Archivo de noticias de 2003

Rubens y Aquiles

22/12/2003, A través de ocho bocetos, seis modelos y un tapiz, la exposición “Rubens: La historia de Aquiles” presenta la forma en que el genial pintor holandés creó esta importante serie de tapices dedicada a la vida del héroe griego

Rubens, además de extraordinario pintor, era un excelente conocedor de los mitos y la antigíedad clásica. A través de ocho bocetos, seis modelos y un tapiz, la exposición "Rubens: La historia de Aquiles" presenta la forma en que el genial pintor holandés creó esta importante serie de tapices dedicada a la vida del héroe griego.

La pequeña, pero interesante, exposición está ahora en el Museo del Prado, y ha sido realizada en colaboración con el Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, donde recientemente tuvo lugar la misma muestra.

La dirección del proyecto es conjunta entre Friso Lammertse, conservador del Museo Boijmans Van Beuningen, y Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado.

Rubens (1577 - 1640) no sólo fue pintor, sino que también diseñó tapices, objetos de lujo, en muchos casos mejor valorados que sus cuadros, y por ello accesibles únicamente por la realeza o la aristocracia.

A lo largo de su carrera, el artista diseñó cuatro series de tapices. La última de ellas fue la dedicada a la vida de Aquiles, que se realizó en fecha incierta (se han fechado desde 1620 hasta la década de 1630) bajo su dirección y según sus diseños; sobre ella trata esta exposición, centrada en el proceso de creación seguido por Rubens desde sus bocetos iniciales hasta la realización de los tapices.

HISTORIA DE UN TAPIZ.

Primero bosquejó los diferentes episodios de la vida de Aquiles en ocho bellísimos bocetos pintados al óleo sobre tabla, todos ellos presentes en la muestra. Especialmente interesante es la traslación de los diseños que aparecen en estos bocetos a los modelli o modelos, tablas de tamaño algo mayor, en las que interviene tanto el propio Rubens como miembros de su taller, y en los que se presentaba la idea final para cada una de las ocho escenas.

En la siguiente fase, estos modelos pasaban a los grandes cartones realizados enteramente por el taller (y perdidos desde el siglo XVII), que eran los que los tapiceros utilizaban para tejer los tapices.

El tapiz resultante era una copia invertida del modelo, lo que el diseñador debía de tener en cuenta desde el principio. En los bocetos y modelos de Rubens las figuras siempre son zurdas, para aparecer como diestras en el tapiz final.

Se desconoce quien encargó la serie de Aquiles, pero los documentos demuestran que tuvo un enorme éxito, y que, tras la serie original, se encargaron numerosas series posteriores. La muestra incluye un tapiz perteneciente a una de estas series, tejido entre 1653 y 1668.

INTERPRETE DE MITOS.

Además de permitirnos estudiar el proceso creativo seguido por Rubens en uno de sus proyectos, la muestra Rubens. La historia de Aquiles permite conocer una de las facetas más características e importantes del pintor de Amberes: su papel como interprete de los mitos y las historias de la Antigíedad.

Para realizar la serie de Aquiles, el maestro utilizó como fuente no sólo la Iliada, el poema épico griego sobre la guerra de Troya, sino también otras fuentes antiguas como la Aquileiada de Estacio, el Ars amatoria del poeta romano Ovidio, o recopilaciones de textos clásicos que se publicaron durante el Renacimiento y con las que Rubens estaba muy familiarizado.

Rubens. La historia de Aquiles representa para el público una oportunidad excepcional para descubrir el proceso creativo y la erudición clásica de Rubens, además de su faceta como diseñador de tapices. Y, es además, para el Museo una ocasión para seguir profundizando en el conocimiento de su colección del pintor flamenco -la mayor del mundo- ya que tres de los cuadros presentes en la exposición pertenecen al propio Prado: "La Educación de Aquiles", "Aquiles descubierto entre las hijas de Licomedes" y "La devolución de Briseida".

El catálogo, que se edita en español, inglés y holandés, lleva, además de las fichas individuales, ensayos que estudian tanto el contenido de la serie como la técnica de los cuadros y tapices.

Con motivo de la celebración de esta muestra y como ya es habitual, el Museo ha organizado una serie de actividades en torno a la misma que consistirán en un ciclo especial de conferencias sobre la pintura de Rubens, el mundo de los tapices y de la Antigíedad clásica, un curso monográfico de la exposición y visitas guiadas a la misma.

En el acto de presentación de la muestra estuvieron presentes los comisarios Alejandro Vergara y Friso Lammertse.

Vergara explicó que las circunstancias que rodean la serie, que tuvo un enorme éxito, permanecen desconocidas, aunque se considera que se trata de un ciclo concebido por Rubens tras su matrimonio con Helene Fourment, e iniciado en colaboración con su suegro, comerciante de sedas y tapices, "con el fin de ganar dinero".

Friso Lammertse recordó que este proyecto expositivo comenzó hace algo más de un año con la restauración y limpieza de los bocetos propiedad del museo Boijmans Van Beuningen, que habían sufrido varias intervenciones.

Según los estudios realizados, Rubén inició los bocetos para la serie a partir de 1628, cada uno de los cuales representa un acontecimiento en la vida de Aquiles. En el primer paño Aquiles es inmortalmente bautizado por su madre, la diosa del mar Thetis.

Como ella le tiene sujeto por el talón, éste no entra en contacto con el agua mágica del río Estigio por lo que permanece vulnerable. En la última obra de la serie se puede contemplar cómo Paris, el enemigo troyano de Aquiles, mata a éste de un flechazo venenoso en su talón.

Tomás Alvarez

 

Tàpies: 80 años de lucidez

20/12/2003, Tàpies, último Premio Velázquez de Artes Plásticas, nacido el 13 de diciembre de 1923 en Barcelona, ha llegado a la cifra mágica de los ochenta años, en medio de un prestigio internacional creciente y con una buena capacidad de trabajo

Tàpies, reciente Premio Velázquez de las Artes Plásticas, nacido el 13 de diciembre de 1923 en Barcelona, ha llegado a la cifra mágica de los ochenta años, en medio de un prestigio internacional creciente y con una buena capacidad de trabajo.

Son más de sesenta años de práctica artística los que han llevado su producción a todos los lugares clave del planeta del arte. Antonio Tàpies, pintor, escultor, autor de litografías y grabados, está considerado hoy como uno de los mayores representantes europeos del arte abstracto de posguerra.

También se valora su elaboración teórica, que ha desgranado en publicaciones y artículos a lo largo de una vida en la que también ha figurado la polémica. En su ultimo ensayo L´Art i els seus llocs (El arte y sus lugares), de 1999, critica el canon artístico occidental y se muestra proclive al encuentro de las distintas culturas, en paridad.

Biografía

Nacido en el seno de una familia catalana de tradición liberal, cursó la carrera de Derecho, pero pronto la abandonó para dedicarse por entero al dibujo y a la pintura. En 1948 se unió al grupo de artistas y literatos fundadores del movimiento de vanguardia "Dau el set" y, dos años más tarde, obtuvo una beca para estudiar en París.

Tapies asegura que abandonó pronto el surrealismo, porque los artistas de este movimiento, "aunque cambiaron la situación, continuaban haciendo pintura académica" y él decidió tirar "por otros caminos". La beca en París abrió los ojos del joven Tapies a la libertad creativa. Allí conoció, además, centros como el Museo del Hombre, que le introdujeron en el arte africano y en la influencia del budismo en China.

En la capital francesa realizó su primera exposición en 1955, año en que recibió el Premio de la Bienal de Hispanoamérica de Barcelona y que el surrealista Dalí lo presentó en Estocolmo, donde Antoni Tàpies expuso junto al artista catalán Tharrats.

Ha cultivado diversas técnicas: dibujo, collage, pintura, escultura en cemento, bronce o cerámica, e incluso la combinación de estos materiales con objetos de la vida cotidiana, preludiando el arte povera.

Contra la dictadura

Influido por lecturas de carácter marxista y nacionalista, Tàpies se opuso al régimen franquista en defensa de la cultura catalana y participó, en 1966, en una asamblea que impulsó la fundación del primer sindicato democrático de estudiantes.

Inicialmente, inspiraron su obra Joan Miró, Paul Klee y Max Ernst. En esa primera etapa expuso en la sala especial de la Bienal de Venecia (1958), ganó el primer Premio Carnegie y, en 1962, el Premio del Museo Salomon Guggenheim. A partir de 1962 empezó un período de integración en la obra de objetos cotidianos -paja, cuerdas, platos ("Montón de platos", 1970) junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos)-, a la vez que su gama cromática se movía entre el monocromatismo y el colorido neutro (grises, negros, blancos y ocres) y entre la inclusión de colores más vivos (rojo, naranja, rosa, amarillo y azul); extremos que le caracterizan.

Desde la década de 1970, sus creaciones presentan heterogeneidad estilística sin dejar de lado el informalismo, según los expertos. Su obra siguiente incluye pinturas de gran formato y revela un cierto regreso al figurativismo, "más que evidente" en "Fertilidad", donde la materia dibuja una serie de pechos que remiten a la simbología prehistórica; en "Paisaje y taza", obra de 3 metros de altura que contiene un inmenso cráneo humano; o en "Figura sobre morado", en la que sobre una gran cruz blanca borrada aparece una desgarbada silueta humana sentada con una equis sobreimpresa.

Sus trabajos también reflejan la simbología recurrente de Tàpies, los signos más y menos, los números, las formas geométricas, las cruces y el uso del polvo de mármol, que el pintor después extiende sobre el lienzo o la madera, mezclado con barnices o resinas, como si fuera arena de playa.

Consagrado mundialmente

Presente en los grandes museos y salas de arte, principalmente de Europa y América, es uno de los grandes asiduos de los centros MOMA y Guggenheim neoyorquinos. En 2001, la Biblioteca Nacional de Francia realizó una exposición sobre la poética de la materia en la obra de Tàpies, artista que en ese año mostró varias esculturas y una docena de lienzos en la Waddington Gallery de Londres.

En 2002 expuso con el escultor vasco Chillida en la Academia de España de Roma y en el Museo Guggenheim de Berlín. En España, su obra "Rinzen" -merecedora en 1993 del León de Oro de la Bienal de Venecia y consistente en una enorme cama de la que penden cinco somieres, mantas, colchones y almohadas- presidió desde 1998 la entrada del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Además, museos como el de Arte Contemporáneo y Reina Sofía de Madrid o el Guggenheim de Bilbao, entre otras instituciones, han organizado antológicas y retrospectivas.

En 2000, los Reyes de España inauguraron una retrospectiva de su obra en el Centro de Arte Reina Sofía. En 2001, la Fundación Caixa de Gerona presentó "Materias, signos, evocaciones y poemas", unas 40 piezas inéditas de la colección privada de Antoni Tàpies y efectuadas entre los años 1991 y 2000 y en 2002 y dentro del 256 aniversario del nacimiento de Goya, la Sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos acogió la exposición "Tàpies. Obra gráfica".

Desde el 5 de junio de 1990 el artista catalán cuenta en Barcelona con la fundación que lleva su nombre. Ubicada en el edificio modernista Montaner y Simón alberga un conjunto de 2.300 pinturas y esculturas y unos 3.100 dibujos, grabados y litografías legados por el artista catalán.

Considerado uno de los diez mejores pintores vivos, entre sus obras destacan: "Gran pintura gris" (1955), "Ovalo blanco" (1957), "Puerta gris" (1958), "Cuadros grises sobre marrón" (1959), "Forma triangular sobre gris" (1961), "Gran equis" (1962), "Relieve ocre y rosa" (1965), "Incrustación y cifras" (1974), "Huella de silla" (1980), "Díptico de campaña" (1991), "Inspiración" (1991), las xilografías de 1995 "Nocturn" y "Gest", "Rinzen" (1998) y el cartel del centenario del Fútbol Club Barcelona (1999).

Además, ha realizado cerámicas y tapices; también ha ilustrado el poemario de Jorge Guillén "Repertorio de junio" (1980) y escrito los libros "L´art contra l´estética", "Memoria personal", "Per un art modern i progressista", "La práctica del arte" y "Serra D´Or". Es académico de Bellas Artes de Berlín (1982) y honorífico de la Kunstlerhans de Viena (1989), la fundación artística más antigua de Europa, así como honorario de Bellas Artes de San Fernando (1989) y académico de Bellas Artes de Francia (1994), y tiene diversos doctorados "honoris causa”.

Ha recibido numerosos galardones como: Premios de la UNESCO y Príncipe de Asturias de las Artes (1990), Medalla de Oro de Bellas Artes (1981), "Premium Imperiale de Pintura" de la Asociación Japonesa de Arte (1990), Premio Wolf de Israel (1982), Premio Rembrandt de la Fundación Goethe de Basilea (1984), Premio Nacional de Pintura de Francia (1985), Premio Herbert Boeckl de Austria (1994), Premio Nacional de Cultura de la Generalitat (1995), Gran Oficial de la Orden de Santiago (1996), Premio Nacional de Grabado y Arte Gráfico (2002) y Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003), entre otras distinciones.

Povera

Considerado también precursor del "arte povera", del italiano "arte pobre" o de materia pobre, ha definido su trabajo como un medio de búsqueda espiritual y una meditación sobre la condición humana.

Ese carácter “povera” de la obra de Tapies se puso de manifiesto con una de las mayores polémicas sobre su obra. En el final de 1991 y los inicios del 92 se generó el debate cuando el artista propuso una maqueta con un gran calcetín usado, agujereado, sostenido por una cruz.

La maqueta tenía 18 centímetros y era la propuesta para una escultura de 20 metros con destino al Museo Nacional de Arte de Cataluña. Desde el propio museo se calificó de aberración tal propuesta. Hubo defensas y críticas; se calificó lo propuesto por Tapies de sublime y de abyecto... el caso salió en la prensa internacional. ¿Quiere Barcelona realmente un calcetín agujereado por estatua? Se preguntó el Herald Tribune. Al final no hubo valor para llevar adelante tal obra... El calcetín sirvió para medir la frágil voluntad rupturista de una sociedad con fuertes componentes tradicionalistas..

Ochenta años. Y Tapies se consagra, con toda su lucidez creativa. El mismo ha madurado –dice- en su propia universidad. Junto a la lectura y el coleccionismo de libros esenciales. El artista destaca la importancia de los viajes en su maduración personal y artística, al permitirle conocer personalidades de otras civilizaciones y estudiar mejor los grandes modelos de sabiduría que nos enseñan a vivir y a aspirar a una humanidad mejor.

Todo ese bagaje –comenta- va formando los posibles contenidos de la obra de arte y es fundamental para cualquier actividad humana, especialmente cuando llega el momento en que el artista queda absolutamente solo ante la tela en blanco, en una misteriosa interioridad, ese momento en el que las manos y el espíritu del pintor evolucionan bajo el dominio de unos dictados tremendamente complejos, íntimos y hondos.

Tomas Álvarez  

Los claustros románicos de España

08/12/2003, Uno de los lugares más bellos y cargados de espiritualidad de los grandes monasterios medievales es el claustro. En su silencio, el amante de la historia y del arte parece sentir los latidos de la vida monacal y los ecos de la historia más profunda

Por Tomás Alvarez

Uno de los lugares más bellos y cargados de espiritualidad de los grandes monasterios medievales es el claustro. En su silencio, el amante de la historia y del arte parece sentir los latidos de la vida monacal y los ecos de la historia más profunda.

Los claustros son escenarios emblemáticos de la arquitectura románica europea. Muchos se conservan aún en pie, de otros apenas quedan fragmentos, columnas o capiteles que denotan un vigor artístico notable. No existía catedral o monasterio importante sin su gran claustro.

Ahora, apagada la antaño pujante vida religiosa, muchos de ellos se nos asemejan a grandes contenedores cúbicos de arte y recuerdos. Allá donde pervive alguna comunidad religiosa, aún se pueden ver los trasiegos silenciosos de los monjes, y se aprecia el mimoso cuidado de la superficie central, ajardinada en la mayoría de los casos. Pero allá donde se instauró la decadencia, los pobladores ya no visten hábitos oscuros de los hombres o mujeres de religión. Gorriones y lagartijas son quienes ocupan los sillares derruidos y trepan por los salgueros, zarzales o saúcos que crecen con vigor y libertad.

En el mercado editorial apenas ha habido obras dedicadas monográficamente a este ámbito monacal, analizándolo de manera sistemática. Ahora acaba de aparecer un trabajo magnífico, Claustros Románicos Hispanos, elaborado por un equipo de eruditos españoles, bajo la coordinación de Joaquín Yarza Luaces y Gerardo Boto Varela y editado por Edilesa.

EL CLAUSTRO MEDIEVAL.

En el medioevo, los claustros se constituyen en un eje básico de la vida monacal. Son un gran rectángulo con pórticos laterales. En su entorno se ubicaba el templo, el refectorio, la sala capitular y las residencias de los monjes.

La iglesia está en uno de los muros de este cuadrilátero, constituyéndose ambos –claustro y templo- en sancta sanctorum del centro de oración. A través del claustro llega la luz a todas las dependencias citadas, incluso a las bodegas y despensa.

Es el claustro una calle cubierta que permite el trasiego de gentes de una a otra dependencia, zona de refugio ante inclemencias temporales y sendero para caminar mientras se ora o leen libros de devoción.

El origen del claustro puede estar en el mismo atrio de las casas romanas; de esta forma, el monasterio se conformaría como una gigantesca casa, articulada por el patio central.

Ya la regla de San Isidoro(inicios del sigloVII) define al edificio monacal como un recinto con una sola puerta a la calle. En el año 655 San Filiberto fundó -siguiendo la regla isidoriana- un monasterio para 900 monjes; un enorme recinto cuadrado articulado por un patrio de magníficas arcadas.

Afortunadamente, ha llegado hasta nuestros días el plano original del monasterio de Snkt-Gallen (época de Carlomagno). Por suerte, en el siglo XII, alguien lo utilizó para escribir en su envés la vida de San Martín, y por ese azar pasó a la biblioteca de la comunidad. En él, en el centro del documento, aparece el bello espacio porticado, al lado de la iglesia: el núcleo del monasterio. Todo esto nos permite ver que había una evidente planificación en la construcción de los centros religiosos.

LOS CLAUSTROS HISPANOS.

Quienes viajan por España quedan frecuentemente sorprendidos por los excelentes claustros de monasterios y catedrales. Desde Santiago de Compostela, en el oeste, hasta Sant Pere de Rodas, en el extremo este, pasando por lugares emblemáticos con Silos, en tierras de Castilla o San Juan de la Peña, en el Pirineo.

Todo este tesoro –básicamente de los siglos XI y XII, de ordenes diversas (benedictinos, cistercienses, premonstratenses, etc.) es un inmenso libro en el que se hallan desde bellísimas imágenes a sugerentes soluciones arquitectónicas, en espacios que siguen siendo centros de emoción espiritual.

La obra que acaba de salir se inicia con un análisis de la polifuncionalidad del claustro, las tipologías monásticas y las iconografías, para pasar luego a un recorrido por el territorio ibérico, de la mano de profesores de arte de cada uno de los espacios analizados. Presenta también un abundante contenido planimétrico y una serie de fichas del centenar largo de claustros descritos.

Siempre es hermoso contemplar estos espacios de fe y religión, incluso para aquellos a los que les preocupan escasamente los temas religiosos. Siempre hay un detalle de arte o historia que nos emociona.

Al poeta Gerardo Diego le emocionó un día uno de los claustros descritos, pero él detuvo su mirada en otro elemento: un ciprés.

Sus versos nos permiten cerrar el relato con poseía; con un Soneto al Ciprés de Silos.

Enhiesto surtidor de sombra y sueño
que acongojas el cielo con tu lanza.
Chorro que a las estrellas casi alcanza
devanado a sí mismo en loco empeño.

Mástil de soledad, prodigio isleño;
flecha de fe, saeta de esperanza.
Hoy llegó a ti, riberas del Arlanza,
peregrina al azar, mi alma sin dueño.

Cuando te vi, señero, dulce firme,
qué ansiedades sentí de diluirme
y ascender como tú, vuelto cristales,

como tú, negra torre de arduos filos,
ejemplo de delirios verticales,
mudo ciprés en el fervor de Silos.

Tomas Alvarez
 

Orígenes del arte abstracto

01/12/2003, El museo de Orsay, en París, presenta una exposición donde lo importante no es la gran colección de cuadros exhibidos, sino la investigación desarrollada con ellos: los orígenes del arte abstracto.


El museo de Orsay, en París, presenta una exposición donde lo importante no es la gran colección de cuadros exhibidos, sino la investigación desarrollada con ellos. Son 150 obras de Turner, Friedrich, Monet, Baranov-Rossiné, Kandinsky y otros, reunidas para explorar el origen del arte abstracto.

Del 5 de noviembre al 22 de febrero, en el centro ubicado a la orilla del Sena se puede ver la muestra “Los orígenes de la abstracción 1800-1914, organizada por la Reunión de Museos Nacionales de Francia y el propio museo de Orsay.

Se trata de una búsqueda de las fuentes de la abstracción, aunque para ello no se recurre a Kandinsky ni a otros autores de la década de 1910-20, sino que acude a otras pistas anteriores, en las que se hallan los escalones previos en la búsqueda de una nueva expresividad artística.

En esa búsqueda aparecen figuras como Turner o Monet, que se preocupan de hallar nuevas visiones y trasladarlas a los cuadros, traduciendo el objeto contemplado a la nueva percepción.

Los organizadores indican que es la primera vez que en Francia se hace esta búsqueda con detenimiento, y citan como precedentes otras exposiciones e investigaciones en los tramos espirituales (Spiritual in Art en Los Ángeles Country Museum of Art en 1985), decorativos (Ornament and Abstraction en la Fondation Beyeler, en Basilea, Suiza, en 2001), científicos (el libro de Paul C. Vitz y Arnold B. Glimcher Modern Art and Modern Science The Parallel Analysis of Vision aparecido en 1984), además de otros estudios y visiones más globales como la de la muestra del Guggenheim Museum de Nueva York en 1996 (Abstraction in the Twentieth Century : Total Risk, Freedom, Discipline).

De este modo, el museo de Orsay ha tratado de hacer una aproximación nueva a la abstracción, basada en los avances teóricos sobre la percepción, aparecidos a lo largo del siglo XIX. Lejos de ser un fenómeno de súbita aparición en 1912, momento de eclosión del abstracto, este arte sería resultado de experiencias visuales que van acelerando en el siglo XIX, en una época básicamente industrialista y proclive a la experimentación.

La muestra de la capital del Sena incluye algo más de 150 obras de grandes autores, tales como Turner, Friedrich, Monet, Redon, Whistler, Kandinsky, Delaunay, Kupka, Picabia, etc. procedentes de importantes museos internacionales. En ellas se ve cómo el nacimiento del arte abstracto debe ser ligado al avance en el conocimiento de la visión y de la luz.

La exposición se presenta como un recorrido sensorial y se abre con la intervención de Ann-Verónica Janssens, encaminada a sumergir al visitante en un baño de luz y color. Con el trabajo de la artista belga se introduce al visitante en una habitación de luz deslumbrante, obtenida a partir de proyectores recubiertos de gelatina.

Ann Verónica fue la artista representante de Bélgica en la Bienal de Venecia de 1999 y ha preparado una habitación en forma de cubo, con los vértices redondeados, pintada de un flanco reflectante, donde las variaciones de luz dejan al visitante sin las clásicas referencias espaciales.

OJO SOLAR Y OJO MUSICAL.

Luego la exposición se divide en dos secciones: “El ojo solar” y “El ojo musical”, que progresan cada una sobre un eje cronológico a través del periodo 1800-1914.

El ojo solar experimenta sobre la visibilidad en la aparición de las primera formas de abstracción, en la traducción de la luz al lenguaje pictórico, con hitos como Turner y Delaunay, en la que los artistas rompen la representación convencional de las formas.

Esta sección solar se asienta sobre la base del Tratado de los Colores, de Goethe (1810). Comienza con las visiones románticas de Turner y Friedrich, y examina los efectos de la desaparición de las formas en medio del aire romántico de las nebulosas o en los cuadros que reflejan la oscuridad.

Apoyándose en los tratados, los pintores entienden que el color tiene un valor representativo y otro en función de las circunstancias ópticas: Los impresionistas incorporan la vibración, una percepción que avanza hacia cierta abstracción luminista del futurismo italiano, etc... la sección conduce a los Prismas eléctricos de Sonia Delaunay, donde el espectador se halla ante una multitud de discos multicolores, en una superficie coloreada, abstracta, concebida como un plano de experimentación óptica.

La segunda parte, “El ojo musical” evoluciona por el ámbito del modelo musical en las fuentes de la abstracción. A este respecto, recientemente se pudo ver otra exposición magnífica en Madrid, organizada por la Fundación Thyssen Bornemisza: “Armonías musicales. Kandinsky”.

La música es un lenguaje con significado propio. La teoría de las ondas –común en los mecanismos de difusión del sonido y la luz, otorga una base científica a esta parte, en la que se buscan analogías entre canción y color, surgidas ya desde los ámbitos románticos y simbolistas.

Aquí se recurre al romanticismo alemán, con Friedrich, Runge, Moritz von Schwind. Destacan tres dibujos preparatorios de Friedrich para un proyecto de diorama consagrado a la música.

La estructura combinatoria de la música fascina a los pintores, que buscan en el color el recurso para convertir el cuadro en una sinfonía cromática y que planearon proyecciones de “música de colores”. Gentes como Baranov-Rossiné dan fe de esta línea de trabajo.

Kandinsky se dio cuenta perfectamente de la incidencia de la música en el arte. En sus escritos, el pintor incidió en el aspecto musical, recurriendo también a textos de intelectuales –Goethe o Delacroix- que ya habían puesto de manifiesto cómo el sonido y el color impactan en el espíritu.

“El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana”, escribió el genio del abstracto.

Pero la interpretación de Kandinsky no estaba aislada. Durante aquella época de renovación artística, diversos creadores –muchos de ellos de la Europa del Este- estaban trabajando en la incidencia del ritmo, la armonía y el color, en la pintura. Como afirmó el propio Kandinsky: “El mundo suena”

Es ésta una exposición que explora entre maestros de la pintura moderna para hallar conexiones entre ciencia y arte, tiene el añadido de un profundo dialogo entre pinturas… un gozo para el amante de la pintura.

Tomás Alvarez

Más de 12.000 especies en la Lista Roja

18/11/2003, El número de especies amenazadas conocidas alcanza las 12.000. Las especies invasoras introducidas han hecho estragos en las plantas nativas de muchas islas. La Lista Roja, por desgracia, crece.

Por Artemio Artigas

Suiza, noviembre de 2003

El número de especies amenazadas conocidas alcanza las 12.000. Las especies invasoras introducidas han hecho estragos en las plantas nativas de muchas islas y otras especies como el mono ateles, el siluro gigante del Mekong, el conejo ribereño y los caracoles de las Galápagos están cada día más cerca de la extinción.

El balance de la Unión Mundial para la Naturaleza alerta que cientos de plantas y decenas de caracoles se encuentran entre las especies nativas en peligro de extinción en las islas Galápagos, Seychelles y Hawai y algunas remotas del Atlántico sur.

Indonesia, la India, Brasil, China y Perú están entre los países con más alto número de aves y mamíferos amenazados, mientras que las plantas desaparecen rápidamente en Ecuador, Malasia, Indonesia, Brasil y Sri Lanka.

Estos datos fueron revelados por la organización al presentar su "Lista Roja de Especies Amenazadas 2003", en cuya elaboración han participado científicos y conservacionistas de todo el mundo, y que incluye un total de 12.259 especies amenazadas en las categorías de "peligro crítico", "peligro" y "vulnerable".

A continuación publicamos el informe de prensa de la organización internacional:

Edición actualizada de la Lista Roja de Especies Amenazadas de la UICN de 2003

Las islas Seychelles, Galápagos, Hawai y las remotas islas del Atlántico sur dan una imagen de paraísos tropicales o de austeras bellezas. Sin embargo, detrás de esta apariencia sorprendente se encuentra una historia de invasión y de destrucción que minan el futuro de sus especies nativas.

Este es uno de los desolados mensajes que emergen de la actualización de la Lista Roja de las Especies Amenazadas 2003, el inventario de mayor autoridad a nivel mundial sobre el estado de conservación de las plantas y animales. Miles de científicos y conservacionistas de todo el mundo contribuyen a esta lista que se amplia rápidamente, compilada por la UICN – la Unión Mundial para la Naturaleza - a través de su Comisión de Supervivencia de Especies y otras organizaciones asociadas.

Desde la publicación de la lista Roja de 2002, se han añadido más de 2000 registros nuevos y 380 taxa (especies, subespecies etc.,) se han reevaluado. Ahora la Lista Roja de la UICN incluye 12.259 especies amenazas con la extinción (en las categorías En Peligro Crítico, En Peligro o Vulnerable). Un total de 762 plantas y animales están ahora registradas como Extintas de las que sólo 58 son conocidas en cultivos o en cautividad.

Entre las adiciones más destacables de este año en la Lista se incluyen 1.164 plantas ecuatorianas, 125 plantas de Hawai, 303 cycas y 35 caracoles de las islas Galápagos. Todas las especies coníferas conocidas han sido analizas, incluyendo un nuevo descubrimiento en Vietnam y una especie redescubierta en China. Entre los muchos movimientos a categoría de amenazas superiores destacan uno de los peces más grandes de agua dulce, 3 primates neotropicales y 6 albatros.

“Más de 12.000 especies son reconocidas por estar amenazadas con la extinción.

Mientras que aún nos encontramos apenas raspando la superficie en la evaluación de todas especies conocidas, creemos que este dato es un indicador de lo que está ocurriendo globalmente en la diversidad biológica” dice Achim Steiner, Director General de la UICN.

“La Lista Roja de la UICN de las especies amenazadas proporciona el mejor conocimiento disponible que se necesita para acciones de conservación en profundidad. Necesitamos ahora la voluntad política y los recursos para frenar la pérdida de la biodiversidad. Las actividades humanas pueden ser la principal amenaza para las especies mundiales, pero los humanos pueden además ayudar a su recuperación – el ibis crestado de China, el orix arábigo y el rinoceronte blanco son algunos ejemplos,” añade Steiner.

Islas en peligro

Las poblaciones de plantas y animales nativos de las islas se están perdiendo como consecuencia de los efectos de la introducción de especies invasoras; éstas son actualmente una gran amenaza a la biodiversidad global. Cientos de evaluaciones de nuevas plantas de Hawai, islas Malvinas (Falkland), islas Vírgenes Britanicas, Seychelles, Tristan da Cunha, St. Helena y Ascensión revelan la desoladora perspectiva.

Las islas de Tristan da Cunha, St Helena, Ascensión y Malvinas (Falkland) en el Atlántico Sur han desarrollado su propia y exclusiva vida animal y vegetal que es extremadamente vulnerable a las perturbaciones humanas. Como en otras muchas islas alrededor del mundo, la destrucción del hábitat, la introducción de animales de pastoreo, depredación y competencia con especies invasoras son implacables. Las especies invasoras han causado la extinción de cuatro plantas de la isla de Ascensión que no se encuentran en ninguna otra parte de la Tierra.

Las plantas de Hawai están también seriamente amenazadas por las especies invasoras. Los animales de pastoreo introducidos en las islas a finales del siglo XVIII han causado un daño masivo. A medida que las plantas nativas se disminuyen, los individuos restantes están en desventaja debido a la fuerte competencia por parte de las semillas introducidas y de los ataques de insectos, muchos de ellos también introducidos. La pérdida de especies de polinizadores que co-evolucionaron con plantas particulares, significa que hay poca o ninguna oportunidad para que se reproduzcan. A esto hay que añadir el desarrollo urbanístico, las infraestructuras del turismo y la agricultura, y el futuro de la flora hawaiana aparecerá muy lúgubre.

De las 125 evaluaciones de plantas endémicas (no encontradas en ninguna otra parte) de Hawai añadidas a la Lista Roja este año, 85 están amenazadas y es fijo que el número se incremente. Uno de los ejemplos es la En Peligro Crítico Amenazada Hesperomannia arbuscula, un árbol arbustivo que lucha al filo de su supervivencia como consecuencia de un conjunto de amenazas. Estas incluyen degradación de su hábitat por el ganado porcino, la competición con plantas introducidas invasoras (tales como la espinosa mora Florida, Rubus argutus, y la maldición Koster, Clidemia hirta), la depredación por ratas, el pisoteo y recolección por humanos. Actualmente quedan menos de 25 de estos individuos.

No son solamente las plantas de Hawai las que están amenazadas por especies invasoras. El Vulnerable caracol Newcomb (Erinna newcombi) –molusco de agua dulce- demuestra los efectos de los invertebrados invasores sobre la fauna endémica de Hawai. El Caracol Newcom se da únicamente en remotas cascadas, filtraciones y manantiales de seis sistemas de riachuelos en la isla de Kauai donde una variedad de introducciones intencionadas y accidentales de peces, caracoles, moscas y ranas no nativos amenazan su supervivencia.

La más seria amenaza es el caracol carnívoro o predador (Euglandina rosea), introducido en Hawai en 1955, el cual además ha eliminado muchas especies endémicas de Polinesia y Mascarene.

Los caracoles de las islas Galápagos se encuentran en una situación precaria – 49 especies fueron evaluadas o reevaluadas por la Lista este año y muchos de ellos están En Peligro Crítico, posiblemente ya extinguidos.

Las especies invasoras como las cabras, cerdos y las hormigas fuego son en su inmensa mayoría culpables de su desaparición.

“Lugares como las Galápagos, Hawai y las Seychelles son famosos por su belleza que es en gran medida debida a la diversidad de su plantas, animales y ecosistemas. La Lista Roja nos dice que las actividades humanas están dirigiendo a un cúmulo de extinciones que podría hacer de estas islas un yermo ecológico y estético,” dice Steiner.

Especies continentales al borde del precipicio

Mientras tanto las especies continentales tampoco están pasándolo bien. De los primates del neotrópico, tres especies ingresan en una categoría de amenaza superior. El mono aullador negro (Alouatta pigra) ha pasado de Preocupación Menor a En Peligro. Ha habido ya un 56por ciento de pérdida de hábitat y con esta contínua pérdida, se espera que la población se reduzca en un 70por ciento en los próximos 30 años.

El mono ateles (Ateles hybridus), que se encuentra sólo en Colombia y Venezuela ha pasado de En Peligro a En Peligro Crítico y está en un riesgo extremo.

Amenazado por la pérdida de hábitat debido al crecimiento urbanístico, la agricultura, el ganado, el tamarino bicolor (Saguinus bicolor) también se ha movido de En Peligro a En Peligro Crítico.

Sólamente una especie primate ha cambiado a un categoría inferior – el tití león dorado (Leontopithecus rosalia), de En Peligro Crítico a En Peligro. Después de casi 30 años de esfuerzos de conservación, incluyendo el establecimiento de una nueva sub-población a través de la reubicación a una nueva área protegida, el tamaño de la población ha crecido.

El siluro gigante del Mekong (Pangasianodon gigas), uno de los peces más grandes de agua dulce (crece hasta 3 metros de longitud y llega a pesar hasta 300 kg), se encuentra solamente en el área de la cuenca del río Mekong (Vietnam, Cambodia, Tailandia y Lao PDR) y ha sido trasladado de En Peligro a En Peligro Crítico. Esto es debido en gran medida a la sobrepesca, la pérdida de hábitat (como consecuencia del drenaje y del encenagamiento) y la obstrucción de rutas migratorias por construcción de presas. Su población ha declinado en más de un 80por ciento en los últimos 13 años.

El conejo ribereño de Sudáfrica (Bunolagus monticularis) es catalogado de En Peligro a En Peligro Crítico. Encontrado en la región de Karoo, esta especie se estima ahora que su número es menor de 250 pares de crías. Con una continúa pérdida de hábitat y fragmentación, trampas y depredación por gatos y perros asilvestrados, se espera que la población decline mucho más.

Reverdeciendo la Lista Roja

La Lista Roja está haciendo un gran progreso en el incremento del número de evaluaciones de plantas. Todas las especies cyca conocidas han sido ahora evaluadas y hay además una cobertura completa de coníferas.

Este año, 1.164 especies de plantas del Ecuador han sido incluidas en la Lista Roja y 813 de éstas están amenazadas. Ejemplos notables incluyen como En Peligro el arbusto Centropogon erythraeus, conocido en solamente dos subpoblaciones en el sur de los Andes. El Ecuador es una zona extremadamente importante para la conservación de plantas, con 4 regiones amenazadas – el archipiélago de Galápagos, las tierras bajas de la costa, los Andes y el Amazonas – todas ellas reducidas dentro de un área del tamaño de Italia.

Las Cycas, las plantas productoras de semillas más antiguas sobre la tierra, están ahora entre las plantas más amenazadas. Dos especies ya han sido extinguidas en su estado natural y para muchas más es probable que se unan a ellas. Este año, 303 cycas fueron evaluadas y 155 de ellas (más de 50por ciento) están amenazadas. Esto hace que de la cycas sean uno de los grupos más amenazados de especies actualmente en la Lista Roja.

Los botánicos estuvieron muy animados por el descubrimiento de una nueva conífera, el ciprés dorado vietnamita (Xanthocyparis vietnamensis), en Vietnam en 2001, sin embargo, la especie ha sido evaluada como En Peligro, basado en su restringida área y la continúa deforestación de la zona. Además la Thuja sutchuenensis que se pensaba extinguida en la naturaleza, fue redescubierta en China en 1999, 100 años después de que fuera vista por última vez. La madera de este árbol es particularmente resistente a la putrefacción y es usada para la construcción de casas.

Aun queda una subpoblación remota y de difícil acceso y la especie se considera como En Peligro Crítico.

Nuevos Reinos en la Lista Roja

Este año la Lista Roja ha entrado en el reino de las algas y líquenes por primera vez. El alga de Bennet (Vanvoorstia bennettiana) ha sido declarada Extinta. Solamente había sido recogida en dos sitios en Nueva Gales del Sur, Australia y no había sido vista en casi 100 años. Todos los lugares donde se conocía que esta especie habitara, han sido destruidos por las actividades humanas.

El liquen Cladonia perforata de Florida está catalogado como En Peligro debido a su reducido área de distribución, la pérdida de hábitat, los huracanes y los incendios. El liquen Erioderma pedicellatum está En Peligro Crítico. Previamente encontrado en Canadá, Noruega y Suecia, ha sufrido el mayor declive de los últimos 100 años y se piensa que está extinto en los dos últimos países citados.

Amenazas al Reino Marino

Del lado marino, seis especies de albatros afrontan ahora una mayor amenaza de extinción de lo que antes se pensaba, ampliamente como resultado de la pesquería de palangre de deriva. Se considera que las 21 especies de albatros del planeta están ahora bajo una amenaza global, comparadas con las 16 especies catalogadas por la Lista Roja de 2000.

El albatros (Thalassarche melanophrys) ha pasado de ser considerado Vulnerable a En Peligro. Es una de las especies más frecuentemente muertas por pesquerías de palangre de deriva y a veces también por la pesquería de arrastre.

Este año, 175 tiburones y rayas fueron evaluados o reevaluados por la Lista Roja. Hay ahora 57 especies y más de 19 stocks valorados como amenazados. La biología de los tiburones de aguas profundas les hace particularmente vulnerables a los cambios de hábitat y las presiones pesqueras. Debido al incremento del desarrollo comercial de la pesca de aguas profundas, algunas especies podrían extinguirse antes de que cualquier gestión sobre ellas pueda ser implementada y posiblemente incluso antes de que sean descubiertas o estudiadas.

La subpoblación de mielga o también llamada cazón espinoso (Squalus acanthias) del nortereste atlántico está ahora En Peligro mientras que la subpoblación del Atlántico noroccidental es Vulnerable. La alta demanda de los mercados europeos ha estimulado la pesca en el noroeste atlántico y la pesca intensiva en el Atlántico noreste ha ido reduciendo las capturas desde comienzos de los años 60.

Se une a la lista de En Peligro la subpoblación del delfín común (Delphinus delphis) en el Mediterráneo. Su población se ha reducido en más de un 50por ciento en la región mediterránea en los últimos 30 y 40 años debido a la reducción de presas por sobrepesca y a la degradación del hábitat. Altos niveles de bifenilos policlorados (líquidos aceitosos que conducen el calor pero no la electricidad) se han encontrado en estos delfines si los comparamos con otras regiones, lo cual causa preocupación.

Aunque no hay suficientes datos para valorar el estado global de estas especies a nivel global, el río Grande do Sul/subpoblación uruguaya del delfín de río o Franciscana (Pontoporia blainvillei) entra en la lista como Vulnerable. El declive de su población en más de un 30por ciento desde 1960 es debido principalmente a la pesca accidental de redes agalleras, pérdida de presas y contaminación química.

Otra nueva evaluación este año es la del Abulón negro californiano (Haliotis cracherodii), un caracol marino confinado a las costas de California y Baja California (México) y ahora En Peligro Crítico. Su reducción es en parte debido a la pesca comercial, pero su principal amenaza es una enfermedad llamada Síndrome de Deshidratación, la que ha causado un declive masivo de su población.

Se cree que las especies marinas son ampliamente resistentes a la extinción pero con el paso del tiempo se están dirigiendo a ser tan vulnerables como sus semejantes terrestres. “La necesidad por una mejora política y práctica en la gestión de nuestro entorno marino es crítica,” comenta David Brackett, Presidente de la Comisión de Supervivencia de Especies

Una llamada de alerta

Indonesia, la India, Brasil, China y Perú están entre los países con más alto número de aves y mamíferos conocidos amenazados mientras que las plantas están declinando rápidamente en Ecuador, Malasia, Indonesia, Brasil y Sri Lanka.

“La Lista Roja es importante para evaluar el progreso de alcanzar el objetivo fijado por las naciones el año pasado en la Cumbre Mundial del Desarrollo Sostenible – el objetivo para el 2010 de reducir significativamente el nivel actual de pérdida de diversidad biológica,” comenta el Responsable del Programa de la Lista Roja de la UICN, Craig Hilton-Taylor. “Sobre todo, la Lista Roja es una llamada de atención para todos nosotros. Trabajando juntos podemos ayudar a conservar la diversidad biológica que nos resta”

Demasiado grande para ser publicada la Lista Roja se mantiene como una base de datos disponible en internet www.iucnredlist.org y es actualizada cada año. Un mayor análisis de la Lista Roja será realizado el próximo año, el cual se centrará en dónde se dan las especies más amenazadas y cuáles son las principales amenazas. Esta investigación será presentada en el Tercer Congreso Mundial de Conservación que se celebrará en noviembre de 2004 en Bangkok.

Notas

• La actualización de la Lista Roja de este año se produce después del V Congreso Mundial de Parques de la UICN en Durban donde, aunque se dijo que se había incrementado el estado de las áreas protegidas en el mundo, más de 700 animales amenazados con la extinción no están protegidos en ninguna parte de su área de distribución.

• En 1996 y 2000 se hicieron análisis más amplios de la Lista Roja. La Lista de 1996 revela que una de cada cuatro especies de mamíferos y una de cada ocho especies de aves se encuentra al borde de la extinción, y la Lista de 2000 confirmó que la crisis de la extinción mundial es mucho peor de lo que se creía. Se informa de alarmantes decrecimientos de las poblaciones de muchas especies de reptiles y primates.

• El número de especies amenazadas de la Lista Roja cambia de año en año y no sólo porque se agregan nuevas especies a la Lista. Los científicos que realizan investigaciones en todo el mundo aportan un flujo constante de nueva información y este conocimiento mejorado puede resultar en la reclasificación a una categoría mayor de amenaza o, en los casos en que la situación es más optimista que la anterior, la reclasificación a una categoría menor de amenaza. Otros cambios pueden ser el resultado de revisiones taxonómicas, tales como la de una especie reclasificada como subespecie y viceversa. Sin embargo, se ha trasladado algunas especies a categorías diferentes como resultado de un cambio genuino en su estado de conservación.

• La Lista Roja de la UICN comprende las extinciones ocurridas desde 1500 D.C. La Lista Roja de 2003 incluye 762 especies Extintas. Asimismo, algunas especies de la categoría de amenazadas pueden retirarse de la categoría Extinto como resultado de cambios taxonómicos o incertidumbres tales como la del "sapito marmolado" (Uperoleia marmorata).

• Aquellas especies que han sido evaluadas, pero cuyo riesgo de extinción es bajo, fueron clasificadas como de Preocupación Menor. Este año la Lista Roja contendrá por primera vez, estas evaluaciones de Preocupación Menor. Ello se hace a fin de mantener transparencia y para mejor marcar la importancia de las evaluaciones de amenaza. Si bien ya se ha iniciado el proceso para registrar todas las evaluaciones de Preocupación Menor (al nivel de especie únicamente), es probable que se requieran varios años para completarlo.

• La Lista Roja se basa en información proporcionada por la Comisión de Supervivencia de Especies (CSE), una red de 8 000 expertos en plantas, animales y asuntos de conservación, y datos de una serie de organizaciones asociadas. Los datos de aves son proporcionados por BirdLife International. En conjunto, esta red contiene la base de conocimientos científicos más completa sobre la biología y el estado de conservación actual de las especies.

• A medida que la Lista Roja va ampliándose para comprender evaluaciones completas de varios grupos taxonómicos, un análisis más detallado de las estadísticas cada cuatro a cinco años permitirá una mejor comparación entre años y un mejor entendimiento de las tendencias de la diversidad biológica en el tiempo. Actualmente se están reevaluando todos los mamíferos (aproximadamente 6.000 especies) y todas las aves (aproximadamente 10,000 especies); asimismo se están evaluando anfibios (aproximadamente 5,000 especies); reptiles (aproximadamente 8,000 especies); peces dulceacuícolas (aproximadamente 10,000 especies); tiburones y rayas (aproximadamente 1,000 especies); y moluscos de agua dulce (aproximadamente 5,000 especies). También se están realizando evaluaciones de plantas, invertebrados y especies marinas. Se espera que sea posible contar con una evaluación de la diversidad biológica mundial en el año 2008.

• Para contribuir al cumplimiento de estas ambiciosas metas, se ha formado el consorcio de la Lista Roja integrado por la UICN y su Comisión de Supervivencia de Especies, BirdLife Internacional, el Center for Applied Biodiversity Science y NatureServe.

La Lista Roja de Especies Amenazadas 2003 (2003 IUCN Red List of Threatened Species) se encuentra disponible como base de datos en el sitio Internet:: www.iucnredlist.org.

Creada en 1948, UICN - La Unión Mundial para la Naturaleza reúne a 75 Estados, 108 agencias gubernamentales, más de 750 ONG y cerca de 10.000 especialistas y expertos de 181 países en una asociación mundial de carácter único. Como Unión, la UICN busca influenciar, alentar y ayudar a los pueblos de todo el mundo a conservar la integridad y la diversidad de la naturaleza, y a asegurar que todo uso de los recursos naturales sea equitativo y ecológicamente sustentable. La UICN es la red de conocimiento ambiental más grande del mundo y ha ayudado más de 75 países a preparar e implantar estrategias nacionales de conservación de la diversidad biológica. La UICN es una organización multicultural y multilingüe con 1000 empleados establecidos en 62 países. Su sede se encuentra en Gland, Suiza.

http://www.iucn.org press@iucn.org

Juan Gris, ilustrador de prensa

15/11/2003, El centro de Arte Reina Sofía ha presentado una muestra monográfica sobre esta faceta del pintor, “Juan Gris y la Prensa. 1904-1912”, exposición que está abierta en Madrid del 4 de noviembre de 2003 al 19 de enero

El centro de Arte Reina Sofía ha presentado una muestra monográfica sobre esta faceta del pintor, “Juan Gris y la Prensa. 1904-1912”, exposición que está abierta en Madrid del 4 de noviembre de 2003 al 19 de enero.

Antes de alcanzar gran fama como pintor cubista, Juan Gris (1877-1927) llevó a cabo cientos de dibujos con los que ilustro numerosas publicaciones, especialmente españolas y francesas.

El centro de Arte Reina Sofía ha presentado una muestra monográfica sobre esta faceta del pintor, “Juan Gris y la Prensa. 1904-1912”, exposición que está abierta en Madrid del 4 de noviembre de 2003 al 19 de enero, y que luego se trasladará a otros centros expositivos.

La obra sobre papel de Juan Gris al inicio de su trayectoria artística, descubre las raíces simbolistas de uno de los artistas más importantes de la vanguardia y que más contribuyó al crisol que fue el cubismo.

Este periodo inicial de Gris queda mostrado mediante noventa dibujos sobre papel y noventa números originales de las publicaciones para las que fueron creados, junto con abundante documentación bibliográfica y revistas de la época en las que el artista colaboró.

La labor como dibujante e ilustrador de prensa de Gris comenzó en Madrid en 1904, con 17 años, y se desarrolló posteriormente con más intensidad durante los primeros años de su estancia en Francia. En su periodo inicial, Juan Gris efectuó más de 650 dibujos y viñetas tipográficas y colaboró con 22 periódicos, 9 españoles y 13 franceses, en los que realizó una obra esencial en su posterior trayectoria como pintor.

Según el director del Centro de Arte Reina Sofía, Juan Manuel Bonet, la exposición muestra "el Juan Gris antes de Juan Gris" y reconstruye "la prehistoria del artista", así como las raíces simbolistas de la vanguardia, el papel fundamental del humor en la génesis de la misma y los primeros desarrollos de un proyecto personal de tanta trascendencia como el de este artista.

Bonet destacó como "libro estelar" de la exposición "Alma América", poemario editado en Madrid en 1906 que Juan Gris ilustró en su totalidad, así como los trabajos realizados en sus años madrileños para "Blanco y Negro", "Papel de estraza" o "Renacimiento latino".

De acuerdo con la comisaria de la exposición, Paloma Estaban, uno de los dibujos publicado en la revista "L`Assiette au Beurre" muestra "la construcción precubista de una calle y constituye un punto de inflexión entre su primer periodo y el cubista".

Juan Gris ha sido un pintor excesivamente olvidado. En su lugar de origen, España, hasta 1985 no se dedicó una retrospectiva. Ese olvido también alcanza a las colecciones del país, en cuyos museos e instituciones no estuvo presente hasta la llegada de la democracia. "Este olvido se empezó a resolver felizmente durante esos años y el Reina Sofía posee un conjunto importante del artista", al que en 2005 se dedicará una gran retrospectiva, dijo el director del Centro.

A pesar de comenzar su actividad en 1906 la obra de Gris no entró a formar parte de las colecciones estatales españolas hasta 1977, cuando se adquirió "Guitarra ante el mar". Posteriormente, fueron las obras "Jarro y Vaso", "Botella de vino" y el legado de Douglas Cooper, realizado en 1979 y destinado al Museo del Prado, con las obras "Retrato de Josette", "Violón y Guitarra y "Retrato de Germaine Raynal" que pasaron a engrosar la colección del Reina Sofía en 1995. En la década de los 90 se adquirieron "Las uvas"; "El molinillo de café"; "La ventana abierta"; y "El libro de música", así como los libros de "Alma América", "Mouchoir de nouages" y "Au soleil du plafond". La colección se vio reforzada con las pinturas "El violón" y "Guitarra con incrustaciones" y tres obras sobre papel: "Hombre a la guitarra", "Naturaleza muerta a la guitarra" y "Suicidio rico". La última adquisición realizada por el estado español se cerró con la pintura "La botella de anís" (1914), perteneciente a una de las mejores etapas en la trayectoria del artista y que se compró por dos millones de euros.

El reina Sofía atesora en la actualidad 19 pinturas de Gris y 5 dibujos, además de otras 5 pinturas y un dibujo adicionales que están cedidos a la institución por la colección de Telefónica.

Gris nació en Madrid en 1887. su nombre de pila es José Victoriano González. Ya en 1904 participó en los tres únicos números de una revista literaria llamada “Papel de estraza”, donde hizo diez dibujos. En aquella ocasión ya utilizó como seudónimo el de Juan Gris.

En 1905 colaboró otra revista literaria ilustrada: Renacimiento Latino, dirigida por Villaespesa. Un año más tarde intervino en “Gran Mundo” y colaboró en “Blanco y Negro”, prestigiosa revista que dirigía Torcuato Luca de Tena. También dibujó entonces las tapas y viñetas de “Alma América”, libro de poesías de Santos Chocano.

En 1906 participó asimismo en otras dos publicaciones “Poemas indo-españoles y “Las canciones del camino”.

En 1907 prosiguió sus colaboraciones, saltando ya su actividad a Francia. Colaboró en “L´Indiscret”, en “Le Témoin”, “Le Rire”... A partir de aquí colaboraría asiduamente con diversas publicaciones, centradas especialmente en Madrid, Barcelona y París.

Seguiría pintando viñetas casi hasta sus últimos días, aun cuando triunfase públicamente con sus cuadros cubistas.

 

Mediterráneo, de azul a ocre

14/11/2003, Son 2.500.000 kilómetros cuadrados de Mediterráneo, pero un mar cada vez más contaminado, algo que puede hacer peligrar el futuro de los países ribereños: los de la Europa meridional, norte de África y Asia Menor

Son 2.500.000 kilómetros cuadrados de Mediterráneo, pero un mar cada vez más contaminado, algo que puede hacer peligrar el futuro de los países ribereños: los de la Europa meridional, norte de África y Asia Menor.

Es éste un mar que sólo tiene dos salidas hacia los océanos: el estrecho de Gibraltar, que comunica con el Atlántico, y el Mar Rojo, que enlaza con el Índico. Esto hace que la renovación de aguas sea casi inexistente.

De elevado nivel salino, acusada evaporización, por altas temperaturas y poco aporte fluvial, el Mar Negro y el Atlántico van reponiendo las aguas de este mar interior, que desde la antigüedad ha estado rodeado por activos países.

Ha sido una vía de comunicación desde las edades más remotas, una vía con tráfico aún mayor a raíz de la apertura del canal de Suez... Y todo esto va ligado a un problema: contaminación. El 28 por ciento del tráfico de petróleo y el 30 por ciento del tráfico mundial transita por sus aguas, según WWF/Adena.

La protección del medio ambiente y el futuro del Mediterráneo fueron temas que analizaron los representantes de los países ribereños de este mar en la XIII Conferencia del Plan de Acción del Mediterráneo del Programa de Naciones Unidas para el medio ambiente (MAP-PNUMA), celebrada este noviembre en Catania.

El "mare nostrum" -como lo definían los romanos hace 2000 años- representa tan sólo el 0,7 por ciento de las aguas del planeta, pero con sus casi 46.000 kilómetros de costas (incluidas las islas) componen un conjunto de ecosistemas de una enorme riqueza en la encrucijada de tres continentes: Europa, Africa y Asia.

Tras el golpe acusado por la opinión pública mundial con catástrofes ecológicas como la del "Prestige", frente a las costas de Galicia, la sustitución de los viejos petroleros monocasco es una de las prioridades de la UE. Por las aguas del Mediterráneo circula uno de cada cuatro litros de petróleo que se mueven por vía marítima, unos trescientos grandes barcos diarios.

La conferencia reunió en un antiguo monasterio a más de 500 delegados de los 21 países firmantes de la Convención de Barcelona de 1978 para la protección del Mediterráneo, además de representantes de la Comisión europea: Albania, Argelia, Bosnia-Herzegovina, Chipre, Croacia, Egipto, Eslovenia, España, Francia, Grecia, Israel, Italia, Jordania, Líbano, Libia, Malta, Marruecos, Serbia-Montenegro, Siria, Túnez y Turquía, a los que se une un representante de la Autoridad Nacional Palestina.

Dijo el coordinador del programa MAP-PNUMA, Lucien Chabason, que las cuestiones medioambientales son un banco de pruebas para avanzar en la cooperación entre las dos riberas del Mediterráneo y reforzar lazos entre países con unas raíces y una cultura común. El representante de la ONU advirtió que hay avances, pero que todavía queda mucho por hacer en cuestiones como el vertido de petróleo al mar -en muchos casos debido a la limpieza de los tanques- o la protección de especies amenazadas. Chabason hizo un llamamiento a los países que todavía no han ratificado el protocolo de la Convención de Barcelona a que lo hagan e incluyan las normas de protección en sus respectivas legislaciones.

En la reunión se puso de manifiesto que el Mediterráneo es usado como vertedero por muchos de los países ribereños, creando un problema de "contaminación transfronteriza" cuya solución pasa por una estrategia internacional de protección medioambiental.

Esta situación se agrava por el hecho de que se trata de un mar casi cerrado, con dos únicas aberturas a los océanos a través del Estrecho de Gibraltar y el Canal de Suez. Por ello su masa de agua tarda entre 80 y 90 años en renovarse. Países como Albania y Siria vierten al mar sin ningún tipo de tratamiento la totalidad de aguas residuales de sus ciudades costeras, porcentaje que es también muy alto en el caso de Marruecos, el Líbano, Argelia y Croacia.

Dijo Fuad Abusamra, uno de los expertos del MAP-PNUMA, organismo que tiene su sede en Atenas, que los países de la UE han realizado grandes avances en este campo, pero que grandes urbes como Atenas o Nápoles (Italia) son todavía una fuente notable de polución marítima.

Paralelamente, la industria europea origina vertidos de metales tóxicos como cadmio, cobre y plomo, mientras que la agricultura intensiva produce nitrógeno (de los fertilizantes) o pesticidas como el lindano. Todas estas sustancias contaminantes viajan a través del mar, afectando a zonas geográficamente alejadas de su origen, donde suponen una amenaza para el ecosistema y ponen en peligro sectores como la pesca o el turismo.

La conferencia mostró especial interés por este aspecto de la contaminación y acordó impulsar una mayor conciencia de la opinión pública en cuestiones ecológicas a través de iniciativas de diverso tipo, entre ellas un festival cinematográfico sobre asuntos medioambientales.

Pero los problemas son urgentes y de diverso tipo. Basta buscar noticias de prensa de los últimos meses, para ver el desastre. Ahí van unas.

-- Investigadores de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) han detectado concentraciones de plutonio y de americio radiactivos 5 veces superiores a la media del Mediterráneo en el plancton de la costa de Palomares (Almería), que atribuyen al accidente aéreo de dos aviones militares de EEUU que tuvo lugar en la zona en 1966.

-- Casi 18.000 buques cargados con mercancías contaminantes pasan cada año por el cabo de Tarifa en dirección al Mediterráneo, según datos de la Sociedad de Salvamento y Seguridad Marítima, que reflejan además que el tráfico en esta zona aumentó en más de 2.000 embarcaciones en un periodo de dos años.

-- La organización ecologista WWF/Adena alertó que el Mediterráneo recibe cada año entre 0,7 y 1,3 millones de toneladas de fuel, que equivalen a 20 veces el vertido del Prestige y que en su mayoría provienen de las limpiezas de los tanques que los barcos realizan en alta mar. Los ecologistas afirmaron que la extrapolación de estos datos indica que en el mundo se vierten entre 3 y 4 millones de toneladas al año, y consideraron la contaminación por hidrocarburos especialmente preocupante en el Mediterráneo.

 

Willi Baumeister

06/11/2003, El museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y la Stadtische Galerie im Lenbachhaus de Munich, han organizado una exposición retrospectiva de Willi Baumeister

El museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y la Stadtische Galerie im Lenbachhaus de Munich, han organizado una exposición retrospectiva de Willi Baumeister, que ahora se puede ver en Madrid, hasta el 22 de febrero de 2004, y que luego se presentará en Munich. De marzo a junio de 2004.

En la pintura de Baumeister laten las formas y colores de Miró, junto a la pintura más primitiva, la de los abrigos rupestres prehistóricos. Es uno de los artistas más importantes del siglo XX alemán.

Son comisarios de la muestra Tomas Llorens, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, junto con Helmut Friedel, director de la Städtische Galerie im Lenbachhaus. Esta antológica sobre Willi Baumeister (1889-1955) muestra 92 obras, 75 pinturas y 17 dibujos.

Baumeister pertenece a la generación que surge en el arte alemán tras la Primera Guerra Mundial, durante la cual le tocó luchar en los Balcanes y el Cáucaso. Su carrera estuvo íntimamente ligada a su país, aunque eso no le privó de contactos con grupos como l´Esprit Nouveau (Lèger, Le Corbusier...) y en el Abstraction-Creation de los años 30.

La historiografía norteamericana del arte, dominadora en la segunda mitad del siglo XX no ha situado al artista –al igual que otros muchos de otros territorios- a la altura de su trayectoria real.

Comienza su primera obra en el ámbito de la abstracción geométrica, aunque en los años 20 introduce figuras humanas estilizadas. Es hacia los años 30 cuando conoce la cueva prehistórica de Altamira y el arte rupestre Levantino. Le influirá sobre todo éste segundo estilo pictórico, de un mayor esquematismo. También quedaría influido notablemente por la trayectoria pictórica de Miró.

Durante esta segunda época realiza algunas de las series más importantes de su carrera artística: Figuras lineales, Ideogramas, Eidos e Imágenes africanas.

En estos años, el interés por los trabajos de los prehistóricos y por la obra de Miró derivará no sólo en las formas sino en una acentuación del componente matérico.

Baumeister pasa por situaciones difíciles en los tiempos del nazismo, cuando se incluye su obra como “degenerada”. En 1933 fue despedido de su puesto de profesor de tipografía en la escuela de Arte de Francfort. En 1941 los nazis llegarían a prohibir la exposición de su obra. Sigue pintando en privado y estudiando las técnicas prehistóricas. Fruto de sus investigaciones sería la publicación de “Lo desconocido en el arte”, en 1947.

“La pintura es el arte de la visibilidad. Desde la posición del pintor, la pintura es el arte de poder hacer visible algo que, precisamente a través de ella, se hace visible por primera vez, algo que hasta ese momento pertenecía al dominio de lo desconocido”, dice Baumeister en su libro.

Sobrevivió durante la guerra mundial trabajando en una fábrica de pinturas, y al término del conflicto fue reconocido como uno de los grandes maestros vivos de la pintura del país. En 1946 fue nombrado catedrático de Bellas Artes en Stuttgart, donde ejerció la docencia hasta 1955, el mismo año en que falleció.

Durante la posguerra siguió pintando con su particular lenguaje abstracto: Paisajes Metafísicos, Figuras del Sol y Movimientos de Luz.

Baumeister (1889-1955) fue uno de los artistas más influyentes, junto a Paul Klee, en los orígenes de la abstracción española, y estuvo muy vinculado a España, país que visitó en varias ocasiones movido por su interés por el arte rupestre. Durante la presentación de la muestra, el comisario Tomás Llorens insistió en el hecho de que la historia del arte del siglo XX está en gran medida por hacer. Consideró que el periodo transcurrido entre la primera y segunda guerra mundial "es central" para la historia de la modernidad. "El proyecto moderno –dijo- tiene su fase de madurez en el periodo de entreguerras, pero la historiografía del siglo XX no lo refleja todavía con claridad". Para el comisario, la pintura abstracta predominantemente constructiva de los años 1919-20, se sitúa en las antípodas respecto al informalismo europeo desarrollado a partir del año 45, tras la segunda guerra mundial.

La exposición dedicada a Willi Baumeister trata de explicar cómo se produce esa transformación "al tratarse de uno de los pintores centrales de la historia de la abstracción y de ser el que mejor ilustra ese periodo de transición". El recorrido planteado por los comisarios muestra de manera clara esa transformación gradual, comenzando por el apartado dedicado a "Los años 1920: Purismo y Abstracción Geométrica", para continuar con los años 30 en que aparecen las primeras formas orgánicas. La etapa dedicada a la Guerra y Posguerra muestra el camino iniciado hacia el informalismo, para llegar a los últimos años del artista caracterizados por el color monumental. Willi Baumeister es un artista "muy conocido en Alemania, aunque, como el título de una de sus obras exhibidas, está aún por descifrar", consideró Helmut Friedel, el comisario alemán de la muestra, para quien Baumeister es un artista que "para crear un cuadro, aunó la literatura y otras áreas del pensamiento de la época".

En el catálogo editado con motivo de esta antológica del creador alemán, aparecen interesantes testimonios. Entre ellos hay un texto de Fernand Léger que dice: “Su desarrollo artístico (de Baumeister) estuvo en todo momento en estrecha relación con el arte de todos los pueblos y épocas –de los asirios a Paul Klee, Kandinsky y Miró-. Y sin prestar atención al expresionismo, anduvo resueltamente un camino peculiar y característico”.

 

Milenios de arte persa

04/11/2003, Entre la fecunda península indostánica y el fértil mundo griego, desde hace milenios ha pervivido un amplio territorio intermedio, el iraní, de una tradición cultural y artística singular.

Entre la fecunda península indostánica y el fértil mundo griego, desde hace milenios ha pervivido un amplio territorio intermedio, el iraní, de una tradición cultural y artística singular.

A iniciativa del Kunsthistorisches Museum de Viena, y con el apoyo del Museo Nacional y el Rezza Abasi de Irán, surgió una muestra titulada “7000 años de arte persa”, que está visitando distintos puntos de Europa, con un gran bagaje de objetos de interés arqueológico e histórico, ofreciendo la imagen del esplendoroso pasado de Irán.

Desde las producciones artísticas de la prehistoria en adelante, con las grandes dinastías aqueménida, seleúcida o sasánida; en relaciones pacíficas o bélicas con sus vecinos del Indo o de la ribera mediterránea, Persia desarrolló culturas abiertas y avanzadas desde la antigüedad, como queda de manifiesto en esta exposición que recorre Europa y que ahora está en España (Valencia, Sevilla y Zaragoza), de la mano de la prestigiosa Fundación La Caixa.

Los iraníes (habitantes de la nación arya) fueron tomando conciencia de pertenencia a una misma estirpe a partir un momento del primer milenio a.C., especialmente desde los tiempos de los gobernantes aqueménidas.

En esa conciencia de ligazón de estirpe incidió de forma clara la vinculación general con el Dios Supremo, Ahura Mazda. En la historia religiosa de este conglomerado de pueblos destacó la doctrina de Zaratrusta, llamado Zoroastro por los griegos, profeta iranio a quien reverenciaban hasta los sabios helénicos.

La vida del profeta debería situarse hacia inicios del primer milenio a.C. Defendió una especie de monoteísmo, donde Ahura Mazda desempeñaba el papel de creador y ordenador del mundo. La doctrina evolucionó con el tiempo y pasó a ser reprimida en tiempos del islam; pero perdura aún en contados núcleos, en Irán, Pakistán y la India, entre ellos Bombay, donde hay una poderosa colectividad: los parsis.

Las lenguas iranias se hablan aún en una extensa región. La principal es el persa, pero también se integran en este grupo otras, como el kurdo o el osetio; si bien sólo la persa tiene una riquísima tradición literaria, destacando edades de oro como la safávida.

REPASO HISTÓRICO.

El núcleo básico del imperio persa estuvo en el sudoeste del actual Irán. Por encima estaban los medos. En el VI a.C. Ciro unifica a medos y persas y avanzó hacia el Indo y hacia Anatolia, creando un imperio inmenso. Cambises, su hijo, amplió el inmenso imperio con Egipto y Chipre. Esa expansión continuó con Darío I, que inició las residencias suntuosas de Susa y Persépolis.

La dinastía Aqueménida sucumbió bajo el poder de otro militar excepcional: Alejandro Magno, cuyo imperio se fragmentó. Fue la época de los seleúcidas, que fueron cayendo ante el auge de los partos, que serían los nuevos enemigos de Roma y del Imperio Bizantino en el frente oriental. Dos dinastías ocupan la historia parta. Primero la de los arsácidas y luego los sasánidas. Estos últimos fueron un continuo martillo frente a Bizancio, pero esa lucha llevó a ambos estados al agotamiento e hizo caer a Persia bajo la dependencia califal de Damasco.

PREHISTORIA Y PROTOHISTORIA.

Las investigaciones arqueológicas en los yacimiento más antiguos ya permiten ver cómo las representaciones de animales, especialmente lo que poseen cornamenta, son habituales en todas las regiones de Irán, en ese periodo que va del séptimo a fin del cuarto milenio.

Parecieran representaciones vinculadas al culto, donde se revela un prolijo conocimiento naturalista en los artesanos, que despliegan una gran sensibilidad y capacitación artística. No es raro tampoco descubrir la existencia de animales mixtos ni figuras femeninas, previsiblemente vinculadas a los cultos de fertilidad.

A final del cuarto milenio y los inicios del tercero apareció una escritura destinada básicamente a operaciones de administración y comercio. También tiene un fin administrativo –sin duda- la incorporación de los sellos, tanto los normales como los cilíndricos. En etapas posteriores se apreciarán influencias del valle del Indo y Afganistán.

LOS AQUEMÉNIDAS.

El arte aqueménida estaba al servicio del imperio. Las obras son una exaltación del poder y los artesanos eran reclutados de las distintas satrapías(provincias) de este imperio que iba del valle del río Indo al Mediterráneo.

Era la época en que se crearon los palacios de Pasargada, en cuyos restos se aprecian modelos asirios y del entorno egeo.

En esta época de arte al servicio del poder hay que citar las realizaciones de Persépolis, cuya grandeza se quebraría ante el avance de los ejércitos de Alejandro Magno. También aparecen tanto en Persépolis como en las cercanas tumbas reales magníficos trabajos murales.

ARTE GRIEGO

Aún antes de la conquista de Alejandro Magno, el arte aqueménida tuvo una inmensa influencia del griego. En las ciudades griegas de Asia Menor –en ocasiones sometidas al poder persa- se reclutaron escultores y carpinteros para trabajar en las ciudades imperiales.

Tras las invasiones de la Grecia Continental, los persas se llevaron magníficas obras de arte. Se puede hablar de un prehelenismo, sobre todo en toda el área persa de Asia Menor, que se mantuvo en la época seleúcida.

ARTE PARTO.

De la época parta hay dos fases. En la primera, la dinastía Arsácida, se caracterizó por una inmensa tolerancia cultural, que permitió –dentro de un substrato helenístico- el desarrollo de particularidades regionales, en una tendencia que poco a poco fue tornándose más arcaísta.

En cambio, en la época Sasánida, se reafirmaría el poder central, en un proceso en el que se asentó una cúpula rectora con una dirección política reforzada con el apoyo de un clero zoroástrico, también encumbrado

Con esta concepción teo-política, se abordaron ingentes obras encaminadas a manifestar el poder dinástico, como se atestigua con fundaciones como Ardashir Khurra, o el palacio sasánida de Ctesifonte con un grandioso pórtico de 35 metros de altura, cuyas ruinas revelan aún a las claras la ambición de poder de sus constructores. No es menos interesante el conjunto de relieves rupestres, emplazados en gargantas y valles, donde se realza el poder real.

Es un período caracterizado por el colosalismo edificativo, en competencia con Bizancio, pero con una creatividad cada vez menos brillante.

EPOCA MUSULMANA.

Finalmente, la exposición trata sobre la época musulmana, o mejor sobre sus inicios, cuando Irán fue un territorio con una personalidad acusada, y que dio al arte islámico diversas pautas artísticas. Los artesanos iranios siguieron con su magistral orfebrería y su prestigiosa actividad textil aportando motivos iconográficos, como el águila bicéfala, personajes alados, etc.

Aunque el influjo no sólo contagió al arte musulmán, porque -a través de Bizancio- llegó a todo el ámbito cristiano. Un ejemplo claro es el "tertamorfos" (hombre, águila, león, toro) simbología de origen iranio que pasó al ámbito de los evangelios.

Ciudades como Roma, Basilea o Valencia han visto ya esta exposición, en la que se presentan materiales de oro, plata, vidrio, piedra, terracota y bronce, con los que los habitantes de esa gran región construyeron valiosos objetos a lo largo de los siglos. Próximamente se llevará a Sevilla y Zaragoza, en un periplo europeo que contribuirá presentar al Irán como milenario foco de cultura, superando una visión coyuntural actual, reduccionista y conflictiva.

Tomas Alvarez

 

Picasso ...aún más malagueño

28/10/2003, Se ha inaugurado ya el museo Picasso en Málaga. Es una gran noticia. Málaga está más unida que nunca a uno de sus hijos más ilustres.


Málaga está más unida que nunca a uno de sus hijos más ilustres, el pintor Pablo Ruiz Picasso. En pleno casco histórico de la vieja ciudad mediterránea se ha inaugurado un gran museo que lleva el nombre del artista y que repara una larga deuda histórica.

Hace prácticamente cincuenta años, Picasso quiso donar su colección a la ciudad que le vio nacer, pero las autoridades del momento, en plena dictadura del general Franco, rechazaron la oferta, argumentando que se trataba de un arte degenerado.

Ahora, unos treinta años después de la muerte del artista, se abre la pinacoteca Picasso, cerca de la casa en la que nació, en un palacio renacentista con vocación de museo, el palacio de Buenavista, ocupando además otros edificios anejos, en el corazón del centro histórico de la ciudad. Es un complejo en el casco antiguo de la ciudad, cerca de la Alcazaba árabe, y muy próximo también a los restos del Teatro Romano y a la Catedral renacentista.

Christine Ruiz-Picasso, nuera del artista malagueño y principal artífice del Museo, al haber donado o prestado el grueso de las 204 obras de la colección permanente, aseguró que este proyecto "es una historia de amor", que dedica "a la memoria" de su marido, Paul.

UN PROYECTO LARGAMENTE ESPERADO.

Antes de la inauguración oficial, Christine compareció en una multitudinaria rueda de prensa junto a su hijo Bernard, nieto del pintor; el presidente andaluz, Manuel Chaves, y la directora del Museo, Carmen Jiménez. Recordó su primer viaje a Málaga, en 1954, junto al primogénito de Picasso -Paul, que poco después se convertiría en su marido-, con el objetivo de cumplir el deseo del artista de tener obras en su ciudad natal: "No fue posible lo planeado, por razones políticas".

El proyecto que ahora culmina tuvo su origen en 1992, cuando al exponerse en el Palacio Episcopal algunas de las obras en la muestra "Picasso Clásico". Christine se entusiasmó entonces con el fervor de los malagueños por el artista del cubismo, lo que le hizo recordar aquel primer viaje “y la necesidad de cumplir el deseo de mi suegro".

"Él –recordó Christine- sabía lo que ocurría aquí; sufría mucho por el hecho de que la dictadura impidiera que sus obras volvieran y vivió muy marcado por ello".

Para la nuera del artista, no cabe destacar ninguna de las obras que ha dejado en Málaga, porque "cuando uno se separa de cosas queridas, todas tienen un significado".

Bernard, el nieto del pintor, coincidió con su madre al destacar las emociones que supone el proceso de creación del Museo, una experiencia muy importante en su vida, con la que se ha cumplido el sueño del abuelo.

El presidente andaluz, Manuel Chaves calificó las obras de la colección permanente como "204 cantos a la libertad, la democracia y la convivencia”. Para él, París o Barcelona (ambas ciudades con excelentes pinacotecas dedicadas a Picasso) han reivindicado la figura de Picasso, seguramente con legitimidad, pero hasta ahora nadie pensaba en Málaga, y el único que lo hizo era el propio pintor.

El Museo Picasso de Málaga ha supuesto una inversión notable para el gobierno de Andalucía y tiene unas previsiones máximas de afluencia de 600.000 visitantes al año.

Sus instalaciones ocupan una superficie de 8.300 metros cuadrados, entre el antiguo Palacio de Buenavista, del siglo XVI, y las edificaciones anexas que se han erigido en la zona de la judería de Málaga para albergar las salas de exposiciones temporales e instalaciones como un auditorio o una biblioteca, entre otras.

Todo ese complejo fue inaugurado por los reyes de España. "Málaga se lo merecía, y Picasso también", fue el comentario de admiración con el que el rey resumió su impresión sobre el museo, momentos después de inaugurarlo.

Picasso vuelve a Málaga, mas de un siglo después de su última marcha de la ciudad, en 1901. El amaba mucho a París y a Cataluña... pero nunca dejó de sentir un lazo fuerte con la tierra andaluza que le vio nacer.

Tomás Alvarez

 

Resty: recreando a Rulfo y Zambrano

24/10/2003, Un día, Resty se puso a escribir de nuevo el Pedro Páramo de Juan Rulfo. Con caligrafía pulcra fue desgranando el texto, e incluyendo magníficos óleos y dibujos. tardó dos años en esta obra. Compuso un libro único, desconocido, sorprendente.

Un día, Resty se puso a escribir de nuevo el Pedro Páramo de Juan Rulfo. Con caligrafía pulcra fue desgranando el texto, e incluyendo magníficos óleos y dibujos. tardó dos años en esta obra. Compuso un libro único, desconocido, sorprendente.

Luego el artista hizo la misma operación con textos de Cela y Alberti. Ahora acaba de hacer una maravilla con un texto de María Zambrano. Resty es un personaje sorprendente

Sus libros serían capaces de garantizarle un puesto importante en el mercado de la pintura. Pero son ejemplares únicos que sólo muestra a sus amistades. Además, también realiza estupendas obras sobre tela o papel. Restituto Gómez, Resty, pinta por el placer de crear, y crea un mundo tan sugerente y valioso como desconocido.

Admirador de Mantenga y Vermeer, ha ido evolucionando hasta la abstracción. Su pintura tiene una alta calidad, pero no lo pregona. Es tímido, retraído; no le interesan los compradores, ni los galeristas; no sabe hasta dónde ha llegado su obra: “Hay obra mía en Alemania o en América... pero no sé dónde. Tampoco me interesa”.

Sólo hay un cuadro que le gustaría saber dónde está “ Un día –dice- entré en una subasta de Durán, y vi que allí estaba un cuadro mío, por el que se pujo alto. Una mujer –al parecer del País Vasco- no paró de elevar la cotización hasta que se llevó la obra. Pagó mucho por el cuadro. Me gustaría saber quien era ...para regalarle otro”.

JUAN RULFO

Resty nació en 1935, poco tiempo antes de la Guerra Civil española, en la provincia de Ávila, en el centro de España, y padeció los problemas de la intolerancia. Su padre tuvo que desaparecer de casa para evitar ser fusilado, y él subsistió mendigando. Luego pasó ocho años en un seminario, hasta que le echaron. El estudiante estaba colaborando en revistas literarias y el rector no aceptaba de buen grado sus libertades culturales.

Ya en la vida civil, hizo oposiciones para entrar en Iberia y en el mismo examen conoció a un pintor que le orientó en sus primeros pasos. Luego él mismo fue avanzando basándose en trabajo y dedicación... y en silencio. Lo primero que hizo fue una copia de El Sembrador de Van Gogh, que –por supuesto- no tiene ni idea de donde acabó.

Juan Rulfo era uno de sus escritores preferidos. La obra de Pedro Páramo para Resty es emblemática. “Cuando la leí la primera vez casi no la entendí...luego la he leído al menos veinte veces”.

Un día comenzó a editar su propio Pedro Páramo. Con letra delicada –casi femenina- fue escribiendo las páginas, e intercalando en ellas dibujos y pinturas al óleo (para ello ensayó un método para que las páginas no se ensuciaran con el óleo). Al cabo de dos años de trabajo, el ejemplar quedó terminado.

Es un Pedro Páramo original, sorprendente, donde a la vigorosa prosa de realismo mágico de Rulfo se añade una colección inmensa de ilustraciones de Resty, de un Resty que aún flota entre lo figurativo pero que ya avanza hacia el ámbito de la abstracción.

Hoy, este ejemplar de Pedro Páramo es tan excepcional como desconocido: “Lo hemos visto, tu, yo, mis dos hijos y un par de amigos”

ZAMBRANO

Luego, el artista hizo una operación parecida con la obra La Familia de Pascual Duarte, de Camilo José Cela; Sobre los ángeles; de Rafael Alberti; para terminar ahora con Desde el exilio, de María Zambrano.

El trabajo realizado con el corto texto de María Zambrano es magnífico. Resty, que ha ido evolucionando hacia la abstracción absoluta, presenta en este libro –también único- una serie de óleos sumamente bellos, en los que destacan unas formas sugerentes, que parecieran ser caprichos de la naturaleza, de una naturaleza en la que surgen frecuentemente signos, barras, círculos o cruces, o extrañas figuras de aspecto animalístico.

Simultáneamente a estos trabajos, ha seguido pintando, haciendo óleos sobre papel o tela, que van desapareciendo de sus manos; unos los vende, otros los regala a sus amigos... para él lo importante es crear y compartir. “En mi casa no hay cuadros. A la gente que le gusta el arte no me importa regalarle lo que tengo en la mano”.

Dice María Zambrano que el pintor no debe ser narcisista, porque si mantiene el narcisismo perderá la naturalidad, la objetividad, y caminaría, por lo tanto, hacia la muerte artística. Resty –desde luego- no tiene nada de narcisista.

EXPOSICIONES

Ha hecho diversas exposiciones, pero no le interesan. “Sólo me divierto creando”, dice.

“Una vez, cuando estaba empezando, me atreví a llevar un cuadrito mío al Círculo de Bellas Artes, para el premio Nacional de Pintura, y cuando vi los monstruos que habían presentado obre me quedé de piedra. Pensé que para que pudieran seleccionarlo debería llevar como mínimo la recomendación de Calvo Sotelo, entonces presidente de la institución...” Luego quedó sorprendido cuando se lo seleccionaron.

“Seguí ocultando mi obra. Nunca pensé tampoco en trabajar para galerías..., pero una vez visitando una, el dueño me dijo “tú eres pintor”. Me pidió tres cuadros y le llevé tres trabajos relativamente pequeños, para que viera mi estilo. Al día siguiente ya los había vendido.”

FIGURATIVO

Le ha costado avanzar hacia la abstracción. “No puedo contarte los sufrimientos que he tenido para abandonar lo figurativo, porque me salía por todos los sitios, hasta que lo he conseguido... aunque alguna vez aparece algo”.

“Me di cuenta de que el abstracto es la libertad absoluta... aunque hay mucha guarrería de abstracto. Todo el mundo que no sabe pintar dice que va al abstracto. Hay autenticas basuras disfrazadas de abstracto. También hay mucho papanatismo de las críticas. Hay muchos que dicen ¡Qué maravilloso! ante algo que no tiene nada de interés, pero no quieren pasar por incultos y siguen el juego a la crítica”.

“Y esa crítica –agrega el pintor- encumbra a unos o minusvalora a otros, y también mantiene en alto a quien está bajando. A mí me encantaba la obra de Barceló, de su época de Malí. Luego ha ido empeorando. Sin embargo la crítica lo mantiene y los compradores lo siguen teniendo por bueno”.

Para Resty, Antonio López es el mayor pintor que hay en el mundo – no el mayor creador, sino el mayor pintor. Como creador destaca a Tapies... Pero, sobre todo, él adora a Mantenga y Vermeer... “Estos, si vivieran en el siglo actual pintarían también en abstracto”, dice.

Tomás Alvarez

 

El mundo artístico de Pau Casals

23/10/2003, Se cumplen 30 años de la muerte de Pau Casals, considerado como uno de los mayores violonchelistas de la historia. Era también un profundo amante del arte. Una exposición presenta ahora su magnífica colección de pintura y escultura.

Se cumplen 30 años de la muerte de Pau Casals(1876-1973), considerado como uno de los mayores violonchelistas de la historia. Era también un profundo amante del arte. Una exposición presenta ahora su magnífica colección de pintura y escultura.

Murió Pau Casals el 22 de octubre, del año 1973. Arte y música constituían para él sendos gozos espirituales fundamentales. Consecuentemente, juntó en vida una excelente colección de pintura y escultura, básicamente de artistas catalanes.

Nacido en Cataluña, en diciembre de 1876, mostró desde su infancia una gran sensibilidad por la música, en consonancia con su ámbito familiar. Su padre, músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que amplió en Barcelona y Madrid. Con tan solo 23 años inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

Sus estancias juveniles en Barcelona, Madrid y París fueron aprovechadas para ponerse en contacto con el mundo del arte. Ya en 1890 conoció en Barcelona a Picasso; en Madrid descubrió las colecciones reales, en las que se entusiasmó ante Velázquez, Tiziano y Goya; y en París se seguiría relacionando con gentes de la pintura, como Degas o Eugиne Carriиre.

En su casa mediterránea de Sant Salvador, creó un espacio artístico en el que ofreció hospitalidad, y arte a sus amigos, desde pinturas notables hasta escultura, destacando el Apolo de Clarа. Cuando encargó esa estatua del dios griego al escultor de moda, Josep Clarа, éste opinó que se trataba de un tema antiguo, pero para Casals significaba mucho. Apolo era un armonizador de cielos y tierra, Dios de lo sencillo y de la gente sencilla, protector de los caminantes y de quienes emigran de su tierra, a quienes envía a puertos seguros.

Casals encargó el Apolo en 1934 y su permanente vigilancia sobre la ejecución de la obra hizo que no fuese un joven atleta, como inicialmente ideó Clarа, sino un dios maduro y cargado de majestad.

La casa de Casals, fue algo más que una vivienda. Laura Mercader-comisaria de la muestra que ahora exhibe las obras de arte de Casals- dice que más que una vivienda era un escenario de representación de la categoría de su principal habitante: era una casa destinada a marcar la imagen pública del gran violonchelista: Un edificio de sencillo diseño, envuelto en un jardín de corte clásico, con abundancia de estatuas en el jardín y la galería y una estupenda pinacoteca; un museo vivo, desde su origen, que siempre estuvo en el recuerdo del músico, incluso en los duros días de exilio.

PRESENTADA LA COLECCI"N DE CASALS.

La fundación La Caixa ha organizado la presentación al gran público de la colección de arte que el violonchelista reunió para su casa de Sant Salvador, con una muestra integrada por 48 obras que representan 50 años de arte catalán.

La exposición “Pau Casals en el escenario del arte" sirve para la divulgación de su legado, destacable por su gran contribución a la música. Presenta dibujos, litografías pinturas y esculturas de artistas destacados como Regoyos, Canals, Ramón Casas, Joaquim Mir, Martí Alsina, Santiago Rusiñol, Josep Llimona, Eliseu Meifrén, Ricard Opisso o Joaquim Sunyer.

Estas obras estaban completamente integradas en la casa de Pau Casals, que era algo así como el último recodo de su infancia y de su tierra, un espacio que siempre le atrajo, y que constituyó una especie de ancla a sus raíces. Allí, junto a los trabajos de autores ya indicados, también destacaban otras obras como un retrato de Pau Casals que le regaló el pintor simbolista Eugиne Carriиre, gran amigo del músico catalán y a quien acompañó a la hora de la muerte, y trabajos de otros artistas españoles que vivieron en Barcelona, como Ignacio Zuloaga. Otra referencia destacable es para los paisajes de Mir, especialmente cercanos al mundo de Casals.

Desde su exilio, Pau Casals anunció que todo sus recuerdos musicales, cuadros y documentos que se encontraban en su casa de Sant Salvador se los daría a su país.

Ahora se muestra aquel legado. Laura Mercader, comisaria del evento, dice que "se pretende mostrar una faceta de Casals poco conocida para los especialistas y el gran público", la de un entusiasta amante de las artes. “Para ver su otra cara, la de su sensibilidad artística”.

Mercader destacó el catalanismo del músico, quien creó esta colección por una necesidad de tener un espacio íntimo para disfrutar del arte y para legarlo a su tierra.

La muestra invita a hacer un recorrido por el arte catalán de finales del siglo XIX y principios del XX, desde los precursores del arte moderno hasta los realistas de los años 20 y 30. La exposición, que se presenta por primera vez fuera de su emplazamiento original, la casa de Sant Salvador, convertida desde 1976 en casa-museo, está organizada y producida por la Fundación "la Caixa" con la colaboración de la Fundación Pau Casals.

La muestra se puede ver en la actualidad en el Centre Cultural de Granollers (Cataluña) hasta el 30 de noviembre y luego hará un recorrido por otros puntos de España

Pau Casals ha sido sin duda uno de los mejores violonchelistas del siglo XX. También fue profesor y compositor. La Guerra Civil Española le obligó a exiliarse y a residir, primero en Francia y luego en San Juan de Puerto Rico, donde murió en 1973, a la edad de 96 años

Junto a su extraordinaria carrera musical, Casals mantuvo siempre una dedicación firme en defensa de la paz y la libertad.

Web sobre Pau Casals: http://www.paucasals.org/

Tomás Alvarez.

 

Invierno en Salzburgo 2003/2004

15/10/2003,

La ciudad de Salzburgo, una de las más bellas de Centroeuropa (véase guiarte.com/Salzburgo) tiene una atractiva programación cultural para el invierno.

La ciudad de Salzburgo, una de las más bellas de Centroeuropa (véase guiarte.com/Salzburgo) tiene una atractiva programación cultural para el invierno.

La mozartiana ciudad de Salzburgo resulta muy atractiva en invierno. Cuando se extinguen las voces del +Jedermann+ en la Domplatz y disminuye el flujo estival de turistas en la ciudad, Salzburgo, la +Roma del Norte+, vuelve a encontrarse a sí misma y recupera su gracia y encanto.

Para el 8º festival de Jazz de Otoño (31.10-9.11) hay programados más de 80 conciertos, destacando las actuaciones de famosas estrellas invitadas internacionales del mundo del Jazz como Bobby Mc Ferrin, Dee Dee Bridgewater, y otros muchos. Info: www.viennaentertainment.com

Durante el Winterfest en el Volksgarten (Jardín del Pueblo) (3 de diciembre al 4 de enero) se viven unas noches mágicas: aparte de disfrutar con las actuaciones de los mejores artistas internacionales de variedades es posible degustar exquisitos platos culinarios y en la +tienda de las maravillas+ todo el mundo está radiante de gozo. Info: www.winterfest.at

El Adviento en Salzburgo es algo muy especial: el mercadillo navideño, o +Salzburger Christkindlmarkt+, celebra este año su 30º aniversario en el marco festivo de la Domplatz y la Residenzplatz (20.11-24.12). También en los mercadillos de la Mirabellplatz, la Fortaleza Hohensalzburg y en el patio de armas del Castillo Hellbrunn (20.11-24.12) el visitante podrá encontrar numerosas acogedoras ofertas navideñas. Los Cantos de Adviento (Salzburger Adventsingen) en el Grosses Festspielhaus (28.11-14.12), la elegante ornamentación navideña y las numerosas celebraciones musicales propias de esta época contribuyen a un programa navideño festivo.

El año termina en pleno esplendor con la fiesta de Nochevieja en el casco antiguo de Salzburgo (Salzburger Altstadtsilvester). A partir de las 22 horas hay unos grandes espectáculos al aire libre en todas las plazas de la ciudad con música de baile, bebidas, snacks y fuegos artificiales, bailando a medianoche al compás de los valses vieneses. Info sobre Adviento-Navidades-Nochevieja: www.salzburg.info

El Año Nuevo comienza con un apogeo cultural: la Mozartwoche (23.1-1.2.04). Para conmemorar el aniversario del nacimiento de Mozart (27 de enero) la Filarmónica de Viena y la Orquesta del Mozarteum en Salzburgo, entre otras, interpretan las obras más importantes de los últimos años del maestro salzburgués en Viena. Info: www.mozarteum.at

En el campo deportivo Salzburgo también tiene mucho que ofrecer: durante la +Mozart-Eis+ (15.11.03-6.1.04) los patinadores pueden dar vueltas a la pista junto a la estatua de Mozart ubicada en el casco histórico, acompañados por cautivadoras melodías. Como fecha provisional para el gran acontecimiento al aire libre +Campeonato Mundial de Snowboard FIS+ se ha fijado el 3.1.04 - Ubicación: Residenzplatz.

El estado federado de Salzburgo, cuna de numerosos campeones de esquí y medallistas olímpicos, se encuentra con sus magníficas pistas de esquí como quien dice a un tiro de piedra. Durante la temporada de invierno los visitantes podrán hacer uso del servicio de autobuses +Salzburg Snow Shuttle+ (20.12.03-8.04.04) para pasar el día en uno de las pistas de esquí más conocidas del estado federado de Salzburgo (Gastein – Flachau – Zell am See con el glaciar Kitzsteinhorn – Saalbach-Hinterglemm) y por la noche disfrutar de la gran oferta cultural y de ocio (desde los conciertos de Mozart hasta el elegante casino) en la internacionalmente renombrada ciudad cultural de Salzburgo. Info: www.salzburg.info

 

El Prado presenta ahora a Manet

08/10/2003, Después de la magnífica exposición de Tiziano, ahora, el museo del Prado trae una selección de las mejores obras de Edouard Manet. Así, las pinturas del impresionista estarán por primera vez al lado de las que él más admiró.

El Prado presenta a Manet.

Las mejores obras de Edouard Manet estan por primera vez en la historia al lado de las que él más admiró: las telas de Velázquez, Rubens o Tiziano. El Museo del Prado presenta una gran muestra sobre el gran maestro impresionista francés.

El acontecimiento artístico tendrá lugar en octubre. Será tambien la primera exposición que se dedica en España a Manet (1832-1883), un artista básico de la pintura moderna y profundo admirador de las colecciones atesoradas en El Prado, museo que él visitó y estudió a fondo, y donde se conservan muchos de los cuadros que más influyeron en su creación.

Con casi 60 pinturas y una nutrida selección de estampas y dibujos del artista, la exposición forma parte de una amplia colaboración con el Musée dіOrsay y el Metropolitan Museum of Art, que han organizado recientemente la muestra "Manet-Velázquez: el gusto francés por la pintura española", aunque el Prado se ha centrado exclusivamente en Manet con la finalidad de explorar los logros de uno de los pintores más innovadores e influyentes del siglo XIX.

Manet en el Prado adquiere además un especial significado puesto que el propio artista viajó hasta este museo en 1865, movido por su interés por la pintura y los temas españoles pero también por su conocimiento de los maestros antiguos, como Tiziano y Rubens, por los que sentía una profunda admiración, y cuyas principales obras se atesoran en la gran pinacoteca. Esta visita resultó de una importancia capital para el desarrollo de su arte.

El Prado ha contado con el apoyo de más de treinta instituciones y coleccionistas privados que han hecho posible la organización de esta exposición con sus préstamos. Gracias a ello, se podrán ver juntas muchas de las mejores obras de Manet, como El Balcón, El retrato de Emile Zola (París, Musée dіOrsay), El cantante español (Nueva York, The Metropolitan Museum of Art), los Pequeños caballeros (Virginia, Chrysler Museum of Art), Guitarra y sombrero (Aviñón, Musée Calvet), Ante el espejo (Nueva York, The Solomon R. Guggenheim Museum), el Retrato de Faure en el papel de Hamlet (Hamburgo, Kunsthalle) y En el Conservatorio (Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Gemaдldegalerie). A resaltar especialmente las tres versiones de la Ejecución de Maximiliano, en las que el artista trató, a escala monumental, un tema de la historia contemporánea: la ejecución del Emperador Maximiliano de Méjico en 1867.

La exposición recorre la evolución de Manet, desde sus primeras obras, más clásicas, hasta la culminación de su carrera, explorando cómo su descubrimiento de la pintura española le estimuló a definir una moderna manera de pintar. La muestra tendrá lugar en las salas principales del Prado y permitirá establecer con claridad el diálogo entre la pintura de Manet y la de los artistas españoles del Siglo de Oro y Goya, así como la de Tiziano, Rubens y Veronés.

El padre del impresionismo.

Nunca quiso exponer con los impresionistas, pero se le considera implicado en este movimiento y auténtico guía del mismo. Nacido en París en 1832, perteneciente a la alta burguesía francesa, pronto descubrió su vocación de pintor, recibiendo unas enseñanzas clásicas que a él nunca le entusiasmaron.

Su situación económica le permitió viajar por Italia, Holanda, Alemania, Austria y España, conociendo la obra de los grandes pintores, especialmente los italianos y españoles, centrándose principalmente en Velásquez, por el que sintió una devoción especial.

Desde su primera producción se denota la madurez de su trabajo, influido originariamente por Courbet (a su vez admirador de Velázquez, Ribera y Zurbarán)

Hacia 1960 su pintura aún refleja más activamente su veta española, sus "spagnolades" son magistrales. Entre ellas el retrato de Lola de Valencia(1862), donde se intuye el influjo de Velásquez y Goya. Un año más tarde realizó otra de sus obras famosas, el desayuno sobre la hierba, que fue el escándalo del Salón de los Rechazados. En el cuadro presenta una escena campestre: una mujer desnuda en un claro del bosque, sentada junto a dos hombres rigurosamente vestidos. Al lado, las ropas, revueltas, se mezclan con los restos de la merienda. Demasiado atrevimiento para una moral acostumbrada al academicismo más clásico.

La moral burguesa volvió a palidecer con su Olimpia, presentado en el Salón de 1865. Una mujer desnuda reposa en la cama, cerca de su criada negra. No están lejos las Venus renacentistas. Sin embargo la crítica no apreció ni la calidad ni la luminosidad de la obra.

Ese mismo año, Manet hace su viaje a España, donde se reafirma en su amor a Velázquez Poco después pinta El pífano, un magistral y económico uso del color. Nueva crítica adversa de los críticos franceses y una defensa notable por parte de Zola, a quien más tarde retratará, agradecido. Poco más trde pintará (1868) otra de sus grandes obras: El balcón, de clara inspiración goyesca.

A partir de esta época, Manet contará siempre con el respeto y la admiración de la creciente mesnada impresionista, que le consideraba un maestro. Venecia o Argenteuil (donde se encontraría con Monet) son lugares que visita y donde pinta cuadros con excelentes efectos impresionistas. Es a finales de la década de los setenta cuando empieza a sufrir los primeros problemas de la Ataxia, enfermedad que le irá apartando de la pintura, aunque continuó hasta el fin de sus días haciendo trabajos. Los últimos, sencillos asuntos florales.

Un nuevo reto para El Prado.

Las últimas grandes muestras temporales de El Prado, sobre Vermeer y la pintura holandesa y sobre Tiziano han sido de un éxito total. Ahora, como novedad, el museo ha habilitado un sistema de ventas anticipada de entradas que permite reservar día y hora -a excepción de los domingos- para evitar las colas en previsión de la masiva afluencia.

La vinculación Manet Velázquez ha estado puesta de manifiesto este año con otra gran exposición. En Nueva York, la exposición "Manet/Velázquez", reflejó la influencia de los maestros del Siglo de Oro español en artistas franceses. La exhibición recogió una selección de obras de Diego Velázquez, Francisco Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo, José de Ribera y Francisco de Goya, que combinó con otras realizadas por Edouard Manet, Edgar Degas, Gustave Courbet y otros artistas franceses y americanos de los siglos XVIII y XIX, que se inspiraron en los clásicos españoles.

Se espera un nuevo éxito. El hecho paradógico de que no haya en España apenas obras de este pintor frances aumenta el atractivo de la cita. Es comisaria de la muestra Manuela Mena, del Departamento de Pintura del siglo XVIII del Museo Nacional del Prado, que ha contado con la colaboración de un equipo internacional de especialistas.

El catálogo editado incluye ensayos sobre la vida y arte de Edouard Manet. Son autores de los trabajos Manuela Mena, Juliet Wilson Bareau, Valeriano Bozal, Ѕngel González, Gudrun Muehle-Maurer, Jorge Semprún y Francoise Catchin.

Tomás Alvarez.  

El Quijote y la obra gráfica

01/10/2003, Unas décadas después de ser escrito El Quijote, las figuras del ingenioso hidalgo y su panzudo escudero ya estaban siendo reproducidas hasta en lugares tan lejanos como Inglaterra o China

El Quijote y los artistas gráficos

Unas décadas después de ser escrito El Quijote, las figuras del ingenioso hidalgo y su panzudo escudero ya estaban siendo reproducidas hasta en lugares tan lejanos como Inglaterra o China.

Y es que el libro de Miguel de Cervantes es, probablemente, la obra literaria que más ha despertado la imaginación de los artistas gráficos de todos los tiempos. La trascendencia del tema se comprueba en la muestra que han organizado el Museo del Prado y la Real Academia de bellas artes de San Fernando(Madrid), junto con la Hispanic Society of América(Nueva York) y que se refiere a la interpretación del Quijote desde su primera edición hasta la llegada del siglo XX.

El hidalgo y su escudero pronto fueron personajes populares. En 1605 –año de la primera edición- ya eran figuras de una procesión celebrada en Valladolid y poco después aparecieron en actos y estampas en otros puntos de España, Europa y en Nuevo Mundo. En muchos casos, la nobleza adornó sus mansiones con tapices alusivos, como hizo María de Médicis en 1640 en su castillo de Cheverny.

En 1605 ya apareció en Lisboa la primera edición con un caballero y su escudero en la portada, aunque las estampas características del Quijote se iniciaron en 1618 en la edición londinense.

En el catálogo de la exposición se cita que entre 1725 y 1750, cuatro artistas de países distantes más de 10.000 kilómetros observaban las mismas estampas. Estaban grabadas a partir de los dibujos del francés Charles-Antoine Coypel y se habían realizado para representar las aventuras del hidalgo en unas tapicerías del rey galo Luis XV. Dos de los artistas que reinterpretaban las escenas estaban en Londres(1725) y los otros dos en China, uno en Kangxi (1735) y otro en cantón(hacia 1750).

Los cuatro trabajaban por encargo. Los ingleses a petición del editor Tonson y del político Lord Carteret. Eran John Vanderbank y William Hogarth. Los chinos decoraban vajillas. Se desconoce el nombre de estos últimos.

Multitud de artistas, especialmente grabadores, reinterpretaron esas imágenes, que enriquecieron las sucesivas ediciones del Quijote (la primera fue de 1605), adornando un libro que pronto se convirtió en el referente básico de la novela moderna. En la obra ya se marcan las líneas físicas de los personajes. El ingenioso hidalgo “de complexión recia, seco de carnes y enjuto de rostro”, y su compañero de aventuras y desventuras con “barriga grande, el talle corto y las zancas largas”, definiciones que han servido tanto para los ilustradores como para las propias versiones cinematográficas.

Esas ilustraciones se han realizado durante cientos de años, y –consecuentemente- vienen teñidas de las tendencias de cada época. Barroco, romanticismo o realismo influyeron directamente en los ilustradores de cada tiempo.

Aunque desde el Renacimiento, la ilustración de textos se valoró como algo secundario en la edición, la calidad de la obra realizada en torno a Don Quijote es tan inmensa como excepcional. En ella no sólo se ven las novedades estilísticas de cada época, sino la interpretación literaria del texto.

El Quijote ha sido interpretado de forma distinta en cada época. El hidalgo manchego era un hombre que después de atiborrarse de libros de caballería, sale al mundo como caballero andante, encontrándose con que no hay en el mundo caballeros andantes, ni princesas...

Esa brutal sátira contra los libros de caballería ha sido interpretada desde distintos puntos. Unos ven una crítica de costumbres; otros la lucha fracasada del idealista; algunos la ruina de un imperio; otros más una novela burlesca, cómica.

Y la interpretación de la imagen depende del juicio literario. Hay versiones de Don Quijote como figura cómica que promueve a la risa; otros exaltan la nobleza; los románticos el aspecto visionario. Si el caballero es frágil, su lucha genera patetismo, simpatía y conmiseración; cuando se hace más imponente se transforma en grotesca...

La muestra permite ver obra de Jacques Lagniet, Jerome David, Charles Antoine Coypel, John Vanderbank. William Hogarth, Daniel Chodowieki, Antonio Carnicero, Francisco de Goya, Luis Paret, Jean Honoré Fragonard, Robert Smirke, Gustavo Doré, Adolphe Lalauze, Ricardo de los Ríos, Gottfried Franz y otros.

En la exposición se reunen un total de 210 piezas. El ochenta por ciento de las obras se muestran por primera vez y la mayoría proceden de la Hispanic Society of America

Estampas, dibujos, pruebas de estado, láminas de cobre, pinturas y hasta un plato de porcelana realizado en China, conforman la doble muestra compuesta en su mayoría por obras procedentes de la colección del ingles Henry Spencer Ashbee.

Entre las importantes obras mostradas en el Prado se encuentra la primera edición de 1605, en la que se muestra a Don Quijote como caballero andante, y las realizadas en Francia, donde destacan los extraordinarios dibujos de Jerome David, que se muestran por primera vez, o los de Charles-Antoine Coypel, cuya obra se difundió por el mundo entero.

La primera edición de lujo editada en Inglaterra junto a numerosas estampas de William Hogarthd y otros artistas profundizan en las ilustraciones del Quijote en Inglaterra.

La exposición está comisariada por Patrick Lenhaghan, conservador de la Hispanic Society of America,; José Manuel matilla, del Museo del Prado, u Javier Blas, de Calcografía Nacional, Madrid.

Tomás Alvarez.  

Grabados del British Museum

30/09/2003, En Tarragona se puede contemplar una magnífica muestra de los grabados del British Museum, entidad que posee una colección excepcional, con trabajos de los grandes de la historia del grabado. Seis siglos de arte.

El British Museum conserva en su departamento de grabados y dibujos un auténtico tesoro, en el que se halla todo el repertorio de grandes genios que practicaron esta modalidad artística. Más de dos millones de obras.

Esa riqueza artística queda demostrada sólo con exhibir una relación de nombres: Durero, Lucas Cranach el Viejo, Anthony van Dyck, Rubens, Rembrandt, Piranesi, Goya, Géricault, Delacroix, Manet, Munch, Emil Nolde, Matisse o Picasso. Una muestra organizada por el British Museum y la Fundación La Caixa recoge obras de todos ellos.

EL GRABADO

Un grabado es fundamentalmente una imagen pictórica que ha sido producida mediante un procedimiento que permite multiplicarla. Este procedimiento requiere un diseño previo y la preparación de una superficie de impresión.

El diseño consiste normalmente en un dibujo y la superficie de impresión o matiz suele ser de madera, metal o piedra. Estas superficies se entintan y se imprimen sobre un material como el papel. Antes de la invención de los métodos de reproducción fotomecánicos, todos los grabados se producían o estampaban a mano. No en vano, los artistas siempre fueron conscientes de que la edición era limitada debido al desgaste de la matriz.

Actualmente, el grabado de edición limitada es, en cierto modo, un intento de contrarrestar las perniciosas implicaciones de la multiplicación en beneficio del resurgimiento del grabado original, es decir, de creación.

Los grabados se distinguen en originales y de reproducción. Los primeros son aquellos efectuados manualmente partiendo de diseños hechos por los artistas en tacos de madera, planchas metálicas o piedras.

Entre los numerosos artistas que se sintieron profundamente interesados por el grabado original cabe señalar a Durero, Rembrandt, Goya, Toulouse-Lautrec, Munch, Matisse y Picasso.

Los grabados de reproducción se caracterizan por el hecho de que el diseño es ejecutado por un grabador profesional que traduce el trabajo del artista a un medio susceptible de ser impreso. Algunos pintores, como por ejemplo Rafael, colaboraron estrechamente con grabadores (en su caso fue Marcantonio Raimondi) para que sus obras fueran traducidas a aguafuertes. Otros ejemplos similares son los grabados de John Smith, Wallerant Vaillant y William Pether, todos ellos reproducciones de pinturas.

Ya en el siglo IX los chinos utilizaban la impresión mediante matrices hechas en tacos de madera. Eran las primeras xilografías. Esta técnica se hizo popular en Europa en los siglos siguientes, sobre todo para hacer naipes... hasta que Durero la llevó a un grado artístico asombroso.

Mark McDonald, comisario de la muestra, definió a Durero como "el más importante grabador de todos los tiempos". A su estela siguieron nombres de la talla de Hans Baldung, Lucas Cranach, etc. Precisamente la técnica xilográfica fue también utilizada en épocas modernas, con Nolde, Kirchner y Munch.

Pero el grabado fue más allá de la matriz de madera. Los artistas emplearon técnicas tan complejas como dispares: xilografía, al buril, aguafuerte, punta seca, aguatinta... La invención de la fotografía contribuyó a confundir a la opinión pública hasta tal punto que aún hoy son muchos los que creen que grabado es sinónimo de simple reproducción y degradan a secundario el valor artístico de esta especialidad. Nada más erróneo.

LOS GRABADOS DEL BRITISH MUSEUM

El British Museum y la Fundación La Caixa, han colaborado para poner en marcha una excelente exposición, en la que se reúnen 114 obras de gran valor artístico de los grandes maestros. Se ha presentado en Tarragona, Cataluña, y estará abierta hasta enero del 2004. Luego, la exposición viajará por otras ciudades de España, antes de retornar a Londres.

La exposición “Los maestros del grabado en la Colección del British Museum” intenta demostrar que las estampas son verdaderas obras de arte, e incluye excelentes ejemplos de las principales técnicas utilizadas en los últimos seis siglos de la historia del arte: los grabados al buril de Martin Schongauer y Hendrick Goltzius; las xilografías de Alberto Durero y Ernst Ludwig Kirchner; los aguafuertes de Rembrandt y Piranesi; las maneras negras o mezzotintas de Ludwig von Siegen y John Martin; las litografías de Goya, Manet y Käthe Kollwitz...

La colección de Grabados y Dibujos del British Museum abarca desde el siglo XV hasta la actualidad, y posee ejemplos de todas las principales escuelas. Asimismo, incluye una importante selección de “ephemera” (documentos de uso cotidiano válidos a corto plazo, como puntos de libro, panfletos, programas de mano, pósters...). Entre los ejemplos más notables de esta colección destacan dibujos y grabados de los grandes maestros, dibujos satíricos de los siglos XVIII y XIX y obras realizadas en Gran Bretaña de todos los periodos.

SEIS SIGLOS DE EXPERIMENTACIÓN

La exposición Los maestros del grabado en la Colección del British Museum (s. XV-XX) invita al espectador a recorrer, en las salas del Centro Social y Cultural de la Fundación la Caixa de Tarragona, seis siglos de historia jalonados por los nombres de los grandes maestros de la historia del grabado: el Maestro de la Baraja, Martin Schongauer (el primer grabador cuyo nombre se conoce), Domenico Campagnola, Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo, Federico Barocci, Anthony van Dyck, Peter Paul Rubens, Rembrandt, Giovanni Battista Piranesi, Francisco Goya y Lucientes, Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Edouard Manet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner, Edward Hopper, Kurt Schwitters, Henri Matisse y Pablo Picasso, entre muchos otros.

Pero la muestra no se ciñe sólo a una larga lista de grandes nombres, sino que invita al espectador a desentrañar las múltiples y complejas técnicas de estampación desarrolladas en Europa desde el siglo XV. Desde las técnicas en relieve, como la xilografía y el grabado en linóleo, madera a testa o metal, hasta las técnicas de la estampación en hueco o calcográfica, como el grabado al buril y el aguafuerte (las más extendidas dentro de esta categoría), la punta seca, la manera negra o “mezzotinta” y el aguatinta. Asimismo, reúne varias obras realizadas a partir de la técnica de la litografía.

Existen diferentes procesos y técnicas representadas en la exposición. En el grabado en relieve, las líneas a partir de las cuales se lleva a cabo la impresión forman un relieve que sobresale sobre el resto de la matriz que ha sido rebajada. Las técnicas más comunes son la xilografía y el grabado en madera a testa, al linóleo o al metal. Por el contrario, en el grabado en hueco o calcográfico, las líneas del dibujo se tallan sobre la superficie de una plancha de metal (normalmente de cobre, pero también de hierro o acero), después se entintan y finalmente se imprimen bajo gran presión, haciendo que el papel entre en las áreas grabadas y chupe la tinta. Las dos técnicas calcográficas más comunes son el grabado al buril y el aguafuerte.

Tomas Álvarez.

Imágenes cedidas por Fundación La Caixa

 

El otro Diego Rivera

26/09/2003, La fama de Diego Rivera como muralista ha oscurecido al otro Diego Rivera, el pintor de “caballete”.

La fama de Diego Rivera como muralista ha oscurecido al otro Diego Rivera, el pintor de “caballete”. Una exposición que se está exhibiendo ahora por Europa contribuirá –sin duda- a revitalizar su prestigio y a entender mejor al gran artista mexicano.

Un retrato de la madre del pintor, realizado en 1904, abre una la interesante exposición, que se presenta en el Museo de América de Madrid. No se trata de una “masiva” presentación de trabajos, son sólo 36 obras de caballete, pero sirven para revisar su proceso creativo, haciendo especial énfasis en su época de experimentación con las vanguardias europeas de principios de siglo.

El recorrido expositivo permite apreciar las mutaciones estilísticas que experimentó Rivera a través de retratos, paisajes, bodegones, desnudos y cuadros costumbristas, dejando aparte los dibujos y bocetos que revelan su talento como vigoroso muralista.

LOS MURALISTAS DE MÉXICO.

Diego Rivera es uno de los grandes muralistas que dieron prestigio al arte mejicano en el siglo XX, al desarrollar una propuesta artística innovadora y de gran impacto y contenido social.

El muralismo mejicano tuvo sus orígenes a inicios del siglo XX. En esos primeros pasos del siglo, Atl y Vasconcellos plantearon la necesidad de impulsar en el país un arte que entroncase con la cultura, la tradición y la realidad mexicana. El último de ellos, como ministro de Educación, expuso la necesidad de un programa popular y revolucionario, cercano a los modelos soviéticos, que diera una gran importancia al arte público y popular. Diego Rivera, en 1921 recibió el encargo gubernamental de trabajar en esa dirección.

Rivera, igual que Siqueiros, había permanecido buena parte de su juventud en Europa. Ellos dos, junto con Orozco, serían los encargados de dar al muralismo mexicano un contenido propio, una enorme difusión y un prestigio universal.

Esa línea autóctona del arte mexicano se reforzó en 1221, cuando Rivera y Vasconcellos contemplaron en Chichén-Itzá la existencia de murales precolombinos, y cuando, un año más tarde, el Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores de México hizo una declaración de principios, en la que rechazó la dependencia artística de Europa. Todo ello contribuyó a la eclosión muralista con identidad propia.

DIEGO RIVERA.DIEGO RIVERA.

El artista había nacido en Guanajuato, en 1886 y falleció en Ciudad de México en 1957. Ya de joven, en 1707, viajó por España, Francia y el norte de Europa, instalándose luego en París, donde entró en contactos con los artistas que entonces hacían de la ciudad del Sena una capital mundial de las artes. En esa época, Rivera se desenvolvió en el ámbito cubista, pero también se relacionó con grupos de artistas emigrados rusos, y al estallar la Revolución en 1917 intentó viajar a Rusia, lo que no pudo hacer hasta 1927.

Vuelto en 1921 a México, participó en los murales de la Escuela Preparatoria, haciendo el trabajo de La Creación, donde ya se puede ver la unión de cubismo e indigenismo. Sin duda, en este último aspecto influyeron sus contactos con artistas que ya en Europa propugnaban un arte público basado en la tradición popular.

En años posteriores seguiría trabajando el muralismo, con trabajos inmensos, como el de la Secretaría de Educación Pública, con temas que marcan el dolor del pueblo por su explotación y la dignidad del esfuerzo del artesano y las gentes sencillas.

Numerosos lugares de México cuentan con murales de Ribera, si bien éste no abandonó nunca el trabajo de caballete, con paisajes, escenas y retratos de gentes de todo tipo de nivel social.

LA MUESTRA.

Las obras de caballete del muralista mexicano Diego Rivera, permiten visualizar su proceso creativo. Se trata de una colección de cuadros propiedad de estado de Veracruz (México) que está considerada Patrimonio Artístico de la Nación, que se inició con los seis cuadros que el joven Rivera cedió en su día a ese Estado, agradecido por la beca que se le concedió para estudiar en Europa.

El recorrido abarca desde los primeros años de formación académica de Diego Rivera, su estancia en Europa, a donde viajó con 20 años, su redescubrimiento más tarde en México de lo autóctono y el desarrollo de su producción de madurez, arte político y polémico comprometido con el socialismo y la cultura indígena.

El recorrido permite apreciar las mutaciones estilísticas que experimentó Rivera a través de retratos, paisajes, bodegones, desnudos y cuadros costumbristas, dejando aparte los dibujos y bocetos que revelan su talento como muralista.

La colección se inicia con un retrato de la madre del artista y varios paisajes mexicanos pintados al estilo del siglo XIX, donde revela una técnica impresionista. Luego, diversos trabajos hechos tras su llegada a Europa revelan su experimentación con formas puntillistas, impresionistas o cubistas. Diversos cuadros de formas geométricas muestran influencias de autores como Picasso o Juan Gris, aunque otros recuerdan temáticas, colores o líneas de Cezanne, Delaunay o Modigliani.

Entre los cuadros hay excelentes retratos de mujeres como el de Angelina Beloff, su primer amor, o el de Lupe Marín, su esposa y madre de sus hijos. Otro de los cuadros destacados es su Desnudo con girasoles, lleno de sensualidad y luz.

Entre sus paisajes, hay bellos trabajos de México, Francia y España. De los cuadros de esta temática hechos durante su estancia en Europa cabe citar la estación de Montparnasse y el paisaje de Arcueil: de sus estancias en España hay dos cuadros: Tierra quemada de Cataluña, puntillista, y Paisaje de Toledo, cubista.

"Lo importante de esta colección, que viaja por primera vez a Europa, es que nos muestra a un Diego Rivera desconocido, y no sólo de una primera época sino de todo su quehacer artístico", según Dolores Tomás, comisaria de la exposición.

Para la comisaria, “las influencias de Cezanne en Paisaje de Arcueil (1918), de Picasso y Gris, que le empujaron a plantearse la reflexión cubista o de los desnudos de Renoir, van apareciendo en el recorrido que entra en la madurez a partir de su Desnudo con girasoles(1946), periodo que incluye dibujos como Mujer con morral (1948) y otros pequeños cuadros de campesinos y obreros que recuerdan rasgos del realismo soviético”.

Tomás Alvarez.

 

Goya, original y copia

16/09/2003, Una exposición de obras del Museo Lázaro Galdiano, organizada por la Fundación Caixa Girona está sirviendo para revisar la producción de Goya, sus imitadores y copistas.

Una exposición de obras del Museo Lázaro Galdiano, organizada por la Fundación Caixa Girona está sirviendo para revisar la producción de Goya, e investigar los abundantes cuadros que se han atribuido al genial pintor a lo largo del tiempo.

“El mundo de Goya” es una muestra que actualmente se expone en Girona, Cataluña, y que tiene como principal objetivo dar a conocer los problemas de atribución de las obras del genial autor aragonés, partiendo para ello de la presentación de los excelentes fondos goyescos del Museo Lázaro Galdiano de Madrid.

EL LÁZARO GALDIANO.

José Lázaro Galdiano (1862-1947), fue un financiero, amante de la belleza y la cultura, que reunió una magnífica colección de arte. Casado en 1903 con la multimillonaria argentina Paula Florido Toledo, Legó a la hora de su muerte una gran colección de pintura, joyas, libros y antigüedades al Estado español.

La Fundación Lázaro Galdiano surgió de aquella generosa donación. El legado del coleccionista estaba formado por 13000 obras de arte, el palacio que las albergaba, la sede de su editorial y una biblioteca con 20000 volúmenes.

El museo Lázaro Galdiano abrió sus puertas al público en 1951 y se mantuvo sin cambio alguno hasta enero de 2001, mes en el que cerró sus espacios para acometer obras de rehabilitación y reorganización museológica. Ese cierre ha sido aprovechado para mostrar su contenido en diversas exposiciones temporales.

La colección de pintura del museo, compuesta por más de 750 obras, es la sección con más peso entre las diversas secciones del mismo. En ella destaca una buena muestra de la escuela española y en particular el tema de Goya y lo goyesco. De hecho, en una época en la que aún era más difícil distinguir el original de una copia, el financiero compró un centenar de obras como de Goya, de las cuales la mayoría no lo eran.

Lázaro Galdiano, reunió su legado en la primera mitad del siglo XX, y adquirió multitud de obras vinculadas al ámbito de Goya, de las cuales algunas pertenecen al pintor, otras son copias y otras de dudosa autoría. Las hay, incluso, que hace años se dijo que no pertenecían a Goya y que ahora si se le atribuyen, como es el caso de La Magdalena penitente.

ORIGINAL Y COPIA.

Ya autores como Rubens copiaron a sus maestros para estudiarlos. Son magníficas las copias de cuadros de Tiziano que hizo el holandés. Luego –sobre todo a partir del XVIII- se hizo muy habitual la copia de obras de arte clásicas. La aristocracia y la burguesía estimaban la ostentación de obras vinculadas a los grandes clásicos.

Goya adquirió pronto fama como artista con gran personalidad y fue copiado en abundancia. Pero a ello se añadió la confusión en las particiones de la herencia a la hora de su muerte y la existencia de algunos pintores imitadores o relacionados con él, como Leonardo Alenza y sobre todo Eugenio Lucas Velásquez, copista del maestro aragonés y a quien tradicionalmente se le atribuyen multitud de obras de incierta autoría.

Uno de los cuadros de más atractivo es el retrato del padre José de la Canal, una de las primeras adquisiciones de Lázaro Galdiano que pudiera ser de Goya, que tiene una calidad notabilísima, con un rostro cargado de expresividad.

LA MUESTRA EL MUNDO DE GOYA.

La exposición – que organiza la Fundación Caixa Girona- reúne 71 obras entre pinturas, grabados y dibujos, que se han agrupado con la voluntad de dar a conocer el problema de la atribución de obras de Goya. Estas obras proceden básicamente de la Colección Lázaro Galdiano de Madrid y también del Museo Agen (Francia), El Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Ashmolean Museum of Oxford, el Museo del Pardo y colecciones privadas de Madrid, Cádiz y Barcelona. También se pueden ver también dos dibujos procedentes del Museo Diocesano de Girona, que forman parte del Museu d´Art de Girona, y se restauraron con motivo de una exposición de dibujos de Goya en París, tras ser analizados por expertos, que concluyeron que son del pintor español.

Del total de obras se pueden considerar de Goya sin discusión un total de 5 óleos, 15 litografías y 4 dibujos. La colaboración entre la Fundación Caixa de Girona y la Fundación Lázaro Galdiano ha permitido llevar a cabo esta exposición que muestra obras indiscutibles del artista junto con otras más polémicas respecto a su atribución, aunque fueron adquiridas como "Goyas". La comisaria de la muestra y profesora de la UCM especialista en Goya, Mercedes Agueda, explica que las obras se han distribuido en los apartados "taller", "discípulos" o "atribuido a Goya".

Además, completan la exposición obras conocidas de pintores que han estado influidos por Goya como Eugenio Lucas Velázquez, Leonardo Alenza o Eugenio Lucas Villamil. La exposición permite además ver tres pruebas únicas en el mundo: tres litografías de "Los Toros de Burdeos".

El carácter científico de esta muestra ha obligado, según sus responsables, a rechazar otras obras de Goya presentes en la Colección de Galdiano y a recoger sólo aquellas donde se pudiera dar una nueva interpretación, atribución o documentación inédita o poco conocida. Entre las obras expuestas, destacan retratos de personalidades como Rosario Weiss y Eugenio Velázquez, obras de gran importancia del pintor aragonés como el esbozo para "San Hermenegildo en la prisión" o "La Magdalena penitente".

Precisamente, Una investigación científica reciente ha permitido que ésta último cuadro se vuelva a atribuir a Francisco de Goya, después de que dicha autoría hubiera sido descartada en 1970.

Junto a las obras citadas, aparecen otras de las que existe más de una versión o de cuya autoría se duda como en "La Comunión", expuesta al lado de una réplica suya que está en Bilbao.

Un apartado de la exposición está dedicado a "Juegos de niños", en el que se analiza una de las series más enigmáticas de Goya, y en otro se muestran obras ligadas al "lado oscuro" del pintor y que tienen como temas la brujería o la inquisición. Los dos últimos apartados están dedicados a dos artistas relacionados con Goya, Rosario Weiss, hija de la ama de llaves del pintor y que posiblemente fue su amante, y Leonardo Alenza.

 

Turismo invernal en Austria

15/09/2003, Austria promociona tradicionalmente para el turismo de fin de año su oferta cultural, sus atractivas zonas de montaña, y sus costumbre y tradiciones navideñas

Austria promociona tradicionalmente para el turismo de fin de año su oferta cultural, sus atractivas zonas de montaña, y sus costumbre y tradiciones navideñas.

En el plano cultural, el atractivo de Austria se refuerza por sus ocho lugares Patrimono de la Humanidad, según la lista de la UNESCO. La oficina de turismo del pais sugiere una vuelta por el país, y vivir la cultura de la ciudades de Viena, Salzburgo y Graz; que se deje encantar por la excepcional belleza del Valle del Danubio; que se deleite con el impresionante panorama montañoso de la región de Hallstatt- Dachstein/Salzkammergut y que suba al primer ferrocarril moderno de montaña de Europa en Semmering, que le llevará por un paisaje en el que se armoniza la cultura, la técnica y la naturaleza.

Steyr- donde vive el Niño Jesus

Pero entre las sugerencias típicamente navideñas, está Steyr. La ciudad, con 1000 años de historia, se convierte una vez más, a partir de Noviembre de 2003, en la Ciudad Oficial del Niño Jesus. Se expondrán en la exposición Belenes de ayer y de hoy, los belenes más apreciados, entre ellos el Mecánico, de Karl Klauda, o las Figuras del Belen de Lamberg de la época barroca, junto a otros 300 belenes de 34 paises.

Este año se inaugurará el Primer Museo Austríaco de la Navidad En las salas del Mundo del Niño Jesus se expondrán más de 10.000 piezas de adorno de árboles de Navidad antiguos; 200 muñecas de casitas de muñecas de la época del Biedermeier (1850) hechizarán tanto a mayores como a niños; un pequeño tren de aventura les llevará por unos episodios de costumbres navideñas de todo el mundo, representados por muñecas con rizos dorados.

Al llegar al taller de Angeles, en la buhardilla, se podrán apreciar numerosos angeles trabajando activamente con pintura y cocinando deliciosos dulces de Navidad, ...- todo ello bajo el control de Santa Claus.

En la plaza medieval de la ciudad de Steyr, delante del gran Arbol de Navidad, bandas locales con instrumentos de viento presentarán sus conciertos navideños. Los sábados de adviento por la noche habrá representaciones del Coro de Navidad: Adventsingen (Cantos de Adviento), en la iglesia barroca de San Miguel. Las canciones acaban con un Jodler (canción típica austriaca), que cantan todos juntos con el público.

En San Ulrich, un pequeño distrito de Steyr, se celebrará este año por primera vez un Adviento de Episodios de Cuentos de Hadas. Es un mercadillo de adviento para niños, con muchas representaciones de Cuentos de Hadas.

la Abadía de Göttweig en Adviento.

Ambiente de Adviento, aventura Cultural y alegría de navideña en la Abadía Barroca de los Benedictinos en Göttweig en Baja Austria.

El fín de semana de la segunda Semana de Adviento, con la Fiesta de María el 8 de Diciembre de 2003, la abadía de Göttweig presentará su Adviento de Göttweig.

El Viernes 5 de Diciembre se abre el tradicional Mercadillo de Adviento de Göttweig y estará abierto durante los días 6, 7 y 8 de Diciembre.

En una gran colaboración se decoran los puestos en los cuales se ofrecen una gran variedad de artesanía, trabajos a mano, manteles, velas, belenes, adornos para los Arboles de Navidad, CDs con canciones de Navidad de la abadía, tarjetas de Navidad y licores y mermeladas hechos en casa.

Se podrán degustar y comprar los famosos dulces de Navidad que preparará el equipo de cocineros del Restaurante de la Abadía, así como el Pan de Navidad, llamado Kletzenbrot, pequeñas tapas, vino caliente, té y ponche. Todo ello complementa la oferta de especialidades gastronómicas de la cocina típica y de los excelentes vinos de la bodega de la abadía.

Para los peques San Nicolás vendrá todos los días a traerles algún dulce. Y una experiencia especial para toda la familia será la búsqueda conjunta de un Arbol de Navidad adecuado para cada casa en los bosques de la Abadía.

 

Centenario de Paul Gauguin

01/08/2003, Hace cien años que Paul Gauguin murió en las tierras de Polinesia. Fue un pintor incomprendido, pero que tuvo gran importancia en la pintura moderna.

Hace cien años que Paul Gauguin murió en las tierras de Polinesia. Fue un pintor incomprendido, pero que tuvo gran importancia en la pintura moderna. En el final del siglo XIX, rompió con la vibración de la pintura impresionista y llenó sus cuadros de colores planos, anticipando lo que luego harían otros pintores; también fue un maestro para el grupo de los nabis.

Con motivo del centenario, el Grand Palais de París presenta una gran exposición sobre la obra de este eterno descontento, del que conmemoramos su última huida.

Pinturas, esculturas y fotografías debidas a esta artista y realizadas entre 1891 y 1903 –más de 200 obras- se presentan en Gauguin-Tahití “el taller de los trópicos”, que estará abierta desde el inicio de octubre al 19 de febrero de 2004.

El pintor, buscador de paraísos, eterno descontento, poco antes de su muerte pintó un cuadro que llenó de interrogantes: ¿De donde venimos? ¡Qué somos? ¿a dónde vamos?. Son las preguntas de un hombre enfermo y sólo, incapaz de seguir avanzando en una vida en la que buscó permanentemente la belleza.

En el cuadro aparece una naturaleza lujuriante y diversos animales y personajes en la penumbra. Pero no rebosa alegría, sino misterio. Es una de las piezas más destacadas, procedente del Fine Arts Museum de Boston, colaborador con el ministerio de cultura francés en esta acontecimiento de del Grand Palais.

“Solo quiero silencio y que dejen morir tranquilo” expresó el pintor cuando intentó suicidarse con arsénico, en los días de 1897 en los que pintó este cuadro testamento que vuelve a Francia por vez primera desde hace 50 años

Centrado sobre el ámbito de la isla de Tahití y su interés para la pintura, la muestra busca las fuentes de inspiración planteadas en el cuadro de Gauguin desde sus obras francesas para centrarse especialmente en el periodo final de la Polinesia.

Buscando paraísos.

Paul Gauguin, nació en París en 1848; pero pronto empezó a padecer los problemas de una sociedad cargada de intereses. Con apenas cuatro años tuvo que emigrar con toda su familia a Perú tras el golpe de estado de Napoleón III.

En Lima residió hasta el otoño de 1854, fecha en la que regresa huérfano, a Francia. En París, la madre deberá trabajar como modista para sacar a la familia adelante.

De espíritu aventurero, el joven Gauguin intenta entrar en la Escuela de Náutica, pero no lo consigue, y decide irse de marinero cuando contaba con 17 años. Regresa en 1872 y se convierte en agente de Bolsa, trabajo en el que se alcanzó resultados positivos, que le permitieron comprar diversas Pinturas. Entonces se inició con los pinceles y se casó con una joven danesa, Mette Gad, con la que tuvo cinco hijos.

Pissaro sería su primer maestro artístico. Él le lleva por derroteros impresionistas, participando en algunas exposiciones. En 1882 tuvo que dejar su trabajo de agente de bolsa y empezó a vivir de la pintura, aunque pasó graves dificultades económicas, que le obligaron a irse a Rouen, donde el costo de la vida era más soportable.

Los triunfos no llegan, y se busca la vida con otras actividades, como vendedor de toldos. La familia se disgregó entre Dinamarca y Francia y el acabó trasladándose a la Bretaña donde cambió de estilo; dejó el impresionismo y entró en un ámbito más simbolista. Asimismo, inició un cambio de expresividad cromática: colores intensos y planos, lo que llevó a algunos críticos a hablar del cloisonismo. Este apelativo derivaba de una técnica de la elaboración de esmaltes: el tabicado o cloisoné, basado en celdillas que se rellenan de una pasta y que una vez fundida deja espacios de tonos relativamente homogéneos.

Pero Bretaña sólo fue otra etapa en su permanente búsqueda. Gauguin es el eterno descontento de su suerte personal, pero tambien de una sociedad injusta industrializada y dura. Se traslada a Panamá, para trabajar en el canal interoceánico, Y luego, Martinica, donde entra en contacto con un exotismo que luego caracterizará su pintura.

De regreso a Francia, vuelve a instalarse en la Bretaña, donde hace alguna obras interesantes, como su cristo Amarillo. Tambien coincide en Arlés con van Gogh , pero sigue añorando otra sociedad más justa y piensa en Tahití.

Llega a la Polinesia en 1891, con ansias de gozar de la vida y del amor en un ambiente primitivo y bello. Es una época de belleza y color en su pintura, simbolista y cloisonista. Arreboles, bestias aguas, mujeres, flores...tierra de delicia y gozo. Vuelve con su obra a París, donde no encuentra aprecio, y retorna a la Polinesia, a las islas Marquesas. Está triste y cansado, sólo. Se da a la bebida.

A sus problemas personales unió los políticos, y las autoridades obstaculizan su estancia en Tahití. Se traslada a otra isla, con una jovencita...pero quiere volver a Europa. No lo conseguiría. Un ataque cardiaco cortó su ultima huida en mayo de 1903

 

El muro de Barbi

28/07/2003, Jorge Barbi es uno de los sólidos artistas españoles de la actualidad, un artista que ha rebasado ya la cincuentena. Ahora acaba de presentar una estupenda obra en el centro de arte Patio Herreriano, de Valladolid

Jorge Barbi es uno de los sólidos artistas españoles de la actualidad, un artista que ha rebasado ya la cincuentena. Ahora acaba de presentar una estupenda obra en el centro de arte Patio Herreriano, de Valladolid.

Barbi trabaja calladamente, solitario, en un extremo de la Península Ibérica, con un gran vigor creativo en el que late la poesía y la naturaleza. Es Цsin duda- uno de los máximos exponentes del land-art hispano.

Vive al lado del mar, en una costa solitaria, por la que peregrina muchas tardes buscando desechos del océano, desechos que ennoblece elevándolos a la categoría de arte. Su última obra es el muro de Planck y acaba de presentarla en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, una de las principales instituciones dedicadas al arte contemporáneo español.

Los directivos del centro Цun viejo convento- le llevaron un día a la capilla del mismo y le pidieron que diseñara una composición para aquel espacio.

Los restos de la capilla conventual muestran la clásica estructura de los templos medievales. Pero en el fondo de la misma, donde antaño tuvo que estar el altar, no hay un ábside, sino un muro plano que parece ocultar una hipotética mayor profundidad de la nave. Ese muro excesivo, obsesivo, se transformó para Barbi en el motivo de la composición; en la propia composición.

Barbi pensó en Planck, fundador de la física cuántica. El mundo de lo que se puede cuantificar tiene un límite preciso. Ese punto, material y temporal, se encuentra en el tiempo y hacia atrás, en la parte de un segundo que se expresa con el número diez con exponente menos 43; con un número 1 que tiene a la izquierda 42 ceros precedidos del punto decimal: 0,0000000000000000000000000000000000000000001.

Max Planck fue el primero en señalar que la ciencia es incapaz de explicar el comportamiento de los átomos cuando la fuerza de gravedad llega a ser extrema. Hay una barrera infranqueable en las investigaciones, que está marcada por el 10 elevado a menos 42.

En el espacio que forman los viejos muro de la capilla, la presencia del muro de cabecera es dominante. "Sus fragmentos, ahora desprovistos de función, se nos presentan con la apariencia de un decorado inerte pero formado por las mismas piedras que arroparon una certeza. Esa cabecera que acogió símbolos y miradas fue contemplada como una ventana transparente, donde la certeza absoluta hace innecesarias las preguntas sobre el origen", dice Barbi.

El artista Цvisto el recinto- optó por la solución simple y genial. Primero cubrió la piedra de la cabecera con un papel japonés que permite seguir detectando todas las rugosidades del muro, y luego lo pintó, uniformemente, de purpurina.

De esta forma, en el ámbito vacío del antaño recinto sagrado, queda el número de Planck, con su legión de ceros dorados, en posición perpendicular al muro de cabecera de la capilla, un muro que refulge en oro, transmitiendo una evocación poética de lo que no está allí; un mundo de dioses, estatuas doradas, y vestimentas litúrgicas. En el casi vacío absoluto de la capilla, Barbi hace que el espectador sitúe mundos, espacios y tiempos varios, separados sólo por una fina capa de purpurina.

¿Quién en Barbi?

En 1989, un poblador de ese territorio costero gallego le enseñó al artista un tronco alargado que había recogido de la playa. Lo había visto durante varios años semienterrado en la arena hasta que un día decidió sacarlo para entregárselo al fuego. Barbi tomó el leño, de formas pulidas por el tiempo y las aguas, y lo recubrió de chapas de plomo. Hoy es una obra de arte. Se titula "Fin de Trayecto". Es una típica obra del autor

Jorge Barbi es gallego, nació en La Guardia, en 1950.

La Guardia es un lugar propicio al mito, donde se junta el vigor de la historia y la naturaleza. Está a la desembocadura del río Miño, al pie de un cerro donde pervive un magnífico poblado prehistórico celta ЦSanta Tecla- cuyas piedras tienen vigor y geometría. En la cima del cerro la naturaleza nos habla en todos los idiomas. Sopla el viento. Mirando al oeste se ve el avance zigzagueante del Miño a su encuentro con el agua salada del Atlántico. A una orilla de la corriente, las tierras de España, a otra, Portugal. Hacia el Oeste las bravas aguas del Océano que se pierden en un infinito punteado de barcos.

Este territorio que habla de historia, naturaleza e infinitos fue el marco en el Barbi creció y se desarrolló, y el marco en el que crea y piensa. Fue de joven a Madrid, pero dejó la gran ciudad para volver al reencuentro con esa tierra magnética.

Ya en la década de los ochenta empezó a participar en muestras colectivas. Pero se fue especializando en realizaciones donde se reinterpreta la naturaleza: Lo mismo realiza un soberbio caballo modelado en estiércol de caballo que corta una vara de avellano Цlarga y recta- en los Pirineos, para traerla a Galicia y colocarla encima de un reguero como puente para miriápodos.

Sobre los troncos, sobre esferas u otros elementos escribe mensajes indescifrables, como un indicador para cruce de caminos y parajes abiertos, en cuya parte superior hay cuatro aspas de metacrilato transparente y fragmentos de letras. Sólo cuando el viento pasa a gran velocidad permitirá leer: A donde tu me lleves". Esos mensajes son además abiertos, para que el espectador prosiga su búsqueda. En una esfera hay una serie de puntos como una extraña escritura. Se trata de un texto que habla del tiempo, pero que sólo podría ser leído correctamente por un hipotético espectador que estuviera en el interior de la esfera.

En el Centro Gallego de Arte Contemporáneo presentó el interior de un dado. Un espacio que incluía otro pequeño cubo transparente con una maqueta exacta de lo anterior y una figura en la que el espectador se ve reflejado. Según explicó el artista en la presentación, para la obra, utilizó elementos simples para "dejar a solas al espectador consigo mismo en un espacio del arte donde siempre será necesaria su intervención activa para que exista".

La realización de esa obra impecable fue comprometida sin honorarios, con la contrapartida de que el Centro de Arte editaria un libro- antología de su obra. Cuando estaba el libro en edición destituyeron a la directora de la institución y quienes vinieron detrás paralizaron todas las iniciativas. Barbi recuerda el esfuerzo inútil en la elaboración del libro y la desconsideración profesional con que todavia se trata la actividad de un artista en medios que se nutren de su trabajo,"como si las obras que acoge un museo, en vez de ser conformadoras de la esencia del centro fueran simples elementos que ocupan lugar y tiempo, sustituibles por cualquier otro, como el contenido de un escaparate de grandes almacenes".

El land art

Roto el tradicional enfoque del arte, proveniente de la época del Renacimiento, en el último siglo se han buscado nuevas vías y expresiones artísticas cambiando materiales, medios, lenguajes y significados. El arte mudó de significación. Ya un es sólo arte la obra pictórica o escultórica que refleja fielmente un modelo o la airosa portada monumental. Ahora, el arte es otra cosa.

Artur C. Danto define que "lo que hace de algo una obra de arte es el hecho de que encarna, tal como una acción humana encarna un pensamiento, algo de lo que no podríamos formarnos un concepto sin los objetos que transmiten su alma".

Y en esa nueva visión, uno de los campos donde el hombre ha buscado fue en la naturaleza; primero trabajando directamente en ella, como los impresionistas, luego, directamente, buscando nuevas experiencias directas de la relación hombre-entorno.

Durante el último tramo del siglo XX, numerosos artistas, en especial japoneses, norteamericanos y europeos, comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. El paisaje es así soporte o materia de la obra. Muchas veces el artista realiza innovaciones en lugares poco accesibles, fuera de la mirada de la masa. Generalmente ese arte incluye entre los supuestos el valor efímero de los materiales. Filmaciones, fotografías y bocetos son testigos de aquellas manifestaciones o realizaciones, y se presentan así en centros de arte o ferias.

La llegada de Barbi al Land art se produjo después de su estancia en Madrid para completar estudios. En un momento en que su situación era ya insostenible en la capital de España,vuelve a La Guardia y se instala cerca de la costa rocosa. Empezó encontrando objetos que fue recogiendo. Primero los dibujaba, luego los empezó a ensamblar hasta elaborar una galería de figuras esquemáticas... Algunos críticos deducían que había una veta mironiana en sus trabajos, pero Barbi sólo ve la veta de la naturaleza, el territorio, que está ahí aún antes de la historia y el mito.

La playa, el campo, los bosques, los roquedos, los prados le dan motivos para trabajo e investigación. Recuerda que ya en la infancia,antes de nada, descubrió al territorio sin aditivos. A lo largo de su vida lo ha ido explorando y buscando significados.

Y no quiere dar definiciones de Arte, " ya hay muchas catalogadas". Ha trabajado en lo que hace como el resultado natural de "una forma de estar"...y sobrevive en ese ambiguo medio, como él dice con ironía "más que con valor, con resignación cristiana".

Tomas Alvarez

 

Joaquín Lobato.Poeta de la pintura

20/07/2003, Joaquín Lobato es un referente cultural importante para Andalucía; un poeta pintor de muy acusada personalidad.

Joaquin Lobato: Pincel de poeta y pluma de pintor

Ha sido un personaje amado por gentes como Miró, Aleixandre y Alberti; un intelectual a quien sus seis décadas de vida no han arrebatado su forma de enfrentarse al arte y a la literatura, con las armas de la lírica y la ingenuidad.

Hoy, recién salido del hospital, y en una situación de salud sumamente precaria, Joaquín Lobato es un referente cultural importante para Andalucía; un intelectual a quien sus seis décadas de vida no han arrebatado su forma de enfrentarse al arte y a la literatura, con las armas de la lírica y la ingenuidad.

Nació en 1943 en Velez Málaga, cerca del Mediterráneo, y conoció una infancia en lo que lo lúdico y lo sacro se daban la mano... Y conoció a un cine que le permitía ver películas de Glenn Miller y la atractiva Silvana Mangano.

En su primera juventud pintaba, escribía y hacía teatro ...y se deslumbraba en las tardes de cine. Luego marchó a Granada para estudiar Filosofía y Letras. Es la época en la que empieza a publicar y entra en contacto con vanguardias artísticas y poéticas. Participa en diversas reuniones de poesía e incluso crea un “Club de poetas cabreados con Platón” (Platón echó a los poetas de su ciudad ideal).

Irónico, alegre, culto, Joaquín Lobato llega a su sexta década con la salud sumamente maltrecha, que le liga más al hospital que a la creatividad. Aún así, es capaz para sacar lírica hasta del sufrimiento y componer versos hasta de sus accidentes clínicos.

Uno de los últimos poemas – tierno y dramático- está dedicado a su caída de la cama hospitalaria y pertenece a un poemario experiencial realizado a raíz de su última estancia, de tres meses, en un hospital malagueño.

Secretario de la fundación María Zambrano, radicada en Vélez Málaga, su localidad natal, desarrolla en la medida en que puede físicamente una labor comprometida con el pueblo, al que implica en la defensa de la cultura.

Libros como “Farándula y epigrama”, “Infártico”, “Atardece el mar” y “Dedicadas formas y contemplaciones” certifican una actividad poética que se remonta hasta sus días de estudiante. “Jácara de los Zarramplines”, premio García Lorca de Teatro 1977, es una muestra de su actividad teatral.

La sencillez es su arma:


“Atiendo
si
dicen
mi nombre
las anémonas. O
cuando
llaman
a mi puerta
las palomas.

Me hago el
tonto
cuando los muy
serios
señores
de rabiosas corbatas y
espantosas
calvas
me
señalan.”


Juvenil, alegre, candoroso, el poeta es un paisajista luminoso. En “Atardece en el mar” narra:


“De cuando yo niño
me asomaba sobre los hierros
de la baranda de mi azotea
para ver el caballo que volando
iba hacia el mar. Cruzaba el cielo
con la brisa azul sobre su lomo,
desnudísimo. Elegante
y fiero hasta alcanzar la orgullosa
plenitud que proyecta
su codicioso y navegante vuelo”.


Pero ese amor a la literatura también está unido al arte. Practica el cartelismo y la pintura al óleo y ha realizado diversas exposiciones individuales, básicamente en Andalucía; donde existe un gran aprecio a su obra tanto literaria como pictórica.

Ese amor al arte se denota también en sus versos, como éste dedicado a Tolouse Lautrec:


“antiguo Paris de humeante
atmósfera esperpéntica de
mujeres fetiches de altos
cocos ligeramente
despeinados.
Soledad todavía romántica (nostalgia
de una vieja canción) color azul íntimo
sepia
difuminándose
Acordeones en la madrugada del Sena
otoñal
trasnochadas levitas y rociadas
lentejuelas
tristeza incontenible bajo la
máscara
antifaz solitario ya
sin gota alguna
de
champaña en
la copa
rota
de su
mano
Enaguas de encajes rabiosamente
blancos y las medias de la bailarina
borracha
entre serpentinas grises.”


Joaquín pinta a su aire. Tiene influjos de Miró, con quien aprendió arte del pincel, pero no es mironiano; a veces recuerda a Modigliani...y hasta Braque o Saura. Pero es todos y ninguno. Es un amante de la cultura, un renacentista que aprende, pinta y aplica en sus cuadros un color vivo, cargado de luz, algo inherente al sur mediterráneo donde vive.
La cercanía de su pintura a la poética es plena. Nace para la poesía en 1967, cuando publica “Metrología del sentimiento”; pero en esas fechas ya estaba experimentando la pintura, y en 1970 hace su primera exposición. “Asombrado y disperso es el corazón del poeta”, dijo María Zambrano, también nacida en esta tierra, como recuerda Rogelio Blanco, escritor y filósofo, uno de los mejores conocedores de María Zambrano y de Lobato.
Pero también está cerca la pintura de Lobato de su amor al teatro. Lo testifican sus “goliardos”, caras-máscaras que impregnan sus cuadros de un aire más misterioso que trágico.
Joaquín Lobato está entrando en los sesenta, pero es un niño-poeta-pintor. Y eso es muy difícil a ciertas edades.
Tomas Alvarez
 

Oteiza, y la búsqueda del espacio sagrado

18/07/2003, El Centro Cultural de Caixa Girona, organiza una magnífica exposición de Oteiza, cuando hace sólo unos meses que falleció el gran artista vasco

El Centro Cultural de Caixa Girona, organiza una magnífica exposición de Oteiza, cuando hace sólo unos meses que falleció el gran artista vasco.

Jorge Oteiza sigue siendo una referencia fundamental del arte escultórico mundial, no sólo por lo que realizó, sino por su visión del arte, propia de un pensador profundo, conocedor del hombre y de su tiempo. “La muerte no mata, sólo entierra a los que ya están muertos”, había dicho en alguna ocasión.

Hace algún tiempo, Richard Serra decía que Oteiza era el mejor escultor vivo del Mundo y Frank Ghery lo comparaba a Le Corbusier y Picasso... Sin embargo, nunca fue un escultor muy conocido por las masas.

¿Razones? Era un pensador del arte; un personaje difícil, temperamental, polémico; rechazó el mercado del arte, rehuyó la recepción de premios, fijó una fecha temprana para su retirada y se negó a vender su obra a diversas instituciones...

En una actividad artística caracterizada por el trabajo del exterior del bloque de piedra, Oteiza se obsesionó por escudriñar el espacio interior, el vacío. Tal vez ahora que el se ha ido, se hará más grande su persona y su obra; se descubrirá su propio vacío.

El arte del siglo XX había estado más volcado a la pintura que al ámbito escultórico. En los años cincuenta, destacaron en el panorama artístico europeo una serie de autores que impulsaron y modernizaron el lenguaje de la escultura. Oteiza fue uno de los más importantes.

Partiendo de una estética heredera de Malevich y –en lo profundo- de la estética prehistórica vasca y después de una primera época geometrizante, Oteiza busca en el espacio interior de la obra.

Sobre él, escribe José Corredor-Matheos: “Es indudable el papel relevante que ha tenido José Oteiza en la exploración del espacio. Éste, había sido en la escultura tradicional de las diversas culturas algo exterior al bloque de la obra(...) Oteiza supo advertir que la clave del proceso de la escultura contemporánea era el vaciado del interior del bloque, antes compacto, y mantener lo que quedara de la masa, en unos planos o rectas que forman un contenedor del vacío que había que dejar al descubierto”.

La cuestión venía de lejos, en un proceso de adelgazamiento de la forma en el que han participado figuras como Calder, Giacometti, Julio González o Moore, artistas que mantenían una sugerencia de la forma compacta pero liberando masa. Tras la Segunda Guerra Mundial se avanzó en el mismo sentido. Oteiza es un prototipo de la nueva escultura

El Centro Cultural de Caixa Girona, organiza una magnífica exposición del autor, en la que engloba sus distintas fases de trabajo. En ella se ven cómo las primeras esculturas mantenían un bloque compacto. “Figura comprendiendo políticamente”, de 1935 recuerda fórmulas del cubismo (Derain, por ejemplo) y de otras culturas ancestrales. Luego, las de la década siguiente muestran el vaciado del bloque y las influencias de Moore.

Finalmente, del proceso de ahondar en el bloque, sin abordar el interior, pasó, en la década de los 50 a penetrar en el espacio interior. Es la “desocupación del espacio” para penetrar en lo que el artista considera espacio sagrado, en un razonamiento que teoriza y vincula a la propia cultura prehistórica vasca, a los monumentos megalíticos, en los que las grandes piedras definían un espacio sagrado interior.

En la década de los cincuenta abordó la desocupación de poliedros, centrándose en el cubo y la esfera; logrando definir unos espacios internos, mostrando vestigios de lo que era el envoltorio de ese espacio... Es en esta época, cuando llega por fin a ese vacío sagrado, y con un inmenso reconocimiento internacional (Sao Paulo, Milán, etc.) cuando(1959) anunció su abandono de la actividad escultórica.

En realidad, desde 1959 sólo siguió trabajando para satisfacer contados encargos o trabajos experimentales; prefiere dedicarse al estudio y a la reflexión teorico-practica. Había llegado al vacío, y como personaje de gran talla intelectual descubrió que a partir de allí ya no podría seguir avanzando.

EL OBRERO METAFÍSICO.

En el Centro Cultural Fontana d´Or de Caixa de Girona, activa entidad financiera de Cataluña, se ha recopilado una colección de 62 obras de Jorge Oteiza, creadas entre los años 1935 y 1975 por el escultor recientemente fallecido, en las que se muestra perfectamente esa evolución.

La muestra, titulada "Oteiza, el obrero metafísico", abierta hasta el 31de agosto, es una de las más importantes realizadas hasta ahora sobre el artista vasco. Pretende ser "un recorrido por la obra de uno de los escultores más importantes del siglo XX, desde sus primeros pasos, en el año 1935, hasta las últimas creaciones", según el comisario del evento, Antonio Niebla.

Las esculturas agrupadas marcan los momentos más significativos y creativos de su lenguaje artístico. Entre las más de sesenta obras se pueden encontrar referencias a sus distintas épocas. Las obras de pequeño y medio formato, realizadas en hierro, mármol blanco o negro, aluminio, metacrilato, bronce, acero, madera, cemento coloreado o piedra, corresponden a algunas de sus series más interesantes. Las esculturas para la Basílica de Aránzazu, las maclas, el Laboratorio de Guixos, las Cajas Metafísicas de todas las épocas, el homenaje a Leornardo o Malevich o el también homenaje a Navarra son otras piezas destacadas en esta excelente exposición.

La mayor parte de las piezas corresponden a colecciones particulares pero también hay algunas obras que han sido cedidas por los centros y museos como el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o el MACBA de Barcelona.

El recorrido sigue el hilo cronológico. En la planta baja de la sala se encuentran las piezas más antiguas, correspondientes al período de 1935-1958 y se incluyen las piezas correspondientes a la serie maclas. El sótano acoge el resto de esculturas, desde el constructivismo hasta la obra Zazpiak, una pieza concebida en los años 70 pero fundida en el 2000, que se considera la última obra de Oteiza y es la primera vez que se expone al público.

Aparte de las esculturas, la exposición también incluye textos del mismo Oteiza, poeta, filósofo y teórico, en los que teoriza sobre la concepción del arte y la vida; todo ello para mostrar la vertiente más humana de Oteiza, considerado por muchos rebelde y controvertido, y por encima de todo, un gran escultor amante de su tierra.

BIOGRAFÍA DE OTEIZA

Jorge Oteiza Embil, escultor y escritor, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 1988, considerado el patriarca del arte contemporáneo vasco, falleció el 10 de abril de 2003 en una clínica de San Sebastián. Había nacido el 21 de octubre de 1908, en la localidad guipuzcoana de Orio.

La familia Oteiza se trasladó a Madrid, cuando Jorge era un niño. Cursó tres años de Medicina y durante tres meses estuvo en la Escuela de Artes y Oficios. Obtuvo su primer premio de escultura en la Bienal de Artistas Guipuzcoanos de San Sebastián, en 1931. En esa misma ciudad inauguró, un año después, su primera exposición individual.

AMERICA LATINA

En 1935 se trasladó a Iberoamérica, por donde difundió su obra. Expuso en Santiago de Chile y en Buenos Aires. En la capital argentina se dedicó, durante varios años, a la docencia en la Escuela Nacional de Cerámica.

En 1942 fue encargado por el Gobierno de Colombia de la organización en Bogotá de la enseñanza oficial de la cerámica. Dos años más tarde, publicó su "Carta a los artistas de América", sobre el arte nuevo de la posguerra, y en 1948 difundió en Buenos Aires el "Informe sobre mi escultura".

Regresó a Bilbao en 1948 y allí comenzó el período más intenso de su vida como escultor. En 1950, después de ganar el primer premio en el concurso nacional para un monumento al rey Felipe IV, se le adjudicó por concurso toda la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu, Guipúzcoa. Al año siguiente obtuvo el primer Premio de la IX Trienal de Milán.

En estos años cosechó un gran número de premios y su obra fue adquirida por numerosos museos. Entre los reconocimientos figuran el gran premio Internacional de Escultura de la IV Bienal de Sao Paulo, de Brasil, en 1957; y el primer premio en el Concurso Internacional de Montevideo, en 1960.

UN PUNTO Y APARTE

En 1957 fue el encargado de montar el pabellón español en la Feria Internacional de Bruselas de 1958. Un año después, en 1959, el escultor abandonó su actividad escultórica. Según él, "el mismo creador llega a transformarse en el proceso de cambios y evoluciones de su lenguaje y se convierte en un artista postexperimental". Sólo volvió a la escultura ocasionalmente para culminar proyectos o investigaciones ya iniciadas anteriormente, centrando su actividad creativa en la formulación de una estética "razonable y práctica para cada vigencia histórica y para cada pueblo".

Considerado por algunos críticos como uno de los cuatro escultores más importantes del mundo, en 1985 obtuvo la medalla de Oro de Bellas Artes, de España.

Las críticas que el escultor hizo a la cultura y al nacionalismo vasco en febrero de 1985, con motivo de una carta que Oteiza envió a la revista "Euzkadi" en una entrega de premios, originaron una dura polémica en el País Vasco.

En 1988 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, por su arte, su actitud ética y su vida(como era muy habitual en él, no recogió el premio). Un mes más tarde, representó a España, junto con la escultora Susana Solano, en la XLIII Bienal de Venecia.

En octubre llegó a un acuerdo con el Gobierno Vasco para la compra de 12 obras suyas. Poco más tarde rompería el compromiso, por lo que tan sólo entregó las primeras cinco esculturas.

En 1991 publicó, entre otros, "El libro de los plagios", donde afirmó que "en Eduardo Chillida hay dos estilos, uno suyo, el otro es el mío". Esta obra la escribió tras una declaraciones de Chillida, en 1991, en las que éste negaba su deuda con la Escuela Vasca y con Oteiza, a quien incluso acusó de plagio. Un año más tarde, firmó un protocolo con el Gobierno Navarro por el que cedió su obra (esculturas, libros, textos inéditos y trabajos de investigación) al pueblo de Navarra, para que quedara expuesta en una Fundación Museo.

En noviembre de 1992 fue ingresado en la Clínica de la Universidad de Navarra, donde le fue implantado un marcapasos. Entonces escribió "no quería morirme sin acabar el libro que estoy escribiendo"... "aunque no me gustaría vivir mucho tiempo porque quisiera acercarme pronto a mi mujer”. Itziar Carreño Echeandía, su esposa, había fallecido en diciembre de 1991.

En 1997, y después de treinta años de tensiones y distanciamiento, Oteiza y Chillida se abrazaron en señal de reconciliación. Ambos artistas vascos suscribieron un comunicado en el que se leía: "más allá de nuestras diferencias habrá siempre un espacio-tiempo para la paz".

En los últimos años continuaron organizándose muestras suyas, en Europa y Estados Unidos. Mereció en estos años diversos nombramiento y doctorados “honoris causa”. También pasó por el hospital en varias ocasiones.

Falleció en una clínica de San Sebastián, el 10 de abril de 2003, después de estar más de dos meses hospitalizado a causa de una neumonía. Sus restos mortales fueron enterrados en la localidad navarra de Alzuza. Conforme a lo previsto, la Fundación Jorge Oteiza encauzó la construcción, en Alzuza, de un museo dedicado a la obra de este prolífico artista y escritor, centro que se inauguró el 8 de mayo de 2003.

Tomas Alvarez  

Nuevas Reservas de la Biosfera

13/07/2003, Bellos parajes de León, La Rioja, Asturias y Extremadura, han pasado a integrarse como Reservas de la Biosfera. Ya son 440 los espacios con esta catalogación por su valor natural extraordinario en todo el mundo.


Bellos parajes de León, La Rioja, Asturias y Extremadura, han pasado a integrarse como Reservas de la Biosfera. Ya son 440 los espacios con esta catalogación por su valor natural extraordinario.

Otros 12 lugares situados en nueve países pasaron a formar parte de las Reservas de la Biosfera, según el anuncio de la Organización de la ONU para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Los parajes españoles declarados Reservas de la Biosfera son el Parque Natural de Monfrague (Extremadura), los Valles de Jubera, Leza, Cidacos y Alhama (Rioja), el Parque Nacional de los Picos de Europa (Asturias, Cantabria y León), y el Valle de Laciana (León). Además, se ha ampliado la ya existente Reserva de Muniellos (Asturias), para incluir una zona recientemente declarada parque natural.

En México, el Banco Chinchorro, situado en el extremo suroeste del Estado de Quintana Roos, en la península de Yucatán, y considerado como uno de los lugares marinos "excepcionales" de la región, así como Sierra La Laguna, ubicada en el extremo meridional de Baja California y que alberga hábitats únicos, fueron sido declarados Reservas de la Biosfera.En Nicaragua, es ahora Reserva de la Biosfera la zona del Río San Juan, en el sureste del país. Comprende varios ecosistemas y tiene una gran diversidad étnica y cultural.

Eslovenia y Yemen ingresaron por primera vez en la Red Mundial, con la inclusión de los Alpes Julianos y el archipiélago de Socotra, respectivamente. También han sido declarados Reservas de la Biosfera dos lugares de China (Wudalianchi y Yading), las Islas Toscanas (Italia), el Monte Elgon (Kenia), el litoral de Toliara (Madagascar), y la zona marina del extremo oriente de Rusia.

Además de la ampliación de Muniellos en España, se ha decidido extender las reservas existentes de Cabo Occidental, en Sudáfrica, y de Moravia Occidental (República Checa).

Las reservas son lugares que cumplen tres funciones complementarias: conservación de la biodiversidad, desarrollo (integrando a las colectividades locales) y apoyo logístico (combinando investigación, educación, formación y vigilancia

Aumenta el Patrimonio de la UNESCO

05/07/2003, la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO cuenta ya con 754 sitios (582 culturales, 149 naturales y 23 mixtos) de 175 países

Dos ciudades andaluzas casi desconocidas, Ubeda y Baeza, han pasado a formar parte de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en la gran cita anual en la que este organismo internacional destaca los puntos con valor universal excepcional

. También han sido incluidos por la UNESCO para pasar a formar parte de la lista de espacios protegidos por su belleza natural o su riqueza cultural, Bamiyán, en Agfanistán; la ciudad iraquí de Asur, las misiones franciscanas de la Sierra Gorda de Querétaro (México), la quebrada de Humahuaca (Argentina) y las ruinas de Panamá La Vieja, junto con una veintena más de valiosos lugares.

Este organismo intergubernamental del Patrimonio Mundial celebró su vigésimo séptima sesión, en la sede en París de la Organización de la ONU para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Con las incorporaciones anunciadas, la Lista del Patrimonio Mundial cuenta a partir de ahora con 754 sitios, de los cuales 582 son culturales, 149 naturales y veintitrés mixtos. España, Italia, Alemania, Francia, Reino Unido, China, la India y México son los países que cuentan con mayor número de sitios inscritos.

Úbeda y Baeza

España incorpora a su lista de espacios Patrimonio de la Humanidad las localidades andaluzas de Ubeda y Baeza, declarados por su dualidad urbana y su unidad cultural, con lo que este país pasa a tener 38 sitios en ese listado, siendo el de mayor número de inscripciones en la lista de Patrimonio de la UNESCO.

Separadas por apenas nueve kilómetros, la excepción de Ubeda y Baeza (Jaén) reside en el hecho de que las dos se desarrollaron y estructuraron en el transcurso de la historia con una dualidad complementaria en numerosos aspectos, lo que les hace funcionar como una sola ciudad. Las construcciones más antiguas de estas dos ciudades de la provincia de Jaén, en la región de Andalucía, datan del periodo de la dominación árabe en el siglo IX y de la Reconquista, en el XIII. Ambas experimentaron cambios importantes en el siglo XVI inspirados en el Renacimiento que introdujo en España el humanismo italiano y ejercieron una influencia importante en la arquitectura de América Latina.

Ubeda y Baeza emergen, sucesivamente, en un recorrido pequeño, entre un paisaje casi interminable de olivar, limitado por los perfiles de las sierras de Mágina y Cazorla, alimentado por los cauces del Guadalquivir y del Guadalimar. Las dos muestran un paisaje, a simple vista similar, y donde el renacimiento bulle por todos los rincones, presentado toda la sobriedad de su equilibrio en forma de iglesias y palacios, que sorprenden tanto en plazas abiertas como en las callejuelas que dibujan sus centros históricos.

Si en Baeza la singularidad la marca su arquitectura religiosa y la presencia de la antigua Universidad, en Ubeda domina el poder civil con numerosos palacios que simbolizan el poder económico y político.

Cultura frente a la guerra

Cabe hacer también una referencia especial a las decisiones sobre Bamiyán y Asur, ambas recién incorporadas a las listas del Patrimonio Mundial y del Patrimonio en peligro. Ubicadas, respectivamente, en Afganistán e Irak, ambas localizaciones muestran el peligro que los conflictos bélicos arrojan sobre el patrimonio colectivo de nuestro planeta.

La inclusión del valle de Bamiyán en la lista simboliza la esperanza de la comunidad internacional de que "nunca se repitan las manifestaciones de intolerancia extrema" como la destrucción deliberada de los Budas gigantes en marzo de 2001, indicó la UNESCO.

El régimen integrista islámico de los Talibán destruyó las dos estatuas gigantes, tras hacer caso omiso a los llamamientos internacionales, meses antes de ser derrocado a raíz de la intervención militar de Estados Unidos en Afganistán, en represalia por los atentados en Nueva York y Washington.

El paisaje cultural y los vestigios arqueológicos de Bamiyán ilustran los desarrollos artísticos y religiosos que, entre los siglos I y XIII, caracterizaron a la Antigua Bactriana, y que se plasmaron en la escuela budista de Gandhara. El valle contiene varios conjuntos monásticos y santuarios budistas, así como edificios fortificados del período islámico. Abandonado y víctima de acciones militares y explosiones con dinamita, el lugar se encuentra en un estado de preservación frágil, según la UNESCO.

Por otro lado, la antigua ciudad iraquí de Asur, a orillas del Tigris, nació en el tercer milenio antes de Cristo. Entre los siglos XIV y IX antes de Cristo fue la primera capital del imperio asirio y, como tal, una ciudad-Estado y un cruce del comercio internacional. También era la capital religiosa de los asirios, que la asociaban con el dios Asur. La ciudad, al norte de Mesopotamia, fue destruida por los babilonios pero renació de sus cenizas en la era parta, en los siglos I y II.

Cuando se propuso la candidatura de Asur al Patrimonio, antes de que EEUU y el Reino Unido intervinieran militarmente en Irak este año, un proyecto de represa amenazaba con anegar parcialmente los vestigios arqueológicos. Aunque ese proyecto haya sido suspendido por la actual administración (estadounidense) de Irak, el Comité del Patrimonio consideró que la posible construcción de la represa en el futuro, así como la falta de protección actual de Asur, justificaba su inclusión en la lista del Patrimonio en peligro

Por primera vez, se han incluido en la lista de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) sitios de Gambia (Isla James), Mongolia (Cuenca d´Ubs Nuur), Kazajistán (mausoleo de Khoja Ahmad Yasawi) y Sudán (restos arqueológicos de Gebel Barkal).

Entre los cinco nuevos sitios naturales se encuentran también el Parque Nacional de Purnululu (Australia), riveras de tres ríos paralelos en Yunnan (China), el monte San Giorgio (Suiza) y el Parque Nacional de Phong Nha-Ke Bang (Vietnam).

La ciudad blanca de Tel Aviv (Israel), los Montes Sagrados de Piamonte y Lombardía (Italia), las iglesias de madera de la Pequeña Polonia y el barrio judío y la basílica de Trebic (República Checa) forman parte de los nuevos sitios culturales.

También integran el Patrimonio la ciudadela de Derbent (Rusia), las cuevas de Bhimbetka (India), los restos arqueológicos de Takh-e Sulaiman (Irán), los Jardines Botánicos Reales de Kew (Reino Unido), los Montes Matobo (Zimbabue) y las tumbas imperiales de las dinastías Ming y Qing (China).

Además, entraron en la lista las ciudades de Ubeda y Baeza (España), el barrio histórico de Valparaíso (Chile), la Quebrada de Humahuaca (Argentina), las misiones franciscanas de la Sierra Gorda de Querétaro (México), el complejo de conservación de la Amazonía Central (Brasil) y los restos arqueológicos de Panamá Viejo y el distrito histórico de Panamá.

Con las nuevas inclusiones, la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO cuenta ya con 754 sitios (582 culturales, 149 naturales y 23 mixtos) de 175 países

Para consultar el listado general del patrimonio de la UNESCO: http://whc.unesco.org/patrimonio.htm

Para consultar el listado general del patrimonio de la UNESCO: http://whc.unesco.org/patrimonio.htm

Para ver datos de Úbeda: http://www.ubedainteresa.com/

Para ver datos de Baeza: http://www.baeza.net/

 

Los megalitos

04/07/2003, Desde el Neolítico hasta un momento indeterminado de la Edad del Bronce floreció en diversas partes del mundo, y en particular en la fachada atlántica europea, un modo de enterramiento monumental y colectivo.

Un viaje al mundo del megalitismo.

Desde el Neolítico hasta un momento indeterminado de la Edad del Bronce floreció en diversas partes del mundo, y en particular en la fachada atlántica europea, un modo de enterramiento monumental y colectivo.

Para los amantes de la naturaleza y la historia, el mundo de los dólmenes, encierra una buena dosis de misterio y belleza. Hay páginas de internet que recomendamos, como la que está elaborando Miguel Moreno, periodista y arqueólogo burgalés: http://www.arrakis.es/~morenobl/

En ella, Moreno explica que los dólmenes, auténticos panteones funerarios, acogían durante cientos de años a determinados individuos (¿dirigentes tribales, familiares, religiosos...?), llegando a registrar osarios de gran importancia. Los ajuares funerarios son también variados, aunque casi siempre contienen herramientas de sílex, hachas pulimentadas, cuentas de collar y otros adornos, así como herramientas de hueso.

La palabra megalito nos habla de grandes piedras, de las lajas que conforman el interior de los dólmenes. Normalmente hay una o varias cámaras (redondas, cuadradas, poligonales) comunicadas con el exterior mediante un corredor, que puede estar también adintelado. El conjunto se protegía con un túmulo de tierra, a veces con corazas de piedras, que daba solidez a la construcción.

Como el dolmen tenía vocación de continuidad, el acceso se realizaba por el corredor (aunque a veces era por la misma cámara), que quedaba sellado tras cada enterramiento.

Pero el megalitismo no se agota en los dólmenes de gran tamaño y carácter colectivo. A la vez aparecen otras manifestaciones funerarias y conmemorativas que están relacionadas entre sí. Hay enterramientos individuales, algunos de pequeño porte junto a los grandes dólmenes. También se encuentran cistas (cajas formadas por varias piedras) y túmulos que no tienen estructura lítica. Los menhires, que son arqueológicamente "mudos", porque no transmiten información, también deben relacionarse con el megalitismo, aunque con gran precaución.

Es fácil entender el vínculo entre dólmenes y menhires en lugares como Carnac (Bretaña francesa) o en lugares de gran acumulación megalítica. Pero a veces pueden ser confundidos con mojones históricos.

Lo que sí parece claro es que los dólmenes son marcas territoriales monumentales. Se trata de un enterramiento en positivo, todo lo contrario de la ocultación del cadáver, que pretende mostrar con orgullo el lugar de reposo de los antepasados. Aun a riesgo de caer en la especulación, cabe hablar de hitos geográficos, tal vez vinculados con recursos naturales o simbólicos (lagunas, pastos, tierras de cultivo...).

Aunque tradicionalmente se ha hablado de que los megalitos están en lugares dominantes del paisaje, la realidad es mucho más compleja, y en muchos casos se mimetizan con el entorno. Sin embargo, casi todos tienen en común su buen dominio territorial (lugares para ver, más que para ser vistos).

"Megalitos de Burgos" es una web en la que se dan a conocer los dólmenes de esta provincia castellana, pero que ha ampliado su campo a otras manifestaciones megalíticas de toda España.

En el enlace http://www.arrakis.es/~morenobl/ se pueden ver más de 600 páginas con centenares de yacimientos, clasificados por provincias, y otras secciones monográficas en las que se dan a conocer diversas agresiones al patrimonio, el uso de Sistemas de Información Geográfica para el estudio del Megalitismo, un foro con artículos diversos, bibliografía específica, enlaces a páginas de toda Europa y una excursión virtual por los dólmenes de Sedano.

Como novedad de este semestre, se incluye una sección sobre Cronología, que delimita en el tiempo el fenómeno megalítico burgalés en el contexto ibérico.

También se han añadido últimamente varios dólmenes de la provincia de La Coruña y abundantes túmulos y cromlechs de Guipúzcoa.  

Defensa de las ballenas

02/07/2003, En Berlín se celebró la asamblea anual de la Comisión Internacional Ballenera (IWC), organismo clave para proteger la vida de los cetáceos, y que tiene que regular su explotación

Por Artemio Artigas

En Berlín se celebró la asamblea anual de la Comisión Internacional Ballenera (IWC), organismo clave para proteger la vida de los cetáceos, y que tiene que regular su explotación.

Los ecologistas de Greenpeace exhibieron frente al centro de convenciones de la asamblea tres cadáveres de marsopa -la ballena más pequeña- para llamar la atención sobre los 300.000 cetáceos que mueren cada año atrapados en redes de pesca de alta mar.

Japón logró frenar la creación de "Santuarios balleneros" en el Atlántico y en el Pacífico Sur, pero no logró la aprobación de una "cuota de emergencia" para capturar ballenas pequeñas en concepto de "caza tradicional". Además, la Comisión Ballenera probó una resolución de Australia que condena la caza de ballenas en la Antártida, donde las flotas niponas capturaron el pasado año numerosos ejemplares de rorcual aliblanco con el pretesto de "con fines científicos".

La asamblea berlinesa puso de manifiesto la fuerte división de entre países balleneros que reclaman su derecho a capturar especies que no estén en peligro de extinción y los que consideran que hay que dejar cetáceos porque ya están bastante amenazados

Un símbolo marino

Las ballenas son un símbolo en todo el mundo de la lucha ecologista, pero podrían dejar de surcar los mares si Japón y Noruega siguen en su empeño de continuar su caza. Bajo pretextos científicos ambos países capturan cientos de cetáceos al año, que se convierten luego en selectos platos para "gourmets", pero también en hamburguesas y "perritos calientes".

Pero la Comisión Ballenera Internacional finalizó su reunión anual con una pequeña victoria para los países proteccionistas: la creación, a propuesta mexicana, de un comité de conservación de los cetáceos.

"Estamos estudiando retirarnos de la Comisión Ballenera Internacional...", "...la Comisión ha sido secuestrada por los países proteccionistas..." fueron algunas de las palabras del jefe de la delegación japonesa, Minoru Morimoto, a la conclusión de la reunión anual de la comisión.

Sebastián Losada, responsable de la campaña de ballenas de la organización ecologista Greenpeace en España, ofrecía una visión bastante diferente de la 55™ reunión anual de la CBI, celebrada en Berlín entre el 16 y 19 de julio: "El saldo es positivo, ya que se abandona el enfoque meramente mercantilista de la Comisión".

La culpa de estas declaraciones enfrentadas la tiene la conocida como Iniciativa de Berlín, propuesta mexicana por la que fue aprobada la creación de un comité destinado a la protección y conservación de los cetáceos, dentro de un organismo nacido originariamente con la función de gestionar su captura.

En principio, esta medida beneficiará a la recuperación de las especies de ballenas en peligro, pero la habilidad de Japón y otros países para sortear las decisiones de la Comisión hace que el futuro de los grandes mamíferos marinos continúe siendo una incógnita.

Los grandes mamíferos

Las ballenas son los animales de mayor tamaño de nuestro planeta, y pertenecen a una familia de mamíferos conocida como cetáceos. La historia de la caza de estos enormes animales por el hombre se pierde en el tiempo. Tradicionalmente han sido los pueblos esquimales (como los actuales Inuit de Alaska) los que se han aprovechado de la esta gran fuente de grasa y alimento, pero fueron los vascos, ancestral pueblo pescador del norte de España, los primeros en adentrarse en el mar con la intención de comerciar con los productos derivados de los cetáceos. Aprovechaban que las ballenas francas se reunían en el Golfo de Vizcaya en la época del apareamiento para conducir sus frágiles embarcaciones de remos y, tras arponear a los animales, arrastrarlos a la costa para obtener la capa de grasa y las barbas.

El siglo XIX vio aumentar enormemente el número de capturas de ballenas. Nuevas tecnologías, como el arpón lanzado desde un cañón o los barcos de vapor, permitieron a los balleneros perseguir especies más grandes y rápidas de cetáceos.

Fue en el siglo XX cuando las poblaciones de ballenas comenzaron su rápido declive. Algunas especies, como la ballena franca ("eubalaena glacialis") o la más grande de todas, la ballena azul ("balaneoptera musculus"), se acercaron peligrosamente a la extinción.

En 1946 nació la Comisión Ballenera Internacional, para, en principio, preservar los intereses de las naciones balleneras; pero, poco a poco, ante las evidencias de que algunas especies estaban desapareciendo, la CBI comenzó a tomar medidas conservacionistas. La primera de estas iniciativas, en 1979, consistió en crear una zona en el Océano Ќndico (conocida como santuario) donde la caza de ballenas fue desterrada. Y en 1982 fue aprobada una moratoria que impediría la caza comercial de los grandes cetáceos en todo el planeta. Esta norma, que entró en vigor en 1986, no ha sido respetada por Japón y Noruega.

Estos dos países balleneros son los grandes defensores de la retirada de la moratoria y de la vuelta a la caza comercial de ballenas. En realidad, desde 1986 los barcos nipones y noruegos han continuado con su actividad, bajo la excusa de "caza con fines científicos".

Otra argucia para conseguir más materia prima para sus restaurantes fue la modificación de una ley que prohibía la comercialización de ballenas muertas accidentalmente. Desde que el gobierno japonés aprobó su venta en los mercados, se pasó de la docena de ejemplares capturados "de manera accidental" al medio centenar.

Por su parte, Noruega se otorgó en 1998 un cupo de 671 ejemplares de rorcuales aliblancos, que captura en sus aguas territoriales. Este número no suele alcanzarse, y el pasado año los barcos noruegos sólo capturaron 648 ejemplares, lo que demuestra según las asociaciones ecologistas el descenso del número de cetáceos.

Este país también esgrime la excusa de la "investigación científica", pero lo cierto es que en varias ocasiones se ha seguido el rastro de la carne de ballena noruega hasta los mercados japoneses y surcoreanos, donde generan pingíes beneficios para el país nórdico.

Además de no respetar la moratoria, Japón veta constantemente las iniciativas que, en el seno de la CBI, puedan afectar a su industria ballenera. Una práctica denunciada por las asociaciones ecologistas y suficientemente documentada es la compra de votos en la Comisión a cambio de ayudas a la pesquería en los países pequeños. Dominica, Granada, Santa Lucía, San Vicente o Islas Salomón son algunos de los países destinatarios de los más de 300 millones de dólares, según varias fuentes, que ha dispuesto Japón para "financiar" el apoyo a sus posturas a favor de la caza desde la entrada en vigor de la moratoria.

Cuando Jamaica entró a formar parte por primera vez de la Comisión, en 1981, lanzó un encendido alegato en defensa de las ballenas. Al año siguiente su delegado se ausentó de todas las votaciones; una década después, el diario británico "The Observer" desveló que poco antes de la reunión anual Japón se había comprometido a comprar toda la producción de la variedad de café "Blue Mountain" del país caribeño.

 

El Max Aub cubista

01/07/2003, En 1958, Max Aub dio a conocer en México la vida y la obra de Jusep Torres Campalans, al quien vinculó al nacimiento del cubismo, junto con Braque y Picasso. La crítica quedó desconcertada. En diversos países hubo periódicos que comentaron la obra de

Max Aub y el pintor cubista que nunca existió

En 1958, Max Aub dio a conocer en México la vida y la obra de Jusep Torres Campalans, al quien vinculó al nacimiento del cubismo, junto con Braque y Picasso. La crítica quedó desconcertada. En diversos países hubo periódicos que comentaron la obra del pintor que nunca existió. Fue una genial broma de Max Aub, de quien, este año, se celebra el centenario de su nacimiento.

El propio escritor hizo algunos cuadros cubistas para “documentar” todo su trabajo sobre el memorable genio imaginario de la pintura. Uno de sus nietos, sentado en sus rodillas, le ayudaba también a colorear las creaciones, según reveló Elena Aub, hija del gran intelectual.

Torres Campalans –según el invento de Max Aub- era un vanguardista intuitivo y perspicaz que admiraba a Picasso y detestaba a Juan Gris, explica la biografía de este ser imaginario, en la que se encuentran también bibliografías, cronologías y fotografías del artista.

En el libro de Max Aub figuran sendas conversaciones mantenidas con el artista en Chiapas, retiro donde vivía el desconocido genio del cubismo. Otro capítulo genial es el llamado “Cuaderno verde”, serie de apuntes y pensamientos escritos por Campalans de 1906 a 1914, fecha de su retiro. En el libro de Torres aparecían asimismo fotografías de sus pinturas y el catálogo realizado por el joven (e imaginario) crítico Richard Town, hecho en 1942 para una exposición(imaginaria) de Torres Campalans en la Tate londinense, que no llegó a celebrarse por el conflicto de la segunda Guerra Mundial.

En la creación, Aub tuvo la colaboración de otros destacados intelectuales como André Malraux o Josep Renau. Éste confeccionó un fotomontaje en el que aparecía Torres Campalans con Picasso, con lo que se hacía aún más creíble la genial patraña.

El Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, ha preparado una muestra con los supuestos cuadros de Torres Campalans, presentados en 1958 en las galerías Excelsior, de México, y en 1962 en la Bodley de Nueva York. La muestra estará abierta del 13 de junio al 23 de agosto. En ella se aporta también obra que el pintor ficticio conocía; trabajos de Gris, Picasso, Delaunay, Mondrian, Matisse, Modigliani, Chagall y Vicente Rojo

Como añadido que refuerza el tono de humorada de la muestra, también aparece en la misma un cuadro cubista “atribuido a Torres Campalans”.

Algunas de las obras del supuesto Torres Campalans, presentadas ahora, no habían sido mostradas desde las exposiciones de México o Nueva York. También aparecen los textos de las primeras ediciones de Jusep Torres Campalans, los catálogos de sus exposiciones y recortes periodísticos en los que glosa la obra del artista imaginario.

La exposición es pequeña: las obras del pintor imaginario, y en una sala adjunta una de cada uno de los grandes a los que admiró o criticó en el “Cuaderno verde”. Para más gozo, el Reina Sofía las ha situado precisamente enfrente del lugar donde se halla el Guernica de Picasso, con lo que el espectador se encuentra absolutamente inmerso a la vez en el ámbiro de las vanguardias, el cubismo, e incluso en las referencias vitales de Max Aub (él encargó el Guernica, por acuerdo del gobierno republicano de España). Una pena, la mala señalización para los visitantes que quieren llegar hasta el pequeño espacio expositivo.

LAS SEÑORITAS DE AVIÑON

Según describe Max Aub, el artista nació en 1886 en Mollerusa, Lérida, España. “Alto, fuerte, de grandes ojos oscuros, enormes manos, pies en consonancia, había en él la potencia que sólo da la tierra a quien vive o ha vivido en relación directa con ella. Un payés(campesino catalán), hijo de payeses...”

En el relato Aub define a una persona dura: “La cabeza rapada, por comodidad; afeitado de cuando en cuando, Torres nunca tuvo problemas con los vinos ni con el tabaco, lo más ordinario le bastó siempre, teniéndolo todo por bueno. Nunca conoció comodidades, ni le hicieron falta; cuando, por azar, las gozó, las aceptaba sin aspavientos, sin darles importancia”.

Anarquista, catalanista y católico, huyó a Francia para evitar las milicias. Descargador en el mercado de Les Halles, entró el museo del Louvre y al salir compró unos lápices para ver que le salía. Luego encontró a Picasso, a quien ya conocía de Barcelona. Fue Picasso quien le hizo perder la virginidad. Le agarró un día y le llevó a la calle Aviñón a gozar de unas prostitutas, tema que motivó a Picasso para su célebre cuadro de las Señoritas de Aviñón...

Desde la bohemia –persuadido de su falta de genialidad- Torres acaba dejando los pinceles y buscando un retiro indígena, en una aldea de Chiapas, México.

Osadía, humor, frescura, irreverencia... Torres Campalans es una creación magnífica y atrevida. En su cuaderno verde deja escritas sentencias llenas de valor y osadía:

· “En la pintura se da todo por hecho. Se daba todo hecho. Nosotros vamos a ir un poco más allá: que trabajen también los mirones”

· “No creo que sobreviva gran cosa del Arte Moderno. Es una época fea. Lo único divertido será que dentro de cien años el cubismo será tan difícil de explicar como hace cincuenta. Había que hacer, después, otra cosa. Pero se atascaron. Tendrá que nacer otro Picasso, y eso siempre tarda”.

· “El que explica se rebaja. Por eso todos los críticos son pequeños”.

· “Hay, urgentemente, que volver el hombre a la medida de las cosas; las cosas a la medida del hombre. Para eso –se nos están escapando-, para medirlas, hay que romperlas, destruirlas, destrozarlas y empezar desde el desierto” (alusión al cubismo)

Max Aub demostró con su trabajo no sólo osadía, sino también conocimiento de la pintura, como otros grandes intelectuales. Además, su invención de la obra plástica de Campalans tiene indudable mérito, algo que es especialmente reseñable en estos momentos en los que se celebra el centenario de su nacimiento, ocurrido en París, el 2 de junio de 1903.

MAX AUB, BIOGRAFÍA

La vida de Max Aub Mohrenwitz es de una gran densidad, desde su nacimiento parisino hasta su muerte, el 22 de julio de 1972, en México. Se educó en un ambiente cultural burgues, agnóstico y bilingüe(alemán y francés). Aprendió a leer con textos de Víctor Hugo, Baudelaire y Rimbaud.

Cuando estalló la I Guerra Mundial, el padre de Max Aub viajaba por España. Ante las recomendaciones de no volver a Francia, su familia huyó de París y llegó a Barcelona, en agosto de 1914. A los once años pasó a Valencia, donde Max estudió bachillerato y empezó a escribir. Valencia, donde la familia fijó la residencia, caló muy hondo en el joven.

En 1915 escribió su primer poema en español. Él mismo afirmó que “nunca he podido escribir nada en otra lengua”. Un año más tarde, el padre de Max solicitó en el registro civil de la ciudad la concesión de la nacionalidad española, renunciando a la alemana.

En 1920 acabó el Bachillerato. Ese mismo año, contra la voluntad de su padre que quería que estudiase Derecho, Max decidió seguir sus pasos, viajando como representante por el este de España. Esta actividad itinerante y su espíritu inquieto y ansioso por descubrir y conocer la realidad, favorecieron que entrase en contacto con los ámbitos de vanguardia del momento.

En 1921, conoció en Gerona a Jules Romains, quién influiría en su quehacer literario con su teoría del unanimismo. Inquieto lector y coleccionista, estaba suscrito a revistas francesas, italianas y belgas. A partir de 1922 y durante catorce años, recorrió Cataluña con sus mercancías, viviendo en Barcelona cuatro meses al año, donde frecuentaba diversas tertulias. Durante esos años empezó a escribir teatro experimental: “El desconfiado prodigioso”, “Una botella”, “El celoso y su enamorada”, “Espejo de avaricia” y “Narciso”. A principios de 1924, conoció a Joan Miró y a escritores de su generación con los que mantendrá una gran amistad: Alberti, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, Jorge Guillén, José Bergamín, Francisco Ayala y Gerardo Diego, entre otros.

Al cumplir la mayoría de edad y en disposición de realizar el servicio militar, se nacionalizó español. Por razones de miopía se le eximió de cumplir las milicias. En 1925, publicó “Los poemas cotidianos”, edición privada de cincuenta ejemplares con prólogo de Enrique Díez-Canedo.

Publicó en la Revista de Occidente extractos de “Geografía”. Luego, en 1926, publicó “Caja”, cuento vanguardista en la línea y estilo de “Geografía”. El 3 de noviembre de 1926, contrajo matrimonio con la valenciana Perpetua Barjau Martín, con la que tendría tres hijas: María Luisa, Elena y Carmen.

Vivió en Madrid durante trece años donde conoció a Azaña, Negrín, Marañón y Valle-Inclán. En 1928 imprime su primera versión de “Luis Álvarez Petreña. Espejo de Avaricia, Proyecto de un teatro Nacional”. Debido a las circunstancias del teatro en España, no se pudo representar. Fue estrenada en el teatro Valle-Inclán de Madrid, el 6 de mayo de 1963.

El 23 de noviembre de 1929 ingresó como militante socialista(PSOE) en Valencia. En 1933, publicó en la Imprenta Moderna de Valencia “Fábula Verde”. Escribió artículos para el periódico Luz de Madrid. Desde 1934 hasta 1936 dirigió El Búho, teatro universitario de Valencia, igual que Federico García Lorca lo hizo con La Barraca. Publicó “Luis Álvarez Petreña” y “Yo vivo”. En 1935 escribe en Valencia “Jácara del Avaro”, para las Misiones Pedagógicas.

En febrero de 1936 participó en la campaña electoral con “El agua no es del cielo” y estrenando en el Teatro Principal “Las dos hermanas”, en referencia a la UGT y la CNT. En septiembre se representó en el altar mayor de los Dominicos, en Valencia, una versión reducida del auto “Pedro López”. Dirigió trambién el periódico socialista Verdad.

Desde diciembre de 1936 hasta julio de 1937 fue agregado cultural de la embajada de España en París. Como subcomisionario de la Exposición Universal de París encargó, por orden del Gobierno Español, a Pablo Picasso el Guernica, por un importe de 150.000 francos. Organizó el II Congreso de Intelectuales Antifascistas en Valencia y en Madrid. Fue secretario general del Consejo Nacional de Teatro, cuyo director era Antonio Machado.

En 1938 adaptó “La Madre”, de M. Gorki. Hasta finales de enero de 1939 dirigió con André Malraux, por encargo del Gobierno Español, la película “Sierra de Teruel”, basada en la novela de Malraux “L’Espoir”.

FRANCIA

Cuando está a punto de caer la España republicana ante el levantamiento militar del general Franco, a finales de enero de 1939, Max marchó con su familia hacia Francia.

Exiliado en París, escribió “Campo cerrado”. En Francia fue acusado de comunista y enviado a varias cárceles y campos de concentración. En mayo de 1941 recuperó la libertad y ocupó el cargo de agregado de prensa del Gobierno de México en el consulado de Marsella, pero en junio volvió a ser detenido acusado otra vez de comunista. De su experiencia como prisionero escribiría la tragedia “San Juan”.

HACIA MÉXICO

En septiembre de 1942 logró embarcar hacia México desde Casablanca. Durante este trayecto escribió las obras teatrales “El puerto” y “La vida conyugal”. De 1942 a 1972 Max Aub estuvo exiliado en México. Durante todo este tiempo visitó Europa en nueve ocasiones, pero no volvió a España hasta 1969, porque su entrada le estaba prohibida.

Su actividad profesional inmediata estuvo relacionada directamente con el mundo del periodismo, la docencia y especialmente con el cine, que durará hasta principios de 1953.

El 6 de julio de 1943, la Editorial Gráfica Panamericana publicó “San Juan: la expresión tristemente exacta de nuestros días”. El 2 de septiembre de ese año se estrenó en el teatro Virginia Fábregas de México “La vida conyugal”.

En México fue profesor de la Academia de Cinematografía, profesor de Historia del Teatro en la universidad, asesor técnico de la comisión de cinematografía, profesor de teoría y técnica cinematográfica y colaborador en los periódicos Nacional y Excelsior.

En 1944 fue nombrado secretario de la Comisión Nacional de Cinematografía. Terminó “Campo cerrado”. En 1946 su mujer y sus tres hijas obtuvieron el asilo político y partieron también hacia México. Ese año publica “El rapto de Europa o siempre se puede hacer algo”.

En 1948 recibió un premio por su poema “Canto a la primavera” y publicó “Los muertos”. En 1951 trabajó como tipógrafo en revistas y de responsable de ferias del libro(hasta 1959). Publicó “Campo abierto” e ingresó como socio del Ateneo Español de México.

En 1952 se afilió al PSOE-Unión Socialista Española, organización en el destierro de los afiliados al PSOE. En 1953 publicó “Yo vivo”; en 1955 “Ciertos cuentos”; en 1957 “Una nueva poesía española”; en 1958 la biografía de “Jusep Torres Campalans”, y en 1959 “Cuentos Mexicanos”.

En 1960 tuvo una gran actividad literaria. Preparó sus libros “Campo francés”, “Campo de los almendros”, “El hombre del balcón” e “Historias de la mala muerte”. El 24 de abril se proyectó, por primera vez, “Sierra de Teruel”. Mantuvo un intenso intercambio de proyectos editoriales entre España y México, para dar a conocer lo español, a través de Carlos Barral. Éste le abrió las puertas a los recién creados premios de literatura Formentor y Prix Internacional des Editeurs.

En junio de 1961 tomó posesión como director de los Servicios Coordinados de la Radio, Televisión y Grabaciones de la UNAM. Establecería una red de corresponsales que lo mantendrían informado de la vida cultural, política y social de España. En 1962 intentó editar en México su proyecto “Biblioteca de la Pléyade: sección de autores de leyenda española”, pero fracasó el proyecto. Del 29 de octubre al 10 de noviembre de 1962, expuso y presentó “Jusep Torres Campalans”, en Princeton, en la Isaacson Gallery de Nueva York. Son carteles y catálogos con 83 cuadros, con prólogo de André Malraux.

En 1963 fue Premio Nacional de Teatro por su obra “La cárcel”. En junio de 1965, Francia le nombró miembro de la Orden de las Artes con el grado de Oficial. El gobierno de Israel a través de la UNESCO, invitó a Max Aub a impartir unas conferencias durante el curso académico 1966-1967, a los estudiantes de la Universidad hebrea de Jerusalén, como buen conocedor de la cultura de América Latina. De la experiencia de este viaje nacerá su diario “Imposible Sinaí”.

En 1968 viajó a La Habana. De este viaje escribe un libro-diario titulado “Enero en Cuba”. El 2 de octubre de 1968 le conceden la autorización para entrar en España, y al año siguiente y en 1972 visitaría España. En 1972, con un delicado estado de salud, escribe “La gallina ciega”.

El 24 de enero de 1972, en la embajada de Francia en México, recibió el homenaje del gobierno francés y fue nombrado Comendador de la Orden de las Artes y de las Letras. Murió en México el 22 de julio de 1972.

Tomas Alvarez  

800 años de una catedral

19/06/2003, El 22 de julio de 1203, y en una solemne ceremonia, se colocaba la primera piedra del edificio más emblemático de las tierras de Lleida: la Seu Vella.

La Generalitat de Catalunya y la Fundación la Caixa conmemoran los 800 años de la colocación de la primera piedra de la antigua catedral de Lleida con una exposición que reúne 91 obras de gran valor artístico y actualmente dispersas

Era el 22 de julio de 1203 cuando, en una solemne ceremonia, se colocaba la primera piedra de la obra más rica y más suntuosa construida en Cataluña, en palabras de Josep Gudiol i Cunill: la Seu Vella de Lleida.

Durante un largo período de tiempo fue uno de los templos más relevantes de la Corona de Aragón, donde se han vivido solemnidades, consagraciones, ampliaciones, reformas y embellecimientos; pero también derribos, expolios y dispersiones.

Con motivo de la conmemoración de los 800 años del inicio de la construcción del monumento, la exposición “Seu Vella. El espeldor reencontrado” quiere recuperar la grandeza perdida que fascinó a los viajeros románticos a partir de 91 obras de gran valor artístico actualmente dispersas en diversos museos y archivos internacionales. La muestra invita al visitante a reencontrarse con el antiguo brillo del templo. Entre los múltiples objetos escultóricos, pinturas, lápidas, fragmentos de retablo, manuscritos, orfebrería, indumentaria y otros objetos y documentos, destacan el tapiz El hijo pródigo (s. XVI), que se exhibe por primera vez después de un arduo proceso de restauración en el Institut Royal du Patrimoine Artístique de Bruselas; la lápida conmemorativa que recoge el acto de colocación de la piedra fundacional de la Seu (1203), fragmentos del retablo mayor procedentes de países como Francia y Estados Unidos, los yacentes de los sepulcros de la familia noble de los Montcada (s. XIV), etc.

La exposición ha sido organizada por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya y la Fundación la Caixa, con la coordinación del Museo de Lleida Diocesano y Comarcal y la colaboración de la Universidad de Lleida y la Asociación Amigos de la Seu Vella.

La exposición Seu Vella. El esplendor reencontrado podrá verse en la Seu Vella, del 20 de junio al 26 de octubre de 2003. Los comisarios son Joan J. Busqueta, doctor en Historia Medieval y profesor titular de la Universidad de Lleida, y Montserrat Macià, historiadora del Arte y directora del Museo de Lleida Diocesano y Comarcal, entidad que ha llevado a cabo la coordinación de la exposición. El diseño del montaje de la exposición ha ido a cargo de los arquitectos Mamen Domingo y Ernest Ferré, que presentan una propuesta muy innovadora en el campo de la museografía.

Esta muestra es el resultado de cincuenta años de trabajo en los que los historiadores, restauradores y arqueólogos han dedicado su esfuerzo a fin de recuperar la arquitectura, restaurar las piezas maltrechas y localizar y reunir sus fragmentos dispersos por todo el mundo, como la Reprobación de Adán y Eva (c. 1359-1382), de Bartomeu de Robió, que formaba parte del retablo mayor y que hoy se encuentra en el Fine Arts Museum of San Francisco. Los 91 objetos expuestos, todos ellos de gran valor histórico y artístico, se agrupan a partir de tres grandes ámbitos temáticos. El primero hace referencia a la fundación de la Seu Vella y al proyecto constructivo del maestro de obras Pere de Coma, ejecutado en setenta y cinco años (s. XIII). El segundo, dedicado a la liturgia y la cultura de la catedral, reúne obras de arte y elementos de la biblioteca y del coro, algunos de los cuales se presentan en público por primera vez. Finalmente, se examina la significación social de la Seu a partir de las capillas y de los panteones de los principales linajes de la ciudad.

Los tres apartados están precedidos por un espacio introductorio que nos presenta la catedral en el momento de su cierre y su conversión en espacio militar, y las consecuencias que de este hecho se derivaron con el paso del tiempo, tomando como ejemplo el desmembramiento sufrido por el grupo escultórico de la puerta de los Apóstoles. Algunas piezas de este grupo, presidido por la Marededéu del Blau (s. XV), obra de Jordi Safont, dan la bienvenida a los visitantes y les invitan a reencontrar el antiguo esplendor de la Seu.

Los ámbitos de la muestra

La fundación de la Seu Vella.

Este ámbito se localiza en el área norte del transepto, delimitado por la puerta de San Berenguer y sacristía nueva. En este espacio es por donde se inició la construcción de la Seu. Introducidos por el grupo escultórico de la Anunciata, procedente de la puerta del mismo nombre, el visitante se encuentra con documentos y objetos que explican el proceso fundacional (vinculado a la misma conquista de la ciudad desde 1149 y al traslado de la seo de Roda) y constructivo, iniciado con el proyecto de Pere de Coma. Al mismo tiempo, se posibilita un recorrido por la riqueza plástica de la escultura arquitectónica, especialmente los capiteles. El ámbito se cierra ante la piedra conmemorativa de la fundación, instalada en el muro norte del presbiterio.

Liturgia y cultura de la catedral.

Localizado en la cuenca absidal, el presbiterio y la nave central, constituye el ámbito donde se explican los principales espacios del culto a la catedral, así como su función de centro depositario de cultura. Se trata de recuperar el espacio de la antigua capilla de Santa Ana a partir de la presencia de un fragmento del retablo dedicado a la santa, obra de Jordi Safont; de la sacristía vieja con piezas de indumentaria y orfebrería; de la antigua biblioteca y del escritorio con la aportación de diferentes manuscritos; del coro y de su sillería, del cual, desgraciadamente, sólo disponemos de un pequeño fragmento; de la ubicación del púlpito a partir de la explicación que ofrece el manuscrito de Marcos Próculo (s. XVIII), y, especialmente, del gran retablo de alabastro, uno de los grandes exponentes de la escultura gótica. En este sentido, hay que destacar la presencia en la exposición de todos los fragmentos conocidos del mencionado retablo, en especial el dedicado a la escena de la Reprobación de Adán y Eva, custodiado hoy en el Fine Arts Museum of San Francisco, y la figura del rey mago que formaba parte de una Epifanía, procedente del Museo Goya de Castres, ofreciendo una oportunidad única, la primera después de casi trescientos años, de poder visualizar, reunidos, todos estos elementos dispersos por todo el mundo.

Por otro lado, el trabajo de documentación e investigación llevado a cabo por parte del Museo de Lleida Diocesano i Comarcal a raíz de esta exposición ha permitido localizar la imagen de un nuevo fragmento de este retablo, de ubicación desconocida hoy, pero seguramente en una colección particular, una prueba más del desmembramiento que sufrió el majestuoso conjunto. También se exhibe el gran tapiz flamenco del siglo XVI El hijo pródigo, restaurado en Bruselas expresamente para esta ocasión, y que va acompañado de otro tapiz, La reina Dido, hasta ahora de origen desconocido, y también procedente de la Seu Vella.

El ámbito se cierra con un espacio dedicado a diferentes tipologías escultóricas de la Virgen, titular de la Seu: la de los Fillols (alabastro), la de Bellpuig (piedra) y Santa Maria la Antigua (madera).

Fundaciones, capillas y espacios de la muerte.

Este ámbito se localiza en diferentes capillas del ala sur de la catedral: la de los Montcada o de San Pedro, la de los Colom o de la Inmaculada Concepción, la de Santa Lucía, Santo Tomás y la de los Requesens o de la Epifanía (que acoge las pinturas del linaje de artífices más importante de la Lleida medieval estrechamente vinculado a la catedral: los Ferrer).

Estos espacios permiten acercarnos a los panteones familiares de los linajes poderosos, ligados a la ciudad y a la Iglesia, mediante diferentes fragmentos de yacentes, relieves de exequias, frontales de sarcófago, etcétera. Se insiste, pues, en la arquitectura y escultura funerarias, los ámbitos de propaganda de los diferentes linajes. Al mismo tiempo, se pretende visualizar la liturgia de las capillas, a partir del ejemplo concreto de la capilla de Santa Lucía con la colocación de dos fragmentos del retablo pintado por Jaume Ferrer I, el fundador del linaje de pintores. En general, este espacio también nos ha permitido resaltar el trabajo cotidiano de recuperación y restauración de las piezas, un espacio testimonial de la aniquilación del monumento y de estas labores de recuperación, catalogación y restauración llevadas a cabo.

La exposición se cierra, al salir de la capilla Requesens, con un ámbito final que recoge algunas muestras de las últimas expresiones artísticas en la Seu, especialmente pinturas sobre tabla del artista Pere Nunyes (s. XVI).

800 años de historia

El 22 de julio de 1203, y en una solemne ceremonia, se colocaba la primera piedra del edificio más emblemático de las tierras de Lleida: la Seu Vella, una idea y una realidad en la que Pere de Coma llevaba algunos años trabajando, el primer maestro de obras de la catedral. Un templo grandioso, majestuoso, erigido en lo alto de una colina y construido, en su mayor parte, en menos de ochenta años.

Al cabo de 75 años, en 1278, el obispo Guillem de Montcada procedía a la consagración del templo románico, uno de los pocos y grandes monumentos del siglo XIII catalán, según informaba una lápida, hoy perdida, ubicada en los pies de la nave central.

Pero las obras continuarían a lo largo del siglo XIV, con la finalización del imponente claustro, y durante el siglo XV, con la finalización de la nueva puerta de acceso, la puerta de los Apóstoles, y la torre campanario, dibujando y coronando de esta forma el inconfundible perfil de la colina de la Seu. Sin embargo, durante el trescientos, se inició la transformación de la fábrica románica a partir de la erección de capillas privadas de los grandes linajes leridanos y prosiguió el embellecimiento del templo a partir de grandes proyectos escultóricos, como el retablo mayor de alabastro, obra de Bartomeu de Robió.

La vida en la catedral, a lo largo de los siglos XVI y XVII continuó, salvo algún proyecto puntual, con obras de mantenimiento y de reforma.

Una historia que se vio fatalmente truncada en los primeros años del siglo XVIII, en 1707, al ser convertida la Seu Vella en cuartel militar a instancias de Felipe V, aprovechando para usos defensivos la capacidad geoestratégica de la colina donde estaba ubicada. La catedral fue despojada de todo aquel esplendor, de aquella majestuosidad que hace pensar en el extraordinario dinamismo de la sociedad que la promovió, fruto de un largo proceso iniciado a mediados del siglo XII después de la conquista cristiana de Madina Larida, la ciudad islámica de Lleida, y que la convertiría, durante cinco siglos, en un centro artístico de primer orden, tanto por la excelencia constructiva y escultórica como por la calidad de los objetos litúrgicos y de mobiliario, de los cuales, hoy, desgraciadamente, sólo conservamos una mínima parte.

 

Miró y San Francisco de Asís

18/06/2003, Las miradas de San Francisco de Asís y de Joan Miró coincidieron en el sol y en las estrellas; también en las pequeñas cosas, los detalles de nuestro orbe, una brizna de hierba o una flor

El encuentro entre Miró y San Francisco de Asís.

Por Tomás Alvarez

Las miradas de San Francisco de Asís y de Joan Miró coincidieron en el sol y en las estrellas; también en las pequeñas cosas, los detalles de nuestro orbe, una brizna de hierba o una flor. Por eso resulta estimulante tratar de enlazar ambos personajes, a través de los destellos del arte y la poesía.

Joan Miró. Cántico del sol, es el título de una exposición que se presenta, hasta el 14 de septiembre de 2003 en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, España. Reúne un conjunto de 111 obras de artista (30 pinturas, 35 esculturas, 13 grabados y los 33 grabados del libro), que pertenecen a la colección de la Fundación Joan Miró de Barcelona.

MIRÓ, UNA OPTICA ARTÍSTICA ORIGINAL.

No es una broma, comparar la obra del santo de Asís con la de Miró. Joan Miró nació en Barcelona, en 1893 y murió en Palma de Mallorca en 1983. estudió dibujo y pintura, decidiéndose por este oficio tras una convalecencia larga.

Desde su origen, se inició en un estilo realista y pintó paisajes, en los que late una cierta atmósfera fauvista. En 1918 hizo su primera exposición individual. En este tiempo pintó de una forma detallista e incorporó elementos del cubismo y de otras procedencias. Ya en 1919 viajaría a París, donde entró en contacto con las vanguardias de la capital francesa, aunque volvía a sus queridos paisajes de Mont Roig en los estíos. Es de esta época La Masía, cuadro que adquirió Hemingway. Es un trabajo notable, en el que inicia una mutación estilística hacia un mundo fantástico a medida que pierde los detalles. Es su particular vía hacia la abstracción.

Vuelto de París, 1823, sigue la senda que le aleja del realismo, aunque pinta unos paisajes imaginarios con representaciones simbólicas. En su obra sigue siendo patente la atracción de la naturaleza, aunque descrita de una forma particular, con una curiosa disposición de colores y simbologías.

Sin integrarse formalmente en el surrealismo, la década de los 20 fue para el pintor sumamente surrealista, un camino en la búsqueda de un mundo onírico. En el final de la década empezó a trabajar con esculturas-construcciones. Luego, la década de los treinta fue una nueva época de experimentación, con composiciones de notable vigor y plasticidad, en una visión geométrica y colorista que recuerda a Mondrian y Léger. Frecuenta entonces visiones positivas y optimistas al lado de elementos deformados...

Poco a poco, Miró va separándose de la línea clásica del surrealismo, para profundizar en su propia estética, llena de poesía y naturalismo. Mientras otros surrealistas parecen seguir una línea más intelectual, más culta, Miró se aferra a un estilo cercano a las pequeñas cosas, a la naturaleza y a lo que algunos definirían como una mirada inocente, infantil, que no es tan inocente ni tan infantil porque esconde una profunda experiencia, ironía y humor.

Desde su lejanía –no fue un hombre dado a la integración en grupos- inventó Miró un idioma pictórico que es de lo más influyente, destacado y original del arte del siglo XX

LENGUAJES DE ESTRELLAS.

Esta exposición presenta un conjunto relevante de obras de este artista realizadas entre 1965 y 1978, momento culminante de la madurez de Miró en el que, a través de un notable dominio de técnicas, prescinde de todo lo que estima superfluo y se concentra en lo esencial. Es el momento también en el que descubre las coincidencias temáticas entre su producción artística y los clásicos de la literatura. De ahí precisamente la decisión de articular la exposición en torno al Cántico del sol de san Francisco de Asís, como una manera de expresar la cercanía espiritual y de imágenes entre la producción de ambos autores.

Joan Miró ilustró en 1975 el poema de Francisco de Asís, Cántico del sol, traducido al catalán por Josep Carner, en volumen editado por Gustavo Gili que contenía 35 imágenes. El poema de Francisco de Asís y la pintura del artista catalán mantienen una estrecha afinidad, ambos proclaman la solemne humildad de las cosas de la tierra, del agua y del fuego, del sol, la luna, de los árboles y las plantas todas; ambos, en mundos culturales y espirituales muy diferentes, nos ofrecen esa presencia y consistencia sin las cuales lo material y cotidiano parece superficial y anodino.

El cántico eleva la voz de la poesía y de la pintura, no sólo en las imágenes que suscitó el poema de Francisco de Asís en 1975, también en las pinturas, esculturas y obras sobre papel que Miró había hecho y estaba haciendo entonces. La minuciosa representación de las criaturas más humildes y de los detalles mínimos había sido una de las constantes del arte mironiano. El canto del sol, pero también de las estrellas y del firmamento, de la luna, de la mujer y de los pájaros, de los huertos y de las acequias, de los prados, las flores y las hierbas, no constituye un episodio en la evolución de Miró, está en los ejes fundamentales de su actividad creadora.

La muestra reúne un conjunto relevante de pinturas, esculturas y obras sobre papel que se conservan en la Fundación Joan Miró de Barcelona, realizadas entre 1965 y 1978.

Desde los primeros años sesenta, la pintura de Joan Miró se había hecho más abstracta y ascética. El propio artista se ha referido a la profunda tensión intelectual que está en el origen de esos cambios e incluso a la decisión de no continuar pintando, decisión que, por suerte, no llegó a cumplirse nunca. Las obras inmediatamente posteriores no hicieron sino confirmar la potencia de su capacidad creadora. Volvieron a aparecer algunos de los signos y motivos que habían sido consustanciales a su obra anterior, pero nunca olvidó aquella tensión y aquel desprendimiento. Su obra se hizo más rigurosa y penetrante, también más consciente de sí misma, como si el artista tuviera en mente lo limitado del tiempo que todavía le quedaba y necesitara meditar sobre lo que hasta entonces había hecho.

En la poética de Joan Miró destaca su capacidad para contemplar la diversidad y animarla, para representar la variedad infinita de las cosas y las infinitas posibilidades de su representación. Su mirada descubre, como por casualidad, lo que hay de familiar y nuestro en las cosas que vemos, en el cielo y en la tierra, en las montañas y en los campos. Miró es, como Francisco de Asís, un ser que no puede alejar su mirada de su entorno, de la naturaleza.

CANTICO

El de Asís, no sólo fue un austero fraile que conmovió a su sociedad con una vida de acción y una sensibilidad magnífica para los seres más desprotegidos. Es también un excelente poeta que ha pasado a historia de la literatura italiana, por su frescor y belleza. Compuesto en los días finales de la vida del santo, en los inicios del siglo XIII, el poeta se muestra en cántico del sol como ser que está en comunión con todas las criaturas. Todas eran un regalo del Creador y sin ellas el hombre no podía sobrevivir. Sorprende ese profundo respeto y admiración por la naturaleza, desde la flor al sol, un amor que también vemos fluir de las creaciones del pintor Miró.

.................. Altísimo, omnipotente y buen Señor:
tuyas son la alabanza, la gloria y el honor.
Tan solo Tú eres digno de toda bendición.
Y nunca es digno el hombre de hacer de Ti mención.

Alabado seas Señor por todas tus criaturas,
Y en especial por el querido hermano sol,
que alumbra y abre el día, y es bello en su esplendor
y lleva por los cielos noticias de su Autor.

Y por la hermana luna de blanca luz menor
y las estrellas claras que tu poder creó,
tan limpias y tan hermosas, tan vivas como son,
y brillan en el cielo. Alabado seas mi Señor.

Y por la hermana agua, preciosa en su candor
que es útil, casta, humilde. alabado seas mi Señor.
por el hermano fuego que alumbra al irse el sol,
y es fuerte, hermoso, alegre. Alabado seas mi Señor.

Y por la hermana tierra que es toda bendición
hermana madre tierra que da en toda ocasión
las hierbas y los frutos y flores de color.
Y por el aire, las nubes y la calma.
Alabado Seas mi Señor.
.....

Rosa María Malet, directora de la Fundación Joan Miró, dice que no resulta extraña la atracción de Miró por las palabras de San Francisco. Éste, con una actitud despojada de todo exceso, hace un elogio de todos los elementos que rigen nuestra vida, el sol, la luna, la lluvia, el viento... en definitiva, de aquellos elementos que marcan el ritmo vital del día, de las estaciones, de las cosechas,... de todo aquello que miró, heredero de una tradición mediterránea, plasma en su obra.

Miró siempre conservó una mirada campesina que le permitía ver el entorno. “Yo soy de la tierra, tengo los pies sobre la tierra, dentro de la tierra. Como un árbol.- Es la tierra la que me hace crecer”.

Tomás Álvarez
 

Artenavas 2003

15/06/2003, ARTENAVAS 2003 convertirá por segundo año consecutivo a Navas del Marqués, un bello pueblo de ambiente serrano y vacacional, en ávila, en un punto de encuentro para la difusión de las artes.

Navas del Marqués (Ávila) del 24 de julio al 6 de agosto de 2003.

ARTENAVAS 2003 convertirá por segundo año consecutivo a Navas del Marqués, un bello pueblo de ambiente serrano y vacacional, en ávila, en un punto de encuentro para la difusión de las artes, según un comunicado de los organizadores.

La finalidad de esta Feria es ofrecer un esbozo del panorama artístico actual, con un criterio de pluralidad en cuanto a tendencias artísticas haciendo un recorrido por la pintura, la fotografía, la escultura, las instalaciones, la obra gráfica, el cine, el vídeo digital y la cerámica.

Del 24 de julio al 6 de agosto 60 artistas expondrán lo mejor de su obra para el pueblo de Navas del Marqués y los amantes del arte en general en ARTENAVAS 2003. El Colegio Público Vicente Aleixandre con una superficie, de unos 2.000 metros cuadrados, permite que los más variados estilos gocen de independencia, haciendo posible un recorrido riguroso y también con capacidad de sorpresa.

En su segundo año, ARTENAVAS 2003 nos ofrece la posibilidad de descubrir nuevos valores como los fotógrafos Germán Gómez Gonzalez y Joseph Sywenkyj. Contemplar los últimos trabajos de artistas españoles contemporáneos de la talla de Oscar Mariné, Diego Canogar y Antonio Lorenzo, entre otros. Además de conocer las nuevas vanguardias internacionales a través de las instalaciones digitales del grupo formado por Shih Cheih Huang (Taiwan), On/Megumi Akiyoshi (Japón), Jeremiah Teipen (U.S.A) y Eun Young Choi (Corea)

Junto con la pintura, fotografía, escultura y las instalaciones mencionadas, ARTENAVAS 2003 también nos permitirá sumergirnos en el cine y el video digital ofreciendo, de forma continuada en una sala de proyección con pantalla de gran formato, las últimas novedades de esta nueva forma de arte.

Por último, ARTENAVAS 2003 pone en el punto de mira la cerámica como técnica artística de vanguardia. Mesamorfosis, es una instalación de un paisaje onírico a partir de objetos y materiales de uso frecuente en la mesa.

 

Todo Tiziano en Madrid

11/06/2003, Del 10 de junio al 7 de septiembre estará abierta en Madrid la más bella muestra jamás reunida sobre la obra de Tiziano. Todo un gozo para el amante del arte

Todo Tiziano en Madrid

Del 10 de junio al 7 de septiembre estará abierta en Madrid la más bella muestra jamás reunida sobre la obra de Tiziano. Todo un gozo para el amante del arte.

Una gran exposición sobre Tiziano acaba de verse en la National Gallery de Londres, ahora se presenta –en un mayor formato- en el Museo del Prado de Madrid. Es tal vez la mejor exposición que jamás se ha hecho sobre el gran pintor veneciano, un gran festín de los sentidos que protagoniza el verano cultural en Europa.

Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, presentó esta muestra que estará abierta del 10 de junio al 7 de septiembre y recordó que sólo en 1935 hubo una reunión pictórica con más obras, en Venecia. Sin embargo, aquella antigua muestra no contó con ninguno de los cuadros que están en poder de instituciones de España ni Inglaterra, con lo que se perdió gran parte de lo mejor del viejo maestro.

Ahora sí. Las maravillas están reunidas. Por primera vez ha salido de Italia la Venus de Urbino, y por primera vez sale de El Escorial el martirio de San Lorenzo... y afluyen obras de las mejores pinacotecas del mundo. A la hora de las gratitudes no han faltado elogios a la National Gallery copatrocinadora con El Prado de esta monumental muestra, ni para los museos de Italia (Florencia, Venecia, Nápoles y Roma), que se ha unido para ceder lo mejor del maestro.

De esta forma –dijo Zugaza- la Gran Galería de El Prado- dedicada ahora íntegramente a Tiziano, es una especia de Gran Canal de la Serenísima Republica de Venecia, donde se muestra toda la creatividad de uno de los mayores genios de la pintura de todos los tiempos.

A la par, es una exhibición del poderío del Prado, porque las puertas laterales de la gran galería estarán abiertas para ver al fondo de las salas contiguas prodigiosas obras de otros dos genios íntimamente vinculados con el museo y con Tiziano. Velázquez y Rubens.

El Prado es la pinacoteca con mayores tesoros tizianescos, por eso la muestra de Madrid alcanza una gran dimensión, al incoporarse a la misma toda la gran producción que pertenece a la colección. Algunas labores de restauración han permitido situar a algunos cuadros en optimas condiciones. Es –dijo uno de los responsables de la muestra- un festín para los sentidos.

Y es un festín de color, de paisajismo, de retratos, de desnudos. Hay un delicioso rincón donde están las maravillosas Venus, unos trabajos que están en el origen de la Venus del espejo de Velázquez, la Maja desnuda de Goya o la Olimpia de Eduardo Manet.

La muestra de Londres fue un éxito: 300.000 visitantes. Todo hace prever que la de Madrid será una de las atracciones clave del verano artístico europeo.

El Pintor de Venecia

Copiado por los grandes pintores de su tiempo, mimado por emperadores, reyes y papas, Tiziano, uno de los grandes genios de la pintura universal, es figura clave de la historia del arte, que pintó de forma magistral no sólo a grandes jerarcas de su tiempo, sino a seres mitológicos, vírgenes y niños.

Estimado por la corte de España, no sólo pinto al emperador Carlos V y al rey Felipe II, sino que gran parte de sus cuadros terminaron en la pinacoteca real, donde fueron estudiados y copiados por otros grandes genios del arte, como Rubens o Velázquez.

No se conoce exactamente la fecha del nacimiento del artista: ocurrió hacia 1490, en Pieve di Cadore (Italia). Cuando tenía poco más de diez años marchó a Venecia trabajando con Bellini y más tarde con Giorgione.

Hacia 1511 Tiziano ya estaba en una posición envidiable. Muerto Giorgione, con Sebastiano del Piombo en Roma y Giovanni Bellini anciano, él se situó como la figura emergente. En 1516 ya era oficialmente el pintor oficial de la República de Venecia.

Desarrolló múltiples temáticas. Tiziano destacó como retratista. El pintor se convirtió en un artista internacional al servicio de duques, papas, príncipes y reyes, que veían en el genio italiano al hombre con mejor habilidad para captar con su pincel la valentía de un soldado, la firmeza de un gobernante o el orgullo de un aristócrata.

La monarquía hispana quedó subyugada por la técnica del maestro renacentista y contrató sus servicios para retratar al emperador Carlos V y a su hijo, el futuro rey Felipe II.

IMPRESIONISMO MÁGICO.

En realidad, los retratos de este pintor son habitualmente agradables. Gusta de dejar satisfecho al comprador y por ello no se centra en los rasgos psicológicos, como lo harían otros artistas posteriores. Antes que el psicólogo estaba el Tiziano-hombre de negocios.

¿Y qué decir de los temas mitológicos?. En la National Gallery despertó un gran entusiasmo al reunir, por primera vez en cuatrocientos años, la colección de tizianos encargada por Alfonso d`Este, duque de Ferrara, para la Cámara de Alabastro de su castillo. La institución londinense ha juntado su Baco y Ariadna con La adoración de Venus y Los Adrianos, del Museo del Prado, y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, gran maestro de Tiziano, que ha cedido la National Gallery de Washington para el evento.

Asimismo, Tiziano también destaca en el terreno de la temática mitológica, con obras como "Danae". Pintura en la que se ve a Zeus transformado en lluvia dorada seduciendo a la bella Danae, una magnífica interpretación del desnudo femenino, perteneciente al Prado.

El pintor también abundó en la temática religiosa e incluso destacó en el paisajismo. En este aspecto cabe citar una síntesis de ambas en “La Virgen del conejo”, en la que la escena de la Virgen, el Niño y santa Catalina se enmarca a la perfección en un horizonte sumamente conseguido.

El artista transformó progresivamente el lenguaje de su pintura y, sin renunciar a la luz y el calor, sus últimas obras reflejan una pincelada vigorosa que crea una sensación atmosférica y abocetada. Los especialistas han denominado "impresionismo mágico" a esta etapa.

Tiziano fue un artista longevo. Falleció a la edad aproximada de 93 años, con buena fortuna y abundante familia.

ESQUEMA DE LA MUESTRA DE MADRID

La muestra de Madrid tiene un relato temporal. Se inicia con los Orígenes(hasta 1516) pictóricos, mostrando su relación con Bellini o Sebastiano del Piombo, y luego para a Apeles revivido(1516-33), donde presenta los trabajos para el duque de Ferrara y se destaca el asunto del Camerino de Alabastro, el primer gran conjunto mitológico del siglo XVI. Atención especial en este capítulo al Festín de los Dioses, de la National Gallery de Washington, obra de Bellini que repinto paisajÍsticamente Tiziano.

La tercera fase es De Bolonia a Augsburgo(1533-51) periodo en el que estuvo lejos de Venecia, contactando con el papa Paulo III y con carlos V. La cuarta fase es El desnudo tumbado y las poesías (mitad del siglo XVI) es un delicioso capitulo dedicado a los desnudos que el artista pinto para Felipe II así como la Venus de Urbino, labores que presentan la aportación del pintor al desnudo femenino tumbado.

Finalmente se entra en El último Tiziano (1554-76) es el Tiziano de cromatismo más apagado y pincelada más diluida, en el que pierde brillo colorista y gana expresión emocional y dramatismo.

Tomas Álvarez

 

Día Mundial del Medio Ambiente

05/06/2003, Organizaciones internacionales preocupadas por el ecologismo, destacan que el día Mundial del Medio Ambiente, 5 de junio, es una jornada para alertar sobre los acuciantes problemas ambientales, entre los que figura la carencia de agua.

Organizaciones internacionales preocupadas por el ecologismo, destacan que el día Mundial del Medio Ambiente, 5 de junio, es una jornada para alertar sobre los acuciantes problemas ambientales, entre los que figura la carencia de agua.

El tema medioambiental es clave para el futuro del planeta. En plena reunión de los países más potentes del mundo, en Francia, varias organizaciones no gubernamentales como los Amigos de la Tierra, Attac o Greenpeace, criticaron conjuntamente al G8 por su "incapacidad para asumir sus responsabilidades" en cuestiones "esenciales" para los países en desarrollo.

Las ONG critican el aparente diálogo que los siete países más industrializados presentaron como una apertura generosa del G8 y apelaron a una necesaria redefinición de la arquitectura de un gobierno mundial realmente democrático”. También criticaron la falta de protección del medio ambiente global, especialmente por las políticas de Bush.

Algunos problemas urgentes.

Una de cada seis personas en el mundo no tiene acceso regular a agua segura para su consumo y más del doble -2.400 millones de personas- carecen de servicios sanitarios básicos, según datos de las Naciones Unidas presentados ante el Día Mundial del Medio Ambiente.

Las enfermedades relacionadas con el consumo de agua matan a un niño cada ocho segundos y son responsables del 80 por ciento de las enfermedades y muertes en los países pobres.

Estas cifras muestran que las Naciones Unidas deben prepararse más allá de una celebración, para una reflexión sobre las enormes desigualdades en el acceso al agua, tema al que este año dedica el Día Mundial del Medio Ambiente.

Aún está muy lejos de cumplirse uno de los principales compromisos asumidos hace tres años en la Cumbre del Milenio: reducir a la mitad la población mundial sin acceso al agua segura y a servicios sanitarios. El reto, según el secretario de las Naciones Unidas, Kofi Annan, es vasto: otorgar servicio de agua a los pobres, mejorar el uso del agua, particularmente en la agricultura que requiere grandes cantidades, y asegurar que los ríos y aguas subterráneas que son compartidos por dos o más países sean gestionados equitativamente. "Lo que se necesita es aprender cómo valorar económicamente el agua", dice expertos de las Naciones Unidas, que recuerdan que la mayor ironía es que aquellos con menores ingresos generalmente pagan más por el agua.

Según el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA), dentro de 25 años la mitad de la población mundial podría tener problemas para acceder a cantidades suficientes de agua para su consumo y la irrigación. Actualmente, alrededor de 80 países, que representan el 40 por ciento de los habitantes del planeta, padecen la escasez de agua, y en las próximas décadas se prevé un agravamiento de la situación debido al aumento de la población y al recalentamiento global de la atmósfera, que provocará la alteración del ciclo de lluvias.

Por otra parte, la ausencia de sistemas de tratamiento de aguas sucias en los países pobres está provocando graves problemas medioambientales, pues el 90 por ciento de ellas son arrojadas a los ríos o directamente al mar, lo que perjudica la salud de 1.200 millones de personas.

A esto hay que sumar que el costo para la economía mundial de las enfermedades y las muertes relacionadas con la contaminación acuífera se eleva a 16.000 millones de dólares al año.

El agua también constituye un elemento esencial de la seguridad alimentaria, pues mientras una persona requiere de cuatro litros para su consumo diario, entre 2.000 y 5.000 litros son necesarios en la agricultura para producir un día de alimentos para un individuo en un país desarrollado.

Así, los riegos agrícolas representan el 80 por ciento del consumo mundial de agua, del cual una gran parte se desperdicia en las irrigaciones.

Problemas en España

Greenpeace ha hecho un catálogo para reflexionar el 5 de junio, Día Mundial del Medio Ambiente; un repaso de la situación ambiental en España, para alertar sobre la falta de atención a los problemas ambientales en el país, y un llamamiento para que se resuelvan los problemas más urgentes. El catálogo es el siguiente:

1.- Caso Prestige

Cuando están a punto de transcurrir siete meses desde que ocurriera la mayor catástrofe ambiental en España, quedan muchas cuestiones sin resolver. La que requiere una solución más urgente es la presencia de 37.000 toneladas de fuel en el pecio del Prestige.

La contaminación de los fondos marinos con fuel es otro aspecto clave, así como la necesidad de asegurar un seguimiento exhaustivo y a largo plazo de los impactos ambientales de la catástrofe.

Sin embargo, la catástrofe del Prestige ha puesto también de manifiesto la inexistencia de una política preventiva en materia de contaminación marina, y la falta de medios en la lucha contra la contaminación, como consecuencia del desinterés del Ministerio de Fomento.

Por otro lado, ha quedado patente la ineficacia del actual régimen de responsabilidad, y la necesidad de establecer un nuevo régimen de responsabilidad ilimitada para el tándem armador-fletador. Es necesario que el Gobierno español adopte una posición más activa a favor de ese nuevo régimen de responsabilidad.

2.- El Plan Hidrológico Nacional

El único mandato de la actual Ministra de Medio Ambiente es sacar adelante la financiación europea del Plan Hidrológico Nacional (PHN). Es un escándalo que el llamado Ministerio de Medio Ambiente dedique más del 80por ciento de su presupuesto a la promoción de obras hidráulicas que destruyen el medio ambiente, y cuyo eje es el trasvase del Ebro.

El PHN se basa en un modelo insostenible de gestión del agua que está siendo abandonado en los países de nuestro entorno, por sus enormes impactos sobre el medio ambiente.

Como recurso natural escaso, el agua debe gestionarse desde el control de la demanda y no desde el esfuerzo para aumentar la oferta, agotando las posibilidades del ecosistema.

3.- Apoyo a los cultivos y alimentos transgénicos

El Ministro de Agricultura español, Arias-Cañete, se ha convertido en uno de los mayores defensores de los cultivos transgénicos de la Unión Europea. Indiferente ante los impactos ambientales y sociales de los transgénicos, promueve su expansión en España, y los defiende ante la Unión Europea.

La denuncia del Gobierno de EEUU contra la Unión Europea ante la Organización Mundial del Comercio (OMC) por la moratoria contra los productos transgénicos ha puesto de manifiesto la verdadera dimensión de la campaña a favor de los organismos modificados genéticamente puesta en marcha por las grandes corporaciones como Monsanto, ejecutada por el Gobierno de EEUU y jaleada por ministros poco relevantes en el plano internacional como Arias-Cañete.

4.- La imparable destrucción de las costas

El desarrollismo en la costa es hoy más intenso de lo que lo fue en los años sesenta. La transformación del paisaje costero continúa imparable, y el Ministerio de Medio Ambiente - organismo competente en la protección de las costas - ha pasado de testigo de la destrucción a cómplice y ejecutor de la misma. Ahí están como prueba la última modificación de la Ley de Costas, que reduce la protección, y las innumerables Declaraciones de ImpactoAmbiental positivas de proyectos en las costas.

La degradación de las costas toma forma en iniciativas privadas como urbanizaciones, campos de golf, etc. pero también en iniciativas públicas como ampliación de puertos comerciales, nuevos puertos deportivos, dársenas o paseos marítimos.

Mención aparte merecen las llamadas "regeneraciones artificiales de playas", realizadas con arena extraída del fondo marino, destruyendo toda la riqueza presente en el fondo marino.

5.- Nucleares peligrosas

El anuncio del cierre de la central nuclear de Zorita en el 2006 es un paso significativo en la eliminación de la energía nuclear en España. Sin embargo, el progresivo envejecimiento del parque nuclear español se manifiesta cada día poniéndonos en riesgo de un accidente nuclear.

Los últimos problemas en las centrales nucleares de Almaraz y Garoña son nuevos ejemplos de la necesidad de poner fin de manera urgente y ordenada a la energía nuclear, de momento amparada desde el gobierno y apoyada por la Comisaria Europea, Loyola de Palacio.

6.- El incumplimiento de Kioto

La ratificación del Protocolo de Kioto por parte de la Unión Europea fue el logro más destacado en materia ambiental de la Presidencia española de la Unión Europea. Pero además de ratificar hay que cumplir, y es ahí donde España no está cumpliendo con su tarea.

Los planes energéticos que promueven la construcción de decenas de nuevas centrales térmicas, y una política de transportes que apoya el transporte privado a través de la permanente ampliación de la red de autopistas, tiene como consecuencia el aumento sin freno de las emisiones en España de gases de efecto invernadero, que supera ampliamente el doble del límite máximo permitido por Kioto, fijado en un 15 por ciento sobre los niveles de 1990.

A pesar de esta situación, todavía sigue sin aprobar una Estrategia Española para el Cumplimiento del Protocolo de Kioto.

7.- La importación de madera extraída ilegalmente

La destrucción de los últimos bosques vírgenes del Planeta tiene su cara más amable en los puntos finales de consumo de la madera. España importa ingentes cantidades de madera tropical, y un 10 por ciento del total se extrae de manera ilegal.

Frente a esta situación el Gobierno se resiste a establecer un compromiso firme de protección de los bosques mundiales, a través del control exhaustivo de las importaciones de madera.

8.- Cada vez más residuos

La consecuencia más evidente de la falta de una política ambiental es el crecimiento continuado en la cantidad de basuras que se producen en España. Según datos del Instituto Nacional de Estadística, en los últimos diez años se ha producido un aumento espectacular en la generación total de basuras por habitante y año. Concretamente en el año 2000 se produjeron 26.504.990 toneladas de residuos urbanos, 2,2 veces más que en el año 1991.

Estas basuras se acumulan de manera creciente en vertederos o incineradoras, pero en pocos años la crisis de las basuras va a reaparecer con fuerza en España ante la progresiva saturación de los actuales métodos para deshacerse de la basura y ante la ausencia de políticas sostenibles de residuos que tengan como prioridad su reducción y reciclaje.

9.- Las sustancias tóxicas sin control

La actividad industrial humana ha puesto en el medio ambiente más de 100.000 sustancias tóxicas cuyos efectos nocivos se desconocen en la mayor parte de los casos. Los Contaminantes Orgánicos Persistentes (COPs) se consideran los más perjudiciales, y para combatirlos Naciones Unidas aprobó el llamado Convenio de Estocolmo.

Sin embargo a día de hoy España no ha ratificado dicho Convenio, el único instrumento mundial existente sobre éstos contaminantes.

10.- ¿Participación?

A pesar de las promesas durante la Presidencia Española de la Unión Europea, todavía hoy no existe en España ningún foro de participación para la discusión de los problemas del medio ambiente.

No existe tampoco ninguna Estrategia Española de Desarrollo Sostenible, aunque si hay una campaña de publicidad del Ministerio de Medio Ambiente que no se sustenta en ningún contenido real.

 

Arte en las joyas

04/06/2003, Colecciones de arte y museos de todo el mundo atesoran –además de estatuas o pinturas magníficas- bellísimas muestras de estas pequeñas piezas que siempre han atraído el interés del ser humano: las joyas


Por Tomás Alvarez

Colecciones de arte y museos de todo el mundo atesoran –además de estatuas o pinturas magníficas- bellísimas muestras de estas pequeñas piezas que siempre han atraído el interés del ser humano: las joyas. Caixa Girona presenta ahora una buena muestra sobre esta materia.

Cuando examinamos los restos de los poblados prehistóricos, al lado de las herramientas destinadas a la caza, la pesca o a la confección de vestidos o de calzado, suelen aparecer otras piezas que no tienen una utilidad sino como ornamente de las personas. Los hombres de la antigüedad ya eran amantes de las joyas.

El oro, las piedras o simplemente las conchas de los moluscos eran elementos en los que el hombre encontró desde hace milenios una belleza especial que podía colaborar a realzar el aspecto usual del cuerpo humano. Aunque no todo era ornato. A veces, la joya tenía una finalidad de protección o talismán, e incluso de identificación con un territorio, grupo o creencia.

Colecciones de arte y museos de todo el mundo atesoran –además de estatuas o pinturas magníficas- bellísimas muestras de estas pequeñas piezas que siempre han atraído el interés del ser humano: las joyas. La Colección Lázaro Galdiano es una de las que poseen un conjunto sumamente atractivo, que está siendo expuesto actualmente.

LAS JOYAS EN LA HISTORIA.

La joya es un objeto portátil, de pequeño tamaño, que contribuye al ornato y distinción de la persona. En general se valora como joya aquella pieza de metal precioso, con o sin perlas o piedras preciosas, aunque también se han empleado otros materiales, desde la madera de ébano a las conchas de moluscos.

Esto del ornato viene de lejos, como se atestigua en el estudio de las distintas civilizaciones. En la organización social, el hombre siempre ha tenido diferencias de estatus y precisamente el adorno del individuo o de las esposas era una visualización de la jerarquía.

Desde épocas remotas, numerosas representaciones de damas y diosas muestran el amor a los adornos y las joyas. En el museo británico, por ejemplo, se puede ver la espléndida colección de joyas de la reina Shubad (2645 a.C.) hallada en el cementerio real de Ur.

Collares, alfileres, anillos, sortijas diademas... los pueblos orientales desarrollaron una indudable maestría en el manejo de metales preciosos y pedrería. Los egipcios alcanzaron un enorme refinamiento con materiales como el ébano o el marfil. Algunas pinturas egipcias nos muestran bellas damas, tañendo instrumentos musicales o danzando, bellamente adornadas.

¿Qué decir de las esposas de dignatarios o reinas, como Nefertiti? Sencillas piezas de utilización habitual, como broches o anillos, muestran una inusitada maestría de elaboración. Notables son los camafeos del país del Nilo.

A la finura de los griegos, los romanos añadieron el afán de ostentación. Tomaron las tecnologías de Grecia y Egipto y llenaron ajuares y vestimentas de fíbulas, broches... pusieron ostentosos anillos en las manos, en un estilo que alcanzó niveles increíbles con los bizantinos, especialmente amantes de la pedrería,

La Edad Media, a priori más oscura y dura, no fue un punto y aparte. Los invasores bárbaros amaban el brillo de las piedras precisas, que pusieron en engarces, broches, fíbulas, espadas y cinturones.

Influidos por la riqueza bizantina, los reinos cristianos de occidente fueron importando materiales y copiando tecnologías. Una de éstas fue la del esmalte, aplicado de forma creciente desde el siglo X en adelante en todo tipo de adornos y elementos litúrgicos.

A medida que avanzaba el medioevo, los caballeros gustaron de cargarse de grandes anillos y brazaletes y las damas comenzaron a entrelazar piedras precisas en el mismo pelo. Entretanto, la orfebrería y la filigrana alcanzaban cotas de perfección, que continuaron en los siglos siguientes.

En el siglo XVI, la expansión hispana hizo que afluyesen a los mercados las producciones de oro y plata de un nuevo continente, y la burguesía y nobleza de toda Europa rivalizó en un derroche de belleza. A los elementos personales –collares, brazaletes o anillos- se sumó una utilización de los metales preciosos y la pedrería en elementos de vajilla, coronas, armas, etc. e incluso una inmensa proliferación de los riquísimos objetos de culto.

Y el hombre prosiguió en ese amor por las joyas, si bien ajustando el gusto a los estilos de cada época. Así, en se incorporaron maneras clásicas o gustos por lo medieval(romanticismo), por la naturaleza(modernismo) o por formas más abstractas (cubismo, etc.). Artistas notables (como Dalí) gustaron de realizar piezas en las que dejan su impronta artística.

En un mundo más globalizado, más teñido de economicismo e industrialismo, el hombre de hoy no recurre tanto a la joya para mostrar su estatus, sino a otros elementos como el automóvil o el mismo modelo de agenda electrónica o teléfono móvil. Pero en el ámbito femenino la joya sigue siendo una pieza codiciada, si bien se huye de lo recargado. La propia sustitución del oro (amarillo) por el platino y el oro blanco tal vez esté relacionada con ese intento de aparentar sencillez.

LA MUESTRA DE LA COLECCIÓN LÁZARO GALDIANO.

José Lázaro Galdiano (1862-1947), fue un amante de la belleza que reunió una magnífica colección de arte, entre la que destacan también numerosas joyas, que se han expuesto recientemente en Segovia (100 km al norte de Madrid, España) y ahora se presentan en la Fontana d`Or, sede cultura de Caixa de Girona (al norte de Barcelona), prestigiosa entidad financiera de esta ciudad catalana.

Se trata de una exposición de 113 joyas, en la que se exhiben piezas muy variadas en cuanto a su procedencia, cronología, materiales y usos. La exposición abarca también otros materiales, tales como joyas arqueológicas procedentes de Ampurias, ciudad de origen griego en la costa norte de Cataluña.

Las piezas que se exhiben son anillos, relojes, agujas de corbata, gemelos, camafeos, medallas, condecoraciones, rosarios, cruces, colgantes, relicarios o bolsos y unas 20 pinturas de diferentes épocas, facsímiles y fotografías que complementan la muestra.

UNA FORTUNA DE ORIGEN ARGENTINO.

El financiero José Lázaro se casó en 1903 con la multimillonaria argentina Paula Florido Toledo, quien a su muerte le dejó en herencia todas sus joyas. Lázaro, a su vez, legó a su muerte 13.000 joyas y una gran biblioteca al Estado español.

Entre las joyas expuestas ahora destacan diversas piezas arqueológicas que los expertos consideran que proceden de la colonia griega de Ampurias. Se trata de un brazalete y un collar griegos de entre los siglos IV-I AC, un anillo giratorio fenicio del siglo IV AC y unos pendientes fenicios de los siglos IV-III AC.

La primera parte de la muestra recoge diferentes aspectos relacionados con las joyas: su uso, la expresión artística, su testimonio en la historia, o la expresión de devoción. En la segunda parte, se muestra una sección cronológica de joyería principalmente europea y destacan especialmente las joyas de los siglos XV y del XVIII.

La muestra permite disfrutar de obras de reconocidos joyeros como Giuseppe Bruno, Miseroni o Alfred André y también de Reinhold Vasters, el mejor imitador de Europa de estilos del siglo XIX, que acabó siendo reconocido como un gran artista.

En cuanto a las pinturas, aparecen principalmente retratos y escenas de género de reconocidos artistas, donde la joya tienen un papel destacado, como en el "Retrato de Carlos III" de Antón Raphael Mengs o en cuadros de Sánchez Coello, Vicente López y Miguel Jacinto Meléndez.

Son piezas que permiten penetrar en el conocimiento de cada época. “Estos pequeños fragmentos de metal y piedras –dice Leticia Arbeteta, comisaria del evento- contienen un código precioso, una lente a través de la cual podemos observar la sociedad, las preferencias, las modas del momento, el gusto personal del portador de la joya y de quienes le rodean”.

El año Vincent van Gogh

10/05/2003, Se está conmemorando en el año 2003 el 150 aniversario del nacimiento de Vincent van Gogh, el pintor holandés que más conocido después de Rembrandt´, muerto a los 37 años de edad.

Por Tomas Alvarez

En el año 2003 se está conmemorando el 150 aniversario del nacimiento de Vincent van Gogh, una fecha que sirve para propiciar un acercamiento al pintor holandés más conocido después de Rembrandt.

En 1890, un disparo acabó con la corta vida de Vicent van Gogh. Fue la suya una existencia tan trágica como corta. Había nacido el 30 de marzo de 1853 en la villa holandesa de Zundert y a su muerte aún nadie reconocía públicamente la calidad de su obra.

Vincent Van Gogh murió muy joven, a los 37 años, pero dejó un sorprendente conjunto de obras: 860 cuadros, realizados entre diciembre de 1881 y julio de 1890. Ello fue posible porque pintaba como un ser enfebrecido, olvidándose de sí mismo, de su sustento, de sus gentes.

Nacido en una familia sumamente religiosa –su padre era pastor protestante- van Gogh tenía un carácter difícil, era retraído, tímido y apasionado. Empezó a trabajar a los 16 años en el establecimiento de un célebre marchante, en la Haya, pero pronto fue trasladado por su difícil trato, primero a Bruselas y luego a Londres, donde recibió su primer gran desengaño amoroso. Cuando la hija de la dueña de la pensión donde se hospedaba rechazó su amor.

Convencido de que lo suyo era la vida religiosa –sin duda resultado de su apasionamiento y el desengaño amoroso- tuvo tres años de estudiante de teología y predicador, periodo que terminó en una crisis de salud que le hizo retornar a la casa paterna. A partir de entonces volvió su pasión en la pintura, a partir de 1880.

Empezó con temas de gente humilde, en un enfoque social heredado de la pintura realista francesa. Estudió en diversos talleres pero ya en 1882 se empezó a detectar su enfermedad mental. Trabajó por entonces junto a su padre y en 1883 sufrió una nueva decepción sentimental. Esta vez le rechazó una prima.

Hasta el 86, van Gogh muestra el influjo realista, especialmente el de Millet, y entre sus cuadros hay que citar a “Los comedores de patatas”, pintado en 1985. Se trata de una obra realizada en sus inicios holandeses, en 1885. En ella ya se perciben líneas básicas de este artista. Los cinco participantes se reúnen en torno a una olla. Sobre ella alumbra una lámpara que recuerda a otra que medio siglo más tarde pondría Picasso en su Guernica. La luz es mortecina. Colores oscuros, marrones y azul verdoso, dan un matiz espeso, agónico, lúgubre, al cuadro. ¡Qué lejos se halla esta escena de las estampas campesinas que siglos antes pintaban gentes nacidos en su propio país!. La obra es algo más que un modelo de realismo. Es también un preludio de lo que más tarde aportarían el expresionismo.

En 1986 –sintiéndose un extraño en su propio entorno- marchó a París, al amparo de su hermano Theo. Entonces entra en contacto con los impresionistas, que le muestran un mundo de luz, una proliferación de gamas claras. Recibe influjos de gentes como Toulouse Lautrec, Émile Bernard y Gaugin. Precisamente, con el primero de estos marchó en 1987 a la Provenza.

En este entorno, Arlés, desarrollaría su periodo más floreciente. 200 obras pintadas en 15 meses, con cuadros famosos como “Mi cuarto de Arlés “ o “Los girasoles”. Allí pinta con colores más vivos; se inspira en la primavera y en el arte japonés. Paul Gauguin se unió a ellos en 1888, pero el equipo no funcionó. Los problemas mentales de van Gogh fueron a más; hubo intentos de agresión, y el holandés acabó cortándose una oreja.

Theo le ingresó en un hospital, donde siguió pintando, luego pasaría a un manicomio. Siguió pintando en un lugar y otro con pasión. 150 obras más. Son más expresionistas. Colores claros y movimientos ondulados fuertes dominan en sus cuadros. En mayo del 90 vuelva a Paris y su hermano le envía a reponerse a una finca de Auvers-sur-Oise. Pero las crisis continuaron. El 27 de julio terminó su atormentada existencia, de un disparo en el pecho.

Año van Gogh.

La conmemoración del 150 aniversario del nacimiento de Van Gogh se recuerda en todo el mundo, pero se desarrolla en el 2003 principalmente en Holanda. Se inició con la inauguración de dos importantes exposiciones dedicadas al pintor y que abrieron sus puertas en el Museo Van Gogh de Ámsterdam y en el Museo Kroller Muller de Otterlo.

En “La elección de Vicent", el museo de Ámsterdam, donde se conservan más de mil pinturas, dibujos y cartas de Van Gogh, se presentan alrededor de cincuenta destacadas obras de este artista junto con 150 piezas de los creadores que más admiró como Rembrandt, Rubens, Ruisdael, Van Ostade, Hubert von Herkomer, Jean Leon Geronme, Degas, Corot, Millet, Delacroix, Toulouse-Lautrec, Bernard, Monet, Signac, Seurat o Gauguin. Está abierta hasta el 15 de junio de 2003.

Desde febrero al 12 de octubre de 2003, el Kröller-Müller Museum, de la ciudad de Otterlo, presenta la exposición “Vincent y Helene: El Significado de Van Gogh” en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del pintor. Este es el segundo museo del mundo con más obra de Van Gogh.

La colección que alberga este museo, inaugurado en 1938 y dedicado al arte moderno y contemporáneo, fue donada al Estado holandés por el matrimonio Kroller-Muller, que en 1907 comenzó a adquirir obras maestras. La exposición, según el director del museo Evert J. van Straaten, trata de mostrar la pasión que Helene Kroller-Muller sentía por la obra de Van Gogh. Prueba de ello son las casi 300 obras del artista, 200 dibujos y 87 cuadros, que se exhiben y que se han repartido en diferentes salas siguiendo un orden cronológico de adquisición.

El programa conmemorativo del 150 aniversario del nacimiento del pintor impresionista incluye también una exposición que se inaugurará en el mes de junio en el Museo Van Gogh y en la que podrá apreciar la influencia y fuente de inspiración que fue el artista holandés para muchos creadores del siglo XX.

Direcciones de internet:

http://www.vangoghmuseum.nl/

http://www.vangoghmuseum.nl/vgm150/bis/page-1-1.html

http://www.kmm.nl/index_flash.html#voorpagina

 

Ramón Gaya, en el Reina Sofía

30/04/2003, Ramón Gaya, premio Velázquez de las Artes Pásticas, es la figura que merece una excelente exposición en el Centro de Arte Reina Sofía. La muestra antológica estará abierta hasta el 25 de agosto de 2003


Ramón Gaya, premio Velázquez de las Artes Pásticas, es la figura que merece una excelente exposición en el Centro de Arte Reina Sofía. La muestra antológica estará abierta hasta el 25 de agosto de 2003

Pintor, ensayista, poeta, idealista, Ramón Gaya tuvo desde sus orígenes una vida agitada. El exilio le condujo a México, París, Venecia y Roma, hasta su regreso a España en la década de los setenta. Ya nonagenario, recoge los laureles del triunfo. En el año 2002 recibió el primer premio Velázquez de Artes Plásticas y el Centro de Arte Reina Sofía le dedica ahora, en Madrid, una gran exposición.

Es sin duda una de las buenas exposiciones del año, pues –tal como se recalcó en la presentación- la solidez y personalidad de su carrera artística se ha fortalecido con el paso del tiempo hasta constituirse en uno de los “faros de la cultura artística europea del siglo XX”, según le definió el comisario de la muestra, Enrique Andrés Ruiz.

Una vida densa.

Ramón Gaya nació en Murcia, España, en 1910 donde había un pequeño pero activo núcleo cultural. En 1928 viajó a París. Allí contactó con Picasso y otros grandes de la pintura moderna. Pero ese viaje marcó un giro en la trayectoria del pintor, pues descubrió “amnesias y artificios” de las vanguardias. A su regreso de París, y en un encuentro con Jorge Guillén, éste le preguntó por su viaje y el artista respondió "A mí lo que me gustan son Las Meninas". Para Gaya el gran foco de inspiración estaba en el Museo del Prado, al que definía como memoria viva de España y corazón artístico de occidente.

Entusiasmado por la riqueza de la tradición pictórica europea, a partir de entonces buscó su propia línea pictórica, en la que se detecta una devoción por los clásicos Velázquez, Van Eyck o Tiziano, compatible con la admiración por Picasso, Cézanne o Van Gogh.

En los años treinta participó activamente en los programas educativos de la República de España, trabajando en el Museo Ambulante y las Misiones Pedagógicas. Luego, colaboró en el famoso pabellón de España de la Exposición de París(1937), donde se juntó obra suya y de otros grandes autores, como Picasso, Miró o Arp.

La Guerra Civil española lo llevó a México, donde residió hasta 1952, compartiendo amistad con Octavio Paz, Xavier Villaurrutia, Salvador Moreno o Tomás Segovia. Frente a la estética surrealista, mantuvo allí una actitud ligada a las tradiciones pictóricas clásicas, polemizando abiertamente en su defensa.

Vuelto a Europa, residió en Francia e Italia antes de reencontrarse definitivamente con España, en 1978. De la década de los ochenta en adelante, la figura de Gaya se va agigantando entre los amantes del arte; empiezan a dedicársele muestras en los principales centros culturales y recibe grandes distinciones, que culminan en el año 2002 con el Premio Velásquez de las artes plásticas, en su primera edición.

Una trayectoria insólita.

Hay en Gaya diversos elementos que hacen de él un artista extraordinario. Es también excelente escritor, y analista de arte. En su inicio se entronca con el arte de las vanguardias, tal como se ve en sus pinturas cubistas del final de los años veinte. Pero a raíz de su viaje a París, elige un camino propio, de regreso a una tradición vivificante; que él considera viva.

Y bucea en los clásicos, pero acepta la modernidad, sin artificios hueros. Velázquez, Tiziano, Murillo, Van Eyck, Cézanne o Picasso están en su obra. Busca una línea propia sin plegarse a las requisitorias estéticas de las vanguardias, y mantiene esa línea a lo largo de ocho décadas.

La concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas, el más importante que otorga España en reconocimiento a la obra y trayectoria de un artista contemporáneo español o iberoamericano, implica entre otras cosas la organización de una gran muestra retrospectiva. Ésta es la que corresponde al primer galardón. La amplia retrospectiva incluye unas 170 obras, la mayoría pinturas, pero también algunos dibujos y apuntes. Ilustra todas las etapas de la trayectoria de este singular creador, que emprendió una de las aventuras pictóricas más singulares del siglo XX, rescatando para la modernidad el sentimiento de la pintura de sus maestros preferidos del pasado, a quienes celebra en numerosas pinturas, actualizándolos, a costa de sacrificar su propia originalidad.

La muestra antológica, que estará abierta hasta el 25 de agosto de 2003, incluye también testimonios de la labor de Gaya como ilustrador y viñetista, ya sea para dar muestra de su trabajo en revistas como Hora de España, ya para acreditar su colaboración en ediciones de obras tan relevantes como Canción, de Juan Ramón Jiménez, o La realidad y el deseo, de Luis Cernuda El comisario presenta el recorrido de la exposición con criterios cronológicos, aunque con algunos saltos temporales, comenzando por sus primeros años en Murcia, su obra poscubista y su pintura lírica, para dar paso a su primer exilio en Francia y las obras realizadas en el castillo de su amigo Cristóbal Hall.

Su etapa mexicana, el periodo italiano, su regreso a España y la obra realizada en los últimos años quedan bien reflejados en las pinturas exhibidas, entre las que se encuentran una veintena de obras que no se han expuesto hasta ahora, alguna del año 2001. El artista, a sus 92 años, continúa pintando. Las últimas obras muestran una fase ascética de su obra, según el comisario. Gaya es, en opinión de Enrique Andrés Ruiz, una personalidad singular y de gran complejidad, aunque aparentemente sencilla. A veces se ha interpretado que es un artista que va contra su tiempo, pero en la exposición se intenta matizar esto. “Alguien que ha sido amigo y compañero de Picasso, de Juan Ramón Jiménez, y que ha mostrado su admiración por Picasso, Klee, Cézanne o Van Gogh, no ha sido un contra vanguardista", dijo el comisario.

Juan Manuel Bonet, director del Centro Reina Sofía, recalcó que la relación de Gaya con Velázquez es muy estrecha, no sólo por ser el primer premio Velásquez, sino por la vinculación de su pintura y por el libro "Velázquez. Pájaro solitario" (1969), uno de los mejores textos sobre el artista sevillano.

Juan Manuel Bonet sostuvo que Ramón Gaya es también “un pájaro solitario", de pintura luminosa y de enorme personalidad.

 

Toulouse Lautrec y el cartelismo

29/04/2003, Toulouse-Lautrec recibió encargos para hacer la cartelería de la mayoría de cabarets parisinos, en el tramo final del siglo XIX. Cien años después de su muerte, se recuerda su vocación.

Toulouse-Lautrec recibió encargos para hacer la cartelería de la mayoría de cabarets parisinos, en el tramo final del siglo XIX. El primero lo realizó en 1891 para el Moulin Rouge. Un siglo después de muerto, numerosos cartelistas de nuestro tiempo lo han homenajeado, dedicándole sus propios diseños.

Apasionado por el mundo del cartel, Toulouse-Lautrec (1864-1901) acabó consagrándose a la litografía y desarrollando un estilo muy personal en el que también destaca la importancia que adquirió la tipografía en sus diseños. Pese a que su carrera se vio truncada por su muerte prematura, revolucionó el lenguaje del cartel y alcanzó renombre internacional. Con motivo del centenario de su muerte, el Club des Partenaires du Musée Toulouse-Lautrec de Albi (Francia) hizo un llamamiento en el año 2001 para homenajear al artista.

Bajo la dirección de Anthon Beeke, se convocó a cien de los mejores diseñadores gráficos del mundo. El resultado esun conjunto de 100 carteles en los que la impronta de Toulouse-Lautrec se hace patente. Una serie completa forma parte de la Colección de Obra Gráfica de la Fundación “la Caixa”, de la cual ahora se exhibe, por vez primera en España, una selección de sesenta carteles en Vic, Cataluña, del 16 de abril al 1 de junio de 2003. Bajo el título “Diseñadores para un mito. Homenaje a Toulouse-Lautrec”, la muestra reúne las visiones de Javier Mariscal, Anthon Beeke, Paula Scher y Ikko Tanaka, entre otros. La comisaria es la historiadora del diseño Raquel Pelta.

La exposición está dividida en dos ámbitos. En el primero de ellos están los carteles contemporáneos que hacen referencia a la sugerente personalidad del artista y a toda la iconografía que lo rodea. Bombín negro, bastón y las numerosas apariencias bajo las que Toulouse-Lautrec se dejó fotografiar, han servido como fuente de inspiración a los diseñadores gráficos en su homenaje a este artista. A continuación, los carteles basados en el mundo del espectáculo y la noche parisina, de los que Toulouse-Lautrec fue excelente cronista.

Estas sesenta obras gráficas se exhiben junto a fotografías del artista y reproducciones de sus carteles que sirven de contexto a las creaciones de los diseñadores contemporáneos, pues les han servido de referencia. Asimismo la exposición refleja las distintas tendencias contemporáneas del diseño gráfico, ya que reúne obras de artistas tan dispares como Charles S. Anderson (EEUU); Philippe Apeloig (Francia); Franco Balan (Italia); Michal Batory (Francia); Anthon Beeke (Paises Bajos); Xavier Bermúdez (Mexico); Pierre Bernard (Francia); Michael S. Beirut (EEUU); Yuri Bokser (Rusia); Leslie Chan Wing-kei (China); Mayo Bucher (Suiza); Kenneth Cato (Australia); Vladimir Chaika (Rusia); Ivan Chermayeff (EEUU); Seymour Chwast (EEUU); Javier Mariscal(España) e Isidro Ferrer(España), entre otros.

Cada uno de ellos aporta su visión personal de la figura y de la obra de un artista imprescindible para entender la evolución del arte no sólo en el siglo XIX, sino también en el XX. El pintor El pintor y litógrafo Henri Marie de Toulouse-Lautrec nació en 1864 en Albi (Francia). Descendiente de los condes de Tolosa, fue un personaje encantador dotado de una atractiva personalidad. En 1885, se instaló en Montmarte e inició una vida bohemia. Frecuentaba cafés, cabarets, prostíbulos y teatros que reflejó en sus obras. Trabajó para la mayoría de cabarets parisinos, y cultivó la técnica del pastel y la ilustración en revistas humorísticas. El abuso del alcohol le llevó a retirarse a una clínica de Neuilly y, más tarde, al castillo de Malromé, donde murió en 1901.

Aunque a lo largo de su vida sólo realizó una treintena de carteles, revolucionó el lenguaje del diseño gráfico e impactó de manera decisiva en el desarrollo posterior del mismo. Aportó al cartelismo los colores planos y la perspectiva de la estampa japonesa, introduciendo al espectador como personaje de la escena. También utilizó la tipografía poniéndola en relación con las ilustraciones de forma rica e imaginativa. Si su influencia fue enorme en los circuitos artísticos, sus carteles tampoco pasaron desapercibidos por el gran público.

Ya en su época, Thadée Natanson, uno de los fundadores de la revista Revue Blanch, señaló que los carteles de Toulouse-Lautrec brillaban en las calles de París. Cien años después de su muerte, el artista sigue siendo para muchos creadores contemporáneos un ejemplo de libertad intelectual. No en vano son muchos los diseñadores actuales que se sienten sus herederos más directos. La exposición Diseñadores para un mito. Homenaje a Toulouse-Lautrec es un buen ejemplo.

Según la comisaría e historiadora del diseño, todos los artistas comprometidos en la muestra manifiestan un conocimiento de la vida del artista que revolucionó el lenguaje gráfico de los posteriores cartelistas. Para ella, Toulouse Lautrec estuvo muy influido por la estampa japonesa y por “todo aquello que hace referencia a Oriente”. Raquel Pelta habla del artista como “un hombre de la modernidad, que ya contó con una fotografía emergente".

Dirección del Museo e Toulouse-Lautrec: http://www.musee-toulouse-lautrec.com/

 

La belleza de Girona, desde el aire

20/04/2003, Girona es una provincia española con una geografía variada y bella y un alto nivel de vida. Se muestra en todo su esplendor en las imágenes panorámicas del fotógrafo Pau Giralt Miracle, realizadas desde un globo aerostático

En el extremo nordeste de España, Girona es una provincia pequeña, tranquila, profundamente respetuosa con las tradiciones, con una geografía variada y bella y un alto nivel de vida, un territorio que se muestra en todo su esplendor en las imágenes panorámicas del fotógrafo Pau Giralt Miracle, realizadas durante dos años desde un globo aerostático.

En el límite con la frontera francesa, Girona es un eterno corredor por el que han circulado desde los ejércitos hasta las influencias culturales. A la vera del mar, por allí recalaron las naves griegas y romanas, en la vieja Ampurias; en un extremo de los Pirineos, por allí cruzó la principal de las vías que unía el territorio de Hispania con la metrópoli romana, circunvalando todo el arco oeste de Mar Mediterráneo.

Y toda esa historia ha quedado estancada en los pueblos, en las pequeñas ciudades, en los monasterios, en enclaves solitarios de montaña... y en la cultura de unas gentes de vida pausada, pero que no están de espaldas a la modernidad, como se atestigua en sus costas, donde recala una multitud cosmopolita, o en sus museos, donde pervive la memoria de los artistas como el genial Dalí.

La provincia es pequeña. La superficie total es de 5.886 kilómetros cuadrados y su población es de algo más de medio millón de habitantes, repartidos en 221 municipios, de los cuales el mayor es el capitalino, con unos cien mil habitantes.

Su geografía está marcada por la presencia, en la parte septentrional, de los Pirineos Orientales, cuyas mayores altitudes no superan aquí los 3.000 metros, y que van descendiendo hasta hundirse en el mar, en el entorno del cabo de Roses. Una serie de pequeñas cordilleras costeras y amplias fosas ocupa la parte intermedia, en tanto que la costa es abrupta. La Costa Brava, como se la conoce, es una de las más bellas del litoral español y en ella los acantilados alternan con bella calas y bahías, al lado de atractivas poblaciones de gran interés turístico, pero no masificadas; todo a la medida del hombre.

El clima varía en función de esta geografía, pero es muy agradable en la costa. También varía la vegetación, en razón de los suelos y altitudes, aunque en general se trata de una tierra verde. En Girona hay diversos lugares de alto interés biológico. Destaca la reserva natural de las Illes Medes, con un privilegiado ecosistema submarino mediterráneo. Pero también cuenta con otros bellos parques naturales como la zona volcánica de la Garrotxa y el cabo de Creus.

A vista de Pájaro.

¿Cómo es esta tierra a vista de pájaro? La Fundación Caixa de Girona ha presentado en su centro cultural, La Fontana d´Or, una exposición de treinta y dos “Visiones Panorámicas” de Girona, - cuatro enfoques concretos sobre cada una de las ocho comarcas de la provincia- captados por Pau Giralt-Miracle desde un globo aerostático entre el 2001 y el 2002.

El autor, formado en Barcelona, se graduó como técnicos de artes gráficas en 1974, iniciándose seguidamente en las labores fotográficas en un laboratorio de la ciudad catalana. Ha trabajado para las editoriales Salvat y Nauta, y ha estudiado fotografía publicitaria y tecnologías gráficas: Desde hace veinte años se dedica a la fotografía profesional, paisajismo, arquitectura rural, catálogos de arte, etc. También imparte –desde hace quince años- seminarios de tecnología de los medios impresos y comunicación gráfica en la Escuela Superior de Relaciones Públicas barcelonesa.

Pau Giralt Miracle, en el catálogo de la presentación, destaca que la visión panorámica es una mayor aproximación al campo visual del ser humano. La Visión desde el aire, mediante el globo, le ha permitido –dice- apropiarse de la realidad física de Girona de una forma silenciosa y suave, con una espectacularidad que no se consigue en las fotografías a ras de suelo.

Para Arcadi Calzada i Salavedra, presidente de Caixa Girona –la activa entidad financiera patrocinadora del trabajo- las imágenes producen en el espectador una sensación inmediata de ligereza y silencio, que proporciona un redescubrimiento del propio paisaje conocido y habitado. “Con sus imágenes, el fotógrafo forja un puente entre el paisaje –el que podemos abarcar con la mirada- y aquel que sabemos que existe, pero que difícilmente podemos ver con los propios ojos”.

“El fotógrafo, en este caso, captura con su ojo, con la complicidad de su cámara, la materia, las formas, los colores y nos descubre lugares ocultos, intrincados y complejas construcciones naturales o realizadas por la intervención del hombre, laberintos fantásticos... y nos regala también una visión inédita de los espacios, de unos espacios que se presentan en toda su magnitud”, afirma Calzada y Salavedra.

Tomás Alvarez. Fotografías de Pau Giralt Miracle, cortesía de Caixa Girona.

Una mirada intimista

16/04/2003, Enrique del Río nos aproxima a la naturaleza con una mirada intimista que observa una realidad fragmentada; fragmentada por su percepción selectiva, educada, refinada y entrenada a distinguir y captar lo esencial y lo que adquiere mayor expresión.

Una mirada intimista

Enrique del Río nos aproxima a la naturaleza con una mirada intimista que observa una realidad fragmentada; fragmentada por su percepción selectiva, educada, refinada y entrenada a distinguir y captar lo esencial y lo que adquiere mayor expresión, en una bella muestra presentada en Navacerrada(Madrid), sala de exposiciones de Frontalia.

Por Lola Salinas.

Breve reseña biográfica

Enrique del Río, Sevilla, 1.952. Con una intensa formación en Artes Gráficas, participa en sus primeros años de actividad artística en diversos talleres de Grabado e Impresión Artesanal en Madrid. Durante esos años iniciales participa igualmente en diversas exposiciones individuales y colectivas con obra personal centrada en la técnica mixta y el collage.

Más de veinticinco años de actividad como publicitario en tres de las mejores agencias de este país, dos de ellas ocupando durante años un primer puesto en el ranking nacional y con una amplia proyección exterior. En la actualidad Director de Cuentas en McCann Erickson Madrid.

Diversas campañas y piezas publicitarias de su responsabilidad han sido premiadas y finalistas en múltiples ocasiones en los festivales publicitarios de Cannes, Venecia, San Sebastián y FIAP.

La naturaleza subjetiva

Para esta ocasión Enrique del Río nos propone una doble temática o, si se prefiere, un planteamiento explícito con un trasfondo. De una parte, aborda la naturaleza vegetal como objeto directo de trabajo, creando variaciones de la misma -árboles, hojas, flores- que, enfocados en “encuadre recortado”, constituyen un tema monográfico para cada cuadro.

El trasfondo de su temática es quizá menos evidente, sin embargo, despierta inmediatamente nuestro interés. Enrique se interna en una dimensión muy sugerente de la realidad, interpretándola desde el espacio íntimo o subjetivo que evoca en su memoria.

Esta doble propuesta parece traducir un objetivo claro: La orientación selectiva de su atención en encuadres reducidos o recortados le permite explorar, estudiar y trabajar las posibilidades de expresión que ofrece el “espacio mental de la imagen”, de forma que pueda recrearse y profundizar, evitando la dispersión que ofrece un marco de la realidad más amplio.

El espectador participa también de la virtud de esta doble elección, porque, de inmediato, capta la propuesta de estudio de Enrique; no viéndose trasladado al estado de aturdimiento que, en muchas ocasiones, puede producirnos la dispersión de la atención, cuando, por ejemplo, someten nuestra sensibilidad a la percepción de una multiplicidad de diferentes imágenes u objetos.

Por todo ello, no es una exposición "amplia" o generalista, que abarque distintas áreas de su trabajo. Es un territorio específico de su quehacer artístico, de su diálogo interno, de su debate y reflexión sobre la relación entre “método-expresión-objeto-interpretación”. Creo que podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que en esta ocasión el autor aborda un "trabajo" con voluntad de ahondar en un campo de análisis y expresión, tratando de descubrir y explorar las posibilidades, las variantes y las dificultades, que la técnica pictórica y la perspectiva adoptada le van generando sobre el terreno de estudio. En este sentido, es una exposición "intensa".

Cada cuadro es un estudio del tratamiento pictórico de la naturaleza -acuarela, tabla, matices, enfoque, luminosidad. El conjunto de la obra expuesta es un análisis de las variaciones que nos ofrece ese tratamiento -gama de luces, diversidad de objetos, cambios de color, dimensiones. Los elementos comunes del estudio son los conceptos y contenidos de trasparencia en la luz y el color; la indefinición de las formas; la búsqueda de la esencia; el trabajo con la sensibilidad de los materiales; la atención centrada en los elementos diferenciados...

. En cuanto al tratamiento del material, Enrique nos lo describe en una respuesta espontánea con estas palabras:

"...se trata realmente de una técnica mixta, aunque básicamente son acuarelas y anilinas pintadas sobre tabla con una base acrílica previa y luego añadiendo lo que pillo - acrílicos, témperas y ceras - con la intención de que el resultado final se produzca a través de la suma de una serie de capas de color transparentes".

Transparencia. La atmósfera, que no podemos ver en la realidad, es transparente; sin embargo, existe, está ahí; la sentimos; somos capaces de percibirla; llena los espacios, los huecos y los fondos; se interpone entre el objeto y nuestra mirada. Esa calidad de transparencia la consigue el autor con el tratamiento del color translúcido; y creemos que es uno de los grandes logros de este trabajo.

Los objetos, las hojas, el tronco, el fondo, todo es atravesado por la luz; podríamos decir que el color, también, es creado por la luz. Es la luz, que se filtra por la naturaleza, la que nos permite descubrir su textura, su forma, su amplitud. Es la luz, la que nos introduce en el color, la tonalidad, la levedad de la materia.

No podemos decir que Enrique trabaje en un territorio minimalista, porque su expresión se nutre de una realidad rica en matices, sugerente de más realidad que, como una cadena, nos transporta sucesivamente a nuevos significados. No, decididamente no parece moverse en el minimalismo. Sin embargo, lo mencionamos porque ese afán por la esencia apunta un remarcado gusto por exponer lo sustantivo, y porque la elegancia de su abstracción nos sugiere una tendencia a prescindir de lo obvio y lo superfluo. En este sentido, a veces, la temática de su pintura nos recuerda, salvando las diferencias, esas magníficas ilustraciones de algunos excelentes libros de botánica. No obstante, su técnica y su estilo planean entre el concepto figurativo más original -pensamos en la pintura rupestre levantina- y el esquema de representación y síntesis que conduce a la abstracción. Es decir, algo así como una combinación entre el concepto y la realidad, entre la materia y el significado, entre la naturaleza y la cultura.

Concepto figurativo porque nos representa una realidad con nombre, común a nuestra experiencia: árboles, ramas, hojas, entornos y lugares transitados por nuestra vista y nuestra sensibilidad. Pero esa realidad no es trasladada al lienzo tal cual, es traducida, es reinterpretada desde la cognición pictórica de Enrique. Es su propio discurso el que nos habla de la realidad que él ve, y él no la ve igual que usted o que yo. Además, él nos aporta su propio vocabulario, que incorpora nuevo significado a esa realidad. En cada cuadro estamos hablando con el pintor, y, claro, lo hacemos desde nuestra lengua, dejándonos invadir por su sintaxis.

Siguiendo con el símil del lenguaje, uno de los atractivos que nos despierta la obra de Enrique es su capacidad para plantear incógnitas a través de una naturaleza vital, pero en absoluto agresiva (equivocadamente alguien podría pensar que esa armonía la convierte en inerte). Uno se pregunta si la presencia de la reflexión es la invitada constante de este pintor en sus constructos de imágenes. Esa otra realidad a la que hacíamos referencia al principio. Es como sí a través de esas elegantes líneas; de esos cálidos, delicados y amables tonos; y de esa composición tan lograda, tan equilibrada, descubriéramos, no ya la mirada del artista sobre la realidad, sino el hilo de pensamiento del autor suspendido en el momento que ha captado su memoria. Es como si cada elemento escogido tuviera una relación misteriosa con algún elemento de su propia reflexión. He aquí el elemento abstracto de su pintura.

Enrique del Río nos aproxima a la naturaleza con una mirada intimista que observa una realidad fragmentada; fragmentada por su percepción selectiva, educada, refinada y entrenada a distinguir y captar lo esencial y lo que adquiere mayor expresión. Momentos de una realidad, aspectos o instantes de la naturaleza suspendidos por la atención del observador en un espacio y tiempos no convencionales, que están habitados por la esencia de esa naturaleza, más que por la propia materia. Lo que vemos no es la dimensión más biológica de la naturaleza, ni la perspectiva botánica, ambas están voluntariamente ausentes. Enrique con su pintura nos invita a caminar por una dimensión menos transitada en nuestros paseos por el bosque. A través de los objetos que conforman ese bosque tan personal, podemos adentrarnos en un mundo de sensibilidad, atención, selección de formas, construcción de esquemas y, en definitiva, percepción que enlaza muy sutilmente con el probable significado que esos objetos tienen para el autor. Parece decirnos que lo que vemos en sus cuadros es lo que queda cuando nos despojamos de todo lo superfluo: la esencia.

Queremos advertir al visitante que, en este sentido, cuando interpretamos su pintura, incorporamos nuestra propia visión de lo que nos parece su concepción del cuadro. Así, la pintura, como cualquier creación, es un territorio de múltiples miradas y múltiples lenguajes, donde se teje un discurso paralelo a la intención del autor. Espero no apartarme mucho de esa sensibilidad original, aunque ya acepto que es imposible traducir su obra "literalmente".

Es una aproximación a la realidad mezclándose con ella, implicándose, dejándose invadir por ella. No parece haber distancia entre su mirada y la realidad, su mirada transita en el interior de esa realidad. Nos la recrea desde allí, haciendo explícita la sensibilidad del autor que capta la delicadeza, la fragilidad, la atemporalidad de lo fugaz, la liviandad de la existencia. El observador que intenta acercarse y "componer" una imagen que poder retener sólida en la retina y en la memoria, realiza vanos esfuerzos, infructuosos porque esa realidad que Enrique nos trasmite con la acuarela, se diluye en nuestra percepción, nos invade múltiple y fragmentada, nos despierta la sensación de estar ante una realidad más perpleja que una rama, unas hojas, la hojarasca, el viento o el paisaje. Nos lleva a un territorio, o mejor, a una dimensión más arraigada en nuestra conciencia, que podríamos describir cómo el lugar donde el significado adquiere vida propia, frente a la apariencia del objeto.

Significados que, como apuntábamos al principio, no necesariamente están en el autor, pero que él nos incita a transitar en nosotros mismos. La coincidencia entre unos y otros no es necesaria para que disfrutemos de su arte. Es más, casi sería obscena; es decir, fuera de escena; porque el arte es una puerta al mundo de la imaginación, al mundo de la representación, a la fantasía, a la sensibilidad, a las posibilidades; y esas circunstancias se enfrentan con la voz unívoca, con la mirada única, con la sensibilidad monolítica. Todo ello se desarrolla desde la pluralidad.

Enrique capta muy bien el espíritu del arte, sus cuadros, al igual que la filosofía del arte, nos invitan a experimentar por nosotros mismos, nos invitan pensar, a disfrutar de lo no dicho, de lo no explícito, de lo posible, de lo variado, de lo sugerente. Su obra es un espíritu abierto al diálogo interior (el bosque), un diálogo pacífico (las tonalidades cálidas y tenues), una actitud generosa en el discurso del arte (trazos inacabados). Su pincel crea unos trazos limpios y equilibrados; es sensible a la síntesis y a la simplicidad rica en matices. De la sutileza de su lenguaje pictórico captamos todo un proceso de desnudez en el que parece haber alcanzado la expresión más sugerente de la forma más sencilla, desechando vocablos innecesarios, evitando retóricas de color y formas que sustraen significado a la esencia del momento.

Si estamos equivocados o no, nos lo dirá el propio autor. Lo que sí es real, aunque esa no hubiera sido su intención, es que su vocabulario pictórico nos acerca a significados filosóficos, éticos, humanísticos. Por poner algún ejemplo, el bosque difuminado de fondo, que intuimos, sirve de escenario de la vida, nos habla de la fugacidad de la vida y nos invita a internarnos a querer saber más, a buscar más allá; Las ramas dibujadas incompletas, donde sólo se representa una parte de la realidad total, nos habla de la conciencia del autor sobre la visión parcial del individuo; los tonos y los colores, que se mueven en el ámbito de la calidez y la elegancia, nos evocan el deseo de un mundo más armonioso, más respetuoso, más cálido, también. El conjunto de la obra, nos agrupa la realidad como invitando a que la diversidad conviva. Los fondos matizados, nos muestran la relatividad de los objetos, de nuestras creencias, de nuestras raíces.

Antes de dar por terminado el comentario de la obra, le he pedido al propio autor que nos dé su propia interpretación, con la intención de obtener esa perspectiva tan importante que es la del creador y también tratar de establecer un debate abierto con la mirada del espectador:

"La verdad es que cuando uno se pone ante un lienzo –en mi caso tabla- en blanco y se enfrenta al difícil momento de dar la primera pincelada, te puedo asegurar que todas las fuerzas se centran en intentar plasmar en ese soporte en blanco y de la mejor forma que seas capaz, esa imagen fija que en algún momento anterior, no sabes como, se te ha formado en la cabeza. Y naturalmente, esas fuerzas no incluyen de momento la previsión de la proyección futura de la obra, bastante es que uno logre el objetivo inmediato de transformar en pintura esa imagen fija.

De modo que precisamente porque uno inicialmente no se hace esos planteamientos, lo cierto es que se agradece y mucho que alguien desde fuera, con la frescura que seguramente permite el acceder a una obra por primera vez, haga una descripción como la que tú haces, captando y expresando los planteamientos originales de la obra. Especialmente me siento identificado con algún párrafo en el que destacas la intención de provocar en el espectador el deseo de un mundo más armonioso, más respetuoso y más cálido, que de algún modo facilite la convivencia en la diversidad. (Enrique del Río, Abril 2003)

Exposición de Pintura “Enrique del Río. Obra Reciente”. Navacerrada, 16 de Abril 2003. Bodegas/Sala de Exposiciones de Frontalia

Lola Salinas

Zamora, una Semana Santa especial

11/04/2003, Zamora es austera y bella. Conserva sobre un otero que domina el río Duero su viejo centro urbano, cuajado de historia y de sabor románico, donde la Semana Santa tiene una especial emotividad.

Por Tomás Alvarez
Fotografías de Estudio Mynt

Zamora, en el noroeste español, es austera, profunda y bella. Pujante en la Edad Media y maltratada durante siglos por la decadencia, conserva sobre un otero que domina el río Duero su viejo centro urbano, cuajado de historia y de sabor románico, donde la Semana Santa tiene honda tradición y una especial emotividad.

En la Edad Media, esta importante ciudad del Reino de León, tenía fama de ser inexpugnable. Era llamada –por sus murallas indómitas- “la bien cercada”. Sobre aquellos muros sigue, dominante, la mole catedralicia, con una torre que de no haber sido medieval creeríamos que es fruto de un artista del cubismo.

Tiene Zamora una vega ubérrima, en torno a la cual se asientan dos comarcas conocidas como Tierra del Pan y Tierra del Vino. ¿Qué más pediría el hombre de antaño que el pan, el vino y los frutos del vergel del Duero?

Pero el viajero del siglo XXI no busca el pan o el vino –que siguen siendo necesarios- sino la emoción del espíritu. Y Zamora para ello ofrece, en los días en los que la primavera despunta ante sus muros, una Semana Santa cargada de interés artístico y fervor.

La Semana Santa en Zamora.

La ciudad tiene unos 60.000 habitantes, pero en Semana Santa alcanza los 300.000, porque estas celebraciones religiosas han alcanzado fama allende las fronteras.

Los primeros documentos conservados de la Semana Santa de Zamora , son de los años 1273 y 1279. Se refieren a la procesión de Ramos y a la representación que sobre ese motivo evangélico se efectuaba en la puerta del Mercadillo. Lo narrado en ellos se ha mantenido hasta nuestros días, aunque hayan variado algunos elementos. Si a esa procesión inicial de la Semana Santa acudían cabildo catedralicio y autoridades, así siguen haciéndolo en la mañana de Ramos; sin embargo, ha desaparecido la representación, ha cambiado de templo y se ha suprimido el paso por la puerta del Mercadillo.

Los siglos XIV y XV marcaron una profundísima huella en la cristiandad europea. La peste negra que asoló el continente en los años centrales de la decimocuarta centuria y las crisis que la siguieron, dieron lugar al nacimiento de un buen número de cofradías que rendían culto a la Cruz. Ninguna de ellas, desgraciadamente, ha llegado a nuestros días en Zamora.

El siglo XV, sin embargo, legó tres cofradías que, con diferente trayectoria, aún siguen manteniendo una gran vitalidad: las de la Vera Cruz, la Madre de las Angustias y la Resurrección. La Cofradía de la Vera Cruz, la más antigua, surgió ligada a los conventos de San Francisco y de Santo Domingo. Era una hermandad general de penitencia que desfilaba acompañada de un estandarte con un Crucificado pintado, al que acompañaban los hermanos de luz con velas y los disciplinantes azotándose.

San Vicente Ferrer, en su visita a Zamora en 1411, habría de ser el fundador de la cofradía de Nuestra Madre de las Angustias. Su sede era la iglesia de San Vicente, y se constituyó como una hermandad de penitencia en la que sus miembros se disciplinaban públicamente; pero, a diferencia de la anterior, pronto comenzó a adquirir diversos pasos.

También en el siglo XV nacieron diversas cofradías de Resurrección, con sede en las iglesias de la Horta, San Cipriano, y convento de Santo Domingo. De ellas, solo ha llegado a nuestros días la primera. En ésta, nada esencial ha cambiado a lo largo de los siglos en su desarrollo procesional. La mitad de los hermanos acompañaban a la Virgen, aún Dolorosa; la otra mitad, lo hacía con el Resucitado; por recorridos diferentes. Al llegar a la Plaza se encontraban ambas imágenes, momento de júbilo general. Entonces, la Virgen cambiaba el manto negro por otro azul, pasando a la advocación del Rosario o de la Alegría.

El siglo XVI también dejó su huella en la Semana Santa. El concilio de Trento supuso la aparición de las llamadas procesiones barrocas, que en Zamora están representadas por la del Santo Entierro, nacida en 1593, hace ya más de 400 años. Aunque su cofradía era gremial de sederos, pronto asumió la procesión el carácter de oficial de la Semana Santa; también pasó a ser una hermandad que aceptaba todo tipo de gentes. Pero ese carácter gremial inicial, hizo que externamente fuera distinta a las demás. Sus miembros nunca se disciplinaron en público ni usaron un hábito de desfile. La tipología de procesión oficial es una de las características que se ha mantenido a lo largo del tiempo.

El siglo XVII dejó como testimonio una de las más bellas procesiones de la Semana Santa zamorana - la de Jesús Nazareno-, que desde entonces recorre las calles de la ciudad en la madrugada del Viernes Santo.

Desde 1759 hasta 1816, las cofradías sufrieron una fuerte crisis, con numerosas desapariciones y transformaciones. Figura clave para entender este proceso es la del obispo don Antonio Jorge Galván, que ocupó la sede zamorana de 1767 a 1776, y que con un espíritu ilustrado intentó limpiar de determinadas prácticas no muy ortodoxas a cofradías y procesiones. Fruto de estas reformas se fue configurando una Semana Santa parecida a la actual. Se eliminaron las danzas y elementos contradictorios de las procesiones; pero, sobre todo, se prohibió terminantemente la práctica de la disciplina pública.

No ha llegado a nuestros días ninguna procesión nacida en el siglo XIX; pero, a pesar de ello, ningún momento de la historia ha sido tan importante, posiblemente, para la configuración de la actual Semana Santa zamorana, merced al impulso que la burguesía local, circunstancia que coincide con el auge creativo de un imaginero autóctono, Ramón Alvarez, capaz de plasmar grandes escenas de la Pasión, sustituyendo y aumentando los antiguos grupos escultóricos.

También fue importante la aparición de una serie de personas al frente de cofradías e instituciones capaces de transmitir a la ciudad la necesidad de apoyar la Semana Santa. Un hecho a destacar en la fase final del siglo XIX fue la creación, en 1897, de la Junta de Fomento de la Semana Santa.

El siglo XX es la época que ha legado más testimonios. En 1925 surgió una nueva cofradía, la del Santísimo Cristo de las Injurias. Tras la Guerra Civil de 1936, se registró la creación cinco nuevas hermandades. A la vez, surgió una procesión que pronto fue asumida por la ciudad como ejemplo a seguir, la de Jesús Yacente, en tanto que se popularizaban otras como la Entrada Triunfal en Jerusalén, la Soledad, Jesús del Via Vía o la Tercera Caída. En el tramo final del siglo XX se profundizó en este fervor, aparecieron hermandades jóvenes, se introdujeron nuevos elementos musicales, lumínicos, vestuario, etc. a la vez que se mantuvo la tradición popular.

Belleza y arte

La Semana Santa de Zamora consiguió el reconocimiento de Fiesta de Interés Turístico Internacional en 1984, y tiene un creciente prestigio internacional.

Los desfiles procesionales zamoranos no sólo tienen un hondo contenido emocional y una excelente participación popular, sino que exhiben tallas de valor. Aparte de la obra del imaginero Ramón Alvarez, cabe citar tallas góticas e y renacentistas, barrocas e incluso la opera prima de Mariano Benlliure.

Merece la pena la contemplación de las procesiones de Virnes y Sábado Santo, con momentos intensos, como el canto del Miserere en la plaza de Viriato.

Ese profundo entronque entre la ciudad y la Semana Santa no sólo es perceptible con ocasión de éstas festividades religiosas, sino que aparece en forma de monumento e incluso un museo, creado en los años 90, donde se presentan 33 grupos escultóricos, túnicas y hábitos de las distintas cofradías y hermandades de la ciudad.

Y por si fuera poco, la ciudad conserva la tradición culinaria inherente a su enclave. zona de encuentro de valle y monte, urbe de la Vía de la Plata. Todo ello asegura tradición y variedad; desde buenas truchas hasta excelentes cabritos y corderos... Y no nos olvidemos del vino de Toro. Porque si es bueno orar, pero no le va en zaga el fervor hacia los asuntos de la mesa.

Tomás Alvarez.

Fotografías de Estudio Mynt

Nubia: los reinos del Nilo

10/04/2003, CaixaForum presenta en Barcelona, hasta el mes de agosto, una interesante exposición sobre los viejos reinos del Nilo: "Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán”

Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán

Por Artemio Artigas

Los griegos llamaron a sus pobladores etíopes, hombres de rostros quemados. Para Herodoto, sus gentes eran las más esbeltas, hermosas y ecuánimes, y sus arqueros, robustos y diestros. No en vano aquella zona se la conoció como Tasite, ‘tierra del arco’. Para los egipcios fue, en cambio, “la tierra del oro”.

Cruce de caminos entre el África negra, el Egipto faraónico y el Mediterráneo, Nubia albergó los reinos más antiguos del continente africano y fue escenario de un intenso comercio de metales preciosos, animales exóticos, materias primas y objetos manufacturados. En ella florecieron reinos envueltos por un aura mítica: Kerma, Kush, Napata y Meroe. Pese a la importancia de su patrimonio histórico y arqueológico, los antiguos reinos de Nubia apenas son conocidos.

CaixaForum, entidad cultural de La Caixa, destacada institución financiera catalana, desvela a través de 350 piezas singulares algunos de sus secretos con motivo de la exposición más importante que se ha organizado en España de estas culturas. La muestra “Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán” abarca desde la prehistoria hasta la edad media, e incluye la influencia del cristianismo y del islam.

Las obras proceden de quince instituciones y museos, entre ellos, el British Museum de Londres, el Museum of Fine Arts de Boston, el Museo Arqueológico Nacional de Madrid y el Sudan National Museum de Jartum.

Nubia.

Nubia es el nombre que se ha dado en la época moderna a la zona del Nilo medio que se extiende desde la primera catarata en Asuán hasta la unión del Nilo blanco y el azul, en Jartum (Sudán). En la antigüedad, fue una entidad política independiente y unificada, documentada en Egipto como el reino de Kush, aunque griegos y romanos se referían a ella como Etiopía, ‘tierra de los rostros quemados’.

Aunque los primeros viajes y estudios se remontan a 1820, no es hasta bien entrado el siglo XX cuando se lleva a cabo un reconocimiento exhaustivo y se desentierran centenares de obras de arte de los antiguos reinos nubios. En 1960, la Unesco hizo una llamada internacional en defensa del patrimonio nubio que iba a quedar anegado bajo las aguas del Nilo a causa de la construcción de la presa de Asuán. Varias misiones extranjeras iniciaron excavaciones de salvamento.

La exposición Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán propone un recorrido temático a partir de un conjunto singular de esculturas, cerámicas, objetos litúrgicos, utensilios, amuletos, joyas y relieves. Las obras están distribuidas en siete ámbitos, que abarcan desde los primeros testimonios de arte rupestre hasta los vasos de alfarería y herramientas de hierro de época medieval.

Los primeros seis ámbitos están dedicados a Los nubios y su entorno, Nubia y sus relaciones con Egipto y Roma, La realeza y la sociedad, La tecnología, La religión y El mundo funerario. Cierra la exposición un último apartado que, a modo de epílogo, da cuenta de la recuperación de todo este patrimonio histórico y arqueológico de excepcional belleza e interés.

Cruce de caminos.

Nubia fue siempre un cruce de caminos entre el Egipto faraónico y el África negra, y el río Nilo la vía de penetración hacia el sur de donde procedían los productos africanos, las materias primas como maderas y resinas y los animales exóticos.

En territorio nubio era posible encontrar oro, piedras duras y semipreciosas (coralina, cuarzo, ágata y obsidiana). Esta ventajosa posición geográfica le permitió controlar las principales rutas comerciales y establecer intercambios estrechos con sus vecinos. Con Egipto mantuvo una relación muy especial. Considerada hasta hace poco como subsidiaria de Egipto, la cultura nubia ha adquirido hoy rango propio, y actualmente se plantea la relación entre ambas culturas en términos de reciprocidad e influencia mutua. A lo largo de la historia se llevaron a cabo ‘razias’, expediciones comerciales, conquistas, anexiones y colonizaciones entre ambos reinos.

En la segunda mitad del siglo VIII a. C. irrumpen en la historia de Egipto los reyes de Kush, procedentes de Napata, anexionándose inmensos territorios y conquistando durante algún tiempo el milenario trono. El primero de estos faraones negros fue Piyé, quien en dos estelas narra la conquista de Egipto y las luchas con los soberanos locales. Sus descendientes Shabaqo, Shabataqa, Taharqa y Tanutamón se consideraron auténticos soberanos de todo el valle del Nilo y adoptaron muchas costumbres egipcias, incluidas las funerarias.

Con la llegada de los asirios a Egipto, los kushitas se replegaron a su país de origen. La situación de condominio alcanzada durante el periodo ptolemaico se vio alterada por la llegada de Roma. A finales del siglo III Diocleciano renunció a controlar Nubia y retiró la frontera hasta Asuán.

En lengua nubia el rey es conocido como kore. Las esculturas y relieves presentes en la exposición muestran a soberanos de rasgos negroides, con los rostros redondeados y llenos de vigor. Su actitud y su vestimenta recuerdan a la de los soberanos egipcios cuando se representan como esfinges o con las coronas faraónicas, pero habitualmente aparecen tocados con el bonete kushita, las dos uraeus en la frente y dos cintas en la nuca hasta los hombros.

El tema egipcio del faraón triunfante fue adoptado por los soberanos meroíticos: la iconografía muestra al rey con una pierna adelantada, sujetando a sus enemigos por los cabellos con una de sus manos y blandiendo un hacha de guerra en la otra.

Buena parte de la información que nos ha llegado referente a algunas de las civilizaciones antiguas procede de sus necrópolis. Si bien la tumba neolítica consistía en una fosa circular u oval, durante la colonización faraónica se adoptó la pirámide de pendiente. Entre los ajuares depositados junto a los difuntos se han hallado artículos de tocador (peines y adornos para el pelo) y relacionados con la cosmética (pintura de ojos, ungüentos, aceites en el interior de recipientes de alabastro, madera y marfil). También nos han llegado collares, pulseras y tobilleras, así como cerámicas con representaciones de múltiples animales: leones, jirafas, hipopótamos, cocodrilos, avestruces, monos, escorpiones, ranas, caballos, etcétera.

Las primeras representaciones antropomorfas se fechan en época neolítica, son femeninas y extremadamente simples, con tatuajes, amplias caderas y voluminosas cabelleras. Suelen ser designadas como Venus y podrían interpretarse como garantes de fertilidad. A partir de la época napatea, la adopción de algunas divinidades egipcias está bien documentada, se coloca a Amón en la cima del panteón kushita como dios supremo y protector del trono real. Pero, además, los meroíticos veneraron a otras divinidades vinculadas al mundo africano. La más célebre fue Apademak, el león adorado como dios de la victoria, en estrecha unión con la vegetación y la fertilidad.

La metalurgia se desarrolló en Nubia desde épocas tempranas. Nos han llegado dagas, espejos, joyas y demás utensilios de cobre y bronce hallados en las sepulturas más ricas. El hierro está atestiguado en Meroe a partir del siglo I aC, y el electro (aleación de oro y plata) y la plata se utilizaron para joyas y recipientes rituales. La producción de cerámica en Nubia tuvo gran calidad en su ejecución, con formas y decoraciones de gran belleza. El repertorio neolítico es admirable, los recipientes de tipo calciforme merecen una mención especial. Asimismo, la cerámica meroítica es muy variada y muy bella y hubo talleres dedicados a su manufactura.

La fayenza (compuesta de sílice y álcali) fue una materia prima utilizada para la manufactura de un gran número de objetos. Fue estimada principalmente por su simbolismo y por su belleza, y su color verde estaba relacionado con la regeneración. La pasta vítrea se utilizó en la elaboración de cuentas, y durante el periodo helenístico-romano los talleres de vidrio produjeron ejemplares de lujo que se depositaron en las tumbas: copas, botellitas y recipientes para perfumes.

La exposición Nubia. Los reinos del Nilo en Sudán, cuya comisaria es Carmen Pérez Die, conservadora jefe del Departamento de Antigüedades Egipcias y Próximo Oriente del Museo Arqueológico Nacional de Madrid, se presenta en Barcelona del 10 de abril al 24 de agosto de 2003.

 

Urculo se fue ...sin el sombrero

01/04/2003, Falleció de muerte repentina, en Madrid, y se dejó, en cualquier lado, sus sobreros y maletas, iconos pop de un viaje de misterio, en este tramo difícil de la historia de la cultura y las civilizaciones. Se fue Eduardo Urculo.


Falleció de muerte repentina, en Madrid, y se dejó, en cualquier lado, sus sobreros y maletas, iconos pop de un viaje de misterio, en este tramo difícil de la historia de la cultura y las civilizaciones. Se fue Eduardo Urculo.

Acababa de asistir en Pekín a una muestra monográfica sobre su obra, en los inicios de marzo de 2003, pero en el último día de este mes falleció, a los 65 años de edad, el pintor Urculo, uno de los notables exponentes de la pintura pop española. Dejó de existir de forma repentina, en la Residencia de Estudiantes, mientras almorzaba.

De orígenes humildes, su propia endeble salud le hizo abandonar su primera tarea, recadero de una empresa minera. Se dedicó al comic, el cartelismo y sobre todo la pintura, pasando por diversas fases estilísticas, desde el expresionismo negro, al pop, a un reciente neocubismo, aunque siempre declaró su gran apego a la pintura figurativa, “incluso –según él- en los años en que ser figurativo estaba mal visto”.

El académico y director del Museo de la Real Academia de San Fernando, Antonio Bonet Correa, pintor y gran amigo del fallecido destacó su "gran sentido de la figuración". Ensalzó sus pinturas sobre la mujer y sobre el hombre viajante, que desencadenó en él su ya característica simbología de sombreros y maletas. “Ha creado una iconografía de los sentidos", señaló.

Para Eduardo Urculo, el siglo que le tocó vivir ha sido de una inmensa intensidad artística. “Ha sido una lucha de Eros y Thanatos y ha estado lleno de referencias pictóricas, que se han sucedido a velocidades de vértigo. Pero a él, lo que más le interesó fue el ser humano: "De todos los paisajes que hay en el planeta, el más hermoso es el hombre. Lo antepongo a cualquier otro".

En la reciente muestra de Pekín presentó medio centenar de obras, correspondientes a un periodo de más de 40 años de su vida, y en las que se manifiesta como este autor, vinculado a una visión muy personal del pop crítico, se caracteriza por la búsqueda de lo esencial. En ella el artista consigue eliminar cualquier elemento accesorio e incorpora influencias que van desde el cómic hasta la estampa japonesa.

La exposición de Urculo se enmarca en un programa de acción cultural del Ministerio de Exteriores titulado "Arte español para el exterior", y coincidió con el 30 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre España y China. En la presentación se destacó que Eduardo Urculo es un pintor sin rostros, en su continua huida de la representación de la faz humana encuentra un medio para aumentar el protagonismo de los cuerpos y de la propia mirada, no por oculta en sus figuras menos presente en la forma de disponer éstas para la contemplación de otros volúmenes –objetos cotidianos, paisajes urbanos o escenas de interior-, en una graduación de la visión que evoca inquietantes soledades, sugerentes afanes de percepción y, quizá, no poco desconcierto ante una realidad exaltada en cada prenda tratada como un nuevo bodegón actual, en cada partícula de materia erigida en sombra de misterios sugeridos que nunca acaban de rebelarse.

Cuando se contemplan, con el debido detenimiento, los cuadros de Urculo, una de las sensaciones que, con mayor rapidez, asaltan al espectador es la de hallarse ante historias y escenarios dominados por una “pérdida de la memoria del rostro”; “pérdida” que, fundamentalmente, cabe explicar por un “proceso de depuración del deseo”, en virtud del cual éste deja de ser apetencia de algo o alguien concreto para transformarse en apetencia en sí misma, es decir, en deseo puro y, como tal, ensimismado. Por medio de esta “abstracción del deseo”, Urculo efectúa una interpretación del cuerpo femenino muy semejante a la realizada por algunos surrealistas. El cuerpo de la mujer, en consecuencia, es el lugar en el que acontece el puro deseo, en el que el placer, enroscándose sobre sí, evita cualquier acto de reconocimiento o individualización, convirtiéndose por esto mismo, en un instante de amnesia, de olvido radical del rostro.

DATOS BIOGRÁFICOS.

El pintor, nació en Santurce, Vizcaya, España, en 1938. A los 14 años comenzó a trabajar como recadero en una empresa minera, pero una enfermedad, la tuberculosis, condujo su destino a la pintura, su afición y vocación de siempre. En 1957 dibujaba "comics" en el suplemento dominical del diario "La Nueva España", de Oviedo, y en 1958 hizo una exposición en el hogar del productor de La Felguera.

Como consecuencia del éxito obtenido en esta muestra, obtuvo una beca del Ayuntamiento de Langreo para estudiar Bellas Artes. Viajó a Madrid y un año más tarde se trasladó a Francia para ampliar conocimientos sobre nuevas técnicas del arte. En 1965 ya había conseguido exponer en 17 ocasiones dentro del país y tres en Francia. En mayo de 1977 exhibió una colección de obras dedicadas a la mujer y en noviembre de 1979, exponía en la Galería Sen de Madrid la serie de bodegones "Los frutos de Sa Pleta".

Comenzó pintando expresionismo negro, muy hispano, hasta que en 1965 se fue a Ibiza y cambió su estilo. En la década de los setenta pasa de ser un pintor anónimo a artista cotizado. En estos años su pintura tuvo como tema central la mujer, la preocupación por lo sagrado, la diosa madre, las vacas y el contenido erótico.

Tras regresar de una Bienal de Venecia, montó una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, algunas de cuyas obras fueron prohibidas por su línea pornográfica en desacuerdo con la Administración Central, en el tramo final de la dictadura franquista.

En años sicesivos Eduardo Urculo representó en sus cuadros "la recuperación de lo masculino", donde él figura como protagonista aunque siempre aparece de espalda y nunca de cara. En diciembre de 1987 realizó en Madrid una exposición cuyo tema central era Nueva York, la otra gran ciudad que le ha impactado e influido en su carrera profesional.

En años sucesivos, su obra se fue conociendo por todo el mundo. También dirigió su labor creativa hacia la escultura, el mundo del cartel y de la escenografía.

En los últimos años hizo una honda relectura del cubismo. Así, en el 2002, presentó en Madrid una muestra en la que se reencuentra en sus cuadros con la iconografía de los pintores cubistas de comienzos del siglo XX. Era un conjunto de cuarenta piezas pictóricas y dos esculturas, correspondientes a los dos últimos años de trabajo, en las que las temáticas se vinculaban a tres ejes: el cubismo, Japón y Nueva York.

"Acabé el siglo XX reflexionando pictóricamente sobre cómo había comenzado: la gran revolución que supuso el movimiento cubista que marcó las nuevas arquitecturas, las ciudades y la mirada del hombre del siglo XX", afirmó el artista.

Para él, el cubismo fue el movimiento más revolucionario del siglo XX que más cambió la vida y la conciencia del hombre. "No se trata de una reivindicación, ya que el cubismo es historia. A mí me ha aportado una nueva manera de ver la pintura, revitalizándome tanto por dentro como por fuera".

Otro de los temas importantes de la exposición citada giró en torno al arte oriental "mal conocido por nosotros, y al que se llega cuando intentamos evitar lo innecesario". “La fascinación oriental es común a la historia del arte del siglo XX y en mi caso también".

Por Tomás Alvarez

La ira del Vesubio

29/03/2003, El Museo Arqueológico Nacional de Nápoles presenta una gran exposición: “Historia de una erupción, Pompeya, Herculano, Oplontis”, que revive el drama de la erupción del Vesubio, volcán que dejó sepultadas hace casi 2000 años a varias poblaciones del

El Museo Arqueológico Nacional de Nápoles presenta una gran exposición: “Historia de una erupción, Pompeya, Herculano, Oplontis”, que revive el drama de la erupción del Vesubio, volcán que dejó sepultadas hace casi 2000 años a varias poblaciones del golfo de Nápoles.

El Vesubio entró en erupción, mostrando súbitamente el poder trágico de la naturaleza. La muerte sorprendió de repente a los habitantes de las ciudades de Pompeya y Herculano. Apresados bajo la lava, quedaron los testimonios de la vida diaria y del arte de aquellas cultas urbes desaparecidas.

Quedaron bajo el ardiente manto de la muerte las madres abrazadas a sus hijos, las hogazas que reposaban en la cavidad del horno, el utillaje del médico, las joyas, las bellas paredes repletas frescos hechos para el goce de una sociedad avanzada y de vida agradable.

Muchos de los tesoros de aquellas ciudades se han recogido en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, que alberga ahora unas magníficas piezas esenciales para el estudio de aquella sociedad que dejó de existir en agosto del año 79 d.C. Y en este museo se presenta ahora una gran exposición “Historia de una erupción, Pompeya, Herculano, Oplontis”, que nos hace revivir el drama de la lucha entre hombre y naturaleza.

El drama en una bella tierra.

La montaña del Vesubio, que ahora tiene unos 1200 metros, preside una zona propicia para el goce de la vida, en el entorno del Golfo de Nápoles, con unas tierras bajas favorables para los cultivos mediterráneos, con olivos, higueras y otros frutales; cerca de los Apeninos, excelentes en bosques, en cuyas laderas también habría abundancia de cipreses y castaños.

Conocemos aquella tragedia por sendas cartas de Plinio el Joven a Tácito, en las que relata los aconteceres de aquellos 24 y 25 de junio, en la costa sudoeste de la península itálica, catástrofe en la que falleció Plinio el Viejo, tío y padre adoptivo suyo, Procurador de la Hispania Citerior, culto, moralista estricto y ecléctico, que dejó numerosas obras, hoy perdidas todas menos su Historia Natural.

Según el relato, el 24 de agosto era caluroso. Cayo Plinio (Plinio el joven), de 18 años, se hallaba con su madre y su tío (Plinio el viejo) en una villa de la ciudad de Miseno, en la bahía de Nápoles, a unos 30 kilómetros del Vesubio.

Entonces, el monte entró en erupción. Plinio el viejo, a la sazón jefe de la flota imperial allí atracada, murió mientras intentaba salvar a quienes se hallaban en peligro en las inmediaciones del volcán. Se dio cuenta de la catástrofe y decidió cruzar la bahía con algunos barcos en misión de rescate. No pudo desembarcar en ningún lugar cercano a la montaña a causa del calor y la lluvia de cenizas y piedra pómez. Por ello, se dirigió a aun punto situado a 5 kilómetros al sur de Pompeya, donde se refugió en casa de un amigo. Desde allí podían ver el Vesubio, del que surgían en ”varios puntos extensas capas de fuego y llamas impetuosas, a cuyo resplandor contribuía la oscuridad de la noche".

Permaneció Plinio en la casa del amigo y al amanecer del día siguiente intentó infructuosamente volver al barco. Murió por efecto de los fuegos y un ataque de asma.

Fue un drama dantesco, Plinio el Joven, en Miseno, describió así la noche trágica del 24 al 25: “Solo se oían los gemidos de las mujeres, el llanto de los niños, el clamor de los hombres. Unos llamaban a sus padres, otros a sus hijos, otros a sus esposas. Muchos clamaban a los dioses, pero la mayoría estaban convencidos de que ya no había dioses y esa noche era la última del mundo."

Una ocasión para revivir un tiempo.

Descubrir cómo vivían y qué ocurrió con a los ciudadanos de Pompeya y Herculano cuando el Vesubio les enterró para siempre es el objetivo de la muestra del Museo Arqueológico de Nápoles, que estará abierta desde el 20 de marzo hasta el 31 de agosto.

Desde hace 200 años, no han cesado de sorprender las apariciones de aquella tragedia. Las últimas excavaciones en Herculano, Pompeya y Oplontis han descubierto más frescos, joyas, esculturas, objetos de la vida cotidiana y nuevos cuerpos humanos, que ponen de manifiesto la vida en Pompeya en el momento de la erupción. Muchos de estos materiales se presentan al público por primera vez.

Dicen los expertos que si la erupción del Vesubio terminó con urbes enteras, la lava y la ceniza que las cubrió las ha conservado excepcionalmente para las siguientes generaciones. Muchas de las gentes enterradas por la ceniza volcánica aparecen ahora al lado de sus pertenencias, en sus hogares o centros de trabajo, con lo que se facilita la reconstrucción de la vida de la época. La ira del volcán perpetuó un momento dramático.

La Exposición.

Para recrear ese crucial momento se han elegido una treintena de frescos, once moldes de grupos humanos, diez esculturas, 200 objetos, 500 preciosos collares, muebles, ornamentos y una excepcional caja fuerte de bronce y hierro.

Con esta selección, en su mayor parte procedente de excavaciones recientes, se construye el insólito destino de un pueblo atrapado en su desesperada huida por la fuerza destructiva del volcán Vesubio.

La excepcional reconstrucción, novedosa por su sugestiva puesta en escena, recrea por primera vez no sólo el arte y la civilización que han hecho famosa en el mundo a Pompeya, sino también la dramática historia de las víctimas.

Aquellos que han paseado por las ruinas pompeyanas o por las menos conocidas de la vecina Herculano podrán añadir al asombro que un día les asaltó una nueva sacudida de admiración si se acercan hasta agosto a la capital napolitana.

Como prolegómeno de esta bella exposición quedan las páginas que escribió Plinio el Joven, que el día de la furia del Vesubio se encontraba en Cabo Miseno, junto a su tío, Plinio El Viejo,

"Historia de una erupción" se abre con un vestigio sobrecogedor, un gran molde de 24 esqueletos de otras tantas personas a las que la catástrofe cogió de improviso en el interior de los edificios o en plena fuga, en busca de una salvación imposible.

Estos petrificados fugitivos, hombres y mujeres, algunas de ellas embarazadas, como la que tendida boca abajo se puede ver en uno de los moldes de la muestra, llevaban a menudo con ellos monedas y objetos que ayudan ahora a reconstruir su vida cotidiana.

De Pompeya ha quedado el recuerdo de su trágico destino y también las bellas decoraciones de sus casas, como los nueve frescos de las tres habitaciones de Villa Moregine, que recientes estudios identifican como una de las moradas del emperador Nerón.

Esos frescos, que ya se pudieron ver el pasado mes de febrero en el Auditorio de Roma, representan a Nerón como el dios Apolo y a Venus y los Dioscuros y constituyen sendos ejemplos de la elegancia que alcanzó la pintura conocida hoy como pompeyana.

Junto a estas perlas artísticas se exhiben en Nápoles las preciosas joyas que llevaba una rica prostituta, encontrada por los arqueólogos en un espacio contiguo en posición que evoca su desesperado intento de fuga.

Por primera vez el visitante puede contemplar el extraordinario ciclo pictórico de la Villa 6 de Terzigno, en la periferia de la antigua Pompeya, que evoca los famosos frescos de la célebre Villa de los Misterios.

El sugerente recorrido de la muestra lleva también hasta algunos tesoros que escondía la conocida Villa de los Papiros -por el millar de ejemplares allí almacenados-, como la cabeza de Amazzone y la estatua de Hera.

La exposición cobra todo su esplendor al lado de la rica colección de piezas y murales procedentes de las excavaciones pompeyana que alberga el Museo Arqueológico de Nápoles, de visita obligada para completar la tradicional excursión arqueológica.

Pompeya es única, porque el Vesubio la cubrió con un manto de fuego y cenizas -no exento de muerte-, que la conservó como era un 24 de agosto del 79 d.C., cuando simplemente se contaba, como una más, entre las numerosas ciudades que prosperaron en el Imperio gracias a la sabia y pacífica política de la dinastía Flavia.

Direcciones para aumentar información:

Museo arqueológico de Nápoles: http://www.marketplace.it/museo.nazionale/

http://www.cib.na.cnr.it/mann/museo1/mann.html

¡¡¡Agua!!!!

18/03/2003, El 22 de marzo se celebra el Día Mundial del Agua. Es una excelente ocasión para analizar uno de los graves problemas de futuro de la humanidad, tema que se está estudiando en Kioto, Japón, donde se celebra éste mes de marzo de 2003 el III Foro Mundi

El 22 de marzo se celebra el Día Mundial del Agua. Es una excelente ocasión para analizar uno de los graves problemas de futuro de la humanidad, tema que se está estudiando en Kioto, Japón, donde se celebra éste mes de marzo de 2003 el III Foro Mundial del Agua

Hace miles de años había en el planeta una cantidad de agua similar a la que hay ahora ...pero la población no para de crecer. La población mundial se ha multiplicado por tres en los últimos 100 años... y cada vez consume más. El resultado es la escasez.

Y para agravar el problema, el capitalismo ha descubierto que el agua es otro gran negocio. Surgen los grandes intereses comerciales que se mueven detrás de las inversiones en el sector acuífero; los negociados de las privatizaciones... y hasta el uso estratégico del agua en los conflictos internacionales. El agua ya no es un bien de todos los seres humanos.

Los datos.

El agua es un recurso que cubre las tres cuartas partes de la Tierra (sólo el 2,4 por ciento reservas son de agua dulce y el 79 por ciento de ella está concentrada en glaciares) Su escasez supone un grave riesgo para la capacidad de alimentación de la población mundial.

El consumo de agua dulce se multiplicó por cinco en el siglo XX. El uso industrial y doméstico está aumentando a un nivel muy superior al de la población, ya de por sí elevado.

Las reservas hídricas comenzaron a declinar en muchos lugares en el curso del siglo XX. Por primera vez se secó el rio Amarillo, en China; el lago Chad, en África, mermó de 10.000 a 800 kilómetros cuadrados, el mar de Aral perdió el 60 por ciento del agua ...en treinta años. Hasta el mas Muerto –de agua salada- pierde superficie de año en año.

La población del inicio de la Era Cristiana era tan sólo el 3 por ciento de la actual. Y el planeta crece a un ritmo anual de 85 millones de personas. El consumo de agua suele duplicarse cada 20 años. Y entre más desarrollo, más derroche.

...Y más contaminación. Alrededor de 1.200 millones de personas carecen de agua potable en la actualidad, mientras que otros 3.000 millones no tienen un sistema de saneamiento para evacuar las aguas usadas.

Ya han surgido las ONG que trabajan por la mejora de la situación en el tema del agua. En 1993 se instituyó el Día Mundial del Agua (22 marzo) por la UNESCO. Las Naciones Unidas han impulsado citas importantes, como la Conferencia Internacional sobre Agua y Medio Ambiente de Dublín (1992), la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro (1992), el I Foro Mundial del Agua (1997-Marrakech), el II Foro Mundial de La Haya (2000), la Conferencia Internacional sobre Agua Dulce de Bonn (2001), la Cumbre Mundial sobre Desarrollo Sostenible de Johannesburgo (2002) y ahora el III Foro, en Kioto.

El Foro Mundial del Agua nació en 1997, al amparo de las organizaciones Consejo Mundial del Agua y Asociación Global del Agua. Trabaja para llamar la atención de la opinión pública mundial sobre los problemas del agua dulce, luchar contra la visión corporativa y privatizadora del agua y definir las perspectivas a largo plazo para su gestión general y los desafíos del agua en el siglo XXI.

Los Foros Mundiales del Agua se convocan cada tres años a instancias del Consejo Mundial del Agua (WWC, World Water Council), órgano creado en 1996 en Marsella (Francia), tras las recomendaciones de la Cumbre de la Tierra celebrada en 1992 en Río de Janeiro (Brasil). Se ha reunido en las siguientes ocasiones:

PRIMER FORO

Se celebró en Marrakech (Marruecos), los días 20 al 25 de marzo de 1997 y reunió a representantes de más de cincuenta países del mundo. Con el lema "El Agua: una Herencia en Común", los debates se centraron fundamentalmente sobre dos cuestiones: las perspectivas a largo plazo para la gestión del agua y los desafíos del agua en el siglo XXI.

SEGUNDO FORO

Se celebró en La Haya (Holanda), los días 17 al 22 de marzo de 2000 y reunió a 115 ministros de Medio Ambiente y cerca de 4.000 representantes de todo el mundo. Con el lema "Hacer del agua un problema de todos", el II Foro Mundial se fijó la tarea de crear un plan de acción para los próximos treinta años, a fin de garantizar un suministro suficiente de agua potable y a un precio razonable para cada habitante del planeta, para lo cual se instó a la comunidad internacional a invertir en proyectos y tecnología del agua.

Los ministros de Medio Ambiente asistentes al Foro suscribieron la "Declaración ministerial sobre la Seguridad del Agua en el Siglo XXI", un acuerdo de principios en el que no se consiguió incluir el acceso al agua como "un derecho humano básico", lo que provocó la crítica de ONGs y organizaciones ecologistas.

TERCER FORO

En Kyoto (Japón), los días 16 al 23 de marzo, coincidiendo con la celebración del Año Mundial del Agua.

En él se debaten los problemas que afrontan los recursos hídricos en el mundo, su acceso y gestión y la conservación del medio ambiente. A la cita trienal, que comenzó con discusiones sobre qué es lo que puede hacer cada país para lograr el objetivo de Naciones Unidas de reducir a la mitad el número de personas sin acceso al agua potable antes del 2015, asisten funcionarios, expertos, ONG, científicos, financieros y organizaciones cívicas de cerca de 160 países.

La conferencia se abrió con un llamamiento del ex primer ministro nipón Ryutaro Hashimoto para que las sesiones, divididas en 40 temas previstos, -como el agua y la pobreza, la paz y la guerra, el hambre y las enfermedades, las sequías y las inundaciones-, puedan cristalizar en acciones concretas cuando se clausure el evento.

Falta agua

En la reunión de Kioto, el vicepresidente del Consejo Mundial del Agua, William Cosgrove, recordó la extrema importancia del agua para la humanidad: dos millones de niños mueren cada año por falta de agua potable y 700 millones de personas necesitan agua para la agricultura.

"Cuando hablamos de escasez de agua no nos referimos a una falta de agua en el planeta. Su cantidad de agua en el planeta es la misma desde hace 4.000 millones de años", lo que ha cambiado es "la cantidad de agua por persona, que se ha reducido considerablemente en los últimos 100 años".

En su propósito de tomar medidas concretas y evitar las discusiones infructuosas que caracterizaron al Foro anterior, el Consejo Mundial del Agua ha delineado diversas acciones, que necesitan el apoyo de los paises ricos. "Los países ricos deben aprender a compartir su bienestar con los pobres, pero muchos Gobiernos se resisten a invertir en un ámbito que consideran inseguro", explicó. Los países industrializados consumen mucha más agua que los países en vías de desarrollo. No habría suficiente agua en el mundo si todos los países vivieran al nivel de EEUU".

Algunos temas polémicos:

Las Organizaciones no Gubernamentales (ONG) denuncianron los efectos negativos de la construcción de grandes presas de agua en el mundo.

Las presas, según la Comisión Mundial de Presas (WCD, en sus siglas en inglés), han contribuido considerablemente al desarrollo humano, pero a menudo a un precio demasiado caro a nivel social y medioambiental. Aunque durante tiempo fueron promocionadas como un importante medio para satisfacer las necesidades hídricas y energéticas, y también como una inversión estratégica a largo plazo capaz de generar importantes beneficios adicionales, los efectos negativos comienzan a pesar sobre los positivos, dice la Comisión.

"Las grandes presas han fragmentado y transformado los ríos del mundo, mientras se calcula que entre 40 y 80 millones de personas han sido desplazadas por su construcción", revela un informe de la WCD.

Peter McCully, director de campaña de la organización International Rivers Network (IRN) dijo que "La mafia del agua se encontrará con mucha resistencia.

Los intereses económicos, según el representante de IRN, hacen que los grandes grupos e instituciones estén interesados únicamente en grandes proyectos, que son más difíciles de llevar a cabo o tienen un mayor impacto negativo. "Un pequeño proyecto, una pequeña presa pueden bastar para remediar la situación, para facilitar el acceso al agua a una comunidad, pero los beneficios también serían pequeños, por lo que los proyectos a pequeña escala no interesan a la mafia del agua", aseveró.

Agua envenenada. Más de 35 millones de personas en Asia corren el riesgo de beber agua contaminada con arsénico, informó un funcionario de la Universidad de Naciones Unidas, con motivo del III Foro Mundial del Agua que comenzará el domingo en Japón.

Según Zafar Adeel, responsable del programa académico de la Universidad de Naciones Unidas, con sede en Tokio, la cifra es comparable a los 34 millones de personas afectadas por la pandemia del sida.

El profesor insistió en la necesidad de que la comunidad internacional se una para abordar el tema y hallar la vía para resolverlo. "No debemos esperar otros 20 años", enfatizó Adeel. Bangladesh, China, la India, Tailandia, Nepal y Taiwán se encuentran entre las economías asiáticas en las que la contaminación del agua subterránea por arsénico se presenta como un serio problema.

En Bengala, donde se vive la situación más grave, la contaminación del agua por arsénico comenzó a ser una amenaza a mediados de la década de los 90, cuando aumentó el número de personas que la beben. Un estudio internacional presentado en septiembre reveló que 60 millones de personas, casi la mitad de la población de Bangladesh, bebía agua subterránea con una contaminación de arsénico superior al baremo de 0,01 miligramos por litro establecido por la Organización Mundial de la Salud.

El derroche del agua en la agricultura.

Recientemente, la FAO elaboró un informe que tambien es interesante. La agricultura en los países en vías de desarrollo tendrá que producir más cultivos por cada litro de agua, conservar los preciosos recursos hídricos y promover el acceso equitativo a los mismos, dice el análisis.

Al mismo tiempo, los agricultores de los países en vías de desarrollo tendrán que enfrentarse con la lucha cada vez más fuerte por el acceso a los escasos recursos de agua dulce para usos industriales y domésticos, afirma la FAO en su reciente estudio "Liberar el potencial hídrico de la agricultura", publicado en vísperas del Foro Mundial del Agua que se celebra en Kioto.

"Si queremos evitar una crisis de alimentos en el futuro, necesitamos más inversiones, para incrementar la productividad agraria en los países en vías de desarrollo, mediante el uso tanto de tecnologías nuevas como de las ya existentes. Se necesita la voluntad política de crear un ambiente adapto para mejorar la productividad del agua".

Uno de cada cinco países en vías de desarrollo se enfrentará con escasez de recursos hídricos de aquí al 2030. Oriente Próximo, Norte de África y algunas zonas de Asia están sujetas a escasez de recursos hídricos y a consunción por falta de agua.

La agricultura es con mucho la mayor destinataria de recursos hídricos y a ella van alrededor del 70 por ciento de todas las extracciones de agua (a la industria el 20 por ciento y al empleo doméstico el 10 por ciento). Si la necesidad diaria de agua potable es muy pequeña -cuatro litros por persona- las necesidades diarias de agua para la alimentación personal son mucho mas elevadas y van de los 2000 a los 5000 litros por día.

"Desgraciadamente el debate internacional sobre problemas hídricos tiende a pasar por alto el papel crucial de la agricultura, la mayor destinataria de los recursos hídricos", dice Kenji Yoshinaga, Director de la Dirección de Fomento de Tierras y Aguas de la FAO.

"Si en una finca, en un país en vías de desarrollo de la zona árida, se mejora el uso efectivo de los recursos hídricos en un porcentaje del 1 por ciento, se ahorrarán unos 200.000 litros de agua dulce por hectárea y por día. Esta cantidad podría bastar para facilitar agua potable a más de 150 personas", subraya Yoshinaga.

"Si la agricultura consigue mejorar la productividad de los recursos hídricos, se podría reducir la presión sobre recursos preciosos de agua y ésta podría emplearse en otros sectores

El mundo de Alexander Calder

17/03/2003, Mezclemos la creatividad y la poesía de las más bellas obras del Miró abstracto y añadamos la interpretación de un diplomado en Ingeniería: Posiblemente habremos llegado a conocer a Alexander Calder

Mezclemos la creatividad y la poesía de más bellas obras del Miró abstracto y añadamos la interpretación de un diplomado en Ingeniería: Posiblemente habremos llegado a conocer a Alexander Calder.

El Museo Guggenheim Bilbao inaugura el 18 de marzo la muestra "Calder. La gravedad y la gracia", una selección de más de sesenta y cinco esculturas creadas por el artista norteamericano a lo largo de cinco décadas de dedicación a la forma abstracta, proporcionando una visión de conjunto de la singular mirada de este artista.

Calder surgió con fuerza en los inicios del siglo XX, aplicando a la escultura abstracta la idea del movimiento, en unos momentos en los que las vanguardias buscaban con avidez nuevas fronteras al arte, una búsqueda de a veces no contaba con suficiente comprensión.

Peggy Guggenheim, en su memorias, "Confesiones de una adicta al arte" habla varias veces de la obra de Calder, una de ellas para recordar que en los años treinta intentó llevar a Inglaterra una muestra de esculturas. Allí estaban trabajos de Duchamp, Arp, Brancusi y Calder. En la aduana inglesa prohibieron la entrada de las obras como exposición de arte, por lo que introducirlas en el país costaría mucho más dinero. En el dilema se pidió consulta al director de la Tate Gallery, quien dictaminó que aquello no era arte. Hubo protestas de críticos y el tema llegó hasta la Cámara de los Comunes, donde Цatizados por la polémica- los políticos permitieron la entrada de "aquello", como arte. Hoy ya nadie duda de la genialidad de Calder ni de la de sus colegas vetados por la Aduana de Inglaterra.

La muestra del Guggenheim está comisariada por Carmen Giménez, conservadora de arte del siglo XX del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, y Alexander S.C. Rower, Director de la Calder Foundation. Ocupa la segunda planta del Museo y permanecerá abierta al público hasta el 7 de octubre. Los organizadores indican que, presentada en el contexto de la estructura del Guggenheim Bilbao, obra de Frank Gehry, la exposición ofrece al visitante la oportunidad de examinar las formas orgánicas del escultor dentro de un entorno arquitectónico innovador y dinámico. Desde su retrospectiva de 1964 en el edificio del Solomon R. Guggenheim Museum, obra de Frank Lloyd Wright, no se había producido tal conjunción de arte y arquitectura.

El artista.

Nacido en Lawton, en 1898, hijo y nieto de escultores, se diplomó en Ingeniería Mecánica en 1919, aunque en 1923 entró en la Art Students League de Nueva York donde estudió con los pintores de la Escuela Ashcan John Sloan y George Luks. Consiguió trabajo como ilustrador en el National Police Gazette al año siguiente y en 1925 el periódico le encargó las ilustraciones de los espectáculos del circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey. Esta tarea de dos semanas despertó en él la fascinación por el tema circense de modo que, trasladado a Paría en 1926, creó su Circo Calder (Cirque Calder), una performance en la que intervenían figuras construidas con alambre y mediante el que el artista se presentó a Mondrian, Léger Arp, Man Ray y otros artistas de la vanguardia parisina.

Su estética se vio alterada significativamente tras su visita al estudio de Mondrian en París, en el otoño de 1930. Al contemplar las composiciones geométricas del artista holandés, Calder se las imaginó en movimiento. A partir de aquel momento, dejó de hacer las esculturas figurativas de alambre que había realizado desde 1926 y adoptó un lenguaje escultórico enteramente abstracto. A lo largo de toda su trayectoria, Calder intentaría además delimitar el espacio mediante estímulos visuales y auditivos. En 1931 entró a formar parte de Abstraction-Création, un grupo recién formado dedicado a la no figuración y aquel mismo año exhibió una serie de obras abstractas que hacían referencia al mundo natural y a las leyes de la física que lo rigen.

También en 1931 Calder comenzó a construir esculturas compuestas de partes móviles independientes que se activaban mediante un motor eléctrico o mediante una manivela manual. Marcel Duchamp las bautizó como "mobiles" ("móviles") y en 1932 empezó a crear obras colgantes activadas únicamente por el aire. Aunque en la actualidad se ha convertido en una forma artística absolutamente aceptada, la innovación de Calder, en aquel momento, fue sumamente vanguardista y contrastaba profundamente con las formas escultóricas estáticas precedentes. Los primeros móviles orgánicos de Calder, como Eucalipto (Eucalyptus, 1940) son los equivalentes escultóricos de las figuras biomorfas flotantes de los cuadros de Miró y de los relieves amorfos de Jean Arp.

Fue Arp quien acuñó el término "stabile" (estable) en 1932 para denominar a los primeros universos no motorizados de Calder. Sin embargo, la forma de los stabiles fue adquiriendo más cuerpo a medida que Calder cortaba láminas de metal que había pintado a mano y las iba uniendo unas a otras en diversos ángulos. Aunque las piezas son inmóviles, la dinámica forma tridimensional del stabile sugiere su potencial cinético y exige el movimiento físico del espectador, que debe rodear la obra para contemplarla. Calder también creó un híbrido de móvil y stabile, el standing mobile (móvil en pie) que como Un efecto del japonés (Un effet du japonais, 1941) consiste en una base fija y una serie de piezas que cuelgan libremente.

En la Exposición Internacional de París de 1937, participó en el pabellón español, al lado de Picasso y Miró, presentando su "Fuente de mercurio", fuente-estanque-surtidor de mercurio, con movimiento, una obra de riqueza creativa que denota sus conocimientos técnicos de ingeniero.

Calder concibió sus "Constelaciones" durante 1942-43, profundizando en su interés por la física del mundo natural. Las constelaciones, realizadas en una época de escasez de metal ocasionada por la guerra, fueron creadas uniendo formas de madera talladas a mano Чalgunas pintadas y otras noЧ a los extremos de varillas rígidas de acero. En aquella época creó aproximadamente veintinueve constelaciones y sus estructuras varían considerablemente. La pieza Constelación (Constellation, 1943) perteneciente a la Colección Guggenheim es una de estas obras realizada para ser fijada a la pared mediante un único clavo; otras se extienden verticalmente a partir de bases exentas y algunas otras contienen piezas que se pueden mover, o son móviles en sí.

Torre bifurcada (Bifurcated Tower), de 1950, es un ejemplo de una nueva combinación de móvil/stabile creada por aquella época cuya estructura está relacionada con las constelaciones. Estas "torres", que se fijan al muro mediante un clavo, están compuestas de un armazón de varillas y de una especie de patas de alambre que parecen surgir de la propia pared, con objetos móviles suspendidos de sus estructuras. En aquel momento, Calder se centró más en la exploración del sonido desarrollando obras tales como Gong triple (Triple Gong). Los "gongs" constan de un percusor y un plato colgado que suena cuyo movimiento impredecible hace que emitan sonidos sorprendentes. El color también es especialmente importante en las obras tardías de Calder. Nenúfares rojos (Nénuphars rouges, 1956) instalada en el Atrio del Museo para esta exposición, es un excelente ejemplo de cómo el artista emplea el color intenso para dotar a la obra de presencia visual.

A partir de los años 50, el tamaño de las obras de Calder va en aumento debido, en parte, a que a menudo le encargan esculturas para exteriores o para grandes atrios. Los stabiles como Guillotina para ocho (Guillotine pour huit, 1963) se relacionan con sus emplazamientos de una forma notable haciendo que el espectador se mueva a través de ellos, por debajo o a su alrededor. Ejemplo de ello es Pittsburg, 1958, diseñado por Calder para la ciudad del mismo nombre. Para crear estas obras de gran escala con frecuencia realizaba maquetas de tamaño más manejable para poder refinar sus formas.

Tras su clausura en el Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Calder. La gravedad y la gracia viajará al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, donde podrá contemplarse desde el 18 de noviembre de 2003 hasta el 18 de febrero de 2004.

 

Londres disfruta de Tiziano

28/02/2003, En Londres se ha presentado una magnífica muestra sobre Tiziano. Está en la National Gallery, abierta al público hasta el próximo 18 de mayo. Luego podrá visitarse desde el 9 de junio hasta el 1 de septiembre en el museo del Prado de Madrid.


En Londres se ha presentado una magnífica muestra sobre Tiziano. Está en la National Gallery, abierta al público hasta el próximo 18 de mayo. Luego podrá visitarse desde el 9 de junio hasta el 1 de septiembre en el museo del Prado de Madrid. Es un gran evento.

Copiado por los grandes pintores de su tiempo, mimado por emperadores, reyes y papas, Tiziano, uno de los grandes genios de la pintura universal, es ahora el gran atractivo de la oferta artística londinense, merced a una magnífica exposición en la National Gallery.

Es ésta una excelente ocasión para analizar juntos los más afamados cuadros realizados por Tiziano pintor de la Venecia del siglo XVI y figura clave de la historia del arte, que pintó de forma magistral no sólo a grandes jerarcas de su tiempo, sino a seres mitológicos, vírgenes y niños.

Estimado por la corte de España, no sólo pinto al emperador Carlos V y al rey Felipe II, sino que gran parte de sus cuadros terminaron en la pinacoteca real, donde fueron estudiados y copiados por otros grandes genios del arte, como Rubens o Velázquez.

La muestra esta siendo la más importante que se ha organizado en el Reino Unido sobre la evolución artística del gran pintor veneciano y se calcula que será visitada por unas 250.000 personas.

Tiziano Vecellio, conocido simplemente como Tiziano, figura entre los artistas más influyentes en la pintura occidental y la National Gallery ha logrado reunir sus obras principales, tras pedir prestadas algunas que raramente salen de los grandes museos.

No se conoce exactamente la fecha del nacimiento del artista: ocurrió hacia 1490, en Pieve di Cadore. Cuando tenía poco más de diez años marchó a Venecia trabajando con Bellini y más tarde con Giorgione.

Hacia 1511 Tiziano ya estaba en una posición envidiable. Muerto Giorgione, con Sebastiano del Piombo en Roma y Giovanni Bellini anciano, él se situó como como la figura emergente. En 1516 ya era oficialmente el pintor oficial de la República de Venecia.

Desarrolló múltiples temáticas. Uno de los cuadros más bellos que se pueden ver en la muestra de Londres es el óleo "Flora". Éste representa a la diosa clásica del mismo nombre con un pecho casi al descubierto. Se trata de un canto a la belleza, un ejemplo supremo del género veneciano de la "bella donna" o "mujer hermosa". La bella y sensual Flora, que ha sido trasladada a Londres desde su residencia habitual, la Galería de los Uffizi de Italia, es uno de los iconos de la muestra.

Pero Tiziano destacó también como retratista. El pintor se convirtió en un artista internacional al servicio de duques, papas, príncipes y reyes, que veían en el genio italiano al hombre con mejor habilidad para captar con su pincel la valentía de un soldado, la firmeza de un gobernante o el orgullo de un aristócrata.

La monarquía hispana quedó subyugada por la técnica del maestro renacentista y contrató sus servicios para retratar al emperador Carlos V y a su hijo, el futuro rey Felipe II. En Londres se puede disfrutar de uno de esos retratos de Felipe II, prestado temporalmente por el Museo del Prado, en el que se ensalza al futuro monarca, en pose altanera, vestido con una armadura.

En realidad, los retratos de éste pintor son habitualmente agradable. Gusta de dejar satisfecho al comprador y por ello no se centra en los rasgos psicológicos, como lo harían otros artistas posteriores. Antes que el sicólogo estaba el Tiziano-hombre de negocios.

¿Y qué decir de los temas mitológicos?. La National Gallery también ha despertado un gran entusiasmo al reunir, por primera vez en cuatrocientos años, la colección de tizianos encargada por Alfonso d`Este, duque de Ferrara, para la Cámara de Alabastro de su castillo. La institución londinense ha juntado su Baco y Ariadna con La adoración de Venus y Los Adrianos, del Museo del Prado, y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, gran maestro de Tiziano, que ha cedido la National Gallery de Washington para este evento.

Asimismo, en el terreno de la temática mitológica destaca la obra titulada "Danae". Pintura en la que se ve a Zeus transformado en lluvia dorada seduciendo a la bella Danae, una magnífica interpretación del desnudo femenino, perteneciente al Prado.

El pintor también abundó en la temática religiosa e incluso destacó en el paisajismo. En este aspecto cabe citar una síntesis de ambas en “La Virgen del conejo”, en la que la escena de la Virgen, el Niño y santa Catalina se enmarca a la perfección en un horizonte sumamente conseguido.

Una obra importante en esta temática, por su estilo suelto, es el Entierro de Cristo, enviado a Felipe II en 1559, donde mostró una técnica que interesó sobremanera a Rubens y Velázquez.

El artista transformó progresivamente el lenguaje de su pintura y, sin renunciar a la luz y el calor, sus últimas obras reflejan una pincelada vigorosa que crea una sensación atmosférica y abocetada. Como ejemplo de esa etapa final, que los especialistas han denominado "impresionismo mágico", el público londinense podrá contemplar, entre otras obras, el óleo "Tarquino y Lucrecia", del Fitzwilliam Museum de Cambridge (Reino Unido). Por cierto que aún se sigue discutiendo por los expertos sobre si estas obras están terminadas o son en realidad incompletas.

Tiziano fue un artista longevo. La retrospectiva resalta que el gran genio de la escuela veneciana del Renacimiento no dejó de pintar hasta su muerte, según el comisario jefe de la National Gallery, David Jaffe.

Tiziano falleció a la edad aproximada de 93 años, con buena fortuna y abundante familia.

 

Problemas para los arrecifes coralinos

25/02/2003, El WWF, Fondo Mundial para la protección de la naturaleza, ha presentado en Ginebra, Suiza, un informe en el que pone de manifiesto la degradación de los sistemas de arrecifes coralinos, y su daño a la biodiversidad y economía mundial

Ginebra, Suiza, 28 de febrero de 2003

El WWF, Fondo Mundial para la protección de la naturaleza, ha presentado en Ginebra, Suiza, un informe en el que pone de manifiesto la degradación de los sistemas de arrecifes coralinos, y su daño a la biodiversidad y economía mundial.

Señala el WWF que los beneficios que generan esos ecosistemas ascienden a cerca de 30.000 millones de dólares netos al año en bienes y servicios, merced al fomento del turismo, la pesca, la acción en defensa de la costa, etc.

Según el estudio, The Economics of Worldwide Coral Reef Degradation, cerca del 60 por ciento de los arrecifes coralíferos están perdidos para siempre o amenazados de destrucción en los próximos treinta años.

Ese proceso resultará en una disminución de ingresos vitales, que puede llegar a un 75 por ciento, y pérdidas de sus empleos y de sus recursos alimentarios para millones de personas de todo el mundo, que en su mayoría viven en países en desarrollo.

Dice el WWF que los arrecifes de coral desempeñan un papel importante por su aportación, a través del pescado, de las proteínas que necesitan más de mil millones de personas del mundo en desarrollo. Pero menos del 1 por ciento de la superficie oceánica está protegida actualmente, y no se sabe siquiera cuál es el nivel de protección de los arrecifes coralíferos a nivel mundial.

El informe muestra que el aumento del esfuerzo pesquero y la mayor eficiencia de las tecnologías pesqueras han ocasionado el agotamiento de muchas pesquerías de arrecife, hasta el punto de que muchas de ellas han perdido por completo su valor económico. En países donde los arrecifes de coral atraen a millones de buceadores, el turismo sostenible podría constituir una fuente de ingresos importante para la población local. Pero, demasiado a menudo, los desarrollos turísticos irresponsables han ocasionado graves daños a los arrecifes y un consecuente hundimiento económico.

Simon Cripps, Director del Programa de Mares Amenazados de WWF declaró que “las conclusiones de este informe hacen aún más urgente la conservación de los arrecifes de coral (…) Las pérdidas serán inmensas si los gobiernos no se percatan de la importancia ecológica y económica de estos ecosistemas y se desentienden de su conservación”.

El “blanqueo” del coral.

Hace unos meses divulgó otro informe Greenpeace, en el que señalaba que el recalentamiento del planeta amenaza con destruir la mitad de los arrecifes de coral de todo el mundo antes del año 2020. Sus consecuencias serían especialmente devastadoras para las economías de las naciones del Pacífico.

El economista australiano Hans Hoegh-Guldberg, uno de los autores del informe que fue presentado en la clausura del Noveno Simposio Internacional sobre Arrecifres de Coral, en Bali (Indonesia), insistió en que los países menos desarrollados serán los más perjudicados si no se pone freno al cambio climático.

Hoegh-Guldberg explicó que el 26 por ciento de los arrecifes ya han desaparecido y en algunos lugares, como en las islas Maldivas y las Seychelles, en el Océano Indico, ya han perdido un 90 por ciento de sus tesoros marinos. De seguir así, "más de 500 millones de personas sufrirán directamente las consecuencias económicas de la desaparición de los arrecifes de coral y el impacto será devastador en, al menos, trece naciones del Pacífico estudiadas", añadió.

"Los arrecifes albergan ecosistemas marinos de vital importancia, y con su extinción se perderán miles de especies de peces y otras formas de vida marina", explicó otro de los autores del estudio, Ove Hoegh-Guldberg, director de Estudios Marinos de la Universidad australiana de Queensland.

Los arrecifes de coral son colonias formadas por pequeños animales, llamados pólipos. Dentro del tejido del pólipo hay una población de algas que viven en asociación simbiótica con el coral: el pólipo provee de protección a las algas y éstas, a su vez, proveen el alimento y oxígeno al coral. A través de miles de años, los esqueletos de los pólipos se convierten en formaciones duras, frágiles, de diversos colores y de muchas formas.

Los corales presentan una baja resistencia a los impactos humanos y tardan muchos años en recuperarse. La salud de los organismos del arrecife no sólo depende de la temperatura (crecen en aguas cálidas) y la luz sino también de la cantidad de oxígeno, salinidad y claridad del agua.

La respuesta de estos ecosistemas ante el cambio climático se conoce como blanqueado del coral. Cuando se enfrentan al calentamiento de las aguas tropicales, el coral pierde las algas que viven en sus tejidos, perdiendo su color natural y apareciendo uno blancuzco. El coral muere.

 

Marea humana contra la marea del Prestige

23/02/2003, Unos –los organizadores- dijeron que eran más del millón de personas; otros –los voceros del gobierno- que cien mil. En realidad no hubo sino un inmenso dedo acusador por el desastre del Prestige.

Madrid, 23 de febrero de 2003. guiarte.com

Unos –los organizadores- dijeron que eran más del millón de personas; otros –los voceros gubernamentales- que cien mil. En realidad, en las calles de Madrid, no hubo sino un inmenso dedo acusador y una gigantesca voz que pidió la dimisión de los que agravaron el desastre del Prestige.

Galicia trajo al centro de Madrid un mar de banderas con los colores azul y blanco, en medio de una gran manifestación en la que no faltó un vehículo alegórico que representaba al hundido Prestige, el petrolero que se partió ante a las costas gallegas y que no ha dejado de arrojar a las aguas atlánticas el chapapote.

Y el chapapote del Prestige inundó las calles de la ciudad, llegó en forma de lágrimas negras de muchos manifestantes que reclamaron la atención ante uno de los mayores accidentes contaminantes ocurridos en el mundo, tan grande como mal gestionado. El chapapote inundó la capital de un país que se mira demasiadas veces al ombligo y pierde de vista lo que ocurre en la periferia.

Volcados en el control mediático, y en el aquí no pasa nada, durante semanas los españoles tuvieron que escuchar que todo estaba controlado; que no había marea negra y que a lo sumo unos hilillos de crudo. Luego escucharon que el barco se lanzaba al fondo y que inmediatamente se solidificaría el cargamento...

Y una y otra vez se ha dicho que no pasa nada, que las playas están como los chorros del oro.... Pero no se trataba del oro dorado, del oro amarillo, sino del oro negro, del chapapote.

Y al final el cabreo de la gente se trajo a Madrid, pero de forma festiva, para decir con una sonora voz, con canciones, que los culpables de tal desgobierno han de dimitir... Gentes con monos blancos, con herramientas de recogida de crudo, con disfraces de piratas o de pájaros chapapoteados... Fiesta y protesta para gritar la palabra dimisión, la palabra más oída entre los manifestantes convocados por la plataforma Nunca Máis.

La marcha transcurrió sin incidentes entre la glorieta de Atocha y la Puerta del Sol durante casi cuatro horas, concluyó con la lectura del manifiesto de la plataforma convocante de la protesta. Manuel Rivas, escritor gallego, leyó el comunicado en el que pidió la dimisión de los responsables gubernamentales, por dignidad, y recordó que el gobierno actuó mal y a remolque del pueblo gallego, que ha sido el que ha tirado para adelante.

Disfraces carnavalescos, gaitas y panderetas traían color de mar y alegría de fiesta en una manifestación multitudinaria, en la que Rivas pidió también una comisión de investigación en las Cortes y la retransmitan en directo por televisión, entre las chanzas del gentío que unía las palabras televisión y manipulación.

El manifiesto destaca la importancia de que la Junta de Galicia y el Gobierno español pongan su empeño en crear un espacio europeo de seguridad marítima y solicita a la Unión Europea una normativa de responsabilidad medioambiental.

Rivas intervino en la Puerta del Sol tras el paso por el escenario de representantes de los sectores afectados, voluntarios y actores, además de la actuación del grupo Amaral y la cantante gallega Uxía Senlle.

Se unieron a la marcha dirigentes como el secretario general del PSOE, José Luis Rodríguez Zapatero; el coordinador general de IU, Gaspar Llamazares; y los máximos dirigentes de CC.OO. y UGT, José María Fidalgo y Cándido Méndez; así como representas de partidos y sindicatos en Galicia. también hubo una buena presencia de gentes del mundo de la música y la cinematografía.

Todos contra el chapapote.

 

Pasarela Cibeles: ¿Interesa la moda o la prensa rosa?

23/02/2003, Mientras la organización de la Pasarela Cibeles llena la sala de personajes del famoseo de las crónicas rosas, los estudiantes de diseño no tienen acceso para ver los desfiles. ¿Interesa la moda o interesa el márketing?


Madrid, a 23 de febrero de 2003, por Por Ana María Alvarez

Mientras la organización de la Pasarela Cibeles llena la sala de personajes del famoseo de las crónicas rosas, los estudiantes de diseño no tienen acceso para ver los desfiles. ¿Interesa la moda o interesa el márketing?

En la actualidad, en el mundo de la moda, cada día adquieren mayor importancia los nuevos diseñadores, jóvenes con gran talento, frescura y capacidad de innovación, estos diseñadores se están abriendo un hueco en el panorama, gracias a sus diseños y a la aparición de las cada vez más numerosas escuelas dedicadas a este oficio. Aún así, durante la pasada edición de la Pasarela Cibeles, se ha podido ver a estudiantes de moda o estilismo pidiendo invitaciones casi de rodillas a personas que veían pasar por el Parque Ferial Juan Carlos I, tratando de colarse, e incluso siendo echados de los desfiles por guardias de seguridad.

Veo injusto, que estos estudiantes y futuros diseñadores, tengan que llegar a suplicar para poder ver lo que más les gusta, aquello a lo que se van a dedicar en su futuro. En las escuelas de diseño les dicen que las invitaciones las tienen que dar los mismos diseñadores, pero los diseñadores no se preocupan por los que van detrás de ellos, aquellos que se van a inspirar en sus colecciones y que desean ver los desfiles con la ilusión de poder aprender de ellos, sino que se preocupan más por la cuestión del marketing, y por eso se dedican a invitar a famosos y gente guapa que pueda lograr un incremento en sus ventas.

CIBELES

Dentro de la actualidad de la Moda, cabe destacar en el febrero madrileño, como es habitual, la Pasarela Cibeles, que cerró el día 20, después de premiar al modisto David Delfín y la modelo Marina Pérez con los premios L´Oreal a la mejor colección de un diseñador joven y a la mejor maniquí de la XXXVII edición de la Pasarela Cibeles, respectivamente.

Los jóvenes creadores cerraron la XXXVII edición de la Pasarela con una apuesta por rescatar para el próximo otoño-invierno el armario de los 40 y 50, por reconstruir desde la modernidad los patrones clásicos y el juego entre la naturalidad y la sofisticación

Respecto al triunfo de David Delfín, cabe apuntar que es básicamente un éxito del marketing apoyado en un aire innovador que tenía bastante de siniestro. Ni el año pasado mereció los anatemas que le dedicaron ni este año ha sido un Dios de la moda.

Recordemos que el año pasado el modisto (Málaga, 1970) provocó un escándalo al presentar a sus modelos con sogas al cuello y capuchas, algo con lo que él pretendía hacer referencias al surrealismo, pero que muchos entendieron como una ofensa a la mujer. Mucha gente le criticó de utilizar a la mujer, y lo tildó de “Talibán” los mismos diarios que, por ejemplo, sacan lo sexi de los modelos, dejando a un lado el interés y la hermosura de vestido o prenda que portan. “El que esté libre de pecado que tire la primera piedra”

EXPOSICIÓN-HOMENAJE A MANUEL PIÑA

Durante los días 15 y 26 de Febrero aquellos que se han acercado al Círculo de Bellas Artes ( Marqués de Casa Riera, 2 ) han podido disfrutar de una exposición en honor a Manuel Piña, prestigioso diseñador de gran importancia en el panorama de la moda española e impulsador de grandes eventos como la Pasarela Cibeles.

Esta exposición ha sido organizada con motivo de la segunda edición de MADRID VIVE LA MODA, un conjunto de actividades culturales ligadas al mundo del diseño y de la moda.

La exposición ha contado con mas de 70 maniquíes ataviados con vestidos y trajes de gran originalidad y belleza que intentan marcar la trayectoria creativa seguida por el diseñador. El interés de la muestra es representar el cambio y la innovación que ha sufrido la moda de los años 80, con la aparición de un nuevo mundo inspirado en formas, texturas y materiales revolucionarios.

 

El Tibet, en Girona

22/02/2003, La Fundación Caixa Girona ha organizado una bella exposición titulada “El secreto del Tibet. Desvelando la civilización del techo del mundo”, para dar a conocer la cultura tibetana


La Fundación Caixa Girona ha organizado una bella exposición titulada “El secreto del Tibet. Desvelando la civilización del techo del mundo”, para dar a conocer la cultura tibetana.

Son unas 90 obras de arte y objetos antiguos y modernos, de los siglos XVI a XX: esculturas de Buda, pinturas tántricas, manuscritos, adornos libros, etc.

Se aprovecha esta muestra para hacer un homenaje a Antonio de Montserrat, un Marco Polo del siglo XVI, que recorrió tierras de lo que actualmente es Yemen, Pakistán, Afganistán, la India y dejó un mapa en el que por primera vez aparecen lugares del Tíbet.

Nacido en 1536 en Cataluña, Antonio de Montserrat se hizo jesuita y marchó a oriente. Llegó a hablarle del cristianismo al mismo Gran Mogol Akbar, descendiente de Tamerlán que gobernaba todo el norte de la península indostánica. El jesuita fue preceptor de Murad, uno de los hijos del poderos gobernante.

En la corte de Akbar, Antonio de Montserrat escuchó los primeros comentarios sobre el territorio ubicado al norte del Himalaya. Él –como otros jesuitas- llegaron a creer que se trataba de un primitivo reino cristiano, retirado hacia las estepas asiáticas por el empuje de las huestes musulmanas.

La muestra “El secreto del Tíbet” presenta aquel territorio asiático y hace un apartado para el jesuita catalán, clave en el descubrimiento de aquella apartada región. Ésta exposición fue abierta del 17 de febrero al 30 de marzo, esta comisariada por Jose Lluis Alay, profundo conocedor de la historia y cultura tibetanas, y producida por la Fundación "Caixa de Girona" con la colaboración de la Fundación Folch, la Casa del Tíbet de Barcelona y coleccionistas particulares.

A través de varios ámbitos diferentes, la geografía física y humana, la historia, la religión, la lengua y la literatura, se realiza un seguimiento de la historia de los tibetanos.

El primero de los ámbitos dedica especial atención al territorio y a las formas de vida, a las costumbres y tradiciones de los tibetanos, un gran país con muchos contrastes, con diferentes estructuras familiares, y vestidos tradicionales diversos según las regiones. En este apartado también se expone la tienda blanca tibetana, usada únicamente en ocasiones muy especiales como festivales y competiciones, y se presentan además los principios más importantes de la medicina tradicional.

Este ámbito permite asimismo conocer las áreas de influencia que la civilización tibetana ha tenido sobre las culturas centroasiáticas, como mongoles y turcos.

En el ámbito de la historia se hace un recorrido por los acontecimientos más importantes, como la época del imperio de Lhasa, el retorno del budismo, Sakia y el Imperio Mongol, las dinastías menores Kaguiü, el Gobierno religioso de los Dalai-Lamas, la recuperación de la independencia y la ocupación china a mediados del siglo XX.

El apartado religioso está subdividido en varios epígrafes que analizan aspectos del budismo y otras religiones, como la primityiva religión Phön, sumamente vinculada a los dioses de los accidentes geográficos del territorio.

Entre los objetos más importantes destacan las pinturas tibetanas y un manuscrito en letras de plata, el "Sutra de los Mil Budas" considerada una pieza única y origen de múltiples escuelas artísticas de toda el Asia budista. Además, también se pueden contemplar algunas poesías de amor del sexto Dalai-Lama, que sirven para ilustrar y explicar el ámbito dedicado a la lengua y literatura del país de las nieves.

Desde el inicio del periodo expositivo, cada día, un grupo de monjes budistas construye con arena de colores el Mandala, representación simbólica del cosmos, un rito religioso-artístico efímero, forma de arte milenaria.

 

ARCO: una excelente edición

20/02/2003, Con buen éxito, pese al ambiente prebélico de esta fecha de febrero, trascurrió la feria de Arte Contemporáneo, ARCO, que fue catalogada como una de las mejores habidas hasta el momento. Una excelente 22 edición.

ARCO cumplió su 22 edición, con un certamen que la sitúa en la cabeza de las que se celebran en el mundo, junto a la de Basilea. Ha sido un ARCO sólido, donde también ha pesado el ambiente antibelicista puesto de manifiesto estos días en todo occidente.

Se temía la fecha de esta celebración porque coincidía con el momento en el que muchos preveían el conflicto EEUU-Irak, pero no fue así. A Madrid concurrieron grandes galerías de 28 países, que aportaron una autentica marea de arte, del Arte con mayúsculas, en el que estaban todos los grandes creadores del siglo XX.

Porque los malos augurios de guerra contra Irak no desanimaron a nadie. se contó con 279 galerías en un certamen -donde Suiza participó como país invitado-, con obra de cerca de 3.000 creadores, que abarcó desde las manifestaciones artísticas más tradicionales, como la escultura, la pintura, la fotografía o el grabado, hasta el vídeo, las instalaciones y el arte electrónico.

Inaugurada el 12 de febrero, en la creciente marea pacifista que se concretaría el día 15 en grandiosas manifestaciones en todo el mundo, la apertura de ARCO no careció de sus detalles antibelicistas: En algunas galerías aparecían rótulos contra la guerra; numerosos visitantes portaban las pegatinas alusivas, y hasta una notable galería cubrió sus obras de Tapies, Sicilia, Barceló y Chillida con sábanas negras, en las que figuran letreros de "No a la guerra". En el mismo acto inaugural, a la entrada del recinto una veintena de jóvenes permanecían en el suelo, cubiertos de pintura roja, simulando estar heridos.

Pero lo básico era el arte, que es universalidad y diálogo, y la preocupación pacifista quedó subsumida en la orgía de belleza que aparecía por doquier. ARCO ha conseguido cada vez más prestigio y afluencia. La distribución de expositores presentó una mayoría de galerías procedentes de Europa (219), Norteamérica (25), Latinoamérica y Caribe (25), Asia (6) y Oceanía (4). La representación internacional se situó en torno al 60%, con 167 galerías de 28 países. De ellos destacaron Alemania y Estados Unidos, además del área Latinoamericana, por su alta participación seguidos de Suiza, Francia, Italia y Portugal. Por su parte, la representación nacional superó el 40%, con 112 galerías seleccionadas. Cabe subrayar asimismo el alto nivel de nuevas incorporaciones, que en esta edición ascendieron a 60 galerías de diversas nacionalidades.

Pabellones atestados de arte.

Dos pabellones del recinto ferial estaban dedicados al evento y repletos de obras de arte. A la entrada del pabellón Siete, donde se asentaban las galerías más tradicionales, con buena parte de la obra más valiosa, aparecía una magnífica tanda de trabajos de Miquel Barceló. Luego el visitante se topaba inmediatamente con otras galerías, donde se presentaban obras de Picasso, Giacometti, Matisse, Brancusi, Delaunay, Juan Gris, Miró, Chillida, Botero, Bacon, Esteban Vicente, Calder, Torres García, Klee, Matta, Bonnard, Léger, Baltus, Tapies, Man Ray, Duchamp, Saura y muchos otros conocidos autores. Una inmensa y subyugante exposición de arte moderno.

En el segundo pabellón aparecían también multitud de obras de grandes creadores, junto a numerosos trabajos más experimentales. En uno y otro no faltaba la innovación, el arte cibernético… en un todo que cobró aires reposados, merced a una distribución “urbana” con espacios de ocio y descanso y dejando a un lado la tradicional estructura ferial de cuadriculas-tienda.

Arco dedica cada año un especial a un país invitado especial. Este año ha sido a Suiza. Suiza, precisamente, brilla más por atesorar un valiosísimo arte contemporáneo en manos de particulares e instituciones, por sus museos y su feria de arte de Basilea. Y Suiza brilló más por sus galerías que por sus creadores artísticos, como es lógico.

Éxito del certamen.

El éxito se ha basado en diversos elementos. El primero la inmensa calidad del arte moderno español, que hace de ARCO un punto clave para conocerlo y adquirirlo. El arte del siglo XX ha estado lleno de españoles: Picasso, Sorolla, Saura, Tapies, Miró, Domínguez, Vicente, Dalí, Barceló, Arroyo, Chillida, Oteiza, Gargallo, González… y cada año en el certamen asoman nuevos jóvenes que merece la pena tener en cuenta.

Crece la actividad de compra del creciente complejo museístico español: Así, en este año se citaron las compras hechas por el Museo Reina Sofía (500.000 euros), la Fundación ARCO (149.000 euros), El Centro Galego de Arte Contemporáneo (180.000), la Fundación Coca-Cola (300.000 euros), y otras entidades como la Fundación La Caixa, Caja Madrid, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, o la Fundación Picasso. La feria ha servido también para la presentación de los nuevos museos de León, Palma de Mallorca, Cataluña y Asturias, que se incorporan al ámbito del arte moderno español.

Y las instituciones oficiales, privadas y la burguesía españolas también se van a animando a invertir en arte. Por todo ello Arco es una magnífica ocasión para controlar la vitalidad del arte hispano.

ARCO es además un buen momento para ver arte en Madrid, una ciudad amable, cordial, propicia para el diálogo y el goce de la vida. En torno a ARCO se presentan cada año espacios expositivos dedicados al país invitado especial, este año a Suiza; y grandes las instituciones de arte programan excelentes muestras temporales, en el 2003 dos magníficas: Armonías Musicales, Kandinsky( Thyssen y Caja Madrid) y Vermeer y el interior holandés (El Prado).

Falta aún en ARCO más presión compradora internacional, y –tal vez- un enganche mayor con el arte y los compradores de América Latina. En este sentido, la feria de Basilea ha mostrado un camino al instalar un evento en Miami.

Oficialmente se ha comentado que este año la feria ha sido "la mejor de las celebradas hasta ahora", con un éxito de ventas y de nuevos contactos para las galerías sin precedentes en los últimos años, algo a lo que no ha sido ajena la capacidad de arrastre del país invitado, Suiza.

Por lo que respecta a Suiza, el país de Europa que concentra mayor número de coleccionistas, su presencia como invitado especial se ha traducido en buenos resultados para la inmensa mayoría de las dieciocho galerías, que han vendido tanto a coleccionistas públicos como privados, por lo que muchos de ellos quieren repetir. Pero, además, esa presencia suiza ha propiciado asimismo que en Madrid estuvieran este año, dentro del programa general, los establecimientos suizos de primerísimo orden, como Beyeler o Krugier, con un inmenso poder de arrastre entre los coleccionistas.

Rosina Gómez-Baeza, la directora de ARCO aprovechó el acto de cierre para presentar a Grecia como país invitado de la próxima edición. El país invitado acudirá con dieciséis galerías, en su mayoría de Atenas y Tesalónica, las dos ciudades más activas en arte contemporáneo, y con un programa de exposiciones que se desarrollará paralelamente en museos y centros de arte de Madrid.

Entre los centenares de obras vendidas, sobre las que las galerías no siempre dan información, y entre las que no siempre figuran las de mayor cotización, han estado desde las de autores ya históricos como Matta, Dalí, Saura, Léger, Chirino, Tapies, Palazuelo, Picasso, Klee, Chillida o Neumann, hasta las de creadores más recientes como Peter Halley, Juan Muñoz, Mark Lewis, Santiago Serrano, Sicilia, Barceló, Tacita Dean, Panamarenko, Alicia Framis o Sylvie Fleury, por citar algunos.

 

CaixaForum tendra un centro emblemático en Madrid

10/02/2003, En el entorno clasico del paseo del Prado, surge ahora un nuevo centro cultural importante y de inconfundible estructura, es el de La Caixa, y ha sido diseñado por el equipo Herzog & de Meuron

Fundación La Caixa presenta su futuro centro emblemático en Madrid

En el entorno clasico del paseo del Prado, surge ahora un nuevo centro cultural importante y de inconfundible estructura, es el de La Caixa, y ha sido diseñado por el equipo Herzog & de Meuron

La Fundación “la Caixa” convertirá la antigua Central Eléctrica del Mediodía, uno de los ejemplos de arquitectura industrial de finales del siglo XIX que persisten en el casco antiguo, en CaixaForum-Madrid, su nuevo centro social y cultural en la capital. El responsable del proyecto arquitectónico es la prestigiosa firma suiza fundada por Jacques Herzog y Pierre de Meuron, ganadora del premio Pritzker de arquitectura en 2001.

CaixaForum-Madrid conservará la fachada original de la antigua fábrica y pasará de los 2.000 m2 actuales a ocupar una superficie total aproximada de 8.000 m2 distribuidos en distintos niveles, dos de ellos bajo rasante. Una de las peculiaridades del proyecto de Herzog & de Meuron es la eliminación del zócalo de granito que rodea la antigua fábrica. El nuevo edificio parecerá levitar sobre una gran plaza pública abierta hacia los cuatro costados que se extenderá hasta el paseo del Prado y ocupará una superficie de más de 2.500 m2. El acceso principal se efectuará por el número 36 de dicho paseo.

El edificio preservará la imagen industrial de la antigua fábrica y definiendo una nueva volumetría. Situado frente al Jardín Botánico y junto al Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, CaixaForum-Madrid se sumará a la importante oferta cultural que se concentra en esta zona. El nuevo centro ofrecerá una programación multidisciplinar dirigida a todo tipo de públicos, donde convivirán el arte contemporáneo, las exposiciones temporales, la música, las humanidades y los programas sociales y educativos.

La Fundación “la Caixa” adquirió en 2001 la antigua Central Eléctrica del Mediodía por su ubicación en la zona que concentra la mayor oferta cultural de la ciudad. CaixaForum-Madrid sustituirá la Sala de Exposiciones de la calle Serrano. Este espacio, junto con la sala que la Fundación también tuvo en el paseo de la Castellana, fue pionero en la exhibición del arte contemporáneo en España en la década de los años ochenta. Dichas salas acogieron exposiciones emblemáticas como Otras figuraciones (1982), que supuso el salto internacional de Miquel Barceló; En tres dimensiones (1984), que descubrió la obra de Susana Solano; Italia aperta (1985), que reunía obras efímeras in situ, como una habitación de Sol LeWitt; El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York (1987), y El jardín salvaje (1991). Asimismo, se presentaron exposiciones monográficas dedicadas a Jannis Kounellis (1982), Enzo Cucchi (1985), Francesco Clemente (1987) y Richard Deacon (1991), entre otros artistas.

CaixaForum-Madrid ampliará considerablemente la oferta de la Fundación “la Caixa” en la ciudad, ofreciendo una programación complementaria y multidisciplinar en los ámbitos social y cultural abierta a todos los públicos.

La Fundación “la Caixa” ha confiado el proyecto de rehabilitación y ampliación al prestigioso equipo de arquitectos suizos Herzog & de Meuron. CaixaForum-Madrid conservará las cuatro fachadas originales de la Central Eléctrica del Mediodía, delimitadas por las calles Gobernador, Alameda, Almadén y Cenicero. El proyecto de Herzog & de Meuron prevé eliminar el zócalo de granito de la antigua fábrica. De esta forma, la ciudad ganará una nueva plaza pública a nivel de calle y estará abierta hacia los cuatro costados, que se extenderá hasta el número 36 del paseo del Prado, ocupando una superficie de más de 2.500 m2. El edificio parecerá ‘levitar’ sobre esta plaza pública, a través de la que se accederá al vestíbulo de CaixaForum, situado en el primer nivel.

Una de las características del nuevo edificio es la conservación de la imagen de conjunto, manteniendo la geometría, con una ampliación de la superficie que permite la ejecución del plan funcional del centro.

CaixaForum dispondrá de más de 2.000 m2 destinados a salas de exposiciones, un auditorio con 322 plazas, una mediateca, varias salas polivalentes para conferencias y otras actividades, talleres de conservación y restauración y un almacén de obras de arte. El amplio vestíbulo, la cafetería, la tienda-librería y el restaurante complementarán la oferta del centro. Estas diferentes áreas se distribuirán en los siguientes niveles:

· Nivel -2 Aparcamiento, acceso de obras de arte, foyer* y auditorio*

· Nivel -1 Salas polivalentes, taller de conservación, almacén

· Nivel 0 Plaza pública, acceso al centro

· Nivel 1 Vestíbulo, cafetería, tienda-librería

· Nivel +2 Sala de exposiciones

· Nivel +3 Sala de exposiciones y mediateca

· Nivel +4 Restaurante, oficinas

* El foyer y el auditorio ocuparán también parte del nivel -1

El plan arquitectónico de CaixaForum-Madrid se enmarca dentro del Proyecto de reordenación del eje Recoletos-Prado, una iniciativa urbanística de gran relevancia para Madrid. Dicho Proyecto está dirigido por Alvaro Siza y Juan Miguel Hernández de León.

Jacques Herzog y Pierre de Meuron fundaron el estudio en 1978. Harry Gugger y Christine Binswanger se incorporaron a éste en calidad de socios en 1991 y 1994, respectivamente. En la actualidad, la firma tiene una plantilla de 150 empleados en todo el mundo, con oficinas en Londres, Munich y San Francisco. Herzog & de Meuron han llevado a cabo una serie de edificaciones museísticas reconocidas internacionalmente, como la Colección Goetz, en Munich; el Museo Küppersmühle, en Duisburg, o, su diseño más conocido, la Tate Modern, en Londres. El nuevo Schaulager para la Fundación Emmanuel Hoffmann en Basilea / Münchenstein abrirá sus puertas en mayo de 2003. Actualmente están trabajando en varios proyectos en España: el Centro Cultural Museo Óscar Domínguez, en Santa Cruz de Tenerife (finalización prevista en 2005); el nuevo muelle de enlace y la plaza España en Santa Cruz de Tenerife, así como el edificio y la plaza del Forum 2004 en Barcelona (finalización prevista en 2004).

Un siglo de historia

La antigua Central Eléctrica del Mediodía se proyectó en 1899, y la licencia de construcción se concedió el 28 de noviembre de 1900 a nombre del empresario José Batlle. El proyecto fue llevado a cabo por el arquitecto Jesús Carrasco y Encina y el ingeniero José María Hernández, encargado de la instalación de maquinaria, y tenía por objeto la construcción de una fábrica de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid. El edificio se levantó sobre el solar de la antigua fábrica de bujías La Estrella, cuya licencia data de 1857. Años más tarde, Unión Eléctrica Madrileña pasó a ostentar la titularidad de la Central.

La antigua Central está delimitada por las calles Gobernador, Alameda, Cenicero y Almadén (antiguamente, travesía del Fúcar). La manzana tiene una superficie de 1.934 m2 y en ella se encuentran el edificio de la Central y un patio que da a la calle Gobernador. De la antigua fábrica se conservan todavía la carbonera y los grandes depósitos de agua, necesarios para generar corriente continua.

La antigua Central Eléctrica del Mediodía es uno de los escasos ejemplos de arquitectura industrial que persisten en el casco antiguo de Madrid. Otros ejemplos de este tipo de construcciones son la subestación del Cerro de la Plata y la Central Eléctrica de Mazarredo, que aunque todavía continúan en activo están reducidas a funciones de almacenaje. Una de las originalidades de la antigua Central Eléctrica del Mediodía es su resolución del remate de las fachadas principales.

La fábrica, construida en ladrillo visto, está formada por dos grandes naves paralelas con fachadas de doble vertiente en los frentes de las calles Almadén y Gobernador, una estructura característica de las centrales eléctricas que se construyeron en Madrid a finales del siglo XIX y principios del XX. El edificio está construido con muros de carga de ladrillo macizo sobre zócalo de sillares de granito. Las cubiertas son a dos aguas, de madera, sobre cerchas de acero roblonado, con un lucernario en la parte central que permite la iluminación cenital.

La Central abastecía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid. Disponía de tres calderas generadoras de vapor construidas en Mahón por la Maquinista Naval; tres motores o máquinas de vapor horizontales de 120 caballos construidos en Inglaterra, y tres dinamos de corriente antigua de 80 kw de la casa Oerlikon (Zúrich).

 

Movida de la Moda en Madrid

06/02/2003, Mientras en Barcelona se desarrolla una animada y reivindicativa pasarela Gaudí, en Madrid los temas de la moda ya están tomando la calle, y lo harán durante todo el mes de febrero.

Comienza la “movida” de la Moda en Madrid

Por Ana María Alvarez, de guiarte.com

Madrid, 6 de febrero de 2003.

La moda ocupa recintos feriales y salas de exposiciones en madrid, durante el mes de febrero. Del 6 al 23, en el Centro Cultural Casa de Vacas, Parque del Buen Retiro de Madrid, se presenta una exposición con setenta imágenes de gran tamaño y a todo color que permiten realizar un recorrido por Pasarela Cibeles, desde la creación del certamen de moda en 1985 hasta la última edición celebrada el pasado mes de septiembre.

Durante este mes se sucederán otras actividades culturales, abiertas al público, coincidiendo con la celebración en el Parque Ferial Juan Carlos I de los certámenes PASARELA CIBELES , SIMM -SEMANA INTERNACIONAL DE LA MODA DE MADRID- y TEXTILMODA

Bajo el titulo PASARELA CIBELES 1985-2002 se presenta esta exposición de setenta imágenes a gran tamaño, correspondientes a distintas ediciones de este certamen, considerado la gran plataforma de promoción del diseño español, desde su creación en 1985, hasta la actualidad. La muestra ocupa 2.000 metros cuadrados y ofrece al visitante un conjunto de gran impacto visual, con el que se propone un recorrido por la trayectoria de la Pasarela. Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo conmemorativo con todas las fotografías de la exposición, que está a la venta al precio de 10 €.

Las imágenes pertenecen al archivo fotográfico de IFEMA/Pasarela Cibeles y han sido seleccionados por Leonor Pérez-Pita, directora del certamen.

Además, MADRID VIVE LA MODA incluye otras iniciativas entre las que cabe destacar una exposición-homenaje a Manuel Piña, uno de los diseñadores más emblemáticos del panorama español, del 15 al 25 de febrero en el Círculo de Bellas Artes, así como la retransmisión en pantalla gigante de los desfiles de PASARELA CIBELES, en Madrid y, como novedad, también en Sevilla.

MADRID VIVE LA MODA está impulsada por IFEMA y cuenta con el apoyo de las organizaciones empresariales, que representan a los sectores implicados en el mundo de la moda.

Los objetivos fundamentales de MADRID VIVE LA MODA son:

Subrayar la imagen de Madrid como centro internacional del negocio de la Moda

Lograr que la población madrileña perciba la importancia de Madrid como capital de la Moda

Implicar a la Región en los certámenes relacionados con esta industria que se celebren en Madrid a lo largo del año.

Contribuir a dinamizar el consumo de sus respectivos sectores, subrayando el atractivo de la Comunidad Autónoma para realizar compras en su heterogénea y rica oferta comercial.

 

El Guggen presentó su programa 2003

28/01/2003, La presentación del programa del Guggenheim Bilbao para 2003 sirvió tambien para hacer un balance del 2002, cuando el museo recibió un total de 851.628 visitantes, con un descenso de 70.000 personas respecto al año anterior

La presentaciףn del programa del Guggenheim Bilbao para 2003 sirviף tambien para hacer un balance del 2002, cuando el museo recibiף un total de 851.628 visitantes, con un descenso de 70.000 personas respecto al aסo anterior.

El director general de esta entidad, Juan Ignacio Vidarte dijoque se debiף, entre otras causas, a los efectos del 11 de Septiembre en el sector turםstico. Tambien asegurף que el museo no ha tocado techo en lo que a nתmero de visitantes se refiere y mantiene el listףn del millףn personas como objetivo.

Respecto a 2003, Vidarte dijo que la entidad dispone de un presupuesto de aproximadamente 23 millones de euros y que la programaciףn artםstica prevista cuenta con dos exposiciones temporales y cuatro pertenecientes a la colecciףn permanente. Las exposiciones temporales, que se exhibirבn en primavera y verano, se titulan "De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las colecciones Broad" y "Alexander Kalder".

Veamos mבs extenso el programa:

COLECCI׃N PERMANENTE: Transparencias

Comisaria:
Petra Joos
Fechas:
marzo-mayo 2003
Sala:103

CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N

La luz, protagonista indiscutible de esta muestra, atraviesa y forma parte de la obra de destacados creadores del panorama artםstico vasco y espaסol de nuestros dםas. Javier Pיrez, Cristina Iglesias, Susana Solano y Juan Luis Moraza, todos ellos artistas que representan uno de los principales ejes en los que se estructura la Colecciףn Propia del Museo Guggenheim Bilbao, expondrבn su obra en la sala 103 durante la primavera de 2003.

Javier Pיrez con Levitas, 1998, mostrarב, a travיs de la extrema ligereza de su obra, la presencia humana representada en las misteriosas huellas insertas en sus esferas de cristal, transmitiendo la inestabilidad y fragilidad de la vida.

Sin tםtulo (Habitaciףn de alabastro), 1993, de Cristina Iglesias estב formada por el espacio, la luz y los materiales, que modelan y dan sentido al conjunto, evidenciando las cualidades fםsicas de los תltimos y desvelando la complejidad estructural y formal de la obra. Sin tםtulo (Celosםa II), realizada en 1997, tiene el aspecto de una habitaciףn de apariencia exףtica que, aunque en algunos puntos parece cerrada, permite el acceso de la luz al interior. Esta obra evoca las celosםas בrabes y en ella, como en muchas de sus obras, la artista logra aunar contenidos aparentemente antitיticos, presentando una estancia que es al mismo tiempo refugio y prisiףn.

En Jaosokor, obra realizada en 1997 por la artista Susana Solano, los grandes trozos de plבstico incoloro y transparente de tamaסo similar producen una falsa impresiףn de solidez, al tiempo que recuerdan algunas de las cualidades de la espuma, del agua y de la luz solar. Inspirada en un viaje a Indonesia, en esta obra la artista manifiesta la necesidad de relacionar su arte con el mundo.

Juan Luis Moraza desplegarב en la sala 103 su obra ֹxtasis, status, estatua, 1994, en la que un gran nתmero de tacones de zapato realizados en resina y alineados de manera ordenada producen un efecto de saturaciףn paralizante y articulan el placer femenino, veladamente representado por los tacones. La obra revela el interיs de Moraza por lo formal, hasta cierto punto lo cotidiano, y por los lםmites del objeto, al tiempo que trata de apuntar hacia cuestiones mבs transcendentes.

COLECCI׃N PERMANENTE. Antonio Saura

Comisaria:
Petra Joos
Fechas:
julio 2003–2004
Sala:103

CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N

En esta presentaciףn se mostrarבn por primera vez y dentro de su contexto artםstico, las obras de Antonio Saura recientemente adquiridas por el Museo Guggenheim Bilbao. Estas piezas se expondrבn junto con las de otros protagonistas del informalismo espaסol y las de representantes del expresionismo abstracto norteamericano.

Nacido en Huesca en 1930, Antonio Saura residiף con su familia en Madrid, Valencia y Barcelona. Desde temprana edad acompaסף a su padre en sus visitas al Museo del Prado, donde quedף profundamente impactado por el Cristo crucificado (1632) de Diego Velבzquez y el Perro semihundido (1821-23) de Francisco de Goya, que marcarםan de forma singular la temבtica de su futura obra. Autodidacta, comenzף a pintar y escribir en 1947 durante la convalecencia de una larga enfermedad. Entre 1948 y 1950 realizף la serie Constelaciones en la que queda patente la influencia de la pintura de Mirף de los aסos 30 y 40, asם como de la concepciףn artםstica del surrealismo agrupado en torno a la figura de Andrי Breton. Entre 1953 y 1955 residiף en Parםs donde participף, en un principio, en las actividades del grupo surrealista que lideraba Breton, conociendo despuיs el informalismo francיs, llamado art autre, y la pintura norteamericana.

En 1957 fundף en Madrid el grupo El Paso, que dirigiף hasta su disoluciףn en 1960. En el manifiesto del grupo se plasmף la voluntad de crear en Espaסa un nuevo lenguaje pictףrico que se inscribiera en el contexto de las vanguardias europeas del momento. Fue en esos mismos aסos en los que se desarrollף el informalismo espaסol del que participaron, al margen del grupo El Paso, la prבctica totalidad de los artistas del grupo catalבn Dau al Set, siendo Antoni Tאpies una figura destacada.

La adquisiciףn de las dos pinturas de Antonio Saura, Crucifixiףn y Karl Johann II, junto a la donaciףn de dos obras sobre papel, 24 cabezas y Retrato imaginario de Goya, forman un conjunto de excepcional representatividad temבtica de su trayectoria artםstica. La presentaciףn de estas adquisiciones, que abarcan diferentes perםodos de la evoluciףn creativa del artista, se verב complementada por las dos obras pertenecientes al Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, proporcionando asם al espectador una visiףn detallada del trabajo de Antonio Saura.

La obra de Saura se presentarב, ademבs, junto a la de protagonistas del informalismo espaסol como Antoni Tאpies y a la de representantes del expresionismo abstracto norteamericano —como Mark Rothko, Willem de Kooning, Clyfford Still o Robert Motherwell— movimiento ampliamente representado en la Colecciףn Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

COLECCI׃N PERMANENTE. Imבgenes en movimiento

Comisarias:
Lisa Dennison y Nancy Spector
Sedes:
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao
Fechas:
octubre 2003–abril 2004
Salas: 105, 301, 302, 303, 305, 306 y 307

CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N

La muestra Imבgenes en movimiento reunirב alrededor de 150 obras de 55 artistas contemporבneos que utilizan la fotografםa, el cine y el vםdeo como soporte y medio de expresiףn de su creatividad. La exposiciףn se centra en el uso extensivo de medios reproducibles que se viene observando en el arte de la תltima dיcada y propone que este fenףmeno tiene su antecedente en el arte de finales de los 60 y la dיcada de los 70, perםodo en que los artistas incorporaron la fotografםa y la imagen en movimiento a sus prבcticas de base conceptual. La exposiciףn incluye obras de relevantes artistas contemporבneos como Christian Boltanski, Rineke Dijkstra, Stan Douglas, Olafur Eliasson, Fischli/Weiss, Anna Gaskell, Andreas Gursky, Pierre Huyghe, William Kentridge, Iסigo Manglano-Ovalle, Gabriel Orozco, Cindy Sherman, Thomas Struth, Sam Taylor-Wood, Wolfgang Tillmans y Kara Walker, asם como creaciones de algunos de los pioneros en estos medios de expresiףn como Marina Abramovic.

Durante las tres תltimas dיcadas los artistas han adoptado la fotografםa, el cine y el vםdeo como herramientas para articular sus prבcticas conceptuales. Tanto si se trata de grabar performances o actos efםmeros como si pretenden construir nuevas realidades, estos artistas han utilizado medios reproducibles como principales formas de arte. Evitando el primer impulso de convertirlo en un acto documental, todos ellos han manipulado sus representaciones del mundo empםrico o han inventado una cosmologםa totalmente nueva. Algunos artistas han elegido intervenir directamente en el entorno, cambiando de un modo sutil los componentes del mundo encontrado para hacer manifiesta su presencia en יl, mientras que otros han fabricado entornos ficticios para que los capte la lente de una cבmara. Esta exposiciףn, que se nutre de los fondos de la Colecciףn Permanente de los Museos Guggenheim, pretende ser una reflexiףn sobre la presencia de este tipo de prבcticas en el arte de los תltimos diez aסos.

COLECCI׃N PERMANENTE:Jean Dubuffet

Comisario:
Lisa Dennison
Fechas:
noviembre 2003-2004
Salas: Segunda planta

CONTENIDO DE LA PRESENTACI׃N

Con la presentaciףn de esta amplia selecciףn de obras de Jean Dubuffet, el Museo Guggenheim Bilbao continתa con el objetivo de mostrar, de forma cronolףgica, los fondos de arte del siglo XX pertenecientes a su Colecciףn Permanente. Este recorrido histףrico se iniciף en 2001 con la muestra Selecciones de la Colecciףn Thannhauser, que reunםa obras maestras del impresionismo, postimpresionismo y las primeras vanguardias. En 2002 el itinerario continuף con una mirada exhaustiva al trabajo de uno de los pioneros de la abstracciףn con la presentaciףn Kandinsky en su contexto. Jean Dubuffet prosigue en 2003 este repaso histףrico presentando una amplia selecciףn de obras de este artista francיs, uno de los mבximos representantes del informalismo, movimiento que surgiף en Europa despuיs de la II Guerra Mundial.

Nacido en 1901 en Le Havre, Francia, Dubuffet estudiף arte en Parםs durante un corto perםodo de su adolescencia, donde conociף a Raoul Dufy, Max Jacob, Fernand Lיger y Suzanne Valadon y donde quedף fascinado por el libro de Hans Prinzhorn sobre el arte de los enfermos mentales. Tras viajar por Italia y Amיrica del Sur, trabajף como delineante industrial, primero, y en el negocio de la familia, despuיs, abandonando temporalmente el mundo del arte.

No fue hasta 1942 cuando Dubuffet decidiף dedicarse definitivamente a la creaciףn artםstica. Al inicio de esta dיcada se vinculף a Andrי Breton, Georges Limbour, Jean Paulhan y Charles Ratton y su estilo y temas en este perםodo estuvieron profundamente influidos por la obra de Paul Klee. A partir de 1945 comenzף a coleccionar Art Brut, obras espontבneas de autores autodidactas, en algunos casos enfermos mentales.

ֹl mismo calificaba su estilo pictףrico como Art Brut, contrario a todo lo que cabםa esperar de un pintor de la tradiciףn artםstica francesa y planteaba un radical desafםo a los valores estיticos establecidos. Inspirado en el graffiti y en el arte espontבneo de autores autodidactas, Dubuffet insistםa en que su trabajo cuestionaba la engaסosa nociףn de la belleza “heredada de los griegos y fomentada por las portadas de las revistas”. Ademבs de su devociףn por el arte de las culturas “primitivas” y por el de los artistas sin formaciףn, Dubuffet estaba tambiיn enormemente interesado en una dispar gama de objetos y de materiales encontrados. En su intento por rehabilitar valores y materiales despreciados por la concepciףn estיtica occidental de aquel momento, lo que mבs interesaba a Dubuffet era la energםa desatada, espontבnea y sincera y con ello el espםritu de insubordinaciףn y desafםo.

EXPOSICI׃N TEMPORAL

De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las colecciones Broad

Comisaria:
Lisa Dennison
Sedes:
Los Angeles County Museum of Art; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; Museum of Fine Arts, Boston; Museo Guggenheim Bilbao
Fechas:
15 de febrero–7 de septiembre
Salas:105, 301, 302, 303, 304, 305, 306, 307

CONTENIDO DE LA EXPOSICI׃N

La exposiciףn De Jasper Johns a Jeff Koons. Cuatro dיcadas de arte de las Colecciones Broad constituye una presentaciףn a gran escala de los fondos artםsticos reunidos por los filבntropos californianos Eli y Edythe Broad, propietarios de una de las mejores colecciones de artistas consagrados y emergentes. Acerca de cףmo empezף a coleccionar obras de arte Eli Broad ha manifestado que “las grandes colecciones se hacen mientras el arte es contemporבneo: no se puede volver atrבs y crear una gran colecciףn de impresionismo y postimpresionismo en la actualidad”.

Eli y Edythe Broad, residentes en Los ֱngeles, fundaron en 1984 The Broad Art Foundation con el fin de prestar obras a instituciones para lograr que sus colecciones de arte contemporבneo llegaran a un pתblico mבs amplio. En la actualidad, los fondos de esta fundaciףn y los de los Broad suman mבs de mil obras de mבs de 150 artistas. Con ejemplos de diversos estilos artםsticos que han surgido a partir de la II Guerra Mundial, las colecciones Broad se centran en obras de carבcter representativo y en piezas que ponen de relieve temas sociales.

La selecciףn de cerca de 125 de obras de una veintena de artistas que reתne la exposiciףn ocuparב, ademבs de toda la tercera planta del Museo, una sala en la primera.

La muestra presenta algunos de los movimientos artםsticos mבs relevantes surgidos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, incluyendo el arte pop, el neoexpresionismo alemבn, el arte conceptual y el trabajo de artistas que alcanzaron notable relevancia en Los ֱngeles en la dיcada de los 90. En la exposiciףn podrבn contemplarse piezas emblemבticas de Jasper Johns, Andy Warhol, Cy Twombly, Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Cindy Sherman o Charles Ray, entre otros. Ademבs, se podrב contemplar el arte de los aסos 80 ¾una dיcada de gran prosperidad econףmica a la que los Broad han prestado especial atenciףn y que es, al mismo tiempo, un perםodo candente y politizado en el mundo del arte cuyo nתcleo se situף en Nueva York¾ desde una perspectiva histףrica, al situar la creaciףn artםstica de este perםodo en el contexto que proporcionan las piezas y movimientos fundamentales de los aסos inmediatamente anteriores y posteriores

Tambiיn presentes en la muestra. Desde la seductora interpretaciףn de temas corrientes, incluso kitsch que evidencian las obras inspiradas en el arte pop creadas por Jeff Koons, pasando por los graffiti de Jean-Michael Basquiat, hasta las teatrales fotografםas de Cindy Sherman, las creaciones de los 80 a menudo aluden a temas como la clase social, la raza, el gיnero y la marginalidad, y ponen en tela de juicio cuestiones como los valores culturales imperantes o la mercantilizaciףn del arte. Finalmente, la intensa presencia del trabajo de artistas alemanes contemporבneos que se puede observar en la muestra, que incluye esculturas recientes en madera de Stephan Balkenhol o lienzos en tיcnica mixta de Anselm Kiefer, pone de manifiesto una atenciףn creciente a los movimientos artםsticos internacionales que tuvieron un impacto considerable en el panorama artםstico norteamericano.

EXPOSICI׃N TEMPORAL

Alexander Calder

Comisarios:
Carmen Gimיnez y Alexander S. C. Rower
Sedes:
Museo Guggenheim Bilbao; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofםa
Fechas:
18 marzo–7 de octubre
Salas: 102, 201, 202, 203, 204, 205, 206, 207, 208, 209

CONTENIDO DE LA EXPOSICI׃N

“¿Por quי el arte ha de ser estבtico? Al mirar una obra abstracta, ya sea una escultura o una pintura, vemos un conjunto excitante de planos, esferas, nתcleos, sin significado alguno. Serםa perfecta pero siempre es inmףvil. El siguiente paso en la escultura es el movimiento”. Alexander Calder, 1932

A lo largo de su carrera, el potencial cinיtico del arte fue un interיs prioritario para Alexander Calder. Empleando el lenguaje de la abstracciףn, capturף el movimiento en una serie de estructuras que ofrecםan alternativas radicales a las nociones existentes sobre escultura y que tuvieron un profundo impacto en la historia del arte del siglo XX. Situada en las salas de la segunda planta, la exposiciףn Alexander Calder recorre la visiףn singular de este artista a travיs de una selecciףn de mבs de 65 esculturas creadas a lo largo de cinco dיcadas de dedicaciףn a la forma abstracta. La exposiciףn pone en evidencia cףmo el deseo de Calder de crear un tipo de arte que evocara la vida generף en יl una preocupaciףn constante por la fuerza de la gravedad, la circulaciףn del aire y la intervenciףn del azar.

Nacido en Filadelfia, Calder era hijo de dos artistas y pese a que su formaciףn acadיmica era la ingenierםa mecבnica, su inclinaciףn artםstica prevaleciף. En 1923 entrף en la Art Students League de Nueva York. En 1925 el National Police Gazette le encargף las ilustraciones de unos espectבculos de circo, tarea que despertף en יl la fascinaciףn por el tema circense que finalmente dio como resultado su Circo Calder. Esta performance se estrenף en Parםs en 1926 despuיs de que el artista se trasladara a aquella ciudad en la que entrף en contacto con algunos miembros de la vanguardia parisina como Le Corbusier, Fernand Lיger, Joan Mirף, Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Su estיtica se vio alterada por su primera visita al estudio de Mondrian en el otoסo de 1930. A partir de aquel momento, adoptף un lenguaje escultףrico enteramente abstracto. En 1931 entrף a formar parte de Abstraction-Creבtion y en ese mismo aסo comenzף a construir esculturas compuestas de partes mףviles independientes que Marcel Duchamp bautizarםa como “mobiles” (“mףviles”). Aunque en la actualidad se ha convertido en una forma artםstica absolutamente aceptada, los mףviles de Calder se consideraron en aquel momento un gran logro vanguardista que contrastaba profundamente con las formas escultףricas estבticas precedentes.

Fue Arp quien, en 1932, acuסף el tיrmino “stabile” refiriיndose a los primeros universos inmףviles de Calder sin motorizar. Aunque las piezas son inmףviles, la dinבmica forma tridimensional del stabile sugiere su potencial cinיtico y exige el movimiento fםsico del espectador, que debe rodear la obra para completarla. Calder concibiף sus “constelaciones” durante 1942-43, realizadas en una יpoca de escasez de metal ocasionada por la guerra y que fueron creadas uniendo formas de madera tallada a mano a los extremos de varillas rםgidas de acero. En 1951 Calder ideף una nueva combinaciףn de mףvil/stabile cuya estructura estב relacionada con sus constelaciones. Se trata de las llamadas “torres” que se fijan a la pared mediante un clavo y que estבn compuestas de un armazףn de varillas y de una especie de patas de alambre que parecen surgir del propio muro, con objetos mףviles suspendidos de sus estructuras. El sonido, que habםa estado presente en el proceso de Calder desde 1932 pasף a ser el centro de sus exploraciones en aquel momento. Desarrollados en torno a 1948, sus “gongs” se componen de un percusor y un plato colgado que suena y los movimientos impredecibles de las piezas hacen que emitan sonidos sorprendentes. A partir de los aסos 50, el tamaסo de las obras de Calder va en aumento, en parte porque a menudo le encargan esculturas para exteriores o para grandes atrios.

Sus esculturas abstractas retienen una vitalidad singular que se deriva del mundo natural y continתan cautivando al pתblico de forma nueva. Presentada en el contexto de la estructura contemporבnea del Museo Guggenheim Bilbao, obra de Frank O. Gehry, Alexander Calder ofrece al espectador la oportunidad de volver a examinar las formas orgבnicas del escultor dentro de un entorno arquitectףnico igualmente innovador y dinבmico. Desde su retrospectiva de 1964 en el emblemבtico edificio neoyorquino de Frank Lloyd Wright no se habםa producido tal conjunciףn de arte y arquitectura.

 

Arte de La Caixa en Patio Herreriano

20/01/2003, El Museo Patio Herreriano presentó una muestra de obras singulares de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+. Merz, Baselitz, Polke, Cragg y Serra son algunos de los artistas representados en la primera exposición temporal del Museo


El Museo Patio Herreriano presentó una muestra de obras singulares de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+. Merz, Baselitz, Polke, Cragg y Serra son algunos de los artistas representados en la primera exposición temporal del Museo.

Dieciséis +piedras angulares+ de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+, reconocida en el ámbito internacional por su singularidad y su calidad, configuran la primera exposición temporal del Museo Patio Herreriano, que abrió sus puertas el pasado mes de junio.

Los doce artistas representados son figuras clave del arte contemporáneo y los que mayor influencia han ejercido en la estética de los últimos treinta años: Georg Baselitz, Tony Cragg, Richard Deacon, Helmut Dorner, Sigmar Polke, Alan Charlton, Donald Judd, Robert Mangold, Agnes Martin, Ettore Spalletti, Richard Serra y Mario Merz.

Bajo el título Obras seleccionadas. Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+, la exposición no sólo ofrece una visión histórica, sino que traza un itinerario singularizado de obras realizadas fuera de las fronteras de nuestro país. La muestra se articula en tres de las once salas del Museo, estableciendo un interesante diálogo con las restantes, en las que se exhiben obras de la Colección del Museo Patio Herreriano, uno de los fondos de arte español del siglo XX más importantes. La exposición ha sido organizada y producida por la Fundación +la Caixa+ en el marco de la habitual colaboración entre esta institución y la ciudad de Valladolid.

Obras seleccionadas. Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+, comisariada por Nimfa Bisbe, responsable de la misma, se podrá visitar en el Museo Patio Herreriano (Jorge Guillén, 6), de Valladolid, del 17 de enero al 30 de marzo de 2003.

La colección

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+ se inició en 1985 con el objetivo de seguir el pulso de la creación contemporánea a partir de un fondo internacional que pudiera reflejar las manifestaciones artísticas más significativas de nuestra época. Actualmente, reúne 827 obras de 321 artistas y es un punto de referencia artístico en el mundo.

En este sentido, las dieciséis obras de artistas europeos y norteamericanos seleccionadas con motivo de la primera exposición temporal del Museo Patio Herreriano ofrecen una buena síntesis del arte y la estética de los últimos treinta años. Asimismo, establecen un interesante contrapunto con las obras de la Colección del Museo Patio Herreriano, compuesta por un fondo de 881 obras de 163 artistas que recorren las tendencias del arte contemporáneo español desde 1917 hasta nuestros días y entre las que destacan las del Fondo Ángel Ferrant.

Las dieciséis obras se exhiben en las salas 9, 10 y 11 del Museo. La antigua capilla (correspondiente a la Sala 11) muestra una sola obra de grandes dimensiones. Se trata del iglú que Mario Merz (Milán, 1925) realizó en 1986 bajo el título Sentiero per qui (El camino para venir aquí), a partir de piedras, periódicos, hierro, cristales y neón. Merz es uno de los artistas más representativos del llamado arte povera, que surgió a finales de la década de los sesenta y que se caracteriza por la utilización de materiales pobres y efímeros, así como por la simplicidad formal.

La Sala 10 transmite el espíritu del arte minimalista a través de seis artistas que protagonizaron aquella estética que se inició en Nueva York en la década de los años ochenta. Aunque la mayoría de las obras fueron creadas en los años noventa, estos artistas han acrecentado con el paso del tiempo los fundamentos estéticos que originaron aquella actitud creativa.

Las siete obras representadas reflejan el sentido de pureza, orden, silencio y misticismo. Se trata de Border painting (1992), de Allan Charlton (Sheffield, Gran Bretaña, 1948); Sin título (proyectada en 1968 y reconstruida en 1985), de Donald Judd (Excelsior Springs, Misuri, EE UU, 1928- Nueva York, 1994); Curved Plane / Figure XI, que Robert Mangold (North Tonawanda, Nueva York, 1937) realizó entre 1994 y 1995; dos obras sin título realizadas en 1997 por Agnes Martin (Maklin, Canadá, 1912); Stanza, rosso porpora (1992), de Ettore Spalletti (Capelle sul Tavo, Pescara, Italia, 1940), y Crosby (1989), de Richard Serra (San Francisco, 1939).

Las ocho obras que se exponen en la Sala 9 ofrecen una sensibilidad completamente diferente, más sensual y expresiva. Pertenecen a una selección de cinco artistas europeos que tuvieron una repercusión fundamental en el arte de los años ochenta contribuyendo a la revitalización de la pintura y explorando nuevas formas de la escultura. Las obras de los dos escultores británicos Tony Cragg (Liverpool, 1949) y Richard Deacon (Bangor, Gales, 1949) expresan un especial interés por la materialidad de los objetos y su capacidad referencial. Las pinturas pertenecen a los artistas alemanes Sigmar Polke (Olesnica, 1941), Georg Baselitz (Deutschbaselitz, 1938) y Helmut Dorner (Gegenbach, 1952), y abren nuevas vías de experimentación para afirmar lo pictórico como una experiencia visual.

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación +la Caixa+ es una de las más importantes de Europa en su género, así como un punto de referencia artístico en el ámbito internacional.

La Colección comenzó a formarse a mediados de los años ochenta y actualmente cuenta con 827 obras de 321 artistas que ofrecen una buena síntesis de la evolución del arte contemporáneo. Pese a la diversidad de artistas de distintas generaciones y procedencias, revela una serie de argumentos visuales y conceptuales que unen y relacionan las obras entre sí. Precisamente, esta relación conceptual entre las obras dota a la Colección de personalidad propia, convirtiéndola en un proyecto arriesgado y singular.

 

Llegó Fitur 2003

19/01/2003, ¿Mercado? ¿Circo? Fitur ha sido un año más un punto de encuentro colorista para gentes que promocionan y negocian en el sector turístico, para políticos que vienen a Madrid a alternar con el famoseo y para buscadores de recuerdos


Madrid, 2 de febrero de 2003. guiarte.com

Mercado, circo... Fitur ha sido un año más un punto de encuentro para gentes que promocionan y negocian en el sector turístico, para políticos que vienen a Madrid a alternar con el famoseo y hasta para buscadores de carteles, folletos, obsequios o bebida gratis.

De todo ha habido en esta feria-circo. La nota oficial de de prensa de Fitur dice que "tras cinco días de intensa actividad, la Feria Internacional de Turismo, FITUR 2003 ha cerrado el 2 de Febrero sus puertas registrando una gran afluencia de visitantes. Según las primeras estimaciones, se calcula que más de 97.000 profesionales han participado en el certamen. Esta cifra supone un incremento del 3por ciento respecto a la pasada edición. Destaca la creciente proyección internacional del salón, ya que se han registrado visitantes profesionales de 110 países. Durante el fin de semana, 1 y 2 febrero, el certamen ha abierto sus puertas al público, recibiendo alrededor de 110.000 personas en estos dos últimos días de feria."

FITUR, inaugurada el pasado día 29, ha ocupado ocho de los diez pabellones de los que dispone el Parque Ferial Juan Carlos I de Madrid, acogiendo un total de 752 expositores (stands) y 9.970 empresas participantes de 170 países y regiones, en una superficie expositiva superior a los 76.000 metros cuadrados netos.

Según la versión oficial, estos datos superan las cifras del año anterior confirmando "el interés y la fidelidad tanto de expositores como de participantes profesionales y público en general, y demostrando que año tras año la respuesta por parte de la industria turística sigue siendo excelente".

En un marco colorista, a veces incluso hortera, la industria turística aprovecha FITUR para promocionar ciudades y regiones y reivindicar el papel del turismo como motor de desarrollo, así como su aportación a una creciente calidad, innovación y creatividad.

La presencia de futbolistas, cantantes o actores para promocionar regiones y paises; coincide con encuentros sectoriales, seminarios, ruedas de prensa, jornadas técnicas y conferencias.

Antes de la apertura de FITUR 2003, los días 27 y 28 de Enero, se celebró la cuarta edición del Salón de Reuniones y Viajes de Incentivos, FITUR CONGRESOS 2003, que reunió en el Pabellón 2 de la Feria de Madrid, a 165 vendedores españoles del mercado de reuniones y a 205 compradores internacionales procedentes de 19 países. Durante los dos días que duró el encuentro, se celebraron 5.000 entrevistas, lo que supone un aumento notable con respecto al año anterior.

Premios de Fitur

Como cada año, durante la celebración de la feria se fallaron los premios a los stands más destacados. En esta ocasión los premiados fueron los de la Oficina Nacional Marroquí de Turismo, la Oficina de Turismo de Portugal y la Compañía de Turismo de Puerto Rico en la categoría de países.

Entre las Comunidades Autónomas de España, los galardones recayeron sobre la Sociedad Regional de Turismo de Cantabria, la Comunidad de Madrid, la Agencia Valenciana de Turisme y Turgalicia. Dentro de la categoría de empresas y organismos los premios fueron para Avis Alquile un Coche S.A., Paradores de Turismo de España y la Compañía Trasmediterránea.

Asímismo se fallaron los premios del VIII Concurso al Mejor Producto de Turismo Activo. El ganador absoluto y de la modalidad de Aventura fue Sobrón Aventura.Centro de Turismo Activo de Álava; en la modalidad de Cultura se destacó Oficios Perdidos de Navarra y País Vasco; Red de cuevas del Alto Asón de Cantabria obtuvo el premio en la modalidad de Naturaleza, mientras que Caminando por Chipre lo obtuvo en el apartado Internacional que se convocaba por primera vez.

En esta vigesimotercera edición de la feria también se otorgó el Premio de la IV Tribuna FITUR/Jorge Vila Fradera que tuvo como ganador el trabajo inédito Estrategias de crecimiento de las cadenas hoteleras, de los autores Onofre Martorell y Carlos Mulet.

El turismo internacional crece.

En estos últimos días se han dado diversos datos del turismo internaciona. Йste creció entre un 2,5 y un 3,5 por ciento durante el pasado año, según los datos ofrecidos por el secretario general de la Organización Mundial del Turismo (OMT), Francesco Frangialli.

En una entrevista con EFE en Madrid, el responsable de la OMT indicó, no obstante, que "este incremento se ha registrado prácticamente en todos los mercados", aunque remarcó que "en el caso de Estados Unidos prevemos un decrecimiento, lo mismo que en algunos países de Latinoamérica".

La situación del turismo mundial es "difícil" a juicio del secretario general de la OMT, porque en el horizonte está la posible guerra con Irak, y "los conflictos no son buenos para el sector, pese a que se trate de un sector muy fuerte que resiste bien estos acontecimientos políticos".

A este respecto, recordó que en 1991 -durante la guerra del Golfo- el turismo mundial creció muy levemente y no registró descensos. No obstante, Frangialli confió en que "no haya guerra por los intereses del turismo", y que desaparezca la situación de "incertidumbre", ya que "no se toman decisiones hasta última hora, y eso lo están notando los tour operadores con la demora en las reservas".

Con todo, la OMT prevé un crecimiento del turismo mundial hasta el 2020 del 4 al 4,2 por ciento.

España segundo receptor mundial.

La situación de los principales países receptores no ha variado en el 2002 y, según Frangialli, España se mantiene en segundo lugar del mundo por detrás de Francia en cuanto a valores absolutos y de Estados Unidos, también en segunda posición, en cuanto a ingresos.

La situación española es sólida, con un crecimiento de visitantes por encima del 2 por ciento y su consolidación como segundo destino del mundo, con una cifra de llegadas próxima a los 50 millones de turistas. Francia ocupa el primer puesto con algo más de 75 millones de turistas.

Genalguacil: pueblo-arte

18/01/2003, En el Valle del río Genal, en el Pasaje Natural de los Reales de Sierra Bermeja y en plena Serranía de Ronda, se encuentra la pequeña población de Genalguacil, habitada por seiscientos habitantes. Este es un bello lugar, un pueblo con sabor a cultura

GENALGUACIL: UN MUSEO HABITADO

Por Rogelio Blanco Martínez

En el Valle del río Genal, en el Pasaje Natural de los Reales de Sierra Bermeja y en plena Serranía de Ronda, se encuentra la pequeña población de Genalguacil, habitada por seiscientos habitantes.

Entre montes poblados de olmos, castaños, alcornoques y pinsapos, pertrechada sobre una ladera orientada al poniente, calles estrechas y tortuosas, iluminada por la reverberación del sol sobre las blancas paredes o de la luna mediterránea, discurre la vida de los pobladores.

De la recolección de las castañas, del corcho, de los olivos, la madera y de otras actividades como el turismo viven sus gentes. Genalguacil que recibe su nombre árabe de Gen-al-wazir (jardines del visir), ocupa un lugar de privilegio natural, de ahí que de siempre estuviera habitado.

La proximidade del mar y la abundante pluviosidad consolidan un oasis vegetal y térmico que bien confirman el significado de su nombre árabe. Agua y rumor, sol y cal, verdor y silencio crean un espacio con especies endémicas de medio centenar de especies vegetales, caracterizado como interesantes por su rareza. La especie más significativa es el pinsapo, descubierto en 1837 por el suizo E. Boissier, un fenotipo resinoso singular y emblemático. Por lo tanto el entorno vegetal concede al pueblo una singularidad que ya bien podríamos denominar de alto interés ecológico, una reserva, un museo natural.

Y de espíritu, y no sólo museístico si de preservar se trata, sino también creativo se ha inundado el pueblo desde 1994. En este año, siendo alcalde Fernando Centeno, surge una propuesta: “Reunamos a una serie de artistas, lo más heterogéneos posible. Situémoslos en un lugar lleno de sugerencias, rodeado de naturaleza y dentro de una pequeña comunidad viva. Démosles medios y dejemos que trabajen, creen, convivan, intercambien opiniones e ideas, y cuando acabe la experiencia, que las obras así concebidas y realizadas queden allí, formando parte del lugar, de sus calles, sus casas, su paisaje, su memoria, sus vidas... que se repita la experiencia año tras año con otros artistas y que el pueblo entero, sus niños, adultos y viejos, participen colaborando y haciendo sus propias obras de iniciación, que se formen talleres permanentes, posibles vacaciones, opciones profesionales, y que los visitantes también participen y descubran éste pequeño pueblo del valle del Genal, no tan sólo por su belleza natural, sino como un punto de encuentro en torno al arte. El arte que es cosa de todos”.

Suficiente semilla para que calara hondo en el elan artístico de numerosos creadores nacionales e internacionales, quienes desde los diversos ámbitos creativos, haciendo uso de multitud de soportes foráneos o autóctonos, dando muestras de diversas tendencias y tras seis convocatorias ejecutadas en agosto, han dejado plasmada su huella y sus pasos, su afán creativo en esta localidad. Ya son un centenar de pintores, escultores, fotógrafos, ceramistas los que allí han dejado su impronta. El municipio durante la quincena del encuentro les dota de cuanto necesitan. A cambio la obra se incorpora patrimonialmente al municipio y de acuerdo con su materialidad quedan expuestos a la intemperie o pasan al acopio expositivo del museo municipal de próxima inauguración. Resultado: calles y esquinas, plazas o rincones, paredes o tejados de Genaguacil han convertido la localidad en un museo al aire libre, amén del acopio pictórico o sobre otros soportes más exigentes que se recogen en el citado museo.

Pero el éxito de la convocatoria no es sólo el resultado de una veleidad artística del regidor de la localidad y corporación; ni tampoco la recepción por parte de los artistas para acceder desde lejanos puntos a la convocatoria, sino, en opinión del que escribe, el éxito de esta iniciativa lo concitan los habitantes del pueblo, quienes participan puntualmente durante el encuentro en talleres de cerámica y colaboran con los artistas, están solícitos para aliviar su sed y, sobre todo, el resto del año cuidan primorosamente del legado, lo incorporan al modus vivendi de su pueblo. Las experiencias creativas de los artistas ya son Genaguacil.

Esta ejemplarizante participación se complementa con música, conferencias, teatro, verbenas, exposiciones, talleres, etc. etc. Toda una simbiosis de arte y pueblo. Un ejemplo de complicidad y de confianza que alcanza a todas las edades.

Y todo sucede en el estío del Genal: arte o creación, naturaleza o acogida, convivencia y futuro. Todo un modo de sobreponerse a la cotidianidad y sus monotonías, de trascender la cadencia de la vida, de legar esperanza. Un ejemplo a imitar, en el que con escasos recursos materiales, mucha imaginación y confianza bien se hace valer y cumplir el refrán de la convocatoria: “El arte es cosa de todos”. Genalguacil es un vivo ejemplo y las 6 ediciones una realidad consolidada donde la mirada se mece entre la naturaleza, el arte y las gentes. Tanta amable concitación raramente sucede.

Ciudad Rodrigo defiende su obra de Juan de Juni

12/01/2003, El Centro de Estudios Miroborigenses de Ciudad Rodrigo, está presionando para conseguir la devolución de un grupo escultórico de Juan de Juni a la ciudad, donde estuvo desde su creación en 1556 hasta 1997, año este último en el que el Ministerio de C

Ciudad Rodrigo defiende su obra de Juan de Juni

Por Jose Ignacio Marín Benito.

El Centro de Estudios Miroborigenses de Ciudad Rodrigo, está presionando para conseguir la devolución de un grupo escultórico de Juan de Juni a la ciudad, donde estuvo desde su creación en 1556 hasta 1997, año este último en el que el Ministerio de Cultura lo compró y lo trasladó al Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Ante las protestas ciudadanas, el Ministerio prometió su vuelta y hacer en Ciudad Rodrigo un Museo Nacional. Hoy es el día que aún no ha regresado y siguen las promesas. El C.E.M., y con él muchos artistas, profesores e historiadores, entiende que no se puede despojar del patrimonio cultural a los centros históricos y que la centralización musivaria no se comprende cuando de lo que debe tratarse es de promocionar, precisamente, esos centros históricos: Ciudad Rodrigo lo es desde 1944.

La historia de la obra

El grupo El Calvario fue tallado por Juan de Juni para la capilla funeraria que don Antonio del Águila, a la sazón obispo de Zamora, levantaba en el convento de San Francisco de Ciudad Rodrigo, de donde era natural. Hijo de una de las más ilustres familias mirobrigenses -era hijo del alcaide Antonio del Águila-, fue dean de la catedral civitatense; en 1536 fue consagrado obispo de Guadix y en 1546 trasladado a la sede de Zamora. Siendo obispo de esta ciudad intervino en el Concilio de Trento.

El contrato entre D. Antonio del Águila y Juan de Juni se firmó el 6 de julio de 1556, por el que el escultor se comprometía a entregar al prelado: tres figuras, la una de Cristo crucificado en la cruz y calvario, y otra de Nuestra Señora y la otra de San Juan Evangelista....

Durante la guerra de la Independencia, y ante el peligro que corría el convento -extramuros de la ciudad- la obra fue trasladada al interior de la ciudad, concretmente a la capilla del palacio de los Águila. Valorada como parte importante del patrimonio cultural de la ciudad, llegó a procesionar en alguna Semana Santa. En la capilla del palacio de los Águila estuvo hasta los últimos días de 1997, año en que fue comprada por el Ministerio de Cultura y entregada al Museo de Escultura de Valladolid.

Ante las protestas ciudadanas por el traslado a Valladolid, la entonces ministra Esperanza Aguirre y el Secretario de Estado de Cultura -Miguel Ángel Cortés- prometieron su devolución, a la vez que se comprometieron a crear en Ciudad Rodrigo un Museo Nacional. Recientemente, el Ministerio ha descartado esta última posibilidad y han condicionado la vuelta del Calvario a lo que decida el Patronato del Museo vallisoletano.

En Ciudad Rodrigo se piensa que el M.E.C. ha engañado y está engañando a los ciudadanos y que no tiene ningún interés en devolver las esculturas a su ciudad de origen. Cuando de lo que se trata es de potenciar y proyectar socialmente los centros históricos –y Ciudad Rodrigo lo es, declarado conjunto histórico-artístico en 1944-, no se entiende la reciente actuación del Ministerio; tampoco se entiende que la decisión sobre el futuro del Calvario la deba tomar el patronato del M.N.E. Eso suena a lavarse las manos de algo en lo que el Ministerio de Cultura tiene toda la responsabilidad y competencia.

El “TROFEO” del Calvario

Las voces que se han levantado contra la nueva decisión del Ministerio de Educación y Cultura de que el palacio de los Águila de Ciudad Rodrigo no sea sede o subsede del Museo Nacional de Escultura, con lo que queda en el aire la vuelta del grupo escultórico El Calvario de Juan de Juni, han coincidido en el término expolio para denunciar la situación. El D.R.A.E. de la Lengua define a esta acción como botín del vencedor. En un sentido más amplio expoliar es prender, arrebatar. Todos recordamos el famoso cuadro del Greco El Expolio, presidiendo la sacristía de la catedral de Toledo: Cristo arrebatado, prendido por sayones y soldados.

Pero, ¿por qué El Calvario de Juan de Juni está corriendo esta suerte? ¿Por qué se arrebata a Ciudad Rodrigo esta obra singular para llevarla a un museo central, el de Escultura de Valladolid?. Conviene señalar algunas claves. El M.N.E. es deficitario en obras del escultor renacentista, sobre todo si lo comparamos con las obras que el Museo posee de las otras dos grandes figuras de los siglos XVI y XVII: Alonso Berruguete y Gregorio Fernández. Cada vez se ve más claro que el Ministerio de Cultura adquirió el Juni para enriquecer los fondos del Museo de Valladolid. ¿Pero eso es hoy, en estos tiempos, una práctica justificada?. Sinceramente creo, mas bien, que se trata de una práctica anacrónica, no exenta de cierta prepotencia que conlleva, además, una afrenta colectiva.

El comercio del Arte ha sido una práctica generalizada a lo largo de la Historia y lo será siendo. Pero una cosa es el comercio y otras muy distintas son la piratería, la rapiña y el despojo (en los relieves del Arco de Tito los soldados romanos procesionan con los trofeos procedentes del templo de Jerusalén; asimismo, muchos de los obeliscos de los templos egipcios fueron llevados también como trofeos a Roma). Durante el siglo XIX, comienza el despegue de los grandes museos nacionales: el British Museum, el Louvre, el Prado... Entonces, muchos de ellos enriquecieron sus fondos. El español, sobre todo, con colecciones reales-. Por su parte, el londinense lo hizo con piezas griegas, egipcias, asirias, persas..., hoy reclamadas por sus respectivos estados –en aquel momento territorios bajo la dominación de potencias coloniales extranjeras-. Así ocurrió con los mármoles del Partenón de Atenas, que fueron adquiridos por Sir Thomas Bruce, VII conde de Elgin durante su estancia como embajador en Turquía (1799-1802). Atenas y toda Grecia formaban parte entonces del Imperio otomano y Sir Thomas arrancó de los frisos y metopas las famosas esculturas y las envío a Londres, junto con una cariátide del Erecteion y otras obras. Hoy, como es sabido, los mármoles de la Acrópolis son el principal contencioso que enfrenta al Reino Unido con Grecia, ambos, países de la Unión Europea.

Durante muchos años también los Museos Nacionales Españoles fueron incorporando a sus fondos, piezas de diversa procedencia. En aquellos tiempos: siglo XIX y, al menos durante la primera mitad del siglo XX, la concentración podía justificarse por el intento de salvar determinadas piezas que, por su valía, corrían el riesgo de desaparecer. Hoy, en verdad, esto ya no tiene mucho sentido. Primero, la propia configuración del Estado ha roto con la administración centralista; segundo, existe una mayor conciencia social y una mayor protección legal del patrimonio y, tercero, la proyección social de los centros y lugares históricos no puede llevarse a cabo si se menoscaba su contenido patrimonial.

Por eso, cuando de lo que se trata es de potenciar y proyectar socialmente los centros históricos –y Ciudad Rodrigo lo es-, no se entiende la reciente actuación del Ministerio; tampoco se entiende que la decisión sobre el futuro del Calvario la deba tomar el patronato del M.N.E. Eso suena a lavarse las manos de algo en lo que el Ministerio de Cultura tiene toda la responsabilidad y competencia. Pero lo peor es que suena a una auténtica excusa, me temo que para perpetrar y consumar una decisión previamente tomada hace años (a pesar de las muchas palabras de promesa): que el Calvario de Juan de Juni se quedará en Valladolid y no volverá a Ciudad Rodrigo. Contra esta decisión entiendo que no hay que resignarse (pues nos asiste la fuerza de la razón) y seguir reivindicando la ubicación en el palacio de los Águila de esta obra, creada en 1556 para Ciudad Rodrigo, ciudad en la que debe estar.

José Ignacio Martín Benito. Presidente del Centro de Estudios Mirobrigenses.

Web del Centro de Estudios Mirobrigenses:
http://www.centrodeestudiosmirobrigenses.com/