Archivo de noticias de 2005

Arquiesculturas en el Guggen

20/12/2005, El Museo Guggenheim Bilbao presenta, hasta el 26 de febrero de 2006 una sugerente exposición: ArquiEscultura. Diálogos entre la arquitectura y la escultura desde el siglo XVIII hasta el presente

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, hasta el 26 de febrero de 2006 ArquiEscultura: diבlogos entre la arquitectura y la escultura desde el siglo XVIII hasta el presente.

La muestra indaga en las mתltiples facetas de las estrechas y recםprocas relaciones entre la arquitectura y la escultura, que han sido particularmente intensas en el siglo XX y que han sido puestas de manifiesto por multitud de autores. “La verdadera arquitectura es escultura”, decםa Constantin Brancusi

¿Quי es arquiescultura? Quien mire a su alrededor una vez dentro del Museo Guggenheim Bilbao se encontrarב rodeado por una de las mayores “arquiesculturas” del planeta. Para quien visita Bilbao, el extraordinario edificio del Museo Guggenheim parece a primera vista, desde cierta distancia, una escultura a escala colosal de Hans Arp o Vadlimir Tatlin que se hubiera posado, como un OVNI, en plena ciudad.

Sin embargo, la superescultura del arquitecto norteamericano Frank O. Gehry no es sףlo un monumento o un sםmbolo, sino que nos invita a penetrar en su interior, que alberga un fascinante museo de tres plantas. Y precisamente por su propףsito funcional, esta superescultura es tambiיn arquitectura.

Las revolucionarias innovaciones en las tיcnicas de construcciףn y el diseסo de proyectos que han propiciado las nuevas tecnologםas digitales, junto con el desarrollo de nuevos materiales han permitido a los arquitectos crear edificios con las formas plבsticas mבs insףlitas: desde el deconstructivista Museo Guggenheim Bilbao, hasta el edificio en forma de pepino de la aseguradora Swiss-Re de Norman Foster en Londres. En una feroz competencia por representar su poder y prestigio, ciudades y empresas demandan de los arquitectos estrella edificios cada vez mבs singulares, que se “plantan” como gigantescos ‘logos’ de empresa o emblemas en medio de la caףtica maraסa de las modernas megalףpolis.

La ciudad de Bilbao fue una de las primeras comunidades en descubrir que una atractiva arquitectura escultףrica se puede ser un eficaz herramienta de marketing para suscitar la atenciףn y atraer visitantes a la ciudad. Esta estrategia se conoce en todo el mundo como “el efecto Guggenheim”. Otros muchos edificios han seguido la huella trazada por la “arquiescultura” del Museo Guggenheim Bilbao de Gehry, como por ejemplo la Torre Agbar de Jean Nouvel, el Edificio Forum de Herzog & de Meuron en Barcelona, o el centro de las ciencias “Phaeno” de Zaha Hadid, un ondulante cuerpo triangular de carבcter futurista que se inaugurarב este otoסo en Wolfsburg, Alemania. Los edificios parecen esculturas aumentadas de Jacques Lipchitz, Henry Moore o incluso Eduardo Chillida, por ejemplo, y la enorme creatividad con la que los arquitectos dan forma hoy en dםa a sus edificios, sugiere que la arquitectura, en general, es una continuaciףn de la historia de la escultura en forma de edificios.

Este reciente boom de la arquitectura escultural hace olvidar con facilidad que anteriormente ya hubo “arquiesculturas”; es mבs, el fenףmeno actual se halla dentro de una larga tradiciףn en la que la arquitectura y la escultura se fecundan y utilizan recםprocamente. Las pirבmides egipcias ya impresionan por su perfecciףn geomיtrica y su sencilla expresividad; en el gףtico se aתnan la arquitectura escultףrica y la arquitectura en una תnica fusiףn orgבnica; y en el barroco las fachadas se expanden y alabean como los elementos de una escultura. La relaciףn de cercanםa entre arquitectura y escultura se acentuף en el siglo XVIII y el diבlogo entre ambas es, desde entonces, uno de los mבs interesantes fenףmenos de la Modernidad.

La exposiciףn ArquiEscultura, que se presentף por primera vez al pתblico en el invierno de 2004–05 en la Fondation Beyeler en Riehen, cerca de Basilea, y que, tras su clausura en Bilbao, podrב verse en el Kunstmuseum Wolfsburg en Alemania en la primavera de 2006, aborda la relaciףn entre escultura y arquitectura con una amplitud y profundidad histףrica sin precedentes, desde el siglo XVIII hasta el presente, desde el cenotafio de Newton proyectado por Etienne-Louis Boullיe (1784) hasta el Museo Guggenheim Bilbao de Frank O. Gehry. La muestra reתne alrededor de 180 esculturas, pinturas y maquetas de edificios procedentes de todo el mundo y en ella estבn representados en torno a 60 artistas y 50 arquitectos como Adolf Loos, Frank Lloyd Wright, Frederick Kiesler, Louis Kahn, Mario Merz o Cristina Iglesias, entre otros. Entre los arquitectos espaסoles se encuentran Juan Navarro Baldeweg con su proyecto “Wang Wei” en Benidorm y el estudio de Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuסףn con una maqueta del Auditorio de la Ciudad de Leףn.

El aspecto mבs singular y novedoso de esta muestra es la confrontaciףn directa de obras de destacados escultores con maquetas de edificios que son en sם mismas pequeסas esculturas

La muestra se ha trazado como una historia en diez capםtulos que conduce al visitante desde el siglo XVIII, con la visiףn de Etienne-Louis Boullיe de un cenotafio esfיrico para Newton, hasta la evocaciףn multivisionaria del Monolito de acero de 34 m de altura, que el arquitecto francיs Jean Nouvel hizo flotar en el lago de Murten con motivo de la Exposiciףn Nacional Suiza en 2002.

Relevo en ARCO

16/12/2005, Se ha aprobado la designación de Lourdes Fernández Fernández como futura directora de la Feria Internacional de Arte Contemporáno, ARCO, quien asumirá el cargo tras la marcha de Rosina Gómez-Baeza

La Junta Rectora de IFEMA ha aprobado la designación de Lourdes Fernández Fernández como futura directora de la Feria Internacional de Arte Contemporáno, ARCO, quien asumirá el cargo tras la marcha de Rosina Gómez-Baeza.

Lourdes Fernández, española de 44 años, casada y con dos hijos, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona.

Actualmente es responsable de la puesta en marcha de la estrategia para el futuro de la Colección Artística ABC (Vocento). Durante los años 2003 y 2004, ha dirigido la Bienal Europea de Arte Contemporáneo, MANIFESTA, de San Sebastían.

En el ámbito galerístico, ha estado desde el año 1994 y hasta 2003 al frente de la Galería de Arte DV de San Sebastián. Anteriormente fue adjunta a la dirección de la Galería Marlborough de Madrid (1989-1994). Así mimo, ha sido miembro del Comité Oreganizador de ARCO en las ediciones 2000 y 2001

A su formación en el ámbito de la gestión cultural y a su trayectoria profesional se añade el dominio de los idiomas inglés, francés e italiano.

25 ANIVERSARIO DE ARCO

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, celebrará su vigésimo quinta edición del 9 al 13 de febrero de 2006, con un programa expositivo altamente representativo del panorama artístico mundial. La presencia de destacadas galerías de 33 países, la concentración de alrededor de 3.000 artistas de todo el mundo y la aportación de un amplio equipo de comisarios en torno a nuevas áreas de creación y grandes centros de producción, proponen una convocatoria de notable calidad y atractivo.

ARCO, organizada por IFEMA, estará protagonizada por un hecho especialmente relevante: la conmemoración de su 25º aniversario, dos décadas y media de dinamización del mercado artístico español. Así mismo, esta emblemática edición coincidirá con la despedida de su directora, Rosina Gómez-Baeza.

ARCO ha querido resaltar en esta edición dos de los aspectos que, de una u otra forma, han permanecido ligados a esta convocatoria a través de estos años: la creación de una red de museos de primer orden a lo largo de todo el territorio nacional, y la presencia continúa de la Prensa, que ha jugado un papel fundamental en el desarrollo y consolidación de la Feria.

Dos aspectos que se han concretado en sendos proyectos conmemorativos como son el Directorio de Arte Contemporáneo en España 2006, y la memoria ARCO, 25 Años a través de la Prensa. Un fondo documental para investigadores, profesionales y seguidores del arte, y un documento histórico que pretende rendir homenaje a los medios y a su labor de apoyo a la Feria.

Presenta también como novedad el programa "Dieciséis Proyectos de Arte Español" cuyo contenido ha sido encomendado a una de los referentes del panorama artístico nacional, María del Corral, ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía –MNCARS- y reconocida crítica y comisaria de exposiciones a nivel mundial.

Austria, país invitado

Coincidiendo con la presidencia austriaca de la Unión Europea en el primer trimestre de 2006, Austria estará presente en ARCO como invitado de honor, con un programa ampliamente representativo del panorama artístico de este país, caracterizado por un reciente proceso de internacionalización.

Por este motivo la muestra, que reúne a 22 prestigiosas galerías todas ellas fundadoras del mercado artístico austriaco, así como a una amplia nómina de artistas que lideran la escena creativa del país, se ha percibido a nivel gubernamental como una ocasión única de dar visibilidad a la creación austriaca y de consolidar su mercado en el ámbito mundial.

 

Faraón

16/12/2005, Desde el 21 de diciembre al 14 de mayo de 2006, se presenta en Madrid la muestra “Faraón”, enfoca hacia los enigmas de la civilización egipcia.

Desde el 21 de diciembre al 14 de mayo de 2006, se presenta en Madrid la muestra “Faraón”, enfoca hacia los enigmas de la civilización egipcia.

La exposición, en el Centro de Exposiciones Arte Canal, ya ha estado en otras ciudades europeas como Venecia o París. Esta muestra da continuidad a la línea expositiva emprendida el pasado año con los “Guerreros de Xi´an” y que recibió en tres meses a cerca de 450.000 visitantes.

La nueva exposición ha sido organizada por el Canal de Isabel II y está avalada por entidades internacionales como el Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto, el Museo de El Cairo, el Instituto del Mundo Árabe de París y el Museo Británico.

“Faraón” integra dos ámbitos: una proyección audiovisual en tres dimensiones sobre el cuerpo de una momia procedente del Museo Británico, y la exhibición de 120 obras, algunas con más de 4.500 años de antigüedad, del Museo de El Cairo.

Viaje al interior de una momia

La muestra se inicia con la visualización de “Momia: viaje interior”, una proyección de realidad virtual en tres dimensiones que explora el interior de una momia con una antigüedad de 2.800 años. La película ha sido expuesta en el Museo Británico en Londres y permitirá desvelar a los espectadores los secretos del sacerdote Nesperennub: cuando vivió y dónde, su alimentación, su profesión y otros múltiples detalles de la existencia de este personaje.

Esta proyección audiovisual es una coproducción del Museo Británico y de la empresa de tecnología Silicon Graphics. La momia de Nesperennub fue sometida a un escáner en un hospital londinense, obteniéndose más de 1.500 secciones transversales a intervalos de un minuto. El montaje, mediante potentes ordenadores, del material obtenido permite al espectador obtener un plano más cercano del cuerpo e incluso viajar “por el interior” de los datos, creando la ilusión óptica de estar bajo las envolturas e, incluso, dentro del propio cuerpo de la momia.

Para la exhibición de estas imágenes se ha construido una pirámide de 18 metros de altura, con una capacidad para 150 personas, a la entrada del Centro de Exposiciones Arte Canal.

Hasta 4.500 años de antigüedad

Ya en el interior de la sala, el visitante tendrá la oportunidad de contemplar las 120 piezas procedentes del Museo de El Cairo. Estas obras, algunas con más de 4.500 años de antigüedad, ofrecen un recorrido sobre la vida e historia de los faraones desde el Imperio Antiguo (2686-2173 a. de C.) hasta el Imperio Nuevo (1552-1069 a. de C.).

La exposición se estructura en siete ámbitos que profundizan en la vida del Antiguo Egipto a través de historia, política, ceremonias, palacios y organización social. Entre las obras que serán expuestas al público destacan:

El Coloso de Tutankhamón. Una estatua de 3 metros de altura con cerca de 3.500 años de antigüedad que fue encontrada en el templo funerario de Ay y Horemheb en Tebas Norte. Pertenece a la Dinastía XVIII, Reinado de Tutankhamón.

Estatua del Rey Quefrén. Esta pieza realizada en basalto sale, por vez primera, del Museo de El Cairo. Pertenece a la Dinastía IV, Reinado de Quefrén, y posee más de 4.500 años de historia.

Lecho de Tutankhamón. Este faraón contaba en su ajuar funerario con seis camas de uso cotidiano, además de varios lechos mágicos. La cama que será expuesta es uno de los ejemplares más sencillos. Pertenece a la Dinastía XVIII, Reinado de Tutankhamón.

Pilar del templo de Atón en Karnak. Esta escultura es uno de los colosos que estaban adosados a los pilares del citado templo. Pertenece a la Dinastía XVIII, Reinado de Ajenatón.

Máscara funeraria de Psusenes I. Entre todos los objetos hallados en las tumbas reales de Tanis, destaca por su belleza esta máscara mortuoria realizada en oro. Pertenece a la Dinastía XXI, Reinado de Psusenes I.

Datos adicionales

La exposición esta abierta al público del 21 de diciembre al 14 de mayo de 2006 en el Centro de Exposiciones Arte Canal en el Paseo de la Castellana, junto a Plaza de Castilla. Los visitantes tendrán la opción de disfrutar conjuntamente o por separado tanto de la proyección audiovisual como de las obras alojadas en el Centro de Arte del Canal de Isabel II.

El Centro de exposiciones Arte Canal fue inaugurado en noviembre de 2004 con la exposición “Guerreros de Xi´an”. Esta muestra fue visitada por cerca de 450.000 personas durante los tres meses que permaneció abierta al público.

La sala ocupa la mitad del primero de los cuatro módulos del cuarto depósito de agua subterráneo del Canal de Isabel II, una estructura de primera mitad del siglo XX, con capacidad para 141.000 m3 de agua.

Este centro de exposiciones del Canal de Isabel II fue acondicionado respetando al máximo la construcción original, similar a los antiguos aljibes romanos y árabes. De hecho, conserva las arcadas del antiguo depósito que le proporcionan el aspecto de una enorme mezquita, con un total de 144 arcos con una altura de más de 7 metros.

 

Las flores de Omaña

16/12/2005, Bajo el título "Dreaming on green" Alfredo Omaña presenta en Salamanca su más reciente producción, en la que aparecen sus vigorosas flores de cristal.

Alfredo Omaña es un artista joven, nació en 1968, pero en sus obras se encuentra una personalidad definida que le ha valido reconocimientos internacionales. Es un auténtico transformador de la materia, a la que transmite ritmo y poesía.

El artista –que ha tenido notables éxitos en todo el mundo- es un amante de la observación y de la experimentación y da nueva vida a objetos materiales que tenían, hasta que llegaron a sus manos, otros significados, otra alma.

Bajo el título "Dreaming on green" Alfredo Omaña presenta en la galería Benito Esteban de Salamanca su más reciente producción consistente en una serie de fotografías de flores compuestas de fragmentos de vidrio en mediano y gran formato, unas cajas-estanterias con estas mismas flores y una fotografía de gran formato de una cama de hierba. Un total de trece piezas entre pinturas, esculturas e impresiones digitales.

La exposición se puede considerar, en parte, un desarrollo muy concreto de la obra que expuso hace poco en Milán, en la que se encontraban ya obras como una estantería con cuellos de botella llenos de tierra. Ahora, de ese vidrio nacen insospechadas flores.

Licenciado en Bellas Artes en Salamanca, el autor reside en un pueblo cercano a esta ciudad, donde readaptó una nave industrial para residencia y centro de experimentación.

Nacido en un humilde núcleo rural leonés, el artista se acostumbró a la reutilización de los materiales y al contacto con todos ellos. Y ha proseguido en esa dirección, en una constante obsesión experimentadora. Así como sus ancestros cultivaban los campos y construían aperos o viviendas de tapial con los elementos que tenían a mano, así él utiliza cajas, botellas, adobes, telas y las transforma en arte, en obras llenas de belleza y poesía.

Omaña, a partir de las cajas-estanterias empezó a desarrollar un elemento escenográfico en determinadas piezas que le ha llevado a realizar algunas de ellas sólo para ser fotografiadas, como ha ocurrido con la cama de hierba que tiene en Valverdón, donde vive y trabaja; la primera prueba de fotografiar una composición la realizó la pasada primavera con dos figuras de hilo abrazadas que convirtió en una imagen de 130 x 130 cm; a partir de esa experiencia empezó a imaginar la cama en clave fotográfica y la posibilidad de explotar también las transparencias, texturas y colores de las flores en imágenes de gran formato.

De la obra de A. Omaña se puede decir que se mueve entre la contundencia de Louise Bourgois y la levedad magritteana, tanto por las metáforas y paradojas visuales como por la diversidad de los materiales que utiliza.

El uso de la imagen fotográfica se impone en esta exposición en la que se subraya la fuerza de la idea y la puesta en escena que había empezado a trabajar en las precedentes cajas y estanterías, a mitad de camino entre la escultura, la “microinstalación” y la escenografía.

Las flores de vidrios cortados son unas imágenes netas que se imponen al espectador por su concepción límpida y eficaz resolución. La transparencia del medio fotográfico resulta ideal para extraer toda la belleza de los matices de color y la agresividad de sus cortes.

La imagen de la cama de hierba, hecha a partir de una cama real plantada y cuidada por el artista en los últimos seis meses, se presenta como una tentación en un espacio ambiguo e indefinido que hace más concreto y chocante el mueble manipulado de tal forma.

El convento de Extramuros de Madrigal

15/12/2005, Arte, historia y literatura están vinculadas a un antiguo convento de Madrigal de las Altas Torres, que está cayendo poco a poco, ante la impasible mirada de las autoridades autonómicas

Arte, historia y literatura están vinculadas a un antiguo convento de Madrigal de las Altas Torres, que está cayendo poco a poco, ante la impasible mirada de las autoridades autonómicas.

La situación de este edificio, de propiedad privada y dedicado –lo que va quedando- a almacén agrícola, fue denunciada al Procurador del Común en 2001. La propuesta para la declaración del mismo como Bien de Interés Cultural “duerme” en los despachos de la Junta.

Movilización de vecinos, recogidas de firmas.... la Asociación Madrigaleños en Defensa de su Patrimonio está en campaña para salvar lo que queda del Antiguo Convento Agustino de Extramuros de Madrigal de las Altas Torres, en la provincia de Ávila.

Para conocer más el valor del centro, presentamos en guiarte.com un documentado artículo de Jose Luis Gutierrez Robledo:

EL CONVENTO AGUSTINO DE MADRIGAL LAS ALTAS TORRES.

Entre tanto pueblo hermoso y casi abandonado de la Moraña y Tierra de Arévalo, Madrigal destaca por su belleza, que hace honor al topónimo, y por su decadencia. Es villa murada con dos espléndidas iglesias, un hospital y dos conventos, amén de casas y casonas. Destaca también una hermosa portada de aire toledano que llaman el Arco de Piedra y que aún está milagrosamente en pie.

La historia de las monjas y frailes agustinos se entreteje en solares cercanos, intra y extramuros y cerca del Hospital Real. Extramuros se levantó el beaterio que en 1335 fundó María Díez, el que en 1438 se convierte en convento de agustinas de Santa María de Gracia. Trasladadas las agustinas en 1425 al solar intramuros de las Casas que fueron de Juan II (el Palacio donde en 1451 nace Isabel la Católica), ceden el viejo solar a los frailes que en 1528 se instalan allí. Entre 1578 y 1589, Gaspar de Quiroga, arzobispo de Toledo y cardenal comienza a levantar un amplio y nuevo convento con perdidas trazas que podrían ser de Nicolás de Vergara el Mozo - con cuyo modo de hacer casa lo conservado y que en aquellos años estaba apartado de la maestría mayor de la catedral de Toledo, pero contaba con el directo apoyo del Cardenal Quiroga- mas las trazas fueron retomadas y rehechas a finales de ese siglo por Juan de Ribero Rada, en un proceso en el que también participaron y Juan de Nates y Alonso de Vallejo según ha demostrado Jesús Gascón Bernal en una Tesis Doctoral de próxima presentación.

Del convento, que abarcaba un gran rectángulo de 400 x 200 píes, solo quedan hoy –aparentemente- unos informes montones de ladrillo y algún muro de más porte, más un magnífico claustro en su interior, pero fue llamado por sus dimensiones y estilo el Escorial de Castilla y aquí muere, en el verano de 1591, Fray Luis de León. Era un edificio grandioso que fue Casa Capitular de Castilla y acogió cátedras de Cánones, Filosofía, Humanidades, Leyes y Teología. Era un gran rectángulo en el que destacaban una iglesia con capillas a los lados, presbiterio apenas marcado, y una fachada con dos esbeltas torres (fotos hay en las que aparecen) y una hornacina con buena estatura de San Agustín y un escudo de la orden.

La fachada templaria se alza en un extremo de la colosal fachada conventual, que tiene en su otro extremo una herida torre y en el centro portada con tres arcos de piedra de porte escurialense, con un bien labrado escudo de Gaspar de Quiroga y tras él, en el centro del rectángulo el cuadrado claustro clasicista de dos pisos y cinco tramos por crujía, un claustro de buena cantería y mejor traza, que Gascón fecha en la tercer década del XVII, y que sobrecoge en su ruina y desnudez. El piso bajo de proporción dupla tiene arcos de medio puntos recuadrados por pilastras planas toscanas con capiteles apenas esbozados y por un entablamento con sencillísimos triglifos y saliente cornisa. Planas enjutas rematan los esbeltos arcos, pretiles de una pieza con grandes placas cuadradas cierran los vanos (salvo los centrales que dejan salir al campo del claustro) y unas sencillas pilastras monolíticas estructuran los huecos. El cuerpo superior es más bajo y adintelado, prolonga las pilastras, cierra los tramos con muros ciegos en los que se abren grandes huecos rectangulares (al modo del tambor del Ochavo toledano), y remata con cornisa con mútulos que recuerdan los triglifos (salvo en la crujía de la portería).

La desamortización inició la ruina de un edificio que se vende en subasta en 1844. El anuncio del Boletín de Ventas de Bienes Nacionales es seco ejemplo de la literatura administrativa: el edificio que fue convento de agustinos de la villa de Madrigal, situado en los extramuros de la misma, de construcción de ladrillo y cal, que se compone de capilla, dos sacristías, iglesia sin madera, ni techo, patio, refectorio, escalera principal, celdas, cocinas, despensa, enfermería, puertas carreteras, corral y atrio. Tasado en 97743 Rls, por lo que sale a subasta.

Creyeron los agustinos que pasaba a manos amigas, pero el “comprador”, que apenas pago 10900 reales que no eran suyos por todo, se llamo andana sobre las promesas hechas. Las estancias conventuales fueron granero (aún la iglesia es silo), establo, palomar y talleres, sus muros fueron material de derribo del que se arrancaban piedras y losas y carpinterías provocando la ruina. Retablos, cuadros e imágenes iniciaron una vertiginosa vorágine: 23 cuadros pasan al Museo de la Trinidad y de allí al Prado, otras obras pasan a las agustinas de Madrigal y a los agustinos de Salamanca, otras a las parroquias de Madrigal y de poblaciones cercanas, el retablo acaba en la salmantina iglesia de San Juan de Sahagún.., las más se pierden. Unos propietarios malvenden el edificio a trozos, otros se olvidan de él, los últimos ya no pueden atajar tanta ruina... Pero nada se hace por nadie.

150 largos años casi han acabado con tanta historia, con tanto arte. Sólo quedan la iglesia, parcialmente, parte de la fachada principal y la gran portada desmochada, las cuatro paredes interiores del claustro ya descritas y parcialmente los muros interiores de sus pandas (se han perdidos los forjados y cubiertas), y los restos de una gran torre angular... El resto son trozos de muro, estucos, machones derrumbados, informes montones de tierra.... La planta aún puede, con esfuerzo, rastrearse. Este verano aún era posible recorrer el convento y atreverse a entrar en su hermoso claustro que habla ese precioso lenguaje de la arquitectura clasicista de nuestro barroco. Hasta el más lerdo siente, ve, que todo se tambalea, está inestable, da miedo en todos los sentidos. Todo está de un mírame y no me toques que preludia una ruina inminente (me acompañaban técnicos que aún son más pesimistas) si es que no se pone pronto remedio. Es una vez más la triste historia de lo que fuimos y no somos. La triste historia de una Castilla que –una vez más- ignora su ayer y teme su mañana.

El sábado, a las 16 horas y en Madrigal, un grupo de ciudadanos que no conozco han convocado una concentración para pedir la Declaración de Bien de Interés Cultural, como primer paso para la imprescindible y urgentísima restauración. La petición es razonable, les honra y merece el máximo apoyo de todos los que pensamos que el patrimonio es un legado recibido, una herencia que salvaguardar (defender, amparar, proteger) y trasmitir al mañana. Sería de desear que todos los ciudadanos se sumasen y nadie levantase banderas partidistas, interesadas y oportunistas, ya que en esta lamentable historia de abandono monumental todos tenemos alguna responsabilidad. Hay que evitar que cuando llegue esa Declaración iniciada por el Procurador del Común de Castilla y León hace ya dos años, todo esté en el suelo. Seguro que en tal tesitura, todos los bríos que no se han puesto en remediar la ruina se pondrían en echar balones fuera.

José Luis Gutiérrez Robledo
Universidad Complutense

 

Navidades en Graz

10/12/2005, Turismo de Austria propone para estas navidades, como destino turístico, la ciudad de Graz, una de las mayores poblaciones de este pequeño estado, al sur de los Alpes, en un bello entorno

Turismo de Austria propone para estas navidades, como destino turístico, la ciudad de Graz, una de las mayores poblaciones de este pequeño estado, al sur de los Alpes, en un bello entorno.

Entre los atractivos navideños está la notable iluminación artística. Técnicas modernas, motivos dinámicos y juegos artísticos con rayos de luz sumergen al centro de Graz en luces mágicas de Adviento. Estrellas, manchas de luces y otros motivos navideños adornan las fachadas de la Herrengasse e iluminan casas y tejados.

Los mercadillos de Navidad de Graz y el Advent-Treff (centro de Adviento) se ubican en el pintoresco centro histórico de Graz; (Barrio de los Franciscanos, en la Plaza de los Tintoreros, en el Lendplatz y en la Plaza Mayor)

Del 19 de Noviembre al 24 de Diciembre, Mercadillo del Niño Jesús delante del Ayuntamiento, en la Plaza Mayor delante de la sede municipal de Graz. Durante todos los días se venden objetos de artesanía navideña, adornos de Navidad, pequeños regalos, etc.

Del 18 de Noviembre al 24 de Diciembre 2004, Mercadillo del Niño Jesús en el Barrio de los Franciscanos, orientado siempre más hacia las antiguas costumbres y tradiciones, al estilo estiriano. Un Belén vivo con programa infantil invita a conocer aún más el ambiente prenavideño de este barrio tan hermoso de Graz. Otro mercadillo de Navidad está en la Plaza de Maria Auxiliadora. Del 26 de Noviembre al 24 de Diciembre.

El mercado de artesanía de la Plaza de los Tintoreros, Färberplatz, se recomienda a los amantes de artesanía popular. Artesanos de toda Estiria exponen sus obras y ofrecen productos de su propia elaboración. Viernes y sábados

Advent-Treff (Centro de Adviento) en el am Eisernen Tor (Puerta de hierro) se ha convertido en el punto de encuentro social de Adviento. Aquí se reúnen los ciudadanos de Graz al igual como los visitantes y toman un ponche caliente antes y después de las compras. El consumo de las bebidas Navideñas tiene un fin benéfico; se dedica exclusivamente a necesidados y gente pobre. Del 19 de Noviembre al 24 de Diciembre

El Belén de hielo está en el patio del Landhaus, el patio más hermoso de Graz. La obra monumental de hielo se ha convertido en los últimos años en un verdadero imán de admiradores.

Durante la Navidad 2004 volverá a crear el conocido artista de hielo, Gert J. Hödl y su equipo internacional formado por 6 personas un precioso Belén de hielo. La obra se inicia el 3 de Diciembre.

El Belén de hielo tiene 50 toneladas de puro hielo y promete sorprender de nuevo a sus admiradores, aunque éstos lamentarán su corta vida.

Ópera y coros

Las funciones musicales de Adviento en la Ópera de Graz forman parte de una importante tradición prenavideña. La agenda de este año incluye como siempre cantos navideños de grupos populares estirianos, obras literarias presentadas por Christine Brunnsteiner y Peter Uray.

El belén de hielo sirve como escenario para las funciones musicales prenavideñas. El Belén de hielo esta iluminado y acompañado por suaves melodías de Navidad interpretadas por coros y equipos de música de viento. Allí, los visitantes tienen la oportunidad de descansar un poco de la frenética actividad diaria.

Paseos guiados:

Graz Tourismus www.graztourismus.at, info@graztourismus.at

Graz-guides graz-guides@utanet.at

 

Mercadillos navideños en la República Checa

10/12/2005, Desde finales de noviembre se respira un ambiente bohemio y navideño en las plazas y calles de la República Checa. Los mercadillos checos, que, junto con los belenes vivientes, anticipan las fiestas en todo el país.

Desde finales de noviembre se respira un ambiente bohemio y navideño en las plazas y calles de la República Checa. Los mercadillos checos, que, junto con los belenes vivientes, anticipan las fiestas en todo el país.

Las luces decoran las ciudades, las tiendas exhiben mil regalos como marionetas, juguetes de madera y esculturas elaboradas con el preciado cristal de bohemia; dulces tradicionales llenan de olor el ambiente y se bebe vino caliente en luminosos puestos que rodean espectaculares árboles de navidad.

La capital checa pone en marcha desde el 26 de noviembre hasta el 1 de enero 2006 dos célebres mercadillos, el de Plaza de la Ciudad Vieja y el de la Plaza de Wenceslao. En ellos se encuentran todo tipo de objetos de artesanía checa, especialmente marionetas y juguetes de madera, joyas de granates, adornos elaborados con cuerda, madera, y cristal, y objetos de cerámica y cristal de bohemia.

Para hacer un alto muchos puestos ofrecen dulces típicos checos como pasteles de navidad o “Vanocka”, rollos de vainilla, pan de jengibre decorado o pasteles de nueces, y bebidas tradicionales como vino caliente con canela y clavo, llamado “svarák”, o “grog”, una bebida típica navideña hecha de té con ron, así como licor de aguamiel caliente y ponche.

En Praga la Plaza de la Ciudad Vieja es el corazón de las fiestas. En estas fechas permanece cerrada al tráfico, y se llena de músicos ambulantes y vendedores callejeros. Bajo el espectacular árbol de 30 metros de altura se instala un belén viviente cada año que es otro de sus atractivos, y el 25 de diciembre los paseantes pueden degustar el plato tradicional checo por excelencia en estas fiestas, la carpa, que se reparte durante toda la mañana

Sin olvidar la fiesta de Fin de Año en la Plaza de la Ciudad Vieja, que acoge el año nuevo con las campanadas del espectacular Reloj Astronómico y sus figuritas animadas, y conciertos al aire libre que atraen a una gran cantidad de jóvenes de toda Europa.

Por su parte la ciudad, patrimonio de la UNESCO, de Cesky Krumlov, en Bohemia del Sur organiza un mercadillo artesanal en la Plaza Mayor, donde el 23 de diciembre se instala un belén viviente.

El día 26 las tabernas de la ciudad celebran las fiestas de San Estaban con muestras de gastronomía tradicional, y las galerías y salas de arte de la ciudad invitan al viajero a elaborar galletas artesanales y figuritas decorativas, todo ello al ritmo de la música característica de la ciudad, el jazz, que entona sus particulares villancicos en cafés, tabernas y bares.

Otras sugerencias navideñas son Brno, la segunda ciudad más poblada de República Checa, que organiza un célebre mercadillo, y la pequeña Karlstejn, cerca de Praga, que exhibe el mayor belén de marionetas del país, así como una peculiar natividad hecho de pan de jengibre.

Collage: de Picasso a Rauschenberg

01/12/2005, La Fundació Joan Miró presenta del 25 de noviembre al 26 de febrero de 2006 la exposición Maestros del collage. De Picasso a Rauschenberg, con 140 obras del siglo XX.

La Fundació Joan Miró presenta del 25 de noviembre al 26 de febrero de 2006 “Maestros del collage. De Picasso a Rauschenberg”, una exposición que reúne 140 piezas de un periodo comprendido entre 1912 y los años ochenta.

La muestra recoge obras de 42 artistas, europeos y americanos, fundamentales para entender el arte del siglo XX.

La fragilidad de las obras, realizadas con la técnica del collage, hace muy complicado que éstas viajen y más aún poder reunir tantas de artistas de semejante nivel. Se trata, pues, de una oportunidad única y de la primera gran exposición en España sobre el tema.

La encargada de la selección ha sido Diane Waldman, comisaria de la muestra, crítica e historiadora del arte especialista en el tema, que había ocupado los cargos de subdirectora y conservadora en jefe del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

La sociedad actual, fragmentada y plural, convive con el collage de una forma natural. Los avances técnicos han permitido la evolución de un lenguaje plástico que en sus inicios no precisaba más que de tijeras, cola y papeles reciclados, y hoy el collage está presente, no ya en las bellas artes, sino también en el cine, en los medios de comunicación y en la publicidad. De otro modo, la superposición de arquitectura nueva en la vieja ciudad podría ser leída como una versión ampliada del concepto de collage.

Esta presencia, no obstante, no es nueva. Si hubiera que definir el arte del siglo XX, en especial el de las vanguardias, con una sola técnica, la más representativa sería, sin duda, el collage.

Desde esta perspectiva, la comisaria plantea un recorrido por la historia del arte del siglo XX, en concreto de la época de las vanguardias, a través del collage, cuya variedad formal (papier collé, fotomontaje, assemblage...), se extiende desde el cubismo (Picasso, Braque, Gris), hace casi cien años, pasando por el futurismo (Balla, Carrà), el dadaísmo (Arp, Man Ray, Schwitters), la vanguardia rusa (El Lissitzky, Rodchenko), el surrealismo (Ernst, Magritte, Breton); los artistas de la posguerra en Europa (Dubuffet, Chillida, Tàpies, Beuys) y en Estados Unidos (Kline, Pollock), hasta Johns y Rauschenberg, los cuales tienden un puente entre el expresionismo abstracto y el pop art. La comisaria ha querido destacar asimismo el personal uso que Joan Miró hizo del collage, tanto en pintura como en escultura.

Este recorrido por la historia del collage se concreta en el catálogo de la exposición, de hecho el primer estudio en profundidad sobre esta técnica en castellano y en catalán, que incluye una completa cronología y estudios teóricos de Donald B. Kuspit, Carter Ratcliff y Diane Waldman.

Por otra parte, en torno a los temas planteados por la exposición se ha organizado el seminario “Maestros del collage”, del 1 de febrero al 6 de marzo de 2006, en colaboración con la Universidad de Barcelona y la Universidad Autónoma de Barcelona, que cuenta con la participación de reputados especialistas, como Dawn Ades, Dominique Dupuis-Labbé, Anne Umland, Isabelle Monod-Fontaine, Carolyn Lanchner, Lourdes Cirlot, Alícia Suárez, Matthew Gale, Fèlix Fanés y la propia Diane Waldman.

 

El Algarrobico

30/11/2005, La construcción de un inmenso hotel, en la plata del Algarrobico, ocupando terrenos del Parque Natural del Cabo de Gata, pone sobre la mesa el problema del deterioro especulativo de la costa española.

Por Artemio Artigas

La construcción de un inmenso hotel, en la plata del Algarrobico, ocupando terrenos del parque Natural del Cabo de Gata, ha desatado las iras de los conservacionistas, que durante varios días han ocupado las instalaciones, hasta que el ministerio español de Medio Ambiente ha tomado cartas en el asunto.

La intervención ministerial, en cambio, ha causado disgusto en medios locales, porque esta construcción formaba parte de un macroproyecto para promocionar turísticamente el territorio. Es el continuo enfrentamiento entre los intereses particulares e inmediatos y la salvación de la naturaleza, en un país, España, que ha estado castigado por una enorme especulación urbanística, cuyos resultados negativos, en lo ecológico y en lo económico, se pagan ya.

Un problema general

En España existen unas 500 poblaciones a la orilla del mar donde habitan más de 20 millones de habitantes. 2.000 kilómetros de playas, en un litoral español de 7.780 kilómetros, generan una urbanización masiva, que causa problemas medioambientales y desequilibrios en el ecosistema: contaminación, exigencia de los caudales hídricos que tradicionalmente sostenían otros espacios, etc. Las playas están en regresión, no sólo por la extracción de arena y la ocupación de espacios playeros, sino por la merma de aportes sólidos por la desecación de los caudales.

Con un 50 por ciento de las costas urbanizadas, las obras de infraestructura, las instalaciones portuarias, etc. avanzan en ese camino de deterioro, que ya empieza a retraer multitudes de turistas que emigran hacia lugares menos afectados por la especulación.

Un reciente llamamiento de greenpeace decía que el mal uso realizado por el hombre, ha puesto a las costas en una situación de amenaza y destrucción, y criticaba la especulación urbanística y la proliferación de instalaciones portuarias que han sembrado este espacio de espigones, muelles y diques de abrigo, desdibujando el perfil de la costa y alterando irreversiblemente la dinámica litoral.

“Una de las consecuencias más directas de esta alteración es la erosión costera, que afecta gravemente al litoral sedimentario español y cuya expresión más visible es la alarmante desaparición de las playas. Se calcula que el 90 por ciento de nuestro litoral sufre problemas de regresión. A esta erosión hay que sumar los graves impactos sobre los hábitats costeros y sobre los sistemas ecológicos relacionados.

Los temporales que azotan cada otoño el litoral mediterráneo evidencian la fragilidad de nuestras playas. La solución propuesta desde el Ministerio de Medio Ambiente, la regeneración por aporte artificial de áridos, no es más que un parche caro e insostenible, tanto desde el punto de vista económico, como desde el ambiental que, además, no ataja el origen real del problema.

La contaminación es otra amenaza a la que se enfrentan las costas españolas. A la originada por el Prestige hay que añadir los vertidos de aguas residuales urbanas e industriales sin depurar que siguen produciéndose.

“Las actitudes y políticas observadas tanto por la Dirección General de Costas y algunas Comunidades Autónomas –dice greenpeace- ensombrecen el paisaje litoral. Las actuaciones del Ministerio de Medio Ambiente no presagian un futuro muy halagüeño para nuestras costas, sirva como ejemplo la modificación de la Ley de Costas, que se realizó el año pasado, encubierta dentro de la Ley de acompañamiento de los presupuestos generales del Estado, y que fue aprobada gracias a la mayoría del Partido Popular. La modificación aprobada, diseñada al servicio de las empresas constructoras, echa más leña a la hoguera de la especulación urbanística, olvidándose completamente de la protección y conservación de nuestras dañadas y frágiles costas”.

Prestige y Algarrobico

En este contexto, y en los días en los que estaba en la memoria de todos el tercer aniversario del desastre del Prestige, salió a la luz pública el problema del Algarrobico. Una treintena de activistas de Greenpeace ocuparon el 16 de noviembre el hotel que se construye en la playa del Algarrobico, en Carboneras, Almería, con el objeto de pedir a la Junta de Andalucía que inicie trámites de demolición de un edificio que consideran "ilegal".

Los ecologistas colocaron en el edificio sendas pancartas gigantescas con las leyendas "demolición" y "hotel ilegal" como protesta por la construcción de un complejo que, según ellos, dispondrá de ocho hoteles, 1.500 apartamentos y un campo de golf. Entre tanto, otros grupos ecologistas, en sendas embarcaciones, se ubicaban ante la playa con banderas que llevaban un lema "Hotel Ilegal Demolición".

Greenpeace denunció que el hotel, que construye Azata, es un escándalo en el que están implicadas todas las administraciones, añade que la obre es ilegal y que en ella ni siquiera "se respetan los 100 metros de distancia de la playa”.

Ante el escándalo, y después de diversas acciones de los ecologistas, el ministerio de Medio Ambiente anunció el 21 de noviembre el inicio inmediato de un expediente de expropiación de los terrenos ocupados por una parte del hotel en construcción dentro del Parque Natural.

Según el ministerio, el expediente de expropiación se apoya en que se trata de terrenos dentro de la zona de servidumbre del dominio público marítimo-terrestre, de acuerdo con el deslinde recientemente aprobado. En este sentido, se recordó que el deslinde se inició en 1995 y no pudo culminarse antes de la construcción del hotel, por falta de interés del gobierno de Aznar.

El ayuntamiento de Carboneras ha criticado la actuación del ministerio, en una actitud entendible, que coincide con la de numerosos habitantes de Carboneras, que desean un gran desarrollo turístico de la zona. Lo de siempre, lo que beneficia a unos pocos es un daño para el patrimonio de todos. La masiva imagen del hotel en medio de la soledad, ilustra un problema que no es de Carboneras, sino de la generalidad de las costas de España.

 

Mercados navideños, a la sombra del gótico

21/11/2005, En los viejos cascos históricos de Estrasburgo y Friburgo, a la sombra de dos de las torres góticas más bellas del mundo, en torno a edificios cargados de historia los mercados navideños tienen un aire especial


Por Tomás Alvarez

En los viejos cascos históricos de Estrasburgo y Friburgo, a la sombra de dos de las torres góticas más bellas del mundo, en torno a edificios cargados de historia, los mercados navideños tienen un aire especial. Los artesanos del valle del Rin son hábiles en el trabajo de la madera y en la cerámica; las tradiciones culinarias son ricas en la elaboración de postres y panes especiales, y los campesinos siempre supieron elaborar magníficos licores, propicios para calentar el ánimo en las largas veladas de la Navidad. En los mercados confluyen los productos de forma atractiva, colorista y cálida.

Estrasburgo

El lugar del mercado de Navidad en Estrasburgo es especialmente bello. Está dominado por la ingente portada catedralicia. La gran iglesia se inició en el final del siglo XII. La fachada es magnífica, de gótico radiante, obra maestra de Erwin Steinbach. Asombra su vigor vertical, sus airosas lancetas y su estatuaria. Con magníficas escenas bíblicas. En la portada derecha está la famosa escena del seductor de vírgenes necias.

La torre es altísima. Se trata de la torre catedralicia más alta del mundo, hasta que en el final del XIX le arrebató el título la catedral de Colonia. Alcanza los 142 metros de altura. Básicamente es obra del siglo XV.

En torno al monumento y en medio de otros destacados edificios históricos, como la vieja y oscura casa de madera de la Maison Kammerzell, del siglo XVI, se esparcen los puestos de venta, en una animada teoría de productos y colores, atrayendo a las gentes de la localidad y de otros puntos de Alsacia y de Alemania.

Friburgo

El centro histórico de Friburgo ofrece también uno de los más bellos mercados de Navidad de Alemania, país donde existe una magnífica tradición de este tipo de eventos, en la que destaca el de Nuremberg, famoso en todo el mundo.

La plaza de mercado de Friburgo es por esencia la de la catedral. Ésta se inició en estilo románico hacia el 1200, pero pronto se trocó en gótica. Ello explica la relativa estrechez de las naves. Resalta la belleza del gótico de forma especial en la torre, una de las más interesantes del medievo alemán, que se va haciendo más afiligranada a medida que asciende en altura. En Friburgo se afirma que ésta es la torre más bella de la cristiandad, y que su catedral es la única de Alemania construida íntegramente en el medievo.

Del 25 de noviembre al 23 de diciembre el artesanado de la Selva Negra aporta al mercado de Friburgo magníficos trabajos de leña, vidrio, velas, cerámica…y no falta allí el olor de los pasteles, del vino hervido e incluso de las salchichas.

En el valle del Rin, especialmente en los territorios de Alemania y Francia, se conservan unas ciudades y pueblos de notable historia, con un apego entrañable a las tradiciones. Ello hace que este tipo de fechas sea conmemorado de forma especial.

Y no sólo hay maravillosos lugares como Estrasburgo o Friburgo que celebran en Navidad mercados especiales. Pequeñas ciudades o pueblos sencillos como Kayserberg, Turckheim, Eguisheim, Ribeauvillé y Riquewhir lo hacen también.

Los puestecillos de artesanía van a los centros urbanos cargados de arte y belleza; los escaparates se tornan coloristas, y hasta el pastelero más humilde se esfuerza por poner ante los ojos del paseante luces navideñas que realzan el color de las tartas y dulces especiales, elaboraciones que siguen las tradiciones culinarias transmitidas de padres a hijos.

En realidad, la tradición de los Mercados de Navidad está unida a los viejos centros históricos de Europa, con numerosas manifestaciones de gran vigor, como el citado de Nuremberg, el de la histórica ciudad de Augsburgo o el de Colonia, también a la vera del "Dom", la gran catedral que en 1998 cumplió su 750 aniversario; uno de los grandes centros de la cristiandad, donde se encuentran las reliquias de los reyes magos.

Un paseo por el mercado navideño

El mercado de Noël de Estrasburgo lleva ya medio siglo de celebración ininterrumpida. Surgió hace tiempo a imitación del de Nuremberg, pero ha adquirido en la actualidad una relevancia especial. Ahora se extiende por el entorno de la catedral y hasta la place de Bröglie. Incluso hay mercadillos en plazuelas y barrios, como el de Krutenau y zonas de ventas de abetos en Place Kléber.

Por Navidad, el centro de Estrasburgo huele a pasteles, crepes y vino caliente, y los ojos de los niños se abren de forma especial para contemplar los coloridos establecimientos.

La artesanía de madera abunda. Los alsacianos siempre fueron hábiles en su trabajo y en la factura de artilugios de diverso tipo. También hay cerámica diversa. Son famosos los alfareros de pueblos como Bestschdorf y Soufflenheim, que elaboran desde las figuras de belén a los moldes para los dulces. Pero ahora aparece mucha otra cerámica navideña del exterior, peruana por ejemplo.

También aparecen, cada vez más, otros tipos de productos realizados en otros países. Es la consecuencia de la globalización, que hace ganar terreno a lo foráneo respecto a lo local.

La comida es también especial. Abunda el pan de especies y el bretzel, de forma acorazonada. En el mercado se venden las “baguette flambèe” y se toma “vin chaud”, vino hervido con especias y limón, que anima al paseante a soportar el frío.

No faltan los puestos de regalos o flores secas… y también es usual que en alguno de los días de este mes de diciembre llegue otra visita navideña: la nieve.

Entonces, cuando los copos han cubierto la ciudad, transformándola en un juego de superficies blancas, sobre las que emerge la torre de la catedral, la Flecha de Alsacia, el mercado adquiere un sello inconfundible, íntimo, y se asemeja a una postal navideña, esa postal nevada que todos hemos recibido alguna vez, esa postal con la que muchos seguimos soñando la Navidad.

En torno al megalitismo

21/11/2005, Miguel Moreno Gallo, colaborador de guiarte.com y profundo amante de los temas históricos, ha publicado un "Megalitismo y Geografía", donde se abordan las características del fenómeno megalítico, especialmente en el corazón de Castilla

Miguel Moreno Gallo, colaborador de guiarte.com y profundo amante de los temas históricos, ha publicado un "Megalitismo y Geografía", un resumen de su tesis doctoral, donde se abordan las características del fenómeno megalítico, especialmente en el corazón de Castilla.

¿Cuáles son los factores de localización espacial de los dólmenes y enterramientos tumulares entre el Neolítico y el Calcolítico? ¿Por qué se produce una gran acumulación en determinadas comarcas, y sin embargo desaparecen en otros lugares? A estas preguntas se acerca el libro “Megalitismo y Geografía”, editado por la Universidad de Valladolid y por la Diputación Provincial de Burgos, que intenta encontrar las respuestas mediante el uso de informática, de estadística, cartografía digital y sistemas de información geográfica (SIG) aplicados a un territorio de la Península Ibérica, la provincia de Burgos, lugar de confluencia de climas, cuencas hidrográficas, sustratos geológicos y tectónicos.

El cruce de una amplia base de datos arqueológica con centenares de mapas temáticos permite encontrar las características geográficas de la distribución espacial de los monumentos funerarios megalíticos. El resultado es un estudio estadístico en el que se combinan más de seiscientos millones de datos geológicos, climáticos, geomorfológicos, edafológicos, hidrológicos, de vegetación, fauna, paisajes y presencia humana.

Miguel Ángel Moreno Gallo es licenciado en Geografía e Historia y en Ciencias de la Información, y doctor por la Universidad de Burgos, de la que es profesor. Para la tesis doctoral que dio origen a este libro, dirigida por Germán Delibes de Castro, catedrático de la Universidad de Valladolid, se acumularon centenares de fichas de dólmenes, menhires y necrópolis tumulares, y se elaboró cartografía específica de la provincia de Burgos. En las páginas de “Megalitismo y Geografía”, se hace un recorrido arqueológico y espacial, analizando el territorio y observando qué características tienen las comarcas en las que se asientan los enterramientos dolménicos y en qué se diferencian de aquellos lugares en los que se produce un vacío de manifestaciones megalíticas. El texto del libro va acompañado de abundantes fotografías, tablas, gráficos y mapas.

QUÉ ES EL MEGALITISMO?

Desde el Neolítico hasta un momento indeterminado de la Edad del Bronce floreció en diversas partes del mundo, y en particular en la fachada atlántica europea, un modo de enterramiento monumental y colectivo. Los dólmenes, auténticos panteones funerarios, acogían durante cientos de años a determinados individuos (¿dirigentes tribales, familiares, religiosos...?), llegando a registrar osarios de gran importancia. Los ajuares funerarios son también variados, aunque casi siempre contienen herramientas de sílex, hachas pulimentadas, cuentas de collar y otros adornos, así como herramientas de hueso. La palabra megalito nos habla de grandes piedras, de las lajas que conforman el interior de los dólmenes.

Normalmente hay una o varias cámaras (redondas, cuadradas, poligonales) comunicadas con el exterior mediante un corredor, que puede estar también adintelado. El conjunto se protegía con un túmulo de tierra, a veces con corazas de piedras, que daba solidez a la construcción. Como el dolmen tenía vocación de continuidad, el acceso se realizaba por el corredor (aunque a veces era por la misma cámara), que quedaba sellado tras cada enterramiento.

Pero el megalitismo no se agota en los dólmenes de gran tamaño y carácter colectivo. A la vez aparecen otras manifestaciones funerarias y conmemorativas que están relacionadas entre sí. Hay enterramientos individuales, algunos de pequeño porte junto a los grandes dólmenes. También se encuentran cistas (cajas formadas por varias piedras) y túmulos que no tienen estructura lítica.

Los menhires, que son arqueológicamente "mudos", porque no transmiten información, también deben relacionarse con el megalitismo, aunque con gran precaución.

Es fácil entender el vínculo entre dólmenes y menhires en lugares como Carnac (Bretaña francesa) o en lugares de gran acumulación megalítica. Pero a veces pueden ser confundidos con mojones históricos.

Lo que sí parece claro es que los dólmenes son marcas territoriales monumentales. Se trata de un enterramiento en positivo, todo lo contrario de la ocultación del cadáver, que pretende mostrar con orgullo el lugar de reposo de los antepasados.

Aun a riesgo de caer en la especulación, cabe hablar de hitos geográficos, tal vez vinculados con recursos naturales o simbólicos (lagunas, pastos, tierras de cultivo...). Aunque tradicionalmente se ha hablado de que los megalitos están en lugares dominantes del paisaje, la realidad es mucho más compleja, y en muchos casos se mimetizan con el entorno. Sin embargo, casi todos tienen en común su buen dominio territorial (lugares para ver, más que para ser vistos).

Página de Miguel Moreno sobre el fenómeno megalítico:

http://www.arrakis.es/~morenobl/burgos.htm

 

Area natural Paraíso Checo

20/11/2005, El “geoparque UNESCO” de la República de Chequia está situado en la región de Bohemia, y comprende el área Paraíso Checo en toda su extensión, incluyendo las cuevas de Boskovské, el distrito Jicín y la reserva natural Paraíso Checo

El “geoparque UNESCO” de la República de Chequia está situado en la región de Bohemia, y comprende el área Paraíso Checo en toda su extensión, incluyendo las cuevas de Boskovské, el distrito Jicín y la reserva natural Paraíso Checo, la más antigua del país.

El Paraíso Checo comprende un área de 700 Km2 en total, y su importancia geológica estriba en sus formaciones rocosas como Prachovské Klokocské y Suché skály, y auténticas “ciudades de rocas” como Príhrazké, Hruboskalské y Betlémské.

Además de estas formaciones de roca únicas, el Paraíso Checo cuenta con otras riquezas naturales como bosques, túneles, grutas y desfiladeros, además de numerosos lugares de interés histórico y arquitectónico como sus museos de arquitectura rural o castillos y palacios como las ruinas del Castillo Trosky y el Palacio renacentista de Hrubá Skála, entre otros.

Cesky Raj dispone de rutas ciclistas y rutas para la práctica del senderismo, así como vías de escalada, siendo un importante destino de turismo activo en la República Checa, y un auténtico lugar de peregrinaje para los escaladores del país.

Más información: www.cesky-raj.info; www.bohemian-paradise.info

Para el viajero que gusta de ver los lugares con la garantia del Patrimonio de la UNESCO, la República Checa presenta además(las fechas corresponden al año de declaración como Patrimonio Mundial):

1992 Centro histórico de Cesky Krumlov

1992 Centro histórico de Telc

1992 Centro histórico de Praga

1994 Iglesia de San Juan de Nepomuceno, lugar de peregrinación en Zelena Hora

1995 Kutna Hora : Centro histórico con la iglesia de Santa Bárbara y la Catedral de Nuestra Señora de Sedlec

1996 Paisaje cultural de Lednice-Valnice

1998 Jardines y castillo de Kromeríz

1998 Reserva del pueblo histórico de Holašovice

1999 Castillo de Litomyšl

2000 Columna de la Santísima Trinidad en Olomuc

2001 Casa Tugendhat en Brno

2003 Barrio Judío y la Basílica de San Procopio de Trebic

Junto a la lista tradicional de Patrimonios de la Humanidad, de carácter histórico y artístico, la UNESCO tambien selecciona lugares privilegiados por su patrimonio natural.

Los nuevos siete sitios naturales declarados Patrimonio Natural de la Humanidad este año por la UNESCO fueron Las 244 islas, islotes y zonas costeras situadas en el Golfo de California en el noreste de México; el Parque Nacional Coiba (PNC), en el Pacífico panameño; el parque japonés de Shiretoko, en la isla norteña de Hokkaido; los fiordos Geirangerfjord y Naeroyfjord, en el suroeste del Noruega; la bóveda de Vredefort, a unos 120 kilómetros de Johannesburgo; Wadi Al-Hitan, el Valle de las ballenas, en el desierto occidental de Egipto; y el complejo forestal de Dong Phayayen, en Tailandia.

La lista del Patrimonio Natural de la Humanidad se eleva a 160 sitios naturales y 24 mixtos, es decir, naturales y culturales de un valor excepcional.

 

Revitalizan via romana hispanoportuguesa

14/11/2005, Se ha inaugurado en Bragança, Portugal, un nuevo tramo del itinerario turístico cultural Vías Augustas, que sigue el recorrido de la Vía Romana que unía Bracara Augusta (Braga) con Asturica Augusta (Astorga).

Se ha inaugurado el 13 de noviembre, en Bragança, Portugal, un nuevo tramo del Itinerario turístico cultural Vías Augustas, que sigue el recorrido de la Vía Romana que unía Bracara Augusta (Braga) con Asturica Augusta (Astorga).

El Proyecto Vías Augustas ha aunado las voluntades de administraciones de ambos lados de la frontera para la creación de un nuevo Itinerario Turístico Cultural basado en la antigua Vía Romana XVII, en el que participan como socios los Ayuntamientos españoles, de Astorga, Cacabelos y O Barco de Valdeorras y la Diputación Provincial de Zamora, por parte portuguesa las Camaras Municipales de Braga, Povoa de Lanhoso, Vieira do Minho, Montalegre, Boticas, Chaves, Valpaços, Vinhais, y Bragança, con el apoyo científico de las Universidades de Santiago de Compostela y Católica Portuguesa del Polo de Viseu, y el Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Desde e 13 de octubre se abre a los senderistas un recorrido de 59 km., después de los 53 inaugurados en junio en Montalegre, los 15 de Povoa de Lanhoso y los 20 de Valpaços inaugurados antes de verano. El recorrido ha sido desbrozado y señalizado como actuación del Municipio de Bragança que ha contado con 51.750 euros de cofinanciación FEDER.

La jornada se inició a las 8.30 con una recepción en la Cámara Municipal, para posteriormente realizar una caminata por el tramo que se abre al público, desde Alimonde hasta Carrazedo, donde se realizó la presentación del Proyecto Vías Augustas y del trazado de la vía XVII a su paso por Bragança.

A esta inauguración seguirán las restantes administraciones españolas y portuguesas socias del Proyecto hasta completar un recorrido de unos 400 kilómetros, que permite pasear por un legado cultural de dos mil años de antigüedad

El proyecto Vía Augustas es un importante empeño por revitalizar el patrimonio histórico del noroeste español, y tiene importantes repercusiones futuras, porque sin duda contribuirá a mejorar la promoción y los atractivos turísticos de unas zona cargadas de belleza.

 

Austria protagonizará ARCO-06

12/11/2005, Arco, la feria internacional de arte contemporáneo de Madrid celebra su 25 aniversario, con nuevos proyectos artísticos y un amplio programa social y cultural. Austria será el país invitado

Arco, la feria internacional de arte contemporáneo de Madrid celebra su 25 aniversario, con nuevos proyectos artísticos y un amplio programa social y cultural. Austria será el país invitado.

Según fuentes de la organización, serán 269 galerías -81 españolas y 188 extranjeras- procedentes de 32 países, las que participarán en la XXV Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, que se celebrará en Madrid, del 9 al 13 de febrero.

El Comité Organizador ha sido el encargado de seleccionar los 197 establecimientos que participarán en el Programa General, mientras que un equipo de 28 comisarios internacionales han sido los responsables de la elección de las propuestas que se presentarán en los distintos Programas Comisariados.

La repercusión de la convocatoria de ARCO-06 la confirman las más de 700 solicitudes de participación recibidas en esta ocasión, casi un centenar más que la edición anterior, así como el éxito creciente de los programas comisariados a los que se han presentado más de 300 candidaturas llegadas de todo el mundo.

La celebración del 25 Aniversario de la Feria marcará el evento de este año, con nuevas propuestas artísticas y un programa social repleto de actos y citas de interés, además de su encuentro entre creadores, mediadores y agentes del ámbito artístico contemporáneo internacional. Será novedad en esta edición el programa 16 Proyectos de Arte Español, comisariado por María de Corral, que pretende ser un homenaje a los artistas españoles a través de los creadores contemporáneos.

Cabe destacar también la nueva orientación del programa de arte emergente NUEVOS TERRITORIOS, cuya redenominación, Cityscapes, hace alusión a su nuevo enfoque: la voluntad de evidenciar la influencia que el espacio urbano ejerce sobre las producciones de numerosos artistas, convirtiéndose a menudo estas obras en un poderoso reflejo del sentir de una ciudad y en síntesis de las diversas culturas que conviven en la urbe actual.

Este año el país invitado será Austria, con 22 de sus principales galerías. Paralelamente, ARCO organizará la cuarta edición del Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo, un evento excepcional para los profesionales del arte que se ha consolidado a nivel mundial como un gran encuentro teórico y que reunirá en Madrid a figuras determinantes en el panorama internacional.

También, de forma paralela, instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Cultural Conde Duque, La Casa Encendida y el Canal de Isabel II, entre otros centros de arte, acogerán un programa expositivo dedicado a Austria.

 

Henri Rousseau, en la Tate Modern

12/11/2005, “Henri Rousseau: Junglas en París”, es el título la muestra que presenta la Tate Modern, londinense, hasta el próximo 5 de febrero

“Henri Rousseau: Junglas en París”, es el título la muestra que presenta la Tate Modern, londinense, hasta el próximo 5 de febrero, en la que se pone de manifiesto ese mundo especial que pintó el viejo aduanero.

La exposición se integra por medio centenar de obras que permiten conocer a este pintor que refleja una realidad exótica, cargada de sencillez y también misterio; un pintor que sin dejar Francia parece entrar en paraísos salvajes propios de otros rincones del planeta.

Rousseau se dedicó en fecha tardía a la pintura, una tarea que siempre le gustó, pero que llegaría a ocuparle enteramente después de su jubilación de funcionario municipal.

Henri Rousseau aparece en esta muestra con toda esa pintura preciosista y su mirada cautivada por el trópico, un trópico que él imagina en su fantasía y en sus visitas al zoológico; un trópico y unas selvas que han sido admiradas por multitudes desde que él las pintara.

En su tiempo, se propagó la leyenda de que había sido soldado en México, pero no conoció América más que en los papeles, y su naturaleza no la vio sino en el zoo y el botánico. Ilustraciones, revistas, libros de aventuras y hasta álbumes de cromos sirvieron para crear un mundo de vegetales vigorosos y densos, en torno al que pululan leones, monos, cuervos, serpientes y gacelas.

La mirada especial de Henri Rousseau ya tuvo el reconocimiento de gentes como Pablo Picasso, René Magritte o Ernst, quienes admiraron en este pintor tardío, autodidacta y vocacional.

La mayoría de los cuadros de la muestra de la Tate Modern no se han presentado hasta ahora en el Reino Unido. Entre ellos abundan escenas de la selva, paisajes parisienses y retratos. Es una amplia visión de una época, porque junto a las selvas imaginadas de Rousseau, aparece un París en progreso, con sus dirigibles, o la ciudad festiva, Pero no falta tampoco la visión dramática con su alegoría de la guerra, todo con la fuerza que le da el color vivo y la mirada sencilla e ingenua.

Nacido en Laval, hijo de un pobre calderero, tiene una vida dura, en la que pesan sendas experiencias militares que el fabuló para convertirlas en heroicas. En 1871 fue funcionario de la Prefectura de París, y trabajó en fielatos para cobrar impuestos del consumo, oficio del que se deriva el apelativo de aduanero. Se sabe que en 1884, pidió permiso para hacer copias en los museos estatales. Un año después, presentó dos obras en el Salón de los Rechazados y, a partir de 1886, acudió al Salón de los Independientes, sin gran éxito de publico.

Apreciado por algunos pintores, en sus últimos años de vida vendió algunos cuadros y participó en la vida bohemia de Montmartre. Picasso le ofreció un festín en el Bateau Lavoir, en 1908, con asistencia de Braque y Delaunay murió casi en la más absoluta pobreza en 1910 y fue enterrado en una fosa común.

 

Miquel Navarro en la Colección del IVAM

10/11/2005, el IVAM organiza una exposición dedicada a Miquel Navarro, a partir de una gran selección de dibujos, pinturas, fotos y esculturas

El IVAM ha merecido recientemente una importante donación por parte del artista Miquel Navarro. Ahora el centro de arte valenciano organiza una exposición a partir de una gran selección de dibujos, pinturas, fotos y esculturas

Los vínculos y la estrecha relación de este artista con el museo han sido constantes y se remontan a los orígenes de esta institución.

El IVAM le dedicó al artista en 1990 una gran exposición en la que se presentaron sus ciudades, y exhibió en su explanada la instalación de su monumental Minerva Paranoica (1989), posteriormente adquirida por el museo. La incorporación reciente a los fondos del IVAM de la donación del artista de más de quinientas obras pertenecientes todos los periodos decisivos de su carrera convierten a al centro en lugar de indiscutible referencia para el estudio de su obra.

Con motivo de esta donación, el IVAM ha organizado una exposición a partir de una selección de más de trescientas obras de ese extraordinario fondo fechadas entre 1964 y 2004, y en la que se incluyen desde sus tempranos dibujos y pinturas, a sus fotografías y una amplia muestra de sus esculturas de pequeño y gran formato, y tres de sus instalaciones en las que el artista reinterpreta la ciudad. Del 8 de noviembre de 2005 al 26 de febrero de 2006

La muestra, que exhibe abundante material inédito, se estructura en aquellos ámbitos de investigación que mejor han definido el trabajo del artista durante cuarenta años: el cuerpo humano y su relación con la arquitectura, el deseo como motor de la creatividad, la fascinación por la luna, y la construcción de la ciudad. El IVAM ha organizado un taller didáctico en relación con la exposición, que centra su actividad en los procesos creativos de Miquel Navarro y en el tratamiento de elementos escultóricos.

La exposición comienza en exterior de la galería con la instalación de una ciudad de aluminio y zinc: Solar (1992-1996). El espectador al ascender a la segunda planta del museo por la escalera percibe la obra con un progresivo y sugestivo cambio de escala.

La primera sala alberga una amplia selección de obra inédita del periodo inicial del artista (1964-1967) en el que podemos detectar ya algunas de las líneas de reflexión de su característica obra posterior. Sus series de pinturas al esmalte Insectos y larvas (1968), una danza colorista de microorganismos de colores puros, nos remiten, por su carácter lúdico y por su lirismo, al universo pictórico de Joan Miró, a la vez que anticipan la utilización de Miquel Navarro de insectos en su estatuaria actual, como en su monumental Parotet instalado recientemente cerca de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, cuya maqueta presentamos en este espacio.

Es también significativo el conjunto de grandes pinturas al acrílico de intensa y contrastada coloración de este periodo. Sus volcanes en erupción, maremotos y terremotos, así como espirales, pliegues y primeras tipologías urbanas, nos muestran a un joven Miquel Navarro fascinado por la energía y el movimiento, por las leyes ocultas que rigen el fluir de la naturaleza y de nuestras ciudades.

La segunda sala analiza el proceso de transformación del cuerpo humano en arquitectura. El montaje de sus pequeñas figuras de bronce y terracota, de sus acuarelas, o de su estatuaria monumental, recrea una especie de anfiteatro donde se muestra el deseo del cuerpo y su progresiva transformación en elemento totémico, simbólico. Los edificios, como las ciudades, tienen similitudes orgánicas con el cuerpo humano. En este espacio asistimos a la fusión del cuerpo con la arquitectura. Los guerreros, falos y tótems de Miquel Navarro se transforman en puentes, fuentes y templos.

En la tercera sala se rastrean los ingredientes del vocabulario plástico creado por Miquel Navarro para construir su imaginario como escultor. Este espacio reflexiona, en definitiva, sobre las claves del lenguaje del artista. Sus formas elementales y modulares en metal o refractario utilizadas para realizar sus ciudades o proyectos monumentales, se analizan en concordancia con otro de los núcleos decisivos de su poética: la relevancia de las propiedades de la materia. Esculturas de refractario, terracota, zinc, aluminio o cobre de diferentes tamaños exhiben y contrastan los matices sutiles de sus accidentes de fabricación, sus pátinas y texturas.

La cuarta sala está dedicada a uno de los temas imprescindibles en el universo creativo de Miquel Navarro: la luna. Símbolo ancestral de fertilidad y feminidad en la mayoría de mitos y ritos agrarios, la luna, convertida en faro totémico, preside, protege, e ilumina con su luz blanquecina las ciudades y noches de Miquel Navarro. Su obra Sota la lluna, (1987) se desliza en su metálica horizontalidad por el centro de la sala sirviendo de pórtico a la instalación de la monumental Fluido en la urbe (2003), una vasta ciudad de hierro colado y oxidado que cierra esta exposición. En palabras del propio artista: “La conciencia y configuración de mi deseo, es prácticamente evidente con el tema de la ciudad como cuerpo humano, con todas las sumas de las partes, con su sentido vertical y totémico, y su sentido horizontal de discurso de penetración. Más que una ciudad ideal, en mi obra construyo una ciudad metafórica, llena de símbolos y significados, que sintetizan la ciudad real, pero que en definitiva no es real, aunque tampoco podemos decir que es una utopía.”

Vida y obra de Miquel Navarro

Miquel Navarro (Valencia, 1945) Formado académicamente en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, comenzó su actividad como artista en 1964. Sus primeras obras son retratos expresionistas y estudios de figuras realizados con tinta, así como pinturas de gran colorido. De 1968 son ya sus primeros relieves realizados con goma y plástico.

A partir de 1972 Miquel Navarro desarrolló su obra escultórica, a la vez que realizaba diseños de cerámica, una técnica que aprendió junto a Carmen Calvo en una fábrica local y que nunca abandonará a partir de ese momento. Este mismo año realizó su primera individual en la Galería Tassili (Oviedo). En las obras de este periodo el artista utiliza materiales refractarios y arena que modela en forma de chimeneas.

En 1974 realizó su primera Ciudad que expuso en el Colegio de Arquitectos de Valencia. Las ciudades de Miquel Navarro son instalaciones compuestas de elementos modulares, repetitivos y de formas geométricas que se agrupan en composiciones que simulan el entramado urbano. Algunos de los elementos que se integran en las ciudades se pueden considerar también como esculturas autónomas. Entre los temas más frecuentes de sus esculturas destacan los guerreros, tótems, lunas, edificios, sexos, canalizaciones, insectos y fuentes, concebidas éstas últimas por el artista para verter agua y asociadas frecuentemente a la idea de falo.

En 1980 el Museo Guggenheim de Nueva York dedicó una exposición a su obra y desde principios de esta década Miquel Navarro extendió su actividad al diseño de escenografías (Vente a Sinapia y Absalón) y desarrolló la vertiente monumental de su escultura con sus instalaciones en espacios públicos. La concesión en 1986 del Premio Nacional de Artes Plásticas vino a confirmar a Miquel Navarro como uno de los máximos exponentes del arte contemporáneo español internacional.

Desde entonces la obra de Miquel Navarro se ha incorporado a los fondos de los más importantes museos y colecciones públicas como Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Madrid. Museo Nacional Centro de Arte Georges Pompidou, París. Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Barcelona. Instituto Valencia de Arte Moderno (IVAM), Valencia. Fundación Lambert, Bruselas, Bélgica. Museo Wilheim Lehmbruck, Duisburg, Alemania. Museo Wurth, Künzelsau, Alemania. Mie Prefectural Art Museum, Mie, Japón. Museo Vasco de Arte Contemporáneo, (Artium), Vitoria. Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Valladolid.

En su vertiente monumental, sus esculturas se han instalado en espacios públicos de Valencia, Castellón, Bilbao, Vitoria, Madrid, Bruselas, entre otras ciudades.

 

Atasco

10/11/2005, Maider López, presenta en Artium, Vitoria, País Vasco, una interesante muestra fotográfica, en la que opone una colorista imagen del automóvil, enfrentada a la realidad cotidiana

Atasco en Arcadia

Maider López, presenta en Artium, Vitoria, País Vasco, una interesante muestra fotográfica, en la que opone una colorista imagen del automóvil, enfrentada a la realidad cotidiana.

Proyecto Coches. Se muestra del 20 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006. Maider López (San Sebastián, 1975) presenta una serie de 18 fotografías y dos intervenciones – una en el museo, otra en un aparcamiento cercano - en las que muestra su interés por todo un símbolo de la cultura occidental: el coche. Situaciones generadas por el azar o provocadas por la propia artista, como un aparcamiento improvisado o un atasco provocado, han articulado la génesis de este proyecto en el que se dan cita la escultural y atractiva estética del coche y su poderosa capacidad para invadir el espacio y alterar nuestra vida cotidiana.

El conjunto de fotografías que se exhibe en la sala, realizado durante el 2005, ofrece distintas vistas aéreas de espacios no regulados en los que una concentración de vehículos aparcados, aparentemente improvisada, sugiere creación artística, espontaneidad y capricho. Una de las series, Parkings, recoge una composición real, fruto de una concentración de coches no reglada en una ocasión festiva o deportiva. El momento para capturar las imágenes ha sido seleccionado por la artista después de una espera que le ha permitido recoger el aparcamiento en descomposición, en el que se ve destruida toda unidad y sentido original. El coche se muestra como elemento autónomo, facultado para tomar posición fuera de cualquier convención. A través de las imágenes, se puede percibir como la lógica de muchos conductores aplicada desde el terreno, da lugar a un trazado callejero, urbano, y con un peculiar orden.

Por su parte, las imágenes de la serie Ataskoa contienen una estática y equilibrada composición creada a partir de la convocatoria a la participación ciudadana de acudir con su coche el pasado 18 de septiembre a un monte cercano a la localidad de Intza (Navarra). La propia descontextualización de la situación y la ironía de los detalles, revelan el engaño y el artificio del momento, y enlazan inevitablemente con nuestra cotidianeidad. Todo ello induce a una necesaria reflexión sobre la relación de sostenibilidad entre el vehículo y la ciudad, la contaminación y el medio ambiente.

La intervención artística en la sala del museo completa el espacio expositivo. Numerosas líneas y colores vivos estructuran el suelo a modo de parking, con un esquema similar al realizado sobre un parking público de la ciudad, localizado en el casco antiguo (en la calle Las Escuelas), y visitable a unos cinco minutos del museo ARTIUM. Esta intervención exterior transgrede y modifica los códigos establecidos mediante un acuerdo cívico, añadiendo nuevas unidades sígnicas que, con un sentido aparente, se incorporan al entramado de indicaciones y contraindicaciones que nos rodean.

Más allá de atascos o aparcamientos improvisados, el Proyecto Coches pretende ahondar en las implicaciones socioculturales de este icono urbano de la modernidad y el progreso. Percibido casi como una extensión de nosotros mismos, el coche representa la encarnación de nuestras necesidades, la idealización de nuestro yo y el espejo de nuestros materiales deseos. Del encuentro entre dos vehículos en un espacio, se puede deducir el comportamiento social de los individuos, marcados indudablemente por la personalidad blindada dentro de su coraza móvil, amplificadora y mutante de sus emociones.

En este contexto, Maider López logra mantener unas composiciones compactas, visualmente atractivas, con fondos neutros - el gris monocromo de un parking en la ciudad o el verde intenso de la media montaña navarra - en los que se insertan pinceladas de color, los coches. De este modo, la artista mantiene su interés capital por la corporeidad del color, vehículo de transmisión, leiv motiv y carta de presentación de su trabajo desde los orígenes de su trayectoria. A través del color, sus propuestas artísticas emiten una serie de mensajes que descodifican su significado, desvían el sentido y nos obligan a mirar desde otra perspectiva situaciones y experiencias conocidas. En su lenguaje artístico, el formato y los códigos del arte se desplazan al entorno de la ciudad, y las anécdotas de la arquitectura se trasladan a los rincones de una sala, a la piel de un muro o sus complementos.

Una vez más, el arte nos hace cuestionar costumbres y hábitos sociales y nos posiciona en una plataforma inestable, que funciona como grietas en nuestro conocimiento, y en nuestro pensamiento por el que se cuela a través de esta nueva mirada un mayor interés por el entorno y un contacto con la sensibilidad y el ingenio.

 

Magia y rituales del África antigua

09/11/2005, Entre el 11 de noviembre y el 9 de enero próximo, se presenta en Madrid un notable exposición monográfica Magias: objetos mágicos y rituales en el África Antigua.

Entre el 11 de noviembre y el 9 de enero próximo, se presenta en Madrid un notable exposición monográfica Magias: objetos mágicos y rituales en el África Antigua.

Esta muestra reúne cerca de 60 objetos ceremoniales y religiosos de enorme valor artístico e histórico, abarcando un extenso período del arte de las sociedades de este continente: desde esculturas del período nok, con 2.500 años de antigüedad, hasta objetos de las escuelas clásicas del Congo, de finales del siglo XIX y principios del XX.

Fetiches, altares, cuchillos ceremoniales, vasos rituales, recipientes sagrados, máscaras mágicas, estatuas para el culto... son algunas de las piezas que podrán admirarse en este espacio dedicado al arte africano. La exposición puede verse en la galería del arqueólogo e historiador Ángel Martín (C/Piamonte 21)

Magias es la tercera en una serie de cuatro muestras monográficas sobre arte africano antiguo organizadas por Ángel Martín, tras una trayectoria investigadora de más de 20 años. Las dos anteriores estuvieron consagradas, respectivamente, al arte del Mali arcaico (noviembre de 2003) y a Objetos y esculturas del arte Tiv nigeriano (noviembre de 2004).

Entre los objetos más relevantes destaca un espejo ceremonial yoruba, una de las escuelas de arte africano más clásicas, procedente de Nigeria; varias máscaras con pátina rugosa, resultado de las libaciones y sacrificios realizados sobre ellas, o un vaso Djenné del siglo XV, otra de las grandes joyas de la exposición. También destaca una colección de cabezas de adobe de altar mbari.

MAGIAS, EL CONTROL DE LO SOBRENATURAL

Por Angel Martín

Si existe un hilo conductor que permita recorrer África a través de sus creaciones artísticas, ese hilo es el de un concepto tan intangible e irreal como el de la magia.

La magia, ejemplo de lo inabarcable y de lo inexplicable es, en África, la realidad que regula los elementos de lo sobrenatural y los relaciona con los elementos de lo natural. Es, al mismo tiempo, el camino a recorrer para el control de las fuerzas sobrenaturales y para la comprensión de la Naturaleza.

Un definición de la magia tan aparentemente sencilla como la anterior, implica en realidad a todo un continente y explica, o ayuda a explicar, más de tres mil años de la historia reciente del arte africano.

Como parte de ese intento de comprensión de lo natural y de control de lo sobrenatural surgen en África, como en la práctica totalidad de las sociedades preindustriales, instrumentos adecuados para el manejo de determinadas energías, a veces en forma de máscara, a veces en forma de escultura, o de fetiche, o de conglomerado de elementos, a veces sólo una piedra colocada en horizontal o una línea trazada en el suelo.

En estos objetos mágicos y religiosos del África tradicional, nada se deja al azar y todo, hasta el más pequeño de los detalles, responde a un lenguaje codificado e iniciático, cuya lectura no está al alcance de todos los individuos del grupo cultural para el que han sido concebidos sino, con frecuencia, sólo para los iniciados más expertos, los ancianos que han atravesado las distintas etapas de formación, de iniciación.

Los objetos, las creaciones artísticas africanas producto de las necesidades mágicas y religiosas de la sociedad, se convierten así en auténticos receptáculos de fuerzas donde residen las energías capaces de restablecer un equilibrio o de sanar una enfermedad.

Los objetos mágicos y religiosos en el África Antigua se revelan así como de una enorme importancia en tanto que son los soportes para prácticas de carácter trascendente que garantizan, incluso, la supervivencia del individuo y del grupo. Nada puede dejarse al azar, ni los materiales con los que son confeccionados, ni el momento y el lugar elegido para su elaboración, ni las dimensiones ni ninguna otra variable morfológica que ponga en juego el dinamismo de los distintos principios cósmicos que regulan el objeto, su poder y su entorno.

No es patrimonio exclusivo del continente africano intentar ver lo invisible, regular lo irregulable y comprender lo incomprensible, pero sí que parece exclusivo de este continente la certeza con la que los escultores o los adivinos han desarrollado creaciones que nos recuerdan la necesidad de explicar los desequilibrios y restablecer el orden tanto social como individual en cualquiera de los planos que los afectan. La necesidad de comprender y de controlar lo natural y lo sobrenatural está, pues, en la base de la concepción de estos objetos.

El resultado estético de estas obras es, desde Occidente, la razón no sólo para replantearse estas preguntas ancestrales sino, sobre todo, la fuente de nuevos interrogantes.

 

Pablo Palazuelo:1995-2005

01/11/2005, Del 25 de octubre de 2005 al 9 de enero de 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina presenta una muestra dedicada a Pablo Palazuelo, Premio Velázquez de las Artes Plásticas

Del 25 de octubre de 2005 al 9 de enero de 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina presenta una muestra dedicada a Pablo Palazuelo, Premio Velázquez de las Artes Plásticas.

Es comisario de la muestra Kevin Power, quien ha definió la obra de Palazuelo como la de un gran maestro a contracorriente, en el curso de la presentación del evento.

Ana Martínez de Aguilar, directora del Centro Reina Sofía explicó que Palazuelo es uno de los artistas más importantes a nivel español y universal y añadió que éste es uno de los artistas que siguen creciendo hasta el final, con una obra llena de rigor, coherencia, emoción y estética

La exposición que el Centro de Arte Reina Sofía dedica a Pablo Palazuelo cubre los diez últimos años de su producción artística completando así la retrospectiva que se presentó en este espacio en 1994. Con ella,el Museo conmemora el galardón “Premio Velázquez de las Artes Plásticas” otorgado a Pablo Plazuelo en 2005.

La muestra, propone un acercamiento íntimo al pensamiento de Palazuelo a través de una agrupación cuidadosamente argumentada de dibujos, gouaches, esculturas, y cuadros de gran formato, 108 en total. Según el comisario, Kevin Power son obras seguras y definitivas de un artista comprometido con vivir la verdad de las cosas, obras con las que reconoce y se une a un lenguaje creativo que siempre se encuentra en proceso de articulación.

El interés de sus imágenes reside no sólo en su inmediatez sino también en su pasado, su linaje adquirido, así como en su poder para proporcionar misterio y sorpresa. Proceden de una larga ascendencia, de ancestros conocidos, que han atravesado una transformación tras otra. Son, a decir del comisario, transformaciones de transformaciones. Y eso es algo que se percibe en series como Umbra, De Somnis, Dream, Ramo, Oval o Circino.

El propio Palazuelo afirma: “Yo agrupo mis cuadros porque la proximidad física de los varios integrantes de un grupo o familia muestra más claramente un proceso de transformación continua e irreversible que en su desarrollo desborda los límites de cada obra individual”.

Pablo Palazuelo prefiere hablar de ideas y no de cuadros específicos. Los colores, en su obra, son protagonistas al mismo nivel que las formas y están cuidadosamente calculados antes de ser mezclados. El comisario de esta exposición opina que las creaciones de Palazuelo se han vuelto más orgánicas en los últimos cinco años (Dream), relacionadas con el mundo natural (Ramo) y de imagen más reconocible, algo que sólo se hace visible para el artista una vez que la obra está terminada.

El resultado de la obra de Palazuelo en la última década ha sido –en opinión de Power- una intensificación del lenguaje, una mayor libertad con la que indaga el mundo de las formas y los códigos que lo subyacen, y una humildad que explora los límites de su propio pensamiento, mezcla potente de ciencia, genética y espiritualidad.

Según Kevin Power, “las últimas obras de Palazuelo nos acercan a nosotros mismos mediante su poder de misterio y sorpresa, mediante la manera en que el misterio y la sorpresa logran hacerse patentes”, y concluye el comisario que “nos encontramos ante una gran figura que imagina el pensamiento de los tiempos -en eso está la emoción-, y que piensa que no hay nada nuevo en el mundo. Sus obras son testimonio de ello. Es un conjunto de obras que ha llegado en el momento exacto, contracorriente, como siempre, pero llenas de una autoridad clara y de densos significados”

Pintor, escultor y grabador, el madrileño Pablo Palazuelo estudia arquitectura en Madrid y en el Royal Institute of British arquitects de Oxford. Becado por el Gobierno francés se traslada a París en 1948 donde coincide con otros artistas españoles. Sus primeras pinturas neocubistas le conducen hacia la abstracción, de fuerte componente geométrico y matemático, a la que llega en 1947-48. Su obra escultórica, que inicia en 1954, se identifica plenamente con sus pinturas, grabados y dibujos. Convierte en tridimensionales sus formas geométricas planas, y a partir de los setenta su escultura comienza a adquirir gran importancia. Ha sido galardonado con en Premio Kandinsky en 1952, el Premio Carnegie en 1958, la Medalla de Oro de Bellas Artes en 1982 y, por fin, con el Premio Velásquez en el 2004.

 

Ríos o vertederos

31/10/2005, Sólo el 11 por ciento del agua de los ríos en España tiene una calidad aceptable a la normativa europea; es necesario afrontar una lucha contra la contaminación de las cuencas fluviales

Sólo el 11 por ciento del agua de los ríos en España tiene una calidad aceptable a la normativa europea; es necesario afrontar una lucha contra la contaminación de las cuencas fluviales.

Recientemente se presentó el informe "Agua: La calidad de las aguas en España. Un estudio por cuencas", realizado por Greenpeace, en el que dice que el estado de las masas de agua superficiales y subterráneas es muy deficiente.

De hecho, en los informes remitidos por las cuencas al Ministerio de Medio Ambiente, los propios organismos oficiales reconocen que sólo el 11 por ciento de las aguas superficiales y el 16 por ciento de las subterráneas están en este momento en condiciones de cumplir en 2015 los objetivos que marca la Directiva Marco del Agua, DMA. Es decir, sólo el 11 por ciento de las aguas superficiales tiene calidad suficiente para mantener su poder de autodepuración y los ecosistemas que dependen de ella. Y en el caso de las subterráneas, sólo el 16 por ciento mantiene las cualidades químicas suficientes para que se puedan utilizar en abastecimiento y riego.

La DMA es la ley europea que rige la política de aguas desde el 2004 y que tendrá que cumplirse en su totalidad antes del 2015. Esta Directiva trata de recuperar la calidad de las aguas continentales en toda Europa abandonando la política de infraestructuras hidráulicas que se ha demostrado ineficaz y obsoleta. La Unión Europea apuesta así por una visión ambientalista del medio hídrico que permita su protección y garantice el agua a futuras generaciones.

"La lamentable situación de nuestras masas de agua hace necesario un cambio radical en la gestión del medio hídrico por parte de Confederaciones y Comunidades Autónomas. Este cambio es obligatorio para cumplir la Directiva Marco del Agua, pero como en otras ocasiones España pretende cumplir la ley mediante parches y soluciones adaptadas a intereses creados en torno al agua", ha declarado Julio Barea, responsable de la campaña de aguas de Greenpeace.

El informe "Agua" concluye que: El agua en España está sirviendo como elemento catalizador de la especulación económica (agricultura intensiva, urbanismo y turismo), y la política de aguas está al servicio de un modelo de desarrollo insostenible que conducirá a medio plazo al agotamiento de los recursos.

La contaminación del agua es el factor que más influye en la pérdida de recursos hídricos. La lucha contra la contaminación permitiría aumentar en mayor medida la disponibilidad de recursos que la construcción de embalses, canalizaciones o trasvases. Los vertidos industriales y urbanos son los principales causantes de la pérdida de calidad del medio hídrico.

Buena parte de los acuíferos (los depósitos naturales de agua) están afectados por contaminación difusa procedente de las malas prácticas agrícolas y ganaderas.

La mitad de las aguas embalsadas presentan problemas de eutrofización (contaminación por nitrógeno y/o fósforo). Los embalses provocan también que no se respete el caudal ecológico mínimo aguas abajo.

SITUACIÓN POR CUENCAS

CUENCA MEDITERRÁNEA ANDALUZA

Se califica de muy deficiente el estado del agua en la Cuenca Mediterránea Andaluza. De hecho, la propia Administración autonómica reconoce que sólo el 5,5 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA. Es decir, que sólo el 5,5 por ciento podría tener en 2015 un estado de calidad suficiente para mantener su poder de autodepuración y los ecosistemas que dependen de ella.

Problemas:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas.

La contaminación de sus acuíferos y malas prácticas agrícolas, que han provocado que el 22% de los acuíferos estén afectados por contaminación por nitratos.

La excesiva demanda de agua. Los responsables son la agricultura y el sector turístico.

ISLAS BALEARES

Se califica de muy deficiente el estado del agua en las Islas Baleares. El propio Govern balear reconoce que sólo el 14 por ciento de sus masas de agua podría cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Problemas:

La contaminación de los acuíferos. Las malas prácticas agrarias.

La excesiva demanda de agua( la agricultura y el sector turístico) y los vertidos a cauces.

CUENCA DEL SEGURA

Greenpeace califica de muy deficiente el estado del agua en la Cuenca Hidrográfica del Segura. La Confederación reconoce que sólo el 1,09 por ciento de sus masas de agua superficiales podrán cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas e industriales..

La contaminación de sus acuíferos.

La excesiva demanda de agua. La detracción de caudales es tan elevada que sólo llega al mar el 4% del caudal natural que debería circular.

La extracción ilegal de agua, que arruina humedales.

CUENCAS INTERNAS DE CATALUÑA

La Administración catalana reconoce que el 19 por ciento de sus masas de agua superficiales podrán cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

Los vertidos de origen industrial. Por su peligrosidad y toxicidad causan graves efectos sobre el medio ambiente y la salud pública. Los ríos más contaminados son el Foix y Morgent, seguidos por el Llobregat y el Besós.

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas. Importantes municipios como Barcelona, Sabadell, Viladecans no depuran sus aguas o lo hacen de forma poco eficiente

CUENCA DEL JÚCAR

La Confederación reconoce que sólo el 0,95 por ciento de sus masas de agua superficiales podrán cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas.

La contaminación de sus acuíferos. Nitratos.

La excesiva demanda de agua. Los responsables son la agricultura y el sector turístico (22 campos de golf, complejos hoteleros y urbanizaciones). El resultado es la sobreexplotación1 y la salinización de sus acuíferos

Los vertidos de origen industrial

CUENCA DEL DUERO

Greenpeace califica de muy deficiente el estado del agua en la Cuenca Hidrográfica del Duero. Tan sólo el 13,88 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación de los acuíferos. Las malas prácticas agrícolas y los vertidos de purines han propiciado la contaminación de extensas masas de agua subterránea

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas.

Los vertidos de origen industrial.

La introducción de especies acúaticas exóticas. Tiene una incidencia directa en el correcto desarrollo de los ecosistemas asociados al medio fluvial y pone en serio peligro de desaparición diversas especies acuáticas. Las truchas y el cangrejo autóctono están seriamente amenazados por la afanomicosis.

La sobreexplotación de agua. La agricultura ha propiciado el aumento de las extracciones de agua de los acuíferos lo que ha tenido una incidencia directa en la desaparición de humedales. El acuífero de Los Arenales, el más grande y extenso del Estado, se encuentra sobreexplotado.

CUENCA HIDROGRÁFICA DEL NORTE

La Confederación Hidrográfica reconoce que ninguna de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas. Ciudades como Tui o Santoña no depuran sus aguas.

Los vertidos de origen industrial. Por su peligrosidad y toxicidad causan graves efectos sobre el medio ambiente y la salud de las personas. La ría de Avilés y el río Nalón aguas arriba están muy afectados.

La ocupación de los cauces. Los ríos de la cuenca se encuentran fuertemente regulados por la existencia de piscifactorias (65), centrales hidroeléctricas (299) y embalses (80) que alteran el régimen de sedimentación de los ríos

CUENCA DEL TAJO

Muy deficiente el estado del agua. La Confederación Hidrográfica reconoce que sólo el 2,72 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas. Ciudades como Madrid, Alcalá de Henares o Móstoles tienen tratamientos incompletos de sus aguas fecales.

Los vertidos de origen industrial. Por su peligrosidad y toxicidad, causan graves efectos sobre el medio ambiente y la salud de las personas. Las mortandades de peces en varios tramos de los ríos Jarama y Tajo son frecuentes

CUENCA DEL GUADALQUIVIR

La Confederación Hidrográfica reconoce que sólo el 23,16 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

El vertido de aguas residuales urbanas. En la cuenca sólo se tratan la mitad de las aguas fecales. El otro 50% se vierte directamente sin tratar.

La contaminación de los acuíferos. Las aguas embalsadas presentan frecuentes problemas de contaminación por contenidos en plaguicidas y otras sustancias químicas.

Los vertidos de origen industrial y minero. Siete años después de la rotura de la balsa de Aznalcóllar el embalse del Agrio sigue sin ser apto para abastecimiento.

La sobreexplotación de agua. Las extracciones ilegales de pozos y cauces amenazan zonas protegidas como el Parque Nacional de Doñana,

CUENCA DE GALICIA-COSTA

La Xunta reconoce que el 22,6 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas.

Los vertidos de origen industrial. Por su peligrosidad y toxicidad causan graves efectos sobre el medio ambiente y la salud pública. Ríos como el Lagares, Lengüelle, Ulla o Currás están muy afectados.

Las infraestructuras. Los numerosos embalses (22), centrales hidroeléctricas (85), azudes y piscifactorías existentes en la cuenca producen una modificación en el régimen de sedimentación

ISLAS CANARIAS

El Gobierno canario es el único que no ha entregado los informes relativos a los artículos 5 y 6 de la Directiva Marco del Agua, DMA, por lo que ha sido imposible evaluar qué aguas podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva ni compararla con otras cuencas.

Los principales problemas de la cuenca son:

La contaminación de los acuíferos.

La excesiva demanda de agua. Los responsables son el sector turístico y la elección de cultivos con mucha demanda de agua como las plataneras.

La sobreexplotación(1) y salinización(2) de los acuíferos. Sólo Gran Canaria ha vaciado la mitad de sus reservas de agua subterránea en los últimos 20 años a través de sus más de 3.100 captaciones. Esto ha provocado la salinización de los acuíferos que es especialmente grave en la práctica totalidad de Gran Canaria y en algunas zonas de Tenerife (Valle Guerra, Guímar, Adeje y Guía de Isora).

Los vertidos a cauces.

CUENCA DEL EBRO

La Confederación reconoce que el 43 por ciento de sus masas de agua superficiales podrán cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA. Es una de las mejores cifras, aunque es muy importante grado de contaminación que presentan algunos tramos como el de Flix, donde se acumulan 300.000 toneladas de residuos tóxicos muy peligrosos (incluso radioactivos). O asuntos como el vertido de DDT al Cinca, el único de estas características que queda en toda Europa.

Los principales problemas de la cuenca son:

Los vertidos de origen industrial. Por su peligrosidad y toxicidad causan graves efectos sobre el medio ambiente y la salud pública. Un dato: las 300.000 toneladas de residuos peligrosos de Ercros están depositados dentro del cauce del Ebro, del que se abastece una población cercana al medio millón de personas.

La contaminación que sufren los ríos. La causa fundamental es el vertido de aguas residuales urbanas. Sólo en Aragón, el 40% de se vierte sin tratamiento alguno.

La introducción de especies acúaticas exóticas. Peligro de desaparición diversas especies acuáticas. El mejillón cebra o los silures son especies introducidas que han afectado a flora y fauna y han provocado incluso la extinción del mejillón autóctono.

La contaminación de sus acuíferos. La ganadería, por su parte, ha provocado que el 39% de los acuíferos estén contaminados por el vertido de purines.

Las infraestructuras. Los numerosos embalses y azudes existentes en la cuenca producen una modificación en el régimen de sedimentación.

CUENCAS INTERNAS DEL PAÍS VASCO

Greenpeace califica de deficiente el estado del agua en la Cuencas Internas del País Vasco. El propio Gobierno vasco reconoce que el 45 por ciento de sus masas de agua superficiales podrían cumplir los objetivos ambientales de la Directiva Marco del Agua, DMA.

Los principales problemas de la cuenca son:

Los vertidos de origen industrial. Los ríos que presentan el peor estado ecológico son el Ibaizábal y el Oka a partir de Guernika.

Los vertidos de aguas residuales urbanas. Suponen un importante problema, pues alrededor de 284 municipios no dan tratamiento alguno a sus aguas fecales.

La ocupación de los cauces. El 85% de la red fluvial vasca está afectada por presiones morfológicas significativas (ocupación de valles, actuaciones ilegales junto a los ríos, embalses y diques)(1).

Esto tiene una incidencia directa en el correcto desarrollo de los ecosistemas asociados al medio fluvial y marino.

El informe completo está disponible en www.greenpeace.es

 

El Prado programa el 2006

30/10/2005, El museo del Prado ya tiene programadas diversas exposiciones para el 2006. Entre ellas una estará dedicada a Picasso, en el 25 aniversario de la llegada del Guernica a España.

El museo del Prado ya tiene programadas diversas exposiciones para el 2006. Entre ellas una estará dedicada a Picasso, en el 25 aniversario de la llegada del Guernica a España.

El calendario previsto es el siguiente:

INVIERNO

Fortuny, Madrazo y Rico. El Legado Ramon de Errazu

13 de diciembre 2005 - 12 de marzo 2006

Comisario: Javier Barón, Jefe del Dpto. de Pintura y Escultura del s. XIX del Museo Nacional del Prado

La exposición conmemora el centenario del legado efectuado al Museo en 1905 por un acaudalado coleccionista establecido en París durante el último tercio del s. XIX.

El núcleo de este legado, cuyas 25 obras se expondrán en la muestra, lo constituyen diez cuadros de Mariano Fortuny que ya en su época conformaban el conjunto de mayor calidad del artista. Junto a estos, se exhibirán también obras de Martín Rico y Raimundo de Madrazo, dos pintores estrechamente vinculados a Fortuny y al propio Ramón de Errazu, y de los franceses Paul Baudry y Jean-Louis-Ernest Meissonier.

PRIMAVERA

El dibujo oculto

25 de abril – 23 de junio 2006 (fechas sujetas a ligera modificación)

Comisario: José Manuel Matilla, Jefe del Dpto. de Dibujos y Grabados del Museo Nacional del Prado

La exposición mostrará el resultado de los últimos trabajos de investigación realizados por el Museo mediante las últimas técnicas de reflectografía por infrarrojos que han permitido obtener imágenes de extraordinaria calidad y nitidez de las obras estudiadas.

A partir de estas imágenes, que se exhibirán junto a las propias obras, la exposición mostrará la variedad de técnicas de dibujo que se observa en el trasfondo de varios ejemplos relevantes de la escuela española de los siglos XV y XVI. Además de poner al descubierto la belleza y sutileza de estos dibujos subyacentes, la comparación en detalle de estos frente a las obras terminadas otorgará al público la posibilidad DE apreciar también los cambios introducidos por los pintores respecto a su proyecto inicial.

VERANO

Picasso. Tradición y vanguardia

23 de mayo – 17 de septiembre 2006 (fechas sujetas a ligera modificación)

Comisaria: Carmen Giménez, conservadora de Arte del siglo XX en el Museo Guggenheim de Nueva York

Programada con motivo del 25 aniversario de la llegada del Guernica a España, y coincidiendo también con el 125 aniversario del nacimiento de Picasso, la exposición se dividirá entre el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía.

En el Museo del Prado la muestra reunirá una importante selección de obras de Picasso con la que se pretende ofrecer una perspectiva inédita de su producción. El Prado, del que el propio artista fue director durante la Guerra Civil, enfocará la exposición desde el punto de vista de la importancia del pintor en la Historia del Arte, mientras que desde el Reina Sofía se recordará al artista comprometido con su realidad contemporánea.

OTOÑO

Dibujos de la Hispanic Society

Otoño 2006 (fechas por determinar)

Comisarios: Priscilla Müller, Conservadora de Dibujos de la Hispanic Society y José Manuel Matilla, Jefe del Dpto. de Dibujos y Grabados del Museo Nacional del Prado

La exposición presentará los ejemplos más sobresalientes de la colección de dibujos de la Hispanic Society de Nueva York. Debido al reciente cambio de estatutos de esta institución, al objeto de permitir el préstamo de sus fondos, será la primera vez que los dibujos se puedan contemplar fuera de su sede.

Con esta exposición se presentará un intenso recorrido por la historia del dibujo en España a través de algunos de sus principales artífices, como Alonso Cano, José de Ribera, Claudio Coello o Murillo.

 

Equipo Crónica en Sudamérica

30/10/2005, La SEACEX y el IVAM llevan la colección del Equipo Crónica a Rosario, Argentina, donde estará hasta el 24 de noviembre de 2005, luego viajará a Chile

La Sociedad Estatal para la Acciσn Cultural Exterior de Espaρa (SEACEX) y el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) llevan la colecciσn del Equipo Crσnica a Rosario, Argentina, donde estarα hasta el 24 de noviembre de 2005, luego viajarα a Chile, donde permanecerα hasta finales de enero de 2006

En Rosario, la exposiciσn estarα en el CENTRO CULTURAL PARQUE DE ESPAΡA, y en Santiago de Chile en el MUSEO DE ARTE CONTEMPORΑNEO

“EQUIPO CRΣNICA EN LA COLECCIΣN DEL IVAM” estα formada por 59 obras entre las que se incluyen 16 pinturas fechadas entre 1966 y 1980, pertenecientes a algunas de las series mαs conocidas del Equipo Crσnica, junto a 41 obras sobre papel (serigrafνas, collages y linσleos) y dos esculturas-mϊltiples que completan la muestra.

Todas las obras pertenecen a la Colecciσn del IVAM, que cuenta con un fondo sobre el Equipo Crσnica formado por un centenar de obras entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y otros soportes lo que lo convierten en uno de los mαs amplios del equipo.

El catαlogo editado con motivo de la exposiciσn reproduce las obras expuestas e incluye textos de Barbara Rose, Michele Dalmace, Sofνa Barrσn, Isabel Justo y del comisario de la exposiciσn, Facundo Tomαs.

Integrantes del movimiento Estampa Popular, que se definνa por su adscripciσn a una estιtica del realismo y la crνtica social, Juan Antonio Toledo, Rafael Solbes y Manolo Valdιs decidieron constituirse en el Equipo Crσnica y trabajar conjuntamente. En 1965 participaron en el XVI Salσn de la Jeune Peinture de Parνs bajo el nombre de Equipo Crσnica. Si bien las obras que presentaron fueron realizadas individualmente, el espνritu de trabajo en equipo bajo los mismos presupuestos estιticos estaba ya plenamente consolidado. Juan A. Toledo acabarνa abandonando el grupo al poco tiempo. Quedσ pues ιste constituido por Rafael Solbes (1940-1981) y Manuel Valdιs (1942) hasta 1981, fecha en la que el fallecimiento de Rafael Solbes supuso la desapariciσn del Equipo y el inicio de la carrera en solitario de Manolo Valdιs.

Valdιs y Solbes se incorporaron estilνsticamente al movimiento internacional que rechazσ la poιtica del informalismo y del expresionismo abstracto, para introducir una marca de «realismo», de «asepsia pictσrica», usando los elementos «lingόνsticos» de los medios de masas para elaborar su propia poιtica, su «forma pictσrica».

Como indica el comisario de la exposiciσn: Desde un punto de vista formal, tomaron sus recursos plαsticos de los medios de masas y participaron de la gran corriente internacional que fue el Pop Art. Pero no se limitaron a constituir una especie de sucursal espaρola del pop, sino que afirmaron su personalidad a travιs de una manera de hacer que los distinguiσ del resto.

El Equipo Crσnica emplea la figuraciσn concebida con un carαcter crνtico, de reportaje o crσnica de la realidad social y polνtica. En su obra los objetos no son interpretados como formas estιticas sino como elementos inmersos en un todo social, cultural o histσrico, poseedores de un sentido, significado o valor representativo de esta realidad.

Al igual que los otros estilos del Pop Art, el Equipo Crσnica fue, a nivel estιtico, una reacciσn contra el lirismo y la expresiσn personal de los diversos estilos informales que dominaron durante la posguerra en ambos lados del Atlαntico. Por otra parte, diferνa mucho en cuanto a intenciones y objetivos, asν como respecto a las fuentes de inspiraciσn y antecedentes del resto de manifestaciones Pop Art de los Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia o los paνses escandinavos.

Ademαs de los recursos habituales del Pop Art como las tintas planas, la utilizaciσn de imαgenes tomadas de los medios de comunicaciσn o de otros depσsitos visuales de la cultura de masas (cartel, cine, fotografνa, cσmic) utilizaron la historia de la pintura y las Vanguardias del siglo XX para elaborar su lenguaje plαstico. Asν, en sus obras se encuentran referencias a artistas como Roy Lichtenstein, Edward Hopper, Fernand Lιger, Giorgio de Chirico, Josι Gutiιrrez Solana, Georg Grosz, Yves Tanguy, Valerio Adami, Vassily Kandinsky o Max Ernst entre otros.

El Equipo Crσnica conectσ con los presupuestos bαsicos de la pintura moderna, analizαndola en sus componentes icσnicos clαsicos, establecidos como memoria colectiva, y combinαndolos con las imαgenes de los medios de masas.

Coincidieron con los otros modos del Pop Art en su reacciσn contra el informalismo y el lirismo, pero sus intenciones y objetivos eran distintos, su programa tenνa un componente claramente polνtico, pues muchas de sus obras criticaban la polνtica espaρola y cuestionaban la historia del arte en un estilo que a veces se hacνa auto-referencial.

Bebiendo de las fuentes de sus raνces y de sus apropiaciones, el Equipo Crσnica empareja referentes antagσnicos, lo popular y lo culto, lo real y la ficciσn, adopta sistemas duales como las constantes y las variaciones, los funde en una homogeneidad plαstica y conceptual donde se asoman la ambigόedad, el humor o la desenvoltura en unas ocurrencias desenfadadas.

Bajo el pretexto plαstico y narrativo, se plantean todos los problemas fundamentales del arte, desde los aspectos meramente tιcnicos hasta los mαs trascendentales: cuestionar la perspectiva, el trompe-l’oeil, las posturas convencionales, revelar los medios con los que se logran efectos, con que se realizan las juntas, unificar tamaρos de distintas procedencias, unificar figura y paisaje, figura y texto o equilibrar el color.

Entre las importantes exposiciones que incluyeron obras del Equipo Crσnica destaca la muestra Mythologies quotidiennes, organizada el aρo 1964 en Parνs por Gιrald Gassiot-Talabot, que consolidσ en Europa la importancia de la imaginerνa popular. Tambiιn participaron en La figuration narrative dans l’art contemporain (1965) y Le monde en question (1967). En Alemania estuvieron presentes en la importante exposiciσn de 1970, Kunst und Politik (Karlsruhe, Wuppertal, Colonia).

 

Los dibujos más bellos de van Gogh, en Nueva York

12/10/2005, El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York presenta ahora en Estados Unidos los más bellos dibujos de Vincent van Gogh(1853-1890), anteriormente expuestos en Ámsterdam.

La primera retrospectiva de dibujos del pintor Vincent Van Gogh, se presentó ahora en Estados Unidos, organizada por el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, en conjunción con el Museo Van Gogh, en Ámsterdam.

Del 2 de julio al 18 de septiembre de 2005, el Museo Van Gogh ya había mostrado en Ámsterdam estos bellos dibujos de Vincent van Gogh. Ahora estarán visibles para el público neoyorquino, hasta el 31 de diciembre

Es una colección representativa de más de 100 obras punteras de su extensa obra. Con ella, el Museo Van Gogh quiere subrayar el talento como dibujante de este afamado artista holandés.

Las obras provienen de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, y, debido a su sensibilidad a la luz no se pueden ver nunca o casi nunca. Sus mejores hojas, en las que da muestras abundantes de su capacidad de renovación artística, se consideran auténticas obras de arte. El mismo van Gogh las solía considerar como dignos complementos de sus cuadros.

Cuando en 1880, Van Gogh decidió hacerse artista, lo hizo según un programa de aprendizaje propio. Consideraba que dibujar era la base de la pintura y sabía que tendría que trabajar duro para cualificarse en su nueva profesión. Una serie de dibujos paisajísticos del pueblo rural de Etten, donde se afincó en la primavera de 1881, muestra la habilidad que desarrollaría en ese género.

A principios de 1882 se muda a La Haya, donde siguió un periodo marcado principalmente por la experimentación: Van Gogh probó muchos materiales de pintura – principalmente el negro – e intentó dominar materias tales como la perspectiva y la anatomía. El característico y robusto estilo de dibujo de su época holandesa adquiere forma, al cabo del tiempo, hacia 1882. Además de dibujos con materiales oscuros, el autor crea también acuarelas coloristas.

En diciembre de 1883, después de un corto periodo de tiempo en la provincia de Drenthe, Van Gogh se establece en Nuenen. Allí dibuja y pinta a las tejedoras y sus miserables condiciones de vida. Su capacidad como dibujante adquiere gran forma con una serie de siete impresionantes paisajes, realizados en marzo/abril de 1884, de los cuales se muestran cinco en la exposición. Dejan ver claramente que Van Gogh tiene capacidades fuera de lo común para el dibujo. Como esos trabajos no tienen éxito comercial, durante el verano de 1885 se concentra de nuevo en el estudio anatómico, lo que produjo más de cincuenta obras, principalmente sobre agricultores afanados en su trabajo.

Aunque esos dibujos no eran más que ejercicios, esa serie es de calidad excepcional, y contiene obras maestras como el Arenleester (la espigadera) y el Houthakker (el cortador de madera).

Los problemas que tenía en Nuenen y la necesidad continua del estudio anatómico le hacen mudarse en noviembre a Amberes. Ya al cabo de tres meses Van Gogh sigue su viaje hacia el sur para instalarse en París con su hermano Theo van Gogh, que era marchante. Durante su estancia allí, que duró dos años, se dedica principalmente a hacer más luminosa su paleta de colores.

Sólo en 1887 crea nuevos dibujos ambiciosos, incluyendo vistas de la ciudad, que muestran cómo Van Gogh desea plasmar en papel sus nuevos logros. Su nuevo y moderno estilo se muestra principalmente en una serie de coloridas acuarelas realizadas el verano de aquel año, en las que se ve claramente la influencia del arte japonés.

En febrero de 1888 se muda a Arlés. El descubrimiento de la plumilla de carrizo anuncia una serie de dibujos paisajísticos muy conseguidos, cuya culminación es la llamada serie Montmajour: seis grandes vistas del reverberante paisaje provenzal. En la exposición se puede contemplar la serie completa. El amor de Van Gogh por la vida en el campo se muestra de nuevo en otro punto álgido de la exposición. Cuatro versiones de La Cosecha (De oogst), una acuarela, un cuadro y dos copias dibujados con plumilla ilustran el proceso artístico tan característico de su obra realizada en Arlés: un ir y venir entre la pintura y el dibujo con lo que el artista podía probar el ritmo y la cohesión sobre diferentes materiales. Dibujos virtuosos de parques y jardines, vistas de la ciudad y una serie de retratos completan la imagen de la impresionante producción de Van Gogh en aquella pequeña ciudad del sur de Francia.

En Saint-Rémy, donde se interna en un sanatorio a causa de su enfermedad, Van Gogh hace relativamente pocos dibujos con ambiciones reales. Los dibujos a plumilla creados allí muestran cómo busca un estilo rítmico y casi decorativo. Los motivos los encuentra en el viejo jardín y en los alrededores del antiguo monasterio. También experimenta con el color. Hay una serie de dibujos con pincel del jardín que hizo con óleo (muy diluido) de vivos colores y un estilo de dibujo llamativo, casi gráfico. En la exposición se pueden ver las tres famosas vistas del interior de la clínica psiquiátrica, también realizadas al óleo.

En mayo de 1890, dos meses y medio antes de su muerte, que aconteció el 29 de julio de 1890, Van Gogh se instala en Auvers-sur-Oise, donde realiza decenas de cuadros, pero los dibujos que hace allí se limitan a estudios, con excepción de algunas páginas pintadas principalmente en color.

Con el fin de presentar la imagen de Van Gogh como dibujante con más amplitud, y sin limitarse a sus obras maestras, en la exposición se presta también atención a otras facetas de su trabajo. Así, se podrán ver los libros de texto y los materiales de dibujo de Van Gogh y diferentes estudios, bocetos y algunos bocetos de cartas mostrarán cómo se llevaba a cabo generalmente el proceso artístico.

Van Gogh dibujante. Sus obras maestras, se ha llevado a cabo en colaboración con el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde se expone la selección desde el 11 de octubre hasta el 31 de diciembre de 2005.

Philippe de Montebello, director del museo, destacó que "Cuando la gente piensa en Van Gogh tiende a pensar en sus pinturas y en su vivo y, a veces, poco convencional uso del color. Sus dibujos son una revelación para quienes creen conocer por completo su visión artística".

Datos adicionales

Título
Van Gogh dibujante. Sus obras maestras

Fechas
Del 11 de octubre al 31 de diciembre de 2005.

Publicaciones
Con motivo de la exposición, el Museo Van Gogh publica (en colaboración con Mercatorfonds, Bruselas) el libro Van Gogh dibujante. Sus obras maestras, escrito por el conservador jefe Sjraar van Heugten, 200 páginas, 170 ilustraciones a color, disponible en encuadernación en rústica, en inglés, francés y holandés.

Además, se publica un amplio catálogo de la exposición: Vincent van Gogh: The Drawings, con colaboraciones de Sjraar van Heugten, Colta Ives, Susan Alyson Stein y Marije Vellekoop, Museo Metropolitano de Arte/Museo Van Gogh, 400 páginas, 300 ilustraciones, sólo en inglés.

Sitios web
www.vangoghmuseum.nl

www.metmuseum.org/

En torno al Realismo

11/10/2005, El Thyssen-Bornemisza y la fundación Caja Madrid presentan del 11 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006, la exposición Mimesis. Realismos Modernos 1918-1945, comisariada por Tomàs Llorens

El museo Thyssen-Bornemisza y la fundación Caja Madrid presentan del 11 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006, la exposición Mimesis. Realismos Modernos 1918-1945, comisariada por Tomàs Llorens

Es ésta una auténtica tesis en la que se muestra cómo los realismos no van contra la modernidad sino que, por el contrario, se asientan en ella, según se afirmó en la presentación pública del evento.

En la primera comparecencia pública de Guillermo Solana como conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, éste comento que los realismos “...más allá de los excesos de las vanguardias artísticas, buscan la objetividad guiados por el amor a las cosas, al oficio y en un empeño por recuperar la pintura como disciplina".

La muestra está organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid y tendrá como propósito mostrar la difusión del realismo en los años que se extienden entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, un período que fue crucial para la consolidación del Movimiento Moderno. En ese tiempo, el realismo se manifestó con fuerza en pintura y en escultura, en cine y en literatura, constituyéndose en una de las tendencias principales de la modernidad.

Sin embargo, en contraste con otras corrientes como el surrealismo o la abstracción geométrica, que se produjeron de forma unitaria y organizada, el realismo fue una corriente plural que adoptaba caracteres diversos en función de los diferentes contextos geográficos, sociales y artísticos en los que se desarrollaba. El cometido de la exposición consiste en mostrar las características estéticas y artísticas comunes que hacen del realismo una corriente o estilo diferenciado.

En atención a la diversidad de los realismos modernos, la mayor parte de los estudios de que ha sido objeto se estructuran como una yuxtaposición de panoramas nacionales. Así se hizo por ejemplo en Les Réalismes, una exposición pionera de Jean Clair, organizada por el Centre Georges Pompidou en 1983, que ha sido una referencia constante en el tratamiento del tema.

En esta ocasión se ha abandonado el enfoque descriptivo para substituirlo por otro más analítico, tratando de buscar un substrato común en la obra de artistas tan diferentes como André Derain, Otto Dix, Edward Hopper, José Gutiérrez Solana, Joan Miró, Balthus ó Julio González, entre otros.

La exposición se divide en seis ámbitos temáticos, de acuerdo con los conceptos de los géneros tradicionales de la pintura; esta organización permite apreciar la continuidad histórica implícita en la noción de realismo. La secuencia de las salas ofrece una imagen dinámica del realismo moderno como un proceso histórico, que se inicia a comienzos de los años 1920 estrechamente vinculado con el formalismo post-cezaniano y concluye en el umbral de la Segunda Guerra Mundial, volcado en un intenso testimonio de las realidades sociales de su tiempo.

El itinerario comienza en las salas de exposiciones temporales del Museo Thyssen-Bornemisza, para continuar en las de la Fundación Caja Madrid, con el siguiente orden:

Museo Thyssen-Bornemisza:

1.- Sustancia y forma de las cosas: Naturalezas muertas. Representa el modelo más puro, con dos grandes tendencias, una representada por Derain y la otra por Morandi. También recoge la evolución de ambos artistas hacia formas más expresionistas, relacionada con el impacto del surrealismo y, más concretamente, con la pintura metafísica de De Chirico, artista también presente en la exposición.

2.- Identidad personal, cuerpo y representación: Retratos. El segundo ámbito se centra en el tema del retrato, explorando la tensión existente en el individuo, en cuanto a la idea moderna de su existencia en aras a la función que desempeña en la sociedad. El individuo se desdibuja y reduce su ser al papel que cumple. Por eso son retratos incómodos, inquietantes, silenciosos, distantes.

3.- Escenarios íntimos: Interiores con figuras. Este apartado sigue profundizando en esta relación “incómoda” de la persona con la modernidad, pasando ahora a algo más narrativo, más teatral: la presencia del cuerpo en un interior. Se trata de un género, el de las figuras en un interior, aunque menos definido que los otros géneros como los bodegones o el retrato. Este capítulo se subdivide, a su vez, en tres apartados que agrupan a artistas vinculados estilísticamente entre sí:

3.1. Bellows, Casorati, Martini, Valloton. 3.2. Pirandello, Solana. 3.3. Balthus, DuBois, Hopper:

Fundación Caja Madrid:

4.- Pasiones metropolitanas: Figuras en la ciudad. Este ámbito hace referencia a la ciudad moderna, ya no delimitada por las murallas, que se convierte en un “cosmos infinito”, en donde la noción del espacio es sustituida por la de “itinerarios”. La ciudad como tránsito, como paso. Concluye con una “capilla” dedicada a un grupo de acuarelas de Grosz de los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, antesala de las salas finales de la exposición, dedicadas a la relación entre realismos y totalitarismos.

5.- Nuevos paisajes agrícolas, urbanos e industriales. ¿Qué pasa con el mundo agrícola, con el mundo rural, cuál es su relación con lo nuevo, con lo urbano y lo industrial? Este capítulo trata de explicarlo. Arranca con paisajes de Derain y Miró. Sigue con la pintura norteamericana, con paisajes urbanos, visiones de ciudad de Hopper y paisajes industriales. Por último, se centra en la pintura latinoamericana, el mundo de la revolución campesina y minera, con Siqueiros y Rivera.

6.- El artista frente a la Historia. Tres salas pequeñas y, en cada una de ellas, un artista; es un grito final contra los regímenes totalitaristas. Es la fase final del realismo moderno, radicalmente opuesto a los orígenes:

6.1. John Heartfield contra el nazismo. 6.2. Julio González y la Guerra Civil española. 6.3. Jean Fautrier y la serie “Otage”.

 

La web del Botanic

10/10/2005, El Botánico de Barcelona acaba de abrir una nueva página web, en castellano y catalán que contribuye a dar bella información de la flora, especialmente mediterránea.

El jardín Botánico de Barcelona acaba de abrir una nueva página web, en castellano y catalán (próximamente también en inglés) que contribuye a dar bella información de la flora, especialmente la mediterránea.

La web - http://www.jardibotanic.bcn.es - tiene diversas secciones: el jardín, las colecciones, la conservación, las actividades... con secciones como la planta del mes o un consultorio abierto tanto a los visitantes del centro como a los internautas.

El Botánico de Barcelona es una institución municipal que preserva colecciones de plantas mediterráneas de todo el mundo. Entre sus objetivos principales destaca la conservación y la documentación del patrimonio natural de Cataluña. A la vez, el Jardín actúa como elemento difusor de la cultura botánica y naturalista, promoviendo el conocimiento y el respeto por la naturaleza.

El Jardín recibe el apoyo del Instituto Botánico de Barcelona, un centro de investigación botánica, con un consolidado prestigio, una importante biblioteca y uno de los herbarios más grandes de Cataluña.

La concepción mediterránea del Jardín hace que éste sea un espacio único para experimentar con nuevas plantas de clima mediterráneo para introducirlas, posteriormente, en la jardinería. En este sentido, está vigente desde del año 2000 un convenio entre el Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona y la Mancomunidad de Municipios del Área Metropolitana de Barcelona, que permite realizar el mantenimiento del Jardín y experimentar con nuevas plantas y nuevas técnicas dentro de la jardinería sostenible. Los resultados que se obtienen son nuevas ideas que se van trasladando al resto de parques del Área Metropolitana de Barcelona.

La botánica en Cataluña.

La cultura botánica en Cataluña tiene una larga tradición histórica. Posiblemente el primer jardín con suficiente estructura científica para ser considerado jardín botánico fue el de Sant Joan Despí, creado el año 1723, por Jaume Salvador i Pedrol, segunda generación de una extensa familia de botánicos catalanes que impulsaron durante los siglos XVIII y XIX el estudio de la botánica en Cataluña. Sus colecciones están actualmente depositadas y expuestas en el Gabinete de Historia Natural-Museo Salvador, en el Instituto Botánico de Barcelona.

No obstante, el referente más inmediato es, el que actualmente se conoce como Jardín Botánico Histórico (reabierto al público en octubre de 2003). Este jardín fue creado el año 1930 por el Dr. Pius Font i Quer. Actualmente, este jardín, de relieve abrupto destaca, especialmente, por el hecho de mostrar los árboles más altos de la ciudad.

La necesidad de construir accesos para los nuevos equipamientos olímpicos, el año 1986, afectó seriamente la estabilidad de los terrenos del Jardín Botánico Histórico. Esta situación propició que evolucionara la propuesta de construir un nuevo Jardín Botánico en Barcelona, que fuera un centro de referencia para la conservación de la flora mediterránea.

Y en este marco nace el actual Jardín Botánico de Barcelona, inaugurado el 18 de abril de 1999, a partir de un proyecto de restauración de un antiguo vertedero de escombros sólidos en el parque de Montjuïc. El proyecto fue impulsado formal y económicamente por el Ayuntamiento de Barcelona, gracias a una subvención de la Unión Europea.

Conservación de la flora

El Botánico de Barcelona se creó para contribuir a la conservación ex situ de la biodiversidad de la vegetación mediterránea, principalmente de Cataluña. El Jardín es un espacio privilegiado para cultivar y exponer las plantas amenazadas en el conjunto de sus colecciones. En este sentido, también es un elemento divulgador del conocimiento de cuáles son las especies que se han de proteger y cuáles son las acciones que se llevan a cabo para ello.

El Jardín dispone de un Banco de Germoplasma donde se almacenan las semillas de las especies más interesantes tanto desde el punto de vista de la importancia científica como de la conservadora.

 

Más luz para un Caravaggio

05/10/2005, El Museo del Prado ha llevado a cabo la restauración del San Jerónimo penitente de Caravaggio, uno de los cinco únicos cuadros del pintor italiano existente en colecciones españolas.

El Museo del Prado ha llevado a cabo la restauración del San Jerónimo penitente de Caravaggio, uno de los cinco únicos cuadros del pintor italiano existente en colecciones españolas.

La obra, propiedad de la abadía de Montserrat, en Cataluña, será expuesta en Barcelona, Bilbao y Sevilla y en el verano de 2006 en el Prado. Luego viajará a Dusseldorf, Alemania, y retornará a la abadía, donde es una joya emblemática.

La intervención ha consolidado el estado físico de la obra y recuperado los valores pictóricos de la composición. La limpieza de los barnices oxidados, la eliminación de repintes y la reintegración de lagunas de pintura han mejorado la visión del cuadro y su conservación futura.

San Jerónimo Penitente se supone pintado en Roma hacia 1605 poco antes de que Caravaggio cometiera el asesinato que lo obligó a huir de la ciudad al exilio por Nápoles, Malta y Sicilia. Muestra al santo en actitud de meditación delante de una calavera, iluminada desde lo alto por una luz que rememora la presencia de Dios.

Caravaggio pintó en varias ocasiones a San Jerónimo, uno de los Padres de la Iglesia, traductor de la Vulgata. En una composición casi monocroma, el santo, sin libros, ni crucifijos ni el león que se le adjunta en otras obras, avejentado y cansado, muestra su torso desnudo y un rostro absorto en profunda meditación.

El cuadro fue restaurado por Elisa Mora, restauradora del museo del Prado. La radiografía de la obra demuestra que en un primer momento el índice de la mano derecha estaba extendido, acariciando la barba, pero el arista lo cambio para hacer hincapié en la piedra que tiene en la mano para golpearse el pecho. La piedra era prácticamente invisible antes de la limpieza del cuadro y ahora puede verse debajo de la mano.

La vida agitada de Michelangelo Merisi

Michelangelo Merisi recibe el nombre de Caravaggio porque la familia provenía de la localidad con este nombre. Los autores no se ponen de acuerdo con su lugar de nacimiento que tuvo lugar en torno a 1571.

Su padre era un alto funcionario a las órdenes de los Sforza milaneses, pero murió pronto por una peste, y la familia se instaló en Lombardía. Pero los conocidos de la familia (Sforza, Colonna, Doria, etc.) serían futuros mecenas y protectores del muchacho huérfano.

Caravaggio fue de joven a Milán para ingresar en calidad de aprendiz en el taller del pintor Simón Peterzano, discípulo de Tiziano y de tendencia manierista, de quien aprendió conceptos en materia de realismo y luminosidad.

Se interesó por la naturaleza y pintó con un realismo que le atrajo odios y amores. Acude a personajes reales, y sus dioses y santos son personajes de carne y hueso(a veces gente del hampa), con honda sicología y rasgos sumamente humanos, algo que iba contra el concepto del “decoro” que obligaba a dar una dignidad y grandeza especial a los personajes representados.

En torno a 1590 se vio involucrado en una situación violenta. Para huir de la Justicia marchó a Roma, donde contactó con los altos dignatarios eclesiásticos y la nobleza local, entre la que estaba el cardenal Francesco del Monte, vinculado a los Médici, y quien le dio su apoyo.

El encargo de la Capilla Contarelli, fue trascendente en su trayectoria. Esta obra, en un espacio religioso público, le dio gran fama, y marcó ese estilo donde destaca la sicología de los personajes y el contraste lumínico, con figuras de traza vigorosa que surgen de la oscuridad. Pero también avivó la polémica, porque sus figuras tenían una traza humana, popular, que iba contra el “decoro” que clásicamente se atribuía a los personajes tocados por la santidad. El propio Rubens, que pasó por Roma en esa época, compró obra de Caravaggio, atraído por su calidad.

Esa fama ambivalente coincidió con una historia violenta que le llevó a la cárcel, pese a la ayuda de protectores poderosos. Prostitutas, mendigos, delincuentes eran retrataos por el pintor para representar a los santos y santas. Mientras, su vida personal estaba cargada de violencia, luchas e incluso un asesinato, que le forzó a marchar de Roma.

El pintor se refugió en interior del Lazio, bajo la protección de los Colonna y siguió practicando sus pinturas llenas de luz, una luz violenta que sale de un ángulo del cuadro e invade la escena produciendo unos contrastes acusados que realzan el dramatismo de las figuras, un estilo que influyó en buena medida a diversos grandes maestros, entre ellos Velázquez y Zurbarán, pero sobre todo a José Ribera, el Españoleto.

En 1607 se trasladó a la isla de Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta. Otro episodio violento le llevó a la cárcel, de la que huyó hacia Sicilia. Nuevos líos y vuelta a Nápoles. Nuevos episodios, una brutal agresión y una decadencia melancólica y triste hasta su muerte, en 1610.

Hoy las obras del maestro Caravaggio siguen siendo admiradas, mucho más que su carácter extraño y violento.

 

Picasso, la pasión del dibujo

30/09/2005, La madre de Picasso recordaba que las primeras palabras semiinteligibles que balbuceaba el pintor, cuando era un bebé, eran: “piz, piz”

Por Tomás Alvarez

La madre de Picasso recordaba que las primeras palabras semiinteligibles que balbuceaba el pintor, cuando era un bebé, eran: “piz, piz”

El misterio no era otro que la palabra lápiz. El pequeño Pablo Ruiz se interesó desde niño por plasmar en el papel cuanto veía o imaginaba.

El Museo Picasso de País y la Reunión de Museo Nacionales de Francia, en colaboración con el Museo Picasso de Barcelona presentan en Paris, del 28 de septiembre al 9 de enero, la exposición Picasso, la pasión del dibujo. La muestra se podrá ver luego en Barcelona, del 8 de febrero al 8 de mayo de 2006.

Es ésta la celebración del 20 aniversario de la apertura del Museo Picasso de Paría, y así se han elegido mas de 350 dibujos, acuarelas, guaches, pasteles... para presentar al visitante la maestría del genial autor malagueño.

Picasso dibujaba sin cesar, y dejaba fluir en esta tarea sus emociones, pintando gentes, paisajes, cosas o inventando mundos. La colección de dibujos de ambos museos es notable, y ha permitido buscar al Picasso dibujante de naturalezas muertas, de decorados y vestidos para el teatro, de animales, figuras humanas...

Muy interesantes son las visiones de Picasso de la naturaleza humana, de los cuerpos, que interpreta en todos los sentidos, desde el burlesco al erótico, reflejando en su tarea desde el rostro de su padre hasta seres mitológicos. Es especialmente interesante el trabajo sobre el desnudo, desde los cuerpos en plenitud hasta los momentos de decadencia y decrepitud.

Bajo el título de "Picasso. La pasión del dibujo", el museo dedicado al pintor en París organiza con motivo de sus 20 años de existencia una exposición entre el 28 de septiembre y el 9 de enero en la que se muestran más de 350 dibujos, acuarelas, guaches y pasteles.

Picasso fue uno de los maestros dibujantes del siglo XX. Para algunos el primero. Y en la muestra se presentan al público por primera vez algunos de sus trabajos en esta materia.

Como complemento de la exposición, el museo presenta además, al lado de la exposición “La pasión del dibujo”, un conjunto de trabajos preparativos de la obra Las señoritas de Aviñon, donde se revela el profundo trabajo realizado, en el que se revela la influencia tanto del arte africano como de la escultura ibérica, según los organizadores.

El Museo Picasso se alberga en el hotel Salé, construido a mediados del siglo XVII en el barrio de le Marais, una zona que tuvo un amplio desarrollo en el París de los siglos XVI y XVII. El edificio propiedad de la ciudad de París abrió las puertas al público en 1985, con la mejor colección de las obras del pintor malagueño en el país galo.


Museo Picasso de París:
http://www.musee-picasso.fr/

Museo Picasso de Barcelona:
http://www.museupicasso.bcn.es/index.htm

El Reina Sofía se hizo más grande

23/09/2005, El Centro de Arte Reina Sofía ya tiene un nuevo espacio, el desarrollado por el arquitecto francés Jean Nouvel, quien presentó a la prensa las instalaciones el 23 de septiembre

Por Artemio Artigas

El Centro de Arte Reina Sofía ya tiene un nuevo espacio, el desarrollado por el arquitecto francés Jean Nouvel, quien presentó a la prensa las instalaciones el 23 de septiembre.

En los nuevos espacios se ha invertido 92 millones de euros, haciendo del Reina Sofía uno de los museos de arte contemporáneo más grandes del mundo, aunque el diseño rompe completamente con la estructura anterior, saliéndose –en palabras de Nouvel "del vocabulario de Madrid".

Ante el viejo edificio de Sabatini, cuadrangular y desplegado en torno a un espacioso jardín, Nouvel ha diseñado un espacio rupturista y abierto, integrado por tres distintos módulos y en torno a una plaza urbana que preside una escultura de Roy Lichtenstein.

El arquitecto reconoció estar satisfecho con la obra, aunque ésta no satisface a bastante gente. Los directivos del Centro esperan que ésta acabe convirtiéndose en uno de los iconos madrileños.

Con la finalización de las obras de ampliación del Museo Reina Sofía llevadas a cabo por el arquitecto Jean Nouvel, ha quedado incrementada la superficie museística en 26.892 m².

Estos nuevos espacios suponen un enriquecimiento de los servicios que en la actualidad ofrece el Museo: ampliación de la Biblioteca y Centro de Documentación como lugar de referencia para la investigación sobre del arte contemporáneo, concentración de espacios dedicados a exposiciones temporales con entradas específicas, incorporación de dos auditorios polivalentes con capacidad para 200 y 500 butacas, además de una amplia zona de protocolo para servicios varios y consecución de más espacio expositivo para la Colección Permanente

El proyecto de ampliación de Jean Nouvel responde a una estrategia diferenciadora de funciones y espacios. La realización de la obra en tres módulos se unifica mediante la cubierta volada.

Pese a la heterogeneidad de la obra, lo bueno para el arte es que se ha ganado espacio para todas las salas y servicios. El edificio –pese a la modernidad- no pasará a la historia de la arquitectura, ni será icono de Madrid.

 

La dura imagen de La India

20/09/2005, El fotógrafo Paco Torrente expone hasta el 15 de octubre en el Centro Cultural "Blas de Otero", de San Sebastián de los Reyes, Madrid, una dura, pero magnífica, muestra gráfica: "Lepra en la India".

El fotógrafo Paco Torrente, del departamento de Reportajes de la Agencia EFE, expone hasta el 15 de octubre en el Centro Cultural "Blas de Otero", de San Sebastián de los Reyes, Madrid, una magnífica muestra gráfica con 60 fotografías titulada "Lepra en la India".

Paco Torrente, que trabaja en EFE desde hace 33 años, recoge en la exposición el resultado de un viaje realizado a la India en unión de Tomás Álvarez, entonces director del departamento de Reportajes de la Agencia EFE y colaborador de guiarte.com.

En la exposición se muestra una realidad social dura, como es la de la situación extrema que viven muchas de las personas afectadas por esta enfermedad en la India, aunque con un tono de dignidad que mitiga una visión que en otro caso sería muy difícil de asumir.

"Sentí la necesidad -dice Torrente- de mostrar la miseria que allí existe. El olor en el ambiente se hace irrespirable, pero ellos no huelen y van muy limpios, vestidos con sus "sharis" en llamativos colores. Son muy pobres, pertenecen a la casta más baja, la de los desheredados y, a pesar de todo, no pierden la sonrisa".

“El humo de las basuras quemadas no se olvida: una ciudad contaminada por grandes fábricas químicas y riachuelos teñidos de rosa, de azul... Inevitablemente hay que involucrarse, por que se te encoge el corazón”

Durante miles de años, la lepra ha sido un estigma que ha marginado a millones de seres en el mundo. Ser leproso era casi sinónimo de apestado. Hoy la lepra ya tiene cura, pero aún padecen la enfermedad siete millones de seres humanos, muchos de ellos en la India, donde efectuó Paco Torrente este documentado reportaje.

La lepra ha azotado a la humanidad desde la antigüedad. En códices egipcios de 1500 a.C. ya se habla de ella. Su expansión mundial se debió a las conquistas, cruzadas y colonizaciones de países y continentes, y a las deficientes condiciones de vida de las poblaciones.

Bombay es la mayor ciudad de la India, capital económica de este inmenso país, Es una urbe que encierra lugares bellos, magníficos edificios de la época de dominación inglesa, pero al lado de la otra Bombay, la de los suburbios más miserables del planeta. En Bombay, cuyos barrios bajos recorrió detenidamente Torrente, conviven millones de personas en una situación deplorable, lo que posibilita la existencia de focos infecciosos difícilmente controlables.

Con sus fotografías, Paco Torrente testifica una realidad cruda que todos debemos tratar de superar.

Pintura Barroca en Palencia

19/09/2005, La Diputación Provincial de Palencia y la Fundación Cultural Fórum Filatélico presentan conjuntamente desde el 15 de septiembre, en el Centro Cultural Provincial de Palencia, una exposición de pintura barroca

La Diputación Provincial de Palencia y la Fundación Cultural Fórum Filatélico presentan conjuntamente desde el 15 de septiembre, en el Centro Cultural Provincial de Palencia, una exposición titulada “Colección Fórum Filatélico de Pintura Antigua Española y Flamenca de los siglos XVI y XVII”.

La muestra, que reúne veinticinco lienzos de pintores como Se mostrarán obras de los siglos XVI y XVII de autores como Murillo, Zurbarán, Claudio Coello, Rubens, Van der Hamen y León o Alonso Cano, ha estado presente ya en varias ciudades españolas.

El público que visita la exposición puede contemplar obras tan importantes como “Entierro de Santa Catalina” de Zurbarán, donde éste muestra sus dotes coloristas y su adscripción al naturalismo del primer Barroco

Otros trabajos importantes son “San Juan de Dios” de Claudio Coello, en el que destaca el tratamiento de los ropajes santos o “Santa Teresa de Jesús” de José de Ribera “el Españoleto” .

Estas obras constituyen un fiel reflejo del espíritu conservador y religioso que inundaba el panorama barroco español, frente a las grandes revueltas de orden social y dogmático que tuvieron lugar en el centro de Europa.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo día 30 de octubre, en el Centro Cultural Provincial de Palencia (Plaza de Abilio Calderón s/n) y forma parte de un programa de exposiciones itinerantes organizadas por la Fundación Cultural Fórum Filatélico.

La Fundación Cultural Fórum Filatélico inició su andadura hace años, inspirada en el deseo de ayudar a colectivos necesitados como el de las personas discapacitadas, promover el mundo de la cultura a través de becas de estudios y de los patrocinios o difundir el arte mediante las exposiciones itinerantes de las colecciones de pintura antigua y contemporánea, que la Fundación se encarga de organizar con los fondos cedidos por Fórum Filatélico.

 

Tracios: Tesoros enigmáticos de Bulgaria

16/09/2005, Herodoto caracteriza a los tracios por su valentía, su amor a los caballos y su visión de esta vida como mero tránsito hacia la inmortalidad. Una exposición expone en Madrid diversos elementos de su cultura

Herodoto caracteriza a los tracios por su valentía, su amor a los caballos y su visión de esta vida como mero tránsito hacia la inmortalidad. Una exposición expone en Madrid diversos elementos de su cultura

La Obra Social ”la Caixa” reúne 300 obras excepcionales de una de las culturas más enigmáticas y olvidadas de la Antigüedad: Los Tracios; del 16 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006

Diómedes alimentaba a sus yeguas antropófagas con la carne de los extranjeros que visitaban sus tierras. Así de temerario era el hijo del dios Ares y una de las figuras legendarias de Tracia, hasta que Heracles puso fin a tan bárbara costumbre.

Altivos, rudos y guerreros despiadados según los griegos, los tracios fueron también un pueblo de gran sensibilidad que legó a la posteridad tesoros de inusitada belleza que han dejado atónitos a los especialistas. Como el tesoro de Rogozen, descubierto en 1985, que data de finales del siglo V a. de C. y está formado por 65 piezas de oro y plata finamente trabajadas, con un peso total de más de veinte kilos.

Su escritura aún no ha podido ser descifrada, por lo que los responsables de su entrada en la historia fueron los antiguos griegos. «Son tan bellas sus armas de oro que encantan a la vista, ya que no parece que hayan sido labradas por hombres mortales, sino forjadas para los dioses divinos», escribió Homero, en cuya Ilíada aparece por primera vez el nombre de Tracia.

Con el título Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria, la Obra Social ”la Caixa” presenta en España la mayor exposición realizada en nuestro país de una de las culturas más olvidadas y misteriosas de la Antigüedad.

Fruto de la colaboración con el Ministerio de Cultura de la República de Bulgaria, la muestra reúne en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Madrid 311 obras excepcionales: ricos ajuares, objetos suntuarios, armas y arneses, máscaras funerarias y servicios para banquetes en oro, plata y bronce, entre los que destacan los tesoros de Letnitsa, Rogozen y Borovo.

La exposición Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria, comisariada por Gregorio Luri, Alberto Costa y Valeria Fol, se podrá visitar en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Madrid (Serrano, 60), del 16 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006.

Uno de los objetivos de la Obra Social ”la Caixa” es contribuir al conocimiento de la historia y el arte, poner al alcance del público los últimos hallazgos arqueológicos y mostrar en todo su esplendor el legado de los pueblos de la Antigüedad a través de exposiciones dedicadas a las grandes culturas del pasado, como Los íberos, príncipes de Occidente, Asia: ruta de las estepas y Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán. La muestra Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria responde a esta voluntad.

La exposición nos desvela los últimos descubrimientos arqueológicos realizados en territorio búlgaro a través de una selección de las piezas más notables y singulares halladas, procedentes de una treintena de museos búlgaros. Aunque el acento recae en la cultura tracia, también se exhiben algunos objetos especialmente relevantes de las culturas que la precedieron en los Balcanes orientales. Es el caso de Varna, uno de los yacimientos arqueológicos más importantes del mundo (datado a finales del Calcolítico, es decir, más de 4.000 años antes de nuestra era) y donde quizá, según coinciden en afirmar varios expertos, se esconde la cuna de la civilización europea, así como el primer oro trabajado del mundo. En las casi trescientas tumbas estudiadas se han hallado collares, brazaletes, cetros, amuletos e, incluso, un falo de oro, todos ellos trabajados con un refinamiento que sorprende.

los tracios se refiere a un pueblo de origen indoeuropeo que habitó los actuales territorios del norte de Grecia, Bulgaria, Rumanía y hasta la desembocadura del río Dniéper (República de Ucrania). A lo largo de los siglos, Tracia ha permanecido en el olvido. El reciente descubrimiento de magníficas tumbas reales ha llamado la atención de los especialistas sobre el extraordinario legado de los tracios.

A partir de 1970, los hallazgos se han encadenado de forma continua: la necrópolis de Varna (1972), el tesoro de Borovo (1974), la tumba de Sveshtari (1982), el tesoro de Rogozen (1985), las tumbas de Shushmanets (1996), Starosel (2000), Alexandrovo (2001), Goliama Kosmatka (2004), etcétera. Precisamente, los tesoros de Letnitsa, Vratsa, Rogozen, Borovo y Panagyurishte son el gran reclamo de esta exposición singular por la amplitud de su enfoque y la calidad de las obras y los objetos reunidos.

Herodoto los caracteriza por su valentía, su amor a los caballos y su visión de esta vida como mero tránsito hacia la inmortalidad. Lucían tatuajes para indicar la nobleza de su origen, llevaban pieles de zorro en la cabeza, se cubrían el cuerpo con túnicas envueltas en mantos variopintos, calzaban botas de piel de cervato que les llegaban hasta las pantorrillas e iban armados con venablos, escudos ligeros y puñales pequeños, tal como corroboran las pinturas de la cerámica griega. La imagen del guerrero tracio está muy extendida en el arte, pues eran conocidos y apreciados por su bravura y su desapego a la vida. «¡Lanceros de Tracia, bien armados, espléndidos jinetes inspirados por Ares!», cantó Eurípides en Hécuba.

Esta exposición da cuenta de todo ello a través de seis ámbitos, hilvanados de forma cronológica y con sub-ámbitos temáticos: Del Neolítico al Bronce, La Edad del Bronce, De la guerra de Troya a la invasión persa, El siglo V a. de C., El siglo IV a. de C. y El declive de la civilización tracia: del helenismo a Roma.

Contra la autopista de Alta Tensión

10/09/2005, Los vecinos de la montaña central asturleonesa, en zonas declaradas por la UNESCO Reserva de la Biosfera, se oponen a los proyectos de Red Eléctrica Española

Por Nacho Alonso

Los vecinos de la montaña central asturleonesa, en zonas declaradas por la UNESCO Reserva de la Biosfera, se oponen a los proyectos de Red Eléctrica Española

Los vecinos, juntas y ayuntamientos de los valles de Río Aller (Asturias), Torío y Curueño (León) están enfrentados al proyecto de Red Eléctrica Española de instalar en aquella región, recientemente declarada por la UNESCO Reserva de la Biosfera, una autopista de alta tensión con torres de sesenta metros de altura por la que circularían 800.000 voltios entre Lada (Asturias) y Velilla del Río Carrión (Palencia).

La pasada primavera, el ministro de Industria y Energía, José Montilla, el presidente de Castilla y León, Juan Vicente Herrera, el del principado de Asturias, Álvarez Areces, y el presidente de Red Eléctrica Española, Luis Atienza, firmaron un acuerdo para establecer un tendido eléctrico entre Lada y Velilla del Río Carrión a través de la montaña central asturleonesa.

El pacto suponía poner fin a veinte años de retrasos en la construcción del tendido debido a la eficaz oposición política, administrativa y jurídica que ejercieron los habitantes e instituciones públicas del valle de Riaño (León), zona por la que inicialmente estaba previsto realizarlo.

La oposición al nuevo trazado no se hizo esperar. De inmediato se crearon dos plataformas para decir “NO a la Red de Alta Tensión”: una, en Asturias, denominada Plataforma para la Defensa de la Cordillera Cantábrica “Picos de las Liebres”; y otra, en León, llamada Unión de Concejos para la Defensa y Desarrollo de la Montaña Central Leonesa “Bodón”. Ambas coinciden en calificar la construcción del tendido como un atentado al medio ambiente, al entorno y a la salud animal y humana en esos valles.

En opinión de Yolanda Espinosa, dirigente de la plataforma leonesa, “la proyectada red arruinaría los dos únicos valles que quedan vírgenes en la provincia, los que riegan el río Torío y el Curueño”. Por su parte, María Eugenia Gutiérrez, portavoz de la plataforma asturiana, asegura que “desde el concejo de Aller exigimos tajantemente el final de un proyecto que supondrá el fin de nuestro entorno natural, la ganadería y la agricultura, que son dos fuentes básicas y únicos recursos que nos quedan para seguir viviendo allí”. Ambas insisten en que aún se desconoce la gravedad que las emisiones electromagnéticas que se desprenden de las redes producen en hombres y animales, aunque hay sospechas fundadas de sus daños en la salud.

La plataforma Bodón ha logrado reunir hasta 7.000 firmas de vecinos y amigos de aquellos valles para protestar por el proyecto de una autopista eléctrica que colocaría, con 400 metros de distancia, torres de alta tensión de cien metros cuadrados de base y una altura apenas seis metros inferior a la catedral de León.

La cultura contra el proyecto.

El pasado 20 de agosto, personalidades del mundo de las letras, las artes y las ciencias se dieron cita en un hotel de León para manifestar su oposición al proyecto. En el acto se dio a conocer una lista de firmas de personalidades contrarias al mismo, entre las que se encontraba la de Juan Rodríguez, padre del actual presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero. Firmantes también eran Ángeles Caso, Juan José Badiola, Julio Llamazares, Angel Fierro, José Antonio Llamas y Antonio Gamoneda, entre otros.

La última iniciativa de las plataformas, realizada el pasado día 10 de septiembre, fue una marcha reivindicativa hasta Piedrafita en la que participaron vecinos asturianos y leoneses de los valles afectados. En el alto del puerto se leyó un manifiesto en que se instaba a las administraciones competentes a solucionar este contencioso sin “perjuicio irreversible” para las comarcas concernidas.

El proyecto ha conseguido aunar las opiniones de la Diputación de León y de todos los ayuntamientos de aquellos valles, que se han manifestado en contra del mismo. El delegado del Gobierno en Castilla y León, Migue Alejo, ha declinado pronunciarse hasta que la empresa Red Eléctrica Española, propietaria de la red de alta tensión de la península, elabore el anteproyecto y sea estudiado por los ministerios de Medio Ambiente e Industria.

Las plataformas asturiana y leonesa hicieron llegar sus reivindicaciones al presidente del Gobierno, Rodríguez Zapatero, con motivo de la fiesta de la minería que tradicionalmente se convoca a principios de septiembre en Rodiezmo; y esperan poder explicárselas personalmente.

Un territorio sagrado

La montaña central leonesa, designada el pasado 1 de julio Reserva de la Biosfera por la UNESCO, está atravesada de norte a sur por cinco ríos. Los valles de dos de ellos, el Esla y el Porma, están alterados por la construcción de dos grandes pantanos: Riaño y Porma, respectivamente.

Un tercer valle, el del río Bernesga, soporta una red de alta tensión. Los dos restantes, el Torío y el Curueño, son los únicos que quedan casi vírgenes. Y es en ellos donde puso sus ojos REE para instalar una autopista eléctrica, que está teniendo general oposición.

L´Art Nouveau

07/09/2005, Hasta el 29 de enero de 2006, CaixaForum reúne en Barcelona excelentes piezas de art nouveau, entre artículos de vidrio de Tiffany, mobiliario, cerámica, joyas de Van de Velde y Gaillard, obras de Munch, Meunier, Rodin,etc.

Del 7 de septiembre de 2005 al 29 de enero de 2006, CaixaForum reúne en Barcelona excelentes piezas de art nouveau, entre artículos de vidrio de Tiffany, mobiliario, cerámica, joyas de Van de Velde y Gaillard, obras de Munch, Meunier, Rodin,etc.

El legado de Siegfried Bing

El 26 de diciembre de 1895, el marchante de arte Siegfried Bing (1838-1905) inauguró en París una tienda llamada L´Art Nouveau, que llegaría a ser símbolo y denominación de un movimiento artístico conocido en todo el mundo. Bing fue un marchante apasionado, primero del arte japonés y después de las artes aplicadas, pero también un mecenas y un promotor que animó a artistas y diseñadores a tomar nuevos caminos, como en el caso de Eugène Carrière, Constantin Meunier, Louis Comfort Tiffany, Paul Signac y Edvard Munch.

El papel del arte japonés en este nuevo movimiento fue crucial. Bing consiguió el reconocimiento internacional en la Exposición Universal de París de 1900 con las salas diseñadas por Eugène Gaillard, Georges de Feure y Edward Colonna.

La exposición L´Art Nouveau. El legado de Siegfried Bing no es sólo una monografía sobre Siegfried Bing, su tienda y su influencia internacional, sino que analiza también el desarrollo del art nouveau y la fusión de las artes plásticas con las artes aplicadas en un estilo nuevo.

La muestra reúne unas trescientas cincuenta piezas que pasaron por la tienda de Bing: artículos de vidrio de Tiffany; pinturas de Degouve de Nunques y Rusiñol; esculturas de Rodin y Meunier; obra sobre papel de Toulouse-Lautrec y Munch; mobiliario, cerámica y joyas de Van der Velde, Colonna, De Feure, Gaillard, etcétera. Y no puede faltar una sala dedicada a los objetos expuestos en el Pabellón Bing, presentado en la Exposición Universal de 1900. Esta exposición se ha presentado en el Van Gogh Museum de Amsterdam y en el Museum Villa Stuck de Munich.

La exposición L´Art Nouveau. El legado de Siegfried Bing, comisariada por el profesor Gabriel P. Weisberg (University of Minnesota, Minneapolis), experto en art nouveau y arte europeo de finales del siglo XIX; Edwin Becker, curador del Van Gogh Museum, y Evelyne Possémé, conservadora del Musée des Arts Décoratifs de París, podrá visitarse en CaixaForum (av. del Marquès de Comillas, 6-8, Barcelona) del 7 de septiembre de 2005 al 29 de enero de 2006.

La historia de la galería

En 1895, el coleccionista y marchante Siegfried Bing (1838-1905) abrió en París la galería L´Art Nouveau. Sus propuestas supusieron tal impacto, que el nombre de este establecimiento pasó a denominar el estilo de una época.

Bing fue un gran coleccionista y divulgador del arte oriental. Viajó por China, Japón e India, donde iba adquiriendo objetos de arte para vender en su tienda. Gracias a publicaciones como Le Japon Artistique, la técnica de colores planos y el trazo decorativo de las estampas japonesas se difundió, convirtiéndose en importante influencia para los artistas europeos. Uno de los clientes de Bing fue Van Gogh, de quien se expone un conjunto de estampas adquiridas en la tienda L´Art Nouveau.

Al mismo tiempo, Bing estableció una serie de conexiones con las mejores manufacturas europeas y americanas, con el fin de distribuir sus producciones. Vidrio, cerámica, objetos de metal, muebles se mezclaban armónicamente en la galería con cuadros y esculturas, creando un ambiente único, una obra de arte total.

Bing promovió salones de pintura en los que se presentaron las nuevas tendencias simbolistas, nabis, neoexpresionistas y puntillistas. Entre los artistas que expusieron en su galería se cuentan Jacques-Émile Blanche, Toulouse-Lautrec, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, József Rippl-Rónai y Santiago Rusiñol, que en 1903 logró un gran éxito con sus Jardines de España.

El movimiento de recuperación de las artes aplicadas encontró en Bing un gran promotor. En su galería podían adquirirse objetos del movimiento Arts and Crafts inglés, vidrios del diseñador norteamericano Tiffany, vidrio de Daum, muebles de Georges de Feure y Gaillard, cerámicas de Van de Velde y joyas de Edward Colonna. En su afán de producir objetos de calidad para un público amplio, Bing impulsó talleres de muebles, cerámica y joyas.

El punto culminante de la carrera de Siegfried Bing fue la Exposición Universal de París de 1900. El pabellón de L´Art Nouveau, diseñado por Eugène Gaillard, Georges de Feure y Edward Colonna, tuvo un inmenso éxito de público, y museos de todo el mundo acudieron a él a comprar piezas.

Después de la Exposición Universal, L´Art Nouveau se convirtió en lugar de visita obligada. Bing seguía ofreciendo japonaiseries, bellas cerámicas y obras de arte nuevo. Gracias a su iniciativa, las artes aplicadas cobraron especial relieve, a la vez que ofrecían un punto de contacto entre Oriente y Occidente. Pero la rápida evolución del mundo artístico hizo que inesperadamente el art nouveau pasara de moda.

En 1904, un año antes de morir, Bing cerró su histórica tienda.

Otoños musicales en la República Checa

04/09/2005, En los meses de septiembre y octubre la República Checa celebra los encuentros de música clásica Otoño de Praga, Otoño de Moravia, Otoño de Dvorak y Otoño de Música Espiritual de Olomouc

En los meses de septiembre y octubre la República Checa celebra los encuentros de música clásica Otoño de Praga, Otoño de Moravia, Otoño de Dvorak y Otoño de Música Espiritual de Olomouc.

En los cuatro programas se presta una atención especial a la música checa, incluyendo obras de grandes compositores checos interpretadas por agrupaciones nacionales y extranjeras.

Entre el 12 de septiembre y el 2 de octubre la capital checa acoge la edición nº 15 del célebre festival internacional Otoño de Praga (www.pragueautumn.cz). El programa de 2005 abarca un total de 21 conciertos, que ofrecerán diez agrupaciones musicales procedentes del extranjero, así como cinco orquestas y tres coros de la República Checa.

El concierto inaugural correrá a cargo de la Orquesta Sinfónica de Luxemburgo, dirigida por Bramwell Tovey, y estará compuesto por el Concierto para Violín de Janacek así como una versión orquestal de las Danzas Checas de Smetana. Otras formaciones serán la Orquesta Sinfónica de Bournemouth, la Orquesta de Cámara Basel, varias orquestas zíngaras de Hungría, la Orquesta Sinfónica de Rusia, la Orquesta Filarmónica de Ciudad de México o la Orquesta de Bretaña, así como la Orquesta Sinfónica de Praga.

Entre los conciertos destacan la segunda interpretación a cargo de la Orquesta de Luxemburgo, que estará dedicada a la música Jazz, así como un concierto de tres piezas en conmemoración del final de la II Guerra Mundial.

Del 21 de septiembre al 8 de octubre la ciudad de Brno acoge una nueva edición del festival Otoño de Moravia (www.mhfb.cz). Esta 40 edición está dedicada a la estrecha relación que guarda la música clásica checa con la música folclórica del país. De este modo junto a formaciones como el Coro Filarmónico de Eslovaquia o la Orquesta Filarmónica de Brno se podrán disfrutar de las actuaciones de folclore eslovaco a cargo de Slovak Folk Art Ensemble SLUK, así como de intérpretes solistas internacionales. Junto con obras de grandes compositores checos como Dvorak, Smetana o Janacek el programa incluye obras de otros autores como Bach, Beethoven, Rachmaninov, Tschaikovsky, Brams...

A estos dos célebres festivales se suma el Otoño de Dvorak de Karlovy Vary, entre los días 2 de septiembre y 14 de octubre de 2005, que conmemora la obra del gran compositor checo, y el Otoño de Música Espiritual de la ciudad de Olomouc (www.hudba.olomouc.cz), entre el 25 de septiembre y el 15 de octubre. La ciudad morava, centro internacional de peregrinación, ofrecerá durante estos días conciertos religiosos de compositores checos como Jaroslav Šimíček, Jan Dismas Zelenka y Milos Bok, además de obras de Bach, Händel, Mozart o Vivaldi, entre otros.

 

El glaciar del Aneto está desapareciendo

03/09/2005, En 1894 el glaciar de Aneto-Maladeta contaba con 692 hectáreas, hoy apenas quedan 90, según ha destacado recientemente un equipo de Greenpeace.

El glaciar del Aneto está desapareciendo

El 26 de agosto, concluyó la expedición de jóvenes voluntarios de Greenpeace al glaciar del Aneto, en el Pirineo aragonés. Los jóvenes han documentado, sobre imágenes de distintas épocas del pasado siglo, el retroceso del glaciar y han comprobado con sus propios ojos que en la última década la velocidad de retroceso del glaciar se ha cuadruplicado.

En la actualidad la superficie del glaciar es de apenas 90 hectáreas. En 1894 el glaciar de Aneto-Maladeta contaba con 692 hectáreas, en cien años ha retrocedido un 64 por ciento y en los últimos diez esta pérdida ha aumentado hasta alcanzar más del 77 por ciento de su superficie.

Como fin de la expedición los activistas han desplegado sobre la superficie de hielo el mensaje No más CO2, para demandar al Gobierno español que aproveche la oportunidad de reducir las emisiones de CO2 fomentando las energías limpias. Greenpeace considera que los nuevos objetivos del Plan de Fomento de la Energías Renovables para 2010, anunciados por el Gobierno, no son suficientes para que España pueda cumplir Kioto.

"En 1990 yo acababa de nacer y el Glaciar del Aneto tenía entonces casi 200 hectáreas, hoy no queda ni la mitad. Es prácticamete seguro que en muy pocos años este glaciar y todos los glaciares pirenaicos, los únicos que quedan en la península, desaparecerán.", ha declarado, en nombre de sus compañeros, Yago Calbet, uno de los jóvenes activistas.

Greenpeace subió al glaciar de Monte Perdido el año pasado, y constató el preocupante estado de los glaciares debido al aumento de temperatura por el cambio climático inducido fundamentalmente por las emisiones de CO2. En un siglo se ha pasado de las 1.779 hectáreas a 290 en 2001, pudiendo llegar apenas a 65 hectáreas en este año. La fusión completa de los glaciares españoles se prevé entre el 2050 y 2070.

"El retroceso de los glaciares es una prueba incontestable que indica la necesidad de actuar hoy para detener un peligroso cambio climático que afectará severamente a la siguiente generación" -ha declarado Raquel Montón, responsable de la campaña de cambio climático de Greenpeace.- "La lucha contra el cambio climático necesita una mayor contribución de las energías renovables. Se puede y se debe apostar por objetivos más ambiciosos, puesto que es técnicamente viable y hay muchas empresas dispuestas a invertir en ellos".

 

Seacex. Programa de septiembre

03/09/2005, Dentro de las actividades de Seacex, sociedad estatal española encargada de promoción cultural en el exterior, figuran interesantes muestras, tanto en el interior como fuera de España

Dentro de las actividades de Seacex, sociedad estatal española encargada de promoción cultural en el exterior, figuran interesantes muestras, tanto en el interior como fuera de España.

En Buenos Aires, en el Centro Recoleta, el 7 de septiembre se inaugura una exposición del Equipo Crónica. Una selección de 59 obras representativas, procedentes del IVAM entre lienzos, acrílicos, obra gráfica y escultura

En Dallas, EEUU, el Meadows Museum presenta desde el 19 de septiembre al 13 de noviembre una muestra de Tapices Españoles del XVIII. Esta exposición intenta reflejar algunos aspectos del personaje universal que fue y es Don Quijote, mediante los tapices que se tejieron en Europa sobre el Quijote, especialmente los que Felipe V mandó realizar en la Real Fábrica de Madrid. El rey fue un admirador de la obra cervantina desde su época de estudiante, cuando leyó el Quijote, lo glosó, lo continuó y lo dibujó.

En el museo de Arte Abstracto de Zacatecas, México, se presenta una exposición de José Manuel Ciria, desde el 26 de septiembre al 30 de noviembre. La exposición ha conseguido reunir 50 obras del artista, realizadas en la última década, que ejemplifican cada faceta de su evolución artística, caracterizada por la coherencia y riqueza de recursos, preocupaciones estéticas y formales.

En la catedral católica de Casablanca, Marruecos, desde el 29 de septiembre al 30 de octubre, una muestra reúne una treintena de piezas entre mapas, paneles, fotografías y otros elementos expositivos para acercar al visitante al espacio geopolítico que conforman España y Marruecos. Pretende a través del arte, las costumbres y la historia reflejar la profunda relación y los lazos culturales que, más allá de las diferencias, han unido a ambos pueblos y han dejado un profundo legado.

En el museo de Arte de Singapur, del 30 de septiembre al 2 de noviembre se presenta una muestra de Antoni Tapies. Retrospectiva de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923), incluye más de un centenar de obras que datan desde los años cuarenta hasta la actualidad. A través de pinturas, objetos y esculturas, esta muestra, es la más completa realizada hasta el momento.

En la embajada de España en Bolivia, durante septiembre, una exposición cuenta, a través de sus 32 paneles gráficos y de un completo audiovisual con fragmentos musicales y cinematográficos, los hitos más memorables de El Quijote.

Tambien en Barcelona, en el museo de Historia de la Ciudad, sigue presentándose hasta octubre una muestra sobre El Quijote y Barcelona. La exposición pretende poner de manifiesto los lazos que unen Barcelona con el texto cervantino a través de 102 piezas, entre objetos y documentación originales, que hacen referencia a la vida cotidiana y a la repercusión que la novela ha tenido en la vida política y social de la ciudad.

 

Prudencio Irazabal en Artium

03/09/2005, Artium presentará en octubre “highlights”, la obra más reciente de Prudencio Irazabal. El artista alavés residente en Nueva York comparte el programa de otoño del museo vitoriano con Maider López, los Premios Gure Artea y Frank Gehry

Artium presentará en octubre “highlights”, la obra más reciente de Prudencio Irazabal. El artista alavés residente en Nueva York comparte el programa de otoño del museo vitoriano con Maider López, los Premios Gure Artea y Frank Gehry.

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presentará cinco nuevas exposiciones en su programa de otoño, cuatro de ellas dedicadas a artistas vascos y dos de éstas de carácter individual.

El creador alavés Prudencio Irazabal, que vive y trabaja en Nueva York desde hace más de 15 años, traerá al museo vitoriano la exposición “Highlights”, una amplia selección de sus más recientes obras.

La guipuzcoana Maider López presentará en “Coches” el resultado de varias intervenciones realizadas en el entorno urbano y natural en relación con el automóvil como símbolo de lo contemporáneo.

Poro otro lado, la exposición de los premiados en el certamen bienal del Gobierno Vasco “Gure Artea” cuenta en esta ocasión con obras de Ibon Aranberri, Iñaki Garmendia y Azucena Vieites, mientras que “25 obras de arte, 25 años de la UPV-EHU”, organizada con ocasión del 25 aniversario de la Universidad del País Vasco presentará obras de Darío Urzay, Txomin Badiola o Angel Bados, entre otros artistas.

El programa de otoño de ARTIUM se completa con una nueva exposición de la serie “Arquitectura del vino”, dedicada en esta ocasión al proyecto que Frank Gehry realiza para Bodegas Marqués del Riscal en Elciego.

Todas las exposiciones han sido producidas por ARTIUM de Álava, excepto Premios Gure Artea, por el Gobierno Vasco, y “25 obras de arte”, por la UPV-EHU.

El programa de inauguraciones de otoño en ARTIUM de Álava se abrirá con la exposición “Highlights” (Sala Este Baja, del 6 de octubre al 15 de enero de 2006) del artista alavés Prudencio Irazabal (Puentelarrá, Álava, 1954). Irazabal, que vive y trabaja en Nueva York desde hace casi dos décadas, expone regularmente en Estados Unidos y Europa, y su obra se encuentra en destacados museos y colecciones de ambos lados del Atlántico. Desde los 80, Prudencio Irazabal ha centrado su trabajo en la pintura, el color y la luz, y en la investigación de sus respectivos componentes. Sus obras hablan sobre la pintura en sí misma y se caracterizan por la sutileza en la gradación del color, aplicado en numerosas e imperceptibles capas de veladura para crear manchas indefinidas, sin forma, con resultados profundos, intensos y espirituales.

La exposición “Highligts” , la primera gran muestra del autor que reúne un conjunto de piezas concebidas y realizadas integramente para su exposición en un museo, reúne una veintena de piezas de reciente factura. En ellas, la continuidad de la línea de trabajo de Irazabal se ve rota por la aparición de un elemento nuevo, el toque de luz o reflejo (highlight), tradicionalmente utilizado como un recurso pictórico básico para la representación del volumen.

Mientras en la pintura figurativa clásica, este relejo llenaba una zona prevista con antelación dentro del lienzo, en las obras recientes del artista alavés aparece como una presencia extraña que aparentemente viola la integridad y equilibrio de la pintura. La intención de Irazabal no es otra que forzar al espectador a modificar la percepción de los colores de sus pinturas.

La exposición se completará con la publicación de un catálogo con textos de Bill Arning, conservador del Centro List de Artes Visuales del Instituto de Tecnología de Massachusetts y con la edición, dentro de la colección “Apuntes de estética ARTIUM” de la obra de Aristóteles “De coloribus”, uno de los primeros textos sobre teoría del color en la historia, que será, además traducido por vez primera al castellano y al euskera.

Quince días después de la apertura de “Highlights”, ARTIUM inaugurará la muestra de Maider López ”Coches” (Sala Norte, del 20 de octubre al 8 de enero de 2006), que supone un nuevo avance en la investigación artística de la artista guipuzcoana (Donostia-San Sebastián, 1975). Las instalaciones, intervenciones en el espacio arquitectónico y esculturas en las que el color adquiere un papel protagonista, dan paso a intervenciones en el espacio urbano y natural. Para ellos, Maider López se sirve del protagonismo y de la omnipresencia del automóvil en la ciudad y su invasión de la naturaleza.

La exposición está compuesta por una selección de fotografías de las diferentes acciones de la artista, tanto en espontáneos aparcamientos públicos como en parajes naturales, junto con una intervención sobre el espacio arquitectónico de la sala mediante objetos-señales de color. Maider López realizará además una intervención sobre un parking de superficie cercano al museo.

La Sala Norte de ARTIUM alojará también la exposición del certamen bienal Gure Artea, organizado por el Gobierno Vasco. Los artistas seleccionados para esta edición son Ibon Aranberri, Iñaki Garmendia y Azucena Vieites, que expondrán obras realizadas para la muestra que se celebrará en ARTIUM del 27 de octubre al 8 de enero de 2006. El comisario de la exposición es Peio Agirre.

El marcado acento vasco del programa de Otoño de ARTIUM se completa con la exposición “25 obras de arte, 25 años de la UPV-EHU”, organizada por la Universidad del País Vasco en su 25 aniversario (Sala Este Alta, del 17 de noviembre al 11de diciembre). Se trata de una exposición colectiva de profesores o ex-profesores universitarios galardonados en algún momento en los Premios Gure Artea. La muestra, comisariada por Xabier Sáenz de Gorbea, incluye 25 obras de Darío Urzay, Alfonso Gortázar, Ángel Bados, Jesús María Lazcano, Juan Luis Moraza, Dora Salazar o Txomin Badiola, entre otros autores.

Finalmente, ARTIUM inaugurará el próximo 10 de noviembre una nueva exposición de la serie “Arquitectura del vino”, en este caso dedicada al proyecto que el arquitecto canadiense Frank Gehry realiza para Bodegas Marqués del Riscal en Elciego, Álava. La exposición contará con fotografías, maquetas y audiovisuales sobre el hotel, cuya apertura está prevista para el los primeros meses de 2006. Una selección de piezas de titanio de diferentes tonalidades permitirá observar de cerca el material con que está realizada la cubierta del edificio

 

Turismo de invierno en Austria

02/09/2005, Turismo de Austria está ya promoviendo las vacaciones invernales en este hermoso país, en el que se juntan los atractivos culturales con la oferta de deportes de nieve

Turismo de Austria está ya promoviendo las vacaciones invernales en este hermoso país, en el que se juntan los atractivos culturales con la oferta de deportes de nieve.

Bajo el título de Austria naturalmente promocionan el país con sendos pinguinos, Joe y Sally, que han viajado por todo el mundo y finalmente se han dado cuenta que Austria es un buen lugar para quedarse.

Turismo Austríaco ha comprobado en el estudio de la marca que el encanto de los pingüinos establece una buena conexión con las bellas imágenes de Austria en invierno.

Joe y Sally representan a dos viajeros que siempre van juntos... La razón por la que son dos es porque las personas aspiramos también a compartir con alguien las experiencias hermosas. Representan viajeros que han experimentado ya lo más autentico, intensivo y cultivado y que en Austria pueden disfrutar de todo este tipo de experiencias en un país con encanto.

Entre las novedaes que acompañan este invierno están los vuelos a bajo coste que SKY EUROPE hace más factible el gozo de las ciudades en invierno y el esquí en el país alpino. Mediante esta línea ya se puede llegar a la ciudad natal del genio de música, Salzburgo. Por cierto, Austria celebra el 250 aniversario de Mozart en 2006.

Una hora con Mozart

Nuevo programa en el teatro de las marionetas de Salzburgo. En la hora con Mozart se pueden vivir los momentos más impresionantes de las óperas del este autor: El rapto del serrallo, Don Juan y La flauta mágica. Es un pequeño viaje a través de la ópera, en el cual se refleja la vida en su complejidad. Amor, pelea, separación y reconciliación.

El teatro de las marionetas de Salzburgo ofrece desde este verano una vez por semana las representaciónes de Una hora con Mozart a los visitantes de la ciudad natal del gran músico. Está pensado para visitantes de Salzburgo que sólo pasan 1 día en la ciudad y no tienen ocasión de estar más de una hora en un teatro de la ópera.

El año próximo, 2006, año conmemorativo del 250 aniversario de Mozart, será dos o tres veces por semana, que el teatro de las marionetas de Salzburgo tendrá esta obra en su programa.

Viena y vino

Con aproximadamente 700 hectáreas de viñedos, Viena es la única ciudad con millones de habitantes del mundo que dispone de una región vinícola propia. El vino “Junge Wiener“ es esperado cada año con impaciencia.

Del 15 de octubre hasta el 30 de noviembre invita la campaña “Viena y vino“ a descubrir el “Junge Wiener “ así como las mejores cosechas durante actos de todo tipo: desde la cata de vinos hasta excursiones por los viñedos, desde el brunch con vino y música de jazz hasta la fiesta del “ganso asado”.

Navidad en Viena.

La Magia del Adviento en Viena presenta mundos de vivencias navideñas. Es el lado más romántico de la urbe, con muchos mercadillos navideños llenos de ambiente.

Con sus árboles iluminados para las fiestas navideñas en el parque del Ayuntamiento y los 145 puestos decorados del tradicional Mercadillo del Niño Jesús invita la ”Magia del Adviento” vienés a dar una vuelta y comprar regalos de Navidad.

También el patio principal de la antigua residencia de los Habsburgo, el palacio de Schönbrunn, está sumergido en una luz navideña. En un ambiente imperial ofrecen objetos tradicionales, bisutería y decoración típica para el árbol de Navidad, todo hecho a mano.

Otro lugar magnífico es el palacio de Belvedere: todo un pueblecito navideño con docenas de puestos invita a dar una vuelta y retomar fuerzas probando alguna especialidad. Y el “Invierno en el MQ“ cuenta con un pueblo de iglús en el patio principal del Barrio de los Museos (MuseumsQuartier), donde se puede tomar ponche caliente y probar especialidades navideñas.

Impresionistas

Y para los amantes del arte, otra cita especial. Los impresionistas del Museo de Orsay, en el Museo Leopold

Del 30 de septiembre hasta enero de 2006 muestra el Museo Leopold en el Barrio de los Museos (MuseumsQuartier) obras de la colección de impresionistas franceses del Musée d´Orsay de París. Se podrán ver trabajos principales de Monet, Degas, Manet y Cézanne, aunque también está representado Van Gogh.

Tambien otra muestra de interés: La muestra “Superstars“ del BA-CA Kunstforum y Kunsthalle Wien revela los mecanismos del culto a famosos y la locura por los logotipos con obras de Picasso, Andy Warhol, Jeff Koons, Annie Leibovitz y muchos más. Del 3 de noviembre de 2005 al 22 de febrero de 2006.

Bonds, en Nueva York

01/09/2005, Bonds es un proyecto expositivo que será mostrado por primera vez en la Fundación ISE Cultural Foundation de Nueva York en el próximo mes de Septiembre

"Bonds" es un proyecto expositivo que será expuesto por primera vez en la Fundación ISE Cultural Foundation de Nueva York en el próximo mes de Septiembre. La exposición se inaugura el 16 de Septiembre y se podrá visitar hasta el 5 de Noviembre.

La exposición “Bonds” está comisariada por Ana Vázquez y David Rodríguez Caballero. Por primera vez comisarios españoles son seleccionados por esta fundación japonesa con sede en Tokio y Nueva York en el programa “Emerging Curators”. Asimismo, es también la primera vez que artistas españoles muestran su trabajo en dicho espacio.

“Bonds” explora uno de los principales rasgos de la escena artística contemporánea: la apropiación de valores culturales como estrategia para el desarrollo del discurso artístico. Cinco artistas (Noriko Ambe, Ten+Goku (Sacré Nobi y Hajime Watanabe), Isabel Ulzurrun y David Rodríguez Caballero) manipulan elementos de otras culturas y los vacían de significado para interpretarlos desde sus propios contextos culturales. Esta combinación de bagaje cultural y universo personal genera, no sólo nuevos productos, sino una amplificación del significado original de los elementos utilizados. En “Bonds”, los artistas españoles trabajan con referencias orientales (kimono, origami, anime, jardín japonés) y los artistas orientales (nacidos y/o educados en Japón) con referencias occidentales como la iconografía católica o los emblemas de la Ilustración Europea. Así, se establecen los vínculos o lazos que dan nombre a esta exposición.

LOS ARTISTAS

Noriko Ambe, presenta en ISE sus elegantes y delicadas esculturas de papel; Ambe manipula capas de papel y hace referencia a paisajes inventados y estratos geológicos; a veces, el paisaje se realiza sobre papel japonés blanco y otras, sobre objetos de alta carga simbólica, como Atlas o libros de Anatomía occidentales

Ten+Goku, el colectivo formado por Sacre Nobi (aka Nobi S) y Hajime Watanabe se apropia de iconografía católica y la “orientaliza”. Así, el significado original de la Piedad, o la Virgen cambia por completo. En el espacio del Soho, Ten+Goku presenta dos fotografías en Cybachrome que muestran el interés de estos dos artistas por colocar dos de los símbolos más representativos de la iconografía occidental en un entorno distante de aquel para el que fueron creados.

Isabel Ulzurrun revisita el concepto de kimono con sus sutiles vestidos esculturales. El resultado de Ulzurrun está muy lejos de las formas y funciones originales de esta prenda tradicional. Sus intervenciones parten de técnicas y materiales occidentales. Isabel Ulzurrun muestra dos piezas en la exposición.

“Subiendo al interior, 2003 resume su investigación sobre el kimono, convirtiéndolo en elemento escultural y anulando los aspectos relacionados con la funcionalidad de este elemento. “Capita de miedo, 2004” evoca una armadura de guerrero a la vez que un artilugio de protección del miedo de forma extremadamente poética,: mediante una capa realizada con palillos japoneses.

La propuesta de David Rodríguez Caballero hace referencia al jardín japonés y a técnicas ancestrales orientales como es el origami, siempre desde una perspectiva iconoclasta. Su trabajo se caracteriza por la utilización de materiales industriales, el vacío de iconografía, la geometría y los tratamientos pictóricos. Rodríguez Caballero presenta a través de “Jardín Oriental, 2005” y “Jardín Occidental, 2005” una propuesta desde parámetros pictóricos que le permite establecer puntos de diálogo entre las culturas de Oriente y Occidente.

Estos cinco artistas, al volcar sus diferentes mundos establecen diálogos interculturales y multidisciplinares. “Bonds” pretende, no solo tender puentes sobre disciplinas, sino también sobre las variadas maneras de comprender distintos dominios culturales.

ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS

“Bonds” cuenta con una serie de actividades paralelas realizadas en colaboración del King Juan Carlos I Center (New York University, NYU). El día 19 de septiembre (7-10 pm) se celebrará una mesa redonda con el título: “Artistas y Comisarios Españoles en Nueva York) en la sede del centro.

El proyecto Bonds es posible gracias a la colaboración del Consulado Español en Nueva York, King Juan Carlos I Center (New York University, NYU). y Valentina Cerámicas.

 

Feria de Turismo Cultural, en Málaga

28/08/2005, Se va a celebrar la segunda edición de la Feria Internacional del Turismo Cultural, en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga del 13 al 16 de octubre de 2005

Se va a celebrar la segunda edición de la Feria Internacional del Turismo Cultural, en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga del 13 al 16 de octubre de 2005, una convocatoria importante si consideramos la importancia del turismo cultural como elemento potenciador de la actividad económica

Además, la iniciativa supone, según los organizadores, una apuesta decidida por dotar a nuestro país de una convocatoria única en Europa que se convierta en punto de encuentro y comercialización turística de este producto.

En esta edición, vuelve a celebrarse el encuentro de trabajo sobre comercialización promovido por Turespaña, en el que participan los principales compradores de producto internacionales con el objetivo de encontrarse con los empresarios privados e instituciones expositoras del certamen.

Como actividades paralelas, además de la anterior, destacan las siguientes:

 Jornadas organizadas por la OMT sobre Turismo Cultural, Sostenibilidad en los Destinos.

 Zona de Operación Nacional. En el marco de la feria y dentro del Pabellón Ferial se montará una zona abierta para donde estarán presentes los jefes de producto de los principales operadores nacionales que trabajan el producto del turismo cultural y tienen interés en ampliar su programación y contactar con los destinos para tal fin. Se mandará lista de los operadores presentes con proximidad a la feria para que los expositores se puedan organizar sus visitas y encuentros con los mismos .

Productos de interés son, por ejemplo, las rutas culturales y gastronómicas, las zonas arqueológicas, museos, ciudades Patrimonio, turismo idiomático, turismo religioso, etc.

Se enfocan los trabajos hacia las agencias de viaje y operadores especializados de turismo cultural, prescriptores de turismo cultural, guías de turismo, técnicos de la Administración y entidades de consultoría

 

Arte africano

01/08/2005, Pero mientras en Europa y América se pintaban o esculpían vírgenes, héroes o santos cargados de vigor y belleza, en los países africanos se hizo una escultura absolutamente distinta

Tomás Alvarez

Hace más de dos mil años, los artistas griegos esculpían magníficas figuras humanas, en las que buscaban la perfección de la belleza y el equilibrio de las formas. Hicieron a los humanos como dioses o a los dioses como representantes perfectos de la raza humana.

El canon de medidas implicaba que la cabeza era un séptimo del cuerpo, una medida que adoptó Policleto, quien realizó todo un esquema constructivo de la figura humana. El Renacimiento relanzaría ese ideal de belleza, superando un medievo en el que se olvidaron los cánones helénicos.

Pero mientras en Europa y América se pintaban o esculpían vírgenes, héroes o santos cargados de vigor y belleza, en los países africanos se hacía una escultura absolutamente distinta, en la que las partes del cuerpo no guardan equilibrio ni simetrías.

Figuras humanas cargadas de simbolismo religioso, realizadas por artistas anónimos, con trazos firmes, a la vez simples y exagerados, nos siguen asombrando por su fuerza expresiva. Hoy ya han dejado de ser ídolos o guardianes de recintos de los viejos ancestros, son simplemente "arte africano"

Al igual que hacen los pequeños, cuando pintan a sus seres cercanos, el artista africano realza los elementos más identificativos de la figura humana. La cabeza pasa a ser un cuarto o un tercio del conjunto, los brazos a veces son tambien desproporcionados con el resto del cuerpo; se resaltan los ojos, la boca... Se simplifican las formas, llegando a formulaciones que serían del agrado de los cubistas.

Los trabajos de arte africano habían llegado a museos y colecciones reales europeas desde que los europeos fueron explorando el continente del sur. Formaban parte de los Gabinetes de curiosidades de algunos pocos y Цya en el siglo XIX- de los museos de ciencias naturales o antropología.

Máscaras, estatuillas y piezas de bronce o marfil, llegaron a Europa desde el siglo XVI, donde se mostraron como ídolos, fetiches u objetos de magia. Pero la visión curiosa de estos elementos pasó a ser análisis ávido en el caso de aquellos artistas que en el tránsito del siglo XIX al XX estaban intentando conducir al arte por nuevos derroteros.

Los artistas de las vanguardias europeas buscaron en el arte africano una nueva fuente de inspiración, como ya lo habían hecho anteriormente otros con el arte oriental. Picaso, Gris, Modigliani o Braque admiraron e imitaron la estilización de las figuras. Basta mirar el cuadro de Las señoritas de Aviñón, para encontrar en él las máscaras que el propio Picasso tenía colgadas en su estudio.

La máscara y la estatuilla africana no buscaba el antropomorfismo, la imitación naturalista. El rostro se agranda y pierde proporciones naturales mientras gana en rotundidad de planos y volúmenes esféricos... de ahí al cubismo, un paso. No acabó ahí el aprovechamiento de la enseñanza africana. Los fauvistas tambien se interesaron por el cromatismo exaltado de las máscaras.

La rotundidez de formas, la expresividad de las obras hace que estas sean admiradas en multitud de museos de todo el mundo, aunque las mismas hayan perdido en su nueva ubicación el contexto y el significado mágico o sagrado. El observador no verá en ellas al ser (ancestro o divinidad) personificado, sino a los componentes estéticos, el ritmo... Y aún así admirará las formas y la expresividad.

Recogiendo materiales de colecciones privadas de Barcelona, la Fundación Caixa de Girona, activa entidad cultural catalana, presenta del 22 de julio al 8 de septiembre una selección de piezas provenientes de distintos territorios africanos, básicamente de Etiopía, los países ecuatoriales y los del Níger, una bella colección de obras de distintas culturas.

Entre ellas, las figuras de brazos levantados, tellem, del territorio de Malí; los byeri, del entorno de Gabón, dedicados al culto a los antepasados o los relicarios Kota, figuras de enorme simplicidad, rostro oval y formas planas, hechos de cobre o con chapas de materiales recogidos de las estancias de navíos portugueses que desde el siglo XVI frecuentaron el Ѕfrica central.

Entre las figuras, también, las máscaras blancas, de uso ritual, pero de una estética que recuerda a las del teatro japonés.

Es comisario de la muestra Fernando Pujol, quien escribe en el catálogo: "la simpleza de líneas y volúmenes de la escultura africana, prácticamente siempre monóxila, contrasta con su impacto emocional (...) Sus registros parecen básicos y elementales pero su ejecución está poseída por la inspiración más pura y auténtica".

"Hay algo extraordinario en la estatuaria africana. Cuando uno mira detenidamente los ojos de una figura o máscara acaba por descubrir que ella también le observa. Es el don de la mirada salvaje y, en ese mismo instante, se abre la puerta del sincretismo primitivo; entonces uno empieza a entender..."

En definitiva: arte y magia.

 

Una exposición singular en honor del Quijote

30/07/2005, El consistorio de una pequeña población del noroeste español, Villamejil, en la provincia de León, se presenta en agosto una de las más bellas exposiciones que se pueden ver en España en este año dedicado al Quijote

Ilustrar El Quijote

El consistorio de una pequeña población del noroeste español, Villamejil, en la provincia de León, se presenta en agosto una de las más bellas exposiciones que se pueden ver en España en este año dedicado al Quijote.

"Visiones en torno al Quijote" es un ejercicio especial de los mejores ilustradores españoles del final del siglo XX. La exposición está integrada por obras originales realizadas por los 24 galardonados con el Premio Nacional de Ilustración Infantil y Juvenil, otorgados desde el año 1978 por el ministerio de Cultura de España.

La novela más célebre de la literatura universal, "Don Quijote de la Mancha", no ha quedado sólo en el ámbito literario, sino que ha servido para que artistas de todos los tiempos hayan realizado magníficas obras con los personajes de la historia cervantina.

La vida del Quijote se inicia cuando Miguel de Cervantes entrega su novela al público, entre los últimos días de 1604 y los primeros de 1605. Se saben pocos detalles: se desconoce el lugar exacto en que se escribió, se imprimió en el taller de Juan de la Cuesta y se financió por el librero-editor Francisco de Robles.

La imaginación y el héroe idealista.

Fue recibido como un libro ingenioso, divertido y algo moralizante, antes de catalogarlo como cumbre de la literatura universal. Apenas unas décadas después de ser escrito, las figuras del ingenioso hidalgo y su panzudo escudero ya estaban siendo reproducidas hasta en lugares tan lejanos como Inglaterra o China.

Se dice que el libro de Miguel de Cervantes es, probablemente, la obra literaria que más ha despertado la imaginación de los artistas gráficos. El hidalgo y su escudero pronto fueron personajes populares. Aparecieron en actos y estampas en puntos de España, Europa y el Nuevo Mundo. En muchos casos, la nobleza adornó sus mansiones con tapices alusivos, como hizo María de Médicis en 1640 en su castillo de Cheverny.

En la primera edición, el libro apareció con un caballero y su escudero en la portada, aunque las estampas características del Quijote se iniciaron en 1618 en la edición londinense. Y ya no se pararía.

Multitud de artistas, especialmente grabadores, reinterpretaron esas imágenes, que enriquecieron las sucesivas ediciones del Quijote adornando un libro que se convirtió en el referente básico de la novela moderna.

Un hidalgo huesudo y un escudero panzudo.

En la obra ya se marcan las líneas físicas de los personajes. El ingenioso hidalgo “de complexión recia, seco de carnes y enjuto de rostro”, y su compañero de aventuras y desventuras con “barriga grande, el talle corto y las zancas largas”, definiciones que han servido tanto para los ilustradores como para las versiones cinematográficas.

Esas ilustraciones se han realizado durante cientos de años, y –consecuentemente- vienen teñidas de las tendencias de cada época. Barroco, romanticismo, realismo o vanguardias influyeron directamente en los ilustradores de cada tiempo. Para ir transformando unas imágenes con sabor arcaico a otras en las que resplandecen los códigos expresivos de la modernidad

Hay versiones de Don Quijote como figura cómica que promueve a la risa; otros exaltan la nobleza; los románticos el aspecto visionario. Si el caballero es frágil, su lucha genera patetismo, simpatía y conmiseración; cuando se hace más imponente se transforma en grotesca... .

En este año cervantino, se han visto numerosas exposiciones, en las que no han faltado las vinculadas al arte, con imágenes de los viejos ilustradores o de pintores como Goya, Daumier, Cezanne, Picasso, Dalí, Matta Gauguin o Saura.

Una muestra original.

Entre las exposiciones del IV centenario del Quijote, hay una especialmente sugerente, en la que se une edición y arte. Se trata de "Visiones en torno al Quijote", una muestra que recientemente se presentó en Bolonia, Italia, y que en la primera quincena de agosto se puede ver en el consistorio de una pequeña población del noroeste español, Villamejil, en la provincia de León. Posteriormente viajará a Salamanca y Chile.

"Visiones en torno al Quijote" es un ejercicio especial de los mejores ilustradores españoles del final del siglo XX. La exposición está integrada por obras originales realizadas por los 24 galardonados con el Premio Nacional de Ilustración Infantil y Juvenil, otorgados desde el año 1978 por el ministerio de Cultura de España.

En esta muestra, cada uno de los premiados aporta su particular interpretación del personaje de Don Quijote o de algún episodio de la novela, con estéticas dispares, pero todas caracterizadas por la belleza.

En el catálogo de la muestra se destaca la oportunidad de la exposición, que contribuye a difundir y realzar la figura universal creada por Miguel de Cervantes, pero a la vez permite divulgar a quienes son los creadores españoles más destacados en el ámbito de la ilustración.

En la exposición realizada con el patrocinio del ministerio español de Cultura de España, Caja España, el Ayuntamiento de Villamejil, y organizada por la Asociación Cultural Rey Ordoño I, se cuenta con obras de los siguientes autores:.

Ulises Wensell, Carme Solé Vendrell, Miguel Angel Pacheco, Luis de Horna, Teo Puebla, Jesús Gabán, Asun Balzola, Alfonso Ruano, Francisco Meléndez, Montse Ginesta, Miquel Calatayud, Gusti, Javier Serrano, Arnal Ballester, Pep Montserrat, Francesc Infante, Max, Montse Gisbert, Carmela Mayor, Oscar Villán, Judit Morales, Federico Fernández, Ajubel y Pablo Amargo.

Coordinan la misma Isabel Ruiz de Elvira, Isabel García García y Marta Pérez Domínguez.

Esta exposición se integra en un ciclo de homenaje a Cervantes y su novela. Sus organizadores explicaron que en el Quijote se describe a un personaje, un valeroso soldado, que nace en España, pasa a Italia, se alista a las órdenes del capitan Diego de Urbina y luego pasa a combatir en Lepanto; cae posteriormente cautivo y acaba planeando su fuga del norte de África para retornar a España. Todos estos datos del personaje coinciden con los de la propia vida de Cervantes.

En el Quijote, este personaje –a quien muchos identifican como un alter-ego del Cervantes- se presenta como originario de un lugar humilde de las montañas de León. Por eso ahora desde esas montañas leonesas se decide recordarle de manera especial.

Para apoyar la muestra, se ha programado una serie de actividades culturales, con intervenciones de personalidades como el director del Libro, Archivos y Bibliotecas, Rogelio Blanco; el presidente de la comisión del IV centenario del Quijote, J. M. Blecua, y el prestigioso escritor Jose María Merino.

 

La capilla de Ronchamp: medio siglo

30/07/2005, Aunque nacido en Suiza, los franceses estiman que Le Corbusier es uno de sus arquitectos más emblemáticos. Y este año celebran el 50 aniversario de una obra excepcional: la capilla de Ronchamp

Aunque nacido en Suiza, los franceses estiman que Le Corbusier es uno de sus arquitectos más emblemáticos. Y este año celebran el 50 aniversario de una obra excepcional: la capilla de Ronchamp

El arquitecto nació en La Chaux-de-Fonds (Suiza), en 1887 y murió en Roquebrune-Cap-Martin (Francia), en 1965. es el precursor de la arquitectura racionalista, y destacó por la armonía y simplicidad de sus líneas, cercanas al cubismo.

En Ronchamp, Franco Condado, se encontraba una iglesia vinculada desde el medievo a las peregrinaciones. Quedó destruida en buena parte durante la Segunda Guerra Mundial, por los bombardeos de 1944. Curiosamente, la comisión que organizó la recuperación del lugar llamó a un arquitecto ateo, hijo de madre protestante, para que levantara la nueva iglesia. …l dijo que no.

Ante la insistencia de diversos estamentos, visitó el lugar y le encantó el paisaje abierto a todos los horizontes. Entonces decidió emprender la obra. Cinco años más tarde se inauguraría lo que el definió como lugar de silencio, plegaria y alegría interior

Cemento armado blanco coronado por un techo ondulado de volumen desmesurado. Líneas ondulantes, curvas, puras y planos inclinados. Libertad plástica para dominar, desde la armonía, un entorno ligado a la historia y a lo sagrado.

La Capilla Notre Dame du Haut de Ronchamp se levanta sobre la llanura del Saona. No parece un elemento pesado, sino una construcción ligera. Las ventanas se esparcen de manera libre, para lograra los niveles de luz que el arquitecto eligió. Lo que más le costó fue la ubicación de la cruz y su relación con el altar.

El espacio interior es una nave oblonga con un altar central y tres capillas bajo las torres, Por las tres torres se recibe la luz que ilumina los altares. El lugar tiene una buena acustica.

Le Corbusier, Charles-Edouard Jeanneret-Gris, nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds, cerca de Neuchвtel, en Suiza. Inició estudios de arte en su lugar natal y en 1907 ,marchó a París, donde tomó el apelativo de le Corbusier, en alusión al cuervo, por su connotación inconformista.

Teorizó sobre el arte y en 1918 realizó un manifiesto, "Aprиs le cubisme". Ya en 1922 planifica la ciudad con una visión moderna, introduciendo la edificaciones en medio del jardín

Le Corbusier rompió fronteras entre arquitectura, pintura y escultura, y sus creaciones han influido poderosamente y siguen haciéndolo en generaciones enteras de profesionales. Sus primeros edificios puristas de los años veinte dejaron paso a visiones espaciales y luminosas de los cincuenta, como la capilla de Ronchamp, el monasterio de Tourette o el capitolio de Chandigarh.

Construyó viviendas, villas, palacios, edificios públicos; diseñó espacios urbanos, e hizo pinturas y esculturas. …l definió la arquitectura moderna como "juego correcto y magnífico de formas en la luz" y creó un mundo totalmente nuevo de formas arquitectónicas basado en la proporción matemática.

Murió el 27 de agosto de 1965 a causa de un ataque cardíaco mientras nadaba en el Mar Mediterráneo.

 

Aumenta la velocidad del deshielo en Groenlandia

25/07/2005, Científicos a bordo del barco de Greenpeace Artic Sunrise han descubierto en la costa oriental de Groenlandia la aceleración del deshielo de uno de sus glaciares

Científicos a bordo del barco de Greenpeace Artic Sunrise han descubierto en la costa oriental de Groenlandia la aceleración del deshielo de uno de sus glaciares. Estas observaciones confirman las predicciones de los científicos respecto de la aceleración de los impactos del cambio climático.

El barco de Greenpeace está en Groenlandia este verano, documentando las evidencias y los impactos del cambio climático de esta parte del Ártico. Los científicos del Climate Change Institute de la Universidad de Maine (EE.UU.), desarrollan un estudio independiente sobre las variaciones en los glaciares como pruebas del actual cambio climático.

según los ecologistas, las conclusiones preliminares indican que debido al deshielo, provocado por el cambio climático, el Glaciar Kangerdlugssuaq sobre la costa oriental de Groenlandia podría ser uno de los glaciares que se mueve más rápido de todo el mundo con una velocidad de casi 14 kilómetros por año. Las medidas fueron hechas esta semana usando la metodología GPS de alta precisión. Los resultados fueron comparados con medidas hechas con las imágenes de satélite y revelaron que la velocidad del glaciar era en el año 1996 de cinco kilómetros por año. Además, el glaciar Kangerdlugssuaq retrocedió inesperadamente aproximadamente cinco kilómetros desde 2001 después de haberse mantenido en una situación estable en los 40 años anteriores.

El glaciar Kangerdlugssuaq transporta el hielo desde el corazón de Groenlandia al océano y los icebergs que descarga contribuyen a la subida de nivel del mar. El glaciar Kangerdlugssuaq transporta o "descarga" únicamente el 4% del hielo de la capa helada de Groenlandia, y cualquier cambio de la velocidad de estos glaciares es de una enorme importancia en términos de subida de nivel del mar.

"Es un descubrimiento dramático"- ha declarado el Doctor Gordon Hamilton, que realizó las medidas para la sobre el Glaciar Kangerdlugssuaq en la costa oriental de Groenlandia con la Universidad de Maine- "Nos preocupa enormemente los efectos del cambio climático sobre éste y otros glaciares similares.".

"Estos nuevos resultados nos indican que las pérdidas en la capa helada de Groenlandia, a no ser que sean equilibradas por un aumento equivalente en las nevadas, pueden ser más grandes y más rápidas que las estimada hasta ahora, "- ha declarado el Doctor Hamilton-"Como el calentamiento tiende a aumentar en el norte, los glaciares en las latitudes más altas de Groenlandia también podrían responder de la misma manera que el Kangerdlugssuaq, lo que podría tener serias implicaciones sobre la cuantía de la subida del nivel del mar. "

Según Greenpeace, la capa helada de Groenlandia se podría fundir si el calentamiento en la región alcanza aproximadamente 3oC. Si esto ocurriera, el nivel de mar se elevaría aproximadamente siete metros durante algunos miles de años. Sin embargo, medio metro o un metro en la subida del nivel de mar durante este siglo tendría impactos significativos sobre la sociedad. Más del 70 por ciento de la población mundial vive en zonas costeras, y 11 de las 15 ciudades más grandes del mundo se encuentran en la costa o deltas.

"El retroceso de los glaciares de Groenlandia es un mensaje urgente que indica la necesidad de actuar hoy para detener un peligroso cambio climático

 

La pintura napolitana en Madrid

21/07/2005, Del 21 de julio al 18 de septiembre, en el Centro Conde Duque de Madrid se expone un interesante muestra: “Del Barroco al Romanticismo. Pintura napolitana de la colección Neapolis”

Por Ana Alvarez

Del 21 de julio al 18 de septiembre, en el Centro Conde Duque de Madrid se expone una interesante muestra: “Del Barroco al Romanticismo. Pintura napolitana de la colección Neapolis”.

Son 66 pinturas de maestros vinculados a la ciudad de Nápoles y que sirven para mostrar el esplendor artístico que alcanzó esta ciudad mediterránea, un esplendor vinculado notablemente a España, dados los vínculos familiares de los reyes napolitanos y españoles.

La muestra se organiza en colaboración con Caja Duero, y en ella se integra a un medio centenar de artistas pertenecientes. La Colección Neapolis se presenta por primera vez en España, y es la que aporta este magnífico bagaje artístico.

Incola Spinosa es el comisario. Experto en pintura napolitana, inicia el recorrido expositivo con una Adoración de los reyes Magos, de Criscoulo, de la primera parte del siglo XVI.

Luego introduce trabajos de maestros como Ribera, Luca Giordano, Giuseppe Carelli, Antonio Joli, Fidele Fischetti o Juan Ruiz, para cerrara con la visión romántica y sentimental de Nápoles de la Escuela de Posillipo, de principios del siglo XIX.

Spinosa, comisario de la exposición, destaca en el catálogo de la muestra la importancia de colecciones privadas como la de la Fundación Neapolis que surgió gracias al amor al arte y la pasión por la historia de la propia ciudad y que ha buscado por todo el mundo pinturas de su ciudad, de su memoria histórica.

Algunas obras expuestas testimonian los lazos que unen a la ciudad de Nápoles con España y muestran la potencialidad de la ciudad como uno de los focos fundamentales de creación artística de la época.

Entre los cuadros hay que destacar una excelente muestra de paisajismo o cuadros mitológicos de interés, como el de la venus de Luca Giordano, de influencia tizianesca

Ana Alvarez Estilo y Moda

 

Programación 2005-2006 de Fundación la Caixa

20/07/2005, La nueva temporada de exposiciones de la Fundación la Caixa tiene alto interés. Acogerá, entre septiembre de 2005 y agosto de 2006, más de treinta muestras, una veintena de ellas, inéditas en España

Fundación la Caixa presenta más de veinte muestras inéditas

La nueva temporada de exposiciones de la Fundación la Caixa tiene alto interés. Acogerá, entre septiembre de 2005 y agosto de 2006, más de treinta muestras, una veintena de ellas, inéditas en España.

Entre los acontecimientos: la más completa exposición organizada hasta la fecha sobre el Imperio Aqueménida; la primera retrospectiva internacional dedicada a la fotógrafa Diane Arbus; Henry Moore a través de las esculturas más sobresalientes y representativas de su trayectoria; unas 400 piezas de art nouveau que circularon por la tienda parisina del gran marchante de arte Siegfried Bing; pinturas y esculturas de artistas consagrados como Klee, Tàpies y Miró exhibidas junto a las de creadores anónimos e indoctos, socialmente desplazados o enfermos mentales; una aproximación a la animación digital, y el mundo romano en las Illes Balears.

Se presentarán en CaixaForum Barcelona, las salas de exposiciones de Madrid y Girona, los centros culturales de Tarragona, Lleida y Palma, y la Sala Montcada, así como en otras localidades.

CAIXAFORUM BARCELONA

· L´Art Nouveau. El legado de Siegfried Bing (del 7 de septiembre de 2005 al 29 de enero de 2006). Esta exposición analiza el desarrollo del art nouveau y la fusión de las artes plásticas con las artes aplicadas en un estilo nuevo a partir de unas cuatrocientas piezas que circularon por la tienda de Siegfried Bing: artículos de vidrio de Tiffany; óleos y esculturas de Toulouse-Lautrec, Rodin, Degouve de Nunques, Meunier y Vuillard; mobiliario, cerámica y joyas de Van de Velde, Colonna, De Feure, Gaillard, etcétera. La exposición se ha visto en el Van Gogh Museum de Amsterdam y en el Museum Villa Stuck de Múnich.

· Tiempos de vídeo. 1965-2005. Colección Nouveaux Médias del Centre Pompidou, con la participación de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa” (del 28 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006). Esta exposición presenta una selección de unas treinta obras de la Colección Nouveaux Médias del Centre Pompidou, una de las más importantes de su género. Desde la televisión hasta el cine y su influencia social y artística, pasando por los nuevos dispositivos como la multiproyección y la instalación, la muestra traza un recorrido por las diversas fórmulas que han convertido este medio en uno de los más extendidos en el panorama artístico internacional. Entre los artistas presentes destacan Nam June Paik, Bill Viola, Dan Graham, Peter Campus, Tony Oursler, Walid Raad, Pierre Huyghe, Aernout Mik, Stan Douglas, Valie Export, Bruce Naumann, Cui Xiu-Wen y Chris Marker.

· La mirada del artista. La experiencia de lo pictórico (de finales de enero a principios de mayo de 2006 y de finales de mayo a principios de septiembre de 2006). Abrirse a nuevos puntos de vista, explorar nuevas perspectivas y participar en otros discursos es un propósito que la Obra Social ”la Caixa” quiere llevar a cabo a través de su Colección de Arte Contemporáneo. Estas dos exposiciones, que se presentarán en CaixaForum a lo largo de la temporada 2005-2006, consisten en una mirada centrada en el fondo pictórico de la Colección, de la mano de dos artistas: Juan Uslé y Soledad Sevilla. Cada uno de ellos seleccionará las obras tratando de establecer una relación entre sus propios intereses, en tanto que artistas, y una posible revisión de las mismas, en tanto que comisarios.

· Diane Arbus. Revelaciones (de mediados de febrero a mediados de mayo de 2006). Esta exposición constituye la primera retrospectiva internacional de la obra de Diane Arbus y también la muestra más completa jamás reunida hasta ahora. Está formada por unas doscientas fotografías de entre las más emblemáticas de la artista, procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchas de las cuales se exponen por primera vez. La muestra permite conocer su método de trabajo y sus influencias intelectuales a través de hojas de contacto, cámaras, cartas, cuadernos de notas y otros escritos. La muestra se ha visto en el San Francisco Museum of Modern Art, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Victoria & Albert Museum de Londres.

· El imperio olvidado. El mundo de la antigua Persia (de principios de marzo a mediados de junio de 2006). Esta exposición, además de ser la más completa muestra organizada hasta hoy sobre el imperio persa aqueménida, reúne una inédita selección de obras procedentes del Museo Nacional de Teherán, que por primera vez cruzan las fronteras de Irán. Junto a éstas, podrá admirarse un importante número de piezas cedidas por el British Museum y el Museo del Louvre, hasta un total de aproximadamente quinientos objetos, entre esculturas, vasos de oro, joyas, armas, murales... Producida por el British Museum, sólo podrá verse en Londres, desde septiembre de 2005, y después en CaixaForum.

· Historias animadas (de principios de junio a mediados de septiembre de 2006). A través de películas, instalaciones y proyectos multimedia de una quincena de artistas, esta exposición ofrece una amplia selección de los diferentes formatos utilizados en el campo de la animación, siempre bajo una voluntad crítica respecto al entorno. Animaciones que parten de los característicos dibujos al carbón o a lápiz, sofisticadas combinaciones entre modelado y dibujo, la estética de los videojuegos, los espectaculares programas en 3D, la proyección monocanal, las multiproyecciones, las instalaciones y el acceso a internet son algunos de los formatos, técnicas y dispositivos presentes en la muestra. Tras su paso por CaixaForum, la exposición podrá verse en Le Fresnoy (Francia), de octubre de 2006 a enero de 2007.

· Henry Moore (de mediados de julio a mediados de octubre de 2006). Desde las últimas exposiciones dedicadas a Henry Moore en 1981, en Barcelona (Fundació Miró) y en Madrid (Palacio de Velázquez), no había vuelto a verse en España una muestra de envergadura de este escultor británico. La presente exposición reúne las piezas más sobresalientes y representativas de la trayectoria artística de Moore, tras esta larga ausencia. Unas cien esculturas y setenta dibujos mostrarán los logros artísticos de Moore a través de gran variedad de materiales: piedra, madera, cemento, bronce, escayola. También se expondrán algunos objetos del estudio del artista.

· Espacios Abiertos en CaixaForum (temporada 2005-2006). Espacios abiertos es el ciclo de intervenciones de artistas contemporáneos en CaixaForum organizado por la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”. El singular edificio modernista se convierte así en un espacio de creación para los artistas, que pueden interactuar sobre la arquitectura y en aquellas zonas que no son propiamente salas de exposición, como las calles modernistas, las torres, el Patio Inglés, el vestíbulo, las escaleras mecánicas, el auditorio, el pasillo que conduce al párking, el Jardín Secreto, etcétera. A lo largo de la temporada 2005-2006, este programa contará con la participación de diferentes artistas con una sólida trayectoria en instalaciones y proyectos públicos, cuyas propuestas se anunciarán próximamente.

SALA DE EXPOSICIONES DE MADRID

· Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria (del 16 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006). Tras su paso por CaixaForum (Barcelona), la Obra Social ”la Caixa” presenta en Madrid la mayor exposición realizada en nuestro país de una de las culturas más olvidadas y misteriosas de la Antigüedad. Gracias a la colaboración del Ministerio de Cultura de la República de Bulgaria, la muestra reúne unas trescientas obras excepcionales: ricos ajuares, objetos suntuarios, armas y arneses, máscaras funerarias y servicios para banquetes en oro, plata y bronce, entre los que destacan los tesoros de Letnitsa, Vratsa, Rogozen, Borovo y Panagyurishte.

· Mundos interiores al descubierto (de finales de enero a principios de abril de 2006). Las transformaciones del arte occidental desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días permiten apreciar un sorprendente paralelismo entre las grandes corrientes modernas de los artistas con formación académica y otros artistas considerados autodidactas, indoctos, espíritus independientes, socialmente desplazados o, incluso, enfermos mentales. Esta exposición centra la atención precisamente en este campo, y muestra, por primera vez, un número limitado de obras de artistas clave, muy conocidos, junto a una amplia selección de artistas considerados outsiders, representativos del denominado art brut. La muestra reúne unas ciento veinte obras, entre pinturas y esculturas, de creadores consagrados, como Joan Miró, Max Ernst, Paul Klee, Egon Schiele o Antoni Tàpies, junto a otros menos conocidos, como Adolf Wölfi, Henry Darger, Madge Gill, Chris Hipkiss, Dusan Kusmic y Sava Sekulic.

· Memoria fotográfica: un anexo a la historia de la fotografía en Oriente medio (de mediados de mayo a finales de julio de 2006). Durante décadas, artistas, historiadores, comisarios, sociólogos y antropólogos han explorado la relación íntima que existe entre la fotografía y la muerte, fascinados, entre otras cosas, por las fotografías ceremoniales de los muertos y todo lo relacionado con ellos (cuerpos, símbolos, rituales). La relación existencial entre la representación fotográfica y su referente ha inspirado numerosas exposiciones y tratados que ahondan en las hipótesis del tipo «¿Será esto lo que ha pasado?», propuestas por la fotografía. La presente exposición complementa este diálogo al analizar las relaciones igualmente turbadoras que existen entre la fotografía y la no-muerte. La muestra, comisariada por los artistas Walid Raad y Jalal Toufic, reúne unas 120 fotografías seleccionadas de la colección conservada en la Arab Image Foundation de Beirut (Líbano).

SALA DE EXPOSICIONES DE GIRONA

· Girona. Crónica de los 30. Ocio, deporte y cultura (del 15 de septiembre de 2005 al 15 de enero de 2006). La exposición presenta una crónica de la Girona de los años 30 del siglo pasado a través de obras y objetos variopintos procedentes de los archivos de la ciudad y de coleccionistas particulares: radios de época, micrófonos, fotografías, esculturas, retratos al óleo, diarios y revistas, instrumentos y partituras musicales, instancias, programas de mano de cine y teatro, reproducciones de anuncios publicitarios y artículos de prensa, etcétera. En otras palabras, presenta un decorado aproximado del escenario que frecuentaba la población en su tiempo libre y actividades de ocio, y propone un paseo por sus sueños y esperanzas a través de cinco ámbitos: Teatro y cine; Radio, fiestas en la calle, ferias y bailes; Deportes y excursionismo; Música, y Cultura, arte y Ateneo.

· El poeta y sus dioses. La mitología de la inspiración creadora (de mediados de febrero a mediados de abril de 2006). La exposición se centra en un tema mitológico e iconográfico muy sugestivo: el de la visión que tenía el mundo grecorromano, y que recuperó en parte el Renacimiento europeo, de la inspiración divina como origen de la poesía y de la música, concebidas como las dos facetas inseparables de la creación versificada y cantada. La exposición reúne unas sesenta y cinco obras, entre las que destacan vasos antiguos griegos y romanos, esculturas y grabados renacentistas y barrocos con representaciones gráficas que nos presentan los mitos clásicos y los renovados por la Edad Moderna, en una recuperación de las antiguas leyendas que conforman la tradición europea de los últimos siglos. La muestra, que se presentará primero en Girona y después en Lleida, está dividida en cuatro grupos: El poeta inspirado; Apolo, señor de la profecía; Las musas y los géneros literarios, y El éxtasis dionisíaco y la escena teatral.

· Restos y rastros (de mediados de mayo a finales de julio de 2006). ¿Cómo llegó a quedar atrapado en la resina de un árbol del Pleistoceno un grupo de insectos voladores y arácnidos? ¿Cuál fue la causa de la indigestión que llevó a la muerte a uno de los peces óseos más voraces, el Xiphactinus audax, del Cretácico Superior? ¿Qué podemos deducir del esqueleto de un dinosaurio Protoceratops que vivió hace 75 millones de años y cuyo fósil fue hallado en posición fetal en Mongolia? Esta exposición indaga en las sorprendentes historias ocultas, siguiendo el rastro de una serie de conjuntos fosilizados que han llegado hasta nuestros días en perfecto estado de conservación.

CENTRO SOCIAL Y CULTURAL DE LA FUNDACIÓN ”LA CAIXA” EN LLEIDA

· Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas (del 23 de septiembre de 2005 al 15 de enero de 2006). La Fundación ”la Caixa” expone los juegos visuales que ingenió Max Ernst (1891-1976), el «mago de los delirios apenas perceptibles», como le definió el poeta René Crevel. La muestra reúne setenta y cinco grabados, una veintena de libros de artista (algunos abiertos, otros cerrados) y cinco esculturas procedentes de la colección del Kunstmuseum de Bonn, donde por motivos de conservación sólo se exponen de forma temporal y parcial. Esta exposición fue exhibida la temporada anterior en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Girona.

· Imagen e identidad (de principios de febrero a mediados de abril de 2006). La representación de la figura humana centra esta selección de obras de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, en una galería de imágenes que transforman la concepción tradicional del retrato como género. Desde puntos de vista muy diversos, los artistas Christian Boltanski, Gillian Wearing, Cindy Sherman, Sam Taylor-Wood, Pedro Mora, Günther Forg, Susy Gómez, Craigie Horsfield, Óscar Muñoz, Bruce Nauman, Carlos Pazos y Stefan Hablutzel exploran los medios de representación y las convenciones culturalmente establecidas para enfatizar cómo, finalmente, toda imagen es una ficción. La exposición reúne, principalmente, fotografías y videoinstalaciones que plantean una reflexión sobre la naturaleza misma de la imagen.

· El poeta y sus dioses. La mitología de la inspiración creadora (de principios de mayo a finales de julio de 2006). La exposición se centra en un tema mitológico e iconográfico muy sugestivo: el de la visión que tenía el mundo grecorromano, y que recuperó en parte el Renacimiento europeo, de la inspiración divina como origen de la poesía y de la música, concebidas como las dos facetas inseparables de la creación versificada y cantada. La exposición reúne unas sesenta y cinco obras, entre las que destacan vasos antiguos griegos y romanos, esculturas y grabados renacentistas y barrocos con representaciones gráficas que nos presentan los mitos clásicos y los renovados por la Edad Moderna, en una recuperación de las antiguas leyendas que conforman la tradición europea de los últimos siglos. La muestra, que se presentará primero en Girona y después en Lleida, está dividida en cuatro grupos: El poeta inspirado; Apolo, señor de la profecía; Las musas y los géneros literarios, y El éxtasis dionisíaco y la escena teatral.

CENTRO SOCIAL Y CULTURAL DE LA FUNDACIÓN ”LA CAIXA” EN TARRAGONA

· Héroes y dioses. El teatro de sombras y de marionetas en China (del 21 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006). Esta exposición reúne un extraordinario conjunto de cuatrocientas marionetas, figuras, trajes y todo tipo de elementos relacionados con el teatro de sombras, procedentes de la colección Kwok On de arte popular asiático, una de las más importantes del mundo, cedida a la Fundação Oriente de Lisboa por el sinólogo Jacques Pimpaneau. La muestra pudo verse la temporada pasada en el Centro Social y Cultural de la Fundación ”la Caixa” de Lleida.

· Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas (de principios de febrero a mediados de abril de 2006). La Fundación ”la Caixa” expone los juegos visuales que ingenió Max Ernst (1891-1976), el «mago de los delirios apenas perceptibles», como le definió el poeta René Crevel. La muestra reúne setenta y cinco grabados, una veintena de libros de artista (algunos abiertos, otros cerrados) y cinco esculturas procedentes de la colección del Kunstmuseum de Bonn, donde por motivos de conservación sólo se exponen de forma temporal y parcial. Esta exposición fue exhibida la temporada anterior en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Girona.

· Willy Ronis. Retrospectiva (de principios de mayo a principios de julio de 2006). El desfile del 14 de julio de 1936, el regreso de los prisioneros en abril de 1945, los barrios de Belleville y Ménilmontant, los trabajadores de la fábrica Renault en 1950, el Café de France en 1979 y la Place des Vosgues en 1985: éstas son algunas de las imágenes captadas en París que se verán en esta primera retrospectiva que se realiza en España del fotógrafo francés Willy Ronis. La muestra, que reúne un centenar de imágenes, se inaugura en Tarragona y está previsto su itinerario por España. La comisaria es Marta Gili, responsable de Fotografía y Artes Visuales de la Fundación ”la Caixa”.

· Marco Polo (de finales de julio a principios de octubre de 2006). A partir del célebre viajero veneciano, la exposición evoca las primeras relaciones euroasiáticas que se establecieron a finales de la Edad Media. Dividida en cinco apartados: Imago Mundi; Peregrinos budistas, mercaderes árabes y diplomáticos occidentales; Marco Polo y su tiempo; Marco Polo y ´El libro de las maravillas´, y Las grandes rutas comerciales, reúne más de ciento setenta obras de arte y objetos, entre cartografías, instrumentos científicos, modelos de naves, esculturas, tejidos y vestimentas de seda, porcelana china, etcétera. Las piezas que componen la muestra abarcan desde la mítica dinastía china Shang (1600-1046 a. de C.) hasta las últimas dinastías imperiales Ming y Qing (siglos XIV y XVII), así como otros objetos procedentes de Birmania (hoy Myanmar), la antigua Persia y la Europa medieval. La exposición se ha podido ver previamente en La Lonja de Zaragoza.

FUNDACIÓN ”LA CAIXA” EN LAS ILLES BALEARS

· El mundo romano en las Illes Balears (del 9 de noviembre de 2005 al 26 de febrero de 2006). Esta exposición reúne doscientas piezas de todo tipo, como las grandes esculturas togadas que se colocaban en los espacios públicos, figuras votivas de diferentes divinidades, ánforas para el comercio, cerámica de cocina, vajillas de mesa, joyas, ungüentarios para los perfumes, vestimenta de gladiadores, lápidas funerarias y una larga lista de enseres que nos transportan a la vida cotidiana de las Baleares en época romana. Con ello, el público tiene la oportunidad de conocer cómo era la vida familiar, las creencias, las instituciones de gobierno, el comercio, la cultura de ocio, el concepto de muerte, etcétera.

· ¿Qué es el Sida? La batalla del sistema inmunitario (de mediados de marzo a mediados de abril de 2006). Explicar los mecanismos del funcionamiento del virus del sida en el cuerpo humano de una manera didáctica y clara para todos los públicos, así como insistir en la importancia de la prevención como factor clave para evitar el contagio del VIH, son algunos de los objetivos de esta exposición. El visitante realizará un viaje al interior del cuerpo humano, donde descubrirá cómo actúa el sida en el organismo, cómo se transmite y cuáles son los métodos para prevenir esta enfermedad.

· Héroes y dioses. El teatro de sombras y de marionetas en China (de finales de marzo a finales de mayo de 2006). Esta exposición reúne un extraordinario conjunto de cuatrocientas marionetas, figuras, trajes y todo tipo de elementos relacionados con el teatro de sombras, procedentes de la colección Kwok On de arte popular asiático, una de las más importantes del mundo, cedida a la Fundação Oriente de Lisboa por el sinólogo Jacques Pimpaneau. La muestra se ha visto en el Centro Social y Cultural de la Fundación ”la Caixa” de Lleida, y en el de Tarragona.

· FotoPres´05 (de mediados de junio a finales de agosto de 2006). El drama de la inmigración, la construcción del muro en Cisjordania y la vida en un sanatorio psiquiátrico de Calcuta son los protagonistas de la exposición FotoPres´05, que reúne las obras galardonadas con motivo del certamen que la Obra Social ”la Caixa” dedica al fotoperiodismo y al documentalismo contemporáneos. La muestra presenta también los seis trabajos seleccionados en el apartado de becas, que sirven de estímulo para los jóvenes creadores y les ayudan a sacar adelante sus proyectos.

· Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas (de mediados de mayo a mediados de agosto de 2006). La Fundación ”la Caixa” expone los juegos visuales que ingenió Max Ernst (1891-1976), el «mago de los delirios apenas perceptibles», como le definió el poeta René Crevel. La muestra reúne setenta y cinco grabados, una veintena de libros de artista (algunos abiertos, otros cerrados) y cinco esculturas procedentes de la colección del Kunstmuseum de Bonn, donde por motivos de conservación sólo se exponen de forma temporal y parcial. Esta exposición fue exhibida la temporada anterior en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Girona.

SALA MONTCADA DE LA FUNDACIÓN ”LA CAIXA”

· Nada / algo pasa. David Bestué y Blanca Casas Brullet (del 21 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006). El ciclo Nada / algo pasa de la Sala Montcada de la Fundación ”la Caixa” finaliza con una exposición de los artistas David Bestué (Barcelona, 1980) y Blanca Casas Brullet (Mataró, 1973). El ciclo, comisariado por Martí Manen (Barcelona, 1976) y Fabienne Fulchéri (Cannes, 1970), propone enfrentar al espectador a situaciones insólitas en las que esperará unos hechos que nunca llegarán a desencadenarse. Nada / algo pasa ha contado con las muestras de Annika Larsson (Estocolmo, 1972), Zilla Leutenegger (Zúrich, 1968), Job Ramos (Olot, 1974) y Renaud Auguste-Dormeuil (Neuilly-sur-Seine, 1968).

· El Gran Método (de enero a julio de 2006). Bajo el título El Gran Método, el nuevo ciclo de exposiciones de la Sala Montcada de la Fundación ”la Caixa” se presenta como una oportunidad para conocer las más recientes prácticas artísticas marcadas por la reflexión crítica que los artistas reflejan sobre las más diversas facetas de la realidad. Este título está tomado de Me-Ti. Libro de los cambios, de Berthold Brecht, en el que el escritor y autor teatral realiza una disección irónica de la sociedad y la política a través de una narrativa de ficción. Los comisarios son Peio Aguirre y Emily Pethick, y los artistas participantes Florian Pumhösl, Judith Hopt, Asier Mendizábal, Stephan Dillemuth, Erlea Maneros y el colectivo RoTor, formado por Laia Sadurní y Vahida Ramujkic.

NUEVAS EXPOSICIONES EN OTRAS LOCALIDADES

· Andalucía imaginada. Fotografías 1910-1930 (la exposición se inaugurará a principios de octubre de 2005 en San Fernando, Cádiz, y luego itinerará por diferentes localidades de Andalucía). Esta exposición se centra en la producción fotográfica de algunas de las firmas dedicadas casi en exclusiva en la edición de tarjetas postales a finales del siglo XIX, como es el caso de las colecciones Roisin y Thomas (ambas depositadas en el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña), que han conservado casi la totalidad de sus respectivos archivos. Asimismo, presenta una selección de material del Institut Amatller d´Art Hispànic (Arxiu Mas), que fue uno de los principales proveedores de documentación fotográfica sobre la península ibérica para la Hispanic Society of America. La muestra reúne unas sesenta fotografías, en copias nuevas realizadas a partir de los negativos originales.

· Marco Polo (la exposición se inaugurará a mediados de abril de 2006 en La Lonja de Zaragoza y luego se exhibirá en Tarragona). A partir del célebre viajero veneciano, la exposición evoca las primeras relaciones euroasiáticas que se establecieron a finales de la Edad Media. Dividida en cinco apartados: Imago Mundi; Peregrinos budistas, mercaderes árabes y diplomáticos occidentales; Marco Polo y su tiempo; Marco Polo y ´El libro de las maravillas´, y Las grandes rutas comerciales, reúne más de ciento setenta obras de arte y objetos, entre cartografías, instrumentos científicos, modelos de naves, esculturas, tejidos y vestimentas de seda, porcelana china, etcétera. Las piezas que componen la muestra abarcan desde la mítica dinastía china Shang (1600-1046 a. de C.) hasta las últimas dinastías imperiales Ming y Qing (siglos XIV y XVII), así como otros objetos procedentes de Birmania (hoy Myanmar), la antigua Persia y la Europa medieval.

 

Valencia prepara una nueva feria de arte

19/07/2005, Medio centenar de galerías nacionales e internacionales se reunirán en Valencia del 29 de septiembre al 2 de octubre en la primera edición de la feria de arte contemporáneo Valencia.Art

El arte contemporáneo se cita en Valencia

Medio centenar de galerías nacionales e internacionales se reunirán en Valencia del 29 de septiembre al 2 de octubre en la primera edición de la feria de arte contemporáneo Valencia.Art, según informan los organizadores

Valencia contará con una feria inusual, enclavada en un hotel, una experiencia que se ha resuelto con éxito en ciudades como Nueva York, Barcelona, Cáceres y Sevilla. El hotel Puerta de Valencia habilitará dos plantas para celebrar el certamen.

Valencia contará desde este año con una nueva feria de arte contemporáneo que pretende convertirse en una cita imprescindible para los profesionales del sector de toda España. Galerías de todo el país se reunirán del 29 de septiembre al 2 de octubre en Valencia en una exhibición conjunta de la vanguardia de las artes plásticas.

La feria contará con la participación de galerías de arte moderno, contemporáneo, emergente y experimental para crear una amalgama artística en la que entrarán en contacto creadores, críticos, museos, galerías y coleccionistas.

El certamen se celebrará en el hotel Puerta de Valencia, un espacio que tanto por su filosofía como por su particular encanto arquitectónico encaja perfectamente con la ideología de esta feria. Situado en la avenida Cardenal Benlloch, tiene una ubicación estratégica dentro de la ciudad. Dos plantas del hotel se dedicarán íntegramente a albergar la feria.

Medio centenar de galerías de arte contemporáneo de toda España han enviado ya su solicitud para estar presentes en la primera edición de Valencia.art. Galerías de Portugal, Madrid, Barcelona, Sevilla, Bilbao, San Sebastián y Gijón, entre otros lugares, han mostrado interés por participar.

El comité de selección de la feria, formado por los galeristas Tomás March, Norbeto Dotor, Nacho Ruiz y Carolina Parra, se encargará de escoger los espacios participantes. Todos ellos dirigen alguna galería y su presencia es habitual en ferias como Arco. “La fórmula de la feria de hotel abarata los costes de las galerías y suma el interés que supone el morbo añadido de entrar en un espacio donde alguien vive. Este aspecto literario, como de novela negra, enfatiza la atención del espectador”, describe Tomás March.

 

20 aniversario del hundimiento de Rainbow Warrior

18/07/2005, Se ha conmemorado en distintos lugares del mundo el 20 aniversario del hundimiento(el 10 de julio de 1985) del buque Rainbow Warrior.

Se ha conmemorado en distintos lugares del mundo el 20 aniversario del hundimiento(el 10 de julio de 1985) del buque Rainbow Warrior, de los ecologistas de Greenpeace.

Veinte años atrás, los servicios secretos franceses hundían en Nueva Zelanda el buque insignia de la organización ecologista cuando se dirigía a protestar contra las pruebas nucleares de Francia en Mururoa. En Nueva Zelanda

El gobierno de Nueva Zelanda conmemoró hoy el 20 aniversario del hundimiento del barco de Greenpeace "Rainbow Warrior" -el Guerrero del Arco Iris- llevado a cabo por agentes franceses en un atentado con bomba en el que murió un fotógrafo portugués.

Al amanecer, en la bahía de Matauri, cerca de la ciudad de Auckland, al norte de Nueva Zelanda, se recordó al barco y al fotógrafo asesinado en el atentado, Fernando Pereira.

Según la policía neozelandesa, el atentado fue aprobado por el entonces presidente francés Francoise Mitterrand en represalia a las protestas de Greenpeace y Nueva Zelanda contra las pruebas nucleares de Francia en el Pacífico Sur, hecho que deterioró las relaciones entre Francia y los neocelandeses

La primera ministra de Nueva Zelanda, Helen Clark, dijo que atentado fue "un asesinato calculado" y proclamó su postura antinuclear. Una escultura de una paloma con un ramo de olivo en su pico fue arrojada al mar, en el punto donde el barco se halla hundido.

En Francia En París, 500 voluntarios de la organización ecologista, llegados de más de 20 países, han formado junto a la torre Eiffel un símbolo de la paz y después, vestidos con camisetas de diferentes colores, formaron un arcoiris gigante, mientras se desplegaba una pancarta con el lema "No se puede hundir un arcoiris". Se hacía así referencia al hundimiento el 10 de julio de 1985 por parte de los servicios secretos franceses del buque insignia de Greenpeace, el Rainbow Warrior (Guerrero del Arcoiris).

Los voluntarios han guardado dos minutos de silencio en memoria de Fernando Pereira (el fotógrafo de Greenpeace que murió en ese atentado) y de todas las víctimas de la violencia, de la guerra y del terrorismo. "Ninguna bomba resulta aceptable. Ni las que hundieron el Rainbow Warrior cuando trataba de evitar las pruebas de Mururoa, ni las utilizadas por los terroristas, ni las que Estados Unidos, Reino Unido, Francia y otros países mantienen en sus arsenales nucleares", afirma la organización, que trabaja desde sus inicios por un mundo libre de armas nucleares.

Según Greenpeece, la noche del 10 de julio de 1985, cuando el RW se preparaba para encabezar una flotilla con destino a Muroroa para protestar pacíficamente contra los ensayos nucleares de Francia, agentes de los servicios secretos franceses colocaron dos cargas explosivas en el casco del barco. La explosión de la segunda bomba supuso la muerte de Fernando Pereira, que estaba en su camarote recogiendo sus cámaras, y el hundimiento de barco.

Añade la organización econologista que el mundo se estremeció al comprobar que el Gobierno francés era el autor del ataque. Dos agentes de los servicios secretos franceses fueron condenados a diez años en prisión por homicidio involuntario y siete por incendio provocado. Sin embargo, en los meses siguientes Francia ejerció una fuerte presión sobre Nueva Zelanda y llegó a un acuerdo que permitió a los dos inculpados cumplir condena en una prisión militar en Francia. En poco más de dos años fueron puestos en libertad y regresaron a París, donde recibieron honores y reanudaron sus carreras. Las Naciones Unidas ordenaron a Francia el pago de una compensación económica con la que Greenpeace pudo botar un segundo Rainbow Warrior en 1989.

Las acciones llevadas a cabo por los dos buques Rainbow Warrior fueron determinantes para conseguir que en 1995 Francia abandonara sus pruebas nucleares y para que se aprobara un Tratado para la prohibición completa de estas pruebas. Sin embargo, este Tratado aún no ha entrado en vigor, en el mundo sigue habiendo unas 30.000 armas nucleares y la amenaza cada vez es mayor.

Página especial sobre el hundimiento del Rainbow Warrior: http://www.greenpeace.org/espana/news/greenpeace-conmemora-el-20-an

 

Progresa el proyecto Vías Augustas

10/07/2005, El domingo 17 de julio, en la localidad portuguesa de Valpaços se inaugura un nuevo tramo del Itinerario Turístico Cultural de la Vía romana XVII. Este recorrido se ha recuperado dentro del Proyecto Vías Augustas.

El domingo 17 de julio, en la localidad portuguesa de Valpaços se inaugura un nuevo tramo del Itinerario Turístico Cultural de la Vía romana XVII. Este recorrido se ha recuperado dentro del Proyecto Vías Augustas.

El proyecto está revitalizando itinerarios romanos del nororeste español. En él participan administraciones españolas y portuguesas, con el apoyo financiero de los fondos FEDER dentro del Programa INTERREG III- A España-Portugal.

El Proyecto Vías Augustas ha aunado las voluntades de administraciones de ambos lados de la frontera para la creación de un nuevo Itinerario Turístico Cultural basado en la antigua Vía Romana XVII, participan como socios los Ayuntamientos de Astorga como Jefe de Fila, Cacabelos y O Barco de Valdeorras y la Diputación Provincial de Zamora, por parte portuguesa las Camaras Municipales de Braga, Povoa de Lanhoso, Vieira do Minho, Montalegre, Boticas, Chaves, Valpaços, Vinhais, y Bragança, con el apoyo científico de las Universidades de Santiago de Compostela y Católico Portuguesa en el Polo de Viseu, y el Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

El domingo 17 de julio se inaugura un tramo de 8 km., de los 20 del total del recorrido, después de los 53 inaugurados en junio en Montalegre y los 15 de Povoa de Lanhoso inaugurados el fin de semana anterior.

El recorrido ha sido desbrozado y señalizado como actuación del Municipio de Valpaços dentro del Proyecto Vias Augustas con una inversión 35.000 €.

La jornada se inicia a las 9.30 con una recepción en la Cámara Municipal, para posteriormente realizar una caminata por el tramo que se abre al publico, y un almuerzo regional en la Quinta Nossa Senhora da Conceiçao, Santa Casa da Misericordia en Valverde.

 

Fundación Casa Pintada

10/07/2005, la Fundación Casa Pintada en Mula (Murcia) cuya sede alberga el Museo Cristóbal Gabarrón y el Centro de Interpretación de la Cultura Contemporánea del mismo nombre, ya permanece abierta

la Fundación Casa Pintada en Mula (Murcia) cuya sede alberga el Museo Cristóbal Gabarrón y el Centro de Interpretación de la Cultura Contemporánea del mismo nombre, fue inaugurada en este mes de julio por los príncipes de Asturias.

Desde entonces, el Museo abre sus puertas a los visitantes y presenta una muestra representativa de la variada obra del afamado artista Cristóbal Gabarrón que incluye pinturas, grabados, collages, cerámicas, esculturas y otras técnicas de expresión plástica.

Lo novedoso de esta exposición permanente, lo que a su vez hace las delicias de los visitantes y muy en particular de los jóvenes, es que está enmarcado en una proyección multimedia que permite una clara visión de la forma de trabajar y la filosofía de quien ha hecho posible esta valiosa aportación a la cultura de Murcia en general y de Mula en particular.

La histórica Ciudad de Mula está situada a unos 25 Km. de Murcia-capital y aparte del mencionado Museo Cristóbal Gabarrón ofrece un interesante elenco de otros atractivos turísticos. Su rico pasado viene avalado por importantes yacimientos arqueológicos de culturas tan diversas como la argárica, ibérica, islámica o romana. Y de épocas mas recientes son sus casas palaciegas, conventos y castillos.

Datos de interés:

Museo-Fundación Casa Pintada
Calle San Francisco, 14
30170-MULA
Teléfono: 968 66 27 62
Fax: 968 66 27 63
Email: info@fundacioncasapintada.es
Web: www.fundacioncasapintada.es
El horario de apertura del Museo es el siguiente:
Martes, Miércoles, Viernes y Sábado de 11’00 a 14’00 y de 18’00 a 20’00
Jueves de 11’00 a 14’00 y de 18’00 a 21’00
Domingo de 11’00 a 14’00
La exposición es plenamente accesible a las sillas de rueda
 

La cámara del reportero

10/07/2005, EL IVAM presenta la exposición “OBJETIVO VALENCIA”, con imágenes de distintos reporteros, básicamente locales. Está abierta del 28 de julio al 18 de septiembre 2005

EL IVAM presenta la exposición “OBJETIVO VALENCIA”, con imágenes de distintos reporteros, básicamente locales. Está abierta del 28 de julio al 18 de septiembre 2005

Distintas visiones de la ciudad de Valencia se muestran a través de 36 imágenes que reflejan, desde las huellas el pasado medieval hasta las desafiantes estructuras de la arquitectura contemporánea, en una colección de fotografías obtenidas tanto por reporteros gráficos de la prensa local valenciana y de los magazines de prensa nacional.

Son trabajos de fotógrafos como Raul Cancio, Chema Conesa, Jesús Ciscar, José Aleixandre, Gonzalo Pérez, Ferran Montenegro, Manuel Molines, Vicente Bosch, Juan Millás y José Jordán.

El catálogo de la exposición incluye las fotografías expuestas y publica textos de Consuelo Ciscar, Directora del IVAM; Raquel Gutiérrez y Rafael Sierra, comisarios de la exposición y los ensayos La ciudad en la fotografía, de Helena Pérez y Marie-Loup Sougez; La ciudad en el cine, de Rafa Marí y La ciudad en el cómic, de Felipe Hernández Cava.

Objetivo Valencia. La ciudad en el punto de mira, es la radiografía de una urbe cuya escenografía se descompone y se construye día a día. La exposición muestra los diferentes puntos de vista de los reporteros gráficos que están acostumbrados, con una mirada rápida, a tener la ciudad en el punto de mira, en el objetivo de sus cámaras.

A lo largo de la Historia, la ciudad siempre ha atraído la mirada de los artistas, quienes han inmortalizado los rincones más variopintos de las urbes más importantes del mundo. Obras que se han convertido en auténticos documentos o en iconos mágicos con un gran poder de fascinación. En muchas de estas obras, algunos artistas han dado rienda suelta a su capacidad inventiva. Otros, sin embargo, se han limitado, ni más ni menos, a ser notarios de una realidad que se ha ido transformando, que ha ido mudando de perfil gracias a la arquitectura.

La ciudad actual se explica a sí misma. La ciudad es un canal comunicativo, un todo continuo de imágenes que en su proceso implícito cuenta con la producción fotográfica como un elemento más de su discurso retórico. Imágenes a distintos niveles y partiendo desde la más elemental que destilan arquitectura y monumentos, hasta la publilicidad comercial e institucional.

En este sentido, la fotografía se sumerge en las realidades urbanas para convertir sus calles, sus mensajes, sus vidas, su pensamiento… en mito. La fotografía con su lirismo concentrado muestra en primer plano y eleva a categoría aquellos signos urbanos que nos rodean y sin su ayuda no tendrían la significación que cobran a partir del símbolo fotográfico. También toda la fotografía es, de alguna manera , un reportaje, puesto que capta la imagen que perciben el objetivo de la cámara y el ojo humano, aún así hay múltiples maneras de entender ese proceso dependiendo de cual vaya a ser su finalidad. La fotografía combina el uso de la imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce con el nombre de fotografía social.

 

Exposiciones de Seacex

30/06/2005, La Sociedad Española para la Acción Cultural Exterior copntinúa con la presentación de diversas exposiciones de artistas españoles en numerosos puntos del mundo.

La Sociedad Española para la Acción Cultural Exterior copntinúa con la presentación de diversas exposiciones de artistas españoles en numerosos puntos del mundo.

Del 7 de julio al 28 de agosto, la Sociedad Española para la Acción Cultural Exterior presenta en Fortalezam Brasil, la exposición Darío Alvarez Basso. La exposición abarca 45 óleos y dos instalaciones del artista que ofrecen una retrospectiva de su obra desde 1986 hasta la actualidad. A través de sus obras el artista nos revela su habilidad personal para renovar la abstracción y su peculiar manera de tratar la materia. Centro Dragao do Mar.

En el Solomon Guggenheim de Nueva York, hasta el 24 de agosto, presenta Oteiza, Mito y Modernidad. La exposición, principal retrospectiva dedicada al escultor vasco Jorge Oteiza (1908-2003), reúne 200 obras además de las publicaciones del artista y otros documentos.

En Asunción, Paraguay, en el Museo del Barro, presenta hasta el 15 de julio una muestra sobre el Equipo Crónica. Una selección de 59 obras representativas del IVAM entre lienzos, acrílicos, obra gráfica y escultura.

En Polonia, Muzeum Miejskie Wroclawia (Wroclaw) presenta una muestra sobre Ginovart, hasta el 31 de julio. La muestra reúne cuarenta y dos pinturas, entre óleos, técnica mixta sobre madera y gouaches sobre cartón; y 11 collages que recorren toda la obra de Guinovart.

En el Museo Rufino Tamayo de Ciudad de México, hasta el 7 de agosto, presenta una muestra sobre Barceló. Es la última sede de esta exposición que reúne 47 obras del artista, entre técnica mixta sobre lienzo y papel, gouache sobre papel y escultura. El Bulgaria, en la sede de Unión de Pintores de Bulgaria (Sofía), se presenta hasta el 1 de septiembre El Hortelano. La muestra reúne una selección de la obra pictórica de El Hortelano desde 1981 hasta nuestros días, en total cerca de un centenar de obras sobre lienzo y papel.

 

Verano de festivales en la República Checa

23/06/2005, Con la llegada del verano irrumpen los festivales de música, muchos de ellos al aire libre, tanto en Praga como en el resto de la República Checa.

Con la llegada del verano irrumpen los festivales de música, muchos de ellos al aire libre, tanto en Praga como en el resto de la República Checa. Música clásica, pop-rock y músicas del mundo componen un verano de festivales por todo el país.

Entre los meses de junio y septiembre los amantes de la música clásica pueden disfrutar de diferentes certámenes, la mayoría consagrados a la música de un célebre compositor, como el festival de Litomysl dedicado a Smetana, entre el 17 de junio y el 4 de julio (www.smetanovalitomysl.cz), el festival de Hukvaldy dedicado a Leos Janacek, del 2 de julio al 12 de agosto (www.janackovy-hukvaldy.cz), el Festival de Marianske Lazne dedicado a Chopin, entre el 20 y el 27 de agosto (www.chopinfestival.cz) ó el Festival de Verdi, que tiene lugar en Praga en agosto y septiembre (www.opera.cz)

Para los amantes del Jazz existen diferentes festivales como el Verano Cultural de Olomouc, entre el 26 de junio y el 6 de septiembre (www.okl.info), y el Jazz al final del verano de Cesky Krumlov, que se celebra del 18 al 28 de agosto (www.jazz-krumlov.cz)

Otras citas de interés son el festival Respect 2005 de Praga, que tiene lugar en junio, dedicado a las músicas del mundo (www.respectmusic.cz), el Festival MITTE Europa, de música folclórica y música clásica, que se celebra en más de 60 localidades de la Región de Karlovy Vary entre el 12 de junio y el 31 de julio (www.festival-mitte-europa.com), el festival Colores de Ostrava, del 8 al 10 de julio, dedicado a la Música Moderna, que forma parte del Foro Europeo de Festivales de Músicas del Mundo (www.colours.cz), el encuentro de música folck y country Vacaciones en Telc, que tiene lugar en agosto (www.prazdninyvtelci,ji,cz), y el Bigbeat en Cesky Krumlov, un encuentro de grupos de rock, pop y folck del 29 al 31 de agosto (www.ckrumlov.cz)

También en estos meses destacan el festival Tonos Mágicos de Macocha, en las Cuevas del Cars de Moravia, en el mes de junio (www.cavemk.cz), el Festival Internacional de Música Clásica de Cesky Krumlov, con 25 conciertos de música clásica, música de cámara y música barroca entre los días 15 de julio y 27 de agosto, que incluye actuaciones al aire libre y en el recinto del castillo (www.czechmusicfestival.com) ó el Festival de música religiosa de Kutna Hora, del 9 al 23 de septiembre (www.kh.cz)

Robert Redford, Liv Ullman y Alexander Payne serán los invitados de excepción en la 40 Edición del Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary

El veterano festival internacional, entre los días 1 y 9 de julio 2005, reuniendo en esta 40 Edición más de 200 nuevas películas nacionales y extranjeras, entre ellas el documental español “El Cielo Gira”, de la cineasta Mercedes Álvarez, que se presenta como una de las proyecciones favoritas.

El programa de 2005 incluye, además de los numerosos estrenos internacionales y las secciones habituales a concurso, una nueva categoría para películas filmadas en países de Europa del Este y del antiguo bloque de la URSS, llamada “East of the West”. Entre ellas destacan el film biográfico “My Nikifor” del director Krystof Kraus o la película “The Unburied Man” de la directora Marta Mezzáros, una co-producción de Hungría, Eslovaquia y Polonia, La industria cinematográfica checa estará representada por la película “City of the Sun” del director Martin Sulík. En la categoría documental podrán verse, entre otros, la obra del director danés Jeppe Ronde, que presenta “The Swenkas”, y el documental español “El Cielo Gira” de Mercedes Álvarez, que promete ser uno de los mejores filmes de la temporada. Otra de las proyecciones más esperadas es “Nigth Watch”, una película del director ruso Timur Bekmambetov, que ha sido comparada a la exitosa “Matrix” y que ha supuesto un récord de taquilla en su país.

Entre las estrellas internacionales que acogerá el festival en su nueva edición destaca la presencia del actor, director y productor americano Robert Redford, así como de la actriz, directora y productora noruega Liv Ullman y del guionista y director de cine independiente Alexander Payne.

 

Defensa de las ballenas

22/06/2005, La Comisión Ballenera Internacional, reunida en Corea, pidió a Japón a que detenga su nuevo programa de llamado sibilinamente de "capturas con fines científicos".

La Comisión Ballenera Internacional, reunida en Corea, pidió a Japón a que detenga su nuevo programa de llamado sibilinamente de "capturas con fines científicos".

Fue en una resolución presentada por Australia y otros países contrarios a la caza de cetáceos, en la reunión que se está celebrando en Corea, y a donde Japón llegó con la intención de ampliar su pesca anual de ballenas de 400 hasta 850 ejemplares.

La CBI se reunió en Ulsan, sureste de Corea del Sur, en su asamblea plenaria anual número 57. La Asamblea dio otro No a las presentaciones de Japón de abolir un santuario del océano del Sur, por 30 votos contra 25 y dos abstenciones.

Los países que mayor oposición muestran a los renovados planes nipones de aumentar sus cuotas de captura de ballenas son Australia, Nueva Zelanda, Gran Bretaña, Estados Unidos y Francia.

Japón ha emprendido una campaña de descrédito contra estos países que se oponen a la caza ballenera, después de que su propuesta de retomar la explotación comercial ilimitada fuera rechazada. Un Japón desafiante reafirmó su intención de continuar con su nuevo plan de capturas. Joji Morishita, comisionado japonés de la CBI, dijo que todos los estados miembros de la Comisión conocen la postura nipona que presenta un llamado “programa de investigación científica” destinado a , duplicar su cuota anual de captura de ballenas minke(de 400 a 800). Además incluye otras 50 ballenas de especies como la jorobada o yubarta y la rocual común, algo que ha escandalizado a los conservacionistas.

La condición no vinculante de lo aprobado permite a Japón continuar con la captura de ballenas con "propósitos científicos", unos propósitos que llevan la carne de ballena a los platos de los restaurantes del archipiélago.

Japón detuvo la pesca comercial de ballenas tras la moratoria de la CBI, que entró en vigor en 1986, pero al año siguiente inició la pesca “de investigación” en el Antártico y en el Pacífico noroeste en 1994, lo que es objeto de las denuncias permanentes de grupos ecologistas en todo el mundo. Aparte de Noruega, el único país en el mundo que lleva a cabo caza comercial de ballenas, e Islandia, que lo hace también con fines científicos, la CBI solo condona la pesca de esos cetáceos realizada por grupos aborígenes

Corea del Sur, país que organiza la reunión de la CBI, es otra de las preocupaciones. El Gobierno de Corea permite en la actualidad el comercio interior de carne de ballena y delfines que son capturados "de forma accidental" en redes de pesca. Las estadísticas del Gobierno muestran que en Corea se capturan "accidentalmente" cientos de veces más ballenas que en países que no tienen un mercado interior de carne de ballena. Además, el Ministro de Asuntos Marítimos y Pesca de Corea ha declarado públicamente su interés en iniciar un programa de caza de ballenas con fines "científicos".

La masacre ballenera

Según informa Greenpeace-Chile, durante el último siglo, gran parte de las poblaciones de ballenas fue diezmada a causa a su caza comercial. Se estima que entre 1925, año en que se introdujo el primer barco factoría ballenero, y 1975, un total de más de 1,5 millones de ballenas ha muerto. Sus perseguidores cazaban las diversas especies pasando de una población a otra a medida que dichas poblaciones disminuían debido a su explotación. Luego de reiteradas demandas por parte de la comunidad mundial, la Comisión Ballenera Internacional (CBI) aprobó una moratoria sobre la caza comercial de ballenas, que entró en vigor en 1986.

Hoy, Noruega continúa con su programa de caza comercial en el Atlántico Norte desobedeciendo la moratoria de la CBI y Japón realiza la caza de este cetáceo bajo el nombre de "caza científica", a pesar de que la carne de ballena se vende en el mercado con fines comerciales. Por su parte, Islandia anunció un programa de "caza científica" de tres años sin la aprobación del Comité Científico de la CIB y que Estados Unidos ha calificado como "inútil". En los últimos tres años, estos tres países han aumentado los recursos destinados a sus programas de caza. Además, presionan enérgicamente para lograr que se levante su prohibición, hecho que traería consecuencias devastadoras para estos cetáceos del planeta que recién comienzan a recuperarse de la explotación sufrida por años. Debido a que crecen y se reproducen lentamente, la restitución de las poblaciones toma bastante tiempo. Además, las ballenas ya están en peligro debido a las diversas amenazas medioambientales provocadas por el hombre, tales como la contaminación tóxica y el cambio climático.

Desde 1987, Japón ha dirigido la caza anual en el Antártico bajo la denominada "caza científica", sin embargo, esta última en realidad es una empresa comercial: la carne de ballena que se obtiene de la "investigación" ballenera japonesa se vende con fines comerciales en este país; transacción que asciende a los 4 mil millones de yenes al año.

Desde que comenzó la "caza científica" de estos cetáceos, Japón ha ido gradualmente ampliando la extensión de sus operaciones, ya sea mediante del aumento de sus cuotas autoasignadas como a través de la expansión de sus operaciones de caza a otras áreas, incorporando así una segunda “caza científica” en el Pacífico Norte. En el año 2000, Japón contravino la CIB y la opinión mundial al expandir la caza en el Pacífico Norte sumando dos nuevas especies: las Sperm y Bryde. Esto genera niveles de indignación pública nunca antes vistos y la protesta diplomática de todas partes del mundo.

A pesar de la oposición internacional, la caza ballenera que realiza Japón podría continuar expandiéndose. En los últimos años, este país ha aumentado los recursos que destina a sus programas de caza y ha insistido en desobedecer la prohibición de la caza comercial. Además, su influencia en la CBI ha ido en aumento como consecuencia de la compra de votos. También ha invertido bastante en una ofensiva de relaciones públicas creada para convencer al público de que la caza de ballenas es cultural y económicamente importante para la nación y que estos cetáceos amenazan la conservación de las reservas de peces debido a que consumen demasiado pescado. Sin embargo, dichos argumentos no se sustentan en una base científica.

La carne de ballena es un alimento de lujo en Japón. Una encuesta de opinión llevada a cabo en 1999, demostró que sólo el 11% de los adultos japoneses apoya la caza de ballenas y que el 14% de este sector se opone a ella.

Malos presagios

Al término de la reunión, los conservacionistas mostraban preocupación. Greenpeace dio un comunicado en el que se indicaba que pese a que los países favorables a la caza de ballenas no han conseguido ganar ninguna votación clave para aumentar la caza de ballenas en esta reunión de la Comisión Ballenera Internacional (CBI), el Gobierno de Japón ha anunciado que seguirá adelante y duplicará el número de ballenas que caza en aguas antárticas. El próximo mes de diciembre Japón planea cazar cerca de 1.000 ballenas, incluyendo el rorcual común, una especie amenazada

El plan de Japón de duplicar la caza de ballenas en aguas antárticas no es la única mala noticia que se ha producido en la reunión de la CBI. Además de este aumento, Japón puede tener segura una mayoría de votos el año que viene. Los países que se unieron a la CBI el pasado viernes, y que votarán a favor de Japón (Camerún, Gambia, Nauru y Togo) no asistieron a la reunión y después de la votación contra la vuelta a la caza comercial de ballenas, un miembro de la delegación japonesa declaró que Japón estaba ganando apoyos: "el próximo año estos países participarán... el punto de inflexión, darle la vuelta a la historia, está cerca".

"El Gobierno japonés está tomando la CBI y es necesario actuar para evitarlo. Si el año que viene se retoma la caza comercial de ballenas no será porque haya cambiado la opinión mundial, sino sólo porque ha variado la composición de la CBI debido a la política de compra de votos de Japón."- ha declarado Sebastián Losada, responsable de Océanos de Greenpeace.

Greenpeace reconoce los esfuerzos de los países contrarios a la caza de ballenas en esta reunión, pero ha demandado a estos países que vayan más allá de la retórica política y den pasos concretos para demostrar que se toman en serio este tema y que aseguren protección para las ballenas.

"La delegación japonesa ha enviado una señal muy clara de sus intenciones: después de que la Comisión votara en contra de su programa de caza científica (que ahora incluirá la caza de rorcuales comunes y yubartas, gravemente amenazadas) el Gobierno japonés ha afirmado que ignorará la Resolución de la Comisión y seguirá adelante con su programa de caza."- añadió Sebastián Losada, responsable de Océanos de Greenpeace.

Es fundamental que la CBI debe también comenzar a trabajar en otras amenazas a las ballenas tales como las capturas accidentales en redes de pesca, contaminación, y los efectos del cambio climático.

"Es necesario hacer frente a los problemas de conservación de las poblaciones de ballenas y actualmente la CBI no llega ni de lejos a ejercer este papel"- añadió Losada- "Cada día 1000 cetáceos mueren capturados en redes de pesca y muchos más sufren las consecuencias de la contaminación química y del cambio climático".

Se espera que Islandia, que también caza ballenas con "fines científicos", anuncie su cuota en los próximos días. El buque de Greenpeace Artic Sunrise, está actualmente en Islandia para comunicar la necesidad de conservar las ballenas y las alternativas que suponen otras actividades como el turismo de avistamiento de cetáceos.

El rescate de Juan Gris

22/06/2005, Hasta el 19 de septiembre, el centro de Arte Reina Sofía presenta la mayor exposición realizada en España de la obra de Juan Gris: 250 pinturas del cubista madrileño

Por Ana Alvarez

Hasta el 19 de septiembre, el centro de Arte Reina Sofía presenta la mayor exposición realizada en España de la obra de Juan Gris: 250 pintoras del artista cubista madrileño

Juan Gris ha sido un pintor excesivamente olvidado. En su lugar de origen, España, hasta 1985 no se dedicó una retrospectiva. Ese olvido también alcanza a las colecciones del país, en cuyos museos e instituciones no estuvo presente hasta la llegada de la democracia. la gran retrospectiva presentada ahora es un acto de justicia.

A pesar de comenzar su actividad en 1906 la obra de Gris no entró a formar parte de las colecciones estatales españolas hasta 1977, cuando se adquirió "Guitarra ante el mar".

Posteriormente, fueron las obras "Jarro y Vaso", "Botella de vino" y el legado de Douglas Cooper, realizado en 1979 y destinado al Museo del Prado, con las obras "Retrato de Josette", "Violón y Guitarra y "Retrato de Germaine Raynal" que pasaron a engrosar la colección del Reina Sofía en 1995.

En la década de los 90 se adquirieron "Las uvas"; "El molinillo de café"; "La ventana abierta"; y "El libro de música", así como los libros de "Alma América", "Mouchoir de nouages" y "Au soleil du plafond". La colección se vio reforzada con las pinturas "El violón" y "Guitarra con incrustaciones" y tres obras sobre papel: "Hombre a la guitarra", "Naturaleza muerta a la guitarra" y "Suicidio rico". La última adquisición realizada por el estado español se cerró con la pintura "La botella de anís" (1914), perteneciente a una de las mejores etapas en la trayectoria del artista y que se compró por dos millones de euros.

El reina Sofía atesora en la actualidad 19 pinturas de Gris y 5 dibujos, además de otras 5 pinturas y un dibujo adicionales que están cedidos a la institución por la colección de Telefónica.

Ana Martínez de Aguilar, directora del Centro Reina Sofía presentó ahora la mayor exposición antológica organizada nunca sobre el pintor diciendo que era el "el más puro de los cubistas".

La muestra tiene 250 de las mejores obras del artista, dibujos y pinturas realizadas entre 1910 y 1927, que proceden de 130 colecciones de todo el mundo. Es comisaria de la exposición, Paloma Esteban, quien ha laborado durante cuatro años para hacer el proyecto, para el que ha conseguido numerosas obras que sólo se han mostrado en contadas ocasiones, como "El torero" (1913), que perteneció a Ernest Hemingway, fue reproducido en su obra "Death in the afternoon" (Muerte en la tarde) (1932), y sólo ha sido expuesto en tres ocasiones.

Para dar cuenta de la labor de rescate basta decir que desde Nueva York han viajado obras desde el MOMA, el Guggenheim y el Metropolitan. Además, se han recibido préstamos de otrpos grandes centros de Estados Unidos, como Boston, Filadelfia, Cleveland, Chicago, Baltimore, Minneapolis y Washington.

También hay que destacar la aportación europea. Veinte obras del Pompidou y otras muchas de diez instituciones museísticas francesas, o los préstamos de la Tate Modern de londinense.

Gris está valorado como uno de los cuatro pintores cubistas más destacados, al lado de Picasso y Braque y esta exposición(Sala 1 del Edificio Nouvel y la A1 del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía) profundiza en su Cubismo analítico.

El centro de Arte Reina Sofía había presentado una muestra monográfica sobre Juan Gris ilustrador, “Juan Gris y la Prensa. 1904-1912”, en noviembre de 2003, pues antes de alcanzar gran fama como pintor cubista, el artista llevó a cabo cientos de dibujos con los que ilustro numerosas publicaciones, especialmente españolas y francesas.

La exposición actual viene a completar el “rescate” del notable autor cubista.

 

El Cristo románico

17/06/2005, El Cristo románico y la crucifixión, en general, son temas de interés a los que la Fundación Caixa Girona ha prestado atención con una muestra y una interesante publicación.

Por Artemio Artigas

En todo el orbe cristiano, la cruz es en la actualidad un símbolo reconocido, pero eso no ha sido así a lo largo de la historia puesto que en la antigüedad no se aceptaba de buen grado una representación que tenía un fuerte mensaje de crueldad y humillación.

Sólo en el siglo III empezó a aparecer en mármoles o placas funerarias el símbolo cristiano por antonomasia: la cruz, aunque muchas veces notablemente disimulada. Una primera razón para esta ocultación estaba en el carácter secreto de la pertenencia a la religión cristiana, frecuentemente perseguida por los poderes políticos romanos.

Otra razón importante para ocultar la simbología sería el rechazo a las representaciones figuradas, muy identificadas con el arte pagano. “El arte es una invención del demonio, concebida para el culto a los falsos dioses”, argumentaba en el siglo III Tertuliano.

Antoni Noguera Massa, ha efectuado un excelente análisis de la evolución de esta simbología, en un libro que se ha publicado ahora, y cuya presentación se ha documentado con una pequeña pero interesante exposición sobre el Cristo románico, organizada por la Fundación Caixa Girona, entidad financiera catalana.

Acusados del mismo incendio de Roma en los días de Nerón, llevados a las fieras o a otros suplicios, los cristianos acudieron a veces diversas simbologías, tales como el pastor de reminiscencias órficas o la mítica ave fénix que resurgía de sus cenizas, en memoria de la resurrección, incluso al pez, con el que representaban una suerte de juego jeroglífico. Pez en lengua griega contenía las iniciales que significaba Jesucristo hijo de Dios, Salvador.

En el siglo II ya hay veladas alusiones a la cruz, a través de la letra T (la tau griega) o incluso del dibujo de un ancla... pero no se representó la propia crucifixión, una escena sin duda identificatoria con la crueldad y enormemente dura.

Un crucificado, con los brazos abiertos y la orla, nimbo crucífero, en su cabeza, aparece por primera vez grabada en una piedra encontrada en Gaza y perteneciente a una colección inglesa. Sin embargo sólo es la figura humana, no hay cruz.

Llegada la época de Constantino, el cristianismo conoció tiempos de libertad y la cruz se exhibió públicamente, pero aún no aparecía el crucificado en ella. Parecía existir una repulsión hacia tan ignominioso suplicio. La crucifixión era una pena bárbara, proveniente de oriente, que Roma nunca aceptó para sus propios ciudadanos.

Sólo en el siglo VI aparece la crucifixión en la iglesia romana de Santa Sabina, pero aún sin las características que luego adquiriría. Cristo, al igual que los ladrones, seguirá apareciendo frecuentemente con los brazos abiertos en cruz, pero sin mostrar el sufrimiento del crucificado.

A partir de esta época va surgiendo desde Siria y Asia Menor una representación algo más realista de la crucifixión. En el evangeliario de Rabula, monasterio de San Juan de Zagba, en la Mesopotamia, aparece Cristo en la cruz, cubierto pudorosamente con una larga túnica sin mangas, el “colombium”.

Antoni Noguerra Massa explica que este tipo de cristos se muestra con el rostro levantado y sin sufrimiento, tal vez debido a las teorías monofisitas que sostenían que Jesucristo sólo tenía una naturaleza, la divina. En virtud de esto, en la cruz no había un ser sufriente, sino un Dios triunfante.

Las furias iconoclastas bizantinas hicieron que muchos monjes pasaran al entorno de Roma y trajesen esta representación, que reaparece en Roma en los siglos VII y VIII, aunque con escaso éxito aún.

En torno al siglo VIII empezó a aparecer con más frecuencia el crucificado con el torso desnudo y cubierto únicamente con un paño anudado que la tapaba desde encima de las rodillas a la cintura. Aún seguía apareciendo con los brazos rectos, los ojos abiertos y el rostro levantado.

Poco a poco, la imagen iría tomando realismo. Aunque todo es relativo. Hay que precisar que tampoco podemos saber si la cruz estaba formada por dos palos cruzados o simplemente por uno horizontal, sobre otro vertical, formando una T mayúscula.

Sólo hacia el siglo X se empezó a doblar los brazos, para mostrar el movimiento del desplome del cuerpo del crucificado por la fuerza de la gravedad. Se inició entonces una serie de mutaciones que afectarán a los pies, el desplazamiento lateral de las rodillas y del propio cuerpo para perder una verticalidad y acercarse a la forma de una S mayúscula, mientras los brazos abandonan la forma horizontal T para acercarse a la posición de una Y.

En la exposición que ha organizado la Fundación Caixa Girona, con piezas de la zona del Pirineo Oriental (norte de Cataluña y sureste de Francia) se presenta una serie de cristos crucificados en dos variedades básicas. El sufriente (con gestos de dolor y desnudo de torso) y la majestad, en la que el crucificado aparece vestido, vivo y triunfante de la muerte. Las majestades son piezas relativamente abundantes en este territorio, y seguirán representándose hasta la época gótica.

El conjunto de la exposición cuenta con obras en madera, orfebrería y piedra; relicarios, evangeliarios, etc. En las que se muestran básicamente representaciones de la crucifixión de los siglos XI y XII. Es esta una tierra de arte interesante, especialmente por su cualidad de zona de transición a la que llegaron influencias francas, mozárabes, lombardas, etc.

 

Richard Deacon

14/06/2005, El Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, ARTIUM de Álava, presenta la exposición “The Size of It”, de Richard Deacon. Hasta el 28 de agosto

El Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, ARTIUM de Álava, presenta la exposición “The Size of It”, de Richard Deacon, la primera muestra individual en un museo en España en los últimos 17 años de uno de los escultores relevantes de Europa en las últimas décadas.

Miembro de la llamada “cuarta generación” de la nueva escultura británica y ganador del prestigioso Premio Turner en 1987, Deacon inicia en Vitoria la itinerancia de una exposición en la que se presentan cuatro esculturas de grandes proporciones, realizadas entre 1986 y 2002. Junto a esta breve retrospectiva se presenta una selección de sus últimos trabajos en cerámica, también de gran tamaño, una veintena de dibujos y casi un centenar de modelos en arcilla, lo que permite conocer además los intereses creativos actuales de Deacon.

La exposición – 2 de junio al 28 de agosto- es ocasión propicia para conocer la obra de uno de los escultores más versátiles del panorama actual y ha sido producida por ARTIUM junto con el Sara Hildén Museum de Tampere, Finlandia, y el Hans Arp Museum de Remagen, Alemania, con la colaboración personal del artista.

Richard Deacon

Richard Deacon, nacido en Bangor, Gales, en 1949, posee una trayectoria artística interesante. Aunque en sus inicios en el dinámico panorama artístico de Londres en los años 70 centró su atención en la performance, su exposición “Objects and Sculpture” en el Institute of Contemporary Arts de Londres en 1981 fue el inicio de una larga secuencia de esculturas caracterizadas por su capacidad de relación con el entorno y la amplia gama de materiales y formas utilizados, algo inédito en su momento.

El reconocimiento a su trabajo original, riguroso y minucioso le llegó en 1987 al ser el primer artista de su generación en recibir el Premio Turner. Desde entonces, Deacon profundizó en su universo formal, amplió su catálogo de materiales, y abrió su obra a nuevos escenarios, en especial con encargos de esculturas al are libre.

En su obra, el artista británico utiliza materiales comunes, presentes en cualquier ferretería (madera, metal, remaches, tornillos), con los que “manufactura” piezas gigantescas a las que confiere un acabado exquisito.

Richard Deacon ha cultivado con profusión el dibujo, cuyas series no tienen que ver con su trabajo escultórico sino que siguen una línea paralela. A la experimentación con otras formas y materiales responden sus modelos en arcilla y sobre todo las cerámicas vidriadas, de unas dimensiones insólitas.

Junto a su faceta como creador o “fabricante”, Richard Deacon posee una larga experiencia como teórico del arte. Es doctor en Literatura, profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de París, profesor invitado en numerosas universidades de todo el mundo, miembro de la Royal Academy del Reino Unido, Caballero de las Artes y las Letras en Francia. Deacon es, además, Comandante del Imperio Británico, y Medalla de la Orden de los Caballeros.

Su obra se ha expuesto en museos y galerías de todo el mundo y forma parte de las más prestigiosas colecciones de arte.

The Size of It

El título de la exposición, propuesto por el propio Richard Deacon, responde al hábito del artista de utilizar juegos de palabras para provocar la reflexión del espectador. En este caso, “The Size of It” es una frase hecha que podría traducirse como “de eso se trata, tú lo has dicho”, dando de alguna manera la razón a cada uno de los espectadores y las múltiples conjeturas que pueden proponer ante el interrogante abierto de su trabajo (“esto es como…” o “se parece a…” o “parece como si…”)

La exposición de Richard Deacon en ARTIUM puede considerarse en la práctica como una retrospectiva sintética sobre la trayectoria del artista galés. El corazón de la muestra lo constituyen cuatro obras de gran formato, fechadas entre 1986 y 2003, que ocupan un único espacio de 600 metros cuadrados. Todas ellas contienen los rasgos esenciales de toda la trayectoria de Deacon: las formas orgánicas, el aspecto técnico de “cosas manufacturadas”, el juego con la interpretación del espectador a partir del sentido ambiguo de sus títulos.

“The Size of It” se abre con “When the Land Masses First Appeared” (1986), una gigantesca estructura de cinc que recuerda, según el crítico Timo Valjakka, a un parque doméstico para niños, sobre la que se apoya una figura ondulante de policarbonato, y cuya apariencia es diferente según el punto de vista del espectador. La segunda pieza es “Bikini” (1992), que “puede ser descrita como “bella” en el sentido convencional de la palabra. Y también nos recuerda formas que nos resultan familiares en otras esferas de la vida, tales como un enorme bate de baseball, el casco de un barco de vela…” (Raimund Stecker)

A “How Much Does Your Mind weight?” (2001), una compleja estructura de madera vaporizada de cuatro metros de altura, le sigue, finalmente, “Out of Order” (2003), “que tiene la apariencia de una irreal pista de carreras de juguete, o de caminos asfaltados simultáneamente devastados por un tsunami, un terremoto y un tornado, de cintas de Moebius arrugadas, cargadas de energía, con gran tensión, que intentan deshacerse para regresar a su retorcida forma previa, pero sin conseguirlo” (Raimund Stecker).

En claro contraste con la enormidad de estas cuatro piezas, esta área de la exposición se completa con un centenar de pequeños estudios en arcilla roja y blanca dispuestos a lo largo de uno de los muros de la Sala Este Baja. Al fondo puede verse la entrada a un segundo espacio dentro de la galería, donde se exponen cinco obras de cerámica vidriada realizadas por Deacon en 2002 y 2003: “Like You Know”, “Like You Know (Vieja friendo huevos)”, “Almost 1”, “Other Sorts” y “Waiting for the Rain”. Se trata de piezas de formas simples, remarcadas por vivos colores y delicadamente acabadas. Su aparente sencillez contrasta con la complejidad técnica de su producción, con una evidente contradicción entre el material y su escala. Las cerámicas comparten espacio con una selección de veinte dibujos fechados en 1995 y 1996

Cuando miramos las esculturas de Richard Deacon, nuestra atención se desvía rápidamente de la apariencia general de la obra que tratamos al modo en que está hecha y al material usado en ella, y a continuación al cuidado con el que se han sopesado incluso los menores detalles. La precisión del detalle refleja la intención del artista; ninguna forma o material extraño es un capricho, sino una solución consciente. (Timo Valjakka)

 

Corot, en el Thyssen

11/06/2005, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta desde el 7 de Junio al 11 de Septiembre de 2005 la primera muestra monográfica dedicada a Jean-Baptiste Camille Corot en España

Por Ana Alvarez

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta desde el 7 de Junio al 11 de Septiembre de 2005 la primera muestra monográfica dedicada a Jean-Baptiste Camille Corot en España.

Corot fue un notable pintor y un personaje altruista, un artista que heredó calidades paisajísticas de antecesores franceses e Italianos, que se detectan especialmente tras su traslado a Italia, en 1825, época en la que la campiña romana se convertiría en lugar de inspiración, del que surgieron unos bocetos cargados de luz y espontaneidad. Supo transmitir emociones y recuerdos a sus paisajes (terminados en taller) en los que flota el alma del artista.

Jean-Baptiste Camille Corot nació en París el 17 de julio de 1796. En 1807 sus padres lo enviaron a un colegio de Ruán donde descubrió la naturaleza gracias a los paseos y salidas que realiza por los alrededores de esta localidad. Tras iniciarse en el comercio por decisión familiar, Corot descubrió su verdadera vocación: la pintura, consiguiendo la autorización paterna para dedicarse a ella e iniciar su formación en 1822.

En 1825 realizó su primer viaje a Italia, a donde volvería en otros momentos. Allí descubrió el mundo poético de Poussin; dos años más tarde expuso dos obras en el Salón, participando desde entonces con cierta regularidad en esta institución, de la que fue miembro del jurado en 1848 y 1849. La Exposición Universal de 1867 coincidió con el cénit de su popularidad y de reconocimiento hacia su obra. Falleció en París, el 22 de febrero de 1875.

Una selección de 81 obras nos permite adentrarnos en la creatividad de un notable pintor que operó a caballo del neoclasicismo, realismo y romanticismo, para situarse por su visión de la luz y sus actividades “plenairistas” como precursor del impresionismo.

El paisaje

La muestra pretende dar una visión completa de toda su trayectoria, con especial atención al que fue tema principal de su producción: el paisaje, desde sus vistas más topográficas a sus composiciones más luminosas y espontáneas sobre las que se cimentó su fama.

La elaboración de estos paisajes se basaba en estudios y apuntes tomados del natural que reelaboraba en el estudio para trasladarlos luego a unas meditadas composiciones. Aún así, estas obras poseen el encanto de la naturalidad y están tratadas con un toque muy personal, no exento de cierto lirismo, convirtiéndose en fuente de inspiración de posteriores generaciones de pintores que hicieron del paisaje el leitmotiv de sus telas.

El retrato

Junto al género del paisaje, las figuras o el retrato fue otro de los grandes temas que le cautivó; en estas obras, Corot experimenta con los gestos y las posturas, así como con los colores y las texturas de las llamativas y adornadas ropas de los personajes representados.

A finales de la década de 1830 empezó a interesarse por este género, al que que retomó de nuevo, con especial energía, al final de su carrera y al que la exposición dedica un apartado particularmente amplio.

Magníficos cuadros, aunque suele insistir, para realzar la profundidad, en un excesivo oscurecimiento de los ojos, lo que contribuye a darle un aire extraño, en ocasiones un poco tétrico, al aspecto del rostro.

“Souvenirs”

La exposición centra también la atención del espectador sobre uno de los capítulos más interesantes y originales de su producción: los denominados souvenirs; un conjunto de paisajes de connotaciones románticas, concebidos con una luz y una luminosidad especial, y en los que los perfiles y elementos de la naturaleza – el agua, los árboles, el cielo - se difuminan, encerrando los sentimientos que el artista experimentó en contacto con esos escenarios.

Entre los ejemplos que reúne la exposición se encuentran varias de sus obras maestras, entre ellas Recuerdo de Montfontaine, icono del Museo del Louvre y uno de sus primeros paisajes animado mediante el recurso de efectos lumínicos y de una gama cromática significativa de lo que se dará en llamar las “brumas plateadas de Corot”.

El itinerario de la exposición se plantea como un paseo temático a lo largo de toda la trayectoria artística y vital del pintor; un recorrido completo de más de cincuenta años de creación, organizado en ocho apartados:

1- Primeros años: En este apartado se presentan, entre otras obras, cuatro estudios al óleo, que revelan los intereses estéticos y los motivos que desarrollará en estos primeros años y que pondrá en práctica en una de sus primeras obras maestras, Paris, el viejo puente de Saint-Michel, procedente del Musée Départamental de l´Oise, en Beauvais, donde muestra su habilidad para modular los volúmenes mediante contrastes de luces y sombras, su predilección por los colores claros y puros, y la precisión a la hora de componer y de estructurar el espacio pictórico.

2- Italia: Este apartado se dedica a las vistas que el pintor realizó en sus estancias en este país; vistas panorámicas de la ciudad de Roma y de distintos rincones de la campiña italiana, en las que manifiesta su interés por la representación topográfica que le permite evocar los lugares visitados de manera realista, adoptando una condición intermedia entre el estudio del natural y la composición en el taller.

3- Territorios de Francia: Corot aprovechaba su círculo de amistades y familiares que residían en diferentes lugares para establecer contacto con una naturaleza lo más variada posible.

4- Del paisaje histórico al lírico: En este apartado encontramos una selección de las obras que el pintor exhibió en los Salones oficiales entre 1836 y 1864, faceta de su producción a la que menos atención se ha prestado, quizás debido a la primacía historiográfica de la pintura impresionista que siempre estuvo al margen de éstos. Corot expuso en el Salon a lo largo de toda su dilatada carrera y cultivó asiduamente el género del paisaje histórico y su aliciente fundamental, la integración de la figura en el entorno.

5- Realismos: El único credo que reconocía Corot era la fe en la naturaleza, de la que continuamente estaba pendiente en cada uno de sus matices. Sus primeros estudios ya ponen de manifiesto una observación invariablemente directa; Corot traducía el hecho natural a través de un proceso de simplificación asentado de manera innata en una excepcional percepción de la construcción pictórica. Se incluyen en este apartado vistas de ciudades e interiores.

6- Ville-d´ Avray: Localidad donde sus padres residían y que se convirtió en un inmenso estudio del que surgieron los paisajes más variados, tanto por su iconografía como por su estilo y por la técnica utilizada. Allí se sentirá atraído por el elemento acuático, pintando dos importantes series de estanques, y por las lindes del bosque y las colinas de Ville-d´Avray.

7- Figuras: Corot dedicó íntegramente su producción de retratos, no superior a cincuenta, a complacer a parientes y allegados, y no vendió directamente ni expuso ninguno de ellos; todos se caracterizan por la simplicidad, el realismo y el modesto tamaño, calidades dictadas por la intimidad entre el pintor y las personas que representa, como el retrato de su madre, Madame Corot, cedido por la National Gallery of Scotland para la exposición y que figura entre los más bellos de su producción. Sin embargo, en las denominadas figuras de fantasía la imitación del modelo pasaba a un segundo plano para centrarse en la factura y los efectos cromáticos; le gustaba vestir a sus modelos con prendas que sugirieran algo exótico, con colores vivos y variados, como en Christine Nilson (la Gitana con mandolina), otra de las obras maestras presentes en la muestra, procedente del Museu de Arte de Sâo Paulo, en la que el pintor deja de interesarse por lo anecdótico, para centrarse en el tratamiento pictórico.

8- Souvenirs: Camille Corot jamás pretendió pintar únicamente la naturaleza tal como es sino como la veía y, en idéntica medida, como la sentía. Es esta concepción tan personal la que explica el desarrollo del tema del “souvenir” en su obra a partir de 1850. Se trataba de resumir pictóricamente impresiones sentimentales, por naturaleza subjetivas, y de transmitirlas al espectador. Los souvernirs se convirtieron en una de las principales fuentes de admiración de su trabajo. Esta unión entre la observación objetiva y la trascripción subjetiva iba a conferir a sus paisajes tardíos una condición de “paisaje mental”, que marcaría profundamente a la generación de pintores que, después de 1900, pretendieron regenerar la pintura.

Datos de interés:

Título: Corot. Naturaleza, Emoción, Recuerdo

Sedes: Sala de exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza. Del 7 de junio al 11 de septiembre de 2005. Palazzo dei Diamanti, Ferrara (Italia). Del 9 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006

Comisario: Vincent Pomarède - Conservador Jefe del Departamento de Pintura del Musée du Louvre

Coordinadora: Mar Borobia, Jefe de Área Pintura Antigua, Museo Thyssen-Bornemisza.

Una arcadia, en primavera

10/06/2005, La semilla de los álamos transforma la primavera en tiempo de nieve; jilgueros, mirlos, abubillas, ruiseñores, cantan entre el espeso bosque que rodea al río Tuerto: estamos en La Cepeda.

La semilla de los álamos transforma la primavera en tiempo de nieve; jilgueros, mirlos, abubillas, ruiseñores, cantan entre el espeso bosque que rodea al río Tuerto, de aguas frías, porque bajan entre la umbría del bosque.

En medio de la provincia de León, a la orilla de la ciudad de Astorga se halla una comarca, La Cepeda, tan desconocida como bella. Un pequeño paraíso a la vera del Camino de Santiago.

Villamejil puede ser el punto de partida para conocer el territorio. Hay aquí varios bares, donde se puede comer bien con muy poco dinero (Pulpo a feira, buena ternera, manos de cerdo...) Hay tambien un camping que sin duda es de los más naturales e idílicos de todo el noroeste español, y donde en plena noche el viajero puede quedarse dormido con el sonido del agua saltarina.

Es increíble despertar en la mañana en un lugar así, escuchando abubillas y ruiseñores.. el frescor... Inolvidable.

En el entorno hay pequeños núcleos rurales (raramente tienen más de 100 habitantes) en una geografía de media montaña, llena de verdor. Es un paisaje en el que reinan los castros prerromanos, las espadañas de las iglesias y alguna casona medieval, como el palacio de Otero.

Los estrechos valles están cubiertos de verdor, fertilizadas por las aguas que provienen de los Montes de León. En las laderas de los montes, al lado de los robledales, proliferan las retamas amarillas, que integran una sinfonía primaveral con el contrapunto de los azules de las lavandas.

En medio de las espesuras se refugian los ciervos y los jabalíes, y algún que otro lobo, tan poco visible como odiado por los cazadores.

Para hacer bici, el territorio, de media montaña, es excepcional. Así se puede pasear por la laguna de Sueros, los restos de la minería romana del oro en la Veguellina, el embalse de villameca y pueblos con belleza y algunas viejas edificicaciones de interés, como Los Barrios, Quintana del Castillo o San Feliz.

Para conocer más a fondo el territorio:

http://www.guiarte.com/la_cepeda/
http://www.guiarte.com/cepeda2/

Nueva edición de Intur

10/06/2005, Intur celebrará su novena edición del 24 al 27 de noviembre en la Feria de Valladolid, con la mirada en el turismo de interior, los negocios y la salud

Intur celebrará su novena edición del 24 al 27 de noviembre en la Feria de Valladolid, con la mirada en el turismo de interior, los negocios y la salud.

"Abre la puerta de un turismo diferente" es el lema de la novena edición de Intur, que se celebrará en la Feria de Valladolid el próximo mes de noviembre, en concreto del 24 al 27. El turismo de interior incrementa cada año su peso específico en el conjunto de la actividad turística y sectores específicos como el turismo de negocios, el turismo urbano y el de salud, por citar sólo tres ejemplos, se afianzan como interesantes propuestas que generan importantes cifras de negocio.

Las líneas que dibujan el turismo de interior se amplían y en cada nueva edición de Intur se incorporan propuestas capaces de suscitar la atención de los profesionales del mercado turístico nacional e internacional. En este salón monográfico se presentan contenidos en los que se conjugan arte, ocio, cultura, tradiciones, deporte, negocios, aventura, etc. Nuevos destinos, productos, servicios para la industria y el mercado turístico serán algunos de los contenidos que se darán a conocer en la próxima cita de Intur.

El turismo de salud ha experimentado importantes crecimientos en los últimos años y en el periodo enero-octubre de 2004 las estaciones termales españolas facturaron más de 200 millones de euros, según los datos recogidos por la Mesa del Turismo. El número de clientes de este tipo de establecimientos (en torno a 150 estaciones termales) se cifra en casi un millón de clientes. A este incremento contribuyen notablemente las empresas hoteleras que incorporan a su oferta, fundamentalmente en los centros de segmento alto, el turismo de salud, centros de spa, tratamientos de relax y belleza, etc. Estas propuestas se han convertido en la principal motivación de un buen número de clientes y suponen en algunos casos el 1% de los ingresos netos del establecimiento.

En los últimos años se han recuperado balnearios de gran tradición que mantienen la sección terapéutica y medicinal y amplía la oferta con tratamientos que inciden en el cuidado del cuerpo, dirigidos a otro tipo de clientes. En opinión de Jordi Gurri, director comercial de Nextel, compañía especializada en este sector, la tendencia apunta a que seguirán realizándose importantes inversiones tanto en establecimientos termales como en grandes cadenas hoteleras. "Tras el crecimiento exponencial del periodo 1995-2000, lógico puesto que se partía de un nivel casi inexistente, según apunta Gurri, el turismo de salud es un producto consolidado, con incrementos en torno al 20 por ciento".

Por otra parte, el turismo de reuniones mantuvo un ritmo ascendente durante 2004, con un considerable crecimiento en el número de eventos y en el de participantes, pese al estancamiento registrado en los viajes profesionales individuales, según los datos correspondientes a los diez primeros meses del año. En el pasado ejercicio se consolidó el uso de las nuevas tecnologías por parte de los responsables de la organización de reuniones y se redujo drásticamente la utilización de modos tradicionales (teléfono, fax) en los procesos de inscripción de congresistas, petición y recepción de ponencias y comunicaciones, relación con proveedores, etc.

Intur Negocios es una iniciativa que se dirige exclusivamente a los profesionales y que se celebra en el recinto de la propia Feria de Valladolid durante los días 24 y 25 de noviembre. En la pasada edición participaron alrededor de un millar de profesionales procedentes de países como Alemania, Italia, Holanda, Argentina, España, Gran Bretaña, Puerto Rico, Polonia, Portugal, Francia, etc. Intur Negocios está organizado por la Feria de Valladolid en colaboración con la Dirección General de Turismo de la Junta de Castilla y León.

Datos de interés:

INTUR Ц Feria Internacional del Turismo de Interior

Fecha: 24 al 27 de noviembre de 2005

Organiza: Institución Ferial de Castilla y León

Recinto: Feria de Valladolid.

Visitantes: Profesionales del sector turístico y consumidores finales

Expositores: 1.163 (edición anterior)

Ѕrea exposición: 30.000 metros cuadrados (edición anterior)

Información: comercial@feriavalladolid.com

visitantes@feriavalladolid.com

www.feriavalladolid.com/intur

inturnegocios@feriavalladolid.com

 

El mar en la pintura española

08/06/2005, En la sala de exposiciones del Puerto de Valencia se presenta, hasta el 31 de julio, la exposición "El mar en la pintura española", con 37 obras de la colección privada Carmen Thyssen-Bornemisza.

En la sala de exposiciones del Puerto de Valencia se presenta, hasta el 31 de julio, la exposición "El mar en la pintura española", con 37 obras de la colección privada Carmen Thyssen-Bornemisza.

Esta muestra, que se desarrolla torno a las posibilidades artísticas del marestá integrada por pinturas en su mayor parte del periodo comprendido entre finales del siglo XIX y mediados del XX, con autores como Joaquín Sorolla, Muñoz-Degrain, Martínez Cubells, Cecilio Pla, Valentín de Zubiaurre, etc.

De espaldas al mar

El mar no atrajo la atención de literatos y artistas hasta fechas relativamente recientes. Originariamente era mirado con recelo como imagen del caos y de la sinrazón. Esta concepción fue cambiando desde la Ilustración. A lo largo del siglo XIX los nuevos medios de locomoción como el ferrocarril acercaron el mar a un numero cada vez mayor de gente, hasta convertir la playa, ya a finales de la centuria, en lugar predilecto del ocio burgués.

Pese a su extenso litoral, España careció de pintores de marinas hasta el último cuarto del siglo XIX. A las topografías portuarias y retratos de barcos dieciochescos, y las imágenes de naufragio del Romanticismo, les sucedieron entonces vistas costeras, costumbres marineras y escenas de playa. Pero no sólo cambiaron los temas. El mismo punto de vista varió sustancialmente pasando de la romántica inmersión metafísica en alta mar, a un acercamiento tangible a la costa, captada desde la misma playa.

La exposición recoge algunos significativos ejemplos del tratamiento del mar en la pintura española de fines del siglo XIX y comienzos del XX correspondientes a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Son cuatro los apartados que la componen: Naturalismo y Regionalismo, Modernismo catalán, Sorolla y su entorno, y Fin de siglo y arte nuevo.

Los pintores naturalistas se acercaron a la geografía costera española con una mirada nueva, libre de las recetas de pasado. Aunque sus composiciones todavía denotan una composición cuidada, completada en el taller, partieron de apuntes tomados en playas y acantilados, interesándose particularmente por elementos como el celaje, el colorido de las aguas, o las labores y costumbres de pescadores y gentes de mar. Asimismo, prestaron especial atención a las condiciones ambientales cambiantes, como las luces de atardecer y de aurora. Con el Modernismo catalán el interés se concentró en puertos, espacios suburbanos y playas de ocio, plasmadas con una factura vibrante y abierta, deudora del Impresionismo. En Valencia, a comienzos de siglo XX, Sorolla y los pintores de su entorno, sin dejar atrás el costumbrismo de escenas como el retorno de la pesca, se adentraron en la captación de la fuerte luminosidad del litoral mediterráneo. Sus escenas de playas y balnearios de moda, pintadas frecuentemente en cuadros de pequeño formato, completados en una sola sesión con una vivacidad sin precedentes, son asimismo interesantes por lo que implican de una visión arcádica del mar como lugar de goce y fusión con la naturaleza.

Posteriormente, con la llegada de las vanguardias a España por los años veinte, el mar fue perdiendo interés como sujeto pictórico. No faltaron, sin embargo, aproximaciones al mismo desde ópticas diferentes como el tardo-simbolismo, el impresionismo tardío, el fauvismo o el "retorno al orden", todas ellas presentes en las obras expuestas.

 

Richard Serra, al Guggen

06/06/2005, Richard Serra ha presentado en el Guggenheim Bilbao su conjunto escultórico titulado "La materia del tiempo": unas obras monumentales de acero oxidado que el propio escultor considera la creación más importante de su carrera.

El artista norteamericano Richard Serra ha presentado en el Guggenheim Bilbao su conjunto escultórico titulado "La materia del tiempo": unas obras monumentales de acero oxidado que el propio escultor considera la creación más importante de su carrera.

El conjunto de siete esculturas creadas por el artista norteamericano Richard Serra pasan a la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

La instalación, realizada por encargo y en exclusiva para el Guggenheim de Bilbao se ubica en la que será su sede definitiva: la gran Sala Arcelor del museo, con una longitud de 130 metros. Serra reconoció que la realización de este proyecto escultórico para el Guggenheim de Bilbao ha sido la experiencia más sobrecogedora y el elemento más grande que he creado en su carrera.

Las esculturas se instalan junto a Serpiente (Snake, 1994–97), que el propio artista realizó para la sala 104 del edificio diseñado por Frank Gehry, constituyendo así un espacio escultórico permanente de una escala y alcance sin precedentes en la historia del arte contemporáneo, que hará del Museo un destino ineludible para experimentar en profundidad la extraordinaria e innovadora obra de este prestigioso artista.

El trabajo de Richard Serra se centra en el proceso de producción, en las características específicas de los materiales y en la integración del espectador en el espacio escultórico. Las siete obras que integran este conjunto escultórico proceden del lenguaje formal que el artista abordó en su serie Torsiones elípticas a la que el Museo Guggenheim Bilbao dedicó una exposición en 1999.

En esta nueva instalación Richard Serra ha profundizado en este vocabulario elaborando formas cada vez más complejas. Cada obra consta de dos o más planchas curvadas de acero Cor-ten, de una altura entre 3,56 y 4,27 m. La pieza más ligera está construida con dos planchas y pesa 44 toneladas, mientras que la más pesada está realizada con ocho planchas alcanzando un peso de 276 toneladas. A partir de una elipse simple, construye una de mayor tamaño que alberga en su interior a la primera, realizando así una doble elipse; y conectando el interior de una elipse con el exterior de otra, genera espirales cuyo interior no se puede anticipar desde el exterior. Las dos últimas piezas del recorrido tratan sobre la potencial variabilidad de los espacios, que construye utilizando secciones esféricas y toroidales que configuran entornos de muy diferente lenguaje, movimiento y percepción.

Estas esculturas, que parecen moverse cuando el espectador las rodea y recorre, generan una inolvidable sensación de vértigo, de espacio en movimiento

FICHA TÉCNICA

Título: La sustancia del tiempo

Fechas: A partir del 7 de junio 2005

Comisaria: Carmen Giménez

Sala: 104

 

Ciudades Verdes

05/06/2005, El 5 de junio es la fecha establecida por las Naciones Unidas para reclamar una mayor concienciación en el compromiso ambiental; el asunto elegido en el año 2005 fue el de las ciudades verdes

El 5 de junio fue la fecha establecida por las Naciones Unidas para recordar la necesidad de una mayor concienciación en el compromiso ambiental y el asunto elegido en el año 2005 fue el de las ciudades verdes.

En este sentido, ha sido interesante en España la celebración de la asamblea constituyente de la Red Española de Ciudades por el Clima, integrada inicialmente por ochenta municipios de dieciséis Comunidades Autónomas en los que viven más de quince millones de personas.

Los municipios se han comprometido a aplicar medidas "concretas y evaluables" desde este año para reducir la contaminación atmosférica y luchar contra el cambio climático

Los ochenta municipios adheridos a la Red de Ciudades por el Clima deberán introducir medidas económicas y fiscales para favorecer la implantación de energías renovables y medios de transporte colectivo menos contaminantes, e incorporar criterios de eficiencia energética en los edificios y dependencias municipales. Posteriormente, los Ayuntamientos de la Red estarán obligados a aprobar planes energéticos municipales que mejoren la eficiencia energética en los servicios municipales, promover la arquitectura bioclimática en las nuevas ampliaciones de la trama urbana, racionalizar el uso y el consumo del suelo, etc.

Decálogo de Greenpeace

Ante la celebración, Greenpeace ha presentado un decálogo de medidas para reducir la presión de las ciudades en el medio ambiente y aumentar la calidad de vida de los ciudadanos. La organización ecologista reclama un cambio urgente en las ciudades para hacer la vida en ellas más saludable y frenar el impacto que actualmente producen en el medio ambiente del Planeta.

En nuestros días, más de la mitad de la población mundial vive en ciudades. Las poblaciones urbanas consumen el 75 por ciento de los recursos naturales del mundo y generan el 75 por ciento de los residuos. Las ciudades se han convertido en consumidoras de enormes cantidades de recursos naturales y generadoras de impactos ambientales masivos.

Ante estos hechos Greenpeace propone:

1.- Ahorro energético: La utilización eficiente y el ahorro energético son el recurso energético con mayor potencial en las ciudades. Con adecuado aislamiento y criterios bioclimáticos en el diseño de edificios y en el planeamiento urbanístico se podría evitar el uso de aires acondicionados. La demanda de energía para climatización en edificios existentes se puede reducir en un 30-50 por ciento y en edificios nuevos en un 90-95 por ciento .

2.- Impulso a las energías renovables: Los tejados de nuestras ciudades son excelentes lugares para la ubicación a gran escala de centrales de energía solar fotovoltaica para producir electricidad y captadores solares térmicos para producir agua caliente. Deben generalizarse las ordenanzas solares que hagan obligatorios estos dispositivos.

3.- Construcción sostenible: El diseño de los barrios debe tener en cuenta el entorno. Debe potenciarse la utilización de materiales en cuya extracción no se haya producido un deterioro del medio ambiente, como la madera certificada FSC.

4.- Menos agua, ríos más limpios: El problema no es la sequía, es el aumento sin límites del consumo de agua. Por ello debe detenerse la promoción de actividades muy intensivas en el uso del agua y promoverse un uso mucho más racional de este recurso basándose en el ahorro, la eficiencia y la reutilización.

5.- Consumo responsable: La mayor parte de la producción de alimentos termina en las ciudades. Los habitantes de la mismas pueden influir en las formas de producción agraria y pesquera rechazando los productos transgénicos, el pescado que proviene de artes de pesca destructivas o demandando alimentos y productos (limpieza, juguetes, textiles,...) sin sustancias químicas tóxicas y utilizando papel y productos de madera respetuosos con los bosques.

6.- Menos basura: Casi tres cuartas partes de lo consumido por la sociedad industrial tarda menos de un año en convertirse directamente en residuo. Hay que impulsar definitivamente la recuperación de los materiales que hoy se convierten en basura a través de medidas que impulsen las tres erres: reducción, reutilización y reciclaje.

7.- Compostaje: La materia orgánica debe volver a la tierra para evitar su progresivo empobrecimiento y el uso de abonos artificiales. Por ello la parte orgánica de nuestras basuras puede recuperarse a través de un impulso al compostaje.

8.- Transporte: Greenpeace propone una limitación del uso del coche en las ciudades y que se promueva de manera preferente al peatón, el uso de la bicicleta y el transporte público. En la actualidad la mitad de los desplazamientos en coche se realizan a menos de 3 kms. de distancia, y un 10 por ciento son para trayectos de menos de 500 metros.

9.- Contra la especulación del suelo: La financiación de los ayuntamientos españoles no puede seguir dependiendo de la expansión constante y sin freno de la especulación urbana. Debe analizarse en profundidad la insostenibilidad del actual modelo, para ponerle freno.

10.- Participación ecologista: La presencia activa de ciudadanos ecologistas en las ciudades es un beneficio para ellas. Por ello es importante que las administraciones municipales impulsen la participación de la sociedad en la defensa del medio ambiente.

 

Shoji Ueda

04/06/2005, La Obra Social la Caixa presenta en Madrid, a través de 150 fotografías, la selección más completa de una de las figuras más relevantes de la fotografía nipona: Shoji Ueda

La Obra Social la Caixa presenta en Madrid, a través de 150 fotografías, la selección más completa de una de las figuras más relevantes de la fotografía nipona es la exposición: Una línea sutil: Shoji Ueda 1913-2000

Are, bure y boke (toscas, borrosas y desenfocadas). Así eran las fotografías que imperaban en el Japón de finales de 1970. Entre aquella mezcolanza de imágenes chillonas, las fotografías de Shoji Ueda sobresalían por su silencio. «Joven, vital y forastero», pensó el crítico de fotografía e historiador Iizawa Kotaro al descubrir al autor. Erraba: Ueda contaba por aquel entonces con más de sesenta años y apenas había abandonado Tottori, su provincia natal.

Dotado de una curiosidad desbordante y un espíritu experimental, Shoji Ueda (1913-2000) jugó con encuadres y ángulos inesperados y distorsionó perspectivas hasta crear una obra que hoy ocupa un lugar absolutamente singular e independiente en la historia de la fotografía japonesa. Pese a que él siempre quiso definirse como un «fotógrafo rural aficionado», su obra está presente en museos de todo el mundo.

Bajo el título Una línea sutil: Shoji Ueda 1913-2000, la Obra Social ”la Caixa” y el Museo de l’Elysée de Lausana presentan en España la más completa selección de obras de este artista que hasta hoy se ha presentado fuera de Japón. La muestra reúne 150 fotografías que resumen una trayectoria de más de setenta años de trabajo: desde los primeros experimentos con rayogramas hasta sus retratos de personajes que, como si de objetos se tratara, se alzan sobre las dunas de arena de Tottori.

La muestra ha sido posible gracias a la colaboración del Museo de Fotografía Shoji Ueda de Tottori y del estudio que representa la obra del artista japonés, dirigido por Karouko Nakada, nieta del fotógrafo.

La exposición Una línea sutil: Shoji Ueda 1913-2000, comisariada por Gabriel Bauret y William Ewing, se puede visitar en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Madrid (Serrano, 60) del 3 de junio al 24 de julio de 2005. Posteriormente, la muestra se podrá ver en Palma y Málaga.

La obra de Shoji Ueda se ha expuesto en Europa y Estados Unidos: París, Toulouse, Estocolmo, Milán y Nueva York, entre otras ciudades, le han dedicado sendas muestras y un buen número de sus imágenes están presentes en las colecciones del Centro Georges Pompidou de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, por citar algunos ejemplos.

No obstante, el acercamiento a la obra de Ueda se limita en muchos casos al célebre teatro de la duna, es decir, a los retratos que el artista tomó en las dunas de Tottori, a cien kilómetros de su residencia. Esta particular configuración geográfica baña sus fotos de una atmósfera inconfundible e inimitable. Más allá de este escenario, el conjunto de la obra de Ueda define una trayectoria artística muy rica y llena de matices, en sus inicios especialmente influenciada por la fotografía y la pintura europeas. De todo ello da cuenta la presente exposición.

Shoji Ueda nació el 27 de marzo de 1913 en la provincia de Saihaku (prefectura de Tottori, Japón). En 1932 empezó a formarse como fotógrafo en el estudio de los grandes almacenes Mimatsu de Hibiya (Tokio) y más tarde estudió durante tres meses en la Escuela Oriental de Fotografía. Al regresar a Tottori abrió su propia tienda de fotografía. En 1937 Ueda se convirtió en uno de los miembros fundadores del Grupo de Fotógrafos de Chugoku junto con Ishizu Ryosuke. El grupo celebró exposiciones anuales en la misma sala de Tokio durante cuatro años consecutivos, hasta 1940, con lo que Ueda tuvo ocasión de presentar sus obras de forma ininterrumpida en la capital. En Cuatro muchachas posando (1939) realizó su primer intento de dirigir a sus modelos para alcanzar la sensibilidad compositiva.

Reclutado para realizar el servicio militar en el astillero naval de Hikari, en la prefectura de Yamaguchi, en el periodo de la Segunda Guerra Mundial, lo mandaron de vuelta a casa de inmediato por desnutrición.

En 1949 Ueda, Domon Ken y Midorikawa Yoichi participaron en una sesión fotográfica conmemorativa en las dunas de Tottori, en el marco de un proyecto editorial ideado por Kuwabara Kineo —más tarde jefe de redacción de la revista Camera Ars—, que apareció en el número de septiembre de dicha publicación. Su serie de fotografías «Mi familia» también fue publicada en el número de octubre. Alrededor de 1950, Ueda y algunos jóvenes fotógrafos de la región de Sanin que llevaban tiempo reuniéndose en casa del artista crearon la escuela Etan. En otoño de 1951 Ueda realizó su primera sesión fotográfica de desnudos en las dunas de Tottori. En 1955 se convirtió en miembro de la sección de fotografía de la asociación de fotógrafos Nikakai. Empezó a tomar imágenes en las que describía la inocencia de los niños en su región natal de Sanin para la serie «Calendario de niños».

Ueda abrió un nuevo estudio fotográfico, Ueda Camera, en un edificio de tres plantas de Higashi Kurayoshi, en Yonago (Tottori), en 1972. También abrió un salón de té, Charanka, en la segunda planta, y la Galería U, en la tercera. Los fotógrafos amateurs locales, que le admiraban, acostumbraban a reunirse en estos espacios y llegaron a fundar el grupo Círculo U. En 1975 aceptó el puesto de profesor de fotografía como catedrático en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Sangyo de Kyushu (1975-1994). En julio de 1978 fue invitado a Francia para participar en la novena edición de los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles, donde dirigió uno de los talleres. Sus obras entraron a formar parte de la colección de la Biblioteca Nacional de Francia. En 1979 su obra se presentó en varias exposiciones fuera de su Japón natal. A partir de 1982, diversas galerías europeas empezaron a organizar exposiciones individuales dedicadas al artista.

En 1984 el Museo de la Ciudad de Kawasaki adquirió obras de Ueda para su colección. Desde entonces, numerosos museos han incorporado obras suyas a sus colecciones: el Museo de Arte de Yokohama, el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte de la Ciudad de Yonago, el Museo de Arte de Yamaguchi, el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, el Centro Pompidou (París, Francia) y el Museo de Bellas Artes de Houston (Texas, EEUU) entre otros. En septiembre de 1995 se inauguró el Museo de Fotografía Shoji Ueda en Kishimotocho, en la provincia de Saihaku, prefectura de Tottori, Japón. Cinco años después, en 2000, Ueda falleció

La trayectoria de Ueda se desarrolló lejos del núcleo artístico de Tokio y, de hecho, se apartó bastante pronto de los movimientos estéticos imperantes en el Japón de la época, hasta el punto de que, en la actualidad, los historiadores de fotografía coinciden en afirmar que se trata de una obra totalmente personal y original.

Ueda no tiene en cuenta al individuo en sí mismo sino como parte de la humanidad: es un humanista que celebra al ser humano en su entorno. Frente a los tópicos que interfieren en nuestra percepción del mundo oriental, Ueda elimina todo lo anecdótico y pintoresco para dar forma a un lenguaje universal que sirve de expresión a los sueños y las fantasías de las personas de hoy.

Divididas en siete ámbitos, las fotografías se inician en 1929, para llegar hasta el fin de siglo XX.

 

Pablo Siquier

01/06/2005, Pablo Siquier, uno de los grandes artistas argentinos surgidos en la década de los ochenta, ha llevado 40 cuadros y ha pintado varios murales en el Palacio de Velázquez de Madrid

Pablo Siquier, uno de los grandes artistas argentinos surgidos en la década de los ochenta, ha llevado 40 cuadros y ha pintado varios murales en el Palacio de Velázquez de Madrid, en una muestra que se presenta del 3 de junio al 12 de septiembre.

Siquier ha dedicado los últimos quince días en pintar paredes del Palacio de Velázquez. Es la forma “más natural de agrandar mucho el formato de mis cuadros”, dijo.

Ivo Mesquita, comisario de la muestra que organiza el Reina Sofía, ha escrito un bello texto sobre la ciudad de Buenos Aires y el artista:

“Pablo Siquier: Ver la ciudad”

“Desde la independencia de Argentina en 1816, Buenos Aires, por la acción deliberada de sus gobernantes, creció rápidamente hasta convertirse, a principios del siglo XX, en el mayor centro comercial de América Latina y el más importante centro intelectual de los países hispanohablantes de la región, desempeñando un papel protagonista en el desarrollo cultural del continente. Este proceso no era nuevo para la ciudad portuaria situada en la desembocadura del Río de la Plata, sino que daba continuidad a su vocación de centro metropolitano y cosmopolita, punto de llegada y partida de viajeros en el período colonial, y destino de miles de inmigrantes desde mediados del siglo XIX.

Debido a su posición estratégica, que la llevó a convertirse en la capital del Virreinato del Río de la Plata, la ciudad siempre fue un centro urbano muy activo, como muestra a lo largo del tiempo el incesante aumento de su población: 14.000 habitantes en 1750; 40.000 en 1800; 100.000 en 1860; 177.000 en 1869; y 1.577.000 en 1914, asegurándole desde entonces un lugar permanente entre las diez mayores ciudades del mundo.

El desarrollo de la ciudad no se dio de un modo espontáneo o pacífico. La propia historia del país está marcada por la violencia en la conquista, el dominio y la explotación de la tierra, por la tradición política del caudillismo así como por episodios sangrientos de guerras internas y externas. Este desarrollo tampoco fue una consecuencia natural del crecimiento de sus actividades como centro comercial y administrativo. Buenos Aires es antes que nada, y desde el principio, la expresión de la voluntad humana, de los deseos y designios de sus sucesivas elites, que buscaban crear un paisaje de civilización, organización y orden frente a un territorio abierto, inhóspito y desafiante como son las Pampas. La administración colonial española implantó en América ciudades que representaban el poder y el dominio del colonizador a través de la racionalidad del diseño y la ocupación del territorio. Centros como México, Quito, Cuzco o Potosí se articulaban a partir de una plaza central, la plaza de armas, con una estructura de enrejado cuadriculado que define y organiza la ocupación del espacio y la circulación, y que planifica el crecimiento, al mismo tiempo que celebra la supremacía y promueve el control del poder regente. Corresponden a lo que Sérgio Buarque de Hollanda en Raízes do Brasil llamó “el orden del enladrillador”, es decir, un paisaje construido por el empeño y determinación, yuxtaponiendo de forma precisa y calculada las partes que forman un conjunto final y acabado. Centralidad y simetría, por tanto, constituyeron el principio urbanístico original de las principales ciudades Hispano-Americanas.

Entretanto, y de una forma diferente al resto de las capitales latinoamericanas que poco a poco se fueron perdiendo en un crecimiento desordenado (Caracas, Bogotá, México, p. ej.), Buenos Aires mantuvo en el transcurso del siglo XIX, deliberadamente y con mayor o menor éxito, los principios de continuidad y regularidad de su estructura original: un enrejado cuadriculado y uniforme, donde cada manzana está claramente definida, creando una malla que se asienta en la planicie del estuario del Plata, y que se extiende desde el centro de la ciudad hasta una frontera siempre mutable y en expansión de su perímetro urbano. La determinación de sus dirigentes políticos consiguió transformarla a partir de 1830 en una capital y, posteriormente, ante el notable crecimiento económico, la afluencia de europeos y el decisivo empeño de una elite de gusto afrancesado, en una “capital europea” en América. De ahí nace para bien y para mal, el mito falso o verdadero de la ciudad civilizada, del centro urbano irradiador de cultura, del espacio de la modernidad. La capital de la tierra prometida, soñada y construida por los inmigrantes europeos: blanca, linda, elocuente y generosamente diseñada para el disfrute del flaneur. Mientras tanto, y después del ciclo de los gobiernos militares (1966-1983), la ciudad parece vivir un nuevo proceso de transformación. En este período menos organizado o planeado y como resultado de una manifestación espontánea, parte de la vida y de la cultura urbana se transformaron bajo la voracidad de las políticas que fueron implementadas por el capitalismo neo-liberal en el país y causaron su estancamiento económico. La crisis ha creado grandes masas de desempleados, inmigrantes y "sin techo", que ahora ocupan zonas del centro de la ciudad, construyen chabolas y viven en las calles, desafiando cualquier planificación urbanística.

De cualquier forma Buenos Aires ocupa un lugar importante, tal vez único, en la historia social, en el imaginario y en la consolidación de la identidad de Argentina. Cualquier capital es importante para la fundación de una identidad nacional, pero Buenos Aires se perfila como una personalidad muy peculiar por el tipo de relación “centro-periferia” que ha desarrollado con el resto del país, imponiéndose como signo de su grandeza. A pesar de la importancia económica y cultural de ciudades como Córdoba o Rosario, parece que toda la producción material y cultural argentina es succionada por la capital, donde hoy viven casi dos tercios de la población del país (cerca de 37 millones de personas). De ahí su importancia en la articulación de un espacio político-cultural, de una identidad y un estilo de vida metropolitano, cosmopolita, moderno, que le garantiza una proyección simbólica particular y irrevocable.

Como toda ciudad, Buenos Aires no es sólo su espacio físico y sus edificaciones, sino también el locus de formación de subjetividad a partir de una experiencia vital, totalizadora de los sentidos y de la imaginación. Es también el resultado de las relaciones e intersecciones de los diversos segmentos sociales, de las prácticas políticas y culturales que la hacen funcionar, creando un imaginario propio y articulando visiones que organizan los modos de ver, pensar y existir en un lugar determinado. Pero los porteños hacen esto de una forma tan peculiar y apasionada, que es casi imposible hablar de una cultura argentina sin hacer referencia a su capital y sus múltiples formas de vida. Buenos Aires no sólo centraliza todas las productoras de televisión y cine, las casas editoriales, las creaciones de teatro, música, danza y artes visuales y los museos nacionales, sino que por encima de todo la ciudad, su diversidad cultural, la experiencia y el sentido de estar allí son el origen y los temas de esas representaciones y producciones. Buenos Aires es, entre tantas otras cosas, una fabulosa interpretación artística y creativa.

Pablo Siquier

Entre los artistas argentinos surgidos en los años ochenta, la obra de Pablo Siquier se revela como una de las más originales y complejas, traduciendo, con rigor y objetividad, una experiencia profundamente personal, amorosa, de su ciudad natal, Buenos Aires. Su trabajo opera como una negación del gesto expresivo y del efecto sin mediación del hedonismo frívolo en el ejercicio artístico, al contrario de lo que ocurre con la mayoría de sus compañeros de generación, no sólo en Argentina sino en casi todo Occidente. Estos últimos habían propuesto el retorno a la pintura como una revisitación de su tradición histórica bajo la forma de expresiones “neo”, así como el rescate del placer en el arte, en oposición a la racionalidad y crítica extrema que rigió la producción artística entre finales de los años sesenta y principios de los setenta. Siquier se concentra en la exploración programática de estructuras formales y constructivas, de motivos decorativos y representaciones abstractas que parecen sacados de un manual de arquitectura y construcción, así como en la exploración del lenguaje de los signos y emblemas desarrollada por el diseño. De este modo, contradiciendo lo que sugiere la percepción inmediata de sus trabajos como formas modulares y multiplicadas a partir del legado de la tradición argentina de Arte Concreto, la obra de Siquier tiene una proyección mayor sobre la creación de formas que expresan una pérdida de la integridad, la totalidad y la sistematización. Sus pinturas se constituyen a partir de una visión personal, fundada en la observación y en la vivencia de la ciudad, aliada a una sensibilidad neo-barroca, para revelar la inestabilidad de los signos, la ambigüedad del sentido y la difusión semántica que hacen funcionar la cultura urbana y las prácticas artísticas. Se trata por tanto de una obra que, con fuertes atributos formales, niega de forma paradójica el rigor del orden y de la razón que han regido parte del Modernismo histórico, para dar visibilidad a un mundo marcado por diferentes interacciones, con una diversidad de referentes, mutabilidad, polidimensionalidad y extrañamiento. Siquier cuestiona las certezas y predicados de la modernidad, para dar lugar a una estética donde coexisten plano y profundidad, caos y armonía, razón y fantasía.

Su obra describe una trayectoria de veinte años y que, hasta el momento actual, comprende cuatro etapas distintas:

A) Desde 1985 hasta 1989 Siquier utilizaba en sus pinturas colores vibrantes, que saturaban la superficie del lienzo con formas concéntricas o de origen orgánico, que parecen estar a punto de moverse y se multiplican o se desarrollan de un modo obsesivo, en una "mandala" hipnótica o en una superficie saturada por el dibujo y una decoración excesiva. Éstas evocan motivos prestados de la estampación en tejidos, de láminas de laboratorios o de las tiras cómicas, articulando una tensión entre el tema de la pintura en primer plano y el fondo trabajado del lienzo. Estos primeros trabajos enuncian algunas de las cuestiones y procedimientos más frecuentes que caracterizan el desarrollo de su proyecto artístico: la seducción por la materialidad de la representación pictórica y por el hacer artístico, la contraposición entre lo figurativo y lo abstracto, el gusto por el detalle, por el fragmento y por el artificio, los juegos entre figura y fondo, luz y sombra, orden y precisión formal.

B) Entre 1989 y 1993 el pintor utiliza una paleta más austera y artificial para plasmar superficies monocromáticas en matices de azul, gris, rosa o verde, y formas exclusivamente geométricas. Se inspira en motivos arquitectónicos, pero muestra todavía composiciones simétricas y centradas en el lienzo que evocan detalles ornamentales, columnas y frontones dentro de un procedimiento esquemático que se convierte en una marca propia de su estilo. En lugar de construir las formas con líneas y planos, Siquier trabaja con los efectos de luz y sombra para hacer que éstas parezcan bajorrelieves donde no se percibe la presencia de la mano del artista, como si fuesen el producto de alguna técnica de impresión sobre el lienzo. Las formas parecen fluctuar entre lo abstracto y el referente de donde fueron tomadas (del "Art Deco" y del Modernismo de la arquitectura argentina, p. ej.), proyectándose más allá del plano pictórico. No existe ahí ninguna referencia a la materialidad del ornamento, sino apenas un simulacro de éste, distorsionado, y su visión frontal, emblemática y congelada en el vacío de la tela remite a la naturaleza artificial de la pintura y de la representación.

C) A partir de 1993, Siquier abandona drásticamente el color para dar inicio a una serie de pinturas en blanco y negro, e igualmente elimina las referencias a los ornamentos arquitectónicos en favor de composiciones más complejas y articuladas. Éstas parecen constituir grandes topografías urbanas, mapas bajos de paisajes, circuitos desconocidos, tal vez inútiles, que la mirada del observador debe recorrer como un laberinto que se encierra en sí mismo. Las pinturas son ahora abstracciones puras y precisas, independientes de cualquier referente o forma sólida. El juego entre luz y sombra es exacerbado, convirtiendo la pintura en un soporte gráfico donde la organización del espacio desarma toda lógica y racionalidad. Su trabajo de este modo se aleja definitivamente de las tradiciones fundadas en la Modernidad, para proponer un lugar más crítico, siempre en movimiento, con una concepción marcadamente barroca, es decir, perteneciente a un universo que se configura como algo cerrado, ambiguo, excesivo, paródico.

D) Finalmente en los trabajos más recientes Siquier abandona el plano de los lienzos para trabajar directamente sobre las paredes de las galerías y museos con dibujos e instalaciones, que juegan con la ilusión y la percepción real del espacio. Se trata de trabajos que llevan la tensión de la representación volumétrica a través de la luz y la sombra a su punto límite en salas monocromáticas o en murales exhaustivamente elaborados. Los dibujos, generados por ordenador, como arquitecturas visionarias, son posteriormente transferidos a gigantescas superficies impresas, paredes dibujadas a carboncillo o cubiertas de poliestireno y parecen borrar las fronteras que existían entre la pintura y el mundo real. Las instalaciones de poliestireno en blanco, plata o cobre, revisten íntegramente el espacio, como un ancho marco para el vacío de la sala y la soledad del espectador: el tema de la pintura desaparece para dar lugar a una situación, circunstancia o estado propicios para pensar acerca del sujeto y su entorno. Los murales a carboncillo hablan de lo efímero del gesto del artista, del sentido transitorio de su trabajo y empeño: el carboncillo que delinea las formas y tiende a desaparecer con el tiempo, como en un proceso de extinción, olvido o letargo.

Por otro lado las pinturas a partir de finales de los años noventa muestran la reducción a astillas de las formas y de los circuitos presentes en las etapas anteriores, dando lugar a una especie de cartografías sobrepuestas y asimétricas, un amontonamiento de fragmentos que se enuncian sin conclusión, grafismos geométricos y decorativos discontinuos. El conjunto de formas sugiere una narrativa sobre la contemporaneidad donde se acumulan tiempos y espacios diversos que describen una caligrafía secreta de la misma naturaleza que los jeroglíficos. Parecen dar visibilidad a la noción de heterotopía foucaultiana, un lugar fuera de cualquier lugar que paradójicamente está relacionado con todos los lugares “…de tal forma que disimula, neutraliza e invierte el conjunto de relaciones diseñadas, reflejadas y observadas entre sí...”, funcionando como “… disposiciones alternativas, una utopía real y efectiva, donde las disposiciones reales…se representan, se cuestionan y se vuelcan simultáneamente.”

La ciudad no existe sin sus habitantes, de la misma forma que los habitantes no existen apartados de su ciudad. Las circunstancias de la vida urbana constituyen las subjetividades individuales y sociales en tanto que la ciudad existe gracias a la experiencia vivida por sus habitantes. Es exactamente esa relación de sinergia entre estas dos partes, antes que cualquiera de ellas considerada individualmente, lo que parece generar la obra de Siquier, y que permite pensarla como una producción relacionada con la ciudad de Buenos Aires en el conjunto de sus producciones culturales. Se puede ver su práctica artística como el resultado de una subjetividad formada por la vida urbana, al tiempo que ésta se transforma en una parte esencial para elaborar un pensamiento sobre la ciudad: libro y laberinto son el mismo objeto. E incluso, se trata de proponer una aproximación al trabajo que examina la presencia de la ciudad en su producción, al mismo tiempo que tiene una visión de ésta como algo creado por esa misma producción.

La obra de Pablo Siquier no produce ni reproduce mapas y panoramas, ni tampoco propone evocaciones metafóricas sobre la ciudad. Es antes que nada una narrativa sobre la ciudad. Al igual que Borges, cuya vida e identidad están estrechamente ligadas a Buenos Aires, Siquier articula estrategias para dar visibilidad a una experiencia específica y personal a través de un discurso visual que envuelve desde formas reconocibles en la arquitectura local hasta puras abstracciones, y que se puede relacionar con el paisaje, la topografía, o las formas de representación de la ciudad. Sus trabajos no buscan la experiencia de la mímesis, buscan la experiencia de la escritura, no para representar lo real, sino para proponer un uso del lenguaje como medio de comunicación y diálogo en el espacio urbano. Utiliza la pintura, su práctica artística, como una función en el juego de instaurar diferencias que generan los procesos de significación y suplemento, sin pretender un significado conclusivo, sino como parte del ejercicio del sujeto con relación a los signos puestos en movimiento, a la deriva, en el espacio de la ciudad.

Así, la obra de Siquier parece ser apropiada para comentar una construcción fundamentalmente diferente de la relación entre la ciudad y su producción cultural. En este caso se aproxima a las ideas de Homi Bhabha, cuando éste propone la noción de “writing the nation” (escribiendo la nación), lo que en el caso de Siquier sería algo así como “writing the city” (escribiendo la ciudad): “El pueblo no se reduce a los conjuntos históricos ni a las partes de un cuerpo político patriótico. Este pueblo conforma además una estrategia retórica compleja de referencias sociales donde reclama una representación, y esto provoca una crisis dentro del proceso del significado y del discurso. Surge así un territorio de lucha cultural donde el pueblo se caracteriza por la doble temporalidad: El pueblo es el “objeto” histórico de una pedagogía nacionalista, ya que el discurso está dotado de una autoridad que se basa en un acontecimiento u origen histórico preestablecido o predeterminado. Los individuos son a su vez los “sujetos” de un proceso de significación que debe borrar cualquier presencia anterior u originaria del pueblo-nación, y demostrar así un principio prodigioso, vivo, donde el pueblo es parte de un proceso continuo, y la vida de la nación adquiere significado y redención como un proceso de repetición y reproducción. Los retales, los parches, los harapos de la vida cotidiana deben transformarse continuamente en signos de la cultura nacional, mientras que el acto narrativo en sí cuestiona un círculo creciente de temas nacionales. En la producción de la nación se abre una brecha entre lo pedagógico, basado en ideas continuas y acumulativas, y lo efectivo, que emplea estrategias y recursos repetitivos. A través de este proceso de bifurcación la ambivalencia conceptual de la sociedad moderna se convierte en el emplazamiento de escribiendo la nación.”

De este modo, el trabajo de Siquier se puede analizar como un retrato que busca la armonía en la identidad individual de un sujeto que habita, experimenta, resiste y crea un espacio humano llamado Buenos Aires. La producción artística o cultural no es sólo el reflejo de una escritura de la nación o ciudad, sino la construcción de un sentido, cuya elocuencia y eficacia existe como construcción cultural forjada a partir de la vida ciudadana. Lo importante es percibir como Siquier sigue elaborando las posibilidades de experiencia de la ciudad, no como la celebración o la memoria de su espacio físico y de sus edificaciones, sino como parte de las diversas prácticas políticas y culturales que se desenvuelven y se inscriben en un perímetro determinado, forjando así un repertorio de imágenes que contribuye a recrear, en cada nueva mirada, la propia ciudad.

Ivo Mesquita

Comisario

Obra inédita de La Tour

31/05/2005, El director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, ha anunciado el hallazgo de una obra inédita del pintor francés Georges de La Tour, hasta ahora en el Instituto Cervantes

El director del Instituto Cervantes, César Antonio Molina, y el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, junto con el catedrático José Milicua, patrono del Museo y autor de la atribución, han anunciado el hallazgo de una obra inédita del pintor francés Georges de La Tour (1593-1652) perteneciente al patrimonio del Estado y depositada en el Palacio de la Trinidad, sede del Instituto Cervantes.

El descubrimiento de esta pintura, ahora identificada sin ningún género de dudas como San Jerónimo leyendo una carta de La Tour, constituye una noticia de singular importancia al incorporar una nueva obra al reducido catálogo de obras autógrafas del principal maestro francés del siglo XVII, y del que en España solo se conocía la existencia de una, Ciego tocando la zanfonía, adquirida por el Museo del Prado en 1991 con fondos del legado Villaescusa.

El recién descubierto San Jerónimo leyendo una carta de Georges de La Tour representa la figura del santo de medio cuerpo, sin atributo alguno, visto en posición central, leyendo una carta con unos quevedos en la mano. A falta de documentación histórica, la atribución se basa, según el informe del profesor Milicua y otros expertos consultados, en la semejanza con la calidad de factura que acreditan otros originales del maestro, reconocible en detalles como la pincelada libre de la cabellera y los característicos toques de superficie a punta de pincel, así como en la comparación con sus composiciones de similares características.

Hasta la fecha, la única referencia bibliográfica antigua que había situado una obra de La Tour en España es una mención del conde de Maule, viajero del siglo XIX, que en 1813 señalaba la existencia del cuadro « Hombre que sopla sobre un tizón para encender la pipa, de Georges de La Tour » en la colección de Sebastián Martínez, coleccionista amigo de Goya que residía en Cádiz. El lienzo está hoy en paradero desconocido, aunque existen bastantes copias, por lo que la primera y única obra que hasta este momento cubría el vacío absoluto del gran pintor francés en España es la adquirida en Londres por el Museo del Prado en 1991, lo que multiplica la importancia de la noticia del reciente hallazgo de San Jerónimo leyendo una carta.

El reconocimiento de la personalidad de Georges de La Tour como uno de los pintores franceses más relevantes del XVII se inició en 1915, cuando el gran conocedor alemán, Hermann Voss, identificó certeramente al lorenés como el autor alguna de sus célebres composiciones nocturnas. Desde entonces, diversas exposiciones y una bibliografía reciente han ido profundizando y difundiendo el conocimiento de la obra de Georges de La Tour. En España, la única exposición que se le ha consagrado ha sido la realizada en 1994 por el Museo del Prado, en la que reunieron Los músicos de Georges de La Tour, con catálogo de Juan J. Luna, conservador del Museo.

Nacido en Vie sur la Seille (Lorena) en 1593 y fallecido en Lunéville (Lorena) en 1652, se sabe que fue « pintor ordinario » del rey de Francia y que recibió encargos tanto del duque de Lorena como de otros miembros importantes de la aristocracia lorenesa, pero la relevancia artística que tuvo en vida cayó pronto en el olvido. Por este motivo, no se conocen datos seguros sobre su formación artística aunque su evidente absorción temprana de elementos de estilo de cuño caravaggiesco podrían hacer pensar en un posible viaje de estudios a Italia, aunque no cabe excluir que esos elementos pudiera haberlos absorbido en Flandes o, menos probablemente, en París.

¿Quién visita el museo ?

Por otra parte, estos días se ha sabido que el museo del Prado ha hecho una encuenta para determinar datos de sus visitantes: Mucha presencia internacional, con estadounidenses y japoneses como principales visitantes extranjeros.

La encuestra muestra datos como estos :

· Más de la mitad de los visitantes de las exposiciones temporales son españoles, mientras que la colección permanente recibe más visitantes extranjeros en proporción prácticamente inversa.

· Uno de cada cada tres turistas que visita Madrid va a al museo.

· El perfil del visitante corresponde a un hombre de entre 45 y 65 años, con formación superior y nivel de renta medio.

El museo ha comprobado que cuando celebra una gran exposición temporal recibe más visitantes nacionales (57%) que extranjeros (43%) ; que entre el público español que lo visita la mayor parte procede de la Comunidad de Madrid. Son datos de un estudio realizado durante los meses de octubre de 2004 a enero de 2005.

Entre las conclusiones extraídas de las encuestas, realizadas tanto a visitantes de la colección permanente del Museo como de la exposición El retrato español. Del Greco a Picasso, destaca la constatación de que las exposiciones temporales del Museo actúan como un potente foco de atracción y fidelización de público, siendo sus visitantes mayoritariamente nacionales, en contra de la dinámica registrada en la visitas a la colección permanente.

Los resultados del análisis también han permitido al Museo conocer la procedencia geográfica de su público, su perfil sociodemográfico, sus características viajeras y algo tan importante para el desarrollo de políticas de mejora por parte del Prado como su nivel de satisfacción. Respecto a la procedencia del público del Museo, un factor del que apenas se habían recogido datos hasta ahora, el informe desvela que, entre los extranjeros, Estados Unidos se sitúa en el primer puesto del ranking de visitantes, seguido de Japón, Italia, Francia, Reino Unido, Alemania y México.

Entre los visitantes nacionales, la Comunidad de Madrid es el primer lugar de procedencia, seguida de Andalucía, Cataluña, Castilla y León, la Comunidad Valenciana y Castilla-La Mancha. A nivel provincial, por detrás de Madrid, el mayor número de visitantes registrados durante el período de encuestación procedía de Barcelona y Valencia.

Analizando el perfil sociodemográfico de unos y otros, el informe describe al visitante tipo del Museo como un varón, de edad comprendida entre los 45 y los 65 años, con formación superior, ocupado y con un nivel de renta medio. No obstante, distinguiendo entre nacionalidades, se observa una mayor presencia de jóvenes (25-34 años) entre los extranjeros y de mayores (más de 64 años) entre los españoles y un nivel de renta mayor entre el público extranjero que entre el público español.

En cuanto al nivel de satisfacción, las valoraciones de las diferentes características del Museo superan en todos los casos el aprobado, apreciándose una opinión ligeramente más positiva por parte del público español . El nivel de satisfacción expresado tanto por los visitantes nacionales como por los extranjeros aumenta en ambos casos al aplicarse la encuesta al público de esta exposición temporal, lo que parece indicar que la calidad de las muestras es uno de los factores mejor apreciados por sus visitantes y que mayor peso específico representa en cuanto al grado de cumplimiento de sus expectativas.

El informe de resultados de la encuesta piloto aporta también datos de interés para el sector turístico como que la proporción de turistas de Madrid que visitó el Museo durante el período analizado correspondió a uno de cada tres, que este tercio se alojó preferentemente en hoteles de 3 y 4 estrellas, y que aunque el día de mayor afluencia de visitantes al Museo es el domingo, día de acceso gratuito, la mayoría de los turistas no elijen este día por la gratuidad sino porque « es el día que mejor les viene ».

 

Impresionistas rusos

19/05/2005, El final del XIX y los inicios del XX fueron tiempos de fertilidad creativa en Rusia, con una actividad artística muy ligada al occidente europeo y especialmente a las corrientes de moda en París

El final del XIX y los inicios del XX fueron tiempos de fertilidad creativa en Rusia, con una actividad artística muy ligada al occidente europeo y especialmente a las corrientes de moda en París.

Una selección de obras del Museo Ruso de San Petersburgo se exhibe en la actualidad en Europa occidental, bajo el título "La pintura Impresionista Rusa. Entre el Realismo y la Vanguardia". Es una magnífica exposición que se puede ver en La Fontana d´Or de Girona (Cataluña), patrocinada por Fundación Caixa Girona.

Muchos artistas rusos, en realidad, adoptaron los postulados del impresionismo, aún sin formar un grupo compacto. Algunos permanecieron fieles a este estilo y otros evolucionaron, como Kandinsky o Malévich. Tanto de éstos como de aquellos, la exposición reúne cuarenta y cuatro pinturas, la mayoría óleo sobre tela, creadas entre los años 1880 y 1930, obra de 25 artistas.

Desde el realismo.

En interesante el siglo XIX tanto en el arte como en la literatura de Rusia. La injusta situación social propició un arte cargado de tintes sociales, algo que se detectó ya desde la época romántica. Artistas como Vasili Grigorievich Perov (1833-1882) marcan esa predilección por la crítica social, una predilección que se prolongaría hasta bien entrado el siglo XX.

Arte y sociedad parece que era un binomio que conjugaban las vanguardias rusas, no sólo en la pintura, sino en otros ámbitos como el literario. Desde el XIX, el grupo llamado Sociedad de los Ambulantes intentó conjugar innovación con tradición rusa. Entre sus nombres, Repin, Surikov, Serov, Levitan, Bruvel... Algunos de ellos están en la exposición.

En una sociedad cargada de vida surgieron artistas, mecenas y marchantes. También surgió en el cambio de siglo la revista El Mundo del Arte, que fomentó la relación entre los artistas rusos y las tendencias parisinas. Obras de Picasso, Degas o Monet aparecieron en sus páginas. Además promovió exposiciones donde se mezcló la producción de Europa occidental con la rusa,

Serge Diaghilev, alma de la revista, llegó a organizar en París, en el 1906, una exposición de artistas rusos.

La revista Toisón de Oro, posterior, conducirá a un amplio grupo de pintores moscovitas hacia la orbita más simbolista. Paralelamente, Apollon, en San Petersburgo se consolidaría como otro medio de agitación artística.

La revuelta de 1905 supuso por una parte el divorcio entre el pueblo y el sistema zarista (preludio de los acontecimientos de 1917) pero también significó un nuevo impulso a las vanguardias, y un intento de arramblar con lo que se consideraba anticuado. Ello no fue óbice para que permanecieran corrientes que buscasen un primitivismo naif, alegre y divertido, o un cubismo mecanicista de personalidad propia. Era aquella una sociedad con profundas ansias de renovación, y esto se manifestó en todos los ámbitos creativos.

La exposición.

La exposición esta comisariada por Natalia Novosilzov, experta en la pintura rusa y profesora de la Universidad Autónoma de Barcelona, quien en el catálogo destaca desde los trasfondos filosóficos hasta la musicalidad de la obra de diversos artistas rusos (Es la época de varios grandes de la música como Rimsky-Kórsakov, Tchaikovsky, Skriabin y hasta Stravinsky)

También destaca la vinculación de estas vanguardias con las figuras artísticas de Francia, España e Italia. Así por ejemplo, para los ballets de Serge Diaghilev trabajaron como escenográfos Picasso, Juan Gris, Miró, Matisse, Utrillo, Braque y Chirico. Del País de Goya y Velázquez, los rusos también admiraban la pléyade de pintores modernos, entre ellos a Fortuny, de quien Repin decía que nadie, ni Rembrandt, igualaba en la calidad del dibujo.

La exposición, que puede visitarse hasta el 26 de junio en Girona (Cataluña, España) posteriormente se trasladará a Pamplona y Pontevedra. Presenta una atractiva serie de pinturas, relativamente poco conocidos fuera de Rusia, y en la que abundan los paisajes, retratos y escenas costumbristas.

Reúne obras de pintores que van desde un mirar de teñido de realismo al pleno impresionismo, y creadores que también evolucionaron hacia otras líneas, como Malévich (suprematismo) o Kandinsky (abstracto).

El listado de autores está integrado por Arjípov, Bashkirtseef, Borísov-Musátov, Burlik, Vasíliev, Vereschaguin, Goncharova, Grabar, Dubovskoy, Kandinsky, Korovin, Krímov, Larionov, Levitán, Makovski, Málévich, Pasternak, Pojitóvov, Repin, Serov, Stepánov, Feshin, Yuón, Yavlesnsky y Yaroshenko; muchos de los cuales además de pintores eran teóricos de arte o pedagodos.

En el catálogo de la exposición, Vladimir Lenieshin afirma que el impresionismo ruso tuvo sus orígenes en el seno del realismo. Ya hacia 1870, algunos pintores como Repin, Polénov o Vasílev intentaron acercar el arte a la vida impregnando sus telas de luz y aire, pero era demasiado pronto para que la sociedad y los mismos artistas tuvieran conciencia de este avance como una nueva forma de ver el arte.

En Rusia, el artista se había definido como un ser que busca la verdad, casi un héroe en una realidad difícil e injusta. Parecía difícil que el impresionismo casara con las preocupaciones de Tolstoi o Dostoyevski. Parecía difícil casar la nueva pintura al aire libre sin el retrato de la humillación social.

Hasta finales de 1880 el impresionismo en Rusia existió de forma latente al servicio del realismo, y es a partir de entonces cuando se puede analizar como un movimiento con su propia ética y estética, impulsado en gran medida por un diálogo con la pintura del occidente europeo.

La comisaria Natalia Novosilzov recordó que es conocida ésta época creativa rusa como Edad de Plata, un período que muestra un pujante renacimiento cultural y que "se distingue de manera especial por la convivencia activa, y una relación muy intensa y apasionada entre las diferentes ramas del arte, junto con la filosofía y la poesía".

Son –dijo- los tiempos de grandes pintores, músicos, escritores como Tolstoi y Chéjov, poetas... .

Por Artemio Artigas.

 

Tesoros tracios

18/05/2005, Del 15 de abril al 31 de julio de 2005, CaixaForum presenta 300 obras de una de las culturas más enigmáticas y olvidadas de la Antigüedad. “Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria”

Del 15 de abril al 31 de julio de 2005, CaixaForum presenta 300 obras de una de las culturas más enigmáticas y olvidadas de la Antigüedad. “Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria”

Altivos, rudos y despiadados, según los griegos, los tracios fueron también un pueblo de gran sensibilidad que legó a la posteridad tesoros de inusitada belleza que han dejado atónitos a los especialistas. Como el tesoro de Rogozen, descubierto en 1985, que data de finales del siglo V a. de C. y está formado por 65 piezas de oro y plata finamente trabajadas, con un peso total de más de veinte kilos.

La escritura aún no ha podido ser descifrada, por lo que los responsables de su entrada en la historia fueron los antiguos griegos. «Son tan bellas sus armas de oro que encantan a la vista, ya que no parece que hayan sido labradas por hombres mortales, sino forjadas para los dioses divinos», escribió Homero, en cuya Ilíada aparece por primera vez el nombre de Tracia.

Con el título Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria, la Obra Social de ”la Caixa” presenta en España la mayor exposición realizada de una de las culturas más olvidadas y misteriosas de la Antigüedad. Fruto de la colaboración con el Ministerio de Cultura de la República de Bulgaria, la muestra reúne en CaixaForum 311 obras excepcionales: ricos ajuares, objetos suntuarios, armas y arneses, máscaras funerarias y servicios para banquetes en oro, plata y bronce, entre los que destacan los tesoros de Letnitsa, Rogozen y Borovo.

Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria, comisariada por Gregorio Luri, Alberto Costa y Valeria Fol, se podrá visitar en CaixaForum (Barcelona), del 15 de abril al 31 de julio de 2005. Posteriormente, se podrá ver en la Sala de Exposiciones de la Fundación ”la Caixa” de Madrid, y más tarde en Valencia.

El conocimiento de la historia

Uno de los objetivos de la Obra Social de ”la Caixa” es contribuir al conocimiento de la historia y el arte, poner al alcance del público los últimos hallazgos arqueológicos y mostrar en todo su esplendor el legado de los pueblos de la Antigüedad a través de exposiciones dedicadas a las grandes culturas del pasado, como Los íberos, príncipes de Occidente, Asia: ruta de las estepas y Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán. La muestra Los tracios. Tesoros enigmáticos de Bulgaria responde a esta voluntad.

La exposición actual desvela los últimos descubrimientos arqueológicos realizados en territorio búlgaro a través de una selección de las piezas más notables y singulares halladas, procedentes de una treintena de museos búlgaros.

Aunque el acento recae en la cultura tracia, también se exhiben algunos objetos especialmente relevantes de las culturas que la precedieron en los Balcanes orientales. Es el caso de Varna, uno de los yacimientos arqueológicos más importantes del mundo (datado a finales del Calcolítico, es decir, más de 4.000 años antes de nuestra era) y donde quizá, según coinciden en afirmar varios expertos, se esconde la cuna de la civilización europea, así como el primer oro trabajado del mundo. En las casi trescientas tumbas estudiadas se han hallado collares, brazaletes, cetros, amuletos e, incluso, un falo de oro, todos ellos trabajados con un refinamiento que sorprende.

La exposición quiere familiarizar al público español con la cultura de los tracios, un pueblo de origen indoeuropeo que habitó los actuales territorios del norte de Grecia, Bulgaria, Rumanía y hasta la desembocadura del río Dniéper (República de Ucrania). A lo largo de los siglos, Tracia ha permanecido en el olvido. El reciente descubrimiento de magníficas tumbas reales ha llamado la atención de los especialistas sobre el extraordinario legado de los tracios. A partir de 1970, los hallazgos se han encadenado de forma continua: la necrópolis de Varna (1972), el tesoro de Borovo (1974), la tumba de Sveshtari (1982), el tesoro de Rogozen (1985), las tumbas de Shushmanets (1996), Starosel (2000), Alexandrovo (2001), Goliama Kosmatka (2004), etcétera. Precisamente, los tesoros de Letnitsa, Vratsa, Rogozen, Borovo y Panagyurishte son el gran reclamo de esta exposición singular por la amplitud de su enfoque y la calidad de las obras y los objetos reunidos.

La muestra ha sido dividida en seis ámbitos, que recorren la cultura tracia y sus predecesoras desde el Neolítico hasta su declive en las épocas helenística y romana

El comisario de la exposición, Gregorio Luri, hizo una apasionada defensa de la cultura tracia durante la presentación de la muestra. "La historia urbana de Europa -ha aseverado- no se puede escribir igual sin la aportación de la cultura tracia. Mientras en Mesopotamia comenzaba el desarrollo de la agricultura y en Egipto se esbozaba lo que iba a ser su gran civilización, ya existía una cultura tracia" plenamente desarrollada.

Para Gregorio Luri, "Si le pudiéramos preguntar a Sócrates o a Fidias qué pueblo estaría nominado a dominar el mundo hubiera respondido que los tracios.

Nace estiloymoda.com

18/05/2005, Nace estiloymoda.com, con diseño, moda, noticias, tendencias, complementos,etc. Es una nueva revista de Internet que está dando los primeros pasos, de la mano de Ana Álvarez, colaboradora de guiarte.com

Nace estiloymoda.com, con “diseño, moda, noticias, tendencias, complementos y todo lo que se necesita saber para estar al día”. Es una nueva revista de Internet que está dando los primeros pasos, de la mano de Ana Álvarez, colaboradora de guiarte.com.

Con un aire juvenil, coherente con el de su creadora, estilo moda.com aporta las novedades que van apareciendo día a día. Integran el conjunto de la revista varios sectores: Noticias, Tendencias, Pasarelas, Complementos, Belleza, Estilo hogar, Historia de la moda y Agenda.

Ana Álvarez, nació en Buenos Aires, República Argentina, hace poco más de dos décadas. Residió desde su infancia en la Comunidad Valenciana y posteriormente en Madrid. Coherentemente con su afición a las artes, estudió Estilismo de indumentaria, y finalizados sus estudios decidió crear una revista en Internet enfocada hacia los ámbitos de la moda y el diseño.

En el año dedicado especialmente al Quijote, la revista dedica –en el epígrafe de Historia de la moda- un extenso trabajo en el que analiza cómo se han visto los personajes cervantinos a lo largo e la historia (en las distintas ediciones de la novela) y profundiza en el análisis de cómo vestían los hombres y mujeres de su época

La revista, que acaba de aparecer, tiene ya abundante contenido, que se renueva y acrecienta diariamente. Quien desee contactar o enviar colaboraciones puede hacerlo a la dirección de ana@estiloymoda.com

Estilo y Moda http://www.estiloymoda.com/ 

Obra clave de Juan de Flandes, para el Prado.

17/05/2005, Nueva obra maestra para el Museo del Prado: la tabla Crucifixión, de Juan de Flandes, pieza maestra del Renacimiento Español y de indudable interés para las colecciones del Museo.

La ministra española de Cultura, Carmen Calvo, formalizó ante el presidente del Real Patronato del Museo del Prado, el director de la Agencia Estatal de Administración Tributaria y el presidente del grupo Ferrovial, la adscripción al Museo de la tabla Crucifixión de Juan de Flandes. Obra maestra del Renacimiento Español y de indudable interés para las colecciones del Museo.

La obra ha sido aceptada por el Estado como dación en pago de impuestos de la empresa Ferrovial por un valor de 7.000.000 euros.

La tabla, obra maestra de la pintura hispano-flamenca y de su autor, procedente de una colección privada, fue adquirida hace unos meses por Ferrovial para su entrega en dación en pago de impuestos por importe de siete millones de euros. Durante dos semanas, la pintura estará expuesta en la rotonda ‘de Ariadna’ del Museo (sala 74) para que el público pueda admirarla antes de su traslado al taller de restauración, en el que será sometida a una limpieza.

De origen y formación flamenca, cómo revela su propio nombre, a Juan de Flandes se le conoce por las obras realizadas a partir de 1496, fecha en la que llegó a Castilla para convertirse en pintor de corte de Isabel la Católica. Desde la muerte de la reina, en 1504, el artista permaneció en Castilla pero tuvo que someterse a las exigencias de sus nuevos encargos, grandes retablos que requerían mayores dimensiones y mayor número de tablas que las obras que había realizado como pintor de corte. A esta última etapa de su vida corresponden las pinturas que realizó para el retablo mayor de la capilla de la Universidad de Salamanca (casi totalmente perdidas), para el de San Miguel del claustro de la catedral vieja, también en Salamanca, y para el retablo mayor de la iglesia de San Lázaro y el de la catedral de Palencia, al que pertenece la Crucifixión.

Origen de la obra

La Crucifixión de Juan de Flandes (? – 1519) es una de las obras maestras de la pintura hispano-flamenca. A pesar de ser relativamente poco conocida, debido a que ha sido expuesta públicamente en muy pocas ocasiones, se trata de una pintura fehacientemente documentada.

Cuando Juan de Flandes recibió el encargo de hacer las pinturas de este retablo mayor para la catedral de Palencia, en diciembre de 1509, Felipe Bigarny, el otro artista encargado del proyecto, había concluido ya las esculturas. Al tener que incorporarlas a un retablo de grandes dimensiones, en el que la pintura tenía que competir con la escultura, Juan de Flandes concibió para el banco (o predela) del retablo tres tablas - el Camino del Calvario, el Entierro de Cristo, y en el centro la Crucifixión - como una especie de tríptico, de carácter excepcional en este tipo de obras por su formato apaisado, mayor y diferente al resto de las tablas que pintó para el retablo, por su extraordinaria luminosidad y calidad pictórica, y por la originalidad de las composiciones.

La Crucifixión formaba el foco de atención del retablo, siendo la parte más visible y cercana al oficiante y al fiel y, junto con las otras dos escenas (que todavía se conservan en su lugar de origen), constituye el canto de cisne de su autor, en ningún caso comparables con las demás obras que realizó en esta etapa de su vida, después de dejar de ser pintor de corte.

Originalidad, riqueza compositiva y ecos italianos

En el contrato firmado por Juan de Flandes el 19 de diciembre de 1509 para ejecutar las pinturas del retablo mayor de la catedral palentina, el artista se comprometió a realizar las pinturas de su propia mano. La Crucifixión, para la que el pintor ideó un semicírculo con las figuras para llamar la atención sobre Cristo Crucificado, realzado por un amplio paisaje dominado por la intensidad del cielo, presenta una extraordinaria riqueza compositiva, muy poco común en la pintura hispano-flamenca, al conjugar de forma maestra tres elementos que dificilmente pueden encontrarse juntos en otras obras de la misma escuela y época: figuras, paisaje y naturaleza muerta. Digna de destacar también es la forma en que concibió el espacio, utilizando un punto de vista bajo, que evoca las composiciones de Andrea Mantegna (1430/31-1506), y el modo de disponer a los personajes, que dota de resonancia italiana a esta obra. En torno a Cristo muerto permanecen sólo la Virgen y unos pocos seguidores, junto con los que se convierten tras su muerte. Los primeros -María, San Juan, La Magdalena y dos de las Santas Mujeres- ocupan el lado izquierdo de la tabla, mientras que, en el derecho, entre los segundos, destaca el centurión a caballo detrás de Cristo y el soldado del primer plano, de espaldas y de pie, con armadura moderna.

Llama la anteción el especial interés que el artista puso en la representación de las emociones de cada personaje y la forma en que se esmeró en los detalles, como la larga melena de Cristo, las guarniciones del caballo del centurión y las calaveras o las joyas distribuidas en el suelo al pie de la cruz.

Técnica y estado de conservación

El estado de conservación de la superficie pictórica se puede considerar excepcional, si se compara con muchas otras pinturas de la época, como lo ha demostrado la radiografía efectuada en la que se aprecia que las pérdidas son mínimas. No obstante y debido a que la pintura muestra cierta opacidad ya que presenta lo que los expertos denominan ‘barniz pasmado’ (un deterioro habitual del barniz que cubre la pintura originado por su oxidación y la suciedad acumulada), el Prado tiene previsto someterla a una limpieza antes de su exposición en sala.

Por su parte, a través de la técnica de reflectografía infrarroja se ha podido ver el cuidadoso dibujo subyacente y se perciben algunos cambios de composición respecto a la obra acabada, lo que confirma el esmero con que el pintor realizó esta pintura, hasta el punto de no dudar en variar su idea original para conseguir los objetivos perseguidos sin olvidar la imprescindible relación que debía guardar con las otras dos escenas que la flanquearían, en las que trabajó de igual modo.

Una importante aportación para las colecciones del Prado

Dado el carácter excepcional de esta tabla de Juan de Flandes, documentada, totalmente autógrafa y una de sus mejores creaciones, en la que sumó ecos del arte de Mantegna a la tradición flamenca en que se formó, su adscripción al Museo del Prado supone la aportación de una obra preeminente a la colección de pinturas realizadas en España en tiempos de los Reyes Católicos. Precisamente, esta parte de la colección del Museo, desde el Románico hasta el primer Renacimiento, es la que tiene más lagunas y una calidad menor en conjunto en relación a otras del Museo. Aunque el Museo del Prado posee otras cuatro tablas del artista, no tienen la misma calidad e importancia de esta Crucifixión, lo que incrementa el singular interés de su incorporación a los fondos del Prado.

 

El Thyssen presenta ahora a Corot

15/05/2005, Del 7 de Junio al 11 de Septiembre de 2005, y con el título Corot. Naturaleza, emoción, recuerdo, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera muestra monográfica dedicada al pintor en España

Del 7 de Junio al 11 de Septiembre de 2005, y con el título Corot. Naturaleza, emoción, recuerdo, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera muestra monográfica dedicada al pintor en España.

La naturaleza en la que se inspiró para pintar sus paisajes, las emociones que Corot supo transmitir en sus composiciones y los recuerdos que esos paisajes evocan al artista, son las tres claves de esta exposición que el propio título nos desvela; una completa selección de alrededor de 80 obras de uno de los pintores más importantes del XIX, cuya obra supera la herencia neoclásica, el realismo y el romanticismo imperantes en su época, para convertirse en auténtico precursor del impresionismo. Tras su paso por Madrid, la exposición podrá verse en el Palazzo dei Diamanti de Ferrara.

La muestra pretende dar una visión completa de toda su trayectoria, con especial atención al que fue tema principal de su producción: el paisaje, desde sus vistas más topográficas a sus composiciones más luminosas y espontáneas sobre las que se cimentó su fama. La elaboración de estos paisajes se basaba en estudios y apuntes tomados del natural que reelaboraba en el estudio para trasladarlos luego a unas meditadas composiciones. Aún así, estas obras poseen el encanto de la naturalidad y están tratadas con un toque muy personal, no exento de cierto lirismo, convirtiéndose en fuente de inspiración de posteriores generaciones de pintores que hicieron del paisaje el leitmotiv de sus telas.

La exposición quiere centrar también la atención del espectador sobre uno de los capítulos más interesantes y originales de su producción: los denominados souvenirs; un conjunto de paisajes de connotaciones románticas, concebidos con una luz y una luminosidad especial, y en los que los perfiles y elementos de la naturaleza – el agua, los árboles, el cielo - se difuminan, encerrando los sentimientos que el artista experimentó en contacto con esos escenarios. Los souvenirs son visiones cargadas de intimidad que trasladan al espectador a un mundo de ensoñación y de emociones, a un mundo transformado por Corot en el que, a través de imágenes sencillas pero cargadas de sentimiento, el pintor consigue hacernos partícipes de sus propias vivencias. Entre los ejemplos que reunirá esta exposición se encuentran varias de sus obras maestras.

Junto al género del paisaje, las figuras o el retrato fue otro de los grandes temas que le cautivó; en estas obras, Corot experimenta con los gestos y las posturas, así como con los colores y las texturas de las llamativas y adornadas ropas de los personajes representados. Es a finales de la década de 1830 cuando empieza a interesarse por este género, que retomó de nuevo, con especial energía, al final de su carrera.

Organizado en ocho apartados, el recorrido de la exposición se plantea como un completo paseo temático a lo largo de toda la trayectoria artística y vital del pintor:

1- El aprendizaje: los inicios con sus obras de juventud.

2- Italia: vistas realizadas durante sus estancias en este país.

3- Terruños de Francia: una selección de paisajes realizados entre 1838 y 1855 cuyo denominador común son los campos y pueblos franceses.

4- Del paisaje histórico al lírico: una transformación importante en su carrera por lo que se le dedica por completo este apartado.

5- Realismos: uno de los aspectos más bellos de su obra en el que se incluyen vistas de ciudades e interiores.

6- Ville d´Avray: capítulo dedicado a esta localidad donde vivieron sus padres y que se convirtió en uno de sus lugares favoritos de trabajo.

7- Figuras: junto con los paisajes, constituye otro de los grandes temas que trató, llegando a rivalizar, por importancia y popularidad, con sus vistas.

8- Souvenirs: esencia de su pintura donde Corot transmite las emociones que experimenta ante fragmentos de naturaleza.

Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)

Jean-Baptiste Camille Corot nació en París el 17 de julio de 1796. En 1807 sus padres lo enviaron a un colegio de Ruán donde descubre la naturaleza gracias a los paseos y salidas que realiza por los alrededores de esta localidad. Tras iniciarse en el comercio por decisión familiar, Corot descubre su verdadera vocación: la pintura, consiguiendo la autorización paterna para dedicarse a ella e iniciar su formación en 1822.

En 1825 realiza su primer viaje a Italia donde descubre el mundo poético de Poussin; dos años más tarde expone dos obras en el Salón, participando desde entonces con cierta regularidad en esta institución, de la que fue miembro del jurado en 1848 y 1849. La Exposición Universal de 1867 coincidió con el cénit de su popularidad y de reconocimiento hacia su obra. Corot falleció en París, el 22 de febrero de 1875.

DATOS ADICIONALES

Sedes: Sala de exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza. Del 7 de junio al 11 de septiembre de 2005. Palazzo dei Diamanti, Ferrara (Italia). Del 9 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006

Comisario: Vincent Pomarède - Conservador Jefe del Departamento de Pintura del Musée du Louvre

Comité Científico: Michael Clarke - Director de la National Gallery of Scotland. Tomàs Llorens - Conservador Jefe del Museo Thyssen-Bornemisza. Vincent Pomarède - Conservador Jefe del Departamento de Pintura del Musée du Louvre y comisario de la exposición

Catálogo: Constará de seis ensayos donde se analizarán aspectos de la vida y de la obra del pintor. Idiomas: Español y apéndice en Francés.

 

Barceló en México

11/05/2005, El ministerio español de Asuntos Exteriores y de Cooperación, en colaboración con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), presenta en México la exposición “Barceló”.

El ministerio español de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas en colaboración con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), presenta la exposición “Barceló” en el Museo Rufino Tamayo (México DF).

La exposición Barceló llega al Museo Rufino Tamayo después de presentarse en el Centro de Arte Kestnergesellschaft de Hannover, la Pinacoteca del Estado de São Paulo y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y estará abierta al público del 12 de mayo al 7 de agosto.

Christian Domínguez, comisario de la exposición, reúne cuarenta y siete obras concebidas por Barceló entre los años 1984 y 2002. Entre sus pinturas, realizadas mayoritariamente con técnica mixta sobre lienzo o papel, se encuentran también cuatro esculturas realizadas en bronce.

El artista

Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, para incorporarse posteriormente al grupo mallorquín de arte conceptual Taller Lunatic. Ya desde este primer momento, su obra refleja un notable interés por los motivos procedentes de la naturaleza terrestre y marítima, tratados con una paleta densa y espesa, generalmente oscura, que ha ejercido una gran influencia entre sus coetáneos más jóvenes.

Una de sus principales características es el tratamiento de la materia pictórica, que empasta hasta la saciedad en sus cuadros para lograr efectos de relieve. De este modo, la representación convencional del objeto pierde importancia a favor del propio proceso pictórico, con el que pretende superar dicha representación para llegar a su esencia, a su razón de ser.

El reconocimiento internacional le llegó a Barceló tras su participación en la Bienal de São Paulo de 1981 y en la Documenta de Kassel de 1982. Durante esta década, Barceló se dejó llevar por el ambiente de libertad que se desarrollaba en la Europa y América del momento, captando en sus obras tanto los objetos como los aspectos sensitivos que les rodean (como el olor o el sonido). También investigó fenómenos tan peculiares como los agujeros o las grietas, que representaba en sus lienzos con pinceladas empastadas (Eight poles, 1987).

Sus viajes y estancias por Europa, Estados Unidos y África Occidental (Mali) han marcado su trayectoria artística a lo largo de los últimos años, influencia que se puede ver, entre otras, en dos obras presentes en la exposición, Lґậne chargé de bois (1994) o Marché de Sangha (2000).

Mientras que su experiencia en tierras africanas le enseñó a utilizar los pigmentos naturales en alguna de sus obras, sus viajes por las selvas americanas le aportaron una visión de la naturaleza en constante cambio. Pero en todos ellos, realizó un estudio minucioso de la naturaleza que le rodeaba, que anotaba en diversos cuadernos de apuntes. Este examen de los motivos naturales le llevó a desarrollar obras como Lapin et Tкte de Cochon (1992) y diversas vistas de los mercados de Mali, que se podrán contemplar en la muestra.

Pero no todas las referencias de Miquel Barceló son físicas; en su obra más cercana “apuesta por un lenguaje que genera lo nunca anteriormente visto en los grandes y eternos contenedores de nuestra memoria: la tierra con vegetales, el fondo del mar, el cielo, las playas, la ola, la gruta”, como observa el comisario Christian Domínguez, en ejemplos claros como Marejadilla o La gruta, ambas de 2002.

Sede: Museo Rufino Tamayo. Reforma y Gandhi. Bosque de Chapultepec. Ciudad de México. 11580. www.museotamayo.org

Más información y catálogo on-line de la exposición . www.seacex.es

 

Juan Soriano, Premio Velázquez

10/05/2005, El pintor, escultor y grabador Juan Soriano, de 84 años y figura clave del arte mexicano, ganó el IV Premio Velázquez de las Artes Plásticas, que concede el Ministerio español de Cultura

El pintor, escultor y grabador Juan Soriano, de 84 años y figura clave del arte mexicano, ganó el IV Premio Velázquez de las Artes Plásticas, que concede el Ministerio español de Cultura.

La decisión del jurado fue unánime: el pintor es el primer latinoamericano que gana el Premio Velázquez de Artes Plásticas dotado con 90.000 euros.

El Premio Velásquez de Artes Plásticas toma su nombre del pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). En esta ocasión el jurado premió una "trayectoria ejemplar" que comienza en 1934, a los catorce años, y que dura ya setenta, así como la libertad de creación del artista.

Soriano formó parte del taller de Francisco Rodríguez “Caracalla” a los 14 años. Con éste participó en una exposición colectiva. Llegó en 1935 a la Ciudad de México y poco más tarde presentó su primera exposición individual, en la que se denotaban influencias expresionistas.

Frecuentó los ámbitos de Diego Rivera y Frida Kahlo y entró en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, una organización que abandonó por su búsqueda de la independencia y su inconformismo.

También se relacionó con numerosos escritores: Maria Zambrano, Octavio Paz, Cortázar, Cernuda, Carlos Fuentes.. Y emprendió viajes por Europa con objeto de profundizar en las culturas clásicas.

Si en el inicio de los cincuenta se empapó de arte del renacimiento e incluso del primitivo griego, pocos años mas tarta tuvo una temporada en la que se obsesionó por la abstracción. Siempre le ha interesado el dibujo y en las últimas décadas también el género escultórico. Es siempre amigo de explorar y construir con libertad y lirismo.

Soriano, que vive entre México, París e incluso Varsovia, cumplirá 85 años en agosto, en pleno vigor creativo. Su trayectoria artística no se limita a la pintura, ya que actúa igualmente sobre el grabado, la cerámica, la escultura, el trabajo en barro... y hasta las escenografías y vestuarios teatrales.

Es la primera vez que recae el Premio Velázquez en un artista hispanoamericano. En las anteriores ediciones ganaron Pablo Palazuelo (2004), Antoni Tapies (2003) y Ramón Gaya (2002). Tiene la misma dotación que el Cervantes de Literatura e incluye una exposición en el Reina Sofía, de Madrid.

 

Arte en Praga

08/05/2005, Praga en una de las más bellas ciudades centroeuropeas, donde se puede gozar del arte. La Galería Nacional acogerá entre el 14 de junio y el 11 de septiembre la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo 2005

Praga en una de las más bellas ciudades centroeuropeas, en la que el viajero tambien puede gozar del arte.La Galería Nacional de Praga acogerá entre el 14 de junio y el 11 de septiembre la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo 2005.

Bajo el título de “La Segunda Mirada” la muestra reunirá obras de 200 artistas procedentes del mundo de la pintura, la escultura, la arquitectura, la instalación, el video, la fotografía, la música, el teatro y la performance, incluyendo así obras que permiten una interacción entre el artista y el espectador. También se celebrarán talleres para estudios críticos e intercambio de ideas entre creadores, teóricos del arte y galeristas.

Entre los artistas presentes en la Bienal hay más de 15 nacionalidades de cinco continentes: China, Japón, EE.UU., Canadá, Rusia, países de África del Sur, de América Latina, de Europa del Norte, del Centro y del Este, y por supuesto la República Checa cuentan con representación a través de sus artistas.

En esta ocasión la Bienal propone una reflexión global sobre las transformaciones individuales y sociales de la vida moderna, sobre la identidad en movimiento. Los temas de las obras expuestas coinciden en reflejar el discurso cultural reciente desde una postura crítica, que se hace probablemente mucho más obvia en territorios de turbulencia y diversidad social y cultural: hay fenómenos de transición y cambios de estructuras y significados, como las variaciones de motivos y valores entre la alta esfera del arte y la cultura pop, o reflexiones sobre la identidad cambiante, el diálogo entre los parámetros reales e irreales del mundo digital, la interacción poética o de representaciones artísticas, etc.

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Praga 2005 se celebrará en las salas del Palacio Ferial, del Palacio Kinských y del Convento de Santa Inés de Bohemia, todas ellas integradas en la Galería Nacional de Praga.

Museos nocturnos

El 4 de junio la República Checa abre sus Museos durante toda la noche, dando entrada libre a visitantes trasnochadores, curiosos o sibaritas que prefieran disfrutar del arte de una manera inusual.

Esta “noche blanca” viene precedida de un programa de actividades que bajo el nombre de Las Noches de los Museos se celebra entre los días 20 de mayo y 4 de junio, contando con actividades especiales en 136 museos y galerías de todo el país.

Durante el 4 de junio más de 130 instituciones permanecerán abiertas, y se celebrarán 150 eventos en las principales ciudades checas; sólo en Praga podrán visitarse 40 museos y galerías, incluyendo el Castillo de Praga y la Galería Nacional. Todos ellos, salvo los edificios municipales de Praga, darán entrada gratuita, y el transporte público de la capital checa habilitará servicios especiales para comunicar los lugares de celebración.

El festival presenta un programa paralelo muy completo desde el viernes 20 de mayo, con actividades como un espectáculo de danza en el Museo de Artes Decorativas de Praga, a cargo de la formación Tanec Praha, un desfile de moda en el Museo Naprstkovo, conciertos en el Museo de la Música o un espectáculo de marionetas y una noche de películas antiguas en el edificio principal del Museo Nacional.

El Festival Las Noches de los Museos es una iniciativa del Museo Nacional, organizado en cooperación con la Asociación de Museos y Galerías y la empresa de transporte público Dopravní podnik hlavního mesta Prahy S.A., que continúa la tradición innovadora de muestras como el Cow Parade, Art in the Streets y otros eventos que sitúan a la República Checa, y especialmente a Praga, como un centro cultural por excelencia.

 

Turismo: internet y vuelos de bajo coste

07/05/2005, El Turismo es un sector vivo que aborda el siglo XXI con nuevas ofertas y modelos organizativos, porque internet y los vuelos de bajo coste son factores que están alterando la industria turística actual

Por Tomás Alvarez

El Turismo es un sector vivo que aborda el siglo XXI con nuevas ofertas y modelos organizativos, porque internet y los vuelos de bajo coste son factores que están alterando la industria turística actual.

En el último informe de Exceltur, destacada organización sectorial española, se indica que el primer trimestre de 2005 ha vuelto a ser testigo de un excepcional crecimiento de venta de viajes por Internet en España:

"Las empresas de viajes virtuales españolas han vuelto a registrar incrementos en sus niveles de ventas y beneficios por encima de los tres dígitos, doblando todos ellos los niveles alcanzados en el mismo trimestre de 2004. Los cambios de comportamiento del turista español cada vez más orientado a la consulta y compra online de productos turísticos y la mayor penetración de las nuevas tecnologías de la información en los hogares españoles avalan gran parte de estos resultados".

Paralelamente, otro elemento que está incidiendo en gran medida es el aluvión de ofertas de tarifas aéreas de bajo coste:

En España, el crecimiento de viajeros extranjeros "sigue protagonizado en el primer trimestre del 2005 por los turistas que utilizan la oferta de las compañías aéreas de bajo coste, que ha crecido un 35,1%" según dice el informe.

Las compañías aéreas de bajo coste que viajan hacia España siguen ganando cuota de mercado, por encima de las aerolíneas tradicionales. Datos de AENA revelan que el número de pasajeros que llegaron aquí en el primer trimestre de 2005 en compañías aéreas de bajo coste ascendió a 2,8 millones, con un crecimiento interanual del 35,1%,. Frente a ello, está el tímido crecimiento del 1,9% de la compañías aéreas tradicionales.

Consecuencia de todo esto es un turismo "más libre", menos organizado por la industria turística. Se elige un vuelo barato a través de internet y se hace lo mismo con la búsqueda de alojamiento, en muchos casos residencias alternativas en lugar de hoteles.

En consecuencia, pese a que el número de turistas creció en un 7,4% en el primer trimestre de 2005 en relación con ese mismo período del pasado anterior, la afluencia de turistas a hoteles apenas se ha elevado un 2,8% y las pernoctaciones hoteleras de extranjeros sólo subieron un 0,8%. La cifra es misérrima, habida cuenta que el crecimiento de la capacidad hotelera española es mucho mayor.

En el periodo analizado (primer trimestre del 2005) un 16% de los turistas organizaron su viaje a España de manera independiente, en tanto que los turistas con paquetes han bajado un 2,7%, lo que pone de manifiesto la "necesidad de las empresas turísticas españolas de asumir nuevos modelos y estrategias integrales de marketing y e-business vía Internet ante el consumidor"

Un elemento novedoso es también la "huída" de turistas españoles hacia el exterior, con una tendencia que está preocupando tanto a las autoridades sectoriales como a los empresarios.

Con crecimientos interanuales de cerca del 30 por ciento de viajeros españoles hacia el exterior, los expertos hablan del efecto de la fortaleza del euro, pero temen que estén evolucionando las preferencias respecto a destinos españoles menos competitivos, caros y poco exóticos, para un publico cada vez más ansioso de novedades.

Esta evolución tiene su efecto en la balanza de pagos y en la cuenta de resultados de los hoteleros, y algunos ya reclaman las campañas de promoción que inciten a los españoles a viajar más por España.

Y es que el turismo ha evolucionado en España rápidamente, a medida que lo hacía el nivel de vida, desde los años duros del XX. Camilo José Cela, relata la miserable salida de Pascual Duarte cuando quiso conocer Madrid: "volqué el arca en la bolsa, la despensa en la alforja (...) y aprovechándome de la noche como un ladrón, cogí el portante, enfilé la carretera y comencé a caminar campo adelante(...) al tren lo fui alcanzar en Don Benito".

Y es que sólo el español de alta clase podía hacer turismo selecto en costas como las de San Sebastián o Santander. Las clases privilegiadas siempre han sabido lo que es disfrutar del turismo, como recuerda la historia, cuando los emperadores romanos se construían mansiones en Capri, o en la misma Edad Media, cuando los reyes de León se refugiaban del calor en las apacibles tierras de Babia...

Pero la globalización, que ha popularizado el televisor y el cepillo de dientes también ha facilitado el hecho de viajar. Y en torno al viajero ha surgido un sector que supone en torno al 12 por ciento del Producto Interior Bruto de España. Un sector que sabe que ha de evolucionar si quiere seguir estando a la cabeza del turismo mundial.

Exposiciones de Seacex

05/05/2005, Oteiza, Barceló, Tapies o el arte del Perú forman parte de las exposiciones que tiene abiertas en distintas partes del mundo Seacex, Sociedad Estatal española para la Acción Cultural Exterior

Oteiza, Barceló, Tapies o el arte del Perú forman parte de las exposiciones que tiene abiertas en distintas partes del mundo Seacex, Sociedad Estatal española para la Acción Cultural Exterior

Este es el programa:

MARRUECOS Y ESPAÑA, UNA HISTORIA COMÚN

Sala de Exposiciones del Insituto Cervantes. Tánger. 4 mayo - 17 junio 2005. Reúne una treintena de piezas entre mapas, paneles, fotografías y otros elementos expositivos para acercar al visitante al espacio geopolítico que conforman España y Marruecos. Pretende a través del arte, las costumbres y la historia reflejar la profunda relación y los lazos culturales que, más allá de las diferencias, han unido a ambos pueblos y han dejado un profundo legado

BARCELÓ

Sede: Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México. Del 12 de mayo hasta el 7 de agosto. La experimentación matérica, la investigación de la representación de los sentidos y la influencia de otras culturas y continentes hacen que la obra de Barceló sea de las más singulares del panorama artístico español. La exposición reúne 47 obras del artista, entre técnica mixta sobre lienzo y papel, gouache sobre papel y escultura

EL EQUIPO CRÓNICA EN LA COLECCIÓN DEL IVAM

Museo del Barro, Asunción (Paraguay). Duración: del 24 de mayo hasta el 15 de agosto. La muestra presenta una selección de 59 obras representativas de la colección que sobre el Equipo Crónica posee el Instituto Valenciano de Arte Moderno, entre lienzos, acrílicos, obra gráfica y escultura

ANTÓN LLAMAZARES

Sede: Mestna Galerija, Piran (Eslovenia). Duración: hasta el 19 de mayo. La exposición reúne 46 obras – entre pintura industrial y técnica mixta, sobre cartón y madera - que abarcan la creación artística de Lamazares desde 1983 hasta 2003. Antón Lamazares (Lalín, Pontevedra - 1954) es uno de los pintores relevantes del arte contemporáneo español

DARIO BASSO

Museo de la Ciudad. Quito (Ecuador). Hasta el 22 de mayo. La exposición "Darío Basso" abarca 45 óleos y dos instalaciones del artista que ofrecen una retrospectiva de su obra desde 1986 hasta la actualidad. Esta selección refleja el constante compromiso del artista con la pintura, su percepción analítica, reflexiva y, en cierto modo, mística, y sus reflexiones sobre la posición del hombre contemporáneo en el mundo. La muestra nos revela igualmente su habilidad personal para renovar la abstracción y su peculiar manera de tratar la materia.

Darío Alvarez Basso, uno de los pintores españoles con mayor proyección internacional en el panorama artístico actual, nació en Caracas (Venezuela) en 1966, aunque reside en España desde los tres años.

GINOVART

Unión de Pintores de Bulgaria. Sofía, Hasta el 25 de mayo. Cuarenta y dos pinturas (óleo, técnica mixta sobre madera y gouache sobre cartón) y 11 collages, realizados para ilustrar el catálogo, componen esta exposición cuyo objetivo es mostrar que toda la obra de Guinovart es el resultado de una reflexión intelectual y plástica, de un continuo análisis sobre sí mismo y sobre el mundo que le rodea

TAPIES

Sede: Hara Museum of Contemporary Art, Tokio (Japón). Duración: hasta el 29 de mayo. La exposición es una retrospectiva de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) que incluye más de 48 obras entre pinturas, objetos y esculturas que datan desde los años cuarenta hasta la actualidad. La muestra explora la naturaleza material de la obra de Tàpies como principio fundamental para entender su influencia y su posición en la historia del arte contemporáneo

PERÚ INDÍGENA Y VIRREINAL

Sede: National Geographic Museum, Washington (EE.UU.). Duración: hasta el 30 de mayo. Las altas cotas artísticas alcanzadas en el Perú antes de la llegada de los españoles y a lo largo del período virreinal son valoradas universalmente de forma unánime. De hecho, diez enclaves del territorio peruano están catalogados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, incluyendo espacios prehispánicos (Machu Picchu, Chavín o Chan Chan), virreinales (Lima, Arequipa) y aquellos que significan “sincretismo” (Cuzco).

Esta palabra “sincretismo” expresa el espíritu novedoso de esta exposición. El objetivo de la misma es recorrer los episodios más importantes de la cultura, concibiéndolos no como compartimentos estancos sino en diálogo continuado, valorando la integración de las diversas fases artísticas, la evolución técnica y estética y las especificidades regionales que convierten el arte del Perú en uno de los más originales de Hispanoamérica. La exposición se divide en una serie de secciones a partir de los dos grandes bloques expresados en el propio título “Indígena y Virreinal”.

OTEIZA. MITO Y MODERNIDAD

Sede: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Duración: hasta el 30 de mayo. Oteiza: mito y modernidad es la principal retrospectiva dedicada al escultor vasco Jorge Oteiza (1908-2003), uno de los más significativos artistas contemporáneos españoles, ganador del premio de escultura de la Bienal de Sao Paulo en 1957. Después de haber sido expuesta con enorme éxito en el Museo Guggenheim Bilbao, la exposición viaja ahora al Museo Reina Sofía, que cuenta con una sala en su colección permanente dedicada al escultor. Con posterioridad a esta cita en Madrid la muestra se presentará en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

El renacer de Carracci

18/04/2005, Desde el 19 de abril y hasta el 17 de julio estará expuesta en el Museo del Prado una bella exposición dedicada a la obra “Venus, Adonis y Cupido” de Annibale Carracci

Por Ana Alvarez

Desde el 19 de abril y hasta el 17 de julio estarב expuesta en el Museo del Prado una bella exposiciףn dedicada a la obra “Venus, Adonis y Cupido” de Annibale Carracci.

La exposiciףn contarב tambiיn con las pinturas que Tiziano y el Veronיs dedicaron a este mismo tema mitolףgico. La muestra se completa con una copia del Cupido de Parmigianino y con cuatro grabados y dos dibujos que explican el proceso creativo para la elaboraciףn de esta obra.

Annibale Carracci (Bolonia 1560 - Roma 1609) fue, junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico, promotor de una renovaciףn pictףrica basada en la aproximaciףn a la naturaleza a travיs del filtro de la tradiciףn renacentista. Su fama fue desigual, pues desde finales del siglo XVIII el gusto neoclבsico hizo caer en desgracia a la escuela boloסesa y hasta el siglo XIX Carracci no recuperarםa el crיdito ante los historiadores de arte.

La restauraciףn de la obra, llevada a cabo por Marםa ֱlvarez-Garcillבn, ha revelado la alta calidad del lienzo y ha recuperado una de las obras mבs emblemבticas del pintor antes de su traslado a Roma.

La exposiciףn comienza narrando el proceso de restauraciףn de la obra, pudiיndose observar una radiografםa tomada con ocasiףn de la restauraciףn del lienzo. En esta radiografםa se descubren los cambios que introdujo el artista en la composiciףn. Las figuras de Venus y Cupido estuvieron muy definidas ya desde el principio, pero, en el caso de Adonis, vemos que el pintor tuvo mבs de un quebradero de cabeza, ya que cambiף en varias ocasiones la colocaciףn del brazo izquierdo y la orientaciףn de la mirada del hיroe, que al principio establecםa una mirada cףmplice con el espectador masculino. Al final Carracci quiso que la mirada de Adonis recayese sobre Venus, dבndole asם a la obra un tinte mבs intimista y amoroso.

La muestra sigue con la profundizaciףn en el proceso de elaboraciףn del lienzo, mediante los dibujos preparatorios, como la cabeza de uno de los perros de Adonis, propiedad del Brithis Museum de Londres o el estudio de conjunto de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Para finalizar la exposiciףn se pueden ver cuatro grabados de artistas posteriores a Carracci. Estos grabados son interpretaciones y recreaciones de la escena pintada por el artista boloסיs.

La riqueza de las colecciones del Museo del Prado permite reconstruir el contexto artםstico en el que la obra fue pintada, mostrבndola junto con sus fuentes de inspiraciףn mבs directas: los lienzos de Tiziano y Veronיs. Estas obras fueron realizadas varias dיcadas antes, y al observarlas se puede ver la gran influencia que ejercieron sobre el boloסיs.

La obra de Tiziano muestra el momento en el que la diosa Venus intenta retener con todas sus fuerzas a Adonis, que parte a dar caza al jabalם que le darב muerte, mientras que la pintura del Veronיs muestra el momento previo a la partida de Adonis, cuando la diosa estב velando su sueסo y Cupido intenta retener a uno de los perros, que ha olfateado el jabalם.

Estos tres cuadros comparten un origen literario comתn, la Metamorfosis de Ovidio. Entre los tres narran el capםtulo en el que se habla del enamoramiento entre Venus y Adonis. El cuadro de Annibale Carracci describe el inicio de la historia, cuando Adonis se abre paso al claro del bosque en el que la diosa estaba jugando con su hijo Cupido, que hiere a su madre en el pecho con una de sus flechas.

La exposiciףn se acompaסa de una publicaciףn en espaסol e inglיs, dirigida por Andrיs �beda, Jefe de Conservaciףn de Pintura Italiana y Francesa del Museo del Prado y comisario de la exposiciףn. El libro incluye artםculos sobre la historia de Venus, Adonis y Cupido y la crםtica del mismo, escritos por Andrיs �beda: sobre la restauraciףn de la obra, por Marםa ֱlvarez-Garcillבn; y sobre el anבlisis de la imagen digital, por Ana Gonzבlez Mozo.

El Museo del Prado ha organizado una serie de actividades en torno a la exposiciףn, visitas comentadas para el pתblico infantil, y para el pתblico en general y una serie de conferencias de treinta minutos sobre el autor; la tיcnica pictףrica de la escuela boloסesa; los precedentes, etc...

Para mבs informaciףn sobre las actividades especiales organizadas por el Museo del Prado con motivo de la exposiciףn: http://www.museoprado.es

 

Ilustradores: la semilla del arte en el libro.

14/04/2005, En pleno vigor de la cultura audiovisual, la labor de los ilustradores de libros infantiles es crucial, porque transmite a los más jóvenes el amor por el arte y la cultura.

Por Tomás Alvarez

"...Y entonces, Pulgarcito vio una casa muy bonita. Era la casa de un ogro terrible". Frases como ésta nos traen a la memoria bellos momentos de nuestra infancia; el recuerdo cálido de los brazos paternales, el son de voces maduras desgranando lentamente historias llenas de fantasía.

El amor a la cultura se fragua en los días de la infancia, en torno a los libros de cuentos, a los álbumes e historietas de personajes divertidos o héroes de todo tipo.

Aunque en nuestra civilización audiovisual la televisión ocupa un lugar preeminente como transmisor de historias para el público infantil, aún desempeñan un papel importante los padres, los abuelos o los hermanos, como narradores de cuentos o míticas historias de personajes del pasado o de un futuro soñado.

LA TRANSMISION DE LA CULTURA

Desde la prehistoria, la transmisión de la cultura se ha efectuado a través de la narración. Y el cuento debió de ser una de las formas más atractivas para despertar el interés del interlocutor. No faltan las referencias a las transmisiones orales de referencias míticas, leyendas y narraciones llenas de fantasía, que -cuando llegó la escritura- pasaron a los textos de todas las lenguas.

En viejos papiro egipcios de hace 4000 años, en las leyendas de Persia o Mesopotamia, en la literatura griega, romana y árabe están multitud de historias, preludio de las que luego han seguido dictando autores como Andersen o los Hermanos Grimm.

Hay innumerables referencias, algunas de las cuales son tan bellas e interesantes como "Las mil y una noches", cargadas de resonancias orientales, con notables resabios de la India, donde se produjo una excelente teoría de narradores.

La literatura medieval europea tuvo también una notable experiencia en materia de narraciones de cuentos: El decamerón, Los cuentos de Canterbury El conde Lucanor, el Libro de buen amor. ...Y la tradición europea continuó en los siglos siguientes con brillantes ejemplos, como Perrault, autor de la Bella durmiente o La Cenicienta y, posteriormente los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen o Washington Irving.

La tradición cuentística en lenguas española y portuguesa España y América está considerada como una de las más vitales e importantes del mundo. Literatos como Gustavo Adolfo Bécquer, Blasco, Horacio Quiroga, Julio Cortázar o Gabriel García Márquez son ejemplos de esa vitalidad.

LOS ILUSTRADORES.

Modernamente, en nuestra cultura, profundamente ligada a la imagen, ya no imaginamos el cuento sin la ilustración correspondiente. La ilustración no sólo hace atractiva y comprensible la narración sino que agranda su belleza o su dramatismo.

Millones de niños de nuestro tiempo son atraídos por las peripecias de Asterix, Garfield, Mortadelo, Superman o Tintín, lo mismo que por las viejas narraciones de Alicia en el país de las maravillas o Pulgarcito. En la mayoría de los casos, estos textos son el primer acercamiento del niño a los libros.

En paralelo a la narración literaria, los ilustradores despliegan su creación artística con una doble función: facilitar la comprensión del texto y embellecer el mismo. Es tal la calidad de los ilustradores que en algunos casos, la esencia de la publicación es la imagen pictórica plasmada por el creador.

Artistas como Gustavo Doré, Picasso, Miró o Matisse han participado en esa tarea de embellecer publicaciones, pero aparte de estos grandes, existe todo un elenco de creadores íntimamente vinculados a la industria editorial y que contribuyen a realzar la siempre noble actividad de la edición.

ILUSTRISIMOS.

En el 400 aniversario de la edición del Quijote, la feria del Libro de Bolonia(Italia), dedicada al público infantil, ha dedicado su edición 42 a España y sus ilustradores. Dos son las razones importantes del evento. La primera el aniversario de la novela más famosa de la literatura mundial, el segundo la trascendencia de los editores hispanos en el ámbito de las publicaciones infantiles. Un dato: sólo en el año 2005 se editaron en España unos 10.000 títulos de libros enfocados al ámbito más joven.

La Feria de Bolonia es el escaparate de la literatura infantil internacional. En este año (del 13 al l6 de abril) concurrieron más de 1100 expositores de 63 países. En esta feria de la primavera italiana se presentaron diversas exposiciones y actividades dirigidas al público joven. En concreto, destacaron dos exposiciones, organizadas en colaboración con la federación española de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP): "Ilustrísimos", que mostró el trabajo de innovadores ilustradores que desarrollan su actividad en España, y "Miradas en torno al Quijote", que exhibió una selección de ilustraciones sobre Don Quijote, realizadas por autores de galardonados en su día con el Premio de Ilustración que concede el ministerio de Cultura español.

En esta muestra en torno al gran personaje cervantino, aparecen los galardonados desde 1978 por la dirección española del Libro, Archivos y Bibliotecas: Ulises Wensell, Carme Solé Vendrell, Miguel Angel Fernández Pacheco, Luis Ignacio de Horna, Teo Puebla, Jesús Gabán, Asun Balzola, Alfonso Ruano, Francisco Meléndez, Montserrat Ginestra, Miquel Calatayud, Gusti, Javier Serrano, Arnal Ballester, Pep Montserrat, Francesc Martínez, Max, Monte Gisbert, Carmela Mayor, Oscar Villán, Judit Morales, Federico Fernández, Ajubel e Pablo Amargo.

Además, se organizaron dos exposiciones bibliográficas en el Pabellón de España en la Feria, para mostrar una visión del libro infantil en España y de su evolución. La primera, "Don Quijote para niños, ayer y hoy", constó de 180 adaptaciones del Quijote desde 1856 hasta la actualidad, mientras que la segunda, "25 años de Literatura Infantil en España", incluyó la selección de los 200 títulos más significativos de los últimos años en el ámbito de la literatura infantil.

En el ámbito editorial español destaca la pléyade de ilustradores de notable prestigio, que están contribuyendo al creciente nivel de ingresos a la industria editorial hispana, sector que vivió en el año 2004 una novedad importante: por primera vez en la historia, las ventas en la Unión Europea superaron a las realizadas en América Latina, el gran cliente histórico del libro español.

Según datos de la federación de gremios de Editores de España (FGEE), en el 2003 el sector del libro infantil y juvenil facturó más de doscientos setenta millones de euros, y en el 2004 la cifra siguió creciendo, por ser éste uno de los ámbitos más dinámicos de la actividad editoria

Por todo ello, en pleno siglo XXI, es especialmente importante la labor de los ilustradores de libros enfocados hacia los más jóvenes, no sólo por lo que tiene de valor económico sino, sobre todo, porque permite familiarizar a los más pequeños con el libro, transformar la lectura -el arte y la cultura- en un elemento apetecible.

Durero. La precisión de la obra maestra

11/04/2005, Desde el 8 de marzo hasta de 29 de mayo de 2005, 86 obras maestras de Albert Durero, procedentes del Museo Albertina de Viena, se exhiben en el Museo del Prado, y muestran la magnífica calidad del pintor alemán, a la hora de tomar apuntes de la reali

Durero. La precisión de la obra maestra.

Por Ana Alvarez

Desde el 8 de marzo y hasta el 29 de mayo se puede contemplar en el museo del Prado la exposición “Durero. Obras Maestras de la Albertina”, una ocasión irrepetible de contemplar la mayor colección de dibujos y pinturas del maestro alemán Alberto Durero.

Ésta exposición ofrece al visitante un recorrido cronológico a la vez que temático, dividiendo las obras en ocho salas:

* Introspección y aprendizaje, en la que se aprecian las dotes del artista en sus años de formación.

* Recreación de la Naturaleza, muestra los más importantes dibujos copiados de la naturaleza así como la representación de la misma en estampas religiosas.

* El arte de la estampa, que pone en relieve una de sus facetas más brillantes y reconocidas.

* Imágenes de devoción, en esta sección se pueden contemplar imágenes llenas de valores morales, expresivos y sentimentales a través del acentuado realismo que proporcionaba a sus obras.

* Desnudo y proporción, donde refleja el gran interés de Durero por la representación de la belleza humana y el humanismo o la idea del hombre como centro de la creación.

* Dibujo y pintura, que reúne los estudios del natural, figuras, detalles y estudios preparatorios que sirvieron de modelo para la posterior obra pictórica.

* Retratos, donde pone en manifiesto la pericia del artista, capaz de captar por igual la apariencia exterior y el carácter del personaje. Entre otros personajes, Durero pudo retratar al emperador Maximiliano I, difundiendo y perpetuando así su imagen.

* Imperio y Reforma, el ámbito en el que finaliza la exposición y donde muestra los últimos años de la vida del genio, que se dedicó a hacer trabajos de carácter propagandístico para el emperador Maximiliano I, y que, como queda patente en sus pinturas de carácter religioso, se decantó por la Reforma religiosa Luterana.

Con polémica

Son 86 obras maestras de Albert Durero, procedentes del Museo Albertina de Viena, que muestran la magnífica calidad del pintor alemán, a la hora de tomar apuntes de la realidad.

Las obras han llegado con polémica, por las limitaciones impuestas por las autoridades austríacas respecto a la permanencia de las piezas más emblemáticas toda la exposición.

Los directores del Prado, Miguel Zugaza, y del Albertina, Klaus Albrecht Schroder, confían en superar las discrepancias técnicas con las autoridades austríacas, que limitan la autorización de la presencia de cinco de las obras en Madrid a sólo cuatro semanas.

La exposición "Durero. Obras maestras de la Albertina", ofrece por primera vez fuera de Austria, el conjunto más importante de dibujos, acuarelas y grabados de Durero de la colección del Museo Albertina, junto a las pinturas del maestro alemán que conserva el Museo del Prado.

Klaus Albrecht Schroder dijo que nunca ha habido fuera de Austria una panorámica tan importante, irrepetible, de la vida y obra de Durero. Miguel Zugaza se mostró orgulloso de tener en el Prado reunido tan alto grado de belleza del que fue conocido como Leonardo del Norte, gracias a los excelentes testimonios de su arte que se conserva en el Albertina de Viena.

Una muestra excepcional

La exposición Durero. Obras Maestras de la Albertina es una ocasión única para contemplar por primera vez en España 85 obras de Alberto Durero de la colección de la Galería Albertina de Viena.

La muestra supone una ocasión privilegiada para contemplar gran parte de la colección de Durero de la Albertina, ya que se trata de obras que, dadas sus especiales condiciones de conservación, sólo se exhiben esporádicamente y nunca hasta ahora se habían presentado en tan gran número fuera de Austria.

El excepcional préstamo incluye las principales obras maestras de la producción gráfica de Durero y permitirá analizar su trayectoria artística en un recorrido cronológico a la vez que temático

Entre las obras expuestas, 58 dibujos y 27 estampas, se encuentran muchas de las más significativas e importantes obras sobre papel de Alberto Durero, como el Autorretrato a los 13 años, La liebre, Adan y Eva, Melancolía, Los 4 jinetes del Apocalipsis, Los estudios para el San Jerónimo de Lisboa, El puerto de Amberes, o el monumental Carro Triunfal. A través de esta selección, se pueden ver los distintos ámbitos en los que el maestro desarrolló su actividad artística, y apreciar la excepcional calidad técnica de su obra en las diferentes técnicas de realización: dibujos a punta de plata, lápiz, pluma, aguadas de colores; grabados en madera y cobre; y pintura al óleo sobre tabla.

De forma complementaria, la exposición incluye las cuatro pinturas que el Prado posee del artista -Adán y Eva, Autorretrato y Retrato de personaje desconocido- ocupando un lugar destacado dentro del discurso de la muestra.

El pintor

Contemporáneo de Miguel Angel y Leonardo da Vinci, Alberto Durero es seguramente la mayor personalidad del Renacimiento al norte de los Alpes. Una exposición, abierta ahora en la National Gallery de Londres, sirve para rememorar algunas de sus excelencias.

Durero (1471-1528) nació y murió en Nuremberg, uno de los centros culturales más importantes de Alemania, íntimamente ligado a los inicios de la imprenta y al desarrollo del grabado. Su padre era un destacado orfebre, proveniente de Hungría, lo que ya le condicionó sobre el ambiente cultural de los inicios de su vida (El padrino del pequeño fue Antón Koberger, destacado impresor). Pronto despuntó por su capacidad para el dibujo y trabajó como aprendiz en el taller de Michel Wolgemut, notable grabador de la ciudad, donde dominó la técnica de la xilografía.

Era el año 1490 cuando partió de su ciudad natal en su gira hacia los Países Bajos y la región del Rin. A lo largo de dos años visitó centros como Nordlingen, Colmar, Basilea y Estrasburgo. Su viaje a Colmar estaba guiado por el interés de ver a Martín Schongauer, destacadísimo grabador. Pero llegó poco tiempo después de su muerte. Aún así, los hermanos de Schongauer –que mantenían abierto el taller- le permitieron conocer a fondo la obra del maestro de Colmar.

Después de un tiempo radicado en Estrasburgo, en 1493 volvió a Nuremberg, cuando sus padres formalizaron su compromiso matrimonial. De ésta época es un magnífico autorretrato, de pose arrogante. El matrimonio no fue bien, y poco después de la boda se marchó a Italia, donde quedó influido por la obra de Mantenga y de Bellini.

Estos viajes fueron cruciales para el artista de Nuremberg. En Italia quedó impresionado por el colorido y por los volúmenes de las figuras. Se interesó por la estatuaria clásica, y comenzó a investigar los temas de la perspectiva y la proporción. En estos periplos tomó magníficas acuarelas sobre sencillos motivos paisajísticos. Realmente magistrales, aunque él no soliera firmarlas, al considerarlas meros apuntes.

Durero tomaba apuntes de todo: flores, objetos, animales... hasta pintó un rinoceronte con testimonios ajenos. También se interesó por la pintura al óleo sobre lienzo (en lugar de la tabla). Con todo el amplio bagaje de conocimiento, en 1494 ya abrió un taller en su ciudad natal, que pronto tuvo notabilísimo prestigio y una fecunda actividad. El propio elector de Sajonia, protector de Lutero, viajó a Nüremberg para encargarle un retrato y una obra religiosa.

Pero, aparte de los óleos, en esta época cobraría una inmensa fama como grabador, merced a las xilografías del Apocalipsis. Fuerza, intensidad y fantasía se juntan en estos trabajos que despertaron un inusitado interés en una Alemania convulsa por los problemas religiosos que iban a dar paso a la reforma protestante. Eran las vísperas de la temida fecha del 1.500, cuando muchos milenaristas estaban agitados ante el previsible Juicio Final... Durero tenía una intensa religiosidad, y no estaba ajeno a aquella proliferación de predicaciones.

Con ocasión de una gran peste, en 1505, deja su ciudad para volver a Venecia, donde triunfa como pintor, aunque es mal recibido por los artistas locales que ven en él a un peligroso intruso. Luego viaja a Florencia y Roma. Tiene oportunidad de conocer la obra de Leonardo, que le influiría también, y la de Rafael. En 1507, ya de vuelta del viaje, pinta Adán y Eva, obras cruciales porque revelan cómo está preocupado por los cánones de belleza y armonía.

En los cuadros de Adán y Eva alarga su canon anterior e –influido por los italianos.- otorga mayor carnalidad a las figuras. Es destacable la capacidad franca y directa con las que aborda el tema del desnudo, aunque aún late en él la reflexión moral, con la cartela que pone al lado de Eva, recordando a la Virgen madre, la nueva Eva (el mundo gótico late bajo el Renacimiento). Estos cuadros fueron propiedad del ayuntamiento de Nuremberg y acabaron en la corte española, regalados por la reina Cristina de Suecia. Hoy están en el museo del Prado.

La fama del artista sigue creciendo y en 1514 el emperador Maximiliano I le encargó obra, otorgándole una pensión vitalicia que en 1520 refrenda su sucesor, Carlos I, a quien ve en Aquisgrán con ocasión de su coronación.

A partir de esta época, el tema religioso sería uno de los que agitaría el alma de Durero, como a la sociedad alemana. El pintor se mostró favorable a le revolución espiritual, pero las convulsiones sociales y políticas se tradujeron en alguna obra como su acuarela con el sueño del fin del mundo. En 1528 Durero murió. En ese mismo año se publicaría su gran tratado sobre proporciones.

Para más información: http://www.museoprado.es

Para venta anticipada de entradas: http://www.museoprado.mcu.es

 

Arte sagrado, del entorno del Índico

01/04/2005, La Fundación Caixa Girona, que tradicionalmente programa una serie de interesantes muestras artísticas con una visión universalista, aporta ahora una nueva, denominada “Arte Sagrado de las tradiciones índicas. Hinduismo, budismo y jainismo”.

La Fundación Caixa Girona, que tradicionalmente programa una serie de interesantes muestras artísticas con una visión universalista, aporta ahora una nueva, denominada “Arte Sagrado de las tradiciones índicas. Hinduismo, budismo y jainismo”.

Hubo un tiempo en el que el arte de los pueblos asiáticos o africanos se consideraba en Occidente como una muestra cultural primitiva, correspondiente a unos pueblos que aún no habían llegado a los niveles de desarrollo de un país moderno.

Fue en el XIX, con la influencia del arte japonés, y en los inicios del XX, en los días en que el cubismo se entusiasmó con las máscaras africanas, cuando la plástica occidental fue desvistiéndose de su pesada cobertura de prejuicios, para aceptar pronto, con humildad, que la belleza y el arte no era patrimonio de ningún grupo cultural privilegiado.

La Fundación Caixa Girona, que tradicionalmente programa una serie de interesantes muestras artísticas con una visión universalista, aporta ahora una nueva, denominada “Arte Sagrado de las tradiciones índicas. Hinduismo, budismo y jainismo”, en la que reune una bella selección de muestras de arte religioso del territorio del sudeste de Asia, en el que se ha generado un arte cargado de naturalismo y plasticidad.

Es un reto la contemplación de este tipo de muestras, sobre todo para el observador occidental, no sólo por la evolución de su pensamiento, cada vez más alejado de religiones y mitos, sino por las propias diferencias de lo “sagrado” y los “religioso” entre Oriente y Occidente.

Y además, el juego de los símbolos. No sólo sirve el conocimiento de las identidades de dioses, ninfas o guías espirituales, hay que saber su representación y su vinculación con los ritos y la sociedad.

Las obras presentadas nacieron junto a los ritos. La “ritualización de la existencia comporta la creación de símbolos para abordar una realidad que abruma por su fuerza, por su complejidad, por su inmensidad, y que permite al ser humano negociar con ella. Negociar la fuente de alimento, la salud, la vida y la muerte, el miedo, el dolor y la felicidad”, dice Ana Pániker en el catálogo de la muestra.

Algo que sorprende en este arte es la iconografía de la divinidad. El artista debe estudiar los textos canónicos antes de llegar a realizar su obra, y ésto le llevará a plasmar las posturas y colores de acuerdo a un sistema, a unos arquetipos marcados por los textos y la tradición.

A los occidentales nos suele sorprender la “carnalidad”, la sensualidad de dioses y diosas. La realidad es simple, tan simple como la explicación de que dioses y diosas son representados en plena juventud, en cuerpos donde aún no aparecen los estigmas de la decadencia.

El artista intenta con su obra hacer palpable lo divino y lo trascendental, y eso lo consigue mediante un prodigioso lenguaje escultórico, un lenguaje que alcanza ponto –históricamente- su madurez, y que condiciona el resto de artes como la pintura o la arquitectura.

Dice Carmen García-Ormaechea, en el catálogo de la muestra, que la madurez de la escultura reside en su intemporalidad y en su universalidad, porque desde sus primeras imágenes busca la captación y transmisión de lo esencial, logrando un lenguaje artístico de fácil comprensión, no sólo para el fiel indio tradicional, sino también para el espectador moderno.

La muestra

Son un total de cuarenta y tres imágenes religiosas hinduistas, budistas y jainistas de los siglos II al XVIII, la mayoría de las cuales no han sido expuestas hasta ahora al público, y proceden de colecciones privadas españolas.

La muestra, organizada por la Fundación Caixa Girona, se centra en el arte religioso o en imágenes sagradas, creadas en diferentes períodos históricos y generadas en el ámbito geográfico que abarca la India, la zona del Himalaya y el área del sudeste asiático.

Son, básicamente, esculturas, realizadas en diferentes materiales como piedra, madera, mármol, bronce, hierro, latón y cobre; además de cuatro pinturas, realizadas con diversas técnicas.

Son comisarios de la muestra Carlos Cruañas y Ana Pániker, que abordar con claridad tres notables espiritualidades orientales: hinduismo, budismo y jainismo. Las tres, originarias del territorio de la India, han tenido una fuerte repercusión en la zona geográfica que comprende la exposición, desde el entorno de los Himalayas hasta el sudeste asiático, donde entroncó la cultura proveniente de la península indostánica con la de los Khmer.

Esta exposición, tras su paso por la ciudad de Girona, se presentará en la Casa Asia de Barcelona.

En opinión de los comisarios, las obras se han reunido con un riguroso criterio de veracidad y relevancia artística, y con el objetivo de mostrar al visitante cómo el arte religioso oriental es concebido y realizado con la finalidad concreta de conducir al devoto y al fiel, a través de la contemplación, a una determinada emoción o a un estado de conciencia concreto.

La muestra de este arte –debido a maestros anónimos- se ha dividido en diferentes ámbitos, cada uno de ellos dedicado a una de las religiosidades presentadas. En la planta baja del Centro Cultural de Caixa de Girona el visitante se encuentra las obras representativas del hinduismo, una espiritualidad abierta, sin dogma, ni iglesia. El hindú escoge sus creencias, divinidades y sus maestros. La exposición enseña, mediante piezas significativas, como a partir del siglo VI, la religiosidad y el arte de la India se tiñe de un fervoroso culto a lo femenino.

El recorrido continúa en el sótano, un espacio dedicado al tantrismo, que está implícito en las tres religiosidades, una práctica esotérica que establece una relación de correspondencia entre el cuerpo humano y el cosmos. Las obras fruto de las creencias del jainismo ocupan otro apartado de la muestra. El jainismo predica el camino de la desafección, el ascetismo y la no violencia. La influencia del jainismo sobre valores y prácticas hinduistas o budistas, como la doctrina de la no violencia (ahiwsa), fue tan notable que hoy se considera patrimonio de millones de indios.

La exposición la cierra un ámbito dedicado al budismo, que se inició en territorio de la península indostánica, pero que desde allí se expandió tanto hacia el norte como hacia en sudeste asiático, en tanto que quedó desplazado progresivamente de la actual India.

Artemio Artigas

 

Tres linces de oro

29/03/2005, El futuro del lince ibérico es muy difícil, pero al menos hay alguna esperanza de salvar esta subespecie. El 29 de marzo, se anunció que, por primera vez, se ha conseguido el nacimiento de linces ibéricos en cautividad

El futuro del lince ibérico es muy difícil, pero al menos hay alguna esperanza de salvar esta subespecie. El 29 de marzo, la ministra española de de Medio Ambiente, Cristina Narbona, anunció que, por primera vez se ha conseguido el nacimiento de linces ibéricos en cautividad.

Se trata de tres cachorros que nacieron en el Coto de Doñana. El nacimiento se ha producido en el marco del programa de cría en cautividad de lince ibérico, especie endémica de la Península Ibérica.

En medios ambientalistas se ha notado cierto alivio. Para Adena-WWF se trata, sin lugar a dudas, de un acontecimiento histórico en la conservación del felino más amenazado del planeta y un resultado fruto del aumento de la coordinación y buena sintonía que, desde hace un par de años, mantienen las autoridades ambientales de la Administración estatal y andaluza.

Un portavoz de Ecologistas en Acción en Huelva mostró su satisfacción por el nacimiento de las primeras crías de lince ibérico en cautividad, pero matizó que este hecho no debe suponer un freno para la recuperación del lince en su hábitat natural, el salvaje.

Hasta la fecha, el lince ibérico nunca se había reproducido en cautividad. Con ese fin, en 1992 se creó un moderno centro experimental en el Parque Nacional de Doñana, con capacidad para albergar un máximo de 8 linces. En junio de 2003, el Ministerio de Medio Ambiente y la Consejería de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía firmaron un convenio de colaboración para impulsar la conservación del lince ibérico, momento en que el Programa de Cría empezó a funcionar efectivamente

Las malas noticias

Pocos días antes de esta novedad, los amantes de la naturaleza tuvieron un nuevo sobresalto. El 14 de abril se anunció que otro ejemplar de lince ibérico macho murió atropellado en la carretera que une las localidades de El Rocío y Matalascañas, cerca del Coto de Doñana. La asociación naturalista Adena calculaba que la población desaparecería del parque natural en menos de diez años.

Con esta muerte, son ya dieciséis ejemplares de lince ibérico que fueron hallados muertos en Andalucía desde 2002 a causa de atropellos, disparos o causas naturales, según datos recabados por la agencia Efe.

El Catálogo Nacional de Especies Amenazadas diferencia cuatro categorías según el grado de amenaza al que se enfrentan las especies: de interés general, vulnerables, sensibles a la alteración de su hábitat, y en peligro de extinción, categoría esta reservada a las especies cuya supervivencia parece poco probable a corto plazo. En ella está, junto con otros mamíferos como el oso pardo o la foca monje, el lince, una especie emblemática en España y característica a nivel mundial de la fauna ibérica.

Las buenas noticias.

Los tres crías de lince ibérico nacidas en cautividad en el Parque Nacional de Doñana se encuentran en perfecto estado y cuidadas por su madre, de nombre Saliega, según dijo Astrid Vargas, directora del programa de cría del lince en cautividad.

Vargas afirmó, en el centro de Proteccion de El Acebuche que los primeros días no se debe molestar a la madre. Sólo se controla a los cachorros por videovigilancia.

Este parto también ha servido para conocer el período de gestación de la especie, ya que nunca se había podido seguir el embarazo desde la cópula hasta el parto, que viene a situarse entre 63 y 70 días.

Vargas explicó este hecho novedoso en la conservación del lince supone una nota optimista y una esperanza para los necesarios programas de reintroducción.

El lince ibérico y su declive.

El lince ibérico, símbolo de la conservación de los ecosistemas mediterráneos, es una especie única, endémica de España y Portugal, que no puede desaparecer. Antaño, el lince ibérico estuvo distribuido por toda la península, pero sus poblaciones se han ido rarificando, al menos desde el siglo XIX.

En Andalucía tan sólo quedan unos pocos cientos de ejemplares de esta especie, considerada por la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) como el felino más amenazado del mundo. Es en esta Comunidad Autónoma donde se encuentran las dos únicas poblaciones (Doñana y Sierra Morena) con viabilidad para conseguir la recuperación y posterior pervivencia del lince ibérico.

Según la consejería de Medio Ambiente de la Juntra de Andalucía, los últimos linces ibéricos han vivido, y aún viven, en poblaciones aisladas, sometidas a múltiples riesgos de origen humano, tales como:

· Destrucción y fragmentación de su hábitat, el monte mediterráneo.

· Creciente disminución de los conejos, su alimento básico.

· Mortalidad en lazos, cepos, trampas y cebos envenenados instalados ilegalmente para zorros u otros depredadores en algunas explotaciones ganaderas y cinegéticas.

· Muertes por atropellos, ocasionales disparos, etc.

· Problemas genéticos y demográficos derivados del pequeño tamaño y el aislamiento de las poblaciones.

 

De Seurat a Klee

16/03/2005, Del 15 de marzo de 2005 al 10 de julio de 2005, el museo de Orsay de París presenta "El neoimpresionismo, de Seurat a Paul Klee", una poética exposición

Del 15 de marzo de 2005 al 10 de julio de 2005, el museo de Orsay de París presenta "El neoimpresionismo, de Seurat a Paul Klee", una poética exposición dedicada a un momento interesante de la pintura moderna.

Son más de un centenar de cuadros que arrancan de la renovación puntillista originada en Georges Seurat, y sus seguidores -Signac y Camille y Lucien Pissarro-, que influyó en artistas postimpresionistas, como Kandinsky o Klee.

Divisionismo o puntillismo

Deseosos de extraer de los principios impresionistas un arte más pensado, Seurat y Signac exponen a partir de 1886 los primeros ensayos del método divisionista, garante de un resplandor más luminoso en composiciones sabiamente ordenadas.

En unos cuantos años, el neoimpresionismo se convierte en un auténtico movimiento artístico que reúne a numerosos artistas en Francia y en Europa, todo ello gracias a un solo hombre: Georges Seurat.

Nacido en 1859 en París, Seurat ingresa a la Escuela de Bellas Artes en 1878 pero la deja al año siguiente pues aspira a "... encontrar algo nuevo, una pintura mía", como escribió a Paul Signac en 1888.

Sin embargo, Seurat no reniega de la herencia de sus predecesores. Le fascina la manera como Delacroix utiliza el color en su obra y en ella encuentra el medio de liberarse de la línea, pilar de la enseñanza clásica. Sin embargo, cuando expone sus primeros grandes cuadros, Une baignade, Asnières (Baño en Asnières, 1884) y Un dimanche après-midi à l´île de la Grande Jatte (Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1886), se le compara más bien con Puvis de Chavannes por las dimensiones, el rigor y la solemnidad de la composición. Seurat va forjando su técnica progresivamente, inspirándose en tratados científicos dedicados a los fenómenos ópticos: las obras de Eugène Chevreul, Charles Blanc o, más tarde, las de Ogden Rood y Charles Henry. De allí extrae varios principios que constituyen las bases teóricas de lo que él denomina el cromoluminarismo: la noción de los colores complementarios (rojo-verde, naranja-azul, amarillo-violeta), la distinción entre el color y el tono (el color en sí y su valor), la idea de la mezcla óptica que se efectúa ya no en la paleta sino en la retina del espectador, la exaltación del color por la yuxtaposición de sus diferentes tonos y hasta las líneas dinámicas que expresan los sentimientos. A partir de 1886, concibe una técnica que consiste en aplicar de modo regular y ordenado pequeñas pinceladas de pintura sobre toda la superficie del lienzo. Esos "puntos" de colores puros yuxtapuestos componen formas, personajes y paisajes.

En 1890, apenas un año antes de su muerte prematura, Seurat sostiene: "El arte es la Armonía. La Armonía es la analogía de los contrarios, la analogía de los semejantes, de tono, de color, de línea, considerados en su esencia y bajo la influencia de una iluminación en combinaciones alegres, tranquilas o tristes".

El 15 de mayo de 1886, con ocasión de la octava y última exposición impresionista en la calle Laffitte en París, las obras expuestas en la última sala son las que acaparan toda la atención del público y de los críticos. Seurat exhibe allí la obra considerada como el acta de fundación del neoimpresionismo, Un dimanche après-midi à l´île de la Grande Jatte, un cuadro inmenso que domina sobre los demás.

A su alrededor, otros artistas han adoptado su pincelada dividida observando la lenta elaboración de la Grande Jatte. Se trata de Paul Signac, un joven pintor que nunca ha seguido la enseñanza clásica, Lucien Pissarro y su padre, el maestro impresionista Camille Pissarro. Este último se ha convertido a lo que llama "impresionismo científico" para escapar al punto muerto en el que parece encontrarse el "impresionismo romántico" que tiene dificultad para renovarse.

En medio de críticas muy moderadas, el cronista de artes Félix Fénéon, que frecuenta los medios simbolistas, destaca inmediatamente como un ardiente defensor de esta nueva pintura. En un artículo publicado en la revista L´Art moderne de Bruselas el 19 de septiembre de 1886, utiliza por primera vez el término de "neoimpresionismo" para subrayar así la voluntad que anima a Seurat y a sus compañeros de renovar el impresionismo. Después, Fénéon no dejará de promover este movimiento y será uno de los artesanos de su expansión por Europa.

Gracias a los escritos de Fénéon, que dan una unidad teórica al movimiento, y a la promoción eficaz de Signac, que reúne a su alrededor a los pintores interesados en la renovación estética que propone esta pintura, el neoimpresionismo no tarda en conquistar émulos en Francia y en Europa. Seurat teme entonces que su técnica se propague y se convierta en una especie de "método" impersonal. Sin embargo, el neoimpresionismo no se reduce a una fría aplicación mecánica de principios científicos; él mismo ha elaborado su técnica de manera empírica, multiplicando las búsquedas y experimentos, y ha llegado sólo progresivamente a la pincelada dividida. Así, entre 1880 y 1883, se dedica esencialmente al dibujo y realiza magníficos estudios con lápiz Conté en los cuales, por un simple juego de contraste, las figuras surgen de la oposición entre la sombra y la luz, esto es, la "armonía del contraste". Para sus lienzos siguientes, Seurat realizará numerosos bocetos previos (croquetons) que preparan la obra final.

Pese al rigor que impone la técnica puntillista, el neoimpresionismo no conduce a una producción impersonal sino, todo lo contrario, da lugar a interpretaciones muy variadas. Mencionaremos a Albert Dubois-Pillet, con su gusto marcado por la simplificación de las formas; Maximilien Luce, con una descripción lírica del paisaje urbano y el universo obrero; Charles Angrand, que desde el inicio demuestra una sorprendente modernidad; incluso Henri-Edmond Cross, particularmente sensible a la evocación de una naturaleza virgen y a la poesía de los colores puros.

El movimiento se difunde igualmente por el resto de Europa. En 1887, Seurat y Camille Pissarro son invitados a participar en la exposición organizada en Bruselas por el Cercle des XX. El neoimpresionismo encuentra en Bélgica un eco particularmente brillante en las obras de Théo Van Rysselberghe, Willy Finch, Henry Van de Velde y Georges Lemmen. Después, el movimiento gana Holanda gracias a Jan Toorop, y se propaga también por Alemania y Suiza, donde suscita vocaciones a más o menos largo plazo. Efectivamente, algunos artistas consideran el neoimpresionismo como un terreno favorable para la exploración paciente de los recursos del color, en tanto que a otros les interesa sólo momentáneamente, mientras liberan su paleta de los tonos mezclados. Por ejemplo, Vincent Van Gogh recurre a la pincelada puntillista en varias ocasiones durante su periodo parisiense.

Por último, en Italia se desarrolla una variante local del neoimpresionismo con el divisionismo.

Con frecuencia se reduce el neoimpresionismo al solo mito de la "mezcla óptica" que se produce ante los ojos del espectador para recrear un nuevo color, concepción ampliamente difundida entre el público. Pero la pincelada neoimpresionista tampoco se limita a unos "puntos" de forma y tamaño siempre idénticos. La técnica de Seurat suscita enfoques muy diversos, y la exposición pretende destacar las múltiples innovaciones formales aportadas por los demás pintores neoimpresionistas.

Uno de los primeros efectos del uso del color puro y de una pincelada regular es la afirmación del plano del lienzo. Así pues se cuestiona la perspectiva tradicional, en tanto que se afirma la superficie del cuadro como un universo independiente de la naturaleza. Las formas simplificadas por este tratamiento toman un aspecto geométrico.

Los pintores neoimpresionistas rechazan asimismo el recurso a los medios académicos tradicionales para crear la ilusión del movimiento. Para animar la "superficie plana" de sus lienzos, prefieren dinamizar sus cuadros por medio de un juego de líneas rítmicas o repetir un motivo geométrico que dé ritmo a la composición. Por las mismas razones, privilegian el arabesco cuyo desarrollo amplio guía el ojo del espectador a la superficie de sus obras.

Los pintores neoimpresionistas cuestionan la traducción de una realidad efímera tan exaltada por los impresionistas y, en su lugar, desean captar la esencia de un paisaje o de una personalidad. En 1886, lo que Félix Fénéon pide a los pintores neoimpresionistas es "sintetizar el paisaje en un aspecto definitivo que perpetúe la sensación". Los mismos conceptos se aplican en el retrato.

Después de haber privilegiado la descripción del París moderno y de sus alrededores, a partir de la década de 1890, los neoimpresionistas manifiestan una predilección por el universo mediterráneo, evocador de una Edad Dorada mítica. Asimismo, estos artistas renuncian a la exploración de los matices más sutiles de la luz para obtener efectos de colores más vivos. Amplían el "punto" hasta reemplazarlo por una pincelada más libre. Dejan de lado el principio de la mezcla óptica a favor de la teoría del contraste, en la que la armonía se establece por la oposición entre los colores complementarios, entre la sombra y la claridad.

Tras la muerte de Seurat, el neoimpresionismo evoluciona rápidamente, como se observa en particular en la transformación del estilo de Cross y de Signac entre 1893 y 1898. La factura parece más espontánea y las pinceladas están claramente individualizadas. En 1897, Signac escribe en su diario: "Yo doy cada vez más importancia a la pureza de la pincelada [.. es este amor del color bello lo que nos hace pintar así y no el gusto por el punto". Al privilegiar la expresión del color puro, el neoimpresionismo afirma su voluntad de conquistar una nueva libertad artística y atrae a toda una generación de artistas que fundará el arte del siglo XX.

La publicación en 1898 del tratado de Signac, De Eugène Delacroix al neoimpresionismo hace resurgir el interés por la división de los colores. Gracias a esta obra, la mayor parte de artistas innovadores de principios del siglo XX se interesan en el neoimpresionismo, aunque cada uno extraiga su propia inspiración y ninguno le sea fiel.

En los fauvistas, Derain, Vlaminck o Matisse, el color se desprende radicalmente de la naturaleza. Los futuristas italianos, en particular Severini, establecen una analogía entre la descomposición del movimiento tal como ellos la practican y la descomposición de la luz por los divisionistas. Los padres de la abstracción, Kandinsky, Mondrian y Malévich, adoptan momentáneamente el neoimpresionismo al inicio de sus carreras, lo que les permite dejar de lado el arte figurativo. En las obras de Delaunay, Metzinger o Herbin, la forma se fracciona en unidades de colores independientes.

Los cubistas, como Braque, se interesan en la geometría de Seurat y utilizan ocasionalmente el puntillismo para unificar la superficie del lienzo. También Klee elige la técnica del puntillismo y explora sus múltiples posibilidades. Durante la década de 1920, desarrolla las teorías del color en su enseñanza en el Bauhaus.

La exposición del Museo de Orsay pone de manifiesto los múltiples aspectos del neoimpresionismo y sus prolongaciones hasta nuestros días con dos obras del artista contemporáneo Ger Van Elk.

 

Arte protegido

14/03/2005, Del 14 de marzo al 3 de abril de 2005, en el Palacio de las Naciones de Ginebra se presenta una muestra que recuerda cómo se salvaron maravillas artísticas españolas durante la Guerra Civil española de 1936/39

Del 14 de marzo al 3 de abril de 2005, en el Palacio de las Naciones de Ginebra se presenta una muestra que recuerda cómo se salvaron maravillas artísticas españolas durante la Guerra Civil española de 1936/39

El 16 de noviembre de 1936 cayeron sobre el museo del Prado de Madrid varias bombas. El edificio quedó dañado, pero, por fortuna, las obras de la pinacoteca más valiosa del mundo estaban a buen recaudo.

En Ginebra, Suiza, una exposición muestra ahora cómo se salvó el arte de la destrucción de la guerra civil que asoló España desde 1936 a 1939.

El hecho de que la muestra tenga lugar en Ginebra tiene un doble significado especial. Fue en aquella ciudad donde se almacenaron las obras de arte salvadas de la contienda española, y también allí, en 1939, recién terminado el conflicto español, se presentó una exposición antológica con parte del patrimonio artístico salvado, y albergado en la que entonces era sede de la Sociedad de Naciones.

Las autoridades de la República de España habían puesto en marcha una operación de salvamento, ante el avance de la lucha, con el fin de preservar el arte de las garras destructivas de la guerra civil. Las Juntas de Protección consiguieron salvar, sólo en Madrid más de 20.000 pinturas, 12.000 esculturas, 2.000 tapices, 40 archivos y un millón de libros y manuscritos.

El Comité internacional para el Salvamento de los Tesoros españoles, hizo posible que una ingente cantidad de material artístico se entregase a la Sociedad de Naciones para que los conservase hasta que se resolviera la contienda.

Esos tesoros, salvados de las bombas y la rapiña, volvieron a su lugar de origen cinco meses después de finalizada la guerra de España, cuando ya se iniciaba otro holocausto: la II Guerra Mundial.

La labor de las Juntas de Protección del Tesoro Artístico no sólo se redujo a esta tarea, sino que protegió fuentes, esculturas, portadas artísticas y procedió a la restauración de diversas obras.

El azaroso viaje del arte.

Los tesoros del museo del Prado se trasladaron a lo largo de la Guerra Civil española hasta Valencia, una ciudad alejada del frente de combate. Luego pasaron a Cataluña y en 1939, se consiguió su traslado a la sede de la Sociedad de Naciones de Ginebra.

La historia de estos traslados está llena de azarosas situaciones, en las que quedaron dañadas obras importantes, que inmediatamente se restauraron. Entre estas, los Fusilamientos del 2 de mayo y la carga de los mamelucos, ambas de Francisco de Goya.

En febrero de 1939, un total de 71 camiones llegaron a Ginebra con la maravillosa carga de arte, una carga de un valor colosal, la herencia histórica coleccionada durante siglos por algunos de los monarcas más poderosos del mundo.

La muestra de Ginebra.

Esta historia queda plasmada en la exposición “Arte Protegido” presentada desde el 14 de marzo en el hall de los Pasos Perdidos del Palacio de las Naciones de Ginebra (Suiza), en un acto con representantes del Gobierno de España y la Oficina de las Naciones Unidas en Ginebra.

La muestra Arte Protegido ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), el Museo Nacional del Prado y el Instituto del Patrimonio Histórico Español (IPHE), bajo el alto patrocino de La Oficina de Naciones Unidas en Ginebra y la colaboración de los Ministerios españoles de Exteriores y de Cooperación y de Cultura.

Está comisariada por Judith Ara (Museo Nacional del Prado) e Isabel Argerich (Instituto del Patrimonio Histórico Español). El diseño, la dirección de montaje y la edición digital multimedia han corrido a cargo de Juan Alberto García de Cubas. El proyecto se enmarca en el 50 Aniversario de la Convención de la Haya, que se conmemora este año, en la que se establecieron los medios para proteger los bienes culturales en caso de conflicto armado.

La iniciativa pretende dar a conocer, a través de medios audiovisuales y fotografías, las medidas adoptadas por la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico, Bibliográfico y Documental para salvaguardar el Patrimonio artístico español durante la Guerra Civil española (1936- 1939).

El planteamiento expositivo sigue un recorrido cronológico, con cuatro bloques temáticos:

Madrid bombardeado. En esta primera parte se toma contacto con las graves consecuencias de destrucción que la guerra originó en las calles de la capital de España y sus edificios más emblemáticos.

Salvadores de la cultura. Donde se repasan las distintas iniciativas de protección que se pusieron en marcha para proteger el patrimonio cultural y se pretende acercar al público a alguno de sus protagonistas y las medidas adoptadas.

Camino de Levante. Una sección en la que se muestran los sistemas de embalaje y transporte empleados para el traslado de las obras de arte a Valencia y los depósitos habilitados para las mismas.

El largo viaje. Refleja el traslado del Tesoro Artístico a Cataluña y su evacuación hacia la sede de la Sociedad de Naciones en Ginebra, para concluir con imágenes de la exposición celebrada en esta ciudad en el verano de 1939, con una selección de obras maestras del conjunto trasladado y su posterior regreso, cinco meses después de finalizada la guerra en España, y ya iniciada la Segunda Guerra Mundial.

La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), organizadora de la muestra, fue creada por el Gobierno de España, a finales del año 2000, en su voluntad por mostrar la realidad cultural pasada y presente del Estado, en sus diferentes formas y lenguajes, y contribuir a la proyección de la cultura española, desde la cooperación, en los distintos espacios internacionales. Regularmente, presenta por todo el mundo destacadas muestras referidas a la historia y la cultura hispana.

Muestras organizadas por Seacex e inauguradas durante el mes de febrero de 2005.

Dario Basso. En la Fundación Museo Alejandro Otero de Caracas (Venezuela), del 13 de febrero al 27 de marzo de 2005. La exposición abarca 45 óleos y dos instalaciones del artista que ofrecen una retrospectiva de su obra desde 1986 hasta la actualidad. Esta selección refleja su constante compromiso con la pintura, su percepción analítica y sus reflexiones sobre la posición del hombre contemporáneo en el mundo.

Lucio Muñoz. En la Fundación Fran Daurell de Barcelona, del 3 de febrero al 3 de abril de 2005. Cuarta y última sede de la muestra que estuvo anteriormente expuesta en Salónica (Grecia), Viena (Austria) y Roma (Italia)

Eugenio Cano. En el Museum Küppersmühle de Duisburg (Alemania), del 20 de febrero al 1 de mayo de 2005.. Segunda sede de la exposición que fue inaugurada en Saint Etienne (Francia), en octubre de 2004.

Jose María Larrondo. En el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz, del 4 de febrero al 19 de marzo de 2005. Cuarta y última sede de la muestra que estuvo anteriormente expuesta en Santiago de Chile, Rosario y Buenos Aires (Argentina)

Miquel Barceló. En el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del 18 de febrero al 1 de mayo de 2005. Tercera sede de la exposición que estuvo anteriormente expuesta en São Paulo (Brasil) y Hannover (Alemania).

Artium: Mensajes Cruzados

12/03/2005, Artium, en Vitoria-Gasteiz presenta la exposición “Mensajes cruzados. Parlamentar con lo real en el tiempo”, una muestra en la que se enfrentan obras de carácter histórico con piezas de arte contemporáneo

ARTIUM, en Vitoria-Gasteiz presenta la exposición “Mensajes cruzados. Parlamentar con lo real en el tiempo”, una muestra en la que se enfrentan obras de carácter histórico con piezas de arte contemporáneo.

La intención de la exposición es dibujar las líneas que unen las manifestaciones del arte de todas las épocas. “Mensajes cruzados” propone también una reflexión sobre las múltiples interpretaciones del arte en función de la mirada que sobre él dirija el espectador.

La exposición, comisariada por Javier González de Durana y Daniel Castillejo, presenta 70 obras, la mitad de ellas históricas, procedentes del Museo Diocesano de Arte Sacro de Vitoria y de los Museos de Bellas Artes de Bilbao, Zaragoza, Sevilla y Vitoria-Gasteiz. Las piezas de arte contemporáneo forman parte de la Colección ARTIUM de Álava. La exposición está patrocinada por el Parlamento Vasco que de esta manera inicia la celebración de los actos con motivo de su 25 aniversario.

La asociación de las distintas obras seleccionadas se ha realizado tomando en cuenta los paralelismos de diferente género, ya sean formales, temáticos o conceptuales, que existen entre las piezas “emparejadas”. Enlaces formales son los que unen, por ejemplo, “Creu negra i diagonal”, de Antoni Tàpies, “Cristo crucificado”, de José Ribera, o la doble “Canastilla de flores” de Juan Arellano con “Snails”, de Hannah Collins.

Paralelismos temáticos –y también formales- se encuentran en “Retrato de Frnacisco Tadeo Calamorde”, de Vicente López y “Portrait imaginaire de Philipp II”, de Antonio Saura o en un “Ecce Homo” de Luis Morales y “Rage (Príncipe ensangrentado)” de Erwin Olaf, entre otros. Por último, existen nexos conceptuales entre obras como “Besarkada I”, de Eduardo Chillida, y una anónima “Virgen dolorosa” del siglo XVI o entre otro anónimo “Cristo crucificado” del XIV y “Acto in venire”, de Jaime de Jara.

En total se trata de unas70 obras, de las que la mitad corresponden a una definición clásica. Entre éstas la más antigua es una “Ménsula de Belcebú de Ilarduia” del siglo XIII, mientras que las más recientes corresponden a obras de principios del siglo XX de Ángel Larroque y Manuel Losada.

Interpretaciones múltiples

Sin embargo, más allá de los paralelismos que el espectador puede apreciar o adivinar en un primer análisis no demasiado profundo, la exposición pretende poner en cuestión la propia obra artística, al introducir la duda de si “lo real” es lo que contemplamos, lo que interpretamos acerca de lo que contemplamos o bien ambas cuestiones, aunque la segunda cambie a lo largo del tiempo.

“Mensajes cruzados” trata también de profundizar en el hecho de que las interpretaciones de la obra vista son múltiples y diferentes, en función del momento histórico, no el de la ejecución de la obra sino el de la vida del propio espectador, y de las circunstancias personales del mismo.

En el fondo, “Mensajes cruzados” pretende demostrar que lo que confiere a cada objeto la categoría de obra de arte es la presencia de un observador que la interpreta como tal y que la comprensión de la obra por ese espectador es siempre contemporánea, es decir, se hace desde el tiempo presente. En todo caso, la exposición demuestra así mismo que el arte de todas las épocas está conectado entre sí por líneas que pueden ser desveladas por cualquiera que dirija una mirada activa a las obras expuestas.

Área didáctica

Para ayudar al visitante en esta tarea, cada pareja de obras va acompañada por un texto que ofrece una interpretación, de las muchas posibles, de lo que se contempla, bien sea religiosa o laica, histórica o contemporánea, desde el punto de vista del artista o del espectador…

La exposición ofrece al espectador la posibilidad de aportar su propia lectura en un espacio habilitado al efecto en el área didáctica incluida en la propia Sala Sur. Cada visitante podrá establecer sus propios emparejamientos utilizando las copias de obras contemporáneas e históricas que estarán disponibles e incluso desarrollar una interpretación de las obras y los lazos que encuentra entre ellas. Esta otra “exposición” quedará a la vista en las zonas determinadas en las paredes del área didáctica, que con contiene, como en otras exposiciones de ARTIUM, documentación complementaria sobre las obras y los autores presentes en la muestra y sobre los diferentes estilos y movimientos artísticos

Mensajes cruzados. Parlamentar con lo real en el tiempo”. Sala Sur, hasta marzo de 2006. Comisariado: Daniel Castillejo y Javier González de Durana.

Exposiciones en Artium

Count on Us .Marina Abramovic. Hasta el 8 de mayo

El estado de las cosas. El objeto en el arte de 1960 a nuestros días. Hasta el 29 de mayo

Próximas muestras:

Nos: identidad y diferencia. Javier Tudela y Raymund van Well. Del 20 de abril al 20 de julio

Richard Deacon. Del 1 de junio al 28 de agosto

Ignacio Sáez. Del 22 de junio al 25 de septiembre

Why Fear the Future? Carlos Amorales. Del 22 de junio al 25 de septiembre

 

Turner y Venecia

10/03/2005, En CaixaForum, Barcelona, se pueden ver desde el 2 de marzo al 5 de junio de 2005 las imágenes de Venecia del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851).

En CaixaForum, Barcelona, se pueden ver desde el 2 de marzo al 5 de junio de 2005 las imágenes de Venecia del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851).

Estas obras constituyen uno de los aspectos más importantes del trabajo del pintor inglés.

Aunque en total, Turner Venecia menos de cuatro semanas, estableció una relación verdaderamente íntima con la ciudad, a la que llegó atraído por su belleza única, sus referencias literarias e históricas, y la reputación de sus pintores.

Los cuadros sobre el mar y los efectos de la luz sobre el agua siempre le habían interesado, de modo que acaso fuera inevitable que se sintiera hechizado por la famosa luz y los encantos de la ciudad, que marcaron su arte durante sus últimos veinte años de trabajo.

La mayoría de las pinturas y acuarelas de esta exposición proceden del inmenso legado del artista, que se halla en la Tate Britain de Londres.

Muy poco de ese material fue expuesto en vida de Turner y en su mayor parte se puede considerar inacabado de acuerdo con los estándares de aquel período, lo que en cierto modo nos permite ser testigos de la íntima relación del artista con su obra.

La exposición explora por primera vez la relación del pintor inglés Turner y Venecia con motivo de sus tres viajes a la ciudad de los canales en 1819, 1833 y 1840. De los tres viajes, el último, en 1840, fue el más fructífero. El artista aún intentó una corta visita en el verano de 1845, pero no pudo realizarla.

Entre 1833 y 1846 Turner expuso veinticinco óleos de Venecia. Pero la verdadera fuerza de esa fascinación sólo se conoció después de su muerte. En su estudio se hallaron diez cuadernos de dibujo y numerosas acuarelas de esta ciudad.

La muestra presentada ahora cuenta con más de un centenar de pinturas al óleo, acuarelas, grabados, cuadernos de viaje y un mapa no sólo permiten seguir sus pasos, sino también contemplar los paisajes y edificios singulares venecianos: la Dogana, San Marcos, el Palazzo Ducale, el Gran Canal, el puente de Rialto o el canal de la Giudecca.

Además, se exhiben obras de pintores como William Marlow y Richard Parker Bonington, quienes también viajaron a Italia a principios del siglo XIX, y de Canaletto, gran predecesor de estos artistas que se sintieron cautivados por Venecia.

La obra de Antonio Canaletto (1697-1768) hizo tener la sensación a Turner y a su generación de que antes de visitar Venecia ya la conocían, gracias a la difusión de reproducciones grabadas y a la publicación de sus vistas del Gran Canal, iglesias y espacios públicos de la ciudad.

También podemos percibir ese influjo en artistas británicos del período, como Richard Parkes Bonington y William Marlow.

Turner reconoció su deuda con Canaletto en sus primeros cuadros de Venecia, pero nunca permitió que tal influencia le limitase: absorbió algunos principios de su predecesor, pero siempre trató de producir una obra personal.

Turner también recibió la influencia de una serie de fuentes literarias, como las obras venecianas de Shakespeare -El mercader de Venecia y Otelo- y los poemas y dramas en verso de Byron.

La exposición estará en Barcelona hasta el 5 de junio, se exhibió en otoño de 2003 en la Tate Britain y, entre noviembre de 2004 y enero de 2005, en Venecia.

 

La luz de Caravaggio, en Londres

01/03/2005, La sobria luz de las últimas obras de Caravaggio, se puede contemplar en la National Gallery de Londres: “Caravaggio. The Final Years”, del 23 de febrero al 22 de mayo

La sobria luz de las últimas obras de Caravaggio, se puede contemplar en la National Gallery de Londres: “Caravaggio. The Final Years”, del 23 de febrero al 22 de mayo.

Son 16 grandes cuadros de Michelangelo Merisi, Caravaggio, que muestran el último periodo de este violento autor, cuando el colorido de su época romana se transforma en una creciente melancolía y dramatismo.

Los cuadros se colocaron en salas oscuras para realzar su dramatismo. La exposición recorre el camino del errático autor, empezando en Roma, donde el autor pinta La cena de Emaús, en la que destacan unos realistas personajes ante un auténtico bodegón con ave y frutas. De su paso por Nápoles destaca “La flagelación” que muestra el rostro del sufrimiento de Cristo, ante la tortura, así como al propio pintor, asomado a la escena como un soldado.

Una notable acogida está registrando esta cita en Londres, en la que se muestran los cuadros de Caravaggio, llenos de misticismo y sobriedad, los más oscuros de su trayectoria

Luz y violencia.

Tenía el autor como nombre de pila Michelangelo Merisi, aunque recibe el nombre de Caravaggio porque la familia provenía de la localidad con este nombre. Los autores no se ponen de acuerdo con su lugar de nacimiento que tuvo lugar en torno a 1571.

Su padre era un alto funcionario a las órdenes de los Sforza milaneses, pero murió pronto por una peste, y la familia se instaló en Lombardía. Pero los conocidos de la familia (Sforza, Colonna, Doria, etc.) serían futuros mecenas y protectores del muchacho huérfano.

Caravaggio fue de joven a Milán para ingresar en calidad de aprendiz en el taller del pintor Simón Peterzano, discípulo de Tiziano y de tendencia manierista, de quien aprendió conceptos en materia de realismo y luminosidad.

Se interesó por la naturaleza y pintó con un realismo que le atrajo odios y amores. Acude a personajes reales, y sus dioses y santos son personajes de carne y hueso(a veces gente del hampa), con honda sicología y rasgos sumamente humanos, algo que iba contra el concepto del “decoro” que obligaba a dar una dignidad y grandeza especial a los personajes representados.

En torno a 1590 se vio involucrado en una situación violenta. Para huir de la Justicia marchó a Roma, donde contactó con los altos dignatarios eclesiásticos y la nobleza local, entre la que estaba el cardenal Francesco del Monte, vinculado a los Médici, y quien le dio su apoyo.

El encargo de la Capilla Contarelli, fue trascendente en su trayectoria. Esta obra, en un espacio religioso público, le dio gran fama, y marcó ese estilo donde destaca la sicología de los personajes y el contraste lumínico, con figuras de traza vigorosa que surgen de la oscuridad. Pero también avivó la polémica, porque sus figuras tenían una traza humana, popular, que iba contra el “decoro” que clásicamente se atribuía a los personajes tocados por la santidad. El propio Rubens, que pasó por Roma en esa época, compró obra de Caravaggio, atraído por su calidad.

Esa fama ambivalente coincidió con una historia violenta que le llevó a la cárcel, pese a la ayuda de protectores poderosos. Prostitutas, mendigos, delincuentes eran retrataos por el pintor para representar a los santos y santas. Mientras, su vida personal estaba cargada de violencia, luchas e incluso un asesinato, que le forzó a marchar de Roma.

El pintor se refugió en interior del Lazio, bajo la protección de los Colonna y siguió practicando sus pinturas llenas de luz, una luz violenta que sale de un ángulo del cuadro e invade la escena produciendo unos contrastes acusados que realzan el dramatismo de las figuras, un estilo que influyó en buena medida a diversos grandes maestros, entre ellos Velázquez y Zurbarán, pero sobre todo a José Ribera, el Españoleto.

En 1607 se trasladó a la isla de Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta. Otro episodio violento le llevó a la cárcel, de la que huyó hacia Sicilia. Nuevos líos y vuelta a Nápoles. Nuevos episodios, una brutal agresión y una decadencia melancólica y triste hasta su muerte, en 1610.

Hoy las obras del maestro Caravaggio siguen siendo admiradas, mucho más que su carácter extraño y violento.

 

Muestra sobre el Equipo Crónica, en el Cono Sur

28/02/2005, En la década de los sesenta, el Equipo Crónica llevo a las salas de arte unas creaciones plásticas innovadoras, emparentadas con el Pop-Art. Una gran exposición de aquella bocanada de color está recorriendo ahora importantes salas de arte del Cono Su

En la dιcada de los sesenta, el Equipo Crσnica llevo a las salas de arte unas creaciones plαsticas innovadoras, emparentadas con el Pop-Art. Una gran exposiciσn de aquella bocanada de color estα recorriendo ahora importantes salas de arte de Montevideo, Asunciσn, Buenos Aires y Santiago de Chile.

A mediados del siglo XX, estaba desplegαndose por Europa y Amιrica un fortνsimo proceso de desintegraciσn estilνstica manifestado en los gestualismos, las pinturas de acciσn, el informalismo matιrico o pinturas caligrαficas. En ese contexto, el arte mostrσ una faceta inesperada.

En los sesenta, el arte pop fue una autιntica eclosiσn artνstica, pronto reconocida por el gran pϊblico (antes que por los crνticos). El pop arrancσ con afαn nihilista(dadaνsmo) y provocativo (surrealismo), pero fijαndose mαs en la sociedad de consumo, en los iconos, los mensajes de masas, en la publicidad, en el sexo... en los sνmbolos de la sociedad que se empeρaba en un desarrollσ econσmico y que reemplazaba sus temas tradicionales por el rostro de la famosa artista de celuloide o el bote de conserva.

Fue en Estados Unidos, principalmente, donde eclosionσ este nuevo enfoque de la pintura que se popularizσ en torno a los aρos sesenta, con gentes como Rosenquist, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol.

En Europa la reacciσn similar es la del Nuevo Realismo, que tambiιn redescubre el objeto y el αmbito urbano y mediαtico, y que se desarrollarνa con caracterνsticas propias en los αmbitos centroeuropeos y mediterrαneos.

En Espaρa, esa veta pop-neorrealista estα representada, entre otros, por los artistas del Equipo Crσnica. Ahora, la Sociedad Estatal para la Acciσn Cultural Exterior (SEACEX), ha preparado, en colaboraciσn con el prestigioso Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), una exposiciσn formada por 59 obras entre las que se incluyen 16 pinturas fechadas entre 1966 y 1980, pertenecientes a algunas de las series mαs conocidas del Equipo Crσnica, junto a 41 obras sobre papel (serigrafνas, collages y linσleos) y dos esculturas-mϊltiples.

Todas las obras pertenecen a la Colecciσn del IVAM, que cuenta con uno de los fondos mαs amplios del Equipo Crσnica existentes, formado por un centenar de obras entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y otros soportes.

El Equipo Crσnica

Integrantes del movimiento Estampa Popular, que se definνa por su adscripciσn a una estιtica del realismo y la crνtica social, Juan Antonio Toledo, Rafael Solbes y Manolo Valdιs decidieron constituirse en el Equipo Crσnica y trabajar conjuntamente. En 1965 participaron en el XVI Salσn de la Jeune Peinture de Parνs bajo el nombre de Equipo Crσnica. Si bien las obras que presentaron fueron realizadas individualmente, el espνritu de trabajo en equipo bajo los mismos presupuestos estιticos estaba ya plenamente consolidado. Juan A. Toledo acabarνa abandonando el grupo al poco tiempo. Quedσ pues ιste constituido por Rafael Solbes (1940-1981) y Manuel Valdιs (1942) hasta 1981, fecha en la que el fallecimiento de Rafael Solbes supuso la desapariciσn del Equipo y el inicio de la carrera en solitario de Manolo Valdιs.

Valdιs y Solbes se incorporaron estilνsticamente al movimiento internacional que rechazσ la poιtica del informalismo y del expresionismo abstracto, para introducir una marca de «realismo», de «asepsia pictσrica», usando los elementos «lingόνsticos» de los medios de masas para elaborar su propia poιtica, su «forma pictσrica». Como indica el comisario de la exposiciσn: Desde un punto de vista formal, tomaron sus recursos plαsticos de los medios de masas y participaron de la gran corriente internacional que fue el Pop Art. Pero no se limitaron a constituir una especie de sucursal espaρola del pop, sino que afirmaron su personalidad a travιs de una manera de hacer que los distinguiσ del resto.

El Equipo Crσnica emplea la figuraciσn concebida con un carαcter crνtico, de reportaje o crσnica de la realidad social y polνtica. En su obra los objetos no son interpretados como formas estιticas sino como elementos inmersos en un todo social, cultural o histσrico, poseedores de un sentido, significado o valor representativo de esta realidad.

Al igual que los otros estilos del Pop Art, el Equipo Crσnica fue, a nivel estιtico, una reacciσn contra el lirismo y la expresiσn personal de los diversos estilos informales que dominaron durante la posguerra en ambos lados del Atlαntico. Por otra parte, diferνa mucho en cuanto a intenciones y objetivos, asν como respecto a las fuentes de inspiraciσn y antecedentes del resto de manifestaciones Pop Art de los Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia o los paνses escandinavos.

Ademαs de los recursos habituales del Pop Art como las tintas planas, la utilizaciσn de imαgenes tomadas de los medios de comunicaciσn o de otros depσsitos visuales de la cultura de masas (cartel, cine, fotografνa, cσmic) utilizaron la historia de la pintura y las Vanguardias del siglo XX para elaborar su lenguaje plαstico. Asν, en sus obras se encuentran referencias a artistas como Roy Lichtenstein, Edward Hopper, Fernand Lιger, Giorgio de Chirico, Josι Gutiιrrez Solana, Georg Grosz, Yves Tanguy, Valerio Adami, Vassily Kandinsky o Max Ernst entre otros.

El Equipo Crσnica conectσ con los presupuestos bαsicos de la pintura moderna, analizαndola en sus componentes icσnicos clαsicos, establecidos como memoria colectiva, y combinαndolos con las imαgenes de los medios de masas. Coincidieron con los otros modos del Pop Art en su reacciσn contra el informalismo y el lirismo, pero sus intenciones y objetivos eran distintos, su programa tenνa un componente claramente polνtico, pues muchas de sus obras criticaban la polνtica espaρola y cuestionaban la historia del arte en un estilo que a veces se hacνa auto-referencial.

Bebiendo de las fuentes de sus raνces y de sus apropiaciones, el Equipo Crσnica empareja referentes antagσnicos, lo popular y lo culto, lo real y la ficciσn, adopta sistemas duales como las constantes y las variaciones, los funde en una homogeneidad plαstica y conceptual donde se asoman la ambigόedad, el humor o la desenvoltura en unas ocurrencias desenfadadas.

Bajo el pretexto plαstico y narrativo, se plantean todos los problemas fundamentales del arte, desde los aspectos meramente tιcnicos hasta los mαs trascendentales: cuestionar la perspectiva, el trompe-l’oeil, las posturas convencionales, revelar los medios con los que se logran efectos, con que se realizan las juntas, unificar tamaρos de distintas procedencias, unificar figura y paisaje, figura y texto o equilibrar el color.

Entre las importantes exposiciones que incluyeron obras del Equipo Crσnica destaca la muestra Mythologies quotidiennes, organizada el aρo 1964 en Parνs por Gιrald Gassiot-Talabot, que consolidσ en Europa la importancia de la imaginerνa popular. Tambiιn participaron en La figuration narrative dans l’art contemporain (1965) y Le monde en question (1967). En Alemania estuvieron presentes en la importante exposiciσn de 1970, Kunst und Politik (Karlsruhe, Wuppertal, Colonia).

Itinerancia de la muestra:

MUSEO NACIONAL DE ARTES VISUALES, MONTEVIDEO (URUGUAY)
2 marzo - abril 2005

MUSEO DEL BARRO, ASUNCIΣN (PARAGUAY) mayo - agosto 2005

CENTRO CULTURAL RECOLETA, BUENOS AIRES (ARGENTINA) septiembre - octubre 2005

MUSEO DE ARTE CONTEMPORΑNEO, SANTIAGO (CHILE) noviembre - diciembre 2005 - enero 2006

 

Max Ernst. Invisible a primera vista...

27/02/2005, La Fundación “la Caixa” reúne en Girona un centenar de obras de una de las figuras clave del dadaísmo y el surrealismo. Grabados, libros ilustrados y esculturas ayudan a entender a Max Ernst

La Fundación “la Caixa” reúne en Girona un centenar de obras de una de las figuras clave del dadaísmo y el surrealismo. Grabados, libros ilustrados y esculturas ayudan a entender a Max Ernst

Bajo el título Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas, la Fundación “la Caixa” despliega en la sala de exposiciones de Girona los juegos visuales que ingenió Max Ernst (1891-1976), el “mago de los delirios apenas perceptibles”, en palabras del poeta René Crevel. Del 23 de febrero al 15 de mayo de 2005.

El artista inventó técnicas semiautomáticas como el collage y el frottage, ideó una escritura secreta y entabló un diálogo visual con poetas y escritores como Lewis Carroll, Franz Kafka, Paul Eluard, André Breton, Tristan Tzara y Jacques Prévert. De todo ello da cuenta la exposición, que reúne 75 grabados, 22 libros de artista y 5 esculturas procedentes del Kunstmuseum Bonn, donde por motivos de conservación sólo se exponen de forma temporal y parcial.

La muestra hace palpable hasta qué punto buscó Ernst la síntesis entre arte, ciencia y filosofía, quien en 1921 dio con su célebre expresión programática “más allá de la pintura”, que tenía resonancias de Nietzsche.

Los grabados y los libros ilustrados que creó no son un apéndice de la pintura, sino una creación de gran personalidad y de rotunda fuerza expresiva. El resultado es, más allá de toda especialidad vanguardista, una obra de inagotable riqueza y alejada de toda doctrina. No en vano su obra gráfica suma más de 2.000 creaciones. “Max Ernst es la mente más magníficamente atormentada que pueda existir”, resumió André Breton.

La exposición Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas, pertenece a la colección del Kunstmuseum Bonn y ha sido comisariada por Irene Kleinschmidt-Altpeter bajo el asesoramiento científico de Xavier Antich. Posteriormente, se podrá ver en los centros culturales de la Fundación “la Caixa” de Lleida y Tarragona.

La primera piedra de esta exposición la puso Hans Bolliger en el siglo pasado. Este joven empleado de una librería de Zúrich pronto se percató del interés y el valor de los libros ilustrados y los grabados de Max Ernst. Pese a sus modestos recursos económicos, a mediados de los años treinta comenzó a coleccionarlos. Zúrich era entonces el núcleo dadaísta, y Bolliger entabló amistad con Hans Arp, Hugo Ball y otros destacados protagonistas de este movimiento artístico. Décadas después, en 1953, Bolliger conoció personalmente a Ernst en casa de la historiadora del arte Carola Giedeon-Welcker, y se inició así una relación ya nunca ininterrumpida. Hoy, los bibliófilos bien se deleitan con las múltiples dedicatorias personales del artista que figuran en los libros de Bolliger. El Kunstmuseum Bonn se hizo en 1989 con los libros ilustrados y los grabados que reunió el librero suizo.

La exposición Max Ernst. Invisible a primera vista... Grabados, libros ilustrados y esculturas supone una oportunidad casi única de admirar tan insólito conjunto, pues las obras sólo se exponen en Bonn de forma temporal y parcial por motivos de conservación. Entre ellas, el libro Mr. Knife Miss Fork (Señor Cuchillo, Señorita Tenedor, París, 1931). Expuesto en la muestra, contiene 19 fotogramas de Man Ray realizados a partir de frottages de Max Ernst, así como una hermosa dedicatoria al primer artífice de esta exposición, el librero Hans Bolliger.

Max Ernst murió en 1976, la víspera de su 85 cumpleaños. El artista cerró sus notas biográficas con estas sugerentes palabras a propósito de su método de trabajo: “Última cuestión: Max Ernst invita a sus críticos lectores y benévolas lectoras a que se planteen si verdaderamente se merece el halagüeño título de ‘mago de los delirios apenas perceptibles’ que le concedió uno de los poetas más grandes -e incomprendidos- de nuestro tiempo, René Crevel.”

 

Kina Fernández presenta nueva colección en Cibeles.

21/02/2005, La historia nos transporta hasta las campañas de las tropas napoleónicas en la Europa del Este. Una nueva imagen de la mujer que se divierte experimentando nuevas aventuras.

Chaquetas y abrigos de líneas construidas, abotonaduras cruzadas importantes, cuellos grandes, broches exóticos que sustituyen a las clásicas medallas, pantalones estrechos y polainas militares; detalles sobrios que definen la vestimenta militar se enriquecen y mezclan con los volúmenes más ligeros y femeninos de los países del Este: faldas de pliegues y pinzas profundas, ricas en capas de diferentes texturas (lanas compactas, fantasías en devoré de terciopelo, delicados encajes, pasamanerías de pelo). Un conjunto que se funde entre sí creando una gradación de colores y texturas delicadas, ricas y atrevidas. Finos foulares bordados y collares de cristal iluminan los tejidos más opacos. Un todo desenfadado que crea un look sofisticado y armonioso. La fría imagen del invierno y lo militar contrasta con los colores calientes y brillantes de los países del Este: sepias, naranjas y marrones degradan hasta encontrarse con los azules. La mujer de nuestra historia se insinúa en una noche donde las sedas y encajes envuelven la silueta femenina con vestidos ricos en tejidos y bordados. Colores arenosos en la gama de los rosas y azules contrastan con los colores brillantes de las cintas de terciopelo que detallan toda la colección, enriqueciendo el mundo femenino y sensual Kina Fernández.  

Cultura y esquí en Austria

20/02/2005, La primavera es una estación especial en Austria, donde la belleza de paisajes y ciudades se une a una notable vida cultural. Es una excelente época también para practicar el esquí

La primavera es una estación especial en Austria, donde la belleza de paisajes y ciudades se une a una notable vida cultural. Es una excelente época también para practicar el esquí.

Esquiar en Austria es una experiencia única ya que, con más de 22.000 Km de pistas, éste es el país del esquí, donde podrá elegir entre estaciones familiares de gran encanto o centros internacionales con decenas de remontes pero siempre con un servicio amable y de calidad. Pistas bien preparadas, excelentes restaurantes de montaña, hermosos paisajes alpinos, modernos remontes... Pero es cuando anochece, después de esquiar, cuando merece la pena un disfrute especial: Pueblecitos con encanto, ambiente en los bares a pie de pistas, restaurantes típicos, descensos en trineo, visitas turísticas son algunas de las múltiples actividades alternativas.

Los sibaritas entre los deportistas de invierno esperan la primavera en las montañas del Tirol. En muchas regiones se ofrecen paquetes de “esquí de sol“, donde lo que más atrae a los visitantes es la subida de temperaturas en las montañas nevadas.

PRIMAVERA EN SALZBURGO 2005

La primavera en Salzburgo también posee un encanto muy especial. Las montañas que rodean la ciudad todavía están cubiertas de nieve y los aficionados a los deportes de invierno pueden disfrutar hasta marzo 2005 el servicio de transportes “Salzburg Snow Shuttle“ que les lleva a las estaciones de esquí más bonitas de los alrededores (el valle de Gastein, Leogang/Skicircus Saalbach-Hinterglemm, Kitzsteinhorn, Kitzbühel y muchos más).

Mientras tanto, en la ciudad la llegada de la primavera ya se hace sentir. Los parques y jardines de los castillos se llenan de flores primaverales, como los montes de la ciudad (Mönchsberg, Kapuzinerberg y Gaisberg). La “Roma del Norte“ con su arquitectura extraordinaria se prepara para la llegada de visitantes de todas partes del mundo.

El programa del Festival de Semana Santa (19-28.03.05), bajo la dirección artística del director Sir Simon Rattle, ofrecerá este año tanto la ópera Benjamin Britten “Peter Grimes” como también una serie de funciones de la Filarmónica de Berlín que abarcará obras de Mozart, Schubert , Schostakowitsch, Britten y Mahler. Una “Matinee nos lleva a la época barroca, con el “Ensemble: Il Giardino Armonico” y en un concierto especial de “La 1ª.Orquesta Vienesa de Verduras“, escucharemos el sonido especial de instrumentos que son puramente verduras y no se puede comparar con instrumentos tradicionales. Se ecucharán desde obras tradicionales hasta sonidos experimentales electrónicos.

Festivales en la naturaleza. En la época de Semana Santa y en primavera, podremos presenciar también un concierto muy poco común: el así llamado “Salzburger Felsensänger“ (“Cantante de los acantilados de Salzburgo“) presentará un programa de lo más original. Rodeados por el paisaje romántico de la ciudad y sus alrededores, el cantante de conciertos Werner Ruttinger y su conjunto nos ofrecerán canciones de la época clásica y también composiciones sacrales. El Sábado de Gloria ( 26.03.05) a las 18:30 h de la tarde, se escuchará el “Como rompe un Martillo la Roca” (Jeremias 23:29) desde las alturas por encima de la pared de roca que bordea el cementerio de San Pedro. También el día 7 de Mayo 2005 a las 18.30, se llevará a cabo una misa solemne musical en las catacumbas que se hallan por encima del cementerio de San Pedro.

Festival de Pentecostés y Barroco (13-16.05.05). La bella ciudad barroca propone el ambiente perfecto para un programa de conciertos solemnes que ofrece obras selectas de famosos compositores de los siglos XVII y XVIII. El inicio del Festival se celebrará con la representación concertante de la masqué de Georg Friedrich Händel “Acis y Galatea” , seguido de la oda alegórica de Händel “L´Allegro, il Penseroso ed il Moderato” en la casa grande de los festivales, así como “La Matinée de domingo de Pentecostés” con el conjunto vocal Cantus Cölln dirigido por Konrad Junghänel sigue el viaje por la vida de Johann Sebastian Bach: desde cantatas de sus inicios en la época de Mühlhausen y Weimar hasta motetes maestros de la época de Leipzig, en el Mozarteum de Salzburgo. El festival nos lleva a escuchar tres generaciones de músicos de Leipzig: el flautista Emmanue Pahud y los solistas Berliner Barock Solisten presentarán conciertos de Georg Philipp Telemann, Johann Sebastian Bach y su predecesor en el cargo de Thomaskantors, Melchior Hoffmann.

El Teatro de Títeres de Salzburgo iniciará su temporada de representaciones en Mayo 2005 y, aparte del amplio repertorio estándar de óperas de Mozart, ofrecerá también obras como “Los Cuentos de Hoffmann“ de Offenbach, “Sueño de una noche de verano “ de Shakespeare, “Pedro y el Lobo“ de Prokofieff y una reposición encantadora de la ópera del cuento “Hänsel y Gretel“ de Humperdinck.

Además, todos los días habrá representaciones de música de cámara en el Castillo de Mirabell, en la Fortaleza Hohensalzburg, en el Castillo de Helbrunn, en la Sala Gótica y en la antigua Residencia de los Príncipe-Arzobispos.

Balnearios en la República Checa

20/02/2005, Existe una región cuya riqueza natural le ha brindado fama en toda Europa, la región de Karlovy Vary. Ciudades – balneario como Karlovy Vary, Marianske Lazne, Frantiskovy Lazne ó Jachymov son actualmente centros de reposo de reputación internacional

Balneoterapia en la República Checa

Existe una región cuya riqueza natural le ha brindado fama en toda Europa, la región de Karlovy Vary. Ciudades – balneario como Karlovy Vary, Marianske Lazne, Frantiskovy Lazne ó Jachymov son actualmente centros de reposo de reputación internacional, y el máximo exponente del Turismo de Salud de la República Checa.

Inmersa en un espacio natural sobrecogedor, la ciudad – balneario de Karlovy Vary es conocida internacionalmente con el nombre de Karlsbad o “Termas de Carlos”. El balneario dispone de doce manantiales de agua caliente y uno de agua fría, y fuentes de gas natural para las curas de salud. Además la ciudad ofrece múltiples actividades deportivas y culturales, albergando el Festival de Cine Internacional más importante del país, que en el mes de junio reúne a grandes estrellas de la pantalla.

Menos renombrada que su vecina Karlovy Vary, la ciudad – balneario de Marianske Lazne, antiguamente llamada Marieband, es uno de los balnearios más lujosos y frecuentados en Europa desde finales del siglo XIX. Reyes como Eduardo VII de Inglaterra y Francisco José, escritores rusos como Gogol y Goncarov, el poeta Goethe ó el compositor Wagner eran asiduos a sus aguas termales, y hoy en día sigue siendo un centro de reunión para celebridades internacionales.

Junto con estos balnearios destaca la pequeña Frantiskovy Lazne, ciudad protegida como patrimonio histórico-artístico por su atmósfera Belle Époque de la época de los Habsburgo. Su nombre procede del nombre del emperador Francisco II, Franzensbad.

Frantiskovy Lazne cuenta con 22 manantiales y sus grandes extensiones de zona ajardinada entre los viejos establecimientos de agua potable y curativa la convierten en el lugar ideal para unas vacaciones de tranquilidad y reposo.

La ciudad – balneario de Jachymov es otro conocido centro termal, con cuatro manantiales para fines curativos al igual que el balneario infantil Lazne Kynzvart ubicado entre Karlovy vary y Marianske Lazne, y único balneario especializado en el tratamiento infantil de la República Checa

 

Amazonía: Madera violenta

20/02/2005, Mientras la superficie agrícola aumenta en el 70 por ciento de los países, los bosques se hacen cada vez más reducidos. Resultado: la madera cobra un valor creciente, un valor que empuja a la tala ilegal y a la violencia

Mientras la superficie agrícola aumenta en el 70 por ciento de los países, los bosques se hacen cada vez más reducidos. Resultado: la madera cobra un valor creciente, un valor que empuja a la tala ilegal y a la violencia.

El problema ha saltado de nuevo a la opinión pública al conocerse que la monja Dorothy Stang, una misionera de 73 años nacida en Estados Unidos y hace tres nacionalizada brasileña, fue asesinada el 12 de febrero por pistoleros, en una zona rural de Anapu, una remota localidad del estado brasileño de Pará.

Ha sido una nueva víctima del "agronegocio", según el presidente de la Comisión Pastoral de la Tierra, el obispo emérito de Goiás Velho, Tomás Balduino. El prelado dice que desde la década de los ochenta se han registrado en Brasil cientos de asesinatos de campesinos o líderes de las luchas por la tierra. Casi nunca se abren procesos por ello.

La presión continua: la Comisión Pastoral indica que en 2003 se registraron 73 asesinatos de campesinos en conflictos de este tipo, y que en 2004 ocurrieron 30 muertes violentas por el mismo motivo. La lista de amenazados es larga. En ella estaba hasta ahora la monja norteamericana.

Presión de los madereros.

Greenpeace ha hecho una campaña denunciando que los madereros que operan ilegalmente en el Estado de Pará están detrás del asesinato de la veterana mujer.

Pará es el estado brasileño con mayor índice de asesinatos relacionados con conflictos por relativos a la tierra. Las comunidades locales, que dependen de la selva para la caza, la pesca y la agricultura de subsistencia, son obligadas a abandonar sus tierras, frecuentemente bajo la amenaza de violencia. Parece ser que el asesinato reciente de la religiosa ecologista se produjo tras constantes amenazas para que abandonara su actividad de defensa de los derechos humanos y la integridad del bosque tropical.

Este estado de Brasil es el mayor productor y exportador de productos forestales en la Amazonia y también es el área donde se produce un tercio de la deforestación total de la región. En el año 2002 un área equivalente a la superficie de Bélgica fue deforestada en la Amazonia. Casi toda la madera es de origen ilegal.

Un análisis inicial con datos del año 2001 procedentes del Gobierno brasileño muestra que la gran mayoría de la madera producida en Pará fue ilegal. Cruzando los datos de autorizaciones de corte de bosques y fotos de satélite detectando la superficie desmantelada en Pará se llega a la conclusión de que apenas el 1 por ciento del desmantelamiento tiene cobertura legal.

El planeta ha perdido buena parte de su cobertura forestal. A causa de la intervención humana, se destruye cada minuto una superficie de bosque equivalente a 37 campos de fútbol. Según WWF/Adena, en los últimos 30 años los bosques del mundo han perdido el 12 por ciento de su riqueza. Esta inmensa tala va acompañada de corrupción y violencia. No sólo en Brasil, sino en otros territorios como Nigeria, el Congo, etc.

El destrozo del bosque es evidente. El crecimiento de la población mundial empuja a ello. La expansión agrícola es general, con el fin de producir alimentos para un planeta cada vez más habitado. Según datos de la FAO, se espera un aumento de 3.000 millones de personas hasta el 2050, cuando habrá sobre la superficie terrestre 9.000 millones de habitantes.

Los bosques continentales.

Sólo en los países industriales está creciendo la superficie arbolada, por abandono de los cultivos. Así el bosque crece en Europa y Estados Unidos, pero merma de forma constante en otros territorios.

Datos de la FAO, correspondientes al decenio 1990-2000 muestran un descenso anual de 5.262.000 hectáreas boscosas en Africa, con especial incidencia en Sudán, Zambia, Rep. Del Congo, Nigeria, Costa de Marfil y Camerún. En éste continente, había en el 2.000 un 21 por ciento de superficie forestal.

En Asia, la superficie boscosa era del 17 por ciento en el 2.000, y se constataba un descenso de la misma de 364.000 hectáreas anuales entre 1990 y 2000. Es notable la merma de los bosques de Indonesia, Malasia y Tailandia. Por el contrario, China estaba manteniendo una activa política de reforestación.

En Europa, el bosque alcanzaba el 46 por ciento de la superficie total, con un crecimiento anual de 881.000 hectáreas/año en la década 1990-2000, con una tendencia general en todo el continente hacia la reforestación.

América del Norte mantenía arbolado un 25,7 por ciento de la superficie, pero había perdido cubierta forestal desde 1990 al 2000, con una media de 570.000 hectáreas/año. Estados Unidos mantenía una tendencia hacia la reforestación, en tanto que México mostraba una tendencia acusada en sentido contrario.

En Oceanía, con un 23 por ciento de superficie arbolada, también se registraba una merma anual de 365,000 hectáreas, causada por la deforestación en Australia y Papúa Nueva Guinea.

Por último, en América del Sur se constataba una deforestación de 3.711.000 hectáreas/año, en la década 1990-2000. La superficie forestal seguía aún en torno al 50 por ciento, pero descendiendo notablemente en Brasil y en cifras menores en Perú, Argentina y Venezuela.

Entró en vigor el Protocolo de Kioto

19/02/2005, Kioto, capital de Japón desde el siglo VIII hasta el XIX, no es hoy sólo el nombre de la misteriosa ciudad oriental, sino una mítica referencia para aquellos que están preocupados por la salud del planeta

Por Artemio Artigas

Kioto, capital de Japón desde el siglo VIII hasta el XIX, no es hoy sólo el nombre de la misteriosa ciudad oriental, sino una mítica referencia para aquellos que están preocupados por la salud del planeta.

En pleno febrero, los mediocres datos económicos mundiales del cierre del 2004 han quedado apagados por el brillo del acuerdo que lleva el nombre de Kioto. El Protocolo de Kioto, el más ambicioso acuerdo internacional sobre medio ambiente, entró en ya en vigor.

Con la firma de 141 países, desde el 16 de febrero, el Protocolo obliga a los países industrializados a reducir las emisiones de gases de efecto invernadero que originan el cambio climático: dióxido de carbono, metano, óxido nitroso, hidrofluocarbono, perfluorocarbono y el hexafluorocarbono sulfúrico. El objetivo es el de lograr que en el año 2012 el nivel de estos contaminantes descienda un 5,2 por ciento respecto al de 1990, algo que hoy aún parece situarse en el reino de la utopía.

Para los ambientalistas, la entrada en vigor del acuerdo es una gran noticia, aunque reina el pesar porque en la lista de firmantes haya clamorosas ausencias. Para los economistas y hombres de estado, esa entrada en vigor supone un reto que exige un replanteamiento de la política mundial en materia de energía.

Un poco de historia.

En la llamada "Cumbre de Río" (Río de Janeiro, 1992) 180 países se comprometieron a trabajar unidos para luchar contra el deterioro de los ecosistemas de la tierra. Allí arrancó la Convención Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático, que entró en vigor dos años más tarde.

Lo que en principio fue una declaración de propósitos pasó a ser algo más en diciembre de 1997, cuando se logró en la ciudad japonesa de Kioto, la firma de un protocolo para conseguir la reducción de la serie de gases causantes del efecto invernadero, con el fin de evitar un gravísimo quebranto de la salud del sistema climático terrestre.

Ya en 1998, la Comunidad Europea firmó el Protocolo, pero en los años siguientes se evidenció que no caminaba en el mismo sentido la administración de Estados Unidos. Esa discrepancia se amplió en las cumbres de la Haya(2000), Bonn(2001) y Johannesburgo(2002). Por el contrario, en septiembre de 2004 Rusia ratificó el texto, un acuerdo imprescindible para su puesta en marca. Con Rusia ya eran 126 los firmantes.

Con la adhesión de Rusia, que produce el 17,4 por ciento de las emisiones, quedó superado el 55 por ciento requerido para que el Protocolo pudiera tener efectividad.

Un reto energético.

La respuesta al planteamiento de Kioto no parece fácil. Los Estados Unidos, que emiten el 25 por ciento de los gases responsables del calentamiento global, no han firmado el acuerdo. En la línea mantenida por la administración Bush está también Australia. A ambas ausencia se añaden las de dos grandes países de creciente industrialización y enorme potencial de desarrollo: China y la India.

A estas dificultades "políticas" de añade un obligado replanteamiento de las actividades humanas, particularmente en el entorno del consumo energético. Además de controlar los niveles contaminantes los países firmantes -y especialmente los industrializados- habrán de replantear ahora la utilización de combustibles fósiles, invertir en la producción de energías alternativas más limpias y aumentar la eficiencia en el uno energético.

Recientemente, el jefe del departamento de Ciencias de la Ingeniería de la Universidad de Oxford, Richard Darton, explicó en Santander(España) que el calentamiento del planeta, si se aplica el Protocolo de Kioto, sería de 1,5 grados para el 2100, y destacó los esfuerzos que se deben hacer en materia de energía para que esta situación no sea más adversa o incluso "insostenible".

El experto afirmó que el consumo de energía se ha duplicado en los últimos 30 años y podría volver a duplicarse en los 30 próximos. En Estados Unidos y en algunos países de la Unión Europea se consume diez veces más energía que en los países que ahora están en vías de desarrollo, lo que hace pensar que la demanda seguirá aumentando en el ámbito mundial.

Además, el 90 por ciento de esa energía procede de combustibles fósiles, el petróleo y en menor medida el gas natural. El uso energético actual no es soportable con el ritmo actual, opinó Darton, para quien también es difícil la alternativa nuclear. "La sociedad -dijo- debe tener la garantía de que los residuos nucleares no comprometerán la seguridad de las generaciones futuras".

La esperanza para que los acuerdos de Kioto tengan éxito está ligada a la posibilidad de que Estados Unidos suscriba el Protocolo de Kioto. Si antaño Clinton se mostró favorable al mismo, Bush tomó la dirección contraria, al considerar que aplicarlo en su territorio le costaría cinco millones de puestos de trabajo y miles de millones de dólares.

No obstante en Europa se sigue esperando una flexibilización en esa postura. El mismo día 16 de febrero, cuando entró en vigor el Protocolo, Tony Blair, dijo que esperaba convencer al presidente de EEUU para que se implicase y volviese al diálogo. Entre tanto, los ecologistas advierten que apenas queda un margen de puñado de años, si se quiere evitar una alteración catastrófica de los patrones del clima.

Ofertas del Guggenheim para el 2005

18/02/2005, El Guggenheim de Bilbao, que en el 2004 superó los 900.000 visitantes, presenta un atractivo programa para el 2005, en el que destaca la restropectiva dedicada al francés Ives Klein, y una gran exposición dedicada al Imperio Azteca

El Guggenheim de Bilbao, que en el 2004 superó los 900.000 visitantes, presenta un atractivo programa para el 2005, en el que destaca la restropectiva dedicada al francés Ives Klein, y una exposición dedicada al Imperio Azteca, que actualmente se exhibe en el edificio de Nueva York.

En síntesis, la programación presenta las siguientes ofertas de muestras referidas a la "Colección Permanente" del Guggem:

Título: Informalismo y expresionismo abstracto en las Colecciones Guggenheim

Fechas: 8 de marzo-6 de noviembre 2005

Comisarias: Tracey Bashkoff y Petra Joos

Salas: 305, 306, 307

CONTENIDO DE LA PRESENTACI”N

En torno a 1945, un conjunto de pintores surgidos en Europa y Estados Unidos protagonizaron, con su diversidad expresiva, una etapa crucial de la modernidad plástica que engloba un amplio espectro de experiencias abstractas que se dio en llamar Informalismo o arte informal.

En Europa, al amparo de la filosofía existencialista y aún bajo los traumáticos efectos de la II Guerra Mundial, los artistas vuelven a la pintura, en la que el mestizaje expresivo y la síntesis prevalecen sobre las claves de utopía y experimentación que marcaron las vanguardias anteriores. La pintura informalista rompe con los últimos reductos del humanismo clásico y sus principios pictóricos más significativos: la forma, la armonía tonal, el equilibrio, las proporciones, la composición unitaria y la estructuración centralizada.

Mientras tanto, en Estados Unidos el arte progresa hacia un estilo de pintura basado en el gesto y en la expresión, que se ha descrito generalmente como Expresionismo abstracto. Dentro de este movimiento se inscribe la pintura de acción, llamada así porque combinaba las cualidades expresivas heredadas del heroísmo subjetivo de los expresionistas con la técnica surrealista de la escritura automática, siendo Jackson Pollock su figura más destacada. Los principales pintores de esta tendencia trataron de aunar forma y emoción, utilizaron además del clásico pincel, diferentes y novedosos procedimientos de aplicar la pintura; se afirmaba con ello la importancia de la superficie pintada. Otros miembros del Expresionismo abstracto empleaban amplios planos de color para evocar determinados estados espirituales. Para estos pintores de campos de color, o pintores del "silencio", como Mark Rothko, el mensaje es consecuencia de una actividad meditativa, de un intenso lirismo y espiritualidad.

Esta presentación de la colección permanente incluirá obras de nombres clave de estos dos movimientos como Sam Francis, Philip Guston, Franz Kline, Pierre Soulages o Antoni Tаpies, algunas de las cuales no habían sido presentadas en nuestro Museo con anterioridad.

Título: La sustancia del tiempo

Fechas: A partir del 7 de junio 2005

Comisaria: Carmen Giménez

Sala: 104

CONTENIDO DE LA PRESENTACI”N

El Museo Guggenheim Bilbao inaugurará el 7 de junio un conjunto de siete esculturas monumentales creadas por el artista norteamericano Richard Serra para la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao. Las esculturas se instalarán junto a Serpiente (Snake, 1994Ц97), que el propio artista realizó para la sala 104 del edificio diseñado por Frank Gehry, constituyendo así un espacio escultórico permanente de una escala y alcance sin precedentes en la historia del arte contemporáneo, que hará del Museo un destino ineludible para experimentar en profundidad la extraordinaria e innovadora obra de este prestigioso artista.

El trabajo de Richard Serra se centra en el proceso de producción, en las características específicas de los materiales y en la integración del espectador en el espacio escultórico. Las siete obras que integran este conjunto escultórico proceden del lenguaje formal que el artista abordó en su serie Torsiones elípticas a la que el Museo Guggenheim Bilbao dedicó una exposición en 1999.

En esta nueva instalación Richard Serra ha profundizado en este vocabulario elaborando formas cada vez más complejas. Cada obra consta de dos o más planchas curvadas de acero Cor-ten, de una altura entre 3,56 y 4,27 m. La pieza más ligera está construida con dos planchas y pesa 44 toneladas, mientras que la más pesada está realizada con ocho planchas alcanzando un peso de 276 toneladas. A partir de una elipse simple, construye una de mayor tamaño que alberga en su interior a la primera, realizando así una doble elipse; y conectando el interior de una elipse con el exterior de otra, genera espirales cuyo interior no se puede anticipar desde el exterior. Las dos últimas piezas del recorrido tratan sobre la potencial variabilidad de los espacios, que construye utilizando secciones esféricas y toroidales que configuran entornos de muy diferente lenguaje, movimiento y percepción. Estas esculturas, que parecen moverse cuando el espectador las rodea y recorre, generan una inolvidable sensación de vértigo, de espacio en movimiento

Título: Una experiencia compartida. La Colección Permanente de los Museos Guggenheim

Fechas: 7 de junio 2005-2006

Comisaria: Carmen Giménez

Salas: 103 y 105

CONTENIDO DE LA PRESENTACI”N

Enlazando con las obras presentadas en las salas clásicas de la tercera planta y en diálogo con la instalación de Richard Serra que se mostrará a partir de junio, el Museo Guggenheim Bilbao inaugurará en sus salas 103 y 105 una selección de obras de artistas europeos y americanos que reflejan uno de los ejes en los que se articula la Colección Propia del Museo: la relación entre el arte americano y europeo de posguerra.

La Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao centra su interés en el período del arte que arranca en la segunda mitad del siglo XX y, por tanto, el énfasis de esta presentación se sitúa en los movimientos artísticos surgidos en las tres últimas décadas, incluyendo obras representativas del arte pop, el minimalismo, el Arte povera, el conceptualismo y el desarrollo posterior de estos movimientos a través de las generaciones sucesivas.

A finales de los años sesenta se acuñó el término Arte povera, arte pobre, para describir el trabajo de un grupo de artistas, mayoritariamente italianos, que comenzaron a utilizar materiales industriales, orgánicos y cotidianos inusuales, en piezas tridimensionales para expresar el conflicto entre la naturaleza y lo creado por el hombre. Así, en su obra Sin título (1988), Jannis Kounellis utiliza deliberadamente una combinación de materiales industriales, carbón y hierro, que sitúa en la pared a modo de cuadros. Contemporáneo del Arte povera el Land art refleja la creciente necesidad de acercarse a la naturaleza y de rechazar, al mismo tiempo, la comercialización del arte. La naturaleza ya no es un mero contexto para la obra de arte sino que la protagoniza, tal y como muestran las poéticas instalaciones de Richard Long. Por su parte, Christian Boltanski utiliza bombillas y fotografías de personas anónimas en sus instalaciones para explorar temas tan universales como la muerte, el tiempo y la memoria. La presentación se completa con piezas de artistas como Donald Judd, Anselm Kiefer, Sigmar Polke, Robert Rauschenberg o Gerhard Richter.

EXPOSICI”NES TEMPORALES

Título: Yves Klein

Comisarios: Olivier Berggruen e Ingrid Pfeiffer

Sedes: Schirn Kunsthalle Frankfurt y Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 1 de febrero-2 de mayo 2005

Salas: 103, 104 y 105

CONTENIDO DE LA EXPOSICI”N

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 1 de febrero al 2 de mayo de 2005, Yves Klein, una retrospectiva que recorre la extraordinariamente intensa trayectoria artística de este creador, precursor de muchas de las tendencias y prácticas artísticas contemporáneas como los happenings, las performances, el Land y Body Art o aspectos del arte conceptual predominantes en el panorama artístico internacional de la segunda mitad del siglo XX. La muestra, comisariada por Olivier Berggruen, prestigioso historiador del arte, e Ingrid Pfeiffer, conservadora de la Schirn Kunsthalle de Frankfurt, ocupará las salas 103, 104 y 105 de la primera planta del Museo.

Esta exposición reúne un centenar de obras representativas de cada uno de los períodos que caracterizan los siete años de producción artística de Yves Klein. Sus primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rojo, negro o blanco; los famosos monocromos, relieves y esculturas de esponja azules; sus polémicas Antropometrías, para las que utilizaba modelos femeninas a modo de pinceles vivientes; los monodorados o monocromos dorados; y sus experimentos finales con fuego y elementos de la naturaleza. La selección incluye dos obras tan significativas del artista como La gran Antropometría azul (ANT 105) y Fuente de fuego, esta última instalada en el estanque del Museo junto a la ría, pertenecientes a la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

La exposición pretende poner de manifiesto la inusual variedad y el carácter visionario de este artista que se denominó a sí mismo "Yves el monocromo". El color adquiere en su obra una importancia absoluta como "materialización de la sensibilidad" y a través de él manifiesta su empeño por expandir la pura percepción visual a un concepto de percepción sensorial integral. El artista desafía al espectador a sumergirse en el espacio infinito del color y a experimentar una mayor sensibilidad hacia lo inmaterial.

Título: El Imperio Azteca

Comisario: Felipe Solís

Sedes: Solomon R. Guggenheim Museum y Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 15 de marzo-18 de septiembre 2005

Salas: segunda planta y salas 301, 302, 303 y 304 de la tercera planta

CONTENIDO DE LA EXPOSICI”N

El Renacimiento, movimiento intelectual en las ciencias y en las artes, característico de la Europa del siglo XV, tiene su contrapartida en el ámbito del México Antiguo con el florecimiento de dos poderosos estados indígenas: el Imperio Azteca y su vecino y enemigo tradicional, el Imperio Tarasco.

La exposición El Imperio Azteca recrea esta época, reuniendo el mayor número de objetos artísticos elaborados por los diversos pueblos que convivieron en la etapa final del desarrollo mesoamericano, conocido arqueológicamente como posclásico tardío que comprendió de los siglos XIII al XVI.

La muestra está integrada por aproximadamente 600 piezas, entre las que se encuentran importantes hallazgos arqueológicos nunca antes vistos fuera de México, provenientes en su mayoría del Museo Nacional de Antropología e Historia de la Ciudad de México, del Museo y excavación del Templo Mayor, así como de prestigiosas colecciones públicas europeas y americanas. El Imperio Azteca recorre el desarrollo de esta cultura precolombina a través de los diez temas que van desde los antecesores más tempranos de los Aztecas hasta la conquista Europea para ofrecer una representación profunda de la sociedad Azteca desde su desarrollo hasta la culminación y el ocaso del Imperio.

La exposición, que está organizada con la colaboración del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA) y del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México, está comisariada por Felipe Solís, Director del Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México y una de las principales autoridades mundiales en el arte y la cultura azteca. El espectacular diseño de la exposición está a cargo del arquitecto Enrique Norten.

Título: Arquiescultura

Comisario: Markus Bríderlin

Sedes: Fondation Beyeler y Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 11 de octubre 2005-febrero 2006

Salas: segunda planta, 301, 302, 303 y 304

CONTENIDO DE LA EXPOSICI”N

El Museo Guggenheim Bilbao presenta en el otoño de 2005 Arquiescultura, una exposición que examina múltiples aspectos de la estrecha y recíproca relación entre la arquitectura y la escultura, una relación que, si bien se constata a lo largo de la historia, se ha convertido en uno de los fenómenos artísticos más apasionantes del siglo XX, y que se analiza por primera vez en profundidad y desde una perspectiva no solo formal sino histórica.

Tras el nacimiento de la escultura moderna, a finales del siglo XIX, los límites que separan arquitectura y escultura se han ido difuminando paulatinamente. La escultura moderna ha absorbido influencias clave de la arquitectura, como es el caso de Aristide Maillol y el clasicismo, o el del constructivismo y el gótico; incluso en los años setenta, algunas instalaciones escultóricas se han transformado en arquitecturas penetrables, aportando al espectador una percepción completamente nueva del objeto artístico y de su experiencia. En sentido inverso, en los años veinte, los arquitectos ya habían comenzado a modelar plásticamente sus edificios y algunas de las tendencias que se observan en la arquitectura actual parecen versiones edificadas de escultura moderna.

A diferencia de análisis previos que han abordado el tema desde el enfoque unilateral del desarrollo escultural de los planteamientos arquitectónicos, Markus Bríderlin, comisario de Arquiescultura, plantea un análisis más enriquecedor de esta relación desde ambas disciplinas. De hecho, la exposición confronta piezas singulares de grandes escultores con maquetas de edificaciones igualmente significadas en la arquitectura mundial. Así por ejemplo, esculturas de Henry Moore se exponen en yuxtaposición con la maqueta en madera de La capilla del peregrino en Ronchamp (1950Ц54) de Le Corbusier, mientras que la maqueta del rascacielos Swiss Re de Norman Foster se muestra junto a una escultura de Constantin Brancusi. Otro aspecto relevante de la exposición es su amplitud histórica, que parte del siglo XVIII en su recorrido hasta el presente.

Una selección de pinturas y fotografías de gran formato complementan este diálogo que incluye alrededor de 180 objetos de 60 artistas y 50 arquitectos.

Título: Expresionismo abstracto. Obra sobre papel

Comisaria: Susan Davidson

Sede: Museo Guggenheim Bilbao

Fechas: 29 de noviembre 2005-2006

Salas: 305, 306 y 307

CONTENIDO DE LA EXPOSICI”N

Los movimientos políticos y la II Guerra Mundial provocaron la huida de numerosos artistas europeos a Estados Unidos, principalmente a Nueva York en la segunda mitad del siglo XX. El expresionismo abstracto, con raíces en el automatismo surrealista, fue el primer gran movimiento artístico americano de la posguerra. Los principales pintores de esta tendencia trataron de aunar forma y emoción, centrando el contenido de su pintura en la expresión de la personalidad del artista y evitando los estímulos exteriores.

Aunque han sido numerosas e importantes las exposiciones dedicadas a este movimiento, rara vez se ha analizado, de manera exhaustiva, la obra sobre papel realizada por estos artistas. Por ello, el Museo Guggenheim Bilbao presentará, a partir de noviembre, una muestra dedicada al estudio y exploración de la práctica del dibujo por parte de los creadores vinculados al expresionismo abstracto, analizando su obra sobre papel como componente esencial de la transformación de la tradicional línea figurativa en expresión gráfica abstracta.

La exposición será, por lo tanto, una oportunidad única para admirar la obra más intima de algunas de las figuras clave de este movimiento tales como Franz Kline, Willem de Kooning, Sam Francis, Robert Motherwell y Clyfford Still, a través de dibujos, bocetos y obra gráfica que reflejan y anticipan sus posteriores desarrollos en la pintura.

 

Mila Trenas: el doble gozo del arte

17/02/2005, El gozo de escribir sobre arte es especialmente intenso para quienes lo conocen desde dentro. Milagros Trenas es una mujer que una ambas facetas. Ahora ha decidido dar a conocer su obra en una bella exposición

El gozo de escribir sobre arte es especialmente intenso para quienes lo conocen desde dentro. Milagros Trenas es una mujer que una ambas facetas. Ahora ha decidido dar a conocer su obra en una bella exposición.

La periodista Mila Trenas expone por primera vez su obra en Madrid, veintidós cuadros de gran formato sobre temas cotidianos, en una muestra de tintes intimistas y serenos, que presta especial atención a las texturas.

La exposición, que permanece abierta hasta el 3 de marzo en el madrileño Club Mirasierra, de esta localidad madrileña, responde a la última etapa de la artista, quien, después de dejar temporalmente la pintura, volvió a retomarla con fuerza hace un año.

Mila Trenas, responsable de la información de arte en la Agencia Efe, proviene de una familia de artistas, por lo que comenzó de forma muy temprana a pintar.

"Entonces hacía óleos, paisajes y cosas así, pero ahora pinto con tierra de mar pegada a la tela, y sobre esa tierra hago los dibujos, utilizando no óleos, sino pigmentos naturales, que son más bonitos, más puros y no tan brillantes", comentó la artista.

La periodista, artista autodidacta, explica que pinta lo que le rodea. "Son objetos cotidianos, cacharros, mesas, lo que se me ocurre dentro del entorno de mi casa y, a veces, también retrato señoras inspiradas en la pintura holandesa, pero hechas a mi manera".

Su obra, definida por Mila Trenas como "intimista, hogareña y sin pretensiones" entra en el terreno de lo figurativo, "pero de una forma particular -apunta-, con un tratamiento muy especial, nada detallista, porque a mí las texturas son lo que más me importan, por eso juego con la tierra de mar para lograr volúmenes y, en ocasiones, utilizo otros materiales, como papeles mojados, para conseguir estas formas y volúmenes".

El hecho de trabajar como periodista especializada en arte es una ventaja a la hora de emprender su pintura, como ella misma revela: "Hay muchos compañeros míos que escriben de arte y también pintan. En mi caso, no quiero compararme con lo que veo, porque son artistas a los que admiro.

Pero me ayuda a ir conociendo más, a descubrir cosas nuevas. Mirar un cuadro enseña mucho, y no sólo de pintura, también de historia... de todo". Entre todos los artistas sobre cuya obra debe informar, Mila Trenas confiesa su admiración con el italiano Giorgio Morandi, "sus cuadros tienen esa sensación de paz y serenidad que yo quisiera para los míos", comenta, para después explicar que ver por primera vez su obra en una exposición le ha provocado una sensación de "vergüenza".

"Es como desnudarte en público, es una sensación parecida, porque estás mostrando algo muy íntimo", apunta, y manifiesta que su expectativa ante ésta su primera muestra es la de "seguir entreteniéndome con la pintura". Si bien ya le han ofrecido exponer en Sevilla, Mila Trenas confiesa que sólo lo hará "si se plantea con tranquilidad, porque lo que no quiero es convertir una afición en una obligación. Ahora lo que me interesa es seguir perfeccionando mi técnica, porque siempre tienes que seguir aprendiendo"

Por Mercedes Cerviño

 

César Manrique, al IVAM

16/02/2005, Del 10 de febrero al 24 de abril, el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, organiza la exposición Cesar Manrique, el notable artista lanzaroteño fallecido en 1992

Del 10 de febrero al 24 de abril, el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, organiza la exposición Cesar Manrique, el notable artista lanzaroteño fallecido en 1992.

La exposición de César Manrique es la primera retrospectiva que se organiza tras la muerte del artista, y se centra en la pintura más personal, la que lo singulariza como artista en el contexto de su generación, que es la pintura de las materias, texturas, cromatismo y referencias a la geología de su isla. Una pintura informalista del paisaje, que se instala en su vocabulario plástico a finales de 1950 (las primeras piezas datan de 1959) y le acompaña a lo largo de su vida. Ese quehacer tiene su destilación más esencialista y rica en la década de los 60 coincidiendo con su residencia en Madrid y Nueva York.

La muestra revisa la etapa central de su producción pictórica, y pone su énfasis en las obras de las décadas de 1960 y 1970. Cabe destacar la presencia de cuadros informalistas hasta el momento nunca expuestos en España, procedentes de colecciones particulares de Estados Unidos, Suiza, Francia, Alemania y Costa Rica, además de obras poco conocidas que se encuentran en colecciones españolas.

El catálogo de la exposición reproduce las obras expuestas y cuenta con estudios sobre la obra de César Manrique de, Jaime Brihuega, Nilo Palenzuela y el comisario de la exposición Fernando Gómez Aguilera, además de una cronología y una bibliografía sobre el artista.

César Manrique (1919-1992) nació en Arrecife, capital de Lanzarote, una isla que tuvo una presencia decisiva en su vida y en su obra. Fuente de buena parte de su imaginario pictórico fue el paisaje de sus vivencias infantiles, de gran significación para su posterior percepción del mundo y para su pintura.

Tras finalizar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid –ciudad en la que vivió entre 1945 y 1964–, expuso con frecuencia su pintura tanto dentro como fuera de España. El artista se había adentrado en el arte no figurativo tras una estancia de varios meses en París a principios de los cincuenta. A finales de esa década, e influido, entre otros, por Fautrier y Dubuffet, su obra ―al igual que la de algunos pintores españoles como Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Manuel Millares, etc.― se vincula al informalismo. Sus cuadros abandonan cualquier alusión a la realidad y, en su vocación abstracta, Manrique investiga las cualidades de la materia con explícitas referencias a las texturas y el color de las lavas volcánicas, hasta convertirlas en protagonistas esenciales de sus composiciones.

A lo largo de su trayectoria creativa, se mantendrá fiel a este lenguaje plástico, que se consolida en la década de los 60 y primera mitad de los 70, su época de mayor esplendor pictórico.

Después de haber viajado por diversas partes del mundo, en 1964, César Manrique se trasladó a vivir a Nueva York. Los lazos de amistad con personalidades del mundo cultural americano le permitieron conocer de cerca el expresionismo abstracto de Rothko y Pollock, el pop de Warhol y Rauschenberg, el arte cinético...

En 1966, Manrique regresó a Lanzarote donde se instaló definitivamente. En la isla, que iniciaba entonces su desarrollo turístico, promovió un modelo de intervención en el territorio en claves de sostenibilidad, que procuraba salvaguardar el patrimonio natural y cultural insular.

En década de los 70 amplía el cromatismo que, en su pintura, surge de la propia materia, carmines, azules de evocación marina, verdes oxidados, violetas, granates, arenas amarillas… Con el paso de los años, la materia adelgaza su presencia voluminosa, y su apariencia, tosca o salvaje al comienzo, se hace más delicada. En esta etapa su obra se desarrolla en amplios espacios naturales en los que actúa integrando arquitectura, paisaje, jardinería, pintura, sonido, diseño, escultura, equipamientos..., con una actitud de manifiesto respeto a la naturaleza.

Cultivador de diversos lenguajes creativos –pintura, escultura, urbanismo, arte público...–, en el conjunto de la producción artística de César Manrique, manifiesta su voluntad de integración con el entorno natural. Propósito sincrético y totalizador –arte total, en sus palabras– que hizo explícito en sus diseños de espacios públicos.

 

Arco: menos visitantes pero más negocio

15/02/2005, Arco, la feria internacional de arte, cerró su balance del 2005 con un incremento de negocio cifrado entre el 10 y el 20 por ciento y una cifra de visitantes que desciende, respecto a la edición anterior.

Marcada por el atentado de la jornada inaugural y la coincidencia de fechas con el incendio del rascacielos Windsor, Arco perdió público (200.000 personas en 2004 y 180.000 en 2005) pero ganó rentabilidad. El que quería comprar arte acudió. Esto satisfizo a los galeristas de la segunda feria internacional más importante del ramo.

«Estamos satisfechos», dijo la directora de la feria, Rosina Gómez-Baeza, quien destacó la creciente vitalidad del coleccionismo de arte contemporáneo. Sin embargo mostró su preocupación por esa tendencia, tal vez demasiado alcista: “hay que preservar el arte de la especulación, porque puede dañar al certamen, cuyo fin es la creación de patrimonio artístico». Miedo, pues, a la posible “burbuja del arte”.

México cumplió con mucha dignidad el papel de país protagonista y ahora llegará el turno de Austria.

En medios oficiales se ha destacado el reconocimiento por parte de galerías y profesionales del arte, que han otorgado a ARCO la máxima calificación como un gran mercado del arte en pleno ascenso dentro de la escena internacional. “Las numerosas compras realizadas por los coleccionistas internacionales invitados durante las dos primeras jornadas, especialmente de artistas españoles; la satisfacción manifestada por las grandes galerías extranjeras participantes; el creciente interés de los coleccionistas españoles por obras de autores extranjeros; el éxito de ventas en las secciones comisariadas, así como la buena acogida comercial de las propuestas presentadas por el país invitado. Todo ello sitúa a la XXIV Feria Internacional de Arte Contemporáneo -que termina con una asistencia que se estima alcance los 180.000 visitantes- como la más madura de su historia”

El balance positivo ha venido a confirmar tres de los logros de la feria a lo largo de sus veinticuatro años de existencia: el apoyo a la creación en España de un mercado del arte; el impulso de un coleccionismo que hoy da muestras de consolidación, y el posicionamiento de Madrid en el centro del mundo del arte.

Optimismo de compra

Un buen barómetro de la marcha comercial de la Feria lo constituye el programa Major Collectors que en esta ocasión ha reunido a más de 200 grandes coleccionistas de todo el mundo, y cuya visita a ARCO-05 ha estado presidida por un significativo optimismo de compra. Su visita privada durante las dos primera jornadas, ha arrojado los mejores resultados de los últimos años, con numerosas compras realizadas a un amplio número de galerías presentes en la feria. Un optimismo del que cabe subrayar el creciente interés hacia artistas españoles, no sólo autores consagrados sino también jóvenes creadores que han sido objeto de numerosas ventas en el marco de la feria.

Junto a la presencia de coleccionistas privados, cuyo área de influencia se ha visto este año ampliada a los Países de Este y Rusia, ARCO ha contado también con la presencia de instituciones internacionales, entre las que destacan el patronato del Museo del Barrio de Nueva York dirigido por Julián Zugazagotia, comisario de México en ARCO, y la Asociación de Amigos del Museo Nacional de la Villa de París, con más de una veintena de miembros, entre los que han figurado importantes coleccionistas, que han tenido la oportunidad de reencontrarse con las grandes galerías internacionales y de acercarse a la escena artística española, con encuentros que han generado significativas adquisiciones destinadas a engrosar los fondos artísticos de su colección.

Las instituciones españolas también han puesto su mira en ARCO como principal fuente de adquisiciones. Un año más instituciones como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo -CGAC-, el Museo de Arte Contemporáneo de León -MUSAC-, el Museo Unión Fenosa, el Domus Artium de Salamanca, el Ayuntamiento de Pamplona, el Gobierno de Cantabria, la Diputación de Málaga, la Fundación Coca-Cola, la Fundación ARCO, y la Fundación Picaso, entre otras muchas, han destinado amplios presupuestos para sus programas de adquisiciones en la feria.

México, la gran estrella

La fuerza, el color y la vitalidad de la creación mexicana han quedado patentes en ARCO con una gran acogida por parte coleccionistas españoles e internacionales y público aficionado, cuya presencia ha trascendido el mero ámbito promocional para registrar además un significativo dinamismo de contactos profesionales y de ventas. Una apuesta sin precedentes, que ha ofrecido un recorrido histórico en el que no han faltado los principales nombres del siglo XX mexicano como Rufino Tamayo, Vicente Rojo, Francisco Toledo o Gunther Gerzso. A ello se ha sumado con gran éxito la avalancha de exposiciones de arte procedentes de México que han propiciado una ocasión excepcional para situar la producción mexicana, hasta ahora conocida de forma fragmentada en nuestro país. Estrella también ha sido la apuesta institucional del país invitado, con la presencia de una de las obras más emblemáticas de este país, el autorretrato de Frida Kahlo, "Las dos Fridas", que ha sido una de las piezas más admiradas de la feria.

Entre los rasgos que han caracterizado artísticamente esta 24 edición de ARCO figuran, como así lo han recogido los medios, el equilibrio de sus contenidos y la armonía de espacios, así como su madurez, lo que ha atraído especialmente al público internacional. Así mismo la confirmación del resurgir de la pintura, que ha cobrado especial fuerza con presencia en la práctica totalidad de las galerías participantes, con una tendencia clara a la supremacía y al mestizaje de formatos y medios.

Uno de los aspectos mejor valorados por los profesionales del arte ha sido el desarrollo del Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo, que ha reunido a casi 200 primeras figuras del panorama artístico internacional, y que ha contado entre otros con presencias de gran prestigio como Steve Dietz, Director, Walker Art Center, Shorewood, Minesotta, EE.UU; Peter Galassi, Conservador Jefe, Departamento de Fotografía del MOMA, Nueva York, NY, EE.UU.;Rubén Gallo, Crítico independiente y Profesor, Princeton University, Nueva York, EE.UU.;Boris Groys, Profesor Academia de Diseño de Karlsruhe; Rector, Academia de las Artes Visuales de Viena; Hans Ulrich Obrist, Curador de Arte Contemporáneo, Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris, París, FRANCIA; Guiseppe Panza di Biumo, Coleccionista, Massagno - Lugano, SUIZA; Andrew Renton, Goldsmith College, University of London, Londres, REINO UNIDO; Robert Storr, Profesor de Arte Moderno, "Rosalie Solow", The Institute of Fine Arts, New York University, Nueva York, NY, EE.UU, y Peter Weibel, Presidente, Center for Art and Media, Karlsruhe, ALEMANIA, entre otros gestores museísticos y grandes líderes de opinión.

Colección de CaixaForum

10/02/2005, Del 16 de febrero al 1 de mayo de 2005, CaixaForum expone las adquisiciones de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, bajo el título: Veinte años con el arte contemporáneo

Del 16 de febrero al 1 de mayo de 2005, CaixaForum expone las adquisiciones de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, bajo el título: Veinte años con el arte contemporáneo.

Uno de los objetivos de la Obra Social de ”la Caixa” es promover el acceso de la sociedad al arte y romper las barreras que separan al público de la creación contemporánea. La Colección Fundación ”la Caixa”, iniciada en 1985 y considerada como una de las más importantes de Europa en su género, responde a esta voluntad.

Las 950 obras que la conforman no sólo recogen la memoria histórica del arte de las últimas décadas, también ofrecen una visión amplia de las tendencias contemporáneas a partir de artistas clave. La exposición Colección Fundación ”la Caixa”. Veinte años con el arte contemporáneo. Nuevas adquisiciones reúne en CaixaForum once obras que se exponen por primera vez en el contexto de la colección.

Los artistas representados son Rodney Graham, James Turrell, Eulàlia Valldosera, Douglas Gordon, Roni Horn, Cildo Meireles, Ernesto Neto, Gillian Wearing, Óscar Muñoz, Dominique González-Foerster y Xavier Veilhan.

La muestra pone de manifiesto el continuo interés por la percepción en el arte. Más aún cuando hoy ya no basta con una simple mirada: ahora se reclama al espectador una mayor participación, para establecer así una relación de diálogo. De esta forma, la exposición invita al transeúnte a adentrarse en un espacio que cuestiona su percepción, alterando el espacio y el tiempo, trasladándole al terreno de las apariencias, desmontando certezas y descubriendo dimensiones desconocidas.

La exposición, comisariada por Nimfa Bisbe, responsable de la Colección, se puede ver en CaixaForum del 16 de febrero al 1 de mayo de 2005.

Luz, imágenes, espacio y tiempo son los medios que exploran los once artistas representados. Sus obras se diferencian en el tipo de interacción que proponen al espectador, en su forma de explorar la relación entre percepción y realidad o en su modo de alterar la percepción de lo real, pero todas acaban llevándolo al terreno de lo incierto, lo inestable y lo ambivalente. Así, el espacio de luz de James Turrell y la proyección de imágenes simétricas de Douglas Gordon cuestionan y perturban nuestra percepción porque introducen elementos que desestabilizan nuestras referencias. Los 36 retratos de payasos de Roni Horn y el retrato en movimiento de Óscar Muñoz exploran la mutabilidad de la realidad y nos recuerdan la imposibilidad de alcanzar una identidad estable, mientras que Cildo Meireles y Ernesto Neto convocan nuestros sentidos y cuestionan la herencia de una cultura basada en lo visual.

La mayoría de estas obras nos recuerdan que vivimos en un mundo de apariencias, como la instalación de Dominique González-Foerster, que juega con la coexistencia de espacios reales y virtuales y nos introduce en un mundo de ensueño, o la obra de Eulàlia Valldosera. El recorrido de la exposición se ha trazado como un espacio de emociones que propone una percepción poética y simbólica de lo real, pero también una reflexión crítica sobre nuestra relación con el mundo.

 

La pintura moderna de Glasgow, en Mallorca

10/02/2005, La fundación ”la Caixa” presenta en Palma de Mallorca 64 obras de Renoir, Monet, Pissarro, Van Gogh, Gauguin, Dufy, Seurat, Picasso... Es la muestra “De Millet a Matisse.Pintura francesa de los siglos XIX y XX de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow”

La fundación ”la Caixa” presenta en Palma de Mallorca 64 obras de Renoir, Monet, Pissarro, Van Gogh, Gauguin, Dufy, Seurat, Picasso... Es la muestra “De Millet a Matisse.Pintura francesa de los siglos XIX y XX de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow”

En una sala, la máquina de vapor que inventó el escocés James Watt. Cerca, obras de Van Gogh, Renoir, Monet, Sisley, Seurat, Gauguin, Picasso, Matisse... No es fruto del azar. Hacia 1850, Glasgow se convirtió en centro industrial y comercial. Pronto surgió una nueva clase de empresarios que hizo fortuna en los sectores del hierro y el acero, el químico, el naviero y el textil; y que invirtió grandes sumas en arte. Orgullosos de ser de Glasgow, estos prohombres legaron sus colecciones a la ciudad. Nombres como los de James Watt, Alexander Reid y Sir John Richmond, entre otros, han escrito la historia de la Kelvingrove Art Gallery, célebre hoy por sus colecciones de arte.

Bajo el título De Millet a Matisse. Pintura francesa de los siglos XIX y XX de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow, la Fundación ”la Caixa” reúne en Palma sesenta y cuatro pinturas que permiten seguir las extraordinarias transformaciones del arte a lo largo de cien años, desde 1830 hasta los albores de las contiendas mundiales. No solo reúne la obra de cuatro grandes artífices de la modernidad: Van Gogh, Gauguin, Picasso y Matisse. Los precursores Jean-François Millet y Camille Corot; los impresionistas Camille Pissarro, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley; los postimpresionistas Georges Seurat, Édouard Vuillard y Pierre Bonnard; y los fauvistas André Derain y Raoul Dufy también están presentes en esta excepcional muestra tan solo por la larga lista de grandes maestros que reúne.

Organizada por la American Federation of Arts (AFA) y Glasgow Museums, esta exposición pone fin en Palma a una itinerancia que la ha llevado por múltiples ciudades de América, desde Albuquerque hasta Quebec. La muestra ha sido posible debido al cierre temporal por reformas de algunas salas de la Kelvingrove Art Gallery.

De Millet a Matisse. Pintura francesa de los siglos XIX y XX de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow, comisariada por Vivien Hamilton, conservadora de arte de Glasgow Museums, se ve en la Fundación ”la Caixa” en las islas Baleares (plaza de Weyler, 3; Palma), del 2 de febrero al 24 de abril de 2005.

La gran muestra de cada temporada

Cada temporada, la Fundación ”la Caixa” presenta en Palma una exposición relacionada con los movimientos artísticos de finales del siglo XIX y, en concreto, con el modernismo. El objetivo es poner en contacto el patrimonio de la Fundación en Palma (el edificio del Gran Hotel de Lluís Domènech i Montaner y la colección Hermen Anglada Camarasa) con los grandes nombres de la cultura de los siglos XIX y XX, desde la perspectiva de la pintura, la arquitectura y las artes decorativas, que se funden en el modernismo en busca del arte total. Precisamente, Glasgow fue una de las ciudades más importantes del Reino Unido que siguió las pautas del modernismo, dando lugar a una versión original y distintiva conocida como escuela de Glasgow, cuyo artífice fue el artista Charles Rennie Mackintosh. Algo que la alejaba de Birmingham y Manchester y, en cambio, la hacía más cercana a Barcelona, Bruselas, Viena y Budapest.

La exposición que ahora se presenta en Palma nos descubre otra faceta de Glasgow, apenas conocida en nuestro país: el talante de una serie de coleccionistas visionarios que, entre 1830 y 1940, se inclinaron por el arte francés contemporáneo, con lo que consiguieron para la ciudad una de las mejores colecciones de su género. Entre 1800 y 1900, la población de Glasgow se multiplicó de tal forma que de 77.000 habitantes pasó a superar el millón de personas. Alentada por los avances de la revolución industrial, la ciudad se convirtió en uno de los centros industriales y comerciales más dinámicos del país. Algunas de las ilustres familias que amasaron grandes fortunas gracias a sus inversiones en el sector textil y naviero, entre otros, comenzaron a mostrar interés por el coleccionismo artístico.

Fundada en 1901 y construida a partir de donaciones y legados, la Kelvingrove Art Gallery acoge hoy la colección municipal más importante de Gran Bretaña. La exposición De Millet a Matisse. Pintura francesa de los siglos XIX y XX de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow nos desvela la relación entre la vanguardia francesa y los marchantes y coleccionistas de Glasgow a partir de un conjunto extraordinario de sesenta y cuatro obras que documentan con precisión los desarrollos artísticos más importantes acaecidos entre 1830 y 1940, a través de algunos de los artistas más renombrados del periodo.

Una de las obras más destacadas de la exposición es el enigmático y expresivo Retrato de Alexander Reid (1887), que hasta 1928 fue erróneamente catalogado como autorretrato. Reid (1854-1928), que con el tiempo se convirtió en el marchante más prominente de pintura expresionista en Glasgow, compartió vivienda en Montmartre con Theo y Vincent van Gogh, donde posó en dos ocasiones para el pintor. El parecido entre Reid y el artista era tan marcado que dio pie a equívocos. Asimismo, la muestra presenta el óleo De camino al trabajo (c. 1850-1851), de Jean-François Millet; vistas idealizadas de la pobreza de Jules Breton; bodegones de Gustave Courbet y François Bonvin; elegantes estudios florales de Henri Fantin-Latour, y la obra La pobre Fauvette (1881), de Jules Bastien-Lepage.

La exposición también reúne obras de la escuela de Barbizon, desde el maestro Camille Corot hasta Théodore Rousseau, cuyos paisajes se consideran precursores de las investigaciones de los impresionistas en la campiña francesa, como sugiere Las orillas del Marne (1864), de Camille Pissarro. También pueden verse obras de Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir y Paul Signac. Cuadros relacionados con el puntillismo complementan la selección de obras impresionistas, como Niño sentado en un prado (c. 1882-83), de Georges Seurat. Asimismo, pueden contemplarse obras de Paul Gauguin, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, André Derain, Pablo Picasso, Georges Braque, Louis Marcoussis, Albert Marquet, Mary Cassatt, Georges Rouault y Henri Matisse.

La exposición está dividida en siete ámbitos temáticos: Cambios estilísticos en la pintura francesa de paisajes del siglo XIX; Reflejos: la luz en el agua; Puntos de vista; Figuras en el exterior; Retratos; Naturalezas muertas e Interiores.

 

Aniversario del creador de Miss Liberty

30/01/2005, Recientemente se ha cumplido el centenario de la muerte de Auguste Bartholdi un nombre mucho menos conocido que su obra más emblemática: la estatua de la Libertad de Nueva York.

Recientemente se ha cumplido el centenario de la muerte de Auguste Bartholdi un nombre mucho menos conocido que su obra más emblemática: la estatua de la Libertad de Nueva York.

Con motivo del aniversario se han presentado en Francia varias muestras. En París, el museo “des Arts et Métiers” presenta “Bartholdi, les bâtisseurs de la Liberté”, del 7 de diciembre al 2 de marzo de 2005, con fotografías y objetos muchos de ellos donados por la esposa del artista al centro en 1907, en los que se repasa básicamente la labor de construcción de la colosal estatua neoyorquina.

Paralelamente, en Colmar, lugar de nacimiento del artista, y en Belfort, donde hay otra enorme estatua de Bartholdi (El león de Belfort) se ha venido presentado otra muestra: “Bartholdi : Le Lion”, en la que se reunen 150 objetos –esculturas, grabados, diseños, fotos— que visualizan la historia del monumento surgido tras la guerra francoprusiana (1870-1871), en la que Belfort mostró su coraje sosteniendo un larguísimo asedio.

Auguste Bartholdi.

El 2 de agosto de 1834 nació en Colmar Frédéric Auguste Bartholdi, aunque pronto se trasladó a París con su madre, al enviudar ésta. El muchacho pronto empezó a frecuentar talleres artísticos, tanto en la capital francesa como en Colmar, donde pasaba la familia los veranos. En Colmar realizaría algunas de sus primeras obras.

Con 21 años, viajó a Oriente y conoció Egipto y Yemen. A orillas del Nilo descubriría los colosales monumentos de antaño. En 1867 diseñaría un faro monumental para el Canal de Suez, aunque nunca se realizaría tal obra. Si embargo, esos diseños serán el punto de arranque de la estatua de la Libertad, cuya primera maqueta verá la luz en 1870. Ese mismo año Francia y Prusia entranban en guerra, una lucha en la que él participó y en la que los franceses perdieron Alsacia, su tierra natal. Desencantado, marchó a Estados Unidos, y vio la pequeña isla de Bedloe, soñó con ubicar su estatua de la Libertad.

En la década de los setenta realizó diversos grandes proyectos y recibió el encargo de preparar una estatua para el comité de la Unión Franco-Americana. Era el 1975, el mismo año en que Bartholdi se adhirió a una logia masónica patriótica alsaciana.

La cabeza de la estatua ya se expondría en París, en una exposición universal, durante 1878. Dos años más tarde terminaría el León de Belfort. La estatua de “La Libertad alumbrando el mundo” no sería inaugurada sino en 1886. El artista moriría en París, a los 70 años, el 4 de octubre de 1904.

La estatua de la Libertad se ha convertido en una especie de postal inseparable de Nueva York. Y sin embargo fue hecha en Francia y remitida en 214 grandes cajones, en un navío de la marina francesa. Realizada en cobre, mide 93 metros y se alza sobre un pedestal cuadrado de hormigón. Sin duda es mucho más famosa que su autor.

El León de Belfort, la otra obra muy conocida de Bartholdi, también es gigantesca. El león mide 22 metros de largo por 11 de alto y está adosado a una gran pared rocosa.

Colmar, la ciudad natal de Bartholdi, tiene un museo dedicado a este autor, en pleno centro de esta bella ciudad alsaciana, al lado de la colegiata gótica de san Martín.

Siempre merece una visita Colmar, con su encantador ambiente tradicional, con sus casas de estructura de madera cuidadosamente conservadas, repletas de geranios floridos en los días de verano. Merece la pena conocer su Pequeña Venecia y el extraordinario museo Unterlinden, donde se puede ver la sorprendente Crucifixión, de Mathias Grünewald.

Pero los viajeros también pueden contemplar el Museo Bartholdi y conocer los trabajos y la historia de este “colosalista” escasamente conocido en relación con la obra que dejó.

Museo Bartholdi de Colmar: 30, rue des Marchands - 68000 - Colmar - France - 33 (0)3 89 41 90 60. http://www.musee-bartholdi.com/

Museo Arts et Métiers. 60, rue Réaumur 75003 Paris. http://www.bartholdi.arts-et-metiers.net/

Tomás Alvarez

Yves Klein

27/01/2005, El Guggenheim de Bilbao presenta desde el 1 de febrero “Yves Klein”, una retrospectiva que recorre la trayectoria artística de este creador, precursor de muchas de las tendencias del panorama artístico internacional de la segunda mitad del siglo XX

El Guggenheim de Bilbao presenta desde el 1 de febrero “Yves Klein”, una retrospectiva que recorre la intensa trayectoria artística de este creador, precursor de muchas de las tendencias predominantes en el panorama artístico internacional de la segunda mitad del siglo XX.

La exposición Yves Klein, que permanecerá abierta al público hasta el 2 de mayo de 2005, ha sido organizada por el Guggenheim Bilbao en colaboración con la Schirn Kuntshalle de Frankfurt.

Esta retrospectiva está comisariada por Olivier Berggruen, historiador del arte, e Ingrid Pfeiffer, conservadora de la Schirn Kunsthalle de Frankfurt y reúne alrededor de cien obras procedentes de numerosas colecciones privadas y de museos e instituciones de relevancia internacional como el Centre Pompidou de París, la Menil Collection de Houston, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y de la propia Colección del Museo Guggenheim Bilbao, que cuenta con dos obras significativas del artista como La gran Antropometría azul y Fuente de fuego instalada en el estanque del Museo.

Yves Klein, que falleció a la temprana edad de 34 años, se cuenta entre los artistas más originales y relevantes del siglo XX y realizó toda su producción artística en el breve lapso de siete años. Fue precursor de muchas de las prácticas y tendencias artísticas que llegaron a generalizarse como el happening y la performance; el Land Art o arte medio-ambiental, el arte corporal y elementos del arte conceptual jalonan su obra, cuya influencia perdura aún hoy.

Su intrincada personalidad, que fluctuaba entre la extrema concentración y la total ausencia de límites, se refleja en su trabajo en el que monocromía y figuración, o espiritualidad y teatralidad, no se plantean como antítesis sino que, más bien al contrario, contribuyen a la finalidad suprema de Klein: abarcar la vida a través del arte.

En palabras de los comisarios Oliver Berggruen e Ingrid Pfeiffer la famosa fotografía del Salto al vacío, en la que el artista aparece flotando sobre la calle, es un símbolo de su deseo de superar la gravedad. Es la expresión de la voluntad de Klein que preside toda su obra de trascender los límites. La exposición pretende poner de manifiesto la inusual variedad y el carácter visionario de este artista que ha entrado en los libros de historia como Yves el monocromo.

La vida del artista

Klein nació en 1928 en Cagues-sur-Mer, en el seno de una familia vinculada al arte. Fred Klein, su padre, era pintor figurativo y su madre, Marie Raymond, era pintora abstracta vinculada a la tradición de la Escuela de París. Sin embargo, Yves Klein inició su actividad profesional como judoca. La influencia de su intensa vinculación con la filosofía y la práctica de este arte marcial, que le llevó a estudiar durante 15 meses en el prestigioso Instituto Kõdõkan de Tokio, perduró en su concepción del arte. El judo Kõdõkan está profundamente influido por la filosofía Zen y aboga por la comunión entre mente y cuerpo, por la plena armonía con la existencia, por el desarrollo de la perceptividad y la búsqueda de un estado de vacío.

Por otra parte, Klein siempre tuvo un gran interés por las enseñanzas místicas cristianas. Su fuerte afinidad por lo ritual y cuestiones relativas a la inmaterialidad y el vacío que perduró en él a lo largo de toda su vida expresan su interés por los temas espirituales.

La primera aparición oficial en escena de Klein como artista visual se produjo en 1955, cuando presentó su monocromo Expresión del universo de color naranja plomo en el Salon des Réalités Nouvelles. El cuadro fue rechazado por el certamen con el argumento de que un único color no era suficiente para construir una pintura. La pieza, incluida en esta retrospectiva, se presenta junto a una serie de monocromos tempranos en amarillo, blanco, negro, rojo, rosa y verde.

Ya desde un principio, Klein usaba un rodillo en lugar de un pincel para eliminar todo indicio de la mano del artista en la aplicación de la pintura. El color adquiere una importancia absoluta como “materialización de la sensibilidad” y a través de él manifiesta su empeño por expandir la pura percepción visual a un concepto de percepción sensorial integral. El artista desafía al espectador a sumergirse en el espacio infinito del color y a experimentar una mayor sensibilidad hacia lo inmaterial.

Klein atribuía un papel especial al color azul que, como el cielo y el mar, encarnaba los aspectos más abstractos de la naturaleza tangible y visual. Buscó largamente un azul que representara sus ideas y un método de aglutinar la pintura para que mantuviera la luminosidad original del pigmento. El resultado fue el IKB —International Klein Blue (Azul Klein Internacional)— un penetrante azul ultramar que creó con ayuda de un amigo químico, y que patentó y convirtió en su marca característica a partir de aquel momento.

Las pinturas monocromas, las esculturas y las acciones de Klein, exhibidas en exposiciones en solitario organizadas en Milán, Düsseldorf o Londres, le convirtieron repentinamente en un artista internacionalmente conocido.

La muestra

La exposición presenta las obras más relevantes de cada uno de los períodos de su trayectoria. Sus primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rojo, negro o blanco; las famosas monocromías azules y los relieves y esculturas de esponja; sus polémicas antropometrías, para las que utilizaba modelos femeninas a modo de brochas vivientes; las monocromías doradas y sus experimentos finales con fuego y elementos de la naturaleza.

La muestra incluye un grupo de pinturas monocromas realizadas en 1957 bajo un planteamiento conceptual que, pese a su idéntico tamaño y a similar aspecto, Klein percibía como diferentes y por ello las vendió a precios muy dispares. Las “antropometrías”, impactantes impresiones en las que “pinceles vivientes” trazaban la huella de los cuerpos al moverse según las instrucciones del artista a modo de formas estáticas y dinámicas, agrupadas o en solitario también están incluidas en la exposición. Igualmente se presentan algunos de sus conocidos relieves y esculturas de esponja en azul y rosa, que Klein creó después de los monumentales relieves de esponja en azul que realizó para el vestíbulo del teatro de Gelsenkirchen en Alemania.

Su interés por cuestiones relacionadas con la arquitectura desembocó en la realización de una serie de diseños visionarios de “arquitecturas del aire” que creó en colaboración con el arquitecto alemán Werner Ruhnau. Tan radical como la idea arquitectónica de Klein de sustituir las paredes por corrientes de aire, fue su habitación Le vide (el vacío), que mostró en su galería de París en 1958. En este caso, Klein va un paso más allá de los monocromos: en una sala completamente vacía, las paredes, que el artista pintó de blanco, ponían al espectador en sintonía con un espacio sensibilizado y sensibilizador. El arte ya no parece un objeto sino que es percibido como una presencia artística que se vislumbra en el espacio. Le vide se documenta en la exposición mediante una filmación en la que Klein aparece ante las paredes blancas de aquella sala.

A partir de 1960 Klein se entrega de forma creciente al fuego como medio para expresar la energía elemental. Sus pinturas de fuego fueron creadas en eventos o acciones espectaculares y a menudo las combinó con color e impresiones corporales. Las Cosmogonías y los así llamados Relieves Planetarios y otros experimentos con elementos naturales como la lluvia , el viento o las tormentas, cuya huella el fijaba sobre el lienzo o el papel, reflejan la visión cosmológica del mundo del artista.

Klein murió en 1962 a consecuencia de su tercer ataque al corazón. Su breve vida está contenida en su obra, marcada por su afán de abarcar lo inmaterial: mis pinturas son las cenizas de mi arte.

Los retratos de Memling

25/01/2005, El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en Madrid una nueva entrega de la serie de exposiciones Contexto, titulada Los Retratos de Memling, en colaboración con el Groeningemuseum de Brujas y la Frick Collection de Nueva York,

En colaboración con el Groeningemuseum de Brujas y la Frick Collection de Nueva York, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta en Madrid una nueva entrega de la serie de exposiciones Contexto, titulada Los Retratos de Memling.

Por primera vez, la muestra será itinerante, ya que tras su presentación en Madrid, del 15 de febrero al 15 de mayo de 2005, podrá verse en las sedes de las dos instituciones colaboradoras.

La exposición reunirá un conjunto de retratos del pintor flamenco para mostrar, en un recorrido cronológico, la tipología e innovaciones que Memling fue introduciendo en el género a lo largo de su carrera.

La selección que se presenta en Madrid contará con varias obras excepcionales del pintor, como son Retrato de una joven, el Díptico de Maarten van Nieuwenhove - ambas del Sint-Janshuismolen de Brujas -, Retrato de un joven, del Metropolitan Museum de Nueva York, y el Retrato de una anciana del Museo de Bellas Artes de Houston, junto a otras obras, todas ellas de una altísima calidad y que han sido cedidas de forma excepcional por destacados museos europeos y americanos, como la Galeria degli Uffizzi de Florencia o el Fine Arts Museum de Houston.

En la producción de Memling, eminentemente de temática religiosa, el conjunto de retratos – unos 30 en total - constituye el capítulo más original. Una de sus grandes innovaciones dentro del género fue la inclusión de suaves paisajes como fondos de sus retratos, motivo que empleó con más asiduidad para representar a sus clientes italianos. Campos o terrazas sirven para realzar las figuras, representadas en tres cuartos o de medio cuerpo, una novedad dentro de la retratística flamenca del momento. Memling jugó también con los marcos de las tablas para aumentar los efectos espaciales de sus modelos, como es el caso de Retrato de una joven, del Sint-Janshuismolen de Brujas, presente en la exposición y una de sus obras maestras

Hans Memling

(Seligenstadt, 1430-1440 – Brujas, 1494)

Hans Memling nació en Seligenstadt, población próxima a Frankfurt, hacia 1430-1440. Sobre su formación no se tiene ninguna noticia, aunque en algunos aspectos se ha asumido que pudo iniciarse en algún taller germano. Sin embargo, en su estilo se detecta una fuerte huella de los modelos de Rogier van der Weyden, apuntándose la posibilidad de que el joven artista trabajara con este maestro en Bruselas, justo en la etapa final de su vida.

La primera noticia que se tiene de Memling se fecha el 30 de junio de 1465, cuando aparece registrado como ciudadano de Brujas. En esta activa ciudad, sus clientes serán las clases burguesas, bien instaladas y dedicadas fundamentalmente al comercio y a la banca. Estos clientes, que en muchos casos se convertirán en modelos de sus pinturas, procedían de su entorno, pero también de Italia, Inglaterra y España.

Una de sus etapas más productivas, por número y calidad de pinturas, tiene lugar en los cinco años transcurridos entre 1475 y 1480, cuando al frente de su taller desplegó una intensa actividad. De esta época son la tabla de la Adoración de los Reyes, del Memlingmuseum, encargada por Jan Floreins, y el tríptico en cuya hoja central se presenta El matrimonio místico de Santa Catalina, conservado en el mismo museo y una de sus obras más famosas. Memling murió en Brujas el 11 de Agosto de 1494.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Organiza: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; Groeningemuseum, Brujas; The Frick Collection, Nueva York.

Comisario: Till-Holger Borchert, conservador del Groeningemuseum

Comité organizador: Tomàs Llorens, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Manfred Sellink, director artístico de Stedelijke Musea, Brujas. Walter Rycquart, director gerente de Stedelijke Musea, Brujas. Colin B. Bailey, conservador jefe de The Frick Collection, Nueva York, y Till-Holger Borchert, conservador del Groeningemuseum.

Sedes:

Museo Thyssen-Bornemisza. Nueva Sala de Exposiciones de Contexto. Planta baja. Del 15 de febrero al 15 de mayo

Brujas, Groeningemuseum. Del 7 de Junio al 4 de Septiembre de 2005

Nueva York, The Frick Collection. Del 6 de Octubre al 31 de Diciembre de 2005

 

Esculturas del románico catalán

18/01/2005, El románico catalán tiene una belleza severa especial, una muestra son quince tallas románicas de madera del siglo XII, que decoraban las iglesias de los valles del Pirineo occidental, y que se exponen en el MNAC

El románico catalán tiene una belleza severa especial, una muestra son las quince tallas románicas de madera del siglo XII, que decoraban las iglesias de los valles del Pirineo occidental y que ahora forman la exposición "Obras maestras del románico. Esculturas del valle de Bohí"

Esta exposición se puede ver hasta el 28 de marzo en el MNAC, Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Once de estas tallas forman parte del Descendimiento de Cristo de Erill la Vall, formado por siete esculturas, mientras que del Descendimiento de Santa María de Taull sólo se conservan cuatro figuras, de las siete que teóricamente lo formaban en su origen. El resto de las tallas corresponden al Cristo de Mijarna, la "Mare de Deu del davallament de Durreo (Madre de Dios del Descendimiento de Durro), y dos tallas de la Virgen María, aunque sobre una de ellas existe la duda de si puede ser una representación de María Magdalena.

El conjunto del Descendimiento de Cristo está considerada como una de las obras más importantes del románico y para el director del Museo Episcopal de Vic, es "la obra maestra de la escultura del siglo XII". La reunión de estas obras tan singulares permite redescubrir la fuerza y la expresividad de la escultura románica en Cataluña y la emoción que todavía despiertan.

La muestra está organizada con la colaboración de la Réunion des Musées Nationaux(Francia), el Musée National du Moyen Âge – Thermes de Cluny (París)

La idea de esta exposición, que se presentó en París en el mes de septiembre, viene de la coincidencia de poder reunir las figuras del descendimiento de Erill la Vall –gracias a un convenio entre el Museu Episcopal de Vic y el MNAC– y de mostrar una talla del mismo entorno artístico recuperada en el año 2001 por el museo de Cluny.

Durante el románico, tanto en el mencionado valle como en otros valles del Pirineo occidental catalán se manifestó una notable actividad constructora y artística. Aparte de las iglesias, los elementos más conocidos de esta producción son los grandes conjuntos de pintura mural –algunos de los más valiosos conservados en el MNAC– que las ornamentaban.

Por contra, la escultura monumental en madera producida en la misma época es todavía hoy en día bastante desconocida, a pesar de ser de una gran calidad artística, como se demuestra con el Cristo de Mijaran, conservado en la iglesia parroquial de Vielha, que también se incluye en la exposición.

De entre las diferentes tipologías de escultura en madera, los grupos del Descendimiento de la Cruz configuran una de las aportaciones más relevantes del románico.

Los grupos de tallas del Descendimiento son unas de las aportaciones más singulares del románico catalán y se distinguen de los creados en el resto de Europa porque presentan siete personajes e incluyen las figuras del buen ladrón, Dímas, y mal ladrón, Gestas.

La muestra ofrece al visitante una oportunidad única para poder contemplar juntas las figuras de los descendimientos de Erill la Vall, de Taüll y de Durro y el Cristo de Mijaran, todavía objeto de culto y que sólo se ha expuesto fuera de su emplazamiento en ocasiones excepcionales.

Esta es la primera exposición temporal que programa el MNAC tras la inauguración de sus obras de rehabilitación el pasado 17 de diciembre. Eduard Carbonell, director del MNAC, ha dicho que con esta exposición "se cierra un ciclo y comienza otro. Hace diez años el MNAC organizó una exposición sobre la influencia del románico en el arte contemporáneo en artistas como Tapies o Picasso.

Jordi Camps, comisario de la exposición, ha asegurado que no hay que asociar los Pirineos con el aislamiento. Durante el románico, los Pirineos estaban bien comunicados con los centros de pensamiento y culturales de la época

 

Fitur. nueva cita

16/01/2005, FITUR, la feria turística internacional que se celebra en Madrid, llega de nuevo a la cita anual. Es la 25 edición de este certamen espectacular en el que la industria turística internacional, representada por 170 países, anuncia ofertas y estrategia

FITUR, la feria turística internacional que se celebra en Madrid, llega de nuevo a la cita anual. Es la 25 edición de este certamen espectacular en el que la industria turística internacional, representada por 170 países, anuncia ofertas y estrategias.

La Feria Internacional del Turismo que se celebrará en Madrid del 26 al 30 de enero. Ramón Martínez Fraile, director general de Turismo español, y Fernando Conte, presidente de Iberia y de FITUR, presentaron hoy a la prensa los datos del encuentro turístico internacional.

Son 11.516 las empresas que acuden al encuentro, de un listado de 170 países, desde Albania a Zimbabwe, en el que destaca una presencia creciente de naciones africanas y asiáticas.

Entidades de promoción de turismo, cadenas hoteleras, agencias de viajes, empresas de transporte de todo el mundo se unen en un auténtico espectáculo, donde el que el visitante lo mismo se puede encontrar con un alto dignatario, que ante un grupo de indígenas de Oceanía ataviados con su colorido traje tropical o unos degustadores de licor de un país centroeuropeo.

A la consolidada oferta iberoamericana se añade una pujante presencia de ofertas africanas y del entorno del Pacífico. El crecimiento del número de expositores de Asia es especialmente sintomático y refleja cómo este continente está liderando el desarrollo de este sector.

Dentro del sudeste asiático, se mantiene la presencia de siete de los países más directamente afectados por el maremoto del pasado 26 de diciembre (India, Indonesia, Malasia, Maldivas, Myanmar, Sri Lanka y Tailandia). Para ello, la feria ha implementado las ayudas, con el fin de facilitar la asistencia a FITUR.

Acuden por primera vez, representados por sus organismos turísticos, Moldavia y Paraguay, así como Corea, Eslovenia, Estonia y Lituania, que ya habían estado presentes otros años con empresas.

El programa ferial incluye la celebración de la VIII Conferencia Iberoamericana de Ministros de Turismo, CIMET 2005, convocada bajo el lema de "Presente y futuro de las pequeñas y medianas empresas, en la internacionalización de la empresa turística" y a la que asisten once ministros del sector.

Junto a los encuentros profesionales, durante el fin de semana (días 29 y 30 de enero), jornadas abiertas al público, tendrá lugar un Festival Folclórico de los Pueblos del Mundo, que en esta ocasión acoge a grupos de Bolivia, Ecuador, España, Malta, México, Perú, Portugal, Rumanía, Túnez y Venezuela.

Esta feria de turismo es la segunda del mundo, por su volumen de negocio, tras la ITB de Berlín, aunque supera a la alemana en espectacularidad y superficie de exposición.

Esta edición se produce en un momento de crecimiento del turismo internacional, muy activo durante el 2004, como consecuencia del aumento de las llegadas internacionales en todas las regiones del orbe, según el último análisis de la Organización Mundial del Turismo, OMT.

Esta subida del turismo mundial contrasta con el descenso de las cifras de 2003, debido a la guerra en Irak, el SRAS (Síndrome respiratorio agudo severo) y la debilidad de la economía. Los resultados positivos del ejercicio pasado ponen de manifiesto que se ha recuperado la confianza en los viajes. El rendimiento de la economía mundial es también positivo, pese a la preocupación suscitada por la inestabilidad de los precios del petróleo.

A lo largo de los ocho primeros meses de 2004, según los datos del último barómetro de la OMT, el número de llegadas de turistas internacionales alcanzó una cifra de 526 millones, unos 58 millones de llegadas más respecto a la cifra correspondiente al mismo período en 2003. A la cabeza estuvo la región de Asia y el Pacífico, que se recuperaron tras las pérdidas registradas en 2003 por el SRAS. En Oceanía, aumentaron las llegadas considerablemente, sobre todo en sus dos destinos principales, Australia y Nueva Zelanda.

La mayoría de los destinos del Mediterráneo y Oriente Medio mantuvieron los buenos resultados obtenidos en el año 2003. La catástrofe del tsunami del Océano Indico, ha marcado el final del 2004, aunque la OMT estima que tendrá sólo un impacto limitado en el turismo mundial.

Máscaras, jolgorio y gastronomía en el carnaval checo

15/01/2005, Cuando el clima centroeuropeo sigue apretando con sus fríos invernales, los habitantes de la República Checa rompen el silencio de la estación con el jolgorio de los carnavales

Cuando el clima centroeuropeo sigue apretando con sus fríos invernales, los habitantes de la República Checa rompen el silencio de la estación con el jolgorio de los carnavales.

Los carnavales se celebran en diferentes puntos de este pequeño país, con desfiles de máscaras, música, teatro, baile y gastronomía tradicional.

Entre las fiestas destacan el desfile de máscaras en el escansen (Museo de Madera al Aire Libre) de Roznov por Rahostem el 5 de febrero, la celebración de la llegada de la Primavera en Olomouc, del 11 al 28 de febrero, y las fiestas en el escansen (Museo al Aire Libre) de Vysoký Chlumec u Sedlcan el 12 de febrero, sin olvidar los famosos carnavales del barrio de Zizkov de Praga, uno de los más concurridos y con mayor tradición en la capital checa, que inauguran las fiestas con un disparo de fusil y el sonido de los tambores.

Durante los carnavales checos se celebran programas culturales para niños y adultos, auspiciados por las autoridades locales. En Zizkov, el alcalde se disfraza de oso, como parte de la tradición popular checa, simbolizando la abundancia y la prosperidad.

También son tradicionales las matanzas de cerdo, con la posterior degustación de platos típicos de carnaval.

Los escansen checos acogen las fiestas en un entorno rural. Son museos al aire libre integrados en localidades que mantienen los estilos de vida tradicionales. En concreto el Museo de Arquitectura Rural de Valaquia de Roznov por Rahostem es el mayor museo al aire libre de toda la República Checa y el más antiguo de Centroeuropa. Inaugurado en 1925, esta “Ciudad de Madera” cuenta con auténticos edificios del siglo XVI, trasladados y reconstruidos en el museo.

Más información: www.muzeum-pribram.cz; http://www.vmp.cz

Ruta para amantes de la Cerveza

Por otro lado, Turismo Checo inaugura ahora una nueva ruta turística para descubrir la cerveza, bebida nacional del país, cuya elaboración, degustación y celebración en festivales tradicionales ocupa un lugar de honor en la cultura checa.

La República Checa posee una excelente cerveza en todas sus regiones, algunas de ellas de fama internacional, como la cerveza Pilsner Urquell, originaria de Plzen, cuyo nombre, Pilsner, era el nombre con el que se designaba originariamente a la cerveza rubia en checo; o la cerveza Budejovicky Budvar (conocida internacionalmente como Budweiser) procedente de Ceské Budejovice, la capital de Bohemia del Sur.

Bebida nacional checa, la cerveza fue desde sus orígenes un producto popular, cuyo sencillo proceso de elaboración hizo surgir por Bohemia y Moravia cervecerías locales que satisfacían la demanda de pueblos y ciudades. Muchas de ellas han sobrevivido hasta nuestros días, y actualmente pueden ser visitadas en distintos recorridos que incluyen, naturalmente, una degustación del producto.

CzechTourism presenta una ruta para recorrer durante 4 días (570 Km. de recorrido total) algunos de los lugares de mayor interés, como Praga, Krusovice, Karlovy Vary, Becov nad Teplou, Plzen, Ceské Budejovice y Ceský Krumlov, visitando las fábricas de cerveza Krusovice (www.krusovice.net), Chodova Plana (www.chodovar.cz), Pilsner Urquell (www.pilsnerurquell.us), Budejovicky Budvar, Eggenberg (www.eggenberg.cz) y Staropramen (www.staropramen.com). También son de obligada visita las cervecerías U Fleku, Novomestsky pivovar y Klasterni pivovar, en la capital checa, que elaboran su propia cerveza.

Estas pequeñas fábricas participan en la organización de ferias locales de cerveza como la Feria de Ceské Budejovice, en junio, la Búsqueda de Cerveza por la Región de Chodsko, en abril, el Día de las Bodegas Abiertas en Policka, en junio, la Fiesta de la Cerveza en Humpolec, en agosto, el Día del Erizo en Jihlava, en septiembre, la Feria de la Cerveza de la Región de Cerná Hora, en septiembre, la famosa feria Pilsner Fest de Plezn, en octubre, y la feria de Praga - Pivovarský dum, en noviembre.

 

Posible taller de Leonardo, en Florencia

13/01/2005, Historiadores italianos anunciaron en Florencia el hallazgo, en una de las dependencias del convento de la Santissima Annunziata, un taller donde Leonardo de Vinci ejerció sus talentos en el Renacimiento

Historiadores italianos anunciaron en Florencia el hallazgo, en una de las dependencias del convento de la Santissima Annunziata, un taller donde Leonardo de Vinci ejerció sus talentos en el Renacimiento, en torno al año 1500.

La noticia, aún con todos las dudas, es un atractivo más para acudir a esta parte de la bellísima ciudad de Florencia. La Santíssima Annunciata, en una magnífica plaza de la ciudad flanqueada por loggias renacentistas, en medio de la cual se halla una estatua ecuestre de Fernando I, obra de Juan de Bolonia.

La iglesia del convento de, originaria del siglo XIII, fue reconstruida en el XV por Michelozzo. Está precedida por un curioso u bello claustro, con frescos de distintos autores. La iglesia de la Annunciata tiene aire barroquizante. El conjunto se complementa con el claustro de los muertos y el hospital de los Inocentes(niños abandonados), con un bello pórtico de finas columnas que da a uno de los lados de la plaza. Obra de Brunelleschi. Magníficos medallones de Andrea della Robbia. Tiene una galería de arte con alguna pintura de calidad... Sólo faltaba el atractivo del genio de da Vinci.

En el convento de la Santissima Annunziata el artista parece que recibió alojamiento entre 1500 y 15001. La tesis , avalada por algún testimonio escrito, parece confirmarse con el hallazgo, en algunas de la paredes, frescos pintados posiblemente por Da Vinci. Así lo aseguran los artífices del hallazgo, miembros del Instituto Militar de Geografía. Entre los restos hay una pared con pájaros, de gran naturalismo.

El taller sería un conjunto de piezas anexas al convento, en las que Leonardo residía y trabajaba.

El descubrimiento en Florencia del eventual taller de Leonardo da Vinci ha despertado el entusiasmo de los responsables de los museos italianos. Sin embargo, se ha demandado cautela hasta ver investigaciones posteriores.

Parece que se sabe del uso de estos cuartos por las cartas escritas por Piero da Novellata a Isabella D´Este. Giorgio Vasari cita el contenido de las mismas en su “Vidas de los artistas”

 

Crece el turismo en todo el mundo

13/01/2005, El flujo de turistas crece en todo el mundo. Los datos de 2004 han sido positivos, y las expectativas son buenas, pese a la reciente tragedia del entorno del Océano Índico, donde estaba creciendo mucho el sector

El flujo de turistas crece en todo el mundo. Los datos de 2004 han sido positivos, y las expectativas son buenas, pese a la reciente tragedia del entorno del Océano Índico, donde estaba creciendo mucho el sector.

Parece que en el conjunto del 2005 se alcanzó un crecimiento del 10 por ciento en el número de turistas en todo el mundo: 70 millones más. Esa línea de crecimiento ya se veía en anteriores barómetros del turismo.

Según la Organización Mundial del Turismo(OMT), el sector experimentó una espectacular recuperación durante el año 2004, como consecuencia del aumento de las llegadas internacionales en todas las regiones.

El último análisis de la OMT señala que esta subida debe entenderse en gran medida como reacción ante el descenso de las cifras de 2003, debido a la guerra en Irak, el SRAS(la gripe del pollo) y la debilidad de la economía. Los resultados positivos que se obtuvieron el ejercicio pasado ponen de manifiesto que el factor miedo se ha diluido y que se ha recuperado la confianza en los viajes. El rendimiento de la economía mundial es también positivo, pese a la preocupación suscitada por la inestabilidad de los precios del petróleo.

Barómetro de la OMT

A lo largo de los ocho primeros meses de 2004, según el último Barómetro de la OMT, el número de llegadas de turistas internacionales alcanzó una cifra aproximada de 526 millones, lo cual supone unos 58 millones de llegadas más en relación con la cifra correspondiente al mismo período en 2003.

A la cabeza estuvo la región de Asia y el Pacífico, donde se registró un excepcional aumento. En particular, destacaron los destinos de Asia nororiental y Asia sudoriental, que se recuperaron de forma sensacional, tras las pérdidas registradas en 2003 por el SRAS.

En Oceanía, aumentaron las llegadas considerablemente, sobre todo en sus dos destinos principales, Australia y Nueva Zelanda, debido a factores como la sólida economía de Australia, la estabilidad del tipo de cambio y la extensa campaña de difusión de una nueva imagen de marca.

Tras más de tres años de pérdidas constantes, el continente americano se recuperó gracias a los buenos resultados obtenidos en América del Norte. Esta recuperación de la economía de los Estados Unidos y de la confianza de los consumidores de viajes del país benefició a México, donde la debilidad del peso en relación con el dólar de los Estados Unidos también contribuyó a los buenos resultados obtenidos por el destino.

La recuperación del Canadá fue más lenta en comparación con los descensos registrados durante los mismos meses de 2003. Las llegadas aumentaron también en Caribe, donde todos los destinos mantuvieron los buenos resultados obtenidos durante los últimos meses de 2003.

En cuanto a Europa se registró un crecimiento superior a la media en Europa central y oriental, áreas en las que la tasa de aumento alcanzó las dos cifras en la mayoría de los destinos, y en Europa septentrional, donde el Reino Unido arrojó los resultados más notables. El ritmo de crecimiento fue más pausado en los destinos más maduros de la Europa mediterránea meridional y Europa occidental. Confirmando la tendencia que ya se apreciaba en 2003, la fortaleza del euro representa el factor que más determina los actuales resultados obtenidos por el turismo europeo. Se beneficiaron de este factor otros destinos de Europa como Turquía, Croacia o Eslovenia y destinos de África septentrional y el Oriente Medio ubicados en la región mediterránea, como por ejemplo Egipto, Marrueco o Túnez.

La mayoría de los destinos del Oriente Medio mantuvieron los buenos resultados obtenidos en 2003 y principios de 2004, a raíz del constante y firme desarrollo del mercado intrarregional. Destacan los buenos resultados obtenidos en El Líbano, Dubai, Bahrein o Jordania. En cuanto al África subsahariana, se registraron buenos resultados en Madagascar y Uganda.

La catástrofe del tsunami ocurrido en el Océano Índico, ha marcado el final del año 2004, aunque la OMT estima que tendrá sólo un impacto limitado en el turismo mundial.

El turismo español

El turismo español también experimentó un incremento en sus cifras, aunque de una forma más moderada, lo que pone de manifiesto la estabilidad en la que se encuentra el sector. Hasta el mes de noviembre de 2004, el total de turistas internacionales recibidos fue de 50,5 millones, un 2,9 por ciento más que en el mismo periodo de 2003, según los datos obtenidos por la Encuesta de Movimientos Turísticos en Fronteras (Frontur).

Cataluña fue durante 2004 el primer destino nacional, con 12,0 millones de turistas. El resultado se explica por los crecimientos registrados para sus principales mercados emisores, en el periodo acumulado de enero a noviembre, que fueron Francia y el Reino Unido.

El archipiélago Balear también obtuvo en 2004 muy buenos resultados. Entre enero y noviembre se recibieron 9,7 millones de turistas internacionales. Otras de las comunidades que también obtuvieron un incremento en el número de llegadas de turistas, fueron Andalucía, que recibió 7,2 millones de turistas internacionales, y Madrid, con 3,1 millones de turistas. Canarias y Valencia son las comunidades en las que se experimentó un descenso en el número de llegadas.

El Reino Unido fue claramente el primer. Le sigue Alemania. En contra, cabe apuntar que descendieron notablemente las llegadas de turistas procedentes de Francia, Países Bajos y Bélgica.

Por los mares australes

12/01/2005,

  

Carnavales de Villar del Arzobispo

12/01/2005, Villar del Arzobispo, en la comarca de la Serranía, a unos 50 kilómetros al oeste de Valencia, España, posee unos carnavales, que año tras año van haciéndose más divertidos y populares

Villar del Arzobispo, en la comarca de la Serranía, a unos 50 kilómetros al oeste de Valencia, posee unos carnavales, que año tras año van haciéndose más divertidos y populares.

Durante la dictadura franquista el Carnaval estuvo prohibido, perdiendo con los años su popularidad, hasta que hace veintidós años recobra su interés en Villar del Arzobispo. En 1981, un reducido grupo de personas decide rescatarla del olvido y durante el invierno de comienzan a madurar la idea de recuperar el Carnaval, comenzando a recopilar información de los ancianos del lugar y saber cómo se celebraba. Éstos les comentaron que la costumbre era disfrazarse de "botargas" con el objetivo de provocar, ocultándose bajo un atuendo común a todos y creado con prendas del hogar: sábanas, cestas y almohadas.

Era el único día del año en que la gente se desinhibía. Las botargas (mayoritariamente hombres) en algunos casos iban desnudas o ligeras de ropa bajo un disfraz que les deformaba la figura y les ocultaba el rostro. Llevaban a modo de barriga y trasero unas almohadas atadas para deformar la figura y una cesta de vendimiar cubriéndoles la cabeza y cuyas rendijas les permitía tener una visión suficiente para caminar y observar a quienes se acercaban; por último, una sábana o cubre de cama se dejaba caer desde lo alto de la cesta y recogida con las manos tapaba todo el cuerpo.

El grupo de botargas desfilaba por las calles del pueblo acompañadas de una charanga (acordeón, caja y guitarras) y sin dejar de incordiar a las personas que encontraban a su paso; cuando deseaban meterse con alguien se acercaban y les gritaban deformando la voz: "guruguruguru que no me conoses, que no me conoses"; este grito, de tipo gutural (sin que haya fuentes de investigación que lo atestigüen) parece una reminiscencia del grito de las mujeres bereberes (antiguas pobladoras del lugar). Famosa por su impacto en aquel momento y mantenida en la tradición oral por las personas más mayores del pueblo, fue una comparsa de botargas que, subidos a un carro tirado por un burro, recorrieron las calles del pueblo (escasamente iluminadas en esa época) mostrando a sus convecinos y de manera intermitente las partes pudendas, al grito de "¡vendemos puerquicos!". Corría el año 1935 y la cuadrilla se llamaba "del ñudo" (del nudo) e iban acompañados del "Tío de la higuica", personaje popular vestido a la antigua usanza y con capa quien, portando una caña larga de la cual pendía un hilo en cuyo extremo llevaba atado un higo seco, provocaba a los niños para que intentaran comerla, pegando un golpe de caña cuando éstos estaban a punto de hincarle el diente y poniéndola lejos de su alcance.

Evolución de la fiesta

En el año 1982 se disfrazó solamente la peña que ideó rescatar del olvido el Carnaval. No obstante, hasta conseguir completar el programa de fiestas actual, las diferentes comisiones han ido incorporando progresivamente nuevos festejos. Desde entonces es una fiesta que con el paso de los años gana protagonismo dentro del ámbito de la provincia de Valencia. La celebración del Carnaval de Villar se ha caracterizado por ser creativa e innovadora, y así ha sufrido cambios, incorporando diversos elementos festivos que dieran mayor amplitud a la celebración del Carnaval, en algunos casos similares o con algún referente a los realizados en otros lugares y, en otros, de nueva creación. Todo ello de manera escalonada, de tal manera que ha ido creciendo no sólo en actos sino en días festivos:

1. Velatorio de la Morca(morcilla)

Desde 1993 el jueves pasa a constituirse como el primer día de la fiesta. Desde sus inicios, la Morca ha sido transportada hasta su cremación por hombres. Con la institución de este noche festiva se daba la participación también a las mujeres, pues desde esa fecha son quienes transportan la Morca, desde el taller (local de la Comisión de Carnaval donde ha sido construida) hasta un local donde esperará hasta el sábado, día de su entierro.

En ese lugar será velada por los miembros masculinos y femeninos de la Comisión y acompañada de quienes deseen asistir al velatorio. Para acompañar la noche se cuenta con una verbena amenizada por una orquesta, mientras se reparte entre los presentes "congretes" y cazalla.

2. Desfile de Botargas

Tiene lugar el viernes por la tarde, a la caída del sol y después de dispararse el chupinazo (cohete) que anuncia el comienzo propiamente de la fiesta. Las botargas recorren las calles del pueblo en nutrido grupo y acompañados de una charanga, instando al público a unirse a la comparsa festiva que, como ya se ha dicho, no cesa de importunar a las personas que encuentra a su paso. Hasta 1996 la comparsa fue acompañada del "Tío de la higuica", personaje representado por Miguel Antón Molina y que murió en esa fecha.

Posteriormente no ha sido si no de manera intermitente que se ha recuperado este personaje de manera voluntaria. No obstante en la presente edición(2005) se piensa recuperar y mantenerlo en lo sucesivo dado su carácter tradicional.

3. Concurso de Murgas

Se instituye 1986, a la manera de las que se celebran en Cádiz y en otros lugares de España. Tiene lugar el viernes por la noche y es uno de los actos más esperados por la población, dado que en las letras se vierten los hechos más significativos acontecidos durante el año, tanto a nivel local como nacional e internacional. Las letras de las murgas, festivas, ocurrentes, maliciosas o irónicas se trasladan a un librito que es repartido esa noche entre los numerosos asistentes para que puedan seguirlas y tararearlas.

La Comisión 2005 pretende publicar -para la edición del próximo Carnaval- un libro con las letras de todas las murgas presentadas hasta la actualidad. Al finalizar el Concurso comienza una verbena que finalizará al amanecer del sábado, cuando todavía quedan algunos flecos que acabar de los disfraces para el desfile de la tarde.

Paralelamente y desde el Colegio Público Fabián y Fuero, se trabaja en el Carnaval Infantil, trabajando desde las aulas en la confección de una "morca" más pequeña cuyo entierro se celebraba el viernes por la tarde tras el desfile, de una "murga" por ciclo educativo (sus letras, mayoritariamente, trataban sobre temas de la Escuela) que luego competían en un Concurso (la ganadora participaba por la noche en el Concurso de murgas "mayores"); los niños también participan en un concurso de Carteles infantiles.

Desafortunadamente esta dinámica se truncó en 2002 con la desaparición del concurso de murgas infantiles (los demás actos continúan celebrándose), aunque se está trabajando para recuperarlo e incorporarlo al diseño curricular del centro educativo, por entender que los niños y niñas significan el futuro de la fiesta.

4. Desfile de Carnaval

El es el único acto que se ha celebrado desde los inicios de la fiesta y con el cual nació. Da comienzo a las 16:30 horas con la concentración de comparsas y del público en general a las puertas del local de la Comisión, desde donde y acompañados de ocho bandas de música intercaladas entre la multitud inician el desfile por las calles del pueblo.

El Desfile de Carnaval es el acto (con diferencia) más multitudinario, tanto en participantes como en espectadores, habiendo alcanzado cuotas de visitantes cercanas a los 25.000 en los últimos años de la década de los 80 y primeros de la década de los 90; en la actualidad se cifra entre10.000 y 15.000 visitantes. Por otra parte, dadas las fechas en que se celebra (mayoritariamente en el mes de febrero) y la situación geográfica de nuestro municipio, en cuanto a la climatología hemos tenido de todo y jamás se ha suspendido: nieve, frío, viento y lluvia; sin alejarnos nada en el tiempo, en la edición de 2004 el desfile se realizó bajo una pertinaz lluvia que, no obstante, no amedrentó a nadie y se realizó hasta el final.

5. Quema del Chinchoso

Hasta 1985 la fiesta únicamente contaba con un acto, el desfile de Carnaval que iba acompañado de una banda musical para animarlo. Este año se incorpora un nuevo personaje: el "Chinchoso", un muñeco a escala natural que toma la figura de una persona (internacional) que represente los valores más negativos mostrados en sus acciones; en la edición de 2004 dicho honor recayó en el actual presidente de USA, George Bush. Paseado por las calles del pueblo dentro de una jaula es conducido hasta la hoguera que arde desde la noche anterior en el centro del pueblo y allí es quemado acompañado de los atronadores gritos de la gente y del estruendo de una música infernal, con el deseo de que las llamas purifiquen los efectos de dichas acciones.

A continuación tiene lugar el reparto gratuito de "entrepanes de morcas" (alrededor de 1.500 bocadillos, conteniendo dos morcillas que han sido preparadas semanas antes por la Comisión, primero fritas y después metidas en la jarra con el mismo aceite) y de un vaso de vino de la tierra; aunque las hay de carne, arroz, pan y cebolla, tradicionalmente se hacen de esta última, por ser las más populares.

6. Entierro de la morca

Tomando como referencia el famoso entierro de La Sardina (Murcia) se constituyó el Entierro de La Morca; las morcas en Villar del Arzobispo es el nombre que recibe una clase de embutido, las morcillas. Son típicas de nuestra gastronomía y determinaron que sería un buen homenaje a éstas. Cada año y por su caracterización mínima (no se viste, sólo se pinta su cara y algún elemento adicional: lazo, pañuelo, sombrero…), adopta un "personaje" diferente: pirata, coqueta… Después del desfile es el acto que más público congrega. Tiene lugar a la medianoche, con las luces de las calles del recorrido apagadas. Un desfile de antorchas abre la comitiva hasta la Morca que, llevada en andas por miembros de la Comisión es acompañada por un grupo de plañideras y una pequeña banda que interpreta dos ritmos diferentes: uno lento y acompasado que se une a los llantos de las mujeres, y otro frenético y acompañado de alaridos que se aprovecha para zarandear las andas con movimientos dislocados (hacia arriba y hacia abajo, y hacia ambos lados). Así hasta llegar a las puertas del local de la Comisión donde es incinerada tras el disparo de un castillo de fuegos artificiales; tradicionalmente, la morca iba repleta de cohetes que salían enloquecidos cuando ésta empezaba a arder, pero tras el cambio de normativa hace tres años ya no se ha vuelto a realizar.

A continuación tiene lugar la verbena, amenizada por dos grupos, cuyo final tiene lugar al amanecer, momento en que se recogen las cenizas de la Morca y se llevan al Balsón (embalse de origen árabe situado a la entrada del pueblo) donde serán lanzadas a sus aguas. Por último, la comisión obsequia con chocolate y magdalenas a quienes han aguantado hasta esas horas. Ha finalizado la fiesta… hasta el año siguiente.

La Comisión de Carnavales

Surge con la idea de mantener en activo la realización de la fiesta año tras año a partir de 1982, cuando se rescata del olvido. Cada año, en la verbena del sábado, se propone un listado de personas del pueblo, peñas y grupos de amigos de todas las edades para que se hagan cargo de la realización de la fiesta para el año siguiente. Esta Comisión se reúne todas las semanas y toma decisiones para obtener los medios económicos suficientes y así luego poder hacerse cargo del pago de los gastos ocasionados para poner en funcionamiento la fiesta: loterías, rifas, venta de camisetas, conciertos, verbenas, fiestas de disfraces, concursos, solicitud de subvención al Ayuntamiento de Villar del Arzobispo y a la Diputación (SARC), aportaciones económicas de los comercios colaboradores, concursos...

En 1996, el Ayuntamiento cedió a la Comisión de Carnavales un local para la realización de reuniones, confección de "La Morca", almacén... y todos los actos que acarrea la realización de la Fiesta. Posteriormente se adquirió un equipo informático y los materiales necesarios para la realización de los eventos. No obstante, no sólo la Comisión de Carnavales es la encargada de acarrear con todo el esfuerzo necesario si no que muchos colectivos y asociaciones del pueblo son colaboradores. Como es el caso de la Asociación de Las Amas de Casa que fríen todo el embutido para el reparto de los bocadillos durante la celebración del Carnaval; el alumnado del Centro Ocupacional de Disminuidos Psíquicos "Los Serranos" de Villar que realiza con mucha ilusión el Chinchoso; también hay que agradecer al gremio de los carniceros que aportan las morcillas para hacer los bocadillos; y a la empresa Bodegas Comeche de Villar que contribuye con vino de la tierra. Por otra parte, diversos pubs ceden sus locales para realizar allí las fiestas durante el año. Además, todos los vecinos colaboran indirectamente, puesto que son ellos los que a lo largo del año compran las loterías realizadas para recaudar fondos.

Durante el verano se realiza un Concurso de Carteles. El cartel ganador es utilizado por la Comisión para anunciar la Fiesta y es divulgado por todos los lugares posibles, como Centros de Información Juvenil, los pueblos más cercanos, por Valencia (Universidades, paradas de autobús...), medios de comunicación... Todas las comisiones, a parte de reunirse para recaudar fondos también lo hacen para aportar nuevas ideas que hagan del Carnaval de ese año algo inolvidable y para que atraiga al mayor número de visitantes. Datos de interés: Municipio: Villar del Arzobispo Comarca: La Serranía Provincia: Valencia Nº de habitantes: 3.726 (población de la comarca de La Serranía que posee mayor número de habitantes) Superficie: 40 Km2. Altitud: 520 metros sobre el nivel del mar Acceso: Está situado a 49 Km. de la ciudad de Valencia, su acceso se realiza únicamente a través de la Autovía de Ademuz. Su núcleo urbano está ubicado a escasos 4 Km. de la CV-35 (Valencia-Ademuz), en el cruce con la CV-395 (Requena-Segorbe) que pasa por la población. Se adjunta horario del Autobús de línea. Teléfonos de interés: Ayuntamiento de Villar del Arzobispo: 96 272 00 01 - 96 272 00 02 Agencia de Empleo y Desarrollo Local: 96 272 00 01 - 96 272 00 02 Oficina Municipal de Turismo: 96 272 00 01 - 96 272 00 02 PAISAJE El paisaje lo constituyen elevados cerros y una gran llanura en la parte más baja del término municipal. Coronando el pueblo se alza el cerro Castellar, a 690 m.s.n.m. y desde el cual se ofrece una fantástica panorámica hasta el mar. Además, Villar, cuenta con dos rutas, "La Huella del Hombre" y "Ruta Monumental" que permiten al visitante conocer más de cerca nuestro pasado, a la vez que recorren estas tierras de interior. Posee un entorno ideal para practicar deportes de naturaleza y aventura, ofreciendo al visitante la posibilidad de montar a caballo, hacer parapente, ala delta... DATOS HISTÓRICOS Estas tierras estuvieron pobladas durante la Edad de Bronce, también por los íberos y por los romanos (a quienes debe su nombre actual, El Villar = conjunto de villas), prueba de ello son los numerosos hallazgos pertenecientes a dichas civilizaciones. Los árabes también se asentaron (a ellos debe su primer nombre, Benaduf = "el que toca el pandero", derivado de la tribu bereber que aquí se estableció). Posteriormente, Jaime I donó la población en señorío a D. Fernando Díaz en 1236, dependiendo de la Baronia de Andilla, hasta que en 1300 pasó a formar parte de la Baronia de Chulilla y con ello patrimonio de la Mitra Valentina. Su Palacio Arzobispal fue propuesto al emperador Carlos V como residencia para curar su enfermedad. Lleva el sobrenombre "del Arzobispo" porque el 7 de mayo de 1.795 se lo concedió el rey Carlos IV al tiempo que le otorgaba el título de villa real. Durante las guerras carlistas, en el siglo XIX, el conjunto de la torre de la iglesia y del palacio fue cuartel general de las tropas carlistas. En la guerra civil española se situó la retaguardia del frente de Teruel y tuvo hospital de campaña y aeródromo militar. A lo largo de los siglos el crecimiento de la villa se ha debido al intenso laboreo de las tierras más cercanas (la mayoría fuera de su término), hasta los comienzos del siglo pasado, en que la industria minera del sílice y caolín se instalan a los pies del cerro Castellar y los lavaderos ocupan las ramblas al oeste de la población. EDUARDO LÓPEZ GÓMEZ www.carnavalesdevillar.com