviética.

La segunda sección introduce el siglo XVIII, un período en el que el arte de Europa occidental comienza a penetrar en Rusia y a ejercer una influencia en el arte ruso visible a través de las obras de las colecciones imperiales de los zares, de los artistas extranjeros que fueron a trabajar a Rusia y de los creadores rusos que viajaron al exterior. En muchos sentidos, esta época se convierte en la era del retrato.

La siguiente sección se dedica al siglo XIX, marcado por la diversificación del arte ruso, que abarca paisajes, escenas de género y cuadros de realismo crítico afines a los escritos de León Tolstoi y Fiodor Dostoievski. En esta sección se presentan no sólo las grandes obras maestras del período sino también una serie de piezas épicas y monumentales de estilo académico que han sido prestadas expresamente para la exposición en el Museo Guggenheim Bilbao.

El siguiente capítulo, centrado en la vanguardia de comienzos del siglo XX, ofrece un panorama de este complejo y radical momento de la historia del arte. En esta sección se presentan desde obras neoprimitivistas que fusionan fuentes diversas desde Picasso —cuya obra se había visto en Rusia en las colecciones de los comerciantes Serguei Shchukin e Iván Morozov—, hasta la tradición artística popular rusa; desde las pinturas abstractas más puras y reduccionistas hasta las obras figurativas de los años veinte que presentan el nuevo hombre y la nueva mujer de la era soviética.

Los años treinta y cuarenta atestiguan el auge y el dominio de la política oficial del Realismo Socialista en el arte. Los artistas, a quienes se les encomendó realizar obras realistas en forma y socialistas en contenido, produjeron grandes visiones que glorificaban el naciente sistema soviético. Las piezas que se exhiben en esta sección reflejan la escala grandiosa y el optimismo de los temas del momento.

Tras la muerte de Stalin en 1953, los artistas oficiales pudieron ampliar los parámetros del Realismo Socialista representando temas más personales y desde enfoques más diversos. Entre los sesenta y los ochenta, un cierto número de artistas también comenzó a trabajar fuera de la línea oficial en estilos que se salían de las fórmulas promulgadas por el estado. Ambos enfoques se muestran y contrastan dentro de una sección de la muestra dedicada al período que va desde finales de los años cincuenta hasta finales de los ochenta.

El último capítulo de la muestra presenta el arte contemporáneo experimental en diversos medios (pintura, escultura, instalación y vídeo) y multitud de temas. La pluralidad de esta sección refleja el hecho de que, a diferencia de los demás capítulos, éste aún se encuentra en pleno desarrollo.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: Homenaje a Chillida

Comisario: Kosme de Barañano

Sedes: Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 8 de abril-11 de junio 2006

El escultor Eduardo Chillida nació y murió en San Sebastián (1924–2002) y a lo largo de su vida recibió prácticamente todos los galardones y distinciones existentes: del premio de la Bienal de Venecia al Kandinsky, del Willhem Lehmbruck al Príncipe de Asturias, del Kaiserring alemán al Premio Imperial de Japón. Su primera exposición la realizó en París en 1950 y desde entonces se le han dedicado retrospectivas en lugares tan diversos como Houston, Berlín, Madrid, Caracas, Londres, Palermo o el propio Museo Guggenheim Bilbao.

Su obra está presente en más de veinte museos de todo el mundo; también frente al mar como en San Sebastián, en la montaña como en Japón o en ciudades como Washington, París, Lund, Munster, Madrid, Palma de Mallorca, Gernika o Berlín, y sobre ella han escrito arquitectos, matemáticos, filósofos como Martin Heidegger y Emile Cioran, o poetas como Octavio Paz.

A lo largo de su carrera y como muestra de amistad, de respeto y de elogio, Eduardo Chillida realizó múltiples homenajes a artistas diversos con los que tuvo algún tipo de vinculación como, por ejemplo, Alexander Calder, Georges Braque, Cy Twombly, Joan Miró y un largo etcétera y estas piezas son también ensayos de interpretación de la escultura o de la pintura de los otros. Su fallecimiento en 2002 puso de relieve el inmenso aprecio y respeto que los artistas de su edad o más jóvenes le profesan. Esta exposición, por tanto, es muestra de dicha afinidad y memoria visual hacia Eduardo Chillida y su obra.

Diversos artistas actuales, de Manolo Valdés a Anthony Caro, de Georg Baselitz a Sean Scully, expresan su homenaje en el marco de esta exposición de una forma semejante a la que Chillida realizaba con otros artistas. En su obra destaca la modulación de los espacios y la orquestación de lo no dicho, del vacío, que adquiere la categoría de signo, y su estilo se fundamenta en la simplicidad, en la eliminación de los excedentes retóricos de la imagen. Este homenaje no se basa en el discurso de las palabras sino en la sencillez de unas obras que hablan del escultor o lo rememoran en el lenguaje particular elegido por cada uno de los artistas de esta presentación.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: Max Beckmann: acuarelas y pasteles

Comisarios: Mayen Beckmann y Siegfried Gohr

Sedes: Schirn Kunsthalle Frankfurt, Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 27 de junio-24 de septiembre 2006

Max Beckmann es uno de los artistas más importantes del siglo XX y sin embargo, su obra sólo alcanzó su actual cota de notoriedad a partir de 1980. Las recientes retrospectivas de Nueva York, Zúrich y París han estimulado un enorme y renovado interés por su obra.

Además de por su variada obra pictórica, que incluye sus hoy famosos nueve trípticos, Beckmann se granjeó fama como artista gráfico. Especialmente sus ciclos Viaje por Berlín (Berliner Reise) y El infierno (Die Hölle) son considerados hoy día contribuciones artísticas esenciales para el análisis de la República de Weimar; la serie Día y sueño (Day and Dream), realizada posteriormente en América, reúne, como en un caleidoscopio, un universo de motivos de casi cinco décadas de creatividad.

A pesar de la fama que este artista ha alcanzado, aún quedaba pendiente un estudio en profundidad de Beckmann como pintor “sobre papel”. Los pasteles y acuarelas han estado dispersos, a menudo ocultos en colecciones o, al menos, no han estado presentes de forma concentrada como sus pinturas en San Luis o en la Neue Pinakothek de Múnich. Sólo a través del trabajo de su catálogo razonado se ha puesto en evidencia la importancia, en varios momentos de su trayectoria artística, de estas técnicas, a menudo caracterizadas como ligeras o efímeras.

Los pasteles de los años veinte preparan el terreno para una nueva consideración de la línea y el color; las grandes láminas de 1933 también muestran el brillante color logrado en el tríptico Partida ( Abfahrt). Tras su experiencia con los dibujos a pluma realizados para el Fausto II de Goethe que Beckmann realizó durante la guerra, aparecieron después de 1945 hojas con complejas combinaciones de pluma, acuarela, guache, carboncillo, etc.

Al mismo tiempo, sin embargo, Beckmann producía espontáneas piezas que proceden de impresiones visuales inmediatas como sus escenas en un café. Las obras en color sobre papel muestran a un Beckmann experimentando, relajándose o en atenta observación. Su maestría técnica es especialmente sorprendente en las obras sobre papel cuyo atractivo fundamental, sin embargo, radica en que el espectador es testigo de un fascinante diálogo del artista consigo mismo que cautiva incluso, o quizá especialmente, donde permanece enigmático.

Esta exposición ha sido organizada en colaboración con la Schirn Kunsthalle de Frankfurt.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Título: 100% Africa

Comisario: André Magnin

Sedes: Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 10 de octubre 2006-febrero 2007

Durante siglos, el dominio cultural y económico de occidente se basó en los recursos humanos y materiales procedentes de otros lugares del mundo. “Antes de 1989”, afirma Jean Pigozzi, “no tenía idea de que hubiera tal riqueza creativa en el arte contemporáneo africano”. A partir de esta premisa, el coleccionista Jean Pigozzi y André Magnin comisario de esta exposición, se dedicaron a crear la Colección de Arte Africano Contemporáneo (CAAC) destinada exclusivamente a reunir todas las formas de arte africano contemporáneo (pintura, escultura, fotografía, dibujo, instalación, vídeo, etc.). La Colección incluye a artistas autodidactas y a artistas formados, creadores que residen en áreas urbanas o en remotas zonas rurales con sus tradiciones locales que desarrollan y enriquecen.

100% Africa, es una exposición de arte africano contemporáneo de la Colección Jean Pigozzi que presenta a unos 30 artistas de una veintena de países sub-saharianos. No se trata de creadores notables por su origen sino por la singularidad y poder de sus obras, que suponen una valiosa contribución a la historia mundial de las artes. La muestra reúne una serie de obras fundamentales de la Colección Pigozzi, entre ellas, un número importante de piezas creadas en 2005 y otras especialmente encargadas para esta exposición. El diseño de la exposición correrá a cargo del prestigioso creador Ettore Sottsass.

El artista, Frédéric Bruly Bouabré considera la cultura como esencia de una civilización y uno de los elementos de atracción más poderosos que existen. Por su parte, Bodys Isek Kingelez, de la República Democrática del Congo, afirma que el arte es una forma de conocimiento que lleva hacia un futuro mejor para la colectividad. Por otro lado, el reconocido pintor Chéri Samba afirma: “Mi arte es parte integrante de mi entorno. Extrae su inspiración de la gente, trata de la gente y está dedicado a la gente. Cualquiera que sea su origen, un artista debe ser entendido en todo el mundo”.

Estas palabras atestiguan un poderoso sentimiento de solidaridad, una forma de afirmar que el arte en África tiende más hacia lo esencial y lo sagrado que hacia formas individuales de creatividad. Este arte, en toda su diversidad, pone de relieve valores como la solidaridad y la vida en comunidad, dotando a África de una dignidad ejemplar.

Viva Mozart

20/01/2006, Wolfgang Amadeus Mozart es la estrella de la vida cultural de Austria en el año 2006, pues el 27 de enero se celebra el 250 aniversario del nacimiento de este compositor

Wolfgang Amadeus Mozart es la estrella de la vida cultural de Austria en el año 2006, pues el 27 de enero se celebra el 250 aniversario del nacimiento de este compositor.

Salzburgo, cuna del genio (allí nació en 1756) y Viena, donde triunfó, serán este año ciudades dedicadas a Mozart. En la primera, las jornadas de homenaje especial ocurrirán en torno al famoso festival que congrega notables actividades musicales desde el mes de julio, y que este año se abrirá con "Las noches de Figaro".

En Viena, las celebraciones empezaron el primero de enero, con el tradicional concierto de Año Nuevo de la Filarmónica. Y sdesde entonces siguen celebraciones, homenajes, la reapertura de la casa Mozart, etc.

En el museo de la Albertina de Viena desde el 17 de marzo al 20 de septiembre presentará una gran exposición centrada en el: "Mozart - Experimento Ilustración".

La vida y obra de Mozart, sus viajes y contemporáneos, sus ideas que han tenido repercusiones hasta hoy – todo esto es lo que presentan en esta exposición, envuelto en un diseño emocionante. El instituto Da Ponte, denomiando según Lorenzo da Ponte, el libretista de las óperas “Las bodas de Fígaro“, “Don Juan“ y “Così fan tutte“ de Mozart, muestra arte valioso e instalaciones virtuales en un magnífico palacio clasicista de los Habsburgo.

Se puede revivir el cosmos de la época mozartiana: la sociedad aristocrática y la idea de libertad burguesa, arte, cultura y moda así como ciencia, moral, sexualidad y utopías sociales. Ilustra de forma diversa temas como las actividades de Mozart, sus óperas, viajes, las estaciones europeas de su carrera, el “niño prodigio“ y la creación del mito.

(Albertina: I, Albertinaplatz 1. www.albertina.at)

También habrá un Mozart para niños: “Wolfgang Amadé – un niño prodigio de lo más normal“

El Museo infantil ZOOM dentro del MuseumsQuartier (Barrio de los Museos) de Viena presenta del 5 de abril al 3 de septiembre una exposición sobre Mozart especial para niños.

¿Qué podría interesar a los niños de Mozart? Esta exposición para niños de 6 a 12 años es la contestación – es interactiva, sugestiva e inspira. Simplemente para participar, por ejemplo, en la actuación en el escenario rococó, maquillándose, jugando a los juegos de niño del pequeño Wolfgang o en instalaciones interactivas.

Representan situaciones cotidianas para escenificar de forma realista el hoy y el ayer: la comida, la vestimenta, los oficios, el colegio, el cuerpo, la higiene, los viajes, los dulces, los castigos, los elogios y el reconocimiento, juguetes y castillos en el aire con el paso del tiempo.

Además la exposición muestra lo polifacético que fue Mozart ya de niño: desde el travieso pilluelo Amadé pasando por el disciplinado “autómata del piano“ y el genio bien educado hasta el precoz compositor y malabarista de palabras.

(ZOOM Kindermuseum, MuseumsQuartier, VII, Museumsplatz 1,www.kindermuseum.at )

Y mucho más: Mozart será eje de cultura todo el año, aunque los días más celebrados serán los del cumpleaños, entre el 27 y 29 de enero, con el lema Viva Mozart.

Aunque en esta primera mitad del año habrá otros atractivos, entre ellos la exposición “Amor loco - de Dalí a Bacon“ en el BA-CA Kunstforum

Del 8 de marzo al 18 de junio de 2006 se muestra la colección privada de los berlineses Ulla y Heiner Pietzsch, que han sucumbido totalmente al encanto de lo surrealista.

El plato fuerte de la colección son las importantes obras del surrealismo, con trabajos de André Breton, Joan Miró y Salvador Dalí. Se ven completados con cuadros y esculturas de Pablo Picasso, Max Ernst, René Magritte y Paul Delvaux así como obras del expresionismo abstracto de pintores norteamericanos de los años 40 como Robert Motherwell, Jackson Pollock o también Francis Bacon.

(BA-CA Kunstforum: I, Freyung 8. www.kunstforumwien.at)

 

Juan Barjola, en el IVAM

20/01/2006, El IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno presenta, del 18 de enero al 19 de marzo una exposición antológica coproducida con el museo Barjola de Gijón, dedicada a Juan Barjola

El IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno presenta, del 18 de enero al 19 de marzo una exposiciףn coproducida con el museo Barjola de Gijףn, dedicada a Juan Barjola.

La exposiciףn de Juan Barjola (1919- 2004) constituye la primera selecciףn retrospectiva que se efectתa desde el fallecimiento del artista. Es comisario de la misma Felipe Garםn.

La muestra reתne un total de 106 piezas (9 dibujos y 97 ףleos sobre lienzo) y propone un acercamiento a la pintura de Barjola desde la panorבmica que ofrece una muestra antolףgica, en la que se pueden contemplar las diferentes etapas de su trayectoria artםstica.

En la exposiciףn se perciben las recurrencias y los hilos conductores que articulan su evoluciףn creadora: donde se manifiesta como un pintor de la intensidad, persiguiendo siempre la expresividad pictףrica. Asimismo se observan en su obra huellas de una mirada trבgica, que afloran en sus diferentes etapas artםsticas, desde las indagaciones primeras (figuras y paisajes), hasta encontrar un singular בmbito personal poblado de presencias solitarias.

El comisario de la muestra, Felipe Garםn, definiף a Barjola como pintor total. "No es un pintor fבcil sino duro, vinculado a una recia expresividad",

Para Garםn, Barjola es uno de los artistas mבs significativos de la Espaסa del siglo XX, y esta exposiciףn, “cuidada con afecto y pensada para un pתblico que le conoce menos de lo que debiera, pretende recorrer sistemבticamente todos sus perםodos creativos”

El artista

Juan Galea Barjola (Torre de Miguel Sesmero (Badajoz), 1919 - Madrid, 2004) recibiף sus primeras enseסanzas de dibujo en la escuela de su pueblo natal y posteriormente, recibiף clases del tallista Genaro Remedios y del pintor Julio Nתסez. A continuaciףn se matriculף en la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz.

La Guerra Civil espaסola afectף profundamente a Juan Barjola. Su obra serב, en parte, reflejo de los trבgicos episodios que le tocף vivir como testigo o como protagonista. En 1943, marchף a Madrid, e ingresף como alumno libre en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde estudiף con Julio Vicent. Asistiף tambiיn a la Escuelas de Artes y Oficios de la calle de la Palma, donde tubo como profesor a Josי Noguיs. Fueron frecuentes sus visitas al Museo del Prado, pues admiraba la obra de Velבzquez, Goya, Brueghel, El Greco y El Bosco.

A partir de 1950, se dedicף plenamente a la pintura y יse mismo aסo, fue premiado con la Medalla de Dibujo en la Exposiciףn Nacional de Bellas Artes en Madrid. En 1959 comenzף una etapa trascendental en su evoluciףn que le condujo a una abstracciףn de formas en las que se vislumbra el leve gesto de una pincelada expresionista concebida en tonos atemperados. El conjunto de sus composiciones es una armonםa tonal y compositiva que ha llevado a algunos crםticos a denominar esta etapa como de “nueva figuraciףn”. Poco a poco, su pintura se fue cargando de expresividad a travיs de una pincelada mucho mבs violenta al servicio de una temבtica inquietante. La singularidad de su pintura obedece al hecho de ser proyecciףn del miedo como “categorםa existencial”.

En la dיcada de los setenta, la obra de Barjola experimentף una nueva evoluciףn de carבcter expresionista, con rasgos procedentes del informalismo, el expresionismo abstracto y la figuraciףn con conexiones con el trabajo de artistas como Bacon, Picasso y de Kooning. Su pintura se relaciona con lo sףrdido, lo violento, incluso con un erotismo concebido por medio de tintas planas, de tonos mבs violentos, que le acercan en algunos aspectos al arte pop. Su pintura se recrea en el espacio, trabajando “un cuadro dentro de un cuadro”, con la utilizaciףn de espejos en sus composiciones, que le conduce a una ruptura total del mismo.

Su primera exposiciףn realizada en Madrid (Galerםa Abril, 1957) inicia ya un recorrido infatigable: exposiciףn en el Ateneo en el aסo 1960; 2× medalla en la Exposiciףn Nacional de 1962 con “La siesta”, actualmente en el Reina Sofםa; exposiciףn individual en las salas de la Direcciףn General de Bellas Artes en el aסo 1963, y unos aסos mבs tarde, Premio Nacional de Artes Plבsticas en 1985, gran exposiciףn en Mapfre en 1993, y Premio Tomבs Francisco Prieto, de la Fabrica Nacional de Moneda y Timbre en 2002.

Todas estas etapas, unidas a un trabajo sistemבtico y constante, hacen de Juan Barjola, de su vida y de su obra uno de los artistas mבs significativos de la Espaסa del siglo XX, y esta exposiciףn pretende recorrer sistemבticamente todos sus perםodos creativos.

 

Ana Rosa Alberca

20/01/2006, Ana Rosa Alberca ha sido elegida como la artista plástica revelación de la octava edición de la feria de arte contemporáneo «ArteSevilla», que se clausuró el 23 de enero en el Palacio de Congresos y Exposiciones de esta ciudad andaluza

Ana Rosa Alberca ha sido elegida como la artista plástica revelación de la octava edición de la feria de arte contemporáneo «ArteSevilla», que se clausuró el 23 de enero en el Palacio de Congresos y Exposiciones de esta ciudad andaluza.

A sus 35 años, sus grabados de punta seca, son expuestos en diversas galerías españolas, pero también se cotizan en Inglaterra, Francia, Alemania, Estados Unidos y más recientemente en Hong Kong donde este año se realizará una nueva exposición. En Asia está también presente en Manila y Shangai.

"Me interesa trabajar las líneas" nos comenta en su taller en Madrid donde su obra cruza paredes y tórculo con rayas limpias, intensas, negras, surrealistas.

Respecto a su obra la crítica ha señalado que "la técnica de la punta seca ofrece el registro perfecto para el trazo de líneas puras y la definición de series de fuerte carga minimalista. La simplicidad genera aperturas irregulares, que desde la geometría, desembocan en la plasticidad del símbolo. El rojo y negro serán los colores que visten la desnudez de las líneas, recordando la tradición oriental desprovista de elementos superfluos".

Para esta madrileña graduada en grabado en la Escuela de Comunicación Gráfica de Madrid en 1994 su carrera ha sido ascendente pasando por distintas galerías y exposiciones y por su participación desde los inicios en Estampa el encuentro anual más importante de grabados en España.

En sus trabajos más de un crítico a querido reconocer huella del pintura abstracta no geométrica ni constructivista que fue el tachismo de los años cuarenta y cincuenta en Europa. Consultada por esta impresión, Ana Rosa Alberca prefiere no encasillarse y lo dice mientras continua obsesiva trazando líneas que surgen, intensas, violentas a ratos, pero siempre ajenas a la búsqueda significados.

ARTESEVILLA

Celebrada entre los días 19 y 23 de enero, la feria destacó por su buen nivel cualitativo: Se recibieron muchas solicitudes de galerías, incluso de fuera de España, para participar en ella y entre todas estas peticiones, se ha hecho una apuesta por la calidad. En la octava edición de ArteSevilla se exhibieron trabajos de más de un millar de creadores, presentados por los 48 expositores participantes, procedentes del territorio español así como de Japón e Israel.

ArteSevilla, que permite durante su celebración el diálogo entre artistas, galeristas, críticos y público en general, presentó además como gran aliciente la muestra «Fragmentaciones» de Rafael Canogar, artista al que la feria rindió homenaje en esta edición con la concesión de su Medalla de Oro. Asimismo, se exhibió la treintena de obras finalistas de los premios Fórum ArteSevilla de pintura y escultura, que anualmente convoca esta feria de arte contemporáneo.

Violeta Medina

 

Llega FITUR

19/01/2006, Aún sin datos finales, se estima que la demanda de turismo internacional se ha mantenido fuerte durante 2005. Las estimaciones de la OMT apuntan a un crecimiento de entre el 5 y el 6 por ciento en el número de turistas

Aún sin datos finales, se estima que la demanda de turismo internacional se ha mantenido fuerte durante 2005. Las estimaciones de la OMT para el año, publicadas en el número de octubre del Barómetro OMT del Turismo Mundial, apuntaban a que el año finalizaría con un crecimiento de entre el 5 y el 6 por ciento en los viajes de turistas internacionales

En este contexto positivo se celebra FITUR (Madrid - 25 al 29 de Enero 2006), la gran cita del turismo mundial, sector que pasa por un momento dulce. El turismo internacional no sólo está en vías de consolidar la bonanza de 2004 (+10,7 por ciento ), sino que superará también el crecimiento medio previsto a largo plazo del 4 por ciento .

El gran problema está en los precios del petroleo, que puede tener un efecto indirecto por varios frentes. La subida de los precios contribuyó al deterioro de la situación económica y, por consiguiente, a la corrosión del poder adquisitivo de los consumidores. Los precios del petróleo podrían afectar a los resultados finales de las empresas turísticas debido al incremento de los gastos. Además, las empresas de transporte son, lógicamente, las que sufren los aumentos de los precios del combustible antes y más directamente. Esto incidirá seguramente en los movimientos turísticos, especialmente hacia paises lejanos

Respecto a Fitur, los datos de la organización indican que habrá 843 expositores, más de 12.000 empresas, sobre 87.000 metros cuadrados netos. El 43 por ciento de la participación directa es extranjera, con presencia de 170 países, aumentando en 15 las representaciones oficiales.

El certamen facilitará, como ha venido haciendo a lo largo de su trayectoria ante circunstancias similares, la presencia de Guatemala y El Salvador en FITUR, las dos naciones más afectadas por el huracán Stan, conscientes de la importancia de participar en foros como éste para trasladar la imagen de unos países que mantienen infraestructuras suficientes como para recibir a turistas de todo el mundo.

FITUR, más internacional

Una de las notas dominantes de FITUR es su creciente oferta internacional, que en esta ocasión supone el 43 por ciento del total (366 expositores extranjeros, un 7,6 por ciento más). En este sentido, destaca el aumento de las presencias institucionales directas de países, lo que confirma el interés creciente de FITUR en todos los continentes. De los 170 países representados, 15 lo hacen como novedad de forma oficial, tres de los cuales, Costa de Marfil, Filipinas y Georgia, no habían asistido ni directa ni indirectamente a la anterior edición. Se incorporan además Antigua y Barbuda, Aruba, Australia, Haití, Japón, Martinica, Mauritania, Nepal, San Marino, Polinesia Francesa (Tahití) y Uzbekistán si bien éstos sí estuvieron representados mediante empresas en 2005. Por su parte, Armenia estará presente, por primera vez, a través de empresas de aquel país.

Por áreas geográficas, el continente con una mayor representación de expositores es Europa, con el 29 por ciento , seguido por América, con el 22 por ciento ; Asia-Pacífico, con el 18 por ciento ; Norte de Ѕfrica y Oriente Próximo, con el 13 por ciento ; Ѕfrica, con el 9 por ciento , y las cadenas hoteleras internacionales, con otro 9 por ciento. En términos porcentuales, el mayor incremento lo experimenta Asia-Pacífico -la de más crecimiento por segundo año consecutivo-, con un 22 por ciento más de expositores y un 18 por ciento más de superficie, destacando India, Vietnam, Kazajstán, China y Japón.

Europa también crece (un 6 por ciento en superficie expositiva y un 7 por ciento en expositores directos). Por su parte, América, que ya tiene una amplia representación y constituye uno de los pilares más sólidos de la feria, crece un 2 por ciento en superficie y un 4 por ciento en número de stands. En cuanto a Ѕfrica, experimenta crecimientos del 2 por ciento y el 3 por ciento , en superficie y stands respectivamente. Este continente muestra un cada vez mayor interés por estar en FITUR. Hay que resaltar el esfuerzo de Costa de Marfil o de Egipto -éste último con una continuada apuesta por la feria-, entre otros.

PAISES

El año 2006 estará marcado por una efeméride común a varios países de Europa. El 250 aniversario de Mozart será el leit motiv de los stands de Austria, Alemania (éste también recordará la celebración de la Copa Mundial de Fútbol) y República Checa. Un aniversario de otro célebre compositor, Bártok, centrará la promoción de su país natal, Hungría, al cumplirse los 150 años de su nacimiento. Europa parece volcarse en la cultura, ya que Bélgica acude promoviendo su atractivo como poseedora de la mayor colección de arte flamenco repartida entre Brujas, Gante y Amberes.

Iberoamérica.

Entre la variada oferta de esta área destacan la promoción de la obra anónima indígena nicaragíense El Gíegíense, declarada Patrimonio Oral de la Humanidad por la Unesco y las nuevas infraestructuras del norte de la República Dominicana, incluido un aeropuerto, que simboliza la contribución del turismo al desarrollo económico de los diferentes pueblos.

En cuanto a Ѕfrica, apuesta sobre todo por la promoción de la riqueza de su flora y fauna, como se pone de manifiesto, por ejemplo, con las 14 reservas naturales que salpican la geografía tanzana.

Por su parte, Asia tiene en Siria un paraíso para los amantes de la arqueología, país que además tiene estrechos vínculos con España por su historia común del Califato de los omeyas.

En los stands de España, se prestará especial atención a dos eventos de próxima celebración, como son la Copa América 2007, con sede en Valencia, y la Exposición Universal de Zaragoza 2008. Además, este año se conmemoran dos importantes efemérides, el 450 aniversario de la muerte de San Ignacio de Loyola, fundador de la Compañía de Jesús, y el 500 del nacimiento de San Francisco Javier, el continuador de la obra jesuítica. Dos fechas que motivarán numerosas celebraciones y que supondrán un impulso al turismo religioso en las comunidades autónomas que les vieron nacer, el País Vasco y Navarra, respectivamente.

Perdida una escultura de 38 toneladas

19/01/2006, Increíble, pero real. El Museo Reina Sofía ha descubierto ahora la desaparición de una escultura de acero, de Richard Serra, de 38 toneladas de peso

Increíble, pero real. El Museo Reina Sofía ha descubierto ahora la desaparición de una escultura de acero, de Richard Serra, de 38 toneladas de peso.

La obra estaba depositada en una empresa de las afueras de Madrid, entidad que suspendió pagos en 1998, cuando era ministra de Cultura de España Esperanza Aguirre. Nadie debió de acordarse entonces de que en la entidad se albergaba un valioso trabajo del prestigioso escultor norteamericano.

Según publican medios españoles, el ministerio de Cultura de España compró la obra en 1987 y un año después, por no tener el Reina Sofia un espacio adecuado para guardarla, la depositó en una empresa de almacenaje.

El museo ha reconocido en una nota cómo perdió la pista a la obra Equal Parallel/Guernica-Bengasi, del escultor estadounidense, adquirida en abril por 450.000 marcos (36 millones de pesetas) pero cuyo valor actual en el mercado sería mucho más alto).

El Reina Sofía explica que la obra, concebida específicamente para el Centro de Arte, formó parte de la exposición Referencias: Un encuentro artístico en el tiempo, que tuvo lugar entre el 26 de mayo y el 15 de septiembre de 1986 en la sede del entonces Centro de Arte. En marzo de 1988, (por el tamaño y peso de la escultura) se depositó en la empresa Fluiters S.A., especializada en el almacenaje de obras de arte.

En octubre de 1990, la obra se expone en la sala A1 con otras dos esculturas, una de Anish Kapoor y otra de Barnett Newman. En noviembre de 1990, se realiza el desmontaje y se deposita en la empresa Macarrón S.A.. En el año 1992 la obra continuaba almacenada.

La directora actual del museo, Ana Martínez de Aguilar, tras su nombramiento (2004) inició un nuevo plan museológico, con un estudio en profundidad de la colección y analizó todos los fondos y depósitos. En octubre de 2005, el museo detecto la falta de la obra, que se quería mostrar en la sala A1 dentro de la colección permanente.

Según el diario ABC, la empresa Macarrón, que estaba localizada en Arganda del Rey, se disolvió en 1998 por suspensión de pagos y la Tesorería de la Seguridad Social embargó la nave (no su contenido).

El Ministerio de Cultura, que encargó una investigación interna, remitió el caso a la Brigada de Delitos contra el Patrimonio Histórico de la Policía Judicial.

Esperamos las explicaciones de lo que se hizo con la obra de Serra...

(continuará)

 

Turismo y gripe aviar

15/01/2006, El Mundial de Fútbol o el año Mozart son eventos que dinamizarán el turismo en el 2006. Pero enfrente de ellos hay otro que sin duda afectará en sentido contrario: la gripe aviar

El año Mozart o el mundial de fútbol son elementos que dinamizarán el turismo en el 2006. Pero enfrente de ellos hay otro que sin duda afectará en sentido contrario: la gripe aviar.

Las autoridades turísticas mundiales dan un mensaje tranquilizador: aún no hemos llegado a la fase que podría ser más grave, la de la transmisión del virus entre seres humanos; pero advierten especialmente que los turistas que eviten las granjas avícolas y cualquier contacto con aves.

De momento, no se espera que el último brote de gripe aviar en Turquía tenga consecuencias importantes en el país ni en su entorno regional, pero el sector del turismo no debe subestimar la amenaza y ha de seguir preparándose para la eventualidad de que llegue a suceder lo peor, indicó la Organización Mundial del Turismo (OMT).

ЂNuestro objetivo es dar servicio al público viajero y a la economía mundial, que depende fuertemente del turismo, para evitar, o cuando menos mitigar, el impacto de la que hasta ahora es una epidemia limitada¿, afirmó Geoffrey Lipman, Asesor Especial del Secretario General. El Sr. Lipman representará a la Organización en la Conferencia Internacional sobre Promesas de Contribuciones para la Gripe Aviar y la Gripe Pandémica Humana, que tiene lugar en Beijing (China) los días 17 y 18 de enero. Organizan conjuntamente la Conferencia el Gobierno de la República Popular de China, la Comisión Europea y el Banco Mundial.

ЂEstamos en contacto permanente con la Organización Mundial de la Salud (OMS) y con otras organizaciones relacionadas con el turismo para vigilar la situación, y garantizar que la comunidad turística se encuentre plenamente preparada en el caso de que se extienda la epidemia¿, añadió el Secretario General de la OMT, Francesco Frangialli.

El Sr. Frangialli recordó la reunión de alto nivel celebrada el 23 de noviembre de 2005 con el Director General de la OMS, el Dr. Jong-Wook Lee, en la sede de esa Organización en Ginebra. Con la OMT participaron responsables de la IATA, del ACI, de la IHRA, de la IFTO y de la FUAAV, es decir, de las compañías aéreas, de los aeropuertos, de los hoteles y restaurantes, los operadores turísticos y las agencias de viajes.

"Entendemos que la situación actual no justifica ninguna forma de restricción o disuasión de viajes de recreo o de negocios, hacia ningún destino; pero instamos a todos los turistas a que, al igual que los residentes de las zonas afectadas, sigan estrictamente las recomendaciones de las autoridades sanitarias y veterinarias nacionales y locales, y especialmente a que eviten las granjas avícolas y cualquier otro contacto con aves, tanto antes de su salida como durante su viaje", dijo Frangialli.

El dirigente turístico advirtió que es muy prematuro hablar de crisis del turismo, en Turquía o en cualquier otro país, pero que los operadores turísticos tienen ya planes de emergencia para el caso de que se agrave la epidemia, y no hay ningún motivo para no confiar en ellos.

También aconsejó que se sigan las recomendaciones de la OMT y de la OMS, y se mantengan alertas. En el caso de que se produjera algún cambio importante. "Estaremos preparados para difundir nuevas recomendaciones y directrices en cooperación con las autoridades sanitarias y con otras organizaciones del sector.

Nueva guía de Lucerna

14/01/2006, Guiarte.com, presenta este mes una nueva guía de una bella ciudad del centro europeo: la de Lucerna. Con ésta, son ya cuatro las guías de ciudades suizas en guiarte.com: Lucerna, Berna, Basilea y Augusta Ráurica

Guiarte.com, presenta este mes una nueva guía de una bella ciudad del centro europeo: la de Lucerna. Con ésta, son ya cuatro las guías de ciudades suizas en guiarte.com: Lucerna, Berna, Basilea y Augusta Ráurica.

En el extremo oeste del lago de los Cuatro Cantones, justo donde surge la vigorosa corriente del Reuss, se alza Lucerna, una de las más bellas ciudades suizas. La guía está realizada con texto y fotos de Miguel Angel Alvarez.

Lucerna apenas tiene unos 60.000 habitantes, pero es una villa llena de encanto para el viajero. Las superficie del lago se ve surcada por barcos de recreo, en un marco de aguas apacibles y verdeantes montañas, al lado de la vieja ciudad, de notables edificios que muestran historia, buen gusto y calidad de vida.

El agua es un elemento clave en el encanto de la ciudad. Lucerna surgió en torno al extremo del lago, donde se vierten las aguas al Reuss, tributario del Rin. Uniendo a ambos lados de la ribera, los puentes medievales son un atractivo para los turistas.

Por las calles se encuentran rincones sumamente bellos, con edificios adornados de excelentes pinturas. Y en lo alto de la ciudad vieja perduran las viejas torres defensivas constatando que en este rincón suizo hubo una densa historia.

http://www.guiarte.com/lucerna/

 

Campaña contra la caza de ballenas

14/01/2006, Greenpeace puso en marcha un día internacional contra la caza de ballenas, con el lema "Salva las ballenas, conviértete en un Defensor de los Océanos". Permanecen en la Antártida varios activistas obstaculizando la caza de ballenera.

Greenpeace puso en marcha este 17 de enero un día internacional contra la caza de ballenas, con el lema "Salva las ballenas, conviértete en un Defensor de los Océanos", cuando permanecen en la Antártida varios activistas (desde el pasado mes de noviembre) en lucha contra la caza de ballenera.

El Día de Acción Global en contra de la caza de ballenas movilizó a miles de personas de España, Holanda, India, Japón o Alemania en contra de la caza de ballenas. La organización lanzó una campaña en Internet en la que todos los ciudadanos y ciudadanas pueden convertirse en "Defensores de los Océanos", ciberactuar en contra de las empresas que financian la caza de ballenas, participar en todas las actividades que Greenpeace promueve para salvar los océanos, o comunicarse con políticos, empresas o consumidores para frenar la destrucción a la que están expuestos nuestros océanos.

En Europa, Greenpeace se ha dirigido a Nissui Europa demandándole que abandone la caza de ballenas y en este Día de Acción Global. Nissui Suisan Kaisha Ltd es una de las principales propietarias de la flota ballenera japonesa. A su vez, es la segunda empresa japonesa de productos pesqueros y posee filiales repartidas por todo el mundo.

Esta acción es un paso más de la campaña de Greenpeace contra de la caza de ballenas, que ya comienza a dar frutos. Debido a las continuas acciones interponiéndose entre los arpones y las ballenas se prevé que Japón no sea capaz de alcanzar la cuota de cetáceos que habían propuesto dentro de su programa de "caza científica". Aún así, desde que comenzó la caza, decenas de rorcuales aliblancos han caído bajo los arpones de los buques japoneses.

Dos barcos de Greenpeace, el Esperanza y el Arctic Sunrise, zarparon de Ciudad del Cabo (Sudáfrica) el pasado 20 de noviembre de 2005 para defender el Santuario Ballenero de la Antártida. Desde el 21 de diciembre los activistas se han estado interponiendo entre los arpones y las ballenas. 57 personas procedentes de 20 países conviven en los dos barcos de Greenpeace en el Santuario Ballenero

"La caza ilegal de ballenas en el Santuario Ballenero de la Antártida es sólo la punta del iceberg de la destrucción a la que están expuestos nuestros océanos. A pesar de que proporcionan la mitad del oxígeno del planeta, los vaciamos de vida, arrasamos sus fondos con enormes redes pesqueras, les arrojamos nuestros residuos y les golpeamos con el cambio climático. Si no queremos océanos desprovistos de vida y belleza, debemos actuar para salvarlos ahora", ha declarado Shane Rattenbury, responsable de la expedición.

La caza ballenera

“La historia de la caza de ballenas es testigo del agotamiento de una zona tras otra y de una especie tras otra, hasta tal punto que resulta esencial la protección de todas las especies de ballenas para evitar su extinción”, argumentó en 1946 la Comisión Ballenera Internacional. Aún no se sabe si algunas especies llegarán a recuperarse, incluso tras décadas de protección.

Las estadísticas hablan por sí mismas. La población de ballenas azules del Antártico está a menos del 1 por ciento de su abundancia original, a pesar de 40 años de protección total. Algunas poblaciones de ballenas se están recuperando, pero otras no. Solamente en un caso, el de la ballena gris del Pacífico oriental, se cree que ha recuperado su abundancia original, y su pariente más cercano, la ballena gris del Pacífico occidental, es la más amenazada del mundo: se encuentra al borde de la extinción, con tan sólo 100 ejemplares.

Hechos y cifras

Datos recientes obtenidos mediante muestras de ADN reflejan que el impacto de la caza comercial de ballenas puede ser incluso peor de lo que se pensaba. La mayoría de las estimaciones en relación al volumen de la población histórica de ballenas provienen de datos antiguos, y son probablemente muy imprecisos, según el biólogo marino Steve Palumbi de la Estación Marina de la Universidad de Stanford en California, EE UU.

En 2003 Palumbi y sus colegas utilizaron muestras de ADN con el fin de calcular si la población de ballenas yubartas podría haber alcanzado la cantidad de 1,5 millones antes del inicio de la caza comercial de ballenas en el siglo XIX. Esta cantidad hace pequeña la cifra de 100.000 ejemplares aceptada previamente por la CBI según los registros balleneros del siglo XIX. Actualmente existen solamente unas 20.000 yubartas.

Los delegados japoneses presentes en la Comisión Ballenera Internacional (CBI) usan constamente la referencia a la estimación de la población de rorcuales aliblancos de 760.000. Pero esta cifra fue corregida por la CBI en el año 2.000 porque investigaciones recientes encontraron menos ejemplares que las antiguas. Las nuevas estimaciones son la mitad de las antiguas en todas las areas que han sido reinvestigadas. Los científicos de la CBI no entienden las razones de este cambio y son capaces de ponerse de acuerdo en nuevas estimaciones.

Consumo, contaminación, catástrofe

La caza de ballenas no es la única amenaza para estas especies. Los océanos, o más aún, el impacto humano sobre los océanos, han cambiado dramáticamente durante el medio siglo transcurrido desde que las ballenas están protegidas. Entre las amenazas ambientales conocidas para las ballenas destacan el cambio climático global, la contaminación, la sobrepesca, el debilitamiento de la capa de ozono, el ruido provocado por dispositivos de sonar, y las colisiones con embarcaciones. La pesca a escala industrial supone una amenaza para la disponibilidad de alimento delas ballenas y un riesgo físico, al quedar enganchadas éstas en las redes de pesca.

A pesar de estas amenazas, un número cada vez mayor de países de la Comisión Ballenera Internacional (CBI) votan a favor de la reanudación de la caza comercial de ballenas. Entre los nuevos y entusiastas miembros de la CBI destacan Benin, Gabón, Tuvalu y Nauru. Obviamente estos nuevos miembros y sus votos no reflejan un cambio en la opinión pública mundial. Estos países han sido reclutados para la CBI por el Gobierno japonés y votan bajo lo que se denomina un “programa de consolidación de votos” por la Agencia de Pesquera de Japón.

Las expectativas de recuperación de la población de ballenas se basan en la idea de que, excepto en relación a la caza comercial, los océanos son un lugar tan seguro como lo eran hace un siglo, aunque por desgracia esta idea no resulta ya válida. Ésta es la razón por la que debe detenerse cualquier forma de caza de ballenas.

 

Por los mares australes

12/01/2006, El "Via Australis" es el nuevo barco de la compañía Cruceros Australis, con el que ésta compañía refuerza su ruta turística por los mares sureños de Chila y Argentina, en torno al Cabo de Hornos

El "Via Australis" es el nuevo barco de la compañía Cruceros Australis, con el que ésta compañía refuerza su ruta turística por los mares sureños de Chila y Argentina, en torno al Cabo de Hornos.

El "Via Australis" es el nuevo barco de la compañía Cruceros Australis que realizó su viaje inaugural a inicios de enero, uniéndose así al "Mare Australis" que fue construido el año 2002. Con esta novedad asiste a la nueva edición de FITUR 2006 la empresa naviera que recorre la Patagonia chilena y argentina.

Se completa de esta forma el proceso de renovación de esta Compañía que desde 1991 realiza una ruta única atravesando los canales del famoso estrecho de Magallanes y parte del canal Beagle hasta llegar, en la actualidad, al mítico Cabo de Hornos.

El "Vía Australis", crucero de expedición, tiene una capacidad de 136 pasajeros distribuidos en un total de 64 cabinas todas con camas bajas, ventanas panorámicas, baño privado, calefacción, y armarios. Sobre sus cubiertas superiores se encuentran amplias terrazas exteriores desde las cuales se puede admirar el espectáculo que ofrecen los bosques vírgenes, los glaciares, la flora y la fauna del paisaje más austral del mundo.

Además dispone de bar, amplios salones, sala de juego, una pequeña biblioteca y enfermería.

La ruta del viaje contempla desembarcos diarios en zodiacs para llegar a lugares vírgenes en los que se puede visitar bahías como la de Ainsworth desde la cual se puede admirar el paisaje, visitar una colonia de elefantes marinos y realizar caminatas por el bosque magallánico. Se puede navegar por el medio de la "Avenida de los Glaciares", desembarcar en el Cabo de Hornos, conocer la Isla Magdalena, colonia de más de 120.000 pingíinos, recorrer ciudades como Puntas Arenas o Ushuaia.

El itinerario se puede realizar desde 4 días o 3 noches partiendo desde Punta Arenas en Chile o desde Ushuaia en Argentina desde el mes de octubre hasta abril de cada año.

Violeta Medina

 

Fragonard

10/01/2006,

  

Patrimonio de Castilla y León

08/01/2006, En Castilla y León, a pesar de contar con 2.248 municipios –en muchos casos con sus correspondientes anejos- y más de 4.500 parroquias, sólo hay 140 conjuntos históricos. Pero de éstos sólo están declarados 98, estando pendientes todavía 42.

En Castilla y León, a pesar de contar con 2.248 municipios –en muchos casos con sus correspondientes anejos- y más de 4.500 parroquias, sólo se cuenta con 140 conjuntos históricos. Pero de éstos sólo están declarados 98, estando pendientes todavía 42.

La Ley 16/ 1985, de 25 de junio, del Patrimonio Histórico Español, dentro del Apartado de los Bienes Inmuebles que integran dicho Patrimonio, recoge como Bien de Interés Cultural, junto con los monumentos, jardines históricos, sitios históricos y zonas arqueológicas, los CONJUNTOS HISTÓRICOS y los define como:

“La agrupación de bienes inmuebles que forman una unidad de asentamiento, continua o dispersa, condicionada por una estructura física representativa de la evolución de una comunidad humana por ser testimonio de su cultura o constituir un valor de uso y disfrute para la colectividad. Asimismo, es Conjunto Histórico cualquier núcleo individualizado de inmuebles comprendidos en una unidad superior de población que reúna esas mismas características y pueda ser claramente delimitado”.

La misma definición incorpora la Ley 12/2002, de 11 de julio, de Patrimonio Cultural de Castilla y León (BOCYL, suplemento al nº 139, de 19 de julio de 2002).

En el país son muchos los núcleos de población, que en su totalidad o en un ámbito parcial, están declarados conjuntos históricos. Generalmente, los centros históricos de las ciudades, pero también determinadas villas, aldeas o lugares que por la singularidad de su arquitectura, han merecido dicho reconocimiento.

En Castilla y León –según un informe del área de Patrimonio del PSOE-- a pesar de contar con 2.248 municipios –en muchos casos con sus correspondientes anejos- y más de 4.500 parroquias, sólo hay 140 conjuntos históricos. Pero de éstos sólo están declarados 98, estando pendientes todavía 42.

Por provincias son Burgos y León las que más expedientes de resolución tienen. En la primera, 13 conjuntos históricos esperan; en León están pendientes todavía 10, esto es, un 50 por ciento de los 20 con los que cuenta.

En bastantes casos los expedientes se iniciaron hace más de veinticinco años –en algún caso 40-, sin que hasta la fecha, la administración regional de la Junta de Castilla y León los haya resuelto. Los casos más llamativos son los siguientes:

En la provincia de Ávila: la villa de Madrigal de las Altas Torres, espera desde 1963; la villa de Pedro Bernardo, desde 1977 y las de El Barco de Ávila y Piedrahíta y desde 1982 y 1983, repectivamente.

En la provincia de Burgos el expediente más antiguo sin resolver todavía es el de la villa de Espinosa de los Monteros, abierto en 1972. El del monasterio de San Pedro de Arlanza y su entorno espera desde 1979. Otros son: Miranda de Ebro, Villasandino, Presencia, Sasamón, Vadocondes, La Puebla de Argaznón y Pineda de la Sierra, desde 1982; Briviesca desde 1983, etc...

En la provincia de León, esperan, como se ha dicho, 10 conjuntos. De entre ellos, destacan: Las villas de Sahagún, Grajal de Campos y Molinaseca, pendientes desde 1975; de esta fecha es también el inicio del expediente del casco antiguo de la villa e iglesia parroquial de Bembibre. El Bierzo parece el gran olvidado de la administración en esta provincia. Aparte de Molinaseca y Bembibre hay que añadir el casco antiguo de Ponferrada y el pueblo de Peñalba de Santiago, pendientes de resolución desde 1976, así como los conjuntos históricos de Salas de los Barrios, Villar de los Barrios y Lombillos de los Barrios (Ponferrada). El más reciente, el conjunto histórico de Campo del Agua, El Regueiral y Las Valiñas, en Villafranca del Bierzo, es de 2002.

En la provincia de Palencia están pendientes cuatro conjuntos de ser declarados, todos desde hace más de veinte años: La villa de Cervera de Pisuerta, y los pueblos de Fuentes de Nava y Canduela (Aguilar de Campoo), desde 1983 y la ciudad de Palencia (plan especial) desde 1982.

En Salamanca está pendiente la calzada de la Plata desde 2001, que afecta a varios municipios.

En la provincia de Segovia esperan dos conjuntos: la plaza de Santa Eulalia en la ciudad de Segovia, desde 1977 y la ampliación del conjunto histórico de Riaza, pendiente desde 1987.

La provincia de Soria tiene tres conjuntos históricos a la espera: la margen izquierda del Duero desde 1978, la villa de Rejas de San Esteban (1982) y el pueblo de Langa de Duero desde 1981.

En la provincia de Valladolid la villa de Rueda espera ser declarada conjunto histórico desde 1981.

Por último, en la provincia de Zamora, la capital tiene abierto un expediente de ampliación del conjunto histórico desde 1979 y la villa de Villardeciervos desde 1987. En fecha más reciente, 2001, se ha abierto el de la Calzada de la Plata que, como en Salamanca, afecta a varios municipios.

Otra circunstancia que llama la atención es la disparidad en el número de conjuntos históricos declarados por provincia. La que menos, Zamora, con tan sólo 7 (muy lejos de la media provincial), frente a Burgos con 34. Ávila, Segovia y Soria están también por debajo de la media provincial.

El balance de declaración de Conjuntos Históricos en los 18 años de gobierno del Partido Popular es muy pobre: sólo 30, lo que supone una media anual de 1,6. En provincias como Ávila no se ha declarado ninguno en estos 18 años; en otras como Zamora, sólo uno; 2 en el caso de Salamanca y Segovia; 3 en Palencia, 4 en Valladolid; 5 en León y 7 en Burgos.

Problemática de los conjuntos históricos

Con independencia de la problemática particular que afectan a cado uno de los conjuntos históricos de la comunidad de Castilla y León, existen unos problemas comunes que les afectan en general.

.Uno de ellos es la degradación de los conjuntos, sobre todo en los centros históricos de las ciudades. Exponente de ello es el deterioro de fachadas e interiores de los cascos históricos, que en muchos casos, además, coexiste con la ruina de edificios tanto civiles como religiosos.

.Otro de los problemas es el llamado mal de la piedra, con el consiguiente deterioro progresivo de elementos ornamentales.

.Caso a destacar es el riesgo de despoblación de los cascos históricos, la pérdida de uso residencial y la desaparición de las actividades tradicionales. El abandono del centro urbano contribuye a acentuar los procesos de deterioro y ruina.

.Un problema añadido es el de la contaminación visual de tendidos aéreos de cables, proliferación de antenas, rótulos, carteles y luminosos, contenedores de basura...

. Preocupante es también el problema derivado del tráfico rodado y la escasez, todavía, de zonas peatonales.

 

El Boletín del Prado cumple 25 años

08/01/2006, El Boletín del Museo del Prado celebra 25 años de actividad dando a conocer los últimos estudios sobre las colecciones del Museo y sobre la historia de la institución.

El Boletín del Museo del Prado celebra 25 años de actividad dando a conocer los últimos estudios sobre las colecciones del Museo y sobre la historia de la institución.

Iniciada en 1980 por José Manuel Pita Andrade, esta publicación constituye uno de los principales vehículos a través de los cuales el Prado ha difundido su labor investigadora a la comunidad académica y al público interesado.

El nuevo número, correspondiente al año 2005 (tomo XXIII, número 41), incluye una serie de estudios firmados por conservadores del Museo y por historiadores externos. Javier Portús propone un acercamiento a Las Hilanderas de Velázquez desde la literatura del Siglo de Oro, y Gabriele Finaldi publica un amplio grupo de dibujos inéditos de Jusepe de Ribera. María López-Fanjul y José Juan Pérez Preciado han hecho el primer estudio exhaustivo sobre la variedad de números y marcas de colección que aparecen en la superficie de los cuadros del Museo, y Pablo Pérez d´Ors firma un estudio histórico e iconográfico sobre las importantes Cacerías del pintor renacentista alemán Lucas Cranach.

La revista incluye también un amplio estudio sobre el San Jerónimo leyendo de Georges de La Tour recientemente descubierto en el Instituto Cervantes de Madrid y depositado en el Museo. El estudio ha sido realizado por Pierre Rosenberg, antiguo Director del Louvre y máximo experto en la pintura de La Tour.

Desde su creación, en 1980, el Boletín ha servido de soporte para la difusión de numerosas noticias de relevancia científica como las anotaciones manuscritas del Greco a la biografía de Tiziano redactada por Giorgio Vasari en 1568, desveladas por Xavier de Salas en la edición de 1982; la importante restauración de Las Meninas, ejecutada por John Brealey, explicada con todo detalle en el número de 1984; o la revelación de una hallazgo sorprendente, el descubrimiento del Anibal vencedor (Cudillero, Fundación Selgas-Fagalde) obra que el joven Goya había enviado para participar en un concurso de la Academia de Parma, dado a conocer en un artículo firmado por Jesús Urrea en el Boletín de 1993.

El Boletín también ha incluido varios estudios técnicos, publicando las radiografías y las reflectografías tomadas en el Gabinete de Documentación Técnica de obras importantes del Museo, como las de Van der Weyden y el Bosco. Muy recientemente, en la edición de 2003, el Museo publicaba también en estas páginas el descubrimiento de dos dibujos completamente desconocidos de Miguel Ángel Buonarroti, estudios para el Juicio Universal de la Capilla Sixtina pertenecientes a los fondos del Museo.

 

Románico Norte

07/01/2006, Se ha iniciado un plan de Intervención denominado “Románico Norte” en la antigua Merindad de Aguilar de Campoo, que se desarrollará del año 2005 al 2012.

ha comanzado un plan de Intervención “Románico Norte” en la antigua Merindad de Aguilar de Campoo, que se desarrollará del año 2005 al 2012. El objetivo de este proyecto es que cuarenta y un iglesias románicas de la provincia de Palencia y trece de la de Burgos recuperen todo su esplendor.

Para ello se efectuarán los trabajos de restauración de los edificios, bienes muebles y entornos rurales bajo la coordinación de la Fundación Santa María la Real y con el apoyo de la Junta de Castilla y León, que tiene previsto invertir 9.720.000 euros a lo largo de los próximos años.

El ámbito de intervención lo constituye un espacio geográfico que viene a coincidir con el territorio histórico de la Merindad de Aguilar de Campoo, en el que la arquitectura románica alcanza su máxima expresión en cuanto a número y calidad de las obras.

El planteamiento que se persigue está basado en tres pilares necesarios para cumplir el objetivo de devolverle al patrimonio su papel dinamizador: estos papeles son la investigación, la conservación y la promoción.

Dentro del Plan de Intervención, se concede notable valor a la labor de difusión. Por esta razón se ha puesto en marcha el portal de internet www.romaniconorte.org, con el objetivo claro no sólo de difundir las acciones llevadas a cabo dentro del plan, sino también convertirlo en una herramienta útil y didáctica, para los interesados en el patrimonio en general y en el arte románico en particular.

En esta web se informa por ejemplo del comienzo de los trabajos de restauración de la iglesia de Santa María la Real en la localidad palentina de Cillamayor. El templo, de una sola nave, con un ábside semicircular en la cabecera, fue declarado Bien de Interés Cultural en el año 1993.

Las obras de restauración de los bienes muebles de la Iglesia de Santa María la Real en Cillamayor (Palencia), que ya habían comenzado a mediados del mes de Noviembre, se encuentran próximas a finalizar. Dentro de este trabajo se incluyen tres de las tallas de dicho templo, una de ellas la imagen de Santa María la Real, bellísima imagen sedente, de época gótica, posiblemente del siglo XIV.

página: www.romaniconorte.org

 

El mundo de Los Taínos

06/01/2006, Colón y los Tainos es una muestra que se presenta ahora en España, con el objetivo de divulgar algo más sobre este grupo de pobladores de las Antillas

El enorme interés que han despertado las culturas maya, azteca e inca, ha provocado que otras antiguas culturas precolombinas de grupos indígenas hayan pasado a menudo desapercibidas. “Colón y los Tainos” se presenta ahora en España con el intento de divulgar algo más sobre este grupo de pobladores de las Antillas.

Los taínos, los habitantes principales de las Antillas Mayores, en los días en que Colón llegó a aquellas tierras, eran gente de color rojizo, cabello lacio, rostro achinado y gesto pacífico

Estos sencillos pobladores, provenientes del ámbito del Amazonas, vivían principalmente de la agricultura y la pesca y sufrían de vez en cuando a otro pueblo que habitaba en territorios cercanos, el de los caribes, también oriundo de la América del Sur y caracterizado por sus acciones sanguinarias y ferocidad.

Taino significaba en lengua nativa “pueblo bueno y pacífico”, y su favorable acogida hacia los españoles tal vez estuvo fundamentada en su condición natural amable y en la esperanza que los hombres que llegaban dominando caballos y fuegos que mataban a distancia fuesen sus aliados para controlar a los caribes

Caixa Girona, en su centro cultural Fontana d´Or presenta esta muestra del 16 de diciembre de 2005 al 29 de enero de 2006, en la que se profundiza en el conocimiento de estos antiguos pobladores del Nuevo Mundo.

El año 1492, en su primer viaje al nuevo continente, Cristóbal Colón ancló en unas nuevas tierras llenas de belleza, las Antillas, lugares poblados por grupos primitivos más o menos evolucionados social y culturalmente. Allí, el almirante descubridor conoció a los lacayos, ciguayos, canibas o caribes, tainos..., grupos ampliamente reseñados en sus diarios y cartas.

Los pobladores del Nuevo Mundo recibieron la denominación genérica de indios, pues los occidentales creían haber arribado a las costas de la Índia.

Los indios fueron descritos entonces, generalmente, como gente hospitalaria: “son gente de amor – dijo Colón – y sin codicia y se adaptan a todo, (...) ellos aman al prójimo como a sí mismos, y tienen el habla más dulce del mundo y mansa, y siempre con una sonrisa. Van desnudos, hombres y mujeres, como sus madres les parieron (...)”.

La exposición Colón y los Tainos, que se presenta en Girona plantea dos visiones que son complementarias. Por un lado, explica qué encontró Colón en su primer viaje, utilizando básicamente los escritos realizados por el propio Almirante y por otros importantes cronistas de la época, y –además- da a conocer diversas particularidades de una de las sociedades más evolucionadas que encontró en su primer viaje al nuevo mundo, la sociedad taina.

Colón y los Tainos enseña a entender la figura del almirante como un descubridor, de la misma manera que se percibe a otra figura capital de la historia, el veneciano Marco Polo, en quien Colón encontró un reflejo ( En Girona se expone un libro de Marco Polo con las anotaciones hechas del propio Colón). La exposición invita a ser contemplada como un proyecto de descubrimiento, no como un fenómeno de conquista y colonización.

Los tainos habitaban el amplio territorio de las llamadas Grandes Antillas: en La Española, Puerto Rico y la zona más oriental de Cuba habían desarrollado una sociedad y una cultura que les era propia y que se encontraba entonces en plena evolución. Este grupo que había dejado su huella en otras áreas de Cuba, en Jamaica y en las Bahamas, vivió su momento más dulce en el período comprendido entre el siglo XI y el año 1492.

Araceli Sánchez Garrido, especialista en arte precolombino y etnógrafa del Museo de América de Madrid, es comisaria de la muestra, que reúne más de setenta piezas: documentos, libros, pinturas, arquetas, sellos, ornamentos, atuendos..., muchos de ellos de gran valor histórico y artístico que sirven a la experta, para trazar un recorrido por aspectos capitales de la cultura taina y dar a conocer, “el entorno artístico que rodeó la empresa colombina, la cartografía, los instrumentos científicos y la situación política de finales del siglo XV; y (...) mostrar la cultura material de los antiguos habitantes de estas tierras, reconstruyendo en la medida de lo posible sus formas de vida”.

Para rescribir esta historia se han utilizado textos de los cronistas, siendo básicos en esta búsqueda, las notas de los diarios de Cristóbal Colón, la crónica del jerónimo catalán Fr. Ramón Pané, la obra del Fr. Bartolomé de las Casas, y los testimonios aportados por Gonzalo Fernández de Oviedo.

Aquellos pobladores del Nuevo Mundo vivían de la agricultura (cultivaban el tabaco, el maíz, la yautía, el ñame, el maní, el mapuey y la yuca...), se organizaron en sociedades tribales gobernadas por caciques los cuales, según rezan las crónicas, recibieron pacíficamente a los descubridores, que creían en múltiples dioses y que trabajaban de forma extraordinaria la cerámica, la piedra, el carey, el algodón..., para crear sus atuendos de la vida cotidiana, amuletos, objetos rituales o de vestimenta...

La exposición cuenta con tres ámbitos:

Las Noticias.

Sitúa al espectador en el momento histórico del Descubrimiento, es el mundo que Colón encuentra y muestra instrumentos de navegación, mapas, documentos, pinturas, gravados..., elementos que se complementan con la exposición de objetos que se describen en los documentos etnohistóricos. Entre las obras, un cinturón de algodón tejido con semillas y otros materiales, datado entre 1492 y 1520, procedente del Museum für Völkerkunde de Viena.

La sociedad taina y la vida cotidiana,

segundo ámbito, presenta ralladores, hachas, sellos..., y objetos múltiples, sirven para dar una clara visión del origen, los antecedentes, la organización social..., del pueblo taino.

El recorrido por este ámbito, explica ampliamente de dónde procede la cultura taina, qué lengua y tradición arrastra y como se distribuye por el territorio. Describe un pueblo tranquilo que vivía de la pesca y de la agricultura, que practicaba el ancestral juego de la pelota de las Antillas, que hacía apuestas, que tenía una forma de vestir propia y utilizaba los recursos de la tierra para crear los objetos que utilizaban en la vida diaria.

El mundo simbólico,

último apartado, muestra los aspectos relacionados con todo aquello sagrado, con la religión, con los símbolos que ordenan y regulan la vida de una comunidad. Objetos propios del ceremonial de la cohoba: los asientos, las espátulas utilizadas para purificar, los inhaladores de cohoba la representación de un chamán, amuletos, etc.

La fundación organizadora de la muestra integra esta exposición en una serie de ellas (Las plumas de los indios del Amazonas, Los tesoros del país de la reina de Saba...) destinada a aproximar a los visitantes y a los estudiosos el rico legado de culturas y sociedades lejanas.

Las obras que han servido para crear la exposición proceden de la Fundación García Arévalo de Santo Domingo, República Dominicana; del Museum für Völkerkunde de Viena; la Academia de Artillería de Segovia; el Alcázar de Segovia; la iglesia de El Salvador de Segovia; la empresa “Doblón Compra – Venta” de Segovia; el Centro Geográfico del Ejército; la Agencia Española de Cooperación Internacional; la Fundación Lázaro Galdiano; el Museo Naval de Madrid; la Real Academia de la Historia; el Museo del Prado y la Fundación Francisco Godia de Barcelona.

Programa de Artium-2006

05/01/2006, ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, abre su programación de exposiciones de 2006 con una amplia muestra internacional de arte abstracto titulada “La obra maestra desconocida”

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, abre su programación de exposiciones de 2006 con una amplia muestra internacional de arte abstracto titulada “La obra maestra desconocida” y basada en el conocido relato del mismo título, escrito por Honoré de Balzac en la primera mitad del siglo XIX y premonitorio de lo que casi un siglo después sería una de las principales corrientes del arte contemporáneo

La exposición, que contiene también algunos guiños al arte clásico, contará con obras de Kandinsky, Basquiat, Kiefer, Richter, Rothko o de Kooning, entre otros, procedentes de una veintena de instituciones, desde el Museo Metropolitano de Nueva York al Museo del Prado.

En el programa de ARTIUM para 2006 aparecen tambien los nombres de artistas internacionales como Andrés Serrano, Hannah Wilke -ambos con muestras retrospectivas-, Jana Sterback –con obras recientes de una artista que no expone en España desde principios de los años 90-, Eugenio Ampudia –con una revisión de sus trabajos de los últimos doce años-, Aitor Ortiz -con obras recientes realizadas para su exposición en el Centro-Museo- y Carlos Sáenz de Tejada –con dibujos realizados en los años previos a la Guerra Civil.

Además de una colectiva de jóvenes artistas vascos y una muestra de las adquisiciones realizadas en 2004 y 2005, el centro ofrecerá una nueva presentación de su Colección Permanente, en esta ocasión en torno a la idea de catarsis.

La obra maestra desconocida (Sala Norte, del 2 de febrero al 28 de mayo)

Honoré de Balzac publicó en 1831 un relato titulado “La obra maestra desconocida”, la historia de un pintor de principios del XVII llamado Frenhofer que lleva diez años trabajando en secreto en una obra, el retrato de una mujer, buscando una representacion perfecta del modelo real, con pinceladas que el artista va añadiendo sin encontrar la que convertiría su obra en maestra. Lo que sus visitantes descubren es en realidad, tal y como lo describe Balzac, “un caos de colores, de tonos, de matices indecisos, especie de bruma sin forma”, un lienzo en el que uno de ellos, el también pintor Porbus, descubre que “ahí debajo hay una mujer”.

Este texto ha dado lugar a numerosos ensayos de filósofos de la estética. Pablo Picasso ilustró con trece grabados una cuidada edición del relato en su centenario.

A partir de este relato, 175 años después de su publicación, ARTIUM propone una exposición que cuenta con tres breves apartados de carácter histórico y un amplio cuerpo principal contemporáneo. En el primer apartado se presentan algunas obras de los artistas reales coetáneos del ficticio Frenhofer: Francois Porbus, Nicolas Poussin, Peter Paul Rubens y Harmensz van Rijn Rembrandt. El segundo capítulo presenta las identidades posibles de Frenhofer, como Paul Cezanne, quien dijo “Frenhofer c´est moi!”, y Kandinsky, quien realizó por primera vez una obra con características formales similares a la descrita por Balzac. El protagonismo de la tercera sección es para Pablo Picasso, con la serie de grabados que ilustraron el relato de Balzac, una selección de obras en las que el tema recurrente es el artista y su modelo y la serie de fotografías de Picasso en su estudio mientras pintaba el Guernica realizada por Dora Maar.

El cuarto y principal capítulo de la exposición está integrado por artistas que durante la segunda mitad del siglo XX y hasta la actualidad han desarrollado en su obra pictórica un tipo de trabajo que en muchos sentidos puede equipararse a la descripción de Balzac para la “obra maestra” de Frenhofer. Richter, Basquiat, de Kooning, Rothko, Kiefer, Domínguez, Miró, Tápies, Ramos Uranga, Saura, Guerrero, Zumeta, son algunos de los nombres que figuran en la lista de obras de la exposición. Las obras expuestas proceden, además de algunas propias de la Colección ARTIUM, de diferentes instituciones, entre ellas el Museo Metropolitano de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, el IVAM de Valencia, el Reina Sofía, además de colecciones particulares y galerías de arte.

Light box/Light wall. Aitor Ortiz (Sala Este Baja, del 8 de febrero al 2 de mayo)

Aitor Ortiz presenta en ARTIUM instalaciones fotográficas y videoproyecciones pertenecientes a las dos series que dan título a la exposición, realizadas entre 2004 y 2005, con las que el artista bilbaíno su trabajo en torno a los espacios y las estructuras arquitectónicas. En Light box, enormes y toscas masas de piedra de una cantera aparecen horadadas por huecos luminosos, limpios, definidos y posiblemente habitables, refugios simbólicos con los que Ortiz quiere mostrar el poder del arte sobre la materia prima.

En Light walls, el material de base con el que trabaja el artista es el propio espacio expositivo, la Sala Este Baja. Como “trompe l´oeil” o trampantojos, las fotografías parecen inventar huecos donde no los hay, abriendo los muros a un lugar inexistente. La exposición es, en definitiva, un viaje mental desde la masa descomunal de una cantera hasta las frágiles paredes de un museo.

Catarsis. Ritos de purificación (La Colección V) (Sala Sur, desde el 9 de marzo hasta febrero de 2007)

Una selección de aproximadamente 40 piezas procedentes de la Colección Permanente de ARTIUM configura una exposición que, en un tiempo en el que la sobre-representación de la realidad a través de los medios es de tal magnitud que el espectador puede llegar la confusión entre realidad y ficción, propone un viaje catártico. En él la representación del arte retoma su función inicial de provocar en el espectador una toma de conciencia, entrar en una fase de purificación y finalmente la expulsar o liberar sus propias alienaciones.

Pintura, escultura, fotografía, instalaciones de autores muy distintos, desde Antonio Saura a Mira Bernabeu, desde Eduardo Sourrouille a Alberto Peral, conforman la quinta presentación de la colección Permanente. El Centro-Museo vitoriano renueva anualmente la exposición de sus fondos propios, buscando para cada ocasión un tema o una historia distinta. Las presentaciones de la Colección han sido sucesivamente un relato cronológico de la historia del arte español en el siglo XX, un recorrido por los temas que han interesado a los creadores desde los años 60, una muestra de la evolución sufrida en la trayectoria de algunos de los artistas españoles más destacados, un encuentro entre lo clásico y lo contemporáneo y, en 2006, una aproximación optimista a las sacudidas personales, sociales o culturales.

Jana Sterbak. De la performance al vídeo (Sala Este Baja, desde el 18 de mayo hasta el 3 de septiembre)

Jana Sterbak, nacida en Praga en 1955 y de nacionalidad checo-canadiense, es una de las artistas de mayor proyección internacional en la actualidad y está considerada como una de las más innovadoras en el mundo del arte contemporáneo. Artista multidisciplinar dotada de un especial humor negro, Sterbak ha utilizado en sus obras procesos diversos, desde la performance, la instalación, el vídeo, la fotografía, el dibujo y la escultura.

La diversidad es aún mayor en cuanto a materiales y el uso que les da: textiles, metales, pan, hielo, vidrio, animales vivos, cargas electroestáticas, sonido… La exposición que presenta en Vitoria es una de las escasas oportunidades de contemplar la evolución de sus trabajos desde que a mediados de los 80 alcanzara renombre internacional con “Vanitas”, un vestido realizado con carne cruda. Vídeos de performances como “Artist as Combustible”, de 1986, objetos-performances como “Remote Control II”, de 1989, instalaciones de video como “From Here to There”, de 2003, esculturas como “Bread bed”, de 1996, muestras de su reciente interés por la astronomía como tema y el vidrio como material (“Planeta-luna”, de 2003), y una pieza producida por ARTIUM para esta exposición, titulada “From Here to There”son algunas de las más de 30 obras, algunas de grandes proporciones, que integran la exposición.

El dedo en la llaga. Andrés Serrano (Sala Norte, del 21 de junio al 15 de octubre)

Nacido en Nueva York en 1950, con antecedentes cubanos y hondureños, las fotografías de Andrés Serrano resultan siempre controvertidas y provocadoras, probablemente porque abordan explicitamente temas conflictivos o habitualmente sujetos a eufemismos.

La exposición, la primera individual que presenta un museo español, es una retrospectiva en la que se presentan fotografías de las distintas series sobre las que ha trabajado desde los años 80, sobre fluidos corporales (“Bodily fluids”), vagabundos, la muerte por causas violentas (“The Morgue”), el sexo (“A History of Sex”), la religión (“The Church”), el Ku Klux Klan (serie “KKK”), con imágenes que van desde el retrato en estudio, como las series “America” y “The Interpretation of Dreams”, a la abstracción. La muestra presenta alrededor de 60 fotografías de gran formato.

Entornos próximos (Sala Norte, del 5 de julio al 17 de septiembre)

Entornos próximos es una exposición de carácter bienal, una muestra colectiva protagonizada por jóvenes creadores del ámbito geográfico cercano al centro-museo. La muestra está comisariada conjuntamente por un conservador de ARTIUM y un experto externo que realizan la selección de artistas y obras, normalmente alrededor de cino, que protagonizan la exposición.

En esta ocasión, los comisarios son Enrique Martínez Goikoetxea, conservador de Exposiciones Temporales de ARTIUM y David G. Torres, comisario independiente y colaborador del Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona.

Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz. Fotografías de Javier Mingueza (Sala Este Alta, del 12 de julio al 3 de septiembre)

Coincidiendo con la trigésima edición del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, ARTIUM presenta una selección de las imágenes que el fotógrafo de El Correo Javier Mingueza ha realizado a lo largo de los años de seguimiento del certamen, algunas de ellas merecedoras de premios nacionales e internacionales.

Hannah Wilke. Exchange Values (Sala Este Alta, desde el 4 de octubre hasta el 7 de enero de 2007)

Esta será la primera exposición en Europa de Hannah Wilke, una de las pioneras del feminismo en el arte, nacida en Nueva York en 1940 y muerta prematuramente a causa del cáncer en 1993. Aunque trabajó primordialmente con la escultura, también produjo numerosos dibujos, fotografías y vídeos, en los que plasmaba su interés por lo relacionado con los roles y estereotipos sobre la feminidad y con el ámbito de lo social y lo político, y en los últimos años de su vida, con el carácter mortal del ser humano. Sus obras están presididas por el humor y el lirismo.

Aunque que en los primeros 70 realizó performances y fotografías con su propio cuerpo desnudo como modelo, su obra más conocida es quizás la serie de pequeñas y delicadas esculturas, realizadas con arcilla, latex e incluso chicle, que recuerdan los genitales femeninos (en ocasiones también masculinos), que exponía colocadas en grupos sobre el suelo, la pared o su propio cuerpo. En los 80 documentó fotográficamente la batalla de su madre contra el cáncer y, cuando ella misma obtuvo el mismo diagnóstico, registró también su propia lucha contra la enfermedad mediante fotografías, vídeos y evocadores autorretratos en acuarela sobre papel. La exposición de Hannah Wilke presenta una selección de sus trabajos, desde las primeras performances y esculturas hasta sus últimas obras con acuarelas y fotografías.

Eugenio Ampudia. Sólo una idea devoradora (Sala Norte, desde el 18 de octubre hasta el 14 de enero de 2007)

Esta exposición representa la revisión del trabajo de Ampudia en los últimos quince años, a medio camino entre una primera retrospectiva del artista y un trabajo en proceso, puesto que se presentan varias piezas nuevas realizadas para la exposición. Eugenio Ampudia, nacido en Melgar, Valladolid, en 1958, es un infatigable artista multimedia capaz de mantener una página web (www.operariodeideas.com), realizar complejas instalaciones de vídeo con las que consigue transformar el espacio donde se exhiben, y ejercer como comisario independiente.

La exposición, comisariada por Mariano Navarro, revisa, principalmente a través de video instalaciones y fotografías, la posición de Ampudia frente al arte contemporáneo como medio de transmisión de ideas y frente al artista como emisor. Una mirada lúdica e inteligente sobre el lenguaje del arte y su medio.

Adquisiciones recientes (Sala Norte, desde el 8 de noviembre hasta el 21 de enero de 2007)

El centro presenta una selección de las adquisiciones realizadas para la colección del Centro Museo durante los años 2004 y 2005. La exposición, que tiene carácter bienal, da cabida a artistas como Victoria Civera, Mateo Maté, Andrés Nagel, Néstor SanMiguel, Manu Muniategiandikoetxea, Rubén Ramos o gonzalo Puch. La selección incluye, entre otras, una pintura de juventud de Agustín Ibarrola, “Autorretrato”.

Dibujos para la Libertad. Carlos Sáenz de Tejada (Sala Sur, desde el 8 de noviembre hasta febrero de 2007)

Se presenta en esta exposición el depósito realizado en el Centro-Museo por la familia Sáenz de Tejada de los dibujos originales que el artista, nacido en Tetuán pero muy vinculado a Vitoria y Álava, realizó para el periódico “La Libertad” en los años 1933 y 1934.

Carlos Sáenz de Tejada colaboró ininterrumpidamente entre 1920 y 1934 como dibujante con este periódico de corte liberal democrático, considerado como una de las publicaciones situadas más a la izquierda durante los años 20 y 30. Los dibujos servían para ilustrar artículos de diferente contenido, por lo que el tema de los mismos es igualmente variado: el carnaval, la cultura, el deporte, los toros, la religión, el ocio, las fiestas populares, la política o la economía, entre otros. La exposición se completa con tres pinturas, también pertenecientes a este depósito familiar, “Juan Castillo (Castilla)”, de 1922, “Plaza de la villa de Buitrago”, de 1923, y “Tarde en el bar”, de 1924)

 

El legado Ramón de Errazu

04/01/2006, El museo del Prado presenta una exposición organizada con motivo del primer centenario del ingreso la colección de Ramón de Errazu en el Museo del Prado

El museo del Prado presenta, del 13 de diciembre al 12 de marzo de 2006 una exposición organizada con motivo del primer centenario del ingreso la colección de Ramón de Errazu en el Museo del Prado.

Presenta las 25 pinturas legadas por el coleccionista entre las que se encuentran algunas de las obras maestras del siglo XIX que se conservan en el Prado. El conjunto consta de 20 óleos y 5 acuarelas fechados entre 1862 y 1895, la mayoría realizados por los artistas españoles más significativos de la época, coetáneos y amigos de Errazu, Mariano Fortuny, Martín Rico y Raimundo de Madrazo, a excepción de dos pinturas de Ernest Meissonier y Paul Baudry, reconocidos pintores de la época del Segundo Imperio francés.

Se cumple ahora el centenario de la recepción del legado Ramón de Errazu (San Luis Potosí, México 1840 – París, 1904), rico empresario que, establecido en París durante el último tercio del siglo XIX, reunió una colección de pinturas característica del gusto de la gran burguesía de la época. Las 25 obras que componen el legado revelan su acertado criterio como coleccionista al tratarse de un conjunto muy homogéneo, protagonizado por Fortuny, Rico y Madrazo, tres de los mejores artistas de la época a los que además unía una estrecha amistad.

La exposición ha sido organizada para conmemorar la llegada al Museo del Prado de este importante grupo de obras que constituye uno de los conjuntos más representativos de las colecciones modernas del Museo.

El núcleo del legado, y por tanto de la muestra que ahora se presenta, lo componen diez obras de Mariano Fortuny (1838-1874) entre las que destaca el excepcional Desnudo en la playa de Portici, obra maestra en la que el artista mostró la quintaesencia de su arte final realizando un portentoso estudio de la anatomía infantil bajo los brillos y reflejos de la luz del sol y el colorido de las sombras. Otro importante exponente de la indudable calidad del pintor lo constituye Viejo desnudo al sol, torso en el que Fortuny enlaza con la tradición española del siglo XVII.

El carácter innovador de Fortuny en la captación de la luz, sobre todo en sus últimas obras, le convirtieron en el promotor de un estilo que serviría de inspiración a Martín Rico (1833–1908) y a Raimundo de Madrazo (1841-1920), los otros dos pintores más representados en esta exposición, con cuatro obras del primero y nueve del segundo. Entre las de Raimundo de Madrazo, cuñado además de Fortuny, cabe destacar un retrato del propio coleccionista, gran amigo suyo. Este retrato de Ramón de Errazu (1879), en el que el pintor plasmó el porte elegante de Errazu sirviéndose de la tradición velazqueña para llegar a una factura moderna y personal, constituye quizá la obra maestra de Madrazo en el género.

El conjunto se completa con uno de los desnudos más famosos y polémicos pintados en el París de la época, La perla y la ola, de Paul Baudry (1828-1886), obra que perteneció a la emperatriz Eugenia del Montijo a la que Errazu había tratado, además de un retrato de la Marquesa de Manzanedo, amiga íntima del coleccionista, realizado por uno de los más prestigiosos pintores de su tiempo, Ernest Meissonier (1815-1891). Ambos pintores franceses eran bien conocidos por Ramón de Errazu y estaban también próximos al círculo de Madrazo y Fortuny.

El legado

Los motivos del coleccionista para legar este excepcional conjunto de su colección al Prado parecen diversos. Por un lado, Errazu conocía bien el Museo a través de sus visitas al director del mismo, Federico de Madrazo (padre de Raimundo), y sabía que Fortuny no estaba entonces representado en la pinacoteca, como tampoco la pintura francesa de la segunda mitad del siglo XIX. Además, el legado era coherente con la profundidad de su vínculo con España, aunque hubiera vivido en ella mucho menos que en México o Francia. El prestigio y solidez que caracterizaban al Museo del Prado pudieron ser otra de las razones por las que Errazu decidió legar las obras a esta pinacoteca.

La colección se expuso por primera vez en el Prado el 16 de mayo de 1905 en un espacio que pasó a denominarse Sala Errazu (el gabinete ochavado situado en el ángulo sudoccidental del edificio de Villanueva, hoy sala de escultura) y al que la prensa más especializada calificó como “verdadero santuario del arte moderno”.

En 1971 las obras del legado pasaron a exponerse en las salas del Casón del Buen Retiro, integradas con el resto de la colección de pinturas del siglo XIX que conserva el Museo. Su regreso a las salas del Museo con motivo de la exposición que ahora se presenta supone la primera oportunidad de volver a contemplarlas como conjunto.

Además de la importancia de las obras en sí, hay que destacar que todas se legaron enmarcadas conforme a los criterios del coleccionista, que había encargado los marcos en París con especial cuidado en la elección de sus materiales. Por ejemplo, muchos de los marcos, incluido el que lleva Desnudo en la playa de Portici, son de madera de ébano. Otra característica que demuestra el exquisito trato dado por Errazu a su colección es la colocación de placas de bronce, con el nombre del artista y título de la obra grabados en el reverso, cubriendo las traseras de todas las obras de pequeño formato.

Catálogo de la exposición

El catálogo de la muestra contiene un texto del comisario de la misma, Javier Barón, en el que da cuenta de la investigación realizada por el departamento de pintura del siglo XIX del Museo sobre Ramón de Errazu, un personaje muy poco conocido hasta ahora cuya biografía sirve como referencia para ilustrar el coleccionismo de la época. Además, la publicación incluye amplios estudios sobre cada obra realizados por el propio comisario, jefe del departamento de pintura del siglo XIX del Museo, y por Ana Gutiérrez, conservadora de este departamento.

RAMÓN DE ERRAZU. BIOGRAFÍA

Apenas conocido hoy a pesar de la proyección que tuvo en vida como rico propietario y persona amante de las artes, Ramón de Errazu y Rubio de Tejada perteneció a una familia de grandes empresarios españoles que hicieron fortuna en México.

Procedente de una familia oriunda del País Vasco, Ramón de Errazu nació el 28 de julio de 1840 en San Luis de Potosí (México), donde se había establecido su padre tras entrar en los negocios emprendidos por el suyo, Cayetano Rubio. El abuelo de Ramón, Cayetano, había sido uno de los fundadores de la industria mexicana textil y salinera, y fue el primero de la familia que ejerció el mecenazgo de las artes.

El padre de Ramón, igualmente próspero comerciante, había establecido su residencia en México, en la ciudad en la que nacería su hijo, San Luis de Potosí, pero cuando Ramón contaba 12 años decidió instalar su residencia en París. Allí, Ramón siguió los usos de la clase social más prominente, cultivando desde joven el gusto por lo refinado que le caracterizaría en sus aficiones y de forma muy evidente en el vestir.

Desde muy joven, Ramón se introdujo en la empresa familiar contribuyendo al asentamiento del negocio salinero con continuos viajes a México. Sin embargo, la mayor parte del tiempo lo pasaba en París donde formaba parte de la cúspide del grupo social más adinerado entre los hispanoamericanos afincados en la capital francesa. Siguiendo los usos burgueses, adquirió una bodega propia, era aficionado a los caballos y perteneció al club parisino más distinguido de la época. Su interés por la pintura podría deberse también a la consideración del coleccionismo como otro rasgo de distinción social pero parece indudable que su amistad con Raimundo de Madrazo y con su cuñado, también coleccionista, tuvieron una influencia decisiva tanto en su gusto como en la formación de su colección.

Ramón de Errazu murió en París el 17 de octubre de 1904. Ramón había designado a su hermano Luis como heredero universal, nombrándole también su albacea testamentario, pero a la muerte de éste la fortuna de la familia se dispersó. Además del retrato del propio Ramón de Errazu, en el Prado se conserva el de la otra hermana mayor de la familia, Manuela de Errazu, legado por el hijo de ésta, Joaquín Irureta Goyena, y pintado también por Madrazo.