Archivo de noticias de 2004

Alfredo Omaña

16/12/2004, Alfredo Omaña es un joven artista español, de acusada personalidad, y cuya obra ha tenido reconocimientos internacionales. Es un auténtico transformador de la materia.

Alfredo Omaña es un artista joven, nació en 1968, pero en sus obras se encuentra una personalidad definida que le ha valido reconocimientos internacionales. Es un auténtico transformador de la materia, a la que transmite ritmo y poesía.

En el 2004, sus obras se han mostrado en ArtePadova, Padua, Italia; Art-fair 2004, Colonia, Italia; Poéticas interurbanas, Astorga, España; Desvelados, Salamanca, España, y Cinco artistas en Movimiento, Milán, Italia. Presentó tambien una notable muestra individual, “Materia nomade”, en Milán (noviembre-diciembre). En los últimos años, la obra de Omaña ha merecido diversos galardones, entre ellos la medalla de oro de la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia, en 1997.

Aferrado a la naturaleza.

El pintor nació en Riofrío, León, España, un pueblecito aferrado en la hondonada de un valle solitario. Tal vez en medio de aquella naturaleza austera aprendió el valor de la tierra, de la madera, del barro, la paja y los adobes que transformaría luego para darles una nueva vida.

“Nazco en una tierra fría y humilde como otras muchas tierras frías y humildes. De aquel lugar me queda todo, a pesar de no vivir en él. Es el lugar donde guardo toda mi memoria, lo que soy”, dice este hombre sencillo, aferrado al pueblo.

Pero la vida de un muchacho de los años sesenta, nacido en pleno hundimiento del ámbito agrario español, pronto encontraría nuevos derroteros. Continuó estudios de secundaria en el seminario de Astorga, y de allí pasó a Salamanca, donde obtuvo la licenciatura de Bellas Artes.

“Estudié Bellas Artes –dice- porque era lo único para lo que estaba preparado intelectualmente; no creo que hubiese podido terminar otros estudios. El arte, para mí, es una necesidad antes que un oficio o una actividad”.

Omaña dice que Salamanca es su tierra de acogida, aunque conserva intensos lazos de unión con su tierra original, que ahora es para él “un lugar espiritual, un refugio, un lugar donde se para el tiempo”.

Tal vez esa añoranza de sus raíces se sigue manifestando en su obra y su estilo de vida: “Desde hace cuatro años vivo y trabajo en un pueblo a doce kilómetros de Salamanca rodeado de naturaleza y paz, como en Riofrío. No soporto la ciudad como ámbito para vivir. El lugar que ocupo es un espacio industrial rescatado y adaptado a mis necesidades de artista; una nave de dos plantas con mucho espacio para pintar y para habitar, en un paisaje de la ribera del río Tormes”.

El significado de la obra.

Así como sus ancestros cultivaban los campos y construían aperos o viviendas de tapial con los elementos que tenían a mano, así él utiliza cajas, botellas, adobes, telas y las transforma en arte, en obras llenas de belleza y poesía.

Omaña es un amante de la observación y de la experimentación y da nueva vida a objetos materiales que tenían, hasta que llegaron a sus manos, otros significados, otra alma. Pero no le gusta expresar con palabras el significado de la obra, prefiere que el espectador analice sus composiciones, sus collages, y utilice su intelecto en la en la interpretación de las metáforas artísticas. “Tengo por costumbre –dice- no hablar del significado de mis obras, no por que no tengan un significado personal ,sino por que no quiero matar la posibilidad de que puedan significar otras cosas, y eso es algo que me interesa mucho”

Los materiales no son pobres ni ricos.

El artista dice que “materiales de desecho, materiales pobres...son conceptos técnicos para definir los diversos materiales con los que trabajan los artistas desde Picasso hasta nuestros días (...) estos materiales, para los artistas que trabajamos con ellos, no son ni pobres ni de desecho, mas bien todo lo contrario”.

Su obra tampoco responde a una idea de reciclar por reciclar... “En mi caso responde a cuestiones de energía, de dialogo con el material, de tal forma que éste pasa de objeto encontrado o de desecho a obra para un fin concreto como la de comunicar una idea por una simple decisión; lo que cambia es la percepción de ese objeto, descontextualizado”.

A veces, con barros o tabla construye campos de color o espacios vacíos, escenarios, sobre los que ubica y realza otros objetos. Él matiza: “Tu hablas de vacíos, pero para mi el vacío no existe; es un espacio mas lleno de otras cosas. Mis espacios no son los de Rothko ¡Qué más quisiera!. Son escenarios como tu bien dices”.

Su obra, original y poética es difícil de encajar con corrientes determinadas. “Mi trabajo encaja dentro de muchas corrientes y de ninguna. A veces no se si es una pintura o una escultura o las dos cosas a la vez. A mí me gusta el termino “informalista” por su carácter ambiguo”

En la vida diaria, Alfredo Omaña, se dedica a pintar y a desarrollar un proyecto en el campo de la plástica infantil desde hace mas de 10 años en Salamanca. Trabaja en “El Taller”, con niños de 5 a 14 años, amantes de la pintura. “El taller es un espacio independiente de todo organismo; funciona en horario extraescolar de lunes a viernes. Es un espacio equipado con los medios necesarios para desarrollar la actividad plástica de una forma digna y plena. Se trabaja con grupos reducidos y afines en edades y niveles”.

En el catálogo de su última exposición, “Materia nomade” (Movimento Arte Contemporánea. Milán, Italia), La historiadora de arte Victoria Fernández dice: “ Omaña hurga y revuelve en la tierra, la excava mientras se deja emocionar y se inspira con los objetos que encuentra, objetos olvidados que se transforman en la poética de su propio trabajo”

En el fondo, Omaña proporciona una resurrección a la materia encontrada y le transmite sensaciones ancladas frecuentemente en lo más intimo de sus vivencias, en las que está su mundo, su tierra, una tierra a la que retorna con frecuencia para descansar, para pasear, para reencontrarse con el calor de las gentes, el olor del fuego y el ambiente –también matérico- de las cocinas en las que florece la tertulia y descansa el fruto de la cosecha.

Por Tomás Alvarez

Rubens..por Navidad

15/12/2004, El Prado presenta una muestra especial en la que une el interés por la Navidad y arte. “Rubens. La adoración de los Reyes Magos” es un buen final para el año dedicado al gran pintor de Amberes

El Prado presenta una muestra especial en la que une el interés por la Navidad y arte. “Rubens. La adoración de los Reyes Magos” es un buen final para el año dedicado al gran pintor de Amberes.

Esta muestra (30 de noviembre al 27 de febrero de 2005) presenta las claves y la evolución del cuadro La adoración de los Magos de Rubens; una pintura que tiene elementos especialmente interesantes.

En la presentación de la exposición deduicada a este cuadro, el director del Prado, Miguel Zugaza, dijo que la idea de celebrar una muestra dedicada a La adoración de los Reyes Magos surgió en los días en que se restauró el cuadro, entre el 2000 y 2002, al comprobar que existían huellas de la curiosa historia de la obra, pintada en 1609 en Amberes y repintada por su autor veinte años después en Madrid. En esta última fecha, Rubens modificó numerosos detalles de la composición original y la amplió en sus márgenes superior y derecho.

Una muestra pequeña, pero muy densa.

El objetivo de la exposición es explorar la creatividad de Rubens. Para ello se ha reunido además un grupo de cuadros que contribuyen al estudio de la Adoración de los Magos. En la exposición se presentan varios bocetos realizados en preparación para el cuadro, y una copia que documenta su aspecto original en 1609. La posibilidad de comparar la copia con el cuadro transformado ofrece una oportunidad excepcional para estudiar la evolución del gusto y el estilo pictórico de Rubens. Se incluyen también otras obras de Rubens que ayudan a contextualizar La Adoración de los Magos, y a explorar la creatividad del maestro flamenco. En los cuadros Santo Tomás y San Pablo, del entorno de 1613, se observa la costumbre de Rubens de repetir modelos: los dos santos muestran los mismos rasgos que dos de los magos que aparecen en La Adoración. Los cuadros Filopomenes descubierto y La Inmaculada Concepción presentan también el estilo de Rubens en las dos fechas en que se pintó La Adoración de los Magos: Las figuras del primer cuadro son similares al aspecto que debió de tener La adoración en 1609, mientras que el cuadro de La Inmaculada fue pintado en Madrid en 1628-29, en el mismo momento en que tuvo lugar la transformación de La adoración. El cuadro Paisaje con Psique y Júpiter fue pintado originalmente por Paul Brill, un paisajista flamenco afincado en Roma amigo del pintor. La decisión de Rubens de repintar parcialmente este cuadro demuestra que la transformación de La Adoración no es una excepción, sino un ejemplo de su forma de actuar como artista.

El año Rubens. El pintor y la obra

Rubens es uno de los grandes genios que ha estado más de actualidad en el año 2004. Desde Nueva York a Viena se programaron muestras relativas a esta maestro. Tal vez la más destacada fue la de Lille, Capital Europea de la Cultura 2004.

El pintor nació en Westfalia, en 1577, pero sus padres eran de Amberes, a donde pronto volvería con ellos. Su educación fue muy amplia. Inició estudios de pintura en el taller de Verhaecht, y luego pasó al lado de otros dos maestros locales. Cuando cumplió la veintena ya se le consideraba en Amberes como un excelente artista.

Su estancia en Italia le reportaría una intensa experiencia en sus visitas a Mantua, Venecia, Génova y Roma, período en el que recibió la influencia de gentes como Tiziano, Tintoretto y Caravaggio. En esta época italiana, como enviado del duque de Mantua, estuvo por primera vez en Madrid, donde pasó largo tiempo estudiando los excelentes tizianos de la corte.

Vuelto en 1608 a Amberes, se casó con Isabel Brandt y empezó a atender a una gran clientela de la burguesía local. Su fama se multiplicó por toda Europa. Dominaba seis idiomas y era una especie de gran maestro de la cultura, por ello Amberes le confió el ornato urbano con ocasión de la llegada del cardenal-infante, don Fernando, el nuevo gobernador español de Flandes, quien poco antes había vencido en la batalla de Nцrdlingenen a una coalición de tropas de territorios protestantes.

La cortes europeas, principalmente España, Francia e Inglaterra, le encargaron importantes trabajos.

María de Médicis, reina de Francia, encargó al pintor dos serie de cuadros para el palacio de Luxemburgo; también realizó cuadros para Carlos I de Inglaterra, y -sobre todo- recibió una petición colosal del rey de España: 122 cuadros, para su pabellón de caza de Madrid (en esta tarea, Rubens contaría con la ayuda de Jacob Jordanes).

También hay una importante veta religiosa en su actividad. Rubens pinta inspirado por la Contrarreforma. Precisamente Flandes era la frontera católica, ante los territorios protestantes. Rubens también hizo cartones para tapicerías.

El pintor falleció en la propia ciudad de Amberes en 1640. Diez años antes se había casado por segunda vez, con Elena Fourment. Era un ser enormemente vital, arrollador, que desplegaba una inusual actividad. Fue incluso diplomático al servicio de la corona española. Contó con magníficos colaboradores para hacer su extensísima obra, llena de exuberancia y barroquismo, en la que destacan sus figuras plenas de luz y carnalidad.

Rubens acababa de volver de Italia, cuando recibió del Ayuntamiento de Amberes en 1609 el encargo de realizar La Adoración de los Magos, con la que la ciudad deseaba decorar la sala donde los representantes de España y de las Provincias Unidas del Norte de los Países Bajos firmaron la Tregua de los Doce Años. Tres años después, Amberes regaló la obra a Rodrigo Calderón, embajador extraordinario del rey de España. Caído éste en desgracia y ejecutado, en 1621 la pintura fue confiscada por la Corona. En 1628-1629, durante su segunda visita a España, Rubens decidió repintar el cuadro.

El cuadro

Gabriele Finaldi, director adjunto de conservación del Prado, escribió un interesante comentario sobre esta obra en los días en que se restauró:

En 1609 Peter Paul Rubens tenía 32 años. Acababa de regresar a su Amberes natal tras un periodo en Italia, rebosante de energía y deseando demostrar de lo que era capaz. Afortunadamente pronto le llovieron las oportunidades, entre las que se encontraba el encargo de pintar una gran Adoración de los Magos para el Ayuntamiento de Amberes

Su respuesta fue una obra de suntuosidad espectacular en la que sintetizaba todo lo aprendido en Italia. Este es el cuadro que se encuentra actualmente en el Museo del Prado. O, al menos, parte de él, como veremos más adelante.

Durante los ocho años que pasó en Italia, Rubens se dedicó a viajar y a estudiar. Visitó Venecia y fue designado pintor de la corte del Duque de Mantua, en cuya calidad realizó un viaje a España en 1603, donde pintó el magnífico retrato ecuestre del Duque de Lerma (Madrid, Museo Nacional del Prado).

En Roma realizó dibujos basados en obras de la antigíedad y en las de Miguel Angel y Rafael, empezando ya a concretar hasta donde llegaría su ambición como pintor. Ejecutó retablos de gran formato para los Jesuitas de Génova y para los Oratorianos de Roma, donde seguramente conoció a Annibale Carracci, a Orazio Gentileschi y al Caballero de Arpino, y posiblemente a Caravaggio, cuya obra tenía en gran estima. Cuando los Capuchinos de Santa Maria della Scala rechazaron el retablo de la Muerte de la Virgen, realizado por Caravaggio, tachándolo de falto de decoro (se decía que la modelo que posó para la Virgen había sido una prostituta), Rubens convenció al Duque de Mantua para que lo comprara. Era íntimo amigo del pintor alemán, Adam Elsheimer, cuyas preciosas escenas nocturnas de pequeño formato adquirió para su colección personal, y formaba parte del círculo internacional de litterati, arqueólogos y clérigos eruditos, con quienes compartía la admiración por la antigíedad clásica y, en particular, por los escritos de Séneca, fascinación que le acompañó durante toda su vida.

Rubens pintó la Adoración de los Magos como un nocturno. San José y la Virgen aparecen a la entrada de un templo en ruinas, que simboliza la extinción del antiguo régimen pagano y el anuncio de la nueva Ley, para presentar al Niño Jesús a los tres Magos. Según San Mateo (el único de los evangelistas que recoge su visita) se trataba de hombres sabios procedentes de Oriente, pero para Rubens (como para gran parte de los pintores occidentales) eran Reyes. Visten magníficos atavíos regios, bordados en oro y forrados de pieles y se adornan con joyas preciosas, y van acompañados de un séquito real de pajes, soldados y esclavos.

De acuerdo con la tradición pictórica, Rubens los representa de razas diferentes: se entendía que los reyes significaban las naciones de la Tierra reconociendo a Cristo como Rey universal, y personificaban los tres continentes conocidos de Europa, Africa y Asia. En los Países Bajos era costumbre materializar a los reyes de diferentes edades, insinuando que representaban las Tres Edades del Hombre, volviendo a poner así de relieve la naturaleza representativa y universal de su homenaje.

Rubens hizo especial hincapié en los presentes que portan. El rey que está arrodillado ofrece un recipiente de oro lleno de monedas; el Niño, curioso, coge una de ellas. El regalo del oro se interpretaba como la majestad de Cristo, pero el Niño sostiene la moneda como si se tratase de la Sagrada Forma. Es quizás una alusión intencionada a su misión sacerdotal, que viene igualmente indicada por la estola que cuelga por un lado del pesebre. El rey negro porta un incensario como reconocimiento a la divinidad del Niño, y junto a él un paje sopla las brasas para mantenerlas encendidas. El rey que está de pie, ataviado con una espectacular túnica de seda escarlata, como un venerable senador veneciano, lleva una caja de oro llena de mirra, una esencia de savia de árbol que se usaba para embalsamar a los muertos, lo que se interpretaba como una alusión al futuro sacrificio y muerte de Cristo.

La Adoración de los Reyes fue pintada para el salón donde se acababa de firmar, en abril de 1609, la tregua de doce años entre España y las provincias protestantes disidentes del Norte de los Países Bajos. La tregua trajo una interrupción temporal de la guerra atroz que llevaba cuarenta años bañando en sangre las ciudades y los campos de los Países Bajos. El tema del cuadro era susceptible de una interpretación política: los reyes, gobernantes políticos de su época, acuden a rendir homenaje a Cristo, Príncipe de la Paz, y en pos de ellos viene la salud y el bienestar. La paz trae consigo la prosperidad. Este es el tema central de las representaciones de Rubens y va unido a su posterior actividad como diplomático, durante la cual dedicó denodados esfuerzos para llevar la reconciliación a los estados litigantes. Su cuadro de gran formato Minerva protege a la Paz de Marte, más conocido como "Paz y Guerra" (Londres, National Gallery), fue pintado en 1629-30, cuando Rubens se encontraba en Londres, para demostrar visualmente a Carlos I que era necesario para los intereses de Inglaterra y de España que él y Felipe IV llegaran a la reconciliación, pues de otra manera Marte aplastaría a la Paz desterrando a los beneficios de ésta – la prosperidad y las artes -. A finales de la década de 1630 pintó Los Horrores de la Guerra (Florencia, Palazzo Pitti) y se lo envió a los Médici en Florencia; en carta dirigida a su compatriota Justus Suttermans, que era pintor de aquella corte, explicaba que una de las figuras "la apesadumbrada mujer vestida de negro, con el velo desgarrado, a la que han despojado de todas sus joyas, es la infortunada Europa que, desde hace tantos años, es objeto de saqueos, ultrajes y miseria.

El cuadro estuvo poco tiempo en Amberes. En agosto de 1612, las autoridades municipales decidieron regalarlo al embajador extraordinario de España, Don Rodrigo de Calderón, Marqués de Siete Iglesias. Calderón, que debía su carrera a la protección de Lerma, fue la víctima principal del cambio de régimen cuando Felipe IV subió al trono. Tras la incautación de sus bienes y su decapitación en la Plaza Mayor en 1621, el cuadro fue adquirido por el joven rey, muy interesado en la pintura, que se convertiría en el comitente más importante de Rubens.

Los cuadros sobre la Adoración de los Magos tenían un atractivo nato para los gobernantes, especialmente los más devotos, entre los que indudablemente se encontraba Felipe IV. Los Médici de Florencia, que debían su espectacular ascenso político a sus actividades como banqueros y a su red de patrocinio cimentada en su extraordinaria riqueza, encargaron varios cuadros de la Adoración de los Magos a Benozzo Gozzoli, Botticelli y Filippo Lippi, en algunos de los cuales los reyes tienen los rasgos de miembros de la familia. Las ofrendas de los magos al Niño Jesús proporcionaban una justificación religiosa a su riqueza y a su ascenso al poder: si los Médici empleaban su capital en beneficio de la Iglesia quedaría legitimada su importancia política. El propio Luis XIII de Francia, cuñado de Felipe IV, se había hecho representar en uno de los reyes de la Adoración de los Magos de Justus de Egmont (París, Musée du Louvre). La Adoración de Rubens fue colgada en el Palacio Real de Madrid.

El siguiente episodio de importancia en la historia del cuadro tiene lugar en 1629, durante la segunda visita de Rubens a Madrid. Por entonces, era ya el pintor más famoso de Europa y sus obras estaban muy cotizadas en las cortes de Italia, Francia, España e Inglaterra, así como en Flandes, donde era pintor de la corte de los Archiduques Alberto e Isabel, Gobernadores del territorio. En Madrid, donde compartía taller con Velázquez, pintó muchas obras, incluyendo los retratos de la familia real, así como una serie de copias de los cuadros de Tiziano de las colecciones reales españolas.

No se sabe si fue idea de Rubens o si fue una petición del rey: la Adoración de los Magos fue descolgada de la pared y desmontada de su bastidor y se añadieron tiras de lienzo de más de un metro de anchura en el lado derecho y en la parte superior, ampliando considerablemente la composición. Rubens pintó entonces la zona a la derecha de los dos musculosos esclavos que portan ofrendas, con reminiscencias de Miguel Angel, así como la parte superior del cuadro, por encima de la hilera de cabezas. La composición aumentó de tamaño y el número de dramatis personae se incrementó de 20 a 28.

A la derecha añadió el caballo y el joven criado y en la parte superior pintó su propio retrato vuelto de espaldas pero girándose para mirar, como si estuviera observando el cuadro que había realizado unos veinte años antes. Gigantescos camellos y criados con antorchas ocupan el resto de este lado de la composición. En la tira adicional de la parte superior pintó un cielo matutino, acentuando la transición de la noche al día a través del cuadro, y consolidando el tema de la Epifanía como nuevo amanecer histórico. Los dos ángeles, que confieren al acontecimiento un carácter gozoso y sobrenatural, fueron también añadidos en aquel momento.

Pero Rubens no se limitó a pintar las nuevas partes del cuadro. El encargo de agrandarlo le brindó la oportunidad de observar con mirada crítica su anterior trabajo y de revisarlo de acuerdo con su visión artística de finales de la década de 1620. Los cambios que introdujo quedan patentes al comparar el cuadro, tal como está en la actualidad, con el documento radiográfico y con una copia, que aún se conserva, realizada antes de agrandarlo. Alteró el perfil de la Virgen, dotándola de un rostro más lleno, y cambió su túnica de un gris pálido a un azul oscuro. También introdujo pequeñas modificaciones en las figuras, rectificando ligeramente sus actitudes o los detalles de su vestimenta. En el caso del rey negro, cambió el aspecto del incensario, al parecer para que destacara menos.

Tras su reciente restauración en el Museo del Prado, terminada en octubre 2002, la Adoración de los Magos ha recuperado la brillantez de sus colores y su actual estado de conservación está consolidado. Constituye un elocuente testimonio del arte de Rubens, como narrador y orquestador de composiciones de gran formato con figuras. Resulta fascinante apreciar los dos Rubens que muestra: el joven pintor recién llegado de su amada Italia, y el pintor mayor, con una madurez más prudente, en el principio de su cincuentena. Es también un testimonio del optimismo del artista frente a la cada vez más grave situación política de la década de 1620, optimismo arraigado en su fe personal en el Niño Dios al que los Magos acudieron a rendir homenaje.

Adviento en Austria

02/12/2004, El Adviento se considera en Austria como una de las temporadas más tranquilas y dulces del año. Desde la Edad Media la tradición del adviento tuvo una trascendencia religiosa, culinaria y cultural importante, transmitida hasta hoy

El Adviento se considera en Austria como una de las temporadas más tranquilas y dulces del año. Desde la Edad Media la tradición del adviento tuvo una trascendencia religiosa, culinaria y cultural importante, transmitida hasta hoy.

Antaño, la navidad, sobre todo en conventos y monasterios, servía para meditar, leer, cantar y preparar la mente para celebrar el nacimiento del Niño Jesus. Hoy los niños en los colegios pintan belenes, fabrican pequeños adornos navidieños y en los mercadillos de Navidad las gentes se animan con la variedad de figuras, luces, adornos y productos culinarios navideños.

La oficina de turismo de Austria sugiere varias alternativas para estas fechas.

Graz

Esta es una bella ciudad que vive y siente la cultura Europea. Allí destaca el Belen de hielo en el patio del Landhaus- el patio más hermoso de Graz. La monumental obra de hielo situada en el patio del Landhaus se ha convertido en los últimos años en un verdadero imán para los viajeros.

Innsbruck

Durante la temporada del adviento y de Navidad Innsbruck y sus pueblos encantan a lugareños y visitantes con románticos mercados de Navidad, costumbres populares y conciertos de la tradicional música de adviento.

Cuando el aroma del vino caliente a la canela, de las castañas asadas y de las especialidades típicas se mete en las narices; cuando el gigantesco árbol de Navidad con su preciosa iluminación transforma el casco antiguo en un cuento de hadas y cuando las melodías de las canciones de Navidad se cantan por todos lados - es cuando Innsbruck celebra su fiesta más bonita .

Dos de las atracciones más visitadas son el Belén en la plaza de la catedral, con figuras talladas en madera de tamaño natural y los conciertos del grupo de instrumentos de viento, que tienen lugar el 24, 25 y 26 de diciembre a las 17 horas, desde el balcón del Tejadito de Oro. A todo el mundo le gusta pasear por las casetas del mercado, cariñosamente adornados y ver los escaparates navideños con la artesanía tirolesa, los preciosos adornos de Navidad y el loden tiroles ( loden es una tela de lana, base de la moda folklórica).

Vacaciones de invierno en Tirol

Gigantescos picos y románticas borrascas de nieve. En las vacaciones se puede viajar y gozar al mismo tiempo como en casa. Hay excelente hotelería en esta tierra, donde se puede practicar esqui alpino o esqui de fondo o bajar montañas en trineo, todo es posible en esta región de deporte de invierno.

Y en Viena ...cultura

Sugerimos El MuseumsQuartier Wien, uno de los diez recintos culturales más grandes del mundo, con una extensión de 60.000 metros cuadrados, espacio para arte contemporáneo y la cultura moderna con más de 40 instalaciones.

Situado en la proximidad de los lugares turísticos más visitados de Viena, es un oasis de cultura y descanso en medio de la ciudad gracias a su enorme patio interior, restaurantes al aire libre, cafés y tiendas. Los edificios históricos de los siglos XVIII y XIX y la fachada barroca de mayor longitud de Viena crean junto con los museos de arquitectura contemporánea un conjunto arquitectónico único.

Los patios interiores del MQ se utilizan tanto en invierno como en verano para eventos temporales. Según la época del año, se puede- por ejemplo- descansar sobre asientos sobredimensionales o beber ponche en pabellones con forma de iglú.

Egon Schiele

En el museo Leopold, en el MuseumsQuartier Wien, se pueden ver hasta finales de enero de 2005 alrededor de 90 cuadros de paisajes y ciudades austríacas pintados por Egon Schiele a quíen está dedicado la colección Leopold.

Por primera vez se muestran exclusivamente cuadros de la naturaleza y de casas pintadas del artista de la época del Jugendstil.

Egon Schiele tuvo muchas facetas de creación, no sólo sus pinturas eróticas, sino su labor entre los años 1911 a 1915 representan obras como La puesta de sol (1913) Fila de casas (1915) y Cuatro árboles (1917).

Huellas dalinianas

02/12/2004, ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Huellas dalinianas, presentada en colaboración con el propio museo alavés, el Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Gala-Salvador Dalí

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Huellas dalinianas (hasta el 27 de febrero), organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales(SECC) en colaboración con el propio museo alavés, el Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Gala-Salvador Dalí.

La exposición, que forma parte del programa organizado por la SECC para recordar el centenario del nacimiento de Salvador Dalí, pone de manifiesto la enorme influencia del artista catalán en el arte español entre 1927 (cuando realiza Aparato y mano y La miel es más dulce que la sangre) y el final de la Guerra Civil.

Estas “huellas dalinianas” son evidentes, bien formalmente, bien semánticamente, en las cerca de cien piezas expuestas en Vitoria, correspondientes a una treintena de artistas, entre ellos Benjamín Palencia, Moreno Villa, Maruja Mallo o Federico García Lorca, por citar algunos. Huellas Dalinianas está comisariada por Jaime Brihuega. La presentación de la exposición en Vitoria-Gasteiz cuenta con el patrocinio de Gasnalsa

Después de Aparato y mano y La miel es más dulce que la sangre (ambas realizadas y expuestas en 1927), la pintura de Salvador Dalí queda enfilada definitivamente en dirección al surrealismo. Fue el punto final de un proceso formativo y de intermitente recepción peninsular de dicha poética, que Dalí venía compartiendo íntimamente con Federico García Lorca desde 1925. En 1929 y tras realizar diversas experiencias plásticas que dialogan con Max Ernst, Arp, Tanguy o Picabia su poética visual se orienta definitivamente. Atestiguan esto último obras verdaderamente fundacionales como El gran Masturbador, Monumento imperial a la mujer niña, Los primeros días de la primavera, El hombre invisible... Es también el momento en que Dalí fija su residencia en París, se incorpora plenamente al movimiento surrealista y se convierte en una figura de referencia para la vanguardia peninsular desde la magnitud de esa órbita en la que ya giraban Picasso, Gris o Miró.

A partir de 1929, el surrealismo plástico se difunde intensamente en el contexto peninsular, hasta el punto de convertirse en una de las líneas prioritarias de la vanguardia artística hasta la Guerra Civil. Aunque fueron muchos los referentes que orientaron las diversas direcciones del surrealismo español, las formas dalinianas desempeñaron un protagonismo indiscutible. Unas veces estas formas fueron asumidas con el carácter de verdaderas citas literales, otras funcionaron como término poético de una intensa dialéctica creativa. En cualquier caso, demostraron una intensísima presencia en una gran parte de las manifestaciones del arte peninsular, tanto en el ámbito catalán como en el vasco, el tinerfeño o en importantes aspectos de esa "poética de Vallecas" que tanta difusión tuvo en la España de los años treinta.

Las huellas de Dalí

La exposición ideada por Jaime Brihuega tiene por objeto reconstruir el mosaico que forman estas "huellas dalinianas" en el arte español producido entre 1927 y el final de la Guerra Civil, rastreando simbólicamente incluso los importantes vestigios epigonales que se produjeron en la postguerra. La muestra reúne cerca de un centenar de piezas de más de una treintena de artistas, en las que, de una u otra forma, se detecta un diálogo formal o semántico con la obra producida por Salvador Dalí a partir de 1927. Un diálogo que se concentra en el ámbito del surrealismo sin incurrir en las numerosas conexiones anteriores a esta fecha, en torno a los lenguajes cubofuturistas, novobjetivistas, mágicorrealistas, puristas o neoclasicistas que, sin embargo, sí serán tratados en los textos del catálogo.

En la primera de las ocho secciones de la muestra el visitante puede rastrear las Huellas compartidas, en un apartado que reúne cinco dibujos de Federico García Lorca. En los años treinta, el autor de Poeta en Nueva York se ha incorporado ya a la estética surrealista entendida como un juego intelectual en el que participa con las fichas de su rica iconografía, muy influida por la del genio ampurdanés: peces, figuras amputadas, ángeles, rostros desdoblados, payasos, estrellas, manos y cabezas cortadas.... Entre los dibujos destaca un retrato del pintor realizado en 1927 por su compañero de la Residencia de Estudiantes en el que un Dalí omnipotente, con mitra y paleta de pintor en su avelazcada mano, se sitúa, impresionante, en el centro de la composición con el mar y una torre lunar al fondo. Un retrato que el genio de Figueras conservó hasta su muerte y definió así: “Lorca me veía como una encarnación de la vida, tocado como un dioscuro. La mano tiene cada uno de los dedos convertido en pez-cromosoma”.

Raíces del surrealismo

La siguiente sección, Huellas en la tierra, desentraña las raíces del surrealismo en España, un movimiento que gozó de una especial aceptación entre los artistas españoles renovadores, aislados, tras la Guerra Civil, de las grandes corrientes que alterarían definitivamente el perfil de la historia del arte. Aunque esencialmente los creadores cultivaron esta tendencia de forma individual, surgieron algunas experiencias colectivas como la de la Escuela de Vallecas, que creó una particular estética surrealista ligada a los aspectos más humildes y elementales del paisaje castellano. Un surrealismo telúrico que el visitante puede contemplar en los inquietantes paisajes de los bocetos para el telón y el decorado de Fuenteovejuna realizados por Alberto entre 1933 y 1936; en las Figuras (1930) de Benjamín Palencia; en la Arquitectura vegetal y La huella de Maruja Mallo o en las sugerentes figuras de Viéndolo pasar (tres figuras en un paisaje) de José Moreno Villa, entre otros.

Huellas en un espejo, el tercer apartado de la muestra, reúne las obras del “grupo daliniano propiamente dicho” con una veintena de piezas, que reflejan claramente la influencia del genio ampurdanés, salidas de la mano de Óscar Domínguez, Joan Massanet, José Luis González Bernal, Esteban Francés, Antonio Rodríguez Luna, Ángel Planells, Pablo Sebastián, Federico Castellón, Mariano Andreu, José María Ucelay, José Caballero y Juan Ismael. Sus lienzos se pueblan, así, de manos amputadas que interpretan música ante un piano, caballos de dos cabezas, pechos y orejas que dominan un desértico paisaje, hombres con testa de cuchara, maniquíes, formas indefinidas o árboles que cobijan peces entre otras imágenes surgidas del subconsciente.

El surrealismo también alcanzó la tercera dimensión impulsado por el genio de Alberto, Francisco Lasso, Leandre Cristòfol, Antonio García Lamolla y Ramón Marinello como muestra el apartado, Huellas en el aire, dedicado a la escultura. La madera, el yeso, la piedra y el gres se conjugan en este conjunto de formas estilizadas, redondeadas y evocadoras que convierten el mundo de los sueños en una realidad palpable.

Objetos blandos

Los objetos blandos salidos de la genial mente de Dalí dejaron su impronta indeleble en el panorama artístico español. En Huellas blandas asistimos a la multiplicación de esos objetos imposibles que se instalan definitivamente en la Primavera de Javier Ciría, en las derretidas Formas blandas antropomorfas de José Luis González Bernal, en el esponjoso, El sueño de la voluntad herida, de Ángel Planells o en las maleables formas con las que Joan Sandalinas compone La vida y la muerte. Completan este apartado obras de Estebán Francés, Antonio García Lamolla, Nicolás Lekuona, José Moreno Villa, Jaume Sans, Federico Castellón e Ismael González de la Serna.

En el sexto apartado de la exposición Huellas en línea el visitante se encuentra ante una selecta recopilación de dibujos de Federico Comps, José Luis González Bernal, Nicolás Lekuona, Manuel Viola, José Caballero, Miguel Prieto Anguita e Ismael González de la Serna. Los dos últimos apartados Huellas superpuestas y Huellas en la luz, muestran, respectivamente, los fotomontajes y collages y las fotografías que reúne esta muestra con obras de Nicolás Lekuona, Manuel Viola, Alfonso Buñuel, Josep Renau, Maruja Mallo, Calvache, Josep María Lladó, Dora Maar y Emili Godes, entre otros. Además de las obras propuestas (pintura, escultura, collage, objetos, fotografía), la exposición cuenta con algunos testimonios documentales de la época (revistas, libros, catálogos de exposiciones) que dan fe de la difusión en España de la obra de Salvador Dalí.

Cerca de medio centenar de instituciones y coleccionistas han prestado obras para esta exposición entre las que destacan la Fundación Gala-Dalí, la Fundación Federico García Lorca, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Málaga, el Instituto Óscar Domínguez de Tenerife, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Bellas Artes de Córdoba, el MACBA de Barcelona, el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote, la Residencia de Estudiantes y el Archivo Histórico de la Ciudad de Barcelona, entre otros.

 

Bhopal, triste 20 aniversario

02/12/2004, La noche del 2 al 3 de diciembre de 1984, la fábrica de pesticidas de Union Carbide en Bhopal, India, dejó escapar 40 toneladas de gases letales. 8.000 personas murieron en el acto, otras 12.000 han muerto durante estos 20 años

La noche del 2 al 3 de diciembre de 1984, la fábrica de pesticidas de Union Carbide en Bhopal, India, dejó escapar 40 toneladas de gases letales. 8.000 personas murieron en el acto, otras 12.000 han muerto durante estos 20 años como consecuencia de las enfermedades que les produjo el escape.

Más de 150.000 supervivientes permanecen graves y necesitan todavía asistencia médica. Muchos niños nacidos después del desastre sufren malformaciones y enfermedades asociadas al gas tóxico.

Union Carbide (ahora propiedad de Dow Chemical) ha abandonado la fábrica dejando toneladas de residuos tóxicos. El veneno se ha esparcido en los alrededores de la planta contaminando la tierra y el agua para consumo humano. Las víctimas del desastre continúan viviendo a la sombra de una catástrofe sanitaria y medioambiental que persiste.

Desde que se fusionó con Union Carbide, Dow rechaza asumir responsabilidad en la tragedia de los supervivientes bhopalíes, sus niños y la limpieza de la fábrica y de la tierra y el agua contaminadas.

Los ecologías demandan a la Dow:

· que asuma los gastos de limpieza del emplazamiento de la fábrica, como ocurriría si ésta hubiese estado en los Estados Unidos,

· que asegure el tratamiento médico a largo plazo y la rehabilitación médica para los supervivientes del escape

· que asegure la indemnización económica para las personas afectadas y para sus familias,

· que proporcione agua potable a las comunidades que se ven obligadas a consumir agua subterránea contaminada.

Un triste aniversario

Miles de personas conmemoraron en la ciudad india de Bhopal, el 20 aniversario de la fuga de gas. Ecologistas, defensores de los derechos humanos, afectados y supervivientes participaron en una marcha por la ciudad, capital del Estado de Madhya Pradesh, en recuerdo de la catástrofe.

Los manifestantes, muchos de los cuales portaban retratos de las víctimas, pedían justicia, limpieza del entorno y protestaban contra Union Carbide, propietaria de la planta, y la Dow Chemical, que la compró en 2001.

Al cabo de 20 años de la fuga tóxica, muchas de las víctimas y sus familiares continúan sin ninguna compensación y sin posibilidad de acceder a tratamientos médicos.

Union Carbide intentó declinar la responsabilidad por las vidas que se cobró el desastre y pagó una indemnización totalmente inadecuada al gobierno de India. En la actualidad, según Greenpeace, aproximadamente 540.000 de las personas expuestas a los gases pueden tener sustancias tóxicas en su flujo sanguíneo y los hijos de los afectados se enfrentan a las secuelas de este legado tóxico. Los más de 150.000 enfermos crónicos que sobrevivieron a la catástrofe siguen necesitando tratamiento médico.

La cadena de televisión británica BBC publicó recientemente una investigación que indicaba que el agua en Bhopal "alcanza un nivel de contaminación 500 veces más alto que el límite establecido por la Organización Mundial de la Salud".

TVE emitió en el triste aniversario el documental "Una Nube sobre Bhopal", que cuenta la fuga de gas tóxico procedente de la fábrica de pesticidas de la empresa Union Carbide en Bhopal. Dominique Lapierre, uno de los máximos luchadores por los afectados, aseguró que cuando se construyó la fábrica "era un cuento de hadas para la India” un cuento que ha costado la vida a decenas de miles de personas.

 

La poesía de la joya

02/12/2004, La Fundación Caixa de Girona ha inaugurado una poética exposición dedicada a los talleres de joyeros y orfebres Masriera, una firma de las más prestigiosas de la historia joyera catalana y referente europeo del sector en los dos últimos siglos

La Fundación Caixa de Girona ha inaugurado una poética exposición dedicada a los talleres de joyeros y orfebres Masriera, una firma de las más prestigiosas de la historia joyera catalana y referente europeo del sector en los dos últimos siglos

“Els Masriera, un segle de joieria i orfebrería” es una muestra en la que brilla especialmente la iconografía modernista, inspirada en las figuras femeninas, los insectos, las flores...

Unas trescientas alhajas y obras de orfebrería, hechas en talleres de los Masriera desde mediados del XIX, presentan todo un resumen de la mejor joyería catalana. Esta exposición se exhibe hasta el 16 de enero en el Centro Cultura de Caixa de Girona, Fontana d´Or. Más tarde viajará a París y Tokio.

Las inspiraciones floral y paisajística son típicas de los joyeros modernistas, que también profundizaron en otros diseños, como paisajes en miniatura. Arte, técnica y sociedad son los ejes vertebradores de esta exhibición que reúne joyas femeninas y masculinas; piezas de uso civil y de orfebrería religiosa, muchas de ellas inéditas, que proceden de colecciones privadas y públicas de toda España

El recorrido por las obras permite conocer la evolución de los talleres Masriera, que vivieron su etapa más destacad entre 1900 y 1925, cuando estaba al frente Lluís Masriera Rosés (1872-1958). Lluís Masriera es el autor de famosos diseños de de joyas modernistas. Él revolucionó en España el oficio joyero, con sus diseños y técnicas, entre ellas el esmalte traslúcisdo, que le dio extraordinario prestigio mundial. Figuras de ninfas y formas aladas son clásicas de este autor que hace de la joya un elemento lírico y cuyos trabajos lucieron gentes como la reina Victoria Eugenia de España y que ahora se pueden ver en museos de diversos continentes.

Pilar Vélez, historiadora del arte y especialista en artes decorativas. Es comisaria de esta exposición, en la que tambien aparecen los libros del taller de los Masriera.

Los Masriera. Un siglo de joyería y orfebrería, no sólo es la historia de una familia, sino que permite vislumbrar la sociedad catalana y los gustos artísticos de Barcelona y París, que en los inicios del XX era una capital mundial del arte. También se aprecia en la muestra la influencia que tuvieron sobre los orfebres modernistas los elementos del arte japonés, algo que se comprueba en las delicadas representaciones florales.

La firma fue fundada en 1839 en Barcelona; desde el XIX, el taller Masriera ha venido manteniendo su actividad de forma ininterrumpida. Desde sus inicios, ha logrado consolidarse como una de las marcas de joyería más prestigiosas del mundo. El éxito de ésta se constata, por ejemplo, en subastas realizadas por Christie´s o Sotheby´s, y por su presencia en varios museos de arte.

 

Navidad en Praga

11/11/2004, La magia de Praga se vive especialmente en Navidad, con un programa de actividades para todos los gustos donde destaca su espectacular fiesta de Fin de Año la Plaza de la Ciudad Vieja.

La magia de la ciudad bohemia se vive especialmente en estas fiestas, con un programa de actividades para todos los gustos donde destaca sin duda su espectacular fiesta de Fin de Año, en plena Plaza de la Ciudad Vieja, donde el famoso Reloj Astronómico brinda con sus figuras animadas por el Año Nuevo.

La oficina de Turismo Checa está promocionando la Navidad en aquel país. Según sus indicaciones, si este fin de año vas a Praga no podrás perderte:

La Sopa de Pescado del día de Navidad. El 25 de diciembre los paseantes pueden degustar el plato tradicional checo por excelencia en estas fiestas, la carpa, en el corazón de la Plaza de la Ciudad Vieja.

Las costumbres populares para los supersticiosos, que se repiten en todo el país, son muy variadas, desde lanzar un zapato para encontrar pareja hasta guardar las escamas de la carpa bajo el plato para tener un año de prosperidad económica o leer el futuro en barquitos de vela o en el corazón de una manzana.

Las compras de regalos navideños con marcas internacionales en las calles céntricas de la ciudad, como la calle Prikopy y Parizska, o bien productos y juguetes tradicionales checos en el mercadillo de la Plaza de la Ciudad Vieja. Allí se pueden encontrar también joyas artesanales y dulces típicos de navidad.

Los conciertos de navidad de la Ópera Estatal de Praga, uno de los eventos más demandados por los amantes de la música clásica. Este año se celebran los días 25 y 26 de diciembre en la Basílica de San Jacobo, y del 26 de diciembre al 9 de enero se suceden conciertos de órgano y de agrupaciones corales e instrumentales por toda la ciudad.

Y sobre todo la celebración de Fin de Año en la Plaza de la Ciudad Vieja, que acoge el 2005 con las campanadas del espectacular Reloj Astronómico y sus figuritas animadas. Las fiestas de Año Nuevo se suceden por toda la ciudad, dentro de los locales y también en sus calles, y la Plaza acoge toda la noche con conciertos abiertos que atraen a una gran cantidad de jóvenes de toda Europa, convirtiendo la capital checa en uno de los lugares privilegiados para empezar el 2005.

 

Baruj Salinas: panteismo y madurez

10/11/2004, Dos bellas exposiciones se han presentado estos días en Miami con la obra de Baruj Salinas: una de pequeño formato en la galeria Andrés Pesqueira y la otra de formato mayor en el Miami Dade College

Baruj Salinas: tras los dictados secretos de su instinto artístico

S M. LUIS

La dos exposiciones que actualmente se están presentando de la obra de Baruj Salinas: una de pequeño formato en la galeria Andrés Pesqueira y la otra de formato mayor en el Miami Dade College (Wolfson Center), muestran el proceso de maduración de su pintura.

Madurez no quiere decir necesariamente un punto de llegada sino de profundización. O de lo que San Agustin llamaba "Pondus" que, de acuerdo con el santo, es el peso espiritual que toca el centro de las cosas. En el caso del Obispo de Hipona se trataba de su amor mientras que en el de Salinas de su arte o mejor dicho de su evolución poética.

¿En qué consiste esa madurez? Creo que esencialmente la obra de Baruj, aunque manteniendo su apego a las formas abstractas, ha ido explorando otros territorios más cercanos a su concepción panteista de la pintura. A medida que nos acercamos a sus cuadros descubrimos en los mismos un cosmos "variable" de acuerdo con las palabras del poeta José Kozer, cosmos que parece estar en estado de "trascendencia" para continuar con la idea del mismo poeta.

El Panteísmo que tanto atrajo a los románticos, siente una embriaguez de la naturaleza que los historiadores han atribuído a la filosofía de Baruj Spinoza, uno de los grandes exponentes de esa corriente filósofica. No en balde pudo establecerse un estrecho contacto entre el pintor Baruj Salinas y la pensadora María Zambrano quien también estaba saturada de esa embriaguez vía su neoplatonismo. De ahí entonces que la autora de Claros en el bosque viera en la pintura de Salinas la confirmación plástica de sus ideas. Precisamente ese título, Claros en el bosque aparece ahora en su serie sobre los árboles dedicado a María. Y no es por azar que las palabras del catálogo que acompañan la exposición del Miami Dade College hayan sido escritas por José Kozer, judío como Baruj y heredero también de esa vieja tradición que permanence viva en lo mejor de la mística hebrea tan llena de neoplatonismo.

Con esa mirada me aproximo, una vez más, a la pintura de un pintor y amigo cuya trayectoria he venido siguiendo desde hace años. Aquí en estas dos exposiciones nos encontramos con todas las variantes que Baruj ha logrado realizar a través de sus experiencias con el abstraccionismo.

Esta corriente, que también está íntimamente ligada a toda una tradición esóterica, le resultó apropiada para ir tejiendo su propia interpretación de la misma. Con el correr del tiempo, lo que se manifestaba como una variación de lo que un Pollock había descubierto, se transformó en otro lenguaje. En ese proceso intervinieron distintas corrientes pictóricas, la oriental sobre todo. El grafismo Zen o el arte chino pudo inculcarle a su pintura una gestualidad (como lo hiciera con otro pintor afin a Baruj: Mark Tobey) que fue haciendo y rehaciendo en líneas (cuyo intrincado engranaje puede encontrarse en la ornamentación árabe o en las iluminaciones irlandesas del Book of Kells) una complicada composición que no dejaba resquicio alguno para el vacío.

Pero a la larga ese proceso abstracto suyo encontró otras vías de expresión. Y es aquí donde interviene la naturaleza: nubes, árboles, montañas, islas, flores, etc. comienzan a surgir como explosiones de un cosmos que va naciendo frente a su mirada. Entonces aparece en su obra eso que André Bretón llamó una de las condiciones de la belleza: ser explosiva-fija. El mismo poeta al referirse a la obra de Aimée Cesaire cuyo Retorno al país natal acababa de leer, dijo de su poesía: "bella como el oxígeno naciente". Pues bien me parece que en la obra de Baruj hay mucho de esto. Se ve en sus obras de formato mayor que permite la expansión del color como una fuerza primitiva y las diversas zonas donde percibimos el azar dejando su huella. Mientras, en algunas de sus últimas obras el blanco se apodera del espacio para subrayar su temática más reciente. Pero además existen sus obras de pequeño tamaño donde todo lo anterior está concentrado en detalles cercanos al arte oriental.

Nuestro mundo actual se ha alejado de la rigidez de una geometría euclidiana para entrar de lleno en una llamada "fractal". Fractal de fragmentación, de no someterse a dictados causalísticos sino más bien a lo imponderable y sorpresivo. Toda la pintura de Baruj prosigue por un camino donde su mano obedece los dictados secretos de su instinto artístico.

En ese sentido Baruj utiliza el color y todo su intenso cromatismo como una vía o filtro (a la manera de los alquimistas) para destilar un mundo de naturaleza romántica, pero de un romanticismo más apegado a Turner que a Corot. Eso que Novalis llamaba "la adoración del caos" estaba basado en su creencia de que "cuanto más impenetrable era el caos tanto más espléndido era el astro que saldría de él".

Después de ver las escenas tormentosas de Turner, donde el color lo invade todo, puedo pensar que Baruj ha encontrado en las explosiones cósmicas de sus colores el caos primigenio que permite recuperar, como nos dice José Kozer, "una armonía primera".

Baruj Salinas "Gouaches", Pesqueria Gallery, 800 Crandon Blvd. Suite 102, Key Biscayne 33149 (305) 361-0905. Hasta el 5 de noviembre. Baruj Salinas, "Obras Recientes", Miami Dade College, Wolfson Campus, 300 NE 2nd. Ave. 5 piso. Hasta el 14 de noviembre. Lunes, martes, miércoles y viernes de 10 a.m. a 4 p.m.; Jueves de 12m. a 6 p.m. La obra de Baruj Salinas está representada por Las Américas Collection, 2440 Ponce de León, Coral Gables.

 

Fitur: turismo por todo el orbe

03/11/2004, La espectacular Feria Internacional de Turismo, FITUR 2005, que presenta su 25 edición entre los días 26 y 30 de enero, en Madrid, continúa fortaleciendo la participación internacional

Fitur aumenta su proyecciσn exterior

La espectacular Feria Internacional de Turismo, FITUR 2005, que presenta su 25 ediciσn entre los dνas 26 y 30 de enero, en Madrid, continϊa fortaleciendo la participaciσn internacional,

Esta feria colorista y divertida se presenta sobre una superficie bruta total de 150.000 metros cuadrados. Entre las novedades hay que citar el interιs creciente de las empresas e instituciones del continente africano, con la incorporaciσn, por vez primera, de Gabσn. Ademαs, Namibia, que en aρos anteriores estuvo representado a travιs de empresas, en esta ocasiσn estarα presente de forma institucional. El crecimiento de esta regiσn y la percepciσn de los paνses africanos del potencial del turismo como motor de la economνa, se ve reflejado en un importante aumento de firmas titulares de stands, que se eleva al 50 por ciento respecto a los contratantes de 2004.

En cuanto al Norte de Αfrica y Oriente Prσximo, el nϊmero de expositores que han solicitado espacio ha crecido un 45 por ciento respecto al cierre de feria de FITUR 2004. Entre las novedades, la participaciσn de la lνnea aιrea de bandera de Qatar, Qatar Airways.

FITUR 2005 contarα ademαs con las representaciones oficiales de Estonia y Lituania, que se sumarαn a la de Letonia, que ya estuvo presente en la anterior ediciσn. El nϊmero de expositores directos de Europa que han solicitado espacio en la feria es ya un 10 por ciento superior al del pasado aρo, mientras que el de las regiones de Asia y Pacνfico ha experimentado un incremento del 30 por ciento .

Respecto a Amιrica, destaca el regreso al certamen de Paraguay. Con esta incorporaciσn, FITUR 2005 cuenta con la presencia de todos los paνses iberoamericanos, para los cuales este certamen significa una oportunidad inmejorable para establecer acuerdos para impulsar nuevos destinos y desarrollos turνsticos, ademαs de una ocasiσn de intercambiar experiencias, estrechar lazos comerciales y analizar y conocer la realidad del sector.

La presencia de expositores extranjeros en FITUR es importante no sσlo por la condiciσn del certamen de un encuentro turνstico mundial de primer orden, sino tambiιn por el hecho de celebrarse en un paνs como Espaρa, tradicionalmente receptor, pero que estα conociendo una importante revalorizaciσn de su papel emisor. De hecho, se estima que de aquν a 2020 se duplicarα el volumen de turismo emisor espaρol.

Conferencia de ministros de Turismo

Por otro lado, las Jornadas Tιcnicas, que vuelven a convertirse en un importante foro de debate y anαlisis de la realidad de la industria turνstica, acogen encuentros de dimensiσn internacional. Es el caso de la “VIII Conferencia Iberoamericana de Ministros y Empresarios de Turismo”, CIMET 2005, que organiza el Grupo Nexo, el 25 de enero. Ademαs, la Organizaciσn Mundial del Turismo, OMT, convoca la jornada sobre “Gestiσn de conocimiento para el ιxito en los destinos turνsticos”, el mismo dνa 25, y otra sobre el “Control de la congestiσn turνstica”, el 27.

Asimismo, FITUR serα el escenario durante el fin de semana -29 y 30 de enero- del XXV Festival Folclσrico de los Pueblos del Mundo, un variado espectαculo en el que se ponen de manifiesto las peculiaridades culturales de los distintos rincones del planeta.

La oferta internacional

Alemania tiene previsto concentrar su promociσn como destino de viajes en todo el mundo con dos temas bαsicos: ‘Ciudades llenas de vida’ y ‘Vacaciones en familia en Alemania’. En el primer caso, presentarα las mϊltiples facetas de 50 importantes ciudades alemanas, con interesantes visitas, su ambiente, la oferta comercial, ademαs de una excelente gastronomνa, museos, exposiciones y parques. “Vacaciones en familia en Alemania” muestra a este paνs como un destino turνstico variopinto, moderno y lleno de vida, con grandes posibilidades para vivir aventuras, donde las familias podrαn disfrutar de diversiσn en los parques temαticos y acuαticos, practicando deporte o relax en plena naturaleza, o de una estupenda oferta de ocio y cultura en las ciudades y en las rutas temαticas y turνsticas.

Por su parte, Austria concentra sus actividades de promociσn y marketing para 2005 en ‘Arte y Cultura’. La cultura austrνaca conlleva una oferta muy amplia que no se encuentra sσlo en sus capitales, sino tambiιn en cada rincσn de sus pueblos y valles. Ademαs, Austria conmemora el 250 aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, con infinidad de eventos culturales tanto en Viena como en Salzburgo.

El principal atractivo de Bιlgica son sus ciudades histσricas o ciudades de arte, que nunca faltan a la cita de FITUR. Tampoco hay que olvidar la gastronomνa belga (es el paνs con la mayor concentraciσn de restaurantes con estrellas Michelνn), sus paisajes, su cultura y su cerveza. Precisamente para dar una muestra de la variedad y calidad de sus cervezas, el stand de Bιlgica contarα con un bar en estilo Art Nouveau, donde se podrαn degustar algunas de las mαs de 400 variedades de esta bebida que se producen en Bιlgica.

Croacia, que en esta ediciσn participa con dos co-expositores, tendrα un stand dos veces mαs amplio que el de 2004. Este paνs mostrarα a los visitantes todas las posibilidades que ofrece a los turistas: amplia oferta en deportes acuαticos en el magnνfico Mar Adriαtico, turismo termal, y sus mαs de mil aρos de diferentes culturas.

‘Un oasis en Escandinavia’ es el eslogan que propone Dinamarca para dar a conocer sus encantos en esta nueva ediciσn de FITUR. Con un ambiente agradable, es un destino en el que se puede disfrutar de una combinaciσn perfecta entre cultura, gastronomνa, compras y diseρo. En 2005, Escandinavia celebrarα, entre otros muchos acontecimientos culturales, el 200 aniversario del nacimiento del famoso escritor de cuentos danιs, H.C.

El stand de Gran Bretaρa en esta ediciσn promocionarα principalmente el turismo gay y las visitas a diferentes ciudades. Tras el lanzamiento de la ‘Campaρa Gay en Espaρa’, este paνs quiere poner de manifiesto lo que puede ofrecerles, con el lanzamiento de un nuevo folleto exclusivo con toda clase de informaciσn relevante para este colectivo.

El lema que presentarα este aρo Hungrνa es “La sonrisa de Europa”, resultado de un estudio realizado a los viajeros que han visitado el paνs en el que, de su experiencia, destacan la amabilidad y el carαcter abierto de sus gentes. Entre las ofertas que mostrarα este paνs, se encuentra su importante red de balnearios organizada por regiones. Ademαs, Hungrνa promoverα el Lago Balatσn.

El stand de Irlanda promocionarα la ciudad de Cork, capital cultural de 2005, asν como las de Kerry y Belfast. Para conocerlas, las compaρνas aιreas van a tener un papel fundamental en la feria.

Portugal estarα con una representaciσn de todas las αreas turνsticas del paνs. Concretamente serαn siete: Oporto y Norte de Portugal, Beiras, Lisboa, Alentejo Algarve, Azores y Madeira

La provincia de Quιbec, Canadα, ofrecerα su mezcla de cultura y naturaleza de Norteamιrica. Algunos de los lugares que los visitantes no pueden perderse al visitar esta regiσn es Montreal, ciudad cosmopolita donde se une el estilo de vida americano y la herencia europea; ciudad de Quιbec, rodeada de bosques, lagos y montaρas.

Los ritmos caribeρos llegar a FITUR con el stand de Cuba, donde las actuaciones musicales contagiarαn de la alegrνa del son cubano a los visitantes. Cuba acudirα con una numerosa delegaciσn de hoteleros, receptivos y demαs sectores turνsticos para brindar el mejor servicio a los profesionales.

Un sabor indνgena lo pone el stand de la Riviera Maya, que continϊa manteniendo sus raνces rurales, sus arraigadas tradiciones y la cultura popular. Algunas de estas tradiciones es la celebraciσn del Dνa de los Muertos, en el que las familias construyen altares decorados en sus casas decoradas con los nombres de los fallecidos, flores, fotos y sus comidas preferidas. La fiesta se celebra tambiιn en la calle, convirtiιndose en una magnνfica muestra de la comida regional.

Nicaragua, con su lema ‘Un paνs con corazσn’, darα a conocer un paνs exσtico y atractivo, lleno de colorido natural que se expresa con la fuerza de sus paisajes de lagos y volcanes, su carαcter alegre y lleno de tradiciσn, la memoria histσrica colonial del paνs y los volcanes de la Cordillera de Los Maribios. Entre las rutas que destacarα este paνs estαn los escenarios de la lucha del General Augusto Cιsar Sandino.

La novedad que presenta este aρo el stand de Taiwαn es una selecciσn de fotografνas de paisajes y costumbres de la isla.

Mozambique traerα la fina arena de las playas tanto de sus islas como de sus diez provincias, su cultura, su espectacular naturaleza, con parques nacionales y reservas de gamos y la amplia oferta en deportes, como buceo, escalada y todo tipo de deportes nαuticos. Algunos de los rincones mαs turνsticos de este paνs son Maputo, la capital, el lago Niassa, la isla Ibo y la de Mozambique. Este paνs quiere promover sus diferencias culturales respecto de otros paνses del este de Αfrica.

El ecoturismo en Tanzania, que estarα representado en la feria por mαs de 12 empresas turνsticas, es uno de los platos fuertes que presenta este paνs: atractivos safaris en los parques nacionales y reservas de gamos tanto por tierra como en globo, vacaciones relajadas en las islas Zanzibar y Pemba

Rafael Sanzio, en Londres

22/10/2004, La Galería Nacional londinense acoge desde octubre la mayor exposición monográfica dedicada fuera de Italia al maestro renacentista Rafael (1483-1520).

La Galería Nacional londinense acoge desde octubre la mayor exposición monográfica dedicada fuera de Italia al maestro renacentista Rafael (1483-1520).

La muestra estará abierta al público desde este miércoles y hasta el 16 de enero, presenta 81 pinturas y dibujos del destacado artista.

La muestra, titulada "Rafael, de Urbino a Roma", repasa la trayectoria del artista italiano. Incluye las nueve obras de Rafaello Sanzio que posee el museo londinense, entre ellas "Madonna of the Pinks", y otras prestadas por museos de todo el mundo, algunas de las cuales no se han expuesto antes en el Reino Unido, como "Alba Madonna", que está en la Galería Nacional de Washington.

"Es extraordinario reunir una exposición monográfica de Rafael -comentó la comisaria de la muestra, Carol Plazzotta-. Y, además, ésta es la primera en mostrar a Rafael de forma tan amplia, con dibujos y pinturas, fuera de Italia".

Algunos de los cuadros estaban en el Reino Unido antes de que sus propietarios los vendieran, en el siglo XIX, a potentados de Estados Unidos y Rusia. Este es el caso de "La Resurrección de Cristo". Entre las obras prestadas para esta muestra, que se inaugurará el 20 de octubre, se encuentran Conestabile Madonna, del Ermitage de San Petersburgo, y San Jorge y san Miguel, del Louvre.

La exposición, que incluirá también dibujos cedidos por el Museo Británico y la Colección Real del Reino Unido, se integra en una serie que la Galería Nacional dedica a artistas del renacimiento.

Antes de Rafael, se expusieron aquí hace unos meses, monográficos de Tiziano y El Greco

Un artista clave

Rafael Sanzio, es uno de los máximos creadores del renacimiento. Nació en Urbino, hijo del pintor Giovanni di Sante (de ahí el Sanzio) hombre de excelente formación cultural, que inició a Rafael en el arte. Acudió al taller de al Perugino y también mantuvo contactos con Pinturicchio. El primer trabajo conocido de Rafael es de 1500... por esa época realizará viajes por varios puntos de Italia, entre ellos Venecia.

Pronto destaca con sus Madonnas... que le hacen entrar con esperanzas a Florencia, en 1504. Allí completa su formación. Es imaginable el estado artístico de aquella ciudad, cuando se citan en ella gentes como Miguel Ángel o da Vinci, quienes también influirían en su obra. En ella sigue siendo una constante el tema de la Virgen y el Niño, en un estilo que pasaría al resto de Europa, típico por su aire natural y suave.

En 1508 se trasladó a Roma, requerido por el Papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de cuatro pequeñas stanze en el Palacio del Vaticano. Otra vez coincide su vida con Miguel Ángel, quien también trabajará en la Capilla Sixtina. La pintura de las estancias es otro gran trabajo de Rafael, quien seguirá haciendo vírgenes para su clientela privada.

Decorará luego la Villa Farnesina; hará cartones para tapices y terminará en las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano. En 1520 falleció en Roma. Tenía aún una edad muy joven (37 años), pero ya había pasado a ser uno de los grandes del arte de todos los tiempos.

The major exhibition

This is the first major exhibition of paintings and drawings by the great Renaissance painter, Raphael (1483 - 1520), to be held in Britain. In little more than a decade (1500-1513), Raphael transformed himself from a competent master of provincial church decoration into one of the greatest painters who ever lived. His remarkably lucid compositions influenced Western art up to the 20th century.

Drawing on the rich holdings of the National Gallery´s collection and major international loans, the exhibition explores the meaning and historical context of Raphael´s works, his techniques and how these developed. Highlights include the "Alba Madonna" from the National Gallery of Art, Washington, the Conestabile Madonna from the Hermitage, the Saint George and Saint Michael from the Louvre and the Self Portrait from the Uffizi.

The exhibition follows Raphael´s dramatic stylistic evolution from his origins in Urbino to his works produced under the enlightened patronage of Pope Julius II in Rome.

 

Perú indígena y virreinal

21/10/2004, Una exposición titulada "Perú. Indígena y virreinal" muestra en la Biblioteca Nacional de Madrid 181 piezas de la cultura de este territorio americano.

La exposición "Perú. Indígena y virreinal" muestra en la Biblioteca Nacional de Madrid 181 piezas de la cultura de este territorio americano: máscaras y tapices funerarios, obras de orfebrería, ángeles arcabuceros...

La exposición, organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y el Instituto Nacional de Cultura de Perú, viene del Forum de Barcelona y estará en Biblioteca Nacional en Madrid del 20 de octubre al 9 de enero de 2005 y después en la National Geographic Society de Washington.

La dirección del proyecto científico ha corrido a cargo, conjuntamente, de Antonio Bonet Correa, Académico y director del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de Luis Guillermo Lumbreras Salcedo, director del Instituto Nacional de Cultura del Perú (INC).

Perú, indígena y virreinal ha conseguido reunir, para esta ocasión, un elevado número de obras de gran excepcionalidad que cruzan por vez primera las fronteras peruanas para su exhibición, en primicia, en España. A través de 181 piezas de gran valor histórico y artístico, se podrán recorrer los episodios más importantes de estas culturas. Con ello se asiste no sólo a una exposición, sino a un diálogo continuo en el que se integran las diferentes fases históricas, artísticas, técnicas y estéticas y que nos permitirán revivir el arte del Perú, en un discurso temático que nos llevará desde las culturas preincaicas hasta el siglo XVIII, a través de una visión inusual y de una singular calidad estética.

Como actividades complementarias a esta muestra, se ha organizado un ciclo de conferencias que bajo el tema común de Perú: Arte, Cultura y Sociedad congregará en la BN a un nutrido grupo de historiadores y académicos de España y del Perú, durante los meses de noviembre y diciembre a las 19:00 horas.

Choque de civilizaciones

Eliane Karp, primera dama del Perú, explicó en la presentación que en el Perú y tras el choque de civilizaciones, el arte produce cosas diferentes porque el mestizaje produce un sincretismo cultural, que no mezcló lo nuevo sin destruir lo anterior y eso da lugar a creaciones como la escuela del barroco cuzqueño.

En el acto de presentación acompañaron a la primera dama del Perú, la directora de la Biblioteca Nacional, Rosa Regás, el Embajador de Perú en España, Fernando Olivera y el director de la SEACEX, Felipe Garín.

Historia del mestizaje

La exposición cuenta la historia de mestizaje cultural que ha vivido Perú desde la época Chavín (1500 a C-500 a C) hasta el virreinato, y cuenta entre sus obras con piezas de singulares en cerámica, piedras, trabajos en metal, pintura, mantos funerarios, etc.

Las altas cotas artísticas alcanzadas en el Perú antes de la llegada de los españoles y a lo largo del periodo virreinal son valoradas universalmente de forma unánime. De hecho, diez enclaves del territorio peruano están catalogados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, incluyendo espacios prehispánicos (Machu Picchu, Chavín o Chan Chan), virreinales (Lima, Arequipa) y aquellos que significan “sincretismo” (Cuzco).

Esta palabra “sincretismo” expresa el espíritu novedoso de esta exposición. El objetivo de la misma es recorrer los episodios mas importantes de la cultura, concibiéndolos no como compartimentos estancos sino en diálogo continuado, valorando la integración de las diversas fases artísticas, la evolución técnica y estética y las especificidades regionales que convierten el arte del Perú en uno de los mas originales de Hispanoamérica.

La exposición se divide en una serie de secciones a partir de los dos grandes bloques expresados en el propio título “Indígena y Virreinal”.

La diversidad territorial del Perú entre la costa del Pacífico y la selva amazónica a través de la gran cordillera andina con sus diversos pisos ecológicos permitió el desarrollo de culturas dispares pero relacionadas entre sí, favoreciendo influencias e intercambios. Tres son las secciones que abarcan el largo periodo desde 1500 a.C. hasta la llegada de los españoles. Los títulos de las mismas engloban, a su vez, ciudades, estados o culturas representativas e imbricadas de diversas zonas del territorio peruano vistas a través de secciones temáticas. Estas son: “El Espacio Natural: Plantas y Animales”, “Ciclo Vital y Sociedad” y “Religión y Cosmología”.

Un centenar de objetos realizados en cerámica, trabajos en piedra, orfebrería y metales, textiles o elaboraciones con plumas ponen de manifiesto los intereses artísticos de estas sociedades.

La segunda parte de la exposición se centra en los desarrollos culturales que se produjeron entre los siglos XVI y XVIII correspondientes al denominado Virreinato del Perú o de Nueva Castilla. Durante estos casi trescientos años hubo cambios de carácter religioso, administrativo y técnico; pero también integración con las culturas autóctonas lo que hizo que el arte durante el virreinato generara una interesante mezcla de aportaciones diversas que dieron originalidad y esplendor a las realizaciones.

Las secciones en que se divide esta parte se organizan temáticamente en la línea de las referidas a la época prehispánica. Estas son: “Sincretismo Cultural”, “El Corpus Christi y la devoción de la Eucaristía”, “Iconografía y Religiosidad” y “La Sociedad Virreinal”.

El alto número de objetos expuestos posibilita valorar las especiales características del arte peruano en este periodo. Lógicamente la herencia cultural prehispánica es visible al igual que las influencias españolas y europeas, pero también surgen las diferencias y la originalidad que nos muestran los momentos señeros del arte peruano durante la Edad Moderna.

Sincretismo, originalidad, riqueza, iconografías alternativas, sorpresa ante la calidad son calificativos acertados para esta exposición donde cada objeto (pinturas, esculturas, platería, planos, grabados, cerámicas, mobiliario) trasmite al espectador sensaciones estéticas y valores antropológicos únicos.

 

Los Pirineos, sin glaciares

15/10/2004, La superficie de los glaciares de los Pirineos ha descendido bruscamente en el último siglo. Se ha reducido en un 85 por ciento, según un informe de Greenpeace

Por Artemio artigas

La superficie de los glaciares de los Pirineos ha descendido bruscamente en el último siglo. Se ha reducido en un 85 por ciento, según un informe de Greenpeace, que atribuye esta situación al calentamiento del planeta por la acción humana.

En el año 1988 el Programa de Naciones Unidas para el Medio Ambiente en cooperación con la Organización Meteorológica Mundial (OMM), estableció el Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático (IPCC, por sus siglas en inglés) con la misión de analizar y evaluar el cambio climático, sus impactos potenciales, los métodos para adaptarse a los cambios y reducir las emisiones.

Según los informes de 2001, la temperatura global en superficie durante el siglo XX aumentó 0,6 °C y la cubierta de hielo y nieve decreció. Existen nuevas y contundentes evidencias de que la mayor parte del calentamiento observada en los últimos 50 años es atribuible a las actividades humanas. Esta influencia del hombre continuará cambiando la composición de la atmósfera en el siglo XXI.

La Agencia Europea de Medio Ambiente afirma que la temperatura media en esta europeazona aumentó casi 1ºC durante el siglo pasado, habiendo sido la década de los 90 la más caliente, con récord en 1998 seguido de 2002 y 2003. De hecho, Europa se ha calentado más que la media global sufriendo un aumento de 0,95ºC en los últimos 100 años, el mayor calentamiento se registró en la península Ibérica y el noroeste de Rusia.

El IPCC prevé un aumento de la temperatura media global de entre 1,4 y 5,8 °C hacia finales de 2100, y un crecimiento del nivel del mar en un rango de 0,1 a 0,9 m hacia fines de este siglo. La conclusión del IPCC es que “la evidencia sugiere que hay una influencia humana discernible sobre el cambio climático”y destaca que el cambio climático constituye una seria amenaza al ambiente global.

La influencia humana a la que hace referencia el IPCC resulta principalmente de la quema de combustibles fósiles. Estas actividades producen un incremento de la concentración de gases de efecto invernadero en la atmósfera que altera su balance y tiende a calentar la superficie de la Tierra y de la baja atmósfera.

Los glaciares

La elevación de las temperaturas tiene una visible incidencia en los glaciares.

Los glaciares constituyen masas de hielo que se desplazan por efecto de la gravedad, deformándose y generando grietas. Es un sistema muy dinámico capaz de erosionar, transportar y sedimentar, en base al desplazamiento del hielo.

Los glaciares se dividen en dos zonas, la de acumulación, y la de ablación, donde se funde la masa glaciar. Estas dos partes están limitadas por la línea de equilibrio glaciar, línea que separa la zona donde se acumulan las nieves y el glaciar gana masa, de aquella porción en la que la fusión implica la pérdida de masa. Esta línea de separación es la que nos permite estudiar la dinámica de los glaciares, pues varía según las condiciones climáticas del entorno del glaciar.

La altitud de la línea de equilibrio glaciar (ELA) señala la situación de la separación entre ganancia y pérdida de masa, por lo que es fundamental para el conocimiento del balance de masa de los glaciares y para establecer las características paleoclimáticas y climáticas de glaciares del pasado o la actualidad.

La criosfera consiste en aquellas regiones de la Tierra cubiertas por hielo y nieve, tanto en territorio continental como en los mares. Incluye la Antártida, el Océano Ártico, Groenlandia, el norte de Canadá, el norte de Siberia y la mayor parte de las cumbres de las cadenas montañosas donde las temperaturas bajo cero persisten durante la mayor parte del año.

La criosfera juega un rol fundamental en la regulación del sistema climático global. Sin la criosfera, el albedo global sería considerablemente menor de modo que se absorbería más energía a nivel de la superficie terrestre y consecuentemente la temperatura atmosférica podría elevarse aún más. Lamentablemente, la cubierta de nieve en el hemisferio norte ha disminuido un 10 por ciento desde 1966.

La investigación de los glaciares, se basa en el análisis de documentos históricos, mapas, fotografías y en el análisis digital de imágenes satelitales que facilitan el estudio de la variación de los glaciares, además se emplea la dendrocrinología (análisis de los anillos de los árboles) para conocer la fluctuación de los glaciares.

Estado global de los glaciares

El estado de los glaciares está en regresión acelerada: 8 de cada 9 glaciares europeos están en retroceso. De hecho, desde 1850 a 1980 los glaciares de los Alpes han perdido un tercio de su superficie y la mitad de su masa. El cálido y seco verano de 2003 indujo a la pérdida de un 10 por ciento de la masa glaciar remanente de los Alpes, de manera que su retroceso está alcanzando niveles que superan los de los últimos 5.000 años.

Se calcula que cerca del 75 por ciento de los glaciares de los Alpes suizos habrán desaparecido para el 2058. Otros ejemplos a nivel global de lo que está ocurriendo con los glaciares:

Monte Kilimanjaro

Un informe reciente de Lonnie Thompson, investigadora de la Ohio State University, indica que la capa de hielo del Monte Kilimanjaro podría desaparecer en menos de 15 años. El glaciar perdió entre 1989 y el año 2000 el 33 por ciento de la masa de hielo.

Himalaya

Distintos científicos prevén que todos los glaciares del centro y el este del Himalaya habrán desaparecido para el 2035. Si continúan derritiéndose podría afectar el suministro de agua de gran parte de Asia. Los caudales de los mayores ríos de la región (Indo, Ganges, Mekong, Yangtse y Amarillo) se originan en el Himalaya.

Andes peruanos

El glaciar Quelcaya ha perdido el 20 por ciento de su volumen desde 1963, retrocedió más rápido en el último siglo que en cualquier momento de los últimos 500 años10; el retroceso se incrementó a 30 m por año durante la década del 90, se estima que desaparecerá antes del 2020.

Igual suerte corre el glaciar Chacaltaya, este glaciar es la fuente principal de agua para beber y para suministrar hidroenergía, el cambio climático significa una seria amenaza para la comunidad de la ciudad de La Paz, Bolivia. Ecuador corre con el mismo desafío ante la inminente desaparición de sus glaciares.

Alpes austriacos

De acuerdo a la información por el gobierno de Austria, si la temperatura aumenta en 2 °C, todos los glaciares austriacos perderían volumen y muchos desaparecerían completamente.

Alaska

El Bering es el mayor glaciar norteamericano y su retroceso es rápido. Entre el año 1967 y el año 1993 retrocedió 10,7 km. Durante los últimos 4 años se registró un rápido retroceso, que en el 2002 fue de 700 m en menos de 24 horas, y en junio de ese mismo año, desprendió un iceberg de 1,2 km de largo, el más grande visto hasta el momento.

Groenlandia

Es la mayor masa de hielo del hemisferio norte. Algunos modelos climáticos predicen que la capa de hielo de Groenlandia podría perder la mitad de su masa en los próximos 500- 1000 años, contribuyendo a aumentar en 3 metros el nivel de mar. La cantidad de hielo del Ártico se ha reducido drásticamente durante los últimos 20 años y podría desaparecer totalmente durante el verano en un plazo de 100 años.

Antártida

La Antártida, la mayor masa de hielo del planeta, presenta un sistema un poco más complejo, aunque parte de la capa helada de la región oeste y las plataformas de hielo de la península están en retroceso.

Estado actual de los glaciares españoles

Los Pirineos son la única cordillera de la península Ibérica que posee glaciares en la actualidad. Hasta mediados del siglo XIX, existieron glaciares en Sierra Nevada y Los Picos de Europa, que desaparecieron con los cambios climáticos acaecidos a finales del siglo XIX, con la finalización de la denominada Pequeña Edad del Hielo. Este período fue de enfriamiento climático menor a escala global pero muy importante por su impacto en las actividades humanas y el medio natural de las montañas.

Los glaciares pirenaicos actuales son una herencia de la Pequeña Edad de Hielo, cuya pulsación generó pequeños glaciares que desde finales del siglo XIX sufren un retroceso continuo.

El enfriamiento reciente, se ha explicado tradicionalmente como fluctuaciones climáticas originadas por las variaciones de la radiación solar, con un papel menor de las grandes erupciones volcánicas. Sólo al final de este periodo se iniciaría el efecto invernadero que caracteriza a las variaciones climáticas recientes, atribuido a la intromisión de las actividades humanas en la dinámica atmosférica, situado tradicionalmente a partir de 1850-1900.

Aunque los últimos estudios atribuyen las variaciones climáticas con efecto invernadero a una nueva era, la Antropogena, caracterizada por la modificación del clima por el hombre, que se iniciaría hace 8000 años, cuando las roturaciones, deforestaciones y puestas en cultivo de amplios espacios en Eurasia, producirían emisiones de CO2 y CH4. Con la llegada de la revolución industrial y el desarrollo tecnológico del siglo XX el proceso se acelera, con evidentes implicaciones en la evolución de los pequeños glaciares pirenaicos.

Desde 1894 hasta el 2000, se aprecia una pérdida de casi un 85 por ciento de la superficie glaciar de los Pirineos. La extensión glaciar ha ido disminuyendo imparablemente en estos cien años, acelerándose en los dos últimos decenios.

De mantenerse esta línea, es previsible la extinción total de los glaciares españoles en un período breve. Esta pérdida de superficie glaciar ha ocasionado un cambio en el tipo de aparatos, así como su pérdida. Mientras que en 1980 había 27 glaciares y 9 heleros, sumando 36 aparatos, la escisión de estos cuerpos de hielo producida por su retroceso ha resultado en sólo 10 glaciares y 9 heleros (4 de ellos heleros, 3 rocosos y 2 elementos residuales) en 2000. Es decir, los procesos y formas periglaciares van, así, sustituyendo a los glaciares en la alta montaña pirenaica.

Hemos sido, pues, testigos de desapariciones de glaciares, de tendencias regresivas intensificadas, los hemos visto reducirse e incluso irse como una “especie en extinción”.

Un paisaje de la diversidad geográfica se nos ha estado yendo ante nuestros ojos.

 

Rodin y la escultura moderna

15/10/2004, Del 29 de octubre de 2004 al 27 de febrero de 2005, CaixaForum reúne la más completa selección de obras de Rodin en España y las confronta con las de otros artistas: Rodin y la revolución de la escultura

Del 29 de octubre de 2004 al 27 de febrero de 2005, CaixaForum reúne la más completa selección de obras de Rodin en España y las confronta con las de otros artistas: Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti.

¿Acaso las catedrales están terminadas?, solía preguntar Rodin a aquellos que, atónitos, tachaban de inconclusa su obra La puerta del infierno.

Formado al margen de las instituciones oficiales, Rodin desconcertó al público con sus múltiples retoques y rectificaciones, en un empeño ingente por reducir la obra a su esencia y alcanzar así la perfección. No en vano hoy es considerado como el iniciador de la revolución que cambió totalmente la escultura en el siglo pasado.

«Seguirá siendo, para las generaciones venideras, el único que dio un mazazo liberador contra la muralla que ahogaba poco a poco la amenazada vida de la escultura», proclamó Zadkine en 1952, con motivo de un homenaje en el Musée Rodin, al que también asistieron Brancusi, Giacometti, Arp y Chauvin.

Bajo el título Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti, la Fundación ”la Caixa” presenta en CaixaForum la más completa y sugestiva exposición que se ha realizado hasta la fecha sobre Rodin en España.

Más de un centenar de esculturas de casi treinta artistas confrontan la obra del gran maestro con la de sus coetáneos y la de creadores posteriores de la talla de Picasso, Brancusi, Matisse y Archipenko.

La muestra no sólo traza un recorrido por la trayectoria de Rodin, sino que establece múltiples correspondencias con la obra de los colaboradores de su taller (Camile Claudel, Bourdelle, Jouvray) y de otros artistas que lo consideraron su maestro (Maillol, Duchamp-Villon).

Uno de los atractivos es poder contemplar las esculturas del gran precursor junto a otras que, como el Gran profeta de Gargallo y el Hombre que camina de Giacometti, se han convertido en símbolos de la condición humana. Paralelamente, se presenta una selección de piezas fundamentales de la escultura española en las que la impronta de Rodin se hace patente.

La exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti reúne una extraordinaria colección de esculturas de Rodin, acompañadas de una selección de obras de sus contemporáneos y de otros artistas posteriores que demuestran su influencia en el arte del siglo XX. Entre los casi treinta artistas representados destacan Camille Claudel, Aristide Maillol, Constantin Brancusi, Henri Matisse, Alberto Giacometti, Alexander Archipenko, Josep Clarà, Charles Despiau, Eduardo Chillida, Jules Desbois, Pablo Picasso, Julio González, Madeleine Jouvray y Pablo Gargallo, entre otros.

Las 105 obras reunidas para la ocasión pertenecen a más de una treintena de instituciones y colecciones públicas y privadas, como el Musée Rodin de París, el Musée Orsay de París, el Musée Matisse de Niza, la Fondation Giacometti de París, la Kunsthaus de Zúrich, el Musée des Beaux-Arts de Lille, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museu Nacional d´Art de Catalunya (MNAC).

La exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti, comisariada por Antoinette Le Normand-Romain, conservadora de escultura del Musée Rodin de París, se podrá visitar en CaixaForum (av. del Marquès de Comillas, 6-8, Barcelona), del 29 de octubre de 2004 al 27 de febrero de 2005. La muestra ha contado con el asesoramiento de Josefina Alix, quien ha realizado la selección de piezas de artistas españoles.

 

Tesoros artísticos de Caja España

10/10/2004, Caja España –cuya sede social está en un palacio diseñado por Antonio Gaudí- presenta ahora en Madrid sus credenciales pictóricas, en una atractiva muestra que recoge obra del siglo XV a la actualidad.

Por Tomás Alvarez

Caja España –cuya sede social está en un palacio diseñado por Antonio Gaudí- presenta ahora en Madrid sus credenciales pictóricas.

Una selección de 50 pinturas, de su colección compuesta por más de 4.200 obras, acaba de ser dada a conocer. En ella están representados con gran dignidad los estilos sucedidos desde el renacimiento hasta nuestros días.

En el inicio del siglo XXI, el arte es el activo del que más se enorgullecen las grandes instituciones financieras. De hecho, éstas suelen presentar su vocación artística en muestras y concursos de todo tipo, mostrando su elevada calidad estética y su vocación cultural.

Las Cajas de Ahorro.

Ya en el siglo XIII surgieron entidades destinadas a administrar depósitos monetarios ajenos con fines no lucrativos. Los frailes franciscanos estuvieron en el inicio de esta iniciativa que se traduciría, en el siglo XV en los “Montes de Piedad”, entidades que tuvieron cierta expansión especialmente desde Italia.

Una mejora en este tipo de instituciones llegó con la creación de las Cajas de Ahorro, surgidas básicamente desde el XVII, en las que ya se conjugaba la posibilidad de entregar los préstamos con una módica tasa de interés, y se mantenía el carácter público en la titularidad.

Al contrario de los bancos, las cajas no tienen un capitalista privado, sino que son un instrumento de mejora de las condiciones de vida de las clases trabajadoras, con gestión pública. Los beneficios revierten a la sociedad en forma de becas, cultura o actividades benéficas o filantrópicas. En España, los ilustrados y las llamadas “Sociedades de Amigos del País” impulsaron este tipo de entidades desde el siglo XVIII en adelante, y hoy tienen una acusada presencia en el conjunto del sistema financiero.

Caja España

Nacida en 1990, de la fusión de cinco cajas de ahorros, de las regiones de León y Castilla, Caja España aglutinó un importante patrimonio artístico, proveniente de las distintas entidades, e integrado en gran parte por donaciones relacionados con las actividades expositivas, concursos y otros programas culturales desarrollados por aquellas. También se añadió a este activo artístico el proveniente de la adquisición del Banco de Fomento(1994).

De todo este patrimonio, Caja España presenta ahora una selección que arranca con tablas de cierta antigüedad, como una de la escuela de Juan de Borgoña y otra atribuida a Morales.

El conjunto presenta obra de cierta dignidad relativa a los siglos XVII y XVIII y adquiere solidez en los referente a obra del XIX.

Así, se sucede un orden cronológico que va de los viejos maestros anónimos, a las tablas barrocas y los románticos para avanzar hacia Madrazo, Casas, Cusachs, Solana, Dalí, Saura, Equipo Crónica, El Paso, Tàpies, Canogar, Delgado, Díaz Caneja, Vela Zanetti, etc.

Para Eduardo Aguirre Romero, comisario de la exposición, se logra así un conjunto en el que se permite seguir toda la evolución de los estilos pictóricos desde el siglo XV hasta nuestro tiempo.

El comisario –que destaca los trabajos del siglo XIX- no duda en resaltar que hay que redescubrir los maestros de esa centuria, a la vez que sostiene que la historia del arte del siglo XX aún está por escribir.

Aguirre Romero, se complace en especial en obras de maestros relativamente poco bendecidos por la fama, como es el caso de Navarro Llorens, del que presenta su Beduino muerto, un lienzo en el que la luz y el color parecen agitarse en torbellinos, preludiando un agitado abstracto.

En esa línea de encontrar atmósferas maestras, destaca también la obra de Manuel Benedito, Cultivando en la Huerta, o el magnífico Regimiento de Caballería, de Cusachs; aunque la estrella es el retrato de dama con sombrilla, de Raimundo de Madrazo, donde se aúna perfección técnica con el delicioso cromatismo. Es tal la belleza y elegancia de esta dama, que los organizadores no han dudado en ponerla como cartel de la muestra. Para Aguirre Romero, este lienzo realizado hacia el año 1900 es una obra magistral, y ya ha superado el paso de la historia.

La muestra está en la sala de Exposiciones de la Confederación Española de Cajas de Ahorro (CECA). En su presentación a la prensa intervinieron el director de la obra social de la Caja, Matías Pedruelo Díez y el comisario Eduardo Aguirre Romero.

La exposición, un pequeño resumen de la historia del arte, fue inaugurada oficialmente por el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz Gallardón, y el presidente de Caja España, Victorino González Ochoa. La colección ya ha visitado León, ciudad en la que está la sede de Caja España; permanecerá en Madrid hasta el 25 de octubre de este año y luego se llevará al Teatro Calderón de Valladolid donde estará expuesta los meses de noviembre y diciembre

La obra Social de la Caja ha tenido la feliz idea de aglutinar una serie de las mejores obras de arte de la entidad y organizar una exposición permanente que permanecerá en el edificio Botines, singular obra originaria de 1891, debida al genial arquitecto Antonio Gaudí. Edificio catalogado como Monumento Histórico Artístico y ubicado en la ciudad de León. Se cumple con esta iniciativa uno de los fines que impulsaron el nacimiento de las cajas de ahorro y los montes de piedad: la generación de bienestar social y rentabilidad comunitaria.

 

Oteiza en el Guggenheim

10/10/2004, El Guggenheim Bilbao presenta, a partir del 8 de octubre, la más amplia retrospectiva dedicada a Jorge Oteiza en los últimos años

El Guggenheim Bilbao presenta, a partir del 8 de octubre, la más amplia retrospectiva dedicada a Jorge Oteiza en los últimos años.

Oteiza es, sin duda, uno de los artistas vascos más relevantes del siglo XX. Ganador del premio de escultura de la Bienal de Sao Paulo en 1957, su influencia en generaciones posteriores de artistas vascos y españoles es enorme pese a que su obra se ha expuesto en contadas ocasiones.

La exposición permanecerá abierta al público desde el 8 de octubre de 2004 hasta el 9 de enero de 2005 y está comisariada por Margit Rowell —prestigiosa conservadora de arte moderno y contemporáneo y colaboradora de instituciones como el Solomon R. Guggenheim Museum, el Musee National d´Art Moderne Centre Georges Pompidou, el Museo de Arte Moderno de Nueva York o la Fundación Joan Miró de Barcelona— y el artista Txomin Badiola, profundo conocedor de la obra del escultor.

Organizada de acuerdo con un criterio que sigue de cerca su proceso experimental a fin de plasmar la evolución formal y conceptual del artista, la exposición Oteiza: mito y modernidad ocupa las cuatro salas de formas singulares de la tercera planta del Museo Guggenheim Bilbao y reúne aproximadamente 140 esculturas procedentes de museos y colecciones particulares. La muestra incluye, además, 43 dibujos y collages, que nunca antes se habían presentado al público, procedentes de la Fundación Museo Jorge Oteiza.

Esta exposición ha sido organizada por el Museo Guggenheim Bilbao con la colaboración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Un pensador del arte

Hace algún tiempo, Richard Serra decía que Oteiza era el mejor escultor vivo del Mundo y Frank Ghery lo comparaba a Le Corbusier y Picasso... Sin embargo, nunca fue un escultor muy conocido por las masas. ¿Razones? Era un pensador del arte; un personaje difícil, temperamental, polémico; rechazó el mercado del arte, rehuyó la recepción de premios, fijó una fecha temprana para su retirada y se negó a vender su obra a diversas instituciones...

En una actividad artística caracterizada por el trabajo del exterior del bloque de piedra, Oteiza se obsesionó por escudriñar el espacio interior, el vacío. Tal vez ahora que el se ha ido, se hará más grande su persona y su obra; se descubrirá su propio vacío.

El arte del siglo XX había estado más volcado a la pintura que al ámbito escultórico. En los años cincuenta, destacaron en el panorama artístico europeo una serie de autores que impulsaron y modernizaron el lenguaje de la escultura. Oteiza fue uno de los más importantes.

Partiendo de una estética heredera de Malevich y –en lo profundo- de la estética prehistórica vasca y después de una primera época geometrizante, Oteiza busca en el espacio interior de la obra.

Sobre él, escribe José Corredor-Matheos: “Es indudable el papel relevante que ha tenido José Oteiza en la exploración del espacio. Éste, había sido en la escultura tradicional de las diversas culturas algo exterior al bloque de la obra(...) Oteiza supo advertir que la clave del proceso de la escultura contemporánea era el vaciado del interior del bloque, antes compacto, y mantener lo que quedara de la masa, en unos planos o rectas que forman un contenedor del vacío que había que dejar al descubierto”.

La cuestión venía de lejos, en un proceso de adelgazamiento de la forma en el que han participado figuras como Calder, Giacometti, Julio González o Moore, artistas que mantenían una sugerencia de la forma compacta pero liberando masa. Tras la Segunda Guerra Mundial se avanzó en el mismo sentido. Oteiza es un prototipo de la nueva escultura

Finalmente, del proceso de ahondar en el bloque, sin abordar el interior, pasó, en la década de los 50 a penetrar en el espacio interior. Es la “desocupación del espacio” para penetrar en lo que el artista considera espacio sagrado, en un razonamiento que teoriza y vincula a la propia cultura prehistórica vasca, a los monumentos megalíticos, en los que las grandes piedras definían un espacio sagrado interior.

En la década de los cincuenta abordó la desocupación de poliedros, centrándose en el cubo y la esfera; logrando definir unos espacios internos, mostrando vestigios de lo que era el envoltorio de ese espacio... Es en esta época, cuando llega por fin a ese vacío sagrado, y con un inmenso reconocimiento internacional (Sao Paulo, Milán, etc.) cuando(1959) anunció su abandono de la actividad escultórica.

En realidad, desde 1959 sólo siguió trabajando para satisfacer contados encargos o trabajos experimentales; prefiere dedicarse al estudio y a la reflexión teorico-practica. Había llegado al vacío, y como personaje de gran talla intelectual descubrió que a partir de allí ya no podría seguir avanzando.

BIOGRAFÍA DE OTEIZA

Jorge Oteiza Embil, escultor y escritor, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 1988, considerado el patriarca del arte contemporáneo vasco, falleció el 10 de abril de 2003 en una clínica de San Sebastián. Había nacido el 21 de octubre de 1908, en la localidad guipuzcoana de Orio.

La familia Oteiza se trasladó a Madrid, cuando Jorge era un niño. Cursó tres años de Medicina y durante tres meses estuvo en la Escuela de Artes y Oficios. Obtuvo su primer premio de escultura en la Bienal de Artistas Guipuzcoanos de San Sebastián, en 1931. En esa misma ciudad inauguró, un año después, su primera exposición individual.

AMERICA LATINA

En 1935 se trasladó a Iberoamérica, por donde difundió su obra. Expuso en Santiago de Chile y en Buenos Aires. En la capital argentina se dedicó, durante varios años, a la docencia en la Escuela Nacional de Cerámica.

En 1942 fue encargado por el Gobierno de Colombia de la organización en Bogotá de la enseñanza oficial de la cerámica. Dos años más tarde, publicó su "Carta a los artistas de América", sobre el arte nuevo de la posguerra, y en 1948 difundió en Buenos Aires el "Informe sobre mi escultura".

Regresó a Bilbao en 1948 y allí comenzó el período más intenso de su vida como escultor. En 1950, después de ganar el primer premio en el concurso nacional para un monumento al rey Felipe IV, se le adjudicó por concurso toda la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu, Guipúzcoa. Al año siguiente obtuvo el primer Premio de la IX Trienal de Milán.

En estos años cosechó un gran número de premios y su obra fue adquirida por numerosos museos. Entre los reconocimientos figuran el gran premio Internacional de Escultura de la IV Bienal de Sao Paulo, de Brasil, en 1957; y el primer premio en el Concurso Internacional de Montevideo, en 1960.

UN PUNTO Y APARTE

En 1957 fue el encargado de montar el pabellón español en la Feria Internacional de Bruselas de 1958. Un año después, en 1959, el escultor abandonó su actividad escultórica. Según él, "el mismo creador llega a transformarse en el proceso de cambios y evoluciones de su lenguaje y se convierte en un artista postexperimental". Sólo volvió a la escultura ocasionalmente para culminar proyectos o investigaciones ya iniciadas anteriormente, centrando su actividad creativa en la formulación de una estética "razonable y práctica para cada vigencia histórica y para cada pueblo".

Considerado por algunos críticos como uno de los cuatro escultores más importantes del mundo, en 1985 obtuvo la medalla de Oro de Bellas Artes, de España.

Las críticas que el escultor hizo a la cultura y al nacionalismo vasco en febrero de 1985, con motivo de una carta que Oteiza envió a la revista "Euzkadi" en una entrega de premios, originaron una dura polémica en el País Vasco.

En 1988 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, por su arte, su actitud ética y su vida(como era muy habitual en él, no recogió el premio). Un mes más tarde, representó a España, junto con la escultora Susana Solano, en la XLIII Bienal de Venecia.

En octubre llegó a un acuerdo con el Gobierno Vasco para la compra de 12 obras suyas. Poco más tarde rompería el compromiso, por lo que tan sólo entregó las primeras cinco esculturas.

En 1991 publicó, entre otros, "El libro de los plagios", donde afirmó que "en Eduardo Chillida hay dos estilos, uno suyo, el otro es el mío". Esta obra la escribió tras una declaraciones de Chillida, en 1991, en las que éste negaba su deuda con la Escuela Vasca y con Oteiza, a quien incluso acusó de plagio. Un año más tarde, firmó un protocolo con el Gobierno Navarro por el que cedió su obra (esculturas, libros, textos inéditos y trabajos de investigación) al pueblo de Navarra, para que quedara expuesta en una Fundación Museo.

En noviembre de 1992 fue ingresado en la Clínica de la Universidad de Navarra, donde le fue implantado un marcapasos. Entonces escribió "no quería morirme sin acabar el libro que estoy escribiendo"... "aunque no me gustaría vivir mucho tiempo porque quisiera acercarme pronto a mi mujer”. Itziar Carreño Echeandía, su esposa, había fallecido en diciembre de 1991.

En 1997, y después de treinta años de tensiones y distanciamiento, Oteiza y Chillida se abrazaron en señal de reconciliación. Ambos artistas vascos suscribieron un comunicado en el que se leía: "más allá de nuestras diferencias habrá siempre un espacio-tiempo para la paz".

En los últimos años continuaron organizándose muestras suyas, en Europa y Estados Unidos. Mereció en estos años diversos nombramiento y doctorados “honoris causa”. También pasó por el hospital en varias ocasiones.

Falleció en una clínica de San Sebastián, el 10 de abril de 2003, después de estar más de dos meses hospitalizado a causa de una neumonía. Sus restos mortales fueron enterrados en la localidad navarra de Alzuza. Conforme a lo previsto, la Fundación Jorge Oteiza encauzó la construcción, en Alzuza, de un museo dedicado a la obra de este prolífico artista y escritor, centro que se inauguró el 8 de mayo de 2003.

Con ocasión de esta retrospectiva, el Museo Guggenheim Bilbao edita un catálogo con las obras de la exposición que consta de ensayos de Margit Rowell, Francisco Calvo-Serraller, Joseba Zulaika y Amador Vega, así como una breve nota de Richard Serra acerca de la obra de Oteiza, una serie de entradas a las secciones del catálogo de Txomin Badiola y una extensa biografía del artista.

 

Arte indígena de Australia

06/10/2004, El arte indígena autraliano se muestra en colorista y radiante en "Puerta Abierta al Dreamtime. Arte Aborigen Contemporáneo de Australia", que reúne 41 pinturas y esculturas, en el centro cultural Fontana d´Or de Caixa Girona.

El arte indígena autraliano se muestra en colorista y radiante en "Puerta Abierta al Dreamtime. Arte Aborigen Contemporáneo de Australia", que reúne 41 pinturas y esculturas, en el centro cultural Fontana dіOr de Caixa Girona.

¿Arte primitivo?.

A cualquier estudiante occidental que quiere introducirse en las disciplinas de Bellas Artes se le exige un arduo esfuerzo y numerosos años de estudio. Luego, cuando acaba la carrera, podrá triunfar si aúna creatividad, conocimientos y dominio técnico.

Pero frente a las labores artísticas del "profesional" de la pintura o de la escultura, hay otras creaciones que nos siguen conmoviendo, tales como las de nuestros mejores artesanos o las de los sencillos Цy las más de las veces desconocidos- hombres de algunas culturas llamadas primitivas.

Sería ciego aquél que sólo interpretase el arte en la escultura o el cuadro de una galería, sin ver arte en el poste que sostiene el umbral de una rústica cabaña, donde el habitante del lugar ha dejado dibujada o grabada la silueta de una serpiente, un águila o un jaguar.

Con frecuencia se ha subestimado este tipo de manifestaciones artísticas,tachándolas de primitivas, sin reconocer su valor; sin percatarse de que el propio arte moderno occidental ha bebido en fuentes como el arte africano o en el de las épocas prehistóricas. Sería injusto no ver cómo la simplicidad geométrica de las figuras, y a veces su extraño juego de volúmenes y frontalidades, han unido en la tarea artística al habitante de un ignoto poblado y al maestro del cubismo; no descubrir la proximidad entre una creación surrealista y otra de un artista tribal que plasma un mundo de dioses, terrores o miedos.

Es erróneo calificar como primitiva a la obra de un artista de un poblado selvático, o a la de un sencillo poblador de la australiana Tierra de Arnhem, porque su manifestación artística - mas o menos realista o abstracta- responde también a una cultura centenaria, a una cosmovisión, en la que laten profundas creencias y la identificación con un hábitat de características propias.

Hace unos años, con motivo del certamen de ARCO, se presentó en Madrid una buena muestra, con el título de Ramingining: Arte aborigen australiano de la Tierra de Arnhem, y comisariada por Djon Mundine.

Ahora se presenta un nuevo conjunto, que pone de manifiesto la creatividad de los aborígenes de aquella parte del globo terrestre, quienes durante mucho tiempo han sufrido un enorme "barrido cultural", esa agresión ha dejado en Australia un profundo malestar. En la bienal de Sydney de 1988, el 200 aniversario de la ocupación británica, los nativos de todo el territorio boicotearon los festejos del bicentenario. Los de Ramingining y de Barunga no lo hicieron. Pero realizaron algo más elocuente: erigieron un monumento a los aborígenes, una composición escultórica con 200 ataúdes para huesos, hechos de troncos secos, en memoria a quienes perdieron la vida defendiendo su tierra desde 1788. La obra, una auténtica declaración de principios, se exhibe ahora en la National Gallery de Australia, en Camberra.

De todas formas, ahora se está salvando cultura, se está creando una actividad económica y se está consiguiendo que ésta sirva para la promoción y dignificación de unas colectividades minoritarias.

La muestra de Girona

Esta muestra, que se exhibirá hasta el 14 de noviembre, ha sido producida por la Fundación Caixa de Girona con la colaboración de la embajada Australiana y está comisariada por Gabriel Planella.

La muestra pretende ser una introducción al nuevo arte indígena de Australia iniciado en 1971 en Papunya y reúne trabajos de gran interés artístico, creados por artistas contemporáneos que viven y trabajan en comunidades rurales. "Puerta Abierta al Dreamtime: Arte Aborigen Contemporáneo de Australia" agrupa 41 obras -29 pinturas y 12 esculturas- creadas entre 1982 y 2003 por 18 artistas pertenecientes a 11 grupos lingíísticos diferentes. La introducción dentro de las comunidades de artistas aborígenes australianos de materiales y soportes pictóricos occidentales supuso un importante cambio para muchos de estos creadores que, sin alterar estilo ni concepto, adoptaron los nuevos materiales para crear, en la década de los 70, un arte nuevo que con el tiempo ha sido especialmente reconocido en el resto del mundo.

Los materiales utilizados para crear las pinturas, sobre tela y lino, entre otros, son acrílicos, pinturas polímeras sintéticas, pigmentos naturales y resinas que dan lugar a pinturas que oscilan entre los 220 por 250 centímetros y los 28 por 38 centímetros. Para las esculturas, los artistas han utilizado madera de diferente tipología, y diferentes pigmentos.

La exposición sigue un itinerario que empieza con uno de los primeros grupos de artistas que adoptan técnicas y soportes contemporáneos en la Australia Central, es decir, comunidades como la Papunya, Yuendumu y Utopia, discurre por la región del Kimberley, se desplaza por el Golfo de Carpentaria y se adentra al norte de la Tierra de Arnhem, para acabar en una de las islas de los Tiwi, la Isla de Melvilla, a unos 100 kilómetros mar adentro de Darwin.

Según el comisario, el recorrido muestra cómo el arte "se ha desarrollado como una revuelta ética y estética, ha mezclado raíces tradicionales con soportes y técnicas artísticas occidentales para reivindicar la supervivencia cultural de los pueblos que habitan aquel continente desde hace más de 50.000 años, unos pueblos que desde el inicio de la colonización han estado sometidos a una política que evolucionó de la aniquilación a la asimilación".

 

Adiós a Richard Avedon

02/10/2004, Richard Avedon, famoso por sus retratos, tanto de modelos como de políticos o personajes anónimos falleció en San Antonio, Texas, por una hemorragia cerebral. Tenía 81 años y realizaba un trabajo para "The New Yorker".

Richard Avedon, famoso por sus retratos, tanto de modelos como de políticos o personajes anónimos falleció en San Antonio, Texas, por una hemorragia cerebral. Tenía 81 años y realizaba un trabajo para "The New Yorker".

Nacido en 1923, en Nueva York, Richard Avedon fue pronto conocido por sus mordaces retratos y fotografías de moda. En los años cincuenta destacó por sus fotografías mordaces en "Harperґs Bazaar". Luego fue fotógrafo de Vogue. Retrató personajes famosos como Chaplin, Truman Capote, Eisenhower o Marilyn Monroe; a quienes reflejó con imágenes de gran calidad artística y agudeza sicológica.

En los últimos años se han presentado en museos e importantes salas de exposiciones distintas muestras dedicadas a Avedón. Una de las últimas, tuvo lugar en el 2002, cuando la Fundación La Caixa trajo a España una excelente exposición del fotógrafo, con una sorprendente serie de retratos, básicamente de individuos marginales del Oeste americano.

El oeste americano y Avedon

Richard Avedon recorrió 17 estados del Oeste buscando rostros. Rostros de mineros, de amas de casa, de carniceros, de vagabundos. Creó así una asombrosa teoría de personajes que le consolidó como uno de los retratistas más famosos del siglo XX.

Fotografió a 752 personas, en 189 poblaciones. El resultado fue "In the American West" un documento gráfico fuera de lo común.

El trabajo fue una propuesta del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, que ya poseía una excelente colección de imágenes fotográficas de los siglos XIX y XX. Mitchell A. Wilder, director del centro, encargó a Avedon el proyecto, después de ver el retrato que había hecho a Wilbur Powell, capataz de rancho.

Mitchell A. Wilder jamás llegaría a ver el trabajo que encargó, pues murió en el mismo año del encargo, 1979.

Cuando marchó al Oeste, Avedon entró en los pueblos, en los rodeos, en bares de carretera, en minas, corrales, ferias y campos petrolíferos en busca de rostros, en busca de esos seres anónimos que nutren la vida de un territorio y que nunca han protagonizado las cónicas sociales.

No buscó el paisaje, ni la botánica, sino al hombre. los especímenes peculiares que poblaban aquel mundo que siempre se evoca como sinónimo de aventura. Y halló -en sus retratos individuales- un Oeste que no es más verdad ni más mentira que el que han retratado otros escritores o directores de cine; pero que tampoco es menos espectacular.

Colocó a sus modelos delante de una pantalla de papel blanco, de tres metros de largo por dos de alto y los fotografíó, en la sombra, para que el sol no alterase con sus contraluces ni zonas de sombra el aspecto de las cosas. Utilizó una cámara fotográfica panorámica de 8 por 10, sobre trípode.

Avedon se situaba al lado de la cámara, no detrás, y muy cerca del modelo, a sólo 1,25 metros de él. El primer retrato fue el de Boyd Fortin, desollador de serpientes. Lo hizo en Texas, en marzo de 1979.

Siempre hizo las fotos en blanco y negro. El fondo blanco, con los tonos oscuros de los personajes genera una tensión dramática que a veces tiene matices expresionistas. Ese fondo aparentemente inocuo hace que los ojos del individuo -la cara en general- tomen una relevancia especial.

Los personajes.

Richard Avedon fotografió una serie de gentes que expresan en su mirada, en sus ademanes y en su vestimenta la dureza del trabajo físico; la alienación de una lucha diaria por la vida, el drama de la supervivencia.

Su inmediatez física, casi violenta, ante el fotografiado -a quien mira directamente, sin la intermediación de la cámara- le permite adentrarse en la sicología del individuo, e incluso manipularle.

En alguna medida, Avedon situó a los personajes ante el "paredón" de la pantalla blanca y los dejó inermes, herméticos, ante la cámara. Pero en su pose hierática, el retrato no deja de revelar los claroscuros de cada existencia, aunque -según expresa Avedon- "ninguna de las fotografías es la verdad".

"Según avanzaba el trabajo -dice Avedon- los propios retratos comenzaron a revelar todo tipo de conexiones -psicológicas, sociológicas, físicas, familiares- entre personas que nunca se habían conocido".

"In the American West" estaba "a caballo entre el documentalismo social y el documentalismo subjetivo". Cuando se presentó el trabajo en Estados Unidos resultó polémico. Fue recibido como una crítica al país, aunque Avedon considera que es uno de los mejores de cuantos ha realizado.

Avedon se fue cuando realizaba su ultimo trabajo, un reportaje titulado On Democracy, que incluye fotografías de políticos y ciudadanos de todo el país, ytenía como telón de fondo las elecciones presidenciales norteamericanas de este final de 2004.

 

Kioto: las buenas noticias

01/10/2004, El Gobierno ruso aprobó la ratificación del Protocolo de Kioto que presentará al Parlamento de Rusia. La adhesión es clave para la entrada en vigor de este tratado.

El Gobierno ruso aprobó la ratificación del Protocolo de Kioto que presentará al Parlamento de Rusia, país cuya adhesión es decisiva para la entrada en vigor a nivel mundial de este tratado de reducción de las emisiones de gases tóxicos.

Tras acalorados debates, que dividieron a los ministros en partidarios y adversarios de la ratificación, la decisión ha sido afirmativa, lo que presagia que también pasará en el Parlamento, donde el partido oficialista tiene clara mayoría. La decisión final sobre la ratificación de Kioto está ahora en manos de la Duma. Si el Parlamento ruso vota a favor, el protocolo de Kioto entrará en vigor y se convertirá en una ley internacional

La ratificación del Protocolo de Kioto por parte del Gobierno ruso era el único recurso internacional para hacer frente al cambio climático.

El Protocolo de Kioto del Convenio Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático (CMNUCC) es la primera reacción global para hacer frente al cambio climático. A fecha de 29 de julio de 2004, este tratado internacional había sido ratificado por 124 países, superando los 55 países que marca el Protocolo como requisito. Pero el otro requisito que necesitaba para entrar en vigor era que los firmantes sumasen el 55 por ciento de las emisiones, no alcanzándose sin la ratificación de Rusia y/o EEUU.

Una vez el Parlamento ruso, la Duma, haya votado a favor del Protocolo de Kioto, Rusia deberá depositar el instrumento de ratificación en la sede de Naciones Unidas en Nueva York. Noventa días después de su entrega en Naciones Unidas, el Protocolo de Kioto se convertirá en Ley Internacional.

A pesar de que Estados Unidos emite la quinta parte del total de las emisiones de gases de efecto invernadero y la Administración Bush sigue negándose a ratificar los esfuerzos internacionales para hacer frente al cambio climático, la decisión rusa hará que el Protocolo de Kioto se convierta en Ley Internacional. El Protocolo de Kioto obliga a los países industrializados a reducir las emisiones de gases de efecto invernadero en un 5 por ciento para el periodo 2008-2012 sobre los niveles de 1990. El gas de efecto invernadero que mayores emisiones tiene es el CO2, emitido en la quema de carbón, petróleo y gas.

 

Viena, báquica y barroca

16/09/2004, Viena quiere ofrecer a los turistas que lleguen en otoño un programa báquico y barroco: dos programas lo muestran; uno se llama Viena y Vino, el otro se centra en la obra de Rubens

Viena quiere ofrecer a los turistas que lleguen en otoño un programa báquico y barroco: dos programas lo muestran; uno se llama Viena y Vino, el otro se centra en la obra de Rubens.

Viena y Vino

La ciudad de los sibaritas quiere convertir en otoño a sus visitantes en amigos del vino.

Del 15.10 al 30.11.04 toda Viena se encuentra bajo el lema “Viena & Vino“. La ciudad no sólo es una metrópoli palpitante, sino también una región propia vinícola con aproximadamente 700 hectáreas de viñedos en su término municipal.

Viena & Vino comprende numerosos eventos, desde catas de vino hasta excursiones a los viñedos de Viena, desde el “brunch“ con jazz y vino hasta cenas y almuerzos donde se sirve el tradicional “ganso asado” conmemorando asi el dia de San Martin (11.11.).

Además, la Información Turística, situada en Albertinaplatz, organiza un sorteos de vino vienés y concursos varios. Información sobre esta acción y el sorteo en el folleto “Wine in the City “ y en: www.vienna. info

Rubens

Tres grandes museos vieneses organizan una exposición dedicada al pintor barroco Peter Paul Rubens del 5.12.2004 al 27.2.2005.

El Museo de Bellas Artes, el Museo Liechtenstein, inaugurado la primavera de 2004, y la pinacoteca de la Academia de Artes Gráficas muestran la obra del artista genial holandés y ofrecen a los visitantes una vista fenomenal de toda su obra suntuosa. Con las exposiciones en los tres museos, que presentan al visitante las extensas existencias de Rubens, ofrecen una amplia vista a toda la obra de Rubens.

Una única entrada sirve para las tres colecciones y un catálogo conjunto documentará todos los cuadros de Rubens mostrados en Viena.

Museo de Bellas Artes (Kunsthistorisches Museum) www.khm.at Liechtenstein Museum www.liechtensteinmuseum.at

Academia de Artes Gráficas (Akademie der bildenden Künste) www.akademiegalerie.at

Arte a medianoche

En el plano cultural, otro atractivo. En la “noche larga“ del 9 de octubre se pueden visitar 60 museos vieneses con un solo ticket (12 Euros).

Por sexta vez tiene lugar en Viena la “Noche larga de los Museos”. Entre las 18 horas y la 1 de la madrugada abren sus puertas los museos participantes, ofreciendo visitas nocturnas a sus colecciones de arte de primera categoría: desde el Museo de Bellas Artes hasta el Museo Liechtenstein, pasando por la Galería Austríaca Belvedere. Autobuses que salen desde la plaza céntrica Heldenplatz, transportan a los interesados de un museo a otro.

 

Paul Gauguin y el simbolismo

15/09/2004, Del 28 de septiembre de 2004 al 9 de enero de 2005, organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, se presenta la muestra Gauguin y los orígenes del Simbolismo

Del 28 de septiembre de 2004 al 9 de enero de 2005, organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, se presenta la muestra Gauguin y los orígenes del Simbolismo

La exposición se centra en el análisis de la obra de Paul Gauguin y su relación con otros artistas: sus maestros, como Pissarro, Cézanne o Degas, sus coetáneos, principalmente Van Gogh, y otros artistas que muestran su influencia, como Bonnard, Vuillard o Picasso, durante el periodo comprendido entre 1884 y 1891.

Durante esta época Gauguin pasó de ser un impresionista secundario a convertirse en cabeza de fila del movimiento simbolista. El esfuerzo por superar el impresionismo le llevó a poner en cuestión toda la tradición “naturalista” del arte europeo desde el Renacimiento. Uno tras otro, sacrificaría todos los recursos descriptivos de la pintura (perspectiva, sombras, claroscuro, tono local), en aras del valor puro de la línea y el color sobre el plano.

La exposición sigue este proceso a través de un total de 186 obras distribuidas en nueve capítulos: los seis primeros, expuestos en el Museo Thyssen-Bornemisza, están consagrados a la evolución de la obra del artista entre 1884 y 1891; los tres siguientes, en la Fundación Caja Madrid, están dedicados a la influencia de Gauguin en los artistas de Pont-Aven y del círculo de los Nabis, además de una sala dedicada al Sintetismo en España.

Sede I-Museo Thyssen-Bornemisza

[1] El círculo de Pissarro:

Gauguin se formó como pintor bajo la tutela de Pissarro, de quien asimiló una interpretación del impresionismo en clave pastoral, escenas campesinas imbuidas del sueño de una humanidad reconciliada con la naturaleza. Este sentimiento pastoral inspiraría a Gauguin el comienzo de su larga búsqueda de lo primitivo.

En el entorno de Pissarro, conoció además a Cézanne, cuyas innovaciones (simplificación geométrica de planos y volúmenes, composición tectónica, reducción de la profundidad espacial, pincelada constructiva) dejarían profundas huellas en su obra.

[2] Paisaje y arabesco. De Cézanne a Martinica:

La obra de Gauguin en Martinica constituye un punto de inflexión en la forja de su nuevo estilo pictórico. Figuras y paisaje se integran, el arabesco lineal de los caminos y de las ramas de los árboles, con sus curvas sinuosas, delatan un proceso más profundo de feminización y erotización del paisaje.

[3] Degas, el desnudo y la danza:

Si la impronta de Pissarro y luego de Cézanne condiciona la evolución del paisaje de Gauguin, en su recreación de la figura humana será determinante el ejemplo de Degas, de quien asimila la concepción de la figura en movimiento y sus recursos para crear un espacio pictórico complejo y sobre todo el motivo de la danza como modelo de composición rítmica.

[4] La visión. Del Cloisonismo al Sintetismo:

Gauguin recibiría también inspiración de pintores más jóvenes que él. Una de ellas fue el Cloisonnismo, estilo forjado en 1887-1888 por Louis Anquetin y Émile Bernard, inspirado en las estampas japonesas y en las antiguas vidrieras y esmaltes y que se convertiría en el catalizador de los experimentos más avanzados de Gauguin. El Cloisonnismo le permitió un nueva organización de la superficie pictórica mediante áreas de color planas y un dibujo simplificado.

En consonancia con las preocupaciones espirituales del fin del siglo Gauguin demuestra un nuevo interés por el arte religioso. Aspiraba a rescatarlo del sentimentalismo crónico y devolver a sus efigies (empezando por la del Crucificado) una eficacia de iconos, como si fueran fetiches. Pretendía sustituir la “imagen de devoción” de la piedad moderna por una arcaica “imagen de culto”. La imagen de culto le sirve, en fin, a Gauguin para forjar una peculiar mitología del artista en sus innumerables autorretratos.

El retrato simbólico fue una de las preocupaciones comunes con Van Gogh y sin duda el terreno favorito de confrontación y de diálogo entre los dos pintores, antes, durante y después de su tormentoso periodo de convivencia en Arles.

[5] Eva y los dioses:

La mujer, protagonista absoluta de la obra de Gauguin, cobra un papel singular en las visiones y símbolos de lo sobrenatural. Si el mundo masculino aparece como escenario de la hegemonía de la razón positivista, en el ámbito femenino se revela el poder irracional de lo sagrado.

[6] Suite Volpini:

Las zincografías (técnica de grabado en plancha de zinc) de la Suite Volpini (1889), fueron una especie de manifiesto público donde el artista recapitula las que considera sus composiciones más originales (danzas de bretonas, pastorales de Martinica, mujeres de Arles...).

Sede II – Fundación Caja Madrid

[7] La estela de Gauguin: de Pont-Aven a los Nabis:

Si en sus pinturas de pequeño formato los Nabis, incitados por el ejemplo de Gauguin, centraron sus experimentos en los juegos de manchas y de texturas, en los conjuntos decorativos pintados por Bonnard y Vuillard, Sérusier y Maurice Denis, el protagonista es el dibujo, la línea floral del arabesco que delimita grandes superficies de color plano.

[8] La obra gráfica de los Nabis:

En sus litografías y grabados en madera, los Nabis, no sólo realizaron brillantes ejercicios pictóricos “abstractos”, sino que iluminan el contexto mundano y literario con sus frecuentes referencias al círculo de la Revue blanche y al teatro de vanguardia en el París de fin de siglo.

[9] Paco Durrio, Picasso y el Sintetismo en España:

A partir de 1900 la impronta de Gauguin se deja sentir en algunos artistas españoles que trabajan en París, ante todo, Picasso. Hasta la difusión del cubismo, el sintetismo gauguiniano fue, para los artistas españoles más avanzados, la clave para descifrar todo el postimpresionismo francés, incluida la obra de Cézanne.

FICHA TÉCNICA E INFORMACIÓN PRÁCTICA :

Título : Gauguin y los orígenes del Simbolismo

Organizadores: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Comisario: Guillermo Solana

Comisaria técnica: Paloma Alarcó

Número de obras: 186 obras

Lugar y fechas : Del 28 de Septiembre 2004 al 9 de Enero 2005 Sala de Exposiciones temporales Museo Thyssen-Bornemisza Pº del Prado, 8, 28014 Madrid

Fundación Caja Madrid Plaza San Martín, 1, 28013 Madrid

Catálogo: Textos de Guillermo Solana, Richard Shiff, Guy Cogeval y María Dolores Jiménez Blanco

Actividades: Ciclo de conferencias (Del 26 de octubre al 23 de noviembre de 2004)

Simposium (noviembre)

Horarios : Museo Thyssen-Bornemisza : De lunes a domingo de 10 a 19h. La taquilla cierra a las 18 :30h.

Fundación Caja Madrid : De lunes a domingo de 10 a 20h.

 

Dalí en Venecia

10/09/2004, El palacio Grassi de Venecia es la sede de uno de los principales acontecimientos con motivo del centenario de Salvador Dalí, merced a una gran exposición que recorre sus etapas creativas.

El palacio Grassi de Venecia es la sede de uno de los principales acontecimientos con motivo del centenario de Salvador Dalí, merced a una gran exposición que recorre sus etapas creativas.

La muestra cuenta con más de trescientas piezas procedentes de 130 colecciones públicas y privadas de quince países. "Dalí" es el título de esta exposición, en Venecia hasta el próximo 16 de enero. Luego viajará a Filadelfia (Estados Unidos).

El primer centenario del nacimiento del artista catalán (1904-89) ha sido la excusa para la organización en todo este año de numerosos seminarios, encuentros y exposiciones sobre Dalí, así como la publicación de estudios sobre su figura y su obra, a menudo controvertidas.

La muestra que acoge el palacio Grassi -un hermoso edificio del siglo XVIII a orillas del Gran Canal veneciano- tiene la virtud de reunir no sólo una gran cantidad de piezas, sino que destaca asimismo por su variedad, ya que muestra al Dalí pintor, dibujante, escenógrafo y escultor.

Dalí es un artista controvertido, probablemente el artista más conocido y popular del siglo XX y al mismo tiempo un artista que ha sido tratado a menudo con ligera displicencia por parte de críticos e historiadores del arte, por el aura banal con la que quiso revestir su imagen y que le valió que Breton hiciera con su nombre el anagrama "Avida Dollars".

El propio Dalí contribuyó a crear una especie de dicotomía entre los dos períodos de su producción, uno anterior a sus años americanos y uno posterior.

Esta línea divisoria coincidió con su expulsión del movimiento surrealista y con la publicación de su Vida Secreta. Pero desde que Dalí se exilió a los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial hasta el 23 de enero de 1989, cuando falleció, trascurrieron unos cuarenta años que, traducidos en términos artísticos, significan casi la mitad de su carrera, en la que, bien mirado, no rompió de manera muy evidente con su estilo precedente.

La retrospectiva oficial, organizada con ocasión del centenario de su nacimiento, propone adentrarse en toda la obra de Salvador Dalí, evaluando su recorrido artístico desde los orígenes hasta el último período, analizando esencialmente la obra pictórica, tanto la de gran formato como la de pequeño formato, pero también con incursiones en las otras actividades de Dalí, quien ciertamente no fue sólo pintor, sino también escultor y escritor, grabador y director cinematográfico, inventor de objetos y escenógrafo.

La muestra explorará además su método paranoico-crítico, con el que se alejó del automatismo grato de la ortodoxia surrealista, y afrontó temas enjundiosos de la existencia humana, como la mente del hombre y la estructura física del universo, la cuántica y la teoría de la relatividad, uniendo en este intento también los temas propios de la religión cristiana, que él reinterpreta traduciéndolos a su léxico artístico.

Emerge de la exposición la imagen creada por Georges Mathieu, quien definió a Salvador Dalí de la siguiente forma: "más importante como genio cósmico que como pintor".

Son más de 200 piezas con las que el Palazzo Grassi centra la atención sobre la obra de autor catalán en el centenario de su nacimiento.

Las obras proceden de casi 130 colecciones, entre museos, particulares e instituciones culturales de 15 países: Alemania, Bélgica, Brasil, Canadá, Ciudad del Vaticano, España, Estados Unidos de América, Francia, Gran Bretaña, Holanda, Israel, Italia, Japón, México y Suiza.

La obra que llega de más lejos procede de Japón, y la que debe efectuar el viaje más breve sólo atraviesa el Gran Canal, ya que proviene de la Fundación Peggy Guggenheim de Venecia.

La exposición, que tiene una articulación cronológica y temática al mismo tiempo, consta de unas veinte secciones.

Por lo que se refiere a las obras propiamente dichas, la obra The Dream of Venus, con sus casi 5 metros de largo, realizada por el artista en 1933, es la más grande de la exposición. Se trata de un óleo sobre tela sobre masonite conservada en el Hiroshima Prefectural Art Museum, de Japón.

La obra más pequeña es Foto de Ana María Dalí en bañador, del verano de 1927, que tiene unas dimensiones poco más grandes que una foto tamaño carnet.

Las obras cubren la curva de la producción daliniana, con un extremo en 1917, fecha a la que se remonta la Vista de Cadaqués desde el Monte Paní, un óleo sobre tela que viene del museo de San Petersburgo, y otro extremo en 1983 con Cola de golondrina, un óleo sobre tela que proviene de la colección de la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueres.

La exposición se extiende a lo largo de las treinta y seis salas de Palazzo Grassi. En su conjunto la superficie expositiva es de unos cuatro mil metros cuadrados.

web sobre la muestra en http://www.palazzograssi.it/ita/index.html

 

Arte español en el exterior

01/09/2004, La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, que tiene en marca un interesante programa de “Arte Español para el Exterior”. Continúa en su labor de promover el arte contemporáneo español fuera del país

Arte contemporáneo español en el exterior

La Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, que tiene en marca un interesante programa de “Arte Español para el Exterior”. Continúa en su labor de promover el arte contemporáneo español fuera del país.

Granell, Broto, Marcaró, Lucio Muñoz, son algunos de los artistas que han sido presentados en las últimas semanas en distintos puntos del mundo.

JOSÉ Mª LARRONDO

En el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile, del 19 de agosto al 31 de octubre de 2004, el programa de Arte Español para el Exterior lleva esta exposición sobre José Mª Larrondo que reúne una selección de setenta y tres obras del artista que recorren su producción artística desde mitad de los años ochenta hasta la actualidad.

Los cuadros de Larrondo son mecanismos que el espectador tiene que desentrañar pero que, a pesar de hallar las claves, difícilmente se desactivan. Las imágenes de sus obras dejan huellas en la memoria, construyendo emblemas paradójicos, en un juego de espejos altamente sofisticado

LUCIO MUÑOZ

En el Palais Harrach de Viena (Austria), del 22 de julio al 19 de septiembre de 2004.

Es la segunda sede que acoge la exposición, después de su inauguración en mayo de este año en Salónica (Grecia)

GONZALO MARTÍN CALERO

En el Topahe-Amire Art and Cultural Center de Estambul (Turquía), del 15 de julio al 10 de agosto de 2004

Segunda sede de la exposición que fue inaugurada en abril de este año en Vittoriosa (Malta)

CARLOS FRANCO

En el Museo Óscar Niemeyer de Curitiba (Brasil), del 14 de julio al 5 de septiembre de 2004.

Tercera sede de la exposición que estuvo anteriormente expuesta en Panamá y Cartagena (Colombia)

XAVIER MASCARÓ

En el Palais Harrach de Viena (Austria), del 22 de julio al 19 de septiembre de 2004.

Segunda y última sede de la exposición que fue inagurada en abril de este año en Cartagena (Colombia) .

JOSE MANUEL BROTO

En la Sala Subte de Montevideo (Uruguay), del 1 al 25 de julio de 2004.

Tercera y última sede de esta exposición que fue anteriormente expuesta en Santiago de Chile y Ciudad de México.

EUGENIO GRANELL

En el Museo León Jimenes de Santiago de los Caballeros (República Dominicana), del 26 de julio al 19 de septiembre de 2004.

Cuarta y última sede que aloja esta exposición que anteriormente estuvo expuesta en Guatemala, Santo Domingo (República Dominicana) y Bogotá (Colombia)

http://www.seacex.com

 

140 años del viaducto de Ormaiztegi

31/08/2004, Ha sido el 140 cumpleaños de una obra monumental de la vía férrea Madrid-Paris, mandada construir por la Compañía de los Caminos de Hierro del Norte de España a la Société de Construction des Batignolles de París

El 15 de agosto de 1864, se inauguraba el viaducto de Ormaiztegi, con el paso de un tren que transportaba a la reina Isabel II desde Madrid a San Sebastián. Obra monumental, de la vía Madrid-Paris, mandada construir hace ya 140 años por la Compañía de los Caminos de Hierro del Norte de España a la Société de Construction des Batignolles de París.

La autoría del Viaducto, atribuida erróneamente a Gustave Eiffel, corresponde muy probablemente a Alexander Lavalley, que dirigió los trabajos entre Olazagutia y Beasain como ingeniero jefe de obra de la empresa M.M. Ernest Gouin et Cie.

En atención tanto a sus aspectos generales como a su diseño constructivo, el Viaducto de Ormaiztegi, es una gran obra metálica de la estética y de la ingeniería. Con 18.000 toneladas apoyadas sobre cuatro pilares, 289 metros de longitud, su altura máxima respecto al suelo, es superior a los 30 metros en el punto más alto.

Su enorme valor estratégico ha otorgado a las guerras el papel de mayor enemigo de esta estructura. Durante la Segunda Guerra Carlista (1872-1876), los defensores del pretendiente a la corona incendiaron la estación de Beasain, pero al viaducto no consiguieron causarle más que algunos desperfectos. En 1912, en tiempos de paz, se instaló la doble vía y en 1928 se electrificó. Durante la Guerra Civil española, los días 15 y 16 de septiembre de 1936 los obreros de Altos Hornos de Bergara cortaron el puente con sopletes para evitar el avance de las tropas franquistas. Para su reconstrucción, en 1941 se reforzó con los pilares de hormigón que configuran su aspecto de hoy en día.

Tras 131 años de continuo uso, cuando el tráfico ferroviario centuplica al que se preveía en su construcción, el 1 de Julio de 1995, fue sustituido por otro viaducto, dadas las exigencias de los avances técnicos: los aumentos tanto de la velocidad como de las cargas a transportar, obligaron a su retirada de la circulación por haber agotado su capacidad de resistencia.

La Dirección de Patrimonio Histórico–Artístico del Departamento de Cultura y Turismo del Gobierno Vasco, ha calificado e inventariado recientemente el Viaducto de Ormaiztegi como Bien Cultural.

Desde hace varios años, junto a las labores de difusión del centro de referencia para el conocimiento y disfrute del siglo XIX en el País Vasco, el Museo Zumalakarregi incluye en su programa las labores de puesta en valor y dinamización del viaducto.

En colaboración con el Ayuntamiento de Ormaiztegi, se ha procedido a la iluminación del monumento, se han desarrollado paneles informativos, folletos y tarjetones, y se ofrecen visitas guiadas con el fin de que los visitantes adquieran conciencia de la importancia de esta obra.

Kizkitza Ugarteburu. kugarteburu@k6gestioncultural.com

 

Roy Lichtenstein

30/08/2004, Roy Lichtenstein ha convertido en cómic en icono. Sus óleos, serigrafías y litografías, basadas en el lenguaje del cómic son conocidos en todo el mundo. Una muestra del Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid.

Roy Lichtenstein ha convertido en cómic en icono. Sus óleos, serigrafías y litografías, basadas en el lenguaje del cómic son conocidos en todo el mundo. Carteles y postales que reproducen obras de éste artista pop se encuentran por doquier.

LOS PINTORES DEL POP.

Algunas de las imágenes más sorprendentes de la pintura del siglo XX las aportó el grupo de artistas pop, que en el ultimo tercio del siglo llevó a las galerías de arte y museos elementos tan cotidianos como un bote de sopa, la caja de detergente o los rostros de los personajes de cualquier comic.

Fue en Estados Unidos, principalmente, donde eclosionó este nuevo enfoque de la pintura que se popularizó en torno a los años sesenta, con gentes como Rosenquist, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol.

Estos, dejando a un lado los presupuestos tradicionales de la pintura, detuvieron su mirada en la sociedad de consumo, en los mensajes de masas, en la publicidad, en el sexo... en los símbolos de la civilización que se empeñaba en un desarrollo económico y que reemplazaba sus iconos tradicionales por el rostro de la famosa artista de celuloide o el bote de conserva. Se apropió el pop de las técnicas de comunicación de masas y utilizó métodos tradicionales del cartelismo: colores planos, nitidez, visibilidad; un arte con color urbano, capitalista.

¿ES ARTE UN CÓMIC?.

El siglo XIX inició una revisión absoluta del concepto de arte emanado desde el final del medioevo y –sobre todo- en el Renacimiento. El crecimiento de las burguesías, el cambio de status de la realeza y el clero, el surgimiento de museos, etc. propiciaron que se revisaran las barreras de lo que se consideraba arte. El artista –a partir del XIX- pudo despreciar la fidelidad a los modelos, experimentar, construir en desacuerdo con la narración histórica.

Desde entonces el arte comenzó a ser crecientemente producto de masas. Y en esa gran conmoción, la sociedad empezó a debatir qué era y qué no era arte. Se plantearon difíciles cuestiones. El problema está hoy a la orden del día. Multitud de espectadores ven en salas de arte instalaciones de piedras, objetos en desuso o pilas de maderas y se preguntan si eso es más arte que el adorno floral o reticulado que realiza un pastor para embellecer un bastón de roble. Y cunde la sospecha de que nos están vendiendo como arte aquello que un grupo de gurús adjetivan como artístico, una elite legitimadora sobre la que pesan dudas de legitimidad.

Para definir donde hay arte, podría recurrir al reciente libro de Artur C. Danto, “Más allá de la Caja de Brillo”, donde se plantean los cambios de la sociedad occidental a la hora de percibir lo que es arte, en la actualidad. En él, define que “lo que hace de algo una obra de arte es el hecho de que encarna, tal como una acción humana encarna un pensamiento, algo de lo que no podríamos formarnos un concepto sin los objetos materiales que transmiten su alma”. Hay una neta diferencia entre lo que es útil, el artefacto, y la obra de arte.

Refiriéndose en concreto al ámbito de la pintura, Baumeister escribió en “Lo desconocido en el arte”(1947) que “la pintura es el arte de la visibilidad. Desde la posición del pintor, la pintura es el arte de poder hacer visible algo que, precisamente a través de ella, se hace visible por primera vez, algo que hasta ese momento pertenecía al dominio de lo desconocido”. La definición puede ampliarse a las otras disciplinas artísticas en la misma estructura.

La obra de arte sería un objeto material más una idea. Hay una objeto-cosa pero en él hay un mensaje, hay en él una conexión con el pensamiento.

Roy Lichtenstein tomó algo que estaba en la cultura popular, que ya estaba en la cultura de masas, el comic, y lo elevó a los altares del arte para que retornase a través de este camino –y con otro significado- a esa cultura colectiva. Reelabora la imagen para transformarla en Icono, bien sea en su representación de las cosas vulgares o de los sentimientos reinterpretados a través del lenguaje de cómic, lo que no deja de ser una forma realista de pintar algo que carece de realidad.

LICHTENSTEIN EN EL ESPACIO NOUVEL.

El Luisiana Museum of Modern Art ha organizado una exposición sobre este creador norteamericano, que pasó recientemente por la Hayward Gallery y que ahora está en el centro de Arte Reina Sofía, del 25 al 27 de septiembre, donde ocupa una de las salas del proyecto de ampliación diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel.

Un centenar de pinturas y dibujos del artista neoyorquino comparten el nuevo espacio museístico en lo que representa la primera exposición integral de este creador que se puede ver en España y que cuenta con obras realizadas entre 1961 y 1966.

El proyecto de remodelación del "Reina Sofía", cuyo edificio central es un antiguo hospital que comenzó a construirse en el siglo XVIII, quedará concluido antes de finales de año. Para esa fecha, el centro de arte madrileño verá ampliada su superficie en un 50 por ciento y llegará a disponer de casi 50.000 metros cuadrados de espacios y salas para diferentes usos.

El diseño futurista de Nouvel, cubierto por un gran tejado de 9.000 metros cuadrados fabricado en cobre de color rojizo, destaca entre los edificios de corte clásico del centro de Madrid, en una arriesgada apuesta arquitectónica que ha generado polémica en algunos círculos madrileños. Para algunos, las nuevas instalaciones invaden el antiguo edificio del museo y rompen la estética de un barrio, el de Lavapiés, de estrechas calles donde apenas cabe la innovadora estructura. Los defensores del diseño de Nouvel consideran, sin embargo, que el proyecto representa un hito arquitectónico que aportará modernidad a esta zona de Madrid, una de las más cosmopolitas, ya que concentra a numerosos colectivos de inmigrantes asiáticos, magrebíes y latinoamericanos.

La primera fase de la remodelación del "Reina Sofía" se abre apenas unos días después de la inauguración de las nuevas salas del vecino Museo Thyssen-Bornemisza, creado sobre la que fuera una de las colecciones privadas de arte más importantes del mundo. La nueva sala de exposiciones del Museo Reina Sofía parece especialmente ideada para albergar la obra de artistas como el estadounidense Roy Lichtenstein, uno de los más importante representantes del pop-art al que el museo dedica la primera exposición integral en España. La monumentalidad de las obras de Lichtenstein (Nueva York,1923-1997) y la pureza de sus colores se integran en el nuevo espacio expositivo situado en el nuevo edificio, de 1018 metros cuadrados y una altura de 6 metros.

Más de 50 pinturas y otros tantos dibujos, la escultura "Brushstroke (1996) de casi diez metros de altura situada en la plaza central, así como dos vídeos del artista, contribuyen a comprender a uno de los artistas que conmocionó el arte en los sesenta con una provocadora obra que en la actualidad alcanza precios record en las subastas internacionales.

Lichtenstein sorprendió esos años con sus serigrafías y litografías, basadas en el lenguaje del cómic y creadas con tramas de puntos de colores. Estas obras, reproducidas más tarde en infinitos carteles y tarjetas de felicitación, impactaron por su carácter irónico e impersonal, frente al sentimentalismo predominante en pintores de la generación previa, como Jackson Pollock.

Al igual que Warhol, Oldenburg, Rosenquist o Wesselmann, se inspiró en las imágenes de la cultura popular de masas, en los carteles publicitarios, en anuncios de los periódicos, en tebeos y comics, en definitiva, en la realidad cotidiana más banal. Pero, aunque a primera vista la obra de Lichtenstein puede parecer sencilla, su fondo es bastante complejo. Su mirada analítica e irónica se posó también en los motivos pictóricos y las obras maestras del pasado y en la asociación de las artes plásticas con el diseño gráfico e industrial.

Imágenes como "Popeye, "In the Car", "Girl with Tear III", "Ohhh...Alright" o "Whaam!", se han convertido en auténticos iconos con los que se identifica a un artista que pasó de ser el "pintor de las tiras cómicas", a convertirse en un clásico del arte de la segunda mitad del siglo XX.

En "Look Mickey" (1961), por ejemplo, aparecen el ratón Mickey y el pato Donald, una estampa en la que Lichtenstein recurre -como casi siempre- a los colores primarios para aislar las imágenes de su contexto y agrandarlas. Este aislamiento produce una abstracción que también se aprecia en la serie "Rouen Cathedral Set V" (1969), una versión muy particular de la obra de Claude Monet.

Sus últimas creaciones muestran paisajes fríos, punteados y de trazo muy preciso que denotan una incertidumbre espacial.

El comisario Poul Erik Tojner no ha querido hacer una retrospectiva, cronológica y biográfica, sino una exposición temática. "Nuestro desafío era romper lo que se considera la fama de Lichtenstein con el pop-art. Queríamos trascender de esa idea y mostrar otras ideas básicas que están presentes en el mundo del artista". Por ello ha querido ofrecer "todo el corpus de su obra" para poder analizar las piezas individualmente y estudiar lo que significan dentro de ese corpus. "Se han creado agrupaciones de análisis. Se comienza con pinturas pop que sirven para acercar al público a Lichtenstein, y a partir de ahí se va desarrollando todo".

El recorrido "va para adelante y para atrás. Se entra y se sale, no es lineal al igual que Roy, que se reinventaba a sí mismo de forma coherente. Es el espejo del reflejo".

La directora del museo Reina Sofía, Ana Martínez de Aguilar, consideró que la calidad de las obras que se exhiben permite ofrece una panorama clarificador de lo que significa la pintura de Lichtenstein en la historia del arte.

La viuda del pintor, Dorothy Lichtenstein, dijo estar encantada de representar a Roy, "aunque me parece que me estoy aprovechando de su gloria". Afirmó que el artista era "un ser humano increíblemente decente; un humanista secular por naturaleza, reservado y con gran sentido de la ironía.

Tomas Alvarez

 

Munch tambien habría gritado

24/08/2004, Edvard Munch habría puesto el grito en el cielo si alguien le hubiera contado que un 22 de agosto de 2004 unos delincuentes le robarían con total impunidad tres de sus cuadros, uno de ellos el famosísimo “grito” que le ha hecho célebre en el mundo.

Edvard Munch habría puesto el grito en el cielo si alguien le hubiera contado que un 22 de agosto de 2004 unos delincuentes le robarían con total impunidad tres de sus cuadros, uno de ellos el famosísimo “grito” que le ha hecho célebre en el mundo.

... Y los cuadros no estaban asegurados ante robo. Sólo tenían seguro contra daños por fuego y agua. El ayuntamiento de Oslo no quiso asegurarlos porque era costoso.

Ha sido todo un ejemplo de ineficacia. Munch, que un día legó una gran parte de su obra para el Museo Munch de Oslo, fundado en 1963, se habría abochornado ante este suceso.

Este robo de "El grito" de Edvard Munch, y otros dos cuadros del mismo pintor, ha conmocionado a Noruega que se encuentra ahora ante la desaparición de una de los cuadros más conocidos del mundo, obra maestra del expresionismo.

El robo se produjo a primeras horas de la mañana, ante diversos testigos que contaron cómo los ladrones -tres hombres armados- entraron en el museo Munch de Oslo vestidos con ropa oscura y enmascarados, Allí habían amenazado al personal con sus pistolas. Los visitantes del museo creyeron que se encontraban ante un acto terrorista. Una persona tuvo que ser llevada a un hospital tras sufrir un colapso nervioso.

Además de "El grito", los ladrones lograron llevarse "La Madonna" y otro cuadro de Munch. Luego, los ladrones huyeron un coche Audi negro -que fue hallado por la policía al lado de un club de tenis.

Munch hizo varias versiones de El grito, una de las obras de arte más reproducidas en todo el mundo. La obra robada en Oslo data de 1893. Tiene unas medidas de 83,5 por 66 centímetros y su valor es incalculable.

Otra versión de El grito está en Museo Nacional de Noruega y en 1994 fue robada pero el cuadro fue recuperado tres meses después y el principal responsable del delito condenados a dos años más tarde a seis años y tres meses de cárcel.

El director del Museo Nacional, Sune Nordgren, expresó su esperanza de que los ladrones se comuniquen con el Museo Munch para pedir una recompensa por la devolución de las obras puesto que, por lo conocidas que son, sería muy difícil venderlas en el mercado negro. El grito representa a una mujer apoyada en la baranda de un puente, con el rostro entre las manos, la boca muy abierta y una expresión de horror en los ojos, es una de las obras más representativas de Munch y de su obsesión por hacer plástica la angustia y la desesperación. El pintor tuvo durante toda su vida una tendencia casi patológica a la angustia, algho que se detecta en su cuadros.

El Museo Munch de Oslo, fundado en 1963, está formado sobre la base de la donación del propio pintor a la capital noruega en 1941 cuando le entregó 1.000 cuadros y miles de dibujos y grabados.

La única certeza que la policía dedujo rápidamente era que es que los delincuentes tienen largo historial y están bien organizados.

El museo Munch pertenece a la municipalidad de Oslo. Posee una colección única en el mundo de la obra del artista. Página web : http://www.museumsnett.no/munchmuseet/

 

Vendimias en la República Checa

20/08/2004, Las localidades vinícolas de Mikulov, Karlstejn, Znojmo y Melnik celebran el final de la vendimia, en septiembre, con fiestas populares que son toda una muestra de las tradiciones y del arte gastronómico checo

Las localidades vinícolas de Mikulov, Karlstejn, Znojmo y Melnik celebran el final de la vendimia, en septiembre, con fiestas populares que son toda una muestra de las tradiciones y del arte gastronómico checo.

Las primeras botellas de la temporada del vino local Ludmilla de Melnik, y el vino joven Burcak, de Bohemia y Moravia, se descorcharán entre los asistentes durante los fines de semana del 10 al 11 en Palava (Mikulov), del 17 al 19 en Melnik y Znojmo y del 25 al 27 de septiembre en Karlstejn, cuya vendimia es famosa en todo el país.

Durante el mes de septiembre la República Checa celebra su época de vendimias con fiestas populares de fin de semana en diferentes pueblos de Bohemia y Moravia, destacando especialmente Znojmo, Mikulov (Palava), Melník y Karlstejn, a escasa distancia de Praga (a excepción de Znojmo, a unos 250km.), que se incluyen en todas las rutas vinícolas checas.

Los pueblos de las regiones de Bohemia y Moravia son célebres por sus vinos, especialmente en Moravia del Sur, y por toda la zona se pueden encontrar pequeñas bodegas que fabrican vino casero para consumo familiar, algunas de ellas abiertas al público.

El programa festivo incluye también artesanía tradicional, mercados medievales, atracciones de feria, fuegos artificiales, música clásica, bailes folclóricos, y una representación en trajes de época de la llegada de los reyes fundadores de los viñedos a cada ciudad.

Más información : Oficina Nacional Checa de Turismo. 807.300.565 www.czechtourism.com

 

Mark Rothko y sus campos de color

29/07/2004, Hace poco que se cumplió el centenario del nacimiento de Mark Rothko, el autor de esos ya clásicos campos de color. En el Guggemheim de Bilbao hay una interesante muestra del artista.

Hace poco que se cumplió el centenario del nacimiento de Mark Rothko, el autor de esos ya clásicos campos de color que le han situado, junto con Jackson Pollock, como uno de los artistas clave del expresionismo abstracto.

En el año 2003 y con motivo del centenario del nacimiento de Rothko, la Fundación Beyeler de Basilea, en colaboración con los hijos del artista, Kate R. Prizel y Christopher Rothko, instaló unas salas dedicadas en exclusiva a este creador. Estas salas son las que ahora se trasladan en una versión ampliada al Museo Guggenheim Bilbao y presentan una selección de pinturas de más de cuarenta años de trayectoria creativa, un emotivo homenaje al artista y su obra.

Mark Rothko, Marcus Rothkovitz, nació en Dvinsk, Rusia, en 1903, pero a los diez años de edad emigró con su familia a Estados Unidos. Él participaría en esa “sublevación” de los artistas norteamericanos frente al dominio clásico de los pintores de Europa occidental, de la mano de una serie de críticos militantes que se sacudieron el yugo de París y encumbraron la pintura de Nueva York.

La II Guerra Mundial, con la consiguiente hégira de genios del entorno de Europa occidental, propició el cambio. Frente a las escuelas europeas, atentas a contenidos y composición, surgió la llamada Escuela de Nueva York, caracterizada por una pintura fresca, inmediata, vinculada más al azar y a la espontaneidad que a la reflexión concienzuda.

De hecho, las vanguardias artísticas norteamericanas rechazaron los planteamientos del momento como el constructivismo o el surrealismo. Se encuadraron bajo diversas denominaciones como expresionismo abstracto u otras, que no acaban de corresponder con la realidad del grupo, al que habría que definir de diversas formas parciales como pintura de acción(Pollock, Kline, etc), pintura de contemplación(Rothko o Newman) o caligráfica(Tobey).

El elemento de unión sería la rebeldía y el desprecio a los convencionalismos, así como la vinculación con el subconsciente. La pintura surgía en el momento como expresión no controlada de la individualidad.

Mark Rothko sería un prototipo de esta escuela. Parte de un origen expresionista, visible en las obras de los años treinta, y llega en su madurez a un automatismo que acabaría conduciéndole a los campos de color, con formas rectangulares de límites escasamente definidos, con unos tonos diluidos que generan un aspecto brumoso, sugerente, que se va haciendo sombrío a medida que pasa el tiempo, preludiando el suicidio del artista.

EL AUTOR Y LA MUESTRA DEL GUGGENHEIM.

El Guggenheim Bilbao presenta entre el 8 de junio y el 24 de octubre la exposición “Mark Rothko: paredes de luz”, un recorrido por la trayectoria de este pionero del arte norteamericano de la posguerra. La muestra está comisariada por Oliver Wick, Conservador invitado de la Fundación Beyeler, Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao y Tracey R. Bashkoff, Conservadora del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

Mark Rothko nació en Rusia, en 1903. En 1913 emigró con su familia a Estados Unidos, asentándose en Portland, Oregón. Asistió a la Universidad de Yale y luego, sin licenciarse, se marchó a Nueva York. Comenzó a pintar en 1925 y ya en 1933 tuvo su primera exposición en solitario. A finales de los años cuarenta y primeros años cincuenta continuaría refinando su técnica a medida que desarrollaba su estilo maduro por el que es conocido.

Al comienzo de su carrera como artista, Rothko exploró diversos estilos y tendencias antes de encontrar su estilo propio. Durante los años veinte y treinta realizó infinidad de obras figurativas —desnudos, retratos, interiores con figuras, paisajes urbanos— tanto sobre papel como sobre lienzo. A lo largo de la década de los treinta, sus obras muestran rostros planos y sin rasgos y figuras atenuadas que se funden con el marco arquitectónico, como ocurre en su exploración del metro de Nueva York Entrada al metro (estación de metro/escena en el metro), de 1938, un tema recurrente entre las representaciones de los artistas de la época.

Ritos de Lilit, de 1945, basada en mitos y símbolos clásicos, representa el trabajo de Rothko de los años cuarenta. Sus obras de este período evidencian la influencia de las teorías de Friedrich Nietzsche y Carl Jung, e incorporan técnicas e imágenes abstractas propias del surrealismo, llegado a EE.UU. a través de los europeos emigrados y de artistas americanos formados en Europa.

A finales de los años cuarenta Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso, con sus obras de transición realizadas entre 1946 y 1949 conocidas posteriormente como Multiformas, a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.

En su madurez artística, Rothko explora el potencial expresivo de campos rectangulares de colores luminosos que parecen flotar sobre la superficie del lienzo. Durante este tiempo, utiliza un amplio espectro de colores y tonos para crear y transmitir diversos estados de ánimo impregnando su obra “del poder de la música y de la poesía”. Estas composiciones se convertirían en su estilo característico y en ellas plasma su ideal de “la expresión simple del pensamiento complejo”. Una de las piezas de esta época, Sin título, de 1952–53, una pared de luz y color de enormes medidas, representa el deseo de Rothko de abarcar insospechadas dimensiones espaciales con su arte. Esta pieza antecede a las series de murales posteriores que demuestran la preferencia del pintor por los grandes formatos.

A finales de los años cincuenta, la paleta de Rothko comienza a oscurecerse, abandonando los colores radiantes en favor de los tonos rojos, granates, marrones y negros. Tras sufrir un aneurisma en 1968, el artista tuvo que abandonar el gran formato en favor de la pequeña escala y utilizar el acrílico sobre papel. A partir de este momento trabajó intensamente tanto sobre papel como sobre lienzo, incluso cuando retomó formatos más grandes en 1969.

Las Pinturas de negro sobre gris, que inicia un año antes de suicidarse en 1970, confirman la creencia de Rothko de que su obra encerraba una tragedia. Denominadas por el mismo artista como Sin título, estas pinturas son, al mismo tiempo, comienzo y punto de inflexión en su carrera. Todas ellas tienen formato horizontal y están divididas en dos partes: la inferior, en colores grises y a veces marrones, y la superior, siempre negra. En ocasiones, ambas superficies están entreveradas mediante pinceladas gestuales. De esta forma, aunque parece predominar un nítido horizonte en torno a la divisoria central, es ahí precisamente donde el gris y el negro se entremezclan. Una peculiaridad llamativa es la estrecha franja blanca que enmarca todas las pinturas a excepción de una. Este énfasis en los límites reales de la pintura intensifica el efecto de cuadro dentro del cuadro y contribuye a la sensación dominante de que el espectador ya no ve campos de color dentro de un cuadro, sino un cuadro cuya identidad se afirma a través de su naturaleza plana. Al mismo tiempo, la reducción de la composición a una única división horizontal también sugiere una relación con el paisaje, como si estuviéramos mirando hacia el vacío desde el borde de un planeta. El marco blanco subraya en este caso la percepción de la pintura como “ventana” que se abre a una realidad desconocida.

LA INSTALACIÓN.

El propio Rothko mostraba así su criterio para instalar sus obras en la exposición retrospectiva que le dedicó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961: “Sería mejor no seguir un orden cronológico, sino agrupar las obras potenciando el óptimo efecto de interacción entre ellas. Por ejemplo, los cuadros más luminosos fueron colocados juntos —amarillos, anaranjados, etc.— enfatizando así el efecto que producían”.

La instalación de la exposición Mark Rothko: paredes de luz en el Guggenheim Bilbao ocupa las tres salas clásicas de la tercera planta del Museo y es fiel a las inquietudes manifestadas por el artista, para quien la relación de unas obras con otras dentro del espacio expositivo era de gran importancia para la creación de armonías y efectos que traspasan la superficie de los lienzos llegando al espacio circundante y para la sensación que producen en el espectador.

("Paredes de luz" es un lienzo de Rothko propiedad de la pinacoteca bilbaína; un lienzo de gran formato (4,5 por 3,5 metros) en tonos amarillo, naranja y rojo)

Tomás Alvarez

 

Teruel y la rosa

20/07/2004, Del 28 de julio al 30 de agosto se celebra, en la ciudad de Teruel, la Exposición internacional LA ROSA, una muestra que se realiza en la sala de exposiciones de la Cámara de Comercio de Teruel

Del 28 de julio al 30 de agosto se celebra, en la ciudad de Teruel, la Exposición internacional LA ROSA, una muestra que se realiza en la sala de exposiciones de la Cámara de Comercio de Teruel

Participan con sus instalaciones los artistas españoles e italianos: Giuliana Bellini, Leonardo Cumbo, Eleonora del Broco, Salvatore Delfino, Tomás e Iván Floría, Miguel Ángel Gil Andaluz, Enzo Guaricci, Ángela Ibáñez, Giovanni Gurioli, María Grazia Musolino, Gianfranco Scafidi, Raúl Navarro, Giuseppe Strano Spitu.

La muestra, plural y variada, utiliza distintos lenguajes plásticos que van desde instalaciones escultóricas hasta los recursos de la cerámica y la videocreación. Coordinada por Giuseppe Strano y Ángela Ibáñez, surge como irónica crítica a temas candentes y de máxima actualidad: la guerra y sus efectos colaterales; los malos tratos y la violencia doméstica; la esclavitud que nos impone la imagen, sea moda o cirugía; los medios de comunicación y su influencia; el agua y su uso indiscriminado; el poder y sus abusos; la manipulación sibilina que nos invade a diario; esas espinas que se nos clavan en la vida diaria y que de pura repetición nos anestesian y nos dejan indiferentes. La rosa, flor o espina que sangra.

RULETA ROJA (texto del catálogo)

La rosa, flor perfecta por antonomasia, símbolo del corazón enamorado, exceso o carencia, y el color purpúreo de la sangre y las mejillas.

Teruel, el espacio que acoge y abraza: Patrimonio de la Humanidad por su incomparable Mudéjar; referencia del amor, perfecto por eterno, de sus Amantes; ejemplo de reivindicación y lucha de sus gentes. Teruel que existe, resiste y avanza.

El último grito de un pueblo, que reclama como ciudadano, en un medio hostil y ante una administración olvidadiza.

Pocos, pero con voz y unidos por unos derechos comunes.

La rosa, el círculo que se abre o que se cierra, lo nuevo que emerge o la decrepitud que se apaga. El círculo vital, el giro que engulle o que dispara y proyecta su semilla hacia el exterior, hacia el futuro para morir o para multiplicarse.

Artistas españoles e italianos unidos en este círculo, girando en sus propias apuestas innovadoras y contestatarias, críticas e inconformistas. Sacando las uñas y las espinas contra la autocomplacencia y el todo vale que anestesia la sociedad actual.

El concepto vestido de forma y adaptado al espacio para significarse y trascender al otro, para incomodar, para agitarlo. Para indagar en cada subconsciente. Las respuestas están siempre ahí, sólo hace falta buscar sus preguntas. Las llevamos cada uno en el bolsillo, pero no existen hasta que no las tocamos con los dedos y las convertimos en personales, y a veces duras, certezas.

El equilibrio del movimiento continuo, que todo lo transforma y lo convierte en nuevo o en viejo; el arte que lo viste o lo desnuda, AL MUNDO Y AL HOMBRE, y lo muestra tal como es o en sus múltiples imposturas.

Pasen, vean:

Colores, formas, críticas, sugerencias. El lado lúcido, el lúdico, el cínico, el cáustico ...

Bellini, Cumbo, Del Brocco, Delfino, Floría, Gil Andaluz, Guaricci, Gurioli, Ibáñez, Musolino, Navarro Sánchez, Scafidi, Strano Spitu.

Arriésguense, jueguen a esta ruleta roja en la que nunca se pierde.

Hagan girar la rosa,

apuesten por el arte.

Ángela Ibáñez

 

El Museo de la Trinidad

16/07/2004, La Sala Basilical del Museo del Prado acoge una selección de pinturas que procedentes del Museo de la Trinidad (1838-1872) y que se adscribieron a las colecciones del Prado en 1872. Del 19 de julio al 19 de septiembre de 2004.

La Sala Basilical del Museo del Prado acoge una selección de pinturas que procedentes del Museo de la Trinidad (1838-1872) y que se adscribieron a las colecciones del Prado en 1872. Del 19 de julio al 19 de septiembre de 2004.

El Museo de la Trinidad en el Prado plantea un recorrido desde los primitivos flamencos e hispano-flamencos hasta Goya, con obras, en su mayoría de gran formato. Es un excelente conjunto artístico que tiene su historia, muy vinculada a la desamortización de Mendizábal.

Después de las colecciones reales, el segundo gran conjunto de obras de arte que integra los fondos del Museo del Prado está constituido por los bienes artísticos procedentes del Museo de la Trinidad. Oficialmente abierto al público en 1838 y clausurado definitivamente en 1872, momento en el cual sus obras pasarían a engrosar las colecciones del Prado, la efímera y azarosa vida de este Museo Nacional de Pintura y Escultura, nacido en parte del empeño y los desvelos de la Academia, que contó en su aventura con el apoyo de la reina gobernadora María Cristina de Borbón, constituía hasta la fecha uno de los capítulos menos conocidos en la historia de las colecciones del Museo Nacional del Prado.

Ubicado en la calle de Atocha, Madrid, e instalado en el antiguo convento de la Trinidad Calzada -del que recibe su nombre-, el Museo de la Trinidad estaba formado por las obras de los conventos desamortizados por las leyes de Mendizábal de 1835 a 1837. A este importante núcleo de pinturas y esculturas hubieron de sumarse en 1838 las de la colección del infante don Sebastián Gabriel, que le había sido incautada en 1835 en represalia por haber abrazado la causa carlista. A partir de 1856, el Museo emprendería asimismo una desigual política de adquisiciones que le llevaría a enriquecer el perfil de su colección, incorporando para ello pinturas de Luis de Morales, el Greco, Alessandro Allori y, en particular, un importante conjunto de retratos de Goya.

LA MUESTRA

Este Museo Nacional de Pintura y Escultura se formó con las obras de arte de los conventos suprimidos de Madrid y algunas provincias limítrofes y las de la colección del infante don Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza, incautada en 1835 por la adhesión de éste a la causa carlista. Tuvo su sede en el edificio del convento de la Trinidad, en la calle de Atocha, y fue inaugurado, con una exposición temporal que sólo duró nueve días, el 24 de julio de 1838, onomástica de la Reina Gobernadora doña María Cristina de Borbón, madre de Isabel II. Cerrado después durante cuatro años, fue reabierto, siendo ya Regente el general Espartero, el 2 de mayo de 1842. Su vida se vio, en cierto modo, truncada, al instalarse en el convento el ministerio de Fomento en 1849, ya que la mayor parte de las obras quedaron dentro de las salas ocupadas por el Ministerio, sólo accesibles al público, en algunos períodos, fuera de las horas de oficina.

Fue incorporado al Museo del Prado, ya también Nacional tras la revolución de 1868, por un Real Decreto de 22 de marzo de 1872. En los años siguientes casi doscientas obras suyas se incorporaron al catálogo del Museo del Prado, mientras que otras 650 fueron depositadas en diversas instituciones.

El proyecto inicial, que consistía en la creación de un museo en el que estuvieran representados todos los artistas españoles relevantes y fuera capaz demostrar el origen y desarrollo de la escuela nacional de pintura, no llegó a realizarse, y sólo se incorporaron algunas obras traídas en 1836 de Toledo, Ávila, Segovia, Burgos y Valladolid. Como consecuencia de esto, los fondos del Museo Nacional estarían constituidos en su inmensa mayoría por pinturas de la escuela madrileña, que, dada su procedencia, eran en su práctica totalidad de temática religiosa. En este aspecto, sólo las obras de la colección del infante don Sebastián Gabriel ponían algo de variedad al conjunto.

Pese a todo, el Museo Nacional encerró desde sus inicios algunos conjuntos y obras clave de la historia de la pintura española: las tablas de los retablos de Santo Domingo y San Pedro Mártir, de Berruguete, la serie de 56 lienzos con escenas de cartujos pintados por Vicente Carducho para el claustro de la cartuja del Paular, cinco lienzos del retablo mayor del Colegio de doña María de Aragón de Madrid, del Greco, los seis cuadros del retablo de las Cuatro Pascuas de la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo, de Maino... Y aparte contenía, aunque pocas, varias obras flamencas (La fuente de la Gracia, de la escuela de van Eyck, por ejemplo) e italianas (la copia de La Transfiguración, de Rafael, hecha por Giulio Romano, la serie de La Pasión de Cristo, de G. D. Tiepolo...) de verdadera importancia. A ellas se añadirían después, tras la devolución de su colección al infante don Sebastián Gabriel en 1859, una serie de compras entre las que algunas, como La Anunciación de época italiana del Greco o un excepcional conjunto de retratos de Goya, muestran un criterio muy avanzado para la época.

Esta exposición, que comprende un excepcional conjunto de obras procedentes de los conventos suprimidos, junto a otras compradas en la década de los sesenta (el Auto de fe presidido por santo Domingo de Guzmán, de Berruguete, y dos retratos de Goya) y algunas más procedentes de la colección del infante don Sebastián Gabriel, y que han sido adquiridas recientemente por el Museo del Prado (el Bodegón de Sánchez Cotán y San Bernardo y la Virgen de Alonso Cano), pretende señalar las aportaciones sustanciales del Museo de la Trinidad al del Prado.

Al margen, el visitante podrá contemplar, en las salas en las que cuelgan habitualmente, otras 47 pinturas procedentes del mismo museo y que han sido debidamente señalizadas para facilitar su identificación  

Pintores con Neruda

15/07/2004, Pintor de la palabra era Neruda; coleccionista de caracolas, botellas y mascarones de proa. Él no tenía cuadros en las paredes de su casa, ni grandes obras de arte... pero poseía escritos llenos de imágenes y luz.

Pintor de la palabra era Neruda; coleccionista de caracolas, botellas y mascarones de proa. Él no tenía cuadros en las paredes de su casa, ni grandes obras de arte... pero poseía escritos llenos de imágenes y luz.

El doce de julio se cumple un siglo del nacimiento del chileno. Es una buena ocasión para conocer los trabajos de destacados pintores españoles y chilenos que interpretan y dan aún más color a la vida y la obra de este Premio Nóbel. El Museo de América, en Madrid, presenta esta insólita muestra.

La exposición, comisariada por Carlos Vasques y patrocinada por la embajada de Chile en España, presenta a 37 pintores –veinte de Chile y diecisiete de España- ilustrando la obra de Neruda. Son ahora los artistas de ambos lados del Atlántico los que complementan esos textos, en los que aparece un rico mundo interior e innumerables evocaciones al mar, la mujer, la tierra...

“Por mi parte soy o creo ser duro de nariz, mínimo de ojos, escaso de pelos en la cabeza, creciente de abdomen; largo de piernas, ancho de suelas, amarillo de tez, generoso de amores, imposible de cálculos, confuso de palabras, tierno de manos, lentos de andar, inoxidable de corazón, aficionado a las estrellas, mareas, maremotos, administrador de escarabajos, caminante de arenas, torpe de instituciones, chileno a perpetuidad, amigo de mis amigos, mudo de enemigos, entrometido entre pájaros, mal educado en casa, tímido en los salones, arrepentido sin objeto, horrendo administrador, navegante de boca, y hierbatero de la tinta...”

Un cuadro de Enrique Zamudio (Santiago de Chile 1955), Pablo Neruda, 1991, complementa esta este autorretrato escrito del autor chileno.

A partir de aquí se sucede un juego brillante, en el que se reconstruye la vida del poeta superponiendo imágenes pictóricas y textos del poeta, a lo largo de cinco epígrafes:

· Chile, poemas para no morir
· América, épica y compromiso
· España, alegría y tragedia
· Asia, soledad y melancolía,
· Araucanía, juegos en el bosque.

Son cinco apartados en los que el comisario ha dividido la exposición para ofrecer un tributo del mundo de la imagen al poeta que pensó y escribió en imágenes.

"Chile, poemas para no morir" abre la muestra con la exhibición de obras de Enrique Zamudio, Gonzalo Cienfuegos, Luis Feito o Agustín Ibarrola.

El apartado "América, épica y compromiso" se ilustra con pinturas de José Balmes o Roberto Matta y, en "España, alegría y tragedia", se han reunido telas de Lucio Muñoz, Juan Genovés, Amalia Avia, Eduardo Arroyo, Antonio Saura o José Caballero.

Las obras de pintores como Claudio Bravo, Eduardo Urculo, Sofía Gandarias, Jorge Salas sirven para interpretar visualmente el apartado titulado "Asia, soledad y melancolía", mientras que en "Araucanía, juegos en el bosque" se han seleccionado pinturas de Antón Lamazares, Ernesto Fontecilla, Carmen Laffón, Rafael Canogar o Antonio López.

Con una poesía rica en elementos visuales, Neruda fue amigo de numerosos pintores con los que le gustaba reunirse con frecuencia, recordó el comisario, quien ha intentado que su selección de creadores y de obras fuera "lo más universal posible, igual que Neruda. Todas las obras tienen esa característica", subrayó.

También sus preferencias personales y el acceso a los propietarios de los cuadros han influido en la selección de las obras que componen una muestra que no hubiera sido posible sin la importante colaboración de galerías de arte y de colecciones públicas y privadas.

Vasques destacó la calidad de todas las obras que son representativas de la época y del ambiente afín a Neruda y de las dualidades que se producen en las diferentes etapas de la vida del poeta, como la alegría y la tragedia, durante su estancia en España, o la lírica y su soledad en Asia.

Los pintores presentes en el proyecto cubren un amplio espectro generacional. Así, entre los artistas españoles hay varios miembros del Grupo El Paso, junto con otros nacidos en la década de los años 60, cuando los primeros empezaban a despuntar. Probablemente el más emblemático entre todos ellos es José Caballero, gran amigo del poeta.

El cuadro de Caballero es “Luto por un personaje desconocido”, que se coordina con un texto en el que Neruda se pregunta:

Por qué no veo a Caballero,
pintor terrestre y celestial,
con una mano en la tristeza
y la otra mano en la luz?

Entre los contemporáneos chilenos de Neruda están presentes en la exposición el muralista Gregorio de la Fuente y Roberto Matta, cuyas obras comparten espacio con la del polifacético Aldo Bahamonde, o el gallego Antonio Murado, los artistas más jóvenes.

En cuanto a los estilos, están representadas las más variadas tendencias: desde el hiperrealismo, el realismo político o la figuración narrativa hasta el surrealismo o el arte pop.

Unos y otros van dando imágenes a unos textos bellísimos.

“Lo primero que vi fueron árboles, barrancas decoradas con flores de salvaje hermosura, húmedo territorio, bosques que se incendiaban y el invierno detrás del mundo, desbordado. Mi infancia son zapatos mojados, troncos rotos caídos en la selva... ” Y la brillante narración se corresponde con el cuadro de un muchacho, obra de Aldo Bahamonde.

América late también en el corazón y la pluma de Neruda, salvaje y luchadora.

“América, no invoco tu nombre en vano.
Cuando sujeto al corazón la espada,
cuando aguanto en el alma la gotera,
cuando por las ventanas
un nuevo día tuyo me penetra...

...Y un cuadro de José Balmes, Homenaje 2004, refrenda este escrito. Es una composición, técnica mixta, en la que aparece revuelta y entintada la bandera chilena..

La puesta de un humilde establecimiento de un vidriero, obra de Amalia Avia, recuerda su estancia en España”. yo vivía en un barrio de Madrid, con campanas, con relojes, con árboles. Desde allí se veía el rostro seco de Castilla como un océano de cuero”

Y así –cuadro a cuadro, verso a verso- se sucede una colorista exposición en la que la desigual calidad pictórica queda cubierta por una excelente conducción temática. Hay color y latido poético.

“Compañeros, enterradme en la Isla Negra, frente al mar que conozco...” Y frente a sus palabras en las que habla del océano, de nieblas y derrumbes de turquesa, se presenta un bello cuadro, Isla Negra(2004), del chileno Guillermo Muñoz Vera.

Tomás Alvarez

 

Las más Ricas Horas

19/06/2004, El libro de "Las muy ricas horas del duque de Berry", uno de los más célebres manuscritos del medievo, se está exponiendo por primera vez, en su totalidad, en el museo Condé del castillo de Chantilly, cerca de París

El libro de "Las muy ricas horas del duque de Berry", uno de los mבs cיlebres manuscritos del medievo, se estב exponiendo por primera vez, en su totalidad, en el museo Condי del castillo de Chantilly, cerca de Parםs.

En el tramo final de la Edad Media, eran famosos los libros de horas. Por libros de horas se entendםa a aquellos que contenםan las oraciones que se debםan rezar en distintos momentos del dםa (horas canףnicas). Los nobles y poderosos llegaron a encargar bellםsimas piezas, satisfaciendo a la vez sus ansias devovionales y estיticas.

Estos “libros de horas” alcanzarםan su mבximo esplendor entre 1350 y 1480 en el tramo final de la תltima Edad Media. Son textos de oraciones para laicos, mas cortos de los que usaban los clיrigos e ilustrados –en muchas ocasiones- con mayor calidad. Para ello, los potentados no dudaban en acudir a los servicios de los miniaturistas mבs afamados del occidente europeo.

La belleza de los mismos es evidente. El artista, alejado ya de la rigidez del romבnico, llena las lבminas de magnםficas escenas llenas de movimiento y colorido, y con unas temבticas en las que toma protagonismo lo rural o lo caballeresco, en detrimento de lo propiamente religioso. Es –en muchos casos- una mezcla de mundos gףticos y ya renacentistas.

El libro de Las muy ricas horas del Duque de Berry (Trטs Riches Heures du duc de Berry) es, tal vez, el mבs notable de este tipo de trabajos ilustrados, porque contף con una notable nףmina de artistas, entre los que destacaron los hermanos Limburgo, quienes no llegaron a acabar la obra, a causa de una peste que segף la vida de los tres hermanos, en el mismo aסo.

Los libros de horas suelen acudir al calendario, y יsto les da pie para elaborar magnםficas miniaturas de los doce meses del aסo. En estas lבminas destaca la pulcritud de su realizaciףn, la suntuosidad de los colores, el refinamiento de los dibujos y el realismo de las formas. De este modo, los libros constituyen unos notabilםsimos documentos ilustrados que poseen incontable informaciףn sobre las actividades, grupos sociales, vestimentas, costumbres, gustos y valores de este periodo histףrico tan minuciosamente mostrado.

En el cuadro correspondiente a agosto, por ejemplo, aparecen en primer tיrmino los nobles, delicadamente vestidos, sobre caballos que portan magnםficos arreos. Los halcones que llevan muestran su בnimo cazador. En el plano siguiente aparecen unos campesinos que huyen del calor baסבndose en el pequeסo rםo, y mבs allב estב otra escena campesina: la recogida de las gavillas de cereal. Al fondo el castillo, tal vez uno de los que pertenecםan al propio duque de Berry. Todo un bello documento, una magnםfica crףnica de la vida medieval, en la que no faltaron aspectos estיticos y de jerarquםa.

Jean de Berry.

Jean de Berry (1340?1416), fue un noble de azarosa vida, hijo de Juan II el Bueno. Siempre amף los lujos, la mתsica, la literatura y la pintura. Su vida fue un continuo trasiego, pero estuvo gran parte de la misma en sus grandes castillos, en Parםs y en Bourges, que por entonces ocupף un destacado puesto en la cultura, relacionando los בmbitos artםsticos de Borgoסa e Italia.

Gran mecenas, el duque de Berry, comprף numerosos libros y obras de arte y mantuvo una permanente fiebre constructora de palacetes y castillos. Su principal maestro de obra era Guy de Dammartin. Pero tambiיn estuvo rodeado de pintores y escultores. Entre יstos, Jean de Cambral, quien esculpiף la tumba del duque Jacquemart de Hesdin. Tambien trabajף para יl el propio Claus Sluter.

Amante de los libros, trajo a iluminadores italianos para mejorar su biblioteca. En יsta era posible hallar obras de Aristףteles, de los clבsicos latinos y abundantes novelas de caballerםa, amיn de un centenar de libros de piedad, entre ellos quince libros de horas.

En estos libros, breviarios para laicos, se ponםan las oraciones que habםa a recitar a las horas canףnicas. “Las muy ricas horas” son una obra maestra del gיnero; un trabajo que durף largo tiempo, y en el que intervinieron diversos autores. La obra surgiף a iniciativa del duque de Berry, con un proyecto que retomaron los hermanos Limburgo, oriundos de Nimega, Holanda.

Los tres hermanos -Paul, Jean y Hermann- desaparecieron en 1416, el mismo aסo que su mecenas. Paul fue el jefe, pero no se sabe cףmo distribuyף el trabajo. Otro artista, entre 1438 y 1442, pintף parte de los meses, reflejando una inspiraciףn diferente aunque tambiיn refinada. Finalmente Jean Colombe, nacido y muerto en Bourges, terminarםa “Las muy ricas horas”, hacia 1485.

El libro pasarםa primero a la biblioteca real de Francia, antes de ser donado a la casa de Saboya. A finales del XIX acabף en la Academia Francesa, como donaciףn del duque de Aumale, hijo del rey Louis-Philippe, quien pondrםa en el testamento la prohibiciףn de que su legado fuese prestado para alguna exposiciףn exterior.

Por esta razףn la muestra de “Las muy ricas horas” se presenta en el castillo de Chantilly, en la capilla. Es una ocasiףn excepcional para descubrir tambiיn uno de los buenos museos franceses, el museo Condי, excelente en materia de pintura antigua, y extraordinario en materia de manuscritos.

El libro de “Las muy ricas horas” se compone de 206 pliegos de 29 por 21 centםmetros. Incluye 66 grandes miniaturas y 65 mבs pequeסas. Las pבginas se pasan cada semana para ir descubriendo al publico el mayor nתmero de iluminaciones. Los organizadores de la muestra han destacado que sorprendentemente, la obra permanece intacta al cabo de seis siglos, y no ha necesitado restauraciףn alguna.

Abierta la muestra hasta el 2 de agosto, en Chantilly. Es una excelente ocasiףn para conocer una faceta artםstica tםpica del final de la Edad Media, entrar en el mundo de los libros mבs maravillosos, surgidos poco antes de que el hombre pudiera en marcha la gran maquinaria de la imprenta.

Algunas webs:

http://www.institut-de-france.fr/actualites/dossiers/expo_Tres_Riches_Heures.pdf

http://www.institut-de-france.fr/patrimoine/chantilly/calendrier.htm

http://www.cnice.mecd.es/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/x-media/berry2.htm

http://www.chateaudechantilly.com/html/1chateau/texte_chapatri.htm

http://www.christusrex.org/www2/berry/

Tomבs Alvarez

 

Verano en Austria

18/06/2004, Austria, en el centro europeo, es un magnífico espacio para disfrutar de unas vacaciones, pues une a una magnífica oferta cultural, la rica gastronomía y los bellísimos paisajes

Austria, en el centro europeo, es un magnífico espacio para disfrutar de unas vacaciones, pues une a una magnífica oferta cultural, la rica gastronomía y los bellísimos paisajes.

Como cada año, la oficina de turismo de Austria, presenta algunas sugerencias para aprovechar más el viaje.

Miguel Ángel y su época en el Albertina

El museo vienés Albertina dedica una exposición impresionante al maestro del Renacimiento italiano, Michelangelo Buonarroti (1475–1564), del 9 de julio al 10 de octubre. Este genio universal, que pintó en sólo cuatro años los frescos en la bóveda de la Capilla Sixtina en Roma, no sólo fue pintor y escultor, sino también constructor y un poeta creativo.

La parte central de la exposición “Miguel Ángel y su época” está compuesta por desnudos y estudios de figuras del gran florentino. Sus dibujos, fieles a los detalles, de cuerpos y los esbozos anatómicos siguen fascinando hasta hoy al espectador. Además de 80 dibujos se pueden admirar también grabados en cobre, xilografías en color y aguafuertes.

Completan la muestra obras de grandes contemporáneos italianos como Leonardo da Vinci, Rafael, Giulio Romano, Correggio, Parmigianino, Tiziano y Tintoretto, de la colección gráfica del Albertina

Escuela Española de Equitación y los Niños Cantores de Viena delante del palacio de Schönbrunn

Después del gran éxito obtenido el año pasado, vuelven a bailar este años los Lipizanos, los caballos blancos de fama mundial de la Escuela Española de Equitación, al aire libre en el enorme patio principal de la antigua residencia de verano de los Habsburgo.

La Escuela Española de Equitación en Viena es la única institución del mundo que cuida y presenta desde hace 400 años el arte ecuestre clásico en toda su pureza.

En el patio principal actúa igualmente el coro de niños más famoso del mundo, los Niños Cantores de Viena, en cuatro veladas. Por primera vez se les oirá en vivo ante el fondo imperial, acompañados por la orquesta de renombre, Schönbrunner Schlossorchester. Durante el año puede escuchar a los Niños Cantores durante la misa los domingos y festivos en la capilla del Palacio Imperial de Viena (fechas exactas en: www.wsk.at).

Y los encantos alpinos, y Viena y Salzburgo.... A disfrutar.

 

Confucio: humanismo en China

18/06/2004, Hace ahora unos 2500 años, surgieron en Asia gentes como el maestro Kong (Kongzi), conocido en Occidente como Confucio; Lao Tze, y Sidarta Gautama, Buda. Se trata de una tríada de maestros espirituales que en el siglo VI a.C. propugnaron la necesidad

Hay tiempos que parecen predestinados por la historia para la gloria del hombre. Hace ahora 500 años, Da Vinci estaba pintando la Gioconda; Miguel Ángel hacía el David, y otros genios como Rafael o Tiziano estaban ya dando obras maestras. Pero esas casualidades no sólo ocurrieron en Occidente. También se dieron en Oriente.

Hace ahora unos 2500 años, surgieron en Asia gentes como el maestro Kong (Kongzi), conocido en Occidente como Confucio; Lao Tze, y Sidarta Gautama, Buda. Se trata de una tríada de maestros espirituales que en el siglo VI a.C. propugnaron la necesidad de una nueva ética.

Confucio (551-479) no fue el fundador de religión o espiritualidad alguna. Sin embargo, representa un auténtico fenómeno cultural que se confunde con el destino de toda la civilización china. Se trata de una figura universal, que incitó a la reflexión del hombre sobre el hombre. Él propuso por primera vez una visión ética del hombre en su integridad y en su universalidad.

A lo largo de su carrera intentó convencer a los gobernantes de la conveniencia de restaurar las reglas y costumbres antiguas, sin llegar a conseguirlo. Pese a sus fracasos, perseveró en su deseo de poner remedio a las crisis políticas y las luchas de poder a través de la enseñanza. Tras su muerte, sus discípulos recopilaron algunas de sus conversaciones con el maestro bajo el título Lunyu (las Analectas).

Los datos biográficos sobre la vida de Confucio son imprecisos. Dedicado al estudio desde los quince años, se convirtió en docente al servicio de una familia noble del estado de Lu, de la que se cree que también fue intendente. A los treinta años tenía numerosos discípulos y era consultado por grandes prohombres. Inició una etapa de activismo político que le llevó al ejercicio del poder en la corte de los duques de Lu, a la peregrinación y al destierro. Confucio predicó el cultivo de las virtudes y el deber de aspirar a la perfección, una cualidad humana superior que identificaba con la sinceridad y la moderación, la justicia, la lealtad y el respeto a la naturaleza, es decir, el “ren”, que se alcanza mediante una permanente superación personal y la disciplina moral, y no en virtud del nacimiento, como pretendía la nobleza feudal. Lo subversivo de este pensamiento es precisamente lo que molestó a sus contemporáneos más poderosos.

Más que un creador, él mismo se presentó como un transmisor de las enseñanzas de los antiguos sabios chinos. Sus doctrinas se basan en el estudio, el comentario y la recuperación de los textos tradicionales, de los que supo extraer ideas nuevas. La vida de Confucio está marcada por la búsqueda infructuosa de un príncipe dispuesto a llevar a la práctica sus doctrinas de organización racional de la sociedad. Tres siglos después de su muerte, la dinastía Han convirtió el confucianismo en la doctrina oficial del Estado.

En Barcelona, la exposición “Confucio. El nacimiento del humanismo en China”, comisariada por Jean-Paul Desroches y Catherine Delacour, (del 27 de mayo al 29 de agosto de 2004) traza un recorrido a través de más de veinte siglos de historia que permite al gran público familiarizarse con el pensamiento y la figura del maestro: la importancia del culto a los antepasados, su vida, la recuperación de su doctrina durante la dinastía Han (206 a.C. - 220 d.C.), la práctica de las seis artes nobles, la implantación del sistema de exámenes imperiales basado en los textos confucianos (vigente en China hasta 1911), el culto a Confucio y su influencia posterior en la China imperial.

También muestra cómo su pensamiento llegó a Occidente a través de los misioneros y pronto llamó la atención de la élite ilustrada (Leibniz, por ejemplo, intentó descubrir sus razones más profundas y Voltaire se sirvió de su pensamiento como arma arrojadiza). Asimismo, la exposición presenta una serie de sentencias del maestro proyectadas en la pared en caligrafía china con su traducción al castellano y al catalán, así como una selección de fotografías de los lugares de peregrinación captadas entre 1907 y 1914 por tres misiones científicas y fragmentos de un documental filmado a finales de 1990 por la televisión alemana.

LOS SIETE ÁMBITOS DE LA EXPOSICIÓN.

Organizada por la Fundación la Caixa, la Réunion des Musées Nationaux y el Museo de Artes Asiáticas Guimet de París, con la participación de la Administración Nacional para el Patrimonio Cultural de la República Popular China, la muestra está estructurada en siete ámbitos.

· Una filosofía basada en la tradición

· La vida de Confucio

· El nacimiento del humanismo chino

· La práctica de las seis artes

· El pensamiento de Confucio en la vida pública

· El confucianismo, religión oficial

· La influencia del confucianismo

En la exposición se pueden contemplar la versión escrita sobre papel más antigua que recoge las enseñanzas de Confucio, impresas a finales del siglo XIII y halladas en 1971 en la tumba del príncipe Zhu Tan, hijo del fundador de la dinastía Ming. También se exhibe su "primera biografía", estampada en un rollo, los llamados "Vestigios sagrados de la vida de Confucio", del siglo XIX, basados en las escenas grabadas en piedra en 1592. La influencia de los principios enunciados por el maestro, tan arraigados en la época Han, se puede percibir en las estelas funerarias que se exhiben.

El recorrido se inicia con un primer ámbito que muestra una veintena de bronces arcaicos, nunca expuestos fuera de China, entre ellos siete recipientes de una misma familia aristocrática de época Shang (siglos XIII-XII a.C.) y otros de la dinastía Zhou del Oeste (siglos IX-VIII a.C.), de la dinastía Han del Este (722-481 a.C.) y de la época de los Reinos Combatientes (453-221 a.C.).

El apartado central de la muestra está dedicado a las seis artes nobles (ritos, música, escritura, matemáticas, conducción de carros y tiro con arco), aquellas que, según Confucio, tenían como objetivo desarrollar la sensibilidad y el autocontrol para restablecer la armonía del ser humano con el Universo.

En este ámbito se pueden ver dos carillones, uno de campanas y otro de piedras duras, percutidos por medio de martillos; un tampón para estampar la firma y una piedra en la que se preparaba la tinta, todos con forma de tortuga, símbolo del Universo; algunas medidas de peso; o un carro tipo "rong che" con conductor de la dinastía Han.

Aunque rechazado en vida por los poderosos, tras su muerte, el pensamiento de Confucio se convirtió en doctrina de Estado y las "oposiciones" para los funcionarios se basaban en los escritos confucianos y en las seis artes nobles.

De este período se muestran una galería de retratos de funcionarios, como el del venerable Qi Jiguang (1528-1587), célebre estratega de la época Ming, o de la veintena de retratos de venerables de la familia Liu y sus mujeres, a lo largo de varias generaciones. Además se incluyen algunos vestidos, ornamentos e insignias que llevaban los letrados-funcionarios, como tres vestidos que pertenecieron a descendientes del maestro y que provienen de su residencia en Qufu, dos de época Ming y uno de los Qing.

El final de la exposición, en el que se reúne una selección de fotografías de los lugares de peregrinación de Confucio captadas por misiones científicas entre 1907 y 1914, recuerda "la vigencia actual" que tiene el confucionismo y cómo llegó a Occidente de la mano de los misioneros jesuitas y el entusiasmo que pronto despertó entre algunos ilustrados.

Artemio Artigas

 

Joaquim Mir, paisajismo en Mallorca

17/06/2004, En el tramo final del siglo XIX, cuando multitud de pintores españoles miraban hacia la meca parisina y se empapaban en las vanguardias que hacían de la ciudad del Sena una capital mundial del arte, Mir continuó arraigado en el entorno mediterráneo

El paisajismo español tuvo en Joaquim Mir a un representante excepcional. …l pintó la naturaleza de Mallorca con un cromatismo atrevido, poético y delicuescente, creando extrañas armonías de color, en un estilo que se acercaba incluso a la abstracción. En Girona se presenta una interesante muestra sobre el tema.

En el tramo final del siglo XIX, cuando multitud de pintores españoles miraban hacia la meca parisina y se empapaban en las vanguardias que hacían de la ciudad del Sena una capital mundial del arte, Mir continuó arraigado en el entorno mediterráneo, empapando su paleta en la magia de la luminosidad.

El pintor había nacido en Barcelona en 1873. A los 16 años comenzó a alternar los trabajos del negocio familiar (mercería y bisutería) con la pintura. Primero estudió en una academia y más tarde en la Escuela Oficial de Bellas Artes (La Lonja), donde coincidió con Nonell, Canals y otros, con quienes integró el "grupo del azafrán", llamado así por la abundancia del uso de tonos rojizos.

Pero el carácter independiente e impulsivo de Mir lo llevó siempre hacia la independencia de grupos y a ser en buena medida un autodidacta. Su primera aparición pública sería en 1894, en la segunda Exposición General de Bellas Artes de Barcelona. Poco a poco fue ampliando su ámbito de acción; viajó a Madrid para intentar conseguir ser pensionado de estudios en Roma, algo que no logró; concurrió al establecimiento de "Els Quatre Gats", donde se reuniría con artistas innovadores(entre ellos el propio Picasso), y comenzó a obtener medallas en exposiciones nacionales y participar también como ilustrador de publicaciones...

Y en 1900 se fue a Mallorca, cuando ya era conocido por su calidad de paisajista; se fue en compañía del artista Santiago Rusiñol, y allá, en la isla, quedó impresionado por la luz inmensamente viva y cambiante que transformaba los parajes salvajes con la luminosidad de las distintas horas. Uno de los lugares donde se instaló fue la pequeña aldea Sa Calobra, y se entusiasmó realizando numerosas pinturas sobre el Torrent de Pareix, Valldemosa, Sa Calobra, etc.

Basta recoger un testimonio del propio Mir, para darse cuenta del impacto que le causó el hallazgo de una tierra virgen y bella, cargada de rincones propicios para la inspiración:

"pinto en un sitio por el que sólo paso yo y alguna bestia inconsciente. El paso, en el que sólo caben, justo, los pies, es un terraplén de rocas resbaladizas que van a parar directamente al mar. Si me fallasen los pies y resbalara no creo que volviera a hablarse de mí en el mundo de los vivos. Pero cuando se está allí, Santiago, °Qué espectáculo! A la derecha, la cala de san Vicente, a la puesta de sol roja, del color del fuego. El mar, azul cobalto, refleja aquellas rocas encendidas y queda también rojo como la sangre. A la izquierda los contrafuertes del Castillo del Rey, a contraluz, grises a la sombra. En aquel lado, el agua toma tonos de plata. Añade los morados de las algas del fondo y el de las higueras silvestres que penden hasta tocar el agua y °Qué cosa, Santiago! °Qué locura de colores!°Están todos! Todos los de la paleta..."

La conversación anterior fue recogida por la hija de Santiago Rusiñol, cuando Mir explicaba los colores de la inhóspita costa del norte de la isla de Mallorca.

Parece ser que un factor que animó a Mir a acudir a Mallorca fue el conocimiento de una exposición del pintor belga William Degouve, presentada en Barcelona y en la que tenía temas mallorquinos, muestra que le causó sensación por su tremendismo lumínico y un uso cromático que le llevaría a separarse de las influencias de otra de las escuelas realistas catalanas, la de Olot.

En la isla, en torno a Mir llegó a tejerse una cierta leyenda que se apoya en su obra, su huída hacia lo salvaje y lo inhóspito, y su carácter vehemente. Incluso se cuentan rivalidades y amores. En Sa Calobra, por rivalidades amorosas, le quemaron un cuadro... huyó entonces montaña arriba, y se cayó por un despeñadero. Las gentes del pueblo sólo lo hallaron un día más tarde, gravísimo. Luego fue trasladado a la Península...

María Teresa Camps, autora de un texto sobre el pintor, afirma que el contacto de Mir con Mallorca dio respuesta a su sentimiento panteista respecto a la naturaleza... "cierto es que la naturaleza ignota y geológica de la isla se prestaba a toda clase de experimentos innovadores a una retina sensible cuya percepción se alteraba agudizándose en virtud del proceso de exaltación a que el pintor quedó sometido... Mir toma postura personal ante el paisaje penetrando lentamente en él hasta ser absorbido por completo. Su sentimiento panteísta, la concomitancia de los factores enunciados y su predisposición favorecen el proceso que inevitablemente desemboca en una fuerte alteración síquica. Psicológicamente, el pintor va penetrando progresivamente en la Naturaleza, hasta fundirse con ella, violentamente. Se puede seguir ese proceso no sólo a través de los temas elegidos, barrancos, cuevas, la sombra, la noche... sino también a través del tratamiento dado a los mismos".

En Mallorca, Joaquim Mir entró en contacto con la luz y el color del paisaje de una isla virgen y renunció a la vida de la ciudad y a la pintura de contenido social de su periodo anterior. A partir de este periodo, el paisaje se convirtió en el eje central de su actividad, por lo que intentó captar los cambios de luz y la incidencia de estos sobre las cosas. A pesar de todo, su pintura no puede calificarse de impresionista ya que no pretende confirmar ninguna teoría científica del color, sino captar las transformaciones de la luz y del ambiente sin dejar de ser fiel al motivo.

En su estancia en la isla, Mir trató también con cierta asiduidad el tema de la noche, pero, a diferencia de sus contemporáneos Picasso o Anglada Camarassa, que pintaban la noche como marco propicio de la diversión y el ambiente cosmopolita de la ciudad, él no se sintió nunca atraído por la temática de la diversión nocturna.

Su huída de los temas convencionales preludiaba también su propia evolución mental, que merecería atención sanitaria tras la estancia en la isla.

En 1901 y 1903 expuso ya sus oleos de Mallorca, que causaron un impacto positivo en Cataluña; decoró el comedor de la Casa Trinxet y el Gran Hotel de Mallorca, con Rusiñol... luego tras el accidente de Sa Calobra, pasaría a un centro de salud dos años...

Su fuerte naturaleza le permitirá recuperarse síquicamente y seguir pintando hasta sus últimos días. Falleció en 1940. Sus trabajos de vibrante colorido están hoy en importantes instituciones museísticas de varios continentes.

Mir siguió siendo siempre un pintor esencialmente autóctono y, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, no viajó a París para exponer o completar su formación. Su arte desarrolló un estilo personal, basado en una visión libre e intuitiva del paisaje con la utilización de manchas y masas de color que llegaron a rozar la abstracción.

La obras de Mallorca.

El Centro cultural Fontana dіOr, acoge en Girona, España, hasta el 3 de julio la muestra "Joaquim Mir. Mallorca y otros paisajes", que reúne 39 pinturas inéditas o poco conocidas del artista barcelonés, o bien pintadas en Mallorca.

La planta subterránea del centro se ha reservado a las 27 obras centradas en el paisaje de Mallorca, de las que sólo una, "Interior. Sóller. Mallorca", no toma el paisaje como tema central, aunque también está presente.

El comisario de la exposición, Francesc Miralles, historiador especialista en la obra de Joaquim Mir, ha querido evidenciar con esta muestra cómo la estancia en Mallorca, entre 1900 y 1904, influyó en la vida del artista y en su pintura. Las obras escogidas explican cómo Mallorca provocó el profundo cambio en su obra y cómo el artista, que llegó a la isla con la influencia del realismo, configuró allí su propio lenguaje, que se centró en la captación del color y la contraposición de los tonos que sólo su percepción era capaz de ver.

Las 39 obras expuestas, básicamente óleos sobre tela, pero también óleos sobre arpillera, madera o cartón, y pastel sobre papel o carboncillo, proceden de colecciones privadas y de diferentes museos y entidades como la Fundación Es Baluard de Palma, la Caixa de Balears de Palma de Mallorca, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y la Fundación Francisco Godia de Barcelona.

Tomás Alvarez

 

Los guerreros de Xian, en el Forum de Barcelona

16/06/2004, El Forum de Barcelona está presentando diversas iniciativas de interés, una de las más destacadas es la de los guerreros de Xian, con la que se pretende acercar al público una muestra de arte funerario chino

El Forum de Barcelona está presentando diversas iniciativas de interés, una de las más destacadas es la de los guerreros de Xian, con la que se pretende acercar al público una muestra de arte funerario chino, basada en los hallazgos de las excavaciones de las tumbas de Qinshihuang y de Yangling.

La exposición está abierta del 9 de mayo hasta el 26 de septiembre. Las obras expuestas dan testimonio de dos de los períodos fundamentales de formación y consolidadión del imperio chino, el de las dinastías Qin (221-207 a.C.) y Han (206 a.C.-220 d.C.). Son muestras procedentes de descubrimientos arqueológicos recientes y de incalculable valor histórico.

La exposición se divide en dos secciones: la dinastía Qin y la dinastía Han, con 31 y 69 objetos respectivamente. Entre las piezas presentadas de la dinastía Qin destaca una muestra de los guerreros de terracota de Xian , que incluye las figuras de un general, un arquero y un acróbata, así como una armadura completa en piedra. De la dinastía Han cabe destacar las pequeñas figuras desnudas de dos hombres y algunos animales domésticos de cerámica.

Los objetos expuestos pertenecen a un período que abarca desde el reinado de Qinshihuang hasta la época de Hanwudi, y muestran de qué manera la cultura china evoluciona de la guerra a la paz. Se pueden ver los poderosos guerreros de terracota Qin al lado de figuras de funcionarios civiles Han. También están terribles armas de la dinastía Qin y figuras de cerámica de algunos animales domésticos que reflejan la vida cotidiana de las comunidades rurales Han.

Los objetos proceden de diversas instituciones y museos de la provincia Shaanxi, rica en reliquias culturales y que ha proporcionado algunos de los descubrimientos arqueológicos más importantes de China

La exposición está siendo la más visitada. Es realmente espectacular, pero tuvo que ser cerrada momentáneamente (durante cuatro horas) a causa de unas humedades, tras unas lluvias registradas en la primera quincena de junio.

los técnicos del Fórum Barcelona 2004 y un grupo de conservadores de arte decidieron retirar una de las vitrinas del final de la exposición y airear en una cámara de seguridad cuatro de las estatuillas de la dinastía Han. Según la organización, los técnicos han comprobado que la humedad no ha afectado a las figuras de terracota, a pesar de que la vitrina retirada está situada debajo de la canalización en la que se generó la condensación de agua procedente de las lluvias, en algunos casos torrenciales, que se han registrado en esas fechas en Barcelona.

 

Los paisajes flamencos

15/06/2004, La tradición paisajística de la pintura flamenca fue el terreno abonado para el surgimiento de un género independiente que se desarrollaría con vigor desde el siglo XVI. Un tema para repasar en el Año Rubens.

La tradición paisajística de la pintura flamenca fue el terreno abonado para el surgimiento de un género independiente que se desarrollaría con vigor desde el siglo XVI. En el marco de las celebraciones del año Rubens, en Amberes, una muestra se dedica especialmente a este asunto: “La invención del paisaje, de Patinir a Rubens”.

Una serie de exposiciones, en Francia y Bélgica, están haciendo de Rubens, uno de los protagonistas del arte en el 2004. En ellas se están revisando distintas facetas del genio Barroco, desde el Rubens coleccionista, al grabador y hasta su vinculación con el paisajismo.

Sin duda, la principal exposición de todas es la que se desarrolla en Lille, la ciudad francesa que este año es Capital Europea de la Cultura, donde unas 160 obras -cuadros, dibujos, bocetos y tapicerías- han sido recolectadas de museos de todo el mundo -Alemania, Austria, España, Francia, Gran Bretaña, Italia, Países Bajos y Estados Unidos- con objeto de mostrar la evolución de la obra de este gran maestro flamenco. Pero en Amberes, la persona interesada en arte encontrará una serie de ofertas complementarias de interés.

Aunque nacido en Westfalia, en 1577, Los padres del artista eran de Amberes, ciudad a la que pronto regresaría, y que tiene a este genio del Barroco como a su hijo más emblemático. Sin embargo también nacieron en Amberes otros artistas importantes. Entre ellos está Patinir, a quien se considera tradicionalmente un maestro del paisaje. Por ello, la ciudad del Escalda organiza este año una muestra dedicada específicamente al paisajismo.

EL PAISAJE EN LA PINTURA.

El paisaje fue, en todo el Renacimiento, un telón de fondo que solía servir para realzar y embellecer la escena que se presentaba en el primer plano. Un ejemplo lo encontramos en Bellini, donde se preludia el paisaje veneciano que florecería con Tiziano y Giorgione.

Precisamente, de Giorgione (1478-1510) hay que destacar su magnífico aprendizaje del colorido de Bellini y su amor por el paisaje. En la mayoría de los grandes libros de arte se destaca una obra suya magistral: La tempestad. En realidad no se sabe qué tema desarrolla el cuadro; bien pudiera ser un asunto mítico o de la literatura clásica.

Un joven, pastor o soldado, y una mujer desnuda que amamanta a su criatura son los únicos seres humanos que aparecen en el cuadro de Giorgione; aparecen en los lados del mismo y ocupando un espacio modesto. El resto es un magnífico paisaje: aguas, árboles, casas, unas columnas rotas y un cielo tempestuoso. Hay una luz especial que unifica el conjunto y que lo llena de un halo romántico y misterioso.

Cabe recordar un hecho arquitectónico curioso que incidió en la pintura de Occidente. En Italia no triunfó el gótico europeo, de grandes ventanales, y ello posibilitó el despliegue de grandes cuadros y la realización de enormes murales en las paredes de los templos... En cambio, en Flandes, como en Borgoña y otros puntos de Europa, los grandes ventanales góticos relegaron la pintura a los altares. Pero también en ellos se pudo ver el avance del paisaje. En el periodo de transición del gótico al Renacimiento hubo en Flandes un personaje clave: van Eyck. En el altar de Gante vemos su percepción de la naturaleza, que supera ya la tradición del gótico y entra en una observación de la realidad... una realidad que ya empezaba a ser imitada en otros lugares. Así, Konrad Witz, en 1444, pintó para un altar de una iglesia de Ginebra una escena de pesca en el Tiberiades... con el paisaje exacto del lago de Ginebra.

Vemos, pues, cómo el paisaje va emergiendo, y liberándose de ser sólo un telón de fondo de la escena sacra o mitológica, para ganar presencia en las pinturas del Renacimiento; un paisaje que era obtenido de la propia observación de la realidad, como se puede comprobar también con los magníficos apuntes de Alberto Durero. Poco a poco llegó el momento en que hubo pintores que centraron totalmente su mirada a la naturaleza, dejando a un lado al hombre. Era una revolución, porque aunque el paisajismo venía de tiempos helénicos, siempre había servido para enmarcar en él al hombre o a la divinidad.

FLANDES.

Amberes, en el siglo XVI, fue una gran capital económica mundial, vinculada a la corona de España y con una activa burguesía que contribuía a mantener una excelente pléyade de artistas. El Koninklijk Museum, posee una amplia teoría de pinturas de esa época. Él organiza ahora la exposición de “La invención del paisaje”

En Flandes ya había una gran percepción de la naturaleza que se muestra con Van Eyck o Gerard David... pero ésta dedicación al paisaje fue particularmente sensible en Patinir, quien sería tenido como “padre” de un nuevo género.

Patinir(1485-1524) tenía taller en la ciudad del Escalda. Allí pintó paisajes ricos y misteriosos, con ariscas montañas y magníficos horizontes. Cuadros como la Huida a Egipto o el Paso de la Laguna Estigia son básicamente paisajes, en las que la figura humana es secundaria... en algunos cuadros de Patinir, incluso, la figura humana fue realizada por otro pintor.

Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569) fue otro de los grandes pintores flamencos del XVI, cercano en su estilo a El Bosco. También estuvo viviendo en Amberes. Desde el inicio de su carrera dedicó gran interés por el paisaje y por los tipos rurales y costumbristas. Pintor de gran realismo, agudeza y genio narrativo. El mundo de los pueblos, los detalles del folclore, los banquetes, las fiestas, escenas de caza y paisajes de las distintas estaciones... todo fue recogido por Brueghel con mirada objetiva, no exenta de crítica y mordacidad.

Paul Bril (1554-1626) también nació en Amberes, aunque trabajó gran parte de su vida en Roma y estuvo influido por modelos italianos. Sus paisajes de pequeño formato fueron vendidos con bastante aceptación en mercados de España, Flandes e Inglaterra. Joos de Momper, (1564-1635) también era de Amberes; excelente paisajista, de magníficos paisajes nevados. Su estilo fue cercano al de Brueghel y gozó en su ciudad de notable clientela.

Otro gran paisajista de Amberes fue Wildens (1586 -1653), quien colaboró con Rubens y otros maestros. Con Rubens, por ejemplo, trabajaba en los fondos de sus cuadros. De esta forma, el genio del Barroco podía atender más rápidamente su cartera de pedidos. Pero dado su dominio del paisaje, Wildens también se dedicaba a hacer cuadros de este género, que se vendían bien en la ciudad. Bonaventura Peeters es otro de los artistas que se presentan en esta muestra del Koninklijk Museum. Originario de Amberes (1614-1652), fue especialmente conocido por sus actividades como pintor de temas marineros; también como grabador.

RUBENS.

...Y finalmente, el gran genio del Barroco flamenco. Rubens mandaba pintar gran parte de su producción a sus ayudantes, y él –en gran número de ocasiones- terminaba la tarea con una serie de pinceladas que avivaban el trabajo... Pero este artista también amó la pintura paisajista, y en sus últimos tiempos –cuando abandonó prácticamente sus habituales actividades cortesanas- se dedicó en ocasiones a este género.

En sus paisajes se denota la influencia italiana, el dominio del claroscuro y un marcado naturalismo. Hombre y paisaje se interrelacionan en Rubens, bien en escenas religiosas, mitológicas cortesanas, campesinas o amorosas. En las escenas galantes, ese vínculo entre personajes y paisaje preludiará a Watteau.

Todo este interesante ámbito es el que se repasa ahora. Del 8 de mayo al primero de agosto, en la muestra “La invención del paisaje, de Patinir a Rubens 1520-1650”; en el Koninklijk Museum de Amberes.

En la presentación de la muestra se dice que el paisaje como género es ciertamente una invención de Amberes en el inicio del siglo XVI. Y se recuerda que la pintura del paisaje –en sus inicios tenida como un género menor- conocería también aquí días de gloria en el XVII y el XIX.

El Koninklijk Museum ha ido recogiendo una amplia colección de pintores paisajistas, entre ellos el viejo Brueghel, Wildens, Paul Bril, Kerstiaen de Keuninck, Joos de Momper, Bonaventura Peeters... y ahora, en el año Rubens, ese conjunto adquiere una nueva relectura.

Porque esa muestra tiene un cierto matiz de reconocimiento, de justicia. El papel reconocido al paisajismo hasta el siglo XIX era secundario, muy inferior al que merecía (no ocurriría así en el romanticismo ni del impresionismo en adelante). Además, la propia valía de Rubens arrinconaba a ese arte paisajista que se había consolidado en Flandes a lo largo de los siglos XVI y XVII.

Webs:

http://museum.antwerpen.be/kmska/

http://www.rubens2004.be

http://www.exporubens.com/

Tomás Alvarez.  

Rosenquist en el Guggenheim

10/06/2004, El Guggenheim presenta en Bilbao una gran muestra retrospectiva dedicada a James Rosenquist, artista que lideró el pop en los años sesenta, junto a sus contemporáneos Jim Dine, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol.

El Guggenheim presenta en Bilbao una gran muestra retrospectiva dedicada a James Rosenquist, artista que lideró el pop en los años sesenta, junto a sus contemporáneos Jim Dine, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol.

El arte pop fue una auténtica eclosión artística en los sesenta, reconocida muy pronto por el gran público (antes que por los críticos) y arraigada sobre bases como fueron la presencia del dadaísta Duchamp en Nueva York, cuya famosa “rueda de bicicleta” fue considerada obra maestra por alguno de ellos.

Surgió un neo-dadaismo que a diferencia del dada original no renegó del arte, pero que, como hizo Duchamp, volvió la mirada a los objetos cotidianos para descubrir su belleza.

Pero el pop no quedó en el afán nihilista y provocativo (Duchapmp no dudó en utilizar el urinario como elemento de arte), sino que se fijó más en la sociedad de consumo, en los mensajes de masas, en la publicidad, en el sexo... en los símbolos de la sociedad que se empeñaba en un desarrolló económico y que reemplazaba sus iconos tradicionales por el rostro de la famosa artista de celuloide o el bote de conserva.

Se apropió el pop de las técnicas de comunicación de masas y utilizó métodos tradicionales del cartelismo: colores planos, nitidez, visibilidad; un arte con color urbano, capitalista.

Rosenquist fue una figura clave, fascinado por la decoración industrial; creador de obras donde presenta combinaciones fragmentarias de ese mundo que se agolpa ante los ojos del ciudadano de su tiempo. Desde el 13 de mayo al 17 de octubre, en el Guggenheim de Bilbao se puede ver “James Rosenquist: retrospectiva”, una muestra que analiza la trayectoria de este artista a través de alrededor de 150 obras —pinturas, esculturas, dibujos, grabados y collages— procedentes de museos y particulares de Estados Unidos y Europa, así como de la propia colección del artista.

Rosenquist nació en Gran Fork, Dakota del Norte, en 1933. Cuando cursaba estudios de secundaria obtuvo una beca para estudiar en la Escuela de Arte de Minneápolis y posteriormente, entre 1952 y 1954, estudió pintura en la Universidad de Minnesota. Durante los veranos pintaba vallas publicitarias, lo que le proporcionó la oportunidad de aprender las técnicas de pintura figurativa y comercial, hasta que en 1955 se trasladó a Nueva York para estudiar en la Art Students League. Dejó este centro al cabo de un año, volviendo a pintar vallas publicitarias en Times Square y por toda la ciudad de Nueva York.

En el inicio de la década de los sesenta, Rosenquist alquiló un pequeño estudio en el bajo Manhattan. Trabajando a contra corriente del entonces predominante expresionismo abstracto, desarrollo su propia versión del Nuevo realismo, un estilo que al poco tiempo sería bautizado como arte pop. Como otros artistas pop, adaptó el lenguaje visual de la publicidad y la cultura popular al contexto de las bellas artes.

Fragmentando y recomponiendo imágenes de tamaño y escala desproporcionada, el artista ha retratado los objetos más comunes (un camión trailer, espaguetis enlatados, flores y muñecas) del modo más provocativo y abstracto. Alcanzó el reconocimiento internacional en 1965 con su pintura de gran escala F-111, cuyo título responde al nombre de un bombardero en desarrollo en aquel momento para la guerra de Vietnam. Este cuadro fue la respuesta del artista ante el conflicto bélico y el complejo industrial y militar que favoreció la economía americana de mediados del siglo. Reconocida como una pieza testimonio de la historia moderna, fue considerada como una proclama antibelicista que emulaba la relevancia y el poderío del Guernica de Pablo Picasso.

A lo largo de las cuatro últimas décadas, el trabajo de James Rosenquist ha reflejado el mundo actual. A través de su iconografía ha expresado temas modernos y de actualidad, dejado constancia de proclamas anti-bélicas y dado voz a las inquietudes sociales, políticas, económicas y medioambientales con relación al destino del planeta. Durante gran parte de su trayectoria el artista ha puesto también de manifiesto en su obra su fascinación por el cosmos, la tecnología y la teoría científica.

El artista, que en la actualidad trabaja a caballo entre Nueva York y Florida, sigue realizando encargos de gran formato, entre ellos el grupo pictórico de tres lienzos El nadador en la a-bruma-dora economía (1997–98), encargado por el Deustche Guggenheim, y una pintura proyectada para el techo del Palais de Chaillot de París. Su trabajo sigue siendo un referente para las nuevas generaciones de jóvenes artistas.

Walter Hopps y Sarah Bancroft son los comisarios de la exposición. Walter Hopps es Conservador de arte del siglo XX de The Menil Collection y del Solomon R. Guggenheim Museum. Sarah Bancroft es Conservadora Adjunta del Solomon R. Guggenheim Museum.

La exposición del Guggenheim abarca más de cuatro décadas de trabajo y sitúa en su contexto histórico las obras pop tempranas de Rosenquist al tiempo que establece su consistente importancia en el arte de finales del siglo XX y principios del XXI. La muestra comienza con algunas de las abstracciones que Rosenquist realizó a su llegada a Nueva York en 1955, cuando el expresionismo abstracto dominaba el panorama artístico.

Posteriormente se presenta la evolución en la década de los 60 con las llamativas pinturas que le vincularon con el arte pop, cuadros tempranos muy influidos por su actividad previa como pintor de vallas publicitarias, obras que le granjearon el reconocimiento del público.

La exposición avanza en el análisis de la trayectoria del artista hasta el presente, reuniendo varios de sus murales épicos, de proporciones monumentales, además del grupo pictórico de tres piezas El nadador en la a-bruma-dora economía (The Swimmer in the Econo-mist, 1997–98) que se expone en la presentación de fondos de la Colección Permanente Arte pop, que se exhibe en la sala 104.

La muestra dedica un espacio específico a examinar en profundidad la obra sobre papel de Rosenquist, vinculada estrechamente con sus pinturas. Un nutrido grupo de collages del artista usados en la preparación de sus lienzos se expone por primera vez con motivo de esta muestra, contribuyendo con ello a revelar nuevos aspectos de su proceso creativo.

Tomás Alvarez

 

Florencia: el David cumple 500 años.

24/05/2004, El Florencia, la Galería de la Academia es uno de los museos más atractivos. Su visita no requiere un tiempo largo, pero allí hay un contenido fundamental para descubrir la obra de Miguel Ángel. Allí está el David, que ahora cumple 500 años.

El Florencia, la Galería de la Academia es uno de los museos más atractivos. Su visita no requiere un tiempo largo, pero allí hay un contenido fundamental para descubrir la obra de Miguel Ángel. Ahora, este centro ha vuelto a las primeras páginas de las publicaciones de arte, merced a una importante restauración del David.

Ya en la primera sala de la Galería se pueden ver obras de los siglos XV y XVI y, en el centro, una joya, la terracota de Juan de Bolonia, modelo del Rapto de las sabinas que se alberga en la loggia de la Signoría. En esta terracota se aprecia bien el magnífico movimiento helicoidal que dio Juan de Bolonia a la composición escultórica.

Luego el visitante pasa a la galería de Miguel Ángel. Lo primero que se ve son los cuatro esclavos destinado a una tumba papal que jamás se llegó a hacer. Las obras, sin terminar, sorprenden, porque de la piedra pesada parecen intentar salir, hercúleas, las figuras inacabadas. Un esbozo de San Mateo y una Pietá, también inacabada (y con obra de algún otro artista también) preceden al gigantesco David.

A sus 25 años de edad, Miguel Ángel rompió con los cánones del David clásico (hasta entonces menudo, con zamarra y zurrón). El David de Miguel Ángel es un Dios, un ser cargado de vida y deseo de victoria, con vigorosa musculatura, que se apoya en una pierna para impulsar la acción, una acción que se intuye en sus propias manos.

Ahora, el David de Miguel Ángel ha merecido una labor de remozamiento. Ese trabajo, de 5,5 toneladas de mármol, ha ganado en luminosidad, tras una minuciosa restauración con motivo de su 500 aniversario.

La limpieza de la obra maestra de Miguel Ángel y una de las esculturas más admiradas del mundo se dio por concluida, después de varios meses de trabajos, precedidos de una encendida polémica. Una intervención en "húmedo" para retirar el polvo, la cera, el yeso y otras impurezas detectadas en sesenta y un puntos de su gigantesca fisonomía ha ido apagando las voces más críticas, que temían que este método acabara blanqueando más de la cuenta al David.

La estatua, de 5,16 metros de altura, presenta ahora un aspecto más pulido y uniforme, en su habitual emplazamiento de la Galería de la Academia de Florencia, de donde no se ha movido para restaurarla. La intervención, hecha a la vista de las miles de personas que diariamente acuden a admirar una de las obras de arte más alabadas de la historia, la ha dirigido Cintia Parnigoni, que se mostró satisfecha y relajada, al anunciar la culminación del trabajo.

Todas las controversias que en su día suscitó la limpieza del David han acabado diluyéndose y los críticos más furibundos, como el profesor de arte neoyorquino James Beck, fundador de Artwatch International, han moderado sus posiciones. Beck lanzó la alarma hace un año, con un llamamiento en contra de la intervención, del que se hizo eco en portada el New York Times y al que pronto se sumaron diversos expertos italianos y extranjeros.

Ese alarmismo caía sobre terreno abonado, ya que las diferencias sobre la restauración del David eran notorias en Italia, donde en marzo de 2003 había dimitido la responsable de los trabajos, Agnese Parronchi, defensora de una limpieza "en seco". Con el tiempo, todo se serenó, y ahora el daviz se apresta a cumplir “guapo” su medio milenio de existencia.

Artemio Artigas

 

Cerámica de España

10/05/2004, Una exposición en Girona, Catalaluña, presenta ahora, por primera vez, uno de los más importantes legados cerámicos de España, el de Francisco Godia, en la sede cultural de Fontana d´Or.

Una exposición en Girona, Catalaluña, presenta ahora, por primera vez, uno de los más importantes legados cerámicos de España, el de Francisco Godia, en la sede cultural de Fontana d´Or.

En grandes museos de Londres, París o Nueva York, el amante del arte puede contemplar magníficas piezas de cerámica española, en las que se pueden detectar las huellas de distintas civilizaciones.

La Fundación Francisco Godia posee una serie de materiales de arte, recogidos desde la década de los sesenta, entre los cuales abunda la cerámica, considerada siempre como una de las expresiones artísticas que más pronto desarrolló el ser humano.

Francisco Godia (Barcelona 1921-1990) fue en su juventud un destacado piloto automovilístico; hombre de negocios y amante del arte, recogió una gran selección de obras de cerámica española procedente de los centros alfareros tradicionales de Aragón, Cataluña, Toledo, Sevilla, Puente del Arzobispo, Paterna, Manises y Alcora. Ahora se expone una significativa selección de piezas en el palacio medieval sede de la fundación Caixa Girona.

LA CERÁMICA Y LA HISTORIA DEL HOMBRE.

La cerámica es parte fundamental de la historia del hombre. De origen humilde –el barro- posee una gran resistencia al fuego y a la intemperie, con lo que se identifica como uno de los mejores testimonios para el estudio de la evolución social, técnica y estética de las diversas culturas.

El origen de la cerámica se vincula a la sedentarización del hombre en el período neolítico. Pero en los yacimientos prehistóricos se detecta pronto la evolución técnica y estilística. La cerámica pintada apareció en el llamado Creciente Fértil, Egipto y Mesopotamia. De allí las tecnologías pasaron al resto del Mediterráneo.

La cultura etrusca, Italia, consiguió dar aspecto metálico a su cerámica ennegrecida; que luego fue reemplazada por la cerámica roja, llamada sigillata(sellada), manufactura que extendería Roma por todo su imperio.

En territorio español, antes de la llegada del dominio romano, hubo una avanzada cerámica. La gran eclosión tuvo lugar en el período ibérico. Cerámicas de torno, con pasta fina de tonos amarillentos, y pintadas con tonalidades de rojo vinoso abundaron por el arco ribereño mediterráneo. En especial cabe destacar la cerámica del entorno de Lliria(al lado de Valencia), con una notable precisión en el dibujo de sus figuras, con bellas y detalladas escenas relacionadas con la guerra o las actividades diarias, a las que suelen acompañar numerosas leyendas escritas en caracteres ibéricos.

Con una trayectoria marcada por los influjos griegos y romanos, la cerámica española registró un nuevo impulso merced a la expansión de las técnicas musulmanas, muy hábiles a la hora de dar al objeto una capa vítrea impermeabilizante, soporte, además, de su eventual cromatismo o de su decoración. Una técnica espacialmente brillante fue la de reflejos metalizados, originaria de Mesopotamia y Egipto.

La cerámica española es fruto de cruces culturales. En la Edad Media, los cristianos comían en platos de madera o metal, utilizando la cerámica para cocer o conservar los alimentos. En cambio, en los reinos musulmanes de España se desarrolló una potente actividad cerámica que proporcionaba objetos para los usos diarios y suntuarios. Los moriscos capitalizaban la producción cerámica, tras la conquista cristiana, y desarrollaron un meritorio sector cerámico en el entorno de Valencia, en Manises y Paterna.

Pero también hay que hablar de influencias flamencas, italianas y francesas. La cerámica adquirió prestigio y en las casas notables se presentaba en el aparador del salón. Los propios dirigentes impulsaron actividades prestigiosas en el ámbito de la cerámica. El poderosos conde de Aranda, en 1727, creó la fábrica de Alcora.

Incluso cabe hablar de influencias llegadas de América y Asia, merced a los cargamentos que llegaban a la Península Ibérica desde Filipinas a través de México, y que proporcionaron temáticas y formas nuevas, algunas incluso chinescas.

CERÁMICA ESPAÑOLA POR TODO EL MUNDO.

La cerámica hispanomorisca de reflejos se exportó a toda Europa en el tramo final de la Edad Media, pero su expansión declinó a partir del XVI, por varias razones: el crecimiento de los precios en España, la competencia italiana, y la expulsión de los moriscos en los inicios del XVII. Otras cerámicas españolas exportadas posteriormente por todo el mundo fueron las de Talavera (desde el siglo XVI) y Alcora (desde el XVIII).

En un periodo en que las piezas de Meissen, en Alemania, Sèvres, en Francia o Capodimonte, en Italia eran coleccionadas y perseguidas por reyes, nobles y burgueses acomodados, Carlos III quiso remediar esa carencia de España fundando en los jardines del Retiro, Madrid, la Real Fábrica de Porcelana, dirigida y supervisada por los maestros traídos de Nápoles. Su producción fue de altísimo prestigio.

Pero independientemente de estos productos de prestigio y elitistas, hasta nuestros días se han venido realizando piezas bellísimas en alfares de toda España, con tecnologías y diseños variados muy vinculados a la propia historia y economía del país.

COLECCIONES CERÁMICAS.

Las colecciones de cerámica española abundan. En la Península Ibérica destacan el Museo González Martí (Valencia), el Arqueológico Nacional (Madrid), el de Santa Cruz(Toledo), El Instituto Valencia de don Juan(Madrid), El Museo de la Cerámica de Barcelona, el Ruiz de Luna (Talavera de la Reina), etc.

El coleccionismo de cerámica española por gentes de fuera del país surgió básicamente a partir del romanticismo. La fascinación de los escritores románticos por la refinada España islámica provocó gran interés hacia la cerámica de reflejo metálico, que se consideraba testimonio directo de aquella civilización.

Hay excelente material cerámico español en colecciones como el Victoria and Albert Museum (Londres), Museos del Cluny y Louvre (París), Metropolitan Museum of Art y la Hispanic Society (Nueva York) y el Museum of International Folk Art de Santa Fe (Nuevo Mexico).

LA EXPOSICIÓN DEL LEGADO FRANCISCO GODIA.

Son más de un centenar de piezas de cerámica seleccionadas de la colección privada de la Fundación Francisco Godia las que se muestran en el palacio medieval de la Fontana d´Or, hasta el 30 de mayo. Es comisaria de la muestra Maria Antonia Casanovas, conservadora del Museo de Cerámica de Barcelona.

La conservadora ha dicho que la colección permite hacer un recorrido por la historia de la cerámica española agrupándola por temas, dando especial significación a los centros de producción y creación más importantes que existieron en la península.

Es una selección de las principales manufacturas españolas desde el siglo XIV, hasta el XIX, articulada en cuatro grandes grupos: flores y paisajes, figuras y retratos, bestiario español, y heráldica.

En el grupo de piezas de flores y paisajes se muestra como los temas florales simbolizan en todas las culturas la fugacidad de las cosas, la inocencia, la fecundidad o la renovación de la vida individual. Estos motivos son muy frecuentes en la cerámica española, pero también los animales tienen un papel importante por el simbolismo, por suS cualidades, formas y colores.

Otro tema reiterado se refiere a los escudos heráldicos; los de las familias aristocráticas, órdenes militares y dignatarios religiosos aparecen en vajillas desde la época medieval.

Entre lasnumerosas piezas expuestas destaca, por la calidad de la manufactura y su importancia histórica, un busto del Conde de Aranda, creador de la manufactura de Alcora, y una excelente colección de platos de reflejos metálicos.

Tomás Alvarez

 

Begoña Sicre y el mar

09/05/2004, "Imágenes sosegadas; colores prestados por el cielo..." La escritora Marifé Santiago Bolaños, presenta la exposición de pinturas de Begoña Sicre Romero, en la casa de Galicia de Madrid

BEGOÑA SICRE Y EL MAR

“Imágenes sosegadas; colores prestados por el cielo...” La escritora Marifé Santiago Bolaños, presenta la exposición de pinturas de Begoña Sicre Romero, en la casa de Galicia de Madrid.

La bella muestra pictórica ha sido organizada en el mes de mayo de 2004, con motivo del centenario de Adepesca, Asociación de Empresarios Detallistas de Pescados. pescado. Begoña Sicre Romero, aunque nacida en Cádiz en 1966, se siente gallega. Empezó como discípula de un pintor ferrolano, desarrollaldo obra poscubista, y ha proseguido una activa labor en el ámbito del arte, siempre muy ligada al mar.

Marifé Santiago la presenta asÍ:

“Porque el infinito es aquello fuera de lo cual hay siempre algo, como en el mar, el perímetro del mundo lo define la mirada del hombre, que va dándole forma a los espacios, haciendo cósmico lo ilimitado; como si acantilados y costas, horizonte y mareas, dependieran de ese mirar más grande que la propia infinitud desde la que emergen. Y es que sólo un Poeta sabe que fuera hay siempre algo cuando sus ojos guardan los latidos del alma.

Escribe María Zambrano que:
“No hay limitación para el alma que viaja hacia fuera, en el espacio de los astros, en busca de sus semejantes, ni hacia adentro, en el infierno del tiempo y de la muerte, en busca de sí misma.”

Así, Begoña Sicre Romero integra, en su biografía creadora, ese acuoso latir que los antepasados griegos identificaron con el primer principio de la Naturaleza. Lo hace conservando huellas de la Cádiz del mítico Tartessos de su nacimiento, aunadas a esa Galicia que, en palabras de Rafael Dieste, es buena para “nacer del todo”. Itinerario, plano de su andadura por el mundo, que esos mismos griegos de los orígenes y el pensar realizaron antes, quién sabe si para que ella, Begoña Sicre, recogiera tales testimonios en instantes de silencio reflexivo que aparecen sobre la superficie de sus obras como pequeños secretos en el amanecer marino del occidente de la historia.

Alguna vez, cuando el Tiempo todavía no se llamaba así, la vida fue mar. De la memoria de esas aguas resta en el ser humano el útero del que brota el Arte, esa intuición que la razón prosaica no concibe pues teme que la libertad donada por la inspiración rompa un orden que pretende predecir simulando dominio y, por tanto, suficiencia. Cuando el artista deja que la Musa hable por su boca –en la palabra, en el gesto, en el sonido, en el color-, como en la pintura de Begoña Sicre, los objetos se hacen símbolos, hablan “el lenguaje de los misterios”, y a través de ellos se expresa la memoria originaria que individualizaba la vida y la llevaba a la dimensión de las manos del hombre.

Por eso, ser guiados por la obra de Begoña Sicre, por sus guijarros-señal, por los cuerpos de los habitantes del mar que repiten su música, es entrar en el plano de la materia que no se corresponde con los límites, donde cada elemento no tiene su sitio ni cada objeto su uso. Lo que el estilo de Begoña Sicre propone es atravesar la esfera del discurso habitual y “suspendernos” en esa ingrávida esencia de los modelos, de los arquetipos, donde si existe una piedra, una red, un barco o una ola, es porque la forma soñada se presiente y anuncia cada día en todo, desvelando lo que de permanente posee aquello que, por definición, es perecedero: la existencia.

¿Qué entrega, pues, la obra de nuestra pintora? Entrega sutiles cofres transparentes donde reposan, palpitando, los deseos, las voluntades personales que nos acechan para que no temamos acariciar la vida. Por eso, decimos, dejarse guiar por ese mapa cuyos fragmentos ofrece, es aceptar la mitología de aquel reino de Argantonio donde Ulises narró sus aventuras antes de regresar a Ítaca; el reino al que acaso llegó el héroe marinero tras “peregrinar” a la Costa del Fin de la Tierra. Dejarse guiar, como niños asombrados o como amantes, y establecer una suerte de cómplice estrategia entre el espacio y el tiempo para hallar, bajo las apariencias, un cauce vacío y atemporal sumergido en las aguas del océano.

Imágenes sosegadas; colores prestados por el cielo, por los fondos abismáticos de la luz y aún más allá de tales simas. Detalles minúsculos que se aposentan sobre barcas dormidas, sobre ventanas entornadas, como si Begoña Sicre tuviera el poder de limpiarle el vaho a los cristales que custodian la intimidad sin dañarla, y regalar, después, esa discreta experiencia al mar o a los artefactos de él y para él nacidos, como quien deja de ofrenda el vuelo de una gaviota que transportase palabras capaces de impregnar los sueños.

Sólo la precipitación hablaría de paisajes cotidianos. Begoña Sicre deja que sea la luz la que conduzca sus dedos, de modo que, en puridad, estamos ante “paisajes de la luz”. Quien, con ella, entra “más adentro” se entregará a la evocación de lo que ya es recuerdo pero nos sostiene en el presente, pues memoria es lo que fuimos, lo que proyectamos, la diaria aventura de vivir, el acto inaugural de un nombre que, alguna vez, rozamos.

La delicada figuración, entonces, emerge como un logro de la luminosidad emanada de la sombra de un tiempo, el de los seres humanos concretos, que por obra de la pintura se hace ejemplar, es decir, mítico. Así, Begoña Sicre cumple la indispensable “tarea del Arte” que, dice María Zambrano, es el respeto: deshumillar todas las cosas. Pues en cada humilde intención de la Belleza está escrita la Eternidad, está fundándose la Vida, ese infinito fuera de lo cual hay siempre algo… Como en el mar…”

 

Matisse y los libros

02/05/2004, “No hago distinciones entre la elaboración de un libro y de un cuadro”, escribió en 1946 Matisse, artista que a lo largo de veinticinco años (1930-1954) alternó su obra pictórica con la creación de libros de tirada limitada que forman un conjunto con

“No hago distinciones entre la elaboración de un libro y de un cuadro”, escribió en 1946 Matisse, artista que a lo largo de veinticinco años (1930-1954) alternó su obra pictórica con la creación de libros de tirada limitada que forman un conjunto con personalidad propia.

La Fundación “la Caixa” reúne en Girona, Cataluña, los libros que Matisse ilustró para autores como Baudelaire y Mallarmé. Es la exposición: “Matisse. Los libros ilustrados”.

Matisse es uno de los grandes pintores que brilló en el panorama pictórico de la primera mitad del siglo XX. Nacido en 1969, no decidió dedicarse a la pintura hasta 1891, y luego tuvo una formación lenta. Se inció en el impresionismo, pero recibió la influencia de Cezanne y se dedicó a los bodegones y paisajes de una estructura claramente definida y amplios planos de color en los que se pronto se anunció el fauvismo.

Visitó en 1906 Argelia y a su regreso trajo el entusiasmo por lo exótico y lo africano; un entusiasmo que le llevaría a realizar nuevos viajes hacia el continente y le modificaría su concepción de la luz y el color.

A medida que transcurrió su carrera fue centrándose en los colores planos; simplificó sus planos y se interesó por la definición de sus trabajos sobre la base de la línea y el color.

UN LIBRO CON EL COLOR DE MATISSE.

“Sueño con un libro sobre el color Matisse”, Le dijo un día de agosto de 1940 el editor Tériade a Matisse; años después veía la luz “Jazz”, un libro de artista increíblemente alegre pese al turbulento período histórico en el que nació(la Segunda Guerra Mundial), fruto de la gran obstinación entre el pintor y su editor. El resultado fue espectacular: imágenes inspiradas en el circo, los viajes y los cuentos populares, pintadas con gouache, recortadas y combinadas en un conjunto de una belleza exuberante, acompañadas de un texto con caligrafía del propio pintor que recoge observaciones y anotaciones de su vida.

La exposición Matisse. Los libros ilustrados presenta ocho de estas obras maestras, procedentes de varios museos y colecciones privadas, apenas conocidas por el gran público. La elección de los escritores revela unos gustos literarios refinados y eclécticos: las cartas de amor místico de la monja portuguesa Marianna Alcaforado; los clásicos de la modernidad Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé; los grandes clásicos de la tradición francesa Charles d´Orléans y Pierre de Ronsard, y sus contemporáneos Henry de Montherlant y Georges Duthuit. La muestra está comisariada por Susanne Kudielka, y es visitable del 30 de abril al 25 de julio de 2004.

TRANSFORMAR LA IDEA DEL LIBRO.

La mayoría de los grandes artistas del siglo XX compaginaron su obra pictórica o escultórica con la creación de unos volúmenes impresos que, por su originalidad y rotunda belleza plástica, transformaron la idea que se tenía del libro. Henri Matisse (1869-1954) no fue una excepción. En 1939, como consecuencia de un encargo del editor Albert Skira, ilustró una edición de los poemas de Stéphane Mallarmé. La experiencia representó el descubrimiento de un nuevo medio de expresión.

Desde entonces y hasta su muerte, Matisse creó varios libros de artista, que forman un conjunto con personalidad propia dentro de su trayectoria. El artista no se limita a ilustrar poemas, cartas y fragmentos de dramas; parte de la afinidad con el escritor para crear una obra de arte total, donde texto e imagen se entrelazan en una secuencia de gran sobriedad y fuerza expresiva.

A diferencia de otros dibujantes y pintores, Matisse no se limitaba a entregar al editor su material gráfico, sino que asumía él mismo la creación del libro, responsabilizándose de sus más mínimos detalles. Para las diferentes pruebas de ordenación de los textos y las ilustraciones en cada una de las páginas utilizaba las maquetas que él mismo fabricaba. Estas maquetas, además de la elección y la secuencia de textos e ilustraciones (en bocetos a lápiz o en color), contenían también, en ocasiones, instrucciones precisas para la impresión del libro.

El artista trabajó con varias técnicas (litografía, linograbado, aguafuerte y pochoir), buscando la sencillez del trazo, único, lineal, casi caligráfico. Desnudo y sintético cuando ilustra a Mallarmé, busca efectos que subrayen el drama de Pasifae en la obra de Montherlant mediante el linograbado, que permite obtener unas cautivadoras imágenes en negativo. En los poemas de Charles d´Orléans y de Ronsard juega con el rostro y con los elementos florales, a partir de un movimiento directo, que nunca perfecciona ni critica.

Uno de los atractivos de la exposición es poder contemplar Jazz, el libro que Matisse realizó en 1947 para el editor Tériade y que representa una apoteosis del color. Matisse pinta con gouache, utilizando la misma paleta de sus pinturas al óleo, y recorta los papeles coloreados para conseguir composiciones de un gran impacto visual. "Estas imágenes de tonos vivos y violentos proceden de cristalizaciones de recuerdos de circo, de cuentos populares o de viajes. He hecho estas páginas caligrafiadas para suavizar las reacciones simultáneas de mis improvisaciones cromáticas y rítmicas; estas páginas forman una especie de ‘fondo sonoro’ que las transporta y las envuelve.”

La exposición Matisse. Los libros ilustrados, que se ha podido llevar a cabo gracias al apoyo de la Sucesión H. Matisse, reúne los siguientes ocho libros de artista:

Poésies, de Stéphane Mallarmé – 1932.

En 1930, tras un viaje a Tahití, Matisse comenzó a trabajar en su primer libro: las poesías de Stéphane Mallarmé (1842-1898). A diferencia de su obra pictórica, tocada de lleno por la luz y los colores del trópico, Matisse busca la esencia: aguafuertes de trazo fino y regular, sin sombreados, que se distribuyen por toda la hoja y que dialogan con el texto, que ocupa la página de la derecha. La huella de Tahití se intuye a partir de la voluptuosidad con que trata sus figuras.

Pasiphaé, Chant de Minos, de Henry de Montherlant – 1944.

En 1928, el escritor Henry de Montherlant (1895-1972) escribió una nueva versión del mito de Pasifae. En 1940, tras una serie de sesiones para realizar el retrato del escritor, Matisse aceptó ilustrar el libro. Seleccionó una serie de fragmentos y los desarrolló plásticamente. Mediante la técnica del linóleo, que permite obtener imágenes en negativo, consiguió efectos de gran dramatismo.

Lettres, de Marianna Alcaforado – 1946.

Las cartas de amor que la monja portuguesa Marianna Alcaforado dirigió al caballero de Chamilly constituyen uno de los más bellos epistolarios amorosos de todos los tiempos. Las ilustraciones representan a la novicia en tonos marrones. Las diferentes letras están decoradas con frutas y flores en una celebración de la pasión y de la vida.

Les fleurs du mal, de Charles Baudelaire – 1947.

Matisse fue un gran lector de las obras de Charles Baudelaire. El proyecto de ilustrar este libro se remonta a 1930, cuando Matisse trabajaba en las Poésies de Mallarmé. Finalmente, en 1947, la Bibliothèque Française publicó una selección de poemas, ilustrados con diversos retratos femeninos y masculinos, entre los que destacan el retrato del poeta y el de un hombre que se asemeja a Matisse.

Jazz, de Henri Matisse – 1947.

El editor Tériade le propuso en 1940 hacer un libro “sobre el color Matisse”, un “manuscrito de pintura” moderna que recupere el antiguo esplendor de las iluminaciones medievales. El libro tarda en hacerse realidad siete años. El resultado es espectacular: imágenes inspiradas en el circo, los viajes y los cuentos populares. El texto, con caligrafía del mismo Matisse, recoge observaciones y notas de su vida de pintor.

Florilège des amours, de Pierre de Ronsard – 1948.

Para Pierre de Ronsard (1524-1585), la poesía es el resultado de una inspiración divina que el poeta contribuye a fijar a través de la cultura humanística y de una técnica elaborada. Matisse descubrió en él un alma gemela. Las 26 litografías que realizó para ilustrar una selección de 56 poemas de los Amours recrean la exuberancia de la naturaleza, la voluptuosidad de los placeres y la pasión por la vida.

Poèmes, de Charles d´Orléans – 1950.

Mientras trabajaba en las ilustraciones de los Amours de Ronsard, Matisse se empezó a interesar por los rondeles, las baladas y las canciones de uno de sus predecesores más ilustres, el trovador Charles d´Orléans (1394-1465). Hizo una selección de los poemas, los escribió a mano, con lápiz negro, rodeados de cenefas de colores, realizó el retrato del autor a partir de las imágenes de otros miembros de su familia y compuso 48 fotolitografías a partir de diferentes variaciones del tema de la flor de lis, símbolo de la monarquía francesa.

Une fête en Cimmérie, de Georges Duthuit – 1963.

En 1947, la hija de Matisse, Marguerite, y su marido, el escritor y crítico de arte Georges Duthuit, decidieron iniciar una colección de libros dedicados a las fiestas rituales. Un ensayo poético de Duthuit sobre los indios inuit de Canadá, debía iniciar la serie. La edición tardó quince años en ver la luz. Matisse creó 31 litografías que representan el punto de encuentro entre su manera de entender el arte, los retratos y las máscaras de los inuit, conocidos a través de la documentación etnográfica.

 

Tesoros del museo Soumaya

02/05/2004, Una sorpresa sumamente agradable la de contemplar juntas excelentes obras de El Greco, Murillo, Ribera, Van Dyck, Brueghel, Cranach, al lado de un magnífico elenco de piezas del arte novohispano, en una de las muestras más sugerentes que podrán verse

Una sorpresa sumamente agradable la de contemplar juntas excelentes obras de El Greco, Murillo, Ribera, Van Dyck, Brueghel, Cranach, al lado de un magnífico elenco de piezas del arte novohispano, en una de las muestras más sugerentes que podrán verse en Madrid en el año 2004. “Tesoros del museo Soumaya de México. Siglos XV al XIX”.

La exposición resulta sorprendente, para quienes desconocen este museo, inaugurado en 1994 en la ciudad de México, que reúne unas obras excepcionales de la pintura europea, al lado de magníficas creaciones de la época virreinal, donde se sintetizaron dos culturas vigorosas con brillantez.

La muestra se presenta ahora en la sala del BBVA en Madrid. No es grande, pero tiene una inmensa variedad, lo que le permite al visitante disfrutar contemplando los magníficos trabajos de Cranach o Ribera –por citar algunos de los más destacados- , y sorprenderse ante tallas magistrales de arte religioso de procedencia guatemalteca... Todo un festín para el amante de la belleza.

Este atractivo conjunto de joyas pictóricas forma parte de la colección del Museo Soumaya, una institución cultural mexicana de carácter privado que reúne hasta 10.000 piezas y que, en su décimo aniversario, sale por vez primera del país para darse a conocer mejor.

Abierto al público en 1994 por el multimillonario Carlos Slim y dirigido actualmente por su hija Soumaya, el Museo, que se ha nutrido de subastas y de compras de colecciones particulares completas, contiene importantes obras de pintura, escultura, herrajes, miniaturas, numismática, estampa, textiles y fotografía. Es una “colección de colecciones” como afirmó la directora del centro museístico, en la que resaltan las joyas de la pintura renacentista y barroca europea, junto al magnífico conjunto de arte novohispano.

El trabajo para montar la exposición ha implicado a varios expertos. Alfonso Pérez-Sánchez y Benito Navarrete se encargaron de los trabajos de las escuelas europeas y Gustavo Curiel lo hizo del arte novohispano y mexicano.

Entre las piezas trasladadas a España con el patrocinio de la Fundación Banco Bilbao Vizcaya (BBVA) y seleccionadas por Alfonso Pérez Sánchez y Benito Navarrete, la sala de exposiciones del Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid expone 31 pinturas europeas (que abarcan desde el siglo XV al XVIII) y 40 novohispanas, mexicanas y de otras procedencias, de los siglos XVII a XIX. Todo este bagaje integra una "una colección excepcional, sin parangón entre las colecciones privadas y con difícil parangón entre las públicas del nuevo mundo", según dijo Pérez Sánchez.

El arte español está representado con obras como La Resurrección de Cristo, de Juan de Flandes; el retrato de Don Juan de Austria, de Sánchez Coello; dos pinturas de El Greco, una de ellas un Cristo en la cruz; otras dos de José Ribera; un San Francisco de Asís en éxtasis, de Zurbarán, y tres lienzos de Murillo.

En este conjunto hay sendas “adoraciones” de Bayeu, que se han considerado como bocetos de presentación para el palacio real de Aranjuez.

Son todas obras de valor, pero algunas de especial atractivo, como el San Pedro, de Ribera, en la que sorprende la intensidad de la mirada y la energía de las manos del santo.

También es bello el grupo de las pinturas italianas, que constituyen uno de los atractivos de la colección, que se inicia con una Madonna del Maestro de Carmignano y unas tablas de Niccolo di Pietro.

Dentro del conjunto aparece también un Retrato de caballero con perro, de Tiziano, y un Calvario de Tintoretto.

El coleccionista que generó la pinacoteca mexicana tuvo especial interés por la pintura flamenca, de la que también hay excelentes obras, al frente de las cuales está el díptico San Jorge y el dragón, obra maestra de Martin de Vos (1532-1603). También se presenta un sobrio retrato de Ferdinand de Boisschot debido a Van Dyck (1599-1641); una bellísima escena de Músico ciego rodeado de niños, de Brueghel el Joven, y una Vanitas de Jacob Marrell (1614-1681).

Entre lo mejor de la exposición está también la referencia a la pintura alemana, representada por tres cuadros de Lucas Cranach el Viejo, uno de ellos, Lucrecia romana, pintado también con ayuda de su hijo; aunque tradicionalmente ha habido diversas opiniones respecto al “grado de paternidad” de varias de las Lucrecias pintadas en esa época, entre otras la presente en la muestra.

El museo mexicano está en posesión de una de las más destacadas colecciones de arte novohispano. Es excepcional el conjunto de pintura virreinal novohispana, básicamente de los siglos XVII, XVIII y XIX, que ha sido seleccionado por Gustavo Curiel, del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). En éste conjunto hay retratos, paisajes, biombos y otros objetos decorativos.

Santos y vírgenes están pintados con una notable maestría que recuerda bien a los maestros europeos. Una Magdalena penitente y un Nazareno, ambos anónimos y del XVII, revelan un gran dominio del arte de la pintura. Otras dos pinturas de Cristóbal de Villalpando testimonian un momento notable del arte en el territorio.

El artista mulato Juan Correa (1646-1716) es el autor del espléndido biombo Las cuatro partes del mundo, trabajo representativo de un lenguaje simbólico que se abrió paso en el XVII. De Miguel Cabrera (1695-1768) es el biombo titulado Meleandro y Atalanta ofrecen a Diana la cabeza de jabalí de Caledoni, una magnífica composición mitológica, llena de gracia y color, del artista de Oaxaca.

Sobresalen en esta muestra, también, las tallas dieciochescas guatemaltecas, de madera policromada, que revelan una extraordinaria calidad artística propia del entorno de Guatemala del XVIII.

Pero en el conjunto no faltan otros aspectos más exóticos, como piezas de arte plumario, enconchados y marfiles hispano-filipinos, en los que asoma claramente la influencia asiática.

La muestra que se presenta en la actualidad en Madrid, no sólo es un goce para los sentidos, sino una gran presentación internacional del museo mexicano, que no sólo atesora un excepcional conjunto de pintura, sino también colecciones de orfebrería, mobiliario... o una magnífica sección de esculturas de Rodin.

Tomás Alvarez

 

Juan Martínez. Vanitas, siglo XXI

20/04/2004, Juan Martinez es, sin duda, uno de los principales pintores modernos españoles; un artista que refleja en sus cuadros el dramatismo y la futilidad de la existencia, y que aúna, de forma extraña, clasicismo y modernidad.

Pese a su inmensa calidad, y al hecho de que tenga obra colgada en el Guggenheim de Nueva York, en el Museum of Arts de Pittsburg(Pensylvania) o en muchos grandes museos de Europa, Juan Martínez es relativamente desconocido en su propio país. Su última exposición en Madrid, en la galería Amparo Gamir, en abril de 2004, reune una gavilla de obras realizadas desde el año 2000 hasta ñla actualidad, en las que se puede observar claramente un altísimo valor pictórico y una notable coherencia temática.

EXTRANJERO EN SU PROPIO PAÍS.

El artista nació en un ámbito rural andaluz, en 1942, pero pronto emigró con su familia a Barcelona y luego a Suiza. Creció artísticamente en Centroeuropa y, de hecho, es más conocido en Suiza y Alemania que en su tierra natal, en la que de vez en cuando desembarca con su obra, porque se resiste a ser extranjero en su propia tierra.

Su residencia en Centroeuropa tal vez haya sido determinante para darle a su obra unos matices expresionistas, un expresionismo de raíz germánica, que se ha enriquecido con una concepción dramática de la existencia que se puede rastrear en gentes tan alejadas como Saura, Goya o Valdes Leal.

Amigo de María Zambrano, Martínez sorprende a veces al entrevistador, por su gran bagaje cultural, que le lleva a citar con fluidez pensamientos de Aristóteles, Platón, San Agustín o Marcuse. La muerte, la vida, el amor o la máscara se encuentran en la temática permanente de sus trabajos, con una rigurosa austeridad de colores. Hay un permanente simbolismo en sus obras, en las que asombra una pulcra estética, de una fría hermosura, un equilibrio compositivo, una gran limpieza de trazos e incluso una rotundidad geométrica que nos remite al cubismo.

Francisco Calvo Serraller, en la catálogo de esta exposición de Juan Martínez dice: “...los escuetos trazos que cincelan vigorosamente sus rostros-máscaras parecen retomar la negra cuchilla con que Picasso abrió el revolucionario surco del cubismo. Hay esa dramática concisión y síntesis de evocación picasiana, con la correspondiente cola de ídolos africanos, ibéricos y otras fuentes medievales, igualmente bárbaras(...) pero en ella también se deja traslucir otras remembranzas hispánicas de la vanguardia histórica, como las del “gótico” Julio González tardío”

VÁNITAS.

Juan Martínez es hijo del desarraigo. Acuciada por la necesidad, la familia del pintor dejó los campos olivareros andaluces y se trasladó a Cataluña, cuando Juan Martínez era aún un bebé. En Cataluña Martínez hizo estudios de arquitectura, pero acabó en Suiza, centrándose en la pintura.

Carlos Fuentes dice que Juan Martínez es el mejor pintor español de su generación. El escritor afirma que en las pinturas de Martínez está la banalidad de lo inmediato y la desolación de lo existente. Hay en sus gentes vacío y tensión.

La muerte está en sus cuadros. A veces, el espectador puede pensar que el artista reinterpreta, en clave de modernidad, las antiguas “vanitas”, aquellas composiciones pictóricas encaminadas a representar la fugacidad de la existencia y la ineluctabilidad de la muerte, temática querida por diversos autores holandeses y españoles del XVII.

Martínez, con sus máscaras y rostros esta apuntado también a la vacuidad de la vida terrena, a la futilidad de una existencia que está destinada a la muerte. No está de más recordar que “vanitas”, en latín tenía la significación de vacío.

Dice Calvo Serraller. “El ansia existencial que de siempre ha impulsado el profundo pozo psíquico de Juan Martínez no deja naturalmente de mostrarse también aquí y ahora, devolviendo al artista a sus negros fueros españoles, de Goya en adelante. Me refiero a ese negativo de todo rostro, del que ni siquiera se libra la máscara: el de la muerte. No hace falta a este respecto subrayar el obvio sentido funerario de las máscaras, sino el espectral corte de calavera con que sintetiza Martínez el destino humano. Este corte o patrón conminatorio cobra, no obstante, una mayor y más vigorosa pujanza al ser tratado por Juan Martínez con la sumaria ligereza de una silueta, que se enreda, a veces, con la danzarina fragancia de una cartilla caligráfica, o, en otras, como un simple recortable, horadado o maculado con negros lunares, que refulgen sobre la superficie de la tela con los simplificados signos de un “comic” de la muerte, atravesado por bandas de luces nocturnas o diurnas, en azules y amarillos”.

MÁSCARAS Y GRITOS.

Ciertamente, abundan las máscaras en su pintura. “La máscara –dice el pintor- es una autoprotección que permite exteriorizar algo que no se haría sin ella. Sin máscara tememos que se nos reconozca con nuestro propio cuerpo, nuestra propia piel, y se nos dañe. En la máscara hay autoprotección y expresión. A la vez.”

También abundan unos rostros que asoman desde sus cuadros con una mirada impávida e inquietante. Desde la época de los noventa reiteró la visión de un personaje que mira al espectador desde un hueco definido por un plano alargado rectangular. Son lo que él llama “los acechos”. ¿Acusa este personaje a alguien con su mirada? ¿Grita en silencio? “En realidad, pienso que no gritan los seres que hay en mis cuadros, más bien piensan y por eso adquieren ese aspecto fuera de todo lo normal”... “Mis personajes no son parte de clases ni mitos. Son la masa, el pueblo”, dice Martínez.

Y hay soledad en sus cuadros.”No invento nada. Miro alrededor y veo que el hombre nace, se mueve y muere solo”. En un mundo reacio a ver el drama, Juan Martínez, lo refriega por el rostro del espectador, con dramatismo, pero con delicadeza estética similar a la que tuvo hace siglos Calderón de la Barca cuando escribió:

“Estas que fueron pompas y alegría
despertando al albor de la mañana
a la tarde serán lástima vana
durmiendo en brazos de la noche fría...”

Tomás Alvarez

 

El castillo de Praga

12/04/2004, El Castillo de Praga, el monumento más visitado del país, inaugura su nueva temporada con una exposición de su Historia, que puede visitarse en el recinto del castillo a partir del seis de abril

El Castillo de Praga, el monumento más visitado del país, inaugura su nueva temporada con una exposición de su Historia, que puede visitarse en el recinto del castillo a partir del seis de abril.

El evento presenta todos los períodos históricos que han dejado sus huellas en este extraordinario complejo arquitectónico, considerado, al igual que el resto del casco antiguo de Praga, Patrimonio Mundial por la UNESCO, y que hoy conforma un sugestivo conglomerado de estilos artísticos.

El Castillo de Praga es un monumento cultural nacional de gran relevancia tanto artística como histórica, ya que está fuertemente ligado a la Historia de la nación y estrechamente unido con las leyendas checas.

El Castillo se remonta al siglo VIII, cuando fue erigido como sede de los reyes checos sobre el río Moldava. A lo largo de los siglos siguientes las instalaciones se fueron ampliando, hasta alcanzar su extensión actual.

La exposición Historia del Castillo de Praga es un proyecto que descubre a los visitantes los acontecimientos que marcaron el devenir del Castillo, así como los personajes célebres que influyeron a través de los siglos en la historia de Praga desde la fortaleza, desde nobles a presidentes, miembros de la corte, sirvientes, artistas, artesanos, arquitectos, constructores, científicos...

En la actualidad, el Castillo de Praga es la sede oficial de la Presidencia de la República Checa. Además de cumplir funciones representativas, es en sí mismo símbolo del estado checo y también el monumento más visitado en la nación.

El castillo es visitable todos los días, y tiene una serie de rutas. En él se puede deleitar el visitante contemplando elementos como la Catedral de San Vito, el Palacio Real, la basílica de San Jorge, la Torre de la Pólvora o la popular Callejuela de Oro.

Más información: www.hrad.cz; www.pribeh-hradu.cz

 

Willem de Kooning: cien años

10/04/2004, Se cumple este mes de abril el centanario del nacimiento de Willem de Kooning, un pintor nacido en Holanda, que marchó de joven a Estados Unidos, donde contribuiría notablemente a asentar la fama de Nueva York como capital mundial del arte

Se cumple este mes de abril el centanario del nacimiento de Willem de Kooning, un pintor nacido en Holanda, que marchó de joven a Estados Unidos, donde contribuiría notablemente a asentar la fama de Nueva York como capital mundial del arte,

De Kooning es una de las estrellas de esa fase en la que Nueva York desplaza a París en el atractivo artístico. Su obra sigue muy cotizada, y como ejemplo, hace poco, en la sede neoyorquina de Sothebyґs se adjudicó un trabajo de éste, White Stripe(1958) por 11,2 millones de dólares a un comprador que pujaba en la sala.

Willem de Kooning (Rotterdam, 1904 – East Hampton 1997) abandonó la escuela tempranamente y comenzó como aprendiz de unos pintores decorativos. Asistió a clases de arte en la Academie voor Beeldende Kunsten en Technische Wetenschappen de Rotterdam entre 1916 y 1921, y prosiguió su formación con el artista, escenógrafo y diseñador Bernard Romein.

En 1926 emigró ilegalmente a Estados Unidos, donde desempeñó diversos empleos antes de poder dedicarse plenamente a la pintura. En la ciudad de Nueva York donde residió entre 1927 y 1963 comenzó a experimentar con técnicas avanzadas de abstracción, derivadas de Kandinsky y del último cubismo de Picasso.

En 1948 presentó en Nueva York su primera exposición individual, una serie de pinturas negras; obras abstractas en las que parecía licuar las formas cubistas. Fueron consideradas como una imagen perfecta del dinamismo de Nueva York y ejercieron una importante influencia entre los artistas de su generación. Pronto sería una de las figuras clave del Expresionismo Abstracto, junto a Jackson Pollock, Barnett Newman, Philip Guston, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Franz Kline y Mark Rothko. Generación artística que vería convertirse al Nueva York de la posguerra mundial en la capital internacional del arte.

En su plástica desarrollaron hasta extremos desconocidos, ideas provenientes de las primeras vanguardias, especialmente de la abstracción geométrica del cubismo y del surrealismo, también habían asimilado la influencia del existencialismo y el psicoanálisis. En su exploración de la expresividad del gesto y de la materia, el estilo de Willem de Kooning se caracterizó por amplias pinceladas, rápidas y vigorosas; barridos líquidos trazos enérgicos y muy empastados que crean ritmos abstractos.

A partir de los años 50, Willem de Kooning se convierte en el único miembro del grupo en cultivar la figura humana, primero masculina y después femenina, con su célebre serie de mujeres. En estas obras acabará con la jerarquía entre fondo y figura para producir unas imágenes violentas en las que libremente conjuga figuración y abstracción. Esta actitud de rechazo al dogma vanguardista, que no fue bien comprendida en su tiempo, ha hecho de él un artista sumamente influyente en nuestros días. Sus temas más recurrentes fueron la mujer y el paisaje, motivos que abordó de manera no representacional y que alternó con periodos abstractos a lo largo de su trayectoria artística. Su profunda y constante investigación de la figura femenina, en tanto que símbolo erótico, vampiresa o diosa de la fertilidad, no supuso un abandono de la preocupación por los problemas espaciales, así con su representación de la figura sin modelado y con contornos rotos, creó un espacio ambiguo y caótico, donde se funden figura y entorno.

En los años 60 y 70 de Kooning realizó una serie de paisajes abstractos que, en la década de los 80, serán reivindicados por diversos pintores de ámbito internacional. Precisamente, en esta última década, de Kooning desarrollaría un estilo tardío muy depurado, que puede compararse al de Matisse por su sencillez y serenidad, en el que predominan la luz y el color, y los espacios vacíos y meditativos. Además de su obra pictórica también realizó un buen número de litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce.

En 1980 le fue otorgado junto a Eduardo Chillida el premio Andrew W. Mellon en Pittsburg. A su obra se le han dedicado exposiciones en los más importantes museos de arte contemporáneo como el Stedelijk Museum de Amsterdam, la Tate Gallery de Londres, el Whitney Museum y el Museum of Modern Art de Nueva York, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D. C. y el Musée National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou de París. Sus últimos años fueron difíciles, afectado por un creciente Mal de Alzheimer

Hace tres años se pudo ver una buena muestra de este pintor en España, patrocinada por Fundación la Caixa, y presentada en Valencia y Madrid.

 

2004: un año para gozar de Rubens

02/04/2004, Rubens se presenta como uno de los grandes genios que van a estar más de actualidad en el año 2004. Desde Nueva York a Viena se programan muestras relativas a esta maestro. Tal vez la más destacada está ahora en Lille, Capital Europea de la Cultura

Un año para ver Rubens

Rubens se presenta como uno de los grandes genios que van a estar más de actualidad en el año 2004. Desde Nueva York a Viena se programan muestras relativas a esta maestro. Tal vez la más destacada está ahora en Lille, Capital Europea de la Cultura 2004.

La muestra de Lille –del 6 de marzo al 14 de junio- pretende ser un evento excepcional. Ha sido realizada con el patronazgo del propio presidente de le república francesa, Jacques Chirac, y comisariada por Arnauld Brejon de Lavergnee, conservador general del patrimonio. Es la primera vez que Francia presenta una retrospectiva dedicada a Peter Paul Rubens.

Unas 160 obras -cuadros, dibujos, bocetos y tapicerías- han sido recolectadas de museos de todo el mundo: Alemania, Austria, España, Francia, Gran Bretaña, Italia, Países Bajos y Estados Unidos, con objeto de mostrar la evolución de la obra de este gran maestro flamenco.

El pintor había nacido en Westfalia, en 1577, pero sus padres eran de Amberes, a donde pronto volvería con ellos. Su educación fue muy amplia. Inició estudios de pintura en el taller de Verhaecht, y luego pasó al lado de otros dos maestros locales. Cuando cumplió la veintena ya se le consideraba en Amberes como un excelente artista.

La muestra se inicia con esos comienzos del joven Rubens y también con su estancia en Italia, que le reportaría una intensa experiencia en sus visitas a Mantua, Venecia, Génova y Roma, período en el que recibió la influencia de gentes como Tiziano, Tintoretto y Caravaggio. En esta época italiana, como enviado del duque de Mantua, estuvo por primera vez en Madrid, donde pasó largo tiempo estudiando los excelentes tizianos de la corte.

Vuelto en 1608 a Amberes, se casó con Isabel Brandt y empezó a atender a una gran clientela de la burguesía local. Su fama se multiplicó por toda Europa. Dominaba seis idiomas y era una especie de gran maestro de la cultura, por ello Amberes le confió el ornato urbano con ocasión de la llegada del cardenal-infante, don Fernando, el nuevo gobernador español de Flandes, quien poco antes había vencido en la batalla de Nördlingenen a una coalición de tropas de territorios protestantes.

Paisajes, mitologías y retratos integran la segunda sección de la muestra de Lille, en la que se recoge esta fase de la vida de Rubens, con obras como Prometeo Encadenado(The Philadelfhia Museum), La Caridad romana(San Petesburgo), Ixion, rey de los Lapitas, burlado por Juno (museo del Louvre de París), etc.

La tercera sección se dedica a los grandes mecenazgos de las cortes europeas, principalmente España, Francia e Inglaterra.

María de Médicis, reina de Francia, encargó al pintor dos serie de cuadros para el palacio de Luxemburgo; también realizó cuadros para Carlos I de Inglaterra, y -sobre todo- recibió una petición colosal del rey de España: 122 cuadros, para su pabellón de caza de Madrid (en esta tarea, Rubens contaría con la ayuda de Jacob Jordanes).

La Guerra y la Paz (de la National Gallery de Londres), la Creación de la Vía Láctea(Museo del Prado de Madrid), o Sansón rompiendo las mandíbulas de un león (Colección Villar Mir, Madrid) son algunos de los cuadros de esta tercera parte.

La cuarta sección corresponde a los temas religiosos, en los que muestra su ideal de la Contrarreforma. Precisamente Flandes era la frontera católica, ante los territorios protestantes. El Descendimiento (Palacio de Bellas Artes de Lille) ilustra esta producción del artista flamenco.

Rubens también hizo cartones para tapicerías. Trabajos venidos de Washington, Amberes, Madrid, Bruselas, Rótterdam, Paris, Estrasburgo y Pau ilustran esta última sección.

El pintor falleció en la propia ciudad de Amberes en 1640. Diez años antes se había casado por segunda vez, con Elena Fourment. Era un ser enormemente vital, arrollador, que desplegaba una inusual actividad. Fue incluso diplomático al servicio de la corona española. Contó con magníficos colaboradores para hacer su extensísima obra, llena de exuberancia y barroquismo, en la que destacan sus figuras plenas de luz y carnalidad.

EN AMBERES.

Junto a Lille, hay otro punto clave para conocer la obra de Rubens durante el 2004: Amberes.

Amberes es la segunda ciudad belga. A orillas del Escalda, río que le proporcionó su cualidad portuaria, que fue clave en su importancia económica y cosmopolitismo. En esta ciudad, con el lema "Vuelve a descubrir a Rubens", siete importantes exposiciones convertirán el año 2004 en un acontecimiento en torno a la figura del artista flamenco.

Este ambicioso proyecto está concebido como un conjunto, en el que colaboran museos de todo el mundo con importantes préstamos y fue presentado recientemente por su coordinador Carl Depauw.

Una de las exposiciones que figuran en el programa, calificado por Depauw como de calidad insuperable, es la titulada "Una Casa llena de arte. Rubens, el coleccionista", que contará con ocho obras procedentes de España, seis pertenecientes de ellas del Museo del Prado, la primera pinacoteca en obras del genial artista.

Los cuadros que cederá el Prado para esta exposición son "La Cena de Emmaus", de Rubens; "Retrato de hombre" y "Retrato de mujer", de Antonio Moro; "La burla de Ceres" de Adam Elsheimer; "Autorretrato" de Tiziano y una obra de Lucas Fayd´herbe.

El 6 de marzo del 2004 ha sido elegida como fecha de la inauguración de varias de las exposiciones, así "Una casa llena de arte. Rubens, el coleccionista", mostrará a partir de ese día en la Casa de Rubens de Amberes cuarenta años de coleccionismo condensados en aproximadamente ochenta piezas.

También el 6 de marzo abrirá sus puertas en el Museo Plantin-Moretus de Amberes la muestra "Una pasión por los libros. Rubens y su biblioteca". Pese a que esta biblioteca era una de las más importes de Amberes, pocas veces se le ha concedido importancia por lo que la muestra constituye una primicia, según los organizadores.

En la misma fecha comenzará "De Delacroix hasta Courbet. Rubens sometido a discusión" en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes, en la que, a través de quince dibujos y una cincuenta pinturas, se confrontarán tradición e innovación con obras de Rubens y Jordaens frente a piezas de Delacroix, Ingres y Courbet.

El mismo museo acogerá del 8 de mayo al 1 de agosto la exposición "La invención del paisaje. La pintura paisajística flamenca desde Patinir hasta Rubens", en la que se mostrarán obras de Jan Brueghel, Jan Wildens, Paul Bril, Lucas Van Uden, entre otros, con especial atención a los dibujos de la época de estudiante de Pieter Bruegel el Viejo y Rubens.

Otra de las facetas importantes de Rubens en las que se profundizará durante el año es la que muestra al artista grabador. También en el Museo Real de Bellas Artes se inaugurará el 12 de junio la muestra "Copyright Rubens" en la que se mostrará como la mirada crítica del maestro elevó el arte del grabado al nivel más alto. Junto a importantes grabados, la exposición ilustrará todo el proceso de elaboración de los mismos, incluidas las correcciones de Rubens en dibujos e impresiones de prueba.

En la misma fecha se inaugurarán "Rubens en blanco y negro. Reproducción gráfica 1650-1800", en el centro de estudios Rockoxhuis de Amberes, y "Rubens y la ilustración de libros", en el Museo Plantin-Moretus.

No están lejos Lille y Amberes. Sin duda este es un buen año para viajar a ambas ciudades.

Tomás Álvarez

París revisa la relación Picasso-Ingres

01/04/2004, El museo nacional Picasso de París ha abierto una muestra interesante, en la que relaciona dos personalidades marcadamente definidas: la del pintor andaluz que da nombre al centro de arte y la de Ingres

El museo nacional Picasso de París ha abierto una muestra interesante, en la que relaciona dos personalidades marcadamente definidas: la del pintor andaluz que da nombre al centro de arte y la de Ingres, un clásico y académico pintor francés.

La exposición "Picasso-Ingres", abierta hasta el próximo 21 de junio en el Museo Picasso está comisariada por Laurence Madeleine, conservadora de la propia pinacoteca. Del 9 de julio al 3 de octubre se presentará en el museo de Ingres, de Montauban, bajo el comisariado de Florence Viguier-Dutheil, conservador de este museo, que ocupa el antiguo palacio episcopal de esta ciudad francesa, y que cuenta con un valioso legado del pintor neoclásico.

Dos personalidades frente a frente. De un lado Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867, un pintor que alcanzó fama de clasicista; de otro Pablo Ruiz Picasso, 1881-1973, considerado permanentemente un renovador, un revolucionario de la pintura. Pero en el revolucionario Picasso hay huella del clásico Ingres, incluso algún estudioso habla del periodo “ingresco” de aquel.

En abril de 1904, cuando Pablo Picasso tenía 23 años, éste visitó Montauban y conoció el museo dedicado a Ingres, el excelente pintor neoclásico nacido en aquella ciudad en agosto de 1778, admirador de Rafael y David, excelente dibujante, magnífico retratista, que también abordó con éxito temas exóticos como la Odalisca o El Baño Turco, en los que denota su sensibilidad, precisión estilística y capacidad para el tratamiento del desnudo.

A partir de aquel momento, Picasso conocería otras exposiciones con obras de Ingres. En 1905 descubre, entre otras, El Baño Turco, en el que pudo sorprenderse ante las innovaciones de éste pintor neoclásico, conservador, que se atrevía a alterar las reglas de la anatomía femenina. Aún debió influir más en el pintor andaluz otra muestra organizada en la Galería Georges Petit en 1911, en la que se presentaron numerosas obras llegadas de centros y particulares de toda Francia y del exterior.

Laurence Madeleine, en el catálogo de la muestra recuerda que en otoño de 1905 Picasso pudo estar fuertemente influido por Ingres tras una muestra retrospectiva. Cuando la visitó, el pintor de Málaga estaba en su “periodo azul”, con sus gentes de circo, personajes exangües, desvanecidos, sin energía vital; entonces, Ingres le transmitiría la solemnidad, el teatralismo del gesto, lo que se traduciría en una reorientación picasiana hacia una mayor firmeza hacia un clasicismo crecientemente alejado de sus cuadros anteriores, melancólicos y sentimentales.

Cuando en 1911 aún estaba en pleno cubismo, Picasso visitó sin duda la exposición extraordinaria que organizó sobre Ingres la galería Georges Petit, y en 1913 visitaría de nuevo el museo de Ingres en Montauban. Son hechos que en opinión de la comisaria de la muestra modifican la plástica picasiana... de forma que llega a hablarse de un “vampirismo de un artista por otro”.

Este redescubrimiento de Ingres en los inicios del siglo XX no sólo afectará a Picasso. De acuerdo con un testimonio de André Salmon, en torno a esta época, en los estudios de los pintores cubistas las imágenes de la Odalisca y El Baño Turco de Ingres empezaron a compartir pared con las máscaras africanas y las obras de El Greco, Cézanne o Seurat. Considerado tradicionalmente como un artista académico y conservador, Ingres fue redescubierto por estos nuevos pintores, que repararon en sus imposibles distorsiones anatómicas y en la organización espacial de sus trabajos.

Todo el universo de Picasso –dice la comisaria- se transforma ostensiblemente a partir de 1917 en un universo condicionado por Ingres, especialmente en dos ámbitos que Picasso había dejado de lado en el periodo cubista: el desnudo y el retrato; Picasso deja a un lado guitarras y bodegones y retorna a la figura humana.

Una sección clave de la muestra se refiere a ese periodo comprendido entre 1915 y 1925, que algunos estudiosos de Picasso han llegado a llamar “ingresco”. En este apartado se pueden ver retratos de Ingres como el de Madame Rivière o el de Monsieur Bertin, junto a retratos de Picasso de trazo claro y vigoroso, como el de Olga en el sillón (1917) o el de Max Jacob (1917).

Aunque el periodo ingresco de Picasso termina en medio de los años veinte, la influencia perdura. El juego de curvas y ritmos del célebre Baño Turco de Ingres, que abre la exhibición, se reencuentra, por ejemplo, en el retrato de Marie Thérése Walter, en 1932, de Picasso. La influencia de Ingres (1780-1867) seguirá asomando en períodos posteriores, como en "Femme á l´oreiller", de 1969. El recorrido expositivo se cierra con las obras que el pintor andaluz llevó a cabo con motivo del centenario de la muerte de Ingres en 1967. En este apartado se incluye la serie que Ingres realizó sobre La Fornarina de su admirado maestro Rafael. Picasso, a su vez, emularía esta serie, desencadenando un atractivo juego de relaciones pictóricas.

Paralelamente a este acontecimiento artístico, desde el 17 de marzo al 14 de junio, el Museo del Louvre expone una cincuentena de dibujos y retratos de Ingres en papel, obras seleccionadas del fondo que la pinacoteca dispone. Es una excelente ocasión para contemplar retratos y dibujos preparatorios de otras importantes composiciones de temática histórica o de los famosos desnudos.

Tomás Alvarez

 

Procesiones de Solana

29/03/2004, En el centro de Arte Reina Sofía se acaba de presentar una excepcional exposición sobre José Gutiérrez Solana, a quien se le rinde homenaje como pintor y escritor, en una Muestra que intenta redescubrir a uno de los artistas más importantes de la pri

Uno de los pintores españoles más enigmáticos y valiosos del siglo XX es Jose Gutierrez Solana(1886-1945). Ha sido tal la personalidad de este artista que su nombre se ha insertado en la literatura, donde se utiliza el calificativo de solanesco para definir una escena o un personaje inquietante, bronco, marginal, caricaturesco.

Frente al luminismo de Sorolla, Solana encarna el lado oscuro, no sólo por los tonos de sus cuadros, sino por sus ambientes y personajes: bajos fondos, extrarradios, tipos humildes. Frente a la universalidad de Picasso, Solana representa a lo hispano profundo y duro: el pueblo que baila y que sufre, las procesiones penitenciales, la máscara carnavalesca, la corrida de toros, los trasfondos de la botica o el prostíbulo, los pescadores, los vinateros...

En el centro de Arte Reina Sofía se acaba de presentar una excepcional exposición sobre José Gutiérrez Solana, a quien se le rinde homenaje como pintor y escritor, en una Muestra que intenta redescubrir a uno de los artistas más importantes de la primera mitad del siglo XX. Para ello, se han seleccionado un centenar de óleos, diecisiete grabados y cincuenta y nueve dibujos, además de libros y otros objetos. Este dato es importante, si se tiene en cuenta que toda la producción de cuadros de solana anda en torno a los trescientos.

CRUCIFICADOS Y SEMANA SANTA

Dentro de la muestra –organizada en varias secciones- hay un capítulo espectífico para la religión, dedicado principalmente a sus pinturas de la crucifixión y sus procesiones de Semana Santa. Esta era una temática clásica del pintor.

Solana viajaba en tren, siempre en la clase más humilde, recorría la geografía española –hasta que la Guerra Civil lo envió momentáneamente a París- buscando esa España marginal, desgarrada, buscando a esa gente que había descubierto también un siglo antes Francisco de Goya.

Fue contemporáneo de la llamada “Generación del 98”, denominada así por la fecha(1898) en la que el país se encontró ante la realidad histórica de la pérdida de los restos del inmenso imperio colonial, tras la derrota ante EE.UU. Aún sin entroncar del todo con el espíritu de los escritores de la mentada generación, es cierto que si podemos hallar coincidencias en diversos aspectos entre Solana y Baroja o Valle Inclán, por ejemplo. Lo solanesco y lo esperpéntico van de la mano.

Lejos de la visión de viajeros románticos, tendente al exotismo, Solana mira a su país con una óptica profunda, tratatando de bucear en lo más racial, descubriendo a la sociedad reacia a la modernidad, brutal a veces, pero con una gran hondura de sentimientos y pasiones. En su visión de la misma no sólo hallamos ecos de Goya sino de Brueghel.

Es su búsqueda de lo más profundo del pueblo, Solana se centró en los lugares del interior peninsular, donde la religión es vivida con tonos dramáticos, y pintó procesiones de pueblos y pequeñas ciudades, con colores oscuros, negruzcos y ocres, donde aparecen filas de fieles de rostros severos portando sus velas encendidas, rodeando los pasos procesionales.

Hay solemnidad y luto en estas estampas, en las que aparece una fe que cae implacable, sobre una sociedad oscura, adusta; sobre esa misma sociedad que representa, burlesca y descarnada, en las estampas del cercano carnaval.

Manuela B. Mena, en el catálogo de la exposición del Centro de Arte Reina Sofía, analiza las influencias goyescas en Solana. Ambos reflejan unos tipos populares y humildes... pero hay profundas diferencias. En Goya, los protagonistas son los penitentes o los cofrades, en tanto que en Solana el pueblo no se limita a mirar sino que es masa que se integra con los pasos, formando un todo, con velas y autoridades, que recuerda más que a Goya las falanges de condenados del Triunfo de la muerte de Brueghel.

En ese mismo catálogo, Eugenio Carmona trata sobre los inquietante en las pinturas de Solana y recuerda una frase de Antonio Machado, en la que dice que el artista “...pìnta con insana voluptuosidad lo vivo como lo muerto y lo muerto como lo vivo”; algo que se comprueba perfectamente en sus cristos, donde parece haber más vida en el crucificado que en los fieles que le acompañan.

Ciertamente, en las mismas procesiones aparece habitualmente con más vida el paso procesionario que la multitud de los fieles. Es su forma de interpretar a un pueblo que vive lo religioso con unos tintes arcaicos, tradicionales, más cercanos al temor reverencial, al fanatismo, que a la vivencia intelectual.

Olvidado durante años, debido principalmente a los malos recuerdos que su temática provocaba, ha sido considerado como un epílogo de la generación del 98; hombre directo, poco amigo de convencionalismos con una obra marcada por un profundo realismo, con personajes de hondas miradas, donde muestra la vida y la muerte como realidades inseparables.

En la antología de textos del catálogo aparece uno de Corpus Varga en el que afirma “Este pintor ha pintado mucho sobre asuntos religiosos. Los cristos, los mártires, las capilla, las beatas, etc. le encantan como asuntos. Yo sé que él no tiene interés en ver sus cuadros en los museos; y en cambio su alegría sería grande si un cuadro suyo fuese adorno de alguna capilla. Pero su concepto de la religión es de una profundidad y de una importancia grandes. En sus pinturas parece que se remonta a tiempos de mayor sentimiento religioso, con un misticismo raro, irreligiosamente sobrenatural”.

Comparado –por su estilo- con Ensor o Nolde, Solana es un personaje especial en la estética de la pintura moderna Española. El intelectual Ernesto Jiménez Caballero lo definió en 1929 así: “Solana –como Unamuno por otra parte- era la tradición de la España intrahistórica, subcosciente, superrealista, salvaje, a caño libre, antiacadémica y bárbara; la verdadera, la eterna”

LA MUESTRA DEL REINA SOFÍA

María José Salazar y Andrés Trapiello son los comisarios de la muestra que se organiza en el Centro de Arte Reina Sofía. Han planteado un recorrido circular en torno a los temas recurrentes tratados en sus obras: muerte, religión, toros, arrabales, oficios y fiestas.

Junto a la obra pictórica, la exposición, del 9 de marzo al 25 de mayo de 2004) trata de poner de relieve la producción literaria de Solana con la exhibición de sus libros publicados y la inclusión de sus propios textos para explicar algunas de las pinturas.

Tomás Alvarez

 

Boticelli en Florencia

29/03/2004, En Florencia se presenta una bella exposición titulada “Botticelli y Filippino Lippi, La inquietud y la gracia en la pintura florentina del Quattrocento”, en la que se revive el arte florentino del siglo XV

Ver Boticelli en Florencia

En Florencia se presenta una bella exposición titulada “Botticelli y Filippino Lippi, La inquietud y la gracia en la pintura florentina del Quattrocento”, en la que se revive el arte florentino del siglo XV.

La capital toscana es la maravilla del renacimiento; el lugar donde se hallan las huellas de personajes como Dante, Botticelli o Miguel Ángel, y miles de obras de aquellos hombres que en el tramo final de la Edad Media impulsaron el desarrollo del hombre y realizaron algunas de las más bellas creaciones artísticas de todos los tiempos.

Florencia es eternidad y arte. Dante, Cimabue, Giotto, Fra Angélico, Ghirlandaio, Leonardo da Vinci, Perugino, Boticelli, Rafael, Ghiberti, Donatello, Brunelleschi, Juan de Bolonia, Miguel Angel, Cellini... y un sinfín de otros grandes de la cultura, se hallan en este ambiente donde se unen los mundos clásicos y modernos, los civiles y religiosos, para generar un espacio único, irrepetible.

Una exposición confronta por primera vez en Florencia la obra de dos de los grandes artistas del Renacimiento, el maestro Sandro Botticelli (1445-1510) y su aventajado alumno Filippino Lippi (1457-1504). La muestra cuenta con un seguro récord de 500 millones de euros y reúne 60 cuadros procedentes de museos de medio mundo en un marco a su medida, Palazzo Strozzi, lugar que durante su vida frecuentaron los dos pintores.

En ese particular ambiente se pueden admirar hasta el próximo 11 de julio todos los periodos creativos de un artista de culto como Botticelli a través de 30 obras, 13 más de las que recientemente se exhibieron en París. Es una ocasión única, habida cuenta del número limitado de obras de este pintor de la belleza dulce y lánguida.

Al visitante que llegue a Florencia, además, le queda la posibilidad de ampliar horizontes y acercarse a la Galería de los Ufizzi, donde cuelgan las creaciones más emblemáticas de este autor, "El Nacimiento de Venus" y "La Primavera". Con ello –se dice- el turista habrá visto más del 90 por ciento de las obras del pintor.

Pero la exposición de Palazzo Strozzi no tiene sólo como objetivo mostrar la trayectoria de Botticelli, sino también situarle frente a Filippino Lippi para dejar patente lo que sostienen desde hace tiempo los expertos: que el alumno estuvo a la altura del maestro.

Filippino Lippi, hijo de otro de los referentes fundamentales del arte renacentista, fray Filippo Lippi -con quien precisamente se formó Botticelli- gozó en vida de más fama que su mentor, que murió un tanto en el olvido.

Quinientos años después, ambos –Boticelli y Filipino Lippi- son estrellas que en buena medida quedaron eclipsadas por el fulgor de las de Miguel Angel, Rafael y Leonardo.

Sólo Boticelli ha recuperado fama por sus mitologías y sus desnudos, y especialmente merced a ese cuadro del Nacimiento de Venus (Galería de los Ufizzi), en el que presenta a la diosa del amor naciendo de las espumas del mar. Bastante menos conocida es la obra de Filippino.

Para poner en su lugar el talento del hijo de Filippo Lippi y la monja Lucrezia Buti, y conmemorar de paso el quinto centenario de su muerte, nada mejor que esta exposición, que sitúa su lirismo poético en un plano de igualdad con el de su maestro, como subrayó Antonio Paolucci, superintendente de los museos florentinos.

El recorrido de Palazzo Strozzi tiene un sentido temático, que parte de escenas sacras y profanas, con dos pinturas al temple procedentes del museo español de El Prado, en las que Botticelli ilustra a Boccaccio y su historia de Nastagio degli Onesti. Santos, Angeles y Vírgenes dejan entrever influencias y recursos, como el uso particular de la perspectiva en sendos bellos ejemplos de Anunciaciones, o el refinado toque de candor que caracteriza a las respectivas "Madonne".

Sandro Botticelli, empeñado en una gran empresa de síntesis con la pintura flamenca, es particularmente conocido por sus alegorías, de las que la exposición Florencia acoge algunas tan relevantes como "Calumnia" o "Minerva y el centauro", de los Ufizzi.

La réplica en este terreno se la da Filippino Lippi con la "Alegoría del Amor", muy cercana al espíritu de la célebre "Primavera" botticelliana, en la que se representa el poder mágico de un unicornio que purifica el amor de una pareja de ciervos.

En los manuales de arte se cita a Botticelli como uno de los primeros grandes maestros italianos del retrato y en la muestra da prueba de ello la mirada lánguida y el aspecto reflexivo de su conocido "Hombre con medalla de Cosimo el Viejo".

Los retratos de Fillipino, que se separó de su maestro acentuando la vena sentimental y melancólica, denotan la misma atención por la psicología de los personajes y en Palazzo Strozzi lo demuestra su "Músico" llegado desde Dublín.

Mención aparte en el recorrido merece el espacio dedicado a ilustrar la relación de los dos pintores con el fraile predicador dominico Girolamo Savonarola (1452-1498), reformador de las costumbres y el clero, condenado por herejía a la hoguera.

Las enseñanzas de paz, armonía y apocalipsis de Savonarola se reflejan en el único cuadro firmado y datado por Botticelli, "La Navidad Mística", de la National Galery de Londres, asegurado en la exposición en 55 millones de euros.

Filippino también trabajó, como su maestro, para seguidores del fraile dominicano, entre ellos el poderoso Franceso Valori, para quien pintó una María Magdalena y un San Juan Bautista atravesados por un arrebato espiritual y un ansia de penitencia.

Botticeli y Filippino Lippi, maestro y alumno, grandes ambos del Renacimiento, se miran por primera vez frente a frente a través de sus obras quinientos años después, en el despertar de otra primavera florentina. En el título de la exposición se alude a la “gracia” por la exquisitez artística del momento florentino, e “inquietud” por la sombra apocalíptica que Savonarola arrojó sobre la ciudad. Estética e historia juntas en una magnífica muestra.

Tomás Alvarez

 

El Guggen, en el 2004

10/03/2004, No crecen las cifras del Guggen bilbaíno. Los visitantes están estancados desde el 2001, aunque la programación sigue siendo atractiva para los amantes del arte moderno

No crecen las cifras del Guggem bilbaíno. Los visitantes están estancados desde el 2001, aunque la programación sigue siendo atractiva para los amantes del arte moderno.

Las fechas más aconsejables para su visita pueden ser las veraniegas, con autores tan atractivos como Rosenquist y Mark Rothko.

Estas son las muestras previstas para el 2004.

Miquel Navarro: Ciudad muralla. enero–mayo 2004

Arte pop. febrero 2004–primavera 2005

Bill Viola: temporalidad y transcendencia. junio 2004-enero 2005

Gerhard Richter. Lawrence Weiner. Rachel Whiteread. Junio septiembre 2004

Arte desde 1945: evolución, diversidad y diálogo. noviembre 2004–abril 2005

James Rosenquist: retrospectiva. mayo–octubre, 2004

Mark Rothko. junio–noviembre 2004

Un Picasso escondido. septiembre–noviembre de 2004

Jorge Oteiza. octubre 2004–enero 2005

Miguel Ángel y su tiempo. noviembre 2004–marzo 2005

Datos del 2003

El Guggenheim-Bilbao incrementó el 2003 ligerqmente el número de visitantes contabilizados en 2002 y mantuvo en un 70 por ciento el nivel de autofinanciación de los gastos generados por la actividad ordinaria de la pinacoteca durante el pasado ejercicio.

Según los datos del balance artístico y económico del ejercicio de 2003 facilitados en conferencia de prensa por el director general de la pinacoteca bilbaína, Juan Ignacio Vidarte, el Guggenheim-Bilbao cerró el año con un total de 874.807 visitantes, que contemplaron las tres exposiciones temporales y las cuatro de la colección permanente del museo programadas el pasado año.

Vidarte, que consideró positivos tanto los contenidos de las programaciones artísticas como el nivel de autofinanciación y de visitas conseguidos en 2003, agregó que el impacto económico de la actividad de la pinacoteca sobre la economía del País Vasco en ese periodo fue de 173 millones de euros.

Respecto a la cifra de visitantes, que en el presupuesto de 2004 esta prevista en 850.000 personas, señaló que en 2003 nueve de cada 10 personas que se acercaron a la pinacoteca llegó de fuera del País Vasco.

El director del Guggenheim Bilbao señaló que esta pinacoteca ha generado, desde su inauguración en octubre de 1997, 13 veces más riqueza económica en la Comunidad Autónoma Vasca que la inversión que fue necesaria para su puesta en marcha (unos 22.000 millones de pesetas de la época).

El año pasado, en concreto, cada uno de los visitantes de fuera de Bilbao que visitó el Museo, según los datos del estudio anual que se realiza sobre esta cuestión facilitados junto al balance de la actividad museística, se gastó en la ciudad una media de 175,75 euros, lo que supuso algo más de 7 euros sobre los dejados en 2002.

La generación de riqueza económica supuso, para las arcas de las Haciendas vascas, unos ingresos de casi 28 millones de euros adicionales y contribuyó al mantenimiento de 4.547 empleos.

Con relación a los 6 años que lleva funcionando la pinacoteca de arte moderno en Bilbao, Vidarte informó de que se ha generado una riqueza con relación al PIB de la CAV de 989,8 millones de euros, que han supuesto unos ingresos por impuestos de 171,2 millones.

Programa del 2004

Respecto a la programación para 2004, Vidarte la calificó de "ambiciosa y que combina el interés con la variedad y el atractivo" y de la que destacó la retrospectiva que se dedicará al "gurú" del arte "pop" norteamericano de mediados del siglo XX, James Rosenquist.

Esta retrospectiva, compuesta de cerca de 150 obras realizadas en sus 40 años de carrera artística, sólo se podrá ver este año en Nueva York y en Bilbao (en primavera) y es la primera que se le dedicará en España, de forma exhaustiva, desde hace 30 años.

La otra gran exposición de 2004 será la dedicada a otro de los "iconos" del arte moderno norteamericano, Mark Rothko, una monográfica que recorrerá en los meses de verano, de mayor afluencia de visitantes extranjeros y españoles, las distintas fases creativas de este autor.

Las demás exposiciones temporales de 2004 serán más modestas, aunque, señaló Vidarte, no por ello menos interesantes, y estarán dedicadas al escultor vasco Jorge Oteiza, al pintor malagueño Picasso y a la importancia del dibujo en el arte renacentista con obras de Miguel Angel, Rafael o Leonardo Da Vinci, que recalará a finales de año en Bilbao tras pasar por Venecia y Albertina (Viena).

El Guggenheim-Bilbao programará también cinco presentaciones de obras de su colección permanente o de intercambio con otros museos de la Fundación Guggenheim en Europa o América.

 

Artistas para el siglo XXI

10/03/2004, Patio Herreriano presenta en Valladolid una muestra cargada de alegría y frescura en la que presenta la vitalidad del arte de un conjunto de jóvenes artistas de Latinoamérica y España

Harald Szeemann, exdirector de la Bienal de Venecia y profundo conocedor del mundo del arte, ha organizado una muestra cargada de alegría y frescura en la que presenta la vitalidad del arte de un conjunto de jóvenes artistas de Latinoamérica y España.

En medio del suntuoso y solitario Patio Herreriano de Valladolid, justo enfrente de unas grandes estatuas sedentes de los reyes de España, que recuerdan por su solidez a las pétreas moles erigidas por los antiguos mandatarios del imperio egipcio, aparece un automóvil de inmigrantes, cargado hasta los topes con maletas y fardos. Cuando alguien toca el auto, éste arranca, se agita, como si cruzara un océano de baches, y de su aparato de radio surge una música chillona con aire norteafricano. Humor, ironía, grito social, en un trabajo de Pilar Albarracín.

La emigración, el imperialismo, el sexo, la locura, la brutalidad, la ternura, la irreverencia... todo tiene un sitio en esta exposición que ya se ha mostrado en una dependencia del MOMA de Nueva York y ahora se exhibe en la ciudad castellana desde febrero hasta el 2 de mayo.

El título de la exposición es “El Viaje Real/El retorno” y alude(el Viaje Real) a la marcha de Colón hacia el continente americano, llevando dichas y desdichas, cultura y luchas, y a la consolidación de una cultura (el retorno) que retorna de la otra orilla, donde han surgido artistas y movimientos que han influenciado el quehacer del arte.

Porque Harald Szeemann no es amante de hacer “exposiciones nacionales” que según él han pasado de moda, y se centra más en la relación fructífera que sobrevuela las fronteras y en los campos de fuerza artísticos con proyección mundial.

VEINTIDÓS ARTISTAS.

Instalaciones, vídeos y fotografías integran básicamente este “Viaje Real" un proyecto que se ha convertido en una aventura formidable, que muestra el campo de creatividad tan intenso del arte hispano actual, según explicó durante la presentación su comisario, Harald Szeemann.

Organizado por el Ministerio español de Asuntos Exteriores y el gobierno regional de Castilla y León, "The Royal Trip" se presentó en octubre de 2003 en el Centro de Arte Contemporáneo PSI de Nueva York, y desembarca ahora en Valladolid, en la que será su única exposición europea, con un montaje ampliado en obras y artistas.

Antoni Abad (1956), Ana Laura Aláez (1964), Pilar Albarracín (1964), Carles Congost (1970), Carmela García (1964), Cristina García Rodero (1968), Alicia Martín (1964), Enrique Marty (1969), Mateo Maté (1964), el colectivo El Perro, Sergio Prego (1969), Fernando Sánchez Castillo (1970), Santiago Sierra (1966), Néstor Torrens (1954), Justo Gallego (1930), Eulalia Valldosera (1963) y Javier Velasco (1963) son artistas españoles que ya mostraron su creatividad en Nueva York. Junto a ellos están tambien tres creadores iberoamericanos, Priscilla Monge (Costa Rica, 1968), Ernesto Neto (Brasil, 1964) y Tania Bruguera (Cuba, 1968).

Como las instalaciones de Patio Herreriano son bastante mayores que las que la muestra dispuso en Nueva York, ahora se han añadido obras de otras dos nuevas artistas, Ixone Sádaba (1977) y Cristina Lucas (1973).

En el acto de presentación del evento, el secretario de Estado para la Cooperación Internacional y de Iberoamérica, Miguel Angel Cortés, resaltó que era un hecho feliz que se haya elegido una ciudad "tan colombina" como Valladolid, donde vivió y murió Colón, para la segunda parte de la muestra.

Otra coincidencia interesante está en el hecho de que la exposición tenga lugar en los mismos días de la feria internacional ARCO, lo que permitirá a diversos especialistas internacionales viajar hasta la sede de la muestra y conocer el brillante panorama del arte más joven.

Según el comisario de la exposición, Harald Szeemann, la riqueza espacial que aportan el claustro y las salas del Museo Patio Herreriano han permitido, un montaje en el que cada artista dispone de un espacio propio que el visitante puede disfrutar de manera silenciosa e individual.

Son muchas las sorpresas de esta exposición: Ya a la entrada del museo hay como una inmensa excavación y entre la arena emerge la figura gigantesca de Franco, el dictador que otrora diese un golpe de estado para hacerse con el poder en España. Es "El Pacto de Madrid", una gran instalación a base de arena, de Fernando Sánchez Castillo.

Y luego abundan las sorpresas, como la inclusión en la lista de Justo Gallego, un personaje que está construyendo desde 1963 en un pueblo cercano a Madrid una catedral dedicada a Nuestra Señora del Pilar. Es una obra sorprendente. Sin dineros, recogiendo materiales de desecho, sin planos, Gallego ha logrado un edificio armonioso y proporcionado que representa su amor por Cristo. Es una obra de impronta gaudiniana. Él está siguiendo “el camino que le ha trazado Dios”, pese a que muchos le tienen por loco, y ha emprendido una obra tan descomunal como utópica.

Al brasileño Neto le inspiró el nacimiento de su hijo. Colgó una suave y bella instalación pendiente del techo, con colores rosados y azulados, como un inmenso seno materno. Cristina García Rodero descubre insólitas realidades con su excelente material fotográfico; Torrens transforma la televisión en un erotódromo, y Priscila Monge busca nuevos significados en Sakespeare. No hay desperdicio...

El nivel de la muestra es excelente, desde la obra que aparece en la entrada hasta la más escondida: en una esquina del claustro, como queriendo huir del público, buscando una imposible intimidad, Enrique Marty expone a su extraño “loco” un personaje del entorno cotidiano, vestido de pijama, que parece fugado de un manicomio. Soberbio.

Tomás Alvarez

 

Los glaciares se funden por el cambio climático

06/03/2004, En tierras tan alejadas como la Patagonia y los Alpes austriacos se detecta claramente la disminución de las superficies de los glaciares. Greenpeace ha alertado del creciente deshielo

En tierras tan alejadas como la Patagonia y los Alpes austriacos se detecta claramente la disminución de las superficies de los glaciares. Greenpeace ha alertado del creciente deshielo de éstos.

Como se puede ver en la foto, relativa a un territorio patagónico, los glaciares menguan. La imagen presenta los glaciares de Upsala, en 1928 y en la actualidad. Sobran los comentarios.

El cambio climático y el calentamiento está provocando que los hielos de la Patagonia chilena y argentina se derritan más rápido que cualquier otro glaciar en el mundo, según diversas organizaciones ecologistas.

En concreto Greenpeace, a bordo de su buque rompehielos “Artic Sunrise” ha recorrido esta zona. La organización ha manifestado que en los últimos siete años los glaciares de la Patagonia han perdido 42 kilómetros cúbicos de hielos por año, lo que equivale a un volumen de 17 millones de piscinas olímpicas.

Desde 1995 hasta el año 2000, el índice de pérdida de hielo ha sido más de dos veces superior al registrado en el mismo periodo anterior, lo que conlleva un aumento del nivel del mar de 0,1 milímetros por año, aumentando el riesgo de inundaciones en muchas de las zonas costeras del planeta.

El barco de Greenpeace que navegó por la costa de Patagonia de desde hace varias semanas ha obtenido evidencias fotográficas de este deshielo y ha confirmado que un gran número de los mayores glaciares ha disminuido su espesor significativamente y ha retrocedido kilómetros durante los últimos años.

Para Greenpeace, el deshielo causa graves problemas a las poblaciones que dependen de los glaciares para garantizar su suministro de agua potable y que la situación puede causar catástrofes en el futuro. Un dato: el abastecimiento de agua potable de una tercera parte de la población mundial depende de los ríos que nacen de los glaciares del Himalaya.

El cambio climático también ha hecho desaparecer el setenta por ciento de la superficie de los glaciares en los Pirineos, en los Andes y en los Alpes austriacos. Los más pequeños, según los expertos, pueden desaparecer por completo en veinte o treinta años.

Se calcula que los alpinos han perdido ya del treinta al cuarenta por ciento de su superficie desde mediados del siglo XIX. El fenómeno se acelera desde principios de la pasada década de los ochenta, y se incrementa especialmente este verano debido a la fortísima ola de calor que asoló el planeta.

El Laboratorio Geofísico de Grenoble(Francia) lleva un registro de estos movimientos y contrasta datos con otros expertos que advierten de unas fluctuaciones entre tres y veinte kilómetros según la altitud de los macizos.

En Suiza, otro país típicamente alpino, se informa que la mayor parte de los glaciares se funden cada vez más rápidamente desde hace una veintena de años, según las conclusiones de los científicos.

El investigador Martin Hoelzle, de la universidad de Zúrich, que desde hace varios años dirige un equipo de observación de varios glaciares del país, asegura que se constata un aumento del proceso de fusión y que de continuar así esas masas de nieve podrían desaparecer a largo plazo. "El retroceso ininterrumpido que observamos desde hace veinte años prosigue e incluso se acelera", señala Hoelzle, quien advierte que de seguir el ritmo, los glaciares suizos podrían fundirse hacia el 2025 y desaparecer hacia el 2050.

Los territorios ecuatoriales, por su parte, son también víctimas del recalentamiento del océano y de las capas bajas de la atmósfera. El Kilimanjaro, en el interior de África, cada vez es más seco.

Los glaciares tropicales que cubren el Kilimanjaro desde hace más de 11.000 años podrían desaparecer en menos de dos décadas debido al calentamiento atmosférico y las sequías, según un estudio que publicó la revista Science.

Los glaciares de Alaska también se derriten a un ritmo más elevado del que hasta ahora se creía y son la principal fuente de la elevación del nivel de los océanos en todo el mundo, según un estudio del Instituto Geofísico de Fairbanks, publicado hace algo más de un año.

 

Melendez, maestro de los bodegones

05/03/2004, Luis Meléndez ha sido, sin duda, uno de los grandes bodegonistas de la historia de la pintura. El pintor se dedicó, casi con exclusividad a éste género y en él demostró su dominio de la técnica y su sentido de la armonía

Luis Meléndez(1716-1780) ha sido, sin duda, uno de los grandes bodegonistas de la historia de la pintura. El pintor se dedicó, casi con exclusividad a éste género y en él demostró su gran dominio de la técnica y su sentido de la armonía.

La pequeña hogaza de pan tiene un realismo extremado; al espectador casi le dan tentaciones de tocar su corteza, de aspirar el olor de la pieza recién sacada del horno. La carne roja de las sandías resulta apetente, refrescante ...y la rodaja de salmón es tan perfecta que expresa un virtuosismo fuera de toda duda.

El Museo del Prado ha tenido ahora la feliz idea de organizar una exposición dedicada a este autor, muestra que ha servido, además, para avanzar en su conocimiento y catalogar su obra.

Meléndez es un pintor que trabajó principalmente para la familia real española; su obra está en gran parte en los fondos del Prado; pero hay algunas excelentes pinturas en otros centros internacionales, entre ellas “Bodegón con higos y pan”, actualmente en la National Gallery de Washington, que por primera vez se exhibe en España, con ocasión de la muestra.

Son 40 bodegones los presentados en el Prado y como ambientación de éstos, en medio de las salas se exhiben 26 objetos materiales; son piezas habituales en las cocinas tradicionales del siglo XVIII o algo posteriores, similares, en todo caso, a las que aparecen en las pinturas del maestro. Sirven para evaluar su afinada captación de la realidad y sorprenderse ante su prodigiosa ejecutoria. La selección de obras abarca un período entre 1760 y 1776.

Además de los cuadros del Museo, el proyecto reúne un grupo de obras de colecciones europeas y norteamericanas, pertenecientes al ámbito privado y a centros públicos.

Luis Meléndez nació en Nápoles, hijo del pintor miniaturista asturiano Francisco Antonio; con apenas un año la familia se trasladó a Madrid donde el artista desarrolló prácticamente toda su carrera. Se especializó en bodegones y realizó por encargo del entonces Príncipe de Asturias, futuro Carlos IV, un grupo de 44 obras, su gran legado. Apenas hizo otra cosa que bodegones, aun así, un autorretrato que pintó cuando tenía unos 30 años, actualmente en el museo del Louvre, nos muestra a un artista orgulloso de sí mismo y con una técnica magnífica.

Su pintura sirve para conocer la vida cotidiana de las clases populares en el Madrid del siglo XVII. Los magníficos bodegones de la exposición nos acercan a la gastronomía de antaño, a las disponibilidades de las despensas, a los modos de comer y a los utensilios y recipientes de las cocinas de hace tres siglos.

Entre las viandas mas consumidas destaca la carne, la caza y sobre todo el tocino. También era apreciado el pescado, ya fresco o seco, a pesar de las dificultades de su recepción por la situación geográfica de Madrid, a 400 kilómetros del mar más cercano.

Los cuadros nos muestran las especias, el pan, que en el interior de España tenía fama de ser delicioso, frutas y verduras, así como las bebidas y los dulces, muy bien representados en toda la producción del pintor. En lo referente al ajuar Meléndez incluye en su repertorio ejemplos de cacharrería tradicional destinada al fuego o a servir de contenedor de líquidos, destacando pucheros, lebrillos, escudillas, orzas y cántaros. Casi toda esta producción procedía de la localidad de Alcorcón, cercana a Madrid, así como de otros puntos de España, como Talavera y Manises. Y aún de Tonalá (Guadalajara, México). No faltan otros materiales como el vidrio o las hermosas cestas...

La selección de obras, propuesta por los comisarios Juan José Luna, jefe del departamento de pintura del siglo XVIII del Museo del Prado y Peter Cherry, profesor del Trinity College de Dublín, permite conocer la variedad de temas y de formatos que utilizó el artista, así como los procesos de elaboración de sus composiciones. Todo un placer para el amante de los bodegones, en el que sorprende la labor de un pintor no excesivamente conocido por el gran público

El catálogo de esta exposición cuenta con textos de los dos comisarios de la muestra, Peter Cherry y Juan José Luna, conocidos expertos en la materia, así como un ensayo sobre los objetos de uso cotidiano en la época, escrito por Natacha Seseña.

El director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, hizo la presentación de la exposición, visitable en el museo de El Prado hasta el 16 de mayo, y destacó que era un homenaje a este autor. La pintura de Meléndez –dijo- es una búsqueda de orden en la naturaleza y su visión analista se corresponde con la de su época, la ilustración.

Zugaza destacó que tras la pléyade de un siglo de oro de la pintura española (con gentes como Murillo, Velásquez, Ribera, etc.) se ha dado escaso valor a la generación del siglo siguiente, una edad de plata en la que hay pintores como Meléndez, insuficientemente valorados.

Peter Cherry señaló que se ha establecido un diálogo entre los cuadros que el artista realizó por encargo real y las pinturas que realizó para particulares que ayudan a completar la visión sobre las distintas facetas de la producción de pintor.

Meléndez despliega aciertos técnicos y estéticos con habilidad para componer y gran dominio de la luz, la expresividad del color, y una casi obsesiva precisión por el detalle, repite los temas con los mismos utensilios, y en la exposición se han reunido las variantes de los mismos modelos que realizó el artista, es como si se copiara a si mismo, señaló el comisario.

Juan Luna, el otro comisario del evento, explicó que el artista pintaba utensilios y alimentos principalmente, pero que tal vez los verdaderos protagonistas de sus bodegones son los cacharros.

La exposición viajará el próximo junio a Dublín a la National Gallery de Irlanda.

Tomás Alvarez

Mundo de las sombras

01/03/2004, El teatro de las sombras, de larga tradición en Asia, es un interesante mundo de fantasía, donde se funden atractivas leyendas y tradiciones religiosas.

El teatro de las sombras, de larga tradición en Asia, es un interesante mundo de fantasía, donde se funden atractivas leyendas y tradiciones religiosas. La fundación "la Caixa" y Fundaóão Oriente, de Lisboa, presentan ahora en España un valioso conjunto de figuras utilizadas este tipo de representaciones.

Según una leyenda turca, en tiempos del sultán Orhan (1326-1359) vivió un herrero llamado Karagoz. Junto al albañil Hacivat, no cesaban de distraer con sus chanzas a los demás obreros, demorando sin fin la construcción de la mezquita. Encolerizado, el sultán mandó ejecutar a los dos culpables, pero pronto se arrepintió. Para enmendar el error, un siervo inventó el teatro de sombras, y así el giboso Karagoz volvió a distraer al pueblo con sus chirigotas, convertido ahora en sombra proyectada tras una pantalla.

Más que la propia Turquía, son India y China quienes se disputan la autoría del incierto nacimiento del teatro de sombras. Lo que sí se sabe es que surgió en Asia antes del siglo XII, y llegó a Europa en el siglo XVIII a través de las rutas de evangelización.

La exposición "Viaje al mundo de las sombras", producida y organizada por la fundación catalana "la Caixa" en colaboración con la Fundaóão Oriente de Lisboa, reúne en Vic(Barcelona) un conjunto de sombras antiguas de extraordinario valor que forman parte de la Colección Kwok On de arte popular asiático, una de las más importantes del mundo, donada a la institución portuguesa por el sinólogo Jacques Pimpaneau.

Son unas 150 figuras antiguas que permiten conocer las figuras utilizadas en los teatros de sombras de seis países asiáticos: Turquía, China, Camboya, Tailandia, India e Indonesia. Corresponden a los siglos XVIII y XX.

Las obras expuestas forman parte de la colección donada a la Fundacao Oriente de Lisboa por el sinólogo Jacques Pimpaneau, que es uno de los comisarios de la muestra.

La exposición presentada por Pimpaneau cuenta con obras de arte realizadas con piel de animales como gacela, camello o buey que, trabajadas, reproducen figuras de héroes, dioses, animales y monstruos míticos, figuras a veces articuladas. Todo ello permite reproducir un clima de fascinación y fantasía.

Pimpaneau explicó que el origen de la palabra sombra está asociado a la muerte. El teatro de sombras es, según Pimpaneau, "sinónimo en muchos casos de religión, con un carácter chamánico que evoca a los muertos y al más allá".

En la muestra también se reflejan algunas de las epopeyas de las distintas culturas, que acabaron siendo representadas en el teatro de sombras. Las compañías asiáticas de teatro de sombras, que atribuyen un poder sagrado a las figuras participantes, solían actuar con motivo de una festividad en la que se ofrecía el espectáculo a una divinidad para pedirle comprensión, protección o un favor.

Esta técnica teatral tuvo su origen en Asia, aunque ningún documento permite atribuir con certeza su nacimiento a una cultura en particular, por lo que son varios los países que se disputan su invención. Los estilos más primitivos, en que las figuras son más estilizadas y sin articular, sólo se encuentran en la India y, si bien existen textos chinos de la dinastía song (hacia el siglo XII) que mencionan la existencia del teatro de sombras, éste surgió mucho antes, pues pertenece a una tradición principalmente oral.

El teatro de sombras llegó a Europa a finales del siglo XVIII, a través de las rutas de evangelización de los jesuitas. En 1772, Dominique Séraphin instaló su teatro de sombras en Versalles, en el que cosechó grandes éxitos. Asimismo, las compañías de funambulistas y cómicos italianas contribuyeron en gran medida a difundir este tipo de teatro por toda Europa.

La exposición Viaje al mundo de las sombras está dividida en apartados, según el país de procedencia de las sombras exhibidas: Turquía, China, Camboya y Tailandia, India e Indonesia. Este tipo de representaciones, resultado del cruce de diversas culturas, presenta infinidad de variantes y particularidades.

Ј Turquía.

El personaje principal es el jorobado Karagoz, dotado de un brazo más largo que el otro, que da nombre a este género teatral. El dicharachero Karagoz encarna el buen sentido y la inspiración popular, mientras que su compañero Hacivat es más conservador y filósofo. Las figuras, articuladas, están recortadas en piel de camello. Los espectáculos son cómicos y sencillos, y las figuras no requieren movimientos delicados, sino que se pelean y ejecutan divertidas piruetas. En el autoritario imperio otomano fue una ingeniosa arma de crítica.

Ј India.

El teatro de sombras sobrevive aún en cuatro Estados. En todos ellos se interpretan escenas extraídas de las dos grandes epopeyas indias: el Mahabharata y el Ramayana. Las figuras están elaboradas generalmente en piel de gamo, aunque también las hay de cabra. Al principio de cada representación, se ofrecen a los dioses flores, nueces de coco y arroz, y plegarias. Con el fin de garantizar el éxito de la representación.

Ј Camboya y Tailandia.

En ambos paises las representaciones se dividen en espectáculos de sombras grandes, llamados Nang Yai en Tailandia y Nang Shek en Camboya, en las que las figuras alcanzan el metro y medio de altura y están recortadas en piel de búfalo, y en los espectáculos de sombras pequeñas articuladas, mucho más populares, denominados en ambos países Nang Talung. Este teatro procede del antiguo reino de Srivijaya, que ocupó parte de la península malaya y Java.

Ј Indonesia.

Cabe distinguir entre el teatro de sombras de Java y el de Bali, puesto que el estilo de las figuras difiere de una región a otra. No obstante, en los dos se representan los episodios de las epopeyas indias. Los personajes principales son héroes o encarnaciones de dioses extraídos de estas epopeyas, El pueblo aparece representado bajo la figura del payaso.

Ј China.

El teatro de sombras chino es el único que incorpora decorados, mobiliario, plantas, palacios y animales, reales o fantásticos. Las figuras son de piel de camello o de buey. Al igual que en el resto de países, las representaciones tienen carácter sagrado, y los personajes representan a los seres del más allá.

 

El espíritu de la Fiesta Galante

18/02/2004, En el 320 aniversario del nacimiento de Antoine Watteau, el museo de Bellas Artes de Valenciennes, la ciudad natal del pintor, prepara una atractiva exposición sobre su obra, que refleja el espíritu de las fiestas galantes de hace tres siglos: “Watte

En el 320 aniversario del nacimiento de Antoine Watteau, el museo de Bellas Artes de Valenciennes, la ciudad natal del pintor, prepara una atractiva exposición sobre su obra, que refleja el espíritu de las fiestas galantes de hace tres siglos: “Watteau et la fête galante”.

El evento se vincula con las celebraciones de la cercana ciudad de Lille, que en el año 2004 está poniendo en marcha numerosos proyectos culturales en su calidad de "Capital Europea de la Cultura”. Por cierto, en las mismas fechas, el Palacio de Bellas Artes de Lille presentará otra interesante exposición centrada en Rubens.

EL TIEMPO DE WATTEAU.

El barroco es un estilo originariamente italiano, surgido como manifestación religiosa católica de reafirmación de la Iglesia y como expresión emocional de las creencias. El rococó sería una evolución profana que busca su inspiración en la naturaleza, especialmente en la flora, y que halla un placer especial en la curva. Es un estilo notablemente francés y también marcadamente femenino.

El florecimiento de este estilo tuvo lugar en tiempo de Luis XV, un monarca débil –una sombra de su predecesor, el Rey Sol- que accedió al trono de niño y permanentemente dependió de validos y luego de favoritas. En su reinado triunfó lo coqueto, lo femenino y galante, con un trasfondo bucólico. Era tiempo de arcadias y amores. Era, precisamente, el tiempo que representó magníficamente Antoine Watteau.

EL PINTOR.

El pintor había nacido en 1684 en una familia de comerciantes, en Valenciennes, localidad francesa limítrofe con los Países Bajos. Pronto recibiría lecciones de un tío y de otro pintor mediocre especializado en asuntos religiosos, hasta que en 1702 marcha a Paris, donde trabaja como ayudante de escenografías para la ópera, lo que le marcará en su trayectoria futura.

Para sobrevivir pinta imitaciones de cuadros de escenas populares como las de Teniers y réplicas de obras de temas religiosos que se venden con facilidad. Pasa luego pasó al taller de Claude Gillot, tal vez su principal maestro. Con él Watteau pudo perfeccionarse en el dibujo. La presencia de comediantes italianos en la capital francesa le familiarizó con los arquetipos de la comedia, los arlequines, colombinas y pierrots, que plasmó en alguna obra.

El siguiente paso artístico tendría lugar poco después, al entrar en taller de Claude Audran, pintor real y conservador del palacio de Luxemburgo. Watteau, de esta forma, pudo conocer y trabajar en Versalles. Realizó pinturas decorativas y, sobre todo, pudo investigar las pinturas de Rubens de la Galería de María de Medicis. Rubens sería un artista de influencia decisiva en Watteau.

Pero desencantado de no obtener el reconocimiento público, dejó París y volvió a Valenciennes. Tampoco estaba allí el ambiente que deseaba. Retornó un año más tarde y siguió pintando como un consumado interprete del rococó europeo, con unos lienzos -pocos- hechos con soltura y precisión, aunque partiendo de esquemas profundamente meditados. Académico, desarrolla una obra que le consolidará como pintor de la fiesta galante y mítica.

Hacia 1715 pinta el Embarque para Citérea, isla del amor... es una de sus obras emblemáticas. En las obras de esta época representa habitualmente a un grupo de seres humanos en medio de una masa floral que enmarca el conjunto. Las figuras, excelentemente dibujadas son hombres y mujeres en edad joven, en armonía con su entorno. Su pincelada, trémula e iridiscente, logra un efecto musical.

A finales de 1719, Watteau marchó a Londres. Allí se trató infructuosamente de la tuberculosis. Pintó y destruyó diversas obras. Poco después de su regreso de Inglaterra dejó París de nuevo y se retiró a Nogent sur Marne, donde falleció el 18 de julio de 1721.

No fue muy comprendido. Pocos clientes importantes compraron sus cuadros mientras vivía. Sólo después de muerto alcanzó renombre internacional. Entonces, Federico de Prusia y Catalina II de Rusia mandaron comprar cuadros de su autoría. Pero apenas pasada esta fiebre, sus obras empezaron a tenerse como triviales y amaneradas. Los revolucionarios franceses le identificaron como pintor del Antiguo Régimen.

LAS FIESTAS GALANTES

Refinado, melancólico minucioso, Watteau es el pintor de exquisitas figuras en medio de una exuberante riqueza de paisaje. Son pinturas de bellos seres humanos, hermosamente ataviados, en jardines donde reina la perfección y el sonido alegre de la música. Hay armonía musical en sus obras, una armonía conseguida por el color.

Frente a las alegres fiestas de la pintura flamenca, pródigas en detalles pícaros y mordacidad, en Watteau hay una eterna galantería, en medio de un paisaje calmado donde suena una dulce melodía. Hay un refinamiento, y una poesía ligeramente melancólica. Tal vez la endeble salud del pintor contribuyó a esa melancolía.

Diríamos que las fiestas flamencas tienden a la juerga descarnada, a la francachela, en tanto que las de los grandes pintores italianos remiten a la mitología. Watteau busca un camino intermedio. Es curioso ver la alegría comedida de sus cuadros, la tenue melancolía que rezuman.

Porque las fiestas galantes tienen una atmósfera dual. En ellas hay una mezcla de estilos y tiempos, hay alegría, hay máscara; hay un tiempo de fiesta y otro de retorno. Hay quien sólo ha visto en estos cuadros la parte gozosa e incluso pasional, pero hay también en ella el lado oscuro del tiempo finito, la ocultación y la añoranza.

LA EXPOSICIÓN

La muestra que prepara el Museo de Bellas Artes de Valenciennes tendrá lugar del 5 de marzo al 14 de junio. Se presentarán en ella ochenta y cinco obras, de las cuales una veintena corresponderán al gran maestro local.

Junto a los trabajos de Watteau habrá otras obras de Lancret, Quillard, etc. prestadas de colecciones públicas y privadas de Estados Unidos, Rusia, Gran Bretaña, España, Italia, Alemania, Bélgica, Austria, Francia y Suecia, y unidas en ese temática festiva.

Son comisarios de la muestra Patrick Ramade, director del Bellas Artes de Valenciennes, y Martín Eidelberg, profesor en la Rutgers University de New Brunswick, Estados Unidos. El evento esta organizado por el Museo local de Bellas Artes, la Comunidad de Valenciennes con la Reunión de Museos Nacionales de Francia.

Tomás Alvarez

 

Universos de Barceló

10/02/2004, Nacido en 1957 en Mallorca, Miquel Barceló, es sin duda uno de los pintores hispanos más cotizados en la actualidad; un artista que ha alcanzado muy joven el reconocimiento internacional y con una obra compleja y variada

Nacido en 1957 en Mallorca, Miquel Barceló, es sin duda uno de los pintores hispanos más cotizados en la actualidad; un artista que ha alcanzado muy joven el reconocimiento internacional y con una obra compleja y variada, algo que ha hecho afirmar a los expertos que “existen varios Barceló”.

Seacex, sociedad española para acción cultural en el exterior, ha organizado una muestra de este artista, que actualmente se presenta en Sao Paulo (Brasil) y luego se verá en Canberra (Australia) y en Monterrey (México).

Con 46 años, Barceló fue premiado en 2003 con el Príncipe de Asturias de las Artes; es el más joven ganador de este título.

Para el artista mallorquín ha sido gratificante volver ahora a la ciudad brasileña de Sao Paulo, pues en ella expuso, en la Bienal, en 1981, en el momento en que empezaba a obtener el pleno reconocimiento de la crítica internacional.

Esa fama le aupó de forma arrolladora a raíz de su participación en la Documenta de Kassel (Alemania) en 1982: Y a partir de esta fecha su vida ha sido un continuo peregrinaje, que le ha llevado por España, Italia y Francia, Estados Unidos o lo ha conducido por las arenas del Sahara, largo periplo que le sirvió tal vez para hacer muchos de sus mejores temas.

En ese maremagno, Barceló ha sabido mantener el pulso de una fama muy prematura y continuar con un trabajo variado, que se expande como si se tratase de una espiral. Sus temas se retoman años más tarde, sin que ello provoque un insulso sabor de repetición. En alguna medida es él un emblema de una generación de artistas que han dado intensidad y nuevas salidas al arte español de las dos últimas décadas.

BIOGRAFÍA

Nació en Felanitx (Mallorca) el 8 de enero de 1957 y se inclinó hacia la pintura desde niño, apoyado por el ambiente familiar. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Palma de Mallorca y a los 16 años se instaló en Barcelona, donde comenzó los estudios de Bellas Artes. Pero pronto dejó de acudir a clase porque ya “no le interesaba”. Aprendía más en lecturas y viajes, donde se familiarizó con las últimas tendencias, interesándose por gentes provenientes del surrealismo, el informalismo, etc.

Alternó sus investigaciones artísticas con acciones políticas y ecologistas, como en 1977, cuando participó en la ocupación de una pequeña isla de las Baleares, Dragonera, para evitar su urbanización.

Expuso desde 1977 en Mallorca y Barcelona, en un tiempo en que se interesó por gentes como Klee, Dubuffet o Tapies, pero quien más le influiría entonces fue Pollock, con sus técnicas de dripping.

El gran reconocimiento le llegó tras participar en la Bienal de Sao Paulo de 1981 y en la Documenta de Kassel de 1982. Desde allí, su reputación de artista consagrado se extendió por Europa y América, figurando sus obras en museos de arte contemporáneo y entre las mejores colecciones privadas. Ha expuesto en primeras galerías y museos de Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Francia, Italia, España, etc. y sus obras figuran en diversos grandes museos de todo el mundo.

Una de sus principales señas de identidad es el tratamiento de la materia pictórica, el empaste de pintura que satura sus lienzos para lograr efectos de relieve y diferentes matices de color que se pueden apreciar dependiendo del punto de situación desde el que se contemple cada obra.

Sin embargo, esta no es su única línea, en su estancia en Malí(1988), pinto mucho sobre papel utilizando pigmentos naturales del territorio y barros fluviales. A su regreso a Europa trabajó paisajes desérticos y espejismos. En esta época hizo unas magníficas obras donde captó una nueva luz de forma magistral.

La naturaleza del desierto sugirió a Barceló una nueva esencia de las cosas; comprobó que la violencia de aquella luz borraba la definición de la realidad creando espacios imaginarios. “La luz en el desierto –dijo- es tan intensa que las cosas desaparecen y las sombras tienen más fuerza que las cosas mismas; lo que no es tiene más intensidad que lo que es”.

El mar es otro espacio que ha subyugado a Barceló. Es lógico. En su trayectoria siempre se ha interesado por los procesos naturales, sean espacios o sea la propia vida, la descomposición orgánica o la muerte.

Es un artista que vaga por el orbe y trabaja: Durante temporadas ha trabajado en lugares como Mallorca, Nápoles, Vilanova de Mifontes(Portugal), Malí, Nueva York... y sobre todo París. Y trabaja en curiosos proyectos, como la cúpula del Mercado de las Flores de Barcelona, la Catedral de Palma de Mallorca o la iglesia de Santa Eulalia dei Catalani, en Palermo, Italia.

En octubre de 1998, en Palermo, el artista se instaló en una iglesia en desuso, Santa Eulalia dei Catalani, llevando su mundo de tierras, mares y mitos a las paredes del humilde templo.

Con su juventud, Barceló puede ufanarse de una obra variopinta que incluye también decorados para ópera, murales, grabados, ilustraciones para libros -la última, la "Divina Comedia" de Dante-, esculturas, etc.

EN BRASIL.

La exposición de Barceló en la Pinacoteca de Sao Paulo, ha sido organizada por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España, dentro de su programa Arte Español para el Exterior, coproducido con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), e incluye 47 obras, algunas realizadas hace sólo meses.

Esta muestra permite conocer cómo y cuál ha sido el proceso creativo y reflexivo de este artista polifacético, cuya obra –según aseguró en Brasil- está en permanente elaboración y cambio. "Nunca concluye, una obra me lleva a otra, y siempre veo los cuadros que están delante", dijo.

La exposición se abre con un inmenso cuadro de un gorila blanco, inspirado en Copito de Nieve, recientemente fallecido en el zoológico de Barcelona. "Él estaba en una jaula con sus artilugios básicos, como una rueda que le servía de columpio, y eso es lo mismo que yo hago en el estudio, también encerrado con mis cosas", argumentó con humor.

La muestra incluye cuadros y obra sobre papel, como la de sus viajes a África y los bodegones, en los que disecciona la naturaleza, con animales abiertos en canal, y experimenta con toda clase de materiales, incluso orgánicos. "Dicen que soy matérico, pero no es eso, es que vivimos en un momento tan virtual, tan inexistente, que tienes que exagerar para que se vea que es pintura, que no es algo irreal", recalcó.

La exposición se completa con pinturas inspiradas en su mar Mediterráneo, el mar que circunda su tierra natal; con sus inmensos cuadros de sus últimos años, marinas azules y blancas que parecen telas en movimiento. Tomás Alvarez  

Los buques “arrastreros” diezman los delfines

07/02/2004, Las técnicas de pesca de arrastre en las costas del planeta ponen en grave peligro a los delfines según denuncian Greenpeace y otros grupos ecologistas. El "Esperanza" inicia un viaje en defensa de estos ejemplares de la fauna marina

Por Artemio Artigas

Las técnicas de pesca de arrastre en las costas del planeta ponen en grave peligro a los delfines según denuncian Greenpeace y otros grupos ecologistas en un extenso informe titulado “El efecto red”.

La organización no pare de alertar de este problema. En su web se leía el 6 de febrero la siguiente nota:

“Cinco delfines muertos han sido observados hoy en las proximidades de dos parejas de arrastreros pelágicos a 20 millas de las costas de Plymouth por observadores a bordo del buque de Greenpeace Esperanza.

Presentaban daños tales como cortes en el morro, daños en las aletas dorsales y ventrales, que indicaban su captura en artes de pesca. Un trozo de red se encontró cerca de los delfines.

Después de avistar los delfines a las 11.10 de la mañana, Greenpeace lanzó una de sus lanchas rápidas para recuperar los cuerpos de los delfines y llevarlos a bordo, donde fueron examinados. Los delfines presentaban signos de haber muerto muy recientemente.

Observadores a bordo del MV Esperanza pertenecientes a la Sociedad para la Conservación de Ballenas y Delfines (WDCS) han avistado en los últimos días más de 1.000 delfines frente a la costa sudoeste de Inglaterra, una zona en la que arrastreros pelágicos con enormes redes, a menudo con una boca del tamaño de dos campos de futbol, y arrastradas por dos buques a la vez, faenan regularmente.”

EL VIAJE DEL ESPERANZA

Al inicio de 2004, el barco de Greenpaece “Esperanza” inició un viaje de cinco semanas para investigar la muerte de estos ejemplares de la fauna marina. La organización estima que unos diez mil delfines y marsopas mueren en artes de pesca destructiva en aguas europeas. El problema estudiado se refiere básicamente a Europa, pero tiene alcance universal.

La Sociedad para la Conservación de Delfines y Ballenas, junto con numerosas organizaciones ecologistas, considera que las poblaciones delfines y ballenas en aguas comunitarias pueden derivar en su completa extinción si se siguen permitiendo este tipo de prácticas pesqueras. El informe demuestra que la pesca con enormes redes, a menudo con una boca del tamaño de dos campos de fútbol, y arrastradas por dos buques al mismo tiempo, provoca la muerte de miles de delfines cada año. Ello puede representar la muerte del cinco por ciento de su población cada ejercicio.

Los científicos opinan que la pérdida anual de tan sólo el uno por ciento de una población constituye una amenaza para la viabilidad de una especie.

Este azote sobre las poblaciones de delfines y marsopas tendrá un efecto devastador en los ecosistemas marinos. Cada invierno, cientos de estos animales muertos llegan a las playas británicas y francesas. Estos son tan sólo una parte de los miles de ejemplares que mueren en el mar y no arriban a las costas. Se estima que unos diez mil de ellos perecen en artes de pesca destructiva. El llamado “arrastre pelágico”, arte de pesca empleado para la captura de lubina, jurelo, caballa, merluza y bonito en verano, están amenazando particularmente a los delfines comunes y a los delfines listados, pero también afecta a otras especies como delfines mulares y calderones.

Buques pesqueros británicos, franceses, irlandeses, holandeses, daneses y españoles que faenan en el Canal de la Mancha, el Golfo de Vizcaya y el Mar Céltico se encuentran entre los responsables de este problema.

El barco ecologista “Esperanza” partió con el objetivo de denunciar estos abusos e insta la Comunidad Europea a cumplir la Directiva Hábitats, que prohibe las capturas accidentales de delfines y cetáceos para asegurar que la actividad pesquera no suponga riesgo negativo sobre las poblaciones marinas, obligación que, según Greenpaece, claramente se incumple. La crisis pesquera, la actitud de los gobiernos y la propia industria del sector se niegan a colaborar, según estima la organización ecologista.

A su juicio, las prácticas pesqueras están muy por encima de los niveles sostenibles permitidos, por lo que sería necesario una reducción de flotas muy calculada con ligero impacto sobre la biodiversidad marina, uno e los mayores problemas que afecta en estos momentos al ecosistema marino, ya de por sí muy dañado por otros factores ambientales. Globalmente, consideran que un veintitrés por ciento e las capturas es devuelta, ya sin vida, a los fondos del mar.

Delfines y ballenas han sido, a lo largo e la historia, ejemplares emblemáticos y legendarios. Los espectáculos de corrillos de delfines nadando en grupo, con su comprobada repercusión en la salud humana, y las gigantescas ballenas que han dado lugar a todo tipo de literatura, son imagen viva en la cultura de nuestra civilización. Los mamíferos marinos han dado lugar en las aguas del planeta a juegos de contraluces casi mágicos, mientras la mano del hombre ha querido combatir sus piruetas, su paz en las inmensidades del océano.

Según todas las estadísticas, el mayor depredador de estos cetáceos es, sin duda, el hombre. La progresiva extinción de las ballenas y la captura de delfines para exposición en cautividad, ha mermado seriamente la reproducción de estas especies de alto valor ecológico. Numerosos científicos y organizaciones llevan muchos años movilizándose para adecuar medidas de protección.

 

Dalí y cultura de masas

06/02/2004, Del 6 de febrero al 23 de mayo de 2004, la Fundación “la Caixa” presenta en Barcelona, con la colaboración de la Fundación Gala-Salvador Dalí, una gran exposición inédita que reúne más de 400 piezas del genial artista en el marco del Año Dalí.

Del 6 de febrero al 23 de mayo de 2004, la Fundación “la Caixa” presenta en Barcelona, con la colaboración de la Fundación Gala-Salvador Dalí, una gran exposición inédita que reúne más de 400 piezas del genial artista en el marco del Año Dalí.

“¿Sufre usted tristeza intelectual ‘periódica’? ¿Depresión estética, fatiga, aversión hacia la vida, depresión maníaca, mediocridad congénita, imbecilidad gelatinosa, piedras de diamante en los riñones, impotencia o frigidez? Tome Dalinal, la chispa artificial que logrará estimular su ánimo de nuevo.” Estas palabras acompañaban un anuncio de un falso medicamento (Dalinal) que ilustraba las páginas de Dali News, el diario que Dalí inventó, dirigió y editó como autopromoción de su obra y de su persona.

Pero la relación de Dalí con la cultura popular fue mucho más allá de este mero atrevimiento. Fascinado por los faros niquelados de los automóviles Isotta Fraschini, los noticiarios de la Fox, el mudo Harpo Marx, el sofá-labios de Mae West, los maniquíes, los gramófonos y los bailadores de back-bottom, Dalí convirtió en estímulos para la imaginación creativa las tensiones generadas entre dos concepciones aparentemente dispares: la gran tradición europea (la ‘alta’ cultura) y la cultura popular fabricada industrialmente (la ‘baja’ cultura).

Con motivo del Año Dalí y en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí, la Fundación “la Caixa” presenta en CaixaForum la exposición Dalí. Cultura de masas, que analiza por primera vez con detenimiento las relaciones que el pintor y escritor mantuvo con la cultura de masas a partir de más de 400 obras, entre óleos, acuarelas, dibujos, documentos, anuncios, películas, diseños y objetos variopintos, ordenados en ocho apartados.

Un encargo de Disney

Como novedad y coincidiendo con la inauguración, CaixaForum acogerá, por primera vez en España, el pase de la película Destino, un encargo de Disney que la misma gran fábrica de los dibujos animados nunca llevó a la gran pantalla.

La exposición Dalí. Cultura de masas, comisariada por Fèlix Fanés, se podrá visitar en CaixaForum, en Barcelona, del 6 de febrero al 23 de mayo de 2004.

La muestra viajará posteriormente al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), donde podrá verse entre junio y agosto de 2004. Parte de la exposición podrá verse también en el Dalí Museum de Saint Petersburg (Florida, EEUU) y el Museo Boymans (Rotterdam), ciudades a las que viajará entre octubre de 2004 y enero de 2005 (Saint Petersburg) y entre febrero y mayo de 2005 (Museo Boymans).

Parte de las obras de la exposición proceden de estas tres importantes colecciones. La muestra ha contado también con la colaboración de otros importantes prestadores, como el MoMA y el Metropolitan (Nueva York) y el Centro Georges Pompidou (París), así como de varias colecciones privadas (entre ellas, los Estudios Disney). La muestra ha sido producida por la Fundación “la Caixa” y coorganizada en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí.

Dalí. Cultura de masas analiza las relaciones del genial artista con la cultura industrial, su manera de entender el arte y la complejidad de la época moderna. Son tres los niveles expositivos: la representación en la obra de Dalí de ‘temas’ propios de la cultura popular (inclusión de una botella de Coca-Cola en Poesía de América, 1943); la transformación de la pintura bajo el influjo de las técnicas de reproducción seriada (collage, performances), y la intervención de forma directa en la cultura popular mediante el diseño de productos de encargo (moda, cine, publicidad). Estos tres niveles se explican a partir de ocho ámbitos diferentes:

1. Vida moderna. Arte. Antiarte. Una aproximación a la manera en que Dalí concebía el arte (la teoría antiartística), su relación con diversos aspectos de la cultura contemporánea y el elogio del objeto.

2. El Ángelus. El mito trágico. Las especulaciones de Dalí a partir del cuadro El Ángelus (1859), de Jean-François Millet. Se trata de las ‘variaciones’ que realizó a través de pinturas y escritos.

3. Hollywood: lugar de peregrinaje.

La participación de Dalí en películas de vanguardia y su relación, casi siempre frustrada, con la industria cinematográfica: Buñuel, Hitchcock, Disney... Por primera vez se muestran los óleos, las acuarelas y las pinturas que hizo para el proyecto Destino.

4. Sueño de Venus. La intervención del pintor en la Exposición Universal de Nueva York de 1939, un pabellón a medio camino entre un objeto surrealista y la típica casa encantada de las ferias populares.

5. Fiat modes, pereat ars. Este apartado está dedicado al diseño, tomando como hilo conductor la moda: vestidos, perfumes, anuncios publicitarios...

6. Documentos fotográficos. Una exposición de fotografías no efectuadas por Dalí, sino por artistas de renombre como Man Ray, Brassaï y Philippe Halsman, cuyas ‘puestas en escena’ fueron inventadas por el artista ampurdanés.

7. Dali news. Las intervenciones de Dalí en la prensa: Vogue, American Weekly...

8. Epílogo. Los dos screens tests que Warhol hizo de Dalí a mediados de los sesenta.

 

Baruj Salinas

05/02/2004, Baruj Salinas es un auténtico artista crisol de culturas. De origen judío, nacido en Cuba(1938), estudiante de Arquitectura en Ohio, influido por corrientes pictóricas de Europa y Norteamérica, practica una arte abstracto cuajado de color

Baruj Salinas es un auténtico artista crisol de culturas. De origen judío, nacido en Cuba(1938), estudiante de Arquitectura en Ohio, influido por corrientes pictóricas de Europa y Norteamérica, practica una arte abstracto cuajado de color.

En la Habana abrió sus ojos a la luz, una luz viva, llena de matices, que jamás habría de perder, aunque desde 1959 se alejara de su isla para asentarse en Miami. También residió algún tiempo en Europa. En Barcelona trabajó al lado de Miró y Tapies... y su pintura ha evolucionado desde inicios figurativos a un abstracto con reminiscencias cósmicas.

La obra de Baruj Salinas está en grandes museos e instituciones artísticas de Estados Unidos, Suiza, España, Francia, Italia Israel, México, Argentina, Colombia, etc. El autor continúa pintando, preparando una gran exposición en España, y dedicado a la docencia en Miami.

P.Con ese maremagno de historia personal y familiar... ¿Serás capaz de sentirte de algún lugar?.

R. .Maremagno es una palabra que define bien el recorrido histórico de mi familia y el mío. El judío es parte integral de una diáspora continua, y el caso mío forma parte de esa continuidad. Igualmente te diré que me siento cubano, aunque desplazado. Como artista me defino como pintor cubano, pero, en lo demás, siempre tiendo a adaptarme al lugar donde vivo.

P .Pero con ese bagaje histórico personal, podría esperarse una pintura dramática, de rupturas. Sin embargo sorprende una vitalidad expansiva y colorista. Pareciera que hay más esperanza y mañana que pasado. ¿Es así o es que yo lo veo así?.

R. Es acertada tu percepción sobre mi obra. Quizá el hecho de haber nacido en una isla tropical me influyó decisivamente a la hora de expresarme. Esa luz tropical, intensa, ha sido vital para mi pintura. Sin embargo no soy ajeno a las influencias externas. Fíjate en mi obra realizada en Barcelona, donde imperaban los grises y los blancos, quizá debido a la calidad de la luz, que para mí era tamizada. Aunque debo señalar que lo del color blanco fue influencia directa de María Zambrano, con la cual colaboré en un buen número de libros de artistas realizados con ayuda de Orlado Blanco, de Editart, en Ginebra. Allí conocí a María, en su exilio.

P .Hiciste Arquitectura y lo dejaste ¿Qué encuentras en la pintura que no pudo darte la arquitectura?.

R. Dejé la arquitectura por falta de espacio para maniobrar. Me refiero a la falta de libertad. Siendo arquitecto uno está supeditado a los asuntos de dinero, a los deseos de los clientes y otros muchos problemas que se te van presentando. En la pintura soy árbitro y ejecutor. Y es excitante ver cómo de un espacio blanco va surgiendo la obra que tienes en la mente. Aunque es cierto que casi nunca lo que tienes en tu mente se traduce en una fiel reproducción al pasarla al lienzo. Y es que el cuadro adquiere vida propia a medida que va desarrollándose.

P .Pero también desde la arquitectura se puede pintar, hacer arte ¿No? Frank Gehry lo hace...

R. Es cierto que algunos arquitectos lograran el privilegio de hacer arte con sus proyectos. Ese no fue mi caso. Claro que a veces se puede pintar haciendo arquitectura, aunque en el caso de Gehry estaríamos hablando de escultura. Es posible que tampoco tenga alma de escultor.

P .¿Cuál fue la razón para que te enfocases hacia la abstracción?

R. Me fui decantando hacia la abstracción por una razón básica: la libertad. Para mí fue una revelación temprana el ver la obra de un Pollock o la de Kooning. Sentí afinidad al enfrentarme ante sus obras.

ANGUSTIA Y ÉXTASIS

P .Es frecuente que el inicio de un trabajo sea un momento mágico o angustioso ¿qué sientes tú ante la tela en blanco?

R. Dices bien al hablar de angustia y magia cuando el pintor despliega un lienzo blanco. Angustia y éxtasis. Pintar, para mí, es un acto trascendente, una meditación. Y en esto no exagero: es un enfocar absoluto, y no uso esa palabra a la ligera. Meditación y concentración.

P .¿Llegas a la tela confiando en un golpe de inspiración o ya tienes elaborado mentalmente el proyecto?

R. Para mí el acto de pintar tiene una relativa espontaneidad. Y hay accidentes controlados. Uno aprende con el paso del tiempo. Por lo general, tengo alguna idea de lo que voy a pintar y avanzo hasta que el cuadro adquiere vida propia. No creo que un pintor de vocación necesite de inspiración. Un cuadro genera ideas para muchos otros. Al principio de mi carrera hacía muchos bocetos e inclusive listas de temas y de cómo abordarlos. Hace tiempo que deje de hacer eso.

P .Abstracto... pero en tus cuadros hay aún un sentido arquitectónico, una corporeidad propia de quien ha hecho estudios en esa línea ¿no?

R. Sí. Sin duda, el que conoce mi trayectoria y sabe que fui arquitecto ve un orden (dentro del caos aparente) en mi pintura. Una especie de estructura subyacente a todos esos accidentes controlados.

P .A veces también podría pensarse que –lejos de una expresión abstracta- nos estás presentando un mundo al microscopio

R. Es curioso que menciones microcopio en relación a mi obra. Tiempo atrás pinté cuadros encerrados en círculos perfectos, ejecutados con compás, un compás enorme que me fabriqué yo mismo. Y lo que había en esos círculos eran como amebas o embriones, o sea, vida celular observada al microscopio. Lo hice durante poco tiempo; pintaba microcosmos...

P .No tienes tentación de retornar a lo figurativo.

R. No, al contrario. Lejos de retornar a lo figurativo, siento la necesidad de ser más libre, si se quiere.

P .Pollock... Rothko... A veces pienso que el camino de la abstracción rompió antaño los esquemas de la pintura moderna pero acaba encasillando en exceso a los autores, aunque temo que esto te parezca una herejía.

R. Pollock murió relativamente joven y Rothko se suicidó, quizás porque se encontraba en un callejón sin salida. Pollock era más intuitivo y Rothko cerebral. Dos personalidades diferentes por completo. Y la obra de cada uno de ellos está a 180 grados. Tiendo más hacia la obra de Pollock, evidentemente. Es inevitable ese encasillamiento, pero eso más bien lo hicieron los críticos Greenberg y Rosenberg, con lo del expresionismo abstracto. ¿Quién sabe qué dirección hubiese tomado la pintura de esos artistas en caso de que hubieran vivido más tiempo? Y es que el cambio es inevitable.

P .Personalmente, pienso que hay mucho humo vendido como arte y una confusión sobre la esencia del mismo. Hace pocos días estuve dando una conferencia en una universidad y me pidieron una definición del arte. Al final deduje que sólo hay una definición por acumulación (enciclopedia) o por dogma (dictamen de los sacerdotes del arte instalados en la crítica y en las instituciones). Me gustaría que te aproximaras a este tema

R.Acaba de pasar por Miami la feria del Arte de Basilea. Se supone que es la catedral del arte contemporáneo y de vanguardia. Y llego a la conclusión de que mucha de la obra que se está creando hoy está basada en la necesidad de dar un shock a la sociedad. Es posible que yo esté desfasado, pero mi pintura nunca ha sido de vanguardia. Duchamp dijo allá a finales de la década de los diez del siglo pasado que arte es todo lo que el artista dice que es arte, y apoyó esto en su famoso orinal. En estos momentos habría que definir primero qué es un artista. Y pienso en ese artista inglés Damien Hirts, que ha declarado que no sabe dibujar, aunque eso hoy no asusta a nadie... Y su obra se cotiza. Yo me acercaría a la definición de arte por acumulación; en nuestro mundo hace tiempo que no existen los parámetros. Hay, en mi opinión, mucha manipulación por parte de la crítica respecto a lo que se considera arte, ya sea debido a la cuestión crematística o al ego. ...Es posible que haya mucho humo. Lo que es sorprendente es ver cómo el coleccionista adquiere lo que le dice el “conocedor” (crítico)... y no estamos hablando de cacahuetes.

P .¿En qué trabajas ahora?

R. Estoy en una serie basada en explosiones solares. Hace tiempo que leí un par de libros del astrónomo inglés Fred Hoyle, que fueron de influencia notable en mi obra de entonces. De allí surgieron cuadros de tema espacial: constelaciones, nebulosas... podría decirse que a pesar del tratamiento abstracto los cuadros eran realistas. Esta ultima serie es muchos más abstracta, con la particularidad de que estoy dejando el blanco de la tela visto; o sea, estoy trabajando mis grandes telas como si fueran acuarelas. También he vuelto a hacer grabado. Antes de que Joaquín González abriera su taller en Miami no existían talleres de grabado... de otros tipos de obra gráfica sí, pero de grabado no. Cuando estaba en Barcelona, la mitad del día la dedicaba al grabado en el taller de M. Yamamoto... un gran maestro.

P .¿¡Qué viejos maestros de la pintura te interesan más?

R. Me interesan Rembrandt, Velázquez, Goya, Vermeer, Boticelli y, desde luego, Turner. Siempre que voy a Londres es, para mí, una visita de rigor el Tate y los salones increíbles de los Turner.

P .¿Y entre los modernos?

R. También me entusiasman Cezanne, Van Gogh y sobre todo Monet. Los salones ovalados del Orangeríe de París me fascinan. Él y Turner son los padres del abstraccionismo.

P .¿Y Pollock?

R. Pollock es uno de mis mentores. Al igual que de Kooning, como mencioné más arriba Ellos abrieron puertas misteriosas que para mí han sido importantes. Tapies me influenció por su la materia y su fascinación con el muro. La de él es una obra que me llena, llena de signos arquetípicos.

P .¿Que opinas Wifredo Lam?

R. Lam, que como sabes es el icono de la pintura cubana, me gusta por su temática y colorido, a pesar de que el surrealismo está lejos de mi sensibilidad. Es una simbiosis de lo cubano y lo africano, llevada por su sabia mano... pero en el conjunto de pintores que hemos citado también quisiera evocar a Picasso y Matisse, que son dos pilares de la pintura moderna.

P .¿Añoras Cuba?

R. Añoro Cuba, en particular La Habana, y mi barrio Santos Juárez. Allí jugaba a la pelota, estudié bachillerato, comencé a pintar y deje muchos amigos. Añoranza y nostalgia.

P .¿Y Barcelona?

R. En Barcelona crecí artísticamente. Me encanta la ciudad. Es para mí mágica. Yo tenía mi estudio en el Barrio Gótico, cerca de la Plaza Real. Y cada día caminaba una hora de la casa al estudio. Me deleitaba ver a la gente, la arquitectura, el bullir de la ciudad... la extraño.

P .¿Crees que el origen, los paisajes y las ciudades determinan la obra?

R. Así como el escritor se nutre de lo que le rodea y de la vida cotidiana, así el pintor se apoya en los orígenes y en el paisaje, que es su patrimonio. Sabes que comencé siendo figurativo, que pintaba escenas callejeras en La habana y paisajes playeros y de la ciudad, que era lo que conocía. Con el transcurso del tiempo mi pintura se fue decantando hacia la abstracción. Sin duda alguna, lo cubano y lo judío convergen en mi obra. Por ejemplo, durante algún tiempo he estado trabajando en el tema de la palmera; más bien sobre la penca, que es una de sus ramas. Y mi amistad con escritores como María Zambrano, José Ángel Valente o Pere Gimferrer me impulsó a introducir una especie de caligrafía en mi obra, en la que intervienen letras como las del alfabeto hebreo. Con Valente realizamos un hermoso libro titulado "Tres lecciones de Tinieblas", basado en la Cábala, y que fue galardonado en 1980

P .¿Si tuvieras que salvar de un incendio media docena de obras cuales llevarías?

R. Un Turner, un Monet (uno de sus grandes nenúfares), el Guernica de Picasso, la habitación roja de Matisse, un cuadro de Goya, quizá Saturno devorando a su hijo; las Meninas de Velásquez; El jardín de las delicias de El Bosco, la primavera de Boticelli, uno de los increíbles autorretratos de Rembrandt... En fin, ya ves que tendría dificultades para decidirme.

Tomás Alvarez

FITUR. Un paseo por el mundo

03/02/2004, Se cerró FITUR con un buen balance. En esta feria espectacular, de aire colorista y circense, las cifras indican que el sector va en auge. También ha crecido la oferta de turismo alternativo y verde

Se cerró FITUR con un buen balance. En esta feria espectacular, de aire colorista y circense, las cifras indican que el sector va en auge. También ha crecido la oferta de turismo alternativo y verde.

La directora de la feria, Ana Larrañaga, explicó al final del certamen que parece haber una mejora de las perspectivas en el mercado turístico mundial y especialmente en el europeo. Han crecido la cifra de visitantes –curiosos y profesionales- y también hay l crecimiento en la superficie contratada y el número de empresas participantes.

Las expectativas de los operadores turísticos europeos que prevén un crecimiento del 15 por ciento del flujo turístico hacia el mercado europeo, dentro del cual los destinos más favorecidos serán España, Italia y el Reino Unido.

MADRID Y BERLÍN

La vigésima cuarta edición de FITUR la ha vuelto a consolidar, en parámetros de participantes, visitantes y superficie contratada, como la segunda feria de turismo más importante del mundo, después de la de Berlín.

Las diferencias entre ambas son en los parámetros mencionados cada vez menores, ya que la superficie contratada en Berlín es de 84.000 metros netos y en Madrid, de 80.000, el número de empresas es muy similar, aunque el de los países es superior en Alemania: 180 frente a 170.

TURISMO SOSTENIBLE

La última edición de FITUR encamina gran parte de sus ofertas hacia el llamado “turismo sostenible”, ante la gran demanda que se produce en este sector. Los cruceros y expediciones hacia las selvas vírgenes, reservas naturales y archipiélagos lejanos copan el interés de los ciudadanos, cada día más sensibilizados con la defensa de los ecosistemas del planeta.

A esta tendencia se añade una fuerte campaña de Greenpeace y organizaciones ecologistas que reclaman a los participantes y profesionales del sector turístico un compromiso real con el desarrollo sostenible y la biodiversidad, frente a la destrucción acelerada de las costas y la fauna marinas.

MARES DEL SUR

El exotismo de los Mares del Sur es una de las mayores ofertas que despierta el interés de la Feria. Cruceros que permiten visitar glaciares, atolones, islas lejanas y reservas vírgenes del planeta, despiertan una enorme expectación. Los viajes organizados que permiten visitar el Cabo de Hornos con rutas en torno a la Patagonia, Tierra de Fuego y la bahía de Ushuaia, figuran entre los de mayor éxito.

El sur de Argentina y Chile, una zona de incalculable belleza y enorme riqueza ecológica hace que aumente el número de expediciones de este tipo. Desde la ciudad chilena de Punta Arenas y la argentina de Usuhaia, zarpan cada vez más barcos para visitar y explorar ese recóndito lugar del planeta.

Ushuaia es única. Ubicada en la Isla Grande de Tierra de Fuego, frente a la bahía del mismo nombre, frente a las aguas del Canal de Beagle, es de una belleza increíble. En la zona se mezclan los Andes y el océano, con un paisaje mágico que se puede recorrer en varios días. La ciudad es la puerta de entrada a la Antártida. En el verano, cientos de visitantes hacen allí su escala antes de dirigirse hacia el gigante blanco.

Los lugares más frecuentados se encuentran a lo largo de las costas del Beagle y en las remotas islas cercanas. Incluso pueden verse restos de barcos encallados hace largo tiempo, como el Monte Cervantes, un crucero de placer que se hundió mientras lo remolcaban.

La riqueza ecológica de la zona es enorme. Las aguas del canal son frías y limpias, muy aptas a pesar de la temperatura para el buceo por su nitidez y gran fauna marina. Como en toda la Patagonia, por su situación entre montañas y dos océanos que se disputan sus límites, el viento es omnipresente y caprichoso. Puede amanecer frío y lluvioso, y cambiar en un par de horas a una temperatura primaveral.

En los pabellones de Chile y Argentina instalados en FITUR se ofrecen muchas expediciones para estos lugares, que albergan una fauna única en el mundo. Frío y luz conjugan una mezcla misteriosa y atrayente.

AUSTRALIA Y NUEVA ZELANDA

A pesar de su lejanía, Australia y Nueva Zelanda son otros puntos muy buscados, junto con las islas del Pacífico. La variedad de ofertas y precios permite al visitante equilibrar su ansia aventurera con el bolsillo. Costa Rica, el Amazonia y Brasil son también lugares preferentes entre los turistas, así como el llamado turismo rural en España. Un nuevo concepto de turismo y nuevos modos de deleite en el ocio de nuestra sociedad.

Los visitantes de FITUR buscan, en su mayoría, lugares exóticos para sus viajes de ocio. Este año, Greenpeace y otras organizaciones ecologistas han desarrollado una campaña de reclamo a los responsables públicos y privados en el sector turístico para salvaguardar el medio ambiente y, sobre todo, el litoral de las costas y la fauna marina, muy deteriorados. La destrucción acelerada de las costas es un hecho que debe alertar, según esta campaña, a los gobiernos respectivos. Romper el equilibrio con la naturaleza pasará grave factura en escaso tiempo.

ESPAÑA. TURISMO Y ECOLOGÍA

España es una de las grandes potencias del turismo mundial. El año pasado visitaron España 52,4 millones de turistas. Los ecologistas alertan, sobre los peligros de esta presión humana y su repercusión en el estado de las costas. En cuanto al Mediterráneo, se considera una situación muy crítica, en especial en la costa de la Comunidad Valenciana y Murcia, donde el incremento desmesurado del urbanismo provoca un tremendo daño al litoral. Es por ello que en todos los pabellones de FITUR de estas zonas, incluidos también Baleares, Cataluña y las Canarias, se publicitan ofertas que intentan preservar el medio ambiente, con campañas turísticas muy seleccionadas para la defensa de estos frágiles espacios.

Los ecologistas critican el Plan de Ordenación Urbanística del Litoral en España, que contempla construcciones de puertos deportivos y campos de golf en las cercanías de las costas. Ello contribuye a dañar, cada vez más, la supervivencia de los hábitats marinos, en especial en el Mediterráneo, un mar afectado por el calentamiento del planeta y el efecto invernadero.

Por Artemio Artigas

 

El gran circo de FITUR

27/01/2004, Fitur es la gran feria del turismo, en la que se puede disfrutar del color del universo sin moverse de la gran ciudad. Es como un gran circo, en el que unos tratan de hacer negocio y otros –simplemente- intentan hacer bulto y salir en la prensa y la

Comenzó el “circo” de Fitur

Fitur es la gran feria del turismo, en la que se puede disfrutar del color del universo sin moverse de la gran ciudad. Es como un gran circo, en el que unos tratan de hacer negocio y otros –simplemente- intentan hacer bulto y salir en la prensa y la televisión.

En Fitur podemos hallar excelentes ofertas: turismo de lujo, cruceros insólitos, destinos exclusivos o románticos rincones propicios para el descanso y el paseo. Merece la pena entrar en la feria.

Más de once mil empresas de un centenar de países compiten en Madrid, en el espacio colorista de la Feria Internacional del Turismo (FITUR), para ofrecer los atractivos de una industria que constituye uno de los primeros motores del desarrollo mundial.

Mandatarios de estados regiones y ciudades acuden al evento. En la inauguración se vio a los reyes de España y al presidente de Argentina, de visita oficial a España.

Precisamente, el stand de Argentina en la feria, convertido en un paraíso sugerente de las bellezas del país americano, fue uno de los puntos donde más se detuvo el presidente Kirchner, 1que apoyó así al turismo argentino.

la oferta turística de Latinoamérica se muestra como una de las más atractivas de FITUR en el ámbito internacional, prueba de ello es la asistencia de la mayoría de los responsables del sector de la región, que el martes participaron en la capital de España en la VII Conferencia Iberoamericana de Ministros y Empresarios de Turismo.

En esa reunión, los titulares de Turismo coincidieron en la necesidad de acelerar el proceso de integración de la región y vincular los ingresos generados por esa industria a la lucha contra la pobreza y el desarrollo sostenible.

El ministro de Turismo de Costa Rica, Rodrigo Castro, destacó que desde hace dos años y hasta 2012 se ejecuta el Plan de Desarrollo Turístico Sostenible, destinado a garantizar el crecimiento sostenido del sector en un país que recibe un millón de visitantes por su estabilidad económica y social, y el atractivo de su belleza natural.

Entre las nuevas propuestas de Latinoamérica presentadas en FITUR, figura el programa "El Este Dominicano", un itinerario que permite descubrir una cara diferente de la República Dominicana, y en el que se combinan la aventura, el descanso, ocio y la cultura.

Según la Organización Mundial del Turismo (OMT) la industria turística crecerá en 2004 un 5 por ciento si se tienen en cuenta los signos positivos de reactivación económica en Estados Unidos, Japón y Europa Occidental, así como la existencia de una importante demanda retenida de viajes, que "se expresará tan pronto como lo permitan las circunstancias".

FITUR, convertida en la segunda feria del sector más importante del mundo, mantendrá sus puertas abiertas hasta el próximo 1 de febrero. Así se convertirá durante cinco días en escenario de muestras de tradición y cultura y en foro de negocios, con la presencia de hoteleros, líneas aéreas e informadores turísticos que ofrecerán sus más novedosos reclamos.

 

Un año más de ARCO

17/01/2004, Un año más de ARCO, la gran feria internacional de arte contemporáneo. Las grandes ferias de arte se han configurando en la actualidad como los más efectivos instrumentos de globalización de la producción artística.

Un año más de ARCO, la gran feria internacional de arte contemporáneo. Las grandes ferias de arte se han configurando en la actualidad como los más efectivos instrumentos de globalización de la producción artística.

En Madrid acaba de cerrar sus puertas la XXIII Edición de ARCO, consolidando la presencia de esta feria entre las más espectaculares del ámbito artístico.

Son varias las ferias internacionales que están moviéndose con acierto. Art Basel, la prestigiosa feria de Basilea(Suiza) tiene un prestigio sumamente merecido. Últimamente ha abierto una edición especial en Miami, pero parece que no ha logrado consolidar allí aún una activa presencia de las vanguardias latinoamericanas.

Otros certámenes, como la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC) de París están intentando recuperar terreno y prestigio, pero es difícil mantener el ritmo que imponen las muestras de Basilea y Madrid.

ARCO volvió a tirar hacia arriba en su XXIII edición: funcionaron las ventas y el público. Acudieron 200.000 personas pese a que la feria ha durado un día menos que la anterior.

Un dato que diferencia a ARCO de otros certámenes de arte contemporáneo es que ésta es la feria más visitada del mundo, aunque también está bien situada en otros parámetros como la representatividad de su oferta y los resultados comerciales.

Entre las ventas, ha habido importantes trabajos de gentes como Barceló, Oscar Domínguez, Miquel Navarro, Louise Bourgeois, Miró, Delaunay, Picasso etc... Junto a innovadores trabajos de las jóvenes figuras.

Ha sido un mercado agitado. Alguno de los expertos comentó que el mercado español del arte es hoy el más movido de Europa, y ARCO está tomando una importancia enorme. Establecimientos como Bischoffberger o Krugier, con piezas tan caras como las suyas, no repetirían todos los años si no fuera así.

A lo largo de la Feria se ha detectado un afianzamiento de la tendencia iniciada hace dos años con un creciente aumento del coleccionismo privado, y un asentamiento de una nueva generación de coleccionismo español, cada vez más fuerte, con mayor criterio, y más informado. Un colectivo que comienza a abrirse hacia el arte internacional y hacia jóvenes artistas también extranjeros.

Pero la presencia de coleccionistas extranjeros, muchos de ellos componentes del programa Major Collectors (200, de 30 países), ha sido un éxito. El balance de esta edición es especialmente positivo, confirmándose a través de numerosas adquisiciones el creciente interés de los coleccionistas europeos por el arte que se está produciendo en España.

El fenómeno camina paralelo al interés que comienza a despertar en el ámbito internacional el mercado español, uno de los que han experimentado mayor crecimiento en los últimos años (casi el doble que el mercado estadounidense), y que se ha visto especialmente beneficiado por la crisis del mercado alemán, que ha provocado la necesidad de reorientar sus ferias, y ha llevado a los coleccionistas y galeristas del norte de Europa a dirigir su mirada hacia el sur, donde España juega un papel relevante.

Grecia, una buena acogida.

Grecia ha sido este año el país invitado. Según las valoraciones de profesionales y expertos, la presencia de Grecia como país invitado de honor en ARCO´04, ha tenido una buena acogida, tanto en lo referente a la selección reunida en el marco de la Feria como en las propuestas comisariadas que se exhiben en diferentes instituciones de Madrid.

Quince galerías, entre las que figuran las más reconocidas y comprometidas con el arte contemporáneo y de vanguardia de Atenas y Tesalónica, han desvelado al público internacional las nuevas tendencias artísticas de un país que intenta hacer a través de sus jóvenes creadores una redefinición del arte griego. Entre sus principales figuras han estado presentes en ARCO, Nikos Navridis y María Papadimitriou, artistas cuya obra se ha mostrado también en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y en la Fundación La Caixa respectivamente.

Y el año que viene México.

México será el país invitado de la próxima edición de ARCO, que tendrá lugar del 10 al 14 de febrero de 2005 y a la que concurrirá con un programa comisariado por Carlos Ashida, director del Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, de México, y Julián Zugazagoitia, director del Museo del Barrio de Nueva York.

El comisariado de Ashida y Zugazagoitia se centrará en la selección de entre doce y quince galerías especializadas en arte contemporáneo, y de igual número de proyectos que -creados ex profeso para la feria- serán incluidos en el programa Project Rooms.

El programa artístico "México en ARCO´05" incluirá la celebración de exposiciones en museos y centros artísticos de Madrid; la presencia de algunas de las publicaciones especializadas y la organización de debates dentro del Foro de Expertos, al que acudirán primeras figuras de la escena artística mexicana, coleccionistas, comisarios y gestores de museos.

Foro de Expertos.

Uno de los aspectos mejor valorados por los profesionales del arte ha sido el desarrollo del Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo, que ha reunido a casi 300 figuras del panorama artístico internacional, y que ha contado entre otros con presencias de gran prestigio como el Director del MoMa de Nueva York, Glenn Lowry y el Director de la Tate Moderm of Contemporary Art de Londres, Vicente Todolí, entre otros gestores museísticos y grandes líderes de opinión.

Un total de 4.000 asistentes y becados por distintas universidades del país han seguido las 45 mesas de debate que se han desarrollado a lo largo de 5 jornadas, que han contado además en esta ocasión con la participación de prestigiosos coleccionistas internacionales, dando contenido al ciclo "El Arte de Coleccionar Arte", que próximamente organizará ARCO en el ARMORY SHOW de Nueva York.

 

La escuela de Rembrandt

14/01/2004, En Dijon, la histórica ciudad de los grandes Duques de Borgoña, se presenta, del 24 de noviembre al 8 de marzo, una interesante muestra: Rembrandt y su escuela

El invierno es duro en el interior de Francia; por ello, en los días de cambio de año, la visita a los museos es un atractivo seguro para el viajero. En Dijon, la histórica ciudad de los grandes Duques de Borgoña, se presenta, del 24 de noviembre al 8 de marzo, una excelente muestra: Rembrandt y su escuela.

Es interesante Dijon, aunque en el invierno el frío no anime a pasear por sus calles donde perdura un valioso patrimonio arquitectónico, en el que entra desde las viejas casas “à colombages”(con estructura de madera) a los palacios y su catedral, cuya base se eleva sobre un monasterio de los más remotos tiempos del cristianismo galo.

Es ésta una tierra que desde la antigüedad tuvo peso político, excelentes viñedos y buenos pintores. Dijon, en el siglo XV, fue una de las más celebradas cortes europeas, cuando un hijo del rey francés fue nombrado duque de Borgoña.

En este año, A los atractivos de la ciudad se una exposición que también celebra, a su manera, el 300 aniversario de San Petersburgo, la ciudad fundada por Pedro el Grande, como la ventana de Rusia a Europa, ciudad que en tiempos soviéticos se llamó primero Petrogrado y después Leningrado.

El Ermitage de San Petesburgo, impulsado por la zarina Catalina II de Rusia, ha hecho un préstamo especial al Bellas Artes de Dijon, cediéndole tres obras de Rembrandt y treinta y cinco de sus alumnos.

El conjunto llegado de Rusia se ha completado con otras cuarenta obras, óleos, dibujos y grabados, procedentes de museos de toda Europa.

Desde el siglo XVIII, el conjunto de obras de Rembrandt y su escuela conservados en San Petesburgo de ha considerado como uno de los más valiosos del mundo. Ya el fondo se inició por impulso de Pedro el Grande, pero fue la zarina Catalina II la que se considera como efectiva fundadora de las colecciones insignia del Ermitage.

Por diversas vías, la emperatriz se lanzó a una ambiciosa política de compras, ante una Europa atónita que veía emerger el oscuro mundo ubicado en el extremo oriental del continente. Reformas, campañas militares, compras y presencia internacional dieron fe de que surgía una nueva potencia.

La colección de Rembrandt del Ermitage está representada en el Bellas Artes de Dijon por tres lienzos de primera magnitud. Saskia, el sacrificio de Abraham y el retrato de una anciana dama.

El retrato juvenil de Saskia, comprado en torno a 1770, es una obra maestra del pintor holandés, que presenta a su joven esposa con una delicadeza fuera de lo común.

El sacrificio de Abraham, es una obra grande que proviene de la colección del primer ministro inglés Robert Walpole, adquirida en su totalidad por Catalina en el año 1779. Es una obra de los años 30. Es un tema en el que late una profunda humanidad y que los influyó en los alumnos del maestro holandés, como se testimonia con otros trabajos de la exposición.

Junto a él se expone otro cuadro algo posterior, versión que se atribuyó a Rembrandt y que parece ser de un alumno, Govaert Flink, y con retoques del maestro. también está cerca el dibujo preparatorio de la tela del Ermitage, un préstamo del Museo británico.

El retrato de una anciana(1654) fue considerado tradicionalmente como un trabajo en el que Rembrandt reflejó a su madre. Es un trabajo de interés en el ámbito del análisis psicológico e intimista.

Se presenta en Dijon, en esta muestra del bellas Artes, una serie de generaciones que trabajaron tras la estela de Rembrandt: Gerit Dou, Govaert Flinck, Ferdinand Bol, Gerbrand van den Eeckhout, Samuel van Hoogstraten, Nicolas Maes...

Todo un placer para los amantes de una época dorada del arte holandés, que sirve para revisar la influencia del gran maestro, e incluso la cuestión siempre vidriosa de la atribución de las obras. Precisamente a este respecto cabe recordar que en la parte final de su existencia Rendbrandt perdió el favor del público, e incluso se llegó a calificar su obra como aberrante.

Desprestigiado, algunas de sus obras fueron atribuidas a sus alumnos y sólo en el XIX, de la mano de los románticos, se sacó al pintor del ostracismo.

Algunos datos sobre el pintor.

Nacido en Leyden, en 1606, en una familia prolífica y próspera, pronto se dedicó a la pintura. Hasta 1631 permaneció ligado a su localidad natal, antes de marchar a Ámsterdam. Su maestría fue entonces ya reconocida; se trata de una época en la que estuvo muy influido por la luz de Caravaggio.

En Leyden, donde era maestro ya a los 18 años, contó con diversos discípulos, entre ellos Gerit Dou. Dou fue considerado pronto más importante que Rembrandt, por lo que se falsificaron cuadros de éste último con la firma de su discípulo.

En 1932 marchó a Amsterdam pintando pronto uno de sus cuadros más célebres, la lección de Anatomía del doctor Pulp. Fue un periodo de grandes y caros pedidos, entre ellos varios cuadros religiosos para Enrique de Orange. En el 34 se casó con Saskia, sobrina de un marchante; una mujer que le aportó dote e inspiración: Rembrandt haría de ella musa alguno de sus cuadros más bellos.

A partir de los años cuarenta se incrementó la tensión dramática de su obra, puso más empastes y tonalidades sombrías. Tras la muerte de Saskia, en 1642, su vida se fue complicando; la muerte de sus hijos y de su nueva compañera, sus deudas...

El último periodo del pintor fue de soledad; los pedidos escasearon y también los discípulos. Un cuadro pedido por el propio ayuntamiento de Amsterdam no fue aceptado y él lo destruyó en su mayor parte.

Falleció en 1669. En su caballete estaba una obra no terminada de Simeón ante el niño Jesús, como un presagio de su propia ancianidad ante la justicia del Señor. Era un Rembrant que había desconcertado a sus contemporáneos, que no comprendían cómo buscaba la cara oculta del hombre en sus retratos; como había espaciado sus pinceladas y cómo se entretenía pintando obras como el Buey desollado, en las que rebosa la atrocidad de un sacrificio doméstico, en una visión que retomarían surrealistas como Bacon.

Goya y Delacroix serían sus herederos directos.

Tomás Alvarez

 

La expedición del Pacífico

12/01/2004, El Museo de América, Madrid, presenta una exposición que recuerda un interesante viaje científico del siglo XIX. La expedición tuvo una historia agitada, con luces y sombras. Ésta es la historia de aquella sorprendente empresa

El Museo de América, Madrid, presenta una exposición que recuerda un interesante viaje científico del siglo XIX. La expedición tuvo una historia agitada, con luces y sombras. …sta es la historia de aquella sorprendente empresa.

A mediados del siglo XIX, una expedición científica salió de España, con objeto de investigar en el entorno americano del Pacífico. Un espíritu maligno pareció cebarse en ella. No llegó a terminarse con arreglo a las previsiones y los ingentes materiales recolectados quedaron sumidos en el olvido.

Entre las expediciones científicas que se centraron en el ámbito del Nuevo Mundo en el tramo central del siglo XIX, destacan tres europeas surgidas desde Viena, París y Madrid. La misión financiada por el Imperio Austrohúngaro salió de Trieste en 1857; desde París surgió en 1864 la Comisión Científica de México. Y entre ambas, en 1862, partió de España la Comisión Científica del Pacífico.

Seis naturalistas (tres zoólogos, un geólogo, un botánico y un antropólogo) y dos auxiliares (un taxidermista y un fotógrafo) zarparon desde Cádiz el 10 de agosto de 1862, en una moderna fragata de hélice de la armada española: Nuestra Señora del Triunfo.

La expedición seguiría una ruta por Canarias, Cabo Verde, Brasil, Río de la Plata, La Patagonia, Islas Malvinas, Cabo de Hornos, Chiloé, costas de Chile y Perú y California.

El momento era de progreso en España. Perdido el grueso del territorio del imperio, el país estaba remontando tiempos de penuria e intentaba acercarse hacía las nuevas naciones americanas, aunque con unos sentimientos confusos entre la hermandad que defendían algunos y la visión colonialista de otros halcones, que impulsaban también la intervención de España en puntos tan dispares como Marruecos o Conchinchina.

Esa dualidad estaba asimismo en el origen de la expedición (realizada en buques de la armada española), cuyo objetivo principal no era otro que estudiar la localización de un enclave estratégico que ensamblara las piezas de los restos del imperio colonial, concretamente buscando una base de apoyo a las Islas Filipinas.

Presidía la comisión científica Patricio María Paz y Membiela, marino aficionado a la malacología, que era básicamente quien enlazaba a los científicos con los directivos de la escuadra; Fernando Amor estudiaba la geología y entomología; Marcos Jiménez de la Espada, era responsable de mamíferos, aves y reptiles; además destacó en trabajos sobre los volcanes y antropología; Francisco de Paula Martínez Sáez, secretario de la comisión, también se centró en la fauna; Manuel Almagro se dedicó a los estudios antropológicos, completando el equipo el botánico Joan Isern y el dibujante y fotógrafo Rafael Castro Ordóñez.

Los científicos desarrollaron una gran labor Цdividiéndose por territorios para abarcar mas espacios- por lugares tan diversos como las Islas Malvinas, La Patagonia, el desierto de Atacama o California, poniéndose en contacto con otros notables investigadores e instituciones internacionales.

Pero los ocho hombres de ciencia formaban parte de una misión de cientos de personas vinculadas a la milicia, en una flota que acabaría tomando las islas Chincha y Lobos, poseedoras de una ingente cantidad de guano (un abono natural que estaba siendo monopolizado por una firma inglesa y que interesaba mucho a los naranjeros valencianos) y bombardeando los puertos de Valparaíso y El Callao.

Lo que se inició como mensaje de paz y cultura terminó mal. En realidad, tras la ocupación militar de las islas se suspendió la misión científica.

A pesar de estos problemas, Martínez, Jiménez de la Espada, Almagro e Isern continuarían por sus propios medios desde Guayaquil en lo que llamaron "El gran viaje" por los Andes ecuatorianos, los ríos Napo y Amazonas pasa salir al Atlántico.

El equipo, encabezado por Jiménez de la Espada Цfundador de la Sociedad Española de Historia Natural y de la Sociedad Geográfica de Madrid-, hizo su "gran viaje" a través de territorio amazónico, entrando en contacto con grupos indígenas en estado prístino: jíbaros, záparos, cotos, canelos, etc., que les proporcionaron información para recolectar sus especímenes de la naturaleza, a la vez que fueron objeto de investigación antropológica.

Fue un hecho histórico, porque se tomó contacto por última vez con comunidades que ya no volverían a ser detectadas, al quedar afectadas por un proceso acelerado de aculturación de la cuenca amazónica.

SOMBRAS DE TRAGEDIA.

Marcos Jiménez de la Espada sería quien hiciese mayores aportaciones en zoología y llegó a ser también un gran especialista en la historia de América. Pero otros no tuvieron idéntica suerte.

Fernando Amor, descubrió al menos 45 especies de nuevos insectos, pero en el momento final de su viaje se encaminó hacia San Francisco, donde murió; el botánico Joan Isern, realizó una labor muy científica; recolectó 8716 especies de plantas, pero resultó mortalmente infectado y falleció nada más llegar a España; Manuel Almagro, el antropólogo, desencantado de la marcha de las cosas, retornó a Cuba, donde se ha perdido su cuaderno de estudios y sus materiales de documentación; Rafael Castro, el fotógrafo y dibujante, abandonó al grupo en Chile por razones amorosas; retornaría a España, pero acabó suicidándose...

HISTORIA DE UN OLVIDO

Una muestra que se presenta en el museo de América de Madrid Цabierta de diciembre de 2003 a mayo de 2004- se centra en aquella expedición. Su título es un acierto: Historia de un olvido".

¿Por qué es un olvido? La historia moderna de la ciencia en España cuenta con escasos proyectos estimulantes en su haber, y el más interesante de todos ellos Цpor sus objetivos y su calidad multidisciplinar- quedó sumido en el olvido oficial durante más de un siglo.

Al regreso de la expedición, en 1866, los miles de objetos de los tres reinos de la naturaleza, con los que se enriquecieron las colecciones del Museo Nacional de Ciencias Naturales, fueron exhibidos en "la estufa" del Jardín Botánico de Madrid, en la llamada "Exposición del Pacífico", que tuvo gran afluencia de público. Pero, a partir de ese momento, las piezas quedaron almacenadas en las dependencias de este establecimiento, donde permanecieron durante casi quince años, a pesar de que las disposiciones oficiales obligaban a situarlas definitivamente en el Museo de Ciencias Naturales. Allí fueron a parar alrededor de 1880, pero los sucesivos traslados Цel Museo tuvo tres sedes diferentes en aquella época- fueron deteriorando el estado de conservación de las colecciones del Pacífico.

Las piezas tuvieron que esperar en el olvido más de un siglo, hasta 1983 momento en que el Museo de Ciencias Naturales y el Consejo de Investigaciones Científicas acometieron la empresa de identificar estas colecciones perdidas y sacarlas de nuevo a la luz, tarea en la que el Museo de América ha colaborado activamente.

EL TESORO OLVIDADO.

La exposición contó con unos equipos sumamente avanzados para la época. En realidad tenía mejores equipos que proyecto de investigación. Como dato técnico cabe apuntar que ésta es la primera expedición científica en la historia que fue fotografiada.

Gracias a la experiencia de todos ellos, y a la excelente calidad de los equipos con los que se desplazan al Nuevo Mundo fue posible traer en estado de conservación adecuado, y bien documentado, un ingente material disponible para su estudio en todos los campos de la ciencia: Los tres reinos de la naturaleza y de la cultura de los hombres pudieron ser minuciosamente investigados a partir de esta interesante colección.

La pericia de estos científicos supo dar con algunas piezas que, una vez examinadas, pusieron en tela de juicio algunas teorías entonces en boga en toda Europa, fundadas en otros materiales adquiridos en dudosas condiciones y que eran, en buena parte, falsificaciones.

Ana Verde Casanova y Araceli Sánchez Garrido son comisarias de una exposición que tiene un gran interés histórico y antropológico. Ha sido montada con un estilo arcaico, buscando precisamente un aire decimonónico para ambientar temporalmente el proyecto expositivo.

Tomas Ѕlvarez

 

Página del Megalistismo

10/01/2004, Miguel Moreno, uno de los colaboradores habituales de guiarte.com, mantiene abierta una página sobre el megalistismo, que no para de crecer, y en la que se encuentra abundante información de este tema

Miguel Moreno, uno de los colaboradores habituales de guiarte.com, mantiene abierta una página sobre el megalistismo, que no para de crecer, y en la que se encuentra abundante información de este tema.

http://www.arrakis.es/~morenobl/ es la web de Megalitismo que ha crecido en los últimos seis meses, hasta llegar a las 659 páginas. Se han incorporado dólmenes de las provincias de Sevilla y de Castellón de la Plana, y se han añadido novedades de Madrid, Cantabria, Palencia y Burgos, los abundantes restos del pantano de Ordunte en el Valle de Mena, que en otoño han quedado a la vista. La página tambien presenta bastante información europea.

El megalistismo.

Desde el Neolítico hasta un momento indeterminado de la Edad del Bronce floreció en diversas partes del mundo, y en particular en la fachada atlántica europea, un modo de enterramiento monumental y colectivo. Los dólmenes, auténticos panteones funerarios, acogían durante cientos de años a determinados individuos (¿dirigentes tribales, familiares, religiosos...?), llegando a registrar osarios de gran importancia.

Los ajuares funerarios son también variados, aunque casi siempre contienen herramientas de sílex, hachas pulimentadas, cuentas de collar y otros adornos, así como herramientas de hueso. La palabra megalito nos habla de grandes piedras, de las lajas que conforman el interior de los dólmenes. Normalmente hay una o varias cámaras (redondas, cuadradas, poligonales) comunicadas con el exterior mediante un corredor, que puede estar también adintelado.

El conjunto se protegía con un túmulo de tierra, a veces con corazas de piedras, que daba solidez a la construcción. Como el dolmen tenía vocación de continuidad, el acceso se realizaba por el corredor (aunque a veces era por la misma cámara), que quedaba sellado tras cada enterramiento.

Pero el megalitismo no se agota en los dólmenes de gran tamaño y carácter colectivo. A la vez aparecen otras manifestaciones funerarias y conmemorativas que están relacionadas entre sí. Hay enterramientos individuales, algunos de pequeño porte junto a los grandes dólmenes. También se encuentran cistas (cajas formadas por varias piedras) y túmulos que no tienen estructura lítica. Los menhires, que son arqueológicamente "mudos", porque no transmiten información, también deben relacionarse con el megalitismo, aunque con gran precaución.

Es fácil entender el vínculo entre dólmenes y menhires en lugares como Carnac (Bretaña francesa) o en lugares de gran acumulación megalítica. Pero a veces pueden ser confundidos con mojones históricos. Lo que sí parece claro es que los dólmenes son marcas territoriales monumentales. Se trata de un enterramiento en positivo, todo lo contrario de la ocultación del cadáver, que pretende mostrar con orgullo el lugar de reposo de los antepasados.

Aun a riesgo de caer en la especulación, cabe hablar de hitos geográficos, tal vez vinculados con recursos naturales o simbólicos (lagunas, pastos, tierras de cultivo...). Aunque tradicionalmente se ha hablado de que los megalitos están en lugares dominantes del paisaje, la realidad es mucho más compleja, y en muchos casos se mimetizan con el entorno. Sin embargo, casi todos tienen en común su buen dominio territorial (lugares para ver, más que para ser vistos).

recomendada la visita a http://www.arrakis.es/~morenobl/