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Salvar los bosques primarios

22/12/2001, Del 8 al 19 de abril de 2002, se reunirá en La Haya el sexto encuentro de la Convención de Diversidad Biológica. Es un momento clave para salvar los bosques primarios

Madrid, 16 de diciembre de 2001. Por Artemio Artigas, de guiarte.com

Del 8 al 19 de abril de 2002, se reunirá en La Haya el sexto encuentro de la Convención de Diversidad Biológica. Es un momento clave para salvar los bosques primarios.

Estos bosques albergan una sorprendente biodiversidad, Los hay de mult6itud de tipologías: boreales, templados, tropicales; unos son de coníferas, otros de caducifolios; los hay secos, húmedos, costeros... cada uno tiene un nicho ecológico propio. Pero están en crisis.

En 1992, los gobiernos del mundo propusieron una Convención para la Diversidad Biológica, un acuerdo legal para la conservación del planeta. Pero desde entonces los gobernantes han hecho muy poco para cumplir este acuerdo.

En el mundo quedan 1.350 millones de hectáreas de bosque primario, sólo es el 7 por ciento de la superficie de la tierra; pero en declive. Hay científicos que dicen que el mundo actual está en el momento más destructivo desde los días en que desaparecieron los dinosaurios. Se estima que están en vías de extinción cerca del 24 por ciento de los mamíferos y el 12 por ciento de pájaros. La destrucción de los hábitats es clave en el proceso destructivo.

Greenpeace está lanzando una campaña de concienciación. En Madrid, diversas personalidades del mundo de la música, el periodismo, la literatura, la ciencia, el arte, el diseño, el teatro y la radiotelevisión firmaron un manifiesto en apoyo de la Campaña de Bosques.

Estos "Guardianes de los Bosques Primarios" han pedido al Gobierno Español que asuma las demandas de Greenpeace para proteger los Bosques Primarios. Estas demandas se dirigirán a más de 180 gobiernos que asistirán a la reunión de la Convención sobre Diversidad.

Entre los que apoyan el mensaje, Manolo García, Joaquín Araujo, Alejandro Sanz, Ana Belén, Ian Gibson, Javier Mariscal, Javier Reverte, José Luis Sampedro, Manuel Rivas, Miguel Ríos, Miguel Delibes de Castro, Víctor Manuel.

Greenpeace ha hecho llegar al Gobierno las siguientes demandas:
· Detener la destrucción de los bosques primarios.
· Ordenar el comercio mundial de madera.
· Crear un fondo económico para el desarrollo sostenible de estas áreas.

Por qué merece la pena proteger los bosques.

Porque mantienen la biodiversidad. Se estima que el bosque primario alberga más del 90 Por ciento de todas las especies que viven sobre la Tierra, particularmente plantas y muchas especies animales, desde las orquídeas hasta los búhos, desde los escarabajos hasta los osos, y muchas otras que aún son desconocidas para la ciencia. Hay una cosa clara, estas especies no sobrevivirían si continua el saqueo de los bosques primarios.

Porque estabilizan el clima. Los bosques primarios juegan un papel fundamental en el clima mundial. Cuando desaparecen, los bosques liberan gran cantidad de carbono, que calienta la atmósfera terrestre y acelera el cambio climático. Las últimas cifras rebelan que el actual grado de destrucción de las selvas está contribuyendo en más del 20 Por ciento a las emisiones globales de CO2. Los incendios forestales en Indonesia de 1997/98 emitieron a la atmósfera tanto CO2 como todo el carbón, aceite y gas quemados durante el mismo año en toda Europa Occidental. Una vez más, el principal factor que contribuyó a dichos fuegos, fue el sector forestal.

Porque son el hogar de numerosas poblaciones indígenas. Tan importante como conservar la belleza de los bosques primarios de todo el mundo es el sustento de sus habitantes. La triste realidad es que las cortas industriales en los bosques primarios han ocasionado la destrucción de los territorios de muchas poblaciones indígenas, sus recursos forestales han sido destruidos y sus tradiciones culturales se han visto amenazadas. Antes de que llegaran los madereros, estas poblaciones llevaban viviendo allí miles de años, coexistiendo en armonía con su entorno.

La Amazonia

La Amazonia es el mayor bosque primario que queda en la Tierra. Contiene la mayor biodiversidad del planeta, con el 50 por ciento de todas las especies de animales terrestres y plantas, que dependen de ella para sobrevivir. Veinte millones de personas, incluyendo numerosas poblaciones indígenas, habitan allí.

En mayo de 1999, Greenpeace instaló una base permanente en Manaos, Brasil, desde donde hace numerosas investigaciones en áreas remotas de la Amazonia para obtener evidencias de las destructivas prácticas que realiza la industria forestal.

Mediante la denuncia de estos hechos, Greenpeace está desafiando a gobiernos, industria y consumidores a sentirse responsables de la protección de la Amazonia. También está promoviendo alternativas económicas y desarrollando proyectos con comunidades locales y organizaciones.

Según el gobierno de Brasil, el 80 por ciento de todas las cortas que se producen en la Amazonia brasileña son ilegales. Tras esquilmar los bosques del Sudeste Asiático y África central, las corporaciones transnacionales han dirigido su punto de mira hacia la Amazonia, como fuente de productos forestales.

Recientemente ha aparecido una nueva amenaza para la Amazonia, el programa Avanza Brasil . Se trata de un ambicioso programa de desarrollo económico que está siendo ejecutado por el Gobierno de Brasil.

África

Los bosques de la Cuenca del Congo en África Central (Camerún, Gabón, República Centroafricana, Guinea Ecuatorial, Congo-Kinshasha y Congo-Brazzaville) configuran la segunda mayor selva tropical del mundo. Estos bosques no han sido aún protegidos y son el hogar de especies cercanas al hombre, el chimpancé, el bonono (chimpancé enano) y el gorila, así como de numerosas especies únicas y fascinantes como el okapi, el elefante y una gran abundancia de especies de aves.

Pero también existe otra visión de África, la desaparición de los bosques africanos:

En África Central y Occidental la mayoría de las áreas de bosques primarios que aún quedan intactas están amenazadas por las cortas industriales, que suponen la mayor amenaza a su supervivencia. Los bosques naturales de África Occidental, Nigeria, Ghana y Costa de Marfil han sido prácticamente erradicados. Hasta hace poco, Liberia era el único país de la región donde quedaban grandes áreas de bosques primarios intactas pero desde el final de la guerra en 1997, las compañías madereras extranjeras se trasladaron allí y comenzaron a destruir estos bosques a gran escala.

La inmensa mayoría de las operaciones de corta industriales en África Central son operaciones de extracción de madera, que afecta a las especies forestales de mayor valor. Tras agotar los recursos, las áreas son abandonadas. Algunas especies de árboles como el Moabi, Afrormosia, Bubinga y el Wengé están sometidos a cortas tan intensivas que ahora se enfrentan a la extinción. Añadido a esto, los planes de gestión forestal basados en prácticas sostenibles son, casi sin excepción, ignorados y no se ponen en marcha.

La mayoría de las operaciones de corta en África han sido efectuadas por grandes consorcios europeos: el grupo Rougier (Francia), el grupo Thanry (Francia), el grupo Bolloré (Francia), el Grupo Danzer (Alemania) y el grupo Wyma (Holanda). Todas estas empresas poseen concesiones en varios países africanos.

En abril de 2000, Greenpeace presentó el informe Deforestación y Pobreza y África Tropical. En este informe se pone de manifiesto que el proceso agudiza la pobreza y la deforestación en África, ya que los gobiernos africanos tratan sus recursos forestales como una rápida fuente de divisas para pagar la deuda externa, comprar armamento o mantener el poder personal de sus líderes.

 

El turismo español hacia Praga crece

21/12/2001, España representa para el turismo checo, un punto emisor de importancia creciente, tanto cuantitativa como cualitativamente. En la actualidad viajan allí unas 200.000 personas / año, la mayoría con destino a Praga


Praga. 21 de diciembre de 2001. guiarte.com

España representa para el turismo checo, un punto emisor de importancia creciente, tanto cuantitativa como cualitativamente. En la actualidad viajan allí unas 200.000 personas / año, la mayoría con destino a Praga.

Para potenciar ese turismo, Chequia está promocionando un “itinerario del Legado Español”, referido a varios centros históricos con vinculaciones con la historia de España. Hay numerosos puntos de interés jacobeo( más de cien iglesias de origen medieval dedicadas a Santiago) y vinculaciones históricas y culturales intensas en torno al siglo XVI.

En 1999, el número total de turistas españoles que visitaron Chequia fue de 169.277, que pasaron una media de 3,9 días en el país, y 495.492 pernoctaciones (2,9 por ciento del volumen total de las pernoctaciones). En 1995, el total de viajes de españoles había sido de 129.386, lo que ha significado un crecimiento medio anual entorno a un 7 por ciento. En cualquier caso, para el turista español, Praga es el destino preferido -por excelencia-, con 118.040 del total de los viajeros, lo que representa un 69,7 por ciento. La siguiente región que más interesó fue la Bohemia del este, que recibió a 9.077 turistas españoles en 1999 (5,4 por ciento)

Estos datos se completan con los porcentajes de las noches pasadas por los turistas españoles en las diversas regiones checas, que sitúan una vez más a Praga a la cabeza con el 74,3 por ciento, seguida de Bohemia occidental (4,6 por ciento ) y Bohemia oriental (4,5 por ciento ). De aquí se deduce que el turista español elige prioritariamente Praga, y a menudo limita sus salidas a excursiones de ida y vuelta en el mismo día desde la capital.

En lo relativo a las épocas del año que suelen escoger los españoles para realizar sus viajes a la República Checa, los meses de julio y agosto son los más solicitados. En 1999, 45.877 españoles la visitaron en el segundo, y 26.535 en el primero. Septiembre es el tercer mes preferido, con 18.769 visitas en 1999, seguido de octubre, con 14.004 visitas, y marzo, que coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa registró 12.890 entradas.

El perfil del español viajero es el de una persona con estudios superiores (69 por ciento), que trabaja y tiene entre 25 y 54 años (la inmensa mayoría), siendo el turismo cultural, el motivo fundamental del 47 por ciento de los viajes, seguido del turismo de reuniones (congresos e incentivos), el 26 por ciento.

En cuanto a la forma en que organizan su viaje a Chequia, los españoles se deciden por la agencia en el 44 por ciento de las ocasiones. Un 41 por ciento hace viajes individuales y otro 15 por ciento viaja en grupo.

 

Nuevo Patrimonio Mundial

15/12/2001, El Comité del Patrimonio Mundial inscribió 31 nuevos sitios en la lista del Patrimonio Mundial, entre ellos el paisaje cultural de Aranjuez(España), el Parque Nacional de Humboldt (Cuba) y la reserva marina de Las Galápagos(Ecuador)


Helsinki, 15 de diciembre de 2001. guiarte.com

El Comité del Patrimonio Mundial inscribió en su última reunión, celebrada en Helsinki, 31 nuevos sitios en la lista del Patrimonio Mundial, entre ellos el paisaje cultural de Aranjuez y la arquitectura mudéjar de Teruel, Aragón (España), el Parque Nacional de Humboldt (Cuba) y la Reserva Marina de Las Galápagos(Ecuador).

La Organización de la ONU para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) acordó en un comité, reunido desde el pasado día 11 en Helsinki, las nuevas inscripciones en la lista del Patrimonio Mundial, que cuenta ya con 721 sitios de "valor universal excepcional", repartidos en 124 países.

Según datos suministrados por la Agencia EFE, del Paisaje Cultural de Aranjuez, la UNESCO subrayó "sus sinuosas vías de agua que se oponen a las líneas rectas de un paisaje geométrico, rural y urbano", sus paisajes de árboles frutales y "la arquitectura delicadamente modulada de sus edificios palaciegos", testimonio "de las complejas relaciones tejidas entre el hombre y la naturaleza".

Durante 300 años, -dice- la familia real (española) quiso desarrollar y mantener este paisaje, que ha logrado integrar las características del jardín barroco de estilo francés del siglo XVIII, pero también las de un modo de vida urbano coherente con la práctica científica de la aclimatación botánica y la ganadería del Siglo de las Luces.

La UNESCO resaltó, asimismo, que conceptos como "el humanismo y la centralización política" influyeron igualmente en este paisaje.

Respecto a la arquitectura mudéjar de Aragón, la UNESCO destacó que su nacimiento y desarrollo en el siglo XII es el fruto de "condiciones políticas, sociales y culturales particulares a la España de la Reconquista".

"Este arte de influencia en parte islámica refleja también las diferentes tendencias europeas que se desarrollaron paralelamente, en particular el gótico", y se caracteriza por el uso "muy refinado e inventivo del ladrillo y de las cerámicas barnizadas, en particular de los campanarios", indicó la UNESCO.

Por lo que respecta a la arquitectura mudéjar de Aragón, la declaración afecta, en Zaragoza, a tres monumentos declarados bienes de interés cultural (BIC) desde 1931: el Palacio de la Aljafería, la Seo de San Salvador, buen ejemplo aglutinador de diversos elementos mudéjares, y la Iglesia de San Pablo, uno de los pocos ejemplos de iglesia mudéjar de nave triple.

Los otros tres edificios, ya fuera de la capital, son la iglesia de Santa María, en Tobed, la iglesia fortaleza mejor conservada, en cuyo interior destaca la decoración mudéjar con pinturas murales, yeserías y un alfarje bajo el coro; la iglesia de Santa Tecla, en Cervera de la Cañada, que contiene la única inscripción con fecha (1426) y nombre del maestro de obras mudéjar que la construyó, y la Colegiata de Santa María de Calatayud, que aglutina en un único monumento varias etapas constructivas.

Del Parque Nacional de Humboldt (Cuba) que se estrena en la lista del Patrimonio Mundial, el Comité subrayó su "compleja geología" y variada topografía, generadoras de "una diversidad de ecosistemas y de especias sin igual en el Caribe".

"Es uno de los sitios insulares tropicales más diversos del mundo en el plano biológico", en el que, "dada la toxicidad" de numerosas rocas para las plantas, las especies tuvieron que adaptarse para sobrevivir en condiciones hostiles. Este proceso único de evolución llevó al desarrollo de numerosas nuevas especies y el Parque es uno de los sitios más importantes de todo el hemisferio norte para la conservación de la flora endémica.

La reserva marina y 19 Islas Galápagos, situadas en el océano Pacífico a unos mil kilómetros del continente americano, constituyen "un museo y un laboratorio vivos de la evolución único en el mundo", indicó la organización. "La actividad sísmica y volcánica en curso ilustran los procesos que formaron" las Galápagos, que están en el cruce de tres corrientes oceánicas.

Esos procesos, junto con el aislamiento extremo de las islas, llevaron a desarrollar una fauna original, que inspiró a Charles Darwin su teoría de la evolución tras su visita en 1835, en particular la iguana terrestre, la tortuga gigante y numerosas especies de pinzón.

También de América Latina, entraron a formar parte del Patrimonio Mundial tres nuevos sitios brasileños, uno cultural: el centro histórico de la ciudad de Goiás, y dos naturales, las áreas protegidas del Cerrado, que incluyen los Parques Nacionales de Chapada dos Veadeiros y Emas, y las islas atlántica, integradas por las Reservas de Fernando de Noronha y del atolón das Rocas.

Además, Brasil, logró retirar de la lista de Patrimonio en Peligro el Parque Nacional de Iguazú (Patrimonio Mundial desde 1986), en la que figuraba desde 1999.

El Reino Unido, con cuatro nuevos sitios, tres de ellos culturales: los pueblos, New Lanark (Escocia) y Saltaire (Yorkshire) y las fábricas del Valle de Derwent, y uno natural: el litoral del Dorset y del este de Devon, fue el país con más inscripciones aprobadas.

En total, el Comité examinó este año 41 propuestas, presentadas por 28 países, así como seis propuestas de extensión.

España es el país con mayor número de bienes declarados patrimonio de la Humanidad, 37 en total. El pasado año obtuvieron la declaración Atapuerca, el Palmeral de Elche, las iglesias románicas del valle del Boi, la muralla de Lugo y el conjunto arqueológico de Tarragona. Actualmente, Bellas Artes, la Junta de Andalucía y los ayuntamientos de Ubeda y Baeza trabajan en el expediente de estas dos últimas localidades, para su posible declaración en junio de 2003.

Los nuevos sitios y las ampliaciones

Los nuevos puntos añadidos a la lista mundial en la reunión de Helsinki fueron los siguientes:

Zona minera de carbón de Zollverein, en Essen, Alemania: un gran complejo cuyas estructuras reflejan la evolución de la explotación en los últimos 150 años.

Tsodilo, Botswana: área rocosa con interesantes vestigios arqueológicos de los últimos 100.000 años, y una gran abundacia de pinturas que le han permitido ser denominada como el “Louvre del desierto”

Paisaje cultural de Aranjuez, España: la relación entre el hombre y la naturaleza ha generado un bellísimo ámbito donde conviven palacios y jardines, la naturaleza y la vida de una bella ciudad provinciana, a la orilla del río Tajo.

Antigua ciudad de Acre, Israel: donde se superponen la antigua ciudad de tiempo de las Cruzadas, siglos XII y XIII, con la urbe otomana de los siglos XVIII y XIX, de interesante trazado y bellos edificios

Villa d’Este, Tivoli, Italia: palacio y jardín de época renacentista muestran una cultura refinada de amor por la belleza, puesta de manifiesto en sus fuentes y ornamentos. Inicio de los Giardini delle meraviglie, modelo para muchos otros proyectos europeos.

Colina real de Ambohimanga, Madagascar: La colina real es una auténtica ciudad real, de viejos palacios que conservan su aire de poder y centro espiritual, donde se mantiene una gran atracción popular desde hace medio milenio

Tumba de los reyes de Buganda en Kasubi, Uganda: Las tumbas de los reyes de Buganda, ocupan un espacio de 30 ha. en un entorno agrario. Es un emblemático ejemplo de la arquitectura de material orgánico y de espiritualidad

Región vinícola del Alto Duero, Portugal: el vino ha sido una producción típica del territorio desde hace 2000 años. El vino de Oporto ha ganado fama desde el XVIII, pero en torno a su producción ha crecido un paisaje y una cultura.

Vat Phou et los antiguos establecimientos del paisaje cultural de Champassak, en la República de Laos: incluye el complejo del Templo Vat Phou. Muestra, en sus zonas urbanas y monumentales, cerca del Mekong, la relación entre naturaleza, religión y sociedad, a lo largo de mas de 1000 años, del siglo V al XV, básicamente asociados al imperio Khmer.

Villa Tugendhat en Brno, República Checa: interesante diseño del arquitecto Mies van der Rohe, ejemplo de los derroteros tomados por la arquitectura en la Europa en el entorno de 1920.

Fábricas del valle de Derwent, Reino Unido: zona que contiene, en el interior de Inglaterra, un territorio industrial con modelos de explotaciones de algodón de los siglos XVIII y XIX

Saltaire. Reino Unido: en West Yorkshire, es una imagen típica de la villa industrial, bien conservada, de la segunda mitad del XIX, con sus establecimientos textiles, edificios públicos y viviendas de trabajadores

New Lanark, en Reino Unido: pequeño lugar en un bello paisaje escocés, donde el idealista utópico Robert Owen estableció un modelo de comunidad industrial en el XIX.

Dorset y costa este de Devon, Reino Unido: áreas de roquedos costeros que han servido notablemente para los estudios científicos de los últimos 300 años por sus restos fósiles y formaciones de roca, con registros de 185 millones de años

Centro de Viena, en Austria: lugar surgido en periodo prerromano, fue incorporando construcciones y culturas diversas, alcanzando un magnífico desarrollo en los tiempos barrocos; sede del Imperio Austrohúngaro, jugó un papel interesante en el arte y la cultura.

Paisaje cultural de Fertö-Neusiedlersee, Austria/Hungría: paisaje en torno al lago del mismo nombre, que encierra recuerdos de los últimos 8.000 años, una arquitectura rural y excelentes mansiones de los siglos XVIII y XIX

Islas del Atlántico Fernando de Noronha y Atolón das Rocas, Brasil: encerrando paisajes interesantes, magníficas concentraciones de especies marinas, con excepcionales poblaciones de delfines y otros animales marinos

Chapada dos Veadeiros y Emas, parques nacionales en Brasil: con una intereante flora y fauna, tíoicos hábitas del Cerrado, un sistema tropical enormemente diversificado.

Centro de la ciudad de Goiás, Brasil: Testifica la ocupación y colonización del territorio de central Brasil en el entorno de los siglos XVIII y XIX, mostrando cómo se adapta la población a las condiciones del territorio, con una arquitectura donde se armoniza lo público y lo privado, utilizando técnicas vernáculas

Grutas Yungang, en China: magnífico espacio en la provincia de Shaanxi, con 252 cuevas y 51,000 estatuas, vinculadas a la religión budista y a los siglos V y VI.

Alejandro de Humboldt, parque nacional, de Cuba: complejo sistema geológico que ha dado lugar a variados ecosistemas, donde pervive una interesantísima flora con diversos endemismos e interesante fauna, tanto de vertebrados como de invertebrados.

Provins, Francia: pueblo fortificado, en Champagne, bien coservado y con una tradición ferial que se remonta al medievo, y que ha influido en la propia estructura del lugar

Masada, Israel: Es el símbolo del antiguo Israel, el lugar donde resistieron los últimos patriotas frente al imperio romano. Mantiene una belleza paisajística que se une a los restos de la roca-fortaleza.

El viejo lugar de Lamu, en Kenya: es el más antiguo y mejor conservado de los establecimientos Swahili en esta de África. Lugar interesante para conocer las culturas islámica y swahili en el territorio.

Medina de Essaouira, en Marruecos: Ejemplo de pueblo fortificado del final del siglo XVIII, edificado con influencia europea, punto de encuentro de influencias europeas y saharianas.

Iglesias de la Paz en Jawor y Swidnica, Polonia: edificadas en madera, en la región de Silesia en el XVII. En una Europa afectada por conflictos políticos y religiosos,en territorio asociado con la iglesia Católica, los protestantes consiguieron erigir tres templos, en virtud de la Paz de Westfalia.

Centro de Guimaraes, Portugal: Guimaraes está asociada con la emergencia de Portugal a partir del siglo XII. Este centro conserva interesantes restos medievales, en medio de la ciudad moderna

Central Sikhote-Alin, en la Federación Rusa: es un territorio de montaña y bosques donde conviven numerosas especies animales de ámbitos de la taiga y las regiones subtropicales tales como el tigre del Himalaya, el lince, etc

Montaña del Cobre, de Falun, Suecia: que muestra las explotaciones cupríferas desde el siglo XIII, con el pueblo planificado en el siglo XVII, en la región de Dalarna, integrando un área minera de notable interés.

Jungfrau-Aletsch-Bietschhorn, Suiza: zona que contiene los mayores glaciares de Europa, con un área de interesante flora y fauna, típicamente alpina.

Samarkanda, Uzbekistan: lugar de notable vigor histórico, desde el siglo VII antes de Cristo, que encontró su máxima expansión entre los siglos XIV y XV, donde sobreviven interesantes edificaciones, principalmente vincluadas al arte islámico.

El Comité acordó también ampliar el territorio vinculado a varios lugares ya catalogados:

China: ampliación del conjunto histórico del Palacio Potala, en Lhasa, incluyendo el palacio Norbulingk, palacio de verano del Dalai Lama, del siglo XVIII

Chipre: Iglesias bizantinas pintadas de la región de Troodos, para incluir la iglesia de la Transfiguración de El Salvador.

Ecuador: Islas Galápagos, incluyendo la reserva marina, e integrando un conjunto básico para el estudio de la evolución de las especies, y donde Darwin se inspiró para sus teorías durante su visita en 1835.

Kenya: Lago Turkana, parque nacional, incluyendo las islas sur de este lago salino, el mayor de África

Federación Rusa: Volcanes de Kamchatka, inportante zona por su densidad y variedad vulcánica, incluye el parque natural Kluchevskoy, de gran riqueza natural y belleza, variedad de salmónidos y ágüilas.

España: Arquitectura mudéjar de Aragón, que funde estilos cristianos e islámicos, tras la reconquista, y se desarrolla desde el siglo XII al XVII. Incluye la arquitectura mudéjar de Teruel

Turistas en la Torre Inclinada

15/12/2001, El monumento más popular de Pisa y uno de los más célebres de Italia, la torre de Pisa, ha sido abierto de nuevo al público, después de un cierre de casi doce años, y un enderezamiento de 40 centímetros

Pisa, Italia, 15 de diciembre de 2001. guiarte.com

El monumento más popular de Pisa y uno de los más célebres de Italia, la torre de Pisa, ha sido abierto de nuevo al público, después de un cierre de casi doce años, y un enderezamiento de 40 centímetros.

El edificio había estado cerrado desde el 7 de enero de 1990 por el peligro de derrumbamiento. Paolo Fontanelli, alcalde de la ciudad, abrió la puerta y seguidamente entraron numerosos turistas, mientras sonaban las campanas del popular campanile

La ceremonia fue sencilla. El recuerdo del derrumbe de otras dos torres, las gemelas de Nueva York, animó a hacer una ceremonia austera. Los expertos dicen que con esta “cura” el campanile tiene garantizada la vida para al menos otros 300 años. En honor a la cifra, el alcalde apagó tres velas, en la ceremonia de reapertura.

A partir de estos momentos, los visitantes podrán conocer el interior de este edificio bello y blanco, aunque con limitaciones. Sólo se permitirán grupos de turistas de 30 personas, que podrán permanecer entre 35 y 40 minutos.

Hasta mediados de este año, un duro corsé metálico sujetaba a la torre de Pisa, a la altura de primer piso, y cuatro tirantes de acero la mantenían anclada, mientras se hacían operaciones de salvamento. Estas tareas acabaron en junio, y el 17 de dicho mes las llaves del edificio fueron simbólicamente devueltas a la ciudad

Estudios conocidos en años pasados decían que la torre estaba inclinándose de 1 a 2 milímetros al año y que de continuar la progresión caería en el 2.040. Pero el triste sino de esta torre de 58 metros de altura, inclinada cinco metros sobre su eje vertical, parece que se ha evitado.

Durante los últimos tiempos hicieron operaciones para consolidar el suelo aluvial sobre el que se asienta el edificio y los técnicos pudieron retirar los tirantes de acero que lo sujetaban. La Torre, uno de los monumentos más populares de Italia, ha sido reabierta, tras haber sido enderezada unos 40 centímetros.

Después de la última fase de los trabajos, las llaves de la torre se entregaron al alcalde de Pisa el 17 de junio, festividad del patrón de Pisa, San Ranieri. Este día se celebró un concierto en la Plaza dei Miracoli, donde está el famosísimo conjunto del baptisterio, la catedral y la torre inclinada, conjunto que es Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Inclinada desde el siglo XII

La Torre inclinada, el campanario románico de la catedral pisana, se inició en 1170 por Bonanno Pisano y fue finalizada en el siglo XIV.

Cuando estaban haciendo el primer piso ya comenzó a inclinarse por un defecto en la cimentación. Entonces la construcción de paró.

Un siglo más tarde la continuó Giovanni de Simone, quien trató de dar menos peso al lado que se hundía. No llegó a terminar totalmente la obra.

Ya en 1550 hubo una acción importante para salvarla, merced a los trabajos de cimentación que realizó Vasari. Pero en el siglo XIX continuó cayéndose después de que unos ingenieros hidráulicos hicieran unos trabajos que modificaron la capa freática.

En 1990 se cerró al publico, en 1991 se puso en el primer piso unos aros de acero inoxidable y se ancló la estructura con 18 cables de acero. En 1994 se hicieron importantes tareas de afianzamiento del zócalo introduciendo hormigón armado y 670 toneladas de plomo. Entonces se dijo que no se abriría de no conseguir enderezar la torre al menos 20 centímetros. El resultado ha sido positivo.

La torre, ubicada en Pisa, bella ciudad de 100.000 habitantes, en la Toscana, es uno de los monumentos mas visitados de Italia.

 

Austria: nieve y música

10/12/2001, En torno al mundo de la nieve y de la música se desarrollan las ofertas invernales de ocio promocionadas desde las instituciones oficiales de turismo austriaco


Viena(Austria), 10 de diciembre de 2001. guiarte. com

En torno a los mundos de la nieve y la música se desarrollan las tradicionales ofertas invernales de ocio promocionadas desde las instituciones oficiales de turismo austriaco.

Tirol

Buena parte de esas promociones están referidas a las montañas del Tirol, donde –aparte de las pistas de esquí- se ofrece un sinfín de posibilidades para las personas que no practican el esquí o el snowboard.

Muchos visitantes disfrutan de las numerosas actividades que se organizan fuera de las pistas, prueba de ello es el gran número de esquiadores de fondo que visitan la región cada año. Los 15 pueblos que rodean Innsbruck preparan cada año más de 275 Km. de recorridos para el esquí de fondo, en circuitos situados a altitudes comprendidas entre los 800 m y 1.400 m. Una experiencia especial es la de los circuitos alpinos de la Schlick ( 3,5 Km.) y en el glaciar del Stubai (4,5).

La escalada en hielo también gana adeptos. La torre de escalada de 20 m de altitud situada al pie del glaciar Stubai ( grado de dificultad VI) ofrece la posibilidad de iniciarse en este apasionante deporte. Hay programadas clases de teóricas y prácticas para los principiantes.

Actividades más tranquilas y románticas también se preparan para esta época en Innsbruck y en sus alrededores: excursiones nocturnas con antorchas, paseos en trineos tirados por caballos en el paisaje nevado y paseos a pie con linternas. En los pueblos de Birgitz, Mutters y Natters se organizan salidas nocturnas con esquíes o con raquetas de nieve.

Arlberg

También cabe citar las actividades en la famosa la escuela de esquí del Arlberg, donde ya en 1906 se celebraron las primeras pruebas. Precisamente en el Arlberg fue donde se desarrolló la técnica que luego condujo al slalom. La región de esquí del Arlberg discurre por los dos lados del monte, por un lado Vorarlberg, y por el otro Tirol. Es una amplia planicie rodeada por montañas cuyas cimas alcanzan los 2.700 metros en el límite. Lech y Zürs, a una altura de 1.450 metros, son unas de las mejores estaciones de invierno, de elegante vida social. St. Anton am Arlberg tiene una atmósfera alegre y absolutamente deportiva. Es famosísimo por su escuela de esquí, que se ha utilizado como modelo en el mundo de la nieve por el rigor de sus enseñanzas. Se esquía de 1.300 a 2.800 m en 120 kilómetros de pistas, junto con las de St. Cristoph con abundante nieve.

El invierno ya ha empezado en las pistas del Arlberg. La "Semana del club de Esquí del Arlberg" será entre el 26 de Enero y el 2 de Febrero de 2002.

Y en Viena y Salzburgo, arte y música

Arte y Placer es el eslogan con el que se promociona el turismo en Viena; donde se puede disfrutar de interesantes actividades y centros culturales, donde a sus citas tradicionales se añade ahora el MuseumsQuartier Wien ( Barrio de los Museos) inaugurado en el pasado verano, un nuevo punto culminante en el mundo de los museos de Viena.

Y en Salzburgo, música. El punto culminante de la temporada cultural de invierno de la ciudad es del 25 de Enero al 3 de Febrero de 2002. Se presentarán 26 conciertos y 2 óperas concertantes con estrellas de renombre. Cecilia Bartoli, Alfred Brendel, Sir Simon Rattle, los Filarmónicos de Viena, el Concentus Músicus de Viena bajo la batuta de Nicolaus Harnoncourt; por citar algunos de ellos. Obras extraordinarias: "El director del Espectáculo" de Mozart y "Prima la música e poi le parole" del antaño rival de Mozart, Antonio Salieri. De Mozart se podrán escuchar unas cincuenta obras y diecinueve de otros compositores.

 

Joyas de Dalí

04/12/2001, El Teatro-Museo Dalí presenta una magnífica colección de 39 joyas de oro y piedras preciosas, en una muestra titulada "Dalí, Joyas", junto a los dibujos del artista para la confección de las mismas y el cuadro “la apoteosis del dólar”

Figueres, Girona, España, 4 de diciembre de 2001

El Teatro-Museo Dalí presenta una magnífica colección de 39 joyas de oro y piedras preciosas, en una muestra titulada "Dalí, Joyas", junto a los dibujos del artista para la confección de las mismas y el cuadro “la apoteosis del dólar”

El marco, la iluminación interior, y la escenografía contribuyen a dar una visión de “la lujuria de las joyas”

La muestra cuenta con las treinta y siete joyas de oro y piedras preciosas de la antigua colección Owen Cheatham, dos joyas realizadas posteriormente, y los veintisiete dibujos y pinturas sobre papel que Salvador Dalí realizó para diseñar las joyas.

La exposición también incluye la pintura La apoteosis del dólar (1965), un óleo de grandes dimensiones (300 x 400 cm), definido por Antonio Pitxot como “la plenitud y al mismo tiempo la recopilación de toda una vida de artista”. El conjunto forma una extensa colección de trabajos realizados por el artista entre los años 1941 y 1970.

La colección fue adquirida por la Fundació Gala-Salvador Dalí a una entidad japonesa en mayo de 1999 por 900 millones de pesetas (unos 5.5 millones de Euros). Después de su traslado a Figueres comenzó un largo proceso de análisis, restauración y catalogación de cada una de las piezas y de sus múltiples componentes, una labor llevada a cabo por los técnicos del Departamento de Conservación y del Centro de Estudios Dalinianos de la Fundación, con el asesoramiento de expertos de la Asociación Española de Gemología. Paralelamente, el arquitecto Oscar Tusquets ha realizado el proyecto museístico para la exposición permanente de la colección en un edifico anexo al Teatre-Museu Dalí—aunque con una entrada independiente—, el cual se ha ejecutado durante el último año.

Todas las piezas de la colección son ejemplares únicos, y la combinación de materiales, dimensiones y formas que utilizó Salvador Dalí la convierten en un conjunto irrepetible, donde el artista plasmó de forma única la riqueza de su iconografía. Oro, platino, piedras preciosas –diamantes, rubíes, esmeraldas, zafiros, aguamarinas, topacios, etc.– perlas, corales y otros materiales nobles se combinan para dar forma a corazones, labios, ojos, formas vegetales y animales, símbolos religiosos, mitológicos y figuras antropomorfas.

Además de concebir las formas de las joyas, Salvador Dalí también seleccionó personalmente cada uno de los materiales con que se tenían que realizar, y no sólo en función de los colores o de su valor, sino también por la significación y las connotaciones que tienen todas las piedras preciosas y los metales nobles.

Algunas de las joyas que forman esta colección, como por ejemplo los Labios rubís (1949), El ojo del tiempo (1949), El Corazón Real (1953) y El elefante del espacio (1961), entre otras, se han convertido en obras muy famosas y son consideradas tan excepcionales como algunas de sus pinturas.

Breve cronología

La historia de las joyas se remonta a inicios de la década de los 40, cuando Salvador Dalí se asocia con Ertman y Alemany, dos joyeros establecidos en Nueva York. Dalí diseña las joyas, que se realizan entre 1941 y 1958, y sigue todo el proceso de elaboración. La Fundación Catherwood, de Bryan Mawr (Pensilvania), las financia.

En 1958 la Fundación Owen Cheatham compra las joyas a la Fundación Catherwood y, mediante la adquisición de nuevas piezas, va ampliando la colección hasta 1970. La Fundación Owen Cheatham, una prestigiosa fundación norteamericana creada en 1934, cede la colección de joyas para que diferentes entidades benéficas, educativas y culturales recapten fondos con la exposición, y finalmente las deposita en el Virginia Museum of Fine Arts de Richmond.

La colección de joyas ya se expone en el Teatre-Museu Dalí de Figueres durante los meses de agosto y septiembre de 1973, un año antes de la inauguración del museo.

Hacia 1964 se incorpora a la colección la joya el Collar coreográfico y, al año siguiente, la joya El cáliz de la vida, que pertenece a la colección William Harkness Foundation Inc. de Nueva York.

En 1981 compra toda la colección el magnate saudita Akram Ojek, quien las cede a su Fundación TAG Oeuvres d’Art, S. A.

En 1986 las joyas pasan a ser propiedad del magnate japonés Masao Nangaku, que las custodia y expone en el Minami Jewels Museum de Kamakura.

En junio de 1999, después de complejas negociaciones, las joyas son adquiridas por la Fundació Gala-Salvador Dalí y repatriadas a Figueres, donde se presentan en el año 2001 en unas salas del Teatre-Museu Dalí diseñadas específicamente para mostrar al público esta magnífica colección.

Comentarios sobre las joyas, por Salvador Dalí

(Del libro Salvador Dalí. A Study of His Art-in-Jewels, 1959)

En el periodo Renacentista, los grandes maestros no se limitaban a un solo medio de expresión. El genio de Leonardo da Vinci se elevaba mucho más allá de los confines de la pintura. Su espíritu científico concebía la eventualidad de milagros en el fondo del mar y en el aire—que ya son una realidad. Benvenuto Cellini, Botticelli y da Luca crearon gemas decorativas, copas, cálices—ornamentos enjoyados de poderosa belleza.

Paladín de un nuevo Renacimiento, me niego también a ser confinado. Mi arte abarca la física, las matemáticas, la arquitectura, la ciencia nuclear—la psique nuclear, la mística nuclear y la joyería—no sólo la pintura.

Mis joyas quieren protestar contra la importancia que se da al precio del material de joyería. Lo que pretendo es que se aprecie el arte del joyero tal como es—en el cual el diseño y el trabajo artesanal deben ser reconocidos por encima del valor material de las gemas, como en la época del Renacimiento.

En las joyas, al igual que en toda mi actividad artística, creo lo que más amo. En algunas de ellas se puede apreciar un aire arquitectónico—al igual que en ciertas pinturas mías; una vez más la ley logarítmica se manifiesta; al igual que la relación entre el espíritu y la materia; el tiempo y el espacio.

Los temas antropomórficos aparecen una y otra vez en mis joyas. Veo la forma humana en los árboles, las hojas, los animales; lo animal y lo vegetal en lo humano. Mi arte—en la pintura, en los diamantes, en los rubíes, en las perlas, en las esmeraldas, en el oro, en el crisoprasio—demuestra cómo sucede la metamorfosis; los seres humanos crean y cambian. Cuando duermen, se transforman totalmente—en flores, en plantas y en árboles. La nueva metamorfosis sucede en el Cielo. El cuerpo se vuelve íntegro de nuevo y alcanza la perfección.

Información de la muestra: Teléfono 972 677 500. t-mgrups@dali-estate.org. www.salvador-dali.org

Página web sobre Dalí en: El Mundo de Dalí

Premios Laus de diseño

28/11/2001, En Bilbao se presenta una muestra del DZ Centro de Diseño, sociedad pública del Departamento de Promoción Económica de la Diputación Foral de Bizkaia, con los 117 trabajos finalistas en la última edición de los Premios Laus de la comunicación y el di

Bilbao, 27 de noviembre de 2001. guiarte.com

DZ Centro de Diseño, sociedad pública dependiente del Departamento de Promoción Económica de la Diputación Foral de Bizkaia, presenta del 20 de noviembre al 11 de enero una exposición con los 117 trabajos finalistas en la última edición de los Premios Laus de la comunicación y el diseño.

Estos premios, que se fallan anualmente, fueron creados en 1964 por la Asociación de Directores de Arte y Diseñadores Gráficos, ADG-FAD, con el fin de reconocer la creatividad y la calidad de las comunicación gráfica y audiovisual.

Los Laus son considerados el certamen más importante en diseño gráfico, publicidad y comunicación de España. Son uno de los dos galardones más antiguos de Europa en su especialidad y los únicos que dan acceso a la prestigiosa competición que organiza el Art Directors Club of Europe.

En su 31 edición se han presentado 910 trabajos en las cinco categorías de concurso, -diseño gráfico, multimedia, publicidad gráfica, publicidad audiovisual, comunicación municipal-, cada una de las cuales cuenta a su vez con varios apartados, hasta formar un total de 65 modalidades. Finalmente, el jurado ha seleccionado 117 obras y premiado 18.

El Premio Laus de honor en reconocimiento a una trayectoria profesional ha recaído en Daniel Gil, autor de más de 4.000 cubiertas de libros de Alianza Editorial, y "una figura imprescindible en el panorama del diseño gráfico español".

Entre las campañas galardonadas en los Laus 01 están "Cicatrices" de McCann & Ericksonn, para Médicos Sin Fronteras, en la que una cicatriz simula el límite entre Burundi y Ruanda y una frase explica que "no hay fronteras, hay personas"; el cartel Gaudi 2002, de Miquel Puig, que con un estética modernista anuncia la celebración del año de Gaudí en el 2002; o el libro "I send you this cadmiun Red", de Ramón Prat y Eulalia Bosch, que recopila varias cartas y cuya portada refleja un paquete postal con los sellos y la pegatina de prioritario.

Dos trabajos vascos han sido reconocidos con una placa Laus: la campaña "Una ciudad de cine", de Public Ncm para la Kutxa y el CD "Ez-dakit", de Iñigo Aranburu, Mikel Azpiroz y Daniel Julià, para Lau Behi.

Hace 2 años, ADG-FAD decidió organizar una exposición itinerante que acercase los trabajos finalistas y galardonados con este premio al público. Por primera vez, y de la mano de DZ, los Laus llegan al País Vasco.

Datos de interés

Laus 01

Fechas: 20 noviembre 2001-11 enero 2002

Lugar: Sala de exposiciones de DZ Centro de Diseño. Sabino Arana, 8. Bilbao

Horario: 10 - 14 h; 16 - 20 h

Más información: DZ Centro de Diseño. T. 94 439 56 22. diseinuz@dzdesign.com

 

Ferias de arte

26/11/2001, Diversas muestras ARCO, Feriarte, Estampa, etc. se están programando o desarrollado con relativo éxito, con lo que se pone de manifiesto que el mercado del arte sigue en buena coyuntura, pese a los problemas bélicos en Oriente y a la ralentización de

Ferias de Arte

Madrid, 25 de noviembre de 2001

Diversas muestras ARCO, Feriarte, Estampa, etc. se están programando o desarrollado con relativo éxito, con lo que se pone de manifiesto que el mercado del arte sigue en buena coyuntura, pese a los problemas bélicos en Oriente y a la ralentización del crecimiento de la economía occidental.

Los resultados de la feria Estampa, salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo, que clausuró su IX edición el 11 de noviembre en Madrid, mostraron un elevado número de visitantes y – sobre todo- un crecimiento de la venta de piezas de alta cotización.

Estampa ofreció obras de Picasso, Calder, Miró, Bacon o Delaunay, mezcladas con las más recientes tendencias del arte contemporáneo. Francia, Finlandia, Portugal, Grecia, Alemania, Austria o Italia fueron países europeos que participaron, junto con Marruecos, Egipto, Colombia, México, Paraguay, Uruguay, Venezuela, y Cuba y Argentina.

Lo más negativo, la intromisión de la política en el arte. En el marco político del del enfriamiento de relaciones entre España y Marruecos, se denunció que hubo problemas con la subvención económica destinada a los artistas marroquíes que participan en el Salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo. Una pena que este tipo de noticias diese una visión tergiversada de la feria y afectase a un colectivo -los artistas marroquíes- que viene teniendo creciente atractivo para los galeristas y compradores-

Feriarte

El pasado 24 de noviembre se abrió en Madrid Feriarte, que este año cumple sus bodas de plata y que reúne más de 16.000 piezas que muestran 188 expositores, en 12.000 metros cuadrados. Está abierta hasta el 2 de diciembre

Feriarte es uno de los mayores referentes en el mundo de las antigüedades en España y reúne muebles, pintura, porcelana, plata, alfombras, joyas, arte africano, arte oriental, así como pintura y escultura modernas.

Como en otras ediciones de Feriarte, la oferta incluye también piezas para coleccionistas y toda clase de objetos decorativos, cuyo coste no supera las 5.000 pesetas. Los distintos objetos puestos a la venta están garantizados por un comité de expertos, encargado de revisar la calidad de las piezas. Los compradores podrán obtener un certificado de autenticidad.

DeArte

También, del 26 de noviembre al 8 de diciembre, en Expometro, sala de exposiciones de la estación Retiro del Metro de Madrid, se acoge la primera muestra pictórica y escultórica de la Feria de Galerías Españolas DeArte, que ofrece como anticipo 24 obras de estas disciplinas.

Esta exposición de Feria DeArte es un adelanto de la primera Feria de Galerías Españolas, que tendrá lugar del 8 al 12 de diciembre en el Pabellón de Cristal del Recinto Ferial de la Casa de Campo de Madrid, y para la cual se han unido 78 galerías y centros de creación artística de Madrid, Sevilla, Barcelona y Toledo.

DeArte responde a una creciente demanda de arte y se quiere consolidar como feria complementaria de las de ARCO o Estampa

ARCO

Pero un momento también esperado para ver cómo va el mercado es ARCO. La XXI edición de ARCO, se celebrará en Madrid entre el 14 y el 19 de febrero del próximo año. Contará con la participación de 256 galerías de 32 países y dedicará parte de la Feria a estudiar la relación entre las obras de arte y el espacio.

La Feria contará este año con la participación de unos cuatro mil artistas. Después de España, Alemania será el país que tendrá una mayor presencia, con 23 galerías. Australia será el invitado de honor de esta edición de la Feria

Ver más información sobre ARCO

Isamu Noguchi, en el IVAM

19/11/2001, El IVAM acoge la primera exposición que se dedica en España al escultor y arquitecto norteamericano Isamu Noguchi, figura clave del arte escultórico de los espacios públicos


Valencia, 8 de noviembre de 2001. Por Mercedes Caballero

El IVAM acoge desde el 6 de noviembre al 13 de enero de 2002, la primera exposición que se dedica en España al escultor y arquitecto norteamericano Isamu Noguchi, figura clave del arte escultórico de los espacios públicos.

La muestra, expuesta en el Centre del Carme, presenta veintidós proyectos, a través de una selección de dibujos, fotografías y maquetas de jardines y espacios públicos diseñados y realizados por Noguchi, en los que se pretende una clara interacción entre el hombre y el ambiente.

"Isamu Noguchi: Un estudio espacial" es el título de una colección de la que destacan particularmente los proyectos de la zona de recreo de las Naciones Unidas, En Riverside Drive de Nueva York, el California Scenario en California y el Tengoku de la Escuela de Arreglo Floral Sogetsu de Tokio.

La muestra ha quedado configurada siguiendo las líneas de concepción espacial marcadas por el propio arquitecto en su obra, es decir, plasmando espacios allí donde hasta entonces sólo se podían imaginar.

La exposición fue presentada por el director del IVAM, Kosme de Barañano, y la comisaria de la muestra, Ana María Torres, después de la favorable acogida de crítica y publico que despertó el pasado verano en el Museo Guigiaro/Italdesign de Turín.

Isamu Noguchi

El escultor y diseñador Isamu Noguchi (1904-1988) nació en Los Angeles (California) de padre japonés y madre americana y creció conjugando las dos culturas. Iniciado en su carrera como ayudante de Constantin Brancusi en 1927, a través de su escultura se convirtió en un interprete entre Oriente y Occidente. Pero las críticas no han sido nunca fáciles con el artista, la mayoría de especialistas eran incapaces de clasificar e incluso de familiarizarse con su obra, dado principalmente a su negativa firme y contundente a utilizar un estilo o material concreto.

Las ocupaciones estéticas y culturales del artista reflejan además una turbulencia social y una inquietud personal singular. El concepto de "una escultura del espacio" es su contribución más importante a la escultura moderna. Noguchi concibió sus proyectos de mayor envergadura como jardines, como espacios públicos, él mismo aseguró en su momento que los desarrollaba “no como lugares con objetos sino como relaciones con respecto a un conjunto”.

Su obra conjuga los espacios entre Oriente y Occidente, entre las tradiciones históricas y el espíritu de la era mecánica, entre el pasado y el futuro.

Otras exposiciones en el museo valenciano

El IVAM cierra el año 2001 con una selectiva variedad en sus exposiciones. La arquitectura mexicana de la talla de Luis Barragán; la fotografía de Claude Cahun; la pintura de Willem de Kooning y la conjugación de la escultura abstracta de artistas norteamericanos e hispanoamericanos en la muestra “Abstracción: el paradigma amerindo”.

Claude Cahun

La última exposicion presentada por el IVAM es la de Claude Cahun, una de las fundadoras del grupo surrealista parisino "Contre-Attaque", que se puede ver hasta el 20 de enero de 2002 en la Sala de la Muralla del Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia. La muestra agrupa 59 fotografías, muchos autorretratos.

Junto a las fotografías se exhiben revistas, carteles, manuscritos, y otros materiales

Claude Cahun, fotógrafa, escritora, traductora, artista y activista de izquierdas, mantuvo estrecha relación con los artistas surrealistas. Padeció la ocupación alemana (fue detenida por la Gestapo) y murió en los años cincuenta en la isla de Jersey. Su verdadero nombre era Lucy Schwod. Claude, en francés, se aplica tanto para hombres como mujeres, le elección del mismo no es sino una indicación de la asunción de la dualidad sexual, señaló Juan Vicente Aliaga, comisario de la muestra

 

Arquitectura de Luis Barragán

17/11/2001, La producción arquitectónica de Luis Barragán, el arquitecto mexicano más importante del siglo XX, se presenta en España. El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia le dedica una gran exposición

Valencia, 17 de noviembre de 2001

La producción arquitectónica de Luis Barragán, el arquitecto mexicano más importante del siglo XX, se presenta en España. El Centro del Carmen del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia acoge una exposición con maquetas, planos, fotos, vídeos, dibujos y muebles.

"Luis Barragán. La Revolución callada", esta abierta al público hasta el 13 de enero de 2002. El director del IVAM, Kosme de Barañano, acompañado del director del Vitra Museum de Alemania, Alexander von Vegesack, habló de la trayectoria artística de este arquitecto que impregnó de sentido poético sus construcciones y que fue uno de los primeros en integrar el paisaje a la arquitectura.

Alexander von Vegesack explicó que esta exposición itinerante parte de una cuidadosa selección de documentos originales procedentes del legado de Barragán, y apuntó que "la gran cantidad de bocetos, dibujos, fotografías, documentos y publicaciones que se han ido acumulando a lo largo de los años va configurando una imagen rica y compleja del itinerario creativo.

La muestra

La exposición recorre la extensa producción arquitectónica de Luis Barragán, el más importante arquitecto mexicano del siglo XX y una de las grandes figuras de la arquitectura internacional, a través de planos, dibujos, algunos de los muebles diseñados por él, así como numerosa documentación y una amplísima selección de fotografías realizadas por el fotógrafo mexicano Armando Salas Portugal.

La exposición incluye además la proyección de cinco vídeos que presentan con más detalle y profundizan en algunos de los proyectos más espectaculares de Luis Barragán. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo en castellano de 320 páginas con 380 reproducciones y textos de reconocidos arquitectos así como especialistas en la obra de Luis Barragán como: Federica Zanco, Emilia Terragni, Marco de Michaelis, Kenneth Frampton, Richard Ingersoll, Keith Eggener, Marc Treib, Louise Noelle, Luis Carranza o José Antonio Aldrete. Además, el catálogo incluye una corta introducción de Ricardo Lagorreta, Tadao Ando y Alvaro Siza.

Con motivo de la exposición durante el mes de noviembre se ha programado un ciclo de conferencias sobre Luis Barragán.

El creadorLuis Barragán (Guadalajara, México 1902- México D. F. 1988) Se diplomó en la Escuela Libre de Ingeniería de Guadalajara en 1923 y prosiguió sus estudios para la obtención del grado de arquitecto, En 1924 realizó un viaje por Europa, visitó Francia, España, Italia y Grecia. En París asistió a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs.

Realizó su primer proyecto de edificio, la remodelación de la Casa Robles León en 1927 y a continuación proyectó la Casa Aguilar en Guadalajara. En esta época fue uno de los fundadores de la revista bimensual Bandera de Provincias. Los trabajos que realizó en Guadalajara al iniciar su carrera entre 1927 y 1936, reflejan su interés por las propuestas de la modernidad que le había aportado su primer viaje a Europa en 1925-1926 y las ilustraciones del escritor y paisajista francés Ferdinand Bac.

Desde sus proyectos iniciales, la arquitectura de Barragán se caracteriza por el empleo de algunos elementos como las fuentes, vidrios y superficies de colores, con azulejos y enrejados de madera de colores brillantes, y establece una precisa organización espacial mediante el emplazamiento de patios, terrazas y galerías.

En 1931 residió en Nueva York, donde se relacionó con el muralista mexicano José Clemente Orozco y con el prestigioso arquitecto Frederick Kiesler. Con ocasión de un viaje a Europa, realizado en ese mismo año, conoció personalmente a Ferdinand Bac y Le Corbusier.

A su regreso a México se produjo un cambio en sus intereses expresivos y acentuó la simplificación de un lenguaje personal que extrae las claves de la modernidad de una síntesis extrema de los elementos tradicionales propios de la arquitectura popular. Cambio que se aprecia en el Parque de la Revolución, proyecto que realizó en 1934 en colaboración con su hermano Juan José. Este proyecto iba acompañado de un breve manifiesto sobre la necesidad del estilo moderno, en el que declaraba: “Se eligió el estilo moderno para el diseño del parque en cuestión, de acuerdo con el derecho que tiene todo arquitecto de interpretar y desarrollar la arquitectura del tiempo en el que vive”. Después de mudarse a la ciudad de México en 1935, Barragán orientaría su interés profesional hacia la construcción de casas de apartamentos y oficinas –en colaboración con José Creixell- en los que experimentó con el estilo internacional y la estética purista de Le Corbusier.

Sus edificios y proyectos de paisaje, aunque no muy numerosos y concentrados en México, dan muestra de su enorme talento que supo conjugar el método de construcción tradicional de su país con el lenguaje de la modernidad, obteniendo resultados al mismo tiempo mexicanos e intrínsecamente universales.

La luz y el color, la búsqueda de una domesticidad a la vez moderna y tradicional, la relación entre arquitectura y paisaje y entre arquitectura y ciudad, fueron los principales temas en que se basó la obra de este arquitecto. Su confianza en la fuerza de la simplicidad, su búsqueda infatigable tanto en la calidad del material como en la estética, su sutil sensibilidad a los colores y por último, su particular forma de “ver”, marcan toda su obra y hacen imposible cualquier intento de imitación.

Entre sus construcciones más significativas destacan la Casa Barragán en Chapala, Jalisco (1931); los edificios de apartamentos en la calle Elba. Casa Villaseñor (1939), edificios de apartamentos en el Parque Melchor Ocampo en colaboración con Max Cetto (1940); la Casa Prieto López , la Capilla de Tlalpan (1953); el Parque Azteca (1954); la Casa Gálvez, los Jardines del Hotel Pierre Márquez, La Urbanización Costa del Pacífico, la Urbanización Jardines del Bosque e Iglesia del Calvario (1955); las Torres Satélite en colaboración con Mathias Goeritz (1957); la Urbanización Las Arboledas (1958); la Casa Meyer/Garate, el diseño de la Torre de Fuego en Monterrey, realizada más tarde con el nombre Faro del Comercio (1978).

A lo largo de su carrera Luis Barragán recibió importantes galardones y homenajes, entre los que destacan su nombramiento como miembro del American Institute of Architects, en Washington en 1974, la exposición de fotografías de sus trabajos que organizó el Museum of Modern Art de Nueva York en 1976, a la que acompañaba una monografía de Emilio Ambas. Ese mismo año recibió el Premio Nacional de las Artes en la ciudad de México y en 1980 se le otorgó el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura. En 1985 el Museo Rufino Tamayo de la ciudad de México organizó una exposición retrospectiva de su obra y se le concedió el premio de arquitectura del estado de Jalisco. En 1987 se le otorgó el American Prize for Architecture y fue nombrado miembro honorario de la American Academy and Institute of Arts and Letters. Se le concede el doctorado honoris causa de Universidad Autónoma de Guadalajara.

 

La cultura tuareg

16/11/2001, Guerreros, conductores de caravanas, a veces salteadores, los Tuareg han sido portadores de una cultura nómada, que ahora se muestra en Sevilla

Sevilla 15 de noviembre de 2001. guiarte.com

Guerreros, conductores de caravanas, a veces salteadores, los Tuareg han sido portadores de una cultura nómada, que ahora se muestra en Sevilla, del 16 de noviembre de 2001 al 5 de enero de 2002.

La Junta de Andalucía y la Fundación La Caixa presentan en el Monasterio de Santa Inés "Tuareg. Nómadas del desierto", una muestra sobre la vida de este legendario pueblo de nómadas del Sáhara, a través de 275 objetos de uso cotidiano

La exposición reúne enseres domésticos, joyas, prendas de vestir e instrumentos musicales, los más antiguos de 1890 y los más recientes de la década de los setenta. Se abre y se cierra con dos tiendas de tamaño real, con su estructura tradicional, el techo de cuero y los camastros, así como otros objetos de uso diario.

Gran parte de estas piezas proceden del museo de Neuchatel dedicado a la cultura tuareg. Su director, uno de los comisarios de la muestra, Francois Borel, ha vivido con los tuaregs en el desierto. Él explicó que los tuaregs sólo poseían objetos pequeños que fueran fácilmente transportables, y mostró la habilidad para el reciclaje, con el ejemplo de una vihuela monocorde fabricada con un recipiente metálico y una flauta hecha con la pata de una cama metálica.

El otro comisario de la exposición, Albert Costa, dijo que se trata de pueblos casi mediterráneos, los antiguos libios de la época romana, y que su historia es muy mal conocida porque los nómadas no suelen dejar rastros arqueológicos.

Nómadas del desierto

Los tuareg forman parte del mito: jinetes sobre elegantes camellos, viajeros en una tierra infinita, son, para los europeos, uno de los últimos pueblos libres de nuestro planeta.

Pero la realidad es muy diferente. Sometidos a unas condiciones extremadamente adversas, estos grupos nómadas padecen frecuentes periodos de hambre y se ven obligados a practicar el pillaje como medio de subsistencia. Víctimas de la represión colonial y de la posterior división del desierto en áreas, actualmente viven recluidos en tres Estados y su libertad de movimientos está muy restringida.

La sedentarización y la necesidad de buscar nuevos medios de vida es, por lo tanto, el destino de este pueblo antiguamente poderoso y temido.

Habitantes de un territorio inmenso e inhóspito

Los tuareg son un pueblo de pastores nómadas que habita en el desierto del Sahara y en las sabanas del Sahel. Esta zona se extiende a lo largo de un millón y medio de kilómetros cuadrados y comprende territorios de tres Estados africanos: Argelia, Malí y Níger. La vida es extremadamente dura en este rincón del planeta: el agua escasea, las tormentas de arena son muy violentas y la diferencia de temperatura entre el día y la noche es abismal.

Tuareg. Nómadas del desierto da cuenta de cómo este pueblo se ha enfrentado desde tiempos remotos a un medio tan hostil adaptando su economía pastoril a los recursos disponibles. La exposición reúne objetos de uso cotidiano: cruces de Agadés, amuletos, dagas-brazalete, tablillas coránicas, embudos de madera para cebar a las jóvenes, albardas de camello, sillas de montar, cepos para gacelas, morteros... Asimismo, se incluye el maniquí de un tuareg con su vestimenta tradicional, dos tiendas con todos sus elementos y dos vídeos.

La mayoría de las piezas exhibidas procede del Musée d’ethnographie de Neuchâtel (Suiza), institución que desde hace más de 70 años lleva a cabo misiones de investigación entre los diferentes grupos tuareg y cuyos fondos reflejan todos los aspectos de la cultura antigua de estos grupos nómadas. Otros dieciséis objetos han sido cedidos por el Musée National de Malí --que también posee fondos de la época colonial--, y uno ha sido prestado por un coleccionista privado.

La exposición está estructurada en cuatro ámbitos principales: la historia, la economía, la vida cotidiana y la artesanía. Estos apartados, divididos a su vez en múltiples secciones, ofrecen una visión amplia de la cultura tuareg en su época de esplendor. A modo de epílogo, la última sala da cuenta de la progresiva decadencia de estos grupos nómadas tras su integración en los Estados nación modernos y la inevitable sedentarización.

Historia

Los tuareg pertenecen al grupo de los bereberes que habitan en el norte de África y en la antigüedad recibían el nombre de libios por parte de griegos y romanos. Como consecuencia de la invasión árabe (del siglo VII al XI), estas sociedades se fragmentaron. Los tuareg se refugiaron en los macizos centrales del desierto, conservando la lengua original (el tamasheq) y la antigua escritura (el tifinagh).

Pese a convertirse al Islam, nunca abandonaron sus creencias animistas. La historia de este pueblo nómada sólo es conocida parcialmente gracias a los textos de los cronistas árabes, que se refieren a ellos como valientes guerreros que asaltaban caravanas y conquistaban ciudades, como Tombuctú. A través de citas de antiguos textos, leyendas, mapas, amuletos y tablillas coránicas, este primer apartado repasará los capítulos más importantes de la historia de los tuareg.

Economía

Los camellos, los bóvidos, las cabras y las ovejas son la principal fuente de riqueza de los pueblos tuareg. Mientras que el camello se adapta a la perfección a la vida del desierto, el caballo es un animal que requiere cuidados permanentes y que tan sólo otorga prestigio a su dueño.

Actualmente, la falta de pastos para el ganado obliga a los tuareg a practicar la trashumancia y desplazarse hacia el sur, donde intercambian animales y productos lácteos por cereales, té, mantas y telas con los pueblos agrícolas de la sabana.

También practican la caza, para lo que hacen servir trampas. En este segundo apartado se exhiben los diferentes elementos de la montura de un camello (bridas, silla...); los recipientes empleados en la elaboración del queso; técnicas y trampas para cazar animales, etcétera.

Vida cotidiana

La vida de estos pueblos nómadas transcurre alrededor y dentro de la tienda, que varía según la región de procedencia. En este ámbito se presenta el montaje de una tienda y sus principales elementos: cómo se fabrican las esteras, los cojines de cuero, las separaciones entre los espacios y los grandes sacos donde se disponen los ropajes y los objetos de valor. Se muestra asimismo la distribución del trabajo por sexos, haciendo hincapié en el papel de la mujer en la cultura tuareg. Los ratos de ocio se dedican a la oratoria, los acertijos y la música.

Artesanía

Los artesanos tuareg consagran toda su inspiración a las artes de orfebrería y el cuero, especialmente a la confección de joyas de plata, bolsos de gala y almohadones. Dicha inspiración surge de una arraigada tradición simbólica que remite a crencias preislámicas en las que dominan los motivos decorativos geométricos: la cruz, el damero, la red de rombos, el triángulo equilátero, las puntas de flecha estilizadas... Los aderezos y las joyas de plata son confeccionados por los herreros, una casta despreciada pero temida por los tuareg. Manipulan el fuego y transforman los elementos, por lo que tienen un contacto especial con las fuerzas ocultas. De sus manos salen valiosas obras, que se exhiben en la muestra junto a su contexto social.

La exposición Tuareg. Nómadas del desierto, cuyos comisarios son Albert Costa y François Borel, se ve en la Sala de Exposiciones de Santa Inés (calle de Doña María Coronel, 5; Sevilla), del 16 de noviembre de 2001 al 5 de enero de 2002.

 

Vuelve ARCO

14/11/2001, Del 14 al 19 de febrero, en Madrid, con presencia de 250 galerías de todo el mundo, vuelve de nuevo la feria de arte contemporáneo, ARCO, que en esta ocasión cumple su vigésimoprimera edición, con Australia como invitado de honor

Del 14 al 19 de febrero, en Madrid, con presencia de 250 galerías de todo el mundo, vuelve de nuevo la feria de arte contemporáneo, ARCO, que en esta ocasión cumple su vigésimoprimera edición, con Australia como invitado de honor.

Noventa y cinco galerías corresponden a España, pero la gran mayoría -155- corresponden a otros países. Algunos acuden por primera vez: Malasia, Finlandia, Noruega y Rusia. Del país invitado de honor, Austrialia, se cuenta con 14 galerías.

En esta feria, que se celebra en el recinto Madrileño, Parque Ferial Juan Carlos I. (Pabellones 7 y 9), se ha hecho una selección de las 498 galerías presentadas en origen, en base a la calidad de sus propuestas, la proyección de sus artistas y la representatividad de las tendencias.

Según fuentes la organización de la feria, son más de cuatro mil los artistas representados por las galerías. Con ellos se ofrece un riguroso recorrido por el panorama artístico mundial, desde las vanguardias históricas hasta el arte emergente de principios del XXI, pasando por el arte moderno, contemporáneo y experimental.

Una veintena de prestigiosos comisarios internacionales darán, además, contenido a las secciones temáticas Project Rooms y Cutting Edge.

La arquitectura será, por otra parte, uno de los grandes pilares de ARCO este año, y su Proyecto Arquitectónico, desarrollado por un equipo multidisciplinar de creadores y liderado por Vicente Salvador, podrá conocerse en los pabellones 7 y 9 de Ifema.

En el programa de actos paralelos al desarrollo de la feria, se cuenta con mesas de debate. Destacados Artistas, Galeristas, Críticos, Comisarios, Coleccionistas y Directores y Conservadores de Museos debatirán en torno a temas relacionados con la actualidad artística: On Art in Australia Now; Nuevas Aproximaciones al Coleccionismo: en Museos, Privado y Corporativo, Fotografía y Nuevos Soportes; Arte, Arquitectura y Espacio; La Práctica Curatorial Hoy; Nuevos Espacios para el Arte; Museos en la Web; Arte y Feminismo; Selectores Emergentes en el Arte Español Contemporáneo; Artists Talks; Arte y Crítica de Arte; Migraciones al/del Mar Caribe; Public Art.

Cutting Edge volverá a ser la visión más emergente de la creación actual, con medio centenar de galerías internacionales reunidas, y con el Lejano Oriente, los Países Nórdicos, el Caribe y las ciudades de París, Milán, Nueva York y Tokio como principales escenarios.

Por quinto año consecutivo, y consolidándose también como una de las iniciativas más innovadoras, estará la sección Project Rooms, que presentará 30 proyectos de distintas nacionalidades bajo el nombre común de "Fronteras".

Además, dentro del programa Altadis-Arte Público/Espacios Abiertos, se mostrará una selección, comisariada por Jerome Sans y Nicolas Bourriaud, del Palais de Tokyo en París, de obras escultóricas concebidas como objeto artístico-funcional para el entorno urbano.

Fundación ARCO seguirá adquiriendo obra en esta próxima edición para engrosar los ya importantes fondos de la Colección de la Fundación ARCO.

 

Reabrió el Bellas Artes de Bilbao

14/11/2001, El Museo de Bellas Artes de Bilbao, una de las mejores pinacotecas españolas, terminó su fase de rehabilitación y reabrió todas sus salas a los visitantes desde el 10 de noviembre

Bilbao, 12 de noviembre de 2001. guiarte.com

El Museo de Bellas Artes de Bilbao, una de las mejores pinacotecas españolas, terminó su fase de rehabilitación y reabrió todas sus salas a los visitantes desde el 10 de noviembre.

El centro está en la plaza del Museo, 2, Bilbao y posee obra magnífica desde los primitivos catalanes a la actualidad. Consta de colecciones de arte antiguo( arte medieval, Greco, Zurbarán, Goya, Van Dyck, etc.); contemporáneo (Gauguin, Delaunay, Bacon, Kokoschka, Tapies, etc.) y artistas vascos(Zuloaga, Arteta, etc.)

Este prestigioso centro inició su andadura en 1908, y reanuda su actividad de forma total después de obras de rehabilitación y ampliación, que han costado unos 2.500 millones de pesetas, invertidos a lo largo de tres años, aunque el museo no interrumpió del todo sus actividades hasta agosto último.

En este periodo, se hizo la rehabilitación de los dos edificios que componen el museo (uno de 1945 y el de 1972), se realizó una ampliación de la superficie expositiva y de la dedicada a servicios al visitante, nuevos accesos, un nuevo auditorio, así como una mejora de accesibilidad para discapacitados.

Son varias las exposiciones programadas con motivo de la reapertura de la pinacoteca tras las obras de rehabilitación a que ha sido sometida.

La primera es la denominada "Colección 01", que recoge una selección de los fondos del museo.

La "Colección 01" incluye las últimas adquisiciones hechas por el museo, los cuadros provenientes de su programa de restauración y la primera aportación a la iniciativa bautizada como "La obra invitada", en este caso representada por la escultura "Bilbao", de Richard Serra. En la muestra resaltan pinturas de maestros como El Greco, Zurbaran, Velázquez, Murillo, Goya o Zuloaga.

Una segunda muestra nació a partir de la invitación que el centro bilbaíno planteó a dos comisarios independientes y vinculados a centros de arte e investigación extranjeros con objeto de proponer una visión sobre el panorama actual de la creación artística en el País Vasco. De este modo, se presenta un conjunto de obras de 22 artistas, con gran variedad de enfoques y soportes.

“Mujeres impresionistas. La otra mirada” es el título de la tercera muestra con la que arranca el programa expositivo del museo en esta nueva etapa.

Setenta obras de cuatro pintoras impresionistas se exhiben en la primera exposición organizada en España sobre la contribución femenina a dicho estilo, según fuentes de la pinacoteca. La exposición ha sido producida por el propio museo y con el patrocinio de la Fundación BBK, y permanecerá abierta hasta el 4 de febrero próximo. Muestra obras de Mary Cassatt (1844-1926), Marie Bracquemond (1840-1916), Eva Gonzales (1849-1883) y Berthe Morisot (1841-1895), quienes, durante la segunda mitad del siglo XIX, participaron en las exposiciones del movimiento impresionista en París

 

Humanizar el paisaje de plástico

10/11/2001, La imagen agresiva del territorio de plásticos de los invernaderos de Almería, que surten de flores y frutas a buena parte de Europa, puede estar en vías de cambio


Almería, 10 de noviembre de 2001. guiarte. Com

La imagen agresiva del territorio de plásticos de los invernaderos de Almería, que surten de flores y frutas a buena parte de Europa, puede estar en vías de cambio, según expusieron, dirigentes empresariales almerienses, en la presentación de Expoagro.

Coexpahl-Faeca, principal asociación de cooperativas agrarias de Almería, ha diseñado un Sistema de Gestión Medioambiental que tiene como objetivo evitar en la mayor medida posible el impacto paisajístico de las explotaciones intensivas invernadas. El diseño, realizado en colaboración con la Universidad de Almería, pretende lograr una excelente calidad medioambiental y una mejora de la imagen de las fincas, que sólo en la provincia de Almería representan un total de más de 25.000 hectáreas.

El proyecto pretende, principalmente, mejorar la posición competitiva de las empresas de producción y la comercialización de sus productos al amparo de las normas internacionales como la UNE-EN-ISO 14001. El plan de restauración paisajística que contempla este sistema tiene como objetivos atenuar el impacto mejorando la calidad en las explotaciones, reducir la erosión en taludes, desmontes y márgenes, proteger las estructuras de los efectos perjudiciales del viento y favorecer la presencia en el exterior de invernaderos.

Para ello, según comentó Juan Colomina durante la presentación del proyecto, se seguirán los pasos exigidos por la citada norma UNE que apuntan a la identificación de los impactos medioambientales significativos, desarrollar las herramientas adecuadas para que cada empresa del sector pueda adaptar el sistema a sus necesidades y posibilidades para, finalmente, establecer unos mecanismos de control y autoevaluación constantes.

En esa intención, se encuentra la incorporación de numerosas especies en el entorno de los invernaderos tales como el ciprés de Cartagena, palmito, sabina negra, artos y algunas especies arbustivas para conseguir, como apuntó el gerente de Coexphal, “que una zona productiva sea medioambientalmente sostenible". Por último, Juan Colomina señaló que el nuevo sistema a implantar es de carácter voluntario y será financiado por los agricultores, pese a que se van a buscar subvenciones mediante los programas operativos y algunas líneas de financiación medioambientales. No obstante, precisó que la organización va a animar e incentivar a todas las empresas asociadas mediante un departamento de apoyo para que apliquen la norma.

¿Qué se pretende?

Se pretende el uso de especies (algunas aromáticas) repelentes al ataque de las principales plagas hortícolas (mosca blanca, trips, pulgón, minadores, ácaros fitófagos y orugas de noctuidos) que no estén descritas como fuente de virus de hortícolas. Al mismo tiempo, se busca la presencia de poblaciones de depredadores y parasitoides autóctonos de las plagas.

Se realizará un estudio pormenorizado e individual de los lugares de plantación. También se decidirá el lugar de plantación para evitar efectos indeseables como sombreos sobre invernaderos por las especies arbóreas y arbustivas elegidas en cada caso.

Se realizará una elección de especies arbóreas y arbustivas adaptadas a zonas con fuertes vientos. Además se buscarán especies que no presenten riesgo de rotura de ramas en esas condiciones, y dúctiles a la poda, siendo varias de ellas adecuadas para establecer cortavientos. Se implantarán especies autóctonas siempre que sea posible y que no requieran apenas mantenimiento una vez establecidas.

Además del establecimiento de vegetación, también se propone el uso de materiales y acabados con texturas gruesas y colores ocres en las edificaciones anexas a los invernaderos (almacenes, balsas de hormigón, etc) que integren visualmente estas construcciones en el paisaje. Dentro de una explotación agrícola intensiva existen diferentes zonas susceptibles de actuar sobre ellas dentro del ámbito de la adecuación paisajística. Se han distinguido cuatro zonas principales: los perímetros del invernadero, la balsa, el almacén y los márgenes de los caminos.

Las plantas recomendadas

Palmito
Es un arbusto que pertenece a la familia de las palmeras. Es la única palmera originaria de Europa y se distribuye en toda el área mediterránea. Habita en zonas secas y soleadas. Su tamaño es reducido, se trata de una palmera enana. Las flores son masculinas o femeninas y se encuentran en pies de planta distintos. El fruto tiene forma ovalada y es un dátil. Las hojas son palmeadas y tienen forma de abanico, miden hasta un metro de largo; se emplean para fabricar diversos utensilios como cestos, sombreros y escobas. Los dátiles se usan en medicina natural como astringentes. El palmito pertenece a la familia Palmáceas (Palmaceae) y su nombre científico es Chamaerops humilis.

Sabina Negra
Es el nombre común de varias especies de coníferas de la familia Cupresáceas, que se distribuyen por el sur de Europa y el norte de África. Son plantas robustas propias de regiones calcáreas. Soportan bien la sequía y las temperaturas extremas. Se caracterizan por sus hojas perennes, con forma de escama, superpuestas entre sí. También pueden presentar hojas aciculares. Los frutos son carnosos, rojos en la sabina negra, y púrpuras en la albar. Pueden ser arbustos o arbolillos. El nombre de científico de la sabina negra es Juniperus Phoenicea.

Arto
Es un arbusto de 1 a 2 m de altura, muy ramificado, con tallos en zig-zag. En España se encuentra en lugares rocosos muy térmicos, sobre todo en áreas próximas a la costa. Forma parte de comunidades típicas de arbustos espinosos (cornical). Se extiende por el Norte de Africa y parte de Asia. En Europa tan solo se encuentra en el SE Ibérico, formando núcleos aislados desde Málaga hasta las costas murcianas. Se trata de un endemismo ibero-africano de elevado valor paleobotánico que constituye algunos de los matorrales maduros de la región de Murcia, por lo que se le denotan de muy alto interés. Su nombre científico es Maytenus senegalensis.

Ciprés de Cartagena
Es un pequeño árbol de hasta 12 m de altura, con ramas delgadas y patentes. Habita sobre calizas cretácicas, en las que actúa como vegetación permanente. El tramo de sierra litorales en que se presenta es muy rico en precipitaciones horizontales, gracias a las cuales puede superar la escasez de lluvias. Se encuentra en el norte de África. En Europa se encuentra principalmente en la Región de Murcia, en la zona de Cartagena Se trata de un endemismo ibero-africano y constituye una reliquia en Europa.

Vitalidad de la actividad agraria almeriense:

Expoagro

Almería ha revalorizado su potencial económico en los últimos decenios mediante una explotación intensiva de la agricultura. Hoy es un referente en esta materia.

Una de las actividades importantes es su feria agraria. La XVII edición de Expo Agro-Almería, que abrirá sus puertas el próximo 21 de noviembre hasta el día 24 en el Centro de Exposiciones de Aguadulce (Roquetas de Mar), contará con la participación de 690 expositores indirectos y 225 directos sobre una superficie bruta de exposición de 22.000 metros cuadrados.

El propio presidente de la Junta de Andalucía, Manuel Chaves, inaugurará esta feria hortofrutícola internacional en la que participan 12 países: Estados Unidos, Gran Bretaña, Italia, Suiza, Alemania, Francia, Holanda, Israel, México, Bélgica, Suecia y Jordania.

Este certamen monográfico, que cuenta con un presupuesto de 120 millones de pesetas (721.214,52 euros) está dedicado a los sectores de fertilizantes, maquinaria agrícola, plásticos, abonos, invernaderos, entre otros. La feria acogerá actos paralelos como el III Encuentro Iberoamericano de Cultivos Intensivos y por el que empresas de Chile, Argentina, Brasil, México y China contactarán con empresas almerienses del sector de la industria auxiliar de la agricultura a fin de desarrollar un programa de entrevistas.

En la jornada sobre el mercado israelí participarán empresarios israelitas interesados en establecer contactos con empresas de Almería para abordar los mercados de forma conjunta. También se ha organizado una misión comercial inversa de Alemania en la que participarán empresas y prescriptores de compra del citado país para conocer el modelo de producción almeriense y para ello se ha organizado con la Asociación de Exportadores-Productores (COEXPHAL) y la Comercializadora de Productos Andaluces (CdeA). Las jornadas técnicas, que comenzará el 22 de noviembre, abordarán los parques tecnológicos y el tecnoparque de Almería, y el día 23 se analizará calidad y medio ambiente en la Organización Común de Mercado hortofrutícola, además de debatir el presente y futuro de la certificación en España de las Frutas y Hortalizas

Cumbre Climática de Marraquech

09/11/2001, Los ministros de Energía y de Medio Ambiente de unos 160 países, reunidos en la Conferencia del Clima, en Marraquech, Marruecos, alcanzaron un acuerdo para la aplicación del Protocolo de Kioto


Marraquech, Marruecos, 10 de noviembre de 2001. Por Artemio Artigas. guiarte.com

Los ministros de Energía y de Medio Ambiente de unos 160 países, reunidos en la Conferencia del Clima, en Marraquech, Marruecos, alcanzaron un acuerdo para la aplicación del Protocolo de Kioto sobre emisión de gases contaminantes.

El objetivo de la cumbre, que se celebró desde el 29 de octubre al 9 de nocviembre, era decidir los detalles de la aplicación del Protocolo de Kyoto, para que pueda entrar en vigor lo antes posible, a poder ser a inicios de 2002. Los debates han sido difíciles. En un último esfuerzo, la Unión Europea y los países en vías de desarrollo convencieron al grupo más reticente, entre los que se cuentan Canadá, Japón, Australia y Rusia.

Los motivos de disputa han sido los cupos de reducción de emisiones de gases de efecto invernadero por parte de los países desarrollados; el derecho de uso de determinados privilegios ecológicos para los países que incumplan el Acuerdo de Kyoto; las repercusiones económicas sobre los países productores de petróleo de la disminución en el consumo de este combustible; y la obligación a informar sobre los sumideros de dióxido de carbono.

La disputa más grave fue la que afectó a Rusia. Durante la cumbre de Bonn, a cada país se le aplicó una cantidad máxima de toneladas de carbono que podía descontar del saldo total por sus actividades forestales. Rusia demandaba que esta cifra fuera de 33 millones de toneladas, pero entonces sólo se le concedieron 17 millones, finalmente se aceptó su petición de ampliar la cuota.

El acuerdo de Marraquech pondrá fin a casi cuatro años de negociaciones destinadas a fijar modalidades de aplicación que permitan a los países industrializados respetar sus cotas de emisión definidas en Kioto, sin comprometer la competitividad de sus industrias.

Los países firmantes del Protocolo de Kioto poseen ahora la herramienta necesaria para iniciar la ratificación parlamentaria en los respectivos países. El Protocolo ha sido ratificado hasta ahora por 40 países no industrializados. Kioto entrará en vigor noventa días después de que sea ratificado por un mínimo de 55 países cuyas emisiones representen el 55 por ciento del total mundial.

El Protocolo de Kyoto, firmado en 1997, establece una serie de medidas para reducir un 5,2 por ciento las emisiones de gases de efecto invernadero de los países industrializados entre 2008 y 2012, tomando como referencia los niveles de 1990.

Datos de historia

En los últimos 100 años, la emisión a la atmósfera de seis gases de efecto invernadero -el dióxido de carbono, el óxido nitroso, el metano, el hidrofluorocarbono, perfluorocarbono y el sulfuro hexafluoruro- contribuyó a que la temperatura media del planeta se incrementara entre 0,3 y 0,6 grados. De no corregirse la situación, los expertos estiman que durante este siglo XXI la temperatura podría subir hasta 3,5 grados más.

La anterior conferencia, la de Bonn, rondó el fracaso. Tenía que concluir el domingo 22 de julio, pero los 178 países presentes en la cumbre se negaron a aceptar el fracaso y continuaron la negociación durante la noche, en unas 30 horas llenas de momentos críticos. Fiinalmente se llegó a un acuerdo, aunque el compromiso, por desgracia, no incluyó a EE.UU. que provoca un tercio de la contaminación del planeta por sus gases tóxicos.

La Convención Marco de la ONU sobre Cambio Climático de Bonn fue la segunda parte de la celebrada en noviembre pasado en La Haya.

La conferencia de La Haya –prolongada en Bonn- tenía como objetivo principal definir los mecanismos de aplicación del Protocolo de Kioto, pero se suspendió sin acuerdo, debido a las diferencias insuperables entre los principales negociadores, la Unión Europea y Estados Unidos.

Durante las últimas décadas ha ido creciendo la preocupación por el cambio climático y sus efectos, por lo que se plantearon sucesivas reuniones e iniciativas para estudiar el efecto invernadero y adoptar conjuntamente una política de defensa de la naturaleza, con reuniones celebradas en diversas capitales del mundo.

En 1992, en el Comité Intergubernamental de Negociación del Convenio general sobre Cambios Climáticos de la ONU, delegados de 140 países aprobaron un convenio no vinculante sobre el Cambio Climático, que en el mes de junio fue firmado por los representantes de los países asistentes a la Cumbre de la Tierra, de Río de Janeiro.

Posteriores conferencias sobre el cambio climático en Berlín y Ginebra mostraron la preocupación por la incidencia del factor humano en el cambio climático y reconocieron la necesidad de fijar objetivos cuantitativos legalmente vinculantes para limitar la emisión de gases por los países industrializados. En 1997, en la III Conferencia celebrada en Kioto, se logró un acuerdo para frenar la degradación medioambiental de la Tierra, obligando a los países industrializados a reducir sus emisiones de gases.

El protocolo de Kioto establece medidas concretas para reducir las respectivas emanaciones de seis gases (CO2, metano, óxido nitroso, hidrofluorocarbono, perfluorocarbono y sulfuro hexafluoruro).

Reuniones posteriores en Buenos Aires(1998) Bonn(1999) y La Haya(2000), mostraron las dificultades de algunos países industrializados para asumir el protocolo. EEUU fue clave en estos fracasos.

La oposición de Estados Unidos a ratificar el acuerdo de Kioto se acentuó tras la asunción de la presidencia de la Unión por George W. Bush, quien declaró tajantemente, en marzo pasado, que su país no firmaría el texto de Kioto. Esto incentivó el afán anticontaminante de la opinión pública, en todo el mundo, aunque también matizó la posición de algunos países aliados de EE.UU.

 

Superpoblación y medio ambiente

08/11/2001, Cada mes, cinco millones de personas abandonan el campo y van a la ciudad. Desde 1960 se ha duplicado la población del mundo. La calidad de vida y el medio ambiente padecen por estos cambios drásticos


Nueva York, 8 de noviembre de 2001. guiarte.com

Cada mes, cinco millones de personas abandonan el campo y van a la ciudad. Desde 1960 se ha duplicado la población del mundo. La calidad de vida y el medio ambiente padecen por estos cambios drásticos.

Naciones Unidas ha dado a conocer el informe sobre la población Mundial 2001. En él se dice que la degradación de la tierra, la deforestación, la excesiva urbanización y la contaminación del aire son grandes desafíos medioambientales. A estos se añaden otros dos: el agotamiento del agua potable y la reducción de la biodiversidad.

El informe

Desde 1960, se han duplicado las cantidades de seres humanos para llegar a 6.100 millones de personas y el crecimiento ha ocurrido mayormente en los países más pobres. Los gastos de consumo se han duplicado con creces a partir de 1970 y esos aumentos han ocurrido principalmente en los países más ricos. En ese período, hemos creado riquezas en escala inimaginable; no obstante, la mitad de la humanidad sigue subsistiendo con menos de dos dólares diarios. Hemos aprendido cómo extraer recursos para nuestro uso, pero no cómo manejar los desperdicios resultantes: por ejemplo, las emisiones de anhídrido carbónico se multiplicaron por doce entre 1900 y 2000. Con estos procesos, estamos cambiando el clima del mundo

En la actualidad, cada una de las partes del mundo natural y del mundo humano está vinculada con todas las demás. Las decisiones locales tienen repercusiones mundiales. Las políticas mundiales, o la carencia de éstas, afectan a las comunidades locales y las condiciones en que viven. Los seres humanos ya han cambiado el mundo natural y han sido cambiados por éste; ahora, las perspectivas de desarrollo humano dependen de nuestra sabiduría en cuanto a conducir esa relación

Población y medio ambiente

La población y el medio ambiente están estrechamente relacionados entre sí, pero sus vínculos son complejos y diversos y dependen de las circunstancias concretas.

A medida que van aumentando las poblaciones humanas y va avanzando la mundialización, las cuestiones fundamentales en materia de políticas son: cómo utilizar los recursos de tierra y agua disponibles a fin de producir alimentos para todos; cómo promover el desarrollo económico y eliminar la pobreza, de modo que todos puedan costear sus alimentos; y cómo, al hacerlo, abordar las consecuencias humanas y medioambientales de la industrialización.

La devastación del medio ambiente no es simplemente una dilapidación de los recursos; es una amenaza a las complejas estructuras que sostienen el desarrollo humano. un más lento crecimiento de la población en los países en desarrollo contribuirá en gran medida a aliviar las tensiones a que está sometido el medio ambiente

Tendencias de población

La fecundidad es más alta en los países más pobres y entre las personas más pobres de esos países. Las deficiencias en los servicios de salud, educación y de otros tipos, especialmente en lo que atañe a las mujeres, contribuyen a la pobreza reinante en esos países. Los servicios de salud reproductiva no pueden ni siquiera satisfacer las necesidades actuales de las mujeres que quieran prevenir o aplazar un embarazo y, según se prevé, la demanda ha de aumentar rápidamente en los próximos 20 años. La mortalidad derivada de la maternidad es alta y las tasas de utilización de anticonceptivos son bajas (a menudo, inferiores al 15 por ciento de todas las parejas).

Esos países también figuran entre los más gravemente afectados por la degradación de los suelos y el agua y por los déficit de alimentos. En algunas zonas de gran riqueza ecológica pero frágiles, conocidas como "focos neurálgicos para la diversidad biológica", el crecimiento de la población es muy superior al promedio mundial de 1,3 por ciento anual. El aumento de la demanda procedente de zonas que están en mejores condiciones económicas agrava las presiones sobre los recursos naturales en aquellos ecosistemas.

El aspecto positivo es que en los países en desarrollo, considerados en su conjunto, han disminuido las tasas de fecundidad hasta poco menos de tres hijos por mujer, es decir, aproximadamente la mitad de la tasa en 1969, y se prevé que hacia 2045-2050, disminuirá aún más, hasta 2,17 hijos por mujer. Al mismo tiempo, la esperanza de vida en todo el mundo ha aumentado hasta un promedio de 66 años

En los países industrializados, actualmente la tasa de fecundidad es de 1,6 hijos por mujer, es decir, es inferior al nivel de reemplazo. Las poblaciones de esos países están envejeciendo rápidamente y es posible que en algunos de ellos la población disminuya, a menos que se la complemente mediante la inmigración. La tendencia a la menor fecundidad se ha documentado suficientemente.

El grueso del consumo ocurre en los países industrializados, pero está aumentando rápidamente en otros países, a medida que van aumentando sus ingresos. Es imprescindible adoptar medidas para conservar la energía, poner coto a la contaminación y limitar la demanda de recursos naturales, para que pueda haber un desarrollo sostenible en el futuro.

También se necesitan medidas paralelas a fin de estabilizar el crecimiento de la población mundial.

Concienciación mundial

En el último decenio hemos adquirido más conocimientos acerca de las huellas ecológicas cada vez más profundas que resultan del crecimiento de las cantidades de seres humanos, las cambiantes distribuciones de la población y las pautas de consumo y producción insostenibles. Se han puesto cada vez más en claro los graves problemas que se plantean al desarrollo sostenible. Al mismo tiempo, hay algunos indicios importantes de un cambio positivo, incluido el creciente consenso internacional sobre las medidas encaminadas a promover el desarrollo y a proteger al mismo tiempo el medio ambiente

Tendencias en medio ambiente

A medida que la población crece y que aumenta la demanda, la búsqueda de agua, alimentos y recursos energéticos y los efectos sobre el medio ambiente de esa búsqueda están poniendo en peligro la sostenibilidad. Los límites de las tecnologías y la sabiduría con que las utilizamos son retos crecientes y los problemas de la gobernabilidad, la organización social y los derechos humanos son cada vez más importantes para lograr resultados sostenibles

Agua

Tal vez el agua sea el recurso que define los límites del desarrollo sostenible. Las existencias de agua dulce son esencialmente constantes y el equilibrio entre las demandas de los seres humanos y las cantidades disponibles ya es precario.

No todos los países están igualmente afectados. Las regiones más desarrolladas, en promedio, tienen precipitaciones pluviales sustancialmente mayores que los países menos adelantados y han elaborado tecnologías para utilizar el agua más eficientemente.

Mientras en los últimos 70 años la población mundial se ha triplicado, la utilización de agua se ha multiplicado por seis. En todo el mundo, se utiliza un 54 por ciento del agua dulce disponible anualmente y dos tercios se destinan a la agricultura. Hacia 2025 esa proporción podría aumentar hasta el 70 por ciento, debido exclusivamente al crecimiento de la población o—si el consumo per cápita llegara en todos los países al nivel alcanzado en los países más desarrollados—, al 90 por ciento.

En el año 2000, 508 millones de personas vivían en 31 países sometidos a estrés hídrico o afectados por escasez de agua. Hacia 2025, 3.000 millones de personas estarán viviendo en 48 de esos países. Hacia 2050, 4.200 millones de personas (más del 45 por ciento del total mundial) estarán viviendo en países que no pueden satisfacer el requisito de contar con 50 litros de agua por persona y por día para atender a las necesidades humanas básicas.

Muchos países emplean medios insostenibles para satisfacer sus necesidades de agua y agotan los acuíferos locales. Las capas freáticas en algunas ciudades de China, América Latina y el Asia meridional están descendiendo a razón de más de un metro por año. Asimismo, el agua de mares y ríos se está desviando para satisfacer las crecientes necesidades de la agricultura y la industria, con efectos a veces desastrosos.

Según estimaciones de la Organización Mundial de la Salud (OMS), aproximadamente 1.100 millones de personas carecen de acceso a agua no contaminada. Por primera vez, las estadísticas oficiales ponen de manifiesto una disminución de la cobertura de agua, en comparación con estimaciones anteriores.

En los países en desarrollo, entre el 90 y el 95 por ciento de los desagües cloacales y el 70 por ciento de los desechos industriales se vierten sin depurar en aguas superficiales, donde contaminan las existencias de agua. En muchos países industrializados, los efluentes químicos de fertilizantes y plaguicidas y la lluvia ácida resultante de la contaminación atmosférica requieren costosos procedimientos de filtración y depuración.

Proteger las existencias de agua contra los contaminantes, restaurar los cursos naturales que alimentan los sistemas fluviales, ordenar el riego y el uso de productos químicos y poner coto a la contaminación atmosférica industrial son medidas de importancia crucial para mejorar la calidad y la disponibilidad del agua.

Alimentos

En muchos países, en los últimos años el crecimiento de la población ha sido superior al aumento de la producción alimentaria. Entre 1985 y 1995, la producción alimentaria fue a la zaga del crecimiento de la población en 64 de los 105 países en desarrollo estudiados y los países de África fueron los que presentaron un panorama peor

La Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO) clasifica a la mayor parte del mundo en desarrollo como "países de bajos ingresos con déficit alimentario". Esos países no producen alimentos suficientes para sus poblaciones y no pueden sufragar la importación de cantidades suficientes para subsanar el déficit. En esos países, unos 800 millones de personas están crónicamente desnutridas y 2.000 millones de personas carecen de seguridad alimentaria

Las existencias de peces también están amenazadas. Según la FAO, de las existencias de peces marinos comerciales del mundo, un 69 por ciento están "explotadas hasta el límite de su capacidad, explotadas excesivamente, agotadas o recuperándose lentamente".

A fin de dar lugar a casi 8.000 millones de personas que se espera poblarán la tierra hacia 2025 y de mejorar sus dietas, el mundo tendrá que duplicar su producción alimentaria y mejorar la distribución de alimentos para asegurar que la gente no padezca hambre.

Cambio climático

En el siglo XX, la población humana se cuadruplicó, desde 1.600 millones hasta 6.100 millones de habitantes, y las emisiones de anhídrido carbónico, que atrapan el calor en la atmósfera, se multiplicaron por 12, desde 534 millones de toneladas métricas en 1900 hasta 6.590 millones de toneladas métricas en 1997.

El Grupo Intergubernamental de Expertos sobre Cambios Climáticos (IPCC) estima que la atmósfera terrestre se calentará 5,8 grados centígrados en el próximo siglo, una proporción sin precedentes en los últimos 10.000 años. Las proyecciones de la "mejor estimación" del Grupo arrojan un aumento del nivel del mar de casi medio metro hacia 2100.

El cambio climático tendrá graves efectos, entre ellos aumento de las tormentas, las inundaciones y la erosión de los suelos, aceleración de la extinción de plantas y animales, desplazamiento de las zonas agrícolas y amenazas a la salud pública debidas al aumento del estrés hídrico y de las enfermedades tropicales. Esas situaciones podrían conducir al aumento del número de refugiados del medio ambiente y de la migración internacional por razones económicas.

Hábitat

En los últimos decenios, a medida que el crecimiento de la población ha ido llegando a magnitudes sin precedentes, las tasas de deforestación han alcanzado los mayores niveles registrados en la historia.

Dado que los bosques tropicales contienen, según se estima, un 50por ciento de la diversidad biológica que aún subsiste en el mundo, su destrucción es particularmente devastadora. De mantenerse las actuales tasas de deforestación, el último bosque tropical primario de magnitud apreciable podría ser talado dentro de los próximos 50 años, causando pérdidas irreversibles de especies. La deforestación tropical también contribuye a la acumulación de anhídrido carbónico en la atmósfera.

El crecimiento de la población, el aumento de la riqueza—con aumento del consumo, de la contaminación y del despilfarro—y el aumento de la pobreza—con falta de los recursos y la tecnología necesarios para usarlos y falta de poder para cambiar esas circunstancias—están incrementando cada vez más las presiones sobre el medio ambiente.

Pobreza y medio ambiente

Hay unos 1.200 millones de personas que viven con menos de un dólar diario. Casi un 60 por ciento de 4.400 millones de personas residentes en países en desarrollo carecen de servicios sanitarios básicos, casi un tercio de esas personas no tienen acceso a agua no contaminada, un cuarto de ellas carece de vivienda adecuada, un 20 por ciento de ellas no tienen acceso a modernos servicios de salud y un 20por ciento de los niños no asisten a la escuela hasta finalizar el quinto grado.

Es evidente que la mundialización ha conducido al aumento de la riqueza mundial y ha estimulado el crecimiento económico. También ha agravado la desigualdad en el ingreso y la degradación del medio ambiente. Debido a la pobreza, muchas personas están incrementando la presión que ejercen sobre frágiles recursos naturales a fin de poder sobrevivir.

Los efectos de los seres humanos sobre el medio ambiente están exacerbando la intensidad de los desastres naturales, y quienes sufren las consecuencias son los pobres. Hay 25 millones de refugiados del medio ambiente.

Salud y medio ambiente

Las condiciones del medio ambiente contribuyen a determinar si las personas tienen o no buena salud y cuánto tiempo han de vivir. Hay una estrecha relación entre el medio ambiente y la salud reproductiva.

Las condiciones del medio ambiente contribuyen apreciablemente a las enfermedades contagiosas, que son la causa de entre 20 y 25 por ciento de las defunciones anuales en todo el mundo. Según se estima, un 60 por ciento de las infecciones agudas de las vías respiratorias, un 90 por ciento de las enfermedades diarreicas, un 50 por ciento de las enfermedades respiratorias crónicas y un 90 por ciento de los casos de paludismo podrían evitarse mediante simples medidas relativas al medio ambiente.

El agua contaminada y el correlativo saneamiento deficiente se cobran cada año las vidas de más de 12 millones de personas. La contaminación del aire se cobra casi otros tres millones de vidas, mayormente en países en desarrollo.

A partir de 1900, la industrialización ha introducido en el medio ambiente casi 100.000 productos químicos anteriormente desconocidos; la mayoría de ellos no han sido estudiados, ni individualmente ni en combinación, para determinar sus efectos sobre la salud. Algunos de ellos, prohibidos en países industrializados debido a sus efectos nocivos, siguen siendo utilizados ampliamente en los países en desarrollo. Muchos productos químicos se han incorporado en el aire, el agua, los suelos y los alimentos; y también en los seres humanos.

Recomendaciones

La promoción de los derechos humanos, la erradicación de la pobreza, la mejora de la salud reproductiva y el logro de un equilibrio entre las necesidades de población y desarrollo y la protección del medio ambiente requerirán una amplia gama de acciones. Algunas prioridades son:

1. Llevar a la práctica el acuerdo mundial logrado por consenso en la Conferencia Internacional sobre la Población y el Desarrollo.

2. Proporcionar incentivos para la difusión, el mayor desarrollo y la utilización de procesos productivos más sostenibles.

3. Mejorar la base de información para prácticas más sostenibles de población, desarrollo y medio ambiente.

4. Poner en práctica las acciones convenidas internacionalmente a fin de reducir la pobreza y promover el desarrollo social.

Cambio cultural

El informe alerta también de los problemas del cambio de cultura y de la pérdida de conocimientos tradicionales, sin ser aprovechados ni inventariados.

La diversidad de los cultivos está amenazada, como lo está la diversidad de las especies. Es posible que muchas modalidades de conocimientos tradicionales desaparezcan antes de que sea posible validarlas y difundirlas más ampliamente. Muchos medicamentos de los botiquines modernos se derivan de sustancias vegetales o animales naturales utilizadas en prácticas culturales históricas. Las cambiantes pautas forestales ya han transformado los cultivos de la región del Amazonas, en Centroamérica, en África y en el Asia sudoriental.

El rápido cambio del medio ambiente, debido a causas naturales, acciones de los seres humanos o a una combinación de ambos factores, amenaza los cultivos tradicionales. En África, el Lago Chad ha perdido un 95 por ciento de su superficie en los últimos 40 años, como resultado del clima más seco y la mayor demanda de riego. Los nómadas y los pescadores que dependían de las aguas del lago han sido reemplazados por asentamientos de agricultores.

Dice el informe tambien que el debate sobre población, medio ambiente y desarrollo atañe, entre otras cosas, a la relación entre la libertad individual de expresión y de opción, por una parte, y los intereses más amplios de la comunidad, y defiende una sociedad diversificada y la igualdad de género.

Informe completo en http://www.unfpa.org/swp/2001/espanol/index.html

 

Nueva edición de Intur

06/11/2001, La Feria Internacional del Turismo de Interior, Intur, en su quinta edición, se celebrará en Valladolid, España, del 22 al 25 de noviembre. Con presencia de más de mil los expositores de todo el mundo

Valladolid, España, 16 de noviembre de 2001. guiarte.com

La Feria Internacional del Turismo de Interior, Intur, en su quinta edición, se celebra en Valladolid, España, del 22 al 25 de noviembre. Con presencia de más de mil los expositores de todo el mundo

El consejero de Industria, Comercio y Turismo del Gobierno de Castilla y León presentó la muestra como la más importante de España entre las de sus características. Y dijo que el territorio de Castilla y de León, en el centro-norte de España, tiene el mayor potencial de turismo interior del estado y concentra el 17 por ciento de este negocio, por delante de Cataluña.

Castilla y León promociona su oferta turística, centrada especialmente en los grandes acontecimientos culturales como la Capitalidad Europea de la Cultura de Salamanca en 2002 y el yacimiento arqueológico de Atapuerca, Burgos. Tambien promueve la arquitectura y el arte contemporáneo, con la próxima apertura de dos nuevos museos, uno en Valladolid y otro en León.

La Feria de Turismo Interior contará por primera vez con la presencia de más de mil expositores. Entre los nuevos expositores de Intur 2001 se incluyen países como Hungría, Rumanía, Guatemala, República Checa, Chile, Polonia, Finlandia, Noruega, que aumentan así la presencia internacional en la que también participan Francia, Portugal, Andorra, Marruecos, Túnez, Israel, Gran Bretaña, Alemania, India, República Dominicana, China, etc.

Intur, que aumentará su superficie hasta alcanzar los 25.000 metros cuadrados, es el foro en el que las nuevas formas de turismo tienen su mejor escaparate. Entre los expositores de este salón monográfico figuran centrales de reserva, formación turística, alojamiento, grupos de acción local, investigación y desarrollo, mayoristas, minoristas, PYMEs, organismos nacionales e internacionales, servicios para la industria turística, transporte, tecnología aplicada, turismo activo, deportivo y cultural etc.

La evolución de Intur muestra un notable incremento en la participación de empresas privadas, en el año 2000 ese crecimiento fue del 33% respecto al año anterior

En la pasada edición participaron en Intur 819 expositores nacionales e internacionales que ocuparon una superficie de 23.600 metros cuadrados. El número de visitantes, profesionales y consumidores finales, fue de 39.246. Intur mantiene desde su primera edición la condición de salón dirigido tanto a los profesionales del turismo de interior como a los consumidores finales de los productos turísticos.

La Feria Internacional del Turismo de Interior, Intur, acoge durante las cuatro jornadas numerosas presentaciones de propuestas y productos turísticos a cargo de empresas, organismos e instituciones participantes en este salón monográfico como expositores.

Datos de interés
Horario: 11 a 21 horas Periodicidad: Anual
Organiza: Institución Ferial de Castilla y León Avda. Ramón Pradera, s/n 47009 Valladolid
Tfn. 983 429 300
Fax. 983 355 935
E-mail: feriavalladolid@feriavalladolid.com
Web: www.feriavalladolid.com

 

Odio al arte

02/11/2001, El fanatismo no sólo destroza los budas de Afganistán o las Torres Gemelas, sino que persigue al artista y a sus obras en todos los países. Agustín Ibarrola es uno de los grandes artistas españoles que ha padecido por su compromiso personal


Bilbao, 1 de noviembre de 2001

El fanatismo no sólo destroza los budas de Bamiyán, Afganistán, o las Torres Gemelas de Nueva York, sino que persigue al artista y a sus obras en todos los países. Agustín Ibarrola es uno de los grandes artistas españoles que ha padecido por su compromiso político y artístico.

La última agresión fue en la noche del uno de noviembre. Un centenar de árboles de El bosque pintado, una de sus obras de mayor proyección internacional, ubicada en Oma-Kortezubi (Vizcaya) fueron pintados de gris. El bosque pintado ya había sido atacado el 19 de mayo de 2000 por unos desconocidos que, a golpe de hacha, talaron dos árboles del conjunto artístico y causaron destrozos en otros ochenta.

Agustín Ibarrola, ha sufrido otros ataques en los últimos años, entre ellos el apedreamiento de su casa, un caserío vasco situado en el Valle de Oma. Sus enemigos siempre se han identificado como ubicados en la línea más dura del independentismo vasco.

El bosque de Oma

Ibarrola comenzó a pintar en 1983 sobre los troncos de más de 500 pinos en el bosque de Oma, en Kortézubi, cerca de Gernika. Acabó la obra, internacionalmente conocida, en 1991. En el verano de 1998 alumnos de Bellas Artes repintaron las figuras de las cortezas de los árboles. El conjunto recibe anualmente miles de visitantes.

Según Ibarrola, el bosque pintado invita a cada persona a recomponer las imágenes señaladas y las que surgen de su imaginación, así como a añadir sus propias motivaciones históricas, mitológicas o sus estados de ánimo, en un lugar muy cercano a las cuevas de Santimamiñe, que guardan valiosas pinturas prehistóricas. El bosque dispone de una señalización que permite a los visitantes captar el mensaje que el artista vasco transmite utilizando como soporte la corteza de los árboles.

Una biografía de lucha

Agustín Ibarrola Goicoechea, destacado pintor y escultor, nació en el caserío de Ariz, Vizcaya, España, el 18 de agosto de 1930, dentro de una familia humilde.

De muy joven ya dibujaba con pedazos de tela y ladrillos. Pronto empezó a trabajar en una fábrica de zapatos. En 1948, cuando apenas tenía 18 años, hizo en Bilbao su primera exposición individual.

Minero, carpintero, albañil, etc., participó en diversos grupos artísticos es España y el exterior y reflejó la dureza de la vida de las zonas de industria y suburbios.

En 1962 fue encarcelado en Burgos acusado de haber agredido a un policía armada y de pertenecer al Partido Comunista de Euskadi, permaneció preso hasta finales de 1965. Las obras de este período fueron sacadas clandestinamente de la cárcel y se expusieron en Milán y Londres. En abril de 1967 participó en una manifestación y fue detenido de nuevo y posteriormente encarcelado.

Su obra se ha difundido por todo el mundo, y ha recibido numerosas distinciones y homenajes. Mantiene una posición permanente por la libertad y a favor de la paz y la tolerancia en el País Vasco, y suele criticar al nacionalismo excluyente. Frente a él, la crítica permanente de los violentos.

Agustín Ibarrola habla de lo duro que es vivir con escolta y dice que algo tan simple como caminar por su tierra se ha convertido en doloroso, siempre saludado, de un lado, por personas que le apoyan como un héroe de pantalla y de otro, escuchando insultos y padeciendo agresiones a su casa o a su obra. Estoy seguro de que no cuentan conmigo en muchos lugares porque creen que puede acarrear problemas, dice.

Critica que su nombre no aparezca en antologías de arte patrocinadas por el Gobierno Vasco, mientras se le hace la pelota a los artistas comprometidos con ETA y se queja de que, en su opinión, desde distintos ámbitos del nacionalismo vasco se lanza la idea de que los que no somos nacionalistas somos antivascos.

Reacciones a la agresión

Artistas, intelectuales e instituciones se han vuelto a mostrar solidarios con este artista.

Tras el último ataque a la obra, el ejecutivo vasco el se solidarizó con Ibarrola para animarle a seguir derramando su espíritu y su creatividad para enriquecimiento de todos los vascos y del conjunto de la humanidad. Este ataque al patrimonio artístico, no sólo de Ibarrola, sino del conjunto de los vascos, muestra a las claras que la amenaza de los violentos se extiende de las personas a todas aquellas manifestaciones artísticas que no responden a su visión limitada de la sociedad y de la cultura vasca.

 

La obra de Gehry, en el Guggenheim de Bilbao

02/11/2001, Durante más de cuarenta años Frank Gehry ha aportado su ingente creatividad. En Bilbao se puede ver ahora una buena exposición sobre su obra.

Bilbao, 2 de noviembre de 2001. guiarte.com

Durante mבs de cuarenta aסos Frank Gehry ha aportado toda su perspicacia e inventiva a los mיtodos y materiales empleados para encerrar el espacio, creando las poderosas formas que distinguen su obra. En Bilbao se puede ver una buena muestra sobre su actividad.

Del 31 de octubre de 2001 al 17 de febrero del 2002, El museo Guggenheim de Bilbao dedica una muestra a su diseסador, un hombre que ha logrado modificar la concepciףn de la arquitectura, y que alcanzף con el museo bilbaםno un hito creativo.

El atentado de Nueva York modificarב la arquitectura

Natural de la ciudad canadiense de Toronto, Gehry se trasladף a Los ֱngeles con su familia en 1947 a la edad de 17 aסos. Allם abriף su primer y modesto estudio en 1962, donde comenzף su portentosa actividad creativa, en la que ha logrado una simbiosis entre obra, sociedad y paisaje.

Poco antes de la inauguraciףn de la muestra, Frank Owen Gehry dijo comentף con los representantes de los medios informativos que el atentado de Nueva York “ha cambiado nuestras vidas y, tambiיn, el quehacer arquitectףnico. Es normal que la gente sienta recelo ante los rascacielos tras el ataque a las Torres Gemelas, por lo que habrב que pensar en volver a instalar escaleras de evacuaciףn en el exterior de los edificios y mejorar los materiales”

Gehry se encontraba en Nueva York el 11 de septiembre y estב pesimista. Dijo sentirse aתn conmocionado por lo ocurrido. Afirmף que aתn no es momento para pensar en actuaciones arquitectףnicas en el lugar que ocupaban los edificios devastados por el atentado. "Aquel espacio todavםa es un cementerio; respetemos el dolor de los familiares de los muertos”. Comentף que יl nunca construirםa en la zona cero, “es un cementerio”.

La exposiciףn

Abundante documentaciףn sobre cuarenta de los mבs significativos proyectos y encargos desarrollados por Gehry, entre ellos el Museo Guggenheim Bilbao, integra la retrospectiva que sobre este arquitecto. Son dibujos, planos, maquetas, diseסos de muebles, fotografםas y vםdeos que muestran la fecunda actividad.

La muestra ase produce en el cuarto aniversario de la fundaciףn del Guggenheim bilbaםno y antes fue presentada en Nueva York.

La obra de Gehry

Gehry madurף profesionalmente en Los ֱngeles al mismo tiempo que un grupo de artistas con quienes compartםa ideas, entre ellos Chuck Arnoldi, Larry Bell, Billy Al Bengston, Ron Davis, Robert Irwin, Ed Moses, Ken Price y Ed Ruscha. Mientras que sus primeros mentores en arquitectura fueron Rudolph M. Schindler y Frank Lloyd Wright, las sillas de contrachapado moldeado de Charles y Ray Eames le inspiraron para realizar sus primeros experimentos en el mundo del diseסo de muebles. A pesar de que diseסף un buen nתmero de obras destacadas en su primera etapa como arquitecto, no atrajo la atenciףn de los entendidos hasta 1977-8 cuando acometiף la reforma de su propia residencia en Santa Mףnica, una pequeסa casa de madera pintada de rosa de los aסos 20. Su original idea de abrir la cocina y las zonas de estar al cielo mediante ventanas cתbicas y de construir una casa nueva alrededor de la antigua con pantallas de tela metבlica, madera contrachapada y plancha ondulada, le hizo ganarse un lugar תnico y privilegiado entre sus colegas. Uno de sus primeros clientes fue la Loyola Marymount University para quien iniciף en 1978 un proyecto que continתa desarrollבndose. Se trata de la construcciףn de un campus para la facultad de derecho de la universidad emplazada en una zona industrial prףxima al centro de Los ֱngeles. Atendiendo al deseo del cliente de que el diseסo incluyera referencias a la tradiciףn clבsica, Gehry propuso un conjunto de edificios semejante a una acrףpolis en lugar de una gran estructura תnica. A pesar del escepticismo original con que la facultad recibiף el proyecto, el campus ha cosechado un notable יxito, y ha menudo se ha comparado con el aclamado campus de Thomas Jefferson de la Universidad Virginia en Charlottesville.

Tras el יxito de la Loyola Law School y otros proyectos como la Casa de invitados Winton (1983-7) de Wayzata, Minnesota, y una retrospectiva que el Walker Art Center de Minneapolis dedicף a su obra en 1986, un proyecto de Gehry ganף un concurso restringido para construir lo que habrםa de ser su primer gran proyecto en Los ֱngeles: el Auditorio Walt Disney (1987 hasta hoy). Consciente de que la acתstica lo es todo en un auditorio, diseסף el edificio de dentro hacia fuera. Concibiף el espacio interior como una forma cתbica convexa, la revistiף enteramente de madera, aסadiף unas formas en el techo que se asemejan a las velas de un barco y finalmente lo envolviף todo con muros exteriores curvos revestidos de acero inoxidable. El complejo edificio, cuyo diseסo es el esfuerzo de varios aסos, en estos momentos estב en proceso de construcciףn en el corazףn de la ciudad de Los ֱngeles y conforma, junto con el Dorothy Chandler Pavillion y el Museum of Contemporary Art, un destacado centro cultural.

Su proyecto mבs cיlebre hasta la fecha es el Museo Guggenheim Bilbao (1991-7). Es el edificio que le ha reportado fama internacional y un prestigio del que gozan muy pocos arquitectos hoy dםa. Al igual que muchas de sus otras obras importantes -el Museo de arte Frederick R. Weisman (1990-3) en la Universidad de Minnesota en Minneapolis, el Edificio Nationale-Nederlanden (1992-6) de Praga y el Experience Music Project (1995-2000) de Seattle- el edificio de Bilbao constituye una especie de puerta de entrada a la ciudad. Enclavado a orillas de la rםa del Nerviףn, el edificio abraza un puente por el que fluye el trבfico que entra y sale de la urbe. Con un amplio abanico de espacios expositivos clבsicos y curvilםneos, el Museo ofrece un escenario dinבmico para las muestras del Guggenheim y, desde su inauguraciףn en 1997, ha atraםdo a millones de visitantes a esta ciudad revitalizada del siglo XIX.

 

Adiós a Eugenio Granell

25/10/2001, La última gran figura del surrealismo, el pintor Eugenio Granell, murió en Madrid a los 88 años de edad, tras una vida tan extensa como fecunda

Madrid, 25 de octubre de 2001. guiarte.com

La última gran figura del surrealismo, el pintor Eugenio Granell, murió en Madrid a los 88 años de edad, tras una vida tan extensa como fecunda.

Su vida es una auténtica novela. Pintor, violinista, novelista, poeta y profesor universitario, nació en La Coruña en 1912 y estudió en Santiago de Compostela y Madrid. Luego, comprometido con la izquierda, tuvo que exiliarse al fin de la Guerra Civil española, pasó por campos de concentración en Francia, y partió para América en el último barco de exiliados que salió de El Havre

No pudo recalar en Chile, destino original del barco, y fue a Santo Domingo, donde realizó importante obra artística y literaria. Dejó Santo Domingo y siguió su peregrinaje por Guatemala, Chile, Argentina, etc. A menudo con problemas con los dictadores

Retornó a España en 1985, cuando se jubila como profesor en el Brooklyn College.

Eugenio Granell estuvo relacionado con importantes figuras literarias y artísticas, como André Breton, Marcel Duchamps, Juan Ramón Jiménez, Giacometti, etc. Injustamente desconocido por la crítica literaria, es autor de una destacada obra narrativa, poética y ensayística

Mantuvo siempre sus principios del surrealismo, tanto en la literatura como en la pintura, donde hizo gala de coherencia al no renunciar nunca a lo que él entendió que era su expresión artística más personal. Su obra está presente en los principales museos del mundo.

Era un personaje sumamente atractivo. Su riqueza de vida hacía especialmente densa su conservador. Anécdotas de su vida hay cientos. Una de ellas –que cuenta su amigo Rogelio Blanco- le ocurrió en la guerra, cuando, como teniente coronel, mandó hacer a sus tropas, en el frente de Guadalajara, una trinchera. Una vez hecha, pasó por allí un capitán –de carrera- que se chanceó de la obra y preguntó quien era el que mandó hacer aquello. Al enterarse que era un superior intentó ser más moderado y cambió el tono de la crítica. Granell le pregunto ¿Qué le pasa a la trinchera?. Señor –respondió el capitán- está bien hecha, sólo que tiene un error. Está en dirección contraria, sólo sirve para el enemigo. Pintor excelente, Granell no era, evidentemente un conductor militar.

En 1994 recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes, del Ministerio de Cultura español, y el año pasado, la del Círculo de Bellas Artes.

El artista donó a la fundación de Santiago de Compostela que lleva su nombre, su mejor testamento: 600 obras realizadas por él, por Duchamp, Breton, Max Ernst y Francis Picabia, entre otros.

Su muerte fue acogida hoy con pesar por los amantes del arte y las gentes comprometidas contra las dictaduras y a favor de las libertades. El alcalde de su ciudad natal, Francisco Vázquez, dijo que Granell fue una de las muchas víctimas de la guerra civil y estuvo muy comprometido con los valores de la izquierda.

Los restos del artista, bajo una bandera republicana, recibieron sepultura en el cementerio de Olmeda de las Fuentes(Madrid), donde el pintor tenía una casa.

Fundación del artista: http://www.fundacion-granell.org/

 

Picasso Erótico

25/10/2001, En el Museo Picasso de Barcelona se inauguró la muestra Picasso erótico, que estará del 26 de octubre al 20 de enero de 2002


En el Museo Picasso de Barcelona se inauguró la muestra Picasso erótico, que estará del 26 de octubre al 20 de enero de 2002.

La muestra había sido exhibida con anterioridad en la Galerie Nationale du Jeu de Paume de París y por el Musée des Beaux-Arts de Montréal.

El tema es el del erotismo como una constante en la obra de Pablo Picasso. Los primeros dibujos que realizaba de niño en sus libros de texto ya muestran sus contactos con la sexualidad, y en la obra final perdura ese rol de voyeur del artista y su memoria de los actos amatorios

El recorrido, compuesto por 290 obras entre pinturas, dibujos, grabados, cerámicas, es el más amplio y completo realizado hasta ahora sobre esta vertiente de la obra picassiana.

Picasso llega a llevar la relación entre el pintor y su modelo hasta sus últimos extremos: transforma la relación entre el pintor y su modelo en una relación entre el hombre y la mujer, apunta Ocaña, directora del Museo Picasso.

La comisaria de la muestra, Dominique Dupuis-Labbé, indicó que Picasso da mucha importancia a las experiencias de iniciación sexual desde su época juvenil catalana.

Una segunda etapa coincide con su relación apasionada con Marie-Thérese, en Boisgeloup, donde los amantes vivieron a escondidas su amor. El pintor no deja de explorar, de reinventar los cuerpos. Pintada o esculpida, Marie-Thérese es retratada como la modelo del artista o incluso enfrentada con el Minotauro "Minotauro violando a una mujer", tema que repite en "Dora y el Minotauro".

En los años 50 y 60, Picasso produce, en diferentes estilos y técnicas, numerosas obras sobre los temas recurrentes del beso, el abrazo, el acoplamiento amoroso, la bestialidad, la exhibición de las relaciones sexuales o las bacanales.

A los 80 años, el pintor centrado entonces en la técnica del grabado, retoma el tema del burdel, "más ilusorio que vivido", en opinión de la comisaria, para quien estas obras, en su mayoría exhibidas al público por primera vez, son provocadoras. “el espectador debe tener en cuenta que son íntimas, personales y que Picasso nunca pintó para mostrar, pues sólo se vendieron después de su muerte

 

Del gótico a la ilustración

24/10/2001, La Fundación BBVA presenta en el Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid una notable muestra: Del gótico a la ilustracion, con varias obras inéditas.

Madrid, 23 de octubre, guiarte.com

La Fundación BBVA presenta en el Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid(paseo de Recoletos, 10), hasta el próximo 14 de diciembre, una notable muestra: Del gótico a la ilustracion

La exposición está compuesta por 60 buenas pinturas de los siglos XV, XVI, XVII y XVIII, procedentes de las colecciones que han ido reuniendo por separado el BBV y Argentaria antes de su fusión. La entidad ha atesorado así un conjunto integrado por unas 700 pinturas y 60 esculturas notables, y tiene previsto un próximo montaje dedicado a los siglos XIX y XX.

Los procesos de fusión bancaria se han revelado como un sistema formidable para crear grandes pinacotecas. Así también ha ocurrido en España con el caso del Santander Central Hispano

Alfonso Pérez-Sánchez, comisario de la muestra, explicó que los 60 cuadros que integran la exposición del Gótico a la Ilustración tienen un nivel de calidad muy considerable, y que varios de ellos, como el +Mercurio+, de Albert Cuyp, o una tabla anónima de la Escuela de Brujas de los últimos años del XV, son dignos de estar en el Prado.

Cuatro lienzos de Van Dyck, Valentín de Boulogne, Valerio Castello y un anónimo italiano abren el recorrido expositivo, que exhibe a continuación obras representativas de estilos y artistas de cuatro siglos.

El inventario del banco ha tenido agradables sorpresas por la existencia de pintura holandesa, tradicionalmente escasa en las colecciones hispanas.

El comisario destacó de los Países Bajos los bodegones -de Van Mieris y de Hullergarden- y las escenas de taberna y de familia, además del +Cristo y la mujer adúltera+, de Van Dyck, y de las dos alegorías del aire y el agua de Brueghel el joven.

Especial interés entre las obras de procedencia española merecen, según Pérez-Sánchez, dos tablas del siglo XV, +San Orencio+ y +Santa Paciencia+, procedentes de la iglesia de San Lorenzo de Huesca, muy importantes por ser de tradición flamenca; o los retratos de Carlos II -de Carreño de Miranda- y de Carlos III cazador -de Goya-, tan significativos del reinado de los Austrias.

Además, son de destacar, también entre los retratos, el del +XII Conde de Puñonrostro+, alguna vez exhibido como de Goya pero que el comisario de la muestra ha atribuido ahora a un anónimo inglés.

De obra +misteriosísima+ calificó Pérez Sánchez la firmada por el sevillano Juan de Espinel y que +parece ser una Adoración de los Reyes, pero en la que los presentes que éstos ofrecen al Niño Jesús, ceñido por un cíngulo de llamas, son también objetos llameantes, lo que hace pensar que la obra guarde relación con algún texto místico.

La exposición traza el panorama de la pintura europea de cuatro siglos abriendo con la tabla, ya mencionada, titulada +La educación de la Virgen+, la más antigua de las flamencas presentes, y, en el XVIII, culmina con unas vistas de Venecia influidas por Canaletto pero firmadas por Jacopo de Fabris, y con otra serie de retratos, entre ellos los dos de Goya: el +Don Pantaleón Pérez de Nenín+ y el ya mencionado +Carlos III cazador+.

Entre uno y otro momento son también de destacar, finalmente, una tabla de Juan de Soreda y otra de Jan Van Scorel, un retrato de Corneilles de Lyon, la +Fiesta de los ballesteros+ de Pieter Snayers, una Sagrada Familia del francés Valentin de Boulogne, un bodegón de Tomás Yepes y obras de Murillo y Juan de la Corte, entre otros

Las pinturas expuestas son en su mayoría de inéditas. Se ha intentado presentar lo más atractivo de la colección+ atendiendo criterios +de calidad y novedad+, pero no está aquí todo lo importante, saldrán en próximas muestras.

La exposición se trasladará posteriormente a la sede de la Fundación BBVA en Bilbao.

 

Salón internacional Estampa

23/10/2001, Del 7 al 11 de noviembre, se celebra la novena edición de Estampa, el Salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo, en el Pabellón XI del Recinto Ferial de la Casa de Campo de Madrid

Madrid, 23 de octr. 2001

Del 7 al 11 de noviembre, se celebra la novena edición de Estampa, el Salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo, en el Pabellón XI del Recinto Ferial de la Casa de Campo de Madrid.

Es una cita importante para la obra gráfica. Reune una gran oferta de ediciones de arte contemporáneo, al alcance de todos, con la actualidad del panorama mundial artístico. Se exponen más de 10.000 obras originales de alrededor de 2.000 artistas, presentados por más de 100 galerías e instituciones de todo el mundo, en una muestra que ocupa 12.000 metros cuadrados.

Hay labores muy varias, pero valores seguros como Miró, Picasso, Saura, Valdés o Barceló, siguen primando entre las ofertas

Acuden galerías de Francia, Finlandia, Portugal, Grecia, Alemania, Austria, Italia, Marruecos, Egipto, etc. Entre los países de América: Colombia, México, Paraguay, Uruguay, Venezuela, Cuba y Argentina. A destacar la creciente acogida de obras de artistas norteafricanos.

Estampa 2001 dedica exposiciones monográficas inéditas para el público de la obra de Amadeo Gabino, Rafael Canogar y Joseph Beuys; y por tercer año consecutivo, cuenta con el espacio “Las Tentaciones”, que vuelve a reunir las propuestas artísticas más vanguardistas. Diecisiete jóvenes artistas presentan innovadores proyectos creados especialmente para este salón. Esta innovación ha provocado que la muestra tome un cariz cada vez más innovador y arriesgado.

Aunque es difícil destacar obras, se puede citar una carpeta de Kandinsky, la obra más cara de la feria con un valor de 45 millones de pesetas, así como obra de Matisse, que ofrece la galería Estiarte por ocho millones de pesetas, o la carpeta con diez grabados de Manolo Valdés, en Auriga Edicions por tres millones de pesetas.

Picasso, Calder, Miró, Bacon, Delaunay o Warhol comparten espacios con propuestas más arriesgadas, como las presentadas por el Centro Cultural Borges de Buenos Aires; el stand de CNEAI cubierto completamente, a modo de papel pintado, por serigrafías realizadas por Claude Closky, o las obras digitales, a modo de vidrieras, de Fernando Bellver.

Protagonistas especiales de esta edición son Rafael Canogar, autor de la imagen de Estampa 2001, con una retrospectiva que recorre toda su trayectoria como artista gráfico, y el escultor Amadeo Gabino que muestra una selección de grabados y sus últimas ediciones. En otra de las exposiciones monotemáticas, el protagonista es el artista conceptual, grabador y fotógrafo Joseph Beuys.

Otro de los proyectos a destacar es el realizado por J.A.García de Cubas, desarrollado para el Ayuntamiento de Madrid y Calcografía Nacional y que tras la clausura de Estampa se exhibirá de forma permanente en el Centro Cultural Conde Duque.

El proyecto consta de una estampa de más de 17 metros lineales, realizada con técnicas de impresión digital por ambas caras. Para la elaboración de una de ellas, García de Cubas fotografió durante varios días, y desde su moto, la Gran Vía, mientras que la otra cara muestra "una ciudad virtual", según señaló a Efe el artista, que ha empleado más de setenta horas en la impresión de la obra.

La Consejería de las Artes de la Comunidad de Madrid muestra una selección de sus fondos, creados en Estampa, con artistas como Arroyo, Barceló, Chillida, Clavé, Equipo Crónica, Feito, Henry Moore, Palazuelo, Saura, Soledad Sevilla, Tápies o Valdés.

Obra gráfica de artistas como Picasso, Calder, Miró, Bacon o Delaunay encontró comprador en el Salón anterior, donde se contó con 74.000 visitantes.
 

El ideal clásico, en el Arte Moderno

07/10/2001, Del 9 de octubre de 2001 al 13 de enero de 2002, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la exposición Forma. El ideal clásico en el Arte Moderno, una muestra que supondrá una reinterpretación de la pintura de los años veinte y treinta


Madrid, 6 de octubre de 2001. guiarte.com

Del 9 de octubre de 2001 al 13 de enero de 2002, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la exposición Forma. El ideal clásico en el Arte Moderno, una muestra que supondrá una reinterpretación de la pintura de los años veinte y treinta.

La muestra está integrada por setenta obras de Juan Gris, Cezanne, Bonard, Morandi, Degas, Renoir y, principalmente, de Matisse y Picasso, entre otros. Poceden de varios museos, como el Ermitage de San Petersburgo, el Pushkin de Moscú, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro Pompidou de París o la Tate Gallery de Londres.

La muestra, organizada conjuntamente con la Fundación Caja Madrid, incluye óleos, esculturas, acuarelas y dibujos procedentes de hasta treinta museos y colecciones particulares de todo el mundo.

El hilo conductor de la exposición es poner de manifiesto la intensa relación entre clasicismo y modernidad mostrando de forma gráfica cómo, aunque puedan parecer conceptos opuestos, ambos se funden en la obra de algunos de los principales representantes de las vanguardias, en un periodo que comprende desde finales del XIX hasta la década de los 30 del siglo pasado.

La selección de obras, realizada por el comisario de la exposición, Tomàs Llorens, subraya las estrechas vinculaciones e intercambio de influencias entre artistas que, a primera vista, pueden parecer tan diversos como Renoir y Matisse, Degas y Picasso o Bonnard y Morandi.

Uno de los capítulos más interesantes de la historia del arte moderno

Como reacción frente al impresionismo, que representa el triunfo de lo efímero, surge una generación de artistas que buscan desarrollar un arte perdurable, crear un estilo nuevo que se convierta en el arte del siglo XX. Recuperar y renovar los principales fundamentos del arte clásico – la forma, la línea y los géneros tradicionales: el desnudo, el bodegón, el retrato, el paisaje – se convierte en el punto de encuentro de algunos de los líderes de las vanguardias parisinas en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial: Matisse, Picasso, Derain, Bonnard, …. Cada uno de ellos, a la luz de los nuevos retos del arte moderno y desde planteamientos personales, contribuye a buscar soluciones a los problemas formales de la pintura moderna y, para ello, vuelven la mirada hacia el arte clásico, protagonizando uno de los capítulos más interesantes de la historia del arte del siglo XX.

Esa ruptura con el impresionismo y el retorno a ciertos valores del clasicismo, tiene como precedente inmediato a Cézanne que, desde finales del siglo XIX, sienta las bases de una concepción formalista de la pintura de la que derivará el cubismo. Al mismo tiempo, otros dos de los principales representantes del movimiento impresionista, Renoir y Degas, abandonan algunos principios básicos del impresionismo - entre otros, el predominio de la luz y el color frente a la forma y la composición - y centran su atención en los fundamentos del arte clásico, como el interés por la figura humana o la recuperación del tema del desnudo.

El recorrido de la exposición

La muestra se articula en ocho apartados temáticos que siguen también un cierto orden cronológico y que se corresponden con las salas de exposición:

1. El desnudo, la forma, el reposo, presenta obras de Maillol, Renoir, Cézanne, Matisse y Picasso.

2. La línea, el movimiento, la Edad de Oro, reúne piezas de Degas, Matisse y Picasso.

3. El orden en la Naturaleza: paisajes con figuras, sigue el recorrido con composiciones de Cézanne, Derain, Carlo Carrà y Joaquim Sunyer.

4. El orden en la Naturaleza: las cosas, ofrece una selección de bodegones de Cézanne, Derain, Juan Gris, Morandi y Carrà.

5. El retrato y la máscara, incluye obras de Picasso, Matisse, Derain, Gris y Sironi.

6. La pintura, disciplina de lo visible, contrapone cuadros de Bonnard y Morandi.

7. La forma, el peso, lo arcaico, centra la atención en la obra de Picasso en el periodo de entreguerras.

8. La metamorfosis, la danza, la línea, finaliza el recorrido con obras de Matisse, Picasso y Julio González.

Los dos primeros capítulos giran en torno a las nociones de forma y línea y cubren, con alguna excepción, los años anteriores a la Primera Guerra Mundial; los tres ámbitos siguientes responden a la tradicional división de los géneros pictóricos: paisaje, bodegón y retrato; a continuación, se dedica un espacio a mostrar las convergencias en la obra de Bonnard y Morandi; las dos últimas salas vuelven a las nociones de forma y línea pero centrándose en el periodo de entreguerras y profundizando en los conceptos de movimiento y reposo apuntados ya en las dos primeras salas. La muestra termina con la crisis y desmembramiento del proyecto clasicista durante la década de los 30; a partir de ese momento cada uno de los artistas que lo protagonizaron continúa sus búsquedas personales desligándose de los demás, aunque sin poder borrar de su obra la huella dejada por esos años de convergencia y de retorno al ideal clásico.

FICHA TÉCNICA

Título: Forma. El ideal clásico en el arte moderno.

Organiza: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid.

Comisario: Tomàs Llorens, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza.

Coordinación: Paloma Alarcó, conservadora de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza

Lugar y fechas: Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid: Sala de exposiciones temporales – Del 9 de octubre de 2001 al 13 de enero de 2002.

Horario: De martes a domingo, de 10:00 a 19:00 horas. La taquilla cierra a las 18:30. Domingos abierto todo el día. Lunes cerrado.

Publicaciones: Catálogo con textos de Valeriano Bozal, Tomàs Llorens y José Francisco Yvars.

Otoño y aves

06/10/2001, En octubre llega el día mundial de las Aves. Es ya otoño. En Europa los bosques toman maravillosos tonos amarillentos y ocres; una época magnífica para gozar de la naturaleza, especialmente en España, la mayor reserva ornitológica del continente

Por Artemio Artigas. guiarte.com

6 de octubre de 2001.

En octubre llega el día mundial de las Aves. Es ya otoño. En Europa los bosques toman maravillosos tonos amarillentos y ocres; una época magnífica para gozar de la naturaleza, especialmente en España, la mayor reserva ornitológica del continente.

En el otoño hay abundantes migraciones. Aves de la Europa nórdica huyen del rigor del clima y avanzan hacia el sur, hacia el entorno Mediterráneo o territorios más meridionales. Hábitats lacustres, como la Albufera de Valencia, Doñana o Villafáfila, reciben numerosos visitantes, unos de paso hacia África, otros para la invernada.

El seis de octubre es un día emblemático: La jornada mundial de las aves. La Sociedad Española de Ornitología ha señalado que entre los objetivos de este Día Mundial de las Aves está el intentar que este tema sea más familiar para la sociedad; potenciar una mayor participación y apoyo popular a la conservación, e informar de las amenazas a las que se enfrentan las aves y las medidas para su supervivencia.

Otro objetivo concreto es difundir la campaña mundial en defensa de las aves marinas, iniciativa encaminada a evitar la muerte de miles de aves marinas a causa de algunos artes pesqueros.

Cada año mueren ahogadas en el planeta entre 100.000 y 300.000 aves marinas, sobre todo albatros y pardelas, enganchadas en los anzuelos de los palangres. Por este motivo, y con el fin de evitar muertes innecesarias, BirdLife International propuso la campaña Pesca Limpia en todo el mundo.

En concreto, la Sociedad Española de Ornitología también pide acciones prácticas encaminadas a la conservación de la Pardela Balear, elegida Ave del Año 2001 por SEO/BirdLife por su precario estado de conservación.

Con el fin de festejar este día, la Sociedad Española de Ornitología (SEO) organizó una serie de actos. Se instalaron puestos de observación y se establecieron recorridos ornitológicos por las Marismas de Santoña, Doñana o el Delta del Ebro, entre otros espacios emblemáticos. Pero el acto más notable fue en Barcelona.

En La Pedrera, un edificio de Gaudí, la Fundación Territori i Paisatge de Caixa Catalunya, en colaboración con SEO y BirdLife Internacional, prepararon un amplio montaje, basado en la colocación de 147 reproducciones de aves.

Los peligros

Los ornitólogos de la SEO alertaron este día que son muchas las amenazas a las que se enfrentan las aves -venenos, destrucción del hábitat, tendidos eléctricos, caza furtiva, molestias humanas, etc.- por lo que necesitamos protegerlas

En el mundo existen casi 10.000 especies de aves, de ellas 1.200 están en peligro de extinción.

España alberga 400, de las que 17 se encuentran amenazadas. Entre ellas figuran el Águila Imperial, el Buitre Negro, el Quebrantahuesos, la avutarda o la Gaviota de Adouin

Página de la Sociedad Ornitológica: http://seo.org/

Afganistán, una mirada

03/10/2001, Unas 230 obras de arte presentan en Barcelona una brillante panorámica del patrimonio afgano. Afganistán, una historia milenaria" está en el en el Centro Cultural de la Fundación Caixa, hasta el 23 de diciembre

Barcelona, 3 de octubre de 2001. guiarte.com

Unas 230 obras de arte presentan en Barcelona una brillante panorámica del patrimonio afgano. Afganistán, una historia milenaria" está en el en el Centro Cultural de la Fundación Caixa, hasta el 23 de diciembre.

El comisario de la exposición, Pierre Cambon, dijo que la exposición de Barcelona es la más importante organizada desde la que se mostró en los años 60 en Estados Unidos y cobra aún mas valor teniendo en cuenta que en los últimos años se ha destruido el Museo de Kabul y algunos yacimientos arqueológicos.

El director de la Fundación la Caixa, Lluis Monreal, afirmó que esta exposición, la mas importante presentada en Europa sobre la materia, tiene su origen en marzo pasado, cuando el régimen talibán decretó la destrucción de las gigantescas estatuas milenarias de Buda de Bamiyán.

Un territorio clave

Situado en las montañas del Asia central, el territorio del actual Afganistán ha sido, a lo largo de la historia, un enclave estratégico. Eslabón de la ruta de la seda, se convirtió en punto de encuentro de los grandes imperios y, por ello, en mosaico de etnias, culturas y religiones. Esta particular riqueza fue también el origen de luchas por el control de la zona.

Aunque en Afganistán se encontraban las representaciones más grandes de Buda hasta el pasado mes de marzo, también nació allí uno de los grandes reinos griegos y, además, la zona fue durante siglos cuna de los sultanes otomanos. Desde el siglo VI a.C., formó parte del Imperio persa.

Conquistada por las huestes de Alejandro Magno, la región llegó a ser el centro del reino de Bactriana. A partir del siglo I, surgió el budismo en Afganistán, religión que se extendió posteriormente hacia el nordeste de Asia. Durante este periodo, Bamiyán se convirtió en centro de peregrinaje para los fieles procedentes de la India y la China.

Algunos siglos más tarde, con la llegada de los árabes, se produjo una amplia fusión del islam, y esta religión quedó consagrada como pilar cultural de la franja central del continente asiático.

Bajo el mando de Gengis Kan, los mongoles dominaron el país en el siglo XIII y convirtieron Kabul en el centro, desde el cual se inició la invasión mongola y la conquista de la India.

La exposición Afganistán, una historia milenaria pretende explicar al público los antecedentes históricos de este país, desde el punto de vista del patrimonio artístico y arqueológico, para ayudarle a entender su realidad actual.

Reúne piezas procedentes de varios museos y colecciones privadas, como el Musée de l´Homme de París, el Museum für Indische Kunst de Berlín, el Museu del Ermitage y el Musée National des Arts Asiatiques Guimet de París.

Mestizaje cultural

La muestra presenta la excepcional riqueza del patrimonio afgano a través de un recorrido por las culturas preislámicas, con un ámbito dedicado especialmente a Bamiyán, y por el arte islámico. No en vano en los fértiles valles del país se dan cita productos artísticos tan diversos como los bronces grecorromanos, las cerámicas alejandrinas, las lacas chinas y los marfiles indios, en una clara muestra del flujo y reflujo de viajes, conquistas y migraciones milenarias.

La singularidad de este mestizaje cultural encuentra sus máximas expresiones en los Budas de rasgos apolíneos y en el clasicismo de los mosaicos de Herat.

Afganistán representa la especificidad de un arte preislámico, situado en los límites de Irán y del mundo nómada, en plena esfera de influencia helénica, en la frontera con la India, en los confines entre Oriente y Extremo Oriente. Pero también representa la especificidad de la época islámica, ya que su condición de encrucijada, la yuxtaposición étnica, la propia situación del país, abierto a las estepas del norte y, por ello, a las invasiones mongoles, dieron lugar a la aparición de un arte original que marcó todo el mundo musulmán

Datos de interés

Exposición Afganistán, una historia milenaria, comisariada por Pierre Cambon.

Centro Cultural de la Fundación la Caixa Paseo de Sant Joan, 108; Barcelona.

Del 3 de octubre al 23 de diciembre de 2001

La colección Thannhauser volvió a Europa

02/10/2001, El Guggenheim de Bilbao vuelto a traer a Europa buena parte de la colección de Justin K. Thannhauser, con más de una treintena de joyas de maestros modernos, como Picasso, Van Gogh, Cézane o Matisse.

Bilbao, 2 de octubre de 2001. guiarte.com

El Guggenheim de Bilbao presenta en Europa parte de la colección de Justin K. Thannhauser, con más de una treintena de joyas de maestros modernos, como Picasso, Van Gogh, Cézane o Matisse.

Estas obras vuelven a Europa, después de que el marchante de arte la salvara de los nazis y la entregase en 1978 a la Fundación Solomon R. Guggenheim de Nueva York.

Justin K. Thannhauser fue una figura muy destacada en el desarrollo y diseminación del arte moderno en Europa. Su padre, el marchante de arte Heinrich Thannhauser, fundó la Moderne Galerie Thannhauser de Múnich que acogió importantes exposiciones impresionistas y posimpresionistas, al igual que la primera gran retrospectiva de la obra de Picasso. Justin sucedió a su padre en la gestión y dirección de la sala, la amplió con una nueva sede en Lucerna y más tarde desarrolló sus actividades en Berlín y después en París.

Cuando estalló la II Guerra Mundial se trasladó a Nueva York donde continuó enriqueciendo su colección personal sin dejar de lado su negocio. Antes de regresar al viejo continente en 1971, Thannhauser decidió dejar en los Estados Unidos una parte sustancial de su colección. Entre algunas de las más destacadas y generosas donaciones que realizó al Museo Guggenheim figura un número excepcional de obras de Picasso que dan fe de la dilatada relación que mantuvieron el coleccionista y el artista.

Selecciones de la Colección Thannhauser incluye treinta y dos obras de autores impresionistas, posimpresionistas y de las primeras vanguardias del siglo XX: Paul Cézanne, Edgar Degas, Paul Gauguin, Picasso o Braque. Con ella se pueden ver por primera vez en Europa otros fondos clásicos de la Colección Permanente del Guggenheim.

El regreso a Europa de la colección Thannhauser ha sido posible gracias al levantamiento excepcional de la restricción que pesa sobre el legado del coleccionista, que no puede salir de EEUU salvo autorización expresa de el responsable de la misma. Thannhauser estableció una cláusula expresa en este sentido, cuando donó al museo de Nueva York las obras pudo salvar de los nazis.

La oferta del Guggenheim para esta temporada incluye un total de seis muestras simultáneas, que hoy se abrieron al público y en las que se ofrece una visión panorámica del arte del siglo XX.

Las otras exposiciones son:

La ciudad moderna. Cuadros de inicios del siglo XX, obras de Kandinsky, Chagall o Delaynay, sobre ciudades como París o Berlin. Hasta el 17-2- 2002

Fabricio Plessi: Roma II. Instalación de videoarte en evocación de la vieja ciudad. Hasta el 17-2-2002

Jeff Koons. Fácil diversión etérea. Con pinturas de este autor, hasta el 20-1-2002

Chillina Tapies: Materia y pensamiento visual. Diálogo entre autores, con obras de ambos. Hasta el 14-4-2002

Louse Bourgeois. Esculturas. Hasta el 14-4-2002

Las exposiciones se integran en un título general de Obras selectas de las colecciones Guggenheim.

Además, el museo presenta en su exterior una escultura en forma de araña gigante, con el título de Mamá (1999), de bronce, acero y mármol; obra de Louise Bourgeois, última adquisición del Guggenheim Bilbao.

GUGGENHEIM BILBAO Avenida Abandoibarra, 2 Bilbao

Horarios. Martes-domingo: 10:00-20:00 h. Lunes cerrado.

 

Plomo en las alas

01/10/2001, La ingestión de perdigones de plomo por las aves es una de las principales causas de envenenamiento. En España se ha dado un paso adelante para cortar este grave problema

Por Artemio Artigas, de guiarte.com

Madrid, 1 de octubre de 2001

La ingestión de perdigones de plomo por las aves es una de las principales causas de envenenamiento. En España se ha dado un paso adelante para cortar este grave problema.

En España, los cazadores ya no podran, desde hoy, utilizar municiones que contengan plomo en los humedales de más importancia ecológica. Es una pequeña medida para paliar los problemas de mortandad de la avifauna producida por la intoxicación con perdigones de plomo.

La medida es sólo un alivio, porque en el resto del territorio, las aves se podrán seguir envenenando por falta de una disposición más avanzada. Y el resto es la inmensa mayor parte del país, con muchos humedales que no cuentan con ninguna protección. En ellos se seguirá cazando con perdigones de plomo, lo que equivale a arrojar toneladas de plomo y provocar miles de envenenamientos de aves cada año.

Dice el decreto aprobado por el Gobierno que la prohibición se aplicará para el ejercicio de la caza y el tiro deportivo en zonas húmedas incluidas en la Lista del Convenio relativo a Humedales de Importancia Internacional, establecido en Ramsar en 1971. En este país hay 38 humedales, entre ellos Doñana, Tablas de Daimiel, Delta del Ebro y la Albufera de Valencia.

Para empeorar aún mas la tímida medida, las Comunidades Autónomas podrán disponer excepciones temporales por razones imperativas de interés público o carácter socioeconómico.

Los ecologistas han criticado además las presiones de la Federación de Caza ante las administraciones autonómicas para lograr que estas establezcan excepciones temporales. Fruto de estas presiones y de la ausencia de voluntad conservacionista son las decisiones de dos Comunidades Autónomas de retrasar la entrada en vigor de esta prohibición.

El Gobierno Valenciano ha aprobado una Orden de 14 de septiembre, en la que retrasa la entrada en vigor de esta prohibición al 1 de enero del 2003, y al 1 de enero del 2005 para los campos de tiro de Cullera y Silla, al lado del humedal de la Albufera, uno de los más importantes de Mediterráneo occidental.

Se estima que la Albufera de Valencia, junto con el delta del Ebro, tiene la mayor concentración mundial de perdigones de plomo en sus fondos.

Según los ecologistas, el perjuicio económico que se produciría a los cazadores debido al incremento del precio de los cartuchos de caza, solo sería temporal hasta que se generalizase el uso de perdigones alternativos. De ninguna medida se justifica que se siga permitiendo el vertido de más de 5.000 toneladas de plomo, ni la muerte de más de 70.000 aves acuáticas en todo el territorio español por esta causa.

El empleo de munición de plomo en la caza y el tiro deportivo genera el esparcimiento de unas 5.000 toneladas cada año de este material en España. Según los científicos, un perdigón abandonado puede tardar entre 50 y 300 años en desintegrarse, pero a medida que lo hace contamina la tierra, las aguas superficiales o subterráneas.

Un problema mundial

Por todo ello, el plumbismo, nombre con que se conoce el envenenamiento con plomo, es una de las primeras causas de intoxicación y envenenamiento de la fauna silvestre.

El envenenamiento con plomo es una de las principales causas de intoxicación de la fauna silvestre en todo el mundo. Hasta el cóndor, la magnífica ave de los Andes, que tradicionalmente vivió en armonía con el hombre, también padece un declive por cebos tóxicos y el plomo.

El cóndor de California también sufrió un declive rápido desde los años ochenta debido a elevadas tasas de mortalidad de individuos adultos e inmaduros. El origen primero de la mortalidad fue el envenenamiento por plomo.

En México también se ha denunciado el fallecimiento de aves por este tipo de envenenamiento y se ha llamado la atención de forma especial por los flamencos.

Millones de aves acuáticas mueren por plumbismo. Como las aves acuáticas no tienen cómo triturar el grano, se ven obligadas a comer piedrecitas que quedan alojadas en su molleja y les facilita moler la comida. Pero, confundidas, ingieren las bolitas de plomo, que hacen el mismo efecto, pero a la vez las envenenan.

La enfermedad merma sus condiciones físicas. Primero las aves pierden sus reflejos, luego van perdiendo la facultad de volar y finalmente mueren.

Como efecto añadido al plumbismo es que otras aves rapaces, como las águilas terminan depredando sobre las acuáticas enfermas que tienen ya el plomo disuelto en su organismo, por lo que también se contagian. Se sabe de águilas imperiales de Doñana afectadas de plumbismo.

La alternativa a los perdigones con plomo es fabricarlos en acero, estaño o tungsteno.

 

Celtas y vettones, en Ávila

27/09/2001, A partir del 28 de septiembre se podrá contemplar en Ávila la exposición Celtas y vettones, con unas 500 piezas, para presentar una amplia visión del mundo celta en Europa y en España


Avila 27 de septiembre de 2001

A partir del 28 de septiembre se podrá contemplar en Ávila la exposición Celtas y vettones, con unas 500 piezas, para presentar una amplia visión del mundo celta en Europa y en España.

Celtas y vettones se podrá ver hasta el 9 de diciembre en sendos centros: El Torreón de los Guzmanes y la iglesia de Santo Tomé. Organiza la muestra la Diputación Provincial, con el patrocinio científico de la Real Academia de la Historia.

En el palacio Torreón de los Guzmanes se ve el origen de los celtas y numerosos tesoros arqueológicos. Entre las piezas más destacadas la coraza del bronce final de Malmesse; la fíbula de Wilzhofen; el famoso casco de Agris, del museo de Angouleme; el caldero de Gundestrup; el calendario de Coligny, un testimonio de la medición del tiempo, y el Estandarte de Numancia, parte de un ajuar hallado en este yacimiento soriano.

En Santo Tomé, se verá la relación de los celtas con la península Ibérica. El montaje incluye referencias y piezas de los poblados, los verracos, etc.

La muestra se completa con visitas a castros y verracos en piedra. El arqueoturismo celta por tierras de Ávila es una apuesta de futuro, declaró el presidente de la Diputación Provincial, quien pidió mayor sensibilidad sobre el tema por parte de las instituciones. Estos recorridos corresponden a yacimientos vettones seleccionados por su interés y atractivo, arqueológico y paisajístico: Las Cogotas, Ulaca, Mesas de Miranda y El Raso.

Con esta exposición, Ávila se convertirá en la capital cultural de Europa, aseguró Martín Almagro, comisario de esta exposición. Éste anunció que para ello se cuenta con piezas únicas y valiosas procedentes de Alemania, Austria, Bulgaria, Francia, Hungría, Irlanda, Italia, Portugal, República Checa y Rumania, así como de veinticinco ciudades españolas.

Queremos redescubrir los tesoros más hermosos de nuestro patrimonio a través de piezas que en algunos casos, como está documentalmente comprobado, inspiraron la indiscutible genialidad del arte abstracto de Picasso, declaró el comisario durante la presentación de la muestra.

Celtas y vetones se presentará hasta el 9 de diciembre, con un horario de lunes a domingo de 10.00 a 20.00 horas  

Salvador Dalí, de actualidad.

26/09/2001, La Lonja del Pescado de Alicante acoge desde el 24 de septiembre la exposición +Memoria de los sueños. Salvador Dalí (1904-1989)+, una de las muestras de carácter retrospectivo más interesantes realizadas sobre el pintor ampurdanés


Alicante, 26 de septiembre de 2001. guiarte.com

La Lonja del Pescado de Alicante acoge desde el 24 de septiembre la exposición +Memoria de los sueños. Salvador Dalí (1904-1989)+, una de las muestras de carácter retrospectivo más interesantes realizadas sobre el pintor ampurdanés.

La muestra estará del 25 de septiembre al 31 de octubre y contiene obras que hasta ahora no se habían expuesto. Son cerca de 400 obras entre bocetos, series completas de grabados, esculturas, óleos, acuarelas, dibujos y hasta joyas, que muestran el vértigo creativo de Salvador Dalí.

+Memoria de los sueños. Salvador Dalí (1904-1989)+ llega a Alicante desde Vitoria, aunque, en esta ocasión, ampliada con más obras y esculturas, cinco de las cuales es la primera vez que se exponen. Entre ellas destacan +Mujer desnuda subiendo escaleras+, +Hombre sobre delfín+ y +Tritón alado+.

La exposición está integrada por trabajos que abarcan desde la niñez de Dalí hasta la década de los ochenta y en la que se aprecia la evolución del multidisciplinar artista. Entre las obras,+El retrato de Miss Farget+, adquirido recientemente por la Diputación foral de Álava.

El comisario de la exposición, Enrique Sabater, explicó que en la exposición se aprecia tanto el inicio de Dalí como las influencias recibidas en su trayectoria artística, entre ellas la de Pablo Picasso. Se trata –dijo- de una biografía desde los diez años hasta los años ochenta.

Dalí en Segovia

Otra exposición sobre la presencia de la obra de Salvador Dalí en las colecciones españolas abrirá en octubre la temporada del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia.

Son treinta y cuatro cuadros realizados entre 1919 y 1982. La selección se centra en sus cuadros, lo más representativo de su labor, por lo que se trata de la primera exposición de estas características que se celebra en España. La idea, según fuentes del museo, es mostrar cómo ha sido coleccionada la obra de Dalí en su propio país.

La exposición está patrocinada por Telefónica e Iberpistas: abarca desde el primer contacto del ampurdanés con las vanguardias impresionistas y cubistas. Los trabajos de la muestra proceden del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, la Fundación Gala Salvador Dalí, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, la Fundación Federico García Lorca, la Colección Masaveu, así como de otras colecciones privadas. Está programada entre el 9 de octubre y el 6 de enero, junto a la exposición se edita un catálogo realizado por el comisario de la iniciativa, Francisco Calvo Serraller, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense. Coincidiendo con la exposición se celebrará el ciclo de conferencias titulado +Dalí: real y surreal+.

...Y en teatro

Para dar aún más actualidad a Dalí, en Barcelona la compañía teatral Els Joglars presenta la nueva versión de la obra +Daaalí+, a la que seguirán las de +Pla+ y +Ubú+, una trilogía que, según ha explicado su director, Albert Boadella, es una síntesis de la historia contemporánea de Cataluña.

 

Nace el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

21/09/2001, Acaba de nacer el MALBA –Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires- primer museo argentino del siglo XXI, especialmente dedicado al arte latinoamericano


Buenos Aires, Argentina, 20 de septiembre. Guiarte.com

Acaba de nacer el MALBA –Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires- primer museo argentino del siglo XXI, especialmente dedicado al arte latinoamericano

En este ambicioso centro de arte, se exhibe ya una de las colecciones más importantes de América Latina, gestada por Eduardo Costantini, empresario, financiero y coleccionista de arte, de 55 años. La colección de Constantini ya se ha mostrado en los últimos años en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, para ir más tarde a Montevideo, São Paulo, Río de Janeiro y Madrid.

En la página web del centro, el propio Costantini habla del origen de su colección: Pasados mis 20 años, frente a la heladería Paco, … en la vidriera de una galería llamada Atelier que tampoco existe hoy, me sedujo un retrato de un chico pintado al óleo por un tal Antonio Berni; la dueña, muy cálida, me enseñó que todavía era muy joven para poder tener los recursos suficientes y me enseñó quién era Berni, pero me propuso, en vez, que me comprara otras dos obras más accesibles pagándoselas en cuotas. Desde entonces, debo decir que nunca me separé de mis cuadros, que empezaron a crecer en número y en importancia a medida que también yo fui creciendo, que aumentó mi presupuesto y mejoró mi conocimiento.

Todos estos cuadros, que están llegando a unos doscientos, pertenecen a mi mundo íntimo y a mi historia. Hoy dispersos, nos juntamos cuando la colección se exhibe en su totalidad en algún museo alrededor del mundo, allí la enorme alegría del reencuentro. Para mí, un cuadro es la expresión profunda y pura del pintor en un acto sublime de creación estética, él me transmite la alegría, la angustia, la emotividad, la racionalidad, la carga ideológica, a veces la búsqueda de lo transcendente. Es siempre la expresión cultural de los pueblos a través del tiempo. En mis cuadros hay armonía y belleza, hay pedazos de nuestra historia y de la de los otros países latinoamericanos: hay sufrimientos y alegrías, como en Frida Kahlo; hay religión y ordenamiento racional, como en Joaquín Torres García; hay el deseo de una identidad propiamente nuestra, como en Abaporu de Tarsila do Amaral; hay ideología y sensibilidad social, como en Antonio Berni o David Alfaro Siqueiros; en definitiva ellos son nosotros y nosotros somos ellos.

Siempre pensé que haciendo la mejor selección posible de la pintura latinoamericana podría llamar la atención de los latinos (y la de los no latinos), provocando una concurrencia popular, un lugar de encuentro y revalorización de nuestro arte, de nuestra cultura. Y es por eso que en la colección se dan la mano Diego Rivera, Roberto Matta, Wilfredo Lam, Joaquín Torres-García, Frida Kahlo, Tarsila do Amaral, Antonio Berni, Xul Solar, Lygia Clark, Cándido Portinari, Emiliano Di Cavalcanti, Emilio Petorutti, Remedios Varo, Miguel Covarrubias, Fernando Botero, Guillermo Kuitca y tantos otros.

Ahora, creo que dotando a Buenos Aires con la mejor colección permanente de arte latinoamericano a través de la administración profesional del museo que estamos construyendo, malba, vamos a ser referentes internacionales logrando el mismo propósito de mayor reconocimiento y reencuentro con nuestros propios valores.


La muestra


Son 228 obras de 80 artistas latinoamericanos – de pintura, escultura, dibujos y otros materiales- las que constituyen la colección donada por Costantini y que será la muestra permanente del MALBA. Además hay otras 55 obras en régimen de préstamo durante un año para la muestra temporal Arte en América Latina en el siglo XX.

El director del museo es el mexicano Agustín Arteaga, que hasta hace poco dirigía el Museo del Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México. El proyecto arquitectónico del museo ha sido realizado por tres arquitectos jóvenes de Córdoba (Argentina), ganadores del concurso internacional convocado: Gastón Atelman, Martín Fourcade y Alfredo Tapia.

Agustín Arteaga, ha presentado dos líneas particularmente significativas de desarrollo: la arquitectónico-museográfica y la conceptual-museológica.

La primera sirve de piedra fundamental; un inmueble que se concibe ex profeso para cumplir la función de museo, en una de las ciudades cuya tradición edilicia, que tanto la ha prestigiado, no realizó durante todo el siglo pasado una sola construcción de esa naturaleza.

La segunda consiste en conceptuar y materializar el malba como una institución que revisa los procedimientos tradicionales de la gestión de museos buscando una renovación, centrándose en la atención al público y en su relación con éste y estructurando su misión de coleccionar, conservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano del siglo XX.

Su misión es coleccionar, conservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano desde el siglo XX hasta la actualidad; educar al público despertando su interés y admiración por los creadores latinoamericanos; fomentar el reconocimiento por la grandiosa diversidad cultural y artística de esta región; y compartir la responsabilidad de este esfuerzo con la comunidad nacional e internacional.

Desde inicios de la década de los noventa, el arte latinoamericano ha venido tomando un papel protagónico en la escena internacional. A pesar del interés manifiesto en los últimos años, podemos afirmar que prácticamente no existen instituciones dedicadas de manera exclusiva al coleccionismo, estudio y difusión sistemática y científica del arte latinoamericano. Si bien existen museos con magníficas obras en sus colecciones, ninguno hasta ahora se ha comprometido exclusivamente con esta tarea. Por estos motivos, la presencia del malba viene a llenar un espacio cuya trascendencia rebasa los límites nacionales y participa activamente en la construcción del nuevo milenio.

Desde su origen, en 1995, la Fundación Eduardo F. Costantini se dedica a promover el arte y la cultura en la Argentina, y el malba-Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires ha sido su mayor empresa. La Fundación se ha dedicado a realizar, hasta ahora, cinco ediciones consecutivas de los premios Colección Costantini, en las que participan artistas argentinos. Un jurado calificado otorga siete premios, de los cuales sólo los dos primeros son adquisición. Hasta la creación del malba, las obras seleccionadas se han expuesto en el Museo Nacional de Bellas Artes y, en cada ocasión, han quedado documentadas en un completo catálogo. Las piezas serán exhibidas en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires a partir de su inauguración y los Premios Costantini dejarán de ser anuales para convertirse en Bienal: la primera de ellas se llevará a cabo en 2002.


Datos adicionales:


Ubicación:
malba Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Ingreso por Avda. Figueroa Alcorta 3415 (esquina San Martín de Tours)

Horarios:
Lunes: de 12 a 20 hs.
Martes: cerrado
Miércoles: de 12 a 20 hs.
Jueves: de 12 a 22 hs.
Viernes: de 12 a 20 hs.
Sábados y domingos: de 10 a 19


Página de internet del museo:
http://www.malba.org.ar/malbainter/index.asp

 

Arte y música en Austria

20/09/2001, Austria ha dado este año un notable impulso a su vida cultural, impulso materializado con la inauguración, en junio, de un Barrio de los Museos, el mayor complejo museístico de Europa y uno de los diez más grandes del mundo


20 de septiembre de 2001. guiarte.com

Austria ha dado este año un notable impulso a su vida cultural, impulso materializado con la inauguración, en junio, de un Barrio de los Museos, el mayor complejo museístico de Europa y uno de los diez más grandes del mundo. En el tramo final de 2001 prosigue la actividad artística.

En el centro de Viena, el Museumsquartier une la arquitectura barroca del siglo XVIII con el estilo moderno, así como instituciones culturales diversas. En una superficie de 60.000 metros cuadrados se pueden hallar obras de maestros antiguos, clásicos, barrocos o muestras ciberespaciales.

INAUGURACIÓN MUSEO LEOPOLD Y MUMOK

En Junio tuvo lugar la fiesta de inauguración del Barrio de los Museos con una celebración que duró de tres dias. En Septiembre se abren dos museos del area de cultura: El Museo Leopold y el de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK).

El punto fuerte del museo Leopold es la colección de obras de Egon Schiele, el centro de la exposición de la apertura. Se pueden admirar cuadros de Oskar Kokoschka, Albin Egger-Lienz y otros artistas importantes de la cultura del siglo XIX y XX. Obras de Otto Wagner, Adolf Loos y Josef Hoffmann muestran la tradición y calidad de las artes aplicadas austríacas.

El Museo MUMOK, muestra en cinco plantas Pop Art, Fotorealismo, Fundación Ludwig, Fluxus, Nuevo Realismo y Accionismo vienés. Está previsto para los próximos años expones el arte austríaco de los años ochenta y noventa, al igual que el arte de Europa Central y Occidental.

MUSEO KUNSTFORUM

Casimir Malevich, del 5 de Septiembre al 2 de Diciembre de 2001, es una retrospectiva extensa de obras de este artista( 1878- 1934), uno de los rusos más importantes del primer decenio del siglo XX. Se exhibe en el Kunstforum de Viena.

Se exponen 180 obras de todas las fases creativas del artista: cuadros del Impresionismo tardío inspirados por Monet y Cézanne, obras representativas del Cubo-futurismo, una corriente artística específicamente rusa, y, por supuesto, trabajos del Suprematismo, típicos de Malevich: un cuadrado rojo sobre fondo blanco al igual que figuras geométricas multicolores que parecen flotar en el espacio. Finalmente, las últimas composiciones de Malevich, paisajes con y sin figuras, compuestas por rayas de colores.

LA NAIF - LA SALIDA AL PARAISO PERDIDO

Del 4 de Octubre 2001 al 3 de Febrero de 2002, el museo Kunsthaus Wien dedica una exposición con unas 200 obras del Museo Charlotte Zander en el Castillo Bönnigheim, cerca de Stuttgart, a los artistas del Arte Naif y Art Brut.

Es una exposición que muestra parte de la colección mundial más grande de este estilo, con pinturas desde los clásicos franceses, como Henri Rousseau, André Bauchant, Camille Bombois, Séraphine Louis y Louis Vivin, así como los Naif de la ex-Yugoslavia, de Alemania, Polonia, Austria, Rusia y de los EE.UU.

A principios del siglo XX, artistas del Modernismo Clásico y coleccionistas empezaron a reconocer y a coleccionar esta forma de singular expresión. Los vanguardistas franceses, entre ellos Picasso, Delaunay y también Kandinsky, reconocieron la magia y la espontaneidad de las pinturas de Rousseau, y desde entonces muchas de estas obras han encontrado sitios fijos en los grandes museos del mundo (Museum of Modern Art, New York, Kunsthalle Hamburg, Museé National d Art Moderne, París; Puschkin Museo, Moscu) El Arte Naif proviene de una riqueza de fantasía, sin estudios academicos anteriores, sin influencias de tradiciones de arte y moda. Los pintores son personas de cualquier nivel social y tienen la gran ansiedad de expresarse.

SALZBURGO CON EL CIRCO INVISIBLE.

Salzburgo siempre es una ciudad llena de encanto. En la carpa del circo, en el Jardin Popular de Salzburgo, del 29 de Noviembre hasta el 23 de Diciembre de 2001 hay un espectáculo para los amantes del circo y del teatro.

Victoria Chaplin , hija del leganadario cómico Charlie Chaplin y su acompañante Jean Baptiste Thierrée, presentarán su espectáculo El Circo Invisible, en Salzburgo, en plena atmósfera navideña. Los dos artistas proponen una noche de teatro, llena de pequeñas escenas y cortas historietas. Ellos crearán así un mundo especial y acogedor, un microcosmos de sorpresas y de sueños, brillantes ilusiones y grandes juegos de prestidigitación. La imaginación de los artistas se hace cómplice de la imaginación del público, haciendo visible, lo que antes no era posible de ver.

FESTIVAL DE JAZZ DE OTOÑO EN SALZBURGO

En la mágica ciudad de Salzburgo, del 1 al 10 de Noviembre de 2001, por sexta vez y, bajo el lema New York, se celebrará el Festival de Jazz de Otoño, con estrellas internacionales de la escena del Jazz, como por ejemplo los New York Yoices&Count Basie Orchestra o el Concierto por el 75 cumpleaños del legendario bajo Ray Brown.

También, los amantes de esta modalidad musical podran asistir a un Festival de peliculas y videos de Jazz y a una retrospectiva del Jazz austríaco desde su comienzo hasta la vanguardia de hoy.

 

Los niños de Murillo

14/09/2001, Murillo, un genial pintor de altísima calidad, no siempre valorado en su justa medida, tiene en sus retratos de niños una de sus más maravillosas facetas. El museo del Prado le dedica una muestra hasta el 9 de diciembre


Madrid, 14 de septiembre de 2001. guiarte.com

Murillo, un genial pintor de altísima calidad, no siempre valorado en su justa medida, tiene en sus retratos de niños una de sus más maravillosas facetas. El museo del Prado le dedica una muestra hasta el 9 de diciembre.

Bartolomé Esteban Murillo(1617-1682) es tal vez el más importante pintor religioso del barroco español, superador del tenebrismo, hombre de gran virtuosismo y paleta cromática. La exposición Niños de Murillo se compone de un total de quince obras, donde se muestra cómo éste pintor sevillano recreó bellísimas escenas infantiles, además de sus populares temas religiosos, muy conocidos por el público amante de estampas piadosas. La exposición ya se ha presentado en la Dulwich Picture Gallery de Londres y la Alte Pinakothek de Munich,

Javier Portús, conservador de pintura española barroca del Prado y comisario de la muestra presentó esta obra de un pintor famosísimo por sus inmaculadas, pero que alcanza una sensibilidad especial en sus pinturas con niños y jóvenes.

Precisamente, Portús hizo una excelente reflexión sobre las pinturas de la infancia hechas por Murillo y recordó la novela picaresca, que aportó notabilísimas creaciones a la literatura de aquel tiempo. Dijo que ambas facetas son una importante aportación de España en el análisis del mundo infantil, algo ausente de la creatividad cultural de otras épocas.

También rescató a Murillo de esa crítica que ha minimizado su calidad y creatividad, como la de Ruskin origen de los tópicos sobre la pintura del gran pintor.

Junto con los cuadros infantiles de devoción que se encuentran en los fondos del Prado: El buen Pastor, San Juan Bautista niño, Los niños de la Concha, La Sagrada familia del Pajarito y Santa Ana y la Virgen, se ha contado con los conjuntos representativos de su faceta pagana de la infancia, que pertenecen a la Dulwich Picture Gallery de Londres y a la Antigua Pinacoteca de Munich.

Procedentes de Londres se exhiben: Muchacha con flores: alegoría de la Primavera, Tres muchachos e Invitación al juego de la argolla, mientras que la Antigua Pinacoteca de Munich ha cedido Niños comiendo melón y uvas, Niños jugando a los dados, Joven vendedora de fruta, Mujer espulgando a un niño y Niños comiendo pastel.

A estas obra se unen el óleo Joven con cesta de frutas, de la Galería Nacional de Escocia, y Retrato de Nicolás de Omazur, obra de El Prado, que no es de infancia, y que entró en la exposición por ser éste un comerciante establecido en Sevilla a cuya colección pertenecieron varias de las obras exhibidas.

Murillo fue uno de los primeros artistas que desarrolló escenas de fuerte carácter costumbrista protagonizadas por niños, algo excepcional en el contexto de la pintura española de su época. Estas obras llamaron la atención de coleccionistas extranjeros quienes se hicieron con muchas de ellas, en tanto que en España se desecharon, considerándolas obras menores, y se apreció más lo piadoso.

La exposición está patrocinada por la Fundación Winterthur y permanecerá abierta hasta el 9 de diciembre. refleja la vida humilde de una Sevilla del siglo XVII, con una infancia vital y alegre, a pesar de las condiciones en las que de pobreza en que vivían muchos jóvenes mendigos, cubiertos de harapos.

El director del Prado, Fernando Checa, dijo que la exposición tiene un contenido de altísima calidad en todos sus cuadros, una muestra de gran exquisitez, como exquisita es la pintura de Murillo, que extremó en la delicadeza de las escenas de género de tipo infantil de contenido no religioso o profano.

Fernando Checa anunció también que el museo inicia, con motivo de la exposición Niños de Murillo, una serie de actividades didácticas para los niños, con carácter gratuito: visitas guiadas, un concurso artístico sobre la pintura de Murillo, etc.  

Sin las Torres Gemelas de Nueva York

10/09/2001, Las Torres Gemelas, del World Trade Center de Nueva York, son ya sólo una foto de recuerdo del álbum de multitud de turistas que visitaron la gran ciudad, y un recuerdo triste en el alma de quienes respetan la vida


Por Mercedes Caballero, de guiarte.com

Nueva York 11 de septiembre de 2001

Las Torres Gemelas, del World Trade Center de Nueva York, son ya sólo una foto de recuerdo del álbum de multitud de turistas que visitaron la gran ciudad, y un recuerdo triste en el alma de quienes respetan la vida.

Durante dos siglos, Nueva York ha sido el símbolo de las megalópolis; la mayor ciudad del mundo al finalizar el siglo XIX, tras multiplicar por ochenta el número de sus habitantes en cien años, y una de las mayores durante todo el siglo XXI. Ahora también ocupa un lugar destacado en el ámbito del terror, después de que miles de personas perdieran la vida en un múltiple acto terrorista. Las Torres Gemelas del World Trade Center y el Pentágono, centro del sistema defensivo de EE UU, sufrieron un asombroso ataque mediante el empleo de aviones de pasajeros como mortíferos misiles.

En 1950, Nueva York era la ciudad más poblada de la Tierra, con 12,3 millones de habitantes, la única que superaba la barrera de los diez millones. Pero veinticinco años más tarde, Tokio ya la había superado al alcanzar los 19,8 millones de habitantes, mientras que Nueva York era la segunda con 15,9, seguida de Shangai, con 11,4; México, con 11,2, y Sao Paulo, con 10. Actualmente ya estará también detrás de Bombay y Sao Paulo.

Pero Nueva York es hoy un símbolo. Símbolo del capitalismo y del comercio; de lugar crisol de culturas, etnias y religiones; del arte, y hasta como sede de las Naciones Unidas.

Uno de los destinos habituales del turismo que visitaba esta ciudad cosmopolita eran las Torres Gemelas, construidas en terrenos ganados al Hudson, en medio de otra serie de notables edificios. Unos 80.000 visitantes acudían diariamente a contemplar estos rascacielos, que quitaron al Empire State Building el título de edificio más alto del mundo, allá por 1972.

Las magnas obras –sendas ciudades verticales- fueron proyectadas por Minoru Yamasaki (1912-1986), quien diseñó unas estructuras innovadoras, altísimas, que ponían de manifiesto la fe ciega del capitalismo en el progreso, y se configuraban como grandes centros empresariales emblemáticos

Pero la ambición humana por romper barreras no quedó ahí, porque apenas dos años más tarde fueron superadas en altura por la Torre Sears de Chicago, antes de volver a ser relegadas a un puesto menor por las torres Petronas de Kuala Lumpur (1996) y el Jin Mao en Shanghai (2000).

Estas torres eran realmente sendas ciudades donde había sedes de 500 sociedades, y trabajan unos 50.000 empleado, que generaban 50 toneladas de basura al día y consumían 8,5 millones de litros de agua.

El arquitecto diseñador –que también diseñó en Madrid Torre Picasso- es de origen japonés aunque nació en Seattle(EE.UU.). Ideó unos edificios forrados de una densa estructura de acero y con otro núcleo de acero en el centro, donde se albergaban los ascensores, escaleras y conductos. Esta disposición dejaba unas superficies diáfanas de las plantas y permitía adecuar el edificio para soportar el empuje de los vientos sin grandes oscilaciones.

Sus 409 metros de altura (110 plantas) albergaban 21.800 ventanas, que no se abrían por razones de seguridad. Una combinación de aluminio y cristal permitía la respiración de los edificios y hacía de estos sendas imágenes cargadas de una gran sencillez lindante en la austeridad.

Las torres eran una imagen del poder del dinero y la capacidad de la tecnología. Pero también eran meca para turistas ávidos de contemplar la verticalidad neoyorquina desde la zona más alta y para artistas y excéntricos con ganas de atraer la atención.

Philippe Petit, un equilibrista francés, osó un día cruzar el inmenso vacío entre las dos cimas de las torres. Pero también fueron noticia porque un parado se arrojó desde allá arriba, en paracaídas, para protestar por el desempleo y el hambre en el mundo, en tanto que un alpinista, George Willig, escaló la torre Sur y recibió una fuerte multa... por atentado a la propiedad.

Desde el 11 de septiembre de 2001 ya no subirán los turistas al piso 107 de la South Tower. Nueva York se ha hecho un poco más pequeña... y un poco más triste.

Premio Príncipe de Asturias, con sabor ecológico

06/09/2001, La Red Mundial de Reservas de la Biosfera, integrada por unos 400 espacios en 94 países, ha sido distinguida con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 2001. Un bello gesto ecológico


Oviedo, España, 6 de septiembre de 2001. guiarte.com

La Red Mundial de Reservas de la Biosfera, integrada por unos 400 espacios en 94 países, ha sido distinguida con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 2001. Un bello gesto ecológico.

El Premio Príncipe de Asturias de la Concordia premia, según sus estatutos, la labor científica, técnica, cultural, social y humana realizada por personas, equipos de trabajo o instituciones en el ámbito internacional que hayan contribuido a la fraternidad entre los hombres, la lucha contra injusticia, la pobreza, la enfermedad o la ignorancia, a la defensa de la libertad y del patrimonio de la humanidad o a abrir nuevos horizontes al conocimiento.

El premio está dotado con cinco millones de pesetas(unos 26.000 dólares) y una escultura creada por Joan Miró.

En anteriores ediciones fueron distinguidos la Asociación de Academias de la Lengua Española(el año pasado), Cáritas, el rey Hussein de Jordania, y la Fundación Americana de Investigación sobre el Sida, entre otros. Es la segunda vez que se galardona la defensa de la naturaleza: en 1988 se premió a la Unión Internacional para la Conservacuón de la Naturaleza y los Recursos Naturales (UICN) y el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF).

Con la distinción de este año se realzaron los esfuerzos del hombre para preservar espacios y poblaciones naturales únicos, patrimonio de toda la humanidad, armonizando la conservación de entornos naturales y las poblaciones humanas. Se ha premiado a un símbolo de los esfuerzos universales en la defensa global de la naturaleza.

El jurado que otorgó esta galardón estuvo formando exclusivamente por los miembros del Patronato de la Fundación Príncipe de Asturias y encabezado por el presidente del Principado de Asturias, quien dió a conocer el acta y mostró su satisfacción por el fallo del jurado.

El concepto de Reserva de la Biosfera fue concebido en 1974, en el Programa de la UNESO El Hombre y la Biosfera que, dentro de las ciencias naturales y sociales, busca desarrollar las bases para el uso racional y la conservación de los recursos de la biosfera, de los que depende una relación más equilibrada entre las poblaciones humanas y el medio ambiente.

La Red Mundial de Reservas de la Biosfera comenzó en 1976 y constituye un elemento importante para alcanzar el objetivo del equilibrio sostenible entre la conservación de la diversidad biológica y el fomento del desarrollo económico.

Las Reservas de la Biosfera son zonas de ecosistemas terrestres, costeros o marinos, o una combinación de los mismos, donde se mezcla la conservación de los ecosistemas y su biodiversidad con la utilización sostenible de los recursos naturales para beneficio de las comunidades locales.

Entre los espacios más relevantes en la red figuran el monte Urulu en Australia y el Olimpo en Grecia, el bosque estadounidense de Yellowstone, el desierto de Gobi en Mongolia, y el Alto Orinoco en Venezuela.

España es uno de los países con mayor número de espacios incluidos en la citada Red, con lugares como Doñana, Urdaibai, Sierra Nevada, Lanzarote o Menorca. Además hay un proyecto para convertir en reserva de la biosfera a toda la zona cantábrica.

La candidatura había sido presentada por la Fundación Oso de Asturias.

Portavoces de Greenpeace, Adena y la Sociedad Española de Ornitología (SEO), coincidieron en señalar que la Red Mundial de Reservas de la Biosfera es una de las iniciativas más importantes para compatibilizar el desarrollo simultáneo del hombre y la conservación de la naturaleza y se felicitaron por la concesión, aunque lamentaron que en muchos países no se apoyan estas iniciativas conservacionistas.

 

Santuarios de ballenas

31/07/2001, La postura japonesa –contraria al establecimiento de santuarios balleneros- se ha visto respaldada por la de otros pequeños estados, cuyos votos han sido literalmente comprados por los nipones, en la asamblea anual de la Comisión Ballenera Int


Por Artemio Artigas.

Londres, 31 de julio de 2001

La postura japonesa –contraria al establecimiento de santuarios balleneros- se ha visto respaldada por la de otros pequeños estados, cuyos votos han sido literalmente comprados por los nipones, en la asamblea anual de la Comisión Ballenera Internacional.

Un total de 20 países miembros de dicha organización respaldaron la propuesta, presentada por los gobiernos de Australia y Nueva Zelanda, tendente al establecimiento del sanitario ballenero del Pacífico Sur, y 13 lo hicieron en contra. Irlanda, Omán, Marruecos y las Islas Salomón se abstuvieron en la votación. España, finalmente apoyó la creación del Santuario. La propuesta no se pudo adoptar, pues las normas de la Comisión Ballenera Internacional requieren el respaldo de las tres cuartas partes de los países miembros.

Los países que votaron a favor de la propuesta fueron: Alemania, Argentina, Australia, Austria, Brasil, Chile, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Holanda, India, Italia, México, Mónaco, Nueva Zelanda, Reino Unido, Sudáfrica, Suecia y Suiza.

Japón y Noruega, tradicionales pescadores de ballenas, encabezaron el bloque de naciones opuestas a la iniciativa. El representante del International Fund for Animal (IFAW), Mick McIntyre, acusó al país nipón de comprar votos en contra (Antigua & Barbuda, Dominica, Granada, Guinea, San Kitts & Nevis, Santa Lucía, San Vicente & las Granadinas y Panamá). Japón ofreció ayudas a los países que no apoyaran la propuesta, según se quejó el delegado de IFAW.

El hecho de que Japón haya comprado los votos de un gran número de países en vías de desarrollo, algunos de los cuales son islas, supone un duro golpe para el Pacífico Sur y tendrá graves consecuencias para la futura conservación de las ballenas dijo Pio Manoa, responsable de la Campaña de Ballenas de Greenpeace en Fiji.

Las naciones del Pacífico Sur ha reclamado en repetidas ocasiones es establecimiento de este Santuario, la más reciente de ellas fue en Apia, Samoa en abril de 2001. La propuesta contaba con el respaldo de las islas del Pacífico Sur cuyas aguas estarían incluidas y con el de la mayoría de los países presentes en el reunión de la CBI.

Según Greenpeace, Las declaraciones de un oficial japonés reconociendo la compra de votos en la CBI a cambio de ayuda al desarrollo, supone la confirmación de que Japón está pervirtiendo abiertamente la CBI para evitar medidas de conservación sobre las ballenas y para avanzar en sus iniciativas en favor de la caza comercial de estos grandes mamíferos.

En una entrevista emitida por la cadena ABC un oficial de la Agencia de Pesca japonesa, Maseyuku Komatsu, describió a las ballenas minke como las cucarachas del mar y admitió que Japón ve las ayudas al desarrollo como una gran herramienta para asegurar que los países en vías de desarrollo voten a favor de las caza de ballenas en la CBI.

Y a menos que esta situación cambie, Japón continuará con los sobornos. Namibia y Gabón, cuyos Gobiernos han firmado recientemente lucrativos acuerdos pesqueros con Japón, acaban de ingresar en la CBI como observadores. Se espera que en la reunión de año que viene en Shimonoseki – Japón, estos dos países ya sean miembros con derecho a voto y apoyen a Japón y a Noruega en sus iniciativas en pro de la reanudación de la caza de ballenas.

Es escandaloso que Japón simplemente pueda comprar las decisiones de la CBI y echar por tierra la voluntad de una gran mayoría que quiere ver a las ballenas protegidas. A menos que la comunidad internacional condene este tipo de corrupción, el retorno a la caza comercial de ballenas a gran escala y su comercialización es sólo cuestión de meses declaró Manoa.

Cuando el pasado 28 de julio, la Comisión Ballenera Internacional (CBI) clausuró su reunión anual en Londres, los miembros allí reunidos tuvieron claro que, si esta Comisión quiere realmente gestionar las poblaciones mundiales de ballenas, deben poner fin a la estrategia de compra de votos.

El intento de Islandia de reanudar la caza comercial de ballenas ha sido otro de los puntos destacados de esta reunión. Esta propuesta fue rechazada tajantemente con los votos en contra de 19 países, incluido España. Finalmente, sólo se aceptó que Islandia participase como observador, sin derecho de voto.

La CBI también reclamó a Japón que detuviera la caza comercial de cetáceos que continua año tras año bajo el disfraz de investigaciones científicas en el Océano Antártico y en el Pacífico Norte y que supone la muerte de al menos 550 ejemplares de tres especies diferentes de cetáceos (440 rorcuales aliblancos, 50 cachalotes y 50 rorcuales tropicales). La misma recomendación partió hacia Noruega, que cada año se autoconcede una cuota para cazar rorcuales aliblancos, junto con el ruego para que no reanude la exportación de productos derivados de la ballena a Japón, prohibido por CITES (Convención que regula el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Flora y Fauna).

Avance en la Cumbre Climática de Bonn

23/07/2001, En Génova, los grandes de la economía mundial(G-8) no dieron luz verde a una política común medioambienmtal, pero, pese a ello, en la Cumbre de Bonn se alcanzó un acuerdo positivo para el futuro del Protocolo de Kioto.


Por Artemio Artigas

Bonn, Alemania, 22 de julio de 2001. guiarte. com

En Génova, los grandes de la economía mundial no dieron luz verde a una política común anticontaminación, pero, pese a ello, se alcanzó un consenso positivo en la cumbre de Bonn, donde se debatió sobre el cambio climático.

La Cumbre del Clima de Bonn aprobó en su última sesión plenaria y tras agónicas dificultades, un acuerdo sobre la manera de implementar el Protocolo de Kioto, después de que las partes llegaran a un trabajado consenso.

Un cerrado aplauso corroboró la meritoria intervención del presidente de la conferencia, Jan Pronk, pieza clave del acuerdo. Йste, en la última sesión del encuentro de Bonn, pidió disculpas a los delegados por el retraso, y explicó que éste se debió a la dificultad de las negociaciones.

La conferencia tenía que concluir el domingo 22 de julio, pero los 178 países presentes en la cumbre se negaron a acaptar el fracaso y continuaron la negociación durante la noche, en unas 30 horas llenas de momentos críticos.

El acuerdo logrado permitirá que el Protocolo de Kioto sobre reducción de emisiones de gases de efecto invernadero entre en vigor en el 2002, décimo aniversario de la celebración de la Cumbre de la Tierra de Río. Pero el compromiso, por desgracia, no incluye a EE.UU. que provoca un tercio de la contaminación del planeta por sus gases tóxicos.

No obstante, esto supone un triunfo de la opinión pública y un serio revés para la política de Bush, que debería hacerle repensar su posición. También supone un triunfo de la posición de la Unión Europea, siempre más próxima a las tesis anticontaminantes.

En este sentido se pronunciaron algunas organizaciones. Estados Unidos se ha quedado solo. Hoy es un gran día para la comunidad internacional, para el Medio Ambiente, declaró la representante de la sección alemana de la organización ecologista WWF, Regine Gínter.

El Protocolo de Kioto obliga a los países industrializados a recortar sus emisiones de dióxido de carbono hasta lograr una reducción media mundial del 5,2 por ciento en el periodo 2008-12 respecto de los niveles de 1990.

Kioto entrará en vigor noventa días después de que sea ratificado por un mínimo de 55 países cuyas emisiones representen el 55 por ciento del total mundial. El hecho de que Rusia, Canadá y Japón se hayan sumado a la UE garantiza la obtención de estos mínimos.

Entre las reticencias más ostensibles, las de Japón, lo que ha obligado a cesiones por parte de las posiciones europeas, especialmente en materia de sanciones a quienes incumplan el protocolo.

La posición europea, forzada para hallar un consenso, mostraba ya una rebaja de los objetivos de reducción de gases previstos en el Protocolo. Primó la filosofía de mejor un mal acuerdo que un desacuerdo.

Tambien se diseñó una cuota de aportaciones a los países menos desarrollados: 410 millones de dólares anuales hasta el 2005, para ayudarles a combatir el cambio climático y sus efectos, según ha indicado.

Río-La Haya-Bonn

Esta Convención Marco de la ONU sobre Cambio Climático es la segunda parte de la celebrada en noviembre pasado en La Haya.

La conferencia de La Haya –prolongada ahora en Bonn- tenía como objetivo principal definir los mecanismos de aplicación del Protocolo de Kioto, pero se suspendió sin acuerdo, debido a las diferencias insuperables entre los principales negociadores, la Unión Europea y Estados Unidos.

Durante las últimas décadas ha ido creciendo la preocupación por el cambio climático y sus efectos, por lo que se plantearon sucesivas reuniones e iniciativas para estudiar el efecto invernadero y adoptar conjuntamente una política de defensa de la naturaleza, con reuniones celebradas en diversas capitales del mundo.

En 1992, en el Comité Intergubernamental de Negociación del Convenio general sobre Cambios Climáticos de la ONU, delegados de 140 países aprobaron un convenio no vinculante sobre el Cambio Climático, que en el mes de junio fue firmado por los representantes de los países asistentes a la Cumbre de la Tierra, de Río de Janeiro.

Posteriores conferencias sobre el cambio climático en Berlín y Ginebra mostraron la preocupación por la incidencia del factor humano en el cambio climático y reconocieron la necesidad de fijar objetivos cuantitativos legalmente vinculantes para limitar la emisión de gases por los países industrializados.

En 1997, en la III Conferencia celebrada en Kioto, se logró un acuerdo para frenar la degradación medioambiental de la Tierra, obligando a los países industrializados a reducir sus emisiones de gases.

El protocolo de Kioto establece medidas concretas para reducir las respectivas emanaciones de seis gases (CO2, metano, óxido nitroso, hidrofluorocarbono, perfluorocarbono y sulfuro hexafluoruro).

Reuniones posteriores en Buenos Aires(1998) Bonn(1999) y La Haya(2000), mostraron las dificultades de algunos países industrializados para asumir el protocolo. EEUU fue clave en estos fracasos.

La oposición de Estados Unidos a ratificar el acuerdo de Kioto se acentuó tras la asunción de la presidencia de la Unión por George W. Bush, quien declaró tajantemente, en marzo pasado, que su país no firmaría el texto de Kioto. Esto incentivó el afán anticontaminante de la opinión pública, en todo el mundo, aunque también matizó la posición de algunos países aliados de EE.UU.

Malos augurios desde Génova

La cumbre del G-8 de Génova terminó con un balance de tragedia, el esbozo de medidas limitadas favorables a los países menos desarrollados y con la predisposición, admitida por todos los líderes, a introducir algunos cambios en la filosofía de este foro.

Ha sido patente el deseo de vender a la opinión pública la idea de que la globalización favorece a los más desfavorecidos, un anzuelo que difícilmente se puede engullir por quienes ven cómo el dominio de la aristocracia económica transforma a los propios dirigentes políticos en títeres del sistema global.

La reunión de los Ocho en esta ciudad mediterránea estuvo opacada por la protesta de las gentes opuestas a la globalización, que entienden que estas reuniones carecen de voluntad democrática, carecen de representación de los más débiles, y no son sino un sistema para consagrarlas diferencias, cuando no para aumentar los desequilibrios norte/sur.

La muerte de un joven, los disturbios y la presencia de una multitudinaria manifestación, consagran la oposición radical a este sistema de cumbres, pese a que la presidencia italiana supo tomar una medida demagógica, cual fue la de invitar a líderes de algunos países en vías de desarrollo, teles como los de Malí, Nigeria, Argelia, Bengala y El Salvador.

Pero en Génova no hubo unidad a la hora de abordar la ratificación del Protocolo de Kioto, que en 1997 fijó la necesidad de que los países industrializados reduzcan sus emisiones de gases contaminantes, generadores del efecto invernadero.

Mientras la Unión Europea actuó en bloque a favor del Protocolo en todos sus términos, Japón y Canadá parecían haber abandonado su ambigíedad y estarían cercanos a firmar. Pero los japoneses no deseaban hacerlo si Estados Unidos no lo hace, para evitar dejar en manos de EE.UU. una ventaja competitiva.

...Y en el fondo del problema: George Bush, identificado con los más reaccionarios intereses de las empresas estadounidenses.

Todos estamos firmemente de acuerdo sobre la necesidad de reducir las emisiones de gases con efecto de invernadero. Aun cuando exista actualmente un desacuerdo sobre el Protocolo de Kioto y su ratificación, nos comprometemos a trabajar juntos e intensamente para alcanzar nuestro objetivo común, declaran los Ocho en el comunicado final.

Ver información sobre documento sobre Cambio Climático

Ver crónica sobre la Conferencia de La Haya

 

Altamira

20/07/2001, Santillana del Mar, en Cantabria(España) acaba de abrir el Museo Nacional de Altamira, con una réplica de la cueva prehistórica original, una exposición y un centro de investigación de la Prehistoria


Santander, 20 de julio de 2001. guiarte.com

Santillana del Mar, en Cantabria(España) acaba de abrir el Museo Nacional de Altamira, con una réplica de la cueva original, una exposición y un centro de investigación de la Prehistoria.

Los reyes de España presidieron el acto de apertura de este complejo, que ha requerido unas inversiones de unos 22 millones de dólares, aportados principalmente por el estado.

Se espera una inmensa afluencia de visitantes al complejo diseñado por el arquitecto Juan Navarro Baldeweg, donde se puede disfrutar de una exposición compuesta por 400 piezas, organizada de un modo didáctico.

La apertura de este museo culmina un proyecto iniciado hace una década y renueva un atractivo turístico de primer orden para esta zona lindante con el Mar Cantábrico, a 35 kilómetros de Santander.

Los avances tecnológicos permitirán contemplar una reproducción exacta de la Cueva de Altamira, la neocueva, mientras que el acceso a la auténtica cueva prehistórica permanece restringido para garantizar su conservación.

La cueva original, denominada la Capilla Sixtina del Cuaternario, fue descubierta oficialmente por Marcelino Sáez de Sautuola en 1879, aunque su existencia era conocida realmente desde antes.

Ésta continuará abierta a las visitas de un modo controlado. Actualmente, el plazo de espera para verla supera los tres años.

Las magníficas pinturas son del magdaleniense y están datadas entre el –15.000 y –13.900

En la neocueva, con la estructura topográfica de la cueva auténtica, Matilde Múzquiz y Pedro Saura han reproducido a mano –durante tres años- las imágenes rupestres, sobre bloques de poliestireno, silicona, resina, arena caliza, cera de abeja y fibra de vidrio.

En la muestra se reproduce la entrada a la cueva tal y como pudo ser hace 15.000 años. Una proyección virtual muestra cómo se desarrollaba la vida cotidiana de los habitantes de Altamira.

A través de una pasarela el recorrido transcurre por una reproducción de la excavación arqueológica y el taller del pintor de Altamira. Finalmente se contempla la sala de polícromos, reproducida con las dimensiones que tenía antes de que un derrumbe redujera su espacio en la Prehistoria.

Según Pedro Saura, el autor de los bisontes de Altamira era un verdadero genio de la envergadura de Miguel Ángel o Rembrandt. Estos bisontes fueron pintados por una única persona, al igual que los caballos, también realizados por un solo autor.

Las expectativas de visitantes a este nuevo centro museístico son notables. Según su director, José Antonio Lasheras, se espera recuperar los 200.000 visitantes al año que acudían a la cueva original antes de que se restringiera el acceso.

La réplica de las cuevas está a unos 300 metros de la cueva original. Información en página web: http://www.mcu.es/nmuseos/altamira/

El Moisés Universal

13/07/2001, El templo romano de San Pietro in Vincoli es famoso por poseer una de las máximas joyas de la escultura mundial, el Moisés de Miguel Ángel, pero ahora, además, protagoniza una iniciativa puntera en materia de Internet

El Moisés más universal

Roma, 12 de julio de 2001. guiarte.com

El templo romano de San Pietro in Vincoli es famoso por poseer una de las máximas joyas de la escultura mundial, el Moisés de Miguel Ángel, pero ahora, además, protagoniza una iniciativa puntera en materia de Internet.

Internautas de todo el mundo, durante las 24 horas del día, pueden entrar en el interior del viejo templo y observar las labores de adecentamiento del Moisés. Para ello se ha puesto en funcionamiento una web promovida por el Ministero per i Beni e le Attività Culturali: www.progettomose.it

En directo, desde el día 10 de julio varias cámaras instaladas en el lugar transmiten la tarea de restauración y limpieza del conjunto escultural que Miguel Ángel realizó para la tumba del Papa Julio II, gran protector de los artistas.

Para esta tarea –que permitirá conocer más a fondo por especialistas la obra de Miguel Ángel- se ha preparado una estructura de andamiajes translúcidos, que permite examinar con relativa calidad el templo y la obra escultural.

El mausoleo del Papa Julio II fue una obra que costó dolor a Miguel Ángel. El Papa le encargó un mausoleo en 1505 para el templo de San Pedro del Vaticano. El proyecto inicial –que fue uno de los que ilusionaron al artista- no se llevó a cabo sino que sufrió cambios sucesivos, hasta el definitivo, que se hizo entre los años 1542 y 1545.

En este interregno, y para tal monumento se hicieron obras y dibujos que están repartidos por diversos lugares del mundo, desde el Louvre a la Galería de la Academia de Florencia.

En 1532 se acordó que el monumento iría a San Pietro in Víncoli. Se trataba de una fachada en medio de la cual estaba el sarcófago, y en el mural se ubicaban una serie de estatuas: una sibila, un profeta, una Virgen, el Moisés y dos esclavos. Aún se remodeló el proyecto en 1541, desechando las estatuas de los esclavos y ubicando las de Raquel y Lía.

La web del ministerio italiano de Cultura, presenta una amplia información con esquemas de los distintos proyectos y datos de la vida y obra del genial escultor florentino. También presenta información sobre la magnífica figura de Moisés, un personaje de una enorme fuerza, en cuyo rostro se refleja un dramático asombro ante la luz divina.

La web – en italiano y en inglés- también tiene una excelente fotografía de Helmut Newton y presenta la posibilidad de participar en foros de opinión y concursos fotográficos.

Toda esta iniciativa novedosa –de conjugar la labor de restauración con la divulgación- se produce sin un gran despliegue económico, unos 50 millones de pesetas, pero con un indudable éxito mediático.

Las labores de restauración van a continuar hasta septiembre e incluyen el movimiento de la gran estatua, lo que permitirá descubrir su espalda, algo que esperan los expertos para poder fotografiarla y analizarla.

Dibujos Maestros

12/07/2001, Un dibujo de Leonardo da Vinci, El caballo y el jinete, superó los 8,1 millones de libras (unos 12, 2 millones de dólares) en una subasta efectuada en Londres. La cifra es absolutamente inusual en cotizaciones relativas a dibujos, e iguala otra plus


Nuevo récord de Leonardo da Vinci

Londres, 11 de julio de 2001. guiarte.com

Un dibujo de Leonardo da Vinci, El caballo y el jinete, superó los 8,1 millones de libras (unos 12, 2 millones de dólares) en una subasta efectuada en Londres. La cifra es absolutamente inusual en cotizaciones relativas a dibujos, e iguala otra plusmarca de Miguel Angel.

La cantidad es similar a la que hace un año se pagó por un dibujo de Miguel Angel , estudio para la resurección de Cristo, también vendido en Christie´s. Las dos han ido a manos de coleccionistas anónimos.

La obra fue adquirida el 10 de julio por un comprador anónimo y se esperaba que superara los 3,5 millones de libras (unos 5,2 millones de dólares). La pintura estaba en manos de la familia del coleccionista de arte estadounidense John Nicholas Brown desde 1928.

El dibujo de Leonardo da Vinci muestra su interés por los caballos, su magnífica técnica y su mirada geométrica en los análisis de perspectivas y volúmenes de los cuerpos

Este dibujo era un trabajo preparatorio para una tabla inacabada sobre la adoración de los Reyes Magos conservada en el Museo de los Uffizi de Florencia. Respondía dicha tabla a un encargo abandonado por el pintor cuando marchó de la ciudad.

Otra subasta con obra de Miguel Angel

Un día más tarde, el 11 de julio, en una subasta de Sotheby´s fue vendido un dibujo de Miguel Angel, descubierto a finales de los años noventa en el castillo Howard, del condado de North Yorkshire, en el norte de Inglaterra, por casi seis millones de libras (unos nueve millones de dólares).

Mujer en duelo, la segunda obra del gran maestro encontrada en los últimos 25 años, fue adquirida por 5.943.500 libras (8.915.250 dólares) por un comprador anónimo.

Un representante de Sotheby´s dijo que la obra es perteneciente a un grupo de estudios que hizo Miguel Angel (1475-1564) a principios de su carrera, entre 1495 y 1505.

 

Reales piedras duras

03/07/2001, El Museo del Prado ha reunido una magnífica selección de piezas -delicados mosaicos y taraceas de piedras duras- que pone de manifiesto la importancia de la historia de las colecciones reales españolas


Madrid, 3 de julio de 2001. guiarte.com

El Museo del Prado ha reunido una magnífica selección de piezas -delicados mosaicos y taraceas de piedras duras- que pone de manifiesto la importancia de la historia de las colecciones reales españolas de en esta materia.

Desde el próximo día 27 de junio y hasta el 16 de septiembre, el Museo del Prado albergará la exposición Las colecciones reales de mosaicos y piedras duras, una muestra única de mosaicos, mesas, consolas y diversos objetos de artes decorativas pertenecientes a las colecciones reales españolas.

Por primera vez, se han reunido piezas conservadas en diversos museos de la Península, así como en colecciones particulares, contando con la presencia de objetos tan señalados como la mesa de Patrimonio Nacional sobre la que se firmó en 1986 el Tratado de adhesión de España a la Comunidad Económica Europea, o conjuntos tan notables como las nueve consolas de Carlos III o el dessert –adorno de mesa-, fabricado por Valadier y que perteneció a Carlos IV, que hasta la fecha no se había mostrado nunca tal y como fue concebido.

Los monarcas españoles, tanto Austrias como Borbones, se interesaron de manera particular por esta técnica rara y costosa que, iniciada en la Antigüedad, volvió a cultivarse en Roma a mediados del siglo XVI. Felipe IV, coleccionista y mecenas extraordinario, adquirió obras de gran valor y la dinastía borbónica fue una importante propulsora de esta expresión artística, siendo el rey Carlos III su mayor protector. De hecho, este soberano fue el fundador de dos manufacturas: la primera en Nápoles, en 1737, y la segunda en el Buen Retiro de Madrid, en 1759. Aunque en un principio hubo que recurrir a operarios florentinos, la fábrica de Madrid consolidó pronto un enorme prestigio propio. Obra de esta Real Fábrica del Buen Retiro son las ocho maravillosas mesas del Museo del Prado que se exhiben en la muestra, junto a las que por primera vez se expone la conservada en el Palacio de Ajuda de Lisboa.

Además de adquisiciones directas por parte de los coleccionistas, este tipo de trabajo fue objeto de regalo entre los reyes, grandes nobles y altos cargos de la jerarquía eclesiástica. Este fue el caso del mosaico de Los desposorios de Santa Catalina, incluido en esta exposición, que fue un presente del Papa Pío IX a Isabel II. El Papa correspondió a la Reina, que previamente le había obsequiado con el lienzo de Murillo del mismo título, encargando para ella esta copia del lienzo en mosaico

En la exposición están representados los cuatro grandes talleres de producción de piedras duras –Florencia, Roma, Nápoles y Madrid-, lo que permite efectuar un recorrido a través de las distintas técnicas, estilos y gustos desde el siglo XVI al XIX. Además, se ha considerado oportuno incluir también la pequeña, pero selecta, antología de mosaicos romanos de teselas diminutas que pertenecieron a los reyes españoles y que en la actualidad se encuentran en le Palacio Real de Aranjuez y en el Palacio Real de Madrid.

La colaboración de Patrimonio Nacional, el Museo de Artes Decorativas, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Museo Nacional de Ciencias Naturales, el Instituto Valencia de Don Juan, el Museo Nacional de Ajuda (Lisboa), la Colegiata de Lerma (Burgos) y de dos coleccionistas particulares, que han prestado obras para la ocasión, ha hecho posible la realización de esta muestra con la que el Museo del Prado pretende restituir el valor de las producciones de piedras duras como uno de los grandes episodios del mecenazgo y coleccionismo europeo, así como significar la importancia de la exquisita colección de piezas de este tipo de arte que posee la propia pinacoteca.

La exposición ha sido comisariada por Alvar González Palacios, quien ha realizado además un intenso trabajo de investigación, cuyo fruto es el exhaustivo catálogo de las colecciones españolas de piedras duras que se ha editado coincidiendo con la muestra. La edición de este catálogo ha sido financiada por El Corte Inglés.

 

El César de Tiziano

29/06/2001, El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg, uno de los más notables cuadros de Tiziano, luce al fin restaurado, en una muestra especial que ha preparado en Madrid el Museo del Prado



El César de Tiziano

Madrid, 27 de junio de 2001. guiarte.com

El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg, uno de los más notables cuadros de Tiziano, luce al fin restaurado, en una muestra especial que ha preparado en Madrid el Museo del Prado.

La historia había sido dura con este magnífico trabajo, realizado en honor del emperador, tras la batalla de Mühlberg. La restauración ha requerido un delicado trabajo.

Desde el 21 de junio al 2 de septiembre, los visitantes de la gran pinacoteca española pueden conocer con detalle el proceso de restauración de esta obra realizada en 1548.

Antes de llevar al taller este lienzo, el Museo del Prado celebró el Simposio Tiziano. Técnicas y restauraciones, con el fin de abordar su recuperación con las máximas garantías. Las opiniones de los distintos expertos internacionales que intervinieron en este encuentro científico fueron de gran utilidad para orientar la intervención sobre la obra, cuyo estado de conservación ha sido motivo de preocupación para el Museo del Prado desde hace mucho tiempo.

El lienzo inició su vida con mal pie, al caer contra un palo durante su proceso de secado, nada más ser concluido por Tiziano. Entonces, el pintor se vio obligado a convertirse en el primer restaurador de la obra.

La pintura sufrió otro duro revés en 1734, durante el incendio del Alcázar de Madrid. Entonces tuvo que ser evacuada con urgencia. Al parecer, muchas de las numerosísimas faltas de pintura original y desgarros que presenta la obra se ocasionaron en este momento, ya que el que el lienzo fue arrancado violentamente de su bastidor, lanzado por una ventana y presumiblemente plegado.

Además de estos dos episodios, consta documentado, que Carlos V en Mühlberg fue también víctima de la guerra civil española, cuando, en un intento de preservar el patrimonio, se produjo el traslado de los fondos del Museo del Prado a Ginebra. El desprendimiento de una de las almohadillas que protegían al lienzo durante este viaje provocó un nuevo daño.

Las consecuencias que cada uno de estos desgraciados accidentes tuvieron sobre el lienzo –roturas y pérdidas de color-, así como cada una de las intervenciones con las que se pretendió solventarlas –remiendos, añadidos de tela, injertos, reintegraciones de color, repintes,...-han sido perfectamente documentadas por el Gabinete Técnico del museo mediante las radiografías, estratigrafías, fotografías de infrarrojos, etc., que se le han practicado a la obra.

Por otra parte, este exhaustivo análisis, dirigido por la conservadora responsable del gabinete, Carmen Garrido, ha permitido conocer con detalle la técnica de ejecución empleada por Tiziano en la elaboración de cada una de las partes de este retrato, lo que resulta significativamente valioso a la hora de emprender una restauración de esta envergadura. Por este motivo, algunos de los documentos de este estudio se exhiben en el escenario de la muestra como parte fundamental del proceso de restauración que se explica.

La intervención de las restauradoras de la pinacoteca, María Teresa Dávila y Rocío Dávila, ha permitido que El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg pueda ser contemplado de nuevo con el protagonismo de la luz crepuscular iluminando el paisaje que le otorgó Tiziano.

Todos los trabajos han sido coordinados y supervisados por Miguel Falomir Faus como Jefe del departamento de conservación de pintura italiana medieval y del Renacimiento del Museo del Prado.

Tanto el proceso de restauración de esta obra, como el Simposio Tiziano. Técnicas y restauraciones que se celebró durante el mes de junio de 1999, han sido generosamente financiados por FIAT. Fiat Ibérica ha patrocinado también la publicación de las actas de este simposio, así como la edición del catálogo de la exposición: La restauración de Carlos V, a caballo, en Mühlberg de Tiziano. Esta empresa es también patrocinadora de la restauración de otras dos obras de Tiziano: Felipe II y La Gloria

La obra

El 24 de abril de 1547 Carlos V derrotó en Mühlberg, a orillas del río Elba, al ejército de la Liga de Smalkalda capturando a su principal dirigente, el elector Juan Federico de Sajonia. Dada su magnitud, la victoria generó numerosas obras de arte de distinta naturaleza destinadas a satisfacer también diversos intereses: grabados de Enea Vico, mayólicas urbinesas, medallas labradas por Giovanni Bernardi da Castelbolognese y Nickel Milicz, o pinturas al fresco como las que decoraron el palacio de los Cruzat en Óriz y el de los Alba en Alba de Tormes.

Carlos quiso ofrecer su propia visión de los hechos y reclamó la presencia de Tiziano en Augsburgo, donde el veneciano acudió a principios de 1548. El resultado fue una obra distinta a las antes citadas, por carecer de referencias explícitas a la batalla, y por prescindir de un lenguaje alegórico en su visualización pese a que Pietro Aretino había recomendado al pintor incluir a un enemigo vencido bajo las pezuñas del caballo y, sobrevolando al emperador, las figuras de la Religión y la Fama, la primera con la cruz y el cáliz en la mano mostrándole el cielo; la segunda con alas y trompa ofreciéndole el mundo.

El retrato de Tiziano ofrece una imagen más verosímil pero no por ello menos rica en significados. Muestra al emperador sobre un caballo español castaño oscuro ataviado con una armadura realizada en 1545 por Desiderius Colman. Su condición de soberano católico queda subrayada por la inclusión en la armadura de una imagen de la Virgen en el pecho y otra de Santa Bárbara en la parte posterior, y por el color rojo de la banda, las plumas del yelmo y los adornos del caballo. Esta imagen “real” encierra otros niveles de interpretación no excluyentes entre sí, al mostrar a un tiempo a Carlos como encarnación del caballero cristiano tal como lo caracterizara su antiguo preceptor Erasmo de Rotterdam, y como heredero de los césares romanos.

El marqués de Santillana

28/06/2001, La figura del Marqués de Santillana (Íñigo López de Mendoza. Carrión de los Condes, 1398-Guadalajara, 1458) ha servido para que Santillana del Mar, histórica villa de Cantabria, tome protagonismo este verano, con una interesante muestra sobre el tran


Santillana del Mar(Cantabria, España) 28 de junio de 2001. guiarte.com

La figura del Marqués de Santillana (Íñigo López de Mendoza. Carrión de los Condes, 1398-Guadalajara, 1458) ha servido para que Santillana del Mar, histórica villa de Cantabria, tome protagonismo este verano, con una interesante muestra sobre el transito de la Edad Media a la Edad Moderna.

La exposición Marqués de Santillana 1398-1458. Los albores de la España moderna pretende recuperar una de las figuras más destacadas del siglo XV español, la de Iñigo López de Mendoza, hombre de talante renacentista, que armonizó la vocación de las armas y de las letras. Fue autor de diversos trabajos en prosa y poesía, destacando las deliciosas Serranillas.

Iñigo López de Mendoza, sumamente culto, escritor, humanista, diplomático, militar y mecenas, es una de las figuras más destacadas del siglo XV español, nació el 19 de agosto de 1398 en Carrión de los Condes (Palencia), hijo de Diego Hurtado de Mendoza, almirante de Castilla, y de Leonor de la Vega. De su madre heredó Carrión, los valles de Potes y Liébana, Pernía, Campoo de Suso, el Señorío de la Vega y las Asturias de Santillana.

La exposición se presenta como un itinerario en los principales espacios culturales de Santillana del Mar y se centra en la vida y obra de López de Mendoza, el contexto histórico y social y la España y la Europa de aquella.

En la jornada inaugural se presentaron primero los ámbitos de las Casas del Aguila y la Parra, donde se expone la faceta del marqués de Santillana como hombre de Estado, para luego trasladarse a la Torre de Don Borja, lugar que acoge la vida familiar y los orígenes de Iñigo López de Mendoza. Finalmente se visitó el Museo Diocesano Regina Coeli, donde se hace un recorrido por la sociedad de la época del marqués de Santillana, para terminar el itinerario de la exposición en el Palacio de Benemejís, donde se alberga la faceta humanista de Don Iñigo.

El duque del Infantado, Iñigo de Arteaga, descendiente directo del marqués de Santillana, destacó a los periodistas, la gran calidad y la labor didáctica de la exposición, con la que se hace justicia a un notable personaje.

Esta es la mejor exposición que se ha proyectado en Cantabria en los últimos años, según los organizadores, con un presupuesto de 240 millones de pesetas. En ella colaboran el ministerio español de Cultura, el gobierno de Cantabria, Caja Cantabria, las fundaciones Santillana, Ramón Areces y Marcelino Botín, Telefónica, el Obispado de Santander, el Ayuntamiento de la villa y la Asociación de Hostelería cántabra.

La muestra presenta 350 piezas entre ellas el retablo del marqués de Santillana, que pertenece a una colección privada es el Retablo de los gozos de Santa María, de 1455, un encargo del marqués al artista Jorge Inglés.

El proyecto de muestra surgió en 1998 con motivo del sexto centenario del nacimiento del Marqués de Santillana. La selección de documentos y obras de la primera mitad del siglo XV, procede de museos y particulares, y ha sido posible por la colaboración de diversas instituciones

Santillana del Mar es una bella localidad del norte de España, cercana a Santander, con apenas un millar de habitantes, pero de intenso sabor medieval por su palacios, casonas y colegiata. Muy cerca alberga también las mundialmente famosas Cuevas de Altamira, uno de los mayores tesoros pictóricos de la Prehistoria.

 

Viena: la llamada del arte

20/06/2001, Viena, siempre atractiva por la belleza de sus espacios y su cultura, se presenta en el año 2001 cargada de interés artístico especial. En la capital austríaca éste es el año de las artes


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Viena, 20 de junio de 2001

Viena, siempre atractiva por la belleza de sus espacios y su cultura, se presenta en el año 2001 cargada de interés artístico especial. En la capital austríaca éste es el año de las artes.

Viena, dedica el año 2001 a Las Artes, y con tal motivo, el departamento Turístico de la ciudad, está realizando diversas acciones promocionales, para dar a conocer al mundo los acontecimientos culturales, que se desarrollarán durante el ejercicio.

Entre los principales eventos conviene destacar en primer lugar, la inauguración del 28 al 30 de Junio 2001, del Museums-Quartier MQ (Barrio de los Museos), que se convertirá en uno de los 10 recintos de museos más grandes del mundo.

Esta espectacular área cultural incluye en sus 60.000 m2 construcciones barrocas, las antiguas caballerizas de la corte, con edificios contemporáneos, verificado por el equipo de arquitectos Laurids & Manfred Ortner y Manfred Wehdorn.

El programa inaugural del 28 y el 29 de Junio presentará Robert Spour Quart su projecto de Sound and Vision. Durante una exposición de música electrónica el 29 de junio se interpretará música de B. Fleischmann. Este día finalizará con una fiesta de verano del Museo de Arte Moderno.

El 30 de junio será el primer día para que el público pueda visitar el área completa. La Kunsthalle Wien, Halle E y G, el Centro de Arquitectura Viena y el Art Cult Center-Museo de Tabaco.

La noche se cierra no sólo con Europride en Viena, sino también con la apertura del Barrio de los Museos.

Puntos fuertes del MQ serán el Museo Leopold, con la mayor colección mundial de Schiele (inauguración: 22 de Septiembre); Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig Wien (inauguración: 15 Septiembre); Kunsthalle Wien, que comienza con la exposición Una Fiesta Barroca, del 12 de Junio al 16 Septiembre; la nueva sede de los Festivales de Viena (11 Mayo-18 Junio); el Centro de Arquitectura; el Museo del Tabaco y el ZOOM Museo para niños.

Otro punto culminante de esta gran oferta, sobre todo para españoles interesado en la escena cultural vienesa, es la exposición dedicada a El Greco, del 2 de Mayo al 2 de Septiembre en el Museo de Bellas Artes.

Otras exposiciones, música, festivales, teatro, etc., completan la variada oferta cultural que la ciudad de Viena presenta para este año, según datos del Servicio de Prensa, Turismo Austríaco en España.

El gran encuentro gay

Durante todo el mes de junio, Viena presenta un lado diferente: Europride. Así se llama el encuentro de homosexuales europeos que tiene lugar por séptima vez, siempre en una capital de la nueva Europa diferente. Un gran número de organizaciones homosexuales y personas individuales se esfuerzan por eliminar viejas barreras y conseguir variedad en numerosos acontecimientos.

El extenso programa incluye todos los aspectos de la vida: desde la política o el deporte hasta el arte o la cultura, así como fiestas brillantes multicolores. En la inauguración, el 1 de Junio, colgó desde la Torre del Danubio, de 245 metros de altitud, una bandera con un arco iris simbólico de 60 metros de largo. Del 2 al 29 de Junio se desarrolla Viena invertida-el Festival cultural de la acera de enfrente en las actividades de Europride.

Uno de los momentos estelares, es la celebración el 16 de junio del mundialmente famoso Life Ball/Baile de la Vida, en el marco incomparable del Ayuntamiento de la ciudad, y cuya recaudación se destina a organizaciones austriacas de ayuda contra el Sida.

Otros puntos culminantes: jornadas de literatura con una noche dedicada a novelas policíacas y otra noche Dandy; una visita guiada a lugares de arquitectura gay; un Euroheuriger (taberna típica); el Forum Político; un extenso tour siguiendo las huellas del cantante Blondl, exposiciones y mucho más.

El final apoteósico es el Desfile del Arco Iris el 30 de Junio, que pasa por la avenida vienesa del Ring y termina con un vals en la Heldenplatz. A continuación celebran la Europride Night en la recién inaugurada Kunsthalle en el Barrio de los Museos. Lema: Fiesta Barroca.

Patrimonio Mundial

Para quienes viajen en busca de turismo histórico, paisajístico y monumental, Viena en concreto y Austria en general, ofertan su grandioso patrimonio. Precisamente, la oficina del Turismo Austriaco en Viena ha editado un folleto dedicado al Patrimonio Cultural de la Humanidad que Austria posee.

En él se recogen centros de indudable belleza: Centro histórico de la ciudad de Salzburgo, el Palacio y Jardines de Schönbrunn, el Paisaje Cultural de Hallstatt-Dachstein Salzkammergut, la Linea Ferroviaria de Semmering, el Centro histórico de la ciudad de Graz, y el Paisaje Cultural del Wachau-Valle del Danubio.

 

De Picasso a Barceló

19/06/2001, El Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires contará del 19 de junio al 15 de julio con la exposición De Picasso a Barceló. Un siglo de arte español en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía(MNCARS).


Un siglo de arte español, en Buenos Aires

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Buenos Aires, 19 de junio de 2001

El Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires contará del 19 de junio al 15 de julio con la exposición De Picasso a Barceló. Un siglo de arte español en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía(MNCARS).

El conjunto irá luego a Brasil, y se mostrará del 30 de julio al 16 de septiembre en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo.

Se trata de un centenar de obras que se integran en el patrimonio del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, presentado por primera vez fuera de España; una selección de pinturas y esculturas destacadas de artistas españoles, desde fines del siglo XIX, pasando por los años de la Guerra Civil, hasta las últimas décadas del siglo XX y el arte de nuestros días.

Según fuentes del MNCARS, con esta muestra se pretende resumir la historia del arte español del pasado siglo XX, desde los fondos de la pinacoteca.

La muestra estará dividida en tres módulos. El primero es Picasso y su entorno (1900-1939); el segundo Arte para después de una guerra (1939-1975) y el tercero es un bloque Los años 80 y 90.

Entre los principales atractivos se encuentran varios trabajos de Pablo Picasso, incluidos seis de sus bocetos preparatorios para el Guernica, uno de los tesoros del Reina Sofía. También se podrán ver obras de Pablo Gargallo, como el Torso de joven atleta, realizado en 1923, año en el que el artista se instaló en París, y de otros grandes del arte como Julio González Pellicer, Joaquín Torres García, Salvador Dalí, Joan Miró, Eduardo Chillida, Antonio Saura y Antoni Tápies.

Se exhibirán también obras de contemporáneos como Miguel Barceló, Carmen Calvo, Ferrán García Sevilla y Miguel Navarro.

La exposición la organiza el Reina Sofía en colaboración con el instituto Arte Viva. Patrocina la misma Telefónica. Presenta 78 pinturas y 25 esculturas de 73 artistas, sin duda todos ellos incluidos entre los grandes del arte español del siglo XX.

Se espera que en Buenos Aires acudan a ver esta exposición unas 400.000 personas.

Como atractivo adicional, De Picasso a Barceló tendrá una ambientación especial a cargo de la escenógrafa brasileña Daniela Thomas, la misma que diseñó la ambientación del módulo Imágenes del Inconsciente de la muestra Brasil 500, que se vio en Buenos Aires este año.

Arte Viva, en coordinación con la Secretaría de Educación de la ciudad de Buenos Aires, desarrollará un proyecto para acercar a la muestra a niños de la periferia de la ciudad y personas sin recursos. Esta iniciativa se financiará con otro proyecto consistente en un programa de adopción de cuadros mediante el cual cualquier persona que done 1.000 dólares se convierte en benefactora del arte.

Con motivo de la exposición se ha publicado un catálogo con fotos de las obras, textos y ensayos de Jaime Brihuega, Víctor Nieto y Fernando Huici. "scar Alonso Molina presenta las biografías de los artistas.

Es comisaria de la exposición María José Salazar, y coordinadora Verónica Castillo.

 

La torre de Pisa, sin corsé

18/06/2001, Durante los últimos tiempos, un corsé metálico sujetaba la torre de Pisa, mientras se hacían operaciones de salvamento. Ahora las estructuras que afeaban el edificio se han retirado. La torre ya está a punto para ser reabierta al turismo.



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Pisa, Italia, 18 de mayo de 2001

Durante los últimos tiempos, un duro corsé metálico sujetaba a la torre de Pisa, a la altura de primer piso, y cuatro tirantes de acero la mantenían anclada, mientras se hacían operaciones de salvamento. Ahora estas tareas han acabado y las estructuras que afeaban el edificio se han retirado. Este 17 de junio de 2001, las llaves del edificio fueron simbólicamente devueltas a la ciudad

Algún estudio del pasado decía que la torre continuaba inclinándose de 1 a 2 milímetros al año y que de continuar la progresión caería en el 2.040. El triste sino de esta torre de 58 metros de altura, inclinada cinco metros sobre su eje vertical, parece que se ha evitado.

Durante los últimos tiempos se han hecho operaciones para consolidar el suelo aluvial sobre el que se asienta el edificio y ahora los técnicos ya han comenzado a retirar los tirantes de acero que lo sujetaban. La Torre, uno de los monumentos más populares de Italia, será reabierta en noviembre tras haber sido enderezada casi 40 centímetros.

El edificio había estado cerrado desde hace once años por el peligro de derrumbamiento.

Los cuatro cables de acero, con una longitud de 100 metros y cuatro toneladas de peso cada uno, fueron instalados en 1998 en la última fase de los trabajos. Las llaves de la torre se entregaron al alcalde de Pisa el 17 de junio, festividad del patrón de Pisa, San Ranieri. Este día se celebra un concierto en la Plaza dei Miracoli, donde está el famosísimo conjunto del baptisterio, la catedral y la torre inclinada.

La retirada de los tirantes siguió a la de los contrapesos de plomo que han servido para consolidar la Torre y que se retiraron en meses pasados.

inclinada desde el siglo XII

La Torre inclinada, el campanario románico de la catedral pisana, se inció en 1170 por Bonanno Pisano y fue finalizada en el siglo XIV.

Cuando estaban haciendo el primer piso ya comenzó a inclinarse por un defecto en la cimentación. Entonces la construcción de paró.

Un siglo más tarde la continuó Giovanni de Simone, quien trató de dar menos peso al lado que se hundía. No llegó a terminar totalmente la obra.

Ya en 1550 hubo una acción importante para salvarla, merced a los trabajos de cimentación que realizó Vasari. Pero en el siglo XIX continuó cayéndose después de que unos ingenieros hidráulicos hicieran unos trabajos que modificaron la capa freática.

En 1990 se cerró al publico, en 1991 se puso en el primer piso unos aros de acero inoxidable y se ancló la estructura con 18 cables de acero. En 1994 se hicieron importantes tareas de afianzamiento del zócalo introduciendo hormigón armado y 670 toneladas de plomo. Entonces se dijo que no se abriría de no conseguir enderezar la torre al menos 20 centímetros. El resultado ha sido positivo.

La torre, ubicada en Pisa, bella ciudad de 100.000 habitantes, en la Toscana, es uno de los monumentos mas visitados de Italia.

El Mosaico Romano

09/06/2001, El Museo Arqueológico Nacional de España presenta una magnífica colección de mosaicos romanos de todo el ámbito mediterráneo, en una muestra de alto interés histórico y artístico: El mosaico romano en el Mediterráneo


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Madrid, 8 de junio de 2001

El Museo Arqueológico Nacional de España presenta una magnífica colección de mosaicos romanos de todo el ámbito mediterráneo, en una muestra de alto interés histórico y artístico: El mosaico romano en el Mediterráneo

Una pasarela elevada, permite recorre todo el espacio de la exposición contemplando de cerca el conjunto expuesto, unas piezas sobre el suelo y otras verticales, sobre las paredes del magnífico museo, sobre un fondo negro y pavimentos de arenas de distintos tonos.

Con todo, el ámbito expositivo es malo. La pasarela avanza a metro y medio de altura, con lo que sí se tiene buena perspectiva sobre los mosaicos del suelo, pero mala sobre los de la pared. A ello se añade la estrechez de algunos espacios y la presencia de otros materiales arqueológicos que poco tienen que ver con la temática de la exposición y distraen al visitante del hilo argumental.

La exposición se encamina a revalorizar un arte que a veces ha sido calificado de menor pero que es básico en el mundo romano, porque no sólo fue un sistema de decoración de amplio uso, sino que merced a él tenemos una excelente crónica de la vida diaria, los mitos y la estética de la civilización romana.

En total son 60 piezas, en las que se muestra la naturaleza, el mito o simplemente los juegos geométricos; dioses, hombres, animales y objetos, adornaron los templos y las villas de Roma y un imperio que se extendió todo a lo largo de las riberas mediterráneas

Al material español, gran parte de él bien restaurado, se unen otras 40 obras de museos de Francia, Italia, Siria, Túnez, Marruecos y Portugal, con objeto de cubrir las imágenes del mundo romano. Los comisarios son el francés Henri Lavagne y el español José María Álvarez, director del museo de Mérida.

Cuatro bloques temáticos se articulan en la muestra: la vida cotidiana, la naturaleza, mitología y el jardín imaginado.

Para Henri Lavagne, con estas obras maestras del mosaico antiguo se presenta un arte deficientemente apreciado: la concepción utilitaria del mosaico como revestimiento es demasiado reductora y deja de lado la dimensión artística fundamental, que se ha afirmado desde sus orígenes.

Los mosaicos expuestos abarcan un periodo del siglo I a de C. hasta el siglo V d. de C.. Es muy interesante la parte de la naturaleza, y especialmente amplia la sección dedicada a la mitología, donde destaca la cabeza del dios Océano (Túnez).

En síntesis, magnífica obra, bien sistematizada y deficiente el marco de ubicación. Pese a este último aspecto, la visita merece la pena.

Museo Arqueológico Nacional, de Madrid (Serrano, 13), abierta la muestra hasta el 30 de julio.

 

Ártico Verde

05/06/2001, Donde hubo hielo hay vegetación; los casquetes polares merman; algunas especies están reubicándose en nuevos territorios; el calentamiento global deja huella clara en el planeta. Es un tema para meditar en el Día Mundial del Medio Ambiente.


Por Artemio Artigas de guiarte.com

Londres, cinco de junio de 2001

Donde hubo hielo hay vegetación; los casquetes polares están mermando; algunas especies están reubicándose en nuevos territorios; el calentamiento global deja una huella clara en el planeta. Es un tema para meditar en el Día Mundial del Medio Ambiente.

Considerado por muchas personas como fecha clave del calendario ambiental, el Día Mundial del Medio Ambiente se celebra los 5 de junio de cada año en más de 100 países. Esta fiesta internacional conmemora la Conferencia de Estocolmo sobre Medio Ambiente, convocada por las Naciones Unidas en 1972. A ella asistieron representantes de 113 países, para elaborar un plan de mejora del medio ambiente.


Esta fecha –destinada a favorecer la reflexión sobre la importancia de conservar y mejorar nuestro entorno- está marcada en el año 2001 por el problema del calentamiento del planeta y las dificultades del Protocolo de Kioto

El deshielo en Alaska

En estos días se ha pueblicado que el hielo está dando paso a la vegetación en los lugares más nórdicos del globo. En Alaska, el número de árboles y de arbustos se ha multiplicado en los últimos 50 años, según aseguró un grupo de científicos que ha comparado fotografías aéreas tomadas a finales de los 40 con las vistas que la región ofrece actualmente.

Los expertos sugieren que el crecimiento de arbustos y árboles en las regiones heladas podría compensar el avance de la desertización en los trópicos, si bien advierten de que las regiones árticas no pueden resolver los impredecibles efectos del cambio climático. Entre ellos pueden estar gravísimos peligros para diversas especies animales, que ya están padeciendo el cambio de su hábitat.

Cuando se empezó a explorar el norte de Alaska en busca de petróleo, a finales de la década de los 40, una división del Ejército de Estados Unidos tomó miles de fotos aéreas de los paisajes yermos, abundantes en las tundras del Artico. Cincuenta años más tarde se ha observado que una gran cantidad de vegetación ha crecido por todas partes. Se ha detectado un enorme incremento de las extensiones verdes y también un aumento del tamaño de los árboles.

El área de estudio está en un lugar donde las perturbaciones humanas y de la naturaleza son mínimas –según dijeron los analistas en la revista Nature- por lo que se atribuye este aumento de vegetación a los cambios del clima.

...y en otros lados

El Océano Ártico está perdiendo dramáticamente los hielos durante el verano; Groenlandia está perdiendo su capa helada en las zonas con las elevaciones más bajas, en particular a lo largo de su costa sur y oriental, en la Antártida las plataformas de hielo que se internan en los mares circundantes están en retirada.

Informes científicos dicen que el hielo y la nieve se están reduciendo en las mayores cordilleras del mundo: las Montañas Rocosas, los Andes, los Alpes y el Himalaya. Esto puede ser dramático para algunas zonas. Así, en el Himalaya que provee de agua a buena parte de los rios de Asia, donde el agotamiento de los depósitos de hielo y nieve podría generar sequías y empobrecimientos de grandes zonas de La India,. Pakistán, China, etc.(aparte de problemas en las costas, donde el nivel del mar seguirá creciendo).

Por otro lado, y según geólogos estadounidenses, casquetes de hielo que cubren las cimas y volcanes del área tropical de Suramérica y de Africa pueden desaparecer en quince años por efecto del calentamiento global.

Uno de los casos más evidentes de destrucción del hielo es el del Kilimanjaro, en Tanzania, la cima más alta de Africa. Una tercera parte de su casquete de hielo ha remitido ya.

En América Latina el deterioro del hielo más estudiado es el del cerro Quelccaya de Perú, en la cordillera de los Andes del Sur. El casco helado de esta montaña se ha reducido al menos en un 20 por ciento desde 1963.

La merma del hielo es muestra de que el calentamiento global ha comenzado a dejar su marca en el planeta. Se aprecia en muchos otros detalles; la comunidad de indios Inuik, que vive en el noroeste de Canadá, ha dado cuenta de que la zona de hielo que habitualmente forma la línea costera de su territorio se mete cada vez más adentro y les obliga a perseguir más lejos la caza de la que viven.

La aparición de especies que nunca habían visto ni siquiera los más viejos y la desaparición de las focas que viven en aguas frías forman parte de algunos de los cambios advertidos.

Un análisis del corazón del hielo realizado en el Tibet, en un glaciar de la montaña Xixa Pangma, de 8.014 metros, muestra que los últimos cincuenta años han sido los más calurosos en el registro de cientos de años que mantiene el hielo. Los datos han sido confirmados en otros puntos del Tibet, en altitudes también cercanas a los 8.000 metros, donde las nieves son perpetuas y se dan las condiciones de frío más extremas.

Todo el proceso puede acelerarse; porque la fusión del hielo puede favorecer el aumento de la temperatura: al reducirse la masa de hielo y nieve se reflejará menos luz solar. Las superficies menos reflexivas absorben más radiación solar, por ello la temperatura aumentará más rápidamente y la fusión se acelerará.

Panel sobre el Cambio Climático

En febrero pasado, el Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático de la ONU emitió un informe sobre los efectos dramáticos derivados de la modificación de las condiciones ambientales.

El Grupo Intergubernamental del Cambio Climático, IPCC, dependiente de la ONU, presentó en Ginebra el documento Cambio climático 2001: impactos, adaptación y vulnerabilidad. Los expertos afirmaron que el aumento de la temperatura del planeta durante el siglo XX debido a la actividad humana fue de más de medio grado centígrado. Se prevé que este fenómeno continuará. Las consecuencias serán inundaciones y sequías en todo el planeta; hambres y epidemias, y el deshielo de casquetes polares y nieves perpetuas. Los daños pueden resultar más graves en los países más pobres.

El vicepresidente del IPCC, James McCarthy, dijo el 19 de febrero, al presentar el informe, que se calcula que la temperatura de la superficie terrestre aumentará entre 1,4 y 5,8 grados en los próximos cien años; básicamente como consecuencia de actividades humanas. El nivel del mar subirá entre 8 y 88 centímetros y se producirán aumentos o descensos en las precipitaciones de entre un 5 y un 10 por ciento. Todo esto tendrá efectos devastadores en la naturaleza y en el hombre.

El informe publicado por los expertos intenta establecer cómo este alza de las temperaturas afectará a las diversas regiones. Según el estudio, la capacidad de hacer frente a los cambios climáticos y la vulnerabilidad de los ecosistemas tiene una relación directa con el nivel de desarrollo de las comunidades.

Las regiones mejor preparadas son Europa y América del Norte donde aunque se dejarán notar los efectos negativos(especialmente en el sur de Europa), también se pueden esperar algunos resultados positivos, a corto plazo, como un aumento de las cosechas en algunas zonas(tierras frías del norte de Europa, Asia y América) o menor demanda energética para calefacción.

La región del mundo más sensible y frágil es la polar, donde los daños son ya visibles y los cambios se producirán más rápidamente, con la desaparición de los glaciares, la flora y la fauna.

Para Latinoamérica, Africa y Asia la situación tampoco es mejor pues toda son zonas altamente vulnerables y tienen baja capacidad de reacción y adaptación a los cambios climáticos.

Algunos de los ecosistemas ha sufrido ya daños significativos, que pueden convertirse en irreversibles en territorios como los glaciares, las barreras de coral, los atolones, los manglares, los bosques boreales y tropicales. Es particularmente grave la posible desaparición de la zona de manglares de la India y Bengala.

Otras visiones

Pero en este tema tambien hay voces harto disonantes. En estos días, el geólogo alemán Ullrich Berner dijo que las emisiones de dióxido de carbono (CO2) tienen sólo un papel mínimo en el calentamiento de la tierra y que hasta ahora muchos científicos han pasado por alto la importancia que tienen los ciclos solares en este proceso. Si miramos los últimos 150 años, vemos que el aumento del CO2 en la atmósfera no coincide con la curva del aumento de la temperatura, asegura Berner en una entrevista que publicó la revista Der Spiegel.

Hasta 1940 hubo un aumento de la temperatura que no tuvo nada que ver con el CO2 y luego, a comienzo de la década de los 50, hubo un descenso de las temperaturas mientras que el CO2 en la atmósfera aumentó, agregó el científico.

Según Berner, que dirige el Instituto Federal de Geociencias y Materias Primas, adscrito al Ministerio de Economía alemán, hasta ahora se ha subestimado el papel que en el clima de la tierra desempeña el sol que, según dice, no arde constantemente como una bombilla sino tiene ciclos cambiantes. El geólogo espera que las temperaturas sigan ascendiendo porque aún estamos en el período ascendente de un ciclo solar a largo plazo pero no cree que el calentamiento de la tierra vaya a ser tan dramático como predicen algunos. la atmósfera aumentó, agregó el científico.

Con seguridad no va a haber un calentamiento de 5,8 grados centígrados, ese pronóstico es exagerado, dice Berner en alusión a las predicciones del Intergouvernmental Panel of Climate Change (IPCC).

El creador Calatrava

30/05/2001, Santiago Calatrava no sólo es un notable ingeniero, sino algo más: es un creador con importante obra en dibujo y escultura, tal como se puede comprobar en la muestra Santiago Calatrava: esculturas y dibujos, organizada por el Instituto valenciano de


guiarte.com

Valencia, 30 de mayo de 2001

Santiago Calatrava no sólo es un notable ingeniero, sino algo más: es un creador con importante obra en dibujo y escultura, tal como se puede comprobar en la muestra Santiago Calatrava: esculturas y dibujos, organizada por el Instituto valenciano de Arte Moderno, IVAM.

Javier Arnaldo, comisario de la exposición que ha organizado el IVAM, ha seleccionado 51 esculturas y 80 dibujos, además de 15 carnets de dibujo y cuadernos de estudio, junto a diversos prototipos escultóricos, modelos y estructuras plegables que complementan este acercamiento a la concepción que tiene Calatrava del trabajo plástico.

La exposición no se articula a partir de un orden cronológico, sino atendiendo a los principales paradigmas de su producción, entre los que están el equilibrio, el movimiento, la flexibilidad, la suspensión, el cuerpo humano y el biomorfismo, que, como otros motivos de pareja importancia, están presentes en mayor o menor grado en toda su obra. La diferenciación de capítulos dentro de la exposición sirve para organizar las referencias fundamentales de su trabajo y para presentar de forma elocuente e interrelacionada los objetos. El catálogo editado con motivo de la exposición se ilustra con la reproducción de las obras expuestas y publica un ensayo de Antón Capitel sobre la plástica de Santiago Calatrava.

Sus primeras esculturas se remontan al año 1985, en el que expuso por primera y única vez en una galería comercial, la Jamileh Weber Gallery de Zúrich. Después no ha cesado de explorar las posibilidades de la escultura, con más de un centenar de obras realizadas hasta el presente. De ellas se muestra una representación muy amplia, en la que se da cuenta de toda su trayectoria. De entre sus decenas de miles de dibujos se han seleccionado para esta exposición fundamentalmente ejemplos significativos de sus composiciones de figuras que permitirán al espectador familiarizarse con el papel que juega la anatomía humana en movimiento como germen de todas sus exploraciones formales.

Santiago Calatrava Valls nació en 1951 en Benimamet (Valencia). En 1974 concluyó sus estudios de arquitectura en la ETSA de Valencia y entre 1975 y 1979 cursó ingeniería civil en el Politécnico Federal de Zúrich, donde se doctoró en 1981 con una investigación sobre la plegabilidad de las estructuras espaciales. Abrió un estudio de arquitectura en Zúrich ese mismo año, y un segundo estudio en París en 1989.

Calatrava ha participado en numerosos concursos internacionales para la construcción de obras públicas y es autor de obras tan importantes en la historia reciente de la arquitectura como, entre otras, la estación de ferrocarril Stadelhofen de Zúrich, la Estación de Oriente de Lisboa, el Puente del Alamillo de Sevilla, la estación del aeropuerto de Lyon y la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Con sus puentes, sus cierres, sus cubiertas, sus estaciones y aeropuertos Calatrava ha marcado un antes y un después en la historia de la arquitectura y ha revolucionado el universo formal de la construcción.

La mayor parte de sus obras realizadas están en Suiza, España, Alemania, Francia y Canadá. Su trabajo ha sido además objeto de un buen número de publicaciones y de exposiciones que se le han dedicado en Basilea, Toronto, Nueva York, Tokio, Valencia, Londres y otras ciudades. A un largo elenco de exposiciones aporta ahora el IVAM una retrospectiva inintercambiable en relación a lo que se ha dado a conocer hasta el momento.

En el recorrido temático de esta retrospectiva se suceden los siguientes capítulos:

El ojo como canon

En torno a uno de los motivos que recrea formal y conceptualmente Calatrava en sus creaciones, el ojo humano, se ordena el espacio que abre la exposición, presidido por la escultura Standing Bird (S 15B). La idea de un ojo fundido con el todo, establecido como canon del sentir universal del trabajo del artista, se refleja de diversas maneras.

El espejo del equilibrio

Llamamos máquinas de equilibrio o equilibrios dinámicos a las piezas en las que Calatrava ensaya con relaciones de equilibrio entre masas sometidas a empujes que alteran su sistema estático. Conforman toda una vertiente de su escultura. Un rasgo común a todas estas abstractas esculturas en equilibrio es que funcionan como analogías anatómicas.

Sinergia. Formas y modulación de energías

Las piezas grandes que se han colocado en la explanada del museo dan continuidad hacia el exterior al grupo de esculturas que forman parte del tercer apartado de la exposición, cuyo tema es la sinergia o colaboración orgánica entre elementos de aspecto biomórfico. En todo ese conjunto hallamos volúmenes que se rigen por los principios de modulación y simetría.

Máquinas biomórficas

Muchas de las construcciones y proyectos arquitectónicos de Calatrava tienen componentes móviles complejos en las cubiertas o en las entradas, como ha ocurrido, por ejemplo, en la cúpula móvil de cristal que ideó para el Reichstag en Berlín o en la entrada a la sala municipal que construyó debajo de la Plaza de España de Alcoy. Varias de sus esculturas están también dotadas de mecanismos que pueden ser puestos en marcha para simular un movimiento orgánico.

El laboratorio de la levedad. Movimiento y proporción

La última sala está presidida por la escultura Winking Eye (S 9), otra máquina biomórfica, que esta vez simula el movimiento de un gigantesco ojo que cierra y abre sus párpados. Esta escultura, que retoma el tema planteado al comienzo de la exposición, se complementa con la que ocupa el centro de la sala, una Maternidad (S 19) rigurosamente abstracta, pensada como un balancín de metal que se mece sobre una piedra negra.

En torno a estas piezas se exhiben obras que contribuyen a recrear aspectos aún no tratados de la obra de Calatrava y a ubicarnos en, por así decir, su laboratorio artístico. Una parte fundamental está ocupada por los dibujos. Por un lado, dos grandes frisos de bocetos de figuras humanas nos sitúan en el estadio más espontáneo de sus creaciones.

Al igual que en sus dibujos sobre papeles desplegables, también expuestos, se entrega al tema del desnudo en las más diversas posturas y celebra desde la memoria y la inventiva la infinita ductilidad del cuerpo humano, como en un festejo vitalista de la variedad y del movimiento.

Exposición : Santiago Calatrava: esculturas y dibujos

IVAM Centre Julio González

31 de mayo - 26 de agosto de 2001

Comisario: Javier Arnaldo

Organiza: Instituto Valenciano de Arte Moderno

Renacimiento Mediterráneo

26/05/2001, Una muestra de intenso contenido artístico se presenta en Valencia hasta el próximo 18 de septiembre del 2001: Renacimiento Mediterráneo: Viajes de artistas e itinerarios de obras de arte entre Italia, Francia y España en el siglo XV.



guiarte.com

Valencia, 25 de mayo de 2001

El gran mosaico cultural y los vínculos de las ciudades europeas del siglo XV, se presentan en la exposición El Renacimiento Mediterráneo que puede ser contemplada en el Museo de Bellas Artes de Valencia.

La muestra acoge principalmente grandes obras pictóricas de temática muy variada y poco conocidas de maestros extranjeros como Van Eych, Antonello de Mesina, Van der Weyden, Colantonio, Juan de Flandes, Pinturicchio y los valencianos Jacomart, Reixach, el maestro de Bonastre, Bermejo, Goncal Peris y Miquel Alcanyís.

A través de las obras expuestas de estos maestros del arte universal,el público tiene la oportunidad de sumergirse en los pormenores de un siglo XV de intensa efervescencia artística y en la que la noción de intercambio cultural sirvió de aglutinante para la concreción de una idea trasnacional del continente europeo, según señaló en conferencia de prensa el consejero de Cultura, Manuel Tarancón. Acompañaban a Tarancón en su comparecencia con los medios el catedrático de Historia del Arte, Mauro Natale y el director gerente de la Fundación Colección Thyssen -Bornemisza, Carlos Fernández de Henestrosa.

El titular del departamento valenciano de Cultura dijo que El Renacimiento Mediterráneo. Viajes de artistas e itinerarios de obras entre Italia, Francia y España en el siglo XV vuelve a incidir, a partir de sus interesantes contenidos, en el sugerente mundo urbano de la Valencia del siglo XV, cuando fue un gran mosaico cultural.

Esta muestra de intenso contenido artístico se presentó en España desde el 31 de enero hasta septiembre del 2001. La exposición se vió en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, del 31 de enero al 6 de mayo de 2001, y luego está en el Museo de Bellas Artes de Valencia, del 18 de mayo al 2 de septiembre de 2001

El Renacimiento mediterráneo. Viajes de artistas e itinerarios de obras entre Italia, Francia y España en el siglo XV, analiza el intercambio de ideas y formas entre las distintas cortes y países europeos desde 1390 hasta el año 1500.

La muestra está organizada por la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza y el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, y patrocinada por la Caja de Ahorros del Mediterráneo.

El Renacimiento mediterráneo reune alrededor de 100 obras, entre pinturas sobre tabla, manuscritos, esculturas, textiles y objetos de uso religioso o decorativo; a través de ellas, y de los diversos ensayos que se publicarán en el catálogo, se pretende analizar las distintas manifestaciones artísticas y las corrientes de gusto que imperan a lo largo del siglo XV desde una nueva perspectiva, con un enfoque nunca hasta ahora abordado por ningún museo español.

Las intensas relaciones comerciales que se producen en torno al Mar Mediterráneo durante todo este periodo - y en las que ocupa un lugar destacado la circulación de obras de arte, la movilidad de las personas, el transporte de todo tipo de objetos y mercancías, así como el de las ideas -, tienen como resultado la configuración de un ambiente cosmopolita y el desarrollo de un fructífero intercambio cultural.

Artistas de renombre como Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Pedro Berruguete, Juan de Flandes o Antonello de Messina, estan presentes en la exposición junto a otros muchos autores, algunos anónimos, de los que podrán admirarse obras de excepcional calidad, completando el complejo panorama artístico tejido alrededor del Mediterráneo a lo largo de todo el siglo XV.

Las obras se presentan al público reunidas en tres secciones: Un Mediterráneo cosmopolita (1390–1440), dedicado al gótico internacional y a las relaciones entre la corte francesa, los Países Bajos, Italia y los centros germánicos; Un Mediterráneo bipolar (1440-1460), centrado en los dos grandes focos artísticos del momento: Países Bajos e Italia, y sus respectivas aportaciones: el naturalismo del Norte y la perspectiva procedente del Sur; y, finalmente, Centros y territorios de Europa Meridional (1460-1500), que revisa el último periodo del siglo XV con el avance de la perspectiva, originaria de Italia, y la influencia del estilo franco-flamenco en los principales focos artísticos de la órbita mediterránea.



Datos de interés

Título: El Renacimiento mediterráneo. Viajes de artistas e itinerarios de obras entre Italia, Francia y España en el siglo XV

Comisario: Mauro Natale

Coordinación: María del Mar Borobia, conservadora de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza

Lugar y fechas: Madrid: Sala de Exposiciones Temporales del Museo Thyssen-Bornemisza - Del 31 de enero al 6 de mayo de 2001 Valencia: Museo de Bellas Artes – Del 18 de mayo al 2 de septiembre de 2001

Publicaciones: Catálogo (ensayos a cargo de Mauro Natale, Joaquín Yarza, Jacques Heers, Eduard Mira, Alberto Várvaro, François Avril, Gennaro Toscano y Rosa Martín i Ros)

 

Alto al Desierto

26/05/2001, De poco sirve el progreso técnico de la humanidad si nos conduce al desierto. Es una reflexión que debemos asumir en la celebración del Día Mundial contra la Desertificación, convocado por las Naciones Unidas para sensibilizar de un grave peligro

Alto al desierto

Por Artemio Artigas

guiarte. Com. 17 de junio de 2001

De poco sirve el progreso técnico de la humanidad si nos conduce al desierto. Es una reflexión que debemos asumir en la celebración del Día Mundial contra la Desertificación, convocado por las Naciones Unidas para sensibilizar de un grave peligro.

En diciembre de 1994, se proclamó el 17 de junio como Día Mundial de Lucha contra la Desertificación y la Sequía.

La desertificación es una degradación medioambiental caracterizada por la disminución de la capacidad de la tierra para retener agua, que incide en el empobrecimiento de la biodiversidad. La erosión, la degradación del suelo y la pérdida de biodiversidad son graves problemas que acechan a la humanidad, según se dijo en la cumbre de Río de Janeiro, en 1992.

El proceso de desertificación afecta a un 40 por ciento del planeta y amenaza la vida de más de 1.000 millones de personas en más de 110 países del mundo, según Kofi Annan, secretario general de la ONU. Talas forestales intensivas, incendios, sobreexplotación y cambio climático son factores que los expertos señalan como causantes del avance del desierto.

La erosión es un problema grave que el hombre acentúa al cambiar el uso del suelo y quitar la cobertura vegetal. Una vez talados los bosques, el suelo desnudo es sistemáticamente empobrecido por la erosión de la lluvia y el viento. El excesivo laboreo y pastoreo incentivan el deterioro.

Según algunos informes, los suelos agrícolas pierden un 50 por ciento del carbono tras dos décadas de laboreo intensivo. La falta de materia orgánica genera un deterioro generalizado de la estructura del suelo, que es incapaz de retener agua y nutrientes. El resultado es una erosión creciente y una merma de fertilidad. Kofi Annan dijo recientemente –refiriéndose al problema- que el año pasado cientos de miles de personas en el este de África abandonaron sus tierras cuando la sequía destruyó las cosechas. En América y en el Sur de Europa, los incendios devastaron millones de hectáreas de bosques, y enormes tormentas de arena destruyeron grandes áreas del noroeste de África.

En el entorno mediterráneo el tema es muy grave. En España, más del 40 por ciento del territorio está sometido a procesos de desertificación y el 20 por ciento está gravemente afectado. A ello se une en la costa el problema de la salinización de acuíferos. La zona oriental de la península Ibérica es la más afectada.

Recientemente, el presidente del Banco Mundial, James Wolfensohn, también alertó sobre la gravedad del problema en el ámbito económico y reclamó la colaboración de empresas, sector público e instituciones financieras en la defensa de la biodiversidad

No vale de mucho ser rico en el desierto dijo ante una audiencia de más de un centenar de empresarios, personal de instituciones multilaterales y expertos medioambientales que participaron en un seminario sobre biodiversidad.

Especialistas en diversidad biológica alertaron sobre la necesidad de preservar las regiones más gravemente amenazadas del mundo que albergan, en total, más del 60 por ciento de los ecosistemas del planeta. Mientras, los ecologistas, críticos con empresas e instituciones reunidas, pidieron acciones urgentes porque cada día, desaparecen doscientas especies vegetales o animales, a causa de la destrucción de ecosistemas y del cambio climático.

 

Esplendor Omeya

24/05/2001, En Medina Azahara se presenta El esplendor de los Omeyas cordobeses, que incluye alrededor de trescientas piezas y muestra la riqueza del Califato del Al-Andalus. Una exposición fuera de lo corriente que guiarte.com recomienda


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Córdoba, España, 24 de mayo de 2001

En el conjunto arqueológico de Medina Azahara se presenta la exposición El esplendor de los Omeyas cordobeses, que incluye alrededor de trescientas piezas y que pretende plasmar la riqueza del Califato del Al-Andalus. Es una muestra fuera de lo corriente, que guiarte.com recomienda.

La muestra es similar a otra presentada hace poco en París, De Damasco a Córdoba ,pero introduce un elemento fundamental. El escenario. Se presenta en el punto de Occidente donde los Omeyas alcanzaron un poder político inmenso y una notable presencia cultural.

En su presentación, la consejera de Cultura de Andalucía, Carmen Calvo, dijo que era la más compleja muestra que ha organizado el Gobierno andaluz, con una treintena de piezas excepcionales de más de una doce de museos del mundo, entre los que se encuentran el Louvre, en París, y otros de Egipto y Damasco.

Medina Azahara

Medina Azahara, donde la exposición esta abierta desde mayo hasta el 30 de septiembre, ha experimentado en los últimos meses una serie de importantes obras para acoger la muestra, algunas de ellas quedarán estables y otras son efímeras.

El conjunto arqueológico de Medina Azahara, que fue descubierto en 1910 y que en la actualidad está excavado en un diez por ciento de su superficie, comenzó a construirse en el año 936, con Abderramán III y se terminó en el 976, con Alhaken. La historiadora Margarita López, especialista en el periodo musulmán español, mantuvo en unas jornadas celebradas en 1997 que el el traslado los Omeyas de Siria a Al-Andalus es consecuencia de una profecía del abuelo del primer califa de Córdoba, Abderramán I, que cumplió la predicción al llevar a su pueblo a Andalucía, lo que conllevaría su salvación.

La muestra

La exposición El esplendor de los Omeyas cordobeses reúne trescientas piezas, procedentes de quince países, vinculadas a la cultura que floreció en Córdoba entre los siglos VIII y XI.

Los distintos restos que componen la muestra se encuentran repartidos entre dos de las instalaciones que componen la antigua ciudad árabe del siglo X, como son el Edificio Basilical Superior, en el que se puede ver una representación de la arquitectura omeya, y el Salón Rico, en el que se hallan ejemplos de la decoración de la cultura andalusí.

El director del recinto arqueológico y uno de los comisarios de la muestra, Antonio Vallejo, dijo que el gran atractivo de la iniciativa es poder recuperar un conjunto de piezas omeyas y abbasíes de gran calidad, una gran parte de las cuales pertenecía a la propia Medina Azahara.

El regreso de algunos de los elementos que se exhiben en la muestra a su lugar de origen es, a juicio de Vallejo, el rasgo que diferencia esta exposición de otras en las que la temática central ha sido también la cultura omeya

Tanto en el Edificio Basilical Superior como en el Salón Rico las distintas piezas se encuentran distribuidas en una secuencia cronológica, que se inicia con los primeros materiales omeyas y abbasíes, que constituyen un substrato del arte califal, pasa por la época del emirato, que abarca desde el 756 hasta la autoproclamación de Abderramán III, y concluye con el periodo califal, que se extiende hasta el año 1031.

Entre los elementos que se exhiben en esta sala se hallan los primeros capiteles islámicos de la Península Ibérica, uno de ellos mandado labrar por Abderramán II para un edificio religioso; celosías de yeso procedentes del Museo Nacional de Damasco (Siria); las primeras basas islámicas decoradas y una selección de pilas de la época califal.

El periodo califal es, según Vallejo, un momento de gran eclosión artística, especialmente durante el mandato de Abderramán III y Alhaken II, pero el proceso de expolio que se llevó a cabo durante la época de taifas, que vendían los mejores materiales a las taifas poderosas de otros países, provocó que muchos elementos arquitectónicos y ornamentales se repartieran por todo el mundo.

En el Salón Rico se puede contemplar una muestra representativa del arte suntuario del Califato, el Emirato y de Oriente, aseguró el director de Medina Azahara. Así, entre las piezas que alberga esta sala, que era el lugar donde Abderraman III y Alhaken II hacían las recepciones oficiales, se hallan los dos famosos cervatillos, uno procedente de Qatar y otro del Museo Arqueológico de Córdoba.

Además, se ubican en este recinto varias muestra de la cerámica de época omeya y abbasí, como platos con decoración de goterones, tinteros, jarros y pebeteros, así como tres aguamaniles en forma de pavón, una selección de monedas de esta cultura, un conjunto de joyas y cristales de roca hechos en Egipto. Ejemplos de los avances científicos andalusíes son otro de los atractivos de la muestra, entre los que se pueden citar varios astrolabios, un par de cuadrantes solares y un condensador de alambique.

La cultura omeya nace en La Meca y Medina, avanza posteriormente hasta Damasco, para continuar su expansión por el Mediterráneo y el Norte de Africa, y llega en el siglo VIII a la Península Ibérica.

La exposición fue inaugurada por los Reyes de España, así como por el presidente de Siria, Bachar El-Asad.

 

La UNESCO eligió las Obras Maestras

21/05/2001, La UNESCO proclamó ya las primeras diecinueve Obras Maestras del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad, entre las que figura una española el Misterio de Elche o Misteri d´Elx, una interesantísima re


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París, 20 de mayo

La UNESCO proclamó ya las primeras diecinueve Obras Maestras del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad, entre las que figura una española el Misterio de Elche o Misteri d´Elx, una interesantísima representación de raíces medievales.

Hasta ahora, el organismo cultural de Naciones Unidas distinguía los sitios naturales o el patrimonio de carácter material, pero ahora ha ampliado su orientación en una jornada histórica, como la calificó su director general, Koïchiro Matsuura.

De este modo se hicieron, el 18 de mayo, las 19 primeras proclamaciones ajustadas al nuevo criterio, adoptado en 1999, que se preocupa por las obras colectivas que emanan de una cultura y se basan en una tradición.

Entre las elegidas figuran también el canto polifónico georgiano, el teatro siciliano de marionetas Opera dei Pupi, la ópera china Kunqu, el teatro japonés Nôgaku, las manifestaciones culturales del pueblo Zápara (Ecuador y Perú), los relatos cantados Hudhud des Ifugao (Filipinas), etc.

La elección del Misteri, drama litúrgico de origen medieval, único en el mundo, que escenifica la muerte, ascensión y coronación de la Virgen, protagonizado por el pueblo de Elche desde hace ocho siglos, fue acogida con gran satisfacción en España. Esta designación es particularmente notable para la ciudad de 200.000 habitantes, que el año pasado recibió gozosa el nombramiento de Patrimonio Mundial para su Palmeral, el mayor de Europa.

Este drama litúrgico de origen medieval interpretado en lengua valenciana, es el único que sobrevivió, entre otros obstáculos, al Concilio de Trento, que prohibió todo tipo de representación teatral en el interior de una iglesia.

Otras obras del ámbito hispano destacadas por la UNESCO fueron el carnaval de Oruro de Bolivia; el patrimonio oral y las manifestaciones culturales del pueblo de Zápara, en Ecuador y Perú; el espacio cultural de la Hermandad del Espíritu Santo de los Congos de Villa Mella, en la República Dominicana, y la lengua, danzas y música de los Garifuna, presentadas por Belice, con el apoyo de Honduras y Nicaragua.

Entre el ámbito africano destaca la siempre animada plaza de Jemaa el-Fna, en Marrakech, espacio cultural promovido por el escritor español Juan Goytisolo, primer presidente de este jurado,

Listado completo

Las 19 primeras Obras Maestras del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad, espacios culturales y formas de expresión populares y tradicionales de valor excepcional proclamadas por la UNESCO fueron las siguientes:

- El Misterio de Elche (España).

- El patrimonio oral y las manifestaciones culturales del pueblo Zápara (Ecuador y Perú).

- La lengua, las danzas y la música de los Garifuna (Belice, con el apoyo de Honduras y Nicaragua)

- El carnaval de Oruro (Bolivia). - El espacio cultural de la Hermandad del Espíritu Santo de los Congos de Villa Mella (República Dominicana).

- El espacio cultural de la plaza Jemaa el-Fna (Marruecos).

- El patrimonio oral Gelede (Benin, apoyado por Nigeria y Togo).

- Las trompetas Gbofe de Afounkaha: la música y el espacio cultural de la comunidad Tagbana (Costa de Marfil).

- El espacio cultural del Sosso-Bala (Guinea).

- El espacio cultural del distrito Boysun (Uzbekistán).

- Los relatos cantados Hudhud des Ifugao (Filipinas).

- La ópera Kunqu (China).

- El teatro sánscrito Kuttiyattam (India).

- El teatro Nogaku (Japón).

- El ritual real ancestral y la música ritual del santuario de Jongmyo (Repúblilca de Corea).

- El espacio cultural y la cultura oral de los Semeiskié (Rusia).

- El canto polifónico georgiano (Georgia).

- El teatro de marionetas siciliano Opera dei Pupi (Italia).

- La creación y el simbolismo de las cruces en Lituania (Lituania)

 

China, cielo y tierra

10/05/2001, La Fundación la Caixa en las Islas Baleares, presenta desde el 9 de mayo al 1 de julio una exposición relativa a la creatividad artística china, con obras del Museo Guimet parisino.


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Palma de Mallorca, España, 10 de mayo de 2001

La Fundación la Caixa en las Islas Baleares, presenta desde el 9 de mayo al 1 de julio una exposición relativa a la creatividad artística china, con obras del Museo Guimet parisino.

China posee la civilización que, por un mayor periodo de tiempo, ha congregado a un mayor número de personas en el mundo. Hoy todavía, en nuestro planeta, una de cada cinco personas habla chino. Más que la lengua, lo que define tal pertenencia es su sistema de escritura. Pero previamente a este vector cultural, dicha identidad se asienta en una base de naturaleza orgánica. Se trata de la tierra, materia básica para la producción de la mayor parte de sus creaciones.

Esta tierra generadora de las diez mil cosas bajo el cielo constituye el objeto de la presente exposición: China, cielo y tierra. Se han seleccionado para la ocasión doscientas veintidós obras pertenecientes a las colecciones nacionales de arte asiático del Musée Guimet de París. La presente retrospectiva reúne bajo siete epígrafes encadenados cronológicamente algunos aspectos de esta gran aventura creadora.

Desde las primicias del Neolítico hasta las elaboradas producciones de la última dinastía, se pasa revista a más de 6.000 años.

Entre el quinto y el tercer milenio, agricultores y alfareros cobran protagonismo. Los primeros grupos humanos son la base de tres dinastías reales, Xia, Shang y Zhou, entre el segundo y el primer milenio. Se caracterizan por sus sociedades fuertemente ritualizadas en torno al culto de los antepasados del clan dominante.

Con la fundación del imperio y el advenimiento de los Han (entre los años 206 a.C.-220 d.C.), el país ingresa en el período clásico. Las más bellas muestras que se han conservado hasta nuestros días proceden del arte funerario.

Los Tang (618-907) coinciden con tiempos de expansión territorial y de esplendor panasiático, en especial gracias a la ruta de la seda. Esta arteria económica que facilita el intercambio cultural inducirá al exotismo. Sus sucesores, los Song (960-1278), emprenden un cierto retroceso y alientan el retorno a los valores nacionales en torno a las artes de pincel y del té. Tras más de un siglo de ocupación mongólica, los Ming (1368-1644) reanudan por su cuenta las tradiciones de los Song, ampliándolas, perfeccionándolas y modernizándolas.

El despotismo ilustrado al inicio de los Qing (1644-1911) tenderá a evolucionar hacia un paternalismo autoritario y las minorías ilustradas, cada vez más distanciadas de la realidad, contribuyen a precipitar a la China del siglo xix en un período de decadencia

Datos de interés

Fundación "la Caixa" en las Illes Balears
Plaça Weyler, 3 – 07001 PALMA - Islas Baleares Tel: 971 17 85 00 Fax: 971 72 21 20

 

El Greco en Viena

08/05/2001, El Kunsthistorische Museum (KHM) de Viena presenta por todo lo alto la obra de Domenico Theotokopoulos, El Greco, con una extraordinaria antología del artista, en la que se recogen piezas procedentes de España, EEUU, Italia y Grecia


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Viena, 8 de mayo de 2001

El Kunsthistorische Museum (KHM) de Viena presenta una muestra excepcional sobre Domenico Theotokopoulos, El Greco, con una antología del artista, en la que se recogen piezas procedentes de España, EEUU, Italia y Grecia

Es una muestra que estará abierta desde mayo al 2 de septiembre, con pinturas que nunca antes se habían contemplado juntas.

Es, sin duda, la mayor exposición de la obra de El Greco que se ha mostrado nunca fuera de España, y por las cesiones de varios museos estadounidenses permite por primera vez ver juntas piezas excepcionales que presentan la trayectoria global de uno de los más destacados maestros del arte, dijo a la agencia EFE Fernando Checa, el director del Museo del Prado.

Cuarenta obras maestras de El Greco permanecerán expuestas especialmente para un publico centroeuropeo que raras veces tiene ocasión de ver exposiciones de este artista mediterráneo.

Para Europa Central y también para el ámbito germanohablante es ésta la primera muestra monográfica del artista. Teníamos que sacarnos aquella espina, bromeó el director del museo vienés, Wilfried Seipel, recordando el desafío planteado por el difunto escritor Thomas Bernhard, quien con su acostumbrado sarcasmo había criticado a la suntuosa pinacoteca de Viena indicando que no posee ni un Goya y ni siquiera un greco.

Aclamado frecuentemente como precursor del expresionismo alemán, resultaba extraña la ausencia de El Greco en alguna gran exposición centroeuropea, hasta ahora.

Para Checa resulta especial la presencia de piezas que rara vez se habían expuesto en Europa, como el Lacoonte, única obra mitológica de El Greco y que presenta además como curiosidad a Toledo como paisaje de fondo, el posible autorretrato del artista o el retrato de fray Hortensio Félix Paravicino.

Actualmente muchas de las obras más valiosas del pintor de origen cretense se hallan en museos de EEUU. Fueron adquiridas en los siglos XIX y XX. La mayor parte de las que ahora aparecen, cedidas por museos de Washington o Boston no se vieron en la última gran exposición de El Greco que se celebró en Madrid, 1980.

De las 40 grandes obras del artista presentes en la capital austriaca, 26 proceden de España, entre ellas el Caballero de la mano en el pecho, mientras que Grecia ha aportado varios iconos de la obra inicial del genio, e Italia contribuye con cuadros de su época de aprendizaje en Venecia y Roma.

La exposición es una auténtica sensación para el área cultural germana y Centroeuropea, con escasa obra del artista

En Budapest, Munich y Praga hay algunas obras de El Greco, pero ninguna fue nunca propiedad de la casa real de los Habsburgo, cuyo tesoro forma parte de la extensa colección vienesa.

Esto se debe a que las representaciones religiosas del artista no eran del gusto del rey de España, Felipe II, de la casa de los Austria, quien hubiese sido el eslabón que lo hubiera conducido a El Greco a Viena, capital del imperio, explicó la comisaria Silvia Ferino-Pagden.

La exposición tiene, entre otros, cuadros famosos como El caballero de la mano al pecho, El político de Módena, La Trinidad, Lacoonte y algunas obras que nunca estuvieron en el Prado, como el retrato de fray Hortensio Félix Paravicino, propiedad del Museum of Fine Arts de Boston, que por primera vez regresa a Europa, y calificado como una de las grandes obras del artista.

Para el año que viene se proyecta una monográfica de Goya en Viena, fruto de la colaboración del Museo de El Prado y la pinacoteca vienesa.

El pintor

Nacido en Candía, isla de Creta, en 1541, comenzó pintando iconos y desde allí marchó a Italia, donde conoció a genios como Tintoretto, Tiziano y Miguel Ángel.

Llegó a España con el intento de convertirse en pintor de la corte de Felipe II. Pero al monarca no le gustaron sus cuadros estilizados y de extraños colores. Vuelto a Toledo, recibió importantes peticiones de los dignatarios eclesiásticos y se especializó en asuntos religiosos. Toledo tiene por ello una abundante serie de lugares con obras del gran artista (ver Toledo ).

En Toledo murió el genial pintor, en 1614.

Domenico Theotokopoulos cayó posteriormente en el olvido, siendo redescubierto en el XIX, cuando se le vinculó entre los precursores de la pintura moderna

Es un pintor que sale de la composición clásica para una búsqueda de lo extraordinario y lo sobrenatural, en planos distintos en los que mezcla personajes y mundos.

Datros sobre la muestra.

Abierta todos los días

Información: Department for Publicitiy Kunsthistorisches Museum Wien 1, Burgring 5 Tel.: (+43 1) 525 24/403,404,407 Fax: (+43 1) 523 27 70

Web del Kunsthistorisches Museum Wien , con información en alemán e inglés

El Kursaal, un emblema

24/04/2001, Un nuevo edificio se une al ya popular Guggemheim bilbaíno para prestigiar la arquitectura moderna del territorio vasco. Ahora, el Kursaal de San Sebastián, del arquitecto Rafael Moneo acaba de ganar el premio europeo de arquitectura contemporánea Mi


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Barcelona, 24 de abril de 2001

Un nuevo edificio se une al ya popular Guggemheim bilbaíno para prestigiar la arquitectura moderna del territorio vasco. Ahora, el Kursaal de San Sebastián, del arquitecto Rafael Moneo acaba de ganar el premio europeo de arquitectura contemporánea Mies van der Rohe

Con este nuevo galardón se acallarán definitivamente las valoraciones despectivas hacia este edificio que en su origen generó polémica por tapar un trozo de vista hacia el mar.

La concesión del premio fue anunciada en Barcelona, por la comisaria europea de Cultura, Viviane Reding. El mismo, dotado con 50.000 euros (unos ocho millones de pesetas) y una escultura de Xavier Corberó, se concede a la mejor obra construida dentro de la Unión Europea. Precisamente, el jurado destacó en el acta la maestría en la resolución del Centro Kursaal en relación con su emplazamiento.

El Kursaal de San Sebastián, es una construcción geométrica, terminada en 1999, alberga el auditorio, un recinto de cámara, una sala de exposiciones, varias salas de congresos y un restaurante. La estructura está formada por dos grandes cubos de cristal traslúcido que semejan rocas varadas en la arena. El coste superó los 9.000 millones de pesetas, bastante más de lo presupuestado, lo que también animó la polémica sobre la obra.

Con este nuevo galardón, el Kursaal se consagra como uno de los edificios españoles más galardonados. Al premio de la Unión Europea, de la Fundación Mies Van der Rohe, se unen los de la VI Bienal de Arquitectura Española(2001) y el Premio FAD(2000).

A juicio del jurado del premio Mies Van der Rohe, el edificio donostiarra se adapta a la síntesis paisajística y urbana. La poderosa imagen de dos rocas varadas en la playa es un reflejo de su posición en la bahía, con un fondo montañoso, mientras que su gran dimensión, su geometría radical y sus materiales translúcidos convierten el conjunto en una pieza singular del tejido urbano.

Otras obras finalistas fueron el museo y centro de investigación de Altamira, en Santillana del Mar, de Juan Navarro Baldeweg; la sede de Unibank en Copenhague, de Henning Larsen, y el Palacio de Justicia de Nantes, de Jean Nouvel.

Entre otras obras resaltadas por el jurado están la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, de Santiago Calatrava y la facultad de Ciencias de la Información de Santiago de Compostela, de Alvaro Siza.

El jurado otorgó también una mención especial al arquitecto alemán Florian Nagler, de 34 años, por el Centro de Distribución de Kaufmann Holz, ubicado en Bobingen.

Coincidiendo con el fallo del galardón, Paulo Mendes da Rocha ha recogido el II Premio de Arquitectura Latinoamericana que ganó el pasado año por la Remodelación, Reforma y Adaptación de la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo.

Moneo

José Rafael Moneo es en la actualidad uno de los arquitectos más prestigiosos del mundo, autor de otros proyectos como el Museo de Arte Romano de Mérida o el aeropuerto de Sevilla. Nació en Tudela (Navarra, España), en 1937.

Estudio Arquitectura en Madrid, en 1961, y ya de estudiante trabajó a las órdenes de Saénz de Oiza y más tarde, en Dinamarca, con Jorn Utzon.

Tiene obra en numerosos países del mundo y entre los galardones que ha recibido figura el premio Pritzker considerado como en Nobel de la arquitectura, en 1996.

Tesoros de la historia

23/04/2001, Una magnífica selección de los Tesoros que la Real Academia Española de la Historia, reunidos a lo largo de los más de 250 años de existencia de la institución, se muestra actualmente en el Palacio Real de Madrid, hasta el mes de junio

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Madrid, 21 de abril de 2001

Una magnífica selección de los Tesoros que la Real Academia Española de la Historia, reunidos a lo largo de los más de 250 años de existencia de la institución, se muestra actualmente en el Palacio Real de Madrid, hasta el mes de junio.

En el Palacio se presentan 310 piezas valiosísimas, entre ellas el magnífico Disco de Teodosio, el retablo del Monasterio de Piedra o el Códice Glosas Emilianenses.

La colección

Hay pocas noticias sobre las colecciones y las instalaciones del Gabinete de Antigüedades a lo largo de su historia. Su primera sede estuvo en la Casa del Tesoro, junto al Palacio Real, y, después, en la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, sedes ocupadas por la Academia de la Historia desde su fundación hasta su actual instalación(a partir de 1874), en la calle León 21, en un edificio del arquitecto Juan de Villanueva.

El actual Museo de la Academia está situado en el piso principal del Palacio de Molins, frente a la Sala de Sesiones Solemnes de la Real Academia de la Historia. Está formado por 3 salas, actualmente en remodelación para su apertura al público.

El Gabinete de Antigüedades ha emprendido una profunda remodelación para exponer al público los objetos más interesantes de sus colecciones y la valiosa documentación que atesora. Se pretende, además, mejorar las condiciones de conservación y seguridad de las piezas y facilitar a los estudiosos el acceso y estudio

Las colecciones de la Real Academia de la Historia constituyen un conjunto variado y de diversa procedencia, aunque en su mayoría española. Dentro de este conjunto, cabe distinguir diversas secciones:

Antigüedades españolas, desde la prehistoria a la actualidad;

Antigüedades Extranjeras: egipcias, próximo oriente, culturas clásicas y América

Epigrafía

Monedas y medallas

Esculturas, cuadros y grabados

Documentación sobre antigüedades

La muestra

La muestra presentada ahora está coordinada por Martín Almagro, director del Gabinete de Antigüedades de la Real Academia de la Historia en colaboración con Alfonso Pérez Sánchez y José Manuel Pita Andrade.

Gonzalo Anes, director de la Real Academia, dijo que fue duro seleccionar lo expuesto, dejando fuera obras importantísimas. Añadió que inicialmente se pensó organizar la exposición en lo que será el futuro museo de la Academia, pero fue imposible, aunque, señaló, el Palacio Real, primera sede de la Academia, es un lugar idóneo para presentar los tesoros.

La organización temática

La división temática se ha dispuesto coincidiendo con las salas. La primera se centra en la Historia, de la Academia; la segunda está dedicada a las Antigüedades Españolas, con objetos prehistóricos, piezas romanas, bronces ibéricos, etc.

El Disco de Teodosio, gran joya tardorromana, preside la tercera sala, junto a documentación sobre su hallazgo y compra. Las antigüedades extranjeras ocupan otra estancia, con piezas egipcias y orientales, entre las que destacan los únicos relieves asirios que hay en España, procedentes del Palacio de Senaquerib en Nínive.

En la quinta sala se exponen monedas hispánicas, romanas, visigodas, árabes y cristianas, medallas y una selección de la Colección Epigráfica; La sala seis atesora uno de los más importantes códices de la Academia, el Emilianense, así como valiosísimos elementos medievales.

No faltan materiales desde épocas más modernas hacia acá, empezando por una carta autógrafa de Cristóbal Colón, retratos de Goya, etc.



Información sobre la colección de la academia en:

http://rah.insde.es/gabinete/index.htm



Guayasamín

18/04/2001, Una muestra retrospectiva de Oswaldo Guayasamín acaba de ser abierta ahora, en el Centro Cultural Conde Duque, de la capital española. Luego podrá contemplarse en Vitoria y Quito.


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Madrid, 18 de abril de 2001

En Madrid, Vitoria y Quito se podrá contemplar una excelente exposición retrospectiva de Oswaldo Guayasamín, que acaba de ser abierta el 17 de abril, en el Centro Cultural Conde Duque, de la capital española.

La exposición tiene un objetivo doble: en primer lugar, homenajear al pintor de Iberoamérica, nombrado así en la cumbre de jefes de Estado y de Gobierno de La Habana(1999), cuando se valoró la trascendencia de su arte, su defensa de los derechos humanos y de la solidaridad social, su afán integracionista, y su generosidad ejemplar. En segundo lugar, intenta recaudar fondos para financiar el gran proyecto inacabado del artista: la construcción de la Capilla del Hombre. Sentimientos de amor a la vez que un grito desesperado en favor de la paz inundan la muestra de la obra del ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que estará abierta hasta el próximo 27 de mayo, en una sala de bóvedas del Centro del Conde Duque.

La exposición, se suma a otros actos convocados en honor del artista ecuatoriano fallecido ahora hace dos años. Hemos traído a España lo mejor de la pintura de mi padre, porque este país le abrió los brazos comentó Pablo Guayasamín, hijo del artista, al presentar la colección

Guayasamín, pintor y escultor, nació en Quito, en 1919, hijo de indio y madre mestiza, es el primero de diez hermanos y su nombre su nombre en quechua significa Ave blanca volando. A los siete años comenzó a pintar, vendiendo sus dibujos a los turistas. En 1932, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Quito. En esa época tuvo lugar la Guerra de los cuatro días. La visión de su amigo Majarres muerto en el suelo, le afectó profundamente y le inspiró su cuadro titulado Los niños muertos. En 1941, se graduó en como pintor y escultor. En 1942 realizó en Quito su primera exposición, con gran escándalo: Era un gesto de rebeldía frente a la muestra oficial.

Poco después conoce en México al muralista Orozco, con el que trabaja algún tiempo. A partir de esta época se sucedieron triunfos y trabajos en todo el mundo. Contó con innumerables amigos, entre ellos Neruda y Fidel Castro. Destacó siempre por su visión solidaria y universal. Murió en Estados Unidos, en marzo de 1999, tras una crisis cardiaca.

Entre las obras elegidas para la muestra está un retrato del Rey de España, pintado en 1984, que se muestra públicamente por primera vez. En la exposición se presentan cuadros de la series Mujeres llorando, Las manos, y Guayaquil de mis amores. Cuadros donde hay dramatismo y belleza. Además se muestran otros objetos y diseños del artista.

Es Guayasamín -según Federico Mayor Zaragoza, ex director de la UNESCO- el artista que mejor ha sabido reflejar el dolor humano ( el pintor pensaba que el siglo XX podía ser considerado como el más horrendo de las Historia de la Humanidad) y una de las raíces históricas más importantes de América..

La Capilla del Hombre

El proyecto arquitectónico de la Capilla del hombre es un conjunto arquitectónico diseñado por el artista para recoger obras suyas y de otros autores como Picasso o Miró; levantado sobre un espacio de 10.000 metros cuadrados, de los que estarán construidos unos 4.000. Contará con cuatro museos, dedicados al arte precolombino, al de la colonia, al arte contemporáneo y a la arqueología.

El proyecto necesita una inversión de 15 millones de dólares (2.800 millones de pesetas), de los que la fundación del artista ya ha desembolsado una tercera parte.

webs sobre Guayasamín:

http://www2.lahora.com.ec/paginas/samin.htm

http://www.guayasamin.com/

 

Antológica de Ramón Casas

11/04/2001, Una magnífica exposición antológica de Ramón Casas, el gran pintor catalán del modernismo, se muestra desde el 10 de abril al 17 de junio en la sala de la fundación Mapfre Vida, de Madrid


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Madrid, 11 de abril de 2001

Una magnífica exposición antológica de Ramón Casas, el gran pintor catalán del modernismo, se muestra desde el 10 de abril al 17 de junio en la sala de la fundación Mapfre Vida, de Madrid.


La muestra Ramón Casas, el pintor del modernismo, se había presentado antes en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC). Son comisarias de la muestra Cristina Mendoza y Mercé Doñate.

Casas (Barcelona, 1866-1932), desarrolló una amplia labor creativa a lo largo de 50 años. Su momento estelar correspondió al cambio de siglo. Pintor precoz y sin agobios económicos, fue influenciado por las corrientes artísticas de París, y en especial de artistas como Manet o Degas Fue el pintor catalán modernista por excelencia, el retratista de la burguesía de su tierra.

El recorrido de la exposición sigue las etapas históricas. Comienza con los inicios del pintor, que marcha a París en 1883, donde le enseñan las técnicas de la escuela española del siglo de Oro. De vuelta a Barcelona da un cariz más colorista a sus obras y se inicia en el retrato. En esta época(1890) hizo una interesante exposición en Barcelona, mal acogida por la crítica, que censuró que retratara cosas y tipos vulgares.

La exposición presenta luego el segundo periodo de Ramón Casas en París(hacia 1892), donde incorporó la influencia de Degás, Manet y Toulouse-Lautrec.

Luego retornó a Barcelona, y empezó a ganarse elogios por sus pinturas intimistas y de mujeres, aunque los sectores conservadores lo siguieron criticando. También destaca en este periodo famosos cuadros de multitudes representando escenas sociales o políticas

Más tarde vendría el Casas de los retratos y el cartelista, para dar paso a un periodo, el cambio de siglo, de éxito multitudinario.

Gran ausente de la muestra es el lienzo La carga(1899), una interesantísima pintura social, donde representa la carga de la guardia civil sobre un conjunto de manifestantes. La obra no ha podido viajar debido a sus dimensiones.

Fundación Cultural Mapfre Vida. Avda General Perón, nº 40. Madrid. Del 11 de abril al 17 de junio.

Problemas con el protocolo de Kioto

08/04/2001, El anuncio de George W. Bush, de que su país no ratificará el acuerdo de Kioto, sobre recorte de emisiones contaminantes, ha generado una gravísima preocupación entre los defensores de la naturaleza.


guiarte.com. Por Artemio Artigas.

Washington 6 de abril de 2001

El anuncio del presidente estadounidense, George W. Bush, de que su país no ratificará el acuerdo de Kioto, que compromete a los estados más industrializados a recortar sus emisiones contaminantes, ha generado una gravísima preocupación entre los defensores de la naturaleza.

El cambio climático

Durante las últimas décadas ha ido creciendo la preocupación por el cambio climático y sus efectos, por lo que se plantearon sucesivas reuniones e iniciativas para estudiar el efecto invernadero y adoptar conjuntamente una política de defensa de la naturaleza, con reuniones celebradas en diversas capitales del mundo.

En 1992, en el Comité Intergubernamental de Negociación del Convenio general sobre Cambios Climáticos de la ONU, delegados de 140 países aprobaron un convenio no vinculante sobre el Cambio Climático, que en el mes de junio fue firmado por los representantes de los países asistentes a la Cumbre de la Tierra, de Río de Janeiro.

Posteriores conferencias sobre el cambio climático en Berlín y Ginebra mostraron la preocupación por la incidencia del factor humano en el cambio climático y reconocieron la necesidad de fijar objetivos cuantitativos legalmente vinculantes para limitar la emisión de gases por los países industrializados.

En 1997, en la III Conferencia celebrada en Kioto, se logró un acuerdo para frenar la degradación medioambiental de la Tierra, obligando a los países industrializados a reducir sus emisiones de gases.

El protocolo de Kioto establece medidas concretas para reducir las respectivas emanaciones de seis gases (CO2, metano, óxido nitroso, hidrofluorocarbono, perfluorocarbono y sulfuro hexafluoruro).

Reuniones posteriores en Buenos Aires(1998) Bonn(1999) y La Haya(2000), mostraron las dificultades de algunos países industrializados para asumir el protocolo. EEUU fue clave en estos fracasos.

Para que el protocolo de Kioto entre en vigor debe ser ratificado por al menos 55 países y que entre ellos reúnan el 55 por ciento de las emisiones mundiales de dióxido de carbono. Hasta la fecha, falta la iniciativa de una treintena de países, entre ellos los más industrializados.

Un triste anuncio

A esta reticencia, se unió el 29 de marzo de 2001 el anuncio del nuevo presidente de Estados Unidos, George Bush, avisando de la intención de su país de no cumplir el compromiso adoptado en 1997 en la ciudad japonesa. Bush justificó su decisión en los elevados costes internos que implicaría la aplicación del convenio y en el hecho de que países como China o la India están exentos de aplicar reducciones de emisiones.

Las emisiones de CO2 en EEUU alcanzan una cifra de 20 toneladas por habitante y año, mientras en los países de la UE ese porcentaje es de 14 toneladas por año y la media mundial es de 2 toneladas por habitante y año.

La Unión Europea emitió duras críticas contra el Gobierno del presidente estadounidense, George W. Bush, y anunció que va a seguir los esfuerzos internacionales para combatir el cambio climático sobre la base del Protocolo de Kioto. La UE subraya que EEUU es responsable del 25 por ciento de las emisiones contaminantes causantes del deterioro climático.

También los ministros de Medio Ambiente de Japón, China y Corea del Sur pidieron a EEUU, el 8 de marzo, que respete y mantenga los compromisos acordados en el protocolo del Cambio Climático de 1997 para reducir las emisiones de gases nocivos a la atmósfera. Los ministros de Medioambiente de Japón, China y Corea, Yoriko Kawaguchi, Xie Zhenhua y Kim Myung Ja, respectivamente, resaltaron la responsabilidad de la próxima reunión de la conferencia del Cambio Climático que se celebrará el mes de julio en Bonn y dijeron que es vital para que el acuerdo de Kioto se ponga en práctica lo antes posible.

Las organizaciones ecologistas están desoladas. Greenpeace ha dado una semana a las cien mayores compañías de EEUU para que se opongan al rechazo del protocolo por parte de Washington, so pena de sufrir las consecuencias de los consumidores.

En la carta, enviada a las cien empresas más importantes de EEUU según la lista de Fortune 500, que empieza con la petrolera Exxon, la organización ecologista pregunta si la firma destinataria apoya la ratificación y entrada en vigor del protocolo de Kioto o si defiende a Bush en su oposición a dicho acuerdo. También pregunta a cada compañía si apoyará los esfuerzos de otros países para que el protocolo de Kioto entre en vigor sin Estados Unidos o si se opondrá a ello, y si acepta las conclusiones de los expertos internacionales como base científica para la reducción de CO2 y otros gases que provocan el efecto invernadero.

Cada vez más urgente

El Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático (IPCC) fue establecido en 1988 por las Naciones Unidas para conseguir una mejor comprensión del cambio climático y para proporcionar información científica autorizada a los responsables políticos. El IPCC es la principal fuente de asesoramiento científico a los gobiernos sobre cambio climático, su ciencia, impactos y opciones para responder a él.


El Primer Informe de Evaluación fue publicado por el IPCC en 1990, y formó la base científica para la negociación del Convenio Marco de la ONU sobre Cambio Climático, que fue concluido en la Cumbre de la Tierra en Río de Janeiro en 1992. El Segundo Informe de Evaluación fue publicado en 1995, y su conclusión clave fue: El conjunto de las evidencias sugiere una influencia humana discernible sobre el clima global. El informe fue decisivo en la negociación del Protocolo de Kioto en diciembre de 1997.

En el año 2001 se está aprobando el Tercer Informe de Evaluación. En abril se ha adoptado el informe completo (ciencia, impactos y economía), que reúne los informes de los tres grupos de trabajo del IPCC, aprobados sucesivamente en el primer trimestre del año. Sobre la base de este informe completo, en septiembre se añadirá un informe de síntesis.

El informe del IPCC está repleto de datos aplastantes, cuya redacción se acordó a pesar de que algunos gobiernos y grupos industriales buscaban descafeinar los descubrimientos científicos del informe. Esta información científica debe ser la base para que los gobiernos decidan, de una vez por todas, actuar para frenar el cambio climático. Para empezar, es imprescindible llegar a un acuerdo sobre las reglas de aplicación del Protocolo de Kioto, para que éste entre en vigor ya el año próximo y se consiga reducir las emisiones de CO2. Y en definitiva, hay que iniciar con urgencia la transición de una economía basada en los combustibles fósiles a otra basada en las energías renovables y la eficiencia energética.

A continuación, según datos recogidos en www.greenpeace.org, se resumen las conclusiones más destacadas de los informes de cada grupo de trabajo del IPCC para el Tercer Informe de Evaluación:

Grupo de Trabajo I (información científica): El planeta se está calentando debido a actividades humanas, sobre todo la quema de combustibles fósiles.

Hay nuevas y más fuertes evidencias de que la mayor parte del calentamiento observado durante los últimos 50 años es atribuible a actividades humanas. La mayor parte del calentamiento observado durante los últimos 50 años es probable que se haya debido al aumento en las concentraciones de gases invernadero.

Además, es muy probable que el calentamiento del siglo XX haya contribuido significativamente a la subida del nivel del mar observadaЕ (10-20 cm. en el último siglo).

Unas tres cuartas partes de las emisiones antropogénicas de CO2 a la atmósfera durante los últimos 20 años son debidas a la quema de combustibles fósiles.

Globalmente es muy probable que los 1990s fuesen la década más cálida y 1998 el año más cálido del registro instrumental desde 1861
..

El aumento de temperatura previsto para este siglo ha aumentado de un rango de 1 - 3,5 ЇC, en el Segundo Informe de Evaluación del IPCC, a 1,4 Ц 5,8 ЇC. La tasa de calentamiento proyectada es mucho mayor que los cambios observados durante el siglo XX y es muy probable que no tenga precedente durante al menos los últimos 10.000 añosЕ.

Es muy probable que haya un aumento de sucesos meteorológicos extremos, tales como olas de calor, mayores precipitaciones que dan lugar a inundaciones, y temperaturas mínimas más altas y menos días fríos.

Es probable que haya un aumento del riesgo de sequía en los interiores de continentes de latitudes medias.

Es probable que haya un aumento en algunas zonas en las intensidades de viento máximo y precipitación de los ciclones tropicales.

Las tendencias del siglo XX de aumento de temperatura, subida del nivel del mar y mayor precipitación continuarán y se intensificarán en el siglo XXI, a menos que se reduzcan las emisiones.

Los glaciares y los hielos polares van a continuar fundiéndose, y se mantendrá la disminución de la cubierta de nieve y hielo del hemisferio Norte.

El Niño: Еel calentamiento global es probable que produzca mayores extremos de periodos secos y lluvia intensa y aumente el riesgo de sequías e inundaciones que ocurren con los sucesos de El Niño en muchas regiones diferentes.

Monzón Asiático: Es probable que el calentamiento asociado con las concentraciones en aumento de gases de efecto invernadero causará un aumento de la variabilidad de la precipitación del monzón veraniego asiático.

El cambio climático persistirá durante muchos siglos, debido a la larga vida de los gases invernadero en la atmósfera, sin embargo cuanto menor sea el nivel al cual se estabilicen las concentraciones de CO2, menor será el cambio total de la temperatura.

Las capas de hielo seguirán reaccionando al calentamiento climático y contribuirán a la subida del nivel del mar durante miles de años después de que el clima se haya estabilizado. ЕLos modelos de capas de hielo estiman que un calentamiento local mayor de 3 ЇC, si se mantiene durante milenios, conduciría prácticamente a una fusión completa de la capa de hielo de Groenlandia, con una subida del nivel del mar resultante de unos 7 metrosЕ. El calentamiento alrededor de Groenlandia es probable que sea de 1-3 veces el calentamiento medio mundial, que como se indica más arriba se estima que esté en el rango de 1,4 Ц 5,8 ЇC, por tanto, un calentamiento de 3 ЇC alrededor de Groenlandia parece probable dentro del próximo siglo.

Los actuales modelos de la dinámica del hielo sugieren que la Capa de Hielo de la Antártida Occidental podría contribuir hasta 3 metros a la subida del nivel del mar a lo largo de los próximos 1000 añosЕ.

Grupo de Trabajo II (impactos y adaptación): El mundo ya está sintiendo los efectos del cambio climático.

Tenemos mucha seguridad de que los recientes cambios de temperatura a escala regional han tenido impactos discernibles en muchos sistemas físicos y biológicos.

Las tasas actuales de cambio climático inducido por el ser humano:

- tienen riesgos irreversibles y a gran escala, como la fusión de las capas de hielo de Groenlandia y la Antártida, el colapso de la Corriente del Golfo, y liberación masiva de gases de efecto invernadero debido a la fusión del permafrost y a la muerte de los bosques;

- tendrá graves impactos en el ámbito regional. Por ejemplo, en Europa aumentarán las inundaciones de los ríos en gran parte del continente; y en las zonas costeras, el riesgo de inundación, erosión y pérdida de humedales aumentará sustancialmente;

- y tendrá los mayores impactos en aquellos pueblos con menos capacidad de protegerse contra la subida del nivel mar, el aumento de enfermedades y la disminución de producción agrícola, caso de los países en vías de desarrollo de Ѕfrica y Asia.

Grupo de Trabajo III (economía de las políticas de respuesta): Los gobiernos podrían eliminar las barreras a la energía limpia de bajo coste.

Las tecnologías para reducir las emisiones han progresado más rápido en los últimos cinco años de lo que previamente se había anticipado, particularmente en relación con las turbinas eólicas, la tecnología de pilas de combustible y los combustibles de biomasa renovable.

Usando tecnologías conocidas y actualmente disponibles, las emisiones globales de gases invernadero pueden reducirse por debajo de los niveles del año 2000 en el periodo 2010-2020 a coste neto cero, pudiéndose conseguir al menos la mitad de estas reducciones a costes negativos, es decir, con beneficio económico.

Se necesita la acción de los gobiernos y medidas políticas para eliminar tanto las barreras a la entrada en el mercado de las tecnologías de reducción de emisiones como las subvenciones a los combustibles fósiles. Las industrias de energías renovables y las empresas de servicios se beneficiarían de la eliminación de subvenciones de los combustibles fósiles.

Cientos de tecnologías están disponibles para mejorar la eficiencia energética, y hay muchas tecnologías disponibles que reducen o eliminan las emisiones de la producción de electricidad.

Hay a menudo fuertes beneficios adicionales, como la reducción de la contaminación atmosférica, de las políticas y tecnologías que reducen las emisiones de gases invernadero.

Aun sin tener en cuenta los beneficios de las reducciones de emisiones de gases invernadero, se calcula para los países industrializados que, de cumplir sus objetivos de reducción de emisiones según el Protocolo de Kioto, incluyendo el uso del comercio de emisiones, los costes son bastante bajos, equivalentes a un rango del 0,1 al 1,1% del PIB proyectado en 2010. Esto equivale a costes de hasta 125 $ per capita y año en la OCDE, mientras que el aumento proyectado del PIB per capita en ese periodo es de 3000-5000 $ al año sobre los niveles de hoy.

La elección de inversiones energéticas en el futuro determinará si pueden estabilizarse o no las concentraciones de CO2, y a qué nivel y coste. Actualmente la inversión se dirige hacia el descubrimiento y desarrollo de más recursos fósiles convencionales y no convencionales. La escala limitada de los recursos convencionales de petróleo y gas significa que tendrá que haber un cambio en la mezcla de combustibles fósiles que se usen en este siglo. La elección es o bien hacia combustibles fósiles no convencionales o alternativas no fósiles. El carbono contenido en los depósitos no convencionales de petróleo y gas y en el carbón es más que suficiente para, en caso de liberarse a la atmósfera, aumentar el CO 2 a niveles muy altos.

Además de necesitarse, como ya se dijo en el anterior informe, acciones a corto plazo para reducir las emisiones, una transición gradual a corto plazo del sistema energético mundial hacia menores emisiones de carbono minimizará algunos costes. Actuando más rápidamente a corto plazo para reducir las emisiones se disminuiría el riesgo de daños humanos y ambientales por el cambio climático, y se estimularía el desarrollo de tecnologías bajas en carbono, ayudando a evitar la dependencia de las tecnologías intensivas en carbono

El gallo era una joya románica

08/04/2001, El hermoso gallo que coronaba la torre románica de la excelente basílica leonesa de San Isidoro, recientemente desmontado para su limpieza, era románico, de origen valenciano y chapado en oro.


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León, España, 19 de abril de 2001

El hermoso gallo que coronaba la torre románica de la iglesia de San Isidoro, recientemente desmontado para su limpieza, era románico, de origen valenciano y chapado en oro.

De ahora en adelante, el ave, de notable y bello diseño, es un atractivo añadido al magnífico museo de San Isidoro de León, centro que cuenta con una inusual riqueza artística, entre ella algunas de las mejores pinturas del románico mundial.

El gallo -según un reportaje que publica el Diario de León- ha resultado ser de oro, una pieza única del siglo XI, probablemente obra de un artista afincado en una ciudad mediterránea, posiblemente Valencia. En la pieza apareció en letra visigótica mozárabe la inscripción: Berlana; que, según los expertos, podría ser la firma del autor.

Estas son las conclusiones de los diferentes análisis y estudios a los que ha sido sometida la veleta, que se exhibe ya restaurada en una vitrina instalada en el claustro de la gran Colegiata, centro artístico internacional del románico. La empresa El retablo, encargada de la rehabilitación de la torre, está evaluando el coste de suplantar el gallo original por una réplica exacta.

El abad de San Isidoro, Antonio Viñayo, dijo siempre que el gallo de la torre es tan antiguo como ella. Viñayo tenía un indicio importante: en el Panteón Real se encuentran dos pinturas de gallos de idéntica silueta al de la veleta.

La empresa encargada de la restauración de la torre, y que ha llevado a cabo la conservación del gallo, ha contado con la colaboración de destacados expertos para descifrar esta pieza. El estudio metalográfico, realizado por Salvador Rovira y Enrique Parra, del Laboratorio para la Restauración y Conservación de Obras de Arte, con sede en Madrid, descubrió que el gallo es de cobre plomado y dorado al fuego.

Durante la invasión napoleónica, los soldados franceses trataron de abatir a tiros al gallo. Ya intuían que tenía valor y oro.

El catedrático de Paleografía de la Universidad de León Vicente García Lobo investigó una marca aparecida durante el proceso de limpieza de la veleta, en letras visigóticas mozárabes. Según García Lobo, es una inscripción monogramática, de finales del siglo XI o principios del XII. Se ignora el significado del término, que posiblemente sea firma del autor.

Los análisis realizados por la profesora María Amor Fontvella, del Instituto de Recursos Naturales de la Facultad de Agrícolas de León, experta en palinología, aportan pruebas tanto de la época de la pieza como de su origen, al encontrar restos de polen que proceden del Mediterráneo. En este punto, Viñayo cree que el gallo pudo ser fundido en Valencia, dada la relación del rey Fernando I con aquella ciudad, cuando se construía la torre de San Isidoro.

El gallo se encuentra en un gallinero especial: una vitrina diseñada por Ramón Cañas y Carlos Sexmilo, reutilizando material de la exposición Tesoro Sagrado. La pieza, que puede ser contemplada ya por los visitantes del Museo de San Isidoro, es otro de los atractivos de la Colegiata, junto al Panteón de los Reyes.

 

El cuento de La lechera

05/04/2001, La historiadora del arte Juliet Wilson-Bareau ha publicado en El Periódico del Arte sus dudas sobre la autoría de dos lienzos del Museo del Prado, hasta ahora atribuidos a Francisco de Goya, La Lechera de Burdeos y El Coloso. Rep



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Madrid, 5 de abril de 2001

La historiadora del arte Juliet Wilson-Bareau ha publicado en El Periódico del Arte las dudas sobre la autenticidad de dos lienzos propiedad del Museo del Prado, hasta ahora atribuidos a Francisco de Goya, La Lechera de Burdeos y El Coloso. Representantes del Museo confirman también estos temores.


Desde hace años ya había dudas razonables sobre la atribución a Goya de estas obras, lo que obligó al museo a tomar medidas, entre ellas no dejarlas en su préstamo y excluirlas de sus ilustraciones, declaró Manuela Mena, conservadora jefe del departamento de Pintura Española del siglo XVIII y Goya.

Pero no son estas las únicas obras de Goya en tela de juicio. El Metropolitan Museum de Nueva York tiene Las majas en el balcón, que se exhibe como obra de la escuela de Goya, en tanto que un retrato de la National Gallery de Londres, también atribuido a Goya, está en la misma situación.

Juliet Wilson-Bareau ha colaborado con el Museo del Prado en los últimos años y no hace mucho fue invitada por la Fundación de Amigos del Prado a participar en un ciclo de conferencias. Estuvo estudiando el cuadro de La lechera de Burdeos en compañía de Carmen Garrido, directora del Gabinete de Documentación Técnica del Prado. Las radiografías del lienzo pusieron de manifiesto la existencia de unos esbozos bajo la pintura, aparentemente no relacionados entre sí ni con el tema central de la pintura. Este fue uno de los indicios que despertaron sus dudas

La experta ha destacado también las diferencias existentes entre este lienzo y los otros que realizó Francisco de Goya durante los últimos años de su vida.

Manuela Mena se mostró de acuerdo con Juliet Wilson-Bareau, con quien lleva muchos años investigando a Goya.

Respecto a El Coloso destacó que en el cuadro se aprecia una perspectiva extraña, con las figuras del primer término más pequeñas que las del segundo, visión propia de un pintor de brocha gorda. Manuela Mena recordó que las investigaciones sobre la obra de Goya se remontan a muchos años atrás, pero hace unos quince años se empezaron a tener sorpresas, a raíz de una exposición clave sobre Goya.

Por otra parte, El País ha publicado unas declaraciones del director del museo, Fernando Checa, quien dijo que las dos expertas ponen en duda los dos cuadros desde hace años, pero nunca se han atrevido a decirlo en una publicación científica. Para el Prado, -agregó- los dos cuadros son de Goya y como tales se han prestado, como hace tres años con La lechera en Burdeos. Las opiniones contrarias se dilucidan en una publicación científica y en un catálogo razonado.

En diversas publicaciones se especula que la obra de La lechara pudo ser pintada por una discípula, Rosarito, hija de Leocadia Zorrilla y, tal vez, el propio Goya.

 

El Prado de EE.UU.

04/04/2001, Una muestra retrospectiva dedicada al arquitecto Santiago Calatrava es la primera exposición del nuevo Museo Meadows, el mayor centro de pintura española en América, que reinicia su actividad tras abrir ahora una nueva sede


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Dallas, EEUU. 4 de abril de 2001

Una muestra retrospectiva dedicada al arquitecto Santiago Calatrava es la primera exposición del nuevo Museo Meadows, el mayor centro de pintura española en América, que reinicia su actividad tras abrir ahora una nueva sede.

El Museo se halla en la Universidad Southern Methodist de Dallas, y cuenta con más de 600 obras maestras de los siglos X al XX, de pintura y escultura española, de extraordinaria calidad, de artistas como Goya, Velázquez, Murillo, Zurbarán, o Picasso.

La colección ha sido reunida durante años por la Fundación Meadows, que ha estrenado un nuevo edificio de un estilo hispano, con una colección pictórica de tal talla, que permitirá reforzar el objetivo de la Universidad Metodista del Sur de ser punto de referencia en la enseñanza de artes, humanidades, ciencia y tecnología.

Este museo es debido a una iniciativa del magnate petrolero Algur Meadows, admirador del museo del Prado, de Madrid, y que decidió reunir en su país una de las colecciones de arte español mayores del mundo.

Algur H. Meadows

Algur Hurtle Meadows (1899-1978) nacido en Georgia, fundó en Texas la General American Oil Company. Asuntos relacionados con esta firma hicieron que visitara España en la década de 1950 pasando largas temporadas en Madrid.

Las numerosas visitas que Algur H. Meadows realizó al Museo del Prado, próximo al lugar donde se hospedaba, y la fascinación que le produjo la pintura española del Siglo de Oro, desembocaron en la firme decisión de crear una colección propia de arte español.

Sus primeras compras se orientaron hacia pintores de los siglos XVI y XVII, ampliando posteriormente este arco cronológico con adquisiciones desde el siglo XIV al XX.

El museo fundado en memoria de su primera esposa, Virginia Garrison Stuart (1901-1961) obedeció al deseo personal de Meadows de erigir un centro de arte español en Texas. En 1967, con la ayuda de William B. Jordan, la colección Meadows se revisó depurando y ampliando sus fondos con obras de calidad indiscutible.

Algur H. Meadows participó activamente en estas labores que han tenido una continuidad hasta la actualidad.

EL Prado de la Pradera

El Museo Meadows se abrió al público en 1965 tras una donación económica y artística hecha por Algur H. Meadows en 1962.

En este lugar se acumulan obras de Diego Velázquez, Bartolomé Esteban Murillo, El Greco, José de Ribera, Juan de Borgoña, Francisco de Goya, o genios modernos como Ignacio Zuloaga, Pablo Picasso, Joan Miró o Antoni Tapies.

La sede elegida para albergar esta colección de arte español, hasta entonces privada, fue la Southern Methodist University de Dallas (Texas) en cuyo complejo universitario se emplazó el edificio de la School of the Arts que ha servido, desde su creación, para alojar al Museo Meadows.

El Museo Meadows cuenta hoy con unas 600 obras entre las que destaca un magnífico grupo de pinturas, esculturas y un numeroso legado de obras sobre papel que se ha ido incrementando desde la donación fundacional con nuevas adquisiciones.

Esta rica colección permite el estudio del arte español desde la Edad Media a nuestros días, estando considerada una de las más completas fuera de España y conocida por ello, como El Prado en la Pradera.

Los contenidos de arte crecieron hasta superar la capacidad del antiguo edificio.

El nuevo edificio del Museo Meadows fue diseñado por la firma Hammond Beeby Rupert Ainge, en un estilo georgiano muy típico de las universidades estadounidenses. Pero se incorporaron elementos como un portal y fachada pintada en amarillo claro para aire más español.

Datos de interés:

Página del Museo Meadows

Dirección de correo: Meadows Museum. Southern Methodist University. P. O. Box 750357. Dallas, TX 75275-0357.

Úbicación del Centro: Meadows Museum. Southern Methodist University. 5900 Bishop Boulevard. Dallas, TX 75705.

Información(214) 768-2516 (teléfono) (214) 768-1688 (fax)

 

Herzog y Meuron, premio Pritzker

02/04/2001, El galardón internacional más famoso del ámbito de la arquitectura, el Pritzker, se ha adjudicado a los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron, que han destacado en la mezcla de innovación y tradición



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Los Ángeles, EEUU. 2 de abreil de 2001.

El galardón internacional más famoso del ámbito de la arquitectura, que alcanza su 23 concesión, se ha destinado a los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron, equipo que ha destacado en la utilización de soluciones innovadoras, sin arrumbar la tradición.

La trayectoria de los arquitectos suizos, ambos nacidos en 1950 y formados en Zurich, se ha caracterizado por su capacidad para unir nuevas soluciones sin destruir lo anterior, como se ha puesto de manifiesto en uno de sus trabajos más espectaculares, la Tate Modern Gallery, en Londres

Entre los últimos ganadores del premio Pritzker está el español Rafael Moneo (1996). Otros recientes ganadores han sido Renzo Piano (1998), Norman Foster (1999) y Rem Koolhaas en el 2000. Sólo el austriaco Hans Hollein (1985), y el francés Christian de Portzamparc (1994), habían conquistado el premio a una edad tan precoz, 50 años.

El jurado de la edición 2001 ha estado presidido por J. Carter Brown, director de la National Gallery of Art y de la Comisión de Bellas Artes de Estados Unidos. Entre sus componentes, figuraban notables críticos, profesores, arquitectos e incluso magnates de la industria de todo el mundo.

El premio, dotado con 100.000 dólares, lo concede la fundación Hyatt, de la ciudad californiana de Los Ángeles (EEUU). Será entregado a los arquitectos ganadores el 7 de mayo durante, en Monticello, la bella casa del presidente norteamericano Thomas Jefferson, en Virginia.

En la concesión del premio, ha influido decisivamente la relativamente reciente inauguración de la Tate Modern Gallery, en Londres, obra de notable repercusión mediática, incluida entre los acontecimientos de la celebración del Milenio en la capital inglesa. Herzog y De Meuron han transformado una vieja central eléctrica de Bankside en un museo vanguardista, de imagen vigorosa y extraordinaria luminosidad interior.

Pero antes, ambos ya venían estableciendo ejemplos de esta línea de trabajo, uniendo lo nuevo y lo viejo, utilizando un estilo de fuerte personalidad creativa, notablemente original.

En España, Herzog y De Meuron, en un concurso celebrado en 1998, se adjudicaron la remodelación del puerto de Santa cruz de Tenerife; donde tambien tienen el encargo de construir el centro cultural Óscar Domínguez, sede permanente de la colección del artista moderno canario. También tienen proyectos en marcha en la Ciudad Condal

Página de la Modern Tate Gallery

 

El arte de la mesa

30/03/2001, La Fundación la Caixa y el Patrimonio Nacional han preparado una exposición regia: En torno a la mesa. Tres siglos de formas y objetos en los palacios y monasterios reales, que se presentará sucesivamente en Zaragoza, Málaga y Valencia



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Zaragoza, 30 de marzo de 2001

La Fundación la Caixa y el Patrimonio Nacional han preparado una exposición regia: En torno a la mesa. Tres siglos de formas y objetos en los palacios y monasterios reales, que se presentará sucesivamente en Zaragoza, Málaga y Valencia

La exposición esta dirigida por José Gabriel Moya y se muestra en La Lonja de Zaragoza del 21 de marzo al 6 de mayo de 2001. Luego pasará por Málaga y Valencia, en un periplo previsto hasta enero del 2002

Actos tan sencillos y universales como el comer acaban, por razones diversas, realizándose de muy diversa forma. El ser humano ha llegado a transformar estos actos diarios, en algo vinculado al arte: el arte de la mesa

El arte de la mesa no es se refiere al comer, cocinar o beber, sino todo eso y además el ambiente y el ritual que lo acompañan, la disposición del servicio y la organización del trabajo que comporta.

La exposición En torno a la mesa. Tres siglos de formas y objetos de los palacios y monasterios reales, presenta más de 300 objetos y piezas de arte realizados durante los siglos XVII, XVIII y XIX procedentes de los palacios y monasterios reales españoles que han tenido un uso relacionado tanto con la cocina como con la mesa.

La muestra se estructura en siete ámbitos que, de forma cronológica, reflejan los cambios en los usos y costumbres de las mesas en los palacios y monasterios durante los siglos XVII, XVIII y XIX.

En un principio el monarca comía solo incluso en las comidas públicas y solamente en algunas ocasiones muy especiales algunos privilegiados podían sentarse a su lado. Eso cambió con el tiempo y a principios del siglo XIX el soberano ya compartía mesa con sus invitados. A finales del XVII comenzaron a estar definidos los espacios para comidas privadas en los palacios reales por parte de los diversos componentes: el rey, la reina, los príncipes, las infantas, las damas, etcétera tenían cada uno una habitación para comer. Para las grandes ceremonias solían utilizarse estancias más eventuales que a partir del siglo XIX quedaron claramente establecidas. En cambio, eso no ocurrió en las comunidades religiosas, que tenían un espacio definido para esa función: el refectorio. De todas formas, el ceremonial que requería cada ocasión era diferente. Tampoco eran iguales los elementos utilizados para presentar y consumir las viandas o la preparación de los alimentos, ni los objetos que se utilizaban en las cocinas, ya fueran reales o monacales.

La exposición está dividida en diferentes apartados:

Sala Benedicite
. Los refectorios conventuales. Más de 40 elementos hacen referencia a la comida comunitaria en el refectorio tanto en su preparación como en su presentación. En este espacio, el visitante se halla con piezas de cerámica, de cobre y de plata. También podrá ver qué objetos utilizaban los priores de El Escorial. Los cuadros del siglo XVII aluden a la comida de caridad o a la Cuaresma.

Austeridad, sencillez y frugalidad son tres palabras que podrían definir la manutención de las primeras comunidades monásticas. De todas formas, a lo largo de los siglos las dietas monacales también sufrieron cambios y evolucionaron en función de las costumbres y la coyuntura económica.

El yantar cotidiano. La cocina general y de servidumbre. Aparte de la mera subsistencia, el ser humano tiene múltiples motivos para compartir alimentos en torno a una mesa. Cada comida diferirá según el momento, las formas, las modas, las personas, etcétera que la compartan. A través de las obras realizadas por los artistas de cada época el visitante podrá reconstruir las costumbres del momento, la indumentaria, la dieta alimenticia o las formas y las artes decorativas. Cuadros del siglo XVIII alusivos a banquetes escenifican estos ágapes.

Las obras, ya sean sacras o profanas, costumbristas o de naturaleza, reflejan tanto cómo eran las cocinas de los siglos XVI, XVII o XVIII como los elementos que formaban parte de esas estancias (mesa, vajilla de loza basta, o peroles, entre otros), así como los distintos tipos de alimentos.

Banquete y ceremonia. El comedor cortesano como ámbito de representación es el tercer ámbito que se presenta. El tapiz de El banquete de Escipión y cuadros de Bassano y Cinque son algunas de las piezas que incluye este apartado. A través de estos documentos gráficos, los visitantes se acercarán a la decoración de los comedores de El Pardo y San Lorenzo.

El mobiliario de comedor lo constituían entre otras piezas los bufetes para el cubierto de la panetería, la cava, la frutería y la sausería, las alacenas, las arcas, los cofres, las cajas y las mesas plegables. Construidas en madera de pino, de nogal o maderas finas en función de su destinatario, estas mesas eran de planta rectangular, tenían una parte central fija y dos hojas que se abatían. Los motivos decorativos fueron cambiando en función de la persona a la que iban destinadas y las modas imperantes. Algunas de ellas, además de mostrar cómo comían los cortesanos antes de la institución del comedor, llegaron a ser piezas de una gran exquisitez. La vajilla china de Felipe V y los búcaros de Estremoz que las cortesanas utilizaban como golosinas son otros de los elementos que podrán verse en este espacio.

Los oficios de boca y mesa. La cocina al servicio de Su Majestad. El trabajo que realizaban las personas que se ocupaban de todo lo referente a la alimentación del rey se llamaba oficios de boca. Bajo las órdenes del mayordomo mayor se disponían todos los elementos para que la comida del monarca estuviera preparada. Según la labor concreta que realizaban, esos sirvientes tenían distintos nombres: el guardamangier era el encargado de abastecer de viandas, el panetier se ocupaba del suministro de manteles y el reparto de la sal, los palillos, la leche y el queso, y el sausier proveía de especias y de vinagre para las ensaladas, entre otros. La labor de todos ellos y de la cocina la complementaban quienes se ocupaban de iluminar cada departamento, colocar las sillas, las mesas y los bufetes, mantener limpios los locales y situar los adornos necesarios para las comidas públicas. Uno de los oficios más complejos fue el del sumiller de la cava, que era quien se encargaba de entregar lo preciso a otras dependencias.

Un tapiz, dos bodegones de Meléndez y un cuadro de Cinque ilustran este apartado de la muestra, en el que también se recogen moldes de cocina y libros recetarios de Ruperto de Nola y Mata.

El gusto ilustrado. El gran XVIII. El comedor y los adornos de mesa. En la comidas públicas se montaba un escenario sobre un estrado con dosel donde se instalaba una mesa en la que se ponía las mejores vajillas, mantelerías siempre blancas y también, como símbolo de distinción y grandeza, las especias llegadas de Oriente. Ese escenario se revestía de ricas tapicerías, de las cuales las más apreciadas eran los adamascados.

Desde el Renacimiento se tenía la costumbre de adornar el centro de mesa en los grandes banquetes de gala con composiciones decorativas elaboradas con frutas, estatuillas u elementos arquitectónicos realizados en plata, porcelana, vidrio, bronce u otros materiales, como el azúcar. En el siglo XVII los adornos de mesa o desserts se desarrollaban verticalmente, inspirados en fuentes o pabellones chinescos que semejaban jardines. En cambio, a finales del XVIII triunfaron los tableros de planta alargada, construidos en una gran superficie, generalmente de mármol con incrustaciones de piedra semipreciosas, sobre la que se alzaban numerosas estatuillas y elementos de bronce dorado o de porcelana. En el siglo XVIII fue Roma la que impuso la moda de las buenas maneras, e incluso influyó bien entrado el XIX.

Tapices, cuadros, la vajilla de coral malva con escamas de Meissen y una colección de oficios y minutas son algunas de las piezas que se encuentran en esta sección.

Cocina de boca y ramillete. El siglo XIX. Durante los siglos XVI, XVII y XVIII la mesa se disponía de forma provisional en las estancias mencionadas para las comidas privadas y las públicas. Eso cambió en el XIX, cuando se definió el espacio del comedor como lo entendemos en la actualidad. De todas formas, el ritual seguía siendo el mismo. El panetier, el sausier y el copero eran los responsables del servicio de mesa del monarca, al que le presentaban diversos platos para que escogiera lo que más le apeteciera. Ésos son en líneas generales los detalles que se mantuvieron inalterables durante más de dos siglos en la Corte española.

Se supone que con la llegada de Felipe V y la influencia de la Corte francesa tanto la cocina como las maneras cambiaron.

Dos bodegones, una selección de piezas sueltas de desserts, bronces y adornos realizados por diversos broncistas franceses (entre ellos Thomire), la célebre vajilla de paisajes y una selección de piezas de la cristalería de Fernando VII, además de documentación de minutas, conforman este apartado de la muestra.

Mesa privada. Mesa de estado. Las mesas de Isabel II. Bajo el reinado de Isabel II se dedicó un espacio en el Palacio Real a las grandes celebraciones de banquetes y recepciones: el Salón de Columnas. Para la puesta en escena de ese ceremonial se requerían nuevos, elegantes y modernos elementos. En una nota del 10 de marzo de 1846, el alcaide expone la falta de piezas de porcelana y cristal y mantelerías, así como de juegos de jarrones y candelabros destinados a una mesa de 150 o 200 cubiertos. Por ello se encargaron a las mejores fábricas de porcelana, de cristalería o de mantelerías del momento. La vajilla de porcelana se encargó al establecimiento de Eduard Honoré, uno de las más importantes del París decimonónico.

La recreación de la mesa de Estado con la vajilla de Honoré es una de las piezas que podrá verse en este apartado de la muestra, junto con las cristalerías de Baccarrat o las mantelerías. Completan este sección las facturas de encargos y documentación de minutas, las tarjetas de asiento y las invitaciones.

La exposición En torno a la mesa. Tres siglos de formas y objetos en los palacios y monasterios reales es fruto del trabajo conjunto de la Fundación la Caixa y Patrimonio Nacional. Anteriormente ambas instituciones organizaron las muestras El arte de la platería en las colecciones reales, en 1997, y La fotografía en las Colecciones Reales, en 1999.

Otros datos

Itinerancia

Después de su exhibición en Zaragoza, esta muestra podrá visitarse en Málaga, del 22 de mayo al 15 julio de 2001, y Valencia, del 25 de noviembre de 2001 al 20 de enero de 2002.

En torno a la mesa. Tres siglos de formas y objetos en los palacios y monasterios reales. La lonja. Plaza del Pilar. Zaragoza, del 21 de marzo al 6 de mayo.

Información teléfono 976397239

 

Armani en el Guggenheim

27/03/2001, El Guggenheim der Bilbao abrió una exposición retrospectiva sobre Giorgio Armani, uno de los estilistas más influyentes del mundo de la moda, que estará abierta hasta el 2 de septiembre

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Bilbao, España, 27 de marzo de 2001

El Guggenheim Bilbao abrió una exposición retrospectiva sobre Giorgio Armani, uno de los estilistas más influyentes del mundo de la moda, que estará abierta hasta el 2 de septiembre.


En ella se exhiben más de 400 prendas realizadas por el diseñador en los últimos veinticinco años, algunas de ellas destinadas a estrellas de la cinematografía.

Precisamente, la cena de gala previa a la inauguración, el 22 de marzo, contó con ilustres invitados de este ámbito artístico, como los directores de cine Pedro Almodóvar y Mile Figgis. Sin embargo faltaron a la cita otros destacados personajes de la cinematografía, cuya presencia en Bilbao estaba prevista, especialmente Sofía Loren y dos Claudias, Cardinale y Schfiffer.

Pero pese a este escaso reparto estelar(no faltaron ilustres naderías españolas), la velada de presentación mostró un notable interés para los medios. Casi 200 periodistas acreditados, abundancia de focos de TV y de curiosos, testificaron el glamour del mundo de la moda, y la capacidad de Giorgio Armani y el Guggenheim en transformar en exposición -tal vez de éxito- un producto de consumo. Los puristas seguirán dudando, razonablemente, si esto es realmente serio

Armani


Armani siempre ha sido un hombre muy vinculado al mundo del cine, En un reportaje del diario El País, se destacaba que las pantallas han sido un mecanismo multiplicador del estilo Armani, desde que en 1980 diseñó el vestuario de la película American gigolo, de Paul Schrader. Más tarde fue con Los intocables de Elliot Ness (Brian de Palma, 1987), Belleza robada (Bernardo Bertolucci, 1996) y Algo que contar (Don Roos, 2000). El cine es otro espejo del tiempo, como la moda.

Según este diario, Armani entró en la historia de la moda por su audacia al acercar las formas de vestir del hombre y la mujer. En los años setenta, La mujer necesitaba en ese momento un uniforme diferente para imponer sus nuevas ideas y pensé que ciertas prendas del hombre podían adaptarse a la mujer. Y, al contrario, algunas cosas utilizadas en el vestir de la mujer podían servir para los hombres, quitarle la rigidez, y el estilo tan formal, utilizar otros tejidos.

La muestra

La muestra abierta al público acoge los primeros diseños de Armani, vestuario para danza y teatro, trajes emblemáticos y documentación referida a la evolución de los tejidos.

Las prendas expuestas aparecen presentadas por grupos temáticos, de forma dinámica y en un intento de resaltar las líneas maestras que han estado presentes en la carrera de Armani, dijo el director del museo, Juan Ignacio Vidarte.

Estaba prevista la comparecencia de Armani en la rueda de prensa de presentación, pero sólo se dio a conocer un escrito suyo en el que dice que la moda es una expresión humana fundamental y un espejo que refleja la sociedad y la cultura.

Armani se enorgullece de que el Guggengeim haya recogido sus diseños para exponerlos, primero en Nueva York y ahora en Bilbao, al lado de las obras de algunos de los artistas más influyentes del siglo XX, muchos de los cuales han sido para él una inagotable fuente de inspiración.

Para evitar la descortesía total con los medios informativos, el diseñador si posó sonriente para fotógrafos y cámaras en la explanada del museo, y firmó autógrafos.

En la presentación, Luis de León, de Iberdrola -empresa patrocinadora-, elogió también al desaparecido Cristóbal Balenciaga y destacó el orgullo de que el modisto guipuzcoano haya servido de inspiración a Armani

Balenciaga

Precisamente se ha anunciado en estos días que el museo Balenciaga de la localidad de Guetaria, dedicado a este modisto, se inaugurará en mayo del 2003.

Miembros de la Fundación Cristóbal Balenciaga, entre los que se encontraban su presidente Hubert de Givenchy, participaron este mediodía en el acto de colocación de la primera piedra del museo, que se ubicará en el Palacio Aldamar, que perteneció a los marqueses de Casatorre, abuelos de la Reina Fabiola, y donde Balenciaga se inició en el mundo de la costura.

El museo, de varias plantas, con una colección de 150 trajes de Balenciaga, complementos, como sombreros o perfumes, objetos personales del creador, etc.

Otros datos de interés


MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Avenida Abandoibarra, 2 48001 Bilbao

Información.(+34) 94 435 90 80

Diseñador de la exposición: ROBERT WILSON

Música: Michael Galasso

Diseño de iluminación: A. J. Weissbard

Colaboración en el diseño visual: Stephanie Engeln

Diseño de sonido: Michael Galasso y Peter Cerone

Dirección de proyecto: Elisabetta di Mambro, Change Performing Arts

Salas 301, 302, 303, 304, 305, 306 y 307

 

Darío Villalba en el CGAC

22/03/2001, El 22 de marzo se inaugura en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, CGAC, la exposición Darío Villalba: Documentos Básicos, que se prolongará hasta el 27 de mayo



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Santiago de Compostela, España, 22 de marzo de 2001

El jueves 22 de marzo se inaugura en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, CGAC, la exposición Darío Villalba: Documentos Básicos, que se prolongará hasta el 27 de mayo.

La exposición se plantea como un diario íntimo del artista, con imágenes recogidas sobre todo en Londres y París desde 1957 hasta hoy. El que fue Premio Nacional de Artes Plásticas y representante de España en la Bienal de Venecia en 1970 está pintando con sus Documentos Básicos un enorme cuadro impresionista. Es comisario de la muestra Miguel Fernández Cid.

Se trata de una amplia selección de los Documentos Básicos de Darío Villalba (San Sebastián, 1939), en la primera exposición que reúne de forma exclusiva estas obras, inéditas, base de un proceso de creación que encuentra en la coexistencia de la fotografía y de la pintura una personal vía de expresión. Los Documentos Básicos nunca han sido mostrados en un conjunto tan amplio y de forma individual.

Es una tarea difícil para mí explicar o intentar aproximarme al proceso creativo que me ha llevado a la realización desde 1957 al 2001, la actualidad, de los Documentos Básicos, explica el autor en el texto de introducción para el libro de artista que el CGAC edita con motivo de esta exposición. Actualmente -prosigue-, el corpus de la obra consta de 1800 documentos, dividiéndose en piezas-cuadros que constan de 1 a 6 fotos cada uno. A su vez se dividen por años y por técnicas, así como en blanco y negro o color.

El CGAC ofrece una visión retrospectiva de la trayectoria del artista a través de una parte muy significativa de su obra: Nunca se debe considerar que los Documentos Básicos tienen como misión ser bocetos de las obras luego realizadas en formatos grandes. Alguno de ellos o incluso muchos, han servido de base para uno o más cuadros, sin embargo, tienen autonomía propia. Es decir, son obras en sí y como mucho podríamos considerar que se aproximan en profundidad y ambiente a lo que en algunos casos es luego una obra de distinto tamaño.

La obra de Darío Villalba nace a finales de la década de 1950 como contestación al Arte Pop, con una decidida vocación pictórica, con intención de recuperar el espíritu de la pintura: Para ello, buscaba los personajes más saturados, más límites, más al borde del abismo que podía encontrar, para, utilizando el lenguaje de la fotografía como bisturí o herramienta, sacarlos a la luz, mostrando que el cuadro que recoge los momentos más dolorosos o terminales se carga de una dosis de emoción, aún más que la realidad.

Darío Villalba es uno de los artistas españoles que más proyección internacional ha alcanzado en los últimos años. Presente en la XXXV Bienal de Venecia (1970) y Premio Nacional de Artes Plásticas (1984), en 1994 el IVAM le dedicó una gran retrospectiva y su obra está presente en colecciones tan representativas como las del Solomon R. Guggenheim Museum y The Metropolitan Museum of Art (ambos en Nueva York), la National Gallery de Oslo y, en España, del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, de la Fundación Juan March, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), o de la Fundación Telefónica.

Para ver más información sobre Santiago y las exposiciones del CGAC

 

Venus en Primavera

21/03/2001, La Venus de Ghirlandaio se desvistió al llegar la primavera del año 2001, después de pasar mucho tiempo tapada con ropas que ocultaban la belleza y carnalidad de su cuerpo.



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Roma, 20 de marzo de 2001

La Venus de Ghirlandaio se desvistió al llegar la primavera del año 2001, después de pasar mucho tiempo tapada con ropas que ocultaban la belleza y carnalidad de su cuerpo.

En Roma se acaba de presentar la restauración del cuadro Venus y el amor del pintor renacentista florentino Ridolfo Ghirlandaio. El trabajo ha devuelto el aspecto original a la diosa, eliminando el vestido que cubrió su hermosa desnudez durante más de dos siglos.

Ridolfo Ghirlandaio era hijo del pintor florentino Domenico Ghirlandaio(1449-1494), una de las figuras cimeras del Quattocento.

La moral del concilio de Trento, que identificó desnudo con pecado motivó, una tendencia moralista que tendió a vestir a las bellas figuras renacentistas que destacaban la armonía del propio ser humano y de los personajes de la mitología presentando sus cuerpos sin ropa.

Los restauradores han vuelto a poner límite al pudor de la Iglesia, que no sólo incidió en la obra de Ghirlandaio, sino en otra mucha labor creativa, como el caso de la Capilla Sixtina de Miguel Angel. Allí, entre, 1984 y 1994, se eliminaron los velos que cubrían púdicamente el sexo de diversos personajes de la Creación y del Juicio Final.

El tapador responsable de la Venus de Ghirlandaio, que se puede ver ya en la Galeria Colonna de Roma, fue el Papa Gregorio XVI. Este, a finales del XVIII encargó tapar lo que consideró una desvergüenza, en lugar de una obra de arte

Los restauradores han manifestado que los análisis previos a los trabajos de limpieza mostraron la belleza de la piel de la diosa del amor.

Ridolfo Ghirlandaio estuvo influenciado por pintores como Leonardo da Vinci y Rafael. Según los expertos, en el cuadro restaurado, Venus y el amor el pintor se inspiró en una obra de Miguel Angel.

 

El mar de Ulises

16/03/2001, En Granada se presenta la muestra El mar de Ulises, un viaje apasionante por los misterios de la navegación en el Mediterráneo desde los egipcios y los griegos hasta los romanos

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Granada, 16 de marzo de 2001

Una carpa instalada en el Paseo del Violón de Granada acoge la muestra el mar de Ulises, un viaje apasionante por los misterios de la navegación en el Mediterráneo desde los egipcios y los griegos hasta los romanos

La exposición,, que ha estado en el inicio de 2001 en León, se presenta en Granada desde el 9 de marzo al 6 de mayo, organizada por la Fundación la Caixa

Conocer la historia y la evolución de la navegación, la mitología del mar y las grandes expediciones comerciales que durante siglos unieron Oriente y Occidente. Esto es lo que podrá descubrir el visitante de El mar de Ulises. Los orígenes de la navegación en el Mediterráneo, a través de los tres ámbitos en que se organiza Los mitos del mar, La navegación y El puerto.

La muestra pretende recrear la emoción de un viaje por el mar Mediterráneo a través de los tiempos y sumergir al espectador en la aventura marítima de egipcios, fenicios, griegos, cartagineses y romanos. De este modo comprenderá que este mar, que en la actualidad separa visiones muy diferentes del mundo, ha sido, durante un período muy largo, un espacio que ha facilitado el contacto entre civilizaciones y culturas y un camino para el intercambio comercial.

En la antigüedad, el mar Mediterráneo fue un espacio de aventura. La historia de la navegación es la lucha del hombre por vencer a un mar desconocido, un territorio regido por dioses coléricos y un medio poblado por seres quiméricos: sirenas, tritones, nereidas... El anfitrión de este viaje de 600 metros cuadrados es el propio Ulises, que nos guía a través de este recorrido por los orígenes y la evolución de la navegación y la construcción navales desde los egipcios hasta los romanos, pasando por los fenicios, los cartagineses y los griegos.

La primera sorpresa que se encuentra el visitante es la escenificación de una tempestad en el mar con efectos sonoros y visuales que reproducen olas, relámpagos y truenos y el lugar en el que habitan los monstruos marinos. Esta tempestad inicial llevará al visitante hasta el templo de Melkart, donde conocerá a las deidades que los egipcios, los fenicios, los griegos y los romanos asociaban con el mar.

El encuentro mitológico da paso al ámbito de las técnicas de navegación y construcción naval. El mar de Ulises. Los orígenes de la navegación en el Mediterráneo nos muestra las primeras embarcaciones de papiro y las grandes naves de carga fenicias que viajaban de Tiro a Cádiz. Nos presenta también las técnicas de orientación en el mar, los periplos hacia las tierras más lejanas y el esplendor de la navegación en el Imperio romano.

Por otro lado, el mar Mediterráneo era también un escenario de comercio. A través de sus aguas, los productos de pueblos remotos llegaban a los mercados fenicios, griegos o romanos. La recreación de un puerto antiguo, en el que se mezclan mil y un objetos, ocupa este último ámbito de la muestra y nos explica como el intercambio mercantil provocó la aparición de nuevas culturas.

Muchas naves no llegaron a su destino y han permanecido en el fondo del mar como testimonios del comercio, la guerra o el transporte de épocas pasadas. La arqueología submarina, que se ocupa de su estudio y conservación, también se encuentra presente en El mar de Ulises. En este sentido, el período romano se explica con diferentes elementos como la reproducción de un pecio, un hallazgo arqueológico marino.

 

Miró rebelde

15/03/2001, Un Joan Miró más rebelde y menos poético se muestra en Viena, hasta el 4 de junio, en la exposición Rebelde tardío, que analiza la trayectoria de Joan Miró(1893-1983) desde 1956 en adelante.

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Viena, 15 de marzo de 2001

Un pintor rebelde y muy creativo, distinto del poético original, se muestra en Viena, hasta el 4 de junio, en la exposición Rebelde tardío, que se enfoca hacia la obra de Joan Miró(1893-1983) desde 1956 en adelante.

La idea de profundizar en esta etapa rebelde del pintor catalán fue felizmente recibida y permitió la consecución de 60 obras, de museos y colecciones privadas internacionales. Proceden de las colecciones de Frieder Burda (Baden-Baden), de Pietsch (Berlín), Rosengart (Lucerna) Sylvie Baltazart-Eon (París), Maeght (París), así como de museos y galerías de Amsterdam, Berlín, Eindhoven, Ginebra, de la Successió Miró y de la Fundación Pilar y Joan Miró de Palma de Mallorca, del Museo Reina Sofía de Madrid, del Centro Pompidou de París.

Joan Miró es mundialmente conocido por sus figuras poéticas y alegres. A veces parece tiernamente infantil. Esta cualidad hizo que la vanguardista parisina Gertrude Stein lo calificase de inventor del ratón Mickey abstracto.

Pero la muestra de Viena presenta a un Miró diferente, recoge material de sus inicios, y lo analiza en función de su arte de la fase madura. Se muestra una lucha por una expresividad intensa, y un cambio progresivo del lenguaje artístico empleado.

Según EFE, algunos críticos consideran que Miró, siempre internacional, se convirtió en Mallorca, de 1956 en adelante, en un volcán cuyas erupciones culminaron en sus Lienzos quemados, de los que se ve el titulado Toile brulée II de diciembre de 1973, donde el pintor hizo cortes de navaja, echó trementina y prendió fuego.

En Mallorca, con taller propio y libre de agobios de economías, empezó a buscarse a sí mismo. Miró empezó a liberarse de las reglas del mercado y a pintar como le apetecía.

Para apreciar la vitalidad de los cuadros de gran formato que hizo en su edad madura, se presentan también sus obras jóvenes de hasta los años veinte, cuando se acercó al surrealismo y comenzó a hallar su propio lenguaje, y de los treinta, época en la que cuestionó el óleo sobre la tela y se volcó en el collage.

La exposición está en el Kunstforum de Viena. No queríamos mostrar al Miró juguetón y armonioso, que es la imagen más vendida, dijo Ingried Brugger, la directora del centro.

Joan Punyet Miró, nieto del pintor, que asistió con su madre a la inauguración, declaró que la muestra destaca porque pone de relieve el giro que dio Miró respecto a la violencia, la rebeldía, la ansiedad, la crisis existencial y la continua crítica rabiosa contra sí mismo. También pidió que se viera en la misma el carácter político antifascista y rebelde ante la represión espiritual e intelectual.

Esa misma línea rebelde es, obviamente, la resaltada por la comisaria de la exposición, Caroline Messensee, empeñada en mostrara la exorbitante fuerza de la última fase de Miró, en contraposición a su trayectoria precedente.

Datos de interés

Web para más información de esta exposición: http://www.kunstforum-wien.at/

Sede del centro. Freyung 8 1010 Wien.

Teléfono (+43/1) 537 33/10-17

e-mail office@kunstforum-wien.at

 

Reapertura de centros dalinianos

15/03/2001, El castillo de Púbol y la casa de Port Lligat, reabren el 15 de marzo de este año, como es habitual, hasta el 1 de noviembre, para presentar a los amantes del arte estos espacios dalinianos.



Reapertura de centros dalinianos.

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Girona, 15 de marzo de 2001

El castillo de Púbol y la casa de Port Lligat, reabren el 15 de marzo de este año, como es habitual, hasta el 1 de noviembre, para presentar a los amantes del arte estos espacios dalinianos. Completando el evento, se inuagura la exposición Del mundo de la representación y Salvador Dalí en el Castillo Gala Dalí.

Las dos casas-museo están gestionadas por la Fundación Gala-Salvador Dalí.

La selección de imágenes de la exposición Del mundo de la representación y Salvador Dalí, procedentes del archivo fotográfico del Centro de Estudios Dalinianos, muestra los diversos grados de relación que Salvador Dalí tuvo con protagonistas del mundo del espectáculo. Hay testimonios de amistades que dieron a Dalí la oportunidad de crear decorados y vestuarios para el cine y el teatro, otros que le permitieron construir un nuevo episodio de su biografía, y otros que, simplemente, formaban parte de su proyecto para construir una imagen de si mismo.

Junto a Salvador Dalí, los personajes protagonistas de las fotografías son Gregory Peck, Ingrid Bergman, Luis Escobar, Maria Callas, Federico Fellini, Mario Cabré, Walt Disney, Laurence Olivier, Cantinflas, Harpo Marx, Amanda Lear, Serguei Lifar, Antonio Gades, Manitas de Plata, Rhonda Fleming, Paulette Goddard, James Mason, Yul Brynner y Elsa Peretti.

La antigua cocina del castillo de Púbol, ahora adecuada como sala de exposiciones, acoge la selección de imágenes de esta muestra, que proceden del archivo fotográfico del Centro de Estudios Dalinianos, que consta de un fondo de 8.000 fotografías, 6.000 de las cuales ya han sido catalogadas.

Entre las fotos ahora presentadas hay dos inéditas: las de Salvador Dalí con Cantinflas y la de Gala con Fellini. La exposición está abierta hasta noviembre.

El año pasado visitaron el Castillo de Púbol un total de 69.250 personas, por 87.502 visitantes que en la casa Museo de Dalí en Port Lligat. Las cifras van creciendo algo, pero tienen limitaciones, por el propio espacio de los centros.

Adquirida una nueva obra de Dalí


La Fundación Gala-Salvador Dalí presentó el pasado día 12 su última adquisición Desnudo de Espalda, dibujo de Dalí de 1945, que ha costado 70 millones de pesetas, en una reciente subasta de impresionismo y arte moderno de Sotheby´s, Londres.

Este dibujo, de 1945, sanguina sobre papel, 63,4 x 48 cm, es un estudio para la pintura Mi mujer desnuda contemplando su propio cuerpo transformándose en peldaños, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura, 1945 (colección privada), y también para Gala de espaldas mirando un espejo invisible, 1960 (Fundación Gala-Salvador Dalí), dos de los mejores y más interesantes retratos que Salvador Dalí hizo a su esposa.

Próximamente se expondrá en la Sala del Tesoro del Teatro-Museo Dalí de Figueres, junto a Gala de espaldas mirando un espejo invisible.

Para Antoni Pitxot, director del Museo Gala-Salvador Dalí, el trabajo es de una delicadeza exquisita; no puede ser más sutil, pretende que haya matices de piel y de carne.

web sobre Dalí

 

Talibanes contra la historia

14/03/2001, Cuando el hombre está cegado por el fanatismo se ensaña hasta con estatuas que llevan milenios predicando la capacidad del hombre para el arte y la espiritualidad. Los talibanes son quienes ahora atacaron a estatuas cargadas de historia.


guiarte.com 14 de marzo de 2001

Como ha ocurrido millares de veces, cuando el hombre está cegado por el fanatismo, se ensaña hasta con estatuas que llevan milenios predicando la capacidad del ser humano para el arte y la espiritualidad. Los talibanes atacan ahora a las mismas piedras.

El régimen talibán, acusado internacionalmente por masacrar los derechos humanos, especialmente los de las mujeres, están llevando a cabo la destrucción de la herencia cultural de Afganistán, donde pervivían las mayores estatuas de Buda del mundo, con 2.000 años de antigüedad, y ahora aún más mutiladas.

El director general de la UNESCO, Koichiro Matsuura, dijo el pasado dia 12 en París que le habían confirmado la destrucción por los Talibán de los dos colosos de Buda esculpidos en roca en la provincia afgana de Bamiyán, y calificó el acto de crimen contra la cultura.

Un dia antes, el ministro de Asuntos Exteriores del régimen islámico integrista de los Talibán, Wakil Ahmed Muttawakel, había informado al secretario general de la ONU, Kofi Annan, en la capital paquistaní, de que el derribo de las dos estatuas estaba prácticamente llevado acabo.

Matsuura recalcó lo deleznable que es la destrucción, fríamente calculada, de bienes culturales que constituyen el patrimonio del pueblo afgano y de toda la humanidad.

Los dos gigantescos budas de Bamiyán, esculpidos en piedra calcárea de una montaña cercana a la capital de la provincia, con una altura de 34,5 metros y de 50 metros, datan del segundo siglo después de Cristo, y se habían convertido en una nueva referencia de la irracionalidad de los talibanes, al anunciar éstos su intención de destruirlos.

Este grupo extremista ha hecho planes también para demoler estatuas en Kabul, Ghazi, Jalalabad, Herat y Kandahar, símbolos de cultura preislámica

La orden de destrucción la dio el líder supremo de la milicia integrista afgana talibán, el mulá Mohamed Omar, cuando un grupo de diplomáticos destacados en Islamabad viajó a Kabul para verificar las informaciones de que los talibán habían destruido estatuas del museo de la capital afgana.

El lunes 26 de febrero, el jefe de la milicia integrista emitió un edicto contra las imágenes, interpretando que la preservación de las estatuas es comparable a la adoración de ídolos, lo que está prohibido por la fe musulmana.

La colección del museo de Kabul es una de las más ricas de la región y abarca cinco milenios de la historia cultural afgana, la época prehistórica, la clásica, la budista-hindú y la islámica.

Después de que el museo fuese bombardeado en 1993, las distintas facciones de la guerra afgana saquearon la mayor parte de la colección. Funcionarios del museo de Kabul han trabajado, apoyados por la comunidad internacional, en el inventario de las piezas que quedaron de la colección, con la esperanza de que se recuperarían algunas.

El mulá Mohamed Omar, pidió a los países musulmanes que apoyen la destrucción de las estatuas del arte preislámico existentes en su territorio y aseguró que la demolición de esta herencia cultural milenaria seguirá adelante. Mohamed Omar, en un comunicado emitido por radio, con motivo del inicio la fiesta islámica del sacrificio, desde su cuartel general en la ciudad de Kandahar, aseguró que la destrucción de las imágenes era un honor para el Islám

La decisión destructora de los Talibán desató una oleada internacional de condenas. Varios países y museos expresaron su interés en adquirir las figuras para salvar el legado cultural afgano. La Organización de la Conferencia Islámica, que agrupa a más de medio centenar de países musulmanes, envió una delegación a Afganistán para tratar de persuadir a los Talibán de que no llevaran a cabo la destrucción.

La respuesta primera ha sido el dinamitar durante dos días seguidos los bimilenarios colosos de Bamiyán

A pesar de que la perdida irreparable, Matsuura lanzó un llamamiento internacional para que continúe la movilización masiva, tendente a hacer todo lo posible para parar este movimiento destructor.

Datos de Afganistán:

País de Asia, al sur de la antigua URSS, limita con India, Pakistán e Irán. 652.225 kilómetros cuadrados de superficie y unos 17 millones de habitantes

Se habla pashtu y persa y casi toda la religión es la musulmana. Es un país árido y pobre. Sus escasas ventas al exterior han sido frutos secos, alfombras, pieles y algodón.

Afganistán es un punto de encuentro de civilizaciones en Asia, Fue protectorado británico hasta 1919; estuvo invadido por la Unión Soviética en los años ochenta y se ha visto afectado por continuas guerras civiles. En medio del hundimiento y el desastre, en 1994 empezaron a controlar el país los talibanes, estudiantes de teología islámica, que han implantado un gobierno despótico y de terror. El país está desangrado por los conflictos y empobrecido.

Los Talibán

El grupo de los Talibán, que conquistó sin apenas resistencia la capital de Afganistán, Kabul, el 27 de septiembre de 1996, era una milicia islámica que entró en el escenario bélico de Afganistán en octubre de 1994, tras su fundación por el mulá Mohamed Omar, antiguo jefe guerrillero, tuerto, herido varias veces en la lucha contra la ocupación soviética.

Son gentes reclutadas en escuelas coránicas abiertas para los huérfanos de la guerra afgana en la provincia paquistaní de Baluchistan, convertidos en una potente milicia. La toma de la capital afgana, Kabul, coronó una serie de éxitos espectaculares que transformaron a los talibanes, -estudiantes suníes de teología islámica- en un ejército victorioso.

El primer gesto de fuerza de los talibanes fue asaltar la sede de las Naciones Unidas en Kabul donde se encontraba refugiado Mohamed Najibullah, ex presidente. Lo fusilaron al lado de su hermano. Luego colgaron sus cadáveres en una plaza céntrica.

Una vez en Kabul el líder de los talibanes, el mulá Mohamed Omar, nombró al nuevo gobierno. En su primer comunicado se declaraba a Afganistán como Estado islámico.

Una de las primeras disposiciones fue prohibir a las mujeres trabajar fuera de casa. Se les impuso una vestimenta que cubre sus cuerpos por completo y con sólo una rejilla a la altura de los ojos, para ver. Cerraron las escuelas femeninas y dieron una norma por la que las enfermeras no pueden atender a hombres. Todas estas primeras medidas significaron el cierre de colegios (el 70 por ciento de los enseñantes eran mujeres) y hospitales.

Su ley es rápida y violenta: la lapidación de los adúlteros, la amputación de manos a los ladrones, la flagelación a los homosexuales, etc.

Un decreto dictado por el gobierno islámico de los talibanes obligó a todos los funcionarios varones a dejarse crecer la barba en un tiempo máximo de mes y medio. Luego las medidas pasaron por otros ámbitos: clausuraron los cines, la televisión, prohibieron la música, el fútbol y hasta el ajedrez. Además propugnaron la destrucción de los monumentos u obras de arte que representen a seres humanos ya que el islam los prohíbe. Su celo les llevó incluso a decapitar unos caballos que decoraban una plaza de Kabul.

Las disposiciones siguieron siendo de lo más discriminatorio y lamentable: Así, se dispuso que hombres y mujeres viajen por separado en los autobuses. Estos deben reservar una fila, la primera o la última, a las mujeres, separadas de los pasajeros masculinos por una cadena. Asimismo, los autobuses tienen que detenerse cinco veces al día para que los pasajeros puedan ir a rezar a las mezquitas…

Ahora les ha tocado el turno a las restantes estatuas…

Baselitz en el IVAM

10/03/2001, Cuadros en blanco y negro y esculturas talladas con hacha y motosierra, representando duros cuerpos humanos, integran la exposición del creador alemán Georg Baselitz, en el IVAM.


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Valencia, 9 de marzo de 2001

Extraños cuadros en blanco y negro y esculturas talladas a base de hacha y motosierra, representando duros cuerpos humanos, integran la exposición de Georg Baselitz, uno de los creadores más destacados de la segunda mitad del siglo XX, en el Instituto valenciano de Arte Moderno, IVAM.

Esta muestra se presenta en el Centre Julio González, desde el 8 de marzo al 20 de mayo.

Son diecisioete pinturas y trece esculturas las que integran la muestra Georg Baselitz.Escultura frente a pintura, obras fechadas entre 1979 y 1997, que forman un interesante conjunto de lo que se ha denominado estética de la mutilación propia del artista aleman.

Baselitz, en realidad se llama Hans George Kern; su nombre artístico es el del lugar donde nació en 1938, una población lindante con la frontera polaca.Para él las esculturas y pinturas que elabora no se adscriben a ningún estilo ni movimiento, porque surgen de mi interior y de mis orígenes.

El artista intervino en Valencia en la presentación de la muestra.Dijo que, tras la caída del muro de Berlín en 1989, Alemania vivió un momento de euforia que se tradujo en la creación artística, pero que, pasada esa fiebre, los alemanes se volvieron temerosos, y no se quieren tanto como pensaban.

Baselitz se considera un creador solitario que hace lo que quiere y que considera que el artista que pinta para la sociedad es un infeliz, ya que el verdadero creador debe aportar siempre algo de si mismo.

En la rueda de prensa, frente a los informadores, Baselitz afirmó que les veía como cabezas de Picasso. En España veo Picassos por todos lados y en Italia, Pieros della Francesca, para terminar afirmando su esperanza de que en la gente viera Baselitzs en Alemania.

El comisario y responsable del Centro, Kosme de Barañano, dijo que con esta exposición se intenta presentar la relación entre la obra escultórica de Baselitz y su pintura, analizando el modo en el que se aborda en ambos género los temas de la cabeza, el cuerpo y la figura, a través de 30 ejemplos, fundamentalmente de los años 90.

Para Georg Baselitz -dijo- la pintura, y sobre todo la escultura, no sólo es un ejercicio intelectual, una superación de las imágenes africanas de la escultura de Picasso, de la de Faurier y del dibujo de Beckmman, sino sobre todo un acto físico, una confrontación con la madera y la sierra. En sus piezas aparecen manchas, pisadas de zapato, círculos vacíos de una botella, botes de pintura o el perfil de un conejo. Son formas que nos distancian de la imagen, que nos sirven de ruptura con la perspectiva y que nos devuelven a la objetualidad, a la convención que toda pintura y que todo acto de pintar es.

Frente al expresionismo abstracto y a la retórica del mundo de la publicidad y el pop y al calvinismo del minimal, para Baselitz la libertad formal surge a través de la destrucción de la forma, es decir, desde la entraña misma de la pintura tradicional.

La muestra está patrocinada por Bancaja, y en el catálogo se publican textos sobre Baselitz de Eric Darragon, Richard Shiff, Kevin Power y Kosme de Barañano, y una cronología y bibliografía recogida por Detlev Gretenkort.

La exposición, según el criterio organizador, se divide en cinco pasos, relacionando motivos y conexiones temáticas.

Se inicia con la Cabeza cortada de 1979 (la obra más antigua) comparada con pinturas en negro de 1992.Esta primera estación se denomina La cabeza Cortada: la cabeza como arqueología y la figura en pintura.

La segunda estación es del torso. cabeza y pierna, con la huella de la motosierra como elemento expresivo.

La tercera estación se denomina Del torso: cabezas y trazos, con análisis del volumen y la perforación del trazo. La huella de la broca y la mancha del pincel.

La cuarta estación se titula Del torso: cabeza plana y cuerpo, esculturas planas y torsos de medio cuerpo pintados en rojo; el color como componente volumétrico y como mancha.

Finalmente aborda La figura entera: las tres Gracias y el autorretrato, cerrando el ciclo con la vuelta a la figuración clásica.

La Acrópolis rejuvenece

09/03/2001, La milenaria Acrópolis ateniense, símbolo de un pueblo y de la propia cultura occidental, está en un proceso de rejuvenecimiento, que culminará en el 2004, cuando la vieja capitál helénica sea de nuevo sede olímpica


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Atenas, 9 de marzo de 2001

La milenaria Acrópolis ateniense, símbolo de un pueblo y de la propia cultura occidental, está en un proceso de rejuvenecimiento, que culminará en el 2004, cuando la vieja capitál helénica sea de nuevo sede olímpica.


Las remodelaciones afectan básicamente al Partenón, e incluyen la sutitución de elementos de anteriores restauraciones por otros materiales, algunos de ellos de la propia construcción original, desperdigados por la zona.

Con las obras actuales se retirarán del célebre Partenón 145.000 kilogramos de cemento y de hierro, y se sustituirán por mármoles, barras de titanio y fragmentos originales del monumento original, recogidos del entorno e identificados por ordenador.

El proceso de rejuvenecimiento afectará también al templo de Atenea Niké y los Propileos, obras abordadas también con el empleo de materiales y técnicas avanzadas.

Tras 2500 años de existencia, el complejo de la Acrópolis ha sufrido gravísimos destrozos. El más grave ocurrió en el siglo XVIII, con la explosisión de un polvorín instalado en el propio Partenón. Fue en 1687, cuando los venecianos atacaron el Partenón con cañones. Atenas estaba entonces en poder de los turcos.

El Partenón, obra del arquitecto Ictinos, fue decorado por Fidias. Ambos consiguieron elaborar el templo más célebre de los edificados por los griegos. Cuenta con ocho columnas en las portadas y dieciseis en los laterales, de orden dórico. En su interior estaba la famosa Atenea Parthenos, una colosal obra de Fidias.

El diplomático británico Lord Elguin extrajo en 1803 los valiosos frisos de la parte frontal del templo, que se encuentran actualmente en el Museo Británico de Londres.

En los últimos dos siglos ha habido ocho restauraciones. Entre 1923 y 1930, el arqueólogo Nikolaos Balanos utilizó hierro y cemento para restaurar las columnas y cincuenta años más tarde, se necesitaron otras obras adicionales.

A mediados de 1999, el Consejo Central Arqueológico de Atenas decidió aprobar un amplio proyecto para la restauración, que incluye la reconstrucción de de varias columnas de mármol del partenón, cuyo interior de hierro se está oxidando y su superficie presentaba fisuras debido a la erosión.

El marmol nuevo que se emplea en la obra es de las laderas del Monte Dionisos, cerca de Atenas. Todo esto permitirá que el Partenón recupere su aspecto original anterior a la explosión de 1687, remediando los errores de pasados procesos de recosntrucción.

Reivindicación de los frisos

La reivindicación de Atenas para recuperar los frisos del templo es permanente. El gobierno británico se niega a devolverlos. Uno de sus argumentos es que la alta contaminación atmosférica de Atenas los destruiría.

Las negociaciones entre Londres y Atenas no se han interrumpido nunca, pero la parte británica asegura además que tiene legalmente estos materiales de incalculable valor, recibidos del jefe del Estado turco cuando Grecia era provincia otomana.

Los esfuerzos diplomáticos duran ya dos décadas. También está en marcha un proyecto de construcción de un nuevo museo de la Acrópolis, con una sala especial para albergar dichos frisos. En el templo se colocarían copias.

En mayo de 2000, un centenar de académicos y políticos europeos, de Estados Unidos, Asia y Australia se reunieron en la capital griega, en una conferencia internacional en favor de la devolución de las estatuas de la Acrópolis llevadas al Reino Unido.

El encuentro, organizado por el Centro de Estudios griegos Kapodistrias, el organismo Horizontes Culturales y la Universidad de Atenas, contó con el apoyo de los ministerios de Cultura y de Información griegos y la Comisión Nacional de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

La mayoría de las esculturas que adornaban el templo del Partenón en Atenas fueron extraídas ilegalmente, argumentan los griegos. Desde que hace más de quince años Grecia solicitó formalmente su restitución, la fallecida actriz y ex ministra de Cultura griega Melina Mercuri hizo de esa causa su cruzada.

El Gobierno británico se niega a la devolución porque ello sentaría un peligroso precedente y podría desencadenar una oleada de peticiones por parte de otros gobiernos para que les fueran restituidas reliquias traídas a la capital británica.

 

Marzo ñalarzo

02/03/2001, Marzo ñalarzo, abril gueveril y mayo pajarayo, decía mi abuela para explicarme -en su viejo dialecto- la cadencia vital de la primavera. Crónica de Artemio Artigas

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Por Artemio artigas

Madrid, 20 de marzo de 2001

Mi abuela recordaba extraños refranes que aplicaba al acontecer diario para explicarme la lógica del discurrir del tiempo, e iniciarme en la interpretación del comportamiento de la naturaleza.

Marzo ñalarzo, abril gueveril y mayo pajarayo, susurraba lentamente para que mis jóvenes oídos retuvieran aquella sentencia premonitoria que cumplíase año tras año.

Marzo ñalarzo era marzo de nidos(nidales); abril gueveril, eran los días de las nidadas; mayo pajarayo era la explosión de la vida, cuando todos los hogares del bosque se pueblan de pequeños pajarillos ávidos de comida.

En febrero, multitud de pájaros han empezado el retorno a los campos y otros avecindados momentáneamente en la península Ibérica o en África sobrevolaron nuestros campos en su emigración al norte. Aves insectívoras o milanos, por ejemplo, retornaban a un hábitat donde ya desaparecieron las esbeltas avefrías, los zorzales y los escasos gansos.

Marzo llega con una climatología destemplada. Una mañana amanece con sol dulce y cielo azul, la siguiente trae vientos impetuosos y la de más allá lluvias, nieves y fríos. Pero algo ha cambiado ineludiblemente: Aumentan las horas de luz y los sotos se pueblan de flores aún blanquecinas o amarillentas; las laderas y praderías reverdecen, y en los árboles asoman explosiones de flores blancas o rosadas, en tanto que en otros –más austeros- asoman tímidamente hojillas de un verde claro y delicado.

El marzo ñalarzo –que decía en León mi abuela- se anticipa en las partes más cálidas de la Europa mediterránea.

Pero no sólo se animan los nidales. Entre los zarzales, las retamas o cualquier vegetación arbustiva, el conejo ha escarbado un rústico nido y está a punto de traer la primera camada. Lo mismo ocurre con las liebres que han elaborado una teoría de cuevas en cualquier barranco... y la zorra.

En lo más intrincado del bosque también está a punto de llegar la gran camada de los jabalíes, en un lecho tapizado de hojarasca. En realidad, el jabalí aún no tiene mucho alimento en el campo, pero está a punto de iniciarse la estación productiva de la primavera. En estas épocas de abandono de cultivos y despoblación, el jabalí sigue creciendo; se acerca a los poblados y acude hasta los galpones donde el campesino guarda el tractor. Uno de sus placeres secretos es revolcarse en charcos de gasoleo o rascarse en la herramienta untuosa, que al parecer le sirve como lujoso y moderno desinfectante.

Y en la ciudad también se aprecia la primavera, no sólo en la explosión de color de los jardines, sino en las canciones de numerosas aves. Son canciones de amor, encaminadas a atraer o a serenar, cuando no de aviso. Es particularmente agradable escuchar en toda esta época a los ruiseñores. Allá donde haya un poco de agua y un grupo de chopos, se hallará uno, cantando sus magníficas armonías.

Y en la ciudad, el calor hace que vuelvan a surgir las cucarachas, las hormigas, los saltamontes... son los inconvenientes de la nueva climatología.

Por fortuna, llegada la primavera, todos los insectos asumen una creciente presencia. Serán suculentos banquetes de proteínas para los padres que están a punto de empezar a abastecer también a los nuevos recién nacidos, en jardines, tejados, campos o bosques.

Marzo ñalarzo, abril gueveril, mayo pajarayo.

 

Canaletto, inventor de Venecia

24/02/2001, El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona ha presentado una exposición dedicada a uno de los mejores paisajistas del XVIII, Canaletto, autor de una imaginaria y eterna Venecia. Del 21 febrero al 13 de mayo de 2001.


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Barcelona, 24 de febrero de 2001

El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona ha presentado una exposición dedicada a uno de los mejores paisajistas del XVIII, Canaletto, autor de una imaginaria y eterna Venecia. Del 21 febrero al 13 de mayo de 2001.

La exposición Canaletto. Una Venecia imaginaria, comisariada por Dario Succi y Annalia Delneri, muestra y analiza las fantásticas imágenes mediante las cuales Canaletto (1697-1768) creó una particular Venecia.

El pintor

Antonio Canal, Canaletto, era veneciano. Trabajó junto a su padre, escenógrafo, en su juventud, y esa huella marcó su arte.

Trasladado a Roma para hacer decorados, año 1720, entró en contacto con la pintura romana y se aficionó al paisajismo. Vuelto a Venecia, entabló amistad con el cónsul y marchante británico Joseph Smith, con lo que se aseguró una excelente clientela inglesa.

El propio rey Jorge III adquirió una importante colección, que fue a parar al castillo de Windsor.

Fue ese éxito comercial en Inglaterra lo que le animó a trasladarse allí. Era la mitad del siglo XVIII y Canaletto se dedicó entonces a pintar paisajes de Londres y castillos y palacetes del entorno, nunca con tanta brillantez como la que había impregnado a sus vistas venecianas.

Canaletto, en realidad, no sólo pintó, sino que elaboró un propio escenario, modificando perspectivas y alterando la colocación de los edificios, logrando una imagen más cercana a la urbe ideal que a la real. Sus pinturas de Venecia son una ciudad eterna. Su cromatismo, el brillo de la piedra y sus cielos neblinosos, son especiales.

La muestra

La muestra cuenta con una selección de obras originales de este pintor procedentes de diversos museos y colecciones particulares de diferentes países del mundo (España, Francia, Italia, Mónaco, Suiza y Reino Unido). La exposición presenta unas 100 obras originales: unas 55 obras de Canaletto entre vedutas(vistas), caprichos y grabados, 40 grabados de Visentini, y una selección de obras de otros coetáneos del pintor, como Bellotto, Carlevarijs, Marieschi, Guardi y Bernardo Canal.

Por otro lado, incluye otros materiales complementarios, como croquis o algunas reproducciones fotográficas, que sirven para explicar la tesis de la exposición.

La muestra pretende demostrar que Canaletto no pintó Venecia sino que la inventó. Y es quizás esta Venecia imaginaria la que cuajó en la emoción soñada de sus futuros visitantes. O incluso de los que sin haberla conocido directamente sólo han conservado de ella unas impresiones visuales que se han convertido en eternas.

La exposición se estructura en tres espacios:

En la primera parte se recogen 31 aguafuertes realizados por Canaletto entre 1740-1744, entre vedutas y caprichos.

Canaletto, desmarcándose de sus predecesores, compagina una especie de summa en la que conviven y se mezclan, en ambos géneros, la vista topográfica, el capricho de las ruinas y el capricho paisajístico, con la intención de poner de manifiesto la complementariedad de ambas temáticas, desmintiendose así una contraposición proclamada por casi todos los estudiosos.

La parte central de la exposición está dedicada a las pinturas de Canaletto con una veintena de obras, la gran mayoría sobre tela y el resto sobre papel. En este apartado se incluyen, también, obras de otros grandes paisajistas venecianos: Luca Carlevarijs, Bernardo Bellotto, Michele Marieschi, Francesco Guardi, Bernardo Canal, dando prioridad a aquellas telas que permiten una comparación directa con la Venecia del Maestro.

Finalmente, en la última sección aparecen cuarenta grabados, del Urbis Venetiarum Prospectus Celebriores, la exposición de aguafuertes con la que Antonio Visentini (1688-1782) tradujo las vistas exactas más significativas pintadas por Canaletto entre el final de los años veinte y el inicio de los años cuarenta.

La antología Canaletto-Visentini no se contenta con catalogar las fachadas memorables, sino que penetra hasta la esencia del tejido urbano, cuya articulación son los edificios ilustres. La imagen de Venecia inventada por Canaletto y grabada por Visentini no es la ciudad real, y la función optimista de la vista cambia el significado: ya no festeja un pasado de superioridad immemorial, sino que anticipa un ambiente diferente para una sociedad tal vez regenerada, ciertamente más cívica.

Los Canalettos

La gran demanda de cuadros de Canalletto hizo que éste contase con un buen taller, donde trabajaron Guiseppe Moretti y –sobre todo- Bernardo Bellotto. En ésta colaboración de Bellotto radica un problema básico que desde el XVIII ha surgido en torno de la pintura de Canaletto.

El tema está analizado en la muestra. Uno de los argumentos filológicos más apasionantes en la historia del arte de la ciudad de los canales en el siglo XVIII, radica en discernir entre los paisajes del autor y los pintados por Bernardo Bellotto, durante su aprendizaje en el taller de su tío (1735-1742).

Hacia 1741-1742, como testimonian las firmas grabadas en la serie de los ocho aguafuertes conocidos como caprichos italianos, Bernardo Bellotto asumió también el apelativo de Canaletto, contribuyendo de este modo a la aparición de una infinita serie de confusiones y equívocos. Nació así la historia de los dos Canaletto, que ha influido bastante en la fortuna crítica del sobrino, cuyas vistas venecianas, según Pietro Guarienti, su primer biógrafo (1753), eran tan diligentemente realizadas al natural, que quien quiera distinguirlas de las del tío requiere un gran conocimiento. La verdad de esta afirmación viene demostrada por el hecho de que el problema de la separación de las vistas venecianas de los dos artistas sólo está encontrando solución, no carente de discusión, en los últimos años, gracias a los estudios especializados y a los descubrimientos documentales que han dado fundamento a intuiciones que algunos de los críticos más sensibles ya habían destacado.

En la muestra se expondrán una serie de pinturas que, atribuidas a Canaletto desde el siglo XVIII, son restituidas a Bernardo Bellotto, y que comparadas directamente con los cuadros del tío revelan las sutiles diferencias que evidencian el estilo y el lenguaje del formidable alumno. En este examen exhaustivo, nunca intentado hasta ahora, es posible apreciar las características distintivas de la Venecia de Bellotto.

Datos de Interés

Fechas, 21 febrero - 13 maig 2001

Espacio, Sala 3 del CCCB

Comisariado, Dario Succi y Annalia Delneri

Comité científico, André Corboz y Lionello Puppi

Diseño del montaje, Olga Subirós

Organización, Servicio de Exposiciones del CCCB

Producción, CCCB

CCCB. Montalegre 5, 8001 Barcelona. Teléfono 933064100.

Horario de exposiciones
Martes, jueves y viernes: de 11 a 14 y de 16 a 20 h. Miércoles y sábados: de 11 a 20 h. Domingos y festivos: de 11 a 19 h.

 

Cambio Climático

21/02/2001, La temperatura del planeta sigue creciendo. El Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático de la ONU emitió un informe sobre los efectos dramáticos derivados de la modificación de las condiciones ambientales.



Por Artemio Artigas, para guiarte.com

Ginebra, 20 de febrero de 2001

La temperatura del planeta sigue creciendo. El Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático de la ONU emitió un informe sobre los efectos dramáticos derivados de la modificación de las condiciones ambientales.


Todo el globo va a sufrir el aumento de temperatura, aunque éste tendrá mayores efectos en los polos, según los expertos del Grupo Intergubernamental del Cambio Climático, IPCC, dependiente de la ONU, que presentó en Ginebra el documento Cambio climático 2001: impactos, adaptación y vulnerabilidad.

El aumento de la temperatura del planeta durante el siglo XX debido a la actividad humana fue de más de medio grado centígrado. Se preve que este fenómeno continuará. Las consecuencias serán inundaciones y sequías en todo el planeta; hambres y epidemias, y el deshielo de casquetes polares y nieves perpetuas. Los daños pueden resultar gravísimos, especialmente en los países más pobres, según el IPCC.

El vicepresidente del IPCC, James McCarthy, dijo el 19 de febrero, al presentar el informe, que se calcula que la temperatura de la superficie terrestre aumentará entre 1,4 y 5,8 grados en los próximos cien años; básicamente como consecuencia de actividades humanas.

El nivel del mar subirá entre 8 y 88 centímetros y se producirán aumentos o descensos en las precipitaciones de entre un 5 y un 10 por ciento. Todo esto tendrá efectos devastadores en la naturaleza y en el hombre.

El informe publicado por los expertos intenta establecer cómo este alza de las temperaturas afectará a las diversas regiones. Según el estudio, la capacidad de hacer frente a los cambios climáticos y la vulnerabilidad de los ecosistemas tiene una relación directa con el nivel de desarrollo de las comunidades.

Efectos regionales

Las regiones mejor preparadas son Europa y América del Norte donde aunque se dejarán notar los efectos negativos(especialmente en el sur de Europa), también se pueden esperar algunos resultados positivos, a corto plazo, como un aumento de las cosechas en algunas zonas(tierras frías del norte de Europa, Asia y América) o menor demanda energética para calefacción.

La región del mundo más sensible y frágil es la polar, donde los daños son ya visibles y los cambios se producirán más rápidamente, con la desaparición de los glaciares, la flora y la fauna.

Para Latinoamérica, Africa y Asia la situación tampoco es mejor pues toda son zonas altamente vulnerables y tienen baja capacidad de reacción y adaptación a los cambios climáticos.

Algunos de los ecosistemas ha sufrido ya daños significativos, que pueden convertirse en irreversibles en territorios como los glaciares, las barreras de coral, los atolones, los manglares, los bosques boreales y tropicales. Es particularmente grave la posible desaparición de la zona de manglares de la India y Bengala.

El cambio climático tendrá importantes efectos en la agricultura, con una disminución de las cosechas, lo que pondrá en juego la seguridad alimenticia en las zonas tropicales y subtropicales. Asimismo serán más frecuentes las inundaciones, huracanes y ciclones, con sus riesgos para la vida, la propiedad y los asentamientos humanos cercanos a las zonas costeras.

Problemas de salud

Los grandes cambios se traducirán en una menor disponibilidad de agua potable para las comunidades, lo que propiciará la aparición de enfermedades ligada a su baja calidad. El aumento de las temperaturas favorecerá la proliferación de mosquitos vectores de enfermedades como el paludismo o la malaria, y su aparición en regiones donde habían desaparecido.

Según el presidente del IPCC, Robert Watson, desde el punto de vista financiero, aunque es difícil dar estimaciones exactas, la degradación del clima ha tenido una gran influencia en los últimos años. Las pérdidas económicas globales debido a catástrofes naturales crecieron de 10.300 millones de dólares en los años cincuenta a 40.000 millones en la pasada década y en sus tres cuartas partes se produjeron en los países en desarrollo.

Watson afirmó que ningún país puede asumir las consecuencias de ignorar los cambios en curso y que la falta de iniciativas es más cara que la acción.

En la mentalidad de las gentes sensibilizadas de todo el planeta bulle la idea de que es necesario sacar adelante el protocolo de Kioto.

Los hielos, en regresión

Por otro lado, y según geólogos estadounidenses, casquetes de hielo que cubren las cimas y volcanes del área tropical de Suramérica y de Africa pueden desaparecer en quince años por efecto del calentamiento global.

Uno de los casos más evidentes de destrucción del hielo es el del Kilimanjaro, en Tanzania, la cima más alta de Africa. Una tercera parte de su casquete de hielo ha remitido ya, dijo Lonnie Thompson, profesor de ciencias geológicas de la Universidad de Ohio.

En América Latina el deterioro del hielo más estudiado es el del cerro Quelccaya de Perú, en la cordillera de los Andes del Sur. El casco helado de esta montaña se ha reducido al menos en un 20 por ciento desde 1963.

La merma del hielo es muestra de que el calentamiento global ha comenzado a dejar su marca en el planeta. Se aprecia en muchos optros detalles; la comunidad de indios Inuik, que vive en el noroeste de Canadá, ha dado cuenta de que la zona de hielo que habitualmente forma la línea costera de su territorio se mete cada vez más adentro y les obliga a perseguir más lejos la caza de la que viven.

La aparición de especies que nunca habían visto ni siquiera los más mayores y la desaparición de las focas que viven en aguas frías forman parte de algunos de los cambios advertidos.

El análisis del corazón del hielo realizado por Thompson en el Tibet, en un glaciar de la montaña Xixa Pangma, de 8.014 metros, muestra que los últimos cincuenta años han sido los más calurosos en el registro de cientos de años que mantiene el hielo. Los datos han sido confirmados en otros puntos del Tibet, en altitudes también cercanas a los 8.000 metros, donde las nieves son perpetuas y se dan las condiciones de frío más extremas.

Los cambios más drásticos por la pérdida del hielo debido al calentamiento ocurrirán en las regiones tropicales del mundo, entre los 30 grados norte y los 30 grados sur, han señalado los científicos.

Web del IPCC: www.ipcc.ch

 

Febrero, los ojos de la primavera

20/02/2001, En el sur de Europa, febrero es el despertar del nuevo ciclo, aún cuando los rigores invernales siguen siendo ostensibles. Algunas plantas inician su floración y las aves entran en época de celo. Empiezan a parpadear los ojos de la primavera.


Por Artemio Artigas, para guiarte.com

Madrid 20 de febrero de 2001

Febrero es el mes del despertar del nuevo ciclo, aún cuando los rigores invernales siguen siendo ostensibles. Pero –pese a las heladas y temporales de nieve- la naturaleza aprecia que los días se alargan; algunas plantas inician su floración y las aves se preparan para le época de celo. Empiezan a parpadear los ojos de la primavera.

El más madrugador ha sido el buitre. Desde finales de diciembre y enero, las parejas de buitres han realizado sus espectaculares bailes nupciales, y al llegar febrero empiezan la puesta en los nidos, ubicados en altos roquedos.

En febrero ya hay otras aves en celo, entre ellas el audaz azor, que chilla en su altivo vuelo para llamar la atención de alguna enamoradiza compañera.

Los días soleados de febrero, cuando empieza a barruntarse la primavera en el sur de Europa, el bosque empieza a mostrar señales de vida; aparecen algunos escurridizos habitantes de las charcas y se llena el aire de cantos de aves que están iniciando los procesos reproductivos, y no es raro escuchar el rítmico martilleo del pájaro carpintero, que perfora con su pico algún viejo tronco para construir una morada donde establecer el nuevo hogar.

Y en los pueblos, sobre las flechas de los campanarios, la cigueña claquea y organiza el amplio nido que pronto se poblará de polluelos

Los árboles tambien experimentan mutaciones. En la orilla del Mediterráneo ya han florecido los almendros, y las mimosas de los jardines urbanos están en declive. En el interior, los avellanos ya hace tiempo que han presentado sus colgantes florales, los sauces van despuntando y aquellos cerezos ubicados en la solana presentan sus madrugadoras flores, flores que tal vez nunca lleguen a ser fruto por el efecto nocivo de las heladas.

Aves carroñeras

Y dado que iniciamos la crónica con el vuelo de los buitres, cabe decir que Guadalajara, España, acogerá del 28 de abril al 1 de mayo el III Congreso Internacional sobre Aves Carroñeras, en el que expertos internacionales analizarán la incidencia del hombre sobre ellas y el descenso de esta población en algunos puntos.

Es preocupante situación de tres de las cuatro grandes carroñeras de la Península Ibérica. Por ello Ecologistas en Acción ha hecho un llamamiento para su protección así como para poner de manifiesto la necesidad de que se controle el hábitat.

Mientras aves como el quebrantahuesos no terminan de consolidar su población, la del alimoche ha descendido de forma drástica en la última década y el buitre negro se ve cada día más amenazado por el uso de venenos.

En cambio, la población española de buitres leonados, calculada en cerca de 20.000 parejas reproductoras, nunca fue mayor que en la actualidad, tras el gran crecimiento en el número de estas aves experimentado en las dos últimas décadas en nuestro país, después de haber bajado hasta unas 2.500 parejas.

Sólo en Navarra hay actualmente tantos buitres de esta especie como en los años sesenta en toda España

El uso de venenos es un grave problema para la recuperación de la fauna en la Península Ibérica. Según fuentes oficiales recogidas por la Agencia EFE en la década pasada, aparecieron 3.668 casos de envenenamiento en todo el territorio nacional, muchos en especies amenazadas. Según el informe, fueron víctimas del veneno 68 águilas imperiales, 283 buitres negros, 390 buitres leonados, 385 milanos reales y negros, 78 alimoches, 7 quebrantahuesos, 50 águilas reales y 18 águilas perdiceras.

Esperemos que desde instancias oficiales se active alguna política que corte con energía esta falta de responsabilidad y atención.

 

Juan Gris en el MNCARS

10/02/2001, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha presentado en Madrid una importante exposición integrada por los fondos de la obra de Juan Gris, en su mayor parte no expuestos en la Colección Permanente.



guiarte.com

Madrid, 10 de febrero de 2001

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha abierto una exposición para presentar los importantes fondos que atesora de la obra de Juan Gris, parte importante de los cuales no están expuestos en la Colección Permanente.

Del 8 de febrero al 16 de abril, se pueden contemplar las catorce pinturas, cuatro dibujos y cuatro libros de Juan Gris, en propiedad el Museo Reina Sofía, en una muestra que además presenta la última adquisición del museo, realizada el pasado mes de diciembre, la obra La botella de anís".

Esta muestra se incluye en la serie Obras de la Colección con la que el Reina Sofía pretende enseñar trabajos que habitualmente no están en su Colección Permanente y que pertenecen a los fondos del museo.

La comisaria María José Salazar, jefa del departamento de colecciones del museo, ha plateado la exposición con un recorrido cronológico con obras que abarcan los diferentes periodos del artista madrileño, desde 1913 a 1926.

Con ocasión de la muestra se edita un catálogo del pintor, patrocinado por la fundación Emilio Botín, fundación que llevará posteriormente esta exposición a Santander

La comisaria dijo que la historia de la adquisición de obras de Juan Gris por parte el estado español fue tan triste como la propia existencia del artista. El pintor (1887-1927) vivió la mayor parte de su vida en París. Fue uno de los grandes artistas ignorados en España, donde sólo se empezó a adquirir obra suya por las colecciones estatales en 1977, cuando se compró Guitarra ante el mar.

Posteriormente se adquirieron las obras Jarro y Vaso, Botella de vino y el legado de Douglas Cooper, realizado en 1979 y destinado al Museo del Prado, con las obras Retrato de Josette, Violín y Guitarra y Retrato de Germaine Raynal que pasaron al Reina Sofía en el año 1995.

En la década de los 90 se adquirieron Las uvas; El molinillo de café; La ventana abierta; y El libro de música, así como los libros de artista Alma América, Mouchoir de nouages y Au soleil du plafond. La colección se reforzó con las pinturas El violón y Guitarra con incrustaciones y tres obras sobre papel: Hombre a la guitarra, Naturaleza muerta a la guitarra y Suicidio rico.

La última adquisición, La botella de anís (1914), de una de las mejores etapas en la trayectoria del artista, costó 300 millones de pesetas(algo menos de 1,5 millones de dólares).

Juan Gris es un artista básico del cubismo que hizo poca obra pero muy notable. El centro Reina Sofía, que tiene también en depósito la colección de la Fundación Telefónica, es actualmente el mejor centro para conocer al artista.

Obra falsa atribuida a Gris

Por otra parte, según publicó el diario madrileño El Mundo, el ministerio de Cultura de español introdujo en el Reina Sofía una obra del pintor Juan Gris (1887-1927) que ha resultado ser falsa. El dibujo debiera haberse exhibido en la muestra recientemente inaugurada y que recoge las obras del pintor de los fondos de la pinacoteca.

El dibujo que ha perdido su paternidad, cuyo título es Mujer en el tocador (1909), fue entregado al Estado por la empresa Doble A Promociones, S.A. como dación, una fórmula arbitrada por Hacienda que permite pagar los impuestos mediante la entrega de obras de arte. Según consta en el Registro Mercantil, el administrador único es el empresario Ladislao de Arriba Azcona, quien ha formado durante los últimos años una importante colección de obras de arte. Desde el verano pasado, este empresario ha añadido a su larga lista de cargos el de ser patrono del Reina Sofía, lo que lo coloca ahora en una situación delicada.



Datos de interés:

Fecha de exposición: 8 de febrero a 16 de abril.

Lugar Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Santa Isabel 52. Madrid, segunda planta. Teléfono 914675062

Organiza el Museo Nacional. Comisaria María José Salazar.

Itinerario futuro: Santander, de julio a septiembre de 2001

Galápagos, paraíso en peligro

08/02/2001, Los daños causados por el buque encallado cerca de la isla San Cristóbal, en archipiélago de Galápagos, a mediados de enero, tardarán en medirse con cierta exactitud al menos medio año, aunque otros -detectables a largo plazo- no se sabrán hasta den



guiarte.com

Ecuador, 9 de febrero de 2001



Los daños causados por el buque encallado cerca de la isla San Cristóbal, en archipiélago de Galápagos, a mediados de enero, tardarán en medirse con cierta exactitud al menos medio año, aunque otros -detectables a largo plazo- no se sabrán hasta dentro de dos o tres años.

En esta zona, territorio Patrimonio Natural de la UNESCO, el buque Jésica, con unos 970.000 litros de combustible, encalló el miércoles día 17 de enero, por un error del capitán. La mayor parte del combustible se salió de la embarcación. Diversas manchas se detectaron en las islas de Santa Fe, Santa Cruz, Isabela y Floreana.

Por suerte, en jornadas posteriores no ha habido que lamentar gravísimos daños, porque las corrientes han alejado la mayor parte de las manchas contaminantes. Esto no ha acabado con la preocupación de organizaciones ecologistas sobre las posibles secuelas del desastre.

El viejo buque encallado,47 años en servicio, de bandera ecuatoriana, no tenía condiciones idóneas para su tarea ni seguro contra la contaminación.

El accidente provocó una acentuada alarma en medios sensibles con la conservación de la naturaleza. Tras dos semanas de trabajos realizados por grupos ecuatorianos y estadounidenses, la crisis comenzó a remitir. Esta tarea se vio aliviada por las corrientes marinas que llevaron la mancha mar adentro. Ahora, la evaluación sistemática del daño ocasionado a corto plazo tardará seis meses, pero el estudio del impacto a un plazo mayor se efectuará en dos o tres años, según la Fundación Charles Darwin, encargada de la protección ambiental del archipiélago.

Según informa la agencia EFE, La historia del derrame no ha terminado. Pasará mucho tiempo antes de que se pueda saber de qué manera afectó al sistema ecológico de las islas, dijeron fuentes de la NASA.

Pájaros y mamíferos son los seres más visibles, pero sólo constituyen una pequeña parte del sistema ecológico. Las sustancias tóxicas para estos animales también lo son para los invertebrados y las algas, así como para los otros componentes de los sistemas acuáticos. Estos, así como el filoplancton acuático -elementos alimenticios de organismos y animales diversos- pueden ser claves en los daños futuros en el entorno de las Galápagos.

Satélites de la NASA vigilarán la situación ambiental en las islas. Los satélites observarán la presencia de los más pequeños organismos, primer eslabón de la cadena alimentaria en la fauna del archipiélago ecuatoriano

El trabajo de los satélites se hará mediante sensores especiales que darán a los científicos una idea de cómo responderán estos organismos a la crisis provocada por el derrame. Con un poder de resolución de un kilómetro cuadrado, los sensores medirán el color de las aguas que rodean las islas para determinar las concentraciones de clorofila y otros elementos de pigmentación: será un sistema novedoso en la medición de la calidad de las aguas de este espacio de interés especial

Un archipiélago emblemático

El archipiélago, que debe su nombre a las inmensas tortugas que lo habita, es uno de los principales puntos turísticos de Ecuador. Allí Charles Darwin desarrolló la teoría de la evolución de las especies. El naturalista inglés llegó a bordo del Beagle en 1835, y con sus observaciones elaboró la teoría de la evolución, arrumbando la vieja teoría creacionista, imperante entonces.

La zona es Patrimonio Natural de la Humanidad por la UNESCO.

El Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF) pidió que se declaren las aguas alrededor de las islas Galápagos como área particularmente sensible para proteger esta zona del derrame de combustible del barco.

A juicio de los expertos del WWF, esta medida ayudaría a asegurar un nivel de protección mucho más alto para esta zona única en el mundo, donde viven unas 5.000 especies, de las que el 40 por ciento sólo existen en las islas.

El WWF resaltó especialmente el peligro que pueden correr dos especies costeras que sólo viven en estas islas, el pingüino de las Galápagos y el cuervo marino. Pero los daños pudieran afectar a otros elementos de la flora y de su rica fauna, en la que además hay iguanas, leones y lobos marinos, focas y gran variedad de aves: desde pingüinos hasta pájaros tropicales.

Geografía e historia del archipiélago

Las islas Galápagos, cuyo nombre oficial es archipiélago Colón, están frente a la costa continental ecuatoriana, a 960 kilómetros al oeste de Guayaquil. Son seis islas, 42 islotes y algunos peñones, con superficie total de 809.900 hectáreas, 700.000 de ellas parque nacional. En torno al archipiélago, la reserva biológica se extiende por siete millones de hectáreas. Su paisaje es desolado, pero encierra un extraordinario valor biológico. Aquí han sobrevivido, aisladas, numerosas especies que se han extinguido en el resto del planeta y otras que han evolucionado de forma autóctona, asunto que sirvió para los trabajos de Darwin

El clima del archipiélago está afectado por dos corrientes marinas que determinan un clima muy cambiante: la de Humboldt, de aguas relativamente frías, y la del Niño, de aguas más cálidas. Pese a que las Islas se encuentran sobre la línea ecuatorial, las temperaturas varían por la influencia de estas corrientes marinas. Hay una estación fresca y seca, de mayo a diciembre, y otra calurosa y húmeda, de enero a abril.

Las Galápagos, aisladas en el océano, son un laboratorio natural para estudiar la evolución de los seres vivos: Fueron descubiertas en el año 1535, cuando el obispo Tomás de Berlanga, que viajaba hacia Perú, se desvió de la ruta y una corriente le llevo hasta las Islas Encantadas. Berlanga fue el primero en sorprenderse de que los animales no temiesen al ser humano. El hombre no los había cazado jamás y la fauna carecía de instinto de protección.

Viajeros ocasionales, piratas o balleneros causaron matanzas, aprovechando esta indefensión, e introdujeron animales domésticos perros, cerdos, ratas, cabras que dañaron el equilibrio ecológico.

Darwin hizo famoso el archipiélago con sus observaciones. Hoy lo habitan unas 10.000 personas, que viven de la pesca y del turismo. Por todo ello, el futuro de la zona depende de la conservación del ecosistema.

Este Parque Nacional ecuatoriano desde 1959, recibe unos 60.000 turistas al año, y los ingresos, junto a las ayudas de organizaciones internacionales, permiten su preservación.

Viajar a Galápagos

Para acceder a las islas se hace una ruta aérea desde Quito o Guayaquil. La aerolínea ecuatoriana Tame viaja diariamente hasta la isla de Baltra. Viaje y entrada cuestan unos 400 dólares. Hay cupo anual para entradas al parque: Sólo se admiten 60.000 visitantes al año.

En las islas el viajero puede albergarse en algún hotel o acogerse a las visitas en naves, con lo que tiene lecho en la embarcación.

Hay programas de viajes que desde Europa ofrecen visita a la ciudad de Quito y a las Galápagos, por una suma algo mayor de las 300.000 pesetas, unos 1900 dólares.

Las características del lugar obligan al viajero a respetar a la naturaleza. No se deben introducir animales; no se debe viajar sin permiso para entrar en el parque natural; hay formalidades para el control de equipajes. Está prohibido dejar basura y molestar a los animales. Tampoco se puede fumar

Pagina de Tame, líneas aéreas ecuatoriana:
http://www.tame.com.ec/

Página de Iberia(vuelos a Ecuador desde buena parte del mundo)
http://www.iberia.es/

Web del Parque Natural
http://www4.parquegalapagos.org.ec/

Soledad Sevilla y Tony Oursler en el IVAM

01/02/2001, La tradicionalmente densa programación artística del Instituto Valenciano de Arte Moderno, cuenta desde febrero con dos nuevos atractivos: sendas exposiciones del estadounidense Tony Oursler y de la valenciana Soledad Sevilla


guiarte.com

Valencia, 16 de febrero de 2001

La tradicionalmente densa programación artística del Instituto Valenciano de Arte Moderno, cuenta desde febrero con dos nuevos atractivos: sendas exposiciones del estadounidense Tony Oursler y de la Valenciana Soledad Sevilla.

La exposición de Oursler permanecerá en Valencia del 8 de febrero al 15 de abril, luego viajará a Lisboa y San Sebastián. La de Sevilla se podrá ver hasta fin de mayo.

TONY OURSLER

La exposición, organizada por el IVAM en colaboración con el artista, reúne una selección de obras de Tony Oursler realizadas en la última década y una serie de obras sobre papel que contribuyen a la comprensión de sus procesos creativos. De sus anteriores producciones se exhibe el vídeo Loner & Props realizado en 1980, junto a las maquetas y escenografías que diseñó para esta pieza. El catálogo de la exposición se ilustra con reproducciones de la instalación y contiene textos de Teresa Millet, Elizabeth Janus, Constance De Jong, Raymond Bellour, Gloria Moure, Tony Conrad, dos entrevistas con el artista realizadas por Mike Kelley y Dan Graham respectivamente, y una selección de escritos de Tony Oursler.

Tony Oursler (Nueva York 1975) es uno de los artistas plásticos contemporáneos más innovadores e interesantes trabajando con vídeo. Se ha distinguido por su habilidad en utilizar nuevos lenguajes de los medios de comunicación.

Oursler fue alumno de John Baldessari en el California Institute for the Arts, donde también fue condiscípulo del artista Mike Kelley. Junto a este último participó en el grupo de fundadores del colectivo The Poetics en 1977, colaboración que retomó en su participación en la última Documenta X de Kassel con la obra The Poetics Project, una revisión de los años setenta y ochenta, a través de una instalación que incluía proyecciones de imágenes lúdicas, entrevistas a colaboradores, y sobre todo, música pop-rock.

Inició su experimentación con el vídeo, siendo estudiante en el California Institute for the Arts, investigando hasta qué punto la expresión humana puede ser reducida o fragmentada e inducir empatía en el espectador. Su obra se ha caracterizado, desde sus primeros trabajos en vídeo realizados cuando contaba veinte años, hasta sus inquietantes y perturbadoras obras figurativas de principios de los años noventa, por la presencia constante de contenidos sociológicos y políticos, que adoptan una actitud crítica que denuncia temas como la degradación medioambiental y biológica, los efectos de la televisión, las enfermedades psicológicas y neurosis de la vida moderna como la soledad, la paranoia, la alienación sexual o el sentido de la propia identidad. Estos trabajos alcanzan su máxima representatividad en sus conocidas series de criaturas parlantes: esculturas-vídeo de formas humanas realizados con ropa, sobre cuyas cabezas proyecta grabaciones previas de rostros realizadas por actores y actrices profesionales. Estas cabezas parlantes escenifican relaciones psicológicas que persiguen una reacción en el espectador, a partir del fuerte impacto emocional causado por los llantos, gritos, monólogos absurdos, etc., de estos personajes virtuales que se han convertido en un icono propio del artista.

Entre las creaciones en soporte vídeo que configuran la actual exposición se muestran piezas significativas en su trayectoria artística como: Judy (1994), Auctochtonous Too High (1995), Crossed (1996) y Feedback (1998). La muestra incluye además una extensa representación de dibujos del artista, fechados entre 1976 y 1999. Trabajo, apenas divulgado anteriormente, que atestigua un gran dominio de la técnica y aporta una decisiva contribución a la compresión de los procesos creativos de su obra. Como en sus esculturas-vídeo, estos dibujos, en los que frecuentemente plasma visiones imposibles de un elevado contenido metafórico y poético, aportan una vertiente crítica que pone de manifiesto la diversidad de sus inquietudes sociopolíticas.

La obra de Tony Oursler, desde comienzos de la década de los ochenta, se ha expuesto regularmente en Europa y Estados Unidos. Aunque inicialmente su producción fue más apreciada por críticos y conservadores europeos, tras la muestra retrospectiva Introjection, mid-careeer survey 1976-1999, que organizó el Williams College Museum of Art de Williamstown, Massachusetts en 1999 y que posteriormente se expondrá en el Contemporary Arts Museum de Houston, The Museum of Contemporary Art de Los Angeles, y Des Moines Art Center en Des Moines, se ha incrementado el interés por su obra en su país natal y ha sido incluido en el programa de exposiciones de algunas instituciones norteamericanas. A la obra de Tony Oursler le han dedicado exposiciones galerías como: Lisson Gallery, Londres; Galerie Jan Bernier, Atenas; Galería Soledad Lorenzo, Madrid; Metro Pictures, Nueva York, (galería que le representa); Diane Brown Gallery, Nueva York; Andrea Rosen Gallery, Nueva York; Margo Leavin Gallery, Los Angeles; Galerie Ghislaine Hussenot, Paris, así como en espacios alternativos e institucionales como: The Walker Art Center, Minneapolis; P.S. 1, Nueva York; The Museum of Modern Art, Nueva York; The Kitchen, Nueva York; Kunst Delft, Holanda; ELAC, Lyon; Musée National dТArt Moderne, Centre Georges Pompidou, París; Boston Film/Video Foundation, Boston; Folkwang Museum, Essen; The Pacific Film Archives, San Francisco; Centre dіArt Contemporain, Ginebra; Kunstwerke, Berlin; The Living Room, San Francisco; Portikus, Frankfurt; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, Holanda; Wiener Secession, Viena; Museum of Contemporary Art, San Diego; Kasseler Kunstverein, Kassel; Aspen Art Museum, Aspen, Colorado; capcMusée dТart contemporain, Bordeaux, y en la Sala Rekalde de Bilbao.

Datos de Interés.

Exposición de T. Oursler. IVAM Centre del Carme, del 8 febrero Ц 15 abril 2001

Comisaria: Teresa Millet

Itinerancia: Centro Cultural de Belem, Lisboa mayo Ц agosto 2001

Koldo Mitxelena Kulturenea, San Sebastián septiembre Ц noviembre 2001


Soledad Sevilla. El espacio y el recinto

La exposición de Soledad Sevilla refleja los planteamientos de su obra a lo largo de su producción artística: la pintura entendida como representación de ambientes o atmósferas presididas por un ritmo y las capacidades de la luz como factores que intervienen en la organización de los espacios.

La exposición, compuesta por dos instalaciones y 35 obras de gran formato, evidencia la compenetración conceptual entre la pintura y la intervención espacial en un recorrido sobre varias etapas de la producción de esta artista valenciana, que incluye sus últimas series dedicadas a los muros recubiertos de vegetación con el acompañamiento de pinturas e instalaciones expresivas del trayecto recorrido a partir de los primeros años setenta.

El catálogo editado con motivo de la exposición está ilustrado con reproducciones de las obras expuestas y contiene textos de Santiago B. Olmo y Yolanda Romero.

La producción artística de Soledad Sevilla se ha desarrollado, casi desde sus orígenes, en dos ámbitos expresivos: el de la pintura sobre lienzo y el de la instalación. En su obra, por tanto, ha usado simultáneamente ambos recursos expresivos de forma paralela y en algunos casos conjunta, por lo que la cohabitación de ambos debe entenderse como un fenómeno de coherencia y complementariedad más que como una divergencia o disgregación en su tarea creativa. Una primera instalación, Con una vara de mimbre, ocupa el espacio central de la Sala Ferreres: una composición de prismas transparentes sujetos por varas de mimbre consigue una múltiple fragmentación de la luz artificial. Esta instalación nos introduce en el universo de la obra pictórica de la segunda mitad de los setenta, dominada por la representación rítmica de geometrías.

Una segunda instalación, titulada El rompido, situada en las salas finales, contrapone dos muros recorridos cada uno por una imponente grieta: una de ellas deja ver la materialidad de un fondo de bronce y la otra la inmaterialidad de una luz interior.

Los lienzos de los años setenta expresan un dilatado trabajo que se concentra en el desarrollo de ritmos pictóricos generados a partir de secuencias geométricas. Los cuadros de los años noventa presentan un común denominador: la representación de muros sobre el plano pictórico. Se incluirán algunas telas de la serie Vélez-Blanco y En ruinas, que constituyen el inicio de su preocupación sobre el muro. La exposición concluirá con los muros vegetales que ocupan la producción actual de la artista.

Soledad Sevilla (Valencia 1944) termina sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1960. Al año siguiente se traslada a Barcelona para cursar estudios complementarios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge hasta 1965. Siendo estudiante en la ciudad condal participa en varias exposiciones colectivas patrocinadas por la Caja de Ahorros del Sureste de España, y en los locales del SEU. Se traslada a Madrid en 1967. Allí, se vincula a otros artistas interesados en plantear a cierto nivel colectivo la problemática del arte geométrico. En 1969 participa junto con Iturralde, Alexanco, Elena Asins, etc., en el Seminario de Artes Plásticas que se desarrolla en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, donde permanece hasta la disolución del mismo. En junio de 1972 realiza, por encargo de la Escuela Superior de Canto, los figurines, comparsas y muñecos del Retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, que se representa en el teatro de dicho centro. Durante estos años alterna los trabajos en pintura con la enseñanza de dibujo en centros oficiales y privados.

Entre 1979 y 1982 gana distintas becas: Beca Fundación Juan March para España, Beca Centro de Promoción de las Artes Plásticas e Investigación de las Nuevas Formas Expresivas, Beca Comité Conjunto Hispano Norteamericano para Asuntos Culturales, Beca para realizar estudios en el Fine Arts Department de la Universidad de Harvard en Boston. Es durante su prolongada estancia en Estados Unidos donde Soledad Sevilla aborda por primera vez la aplicación espacial en su pintura de las investigaciones geométricas realizadas durante la década de los setenta. Buen ejemplo de ello son M.I.T. Line del Institute of Technology de Massachusetts y Seven days of solitude del Fogg Museum de Boston.

A su vuelta a España desde los Estados Unidos, se integra en un proyecto impulsado por Guillermo Heras con motivo del tercer centenario del Teatro Español de Madrid en 1983, realizando Espacio Shakespeare en la sala de ensayos del teatro. A partir de estos momentos, la instalación y su trabajo pictórico mantienen una estrecha conexión, no solo formal, sino también genética. La instalación será una exigencia que imponen ciertos desarrollos pictóricos de su obra, pero también servirá para clarificar los problemas planteados desde el lienzo. En sus instalaciones hace referencia incesantemente a los ciclos de su pintura: el cuadro en el cuadro, el reflejo, la Alhambra, los toros, la ruina y su reconstrucción en la luz y la transparencia. Destacan entre sus instalaciones El poder de la tarde presentada en la Galería Montenegro de Madrid en 1984; Fons et origo en la Sala Montcada de Barcelona en 1987, donde afloran los presupuestos estéticos del ciclo pictórico de la Alhambra; Toda la torre ЦLa noche, El día y El cielo- en la Torre de la Algaba en Sevilla en 1990, donde la luz define el espacio a través de unos planos de hilos de algodón tensados; Nos fuimos a Cayambe en la Sala Luzán de Zaragoza en 1991, donde con elegancia y sutileza se aleja de la visión kitsch y folklórica del tema de los toros; Mayo 1904-1992 en el castillo de Vélez Blanco en 1992, donde no es la reconstrucción de la arquitectura lo que importa, sino la luz que transforma lo que ya no está ni estará.

En 1993 gana el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1997 el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia.

La obra de Soledad Sevilla forma parte de importantes colecciones como Fundación Juan March de Madrid, ColЈlecció Testimonio de La Caixa de Barcelona, Banco de España de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Bellas Artes de Ѕlava, Diputación de Granada, Kínstmuseum Malmц de Suecia, Museo de Arte Abstracto de Cuenca y Museo Marugame Hirai de Arte Español Contemporáneo de Japón.

Datos de Interés

Exposición de Soledad Sevilla. IVAM Centre del Carme 8 de febrero Ц27 mayo 2001

Comisaria: Yolanda Romero

Organiza: Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM

Generación 2001

25/01/2001, Generación 2001 es una interesante iniciativa de apoyo a los nuevos creadores artísticos, impulsado por Caja Madrid. En las salas de Exposiciones de la Casa de América se pueden ver excelentes frutos, hasta el 4 de marzo.



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Madrid, 28 de enero de 2001

Desde el 26 de enero al 4 de marzo la Casa de América de Madrid presenta Generación 2001, con los trabajos premiados y seleccionados por una importante iniciativa de apoyo a los jóvenes creadores artísticos, desarrollada por la Obra Social de Caja Madrid.

Esta exposición, que recoge numerosos trabajos –muchos de ellos de notable interés- se presentará luego en Sevilla, Valladolid, Barcelona, Bilbao y Valencia.

Oliver Johnson, británico residente en España mereció el primer premio de pintura, con Haiku I; Virginia Domeño, con Espectáculo Granpola, ha obtenido este premio en la disciplina de escultura; Isabel Flores, con Aparición prodigiosa, el de fotografía; Ana Soler, con Dormida-muerta el de grabado y Paco Mesa, con la instalación Hacia la isla consiguió el de nuevas tendencias.

Los primeros premios están dotados con dos millones de pesetas y un trofeo diseñado por Javier Mariscal. Además hay otras dos menciones honoríficas por cada apartado. En total se han presentado a la convocatoria 1.640 obras, de ellas 465 de pintura.

La de este año ya es la segunda edición del proyecto anual organizado por Caja Madrid con el objetivo de premiar e impulsar el trabajo de jóvenes artistas españoles o residentes en España nacidos a partir de 1965.

El proyecto cultural destina diez millones de pesetas más a becas para realización de proyectos. En esta ocasión han sido los de Roberto Aguirrezabala; Diana Larrea; María Iñigo; Ana Márcia Varela-Leonardo Villela; Grupo El Perro: Juan Ramón Mateos, Pablo España, Iván López; Lola Marazuela; Francisco Ruiz de Infante; María Bleda-José María Rosa; Mariela Cádiz y Lara Almarcegui.

También ha destinado otros cinco millones de pesetas para la adquisición de las obras realizadas por Darío Basso, Ana María Bellido, Martí Cormand, Karou Katayama, David Latorre, Francisco Llop, Gonzalo Mayoral, Juan Olivares, Marga Pardo / Christian Pauchet, MP & MP Rosado, Fernando Rubio, y Aurora Solano.

En la entrega de premios se destacó la alta calidad de los trabajos. Carlos María Martínez, gerente de Obra Social Caja Madrid, resaltó el gran momento de creatividad artística y el incremento de interés sobre la fotografía como proceso creativo. También recordó que durante la próxima edición de ARCO se mostrarán los proyectos becados el pasado año

Juan Manuel Bonet, director del Museo Reina Sofía y presidente del jurado de pintura, dijo que la exposición presentada es significativa de lo que está pasando en la escena artística española actual, donde hay una tendencia a saltarse las disciplinas para llegar a un arte sin etiquetas.

Mas datos sobre el certamen y convocatorias en la dirección de internet: http://www.cajamadrid.es/generacion2000/core.html

 

Arte y automóvil

19/01/2001, El automóvil es un tótem de la modernidad. A él dedica una exposición especial el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC): Garaje: imágenes del automóvil en la pintura española del siglo XX.

guiarte.com

Santiago de Compostela, 19 de enero de 2001

El automóvil es un tótem de la modernidad. A él dedica una exposición especial el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC): Garaje: imágenes del automóvil en la pintura española del siglo XX.

La muestra presenta un enlace entre el arte y este artilugio que se ha acoplado a nuestras vidas. Dalí, Tàpies, Arroyo son algunos de los artistas que aportan visiones sobre este objeto clave del siglo XX. La exposición estará abierta hasta el 25 de febrero.

Es comisario de la muestra, Jaime Brihuega, y está organizada por la Fundación Eduardo Barreiros y la Fundación Carlos de Amberes.

Garaje pretende hacer visible la manera en que los pintores españoles del siglo XX han incorporado en su obra la imagen del automóvil, haciendo un repaso por el arte contemporáneo a partir del argumento específico que aglutina la representación iconográfica del automóvil en las distintas corrientes artísticas definidas a lo largo del siglo XX.

Las diferentes artes, desde la pintura hasta el cine, la publicidad o el diseño, se han apropiado del coche y del concepto que de él deriva como punto de inspiración.

Garaje permanecerá abierta al público hasta el 25 de febrero y , hace un balance de todo lo que ha supuesto la industria automovilística, desde el empuje provocado por la segunda revolución tecnológica, a finales del siglo XIX, dijo Brihuega.

Jaime Brihuega recordó que el tren cambió la visión sobre el mundo pero se trataba de una mirada colectiva, mientras que el automóvil añadió un factor nuevo al permitir la posesión del espacio y el tiempo de forma privada y se incorporó plenamente tanto a la cultura de masas, como al cine, la literatura y las artes plásticas.

La selección de más de medio centenar de piezas se presenta en tres fases temporales: desde principios de siglo hasta 1950; desde este año hasta finales de los setenta, y las dos últimas décadas hasta el 2000.

La pintura de Eduardo Arroyo, El regreso de Companys a Barcelona, introduce al visitante en este Garaje artístico. Entre los que participan en la recopilación están Francisco Iturrino, Rafael Barradas, Joaquín Torres-García, Eduardo Vicente, Salvador Dalí, Josep Renau, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Luis Gordillo, Equipo Crónica, Juan Genovés, Antoni Tapies, Perejaume, Antonio López, Ferrán García Sevilla, Manuel Bouzo o Manuel Sáez.

Hay muchas interpretaciones artísticas con relación al coche. Arroyo pintó un automóvil para representar el Regreso de Companys a Barcelona; Dalí veía en el auto un falo rígido, en tanto que Antonio López evoca al coche al pintar la Gran Vía de Madrid simplemente poniendo el espacio vacío.

Datos de interés

Centro Galego de Arte Contemporánea c/ Valle Inclán s/n
15704 Santiago de Compostela
A Coruña. España
Tel: 981-546619

Horarios
Martes / sábado: 11:00-20:00 h
Domingos: 11:00-20:00 h
Lunes: cerrado
Acceso para minusválidos
Para concertar visitas guiadas llamar al teléfono 981-546619

 

Arman

18/01/2001, Se presenta en Barcelona una exposición retrospectiva de Arman, muestra, producida por la Galerie Nationale du Jeu de Paume, inaugurada en 1998 en París, y que cierra en España su recorrido internacional.

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Barcelona, 18 de enero de 2001

Se presenta en Barcelona una exposición retrospectiva de Arman, muestra, producida por la Galerie Nationale du Jeu de Paume, inaugurada en 1998 en París, y que cierra en España su recorrido internacional.

La exposición Arman, comisariada por Daniel Abadie, se podrá ver del 19 de enero al 1 de abril de 2001 en el centro cultural de la Fundación la Caixa en Barcelona.

Arman es una de las figuras más singulares y reconocidas del arte de la segunda mitad del siglo. Acumulaciones, cubos de basura, cortes, combustiones..., los gestos de Arman, provocadores y escandalosos cuando los inventó a principios de los años 60, se han convertido ya en hitos ineludibles de la historia del arte del siglo XX.

Esta exposición, de carácter retrospectivo, reúne 59 obras, realizadas entre 1959 y 1999, que marcan los momentos fundamentales de la trayectoria del artista. Desde los primeros cubos de basura hasta los retratos robot más recientes, la selección incluye las obras que expresan mejor la voluntad de ruptura y el vigor expresivo que Arman ha sabido demostrar en su obra desde el principio.

Arman nació en Niza en 1928. Vive y trabaja en Nueva York y en Vence (Francia). Desde 1958, fecha de su primera exposición individual en París, su obra ha sido ampliamente expuesta en todo el mundo. Importantes museos han acogido sus obras en sus colecciones y numerosas retrospectivas han permitido captar la amplitud y la diversidad de su obra.

Desde muy joven, su deseo de apropiación condicionó la mirada que el artista proyectaba sobre el mundo: Arman acumulaba tanto objetos como conocimientos o emociones. Ávido de experiencias múltiples, la desmesura del número lo estimuló y provocó intensamente. Música, arqueología, artes marciales, pintura, el ajedrez, objetos de arte primitivo, armaduras japonesas, viajes... fueron sus temas predilectos, a los que se entregó como hombre y como artista.

Desde finales de los años 50, su actitud hacia el arte provocó el nacimiento de uno de los movimientos de vanguardia más interesantes de la posguerra, el Nouveau Réalisme.Fue uno de los artistas fundadores de este movimiento, en octubre de 1960, y uno de sus representantes más activos, junto con Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely y Jack Villeglé, entre otros.

Arman recorre –y a veces anticipa– tanto el Pop Art como el Happennig, el arte conceptual e incluso el expresionismo abstracto. Su aprobación de la realidad objetiva del mundo pasa, sobre todo, por la intensa relación que mantiene, a partir de 1959, con el objeto, en la que se despliega su fantástica capacidad de transformarlo por los medios más inesperados, de revelar su dimensión estética otorgándole el estatus de obra de arte y de hacer surgir su potencial emocional. Así, sus obras aparecen como iconos de nuestro tiempo, magníficas o irrisorias, espectaculares o reservadas.

Los cubos de la basura, realizados desde 1959, son una de las expresiones más representativas del pensamiento estético de Arman y, en realidad, la metáfora y la expresión más puras de la trayectoria general del artista. Así, estos cubos se transforman en auténticos cuadros, y si su calidad pictórica es paradójica, debido a la elección del contenido, resulta a pesar de todo incontestable porque su materia, sus colores, su composición interna, demuestran que aquí Arman se comporta como pintor y concede más importancia a la superficie de la obra que a su carácter tridimensional y escultórico.

Las acumulaciones, que obedecen al principio de coleccionar objetos idénticos, producen un verdadero desplazamiento de la naturaleza propia del objeto hacia un territorio en el que se magnifican sus cualidades ignoradas o insospechadas. El número actúa aquí como revelador de la esencia profunda de la unidad y en relación con ello Arman habla de masa crítica. La multiplicación y la confrontación nos remiten a las reglas que rigen las especies y en las que el sentido del individuo proviene solamente del papel que representa dentro del grupo.

Así, las acumulaciones de Arman tratan sobre el orden de las cosas, tienden hacia otra organización del mundo en la que los valores estéticos prevalecerían sobre el uso. Se proponen orientar nuestra mirada, desviarla para ponerla a prueba y mejor aún, desconcertarla.

En este sentido, la colaboración entre Arman y la Régie Renault, iniciada a partir de 1967, le permitió abordar una dimensión que llegará a sorprenderle incluso a él mismo: el artista utilizará las reservas de piezas sueltas y de elementos de automóviles de los talleres Renault como material pictórico inesperado y rico en sorpresas.

Respecto a las cóleras, e independientemente del proceso de destrucción utilizado –corte, combustión, explosión, desmenuzamiento–, éstas alcanzan el paroxismo en la cristalización de una actitud, aparentemente contradictoria, en la que la falta de respeto del tratamiento que Arman aplica al objeto exalta su dimensión estética y abstracta y, al transformar radicalmente su estatus, lo sitúa inevitablemente en el territorio del arte.

Igualmente, numerosas acumulaciones de grandes dimensiones, erigidas por el artista en lugares estratégicos (maletas y relojes en la estación de Saint-Lazare, banderas en el Palacio del Elíseo o carros de asalto en hormigón delante del Ministerio de Defensa en Beirut) se convierten en auténticos monumentos que afirman su papel como signos de una época en la que la respuesta del artista ante el mundo adopta a menudo la forma de un exorcismo.

Catálogo

Con motivo de esta exposición retrospectiva, la Fundación la Caixa editará un catálogo en catalán y castellano con textos de Umberto Eco, William Rubin, Raymonde Moulin y una entrevista de Daniel Abadie con el artista.

datos de interés

ARMAN

Inauguración: jueves, 18 de enero, a les 20 horas

Del 19 de enero al 1 de abril

Centro >Cultural de la Fundación La Caixa

Paseo de San Juan 108. Barcelona

Teléfpno 902223040

Entrada gratuita. Lunes cerrado

 

Cerró la Cúpula del Milenio

03/01/2001, Con el fin del 2000 llegó tambien el del Millennium Dome, una de las grandes atracciones de Londres para celebrar el año 2000, permanente blanco de críticas por su desastroso resultado económico

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Londres, 3 de enero de 2001

Cherie Blair, la mujer del primer ministro inglés, declaró el último día de apertura del Millennium Dome que es una pena que se cierre. Pero nadie pudo impedir el final de la polémica Cúpula del Milenio londinense.

La mujer acudió con sus hijos y no escatimó calificativos: Es fantástica, a los niños les encanta. Piensan que es una atracción genial. En realidad, es la tercera vez que venimos. Es una pena que este sea su último día.

Pero con el fin del 2000 llegó tambien el del Millennium Dome, una de las grandes atracciones de Londres para celebrar el año 2000, inaugrada un año antes por la reina Isabel II, y permanentemente expuesta a las críticas por su endeble resultado económico.

Tony Blair presentó al Dome como el gran monumento del Reino Unido para recibir el tercer milenio. Se trata de un gran pabellón, a orillas del río Támesis, barrio de Greenwich, que sólo pudo permanecer abierto merced a sucesivas aportaciones económicas no previstas en principio por los organizadores.

Unas 30000 personas visitaron el centro en su último día. Pocos para equilibrar el pobre balance anual: se contabilizaron 6,5 millones de visitantes, frente a los 12 millones previstos.

La hora final del proyecto llegó tras una nochevieja que animó sus espacios a menudo vacíos. El futuro del gran edificio es incierto. Tal vez acabe siendo un centro empresarial

El déficit

El gobierno Blair sufrió en su reputación el mal resultado económico. A los 200 millones de libras (unos 50.000 millones de pesetas) presupuestados en origen hubo que añadir finalmente 390 millones de libras adicionales, para mantener en activo el centro.

El gran proyecto, comparado desde un principio con el Coliseo y las mismas Pirámides de Egipto, por sus dimensiones, naufragó en medio del regocijo de los conservadores, que no perdieron ocasión para zaherir al gobierno laborista, acusándolo de un despilfarro inútil.

Esto desanimó incluso a posibles inversores privados tentados de mantener en la orilla del Támesis un centro permanente de ocio.

En la última jornada, el ministro portavoz del Gobierno británico, Alistair Campbell, tambien visitó el centro, y criticó a los medios de comunicación su permanente acoso. Sin embargo la opinión publica estima que han fallado otras cosas: el espectáculo, la comunicación y -sobre todo- unos precios que retrajeron a posibles visitantes, por su elevada cuantía.

Los visitantes faltaron y los objetos de las tiendas del Dome sobraron. En los últimos días se ofrecían a precios de rebaja.

Pagina web de la Millennium Commision: http://www.millennium.gov.uk/

 

Guggenheim-Bilbao 2001

02/01/2001, El Museo Guggenheim Bilbao mantendrá durante el 2001 una interesante programación, con la que pretende atraer a un millón de visitantes. Giorgio Armani y Frank O. Gehry son algunos de sus grandes protagonistas.


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Bilbao, 2 de enero de 2001

Con un presupuesto de 4.336 millones de pesetas (unos 23 millones de dólares) el Museo Guggenheim Bilbao mantendrá durante el 2001 una interesante programación, con la que pretende atraer a un millón de visitantes.

Según fuentes de la Fundación Guggenheim-Bilbao, la programación artística del Museo incluye cinco presentaciones de la Colección Permanente, complementadas con tres exposiciones temporales, que en conjunto servirán para proporcionar una amplia visión del arte del final del siglo XX, conjugando aspectos tan diversos como la moda o la arquitectura.

Durante el tramo final del 2000 y hasta abril del 2001, estará en diversas salas del Museo la muestra Percepciones en transformación: la Colección Panza del Museo Guggenheim, que incluye obras de una de las más destacadas colecciones de arte de las décadas de 1960, 1970 y 1980. Giuseppe Panza di Biumo y su esposa, Giovanna empezaron a adquirir arte en 1956. Hoy, la Colección Panza reúne más de 2.500 obras.

Programa 2001

En la programación específica del 2001 cabe presentar tres exposiciones temporales:

Giorgio Armani
.

Exposición temporal, del 31 de marzo al 2 de septiembre, en la tercera planta. Una gran muestra sobre el diseñador de moda, con 400 diseños que permitirán ver sus líneas maestras y temáticas. Bocetos, videos, música, etc. intentarán transformar la muestra en un auténtico espectáculo. Comisarios de la muestra Germano Celant y Harold Koda.

Los mundos de Nam June Paik

Exposición temporal. Del 22 de mayo al 28 de octubre. Segunda planta. Comisarios de la muestra John Hanhardt y Jon Ippolito. Presentan las exploraciones de Paik para extraer nuevas visiones del mundo mediante la televisión y el video-art.

Frank O. Gehry


Del 1 de diciembre de 2001 a marzo del 2002. Retrospectiva presente en la segunda planta. Comisarios Mildred Friedman y J. Fiona Ragheb, en la que se repasan sus diseños de mobiliarios y diversas obras de arquitectura, donde generó una auténtica revolución que condicionará el urbanismo del futuro.

Cinco exposiciones de la Colección Permanente

Jeff Koons


Del 1 de octubre del 2001 al 20 de enero del 2002. Sala 103b. Presentando diversos lienzos, de amplio formato de este artista, cuya obra colorista va dirigida a un amplio espectro de público y presenta una imagen divertida de iconos de nuestra cultura.

Louise Bourgeois


Del 1 de octubre de 2001 al 20 de enero de 2002. Sala 301. Pintura y escultura de esta artista, con obra de cinco décadas, en la que abunda la visión abstracta.

Colección Thannhauser.

Del 1 de octubre de 2001 al 20 de enero de 2002. Sala 302. Se trata de una importante colección de arte impresionista y posimpresionista, legado de un marchante de origen alemán. Incluye obra de Cézanne, Degas, Manet, Picasso y van Gogh. Esta colección se muestra por primera vez fuera de Estados Unidos.

Fabrizio Plessi


Del 1 de octubre de 2001 al 20 de enero de 2002. Sala 304. Combina diversos elementos, para presentar una imagen videográfica de Roma.

La Ciudad Moderna

Del 1 de octubre de 2001 al 20 de enero de 2002. Salas 305, 306 y 307. Se trata de una muestra que describe el paisaje urbano del siglo XX, a la luz de una serie de autores, que vislumbran una nueva ciudad moderna, simbolizada en París o Nueva York. Obras de Delaunay, Chagall, Gleizes, Ringgold, etc.