Archivo de noticias de 2002

La aventura del invierno en Austria

30/12/2002, La oficina de Turismo de Austria oferta en esta época invernal las maravillosas zonas alpinas, donde se junta el atractivo natural con elementos clásicos de la cultura del país. Entre las sugerencias destaca Innsbruck

La oficina de Turismo de Austria oferta en esta época invernal las maravillosas zonas alpinas, donde se junta el atractivo natural con elementos clásicos de la cultura del país. Entre las sugerencias destaca Innsbruck.

Hay –según los promotores del turismo austriaco- 22.000 motivos para pasar unas vacaciones en la nieve. Es decir, 22.000 km. de bellísimas y excelentes pistas y románticos descensos salvajes para el esquí de travesía en un país que parece haber inventado en invierno y los deportes blancos.

El esquí alpino, la práctica del Surf-Snowboard, el esquí de fondo, pistas de patinaje artificiales ó naturales, paseos en trineo, golf sobre nieve y mucho más, convierten Austria en uno de los países más conocidos en relación con la nieve y el invierno. Las mejores escuelas de esquí alpino y del surf se encuentran en el Arlberg, Kitzbühel, Saalbach, Innsbruck, Zell am See/Kaprun , Sölden y Seefeld.

Innsbruck, la capital austriaca de los deportes de invierno

Es ciudad de arte y paraíso del deporte blanco. Sus 800 años de historia le permitan conservar una rica herencia cultural, en pleno corazón de los Alpes.

Los imponentes montes sirven de escenario para la bella ciudad de Innsbruck, capital de Tirol, uno de los nueve estados federados de Austria, donde en cada rincón se asoma la riqueza histórica del lugar. Sus joyas arquitectónicas la convierten en el tesoro cultural de las montañas alpinas.

Residencias imperiales, cúpulas de iglesias, una docena de museos, salas de conciertos y teatros se dejan ver en esta ciudad que enamoro a los Hasburgo, quienes la declararon su ciudad imperial. Al final del Medioevo, la dinastía de los Habsburgo (1273-1916) unificaba las tierras alpinas en una extensión semejante al actual estado austríaco.

Desde la construcción del puente sobre el río Inn- que atraviesa la ciudad-hasta la actual silueta moderna de la capital tirolesa han transcurrido más de 800 años cargados de vida. Por algo la ciudad evoca a grandes personajes de la historia y cultura del territorio.

Innsbruck en invierno

La capital del Tirol ofrece el aliciente de esquiar en una ciudad con una espectacular oferta cultural.

Dos veces sede de los Juegos Olímpicos, cuenta con 6 zonas de esquí, todas unidas con Innsbruck con un skibus, gratuíto para todos los esquiadores con skipass; son estaciones con un encanto especial y unas vistas panorámicas impresionantes, sobre todo la Seegrube-Nordkette.

Existen dos skipass, el Innsbruck gletscher Skipass incluído el glaciar del Stubai y otro de 5 días, el Innsbruck Super Skipass que aparte de Innsbruck permite esquiar un día en Kitzbühel y otro en el Arlberg.

Página de información en : www.tiscover.com/innsbruck-tourismus; info@innsbruck.tvb.co.at

 

Mexico en Girona

20/12/2002, El centro cultural de Caixa Girona ha aportado al ambiente cultural de esta bella ciudad catalana una nueva exposición, en este caso sobre los tipos, actividades y costumbres en México, a la luz de la pintura

México, en Girona

Por Tomás Alvarez

El centro cultural de Caixa Girona ha aportado al ambiente cultural de esta bella ciudad catalana una nueva exposición, en este caso sobre los tipos, actividades y costumbres en México, a la luz de la pintura.

La pintura es un testigo fundamental que nos revela los múltiples aspectos de la sociedad mexicana. La muestra “Pintura y vida cotidiana en México, siglos XVII al XX” es un magnífico ejemplo para comprobarlo.

El centro cultural de Caixa de Girona, activa institución financiera catalana, acoge esta muestra que permite hacer un recorrido por más de 300 años de la historia de México a través de su pintura, mostrando cómo éste ha sido un territorio de un notable vigor cultural, donde a una avanzada civilización prehispánica sucedió una fecunda cultura caracterizada por las implantaciones culturales occidentales.

Esta exposición podrá verse en Girona hasta el 2 de febrero del 2003 y llega patrocinada por Fomento Cultural Banamex, A.C., la Fundación El Monte de Sevilla y la Fundación Caixa de Girona. Empezó a gestarse hace 5 años, y es el resultado de un exhaustivo trabajo de investigación realizado por 4 historiadores de la Universidad de filosofía y letras de la Universidad Autónoma de México.

Su objetivo, era localizar, estudiar y enseñar obra pictórica de gran calidad estética que ilustrara y facilitara un análisis riguroso de la vida cotidiana de México describiendo la formación de su cultura, heredera de tradiciones indígenas y occidentales milenarias y creadora de una manera propia de ver y disfrutar la vida.

Las obras expuestas, que han sido cedidas por 35 museos y diferentes colecciones institucionales y particulares, son una selección de las más de 200 pinturas que integraron la exposición que, bajo el mismo título, se presentó en 1999 en el Palacio Itúrbide de Ciudad de México.

En total se exponen 59 obras que muestran escenas de la vida pública, la vida religiosa, el trabajo, los actos festivos, la arquitectura, el mobiliario o el vestuario, entre otras, que han sido representadas por pintores "novohispanos" y mexicanos que han dejado, con sus obras, un legado artístico e histórico inestimable.

Lejos de centrarse en grandes personajes y hechos históricos, esta exposición explica la crónica diaria de México, dando a conocer la personalidad histórica y social de lo que ha sido y de lo que es hoy este gran país.

La responsable de la exposición, Conchita Fernández, ha explicado que "los temas abordados hablan por si mismos, es una exposición, en términos generales, de sencilla lectura".

Las pinturas de la exposición engloban el periodo histórico comprendido entre 1650 y 1952, son creación de 39 artistas y 13 anónimos y están expuestas de modo que muestran cómo han ido cambiando las costumbres y la personalidad del país.

Entre las obras incluidas en "Pintura y vida cotidiana en Méjico: Siglos XVII al XX" pueden citarse las de José Clemente de Orozco, Antonio Ruíz "El Corcito", Rufino Tamayo o David Alfaro Siqueiros. De Siqueiros se pueden contemplar dos obras y una de ellas, "El diablo en la Iglesia" (1947), está considerada una de las obras estrella de la colección del Museo de Arte Moderno de Ciudad de México.

La exposición está dividida en diferentes áreas temáticas relacionada cada una de ellas con los grandes temas que marcan y definen la vida cotidiana en México, los ciclos de la vida, la familia, el ámbito doméstico, el baile, los lenguajes de amor, los caminos, el deseo, la represión, la reclusión, el trabajo, entre otros.

Dentro de esta división temática se han ordenado por periodos históricos que van desde el Virreinado a los siglos XIX y XX. Con ello se consigue examinar cómo ha variado la vida de las gentes de la calle y de las elites directivas a lo largo de los últimos siglos.

La exposición explica aquellos caracteres específicos que identifican las formas más auténticas de la cultura "novohispana" y mexicana y como los artistas han ido reflejando estos caracteres en sus obras durante el paso del tiempo.

Las obras de los grandes pintores de esta muestra son, según Conchita Fernández, "un retrato decidido a representar la realidad social, muchas llevan una segunda lectura, tienen calidad artística, pero también son documentos históricos de los periodos que tratan".

Este montaje propone además otra visión que está marcada por los colores que hacen de soporte a las pinturas. Las obras que parten de temas relacionados con la vida privada se han colocado en plafones pintados con diferentes gamas de azules, y los temas de carácter público o social, están sobre gamas de rojos amarronados.

La exposición enseña a mirar y a entender la pintura no únicamente como un espejo de la realidad, sino como productora de una realidad concreta.

En el magnífico catálogo, Gustavo Curiel y Antonio Rubial analizan los ritos públicos y usos privados en la pintura virreinal. Comienzan señalando que durante los tres siglos de dominación española México fue escenario de “un fenómeno único en el mundo: hombres y mujeres de todas las latitudes de Europa, Asia y Africa se mezclaron entre sí y con los habitantes y civilizaciones aborígenes para producir una de las experiencias humanas más excepcionales de las que se tiene noticia en la historia. Sin negar el hecho de que tales encuentros fueron ocasionados por una violenta conquista militar y el traslado forzosos de poblaciones esclavizadas, no se puede pasar por alto que lo que se produjo fue una cultura novedosa, de gran variedad y vitalidad.”

La pintura virreinal reflejó ese mosaico social y la evolución de la vida cotidiana, aunque en muchos casos el objetivo de la obra no fuere específicamente el representar el ámbito de la vida diaria. En retablos, retratos, pintura de biombos o en las novedosas temáticas de la Ilustración, más volcada a un afán clasificador y búsqueda de lo exótico, se pueden ver hábitos, rasgos, vestimentas, mercados, fiestas, paisajes, etc.

Angélica Velázquez Guadarrama analiza las pervivencias novohispanas y el tránsito a la modernidad, reflejando cómo la Ilustración y el pensamiento liberal que condujo a las Leyes de Reforma, en la mitad del XIX, vinieron a alterar las costumbres tradicionales de una sociedad estamental que tenía ya sus propias formas de entender la vida, la muerte, el trabajo, la intimidad o las relaciones interpersonales.

También refleja como la fundación de la Real Academia de las Tres Nobles Artes de San Carlos de la Nueva España, entre 1781 y 1785 marcó el inicio del cambio de la posición del artista en la sociedad. En paisajes y escenas costumbristas se va viendo el paso a la modernidad y el ascenso de una nueva clase burguesa y rectora

Finalmente, Fausto Ramírez analiza “Los saldos de la modernidad y la revolución”, donde se refleja la evolución de la primera mitad del siglo XX, cuando el arte pierde identidad objetiva con la vida social, y pasa a ser reinterpretado y reconstruido por el pintor, mediante técnicas y simbologías.

Es éste un periodo en el que ve la pugna urbano-rural, la mutación de modas, la mercadotecnia y la eclosión de la comunicación y la industrialización, todo lo cual modifica costumbres y comportamientos tradicionales e incluso religiosidad. Lo religioso se sustituye por lo pagano y comercial. Cristo queda agonizando “mientras las modernas sirenas, prisioneras en sus leves maillots, dejan oír su canto, doran sus cuerpos por el sol y baten sus recortadas cabelleras las brisas marinas, rompiendo con la tradición y marcando una nueva época”, según una “instantánea” de El Cronista de Guadalajara, escrita en abril de 1935.

 

El Zurbarán valenciano

15/12/2002, En Nueva York se puede contemplar en la actualidad una excelente exposición que se centra en una gran figura de la “Escuela Valenciana” del barroco: Jerónimo Jacinto de Espinosa.

El Zurbarán valenciano.

Por Tomás Alvarez

En Nueva York se puede contemplar en la actualidad una excelente exposición que se centra en una gran figura de la “Escuela Valenciana” del barroco: Jerónimo Jacinto de Espinosa.

Espinosa no tiene la fama que merece su calidad y esto obedece a una razón lógica. El pintor Ribera nació en 1591; Zurbarán en el 1598; Velázquez en el 1599 y Alonso Cano en el 1601. No es extraño que ante tal pléyade de genios de la pintura hayan quedado oscurecidas autenticas figuras de primer orden de aquella época. Entre éstas se halla el pintor valenciano.

Jerónimo Jacinto de Espinosa nació en el año 1600 en Cocentaina (Alicante, España) y fue un pintor emblemático de la escuela barroca valenciana del siglo XVII. En el 2000 se cumplieron cuatrocientos años de su natalicio y con tal motivo el Gobierno Valenciano ha puesto en marcha una serie de iniciativas, tendentes a difundir la obra de este magnífico artista.

Recientemente, La responsable de Promoción Cultural de la Generalitat Valenciana, Consuelo Ciscar, inauguró una exposición de Jerónimo Jacinto de Espinosa en el Spanish Institute de Nueva York. La muestra se exhibe hasta el próximo día 31 de Enero.

En la ciudad de los rascacielos se presenta un conjunto de veintiuna obras realizadas en técnica de óleo sobre lienzo del pintor valenciano, en su mayoría perteneciente a las colecciones del Museo de Bellas Artes de Valencia.

Esta exposición, con carácter itinerante, que ya fue exhibida anteriormente en los Museos de Bellas Artes de Valencia, Castellón y Alicante y en la Academia de España en Roma (2000), constituye una muestra singular de la obra de uno de los grandes artistas plásticos del Barroco español, auténtica joya de la llamada “escuela Valenciana”.

Jerónimo Jacinto de Espinosa nació en Cocentaina (Alicante), en 1600. Hijo de Jerónimo Rodríguez de Espinosa, pintor de origen leonés. Aprendió a pintar en el taller paterno. Corrobora la afirmación anterior el hecho de que se conozca una tabla que realizó el muchacho cuando estaba en torno a los doce años, “El nacimiento de un santo”, muy emparentada con una de las escasas obras que han llegado de su progenitor: “El nacimiento de San Juan Bautista”, del Museo catedralicio de Valencia.

Trasladado a Valencia en 1616, se inscribió en el Colegio de Pintores de la Ciudad donde tomó contacto con Francisco Ribalta, del que recibió una influencia decisiva. Es más, algunas obras de Espinosa han sido atribuidas alguna vez a Ribalta, maestro de la “Escuela Valenciana”.

En 1622 contrajo matrimonio con la hija de un pintor de la ciudad e inició una época con abundante producción pictórica, en la que conoció una vida acomodada. Muerto Ribalta, Espinosa pasó a ser considerado como el gran pintor valenciano.

Hay una gran laguna sobre su vida desde 1641 a 1647. Los especialistas sostienen que pudo viajar a Madrid y –especialmente- a Sevilla, donde estaban las otras dos grandes escuelas del barroco. De hecho, a partir de esta fecha se detectan considerables coincidencias con la obra de Zurbarán.

En el periodo posterior se documenta su notable actividad, que finalizó en febrero de 1667. El 20 de febrero hizo testamento, pidiendo ser enterrado con la menor pompa posible. Al día siguiente recibió sepultura en el convento de Santo Domingo, de Valencia.

Su biografía tiene los datos relativos a una personalidad tranquila, amante de la familia y de gran devoción religiosa.

La obra.

La obra del pintor es abundante y en ocasiones desigual, lo que ha sido atribuido al hecho de que contaba con taller propio, en el que debieron trabajar diversos ayudantes.

Por encima de todo, hay que apuntar que su estilo no sufrió grandes transformaciones a lo largo de su vida, en parte debido a su tradicional permanencia en la ciudad de Valencia, donde debió estar relativamente ajeno a las innovaciones estilísticas de su época.

Es evidente la influencia de Ribalta en su formación. Ese estilo se manifiesta en su naturalismo, esquemas compositivos e interpretación de los personajes. También se aprecian influencias de otros primitivos valencianos como Juan de Juanes.

Es innegable una influencia Zurbarán, a partir de los años cuarenta, cuando se modificó el estilo anterior, en parte, haciendo las obras más verticales y con planos divididos por líneas paralelas horizontales; con el recurso habitual de plantear abajo el plano terrenal, y sobre él la Gloria. Es también un pintor de frailes, aspecto coincidente con Zurbarán

Cabe destacar su realismo, el gusto por los tonos terrosos y rojizos; su enorme capacidad para el retrato y su pincel fluido y exacto. Otro aspecto técnico es que preparaba el lienzo con una capa de cola, otra de aceite de linaza y almagre, lo que facilitaba el tono cálido de la obra. Pero –por desgracia- la dureza y sequedad de la preparación ha facilitado el desprendimiento del color y los desconchones.

Parte de su extensa producción se ha perdido, pero aún se conservan numerosas obras en parroquias, conventos y colecciones particulares de Valencia, Madrid, Barcelona y Nueva York. La ciudad de Valencia posee numerosas obras de este pintor en su catedral, Universidad, iglesias de Santo Tomás, San Felipe Neri, San Andrés y San Nicolás.

Con motivo de la exposición de Nueva York se ha editado un excelente catálogo en el que resaltan los textos de Alfonso E. Pérez Sánchez, quien hace un pormenorizado estudio de la vida y la obra de este gran artista y de su huella que pervivió largo tiempo en la pintura valenciana.

Avance en la protección de especies

18/11/2002, Las especies amenazadas del planeta ganaron una batalla en Chile. La XII Reunión de Partes de la Convención Internacional sobre el Comercio de Especies Amenazadas de Fauna y Flora (CITES), aumentó la protección a decenas de animales y plantas, algo q


Las especies amenazadas del planeta ganaron una batalla en Chile. La XII Reunión de Partes de la Convención Internacional sobre el Comercio de Especies Amenazadas de Fauna y Flora (CITES), aumentó la protección a decenas de animales y plantas, algo que satisfizo a los ecologistas.

Entre los animales protegidos estaba el tiburón ballena y el tiburón peregrino, los mayores peces del planeta. El tiburón ballena (Rhyncodon Typus), de hasta 20 metros de largo ha quedado protegido en el Apéndice II de la convención que regula estrictamente su comercialización.

La misma protección se le ha dado al tiburón peregrino, de hasta doce metros, que recorre incansable los océanos con un eterno bostezo con el que traga millones de minúsculos crustáceos. Las organizaciones ecologistas no han ocultado su alegría porque por primera vez la pesca de dos especies de tiburones haya quedado regulada internacionalmente.

Un total de 34 especies de caballitos de mar que hasta ahora acababan a toneladas anuales en las farmacias y boticas de oriente, secos o convertidos en cápsulas como supuesto remedio para toda clase de males, han quedado protegidos en la lista I que prohíbe su comercio.

Dos especies relativamente pequeñas de ballenas tambien han sido favorecidas: la Minke (Balaenóptera acorostrata) y la Bryde (Balaenóptera edeni), que Japón quería volver pescar. También el delfín nariz de botella del Mar Negro (Tursius truncatus ponticus)

Los elefantes resultaron peor parados. Botsuana, Namibia y Sudáfrica han quedado autorizados a vender, por una única vez y en mayo del 2004, sus reservas de marfil, producto de la muerte natural de los proboscídeos y de los decomisos de la caza furtiva. Ahora, la caza ilegal preocupa a los conservacionistas, ya que, afirman, esas 60 toneladas de marfil en el mercado pueden volver a ser un gran incentivo para matar elefantes.

Zimbabue y Zambie también querían vender sus reservas de marfil, pero no se les autorizó en vista de que no han hecho los esfuerzos suficientes para proteger a los elefantes.

Según datos de EFE, la inclusión de nuevas especies en la lista de comercio prohibido o regulado ha sido tan amplia, un total de 600 animales y 300 flores en el Apéndice I, y 4.200 animales y 25.000 flores en el Apéndice II, que las organizaciones ecologistas que durante quince días se han manifestado frente a la sede de la convención, en la capital chilena, suspendieron a última hora la "despedida" que tenían planeada a los delegados desde que comenzaron las reuniones.

Sin embargo los conservacionistas afirman que la victoria, en parte, es gracias a ellos. Las votaciones, en la mayoría de los casos, fueron resultado de intensos cabildeos y se ganaron por márgenes muy pequeños.

Satisfacción ecologista

Greenpeace celebró en Chile la decisión final de CITES de proteger la caoba, los tiburones, los caballitos de mar y los delfines, además de la resistencia de Convención de reabrir el comercio para las ballenas y los productos derivados de ellas. Los resultados se lograron después de dos semanas de intensas negociaciones en la 12° Conferencia de las Partes (CoP12) de la Convención sobre Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Flora y Fauna Silvestres (CITES).

Una victoria histórica se alcanzó cuando los delegados de CITES votaron a favor de la propuesta bajo la cual el comercio de la caoba será controlado y sustentable. Una propuesta similar había sido presentada en los últimos 10 años, pero sólo esta vez la propuesta de Nicaragua y Guatemala fue finalmente aceptada. La protección de la caoba tendrá masivas implicancias para la protección del Amazonas y de los bosques de América Latina; ahora se requieren acciones similares para proteger otras especies arbóreas del mundo.

"En la reunión de CITES hubo se progresó significativamente en la protección de algunas de las especies más amenazadas del mundo", señaló Tim Birch de Greenpeace. “Sin embargo, muchas especies de plantas y animales amenazadas, particularmente aquellas del mundo marino, continúan bajo la presión de las demandas del comercio internacional. Nosotros esperamos que esta reunión marque el punto de partida del cambio, que haga a los gobiernos actuar en forma responsable y tomar acciones para proteger las especies amenazadas por la economía global", agregó Birch. Los países de CITES han comprendido que los recursos oceánicos no son limitados ni infinitos y que están siendo impactados seriamente por el comercio internacional.

Sin embargo, países como Japón, Rusia, Noruega, China e Islandia, se opusieron tajantemente a cualquier intento de CITES de proteger al bacalao de profundidad amenazado por la pesca a gran escala en el océano Austral alrededor de la Antártica. La pesca ilegal del bacalao de profundidad también está amenazando de extinción a muchas especies de albatros, porque estas ave marina queda atrapada en los palangres pesqueros. "Greenpeace espera con ansias la protección del bacalao de profundidad en la próxima reunión de CITES".

CITES fue establecido para regular y controlar el comercio internacional de Flora y Fauna mundial. Provee de tres opciones de regulación de las especies, en forma de apéndices, según el grado de amenaza al que éstas estén sometidas. Animales y plantas listados bajo el Apéndice I quedan excluidas del comercio internacional, excepto en circunstancias especiales. El comercio para las especies listadas bajo apéndice II, en cambio, está permitido, pero es estrictamente controlado según las disposiciones de CITES.

Otro desastre ecológico en Galicia

16/11/2002, De nuevo las costas gallegas son azotadas por la tragedia. El accidente del Prestige –un petrolero grande, viejo y en mal estado- ya ha ocasionado una invasión de crudo en las costas

De nuevo las costas gallegas son azotadas por la tragedia. El accidente del Prestige –un petrolero grande, viejo y en mal estado- ya ha ocasionado una invasión de crudo en las costas. La consecuencia: un daño gran ecológico y pérdidas para las gentes de la zona.

El día 13 de octubre, el petrolero "Prestige", cargado con 77.000 toneladas de fuel, sufrió una vía de agua frente a las costas de Galicia, en un día de temporal.

La noticia fue “endulzada” diciendo rápidamente que el barco y la marea de crudo se alejaba de las costas gallegas hacia alta mar. Todo era confiar en los vientos y en que los remolcadores y el propio navío pudieran llevar la “bomba” ecológica hacia el interior del océano.

Pero la marea negra causada por los vertidos de fuel-oil tras la rotura del casco del petrolero acabó llegando a la costa, aún cuando se informaba que el buque estaba a 55 millas de la costa.

Las autoridades seguían dando noticias dulces el día 16. El delegado del Gobierno en Galicia, Arsenio Fernández de Mesa, informó de que las manchas contaminantes se encuentran "muy fragmentadas" y eran "la estela que deja el barco”, cuando algunas fuentes informaban de que había abundante crudo en 35 kilómetros de costa. Olas de cinco metros y vientos fuertes complicaban la situación en la costa gallega ante la llegada de restos de fuel.

Esto es un "desastre ecológico y pesquero", dijo la asociación ecologista WWF/Adena tras la llegada de las primeras manchas de fuel del petrolero a la Costa da Morte. La organización pidió extraer "cuanto antes" el combustible que queda en el buque para que no contamine la costa durante décadas.

La situación diez días después

Las playas de no huelen a salitre, sino a petróleo, tras la marea negra que soltó el petrolero “Prestige” durante seis días, hasta que se hundió a unos 250 kilómetros de la costa portuguesa; en sus tripas lleva una auténtica bomba ecológica: unas 70.000 toneladas de crudo que podría arruinar por completo la fauna marina y a economía de la zona.

Tras su larga agonía de seis días, navegando auxiliado frente a las costas gallegas, el petrolero “Prestige”, propiedad de una empresa griega y que navegaba bajo bandera de conveniencia de Bahamas, se partió en dos en la mañana del 19 de noviembre y se fue a pique, derramando otros tres o cuatro mil toneladas de combustible.

La brecha de 50 metros de largo y 10 de ancho que se podía observar en el centro del buque en los últimos días se agrandó definitivamente a primeras horas de la mañana. Los remolcadores que seguían al “Prestige” consiguieron mantener a flote la proa y la popa durante unas horas, antes de que se hundieran definitivamente a media tarde.

La fuerza del mar había ganado definitivamente la partida al desvencijado casco del buque, fabricado para que el acero de su casco resista veinte años, pero que ya llevaba 26 en servicio.

A lo largo de varias semanas se ha asistido a una lamentable serie de desbarajustes que no han hecho sino empeorar la situación. Las autoridades faltaron de la zona, nadie quería der la cara; luego faltaron sistemas de control de los vertidos, se envió el barco en un absurdo peregrinar por las costas del NO, y –sobre todo- ha faltado estrategia

Los medios de comunicación han tratado de ocultar la tragedia, en sintonía con una autoridades que han actuado de forma lamentable. El sábado 23 de noviembre, el vicepresidente Rajoy negaba que hubiera habido “marea negra”, y en el mismo telediario (Antena3) la presentadora decía que los marineros de Galicia “estaban contentos”... un espectáculo de alucine.

Un triste sino.

Situada en el extremo occidental de Europa, en un lugar por el que discurre un gran tráfico marítimo, las costas gallegas no tienen suerte.

El accidente más grave, por el número de muertos que causó, se registró el 1 de enero de 1979, cuando se produjo un incendio en el petrolero griego "Andros Patria" en la zona noroccidental de La Coruña que causó la muerte de 34 tripulantes y el derrame de parte de las 208.000 toneladas de crudo que transportaba.

Otro de los accidentes más graves fue el registrado el 3 de diciembre de 1992 frente a la Torre de Hércules de La Coruña, donde embarrancó el buque griego "Mar Egeo", que derramó las casi 80.000 toneladas de crudo que transportaba provocando una marea negra que afectó a 200 kilómetros de costa coruñesa.

En mayo de 1970 el petrolero noruego "Polycomander" chocó también con unas rocas a la altura de Isla Norte (Islas Cíes) y murieron sus 23 tripulantes y se vertieron al mar cincuenta mil toneladas de crudo que ocasionaron enormes daños en la fauna y flora de las Rías Bajas.

El petrolero bilbaíno "Urquiola" explotó en mayo de 1976 tras colisionar su fondo con una "aguja" a la entrada del puerto de La Coruña, y el derrame de las cien mil toneladas de petróleo que transportaba desde el Golfo Pérsico provocó una marea negra que impidió la actividad de pesca de bajura durante tres meses.

 

El hombre y el dibujo

08/11/2002, El dibujo es clave en la historia del hombre, y así se muestra en una bella exposición que ha organizado el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, en Valencia, España

El paso del “homo faber” al “homo sapiens” que se da en Altamira o Lascaux se caracteriza porque el individuo “diseña” en las cuevas. El dibujo es clave en la historia del hombre, y así se muestra en una magnífica exposición que ha organizado el IVAM, prestigiosa institución cultural radicada en Valencia, España

Sobre un reducido elenco de relieves egipcios, cerámicas griegas, códices medievales y un centenar de dibujos de muy diferentes artistas, desde el renacentista Hans Baldung Grien hasta Richard Lindner o Picasso del siglo XX, se ha creado una bella exposición titulada “De forma cerrada, una biografía del dibujo”.

Son responsables de la exposición el artista italiano Valerio Adami y la profesora de la Universidad de Bérgamo y crítica de arte Amelia Valtolina, quienes han pretendido crear una profunda reflexión sobre el dibujo como forma concreta de expresión y de representación de la realidad.

El dibujo, clave del proceso creador.

Para el director del IVAM, Kosme de Barañano, el dibujo “nos revela las claves del proceso creador de un artista: es un arte en si mismo, y a la vez la base necesaria para otras artes, especialmente el grabado, la pintura, el relieve, la escultura y la arquitectura.”

Todo hombre ha manifestado en algún momento el impulso de marcar algo sobre un papel u otro tipo de soporte; es un deseo de decir algo sobre el mundo o expresar una pasión o impulso interior. El dibujo es un sistema de reproducción de la naturaleza y la percepción humana. Dibujar es buscar una imagen que apresa, ilustra y sintetiza una visión, una visión de algo físico, exterior, o algo interior, íntimo, sicológico. La imagen es –según Barañano- una transcripción interpretativa pero, sobre todo, una experiencia.

¿Qué quiere decir “de forma cerrada”?

Adami responde que la exposición no es una colección de papeles olvidados, no una selección de dibujos en torno a un tema. Para Mengs, la forma cerrada era el contorno de una idea”… “un dibujo, cuando existe, es a la vez cuerpo e idea; porque si sólo fuera idea ¿Quién lo entendería? Y si sólo fuera cuerpo no mostraría mas que un técnico y nada poético dibujar”

Amelia Valtolina justifica la inclusión de elementos como los relieves egipcios en la exposición: “Los dos relieves que inauguran el recorrido de la han sido elegidos para testimoniar la insuprimible vocación metafísica de la forma cerrada. Compuesta sobre las mallas de una red, la figura del dibujo egipcio es trazado simbólico en el que no se custodia el mudable mundo de las apariencias, sino, más bien, lo que permanece en el eterno transcurrir de la vida y la muerte y viceversa…. la naturaleza hierática del dibujo egipcio exige que toda ilusión perspectiva sea desplazada a favor de una visión lineal, eminentemente paratáctica, donde hombres, animales y dioses se aproximan unos a otros en una horizontalidad correspondiente al camino ininterrumpido hacia la muerte”.

“…En el mundo griego –agrega- cerrar un contorno era, sobre todo, una exigencia ética; acto de fundación del espacio humano contra el “apeiron”, lo ilimitado, lo informe, el abismo vacío descrito por Hesíoso. La creación del Ser exige contornos”.

Itinerario de la exposición.

La muestra realiza un recorrido que comienza en el relieve egipcio, pasa por el arte romano y medieval que nos muestran los beatos de Liébana y llega hasta el Renacimiento, representado por Durero, Baldung Grieg, Antonio Pillaiolo o Domenico Beccafumi o el "Settecento" con Francesco Salviati.

El barroco de Anton Mengs; las vanguardias históricas representadas por Fernand Léger, Picasso, Giacometti o Miró y el arte de la India también forman parte de esta muestra que, más allá de teorías formalistas y psicológicas, trata de ilustrar las metamorfosis de un particular proceso creativo.

Las obras que se muestran proceden de colecciones privadas y diversas instituciones europeas y norteamericanas, entre otras el Museo del Louvre en París, de la Biblioteca Real de Turín, de la Biblioteca Nacional de Madrid, de la Pinacoteca Nacional de Bolonia, el British Museum, o el Metropolitan de Nueva York.

Kosme de Barañano destacó durante la presentación de la exposición la "fragilidad" de las obras que se exponen, no sólo por su antigüedad, sino por su soporte básico, el papel.

Explicó que ya en 1915 el historiador y crítico de arte Heinrich Wolfflin definió el concepto de forma cerrada, que ofrecía una formulación teórica a lo que desde hacía más de dos mil años el dibujo había realizado, una práctica figurativa que había dado cuerpo e imagen a los dioses, a la idea y al ideal.

Valerio Adami, artista, comisario de la exposición y también presidente de la Fundación Europea del Diseño, aseguró que durante los dos últimos años ha pintado muy poco para dedicar su tiempo a esta muestra.

Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo de notable calidad, con ensayos de Valerio Adami y Amelia Valtolina, junto con especialistas del ámbito del dibujo, como Amina Okada, conservadora de arte Indio del Museo Guimet de París, Hèlene Bayou, conservadora de arte Japonés, del mismo centro francés, y Grazia Pulvirenti, profesora de literatura de la universidad de Catania.

 

La Semilla del Arte.

29/10/2002, El Centro Nacional Reina Sofía, en Madrid, ha presentado una completa exposición de una institución educativa vital en la historia de EE.UU: el Black Mountain College, ubicado a la orilla de un lago, en un rincón apartado de Carolina del Norte

La Semilla del Arte.

Madrid, 28 de octubre de 2002

El Centro Nacional Reina Sofía, Madrid, ha presentado una completa exposición de una institución educativa vital en la historia de EE.UU: el Black Mountain College, ubicado a la orilla de un lago, en un rincón apartado de Carolina del Norte.

Sólo tuvo una existencia tan sólo 23 años, en los momentos centrales del siglo XX, pero fue una institución clave para el impulso del arte moderno en Norteamérica.

Por primera vez, se presenta ahora una exposición multidisciplinar relativa a aquel foco de cultura y libertad. El Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, ha llevado adelante este proyecto, cuyo comisario es Vicent Katz, crítico de arte y amigo de algunos de los hombres vinculados a aquella institución que dio nuevos caminos al arte desde un rincón rural de Carolina del Norte.

La riqueza cultural de aquel centro queda reseñada tan sólo con señalar a algunos de los representados en la muestra: Josef y Anni Albers, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Robert Rauschemberg, Kenneth Noland, Cy Twombly y Esteban Vicente; escritores como Allen Ginsberg, Paul Blackburn o Louis Zukofsky, y compositores como John Cage.

La institución fue resultado de un proyecto educativo desarrollado desde 1933 en un apartado enclave de Carolina del Norte. John Andrew Rice fue un responsable ideológico del nacimiento del centro.

Impulsor de ideas de renovación pedagógica – que motivaron su expulsión de una institución educativa de Florida- planificó un centro sin consejo directivo, orientado a la convivencia en libertad, donde intervendrían profesores y alumnos en los planes de enseñanza, y en una ubicación solitaria, propicia para la creación artística y el diálogo continuo entre artes.

Se trató de crear un espíritu de comunidad entre docentes y alumnado, en un campus donde se abordasen disciplinas diversas, primando la práctica sobre la teoría. Así surgió el centro, a orillas del lago Edén, en las estribaciones de los Apalaches. Los resultados fueron sorprendentes, máxime si se tiene en cuenta que sólo se aceptaban unos 50 alumnos por curso.

Recién iniciadas las actividades, se trajo como director del departamento de arte a Josef Albers, uno de los profesores de la Bauhaus, cerrada recientemente por la presión del nazismo. Josef y su esposa Anni estuvieron vinculados al Black Mountain College durante 16 años; allí hicieron su obra artística y allí impregnaron al alumnado de su afán por la experimentación artística.

Del 1933 a 1949 Josef Albers contribuyó a que el centro tuviese una definición básicamente artística. Allí acudieron a dar clases gentes como el propio Walter Gropius, Lyonel Feininger u Ossip Zadkine, aunque el prestigio no llegó de la mano de éstos, sino de las hornadas de jóvenes que estaban saliendo de allí –gentes como Kooning o Twombly- que buscaron nuevos caminos al arte, caminos que pasaron principalmente por el abstracto, y que abordaron las técnicas de pintura compulsiva y los “happenings”.

Charles Olson llegó al centro en 1948 y él fue clave en la orientación literaria posterior. Editó publicaciones como la Black Mountain Review, plataforma de escritores que rompieron el formalismo imperante. Paul Blacburn, Ed Dorn, Robert Duncan, Denise Levertov, Joel Opepenheimer, Louis zukofksy, Allen Ginsberg y otros varios participaron en aquellas prestigiadas páginas.

En esa vocación pluridiciplinar motivó también la atención a la música, donde impartió clases Martin Brody, destacado compositor.

Esta primera muestra que se hace sobre el centro docente norteamericano es de un amplísimo contenido: un gran repertorio de pinturas, esculturas, obra gráfica, alfarería, tejidos, joyas, fotografías, bandas sonoras, libros, manuscritos y vídeos documentales, realizados por profesores y alumnos de la prestigiosa escuela.

Muchas piezas de la muestra destacan por su originalidad, como las fotografías de conciertos, representaciones de danza y proyectos arquitectónicos, acompañadas de grabaciones sonoras y vídeos. Pero sobre todo sorprende en gran parte de ellas la vitalidad creativa y el afán de experimentación.

Resaltan también las joyas y el trabajo con tejidos de Anni Albers y otros artistas, tanto por su originalidad como por el desafío al sexismo que supuso en esa época. Entre otros autores también hay que citar a Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Robert Rauschemberg, Kenneth Noland, Cy Twombly y Esteban Vicente.

Asimismo, se pueden ver escritos de los propios artistas y de los autores que participaron en la prestigiosa revista literaria del centro.

Tras la contemplación del conjunto de obras queda en el ánimo del espectador la sensación de haber estado en contacto con la fértil simiente del arte.

La historia del centro coincidió además con los días en los que por problemas en Europa –nazismo y guerras- se produjo una égira de artistas del viejo continente hacia América. En ese momento, mientras París perdía la capitalidad del arte, en este otro lado del Atlántico se buscaban nuevos caminos a la expresión artística.

Y en el éxito del Black Mountain College está también su vinculación con Nueva York. Algunos de los profesores estaban ya exponiendo en el Museum of Modern Art y en galerías innovadoras, como la que regentaba Peggy Guggenheim, Art of this Century.

En la presentación de la exposición del Reina Sofía, Juan Manuel Bonet, director del centro, dijo que el Black Mountain College representó "un momento único de la mitad del siglo XX, en el que las artes lograron dialogar entre sí. En la experiencia latía algo de la Bauhaus alemana, aunque acabó llegando más lejos".

Pero –matizó Bonet- si la Bauhaus tenía sobre todo en la arquitectura el eje artístico principal, en el Black Mountain College resulta menos fácil decir cuál es el elemento aglutinador; quizá fuera la libertad, el diálogo fluido entre todas las artes y todos los artistas.

El excelente catálogo de la exposición, reproduce las obras expuestas y lleva textos del propio Katz, del compositor Martin Brody, de Kevin Power y Robert Creely. Próximamente aparecerá editado en inglés, por el MIT, el Instituto de Tecnología de Massachusetts.

 

Marfiles mortales

25/10/2002, El tema del comercio internacional del marfil vuelve a estar de actualidad. En noviembre se puede revisar el estatus actual de este comercio, en una reunión que se celebrará en Chile. El tema tiene una notable complejidad y afecta a la supervivencia

Marfiles mortales.

Por Artemio Artigas

Chile. 25 de octubre de 2002. Guiarte.com.

El tema del comercio internacional del marfil vuelve a estar de actualidad. En noviembbre se puede revisar el estatus actual de este comercio, en una reunión que se celebrará en Chile. El tema tiene una notable complejidad y afecta a la supervivencia de los elefantes. Las posiciones de los países están enfrentadas.

Desde 1989, el comercio de marfil está totalmente prohibido en el territorio de los países pertenecientes a la Convención Internacional para el Comercio de Especies de Fauna y Flora en Extinción (CITES). Esta decisión fue ratificada en Kyoto (Japón) en 1992, y en Miami, Estados Unidos en 1994, sin embargo, no todas las naciones de acuerdo ahora.

Cinco países de Africa del sur intentan conseguir que la reunión internacional en Santiago de Chile legalice parcialmente el comercio de marfil.

En una reunión preparatoria de la cumbre que celebrarán en Chile, del 3 al 15 de noviembre, los integrantes del Convenio Internacional de Comercio de Especies en Peligro (CITES), representantes de tres de estos cinco países demandaron ya que se les permita vender sus existencias de colmillos de elefantes.

Los representantes de Botsuana, Zambia y Zimbabue, respaldados también por Sudáfrica y Nambia, argumentaron en la pre-cumbre de en Antigua y Barbuda, que que necesitan vender las aproximadamente 87 toneladas de marfil que tienen almacenadas para poder financiar la conservación de los elefantes.

"El propósito es impulsar allí nuestra campaña de comercio en marfil, antes de la cumbre", comentó el director sudafricano de Naturaleza y Parques Naturales, Joseph Matlhare.

Según informaciones de la agencia EFE, la propuesta al respecto que presentarán formalmente en Santiago de Chile -que prevé la venta de colmillos confiscados a cazadores furtivos o recogidos de los cadáveres de elefantes muertos por causas naturales- es rechazada tajantemente por la India y Kenia.

Tampoco convence a otros países africanos, del centro y oeste del continente, que tienen poblaciones menguantes de paquidermos y que previsiblemente se pronunciarán en Santiago a favor de mantener la prohibición del comercio de marfil que CITES impuso en 1989.

La India y Kenia, al igual que las organizaciones no gubernamentales que se dedican a la protección de la naturaleza, sostienen que al permitir la venta de colmillos de elefantes, por muy limitada que sea, se impulsará la caza furtiva y el tráfico ilícito en marfil.

El director del Servicio de Conservación Keniano (KWS), Joe Kioko, como ejemplo, insiste en que "al reanudar el comercio legal se abriría la veda al ilegal", y que "un minuto después de la legalización habría cazadores furtivos por dondequiera".

Kenia y la India propondrán en Santiago que, lejos de legalizar parcialmente el comercio en colmillos, se aumente la protección de los elefantes en el marco de CITES, elevando los paquidermos del "Apéndice II" al "Apéndice I" del convenio.

El Fondo Internacional para la Protección de los Animales y su Hábitat (IFAW, en inglés), al igual que otras ONGs, apoya la propuesta de la India y Kenia y condena las intenciones de los países del sur de Africa de levantar la prohibición del comercio de marfil.

El director del Fondo en Sudáfrica y jefe de su departamento dedicado a los elefantes, Jason Bell-Leask, no niega que las poblaciones de paquidermos en Africa austral se han recuperado bien en los trece años desde la imposición de la prohibición.

Sin embargo, en una rueda de prensa en Pretoria insistió en que "si el marfil vuelve a estar en el mercado, el marfil legal no será suficiente para hacer frente a la demanda" y por tanto es inevitable que haya más caza furtiva y contrabando de marfil.

"Es cierto que en Sudáfrica hemos protegido bien nuestras poblaciones de elefantes, pero otros países no tienen los mismos recursos ni la misma capacidad de luchar contra la caza furtiva", continuó Bell-Leask.

"Se trata de una cuestión mundial", resaltó el representante del Fondo para la Protección de Animales, ya que las acciones de unos países, con abundantes poblaciones de elefantes, pueden perjudicar a otros países, en peligro de quedarse sin ejemplares en un futuro próximo.

La población de elefantes en toda Africa se vio reducids de unos 1,2 millones en 1980 a sólo 600.000 en 1989, cuando se introdujo la prohibición al comercio de marfil.

La legalización ahora del comercio amenazaría sobre todo al elefante asiático, del cual existen menos de 50.000 ejemplares.

Bell-Leask señaló que los catorce países de la Comunidad de Desarrollo de Africa del Sur votarán en bloque a favor de la legalización en la cumbre del CITES en Santiago de Chile, aunque, afirmó, "algunos de los miembros han expresado sus reservas, al igual que algunos países de Africa central y occidental".

Los proponentes de la legalización podrán contar, evidentemente, con el apoyo de los países consumidores de marfil, como la China y Japón.

Por tanto, dijo Bell-Leask, "será clave la posición de la Unión Europea, que con quince países miembros puede dirigir el debate".

CITES

El 3 de marzo de 1973, 21 países suscribieron la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) que entró en vigor el 1º de julio de 1.975. actualmente aceptan la convención unos 150 países.

La CITES reglamenta la exportación, reexportación e importación de animales y plantas vivos o muertos y de sus partes o derivados mediante un sistema de permisos y o certificaciones.

La extinción de las especies es una característica natural de la evolución de la vida en la tierra, pero en los últimos años se responsabiliza al hombre por la desaparición de una gran parte de animales y plantas, tanto por sus actividades industriales como por la sobreexplotación de los recrusos y el tráfico de animales y plantas. El comercio internacional de especies de fauna y flora silvestres ha sido responsable de una considerable disminución del número de muchas de estas especies. La conciencia de la sobreexplotación y su daño a la supervivencia de las especies, propición un tratado internacional con el fin de proteger a las especies silvestres de una explotación desmedida e impedir el comercio internacional de aquellas en peligro de extinción.

 

Fotos en el año Gaudí

20/10/2002, En 2002 se cumplió el 150 aniversario del nacimiento de uno de los mayores arquitectos de los últimos siglos: Antonio Gaudí.


Por Tomás Alvarez

En el 2002 se cumplió el 150 aniversario del nacimiento de uno de los mayores arquitectos de los últimos siglos: Antonio Gaudí. Ha sido un año con cientos de exposiciones y actos en su honor, entre los cuales no han faltado excelentes muestras de fotografía.

Antonio Gaudí nació en Reus (Tarragona, España) en 1852 y falleció en 1926, en Barcelona, después de ser atropellado por un tranvía. Entre una fecha y otra desarrolló una fecunda actividad, que ha quedado patente en una serie de obras de suma belleza, alguna de las cuales ha entrado en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Cataluña, y Barcelona en concreto, ha estado a la cabeza de esta fiesta gaudiniana. Es lógico. Allí tiene el arquitecto su máxima obra. En Barcelona está la Sagrada Familia, un monumento sorprendente, singular, donde hizo un ejercicio naturalista de inusitada belleza. Esta iglesia inacabada fue el centro de trabajo de buena parte de su vida. En ella pasó prácticamente recluido 16 años, y bajo ella descansa eternamente.

Cerca del templo de la Sagrada Familia están otros edificios gaudinianos de elevado interés, aunque también hay obra del autor en lugares como Santander o León.

En todos sus trabajos se aprecia una belleza y originalidad fuera de lo común. El arte envuelve a la construcción, la domina. Y la belleza se aprecia en cada uno de los rincones, rincones que tienen un espíritu mutante, en función de la iluminación, de la luz.

Arraigado en un pensamiento romántico, que recuperó los saberes del gótico y las doctrinas religiosas. Gaudí asimiló también el naturalismo y la luz del modernismo, para crear algo nuevo. Porque “la estética de Gaudí no procede de fidelidad a códigos de estilo, sino que es siempre una transgresión visionaria de éste; como si las estructuras y formas arquitectónicas se le apareciesen a él sólo, en una germinación continua, que algo tiene de sueño o revelación”, como afirma el poeta Antonio Gamoneda, en un artículo titulado “La poética del espacio”.

Su personalidad, excitada inicialmente por una mística social y obrerista, finalmente por una mística simplemente piadosa coadyuva también –según Gamoneda- para que de todas las complejidades surgiese el genio y la originalidad, creando unas obras con un “orden secreto”, que algo tenía que ver con sus elucubraciones espirituales, en sus propuestas hiperbólicas y transgresoras.

LAS FOTOS DEL AÑO GAUDÍ.

Toda esta creatividad original es siempre campo fecundo para el mundo de la imagen. Por eso en las realizaciones y muestras del año Gaudí, también ha habido un espacio noble para la fotografía.

En diciembre de 2001, la ciudad de Roma acogió ya una exposición de cincuenta y dos fotografías de la obra arquitectónica de Gaudí, realizadas por siete artistas contemporáneos, en lo que se consideró un preámbulo del Año Internacional Gaudí 2002.

“Antoni Gaudí: una visión poliédrica. La obra de Gaudí en la fotografía catalana contemporánea" incluyó imágenes tomadas por Manel Armengol, Toni Catany, Manel Esclusa, Marc Llimargas, Leopold Pomés, Humberto Rivas y Rafael Vargas. Esta muestra fue llevada luego a Milán, Tel-Aviv, Luxemburgo y Munich.

En París se abrió el 16 de septiembre, en el Instituto Cervantes, otra exposición fotográfica de la obra del genial arquitecto. "El mundo mágico de Gaudí", con fotografías de Marc Llimargas.

A lo largo del ejercicio 2002 se han sucedido otras muestras, sobre todo en España, donde ha tenido excelente presencia la fotografía. La que pone broche de oro es la de la Fundación Caixa de Girona.

MAESTRO DE LA LUZ.

Marc Llimargas es un fotógrafo especializado en arquitectura modernista y experto en las obras de Gaudí y de Doménech i Montaner. Sus trabajos gaudinianos se han visto este año por toda Europa. Él es el autor de la muestra “Gaudí, el mestre de la llum” (Gaudí, el maestro de la luz), donde se presentan imágenes llenas de encanto.

Llimargas conoce bien la obra del arquitecto. El fotógrafo se deleita en varios temas, aunque resaltan dos: los increíbles juegos volumétricos de nervaduras, bóvedas y pasadizos; y el cromatismo y luminosidad de los recubrimientos cerámicos con labor de “trencadis”, utilización de cerámica quebrada que da un aire de collage a sus creaciones naturalistas.

Las fotos de la muestra corresponden básicamente a La Sagrada Familia; Parque Güell; Colonia Güell; Palacio Episcopal de Astorga, León; Casa Batlló y Casa Milá.

Llimargas tiene un propio “sendero” para acceder a la interpretación de Gaudí “Primero nos enfrentamos ante el color y la forma en la obra; mas tarde nos interesamos por la estructura y el concepto que la genera; después, a medida que afinamos la mirada, descubrimos la inequívoca voluntariedad de los signos para acercarse al “secreto”.

La verdad de Gaudí, de su obra, siempre está presta para ser revelada a quien la contempla. Entre las frases del catálogo de la exposición de Caixa Girona hay una de Lao Tse, que dice “El hombre de bondad superior es como el agua”.

Las instantáneas, que se exhiben en el centro cultural de La Fontana d´Or de Girona, son el resultado de un largo trabajo de búsqueda que el artista ha realizado sobre la obra del arquitecto a lo largo de siete años y, "más concretamente, sobre la esencia de sus creaciones", afirmó el fotógrafo, comisario de la muestra, durante la rueda de prensa de presentación de la misma.

Llimargas ha obtenido en su investigación unas 900 imágenes, algunas de las cuales forman parte de la trilogía sobre arquitectura editada por Lumwerg titulada "Gaudí el hombre y la obra, Gaudí cosmos y naturaleza y lo sagrado".

Para la muestra del Centre Cultural de Caixa de Girona, Llimargas ha reunido algo más de medio centenar de fotografías de gran formato (144 x 144 centímetros) que van acompañadas de citas o pensamientos de diferentes autores, como Ramon Llull o Jacinto Verdaguer, además de algunos textos del propio Gaudí que reflejan y contraponen el pensamiento del arquitecto.

La intención de Marc Llimargas al realizar este trabajo ha sido "ser fiel al espíritu del arquitecto, eludiendo crear una obra propia, personal". Las imágenes que se exponen hasta el 30 de noviembre en el Centro Cultural la Fontana d´Or de Girona, pretenden transmitir al máximo el fondo gaudiniano y aproximar al espectador al nacimiento de la obra, a su estado más primigenio.

La historia de los judíos hispanos, en Toledo

14/10/2002, Es la más completa muestra dedicada a la presencia judía en España: “Memoria de Sefarad”, que se pueda contemplar en Toledo desde el 12 de octubre de 2002 a enero de 2003, en el Centro Cultural San Marcos


Toledo, 12 de octubre de 2002. guiarte.com

Es la más completa muestra dedicada a la presencia judía en España: “Memoria de Sefarad”, que se pueda contemplar en Toledo desde el 12 de octubre de 2002 a enero de 2003, en el Centro Cultural San Marcos.

La vieja ciudad imperial, donde convivieron las culturas judía, árabe y cristiana, acoge una magnífica exposición de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), que fue presentada el titular de la Sociedad, Felipe Garín; el Alcalde de Toledo, José Manuel Molina, y el comisario de la muestra, Isidro Bango,

El trabajo de Isidro Bango, Catedrático de Historia del Arte Antiguo y Medieval de la Universidad Autónoma de Madrid, ha logrado sintetizar la realidad y la imagen de la España hebrea, desde sus orígenes en tiempos romanos y visigodos hasta la compleja convivencia con las religiones mayoritarias en Al-Andalus y los distintos reinos cristianos de la Edad Media, para culminar con la diáspora y su nuevo florecimiento cultural.

A través de más de trescientas piezas, audiovisuales, maquetas y reconstrucciones, la exposición manifiesta una realidad histórica profunda, la que vivieron los judíos durante los mil quinientos años que duró su presencia en España.

La muestra, que inauguró Ana Palacio, ministra española de Asuntos Exteriores no esconde ni los aspectos más ásperos de esa presencia judía, que se inició en el siglo I, básicamente a partir del año 70 de nuestra era, y se prolongó durante milenio y medio, con Luces y sombras, como reconoció el comisario, Isidro Bango

Magníficas piezas, un elenco bibliográfico inigualable, audiovisuales, obras de arte y científicas, etc. dan especial densidad a la exposición, que viajara en fechas posteriores por otros puntos del planeta, entre ellos Canadá.

Isidro Bango insistió en que no se ha obviado ningún aspecto de la historia y por ello uno de los apartados de la exposición está dedicado a la Inquisición “de la que no fuimos los creadores, ni los primeros. Aunque fue algo que no tiene justificación, es injusto que España figure como el único país que la aplicó, cuando en realidad tardó mucho en llevar a cabo los criterios dominantes en Europa”

La muestra está dividida en ocho partes que comienzan con un espectáculo audiovisual en el que dos judíos reflexionan sobre su estancia y expulsión de España. Éstas se organizan comenzando por Los judíos de Sefarad; La judería, un espacio para la vida y la muerte; Arquitectura; Judíos, Moros y Cristianos; Los saberes; Historia de un Conflicto; Inquisición y, por último, El Legado Sefardí.

Algunas piezas se ven por vez primera, en público, como la Biblia de la Casa de Alba. Pero el mejor conjunto es el escritorio de Alfonso X el Sabio", con obras como "Libro de Ajedrez" o el de "Astronomía" que son fruto de la colaboración de judíos, moros y cristianos bajo dirección del mismo monarca.

En síntesis, una magnífica tarea que reúne obras de unos 70 museos e instituciones del mundo, donde se presenta en profundidad la peripecia de los judíos hispanos.

 

La Tauromaquia de Goya

12/10/2002, El Museo de El Prado ha dedicado un ciclo al estudio de La Tauromaquia de Goya. Ahora presenta, del 9 de octubre al 7 de enero, el análisis de “El proceso creativo de la Tauromaquia”.

Madrid, 12 de octubre de 2002. guiarte.com

El Museo de El Prado ha abierto una exposición, "Goya. El proceso creativo de la Tauromaquia", sumamente interesante para repasar la visión que tenía el pintor aragonés del mundo de los toros y –sobre todo- conocer mejor la forma de trabajo del genial artista.

En 1816, Goya puso a la venta esta serie gráfica compuesta por 33 estampas taurinas. No fue un éxito comercial; el público no estaba acostumbrado a una visión tan rotunda y dramática del mundo de los toros.

En realidad, Goya realizó una serie mayor, pues se conservan otras siete planchas en los reversos de otros tantos cobres, y que él descartó; así como otros cinco trabajos, de los que sólo se conocen las pruebas de estado, con lo que el conjunto de estampas taurinas estaría en cuarenta y cinco.

Frente a la visión tradicional del ámbito taurino, costumbrista, amable y placentera, Goya resaltaba los claroscuros, la tensión, el drama, lo siniestro. El material quedó casi todo en manos del autor. Su nieto Mariano fue quien vendió aquellos trabajos, a partir de 1854, y sobre todo a coleccionistas franceses, donde el pintor español ya había adquirido una notable fama, como referente básico de la pintura del XIX.

La serie fue realizada en la misma época en la que Goya hizo otra serie famosa, Los desastres de la Guerra, en la que también plasma la hondura del drama bélico. Es un tiempo en el que el autor está desencantado de la sociedad, tras conocer a fondo la miseria humana y la muerte (en la guerra) y la censura y la escasez económica (en la restauración de la monarquía absolutista).

En la serie se presentan estampas alusivas a la historia del toreo y a los lances taurinos de su época, con las innovaciones y extravagancias de alguno de los toreros de entonces, para finalizar con las alusiones a la muerte, donde destaca la del matador Pepe Hillo, cuya cogida conmocionó a la sociedad de inicios del XIX.

No estamos ante una serie de estampas en las que se habla de historia sino de drama. El pintor –según se puede apreciar en los bocetos- empieza a presentar una escena general y a medida que avanza la obra va abandonando figuras y utilizando las sombras para centrar la imagen en el enfrentamiento entre el animal y el hombre, un hecho alocado, irracional, violento y trágico. Al final no prevalece la muerte del astado, sino la del héroe popular. Un análisis nada ortodoxo de “la fiesta”.

Según algunos estudiosos, Goya –aficionado a los toros desde juventud- con esta serie entró en el debate sobre la legitimidad de la tauromaquia, un tema recurrente en los círculos ilustrados y con distintos intelectuales opuestos al espectáculo. En un momento de censura, el pintor –ya maduro- recurrió al tema de la fiesta para aportar obra al casi inexistente mercado de estampas de Madrid, con una serie sin carácter político o ideológico, pero no fue capaz de dejar sin expresar sus sentimientos de repulsión hacia la violencia.

El proceso creativo.

El Prado –con el patrocinio de Wintertur- ha dividido el ciclo en dos parte. La primera la exposición de “La Visión Crítica de la Fiesta”; la segunda – que se presenta del 9 de octubre al 7 de enero- el análisis de “El proceso creativo de la Tauromaquia”.

La exposición propone un recorrido a través de los procesos de elaboración de la serie: dibujos preparatorios, pruebas de estado y estampas definitivas, en el que se comprueban los aspectos técnicos y el hilo conductor “perfeccionista” de la obra de Goya.

Para recrear este proceso ha habido que buscar las pruebas de estado en la Biblioteca Nacional de Madrid y el Petit Palais de París. Estas se comparan con los ejemplares de la primera edición, del Museo del Prado, y a fin de ver el proceso completo se aporta una de las láminas de cobre, de la Calcografía Nacional.

Toda esta visión se complementa con conferencias a cargo de los historiadores Martínez Novillo y José Miguel Medrano; del pintor Eduardo Arroyo y –como colofón y novedad- del matador de toros Luis Francisco Esplá, primer torero que pronuncia una conferencia en la gran pinacoteca.

Un trabajo de orfebre.

La muestra pretende llamar la atención en cómo Goya "desde el primer momento tenía las ideas muy claras. A diferencia de otros artistas, hacia pocos dibujos preparatorios y en ellos se aprecia lo esencial de la imagen final", opina José Manuel Matilla, comisario de la muestra.

Goya –dice- trabajaba con la minuciosidad de un orfebre y realizaba durante el proceso de creación unas correcciones muy sutiles "pero nunca gratuitas, destinadas básicamente a conseguir mayor expresividad y a mostrar la violencia entre toro y torero”.

La muestra forma parte de un conjunto de iniciativas destinado a examinar a fondo las series de grabados de Goya y que ha supuesto un trabajo de cuatro años. En toda ella destaca su importante contenido didáctico.

Miguel Zugaza, director del museo, señaló que con esta exposición concluye un ambicioso programa que ha permitido la revisión de importantes fondos del museo y destacó precisamente como uno de los méritos del ciclo de exposiciones la labor didáctica llevada a cabo.

 

Graz prepara la Capital Europea de la Cultura 2003

03/10/2002, El año 2003 Graz será la Capital Europea de la Cultura. Será la única ciudad con este título en 2003, después de que en el 2002 compartiesen capitalidad europea las ciudades de Salamanca y Brujas


La Unión Europea ha decidido, que el año 2003 Graz será la Capital Europea de la Cultura. Será la única ciudad con este título en 2003, después de que en el 2002 compartiesen capitalidad europea las ciudades de Salamanca y Brujas.

Graz es la capital de Estiria, una provincia ustriaca ubicada en el centro-sur del país, y cuenta con unos 250.000 habitantes.

El servicio de Turismo de Austria ha distribuido una nota en la que anuncia que Grandes proyectos en cultura y arquitectura se llevarán a cabo para enriquecer el futuro de la ciudad, y aumentar sus atractivos y calidad de vida.

Dos arquitectos neoyorquinos de moda han diseñado la isla en el Mur, en forma de concha. La idea es original de Robert Puchenhofer, hijo de la ciudad de Graz, quien propuso esta idea de construir una isla en la mitad del río como una plaza que sea el símbolo de arquitectura del siglo XXI. Con ella se ampliará el espacio de comunicación para Graz en un ambiente acuático.

Marcos Pentales, arquitecto de Graz, transforma la Plaza Mayor en un espacio contemporáneo y “sin barreras”. La estación de trenes será uno de los centros más modernos, con gigantescas paredes y espacios de todos los colores en su interior.

El nuevo “Pabellón de la Ciudad”(City Hall) con un tejado sobresaliente de 150 mt de largo da sitio a espacios variables para grandes eventos.

“La casa de la literatura”, con un nuevo centro literario, aumenta las posibilidades de ampliación de instituciones literarias, que ya han sido siempre una parte importante de la ciudad.

La “Helmut List Hall” – un pabellón financiado privadamente - hará posible más flexibilidad en los movimientos de producción para el “Otoño de Estiria“ y el “Styriarte”, dos eventos culturales que se celebran cada año en Graz. Un museo para niños tiene la intención de dirigir la vida de los jóvenes hacia la arquitectura.

Uno de los proyectos más destacados será la nueva “Casa del Arte”, de dos arquitectos ingleses, Peter Cook y Colin Fournier, que juegan con colores y transparencia en la construcción.

Arte en los espacios públicos:

La “Torre del Reloj”, símbolo de la ciudad de Graz, tendrá una sombra. Una torre igual, pero oscura, a su lado, para recordar el pasado. Los habitantes de Graz podrán participar en una exposición sobre este tema del pasado con fotos de la historia, que ellos entregan en el monte “Schlossberg Graz”. Se premiarán las fotos y serán exhibidas bajo el lema de la exposición: “Montaña de Recuerdos”.

La “Columna de Maria” tendrá a su lado un ascensor de cristal, con una nueva vista panorámica de la ciudad.

Espejos sobredimensionales en las calles y en las plazas permitirán diálogos entre barreras y abrirán infinidad de posibilidades entre espacios.

Música y Teatro en 2003:

Febrero, el “mes de la cultura en Graz”, será dedicado a St. Petersburgo, con conciertos y óperas rusas, con el director ruso Valery Gergiev. En una combinación de artes plasticas, película, música, literatura y filosofía contemporánea se presentará la “escena” moderna de St. Petersburgo.

Durante el festival “Styriarte”, en Julio 2003, Nikolaus Harnoncourt dirigirá la “Chamber Orchestra de Europa”. Actuarán estrellas mundiales de música clásica, como “Il Giardino Armónico”, Jordi Savall, Cecilia Bartoli y Markus Schirmer. En una entrevista dice Nicolaus Harnoncourt de las idéas de Graz, “aqui el pasado y el contemporáneo es vivo y eso hace que Graz 2003 será interesante para todo el mundo”.

En el nuevo “Helmut List Hall” se presentará el estreno del ballet “Deseo”.

“Jazz Graz 2003” reune a músicos de Jazz exepcionales de todo el mundo, especialmente destacando “la escena de Jazz de Europa del Este”.

Del 24-26 de Abril se encontrarán en el “European Jazz Joint Venture” con varios músicos internacionales.

Exposiciones:

Bajo el título “ La Torre de Babel”, en el castillo Schloss Eggenburg, se pondrá en cuestión el tema sobre las confusiones de “lenguas y escrituras”, igual como ha sido en la historia de la Biblia con la “obra” de la Torre de Babel.

Se mostrará la tradición en historia cultural de muchos milenios y la recepción entre artistas del motivo de la construcción de la torre de Babel. Se trata del fenómeno de la multitud de idiomas, de la lengua como medio de comunicación y de la distribución y desciframiento de escritos históricos.

Una exposición estará dedicada a la “pasión del deseo”, el Festival del Masoquismo”. El nombre viene de su inventor, el escritor Leopoldo Sacher Masoch, quien escribió muchos de sus textos en la ciudad de Graz. En la “Neue Galerie” y el el “Museo de la Ciudad” se verán varios aspectos de recepciones del masoquismo en arte y cultura contemporánea.

Festival de Cine Austriaco

Marzo 2003 : “Diagonale”. Graz muestra cada año las novedades de cine y video austriaco. En 2003 destacarán 3 programas especiales con ofertas fuera de serie, que se podrán ver hasta Septiembre de 2003.

A Inge Morath, la fotógrafa de fama mundial, natural de la ciudad de Graz, serán dedicadas en una exposición, en una presentación de libro y en una documentación, las presentaciones de sus últimas obras sobre su proyecto de la cultura en la región fronteriza. La exposición comenzará en el primer aniversario de su muerte, el 30 de Enero de 2003.

Casa de la Literatura

En la exposición de “Música hablada” se presenta el sentir de la literatura. Con música, instalaciones de espacio, sensaciones, estímulos ópticos y acústicos se llega a visualizar literatura.

Vivir la Cultura

Los nuevos proyectos para espacios de vida. Entre ellos hay varias obras para la juventud: “Como Extraterrestres” y otros eventos musicales y conciertos en el “Pop Cultur Centrum”. El PPC en la Endplatz presentará cultura “Pop” de alta calidad.

“Woment” será la exposición de las iniciativas de la mujer. Lo que han hecho y lo que hacen las iniciativas de las mujeres de Graz, será una cooperación de la red de Woment.

“Access.all areas” (a.a.a.) se expande como una red laberíntica sobre toda la ciudad, hace conexiones en forma de “bases”, será integrado en edificios existentes y creará nuevos espacios de vida. Comunicación , creatividad, fiestas y dormir barato para jóvenes será uno de los proyectos para la juventud.

 

El IVAM premia a Anish Kapoor

25/09/2002, La tercera edición del premio internacional Julio González, que concede el Consell de la Generalitat Valenciana ha recaído este año en el artista Anish Kapoor. Por otra parte, la ciudad prepara un nuevo Encuentro Mundial de las Artes.

Valencia 21 de septiembre de 2002.

La tercera edición del premio internacional Julio González, que concede el Consell de la Generalitat Valenciana ha recaído este año en el artista Anish Kapoor en reconocimiento a su labor desarrollada en las artes plásticas y su aportación al arte moderno.

Asimismo, el IVAM ha acordado conceder de forma extraordinaria otro premio Julio González al escultor Eduardo Chillida, recientemente fallecido, quien, al igual que Julio González, revolucionó la forja del hierro y consiguió, con la maestría en el dominio de la técnica y la poética en el espacio, dotar de nuevo significado y nuevos horizontes a la escultura.

El premio Julio González es especialmente significativo no sólo por su vocación internacional sino también por la pieza que se entrega al premiado: una edición de una figura de Julio González, Mujer con Ánfora II, fundida en bronce con pátina de plata a partir de un modelo de bronce recortado y trabajado a mano, propiedad del IVAM. Este premio, que en sus dos anteriores ediciones recayó en los artistas Georg Baselitz y Cy Twombly, fue instaurado por primera vez hace dos años y para su concesión se ha contado con el asesoramiento del primer director del IVAM, Tomás Llorens, y la heredera de Julio González, Viviane Grimminger.

Está previsto que Anish Kapoor asista a la ceremonia de entrega del premio que tendrá lugar en el IVAM el próximo 27 de marzo, día que se conmemora la muerte de Julio González.

BIOGRAFIA

Anish Kapoor (Bombay, India, 1954) es sin duda uno de los mayores y más significativos representantes de la escultura británica contemporánea. De padre británico, Anish Kapoor nació en India y vivió allí su infancia y su juventud. Se trasladó a Gran Bretaña en 1973 donde estudió en Londres, en el Hornsey College of Art y posteriormente en el Chelsea School of Art. Compartió sus años de formación con artistas coetáneos de la relevancia de Tony Cragg, Richard Deacon o Bill Woodrow, entre otros. A finales de los años setenta fue nombrado profesor del Wolverhamton Polytechnic en Birmingham. Desde la década de los setenta vive y trabaja en Gran Bretaña.

La obra de Anish Kapoor es largamente conocida por sus esculturas inquietantes y enigmáticas que trascienden la realidad de lo visible y lo perceptual y que van desde las esculturas con pigmentos de colores hasta las intervenciones en lugares determinados -site-specific- pasando por instalaciones de grandes dimensiones tanto en interiores como en exteriores.

Sus primeras obras se caracterizan por la variedad de materiales utilizados en función de sus posibilidades físicas y plásticas; Kapoor crea extrañas formas, geométricas o biomórficas, como objetos indeterminados, que tiñe de colores intensos y saturados, propios de su India natal. Abandona progresivamente los pigmentos y comienza a potenciar las cualidades inherentes de los materiales como metal, cristal, plástico o la piedra en sus numerosas variantes (gres, travertino, pizarra, etc.). Piedra que talla y pule, pero que a la que también permite mostrar su aspecto natural, de forma que transmita sensación de liviandad y pesadez a un tiempo.

La dualidad es el concepto que subyace en gran parte de su obra; así, las relaciones presencia-ausencia, sólido-intangible, exterior-interior, visible-escondido, activo-pasivo, femenino-masculino, se articulan a través de sus esculturas creando una duda permanente sobre la realidad que tratamos de aprehender por distintos mecanismos visuales y mentales. Kapoor nos ofrece con su obra visiones de lo inexpresable, lo indescriptible y lo desconocido.

Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas entre las que destacan las siguientes instituciones: The Museum of Modern Art, Nueva York; Tate Gallery, Londres; Stedelijk Museum, Amsterdam y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Anish Kapoor ha sido galardonado con el Premio Duemila en la XLIV edición de la Biennale Internazionale d´Arte de Venecia (1990), el Turner Prize (1991) y el Honorary Fellowship del London Institute (1997)

Encuentro Mundial de las Artes

Por otra parte, del 3 al 6 de octubre se celebra el Encuentro Mundial de las Artes, en el Palacio de Congresos de Valencia, para debatir entre otros aspectos, la responsabilidad del Arte como agente de vertebración social.

El congreso, al que asisten más de doscientos expertos nacionales y extranjeros, arrancará bajo el lema La responsabilidad cívica de las Artes, e incidirá en el rearme ético que deben capitalizar quienes desde el plano del arte y de la cultura pueden aportar sus ideas para la construcción de un mundo más armónico y equilibrado.

En conferencia de prensa en el Museo de Bellas Artes de Valencia, la subsecretaria de Promoción Cultural, Consuelo Ciscar, informó a los medios del contenido del II Encuentro Mundial y de la constitución hoy de la Fundación Comunidad Valenciana Consejo Mundial de las Artes.

Remarcó que, entre los cometidos de la Fundación resalta la celebración de este encuentro con carácter bienal, la convocatoria del Premio Valldigna de las Artes en calidad de alto reconocimiento de la Generalidad Valenciana a la contribución integral de la trayectoria personal y obra por parte de un exponente creativo de primer orden.

Igualmente, la constitución en el seno de la Fundación del Consejo Mundial de las artes, foro permanente de creadores, intelectuales y expertos de reconocido prestigio internacional, precisó Ciscar. El patronato, presidido honoríficamente por el Presidente de la Generalidad, está formado por el conseller de Cultura, Manuel Tarancón, el director del IVAM, Kosme de Barañano, la directora del Instituto de la Música, Inmaculada Tomás, la directora de Danza, Inmaculada Gil-Lázaro, el director del Instituto de Cinematografía, José Luis Rado, el director Luis García Berlanga, el compositor Joan Cerveró y la directora del Ballet de Cuba, Alicia Alonso.

En el Encuentro se debetirá en mesas de trabajo correspondientes a diversas disciplinas, como son la arquitectura y el diseño, las artes plásticas, el cine, la danza, la música y el teatro.

 

El mundo de Los Faraones

12/09/2002, El mundo de los faraones egipcios siempre ha subyugado a los amantes del arte y la historia. Ahora se puede conocer a fondo en una exposición, en Venecia

Desde el 9 de septiembre de 2002 hasta el 25 de mayo de 2003, se muestra en Venecia la exposición "Los faraones". Es comisaria de la misma Christiane Ziegler, catedrática de Historia, directora del departamento de Antiguedades Egipcias del Museo de Louvre.

En los días en los que Venecia adquiría relevancia por su Mostra Internacional de Cine, los faraones del antiguo Egipto eclipsaron ya a las estrellas del séptimo arte, al presentarse esta exposición que recrea el esplendor de una civilización sumamente atrayente.

Dentro del listado de exposiciones dedicadas a las viejas culturas por Palazzo Grassi, fundación cultural del Grupo Fiat, Los faraones es una gran exhibición de 300 piezas de 34 museos de todo el mundo, que se añade a otras muestras dedicadas ya a Fenicios y Etruscos.

Hay piezas traídas de Alemania, Austria, Bélgica, Holanda, Canadá, Dinamarca, Egipto, Estados Unidos, Francia, Gran Bretaña, Italia y Suiza. El Museo de El Cairo es la institución más representada, con un tercio de las obras, prácticamente.

Del Museo de El Cairo llegó una de las magnas obras, "El Tutankhamon usurpado de Horemheb", esculpido en piedra de cuarzo pintada, de tres metros de altura. Sin embargo la pieza más pesada es un pilar de piedra caliza, procedente de un museo de Pensilvania. Pesa más de cuatro toneladas.

Tras Fenicios y Etruscos, los dos últimos pueblos legendarios que dejaron su huella emocional en Palazzo Grassi, la exposición "Los Faraones" se centra en el periodo de máximo esplendor de la antigua civilización egipcia, el denominado Nuevo Imperio (1550-1069 a C.).

Una cultura sumamente refinada.

Objetos de exquisita factura, esculturas, bajorrelieves y preciosos papiros estrechan sus lazos para revelar al visitante los enigmas de la monarquía faraónica, con el rigor científico de la comisaria de la muestra, Christiane Ziegler, una mujer que es especialista en temas de la época faraónica, que ha escrito diversos libros sobre la materia y tiene una gran experiencia en excavaciones arqueológicas en Egipto.

"Ningún lugar, ningún reino del pasado fascina tanto como el antiguo Egipto. A lo largo del Nilo, en el curso de los milenios, se han desarrollado una cultura y un arte monumental extraordinariamente ricos, capaces de dominar gran parte de las tierras conocidas- El vértice de la rígida jerarquía estatal y religiosa de aquel imperio era el faraón, cuyas proezas y empresas han sido exaltadas a lo largo de toda la historia egipcia para perfeccionar la imagen eterna de un ser fuera de lo común, o predilecto de los dioses", dice Christiane Ziegler en el catálogo.

Ziegler explica que el universo reposa sobre el faraón, puesto sobre la tierra por el dios creador para erradicar el mal y conjurar el caos, según la concepción del mundo que el propio rey trasmitió a su pueblo.

El término faraón deriva de "per-aa", la casa grande, el palacio donde el rey vivía, que acabó dando su nombre y su magnificencia al soberano de Egipto, hombre y dios, guerrero y sacerdote.

La exposición de Venecia.

La exposición recrea de forma sucesiva, en diversas aproximaciones a partir de la evocación del Egipto monumental en el patio central de Palazzo Grassi, a la orilla misma del Gran Canal veneciano.

Se descubren luego, a lo largo de una gran galería de retratos, reconstruida a partir del estudio de un papiro depositado en el Museo Egipcio de Turín, los rasgos de quienes condujeron al antiguo Egipto, con los rostros singulares de Kefren o Tutankhamon, de Cleopatra o Ramsés.

Sus manifestaciones de poder muestran al faraón en forma de muchacho, animal o protegido de los dioses, rodeado de sus ricos atributos para ilustrar la realidad que emanaban: su esencia solar y su dualidad consustancial.

Porque el faraón era un pilar sobre el que descansaba el Universo, un individuo colocado en la Tierra por la divinidad para organizar el mundo y rechazar el caos. El faraón era el centro del cosmos, nexo entre cielo y tierra, centro en el que se funden naturaleza y mito, religión y política.

La exposición, uno de los principales acontecimientos culturales del año en Italia, introduce luego al visitante en otras facetas de aquellos gobernantes: los ritos, sus construcciones de templos. En el centro de esta sección se sitúa la figura de Akhenaton, el rey teólogo que impuso una religión monoteísta, basada en la adoración del dios sol, abandonada después por sus sucesores.

En la quinta sección de la muestra, armas, escenas de guerra y decoraciones militares trazan el perfil del faraón victorioso, garante del equilibrio y pacificador del universo.

También hay espacio en Palazzo Grassi para evocar su papel político, con su gabinete real, su consejo de ministros, sus funcionarios y hasta sus archivos. Es la sexta sección, a la que sigue otra destinada a mostrara al hombre: la vida cotidiana, sus placeres, los fastos de la corte y de su peculiar harén, donde se educaban los futuros soberanos, se filtra a través de tesoros dispersos, como el de Tanis, que ahora se han reunido para ofrecer el compendio del apogeo de la civilización egipcia.

El recorrido se cierra, como no podía ser de otro modo, con la muerte del Faraón, a través de piezas tan relevantes como el sarcófago de Acmosi, y la reconstrucción de una tumba para que el visitante le acompañe en su último viaje.

 

Cumbre de Johannesburgo. Balance mediocre

04/09/2002, Las primeras reacciones ante los resultados de la Cumbre de Johannesburgo no parecen optimistas. Los líderes del mundo, reunidos aquí, han aprobado un Plan de Acción para combatir la pobreza y frenar el deterioro del medio ambiente, pero esto ha sabi


Cumbre de Johannesburgo. Balance mediocre

Johannesburgo, a 4 de septiembre de 2002, por Artemio Artigas.

Las primeras reacciones ante los resultados de la Cumbre de Johannesburgo no parecen muy optimistas. Los líderes del mundo, reunidos aquí, han aprobado un Plan de Acción para combatir la pobreza y frenar el deterioro del medio ambiente, uno de los dos documentos políticos que han emanado de la reunión.

Pero el documento aprobado ha sido calificado de insuficiente por la Unión Europea que ha pedido a los países participantes ir más lejos de lo que exige el texto. No ha habido un compromiso claro de los países ricos con el medio ambiente y el desarrollo, pese a que la Declaración de Johanesburgo sobre desarrollo sostenible ha sido firmada por los 191 países participantes.

La Declaración revela que la sima profunda que observa la sociedad entre ricos y pobres y el abismo que no deja de crecer entre el mundo desarrollado y el no desarrollado amenaza la prosperidad, la seguridad y la estabilidad mundial.

Según informaciones de EFE, los líderes del mundo aprobaron una larga serie de medidas para combatir la pobreza y frenar el deterioro del medio ambiente. En la sesión de clausura de la Cumbre Mundial, que comenzó el pasado 26 de agosto, dieron el visto bueno además a una declaración final en que se comprometen a trabajar en varios campos para cumplir lo pactado y construir un mundo mejor.

En la Declaración de Johannesburgo sobre Desarrollo Sostenible, los países participantes, casi todos los del mundo, aseguran compartir el empeño en salvar nuestro planeta, fomentar el desarrollo humano y lograr la prosperidad y la paz universales.

Desde el continente africano, cuna de la Humanidad -reza el texto- prometemos solemnemente a los pueblos del mundo y a las generaciones que seguramente heredarán esta Tierra que estamos resueltos a asegurar que nuestra aspiración colectiva para el desarrollo sostenible se haga realidad.

La Declaración fue aprobada tras sólo dos días de consultas, en que el borrador inicial fue reducido a la mitad, pero el documento más importante, el Plan de Acción para los objetivos fue negociado durante nueve días antes de ser consensuado. Tras su aprobación formal en la sesión de clausura, se dio la palabra a varias delegaciones que querían hacer comentarios o precisiones sobre el texto.

Uno de los primeros en hablar, el presidente de Venezuela, Hugo Chávez, quien preside también el Grupo de los 77 más China, que comprende más de 120 países en desarrollo, marcó la tónica de las intervenciones al declarar: hubiésemos querido mucho más de la Cumbre. Esta frase, con distintas palabras, fue repetida por los portavoces de muchas de las delegaciones.

Decepción europea

La Unión Europea (UE) está decepcionada porque el texto final del Plan no incluye ninguna meta cuantitativa ni plazo límite para incrementar el uso de las energías renovables y aprovechó la ronda de comentarios para anunciar una declaración propia sobre la cuestión.

La declaración, que la UE presentó con el respaldo de casi todo el resto de los países europeos además de los Estados isleños del Pacífico, propuso que cada país o grupo de países formulara sus propias pautas para la energía renovable y se comprometiese a divulgar periódicamente su progreso en su cumplimiento.

La propia UE pretende que las energías renovables supongan para el 2010 el 12 por ciento del consumo total de cada país miembro.

Varios de los países de América Latina y el Caribe, comenzando con Argentina y Brasil, expresaron su adhesión al proyecto europeo, que de todos formas coincide con acuerdos ya existentes en la región.

En la ronda de comentarios posterior a la aprobación del Plan de Acción, varias delegaciones hicieron precisiones sobre distintos apartados de texto. Argentina, como ejemplo, afirmó entiende que las restricciones sobre la pesca de especies migratorio no se aplican a las capturas en alta mar.

Estados Unidos, en el papel habitual.

Estados Unidos presentó una larga lista de matizaciones e interpretaciones propias de distintos puntos del Plan.

El secretario general de la ONU, Kofi Annan, reconoció que la Cumbre de Johannesburgo no ha producido todo lo que se esperaba pero insistió en que no ha sido ningún fracaso. Hay que tener cuidado para no esperar milagros de Cumbres como ésta, dijo en rueda de prensa.

Señaló que esta Cumbre ha instigado acción global para parte de un amplio abanico de actores y hace una realidad el desarrollo sostenible, el que no agote los recursos naturales.

Esta Cumbre nos coloca en el camino que reduce la pobreza mientras protege el medio ambiente, un camino que beneficia a los pueblos, ricos y pobres, hoy y mañana, afirmó el mandatario.

En la sesión matutina de la jornada de clausura hubo un último tramo de la ronda de ponencias de líderes de delegaciones, en que destacó el muy esperado discurso del jefe de la delegación estadounidense, el secretario de Estado Colin Powell, interrumpido una y otra vez por abucheos y protestas.

Muchos de los asistentes abuchearon, dieron palmas en ritmo y corearon lemas como Bush, ¡qué vergüenza!, pese a las amonestaciones de la presidenta de la sesión, la ministra sudafricana de Exteriores, Nkosazana Dlamini-Zuma.

Las protestas se extendieron a algunas de las delegaciones oficiales, cuando Powell afirmó que Estados Unidos intenta, mediante el desarrollo de nuevas tecnologías, reducir las emisiones de los gases del efecto invernadero. Muchos expresaron su indignación ante esta afirmación, puesto que Estados Unidos se ha negado a ratificar el Protocolo de Kioto para restringir las emisiones de dichos gases.

Balance

Diez días después del inicio de las negociaciones, los mayores logros prácticos de esta cumbre han sido el compromiso de reducir a la mitad las personas sin acceso al agua corriente, unos 2.400 millones de personas según la ONU, y el anuncio del jefe del Gobierno ruso sobre una próxima ratificación del texto de Kioto.

Las grandes asignaturas pendientes de esta cumbre son, sin embargo, la reducción de los subsidios agrícolas y la apertura de los mercados por parte de los países industrializados. A la lista de fracasos se une la cuestión de la energía, que se resolvió el lunes, cuando se rechazó el objetivo de fijar metas de energías renovables, como querían Europa y América Latina.

Llegó la Cumbre de Johannesburgo

24/08/2002, La cumbre de Johannesburgo se inicia con un panorama poco positivo. Estados Unidos no parece encaminado a emprender una política más social y ecológica. Los expertos esperan que la Unión Europea siga liderando una posición de defensa de la Tierra.

Cumbre de Johannesburgo

Por Artemio Artigas

Johanneburgo. Suráfrica. 24 de agosto de 2002.

La cumbre de Johannesburgo se inicia con un panorama poco positivo. Estados Unidos no parece encaminado a emprender una política más social y ecológica. Los expertos esperan que la Unión Europea siga liderando una posición de defensa de la Tierra. Si no ocurriera esto, Johannesburgo se saldaría con un balance triste.

La señal más evidente del boicot encubierto de la Casa Blanca ha llegado por parte de Bush, quien no acudirá a la Cumbre de Desarrollo Sostenible, dando la espalda al encuentro de jefes de Estado o de Gobierno. En su lugar acudirá su secretario de Estado, Colin Powell. Su rango reduce las esperanzas de alcanzar acuerdos de alto nivel político.

Un encuentro mundial clave

Un centenar de jefes de Estado o de Gobierno y miles de participantes de todo el mundo se reunirán en Johannesburgo (Suráfrica) para debatir nuevas iniciativas para el desarrollo sostenible. La Cumbre sobre el Desarrollo Sostenible tendrá lugar entre el 26 de agosto y el 4 de septiembre y se celebra 10 años después de que los representantes de los Gobiernos se reunieran en la llamada Cumbre de la Tierra, en Río de Janeiro.

Hace diez años los reunidos aprobaron la llamada la Agenda 21, que marcó las directrices para lograr un desarrollo sostenible y un progreso a través de la integración de aspectos económicos y sociales con los medioambientales.

La cumbre será abierta por el presidente de Suráfrica, Thabo Mbeki, y el secretario general de la Conferencia y subsecretario para Asuntos Económicos de la ONU, Nitin Desai. Luego, el secretario general de la ONU, Kofi Annan, participará en la apertura de la fase de mayor nivel de la conferencia, el 2 de septiembre.

Annan identificó las cinco áreas claves que se abordarán en la conferencia y que son: el suministro de agua potable, la energía, la salud, la productividad agrícola, así como la biodiversidad y la gestión del ecosistema.

El interés por la Cumbre de Johannesburgo ha superado las expectativas, especialmente por parte de las ONG, que con más de 20.000 personas registradas, se unirán a las delegaciones de los Gobiernos y a directivos de empresas que participarán en eventos paralelos. Tal magnitud del encuentro generará inevitables problemas organizativos.

Las organizaciones ecologistas y antiglobalización apuntan aspectos críticos.

Greenpeace ha hablado de la necesidad de que los estados controlen a las multinacionales. Las catástrofes ecológicas, crónicas o inmediatas, causadas por las prácticas empresariales irresponsables, se están haciendo más frecuentes. Las sociedades transnacionales han aprendido a restar importancia a los daños y a centrar su atención y su responsabilidad en las compañías locales para así evitar la responsabilidad civil o criminal.

Para frenar estos abusos, los Gobiernos deben actuar globalmente y asegurar que tanto las sociedades multinacionales como las nacionales sean consideradas responsables de sus acciones, especialmente en los países en desarrollo y en los países con economías en transición, en los que las empresas funcionan en ambientes menos regulados.

Greenpeace pide a los gobiernos que adopten los principios de Bhopal sobre Responsabilidad Corporativa. Los Estados son, en última instancia, los responsables del bienestar social, y no deben transferir esta responsabilidad al sector privado. Por desgracia, eso es precisamente lo que -cada vez más- están haciendo, al confiar en acuerdos voluntarios y no desarrollar instrumentos internacionales para evitar que las sociedades multinacionales a través de los vacíos de las leyes nacionales. Las pocas iniciativas voluntarias que algunas empresas se muestran dispuestas a cumplir, como la Iniciativa Global de Información, las directrices de la OCDE y el Compacto Global de la ONU, no son en absoluto suficientes.

Sostiene la organización ecologista que aunque las compañías se benefician del mercado global para potenciar sus negocios, no asumen globalmente sus responsabilidades. Por tanto, los movimientos actuales para asegurar la sostenibilidad requieren un instrumento internacional de responsabilidad corporativa legal y económica. Ahora es el momento de crear esta herramienta que garantice los derechos y los deberes, la obligación de informar, el control y la verificación de un comportamiento corporativo coherente; que abarque, entre otros puntos, la indemnización por daños, la reparación, el derecho a la información y el respeto a los derechos humanos y comunitartios.

El líder antiglobalización José Bové expresó sus dudas de que se alcance alguna solución en la próxima Cumbre sobre Desarrollo Sostenible de Johannesburgo y alertó de la posibilidad de discursos "sin ningún efecto". En su opinión, es la Organización Mundial de Comercio (OMC) "la que controla la posibilidad de llevar a cabo otras formas de desarrollo y desgraciadamente, la OMC no persigue que cada país se pueda desarrollar como considere, sino que pretende imponer un modelo económico que va en contra de la capacidad de las poblaciones para desarrollarse". El dirigente agregó que, desde la creación de la OMC, no ha dejado de aumentar el desequilibrio entre países ricos y pobres.

En la prestigiosa revista médica británica "The Lancet", su director, Richard Norton, expone una propuesta para crear una "Organización para el Desarrollo Global", Norton sostiene en su texto que las agencias contra la pobreza que pertenecen a las Naciones Unidas son demasiado grandes y poco operativas, y están sometidas a los intereses de ONU.

En Johannesburgo, los líderes de los principales países intentarán diseñar una estrategia para paliar la pobreza en el planeta, pero, según Norton, los objetivos que se fijen serán imposibles de cumplir sin la existencia de un organismo global.

"Koffi Annan, el secretario general de la ONU, reconoce que los proyectos para el desarrollo que se han implementado hasta ahora no han dado el resultado esperado", declaró Norton a la BBC. "Grupos como el Programa de Desarrollo de la ONU están limitados por la política y no pueden pedir, por ejemplo, la democratización del Banco Mundial, porque tienen miedo de ofender a alguien importante", agregó el responsable de "The Lancet".

Retos y esperanzas

La Cumbre concentrará la atención del mundo en las medidas que deben adoptarse para lograr el desarrollo sostenible.

El desarrollo sostenible abarca muchos retos. ¿Cómo podemos mejorar la vida de las personas y conservar nuestros recursos naturales en un mundo con una población cada vez más numerosa y una demanda cada vez mayor de alimentos, agua, vivienda, saneamiento, energía, servicios de salud y seguridad económica? Los países tienen que reexaminar sus modalidades de producción y consumo, comprometerse a fomentar un crecimiento responsable y ecológicamente racional, y a trabajar juntos para ampliar más la cooperación transfronteriza a fin de intercambiar experiencias, tecnología y recursos. Estos cambios pueden y tienen que producirse para que nuestro planeta y su población puedan prosperar.

Todos los sectores de la sociedad tienen un papel que desempeñar para convertir esta visión en realidad. En el Programa 21 se reconoce que las mujeres, los niños y los jóvenes, las poblaciones indígenas, las organizaciones no gubernamentales (ONGs), las autoridades locales, los trabajadores y sus sindicatos, el sector comercial e industrial, la comunidad científica y tecnológica y los campesinos son los grupos principales cuyo aporte y participación es fundamental para obtener buenos resultados en materia de desarrollo sostenible. Cada uno de esos grupos estará trabajando en Johannesburgo con miras a cimentar un futuro en el que se protejan los recursos naturales y en el que la prosperidad y la salud estén al alcance de todos los ciudadanos del mundo.

La Cumbre de Johannesburgo concentrará la atención en transformar los planes en medidas concretas. En la Cumbre se evaluarán los obstáculos que entorpecen el progreso y los resultados alcanzados desde la Cumbre para la Tierra de 1992. La Cumbre brinda la oportunidad de basarse en los conocimientos adquiridos en el último decenio y da un nuevo impulso al compromiso de proporcionar recursos y adoptar medidas concretas para lograr la sostenibilidad.

Algunas cifras para pensar.

--En los últimos cincuenta años muchos países han alcanzado logros económicos sin precedentes. Pero los persistentes problemas en materia de pobreza y desarrollo, agravados por las consecuencias indirectas de la rápida expansión de algunas economías y sociedades, están ejerciendo una enorme presión sobre los recursos humanos y naturales del mundo. Por ejemplo:

--En el planeta viven más de 6.000 millones de personas, cifra que ha crecido en un 140 por ciento en los últimos 50 años. Para 2050, se prevé que la población del planeta ascienda a 9.000 millones de personas.

--Una quinta parte de la población del mundo tiene que sobrevivir con menos de un dólar al día.

--Cerca de 1.100 millones de personas carecen de acceso al agua apta para el consumo. El 10 por ciento de las enfermedades en los países en desarrollo se debe al agua contaminada y al insuficiente abastecimiento de agua.

--La mortalidad infantil es 10 veces más elevada en los países en desarrollo que en el mundo industrializado.

--En 1996, el 25 por ciento de las 4.630 especies de mamíferos y el 11 por ciento de las especies de aves del mundo estaban en peligro considerable de extinción.

 

Adios a Chillida

20/08/2002, Desde el martes, 20 de agosto de 2002, El cuerpo de Eduardo Chillida uno de los mayores genios de la escultura moderna descansa bajo un magnolio, en un recoleto espacio de Chillida Leku, en territorio-museo del artista, en el País Vasco

Adios a Eduardo Chillida

San Sebastián, España, 20 de agosto de 2002.

Desde el martes, 20 de agosto de 2002, El cuerpo de Eduardo Chillida uno de los mayores genios de la escultura moderna descansa bajo un magnolio, en un recoleto espacio de Chillida Leku, en territorio-museo del artista, en el País Vasco.

El silencio, el respeto, la amistad y la música de Bach le dieron un cariñoso adios. La familia del escultor cumplió ayer con la voluntad del artista, enterrando sus cenizas en el lugar de Zabalaga, donde la naturaleza arropa una gran muestra de su obra escultórica.

Chillida tenía 78 años, y murió en su casa de San Sebastián. Escultor y académico honorario de la Real de Bellas Artes de San Fernando, Chillida ha recibido los premios más prestigiosos del mundo y es uno de los artistas vascos más importantes de la segunda mitad de sigloXX. En su obra están impresos no sólo un profundo conocimiento del espacio y la forma, sino también del espíritu con el que inspiró toda su obra. “En todas las esculturas, el tiempo está presente si hay un ser vivo que las mira. En una escultura, el tiempo es añadido”, dijo en una ocasión señalando su obra

Según una crónica de Isabel M. Pita, Eduardo Chillida Juantegui nació en una tierra proclive al refinamiento y a la belleza, como es la capital de Guipúzcoa, San Sebastián, el 10 de enero de 1924; y en el seno de una familia de claras inclinaciones artísticas. Tercer hijo de Pedro Chillida y la soprano Carmen Juantegui, realizó el bachillerato en el colegio de los Marianistas y en la academia de Malax-Echeverría.

Ser jugador de fútbol fue la primera vocación de Eduardo Chillida y con ese propósito, a los dieciocho años, debutó como guardameta de la Real Sociedad, actividad que se vio obligado a abandonar a causa de una lesión producida en un encuentro celebrado en Valladolid.

“La portería es el lugar tridimensional del campo, es donde ocurren todos los fenómenos complejos del fútbol, cosas que tienen que ver con la geometría: por ejemplo, todas las salidas del portero en busca del que viene son para hacer más pequeña la portería; o lo del penalti, yo tenía la astucia de colocarme desplazado del centro y paraba penaltis por eso. Hay mucha gente que no sabe que a mí quisieron ficharme el Barcelona y el Real Madrid, ya lesionado, con cinco operaciones en la rodilla, pero mi padre se opuso. Tuve suerte, si no, ahora sería entrenador”, dijo en una ocasión.

En 1943 se trasladó a Madrid. Se dedica al dibujo y se acostumbra a practicar esta actividad con la mano izquierda para que "su mano fuera un instrumento al servicio de todo lo demás", según sus palabras.

Escultor de vocación tardía, Chillida realizó su primera obra: “un jinete arcaizante”, en 1948. Es en esa época cuando comienza a tallar torsos en bloques de yeso, influido por las esculturas del arte griego arcaico. En trabajos posteriores utilizó ya la fragua, el hierro, granito, madera, hormigón, tierra, alabastro y acero.

Durante dos años (1948-1950) residió en Francia y allí expuso por primera vez -un torso- en el Salón Mayo de París en 1949 y al año siguiente participó en la exposición "Les mains éblouies" de la galería Maeght.

En 1950 regresa al País Vasco, donde se casa, el 28 de julio, con Pilar Belzunce, a la que conoció cuando ambos eran muy jóvenes. Fue en la baranda de La Concha cuando la vió, tenían quince años, y Eduardo Chillida pensó para sí: “Mi mujer”. Contaba Pilar que ya entonces, aunque Eduardo ni lo supiera, su novio nunca llevaba dinero en el bolsillo: “Me invitaba al cine, llegábamos a la taquilla y resulta que no podía pagar, no entendía qué era el dinero”.

El matrimonio tiene ocho hijos: Guiomar, Pedro, Ignacio, Carmen, Susana, María, Luis y Eduardo y 23 nietos. Tras su vuelta a España, el artista, junto a su esposa, se instala en Hernani, donde comienza a colaborar con el herrero José Cruz Iturbe con quien realiza su primera obra abstracta en hierro "Ilarik", 1951, que significa “Piedra funeraria” en euskera.

Más tarde, la pareja se instalaría definitivamente en su ciudad natal, en Intzx Enea, situada en el Monte Igueldo, junto a la Bahía de La Concha de San Sebastián, una casa sobre roca de mar, situada encima de su escultura “El Peine de los Vientos” (1977).

Durante diez años trabajó en hierro, incluidas las puertas de la basílica de Aranzazu (1954) y hacia 1960 volvió a las grandes esculturas de granito. Su primera exposición la presentó en Madrid en 1954 en la galería Clan y, rápidamente se sucedieron trabajos y éxitos.

Entre los reconocimientos obtenidos destacan, en el año 54, el premio Kandinsky concedido en 1960 por parte de Nina Kandisnsky; en 1981 fue condecorado en Madrid con la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y en 1983 fue nombrado académico de la Royal Academy of Arts de Londres. Ese año, el Gobierno francés le concedió el Prix National des Beaux Arts pour la Sculpture y en Estrasburgo recibió el Premio Europa. En 1987 recibió el Premio Príncipe de Asturias. y en 1988 fue condecorado en Bonn con la Orden para el Mérito de la Ciencia y la Cultura.

Galardonado además, con el Anillo Imperial de la ciudad de Goslar (Alemania), sus obras se encuentran repartidas por América y Europa. Ciudades como San Sebastián, Vitoria, Madrid, París, Dusseldorf, Houston o Washington tienen alguna de sus creaciones.

Reconocido nacional e internacionalmente, lo más florido de su obra (57 esculturas) se expuso en 1980 en una gran muestra antológica en el Palacio de Cristal del Retiro de Madrid, y en diciembre de 1984 recibió, en París, el Premio Nacional Francés de Escultura, siendo la primera vez que esta distinción recaía en un español.

“Chillida leku” y “tindaya”, sus grandes sueños.

En junio de 2000 Bilbao homenajeaba al artista vasco dando su nombre a una plaza en la que se ha instalado su obra "Lugar de encuentros IV". Dos meses más tarde, los reyes de España, don Juan Carlos y doña Sofía, inauguraron en la localidad guipuzcoana de Hernani el Museo "Chillida Leku", en un acto al que asistieron, entre otros, el presidente del gobierno, José María Aznar, el canciller alemán Gerhard Schroeder y el lehendakari vasco, Juan José Ibarretxe.

El museo al aire libre "Chillida Leku" se encuentra en el término municipal de Hernani, a diez kilómetros de San Sebastián, en un viejo caserío del siglo XVI llamado Zabalaga que la familia adquirió en 1982 para que el artista pudiera presentar de forma permanente al público su obra.

Después de ver cumplido así el sueño de tener un museo al aire libre, el escultor esperaba ver materializado su otro deseo escultural: horadar artísticamente la montaña de Tindaya, en Fuerteventura.

El proyecto, aprobado en octubre de 1998 por el Gobierno de las Islas Canarias, y cuestionado por sectores ecologistas y políticos de la isla, consiste en la excavación en el interior de la montaña de un cubo de 40 metros de lado y una galería de acceso de 16 por 16 metros de sección y una longitud aproximada de 100 metros con pozos de iluminación y ventilación.

Mientras, el artista vasco continuaba divulgando su obra. En marzo de 2001 vio cumplido otro de sus aspiraciones al exponer junto a su hijo pequeño, el pintor Eduardo Chillida Belzunce, en Madrid, la muestra conjunta titulada "Relevos".

Recientemente, en enero de 2002, el Museo Wilhelm Lehmbruck de Duisburg (noroeste de Alemania), acogió una muestra de 141 obras del insigne donostiarra bajo el título de "El espacio es un misterio". El artista es muy querido por el público alemán, sobre todo desde que una de sus obras, titulada "Berlín" y símbolo de la reunificación germana, se ubicó en la entrada de la Cancillería en Berlín.

Pensamiento y obra del artista.

En un primer período de su vida artística, Chillida centra su obra en esculturas metálicas, las puertas de la basílica de Aránzazu son de esta época, para más tarde utilizar el granito como material para su obra. Al mismo tiempo realiza una labor prolífica en dibujos y grabados, generalmente relacionados con el mundo de la literatura.

Su concepción de la escultura está íntimamente relacionada con el espacio, un espacio al que concede atributos simbólicos y materiales, un entorno en el que el artista talla y transfigura la idea en obra de granito o acero. Buen ejemplo de ellos son los Peines del Viento, en donde tres grandes piezas de acero (de 10 toneladas cada una) se colocan al final del paseo Ondarreta, en pleno acantilado, actuando de verdaderos peines del viento constante de San Sebastián. “En esta y en todas las esculturas, el tiempo está presente si hay un ser vivo que las mira. En una escultura, el tiempo es añadido”, dijo en una ocasión señalando su obra.

La geometría con la que dibuja ese aire y le concede su expresión destila metafísica, no en vano el artista se impregnó de los místicos europeos: Eckhart, Henri Suso, Jacob Bohème, San Francisco de Asís, San Juan de la Cruz, Santa Teresa, de Lao-Tsé, de la poesía de Rimbaud, Baudelaire, Bachelard, René Char, de los poetas Bonnefoy, Octavio Paz, Jorge Guillén, de los románticos como Novalis o filósofos: Bergson, Heidegger y sobre todo uno de sus grandes maestros ha sido Juan Sebastián Bach.

“Bach y la mar son mis maestros, nunca diferentes, pero nunca iguales”. Un gran músico y uno de los cuatro elementos de la naturaleza para inspirar la labor creativa de un inmenso artista, que nunca dejó de ser humilde ni de preocuparse por los designios humanos y divinos. No en vano, en su concepción del arte, Eduardo Chillida nos dejó no sólo una frase bien dicha sino el pensamiento trascendente de un hombre que dedicó su vida a explorar los estados inalcanzables del ser humano:

“El arte está ligado a lo que no está hecho, a lo que todavía no se crea. Es algo que está fuera de ti, que está más adelante y tienes que buscarlo. Soy un hombre que trata de hacer lo que no sabe hacer”.

 

El mundo visigótico

20/08/2002, En Sevilla, León y Cartagena(Murcia) se está presentando, en el curso del año 2002, una excelente muestra para conocer el profundo medievo, especialmente visigótico. Se trata de una exposición organizada en torno a la figura de San Isidoro


En Sevilla, León y Cartagena(Murcia) se está presentando, en el curso del año 2002, una excelente muestra para conocer el profundo medievo, especialmente visigótico. Se trata de una exposición organizada en torno a la figura de San Isidoro.

Cuando en el año 476 de nuestra era, Odoacro, un jefe bárbaro, depuso al último emperador romano de Occidente, surgió un periodo de crisis, una edad oscura, en la que se empezaron a gestar las naciones de la Europa medieval. Pero en medio de la incertidumbre pervivió el saber y el arte, merced a algunos focos culturales y a algunos sabios, como San Isidoro de Sevilla.

Hace 1400 años, San Isidoro era la luminaria que, desde Sevilla, irradiaba una influencia cultural y religiosa a todo occidente europeo. Ahora, una exposición recorre varias ciudades de España, evocando su magisterio y reflejando el arte y la cultura de aquel tiempo, uno de los periodos menos conocidos de la historia de Europa.

EL PROFUNDO MEDIEVO.

Para todo el occidente europeo, el periodo romano fue un referente de cultura y relativo bienestar; referente perdido por las sucesivas invasiones de hordas bárbaras que se lanzaron sobre el imperio, animadas por el brillo de lujo de la civilización. Luego vino una “edad oscura” que no acabó sino con la llegada del Renacimiento, que no quería ser otra cosa que un intento de reposición de los modos culturales clásicos de la vieja civilización arrasada.

La oscuridad cultural quedó atenuada por la supervivencia de ciertos focos culturales, básicamente en Bizancio y algunos puntos de Italia y España, y al amparo de una Iglesia que luego llevó progresivamente sus conocimientos hacia el interior y norte de Europa.

En medio de esta larga y difícil etapa, pervivió en parte la inspiración romana, aderezada con un vivo arcaísmo, fruto del empobrecimiento técnico y de otras circunstancias culturales y económicas.

Los hombres del Renacimiento soñaban con superar definitivamente esa etapa (la Edad Media) y restaurar la luz del pasado. Petrarca era uno de los que esperaba el nuevo amanecer: “Ese sueño de olvido no durará siempre. Cuando se desvanezca la oscuridad, nuestros descendientes verán de nuevo el puro resplandor(romano)”.

LA FIGURA DE ISIDORO DE SEVILLA.

Uno de esos hombres-clave del saber medieval fue Isidoro de Sevilla. En el siglo VI desplegaba ya una increíble actividad intelectual. Desde su sede episcopal desarrolló un magisterio que alcanzó recónditos lugares de la Europa medieval.

Nacido entre el año 560 y el 570 de nuestra era, Isidoro fue el menor de cuatro hermanos, con Leandro, Fulgencio y Florentina. Su padre era hispano-romano y su madre de origen visigodo, lo que hizo de él un modelo de la simbiosis cultural que produjo en Hispania tras las invasiones bárbaras.

Isidoro fue obispo metropolitano de Sevilla (sucedió a su hermano Leandro en la sede hispalense). Su magisterio fue seguido en todos los monasterios de la Alta Edad Media, y ya en el siglo X se le consideraba “Doctor Hispaniae”.

Sus obras, que abarcan todas las facetas del saber por aquella época, se copiaron con la misma profusión que la Biblia. Sus Etimologías llegaron a contar con 10.000 códices distribuidos en las principales bibliotecas medievales. En las Etimologías, Isidoro presenta un compendio gigante del saber de toda la antigüedad pagana y cristiana hasta el siglo VII. Escribe la obra a petición de su gran amigo San Braulio obispo de Zaragoza. Abarca los temas de Dios, el hombre, las artes liberales, medicina, apicultura, etc. También trató en otras obras de asuntos históricos o teológicos.

San Isidoro es una muestra de la pervivencia de la cultura romana en la nueva Hispania dominada por los bárbaros, una Hispania que aún seguía haciendo edificios abovedados, técnica que sólo se practicaba ya en el ámbito bizantino.

Los restos de San Isidoro descansan en León, en la colegiata de su mismo nombre desde 1063, traídos desde Sevilla por los reyes leoneses.

UNA MUESTRA PARA REVIVIR UN TIEMPO.

En torno a San Isidoro y su magisterio se ha organizado una muestra en la que se rememora la cultura y el arte de aquel periodo del medievo.

Ya estuvo la muestra en Sevilla, ahora está en la magnífica Colegiata-Basílica de San Isidoro, de León; luego viajará a Cartagena, Murcia. “San Isidoro, Doctor Hispaniae”, sirve de homenaje a la figura de ese santo, con motivo del 1.400 aniversario de su ordenación como arzobispo de Sevilla. Los lugares donde se presenta son precisos: Sevilla, donde impartió doctrina; León, donde descansan sus restos, y Cartagena, Murcia, donde parece que pudo nacer.

La exposición es el fruto de la colaboración entre el Cabildo Colegial de San Isidoro, Caja Duero, las fundaciones de El Monte de Sevilla y Caja Murcia, el Ministerio español de Educación y Cultura y la Universidad de Sevilla. En la fase leonesa también ha intervenido la Colegiata-Basílica de San Isidoro, poseedora de riquisimas y excepcionales piezas medievales.

La muestra ha sido estructurada en tres partes: “San Isidoro, el hombre y su tiempo” recoge testimonios de su vida y aborda aspectos de la cultura visigoda; “San Isidoro el sabio” se refiere a su actividad intelectual, que se refleja en valiosos manuscritos de sus obras, procedentes de la Biblioteca Nacional y la Real Academia de la Historia, así como en elementos de culto y decorativos de iglesias y monasterios; por último, “El legado de San Isidoro” plasma el impacto que su obra y personalidad han tenido en la cultura occidental, con piezas procedentes de la Real Colegiata de San Isidoro: la urna en la que se trasladaron a León sus reliquias, el pendón de Baeza, etc.

El argumento permite un recorrido en el que los visitantes pueden contemplar desde sencillas inscripciones visigóticas en piedra de pizarra, a humildes obras de barro cocido o magníficos tesoros votivos. Elementos arquitectónicos, manuscritos, capiteles, urnas, cálices y estatuas dan una visión de la vida y cultura de la época, y del impacto isidoriano en León y Sevilla.

Es una buena ocasión para contemplar piezas del Tesoro de la Colegiata, como el arca de las reliquias del santo, el pendón de Baeza, el cáliz de doña Urraca, la Biblia Visigótico-Mozárabe y la arqueta de esmaltes de Limoges, junto con el Tesoro de Guarrazar con la Corona de Recesvinto y el Tesoro de Torredonjimeno.

Se trata de un total de 100 piezas seleccionadas, que proceden de Córdoba, El Escorial, León, el Museo de Mérida, el Arqueológico Nacional, la catedral de Sevilla, la propia colegiata de León, etc. El comisario de la exposición es Julián González, catedrático de Filología Latina de la Universidad de Sevilla, y el director del montaje, Gerardo Delgado Pérez, arquitecto y Pintor. En la fase leonesa de la exposición también es comisario el Abad de la Colegiata.

La muestra, arropada con ciclos culturales, está teniendo notable éxito. En León, donde la misma debería cerrar el 15 de septiembre, se ha prolongado la permanencia hasta el 30. Luego irá a Cartagena, de octubre a diciembre de 2002. No es extraño ese éxito, porque la misma sirve para alumbrar la figura emblemática de un obispo tenido en consideración en todos los monasterios del medievo, y para rescatar para el público el arte y la cultura de un tiempo de crisis, tan atractivo como escasamente conocido.

 

Obra del IVAM en Europa y América

19/08/2002, El IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) ha prestado durante el año 2002 un total de 756 obras de su colección a centros de Estados Unidos, Inglaterra, Chequia, Francia, Holanda, Alemania, Austria y España

Valencia, España, 18 de agosto de 2002.

El IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) ha prestado durante el año 2002 un total de 756 obras de su colección a centros de Estados Unidos, Inglaterra, Chequia, Francia, Holanda, Alemania, Austria y España.

De esta forma se ha visto obra de la institución valenciana en museos e instituciones de renombre internacional como el MOCA de Los Ángeles, el Philadelphia Museum of Art, El Museo Kampa de Prega, la Kunsthistoriches Museum de Viena, el Museo Cobra de Ámsterdam o el Kunstmuseum Wolfsburg de Alemania entre otros museos extranjeros, y en España a museos como el MNCARS de Madrid, el Museo de Arte Contemporánea de Vigo, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, el CGAC de Compostela, Artium de Vitoria, o la Fundació Tapies de Barcelona.

El objetivo de estos préstamos es que dichas obras formen parte tanto de exposiciones temáticas como monográficas que se desarrollan en estos museos durante la temporada 2002-2003.

Julio González participa con 4 esculturas pertenecientes al IVAM en la exposición "la generación del 14. Novecentismo y vanguardia en las artes plásticas españolas. 1906-1926", Que presentó la Fundación Mapfre Vida en Madrid en el mes de abril. Dichas esculturas, de pequeño y mediano formato, cubren un periodo fundamental de la evolución plástica del artista y reflejan paso del lenguaje del modernismo novecentista a las nuevas tendencias de las vanguardias

Actualmente, El MOCA de Los Ángeles exhibe la escultura de Gilberto Zorio "Letto", prestada por el IVAM, en la exposición "Zero to Infinity: Arte Povera 1962-1972" (9 junio- 6 de octubre). "Letto" de G. Zorio, artista representado en la Colección del IVAM marca un eje referencial clave para la lectura del guión expositivo en la muestra "Zero to Infinity" que a continuación se presentará en el Hirshhorn Museum de Washington durante el mes de octubre. Así mismo varias obras de Richard Hamilton de la colección del IVAM viajarán a Alemania para la muestra"Blast to freeze. British Art in the Age of Extremes" que se inaugurará a mediados de septiembre Kunstmuseum Wolfsburg y también del mismo artista se han prestado obras al Museu Serralves de Oporto para formar parte de la exposición "Richard Hamilton /Dieter Roth: Colaboraciones, Relaciones, Confrontaciones" que se inaugurará el próximo mes de octubre.

Entre las exposiciones que se presentan en territorio español que cuentan con obras del IVAM destacan "Los Ismos de Ramón Gómez de la Serna" del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) de Madrid (4 junio a 25 de agosto de 2002). Con obras cedidas de Klucis, Berka, Zwart, Boris Ignatovich, Duchamp etc. Muestra comisariada por Juan Manuel Bonet y Carlos Pérez que presenta los distintos "ismos" según la peculiar clasificación de los movimientos de las vanguardias artísticas realizada por Gómez de la Serna en las primeras décadas del s. XX. Así mismo el IVAM ha contribuido con el préstamo de sus fondos a la muestra homenaje a Luis Cernuda que se presentó en la Residencia de Estudiantes en mayo de 2002 y viajará a Sevilla a partir del 21 de septiembre, Así como a la muestra de "Robert y Sonia Delaunay" que se presentará en la Fundación Thyssen-Bornemisza en octubre de este año.

La exposición Fotografía en la colección del IVAM con 101 obras ha viajado al el Museo Nicanor Piñole de Gijón durante los meses de enero y marzo de este año y Fotomontaje en la Colección del IVAM, con 92 obras se ha expuesto en el Ayuntamiento de Pamplona durante enero y febrero de 2002. Ambas exposiciones han sido producidas enteramente por el IVAM con obras de sus propios fondos

Durante el año 2002, muchas otras obras de la colección del IVAM han viajado por territorio nacional e internacional representando al museo con artistas como, Barnet Newman, Gerardo Rueda, Josep Renau, Antonio Saura, Equipo Crónica, Helmut Federle, Asger Jorn, Richard Avedon Pere Formiguera, Öyvind Fahlström.

 

Abre la Capilla del Hombre

24/07/2002, En el aniversario 83 del natalicio de Oswaldo Guayasamín, el gran pintor ecuatoriano, la Fundación que lleva su nombre ha dicho que en noviembre próximo se inaugurará la primera fase del proyecto "La Capilla del Hombre"

Quito, Ecuador, junio de 2002. guiarte.com

Coincidiendo con el aniversario 83 del natalicio de Oswaldo Guayasamín, el gran pintor ecuatoriano, la Fundación que lleva su nombre ha dicho que en noviembre próximo se inaugurará la primera fase del proyecto "La Capilla del Hombre".

Oswaldo Guayasamín, uno de los mayores genios de la historia de la pintura americana falleció en 1999 en Baltimore, Estados Unidos. Tal evento frenó su obra monumental iniciada en 1995 y que en la actualidad tratan de finalizar sus hijos con aportaciones de entidades de todo el mundo: “La Capilla del Hombre”.

El conjunto de la Capilla del hombre es un proyecto arquitectónico diseñado por el artista para recoger obras suyas y de otros autores y épocas; levantado sobre un espacio de 16.000 metros cuadrados, de los que estarán construidos unos 10.000. Contará con espacios dedicados al arte precolombino, al de la colonia, al arte contemporáneo y a la arqueología.

En noviembre próximo, según explicaciones de Verenice Guayasamín, hija del artista ecuatoriano, se inaugurará la Capilla del Hombre propiamente dicha, y en una fase posterior, de otros dos años, se podría abordar el resto de la obra, si se llega a un acuerdo con el Banco Central de Ecuador para la obtención de recursos económicos adicionales para este ambicioso proyecto.

El lugar está sobre un cerro con una bella vista sobre la capital ecuatoriana. Allí, donde se ubicaba la casa del pintor, se inició la construcción de un edificio cuadrangular, de dos alturas, La Capilla del Hombre, en el que Guayasamín pretendió evocar el destino de toda América Latina, desde México a la Patagonia, desde la época precolombina representada por las culturas Maya-Quiché, Azteca, Inca, y otras locales hasta nuestros días.

Ese edificio está casi a punto para la inauguración, aunque continúan las obras, según afirmó Verenice Guayasamín. Allí se han ido instalando pinturas y murales realizados por el pintor. En algunos casos, como el gran mural de la cúpula, la obra está inacabada. “La pondremos así, para que se pueda contemplar cómo estaba cuando murió mi padre, y examinar como era su técnica de trabajo, pues el espectador podrá ver desde figuras en boceto a otras finalizadas”.

En la terminación de los trabajos artísticos para la capilla del Hombre se recurrirá también a diversas técnicas entre ellas la proyección visual de bocetos en los lugares donde se pensaba ubicar el trabajo final que no se llevó a cabo por la muerte del pintor.

El pintor falleció en Estados Unidos, el 10 de marzo del 1999, cuando regresaba a su país tras un chequeo médico. Tal evento frenó la obra monumental iniciada en 1995 y que en la actualidad tratan de finalizar sus hijos con aportaciones de entidades de todo el mundo y el apoyo de la UNESCO, que ha hecho una valoración sumamente positiva del proyecto.

La hija de Oswaldo Guayasamín añadió que desde la muerte del pintor, en 1999 no se había registrado un parón en el proyecto (que él pensaba inaugurar en el 2002). Únicamente se ha ralentizado por varias razones: procesos de expropiación de unos terrenos colindantes necesarios para el proyecto, la modificación del trazado de una calle y la aparición de un yacimiento precolombino. Todo esto ha ralentizado el avance, pero también lo ha engrandecido. “Es una maravilla –dijo- tener un espacio físico con trece tumbas de aquella época; es un regalo del cielo”. El yacimiento, que engrandecerá el contenido final del complejo, está siendo investigado por la universidad de La Florida y está en marcha un convenio con el Fonsal(fondo de salvamento, de las riquezas arqueológicas ecuatorianas) para hacer un museo del sitio.

Cuando se acabe el proyecto integral se contará con instalaciones culturales diversas y museos de Arte Precolombino; de Arte de época Colonial; y de Arte Contemporáneo, todo con piezas y obras donadas por Guayasamín. Entre éstas figuran cuantiosos elementos precolombinos, de la época de la colonia y del arte moderno, incluidas obras de grandes autores como Pablo Picasso o Miró.

El pintor y escultor Oswaldo Guayasamín fue una figura predominante de la vanguardia artístico-intelectual de América del Sur. Nació en Quito el 6 de julio de 1919. Hijo de indio y madre mestiza, fue el primero de diez hijos y su nombre en quechua significa "Ave blanca volando".

A los siete años comienza a pintar, vendiendo sus dibujos a los turistas que visitan la ciudad. En 1932, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Quito. En esa época tiene lugar la "Guerra de los cuatro días", en la que mueren numerosas personas. La visión de su mejor amigo, Majarres, muerto en el suelo, le afecta profundamente y le inspira su cuadro titulado "Los niños muertos".

En 1941, y tras haber sido expulsado durante un año, se gradúa en esta Escuela como pintor y escultor. Estudió arquitectura durante cuatro años pero decidió dejar la carrera. Guayasamín asistía a la escuela de pintura en contra de su padre quien lo castigaba ya que creía que el dibujo no servía para nada. Según el propio artista, su padre lo azotaba por lo que desde niño comenzó a sentir el dolor que luego reflejaría en sus cuadros.

En 1942 realiza en Quito su primera exposición, que provoca un gran escándalo, ya que se interpreta como un gesto de rebeldía frente a la muestra oficial de las Escuelas de Bellas Artes. Poco después expone en Guayaquil, donde obtiene un gran éxito. Ese mismo año su cuadro "Retrato de mi hermano" obtiene el primer premio en la exposición-concurso "Mariano Aguilera", realizada en Quito. Nelson Rockefeller, que visita el país, compra varias obras del pintor y le invita a los Estados Unidos; esto le abre las puertas de Nueva York.

Recorre varios Museos y estudia las obras de los maestros de la pintura universal, entre ellos El Greco, Goya y Picasso. Posteriormente visita México, donde conoce al pintor José Clemente Orozco, con el que trabaja durante algún tiempo.

En 1943 conoce al poeta chileno Pablo Neruda, con el que entabla una fuerte amistad. Un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. Durante este viaje, que dura dos años, realiza más de tres mil dibujos, que utiliza luego para su serie "Huacaynan" ("El camino del llanto"), que empieza a pintar en 1948. Esta serie consta de ciento tres cuadros y está dividida en tres partes: temas indios, temas mestizos y temas negros. Con ella quiere mostrar al mundo la conjunción de grupos humanos que integran la América Latina y el drama de esos pueblos. Este trabajo lo expuso en 1952.

En 1948 es galardonado con el primer premio en el Salón Nacional de Acuarelistas y Dibujantes, realizado en Quito. También ese año pinta, al fresco, un mural para la casa de la cultura ecuatoriana sobre el tema de la conquista española. En 1954 realiza otro mural, en mosaico de cristal de Venecia, para la fachada del Centro Bolívar, de Caracas, y un año después expone su "Camino del llanto" en la Unión Panamericana de Washington.

En 1955 viaja por primera vez a España, con ocasión de la celebración en Barcelona de la III Bienal Hispano Americana de Arte, en la que expone treinta cuadros y en la que su tríptico "El ataúd blanco" es galardonado con el primer premio de pintura. En 1957 obtiene también el premio al mejor pintor de Sudamérica en la Bienal de Sao Paulo (Brasil).

En 1958 realiza dos grandes murales. Uno para el Palacio del Gobierno de Quito, titulado "El descubrimiento del Río Amazonas", y el otro, "Historia del hombre y la cultura", para la Universidad Central del Ecuador; junto a este último coloca también una gran escultura titulada "Prometeo". En 1960 viaja a Cuba para pintar a Fidel Castro y realiza una serie de cuadros, "Los mártires", inspirada en los horrores cometidos durante el Gobierno de Batista, que incluye, luego en su gran serie "Edad de la ira". Ese mismo año es galardonado con el Gran Premio de la Segunda Bienal de Pintura, Escultura y Grabado de México. Asimismo, en 1960 visita China, la Unión Soviética y Checoslovaquia, junto con otros pintores y escultores ecuatorianos.

En 1961 comienza a pintar "La edad de la ira", realizando unos 250 cuadros sobre la base de más de cinco mil dibujos. Para hacerla, viaja por todo el mundo visitando, entre otros sitios, campos de concentración y la ciudad de Hiroshima. En ella Guayasamín quiso reflejar la crueldad y la injusticia del tiempo que le ha tocado vivir. Dos años después es detenido en Ecuador por la Dictadura Militar.

En 1971 es elegido presidente de la Casa de Cultura ecuatoriana e inicia un programa de difusión cultural entre el pueblo. Ese mismo año, realiza el monumento escultórico "La Patria Joven", en conmemoración del 150 aniversario de la Independencia de Guayaquil. Durante los años 1972 y 1973 expone en España y en Francia. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que Guayasamín concibe el arte como un patrimonio de los pueblos. En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.

En 1980 es elegido presidente de la reunión constituyente de la Asociación Latinoamericana de Derechos Humanos y en 1981 participa en el encuentro de intelectuales por la soberanía de los pueblos latinoamericanos, celebrada en La Habana.

En junio de 1982 se inaugura en el aeropuerto de Barajas(Madrid) un mural de 120 metros realizado por Guayasamín. Ese gran mural, realizado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica. En febrero de 1983 expone en España 62 cuadros, pintados en su estudio de Barcelona y fruto de diez meses de trabajo. Esta nueva serie, dedicada en su totalidad a la ternura, constituye un hecho sin precedentes en la obra del pintor. La serie forma parte de su colección "Mientras vivo siempre te recuerdo", dedicada a su madre y a todas las madres del mundo.

Prosiguió visitando, pintando y conociendo gentes destacadas de todo el orbe. Fidel Castro y Guayasamín fueron grandes amigos, el pintor realizó cuatro retratos del líder cubano y dijo que era “ la primera persona de los cientos de retratos que he hecho que no puedo captar de una sola vez".

En agosto de 1988 entrega al Parlamento ecuatoriano de un mural de unos 360 metros cuadrados que quedó instalado en el salón de sesiones de la Cámara. Este mural fue testigo de una gran polémica ya que el autor incluyó en la obra un casco nazi con la inscripción "CIA", que fue considerada por el Gobierno norteamericano como una ofensa.

En 1994, el artista recibió un premio "a toda una vida de trabajo por la paz" de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, UNESCO. Además de dedicarse a la pintura y escultura, diseña joyas, en las líneas de los pre-incaicos y de Mondrian, ilustra libros y participa en foros en defensa de las libertadas y la justicia, mientras sus obras entran en los principales museos de arte contemporáneo.

El artista ecuatoriano fue un gran retratista y en su obra se cuentan más de 600 retratos, 400 de los cuales constituyen un libro que se imprimió en Roma en 1995. Guayasamín decía que no pintaba las caras de las personas sino su espíritu y al realizar su autorretrato para la Galería Uffizi declaró que tuvo miedo de pintarse a sí mismo y que fue un trabajo muy angustioso.

Falleció sin cumplir su mayor sueño, la culminación de la Capilla del Hombre, el monumental museo que tenía previsto inaugurar en el año 2002 y al cual había dedicado sus últimos años de vida.

Dejó así inconclusa una de las obras arquitectónicas que según la UNESCO sería el acontecimiento cultural más importante de nuestros tiempos. En “La capilla del Hombre”, Guayasamín tenía proyectado contar la historia de Latinoamérica desde el origen de los indios, sus costumbres y tradiciones, pasando por los sufrimientos de la conquista hasta llegar a nuestros días. Pese a trabajar de 12 a 14 horas en los murales que se exhibirían en el museo, dejó pintado sólo un 25 por ciento de la obra, un 20 por ciento quedó en bocetos y el resto diseñado.

El proyecto obtuvo el patrocinio de varios gobiernos sudaméricanos y el mismo Guayasamín había organizado subastas y hasta un concierto, que se realizó en Quito y al que asistieron varios de sus amigos cantantes como: Mercedes Sosa, Joaquín Sabina, Alberto Cortez, Silvio Rodríguez, Piero y Luis Eduardo Aute.

Después de su muerte se han realizado subastas de sus cuadros y otros eventos para recaudar fondos para la culminación del proyecto. Las obras del maestro Guayasamín, nombrado después de su muerte como el “pintor de América”, en la IX cumbre de jefes de estados latinoamericanos, fueron declaradas patrimonio cultural por el parlamento ecuatoriano.

Guayasamín, considerado uno de los pintores más importantes del siglo XX decía haber vivido en uno de los peores siglos de la humanidad y por eso reflejaba el sufrimiento en sus cuadros, no creía en Dios y su mayor preocupación eran los niños. Divorciado en tres ocasiones, fue padre de siete hijos, que trabajaban con él en la Fundación Guayasamín.

 

Atractivos veraniegos de El Prado

18/07/2002, El museo del Prado ha presentado una atractiva oferta veraniega. Además de las muestras de la Sala Reservada y la Tauromaquia de Goya, ha sacado a la luz, temporalmente, nuevos tesoros de sus fondos


El museo del Prado ha presentado una atractiva oferta veraniega. Además de las muestras de la Sala Reservada y la Tauromaquia de Goya, ha sacado a la luz, temporalmente, nuevos tesoros de sus fondos.

De este modo, la gran pinacoteca preesentará este verano nuevas colecciones, incluyendo obras de Caravaggio, Gentileschi, Poussin y Claudio de Lorena.

Han sido 36 nuevas las obras que se van a mostrar, principalmente de pintura francesa e italiana, aunque también se amplia la representación expuesta del español Luis de Morales, llamado en su tiempo ‘el Divino’.

El Prado ha mostrado notable dinamismo en los últimos meses. Recientemente ha presentado la bellísima muestra "La Sala Reservada y el Desnudo en el Museo del Prado" y la exposición "Visión crítica de una fiesta", dedicada a la Tauromaquia de Goya y prorrogada hasta el 1 septiembre. Ahora, el público podrá disfrutar de la posibilidad de visitar cuatro ‘nuevas’ salas de carácter monográfico en las que el ha instalado un conjunto sumamente valioso de obras que no estaban expuestas.

El barroco italiano y francés.

Esta instalación supone el regreso a las salas de exposición de la colección de pintura barroca italiana y francesa y, gracias a la misma, se podrán contemplar de nuevo en el Prado obras de autores tan relevantes como Caravaggio y Gentileschi o Poussin y Claudio de Lorena, entre otros.

Los visitantes tendrán ocasión de admirar al David vencedor de Goliat de Caravaggio, al Moisés salvado de las aguas de Gentileschi o El genio de la pintura de Livio Mehus (sala 61b).

Tambien tendrán oportunidad de ver la colección completa de pintura de Poussin que posee el Prado (sala 51a), con obras como El Parnaso o La Bacanal, además de ocho magníficos paisajes de Claudio de Lorena (sala 51b), entre los que se incluye el conocido

Paisaje con el embarco en Ostia de Santa Paula Romana, El entierro de Santa Serapia o El Vado, por ejemplo.

Por otra parte, el Museo ha reinstalado la pintura de Morales ‘el Divino’ incrementando el número de obras expuestas y dedicándole un espacio propio (sala 59), en el que el Prado expone por primera vez juntas las dos espléndidas tablas de La Adoración de los Magos y La Adoración de los pastores, adquiridas con fondos del Legado Villaescusa en 1991 y 1994, respectivamente, y el tríptico de La Piedad entre la Magdalena y San Juan Bautista, adquirida en 1998.

Además, el traslado de las obras de Morales a este nuevo y exclusivo destino ha permitido que la representación de Correa de Vivar se incremente también en cuatro obras.

 

Alerta del WWF

10/07/2002, El nivel de vida y el desarrollo caerán vertiginosamente para 2030, a menos que el hombre deje de utilizar más recursos naturales de lo que pueda reponer el planeta, según un nuevo informe publicado por WWF.


Ginebra, 10 de julio de 2002

El nivel de vida y el desarrollo caerán vertiginosamente para 2030, a menos que el hombre deje de utilizar más recursos naturales de lo que pueda reponer el planeta, según un nuevo informe publicado por WWF, dado a conocer en Ginebra, pocos días antes de la cumbre de Johannesburgo.

El WWF resalta que el consumo de los recursos de la tierra excede la capacidad de producción del planeta. Estamos agotando las existencias de bosques, peces y tierras fértiles.

Los patrones de vida y desarrollo humano comenzarán a caer vertiginosamente para el año 2030 a menos que se dejen de utilizar anualmente más recursos naturales de los que se puede reponer, especialmente por parte de los países más ricos, según el informe del Fondo Mundial para la Naturaleza.

El estudio señala que la sobreexplotación de los recursos naturales está generando un enorme déficit, ya que cada año se consume un 20 por ciento más de los que se pueden regenerar y ese porcentaje no deja de crecer.

Si esta tendencia no se controla inmediatamente, en el año 2050 los seres humanos consumirán entre el 180 y el 220 por ciento de la capacidad biológica de la tierra, advirtió en una rueda de prensa el director general del WWF, Claude Martin.

Por ello, los expertos que han elaborado el "Informe 2002 del Planeta Viviente" consideran que a menos que los Gobiernos adopten urgentemente las acciones necesarias, a partir del año 2030 comenzará a declinar el bienestar humano, medido por el promedio de vida, el nivel educacional y el producto económico.

De ahí la importancia de la próxima cumbre sobre desarrollo sostenible que se celebrará en Johannesburgo (Sudáfrica), del 26 de agosto al 4 de septiembre, dijo Martin, que agregó que "la necesidad de conservar los recursos naturales del planeta es evidente para todos, pero cada vez es más difícil tomar decisiones políticas".

"No se puede querer garantizar un nivel de vida aceptable para la mayoría de la población, lo que pasa por el acceso de los más pobres a ingresos decentes, sin mantener al mismo tiempo la integridad de los ecosistemas naturales", agregó el responsable del WWF.

El documento señala que la tierra tiene unas 11.400 millones de hectáreas productivas de tierra y mar, lo que supone que el planeta tiene una capacidad biológica de 1,9 hectáreas para cada una de las 6.000 millones de personas que habitan el planeta.

El consumo medio de recursos naturales es de 2,3 hectáreas por persona y año, es decir, un 20 por ciento más de la capacidad disponible, de acuerdo con el estudio.

Sin embargo, hay grandes diferencias entre las distintas regiones del mundo y así, mientras el promedio del consumo humano es de 1,4 hectáreas por persona en Africa y Asia o de 2,1 en América Latina y el Caribe, se eleva a 5 por cada europeo occidental y a 9,6 por cada norteamericano.

Por países, el mayor consumo corresponde a los Emiratos Arabes Unidos, con 10,13 hectáreas por habitante, seguido de Estados Unidos, con 9,70 y Canadá, con 8,84, mientras que entre los europeos, está a la cabeza Finlandia, con 8,42, y Noruega, con 7,92, frente a las 4,66 de España o las 3,84 de Italia.

En Latinoamérica es Uruguay, con 3,79 hectáreas por personas, el mayor consumidor, seguido de Chile (3,11), Argentina (3,03), México (2,52), Paraguay (2,51), Brasil (2,38), Venezuela (2,34), Costa Rica (1,95), Panamá (1,72), Ecuador (1,54), Nicaragua (1,53), República Dominicana (1,53), Cuba (1,49), Guatemala (1,42), Colombia (1,34), El Salvad (1,19), Perú (1,15) y Bolivia (0,96).

El WWF resalta que para mantener este consumo, que excede la capacidad de producción del planeta, estamos agotando las existencias de bosques, peces y tierras fértiles, además de arrojar a la atmósfera los excesos de dióxido de carbono, pero ninguna de las actividades en esos sectores puede ser sostenible a largo plazo. Al respecto, el informe ofrece también el Indice del Planeta Viviente (IPV), que se basa en las tendencias de las poblaciones de especies de aves, mamíferos, reptiles, anfibios y peces, datos que demuestran claramente que la actual presión del consumo humano no es sostenible.

En los últimos 30 años, el IPV ha disminuido una media del 35 por ciento, con especial incidencia en las 195 especies de agua dulce que habitan en ríos y humedales, que se han reducido en un 54 por ciento, con una grave incidencia en Europa, donde en ese periodo han desaparecido el 90 por ciento de sus terrenos húmedos.

Las 217 especies marinas también están amenazadas, con una disminución media del 35 por ciento, mientras que en las 262 especies forestales, la reducción ha sido del 15 por ciento en el mismo periodo.

Uno de los autores del informe, Jonathan Loh, explicó que los Gobiernos pueden revertir algunas de estas tendencias negativas mediante la aplicación de varias medidas, especialmente la mejora de la eficiencia de la producción de materiales y servicios.

El cambio del uso de combustibles fósiles para la generación de energía a través de la promoción de tecnologías eficientes en su consumo equitativo y sostenible, el control del crecimiento de la población y la protección y restauración de los ecosistemas naturales, son otras de las medidas propuestas por el WWF.

Más información en:
http://www.wwf.es/wwf_adena.php
http://www.wwf.org/

 

Cumbre de Johannesburgo

02/07/2002, Cerca de 1.100 millones de personas carecen de acceso al agua apta para el consumo. El 25 por ciento de las 4.630 especies de mamíferos están en peligro de extinción. Son algunos de los problemas acuciantes para el planeta

Cumbre de Johannesburgo.

Por Artemio Artigas

Rio de Janeiro, 2 de julio de 2002.

Cerca de 1.100 millones de personas carecen de acceso al agua apta para el consumo. El 25 por ciento de las 4.630 especies de mamíferos están en peligro de extinción. Son algunos de los problemas acuciantes para el planeta.

Los amantes de la naturaleza, los que respetan la vida, los que son conscientes de las desigualdades y del deterioro de los ecosistemas... Millones de personas tienen puestas sus esperanzas en que la Cumbre de Johannesburgo sirva para algo.

Encuentro previo en Río

Gobernantes y expertos de todo el mundo insistieron en Rio de Janeiro en que la próxima Cumbre de la Tierra, que se celebrará en Johannesburgo (Suráfrica) este agosto, debe lograr avances en la lucha contra el creciente deterioro ambiental del planeta.

La última reunión preparatoria antes de la próxima Cumbre de Suráfrica se celebró en el tramo final de junio en Río de Janeiro y dejó claro que, pese a las iniciativas internacionales, se ha avanzado poco en la lucha por detener la acelerada destrucción del medio ambiente.

Al término de la cita, el presidente brasileño, Fernando Henrique Cardoso, hizo la entrega simbólica del "espíritu de la Cumbre" a su homólogo surafricano, Thabo Mbeki. Cardoso entregó una especie de escultura redonda, hecha de maderas "certificadas" provenientes de la selva brasileña, recogidas y procesadas sin dañar el ambiente.

El combate a la pobreza y el desarrollo sustentable son los asuntos centrales de la llamada "Cumbre Río+10", la cita de jefes de Estado y de Gobierno que se celebrará en Johannesburgo (Suráfrica) entre el 26 de agosto y el cuatro de septiembre próximos.

Esta nueva "Cumbre de la Tierra" se llevará a cabo una década después de que 103 gobernantes suscribieran en Río de Janeiro la Agenda 21, documento que recogió una serie de propuestas -nunca llevadas a cabo- destinadas a preservar el planeta para las actuales y las futuras generaciones.

Además de Mbeki también estuvo presente en la reunión preparatoria de Río de Janeiro el primer ministro de Suecia, Goram Persson, cuyo país organizó en 1972 una primera reunión de gobernantes preocupados por el futuro del planeta.

En la "Agenda 21", uno de los documentos finales de la Cumbre de Río de Janeiro, los delegados se comprometieron a auspiciar el desarrollo económico emparejado con la protección del ambiente. Cardoso advirtió de que desde 1992 "las dificultades para el desarrollo sustentable y la protección del medio ambiente no disminuyeron".

La lucha contra la pobreza y los cambios climáticos, la necesidad de reforzar la protección de las selvas tropicales, el combate contra el avance de la desertización y la necesidad de tecnologías ambientales saludables siguen siendo prioridades, destacó el presidente brasileño.

El "combate a la pobreza y el desarrollo sustentable" serán los asuntos centrales de la llamada Cumbre Río+10. El "Seminario Internacional de Desarrollo Sustentable" que concluyó en Río reunió, además de Cardoso, Mbeki y Persson, a grupos ecologistas, funcionarios de gobiernos y otros representantes de 54 países.

Persson, en su alocución, destacó que los países pobres necesitan mayor acceso a mercados y financiación internacional. El proceso de globalización debería contribuir al fortalecimiento de la democracia, la defensa de los derechos humanos y un ambiente mejor, dijo. "Lejos de ser un problema, la inversión para el desarrollo abre nuevas oportunidades de inversión y mercados", dijo poniendo el dedo en el aspecto económico de la preservación ambiental.

Mbeki, por su parte, recalcó que la brecha entre los países ricos y los pobres es cada vez mayor, por lo que pidió una alianza para la erradicación de la pobreza y la preservación del medio ambiente. "Necesitamos cambiar este ciclo, esta locura", declaró ante la necesidad de detener el deterioro del planeta y aprovechar "los legados" de la cumbres de Estocolmo, Río de Janeiro y, ahora, de la que viene en Johannesburgo.

Retos y esperanzas

La Cumbre Mundial sobre el Desarrollo Sostenible - reunirá a decenas de miles de participantes, entre ellos Jefes de Estado y de Gobierno, delegados nacionales y dirigentes de organizaciones no gubernamentales (ONGs), del sector empresarial y otros grupos principales. La Cumbre concentrará la atención del mundo en las medidas que deben adoptarse para lograr el desarrollo sostenible.

El desarrollo sostenible abarca muchos retos. ¿Cómo podemos mejorar la vida de las personas y conservar nuestros recursos naturales en un mundo con una población cada vez más numerosa y una demanda cada vez mayor de alimentos, agua, vivienda, saneamiento, energía, servicios de salud y seguridad económica? Los países tienen que reexaminar sus modalidades de producción y consumo, comprometerse a fomentar un crecimiento responsable y ecológicamente racional, y a trabajar juntos para ampliar más la cooperación transfronteriza a fin de intercambiar experiencias, tecnología y recursos. Estos cambios pueden y tienen que producirse para que nuestro planeta y su población puedan prosperar.

Todos los sectores de la sociedad tienen un papel que desempeñar para convertir esta visión en realidad. En el Programa 21 se reconoce que las mujeres, los niños y los jóvenes, las poblaciones indígenas, las organizaciones no gubernamentales (ONGs), las autoridades locales, los trabajadores y sus sindicatos, el sector comercial e industrial, la comunidad científica y tecnológica y los campesinos son los grupos principales cuyo aporte y participación es fundamental para obtener buenos resultados en materia de desarrollo sostenible. Cada uno de esos grupos estará trabajando en Johannesburgo con miras a cimentar un futuro en el que se protejan los recursos naturales y en el que la prosperidad y la salud estén al alcance de todos los ciudadanos del mundo.

La Cumbre de Johannesburgo concentrará la atención en transformar los planes en medidas concretas. En la Cumbre se evaluarán los obstáculos que entorpecen el progreso y los resultados alcanzados desde la Cumbre para la Tierra de 1992. La Cumbre brinda la oportunidad de basarse en los conocimientos adquiridos en el último decenio y da un nuevo impulso al compromiso de proporcionar recursos y adoptar medidas concretas para lograr la sostenibilidad.

Algunas cifras para pensar.

--En los últimos cincuenta años muchos países han alcanzado logros económicos sin precedentes. Pero los persistentes problemas en materia de pobreza y desarrollo, agravados por las consecuencias indirectas de la rápida expansión de algunas economías y sociedades, están ejerciendo una enorme presión sobre los recursos humanos y naturales del mundo. Por ejemplo:

--En el planeta viven más de 6.000 millones de personas, cifra que ha crecido en un 140 por ciento en los últimos 50 años. Para 2050, se prevé que la población del planeta ascienda a 9.000 millones de personas.

--Una quinta parte de la población del mundo tiene que sobrevivir con menos de un dólar al día.

--Cerca de 1.100 millones de personas carecen de acceso al agua apta para el consumo. El 10 por ciento de las enfermedades en los países en desarrollo se debe al agua contaminada y al insuficiente abastecimiento de agua.

--La mortalidad infantil es 10 veces más elevada en los países en desarrollo que en el mundo industrializado.

--En 1996, el 25 por ciento de las 4.630 especies de mamíferos y el 11 por ciento de las especies de aves del mundo estaban en peligro considerable de extinción.

 

Kandinsky en el Guggenheim

01/07/2002, El Guggenheim de Bilbao, abre el verano con dos interesantes exposiciones más: una dedicada a Kandinsky y otra a las fotografías de Wim Wenders



Bilbao, 1 de julio de 2002

El Guggenheim de Bilbao, abre el verano con dos interesantes exposiciones más: una dedicada a Kandinsky y otra a las fotografías de Wim Wenders.

El cineasta Win Wenders es tambien un fotógrafo excepcional, como queda demostrado en la muestra "Win Wenders, Imágenes de la superficie de la tierra", donde está una selección del trabajo fotográfico realizado en los últimos veinte años por el citado director de cine alemán.

En el Guggenheim de Bilbao se exhiben una treintena de fotografías en color de gran tamaño, en su mayor parte paisajes, captadas por Wenders en Estados Unidos, Japón, Galilea y Australia, entre otros lugares.

El cineasta explicó en Bilbao que, después de estar considerado durante mucho tiempo como "un loco que viaja por el mundo con un pesado equipo encima", tuvo ocasión de dar a conocer en 1987 su primer libro de fotografías, "Escrito en el Oeste", una recopilación de las obras de la exposición del mismo título presentada un año antes en el Centro Pompidou, de París.

"La fotografía es para mí una vía de escape, un medio de exploración que te permite captar la esencia de un lugar la primera vez que lo ves, lo que ocurre con frecuencia en los rodajes", dijo.

La exposición recoge desde sus primeras fotografías de "Escrito en el Oeste", pasando por las presentadas en una muestra internacional organizada por el Instituto Goethe, hasta algunas más recientes tomadas en La Habana en 1998, durante el rodaje de "Buena Vista Social Club", o en Israel durante el 2000, explicó el director general de la pinacoteca, Juan Ignacio Vidarte. Esta exposición, de la que es comisario Heiner Bastian, se ha mostrado ya en Berlín en el invierno último y podrá ser visitada hasta el próximo 1 de octubre en Bilbao.

Kandinsky y su tiempo

Kandinsky es uno de los artistas más cruciales de la modernidad, autor de "De lo espiritual en el arte", tratado básico de la actividad pictórica no figurativa. El Guggenheim ha organizado una excelente muestra, ahora en Bilbao, para conocer globalmente al autor y su entorno. Estará abierta hasta enero del 2003.

En el Guggenheim Bilbao se presenta desde el 5 de julio la exposición Kandinsky en su contexto, muestra que examina la obra de Vasily Kandinsky (1866-1944) junto a la de otros autores de su tiempo; con unas 90 obras pertenecientes a la colección de la Solomon R. Guggenheim Foundation.

La muestra incluye a algunos de los grandes maestros de la pintura del siglo XX, como Franz Marc, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Josef Albers, Kazimir Malevich, Joan Miró y el propio Kandinsky.

Al poner de relieve la relación de Kandinsky con sus contemporáneos y con las principales corrientes artísticas de su época, esta exposición intenta mostrar los procesos intelectuales y la evolución creativa de este pionero del arte abstracto.

La exposición Kandinsky en su contexto ha sido posible gracias al apoyo recibido de Bilbao Bizkaia Kutxa, patrocinador de las presentaciones de la Colección Permanente del Museo Guggenheim Bilbao. La muestra forma parte del programa de presentaciones de la Colección Permanente de los Museos Guggenheim. Kandinsky en su contexto ocupa las tres salas clásicas del tercer piso del museo, mostrando cronológicamente la producción artística de Kandinsky en Múnich, Moscú, Berlín, Dessau y París.

El papel de Kandinsky en la colección Solomon R. Guggenheim.

Esta exposición nos muestra también el importante papel que ha tenido Kandinsky en la formación de la colección del Solomon R. Guggenheim Museum, que cuenta con más de 150 obras del artista.

La Solomon R. Guggenheim Foundation se creó en 1937 y dos años más tarde abría sus puertas el Museum of Non-Objective Painting (museo de pintura no-objetiva), que se convertiría en 1959 en el Solomon R. Guggenheim Museum. Fundado por Solomon R. Guggenheim y dirigido por la baronesa alemana Hilla Rebay von Ehrenwiesen, el Guggenheim se dedicó a formar una colección de arte "no-objetivo", término éste que acabaría definiendo la obra de Kandinsky.

Fue el artista Jean Arp el que introdujo a Hilla Rebay en los círculos del arte de vanguardia del momento y quién le regaló un ejemplar del tratado De lo espiritual en el arte (№ber das Geistige in der Kunst), en el que Kandinsky definía las ideas del pintor en torno al color y la abstracción, y que había sido publicado por vez primera en 1911.

Guggenheim y su esposa Irene Rothschild conocieron a Kandinsky en su estudio de Dessau mientras realizaban un viaje por Europa durante la primavera de 1929 en compañía de Hilla Rebay. Allí donde adquirieron la primera obra de Kandinsky del museo, su óleo Composición 8 (Komposition 8), 1923, incluido en esta exposición.

 

El sino trágico de Modigliani

20/06/2002, En Segovia se presenta ahora una importante exposición para conocer la vida y obra de Modigliani y su entorno parisino. Es una muestra que ya pasó por Girona y Murcia

Segovia, 21 de junio de 2002. guiarte.com

En Segovia se presenta ahora una importante exposición para conocer la vida y obra de Modigliani y su entorno parisino. La muestra viajó ya Por Girona y Murcia.

En Torreón de Lozoya de Segovia se presenta la figura de uno de los grandes nombres de la pintura de la primera mitad del siglo XX: Amedeo Modigliani. Pero al lado de los lienzos se palpa el eco de la dramática relación que unió a Modigliani con Jeanne Hébuterne, modelo y compañera, quien se suicidó al día siguiente de morir el autor italiano.

La exposición es valiosa por la obra expuesta, parte de ella aún no mostrada en sala alguna, y porque reúne 200 obras de treinta y nueve artistas, recreando el entorno humano que conoció el pintor en la primera fase del siglo, hasta su prematura muerte. Son óleos, dibujos y grabados de notables artistas, muchos -ventiocho- de Amedeo Modigliani y otros de Dorignac, Picasso, Max Jacob, Kisling, Foujita, Rouault, etc. Recrean el ambiente artístico del París de la primera década del siglo XX y la azarosa relación que Modigliani mantuvo con su modelo Jeanne Hébuterne, de quien se presenta también buena obra artística.

El comisario de "Modigliani y la Escuela de París. Arte, amor y drama" es Christian Parisot, uno de los grandes especialistas en la obra de Modigliani

En la misma se capta una visión insólita y singular de Amedeo-Clemente Modigliani (Liorna, 1884 – París, 1920) en la que recuerda la amistad que el pintor mantuvo con un extenso grupo de artistas procedentes de diferentes puntos de Europa e instalados en el París de la primera década del siglo XX.

Estos artistas, que vivieron primero en Montmatre y después en Montparnasse, formaron la denominada Escuela de París; aunque no representaban en modo alguno una misma tendencia artística: era un colectivo de artistas con acusadas personalidades propias, que compartía el deseo de una vida libre, y plasmaba su visión del mundo con lenguajes plásticos diferentes.

Modigliani ha sido calificado como pintor maldito, por sus rarezas, sus amoríos y su vinculación a las drogas. Su muerte, seguida del suicidio de su última amante, contribuyó a esa leyenda trágica.

Nació en Liorna, Italia, en 1884 y pronto empezó a pintar. También empezó en edad temprana a acusar problemas de salud. Los problemas pulmonares y el aprendizaje le llevaron por numerosos puntos de Italia, entre ellos Florencia y Venecia.

De familia judía, acomodada y culta, pudo conocer bien el arte italiano, viajar y llevar una vida relativamente movida. Fue en Florencia, en 1903, donde se inició, según algunas fuentes, en el ocultismo y la drogadicción.

En París se rodeó de amigos, algunos judíos como él (Max Jacob). Otro compañero, Brancusi, le inició en la escultura. Pero fue en la pintura donde destacó, con sus retratos y bellos desnudos, donde se aprecia un arcaicismo, frecuentemente emparentado con la escultura indígena africana y con el cubismo. Confluyen en sus mujeres las líneas arcaizantes y una cierta melancolía expresiva, cuando no una marcada sensualidad.

La exposición hace especial incidencia en la apasionada y dramática relación que mantuvo Modigliani con Jeanne Hébuterne, compañera suya en sus últimos años de vida, con obras que ilustran detalladamente, el ambiente familiar y artístico que vivió "el pintor maldito". Se presentan en Girona setenta dibujos inéditos de Hébuterne, hasta ahora guardados por su familia.

Según el comisario de la exposición y director del Modigliani Kisling Institut, Christian Parisot, "el objetivo de la muestra es doble: por una parte aportar nuevas luces sobre la vida de Amedeo Modigliani en París, especialmente en los años de residencia en Le Rouche" y por otra parte "incidir en los amigos y los artistas que, de muchas partes de Europa, fueron a París en aquel mágico decenio de los años 10 y que vivieron muy cercanos al artista".

Con relación a los dibujos de Hébuterne, el comisario recalcó que “demuestran, el talento y la sensibilidad de una artista que básicamente fue conocida por su relación con Modigliani". La muestra se va desarrollando a partir de la relación de la pareja con los diferentes artistas, empezando con los que tenían una vinculación más estrecha, como André Hébuterne, hermano de Jeanne; Georges Dorignac, suegro de André; Moïse Kisling, Max Jacob, Pablo Picasso, Juan Gris, Auguste Herbin...

La trágica historia de Modigliani y Jeanne se explican también a través de un gran número de documentos, fotografías, cartas, postales, cuadernos de notas y catálogos procedentes del Modigliani Kisling Institut.

Esta exposición, tuvo un precedente en la presentada en la Fondazione Giorgio Cini de Venecia, aunque cuenta con medio centenar más de obras.

Valencia une arte y moda en Florencia

20/06/2002, Se estrenó “La Divina Comedia” de la Fura dels Baus en la Plaza Pitti de Florencia, con la participación de siete diseñadores valencianos, y los bocetos del peinado de Uiso Alemany

Florencia, 21 de junio de 2002

Se estrenó “La Divina Comedia” de la Fura dels Baus en la Plaza Pitti de Florencia, con la participación de siete diseñadores valencianos, y los bocetos del peinado de Uiso Alemany, constituyendo un gran éxito con una asistencia de más de 25.000 personas.

Este espectáculo, organizado el 19 de junio, está basado en la interrelación del Arte y la Moda, y consiste en una adaptación del que se realizó con motivo de la inauguración de la I Bienal de Valencia, versionando ésta vez la legendaria obra de Dante Alighieri del mismo nombre.

El proyecto presentó en el contexto de la moda en Florencia a siete diseñadores valencianos que “vistieron” a los siete pecados capitales:

Francis Montesinos (ENVIDIA), Alex Vidal (IRA), Juan Andrés Mompó (PEREZA), Hannibal laguna (LUJURIA), Amparo Chordá (GULA), Manuel Fernández (AVARICIA), Presen Rodríguez (SOBERBIA), junto al grupo de estilistas Gabrial Albero que diseñaron el peinado.

Según destacó la Subsecretaria de Promoción Cultural, Consuelo Císcar en la presentación del espectáculo a los medios de comunicación, que tuvo lugar el pasado día 5 de Junio en Milán: “Se destaca en este despliegue de invención creadora, el carácter transgresor de la escenografía y el vestuario, que unidos a un virtuosismo actoral que incluye componentes acrobáticos, y una depurada técnica del mimo, logran gestar un espectáculo emblemático que, por su calidad y valores, sentará un precedente en la práctica teatral contemporánea”.

No sólo la moda valenciana ha sido co-protagonista de un espectáculo a nivel internacional como el que se ha estrenado en Florencia y que se celebró en Valencia el pasado año 2001 con motivo de la celebración de la I Edición de la Bienal de Valencia, titulado “La navaja en el ojo”, en el que los más prestigiosos diseñadores del mundo participaron vistiendo las diferentes escenas alegóricas a los siete pecados capitales, sino que, con anterioridad, también ha compartido ese protagonismo de lenguaje artístico en actividades tan novedosas y exclusivas como fueron las exposiciones de “Arte y Moda” que se exhibieron en Valencia, Italia y Cuba, en las que, ambos lenguajes (el de la moda y el pictórico), en un recorrido por las corrientes pictóricas más relevantes que han discurrido por la historia del Arte valenciano, y donde destacados exponentes de la moda y diseño realizado, actualmente, en la Comunidad Valenciana, tuvieron la oportunidad de desplegar su creatividad realizando una serie de modelos exclusivos a partir de los motivos que les sugirieron determinados cuadros del Museo de Bellas Artes de Valencia, tal y como destacó Consuelo Císcar en su presentación, así como la creación de la Pasarela del Carmen, verdadero icono de la creación y el diseño valenciano que, desde hace cuatro años, viene celebrándose con gran repercusión a nivel nacional e internacional, afianzando su posición como indiscutible plataforma de lanzamiento a la internacionalidad, para un colectivo que, día a día, consolida su imagen y recursos empresariales.

Del mismo modo y, dentro del Festival de la semana de la Moda en Florencia, se celebró en el Classico Italia, un Encuentro de la Subsecretaria de Promoción Cultural de la Generalitat Valenciana, Dña. Consuelo Císcar Casabán, los diseñadores valencianos, los estilistas y el artista valenciano Uiso Alemany con los medios de comunicación, así como la inauguración de la exposición de UISO ALEMANY, “El rostro dislocado” en el Palacio Medici Riccardi, muestra que permanecerá expuesta hasta el próximo día 21 de Julio, de la que la Subsecretaria Dña. Consuelo Císcar destaca que “un ejemplo de la voluntad transgresora que ha servido para diluir la especifidad de los lenguajes artísticos lo hallamos en el trabajo de Uiso Alemany, artista que siempre se ha sentido atraído por las posibilidades que encierra la práctica pictórica en su sentido más estricto como en su vertiente más ampliada”, así como que “la universalidad de su arte podrá ser disfrutada en esta muestra que incluye dibujos y pinturas que ofrecen su maestría no exenta de un humanismo vital, el cual ilustra sus preferencias e inquietudes con una intensidad que le hace autor de un estilo extemporáneo”. Esta exposición ha sido exhibida anteriormente en México (1998), Argentina (1999), Cuba (1999), y en Brasil (2000).

Pérez Carrió. Editada su obra completa.

18/06/2002, En un gran catálogo, editado por Linteo, se acaba de presentar la extensa obra de Ramón Pérez Carrió, pintor y grabador, una de las figuras notables de la plástica española actual


Madrid, 18 de junio de 2002. guiarte.com

En un gran catálogo, editado por Linteo, se acaba de presentar la extensa obra de Ramón Pérez Carrió, pintor y grabador, una de las figuras notables de la plástica española actual

En los cuadros de este pintor se detecta el eco del paso de las civilizaciones; se perciben los mitos milenarios, las palabras de los sofistas, el reverbero de un helenismo que transformó el Mediterráneo en un cauce fecundo para la cultura y la historia.

Nacido cerca del mar, en Alicante, en 1960, Ramón Pérez Carrió, pintor y grabador, está llamado a ser una de las figuras de la plástica española en el siglo XXI. Su extensa y variada obra acaba de ser recopilada en un gran catálogo por Editorial Linteo, presentado en el marco de una exposición sobre el artista, en el Museo de la Ciudad de Madrid.

Una vida dedicada al arte.

Pérez Carrió estudió Biológicas y Filosofía en la universidad de Valencia, obteniendo una Diplomatura de Estudios Avanzados por su investigación “Metáforas de aproximación a la idea de laberinto”.

Fue miembro fundados del grupo De Reüll, en 1991, y participó en distintos proyectos artísticos en el entorno valenciano. Dedicado plenamente a las artes plásticas, desde 1982 ha expuesto en numerosos puntos de España, Francia, Italia, Holanda, México, Chile, etc.

Trabajador e investigador de diversos materiales, entre sus últimas creaciones exitosas está la colección de los "Libros de plomo".

El pintor se inspiró en unos libros que los moriscos granadinos realizaron hace siglos, con objeto de cambiar en el siglo XVI el sentido de la tradición cristiana de la evangelización, libros que se incautaron y acabaron en el Vaticano.

Los "Libros de plomo" originales fueron realizados por los moriscos para desviar la atención de sus enemigos cristianos, simulando el descubrimiento de los volúmenes en una cueva del sur de España junto a restos humanos pertenecientes supuestamente a los primeros peregrinos que, siglos antes, habían llegaron a la Península procedentes de Tierra Santa. Los textos atribuían a San Andrés, y a un grupo de discípulos árabes, la cristianización de la Hispania romana, sustituyendo en la leyenda al apóstol Santiago.

Esa vieja historia le ha servido al pintor para elaborar sus propios “Libros de plomo”, en torno –mas que a una historia- a una filosofía platónica, creando un universo surgido a la raíz de un imaginario hallazgo en la “cueva de los Burros” de su lugar natal.

La obra ha sido expuesta en multitud de lugares y ha sido distinguida en algunos certámenes, como art-Ibiza 99.

Encerrados en rústicas cajas de madera, los conjunto de planchas son realmente ricos, encerrando diversos trabajos, con cristales, virutas de acero, plantas, etc., e integrándolo todo con escritura, una de los elementos constantes en la obra del artista alicantino.

Al lado de los libros, expone una curiosa galería de personajes en cuadros dobles, un retrato y un paisaje. Los personajes son gentes como Rilke, Hölderlink, Nietzsche, San Juan o María Zambrano; retratos que son como el horizonte de un montaje donde libros y autores integran un homenaje a la escritura.

Helenismo en el siglo XXI

Pero sobre toda la muestra late el espíritu helénico, bebido en las aguas mediterráneas, que lamen todo un espacio que siempre fue foco de cultura.

La obra plástica de Pérez Carrió ha guardado siempre una estrecha relación con la literatura, la poesía y la mística. Dioses, mitos, paisajes llenos de belleza, nos remiten permanentemente a un mundo de hace más de 2.000 años, donde surgió la filosofía y la forma occidental de pensamiento; aunque ello no sea òbice para que al lado del ángel aparezca un estilizado aeroplano: dos formas de interpretar el mismo papel, el de la comunicación y el vuelo.

Hay un permanente espacio cargado de arquitecturas –hasta en el vacío- y de personajes con sabor a Dios, héroe o filósofo, en los que late el Pérez Carrió estudioso de filosofía, de laberintos y utopías. Y hasta en su obra hay un permanente elemento técnico que nos recuerda las pinturas de Grecia y Roma, y ésto se consigue en gran medida por la técnica encáustica, basada en ceras calientes, utilizada antaño en Grecia y Roma y perdida prácticamente hasta época moderna.

La obra completa.

Toda la obra del pintor y grabador ha quedado por primera vez recopilada en el catálogo "Obra 1986-2002", que Ediciones Linteo presentó recientemente. Son más de 300 páginas, con 750 imágenes que comentan especialistas del pensamiento y de las artes como el poeta Antonio Colinas -para quien el artista alicantino hizo una edición especial de su libro "Sepulcro en Tarquinia"- y los filósofos Francisco Jarauta e Ignacio Gómez de Liaño, entre otros.

"La figura", "Arquitecturas y paisajes", "Bicentenario de Antonio Gilabert", "Palimpsestos", Papeles reciclados", Encáustica y simbolismo", "Libros de plomo" y "El grabado y la palabra: el libro", son las etapas creativas en que se divide el catálogo de este artista.

Como grabador, Pérez Carrió ha ilustrado libros para las editoriales Lanuza y Pre-Textos -en este segundo caso, las ediciones de bibliófilo con que la Fundación Max Aub premia a los ganadores de su premio literario internacional- y proyecto completamente suyo fueron las ediciones artesanales -desde la portada hasta la encuadernación- de "Tres lecciones de penumbra", del desaparecido José Angel Valente, y del ya citado poemario de Colinas.

En definitiva, toda una obra trascendente, ambiciosa y variada, de esas que el tiempo va consolidando, …aunque sin prisas.

 

Sisley, cantor de la naturaleza

08/06/2002, El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid presenta una magnífica retrospectiva del pintor anglofrancés Alfred Sisley, en el que muestra el lirismo y la luminosidad de su obra. Está abierta esta muestra hasta el 15 de septiembre

Sisley: visión poética

Madrid, 8 de junio de 2002. Por Artemio Artigas

El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid presenta una magnífica retrospectiva del pintor anglofrancés Alfred Sisley, en el que muestra el lirismo y la luminosidad de su obra. Está abierta esta muestra hasta el 15 de septiembre.

Alfred Sisley es el poeta del impresionismo, un pintor poco conocido para la calidad que posee, y que está siendo reivindicado con una magnífica muestra en la que han colaborado el Museo Thyssen Bornemisza, de Madrid; el de Bellas Artes de Lyon, y el Palazzo dei Diamanti de Ferrara.

Son 72 obras maestras -entres las que se halla lo mejor del pintor- pertenecientes a 54 propietarios de Europa y América, principalmente; una extraordinaria retrospectiva que ya ha sido presentada en Italia, donde 150.000 personas quedaron encantadas de la exposición, según declaraciones del centro Palazzo del Diamanti (Ferrara Arte)

Ahora, la muestra estará desde este mes de junio al l5 de septiembre en Madrid, y pasará luego a Lyon, del 9 de octubre al 6 de enero.

Son comisarias de la muestra Mary Anne Stevens, de la Royal Academy of Arts de Londres, y Ann Dumas, historiadora del arte y especialista en el XIX francés.

Sisley

Hijo de padres británicos, Sisley nació en París en 1839 y se formó en la capital británica, donde se interesó por las pinturas de Turner y –sobre todo- Constable. Vuelto a Francia estudió pintura y -siguiendo la moda que surgía en aquellos días- empezó a trasladarse a los bosques de Fontainebleau.. aunque su obra tiene una diferencia notable respecto a la escuela de Barbizon: su percepción de la atmósfera y de la luz. La guerra francoprusiana le puso en dificultades económicas en el 1871, por quiebra del negocio de la familia, pero pudo seguir pintando en el entorno de Francia, y más tarde en Inglaterra. Siguió mudando de residencia y país varias veces más, antes de fallecer en Moret-sur-Loing (Francia), en 1899.

Sisley tiene una talla artística muy elevada, que sin duda no se ha destacado más por desconocimiento general; un desconocimiento que en parte debe a su discreción y a la muerte relativamente temprana.

Cantor de la naturaleza.

Ésta es la primera retrospectiva que se celebra en España sobre el pintor francés de origen británico y en ella se hace un completo recorrido su trayectoria artística, en un auténtico paseo geográfico por los escenarios que visitó y pintó a lo largo de su vida.

Menos conocido que el resto de los miembros del grupo, Monet, Renoir, Pissarro o Degas, está considerado, sin embargo, como el representante de la pureza esencial del impresionismo, a cuyos principios originales se mantuvo fiel durante toda su carrera. Ello se aprecia en obras como "Calle en el pueblo de Marlotte", de 1866, o "La iglesia de Moret", pintada casi treinta años después (1894).

"Alfred Sisley. Poeta del Impresionismo", pretende redescubrir al artista en el contexto de los pintores impresionistas, pero también como uno de los grandes paisajistas de la historia del arte. Asímismo se quiere profundizar en algunos aspectos poco conocidos pero no menos importantes para valorar su obra, como su conexión con la pintura romántica británica o los años finales de su carrera, de 1880 a 1899, etapa hasta ahora analizada muy superficialmente.

El cielo.

El propio Sisley escribió: ¿Hay algo más impresionante y movido que lo que suele producirse en verano, me refiero al cielo azul son sus hermosas nubes blancas errantes?. ¡Qué movimiento, qué ritmo! ¿Verdad? Produce el mismo efecto que las olas cuando navegas; te excita, te arrastra. Otro cielo, más tarde, el del anochecer. Sus nubes se alargan, adoptan a veces la forma de estelas, de remolinos que parecen inmovilizados en medio del aire, y poco a poco se disuelven, absorbidos por el sol poniente"

Sisley vio las nubes y el agua, y la escarcha. Tal vez el Sisley más impresionante está a partir de los años setenta, cuando pinta paisajes de Marly-le-Roy. Los entornos nevados, los campos de árboles desnudos y surcos llenos de escarcha. y sobre todo las inundaciones de Port-Marly, cargadas de un prodigio de luminosidad.

Mary Ann Stevens, una de las comisarias de la muestra, afirma que "No hay duda de que Sisley se dio cuenta del papel estructural que el cielo podía desempeñar en el paisaje. "Empiezo siempre el cuadro por el cielo", escribió el pintor en una de sus cartas". Es una técnica completamente distinta a las de Monet, Renoir o Pisarro, que lo hacían desde el primer térmico para llegar al fondo del cuadro.

Ann Dumas, la otra comisaria de la muestra destaca su vinculación a Constable: ambos eligieron un reducido territorio de observación, en el que abundaban los paisajes fluviales, y rurales, esclusas, molínos, dársenas, etc. y ambos sacaron belleza de un terruño porque lo conocían a fondo .y lo amaban.

El Guggenheim analiza el París del siglo XX

01/06/2002, París, capital de las artes 1900-1968 es el título de una buena exposición que presenta el Guggenheim de Bilbao, hasta el 3 de septiembre de 2002

París, capital de las artes 1900-1968 es el título de una buena exposición que organiza el Guggenheim de Bilbao, hasta el 3 de septiembre de 2002.

El auge y la decadencia de Paris en el siglo XX como centro mundial del arte moderno, queda patente en la extraordinaria muestra organizada por The Royal Academy of the Arts de Londres

Recorre cronológicamente las obras de algunos de los artistas más representativos del siglo XX, haciéndose eco de los acontecimientos políticos que se vivieron entre 1900 y 1968 en París, la ciudad que fue primero punto de encuentro de artistas e intelectuales y luego mantuvo un plano artístico destacado aunque menos relevante, tras los días dramáticos de la guerra mundial.

Figuras emblemáticas francesas como Matisse, Braque o Duchamp y numerosos extranjeros como Picasso, Kandinsky, Mondrian, Brancusi, Joyce, Hemingway, Beckett, Brecht, Stranvisky y Buñuel, dieron brillo a este periodo, aunque a partir de los años cuarenta la dirección política, económica y artística pasó allende el Atlántico, básicamente en dirección a Nueva York.

Uno de los aspectos recogidos en la exposición es el progresivo desplazamiento de los centros creativos por los barrios parisinos: desde Montmartre, cuna del cubismo, a Montparnasse, escenario de la bohemia de los años veinte y del surrealismo, hasta Saint-Germain-des-Prés, núcleo del existencialismo, y finalmente al Barrio Latino, territorio de las revueltas del 98.

Durante el tránsito de los siglos XIX y XX, París ocupó una relativa capitalidad de las artes de vanguardia. La ciudad se creó su propio mito de urbe bella, romántica, y punto de encuentro para quienes buscaban libertades e inspiración.

París: capital de las artes, 1900 –1968, reúne más de 250 obras. Es la crónica del papel de París como centro artístico e intelectual durante las siete primeras décadas del siglo XX, y está comisariada por Ann Dumas, Norman Rosenthal y Sarah Wilson. La exposición tiene un contenido cronológico.

Montmartre: crisol de la vanguardia, 1900 –1918

El encanto de Montmartre procedía de su carácter de territorio límite y rural, conocido también por sus cabarets y clubes nocturnos. En Montmartre, Pablo Picasso y Georges Braque destrozarían las estructuras perspectivas tradicionales del arte occidental y superarían las visiones cromáticas de los impresionistas, creando el cubismo, un estilo que desarrolló una ingente vitalidad tanto en pintura como escultura.

Pablo Picasso, recién llegado de Barcelona, atrajo a un círculo artistas y escritores de talento, muchos de ellos hispanos, conocidos como la "bande à Picasso". Él vivía en el Bateau-Lavoir, una antigua fábrica de pianos en ruinas que albergaba un laberinto de estudios. Allí, en 1907, pintó “Las señoritas de Avignon”, pieza base del cubismo y del reaprovechamiento del arte africano. Braque y otros quedaron atónitos ante esta poderosa obra que supuso el punto de inflexión en el arte moderno y abrió el camino al desarrollo del cubismo.

Por su parte los fauvistas, cuya obra está más vinculada al Midí francés y a las playas de L’Estaque y Collioure, también frecuentaron Montmatre.

Montparnasse: ciudadela del placer, 1919 –1939

Pero en los años veinte, Montparnasse reemplazó a Montmartre como centro de creatividad artística parisina. Artistas de todo el mundo establecían sus estudios en el barrio.

Coincidió con el retorno a una pintura más figurativa como el clásico y retrato que hizo Picasso a su esposa de entonces, Olga Koklova. Este retorno a la pintura más tradicional queda patente en las pinturas del tema clásico del desnudo femenino. Las atenuadas formas italianizantes de las sensuales figuras de Modigliani son buen ejemplo de ello.

Es también el tiempo en que llegan a París los dadaístas. El dadaísmo, fundado en Zurich en 1915, floreció también aquí durante algunos años de la década de los 20. Tras la I Guerra Mundial, los artistas expresaron su desprecio por los valores morales de la generación anterior satirizando irreverentemente los conceptos establecidos. Un ejemplo paradigmático es la “Mona Lisa” de Duchamp, que añade bigote y barba a este icono de los grandes maestros de las colecciones del Louvre.

Durante la década de 1930, una creciente oleada de fascismo amenazaba con engullir a toda Europa. El arte comenzó a reflejar premoniciones del horror que se desataría en la Guerra Civil española en 1936 y posteriormente en la II Guerra Mundial en 1939. En este contexto, los surrealistas –hijos de los dadaístas- fueron los primeros artistas en asimilar los principios de Sigmund Freud, desde la interpretación de los sueños hasta la sexualidad y su represión. Sus objetos fetichistas, su culto al absurdo a la sorpresa provocaban deleite e indignación por igual. Dalí es un ejemplo.

Saint-Germain-des-Prés: 1940 –1957

La guerra mundial fue determinante del hundimiento de la primacía de París. Muchos artistas abandonaron la ciudad: René Magritte, André Masson, Max Ernst, André Breton, Piet Mondrian y Marc Chagall se fueron a Estados Unidos. Pensadores y escritores existencialistas encabezados por el filósofo Sartre, se reunían en los cafés de Saint-Germain.

El arte de esta época revela las privaciones que sufrieron los parisinos durante la ocupación. Los "retratos" de Jean Dubuffet, unas salvajes figuras pintadas con un estilo deliberadamente "primitivo", capturan la atmósfera de aquella época y evidencian su afinidad con el art brut, creaciones de locos y artistas sin formación. En el género de la naturaleza muerta, los alimentos racionados, delineados con un pesado negro, expresan la austeridad de aquellos tiempos.

Los “memento mori” ilustrados con la calavera refuerzan la atmósfera sombría en la obra de artistas como Braque y Bernard Buffet. Las figuras de Giacometti evocan un mundo inhóspito y sin sentido. Entre los testimonios más emotivos de aquellos años se encuentra la serie “Rehenes” de Fautrier, testigo de las atrocidades de la época.

Las pinturas abstractas del artista alemán Wols, superviviente de los campos de prisioneros franceses, también sugieren el dolor. Las vanguardias no están ya en París, aunque hay movimiento. A finales de la década, se funda en París el grupo COBRA (COpenhague, BRuselas, Amsterdam). Sus miembros buscaban liberarse de las tradiciones surrealista y de la Escuela de París. En su tratamiento expresionista y en el uso de colores violentos, buscaban el regreso a Van Gogh, Munch y Ensor, así como al arte infantil y folclórico. También éstos fueron los años del retorno de algunos surrealistas.

En este camino decadente, de pérdida de la universalidad y la hegemonía, un sentimiento de identidad nacional caracterizó a los "jóvenes pintores de la tradición francesa", grupo que hacía hincapié en la historia y el patriotismo. Yves Klein trató de renovar la pintura francesa. Inventó y patentó su propio color, el International Klein Blue (IKB) en el que el elemento aglutinante se evapora permaneciendo únicamente el efecto visual del pigmento puro. Dirigió “performances” en las que modelos desnudas se impregnaban en pintura azul y después presionaban sus cuerpos contra los lienzos. Germaine Richier y César emplearon en sus esculturas el oro y el bronce para evocar una dimensión espiritual y un sentido de esplendor que contrastaba con el desánimo terrenal de la escultura existencialista de los primeros años de la posguerra. El op art y el arte cinético continuaron desarrollándose.

El Barrio Latino: arte y barricadas, 1958 –1968

Las obras realizadas en el París de los años sesenta reflejan los turbulentos acontecimientos políticos del momento. Son los días de la guerra de Argelia y la conciencia de la decadencia, disimulada a veces por “grandeur” política.

París mismo se convertiría en escenario del drama político en 1968. La sociedad francesa parecía pasiva, inerme, en los años sesenta. El descontento alcanzó a las universidades que protagonizaron las revueltas de mayo del 68. El país se paralizó mientras en la capital la policía armada sofocaba los disturbios en unas calles repletas de barricadas, especialmente en el Barrio Latino junto a la Sorbona.

Mientras que para muchos artistas franceses de los años sesenta la prioridad era el compromiso político, otros reinventaron el concepto del “readymade” de Duchamp en su búsqueda por realizar arte a partir de objetos reales cotidianos.

Gaudí para jóvenes

30/05/2002, En este 150 aniversario del nacimiento de Gaudí proliferan en España las actividades culturales en su honor. Algunas, aparentemente sencillas y de bajo presupuesto, aportan arte y creatividad. Entre ellas figura la edición de un libro educativo.

Gaudí, para jóvenes

Por Artemio Artigas

Barcelona-León-Astorga, mayo de 2002. guiarte.com

En este 150 aniversario del nacimiento de Gaudí proliferan en España las actividades culturales en su honor. Algunas, aparentemente sencillas y de bajo presupuesto, aportan originalidad, arte y creatividad. Entre ellas figura la edición del libro educativo: Gaudí para jóvenes.

"Arquitecto es el artista que sabe transformar la materia en espacio. El arquitecto crea casas, templos, sepulcros, palacios, moradas donde el hombre vive y muere. Los buenos arquitectos se han preocupado siempre de la firmeza de sus edificios, pues el hombre busca la seguridad de su cobijo cotidiano. Para ello, a lo largo de la historia, han ido perfeccionando las técnicas constructivas: pilares, columnas, muros, arcos bóvedas…."

Así comienza el este libro de pequeño formato, editado por la Fundación Vela Zanetti, en el que se insertan unas magníficas series pictóricas realizadas para el mismo por los artistas Benito Escarpizo y Sendo, dos pintores de León, provincia española que alberga dos de los notables monumentos del gran arquitecto catalán. Los textos son de Fernando Huerta Alcalde, doctor en Historia de Arte, docente y escritor en esta materia.

En palabras sencillas y en medio de láminas de bellísimo colorido, el texto recorre la vida de Antonio Gaudí i Cornet, nacido en Reus, Tarragona, en 1852, y su trayectoria creativa en la que mantuvo una permanente ligazón con la naturaleza y la actividad artesana.

"Dentro del enorme proceso de búsqueda que emprendió la arquitectura de los siglos XIX y XX, Gaudí empezó a seguir un camino original en el modernismo europeo. Comenzó a inspirarse en la naturaleza: las superficies rugosas de las montañas para los muros de sus construcciones; las hojas de las plantas para la forja de sus rejas; los dibujos de las flores para la cerámica en trencadis (trozos de azulejos a modo de collage) que recubre los paramentos; los troncos cimbreados de los árboles para las columnas inclinadas de sus templos; la curvatura de las ramas para sus arcos de catenaria; las oquedades de las cuevas para los interiores de sus edificios, los montículos del relieve para las azoteas de sus casas".

El libro dedica especial referencia a los monumentos leoneses del arquitecto catalán, pero destaca el valor del templo inacabado de la Sagrada Familia de Barcelona: "No se podía construir un templo como los del pasado, y así surge desde la mente mística de Gaudí el Templo de la Sagrada Familia, la catedral de la época industrial, de la burguesía y el proletariado, milagro formal en el ensanche de Barcelona. Su docena y media de torres asomarán algún día al mar que vio nacer y crecer las tres religiones reveladas".

El bello texto educativo termina –no podía ser de otra forma- con ejercicios en los que se encomienda la búsqueda de información sobre la "Renaixença catalana"; sobre la historia de la iglesia; los edificios históricos, y las corrientes artísticas del momento de tránsito de los siglos XIX y XX. Y como punto final, los ejercicios de creación plástica: dibujos de los edificios gaudinianos; realización de fotografías de los mismos y elaboración de un cómic con la historia del arquitecto.

Todo Gaudí, Patrimonio Mundial

En medio de la vorágine de celebraciones del aniversario, representantes del Gobierno de España y de varias comunidades autónomas han iniciado el expediente para solicitar que toda la obra del arquitecto pase a ser Patrimonio Mundial de la UNESCO.

En una reunión, celebrada en Barcelona, se ha diseñado el documento para el Comité Internacional de la UNESCO, con el objeto de que sea estudiado en la convocatoria de 2003.

La Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO ya incluye actualmente tres obras de Gaudí desde 1984: la casa Milá, más conocida como La Pedrera, el Parque Güell, y el Palacio Güell, todos en Barcelona.

De prosperar el expediente que se redacta ahora, se incorporaría el resto de edificios de Gaudí en Barcelona: Casa Vicens, Casa Calvet, Torre Figueres o Bellesguard, portal y valla de la finca Miralles, pabellones de la finca Güell, Colegio de las Teresianas, casa Batlló y Sagrada Familia, así como otros monumentos gaudinianos en Cataluña como la Cooperativa Obrera de Mataró y la Cripta de la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló.

En el resto de España hay otros tres edificios de Gaudí, que también se incluirían: El Capricho, en Comillas (Cantabria), la Casa Botines de León, el Palacio Episcopal de Astorga(León).

Exposiciones.

En Barcelona, la Fundación Miró muestra desde fin de mayo una exposición de la serie de grabados que Joan Miró dedicó al arquitecto Antonio Gaudí. En la misma, se pueden contemplar cuatro grandes fotografías de obras de Gaudí de las muchas que hizo Joaquim Gomis (1902-1991), amigo y colaborador de Miró, que fue uno de los primeros creadores españoles en utilizar un lenguaje moderno en la fotografía y al que la Fundación dedica una amplia retrospectiva.

Cuando en los años 50, Miró y el ceramista Josep Llorens Artigas recibieron el encargo de los murales de la UNESCO de París, buscaron la inspiración en el arte prehistórico y en el arte románico, pero también en la arquitectura de Gaudí.

Gaudí se convirtió para Miró en una fuente de referencia, sobre todo cuando se enfrenta a la cerámica. A mediados de los años setenta, en reconocimiento a esa influencia, Miró decidió rendir un homenaje al arquitecto con una serie integrada por 21 grabados de diferentes formatos, que ahora se muestran.

En León también se abrió el 20 de mayo la exposición "De Gaudí a Tapies", con un fondo de 105 obras pertenecientes a 33 creadores catalanes. La Casa de Botines, de Gaudí, alberga esta muestra que constituye uno de los actos centrales del programa "León Gaudí 2002".

La obra de Gaudí, Joan Miró, Juli González, Antonio Tapies y Pablo Picasso, entre otros, está presente en esta exposición, que muestra cómo los diferentes artistas catalanes tenían relación entre sí.

Esta exposición, que patrocina Caja España, es una muestra itinerante. Ha recorrido desde 1996 ciudades de Estados Unidos, Egipto, Hungría, Canadá, Bélgica, España y Siria. Después de estar en León irá a La Laguna (Isla de Tenerife).

Sin Santuarios Balleneros

25/05/2002, En Tokio se ha celebrado la reunión anual de la Comisión Ballenera Internacional (CBI) que ha rechazado la creación de santuarios balleneros en aguas del océano Atlántico Sur y del Pacífico Sur

No hubo santuarios de ballenas

Por Artemio Artigas

Tokio, 25 de mayo de 2002

En Tokio se ha celebrado del 20 al 24 de mayo la reunión anual de la Comisión Ballenera Internacional (CBI) que ha rechazado la creación de santuarios balleneros en aguas del océano Atlántico Sur y del Pacífico Sur. La CBI, fundada a raíz de una convención de 1946, está integrada por 42 países, 35 de ellos con derecho a voto, y tiene como misión regular y proteger a los cetáceos.

La propuesta brasileña para establecer un santuario en el Atlántico Sur logró una mayoría simple con 23 votos favorables y 18 en contra, pero quedó muy alejada de la mayoría cualificada de tres cuartos de los 48 votos que convertirían en vinculante la decisión. La idea de crear un santuario de ballenas en el Atlántico Sur, desde las costas occidentales de Africa a las orientales de Sudamérica y hasta el santuario del océano Antártico, fue planteada el año pasado por Brasil en la asamblea general de Londres, pero no fue votada.

También fue rechazada la creación de otro santuario en el Pacífico Sur que, de manera similar a la propuesta brasileña, no consiguió la mayoría cualificada. La Comisión acordó, sin embargo, mantener los dos únicos espacios de protección para las 12 especies de grandes cetáceos, el del océano Antártico, que fue creado en 1994 en la reunión de Puerto Vallarta (México), y el del océano Indico, situado entre Australia y la costa oriental de África y creado en 1979, ambos de altisimo interés por ser zonas de cría

Desánimo conservacionista.

"Lamentamos que los votos de los países comprados por Japón durante los últimos años hayan impedido que las poblaciones de ballenas del Hemisferio Sur gocen de una mayor protección", afirmó un responsable de la Campaña de Ballenas de Greenpeace.

Los votos en contra de Antigua y Barbuda, Benin, Dominica, Granada, Guinea, Mongolia, Palau, Panamá, Kitts&Nevis, Santa Lucía o las Islas Salomón, identificados por Greenpeace como países cuyo voto Japón ha conseguido a cambio de fondos de ayuda al desarrollo, han resultado decisivos.

Las propuestas de nuevos santuarios cuentan con el firme apoyo de la industria de observación de ballenas de diferentes países, un buen ejemplo de que es posible un aprovechamiento de las poblaciones de ballenas más rentable que su caza a la vez que compatible con su conservación efectiva.

"Una vuelta a la caza comercial de ballenas como la que intentan Japón y Noruega es una amenaza para la única industria sostenible basada en las poblaciones de cetáceos, la industria de observación de ballenas", declaró Sebastián Losada, de Greenpeace. Ésta industria –dijo- está presente actualmente en 87 países y genera beneficios por valor de 1000 millones de dólares anuales. En Japón esta industria mueve a unos 100.000 turistas japoneses cada año y está experimentando un gran crecimiento. En Islandia, otro país partidario de la caza de ballenas, los ingresos de esta industria son más elevados que los que corresponderían a su antigua flota ballenera en caso de reanudar la caza comercial.

Brasil lamentó tambien el rechazo de la Comisión Internacional Ballenera a la creación de un nuevo santuario de protección de cetáceos en el Atlántico Sur. Ministerio de Medio Ambiente de Brasil emitió una nota en la que ratificó sus intenciones de "seguir defendiendo la creación del Santuario del Atlántico Sur, ahora con entusiasmo redoblado".

Alerta ante el declive de los cetáceos

El Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF) alertó pocos días antes de la reunión de Tokio sobre los riesgos que pesan sobre las grandes ballenas. "Casi un cuarto de las 80 especies de cetáceos (ballenas y delfines), incluida más de la mitad de las grandes ballenas, están clasificadas como en peligro o vulnerables", indicó un comunicado divulgado por el WWF en su sede de Gland (Suiza).

Precisó que las ballenas corren el riesgo de "chocar con barcos, resultar atrapadas en las redes de pesca o sufrir una contaminación tóxica" además de los "efectos de los cambios climáticos y la degradación del hábitat".

El WWF recordó los efectos devastadores de la caza de ballenas y subrayó que pese a que la mayoría de especies están actualmente protegidas, serán necesarias varias décadas para poder recuperar niveles satisfactorios y evitar su desaparición.

Dieciocho países miembros de la CBI, entre ellos Brasil, Chile, España, México y Perú, han criticado recientemente a Japón por intentar ampliar unilateralmente su programa científico ballenero y querer capturar más cetáceos

 

Brumes et rosées. Antoine Chintreuil

25/05/2002, Cet été le Musée de Brou, Rhône-Alpes, France, présente une exposition sur le peintre paysagiste Antoine Chintreuil (1814-1873) qui n’a pas fait l’objet d’exposition monographique depuis 1973

Bourg-en-Bresse, Rhône-Alpes, France

Cet été le Musée de Brou présente une exposition sur le peintre paysagiste Antoine Chintreuil (1814-1873) qui n’a pas fait l’objet d’exposition monographique depuis 1973. Grâce à une cinquantaine d’œuvres provenant essentiellement de collections publiques françaises (musée d’Orsay, musées des villes d’Arras, Dijon, Lille, Montpellier, Pont-de-Vaux, Troyes, Valence…), l’évolution du peintre sera retracée depuis les petites études de terrain sec et ocre à Igny jusqu’aux grands formats des années 1860-1873 où le paysage vaporeux se fait prétexte à la recherche de l’infini et sollicite l’imaginaire du spectateur.

Dans l’histoire du paysage du XIXe siècle, Antoine Chintreuil demeure une figure singulière. Le choix du titre de ses peintures (Les ruines au soleil couchant, Le soleil chasse le brouillard, Le lever de l’aurore après une nuit d’orage, Les vapeurs du soir, Brumes matinales) et l’attention portée aux effets atmosphériques résultant de l’apparition ou la disparition de la lumière du jour, témoignent de cette sensibilité qui amena son ami Champfleury, éminent critique artistique, à le nommer le peintre des "brumes et rosées".

Cet artiste né à Pont-de-Vaux dans l’Ain et encore largement méconnu, appartient à la génération d’artistes qui s’engage, entre 1840 et 1860, dans la voie ouverte par Corot pour représenter une nature baignée de vapeurs atmosphériques. Il peint en plein air des paysages imprégnés de douce mélancolie. Son œuvre se caractérise par une sensibilité proche de l’Ecole de Barbizon, inspirée des paysagistes hollandais du XVIIe siècle, et étape artistique essentielle avant l’impressionnisme.

Arrivé à Paris à 22 ans en 1838, Chintreuil est invité à faire partie, malgré son caractère introverti et réservé, au groupe des "Buveurs d’eau", qui rassemblait de très jeunes artistes bohèmes, écrivains, peintres, sculpteurs ou encore journalistes. Grâce à cette émulation fructueuse et à sa rencontre avec Corot en 1843, Chintreuil se lance dans la peinture et sur les conseils subtils et progressifs de ce premier, dans la peinture de paysage. Pendant cette première période, il esquisse ses paysages à Montmartre et dans les environs de Paris. Dans ses premières représentations, Chintreuil privilégie les terres ocre, les broussailles, les arbres se détachant sur des ciels gris orageux, et développe une technique sans empâtement où les plans et les éléments naturels sont simplifiés. Dès lors, il décide de peindre essentiellement sur le motif et d’en tirer les sujets de ses tableaux.

En 1850, il part à Igny (Essonne) où il retrouve des artistes tels Camille Corot ou Odilon Redon. Chintreuil rencontre alors Daubigny avec lequel il partage une conception similaire d’appréhender le sujet et de décliner les effets lumineux, conception pouvant être qualifiée de "pré-impressionniste". Son goût pour les verts tendres et veloutés, les gris délicats et les bleus célestes se révèle alors. Dans la vallée de la Bièvre, Chintreuil peint de longues heures à l’orée du jour ou de la nuit, dans les prés humides où il capte la lumière de ces instants précieux. Il effectue également des séjours sur la Manche d’où il ramène quelques marines.

Malgré les premiers succès au Salon de 1850, et les expositions successives en France les années suivantes, c’est en 1863 que se produit un changement dans sa carrière. Ses œuvres sont en effet refusées par le jury du Salon de cette année-là, tout comme celles de nombreux artistes. Il prend alors la tête du comité des refusés et fait créer un salon parallèle où il expose aux côtés de Corot, Manet, Cézanne et Pissarro. Les nombreuses critiques qui en découlent permettent de valoriser le travail de ces artistes.

D’un point de vue pictural, Chintreuil prend alors beaucoup plus d’assurance que précédemment, ses formats augmentent, sa technique se fait plus large et plus libre, sa maîtrise de la représentation de la nature est plus importante. Sa gamme de couleurs s’étend et s’intensifie, devient plus audacieuse (Le soleil chasse le brouillard), notamment pour l’étude des couchers de soleil dont il cherche à découvrir toutes les nuances (Les vapeurs du soir). L’étendue, l’espace, deviennent des motifs de prédilection, comme dans Pluie et soleil, souvenir des plaines de l’Artois. Il affirme également sa volonté de rendre la vibration de la nature et ses atmosphères vaporeuses.

Finalement, Chintreuil s’éloigne peu à peu du naturalisme et révèle une sensibilité picturale préparant à l’impressionnisme et au symbolisme. Chintreuil a refusé le côté pittoresque ou anecdotique du sujet paysagé, il n’a pas imité ou pastiché l’œuvre de Corot, mais a su dépasser son esthétique et entreprendre une démarche personnelle pour appréhender la relation entre la nature et la peinture. L’héritage du maître se ressent par contre dans la recherche d’un équilibre et d’un certain réalisme, décrivant la nature pour elle-même, et dans un lyrisme profond et original.

Informations pratiques

Lieu

Musée de Brou, Monastère royal de Brou, 63 bd de Brou, 01000 Bourg-en-Bresse tel : 04.74.22.83.83 - fax : 04.74.24.76.70 - email : brou@monuments-france.fr

Dates 21 juin - 22 septembre 2002

Commissaire de l’exposition

Sylvie Carlier

 

Adela Calatayud: luz mediterránea

21/05/2002, En la galería de la Fundación CajaMurcia, en Madrid, se ha presentado un excelente conjunto de óleos de la pintora Adela Calatayud, de pinceladas valientes, sueltas y luminosas, de tradición mediterránea.

En Madrid, en la galería de la Fundación CajaMurcia, se ha presentado un excelente conjunto de óleos de la pintora valenciana Adela Calatayud, de pinceladas valientes, sueltas y luminosas.

En Adela Calatayud vuelve a salir el Sorolla que buena parte de los pintores valencianos llevan dentro. Son cuadros de pequeño formato, la mayoría, y principalmente paisajes de sabor mediterráneo.

En el catálogo de la muestra, el crítico Rogelio Blanco define sus trabajos como “poseedores del encantamiento que refleja la dimensión onírica de sus paisajes. Son paisajes autónomos y límpidos de color, cargados de luz y de azul, de claridad y de alegría, de vida y de visión: paraísos rebosantes de esplendor y ajenos a lo sórdido”.

El paisaje para esta creadora valenciana hace soñar con el verde y el mar, pero no un mar cualquiera, sino el Mediterráneo; trae a Sorolla, nos recuerda su poderosa pintura y su cegadora luz, la que funde el mar y la tierra, la que deslumbra, donde toda la atmósfera envolvente se hace luz y aire, cuarzos suspendidos, cal silenciosa, donde se respiran calor y color.

Los cuadros de Adela Calatayud hacen recordar a quien los contempla la tradición luminosa valenciana, que tiene en Sorolla a su emblema. Hace ahora cien años, Joaquín Sorolla y Bastida era tal vez el pintor más cotizado de su tiempo. Él desarrolló su propia vía impresionista: el luminismo, una vía que sigue teniendo cultivadores.

En el inicio del XX, Joaquín Sorolla, a punto de entrar en los cuarenta años, inició la etapa culminante de su carrera, dejando en sus lienzos una personalísima huella de la luz de su tierra, Valencia, y de su mar, el Mediterráneo.

Pintores de la Luz

Siempre ha habido pintores mediterráneos españoles que han captado de forma magnífica la luz: Fortuny, Rusiñoll, Anglada Camarasa, etc. Muchos de ellos son catalanes o mallorquines, pero junto a ellos destacaron los valencianos.

Valencia tiene una intensidad lumínica especial. Es una tierra de clima relativamente seco, aunque de especial plasticidad por sus verdes rotundos, conseguidos por una sabia tradición –muy árabe- en la utilización de los riegos. A la claridad lumínica se añaden los intensos blancos, y los azules de mar y cielo.

Es la luminosidad la característica que anima los paisajes y escenas de la vida y costumbre valencianas, porque allí, como escribió Celaya, “La luz es el pulso que golpea a las tinieblas”.

Ya en Valencia, Sorolla conoció en su juventud el “plenairismo”. En la escuela de Bellas Artes de San Carlos se sabía de las actividades de la escuela francesa de Barbizon, y se instauró la pintura al aire libre. Más adelante, el pintor practicaría con otro plenairista valenciano, Ignacio Pinazo.

En realidad, se puede decir que en esta época, desde Valencia se contribuyó a la renovación pictórica española, con una magnífica pléyade de artistas expertos a la hora de captar la luminosidad de un instante, merced a una de ejecución rápida, virtuosismo y vivacidad.

Pensionados para seguir estudios en Roma o París, los valencianos realizaron grandes formatos para responder a las demandas de concursos e instituciones, y pequeños para satisfacer a una burguesía creciente que amaba el vitalismo lumínico de sus paisajes, y sus tradicionales costumbres.

Seguidores y rupturistas

Tras Sorolla, vinculados a la Asociación Artística Valenciana, surgieron numerosos seguidores: Urios, Soler, Manaut, Barreira, Belenguer, Blat, Cuñat, Fabregat… fieles a esa tradición. El sorollismo valenciano iniciaría un declive allá por los años treinta, con artistas renovadores como Josep Renau, y ,sobre todo, a partir de los cincuenta, desde el Grupo Parpalló en adelante, cuando la plástica inicia en el territorio una nueva y vigorosa modernidad.

Pero la veta sorollista siguió y sigue saliendo con numerosos artistas: Peris Aragó, Juan Reus, Peris Panach, Conrrado Meseguer, Eustaquio Segrelles, Sanchís Cortés, Fermín Alegre, etc. Ahora mismo, en Madrid, en la galería de la Fundación CajaMurcia, se nos hace rememorar la tradición, con la muestra de Adela Calatayud.

Medio siglo de escultura española

20/05/2002, Tras el baldío cultural de la mitad del siglo XX, la escultura española ha tenido en la segunda mitad del siglo un renacimiento esperanzador. Ibercaja, presenta una muestra excelente en Zaragoza.

Zaragoza, 20 de mayo de 2001. guiarte.com

Tras el baldío cultural de la mitad del siglo XX, debido básicamente a la trágica Guerra Civil Española y la represión y exilios subsiguientes, la escultura española ha tenido en la segunda mitad del siglo XX un renacimiento esperanzador. Muestra de Ibercaja

Oteiza, Chillida, Juan Muñoz, Miquel Navarro… son nombres que ocupan actualmente puestos destacados en el panorama escultórico internacional; son una parte de la pléyade artística que surgió en España tras el paréntesis doloroso de la Guerra Civil y la represión franquista.

Ibercaja, una de las notables instituciones financieras españolas, acaba de presentar una magnífica muestra que sirve para hacer este análisis: “Viaje al espacio. 50 años de escultura española”, que se presenta en Zaragoza hasta final de junio de 2002.

Tradición histórica.

Aún sin haber llegado a la gloria alcanzada por los pintores, España ha disfrutado de una tradicional calidad en materia de escultores. En campos del interior, aún se pueden ver esculturas graníticas de la prehistoria, como los verracos graníticos de Celtiberia. Del medievo también hay esculturas maravillosas. Lo más célebre del románico es sin duda el conjunto del Pórtico de la Gloria, del maestro Mateo, en Santiago de Compostela, aunque por todo el país abunda la estatuaria de calidad. Maestros góticos y renacentistas también alcanzaron altísima calidad, con nombre como Juan de Juni o Becerra. Y el siglo XVII fue espectacular.

Tras un periodo de menos brillo, los inicios del XX son también prometedores. El propio Picasso hace en Mora de Ebro su primera escultura cubista: Cabeza de Fernande; y junto a él hubo otras altísimas figuras, como Ferrant, Dalí, Miró, Pablo Gargallo y –en especial- Julio González.

Luego, en el fin de la década de los años 40 (1936-39) se produjo la dramática guerra civil, causante de mortandades, exilios y represión, y el terreno fértil se tornó baldío… un territorio más empeñado en la supervivencia que en la creatividad.

Renacimiento.

El renacimiento se produjo desde distintos focos. Del territorio vasco surgieron las voces de Oteiza y Chillida, cargadas de renovación y contenido cultural vasco; del entorno mediterráneo surgieron gentes con propuestas entroncadas con los mil aires que se ciernen por el territorio, desde Tapies a Sempere, Manolo Valdés, Navarro o Barceló…

Pero son muchos más los nombres destacados: Juan Muñoz, Chirino, Antonio López, Pablo Serrano, Francisco Leiro, etc. El crecimiento de unas nuevas vanguardias artísticas de calidad es una dinámica que ha afectado a todo el país, y que se ha reforzado con distintos acontecimientos artísticos, feriales(ARCO) e incluso con el impulso a los centros de arte moderno originados por los gobiernos regionales en las dos últimas décadas.

El reconocimiento internacional a estos artistas es permanente. En estos momentos, por ejemplo, Miquel Navarro –por citar a uno de estos artistas- expone en la galería Marlborough de Nueva York sus trabajos en los que diseña el caos de sus propias ciudades, directamente relacionados con las imágenes del 11 de septiembre.

“50 años de escultura en España” recorre la heterogeneidad de la plástica escultórica de las últimas décadas del siglo XX y en ella confluyen todos los aspectos que conciernen a la escultura en la contemporaneidad, desde nociones relativas a la figuración y la abstracción o el informalismo, pasando por el pop art, el realismo, el arte conceptual y las últimas tendencias.

La exposición se compone de una selección de 35 piezas variadas en las técnicas y materiales (desde madera a piedra, escayola y todo tipo de metales hasta elementos inusuales, como objetos manufacturados o materiales orgánicos) que revisan el devenir de la escultura española después de los primeros movimientos vanguardistas que se dieron en la madurez de la dictadura de Franco.

Según explicó el comisario de la muestra, Fernando Francés, la exposición tiene como punto de partida el inicio, en los años 50, de varios movimientos de vanguardia que tratan de romper con una línea excesivamente conservadora y poco comprometida, marcada por el régimen político, y de buscar renovaciones en el arte español en un momento que no era sencillo, con representantes como Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.

Junto a piezas de estos artistas pueden contemplarse obras de Antoni Tapies o Joan Brossa, relacionados con el renovador movimiento de vanguardia Dau al Set, así como autores vinculados a El Paso, como Pablo Serrano y Martín Chirino, además de representantes de la abstracción geométrica, como Pablo Palazuelo.

El visitante puede acercarse además a obras de Andreu Alfaro y Eusebio Sempere, quienes pertenecieron al Grupo Parpalló; al lenguaje Pop representando con una escultura de Equipo Crónica, y al realismo de las creaciones de Antonio López, Carmen Laffón, los hermanos Francisco y Julio López Hernández, Joan Mora y Ramón Muriedas, quien introduce en la muestra un tipo de figuración más expresionista.

La exposición también acoge una selección del auge de la escultura de las décadas de los 70 y sobre todo 80, con artistas como Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Pepe Espaliú, Susana Solano, Sergi Aguilar, Fernando Sinaga, Francisco Leiro, Juan Muñoz, Adolfo Schlosser o Eva Lootz, quienes introdujeron nuevos conceptos relacionados con los códigos de la materia, la textura, el color, la proporción o, especialmente, las coordinadas espacio-temporales.

El recorrido se completa con piezas de una generación más joven, entre ellos Jordi Colomer, Jaume Plensa o Miquel Barceló, que siguieron como sus antecesores introduciendo nuevos conceptos en la escultura.

La interdisciplinariedad que caracteriza la escultura en el momento actual está representada con obras de los nuevos valores que se relacionan con la pintura, con Sergi Aguilar, la fotografía, de la mano de Fernando Sinaga, el grabado, con Cristina Iglesias, e incluso piezas que se aproximan al "ready-made", como los objetos únicos de Joan Brossa.

 

Pendones para la diosa de la lluvia

09/05/2002, Los pendones marcaron el contrapunto vertical de la llanura. Los campesinos marcharon por el camino romano, entre encinas, portando una imagen románica, implorando lluvias. Es un rito milenario en Castrotierra, en el noroeste de España.

Los pendones de la diosa de la lluvia.

Por Tomás Alvarez.

Decenas de pendones marcaron el contrapunto vertical de la llanura. Miles de campesinos marcharon por el viejo camino romano, entre encinas, portando una imagen románica, implorando lluvias. Es la pervivencia de un rito anclado en lo profundo de la historia y que brota a la luz en Castrotierra, en el noroeste de España, los años en los que le sequía hace estériles las tierras.

Es una manifestación que sólo se puede ver alguna vez en la vida. Este año ocurrió entre el 10 y el 20 de mayo.

Los orígenes.

Castrotierra es un cerro solitario, poblado en la Edad del Hierro, sobre cuya roca pervive una iglesia cercada por un muro de piedra y acompañada únicamente por urracas, cuervos y gorriones. Está a unos veinte kilómetros al sur de Astorga, la vieja Asturica Augusta, la principal de las ciudades romanas en el noroeste de España, capital de los astures, que habitaban sobre un territorio que englobaba básicamente las provincias de Zamora, León, Asturias y parte de Galicia.

En Castrotierra pervive una costumbre relacionada con las divinidades climáticas precristianas, un culto que la tradición ha “cristianizado”, implicando en los orígenes del mismo a Santo Toribio, un obispo de Asturica en los días en los que se hundió el imperio romano.

Según esta tradición, fue el propio obispo quien mandó buscar en el cerro una imagen que remediaría la sequía.

El –santo obispo- dice la tradición, pese a obrar un milagro, tuvo problemas con el pueblo de Astorga y marchó enojado de la ciudad. En un otero cercano, en San Justo, sacudió sus sandalias enojado, mientras decía: “de esta ciudad no quiero conservar ni el polvo”.

Viajó Toribio a Tierra Santa, de donde trajo el mayor “lignun crucis” (madera de la cruz de Cristo) de la cristiandad y, retirado en un enclave solitario, recibió la visita de sus feligreses dolidos por los siete años de sequía que habían seguido a su marcha. Toribio volvió momentáneamente a la urbe y trajo consigo el fin de la sequía. No sólo esto, sino que reveló más tarde a sus fieles que cavasen en la montaña de Castrotierra hasta encontrar una Virgen que les libraría de la sequía en el futuro.

Pendones para la diosa de la Lluvia

Sólo sale la Virgen cuando los “procuradores de la tierra” lo acuerdan, como en una costumbre típica de los consejos tribales de la antigüedad. Ellos son quienes deciden el momento en que se inicia la ceremonia, que se le comunica al obispado. (Obsérvese la preeminencia de lo cívico en la organización.

El 10 de mayo, los campesinos llevaron hasta el cerro de Castrotierra sus pendones, los mismos que han presidido a lo largo de la historia fiestas y batallas. Esos grandes pendones son orgullo de los concejos. Notablemente elevados, son paseados con lentitud. El mozo más fuerte sostiene el mástil con un cinto atado a su cuerpo, y otros sujetan “los vientos”, una especie de largas cuerdas que descienden desde la parte cimera, y que sirven para mantener erguido el artilugio.

Tras la misa, los campesinos emprenden camino por la vieja ruta romana que unía Asturica con Petavonium, entre magníficos campos de encinas. El camino se une luego con el de la Vía de la Plata, para continuar hasta Astorga. En el trayecto se incorporan cada vez más gentes, gentes devotas, que imploran la llegada de las lluvias. Es una peregrinación de fe que termina en la catedral gótica astorgana al caer la noche.

En la catedral, la Virgen permaneció durante una novena, y el día 20 de mayo, la procesión fue en sentido inverso, desde Astorga al cerro de Castrotierra.

El trasfondo del rito.

El trasfondo mágico precristiano está en todo el rito. Hasta en el nombre del lugar. Los castros eran los poblados prehistóricos del noroeste de España, ubicados en cerros o meandros de los ríos, para mejor defensa.

La explicación de todo está en el propio nombre del viejo cerro sagrado: Castrotierra, Castro de (la diosa)Tierra, la divinidad que desde hace miles de años era protectora de la naturaleza y, especialmente, de los sembrados.

En la ceremonia hay partes asimiladas por la civilización y partes donde pervive lo rural, lo festivo. José Luis Alonso Ponga, en “Rito y sociedad en las comunidades agrícolas y pastoriles”, contrapone la asimilación cultural urbana frente al “pagus”, lo rural, lo campesino. “…en la catedral, es recibida (la procesión) en orden, según el protocolo estricto del orden establecido. Sin embargo la vuelta es lo contrario. Es el triunfo de lo lúdico. Se celebra misa pero también se organiza romería. Se exalta un comensalismo en el que participa todo el pueblo. La gente espera y aplaude no solo a la Virgen sino, principalmente, a los pendones, a los mozos que los portan. Lo lúdico sobresale de lo religioso, al contrario que en Astorga, donde el orden y la devoción predominando sobre la diversión”.

“Estamos –prosigue el experto- ante ese enfrentamiento de contrarios en los que se desarrolla la vida de campesinos y burgueses. La diócesis no puede permitir que se le escape el control de una de las devociones. Por ello exige que se cumplan una serie de normas. Éstas se apoyan en la tradición, una invención que se atribuye al mismísimo Santo Toribio, al revelar el lugar donde se encontraba la imagen”.

De una forma o de otra, el hecho es que la imagen románica de Castrotierra vuelve, rodeada de pendones, a ser el mágico talismán contra la sequía…y contra la mala administración del agua, porque en la zona hay pantanos, como el de Villameca, que derrochan frecuentemente sus reservas, creyendo que nunca va a faltar la previsión.

Y desfile de arte.

El desfile es punto de mira, pasarela, donde resaltan los mozos más poderosos, sujetando los grandes pendones; donde los concejos lucen sus enseñas con artísticos bordados, y donde los poetas exprimen la emoción para cuajar unos versos.

Los pintores también buscan estas manifestaciones del pueblo. Estos días, en la sequedad de la vieja ciudad romana de Astorga, Luis Alonso Guadalupe, un magnífico pintor, exquisito en el tratamiento de la masa con la espátula, ha estado terminando una serie denominada genéricamente “Pendones”.

La serie, cuyas fotografías acompañan a este reportaje, va destinada a una galería de arte de Tokio y se centra en el ondear de las enseñas procesionales, sobre cielos que cambian de color y significado a medida que el sol declina.

El invierno ha sido seco, la primavera también… los campesinos esperan que la Diosa de la lluvia haga reverdecer los campos. ¡Ojalá sea así!.

Y al cabo de la fiesta, durante mucho tiempo, la gente recordará la marcha. Alguna mujer enamorada cantará la copla:

“…mozos hay, mozos hay
en La Ribera.
Cuando llevan el pendón
no hay viento que se lo mueva...”

Artistas de Isla Negra

01/05/2002, En torno a Isla Negra, el lugar chileno donde eligió vivir Pablo Neruda, se ha aglutinado una serie de artistas, que están mostrando por Europa un exposición colectiva

Isla Negra

Madrid, 1 de mayo de 2002.

En torno a Isla Negra, el lugar chileno donde eligió vivir Pablo Neruda, se ha aglutinado una serie de artistas, que están mostrando por Europa un exposición colectiva, en la que se aprecia calidad artística y un mensaje conservacionista.

Isla Negra es un territorio de la costa del Océano Pacífico, a unos 100 kilómetros al sur de Santiago de Chile, pueblo en el que recaló Neruda, quien intentó hacer de aquel punto un lugar mágico, y eterno, donde pudieran anidar la poesía y los recuerdos.

El recinto de Neruda sirvió de punto de referencia a otros artistas, que hicieron de Isla Negra un emblema de arte y de defensa de la naturaleza, una naturaleza que les otorga materiales para sus obras -madera, semillas, metal de desecho industrial, resinas- y que les da también inspiración para buscar formas, colores, imágenes.

El grupo de artistas de Isla Negra está unido también por su referencia a la ecología. Anualmente otorgan el premio “n’aitun”, que en lengua mapuche signigfica “dejar libre”. Es un premio que se entrega en la casa de Neruda y que se dedica a alguna personalidad que defiende el medio ambiente.

Como grupo, los artistas de Isla Negra han acudido a diversas salas de Chile. A final de 2002 la muestra fue llevada a Copenhague y ahora está en Madrid, en el Museo de América, hasta el 19 de mayo, aunque con deseos de prórroga –si fuera posible- porque hasta el momento está teniendo un buen nivel de visitantes.

La exposición.

No es grande. Son veinte artistas ecologistas chilenos, con sesenta obras entre esculturas, pinturas y fotografías.

Ocho son los pintores, nueve los escultores y tres los fotógrafos presentes en la muestra, que ha sido organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en colaboración con la Embajada de Chile, y que tiene previsto viajar por otros puntos de Europa antes de regresar a tierras americanas.

Su comisaria es la escultora Cristina Pizarro, quien explicó que los miembros del Grupo de Isla Negra se sienten "antes ecologistas que artistas, porque si se nos acaba el planeta, se nos acaba la inspiración". Cuenta que esta asociación consiguió en 1995 frenar los planes de edificación que las autoridades locales de Isla Negra tenían para los alrededores de la casa de Neruda, y cómo desde entonces rigen unas normas muy restrictivas. Han luchado también contra las pruebas atómicas en el atolón del Mururoa, la explotación de los bosques nativos y en defensa de las ballenas, explica la comisaria.

Los escultores

Los escultores trabajan materiales diversos: madera, hierro, bronce, aluminio, cristal, resina sintética, etc. En la exposición están Harold Krusell, Francisca Cerda, Marcela Romagnoli, Cristina Pizarro, Roberto Pohlhammer, Felipe Castillo, María Angélica Peric, Sergio Amunátegui y Patricia del Canto.

Resultado de su investigación con el bronce, el vidrio y la resina sintética son las obras expuestas de Krusell; Roberto Pholhammer, en sus óvalos, rotundos trabaja la madera de los bosques nativos, al tiempo que protesta su masiva tala con fines industriales; Marcela Romagnoli, también en madera, presenta algunas de las obras más espectaculares, realizadas con los árboles caídos de los bosques del sur, en los que realiza figuras cargadas de fuerza, como en la titulada Mascarón.

De María Angélica Peric es un magnífico trabajo, titulado percepción; Francisca Cerda también tiene excelentes obras: el abrazo y la mano creadora; Cristina Pizarro da calidez al frío acero trabajando en curvas y buscando siempre armonía… en general, un excelente conjunto escultórico de resonancias estilísticas dispares.

Pintores.

El grupo de pintores también es heterogéneo. Lo componen Ana María Bralic, que trae el sol del Pacífico en sus escenas femeninas de playa; Andrés Gana, un autor también figurativo, muy cotizado en su país en la actualidad, en el que de detectan huellas del realismo norteamericano; José Balmes, Premio Nacional de las Artes y español de origen, que se exilió a tierras chilenas con ayuda de Neruda, y que desarrolla una abstracción gestual; Gracia Barrios, compañera del anterior y muy próxima a él en su estilo.

También son pintores Alex Chellew -cuyos cuadros de colorido fauve y cloisoné son muchas veces un homenaje a los desaparecidos de la dictadura-; Mónica Zentilli -que realiza una pintura abstracta cercana a los campos de color; Francisco de la Puente, del que se muestra un buen tríptico; y también el francés Jean Ginet, que ha residido durante muchos años en Chile.

Tal vez el conjunto más notable es el de Andrés Gana, con su interior de bar, de un aire cercano al nuevo realismo, al lado del cual presenta otro cuadro de gran formato en el que una mujer es perseguida por un ser (¿hombre, demonio? sátiro?) de rojo.

La fotografía está representada por medio de Luis Weinstein, Claudio Torres y Marcela Castillo; el primero, con fotografías en blanco y negro y tratadas en el laboratorio; y los otros dos, con sus respectivas aproximaciones a la naturaleza: Marcela Castillo busca espacios del bosque o la montaña con halo misterioso, y Claudio Torres, se entretiene en la búsqueda de lo diminuto en el tiempo y en el espacio, de la flor que realza sus colores con un rayo de sol.

Una fresca bocanada de arte.

Para el espectador europeo, esta bocanada de aire artístico venido del hemisferio sur, de una tierra lejana, alargada, con imagen de cayado invertido y tortuoso, resulta sumamente placentera, y deja intuir que Chile sigue teniendo en su sangre la semilla de la vitalidad cultural. Destaca en la misma una notable heterogeneidad que no es sino sinónimo de abundancia de creatividad y búsquedas.

 

Canales Romanos de La Cabrera

29/04/2002, La Cabrera es una apartada tierra leonesa donde pervive una increíble arquitectura rural, directamente ligada a la arquitectura de los astures, y una inmensa red de canales romanos de explotaciones auríferas. Este patrimonio único, se deteriora día a


La Cabrera es una apartada tierra leonesa donde pervive una increíble arquitectura rural, directamente ligada a la arquitectura de los astures, y una inmensa red de canales romanos de explotaciones auríferas. Este patrimonio único, se deteriora día a día, ante la apatía de los lugareños, desconocedores del tesoro, y una autoridades públicas con más ambición que cultura.


Canales Romanos de La Cabrera

Por Iván Martínez Lobo.

La Cuesta, León, España. Mayo de 2002.

La Cabrera ha sido tradicionalmente una zona de comunicación entre la Meseta y el Noroeste peninsular, aunque ha sufrido con desventaja la mayor facilidad de acceso en ese mismo sentido por Sanabria o Maragatería, como es patente en las actuales comunicaciones.

La influencia que ha tenido en ello su quebrada orografía se ha visto acentuada por el brusco escalón que hay que salvar para pasar de la Cabrera Alta a la Baja o viceversa, puesto que ahí es donde se produce el mayor acercamiento entre las cuencas hidrográficas meseteñas y galaicas, las del Duero y Sil respectivamente. Estas consideraciones geográficas previas se deben a dos motivos. El primero es de índole geohistórica: marcar las dificultadas de la comarca inherentes a su posición en el contexto regional, de forma que pueda comprenderse mejor su relativo aislamiento. El segundo es de alcance patrimonial, puesto que esas mismas dificultades han propiciado una excelente conservación hasta hoy de lo que podríamos definir perfectamente como un paisaje cultural, gran parte de cuyos elementos y estructuras hacen visible de forma inmediata la huella del proceso histórico que representa.

Pero esta conservación sólo llega hasta el día de hoy, ya que los canales que forman la red hidráulica de las Médulas estan siendo sepultados por escombreras de pizarra y por basura de los propios lugareños, que en la mayoría de los casos desconocen lo que les rodea..

La compleja red de canales para aportación de agua hasta los estanques situados en la cabecera del yacimiento de las Médulas constituye uno de los aspectos más laboriosos e impresionantes de todo el sistema concebido para la explotación de oro. Plinio nos orienta y aporta su visión directa de lo esforzado del trabajo: "...Hay que traer ríos desde las crestas de los montes, muchas veces a cien millas de distancia. Creo que les llaman "corrugos", por ser obra de canalizar aguas, y cierto que es grande el trabajo. Conviene nivelar bien la corriente, para que fluya con toda rapidez el agua que se trae desde partes altísimas. Los valles y quebraduras del terreno son franqueadas por canales sobre puentes. En otras partes se demuelen rocas infranqueables y, una vez cavadas, se hacen en ellas asientos para los canales. Aquel que las pica está colgado de sogas, de suerte que el que los ve desde lejos piensa se trate de alguna feroz especie de aves. Estos, en su mayor parte colgando en el aire, nivelan, fijan y señalan las líneas para el camino, de tal forma que no existe lugar donde pueda fijar el hombre sus plantas".

En las Médulas, la captación de aguas se efectuó a lo largo de las dos vertientes de los Montes Aquilanos, partiendo de cotas que, según el canal, oscilan entre los 1.860 metros y los 980 metros de altitud, para llegar al yacimiento con otras que cubren los distintos niveles de la excavación: de 960 a 720 metros.

Un estudio minucioso, con mucho trabajo de campo y apoyos cartográficos y fotogramétricos, nos ha permitido reconstruir con bastante certidumbre, el nacimiento de los canales, sus recorridos, captaciones intermedias, pendientes, trasvases y características técnicas y dimensionales. Descubrir, en suma, una obra que bien merece el calificativo de asombrosa.

Del lado Norte, dos eran los canales. Ambos partían de las fuentes del río Oza, sitas en los históricos y hermosos valles del Silencio y Friguera, ambos en el término de Peñalba de Santiago. Con un recorrido paralelo, en su avanzar iban captando aguas de cuantos arroyos, en el serpentear de las montañas, encontraban a su paso: Pico Tuerto, Valdecorrales, La Raseda, Río Guío, San Adrián, Reguerón, Santa Lucía, Valmayor, Rimor, Ferradillo, Los Alamos, Castañar y Valderío. En total 42 kilómetros de longitud hasta alcanzar Las Médulas por el lado de Orellán.

Del lado Sur, seis son los canales que por la vertiente derecha del río Cabrera alcanzan Las Médulas a través del monte Placías. Los dos inferiores, con un recorrido de 7,5 kilómetros, parten del arroyo Rozana, tomando aguas en su descenso desde el puerto de Ferradillo hacia Pombriego. Los cuatro restantes alargan sus recorridos hasta 33, 43, 53 y 72 kilómetros, respectivamente, bordeando el valle Airoso, en Llamas de Cabrera, y, secuencialmente, alcanzando los arroyos de La Sierra, Rojaín, Cabo o Caprada y Santa Eulalia, éste último muy próximo ya al nacimiento del río Cabrera.

Complementando a esta red principal, los ingenieros romanos aún concibieron dos transvases auxiliares que reforzaban los caudales de los arroyos más necesitados en épocas de estiaje. El primero consiste en una pareja de acueductos que discurren a altitudes próximas a los 1.850 metros, tomando aguas de las fuentes del río Cabo y de los neveros del alto de Las Berdiainas para verterlas sobre el arroyo Barcena, a la altura de la Peña Canales, cuya toponomia no necesita comentario. El segundo transvase, más osado todavía, transportaba agua desde la cuenca del Duero a la del Sil: captar aguas del río Eria, a 1.640 metros de altitud, y transpórtalas a través de la encrespada Sierra del Teleno hasta el Cabo, fuente principal de alimentación de los canales quinto y sexto.

Un total, pues, de 330 kilómetros de canalización -algunos indicios que no nos atrevemos a confirmar podrían denotar transvases adicionales, elevando la cifra hasta 362 kilómetros-, muchas veces excavada en roca, con frecuentes semitúneles sobre farallones verticales, obras de fábrica para contener las tierras e ingeniosos colchones amortiguadores en la captación de los arroyos hacen de esta obra el complejo más importante de cuantos se conocen en la minería romana.

Existe un séptimo canal del lado del río Cabrera del que muchos dirán que también llega a Las Médulas. Cosa equivocada, pues este séptimo, aunque realmente existe, conducía aguas para unas pequeñas explotaciones, también romanas, situadas en Castroquilame.

La toma de numerosos datos de campo sobre la geometría de los canales (dimensiones variables entre 60x160 y 90x130 centímetros, correspondiendo la primera cifra a la profundidad y la segunda a la anchura), pendientes en cada zona (oscilantes entre un 0,62 y un 1,1 por ciento), coeficientes de rugosidad media y caudales aportados por los arroyos que eran captados, nos han permitido determinar, con un cálculo pesimista, que el conjunto de los ocho acueductos aportaba a Las Médulas un caudal medio de 276.480 metros cúbicos de agua al día, equivalentes a 101 millones al año (la aportación de las vertientes Norte y Sur de los Montes Aquilanos supera los 250 millones de metros cúbicos anuales).

A lo largo de las laderas meridionales de los Montes Aquilianos es posible seguir el trazado de los canales que se dirigen a Las Médulas en varios puntos. Sólo me voy a referir a algunos de los más accesibles y fáciles de visitar por ello. Junto al propio Alto de Peñaguda, en la bajada de Corporales a Nogar, puede seguirse el canal a ambos lados de la carretera. Desde este punto, mirando hacia el oeste, se divisan los canales sobre la margen derecha del río Cabo, afluente de cabecera del Cabrera, y en esas laderas está situado el asentamiento de La Peña del Castro de Saceda, al que se puede llegar subiendo desde ese mismo pueblo.

La Peña del Castro es especialmente representativo del tipo de asentamientos castreños directamente vinculados a la construcción y mantenimiento de la red hidráulica de Las Médulas. Situado casi a 1.200 m de altitud, en una zona extremadamente escarpada, ocupa un espolón desgajado del monte por un ancho y profundo foso a cuyo lado pasa uno de los canales. Su superficie habitable es francamente exigua, 820 m2, aunque varios cortes de acondicionamiento en la roca y algunos fragmentos de cerámica común romana revelan su ocupación. Dado que no posee posibilidad de acceso a campos de cultivo en las inmediaciones, su funcionalidad debió estar muy restringida al mantenimiento de los canales, labor por otra parte imprescindible para el uso eficaz de estas conducciones.

Sin llegar a las condiciones extremas del asentamiento de Saceda, toda una serie de castros jalonan el trazado de los canales a lo largo de la Cabrera Baja: El Castro de Nogar, El castro y La Careaba de Castrillo, El Castro de Odollo, Carracastrillo de Llamas, El Castrión de Yebra, A Pedriña de Pombriego y Sta. Cruz de Castroquilame.

Fundamentalmente estarían relacionados con los canales de Las Médulas y su mantenimiento, aunque en el caso de los cuatro últimos también existen labores mineras próximas y lógicamente sus habitantes podrían realizar otro tipo de actividades cotidianas; se trata simplemente de marcar el mantenimiento de la red hidráulica como un condicionante que incluso pudo llegar a determinar su emplazamiento. Río abajo, La Corona de Yeres, Las Cárquibas de Vegas de Yeres y El Castro y la Debesa das Portas de Puente pueden estar ya más vinculados a la zona minera de Las Médulas y a labores de infraestructura relacionadas con ella.

Volviendo al trazado de los canales, una zona de especial interés es un tramo conservado inmediatamente al noroeste de Llamas, en el valle del Airoso, al que se puede acceder desde este mismo pueblo. En él se conserva el canal con toda su caja visible a lo largo de más de 1 Km.

Aunque menos conocido, también existe una excelente tramo de canal conservado muy poco aguas abajo del antiguo puente de madera que conducía hacia Sigüeya y Silván. Pero en este caso no se trata de un canal en dirección a Las Médulas, sino que debía servir para las labores existentes entre Santalavilla y Pombriego y por debajo de Yebra, en la margen izquierda del Cabrera, que es donde se encuentra el arranque del propio canal, con un marcado tajo excavado en la roca.

Las autoridades del estado, autonómicas, provinciales, ayuntamientos y pedanías de los diferentes pueblos, son cómplices por no querer conservar aquello que fue parte de la historia del antiguo Imperio Romano.

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Fotos de Ametller y Abbas

29/04/2002, La Fundación La Caixa, con notable actividad en el ámbito artístico, ha presentado recientemente sendas exposiciones fotográficas de interés. Una de Antoni Amatller, con fotos del final del XIX, y otra de Abbas, veterano fotógrafo iraní

La Fundación La Caixa, con notable actividad en el ámbito artístico, ha presentado recientemente sendas exposiciones fotográficas de interés. Una de Antoni Amatller, con fotos del final del XIX, y otra de Abbas, veterano fotógrafo iraní.

Amatller: fotos y chocolates.

Fabricante de chocolates desde 1797, la familia Amatller convirtió su apellido en marca de la casa y alcanzó gran notoriedad a lo largo del siglo XIX. Los carteles, calendarios y cromos de esta firma legendaria se han convertido en preciados objetos de colección y forman parte de la memoria popular. Buena parte del éxito se debe a Antoni Amatller Costa (1851-1910), quien hacia 1872 reorganizó la empresa familiar y llevó a cabo una política de expansión por España. Miembro de la burguesía catalana ilustrada, Amatller compaginó sus intereses industriales con los artísticos. La Fundación ”la Caixa” descubre ahora, en el marco de la Primavera Fotográfica, uno de los aspectos más desconocidos de este hombre polifacético y viajero incansable: su afición por la fotografía.

La exposición El museo doméstico. Un recorrido por las fotografías de Antoni Amatller reúne en Martorell sesenta y nueve imágenes obtenidas a partir de negativos originales: retratos, estampas familiares, fiestas populares, costumbres, monumentos arqueológicos y actos sociales que constituyen un documento sobre la vida cotidiana de la Cataluña modernista, así como un testimonio gráfico de los lugares exóticos que visitó en sus múltiples viajes por el extranjero. Las imágenes pertenecen a los álbumes familiares, custodiados por el Instituto Amatller de Arte Hispánico, situado en la famosa Casa Amatller del paseo de Gràcia barcelonés, obra del arquitecto Josep Puig i Cadafalch y antigua residencia de Antoni Amatller.

La exposición El museo doméstico. Un recorrido por las fotografías de Antoni Amatller, cuyo comisario es Juan Naranjo, se podrá ver en el Centro Cultural de Martorell (paseo de Catalunya, s/n), del 18 de abril al 19 de mayo.

La exposición pretende familiarizar al público con el mundo privado de Antoni Amatller a través de las fotografías que hizo para su disfrute personal y que recrean su universo doméstico. Este «museo imaginario» reúne un total de sesenta y nueve fotografías agrupadas en diferentes apartados que dan cuenta de las múltiples aficiones de Amatller, prototipo del fotógrafo amateur de finales del siglo XIX: el ambiente familiar; las costumbres de la época; los viajes por el extranjero (Francia, Marruecos, Turquía, Suiza, Egipto e Italia); el gusto por la arqueología y las antigüedades; la relación con los prohombres de la época (Apel·les Mestres, Alexandre de Riquer, Josep Lluís Pellicer, Pau Audouard). Más allá de su valor documental intrínseco, las fotografías emanan una atmósfera especial cargada de emoción, melancolía y aspiraciones artísticas.

Las fotografías exhibidas forman parte de los álbumes personales de este fotógrafo aficionado, actualmente custodiados por el Instituto Amatller de Arte Hispánico, cuya sede se encuentra en la famosa Casa Amatller del paseo de Gràcia de Barcelona. La casa, obra de Josep Puig i Cadafalch, se inauguró en 1900. Tres años más tarde, el chocolatero hizo testamento y estipuló que si su única hija (Teresa) moría sin dejar herederos, la casa y las colecciones del industrial debían pasar a manos de la ciudad de Barcelona. De esta forma, Amatller retornó a los ciudadanos los beneficios conseguidos con la industria chocolatera y abrió el camino para la fundación del Instituto Amatller de Arte Hispánico, que actualmente custodia la casa, los fondos fotográficos y la colección Amatller, compuesta por unos 400 objetos (vidrios, piezas arqueológicas de la época romana, pinturas y esculturas medievales y barrocas, mobiliario, ejemplares de indumentaria litúrgica, tapices y cuadros de Ramon Casas y Lluís Graner, entre otros).

La familia Amatller era oriunda de Molins de Rei. Gabriel Amatller, abuelo del fotógrafo, se trasladó a Barcelona a finales del siglo XVIII e instaló una pequeña industria artesanal de fabricación de chocolate en el barrio de Santa Maria del Mar. Antoni Amatller heredó este provechoso negocio. Hacia 1872 reorganizó la empresa familiar, puso en práctica los conocimientos adquiridos en sus viajes por Europa y llevó a cabo una ambiciosa política comercial por España. Fruto de sus esfuerzos son los carteles, calendarios, cromos y demás objetos propagandísticos, hoy día muy valorados por los coleccionistas. Pero Amatller no se limitó a gestionar con eficacia la empresa, sino que compaginó sus intereses industriales con los artísticos, e hizo realidad dos de sus pasiones: el coleccionismo y la fotografía.

Como fotógrafo amateur, fue autor de un sinfín de negativos y supo relacionarse con otros destacados fotógrafos de finales del siglo XIX, y también participó en certámenes internacionales. Amigo y cliente en Barcelona de Pau Audouard ¾fotógrafo oficial de la Exposición Universal de 1888¾, Amatller recibió varias medallas: de manos de la Society of Amateur Photographers de Nueva York, de la Association Belge de Photographie etc. La exposición «El museo doméstico. Un recorrido por las fotografías de Antoni Amatller» revela ahora al gran público una de las aficiones más destacadas de este hombre polifacético que luchó para hacer realidad los ideales de la Renaixença.

Exposición del18 de abril al 19 de mayo de 2002. Centro Cultural de Martorell. Sala de Exposiciones Jaume Muxart. Martorell. Barcelona.

Las fotos de Abbas

La Fundación “la Caixa” presenta en Tarragona 99 imágenes del fotógrafo iraní realizadas en 28 países a lo largo de 7 años, en una exposición: Abbas. Visiones del Islam

“El día después de ser liberado por los americanos, descubro un Kuwait cubierto de escombros de la guerra, cadáveres de soldados iraquíes. Su retirada ha debido ser un auténtico calvario”. Son palabras de Abbas, un fotógrafo iraní que “escribe con la luz”. De Xinjiang a Marruecos, tras recorrer entre 1987 y 1994 un total de 28 países, Abbas retrató el resurgir del Islam y las contradicciones entre una ideología inspirada en un pasado mítico y el deseo universal de modernidad y democracia.

Bajo el título Abbas. Visiones del Islam, la Fundación “la Caixa” presenta ahora, en el marco de la Primavera Fotográfica, estas 99 fotografías ¾en referencia a los 99 epítetos de Alá¾, acompañadas de extractos de libros de viajeros históricos, así como de fragmentos de los diarios de este fotoperiodista que, desde 1981, es miembro de la Magnum Photos. Las fotografías, que se exhiben en el Centro Social y Cultural de la Fundación “la Caixa” en Tarragona, muestran la revolución y la guerra; la vida cotidiana en las ciudades; el mundo de las mujeres, especialmente castigado por los fundamentalistas ¾Abbas dedica la exposición a las mujeres de Afganistán¾; niños que acuden a las escuelas coránicas, cantera del islamismo más ortodoxo; paisajes intemporales formados por calles, cementerios y santuarios; las protestas de los musulmanes europeos contra el escritor Salman Rushdie; manifestaciones en favor del chador, prohibido en las escuelas laicas... En otras palabras, un testimonio en primera persona sobre el Islam y sus gentes.

La exposición Abbas. Visiones del Islam se puede visitar en el Centro Social y Cultural de la Fundación “la Caixa” en Tarragona del 20 de abril al 9 de junio de 2002.

De Xinjiang a Marruecos, de Londres a Tombuctú, pasando por La Meca, la exposición Abbas. Visiones del Islam refleja la vida cotidiana de los musulmanes, su espiritualidad y su mística, los ritos de su fe, así como el fenómeno político que hoy representa el Islam. Las fotografías, tomadas en 28 países (Egipto, Afganistán, Tayikistán, China, Indonesia, Brunei, India, Gran Bretaña, España, Argelia, Senegal, Sudán, Israel, Bosnia e Irán, entre otros), se exhiben junto a fragmentos de los diarios personales de Abbas y de otros viajeros históricos. Estos textos sirven de contrapunto a las imágenes y explican el contexto en que se tomó una determinada fotografía, como la de la pequeña Gulbibi (“reina de las flores”), retratada en Kabul (Afganistán) y cuyo impactante texto explica que “tiene el pie izquierdo amputado como consecuencia de la explosión de una mina. Su pierna y su brazo derecho son una masa en carne viva. Tendida sobre su cama, icono de sufrimiento y dignidad, debe recibir anestesia cada vez que le cambian los apósitos, tan intenso es su dolor”.

Abbas explica que, en 1987, antes de abandonar París para iniciar su largo viaje por estos 28 países, una amiga le aconsejó la lectura de los Voyages de Ibn Batuta, el gran viajante que recorrió las tierras del Islam siglos atrás. Abbas descubre a un Ibn Batuta que ordenó cortar manos, abusó de las esclavas, mandó azotar a inocentes... Abbas, por lo tanto, realiza un viaje a las antípodas. Su cámara capta, por ejemplo, a una militante feminista que batalló en Argelia contra el Código de la Familia; el fervor religioso de La Meca; los dirigentes de Dar al-Ulum, la universidad insignia del Islam ortodoxo, instalada en un pueblo del condado de Yorkshire (Gran Bretaña), etcétera. Escenas y testimonios que dan fe en la exposición de las diferentes realidades y las contradicciones del Islam.

De origen iraní, el fotógrafo Abbas vive en París y, desde 1981, es miembro de Magnum Photos. Entre 1970 y 1978, publicó en las revistas internacionales imágenes sobre los conflictos políticos y sociales de los países del sur, como Chile, Suráfrica, Vietnam, Bangladesh y Biafra. Entre 1978 y 1980, cubrió la revolución iraní. Su libro Iran, la Révolution Confisquée (Clérat, 1979), le forzó a un exilio voluntario de 17 años. Entre 1983 y 1986, viajó a México y publicó Return to México, journeys beyond the mask (W.W. Norton, 1992). Tras Allah o Akbar, voyages dans l’islam militant (1994) recorrió, entre 1995 y 2000, las tierras del cristianismo (Voyage en Chrétientés, La Martinière, 2000). Actualmente trabaja sobre el paganismo.

Refiriéndose a su trabajo, Abbas escribe: “Actualmente, mi fotografía es una reflexión que se concreta en la acción y lleva a una meditación. La espontaneidad –el momento suspendido– interviene durante la acción, en la toma de la imagen. Antes se ha producido la reflexión en torno a la intención; después vendrá la meditación sobre la finalidad. Durante este momento apasionante y frágil se produce la auténtica escritura fotográfica, se establece la secuencia de las fotografías. Así pues, para esta empresa se requiere la inspiración del escritor. ¿No es precisamente el fotógrafo quien “escribe con la luz”? Y sin embargo, a diferencia del escritor, que posee la palabra, el fotógrafo es poseído por su fotografía, por los límites de la realidad que debe trascender si no quiere convertirse en su prisionero.”

Del 20 de abril al 9 de junio de 2002 . Centro Social y Cultural de la Fundación ”la Caixa”. Carrer Cristòfor Colom, 2. Tarragona

Juan Rulfo, fotógrafo

22/04/2002, Juan Rulfo, el famoso autor de “Pedro Páramo”, no sólo dejó escrita una excelente novela, para mostrara la grandeza y miseria de una tierra, sino que, como fotógrafo, consiguió eternizar una visión de México

Juan Rulfo, el famoso autor de “Pedro Páramo”, no sólo dejó escrita una excelente novela, para mostrara la grandeza y miseria de una tierra, sino que, como fotógrafo, consiguió eternizar una visión de México.

Conocido en todo el mundo como escritor, Juan Rulfo (1918-1986), tiene en sus fotografías un elemento complementario de primerísima magnitud para acercarse al México del siglo XX, y, a través de él, conocer las entrañas reales de un pueblo.

La obra fotográfica de Juan Rulfo ya ha recorrido diversas ciudades: México, Barcelona… ahora está en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y seguirá peregrinando por el mundo para acercar al interesado una soberbia visión de un país, en blanco y negro.

El escritor mejicano, autor de una de las mejores novelas escritas en América, “Pedro Páramo", no sólo quedó catalogado como un excelente retratista literario, profundo narrador de grandezas y miserias del ser humano, sino que con sus 6000 negativos atesorados ha conseguido transmitirnos multitud de las escenas que impactaron en su retina.

Rulfo era muy aficionado a la fotografía. De los 10000 libros de su biblioteca, 800 eran de fotografías, y –además- coleccionaba revistas y recortes fotográficos. Muchas de sus fotos las captó en sus tiempos de viajante de comercio, en la que se empapó de una tierra que revela en su epidermis las riquezas y miserias de su historia trágica.

Y Rulfo, sin embargo, fue reticente a mostrar ese tesoro de imágenes acumulado básicamente hacia la mitad del siglo. Sólo en 1980 –apenas un lustro antes de su muerte- permitió hacer con ellas una exposición.

Víctor Jiménez, director de la Fundación Juan Rulfo, de la que proceden las fotografías, dijo al presentar la exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid que el escritor tuvo dos vocaciones en su vida: la escritura y la fotografía, pero quizá esta última, por su acusada timidez y por el éxito prematuro que tuvo con la literatura, no la promocionó.

Para Juan Francisco Rulfo, hijo del escritor, las imágenes dejan claro “donde está el sustrato de su temática literaria". "Mi padre decidió escribir en el momento en que se dio cuenta de que estaba preparado para explicar literariamente sus inquietudes, y lo mismo le ocurrió con las fotografías; las hizo cuando él se sintió que podía traducir con negativos sus preocupaciones", explicó.

Algunas de estas preocupaciones a las que alude Juan Francisco están relacionadas con la arquitectura, no sólo como estética sino como símbolo de opresión; con la vida de los indígenas, las ruinas coloniales y mayas, la dureza de una tierra de paisajes ásperos y polvorientos…

La selección de fotografías ha sido realizada por la editorial Lunwerg, que además de organizar la exposición ha editado un ambicioso catálogo con 173 imágenes acompañadas de textos de Carlos Fuentes, Víctor Jiménez; Erika Billeter, Margo Glantz y Jorge Alberto Lozoya.

El catálogo de la exposición, que próximamente se presentará en Estados Unidos con textos en inglés, y en Francia con los mismos traducidos al francés, ya ha sido un éxito en Alemania y en México, donde se celebró una importante exposición, el año pasado.

El autor

Juan Rulfo nació en Pulco, Sayula, México el 16 de mayo de 1918. Sus antepasados llegaron de España a México en 1870. Su abuelo paterno era abogado y su abuelo materno poseía un rancho en Jalisco, del que fue despojado durante los sucesos de la llamada "revolución cristera" (1926-1928), perdiendo la familia todo lo que tenía.

La violencia que se vivía en la región en que Rulfo pasó su infancia y su adolescencia, marcaron lo que, mas tarde, sería su gran obra literaria. "Pedro Páramo", una de las mejores novelas americanas de todos los tiempos. "Pedro Páramo" narra la odisea del indio Juan Preciado llegado a un pueblo muerto, donde conversa con los desaparecidos.

Juan Rulfo fue guionista, fotógrafo y actor, recibió multitud de premios, entre ellos el Príncipe de Asturias de las Letras en 1983. Falleció en México el 7 de enero de 1986.

La obra fotográfica

El mundo que Juan Rulfo capta con su oficio fotográfico está íntimamente ligado a su percepción como escritor.

Tal vez la primera impresión que se deriva de la contemplación de la muestra es su visión de un territorio arraigado en la historia y a la orografía del terreno, inmensamente más cercano a la urdimbre del pueblo que a la sociedad urbana.

Es magnifico el juego de luces, un juego claro-oscuro fuerte, nítido, que contribuye a reflejar el claroscuro de la tierra que escudriña con una visión inmensamente cristalina, pero sumamente inteligente… y subjetiva.

Ese claroscuro no solo se refiere a lo lumínico, sino a lo temático: la niña - Blancanieves- en la soledad opresora de un bosque de troncos gigantescos; el templo emergiendo entre la lava seca, o la soledad del hombre ante el estéril llano.

Cuando se entretiene en el paisaje, sabe mostrar la soledad del arriero, la visión casi onírica de unos árboles sin hojas, el sugerente volumen de una formación rocosa, la imagen inquietante de un tronco seco de perfiles que recuerdan a monstruos antediluvianos o la severidad vertical del cactus, contrapunto a las horizontalidades de un camino y una vieja ermita.

Es el paisaje de su tierra y de su obra, un paisaje en el que refulge la ruina maya o la del viejo convento colonial, de los que extrae –en fotografía- el halo sagrado y romántico que gustaban definir los viajeros románticos del XIX, pero también la visión artística del XX, manifiesta en sus análisis casi cubistas de paredes, templos o raíles del ferrocarril.

Cuando se entretiene en el hombre, Rulfo lo ve en estado puro. El individuo no posa, se muestra ante la cámara con una naturalidad casi mítica, con un gesto eterno. “Cada uno de los hombres, mujeres y niños de las fotografías de Rulfo posee una riqueza inmediatamente reconocible. Se llama dignidad. No siempre alegría”, dice Carlos Fuentes en el catálogo de la exposición.

En su reflejo de las arquitecturas, muestra la ruina el abandono, la grandeza perdida. Rulfo muestra un acusado interés por los volúmenes, pero utiliza también las imágenes de los monumentos para mostrar en ellas las tragedias históricas que zarandearon una o y otra vez a su pueblo.

Pero una de las ausencias más evidentes en la exposición es la capital del país, y en general, la gran ciudad, tal vez porque –aún entre ruinas- el escritor encuentra una armonía más profunda entre el hombre y la naturaleza en los paisajes campesinos, donde la luz es más luz, el árbol tiene una esencia corpórea absoluta y el hombre tiene eternidad.

Erika Billeter, profunda conocedora de Rulfo, recuerda que con su amigo –y también fotógrafo, Manuel Alvarez Bravo, comparte “una percepción visual de su país marcada por la voluntad de retener al hombre y al paisaje en el estado de una esencia atemporal”, una esencia que se hace más absoluta en el mundo cambiante del siglo XX.

 

Hombre y Naturaleza, en Venecia

08/04/2002, En Venecia, el canadiense Gregory Colbert presenta una grandiosa instalación que induce a una reflexión profunda sobre la relación entre el hombre y la naturaleza. Es la llamana BIAnimale I


Venecia, 8 de abril de 2002. Por Artemio Artigas

En Venecia, el canadiense Gregory Colbert presenta una grandiosa instalación que induce a una reflexión profunda sobre la relación entre el hombre y la naturaleza. Es la llamana BIAnimale I.

La BIAnimale Fundation, organización sin ánimo de lucro y con base en Ginebra, Suiza, ha decidido organizar en Venecia, cada dos años, un acontecimiento que junte naturaleza y arte, con el fin de mostrar que es beneficiosa y bella la interacción hombre-naturaleza, y clamar por la conservación y salvaguarda del patrimonio natural.

Del 6 de abril al 6 de julio, los 14.000 metros cuadrados Corderie, Artiglierie y Gaggiandre del Arsenal de Venecia, que data del Siglo XV, se dedican a una vasta exposición de un sólo artista: el canadiense Gregory Colbert, que muestra su peculiar visión de hombres y animales; una visión en la que ambos encajan a la perfección.

Enmarcada por diversas proyecciones, la instalación abarca cerca de 200 imágenes de grandes dimensiones (2,60 por 1,50 metros), impresas en papel vegetal pigmentado, fabricado a mano en Japón con procedimientos especiales. Recibe el nombre de Ashes and Snow (nieve y cenizas) y cuenta con la colaboración de la propia autoridad de la Ciudad, el ministerio de Cultura de Italia y la Bienal de Venecia.

En la muestra se descubre la magnificencia y la elegancia de un mundo perdido y reencontrado: un joven monje absorto en la lectura ante un curioso elefante; en un templo egipcio, un águila y una bailarina invitan juntas a unirse a la danza; el aleteo de la cola de un inmenso cachalote acompaña el canto de un hombre solitario...

Aparte de las grandes fotografías, en canales que fluyen hacia el Arsenal se proyectan imágenes de ballenas y manatíes y sobre las paredes y tejados se representarán águilas y halcones.

Es –dicen los organizadores- la mayor exposición organizada en el mundo por un solo individuo, y cuenta para ello con el magnífico ámbito del viejo astillero de la época renacentista, antaño uno de los más activos del orbe. La muestra lleva sólo imágenes. El único texto es “Les animaux, c´est nous”, recordando al espectador la paridad animal-hombre.

GREGORY COLBERT

Nacido en Toronto, en 1960, Gregory Colbert comenzó a trabajar en el campo cinematográfico en 1983 con diversos documentales y cortometrajes dedicados a temas sociales. En 1992 expuso, por primera vez, su obra gráfica en el museo Elíseo de Lausana, Suiza, y en la Galería Parco de Tokio, Japón.

En abril de 1992 decidió desaparecer: renunció a su actividad cinematográfica y artística y en lo sucesivo se dedicó por entero, en el más absoluto silencio, a filmar y fotografiar la interacción entre el hombre y los animales (elefantes, cachalotes, manatíes, águilas, halcones, ibis, etc.) en el curso de 27 expediciones en India, Ceilán, Tailandia, Egipto, Birmania, Dominica, Tonga y Azores.

En sus trabajos, muestra lo absurdo de una civilización asentada en las tecnologías, que ha olvidado frecuentemente ese nexo sagrado entre hombre y naturaleza; un nexo que refulge en imágenes cargadas de lirismo que son un majestuoso alegato contra la degradación medioambiental.

Según el artista, “al eliminar la diversidad de la naturaleza estamos convirtiendo una orquesta en un tambor y empobreciendo nuestra propia especie para el resto de los tiempos”.

Colbert ha tratado de recuperar esa “sensibilidad poética” de la naturaleza, y reorientar al espectador para que oiga y vea el mundo de otra manera. En realidad no ha sacado sólo poesía de las imágenes captadas a lo largo de ocho años; ha llegado a plasmar una visión del mundo cargada de misticismo.

EL FUTURO.

La organización pretende continuar cada dos años con la BIAnimale, promoviendo otros artistas de los ámbitos de la danza, la música, el teatro, la pintura, etc.

Ha nacido el proyecto en Venecia “Venecia es fascinante, es una ciudad de arte; por eso la hemos elegido”, comentó uno de los representantes de la organización. Pero en los proyectos de futuro está buscar otros espacios, alguno tan insólito como el la Antártida o la cuenca del Amazonas… La exposición deberá estar en todos los rincones que más necesitan ser conservados.

Imágenes cedidas por la Organización del evento.

Alonso Cano

03/04/2002, Del dos de abril al ventiseis de mayo se presenta en Madrid una excelente exposición para profundizar en el conocimiento de un artista que ha sido gran pintor, escultor, grabador, e incluso restaurador: Alonso Cano.

Del dos de abril al ventiseis de mayo se presenta en Madrid una excelente exposiciףn para profundizar en el conocimiento de un artista que ha sido gran pintor, escultor, grabador, e incluso restaurador: Alonso Cano.

Para recordarle se han reunido en Madrid cuarenta y cinco obras, en una muestra que organizan la Fundaciףn Santander Central Hispano y la Junta de Andalucםa, realizandoa una revisiףn histףrica y estיtica del artista. Son obras procedentes de colecciones diversas, muchas de ellas de Andalucםa, pero de otros puntos del globo. Por ejemplo, para reconstruir un retablo sevillano dedicado a San Juan Evangelista ha habido que traer trabajos perteneceinetes al Museo Nacional de San Carlos en Mיxico, al Louvre de Parםs y al John and Marble Ringling de Sarasota.

"A Alonso Cano se le denomina el Miguel Angel del Siglo de Oro espaסol", dijo Javier Aguado, director de la Fundaciףn organizadora. Carmen Calvo, consejera de Cultura de la Junta de Andalucםa, calificף de "modיlica" la colaboraciףn entre el sector pתblico y el privado mantenida en esta exposiciףn "dedicada a una figura esplendorosa un tanto desconocida y cuya coincidencia en el tiempo con Velבzquez le ha restado el destacado protagonismo que los especialistas le atribuyen". La muestra estב comisariada por Ignacio Henares, y estב abierta del 2 de abril al 26 de mayo.

ALONSO CANO

Alonso Cano naciף en Granada el 19 de marzo de 1601. En 1614 se trasladף con su familia a Sevilla y dos aסos mבs tarde, tras formarse con su padre, maestro ensamblador, entrף en el taller de Francisco Pacheco, donde coincidiף con Velבzquez durante unos meses, con quien estableciף una amistad que perdurף hasta su muerte. Tambien se formף bajo la tutela del gran escultor Juan Martםnez Montaסיs.

En 1625 se casף en primeras nupcias con Marםa Figuerףa, y seis aסos mבs tarde en segundas nupcias con Marםa Magdalena de Uceda, de la que enviudף trבgicamente en 1644 en Madrid, a donde se habםa trasladado en el aסo 1638.

En Madrid fue pintor y ayudante de Cבmara del Conde Duque de Olivares. Ademבs de llevar a cabo obras para la Corte y la Iglesia, en 1640 viajף junto a Velבzquez por Castilla para reunir pinturas con las que sustituir las desaparecidas en el primer incendio del palacio real del Buen Retiro. Tambien restaurף algunas de las daסadas. Felipe IV le nombrף en 1651 "racionero" de la Catedral de Granada; un aסo mבs tarde se trasladף a su ciudad de nacimiento para ocupar el cargo y se ordenף ordenarse sacerdote. Por conflictos con el Cabildo catedralicio, del 1658 al 1660 se trasladף a Madrid, donde declarף como testigo en las pruebas para la concesiףn a Diego de Velבzquez del hבbito de Santiago. De vuelta a Granada siguiף ejecutando trabajos para la Catedral y al poco tiempo de haber sido nombrado Maestro Mayor de la Catedral de Granada, falleciף. Era el 3 de septiembre de 1667.

En su producciףn se distinguen tres etapas principales que corresponden a su estancia en las distintas ciudades en las que estuvo activo: Sevilla, Madrid y Granada. Tambiיm residiףi algתn tiempo en Valencia y Mבlaga.

SEVILLA, PRIMERA ETAPA

Esta primera etapa ocupa una parte importante de la ejecuciףn de su obra pictףrica durante el periodo de formaciףn y la posterior floraciףn de su genio creador. De esta יpoca destaca su primera obra conocida, y una de las pocas fechadas y firmadas, San Francisco de Borja, del Museo de Bellas Artes de Sevilla, de marcado realismo y filiaciףn tenebrista inscrita en la corriente innovadora caravaggiesca que llega desde Italia a travיs de Sevilla y que Cano aprende de su maestro Francisco Pacheco; o el conjunto de pinturas hoy dispersas, que configuraron el desaparecido Retablo de la Iglesia de Santa Paula dedicado a San Juan Evangelista, que se ha conseguido reunir en esta exposiciףn.

MADRID, REENCUENTRO CON VELֱZQUEZ

La segunda etapa se inicia con su llegada a Madrid de la mano del Conde Duque de Olivares, que supone la entrada en contacto con el mundo cortesano y artםstico, y el reencuentro con Velבzquez. Es un periodo de descubrimientos debido a su contacto directo con los maestros italianos y flamencos de las colecciones reales, que estudia םntimamente bajo su condiciףn de restaurador. De esta forma aprende estilos y recursos nuevos que emergen en su pintura abriendo en sus obras nuevos horizontes. Dentro de la obra pictףrica desarrolla un estilo renacentista junto a un vivo colorido de influencia veneciana inscrito dentro del barroco espaסol.

De este segundo periodo destaca San Juan Evangelista en la Isla de Patmos del Museo de Bellas Artes de Budapest, la Primera labor de Adan y Eva de la Pollok House de Glasgow, Cristo y la samaritana de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la obra profana Juno, de colecciףn particular, o la serie בulica de los Reyes de Espaסa destinada al Alcבzar Real, de la que se muestran sus dos obras: Rey Castellano Leonיs, y Sancho I y Ramiro III, ambas del Museo del Prado.

GRANADA, EL CENIT DE SU PRODUCCI׃N

El periodo granadino supone el cenit de su producciףn alcanzando grandes cotas de genialidad haciendo uso de la experiencia acumulada. Es el momento en el que muestra una mayor intensidad emocional dentro de su obra, como se aprecia en la obra de alto contenido mםstico La Muerte de San Juan de Dios de colecciףn particular. Tambiיn de este periodo se recoge en esta exposiciףn la Sagrada Familia o la תnica escultura que se muestra, el ֱngel Custodio, ambas del Convento del Santo ֱngel Custodio de Granada.

Exposiciףn: "Alonso Cano: La modernidad en el siglo de oro espaסol"

Comisario: Ignacio Henares Cuיllar

Lugar: Sala de Exposiciones Fundaciףn Santander Central Hispano Calle Marquיs de Villamagna, 3. Madrid. Tel.: 91 575 14 30

 

Esmaltes medievales en Silos

25/03/2002, En Silos, Burgos, centro norte de España, se presenta, hasta el 30 de abril, una magnífica exposición sobre el mundo del esmalte medieval: De Limoges a Silos.

Silos, Burgos, España. 25 de marzo de 2002. Por Petri Sánchez, para guiarte.com

En el Monasterio de Santo Domingo de Silos, provincia de Burgos, se presenta, hasta el 30 de abril, una exposición que recoge una selección de esmaltes de la Edad Media.

La exposición, que lleva por título “De Limoges a Silos", llega a Silos tras su paso por Madrid y Bruselas y está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, en el contexto de la presidencia española de la Unión Europea durante este primer semestre del año.

La exposición tiene un contenido sumamente denso, que permite acercar al espectador el arte del esmaltado en la Edad Media, una actividad que en aquella época era considerada un arte mayor y al que se le daba la misma importancia que a la pintura o la escultura, idea que cambió a partir del siglo XVI, según el comisario de la muestra, Joaquín Yarza, catedrático de Arte Medieval de la Universidad Autónoma de Barcelona.

La muestra, que reúne casi un centenar de piezas de cuarenta instituciones -entre ellas de los museos Metropolitan de Nueva York, Louvre de París, British Museum o el Hermitage de San Petesburgo, San Isidoro de León y otros españoles- y hace un homenaje al taller de esmaltado que durante la segunda mitad del siglo XII trabajó en el monasterio burgalés.

El funcionamiento de este taller pone de manifiesto que Limoges no fue el único centro que en la Edad Media se dedicaba al esmaltado, aunque la producción del francés se extendió por Europa de tal forma, a costa de reducir su calidad y su precio, que de alguna forma acabó con la competencia.

Piezas fabricadas entre los siglos XI y principios del XIII: relicarios, cofres, báculos, vírgenes, y todo tipo de mobiliario litúrgico, como incensarios, aguamaniles, píxides, navetas y tabernáculos, así como frontales de altar o cubiertas de libro, componen esta bella exposición.

Santo Domingo de Silos

Hasta el año 1073 Domingo Manso rigió como abad el monasterio de San Sebastián de Silos. Fue precisamente tras su muerte cuando se cambió la advocación del mismo y, en su honor, pasó a denominarse Monasterio de Santo Domingo de Silos. La presente exposición, que conmemora el milenario del nacimiento del Santo, se ha querido centrar en uno de los muchos aspectos por los que su monasterio ha adquirido prestigio internacional, la producción de obras de metal y esmalte de finales del románico.

Desde tiempo antiguo se venían realizando obras de arte a partir de la aplicación de esmaltes a un soporte de metal, pero fue durante el románico cuando estas piezas cobraron especial auge en occidente, sobresaliendo tanto las escuelas del norte como las meridionales. Como introducción de la exposición se han reunido importantes muestras que ponen de manifiesto la gran diversidad de piezas existentes, como el Relicario de la Cruz del British Museum de Londres y el Broche cuadrilobulado de la Catedral de Astorga, exponentes del estilo nórdico mosano y meridional italiano respectivamente; o como el Arca de San Valero de la excatedral de Roda de Isábena y el Cofre del Abad Bonifacio de la Abadía de Sainte-Foy de Conques, ambos del taller de esta abadía, uno de los centros más destacados de entre los muchos que existían en Francia.

En este horizonte Limoges comenzó a producir un elevado número de esmaltes "champlevé" que durante la segunda mitad del siglo XII convivieron con otras producciones. Pero, finalmente, en torno a 1200 su actividad se industrializó y cayeron sus precios, a veces en detrimento de su calidad, lo que le permitió imponerse a sus competidores. La placa de San Esteban y San Hugo Lacerta del altar mayor de la Abadía de Grandmont (Musée de Cluny, París) o la excelente Caja-arqueta de Santa Valeria del Museo del Hermitage de San Petersburgo, ambas anteriores a 1190, nos introducen en ese ámbito lemosino, que constituye el núcleo central de la exposición.

Durante el periodo de expansión de Limoges, muchas obras llegaron a los reinos hispanos y en esta muestra puede contemplarse una completa selección de las mismas, estructuradas por tipologías o por su función. Entre las imágenes de la virgen, encontramos algunas en torno a las cuales se tejieron leyendas, como la Virgen de las Batallas de San Pedro de Arlanza, hoy en el Museo de Burgos, o la de la Basílica de Jerusalén de Artajona. Paralelamente se exponen otras piezas de posible realización hispana, como la espléndida Virgen de la Vega de la Catedral de Salamanca, una escultura trabajada por todos sus lados y cuyas manos y rostro estuvieron policromados. Otro conjunto destacado lo componen las arquetas destinadas a albergar reliquias, cuya decoración suele representar temas como el de la Maiestas, la Virgen, o la Crucifixión, como es el caso de la Caja-arqueta de la Colegiata de San Isidoro de León, y a episodios protagonizados por santos de gran popularidad, como la propia Santa Valeria, San Esteban y Santo Tomás Becket, célebre por su interés político y religioso.

Apenas existieron objetos relacionados con la liturgia a los que no se aplicara esta técnica. Un buen ejemplo lo constituyen los candelabros, incensarios y recipientes destinados a guardar las sagradas Formas, que diversificaron su tipología debido al desarrollo del culto eucarístico y adoptaron la forma de palomas, píxides y cofres. Asimismo, se fabricaron frontales o retrotábulas, como el conjunto conservado en la Catedral de Orense que pudo formar parte de uno de mayores dimensiones. El esmalte llegó incluso a incorporarse a objetos característicos de la dignidad eclesiástica como los báculos de abades y obispos, cuya empuñadura evolucionó en esta época desde la antigua forma en Tau hacia los remates en voluta que albergan elementos vegetales o luchas de animales, como puede apreciarse en los magníficos ejemplares incluidos en esta exposición procedentes de Madrid, Cuenca, París o Barcelona.

El contrapunto estilístico a Limoges lo integran las obras cuya gestación se vincula a Silos. Desde que Hildburgh identificó por primera vez a algunas piezas como españolas, se ha discutido mucho sobre el tema y se tiende a creer en la existencia de talleres en la Península Ibérica, sobre todo relacionados con Silos. La Arqueta de Champagnat del Metropolitan Museum de Nueva York, catalogada como lemosina pero con una clara impronta "silense", demuestra la dificultad de establecer la existencia del taller sobre bases firmes. Sin duda el Frontal con esmaltes de Santo Domingo de Silos (Museo de Burgos) es la gran obra de esta sección, en la que trabajaron excelentes esmaltistas y maestros del metal capaces de labrar las delicadas cabezas de Cristo y los apóstoles, o los fustes y capiteles de las columnas que lo adornan. Junto a él, sobresale la Caja relicario de marfil musulmana del Museo de Burgos, una de cuyas caras se reemplazó por un esmalte que representa a Santo Domingo entre ángeles; además de las dos Cubiertas de un gran libro con una Crucifixión y una Maiestas procedentes del Instituto Valencia de Don Juan de Madrid y del Musée de Cluny de París, respectivamente, que se han logrado reunir para este proyecto.

Finalmente, este recorrido culmina con tres obras excepcionales que anuncian el gótico: el Relicario de San Francisco de Asís (Musée du Louvre, París), la Estatua yacente del obispo Don Mauricio (Catedral de Burgos) y el Arca relicario de San Formerio (Parroquia de la Santa Cruz, Bañares). De esta forma, con la llegada del siglo XIII, finaliza este recorrido por un pasado que nos ofrece la oportunidad de visitar lugares diversos y contrastar obras en soportes diferentes; de acercarnos un poco más al exquisito mundo de los esmaltes medievales impregnado por el simbolismo de la luz y el color

Otros datos de interés

Comisario: Joaquín Yarza Luaces. Catedrático de Arte Medieval. Universidad Autónoma de Barcelona

Organiza: Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior

Patrocinio: Junta de Castilla y León. Fundación Siglo

Conocer el entorno de Santo Domingo de Silos

El año de la Focha Moruna

14/03/2002, La Focha Moruna ha sido elegida ave del año 2002 por SEO/BirdLife, ya que ésta es una de las especies acuáticas más amenazadas en Europa, y su población reproductora en España no supera unas docenas de parejas, que se distribuyen por pocos humedales

La Focha Moruna: Ave del año

Valencia, 13 de marzo de 2002. Por Artemio Artigas de guiarte.com

La Focha Moruna ha sido elegida ave del año 2002 por SEO/BirdLife, ya que ésta es una de las especies acuáticas más amenazadas en Europa, y su población reproductora en España no supera unas docenas de parejas, que se distribuyen por pocos humedales del sur y sureste.

La organización ecologista informó en un comunicado que, aunque en épocas pasadas esta ave era abundante en España, a principios del siglo XX desapareció del litoral mediterráneo, y prácticamente se extinguió a mediados de este mismo siglo, tan sólo entre cinco y diez parejas lograron sobrevivir en humedales andaluces del entorno de las Marismas del Guadalquivir a lo largo de la última década.

Además, la supervivencia de esta especie, de nombre científico "Fulica cristata" y también conocida como Focha Cornuda, depende de la restauración y conservación de su hábitat, así como del reforzamiento de la escasa población silvestre, mediante la reintroducción de ejemplares nacidos en cautividad.

Proyectos de reintroducción

La Consejería de Medio Ambiente de la Generalitat Valenciana está desarrollando el proyecto "Reintroducción de la Focha Moruna en dos ZEPA de la Comunidad Valenciana", financiado por la Unión Europea y por el Gobierno valenciano. Otro programa de cría en cautividad es en Andalucía, con ejemplares de Focha Moruna de origen marroquí.

En Valencia, la Conselleria de Medio Ambiente está realizando un proyecto de reintroducción de la Focha Cornuda. Extinguida la especie a principios del siglo XX, se ha vuelto a reproducir en el Marjal del Moro, Sagunto, al norte de Valencia.

Caza y destrucción del hábitat

La destrucción de los humedales y la caza son las principales causas que amenazan la supervivencia de la Focha Moruna -elegida Ave del Año 2002 por la Sociedad Española de Ornitología (SEO)-, cuya población reproductora gira en torno a las setenta parejas en el país.

La Focha Cornuda, desapareció del litoral mediterráneo español a principios del siglo XX, quedando al borde de la extinción a mediados de ese siglo.

El contingente de parejas reproductoras en España en el 2001, explica la SEO, "se situaría en un mínimo de 70 parejas, entre aves silvestres y liberadas, lo que supone la cifra conocida más elevada de las cuatro últimas décadas, aunque habrá que esperar temporadas posteriores para valorar el éxito de estas reintroducciones y su impacto e la población ibérica".

Según el grupo conservacionista más veterano del país, las principales causas del declive de la Focha Moruna son la pérdida y degradación de su hábitat -debido a la sobreexplotación de acuíferos, colmatación de humedales y contaminación, entre otros-, y la excesiva presión cinegética a la que es sometida. Sobre este último punto, la organización ornitológica explica que la especie es muy vulnerable a la caza a causa de su similitud con su pariente más cercano, la Focha Común, que difícilmente puede diferenciarse en el campo.

Para su conservación, la SEO recomienda preparar un plan de acción, coordinado entre las administraciones central y autonómicas; aprobar planes de recuperación en Andalucía y Valencia; introducir medidas de gestión del hábitat en los humedales de las Marismas del Guadalquivir para crear un lugar de nidificación más adecuado, y desarrollar una campaña de sensibilización entre los cazadores.

También aconseja promover un programa de cría en cautividad y un plan de reintroducciones, coordinado entre las comunidades andaluza y valenciana, hacer investigaciones sobre la ecología y la biología de la especie, y elaborar censos simultáneos en localidades españolas y marroquíes.

Datos del ave

La Focha cornuda o moruna es muy parecida a la común. Sólo se distingue por dos protuberancias rojas que rematan la placa frontal blanca. Es también, en tamaño, un poco mayor.

La población española habita el mismo biotopo que la Focha Común: masas de agua con abundante vegetación palustre en las orillas; pero la especie es de costumbres mucho más discreta y generalmente difícil de ver

Cría cerca de las comunes y se mezcla en los bandos de éstas. Hace nidos flotantes, con puestas de abril a mayo, de unos cinco huevos, que incuba en una veintena de días. Los pollos son nidífugos.

Habita en las marismas y zonas palustres, donde se alimenta de plantas acuáticas, semillas e insectos acuáticos.

 

Anglada Camarasa

11/03/2002, Desde el retrato humillante de la noche del París de fin del XIX a la poesía dulce de los paisajes campesinos de Mallorca, Anglada Camarasa fue uno de los grandes pintores del siglo XX con una trayectoria peculiar, de nuevo en actualidad merced a una


Anglada Camarasa era en los inicios del XX uno de los artistas españoles más cosmopolitas. Entonces pintaba el ambiente nocturno de París, alumbrado por la incipiente luz eléctrica y oscurecido por el dolor y la droga. Luego se fue marginando de las vanguardias. Terminó relativamente olvidado, en Mallorca, pintando bodegones y bellos paisajes.

La pintura de Anglada Camarasa pasó por alternativas absolutamente dispares, su prestigio y cotización internacional también. Inserto en la vanguardia pictórica y con altísima cotización internacional, Anglada fue dejando al hombre como protagonista de sus cuadros; se recluyó en territorios rurales y fue cayendo en un relativo olvido, a medida que las vanguardias introducían nuevos "ismos", mientras él, en solitario, profundizaba en el uso del color y en el goce del paisaje.

En los inicios del 2002, la Fundación Mafre presentó en Madrid una gran retrospectiva de Hermenegildo Anglada Camarasa, que sirvió para traer de nuevo a la palestra a este autor nacido en 1871 y muerto en 1959, y presentar una inmensa creación, desigual, en la que hay muchas obras de notable altura.

Las épocas del pintor

Nacido en Barcelona, Herman Anglada Camarasa, recibió formación en la Escuela de la Lonja, por Modest Urgell, a quien consideró siempre como su único maestro. Su primera etapa Цhasta 1894- se caracterizó por su iniciación en el paisaje.

Llegado en 1894 a París, siguió adquiriendo conocimientos en diversas escuelas, mientras que su pintura evolucionaba desde el verdeante paisajismo de antaño a una visión caracterizada por su fuerte y acusado colorido. Abundó en temáticas ecuestres, de vida nocturna y de danza y vida gitana, un tema demandado en aquel momento por el coleccionismo internacional, impregnado de la visión tópica de una España gitana y de toreros y majas.

Pero en lo que más profundidad alcanzó Anglada Camarasa fue en el retrato de la vida nocturna de la ciudad, los cabarets, el estrago de la droga, la mujer, y Цcurioso- en la captación de la novedosa luminosidad eléctrica.

Anglada fue en aquella época de inicios del XX uno de los pintores más prestigioso del mundo. Expuso en Munich, Venecia, Londres, ParísЕ y los grandes coleccionistas la pagaron a precios elevados. Participó activamente en la vida artística parisina Цfue un fundador de los salones de Otoño- y creó incluso una academia.

El pintor se adentró en el estudio de las figuras, con un estilo propio, permitiendo que el color fuera definiendo las figuras, la forma y la profundidad, e incorporando a la temática anterior los temas valencianos Hay en esta época una referencia ineludible a Sorolla, el otro valenciano que triunfaba, sobre todo en Estados Unidos.

Pero en pleno éxito, Anglada dio otro cambio. En 1914 deja el bullicioso París de la preguerra y se instaló en Pollensa, Mallorca; sin participar en exposiciones institucionales, aunque con buenos contactos en Estados Unidos. A su taller llegaban coleccionistas y burgueses de Europa y América para ser retratados o comprar obra.

Fue en esta época cuando Цen una naturaleza plácida y con sabor a eternidad- volvió la mirada al paisaje y alejó de forma casi progresiva a la figura humana de sus lienzos. Esa temática del paisaje no solo se ciñó a los ambientes campesinos y costeros mallorquines. Anglada incluso preparó un sistema óptico para observar los paisajes marinos y sacar los brillantes coloridos de algas y peces, así como el temblor de la luz en los fondos rocosos.

Durante la Guerra Civil española (1936-39), Anglada se refugia en el Monasterio de Montserrat. Luego, tras el triunfo del general Franco, se exilia a Francia, donde vive momentos de dificultades económicas y de salud.

Volvió a España en 1948, en una época de poco producción aunque sí de ciertos reconocimientos. Falleció en Pollensa el 7 de julio de 1959.

Anglada, medio siglo más tarde.

Se inició con el paisaje y retornó al paisaje, y entre una visión y otra evolucionó en el tratamiento del color y de la luz, y en unas temáticas en las que destaca la mujer; mujer valenciana, mujer parisina, mujer belleza y mujer desecho.

Se inició con un registro impresionista, pasó a un vigoroso expresionismo (se relacionó también con las escuelas centroeuropeas) para volver a un paisajismo con ecos de Monet y de Pisaro.

Anglada fue uno de los grandes hombres surgidos en el modernismo catalán, encumbrado en los momentos en que sintonizó con la vanguardia parisina y luego olvidado. La caída de su fama del pintor tuvo que ver con las guerras que lo apartaron de la nómina de los comerciales. Porque al ostracismo de Montserrat, durante la guerra española, sucedió el ostracismo de Pouges-les Eaux, Francia, en la II guerra Mundial. Además, él no estuvo en primera línea en las oscilaciones del arte de entreguerras. Cayó víctima de una ley no escrita que viene a decir "lo que no es vanguardia es desprestigio, es pasado". Y esa ley es injusta.

 

Guía de Siena

28/02/2002, En medio de un territorio amable, en la Toscana, Italia, Siena es una ciudad histórica que ejerce una atracción especial sobre los amantes del arte. Una nueva guía de guiarte.com

En medio de un territorio amable, en la Toscana, Italia, Siena es una ciudad histórica que ejerce una atracción especial sobre los amantes del arte. Una nueva guía de guiarte.com

Ayer fue Heidelberg y Basilea, ahora es Siena. La lista de guías de ciudades de guiarte.com sigue creciendo. La de ahora, realizada con texto y fotos de Miguel Ángel Álvarez

Tiene Siena poco más de cincuenta mil habitantes, pero su valor no está en su tamaño, sino en su belleza.

Siena se sitúa en el centro de la península italiana, a 70 kilómetros al sur de Florencia, desde donde hay buenas comunicaciones.

Su forma es alargada, y su centro neurálgico la popular y singular Plaza del Campo. Muy cerca de ésta se halla la catedral, extraña y bella, coronando uno de los montículos sobre los que se expande esta urbe medieval, de tonos ocres(color siena).

El desarrollo grande de Siena tuvo lugar en el medievo, merced a una gran prosperidad de los mercaderes locales, que asentaron una rivalidad con Florencia.

Atribulada por la peste, las rivalidades internas y la lucha contra Florencia, Siena terminó perdiendo la batalla en el siglo XIV.

Del siglo XIV son buena parte de los palacios que ornaron la ciudad y dos santos locales: Santa Catalina y San Bernardino

Su ocaso definitivo llegó en el siglo XVI, cuando trató de ponerse a Carlos V. Acabó perdiendo también esta lucha y fue incorporada al gran ducado de Toscana.

La ciudad tiene una belleza especial, que complementa el inmenso atractivo de otras urbes vecinas, como la magnífica Florencia o la cercana San Gimignano, ambas con guías también en guiarte.com

 

ARCO 2002

20/02/2002, ARCO se ha celebrado en Madrid en medio de un ambiente de moderado optimismo, con 260 galerías -102 españolas y 158 extranjeras- de 33 países.

Arco, la feria del arte contemporáneo de Madrid, clausuró su XXI edición con estabilidad en sus ventas pero con tendencia al alza y con un 13 por ciento más de visitantes., según fuentes de la organizacióón

El presidente de IFEMA, Fermín Lucas, y la directora de ARCO, Rosina Gómez Baeza, acudieron ante los medios de comunicación para hacer un balance de la Feria de Arte Contemporáneo: "Estamos muy satisfechos, y la mayoría de las galerías también", dijo Fermín Lucas, quien adelantó que ha habido un aumento del nueve por ciento de visitantes extranjeros, dato que, su juicio, posiciona a ARCO internacionalmente.

También elogió el alto nivel de las mesas de debate, que este año ha concitado a casi 200 personalidades, entre las que se encontraban los representantes de los museos y galerías más importantes del mundo.

El incremento de la cifra de visitantes, que supera los 190.000, 14.000 más que el año pasado, ha hecho pensar al Comité organizador que para la próxima edición se pueda dejar una tarde exclusivamente para compradores y coleccionistas, según dijo Fermín Lucas.

Para la directora de ARCO, este año se han incorporado instituciones públicas que han comprado y apoyado el certamen y, además, se han presentado seis museos que se han abierto o están a punto de abrirse en España".

Un problema para Arco, puesto de manifiesto por diversas galerías, es la escasa presencia compradora exterior. La directora de Arco está preocupada por ello. "Aunque el 60 por ciento de las galerías presentes en ARCO son extranjeras, la ausencia de más norteamericanos, ingleses o alemanes se debe a la proximidad de la Feria de Nueva York".

La Feria de Nueva York abre el 20 de febrero y muchos galeristas prefieren estar allí o hacer sus maletas rápidas para irse, una circunstancia que está haciendo pensar a los organizadores cambiar la fecha de ARCO.

Este año se ha dedicado especialmente a Australia, como país invitado. El comisario de Australia, Paul Greenaway, manifestó satisfacción por haber cumplido todos los objetivos marcados y por despojar de tópicos a su país. "Ya no sólo somos el país de los canguros".

Representes de Suiza, país invitado el próximo año en ARCO, explicaron que concurrirán a esta Feria bajo el lema "MiraSuiza".

Curiosamente es Suiza el lugar donde se halla la feria más importante de arte contemporáneo, en Basilea: Art Basel.

Art Basel, que se celebra en junio, está sin duda a la cabeza de este tipo de eventos, aunque el número de visitantes a la feria sólo llega a unos 50.000. Pocos, pero con negocio.

La Feria

ARCO se desarrolló en medio de un ambiente de moderado optimismo. Asistieron 260 galerías -102 españolas y 158 extranjeras- de 33 países. El nivel de asistencias y compras fue bueno.

Ya pasado el ecuador del certamen Internacional de Arte Contemporáneo Arco, Rosina Gómez Baeza, directora de la muestra dijo que. "Por primera vez, han acudido los grandes coleccionistas internacionales, las ventas van cada vez mejor y el público desborda el recinto".

Según la directora de Arco, existen "muchos y buenos motivos para estar contenta y optimista. El arte español está viviendo una transformación y corren vientos muy tranquilizadores, ya que se ha demostrado que el arte no es un refugio como se especulaba, sino que las instituciones y corporaciones son las primeras en comprar. Sólo hay que decir que en España en los próximos meses se van abrir seis nuevos espacios para el arte contemporáneo, algo muy esperanzador".

La opinión sobre la buena marcha de ventas era compartida con muchas galerías. Se destacaba el éxito de las obras de calidad y la fotografía.

Del 14 al 19 de febrero, la XXI edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO), la segunda más internacional del mundo, ofreció obras para todos los gustos, y también para los bolsillos más dispares, desde la más cara, una pintura de René Magritte de más de un millón de euros, a las más baratas, litografías de menos de cien euros.

Esta nueva cita congregó a cuatro millares de artistas y cientos de personalidades del arte, muchas en foros de debate, junto a unas multitudes de amantes del arte y negociantes. La superficie de exposición ha aumentado un 30 por ciento respecto a un año antes.

ARCO ofrecía obras notables de gentes como George Baselitz, Henry Matisse, Manolo Valdés, Botero, Kokoschka, Lipchitz, Picasso, Mondrian, Saura, etc. en un mercado que se ha animado en los últimos años por el creciente arraigo del coleccionismo artístico entre los españoles.

La nueva ubicación de la feria ha permitido llevar a cabo el proyecto Arquitectura Efímera que, creado por el arquitecto valenciano Vicente Salvador y un equipo multidisciplinar, se erige como la principal novedad de esta convocatoria. Lleva el concepto de espacio a categoría museística para privilegiar el objeto artístico, creando un circuito que, acorde con los espacios que ocupan los galeristas, recuerda a una ciudad, con sus calles, avenidas, plazas, sus lugares de diversión y descanso.

La feria contó con sus ya tradicionales espacios de Project Rooms y Cutting Edge, con las propuestas más experimentales del panorama actual, así como con el proyecto Arte Público/Espacios Abiertos y con un destacado ciclo de mesas de debate en el que participarán grandes coleccionistas, directores, conservadores, gestores y comisarios de los principales museos y centros de arte del mundo, junto a prestigiosos críticos y líderes de opinión.

Rosina Gómez-Baeza, directora de la feria, se marcó este año como objetivo "conseguir que este año ARCO sea la feria más internacional", en la que se ofreciera una visión amplia del acontecer artístico, además de ser punto de encuentro entre profesionales y estamentos artísticos nacionales e internacionales.

Destacó que aún hay mucho trecho para fomentar el arte en el país. "Tenemos que ganar posiciones en el ámbito internacional, estimular y defender a nuestros artistas, tratar fiscalmente mejor a los coleccionistas", ha dicho la directora de ARCO, que también se quejó de la aún escasa disposición de las empresas españolas para adquirir arte. "La innovación y la creación deben ser estimuladas y apoyadas por el empresariado" dijo.

Los galeristas señalaban que las expectativas son muy buenas y esperan que la crisis internacional no afecte al mercado del arte. Los precios Цdicen- están estabilizados.

Tras la presencia de Reino Unido en la pasada edición, Australia tomó el relevo este año como país invitado de honor, desarrollando como tema central "Australia y el resto del mundo".

Galeristas de aquel país, quince; una exposición sobre el arte aborigen en el Palacio de Velázquez, la presencia de artistas y criticos y otros eventos tuvieron a Australia en permanente actualidad en ARCO.

Paul Greenaway, comisario de "Australia en ARCOі02", recordó que se ha cumplido, después de siete años, un objetivo "teníamos mucho interés en estar aquí, para establecer nuestro entorno artístico y romper con ideas predeterminadas. Australia es un país en auge en el mundo artístico".

 

Ballenas, sí

26/01/2002, Activistas de todo el mundo, defensores de las ballenas, están reclamando de los Gobiernos que no consientan los sobornos dentro de la Comisión Ballenera Internacional, y apoyen la moratoria contra la caza de ballenas


Madrid, 25 de enero de 2002. Guiarte.com

Activistas de todo el mundo, defensores de las ballenas, están reclamando de los Gobiernos que no consientan los sobornos dentro de la Comisión Ballenera Internacional, y apoyen la moratoria contra la caza de ballenas

El primer día de acción global en defensa de las ballenas fue el pasado 5 de noviembre de 2001. Ese día, activistas de 17 países pidieron al Gobierno de Japón que no permitiera que la flota ballenera partiera hacia la Antártida a cazar ballenas.

En el Segundo Día de Acción Global en Defensa de las Ballenas, el 23 de enero, activistas de Greenpeace de 14 países (Alemania, Australia, Austria, Chile, Dinamarca, España, Estados Unidos, Fiji, Finlandia, Francia, Méjico, Noruega, Nueva Zelanda, y Suecia) reclamaron a sus Gobiernos que no toleren los sobornos realizados por el Gobierno de Japón dentro de la Comisión Ballenera Internacional.

En Madrid, una pequeño grupo de activistas acudieron al Ministerio de Agricultura, Alimentación y Pesca – Ministerio que asume la responsabilidad de representar al país ante la Comisión Ballenera Internacional (CBI) – para demandar que España condene públicamente esta táctica utilizada por el Gobierno japonés para conseguir una mayoría que le permita acabar con la actual moratoria que impide cazar ballenas.

Representantes de Greenpeace solicitaron al Ministro una reunión para exponer la postura de la organización ecologista frente a la política desarrollada por el Gobierno japonés de cara a la próxima reunión de la CBI, el próximo mes de mayo.

En una entrevista en ABC TV, Australia, coincidiendo con la reunión de la CBI en el 2001, un veterano miembro de la delegación japonesa admitió que Japón debía usar “herramientas diplomáticas y compromisos de ayuda al desarrollo para influenciar a los miembros de la Comisión Ballenera Internacional”.

De continuar esta práctica de compra de votos, el Gobierno japonés podría acabar con el resultado de 30 años de trabajo para proteger a las ballenas. “No podemos permitir que después de tantos esfuerzos, sea el dinero el que decida si las ballenas se salvan o no” declaró María José Caballero, responsable de la Campaña de Ballenas de Greenpeace.

“La caza comercial de ballenas nunca ha sido ni podrá ser sostenible. Nos encontramos ante un momento crucial en el que los Gobiernos deben denunciar la compra de votos y mostrar que no están dispuestos a vender a las ballenas” añadió.

A pesar de que un funcionario japonés admitió públicamente el año pasado el uso de ayudas pesqueras para comprar el apoyo a la caza de ballenas, sólo Nueva Zelanda ha condenado públicamente al Gobierno japonés por estas maniobras. Diez países ya han recibido más de 133 millones de euros en concepto de ayudas para incorporarse a la CBI y votar con Japón. Si se permite que continúe la compra de votos, el Gobierno japonés podría conseguir una mayoría en la próxima reunión que tendrá lugar en mayo, e inmediatamente comenzará a debilitar la prohibición actual para capturar ballenas.

La Agencia Pesquera de Japón ahora cuenta con el apoyo de 10 naciones por cuyos votos ha pagado: Antigua y Barbuda, Dominica, Guinea, Granada, San Vicente y las Granadinas, Santa Lucía, San Kitts y Nevis, Islas Salomón, Panamá y Marruecos. Todos excepto Marruecos han votado con Japón en todos los temas. La semana pasada Greenpeace hizo públicos datos que muestran que el Gobierno japonés ha gastado ya más de 350 millones de euros para comprar la vuelta a la caza comercial de ballenas. Sólo en el 2001 gastaron más de 50 millones de euros en ayudas pesqueras concedidas a 6 países.

El Primer Ministro de Antigua y Barbudo, Lester Bird, admitió que la contrapartida a este dinero era votar en el mismo sentido que Japón en los temas relacionados con la caza de ballenas.

”Estamos realizando una llamada de atención a todo el Planeta” añadió María José Caballero. “Nuestros compañeros en la Antártida, tras 7 semanas protestando contra la captura de ballenas en esta zona, han sido testigos de primera mano del trabajo de los balleneros, y la compra de votos del Gobierno japonés es tan letal como uno de sus arpones”.

 

Guía de Brujas, en español

22/01/2002, Brujas, que junto con Salamanca es este año Capital Europea de la Cultura, ya tiene guía en español: http://guiarte.com/brujas/


Brujas, Bélgica, 20 de enero de 2002. guiarte.com

Brujas, que junto con Salamanca es este año Capital Europea de la Cultura, ya tiene guía en español: http://guiarte.com/brujas/

Con textos de Artemio Artigas y fotografías de Toerisme Brugge, guiarte.com ha elaborado la guía de la Venecia del Norte, ciudad amable, que conserva un rico legado de los tiempos –ya lejanos- en los que fue metrópoli potente.

Brujas es especialmente atractiva este año 2002, en el que trocará su vida apacible en fiesta de la cultura.

Esta capitalidad, unida al nombramiento –en el año 2.000- como ciudad Patrimonio Mundial de la UNESCO, hacen de Brujas un destino cada vez más común.

La ciudad tuvo su época más gloriosa en el fin de le Edad Media, cuando fue un gran foco de cultura. Allí trabajaron y vivieron gentes como van Eyck, Memling o Luis Vives. Diversos edificios dan fe de aquel esplendor gótico, que fue viniéndose abajo cuando bancos de arena y fango fueron cortando el acceso al mar y los canales no sirvieron para un tráfico que cada vez contaba con buques mayores.

Amberes sucedió en pujanza económica a Brujas, y ésta permaneció cinco siglos dormida. guiarte.com te lo explica en la guía de Brujas

 

Salamanca y Brujas

19/01/2002, Las ciudades de Salamanca, España, y Brujas, Bélgica, ostentan a la vez el título de la Capitalidad Europea de la Cultura durante el año 2002. Salamanca inició su programa el 19 de enero, Brujas lo hará el mes de febrero

Salamanca, España, 19 de enero de 2002. guiarte.com

Las ciudades de Salamanca, España, y Brujas, Bélgica, ostentan a la vez el título de la Capitalidad Europea de la Cultura durante el año 2002. Salamanca inició su programa el 19 de enero, Brujas lo hará el mes de febrero.

Brujas prepara una intensa programación en la que recuerda su fértil época dorada del siglo XV, cuando, bajo dominio Borgoñón, destacó en la economía y la cultura. Allí trabajaron hombres como van Eyck o Memling, que serán recordados -especialmente el primero- en los fastos del 2002.

Salamanca también tuvo una intensa vida cultural desde el medievo, sobre todo merced a su famosísima universidad, en la que estudiaron e impartieron enseñanzas grandísimas figuras del pensamiento.

Una y otra ciudad tienen un inmenso atractivo. Brujas, con sus edificios góticos y sus evocadores canales; Salamanca con su magnífico elenco monumental, que la hace la más bella de las ciudades leonesas y una de las más hermosas de España.

Desde este 19 de enero, Salamanca es ya oficialmente Capital Europea de la Cultura. Actuaciones teatrales, festivas y musicales dieron apertura a este calendario festivo.

El acto de apertura de esta capitalidad contó con la presencia de varios ministros del gobierno de España y el titular del gobierno de Castilla y León. La ministra española de Cultura destacó que en los próximos meses se desarrollará una programación plural y equilibrada.

El día, frío y lluvioso, no ha animado el panorama. Curiosamente, las crónicas de TV dadas sobre el evento han estado deslucidas por una jornada en la que la eterna piedra de la ciudad tiene el tono apagado de los días grises.

Un trabajo teatral y una actuación de la Orquesta y Coro Nacionales de España iniciaron los eventos. Luego el grupo Els Comediants continuó la fiesta. Els Comediants ya venían animando la Plaza Mayor –ágora de Salamanca- desde hace días, pero para la jornada inaugural tenían un espectáculo especial de luz y música.

Salamanca lucirá cada día más, a medida que llegue la primavera. No decaerá el interés. Están programadas ya alrededor de setecientas actividades culturales oficiales, además de las que llevarán a cabo otras instituciones salmantinas.

Página Web de Brujas

Página Web de Salamanca

 

Naturaleza y Hombre

12/01/2002, En Santa Cruz de Tenerife, se inauguró el Museo de la Naturaleza y el Hombre, uno de los centros culturales más importantes de Canarias, que acoge en su interior tanto un museo Arqueológico como otro de Ciencias Naturales


Santa Cruz de Tenerife, 12 de enero de 2001. guiarte.com

En Santa Cruz de Tenerife, se inauguró el Museo de la Naturaleza y el Hombre, uno de los centros culturales más importantes de Canarias, que acoge en su interior tanto un museo Arqueológico como otro de Ciencias Naturales.

Con la apertura de este nuevo espacio, que pone en funcionamiento 4.000 metros cuadrados de exposición, culminan 10 años de proceso de organización y creación de este proyecto cultural.

El Museo pertenece al Organismo Autónomo de Museos y Centros del Cabildo (OAMC).

La Reina de España estuvo en el acto inaugural del centro, que se ubica en un inmueble del siglo XVIII, utilizado como hospital civil hasta hace 30 años.

El museo presenta, desde una perspectiva interdisciplinar, el patrimonio natural y cultural de las Islas, apoyándose en las colecciones y en la labor de investigación en el campo de la biología, la arqueología, la paleontología y la paleopatología.

Los materiales se distribyyen en dos anillos en torno a los patios centrales del edificio. Tras la introducción: “Canarias a través del tiempo”, el visitante puede optar por comenzar por el anillo de Arqueología o por el de Ciencias Naturales.

Entre los fondos del recinto se muestran exposiciones de botánica, vertebrados e invertebrados terrestres y arqueología, mamíferos, árboles y bosques de Canarias, en las que además se pueden apreciar reproducciones de especies extinguidas, como la rata gigante de Tenerife y el ratón de las lavas.

En el acto inaugural, el nueve de enero, la Reina Sofía firmó en el Libro de Honor del Museo y recibió como regalo del Cabildo tinerfeño un ejemplar de la primera edición de la obra del investigador Sabino Berthelot "Antiguedades de las islas Canarias".

La Reina elogió la variedad de los fondos, especialmente los referidos a la cultura aborigen, y mostró interés por el estado de conservación de las especies autóctonas, especialmente el lagarto gigante, del que sólo se conoce un número reducido de ejemplares y que se encuentra en peligro de extinción. Tambien mostró preocupación por la protección de los grabados rupestres de las islas.

Más información sobre el centro en: http://www.cabtfe.es/areas/museos/guia_hombre.html

 

Fitur 2002

10/01/2002, Un año más, Madrid organiza una cita clave para la promoción del turismo: Fitur, que se abrió el 30 de enero y continuará hasta el 3 de febrero

Madrid, 10 de enero de 2001. guiarte.com

Un año más, Madrid organiza una cita clave para la promoción del turismo: Fitur, que se abrió el 30 de enero y continuará hasta el 3 de febrero.

El turismo goza de buena salud, en general, según se aprecia en la feria de Fitur, que es la segunda feria mundial de este sector

En la feria se ha dicho que los resultados que ha logrado el turismo español el año pasado pese a las consecuencias de los atentados terroristas sufridos por Estados Unidos el pasado 11 de septiembre fueron buenos.

España es el segundo destino turístico mundial, con 49,5 millones de visitantes al año y unos ingresos por este concepto que han pasado de 19.000 millones de euros en 1995 a unos 36.000 millones el año pasado.

Sobre la tradicional muestra turística planea una sombra, la de los atendados del 11 de septiembre, que causaron un grave quebranto a la industria turística en general y al sector aéreo de forma particular e inmediata.

Los casos más recientes de crisis de empresas aeronáuticas -entre los que destacan la crisis de Swissair y la quiebra de Sabena- no sólo han tenido como consecuencia una reducción del número de compañías aéreas, sino que coinciden en una merma de salarios del sector y recortes de empleo en diversas compañías.

Sin embargo, el ambiente en la jornada inaugural era positivo.

Este es uno de los temas que según los organizadores de Fitur 2002 afirmaron puede condicionar la feria. El presidente del Comité Organizador de Fitur y de Iberia, Xabier de Irala, explicó que esta edición despierta "una especial espectación por las actuales coordenadas políticas y económicas que tristemente han otorgado un especial protagonismo a la industria turística mundial".

A su juicio, Fitur 2002 representa para la industria turística una gran oportunidad para "hacer una puesta al día y definir las estrategias de futuro", y añadió que el crecimiento de la feria, que este año ocupará un 14 por ciento más de espacio, con 72.000 metros cuadrados, es un "buen síntoma" de lo que será la evolución del sector.

En esta edición participan 627 expositores directos, 15 más que en el año pasado, en los que presentarán sus productos 8.525 empresas, un 2,7 por ciento más que en 2001, procedentes de 170 países.

Para De Irala, estas cifras "récord" evidencian "la confianza en la pronta recuperación del sector gracias a sus sólidos cimientos y la necesidad de intensificar, por parte de las empresas y los organismos oficiales, los esfuerzos promocionales para retornar a la normalidad a los usuarios y romper sus temores".

Añadió que también suponen la confirmación de Fitur como "un encuentro profesional internacional imprescindible para el sector".

De Irala destacó que este año la feria utilizará los dos nuevos pabellones con los que cuenta el recinto ferial madrileño de IFEMA, lo que permitirá que, por primera vez en sus tres años de existencia, Fitur Congresos se celebre en el mismo escenario que Fitur.

Subrayó que Fitur Congresos, en el que participarán unas 370 empresas en su mayoría de la zona euro, se ha revelado como "un medio imprescindible para dar a conocer en todo el mundo las excelentes posibilidades que ofrece España al mercado de reuniones.

Según el director general del IFEMA, Fermín Lucas, Fitur contará este año con 50.000 metros cuadrados más de superficie y 6.000 nuevas plazas de aparcamiento, hasta sumar un total de 14.000. Para Lucas, Fitur, segunda feria mundial del turismo, servirá para revitalizar un sector que se ha visto seriamente afectado por la actual coyuntura política y económica

 

ARCO 2002

10/01/2002, La 21 edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO-02 se celebrará en Madrid, entre los días 14 y 19 de febrero. Es una cita importante pata los amantes del arte

Nueva edición de ARCO

La 21 edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO-02 se celebrará en Madrid, entre los días 14 y 19 de febrero. Es una cita importante pata los amantes del arte

ARCO reunirá a 260 galerías -102 españolas y 158 extranjeras- de más de treinta países de los distintos continentes. Va a ser una cita que tendrá lugar en el Parque Ferial Juan Carlos I de la capital española, en la que destaca el Proyecto Arquitectura Efímera como una de las principales novedades

Este año, Australia es el país invitado de honor, al que se le dedicará una atención especial. Personalidades del arte de aquel país intervendrán para destacar “la variedad de una producción relativamente desconocida fuera del país, pero con nombres muy importantes”, según explicó el embajador australiano en España, Timothy George.

La presencia de quince galerías de la isla; de especialistas que analizarán el arte australiano actual, y una exposición sobre el arte aborigen en el Palacio de Velázquez –además de otras actividades- van a proyectar este año con fuerza la visión artística australiana.

La feria contará, además, con sus ya tradicionales espacios de Project Rooms y Cutting Edge, con las propuestas más experimentales del panorama actual, así como con el proyecto Arte Público/Espacios Abiertos y con un destacado ciclo de mesas de debate en el que participarán grandes coleccionistas, directores, conservadores, gestores y comisarios de los principales museos y centros de arte del mundo, junto a prestigiosos críticos y líderes de opinión.

El Proyecto Arquitectura Efímera ha sido creado por el arquitecto valenciano Vicente Salvador y un equipo multidisciplinar. Busca potenciar el objeto artístico, adaptando luz y espacio a cada uno de los contenidos artísticos y favoreciendo la apreciación del público.

Durante la presentación de la feria, Fermín Lucas, el director de la Feria de Madrid, y Juan José Güemes, secretario general español de Turismo y vicepresidente de Turespaña, anunciaron la firma de un convenio de colaboración dirigido a promocionar y apoyar la comercialización de la feria, que tiene como objetivo promocionar en el exterior la feria mediante actividades publicitarias directas y la difusión de la feria a través de la presencia en la misma de 28 periodistas especializados procedentes de diferentes países.

La directora de ARCO, Rosina Gómez-Baeza, expresó que "se trata de conseguir que ARCO sea aún más internacional”

ARCO ofrece una página en Internet y el nuevo proyecto editorial "masdearco.com" con amplia cobertura informativa, a tiempo real, del certamen.

 

De Kandinsky a Valdés

03/01/2002, El Guggenheim de Bilbao presentara en el 2002 una amplia programación, en la que se integran muestras dedicadas a Vasily Kandinsky, Manolo Valdés y la dimensión artística parisina en la primera mitad del siglo XX

De Kandinsky a Valdes

Bilbao, 3 de enero de 2002. guiarte.com

El Guggenheim de Bilbao presentara en el 2002 una amplia programación, en la que se integran muestras dedicadas a Vasily Kandinsky, Manolo Valdés, la dimensión artística parisina en la primera parte del siglo XX, o la sensualidad y espiritualidad de la pintura brasileña.

El Patronato del centro, en su última reunión, acordó también prolongar hasta el final de mayo de 2002 la muestra que se expone actualmente sobre el arquitecto Frank Gehry, quien durante más de cuarenta años ha aportado toda su perspicacia e inventiva a los métodos y materiales empleados para encerrar el espacio, creando las poderosas formas que distinguen su obra. La exposición del diseñador del propio museo bilbaíno estaba prevista inicialmente hasta el 17 de febrero.

Arte alemán de la segunda posguerra

De febrero a diciembre, se presentará en el Guggenheim de Bilbao la muestra Pintura y escultura alemanas de la segunda posguerra, con objeto de reflejar la vitalidad artística germana y sus focos vanguardistas, con obra de Beuys y Richter, recientemente adquirida por el centro.

Proceso y materialidad en el arte del siglo XX

También desde febrero a diciembre se presentará la muestra Proceso y materialidad en el arte del siglo XX, centrado en el arte povera y el arte procesual, a través de artistas como Janis Kounellis, Mario Merz, Robert Morris, Richard Serra y Gilberto Zorio

En esta muestra figura la obra Serpiente, encargada a Serra para el Museo Guggenheim de Bilbao

Kandinsky

Vasily Kandinsky y su contexto es otra de las exposiciones estelares, que se presentará de septiembre de 2002 a enero del año siguiente; muestra basada en las colecciones del Guggem, y que se organiza cronológicamente para mostrar las vinculaciones del artista ruso con la vanguardia de su tiempo.

Va desde la época de El Jinete Azul, movimiento originario de Munich, en el que se vincula al autor con Kokoscha, Franz Marc y Ernst L. Kirchner, hasta su periodo final parisino, influido por gentes como Dalí y Max Ernst.

París, capital artística.

Bajo el título París: capital de las artes, 1900-1968 la pinacoteca mostrará de forma antológica los movimientos y temas más importantes que emergieron en la capital francesa entre esos años.

La Ciudad de la Luz pasó durante este tiempo desde la eclosión de las vanguardias, a los días de guerra y hasta la rebelión de mayo del 68, en una sucesión de ambientes en los que se gestaron estilos claves de la historia del arte del siglo XX.

En estas seis décadas hay creadores tan destacados como Picasso, Matisse, Léger, Kandinsky o Giacometti, cuyas obras se pueden contemplar en cuatro apartados cronológicos. La exposición tendrá lugar desde mayo a septiembre de este año.

Brasil

Brasil: cuerpo y alma divulgara la cultura plástica del país sudamericano, desde junio del 2002 a enero del 2003.

La muestra brasileña llega Bilbao, después de estar en Nueva York. Refleja algunos de los mejores ejemplos del barroco brasileño, desde el siglo XVII hasta principios del XIX, y también del arte moderno, desde 1920 hasta nuestros días.

Los comisarios de la misma intentan mostrar la fusión de sensualidad y espiritualidad en el arte del país, con temáticas que van desde lo litúrgico a los vestigios de culturas indígenas, lo que genera una atractiva fusión de formas y colores.

Manolo Valdés

Finalmente, otra de las exposiciones temporales, con el título Manolo Valdés, rinde tributo a este artista español con gran proyección internacional y protagonismo en el panorama artístico del último tercio del siglo XX.

Manolo Valdés (Valencia 1942) inició su carrera en el Equipo Crónica, en los años sesenta, y tras la disolución del mismo, en 1981, continuó incidiendo en el estilo de aquel grupo, seleccionando imágenes clásicas y manipulando sobre ellas, en una trayectoria que ha tenido refrendo internacional. La muestra sobre este artista estará de octubre del 2002 a enero de 2003.

 

Reyes de arte

02/01/2002, La festividad de los Reyes Magos (6 de enero)es la última de las grandes jornadas navideñas, una jornada que también tiene interés en el mundo del arte.

Barcelona, 3 de enero de 2001. guiarte.com

La festividad de los Reyes Magos es la última de las grandes jornadas navideñas, una jornada que también tiene interés en el mundo del arte.

Los Reyes Magos no son sólo piezas esenciales de cualquier Belén de nuestro tiempo, son a menudo, y desde hace muchos siglos, bellísimas obras de arte. Maestros pintores y escultores de todos los tiempos han elaborado notables trabajos, en torno a la Navidad. Los Reyes Magos, San José, La Virgen María y el Niño, junto a la mula y el buey.

Por Navidad, en grandes instituciones culturales, pueden verse muestras donde el Belén, el Nacimiento, alcanza la categoría de arte. Entre ellas, en el final del 2001, destaca la presentada en el Monasterio de Pedralbes, Barcelona, organizada por la Fundación Thyssen-Bornemisza y el museo de Historia de la Ciudad.

La exposición recoge una serie de piezas de gran valor, fechadas desde los siglos XIII al XVIII, en las que se puede ver cómo ha evolucionado la concepción de esta representación, a través de modas y países.

Una vieja iconografía.

Las celebraciones navideñas -con su iconografía, simbolismo e incluso gastronomía- se remontan a los inicios del cristianismo, religión que, con una visión cargada de sincretismo, adaptó celebraciones romanas, como la del día 25 de diciembre, fiesta pagana del Sol, y las Saturnales, que se iniciaban el 19 de diciembre, en honor a Saturno, dios de la agricultura, prolongándose durante siete días de banquetes y juergas.

La fijación de la fecha del nacimiento de Cristo en esos días sólo tuvo lugar en torno al siglo IV, pero ya en el medievo se comenzó a organizar representaciones específicas del evento.

Se dice que en el siglo XIII San Francisco de Asís hizo en la gruta de Greccio una representación del Nacimiento, con animales y personas, simulando, de forma sencilla y divulgativa, el advenimiento de Jesús.

De aquella representación -ya mítica- surgieron imitadores que trataron de hacer en sus casas un escenario similar, con figurillas de madera o barro. La costumbre pasó de Italia a Francia y España, donde tuvo un gran desarrollo, que se amplificó con la llegada de los españoles a América. Los propios frailes hispanos aprovecharon este sistema iconográfico para enseñar a los naturales del otro lado del Atlántico el misterio de la Navidad.

Surgieron así diversas clases de belenes: los cultos, amados por los reyes, o esculpidos en las propias catedrales, al lado de los sencillos, elaborados por los campesinos, que creaban un escenario similar al que contemplaban sus ojos, con gentes ataviadas con vestiduras como las suyas y un portal poblado de sus mismos animales domésticos.

Los Reyes Magos

El origen de la celebración de los reyes magos pudiera estar vinculado también con las fiestas saturnales, en las que ya había intercambios de aguinaldos.

La primera noticia que se tiene de los Reyes Magos es a través del evangelio de San Mateo, pero el apóstol se muestra poco conciso, ya que no concreta su número ni su condición, raza o procedencia.

Para los cristianos, la Epifanía se celebra el sexto día del primer mes del año, y viene acompañada por la Adoración, que significa el reconocimiento de la legitimidad del Mesías. Los Reyes Magos adoran y ofrecen al Niño, oro, incienso y mirra. Estos tres regalos encierran toda una simbología; el oro, metal precioso digno de reyes; el incienso, esencia de todos los altares, dignos de un dios; y mirra, hierba sagrada de especiales poderes curativos e imprescindible para el embalsamamiento, propio para regalar a un hombre.

Creció la leyenda en torno a estos reyes, y fue perfilándose una precisa tradición. En el siglo V San León fijó su número en tres; en el siglo VI la iconografía les dio una diferenciación de edad, dos de ellos con barbas y un tercer imberbe, simbolizando las edades del hombre.

Según la tradición, Melchor murió cuando Jesús era un niño, y Gaspar y Baltasar se convirtieron al cristianismo tras la Pasión, siendo martirizados por los romanos. Se cuenta que Santa Elena, madre del emperador Constantino, encontró sus cuerpos en Tierra Santa, desde donde se trasladaron primero a Constantinopla y luego a Milán.

En el siglo XII los cuerpos se llevaron a Colonia, ciudad que se transformó -junto con Santiago, Jerusalén y Roma- en uno de los grandes centros de peregrinaciones medievales. Ahora se hallan en una de las capillas de la suntuosa catedral gótica que se levanta a orillas del Rin

La Colección de Reyes de Pedralbes

En Barcelona, se puede contemplar una excelente muestra del temario artístico vinculado a los Reyes Magos, con obra que va del siglo XIII hasta el XVIII. La exposición esta abierta al público en el Monasterio de Pedralbes hasta el 17 de febrero de 2002.

Los frescos que en 1346 pintó Ferrer Bassa la celda de Sant Miquel, por encargo de la abadesa Francesca Saportella, abren esta exposición que reúne obras de gran valor y algunas de ellas tan bellas como la pequeña tabla de Pietro di Rimini, de 1330, perteneciente a la Colección Thyssen de Barcelona, cargada de intimidad y ternura.

En el Frontal de altar de la iglesia de Santa María de Mosoll (Girona), de mediados del siglo XIII, actualmente en el Museo nacional de Arte de Cataluña, aparecen los tres reyes con las tres edades; la tabla del Maestro de la Epifanía de Amberes, procedente, asimismo, del MNAC (Museo Nacional de Arte de Cataluña), muestra una tendencia hacia el lujo.

También pueden verse en Barcelona "La Adoración de los Reyes", de Luca di Tommé, obra de aire bizantino procedente del Museo Thyssen de Madrid, así como "La Adoración de los Reyes Magos" (siglo XVIII), de Jerónimo Ezquerra, perteneciente a la colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

El Museo de Historia de la Ciudad-Museo Monasterio de Pedralbes aporta, por su parte, piezas inéditas, y otras restauradas para esta ocasión como el retablo de la Epifanía, atribuido a Damiá Forment o a su taller (1562-1586), o la miniatura de cantoral de Esmeraldo Dotavanti, de principios del siglo XVI.

Anna Castellano, comisaria de la muestra, dijo que a través de la exposición han querido descifrar algunos de los enigmas de la Epifanía, uno de los temas más famosos y recurrentes de la iconografía cristiana.

De entre los textos evangélicos sólo el de San Mateo, subraya Castellano, menciona a los personajes de los Reyes Magos, sin embargo, "la narración de los Evangelios Apócrifos describe con detalle la adoración e influye de manera decisiva en su iconografía".

El número de los Reyes, tres, se fijó pronto, como demuestra el frontal de altar de Mosoll (Girona), del siglo XIII, "atendiendo a los tres dones que llevaron los Reyes al Niño, a las tres edades - juventud, madurez y vejez -, a las tres dimensiones - pasado, presente y futuro- y a los tres continentes conocidos - Europa, Africa y Asia -".

También a partir del siglo XIII empieza a aparecer uno de los gestos característicos, como se puede observar en el cuadro de Ezquerra, uno de los reyes, normalmente el de mayor edad, aparece arrodillado ante el Niño, descubierto con la corona en el suelo, en actitud de besar su pie.

Otro de los enigmas, la existencia del rey negro, es también una tradición posterior, pues, como ha apuntado la comisaria, en la Edad Media se asociaba negro a oscuridad, a la negación de Dios, y sólo a partir del siglo XV se fija la figura del rey negro al hilo del gusto por el exotismo como ilustra en la exposición una "Epifanía" de Fernando Gallego, en la que el artista seguramente pensaba en un rey de Etiopía.

El mimetismo de la época se refleja también a lo largo de los siglos XVI y XVII en los personajes, pintados con vestidos y elementos propios de los indígenas del Nuevo Mundo.